Carlos Burgaleta

Terror bajo las aguas

“Y creó Dios los grandes monstruos marinos…” Génesis 1:21

INTRODUCCIÓN

Por abundantes y capacitados nadadores y buceadores que nuestra especie haya alumbrado hasta el presente, todavía somos muchos los que consideramos como una evidencia casi irrebatible que el agua no es un medio idóneo para el ser humano. Podemos fantasear con que algún día conquistaremos las profundidades marinas gracias a nuestra destreza tecnológica o que, merced a los avances de la ingeniería genética, seremos capaces de desenvolvernos en ellas con la misma soltura que cualquier pez, pero aún llegando alguna vez a hacerse realidad estos aparentes delirios, siempre habrá algo en el agua que nos recordará que no estamos en nuestro elemento e invocará de nuevo nuestros más ancestrales miedos a los abisales océanos.

Quizás este miedo casi connatural sea la causa de toda la mitología marina que los humanos hemos venido produciendo desde hace varios siglos. Ya en su tiempo, los valerosos vikingos advertían de la presencia del temible Kraken en los mares escandinavos, un gigantesco calamar cuya existencia está hoy demostrada científicamente. Pero no hay que remontarse tan lejos en el tiempo, ya que el recientemente clausurado siglo veinte ha sido fecundo en lo que a avistamientos de supuestos engendros acuáticos se refiere. Ahí tenemos al popular “Nessie”, todavía hoy rentable fuente de negocios para los vecinos del Lago Ness, que encabeza toda una fauna de colosales bestias que ciudadanos de todo el mundo juran y perjuran haber visto en lagos, mares y ríos.

Obviamente, el cine, testigo inalterable de las andanzas del homo sapiens y demás especies, recoge también en su infinito catálogo películas en las que se explora este miedo del hombre al agua y a las criaturas que lo pueblan. Terror bajo las aguas no es más que un acercamiento a este peculiar subgénero cinematográfico, todavía hoy vigente y que sigue alimentando nuestras peores pesadillas. La primera parte del libro repasa las películas más significativas, ya sea por su calidad, exotismo o singularidad. A continuación, en dos apartados más breves, se mencionan someramente otros filmes menores y posibles proyectos futuros. Un trabajo laborioso en el que los aficionados al subgénero podrán encontrar todo tipo de temibles criaturas provenientes del líquido elemento, desde formidables y feroces tiburones, cocodrilos y pulpos, hasta ranas, sanguijuelas y cangrejos portadores de peligrosos instintos asesinos.

Y nada más, querido lector, tan sólo recomendarle que escrute atentamente el mar antes de tomar el próximo baño veraniego… Quién sabe con lo que podría encontrarse.

Carlos Burgaleta.

EL SECRETO DEL LAGO

(THE SECRET OF THE LOCH)

Gran Bretaña. 1934. 80 min. Associated British Films (ABF)/Wyndham Films. B/N.

Producción: Bray Wyndham. Dirección: Milton Rosmer. Guión: Charles Bennet y Billie Bristow. Música: Peter Mendoza. Fotografía: James Wilson y Eric Cross. FX: J. Elder Wells.

Intérpretes: Seymour Hicks (Profesor Heggie), Frederick Peisley (Jimmy Andrews), Nancy O´Neal (Angela Heggie) Gibson Gowland (Angus) y Hubert Harben (Profesor Fothergill).

Sinopsis: La aparición de unos huevos prehistóricos en el Lago Ness lleva al Profesor Heggie, un peculiar científico escocés, a convencerse de la existencia del mítico monstruo. Desgraciadamente, tanto las autoridades académicas como gubernamentales no comparten sus tesis, e incluso algunos se atreven mofarse de ellas. Tan sólo Jimmy Andrews, un joven e impulsivo reportero de Londres, cree ver en el descubrimiento del Profesor Heggie una historia que puede dar mucho de sí, al menos periodísticamente. Acompañado por Heggie y Angela, la bella de sobrina de éste, Jimmy emprenderá una búsqueda que le llevará a resolver el mayor enigma de la criptozoología universal.

Comentario: Estamos ante una de esas rarezas cinematográficas que tanto gustan a los devoradores de archivos fílmicos y cinéfilos en general. Y es que El secreto del lago tiene el honor de ser la primera película que aborda el tema del monstruo del lago Ness, un misterio que durante esa década de los años treinta fue cuando comenzó a cobrar la vasta popularidad de la que goza ahora.

Como es de esperar, la película está enfocada más como un inocente filme de aventuras y comedia que como una película de suspense o terror, géneros que todavía se hallaban casi en período de gestación dentro de la cinematografía anglosajona. La primera parte de El secreto del lago, cuya distribución fuera de Gran Bretaña es hasta hoy reducidísima, se centra en las peripecias cómicas de Jimmy a la hora conseguir la exclusiva de la noticia e intentar conquistar a la guapa sobrina del profesor. La segunda parte, de corte más aventurero, nos introduce directamente en la búsqueda de “Nessie”, con el intrépido reportero sumergiéndose en las profundidades del lago y comprobando que las especulaciones del Profesor Heggie son totalmente ciertas.

Aunque, dentro de sus limitaciones, la historia funciona con bastante solvencia, técnicamente, el filme es tan rudimentario como pueda caber imaginar. Varios son los momentos en los que la fotografía submarina demuestra tener muy poco de submarina, evidenciando haber sido tomada en el interior de un tanque totalmente seco, con el posterior retocado a golpe de efectos de imagen. En lo referente al monstruo, basta con decir que está interpretado por una iguana, una iguana auténtica cuyo tamaño fue aumentado gracias a un tosco trucaje.

Aún con todos sus defectos, El secreto del lago es una película recomendable, una ingenua y bonita rareza en la que fantasía y el humor (a veces involuntario) se mezclan a partes iguales.

Secuencias y diálogos de interés:

Las inmersiones de Jimmy Andrews con su peculiar traje de buzo en el tanque seco lleno de falsas burbujas, y, sobre todo, su enfrentamiento con la gigantesca iguana “Nessie”, son momentos especialmente singulares.

Curiosidades:

Charles Bennet, co-firmante del guión, fue uno de los grandes en su disciplina durante la primera mitad del siglo XX, principalmente dentro de los géneros de intriga y aventuras. Entre sus trabajos más destacados, algunas de las mejores películas de Alfred Hitchcock, como 39 escalones, La muchacha de Londres y El hombre que sabía demasiado. También fue autor de dos de las mejores obras fantásticas de Irwin Allen, El mundo perdido y Viaje al fondo del mar, amén de La ciudad sumergida de Jacques Tourneur.

El célebre director británico David Lean realizó sus primeros pinitos como montador en El secreto del lago, labor que luego continuaría en películas como Pygmalion y Paralelo 49. Años después se convertiría en uno de los directores básicos de la historia del cine, con obras como El puente sobre el río Kwai, Lawrence de Arabia y El doctor Zhivago.

Si hay algo que no se le puede achacar a los responsables de El secreto del lago es el no haber sido lo suficientemente oportunistas. La película está rodada tan sólo un año después de que el fenómeno “Nessie” comenzase a hacerse popular y, en buena parte, se inspira en la agitación científico-periodística que provocaron estos primeros coletazos del legendario plesiosaurio. Y es que fue en mayo de 1933 cuando el periodista Alex Campbell escribió en el periódico Inverness Courier el artículo “Extraño espectáculo en el Lago Ness”, a partir del misterioso avistamiento de un tal John Mackay durante un paseo junto al lago. El artículo exageraba notablemente las declaraciones de Mackay, que en ningún momento había utilizado el término “monstruo”. A partir de aquí, diversos avistamientos, convenientemente “potenciados” por el reportero Campbell, se fueron sucediendo, adquiriendo el fenómeno talla internacional. A finales de ese mismo año se tomó la primera fotografía conocida de la supuesta criatura escocesa.

Cabe recordar que el único encuentro con el monstruo calificado de agresivo por parte de la bestia es el que cuenta la leyenda de San Columbia. En la película, “Nessie” se come a un buceador, al tiempo que los lugareños le acusan también de otras extrañas muertes.

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“¡La bestia prehistórica secreta el Lago Ness!”

20000 LEGUAS DE VIAJE SUBMARINO

(20000 LEAGUES UNDER THE SEA)

EE.UU. 1954. 135 min. Walt Disney Productions. Color.

Producción: Walt Disney. Dirección: Richard Fleischer. Guión: Earl Felton. Fotografía: Franz Planer. Música: Paul J.Smith. FX: John Hench, Joshua Meador, Robert A.Mattey y Harper Goff.

Intérpretes: Kirk Douglas (Ned Land), James Mason (Capitán Nemo), Paul Lukas (Profesor Aronnax), Peter Lorre (Conseil) y Robert J.Wilke (Primer Oficial).

Sinopsis: Año 1868. Los barcos que surcan las rutas comerciales del Océano Pacífico están siendo atacados por “algo” que muchos no dudan en calificar como un feroz monstruo marino. Alarmada ante la caótica situación, la Marina estadounidense decide organizar una expedición que aclare de una vez por todas el misterio de alta mar. A la misma es invitado el Profesor Aronnax, un académico de la marina francesa que, en compañía de su fiel asistente Conseil, se encuentra de visita en San Francisco. El erudito galo y su ayudante zarpan a bordo de una fragata militar especialmente preparada para hacer frente a cualquier enemigo. Entre los miembros de la tripulación se encuentra Ned Land, un arrogante arponero para el que la diversión y las mujeres constituyen los dos pilares básicos de su existencia. Tras unos meses de estéril búsqueda, el navío se topa finalmente con la temible bestia marina, pero sólo para ser brutalmente embestido por ésta y hundido sin remisión. Aronnax, Conseil y Ned consiguen salvar sus vidas, siendo rescatados por la propia “bestia”, nada menos que un imponente submarino atómico, el Nautilus. Una vez dentro del artilugio, nuestros protagonistas serán retenidos por el Capitán Nemo, un genio de la tecnología cuyos ideales pacifistas limitan con una desgarradora y cruel misantropía, y tendrán que enfrentarse con todo tipo de peligros marinos y terrestres. Entre ellos, un terrible calamar gigante.

Comentario: 20000 leguas de Viaje Submarino es una de esas películas que prácticamente se dejan ver solas, una invitación casi hipnótica a un mundo de fantasía submarina que atrapa al espectador desde el primer minuto de metraje. En definitiva, género de aventuras en estado puro. Algo que, en nuestros días, salvo en contados casos, se echa mucho de menos. Pero lo mejor de la película de Richard Fleischer es que no se limita a la simple evasión, sino que contiene un trasfondo filosófico (menguado con respecto a la novela de Julio Verne) que, al tiempo que enriquece la obra, la hace todavía más entretenida. Y es que una vez que la película finaliza, la personalidad del Capitán Nemo sigue repiqueteando en nuestras mentes, haciendo que un por un lado justifiquemos su sincero idealismo, mientras que por el otro repudiemos su frío y cruel despotismo.

Pero dejando de un lado lo que algunos calificarían como “moralina” (para algunos sigue siendo preferible el moralismo reaccionario de la Disney al autismo intelectual de ciertos heraldos del cine de entretenimiento actual), cabe decir que 20000 leguas de Viaje Submarino es un magnífico ejemplo de cómo narrar una película de aventuras. Aunque bien es cierto que el respeto a la obra de Julio Verne no es total, Fleischer y su equipo consiguen una adaptación más que digna de la novela, sabiendo traducir y trasladar las principales acciones de ésta a la gran pantalla. El guión de Earl Felton toma prestadas algunas libertades para adaptar la historia al perfil disneyano y a la realidad de los años cincuenta, y uno de los más claros ejemplos de ésto es el desenlace del filme, un final violento y espectacular que supone toda una advertencia de los peligros del progreso científico.

Rematada por unas interpretaciones notables, una fotografía submarina soberbia y unos efectos especiales extraordinarios para la época, 20000 leguas de viaje submarino es uno de los títulos principales del cine de aventuras de todos los tiempos. Indispensable.

Secuencias y diálogos de interés:

La primera aparición del Nautilus en alta mar. Una inquietante luz verde recorriendo las aguas y, a la manera de la más temible bestia acuática, esperando el momento adecuado para embestir a su presa.

La escena en la que, previamente al ataque de una embarcación militar, el Capitán Nemo toca compungido una melodía de Bach en su imponente órgano. Toda un declaración de los principios nihilistas de Nemo, un hombre en el que el cruel cinismo y el idealismo se fusionan con el mayor dramatismo posible.

El mítico ataque del calamar gigante al Nautilus. Sin duda, se trata de la secuencia más espectacular de todo el metraje. Llena de acción, trepidante, apoyada en sobresalientes efectos especiales. Todo un derroche de técnica e imaginación para la tempranera década de los 50.

Todas y cada una de las secuencias de contemplación de los fondos oceánicos, muchas de ellas acompañadas con la solemne voz de fondo del Capitán Nemo. Escenas que brillan por su belleza fotográfica y su sensacional colorido. Especialmente destacable la del entierro submarino.

“Es un perro loco al que hay que ponerle un bozal.” En una sola frase, Ned Land nos demuestra cuán elemental es su capacidad analítica.

“Los nativos de ahí arriba son caníbales. Se comen a mentirosos con el mismo entusiasmo con el que se comen hombres honestos.” Y en otra simple frase, el Capitán Nemo hace resumen de su peculiar cinismo.

Curiosidades:

En 20000 leguas de Viaje Submarino se reúnen un nutrido grupo de estrellas, entre las que destacan el director Richard Fleischer (Los vikingos, El estrangulador de Boston, Tora! Tora! Tora!), actores como James Mason (El prisionero de Zenda, Julio César, Lolita), Kirk Douglas (El gran carnaval, Espartaco, Senderos de gloria), Peter Lorre (M, el vampiro de Düsseldorf, El halcón maltés, Casablanca) y Paul Lukas (Alarma en el expreso, Vigilancia en el Rhin), y el técnico en efectos especiales Robert A. Mattey (Mary Poppins, Tiburón, Tiburón 2).

En un principio, 20000 leguas de Viaje Submarino fue concebida como una película de dibujos animados. De hecho, se llegó a presentar un storyboard con más de mil dibujos, en el cual la secuencia del ataque del calamar gigante no tenía excesiva trascendencia.

La secuencia en la que los caníbales atacan el Nautilus fue filmada con dos cámaras, un auténtico lujo para la época. Además, en esta misma escena se intercalaron imágenes reales con dibujos animados, para así conseguir el efecto “descarga eléctrica” con el que la tripulación del submarino responde a la lluvia de lanzas y machetazos de los indígenas.

Para el momento “madre” de la película, el ataque del calamar gigante, se hicieron enormes inversiones en recursos y dispositivos técnicos. Se construyó un monumental cetáceo hidráulico de varias toneladas de peso, cuyos tentáculos eran movidos por cables que accionaban un buen número de operarios. El ataque fue inicialmente planeado (y rodado) para que transcurriera en medio de una apacible puesta de sol y con el mar en absoluta calma. Pero una vez revisada la grabación, descubrieron que los cables que accionaban al engendro marino “cantaban” excesivamente. Por ello se volvió a rodar la secuencia, pero esta vez bajo una tempestuosa lluvia y un mar embravecido, efectos gracias a los cuales se consiguió disimular la presencia de los cables metálicos.

La primera adaptación cinematográfica de la novela de Verne data de 1907 y es obra del célebre George Melies. Más que una película, tal y como hoy se entiende, se trata del típico espectáculo visual del cineasta francés. En 1916 y 1917 se rodaron dos versiones mudas de la novela de Verne, ambas norteamericanas. Durante los años 30 y 40, las más importantes productoras norteamericanas barajaron la idea de realizar una gran superproducción de la aventura submarina, pero la falta de medios tecnológicos hacían del proyecto una aventura demasiado arriesgada. Hasta 1954, no fue posible hacer una versión en condiciones. Las últimas adaptaciones que se conocen datan de 1997, un par de miniseries para televisión bastante intrascendentes. Una de ellas está dirigida por Michael Anderson (Orca, La Fuga de Logan) y la otra por Rod Hardy, un especialista en series de televisión y telefilmes.

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“¡Poderosa, Magnífica, Memorable! ¡20000 leguas de viaje submarino de Walt Disney!”

LA MUJER Y EL MONSTRUO

(BLACK LAGOON/CREATURE FROM BLACK LAGOON)

EE.UU. 1954. 79 min. Universal Pictures International. B/N

Producción: William Alland. Dirección: Jack Arnold. Guión: Harry Essex y Arthur A.Ross. Música: Joseph Gershenson. Fotografía: William E. Snyder y Charles S.Welbourne. FX: Bud Westmore y Jack Kevan.

Intérpretes: Richard Carlson (Dr. David Reed), Julie Adams (Kay Lawrence), Richard Denning (Dr. Mark Williams), Antonio Moreno (Dr. Carl Maia). Néstor Paiva (Lucas).

Sinopsis: Una extraña garra fosilizada es descubierta por el Doctor Maia en el corazón del Amazonas. Tras analizar el fósil, él y unos jóvenes ictiólogos de un instituto de biología local forman una nueva expedición en busca de más restos. Liderado por los doctores Reed y Williams, dos personalidades antagónicas, el grupo marcha hacia la legendaria Laguna Negra, un inquietante paraíso natural sobre el que se ciernen las más inquietantes leyendas. Una vez allí, nuestros científicos no tardan en toparse con un extraño hombre-anfibio, un prehistórico animal que no ha experimentado evolución alguna desde tiempos inmemoriales. Éste, atraído por la belleza de Kay, novia del Doctor Reed, no duda en dejarse ver ante los visitantes, ignorante de las intenciones del Doctor Williams por darle caza. A partir de entonces, los miembros de la expedición librarán una feroz batalla con el increíble monstruo.

Comentario: No supondría ninguna osadía afirmar que, junto a Drácula, el monstruo de Frankenstein, el Hombre Lobo y La Momia, el popular Gill-man (Hombre-agallas) completa la estrella de cinco puntas de los monstruos del Hollywood clásico. Y es que este filme que nos ocupa, concebido por la Universal como una serie B, aparte de gozar en su momento de un rotundo éxito de crítica y público, supuso un atractivo y radical cambio en el enfoque de las películas de monstruos.

La Mujer y el Monstruo es una de las primeras películas fantásticas en recurrir a la hoy tan manida fórmula narrativa de “grupo de gente aislada siendo acosada por algo maligno”, una sencilla y efectiva estructura sobreexplotada con posterioridad. Pero esto no es ni mucho menos lo único que aporta la película de Jack Arnold, donde la música juega también un papel fundamental como elemento de refuerzo del suspense, algo que hasta entonces no se había visto demasiado. Aunque el resto de los sonidos no son muy explotados, la partitura realiza una labor tan primordial como constante. Se trata de una melodía ejecutada con instrumentos de metal, bastante repetitiva (como muchas de las más célebres bandas sonoras de terror), y que funciona como una referencia más para el espectador a la hora de interpretar lo que está viendo o en pocos segundos va a ver. Otro aspecto a destacar de la película es su excelente fotografía, tanto la terrestre como la submarina. Las localizaciones elegidas recrean con notable eficiencia en hermoso paisaje amazónico, unos fondos selváticos que en todo momento funcionan como elementos de presión casi física sobre el grupo protagonista y su rústico barco, el “Rita”. Pero mejor aún es la fotografía submarina, por entonces una disciplina prácticamente desconocida para la mayoría de las producciones. Las escenas bajo el agua entre la guapa Julie Adams y el monstruo son un de una gran belleza plástica, así como nítidas y sumamente eficaces las de las luchas submarinas entre el propio Gill-Man y los científicos. Estas escenas subacuáticas, dirigidas por James C. Havens y fotografiadas por Charles S. Welbourne son de lo mejor de la película.Pero dejando a un lado aspectos técnicos, también hay que valorar muy positivamente la historia en sí. La mujer y el monstruo es uno de los filmes pioneros en poner de relieve el eterno conflicto entre el hombre y la naturaleza desconocida, y por ello siempre amenazante. Aquí el monstruo no simboliza una maldad, sino más bien un estado de salvajismo en el que caben sentimientos humanos como la atracción sexual (amor a primera vista, para los más románticos). No se trata del clásico combate entre el bien y el mal, sino entre dos formas de vida, la humana y la “humano-anfibia”, compuestas ambas de una cara amable y otra oscura. Al igual que el monstruo es tan capaz de enamorarse como un colegial como de rebanarle el cuello al primero que lo asome por su laguna, los humanos son tan capaces de comportarse como seres civilizados como agredir impunemente a especies aparentemente hostiles. Y es que el cine de Arnold siempre destacó por su riqueza en matices y su huida de los estereotipos, además de por una pulsión religiosa que, como expresa al final de El increíble hombre menguante, le mantiene firme en su creencia de que en el fondo “todos somos criaturas de Dios”.

Secuencias y diálogos de Interés:

Primera sangre. El hombre-agallas muestra su lado más oscuro sesgando las vidas de los dos ayudantes nativos del Doctor Maia. La secuencia combina técnicas adelantas a su época (lento travelling en cámara subjetiva con Gill-Man saliendo de unas ramas y acechando el campamento) con otras clásicas de las primeras producciones de terror (mano membranosa asomando por la entrada de la tienda de campaña).

La bellísima coreografía acuática entre Julia Adams y la bestia. Sin duda, la secuencia más recordada de la película. Un danza de cortejo submarina realizada con una gran maestría y fotografiada soberbiamente. Tan brillante y cuidada que no parece propia de un filme del subgénero de bestias acuáticas.

La lucha submarina entre el cínico y materialista Doctor Williams y el hombre-agallas. Una trepidante pelea a muerte que culmina con la muerte del biólogo, cuyo cadáver inerte sube cabizbajo hacia la superficie. El plano de la ascensión del cuerpo es de una gran belleza estética y recuerda extrañamente a algunas de las mejores ilustraciones del genial dibujante Berni Wrightson. En ésta y otras escenas hay que destacar también algunos tiros de cámara en los que vemos al Doctor Reed buceando y disparando en dirección a la cámara, planos tan efectivos como vanguardistas para su tiempo.

“Mis muchachos lo llaman la Laguna Negra. Un paraíso… Aún cuando por ahora no ha regresado nadie para demostrarlo…”, advierte Lucas, el capitán del “Rita”.

Curiosidades:

Entre los créditos de más renombre que aparecen en La mujer y el monstruo cabe subrayar a Jack Arnold, uno de los directores de cine fantástico más importantes de la historia y responsable de títulos como El increíble hombre menguante, Tarántula y, Llegaron de otro mundo. También hay que hablar de Arthur A. Ross, padre del director Gary Ross (Pleasantville), y autor de guiones tan variados como los de Los Viajes de Gulliver, Puerto de Nueva York o Brubaker, por el cual estuvo nominado a los Oscar. En cuanto a los intérpretes destaca la bella Julie Adams, que por aquellos años deleitó con su presencia en filmes como Zafarrancho de combate y Horizontes lejanos.

Los exteriores de la película fueron rodados en Wakula Springs, Florida, un bello paraje natural donde también fueron rodadas algunas de las películas de Tarzán. Las escenas de la gruta fueron filmadas en plató. Además, el filme fue rodado y proyectado con novedosas técnicas 3-D, buscando sacar partido del reciente éxito de la también tridimensional Llegaron de otro mundo.

La escenas submarinas del hombre-anfibio fueron protagonizadas por Ricou Browning, un reputado campeón de natación, que con el tiempo tuvo algún que otro roce con el actor que interpretaba al monstruo en tierra, Ben Chapman. Éste acusó a Browning en varias ocasiones de haber repartido fotografías firmadas con su nombre, Ricou Browning, en las que aparecía él, Ben Chapman. La carrera como actor de Browning se limitó a las tres entregas de la saga de Gill-Man, en las dos siguientes ya no saldría Chapman. Eso sí, hizo sus pinitos tras las cámaras, como idear la serie y posterior película Flipper.

Para muchos, este filme ha sido fuente inagotable de influencias en posteriores obras del género fantástico. Se habla de las similitudes entre las escenas submarinas de esta película y las de Tiburón, de la pareja estructura narrativa de Alien, el octavo pasajero, o del concepto argumental “hombres vs naturaleza desconocida” que parece compartir con Abyss.

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“¡Siglos de pasión reprimida en su corazón salvaje!” “¡Un monstruo aterrador devasta la humanidad!” “¡Un monstruo con garras de la Edad Perdida ataca desde las profundidades prohibidas del Amazonas!”

SURGIÓ DEL FONDO DEL MAR

(IT CAME FROM BENEATH THE SEA/MONSTER FROM BENEATH THE SEA)

EE.UU. 1955. 79 min. Columbia Pictures/Clover Films. B/N.

Producción: Charles H. Schneer. Direccción: Robert Gordon. Guión: Hal Smith y George W. Yates. Fotografía: Henry Freulich. Música: Mischa Bakaleinikoff. F/X: Ray Harryhausen y Jack Erickson.

Intérpretes: Kenneth Tobey (Comandante Pete Mathews), Faith Domergue (Lesley Joyce), Donald Curtis (John Carter), Ian Keith (Almirante Burns) y Dean Maddox Jr. (Almirante Norman).

Sinopsis: Durante un delicado viaje experimental, un poderoso submarino nuclear es atacado por algo gigantesco. Tras unos momentos de pánico e incertidumbre, la nave, cuyos niveles de radiactividad se han disparado súbitamente, consigue escapar de su misterioso agresor. Cuando suben a la superficie para chequear los daños, los tripulantes del submarino descubren unos extraños restos orgánicos y radiactivos adheridos a la popa. Una vez que llegan a puerto, el Comandante Matthews comienza a investigar la procedencia de los misteriosos residuos. Ayudado por una pareja de científicos, John Carter y Lesley Joyce, el militar descubre que los restos pertenecen a una rara especie de pulpo gigante, un animal que podría haber ascendido a la superficie por culpa de los desequilibrios medioambientales provocados por la experimentación atómica. Pero la Marina no acepta esos resultados y se niega a tomar cartas en el asunto. Mientras Matthews sigue investigando, y coqueteando con la Doctora Joyce, la criatura ataca un barco de cargamento. Algunos supervivientes del ataque juran y perjuran que un inmenso pulpo ha sido el responsable del mismo. Es entonces cuando finalmente las Fuerzas Armadas deciden intervenir. Aunque quizás ya demasiado tarde, porque la bestia avanza hacia la Bahía de San Francisco con la intención de sembrar el más absoluto caos.

Comentario: La Bestia que vino del mar puede ser considerada como la primera producción fantástica de elevado presupuesto en cuyo contexto argumental se exhiben preocupaciones acerca de los por entonces habituales ensayos y pruebas con armamento atómico. El miedo a la radiactividad era algo común en aquellos años, por lo que la película, al tiempo que inaugura todo un subgénero conocido como “películas de la era atómica”, se limita a hacerse eco de un sentir generalizado. Este es uno de los primeros filmes en advertir de los peligros de la radiactividad (algo similar había hecho años antes la modesta El monstruo del fondo del mar), lo que junto a otros elementos de interés lo convierten en un clásico de la ciencia-ficción.

En honor a la verdad, hay que reconocer que de no ser por la labor de Ray Harryhausen está película no habría llegado tan lejos, ya que el peso de los efectos especiales es enorme a lo largo y ancho del metraje. Por lo general, el grueso de lo que no son apariciones del monstruo y exhibición de la destreza técnica de Harryhausen conduce más al tedio que al estremecimiento. Este metraje accesorio se centra en el trío protagonista formado por el Comandante Matthews y la pareja de científicos, haciéndonos testigos de sus lentas y reiterativas investigaciones, así como de los devaneos amorosos entre Matthews y la Doctora Joyce (una protofeminista capaz de cantarle las cuarenta al rudo militar). Estas son escenas excesivamente dialogadas y localizadas en habitaciones de dimensión reducida, lo que alejan por momentos a la película de la ciencia ficción y la adentran por extraños senderos más propios de los dramas televisivos de los años cincuenta.

Pero vamos con lo mejor de la película, el trabajo de Harryhausen. Para empezar, hay que destacar que la Columbia no se mostró ni muchos menos generosa con este artesano de los efectos especiales. Las limitaciones de presupuesto fueron claras e inflexibles, lo que obligó a Harryhausen a emplearse a fondo. Y vaya si lo hizo. Lo primero que llama la atención de su trabajo es la extrema meticulosidad y el detallismo con el que lo realizó. Ya desde la primera aparición del monstruo (un sugerente plano en el que el tentáculo del pulpo emerge amenazante del agua), nos damos cuenta de que nos encontramos ante todo un prodigio técnico de la época, algo similar a lo que supuso Parque Jurásico mediados los años noventa. Las apariciones racionadas del octópodo tienen su colofón en las escenas finales, cuando lo contemplamos en todo su esplendor y podemos apreciar la soberbia labor de Harryhausen. El trabajo de animación es sorprendente, llegando a ser casi imperceptible por momentos el uso de la técnica stopmotion. La interacción del animal con el medio (tentáculos golpeando el Golden Gate, envolviendo barcos, etc.) está muy lograda, al igual que las correspondientes miniaturas. Detallismo e infinita paciencia fueron las claves del buen trabajo de Harryhausen, que consiguió unos resultados con la animación “plano a plano” impensables para la época y todavía apreciables. Otro elemento a destacar del filme es el buen acompañamiento sonoro, obra del maestro Mischa Bakaleinikoff, una música potente y grandiosa que funciona a las mil maravillas como referente auditivo del cataclismo visual que presenciamos. En cuanto al resto, sólo reseñar las correctas interpretaciones y la competente dirección de Robert Gordon, aún demostrando ser poco amigo de correr grandes riesgos en cuanto a creatividad visual.

Secuencias y diálogos de interés:

La introducción. La película abre con un montaje de imágenes que nos alerta sobre el peligro intrínseco de la energía atómica, cuyo potencial destructivo no conocemos aún ni en su mínima parte. Se trata de unos de esos prefacios biológico-didácticos que tan en boga estuvieron por aquellos años y que sirven conservando tanto su encanto como su eficiacia narrativa.

El ataque del pulpo gigante a la Bahía de San Francisco. Una escena ya clásica dentro del género fantástico y a partir de la cual se construyó el resto de la película, sirviendo además de principal y muy atractivo reclamo comercial. La secuencia es todo un derroche de efectos especiales, acción trepidante y caos. Básicamente consiste en la llegada del pulpo al Goldent Gate y su acoso al histórico puente y a sus aledaños mientras militares y científicos tratan de aplacarle. La bestia aplasta coches, construcciones y viandantes con sus poderosos tentáculos, cada uno de los cuales se muestra en pantalla casi como un monstruo independiente. Los militares emplean todo tipo de armamento para reprimir al hiper-molusco, desde descargas eléctricas y fuego hasta arpones explosivos, pero nada puede con él. Finalmente, un certero torpedazo al cerebro desde un submarino y una decisiva intervención del Doctor Carter acaban con la bestia.

Curiosidades:

La principal personalidad presente en La bestia que vino del mar no es otra que Ray Harryhausen, uno de los grandes maestros de la historia de los efectos especiales y responsable de maravillas técnicas como las contempladas en Los viajes de Gulliver, La isla misteriosa, Jason y los argonautas y Furia de titanes.

Por culpa de las limitaciones presupuestales, Harryhausen sólo pudo dotar a su monstruo de seis tentáculos, en vez de los ocho de rigor. A pesar de ello, esta carencia queda bien disimulada en la película. Para los planos detalle se fabricó un pequeño tentáculo de cerca de un metro de longitud que queda de lo más resultón.

La primera idea de realizar una película de un pulpo gigante que atemorizase San Francisco partió de Charles Schneer, ejecutivo de la Columbia. Pronto le hablaron de un tal Harrihausen, que por entonces hacía sus primeros pinitos. Tras una reunión entre ambos y el dibujo de unos bocetos por parte de Harryhausen, Schneer quedó más que convencido y comenzó a mover el proyecto. Aquí nació una larga asociación entre la Columbia Pictures y Harryhausen, con resultados más que fructíferos para ambos.

Con el objetivo de dotar de mayor realismo a la escena final, el equipo técnico del filme tenía pensado filmar algunas imágenes del Golden Gate para intercalarlas con aquellas que se iban a rodar con la miniatura del puente. Sorprendentemente, el permiso para rodar allí les fue denegado por la alcaldía de San Francisco. Al parecer, según ciertos rumores, el alcalde desconocía que se iban a utilizar miniaturas y creyó que subirían un gigantesco pulpo mecánico al puente, pudiendo provocar así graves daños en su estructura. Fuera por la razón que fuera, lo cierto es que los miembros del equipo tuvieron que rodar el puente escondidos en un camión de reparto de pan.

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“¡Llega desde las primitivas profundidades para destruir el mundo!”

MOBY DICK

EE.UU/Gran Bretaña. 1956. 116 min. Warner Brothers/Moulin Pictures. Color.

Producción: John Huston. Dirección: John Huston. Guión: Ray Bradbury y John Huston. Música: Philip Sainton. Fotografía: Oswald Morris. FX: Augie Lohman.

Intérpretes: Gregory Peck (Capitán Ahab), Richard Basehart (Ishmael), Leo Genn (Starbuck), Orson Welles (Padre Mapple) y Frederick Ledebur (Queequeg).

Sinopsis: Principios del siglo XIX. El joven Ishmael llega como forastero a New Bedford (Estados Unidos) con el fin de trabajar en su prestigiosa industria ballenera y conocer mundo. Tras pasar la noche en una posada y compartir habitación con el singular indio Queequeg, Ishmael consigue trabajo a bordo del Pequod, un barco ballenero. La nave está gobernada por el temido Capitán Ahab, un hombre marcado por la desgracia y la venganza. Varios años atrás, Ahab libró un encuentro con una gigantesca ballena blanca que le costó la pérdida de una de sus piernas. Desde entonces, su único objetivo en esta vida es volver a toparse con el feroz mamífero, llamado Moby Dick, y apaciguar su odio dándole muertel. Una vez en alta mar, acompañado por un nutrido grupo de expertos marineros, Ishmael participará en la persecución de Moby Dick, una arriesgada empresa para la que el vengativo Ahab no tendrá reparos en sacrificar a su tripulación o incluso a sí mismo.

Comentario: Esta adaptación de la célebre novela de Herman Melville es muy posiblemente, y a pesar de ciertas críticas, la mejor que se ha realizado hasta el momento, antojándose incluso difícil que se pueda hacer mucho mejor. Todo en Moby Dick rezuma un inusitado detallismo y perfección, desde las líneas de diálogo o la concepción física de los personajes, hasta la puesta en escena o los juegos cromáticos de la fotografía. No cabe duda de que John Huston se esforzó como nunca para que la producción de esta película sentará cátedra en cuanto a creación de películas de aventuras.

Huston parte de un absoluto respeto y fidelidad por la obra de Melville y su contenido, añadiendo sólo determinados elementos visuales que la enriquecen todavía más y sacrificando inteligentemente algunos pasajes de la novela demasiado literarios para ser llevados al cine. Se puede decir que Huston intenta, y para muchos lo consigue, realizar una película donde prime la acción, pero sin perder un ápice del contenido de la historia. La progresión dramática es casi perfecta, así como la sensación de amenaza que padecemos en todo momento los espectadores, ya sea por las acciones de la ballena blanca o por las de las salvajes fuerzas de la naturaleza.

El primer aspecto que nos revela que nos encontramos ante una más que notable película, son sus extraordinarios valores de producción. Y esto no va referido a grandilocuentes escenas con miles de extras corriendo de un lado a otro, sino al exquisito detallismo con que Huston recrea tanto la atmósfera como los diversos fenotipos sociales de la época. Entre los figurantes nos encontramos con rostros curtidos propios de las más cerradas villas marineras, ancianas desdentadas en cuyas barbillas despuntan algunos pelos canosos, marineros con las típicas bocas de labios tensos de los fumadores en pipa, etc… En definitiva, Huston consigue prácticamente trasladar al espectador a una época anterior, todo gracias a un exhaustivo trabajo de documentación. Relacionada con esta perfecta recreación de época, se encuentra también la soberbia fotografía de Oswald Morris (Los cañones de Navarone, Lolita), aquí más tendiente a la verosimilitud que al realismo. Morris busca colores claramente pictóricos, logrando que algunas escenas posean un cromatismo digno del mejor artista del pincel. Rodada en Technicolor, la película nos muestra juegos de colores no vistos habitualmente en la naturaleza (cielos verdosos, aguas marrones o rosas), pero sorprendentemente creíbles. También los juegos de luces y los tiros de cámara tienen gran importancia en el filme, sobre todo a la hora de enfatizar determinados aspectos de los personajes, como por ejemplo, el enigmático y eléctrico rostro del Capitán Ahab.

Aspectos como el guión y la interpretación también son dignos de destacar. El primero, que contó con la colaboración del famoso novelista Ray Bradbury (Fahrenheit 451, Crónicas marcianas), es todo un ejemplo de cómo ser fiel a un libro y, al tiempo, saber enriquecerlo cinematográficamente. Aunque buena parte de las situaciones y diálogos están tomados directamente de la novela de Melville, Huston y Bradbury también aportaron líneas de su propia cosecha, como algunos brillantes diálogos construidos a partir de un estilo literario “melvilliano”. Dentro del terreno interpretativo, el tono general es positivo, destacando especialmente Orson Welles en su secundario pero intenso papel de Padre Mapple. También brillante, aunque controvertido en su época, es el papel de Gregory Peck como Capitán Ahab. En su momento, algunos críticos tildaron su trabajo de demasiado rígido e inexpresivo. En cuanto a la rigidez, sólo decir que necesariamente tuvo que serlo, ya que ese hieratismo gestual es una de las principales características del personaje del Capitán Ahab. Eso sí, dista mucho de ser una rigidez cualquiera. En lo referente a la inexpresividad, basta con observar detenidamente la fuerza de la mirada de Peck en esta película para comprender que toda mueca histriónica o accesoria sobra.

No cabe duda de que Moby Dick es una gran película de aventuras, uno de esos filmes que se dejan ver una y otra vez, transportándonos en cada visionado a un mundo de ficción que se nos hace del todo creíble. Durante dos horas, entretenimiento y contenido se cogen estrechamente de la mano.

Secuencias y diálogos de interés:

El sermón de Orson Wells como Padre Mapple es uno de los mejores momentos del filme y de la carrera del inigualable actor. Como en otras muchas películas, Wells demuestra que en el cara a cara con la cámara es uno de los mejores actores que ha dado el cine.

Los momentos previos a la marcha del Pequod en el puerto. La ambientación de estas escenas es sobresaliente, desde los perfiles físicos de los aldeanos que despiden al barco hasta los efectos de ruidos de poleas y cadenas del mismo.

Todas las escenas de caza de ballenas, incluido el grandioso combate final entre Ahab y Moby Dick. Para estas secuencias, tan realistas como trepidantes, Huston utilizó como asesores técnicos a balleneros profesionales.

"No me hables de blasfemia. Sería capaz de golpear al sol si éste me insultase”, osa decir el Capitán Ahab en un poético alarde de arrogancia.

"Esa cama es un ataúd y ésas sábanas una tortura. No duermo, Señor Starbuck, muero…", se queja Ahab, de nuevo con brillante y retórico verbo.

Curiosidades:

Moby Dick tuvo el honor y el acierto de reunir a varias de las grandes estrellas del cine universal. Nombres como los de el soberbio director John Huston (El halcón maltés, El tesoro de Sierra Madre, La reina de África) y los soberbios actores Gregory Peck (Recuerda, Matar un ruiseñor, Vacaciones en Roma) y Orson Welles (Ciudadano Kane, El tercer hombre, Sed de mal) ocuparán por mucho tiempo un lugar privilegiado en la historia de la cultura audiovisual.

El proceso de Technicolor de Moby Dick gozó de unas peculiaridades técnicas muy especiales. Entre ellas se incluye una desaturación del color que hace que éste se asemeje al de los grabados del siglo XIX. Algunos de estos grabados se pueden contemplar en los platos que aparecen en los créditos iniciales de la película.

Las escenas de caza de ballenas se filmaron en la Isla de Madeira, Portugal. También se rodaron algunas secuencias en las Islas Canarias.

Moby Dick fue galardonada por el Círculo de Críticos de Nueva York en las categorías de mejor película, mejor dirección y mejor actor (Gregory Peck).

Aunque en la película interpretaba el papel del joven Ishmael, Richard Basehart (La Strada, Los hermanos Karamazov, Los jueves, milagro) no era ya por entonces ningún muchachuelo. El actor contaba nada menos que con cuarenta y dos años de edad.

Frases promocionales:

“En todo el mundo… En todos los mares… En todas las aventuras, no existe poder como el poder de Moby Dick.” “Antes del tiburón… tuvimos la ballena.” Reestreno de 1978.

EL ATAQUE DE LOS MONSTRUOS CANGREJO

(ATTACK OF THE CRAB MONSTERS)

EE.UU. 1957. 68 min. Allied Artists Pictures Corporation. B/N

Producción: Roger Corman. Dirección: Roger Corman. Guión: Charles B. Griffith. Fotografía: Floyd D. Crosby. Música: Ronald Stein. FX: Beach Dickerson y Ed Nelson.

Intérpretes: Richard Garland (Dale Drewer), Pamela Duncan (Martha Hunter), Russell Johnson (Hank Chapman), Leslie Bradley (Karl Weigand) y Mel Welles (Jules Deveroux).

Sinopsis: Después de que un grupo de científicos expertos en radiación nuclear desaparezca misteriosamente en una remota isla del Pacífico, una nueva expedición es enviada al lugar para que investigue sobre su paradero y complete el análisis abortado. Una vez allí, después de un desgraciado “accidente” que acaba con el hidroavión que les transportaba y provoca su total aislamiento, los científicos de reemplazo comenzarán a verse amenazados por extrañas presencias que fingen las voces de sus compañeros desaparecidos con el fin de atraerles. Estas presencias no son otra cosa que un grupo de gigantescos cangrejos, cuya inteligencia se ha incrementado a causa de la radiactividad provocada por las recientes pruebas atómicas realizadas en la zona. El principal objetivo de estas monstruosas mutaciones no es otro que devorar los cerebros de los científicos, tal como hicieron con los que sus precedentes colegas, aumentando así todavía más sus capacidades mentales.

Comentario: La incipiente moda de los monstruos-atómicos seguía alegremente su curso en los últimos años de la década de los cincuenta, y bien se puede decir que con El ataque de los monstruos cangrejo casi tocó techo en cuanto a diversión y originalidad se refiere. Aunque se trata de una producción de bajo presupuesto, responsabilidad del intermitentemente brillante Roger Corman, no es uno de esos sosos y predecibles filmes contemporáneos analizados en posteriores páginas, sino de algo bien diferente. El ataque de los monstruos cangrejo es, sin duda, una de las series B con más encanto del prolífico Corman, y digna de figurar en el top ten de sus mejores producciones.

El principal aspecto que hace diferente a esta película de otras de mismo subgénero y época es que, al igual que La mujer y al monstruo, posee un cierto carácter rupturista, o, al menos, unas evidentes ganas de hacer algo distinto al clásico “chico-chica vs monstruo de pocas luces”. Corman empieza por romper el habitual esquema de personajes protagonistas de entonces, compuesto por una joven y guapa pareja principal y una serie de personajes-satélite que pululan a su alrededor y cuya incidencia es reducida. Aunque aquí también hay una pareja protagonista, Martha y Dale, su grado de implicación en la trama es inferior, siendo en ocasiones simples de testigos de las evoluciones de personajes mucho más carismáticos. Uno de estos es Hank, una suerte de “cangrejófobo” que acaba convirtiéndose en el auténtico líder y héroe del grupo. También están Karl, un físico nuclear que es el primero en sospechar de la existencia de mutaciones monstruosas y Jules, un botánico francés protagonista de uno de los episodios más dramáticos y atractivos del metraje. Y lo mejor de todo es que todos estos personajes son gente bastante normal y creíble, y no musculados e inexpresivos varones ni bellas y esculturales féminas incapaces de transmitir el más mínimo rasgo de humanidad. Para mayor gloria, el grueso de los actores realiza su trabajo con bastante eficiencia, algo casi milagroso en este tipo de subproducciones. Otro aspecto a destacar es el argumento en sí mismo, tan sencillo como efectivo, cuyo punto fuerte es la concepción de una galería de monstruos, los cangrejos, que distan mucho de ser las torpes y primarias bestias de otras producciones similares. Y es que estos gigantescos crustáceos son todo un monumento a la crueldad y la más absoluta mala leche. Dotados de una inteligencia robada a sus primeras víctimas, los cangrejos tienen la capacidad de proyectar una suerte de mensajes telepáticos, fingiendo ser los miembros de la anterior expedición, con los que desquician al máximo a nuestros protagonistas. Unido esto a su extraordinaria corpulencia y su enorme resistencia física, nos lleva a pensar en más de un momento de la película que no va a haber Cristo capaz de acabar de con ellos y que Corman nos tiene un preparado un final realmente amargo.

Dejando a un lado el inquietante y original guión, también hay que hacer mención de otros elementos positivos de El ataque de los monstruos cangrejo. Uno de ellos es la buena fotografía, tanto la paisajística (las localizaciones elegidas son bastante acertadas) como la submarina. También el sonido ocupa un lugar de honor en esta producción, ya sea por la atmosférica banda sonora, o por los sobresalientes efectos de sonido (el “cliqueo” en off de las pinzas de los cangrejos es ciertamente inquietante). Y no podemos olvidarnos de los efectos especiales, que aunque no son una joya a lo Harryhausen, resultan bastante convincentes. Los ojos de las criaturas son casi réplicas de los humanos, lo que provoca bastante mal rollo. Para no resultar demasiado adulador, conviene hablar también de ciertos defectillos de la película, como algunos diálogos que aportan poco a la trama y resultan demasiado accesorios, ciertos comportamientos un tanto absurdos de los personajes (algo perdonable por lo habitual que es esto dentro el género fantástico) y algunas lagunas en la explicación de la “mutación cangrejil”. Y poco más, la verdad. En definitiva, una película ingeniosa y sumamente entretenida. Un delicioso caramelo para todo amante de la serie B.

Secuencias y diálogos de interés:

Una de las escenas más recordadas del filme es la angustiosa muerte de Jules Deveraux. Después de que un desprendimiento caída de rocas obligue al botánico galo a amputarse una de sus manos, los cangrejos acaban con él de la manera más cruel. Emulando la voz de uno de sus colegas desaparecidos, los cangrejos atraen al científico hasta el borde de un barranco, donde unas enormes pinzas emergen súbitamente y le apresan. Perturbador, como poco, resulta ver al bueno de Deveraux llamando a gritos a su compañero muerto con su muñón ensangrentado.

El sacrificio final de Hank. Los cangrejos mutantes han devorado literalmente gran parte de la isla, acorralando así a los humanos. Encerrados en una pequeña porción de terreno, los pocos supervivientes tienen que lidiar con el último y más poderoso de los cangrejos. Nadie sabe qué hacer. Todo parece perdido. Hasta que Hank, en un honorable acto de valentía y sacrificio, se electrocuta junto con el cangrejo, librando así a la humanidad de la emergente pesadilla crustácea.

“Yo puedo regenerar una nueva pinza. ¿Puedes hacer tú lo mismo con una vida?”, le pregunta uno de los siniestros cangrejos a uno de los protagonistas.

“Es como si un chico estuviera arrastrando un stick sobre una valla de madera”, así es como uno de los marineros describe el aterrador ruido que hacen las pinzas de los cangrejos. Una definición tan exacta como rebuscada. Quizás fue realmente así como consiguieron el peculiar efecto sonoro.

Curiosidades:

La película está dirigida por Roger Corman, auténtico “Rey Midas” de la serie B universal y uno de los principales impulsores del género fantástico en sus años de asentamiento como tal. Entre su interminable lista de producciones, podemos destacar títulos tan sobresalientes como La matanza del día de San Valentín, El hundimiento de la casa Usher y El hombre con rayos X en los ojos. Otro de los nombres a reseñar dentro del plantel es el de Charles B. Griffith, uno de los más importantes guionistas de la Serie B de todos los tiempos. En su currículum literario encontramos títulos tan clásicos como Un cubo de sangre, Llegaron de otro mundo y La pequeña tienda de los horrores. Por último, y dentro del capítulo de actores, merece la pena recordar a Russell Johnson, famoso por su papel de profesor en la mítica serie La Isla de Gilligan.

El ataque de los monstruos cangrejo es una de las primeras películas en mostrar en pantalla, de forma más o menos explícita, una decapitación. Todo un shock en 1957. En parte por ello, la película triunfó rotundamente en los drive-in veraniegos, convirtiéndose en una de las series B favoritas de los jóvenes de la época.

Aunque el filme simula desarrollarse en las Islas del Pacífico, se rodó realmente en las Cavernas Bronson, en las colinas de Hollywood.

Ciertos rumores señalan que uno de los actores disfrazados de cangrejo era el mismísimo Jack Nicholson, quien pocos años después interpretaría en El Cuervo de Roger Corman su primer papel protagonista.

Frases promocionales:

“Desde las profundidades del mar… ¡Una gigantesca ola de terror!”

EL MONSTRUO QUE DESAFIÓ AL MUNDO

(THE MONSTER THAT CHALLENGED THE WORLD)

EE.UU. 1957. 83 min. United Artists. B/N.

Producción: Arthur Gardner y Jules V. Levy. Dirección: Arnold Laven. Guión: Pat Fielder. Fotografía: Lester White y Charles S. Welbourne. Música: Heinz Roemheld. FX: Augie Lohman y Robert H.Crandall.

Intérpretes: Tim Holt (Comandante John Twillinger), Audrey Dalton (Gail McKenzie), Hans Conried (Doctor Jess Rogers), Mimi Gibson (Sandy) y Casey Adams (Doctor Tad Johns).

Sinopsis: Un violento terremoto libera unos huevos prehistóricos ocultos en las profundidades del Lago Salton, California. Poco después, una extraña serie de desapariciones de personas y embarcaciones comienza a sucederse. El Comandante Twillinger, investigador de la Marina, y el Doctor Rogers, un científico, comienzan a investigar el caso, descubriendo que los responsables de las desapariciones son unos terroríficos gusanos prehistóricos brotados del interior de los huevos desenterrados y que no dudan en succionar hasta la médula a cuantos humanos se topan. Ante el peligro emergente, la primera reacción de los militares no es otra que hacer explotar cargas de profundidad en el interior del lago, provocando así que los canales de irrigación de éste se llenen de más larvas de estos gelatinosos monstruos. Solamente el Comandante Twillinger, ayudado por el Doctor Rogers y Gail McKenzie, una atractiva mujer viuda, podrá detener la hecatombe que se avecina.

Comentario: El monstruo que desafió al mundo puede ser considerado como un ejemplo casi perfecto del prolífico “cine-paranoia” del Hollywood de los 50. La película nos planta ante una nueva amenaza, esta vez especialmente rebuscada y en forma de gusanos jurásicos, que pone en peligro la tecnológicamente floreciente sociedad estadounidense de mitad de siglo XX. En definitiva, lo moderno y lo prehistórico se enfrentan en un combate a muerte en el que los principales poderes de la sociedad moderna (militar, gubernamental y científico) se unen en pos del triunfo.

Esta epopeya alarmista-optimista podría casi considerarse como una suerte de Independence Day de su época, ya que cuenta con una gran variedad de tópicos y clichés habituales en producciones fantásticas de este tipo. Aún así no se trata de una película insufrible, llegando en ocasiones a ser bastante entretenida. Uno de sus puntos fuertes es la curiosa apariencia de los monstruos, una mezcla entre caracoles y gusanos, con ojos enormes y cuerpos tubulares y gelatinosos. Tienen su encanto. A esto hay que unir que tanto el trabajo de los actores como el de Arnold Laven detrás de la cámara es bastante solvente. Incluso hay buenos momentos de tensión y algún que otro sustillo sorprendente para la época. También es imaginativo el final, que abre un interrogante a la posibilidad de que la invasión de gusanos prehistóricos pueda volver a producirse, un final abierto bastante impropio de aquellos narrativamente acartonados años. Los puntos más oscuros de la película, amén de que por momentos sea poco original, están relacionados con los efectos especiales. Aunque son errores comprensibles y perdonables, la verdad es que en algunas secuencias de ataques el empleo de maniquíes resulta muy descarado, así como la existencia de una plataforma con ruedas que impulsa a los monstruos de un lado a otro.

Por lo general, se puede decir que se trata de una película ingenuamente divertida, que no aportó mucho al subgénero, pero que por lo menos entretiene. Decir en su favor que tuvo un considerable éxito en EE.UU, quizás por su férrea defensa de los valores patrióticos y militares. Pasable.

Secuencias y diálogos de interés:

Un lugareño pasea distraídamente por uno de los muelles que rodean el lago cuando es atacado súbitamente por uno de los gusanos. Notable susto para tratarse de una película de los años cincuenta.

La escena en la que Twillinger muestra su valentía para salvar a Gail y a su hija Sandy, que están a punto de ser devoradas por un gusano. Como arma defensiva emplea nada menos que la espuma de un extintor de incendios.

“En mi opinión, el hombre hallado en el barco estaba literalmente muerto de miedo”, dice convencido uno de los coroneles tras la inspección de un extraño cadáver.

Curiosidades:

El director de fotografía submarina Charles S. Welbourne es uno de los participantes de mayor renombre en la película. Conocido por su excelente trabajo en la saga de La Mujer y el Monstruo, aquí hace de nuevo bien su trabajo, aunque el guión no explota demasiado la fotografía subacuática. También cabe destacar la presencia de Tim Holt, que llegó a convertirse en uno de los actores de westerns de los años 40 que más rápido desenfundaba (los rumores dicen que en menos de veinte centésimas). En cuanto a su carrera interpretativa, Holt fue una joven promesa llegó a disfrutar de buenos papeles en películas como La diligencia, La pasión de los fuertes y El Tesoro de Sierra Madre. Después trabajó en varias producciones de segunda fila, como ésta, hasta que finalmente acabó desentendiéndose del cine. Un cáncer se lo llevó en 1973.

Jules V. Levy, Arthur Gardner y Arnold Laven, productores y director de este filme, se conocieron en 1943 en las Fuerzas Aéreas de EEUU. Allí formaron una suerte de productora cinematográfica en la que trabajaron temporalmente otros célebres militares-actores, como Ronald Reagan, Clark Gable y William Holden.

Frases promocionales:

“Emergiendo desde las profundidades… ¡Para aterrorizar y torturar!” “¡Una nueva forma de terror que paraliza los nervios!”

SANGUIJUELAS GIGANTES

(ATTACK OF THE GIANT LEECHES/DEMONS OF THE SWAMP/THE GIANT LEECHES/ATTACK OF THE BLOOD LEECHES)

EE.UU. 1959. 62 min. American International Pictures. B/N

Producción: Gene Corman y Roger Corman. Dirección: Bernard L.Kowalski. Guionista: Leo Gordon. FX: Daniel Haller. Fotografía: John M.Nickolaus Jr. Música: Alexander Laszlo.

Intérpretes: Ken Clark (Steve Benton), Jan Shepard (Nan Greyson), Yvette Vickers (Liz Walker), Bruno VeSota (Dave Walker) y Tyler McVey (Doctor Greyson).

Sinopsis: Nos encontramos en un pequeño pueblo de los Everglades de Florida, situado junto al célebre Cabo Cañaveral. Allí, mientras tratan de inutilizar las trampas ilegales montadas por los cazadores furtivos en la zona, el guardabosque local Steve Benton y su novia Nan descubren el cadáver de un lugareño. El cuerpo está lleno de unas misteriosas marcas de succiones que parecen haber sido la causa de su muerte. Cuando dan parte al sheriff local, éste se muestra reticente a investigar a fondo la inquietante muerte. Mientras tanto, nuevas muertes comienzan a sucederse, como la de Liz Walker y su amante, atacados en el agua en presencia del marido de ella, el rudo propietario de una licorería Dave Walker. Tras una serie de indagaciones, Steve, Nan y el padre de ésta, el Doctor Greyson, descubren que las responsables de las desapariciones son unas gigantescas sanguijuelas que habitan en unas cavernas ocultas bajo el agua. Acabar con ellas será un tarea más que complicada…

Comentario: Visto el éxito de anteriores producciones de corte similar, la factoría Corman volvió a insistir con otra nueva y barata película de monstruos acuáticos. En esta ocasión, las temidas y repugnantes sanguijuelas fueron escogidas como monstruos de reclamo, lo que en principio se antojaba como una elección tan acertada como original. Desgraciadamente, esta originalidad no impregnó el resto de los elementos de la película, el guión principalmente. Aún así, con sus más que evidentes errores técnicos y ambigüedades narrativas, Sanguijuelas gigantes es una película fácilmente digerible y aceptablemente divertida.

Para poder finalizar con buen sabor de poca, comencemos hablando de lo malo. Aquí, sin lugar a dudas, lo más negativo del filme es el aspecto de las hiperdimensionadas sanguijuelas. Sin necesidad de poseer una vista de lince, se puede apreciar fácilmente la presencia de actores camuflados bajos unos trajes de concepción un tanto cutre. Incluso hay más de un plano en el que se puede observar alguna que otra botella de oxígeno asomando por la espalda de las sanguijuelas, hecho que puede provocar más de una carcajada. Tampoco lo bordó Corman en su proceso de selección de actores, muchos de ellos dignos de obra de teatro colegial. Entre los que interpretan a pueblerinos, abundan los actores que se limitan a ofrecer un único gesto de “mandíbula colgante” como reacción a toda situación extraordinaria. Por el contrario, aunque igual de negativo, la mandíbula del protagonista Kent Clark está tan bien sujeta a su cráneo que prácticamente le impide realizar el más mínimo gesto creíble. Por último, cargar también un poco las tintas contra la cierta confusión que a veces ofrece la historia, especialmente en lo relativo al origen de las vampíricas y enormes sanguijuelas. Tan sólo se nos dice que su existencia podría estar relacionada con supuestos experimentos radiactivos realizados en las instalaciones de Cabo Cañaveral, pero poco más.

Por el lado positivo, destacar el buen ritmo que Kowalski consigue imprimir a la historia (al fin y al cabo tenía poco más de sesenta minutos para desarrollarla), llegando a resultar por momentos notablemente tensa y animada. También resulta bastante atractiva la subtrama que envuelve al matrimonio Walker, Liz y Dave. Su relación es un constante tira y afloja en el que ella juega cruelmente con los instintos sexuales de su brutote marido, insinuándose ante él con la más sugerente lencería para luego rechazarle cuando éste se encuentra ya en el punto de hervor. Ambos actores, Yvette Vickers y Bruno VeSota son de lo poco creíble en cuanto a interpretación se refiere. Para finalizar, cabe destacar también algunas secuencias submarinas eficazmente fotografiadas, así como ciertas escenas tan sanguinolentas como efectivas. Ah, y no olvidarnos del buen golpe de efecto que supone el hecho de que las sanguijuelas almacenen a sus víctimas en cavernas y, poco a poco, vayan alimentándose sádicamente con su sangre. En definitiva, cine ultrabarato en estado puro. No excesivamente original, pero que dejará satisfechos a los amantes del subgénero no demasiado exigentes.

Secuencias y diálogos de interés:

Especialmente dramática es la secuencia en la que Dave Walker descubre a su esposa Liz besándose con un desconocido. Lleno de ira, Dave amenaza a los adúlteros con una escopeta y les obliga a introducirse en el agua, sin saber que allí aguardan las siniestras sanguijuelas. Después de ver como son asesinados, Dave acude desesperado al sheriff para contarle lo sucedido. Con esto no consigue otra cosa que ir a parar con sus huesos a una celda, donde, anímicamente hundido, se ahorca.

La secuencia final en la que Steve y otros miembros de las fuerzas locales dinamitan las cavernas de las sanguijuelas. Entre los restos de sanguijuela que brotan a la superficie, vemos emerger a una inerte Liz Walker en ropa interior. Toda una invitación a la necrofilia.

“Quizás la proximidad de Cabo Cañaveral tenga algo que ver con esto”, dice el Doctor Greyson, en una de las pocas referencias que se hacen en la película al posible origen de las sanguijuelas. Una acusación bastante gratuita que en ningún momento nadie trata de contrastar.

Curiosidades:

Uno de los responsables de Sanguijuelas gigantes es Gene Corman, que, al igual que aquí, compartió con su hermanísimo la producción de un buen puñado de largometrajes.

Entre estos títulos podemos destacar La bestia infernal, El enterramiento prematuro y La Torre de Londres. Años después ganaría un Emmy por Una mujer llamada Golda, una película para televisión protagonizada por la mítica Ingrid Bergman. También reseñable es la presencia de Bernard L. Kowalski, poco conocido director de Series B, entre las cuales sobresalen La bestia infernal, Krakatoa: Al este de Java y la tremendamente angustiosa SSSilbidos de muerte (cuyo dramático final hizo llorar de niño a moco tendido al que esto escribe). Con el paso del tiempo, Kowalski acabó convirtiéndose en un activo realizador y productor de series de televisión, algunas tan emblemáticas como Colombo, Los Intocables y Perry Mason. Por último, en lo referente a los actores del filme, cabe destacar a la bella Yvette Vickers, que debutó en el cine con una brevísima aparición en la excelente El crepúsculo de los dioses y participó en algunos subproductos como El ataque de la mujer de 9 metros, Jungla juvenil y Beach Party. Además, fue “Chica Playboy” del mes de julio de 1959.

Durante el rodaje de las escenas de la caverna en los viejos estudios Charles Chaplin, un accidente estuvo a punto de acabar con la vida de varios actores y miembros del equipo técnico. Al parecer, una tubería de vinilo estalló, provocando que una marabunta de agua se vertiese sobre actores y técnicos. Afortunadamente, uno de los electricistas fue lo suficientemente rápido para cortar la corriente antes de que el agua les alcanzase. De lo contrario, se habría producido una auténtica tragedia.

Yvette Vickers tenía un pánico absoluto al agua, por lo que durante el rodaje tuvo que ser ayudada y tranquilizada en más de una ocasión por Corman y su equipo. Más aún después del peligroso accidente mencionado.

Por lo visto, los trajes de originales de las sanguijuelas se rasgaron antes de comenzar el rodaje, sin poder ser convenientemente reparados. Años después, hablando sobre la película, el actor Bruno VeSota confesó que “Si ves un plano cercano de las criaturas te puedes romper las mandíbulas de reír. Se ven los tanques de aire asomando por los trajes de los monstruos”.

El rodaje de Sanguijuelas gigantes se completó en tan sólo ocho días, no superando el presupuesto los setenta mil dólares. Los exteriores se rodaron en el County Arboretum de Pasadena (California), lugar donde en su momento también se rodaron algunas películas de Tarzán.

Frases promocionales:

“Un horror que avanza lentamente… ¡Liberado por las profundidades infernales para matar y conquistar!” “¡Enormes y enloquecidos chupadores de sangre!”

EL MONSTRUO DE PIEDRAS BLANCAS

(THE MONSTER OF PIEDRAS BLANCAS)

EE.UU. 1959. 71 min. Film Service/Vanwick. B/N.

Producción: Jack Kevan. Dirección: Irvin Berwick. Guión: H. Haile Chace. Fotografía: Philip H. Lathrop. Música: Robert Emmett. FX: Jack Kevan.

Intérpretes: Don Sullivan (Fred), Jeanne Carmen (Lucy), Les Tremayne (Doctor.Jorgenson), Forrest Lewis (Sheriff Matson) y John Harmon (Sturges).

Sinopsis: Los cuerpos decapitados de una pareja de pescadores, los hermanos Finaldi, aparecen junto a la orilla de Piedras Blancas, un pequeño pueblo costero del Pacífico construido en torno a un faro marítimo. El Sheriff Matson y el Doctor Jorgenson se hacen cargo de la investigación, pero la casi total ausencia de pruebas les complica enormemente señalar a posibles sospechosos. Mientras tanto, Fred, un biólogo marino, entabla amistad con Lucy, la joven hija de Sturges, el farero. Fred tiene la oportunidad de comprobar la extraña personalidad de Sturges, un hombre huraño y solitario aficionado a comprar vísceras de animales y realizar extrañas visitas a la zona rocosa de la costa. Pronto comienzan a sucederse más crímenes, nuevos cuerpos decapitados que aparecen en varios puntos del pueblo. Algunas escamas de pez aparecen ocasionalmente en los lugares de los crímenes, como si hubiera sido una misteriosa bestia marina quien los hubiera cometido. Fred comienza a sospechar que el farero Sturges sabe algo que los demás en el pueblo desconocen.

Comentario: Dentro del argot cinematográfico anglosajón, el término rip-off hace referencia a aquellas películas que beben o se dejan influir excesivamente por otras precedentes. Como iremos viendo, el subgénero fantástico de bestias acuáticas es todo un ejemplo en lo referido a abundancia de rip-offs, y El monstruo de Piedras Blancas es uno de los primeros. Dentro de lo malo, este modesto filme tiene el buen gusto de tomar como modelo la estupenda La mujer y el monstruo (como dijo Coppola: “Si vas a plagiar, al menos hazlo de una buena película”), lo que en cierta forma aminora la gravedad de la falta. Aunque no estamos ante un insultante calco fotograma a fotograma, uno de esos que acaban ante los tribunales, sí existen algunos elementos que invitan a pensar en algo más que un homenaje a la película de Jack Arnold. El más importante de ellos es el del aspecto físico del monstruo, cuyo origen también parece ser prehistórico, que podríamos considerarlo como una especie de versión “cutre” del popular Gill-Man. Además, da la casualidad de que el encargado de su diseño no es otro de Jack Kevan, responsable en su momento de la confección de la criatura de la Laguna Negra. Parece que el amigo Kevan, también productor en El Monstruo de Piedras Blancas, tiró de algunos bocetos de su anterior filme para crear esta nueva bestia acuática. También cabe mencionar algunos planos, sobre todo aquellos en los que la garra del monstruo emerge del agua para palpar tierra firme, que recuerdan sobremanera a otros de La mujer y el monstruo.

Pero dejando a un lado posibles plagios y/o inspiraciones, hay que decir que El monstruo de Piedras Blancas es una baratija sin pretensiones que, en algunos momentos, incluso llega a resultar simpática. Aunque los errores técnicos, los altibajos narrativos (como la larga explicación del nombre de Piedras Blancas, al parecer debido a que las piedras de la costa se tiñen a menudo de blanco por los excrementos de las gaviotas) y la insistente banda sonora hacen algo incómoda la visión del filme, éste consigue alcanzar con suficiencia su objetivo, hacer pasar un rato divertido a un público juvenil y poco exigente. Y todo ello con un presupuesto bastante reducido. Quizá lo más positivo de la película sean las interpretaciones de los actores protagonistas, inusuales por su eficiencia en una producción de este tipo. Tanto Forrest Lewis, curtido actor de westerns; como Jeanne Carmen, quizás algo mayor para su papel de jovencita; o Don Sullivan, un habitual en las Series B fantásticas de los 50 y 60, cumplen sobradamente su trabajo. Sin embargo, no se puede decir lo mismo de algunos actores secundarios, tan estereotipados como forzados. Para los más morbosos, destacar también que El monstruo de Piedras Blancas es bastante explícita en lo que a muestras de decapitaciones se refiere. Las dosis de gore son bastante altas para la época.

Secuencias de interés:

Después de bucear en el mar en busca de ejemplares para sus investigaciones biológicas, Fred se abalanza sobre la bella Lucy y ambos se besan apasionadamente sobre la arena de la playa. La escena emula claramente a la de De aquí a la eternidad, donde Burt Lancaster y Deborah Kerr realizan el mismo acto amatorio.

La confesión de Sturges. El farero cuenta cómo poco después de morir su mujer encontró un insólito ser en una de las cuevas y comenzó a alimentarlo con pescado, hasta adoptarlo casi como a una mascota. Pensó que si le alimentaba no les haría daño. Cuando no pudo conseguir peces, comenzó a darle carne de animal. El monstruo dejó de comer pescado y se aficionó a la carne. El cambió de dieta inició el caos.

El desenlace. Sturges y Lucy son acorralados en lo alto del faro por el monstruo, que arroja al anciano al vacío mientras Fred y las fuerzas locales le disparan balas que no parecen infringirle el menor daño. Es entonces cuando Fred le ilumina con una linterna, ante cuya luz la bestia reacciona gruñendo de dolor. Fred le grita a Lucy que encienda el gran foco del faro. La chica lo hace y alumbra al hombre-pez, cegándole hasta que cae derrumbado.

“Se recuperará. Tiene un agujero en la cabeza, sufre un shock y sus manos han quedado aplastadas. Pero no encuentro otros daños”, dice el Doctor Jorgenson tras examinar a un herido. Puro optimismo médico.

“¿Está usted seguro de que fueron asesinados?”, le pregunta uno de los protagonistas al sheriff Matson, después de ver dos cadáveres decapitados.

Curiosidades:

El director Jack Kevan es la principal figura de renombre que encontramas en El monstruo de Piedras Blancas. Su fama no le viene por su poco relevante carrera como director, sino por ser uno de los más importantes maquilladores y expertos en efectos especiales de la década de los cincuenta, todo gracias a su trabajo en películas tan importantes como La mujer y el monstruo, El increíble hombre menguante, El hombre de las mil caras y The Mole People.

Al igual que otras producciones de este tipo, la película se rodó en lugares cercanos a Hollywood. En este caso, el pueblo de Cayucos y el faro de Punta Concepción.

Al parecer, la criatura es una mezcla de los diferentes diseños que Kevan utilizó en anteriores películas. Aparte de la cabeza, que si parece original, el torso recuerda al de Gill-Man, las manos a las de los hombres topo de The mole people, y las extremidades inferiores a las de los extraterrestres de Esta isla, la Tierra.

Existe una “pugna histórica” referente a quién interpretó el papel del monstruo de Piedras Blancas. Algunos dicen que fue el propio Jack Kevan quién se ocultó bajo el traje de la bestia por él diseñada, mientras otros sostienen que fue el actor Peter Dunn, que también interpretó a Eddie, el ayudante del sheriff. Sea como fuere, el papel tampoco es como para colgarse medallas.

Frases promocionales:

“¡El horror invade la playa!” “¡El demonio que camina por la Playa de los Amantes!”

“¡Se alimenta de carne humana!”

EL HORROR DE LA PLAYA BIKINI

(THE HORROR OF PARTY BEACH/INVASION OF THE ZOMBIES)

EE.UU. 1964. 78 min. Inzom Productions. B/N.

Producción: Del Tenney. Dirección: Del Tenney. Guión: Richard Hilliard. Fotografía: Richard Hilliard. Música: Bill Holmes y The Del-Aires. FX: Dina Harris y Robert Verberkmoes.

Intérpretes: John Scott (Hank Green), Alice Lyon (Elaine Gavin), Allen Laurel (Doctor Gavin), Eulabelle Moore (Eulabelle) y Marilyn Clark (Tina).

Sinopsis: El irresponsable vertido de una hilera de barriles llenos de sustancias tóxicas en aguas de Nueva Jersey provoca la alteración mutante de unos esqueletos corroídos, que emergen a la superficie convertidos en una suerte de hombres-peces. Su primer objetivo es un grupo de jóvenes que disfruta de una alegre fiesta en la playa. Allí, devoran brutalmente a una guapa joven que toma tranquilamente un baño. La subsiguiente ola de desapariciones de bañistas pondrá en alerta a las fuerzas de seguridad y a los científicos locales, que se las verán y desearán para contener las incontenibles ansias de estos monstruos mutantes a la hora de alimentarse de sangre humana.

Comentario: Los años sesenta no fueron una buena década para el subgénero de monstruos, tanto por la escasez de películas como por la ínfima calidad de éstas. Quizás fruto de una consciente limitación, durante estos años se produjeron algunas películas que trataban de fusionar éste subgénero con otros géneros o subgéneros. Si ya películas como La criatura del mar encantado trataban de fundir con nulo éxito el cine de bestias marinas con la comedia y el cine de espionaje, El horror de la Playa Bikini intenta, nada más y nada menos, que unir la temática de monstruo acuáticos con… ¡El musical de playa! O, por lo menos, eso parece, ya que la presencia y las actuaciones del singular grupo The Del-Aires son constantes a lo largo del metraje.

Como el lector puede imaginar, este intento de matrimonio entre subgéneros acaba dando lugar a un producto singularmente surrealista y decadente. El filme hace agua por los cuatro costados, naufragando en todos y cada uno de los aspectos técnicos y artísticos posibles. Uno de los errores más graves es que, tratándose de un pseudomusical, la música está horriblemente mal mezclada, tanto o peor que las propias imágenes. Además, la trama del filme está llena de agujeros, quizá más bien socavones, como es el hecho de que los vertidos tóxicos afecten a los esqueletos pero no al resto de la fauna y flora marina, o que el arma que finalmente acabe con los monstruos sea una solución salina, cuando éstos proceden del mar y deberían estar más que acostumbrados al sodio. Coexiste a su vez una subtrama romántica, perfecta expresión de la nada narrativa. Tampoco nada bueno se puede decir de las interpretaciones, que mayoritariamente lindan con lo amateur. El protagonista, Hank Green, es interpretado por John Scott, uno de esos inexpresivos guaperas de playa que tan en auge estuvieron en la series B de los cincuenta y sesenta. El resto del reparto está compuesto por actores de entre treinta y cuarenta años que hacen esfuerzos auténticamente sobrehumanos por aparentar ser felices veinteañeros. Mención aparte merece Eulabelle Moore, que interpreta a la criada de raza negra Eulabelle, heroína sorpresa del filme, ya que es ella quién descubre el remedio contra los engendros marinos. Se trata de uno de esos típicos personajes de raza negra de los años cincuenta y sesenta (e incluso setenta y ochenta) que parecen sentirse realizados sirviendo al hombre blanco y cuya finalidad es hacer reír al espectador W.A.S.P. cual chimpancé de zoológico. Como en Lo que el viento se llevó, racismo de lo más chungo en clave de humor.

Dentro de los apartados técnicos no podemos olvidarnos de la fotografía. Y es que el amigo Richard Hilliard nos deleita con un esforzado “clinic” sobre cómo no iluminar una película. Tales son sus ansias de conseguir una atmósfera tenebrosa, que en múltiples ocasiones no vemos prácticamente nada de lo que aparece en pantalla, tan sólo figuras grises moviéndose en fondos negros. Otras veces, como en el advenimiento de los monstruos marinos, muestra las imágenes con una difuminación exagerada, aunque aquí puede que su verdadero objetivo sea el de ocultar unos efectos especiales bastante irrisorios. Porque irrisorios son tanto los trajes de las bestias (tubos, bolsas de basura y pelotas de golf) como los efectos gore (ketchup untado en la piel que pretende simular profundas heridas mortales). Significativa dentro del subgénero sólo por su sorprendente extravagancia, El horror de la Playa Bikini es una cinta únicamente recomendable para mentes realmente enfermas.

Secuencias y diálogos de interés:

La primera víctima es una chica que, momentos antes de ser asesinada, flirtea con un “motero” y provoca una pelea entre bandas (macarras vs niños bien) bastante patética. Poco después se marcha a nado a una diminuta isla, donde los monstruos dan buena cuenta de ella. De esta secuencia se puede extraer una doble enseñanza: Uno, que ligar con gente “mala” puede provocar tu muerte; y dos, que si tienes más de treinta años y pretendes interpretar a una adolescente, lo más probable es que tu papel en la película sea corto.

Pasajes musicales. En las actuaciones de los Del-Aires las guitarras suenan muy bien, excepcionalmente bien. Sobre todo si tenemos en cuenta que ni si quiera están enchufadas…

Extracto de conversación “científica” entre el Doctor Gavin y Hank: Dr. Gavin: “Esa criatura comparte las necesidades ordinarias de la vida humana: proteínas, grasas, azúcares, etcétera… Pero al encontrarse sus órganos en tal estado de descomposición, necesita una sustancia vital para seguir viviendo.” Hank: “¿Sangre?” Dr.Gavin: “Sangre humana. Si un cuerpo humano, una persona ahogada, fuera atacada por diminutas plantas marinas y éstas lo llenasen de parásitos antes de que comenzara a descomponerse, ¿consideraríamos ese cuerpo muerto o vivo?” Hank: “¿Muerto?” Dr.Gavin: “No, está todavía vivo. Pero se ha convertido en… ¿una planta o un animal?” Hank Green: “¿Ambas cosas?” Dr.Gavin: “¡Un protozoo gigantesco!”

Curiosidades:

El director/productor Del Tenney, conocido en su momento como “el Roger Corman de Connecticut”, escribió y produjo también Psycho-Mania, I eat your skin y Curse of the Living Corpse, en la que debutó un joven Roy Scheider.

Al parecer, Del Tenney cayó enfermo durante el rodaje, lo que no le impidió planear varias escenas desde su cama mientras combatía altas fiebres. Así se comprenden algunas cosas de la película.

Hubo un par de accidentes bastante serios durante la filmación. Producto de ello, el alcalde de Stamford, localidad donde se rodó gran parte de la película, le prohibió tajantemente a Del Tenney volver a rodar allí.

The Del-Aires, banda de “rock garaje” de Nueva Jersey compuesta por Ronny Linares, Bob Osborne, Garry Jones y John Becker, gozaron de cierta popularidad a nivel local, llegando incluso a editar un disco en el que figuraban algunos temas de esta película. Después nunca más se volvió a saber de ellos.

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“¡Extrañas bestias atómicas… que viven de la sangre humana!”

OCTAMAN

EE.UU/México. 1971. 76 min. Filmers Guild/Heritage Enterprises. Color.

Productor: Michael Kraike y Harry Essex. Director: Harry Essex. Guión: Leigh Chapman y Harry Essex. Fotografía: Roberto Caramico. FX: Ron Kinney y Rick Baker.

Intérpretes: Pier Angeli (Susan), Kerwin Mathews (Rick), Jeff Morrow (Doctor Willard), Jerome Guardino (Davido) y Buck Kartalian (Octaman).

Sinopsis: Un pequeño grupo de jóvenes ecologistas viaja hasta un pueblo de la frontera entre México y EEUU con el fin de analizar las aguas, posiblemente contaminadas, de una laguna. Allí encuentran unas extrañas crías de pulpo que parecen haber experimentado misteriosas mutaciones. Pero mientras las estudian, una espantosa criatura comienza a acecharles. Se trata de un hombre-pulpo, extremadamente enojado por el rapto de sus crías, que comienza a vengarse eliminando a los miembros de la expedición. Los humanos supervivientes deciden dar caza al animal con el objetivo de poder estudiarlo en profundidad, pero éste no está ni mucho menos dispuesto a dejarse atrapar. Pronto, los medioambientalistas tendrán que preocuparse más por salvar sus vidas que por atrapar a Octaman, el legendario hombre-octópodo del que hablan las leyendas indias de la zona.

Comentario: Cuando repasamos las carreras cinematográficas de algunos guionistas, a veces nos sorprendemos de la irregularidad de éstas, llegando incluso a ser incapaces de comprender cómo es posible que el guionista de determinada película de gran prestigio lo sea también de cierto engendro fílmico. Un buen ejemplo de esta volubilidad cualitativa es Harry Essex, responsable literario de La mujer y el monstruo y, sorprendentemente, también de Octaman. ¿Cómo puede explicarse esto? ¿Crisis creativa? ¿Esquizofrenia?

La crisis del subgénero de monstruos marinos, precipitada ya en los años sesenta, continúo su marcha al iniciarse la década de los setenta, y no se detuvo hasta que Spielberg y su Tiburón evitaron que el agua y su misteriosa fauna acabasen convirtiéndose en objeto de mofa en vez de pánico. Octaman es, al igual que sus contemporáneas, otro vivo ejemplo de esta crisis. Aparte de que las intenciones de su creador, Harry Essex, parecen no ser otras que las de realizar una versión moderna de La mujer y el monstruo, lo que ya resta mucha originalidad al producto, el resultado final es bastante deficiente. Pero vayamos por partes…

El argumento de la película aporta más bien poco al subgénero, pero lo peor es que está tan mal desarrollado como explicado. Hay puntos de la trama en los que se prescinde de la más mínima aclaración, como son las “conexiones psíquicas” entre la chica protagonista, Susan, y Octaman. También vemos escenas exageradamente previsibles y absurdas, con personajes cuyos actos parecen buscar deliberadamente su propia muerte. Conceptos como suspense y ritmo narrativo son ya casos aparte. En lo referente al primero, basta con decir que en la secuencia de introducción ya podemos disfrutar de planos de cuerpo entero de Octaman, como si el director quisiese mostrarlo lo antes posible con el fin de evitar que algún espectador pudiese llevarse a engaño y esperar avanzado el metraje la explosiva aparición de un monstruo impactante. En cuanto al ritmo dramático, es curioso comprobar hasta que punto el tiempo es un concepto relativo, ya que Essex consigue que poco más de setenta minutos parezcan casi tres horas. Hay momentos desesperantes, como los diez minutos del tramo final del filme en los que nuestros protagonistas van de visita a la cueva de Octaman para no encontrar nada y volver a su caravana, un importante período de tiempo en el que la trama no avanza absolutamente nada.

Y qué decir de los actores, cuyas interpretaciones, más que malas, parecen notablemente desganadas. Interpretaciones que, por cierto, en las escenas nocturnas, son difícilmente apreciables, ya que prácticamente no se ve nada. Al parecer, Roberto Caramico, fotógrafo de la película, no estuvo muy acertado a la hora de escoger los filtros para simular noche artificial, ya que su traslucimiento es inexistente. Eso sí, a la hora ofrecer los tiros de cámara desde el punto de vista de Octaman estuvo mucho más inspirado. Aunque pueda invitar a la risa, al menos resulta curioso ver como el pulpo mutante ve a sus víctimas por quintuplicado. Para rematar los alardes técnicos contamos también con unos efectos especiales y una música bastante desternillantes. Los primeros, llevados a cabo por el posteriormente gran maestro Rick Baker, son toda una invitación a la carcajada, especialmente si nos fijamos en los lánguidos e inertes tentáculos de Octaman. Eso sí, al más mínimo contacto entre estos y su víctima, ésta cae fulminada como si un rayo le hubiera alcanzado. Una versión octópoda del temible “golpe del legionario”. En cuanto a la banda sonora, sólo decir que el tema principal es una música electrónica al más puro estilo “comecocos”, simple y repetitiva como ella sola. Concluyendo, otra olvidable cinta cuya visión sólo tiene razón de ser acompañada de algún tipo de estupefaciente.

Secuencias y diálogos de interés:

Las escenas de conexión mental entre Susan y Octaman son casi un viaje lisérgico. En rápidos planos contra plano, que incluyen la visión distorsionada de la realidad por parte de Octaman, ambos se observan en la distancia. De fondo, se escucha la chirriante musiquilla.

Últimos compases. Octoman ha atrapado a Susan y lleva en sus brazos, mejor dicho, sus tentáculos. Para detenerle y recuperar a su chica, Rick no planea otra cosa que rodear a ambos con un círculo de gasolina de poco más de dos metros de diámetro y prenderlo. Su objetivo, que Octaman se quede sin oxígeno y pierda el sentido. Como es de esperar, todo se cumple según lo previsto, aunque queda la seria duda científica de que alguien pueda desmayarse en tales circunstancias.

Hay un par de secuencias claramente inspiradas en La mujer y el monstruo. La primera es aquella en la que Octaman impide la huida de los protagonistas cerrándoles el paso con un enorme tronco. Aquí en vez de suceder en una laguna ocurre en una carretera. La segunda, el desenlace final, donde la chica consigue librarse de las garras de la bestia y después es tiroteado hasta desplomarse sobre el agua.

Curiosidades:

Dos son los nombres destacados que podemos encontrar en Octaman. El primero es el de un todavía joven e inexperto Rick Baker, hoy todo un maestro dentro del maquillaje de efectos especiales. Aquí hizo de sus primeros trabajos para la gran pantalla, confeccionando en seis semanas un poco convincente monstruo cuyo coste no superó los mil dólares. Años después, Baker demostraría su verdadero talento en películas como La guerra de las galaxias, Videodrome o Aullidos. La otra personalidad de interés es la actriz de origen italiano Pier Angeli, protagonista de este filme y que murió de una sobredosis de barbitúricos poco después de terminado el rodaje de Octaman. Al parecer,

la actriz sufría una fuerte depresión producto de su frustrado sueño de convertirse en una actriz de renombre, aspiración que al comienzo de su carrera llegó a acariciar. Durante sus mejores años, llegó a tener un breve idilio con James Dean, que su madre supuestamente abortó argumentando que Dean no era católico. Entre los títulos más importantes legados por Angeli figuran Marcado por el odio, La batalla de las Ardenas y Sodoma y Gomorra.

La película se rodó en el Cañón Bronson de Los Angeles y en México.

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“Ciencia Ficción… Alien o mutación… Hombre o reptil…” “¡Horror a raudales producto de la basura nuclear!”

RANAS

(FROGS)

EE.UU. 1972. 91 min. American International Pictures/Peter Thomas Productions. Color.

Producción: George Edwards y Peter Thomas. Dirección: George McCowan. Guión: Robert Blees y Robert Hutchison. Fotografía: Mario Tosi. Música: Les Baxter. FX: Tom Burman y Joe Sidore.

Intérpretes: Ray Milland (Jason Crockett); Sam Elliot (Pickett Smith); Joan Van Ark (Karen Crockett); Adam Roarke (Clint Crockett); Holly Irving (Iris Martindale).

Sinopsis: Jason Crockett, un potentado y paralítico anciano, celebra su cumpleaños en una isla de su propiedad situada en lo profundo del Sur de Estados Unidos. Al evento acuden todos sus familiares, amén de Pickett Smith, un fotógrafo de una revista medioambiental que ha sufrido un accidente en los alrededores. Como principal acto de su aniversario, el gruñón y poco ecologista Crockett planea envenenar a toda la fauna que habita tanto en su terreno como en el pantano que lo rodea, compuesta principalmente por reptiles y anfibios. La razón, que éstos se han reproducido de tal manera que les hacen la vida casi imposible a los que habitan el lugar. Para llevar a cabo la fumigación cuenta con la ayuda de sus familiares y sus empleados domésticos, y con la frontal oposición del recién llegado Pickett Smith. No tardará en comenzar una guerra entre naturaleza y hombre en la que éste parece tener todas las de perder.

Comentario: A pesar de que el cartel de esta película invitaba a pensar en una espectacular película con un ejército de ranas celebrando un festín de carne humana a costa de un grupo de infelices, el argumento real es bastante distinto. Tan distinto que incluso la presencia de las ranas a lo largo del metraje es más testimonial y simbólica que otra cosa. Estos animalillos, que son más bien sapos que ranas, cumplen una función más próxima a una suerte de liderazgo espiritual de la fauna de la cenagosa isla que a la de sangrientos ejecutores, tarea que acaban desempeñando animales mejor dotados para tales lides. Hecha esta necesaria aclaración, sigamos.

Sin ser un buena película, Ranas es al menos una película curiosa, una especie de Rebelión en la granja en la que caballos, vacas y cerdos son sustituidos por anfibios, reptiles, insectos y otras especies. El funcionamiento de la trama es similar al de cualquier película estándar de terror, un body count en el que, de manera bastante previsible, los personajes van siendo eliminados uno por uno. Simple, pero más o menos efectiva. Cuenta con la ventaja, o desventaja, de tener que ofrecer unos asesinatos más o menos originales, ya que, obviamente, una rana o un lagarto no están tan bien dotados para el manejo de las armas blancas como Leatherface o Jason Voorhees. ¿Lo consigue? Bueno, quizás en algunas ocasiones los crímenes sí que sorprenden gratamente por su ingenio, pero en otras, desgraciadamente, invitan más bien a la risa. Más regular es el apartado interpretativo, lo más salvable del filme, ya que entre los actores se encuentran rostros tan fiables y populares como los de Ray Milland, Joan Van Ark y un joven Sam Elliot, éste último extraordinariamente ceñido en sus pantalones setenteros. El resto de los intérpretes cumplen aceptablemente su trabajo. Técnicamente, la película también padece ciertas irregularidades, especialmente plasmadas en el aspecto fotográfico. Por un lado, las localizaciones escogidas son bastantes inquietantes y están bien fotografiadas, así como muchos de los planos tomados de la fauna que vive en la ciénaga. Pero por otro lado, podemos apreciar también errores de bulto, como escenas de día y noche que se alternan sin lógica, amén de las clásicas imágenes de archivo tan empleadas en este tipo de producciones B. En cuanto a los efectos especiales, sólo decir que abundan más bien poco, ya que la mayoría de los asesinatos se construyen a partir de confrontaciones de planos entre víctima y animales reales. Aún así, cuando son necesarios, son medianamente correctos. Mejor es la música, una inquietante melodía donde, en la línea de La Matanza de Texas, se entremezclan sonidos no musicales, en este caso ruidos y chirridos de la naturaleza salvaje. En definitiva, un filme que, aunque nunca consigue explotar en todo su esplendor la histeria que la situación podría provocar en el grupo de víctimas, consigue resultar agradablemente entretenido.

Secuencias y diálogos de interés:

Un momento cumbre de Ranas tiene lugar cuando Tía Iris, la hermana neurótica de Jason Crockett va al bosque a cazar mariposas. Allí es sorprendida por una horda de serpientes que comienzan a perseguirla. Finalmente, Iris cae de cabeza sobre una cenagosa charca, donde las sanguijuelas dan buena cuenta de ella.

Jason Crockett encuentra finalmente su muerte en manos de sus odiadas ranas, las cuales, una vez despachado o huido el resto del reparto, le acosan sin piedad hasta que provocan su caída de la silla de ruedas y su inmediata muerte.

“¡No voy a dejar que nada estropee mi cumpleaños! ", dice Jason Crockett, después de que varios de sus parientes e invitados hayan desaparecido. Todo un carácter.

Curiosidades:

La presencia del magnífico Ray Milland, que iniciaba ya aquí el declive de su carrera tras haber sido uno de los grandes actores del Hollywood, es uno de los principales reclamos de la película. Protagonista de películas como Días sin huella (Oscar al mejor actor en 1945), Crimen perfecto y El hombre con rayos X en los ojos, su último papel antes de morir fue en la española Serpiente de Mar, posteriormente comentada en este libro. Destacar también la presencia de Sam Elliot (Máscara, El gran Lebowski, Hulk) y la televisiva Joan Van Ark (Dallas).

Buena parte de las seiscientas ranas y sapos comprados para la película se escaparon durante el rodaje. Parece que la rebelión animal fue más allá del guión.

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“¡Hoy, la charca! ¡Mañana, el mundo!”

ZAAT

(BLOOD WATERS OF DR. Z/ATTACK OF THE SWAMP CREATURES/HYDRA)

EE.UU. 1972. 100 min. Barton Films. Color.

Producción: Don Barton. Dirección: Don Barton y Arnold Stevens. Guión: Ron Kivett y Lee O. Larew. Fotografía: Jack McGowan. Música: Jamie DeFrates, Barry Hodgin y Jack Tamul. FX: Martha Fillyaw, Ron Kivett y Les Lancaster.

Intérpretes: Marshall Grauer (Doctor Kurt Leopold), Paul Galloway (Sheriff Krantz), Gerald Cruse (Rex), Sanna Ringhaver (Agente Martha Walsh) y Dave Dickerson (Agente Walker Stevens).

Sinopsis: El Doctor Leopold, un excéntrico científico humillado por el trato denigrante que recibe de sus colegas y de la sociedad en general, decide tomarse cumplida venganza transformándose en un monstruo acuático. Para ello se sumerge en un compuesto químico especial que le convierte en una horrible mutación de humano y pez gato. A partir de ese momento sus planes no serán otros que raptar gente, preferiblemente atractivas jovencitas, y transformarla en seres de su misma, nueva y poderosa especie. Pronto comienza a rondar un lago cercano…

Comentario: Con Zaat se cierra una etapa dentro del subgénero de monstruos acuáticos que, más que por el talento, parece influida por el uso creativo de sustancias alucinógenas. Y es que sólo así se puede entender la producción de películas como El horror de la Playa Bikini, Octaman o esta misma Zaat. Aquí, de buenas a primeras, nos topamos con una suerte de introducción, angustiosamente larga, más parecida a un documental marino de La2 que al inicio de una película de género fantástico. Después comienza a desarrollarse la historia, una trama tan absurda como simple que no pocas veces invita a la carcajada. Los diálogos son terriblemente ramplones y los personajes versiones andantes de cualquier escultura de Oteiza. Para empeorarlo todo, las escenas de raptos y asesinatos son tremendamente cortas y en absoluto explícitas. A veces uno tiene la sensación de estar viendo una película de terror de los años treinta, no precisamente de las buenas, hecha cuarenta años después. Casi como un Ed Wood de los setenta.

Dejando a un lado cuestiones argumentales, cabe señalar que técnicamente el filme no es tan deficiente, aunque tampoco es como para tirar cohetes. Lo más destacable es la fotografía submarina, bastante aceptable, a pesar de que varias de las imágenes parecen de archivo y que no encaja muy bien el hecho de ver corales y peces tropicales en un pantano de agua dulce. Menos digeribles son el montaje, totalmente amateur, y la iluminación, en ocasiones bochornosamente oscura. Buen ejemplo de esto último es la escena de lucha entre el monstruo y los agentes de INPIT, unos investigadores tipo Expediente X, en donde sabemos que están peleando sólo por los gritos y el sonido de los golpes. Y dejamos lo mejor para el final: el traje del monstruo. Para hacerse una idea del mismo, basta revisar algún capítulo de la célebre serie Doctor Who y echar un vistazo a alguno de los alienígenas que en ella aparecían. Básicamente, la calidad es la misma. Eso sí, sin olvidar que nuestro querido hombre-pez gato tiene una espesa mata de pelo en la coronilla. Realmente hay que ser muy optimista para pretender tomar el mundo con monstruos de tan singular apariencia. Indeliberadamente desternillante.

Secuencias y diálogos de interés:

Tras la interminable introducción documental, vemos la que, de largo, es la escena más aterradora de la película. El anoréxico Doctor Leopold se desviste hasta quedarse en calzoncillos antes de introducirse en el tanque químico. La visión de sus magras “canillas” provoca auténtico pánico.

Después de volcar una embarcación y acabar con buena parte de sus ocupantes, el monstruo persigue hasta la orilla a una mujer que intenta escapar. Una vez que la da caza, le golpea de manera tan absurda que parece que le esté quitando un bicho de encima en vez de atestándole un zarpazo mortal. Sobra decir que la víctima cae fulminada por efecto del roce.

La clásica persecución final se desarrolla de manera muy curiosa. El líder del grupo de los “buenos” decide separarse del resto y seguir el rastro del mutado Doctor Leopold, mientras le dice a los otros que vayan a casa de éste. Nuestro héroe carga su pistola y monta en una barquichuela. Recorre afanosamente el pantano y es atacado por serpientes. Tras superar todos los obstáculos el rastro le lleva hasta… la casa del Doctor Leopold, donde todos suponían que éste iba a ir. Una poco apañada forma de justificar la aparición de un puñado de escenas “espectaculares”.

Curiosidades:

Zaat fue escasísimamente distribuida y se ha convertido en toda una rareza. En Internet su productor, un ya anciano Don Barton, ha colgado una página (www.zaat2000.com) donde celebran alegremente el treinta aniversario de la película y venden objetos de todo tipo relacionados con ésta.

La película fue reestrenada en 2000, reuniendo a muchos de los responsables de la misma y a un buen número de acérrimos freaks.

Al parecer la copia que circula mayoritariamente de la película está notablemente cortada. Algunos de los que han tenido el privilegio de verla íntegra dicen que la película gana mucho. Parece harto difícil.

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“Destrozará tus sentidos y te sumergirá en una cienaga de repulsión…” “Una invitación a un baño bajo la luz de la luna… ¡Donde el terror acaba y la locura comienza!”

TIBURÓN

(JAWS/STILLNES IN THE WATER -Título de rodaje-)

EE.UU. 1975. 124 min. Universal Pictures. Color.

Producción: Richard Zanuck y David Brown. Dirección: Steven Spielberg. Guión: Peter Benchley y Carl Gottlieb. Fotografía: Bill Butler y Rexford L. Metz. Música: John Williams. FX: Roy Arbogast y Robert A. Mattey.

Intérpretes: Roy Scheider (Martin Brody), Richard Dreyfuss (Matt Hooper), Robert Shaw (Quint), Lorraine Gary (Ellen Brody) y Murray Hamilton (Alcalde Larry Vaughn).

Sinopsis: Amity Island. Una joven turista es devorada en mitad de la noche mientras nada en una playa de la isla. A la mañana siguiente, su cadáver aparece en la orilla con evidentes signos de haber sido víctima de algún animal acuático sumamente voraz. Martin Brody, jefe de policía del Amity, hace amago de cerrar las playas, pero el alcalde de la localidad se lo prohibe alegando la importancia del turismo para el pueblo. Un segundo ataque, en este caso un niño devorado por una bestia marina, hará que los habitantes de Amity cobren consciencia de la existencia de un depredador en sus aguas. Acto seguido, unos pescadores locales logran cazar un enorme tiburón, pero la disección de éste, llevada a cabo por Matt Hooper, un joven biólogo consultado por Brody, descarta que se trate del tiburón que buscan. Posteriores ataques y nuevas víctimas obligarán a Brody, Hooper y Quint, un veterano y rudo pescador, a embarcarse en busca de lo que parece ser un gigantesco tiburón blanco.

Comentario: Sin un ápice de duda, podemos afirmar que Tiburón es la gran película del subgénero de monstruos acuáticos, y también sin duda una de las grandes dentro de la historia del cine fantástico y de terror. Y es que, junto a El Exorcista, es posiblemente el filme que una mayor ola de pánico social ha generado. Muchos fueron los que pensaron un buen rato si meterse o no en el agua después de ver esta obra magna de Steven Spielberg.

Tiburón es una perfecta fusión entre el cine de monstruos de los años cincuenta y el cine clásico de aventuras, todo ello enriquecido con la acertada explotación del atávico miedo del ser humano al agua. La primera parte de la película funciona como una soberbia trama de suspense en la que se nos oculta la identidad del asesino, impidiéndonos ver la bestia que todos sabemos habita bajo las aguas de Amity. Una vez desvelado el misterio, el filme se convierte en un magnífico espectáculo aventuresco que nos remite directamente a la célebre Moby Dick, para finalmente ofrecernos un desenlace en el que se mezcla la tensión, el drama y un relativo happy end. Pero para que todo ello funcione de manera sobresaliente, hay tres aspectos que se erigen fundamentales: la excepcional dirección de Steven Spielberg, la fabulosa construcción de los personajes principales y las magníficas interpretaciones. Por la parte que le toca, y ayudado por un gran trabajo de fotografía (especialmente submarina) y de montaje, Spielberg lleva a cabo una labor fascinante desde el punto de vista visual. Son incontables los detalles a destacar en ella, desde los tiros de cámara nadires a partir del punto de vista del tiburón o los agobiantes primeros planos de los personajes en el agua, hasta los vertiginosos zooms o los planos picados y contrapicados dotados de una increíble profundidad de campo. También consigue el director de origen judío manejar a la perfección el creciente suspense del filme, forzándolo y reduciéndolo a su antojo y haciéndoselas pasar canutas al espectador durante las dos horas de metraje. Todo esto después de ganarse nuestra confianza con un primer acto donde agradables y ocurrentes escenas costumbristas abundan en la pantalla.

En cuanto la desarrollo de los personajes, mérito éste de Peter Benchley y Carl Gottlieb, destacan la originalidad y la tremenda carga humana del personaje de Brody, un policía inseguro (de los pocos en la historia del cine made in Hollywood) enfrentado a una terapia de choque en la superación de sus miedos; el brillante alivio cómico que supone Hooper, un dinámico científico en pos de la sabiduría; y la “entrañable” rudeza Quint, detrás de la que se esconde un miedo atroz a su entorno natural y social. Las relaciones entre los tres son un constante tira y afloja lleno de tensión, donde a veces parecen más empeñados en batallar entre sí que contra la bestia que les amenaza. Y los tres actores que encarnan a Brody, Hooper y Quint están sin duda a la altura de la grandeza de sus personajes. Aunque quizás Richard Dreyfuss y Roy Schreider pequen ligeramente, por exceso y defecto, en su repertorio gestual, el trabajo inconmensurable de Robert Shaw como Quint les convierte a ambos en soberbios actores. Y es que Shaw realiza en este filme una de las mejores interpretaciones de su carrera, llenando por completo la pantalla y convirtiéndose en un punto de referencia constante para el espectador, siempre atento a las evoluciones del gruñón pescador.

No podemos olvidarnos de la popular banda sonora del filme, obra y gracia del afamado John Williams. Aquí Williams hizo maravillas a la hora de reforzar la ténebre atmósfera de las escenas de suspense, componiendo una melodía principal sobrecargada de graves que creó escuela dentro del cine fantástico. Para muchos, una de las partituras más efectivas de la historia del cine, de las que mejor se adapta al contenido de la película que acompaña. Menos adulado, aunque también brillante, es el otro tema principal del filme, éste de corte más aventuresco y que se hace más presente en la segunda mitad del metraje. Tampoco podemos dejar de lado los efectos especiales obra de Roy Arbogast y Robert A.Mattey, responsables de dar vida a un monstruoso escualo que, aunque algo rígido en ocasiones, consigue sobradamente poner los pelos de punta al espectador. Triste es decirlo, pero aún hoy muchos de los tiburones que aparecen en películas de este subgénero, escualos CGI incluidos, resultan menos convincentes y realistas que éste.

Tiburón es algo más que un filme de puro entretenimiento, consituyéndose en toda una reflexión sobre el miedo y las inseguridades del ser humano, perfectamente encarnadas en el personaje del Jefe de Policía Martin Brody. Un miedo que bien puede deberse a lo que habita bajo las profunidades marinas, o a nuestra propia existencia, a nuestro propio futuro. Sobra decir que la película ha envejecido casi a la perfección. Ni el miedo al agua, ni la destreza visual que Spielberg demuestra aquí han sido enteramente superados.

Secuencias y diálogos de interés:

La primera sangre. La brillante secuencia de apertura, la del ataque nocturno, funciona como una soberbia y contundente actualización de la célebre escena entre Julia Adams y la criatura en La mujer y el monstruo. Tanto la embestida como el arrastre de la joven turista, con la bestia fuera de campo, tienen un poder dramático sobresaliente, así como asfixiante es la alternancia entre planos nadires y primeros planos.

El ataque al niño en la playa. Aquí Spielberg da una auténtica lección en lo que a creación de suspense se refiere. Se trata de una secuencia casi coral, intensamente dinámica y plagada de interesentas detalles, como el llamativo color rojo del bañador del chaval inmediatamente devorado.

El monólogo de Quint hablando del U.S.S Indianapolis es uno de los momentos más sublimes del filme. Aquí Spielberg y compañía dejan los horrores al servicio de la imaginación del espectador. La escena comienza con una disputa amable entre Quint y Hooper referente a sus cicatrices corporales, lo que da a pie a que el primero cuente su trágica historia. La escena es todo un ejemplo de tensión, dramatismo e interpretación. Estremecedora. Este es el monólogo íntegro:

“Mil cien hombres fueron a parar al agua. El barco se hundió en doce minutos. No ví el primer tiburón hasta media hora después. Un tigre. De cuatro metros. ¿Usted sabe cómo se calcula esto estando en el agua? Usted dirá que mirando desde la dorsal hasta la cola… Nosotros no sabíamos nada. Nuestra misión de la bomba se hizo tan en secreto que ni siquiera se radió una señal de naufragio. No se nos echó de menos hasta una semana después… Con las primeras luces del día llegaron muchos tiburones, y nosotros fuimos formando grupos cerrados. Algo así como aquellos antiguos cuadros de batalla, igual que el que había visto en una estampa de la de Waterloo. La idea era que cuando el tiburón se acercara, uno de nosotros empezará a gritar y a chapotear. Y a veces el tiburón se iba. Pero otras veces permanecía allí. Y otras se quedaba mirándole a uno fijamente a los ojos… Una de sus características es sus ojos sin vida, de muñeca, ojos negros y quietos. Cuando se acerca a uno se diría que no tiene vida. Hasta que le muerde… Esos pequeños ojos negros se vuelven blancos, y entonces… Ah, entonces se oye un grito tremendo y espantoso, el agua se vuelve de color rojo, y a pesar del chapoteo y del griterío, ves como esas fieras se acercan y te van despedazando… Supe luego que aquel primer amanecer perdimos cien hombres. Creo que los tiburones serían un millar, que devoraban hombres a un promedio de seis por hora. El jueves por la mañana me tropecé con un amigo mío, un tal Robinson, de Cleveland, jugador de béisbol, bastante bueno. Creí que estaba dormido. Me acerqué para despertarlo. Balanceaba de un lado a otro, igual que si fuera un tentetieso. De pronto volcó y ví que había sido devorado de cintura para abajo… A mediodía del quinto día, apareció un avión de reconocimiento. Nos vió y empezó a volar bajo para identificarnos. Era un piloto joven, quizás más joven que el Señor Hooper, que, como digo, nos vió. Y tres horas más tarde llegó un hidro de la Armada que empezó a recogernos. ¿Y saben una cosa? Fueron los momentos en que pasé más miedo, esperando que me llegará el turno. Nunca más me pondré el chaleco salvavidas… De aquellos mil cien hombres que cayeron al agua, sólo quedamos trescientos dieciséis. Al resto los devoraron los tiburones el veintinueve de junio de mil novecientos cuarenta y cinco”.

La muerte de Quint. Justo cuando el espectador ha comenzado a coger cariño al intratable pescador, se produce su muerte. Se trata de una escena especialmente dramática, ya que el rudo Quint se transforma en cuestión de segundos en un ser indefenso y aterrado, un niño que llora de pánico y grita histéricamente con un timbre de voz casi femenino.

Alcalde Larry Vaughn: “Martin, todo es cuestión de psicología. Gritas ¡Barracuda! y todo el mundo dice ‘Bueno, ¿y qué?’ Gritas ¡Tiburón! y cunde el pánico y adiós temporada de verano”.

La canción de Quint: “Ya me marcho de aquí, linda dama española. Adiós que me voy, oh, preciosa mujer… Porque orden tenemos de zarpar hacia Boston. Y ya quizá nunca nos volvamos a ver…”

Curiosidades:

Numerosas son las celebridades que se reunieron en Tiburón. A la dirección, un casi debutante Steven Spielberg que con el paso de los años acabaría convirtiéndose en uno de los realizadores más exitosos del cine moderno gracias a títulos como Encuentros en la Tercera Fase, E.T. El extraterrestre o En busca del arca perdida. Entre los actores, rostros tan distinguidos como Roy Scheider (French Connection, Empieza el espectáculo, Marathon Man), Richard Dreyfuss (American Graffiti, Inserts, Encuentros en la Tercera Fase) y Robert Shaw (El golpe, Pelham uno, dos, tres, Abismo).

El rodaje de se llevó a cabo en Martha´s Vineyard (Los Viñedos de Martha), un idílico pueblo cuyas aguas tienen poca profundidad, incluso a varios kilómetros de la orilla. Gracias a esto, Spielberg pudo ver cumplidos sus deseos de rodar en mar abierto y Robert Mattey, jefe de efectos especiales, pudo montar una plataforma submarina para mover al tiburón.

A pesar de la accidentadísima producción (el rodaje se alargó hasta casi seis meses), el resultado final fue excelente. Y es que, desafortunadamente, o quizás afortunadamente, el tiburón mecánico principal, bautizado cariñosamente como Bruce, dejó de funcionar correctamente a los pocos días de filmación por culpa de la corrosión salina. Spielberg estuvo a punto de renunciar, pero los productores le animaron a que siguiera con el proyecto. Fue aquí cuando el director dió lo mejor de si mismo y optó de manera inteligentísima por volcar la tensión del filme sobre los personajes, los tiros de cámara y la presencia no visible del animal en vez de sobre sus apariciones físicas. Producto de esto son las apariciones de una serie de objetos (restos de embarcadero y barriles) como indicadores de la presencia amenazante del animal. Un astuto recurso que multiplicó por mil el suspense previsto en la historia.

El monólogo de Quint fue producto de un arduo trabajo de grupo. En su elaboración trabajaron Howard Sackler, John Milius y el propio Robert Shaw.

Hay una serie de interesantes variaciones de la película con respecto al libro de Benchley. Entre estas cabe destacar la relación entre Hooper y la Señora Brady, que en la novela va mucho más allá de la simple amistad, y los finales del propio Hooper y el escualo. Además, el libro es considerablemente más macabro. Los primeros acordes de la música principal de la película, tan copiada después por otras producciones, recuerdan sospechosamente al comienzo de La Sinfonía del Nuevo Mundo de Dvorák. Aún así se trata de un melodía fantástica, por la que John Williams ganó merecidamente un Oscar, premio que también obtuvieron Verna Fields por su excelente trabajo de montaje y Robert L. Hoyt, Roger Heman, Earl Madery y John Carter por el sonido.

El guionista Carl Gottlieb interpreta a Meadows, ayudante de Brody, mientras que Peter Benchley hace un pequeño papel de reportero. De Steven Spielberg es la voz que suena en la radio en las primeras secuencias.

John Alves Jr., posterior director de Tiburón 3: El gran tiburón, fue aquí diseñador de producción.

Rodney Cox, campeón de pesca submarina que fue atacado por un tiburón blanco en 1963, también participó en el rodaje. Y lo hizo a pesar de los casi quinientos puntos de sutura que tuvieron que darle doce años atrás.

Frases promocionales:

“Ella fue la primera” “Cuando las playas abran este verano, sus mandíbulas te atraparán”

MAKO, EL TIBURÓN DE LA MUERTE

(MAKO: JAWS OF DEATH/THE JAWS OF DEATH)

EE.UU. 1976. 91 min. Mako Associates/Universal Majestic. Color.

Producción: William Grefé. Dirección: William Grefé. Guión: William Grefé y Robert Madaris. Fotografía: Julio C. Chávez y Jordan Klein. Música: Lewis Perles.

Intérpretes: Richard Jaeckel (Sonny Stein), Jennifer Bishop (Karen), Buffy Dee (Barney), Harold Sakata (Pete) y Ben Krokek (Profesor Whitney).

Sinopsis: Costa de Florida, Estados Unidos. Sonny Stein es un buceador que realiza trabajos esporádicos para un instituto biológico y que tiene como mascotas a una pareja de escualos, Sammy y Mathilde. Gracias a su rutina laboral y a un misterioso amuleto, ha desarrollado unas dotes especiales que le permiten comunicarse con estos peces, los cuales se han convertido prácticamente en sus únicos amigos. Su tranquila vida, sólo perturbada por los “correctivos” que de vez en cuando suministra a algún que otro cazador de tiburones, se ve alterada por las proposiciones del Profesor Whitney, científico del instituto biológico, y Barney, el avaricioso dueño de un bar de la zona. Mientras el primero desea que Sonny le ceda a la preñada Mathilde con fines investigatorios, el segundo quiere que Sammy forme parte del espectáculo acuático del bar en el que Karen, pérfida mujer del empresario, actúa. Del trato que ambos individuos den a los tiburones de Sonny, dependerá la mayor o menor duración de sus vidas.

Comentario: Tras el sonado éxito de Tiburón, pronto comenzaron a aparecer películas que, aprovechando el filón, empleaban a temibles escualos u otras bestias acuáticas como reclamo principal. Mako, el tiburón de la muerte fue la primera de ellas y, curiosamente, visto lo que vendría después, es la que menos parece inspirarse en el filme de Spielberg. Con Sting of Death, William Grefé había debutado dentro del subgénero de monstruos acuáticos, mientras que con Stanley, la historia de la “amistad” entre un hombre y una serpiente de cascabel, ya había indagado en las extrañas relaciones que pueden darse, al menos cinematográficamente, entre seres humanos y animales. De ideas plasmadas en ambos filmes nace Mako, el tiburón de la muerte, un filme curioso, aunque algo desbordado por sus pretensiones argumentales.

La principal laguna de la película es, probablemente, la carencia de un ritmo adecuado. La primera parte del filme se detiene excesivamente en las relaciones entre Sonny y los tiburones, escenas que llegan a resultar bastante tediosas. Para cuando la trama comienza a desarrollarse y empieza el acción, el espectador está ya un poco hastiado del protagonista y ha perdido buena parte de la empatía que debería sentir potencialmente por este incomprendido personaje. Aún así, la segunda parte del filme contiene algunos buenos momentos, en especial las magníficamente simuladas escenas de ataque con tiburones reales, que elevan la valoración final de la película. Mako, el tiburón de la muerte es claramente una de esas series B destinadas en su momento a ser pasto de los autocines veraniegos. Probablemente lo mejor que tenga es su original argumento, a pesar de su irregular plasmación en imágenes. Tanto la producción como la dirección son bastante toscas (los desnivelados encuadres y los obsesivos zooms no dicen mucho de las capacidades visuales de Grefé), notándose en ellas la importante falta de presupuesto. Tampoco mucho mejor son las interpretaciones, con unos secundarios y extras sobreactuadísimos, donde sólo destaca el trabajado y convincente papel de Richard Jaeckel. Algo mejores son la música, sobre todo las composiciones de carácter más idílico, y la muy correcta fotografía submarina.

En definitiva, una película no del todo bien resuelta, quién sabe si por falta de presupuesto o de talento, o de ambas cosas, que concebida de otro modo podría haberse convertido en una notable sucesora de Tiburón. Aún con todos sus defectos, merece un visionado.

Secuencias y diálogos de interés:

Tras sorprender a Charlie y Pete, dos pescadores locales, cazando escualos a tiro limpio, Sonny no duda en darles su merecido. Después de una reprimenda en off (bueno, a Charlie vemos como le clava un stick explosivo en plena frente), somos testigos de la accidentada llegada de la embarcación al muelle. Mientras Pete es arrastrado por el agua merced a un gancho clavado al paladar, Charlie cuelga en la popa del barco como un tiburón más.

Sangriento espectáculo. Engañado por Karen, y tras dar buena cuenta de su marido, Sonny decide rasgar la membrana de seguridad transparente que separa a la chica del escualo en su espectáculo acuático. Ante los horrorizados ojos de los asistentes a la curiosa fiesta “pre-huracán” del bar del Barney, el pez devora a la nadadora.

“Debes matar a toda la gente que puedas.”, pide un vengativo Sonny a su amigo Sammy mientras se desangra por efecto de los disparos de la policía. Acto seguido, se quita su amuleto protector y se lanza a las fauces del escualo para ser devorado.

Curiosidades:

El director William Grefé hizo sus primeros pinitos dentro del explotation cinema de los años 60, donde cabe destacar Death Curse of Tartu y el filme de monstruo acuático Sting of death. También trabajó en algunas películas de Herschell Gordon Lewis y dirigió la escenas de tiburones de la jamesbondiana Vive y deja morir. Ya en los setenta, abandonó la serie Z para estabilizarse en la serie B, donde dirigió filmes como Stanley, Impulse y éste que nos ocupa. Otro rubro técnico a destacar es el del fotógrafo submarino Jordan Klein, todo un maestro de su especialidad que ha trabajado en película como Tiburón 3: El gran tiburón, Nunca digas nunca jamás y Cocoon.

En cuanto al capítulo de actores cabe nombrar al neoyorquino Richard Jaeckel (Doce del patíbulo, La brigada del Diablo, Pat Garret y Billy the Kid), uno de los pocos rostros conocidos de Mako. Su presencia en esta modesta película choca especialmente, ya que pocos años antes había llegado a ser nominado al Oscar al mejor actor secundario por su papel de hermano de Paul Newman en Casta Invencible (inolvidable la angustiosa escena en la que su personaje muere absurdamente ahogado en el río). También merece ser nombrado Harold Sakata, luchador profesional de origen hawaiano, recordado por su papel de “Odd Job” en Goldfinger. De hecho, en los créditos de Mako aparece como Harold “Odd Job” Sakata.

Los responsables de la película aseguraron en su momento que la película fue rodada sin jaulas de seguridad, peces mecánicos u otros trucajes. Vamos, tiburones a palo seco. De hecho, la película abre con un rótulo de agradecimiento a los especialistas por su arriesgado trabajo. Aunque no resulta fácil de creer, las imágenes del filme invitan a pensar que es cierto, ya que en más de una ocasión observamos claramente como los actores (suponemos que dobles especialistas) interactúan en pantalla con escualos auténticos. Meritorio.

Frases promocionales:

“¡Terror Puro! ¡Filmado sin la ventaja de jaulas, tiburones mecánicos u otros dispositivos de protección!” “Tiburones asesinos de las profundidades que lanzan una ofensiva de terror” “Cuando algunas personas hacen que Sonny pierda el control, él las convierte en alimento para sus amigos”

ONDAS DE CHOQUE

(SHOCK WAVES/ALMOST HUMAN/DEATH CORPS)

EE.UU. 1977. 85 min. Zopix Company. Color.

Producción: Reuben Trane. Dirección: Ken Wiederhorn. Guión: John Kent Harrison, Ken Pare y Ken Wiederhorn. Fotografía: Irving Pare. Música: Richard Einhorn. FX: Alan Ormsby.

Intérpretes: Brooke Adams (Rose), Luke Halpin (Keith), Peter Cushing (Comandante SS), John Carradine (Capitán Ben) y Jack Davison (Norman).

Sinopsis: El Buenaventura, un barco de travesías turísticas, navega por aguas del Caribe con un pequeño grupo de excursionistas a bordo. Además de Ben, el capitán de la nave, y su ayudante Keith, viajan los jóvenes Rose y Chuck y el matrimonio formado por Norman, un vendedor de coches, y su esposa Beverly. Tras observar un curioso fenómeno solar que tiñe todo de naranja durante el día, la embarcación choca en mitad de la noche contra un misterioso barco varado en mitad del mar. A la mañana siguiente, mientras descubren que se trata de un viejo buque militar oxidado, Keith y los turistas comprueban que los daños sufridos por el Buenaventura son irreparables. Pero lo peor de todo no es eso, sino que el capitán ha desaparecido sin dejar rastro. Forzados a una evacuación de emergencia, los accidentados fletan una barca en dirección a una isla cercana. Antes de alcanzarla, descubren horrorizados el cadáver de Ben a través de la abertura acristalada de la embarcación. Ya en la isla, encuentran un viejo hotel en estado de abandono, cuyo único residente es un anciano con el rostro lleno de cicatrices. Cuando Keith le informa de sus desventuras, el hombre, alterado, les urge a abandonar la isla de inmediato. Para entonces, un grupo de extrañas criaturas avanzan ya bajo el agua hacia la isla. Llevan botan negras, oscuras gafas protectoras cubriendo sus ojos… Y visten uniformes de las temibles SS.

Comentario: Combinando dos de los subgéneros más exitosos del cine fantástico de los años setenta, el de criaturas marinas y el de muertos vivientes, surgió Ondas de choque, una interesante cinta que logra sacar hábilmente partido a una premisa (zombies nazis con aptitudes acuáticas) que a primera vista tiraría de espaldas a más de uno. Loable.

Parece que las míticas películas de la Hammer y los también míticos comics de terror de los años cincuenta y sesenta, fueron la base sobre la que un por entonces novato Ken Wiederhorn construyó esta curiosa película. Dotada de una elegante puesta en escena visual pareja a la de los clásicos del cine de terror (La mujer y el monstruo podría ser un buen ejemplo), Ondas de choque huye en todo momento del susto fácil y la exposición de vísceras y hemoglobinas varias para hacer de la atmósfera, una inquietante atmósfera, su principal punto fuerte. Porque la historia en sí, la verdad, no es nada del otro mundo. Narrada en forma de flashback (el filme comienza con Rose encontrada en alta mar por unos pescadores), la trama destaca por ser marcadamente lineal y no presentar excesivas sorpresas. La explicación que sale de boca del eremita ex-comandante de las SS resume básicamente la historia del filme: El barco contra el que chocan los turistas contenía una de las “tropas de la muerte”, unidades de zombiessoldados creados por las SS al final de la 2ª guerra mundial, cuyos componentes poseen un ansía asesina innata. A partir de aquí de aquí todo se limita a una cacería humana con algunos momentos de angustia. Sólo las variadas situaciones de suspense y la existencia de unos diálogos bastante apañaditos para lo que estamos acostumbrados en el subgénero son elementos fuertes en el guión.

Son ciertas destrezas técnicas e interpretativas las que consiguen engrandecer este, a priori, no muy sugestivo relato. Empezaremos por las últimas, en donde es obligado mencionar el magnífico trabajo del célebre Peter Cushing, capaz de conseguir con unas cuantas frases que algo tan delirante como la existencia de un pelotón submarino de muertos vivientes resulte sorprendentemente verosímil. También brillan los buenos modos en el resto del plantel, especialmente en lo que John Carradine y Brooke Adams se refiere. Pero es la efectiva labor de Wiederhorn detrás de la cámara lo que realmente consigue potenciar el filme. Los fantásticos planos cortos de las cabezas de los redivivos emergiendo del agua, las tomas largas de los mismos avanzando en formación, el ritmo narrativo tenso pero pausado en la línea de Nueva York bajo el terror de los zombies de Lucio Fulci, y la creación de un ambiente que gradualmente se va haciendo más y más opresivo (para empeorar las cosas, uno de los personajes sufre de una incontrolable claustrofobia), hacen del visionado de esta película una experiencia turbadora. También ayudan lo suyo la música electrónica de Richard Einhorn, lo suficientemente enigmática y obsesiva como para desquiciarnos todavía más, y la aplicada fotografía submarina. En cuantos a los efectos especiales, todo se reduce a la destreza en el maquillaje de Alan Ormsby, responsable además del diseño de los zombies-nazis, que trabaja eficazmente aplicando cadavéricas tonalidades a los rostros y arrugando convenientemente párpados y mejillas. Sin olvidar esas gafas protectoras de color negro que lucen nuestros sanguinarios amigos arios, que además de resguardarles de la para ellos mortal luz del sol son de lo más cool.

Pues sí, a pesar de que superficialmente puede invitar a lo contrario, Ondas de choque es una película recomendada para todo aquel que huya de las obviedades visuales y busque una forma de terror algo más insinuante. Un clásico de culto dentro del género fantástico.

Secuencias y diálogos de interés:

“El mar escupe lo que no puede contener”, afirma Dobbs, el cocinero del Buenaventura.

Adiós al Capitán Ben. En un segundo turno de viajes desde el barco hacia la isla, Keith traslada a Norman y Beverly a bordo de una barca sobre cuya cubierta se abre una escotilla acristalada. De repente, ante el gesto horrorizado de los ocupantes de la embarcación, el pálido cadáver Ben aparece bajo el cristal.

“Hay peligro aquí. Peligro en el agua”, chapurrea asustado el antiguo comandante nazi.

Todas y cada una de las veces que vemos a los nazis emerger lentamente del agua. Efectivos planos repetidos numerosas veces y que en ningún momento cansan.

Epílogo. Tras escapar de la isla en una barca, ser testigo de la muerte de Keith a manos de un zombie, perder el conocimiento y ser rescatada por los pescadores, Rose acaba ingresada en un hospital. Allí la vemos escribiendo en un diario, aparentemente anotando sus terribles experiencias. Cuando la cámara se acerca comprobamos que sus notas no son más que garabatos, los cuales dibuja mientras susurra incoherencias. La pobre ha perdido la razón.

Curiosidades:

Ondas de choque supuso el debut como director de Ken Wiederhorn, hasta entonces director de noticias de la cadena de televisión CBS. Su posterior carrera como director no fue muy abundante, destacando sólo películas como Los ojos de un extraño, Los albóndigas atacan de nuevo, La divertida noche de los zombis y La casa de la colina, amén de su participación en la serie de tv Las pesadillas de Freddy. Otros créditos técnicos a destacar son los del músico Richard Einhorn (El asesino de Rosemary, La casa del terror) y el guionista Alan Ormsby (Deranged, El beso de la pantera, El sustituto), aunque en este filme que nos ocupa sólo realice tareas de maquillaje de efectos especiales.

En cuanto a la nómina de actores, dos “pesos pesados” destacan por encima del resto. El primero es el inolvidable Peter Cushing, protagonista de títulos tan básicos dentro del género fantástico como El perro de los Baskerville, La maldición de Frankenstein y Drácula (para muchos el mejor Van Helsing). En España tuvimos la suerte de contar con él en pequeñas producciones como Misterio en la isla de los monstruos y Pánico en el transiberiano. El otro actor de prestigio es John Carradine, que dio sus primeros pasos como secundario en míticas películas como La diligencia, Los diez mandamientos y El hombre que mató a Liberty Valance, y acabó especializándose en el cine de terror con filmes como La centinela y Aullidos. En cuanto al resto del reparto, no podemos obviar la presencia de Brooke Adams (Días del cielo, La invasión de los ultracuerpos, La zona muerta) y Luke Halpin, el famoso niño rubio que acompañó al delfín Flipper en sus aventuras televisivas y cinematográficas.

A la hora de concebir la historia, Ken Wiederhorn se inspiró en un capítulo del libro “El retorno de los brujos” de Jacques Bergier y Louis Pauwels dedicado al ocultismo hitleriano.

La película fue rodada en Florida en poco más de un mes. Tanto Peter Cushing como John Carradine tuvieron un comportamiento ejemplar durante su tiempo de rodaje, algo menos de una semana. El primero no dudó en ayudar en todo lo posible al novato Ken Wiederhorn, mientras que el segundo dio toda una lección de profesionalidad al trabajar entre terribles dolores de artrítis. Además, Carradine tuvo todavía energías para animar el rodaje contando todo tipo de historias curiosas relativas a su etapa hollywoodiense.

El rodaje de una de las secuencias en el agua fue violentamente interrumpido por la inesperada visita de un tiburón de dos metros, que provocó una huida en estampida hacia la orilla por parte de actores y técnicos.

El hotel que aparece en la película se encuentra en Florida y se llama Hotel Biltmore. Por aquel entonces se encontraba cerrado y en estado de semiabandono, por lo que su alquiler costó poco más de doscientos dólares. Años después fue rehabilitado y convertido en hotel de lujo cuyo coste por habitación supera ampliamente esos doscientos “pavos” que pagaron los productores del filme.

El nombre de la productora, Zopix, es en realidad un acrónimo de “Zombies Pictures” (películas de zombis).

Las fotos fijas del rodaje fueron tiradas por Fred Olen Ray, el hoy prolífico director de cine fantástico de serie B. Entre sus últimos trabajos se encuentra The Unliving, nada más y nada menos que el regreso del famoso hombre lobo Waldemar Daninsky (interpretado por Paul Naschy, por supuesto).

Los encargados de interpretar a los aqua-nazis no eran actores profesionales. Entre ellos destacaban un antiguo marine que había luchado en Vietnam y un periodista camuflado del Miami Herald que quería hacer un reportaje sobre el rodaje de una película de terror de bajo presupuesto.

Frases promocionales:

“¡Una vez fueron casi humanos!” “Debajo de los vivos… Más allá de los muertos… ¡De las profundidades del infierno del océano! ¡El terror final!”

ORCA, LA BALLENA ASESINA

(ORCA: THE KILLER WHALE)

EE.UU. 1977. 92 min. Dino DeLaurentiis/Paramount Pictures. Color.

Producción: Dino DeLaurentiis y Luciano Vincenzoni. Dirección: Michael Anderson. Guión: Luciano Vincenzoni y Sergio Donati. Fotografía: Ted Moore, J. Barry Herron y Vittorio Dragonetti. Música: Ennio Morricone. FX: Alex C.Weldon.

Intérpretes: Richard Harris (Capitán Nolan), Charlotte Rampling (Rachel Bedford), Will Sampson (Umilak), Bo Derek (Annie) y Keenan Wynn (Novak).

Sinopsis: Costa de Newfoundland, Estados Unidos. Nolan, un arisco pescador local, ve truncadas sus aspiraciones de cazar un gran tiburón blanco cuando una enorme ballena orca ataca a su pieza y la despedaza. Sorprendido por la hazaña del animal, opta por atrapar a uno de su misma especie y venderlo a un acuario. Una vez que lo consigue, a pesar de las críticas de Raquel, una bióloga marina de visita en el pueblo, observa como la orca, una hembra, se suicida lanzándose contra las hélices de su barco. Esta muerte, así como la del feto que el animal llevaba en su interior, son observadas por una orca macho del mismo grupo de cetáceos locales, que no tardará en iniciar su particular venganza. Pronto, todos barcos del puerto del pueblo, salvo el de Nolan, son reducidos a astillas por el animal, así como devorados varios colegas y compañeros del pescador. Todo parece indicar que la orca quiere que Nolan bote su barco y se enfrente a ella en alta mar. Presionado por los lugareños, que ven como su economía corre peligro por los destrozos de la ballena, Nolan decide echarse al mar y combatir al peligroso cetáceo.

Comentario: Para muchos Orca es el primer claro rip-off de Tiburón, más aún cuando las malas lenguas señalan que Dino DeLaurentiis, durante la producción de su King-Kong, hablaba maravillas del filme de Spielberg y comentaba que aspiraba a hacer algún día algo similar, pero más dramático.

Aunque la influencia es clara, como también lo es la de Moby Dick, o incluso la de la novela Frankenstein (por aquello del enfrentamiento final en los hielos), Orca posee, para bien o para mal, un argumento lo suficientemente diferente del de “la madre de todas las películas de monstuos marinos”.

Sin ser la obra maestra que el desafortunado megalómano DeLaurentiis parecía tener intención de crear (ya venía de trastabillarse un poco con King-Kong), Orca es una película bastante digna y entretenida que, sin duda, ocupa un lugar de privilegio dentro de este subgénero de horrores subacuáticos. Aunque en más de una ocasión peque de una notoria pretenciosidad, la película llega a resultar inquietante en varios momentos y juega acertadamente con las conocidas cualidades casi humanas de las orcas, exagerándolas convenientemente. Uno de los aspectos más destacados del filme es contar con un puñado de escenas bastante poderosas visualmente, bien por ser notablemente desgarradoras o por su dramatismo. También cabe destacar el buen plantel de actores con que cuenta la película, que interpretan con solvencia unos papeles quizás excesivamente estereotipados, así como la más que correcta fotografía y la apreciable música de Ennio Morricone, aún siendo éste uno de sus trabajos menores. Los FX son también bastante aceptables para la época. Por el lado negativo, cabe resaltar el ritmo narrativo un tanto irregular, debido en buena parte al poco diestro montaje, así como la escasa brillantez de los diálogos, muy recargados con grandilocuentes aforismos. En definitiva, una película que, aún a años luz de lo esperado por sus responsables, bien se merece una detenida visión.

Secuencias y diálogos de interés:

Las dos escenas de marcha grupal de la ballenas a través del océano, la primera al principio de la película y la segunda cuando llevan, a modo de funeral, el cuerpo de ballena muerta hasta la costa. Muy bonitas.

El ataque al tiburón blanco. Mientras bucea junto a la costa, Rachel está a punto de ser devorada por un enorme carcharodon carcharias, desgracia que evita un voluminosa orca que se abalanza espectacularmente sobre el escualo, hiriéndolo de muerte. Y demostrando de paso al espectador que la Orca es un animal mucho más fuerte y fiero que el Tiburón. Triste victoria de DeLaurentiis y compañía.

El aborto. Sin duda, una de las escenas más sobrecogedoras del filme. Una vez que la orca accidentada es subida a cubierta, su cadáver arroja un sanguinolento feto sobre la cubierta del barco, escena que Anderson nos muestra con una morbosa cámara lenta.

La muerte de Bo Derek (Annie). En su irrefrenable espiral de venganza, la orca macho embiste brutalmente contra los pilares de la casa costera donde descansa Annie, escayolada tras un golpe en el barco. La casa se derrumba y Annie cae deslizándose por una de las tablas de la casa, cayendo directamente en las fauces de la furiosa orca. La influencia de la muerte de Quint en Tiburón parece más que obvia.

La muerte de Nolan. A pesar de hallarse malherida por la lucha, la orca consigue finalmente hacer caer a Nolan al agua. Una vez allí, lo saca del agua con la cola y lo lanza contra un bloque de hielo. Ante la horrorizada mirada de Rachel, hombre y ballena agonizan hasta morir.

“Sólo hay un animal en el mundo capaz de hacer eso… Una ballena asesina”, sentencia Rachel en un momento dado del metraje.

“¿Se puede cometer un pecado contra un animal?”, pregunta un arrepentido Nolan al reverendo del pueblo.

“¿Quieres venganza? ¡Bien, la tendrás! ¡Saldré ahí fuera y pelearé contigo! ¡Saldré y pelearé contigo, vengativo hijo de puta!”, clama Nolan ante la insistencia asesina del cetáceo.

Curiosidades:

Al igual que muchas otras superproducciones de Dino DeLaurentiis, Orca goza de plantel de actores de renombre. Entre ellos podemos ver al recientemente fallecido Richard Harris (Motín a Bordo, El ingenuo salvaje, Un hombre llamado Caballo), todo un ejemplo de ardor interpretativo y que, en su época de mayor esplendor, llegó a grabar un disco del que se vendieron más de cinco millones de copias. También aparece la elegante Charlotte Rampling (Portero de noche, Zardoz, Veredicto final,), ex-esposa del compositor Jean-Michelle Jarre y dueña de una excelente carrera que comenzó a decaer tras su trabajo en el extraño drama zoofílico Max, mi amor. Por último, mencionar al grandioso compositor Ennio Morricone (La muerte tenía un precio, La Misión, Cinema Paradiso) como responsable de la, a veces un tanto empalagosa, música del filme.

Según anunciaron sus responsables en su día, Orca esté inspirada, suponemos que muy libremente inspirada, en un hecho real.

Cierto rumores señalan que, a mediados de los años ochenta, Dino DeLaurentiis pensó seriamente la idea de que la secuela de King Kong se centrara en el enfrentamiento a muerte entre el gorila gigante y una orca. Se llegó a especular con un título provisional, "King Kong Battles The Killer Whale". Suena un poco a cachondeo.

Frases promocionales:

“La ballena asesina es una de las criaturas más inteligentes del universo. Increíblemente, es el único animal aparte del hombre que mata por venganza. Tiene sólo una pareja, y si ésta es dañada por algún hombre, lo perseguirá implacablemente en busca de venganza. A través de los mares, a través del tiempo, a través de todos los obstáculos…”

TENTÁCULOS

(TENTACLES/ I TENTACOLI)

Italia/EE.UU. 1977. 102 min. Esse Cinematografica/American International Pictures. Color.

Producción: Ovidio G. Assonitis y Enzo Doria. Dirección: Ovidio G. Assonitis. Guión: Steven W. Carabatsos, Tito Carpi, Jerome Max y Sonia Molteni. Fotografía: Roberto D´Ettore Piazzoli. Música: Stelvio Cipriani. FX: M. Spring

Intérpretes: Bo Hopkins (Will Gleason), John Huston (Ned Turner), Shelley Winters (Tillie Turner), Henry Fonda (Whitehead), Delia Boccardo (Vicky Gleason).

Sinopsis: Una repentina ola de desapariciones en el mar invade la turística comunidad costera de Ocean Beach, California. Ante el estupor de las autoridades locales, los cadáveres de los desaparecidos comienzar a llegar a la orilla, todos ellos roídos hasta la médula. Ned Turner, un veterano reportero del pueblo, empieza a sospechar de las actividades de la corporación Trojan, una empresa propiedad del magnate Whitehead que está construyendo un monumental túnel submarino bajo la Bahía de California. Ayudado por Will Gleason, biólogo y cuidador de orcas, Turner descubrirá que las irresponsables y anti-ecológicas actividades de Trojan han provocado que un gigantesco pulpo de ultramar haya enloquecido. Detener la sangrienta escalada de muertes tendrá su miga.

Comentario: Desde comienzos de los años sesenta hasta finales de los ochenta, la industria cinematográfica italiana vivió un esplendor económico que la situó como una de las industrias líderes en cuanto a producción de películas y la permitió coquetear con todo tipo de géneros comerciales, especialmente el fantástico. Conocidos por todos son los numerosos y discutidos filmes transalpinos de terror y ciencia-ficción, dentro de los cuales podrían englobarse las producciones italianas de bestias subacuáticas, que, aprovechando hábilmente el tirón de Tiburón, comenzaron a fraguarse a partir de finales de los años setenta y acabaron significando casi un subgénero en sí mismas. Tentáculos es la primera de ellas, y, sin duda, una de las más exitosas comercialmente. La escuela del rip-off italiano comenzaba a mostrarse en todo su esplendor.

Tentáculos puede ser considerada casi más como una notable operación comercial que como una película. El hábil y poco escrupuloso productor-director Ovidio G. Assonitis no dudó un instante en “dejarse influir” por dos títulos míticos de Hollywood (Tiburón y La bestia que vino del mar), hacerse con un reparto formado por veteranas estrellas del cine estadounidense y disfrazar su filme con un aura de espectacular superproducción USA. Todo ello con el fin de seducir vía promoción a un buen número de incautos espectadores, objetivo que parece que cumplió sobradamente. Y es que la película, aparte de la ternura que nos puede provocar a los devotos del cine de criaturas marinas, no es precisamente dueña de grandes momentos de espectacularidad o calidad. Aunque en su primer tramo apunta algunos esbozos de digno suspense (desapariciones fuera de cuadro, sugerentes sombras y tentáculos que se insinúan bajo las aguas…), pronto la película comienza a flaquear. Parece obvio que gran parte de lo invertido fue destinado a promoción y salario de actores, y que la película en sí no superó en absoluto el presupuesto de otras series B italianas de la época. Y si a esto añadimos que ni el argumento ni los diálogos son de una brillantez y originalidad exquisita… Pues eso, una astuta operación de mercadotecnia. Y una irregular película. Irregular porque no es mucho lo que se puede a salvar, a parte del, para algunos como el que esto escribe, intrínseco encanto de ver una película italiana sobre un pulpo gigante rodada a finales de los setenta. Tan sólo sobresale la presencia de “viejas glorias” como John Huston, Shelley Winters o Henry Fonda (a pesar de la evidente desidia con la que afrontaron sus papeles), la eficiencia de un pequeño puñado de escenas y algunos acordes de la banda sonora de Cipriani. En cuanto a la parte negativa, cabe señalar el excesivo ocultamiento del pulpo (obvia muestra de las limitaciones presupuestarias del rodaje), algunas interminables escenas de buceo y un montaje algo burdo y plagado de inhábiles trucos visuales. A esto hay añadir una fotografía submarina bastante deficiente, lo que unido a la casi testimonial presencia del octópodo y al poco diestro montaje, hace de las escenas de muertes y enfrentamientos subacuáticos un canto a la confusión. Menos mal que el curioso rugido leonino que emite el pulpo nos deja clara su presencia bajo la maraña de oscuras imágenes.

Tentáculos es, por general, una película bastante engañosa, ya que promete mucho y ofrece más bien poco. Aún así es una película importante dentro del subgénero fantástico que nos ocupa, ya que supuso, para lo bueno o para lo malo, la entrada de Italia en este tipo de producciones. Además, siempre encontraremos a alguien a quien este pintoresco octópodo pueda inquietarle.

Secuencias y diálogos de interés:

La película comienza con una secuencia bastante prometedora. Una madre pasea a su bebé en un cochecito por un muelle de embarque. Cuando se encuentra con una amiga, deja el carrito y cruza al otro lado del muelle para saludarla. Mientras charlan, un camión se detiene durante unos segundos entre las mujeres y el coche del bebé, impidiéndonos ver a éste. Cuando el camión finalmente se marcha, vemos que el bebé ha desaparecido. Al regresar al otro lado de muelle, la mujer observa desesperada como el cochecito de su hijo se aleja impulsado por las olas del mar.

Una pareja se divierte en alta mar junto a unas cuevas. Mientras ella descansa en el barco, él realiza divertidas acrobacias en el mar, como extender las piernas verticalmente fuera del agua mientras oculta el resto del cuerpo bajo ésta. Pero su espectáculo es pronto interrumpido… Algo tira enérgicamente de él y le sumerge en las profundidades ante la atónita mirada de su compañera.

Combate final. Después de motivarlas con un discurso casi militarista, Will Gleason envía a sus orcas para que acaben con el pulpo gigante. El combate, una lucha entre rústicos muñecos filmada a base de planos cortos, se salda con la victoria inapelable de los cetáceos.

“Es un animal perturbado por la estupidez humana”, afirma con transcendencia Will Gleason cuando es preguntado acerca de la conducta asesina del pulpo.

“Comparadas con las ventosas de un tentáculo, las garras de un oso no son nada”, sostiene uno de los personajes en un momento de la película. Recientemente se había estrenado Grizzly, el filme del oso asesino. ¿Ataque directo a la competencia?

Curiosidades:

Aún después de frotarnos convenientemente los ojos, podemos observar la presencia de varias leyendas de la interpretación en Tentáculos. Figuras como John Huston (La biblia, Chinatown, Momo). Shelley Winters (Winchester 73, El diario de Anna Frank, El quimérico inquilino), Henry Fonda (Doce hombres sin piedad, Pasión de los fuertes, En el estanque dorado) y Bo Hopkins (American Graffiti, Grupo salvaje, El expreso de medianoche) comparten pantalla con el insaciable cefalópodo.

El director Ovidio G. Assonitis (El visitante del más allá, Granja maldita) es conocido por algunos como “El rey del rip-off”, por las “casuales” coincidencias que muchas de sus películas presentan con otras precedentes y de mayor éxito. Entre estas cabe destacar Poder Maléfico, una suerte de versión italiana de El exorcista que llegó a estar denunciada por plagio. Uno de sus episodios más famosos es su polémica con James Cameron durante el rodaje de Piraña II: Los vampiros del mar, comentada en páginas posteriores. Para la firma como director de Tentáculos, Assonitis empleó el seudónimo de Oliver Hellman. Según algunos, lo hizo para homenajear al célebre Roger Corman, que firmaba algunos de sus trabajos con el nombre artístico de Monte Hellman. Obviamente, la razón principal, amén del pretendido homenaje, tuvo que ser la intención de ocultar sus credenciales latinas, a la sazón poco comerciales en los mercados anglosajones.

En varias de las tomas del pulpo (el único pulpo del mundo que lanza tinta cuando ataca) se nota el uso de imágenes de archivo. Son imágenes de un pulpo dentro de su urna de cristal rodadas en el interior de un acuario. En algunos planos cortos puede apreciarse la adhesión de las ventosas de los tentáculos al cristal transparente. Para justificar las escasas y poco espectaculares apariciones del animal, Assonitis no tuvo reparos en declarar: “No podíamos correr el riesgo de enseñar excesivamente a la criatura. Tentáculos es una buena película y nunca se pretendió que el pulpo fuese la estrella”.

Mucho son los rumores en torno a la sorprendente participación de John Huston, Henry Fonda y Shelley Winters en esta película, desde supuestas deudas pendientes hasta quiméricos pactos casi mafiosos. Para Assonitis, el asunto está muy claro: “De vez en cuando aparece alguien extrañándose de que Fonda y Huston tuvieran algo que ver con un director italiano y un pulpo gigante. ¿Quiere saber cómo les convencí de que trabajaran para mí? ¡Pagándoles! Tuvimos unas cuantas discusiones sobre el guión, naturalmente, pero al final acabó gustándoles a todos, así que les contraté después de varias reuniones”.

Al parecer, en los días previos al estreno de Tentáculos, algunos “críticos” italianos aseguraron que en la película había una espeluznante escena en la que Tillie Turner, el personaje interpretado por Shelley Winters, era horriblemente devorada por la bestia marítima. Cualquiera que haya visto la película, puede comprobar que la señora Winters no pone un pie en el agua en todo el metraje.

A pesar de que Tentáculos parece claramente inspirada en Tiburón en varios de sus pasajes, parece que su secuencia de la regata de barcos velero sirvió de algo más que de simple contemplación para los responsables de la posterior Tiburón 2, donde este tipo de embarcaciones juegan un papel muy importante. ¿Una pequeña venganza de una Universal Pictures harta de que plagiaran la película de Spielberg? Todo es posible.

Tentáculos fue un éxito de taquilla en Italia, siendo proyectada en los por entonces florecientes (en Europa) autocines veraniegos. En Estados Unidos también funcionó bastante bien. De haber sido estrenada hoy en día, su alta rentabilidad habría dado lugar a una más que posible secuela.

Frases promocionales:

“Ocean Beach atrae a más de diez mil turistas cada año. Pero este verano ha atraído a algo más…” “Está convirtiendo la playa… ¡en un Buffet!”

TINTORERA

(BLOOD WATERS/TINTORERA: THE SILENT DEATH/ TINTORERA… BLOOD WATERS/TINTORERA… TIGER SHARK)

México/Gran Bretaña. 1977. 89 min. Hemdale Leisure Corp. / Conacine Prod. Color.

Producción: Gerald Green. Dirección: René Cardona Jr. Guión: Ramón Bravo y René Cardona Jr. Fotografía: León Sánchez y Ramón Bravo. Música: Basil Poledouris. FX: Miguel Vázquez.

Intérpretes: Susan George (Gabriella), Hugo Stiglitz (Esteban), Andrés García (Miguel), Fiona Lewis (Patricia), Jennifer Ashley (Kelly).

Sinopsis: Steve y Miguel son unos apuestos cazadores de tiburones que pasan unos días de vacaciones en un complejo turístico de un isla tropical mexicana. Allí aprovechan el tiempo para divertirse, ligar con las turistas extranjeras y, de vez cuando, cazar algún escualo. Pero la juerga estival es interrumpida cuando un enorme tiburón llega a las aguas que bañan la isla y comienza a cobrarse sus primeras víctimas. Steve y Miguel, que disfrutan de una tórrida relación a tres bandas con Gabriella, una atractiva chica británica, se ven obligados a salir al mar para dar caza al animal. Desgraciadamente, su primer encuentro con el pez, una tintorera, se salda con la horrenda muerte de Miguel. A partir de aquí, Steve, mientras intenta retener a una deprimida Gabriella junto a él, deberá buscar la manera de acabar con el sanguinario tiburón.

Comentario: Si Tentáculos puede ser calificada como una película engañosa, de Tintorera sólo se puede decir que es una auténtica tomadura de pelo. Presentada como una suerte de clon mejicano de Tiburón, no es otra cosa que un thriller erótico donde la bestia marina juega un papel accesorio durante la mayor parte del metraje. Y lo peor es que, como thriller erótico, es también bastante ramplón.

Uno de los más deficientes aspectos de Tintorera es su pírrica trama argumental, únicamente comparable con la de esos subproductos porno-soft con los que Tele5 nos deleitaba en las madrugadas festivas de sus primeros años. Todo se reduce a la sucesión de unas cuantas escenas eróticas en las que nuestros latin-lovers Steve y Miguel pasan revista a diferentes turistas extranjeras, llegando a compartir solidariamente a alguna de ellas. La muerte de Miguel es prácticamente el único giro narrativo de todo el filme, un giro dado, desgraciadamente, sobre el mismo eje de sopor argumental (no hay un sólo ataque durante la primera media hora). Diálogos e interpretación son dos conceptos que parecen totalmente ajenos a esta producción, donde un buen torso masculino velludo o unas bien dibujadas curvas femeninas parecen ser los únicos valores a tener en cuenta. La misma sinvergonzonería cinematográfica es manifiesta en disciplinas como el montaje y la fotografía (el cambio de grano visual entre las escenas filmadas y aquellas que proceden de archivo es tan evidente como risible), así como en la banda sonora (salvo para los amantes de la música disco más epiléptica de los años setenta). ¿Y qué tal los efectos especiales? Pues maravillosos. Sobre todo si tenemos en cuenta que todos y cada uno de los tiburones que aparecen en pantalla son reales, mezcla de imágenes de archivo y de otras grabadas para la ocasión. Y algunas, además, de bastante poco gusto. Los únicos efectos especiales existentes se reducen a la escena en la que Miguel es devorado, donde se rellenó un traje de buceador con carne picada y se le lanzó a un tiburón que pasaba por la zona. Eso sí, no queda mal del todo.

Poco más se puede decir de una película en la que ni siquiera su falta de presupuesto puede considerarse como excusa. Por no hacer, no hace ni siquiera gracia. Sin duda, una de las peores aportaciones al subgénero de monstruos acuáticos y uno de los peores trabajos del nunca demasiado ducho René Cardona Jr. Su exótica nacionalidad y su relativo éxito comercial son las únicas razones que hacen figurar a Tintorera como película significativa dentro del subgénero. Por ahora.

Secuencias y diálogos de interés:

Varias son las escenas en las que, al más puro estilo mondo, se nos muestra como varios tiburones son cazados y despedazados. Tan desagradables como gratuitas.

La secuencia más dramática y efectiva es la de la muerte de Miguel. La tintorera le da caza mientras bucea y le parte literalmente por la mitad. Cuando menos resulta curioso ver a un tiburón real devorando un muñeco relleno con despojos cárnicos.

La venganza de Steve. Aliado con un grupo de cazadores de tiburones locales, Steve acepta el desafío de tomar revancha por la muerte de su amigo. Tras una batalla de lo más confusa visualmente, nuestro héroe consigue dar muerte a la bestia arponeándola entre los ojos. Eso sí, la contienda le cuesta un brazo.

“¡Es el tiburón más grande que he visto en mi vida!”, exclama Steve después de divisar a la tintorera asesina. Para ser cazador de tiburones, pocos escualos debe haber visto, ya que el animal no llega siquiera a los tres metros de longitud.

“Hey, tengo una gran idea. ¡Quitémonos la ropa y vamos a nadar!”, frase dicha por uno de nuestros protagonistas y que define a la perfección la filosofía de la película.

Curiosidades:

La película está dirigida por René Cardona Jr., realizador mexicano que durante los años setenta gozó de cierto éxito gracias a coproducciones de claro corte comercial como Ciclón, El triángulo diabólico de las Bermudas y Guyana: El crimen del siglo.

Otros nombres a destacar dentro de Tintorera son los de Andrés García (Manaos, Carlos el terrorista, Bermudas: La cueva de los tiburones), uno de los actores más populares del cine mexicano, y Basil Poledouris (Los señores del acero, Robocop, La caza del Octubre Rojo), famoso compositor que realizó aquí uno de sus trabajos menores.

Tintorera es una adaptación de la novela homónima de Ramón Bravo, un famoso biólogo marino conocido popularmente como “El Cousteau mejicano”. Bravo colaboró activamente en el desarrollo del filme. Otro popular personaje mejicano que participó en el filme fue Oliverio Maciel Díaz, conocido como “El rey Neptuno de Zihuatanejo”. Impartió varias lecciones de buceo a Andrés García e, incluso, varias de las escenas de inmersión junto a tiburones están protagonizadas por él.

Aprovechando el posterior éxito de Priscilla Barnes en la serie Tres son compañía, versión estadounidense de la británica Un hombre en casa, la primera edición en vídeo de Tintorera destacó en carátula la presencia de la actriz entre los protagonistas del filme. Lo cierto es que su presencia en pantalla, como personaje secundario, se reduce a escasos cinco minutos.

Frases promocionales:

“Hay un monstruoso asesino agitándose en el mar…” “Donde las Calientes Noches de Verano se Transforman en Frío Terror” “La pesadilla de todo bañista”

PIRAÑA

(PIRANHA)

EE.UU. 1978. 94 min. New World Pictures. Color.

Producción: Roger Corman y Jon Davison. Dirección: Joe Dante. Guión: John Sayles. Fotografía: Jamie Anderson. Música: Pino Donaggio. FX: John Berg.

Intérpretes: Bradford Dillman (Paul Grogan), Heather Menzies (Maggie McKeown), Kevin McCarthy (Doctor Robert Hoak), Keenan Wynn (Jack) y Dick Miller (Buck Gardner).

Sinopsis: Alrededores del Lago Lost River (Texas). Una pareja de jóvenes son misteriosamente devorados mientras toman un baño en la piscina de unas viejas instalaciones militares. Días después, la investigadora Maggie McKeown es enviada a la zona con el fin de localizar a los jóvenes desaparecidos. Con la ayuda de Paul Grogan, un misántropo ermitaño que vive en una cabaña cercana, Maggie llega a la base militar abandonada, donde vacían el tanque de agua pensando que los jóvenes podrían haberse ahogado allí. Tras hacerlo, son atacados por un enfurecido individuo, el Doctor Hoak, que, tras ser reducido, les confiesa la causa de las desapariciones. Al parecer, los dos jóvenes fueron devorados por una horda de pirañas asesinas alteradas genéticamente, producto del antiguo proyecto “Dientes de Sierra” desarrollado durante la Guerra de Vietnam, que habitaban en las aguas del tanque. Ahora Maggie y Paul deberán evitar por todos los medios que las aguas infestadas de pirañas lleguen hasta el lago, donde acaban de inaugurarse el nuevo complejo turístico del magnate Buck Gardner y un campamento infantil.

Comentario: Si gracias Tiburón el subgénero de monstruos acuáticos consiguió librarse de una muerte más que anunciada, gracias a Piraña se alcanzó una estabilidad cualitativa que años atrás habría resultado utópica. Y es que esta inteligente producción de Roger Corman, amén de cosechar un notable éxito comercial, demostró que este tipo de películas podían ser algo más que un simple entretenimiento de segundo orden, destacando incluso en aspectos cinematográficos casi exclusivamente reservados a géneros más reputados. Por todo ello, aún sin llegar a la brillantez del clásico spielberguiano, Piraña merece estar entre los filmes más destacados del subgénero.

Si a alguien hubiera que hacer responsable directo de las virtudes de Piraña, es persona no sería otra que John Sayles, por entonces un poco conocido guionista. Contratado en principio con el único objetivo de reescribir un irregular guión que Corman tenía en sus manos, Sayles consiguió elaborar una eficaz historia, fiel a los principios básicos del subgénero, pero también libre de los clichés y estereotipos que hasta entonces habían nutrido mayoritariamente al mismo. Los personajes son una agradable excepción dentro del subgénero, ya que tanto los protagonistas como los antagonistas distan mucho de ser exageradamente heroicos o maquiavélicos, destacando más por su sencilla humanidad o mísero patetismo que por otras cualidades poco realistas. Otro pilar sobre el que se sustenta la película, quizás todavía más importante que los conseguidos personajes, son los óptimos diálogos. Sayles consigue que las conversaciones entre personajes no resulten tan previsibles o vacías como en otras producciones similares, permitiéndose incluso algunas líneas de diálogo que brillan por su divertido humor negro. A esto hay que unir la diestra y enérgica dirección de Joe Dante, que se mueve como pez en el agua (nunca mejor dicho) a la hora de dotar a las escenas subacuáticas de un dinamismo y una tensión sobresalientes, tarea que se ve reforzada gracias a un magnífico trabajo de montaje obra de Mark Goldblatt (Terminator, Terminator 2, Pearl Harbor).

Otra serie de aspectos cinematográficos como la interpretación, la fotografía y la banda sonora, son, sin resultar sobresalientes, bastante apreciables y se mantienen a un nivel acorde con el de resto de elementos fílmicos. En cuanto a los efectos especiales, quizás uno de los aspectos más enjuiciados de la película, cabe decir que, en efecto, la presencia de las pirañas es a veces demasiado confusa y no abundan los planos en las que se puedan observar nítidamente. Aún así, esto no resulta en absoluto algo negativo, ya que transmite una mayor sensación de realismo y emoción. De todas formas, las pocas veces que se ve a alguna de las pirañas más detenidamente, queda bien claro que no están hechas precisamente de papel maché y resultan bastante convincentes.

En líneas generales, Piraña sólo puede definirse como un filme de visión obligada para cualquier amante de los terrores acuáticos que se precie. Originalidad, humor negro y una sana dosis de incorrección política (Sayles deja a la altura del betún a políticos, empresarios y militares) hacen de ella un thriller fantástico ciertamente recomendable.

Secuencias y diálogos de interés:

Antes de llegar la presa, nuestros protagonistas se topan con un chico subido a una canoa en pleno hundimiento y rodeado de pirañas. El Doctor Hoak salta al agua y corre a salvar al chico, siendo despedazado brutalmente. La sangrientas y enloquecidas pirañas atacan entonces la balsa, royendo furiosamente las cuerdas que atan los troncos. Finalmente, al tiempo que la balsa se deshace, Paul y Maggie consiguen alcanzar la orilla.

La secuencia en la que las pirañas alcanzan al lago y comienzan a atacar a los bañistas es uno de los momentos cumbre del filme. Los peces la emprenden a mordiscos contra todo lo que se mueve, ya sean niños, turistas o botes, tiñendo por completo las aguas de rojo sangre.

La heroica inmersión de Paul. Con el fin de liberar las sustancias venenosas almacenadas en el fondo del lago y acabar así con las pirañas, Paul se adentra en las profundidades sujeto a una cuerda atada a la motora en la que aguarda Maggie. Las órdenes son claras, si en cien segundos Paul no ha regresado, Maggie deberá arrancar la embarcación. Paul consigue abrir la válvula de los residuos venenosos, pero pronto es abordado por una horda de pirañas que comienzan a devorarle. La acción de Maggie poniendo en marcha la motora le libra de una muerte segura.

“Se están comiendo a los huéspedes, señor”, responde tímidamente Whitney, secretario de Buck Gardner, al ser preguntado airadamente por éste respecto a las pirañas.

Conversación entre Paul y Maggie:

Paul: “Distrae al guardia.”

Maggie: “¿Y qué pasa si es gay?”

Paul: “Entonces le distraeré yo.”

Curiosidades:

Piraña es uno de los primeros trabajos como director de Joe Dante (Gremlins, El chip prodigioso) y como guionista de John Sayles (Lone Star, Hombres armados), éste último actualmente uno de los guionistas de más prestigio en Estados Unidos. Pocos años después ambos volverían a trabajar juntos en Aullidos. Otros personajes de renombre que aparecen en la película son la otrora reina del terror Barbara Steele (La máscara del demonio, El péndulo del muerte), que disfruta de un pequeño papel encarnando a la Doctora Mengers, y los inolvidables Kevin McCarthy (La invasión de los ladrones de cuerpos, En los límites de la realidad) y Dick Miller (La pequeña tienda de los horrores, Gremlins).

En una escena, uno de los personajes ve en la televisión El monstruo que desafió al mundo, lo que puede considerarse como un pequeño homenaje de Dante a la película de Arnold Laven. Otros homenajes o referencias son los de un veraneante leyendo un ejemplar de Moby Dick y alguna breve aparición de la máquina recreativa Jaws.

Piraña costó cerca de ochocientos mil dólares, pero ya sólo en su primer fin de semana de exhibición recaudó seis millones, para un total de treinta millones de dólares a nivel nacional en 1978. Internacionalmente, la película tuvo bastante éxito, convirtiéndose en uno de los mayores éxitos de la New World Pictures. Una vez más, Roger Corman hizo un gran negocio a bajo coste.

Hay una escena del trailer original que no fue incluida en el metraje final. En ella se ve a Maggie hablando por teléfono con Buck Gardner, advirtiéndole de la llegada masiva de pirañas al lago.

Joe Dante y John Sayles hacen un par de breves “cameos” en la película, el primero como buceador y el segundo como centinela del ejército.

La escena en la que Maggie aparece parcialmente desnuda tuvo que ser interpretada por una camarera del hotel donde se hospedaban técnicos y actores. La razón, que la actriz Heather Menzies temía que a su marido no le gustase demasiado que todo el país la viera en top-less.

Frases promocionales:

"El lago Lost River era un próspero centro turístico. Hasta que ellas lo descubrieron…” “Están aquí…¡Ávidas de carne humana! ¿Quién podrá detenerlas? ”

TIBURÓN 2

(JAWS 2)

EE.UU. 1978. 116 min. Universal Pictures. Color.

Producción: Richard D. Zanuck y David Brown. Dirección: Jeannot Szwarc. Guión: Carl Gottlieb y Howard Sackler. Fotografía: Michael C.Butler. Música: John Williams. FX: Roy Arbogast y Robert A.Mattey.

Intérpretes: Roy Schreider (Martin Brody), Lorraine Gray (Ellen Brody), Murray Hamilton (Alcalde Larry Vaughn), Joseph Mascolo (Peterson) y Jeffrey Kramer (Hendricks).

Sinopsis: Han pasado ya tres años desde que un enorme tiburón blanco sembrará el terror en la costa de Amity Island y pusiera a la pequeña comunidad costera al borde de la ruina económica. Ahora la isla está de nuevo rebosante de turistas, ávidos de gastarse sus ahorros en unas buenas vacaciones. Pero pronto las cosas comienzan a torcerse de nuevo… Una joven que practicaba esquí acuático y un par de submarinistas desaparecen en el mar. Al ser revelada la película de la cámara submarina de uno de los buceadores, aparece una fotografía en la que se observa algo similar a una enorme aleta de tiburón. Para el jefe de policía Martin Brody estas son pruebas más que suficientes de que un nuevo gran blanco está surcando las aguas de Amity Island, pero no para el alcalde Vaughn y el resto de vecinos, que le acusan de haberse obsesionado con los escualos. No será hasta la muerte de un joven veraneante y la aparición de los restos de un orca devorada que las autoridades reconozcan la existencia de un nuevo tiburón blanco acechando la zona. Quizás ya demasiado tarde, porque un amplio grupo de jóvenes, entre ellos los hijos del matrimonio Brody, ha salido a navegar a alta mar…

Comentario: Como toda secuela de una gran película, Tiburón 2 partió con la desventaja de ser inmediatamente comparada con su predecesora. Quizás fue por esto por lo que, de la misma manera que James Cameron con Aliens, Jeannot Szwarc y su equipo se esforzaron por hacer un filme que evitara buena parte de las posibles comparaciones, o lo que es lo mismo, una película efectiva donde la acción primara por encima del suspense. No cabe duda de que lo consiguieron, ya que Tiburón 2 es una película bastante entretenida, pero tampoco cabe duda de que se encuentra a años luz del clásico de Spielberg.

Ya desde la primera secuencia, la película nos deja bastante claro que el escualo va a tener una presencia física en pantalla bastante considerable y que las sutiles insinuaciones visuales de la primera entrega han pasado a mejor vida. Pero también nos deja claro otro punto, este mas descorazonador, y es que el filme va a estar dirigido principalmente a un público adolescente. Esto último tiene varias consecuencias, desgraciadamente no muy positivas, como son que el grueso de los actores sean menores de veinte años (la mayoría de ellos poco brillantes y de carreras artísticas a la postre más que fugaces), que los personajes sean especialmente planos y que los diálogos se acerquen más a los de cualquier slasher-movie de la época que a los de la primera película. Aunque la emoción de ver al gigantesco tiburón (ahora además con medio cuerpo quemado) surcando los mares y atacando a la gente sigue estando ahí, los notables diálogos y los ricos personajes de la primera parte han desaparecido por completo. Tan sólo la presencia de un desquiciado Roy Schreider da cierto empaque interpretativo al filme e interés en cuanto a personajes y situaciones.

Más positiva es la enérgica dirección de Swzarc, que parecía tener la ideas bien claras de lo que iba a rodar, y que opta por efectividad y el dinamismo visual en vez de por los talentosos y malabaristas enfoques de los hizo gala Spielberg, un terreno en el que muy probablemente habría naufragado. Swzarc logra mantener la tensión en los momentos climáticos del filme, como cuando el tiburón acecha a los jóvenes navegantes cuyas embarcaciones han sido volcadas y que, por momentos, parece juguetear con ellos sádicamente. En el resto de aspectos técnicos, como fotografía o montaje, el filme cumple aceptablemente sus aspiraciones, aunque ni siquiera se plantea el más mínimo recurso estilístico. Los efectos especiales son de lo mejor de la película, de hecho buena parte del presupuesto estuvo destinado a este apartado, y el tiburón resulta incluso más convincente y aterrador que su predecesor.

Sobra decir que la estupenda e inquietante melodía de John Williams vuelve a funcionar a las mil maravillas.

Aún con sus imperfecciones, Tiburón 2 es una digna secuela que cumple lo que promete, es decir, dos horas de buen entretenimiento, algunas secuencias espectaculares y la presencia de un escualo de lo más amenazador. Prueba superada.

Secuencias y diálogos de interés:

El cadáver carbonizado. Después de una lancha motora explote en alta mar tras ser atacados sus ocupantes por el tiburón, Brody inspecciona la orilla de la playa en busca de algún resto. Cuando se acerca a recoger lo que parece ser un trozo de madera de la embarcación, el cuerpo quemado de la mujer que la conducía emerge de golpe ante sus narices, dando a Brody (y a los espectadores) un susto de muerte.

Falsa alarma. Brody observa desde la torre de vigilancia de la playa como una sombra oscura avanza en el agua hacia los bañistas. Creyendo que se trata del tiburón, corre hacia la orilla, ordena a gritos a la gente que salga del agua y la emprende a tiros contra el presunto escualo, hasta que descubre avergonzado que la sombra no es más que un banco de peces.

La espectacular y multiplagiada escena del helicóptero. Un helicóptero es enviado para rescatar a los jóvenes que están siendo asediados por el tiburón en alta mar. Cuando parece que el rescate es inminente, el monstruoso escualo emerge del agua y arrastra al helicóptero a las profundidades, devorando al piloto.

La ejecución de la bestia. Tras recordar que a los tiburones les atraen especialmente los sonidos metálicos, Brody golpea violentamente una tubería de metal que forma parte del tendido eléctrico que pasa bajo el mar. El tiburón se abalanza sobre él, mordiendo el tubo electrificado y chamuscándose al momento.

“¡Os lo digo a todos los que estáis en esta mesa! ¡Es un tiburón! ¡Y sé que lo es porque no es la primera vez que veo uno de cerca!”, clama Martin Brody ante sus escépticos vecinos.

Curiosidades:

John D. Hancock (Hombres marcados) fue el primer director contratado para rodar Tiburón 2, pero sus divergencias con los productores Zanuck y Brown le apartaron del proyecto, dando paso a Jeannot Szwarc (Bug, En algún lugar del tiempo, Supergirl). Al parecer, Hancock quería volver a centrar el filme en los personajes y no en la acción.

Entre los actores que repiten papel en esta secuela, aparte de Roy Scheider, se encuentran Lorraine Gary y Murray Hamilton. De la intermitente carrera de la primera, casada con el antiguo presidente de Universal Pictures Sidney Sheinberg, cabe destacar títulos como Catastrofe del vuelo 401, 1941 y Nunca te prometí un jardín de rosas; mientras que de la de Hamilton podemos rescatar películas como El graduado, Terror en Amityville y Brubaker.

En esta ocasión, el grueso del rodaje tuvo lugar en Florida, ya que la mayoría del metraje transcurría en el mar y las aguas de esta zona resultaban más apropiadas (por temperatura y ausencia de mareas) que las de Martha´s Vineyard. Aunque se construyó una mejor plataforma para el desplazamiento del escualo y se previeron gran parte de los problemas ocasionados durante el rodaje de Tiburón, el pez mecánico dio de nuevo bastantes dolores de cabeza a los técnicos de efectos especiales. Hubo días en los que no pudo ser utilizado y el rodaje de la secuencia del helicóptero fue casi una pesadilla.

El presupuesto destinado inicialmente fue de catorce millones de dólares, pero acabó hinchándose por encima de los veinte millones por las complicaciones surgidas. La recaudación, eso sí, superó los doscientos millones de dólares.

“Comparar los dos Tiburón es como comparar el caviar con las patatas. Que el caviar sea mejor, no significa que las patatas sean malas.”, declaró acertadamente Jeannot Szwarc en defensa de su película.

Steven Spielberg y Richard Dreyfuss estuvieron a punto de participar también en esta secuela, pero su trabajo de postproducción y promoción de Encuentros en la Tercera Fase se lo impidió.

Frases promocionales:

“Justo cuando pensabas que era seguro volver al agua…” “¡A un buen mordisco siempre le sigue otro!”

CAIMÁN

(LA ISLA DEL GRAN CAIMÁN/THE GREAT ALLIGATOR/IL FIUME DEL GRANDE CAIMANO/ALLIGATORS/BIG ALLIGATOR RIVER)

Italia. 1979. 88 min. Dania Films/Medusa Cinematografica. Color.

Producción: Luciano Martino. Dirección: Sergio Martino. Guión: Sergio Martino, Luigi Montefiore, Maria Chiaretta y Ernesto Gastaldi. Fotografía: Giancarlo Ferrando. Música: Stelvio Cipriani. FX: Carlo De Marchis y Paolo Ricci.

Intérpretes: Barbara Bach (Alice Brandt), Claudio Cassinelli (Daniel Nessel), Mel Ferrer (Joshua), Romano Puppo (Peter) y Richard Johnson (Padre Jonathan).

Sinopsis: En algún lugar del África profunda, el fotógrafo Daniel Nessel llega al lujoso complejo turístico “Paradise House” en compañía de Sheena, una bella modelo, y Joshua, el propietario de la ostentosa construcción. La zona era antes habitada por los miembros de la tribu Kuma, obligados ahora a vivir en una isla vecina y que sirven de exótico reclamo a los turistas. Una de las empleadas del “Paradise House” es Alice Brandt, una atractiva antropóloga a la que le disgusta el trato que se le está dando a los aborígenes de la zona y de la que Daniel no tarda en quedarse prendado. Pero el ambiente festivo pronto se ve alterado por la aparición de un gigantesco caimán que se cobra las muertes de unos cuantos nativos. Joshua, ayudado por un par de matones a sueldo, hace todo lo posible por ocultar la verdadera causa de las muertes y evitar que cunda el pánico entre su clientela. Por su parte, Daniel y Alice, poco convencidos por las explicaciones del propietario, deciden investigar en el interior de la selva. A partir de aquí, el caimán desatará toda su fiereza sobre turistas e indígenas, provocando una matanza en masa difícil de detener.

Comentario: Escasamente dos años después de que Tentáculos abriese de par en par las puertas del subgénero de horrores marinos a las producciones italianas, los poco escrupulosos hermanos Luciano y Sergio Martino vieron su oportunidad comercial y lanzaron en el mismo año dos títulos de monstruos acuáticos, La isla de los hombres peces (comentada posteriormente) y este Caimán. La calidad de ambos, desgraciadamente, fue más bien escasa.

En el caso de Caimán, estamos ante una de esas películas en las que se ve a legua que los responsables van descaradamente a hacer caja y optan por no devanarse los sesos lo más mínimo. La consecuencia de esto es un filme que se reduce casi exclusivamente a la contemplación de un gigantesco animal devorando gente a rabiar y de personajes con tanto trasfondo como el de los maniquíes que les doblan en el momento de ser engullidos. Aún así, siendo generosos, bastante generosos, podemos destacar algunas cosillas. Una de ellas es la fotografía de Giancarlo Ferrando, que parece hacer la guerra por su cuenta y nos deleita con algunas imágenes de considerable atractivo exótico. Tampoco está mal la música de Stelvio Ciprinani, un remix de sonidos electrónicos y tambores africanos que, quizás por lo chocante, llega a resultar inquietante. Y poco más, sólo quizás la aparición de algunos rostros anglosajones relativamente conocidos y un índice de muertes que sacia las ansias de sangre de cualquier espectador. En el otro lado de la balanza, casi todo lo demás. Esto es, una trama excesivamente plana y obvia (la aparición selvática del Padre Jonathan, un misionero trastornado que lleva años oculto en una cueva después de que el caimán devorara a sus compañeros, es de los pocos giros apreciables), unas interpretaciones donde abunda el cartón-piedra, una abusiva explotación de la cámara subjetiva a lo Tiburón y un montaje sonoro espeluznantemente malo (esto último toda una constante en el cine fantástico italiano de la época). En un punto de calidad intermedia podrían situarse los efectos especiales. Y es que algunas ocasiones, el caimán resulta medianamente efectivo, mientras que en otras parece poco más que una réplica mecánica del lagarto Juancho. A esto hay que añadir un trabajo de miniaturización también bastante irregular.

Aún siendo un filme bastante prescindible, Caimán puede resultar entretenida gracias a su ingenuidad, su encanto por lo exótico y su alto número de ingestiones de humanos. Desgraciadamente, poco más se puede rascar.

Secuencias y diálogos de interés:

En la secuencia clímax de la película, Daniel y Alice quedan atrapados en el interior de su furgoneta y van a parar al río, donde son atacados por el incombustible caimán. En un acto de arriesgado heroísmo y destreza física, el fotógrafo consigue colocarse sobre la cabeza del animal e introducirle en la boca un cartucho de dinamita. Pocos segundos después, la bestia estalla en mil pedazos.

Curiosidades:

Hijo del director de un banco, se dice de Sergio Martino que era un realizador bastante más interesado en el dinero que en los valores artísticos del cine. Eso parece observarse en su dilatada y pancista filmografía, marcada por un gusto por lo erótico durante los años setenta (Cuarenta grados a la sombra de una sábana), un posterior aprovechamiento del éxito de los asesinos psicopáticos (El asesino del cementerio etrusco) y, mediados los años ochenta, un intento de sacar partido al cine de acción futurista (2019, tras la caída de Nueva York y Destroyer, brazo de acero).

El rostro más conocido del reparto de Caimán es el de Barbara Bach (La espía que me amo, Fuerza 10 de Navarone, Cavernícolas), más que por sus películas, por estar casada con el célebre Ringo Starr. También aparecen Mel Ferrer (Lilí, Guerra y paz), marido de Audrey Hepburn hasta finales de los sesenta, y Richard Johnson (Julio César, La casa encantada, Nueva York bajo el terror de los zombies). Ya a un nivel inferior, encontramos entre los secundarios a Silvia Collatina, la inquietante niña pelirroja de Aquella casa al lado del cementerio, un filme clásico del cine fantástico transalpino.

Uno de los responsables del guión es George Eastman, nombre comercial de Luigi Montefiore, uno de los actores fetiche del difunto Joe D´Amato y protagonista de Antropofagus, uno de los tótems del cine gore.

Frases promocionales:

“¡¡La más pavorosa creación de la naturaleza!!” “¡¡Un monstruo de fuerza descomunal!!”

EL CAZADOR DE TIBURONES

(GUARDIANS OF THE DEEP/THE SHARK HUNTER/IL CACCIATORE DI SQUALI)

Italia/España/México. 1979. 97 minutos. Arco Films/Barthonia/Tei Film Int. Color.

Producción: Jaime Comas Gil y Enzo Doria. Dirección: Enzo G.Castellari. Guión: Tito Carpi, Jaime Comas Gil, Jesús R.Folgar, Alfredo Gianetti. Fotografía: Raúl Pérez Cubero. Música: Guido De Angelis y Maurizio De Angelis. FX: Alvaro Passeri.

Intérpretes: Franco Nero (Mike), Eduardo Fajardo (Capitán Gómez), Patricia Rivera (Juanita), Werner Pochath (Ramón) y Jorge Luke (Acapulco).

Sinopsis: Costa de México. Mike es un norteamericano que vive como cazador de tiburones en una tranquila comunidad marítima. Pronto, su relajada vida y la de su mujer, Juanita, se ven perturbadas cuando los miembros de una organización criminal para la que Mike trabajó años atrás comienzan a acosarles. Liderados por el Capitán Gómez, los mafiosos saben que Mike sobrevivió a un accidente de avión ocurrido tiempo atrás en aquellas aguas y sospechan que su trabajo es una tapadera para investigar el paradero en las profundidades marinas de la carga que llevaba el avión, nada menos que un botín de cien millones de dólares. Ayudado por Acapulco, un experto buceador local, Mike tratará de dar con el dinero antes de que llegue a las corruptas manos de sus antiguos colegas.

Comentario: Siguiendo la línea de producciones contemporáneas como Barracuda o Bermudas: la cueva de los tiburones, El cazador de tiburones es un filme con una clara tendencia al thriller gangsteril y la aventura, ocupando las bestias acuáticas, tiburones en este caso, un segundo plano. Esto no quita que la película resulte aceptablemente divertida, gracias sobre todo al eficaz trabajo tanto de los actores como del dinámico director Enzo G.Castellari.

La presencia de Franco Nero brilla con luz propia en la película, destacando su labor y la de sus compañeros de reparto Eduardo Fajardo y Werner Pochath por encima de una historia que, aunque funciona bien como trama, no resulta excesivamente sorprendente. Al igual que en otras muchas cintas del género fantástico italiano, lo visual prima en gran medida sobre lo argumental o literario. Sólo así se puede comprender que el buen trabajo de dirección del inquieto Enzo G.Castellari (quizás demasiado influido por las tan de moda entonces “cámaras lentas” de Sam Peckinpah), y la estimable fotografía del siempre competente Raúl Pérez Cubero se vean acompañados de unos diálogos tan estandarizados y un argumento tan excesivamente sobrio. Las secuencias de acción, como en la mayoría de los filmes de Castellari, son la baza principal que juega la película. Aquí podemos ver desde emocionantes escenas de caza de escualos hasta trepidantes persecuciones en coche, pasando por peleas a puñetazos y tiroteos para todos los gustos. Todo ello a ritmo de una banda sonora compuesta por Guido y Maurizio De Angelis que bien podría haber servido para cualquier spaguetti western o película S de la época.

En líneas generales, El cazador de tiburones es una película medianamente apañada, a ratos entretenida y salvada en buena parte por el trabajo de Nero en pantalla y de Castellari tras la cámara.

Secuencias y diálogos de interés:

En una de las escenas más impactantes, Nero recibe una brutal paliza de manos de los secuaces de Gómez hasta quedar completamente grogui. Las tomas a cámara lenta de Castellari dotan a la secuencia de un especial dramatismo.

Las secuencias de Franco Nero cazando tiburones son bastante animadas y resultan medianamente convincentes. Eso sí, se abusa un poquito de ellas.

De manera bastante similar a la posterior El sótano del miedo de Wes Craven, la película finaliza con una explosión que tiene como consecuencia el reparto de billetes entre los humildes habitantes de la zona.

Curiosidades:

Enzo G.Castellari, conocido por algunos como “el John Woo italiano”, fue uno de los directores más importantes del cine fantástico italiano durante los años setenta y ochenta. Destacó especialmente por ser uno de los realizadores más duchos a la hora de copiar el estilo del cine de Hollywood, dotando a sus películas de un ritmo rápido y homogéneo que las hacían ciertamente entretenidas. Entre sus filmes más destacados, cabe recordar el mítico western Keoma, la apocalíptica 1990:Los guerreros del Bronx y la polémica Tiburón 3, comentada dentro de pocas páginas. Otro crédito de relevancia en El cazador de tiburones, sino el más relevante, es el del insigne actor Franco Nero, rostro principal de más de una película de Castellari y protagonista de películas tan conocidas como Tristana, La batalla del río Neretva y Querelle.

La cinematografía española aportó también su granito de arena a esta película. Entre los actores podemos ver a Mirta Miller (La rebelión de las muertas, Cría cuervos), musa española de la época del “destape” y que aquí interpreta el pequeño papel de Rosy, una de las mujeres locales; y al prolífico actor gallego Eduardo Fajardo (Balarrasa, El diablo se lleva los muertos). Pero quizás la personalidad patria más importante dentro del filme sea el magnífico fotógrafo Raúl Pérez Cubero (La herida luminosa, El abuelo, Historia de un beso), uno de los mejores iluminadores del cine español.

Presencia menor a destacar es la de Louis Degni, conocido popularmente como Mark Forest. Este actor-culturista de gran altura gozó de cierta fama durante los años sesenta al protagonizar peplums como Maciste el invencible y Hércules contra los hijos del sol. Aquí interpreta el papel de Donovan, uno de los matones que asedian a Franco Nero.

Enzo G.Castellari se reserva también un pequeño papel, uno de los macarras de Gómez. En la escena de la paliza, tiene el honor de estamparle un puñetazo en pleno rostro a su amigo Franco Nero. A cámara lenta, por supuesto.

La película fue rodada en Cozumel, una localidad de la costa de México.

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“El Hombre contra las Fauces de la Muerte”

LA ISLA DE LOS HOMBRES PECES

(L´ISOLA DEGLI UOMINI PESCE/SCREAMERS, ISLAND OF THE FISHMEN, ISLAND OF MUTATIONS, SOMETHING WAITS IN THE DARK).

Italia/EE.UU. 1979. 83 min. Dania Film/Medusa Cinematográfica. Color.

Producción: Luciano Martino. Dirección: Sergio Martino. Guión: Sergio Martino, Sergio Donati y Cesare Furgoni. Fotografía: Giancarlo Ferrando. Música: Luciano Michelini. FX: Chris Walas.

Intérpretes: Claudio Cassinelli (Claude de Ross), Barbara Bach (Amanda Marvin), Richard Johnson (Edmund Rackham), Joseph Cotten (Doctor Ernest Marvin) y Beryl Cunningham (Shakirah).

Sinopsis: Mediados del siglo XIX. Un grupo de buscadores de tesoros desembarca en una paradisíaca isla tropical con el fin de encontrar valiosos yacimientos de oro. Inesperadamente, son atacados y asesinados por unas enigmáticas bestias dotadas de terroríficas garras. Meses más tarde, los supervivientes de un naufragio llegan en un bote a la isla. Entre ellos, aparte de varios prisioneros peligrosos, se encuentra el Teniente Claude de Ross, un médico militar. Pronto comienzan a ser acosados por los enigmáticos engendros, lo que obliga a Claude y a los pocos supervivientes a adentrarse en la isla. Allí descubren al desquiciado Doctor Marvin y a su bella hija Amanda. El científico les cuenta que los monstruos que les han atacado son una nueva raza de hombres peces creados por él y cuya expansión supondrá el fin de los problemas de superpoblación de la humanidad. Sin embargo, el Doctor Marvin tiene en realidad poco control sobre el asunto, ya que es el avaricioso industrial Edmund Rackham quien domina la situación y quiere emplear a los humanoides para descubrir el antiguo y valioso tesoro de la Atlántida. Sólo el heroismo de Claude y la rebeldía de Amanda podrán impedir que los maquiavélicos planes de Rackham lleguen a buen puerto.

Comentario: Con un argumento bastante más trabajado que el de su película contemporánea Caimán, Sergio Martino dirige una entretenida serie B claramente influenciada por películas como La mujer y el monstruo y La isla del Doctor Moureau, así como por la obra literaria de Julio Verne.

La isla de los hombres peces es un típico producto de finales de los setenta y principios de los ochenta, una aventura marina tipo La isla misteriosa o Los conquistadores de Atlantis. Pero aunque comparte con estas un clara influencia julioverniana, se distingue de ellas en que, debido a su considerable dosis de sangre y violencia, parece destinada a un público más adulto. Entre lo mejor de la película se encuentra la eficaz y sencilla dirección de Martino, perfectamente adaptada a una trama también sobria pero llena de acciones y situaciones aventurescas que se suceden sin descanso. También cabe subrayar la presencia de un par de actores de empaque, Richard Johnson (que venía de trabajar con Martino en Caimán) y el gran Joseph Cotten, que ponen la nota positiva dentro un plantel de actores irregulares y personajes muy estereotipados. De menor calidad, aunque dignos (sobre todo tratándose de una producción italiana), son los efectos especiales. Aún encontrándose lejos en cuanto a calidad de los de películas similares como La mujer y el monstruo o Humanoides del abismo, estos hombres-peces transalpinos tienen su gracia y resultan bastante efectivos visualmente, más en las secuencias subacuáticas. También son aceptables los efectos gore, cortados en muchas de las copias distribuidas y que, aunque explícitos, no llegan a ser tan morbosos como los de otras cintas del fanta-horror itálico. Por otro lado, las mayores lagunas del filme se producen en campos como la iluminación (la oscuridad de algunas escenas es exagerada), la música (pegadiza pero poco relevante) y el montaje (notablemente desastroso).

En líneas generales, La isla de los hombres peces puede ser considerada como una agradable peliculilla cuyos variados ingredientes (perversos magnates, heroicos protagonistas, terroríficos mutantes, tesoros ancestrales, rituales vudú, volcanes al borde la erupción, chicas guapas con poca ropa, mitología atlántida, etc…) garantizan un rato de sano entretenimiento sin pretensiones.

Secuencias y diálogos de interés:

La película comienza de forma bastante explosiva, dejándonos claro que estamos ante una película de aventuras con ración extra de hemoglobina. Los buscadores de tesoros son despachados expeditivamente, algunos de ellos vía decapitación, por una veloz y pavorosa garra que nos es mostrada en cámara subjetiva.

Al más puro estilo de 20000 leguas de viaje submarino, salvando las kilométricas distancias, el desenlace rinde tributo al caos más absoluto. Hombres peces atacando, la isla sometida a las iras del volcán, y nuestros protagonistas pasándolas canutas para escapar con vida.

“¡Usted no es un científico! ¡Usted es un loco! ¡Un criminal demente!”, le recrimina Claude al incomprendido Doctor Marvin.

Curiosidades:

Después del sonado éxito comercial de Nueva York bajo el terror de los zombies de Lucio Fulci, Lucio Martino quiso que Dania Film y Medusa Cinematográfica tuvieran también su película de zombies, aunque fueran muertos vivientes mutados con genes de peces. Tomando elementos de filmes como La mujer y el monstruo, La isla misteriosa y La isla del Doctor Moreau (cuya versión con Michael York se había estrenado un par de años antes) y adaptando el refrito al gusto por el exotismo tropical de su hermano Sergio, que venía de rodar La Montaña del Dios Caníbal y Caimán, nació La isla de los hombres peces.

El reparto del filme es casi el mismo que el de Caimán, siendo de nuevo Claudio Cassinelli, Barbara Bach y Richard Johnson tres de los actores principales. La novedad, la presencia del afamado Joseph Cotten (El tercer hombre, Luz de gas, Barón Blood).

Existen dos versiones de la película. La primera, sin tijeretazos y sin escena de introducción, es la original italiana. Para la segunda, distribuida por New World Pictures en Estados Unidos con el título de Screamers, se incluyo la secuencia de introducción y se retocaron algunas partes del primer metraje.

La secuencia inicial de la versión retocada está dirigida por el Miller Drake, posterior editor de FX en películas como Terminator 2 y El sexto día, y protagonizada por el prolífico Mel Ferrer (Las manos de Orlac, El Anticristo, Caimán).

Existe una secuela llamada La reina de los hombres peces, rodada en 1995, muy poco conocida y cuya distribución fue bastante reducida. Actualmente se puede encontrar junto a La isla de los hombres peces en la nueva edición de ésta para dvd.

La campaña promocional de Screamers (no confundir por su exacto título original con la futurista Asesinos cibernéticos) en Estados Unidos informaba de que los monstruos del filme eran una suerte de muertos vivientes con la piel vuelta del revés. Así también parece indicarlo la carátula de video de esta versión. Obviamente, en la película no aparecen ni zombies con la piel vuelta, ni cosa que se le parezca.

Frases promocionales:

“Viven y luchan en las profundidades del océano” “¡Son hombres totalmente vueltos del revés! Pero lo peor es que… ¡aún están vivos!”

UP FROM THE DEPTHS

EE.UU/Filipinas. 1979. 85 min. Jack Atienza/New World Pictures. Color.

Producción: Cirio H.Santiago. Dirección: Charles B. Griffith. Guión: Anne Dyer y Alfred Sweeney. Fotografía: Ricardo Remias. Música: James Horner y Russell O´Malley. FX: Chris Walas, Sandy Hill y Robert Short.

Intérpretes: Sam Bottoms (Greg), Susanne Reed (Rachel), Charles Howerton (Doctor David Whiting), Kedric Wolfe (Oscar Forbes) y Virgil Frye (Earl).

Sinopsis: Isla de Mahu, Hawai. El Doctor Whiting, un veterano biólogo marino, realiza estudios en las aguas de la zona en compañía de Sandy, una de sus ayudantes. Inesperadamente, durante una de sus inmersiones, la chica desaparece en las profundidades y un reguero de sangre asciende a la superficie ante la atónita mirada de Whiting. Mientras tanto, en la costa, Greg y su tío Earl, una pareja de estafadores locales, son perseguidos por Oscar Forbes, el dueño del complejo hotelero de la isla y al que parecen afectar económicamente las actividades de los dos pícaros. Forbes busca la complicidad de Rachel, la encargada de las relaciones públicas del hotel, sin saber que ésta coquetea con el joven Greg. Pronto comienza a desaparecer más gente, entre ellos un fotógrafo amigo de Rachel. Paralelamente, algunos lugareños son testigos de la presencia de un enorme y monstruoso pez surcando el mar, lo que lleva al Doctor Whiting a pensar que algún tipo de animal prehistórico podría haber emergido de los fondos abisales. Aunque Whiting tiene intenciones de capturarlo vivo, Forbes organiza una batida con los habitantes y turistas de la isla y ofrece una fuerte recompensa a quien le entregue la cabeza del animal. La caza del monstruo ha comenzado.

Comentario: Si ya el éxito de Tiburón había tenido como consecuencia la aparición de toda una subindustria global especializada en producir filmes herederos de ésta, el también considerable triunfo en taquilla de Tiburón 2 no hizo más que afianzar esta corriente. Up from the depths es una buena muestra de ello.

Nos encontramos ante la segunda incursión de la recién formada New World Pictures de Roger Corman en el subgénero de monstruos acuáticos, después de haber dado en el clavo con su primer intento, Piraña. Desgraciadamente, tanto desde un punto de vista cualitativo como de rentabilidad, esta segunda visita al subgénero obtuvo unos resultados radicalmente distintos. Y es que, aún contando con algunos buenos momentos de acción, Up from the depths no pasa de ser una película irregular. El lastre principal del filme lo podemos encontrar en el uso y abuso de uno de los recursos argumentales más arriesgados, y generalmente fracasados, del cine fantástico. No hablamos de otra cosa que de los malditos “alivios cómicos”, sí, esos que en ocasiones llegan a producir más desasosiego en el espectador que las acciones del propio monstruo o asesino de turno. En Up from the depths nos encontramos ante toda una galería de personajes, cerca de tres cuartas partes del plantel, concebidos exclusivamente con el fin de arrancar una buena carcajada al espectador y liberarle temporalmente de la tensión de los ataques del monstruo. Tenemos graciosos borrachos, graciosos turistas japoneses, graciosos peluqueros (homosexuales, por supuesto, no iban a romper el tópico y embarcarse en una osada aventura de “cine experimental”), todos ellos vehículo de diálogos y situaciones que no son precisamente un canto al humor sutil. Sobra decir que aquí se consigue precisamente el efecto contrario, es decir, que las apariciones del pez asesino supongan todo un alivio. Aparte del grueso “humorístico”, el filme, dentro de sus posibilidades, ofrece algunas secuencias de acción y suspense que se pueden salvar, especialmente las del último tramo de la película, cuando la bestia marina siembra el caos a gran escala.

Técnicamente, conviene valorar el trabajo de montaje, que, aunque algo deslavazado y repetitivo, sí logra dotar del empuje necesario a las escenas de mayor tensión. Igualmente se pueden destacar la fotografía submarina y los efectos especiales, por lo menos en lo referente al monstruo. Éste, concebido como una suerte de pez casi aforme y grotesco, da bastante bien el pego cuando emerge del agua, aunque en las tomas submarinas flojea ligeramente (sus proporciones son visiblemente alteradas) y poco o nada tiene que ver con la curiosa bestia plagada pinchos y escamas del cartel original del filme. En cuanto a la música, compuesta por el posteriormente famoso James Horner, decir que tiene un regusto añejo bastante evidente. Recuerda a mucho a la de clásicos del cine fantástico de los años cuarenta y cincuenta, y abusa, quizás en exceso, de la fanfarria al estilo Superman.

Sólo un puñado de buenos momentos hace que Up from the depths se salve del fiasco absoluto. Una lastima, ya que con un guión menos proclive al humor barato, podría haber sido una película bastante aceptable dentro del subgénero.

Secuencias y diálogos de interés:

Las escenas de ataque del monstruo. Aunque emocionantes, estas secuencias pecan de repetir el mismo montaje hasta la saciedad. La toma submarina de la bestia prehistórica abriendo sus fauces es siempre la misma.

"Sus tripas están destrozadas”, dice Greg contemplando el cadáver de Whiting, cuyo traje de buceo está intacto y sobre cuyo pecho se observan ligeros restos de sangre. Una curiosa muerte por heridas internas que parece tener que ver con la falta de presupuesto.

Trampa al monstruo. Al igual que en la contemporánea Las colinas tienen ojos, los protagonistas dan buen uso a un cadáver, en este caso el del Doctor Whiting, llenándolo de explosivos y dándoselo de comer al pez asesino, que explota sin remisión.

“¡Dios mío, es un pez monstruoso!”, clama un turista mientras observa a la bestia cortando el mar.

Curiosidades:

Aparte del mítico guionista Charles B. Griffith, cuya carrera ya hemos comentado y que aquí desempeña labores de dirección, el compositor James Horner es la personalidad más reputada en los créditos de Up from the depths. Descubierto por Roger Corman, para el que compuso esta banda sonora y la de Humanoides del abismo, Horner se convirtió con el paso de los años en uno de los músicos más importantes de Hollywood gracias a su trabajo en títulos como Cocoon, Aliens y Apolo XIII. Su consagración definitiva vino con la banda sonora de la exitosa Titanic.

Aunque simula ser Hawai, la película está rodada en las Islas Filipinas, donde rodar salía notablemente más barato.

Buena parte de las voces de los actores están dobladas, por lo que a veces lo que dicen sus bocas y lo que se escucha no concuerda.

Algún que otro fotograma de Piraña fue incluido en la contraportada de la primera edición en video de Up from the depths. También algunas imágenes de archivo de Up from the depths fueron utilizadas en la versión de Piraña de 1995. Pequeñas chapucillas del amigo Corman.

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“Tus vacaciones van a terminar pronto.”

VORACIDAD

(AGGUATO SUL FONDO/KILLER FISH/DEADLY TREASURE OF THE PIRANHA/THE NAKED SUN).

Italia/EE.UU/Brasil. 1979. 105 min. Carlo Ponti/Filmar do Brasil/Fawcett-Majors Productions. Color.

Producción: Alex Ponti. Dirección: Antonio Margheriti. Guión: Michael Rogers. Fotografía: Alberto Spagnoli. Música: Guido De Angelis y Mauricio De Angelis. FX: Ricardo Pallottini, Augusto Possanza y Waldomiro Reis.

Intérpretes: Lee Majors (Lasky), Karen Black (Kate), Margaux Hemingway (Gabrielle), Marisa Berenson (Ann) y James Franciscus (Paul Diller).

Sinopsis: Brasil. Paul Diller, antiguo directivo de una compañía minera, planea el asalto a una cámara acorazada que guarda un alijo de esmeraldas de gran valor. Para realizar el robo, forma equipo con Bob Lasky, un aventurero norteamericano, Kate, la mujer de éste, Lloyd y Warren Bailey, unos hermanos expertos en explosivos, y Hans, un musculoso matón. Una vez que el robo es llevado a cabo y la policía convenientemente despistada, el grupo de ladrones conduce las joyas hasta un lago, enterrándolas bajo sus fangosas aguas. Reunidos más tarde en la casa de campo de Diller, y a pesar de las ansias de los Bailey por cobrar su parte del botín, los miembros del grupo deciden ocultar las joyas bajo el agua durante sesenta días. Coincidiendo con la llegada a la zona de la bella modelo Gabrielle y su corte de fotógrafos y reporteros, comienzan las desconfianzas entre los componentes de la banda, llevando a algunos de ellos a pensar en recuperar el botín por su cuenta. Pero lo que no saben, es que alguien se ha encargado de que la carga sumergida sea protegida por unos guardianes especialmente celosos…

Comentario: Continuando con la subcorriente fílmica de mezclar el subgénero de bestias acuáticas con otros géneros más clásicos, y demostrando que no sólo de rip-offs de Tiburón podía vivir este cine (también se podía sacar partido de Piraña), se presentó Voracidad, una coproducción repleta de actores estadounidenses de segunda fila y dirigida por Antonio Margheriti, todo un especialista del explotation cinema transalpino.

Al igual que la mayoría de estas híbridas producciones de finales de los setenta, Voracidad se limita a cumplir el expediente, convirtiéndose en película eminentemente práctica y apostando por ofrecer una cota media de entretenimiento. Cine negro y aventuras son los dos géneros principales en los que se podría clasificar la película, una base a la que se le añaden pequeñas dosis de terror (las pirañas) y romanticismo (el escarceo amoroso entre Lasky y Gabrielle). La más eficiente que sorprendente trama es quizás lo mejor de la película, gracias sobre todo a un desenlace en el que el destino del botín robado sirve como excusa para realizar un par de resultones giros de guión y a un clímax previo protagonizado por las pirañas tropicales que es, de largo, la secuencia de mayor impacto del filme. También atractivo, por lo menos a priori, resulta el plantel de actores, muchos de ellos conocidos internacionalmente. Pero desgraciadamente, salvo James Franciscus y Karen Black, el resto aporta más bien poco, destacando una Margoux Hemingway que demuestra que su contribución al cine fue pareja a la de Kournikova al tenis femenino. Dentro de los apartados técnicos cabe valorar cierto atrevimiento visual de Margheriti, con algunas tomas de cámara bastante originales y una efectiva dirección de las sanguinolentas secuencias de ataque de las pirañas, y una fotografía que nos permite deleitarnos con varios y bellos parajes brasileños. Los efectos especiales tienen su encanto, aunque son bastante irregulares. Mientras el efecto del inmenso tornado que se desata al final del filme y el trabajo con las pirañas de mentirijilla no pasa del aprobado más ramplón, la gigantesca ola que rompe el embalse también en las últimas secuencias está bastante bien hecha.

Aún partiendo del atractivo simbolismo de que la voracidad de las pirañas y los hombres es bastante similar, el filme no acaba de despuntar todo lo que potencialmente podía y no pasa de ser una entretenida serie B de tarde de sobremesa.

Secuencias y diálogos de interés:

Primera muerte. Los hermanos Bailey, Lloyd y Warren, apuestan por recuperar las esmeraldas por su cuenta y riesgo. Nada más zambullirse Lloyd, el agua comienza a eructar burbujas carmesí. Al momento, el hombre emerge ensangrentado y agonizante, para volverse a hundir después bajo la estupefacta mirada de su hermano.

El caos final. Tras evitar a las pirañas y recuperar las joyas, Diller y Kate pierden el barco que les había transportado y se ven obligados a subir a uno en el que Lasky, Gabrielle y varios fotógrafos organizan una fiesta. Pero la algarabía se convierte en tragedia cuando un violento tornado azota el lugar y provoca una rotura del embalse. El viento, las aguas agitadas y las pirañas se convierten en temibles enemigos de los tripulantes, que comienzan a morir ahogados y devorados. Eso sí, al final los buenos se salvan y Diller, el responsable de la aparición de las pirañas en el lago, es devorado por sus mascotillas alimentadas.

Curiosidades:

El recientemente fallecido Antonio Margheriti dirigió este filme con el nombre de Anthony M. Dawson, su seudónimo habitual. Margheriti fue uno de los impulsores del cine fantástico en Italia y uno de los mayores especialistas de FX de este país. Especializado en filmes donde la acción juega un papel principal, entre sus películas más conocidas cabe destacar Danza macabra, El justiciero rojo, Yor, el cazador que vino del futuro y Virus.

En el reparto de la película aparecen rostros tan conocidos como los de Lee Majors (El hombre de seis millones de dólares), casado por entonces con la popular Farrah Fawcet, James Franciscus (El gato de las nueve colas, Tiburón 3), Marisa Berenson (Muerte en Venecia, Cabaret, Barry Lindon), Karen Black (Easy Rider, El gran Gatsby, Nashville) y la efímera Margoux Hemingway (Lipstick, Máquina de matar).

El papel del fortachón Hans es interpretado por Dan Pastorini, famoso quaterback de los Houston Oilers que llegó a posar desnudo para la revista erótica Playgirl.

En Alemania, Voracidad fue distribuida en video como Piranhas 2: Die Rache der Killerfische. Otra más de esas astucias comerciales a las que tan acostumbrados nos tienen ciertas distribuidoras de películas.

Mientras rodaba Voracidad, Marisa Berenson sufrió un serio de accidente de coche. Según algunos rumores, años después declaró: “No sé qué fue peor, rodar aquella película o estamparme contra la luna del coche”.

Frases promocionales:

“Ellos buscaban un tesoro… Ellas buscaban carne. Una aventura que te arrastra, te zarandea y te desgarra.” “Bajo el agua aguardaba el infierno.”

LA BESTIA BAJO EL ASFALTO

(ALLIGATOR)

EE.UU. 1980. 91 min. Alligator Associates/Group 1 Films. Color.

Producción: Robert S.Bremson y Brandon Chase. Dirección: Lewis Teague. Guión: John Sayles. Fotografía: Joseph Mangine. Música: Craig Hundley. FX: Richard O. Helmer y Ben Stansbury.

Intérpretes: Robert Foster (David Madison), Robin Riker (Marisa Kendall), Michael V. Gazzo (Jefe de policía Clark), Dean Jagger (Slade) y Henry Silva (Coronel Brock).

Sinopsis: 1968. El matrimonio Kendall contempla junto a su hija Marisa un espectacular show de caimanes en Florida. Una vez concluido, a petición de la niña, compran un pequeño caimán de treinta centímetros y se lo llevan con ellos de vuelta a Chicago. A lo pocos días, el pequeño Ramon, así bautizado por Marisa, es arrojado al retrete por el padre y acaba en las alcantarillas. Una vez allí, el reptil tiene la suerte de toparse con los cadáveres de varios perros que han sido sometidos a pruebas ilegales de crecimiento con hormonas. Ramon empieza a comer… 1980. Diversas partes de un cuerpo humano desmembrado aparecen en el exterior del sistema de alcantarillado de Chicago. Todo parece indicar que se ha cometido un asesinato. El detective de homicidos David Madison, un controvertido agente culpabilizado por la muerte de un compañero años atrás, investiga el caso junto a Kelley, un policía novato. Al poco de entrar a examinar las alcantarillas son atacados por un enorme caimán de diez metros, que devora a Kelley mientras David escapa aterrado. Ayudado por la Doctora Marisa Kendall, la niña que compró el bebé de caimán y ahora convertida en una experta en reptiles, David inicia la persecución de la bestia.

Comentario: La bestia bajo el asfalto es un liberador soplo de aire fresco dentro de un subgénero que parecía correr peligro de volver a estancarse a base de ripoffs e híbridos anodinos. El mérito pertenece de nuevo mayoritariamente a John Sayles, guionista de Piraña, que vuelve a repetir una fórmula narrativa basada en el humor negro y logra dignificar un proyecto que en manos de otro guionista difícilmente habría salido bien parado.

Basándose en una historia original de Frank Ray Perilli, y añadiendo una crítica de fondo ecológista y anti-clasista, Sayles construye una entretenida sátira sobre la famosa leyenda urbana de los caimanes de Nueva York en la que destacan tanto sus originales diálogos y sus creíbles personajes como las macabras situaciones que se suceden a lo largo del metraje. Un esquema bastante similar al de Piraña, aunque adaptado a la idiosincrasia del medio urbano y de la feroz bestia de turno, que vuelve a funcionar más que aceptablemente. Y es que al igual que en el anterior filme de Joe Dante y que en la posterior Aullidos, también escrita por John Sayles, el guionista alterna acertadamente momentos puntuales de efectivo terror con otros que pueden interpretarse como una cierta desmitificación del cine fanta-terrorífico, o por lo menos como una ruptura con ciertos elementos y clichés que Sayles parece considerar caducos (protagonistas virtuosos hasta su completa desnaturalización, complacencia con políticos y militares, etc.) También tiene su mérito el trabajo de Lewis Teague en la dirección, que sabe mantener la tensión en los momentos apropiados y dirige con muy buen pulso las escenas de más acción, o lo que es lo mismo, las embestidas del inmenso caimán contra la población, así como el de Joseph Mangine (El día de la madre, Solos en la oscuridad) en la iluminación, que logra recrear una atmósfera ciertamente inquietante en las alcantarillas de la ciudad. Notable a su vez es el trabajo de los actores, sobresaliendo Robert Foster en su papel de policía incomprendido y de oscuro pasado (un protagonista “perdedor” de corte similar al de Piraña) y Henry Silva como excéntrico cazador de grandes piezas. En un término medio podríamos situar los efectos especiales, bastante aceptables para una película de reducido presupuesto y que, a pesar de algunos momentos en los que se hace evidente la artificiosidad del caimán, funcionan bien por lo general. Además, hay que tener en cuenta que las apariciones del animal están inteligentemente dosificadas y las tomas del engendro mecánico hábilmente seleccionadas. Por la parte negativa, uno de los pocos peros que se le pueden poner al filme es espesa subtrama romántica que ralentiza algunas partes de la película, un enamoramiento progresivo entre la científica y el policía que resulta bastante prescindible. También es censurable la música de Craig Hundley (Psicópata, La gran huida), demasiado similar a la de Tiburón.

Sin temor a equivocarse, aunque sin tampoco llegar al nivel de clásicos como Tiburón o La mujer y el monstruo, La bestia bajo el asfalto puede ser considerada como uno de los “pesos pesados” dentro del subgénero de bestias acuáticas (a pesar de que aquí el medio acuático esté parcamente representado por el agua de las alcantarillas y alguna que otra piscina). Muy superior a la mayoría de sus contemporáneas y altamente recomendable.

Secuencias y diálogos de interés:

Juegos infantiles. Sin duda, una de las más sobrecogedoras y macabras escenas del filme es aquella en la que unos niños disfrazados de piratas obligan a otro a tirarse desde el trampolín de una piscina como si fuera un prisionero que va a ser lanzado a los tiburones. Obviamente, ninguno de ellos sabe que el caimán aguarda bajo el agua…

El “banquete” de boda. La escena más espectacular tiene lugar en los jardines de la mansión del adinerado Slade, donde se celebra una boda de la alta sociedad. Allí acude el superhormonado reptil, que no duda en darse un atracón de carne humana a costa de los miembros del servicio y los glamourosos invitados.

El fin de la bestia. Empleando un paquete de explosivos robado de la sede central de la policía, David y Marisa consiguen destruir finalmente a Ramon, a pesar de las complicaciones que provoca la presencia de una señora obesa y su coche. Poco después de ser reventado el animal, observamos como un nuevo bebé caimán llega a las alcantarillas a través de los desagües…

“Voy a salir ahí afuera, encontrarlo y darle una buena patada en el culo”, dice con excesivo arrojo el bueno de David Madison.

Curiosidades:

El director Lewis Teague, que al igual que John Sayles realiza un breve “cameo” en la película, es también director de otras apreciables películas de género fantástico y de aventuras, como Cujo, La joya del Nilo, Los ojos del gato y Peligrosamente unidos.

Algunas copias de la película sufrieron el trabajo de la censura estadounidense, que eliminó algunas escenas violentas y dobló ciertas expresiones malsonantes. Algo similar ocurrió en España con “Comida sangrienta” de Jackie Kong, vuelta a doblar tras la llegada del Partido Popular a TVE, con una tremenda y absurda censura de los diálogos originales.

Durante varios años circuló el rumor de que se estaba preparando el guión de una secuela titulada Alligatrópolis, que estaría escrito de nuevo por John Sayles. Primero que se dijo que sería el guión de la segunda parte, lo cual no fue así, y luego de una supuesta tercera entrega de la que todavía no se sabe nada.

En un muro de las alcantarillas vemos pintado un graffiti que reza: “Harry Lime Vive”. Como muchos sabrán, Harry Lime no es otro que el maquiavélico personaje de El tercer hombre que acababa muriendo en las alcantarillas. Un gracioso homenaje.

Frases promocionales:

“Mide 12 metros. Pesa una tonelada. Vive a 15 metros bajo la ciudad… ¡Y va a salir a la superficie!” “Una TERRORÍFICA película con sentido del HUMOR” “Mide 12 metros. Pesa una tonelada. Vive a 15 metros bajo la ciudad. Nadie sabe que está ahí abajo, excepto la gente a la que devora”

HUMANOIDES DEL ABISMO

(HUMANOIDS FROM THE DEEP/MONSTER/MONSTERS)

EE.UU. 1980. 83 min. New World Pictures/United Artists. Color.

Producción: Roger Corman, Martin B. Cohen y Hunt Lowry. Dirección: Barbara Peeters. Guión: Martin B. Cohen y Frederick James. Fotografía: Daniel Lacambre. Música: James Horner. FX: Rob Bottin, Roger George, Steve Johnson y Chris Walas.

Intérpretes: Doug McClure (Jim Hill), Ann Turkel (Doctora Susan Drake), Vic Morrow (Hank Slattery), Cindy Weintraub (Carol Hill) y Anthony Penya (Johnny Eagle).

Sinopsis: La tranquilidad del pequeño pueblo pesquero de Noyo, que celebra su fiesta anual del salmón, se ve alterada por la llegada a la costa de varios restos de perros muertos. Todo parece indicar que las muertes son producto de las actividades de la nueva fábrica conservera que se ha establecido en el pueblo, cuya presencia es defendida por el viejo pescador Hank Slattery y criticada por Johnny Eagle y la minoría india de la localidad. Pero lo peor está todavía por llegar… Varios hombres son brutalmente asesinados por unos extraños hombres-peces, mientras que otras tantas mujeres son salvajemente violadas. El pescador local Jim Hill y la Doctora Susan Drake, bióloga que trabaja para la controvertida compañía, comienzan a investigar los sucesos. Pronto descubren que los experimentos genéticos llevados a cabo por la nueva industria, empleando una sustancia llamada ADN 5 con el fin de aumentar el tamaño de los salmones de la zona puede ser la causa de la aparición de los terroríficos monstruos. Pero conocer las causas de las mutaciones no bastará para hacer frente a la brutal y sangrienta ofensiva que se avecina sobre Noyo…

Comentario: A pesar del reciente fracaso cosechado con Up from the depths, la New World Pictures de Roger Corman decidió volver a apostar por los terrores submarinos e intentar conseguir algo similar a lo logrado con Piraña años atrás. El resultado fue Humanoides del abismo, una divertida y sanguinolenta serie B convertida para algunos en un clásico de culto.

Humanoides del abismo puede ser clasificada como una suerte de moderna revisitación de La mujer y el monstruo, influida también en menor grado por clásicos de los cincuenta como Sanguijuelas gigantes y de los setenta como Alien, el octavo pasajero y Tiburón. Pero a todo ello añade un trasfondo ecológico, tan en boga en la época, y una fuerte carga de sangre y nudismo. El argumento es bastante atractivo, ya que los hombres-peces no se limitan a masacrar a todo humano al que dan alcance, sino que también hacen lo posible por saciar su instinto reproductor con las mujeres de la zona. Este escabroso elemento de la película (que si no hubiera estado dirigida por una mujer probablemente habría sido tachada de misógina) aporta originalidad y dramatismo a la trama, haciendo a la vez que los monstruos resulten especialmente repulsivos. Narrativamente es un filme bastante ágil, no muy rico en giros sorpresivos, pero apoyado en convincentes subtramas socio-ecológicas, muy entretenido y dueño de algunas secuencias tan emocionantes como impactantes. Barbara Peeters (Bury me an angel, Starhops) dirige con soltura, conteniéndose acertadamente en las espinosas escenas de violación, pero siendo bastante explícita en los asesinatos y consiguiendo que al espectador le de un vuelco al corazón en más de una ocasión. Sólo se puede echar en falta en su trabajo algo más de sutilidad a la hora de mostrar a las bestias mutantes, que son mantenidas de incógnito durante poco tiempo. Reforzando la buena labor de dirección de Peeters, cabe destacar el excepcional trabajo de montaje de Mark Goldblatt, que ya había demostrado su destreza editora en Piraña. Goldblatt, haciendo gala de un trepidante sentido del ritmo, consigue que las escenas de ataque más climáticas de los humanoides resulten altamente excitantes (no en su acepción de orden sexual, obviamente), especialmente en el caótico festín de sangre final.

Brillante también es la fotografía, rica en cuanto al uso de lentes especiales de cámara y más que eficiente en los planos submarinos. De menor calidad, aunque aceptables, son los efectos especiales. La apariencia de los humanoides tiene su encanto, pero la abusiva y detallada muestra de ellos hace que se acaben percibiendo algunas imperfecciones en los trajes especiales. Tampoco excesivamente relevante es la música de James Horner, que ya compusiera para Corman la de Up from the depths, y que aquí construye una banda sonora de marcado carácter siniestro en la que sólo empiezan a insinuarse ciertos despuntes de su posterior calidad melódica. Por último, decir que las interpretaciones tampoco son un aspecto deslumbrante del filme. Doug McClure, Ann Turkel y Vic Morrow, los tres actores principales, se limitan a cumplir dignamente su cometido.

Muy estimable película que quedará para la posteridad como una de las más entretenidas y contundentes de la factoría Corman. Monstruos submarinos, nudismo gratuito, sangre en generosas raciones… ¿Qué más puede pedir un amante de la serie B?

Secuencias y diálogos de interés:

Primera víctima. Un barco pesquero comienza a perder gasolina en alta mar. Mientras trata de reparar la avería, Jackie, un joven tripulante, cae accidentalmente por la borda. “Algo” consigue escapar de la red de pesca. Jackie no vuelve a la superficie, pero sí su sangre… El derrame de gasolina no tarda en provocar la explosión de la embarcación.

El asedio a Carol Hill. La mujer de Jim, encerrada en su casa en compañía de su hijo, es acosada por un grupo de humanoides que comienzan a destruir puertas y ventanas. Ligeras reminiscencias de las escenas cumbre de Halloween.

La secuencia más importante es, sin duda, la matanza final en el Festival del Salmón. Los humanoides lanzan una brutal ofensiva contra la alegre verbena, buscando chicas jóvenes con las que perpetuar su estirpe. Lugareños y mutantes se enfrentan ferozmente a sangre y fuego, cayendo finalmente la victoria del lado de los humanos.

Epílogo. Una vez que la amenaza humanoide ha sido eliminada, la Doctora Drake ayuda a la joven Peggy, raptada temporalmente por los hombres-peces, a dar a la luz. Sin tiempo si siquiera de tomar la epidural, el vientre de la joven es reventado desde dentro al más puro estilo Alien por monstruoso bebé híbrido.

“Quieren proseguir su evolución apareándose con nosotras”, advierte solemnemente la Doctora Drake.

Curiosidades:

Barbara Peeters tuvo algún que otro problema con Roger Corman una vez finalizada la post-producción del filme. Al parecer, el travieso de Corman, fiel a su espíritu provocador, incluyo bastantes más planos de desnudos y sangre de los que había pactado con la directora, cuya visión de la película era algo más elegante.

Doug McClure y Ann Turkel son dos de los rostros más conocidos que aparecen en Humanoides del abismo. McClure comenzó destacando como “Trampas” en la serie de televisión El Virginiano. Con los años se convirtió en un habitual de películas de segunda fila, como Los conquistadores de Atlantis, Aeropuerto 78: Vuelo supersónico y 52, vive o muere. Un año antes de su muerte, participó en Maverick. Por su parte, Ann Turkel entró en el cine después de haber sido una exitosa modelo. Entre sus títulos más destacados están El planeta de los buitres, Cita de oro y 99,44% muerto.

Mención aparte merece la presencia de Vic Morrow, actor neoyorquino que destacó en los sesenta interpretando al Sargento Saunders de la serie Combat! y llegó a participar en la siguiente década en la mítica serie Raices. Padre de la popular actriz Jennifer Jason Leigh, sus primeras actuaciones en la gran pantalla fueron en películas de renombre, como La colina de los diablos de acero, La ley de la horca y Cimarron. Con el tiempo se hizo un hueco en la industria fantástica europea, trabajando en títulos como 1990: Los guerreros del Bronx y Tiburón 3. Desgraciadamente, su nombre es recordado por muchos por su horrible muerte acaecida durante el rodaje de En los límites de la realidad, en el que las hélices de un helicóptero accidentado le decapitaron. El trágico incidente ocurrió en el verano de 1982, junto al río Santa Clara, y en él también fallecieron dos niños vietnamitas. Su última y notable interpretación, protagonizando la brillante historia antirracista de esta película de John Landis, supuso un inmejorable colofón a su carrera.

Entre los responsables de los efectos especiales del filme cabe destacar a Rob Bottin (La niebla, Legend, Desafío Total, Seven), que se encargó del diseño de la criaturas, y al también célebre Steve Johnson (Videodrome, Golpe en la pequeña China, Species, Blade II), que se responsabilizó del maquillaje.

Jimmy T. Murakami, director de Los siete magníficos del espacio y del extraordinario filme de dibujos animados Cuando el viento sopla, colaboró con Barbara Peeters como director no acreditado.

Frases promocionales:

“¡Llegan desde las cavernas de las profundidades!”

“No son humanos. Pero cazan mujeres humanas. No para matarlas. Para aparearse.”

TIBURÓN 3

(L´ULTIMO SQUALO/THE LAST SHARK/GREAT WHITE/JAWS RETURNS/THE LAST JAWS/SON JAWS)

Italia. 1980. 88 min. Uti Produzioni/Horizons Productions. Color.

Producción: Ugo Tucci. Dirección: Enzo G.Castellari. Guión: Marc Princi y Vincenzo Mannino. Fotografía: Alberto Spagnoli y Arnaldo Mattei. Música: Guido De Angelis y Mauricio De Angelis. FX: Antonio Corridori, Giorgio Ferrari y Giorgio Pozzi.

Intérpretes: James Franciscus (Peter Benton), Vic Morrow (Ron Hammer), Gianni Lofredo (Bill Wells), Joyce Lee (Gloria Benton) y Giancarlo Prete (Bob Martin).

Sinopsis: Los habitantes del pequeño pueblo costero de Port Harbor (Florida) se preparan para la celebración de su centenario, cuyo principal evento es una gran regata de windsurf. En la víspera de la fiesta, el más prestigioso de los windsurfistas inscritos desaparece misteriosamente mientras entrena en alta mar. Poco después los restos despedazados de un pescador del pueblo llegan hasta la costa. Presionado por Peter Benton, un submarinista experto en tiburones, el alcalde Wells opta por circundar la playa con una vasta red submarina, previniendo la incursión de algún escualo. Pero esa misma noche, un gigantesco tiburón blanco de más de diez metros destroza a dentelladas la barrera y penetra en el puerto. A la mañana siguiente, durante la celebración de la regata, el enorme pez siembra el terror entre participantes, asistentes y periodistas. Ante la inoperancia del alcalde, Peter Benton y Ron Hammer, un veterano pescador, deciden salir en busca del feroz animal. Sólo su destreza podrá evitar que la cuenta de personas devoradas continúe incrementándose.

Comentario: A pesar de que Tiburón 3 (secuela extraoficial de la saga de Universal Pictures) no puede ser considerada, por razones lógicas, como una buena película, sí ha de ser reconocida como uno de los clásicos del subgénero de bestias submarinas, aunque ello pueda resultar paradójico. Dos razones justifican este hecho; primera, la tremenda polémica que desató en su época y que hizo de Tiburón 3 un filme popular en todo el mundo; segunda, que se trata posiblemente del rip-off más descarado y divertido que ha dado el cine fantástico.

Argumentalmente, la película no es más una copia evidente de las secuencias de mayor calibre de Tiburón y Tiburón 2 (ocultamiento de la bestia en el primer tercio del metraje, ataque a helicóptero, masacre de jóvenes regatistas, boyas que marcan las evoluciones del escualo, etc…) y de algunos de sus personajes (alcalde incompetente, “lobo de mar” al estilo Quint), a lo que se añaden algunas secuencias de cosecha propia que, salvo la que abre el filme, no poseen gran valor creativo. Eso sí, lo que es indiscutible es que la narración no ofrece descanso alguno al espectador y le deleita con múltiples escenas de acción que se suceden sin pausa, lo que hace de este “último escualo” un producto realmente entretenido. La carencia presupuestaria de la película salta a la vista, naufragando irremisiblemente (e incluso provocando la risa) en varios de sus aspectos puramente técnicos. Pero esta pobreza de medios es en parte paliada por la destreza como director “todoterreno” de Enzo G. Castellari, que sabe imprimir a la narración un ritmo vertiginoso e incluso no duda en recrearse en determinados momentos con sus enfáticas tomas a cámara lenta y algún que otro sugerente plano subjetivo del tiburón acechando. En las escenas de tierra, aquellas en las que menos se nota la carestía monetaria, Castellari consigue asombrosamente que el habitual tufillo a subproducto italiano de este tipo de producciones se esfume por completo y parezca que nos encontremos ante un filme estadounidense de la época. Como estadounidenses son los dos actores principales de la obra, James Franciscus y Vic Morrow, que realizan su trabajo con digna eficiencia, a pesar de contar con unas líneas de diálogo excesivamente estandarizadas. Del resto del plantel, mayoritariamente formado por actores italianos (entre ellos varios colegas y familiares de Castellari), poco positivo se puede decir. Se limitan a cumplir.

Como antes hemos señalado, los apartados técnicos son la cruz de la película. Comenzando por el montaje, podemos decir que echa por tierra buena parte del buen trabajo de realización. De igual forma que en muchas de las producciones fantásticas italianas, los cortes abruptos y los saltos a trompicones se suceden con cierta frecuencia. Afortunadamente, parecen remitir en los momentos “madre” de la película. También tocada por la mediocridad está la fotografía submarina, responsabilidad de Arnaldo Mattei, cuya oscuridad llega en ocasiones a resultar insultante. Eso sí, paradójicamente, en la secuencia nocturna en la que el tiburón logra quebrar la red de protección la pobreza lumínica es tal que la escena resulta especialmente turbadora. Los efectos especiales merecen casi un capítulo aparte, no por su complejidad, sino por ser una constante invitación a la carcajada. Para la creación del escualo se construyeron una serie modelos de diferentes tamaños, incluidas miniaturas, cuyo hieratismo y falta de expresividad es verdaderamente alarmante. Salvo la imponente aleta, el resto del cuerpo parece carecer del más mínimo atisbo de vida. Lo mismo sucede con los maniquíes que doblan a los actores en las escenas de riesgo, cuya presencia es extremadamente obvia. Y no podían faltar las imágenes de archivo, que Castellari no duda en emplear generosamente. Aquí, sin embargo, hay que ser justos y reconocer que el filme hace de este poco elegante recurso visual todo un acierto, ya que se trata de imágenes sobrecogedoras, probablemente de las más espectaculares rodadas jamás de tiburones blancos. Un defecto curiosamente convertido en virtud. No podemos finalizar sin hablar de la banda sonora del filme, cuya tema principal es una eficiente música del estilo “algo nos amenaza” compuesta por los hermanos De Angelis. Pero lo verdaderamente destaca en ella es la canción que acompaña la primera secuencia del filme, un tema de género inclasificable (una mezcla de techno-heavy de lo más hortera) que resulta increíblemente graciosa.

Tiburón 3 es una cinta de obligada visión para cualquier amante de los horrores subacuáticos. Y es que nunca algo tan cutre llegó a ser tan divertido. Ni tan rentable.

Secuencias y diálogos de interés:

Masacre en las regatas. La concentración de windsurfistas en el mar para celebrar el centenario de Port Harbor es aprovechada por el tiburón para darse un atracón de carne humana ante los histéricos chillidos de los asistentes. Una de las muertes más chocantes es la de Rosen, el comentarista del evento deportivo, cuya barca es embestida violentamente y él (o más bien su rígido maniquí) lanzado por los aires.

Una de las escenas más dramáticas es la de la muerte del alcalde Wells. El pobre hombre, arrepentido de su previa inoperancia, decide subirse a un helicóptero y partir en busca del animal. En pleno combate con el escualo, Wells cae al agua. Justo cuando comienza a ser izado por el helicóptero, el tiburón emerge del agua y le devora las piernas ante la atónita mirada del piloto de la nave.

Jenny Benton, la hija de Peter, se lanza al mar a bordo de un yate en compañía de un grupo de amigos con el fin de dar caza al monstruoso tiburón. Cuando se topan con él, comienzan a provocarle exhibiendo un cebo de jugosa carne. Pero en uno de los embistes de la bestia, Jenny cae al agua y es atacada. No tarda en ser rescatada, aunque con una pierna de menos, y conducida a un hospital. La secuencia cuenta con unas impresionantes imágenes de archivo, las cuales están convincentemente montadas con las imágenes de los jóvenes manejando el mástil del que cuelga la carne. Lo mejor de la película. Hasta al mismo Spielberg le habría gustado.

La explosión de turno. Una vez más, la bestia acuática es despachada a base de explosivos. Cuando ya todo parece perdido, Peter Benton se topa con el cadáver de su amigo Ron Hammer, el cual tiene varios explosivos adheridos al cuerpo. Peter le cede gustosamente el cadáver al tiburón, que no duda en hincarle el diente. El animal explota mientras nuestro héroe se lanza al agua para protegerse de la onda expansiva.

Curiosidades:

La película fue distribuida en Estados Unidos de la mano de FVI (Film Ventures International), retitulándola como Great White e invirtiendo gran cantidad de dinero en su promoción. Apoyándose en las ansias del público estadounidense de asistir a una nueva entrega de Tiburón, el filme cosechó importantes éxitos de taquilla. Pero la progresión taquillera fue cortada de raíz cuando los ejecutivos de la Universal Pictures se percataron del contenido de la cinta y emprendieron acciones legales contra ella. La sentencia del juzgado obligó a la FVI a retirar la película de los circuitos estadounidenses y prohibió tajantemente su distribución en video. Todavía hoy sigue siendo ilegal la distribución videográfica de Tiburón 3 en EE.UU. Si el caso hubiera sido a la inversa, sobra decir que otro gallo habría cantado.

La FVI invirtió ochocientos millones de pesetas para la promoción internacional del filme. En el verano de su estreno, pudo verse en la televisión española algún que otro anuncio de la película. Bastante impactante, por cierto.

El rodaje tuvo lugar en Savannah (Estado de Georgia), Roma y Malta.

El productor Ugo Tucci fue uno de los productores de la exitosa Nueva York bajo el terror de los zombies. Anteriormente había producido Siete hombres de oro, Simón y Mateo, y la interesante La clase obrera va al paraíso.

Durante el rodaje de la escena en la que Jenny Benton cae del yate, se produjo un incidente que pudo haber acabado en tragedia. Según cuenta la propia actriz, Stefania Girolami, hija de Enzo G. Castellari, al caer del barco se golpeo con la barandilla en una de las piernas y ésta se le quedó paralizada. Ya en el agua, la muchacha comenzó a gritar, pero los miembros del equipo de rodaje pensaron que estaba interpretando su papel. Cuando se dieron cuenta de que pedía auxilio en italiano y no en inglés, lengua original del filme, acudieron a rescatarla e impidieron su posible ahogamiento. Quizás fue este suceso lo que animó a Stefania Girolami a abandonar la interpretación y dedicarse a la asistencia de dirección, labor que desempeñó tiempo después en Cocodrilo asesino y recientemente en la exitosa serie estadounidense Dawson crece.

En España, descaradamente distribuida como supuesta tercera secuela de la saga estadounidense, la película tuvo un notable éxito, superando ampliamente el millón y medio de espectadores y duplicando el número de espectadores que años después tendría Tiburón 3: El gran tiburón, la verdadera tercera parte, en los cines de nuestro país.

El empleo de pseudónimos entre actores y técnicos de Tiburón 3 fue amplísimo, siempre con el fin de hacerse pasar por artistas estadounidenses. Destacan Joshua Sinclair (Gianni Lofreddo), Timothy Brent Giancarlo Prete), Max Vanders (Massimo Vanni), Thomas Moore (Enio Girolami) y Alex Maspes (Alessandro Maspes).

Para el estreno en EEUU, se llegó a publicar que un buceador había muerto en el rodaje de la película mientras tomada planos submarinos. En algunos cines, la proyección fue cortada en mitad de la película, apareciendo una pantalla en negro en la que se pedía guardar unos momentos de silencio en memoria del buceador presuntamente fallecido. Todo parece indicar que se trataba de un simple bulo publicitario. Surrealista.

Frases promocionales:

“El descansado y tranquilo verano en el ocioso pueblo costero de Port Harbor va a ser interrumpido bruscamente” “Parecía imposible… pero aquella ola del océano se partió en dos y apareció…”

PIRAÑA 2: LOS VAMPIROS DEL MAR

(PIRANHA II: THE SPAWNING, PIRANHA II: FLYING KILLERS, PIRANHA PAURA)

Italia-Holanda-EE.UU. 1981. 95 min. Chako Film/Brouwersgracht Investments. Color.

Producción: Chako Van Leewuen, Jeff Schechtman y Ovidio G.Assonitis. Dirección: James Cameron y Ovidio G. Assonitis. Guión: H.A.Milton. Fotografía: Roberto D´Etorre Piazzoli. Música: Stelvio Cipriani. FX: Gianetto De Rossi, Gilberto Carbonaro y Antonio Corridori.

Intérpretes: Tricia O´Neil (Anne Kimbrough), Steve Marachuk (Tyler Sherman), Lance Henriksen (Steve Kimbrough), Ricky G. Paull (Chris Kimbrough) y Ted Richert (Raoul).

Sinopsis: Estamos en el Club Elysium, un lujoso polígono hotelero situado en una paradisíaca isla del Caribe. En las aguas de la costa, una joven pareja de buceadores investiga los restos de un barco hundido meses atrás. Aprovechando el momento de soledad, comienzan a flirtear amorosamente, pero sus actos son interrumpidos por una horda de pirañas que les devoran sin piedad.Éstas y otras inminentes desapariciones empiezan a ser investigadas por Steve Kimbrough, jefe de policía local, cuyo trabajo es obstaculizado por Raoul, el director de hotel, que no quiere que cunda el pánico y los turistas abandonen la isla. Mientras tanto, la bióloga Annie Kimbrough, ex-mujer de Steve, lleva a cabo sus propias pesquisas en compañía de Tyler, un bioquímico. Pronto descubren que el barco hundido junto a la isla albergaba unos misteriosos huevos de pirañas alteradas genéticamente por el gobierno y convertidas en peces voladores extremadamente agresivos. Pero para entonces, cientos de feroces pirañas baten ya sus alas en dirección a las instalaciones del Club Elysium…

Comentario: Tres años después de que Piraña triunfase internacionalmente, dando otra vuelta de tuerca al miedo del ser humano a las ignotas profundidades acuáticas, un grupo de productores de diversas nacionalidades decidieron acometer una secuela que destacase por su espectacularidad. El productor ejecutivo no fue otro que Ovidio G. Assonitis, director años atrás de la ambiciosa Tentáculos, cuya despótica actitud durante el rodaje empeoró aún más un proyecto que tampoco prometía demasiado.

Piraña 2: Los vampiros del mar puede definirse como un intento de híbrido entre la primera entrega de Joe Dante y Los pájaros de Hitchcock, o lo que es lo mismo, pirañas voladoras. Desgraciadamente, el filme se encuentra a años luz de ambas películas de referencia, limitándose a ser un previsible producto que sólo resulta entretenido a ratos. El guión, bastante elemental en lo que a trama y desarrollo se refiere, bebe todo lo que puede de otras películas del subgénero y únicamente aporta un cierto toque humorístico que, siendo generosos, podría calificarse de “bennyhilliesco” por su inclinación a la exaltación de la anatomía femenina. Los personajes son mayoritariamente arquetípicos, y el único que no lo es, el jefe de policía Kimbrough, peca de asemejarse excesivamente al jefe Brody de Tiburón. Ante semejante panorama, poco pudieron hacer los actores, destacando únicamente el siempre eficiente Lance Henriksen dentro de un plantel bastante insulso. Dejando a un lado la historia, reducida prácticamente a una generosa ofrenda de sangre y top-less, cabe decir que técnicamente la película no deja de ser mucho mejor. En cuanto a la dirección, poco o nada se nota la mano de James Cameron, no sabemos si por las constantes zancadillas que le puso Assonitis o porque todavía era un director en ciernes. Vemos alguna que otra secuencia de acción con momentos interesantes, pero nada lo suficientemente significativo como para ver en ello un atisbo de lo que luego sería la trepidante dirección de Cameron. La fotografía submarina, inquietante y bien dibujada, es una de las mejores bazas del filme, aunque en cuanto las pirañas deciden echarse a volar queda marginada a un segundo plano. También se puede destacar dentro de este apartado, más por lo curioso que resulta que por su calidad estética, el llamativo filtro rojo que cubre la pantalla cuando el espectador se pone en el punto de vista de las pirañas. A mitad de camino entre lo efectivo y lo execrable se encuentran los efectos especiales, aceptables cuando se trata de escenas gore, pero ciertamente lamentables en lo referente al aspecto de las pirañas. Y es que aparte de que los peces modelados resulten poco convincentes, cuando estos son enfocados en pleno vuelo pueden observarse claramente las decenas de hilos y alambres responsables de sus movimientos aéreos. Por último, para no finalizar la crítica con sabor amargo, decir que los títulos de crédito de apertura son bastante resultones. Menos da una piedra.

No cabe duda de que Piraña 2 es una película bastante mediocre, pero aún así bien puede soportar una visión vespertina en una de nuestras numerosas fiestas de guardar.

Secuencias y diálogos de interés:

Una de las escenas más destacadas es aquella en la que una enfermera caribeña hace guardia junto al cadáver de un hombre que ha sido parcialmente devorado por las pirañas. En un momento de la secuencia, provocando un violento respingo en el espectador, una piraña voladora sale del tórax del interfecto y se lanza sobre la yugular de la enfermera, acabando con ella en pocos segundos.

La película finaliza de manera bastante abrupta. Nuestros protagonistas hacen explotar el barco naufragado y acaban así con las pirañas. No hay ningún tipo de epílogo, ya sea para ver los peces muertos llegando a la orilla o para asistir a algún giro final que de pie a una posible tercera entrega de la saga.

Curiosidades:

El nombre de James Cameron destaca sobre el resto en los créditos del filme. Tras haberse formado como director artístico y especialista de f/x en la New World Pictures de Roger Corman y haber desempeñado cargos en películas como Los siete magníficos del espacio, La galaxia del terror y 1997: Rescate en Nueva York, hizo aquí su debut como director. A pesar de comenzar con mal pie, en pocos años comenzaría a destacar como director de cine fantástico, con títulos como Terminator, Aliens, Abyss y Terminator 2. Otros nombres de prestigio que figuran en la plantilla de Piraña 2 son los del actor Lance Henriksen (Aliens, Pacto de sangre, Los viajeros de la noche) y el especialista en maquillaje de efectos especiales Gianetto De Rossi (El más allá, Aquella casa al lado del cementerio, Dune).

Como traumática cabe calificar esta primera experiencia como director de James Cameron. Desde un principio, Ovidio G. Assonitis le prohibió realizar cambio alguno en el guión y restringió totalmente su acceso a la sala de montaje. Aún así, Cameron consiguió una tarjeta de identificación y comenzó a realizar de manera clandestina su propio montaje del filme. Cuando fue descubierto por Assonitis fue despedido de inmediato, terminando el rodaje el propio productor ejecutivo. Según el propio Cameron, durante estos días de montaje furtivo tuvo una pesadilla en la que un robot venía del futuro para matarlo… Poco después comenzó a escribir el guión de Terminator.

La pobreza de medios y el caos fue tal en el rodaje de Piraña 2 que Cameron tuvo que comprar por su cuenta el vestuario del personaje de Lance Henriksen. Además, el propio director tuvo que hacer horas extras nocturnas para ayudar en la fabricación de las pirañas.

“Sin duda, se trata de la mejor película de pirañas voladoras jamás hecha”, suele responder irónicamente Cameron cuando se le pregunta por la película.

La película fue rodada en Jamaica.

Frases promocionales:

“Comenzó como unas simples vacaciones… ”

TIBURÓN 3: EL GRAN TIBURÓN

(JAWS 3-D)

EE.UU. 1983. 99 min. Universal Pictures/Alan Landsburg Productions. Color.

Producción: Rupert Hitzig, David R. Kappes y Alan Landsburg. Dirección: Joe Alves. Guión: Carlo Gottlieb y Richard Matheson. Fotografía: James A. Contner. Música: Alan Parker y John Williams. FX: Bruno Van Zeebroeck y Roy Arbogast.

Intérpretes: Dennis Quaid (Mike Brody), Bess Armstrong (Kathryn Morgan), Simon MacCorkindale (Philip FitzRoyce), Louis Gossett Jr. (Calvin Bouchard) y John Putch (Sean Brody).

Sinopsis: Costa de Florida. El “Mundo Marino”, un espectacular complejo acuático construido en una laguna artificial conectada al mar, está a punto de abrir sus puertas. Financiado por el empresario Calvin Bouchard, la principal atracción del lugar es el “Reino Submarino”, una serie de túneles que discurren bajo el agua y permiten a los visitantes observar la fauna y la flora marina. El diseñador de la obra es Mike Brody, hijo del heroico jefe de policía de Amity Island, que mantiene una relación amorosa con Kathryn, bióloga y entrenadora de delfines. Las cosas empiezan a torcerse cuando Shelby Overman, un veterano buceador, desaparece mientras intenta reparar la puerta mecánica que separa la laguna del mar. Poco después, Mike y Kathryn consiguen atrapar a una cría de tiburón blanco e intentan en vano que sobreviva en cautividad. La muerte del animal coincide con la aparición de los restos de Shelby, en los que se aprecia un radio de mordedura que corresponde al de un tiburón de más de diez metros de longitud. Superado por los problemas, Bouchard llama a su amigo Philip FritzRoyce, un arrogante periodista especializado en escualos que asegura ser capaz de dar caza al gigantesco e inesperado visitante.

Comentario: Y llegó el tercer Tiburón, una tercera entrega cuyo principal reto no era otro que lograr retener a la mayor parte posible de la audiencia que se había conseguido atrapar en las dos primeras partes. Para ello, amén de realizar un fuerte desembolso económico (casi tres mil millones de pesetas de la época), se empleo como principal reclamo el uso de renovadas técnicas de filmación y proyección 3D, recurso que también emplearon las contemporáneas Amityville 3-D y Viernes 13 3ª parte. Pero ni con esas. Tiburón 3: El Gran Tiburón, aparte de ser duramente cuestionada en cuanto a su calidad, no llegó a reventar las taquillas mundiales tanto como se esperaba.

Desde la primera secuencia nos damos cuenta de que Tiburón 3: El Gran Tiburón es un filme que busca desesperadamente impactar al espectador, ya sea por sus peculiares características visuales o por la ingenua ostentosidad que desprende su argumento (el tiburón blanco más grande del mundo vs el parque acuático más grande del mundo). También deja bien claro desde un primer momento que estamos ante un espectáculo de puro entretenimiento, algo más de hora y media de metraje en la que la acción y la grandeza visual van a primar sobre cualquier otra parcela cinematográfica. Y eso es lo que tenemos, una historia cuyo sentido narrativo y sus personajes se encuentran absolutamente a merced de la búsqueda de un supuesto Santo Grial del entretenimiento. Sobra decir que esta labor es ejercida con tanta sutileza como la que puedan emplear los Hermanos Calatrava a la hora de elaborar uno de sus shows de “humor directo”. Poquita. Pero aún así, vista a cierta distancia y a pesar de sus vastas lagunas argumentales, la película resulta divertida, quizás porque su aparatosidad e ingenuo descaro provoca hoy condescendiente ternura. Dejando a un lado guión y personajes, sobriamente interpretados por Quaid, Gosset Jr. y compañía, cabe adentrarse en unos aspectos técnicos que por lo general defraudan. La dirección de Joe Alves, veterano miembro del equipo de la saga y cuya experiencia en esta disciplina era casi nula, no puede ser calificada de buena. Trabajando en una línea similar a la de Swzarc en Tiburón 2, Alves planifica las secuencias de modo eminentemente práctico, pero sin el vigor y la fuerza de Swzarc y demostrando que no es otra cosa que un diseñador de producción metido circunstancialmente a director. Bien puede decirse que se diluye tras la cámara. Eficientes son el montaje y la fotografía submarina, bastante atractiva en algunos momentos, como también eficiente sigue siendo la legendaria musiquilla de John Williams, a la que se le añaden algunos pequeños arreglos. Pero el filme se vuelca enteramente en los efectos especiales, los cuales van desde lo notable hasta lo lamentable. El efecto visual tridimensional tiene su gracia en los primeros compases de la película, pero va perdiendo fuelle a medida que la cinta avanza y, como es costumbre en este tipo de proyecciones, no consigue ni de lejos que el espectador se sienta realmente amenazado. En lo referente al diseño de la criatura, cabe decir decir que su impotente aleta (quizás la más grande vista en una película de tiburones) es lo más destacado de la anatomía del modelo mecánico principal, en líneas generales bastante convincente. Lo malo es que otros modelos, u otros usos dados al mismo modelo, resultan dramáticamente impresentables. Buen ejemplo de esto es el tiburón que se “abalanza” sobre el cristal de la sala de control submarino, cuya rigidez es tan alarmante que incluso nada sin mover un sólo músculo de su cuerpo.

En definitiva, Tiburón 3: El Gran Tiburón no pasará a la historia del cine como la mejor tercera parte, pero gracias a su velocidad narrativa y a lo poco que da de pensar es una seria candidata a mejor película de sobremesa de domingo estival. Para toda la familia.

Secuencias y diálogos de interés:

La apertura de la película es ya suficientemente significativa. Con el efecto tridimensional forzado al máximo, vemos como un pez feo y gordinflón avanza tranquilamente en las profundidades marinas. De repente, algo fuera de cuadro se abalanza sobre el pez. En el siguiente fotograma sólo vemos la cabeza del pobre animal en medio de una nube de sangre.

Una de las secuencias de mayor valor, y de las pocas que muestran cierta sutileza expositiva, es aquella en la que el gigantesco escualo nada bordeando el acristalado restaurante submarino del complejo acuático. Desde el punto de vista del tiburón, observamos como los clientes se giran anonadados, incrédulos ante lo que ven sus ojos.

Sin duda, la escena matriz del filme es aquella en la que el tiburón se abalanza y destruye el cristal de la sala de control submarina, devorando acto seguido a Bouchard. Desgraciadamente, los resultados son bastante menos espectaculares de los esperados a priori, ya que el efecto del tiburón avanzando y rompiendo el enorme ventanal se encuentra lejos de estar aceptablemente conseguido.

La explosión final. Como es de rigor en el subgénero, aunque aquí ofrecido en rutilante 3D, la bestia muere por efecto de una explosión. En esta ocasión, Mike Brody interrumpe el proceso de masticación del cadáver de FitzRoyce por parte del escualo activando hábilmente una granada que éste sostiene en uno de sus inertes brazos. La explosión convierte al escualo en una masa de vísceras que son convenientemente “arrojadas” al espectador.

Curiosidades:

Como director, esta es la única película que Joe Alves ha tenido el gusto de realizar. En otras disciplinas su carrera ha sido amplia, véase por ejemplo su trabajo como diseñador de producción en Tiburón, Encuentros en la 3ª Fase, Tiburón 2, Freejack y Gerónimo. Como curiosidad, destacar que su precoz debut en el cine fue como ayudante de efectos especiales en la mítica Planeta prohibido.

Sorprendentemente, uno de los firmantes del guión es el legendario Richard Matheson, autor de la novela Soy leyenda, de la novela y el guión de El increíble hombre menguante, así como de gran parte de los guiones de las adaptaciones cinematográficas que Roger Corman hizo de las obras de Edgar Allan Poe. Uno de sus trabajos adaptados más recientes es la novela en la que está basado el guión de El último escalón.

Dennis Quaid y Louis Gosset Jr. son los dos actores de mayor calibre en el reparto. El primero, toda un institución del Hollywood de los años ochenta, es conocido por sus papeles en filmes como El chip prodigioso, Sospechoso o Gran bola de fuego. Por parte de Gosset Jr., que también gozó de cierto auge en la misma década, cabe destacar títulos de tan dudoso gusto como Aguila de acero (incluidas sus tres secuelas), Amanecer rojo y Howard, un nuevo héroe. Sólo su participación en la popular serie televisiva Raíces repara en parte su irregular carrera. Ambos actores se volvieron a ver las caras un par de años después del rodaje de Tiburón 3: El gran tiburón, concretamente en la notable Enemigo mío.

En el plantel de técnicos de efectos visuales destaca la presencia Roy Arbogast, que ya trabajara en los efectos especiales de Tiburón y Tiburón 2, así como en los de La Cosa, El retorno del Jedi y Starman. También vemos en esta disciplina a un joven Chuck Cornisky, director de la reciente y posteriormente comentada El misterio del lago.

En un pequeño papel de cantante vemos a Kaye Stevens, quien gozó de gran fama como solista en los bares nocturnos de Las Vegas durante los años sesenta y setenta, llegando a acompañar a Bob Hope en la gira de apoyo a las tropas estadounidenses que invadieron Vietnam.

La película se rodó en el “Mundo Marino” de Orlando, simulando una aparente conexión al mar.

Rupert Hitzig, uno de los productores, llegó a afirmar antes del estreno del filme que “El tiburón puede atravesar la pantalla y darte un buen mordisco en el culo”. Parece que exageró un poco.

Una de las primeras ideas que se barajaron para esta tercera entrega fue la de hacer una comedia de humor negro, la cual se titularía Jaws 3-People 0.

Al igual que en el primer Tiburón y en muchos de sus rip-offs, aquí también se utilizaron algunas imágenes de archivo de tiburones. Concretamente, las podemos encontrar en la escena en la que Mike y Kathryn atrapan a la cría de tiburón blanco.

Frases Promocionales:

“La tercera dimensión es de terror.”

EL DEVORADOR DEL OCÉANO

(DEVIL FISH/MONSTER SHARK/DEVOURING WAVES/SHARK ROSSO NELL´OCEANO)

Italia/Francia. 1984. 90 min. National Cinem./Nouva Dania Cinem./Filmes Int./Les Films Du Griffon. Color.

Producción: Mino Loy y Luciano Martino. Dirección: Lamberto Bava. Guión: Dardano Sachetti, Gianfranco Clerici, Luigi Cozzi y otros. Fotografía: Giancarlo Ferrando. Música: Guido De Angelis y Maurizio De Angelis. FX: Germano Natali y Ovidio Taito.

Intérpretes: Michael Sopkiw (Peter), Valentine Monnier (Doctora Stella Dickens), William Berger (Profesor Donald West), Gianni Garko (Sheriff Gordon) y Dagmar Lassander (Sonja West).

Sinopsis: Costa del sur de Florida. Durante la celebración del campeonato mundial de pesca submarina, una escalada de muertes comienza a sucederse en alta mar. Una pareja es salvajemente devorada mientras disfruta de una plácida travesía en barco, mientras un famoso y experto buceador desaparece en las profundidades del océano… Cuando todo parece apuntar a la presencia de un feroz tiburón blanco en las aguas, el Doctor West y la Doctora Dickens descubren que el tipo de mordedura que hay en algunos de los restos encontrados no pertenece a ningún depredador marino conocido. Las tesis criptozoológicas comienzan a cobrar fuerza, barajándose la posibilidad de que pudiera tratarse de un pez prehistórico. Pero mientras comienzan las investigaciones y el número de muertes va en aumento, los científicos comienzan a ser acosados por unos extraños individuos. Formando equipo con Peter, un joven trabajador, y Gordon, el sheriff local, los doctores se enfrentan a un doble enemigo, el voraz engendro marino y aquellos que quieren que la verdad no salga a la luz.

Comentario: Italia golpea de nuevo con fuerza. Desde la polémica Tiburón 3, nuestros amigos transalpinos habían dejado momentáneamente de lado el subgénero de bestias acuáticas, pero estaba claro que no tardarían en regresar. Y lo hicieron de la mano de Lamberto Bava, hijo del célebre Mario Bava, un director especializado en cine de terror que venía de debutar con Macabro y Cuchillos en la oscuridad y que se atrevió a adentrarse en los horrores marinos con este Devorador del océano.

La película retoma en parte la moda de años atrás de fusionar el subgénero de monstruos acuáticos con géneros mayores como el cine de espionaje. En esta ocasión, las evoluciones del monstruo van acompañadas de una suerte de subtrama de ingeniería genética (la maléfica corporación de un tal Doctor Davis es la responsable de la aparición del monstruo, un híbrido entre pulpo y pez prehistórico), que ayuda a dar algo de consistencia a un filme. Además, al contrario que en otros filmes como Barracuda o El cazador de tiburones, estos elementos de géneros ajenos no hacen que la bestia en cuestión quede relegada a un segundo plano. Aún así no se puede decir que estemos ante un buen argumento, ya que peca excesivamente de situaciones absurdas e inconexas (quizás producto del excesivo número de guionistas participantes) y de unos personajes demasiado planos. El filme, claramente influenciado por clásicos como Tiburón y Piraña (aquí el terrible proyecto experimental se llama “Asesino del mar”), desprende además un cierto tufillo machista que roza casi con lo enfermizo. La exaltación del físico masculino (no hay un solo actor que no exhiba su tupido y bronceado pecho) unida al buen número de escenas en las que las mujeres son denigradas, cuando no golpeadas o asesinadas, nos hace pensar en una cierta misoginia gay escondida tras la cámara. Y no precisamente dotada del irónico cinismo del genial Oscar Wilde. De mayor nivel que la historia es el reparto, formado por actores poco conocidos pero que hacen verdaderos esfuerzos por sacar a flote la película, destacando especialmente el pobre Michael Sopkiw. En lo referido a cuestiones técnicas, las cosas no van tampoco mucho mejor. La música va desde la copia sin gracia del tema principal de Tiburón hasta melodías que recuerdan al más casposo porno-soft, el montaje es bastante confuso y la dirección de Bava está llena de cargantes cámaras lentas y otros trucos menores. En cuanto a los efectos especiales, obra de Germano Natali (Suspiria, Inferno) y Ovidio Taito (Miedo en la ciudad de los muertos vivientes), se puede salvar el elevado y medianamente convincente número de muertes sangrientas, con decapitaciones y desmembraciones repartidas a diestro y siniestro. Menos salvable es la confección del monstruo, un dentudo e increíblemente feo pez aforme cuya carencia de movilidad obliga a los actores a hacer esfuerzos extra para ser atrapados por sus mandíbulas.

Sin ser de lo peor del subgénero, El devorador del océano no es una película que se pueda recomendar a la ligera. Sólo la contundencia de algunas de sus imágenes y ese siniestro trasfondo misógino pueden hacer curiosa su visión.

Secuencias y diálogos de interés:

Cuando nuestros protagonistas deciden acabar con el monstruo se encuentran con una dificulta añadida, ya que el tiburón-pulpo posee, al igual de las estrellas de mar, la capacidad de regenerarse a partir de las células separadas de su cuerpo, lo que hace poco recomendable emplear explosivos o armas de fuego contra él. Visto esto, nuestros héroes optan por aislar al monstruo en una marisma, empaparlo en gasolina y prenderlo fuego hasta que queda reducido a cenizas.

“De una mujer que tiene la sensibilidad de una zorra, hasta el punto de ser capaz de mirar a su amante de la misma manera que miraría a su marido al darle el regalo de aniversario, no aceptaré lecciones.”, dice el Profesor West, haciendo alarde de un machismo latino de lo más “jevi”.

Curiosidades:

El director Lamberto Bava destacó a principios de los ochenta por algunos interesantes filmes de terror, llegando a tocar techo con la entretenida y exitosa Demons, una de las películas más taquilleras de la historia del cine fantástico italiano. Pero inmediatamente después su carrera cinematográfica comenzó a derrumbarse, gracias en gran parte a la deplorable Disturbios en el cementerio, una de las mayores estafas de la historia del cine de terror. Con el tiempo se estableció en el mundo de la televisión, donde ha dirigido algunas series de corte fantástico.

Entre los variados guionistas que firman El devorador del océano, destacan nombres como los de Dardano Sacchetti (El más allá, Manhattan Baby), Gianfranco Clerici (Holocausto caníbal, El destripador de Nueva York), Luigi Cozzi (Cuatro moscas sobre terciopelo gris, Hércules) y Sergio Martino (La montaña del dios caníbal, Caimán). Cuatro plumas de renombre dentro del fantástico italiano.

“Luciano Martino me llamó y me dijo: ‘Tenemos que hacer un pequeño Tiburón, pero mucho mejor y más espectacular que el de Spielberg. Pero sólo tenemos un barco y 100 liras. Podríamos filmar en Ostia’. Sólo escribí la historia porque pensé que era una película bastante buena. En Italia fue estrenada un poco cortada” Luigi Cozzi, sobre los preparativos de El devorador del océano.

“Fue una película hecha en un tiempo en el que los americanos no estaban haciendo ese tipo de filmes. Yo traté el tema del monstruo como en los thrillers. En la primera parte de la película no se le ve, como si fuera un asesino.” Y Lamberto Bava, hablando también del filme.

Como asistente de dirección destaca la presencia del director-montador Bruno Mattei (Robowar, Zombie 3, Cruel Jaws), uno de los mayores plagiadores que ha conocido la raza humana.

Frases promocionales:

“Hinca tus dientes en el terror más puro.” “Di adiós…” (La frase original en inglés es “Wave goodbye…”, un juego de palabras con dos de los significados del término “wave”: “ola” y “acción de despedirse agitando las manos”).

SERPIENTE DE MAR

(THE SEA SERPENT/HYDRA/HYDRA: MONSTER OF THE DEEP)

España/EE.UU. 1985. 92 min. Constan Films/Calepas International. Color.

Producción: José Frade. Dirección: Amando de Ossorio. Guión: Amando de Ossorio. Fotografía: Raúl Pérez Cubero. Música: Manuel Santisteban. FX: Fernando Pérez y Tomás Urbán.

Intérpretes: Timothy Bottoms (Pedro), Taryn Power (Margaret Roberts), Ray Milland (Profesor Timothy Wallace), Jared Martin (Lemaris) y Pilar Alcón (Jill).

Sinopsis: Costa de Galicia. Un avión militar estadounidense sufre un fallo de sistema en pleno vuelo y se ve obligado a arrojar una potente bomba nuclear en pleno Océano Atlántico. Por efecto de la explosión submarina, una gigantesca serpiente que descansa en las profundidades despierta de su letargo, ascendiendo iracunda hacia la superficie del mar. El ansia destructora del prehistórico reptil no tarda en cobrarse sus primeras víctimas. La primera de ellas es Pedro, capitán de un barco pesquero, que aunque salva su vida, es testigo de cómo la serpiente acaba con su nave y su tripulación. La segunda es Jill, una turista estadounidense, que es devorada en las inmediaciones de un casino de Lisboa. Margaret, la compañera de viaje de Jill, y Pedro no tardan en ponerse en contacto, convencidos ambos de la existencia de la bestia de alta mar. Ayudados por el Profesor Wallace, un viejo y excéntrico biólogo marino, tratarán de acabar con la serpiente antes de que el número de muertes siga incrementándose.

Comentario: Dejando a un lado pequeñas participaciones en producciones como Bermudas: La cueva de los tiburones o El cazador de tiburones, se puede decir que Serpiente de mar es la primera incursión en toda regla de la cinematografía española en el subgénero de monstruos acuáticos. Una primera aportación que, debido en buena medida a las carencias presupuestarias, se salda desgraciadamente con no muy buenos resultados.

Casi todo en Serpiente de mar, desde el planteamiento de algunas secuencias hasta los pírricos efectos especiales, rezuma a producción de los años cincuenta, principalmente a La bestia que vino del mar, con el ligero inconveniente de estar realizada treinta años después. El guión, bastante pobre en cuanto a giros y sorpresas, vuelve a rescatar añejos clichés propios del cine de la “era atómica” (deslices militares o científicos que provocan la aparición de bestias milenarias, protagonistas incomprendidos por las autoridades, ataques dirigidos contra barcos y construcciones variadas, etc.). Sólo el abierto el final, una insinuación de una posible secuela, aporta algo de originalidad al conjunto. Los personajes están también notablemente estereotipados (un capitán de barco cuestionado, un biólogo abierto a la existencia de nuevas especies y una joven turista que se limita a acatar lo que ambos deciden), al tiempo que los actores que los interpretan perecen también en la quema por culpa de su abulia (más que justificada la de un ya visiblemente enfermo Ray Milland). Por el lado técnico, la cosas no van mucho mejor. La dirección de Amando de Ossorio está muy lejos de la destreza mostradas en sus efectivos filmes de terror, apostando por la ley del mínimo esfuerzo sin ningún rubor. Otras disciplinas como la fotografía o el montaje pasan bastante desapercibidas, mientras que la música principal no es más que una nueva y torpona versión de la de Tiburón. La palma negativa se la llevan los efectos especiales, ya que tanto la serpiente en cuestión (una suerte de gigantesco muñeco digno de las primeras producciones de Corman) como los trucajes visuales mediante los cuales es mostrada junto a sus víctimas (una imagen superpuesta a un lado de la pantalla que chirría a kilómetros) son bastante mediocres. Triste debut, por tanto, del cine patrio dentro del subgénero. Aunque eso sí, garantiza unas buenas risas.

Secuencias y diálogos de interés:

Margaret y su amiga Jill salen de un casino tras una divertida velada. Al llegar a la playa, Jill no duda es subirse a un bote y dar un breve paseo. Y breve es, porque poco después la serpiente emerge del agua y la devora ante la mirada horrorizada de su amiga.

Ayudados por un antiguo compañero de Pedro, nuestros héroes se enfrentan a la serpiente con bengalas y explosivos. Tras derribar un helicóptero, reptar por la estructura de un puente e intentar descarrillar un tren, el monstruo es prendido fuego y obligado a huir lejos de la costa.

“Es un problema entre la serpiente y yo”, les dice Pedro a sus compañeros cuando éstos se ofrecen para ayudarle en la batalla final.

Curiosidades:

El director Amando de Ossorio es bien conocido por ser uno de la máximos representantes del cine de terror español, siendo bastante más reconocido en el extranjero que en nuestro país. Entre sus filmes, todos ellos producciones B de escaso presupuesto y mucha imaginación, cabe destacar títulos como Las garras de Lorelei, La cruz del Diablo y su célebre tetralogía de zombiestemplarios formada por La noche del terror ciego, El ataque de los muertos sin ojos, El buque maldito y La noche de las gaviotas.

Esta es la última película que el gran Ray Milland (El hombre con rayos X en los ojos, Ranas) interpretó antes de fallecer un par de años después. También hay que destacar la presencia de Timothy Bottoms (Johnny cogió su fusil, La última película) y de otro director español de género fantástico, Leon Klimovsky (La noche de Walpurgis, La rebelión de la muertas), que interpreta al abogado defensor de Pedro.

Para su distribución internacional, buena parte de los actores y técnicos españoles emplearon seudónimos. Entre los más llamativos podemos citar Robin Davis (Manuel

Santisteban), Anthony Red (José Antonio Rojo), Gregory Greens (Amando de Ossorio, director), Gordon A. Osburn (Amando de Ossorio, guionista) y Raul Cutler (Raúl Pérez Cubero).

La película fue rodada en las ciudades portuguesas de Lisboa, Estoril y Sesimbra, aparte de Madrid.

Frases promocionales:

“Una explosión nuclear despierta a la mayor bestia conocida por el hombre”.

TIBURÓN, LA VENGANZA

(JAWS: THE REVENGE/JAWS 4/JAWS: THE RETURN)

EE.UU. 1987. 100 min. Universal Pictures. Color

Producción: Frank Baur y Joseph Sargent. Dirección: Joseph Sargent. Guión: Michael De Guzmán. Fotografía: John McPherson. Música: Michael Small y John Williams. FX: Henry Millar, Dave Hubbard y Doug Hubbard.

Intérpretes: Michael Caine (Hoagie), Lorraine Gray (Ellen Brody), Lance Guest (Mike), Mario Van Peebles (Jake) y Karen Young (Carla).

Sinopsis: Navidad en Amity Island. Los años han pasado en la pequeña isla, así como en la vida de Ellen Brody, convertida ahora en una mujer viuda tras la muerte por infarto de su marido. Siguiendo los pasos de su padre, Sean Brody es ahora el nuevo jefe de policía local, hasta que una noche es devorado junto al muelle por un inmenso tiburón. Horrorizada ante la tragedia, Ellen decide viajar a Bahamas, donde Mike, su otro hijo, trabaja como biólogo marino. Una vez allí, intenta convencer a Mike de que el escualo asesino es un descendiente de los tiburones que su marido mató que quiere vengarse acabando con ellos. Las obsesiones de Ellen se ven en parte aplacadas cuando conoce a Hoagie, un veterano piloto local con el que inicia un idilio amoroso. Mientras tanto, un enorme tiburón blanco proveniente de las aguas de Amity Island avanza hacia la costa de Bahamas…

Comentario: A lo largo de la historia del subgénero, hemos podido comprobar como éste a menudo se dejaba querer por otros géneros más universales, como el thriller, aventuras, espionaje, etc. Con Tiburón, la venganza asistimos a un nuevo tipo de fusión verdaderamente insospechada, nada menos que entre el terror subacuático y el drama sentimental. El resultado, ser considerada por muchos como una de las películas más tediosas de la historia del cine y rebautizada por algunos como Tiburón, la vergüenza.

Los problemas de la película comienzan desde el momento en el que se plantea una premisa verdaderamente esperpéntica. Y no es que ya resulte poco verosímil que un tiburón blanco pueda vengar el honor de sus difuntos antecesores, sino que bordea con la ciencia ficción más delirante el hecho de que el escualo siga a la señora Brody gracias a una suerte de “enlace psíquico”. Quizás esta trama con tiburón justiciero y dotado de poderes telepáticos podría tener su encanto en una película de bajo presupuesto, pero tratándose de una producción de empaque y con pretensiones resulta muy poco apropiada. A esto hay que añadir algo todavía peor, una subtrama amorosa entre Ellen y el piloto Hoagie, reprobada por un celoso Mike Brody, que ralentiza el filme hasta límites insospechados y llega casi a eclipsar la trama principal. Por si fuera poco, esta suerte de híbrido entre La fuerza del cariño y Tiburón (aunque resulten odiosas la comparaciones con cualquiera de ellas) nos es contada a través de un guión donde el suspense brilla por su ausencia y las incoherencias narrativas resplandecen con fulgor. En definitiva, argumentalmente insufrible.

En cuanto a la cuestión técnica, sólo cabe calificar el filme como un auténtico “pan sin sal”. Sosa y lineal es la dirección de Joseph Sargent, evidenciándose su vasta experiencia previa al frente de los más variados telefilmes, así como casi nula su capacidad para sacar partido a actores de la talla de Michael Caine. Tampoco gran cosa son los efectos especiales, capitalizados por un tiburón cuya apariencia física es por lo general convincente, y en algunas ocasiones hasta realmente notable, pero que adolece que tal carencia de movimientos que da la impresión de sufrir algún mal de origen artrítico. También medianamente aceptable es la fotografía, especialmente algunas tomas submarinas que nos sumergen en las bellas y cristalinas aguas del Caribe.

Aún siendo magnánimo, Tiburón: la venganza es una película difícilmente recomendable. Sólo quizás aquellos que ya hayan visto las otras tres partes de la saga, y por aquello de terminar lo empezado, deberían echarle un ligero vistazo.

Secuencias y diálogos de interés:

La muerte de Sean. Mientras los cánticos navideños de un grupo de niños suenan de fondo, el hijo pequeño de los Brody intenta desde su barco apartar un tronco que estorba la colocación de una boya. Súbitamente, el gran escualo emerge de las aguas y le devora. Lo mejor de la película.

El encuentro final. Ellen Brody, completamente desesperada, decide echarse a la mar a bordo de un barco con el fin de saciar con su vida las ansias de venganza del tiburón. Hoagie y Jake, que obviamente se oponen a los planes suicidas de Ellen, siguen a ésta desde un aeroplano. Después de una serie de peripecias en las que Hoagie y Jake llegan a ser duramente atacados por el animal, éste es finalmente atravesado por la proa de la embarcación, explotando acto seguido por razones que aún desconocemos.

Curiosidades:

La carrera como director de Joseph Sargent se ha centrado básicamente en la dirección de telefilmes. Entre sus pocas películas para la gran pantalla cabe destacar Pelham, un, dos, tres, Pesadillas, MacArthur y Los héroes están muertos. Otros nombres a destacar en el filme son los del sublime actor Michael Caine (La huella, El hombre que pudo reinar, Hannah y sus hermanas) y el menos sublime Mario Van Peebles (New Jack City, Gunmen).

Las versiones para Estados Unidos y el resto del mundo de Tiburón: La venganza tienen un final algo distinto. En la versión de cine norteamericana Jake muere tras ser atacado por el tiburón, mientras que en la de cine internacional y en la de televisión por cable logra sobrevivir ante la sorpresa de todos.

La película se rodó en Martha´s Vineyard (misma localización que el primer Tiburón) y Bahamas.

Durante los años noventa hubo rumores sobre el proyecto de un quinto Tiburón, cuyo argumento giraría en torno a un grupo de tiburones blancos adiestrados que persiguen un barco militar. Pudo servir de inspiración para el guión de Deep Blue Sea.

Increíblemente, Michael Caine renunció a recoger en persona el Oscar al mejor actor de reparto por Hanna y sus hermanas (1986) al estar ocupado con el rodaje de esta película.

Tiburón, la venganza ganó en 1988 la friolera de siete Razzies (premios a las peores producciones del año). Entre ellos, el de peor película, peor guión y peor director.

Frases promocionales:

“Esta vez… Es personal”. “El viernes 17 de junio, el temor más profundo del hombre emergerá de nuevo”. “El temor más profundo del hombre ha emergido de nuevo”.

ABYSS

(THE ABYSS)

EE.UU. 1989. 20th Century Fox/Lightstorm Entert./Pacific Westen. 146 min. (171 min. edición especial). Color.

Producción: Gale Anne Hurd. Dirección: James Cameron. Guión: James Cameron. Fotografía: Mikael Salomón. Música: Alan Silvestri. FX: Dreamquest Images, Steve Johnson´s XFX, Industrial Light amp; Magic y Stetson Visual Services.

Intérpretes: Ed Harris (Virgil “Bud” Brigman), Mary Elizabeth Mastrantonio (Lindsey Brigman), Michael Biehn (Teniente Coffey), Leo Burmeister (De Vries) y Todd Graff (Alan “Hippy” Carnes).

Sinopsis: Finales de la Guerra Fría. Un submarino estadounidense, el USS Montana, es hundido por un enemigo desconocido junto a una profunda sima del Océano Atlántico. Las autoridades gubernamentales, que creen que el responsable del ataque es un submarino soviético, se ponen en contacto con el Deepcore, una plataforma petrolífera submarina dirigida por Bud Brigman y situada cerca del lugar del incidente, con el fin de que rescaten los restos del sumergible. Para ello envían también a las profundidades a un pequeño grupo de aguerridos Navy Seal, militares especializados en operaciones marinas. Pero las cosas no tardan en torcerse… Al tiempo que los roces entre trabajadores y militares comienzan a aflorar, un súbito accidente provoca que la plataforma se vea arrastrada al fondo de la ignota falla. Una vez allí, aislados y sin posibilidad de emerger a la superficie, una serie de extraños acontecimientos harán que los integrantes del equipo de rescate comprueben la presencia de “algo” de origen desconocido en la fosa marina. Pero mientras que para Bud, su ex-esposa Lindsey, ingeniera responsable del Deepcore, y el resto de trabajadores ese visitante bien podría proceder de otro planeta, para los rudos militares, liderados por el inestable Teniente Coffey, no se trata de otra cosa que del omnipresente enemigo soviético. No tardaremos en comprobar que existe algo mucho más peligroso que lo desconocido: lo conocido.

Comentario: Mucho tiempo había pasado desde que los grandes estudios de Hollywood no se embarcaban en una aventura submarina con todas las de la ley, un subgénero que tanto artística como económicamente siempre había funcionado hasta entonces con notable soltura. Y con Abyss lo volvió hacer, aunque para la ocasión se añadieran al esquema básico de este tipo de producciones variados y efectivos elementos de acción y ciencia-ficción.

Aún siendo contemporánea a horrores submarinos como Leviathan y Profundidad Seis, Abyss poco tiene que ver con ellas, tanto en lo relativo al argumento com en cuanto a calidad. Aquí el terror no aparece en forma de quimérico monstruo subacuático, sino que apunta en un principio a una suerte de entidad de origen desconocido, para hacerlo más tarde en dirección al propio género humano, más concretamente hacia su rostro más sórdido, paranoico e irresponsable. Y es que bien podríamos decir que el siniestro Teniente Coffey, verdadera fuente de terror del filme, es, vistas sus acciones e intenciones, un monstruo mucho más peligroso que cualquier depredador hiperdentado conocido hasta entonces en el subgénero.

Dejando por ahora lado los efectos especiales y visuales, reclamo principal de la película, podemos afirmar sin miedo que Abyss es una de las más logradas y originales cintas de ciencia-ficción de finales del siglo pasado. Tanto su localización, las profundidades marinas en vez del cinematográficamente superpoblado espacio exterior, como la historia que narra, una entretenidísima y espectacular peripecia de corte pacifista en la línea de Encuentros en la 3ª fase o Ultimátum a la Tierra, hacen de Abyss una cinta muy a tener en cuenta por cualquier amante del cine fantástico. El guión, sin ser del todo brillante en lo que a diálogos se refiere y quizás excesivamente alargado en cuanto a número de páginas, funciona a las mil maravillas en lo concerniente a construcción de personajes y creación de suspense, además de nutrir al género de ciencia-ficción con nuevas y originales aportaciones (lo del líquido azul respirable bajo el agua es ciertamente brillante). A esto hay que añadir la espléndida dirección de James Cameron, para muchos su mejor trabajo tras la cámara, que consiguerecrear de forma magistral la opresiva y tenebrosa atmósfera de las profundidades abisales (con ayuda del excepcional trabajo de los equipos de fotografía y dirección artística), además de volver a demostrar que en lo que respecta a escenas de acción y caos, especialmente si hay agua de por medio, es el indiscutible número uno. Tampoco van a la zaga las magníficas interpretaciones del elenco protagonista, liderado por un Ed Harris tan soberbiamente sobrio como siempre, una Mary Elizabeth Mastrantonio metida hasta la médula en su brillante papel de chica anti-objeto, y un Michael Biehn, actor fetiche del primer Cameron, que demuestra que aparte de interpretar a héroes más o menos insulsos es también capaz de encarnar a un “loco hijo de puta” con suma brillantez. No tan sobresaliente, aunque si sobradamente efectiva es la banda sonora concebida por Alan Silvestri, que va cobrando presencia y ganando en calidad a medida que avanza el metraje, hasta alcanzar su cénit en el gran clímax final.

Aunque según los expertos, no se trata de uno de sus mejores trabajos, Silvestri cumple aceptablemente su cometido musical.

Vamos, por último, con el apartado “reina” del filme, los justamente ensalzados efectos visuales. Bien se puede decir que Abyss supone todo un punto de inflexión, casi un renacer, en el mundo de los efectos especiales, ya que por primera vez se emplean a gran escala los efectos generados por ordenador, comúnmente denominados efectos visuales. Capitaneados por la prestigiosa Industrial Light amp; Magic, los responsables de efectos de filme obtienen unos resultados que, todavía hoy, siguen resultando notablemente atractivos. Uno de los más sobresalientes es el misterioso fluido acuoso de origen extraterrestre que recorre la plataforma en varios puntos de la historia y que, en un inolvidable fotograma, cambia su forma para asemejarse al rostro de Lindsey ante la mirada atónita de ésta y de sus compañeros. También sorprendentes son esa suerte de libélulas fluorescentes que surcan las profundidades abisales en su intento de comunicarse con los protagonistas, así como la impresionante ciudad submarina en la que se establecen los extraterrestres. Simplemente magistral.

En definitiva, ciencia-ficción de primer orden. Absolutamente indispensable para cualquier amante de los fondos marinos y sus inescrutables misterios.

Secuencias y diálogos de interés:

Muerte y resurrección. Una de las secuencias más tensas y emotivas es aquella en la que Bud y Lindsey han de bucear hasta la plataforma con tan sólo una botella de fluorocarburo, el líquido respirable. Bud, mejor nadador que su esposa, carga con ésta a través de las aguas con la esperanza de poder reanimarla una vez alcanzada la base. Desgraciadamente, una vez allí las tareas de reanimación fracasan y Lindsey parece condenada a la muerte. Sólo las lágrimas y sollozos de Bud harán que, cuando todo parece perdido, Lindsey vuelva a la vida. Una bella y emocionante secuencia que no evita que algunos nos preguntemos por qué demonios no comparten la escafandra de líquido respirable durante el trayecto.

El combate final. Bud y Lindsey luchan a bordo de un mini-sumergible contra otro pilotado por el psicótico Teniente Coffey, empeñado en hacer explotar un pequeño misil nuclear que ha traído secretamente de la superficie. Tras numerosas embestidas y situaciones al borde del caos, la pareja protagonista logra acabar con el pesado militar y evitar que artefacto explote.

Visita a los “visitantes”. Bud, salvado de una muerte segura por los extraterrestres en el extremo más profundo de la sima, es llevado por estos a su espectacular ciudad submarina. Allí le harán saber sus intenciones: Advertir a la humanidad de lo equivocado de su camino belicista y de las posibilidades de acabar con nosotros sino deponemos nuestra actitud. Al final, tras poner al planeta al borde la destrucción mediante un espectacular maremoto, deciden perdonarnos.

“Vemos lo que queremos ver. Coffey mira y ve rusos. Ve odio y miedo. Tú tienes que mirar con mejores ojos que él.” dice Lindsey, apostando por el sentido común.

“Todos deben permanecer calmados. La situación está bajo control.”, informa el desmadrado Teniente Coffey, temblando y con su rostro empapado en sudor.

Curiosidades:

Aparte de James Cameron, en Abyss encontramos rostros tan populares como los de Ed Harris (Elegidos para la gloria, Glengarry Glen Ross, Una mente maravillosa), Mary Elizabeth Mastrantonio (El color del dinero, Acción Judicial, La tormenta perfecta) y Michael Biehn (Terminator, Aliens, el regreso, La séptima profecía). También cabe reseñar que la banda sonora está compuesta por el prolífico Alan Silvestri (Tras el corazón verde, Regreso al futuro, Lo que la verdad esconde).

Como todos saben, existen dos versiones del filme, una recortada (estrenada en cine y televisión) y una íntegra (comercializada tiempo después en una edición especial de video y DVD). En la primera, toda la parte en la que Bud Brigman entra en contacto con los extraterrestres y estos amagan con destruir el mundo fue literalmente eliminada, quedando la película un tanto coja. Y Cameron bastante enojado.

El rodaje de Abyss, cuyo grueso de escenas submarinas fueron tomadas en una planta nuclear sita en Gaffney (Carolina del sur), fue extremadamente laborioso. Tuvieron que llenarse dos tanques artificiales con más de treinta y cinco millones de litros de agua y los técnicos de fotografía se las vieron y desearon para conseguir la ambientación submarina exigida. Los actores también sufrieron de lo lindo, llegando a estar algunos de ellos no muy lejos de perecer ahogados. Además, tuvieron que sacarse un título de buceo antes de comenzar a rodar.

Económicamente, el filme funcionó muy por debajo de lo esperado, toda una rareza para un producto con el sello Cameron. Para más inri, Abyss fue la primera película comercializada en el malogrado Laserdisc.

Abyss obtuvo el Oscar de 1990 a los mejores efectos visuales, resultando además nominada en las categorías de efectos de sonido, fotografía y dirección artística.

A pesar de que el filme, a través de la pareja protagonista, aboga por la reconciliación de los matrimonios en crisis, James Cameron y Gale Anne Hurd, director y productora en Abyss y a la sazón matrimonio, pusieron fin a su relación durante el rodaje.

Además de suprimir parte del final, la primera versión de la película tampoco incluía la cita de Nietzsche “Cuando miras largo tiempo a un abismo, el abismo también te mira a ti.” que habían pensado meter antes de los créditos de apertura. La razón, que un año antes la película Ley criminal ya la había utilizado. La cita sí aparece en la edición especial.

Frases promocionales:

“Un lugar en la tierra más impresionante que cualquiera del espacio” “Cuando creías saberlo todo sobre aventuras, aparece Abyss” “En las profundidades, bajo la superficie azul, existe un lugar con el nadie ha soñado todavía.”

COCODRILO ASESINO

(COCCODRILLO ASSASSINO/KILLER CROCODILE/MURDER ALLIGATOR)

Italia. 1989. 85 min. Fulvia Films. Color.

Producción: Fabrizio De Angelis. Dirección: Fabrizio De Angelis. Guión: Dardano Sacchetti. Fotografía: Sergio D´Offizi y Federico Del Zoppo. Música: Riz Ortolani. FX: Giannetto De Rossi.

Intérpretes: Anthony Crenna (Kevin), Ennio Girolami (Joe), Ann Douglas (Jennifer), Van Johnson (Juez) y Wohrman Williams (Foley).

Sinopsis: Santo Domingo (República Dominicana). Kevin y su grupo de amigos medioambientalistas realizan pruebas en las aguas de un pantano altamente contaminado para medir su nivel de polución. Cuando uno de ellos desaparece y poco después encuentran su cadáver lleno de mordeduras, comienzan a sospechar de la presencia de una peligrosa bestia acuática. Sus investigaciones no tardan en concluir que se trata de un gigantesco cocodrilo alterado por los desechos tóxicos que alguien ha vertido en las aguas. Las autoridades de la zona, que parecen tener algo que ver en el vertido de las sustancias, contratan a Joe, un experto cazador, para que acabe con la bestia. A pesar de sus primeras reticencias a matar al cocodrilo, Kevin acaba formando equipo con Joe. Ambos deberán evitar que la matanza vaya en aumento, al tiempo que descubrirán quién está detrás del vertido ilegal de desechos.

Comentario: Habían pasado ya casi diez años desde que la triada Caiman, La bestia bajo el asfalto y Cocodrilo irrumpiesen en las pantallas internacionales con desigual fortuna. Tiempo suficiente, debió pensar Fabrizio De Angelis, para volver obsequiar al público con las sangrientas evoluciones de uno de estos reptiles. Y visto lo visto, las cosas no le fueron demasiado mal, ya que al menos consiguió eludir “la cuchara de madera” en lo que a película de cocodrilos se refiere.

El argumento de Cocodrilo asesino no es precisamente un desborde de originalidad dentro del subgénero. Una vez más no encontramos ante una historia de trasfondo ecologista en la que dos grupos (contaminadores corruptos y conservacionistas de buen corazón) se enfrentan al tiempo que han de esquivar las violentas acometidas de una bestia gigante. Pero la historia es sacada adelante y en buena parte dignificada gracias a la agilidad narrativa del guión de Dardano Sachetti, que no duda en primar los momentos de acción (persecuciones, explosiones, ataques de sanguijuelas) por encima de los de investigación. Una fórmula bastante similar a la de Tiburón, salvando las más que obvias distancias, en la que abundan los clichés más clásicos del subgénero. También coopera la sorprendentemente diestra dirección de De Angelis, cuya planificación de tiros de cámara es bastante imaginativa y dinámica. En cuanto a asuntos interpretativos, cabe realzar el trabajo de Ennio Girolami en su papel del cazador de cocodrilos Joe, que brilla con luz propia en un plantel plagado de rostros desconocidos y estrellas en declive como Van Johnson. Musicalmente, el filme cuenta con una “atiburonada” partitura de Riz Ortolani, que a pesar de sus patentes influencias resulta bastante efectiva.

Mención aparte merece el trabajo de efectos especiales llevado a cabo por Gianetto De Rossi. Especialmente conseguidos están los que podríamos denorminar “efectos gore”, todo un festín de sangre en el que De Rossi deleita a la audiencia con cadáveres putrefactos, amputaciones de extremidades, traumáticos desgarros de epidermis y otras lindezas. También competente, sobre todo si tenemos en cuenta el mísero presupuesto de la película, es el diseño de la criatura y su puesta en escena. Aunque es algo rígido en cuanto a movimientos y sus dimensiones parecen alterarse entre fotograma y fotograma, el cocodrilo mecánico de De Rossi cumple con suficiencia.

Aún hallándose lejos de las mejores obras del subgénero, Cocodrilo asesino es una producción entretenida y bastante competente. Un divertido e ingenuo filme en la onda de Tiburón 3 de Enzo G. Castellari.

Secuencias y diálogos de interés:

La película comienza con la típica escena de un par de viejos tipos pescando bajo la luz de la luna. Enseguida cámaras subjetivas, respiraciones profundas, planos detalle deojos y garras, y… ¡Ñam!

“Este pantano no es un parque de atracciones.”, advierte uno de los jóvenes ecologistas tras la misteriosa desaparición de uno de sus compañeros.

Una de las escenas más impactantes del filme es aquella en la que el cocodrilo, de manera similar al pez prehistórico de Up from the depths, se abalanza sobre una embarcación de pasajeros. Sobra decir que no deja títere con cabeza.

Otra secuencia a resaltar, ésta más por lo estrambótico que por lo impactante, es la del enfrentamiento entre Joe y el cocodrilo, en la que por momentos el cazador llega a cabalgar literalmente al mastodóntico reptil. Tras esto, el intrépido hombre desaparece bajo las aguas en mitad de un charco de sangre. Pero que nadie tema, antes de que acabe el filme resurgirá del pantano con una sonrisa en los labios.

La muerte final del cocodrilo. La hélice de la embarcación, reforzada con dinamita, es arrojada por nuestros protagonistas a la boca del animal, el cual salta en mil pedazos en pocos segundos.

Curiosidades:

El director Fabrizio De Angelis, antiguo empleado de correos, fue durante los años setenta y ochenta el más reputado productor dentro del fantástico italiano. Entre sus productos más relevantes se encuentran Nueva York bajo el terror de los zombies, El más allá, Aquella casa al lado del cementerio, El destripador de Nueva York y 1990: Los guerreros del Bronx. Cabe también reseñar la presencia del compositor Riz Ortolani, conocido por haber estado nominado a los Oscar de Hollywood en un par de ocasiones. “Till love touches your life” del filme Madron y “More” del documental “reality” Mondo Cane fueron los dos temas que optaron a la preciada estatuilla. Entre sus otras obras cabe destacar la magnífica banda sonora de Holocausto caníbal, para muchos su mejor trabajo.

En cuanto a los actores presentes en Cocodrilo asesino, no podemos obviar al ya entonces veterano Van Johnson, (Brigadoon, El motín del Caine, La rosa púrpura de El Cairo), antigua estrella del cine estadounidense y que lucía una placa de metal bajo la piel de su la frente a causa de un terrible accidente automovilístico. También debemos hablar de Ennio Girolami, hermano Enzo G. Castellari y uno de los actores de mayor calado en el fantacine italiano de los años setenta, ochenta y noventa. Se le pudo ver en títulos como Reverendo Colt, Las amantes del diablo, Tiburón 3, Ténebre, 1990: Los guerreros del Bronx y Tuareg, entre otras muchas.

La película fue rodada en diversos parajes naturales de la República Dominicana.

Fabrizio De Angelis firmó la película con el nombre de Larry Ludman, un seudónimo que empleó en repetidas ocasiones a lo largo de su vasta carrera. Ennio Girolami hizó lo propio empleando el sobrenombre de Thomas Moore.

Frases promocionales:

“La bestia más feroz de la naturaleza ha despertado”

LA GRIETA

(THE RIFT/ENDLESS DESCENT)

España/EE.UU. 1989. 83 min. Dister Group. Color.

Producción: Francesca De Laurentiis y José Escrivá. Dirección: Juan Piquer Simón. Guión: David Coleman. Fotografía: Juan Mariné. Música: Joel Goldsmith. FX: Colin Arthur, Basilio Cortijo y Carlo De Marchis.

Intérpretes: Jack Scalia (Wick Hayes), Robert Lee Ermey (Capitán Phillips), Ray Wise (Robbins), Deborah Adair (Teniente Nina Crowley) y Emilio Linder (Philippe).

Sinopsis: El Sirena 1, un submarino de alta tecnología capaz de descender a grandes profundidades, desaparece misteriosamente en una grieta submarina junto a las costas de Noruega. Es entonces cuando Wick Hayes, un ingeniero aeronaval responsable del diseño tanto del Sirena 1 como del nuevo Sirena 2, es requerido por las autoridades para que descienda en su submarino y descubra el paradero de la nave perdida. Acompañado por un grupo de especialistas entre los que se encuentra su ex-mujer, la Teniente Nina Crowley, y el veterano Capitán Phillips, Wick inspecciona la ignota fosa marina, cuya hondura roza los diez mil metros. El grupo científico no tarda en descubrir un sorprendente laberinto de cuevas submarinas poblado por las más terroríficas bestias. Mientras tratan de escapar al asedio, Wick y los pocos supervivientes descubren que los monstruos marinos no son más que frustrados experimentos genéticos que alguna expedición anterior ha llevado a cabo. Escapar de las garras de las bestias mutantes y desenmascarar a los responsables de su existencia no será tarea fácil para Wick y los suyos.

Comentario: Oportunamente contemporánea a terrores submarinos como Leviathan (El demonio del abismo) y Profundidad Seis, así como a monumentales aventuras bajo el mar como Abyss, La grieta es una nueva y pequeña aportación de la cinematografía española (con más que notable ayuda estadounidense) dentro del subgénero. Aunque los resultados no fueron del todo brillantes, el filme, dirigido por el prolífico Juan Piquer Simón, consigue “pasar el corte”. Eso sí, no sin ciertos apuros.

La grieta es una suerte de odisea submarina de la línea más clásica (20000 leguas de viaje submarino, Viaje al fondo del mar), actualizada con algunos elementos de intriga y terror. En cierta forma recuerda a otra de las películas de Piquer Simón, la más inocente Misterio en la isla de los monstruos, con la salvedad de que en ésta la peripecia se desarrolla sobre el mar. En ambos filmes un grupo de héroes van superando obstáculos en forma de quiméricos monstruos para acabar revelando un enigma que subvierte la historia por completo. Si en Misterio en la isla de los monstruos al final todo resultaba ser una especie de prueba de iniciación a la que el joven protagonista era sometido, en La grieta todo responde a una farsa gubernamental mediante la que se quiere encubrir una serie de fallidos experimentos genéticos, aún a costa de las vidas de Wick y el grueso de sus compañeros. Una fórmula narrativa sencilla y hasta quizá efectiva, pero que cuando uno repasa la película deja cierto mal sabor de boca y la sensación de que la ley del mínimo esfuerzo ha sido diligentemente aplicada al guión. Si a esto le añadimos algunas licencias de corte científico que salpican la historia, el resultado final es un tanto irregular. Aún así, el filme goza de buenos momentos de acción, como son todos aquellos que se desarrollan en el interior de las cuevas submarinas y en los que los científicos son ferozmente atacados por toda una corte de seres monstruosos, entre los que podemos encontrar gusanos, anguilas, algas, peces mutantes, etc. Acorde con el argumento se encuentra la apta pero poco innovadora dirección de Juan Piquer Simón, de la que únicamente destaca su destreza en ciertas cámaras submarinas.

Mención aparte merece el capítulo de actores, entre los que podemos ver a secundarios estadounidenses de prestigio como Robert Lee Ermey o Ray Wise, veteranos de la escena española como Tony Isbert (teñido de rubio para darle un toque USA) o Emilio Linder, estrellas televisivas de discutible talento como Jack Scalia (cuyo personaje está dotado de una perfección casi insultante), y hasta inclasificables personajes que difícilmente podrían ser calificados de actores, tal es el caso del popular José “Pocholo” Martínez Bordiú, que interpreta a duras penas a un buceador escandinavo de nombre Sven. En cuanto a los efectos especiales, apartado capitaneado por el célebre Colin Arthur, decir que son lo mejor del metraje. Dejando a un lado la paupérrima apariencia del submarino Sirena 2, una fiel réplica tridimensional del submarino amarillo de Los Beatles, el resto de recreaciones son de una calidad más que aceptable. La gran mayoría de la larga corte de criaturas que aparecen en el filme están diestramente confeccionadas, destacando especialmente los voraces gusanos que habitan en las paredes de las cuevas submarinas y el siniestro feto mutante que los científicos descubren horrorizados. También sobradamente aptos son los contundentes efectos gore.

En definitiva, aunque La grieta no sea precisamente una joyita dentro del subgénero, ofrece algo más de una hora de aceptable entretenimiento. Y también alguna que otra risa.

Secuencias y diálogos de interés:

La muerte de Sven. El osado y expresivamente rocoso buceador sueco encuentra la muerte cuando sale del sumergible y es atacado por una jauría de algas asesinas. Lo sorprendente del caso es que la excursión la realiza a más de seis mil metros de profundidad y su poco protegido cuerpo no sufre el más mínimo efecto implosivo.

“¡Dile a Robbins que invierta la polaridad del sistema eléctrico del submarino! ¡Eso creará un campo eléctrico y lo electrocutará!”, ordena Wick ante el acoso de un monstruo del abismo sobre el submarino.

"Por el abundante número de mutantes, es obvio que la máquina todavía sigue funcionando. Sólo Dios podrá impedir que alcancen la superficie”, clama Nina.

Una de las más secuencias más impactantes del filme es aquella en la que Flemming (Tony Isbert) es mordido en el rostro por un gusano mutante y comienza a sufrir dramáticas convulsiones. Para evitar su sufrimiento, Ana (Ely Pouget) le descerraja un disparo que le revienta brutalmente la cabeza.

Curiosidades:

El director Juan Piquer Simón es conocido por su larga serie de coproducciones B de terror y aventuras que dirigió durante los años setenta y ochenta. Siempre con un pie en España y otro en Estados Unidos, tratando de aportar un toque de comercialidad a nuestra cinematografía, cabe destacar algunos títulos suyos como Supersonic Man, Misterio en la isla de los monstruos, Los diablos del mar y Slugs, muerte viscosa.

Entre los rostros más conocidos de La grieta podemos encontrar los de R. Lee Ermey (La chaqueta metálica, Arde Mississippi, Pena de muerte), Ray Wise (Twin Peaks, Robocop, Ciudadano Bob Roberts), Emilio Linder (Slugs, muerte viscosa, Carreteras secundarias), Tony Isbert (La cruz del diablo, Una casa en las afueras) y Jack Scalia (El pulso de Hollywood). También nos encontramos con el afamado maquillador y escultor británico Colin Arthur, uno de los responsables de FX de La grieta y entre cuyos trabajos más representativos podemos citar 2001, una odisea en el espacio, Alien, el octavo pasajero, Furia de titanes, La historia interminable, El imperio del sol y Abre los ojos.

Según ciertos rumores, las malas relaciones durante el rodaje entre Juan Piquer Simón y José Martínez Bordiú fueron la causa de que el papel interpretado por éste último se acortase ostensiblemente y fuese el primero en morir.

El rodaje tuvo lugar en El Ferrol, Madrid y Los Ángeles (EE.UU).

La grieta obtuvo el Premio Goya a los mejores efectos especiales en 1989. Sobra comentar que no había excesiva competencia.

Frases promocionales:

”Donde nada puede vivir… vive. Donde nada puede respirar… respira. Donde nada puede sobrevivir… se multiplica”. “No podrás contener el aliento y gritar al mismo tiempo.”

LEVIATHAN (EL DEMONIO DEL ABISMO)

(LEVIATHAN)

EE.UU/Italia. 1989. 98 min. Gordon Company/Filmauro/MGM. Color.

Producción: Aurelio De Laurentiis y Luigi De Laurentiis. Dirección: George Pan Cosmatos. Guión: David Webb Peoples y Jeb Stuart. Fotografía: Alex Thompson. Música: Jerry Goldsmith. FX: Stan Winston.

Intérpretes: Peter Weller (Steven Beck), Richard Crenna (Doctor Glenn Thompson), Amanda Pays (Elizabeth 'Willie' Williams), Daniel Stern (Buzz 'Sixpack' Parrish), Ernie Hudson (Justin Jones).

Sinopsis: Costa de Florida. Cinco mil metros de profundidad. Faltan sólo tres días para que Steven Beck y sus compañeros de la Corporación Minera Transoceánica sean relevados por otro grupo en su labor de extracción de minerales del lecho oceánico. En una de sus últimas exploraciones realizan un extraño descubrimiento, nada menos que una nave de la armada soviética misteriosamente hundida. En su interior no hay rastro de vida alguna, y lo único que encuentran es una botella de vodka guardada en una caja de seguridad. Los mineros vuelven al complejo submarino con el alcohol, y algunos de ellos no dudan en darle un buen trago para celebrar sus inminentes vacaciones tras tres meses de duro trabajo. En pocas horas, los desafortunados bebedores comienzan a enfermar y a sufrir horrendas mutaciones, dando forma con sus cuerpos a un terrorífico monstruo que comienza a asediar a los supervivientes. Ante la inoperancia de los ejecutivos de la compañía minera, Steven, la joven Willie y el resto de trabajadores con vida tendrán buscar una forma de alcanzar la superficie mientras tratan de evitar al engendro mutante.

Comentario: Algo más de quince años habían pasado desde Ridley Scott aterrorizara a la audiencia con su excelente Alien, el octavo pasajero, tiempo más que suficiente para que algunos avispados productores de Hollywood se diesen cuenta de que la historia podía volver a ser revisitada, sustituyendo, eso sí, el lejano espacio exterior por las profundidades marinas. Si ya en La grieta (una suerte de experimento con gaseosa paralelo del clan De Laurentiis) podíamos observar ciertas reminiscencias de esta idea, en Leviathan, así como en la contemporánea Profundidad seis, la misma se hace más que evidente.

Como en la mayoría de las películas del por entonces prolífico George Pan Cosmatos (cuánto daño debió hacerle a este hombre el derrumbamiento de la Unión Soviética), el argumento no es más que una simple excusa para ofrecer una serie de secuencias de acción, más o menos bien llevadas, y, en este caso, una buena dosis de hemoglobina añadida. Y es que la historia en sí, a la que no le falta su correspondiente ración de rusofobia, es de una simpleza bastante alarmante. Aunque en sus primeros compases apunta ciertas intrigas medianamente interesantes (y claramente inspiradas en clásicos como La invasión de los ladrones de cuerpos o La cosa), más pronto que tarde la trama es desplazada a un lado y todo reduce a un “corre que te pillo” en el que las escabrosas muertes y mutaciones son lo único atractivo. Poco aportan los personajes, claramente divididos en dos bandos: el de los insustanciales (Steven, Willie y el Doctor Thompson) y el de los “huevos pelados” (Justin, Sixpack, etc.) Dentro de las interpretaciones sólo cabe destacar, aparte del conseguido “robotismo” del que hacen gala Peter Weller y Richard Crenna, los esfuerzos del bueno de Ernie Hudson y de Daniel Stern, éste último en el papel del “conflictivo-bromista-obseso sexual-qué pronto voy a morir” Sixpack (apodo que se supone hace referencia a su desmedida afición por la cerveza).

Algo más positivas son la dirección de Pan Cosmatos, que da muestras de su hábil destreza en las escenas de acción e incluso se permite el lujo de experimentar tímidamente con alguna que otra cámara subjetiva, y la fotografía submarina, que sin llegar a sorprender es lo suficientemente convincente e inquietante. También apreciable es la efectiva banda sonora de Jerry Goldsmith, todo un maestro musical en el género fantástico, que compone una partitura que mezcla tenebrosos sonidos de atmósfera subacuática con ritmos de la más pura acción. Sin embargo, el apartado más destacado del filme es el de los efectos especiales, compuestos por el célebre Stan Winston. A pesar de tratarse de uno de sus trabajos menores, Winston consigue unos efectos gore ciertamente contundentes y diseña una criatura bastante convincente, a pesar de que al final, bajo la luz del sol, la misma pierde algunos enteros. Sin duda, lo mejor de la película.

Además de ser notablemente peor de lo que aparentemente pretende ser, Leviathan es un filme muy desaprovechado. Lo previsible y lineal de su argumento hace que la violencia gráfica y un par de golpes de suspense sean lo único relevante de todo el metraje. Aún así, viéndola con ojos condescendientes, bien soporta una proyección.

Secuencias y diálogos de interés:

“Sea lo que sea, parece una aberración genética.”, deduce sabiamente el Doctor Thompson:

Conversación entre Sixpack y DeJesus:

Sixpack: "Un minúsculo agujero en el jodido dedo del pie de su traje, tío. No mayor que tu polla. La presión reventó totalmente su cuerpo dentro del traje. Sólo pudimos enterrar su casco. Esto te podría haber pasado a ti, DeJesus".

DeJesus: "Eh, tío, sé lo que es una implosión."

Sixpack: "Si, apuesto que implosionaste dentro de tus pantalones.”

La explosión de la bestia. Una vez que Steven y Willie, el héroe y la chica guapa supervivientes, alcanzan la superficie y van a ser rescatados, el monstruo mutante emerge aún con vida ante sus narices. Entonces Steven agarra un cilindro explosivo, plagia la célebre frase del Jefe Brody en Tiburón (“Sonríe, hijo de puta”) y lanza el artefacto al interior de la boca de la bestia con un amanerado estilo baloncestístico que recuerda sorprendentemente al del casi infalible Dejan Bodiroga.

Curiosidades:

El director George Pan Cosmatos pegó fuerte a mediados de los años ochenta con dos contundentes filmes, Rambo y Cobra, que hicieron las delicias de millones de espectadores y, a buen seguro, también de la Administración Reagan. Con el paso de los años, la actividad como director de este italo-estadounidense menguó hasta casi la nada. Su último trabajo con cierta repercusión fue Tombstone.

Stan Winston y Jerry Goldsmith son los nombres con más empaque de la película. Del primero basta con decir que es junto a Ray Harryhausen el único especialista en efectos especiales que ha plasmado sus huellas en el Paseo de la Fama de Hollywood Boulevard. Las razones, su excepcional trabajo como responsables de efectos especiales y visuales en filmes como Terminator, La Cosa, Aliens, Terminator 2, Depredador, Mandíbulas, I.A. y Terminator 3. En cuanto a Jerry Goldsmith, uno de los más grandes compositores del Hollywood moderno y con clara tendencia a musicar filmes de corte fantástico, cabe citar películas como El planeta de los simios, Chinatown, Papillon, Alien, el octavo pasajero, Star Trek, Atmósfera Cero, Poltergeist, Gremlins y Desafío Total. Impresionante currículum.

Dentro del elenco de actores destaca la presencia de algunos habituales del género fantástico como Peter Weller (RoboCop, El almuerzo desnudo, Asesinos cibernéticos) y Ernie Hudson (Cazafantasmas, El cuervo, Shark attack). También cabe subrayar la aparición del recientemente fallecido Richard Crenna (Emmy al mejor actor en 1985 por La violación de Richard Beck), uno de los actores fetiche del cine más conservador (por no decir abiertamente fascista) de Estados Unidos durante la década de los ochenta. Su encarnación del Coronel Trauman en Acorralado, Rambo y Rambo III es para muchos su legado interpretativo más significativo.

A parte de heredar ideas básicas de Alien, el octavo pasajero, Leviathan contó también con los servicios de Ron Cobb, diseñador de producción del mítico filme de Ridley Scott.

La película fue rodada en el Golfo de México, Malta y los Estudios Cinecitta de Roma.

Frases promocionales:

“Bienvenido a tu peor pesadilla, bienvenido a Leviathan.” “Te dejará sin aliento…”

PROFUNDIDAD SEIS

(DEEPSTAR SIX)

EE.UU. 1989. 105 min. TriStar Pictures/Carolco Pictures. Color.

Producción: Sean S.Cunningham y Patrick Markey. Dirección: Sean S.Cunningham. Guión: Lewis Abernathy y Geof Miller. Fotografía: Mac Ahlberg. Música: Harry Manfredini. FX: Mark Shostrom, Greg Nicotero y James Isaac.

Intérpretes: Taurean Blacque (Capitán Philip Laidlaw), Nancy Everhard (Joyce Collins), Greg Evigan (McBride), Miguel Ferrer (Snyder) y Nia Peeples (Scarpelli).

Sinopsis: En un punto indeterminado del océano, a casi diez mil metros de profundidad, un grupo formado por ingenieros y científicos estadounidenses ultiman la puesta a punto de una base secreta de misiles nucleares. Entre los miembros del equipo, dirigido por el Capitán Laidlaw, destacan el hábil piloto de submarinos McBride y su eficiente novia Joyce Collins, así como Snyder, un individuo muy inestable emocionalmente. Todo parece ir sobre ruedas en la plataforma, hasta que los trabajadores se topan con una misteriosa cueva que entorpece su trabajo y optan por explotarla. Dos de los tripulantes, Hodges y Osborne, inspeccionan la cueva sin hallar nada relevante, pero cuando viajan de vuelta a la base en su mini-submarino se percatan de que han perdido su cámara por control remoto en el interior de la gruta. Al volver a entrar, hay algo esperándoles, una criatura que ha despertado de un sueño milenario y que acaba violentamente con ellos. El caos y el terror no tardarán en apoderarse de la plataforma militar, cuyos miembros, uno a uno, irán pereciendo en las garras del abominable monstruo prehistórico.

Comentario: Hermana pobre de Leviathan y The Abyss, Profundidad Seis nos vuelve a sumergir en las más recónditas profundidades abisales, una suerte de viaje al “espacio interior” en el que un grupo de trabajadores especializados se ven acosados por un visitante inesperado. Como es de suponer, el filme va más en la línea de la película de Pan Cosmatos que en la de James Cameron, apostando por el terror puro y duro, con monstruo de por medio y un montón de carnaza en forma de personajes que van siendo diligentemente devorados.

Desde un primer momento, nos damos cuenta de que las intenciones de Sean S. Cunningham no son otras que las de llevar a cabo una especie de actualización de su exitosa Viernes 13, cambiando el campamento de Crystal Lake por una base militar en lo profundo del océano, y al temible Jason Voorhees por una bestia submarina con iguales ansias asesinas. No tardamos en apreciar que la historia avanza de igual manera que la ya mítica “slasher-movie”, con los miembros del reparto siendo despachados en riguroso orden, algunos buenos momentos de tensión, y una ausencia casi total de giros argumentales dentro de la lineal trama. El guión, efectivo a ratos dentro de sus grandes limitaciones, es parcialmente compensado por la inclusión de algunos personajes con cierto relieve. Tal es el caso de Snyder, notablemente interpretado por Miguel Ferrer, un tipo a mitad de camino entre lo cenizo y lo histérico que acaba convirtiéndose en una amenaza casi tan peligrosa como la del monstruo, al tiempo que se erige como auténtico motor del filme. El resto del plantel, en el que observamos algunas caras conocidas, cumple estoicamente su labor, siendo claramente eclipsado el tiempo que Ferrer permanece en pantalla. En cuanto a otros aspectos del filme no hay mucho que destacar. La dirección de Cunningham es aceptable, aunque quizás demasiado férrea, la música no es más que otro refrito de corte “johnwilliamsiano”, la fotografía submarina es bastante convincente y los FX relativos al monstruo, un gigantesco crustáceo de notable mala leche, son pasables, aunque lejos de impresionar al espectador. Lo mejor, junto a la interpretación de Ferrer, es el cartel de promoción de la película, bastante más aterrador que lo que luego ésta da de sí.

Al igual que su prácticamente siamesa Leviathan y como la comida de los chiringuitos de playa, Profundidad Seis es sólo digerible con unas cuantas cervezas de por medio. A ratos entretenida, no ofrece mucho más donde rascar.

Secuencias y diálogos de interés:

Una de las mejores y más emocionantes escenas del filme es aquella en la que Snyder, armado con un arpón de aire comprimido, avanza junto a sus compañeros por una cámara inundada ante el temor de que el monstruo surja bajo el agua. Momentos de tensión realmente conseguida.

La huida de Snyder. Después de una cuantas meteduras de pata, entre ellas matar accidentalmente a otro tripulante, Snyder sufre una crisis nerviosa e trata de huir de la base en una nave. Ignorante de que ciertos problemas técnicos hacen imposible la necesaria descompresión, Snyder muere violentamente por implosión en el interior de la cápsula.

“Bueno, al menos Snyder tendrá su nombre en el libro Guiness. Provocar dos explosiones nucleares en una sola tarde debe de ser un todo un récord”, dice irónicamente Richardson, otro de los tripulantes.

Tras ponerse el adecuado traje de buzo, Richardson sale al exterior de la plataforma para efectuar la reparación que permita realizar la descompresión. La siguiente imagen que tenemos de él es la misma que nos ofrece el cartel del filme. Medio buzo.

Desenlace a lo Leviathan. Tras volar en pedazos la plataforma con el monstruo en su interior, McBride y Collins logran escapar en una nave a la superficie. Una vez allí, ¡oh, sorpresa!, el monstruo emerge bajo las aguas y se abalanza sobre ellos. Sólo los rápidos reflejos de McBride, que arroja gasolina a la bestia y le dispara con una pistola lanzallamas, libran a nuestros protagonistas de una muerte segura. Sólo queda entonces un enigma por resolver: ¿Plagiaron los responsables de Profundidad Seis el final de Leviathan o fue al revés?

Curiosidades:

La carrera como director de Sean S. Cunningham no es especialmente destacada, ya que aparte de Viernes 13 y de Profundidad Seis no ha dirigido nada destacable. Como productor su actividad sí merece más atención, ya que responsabilidad suya han sido títulos como La última casa a la izquierda, House: una casa alucinante, Jason X y Freddy vs Jason.

Entre los nombres más conocidos que figuran en el reparto de actores de Profundidad Seis hay que subrayar los de Miguel Ferrer (Robocop, Twin Peaks, Traffic), Taurean Blacque (Canción triste de Hill Street) y Nia Peeples (Fama). En cuanto a otras labores cabe destacar los nombres del músico Harry Manfredini (Viernes 13, House: una casa alucinante, Wishmaster), el fotógrafo submarino Al Giddins (Abismo, The Abyss) y el famoso especialista en FX Greg Nicotero (En la boca del miedo, Abierto hasta el amanecer, 13 fantasmas), aquí en labores de supervisión de efectos.

Entre los especialistas del filme, vemos a Kane Hodder, el hombre tras la máscara de hockey en varias de las entregas de la saga Viernes 13; y entre los responsables de efectos visuales a James Isaac, director años después de House III y Jason X.

En Francia, la película fue distribuida con el nombre de M.A.L. (Mutant Aquatique en Liberté). Parece que intuían lo que se les venía encima.

Frases promocionales:

“Diez mil metros bajo la superficie del océano, algo más allá de tu imaginación te asustará de manera infernal” “No todos los extraterrestres vienen del espacio. Reserva tu último aliento… Para gritar”

LA BESTIA

(THE BEAST/ PETER BENCHLEY´S THE BEAST)

EE.UU. 1996. 240 min. Dan Wigutow Productions/Michael R. Joyce Productions. Color.

Producción: Tana Nugent y Michael R.Joyce. Dirección: Jeff Bleckner. Guión: J.B.White y Peter Benchley. Fotografía: Geoff Burton. Música: Don Davis. FX: Fantasy II Film Effects y Mixon amp; Ellis FX.

Intérpretes: William L.Petersen (Whip Dalton), Karen Sillas (Kathryn Marcus), Larry Drake (Lucas Coven), Charles Martin Smith (Schuyler Graves) y Missy Crider (Dana Dalton).

Sinopsis: Costa de Graves Point, Washington. Noche cerrada. Un matrimonio que descansa plácidamente en su barco velero es brutalmente atacado y asesinado por una misteriosa bestia marina. A la mañana siguiente, cuando la arruinada embarcación es encontrada y llevada al puerto del pueblo, la policía investiga las causas del incidente, sin poder encontrar nada definitivo. Pero Whip, un experto y honrado pescador local, comienza a sospechar que el barco puede haber sido atacado por algún tipo de animal. Con ayuda de la guardacostas Kathryn, también suspicaz ante el misterioso accidente, acaba descubriendo que la embarcación ha sido atacada por un calamar de gigantescas proporciones. Pero sólo una hecatombe provocada por el animal durante una jornada de gran afluencia turística, hará que las autoridades locales abran los ojos y decidan intervenir. Es aquí cuando Schuyler Graves, poderoso magnate del pueblo decide contratar a Lucas Coven, un malcarado marino, con el fin de que acabe con la bestia. A este plan se opone Whip, ecologista convencido, que cree que es posible alejar de la costa al calamar sin necesidad de dañarlo. El enfrentamiento a tres bandas está servido.

Comentario: Más de quince años habían pasado desde que la última novela de Peter Benchley, La isla, estrenada en 1980 con un notable fracaso de taquilla, hubiera sido llevada a la gran pantalla. Quizás fue por esto por lo que los productores de La bestia optaron por adaptar la por entonces recién publicada novela homónima a la pequeña pantalla, en forma de miniserie de TV, asegurándose así una mayor rentabilidad del producto y evitando un posible batacazo comercial. Y quizás sea este formato televisivo el principal hándicap de La bestia, ya que aguantar doscientos cuarenta minutos de peripecia con calamar gigante puede resultar cansino hasta para el aficionado más extremo a las bestias marinas.

Lo primero que notamos en La bestia, es que la visión de Peter Benchley con respecto a los monstruos acuáticos ha cambiado notablemente. Mientras en Tiburón la ausencia de cualquier remordimiento a la hora de finiquitar al temible escualo era total, en La bestia observamos que subyace un trasfondo marcadamente ecologista de protección de las especies marinas. Por supuesto, esto no quiere decir que el titánico calamar sea presentado como “el nuevo amigo de los niños”, sino que su naturaleza depredadora es en cierta forma comprendida y se buscan alternativas más respetuosas con su integridad física antes de acabar con él. Honorable evolución la del amigo Benchley, lo que no quita que La bestia sea un filme poco brillante y en ocasiones hasta tedioso. La historia, alargada hasta lo impensable, vuelve a plantear el conflicto “honrado trabajador vs poderes político-económicos”, añadiendo otro más para la ocasión, “protectores de la naturaleza vs destructores de la misma”, pero ni con esas se consigue que La bestia resulte un filme lo suficientemente emocionante como para destacar dentro del subgénero.

Las apariciones del monstruo y sus correspondientes ataques ni resultan muy aterradores ni tampoco muy originales, mientras que las escenas fuera del agua son excesivamente largas y no demasiado interesantes. A la par del argumento se encuentra la dirección de Jeff Bleckner, insulsa como la de la gran mayoría de películas para televisión, carente de la más mínima retórica visual y bastante incapacitada a la hora de crear el exigido suspense. En ocasiones, da la sensación de que el director realmente se aburriese tras la cámara. Además, aunque quizás esto sea más culpa del responsable de montaje, emplea desmedidamente el fundido a negro, provocando así la engañosa impresión de que se va a producir un nuevo corte publicitario. Algo más gancho tienen las interpretaciones, en las que vemos algunos rostros habituales dentro del afamado mundillo de los secundarios del cine estadounidense, que salvan la película en más de una ocasión. Por su parte, la banda sonora, encabezada por la clásica melodía tenebrosa que anuncia la presencia del monstruo en cuestión, se limita a cumplir sin grandes alardes. Similares resultados obtienen los efectos, mezcla de modelos y efectos visuales. Y es que aunque a veces la calidad del calamar bordea el insuficiente, en otras goza de notable salud visual. Eso sí, el grito de guerra del engendro, similar a las águilas, es de lo más hilarante.

Aunque su distancia con respecto a Tiburón es de varios millones de años luz, La bestia puede merecer un superficial e intermitente visionado la próxima sobremesa veraniega en la que vuelva a ser emitida por televisión. Y si algún avispado programador televisivo decide emitir la versión recortada del filme (parece que existe), se le agradecerá eternamente.

Secuencias y diálogos de interés:

Primeras víctimas. La película comienza con un joven matrimonio descansando plácidamente en mitad del océano en un barco velero. Cuando llega la noche, un extraño accidente hace que la embarcación se inunde y la pareja tenga que abandonarla a bordo de un bote salvavidas. Pronto descubrimos que algo acecha desde las profundidades. Poco minutos después, durante un momento de distracción del hombre, su mujer desaparece fulminantemente. Después de buscarla desesperadamente en el agua, algo tira de él hacia abajo, sumergiéndole. No vuelve a la superficie.

Caza final. Whip, Kathryn, Graves y otros lugareños viajan en un barco con el objetivo de poner fin a los desmanes del calamar. Cuando se topan con él, llevan a cabo su plan, que no es otro que inyectarle una dosis mortal de cianuro. Pero las cosas se tuercen cuando el responsable del arponazo, un tal Manning, en una excesiva muestra de celo ecológico, confiesa haber inyectado un simple sedante al animal. El porqué, para intentar remolcar al cefalópodo hasta un acuario especial, una idea que el grupo había barajado con anterioridad y finalmente desechado. Todo se pone todavía peor cuando el barco se avería y quedan aislados en mitad del océano con el gigantesco animal atado a popa. Mientras aguardan la llegada del helicóptero de socorro, Whip decide soltar las ataduras del calamar y esperar que se hunda. Graves, por su parte, en un ataque de histérica impaciencia, elige abandonar la nave a bordo de una lancha. Pero poco después de huir, y de que el calamar desaparezca bajo las aguas, un poderoso tentáculo rodea el cuello del magnate y le hunde en las profundidades. Acto seguido, el calamar enfila su camino hacia el barco, donde vuelve a sembrar el caos matando a todos menos a Kathryn y Whip. Cuando llega el helicóptero, Kathryn sube mientras Whip destroza a hachazos unos barrilles de gasolina, impregnando toda la cubierta. Súbitamente, un tentáculo le atrapa, lo que no evita que en un alarde de heroismo ordene a Kathryn que dispare a los barriles. Finalmente, Whip logra zafarse del apéndice y subir al helicóptero. Kathryn dispara. Mientras huyen, barco y calamar se prenden en llamas hasta finalmente explotar.

Curiosidades:

La carrera como director del veterano Jeff Bleckner ha estado casi siempre ligada a la dirección de series y películas de televisión. Entre sus más recientes filmes destacan La ventana de enfrente, un remake para televisión de La ventana indiscreta que supuso la vuelta a la pantalla de Christopher Reeve tras su terrible accidente, y Un extraño lugar, adaptación en formato de mini-serie de la novela Escalofríos del terrorífico y fecundo Dean R. Koontz.

Entre los rostros más familiares de La bestia podemos destacar los de William L. Petersen, protagonista en su juventud de Manhunter (primera adaptación de la novela El dragón rojo de Thomas Harris) y Vivir y morir en L.A., Charles Martin Smith (American Graffiti, Los intocables, Starman) y Larry Drake (La ley de los ángeles, Darkman, Dr.Giggles).

A pesar de que todavía no era un compositor excesivamente conocido, el músico Don Davis triunfó notablemente en los años posteriores a su trabajo musical en La bestia. Basta con decir que suya es la música principal de la exitosa trilogía The matrix.

En lo corceniente a los efectos, cabe reseñar que uno de los responsables de dar “vidilla” por ordenador a los modelos mecánicos del calamar fue Gene Warren, ganador de un Oscar en 1991 por los efectos visuales de Terminator 2. También comentar que los modelos de calamar de mayor tamaño eran controlados por un grupo de treinta marionetistas, que manejaban convenientemente los numerosos cables fijados a la bestia. Para algunas tomas, los especialistas confeccionaron una enorme cabeza de calamar que superaba los cien kilos de peso.

Aunque La bestia aparenta desarrollarse en un pueblo costero del Estado de Washington, realmente fue rodada en Sidney, Australia. De ahí que más de uno de los extras del filme tenga un marcado acento inglés de las antípodas.

Frases promocionales:

“El terror emerge de las profundidades.”

ANACONDA

EE.UU/Brasil/Perú. 1997. 89 min. Columbia Pictures/Skylight Cinema/Iguana Producciones. Color.

Producción: Verna Harrah, Carole Little y Leonard Rabinowitz. Dirección: Luis Llosa. Guión: Hans Bauer, Jim Cash y Jack Epps Jr. Fotografía: Bill Butler. Música: Randy Edelman. FX: Edge Innovations y Sony Pictures Imageworks.

Intérpretes: Jennifer López (Terri Flores), Ice Cube (Danny Rich), Jon Voight (Paul Sarone), Eric Stoltz (Steven Cale) y Jonathan Hyde (Warren Westridge).

Sinopsis: Selva de Brasil. Un grupo de documentalistas cinematográficos, entre los que figuran la intrépida realizadora Terri Flores, el antropólogo Steven Cale y el cámara Danny Rich, avanza a través del mítico río Amazonas en busca de la legendaria tribu de los indios shirishama. No tardan en toparse con Paul Sarone, un solitario aventurero cuya embarcación se ha averiado, dejándole desamparado en mitad de las peligrosas aguas tropicales. Una vez a bordo del barco de sus rescatadores, Paul comparte con éstos sus conocimientos sobre los enigmáticos shirishama, proponiéndoles una ruta alternativa más rápida que les llevará a su recóndita aldea. Pero las cosas comienzan a complicarse cuando Steven cae víctima de la picadura de un insecto venenoso y sus compañeros han de practicarle una aparatosa traqueotomía con el fin de mantenerle con vida. Apremiados por la necesidad de encontrar algún tipo de ayuda médica, Terri y sus colegas siguen confiando en el consejo del experimentado Paul, sin sospechar siquiera que sus verdaderas intenciones no son otras que las de seguir el rastro de una legendaria y gigantesca serpiente anaconda con el fin de darla cazarla. Cuando Terri y los suyos descubran la pérfida artimaña de Paul, será ya demasiado tarde para dar marcha atrás y se verán obligados a combatir al mortífero reptil.

Comentario: Tras casi una década de sequía en lo que a recreación de maléficas criaturas acuáticas se refiere, los grandes estudios de Hollywod decidieron volver a probar suerte en el subgénero. Sin escatimar en gastos monetarios, escogiendo un animal no excesivamente trillado y lo suficientemente amenazador, y dando protagonismo a rostros del por entonces incipiente “latin power”, todo parecía apuntar a que el filme sería un auténtico bombazo, constituyéndose en uno de los descendientes más aventajados de Tiburón. Bien, nada más lejos de la realidad.

El principal problema con el que nos topamos en Anaconda es que, desde un principio, su argumento parece estar claramente supeditado a un despliegue de efectos especiales que sus creadores aventuraban como espectacular. La historia, que por momentos parece un remake carente de encanto de La mujer y el monstruo, es marcadamente lineal, con escasos y previsibles giros argumentales, y con unos diálogos que parecen sacados de cualquier serie B. Todavía peor son los personajes, concebidos sin la más mínima originalidad y que abarcan desde lo insustancial hasta lo ridículo. Ni siquiera los más afamados actores del reparto, que los hay, logran sacar algo positivo de sus papeles. Aquí la peor parte se la lleva el célebre Jon Voight, que le toca bailar con la más fea, Paul Sarone, una esperpéntica versión del mítico Capitán Ahab que ni el bueno de Voight consigue impedir que resulte a todas luces infumable. En definitiva, que el guión, del que sólo pueden salvarse algunas secuencias de ataque de la serpiente, puede ser considerado como el principal lastre del filme. Y cuando una casa falla en los cimientos, ya sabemos lo que pasa… En el resto de apartados, Anaconda parece funcionar mejor, aunque sin alcanzar la imposible misión de dignificar un relato tan carente de atractivo y, por momentos, realmente mediocre. La dirección de Luis Llosa es efectiva y dota al filme de la suficiente trepidación exigida en este tipo de películas. Pero también hay que decir que, a pesar de su hábil con el manejo de cámara, Llosa se muestra proclive a emplear ciertas triquiñuelas visuales que rozan lo zafio. También aceptable es la fotografía, especialmente la submarina, aunque queda la impresión de que los monumentales paisajes tropicales podrían haber sido mucho más explotados. Algo peor es la música, que por momentos parece limitarse a cumplir el expediente y no crea, ni de lejos, la atmósfera necesaria para inquietar al espectador.

Mención aparte merece el amplio catálogo de efectos especiales y visuales, uno de los apartados más controvertidos de Anaconda. Y es que aunque para concebir la serpiente, tanto su versión mecánica como la computerizada, se invirtió una notable suma de dinero y tiempo, cabe decir que los resultados no fueron los esperados. A pesar de que la gama de movimientos del reptil es ciertamente espectacular y muchos de ellos están notablemente conseguidos, su apariencia física falla en cuanto a realismo, notándose excesivamente su computerización y pareciendo por momentos más propia de un juego de videoconsola que de una película de alto presupuesto. Quizás si los responsables del filme hubieran decidido lucirla menos con el fin de ocultar ciertos errores, y así de paso reforzar algo más el suspense, las críticas habrían menos airadas y numerosas por parte del gran público. Gajes de querer ser demasiado ostentoso.

A pesar de que en taquilla funcionó magníficamente, Anaconda no puede ser calificada como una película destacada dentro del subgénero. Dejando a un lado alguna que otra secuencia entretenida y un gusto por lo exagerado y lo macabro que para algunos puede resultar gracioso, lo único positivo del filme es que convierte en protagonistas a personajes de origen no caucásico, algo que hasta entonces pocas superproducciones de este corte se habían atrevido a llevar a cabo. Aparte de esto, poco más ofrece. Irregular.

Secuencias y diálogos de interés:

“Las anacondas son únicas entre las serpientes. No satisfechas con devorar a su presa, la regurgitan para poder matarla y comérsela de nuevo.” Así de contundente (y falsa) es la cita inicial previa a los créditos de apertura, avisándonos ya de que a lo largo del filme tendremos el “placer” de contemplar alguna de estas regurgitaciones.

También contundentes son las primeras imágenes, en las que vemos como una feroz pantera negra es despachada sin problemas por el gigantesco, y todavía no visto, ofidio.

“Tan joven y ya tan letal”, dice Paul Sarone, mientras observa la agresividad de una cría de serpiente. Una frase quizás perdonable de ser enunciada por el Lorenzo Lamas o Chuck Norris de turno en algún soporífero subproducto de acción, pero que dicha en una película con pretensiones roza el delito cinematográfico.

“La última vez que me bañé en un agua como ésta, pasé toda la noche quitándome sanguijuelas del escroto”, dice Warren, el narrador del documental, con algo más de gracia. Poco después será atacado y cazado al vuelo por la anaconda, en una de las acciones más espectaculares del metraje.

Sólo como de lamentable puede calificarse el truco barato empleado por Llosa y los suyos en una de las secuencias. Se trata de una toma, que no debió grabarse en su momento, en la que vemos el barco retroceder marcha atrás al estar bloqueado el camino. Si nos fijamos en la cascada que aparece en primer plano, veremos que el agua de ésta se desplaza sorprendentemente hacia arriba. Conclusión, se trata una escena del barco avanzando que posteriormente fue montada hacia atrás. Hasta a Bruno Mattei le habría dado vergüenza.

Morir vacilando. La escena de la muerte de Paul Sarone tampoco tiene desperdicio. Después de ser devorado por la anaconda, es regurgitado por ésta ante las narices de Terri. Todavía vivo, aunque corroído por los ácidos estomacales del bicho, Paul permanece de pie, mira fijamente a Terri y… ¡le guiña un ojo! Acto seguido, se derrumba muerto. De ataque de risa.

Batalla final. Terri y Danny planean prender fuego a la feroz anaconda empleando gasolina y una suerte de enorme chimenea. Tras varios minutos de tensión y jaleo, nuestros héroes consiguen sacar adelante el plan y quemar vivo al reptil, que perece entre histéricos chillidos. Cuando parece que todo ha terminado, otra enorme serpiente se abalanza sobre ellos, siendo diestramente despachada por Danny a golpe de piqueta.

Curiosidades:

Aparte del director Luis Llosa, responsable de las flojas El especialista y En el corazón de la jungla, y de algunas producciones de éxito para el mercado televisivo sudamericano, Anaconda nos deleita con la presencia de actores bastante conocidos. Aquí podemos destacar a la actriz-cantante Jennifer López (Giro al infierno, La celda), al actor-rapero Ice Cube ((Los chicos del barrio, Fantasmas de marte) y los actores a secas Jon Voight (Cowboy de Medianoche, El tren del infierno), Eric Stoltz (Máscara, Killing Zoe), Jonathan Hyde (Jumanji, La momia) y Owen Wilson (La guarida, Tras la línea enemiga).

El equipo fotográfico de la película contó con dos especialistas de alto nivel, el experimentado Bill Butler (Tiburón, Rocky, Capricornio uno) y el afamado fotógrafo submarino Pete Romano (Tiburón 3: El gran tiburón, Abyss, Deep blue sea).

Walter Conti (Flipper, Liberad a Willy) fue el máximo responsable de los efectos especiales (animatrónicos hidráulicos) y visuales. Antes de comenzar de trabajar, estudio a fondo los movimientos y comportamientos de las anacondas reales, intentando luego plasmar esto en las serpientes mecánicas y en las computerizadas. Con las primeras hubo varios problemas derivados de rodar en el agua. En una de las secuencias, el oleaje del río provocó que la serpiente se enrollase y los técnicos perdiesen su control sobre ella. La serpiente mecánica comenzó a agitarse de forma tan espectacular, que algunos fragmentos de este incidente fueron a la postre incluidos en el montaje final.

Gran parte del rodaje tuvo lugar en Manaos (Brasil), capital del Estado del Amazonas. El equipo, formado por más de doscientas personas, tuvo que hacer frente a múltiples adversidades, principalmente derivadas de la falta de luz eléctrica, y a algunos problemas de avituallamiento. Además, por si esto fuera poco, también se las tuvieron que ver a menudo con la numerosa colonia de monos locales, una especie particularmente agresiva, y con las abundantes serpientes, que provocaron tal pánico entre algunos miembros del rodaje que la filmación hubo de ser interrumpida en más de una ocasión.

El personaje interpretado por Jennifer López fue primeramente bautizado con el nombre de Terri Porter. Finalmente desecharon este nombre y lo cambiaron por el de Terri López, quizás porque advirtieron que era demasiado similar al de Terry Porter, conocido jugador de la NBA de aquellos años.

Anaconda obtuvo la friolera de seis premios Razzies, incluidos los de peor director, actor, guión y película.

Frases promocionales:

“Si no puedes respirar, no puedes gritar” “Te robará el último aliento”.

LA CRIATURA

(CREATURE/PETER BENCHLEY´S CREATURE)

EE.UU. 1998. 172 min. Trilogy Entertainment Group/Hallmark Entertainment. Color.

Producción: Brent-Karl Clackson. Dirección: Stuart Gillard. Guión: Rockne S. O´Bannon y Peter Benchley. Fotografía: Thomas Burstyn. Música: John Van Tongeren. FX: Gajdecki Visual Effects y Stan Winston.

Intérpretes: Craig T. Nelson (Chase), Kim Cattrall (Amanda Mayson), Colm Feore (Almirante Aaron Richland), Cress Williams (Grandullón) y Matthew Carey (Max).

Sinopsis: 1972. Isla de Santa Lucía (Antillas). El Almirante Aaron Richland llega a una base militar secreta en la que se están llevando a cabo experimentos genéticos con especies marinas. Allí, los científicos Bishop y Peniston le muestran su última creación: un terrorífico híbrido mezcla de tiburón y delfín. Pero hay algo más en uno de los tanques contiguos, algo aún más monstruoso. Aprovechando un momento de confusión, este extraño animal logra escapar, asesinando a su paso a Bishop y a dos de sus ayudantes. Peniston consigue atraparlo antes de que alcance al mar y lo encierra en una jaula, pero incapaz de sacrificarlo de un tiro, lo lleva a mar abierto y lo sumerge en las profundidades… Veinticinco años después. Simon Chase es un biólogo de Santa Lucía que dirige un centro de investigación dedicado al estudio del cáncer y los tiburones. Amanda, su ex-mujer, y Max, su hijo adolescente, le visitan para pasar unos días de vacaciones, días que pronto tornarán a pesadilla Un pescador de la zona y un chico son devorados por algún tipo de animal marino extremadamente feroz. Muchos de los lugareños culpan de la tragedia a Simon, defensor de los tiburones blancos que ocasionalmente rondan la isla. Observando las heridas de los cadáveres, el biólogo deduce que ningún tiburón conocido puede haber sido responsable de esas muertes. Se trata de una especie mucho más agresiva y, aparentemente, más evolucionada. Simon y Amanda no tardarán en descubrir al abominable ser que ha decidido hacer de Santa Lucía su nueva morada.

Comentario: Un par de años después del estreno televisivo de la irregular La bestia, otro producto marca Benchley recalaba en las pantallas. De nuevo una adaptación de la por entonces más reciente novela del autor, en este caso Tiburón blanco, y otra vez presentada en formato de miniserie para televisión. Afortunadamente, La criatura, sin llegar a sobresalir, supera ostensiblemente a su predecesora.

Como era de esperar, la historia cuenta con varias situaciones y personajes que recuerdan a obras anteriores de Benchley. Además, nuevamente vuelve a aparecer el trasfondo ecologista, ya presente en La bestia y seña de identidad de los últimos libros del escritor. La evolución ideológica parece clara: mientras en Tiburón el protagonista se las intentaba apañar para demostrar la responsabilidad criminal de un tiburón blanco, en La criatura ocurre lo contrario, teniendo el héroe que probar ante sus vecinos la inocencia de los escualos de la zona. La trama principal es entretenida y rica en giros argumentales (la sorprendente mutación del monstruo, un híbrido entre tiburón y ser humano, gracias a la cual consigue adaptarse al medio terrestre; la conexión genética entre Peniston y el animal, razón por la cual le perdona la vida al comienzo de la historia). Desgraciadamente no se puede decir lo mismo de las subtramas, que al igual que en La bestia funcionan con el solo objetivo de justificar el formato de miniserie y resultan bastante tediosas. Y es que de nuevo la duración se antoja excesivamente larga, notándose claramente la mano de los creadores a la hora de alargar injustificadamente varias secuencias. Personajes y actores son dos de los aspectos más atractivos de la película. Aquí destaca especialmente Simon Chase, un biólogo obsesionado con encontrar una cura contra el cáncer después de la muerte de un familiar cercano por esta enfermedad, convincentemente interpretado por el siempre eficiente Craig T. Nelson.

A excepción de los efectos especiales, la película se encuentra un escalón por debajo en el resto de apartados. La dirección de Stuart Gillard es un canto a la sobriedad televisiva, con un trabajo de cámara poco dado a las florituras visuales, ocurriendo algo similar con la fotografía, parca a la hora de reflejar la riqueza submarina de las aguas caribeñas. Por su parte, la banda sonora, una exótica mezcla de ritmos étnicos y golpes orquestales, es agradable y eficiente, aunque sin destacar. En cuanto a los FX, cabe valorar positivamente el trabajo de Stan Winston al frente de los efectos visuales, que logra dar vida a un monstruo de apariencia más que aceptable. Algo peores son los tiburones blancos a escala.

Resumiendo, La criatura es un producto bastante digno y, por momentos, aceptablemente entretenido. Sólo su excesiva duración y algunas licencias narrativas típicas del subgénero se le pueden echar en cara. Cumple.

Secuencias y diálogos de interés:

Max y sus nuevos amigos de la isla pasan la tarde junto a un acantilado. El jefecillo de la pandilla, Kimo, reta a Max a lanzarse al agua desde las altas rocas. Max acepta y ambos se tiran. Una vez en el agua, una terrorífica criatura con hechuras de escualo se abalanza sobre Kimo, devorándolo en un santiamén. Max salva la vida de milagro. Aunque el montaje no es del todo coherente y se emplea alguna que otra imagen de archivo, la secuencia destaca por el sobresalto que provoca el pez mutante proyectándose sobre el joven.

Después de intentar dar caza a Chase y Amanda en unos túneles subterráneos de la isla, la criatura desfallece en tierra y parece fallecer por ahogamiento. Falsa alarma. Lo único que hace es adaptarse físicamente al nuevo medio. Pronto, sus pulmones comienzan a funcionar y le crecen extremidades. Nuestro “tiburón-transformer” está listo para seguir la cacería.

El Almirante Richland y un grupo de Navy Seals se despliegan en una zona pantanosa de la isla con el objetivo de poner fin a las aventuras del híbrido asesino y ocultar su existencia ante la opinión pública. Uno a uno, van cayendo en las garras del monstruo.

Curiosidades:

Como director, Stuart Gillard ha hecho carrera en el mundo de la televisión, donde ha dirigido varias tv-movies y capítulos de conocidas series como Poltergeist: El legado y Embrujadas. Su contribución a la gran pantalla ha sido escasa, pudiéndose sólo destacar Tortugas ninja III. En cuanto a la presencia de figuras conocidas dentro de La criatura, podemos destacar a los actores Craig T.Nelson (Poltergeist, Silkwood), Kim Cattrall (Rosebud, Loca academia de policía), Colm Feore (Ciudad de ángeles, Pearl Harbor) y Michael Reilly Burke (Octopus 2, Ted Bundy). Sin olvidarnos del inigualable “efectista” Stan Winston, claro.

En la película existen algunas alteraciones con respecto a la novela Tiburón Blanco. En ésta, que se desarrolla en aguas de Nueva Inglaterra, el híbrido hombre-escualo debe su origen a un experimento de científicos nazis al final de la Segunda Guerra Mundial.

La criatura está rodada en la Isla de Santa Lucía (Pequeñas Antillas) e Isla Vancouver (Canadá).

Uno de los ariscos pescadores que aparecen en el filme es el propio Peter Benchley.

Frases promocionales:

“Cuando el Hombre piensa que es Dios, puede ser capaz de crear un monstruo infernal”.

DEEP RISING (MISTERIO EN LAS PROFUNDIDADES)

(DEEP RISING)

EE.UU. 1998. 106 min. Hollywood Pictures/Cinergi Pictures/Calamari Pictures. Color.

Producción: John Baldecchi, Mario Iscovich y Laurence Mark. Dirección: Stephen Sommers. Guión: Stephen Sommers. Fotografía: Howard Atherton. Música: Jerry Goldsmith. FX: Dream Quest Images, Buena Vista Imaging e Industrial Light amp; Magic.

Intérpretes: Treat Williams (John Finnegan), Famke Janssen (Trillian St.James), Anthony Heald (Simon Canton), Kevin J.O´Connor (Joey Pantucci) y Wes Studi (Hanover).

Sinopsis: Mar del Sur de China. Una lancha ultrarápida pilotada por el cínico John Finnegan, su ingenuo ayudante Pantucci y la novia de éste, surca las aguas con una peligrosa carga: una tropa de modernos piratas que planean asaltar el lujoso transatlántico Argonaútica y hacerse con el valioso botín escondido en su cámara acorazada. Tras torpedear el barco, hecho que provoca que la lancha quede dañada, Finnegan y los piratas suben a bordo y contemplan sorprendidos como toda la tripulación ha desaparecido. Poco después se topan con los tres únicos supervivientes: Trillian, una ladrona de joyas que tras haber sido sorprendida robando permanecía recluida, Simon Canton, dueño del barco, y el Capitán Atherton. Estos dos últimos les informan de que una suerte de voraces gusanos abisales han tomado el transatlántico y han devorado a la totalidad del pasaje. Mientras tanto, en la lancha, la chica de Pantucci es devorada por algo surgido de las profundidades, algo que parece moverse también en el interior del transatlántico… Pronto, al tiempo que van descubriendo los cuerpos succionados hasta la médula de los otrora alegres pasajeros, el antiheroico grupo comienza a verse acosado y diezmado por los terroríficos gusanos.

Comentario: Quizás amparándose en el reciente éxito de taquilla de la discutible Anaconda, o quizás por otra serie de razones desconocidas (no creemos que entre ellas se encontrase la excelencia narrativa), lo cierto es que alguien con mucho dinero decidió que un guión escrito por el entonces poco conocido Stephen Sommers debía de ser llevado a la gran pantalla con inmediatez. Así nació Deep Rising, un intento de revitalizar el subgénero a base de acción, sangre en cantidades generosas y un muy peculiar humor negro. Y en eso se quedó, en un intento.

A mitad de camino entre La aventura del Poseidón y cualquier película de monstruitos con ansias de carne humana, Deep Rising plasma claramente su mensaje desde el primer fotograma, una especie de “macarras al poder” muy en consonancia con las posteriores Vampiros y Fantasmas del Marte del decadente John Carpenter. Sommers plantea una historia sustentada en tres pilares básicos: acción, sangre y una galería de personajes absolutamente pasados en rosca, por no decir sencillamente insoportables. Aunque en sus primeros compases el filme puede aparentar cierto atractivo, quizás por lo novedoso de ver a tantos personajes diciendo tantas idioteces en tan poco tiempo, pronto intuimos que al final todo se va reducir a un simple espectáculo de correrías a lo largo y ancho del enorme transatlántico. Y así es. Pocas son las situaciones que puedan despertar la curiosidad del espectador (quizás alguna que otra exhibición de vísceras y sangre), así como pocas son las sorpresas argumentales que la historia ofrece (al final, los temibles gusanos no son más que los largos tentáculos autónomos de un gigantesco pulpo hospedado en las entrañas del barco). Probablemente, lo único salvable del predecible argumento, a parte de la, para algunos, edificante dadivosidad hemoglobínica, son ciertos tramos del metraje en los que abundan las persecuciones al estilo Aliens, pero poco más. Y es que debe ser ciertamente difícil concebir una buena historia contando con un elenco de personajes y unos diálogos tan sumamente grotescos. La gran mayoría están absolutamente de vuelta en todo, empezando por unos ladrones con la testosterona disparada y terminando por unos protagonistas, Finnegan y Trillian, artificiosamente nihilistas y a los que el dinero parece preocuparles más que su propia vida. Pero la palma quizás se la lleve el bueno de Pantucci, que merece mención aparte. El infeliz pierde a su novia, pero no parece sentirlo mucho, ya que durante el resto del filme hace soberanos esfuerzos por convertirse en uno de los alivios cómicos con menos gracia de la historia del cine. Rozando lo patético. Aparentemente, al igual que en las antes mencionadas películas de Carpenter, estos esperpénticos personajes y sus basureros diálogos parecen responder a un pretendido intento de “incorrección política” por parte del autor, que de ser cierto resulta tan provocador como ver a un niño en plena fase anal pintando las paredes de su dormitorio con sus propias heces. Triste. Muy triste. De los actores no hay mucho que decir, los pobres ya debieron tener suficiente castigo con sus respectivos papeles como para cebarse en ellos. Quizás Famke Janssen sea la que sale mejor parada en su labor.

Sin ser nada del otro mundo, la parte técnica de Deep Rising es una auténtica obra de arte en comparación con la argumental. La dirección de Sommers es más o menos apañada, apreciándose que donde mejor se mueve es el terreno de las rápidas y accidentadas persecuciones que años después explotaría en La momia y su secuela. También cabe resaltar la potente y contagiosa banda sonora del célebre Jerry Goldsmith, que por momentos consigue hacer algo más creíble y digna la historia. Pero lo mejor de Deep Rising son sus más que notables efectos especiales y visuales, tanto en lo referente a los momentos más sangrientos del filme como en la concepción de los gusanos-tentáculos y del enorme pulpo responsable de la masacre. El trabajo de los chicos de Industrial, Light amp; Magic se hace notar.

Por lo general, y al igual que otras películas de la misma cuerda tipo Tomb Raider, Deep Rising se vuelca de tal manera en la exhibición de efectos especiales y busca tan descaradamente la forma más elemental de entretenimiento que acaba olvidando la importancia de contar con una buena historia. Y eso siempre pasa factura.

Secuencias y diálogos de interés:

Pantucci y Finnegan son perseguidos a través de un corredor por uno de los tentáculos de la bestia, lo que no es óbice para que el joven mecánico suelte una ristra de “gracias” del tipo “¡Parece que estos gusanos no han almorzado, jefe!” dignas de Bigote Arrocet en Condemor:El Pecador de la Pradera.

Hanover, el líder de los ladrones hi-tech, es atrapado por uno de los tentáculos mientras trata de acabar a tiros con Pantucci (lo que resulta muy comprensible). Dándose cuenta de que no tiene escapatoria, y tratando de evitar el mal trago de ser digerido vivo, Hanover se lleva el cañón de su pistola a la boca y dispara. No quedan balas. Sus deseos de matar al mecánico le condenan a una muerte horrenda.

Diálogo entre Finnegan y T.Ray, uno de los piratas:

Finnegan: “No vayas muy lejos.”

T.Ray: “No sabía que te importara tanto.”

Finnegan: “No me importas tú, sino la pistola.”

Tras la pertinente explosión que reduce a cenizas a la bestia, Finnegan, Trillian y Pantucci llegan hasta una frondosa isla desierta. Allí son recibidos por un retumbante rugido que brota del interior de la isla y cuyo dueño apunta ser otro quimérico monstruo. Anuncio de una secuela que afortunadamente hasta ahora no ha visto la luz.

Curiosidades:

Entre los nombres conocidos que aparecen en el filme, cabe destacar los del hoy popular director de aventuras Stephen Sommers (El libro de la selva, La momia, El regreso de la momia), el célebre compositor Jerry Goldsmith (responsable de la ya reseñada Leviathan) y del también célebre especialista de f/x Rob Bottin (Piraña, La cosa). En cuanto a los actores, notar la presencia del irregular Treat Williams (Erase una vez en América, Un final ‘made in Hollywood’), la incipiente neerlandesa Famke Janssen (The Faculty, House of the haunted hill,), y los a menudo histriónicos Anthony Heald (El silencio de los corderos, Asesinato en 8 mm) y Kevin J. O´Connor (El señor de las ilusiones, La momia).

Uno de los títulos barajados durante el rodaje para el filme fue el de Tentacle. Alguien debió comentarle a Sommers y a los productores que era muy similar al de otra película del subgénero de no muy excelsa calidad, Tentacles (Tentáculos), ya que finalmente fue descartado.

Al igual que otras películas estadounidenses relacionadas con el medio acuático, Deep Rising fue rodada en Isla Vancouver, Canadá.

El papel de Trillian, interpretado finalmente por Famke Janssen, fue inicialmente propiedad de la guapa Claire Forlani (Mallrats, Basquiat), que tras una serie de diferencias con Sommers, y después de tres días de rodaje, fue despedida.

El personaje del Capitán Atherton debe su apellido al fotógrafo del filme, Howard Atherton (Atracción fatal, Lolita), ya que de él lo tomó Sommers para bautizar finalmente al máximo responsable del transatlántico.

Tras haber trabajado con Sommers en sus últimas películas, y sufrir su férrea exigencia en lo que a efectos visuales se refiere, los responsables de Industrial Light amp; Magic han bautizado jocosamente como “La escala Stephen Sommers” a ese peligroso nivel de sobrecarga gráfica en el que hasta los ordenadores más potentes corren peligro de reventar.

Jana Sommers, esposa del director, tiene un pequeño papel al principio de la película como extra en la película.

Frases promocionales:

“Esto no es un crucero de placer.” “Las mujeres y los niños primero. Tú, el siguiente.”

“Abordaron el barco más rico del mundo… Pero no había nadie a bordo.”

ESFERA

(SPHERE)

EE.UU. 1998. 128 min. Warner Bros/Baltimore Pictures/Punch Productions. Color.

Producción: Barry Levinson, Michael Crichton y Andrew Wald. Dirección: Barry Levinson. Guión: Stephen Hauser y Paul Attanasio. Fotografía: Adam Greenberg. Música: Elliot Goldenthal. FX: Steve Johnson´s XFX, Cinesite, Sony Pictures Imageworks.

Intérpretes: Dustin Hoffman (Norman Goodman), Sharon Stone (Beth Halperin), Samuel L. Jackson (Harry Adams), Peter Coyote (Harold C. Barnes) y Liev Schreiber (Ted Fielding).

Sinopsis: Norman Goodman, un psicólogo que en el pasado elaboró un informe para el gobierno estadounidense relativo al contacto con extraterrestres, es llevado a una base situada en pleno Océano Pacífico con el fin de investigar un extraño suceso. Una nave espacial ha sido detectada a poco más de trescientos metros de profundidad y todo parece indicar que es de origen alienígena. Formando equipo con el matemático Harry Adams, la bioquímica Beth Halperin, el astrofísico Ted Fielding y el capitán naval Harold Barnes, Norman desciende a las profundidades con el fin de desvelar el misterio. Una vez en el interior de la extraña nave, de nacionalidad estadounidense, el grupo descubre que aunque aparenta llevar allí varios cientos de años, parece venir del futuro, concretamente del año 2043. También encuentran una esfera gigante, un artilugio que parece gozar de cierto poder hipnótico. De vuelta en el submarino de apoyo, Norman y sus compañeros comienzan a ser víctimas de singulares acontecimientos. Alguien desconocido que se hace llamar Jerry empieza a comunicarse con ellos a través del ordenador. Poco después el caos se desata a bordo de la nave, con extrañas criaturas que se materializan de la nada y situaciones de lo más inusitado que comienzan a sucederse. Aturdidos y asustados, Norman y sus compañeros buscan desesperadamente una forma de volver a la superficie. No tardarán en descubrir que la única escapatoria posible se encuentra a través de sus propias mentes.

Comentario: Basándose en el libro homónimo de Michael Crichton (inspirado a su vez en la mítica novela Solaris de Stanislav Lem) y tomando elementos de grandes filmes de ciencia-ficción como Abbyss o 2001: una odisea en el espacio, Barry Levinson realiza una interesante película que, al contrario de otras producciones contemporáneas, sí consigue revitalizar en cierta forma el subgénero de horrores submarinos, ofreciéndonos una nueva e inquietante perspectiva.

Para muchos la historia que cuenta Esfera, tanto en papel como en pantalla, no es más que un intento de “americanización” de la compleja Solaris, descargando gran parte del contenido científico-filosófico de la obra de Lem y desplazando la localización de la peripecia a las profundidades marinas. Puede que sea cierto, muy probablemente lo sea, pero ello no quita que el producto final sea de calidad óptima. Algo similar ocurre con Los Otros de Alejandro Amenábar y la novela Otra vuelta de tuerca de Henry James, y pocos sostienen que la premiada cinta no sea de notable valor. En sus comienzos, el relato nos recuerda claramente a Abyss (enigma en el fondo del océano que un grupo de especialistas ha de resolver), pero pronto nos damos cuenta de que en las profundidades no aguardan extraterrestres con ánimos redentores, sino algo mucho más inquietante. A medida que transcurre la historia, la claustrofobia y la incomprensión ante lo que ocurre crecen a pasos agigantados. Un ente siniestramente infantil llamado Jerry se comunica con los protagonistas a través del ordenador (a mitad de camino entre Hal-9000 de Kubrick y “El Antiguo Enemigo” de la novela Fantasmas de Dean R.Koontz), los científicos comienzan a materializar sus temores y obsesiones más ocultas (algunas de ellas en forma de criaturas marinas) y la paranoia colectiva se desata, sospechando unos de otros de estar poseídos por la misteriosa esfera de origen desconocido. La tensión se acrecienta hasta llegar un clímax final sumamente angustioso y deliciosamente confuso. Lo único que se le puede echar en cara a la historia, aparte de una extensión una tanto alargada y un epílogo demasiado edulcorado, es que las proyecciones mentales de los científicos no sean algo más aterradoras (medusas, serpientes acuáticas y una lluvia de huevos provenientes de un calamar gigante no son hechos excesivamente estremecedores). Por lo demás, el relato funciona con notable soltura, consiguiendo atrapar al espectador y sorprendiéndolo con interesantes giros durante los últimos pasajes (Jerry y todas las materializaciones son producto de un encuentro entre los científicos y la esfera que los primeros han borrado inconscientemente de sus memorias y gracias al cual adquirieron el peligroso don de proyectar físicamente sus pensamientos). Y una de las razones de que la historia cuaje es que cuenta con un plantel de actores de primera calidad, entre los que se encuentran el infalible Dustin Hoffman, una madura y solvente Sharon Stone, Peter Coyote y Samuel L. Jackson, encarnando con brillantez éste último uno de los personajes más atractivos del filme.

Técnicamente, Esfera es una película que cumple sobradamente, aunque sin destacar demasiado. Lo más llamativo es el ágil montaje y la eficiente dirección de Barry Levinson, rica en movimientos de cámara libre y en agresivos planos cortos y angulaciones que construyen una atmósfera claustrofóbica muy lograda. Además, Levinson parece jugar a menudo con los clichés del subgénero de amenazas marinas, sugiriendo que en cualquier momento va a aparecer alguna que otra bestia quimérica, hecho que nunca llega a producirse, al menos de la manera esperada por algunos. Otro punto a favor del trabajo de Levinson es su habilidad en el manejo de los actores principales, consiguiendo que ninguno de ellos cobre un excesivo protagonismo por encima del resto y sacando de cada uno de ellos sus mejores cualidades interpretativas. En cuanto a la fotografía y la música, cabe decir que aportan su granito de arena en cuanto a la recreación de agobio e inquietud se refiere, aunque en el caso de la primera se echan en falta mayores planos submarinos. Por último, en lo referente a los f/x, acertadamente contenidos (quizás demasiado) a lo largo del metraje, decir que se limitan a cumplir. Tanto las medusas como las serpientes y otras criaturas submarinas que aparecen resultan convincentes, aunque se echa en falta algo más sofisticado e impactante.

A pesar de los numerosos varapalos recibidos por parte de amplios sectores de la crítica y el público, Esfera es un filme notable, sobresaliente dentro del subgénero, que mereció sin duda un mejor tratamiento. Quizás, al igual que la incomprendida 12 Monos, mientras que para algunos resultó demasiado “comercial” como para ser respetada, para otros resultó demasiado compleja como para ser lo suficientemente “molona”. Qué se le va a hacer.

Secuencias y diálogos de interés:

“Hola. ¿Cómo estás? Yo estoy bien. ¿Cuál es tu nombre? Mi nombre es Jerry. Soy feliz.”, se presenta Jerry a través de la pantalla del ordenador. Conversación entre Norman y Harry:

Norman: “Es un ser emocional que lleva trescientos años sin hablar… sin socializarse y sin crecer emocionalmente mediante el contacto con otros seres emocionales.”

Harry: “¿Y…?”

Norman: “¿Qué pasará si Jerry se enfada?”

“Os mataré a todos.”, informa un ya enfadado Jerry.

Clímax final. Tras comprender la complejidad de su situación, Harry, Beth y Norman, los tres únicos supervivientes, consiguen encontrar un modo de salir de la nave. Sin embargo, no tardan en comenzar a experimentar extrañas alteraciones espacio-temporales que les hacen casi imposible saber en que lugar exacto de la nave se encuentran. Sólo las dotes psicológicas de Norman consiguen liberarles de la angustiosa situación.

Epílogo. Después de recuperarse físicamente, los tres protagonistas se reúnen en un camarote de uno de los barcos de la superficie. Comprendiendo que el don que han adquirido escapa al control humano, unen sus manos y desean perder por completo su capacidad de materializar sus pensamientos olvidando todo lo sucedido. Entonces la esfera emerge a toda velocidad de las profundidades y asciende hasta perderse entre las nubes. Un poco ñoño, la verdad.

Curiosidades:

La película está dirigida por Barry Levinson, afamado cineasta cuyas incursiones dentro del género fantástico habían sido escasas hasta entonces. Ganador de varios Emmys durante sus primeros años de profesión, el cineasta de Baltimore es conocido por filmes como El secreto de la pirámide, Rain Man, Cortina de humo y Sleepers, amén de por su popular serie de televisión Homicida. Dentro de los rubros técnicos del filme, cabe mencionar también al fotógrafo de origen polaco Adam Greenberg (Ghost, Los viajeros de la noche, Terminator 2), al músico Elliot Goldenthal (Alien 3, Michael Collins, Frida) y al guionista Paul Attanasio (Quiz Show, Donnie Brasco).

En cuanto al capítulo interpretativo, obligado es hablar de la presencia de “pesos pesados” del Hollywood moderno como el genial Dustin Hoffman (Papillon, Tootsie, Rain Man), Samuel L Jackson (Pulp Fiction, El negociador, Deep Blue Sea) y Sharon Stone (Instinto Básico, Desafío Total, Casino). Tampoco hay que olvidar el trabajo de los también conocidos Peter Coyote (Kika, Lunas de hiel) y Liev Schreiber (Scream, RKO 281).

Antes de ver finalmente la luz, el proyecto de Esfera tuvo que superar varias adversidades. Una de ellas fue la drástica reducción de presupuesto impuesta por los ejecutivos de la Warner, que temían que aquello pudiese convertirse en un fracaso económico sin precedentes. Esto conllevó que la prestigiosa Industrial, Light amp; Magic no tomará finalmente parte en la producción.

En un principio, el papel de Harry Adams, tan magníficamente interpretado por Samuel L. Jackson, iba a ser para André Braugher, uno de los protagonistas de la serie de televisión Homicida dirigida por Levinson.

En algunas de las escenas de la película, Dustin Hoffman y Samuel L. Jackson llegaron a improvisar parte de sus diálogos, algo al alcance de pocos actores.

Entre los encargados de diseñar las serpientes marinas, destaca el nombre de Joe Hahn, actual componente de la banda de rock Linkin Park.

El piloto del helicóptero que transporta a Norman Goodman al comienzo del filme no es otro que Huey Lewis, líder de exitoso grupo musical de los ochenta Huey Lewis amp; The News.

“Me encanta la ciencia-ficción como género. Siempre me ha fascinado, pero no podía encontrar una película de este género que llegase a sensibilizarme emocionalmente. Esta lo hace, al tiempo que mantiene todos los elementos básicos de la ciencia-ficción. Es una paranoia entre tres personajes. La interactuación y la desconfianza son lo que hace avanzar la película y lo que me fascinó de la historia.”, declaró Barry Levinson justificando su presencia en la película y recordándonos que no tiene abuela.

El final de la película tuvo que ser rodado de nuevo, ya que había algunos errores relativos a la obligada descompresión de los protagonistas.

Esfera fue rodada en California, principalmente en la localidad de Vallejo.

Frases promocionales:

“A trescientos metros bajo el mar, los agujeros negros están en la mente…” “El terror puede llenar cualquier espacio.”

DEEP BLUE SEA

EE.UU. 1999. 105 min. Warner Bros./Village Roadshow Pictures/Groucho III Film. Color.

Producción: Alan Riche, Tony Ludwig y Akiva Goldsman. Dirección: Renny Harlin. Guión: Duncan Kennedy, Donna Powers y Wayne Powers. Fotografía: Stephen F. Windon. Música: Trevor Rabin. FX: Edge Innovations, Hammerhead Productions, Industrial Light amp; Magic y VisionArt.

Intérpretes: Saffron Burrows (Susan McAlester), Samuel L. Jackson (Russell Franklin), Thomas Jane (Carter Blake), LL Cool J (Sherman Dudley) y Michael Rapaport (Tom Scoggin).

Sinopsis: Costa del Pacífico, Estados Unidos. Susan McAlester, una joven y brillante científica, y Russell Franklin, magnate farmaceútico, llegan a Aquatica, un vasto complejo situado en mitad del océano en el que Susan y otros especialistas experimentan con tiburones con el fin de obtener una cura para el mal de Alzheimer. Entre los residentes se encuentran el submarinista Carter Blake, un hombre arisco de turbio pasado, el cocinero Sherman, tan dicharachero como piadoso, la pareja de científicos Higgins y Whitlock, y el técnico Tom Scoggin. Lo que en principio no parece más un ajetreado fin de semana de pruebas e investigaciones no tardará en convertirse en una terrible pesadilla… Tras realizar una exitosa prueba extrayendo líquido cerebral de uno de los escualos del recinto y comprobando su eficiencia a la hora de combatir la enfermedad, el animal despierta imprevisiblemente de su letargo y le arranca al Doctor Whitlock un brazo de cuajo. En mitad de una creciente tempestad, un helicóptero de rescate acude para evacuar al científico mutilado, pero entre la adversidad metereológica y uno de los escualos consiguen que el helicóptero acabe estrellándose con las instalaciones de Aquatica. Aislados en los inundados sótanos del complejo, los supervivientes tendrán que arreglárselas para subir a la superficie antes de que todo se venga abajo. Los tiburones se encargarán de ponerles las cosas aún más difíciles…

Comentario: Doce años después del calamitoso fracaso de Tiburón, la venganza, uno de los grandes estudios de Hollywood volvía a apostar por los escualos como protagonistas de un filme de fantasía. Desde un primer momento, los responsables financieros del proyecto tuvieron claro que, a diferencia de las entregas de la saga de la Universal, en Deep Blue Sea la acción y el derroche visual debían primar por encima del terror. Afortunadamente, a diferencia de otras recientes producciones del subgénero amparadas en similar filosofía (véase Anaconda o Deep Rising), las cosas no fueron demasiado mal.

Partiendo de una estructura clásica dentro del cine de terror moderno: un grupo de personas encerradas en un recinto que son progresivamente asesinadas por el monstruo o psicópata de turno (aquí feroces tiburones alterados genéticamente), Deep Blue Sea consigue convertirse en un efectivo espectáculo de evasión en el que las irregularidades argumentales son hábilmente compensadas por una enérgica y competente dirección. La historia goza de bastante atractivo en sus primeros compases, pero buena parte del mismo se pierde a medida que avanza el relato, ya sea por la carencia de verosimilitud de algunas secuencias, el poco gancho de los personajes, la pobreza de los diálogos o el omnipresente y demagogo mensaje “eco-religioso” que se desprende de la trama. En los deméritos de los responsables del guión hay también que añadir la presencia de excesivos “homenajes” a la saga Tiburón, algunos tan evidentes como la secuencia en la que un tiburón provoca la ruptura del ventanal de observación ante la estupefacta mirada de Samuel L. Jackson y que es casi un calco de la escena de Tiburón 3: El gran tiburón en la que el gigantesco escualo realiza una tarea similar ante los sorprendidos ojos del también actor de raza negra Louis Gosset Jr. Pero junto a todos estos defectos argumentales, también coexisten en el guión algunas buenas escenas de suspense (principalmente las que tienen lugar en la cocina y otros aposentos inundados del recinto) que, junto a la eficaz mano de Renny Harlin, hacen que globalmente la película resulte divertida, extrañamente divertida. A esta diversión, desgraciadamente, no contribuyen en exceso los actores, algunos acartonados a causa de sus pocas tablas interpretativas y otros, los mejores, maniatados por superficialidad de sus personajes.

Por el contrario, quien sí contribuye sobradamente al espectáculo, y es en gran parte responsable del mismo, es la trepidante dirección de Renny Harlin, que vuelve a demostrar ser un alumno aventajado de James Cameron en lo que a rodajes de acción de refiere. A pesar de que, como en el resto de sus trabajos, la originalidad visual brilla por su ausencia, Harlin consigue insuflar al filme un ritmo frenético y se muestra acertado a la hora de explotar correctamente los variados momentos de suspense. Apoyado en un efectivo y vertiginoso montaje, logra hacer que la película sea mucho más digerible de lo que habría sido en otras manos. Por otro lado, hay también que subrayar el eficiente y esmerado trabajo de producción (estamos una de esas películas cuyo rodaje titánico suele dar más tristezas que alegrías), así como la fotografía submarina, ciertamente notable e inquietante en varios pasajes del filme. Algo menos acertada es la banda sonora, cuya melodía principal parece más propia de una película de ciencia-ficción de tintes épicos, tipo Terminator o Desafío Total, que de un filme del subgénero de monstruos marinos. En lo referente a los efectos, tanto especiales como visuales, uno de los aspectos más importantes de la producción, podemos decir que encontramos de todo. Por un lado, Deep Blue Sea goza de unos tiburones animatrónicos que bien pueden ser calificados de sobresalientes, siendo sin duda los escualos de apariencia más realista que ha dado el cine. Pero por otro lado, en lo referente a los tiburones generados por ordenador, las cosas cambian radicalmente. Algunos de estos escualos CGI siguen conservando un buen aspecto, especialmente cuando son mostrados en planos cortos, pero otros son simplemente deleznables. Ya fuera por ahogamiento presupuestario o quizás por el chapucerismo de algunas de las empresas infográficas ligadas al proyecto, la verdad es que tiburones computerizados como los que devoran a Samuel L. Jackson o a Michael Rappaport sólo pueden ser calificados como lamentables. Incomprensible.

A pesar de la irregular trama (el giro final referente al verdadero objetivo de los tiburones es increiblemente tramposo) y de su tosca moralina eco-fascista (asociar el aumento de la agresividad en un animal al incremento de su inteligencia parece una tesis más propia de Millán Astray y su “¡muerte a la inteligencia!” que de una mente mínimamente científica), Deep Blue Sea es una película que, vista con cierta distancia, puede resultar agradablemente divertida. Para pasar un buen rato.

Secuencias y diálogos de interés:

¿Primeras víctimas? La película abre con unos jóvenes celebrando una pequeña fiesta nocturna a bordo de un velero. De repente, un agresivo tiburón abre un enorme boquete en el entarimado de la nave, arrojando al agua a varios de sus ocupantes. Cuando parece que la sangre va a empezar a correr, alguien inmoviliza al escualo disparándole una suerte de arpones sujetos a cuerdas. Es Carter Blake, nuestro héroe, que de esta manera nos deja claro que en el resto del metraje la acción va a primar más que el terror.

“Yo diría que los negros tenemos muchas formas de morir sin tener que subir una estúpida montaña en mitad de Dios sabe dónde. Debería dejar eso para los blancos, hermano”, dice el cocinero-predicador Sherman a Russell Frank, tras reconocerle como el famoso superviviente que escapó a un alud. Una de las pocas líneas con algo de gracia del filme.

Comienza el caos. Cuando todos se las prometen muy felices después del exitoso experimento llevado a cabo con el líquido cerebral de un tiburón sedado, éste despierta súbitamente de su sueño y le arranca un brazo al Doctor Whitlock (¿castigo a su ateísmo y adicción al tabaco?). A partir de aquí se desata la catástrofe. Whitlock es izado en camilla por un helicóptero de rescate, pero por efecto de las inclemencias climáticas cae al agua y es atrapado por las fauces de un escualo que arrastra tanto a él como al helicóptero del que cuelga. Mientras el helicóptero se estampa contra el puesto de control del recinto, el tiburón arroja al encamillado Whitlock contra la mampara de observación del laboratorio, rompiéndola. En pocos minutos, Aquatica se convierte en un infierno de agua y fuego.

La secuencia en la que Sherman se protege en el interior de un horno de las embestidas de un tiburón es de lo mejor de la película. Después de que el horno se encienda tras un golpe fortuito del pez, el simpático ultra religioso se las tiene que valer de un hacha para acceder al piso superior del horno. Desde allí se lanza al agua, se aleja unos metros y arroja su mechero de gasolina al escualo, provocando que éste explote y vengando así la reciente muerte de su impertinente loro.

Atrapados en un compartimento en el cual se accede al agua a través de una piscina circular, los supervivientes escuchan atentos el monólogo de Russell Frank acerca de sus trágicas aventuras en las montañas. De repente, un tiburón que parece sacado de la primera hornada de juegos de la consola Playstation emerge de la piscina y se zampa al magnate en unos cuantos bocados. Aparentemente ideada como la “escena madre” de la película, lo cierto es que esta secuencia ha acabado convirtiéndose en objeto de mofa de muchos espectadores a causa de la ridícula apariencia del escualo. Eso sí, el susto que provoca la emersión del tiburón es considerable.

“Puede que sea el animal más listo del mundo, pero sigue siendo un animal… Ven con mamá.”, nos dice Susan antes de lanzarse al agua para atraer la atención del último tiburón, que pretende salir a mar abierto. El “Ven con mamá” es de auténtica vergüenza ajena.

Victoria in extremis. Con Susan devorada (pagando así su penitencia por experimentar sin autorización Papal), Sherman herido y Carter cabalgando a lomos de un escualo empecinado en fugarse, todo parece perdido. Pero entonces, haciendo sobrehumanos esfuerzos por ponerse en pie, el predicador consigue lanzar un arpón cargado de polvora al animal, clavándolo accidentalmente también en una de las piernas de Carter. A pesar de tener que sacrificar a su amigo, Sherman decide conectar el largo cable unido al arpón y vuela en mil pedazos al tiburón. Unos segundos después, el cocinero observa contento como Carter ha conseguido escapar a la explosión en el último suspiro y nada a su encuentro.

Curiosidades:

Entre los créditos más afamados de Deep Blue Sea cabe destacar los del director Renny Harlin (La jungla de cristal 2, Pesadilla en Elm Street 4, La isla de las cabezas cortadas), todo un especialista en cine de acción, el compositor sudafricano Trevor Rabin (Con Air, Armageddon, El sexto día), el fotógrafo australiano Stephen F. Windon (Rapa Nui, El mensajero del futuro, En tierra peligrosa), y los actores.Thomas Jane (Boogie Nights, La delgada línea roja), Saffron Burrows (Miss Julie, Frida), Samuel L. Jackson (Pulp Fiction, Esfera), Michael Rapaport (Poderosa Afrodita, Cop Land), Stellan Skarsgard (Rompiendo las olas, Dogville) y Aida Turturro (Iluminata, Celebrity), ésta última prima del actor John Turturro.

La película se rodó en los estudios Fox de Baja California, unas espectaculares instalaciones donde también han sido rodadas películas como Titanic y Pearl Harbor. Gracias al empleo de los gigantescos tanques de agua del complejo, se evitaron los habituales problemas técnicos derivados de todo rodaje en mar abierto.

Para el rodaje del filme, los actores tuvieron que prepararse a fondo físicamente. Ración extra de adiestramiento recibieron los protagonistas, Thomas Jane y Saffron Burrows.

Uno de los títulos provisionales de la película fue Time Out. Afortunadamente acabó siendo descartado, ya que parece más propio de un telefilme de acción.

La matrícula de Louisiana que Carter extrae de las mandíbulas de un tiburón al comienzo de la película es la misma que era extraída del estómago de un escualo en la mítica Tiburón. Por otro lado, el mini submarino naranja que se ve en algunas escenas es también el mismo que aparece al final de Esfera.

Además de hacer un breve “cameo” como uno de los trabajadores que abandonan Aquatica al principio del filme, Renny Harlin tuvo también tiempo para rendir homenaje a su patria natal, ya en forma de banderín de Finlandia colgado en el dormitorio de Janice Higgins o mediante tomas que muestran botellas de Finlandian Vodka.

Frases promocionales:

“¿Cómo de rápido puedes nadar?” “Más grande, más listo, más rápido, más malo.” “Bienvenido a la lista de especies en vías de extinción.” “Tu peor pesadilla te aguarda junto a la superficie.”

MANDÍBULAS

(LAKE PLACID/LAC PLACID)

EE.UU/Canadá. 1999. 82 min. Fox 2000 Pictures/Phoenix Pictures/Rocking Chair Productions. Color.

Producción: David E. Kelley y Michael Pressman. Dirección: Steve Miner. Guión: David E. Kelley. Fotografía: Daryn Okada. Música: John Ottman. FX: Stan Winston Studio y Digital Domain.

Intérpretes: Bill Pullman (Jack Wells), Bridget Fonda (Kelly Scott), Oliver Platt (Hector Cyr), Brendan Gleeson (Sheriff Hank Keough), Betty White (Delores Bickerman).

Sinopsis: Black Lake, Maine, Estados Unidos. Durante una inmersión en el apacible lago, un submarinista es brutalmente asesinado por una enigmática criatura acuática. El examen de sus restos y la aparición de un enorme diente hacen pensar a las autoridades locales en la presencia de una peligrosa bestia en las aguas del lago. El Sheriff Hank Keough y el guarda forestal Jack Wells comienzan a investigar el caso, pero pronto se ven perturbados por la presencia de Kelly Scott, una paleontóloga neoyorquina, y Héctor Cyr, un excéntrico multimillonario estudioso de los cocodrilos. Formando un grupo tan inestable como heterodoxo, los cuatro personajes rastrean el lago en busca de lo que parece ser un terrorífico reptil prehistórico. La súbita aparición de la bestia, matando a uno de los ayudantes del sheriff, y el peculiar testimonio de la Señora Bickerman, una anciana que vive a orillas del lago, acabarán por constatar la existencia de un gigantesco cocodrilo en la zona. Detener las acometidas del violento animal no será tarea fácil, sobre todo porque cada uno de los miembros de la expedición tiene su particular teoría de cómo hacerlo.

Comentario: Como ya hiciera Piraña a finales de los setenta, revitalizando un subgénero que empezaba a estancarse a base de burdas y descafeinadas imitaciones de Tiburón, Mandíbulas vuelve a unir el cine de monstruos acuáticos con el humor negro, dando lugar a un curioso filme que, a pesar de sus no demasiado abundantes dosis de suspense y acción, acaba resultando aceptablemente entretenido y durante algunos momentos bastante contundente.

A primera vista, para cualquier observador que lea una sinopsis de la película, la premisa básica de Mandíbulas no parece ir más allá del estándar argumental más elemental del subgénero: “Apacible y pequeña comunidad que se ve asediada por criatura que emerge de las profundidades de sus aguas”. Pero a diferencia de la mayoría de los múltiples filmes que parten de similar idea, la película de Steve Miner desarrolla este punto de partida de una manera totalmente distinta. Al igual que en clásicos como Piraña o Tiburón, aún con una diferencia cualitativa notable, en Mandíbulas la bestia amenazadora no saca literalmente de la pantalla al resto de personajes, reduciéndolos a meras comparsas, sino que más bien sirve de excusa para que éstos y sus circunstancias evolucionen de forma similar a lo que lo harían en cualquier otro relato de diferente género. Aquí la construcción de personajes, dotados de personalidades que huyen del estereotipo, y diálogos, donde abunda la ironía y el humor negro, es una prioridad por encima del empacho de acción y el efectismo visual propuesta por otras producciones del subgénero. Y esto no es óbice para que cuando la película opta por ofrecer las obligadas dosis de suspense y terror, lo haga de manera ciertamente sobresaliente. Las únicas pegas que se le pueden poner a esta singular apuesta de David E. Kelley y Steve Miner son la no siempre efectiva sátira de sus diálogos y situaciones, que a veces no logran arrancar más que una media sonrisa desganada, y el poco carisma de su pareja protagonista, unos más que sositos Bill Pullman y Bridget Fonda. Esto último, afortunadamente, es parcialmente compensado por el buen trabajo de secundarios como Brendan Gleeson, Oliver Platt y Betty White, que son los que realmente llevan el peso de la película.

En lo referente a otros aspectos de la película, cabe hablar de la sobria y eficiente dirección de Steve Miner, que parece huir en todo momento del protagonismo y decide limitarse a servir de puente invisible entre el espectador y la historia, y de la estupenda fotografía paisajística de Daryn Okada (una pena que el filme no fuera rodado en el auténtico Maine). Dejando de lado la banda sonora, que no es nada del otro mundo y se limita a cumplir el patrón básico del subgénero, es importante detenerse en el terreno de los efectos especiales, que son realmente excepcionales. Mezcla de animatrónicos y cocodrilos computerizados, los efectos de Mandíbulas son de lo mejorcito, sino lo mejor, que ha podido verse hasta la fecha en cualquier filme de criaturas acuáticas. Al contrario que otras películas contemporáneas, las apariciones del gigantesco cocodrilo están sabiamente distribuidas a lo largo del metraje y en ningún momento se abusa de ellas. Cumpliéndose el dicho de “más vale poco bueno que mucho malo”, el resultado es que los contados actos de presencia del reptil son tan realistas como sobrecogedores.

Matrícula de honor para Stan Winston Studio y Digital Domain.

Sin ser una película descollante, Mandíbulas resulta aceptablemente divertida y, a mitad de camino entre el realismo y el costumbrismo, consigue reflejar cómo podría desarrollarse en la práctica un hecho tan inhóspito en caso de que sucediera realmente. Curiosa.

Secuencias y diálogos de interés:

La película abre con una secuencia tan prometedora como contundente. Un submarinista que bucea en las profundidades del lago es atacado por una violenta bestia que no llegamos a ver. Cuando consigue alcanzar la superficie y el compañero que le espera en una barcaza le ayuda a subir, observamos horrorizados como ha sido devorado de cintura para abajo. El chapoteo de sus tripas contra el suelo de la barca sobrecoge al más curtido espectador. Recuerda a crudas escenas de series B de terror como Aquarius o El torreón.

Lucha animal. Jack y Kelly se ven acorralados junto a la orilla lago por un enorme oso pardo de intenciones poco amistosas. De repente, el gigantesco cocodrilo emerge del agua y se abalanza sobre el oso. Ante la atónita mirada de la pareja protagonista, el reptil cierra sus fauces sobre los cuartos traseros del plantígrado y lo arrastra hacia el agua. Impresionante. Una recreación casi perfecta de cualquier documental de National Geographic. De lo más realista que se ha visto hasta ahora en cuanto a efectos digitales.

“Asesinatos y violaciones en las ciudades, gente haciendo explotar aviones, ¿hace algo la policía? ¡No! Pero a alguien se le ocurre dar de comer a un cocodrilo con una pequeña vaca…”, se queja la señora Bickerman.

Desenlace sin explosión. Para sorpresa de muchos, la película no termina con la bestia de rigor volando en mil pedazos, regla casi inamovible dentro del subgénero. Es más, aquí ni siquiera es sacrificada. Tras una larga disputa entre el Jack y el Sheriff Keough, que quieren matar al cocodrilo, y Kelly y Hector, que apuestan por la opción conservacionista, y con el aludido atrapado en el interior de un helicóptero, el grupo acuerda finalmente sedar al animal con dardos tranquilizantes y transportarlo a un zoológico. Eso sí, para gusto de la audiencia con ansías más destructoras, una cría del reptil que en ese momento surge súbitamente de las aguas es convenientemente despachada a tiros.

Curiosidades:

Varios son los nombres célebres que podemos encontrar en el reparto técnico y artístico de Mandíbulas. A la cabeza está el de David E. Kelley (Mistery, Alaska), marido de Michelle Pfeiffer y productor de series tan populares como Ally McBeal y Picket Fences, que aquí realiza tareas de producción y guión. En la dirección se halla Steve Miner (Viernes 13 2ª parte, House, una casa alucinante, Halloween H20), un cineasta forjado en el cine de terror y que también ha trabajado en famosas series televisivas como Felicity y Dawson crece. En el capítulo actoral cabe destacar la presencia de caras como las de Bill Pullman (La serpiente y el arco iris, Independence Day), Bridget Fonda (Solteros, Un plan sencillo), Oliver Platt (Los tres mosqueteros, El hombre bicentenario) y el irlandés Brendan Gleeson (El general, 28 días después).

Al igual que muchas de las más recientes películas de Hollywood, el rodaje tuvo lugar en Canadá. En este caso, en la Columbia Británica.

Sin en su momento se hubiera traducido literalmente del inglés, Mandíbulas (o Fauces) tendría que haber sido el título en España de Tiburón (Jaws). Veinticinco años después, quizás debido a lo poco impactante del título original del filme de Miner, Lake Placid, los distribuidores decidieron sustituir unos hipotéticos “Lago plácido” o “Lago apacible” por el título otrora rechazado.

Dentro del reparto, cabe también mencionar la presencia de Betty White, la ingenua Rose en la mítica serie Las chicas de oro, alrededor de la cual gira una anécdota bastante curiosa. Betty White interpreta en la película a la anciana Delores Bickerman, una mujer que ha alimentado al enorme cocodrilo durante años y que en un momento del metraje menciona a PETA, una asociación a favor del trato ético a los animales. Pues bien, en la realidad, Betty White es una de las portavoces de dicho grupo proanimalista.

El nombre que se le da al lago en la película, Black Lake (Lago Negro), parece un claro homenaje a La mujer y el monstruo y su Black Lagoon (Laguna Negra).

Frases promocionales:

“La criatura más antigua de la tierra ha encontrado un nuevo hogar.” “Nunca sabrás lo que te ha mordido.” “Parte misterio, parte suspense, partes desaparecidas.”

SHARK ATTACK

EE.UU. 1999. 92 min. Nu Image/Martien Holdings. Color.

Producción: Mandy Branch. Dirección: Bob Misiorowski. Guión: Scott Devine y William Hooke. Fotografía: Lawrence Sher. Música: Serge Colbert. FX: Gavin Meadon, David J. Brown y Anton Cronje.

Intérpretes: Casper Van Dien (Steven McKray), Jenny McShane (Corinne DeSantis), Ernie Hudson (Laurence Rhodes), Bentley Mitchum (Doctor Miles Craven) y Tony Caprari (Mani).

Sinopsis: Port Amanzi, Sudáfrica. Marc DeSantis, un biólogo marino que realiza unas investigaciones acerca de la extraña agresividad de los tiburones blancos de la zona, es devorado por éstos después de que un grupo de mafiosos locales le arroje el agua con un profundo corte en un brazo. Días después de la tragedia, Steven McKray, también biólogo marino, llega al pequeño pueblo costero con el fin de conocer algo más de la muerte y las indagaciones de Marc, íntimo amigo suyo. Lo primero que comprueba es que los pescadores nativos se encuentran al borde de la quiebra a causa de la repentina voracidad de los escualos, de la que hacen responsable a un equipo científico que lleva unos meses realizando experimentos en las aguas locales. Tras conocer a Corinne, hermana de Marc, Steven comienza a investigar junto a ella las causas del misterioso conflicto. No tardarán en descubrir una compleja trama en la que arriesgadas investigaciones contra el cáncer y avariciosos intereses inmobiliarios se mezclan a partes iguales. Intentar sacar la verdad a relucir les será tan difícil como enfrentarse a los furiosos tiburones.

Comentario: Quizás lo mejor de Shark Attack sea que supone la primera toma de contacto de la joven productora Nu Image con el subgénero de monstruosidades acuáticas, en cuyo catálogo han primado desde entonces este tipo de filmes (dos secuelas de Shark Attack más un puñado de filmes de cocodrilos, pulpos y tiburones asesinos). Desgraciadamente, aún siendo muy de agradecer el interés de esta gente por revitalizar el subgénero, la verdad es que ninguna de sus producciones ha pasado hasta ahora del aprobado más ramplón, cuando no el suspenso. Lástima que a veces no baste con las buenas intenciones.

Del mismo modo que algunas producciones de los años setenta como Barracuda o El cazador de tiburones, Shark Attack apuesta por ser un híbrido entre thriller y película de peces asesinos. Aunque a primera vista esto pueda producir cierto desasosiego, la verdad es que una vez visto el metraje es imposible reprimir una sensación de alivio. Si sus creadores hubieran prescindido de la trama, que no oculta sospechosos paralelismos con Deep Blue Sea, la película podría haber resultado extremadamente infumable. Por lo general, el argumento, aún escaso en momentos de acción y terror submarino, es aceptablemente ágil y entretenido. Las investigaciones en tierra de los dos protagonistas son a la postre el verdadero motor de la historia, dejando en un segundo plano las apariciones de los agresivos escualos para finalmente confluir con ellos en los últimos lances de la película. Y lo cierto es que la trama, sin ser ninguna genialidad, es bastante apañadita, no excesivamente confusa y aceptablemente verosímil (al final todo responde a una confabulación entre el Doctor Craven, un oncólogo que ha provocado una encefalitis en los tiburones en la búsqueda de una cura contra el cáncer, y Rhodes, un avaricioso magnate que quiere provocar una quiebra del sector pesquero local para dar rienda suelta a sus ansias de especulación urbanística). Narrativamente se asemeja a alguna de esas escasas tv-movies de suspense o acción que, parcas en medios y pretensiones y generosas en diálogos estándar y personajes estereotipados, poseen un intangible encanto que en ocasiones acaba atrapando. Lamentablemente no abundan. En cuanto a interpretaciones se refiere, la verdad es que Shark Attack sale bastante peor parada. Aparte del experimentado Ernie Hudson y los jóvenes Bentley Mitchum y Jenny McShane, que resuelven bien sus papeles, el resto del reparto se mueve entre lo ridículamente histriónico y lo terroríficamente inexpresivo. En el primer grupo es obligado incluir a la corte de secundarios que encarnan a los matones locales, cuyo desenfrenado ánimo gesticulador les hace parecer más propios de una comedia de Alvaro Vitalli que de un thriller serio, y al amigo Tony Caprari, que en su alegre papel de Mani, un taxista con el cachondeo por bandera, consigue rivalizar muy seriamente con el infame Pantucci de Deep Rising. En cuanto al segundo grupo, el de los “rostro de piedra”, el máximo galardón se lo lleva por unanimidad Casper Van Dien, impenitente una vez más en sus esfuerzos por demostrar que el tópico de que detrás de toda cara bonita se halla una mente en blanco es una verdad como un templo. Sobrecogedor.

Poco hay que comentar en lo concerniente a las disciplinas más técnicas del filme. La sosa dirección de Misiorowski, algo más animada en el segundo tramo de la película, es prueba evidente de lo que suelen dar de sí los productores metidos a director; mientras que el montaje peca de algunos momentos en los que trampa y torpeza son casi elevados a la categoría de valores cinematográficos (escenas de ataque de tiburones en los que éstos cambian de color de plano a plano, y otras lindezas). Un poco mejor son la música y la fotografía, aunque tampoco como para deshacerse en elogios. En cuanto a los efectos especiales, cabe denunciar el abusivo empleo de imágenes documentales de escualos, que para más inri son insertadas con tan poca pericia que acaban provocando los clamorosos errores de montaje. También se emplean algunos tiburones mecánicos, principalmente cabezas, que resultan aceptablemente realistas.

No mucho más que un ajustado aprobado se merece Shark Attack, cuyas carencias más notables son parcialmente niveladas gracias una trama eficiente y algunos buenos momentos de diversión. Pasable.

Secuencias y diálogos de interés:

La escena en la que le es comunicaba a Steven la muerte de su amigo Marc es digna de pasar a la historia de la interpretación en cuanto a rigidez expresiva se refiere. Y es que una vez que Casper Van Dien recibe la trágica noticia, su rostro dibuja una indefinible mueca que transmite cualquier cosa menos tristeza.

Infancia en peligro. Poco después de su llegada a Port Amanzi, y tras alguna que otra tirantez con los pescadores locales, Steven se ve obligado a lanzarse al agua para rescatar a la hija de uno de estos marinos que está a punto de ser engullida por uno de los escualos de la zona. Con esto se gana la confianza de los lugareños, demostrándoles que ser científico y estadounidense no siempre significa ser malvado.

Durante una inmersión, Steven y Corinne descubren unos misteriosos artefactos metálicos que emiten un singular zumbido. De repente, atraído por el sonido, un gran tiburón hace acto de presencia y está a punto de finiquitar a nuestros héroes, que escapan apuradamente. A valorar el susto que provoca la irrupción del escualo.

Tras una alocada persecución todoterreno, el avaricioso Lawrence Rhodes cae al agua y es devorado antes de que alcance una boya de salvamento. Afortunadamente para él, los inmediatos tiros de cámara submarinos (imágenes documentales) nos demuestran que lo que realmente está comiendo el pez es un enorme cebo de carne.

Curiosidades:

Curtido durante años en labores de producción, Bob Misiorowski, director de Shark Attack, parece haber encontrado finalmente su sitio como realizador de series B de acción. Entre sus títulos más destacados se encuentran En el límite, Sin control y Air Panic.

En lo referente a presencia de actores populares en el filme, únicamente cabe mencionar a Casper Van Dien (Starship Troopers, Sleepy Hollow, Revenant) y a Ernie Hudson (Los cazafantasmas, Leviathan, El cuervo). Por el contrario, lo que sí encontramos en abundancia son secundarios de origen africano, con nombres como tan exóticos (para nosotros) como Pepsy Mahunisi, Lulu Makhathini, Kwesi Malinga o Mike Mvelase.

Concebida para ser distribuida en vídeo y televisión por cable, Shark Attack fue realmente rodada en Sudáfrica, concretamente en Port Alfred.

Las sangrientas imágenes de heridos por ataques de tiburón que Marc observa al principio en su ordenador y que se supone son de ataques que están ocurriendo en las aguas que investiga, son fotografías reales bastante conocidas. Y bastante antiguas, por cierto.

Tres años después de protagonizar Shark Attack, Casper Van Dien participó en un arriesgado documental para el Discovery Channel. Tuvo que sumergirse en aguas de las Bahamas con un traje especial anti-tiburones y recibir varias dentelladas de los escualos. Afortunadamente para Van Dien (y desgraciadamente para el cine), el traje funcionó.

Frases promocionales:

“Hay sangre en el agua.” “Cierra los ojos por un momento… Y descansa en pedazos para la eternidad.” “El terror viene del mar.”

COCODRILO

(CROCODILE)

EE.UU. 2000. 93 min. Nu Image/Flat Dog Corporation. Color.

Producción: Boaz Davidson, Frank DeMartini y Danny Lerner. Dirección: Tobe Hooper. Guión: Jace Anderson, Adam Gierasch y Michael D. Weiss. Fotografía: Eliot Rockett. Música: Serge Colbert. FX: KNB Effects y Flat Earth Productions.

Intérpretes: Mark McLaughlin (Brady Turner), Caitlin Martin (Claire), Chris Solari (Duncan McKay), Sommer Knight (Sunny) y Terrence Evans (Shurkin).

Sinopsis: Suroeste de Estados Unidos. Un grupo de jóvenes decide pasar unos días de vacaciones primaverales recorriendo a bordo de una casa flotante el vasto lago Sobek, un lugar sobre el que pesa una leyenda relativa a un gigantesco cocodrilo de origen egipcio. Entre los componentes de la expedición destacan Brady y Claire, una guapa pareja con ciertos problemas sentimentales, así como el pícaro e irreverente Duncan y la traviesa Sunny. Mientras surcan el lago a ritmo de cervezas y rock and roll, los jóvenes descubren un nido repleto de enormes huevos de reptil. Demasiada tentación para los más gamberros de la cuadrilla, que no dudan en llevarse furtivamente uno de ellos. Pero el robo será convenientemente castigado. Pronto, el legendario cocodrilo se constata como realidad y comienza a perseguir a los chicos. Tras destrozar su embarcación y acabar con alguno de ellos, la feroz bestia comienza a seguir su rastro por tierra. Ni siquiera las apariciones del siniestro lugareño Shurkin, obsesionado con cazar al cocodrilo, y del aguerrido sheriff local evitarán que la carnicería se desate.

Comentario: Si hubiera que elegir dos títulos entre toda la filmografía de Tobe Hooper que reflejaran fielmente su estilo y su imaginario visual, éstos bien podrían ser la célebre La matanza de Texas y la posterior Trampa mortal. Quizás por ello, amén de por el oportunismo comercial de aprovechar el tirón de Mandíbulas, Tobe Hooper fundió en este Cocodrilo varios elementos de los mencionados filmes. Del primero tomó la atmósfera tenebrosa, del segundo (su primera incursión en el subgénero), la presencia de un agresivo cocodrilo, y de ambos, la aparición de grotescos personajes de la América profunda. Lamentablemente, esta aparente apuesta sobre seguro se saldó con un resultado no del todo apetecible. No siempre dos más dos suman cuatro.

La principal razón de que Cocodrilo sea una película notablemente irregular es que literariamente es de una simpleza acusada. La historia en sí es poco más que una actualización con bestia de por medio de la más lineal de las slasher movies de los años ochenta, destacando la total ausencia de subtramas que aporten algo interesante al argumento. Por si esto fuera poco, hay que añadir que tanto la mayoría de los personajes como los diálogos son de un grado de necedad realmente serio. En cuanto a los primeros, el grueso lo componen jóvenes de estética MTV cuya única meta en esta vida parece ser el consumo de cerveza y la emisión de exabruptos, convenientemente acompañados por la clásica pareja protagonista de “chicos buenos” (Brady y Claire) cuya corrección y buenas maneras lindantes con el autismo les hace ser todavía más insoportables que sus compañeros. Lo único salvable de esta galería de “freaks” es el pequeño grupo de lugareños que intervienen ocasionalmente en la película, como el sucio y siniestro Shurkin, que recuerdan ligeramente a personajes de anteriores filmes de Hooper. Y en lo referente a los diálogos, poco que añadir, escasas son las intervenciones en las que las frases “Que te jodan” o “Pásame una cerveza” no aparezcan. Triste demostración de lo positivo que sería la recuperación del oficio de dialoguista. Aún así, aunque parezca imposible a todas luces, hay ciertos pasajes del guión que se libran de la quema. La mayoría tienen que ver con escenas de acción, en las que, aparte de disfrutar de que nuestros “héroes” permanezcan callados o se limiten a gritar (o mejor aún, sean silenciados a dentelladas), somos testigos de algunos buenos momentos de tensión y de un par de sustos bastante efectivos. Poco más.

En cuanto a tareas técnicas, Cocodrilo tampoco nada precisamente en la abundancia. La dirección de Tobe Hooper queda a años luz de sus películas más célebres (ni hablar ya de la dirección de actores), y durante muchos momentos nos transmite una sensación de desidia casi palpable. Sólo en algunas de las escenas de acción antes mencionadas y en la secuencia en la que se nos introduce en la singular cabaña de Shurkin (un homenaje a la siniestra decoración de la casa de La matanza de Texas), parece despertar Hooper de su letargo creativo y poner algo más de interés al asunto. Por su parte, la fotografía de exteriores (la submarina es casi inexistente) es prácticamente lo mejor del filme. Bosques y aguas están reflejados con bastante acierto, dotando al metraje de cierta atmósfera. No tan acertada es la banda sonora, compuesta mayoritariamente por música también de corte MTV que no acaba de encajar del todo. En cuanto a los efectos, parte cocodrilos mecánicos y parte computerizados, no van nunca más allá de lo pasable en cuanto a calidad. Mientras los animatrónicos tienen el principal inconveniente de lucir una cierta rigidez, aparte de notarse en exceso la existencia de una plataforma subacuática que desplaza al animal, los píxeles de los cocodrilos CGI se notan demasiado y sólo resultan convincentes en las escenas nocturnas. La generosa dosis de hemogoblina compensa un poco la irregular calidad de la bestia.

Lo peor de Cocodrilo no es ya su cuestionable valor, sino que durante su fase previa al lanzamiento despertó ciertas ilusiones entre los amantes del cine fantástico (el nombre de Tobe Hooper sigue teniendo cierto tirón). Desgraciadamente, el poco interés puesto por sus responsables y su descarada intención de hacer un producto atrayente más que una película efectiva, dieron al traste con cualquier esperanza de ver algo potente.

Secuencias y diálogos de interés:

“Bueno, hay una cosa que me gustaría saber… ¿Quién va a ir a por la cerveza”, dice uno de los jóvenes integrantes de la pandilla, una línea de diálogo que es vivo reflejo del mísero trabajo de los guionistas.

En mitad de la noche, y tras haber consumido un buen número de las ansiadas cervezas, Hubs, uno de los más gamberros del grupo, se acerca al extremo de un embarcadero con el fin de descargar algo de alcohol de su cuerpo. La idea no parece gustar del todo al cocodrilo, cuya enorme cabeza emerge súbitamente del agua y engulle de golpe al joven. Un susto de impresión. Lo mejor de la película.

Regurgitaciones. Tras largas persecuciones y ataques, Duncan, Brady y Claire quedan como los únicos supervivientes del grupo. Al primero se le ocurre la extraña idea de cegar al cocodrilo subiéndose a su lomo y tapándole los ojos con una sudadera. El éxito de la operación es breve, ya que con un rápido gesto el cocodrilo consigue lanzar a Duncan por los aires y tragárselo de un único y gracioso bocado. Poco después, el animal se ve sorprendentemente obligado a expulsar al joven de su estómago. Al contrario que en Anaconda o Deep Rising, aquí la víctima regurgitada sigue viva, orgullosa además de haber provocado el vómito del reptil rociando sus entrañas con un fuerte spray contra insectos. Surrealista.

Inaudito desenlace. Con Duncan renacido y la bestia iniciando un nuevo ataque, Claire descubre escondido en su mochila uno de los huevos de cocodrilo que encontraron al principio del filme (Hubs se lo había colocado furtivamente). Hay está la causa de la furia homicida del cocodrilo, que no es sino una hembra con proyecto de ser madre. Claire coge el huevo y se lo ofrece tímidamente a la “cocodrila”, que no parece muy dispuesta a aceptar disculpas. En ese momento, la cáscara del huevo se rompe y aparece un pequeño bebé de cocodrilo. Afortunadamente, la cría no identifica a Claire como su madre (lo que habría significado la muerte inmediata de la chica), sino que corre ávidamente a las fauces de su madre biológica. Ésta, tras lanzar una mirada perdonavidas a los jóvenes supervivientes, se sumerge con su hijo en el lago y se aleja. Nuestros héroes suspiran aliviados. Aunque no es un final del todo brillante, cabe destacar que es de los pocos del subgénero que no acaba con la muerte del animal asesino. Un punto de originalidad.

Curiosidades:

La película está dirigida por Tobe Hooper, uno de los máximos exponentes del cine de terror de los últimos treinta años. La primera parte de su carrera, con títulos como La matanza de Texas, El misterio de Salem´s Lot, La casa de los horrores y Poltergeist (donde la mano de Steven Spielberg es más que evidente), es sin duda la más brillante. Aunque durante el último decenio su sequía creativa es alarmante, todavía sigue siendo para muchos uno de los grandes dentro del género de terror.

“Flat Dog”, algo así como “perro plano”, fue el título provisional de Cocodrilo durante el rodaje. Es el nombre que durante la película se le da al reptil que según la leyenda habita en el lago, un cocodrilo del Nilo que un tal Harlan Clements importó a principios de siglo para rendir culto a Sobek, el dios cocodrilo del antiguo Egipto.

El lago Sobek no existe en Estados Unidos, pero sí en Balí. Efectivamente, Sobek es un dios con forma de cocodrilo de la mitología egipcia.

El filme fue rodado en Los Ángeles y México. Su distribución se limitó al vídeo y los canales de televisión por cable.

La escena de la película en la que se nos muestra el tenebroso interior de la choza de Shurkin es la favorita de Tobe Hooper, que incluso se permite un “cameo” en ella.

Terrence Evans, el actor que hace de Shurkin y uno de los pocos con ciertas tablas del reparto, tiene un papel en el reciente remake de La matanza de Texas.

Al igual que en otras de sus películas, Carin Hooper, esposa de Tobe Hooper, se encargó del diseño de vestuario.

Frases promocionales:

“¿Has sentido alguna vez que Algo te está vigilando?” “Algo te observa… Algo tiene hambre.” “¡Realmente muerde!” Juego de palabras en referencia a la película Reality Bites (Bocados de realidad). “El terror no te desgarrará, pero él sí”.

OCTOPUS

(DEAD EYE SIX)

EE.UU. 2000. 100 min. Martien Holdings/Nu Image. Color.

Producción: Boaz Davidson, David Varod y Danny Lerner. Dirección: John Eyres. Guión: Michael D.Weiss. Fotografía: Adolfo Bartoli. Música: Marco Marinangeli. FX: Willie Botha y Ian Anderson.

Intérpretes: Jay Harrington (Roy Turner), Ravil Issyanov (Casper), Carolyn Lowery (Lisa Fincher), David Beecroft (Capitán Shaw), Ricco Ross (Brickman).

Sinopsis: Durante los infaustos días de la “Crisis de los misiles”, un submarino soviético, el Leningrado, avanza hacia la costa de Cuba con el fin de entregar un misterioso cargamento al gobierno de Fidel Castro. Pero sus planes son fulminantemente abortados por otro submarino, éste estadounidense, que torpedea y hunde a la nave soviética provocando que los bidones de sustancia secreta se esparzan por el lecho oceánico… Treinta y ocho años después. Sofía, Bulgaria. El joven analista político Roy Turner y el agente de campo Henry Campbell, ambos miembros de la CIA, son testigos de la violenta explosión de la embajada de EE.UU a causa de un atentado terrorista. El responsable, Casper, un activista ruso responsable de la voladura de más de siete embajadas, es interceptado por los dos agentes cuando inicia su huida. Desgraciadamente, la captura tiene como consecuencia la muerte del veterano Henry. Una vez a buen recaudo, el gobierno estadounidense decide trasladar a Casper a bordo del submarino nuclear USS Roosevelt, con el fin de poder juzgarlo en tierras norteamericanas. Custodiado por Roy, Casper es en encerrado en un compartimento de la nave. El submarino está capitaneado por Jack Shaw, un militar de polémico pasado, y cuenta en su plantilla con la joven científica Lisa Fincher, que debe su presencia allí a su interés por investigar “El ojo del Diablo”, un área oceánica donde varios barcos han desaparecido. Los planes de los compañeros de Casper de secuestrar un crucero para rescatar a su líder y la aparición de un terrorífico octópodo gigante provocarán que el aparentemente tranquilo trayecto se convierta en una catástrofe.

Comentario: Tras la discreta repercusión de sus dos primeros filmes dentro del subgénero, Shark Attack y Cocodrilo, los responsables de Nu Image afrontaron con Octopus un tercer intento de conseguir un producto con cierto atractivo. Para ello, al igual que en la primera de sus películas, volvieron a contar con el thriller como complemento ideal al relato de bestias acuáticas, un thriller que aquí toma forma política y recuerda claramente a cualquiera de las tecno-paranoias del superventas Tom Clancy. Pero ni con esas.

Aún no siendo lector habitual de los delirios novelescos de Clancy, cualquiera puede suponer que los argumentos de sus obras poseen un mínimo de coherencia narrativa, es decir, que los personajes tienen determinadas motivaciones y sus actos una cierta lógica.

Pues bien, parece que este pequeño detalle les pasó completamente desapercibido a los guionistas de esta película en el momento de dotar al libreto de ese peculiar toque clancyniano. Y es que en Octopus el absurdo campa totalmente a sus anchas. Para empezar tenemos a un protagonista, el agente Roy Turner, que padece una inexplicable fobia a hacer uso de las armas de fuego aún cuando su vida corre peligro. Nos parece muy bien que los responsables del filme nos quieran vender la idea de que la CIA es hoy en día máximo garante de los derechos humanos, pero llevarlo hasta el extremo que vemos reflejado en la película es tan estúpido como inverosímil. Ni el mismísimo Gandhi. Y si la bondad de nuestro héroe es poco menos que increíble, la maldad del antagonista, el terrorista ruso Casper, no le va en absoluto a la zaga. Y es que a falta de otra explicación, debemos suponer que la razón por la que Casper y sus amigos se dedican a dinamitar embajadas estadounidenses es por que les sale de los “mismísimos”. En ningún momento del metraje existe la más mínima alusión al objetivo (político, económico, o lo que sea) que los terroristas persiguen con sus sanguinarios actos, algo que hasta en las más fantasiosas historias de Clancy siempre aparece. Da la impresión de que el simple hecho de ser de nacionalidad rusa sea motivo más que suficiente para explicar su sed de sangre yanqui. En definitiva, todo un espaldarazo a las alocadas tesis de Zhirinovski y otros ultras rusos respecto a la “rusofobia” internacional. Pero la idiotez no se ciñe únicamente a los dos personajes principales, ya que la propia construcción de la trama es un vasto monumento a la misma. Hechos como que Casper sea trasladado desde Bulgaria a los Estados Unidos en submarino (¿no existe otro medio que cumpla mejor la ecuación seguridad-rapidez?), que sus camaradas terroristas pretendan rescatarle secuestrando un trasatlántico que navega cientos de metros por encima del sumergible (¿cómo demonios pensaban abordarlo de no aparecer el pulpo gigante?), o que la carga secreta que el submarino ruso llevaba hacia Cuba en el prólogo del filme, responsable años después de la mutación del pulpo, no fuera otra cosa que una versión sintética de anthrax (¿pensaba Castro inundar el correo del Capitolio con cartas portadoras de estos famosos polvos tóxicos?), hacen dudar seriamente de la estabilidad mental del señor Michael D. Weiss, guionista de la película. En fin, que como relato Octopus es un caos casi absoluto, salvándose exclusivamente los contadísimos momentos de ataque del octópodo gigante y algún que otro momento más (la dislocación de pulgares de Casper para liberarse de las esposas tiene su gracia). Y por salvar algo.

Pasando por encima del apartado interpretativo, tan insustancial como en los precedentes títulos de Nu Image, cabe adentrarse en aspectos más técnicos de Octopus, donde afortunadamente la producción mejora algo. La dirección de John Eyres presenta ciertas intenciones visuales, llevando a cabo un activo, y a veces algo deslabazado, trabajo de cámara y empleando el montaje de forma original en algunas secuencias. La fotografía es otro de los valores principales de Octopus, destacando especialmente en los momentos más claustrofóbicos dentro del submarino, donde se consigue recrear eficazmente la conveniente atmósfera opresiva. No tan acertada es la banda sonora, que aunque aceptable, resulta demasiado aséptica y funcional. Y por esa misma dirección van los efectos, compuestos mayoritariamente por ordenador y que no acaban de resultar del todo convincentes. A medida que avanza el filme, y consecuentemente el pulpo va cobrando mayor presencia física, estos efectos visuales van descubriendo sus lagunas y errores. Pasables por tratarse de una película de presupuesto reducido.

Quizás más recomendable como disparatado thriller político que como largometraje de terrores submarinos, la verdad es que Octopus no pasará a la historia como una película relevante dentro del subgénero. Aún prescindiendo de sus variadas incoherencias y sinsentidos, no tiene verdaderamente demasiado que ofrecer.

Secuencias y diálogos de interés:

Atentado terrorista. A mitad de camino entre el Lionel Barrymore transformado en Madame Mandelip de Muñecos infernales y las graciosas “feminizaciones” de los Monty Python, Casper se presenta en la embajada torpemente disfrazado de anciana. Allí, ante la sorprendente ausencia de sospechas por parte del personal de seguridad, le regala una enigmática caja de dulces a una niña. Minutos después, con Casper ya fuera del recinto, la embajada salta por los aires. Aún con varias galaxias de diferencia en cuanto a calidad, la secuencia recuerda a la del maletín-bomba de Los Intocables.

“¡Es la hora del sushi!”, grita vacilona Lisa mientras dispara a uno de los tentáculos del pulpo.

Caos final. Tras sobrevivir inexplicablemente a la explosión del submarino nuclear, el pulpo comienza a hacer estragos entre la tripulación del trasatlántico. Nuestros héroes aprovechan la confusión para escapar de las garras de los ya diezmados terroristas y planear la forma de acabar con la bestia. Roy decide subir a un sumergible con la potente carga de dinamita con la que los rusos querían destruir el barco y lanzarlo contra el pulpo. Así lo hace. Lo sorprendente no es que muera el monstruoso octópodo, que venía de salir airoso de una explosión mucho más letal, sino que Roy, que abandona el vehículo escasos segundos antes de que éste impacte contra el animal, salga a la superficie sin el más mínimo rasguño.

Curiosidades:

Octopus está dirigida por John Eyres, un casi desconocido realizador curtido en series B de acción y fantasía. Entre sus títulos más relevantes encontramos Comisionado para matar, Proyecto Shadowchaser y Ripper. Otro rubro técnico que conviene destacar es el de Ian Anderson, especialista en efectos digitales que ha trabajado en filmes como Pitch Black, Tomb Raider y K-19.

Pocas caras conocidas entre los actores, sólo cabe mencionar a Ravil Issyanov (Arachnid, K-19) y Rico Ross (Wishmaster, Aliens). También aparece el recientemente fallecido Jeff Nuttall (Henry Campbell en la película), poco relevante en su carrera como actor, pero sí como artista en su Gran Bretaña natal. Entre otras cosas, Nuttall fue en su época el responsable de la introducción del “happening” en las islas vecinas.

Con esta película, la productora Nu Image inició su actual tendencia a rodar en Bulgaria, suponemos que para disminuir costes de producción. En Octopus podemos observar la numerosa presencia de ciudadanos búlgaros en las plantillas de intérpretes y especialistas.

Frases promocionales:

“Un monstruo… ¡con hambre de residuos nucleares!” “Un crucero al infierno…” “Nunca el terror fue tan profundo.”

EL MISTERIO DEL LAGO

(BENEATH LOCH NESS/THE EVIL BENEATH LOCH NESS/LOCH NESS)

EE.UU. 2001. 96 min. Brimstone Entertainment/Dimension Films/Loch Ness Productions. Color.

Producción: Phil Botana, Scott Vandiver y Fred T. Kuehnert. Dirección: Chuck Comisky. Guión: Shane Bitterling, Chuck Cornisky y Justin Stanley. Fotografía: Philipp Timme. Música: Richard John Baker. FX: VanHook Studios, Ultimate Effects, Creative Logik.

Intérpretes: Brian Wimmer (Case), Lyssette Anthony (Elizabeth), Patrick Bergin (Blay), Lysa Apostle (Julie), David Andriole (Jake).

Sinopsis: Lago Ness, Escocia. Gus Evan, un veterano paleontólogo, y Julie, su joven ayudante, bucean en las profundidades del famoso lago escocés en busca de pruebas que demuestren la antigua existencia de reptiles prehistóricos en sus aguas. Pero la investigación torna a tragedia cuando un corrimiento de tierras provoca la apertura de una fisura submarina que engulle al profesor Egan. Poco después de que Julie alcance la superficie, algo enorme penetra en el lago a través de la falla abierta… Tras recibir la trágica noticia de la desaparición de Gus, Case Howell, uno de sus discípulos aventajados, viaja a Escocia con el fin de proseguir su trabajo de exploración, cuyas conclusiones serán emitidas a través del prestigioso Canal Expedición. Una vez allí, Case forma equipo con Julie, Jake y Roy, compañeros del fallecido profesor. Pronto, los investigadores comienzan a deducir que hay algún tipo de animal gigantesco surcando las profundidades del lago, tesis que no son del todo compartidas por Elizabeth, ex-mujer de Case y productora del canal documental, que acude al lago en labores de supervisión. Una serie de sorprendentes muertes y desapariciones entre los hoscos lugareños de la zona y la aparición del intrigante Donald Blay, un hombre que asegura haber visto al monstruo años atrás, harán que la idea de la existencia de una bestia acuática cobre fuerza. Frenar sus feroces acometidas será harina de otro costal.

Comentario: Qué mejor forma de comenzar el nuevo siglo que honrando de nuevo al mítico Nessie, un monstruo de la mitología moderna tan popular como injustamente relegado a un segundo plano dentro del subgénero de criaturas acuáticas. Lástima que con El misterio del lago, una producción de claro corte televisivo y videográfico, el buen nombre del plesiosaurio escocés no salga tan bien parado como se merecería. Al menos las intenciones eran buenas.

Sencillez, quizás demasiada, y falta de pretensiones son posiblemente las dos mejores virtudes de El misterio del lago, una modesta producción sacada adelante gracias al empeño, que no al talento, de sus creadores. La historia huye de complejidades y sigue el mismo patrón que el resto de producciones precedentes relativos al monstruo del Lago Ness o similares. Tenemos al típico grupo de investigadores de lo paranormal que, al tiempo que son vilipendiados por los rudimentarios locales, comienzan a recabar indicios de que bajo las aguas de turno se esconde una criatura colosal. La trama discurre básicamente por estos parámetros de almacenamiento de pruebas y testimonios, complementada con algunas subtramas de índole humano-relacional, hasta que se produce un inesperado giro final, aquí original aunque algo fallido (el auténtico Nessie, algo esmirriado, es víctima de un gigantesco kronosaurio que visita ocasionalmente el lago edimburgués). Lo malo no es el relato en sí, demasiado cándido y sencillo como para despertar críticas furibundas, si no las limitaciones narrativas a las que se ve sometido por falta de presupuesto. Claro ejemplo de esto es que varias escenas de ataque del monstruo y muerte de personajes tienen lugar sin la obligada presencia de la cámara, algo que incide muy negativamente en la calidad del filme. En ocasiones, parece que estemos viendo una especie de versión light o recortada de la película en vez de la auténtica. Una pena. Sobre todo porque es patente que los actores ponen bastante empeño en sus papeles (algunos demasiado, como los sobrecargados Lyssette Anthony y Patrick Bergin), realizando un trabajo bastante correcto por lo general.

Por similares sendas zigzagueantes transcurre el filme en el resto de apartados. El trabajo de dirección, algo deslabonado y confuso, es clara muestra de la poca experiencia detrás de una cámara hasta entonces de Chuck Comisky. Pero lo más grave no son sus lógicos errores de principiante, sino el excesivo conservadurismo visual con que dota a sus imágenes. La fotografía es por lo general bastante acertada, aunque se echa en falta una mayor explotación de los valores paisajísticos (aún no estando rodada la película en el auténtico Lago Ness). Musicalmente, poco hay de valor en El misterio del lago, las partituras son bastante insustanciales y sólo cabe mencionar algunas agradables y contadas melodías de corte céltico. La peor parte se la llevan los efectos visuales, que pueblan el filme excesivamente y resultan poco convincentes. El kronosaurio computerizado no goza de una presencia demasiado poderosa y se nota excesivamente su confección digital. Además, hay unos cuantos planos de la bestia que se repiten hasta la saciedad y sus proporciones son algo desiguales en sus diferentes apariciones a lo largo del metraje. Paradójicamente, el efecto más convincente es el de los restos del plesiosaurio atacado por el monstruo que descansan en una mesa camilla, confeccionados con látex de toda la vida.

Aunque El misterio del lago no supone precisamente una entrada por la puerta grande del subgénero en el nuevo milenio, se trata de una película ligera, apta para todas las edades y que por lo menos no resulta demasiado chirriante. Puede agradar a los menos exigentes.

Secuencias y diálogos de interés:

“¿Qué pasa, amigos? ¿La oveja tenía jaqueca?”, pregunta irónicamente Jake a unos pescadores locales que se acercan al barco de los investigadores para provocarles.

Recuerdos traumáticos. En un flashback vemos a Blay de pesca nocturna con su hijo en el lago. Quizás molesto por el indiscriminado empleo de explosivos por parte del padre, el monstruo emerge de golpe, volcando la balsa y abalanzándose directamente sobre nosotros. Un buen susto.

Vendetta final. Graciosamente pintado al más puro estilo “braveheart”, Blay se sumerge junto a Case con el único objetivo de vengar la muerte de su hijo matando al monstruo. Tras una serie de ataques y explosiones, Blay y Case quedan encerrados junto a la bestia en el interior del cañón submarino. Allí descubren una numerosa colonia de huevos propiedad del kronosaurio, que Blay no duda en comenzar a destruir. Ante tamaña agresión, el enorme reptil no duda en embestir al “ovocida”, dándole tiempo, eso sí, a que active un explosivo que acaba con la vida de ambos al tiempo que Case escapa a través del cañón.

Curiosidades:

El misterio del lago está dirigida por Chuck Comisky, que hace aquí su debut como realizador y que goza de una importante carrera como especialista en efectos visuales. Entre los títulos más importantes en los que ha trabajado se encuentran Tiburón 3: El gran tiburón, El cuervo y Blade. También participó en la española El caballero del dragón.

Entre los rostros más familiares que aparecen en el filme, podemos distinguir los de un envejecido Patrick Bergin (Durmiendo con su enemigo. Robin Hood), Lyssette Anthony (Krull, La sombra del faraón) y Vernon Wells (Mad Max 2, Comando), que interpreta en la película al sargento de policía local.

El misterio del lago no fue filmada el auténtico Lago Ness, sino en un lago de California.

Dick Stilwell, actor que interpreta al Profesor Gus Egan, falleció escasamente un año después de terminado el rodaje. Un accidente de coche acabó con su vida.

El nombre completo de la poco escrupulosa productora de televisión que interpreta Lyssette Anthony es Elizabeth Borden, el mismo que la famosa y sangrienta asesina en serie. Ocurrente.

Frases promocionales:

“Algunas leyendas es mejor no removerlas…” “Una pesadilla submarina… La criatura más terrorífica…” “¡Veinte metros de terror prehistórico!”

OPEN WATER

EE.UU. 2004. 79 min. Plunge Pictures LLC. Color.

Producción: Laura Lau y Estelle Lau. Dirección: Chris Kentis. Guión: Chris Kentis. Fotografía: Chris Kentis y Laura Lau. Música: Graeme Revell. FX: Haven Cousins.

Intérpretes: Blanchard Ryan (Susan), Daniel Travis (Daniel), Saul Stein (Seth), Estelle Lau (Estelle) y Michael E. Williamson (Davis).

Sinopsis: Daniel y Susan son una joven pareja víctima del estrés laboral que decide pasar unos días de vacaciones en una isla exótica. La primera mañana después de su llegada, ambos se embarcan en una excursión a uno de los arrecifes locales, un lugar ideal para disfrutar del submarinismo. La inmersión transcurre con normalidad, con el grupo de turistas disfrutando de la suprema belleza de la fauna y la flora marina y los encargados de la expedición supervisando sus evoluciones desde el barco. Pero las cosas se empiezan a torcer cuando un error en el recuento de los buceadores provoca que la embarcación emprenda el viaje de regreso sin la pareja protagonista. Al alcanzar de nuevo la superficie, Daniel y Susan observan atónitos que han sido abandonados en mitad del océano. Poco a poco, lo que no parece ser más que un molesto percance de pronta solución empieza a adquirir tintes dramáticos. Las horas transcurren lentamente sin que nadie acuda al rescate de los desamparados turistas, cuyos cuerpos presentan ya algunos síntomas de fatiga y deshidratación. Pero lo peor está todavía por llegar. Al caer la tarde, unos cuantos tiburones comienzan a merodear curiosos por la zona…

Comentario: El estilo cinema verité, tan en boga en el cine fantástico en sus últimos años gracias a títulos como El proyecto de la bruja de Blair o The Saint Francisville experiment, entra de lleno en el subgénero que nos ocupa de la mano de este más que aceptable filme. Tomando como referencia un trágico suceso real acaecido hace algunos años en Australia, rodada en video digital, y sustentada en un presupuesto ínfimo, Open Water demuestra sobradamente que para hacer una buena película de tiburones es mucho más importante tener talento y una buena historia que contar que gozar de innumerables y costosos medios.

Argumentalmente, el filme no es mucho más que una simple recreación de cómo pudieron ser las últimas horas de los protagonistas de la infausto incidente real, pero la eficiente e hiperrealista forma en la que está narrado hace que resulte sumamente atractivo. A pesar de que el comienzo del relato es excesivamente pausado (algo similar ocurría con El proyecto de la bruja de Blair), pronto entramos en materia y somos testigos directos de una angustiosa y truculenta experiencia en la que queda demostrado que, fuera de nuestro entorno, los seres humanos somos una especie tremendamente vulnerable. La tensión se va acumulando minuto a minuto, inflexiblemente, a medida que Daniel y Susan van siendo asediados por especies cada vez más peligrosas y comienzan a derrumbarse física y psicológicamente. Una vorágine que alcanza su apogeo cuando, después de haberse echado los trastos a la cabeza el uno al otro, cae la noche y los náufragos comienzan a ser circundados por los depredadores del mar. El relato es rematado con un final trágico, casi poético, que, aunque a algunos les pueda parecer algo chocante, es dueño de una extraña y dramática belleza. Un guión realmente efectivo y creíble que, además, cuenta con la ventaja de estar protagonizado por un dueto de actores desconocidos que realizan un trabajo de lo más convincente. Tanto Blanchard Ryan como Daniel Travis consiguen dotar de sobrada credibilidad a los personajes principales, una pareja acomodada y un tanto “j.a.s.p.” que de buenas a primeras son testigos de como sus placenteras y burguesas vidas se ven abocadas a un infierno de difícil escapatoria. Un combate entre la modernidad y la naturaleza salvaje (con victoria de la segunda por goleada) en el que ambos actores dan un recital interpretación realista.

Aún contando con ínfimos medios a su alcance, Open Water también supera con nota el test en los apartados más técnicos. La dirección de Chris Kentis cumple perfectamente con todos los requisitos exigidos al cine de corte documental, o lo que es lo mismo: cámaras digitales inquietas, montaje vertiginoso y atmósfera creíble. Además, se ve especialmente reforzada por un trabajo fotográfico del propio Kentis que sólo puede ser calificado como sensacional. Tanto las tomas submarinas como las “supramarinas” son de una belleza sublime, especialmente aquellas en las que el director/fotógrafo juega con las diferentes texturas de la superficie oceánica a lo largo de las diversas horas del día. Una verdadera delicia. Un escalafón por debajo podemos situar la banda sonora, bastante original y eficaz (los coros nativos le dan un aura especial de misterio al filme), pero que permanece siempre en segundo plano y no acaba de tomar protagonismo en ningún momento del metraje. Pero bueno, teniendo en cuenta que esto no perjudica excesivamente a la narración y que probablemente es algo buscado por el propio Kentis en aras de dotar de mayor realismo a la película, no cabe calificar esta ausencia de vigor musical como algo especialmente grave. Por último, destacar también los efectos especiales, o mejor dicho, la total inexistencia de los mismos. Y es que los responsables de la obra tuvieron la suficiente valentía (o inconsciencia) para rodar con tiburones auténticos. Sí, como lo oyen, pequeños escualos que aparecen en muchos momentos del metraje junto a los protagonistas y que, afortunadamente, no llegaron a probar bocado de éstos. Ciertamente meritorio.

En líneas generales, Open water puede resumirse como interesante y necesario soplo de aire fresco dentro del subgénero. Casi un híbrido entre filme de criaturas marinas y drama de pareja que funciona excepcionalmente y garantiza un buen rato de inquietud y desesperación. De lo mejor de la última hornada.

Secuencias y diálogos de interés:

“¡Nosotros pagamos por esto!”, clama Daniel, indignado ante la situación.

“¡Yo quería ir a esquiar!”, recuerda Susan a su compañero.

Uno de los momentos más tensos del filme tiene lugar cuando Susan decide echarse un sueñecito en brazos de Daniel y, al despertar, observa que éste ha desaparecido. Aterrorizada, temiendo que su compañero ha sido devorado por algún depredador acuático, grita su nombre mientras sus ojos le buscan en todas las direcciones. Finalmente, tras unos instantes de angustioso pánico, descubre a Daniel dormitando a un par de decenas de metros de ella.

El desenlace. Amanece sobre el océano. Daniel ha sido herido de muerte durante la noche y sus restos comienzan a ser devorados por los escualos. Entonces, Susan, escéptica ante cualquier atisbo de salvación, se desprende de su equipo de buceo y se sumerge en las profundidades marinas, poniendo así fin a su agonía.

Curiosidades:

Como ya hemos comentado, Open water está inspirada en un suceso real ocurrido en 1998 en el que Tom y Hielen Lonergan, un matrimonio que buceaba en las costas de Australia, fueron abandonados accidentalmente en alta mar. Nunca más se volvió a saber de ellos.

El director Chris Kentis, de origen neoyorquino, era un cineasta desconocido hasta esta película. En su currículo, aparte de algunos trabajos de edición publicitaria, sólo figura una película, Grind. Tampoco se puede decir mucho más de Blanchard Ryan y Daniel Travis, los actores principales. Mientras ella ha trabajado en películas independientes semidesconocidas como Remembering sex y My Sister´s wedding, en la serie Sexo en Nueva York y en algún que otro título con claro aroma de bodrio como Los supermaderos, Travis, que debuta aquí en la gran pantalla, ha intervenido en obras teatrales como Descalzos en el parque, Ricardo III y ha gozado también de alguna aparición en Sexo en Nueva York.

El filme fue rodado en fines de semana y días festivos, los únicos momentos en los que los miembros del equipo tenían tiempo libre. El presupuesto total de la película fue de ciento treinta mil dólares. Tras su exitoso paso por Sundance, la Lion´s Gate la compró por dos millones y medio de dólares. Un buen negocio.

El rodaje tuvo lugar en una zona de las Islas Bahamas que es altamente frecuentada por tiburones, los cuales están bastante acostumbrados a la presencia humana. Pero como todas las precauciones son pocas, el equipo de producción contrató a un conocido especialista en tiburones, Stuart Cove, para supervisar las escenas más arriesgadas, como aquellas en las que los actores tenían que nadar junto a buen número de escualos que en esos momentos estaban siendo alimentados desde el barco.

”Llegamos dando tumbos a un lugar exótico, lo pavimentamos todo y nos servimos copas los unos a los otros. Vamos a esos lugares con arrogancia, olvidando que nosotros también somos animales en la cadena alimenticia." Declaración de principios de Kentis que define a la perfección el espíritu de la película.

Tanto Blanchard Ryan como Daniel Travis usaron una cota de malla bajo sus trajes de neopreno con el fin de protegerse de una posible dentellada. Aunque no fueron mordidos por ningún tiburón, Blanchard Ryan sí tuvo la mala suerte de recibir un bocado de una bonita barracuda que aparece en los primeros compases del filme. Cabe recordar que ambos actores, al igual que el director, son diplomados en buceo en alta mar.

Para la escena de las medusas, el equipo tenía pensado desplazarse a una zona concreta donde estas abundan. Sin embargo, sorprendentemente, varias de estas medusas se desplazaron durante el rodaje hasta las inmediaciones del barco, lo que fue rápidamente aprovechado por el avispado director.

Durante el grueso del rodaje, el equipo técnico del filme estuvo únicamente compuesto por Chris Kentis y las productoras Laura y Estelle Lau.

Para la mayoría de las escenas en el agua, los actores protagonistas fueron atados a la embarcación para evitar que pudieran ser arrastrados por la corriente.

Coincidencia o no, los apellidos de los personajes protagonistas son los mismos que los de dos famosas víctimas de Tiburón. Mientras Susan se apellida Watkins, igual que Chrissie, la primera víctima en la película de Spielberg, Daniel comparte apellido, Kintner, con el niño devorado por el gigantesco escualo mientras juega en su colchoneta.

Frases promocionales:

“Tú pesadilla se esconde bajo el agua.”

MEGALODON

EE.UU. 2004. 90 min. 100% Entertainment Inc./Corbitt Digital Films LLC. Color.

Producción: Pat Corbitt y Stanley Isaacs. Dirección: Pat Corbitt. Guión: Gary J. Tunnicliffe y Stanley Isaacs Fotografía: Timothy Housel. Música: Tony Fennell, Billy James y Brian Randazzo. FX: Corbitt Design Inc. y Two Hours In The Dark.

Intérpretes: Leighanne Littrell (Christen Giddings), Robin Sachs (Peter Brazier), Al Sapienza (Ross Elliot), Mark A. Sheppard (Mitchell Parks) y Jennifer Sommerfield (Amanda ‘Maz’ Zablenko).

Sinopsis: Colossus, una gigantesca plataforma de perforación situada en el Atlántico Norte, acaba de ser inaugurada por la compañía Nexecon Petroleum. La polémica ha acompañado la apertura de las instalaciones, ya que algunos ecologistas advierten de que sus actividades podrían causar una auténtica catástrofe medioambiental. Para comprobar que hay que cierto en todo esto, Christen Giddins, una joven reportera de televisión, acude al lugar para grabar un reportaje. Allí, cordialmente acompañada por Peter Brazier, presidente de la compañía, la periodista comienza a tomas imágenes del complejo y de las actividades de sus miembros, entre los que destacan los aguerridos pilotos de sumergibles Ross y Maz. Pero pronto llegan las sorpresas… La rotura accidental de una falla provoca que un laberinto de cuevas submarinas quede al descubierto. Ross y Maz inspeccionan el lugar en sus mini-submarinos, descubriendo una fantástica fauna de de llamativas especies. Lo que no saben es que ese “nuevo mar” lo habita también un monstruoso megalodon carcharias, el gigantesco antecesor del gran tiburón blanco. El temible escualo no tardará en sembrar el pánico.

Comentario: Tras La caza del tiburón y Terror en el abismo (ver apartado “Menciones”), llega Megalodon, la tercera de las meg-movies en ser estrenada y, a juicio de quien esto escribe, la mejor de la tripleta (objetivo no excesivamente difícil de lograr). Rodada ya hace tres años, la película ha padecido un complejo y largo proceso de post-producción a causa de sus cuantiosos efectos digitales y no ha podido ser comercializada hasta hace unos meses. La pregunta es si tanto trabajo ha merecido la pena.

Estamos ante un filme que bien podría ser calificado como un híbrido en versión sucinta del éxito literario MEG y de la espectacular Abyss, ya que posee elementos y situaciones claramente inspirados en ambos trabajos. Decimos lo de sucinta porque la historia en sí es de una simpleza narrativa bastante acusada (aparece el tiburón, mata, lo matan, y punto y final.), defecto que, por otra parte, en algunas series B de este corte casi es de agradecer. La carencia de giros argumentales en la trama principal es total, cosa que puede resultar más o menos comprensible en un producto de estas caracteríscas. Pero lo que ya es más reprochable es que no exista ninguna subtrama que ataña a los protagonistas de la historia. Los personajes adolecen del más mínimo “background” y resultan, salvo quizás la excepción del veterano Ross Elliot, alarmantemente planos. Aún a pesar de esta extrema linealidad argumental, el filme resulta medianamente entretenido, ya sea por algunos buenos momentos de tensión o por sus interesantes peculiaridades visuales. En cuanto al trabajo interpretativo, cabe decir que por lo general es bastante regular, salvándose únicamente las convincentes labores dramáticas de Robin Sachs y Al Sapienza.

Dentro de los aspectos de tipo técnico, podemos decir que el filme se desenvuelve con algo más de suficiencia. Aún siendo la dirección Pat Corbitt excesivamente mesurada (a veces el tufillo a tvmovie está más que presente) y la fotografía de Timothy Housel no muy elaborada, la película goza de un atractivo visual producto de sus numeroso y variados efectos computerizados. Aquí casi todo es C.G.I., desde la colosal plataforma petrolífera hasta el gigantesco tiburón, pasando por las naves sumergibles y las profundidades marinas. Parece obvio que gran parte de la partida presupuestaria fue a parar al diseño de estos efectos visuales, y la verdad que el resultado final es bastante satisfactorio. Quizás, paradojicamente, la computerización menos brillante sea la del escualo, que alterna apariciones notablemente convincentes con otras ciertamente mejorables. Aún así, estamos ante uno de los tiburones más realistas de los últimos años (a excepción del sobrecogedor megalodon carcharias que aparece en el magnífico documental “Monstruos del océano” de National Geographic). También aceptablemente efectiva es la partitura musical del filme, algo grandilocuente y muy del estilo de las películas de James Cameron, pero que cumple bien su cometido de intentar transmitir emoción al espectador.

Globalmente, Megalodon es una película pasable, algo decepcionante porque prometía mucho más de lo que ofrece, y que al menos no resulta tediosa. Esperemos que en futuros proyectos, relacionados o no con el mundo marino, Corbitt y compañía trabajen un poquito más el lado argumental. El público lo agradecería.

Secuencias y diálogos de interés:

La belleza del abismo. Tras la ruptura de la falla, Maz y Ross descienden en sus sumergibles para inspeccionar las cavernas que han quedado al descubierto. Lo que allí encuentran es una esplendorosa fauna marina entre la que destacan unas enormes y llamativas medusas fluorescentes. Muy logrado.

Pánico en los hielos. Christen y algunos miembros de la plataforma consigue alcanzar unas placas de hielo tras ser destrozado por el tiburón el ascensor de bajada a las profundidades. El insistente escualo no tarda en acosarles atravesando y rompiendo violentamente las capas heladas. McGinnis, uno de los trabajadores del Colossus, que ya venía renqueante del ajetreado viaje en el ascensor, es devorado ante las miradas aterrorizadas de sus compañeros.

Desenlace. Contrariado por la muerte de su compañera Maz, Ross decide embarcarse en su sumergible y acabar con el monumental escualo. Tras una animada persecución, el veterano piloto consigue clavarle al pez un arpón explosivo atado con una cuerda al mini-submarino. Llegado el momento de alejarse del tiburón para evitar la onda expansiva del estallido, Ross, incapaz de superar la desaparición de su amada, opta por permanecer junto al animal y poner también fin a su vida.

Epílogo. Tres meses después. Christen viaja en un barco velero por la costa de Francia. En su camarote, recuerda a Jake, su compañero fallecido durante la visita al Colossus. Después sale al exterior. Entonces, un plano cenital nos muestra como un gigantesco tiburón pasa por debajo de la embarcación.

Curiosidades:

Megalodon supone el debut en tareas de dirección y producción del especialista infográfico Patt Corbitt (posteriormente ha producido también Raptor Island). Entre sus trabajos de efectos visuales se encuentran Britannic, Ravager y Within the Rock. Otro nombre a destacar es el de Gary J. Tunniclife, afamado maquillador de efectos especiales y todo un todoterreno dentro la serie B, que realiza aquí labores de guionista junto a Stanley Isaacs (Gross Anatomy, Raptor Island) y también un pequeño papel de actor. De Tunniclife, de origen inglés y propietario de la compañía Two Hours In The Dark, podemos decir que ha sido maquillador en filmes como Candyman, Wishmaster, Drácula 2000 y El exorcista: El comienzo; especialista de FX en Los chicos del maíz II: El sacrificio final, Sleepy Hollow y Hellraiser:Inferno; actor en Drácula 2000 y Halloween: Resurrección; y guionista-director de Within the rock, Hansel y Gretel y del cortometraje de inspiración “hellraiseriana” No more souls. Un chico hiperactivo.

En cuanto a la nómina de actores, cabe nombrar por encima del resto a Robin Sachs, curtido actor británico de marcados modos teatrales que ha participado en películas como Héroes fuera de órbita, El mundo perdido: Jurassic Park, Ocean´s eleven y Ravager, así como en series tan populares como Babylon 5 y Buffy, la cazavampiros. No tanto se puede decir de Leighanne Littrell, protagonista de la cinta que nos ocupa, cuyo bagaje hasta ahora es escaso y compuesto de títulos tan poco conocidos como Jóvenes aventureros y Oliver Juice. Eso sí, está casada con Brian Littrell, antiguo componente de los Backstreet Boys, a quien conoció en el rodaje de uno de los videoclips del afortunadamente desaparecido grupo musical.

Según declaraciones del guionista Gary J. Tunniclife, la historia original era mucho más sangrienta que la versión definitiva rodada. Al parecer, los productores quisieron orientar el filme más hacia el género de aventuras que hacia el terror.

Frases promocionales:

“Veinte metros de Terror Prehistórico.” “Teme al agua.”

LA FIERA DEL MAR

(MOBY DICK)

EE.UU. 1930. 75 min. Warner Brothers. B/N. Dirección: Lloyd Bacon. Guión: Oliver

H.P. Garrett y J. Grubb Alexander. Intérpretes: John Barrymore, Lloyd Hughes y Joan Bennett.

Remake sonoro de la película homónima rodada cuatro años antes por Milliard Webb. Al igual que ésta, se trata de una versión libre de la novela Moby Dick, centrada en la figura del Capitán Ahab y en la que ni siquiera aparece el joven Ishmael. A lo largo de varios años somos testigos de la evolución del singular marino, desde sus inicios como arponero hasta su violenta lucha contra la ballena, pasando por su historia de amor con la bella Faith Mapple. Triángulos amorosos, venganzas y un final feliz que alejan el relato en cuanto a calidad de la novela de Melville. Dirigida por Lloyd Bacon (Eran cinco hermanos, En busca del asesino), la película encuentra en los valores de producción y los efectos especiales sus mejores virtudes. También cuenta con la presencia de dos actores míticos de los principios del cine, John Barrymore (Gran Hotel, Romeo y Julieta) y Joan Bennett (Perversidad, La mujer del cuadro). A destacar su temprano uso, a modo experimental, del widescreen en algunas de sus secuencias.

EL MONSTRUO DEL FONDO DEL MAR

(MONSTER FROM THE OCEAN FLOOR/ IT STALKED THE MONSTER FLOOR/IT STALKED THE OCEAN FLOOR/MONSTER MAKER)

EE.UU. 1954. 64 min. Lippert Pictures/Palo Alto Productions. B/N. Dirección: Wyott Ordung. Guión: William Dach. Intérpretes: Anne Kimball, Stuart Wade y Dick Pinner.

Primera y ultrabarata producción para el subgénero (y para el cine) del prolífico y astuto Roger Corman. La historia de una joven estadounidense de vacaciones en la costa de México que, en compañía de una par de compatriotas biólogos, se las tendrá que ver con un curioso monstruo marino (una suerte de ameba ciclópea filmada en gran angular) y un grupo de peligrosos fanáticos locales. El amateurismo del filme es patente en cada fotograma: diálogos absurdos, efectos especiales rústicos, rocosidad interpretativa… Casi digno del célebre Ed Wood. Entre sus aportaciones técnicas más ocurrentes nos encontramos con un truco de aceleración de imagen con el que se intenta hacer más verosímil el primitivo minisubmarino en el que pasean los protagonistas, y que, empleado en otras secuencias, provoca que algunos personajes naden a velocidades sorprendentemente rápidas. Fue una de las primeras películas en ser exhibidas en los por entonces recién estrenados auto-cines veraniegos, consiguiendo taquillas que rentaron más que sobradamente la ínfima inversión realizada (parte del dinero lo puso la compañía Aerojet General, fabricante del sumergible unipersonal). Como notas más positivas, ser pionera, aún de forma ingenua y superficial, en la advertencia de los peligros de las pruebas atómicas en mar abierto; y contar con un director, el desconocido Wyott Ordung, que fue uno de los responsables del guión del clásico de culto Robot Monster.

LA VENGANZA DE LA CRIATURA

(REVENGE OF THE CREATURE)

EE.UU. 1955. 82m. Universal Pictures. B/N. Dirección: Jack Arnold. Guión: Martin Berkeley. Intérpretes: John Agar, Lori Nelson, John Bromfield.

Segunda y malograda parte de la mítica La mujer y el monstruo en la que el hombre-anfibio es capturado por unos científicos en su refugio amazónico y llevado a un parque acuático de Florida. Recluido como un pez más, Gill-man sólo contará con la comprensión de Helen y el Profesor Ferguson, dos ictiólogos de buen corazón, lo que no impedirá que la consiguiente evasión y rapto de la chica se produzcan. Como es de esperar, la película se encuentra a años luz de su predecesora, llegando a resultar lenta y sólo animándose con la persecución río abajo del incomprendido monstruo. Flojos diálogos y actores, entre los que se encuentra un jovencísimo Clint Eastwood, y de nuevo las técnicas de filmación 3D como reclamo comercial. Lo mejor, la de nuevo sobresaliente fotografía submarina de Charles S. Welbourne y la destreza de Ricou Browning bajo el agua.

LA CRIATURA CAMINA ENTRE NOSOTROS

(THE CREATURE WALKS AMONG US)

EE.UU. 1956. 78m. Universal. B/N. Dirección: John Sherwood. Guión: Arthur A.Ross. Intérpretes: Jeff Morrow, Rex Reason y Leigh Snowden.

Una tercera entrega en la que la acción es en parte sustituida por elementos de corte más dramático. Esta vez Gill-man es apresado por el Doctor Barton y sus colegas científicos en los everglades de Florida, pero un accidente con una lámpara de queroseno provoca que la criatura arda en llamas y pierda buena parte de su piel y sus agallas. Lo científicos descubren entonces que el animal posee también un sistema de respiración pulmonar, lo que evita su muerte. Casi transformado en un hombre, el Doctor Barton y su esposa, la bella Marcia, deciden trasladar al híbrido a sus instalaciones privadas en California, donde le encierran con el fin de investigar sus propiedades. Aún sin ser una maravilla, el filme resulta algo más interesante que la segunda entrega. Se nota la vuelta como guionista de Arthur A. Ross, que consigue unos diálogos más sustanciales, un argumento más maduro y no duda en apostar por el otrora temible monstruo como trágico héroe del metraje. La fotografía es de nuevo uno de los aspectos más positivos de la película, reforzando el dramatismo de la historia con elaborados juegos de luces y sombras. A destacar la emotiva escena final, en la que Gill-man se adentra lánguidamente en el mar aún sabiendo que no podrá respirar y morirá.

LA CRIATURA

(THE SHE-CREATURE)

EE.UU. 1956. 77 min. American International Pictures. B/N. Dirección: Edward L. Cahn. Guión: Lou Rusoff. Intérpretes: Chester Morris, Lance Fuller y Cathy Downs.

En un pequeño pueblo costero de California, un hipnotizador de feria llamado Carlo Lombardi consigue que su ayudante Andrea reviva vidas pasadas a través de sesiones de regresión. En uno de estos experimentos, la mujer rememora su existencia como imponente criatura acuática en tiempos prehistóricos. Cuando un doble crimen tiene lugar en una casa de playa y algunos testigos ven a Lombardi en sus inmediaciones, el hipnotizador se convierte en principal sospechoso del asesinato. Sin embargo, nadie se fija de que junto a la casa alguien ha dejado un rastro de húmedas pisadas con restos de algas… Consciente de que la criatura de la mente de Andrea es capaz de materializarse físicamente, Lombardi intentará utilizarla con maléficos fines. Sólo el Teniente James y el investigador psíquico Ted Erickson podrán detener la hecatombe. A pesar de su esperpéntico argumento (fantasma de humanoide acuático capaz de materializarse y cometer crímenes), La criatura es una película curiosa y medianamente entretenida. Dirigida por Edward L. Cahn (Mujer vudú, La maldición del hombre sin cara), el filme basa gran parte de su atractivo en la poderosa presencia del monstruo, una imponente mujer-crustáceo, así como en algunas secuencias de notable valor estético. Ciertas incoherencias narrativas y la irregularidad en el capítulo de interpretaciones no impiden que La criatura siga siendo todavía una película agradable de ver. Y más agradable habría resultado si en su día el mítico Peter Lorre (El ladrón de cadáveres, El halcón maltés) no hubiese rechazado el papel de Carlo Lombardi (incluso se dice que despidió a su agente por ofrecerle aquel trabajo), personaje que finalmente interpretó Chester Morris (Sorpresa en la noche, El collar maldito).

EL FANTASMA DE LAS 10000 LEGUAS

(PHANTOM FROM 10000 LEAGUES)

EE.UU. 1956. 80 min. Milner Brothers. B/N. Dirección: Dan Milner. Guión: Dorys Lukather y Lou Russoff. Intérpretes: Kent Taylor, Cathy Downs y Rodney Bell.

Tal fue el índice de rentabilidad de El monstruo del fondo del mar, que listillos como los hermanos Milner no quisieron dejar pasar su oportunidad replicando con filmes como El fantasma de las 10000 leguas, que por momentos logra convertir al anterior casi en una obra de arte. Aquí nos encontramos en una pequeña localidad bañada por el Pacífico en la que un monstruo de lo más surrealista (una mezcla entre una mascota deportiva y el león de la MGM) comienza a diezmar a la población local. Un agente del gobierno empieza a investigar los crímenes y acaba destapando un complot en el que participan diversos científicos y espías en torno a un “rayo mortal” que puede acabar con el devenir del mundo. Malas actuaciones, grotescos fallos de continuidad y líneas de diálogo sonrojantes (“¡Una bestia horrible que desafía toda descripción!”, llega a clamar el protagonista) son los componentes básicos de esta película. Para reir y olvidar.

LAS MUJERES VIKINGO Y LA SERPIENTE DE MAR

(THE VIKING WOMEN AND THE SEA SERPENT/THE SAGA OF THE VIKING WOMEN AND THEIR VOYAGE TO THE WATERS OF THE GREAT SEA SERPENT)

EE.UU. 1958. 68 min. American International Pictures. B/N. Dirección: Roger Corman. Guión: Lawrence L. Goldman. Intérpretes: Abby Dalton, Susan Cabot y Betsy Jones-Moreland.

En unos años en los que Roger Corman puso de moda las producciones protagonizadas por valientes heroínas, hizo su aparición Las mujeres vikingo y la serpiente de mar, una entretenida cinta de aventuras con monstruo marino que hace olvidar algunos filmes menos afortunados del propio Corman durante aquellos años. Aquí nos cuenta la odisea de un grupo de mujeres de una aldea vikinga que se hace al mar con el fin de encontrar a los hombres de su tribu, desaparecidos en las aguas nórdicas tiempo atrás. Para conseguir su propósito tendrán que afrontar múltiples peligros, entre ellos derrotar a Vortex, una terrorífica serpiente marina que según las leyendas vikingas surca esos mares. Diversión, pura diversión sin rodeos es lo que nos que nos ofrecen Corman y estas valerosas mujeres de la antigua Escandinavia. Aunque el relato es una simpleza considerable, el ritmo narrativo es trepidante y las escenas de acción se suceden casi sin descanso. Además, a pesar de su reducido presupuesto y de estar rodada en no más de una semana, la película no presenta lagunas técnicas demasiado evidentes. Tanto la fotografía, como el montaje y los efectos especiales son bastante aceptables para una producción de este tipo. Agradable.

LA CRIATURA DEL MAR ENCANTADO

(CREATURE FROM THE HAUNTED SEA)

EE.UU. 1960. 75 m. American International Pictures. B/N. Dirección: Roger Corman. Guión: Charles B. Griffith. Intérpretes: Antony Carbone, Betsy Jones-Moreland, Edward Wain.

Un grupo mafioso liderado por un tal Renzo Carpeto es contratado por unos militares cubanos que huyen de su país con un cargamento de oro para que les escolten en su travesía por aguas del Caribe. Aprovechando la creencia de que un feroz monstruo habita en el Estrecho de Florida, Renzo y sus muchachos comienzan a asesinar uno a uno a los militares con el fin de apoderarse del oro. El plan comienza a torcerse cuando un auténtico monstruo marino hace acto de presencia… Explotando el excedente presupuestario de La última mujer sobre la Tierra, Roger Corman rodó esta suerte de horror-comedy con toques de espionaje que resulta ciertamente infame. Entre sus “privilegios” está el contar con uno de los monstruos más risibles de la historia del cine fantástico, un bichejo fabricado con pelotas de ping-pong y trozos de alfombra cuyo coste rondó los cien dólares. Eso sí, su modus operandi a la hora de asesinar, una suerte de “abrazo del oso”, es de lo más gracioso. Del resto poco hay que decir; horrendas interpretaciones, pésimo golpes de humor y errores técnicos de todo tipo. Lo único destacable, la presencia de Robert Towne (trabajando con el seudónimo de Edward Wain), que años después se convertiría en un excelente guionista con títulos como Chinatown, Marathon man y Misión: Imposible.

VIAJE AL FONDO DEL MAR

(VOYAGE TO THE BOTTOM OF THE SEA)

EE.UU. 1961. 105 min. 20th Century Fox/Windsor Productions. Color. Dirección: Irwin Allen. Guión: Irwin Allen y Charles Bennett. Intérpretes: Walter Pidgeon, Joan Fontaine y Peter Lorre.

Hermana menor de 20000 leguas de viaje submarino, este Viaje al fondo del mar es un entretenido filme que debe buena parte de sus méritos a la hábil dirección del especialista en aventuras Irwin Allen (La aventura del Poseidón, El mundo perdido, El coloso en llamas). La película nos sitúa en el interior del Seaview, un espectacular submarino nuclear de maniobras en el Polo Norte cuya tripulación recibe la noticia de que el planeta está sufriendo un radical calentamiento a causa del incendio del cinturón de Van Allen (bandas radiactivas cercanas a la Tierra). Dirigidos por el Almirante Nelson, nuestros héroes se dirigen al sur del Pacífico desde donde dispararán un misil nuclear que solucione el problema. Por el camino deberán enfrentarse a multitud de problemas, entre ellos el ataque de feroces calamares gigantes. Notable fotografía submarina, excelentes efectos especiales y un plantel de actores con nombres tan conocidos como Walter Pidgeon (Planeta Prohibido, Qué verde era mi valle) Joan Fontaine (Rebeca, Mujeres culpables) y Peter Lorre (El halcón maltés, M, el vampiro de Dusseldorf). Su éxito tuvo como consecuencia la realización de una popular serie de televisión. Un pequeño clásico.

EL MONSTRUO DEL SURF

(THE BEACH GIRLS AND THE MONSTER/MONSTER FROM THE SURF/SURF TERROR)

EE.UU. 1965. 70 min. American International Pictures. B/N. Dirección: Jon Hall. Guión: Joan Janis, Don Marquis y Robert Silliphant. Intérpretes: John Hall, Sue Casey y Walker Edmiston.

Otra inclasificable beach-movie con monstruo del tipo El horror de la playa Bikini, aunque dotada de mucho menos encanto que ésta. Aquí la historia gira en torno al Doctor Otto Lindsay, un biólogo tan gruñón como poco afortunado que tiene que soportar las infidelidades de su esposa y los deseos de independencia de su hijo. Por si esto fuera poco, todavía tiene que aguantar los insufribles guateques al aire libre que los jóvenes de la zona organizan junto a su casa de playa. Pero entonces, como venido del cielo, un monstruoso humanoide comienza a sembrar el terror entre los adolescentes… Un extrañísimo híbrido entre musical, terror y drama de familia disfuncional que no hay por donde cogerlo. Desde la ridícula trama (al final el monstruo es el propio científico disfrazado que desea que su hijo vuelva al redil) hasta la soporífera banda sonora de Frank Sinatra Jr., pasando por los grotescos fallos de continuidad (personajes que respiran tras ser asesinados y coches que cambian arbitrariamente de color) y las interminables imágenes de archivo de surfistas, todo hace aguas en la película. Lo único destacable, que está dirigida y protagonizada por Jon Hall, galán del Hollywood de los 30 y 40 con películas como Huracán sobre la isla y Alí Babá y los cuarenta ladrones y tío de Ben Chapman, la criatura de La mujer y el monstruo en las escenas terrestres.

STING OF DEATH

EE.UU. 1965. 76 min. Essen Productions. Color. Dirección: William Grefé. Guión: Al Dempsey. Intérpretes: Valerie Hawkins, Jack Nagle y Joe Morrison.

Y otro producto sesentero más en el que la presencia de chicas en bañador moviéndose al ritmo del pop más epiléptico es tan importante como la presencia del monstruo acuático en cuestión. La historia se desarrolla en los everglades de Florida, donde la joven Karen y sus amigas tienen previsto pasar unos días de vacaciones. Se alojan en una cabaña junto al Doctor Richardson, padre de Karen, y el Doctor Hoyt, una pareja de científicos que investigan la fauna de las aguas de la zona. Pronto, su tranquila estancia se verá alterada por la presencia de un fantástico hombre-medusa dueño de una picadura mortal. Como se puede suponer, estamos ante una película ciertamente irregular, a medio camino entre lo patéticamente gracioso y lo letárgico. Las atractivas localizaciones, el efectivo trabajo de fotografía y algún que otro virtuosismo de William Grefé (Mako, el tiburón de la muerte) con la cámara es lo único salvable de la producción. La apariencia del singular hombre-medusa es absolutamente desternillante, destacando la enorme bolsa de plástico hinchada que simula ser su cabeza y que, al parecer, impedía totalmente la visión al actor que se ocultaba tras ella. Pero lo peor es la omnipresente canción “Haz la medusa” (“Do the Jellyfish”) de Neil Sadaka, que tortura nuestros oídos durante buena parte del metraje.

ARMA DE DOS FILOS

(SHARK!/MAN-EATER)

EE.UU/México. 1968. 92 min. Cinematográficas Calderón/Heritage Enterprises. Color. Dirección: Samuel Fuller. Guión: John Kingsbridge y Samuel Fuller. Intérpretes: Burt Reynolds, Silvia Pinal y Barry Sullivan.

Basada en la novela His bones are coral de Victor Canning, Arma de dos filos narra la historia de Caine, un traficante de armas estadounidense que se ve obligado a refugiarse en un pueblo de Oriente Medio tras ser descubierto por la policía aduanera. Una vez allí es contratado por el Profesor Mallare y su ayudante Anna, biólogos marinos que quieren que les ayude en unas investigaciones en una zona infestada de tiburones. Caine no tardará en descubrir que lo que ambos realmente persiguen es rescatar un cargamento de oro de un galeón hundido. Precursor de filmes como El cazador de tiburones, este thriller con escualos resulta tan rácano como sus homólogos en lo que a presencia de estos peces se refiere. La mayoría de la trama, no muy atractiva y algo lenta en su desarrollo, tiene lugar en tierra, dejando sólo para el final algunas escenas de archivo con tiburones. Filmada en el Mar Rojo, cuenta entre sus escasas virtudes con la aparición de un joven Burt Reynolds (Defensa, Los locos de Cannonball), Silvia Pinal (Viridiana, El ángel exterminador) y Arthur Kennedy (Lawrence de Arabia, No profanar el sueño de los muertos). Durante el rodaje de la película, un especialista murió por el ataque de uno de los tiburones filmados, desgracia que fue explotada comercialmente por los productores y provocó la ira del director Samuel Fuller (Corredor sin retorno, Perro blanco). Los actores hacen pasable la cinta.

TRAMPA MORTAL

(EATEN ALIVE/DEATH TRAP/HORROR HOTEL/HORROR HOTEL MASSACRE/ LEGEND OF THE BAYOU/MURDER ON THE BAYOU/STARLIGHT SLAUGHTER)

EE.UU. 1976. 89 min. Elite Entertainment. Color. Dirección: Tobe Hooper. Guión: Alvin L. Fast, Kim Henkel y Mardi Rustam. Intérpretes: Neville Brand, Mel Ferrer y Carolyn Jones.

Una joven prostituta desamparada se ve obligada a pernoctar en el Starlight, un destartalado hotel regentado por un desquiciado individuo llamado Judd. Esa misma noche, Judd asesina a la muchacha con una guadaña y se la da de comer a su mascota, un enorme cocodrilo que habita en una charca pantanosa junto al hotel. Con el paso de los días, varios huéspedes comienzan a llenar el hotel, entre ellos los familiares de la joven asesinada. Judd y su “animal doméstico” comienzan la carnicería. Tras el éxito de La matanza de Texas, Tobe Hooper (Lifeforce, Poltergeist) vuelve a hacer hincapié en los horrores de la América profunda. Esta vez el resultado no fue tan bueno, ya que aunque el filme goza de una muy conseguida estética lúgubre y agobiante, no alcanza las cotas de terror de su predecesora y se queda en una irregular y delirante sátira. A destacar el enloquecido clímax final y la presencia de un joven Robert Englund (Pesadilla en Elm Street, Leyenda Urbana). Algunas malas lenguas afirman que la variedad de títulos alternativos se debió a que productores y distribuidores querían evitar un posible “boca a boca” negativo.

EVIL IN THE DEEP

(THE TREASURE OF JAMAICA REEF/TREASURE OF THE JAMAICA DEEP)

EE.UU. 1976. 96 min. Producers Group Inc. Color. Dirección: Virginia L. Stone. Guión: J.A.S. McCrombie. Intérpretes: Stephen Boyd, David Ladd y Cheryl Stoppelmoore.

Tras hacerse con el mapa de un tesoro escondido en un galeón español hundido hace doscientos años, Hugo y Joshua se unen a un grupo de aventureros para sumergirse en aguas de Jamaica en busca de los ansiados metales preciosos. Antes de alcanzar su objetivo tendrán que sortear diferentes obstáculos, principalmente los feroces tiburones de la costa caribeña. Como poco más que una simplona aventura marina puede calificarse esta película. Confusa y tediosa por momentos, sólo cabe valorar positivamente su notable fotografía submarina (durante su promoción se aseguró que algunas escenas se rodaron a más de cincuenta metros de profundidad). Destaca también la presencia de Stephen Boyd (Ben-Hur, Viaje fantástico) y del antiguo “ángel de charlie” Cheryl Ladd, por entonces Cheryl Stoppelmore, que se deja ver en bikini.

THE CRATER LAKE MONSTER

EE.UU. 1977. 85 min. Crown International Pictures. Dirección: William R. Stromberg. Guión: Richard Cardella. Intérpretes: Richard Cardella, Glen Roberts y Kacey Cobb.

A mitad de camino entre lo inconscientemente gracioso y lo ridículo, y siempre dentro de la más completa incompetencia, se halla The crater lake monster, un filme que demuestra que la influencia de Ed Wood pervivió durante varios lustros. El relato se desarrolla Bumbleblum, una comunidad montañesa de California, en cuyo lago cae un meteorito que causa un calentamiento del agua, lo que provoca a su vez la ruptura de un huevo de plesiosaurio que reposaba en las profundidades. El gigantesco inquilino del huevo no tardará en salir a la superficie y empezar a devorar a los lugareños. Con unos valores de producción propios de décadas anteriores, la película encuentra sus puntos más débiles en la torpe dirección y en una galería de personajes que sólo puede ser calificada como abyecta. Lo más positivo, la animación del dinosaurio por medio de la antigua técnica stop-motion, que conserva su gracia y encanto. Aquí rebautizada como Fantamotion, corrió bajo la responsabilidad de Dave Allen, que con el tiempo ganaría cierta fama como especialista de efectos en filmes como Aullidos y En los límites de la realidad. También cabe mencionar la presencia como actor de Mark Siegel, actualmente escultor en la prestigiosa Industrial Light amp; Magic.

ABISMO

(THE DEEP)

EE.UU. 1977. 123 min. Columbia Pictures/EMI Films. Color. Dirección: Peter Yates. Guión: Peter Benchley, Tracy Keenan y Tom Mankiewicz. Intérpretes: Jaqueline Bisset, Nick Nolte y Robert Shaw.

Basada en el siguiente best-seller de Peter Benchely después de Tiburón, Abismo nos cuenta las peripecias David y Gail, una joven pareja de vacaciones en las Bermudas que descubre en las profundidades marinas una serie de objetos, entre ellos un medallón y unas ampollas de morfina, que parecen ser la carga de uno o varios barcos hundidos. Una vez en la costa consultan con Treece, un experto buceador local, que no tarda en ver la posibilidad de la existencia de un valioso tesoro en alta mar. Pero las noticias llegan también a oídos de Cloche, hampón local, que tampoco quiere dejar pasar la oportunidad de incrementar sus ganancias, ya sea a costa de la morfina o del tesoro. A partir de aquí la estancia de nuestros protagonistas en la isla se convertirá en una peligrosa odisea en la que tendrán que sortear toda clase de peligros, tanto en tierra como en el mar. Aceptable filme de aventuras dirigido por el británico Peter Yates (Bullit, John amp;Mary) que gozó de bastante éxito en su época a pesar de ser vapuleado por la crítica. A ratos un poco lenta y exageradamente alargada, la película encuentra en su excelente fotografía submarina y en su elenco de celebridades (Louis Gosset Jr. y Eli Wallach aparte del trío protagonista) sus mejores argumentos. Nominada a los Oscar en la categoría de mejor sonido y Globo de Oro por la canción “Down Deep Inside”. Interesante.

BARRACUDA

(THE LUCIFER PROJECT/BARRACUDA: THE SEA HORROR)

EE.UU. 1978. 96 min. American General Pictures/Republic Pictures. Color. Dirección: Harry Kerwin y Wayne Crawford. Guión: Harry Kerwin y Wayne Crawford. Intérpretes: Wayne Crawford, William Kerwin y Roberta Leighton.

Contemporánea a la exitosa Piraña (y para muchos un claro rip-off de ésta), Barracuda es una producción de bajo presupuesto que como otras de la época aspira a ser un híbrido entre película de criaturas marinas y thriller de espionaje. La acción se sitúa en Palm Cave (Florida), donde unos misteriosos experimentos científicos contaminan el agua provocando graves alteraciones en la conducta de los residentes y los peces del mar. Uno de los grupos más afectados es el de las barracudas, que se vuelven extremadamente agresivas y comienzan a devorar a los bañistas. El biólogo Mike Canfield y el sheriff Ben Williams inician una investigación que acaba apuntando a altas esferas gubernamentales. A pesar de partir de una premisa con cierto atractivo, Barracuda va perdiendo fuelle a medida que pasan los minutos, notándose la falta de holgura presupuestaria para filmar más escenas de acción. Lo mejor, los primeros ataques de las enloquecidas barracudas. A destacar también la presencia del actor William Kerwin (Blood feast, 2000 maníacos) y del productor Wayne Crawford (La noche del cometa, Los servidores del crepúsculo).

BERMUDAS: LA CUEVA DE LOS TIBURONES

(BERMUDE: LA FOSSA MALEDETTA/CAVE OF SHARKS/THE SHARK´S CAVE)

Italia/México/España. 1978. 90 min. Amanecer Films/Koala Cinematográfica/Jalisco Cinematográfica. Color. Dirección: Tonino Ricci. Guión: Fernando Galiana, Tonino Ricci y Mauricio Melchiore. Intérpretes: Andrés García, Arthur Kennedy y Janet Agren.

Tras llevar varios meses desaparecido y ser encontrado en una playa dominicana, Andrés, un experimentado buceador, es ingresado en un hospital en estado de amnesia. Allí comienza a rememorar su pasado reciente. Recuerda que un oscuro gángster le contrató junto a un amigo para recuperar un misterioso maletín de un avión accidentado junto a las Islas Bermudas. Durante la inmersión observaron un gran número de tiburones aletargados, casi hipnotizados. De vuelta a la superficie, el gángster mató a su amigo e intentó hacer lo mismo con él. Fue entonces cuando Andrés, que llevaba el maletín, fue atraído por una extraña fuerza hacia las profundidades y perdió el conocimiento. Ahora, con la ayuda de su esposa y su hermano, Andrés quiere volver a las Bermudas para resolver el misterio… Extrañas fuerzas sobrenaturales, mafias y algún que otro escualo son el principal reclamo de esta a ratos entretenida película. Tonino Ricci (Homicidio al límite de la ley, Pánico) consigue dotar al filme de las suficientes dosis de acción e intriga como para hacerla soportable. Curiosas secuencias fantásticosurrealistas (un grupo de turistas suicidándose a lo lemming), una competente fotografía submarina y la presencia de Arthur Kennedy (Horizontes lejanos, El anticristo), Andrés García (Tintorera) y el español Máximo Valverde (Aborto criminal, Sobrenatural) son lo más relevante.

LOS CONQUISTADORES DE ATLANTIS

(WARLORDS OF ATLANTIS/SEVEN CITIES TO ATLANTIS)

EE.UU/Gran Bretaña. 1978. 96 min. Columbia Pictures/EMI Films. Color. Dirección: Kevin Connor. Guión: Brian Hayles. Intérpretes: Doug McClure, Peter Gilmore y Lea Brodie.

Inspirada en las novelas de mundos perdidos de E. R. Burroughs, Los conquistadores de Atlantis narra las aventuras de un grupo de científicos victorianos que mientras investigan las aguas del Triángulo de las Bermudas en un batiscafo experimental son atacados por un gigantesco pulpo y van a parar a una de las ciudades submarinas de la mítica Atlántida. Encabezados por el Profesor Aitken y el ingeniero Greg Collinson, los científicos descubrirán un singular mundo poblado por humanos convertidos en hombres-peces, quiméricos monstruos marinos y extraterrestres con poderes mentales que amenazan con destruir la humanidad. Salvar el mundo y escapar con vida de la Atlántida será su misión. Pocas pretensiones y grandes dosis de diversión en esta producción claramente destinada al público más joven. Efectos especiales algo irregulares para una trepidante trama en la que cada cinco minutos surge un nuevo peligro para nuestros héroes. Reparto encabezado por Doug “carachupada” McClure (Humanoides del abismo, Aeropuerto 78).

MONSTER

(IT CAME FROM THE LAKE/MONSTER, THE LEGEND THAT BECAME A TERROR/MONSTROID/TOXIC MONSTER/THE TOXIC HORROR)

EE.UU. 1979. 82 min. Academy International. Color. Dirección: Kenneth Hartford y Herbert L.Strock. Guión: Kenneth Hartford, Garland Scott y Herbert L.Strock. Intérpretes: James Mitchum, Philip Carey y Stella Calle.

Villa de Chimayo, Colombia. Una multinacional estadounidense de fabricación de cemento que opera junto al lago de la pequeña comunidad rural contrata a un mediador profesional, Bill, para que intente apaciguar los ánimos de los lugareños que se oponen a la presencia de la compañía. La llegada de Bill coincide con el inicio de una serie de misteriosas desapariciones en el lago. Formando equipo con los locales Pete y Juanita, Bill descubrirá la existencia de una monstruosa serpiente acuática, cuyo origen parece deberse a la polución química derivada de la fábrica. Dirigida por el casi desconocido Kenneth Hartford (Hell Squad) y supuestamente basada en un

“hecho real” ocurrido a principios de los sesenta, Monster no consigue ser más que un barato y aburrido subproducto que hace alarde de la más aparatosa inutilidad técnica. Escenas filmadas (y mal filmadas) en piscinas, un trabajo de iluminación en el que la oscuridad parece convertirse en valor estético y un montaje de lo más inconexo son algunos de los “manjares” a saborear. Y todavía queda lo mejor, la serpiente, un rígido muñeco con un enorme mostacho y una hilarante mirada iracunda. Sus rugidos leoninos no tienen precio. Por el exiguo lado positivo, la presencia de James Mitchum (Primera victoria, La trampa del dinero), hijo de Robert Mitchum, y de John Carradine (Los diez mandamientos, Ondas de choque).

ISLAND CLAWS

(GIANT CLAWS/NIGHT OF THE CLAW)

EE.UU. 1980. 91 min. CBS. Color. Director: Hernán Cárdenas. Guión: Jack Cowden y Ricou Browning. Intérpretes: Robert Lansing, Steve Hanks y Nita Talbot.

Libre y actualizada revisión de la célebre El ataque de los monstruos cangrejo. Infinitamente peor que ésta, y también producida por Roger Corman, Island Claws nos advierte de los peligros de los experimentos transgénicos mediante una irregular y poco ambiciosa historia. Todo transcurre en una isla del Caribe, donde una planta científica que experimenta con fines humanitarios vierte accidentalmente restos contaminados en el mar. Esto provoca que los cangrejos de la zona se vuelvan especialmente agresivos e incluso algunos de ellos adquieran dimensiones extraordinarias. Varios residentes comienzan a ser asesinados, lo que lleva a Moody, un pescador local, ha tomar cartas en el asunto. Otra más de las múltiples, rentabilísimas y no muy agraciadas producciones del prolífico Corman. Flojas interpretaciones (la mejor escena dramática está protagonizada por un perro agonizante), sosa realización y efectivos efectos especiales de Glen Robinson (King Kong), cuyo resultón cangrejo gigante debió absorber más de mitad del presupuesto. El guión es obra de Jack Cowden y Ricou Browning, padres creativos de Flipper. Además, el segundo es bien conocido por haber interpretado varias veces al mítico hombre-agallas de La mujer y el monstruo.

COCODRILO

(CROCODRILE)

Tailandia. 1981. 91 min. Spectacular Trading. Color. Dirección: Sompote Sands. Guión: Sompote Sands. Intérpretes: Nat Puvanai, Kirk Warren y Tany Tim.

Las vacaciones del Doctor Akom en la costa de Tailandia se vuelven trágicas cuando su mujer y sus dos hijas son devoradas por un cocodrilo de colosales proporciones. La bestia no tarda en comenzar a sembrar el caos en las aldeas próximas, devorando a todo lugareño que se pone a tiro. Tras descubrir que el cocodrilo es producto de unas pruebas nucleares realizadas en la zona años atrás, el Doctor Akom se une a Tanaka, un experimentado pescador local, y Peter, un valiente reportero. Armados hasta los dientes, los tres hombres salen en busca del monstruo… Desde el lejano oriente, una auténtica rareza cinematográfica que desprende amateurismo por todos sus poros. Todo tipo de incoherencias narrativas y visuales, planos detalle de los ojos del reptil que se repiten hasta la extenuación y unas miniaturizaciones que engañan a pocos hacen del filme un espectáculo difícilmente digerible. Lo único positivo, aparte de satisfacer la curiosidad de visionar una película fantástica de tan exótico origen, es la tendencia al caos y el histerismo que impregna todo el metraje y el curioso gustillo por lo macabro del desconocido amigo Sompote Sands (se rumorea que llegó a emplear a tullidos para que las amputaciones resultaran más convincentes). Reservada para los fanáticos del cine más bizarre.

EL OSCURO MISTERIO DEL LAGO

(THE LOCH NESS HORROR, NESSIE)

1981. EEUU. 93 min. Clan Buchanan/Omni-Leisure International. Color. Dirección: Larry Buchanan. Guión: Larry Buchanan y Lynn Shubert. Intérpretes: Miki McKenzie, Barry Buchanan y Sandy Kenyon.

Un par de buceadores se sumergen en el famoso Lago Ness con el fin de hallar al legendario monstruo, pero lo que encuentran son los restos de un bombardero alemán de la Segunda Guerra Mundial y un extraño huevo. Cuando se disponen a abandonar el lago, un enorme plesiosauro emerge de entre las aguas y devora a uno de los buceadores, escapando el otr con el huevo. Poco después, Spencer y Kathleen, una joven pareja de turistas estadounidenses llega al lugar. Pronto se verán envueltos en una trama que atañe a científicos desquiciados, enigmáticos militares y, cómo no, al legendario dinosaurio. El oscuro misterio del lago supone la vuelta del popular Nessie a la pantalla tras décadas de ausencia. Larry Buchanan, director estadounidense especializado en infra-producciones de todo tipo, fue el responsable de este retorno, y, la verdad, bien podría haberse ahorrado el esfuerzo. Y es que a excepción de la aceptable fotografía submarina, la película es un despropósito. Dejando a un lado la esperpéntica trama, hay que hacer especial hincapié en los inenarrables fx del filme. El monstruo se compone básicamente de una alargada cabeza semejante a los disfraces de las fiestas de “gigantes y cabezudos”. Para más inri, el animal, no sabemos por qué razón, se pasa gran parte del metraje con una inexplicable sonrisilla de vacile en los labios. Para rematar la faena, la película está rodada en el lago Tahoe de California, un lago ancho y circular, justo lo contrario que el lago Ness.

MAREA DE SANGRE

(BLOOD TIDE/DEMON ISLAND/DEMON LAKE/THE RED TIDE)

Gran Bretaña/Grecia. 1982. 83 min. Athon Productions/Connaught International. Color. Dirección: Richard Jeffries. Guión: Richard Jeffries, Nico Mastorakis y Donald Langdon. Intérpretes: James Earl Jones, Jose Ferrer y Deborah Shelton.

Los recién casados Neil y Sherry desembarcan en una exótica isla griega en donde, según cuenta la leyenda, antiguamente las jóvenes vírgenes eran ofrecidas en sacrificio a un temible monstruo marino. Uno de los objetivos del viaje es encontrar a Madeline, hermana de Neil, una joven artista que desde hace unos meses ha dejado de dar señales de vida. Cuando consiguen dar con ella la notan extrañamente cambiada, obsesionada con el mar y con la leyenda del monstruo. Paralelamente, Frye, un arqueólogo en busca de tesoros antiguos, decide desbloquear con explosivos la entrada de una misteriosa gruta submarina. Lo que allí habita no tardará en sembrar el terror, una ira que sólo podrá ser aplacada con el sacrificio de una virgen… Apoyada en una sugestiva premisa mitológica de clara influencia lovecraftiana, Marea de sangre consigue constituirse, gracias a su buen reparto y a su dinámico guión, en una película bastante digna. Su encanto radica en el buen manejo del suspense, la notable fotografía de exteriores y el convincente trabajo de actores tan populares como James Earl Jones (Conan el Bárbaro, La caza del Octubre Rojo), José Ferrer (Lawrence de Arabia, La centinela), Lila Kedrova (Cortina rasgada, Zorba el griego), Martin Kove (La última casa a la izquierda, Rambo) y Deborah Shelton (Doble cuerpo, Dallas). El único punto negro, la floja apariencia del monstruo.

LA COSA DEL PANTANO

(SWAMP THING)

EE.UU. 1982. 91 min. Swampfilms. Color. Dirección: Wes Craven. Guión: Wes Craven. Intérpretes: Adrienne Barbeau, Ray Wise y Louis Jourdan.

Blanda adaptación del legendario personaje que Len Wein y Berni Wrightson crearon en 1971 para DC Cómics. La historia transcurre en los pantanos de Louisiana, donde el Doctor Holland, en compañía de la agente gubernamental Alice Cable, lleva a cabo unos experimentos con el fin de crear nuevas especies que puedan ayudar a paliar el hambre en el mundo. Todo se va al traste cuando el malvado Doctor Arcane y sus secuaces atacan el laboratorio del Doctor Holland para hacerse con sus fórmulas, provocando que éste acabe contaminado por su propio suero milagroso y convertido en un monstruo. Oculto en los pantanos, el mutante hará todo lo posible porque Arcane no triunfe en sus maléficos propósitos. Aunque Wes Craven (Pesadilla en Elm Street, Scream) consigue dotar a la película de una curiosa estética de cómic y los efectos especiales están a la altura, el resultado final no es del todo satisfactorio. El guión, demasiado plano y tontorrón, no acaba de sacar buen partido a la historia ni explota convenientemente su lado más terrorífico. La bonita fotografía y la presencia de Ray Wise (La grieta, Twin Peaks) y Adrienne Barbeau (Creepshow, El convento) son lo más destacado.

BOG

EE.UU. 1983. 87 min. Marshall Films/Nelson Communications/Prims Entertainment. Color. Dirección: Don Keeslar. Guión: Carl N. Kitt. Intérpretes: Gloria de Haven, Aldo Ray y Marshall Thompson.

Rodada en 1978 y estrenada varios años después (por algo sería), Bog pugna tenazmente por conseguir ser una de las peores películas de la historia del subgénero. La peripecia transcurre en el Lago Bog de Wisconsin, donde la irresponsable pesca con explosivos de uno de los rústicos lugareños provoca que un monstruoso hombre-anfibio despierte iracundo de su milenario letargo. La bestia no tarda en comenzar a diezmar a la población local, lo que obliga a las autoridades a intervenir. La bióloga Ginny y el sheriff Rydholm trabajarán juntos para acabar con el monstruo. Exceptuando las más o menos aceptables interpretaciones y la presencia de la otrora célebre Gloria de Haven (Ciudad del crimen, Luces de Broadway), la película es un auténtico despropósito. El guión está plagado de situaciones absurdas y conversaciones pseudocientíficas que invitan a la carcajada. Pero técnicamente es aún peor. La fotografía y el montaje son una atrocidad en sí mismos y la apariencia del monstruo es digna de cualquier subproducto de los años sesenta. Sólo útil para echarse unas risas.

TERROR IN THE SWAMP

(NUTRIAMAN: THE COPASAW CREATURE)

EE.UU. 1985. 87 min. Martin Folse Productions. Color. Dirección: Joe Catalanotto. Guión: Henry Brien, Martin Folse y Terry Hebb. Intérpretes: Billy Holliday, Chuck Bush y Keith Barker.

Houma, Louisiana. Mientras trata de batir alguna pieza en los alrededores del pantano Copasaw, un cazador furtivo es asesinado violentamente por una extraña criatura. La autopsia del cadáver demuestra que ha sido atacado por un animal de grandes dimensiones y origen desconocido. Pronto comienzan a producirse más ataques en la zona pantanosa, lo que lleva al sheriff local y a varios lugareños a emprender la búsqueda de la bestia responsable. Paralelamente, una pareja de científicos que experimentan con fines comerciales con las nutrias del pantano comienza a sospechar que la misteriosa criatura podría ser una especie mutante producto de sus temerarias investigaciones. Un subproducto de carácter local con claras intenciones de emular a la reciente La cosa del pantano. Técnica y narrativamente pobre, con alivios cómicos de lo más desesperante y un hombre-nutria que provoca de todo menos miedo. Basada en una novela escrita por Billy Holliday, uno de los protagonistas, y producida Martin Folse, actual propietario de la televisión local de Houma. No pasará a la historia.

DARK AGE

Australia. 1986. 90 min. F.G. Film Productions. Color. Dirección: Arch Nicholson. Guión: Sonia Borg, Stephen Cross y Tony Morphett. Intérpretes: John Jarratt, Cathy Pope y Burnam Burnam.

Basada en libro Numunwari de Grahame Webb, la película nos sitúa en la Australia profunda, donde un gigantesco cocodrilo comienza a devorar gente al tiempo que avanza río arriba hacia zonas turísticas más densamente pobladas. Steve Harris, guarda de un parque natural, sigue la pista de la colosal bestia mientras intenta mediar entre los vecinos de raza blanca, partidarios de acabar con el cocodrilo, y los aborígenes, que ven en el animal a un dios de obligado respeto. A pesar de ser una película casi desconocida por culpa de su horrenda distribución, Dark Age resulta sumamente interesante por mezclar el subgénero de monstruos acuáticos con el cine de conflictos raciales. Entretenida, bien fotografiada y con un cocodrilo aceptablemente convincente, la película encuentra entre sus fines la denuncia de la hipocresía de la sociedad blanca australiana, a la que solamente parece preocuparle los problemas de los aborígenes cuando estos afectan a sus bolsillos. El filme causó bastante polémica en su país de origen y cuenta entre sus actores con Burnam Burnam, conocido activista, y David Gulpilil (Cocodrilo Dundee), el intérprete aborigen más popular.

AMSTERDAMNED, MISTERIO EN LOS CANALES

(AMSTERDAMNED)

Holanda. 1987. 113 min. First Floor Features. Color. Dirección: Dick Maas. Guión: Dick Maas. Intérpretes: Huub Stapel, Monique Van de Ven y Serge-Henri Valcke.

Original aportación de la cinematografía neerlandesa al subgénero de horrores acuáticos en forma de un submarinista psicópata que siembra el pánico en la bonita y tranquila Amsterdam. Las tropelías del criminal, violentas hasta la naúsea, tienen lugar en el laberíntico sistema de canales de la ciudad y obligan a las autoridades policiales a intervenir rápidamente. El caso es asignado a Eric Visser, un joven policía que además de tener que dar con el asesino deberá también ser discreto para no espantar a los turistas. Escrita, producida, dirigida y “musicada” por Dick Maas (El ascensor, Una familia tronada), Amsterdamned es un efectivo thriller que juega sus mejores bazas en el buen ritmo narrativo, los truculentos asesinatos y el atractivo localismo. También nos deleita con algún que otro buen susto y unos valores de producción “a la americana” sorprendentemente convincentes. Aunque el filme cuenta con algunas lagunas (demasiada duración y un desenlace tramposillo), la valoración global no puede dejar de ser positiva. De obligado recuerdo la escena de la chica tumbada en su bote de goma que es abierta en canal por un enorme cuchillo que emerge bajo la embarcación.

DEMON OF PARADISE

EE.UU/Filipinas. 1987. 84 min. Concorde Pictures/New Horizons. Color. Dirección: Cirio H. Santiago. Guión: Frederick Bailey. Intérpretes: Kathryn Witt, William Steis y Laura Banks.

Si la horrenda Bog hubiese contado con algo más de presupuesto y su trama se hubiese traslado de Winconsin a Hawai, el resultado habría sido algo muy parejo a este Demon of paradise, otro subproducto poco recomendable. Todo transcurre en la Isla de Kihono, donde las actividades con explosivos de unos pescadores despiertan a un hombre-lagarto que hibernaba desde hace décadas en las profundidades del mar. No tardan en suceder extraños accidentes y desapariciones, que obligan al jefe de policía Keefer a abrir investigaciones. Mientras, Annie, una herpetóloga que busca nuevas especies en la isla, comienza a sospechar que Akua, un mitológico hombre-lagarto en cuya existencia creen los nativos hawaianos de Kihono, podría estar detrás de todo el misterio. Dirigida por el especialista en películas de explotación Cirio H. Santiago (Stryker, Ruedas de fuego), Demon of paradise es un flojo filme cuyo lastre principal son las pocas dosis de acción que ofrece al espectador. Más que atacar, el monstruo (una mala copia de Gillman) tiende a provocar accidentes que acaban con la vida de sus víctimas, lo cual quita gran parte de gracia a la película. Además, el filme es bastante pobre técnicamente y narrativamente parece regido por el absurdo. Sólo se salvan algunas bonitas tomas del paisaje hawaiano.

LA NOCHE DEL TIBURÓN

(LA NOTTE DEGLI SQUALI/NIGHT OF THE SHARKS)

Italia. 1988. 96 min. Italian International Film/RAI. Color. Dirección: Tonino Ricci. Guión: Tito Carpi y Tonino Ricci. Intérpretes: Treat Williams, Christopher Connelly y Antonio Fargas.

Una más en la larga lista de cuestionables producciones de aventuras gangsteriles que en su momento emplearon la figura del tiburón como mero reclamo comercial. Aquí todo comienza con las actividades de un chantajista, James Ziegler, que tras sacarle un par de millones de dólares en diamantes al mafioso Rosetski a cambio de no revelar ciertas conversaciones telefónicas suyas se dirige rumbo a la costa de México para visitar a su hermano David. Pero justo antes de llegar, su avioneta es abatida por los hombres del capo mafioso, hundiéndose en el mar con el botín y las grabaciones incriminatorias. David, un buceador experimentado, no tardará en ser presionado por los gángsters para que rescate el cargamento evitando a los feroces tiburones que habitan esas aguas. Descafeinada versión de El cazador de tiburones, bastante menos entretenida y notablemente peor dirigida. Trama poco elaborada, diálogos sin chispa y pocas escenas de acción que merezcan la pena. La música de Stelvio Cipriani (Bahía de sangre, Tentáculos) tiene cierto encanto, así como algún que otro momento gore. Lo más relevante, la presencia de Treat Williams (Deep rising, Un final “made in Hollywood”) y, sobre todo, de Antonio Fargas, el inolvidable Huggy Bear de Starsky y Hutch.

TIBURÓN: SANGRE PROFUNDA

(SANGUE NEGLI ABISSI/SQUALI/DEEP BLOOD/SHARKS: THE CHALLENGE)

Italia/EE.UU. 1989. 85 min. Filmirage/Variety. Color. Dirección: Joe D´Amato. Guión: George Nelson Ott. Intérpretes: Frank Baroni, Tody Bernard y Van Jensens.

El prolífico y extremo Joe D´Amato (Gomia:Terror en el Mar Egeo, Emanuelle en América) hace sus pinitos en el subgénero ofreciéndonos un subproducto que bordea la estafa cinematográfica. La historia tiene lugar en la costa de Nueva Orleans, donde un enigmático indio les narra a un grupo de adolescentes una extraña leyenda sobre un antiguo demonio que surca las aguas de la zona en forma de terrorífico tiburón blanco, al tiempo que les regala un amuleto para su protección. Cuatro años más tarde, la comunidad se ve asolada por una serie de ataques de tiburón en alta mar. Los adolescentes, ya hombres, recuerdan la leyenda del indio y deciden lanzarse al mar en busca del maléfico animal. Un trabajo de menor del difunto D´Amato en el que se abusa desmesuradamente del empleo de imágenes de archivo de tiburones, brillando por su total ausencia los escualos de producción propia. Dejando a un lado este “pecadillo”, la película es poco más que un refrito de Tiburón adornado con un flojo transfondo pseudomitológico, la “sangre profunda” no se ve por ningún lado (a no ser que se refieran al poco convincente liquidillo anaranjado que a veces emerge del agua), y técnicamente es de lo más insípida. Como curiosidad, decir que Joe D´Amato, nombre artístico de Aristide Massaccesi, firmó su crédito de director como Raf Donato (inspirándose en el nombre de uno de sus ayudantes, al que suponemos no debió hacerle excesiva gracia).

EL REGRESO DE LA COSA DEL PANTANO

(THE RETURN OF THE SWAMP THING)

EE.UU. 1989. 90 min. Lightyear Entertainment. Color. Dirección: Jim Wynorski. Guión: Neil Cuthbert, Grant Morris y Derek Spencer. Intérpretes: Louis Jourdan, Heather Locklear y Dick Durock.

Abby Arcane, la bella hijastra del malvado Doctor Arcane, acude al cenagoso pantano para visitar a su padrastro en su residencia científica. Las cosas comienzan a complicarse cuando la joven descubre la implicación de Arcane en la reciente muerte de su madre y sus terribles planes de acabar también con ella para poder confeccionar un suero que le haga inmortal. Contando con la inestimable ayuda de “la cosa” que un día fue el Doctor Holland, Abby escapa de las instalaciones de su padrastro, cuyos sótanos esconden una horrible camada de mutantes. Juntos combatirán los satánicos planes del incombustible Arcane. Poco afortunada secuela de La cosa del pantano que debe su existencia a la nueva versión del cómic que creó el renombrado Alan Moore tras la primera película. Sorprendentemente, la película tiene poco que ver con el tebeo de Moore y opta por inscribirse en un género a mitad de camino entre la comedia y la acción. Una especie de versión sin gracia de El vengador tóxico en la que lo único a destacar son algunos efectos especiales (la galería de monstruos de Arcane tiene su aquel) y la presencia de la guapa Heather Locklear, Sammy Jo en Dinastía y nominada al premio Razzie a la peor actriz del año 89 por su papel en esta película. A evitar.

LORDS OF THE DEEP

EE.UU. 1989. 95 min. Concorde Pictures. Color. Dirección: Mary Ann Fisher. Guión: Howard R. Cohen y Daryl Haney. Intérpretes: Priscilla Barnes, Bradford Dillman y Stephen Davies.

Año 2020. Urgidos por la progresiva inhabitabilidad de la superficie terrestre, los hombres han comenzado la conquista de las profundidades marinas. La base Neptuno, un laboratorio autónomo submarino propiedad de la Corporación Martel, es buena prueba de ello. Allí, un grupo de investigadores entre los que se encuentran el Comandante Dobler y la científica Claire, evalúan las posibilidades de que el océano pueda ser colonizado en un futuro cercano. Pero pronto sus investigaciones se ven interrumpidas por una presencia de origen desconocido, capaz de comunicarse telepáticamente y de suplantar físicamente a los científicos. Roger Corman demuestra no cortarse un pelo a la hora de plagiar el trabajo de antiguos discípulos, en este caso James Cameron. Y es que la película es un calco, a marchas forzadas y con evidentes desigualdades presupuestarias, de la exitosa Abyss. Estresados trabajadores submarinos, extraterrestres moralistas y mandos paranoicos son también aquí elementos clave. La diferencia, que en Lords of the deep conceptos tan elementales como interpretación, acción, tensión y lógica narrativa no parecen resultar del todo familiares a los responsables del filme. Aparte de los pasables FX, la presencia de Priscilla Barnes (Tres son compañía, Tintorera) y el “cameo” de Roger Corman como directivo de Martel es lo más reseñable.

COCODRILO ASESINO 2

(KILLER CROCODILE II)

Italia. 1990. 83 min. Fulvia Films. Color. Dirección: Giannetto De Rossi. Guión: Dardano Sacchetti, Fabrizio De Angelis y Giannetto De Rossi. Intérpretes: Anthony Crenna, Debra Karr y Ennio Girolami.

Muchos halagos debieron soltarle a De Rossi tras su correcto trabajo de FX en Cocodrilo asesino, ya que no dudó a la hora de encarar la dirección de esta insípida secuela rodada casi paralelamente a la primera entrega. La acción vuelve a situarse en la costa dominicana, a donde Liza Farrell, una joven reportera neoyorquina, es enviada para cubrir una investigación sobre unos barriles tóxicos desaparecidos. No tardará en aparecer un nuevo cocodrilo mutante con ansias devoradoras, así como Kevin y Joe, héroes del primer episodio y retados a un segundo envite. Como era de esperar, el parecido de esta secuela con su predecesora es exagerado, llegándose incluso a emplear imágenes de Cocodrilo asesino para esta continuación. Los efectos especiales son también parejos, aunque menos trabajados (De Rossi debía de estar muy absorbido en su debut como director), y la simpática musiquilla de Riz Ortolani vuelve a escucharse. Poco suspense (el cocodrilo es visto nítidamente ya en los primeros compases) y algunas escenas con potencial tensión que son desaprovechadas. El único saborío lo proporciona algún que otro golpe de gore.

ALLIGATOR 2: LA MUTACIÓN

(ALLIGATOR II: THE MUTATION)

EE.UU. 1991. 92 min. Golden Hawk Entertainment. Color. Dirección: Jon Hess. Guión: Curt Allen. Intérpretes: Joseph Bologna, Dee Wallace-Stone y Steve Railsback.

Poco excitante secuela de la célebre La bestia bajo el asfalto en la que los habitantes de un pueblo estadounidense, con un lago conectado al sistema de alcantarillado, ven su tranquilidad interrumpida por la aparición de un gigantesco y voraz caimán. Tras ser encontrados los restos de un buceador, el policía David Hodges comienza a investigar un caso en el que la implicación de una compañía de productos químicos parece clara. Con la ayuda de Christine, su inteligente esposa, y de Hawkins, un experto cazador, Hodges tratará de poner freno a las acometidas del crecidito reptil. Aunque cuenta con algunas secuencias curiosas (cerca del final el caimán arrasa una verbena), Alligator 2: La mutación es, a todas luces, incomparable con su progenitora. Aquí el pretendido humor negro carece de brillantez, la trama avanza a trompicones y los efectos especiales son poco convincentes. Algún que otro momento de acción, ciertas dosis de hemoglobina y la presencia de rostros tan conocidos como los de Dee Wallace-Stone (E.T. El extraterrestre, Aullidos), Joseph Bologna (Lío en Río, La mujer de rojo) y Steve Railsback (Lifeforce: Fuerza vital, Ed Gein), son lo único salvable. Pero lo dicho, poco excitante.

CRIATURAS DEL ABISMO

(CREATURES FROM THE ABYSS/PLANKTON/PIRANHA 4/OBJECT X)

Italia/EE.UU. 1994. 86 min. Production Film 82. Color. Dirección: Alvaro Passeri y Massimiliano Cerchi. Guión: Richard Baumann. Intérpretes: Clay Rogers, Loren De Palm y Michael Bon.

Costa de Florida. Cinco amigos se quedan sin gasolina en alta mar durante una excursión en zodiac. Al anochecer, descubren un misterioso yate anclado en mitad del océano y suben a él. Se trata de una nave de investigación científica, abandonada y llena de inquietantes muestras de peces y otros especímenes. Los incautos jóvenes no tienen mejor idea que darse un banquete. Los efectos de tan arriesgada ingestión no tardarán en aparecer… Delirante y ultrabarata serie Z con monstruos mutantes y pirañas voladoras. Aunque el amateurismo es patente en todas las esferas del filme, su descarnado y enfermizo gusto (vómitos en cámara subjetiva, monstruosas transformaciones en mitad del coito) hace de Criaturas del abismo un producto singular. Dirigida, gratuitamente y sin crédito, por Massimiliano Cerchi (Necrodemon, Carnage Road), la película es una mezcla de filmes tan dispares como Piraña 2, Posesión Infernal y Leviathan, pasada por un filtro de extrema cutrez y morbosidad. Lo más positivo, la destreza de sus creadores para producir un largometraje (por malo que sea) con un presupuesto de un cuarto de millón de dólares. Destacar también la presencia en un pequeño papel (un científico demente) del director de series B Deran Sarafian (Libertad para morir, Velocidad terminal), sobrino de Robert Altman.

CRUEL JAWS

(JAWS 95/THE BEAST/JAWS 5)

Italia. 1995. 92 min. Production Group. Color. Dirección: Bruno Mattei. Guión: Bruno Mattei, Robert Feen, Linda Morrison. Intérpretes: Richard Dew, George Barnes y Scott Silveria.

Sólo como pura guerrilla filmmaking (“estilo” cinematográfico basado en el hurto de fotogramas ajenos) puede calificarse ésta infame tomadura de pelo concebida por el siempre polémico Bruno Mattei (Campo de mujeres 119, Robowars). La historia transcurre en Hampton Bay, Florida, donde la familia Sorensen, propietaria de un acuario, vive bajo la presión del avaricioso alcalde Lewis. El conflicto es interrumpido por la aparición de los restos de unos buceadores, que parecen haber sido atacados por un tiburón. Pero el alcalde no tiene intención de que el animal perjudique los ingresos turísticos, y, aprovechando la captura de un escualo por parte de unos pescadores, decide permitir la celebración de un regata de windsurf. Se masca la tragedia… Si ya la ética de filmes como Tiburón: sangre profunda podía ser puesta en duda, lo de Cruel Jaws pasa de castaño oscuro. Y es que, para asombro de cualquier espectador, un alto porcentaje de las imágenes del tiburón proceden directamente de Tiburón, Tiburón 2 y la italiana Tiburón 3, tiburones blancos que los personajes se obcecan aquí en describir como tiburones tigre. Por si esto fuera poco, el guión ofrece también evidentes semejanzas con los filmes mencionados (“Vamos a necesitar un helicóptero más grande”, dice un personaje, “homenajeando” a Tiburón), las interpretaciones son pobres (la pareja de matones es de las menos amenazadoras de la historia del cine) y el montaje de Mattei, además de tramposo, es deslabazado. Prohibida en EE.UU, Cruel Jaws osa además acreditar a Peter Benchley como guionista. Ver para creer.

LAGO NESS

(LOCH NESS)

EE.UU/Gran Bretaña. 1995. 101 min. Polygram Entertainment/Working Title. Color. Dirección: John Henderson. Guión: John Fusco. Intérpretes: Ted Danson, Joely Richardson y Ian Holm.

Jonathan Dempsey, prestigioso zoólogo estadounidense, viaja hasta tierras escocesas con el único fin de probar definitivamente que el popular monstruo del Lago Ness no es más que un absurdo mito creado por el hombre.

Nada más iniciar sus investigaciones, observa que la actitud de los lugareños hacia él no es precisamente acogedora, lo que no le impide seguir con su trabajo. El escéptico Doctor Dempsey no tardará en comprobar que hay cosas en este mundo que rebasan toda lógica científica. Entre ellas, algunos mitos. Concebida más como una aventura para toda la familia que como producto fantaterrorífico, Lago Ness puede ser considerada como una agradable peliculilla cargada de buenas intenciones. Aunque el relato no es del todo brillante y por momentos resulta ciertamente cursi (algo de contención en la carga romántica no habría estado mal), la película sale adelante gracias a las sólidas interpretaciones de Ted Danson (Creepshow, Tres hombres y un bebé) y Joely Richardson (Resplandor en la oscuridad, El patriota), los notables efectos especiales y visuales, y la bonita fotografía de Clive Tickner (Agenda oculta, Segundo sangriento). Señalar también que el rodaje de Lago Ness fue de lo más accidentado, debido a las inclemencias de la meteorología británica, y que sorprendentemente el filme no llegó a ser estrenado en los cines estadounidenses.

PIRAÑA

(PIRANHA/ROGER CORMAN PRESENTS PIRANHA)

EE.UU. 1995. 89 min. Concorde-New Horizons/Showtime Networks Inc. Color. Dirección: Scott P. Levy. Guión: Alex Simon. Intérpretes: William Katt, Alexandra Paul y Chelsea Madison-Ciu.

Por razones que suponemos estrictamente comerciales, Roger Corman vuelve a hacer un innecesario remake de uno de sus clásicos. Hecha para video y televisión, esta nueva Piraña comienza con la desaparición de una pareja en el estanque de una base militar abandonada y la posterior investigación por parte de la detective Maggie McNamara. Ésta no tarda en encontrarse con Paul Grogan, un antiguo abogado resentido con la sociedad que vive como un eremita. Juntos cometerán la torpeza de vaciar el estanque de la base militar y provocar que las pirañas allí contenidas naden río abajo hasta un lago repleto de turistas, entre los que se encuentra la hija pequeña de Grogan. Como observamos, la historia no aporta prácticamente nada a la original y casi la única novedad, aparte de desterrar el humor negro de la primera, es que las pirañas mutantes proceden de experimentos de la Guerra Fría en vez de Vietnam. Similar insulsez se puede apreciar en las interpretaciones principales, donde William Katt (Carrie, El gran héroe americano) y Alexandra Paul (Los vigilantes de la playa) no parecen muy sobrados de registros. Técnicamente, la película está plagada de fallos de montaje (mismo chico que vemos saliendo del lago y pocos segundos después siendo devorado en el agua), tomas submarinas importadas de la Piraña original y trucajes que se notan a la legua (personajes nadando a toda velocidad sobre plataformas). Algún que otro efecto gore y generosas dosis de pecho femenino pueden salvar la cinta para los más viciosos.

PROTEUS

Gran Bretaña. 1995. 97 min. Metrodome Films/Wonderful Films PLC. Color. Dirección: Bob Keen. Guión: John Brosnan. Intérpretes: Craig Fairbrass, Toni Barry y William Marsh.

Tras un conflictivo arreglo de drogas que acaba con la explosión de un yate, un grupo de jóvenes se ven a la deriva en mitad del Océano Pacífico. Afortunadamente, no tardan en encontrar una plataforma petrolífera, aparentemente abandonada, en la que no dudan en buscar refugio. El lugar, propiedad de la Corporación Brinkstone y equipado con modernos dispositivos de investigación biológica, parece haber servido hasta hace bien poco de centro de experimentación. Después de que Paul, uno de los visitantes, desaparezca misteriosamente y algunos trabajadores de la plataforma aparezcan de súbito, nuestros protagonistas empiezan a sospechar que hay algo peligroso en aquel recinto, algo producto de un experimento fallido con ADN sintético, algo capaz de mimetizarse en cualquier forma viva con la que tome contacto, algo apodado “Charlie”… Con claras influencias de filmes como Alien, el octavo pasajero o La cosa, esta modesta producción británica no pasa de ser un fallido intento de híbrido entre ciencia-ficción y terror. Lastrada por unos personajes bastante planos, una trama algo tosca y un ritmo narrativo lleno de parones, la película presenta como únicas notas positivas algún que otro efecto, una graciosa cámara subjetiva del monstruo y la inesperada aparición final de Doug Bradley (Pinhead, el cenobita jefe, en Hellraiser). Basada en la novela Slimer, superior al filme, y dirigida por Bob Keen, amigo de Clive Barker y especialista de FX en películas como El retorno del Jedi y Los inmortales, Proteus no consigue ser mucho más que una simple medianía.

THE HAUNTED SEA

(GHOST SHIP)

EE.UU. 1997. 74 min. Concorde-New Horizons. Color. Dirección: Dan Golden. Guión: Thomas McKelvey Cleaver. Intérpretes: Krista Allen, Joanna Pacula y James Brolin.

La hiperactiva productora de Roger Corman vuelve a la carga con un nuevo subproducto mestizo de películas como Alien, el octavo pasajero, Leviathan y similares. Aquí la peripecia comienza cuando el barco gobernado por el Capitán Ramsey y las oficialas Johnson y Bergren se topa en mitad del océano con otra gran embarcación, ésta abandonada y a la deriva. En su interior encuentran nada menos que un fabuloso tesoro azteca de inmenso valor. Pero la alegría de Ramsey y su tripulación pronto se verá suplida por un pánico extremo, cuando un maligno espíritu tome el cuerpo de uno de los marineros y lo convierta en una sanguinaria bestia con forma de reptil. Quizás su escasa duración sea la mayor virtud de The haunted sea, ya que de lo contrario su visionado podría haber sido una experiencia soporífera. Y es que poco, o más bien nada, es lo que aporta la película al subgénero, menos aún al cine fantástico en general. La trama es insulsa, los momentos de suspense escasos, los efectos especiales burdos y la obsesión cormaniana por el top-less femenino alcanza cotas casi enfermizas. La sobria dirección y la presencia de intérpretes de la talla de James Brolin (Capricornio Uno, Almas de metal) y Joanna Pacula (Gorky Park, Virus) es lo único a valorar positivamente. De usar y tirar.

HUMANOIDES DEL ABISMO

(HUMANOIDS FROM THE DEEP/ROGER CORMAN PRESENTS HUMANOIDS FROM THE DEEP)

EE.UU. 1997. 86 min. Concorde-New Horizons/Showtime Networks Inc. Color. Dirección: Jeff Yonis. Guión: Jeff Yonis. Intérpretes: Emma Samms, Robert Carradine y Justin Walker.

Nueva muestra del empecinamiento de Corman en destrozar sus clásicos a golpe de remake. El turno en el matadero le toca ahora a la sangrienta y divertida Humanoides del abismo, cuya revisada trama nos sitúa en un pueblo costero, Harbor Bay, donde una fábrica conservera es acusada por grupos medioambientalistas de verter hormonas de crecimiento al mar. Wade Parker, jefe de la compañía, descubre que uno de sus subornidados es responsable de tal actividad y le insta a suspenderla. Pero pronto, una serie de muertes provocadas por terroríficos hombres-anfibios siembra la alarma en el pueblo. Formando equipo con Matt, líder de los ecologistas, y la Doctora Drake, Wade buscará exterminar a los humanoides. Aunque mejor de lo que podría suponerse, esta prescindible versión carece de la fuerza y el encanto de la original. Aporta alguna que otra nueva línea argumental (los humanoides son soldados-anfibios creados por los militares) y no escatima en sangre y truculencia, pero sus valores de producción y dirección son demasiado televisivos. Con alguna que otra secuencia divertida y un maquillaje de fx eficiente en las distancias cortas, el filme cuenta además con la presencia de Emma Samms (Dinastía, Los Colby), Robert Carradine (El regreso, Los Tommyknockers) y Mark Rolston (Cadena perpetua).

MOBY DICK

EE.UU/Gran Bretaña/Australia. 1998. USA Pictures/American Zoetrope/9 Network. 180 min. Color. Dirección: Franc Roddam. Guión: Anton Diether y Franc Roddam. Intérpretes: Henry Thomas, Patrick Stewart y Piripi Waterini.

Miniserie televisiva, también editada en versión reducida para vídeo, que revisita de nuevo la mítica novela de Melville. Medianamente fiel al libro, aunque permitiéndose algunas licencias menores, la película nos narra la historia del joven Ishmael y su alistamiento a un ballenero gobernado por el Capitán Ahab, un marino obsesionado con dar muerte al cetáceo blanco que en el pasado le arrancó una pierna. Aún teniendo una prolongada duración, más de la necesaria, se trata de una adaptación bastante correcta, diestramente realizada por Franc Roddam (La prometida, K2) y situada un escalón por encima de la mayoría de miniseries televisivas. Sus únicos puntos débiles son sus algo irregulares efectos especiales (a una superproducción televisiva hay que exigirle más) y una cierta contención con respecto a los pasajes y situaciones más desgarradoras de la novela. A favor, la brillante fotografía y el estupendo trabajo de Patrick Stewart (X-Men, Stark Trek: Nemesis), aún faltándole algo de carisma como Capitán Ahab, Henry Thomas (E.T., el extraterrestre, Gangs of New York) y Ted Levine (El silencio de los corderos, Wild Wild West). Aparte de su notable éxito en los Emmy, lo que realmente hizo especial a esta película fue el ser la última aparición en pantalla del inolvidable Gregory Peck (Recuerda, Matar a un ruiseñor), que ya interpretara a Ahab en la versión de John Huston y que aquí encarna magníficamente al Padre Mapple. Recomendable.

AGUAS PELIGROSAS

(BLOOD SURF/CROCODILE/KROCODYLUS)

EE.UU. 2000. 88 min. Trimark Pictures/Tapestry Pictures. Color. Dirección: James

D.R. Hickox. Guión: Sam Bernard y Robert L. Levy. Intérpretes: Dax Miller, Duncan Regehr y Taryn Reif.

Bog y Jeremy, una pareja de surfistas estadounidenses, viajan con un equipo de televisión al sur de Australia con el objetivo de grabar un reportaje sobre un nuevo deporte extremo denominado “surfing sangriento”, una arriesgada variante del surf sobre aguas infestadas de tiburones. Una vez en tierra, son guiados por una familia de nativos hasta un arrecife paradisíaco repleto de escualos. Los surfistas no tardarán en comprobar que el verdadero peligro no son los tiburones, sino un gigantesco y voraz cocodrilo. Dirigida por James D. R. Hickox (Los chicos del maiz III, El jardín del mal), hijo de Douglas Hickox (Matar o no matar, Amanecer Zulú) y hermano de Anthony Hickox (Museo de cera, Hellraiser III), Aguas peligrosas es poco más que una floja exhibición de físicos femeninos y estética MTV. Aunque su premisa goza de cierta originalidad, la película no tarda en convertirse en un poco convincente ejercicio de insulsos crímenes y persecuciones. De la misma escuela que la hooperiana Cocodrilo, aunque todavía peor que ésta, lo único positivo de la película son algunos hábiles planos y cámaras lentas de Hickox, las agradables localizaciones y algún contadísimo momento de suspense. Guión, interpretaciones y efectos especiales es mejor olvidarlos. Para amantes del rock surfero que no tengan nada mejor que hacer.

SHARK

EE.UU. 2000. 90 min. Leo Films. Color. Dirección: Zac Reeder Guión: Zac Reeder. Intérpretes: Richards Keats, Terry Arrowsmith y Stephanie Rose Allen.

Rodada en vídeo con un presupuesto ínfimo y basada en la supuesta historia real de un escualo algo desorientado que penetró en un río estadounidense, Shark nos traslada a Laughlin, un bonito pueblo de Nevada cuyo río es “visitado” por un tiburón blanco de seis metros de longitud. Después de que el animal devore a algún que otro vecino, Steve, un profesor de instituto, decide emprender su caza. La película es una rareza dentro del subgénero, principalmente a causa de su modesto formato y el amateurismo de sus creadores. En cuanto a calidad, Shark no es precisamente un producto renovador del estilo de El proyecto de la bruja de Blair.

La historia es bastante tediosa, las interpretaciones poco creíbles y los errores técnicos cuantiosos. Dirigida por el desconocido Zac Reeder, actual responsable de compras de la productora Porchlight Entertainment, la película cuenta entre sus absurdos con el hecho de que todos los personajes que acaban en el agua visten trajes de neopreno (aún no siendo buceadores). La razón, que el filme se rodó en pleno invierno y la temperatura del agua del río rozaba lo glacial.

SHARK, EL DEMONIO DEL MAR

(SHARK ATTACK 2/SHARK II)

EE.UU/Sudáfrica. 2000. 93 min. Nu Image/Do Productions Pty. Ltd. Color. Dirección: David Worth. Guión: Scott Devine y William Hooke. Intérpretes: Thorsten Kaye, Nikita Ager y Daniel Alexander.

Ciudad del Cabo, Sudáfrica. Tras dar muerte a una joven buceadora, un agresivo tiburón blanco es cazado por el biólogo Nick Harris y recluido en el parque marino Waterworld. Mientras Samantha Peterson, hermana de la fenecida, hace planes para dar muerte al escualo, Nick descubre que el animal ha sido alterado genéticamente para aumentar su fuerza y agresividad. Después de devorar a un cuidador, el tiburón consigue escapar del recinto y salir a mar abierto. Con la ayuda de un cazador australiano, Nick y Samantha buscarán alguna forma posible de acabar con la bestia. Poco inspirada secuela de Shark Attack cuya trama no es más que una prolongación de la de la primera entrega (los tiburones son todavía producto de las antiguas investigaciones del Doctor Craven). Tiburones CGI poco realistas y animatrónicos de vergüenza ajena para una historia predecible que no sorprende en ningún momento. Además, descarada influencia de Tiburón (vemos un zoom exacto al del Jefe Brody en la playa) y abuso total de imágenes documentales de escualos. La sangrienta muerte del empleado del parque marino y las más o menos consistentes interpretaciones son lo único que merece la pena. Ah, y los graciosos e inexplicables rugidos felinos de los tiburones.

COCODRILO: AGUAS SANGRIENTAS

(CROCODRILE 2: DEATH SWAMP /CROCODRILE 2: DEATH ROLL)

EE.UU. 2001. 92 min. Nu Image/Martien Holdings. Color. Dirección: Gary B. Jones. Guión: Jace Anderson y Adam Gierasch. Intérpretes: Heidi Lenhart, Chuck Walczak y Martin Kove.

Un año después de la desilusionante Cocodrilo, la Nu Image volvió a la carga con esta secuela de inexistente demanda. Comenzamos en un banco, del que un grupo de ladrones se lleva a punta de pistola varios millones de dólares en efectivo. En su huida, los cacos toman un avión rumbo a México, donde Mia, una joven azafata, viaja con el objetivo de encontrarse con su novio. El vuelo es perturbado por una tormenta, que obliga a los pilotos a anunciar el regreso y a los ladrones a secuestrar el aparato para que siga adelante. Incapaz de vencer las inclemencias meteorológicas, el avión acaba estrellándose en un pantano de México. Perdidos en mitad de ningún sitio, los supervivientes se verán asediados por un enorme cocodrilo ávido de carne humana. Sobriamente dirigida por Gary B. Jones (Mosquito, Spiders) y rodada en los estudios Ramoji Film City de India, Cocodrilo: Aguas sangrientas aporta pocas novedades no vistas en su predecesora. La película sigue un patrón similar al de Octopus (héroes vs delincuentes vs bestia acuática) y cuenta con alguna subtrama que aligera algo un relato previsible y fiel a los más convencionalismos del género de terror. Los irregulares efectos, los graves fallos de continuidad y los exagerados diálogos de corte tarantiniano (el número de “motherfuckers” por metro de celuloide es de récord) tampoco ayudan. Algunos ataques con cierto atractivo y la aparición del veterano del Vietnam Martin Kove (Marea de sangre, Karate Kid) es lo único a destacar. Sólo para los devotos más extremos de los cocodrilos.

DAGON: LA SECTA DEL MAR

España. 2001. 95 min. Fantastic Factory/Castelao Producciones. Color. Dirección: Stuart Gordon. Guión: Dennis Paoli. Intérpretes: Ezra Godden, Raquel Meroño y Paco Rabal.

Nuevo y esforzado intento de la cinematografía patria dentro del mundo de las quiméricas criaturas acuáticas. Esta vez, tomando como referencia La sombra sobre Innsmouth de H.P. Lovecraft y de la mano de Stuart Gordon (Re-animator, Fortaleza Infernal), asistimos a las desventuras de un grupo de veraneantes, entre los que se encuentran los jóvenes Paul y Barbara, a los que un naufragio les obliga a buscar refugio en un pueblo pesquero de la costa gallega. Pronto descubrirán que sus habitantes son una suerte de mutantes adoradores de una bestia mitológica que habita en el océano. Sólo con la ayuda del viejo Ezequiel podrán intentar escapar con vida de la villa. Una arriesgada apuesta (cualquier intento de adaptar a Lovecraft lo es) de la Fantastic Factory que, dentro de sus limitaciones, se salda con resultados aceptables. La asfixiante y expresionista atmósfera es uno de los aspectos más notables del filme, reflejando con fidelidad los opresivos ambientes de los relatos de Lovecraft. También destacan algunas buenas secuencias de suspense y varios momentos sangrientos de extrema contundencia. En terreno templado podemos situar las interpretaciones, donde Ezra Godden y Raquel Meroño carecen del carisma necesario, así como los demasiado racionados efectos especiales. Sin ser ninguna maravilla, Dagon: La secta del mar es un producto sobradamente digno, una película entretenidilla que supuso la última aparición en pantalla del ilustre Paco Rabal (Nazarín, Truhanes).

TENTÁCULOS ASESINOS

(OCTOPUS 2: RIVER OF FEAR/OCTOPUS II/OCTOPUS IN NEW YORK)

EE.UU/Bulgaria. 2001. 95 min. Nu Image/Martien Holdings. Color. Dirección: Yossi Wein. Guión: Michael T. Weiss. Intérpretes: Michael Reilly Burke, Meredith Morton y Fredric Lehne.

Ante la mirada absorta de un vagabundo, una pareja de turistas son despachados por unos terroríficos tentáculos que emergen de las aguas del neoyorquino río Hudson. Tras descubrir uno de los cadáveres junto a un muelle, Nick y Walter, policías portuarios, consiguen dar con el indigente, que les cuenta que el responsable ha sido un pulpo gigante. Frente al escepticismo de las autoridades, la delirante hipótesis comienza a ganar credibilidad al sucederse varias extrañas muertes en el río. Pero lo peor es que quedan pocos días para el cuatro de julio y sus suntuosas celebraciones, algunas de ellas acuáticas… Secuela de la desigual Octopus que, afortunadamente, va directa al grano y no pierde el tiempo con absurdas tramas clancynianas. Una especie de floja versión moderna de La bestia que vino del mar que halla sus principales carencias en un guión muy poco trabajado (el inverosímil proceso deductivo de los policías roza la tomadura de pelo) y unos fx de baja calidad. En el lado menos negativo, unas interpretaciones correctas y un habilidoso trabajo de producción para simular que Sofía, capital de Bulgaria, donde se rodó el filme y se confeccionaron los efectos infográficos, es Nueva York. En definitiva, flojita pero casi preferible a la primera entrega. A destacar la presencia de Michael Reilly Burke (La criatura, Ted Bundy).

LA CAZA DEL TIBURÓN

(SHARK HUNTER)

EE.UU. 2001. 94 min. UFO Films. Color. Dirección: Matt Codd. Guión: Sam Wells. Intérpretes: Antonio Sabato Jr., Christian Toulali y Heather Marie Marsden.

Tras el éxito de la novela MEG de Steve Alten, varias han sido las películas que han explotado la aterradora figura del megalodon carcharias, gigantesco antecesor prehistórico del tiburón blanco cuya presencia en la pantalla podría invitar a pensar en un auténtico renacer del subgénero. Protagonizada por el actor-modelo (o más bien modelo-actor) Antonio Sabato Jr. (Melrose Place, Hospital General), La caza del tiburón, primera megalodon-movie en ser estrenada, nos cuenta la historia de Spence Northcut, diseñador de un moderno submarino experimental y víctima en su infancia de un ataque de megalodon que acabó con la vida de sus padres. Después de que un laboratorio marino implosione en misteriosas circunstancias, Spence y otros especialistas bajan a las profundidades para descubrir lo que ha pasado. No tardarán en toparse con el más temible depredador conocido por el hombre. Agradable serie B que basa sus puntos fuertes en una efectiva historia y en unos efectos visuales notables para las evidentes limitaciones presupuestarias. Producida por UFO Films, principal competidora de la Nu Image en lo referente a películas de bichos asesinos, y claramente influenciada por el libro de Alten, La caza del tiburón sólo hecha en falta un elenco de actores algo más convincente y una dirección más arriesgada. Por lo demás, el filme funciona aceptablemente. Ligerita.

BELOW

EE.UU. 2002. 105 min. Dimension Films/Marty Katz Productions/Protozoa Pictures. Color. Dirección: David Twohy. Guión: Darren Aronofsky, David Twohy y Lucas Sussman. Intérpretes: Bruce Greenwood, Olivia Williams y Matt Davis.

Verano del 43. Atlántico Norte. Tras perder a su capitán en extrañas circunstancias, el submarino U.S.S. Tiger Shark se desvía de su trayecto para socorrer un barco-hospital británico que ha sido torpedeado por los nazis. Bajo el nuevo mando del Teniente Brice, los marineros consiguen rescatar a tres supervivientes, entre los que se encuentra la enfermera Claire Paige. Pero pronto las cosas comienzan a empeorar. Mientras son asediados por un destructor alemán, una serie de sabotajes comienzan a sucederse dentro de la nave, al tiempo que inquietantes voces son escuchadas por la tripulación. Aislados en las profundidades junto a lo que parece un ente sobrenatural, Brice y sus hombres deberán desvelar el misterio antes de que los nazis, la falta de aire o la psicosis acabe con sus vidas. Interesante relato dirigido por David Twohy (Han llegado, Pitch Black) e ideado por Darren Aronofsky (Pi, Réquiem por un sueño) que mezcla hábilmente subgéneros tan dispares como los de submarinos y fantasmas. Gran parte de su atractivo se debe a su conseguida atmósfera opresiva y su sosegada dirección. Detrás queda el catálogo de personajes, algo demasiado planos. Titulada inicialmente Proteus y rebautizada para no ser confundida con la cinta de Bob Keen, Below es un sólido filme cuya contención narrativa y elegancia visual lo hacen recomendable. A destacar también la partitura de Graeme Revell (Pitch Black, Blow) y la presencia de Olivia Williams (El sexto sentido, Lucky Break) y Bruce Greenwood (Doble traición, Trece días).

LA CRIATURA

(MERMAID CHRONICLES PART I: SHE CREATURE)

EE.UU. 2002. 91 min. Columbia Tristar Television/HBO. Color. Dirección: Sebastián Gutiérrez. Guión: Sebastián Gutiérrez. Intérpretes: Rufus Sewell, Carla Gugino y Rya Kihlstedt.

Primera de una serie de películas inspiradas en los títulos más sonados de la mítica AIP y destinadas para los mercados televisivo y videográfico. En esta ocasión el filme referente es La criatura de Edward L. Cahn, aunque sus similitudes con ella no van nunca más allá del título. Aquí la historia se desarrolla en la Irlanda de principios del siglo XX, donde Angus y Lily, una pareja de feriantes, sobreviven en espera de un golpe de suerte que les haga ricos y famosos. Su oportunidad llega cuando un viejo marino les muestra una sirena auténtica que guarda en el sótano de su casa y, aprovechando la muerte accidental del anciano, deciden llevársela y embarcarse rumbo a América. La travesía en barco será alterada de súbito cuando la sirena muestre su lado más siniestro y asesino y comience a eliminar a los miembros de la tripulación. El venezolano Sebastián Gutiérrez (El beso de Judas) dirige con acierto esta elegante y entretenida cinta entre cuyas mejores virtudes se encuentran su conseguida atmósfera de época y su absorbente historia. Mención aparte merecen la magnífica encarnación como sirena de Rya Kihlstedt (Solo en casa 3, Deep Impact), que consigue resultar aterradora, así como el brillante diseño de la criatura y los siempre notables efectos de Stan Winston. Un modesto y efectivo a tener en cuenta.

TERROR EN EL ABISMO

(SHARK ATTACK 3: MEGALODON)

EE.UU. 2002. 94 min. Nu Image/Martien Holdings. Color. Dirección: David Worth. Guión: Scott Devine y William Hooke. Intérpretes: John Barrowman, Jenny McShane y Ryan Cutrona.

El apellido de tercer actor principal del filme sería un certero adjetivo para definir esta última entrega de la saga Shark Attack. En esta ocasión nos trasladamos a la costa de Baja California, cuyas aguas están siendo sacudidas por súbitos ataques de tiburón. Ben Carpenter, vigilante de playa, encuentra un enorme diente clavado en uno de los cables de fibra óptica submarinos propiedad de la compañía Apex y lo fotografía. Tras “colgar” la imagen en internet (útil herramienta que el cine suele convertir en máquina todopoderosa), Ben contacta con Cataline, una paleontóloga que asegura que se trata de un colmillo de megalodon, el gigantesco escualo prehistórico. Vigilante y paleontóloga inician entonces la búsqueda del terrorífico y supuestamente extinto animal… Otro cuestionable subproducto de la Nu Image que, a pesar de emplear astutamente al famoso “meg” como reclamo, resulta difícilmente digerible. Con David Worth (Shark, el demonio del mar) de nuevo dirigiendo y con el regreso de Jenny McShane (Shark attack) en un papel diferente al de la primera entrega, la película carece de originalidad y recae en la insulsez de sus predecesoras. A esto hay que añadir ciertas incoherencias narrativas, graves errores de montaje y un total abuso del metraje documental (toda un tradición en la trilogía). Los poco convincentes, pero graciosamente originales, efectos de sintésis (personajes miniaturizados sobreimpuestos a imágenes de tiburones reales), los aceptables efectos digitales y algún que otro chorro de sangre son lo único que merece la pena.

AQUANOIDS

EE.UU. 2003. 78 min. Wildcat Entertainment. Color. Dirección: Ray Peschke. Guión: Mark J. Gordon y Eric Spudic. Intérpretes: Laura Nativo, Rhoda Jordan y Edwin Craig.

Se cumplen dieciséis años desde que Babylon Bay, pueblo de la costa californiana, asistiera a la desaparición de varios de sus habitantes. Ciertas voces locales aseguran que fueron asesinados por horrendos humanoides procedentes del mar, pero ésta es una tesis que pocos comparten. Durante una inmersión, Vanessa, una joven bióloga, tiene la desgracia de toparse con una de estas terroríficas criaturas, y la suerte de poder escapar y dar la voz de alarma. Pero pocos son los que la creen. Ayudada por su amiga Christina, y mientras extrañas muertes comienzan a sucederse, Vanessa intentará concienciar a sus vecinos y exterminar la amenaza marina. Entusiástica y sanguinolenta serie B cuya insuficiencia de presupuesto e ideas propias acaba pasándole factura. Tomando con sumo descaro elementos de Tiburón y Humanoides del abismo, Aquanoids presenta una trama abusivamente plana y una galería de personajes estereotipada (no faltan el periodista hiperactivo y el alcohólico que una vez vió algo que…). Tampoco ayudan mucho unas interpretaciones que rozan lo aficionado, los banales diálogos y la poco impactante apariencia de los humanoides. Por el lado positivo, algunos buenos momentos de acción acuática, una notable fotografía (Peschke ha trabajado como técnico de luces de Oliver Stone y Spike Lee) y variadas escenas sanguinolentas. Divertida a ratos.

RED WATER

EE.UU. 2003. 96 min. Sony Pictures Television. Color. Dirección: Charles Robert Carner. Guión: J. D. Feigelson y Chris Mack. Intérpretes: Lou Diamond Phillips, Kristy Swanson y Coolio.

Basándose en el hecho de que los tiburones toro pueden vivir en agua dulce, Red water intenta de abrir nuevas vías de exploración dentro de las películas de escualos asesinos, olvidando que las características del medio acuático en cuestión distan de ser un aspecto primordial. La historia tiene lugar en el río Atchafalaya de Louisiana, donde John Sanders, antiguo perforador petrolífero, trabaja en su barco pesquero. Allí es visitado por Kelli, su ex-mujer, una científica que está localizando fuentes de gas natural en el río y que requiere de las dotes excavatorias de John. El trabajo de ambos no tardará en ser interrumpido por la llegada de unos gángsters en busca de un botín hundido y de un voraz tiburón toro de apetito desmedido. Rodada en Sudáfrica y concebida para ser estrenada en televisión por cable, Red water es un thriller de acción en el que la bestia acuática juega un papel casi secundario. El tufillo a telefilme (personajes dándole vueltas y más vueltas a conflictos insustanciales) está muy presente, invitando al sueño en más de una ocasión y sólo dejando paso al suspense en el tramo final. A esto hay que sumar la insípida elaboración visual de las escenas de ataque y los cuestionables fx (tiburones mecánicos demasiado mecánicos). Lo único bueno, la honrosa fotografía submarina y la presencia de rostros tan conocidos como los de Lou Diamond Phillips (La bamba, Bats) y el rapero-actor Coolio (Batman y Robin). Pero por lo general, tan falta de sal como el propio río Atchafalaya.

SHARK ZONE

(JURASSIC SHARK)

EE.UU/Bulgaria. 2003. 91 min. Nu Image/Martien Holdings. Color. Dirección: Danny Lerner. Guión: Danny Lerner y Sam Parish. Intérpretes: Dean Cochran, Brandi Sherwood y Alan Austin.

Inasequible al desaliento, la Nu Image vuelve con otro nuevo festival de escualos. En esta ocasión nos ponemos en la piel de Jimmy Wagner, patrullero de una playa de San Francisco que en su día fue testigo de cómo un grupo de tiburones blancos devoraban a su padre mientras examinaba los restos hundidos de un galeón español. Aunque han pasado diez años, Jimmy sigue traumatizado y padece una fobia extrema al agua, trastorno que se agrava cuando nuevos ataques de tiburón comienzan a asolar la playa californiana. Despreciado por el alcalde y presionado por unos mafiosos rusos que quieren recuperar el tesoro del galeón, Jimmy deberá superar sus miedos para enfrentarse a las agresivas bestias marinas. Dirigida por Danny Lerner, responsable de varios filmes de la Nu Image, Shark zone es probablemente una de las peores películas de tiburones jamás rodada. Inferior a cualquiera de la saga Shark attack, lo cual es mucho decir, la película abusa hasta límites insospechados de las imágenes de archivo y no tiene reparos en tomar prestados fotogramas de otros productos de la casa como Octopus. Filmada en una Bulgaria que simula ser San Francisco, con un guión carente de lógica y un trabajo de f/x altamente mediocre. Eso sí, los ataques de tiburón son constantes y suponen todo un récord para el subgénero. La calidad de los mismos, otra historia.

MUERTE EN LAS PROFUNDIDADES

(DARK WATERS)

EE.UU. 2003. 93 min. UFO Films. Color. Dirección: Phillip J. Roth. Guión: Phillip J. Roth y Brett Orr. Intérpretes: Lorenzo Lamas, Simmone Jade MacKinnon y Jeffrey Gorman.

Golfo de México. Una plataforma de perforación submarina es arrasada por un grupo de feroces y, sorprendentemente, inteligentes tiburones blancos. Poco después, Dane y Robin, una pareja de oceanógrafos en horas bajas, son reclutados por las instancias militares para que investiguen el caso. Paso a paso, la pareja comenzará a desvelar una trama que incluye conspiraciones gubernamentales y experimentos biogenéticos con escualos. Un deficiente thriller de acción protagonizado por el incombustible Lorenzo Lamas (Falcon Crest, Body Rock) en el que los tiburones juegan un papel secundario dentro de la historia, siendo totalmente eclipsados por el obligado lucimiento de pectorales de la pareja protagonista. Con el experto en b-movies Phillip Roth (Boa) a la dirección, la película no pasa de ser un burdo rip-off de Deep Blue Sea lleno de situaciones absurdas, malos diálogos e interpretaciones robóticas. Lo menos malo, unos efectos visuales por encima de la media en este tipo de producciones. En definitiva, otra joyita más en la prolífica carrera del “rey de las camas”.

IMPACTO PROFUNDO

(DEEP SHOCK)

EE.UU. 2003. 93 min. UFO Films/DEJ Productions. Color. Dirección: Paul Joshua Rubin. Guión: Paul Joshua Rubin, Brian Mammett y Jeff Rank. Intérpretes: David Keith, Simmone Jade MacKinnon y Mark Sheppard.

El submarino nuclear USS Jimmy Carter es atacado en aguas del Ártico por algo gigantesco que despide emisiones electromagnéticas. Las autoridades son informadas del incidente desde la cercana estación submarina Hubris, con la cual, acto seguido, se pierde toda comunicación. Según pasar las horas, se va descubriendo que hay algo en las profundidades cuya fuerza electromagnética está calentado el océano y provocando un progresivo derretimiento de los hielos. Con el fin de desvelar el misterio y evitar la catástrofe, un grupo liderado por el Capitán Raines y los doctores Fletcher y Chomsky desciende a los abismos… Simpático y modesto filme, claramente inspirado en Abyss, que introduce una nueva criatura dentro del subgénero: las anguilas eléctricas gigantes. Aunque la película no es ninguna maravilla, por lo menos trata de contar una historia (un poco esperpéntica, la verdad), resulta medianamente entretenida y se sitúa por encima de la media dentro de la última hornada de filmes de monstruos acuáticos. Además, los efectos visuales son bastante correctos (si exceptuamos las poco convincentes anguilas) y es de agradecer su falta de pretensiones. A destacar la presencia de David Keith (Brubaker, U-571). Para un domingo sin fútbol.

ANACONDAS: LA CACERÍA POR LA ORQUÍDEA SANGRIENTA

(ANACONDA 2: THE HUNT FOR THE BLOOD ORCHID)

EE.UU. 2004. 97 min. Screen Gems Inc./Middle Fork Productions. Color. Dirección: Dwight H. Little. Guión: John Claflin, Daniel Zelman, Michael Miner y Ed Neumeier. Intérpretes: Johnny Messner, Kadee Strickland y Matthew Mardsen.

Prescindible secuela de la ya muy discutible Anaconda en la que un equipo científico viaja hasta la Isla de Borneo con el objetivo de hallar una extraña variante de orquídea cuyas propiedades se cree podrían alargar la vida del ser humano. Una vez inmersos en las profundidades selváticas, comenzarán a ser asediados y eliminados por terroríficas y gigantescas anacondas. Escrita por nada menos que cuatro guionistas, entre ellos John Claflin y Daniel Zelman (Están dentro), dirigida por el irregular Dwight H. Little (Halloween 4, Señalado por la muerte), y rodada en las Islas Fiji, Anacondas funciona a golpe de cliché y resulta tan poco digerible como su predecesora. Personajes tópicos, diálogos alarmantemente flojos y una trama previsible hacen del filme un producto bastante prescindible. A su favor, unos efectos visuales superiores a los de la primera entrega, algún que otro buen momento de acción, una banda sonora aceptable y unos buenos valores de producción. Como curiosidad, destacar que uno de los primeros esbozos del guión situaba la acción en Nueva Orleans, a cuyas aguas llegaban un grupo de anacondas procedentes del Amazonas. Quizás así hubiese tenido más gracia.

MEGALODON: HAI ALARM AUF MALLORCA

(DER MEGALODON/MEGALODON: KILLER FROM THE DEEP)

Alemania. 2004. 109 min. Action Concept/RTL. Color. Dirección: Jorgo Papayassiliou. Guión: Jörg Alberts, Roland Heep, Frank Koopmann y Don Schubert. Intérpretes: Ralf Möller, Julia Stinshoff y Gregor Bloéb.

Segunda incursión de la cinematografía alemana dentro el subgénero (la primera fue La bestia del lago, un simpático telefilme que por falta de documentación no ha sido incluido en este libro), esta vez sumándose a la reciente moda de las meg-movies y consiguiendo un resultado no muy satisfactorio. La acción de la película se sitúa en la isla española de Mallorca, en cuyas aguas comienzan a sucederse misteriosas desapariciones. Sven Hansen, residente de la isla y antiguo buceador, comienza a investigar por su cuenta y, con la ayuda de la bióloga Julia Bennett, pronto llega a la conclusión de que un enorme megalodon carcharias es el responsable de las muertes en el mar. A partir de ese momento, la pareja no sólo tendrá que combatir a la feroz bestia, sino también a un grupo de criminales que quiere ocultar el auténtico origen de ésta. Una de las muchas producciones de acción que nutren los canales de televisión alemanes y que, como la mayoría de éstas, presenta un nivel de calidad bastante pírrico. Aquí el problema radica principalmente, aparte de en la ya de por sí poco verosímil historia, en la nula capacidad narrativa de sus creadores. Podemos ver como secuencias con cierto suspense son cortadas de golpe, así como son incluidas algunas escenas que rayan el absurdo (la actuación de la cantante germana Janet Biedermann, por ejemplo). Si a esto sumamos un guión rebosante de tópicos, unas interpretaciones bastante acartonadas y unos efectos visuales irregulares, el resultado final no puede ser otra cosa que deficiente. Lo único llamativo, que no destacable, la presencia del musculoso Ralf Möeller (Soldado Universal, Gladiador). También decir que la cadena RTL anunció que el estreno de esta película sería el evento televisivo del año en Alemania.

FRANKENFISH

EE.UU. 2004. 84 min. Bayou Films/Silver Nitrate Pictures. Color. Dirección: Mark A.

Z. Dippé. Guión: Simon Barrett y Scott Clevenger. Intérpretes: Tory Kittles, China Chow y K. D. Aubert.

El forense Sam Rivers y la bióloga Mary Callahan investigan una serie de muertes violentas acaecidas en una zona pantanosa de Louisiana. Las primeras pistas apuntan a algún tipo de extraña criatura que ha ido a parar misteriosamente a las aguas locales. Pronto, en compañía de un grupo de lugareños, Sam y Mary comenzarán a sufrir el acoso de una gigantesca, monstruosa y hasta entonces desconocida especie acuática. Divertida e irregular a partes iguales, esta curiosa serie B juega sus mejores bazas en sus generosas dosis de gore y muertes grotescas, y en alguna que otra sorpresa narrativa. Dirigida por Mark A. Z. Dippé (Spawn), especialista de f/x en filmes como Terminator 2 y Parque Jurásico, la película goza también de unos efectos bastante aceptables para una producción de este tipo. A destacar la presencia secundaria de Muse Watson, el psicópata asesino de Sé lo que hicisteis el último verano y su secuela. Pasable.

SNAKEHEAD TERROR

Canadá. 2004. 90 min. Artsy Fartsy Pictures/Snakehead Pictures. Color. Dirección: Paul Ziller. Guión: A.G. Lawrence. Intérpretes: Bruce Boxleitner, Carol Alt y William B. Davis.

Dos años después de que las aguas de un lago de Maryland, Estados Unidos, fuesen envenenadas para poner fin a una plaga de peces “cabezas de serpiente”, una serie de sangrientas muertes comienzan a sucederse en la zona. Patrick James, jefe de policía del pueblo anexo al lago, comienza a investigar los crímenes con la ayuda de una joven ictióloga, Lori Dale. No tardan en averiguar que los responsables de las muertes son los presuntamente desaparecidos peces snakehead, o más bien, una versión sorprendentemente grande y agresiva de éstos. Eliminar a esta peligrosa especie mutante será tarea ardua… Apañada producción televisiva que bebe narrativamente de clásicos como Humanoides del abismo y Tiburón, y se inspira en las varias apariciones de estos peculiares peces de origen asiático que han tenido lugar en Maryland en los últimos años. Aunque está dirigida con poca soltura y en sus líneas de diálogo abundan las sandeces, Snakehead Terror ofrece generosas dosis de vísceras y hemoglobina (algo poco habitual en un telefilme), dignas interpretaciones y unos f/x medianamente presentables. Paul Ziller (Vigilancia mortal, Tormenta de fuego) dirige el cotarro, y entre sus protagonistas podemos ver al célebre Bruce Boxleitner (Tron, Babilón 5) y a William B. Davis (Expediente X). De consumo rápido.

GHOST LAKE

EE.UU. 2004. 112 min Young Wolf Productions. Color. Dirección: Jay Woelfel. Guión: Jay Woelfel. Intérpretes: Tatum Adair, Timothy Prindle y Gregory Lee Kenyon.

Rebecca, una joven cuyos padres acaban de fallecer en un terrible accidente, viaja hasta Rushford, Nueva York, para pasar una temporada en una casa rural. Una vez allí, Rebecca es testigo de varios sucesos extraños en los alrededores del lago local, un lugar cuya construcción se hizo sobre un pequeño pueblo y supuso el ahogamiento de varios de sus habitantes. Según algunos lugareños, los fantasmas de los ahogados surgen de las aguas cada trece años para cobrarse alguna víctima. Ahora se cumplen de nuevo esos trece años… De la mano de Jay Woelfel (Unseen Evil), llega esta suerte de híbrido entre La niebla y Ondas de choque que, a pesar de su sugerente planteamiento, no acaba de cuajar. Ya sea por culpa de su escaso presupuesto (está grabada en video digital) o por el amateurismo del grueso de sus intérpretes, lo cierto es que el filme llega a resultar algo tedioso y no cumple con lo esperado (el inquietante cartel publicitario prometía). Un par de sustos y algún que otro buen maquillaje es casi lo único destacable. Como curiosidad, decir que el argumento está inspirado en la auténtica historia del Lago Rushford, cuya creación a finales de los años veinte trajo consigo la inundación de un par de pequeños pueblos. Eso sí, parece ser que ningún vecino pereció bajo las aguas.

LA CAVERNA MALDITA

(THE CAVE)

Un grupo de buceadores queda atrapado en un laberinto de cuevas submarinas oculto bajo unas ruinas medievales en un bosque de Rumanía. Una vez allí, los protagonistas no sólo tendrán que apañárselas para volver al exterior antes de que sus reservas de oxígeno se agoten, sino que también tendrán que vérselas con una manada de peligrosas criaturas. Esta inquietante premisa es la que nos ofrece La caverna maldita, un filme de la Columbia Pictures que será estrenado este agosto de 2005. La película ha sido dirgida por Bruce Hunt, director de segunda unidad en Dark City y The Matrix, y está protagonizada por Cole Hauser (Pitch Black, A todo gas 2) y Morris Chesnut (Anacondas: La cacería por la orquídea sangrienta, Los chicos del barrio). El guión lo firman Michael Steinberg (Duerme conmigo) y el novel Tegan West. Esperemos que el bombo promocional que se le está dando al filme esté justificado.

SEA GHOST

(IT WAITS BELOW)

Desde Canadá, y de la mano del prolífico especialista en series B Jim Wynorski (El regreso de la cosa del pantano, Ghoulies 4), firmando aquí como Jay Andrews, está al caer Sea Ghost. La película cuenta la historia de una remota plataforma de perforación que es asediada por la criatura de turno, en esta ocasión un ser de origen alienígena y que parece poseer capacidades miméticas a lo Proteus. A falta de más información, decir que produce Hellfire Productions y el protagonista es Billy Warlock (Society, Los vigilantes de la playa). Otra producción ultrabarata de Wynorski que suponemos irá directa a cable y DVD.

THE KRAKEN

Y tras el pulpo, el calamar. Después de deleitarnos con la saga Octopus, la Nu Image vuelve a la carga con un nuevo animal todavía ausente en su largo catálogo: el calamar gigante. La película cuenta las peripecias de unos cazadores de tesoros hundidos que en su intento por recuperar uno de estos se topan con un colosal y hambriento cefalópodo. Entre los candidatos a protagonista se rumorean nombre como Lorenzo Lamas (Muerte en las profundidades, Falcon Crest), C.Thomas Howell (Rebeldes, Carretera al infierno) y Antonio Sabato Jr. (La caza del tiburón).

RAGING SHARKS

Una nueva oda a los escualos de la mano de la incansable Nu Image. Aunque todavía no tenemos el placer de conocer el argumento del filme, lo que sí sabemos es que está dirigida por Danny Lerner (Shark zone) y cuenta entre sus intérpretes con Corin “Parker Lewis” Nemec (Salto al peligro, Mansquito) y Corbin Bernsen (La ley de Los Ángeles, El dentista). Lo único que podemos garantizar es que el uso de imágenes de archivo de tiburones volverá a ser una tónica. ¿Acaso alguien lo duda?

BLUE DEMON

Regent Entertainment presenta Blue demon, otra más de las ya muchas películas de tiburones directas a video y que presenta una trama realmente esperpéntica. Todo comienza con un proyecto secreto militar en el que se utilizan tiburones blancos alterados genéticamente y controlados a distancia. Alguien sabotea el experimento y los escualos se desmadran completamente. El problema es que uno de ellos lleva incorporada una bomba de neutrones, lo que le convierte en un tiburón-kamikaze que los “malos” intentarán aprovechar con fines terroristas. Protagoniza Deedee Pfeiffer (House III, My family), hermana pequeña de Michelle Pfeiffer, y apunta a ser toda una exhibición de tiburones computerizados.

Algunos bastante resultones, la verdad.

HAMMERHEAD: SHARK FRENZY

Producida por Sci-Fi Pictures y originalmente titulada Sharkman, Hammerhead: Shark Frenzy nos cuenta la historia de un científico que investiga sobre las posibilidades de curar el cáncer empleando células de tiburón. Como es de suponer, sus experimentos acaban saliendo mal, provocando que su paciente comience a transformarse en una abominación a mitad de camino entre hombre y escualo. La historia, que dentro del subgénero puede recordar a filmes como Zaat o la posterior La criatura (Peter Benchley´s Creature), está protagonizada por los populares Jeffrey Combs (Re- Animator, Agárrame esos fantasmas) y William Forsythe (Erase una vez en América, Arizona Baby). Será estrenada este verano de 2005 en el Sci-Fi Channel estadounidense.

CREATURE FROM THE BLACK LAGOON

Versión actualizada de la mítica La mujer y el monstruo que, desgraciadamente, por ahora no aparenta ser más que un rumor, aunque esperamos que pronto se haga realidad. Durante algún tiempo, los mentideros hollywoodienses sugirieron la idea de que el responsable de dirigirla podría ser nada menos que el otrora célebre John Carpenter (La cosa, El príncipe de las tinieblas), pero últimamente los tiros apuntan más en la dirección de Guillermo Del Toro (Cronos, Mimic). Según algunas voces, a Del Toro le apasiona el proyecto y tendría en mente ambientar la historia en plena época victoriana, con un grupo de remilgados expedicionarios ingleses visitando el peligroso Amazonas. Sea quien sea el responsable, lo cierto es que este sería uno de los pocos remakes con algo de sentido de los últimos años. Recemos.

DEEP BLUE SEA 2

(DEEP RED SEA)

Aún inmaduro proyecto de secuela de la ostentosa y divertida Deep Blue Sea que podría volver a contar con la presencia de Renny Harlin, aunque esta vez en labores de producción. El primer guión sobre el que se está trabajando parte de la algo tramposa premisa de que en las instalaciones de Aquatica había nueve tiburones alterados además de los tres que protagonizan la primera entrega. Una vez que complejo experimental se vino abajo, los escualos consiguieron escapar. Ahora, en mitad del océano, unos pescadores consiguen atrapar a uno de estos peces y lo remolcan hasta un centro turístico llamado Atlantis, inconscientes de que los otros tiburones siguen el rastro de sangre de su “compañero” muerto. Pronto, los turistas de Atlantis, entre los que se encuentran Sherman “El predicador” y su esposa, comienzan a ser atacados por los agresivos peces. Las cosas se ponen todavía peor cuando un terremoto azota el lugar y el agua del mar inunda el conjunto hotelero. Sólo una escuadrilla de modernos soldados podrá evitar el festín en masa. En principio todo apunta a una especie de fusión entre el primer Deep Blue Sea, Aliens y El coloso en llamas en el que la acción y los fuegos de artificio volverán a jugar un papel fundamental. Además de LL Cool J, que volvería a interpretar a Sherman Dudley, se especula con la participación de Patrick Warburton (Men in black II, Scream 3), Paul Giamatti (Man on the moon, Entre copas) y el célebre Terence Stamp (Beltenebros, La fragata infernal). Ya se verá.

MEG

Esperadísima adaptación de la espectacular (quizás en exceso) novela homónima de Steve Alten que podría hacerse realidad en unos pocos años. Para los que no la hayan leído, decir que MEG narra la historia del Jonas Taylor, un oceanógrafo que es testigo directo de la emersión de un gigantesco megalodon carcharias desde las profundidades de la Fosa de las Marianas y que tiene que poner su vida en juego para poner fin a las violentas acometidas de la bestia contra ballenas y humanos. Los derechos cinematográficos del libro fueron adquiridos en su momento por Hollywood Pictures, pero tras el poco deslumbrante éxito de Deep Blue Sea, la productora optó por congelar la producción y el plazo de cesión de derechos caducó. Esperemos que pronto otro gran estudio de vía libre a este interesante proyecto que, según las preferencias del propio Steve Alten, podría contar con Kurt Russell (La cosa, Golpe en la pequeña China) y Danny Glover (El color púrpura, Arma letal) como pareja protagonista. Según las últimas noticias, la New Line Cinema ha comprado los derechos de la obra y se está barajando un proyecto que podría contar con Jan De Bont (Speed, La guarida) en la dirección y Guillermo del Toro en la producción. Se rumorea que podría estar lista para verano de 2006.

CRUSH DEPTH

Futuro, y todavía algo incierto, proyecto de la productora 100% Entertainment, responsables de Megalodon. Se trata de una aventura de ciencia-ficción en la que un grupo de oceanógrafos y ufólogos liderados por un tal Doctor Prescott explora los recovecos más profundos del Océano Atlántico en busca de una bacteria tóxica clave para la comprensión de la vida en otros planetas. Pero lo que acaban encontrando los científicos son feroces criaturas de origen extraterrestre y corte anfibio que se las harán pasar canutas. El filme, escrito por los desconocidos J.P. Donahue y Kevin Polay, será posiblemente dirigido de nuevo por Patt Corbitt. También se rumorea que Robin Sachs podría volver a tener un papel protagonista. Visto lo que tardan las post-producciones en 100% Entertainment, tardaremos varios años hasta que la podamos echar el ojo.

Depósito Legal: M-47.617-2003

Carlos Burgaleta Pérez

E-mail: carburgaleta@yahoo.es

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02/09/2010