Índice

Introducción

1. El taller ideal

2. La emisión de la voz

3. Poner a punto nuestra voz

4. Cantar es expresar

5. A la hora de cantar

6. La experiencia final del taller. El escenario

7. Ha llegado el gran día

8. Cantar a todas horas

Biblioteca de temas según niveles

Vocabulario básico

Bibliografía

ALBA

Kirby Navarro, natural de Plasencia, se forma vocalmente en Madrid con Lucía Simón, María Luisa Castellano y Vicente Fuentes (de quien también recibe clases de interpretación), y en Barcelona con Fernando Bañó. Como cantante-actriz profesional, en teatro musical, le avala una extensa experiencia por su participación en obras como Los Miserables (dirección de Ken Caswel y Vicente Fuentes), Sweeney Todd (dirección de Mario Gas), Càndid (dirección de Xavier Albertí), La Maja de Goya (dirección de Vicente Fuentes), La Bella y la Bestia (dirección de Dan Mojica) o Ensayo General (dirección de J. M. Cifuentes), entre otras.

Comienza su experiencia docente en 2002 como entrenadora vocal en varios estilos. Es la creadora del proyecto En canto, basado en cursos de canto aplicado al teatro musical.

Paulina Fariza es licenciada en periodismo por la Universidad Autónoma de Barcelona, vinculada a las artes escénicas y el canto desde hace más de veinte años. En su aprendizaje han colaborado valiosos maestros con diferentes técnicas vocales: Yiya Díaz, Quim Proubasta, Lottie Lewis, Marisol Morales y Carol Rosenberg, entre otros. En cuanto a la formación actoral, Enrique Ibáñez, Boris Rotenstein y Xavier Albertí, son algunos de sus mentores. Ha creado, actuado y cantado en los espectáculos Canciones a la carta, Cinema Expréss, Chomsky Show y Pernassos del grupo vocal Stupendams.

Queremos agradecer la generosa colaboración de Ramon Vilalta y Esteban Navarro. 

Nuestro agradecimiento también a Idoia Moll por su confianza.

Introducción

En el Taller de canto que proponemos, nos planteamos algo muy sencillo: que todos los participantes puedan cantar y disfrutar con ello.

Todo el mundo puede cantar. Muchas frases coloquiales hacen alusión a que cantar es una de esas expresiones más íntimas y esenciales del ser humano: «Quien canta su mal espanta», «Cuando canta parece que llora». ¿Quién no lo ha oído decir? Por otra parte, se refieren también al hecho de que cantar está estrechamente vinculado con las emociones, y nada más cierto. Decimos: «Se me hacía un nudo en la garganta» con referencia a que estábamos demasiado emocionados para que nos saliera la voz o: «Estaba tan alegre que no paró de cantar». Es por eso que cantar, justamente, tiene mucho de liberación corporal y también emocional. Además, físicamente, cantar activa la respiración consciente, lo que siempre redunda en la salud y el bienestar general. Así pues, nuestro taller, con poco esfuerzo, se convertirá en un encuentro de expansión vital y de creación artística. Por lo tanto, los beneficios de un taller de canto están asegurados.

Se trata de un espacio abierto a todo tipo de personas que tengan interés en el canto, sea cual sea su nivel. A lo largo de la vida, algunas personas dejan de cantar sin saber exactamente por qué y años más tarde recuerdan cómo disfrutaban, y quieren ver cuáles son sus posibilidades de volver a sentir aquel placer olvidado y, ¿por qué no?, aprender a hacerlo bien. En ocasiones, se trata de personas que cantaban de forma espontánea en la primera infancia y luego olvidaron cómo hacerlo. Ese «olvido» puede estar relacionado con la crítica feroz, «si cantas lloverá», «vete con la música a otra parte», etc., por lo que es muy importante que al liderar un taller de canto se establezca un clima de libertad y respeto para estar seguros de que no se inhibe la expresión dormida o bloqueada de ningún participante. Sin embargo, ese «olvido» también puede estar relacionado con otras razones, por ejemplo que la persona haya desarrollado otros intereses, descuidando el canto sin más razón que la puramente práctica. Habrá quien, por el contrario, acudirá al taller en busca de un lugar donde perfeccionar conocimientos ya adquiridos y ahondar en su propia investigación vocal y artística.

En cualquier caso, la intención de Taller de canto es poder ofrecer un espacio de experimentación y aprendizaje vocal en el que todo aquel que participe disfrute del placer de cantar y de mostrar su aprendizaje en público. Para ello, intentaremos ofrecer algunas herramientas que faciliten la emisión vocal y sirvan a los cantantes para que su sonido «particular», el que cada cual tiene por sus características físicas, mejore sensiblemente, así como su sentido musical y expresivo. La parte escénica nos ayudará también a vivir una experiencia única al final del taller, disfrutando de la riqueza que significa la expresión musical con un objetivo.

De manera similar a como ocurre con la danza o con otras disciplinas de las artes en general, el canto, en su máxima expresión, requiere años de dedicación, constancia y autoobservación, pero también es cierto que se puede aprender mucho y disfrutar con poco esfuerzo. Ése es el espíritu que queremos imprimir a nuestra tutoría para que tú puedas liderar un taller dinámico, alegre y atractivo, y valides con él el dicho de «Quien canta su mal espanta».

Para que tu tarea sea más sencilla, puesto que no siempre se dispone de piano y pianista en el aula, te ofrecemos, ejercicios en cada apartado para trabajar en grupo o de forma individual. Algunos están destinados a mejorar la vocalización, otros serán útiles para la sonorización y, finalmente, los hay destinados a ganar expresividad y que las canciones comuniquen y emocionen.

En la primera parte de Taller de canto, nos ocuparemos de algunas cuestiones teóricas, es decir, en qué consiste la emisión vocal. Después ofreceremos ejercicios que ayuden a calentar la voz para que esté disponible, antes de empezar a interpretar. A partir de ese primer trabajo, enfocaremos la propuesta para que todo aquel que participe encuentre su comunicación personal a través de las canciones que elija. Para ello, habrá que profundizar en los textos, constatar las circunstancias en que se inscriben las canciones y, desde luego, ver la relación que tiene un determinado tema con su intérprete, para aprender a «decir» cantando y así llegar a transmitir emoción, apoyándonos en las nociones técnicas que hayamos aprendido. Al final del libro hemos dedicado una parte al juego teatral y a la experiencia escénica. Usa el material según la forma que le des a tu propio taller, pero la propuesta es que cantar y actuar resulte un juego conjunto placentero.

1. El taller ideal

En nuestro taller ideal vamos a trabajar una canción de la infancia y otra que cada cual tenga el deseo de ofrecer en público. Ése es el material que nuestros participantes deben haber elegido antes del inicio del taller. Arranca el taller según tu criterio y las necesidades del grupo, pero nuestro consejo es que dividas las sesiones en dos partes: una más técnica y otra en la que los participantes muestren sus canciones a los compañeros, es decir, que en cada sesión haya un buen tiempo reservado a cantar.

A efectos prácticos, el aprendizaje del canto resulta más eficaz si se hace espaciado en el tiempo, impartiendo, por ejemplo, dos horas semanales en lugar de una sesión diaria, ya que casi siempre hay que hacer reeducación postural, lo que lleva un tiempo de asentamiento físico. También se debe al hecho de que en muchos casos los cantantes tendrán que estudiar y, si pueden tomarse unos días para ello, se facilita la dinámica. Sin embargo, tú, la persona que se va a ocupar de impartir el taller, podrás adaptar más tarde los ejercicios y el material que extraigas del libro de la forma que consideres más conveniente, según tus necesidades.

Para la muestra final, si dispones de un escenario profesional con equipo de luces y sonido mejor que mejor; eso hará que la experiencia sea más completa. En caso contrario, ofrezcamos nuestro trabajo en las mejores condiciones que podamos, aunque sea para familiares y amigos al final del taller. La muestra final estimula el aprendizaje y permite experimentar la emoción que produce cantar en público. Para comprender esa comunicación especial que se produce en el escenario solo existe una manera, y no hay atajos: vivirlo.

Crea tu propio taller

Si te propones liderar un taller, es necesario que hayas experimentado de forma vivencial el canto, de otro modo las pautas resultarán poco naturales. Sin embargo, eso no significa que con las herramientas adecuadas no se pueda lograr un espacio de liberación vocal donde todo el mundo disfrute cantando y presentando su canción en público.

En las primeras sesiones vale la pena abordar algo de teoría vocal. Y en cada una –independientemente del formato que se le quiera dar al propio taller–, proponer ejercicios para calentar la voz y poner el cuerpo a punto antes de cantar. Combinar la técnica con la práctica es siempre una buena idea, pero el grupo irá marcando sus propias necesidades, y es tarea del coordinador adecuar el material al curso de los acontecimientos.

Puede que algunas personas no quieran mostrar su trabajo en público, no te extrañe. También puede suceder que otros prefieran hacer los ejercicios y no cantar sus canciones ni tan siquiera en el taller. Si eso sucede, no significa que no disfruten del aprendizaje ya que muchas personas, de una forma algo más pasiva, perciben los beneficios de la experiencia más tarde, cuando el taller ya ha pasado. Respetar el deseo de los participantes es muy conveniente, ya que estamos abriendo un espacio para disfrutar y no para ser virtuosos, nuestro consejo es que respetes el deseo de cada cual.

Elementos necesarios

• Conexión a Internet.

• Portátil.

• Biblioteca de pistas de karaoke.

• Un espacio con un espejo de cuerpo entero.

• Esterillas para poderse tumbar en el suelo.

• Ropa cómoda.

• Pelota, globos, velas, campana, etc.

• Instrumentos de percusión.

El espacio debe permitir que los alumnos puedan moverse con libertad, ya que tenemos algunas propuestas de movimiento a la hora de trabajar el cuerpo. Las esterillas o colchonetas serán especialmente útiles para trabajar la respiración. Por lo demás, hay ejercicios en los que proponemos materiales diversos que, según sea tu elección, a la hora de plantear los ejercicios, deberás buscar.

Un taller, muchos niveles

Hemos dedicado un apartado especial a la primera sesión, ya que es el momento en que el grupo se va a conocer y, por primera vez, vamos a oír cantar a cada uno de nuestros participantes.

Puesto que la dinámica lúdica y de respeto es la clave del éxito, te ofrecemos algunos juegos para que la comunicación y la empatía sean la base del taller.

–La pelota

Sentados en círculo en el suelo, nuestros participantes se pasarán una pelota rodando por el suelo. Al lanzarla, la primera persona dirá: «Me llamo», y pronunciará su nombre en voz alta, hasta que todo el mundo se haya dado a conocer. En la segunda ronda, los participantes pueden responder a, por ejemplo: «He venido a este taller porque...» Podemos hacer tantas rondas como queramos, respondiendo a otras preguntas: «Hoy me siento...», «Me gusta...». Este juego se puede prolongar hasta que se desee.

Puesto que ya todo el mundo conoce el nombre de los demás y algunas características personales, podemos proponer una ronda en la que los participantes dirijan la pelota a otra persona en alusión a ella. «Paloma me recuerda a...» «Me gusta su...» De esa forma comenzarán a surgir vínculos.

Ya sea a través del juego o simplemente propiciando la conversación, es importante que todo el mundo explique qué quiere lograr en el taller. Cuanto más definidos sean esos objetivos, mejor podremos ayudar a nuestros participantes a dar el máximo de sí mismos cuando se enfrenten a una canción.

Una vez tengas al grupo familiarizado entre sí y antes de comenzar a cantar, usa un juego para sensibilizar la percepción auditiva. Con este ejercicio activarás la atención para que el grupo se muestre más receptivo para apreciar el sonido particular de los compañeros, por muy sutil y delicado que sea.

–¿Qué suena?

Los participantes se situarán en círculo con los ojos cerrados y tú harás sonar diferentes instrumentos de percusión para que el grupo los escuche y adivine. Te proponemos una campana, un palo de agua, una maraca, un silbato. Procura huir de las estridencias. Hay bancos de sonido en Internet donde también encontrarás el ruido de las olas, de un tren, de abejas, etc. Introduce luego sonidos de diferentes instrumentos melódicos: un violín, un saxo, etc. Una vez hayan jugado a adivinar, ofrece los sonidos de nuevo, esta vez solo para que los escuchen y se sumerjan en ellos.

Prolonga el juego cuanto quieras y pronto tendrás al grupo listo para escuchar de forma sensible. Salir de las estridencias cotidianas y entrar en un universo sonoro diferente ayuda a adentrarse en la propia práctica.

Ha llegado, pues, el momento de mostrar la canción infantil que les hemos pedido. Hacerlo frente a desconocidos requiere sentirse con la confianza de ser escuchado, por esa razón «Quién suena» es una buena antesala para empezar a cantar y a escuchar a los demás.

Romper el hielo

Cada uno de los participantes cantará a capela por primera vez. El tema elegido, a buen seguro, estará relacionado con recuerdos, posiblemente, gratos y olvidados en el tiempo. Tal vez recreaciones de niños, y no tan niños, subidos en un cajón para sentirse en un escenario con las cortinas de la habitación como telón, ante la muda audiencia de muñecos como público, guardando celosamente el secreto de las actuaciones. Se trata, pues, de recuperar o entrever esa «magia». Verás cómo detrás de cada interpretación hay una historia interesante. Deja que cada cual la cuente.

En este primer pase es importante no interrumpir a nadie. Al final de cada interpretación, cada uno en su turno puede explicar por qué ha elegido ese tema, qué le evoca. Es el momento de saber cuándo se despertó el deseo de cantar en nuestros participantes, esos detalles compartidos irán tejiendo la confianza del grupo. Nosotros, como líderes, también debemos estar muy atentos para detectar qué tiene esa voz de particular, que la hace distinta a todas las otras. También debemos fijarnos en la actitud corporal de la persona, si tiene tics posturales (hay personas que ladean la cabeza sin darse cuenta o que fruncen la frente antes de dar una nota aguda, etc.), que a lo largo del taller se irán modificando. Se trata de una información clave respecto a cómo se enfrenta a cantar ante un público cada uno de los cantantes. Sin duda, habrá sorpresas: tímidas que se transforman en primas donnas, dicharacheros que enmudecen, buenísimos cantantes que sobrepasados por su emoción desafinan sin poder evitarlo, y también talentos naturales que se muestran por primera vez. ¿Quién no ha oído a personas hablar con un hilillo de voz y, sin embargo, cantan como auténticos profesionales cuando creen que nadie los escucha? Bien, será el momento de ver qué pasa. Prepárate para escuchar nanas, canciones de juegos infantiles, músicas de series de televisión y hasta de anuncios publicitarios. Sobre todo, es importante que todo el mundo explique por qué ha elegido esa canción, cómo se ha sentido y, una vez más, qué quieren lograr en el taller.

Las dificultades pueden ser muy variadas:

– Se me ha ido la letra. (Véase el texto y el escenario.)

– Me he quedado sin aire. (Véase la respiración.)

– No llego a esa nota. (Revisar más adelante el tono para el tema.)

– Me da mucha vergüenza. Me he sentido ridículo. (Véase juegos teatrales.)

– No sé ni lo que digo. (Véase texto.)

En este primer encuentro se trata solamente de conocer el sonido particular de cada cual y de que el grupo también lo conozca y pueda apreciar las diferentes voces de que se compone. Se trata tan solo de dejar que cada cual recupere con su canción algo del recuerdo infantil.

Si lideras un grupo de adolescentes o, simplemente, de personas que a causa de los nervios no consiguen concentrarse ni escuchar, puedes usar una campana o algún juguete sonoro y activarlo cuando se monten corrillos o risas, en un aparte. Como la falta de confianza es un obstáculo que se interpone a menudo en la interpretación de las canciones, con ese mismo juguete puedes frenar frases como «Es que como tengo la voz muy fea...». Suena la campana. «Es que no sé cantar.» Campana. «Siempre desafino.» Campana. Es un recurso infantil muy eficaz para una dinámica divertida, pero respetuosa, de la que el grupo se verá beneficiado.

Puesta a punto

Tras oír a nuestros cantantes en la interpretación inicial, antes de pasar al siguiente intérprete, vamos a buscar esa pista del tema que desean cantar como segunda opción. En esta primera sesión solo se trata de dejar el material preparado para el trabajo que se desarrollará a lo largo del taller y que culminará en la muestra con público.

Como hemos apuntado en la introducción, la segunda opción debe pertenecer al «deseo», es decir, debe ser una canción que cada cual quiera cantar y mostrar en público. Un tema cuya preparación produzca verdadera ilusión. Esa ilusión impulsará al cantante a aplicarse en hacerlo bien y a tener el coraje de enfrentarse a sus limitaciones vocales. Casi inmediatamente, veremos que el tono de un determinado tema debe ser transportado ya que no se adecúa a la tesitura del cantante. Puede también que entrañe demasiada dificultad para un determinado participante. Respeta, dentro de lo posible, cada una de las elecciones y tómate tu tiempo para que cada cual ajuste su decisión, ésa es la clave, pero si consideras que hay que hacer cambios, no dudes en proponerlos. Si alguien ha elegido un determinado estándar de jazz de gran dificultad, ofrece otro más sencillo del mismo estilo. Si la elección ha sido de canción española, haz lo mismo.

Aprovechando las facilidades que nos ofrece Internet, usa la extensa biblioteca de playbacks que te ofrece la red. Si no encuentras un tema concreto, podrás ofrecer alternativas para tus alumnos, en función de sus intereses y sus posibilidades vocales. Pero, naturalmente, todo dependerá de las pistas que encuentres. Hay muchísimas. Entra en Google y busca por el título de la canción y añade la palabra karaoke o instrumental, te sorprenderás.

Es posible comprar pistas en Internet por muy poco dinero, podrás también ajustar el tono. Es una solución muy práctica con la que podrás crear tu propia biblioteca. Pero puesto que la red ofrece cambios constantes, aventúrate por los foros para hallar la mejor opción.

Busca, pues, las pistas y ajusta los tonos que creas que deben modificarse. Es decir, pon el material a punto para emprender el trabajo del taller en las siguientes sesiones.

Ahora el grupo ya se conoce, cada uno ha explicado su relación con la música, también ha cantado su canción de la infancia frente a sus compañeros y, lo que es más importante, las pistas y los temas están a punto para poder trabajar. Por lo tanto, arranca el taller de canto que más te convenga, según horas de que dispongas y las necesidades que el grupo te vaya marcando.

2. La emisión de la voz

Nos adentramos ahora en aspectos de fisiología vocal y en ejercicios que nos hagan «sentir» nuestra voz en todo el cuerpo.

La producción de la voz surge de la vibración de las cuerdas vocales, cuando el aire pasa entre ellas. Éstas se hallan en la glotis, dentro de la laringe, órgano de la emisión vocal o fonación y que se ubica en el interior del cuello.

Como cualquier órgano en nuestro cuerpo, la laringe requiere de «tranquilidad» para realizar su función, es decir, no necesita ninguna intervención por nuestra parte, ya que esto solo provocaría dificultad en el funcionamiento. Nuestra atención estará centrada en las partes del cuerpo que iremos descubriendo seguidamente, las cuales asumen la correcta ejecución vocal potenciando el apoyo y la resonancia, y permiten que nuestra laringe trabaje en libertad.

Cuerdas vocales (pliegues vocales): Cada una de las dos bandas de tejido elástico y fuerte que se encuentran situadas en la laringe. Producen la vibración del aire.

Toda voz bien emitida necesita de un pilar fundamental: el apoyo.

El apoyo es la acción que realizan los músculos abdominales para que el aire en los pulmones se sustente sobre el diafragma. Sentiremos la presión ejercida «hacia abajo» tanto al inspirar como al espirar el aire.

Diafragma: Músculo membranoso (en forma de paracaídas) que separa la cavidad torácica de la abdominal.

El apoyo respiratorio es imprescindible en la fonación y no solo en la entendida como tal, también cuando estornudamos, lloramos, reímos, gemimos, soplamos..., acciones donde puede haber o no sonido del aire en vibración, por ejemplo: soplar las velas de una tarta constituye un gran apoyo para llevar a cabo el objetivo.

Como ejercicios para entender y sentir con mayor facilidad la función del apoyo recomendamos:

– Inflar globos. Sentiremos claramente qué ocurre en el abdomen cuando inspiramos el aire por la nariz y lo expulsamos por la boca con el objetivo de llenar el globo. Podemos intervenir en la espiración realizándola de forma continuada o interrumpiendo la salida del aire a intervalos cortos (stacatto o picado). Seguidamente llevaremos a cabo el ejercicio emitiendo sonido mientras llenamos el globo, incluso, si queremos, entonando alguna melodía. Es conveniente que una mano esté en todo momento sujetando la boquilla del globo ya que, de otra forma, es muy probable que se tense el cuello, algo que debemos evitar siempre. La otra mano puede estar sobre el abdomen o sobre los intercostales.

– Provocar jadeo, como si imitáramos a un perro en un día de calor.

– Inducir la acción muscular de un «susto» (golpecito abdominal), seguido de una emisión en la nota que elijamos. Habremos tomado el aire con respiración baja (la correcta respiración en el canto –véase «Activar la respiración: la base»–) y sentiremos así la buena ejecución.

– El papel sobre la pared. Colocamos un papel en una pared, en un cristal de una ventana o en un espejo, lo soltamos y soplamos inmediatamente sobre él, de forma que no caiga al suelo durante el mayor tiempo posible. Realizamos el ejercicio varias veces, tomándonos el tiempo necesario para recuperarnos del esfuerzo en los intervalos.

– El perfume de la rosa. Para sentir el apoyo de forma más lenta recrearemos la aspiración del perfume de una rosa: con una mano apoyada sobre el abdomen, tomamos aire por la nariz profunda y silenciosamente con respiración abdominal. Observamos cómo se abren las aletas de la nariz y cómo la barriga sale hacia fuera. Los hombros no se levantan, permanecen relajados. Recreamos mentalmente el perfume de la rosa. Luego exhalamos el aire por la boca.

Antes de emitir el sonido o simultáneamente a la emisión, acudimos a la posición del inicio de bostezo (sin provocarlo) en nuestra garganta. Si cuando practicamos nos vinieran ganas de bostezar, hagámoslo sin represión alguna cuantas veces sea necesario. Al provocar la posición del inicio del bostezo, el paladar blando se eleva, la mandíbula se abre y la lengua y la laringe están en posición baja. El hueco provocado potenciará el resonador móvil que constituye la cavidad bucal y asegurará una emisión sin riesgo de hacerse daño en la laringe. Sentiremos la resonancia o amplificación del sonido en el paladar duro y, por extensión, en los senos paranasales y huecos de la calavera, que actúan como resonadores de nuestra voz (véase ejercicios del apartado «Descubrir nuestra resonancia: los resonadores»). Repetimos que es imprescindible y absolutamente necesario permitir que nuestra laringe realice su función sin añadir tensiones innecesarias, e intentar controlar aquellas que surgen paralelas al hecho de hablar o cantar. El primer paso sería descubrir estas tensiones añadidas, para poder neutralizarlas incluso antes de que afloren. Para que la emisión vocal se produzca en libertad debemos entrenar tal y como vamos indicando en este taller, nunca en el cuello y, por ende, en la laringe.

Ejercicios para mantener el cuello libre:

– Con los ojos cerrados intentamos focalizar y sentir el cuello, recreando cómo se aleja cada vez más de la clavícula sin tensión alguna.

Cualquier acción física nos servirá de entrenamiento si ponemos toda nuestra atención en soltar el cuello:

Trasladar objetos de sitio.

Pelar una naranja.

Escribir a mano.

Dibujar...

– Para entrenar con la emisión vocal podemos practicar recitando varios trabalenguas lo más enrevesados posible, focalizando nuestra atención en el abdomen y en la expansión del paladar blando o velo palatino (parte blanda posterior del paladar).

Ejemplo:

El arzobispo de Constantinopla,
se quiere desarzobispoconstantinopolitanizar,
el desarzobispadorconstantinapolitanizador
que lo desarzobispoconstantinopolitanice,
buen desarzobispadorconstantinapolitanizador será

Es muy importante mantener una buena higiene postural. Podemos decir que el cuello deberá estar libre para que la cabeza pueda mirar hacia delante e ir hacia arriba, y la espalda se elongue y se ensanche (relación cabeza-cuello-espalda). Mantener esta relación resulta fundamental y evitará lesiones en la laringe. A lo largo del taller y a través de ejercicios diversos iremos descubriendo cómo la actitud corporal facilita y potencia la emisión de la voz.

No olvidemos que el cuerpo es nuestro instrumento para cantar, por lo tanto debemos mantenerlo a punto.

La postura correcta permite libertad en la respiración, los movimientos y la emisión de la voz. El cuerpo está equilibrado.

Antes de comenzar a cantar recomendamos aludir a lo que llamaremos las tres direcciones:

1. Desde las lumbares sentiremos una fuerza que nos dirige hacia el suelo.

2. Desde el abdomen hasta la clavícula buscaremos el cielo.

3. Sintiendo el cuello libre, los ojos miran al horizonte.

Todo lo expuesto puede parecer una tarea difícil... pero no lo es tanto. Si nos observamos, comprenderemos que estamos diseñados para funcionar perfectamente, también en la fonación. Permitamos que ocurra sin «añadir» dificultad. Hay llaves para allanar el camino, y están en nosotros mismos, principalmente en «dejar de hacer». La autoobservación es imprescindible. Se trata de potenciar lo que ya tenemos y de respetarnos mucho en nuestras limitaciones. Poco a poco iremos ampliando capacidades. Este taller nos será de gran ayuda para ir desvelando los secretos de una voz libre y timbrada. ¡Disfrutemos del viaje!

Cómo cuidar nuestra voz

Nuestra voz es nuestro instrumento de comunicación por excelencia y, en la mayoría de las profesiones, la herramienta de trabajo.

Un mal uso continuado puede llevarnos a padecer patologías como nódulos, pólipos o edemas, por citar las más habituales.

Hablar por encima de nuestras posibilidades en ambientes de mucho ruido o de música excesivamente alta nos supone un sobreesfuerzo vocal que no deberíamos estar dispuestos a sufrir bajo ningún concepto. Frecuentar ambientes de ocio en estas condiciones supone un desgaste que poco a poco va deteriorando las cuerdas vocales y el tímpano, tesoros preciados en un cantante, un actor o un locutor, y en los aspirantes a serlo.

La diversión no está reñida con el bienestar de nuestro aparato fonador, tan solo hemos de escoger dónde divertirnos sin pagar el precio de la lesión, máxime en nosotros, que tanto disfrutamos con nuestra voz. El tabaco y el alcohol en exceso son otros dos enemigos de la laringe, debemos extremar la precaución, si no eliminarlos en la medida en que nos sea posible.

Debemos evitar además:

– Las bebidas muy frías o muy calientes.

– Las especias demasiado picantes.

– Los cambios bruscos de temperatura.

– Forzar la voz en general, pero sobre todo cuando tengamos alguna afección tanto en la garganta como en las vías respiratorias (faringitis, laringitis, bronquitis...).

– Alimentos que puedan contribuir a que el ácido del estómago se desplace por reflujo hacia la garganta, tales como el chocolate, el café o el té.

– El estrés, que puede llevar a una excesiva producción vocal, tanto por la rapidez con que podamos llegar a expresarnos como por la intensidad de la emisión, dando paso a disfonías o afonía (ausencia total de voz). También se puede presentar en estas formas sin haber forzado la voz.

Recomendamos:

– Incluir en nuestra dieta alimentos que contengan vitaminas A, E y C.

– Tratar los catarros hasta que desaparezcan.

– Prevenir, en el caso de usar mucho la voz en el ambiente laboral, complementando nuestra dieta adecuadamente con vitaminas, y/o oligoelementos, debidamente prescritos por un profesional.

– Ingerir infusiones relajantes.

– Dormir al menos ocho horas durante la noche.

Cuando las cuerdas vocales estén cansadas o dañadas, el mejor remedio es el silencio.

Si antes de una actuación se padece algún síntoma como los descritos, se habrá de sopesar, con la ayuda experta de un médico, si se puede llevar a cabo.

El oído, «director de la orquesta»

«Nuestra voz solo reproduce lo que el oído puede escuchar.» A propósito de la afirmación del investigador Alfred Tomatis, cabe aclarar que no todo lo que escuchamos podemos reproducirlo con la voz, ya que depende de nuestra fisiología vocal. Las condiciones genéticas de nuestras cuerdas vocales limitarán la reproducción de determinados sonidos, y podremos reproducirlos o no por una cuestión de tesitura innata.

Si prestamos atención a educar nuestro oído, mejoraremos rápida e inconscientemente la emisión vocal. Podríamos decir que «el oído es el director de la orquesta», y la función de la voz es responder a lo que éste procesa.

Escuchar minuciosamente una canción, el idioma en que está interpretada o el timbre de quien canta nos llevará a reproducir el tema tal y como lo hemos procesado por el oído. Es completamente normal que se produzca imitación al cantante, es normal y conveniente, siempre que el cantante a imitar pueda ejercer de maestro inconsciente a través de una buena emisión vocal. Al mismo tiempo, educar nuestro oído y nuestra emisión nos permitirá descubrir poco a poco las «coordenadas» de nuestra voz y potenciar nuestras condiciones.

Podríamos decir, pues, que el primer paso de la emisión vocal es la escucha. Conviene dedicar mucho tiempo a escuchar; cuanto más y mejor escuchemos, mejor emitiremos nuestra voz.

Ejercicios:

– Con los ojos cerrados, nos concentraremos en todos y cada uno de los sonidos que seamos capaces de escuchar, por sutiles que éstos sean. Podemos hacer este ejercicio por parejas y enumerar después los sonidos que hemos registrado. Siempre habrá sonidos que unos escucharon y otros no.

– Escuchemos varias veces una pieza de música instrumental, tratando de centrar nuestra atención en un instrumento diferente cada vez y seguir su melodía. No es necesario conocer de qué instrumento se trata, basta con seguirlo durante toda la pieza. Este ejercicio requiere concentración. Hagámoslo sin prisas, fomentando que nos procure bienestar. Realizar este ejercicio con frecuencia potenciará nuestra capacidad y nos hará disfrutar de la música en otra dimensión.

– Que el grupo pasee por el aula cantando una canción, la que a cada cual se le ocurra, para cambiar a otra cualquiera, al cabo de un rato. El aula se llenará de melodías entremezcladas. Más tarde, cada cual intentará recordar el mayor número de melodías posible. Entre todo el grupo se acabará por reconstruir el repertorio completo del paseo.

La proyección

Proyectar significa lanzar, dirigir hacia delante a más o menos distancia. No debemos confundir proyección con potencia; podemos proyectar el sonido haciendo un piano, un medio o un forte. El concepto tiene que ver con la claridad y con la inteligibilidad con que los oídos receptores recogen el sonido, la palabra. Proyectar no es emitir a mayor volumen, de ahí el riesgo de que, al intentar proyectar confundiendo el término, a menudo se acabe gritando, y no se trata de eso.

Para realizar una correcta proyección es necesario optimizar el proceso de fonación apoyando el sonido sobre el diafragma y evitando tensiones innecesarias, sobre todo en nuestro cuello, lo que daría paso a tensar incorrectamente los músculos de la laringe (dada su importancia, esta frase la repetiremos varias veces a lo largo del taller). Atención a la lengua, debe estar, asimismo, «acostada» coadyuvando en la resonancia y dejando paso a la voz.

Ejercicios para la correcta proyección:

– Con el sonido (sílaba, vocal, palabra) que escojamos, lanzamos la voz contra la pared posicionándonos a diversas distancias. Haremos lo mismo a varios volúmenes.

– El mismo ejercicio, contra objetos, recreando la intención de romperlos o moverlos de sitio.

– Imitamos a un/una cantante de ópera con sonidos que inventemos, o con la vocal «O» efectuando giros de 180º sobre nosotros mismos y lanzando la voz a todas las direcciones a la altura de nuestra boca.

– Utilizaremos un gran número de onomatopeyas con un objetivo en la dirección: el suelo, el techo (sin posicionar el cuello hacia atrás), la puerta, fuera de la ventana... Ejemplos: el sonido del reloj, del timbre de un bicicleta, un violín, una batidora, el canto del gallo, un trueno..., toda clase de sonidos que emitiremos de forma orgánica y que fluyen con legitimidad, con la finalidad de que se reconozca lo que estamos imitando. Así estaremos creando un mundo mágico y real a la vez desde el juego, despojándonos de tensiones innecesarias y prejuicios, y, lo más importante, estaremos proyectando nuestra voz correctamente.

La imitación: los ídolos

El apartado anterior nos lleva a hablar de un asunto importante. Vamos a decirlo de entrada: es muy bueno tener ídolos. Casi diríamos imprescindible e inevitable. Todos hemos empezado a cantar siguiendo a algún cantante que nos ha llamado la atención. Si uno tiene un ídolo (o varios), lo escucha a todas horas, docenas, cientos de veces. Hay un montón de aspectos de la técnica vocal, la interpretación, la emisión, el gusto musical... que el alumno absorberá por imitación, sin darse cuenta. Si uno quiere ser cantante debe tener un buen ídolo del circuito profesional y ver todas las actuaciones que le sea posible. La capacidad de entrega y la actitud ante la dificultad quedarán impregnadas en la retina del aspirante, para luego repetirlas inconscientemente. Nuestro ídolo debe ser, eso sí, un buen cantante. En el canto, este tema queda a menudo diluido por miles de razones periféricas. Sin embargo, ése es el núcleo de la cuestión: hay que elegir muy bien en quién fijarse. La intuición interior debe dirigirnos hacia un buen cantante, no hacia una persona que nos agrade por temas extramusicales (indumentaria, comportamiento, moda, conexión con las letras o el producto discográfico...). Plantearse la pregunta: «¿Mi ídolo canta bien?...», en lo referente a emisión de la voz, potencia, proyección, ductilidad, etc., despeja muchas dudas. A menudo hay alumnos de canto que arrastran algún problema vocal difícil de erradicar y que solamente toma vías de solución cuando descubrimos que, en realidad, está imitando todo el tiempo a alguien. En ese momento, bastará con hacerle ver que su ídolo tiene una voz nasal, o rasgada, o emitida desde la garganta, para que deje de copiar un modelo que le resulta nocivo. Con frecuencia, las voces o las formas de cantar que llamamos «muy personales» no sirven más que para esa persona, y cualquier imitación en ese sentido es perjudicial para el que lo pretende («no lo intenten en sus casas»).

Suponiendo que se canten las canciones de un buen ídolo, la siguiente pregunta sería: ¿se pueden cantar con mi tesitura vocal? Grandes cantantes tienen registros vocales extremos innatos, inaccesibles para la mayoría de los imitadores. En ese caso, la imitación del ídolo solo acarreará problemas vocales. El asunto, una vez más, es conocer nuestro instrumento y respetarlo. Seguro que con él podemos crear arte sin necesidad de extralimitarnos.

3. Poner a punto nuestra voz

Para empezar: el cuerpo

El cuerpo es nuestro instrumento de canto. Antes de abordar una ejecución ante el público necesita de preparación para funcionar y resonar correctamente.

Debemos intentar despojarlo de tensiones innecesarias que nos dificulten la conexión imprescindible con el hecho de cantar o hablar. Es normal que al pisar un escenario o un espacio donde otras personas nos van a escuchar sintamos un estado de alerta (nerviosismo) por el deseo de hacerlo bien. Frecuentemente ese estado nos aleja de aquello que queremos vivir plenamente: el canto, la alocución, la actuación, y nos puede provocar sufrimiento por una emisión incorrecta. Para que esto no suceda, o suceda en menor medida, es conveniente realizar ejercicios de relajación y focalización del canto, es este caso.

Como primer paso empezaremos tumbándonos en el suelo con las piernas flexionadas y sobre una superficie confortable como, por ejemplo, una manta doblada una par de veces o una esterilla gruesa y blanda. Si notamos tensión en las piernas, juntaremos rodilla con rodilla manteniendo un ángulo agudo a partir de éstas hasta los pies.

Recreamos algún lugar que para nosotros sea placentero. Visualizaremos todos los detalles minuciosamente intentando entrar en el estado real de la sonrisa y «conectando» ésta con nuestra respiración. Permanezcamos en este estado unos minutos.

Bostezamos, movemos la cara haciendo muecas, moviendo los ojos, la mandíbula, la boca..., una vez que hayamos movido bien la cara volvemos al estado de la sonrisa que se inicia en ojos y labios; lo vamos notando posteriormente en la frente, las mejillas y en toda la cara, que se mantiene relajada con esta sensación. Intentemos evocar el estado de ánimo de la sonrisa real, de esta forma comienza a producirse la relajación por todo el cuerpo.

Bajamos a los dedos de los pies, y vamos haciendo el recorrido: dedos de los pies, plantas de los pies, todo un pie y otro pie, enfocamos, visualizamos, sentimos los dos pies con todo su peso sobre la superficie donde nos hallamos estirados. Seguimos subiendo: tobillos, piernas hasta las rodillas, sensación de peso, los muslos pesan, llegamos a la cintura. La zona del abdomen muy libre, flexible, permitiendo una respiración relajada, tranquila. Pasamos a la espalda, que se va dejando ir, soltándose con el peso del tronco, los dos hombros. Bajamos simétricamente por los dos brazos hasta los codos, las manos, los dedos de las manos, sentimos cómo se aflojan, nos concentramos intensamente en la punta de los dedos de ambas manos. Las manos pesan, las muñecas se van soltando cada vez más. Subimos por los brazos, pesando, hasta los codos, pesando, hasta los hombros, pesando, todo está suelto. De los hombros vamos al cuello. Para relajar los músculos del cuello enfocamos, visualizamos y sentimos la cara, toda la cabeza, el volumen, la forma y finalmente el peso. Intentamos sentir el peso real de los cuatro o cinco kilos que pesa la cabeza y de que ésta se va hacia atrás, disfrutando de esa sensación de dejar ir, de soltar. Cuanto más sintamos ese peso, más se está relajando el cuello, y cuanto más se relaja el cuello, más se podrá relajar todo el cuerpo.

Cada vez que sacamos aire, soltamos. Sentimos la frente más lisa y ancha, el entrecejo también más ancho. Los párpados, suaves sobre los ojos; sentimos la nariz y las aletas. Los pómulos y las mejillas también sueltos. El contorno de los labios y los labios; el mentón, que se va aflojando; visualizamos y sentimos simétricamente a derecha e izquierda toda la línea de la mandíbula hasta llegar a las orejas. Visualizamos las dos orejas.

Vamos ahora a la lengua, que se va aflojando más y más, y nos fijamos en esa parte de la lengua que toca la garganta; para que se vaya relajando vamos visualizando de la lengua a la garganta, de la garganta a la lengua...

Pasemos al recorrido de la sonrisa interna, que actúa sobre los órganos principales del cuerpo: sobre el sistema nervioso central, sobre el sistema digestivo, el sistema respiratorio... pero ahora lo seguiremos conscientemente enfocando, visualizando, sintiendo: sonrisa corazón, sonrisa pulmones (respiración tranquila), sonrisa hígado, sonrisa bazo y páncreas, sonrisa riñones, sonrisa órganos genitales, sonrisa coxis, y nos vamos preparando para subir por toda la columna, como si fuéramos por la médula hasta el cerebro: sonrisa coxis, sonrisa sacro, sonrisa lumbares, sonrisa dorsales, sonrisa cervicales; entramos en la cabeza y vamos hacia la coronilla: sonrisa coronilla; seguimos en dirección a la frente, bajamos por el centro de la frente y justo antes de llegar al entrecejo visualizamos detrás de la frente, sonrisa. Llegamos al paladar, sentimos el paladar y ponemos la lengua tocándolo; bajamos a la laringe: sonrisa laringe, laringe sonrisa, seguimos ahora la ruta por la lengua, al llegar a la garganta tragamos saliva y seguimos bajando, enfocando, visualizando: esófago, estómago, intestinos, circuito intestinal, sonrisa; damos toda la vuelta al abdomen hasta llegar al recto, relajamos esfínteres. Nos centramos ahora en el perineo, sentimos. Volvemos a subir por la columna sintiendo cada zona antes transitada con luminosidad y llena de energía. Nuestra respiración se va haciendo más intensa y empezamos a mover los dedos de los pies: pies, piernas, cadera, tronco a izquierda y derecha, brazos; nos estiramos dejando salir suspiros, bostezos, giramos a un lado y a otro y terminamos esta sesión a gatas, hundiendo y arqueando toda la espalda, desde la primera lumbar hasta la última cervical. La cabeza reacciona en consecuencia.

Ya activados, nos pondremos de pie con los brazos a los lados del cuerpo muy sueltos. Imaginaremos que nuestra cabeza es un globo y que nuestra espalda sonríe.

¡Qué bien nos sentimos!

A partir de la relajación activa nuestros cantantes tendrán el cuerpo disponible para el trabajo vocal. Sin embargo, pronto observarás que a la hora de cantar esa disposición se ve modificada por malos hábitos arrastrados a lo largo de una vida, posiblemente por horas de ordenador o hábitos en la forma de caminar. En ese punto recomendamos un trabajo de autoobservación en el espejo y también algunos ejercicios para identificar un apoyo en los pies inadecuado, una espalda que se arquea innecesariamente, unos hombros que se tensan, etc. Para ayudar a esa identificación personal te proponemos algunos ejercicios.

Ejercicios:

– Pide a una persona que camine tranquila por el aula mientras sus compañeros la observan. Pide que haga lo mismo deprisa. Pide a los demás participantes que muestren su «caricatura» al caminar. Es decir, que acentúen aquello que detecten de su «carácter» corporal. Se trata de un juego en el que las cojeras leves serán acentuadas y la tensión exageradísima. El objetivo es mostrar qué partes del cuerpo están haciendo un sobreesfuerzo a causa de una mala postura.

– Propón una observación en el entorno de cada alumno para detectar en otros la incorrecta distribución del peso del cuerpo, las tensiones y los tics.

– Propón paseos en el aula a la manera física de cada uno de los participantes. Es decir, «caminar como X» (ya habréis pactado a qué forma de caminar corresponde), «como Y», «como Z». Así se desentumecen las propias posturas que por hábito o tendencia se han «apoderado» de cada cual de forma inconsciente.

La emisión correcta del aire, que vamos a ver a continuación, se ve a menudo afectada por una columna arqueada o un cuello que no está alineado a ésta, tensión en los esfínteres o en los hombros. Corregir las tensiones innecesarias allana mucho el camino a los cantantes.

Recopilamos a continuación una serie de ejercicios para activar la respiración, la resonancia y la articulación.

Éstos son entrenamientos habituales entre actores y cantantes de todo el mundo. Son eficaces y nos ayudarán antes de salir a escena.

Activar la respiración: la base

Los siguientes ejercicios nos servirán para favorecer la coordinación de los músculos que intervienen en la respiración, así como para aumentar la capacidad respiratoria y tener la sensación de que el aire entra muy profundamente en todo nuestro cuerpo.

1. Nos cogemos las manos con las palmas hacia fuera y estiramos los brazos curvando la espalda hacia delante, a los lados, en diagonal y hacia atrás. Notaremos cómo se expanden las costillas y una sensación de libertad en la pelvis y los hombros.

2. Nos colocamos erguidos y con los tobillos sueltos y vamos doblándonos hacia delante y abajo dejando caer el peso de los hombros.

Con la cabeza hacia el suelo y lo más relajados posible, centramos la respiración en el abdomen y la espalda. Observamos cómo se va abriendo la parte posterior de la caja torácica, cómo se va estirando a consecuencia de la entrada del aire.

3. Muy lentamente nos vamos desenrollando. Iremos subiendo, manteniendo la sensación de conexión con el abdomen y la espalda.

4. Para realizar una respiración todavía más profunda, nos ponemos en cuclillas; no importa si los talones se levantan del suelo. Con la espalda redondeada respiramos muy profundamente. No dejemos que los hombros suban al inspirar.

Dirigimos la respiración a lo que llamaremos anillo abdominal, como si tuviéramos un flotador lleno de aire alrededor del abdomen, intercostales y espalda (seguimos en cuclillas).

Nos vamos levantando lentamente, dejando caer los talones primero, luego subimos los glúteos, dejamos «colgar» la caja torácica relajando el cuello, y por último subimos la cabeza; todo este proceso lo haremos sintiendo esa respiración abdominal profunda y manteniendo el abdomen «blando». Los pies han de estar en línea con nuestras caderas para que se produzca el equilibrio. El abdomen continuará suelto para que el diafragma pueda subir y bajar adecuadamente.

5. Ahora haremos tres largas exposiciones con la consonante «s» para sentir la coordinación de la musculatura respiratoria. Observamos cómo al final de la espiración el estómago se hunde.

6. Nos tumbamos en el suelo boca arriba, así el abdomen está forzosamente relajado. Pies planos en contacto con el suelo y rodillas flexionadas. Buscamos una posición cómoda con los hombros relajados. Vamos sintiendo cómo la espalda se adapta al suelo, así como la parte posterior de la nuca. No intentemos hacer nada especial con la respiración, simplemente observemos cómo responde a la posición corporal en la que nos hallamos. A fin de contactar realmente con la respiración abdominal, es imprescindible que la mandíbula esté relajada; para comprobarlo llevaremos los dedos a los músculos de la junta mandibular, que están delante de las orejas, y haremos un masaje, después podemos extenderlo a toda la cara y el cuello. Intentemos sentir qué partes debemos masajear especialmente, escuchémonos y tratemos de percibir dónde hay tensión en cara y cuello en ese momento. La mandíbula y los hombros suelen cargarse de mucha tensión; en esta postura son más fáciles de relajar. Después de esto, descansamos los brazos.

De nuevo tres exposiciones largas, esta vez con el zumbido que imita el vuelo de la mosca. Recreamos la sensación de que la voz sube atravesando el tronco, la garganta y la base de la lengua hacia la punta de la misma. No importa si el zumbido es débil o fuerte, lo importante es coordinar el sonido y la respiración y percibir el relajado vaivén de las costillas. El zumbido debe provocarse en notas que nos resulten cómodas.

7. El mismo proceso que hemos experimentado en el suelo lo haremos ahora de pie. Primero (todavía en el suelo) hacemos un estiramiento y nos levantamos con un giro del cuerpo hasta colocarnos boca abajo para que la cabeza no suba en primer lugar, luego nos levantamos paulatinamente. Una vez erguidos, repartimos el peso en los dos pies. Sentimos el abdomen relajado. Sentimos, asimismo, el apoyo de la voz sobre el diafragma, simplemente emitiendo una frase, contando hasta veinte o cantando una canción de juego infantil.

Descubrir nuestra resonancia: los resonadores

Los resonadores dan amplitud al sonido.

Los senos de la calavera actúan como resonadores fijos en la emisión vocal; asimismo, la cavidad bucal y la faringe lo hacen como resonadores móviles.

Podemos extender la sensación de resonancia por todo el cuerpo. Para ello realizaremos el siguiente entrenamiento:

Empezamos usando el zumbido sobre la «m», que de ahora en adelante llamaremos humming, para provocar la sensación de que este sonido recorre todo nuestro cuerpo.

Instrucciones para conseguir el humming:

Juntamos los labios y provocamos la consonante «m». El paladar blando estará muy expandido, y la mandíbula, abierta. No olvidemos dejar la garganta libre y apoyar el sonido que estamos emitiendo. Sentiremos toda la gran resonancia y la vibración que provoca el zumbido, invadiendo todo nuestro cuerpo, sobre todo la cabeza. Notaremos un fuerte cosquilleo en los labios, así como en la nariz y en los ojos, aunque de forma más leve. Para acercarnos más a una explicación entendible, diremos que el humming es el sonido final del mundialmente concocido mantra «Om».

–Nos fijamos en el tórax. Imaginemos que el zumbido va hacia el pecho, al mismo tiempo nos hacemos un masaje con la mano dándonos golpecitos, ya sea con la palma de la mano o con el puño. Como estamos focalizando en la parte superior del cuerpo, es fácil que se active la respiración alta; no obstante, habremos de reconducirla a la zona del abdomen: resonancia alta, respiración baja.

–Masajeamos con la palma de la mano las costillas inferiores y el abdomen alto, después haremos lo mismo con los costados y la espalda, pero esta vez con golpecitos (puños). Sentiremos la voz en la espalda, en el pecho, en los intercostales... cambiando de un sitio a otro; la sensación será la de que la voz está por todas las partes en nuestro cuerpo.

–Dejamos caer los brazos y sentimos el humming en la barriga y las piernas; para ello agitamos todo el cuerpo con los pies bien anclados al suelo. La voz se va liberando. Después sacudimos las piernas y los pies.

–De nuevo pies fijos en el suelo y otra sacudida a la columna vertebral, la sensación que tendremos es la de que la voz necesita «salir». Este ejercicio libera las flemas que pueda haber en nuestra garganta que, por otra parte, también se forman por exceso de tensión.

–Seguidamente haremos humming en la cara. Dejamos caer la cabeza encima de la caja torácica e imaginamos que la voz se cae al suelo. Focalizamos en la frente, la nariz y la boca. Podemos ir moviendo los músculos de la cara, si queremos (muecas...), cambiamos de nota a voluntad. Seguimos con el mismo sonido pero elevando la cabeza a su posición natural y dirigiendo el humming en proyección al horizonte. Masticamos, y movemos los músculos de la cara y ojos en todas las direcciones posibles.

–Y, para terminar, algo muy importante, el sonido infantil: suave y muy agudo, hemos de estar abiertos a ese registro, sobre todo los hombres. Focalizamos el humming en la parte superior del cráneo e imaginamos que traspasa la cabeza y llega al techo. Después vamos descendiendo en tono hasta llegar a nuestra zona más grave, a modo de lo que llamaremos la «sirena» y que explicamos a continuación. Hacemos esto dos o tres veces pensando que el sonido se dirige hacia el público. Después de realizar estos ejercicios notaremos un evidente despliegue de la voz.

La «sirena»

Este ejercicio se realiza empezando por la nota más grave o la más aguda que podamos reproducir, dependiendo de si queremos realizarlo de forma ascendente o desdendente (de agudo a grave o de grave a agudo) pasando por el registro de paso (véase «Los registros de la voz») sin interrupción. Lo llamamos la sirena por la imitación al sonido de una sirena de fábrica, de la Policía, de una atracción de feria... Mantendremos el paladar blando muy expandido y el sonido apoyado. Puede realizarse con la boca cerrada, con la mandíbula en posición baja, o sobre las vocales «o» y «u» si lo hacemos con la boca abierta.

Abriendo paso a la voz

Una vez conseguida la conexión entre los músculos de la respiración y la resonancia, podemos empezar a trabajar la voz. Buscamos una base ancha a través de nuestras piernas, con los pies bien anclados en el suelo, y hacemos un gran estiramiento con un brazo por encima de la cabeza, apoyando la mano en la misma para relajar el hombro, e inclinándonos hacia un costado, la otra mano apoyada en las costillas del lado donde estamos produciendo el estiramiento; seguidamente soltamos ese brazo y continuamos estirando. Sentimos la respiración en la zona estirada. Realizamos la misma operación cambiando de lado. No es necesario llevarlo a cabo de forma exagerada, únicamente sentir que se produce el estiramiento.

Volvemos a la posición inicial con las piernas alineadas con las caderas. Dedicamos un momento a conectarnos con las costillas inferiores ya que, cuando estamos de pie, especialmente si hay público, es muy fácil volver a activar la respiración alta (respiración clavicular). Sintamos que las costillas se mueven al respirar manteniendo la barriga suelta y flexible.

También tenemos que estirar la garganta, para ello acudiremos al bostezo y, al mismo tiempo, podemos estirar el cuerpo como si nos desperezáramos.

Dejamos salir cualquier manifestación vocal que necesitemos, lo más habitual son los suspiros o sonidos que se producen al soltar determinados músculos.

Al finalizar emitamos sonido sin palabras durante unos minutos.

La articulación

Los cantantes y actores necesitan una enorme libertad y destreza en la musculatura de la cara con el fin de pronunciar claramente en los teatros o espacios grandes, así que nos dedicaremos en este entrenamiento a trabajar la articulación.

-Empezamos moviendo los músculos que activan la boca, haciendo muecas, bajando la mandíbula, moviéndola de izquierda a derecha, masticando..., no olvidemos que el labio superior ha de trabajar también, es fácil olvidarse de él. Imprescindible mantener el cuello libre, sin tensiones.

-Movemos la lengua dentro de la boca en todas las direcciones, sacamos la punta manteniéndola plana y relajada, luego tensa y más afilada, otra vez plana y así sucesivamente, para continuar haciendo círculos en ambas direcciones fuera de la boca. Después de estos ejercicios relajamos y tragamos saliva con la lengua ya dentro de la boca. Relajamos la mandíbula y no olvidamos apoyar bien la respiración en todos los ejercicios.

Emitimos la sílaba «TA» muchas veces, haciendo que la punta de la lengua trabaje intensamente, cuidando de no activar los músculos de la cara.

Pronunciamos ahora la «R» ininterrumpidamente a modo de sirena.

Con la parte central de la lengua hacemos «AYAYAYAYA...», primero solo con la lengua y después activando la mandíbula.

Seguimos con «YOYAYOYA...».

Para ejercitar la parte posterior de la lengua abriremos la boca con una separación de dos dedos y pronunciaremos repetidamente la sílaba «KA» con la mandíbula inmóvil, para que sean los músculos de la lengua los que trabajen.

Con el fin de terminar esta sección haremos una sirena de agudo a grave sobre la sílaba «KA» y recitaremos algún texto lo más rápidamente posible, cuidando de no tensar el cuello y manteniendo la buena pronunciación. Posteriormente cantaremos alguna canción.

Al terminar cada apartado (respiración, resonancia, abriendo paso a la voz y articulación) realiza una charla sobre las sensaciones, dificultades y/o descubrimientos de cada asistente. Se produce un río de explicaciones diversas muy enriquecedoras para el taller. Los alumnos pueden cotejar sus sensaciones con las de los demás. Habrá opiniones comunes, otras lógicas, y un número inesperado de apreciaciones sorprendentes.

La impostación de la voz

El término impostación procede del latín imposta, que quiere decir «poner sobre».

Solo cuando se ha experimentado la impostación se pueden entender del todo y de una forma individual las sensaciones que produce.

Para arrojar claridad a la explicación con palabras, diremos que el emisor impostado experimenta sensaciones muy alejadas de la garganta, que se ubican en el macizo craneofacial. Se tiene la sensación de que la voz se produce allí mismo, como si no existiera la laringe, y como si la emisión atravesara la nariz para liberarse con una presencia máxima.

Pondremos, por ejemplo, la voz de un locutor de radio, entendiendo ese oficio sobre todo desde la preceptiva de otros tiempos, donde las personas que hablaban en este medio se suponían de antemano comunicadores de voz clara y contundente. Otro ejemplo ilustrativo lo encontramos en los cantantes de ópera.

La impostación de la voz puede llevarse a cabo en cualquier registro vocal: el de voz natural o de pecho, el registro mixto y el de voz de cabeza.

Los registros de la voz

Los registros de la voz son las clasificaciones de la misma.

La voz natural es el registro con el que hablamos y cantamos hasta que nos llega una determinada dificultad en el paso a los agudos.

La voz de cabeza conforma el registro en el que los agudos adquieren otro color, por una posición distinta en las cuerdas vocales a la empleada en la voz natural, y sin la cual nos sería imposible alcanzar notas muy agudas. Podríamos identificarla como un tipo de voz más «fina», aunque esta definición nos vale únicamente para describir el sonido muy al principio de nuestra educación vocal. Con el estudio descubriremos que puede sonar fina o no, y el ejemplo más claro lo encontramos en el estilo lírico.

En el paso de estos dos registros se nos revela la zona de más dificultad en el canto, y que nosotros llamaremos la voz de paso o voz mixta; aunque no es exacta la definición, ilustra bastante la sensación que tendremos al usarla. A través del trabajo con vocalizaciones y entrenamiento en los registros natural y de cabeza, lograremos flexibilizar nuestra garganta para ir descubriendo esa zona mixta tan anhelada por el aspirante a cantante, por su sonido «fácil» al oído receptor y la belleza que nos brinda.

Debemos respetar el momento en que no podamos continuar subiendo con nuestra voz natural, y permitir que la laringe adquiera otra posición para alcanzar la voz de cabeza o, si estuviera entrenada, la voz mixta. Si provocamos la posición del inicio del bostezo (nunca bostezar) y dilatamos la faringe, pendientes de apoyar muy bien el sonido, empezaremos a recoger los frutos de esa voz «mezclada» en nuestra zona de paso, con tal uniformidad que a quien escucha le resultará difícil advertir en qué registro estamos. Probemos a hacer una «sirena» (glissando) de grave a agudo y de agudo a grave, dilatando la garganta, expandiendo el paladar blando todo lo que podamos y vigilando el apoyo. Así trabajaremos la homogeneidad en el paso de un registro a otro sin que se note el cambio, como si hubiera un registro único.

Todo lo explicado resulta muy evidente en las voces femeninas. En los hombres, el cambio a la voz de cabeza o falsete se produce en una zona mucho más aguda; digamos que la voz natural es más extensa. La combinación de voz natural o de pecho, mixta y voz de cabeza es habitual en temas escritos para voz femenina, no así en los temas propios de voces masculinas, excepciones a parte.

El vibrato

El vibrato es la oscilación del sonido alrededor de una nota con pulsaciones regulares. En términos vocales se produce vibrato cuando el cierre de las cuerdas oscila por los impulsos del aire que proviene de los pulmones, produciéndose un «balanceo» entre éste y las dos bandas que conforman las cuerdas vocales; los resonadores se verán invadidos por la fluctuación del sonido.

El vibrato es un aspecto natural de la emisión vocal, pero necesitamos entrenamiento para conseguir controlarlo sin que se nos dispare excesivamente. Un vibrato constante resulta tedioso al oído y desluce el canto. Un vibrato con demasiada amplitud de onda (demasiado extenso y lento) desvirtúa la afinación y la línea de canto. Debemos aprender a dejar que surja en el momento adecuado, aportando belleza y matiz a la expresión cantada; si el vibrato es sutil enriquece infinitamente una canción.

Cuando intentamos provocarlo de forma forzada se produce un sonido que llamamos «caprino», un trémolo donde la oscilación es muy rápida y no comunica ni emoción ni belleza en la escucha. Esto nos ocurre por una excesiva presión sobre la laringe (las cuerdas están muy «apretadas»), por una falta de apoyo y una mala coordinación muscular que impide la salida del sonido en libertad.

Todo el mundo tiene la capacidad de cantar con vibrato, a excepción de las personas que sufren algún problema en las cuerdas vocales que lo bloquee o lo dificulte. Debemos aprender a quitar los obstáculos (tensiones en los músculos) que inconscientemente nos hemos creado, y permitir que aflore.

La ayuda práctica de un profesor de voz y/o canto resultará indispensable, tanto en este aspecto como en todos los caminos de la educación vocal.

Ejercicios para provocar el vibrato:

1. Intentemos emular el balido de una oveja... pero lentamente. Aceleramos poco a poco

2. Con la vocal «O» sobre dos notas seguidas en la escala como si imitáramos la sirena de un servicio de ambulancias o de la Policía. Iremos acelerando este sonido hasta donde nos sea posible.

3. Con la misma vocal emitir sobre una nota variando la potencia (O o O o O o...), primero lentamente, después iremos acelerando.

4. Realizamos un humming con oscilación empezando muy lentamente y acelerando cada vez más. Primero sobre dos notas y luego sobre una con la misma indicación que en el ejercicio 3.

Practicando estos ejercicios lograremos identificar la relación entre el apoyo del aire sobre el diafragma y la producción de la fonación con ondulación (vibrato).

4. Cantar es expresar

El canto es un acto intuitivo en el ser humano. Los grandes momentos, los momentos sublimes, los aniversarios, las despedidas de seres amados y sus rituales, los nacimientos y sus arrullos o las uniones entre las personas se acompañan de canciones, de canciones tristes, alegres, esperanzadoras, ¡canciones por todas partes!

Sin ser conscientes, a menudo expresamos nuestra alegría, nuestra tristeza, nuestra incertidumbre cantando, tarareando. Es habitual cruzarse por la calle con personas que van cantando bajito, mientras cruzan el semáforo, esperan el autobús o hacen cola para comprar la entrada del cine. El canto nos acompaña todos los días y, quizá, no nos hemos dado cuenta.

A menudo tomamos distancia con las películas donde de repente «se ponen a cantar», nos resulta ficticio, irreal, y lo criticamos sin darnos cuenta de que si prestamos atención es lo que pasa constantemente, todos los días en todas partes del planeta, y en situaciones que, si viéramos plasmadas en una pantalla, nos parecerían todavía más inverosímiles.

En cada pueblo, en cada ciudad, en cada rincón de este nuestro mundo, hay una canción para expresar una realidad, un anhelo, incluso una ficción. Himnos para cada país, para cada ideología, para alentar a la lucha, para tranquilizar la mente, canciones de cuna, sempiternas canciones de amor... ¡canciones por todas partes!

Y, puesto que cantar es algo mucho más intrínseco a nosotros de lo que somos capaces de hacer consciente, ¿por qué no concederle la importancia que tiene en la raza humana? Allí donde hay una canción, hay oídos dispuestos a escuchar.

Ya que los cantantes tenemos ese poder en nuestra voz (y la palabra cantante es muy extensa), liberémosla para expresar todo aquello que tengamos necesidad de transmitir. Todo cobra una dimensión mayor cuando se canta.

¡Hay mil historias esperando para ser cantadas!

Si bien es verdad que cuando cantamos, básicamente, queremos expresar lo que el compositor dice, lo cierto es que, sobre todo, debemos decirlo nosotros. Incorporar esas palabras a nuestra propia expresión requiere que nos detengamos a comprender lo más profundamente que podamos ese texto y nos familiaricemos al máximo con la melodía elegida y su ritmo. También debemos detenernos a detectar qué es lo que más nos interesa de esa composición y lo hagamos propio, que procuremos «vivirlo» antes de ofrecerlo al público. Cuando cantamos para nosotros mismos, muchas veces lo hacemos mecánicamente. En este taller vamos a procurar que de una forma u otra eso no suceda. Intentaremos que cada cantante se vincule con su tema y lo conozca en profundidad, tanto en lo que se refiera a la música como al texto.

El texto de las canciones

Vale la pena abrir un diálogo y preguntar qué importancia da el grupo a las letras de las canciones, cuántos de ellos han elegido el tema por lo que dice y no por su música. Resulta sorprendente el calado que tienen ciertas letras cuando se apoyan en una música adecuada. Para el trabajo siguiente conviene que todo el mundo sepa ya su texto de memoria y, además, que lo tenga también escrito en papel. Vamos a trabajar en la comprensión del texto y en la forma de vincularlo a la melodía.

Ejercicios para mejorar la expresión del texto:

–Crear textos

Nos pasaremos la pelota mientras lanzamos una frase que haga referencia a cualquier situación, la siguiente persona continuará con esa «composición», tal como le surja, sin pensar demasiado.

–Con la «mmmmmmm» (humming)

Se trata de cantar la canción sin letra, emitiendo una «m» dirigiéndola a la zona de la nariz, sentir una intensa vibración en la misma, tal y como ya hemos visto anteriormente. Mientras tanto, vamos a repasar el texto mentalmente, sin decirlo. El cantante solo lo pensará mientras entona la melodía con un humming. Si la propuesta de ejercicio es individual, es decir, que cada participante cante frente a sus compañeros, el silencio debe ser total. Este ejercicio también se puede hacer en parejas e incluso pedir al grupo que se ponga en pie y cada cual lo haga por su cuenta.

–Qué dice mi canción

Dividiremos al grupo por parejas y daremos unos minutos para que analicen con atención el texto de sus propias canciones. Se trata de que pacten una frase, lo más sencilla posible, que resuma el mensaje del tema que han elegido. Que cada cual explique su decisión. Ese resumen puede pedirse también a cada uno de forma individual o, tema a tema, consensuar entre todo el grupo la frase-resumen abriendo un pequeño debate.

Ejemplos. Summertime: duérmete, niño; Bésame mucho: no me dejes; Chica de Ipanema: estoy melancólico; Volver: me da miedo la vejez; Cumpleaños feliz: eres alguien especial.

–Hablo cuando veo

En este ejercicio no vamos a cantar. Se trata de decir palabras del texto pero, eso sí, cargadas de imágenes personales. Cada participante debe mirar una frase de su canción en el papel escrito para visualizar el contenido de ciertas palabras. La melodía quedará aparcada; solo trabajamos la visualización de la letra. Veremos cómo al dotar de imágenes las palabras, la forma de decir varía completamente. Es importante que en este ejercicio seamos muy específicos.

Por ejemplo, en Bésame mucho, antes de decir la palabra «miedo», la persona puede recrear a ese perro feroz (desde luego que para cada persona esa palabra corresponderá a una imagen distinta) y, tras visualizarlo, pronunciarla. Éste es un ejercicio minucioso pero muy poderoso y, en caso de trabajarse en grupo, no debería extenderse más allá de dos frases del propio tema por participante. Se trata de ver cómo la expresión encuentra su camino más eficaz cuando está llena de imágenes que corresponden a un universo personal.

–Dónde pongo el acento

Por parejas de nuevo. Se trata de decidir qué palabra de cada frase voy a acentuar puesto que considero que es la más importante, la que confiere mayor contenido a la frase. Con la letra por escrito, señalaremos en un color esa palabra. Cuando todos los participantes hayan tomado sus decisiones, vamos a oírlos cantar.

Ejemplos. En el caso del primer verso de Bésame mucho («Bésame, bésame mucho, como si fuera esta noche la última vez») podría muy bien ser «última». En el caso de Summertime («Summertime, and the living is easy») podría ser «easy». Las palabras elegidas tendrán que cantarse con auténtica claridad y conciencia. Este sencillo ejercicio logra que la expresión de un tema ligero e incluso más bien frívolo adquiera una fuerza comunicativa insospechada.

–Solo la acción o solo las cosas

En este ejercicio haremos un humming con toda la canción pero diremos los verbos, solo los verbos. El mismo ejercicio puede hacerse con los sustantivos. Tiene muchas variantes que se pueden aplicar según la dinámica y el nivel del propio grupo. En lugar del humming se puede hacer lo mismo emitiendo «KA, KA, KA», así ponemos la base de la lengua en movimiento.

–¿Por qué canta?

La canción es la expresión de alguien, por lo tanto, se trata de encontrar las razones por las cuales nuestro personaje se pone a cantar. ¿Qué le impulsa a ello? Cada cantante debe buscar una pequeña historia que le ayude a comprender el estado emocional de su protagonista.

Por ejemplo, Cumpleaños feliz, canta una madre a su hijo enfermo; Bésame mucho, canta un hombre que ha decidido abandonar el país; Summertime, canta un agricultor cuando ve la cosecha. Las posibilidades son infinitas y la elección de cada uno será propia.

–¿Qué ha pasado?

Las canciones encierran pequeñas dramaturgias. En esta ocasión pediremos a cada cantante que imagine la situación que antecede al canto y la explique. Idealmente, tras imaginarla, deben cantar su canción. Una corta relajación sobre las colchonetas ayuda a que cada cual se sumerja en la situación elegida.

Ejemplos. Cumpleaños feliz, esa madre acaba de contar un cuento a su hijo y lo ha dejado dormido. Bésame mucho, nuestro protagonista se acababa de reconciliar, falsamente, con su pareja. Summertimme, nuestro agricultor se levanta y no encuentra a su familia. Preguntas y más preguntas que obligan a los cantantes a centrar su atención en lo que dicen y por qué lo dicen.

–Un poema

Pediremos a los participantes que reciten su texto sin su música. Da unos minutos para ello y que cada uno, sin el papel delante, recite el texto de su canción de memoria, dotándolo de expresión pero sin apoyarse en la música.

–Una carta

Repite el ejercicio anterior pero tratando el texto como si fuera una carta. Como si se tratara de un discurso político. Como un cuento infantil, etc.

Lo cierto es que profundizando en el sentido de las palabras y dotando al texto de imágenes personales se gana la expresividad que más tarde facilitará la comunicación con el público, por no hablar de la confianza que confiere al cantante. Cuanto más propia sea la expresión textual, mayor «conexión» hallará en la audiencia.

Además, anima a tus cantantes a que investiguen. Que indaguen en la época en que se inscribe su composición, en la biografía de su compositor, en la biografía de sus intérpretes. En suma, en todos los detalles que nutran de imágenes y sentido a ese texto.

La melodía

Puesto que en la primera sesión hemos ajustado los tonos, no debe haber problemas a la hora de cantar, pero es posible que haya alguna nota de la melodía a la que se acceda con dificultad o que, por la razón que sea, el sonido llegue con poco brillo. A menudo, también se presentan problemas de afinación. Es cierto que algunas personas tienen más facilidad que otras a la hora de afinar y eso depende de muchos factores pero las personas con dificultades deben ponerse en marcha. Para ellas son muy valiosos los ejercicios de atención auditiva, también cualquier propuesta en la que deban recrear los sonidos que oyen. Y, sobre todo, recomienda que escuchen su pista incansablemente. Cada día, ya que las melodías se van asentando en la memoria de forma más efectiva poco a poco. Es decir, que no sirve de nada darse un atracón de estudio a última hora, si el punto flaco de alguien es la afinación. Ayúdalos a detectar las partes de la música que no pueden fijar y recomienda que las canten muy lentamente.

Para trabajar las melodías, de la misma manera que hemos hecho con el texto, será interesante saber cuánto ha pesado la melodía en la elección de ese tema para cada uno de nuestros participantes y, sobre todo, qué parte es su preferida y cuál se resiste.

–Mi frase preferida

Oigamos la frase melódica preferida de cada uno. Una vez ajustada la decisión, cada cantante deberá tener un trocito de la melodía en la que basar sus ejercicios.

Pidamos a cada cantante que la repita una y otra vez sin interrupción para que parezca una canción en sí misma. Esto se puede hacer por parejas, en grupo, sentados en el suelo o de forma individual para más tarde hacerlo frente a la clase. El caso es que todos oigamos las frases preferidas sobre las que vamos a trabajar.

–No me canso de mi pequeña canción

Oiremos esa frase continuamente, una y otra vez pero con la «mmm» (humming). Una vez más, percibiendo un masaje en la zona de la nariz. En algún momento, pide que los cantantes introduzcan la palabra del texto que consideren esencial (aquella que han elegido en «Dónde pongo el acento») de esa frase.

–Una orquesta de melodías

Pide a cada cantante que muestre su línea melódica preferida a indicación tuya, o de alguien del grupo que haga de director. Ve dando paso a cada uno de los trocitos de melodía de forma casi solapada de manera que las melodías se vayan fundiendo en una única canción a base de los trocitos de todas. Así, toda la clase se familiarizará con los temas de los demás, la afinación mejora y el oído se expande. Es, además, un juego muy divertido. El resultado de la mezcla puede ser muy sorprendente.

–Mi canción es una nana

Vamos a cantar la parte de nuestra melodía preferida repetidamente, pero interpretándola como si fuera una nana para adormecer a un bebé. Se trata de procurar el arrullo de nuestros compañeros con un sonido dulce.

–Que nadie lo oiga

Se trata de repetir la parte preferida de la melodía pero esta vez en susurros para que solo la oigan las personas presentes. Como si contáramos un secreto. Aunque lo pueda parecer no es un ejercicio fácil, sino que entraña una gran destreza en el manejo del aire.

–Con gran volumen

Probaremos a hacer lo contrario que en el ejercicio anterior. Esa melodía debe repetirse a gran volumen. Atención a la zona del cuello. Detecta cualquier tensión añadida, especialmente en este ejercicio, ya que muchas personas confunden volumen con gritar, lo cual daña las cuerdas. Antes de emprenderlo, recuerda las tres direcciones.

–Eco

Ya sea con la parte de la melodía preferida de cada cual o con aquella que presente dificultades, pide al grupo que haga de eco del solista. El solista canta su frase y el resto la repite. Aprovecha este ejercicio para ayudar a los que tienen dificultades con la afinación. El eco ayuda a escuchar las frases desde otra perspectiva y la percepción auditiva se activa.

Aprovecha para jugar combinando las opciones de respuesta del eco. El eco repite con poco volumen. Con gran volumen. El eco solo recita. Al revés, el cantante ofrece solo el texto, y el eco, la melodía, etc. Tras pactar algunas señales, cada cantante puede pedirle al coro más volumen, solo un humming, solo el recitado del texto, según sea su elección. El «director» de orquesta también puede ser otro de los participantes.

–Crear melodías

Anima al grupo a crear melodías. Sobre la marcha. De la misma forma que hemos hecho con el texto, ahora le toca el turno a la melodía. En círculo, cada participante debe pasar la pelota a un compañero al tiempo que canta una melodía inventada. Quien la recibe sigue con su propia frase. Se trata de inventar melodías tal como surjan, sin pensar.

–Fijar melodías

Sobre el mismo juego. Haz simplemente una ronda con la pelota y pide a cada participante que retenga su frase. Ahora la pelota seguirá un orden diferente al anterior y compondrá una canción muy distinta y quién sabe si un auténtico «himno» para el propio taller que además pueda presentarse en la muestra final. Por si acaso, graba el juego.

Por lo que respecta al trabajo con las melodías, resulta muy interesante que cada cual conozca el mayor número de versiones posibles de la canción que ha elegido. Que se fijen en los distintos adornos que cada persona ofrece en la melodía original. Llama la atención sobre las improvisaciones melódicas. Las variaciones que se añaden a las canciones a través de los gustos de cada época y en función del estilo de cada cantante. Anima a los participantes a investigar y a formarse su propia opinión. Cuantas más versiones escuchen, más enriquecida se verá su propia interpretación más tarde.

El ritmo

Ocuparnos del ritmo en toda su extensión ya sería un tratado en sí mismo. Lo cierto es que de la misma forma que en una pista de baile hay quien sin dificultad mueve su cuerpo con elegancia y compás, nos encontraremos con que algunos de nuestros talleristas son unos genios del ritmo y otros apenas pueden seguir el tiempo con palmadas. ¿A qué se deben esas diferencias? Pues a los factores más diversos, educación musical, oído, gusto por la danza, etc.

De la misma forma que la naturaleza está dotada de silencio y sonido, éste suele funcionar en secuencias más o menos regulares y realmente es inconcebible la vida sin ritmo. Para abrir el taller al ritmo, lo inmediato es que en alguna sesión introduzcas el baile sobre unas músicas bien diferenciadas. Para ello prepara tu propia playlist con diferentes ritmos.

–A bailar

Al ritmo de las músicas elegidas, invita a tus alumnos a bailar con total libertad. Si creas tu propia playlist, vale la pena que contenga ritmos bien diferenciados: algunos compases de tango, blues, rock and roll, chachachá, etc. La música que quieras pero lo más variada posible. Por otra parte, es aconsejable que contenga los ritmos que tus participantes hayan elegido.

–La máquina que se acelera

Se trata de un ejercicio de grupo. El primer participante se sitúa en el centro de la clase marcando un sonido, un ritmo y un movimiento. Como si se tratara de un engranaje de una cadena de montaje, repite y repite su movimiento. Un segundo participante hará lo mismo acompasándose al primer engranaje como parte del motor que vamos a ir construyendo con más y más participantes. Cuando los tengamos a todos formando una máquina de tantos engranajes como personas se hayan ido incorporando, pediremos que se acelere tal y como marquemos nosotros con nuestras palmadas, hasta que se estropee y todos los participantes caigan al suelo como piezas rotas.

–La pista de baile

Crea una selección que contenga trozos encadenados de las músicas que el grupo ha elegido. Se trata de bailar al son las diferentes pistas. Tan solo con las bases vamos a montar una pequeña sala de baile en la que suenen nuestras músicas para dar rienda suelta al cuerpo al ritmo de esas canciones que ya el grupo conoce tan bien. Juega con las luces y ¡a bailar! Por supuesto, todo el mundo puede cantar mientras baila, pero también tararear, hacer coros... En definitiva, se trata de seguir el ritmo a través del cuerpo. En este caso, solo nos interesa que el grupo se sumerja en el ritmo pero si surgen pequeñas improvisaciones melódicas a la vez que el grupo baila, mejor que mejor.

–Percusión humana

Una vez más, con nuestras pistas o playbacks, vamos a pedir que marquen el ritmo con su cuerpo, pero esta vez percutiendo sobre él. Deben buscar sonidos rítmicos percutiendo sobre sus muslos, caja torácica, etc. Cuando el juego rítmico haya crecido, anima a que lo hagan sobre el cuerpo de sus compañeros. Es más divertido. Con este ejercicio activamos el cuerpo y, como no, la comunicación del grupo.

–Canto sobre tambores humanos

Se trata de repetir la experiencia anterior pero esta vez sobre la interpretación de nuestros compañeros. Elige a un grupo de tres o cuatro personas que, a la manera de un coro, percutan sobre su propio cuerpo y el de los compañeros acompañando la canción. La experiencia es muy divertida y la sensación de verse apoyado por un grupo de tambores humanos ofrece mucha confianza y diversión. Si el ejercicio da de sí, se puede plantear un «solo» de percusión humana en algún momento de la canción. Todo depende de la dinámica que se haya creado en el grupo.

–Percusión

Ahora sí, vamos a seguir el ritmo con diferentes instrumentos. Ofrece claves, maracas, botellas y cucharas y pide a unos cuantos integrantes del grupo que canten su tema. El resto llevará el ritmo con ellos. Este ejercicio puede hacerse también sobre las pistas del grupo, sin que nadie cante, simplemente llevando el ritmo sobre las bases.

–Cambiar el ritmo

Si observas que tienes un grupo receptivo y con suficiente sentido del ritmo, plantea juegos de palmas y percusión para cada uno de los temas con contratiempos, contestaciones, silencios, momentos explosivos de palmas, etc.

5. A la hora de cantar

Si has seguido nuestro consejo, cada día el grupo se habrá situado como espectador y escuchado al menos a la mitad de sus compañeros interpretar sus canciones. Seguramente, solo con ello se habrá creado un espacio de atención y aprendizaje que resultará estimulante a todos, tanto a los que se hayan implicado más, como a los que hayan optado por no mostrar sus canciones ante los demás. En general, procura motivar al grupo para que, tras unas cuantas sesiones, haya memorizado tanto las letras como las melodías. Puesto que habréis profundizado en el sentido de cada canción, seguro que día a día las sesiones habrán ido mejorando mucho. Esa experiencia es la que nutre al taller; por lo tanto, poco más se puede decir.

Sin embargo, es posible que al aplicar los ejercicios de técnica vocal hayas notado algunos tics posturales que, gracias al trabajo del taller, se habrán corregido. Si no fuera así, cuando los cantantes estén interpretando su canción, sin interrumpir, acércate siempre con mucho cuidado y con un pequeño toque pon tus manos en el lugar que veas conveniente para recordar la modificación. Piernas que se disparan, hombros que se contraen, cabezas ladeadas, en fin, cualquier postura que interfiera en la emisión vocal óptima. Poner con cuidado las manos en los riñones recuerda que una respiración orientada hacia esa zona ayuda a mejorar el propio sonido. También es habitual observar que se realizan gestos con el cuello cuando el cantante tiene que emitir una nota aguda, anticípate a que eso suceda, tocando levemente la zona que observes que habitualmente se tensa.

Pensar en sonreír por dentro es una buena consigna para que la tensión física desaparezca. El placer de comunicar y de sentir ese masaje que nos ofrece nuestro propio sonido al pasar por nuestra cara llenándonos de armónicos ha de ser placentero. La inspiración también debe serlo, los pulmones no deben estar demasiado llenos de aire para que la caja torácica no esté bloqueada. A la hora de cantar, en esencia, se trata de ejercitar todo aquello que hemos aprendido procurando incorporarlo, sin dejar de disfrutar cantando. Nada de lo que hemos aprendido debe obstaculizar el placer de la experiencia. Vamos, pues, a reforzar la confianza, mejorando día a día, explorando en las propuestas y procurando que esa voz y esa manera particular y única de interpretar de cada alumno llegue de la forma más clara y libre posible.

Qué duda cabe de que la canción escogida determinará el grado de implicación que cada cual ponga en ella. A menudo vemos cómo una falta de entusiasmo con la canción se traduce en fallos vocales y ausencia de credibilidad en lo que estamos transmitiendo. En el mundo profesional los cantantes aprenden a conciliarse con las canciones que les son asignadas, pero ese camino constituye otro tipo de trabajo que no tiene lugar aquí.

Lo hemos abordado al hablar de la primera sesión, pero vale la pena recordar que el tema elegido debe estar convenientemente adaptado a las notas que cada cual pueda alcanzar, es decir, dentro de lo que se denomina la propia tesitura vocal. Cuando se cantan canciones de determinados artistas vocalmente afines, se disfruta muchísimo, en ese caso la tesitura del intérprete será similar a la del cantante imitado. Sin embargo, intentarlo con temas que, a pesar de que resulten irresistibles, no se pueden desarrollar con éxito... es frustrante; en estos casos es necesario adecuar la orquestación al tono, de esa forma todo el mundo disfrutará de su canción sin cortapisas. A la hora de adaptar los tonos a cada alumno habremos de tener en cuenta, asimismo, si quien canta es hombre o mujer. Para todo ello, la ayuda de un profesor es imprescindible, de la misma forma que lo es en muchos aspectos en la investigación vocal que proponemos.

El primer paso en la preparación de una canción es escuchar la orquestación o el acompañamiento musical un buen número de veces, ya sea mediante pista grabada o, si disponemos de pianista, registrando previamente el acompañamiento a piano con una grabadora portátil, o simplemente con el teléfono móvil. Recomienda a tus alumnos que, como trabajo individual, con cada escucha recreen mentalmente la melodía de la voz, que escuchen minuciosamente el piano o, si es una pista con varios instrumentos, pongan especial atención a las melodías de acompañamiento de cada uno de ellos, ya que su razón de ser es acompañar a la voz. Esta interiorización de la melodía les llevará unos días y deberán hacerla fuera del tiempo del taller.

Situémonos en el aula e iniciemos el calentamiento vocal con ejercicios de entrenamiento que despierten nuestro cuerpo y voz y que ya hemos descrito en páginas anteriores a propósito de la respiración, la resonancia y la articulación. Combínalos según las necesidades del grupo. Seguidamente realizamos una ronda de vocalizaciones.

Después entonaremos toda la canción sobre la vocal «U» manteniendo la lengua baja («acostada») y cuidando de expandir el paladar blando. Pensaremos en dirigir el sonido al paladar duro, ahí es donde sentiremos la producción de armónicos y donde experimentaremos placer al cantar. Para que la vocal «U» no nos resulte un problema, sobre todo en las notas más agudas, ya que tiende a cerrar nuestra garganta, acudiremos a la vocal «O» como auxiliar: pondremos los labios en posición de «U» y pronunciaremos una «O»; toda nuestra cavidad bucal estará posicionándose para emitir una «O» pero saldrá el sonido de la «U» sin que la emisión de nota alguna nos dañe.

Armónicos: sonidos accesorios cuyas frecuencias son múltiplos de la del sonido principal, que se añaden al mismo dando lugar al timbre, que a su vez es la cualidad del sonido que permite distinguir una voz de otra. Podríamos definir los armónicos como «las flores de nuestra voz».

Después de la vocalización del tema completo en «U» un par de veces, cantaremos la canción solo con las vocales existentes en el texto. No es una tarea fácil al principio, pero con la práctica se domina perfectamente; realizaremos esta segunda vocalización otras dos veces.

Antes de pasar a interpretar el tema con todas sus vocales y consonantes, leeremos o recitaremos el texto unas cuantas veces con el propósito de entrar en «la dramaturgia» de la canción. Una canción es una pequeña obra de teatro, y nosotros los actores-cantantes. Tal y como hemos tratado en páginas anteriores, necesitamos conocer cuál es la pequeña trama que hemos ido armando para transitarla y sentirla, y así hacer llegar al público esa emoción a través de nuestro canto.

Finalmente abordamos la canción repitiendo las partes que nos sean más difíciles. ¡Anima al grupo a que nadie abandone el objetivo a la primera! ¡Ayuda de forma individual para que las dificultades no desvirtúen el mensaje y la identidad del texto! No llegar a ciertas notas en un principio no quiere decir que éstas estén fuera de la tesitura, pero es aconsejable constatar si después de un tiempo de trabajo se nos siguen resistiendo; en ese caso será necesario un nuevo ajuste, ya sea de las partes resistentes o de toda la canción. Una vez más hay que dar un tiempo a los cantantes para verificarlo y, sobre todo, no correr riesgos vocales en el intento. Las dificultades asumibles en las canciones tienen un tiempo de asentamiento en las voces; hay que ir aplicando los consejos que aquí damos y entrenar con buena disposición hasta que se vean los frutos. Es fundamental ser pacientes.

No dejes de recordar que practicar cada día es el aval más sólido para llevar a cabo cualquier canción, la garantía para que, al exponer el tema ante un público, el canto surja con mayor facilidad y podamos comunicar mejor.

Cuando cada uno haya conectado plenamente con la canción, solo queda disfrutarla... Cantarla unas cuantas veces al día ayudará en el entrenamiento, después el público hará el resto con su presencia.

Cantar es también sorprender

De cara a presentar las canciones en público, vamos a intentar que nuestros participantes ofrezcan algunas «sorpresas» en su interpretación final. La monotonía y la previsibilidad en la interpretación de una canción a menudo hace que la audiencia pierda interés. Por lo tanto, esas sorpresas se pueden traducir en posibles cambios que rompan la previsibilidad de la interpretación. Eso será especialmente interesante si se trata de temas muy conocidos. A través de los juegos habrán surgido ideas de todo tipo. Anima al grupo a recordar aquellas que veas adecuadas para la muestra final (percusión, invención de melodías, ritmos, etc.).

Ser intérprete es decidir más allá de lo que el compositor haya escrito en una partitura. A través de muchos ejercicios de profundización seguramente habremos logrado que nuestros alumnos hayan hecho el tema suyo, pero a la hora de dejar cada canción lista para presentar en público vale la pena tomar además decisiones que hagan que nuestra interpretación sea única.

Propón que cada cual tome sus decisiones respecto a la acentuación de las palabras, la expresión general y la dosificación del caudal de voz que habremos ido atesorando a través de nuestros ejercicios de resonancia y respiración.

Cantar un final que popularmente es conocido como la apoteosis de la canción, de la forma contraria, lleva a la audiencia a emocionarse con la sorpresa. Modificar la estructura de una canción también es posible. Anima al grupo a probar y experimentar cambios. En suma, deja que cada cual haga las aportaciones que quiera y que pruebe sus propuestas hasta quedar satisfecho.

6. La experiencia final del taller. El escenario

Cualquier estancia o espacio al aire libre donde haya un público enfrente se convierte en escenario, solo tenemos que verlo como tal. Sin embargo, más allá de esa definición, para el ejecutante, ya sea actor, cantante o las dos cosas (si es que ambas pueden desligarse), es un lugar sagrado. Hay que respetarlo pero también requiere que estemos familiarizados con él.

Por ello, es conveniente conocer el espacio donde vamos a exponer nuestras canciones, nuestros textos, transitar el lugar y elevarlo a la categoría de «cotidiano», aunque sea por unas horas. Será el hábitat natural donde el grupo sentirá emociones trenzadas con nervios, y donde disfrutará del canto, de la recepción del público, del ambiente creado para esa ocasión única que le llevará a compartir su arte. Como cantantes somos también intérpretes de una pequeña dramaturgia en forma musical, por lo tanto vamos a divertirnos, mediante el juego, con esos personajes que van a subir al escenario. Te ofrecemos algunos ejercicios para preparar el juego escénico.

Cantar una canción es una habilidad, sí, pero también debe ser una representación escénica. Crear una dinámica lúdica, más tarde, entre bambalinas, hará que la experiencia sea aún más entrañable.

Una vez más, hay que respetar el deseo de los integrantes del grupo, es decir, cuánto quieren implicarse. Si alguien no quisiera participar, no lo fuerces pero, eso sí, no dejes de animar a nadie. Para empezar, propón una pequeña visualización para abrir la imaginación y sentir el cuerpo libre.

–Somos espigas

El grupo se reparte por el espacio (en este caso el lugar que haga de escena), todos cierran los ojos e imaginan que su cuerpo es como una espiga de trigo mecido por el viento. Recurre a la descripción más minuciosa que puedas. De repente se nubla el día. Arrecia un vendaval. Llueve a cántaros. El grupo debe reaccionar con su cuerpo a tus consignas. Es un ejercicio de relajación que ayuda a tener el cuerpo disponible al canto pero también a «conectar» con las imágenes. Abrir con esta relajación el bloque de juegos teatrales es muy eficaz y nos conecta con el espacio escénico.

–Mirarse a los ojos

Pon una música y pide a los participantes que caminen en el aula con los ojos abiertos. Se trata de mirar de forma tranquila a la altura de los ojos. Cuando los compañeros se crucen deben detenerse unos instantes y mirarse con tranquilidad. Éste es un ejercicio muy poderoso que nos ayuda a «acoger» la mirada. Prepara para la experiencia de verse observado con atención sin por ello sentirse alterado.

–Quiero tu atención

Divide a los participantes en dos grupos, uno será el público y el otro jugará. Crea un espacio que sea la escena y pide al primer participante que realice una acción urgente que deba resolver, por ejemplo, preparar una tortilla. El siguiente actor pedirá ayuda urgente al cocinero procurando que abandone su tarea. Se trata de que cada nuevo actor procure por todos los medios conseguir la atención del primero. Cuando lo haya logrado, el primero abandonará la escena y se afanará en su quehacer.

Ejemplo. Carlos busca una lentilla y María entra en escena con un gran dolor en la espalda. Tan pronto como María consigue la atención de Carlos, éste marcha y entra Iván, un ladrón que logra que María olvide su dolor. Inés está lista para dar a luz su bebé y logra la colaboración del ladrón. Las posibilidades son infinitas. La única premisa es lograr el propio objetivo y salir de la escena.

Este juego hará que los cantantes estén disponibles y alerta. Pendientes del momento escénico del «aquí y ahora».

–Los accidentes

Vamos a cantar nuestra canción intentando obviar o solucionar ciertos accidentes que propongas. Por ejemplo, apartar un mosquito, encontrarse una garrapata, perder una lentilla, que no se descosa el vestido, etc.

–Que no pare la música

Cada cantante se dispondrá a interpretar su canción a su debido turno y alguno de sus compañeros intentará romper su concentración escénica. Dar paseíllos, fingir un desmayo, perseguir a un perro, intentar conseguir que respondan al móvil, etc. Se trata de que nuestro cantante se mantenga concentrado y conectado con su expresión haciendo caso omiso a cuanto accidente se interponga en su interpretación. Es un juego pero lo cierto es que en escena ocurren muchos imprevistos y la mezcla de concentración y estado de «alerta» es la clave del éxito.

–Cantar como

Vamos a jugar a imitar a diferentes cantantes al interpretar nuestra canción. No tanto su manera de cantar como su actitud escénica. Los grandes iconos son los más adecuados: Marilyn Monroe, Madonna, Pavarotti, Marlene Dietrich, etc. Cuanto más alejados estén los iconos elegidos de la personalidad del cantante que interprete el tema, más divertido, más enriquecedor y más desinhibidor será el ejercicio.

–Antes de cantar mi canción

Nuestros cantantes serán los directores de una escena. Se trata de la escena justamente anterior a que dé comienzo su canción. Hemos trabajado la idea en el ejercicio titulado «¿Qué ha pasado?», allí tan solo la visualizamos pero ahora vamos a ponerla en acción. Nuestro cantante dirigirá a sus compañeros en la escena que provoca el deseo de cantar. Ahora la verá en las tablas. Una pareja discutiendo puede ser la antesala de muchas canciones; una agresión callejera; una compra especial, etc. La escena debe durar poco. Se trata simplemente de que el cantante se ponga en situación para, una vez finalizada la representación, interpretar su tema enriquecido por la situación recreada.

–Los pasillos

Dividiremos al grupo en dos filas y una persona caminará por el centro de ese pasillo. Un lado vitoreará con entusiasmo y el otro abucheará. De esta forma festiva, cada cantante vivirá el juego de verse rechazado y encumbrado. Este juego puede llevarse a cabo mientras el protagonista canta, o no. Según se desee.

–Una persona canta, las otras bailan

Estamos en una plaza, en la fiesta mayor y nuestros cantantes son quienes hacen bailar a la audiencia. Vivamos, pues, la experiencia de tener un público dejándose acompasar por nuestro canto.

–El casting

El cantante se inventará un personaje y procurará pasar un casting ficticio con su canción. El director de casting le pedirá que cambie las intenciones. «Lo mismo pero con desesperación», «con desbordada alegría», «con tristeza», «a carcajada limpia», «ebrio»... Cuando ya cada uno conoce bien su canción, jugar con las más variadas actitudes flexibiliza mucho la interpretación.

«Domesticar» el miedo escénico

Qué duda cabe de que cantar en público resulta un reto para muchos. Y la pesadilla de quedarse en blanco malogra muchas oportunidades. Esa excitación extra que produce mostrarse vulnerable en público produce miedo y extrañeza, precisamente porque nuestra cultura prima lo contrario. «Era una persona muy entera, no lloró», oímos decir, en sentido laudatorio o: «Se notaba que estaba nervioso», para descalificar a alguien. Sin embargo, en el escenario se trata justo de ofrecer nuestras emociones, algo que no hacemos habitualmente, lo cual requiere un cierto coraje y la tranquilidad de saber que eso es, en este caso, «lo que hay que hacer». El miedo escénico es natural y hasta beneficioso. Y la vulnerabilidad en escena hace de un artista alguien grande, precisamente por tener el coraje de mostrarla. Pero el pánico es otra cosa; es un punto de «terror» que debemos poder prevenir para que no se adueñe de la situación.Vamos a ver cómo.

Para cantar necesitamos tener el instrumento a punto: la respiración controlada, el cuerpo disponible y la alegría de la anticipación.

Familiarizarse con el lugar al máximo es un requisito fundamental. Si el grupo se traslada al teatro, procura que suceda al menos un día antes. Anima a las personas que sientan flaquear su propósito a dejar en el escenario un objeto personal el día anterior a la representación. Si va a haber atrezo o un vestuario especial, es interesante llevarlo al teatro y vestirse con él el mayor número de veces que sea posible.

Se puede decidir que alguien ponga a su pareja, a su hermano, a quien crea que le va a dar confianza en un determinado lugar. No cuesta nada; se reserva ese asiento con su nombre y se acabó el problema. Estamos en una fiesta del placer de cantar y nuestro público va a colaborar con nosotros. A veces, ese sencillo detalle aligera completamente la presión para sobreponerse a los nervios.

Es deseable recrear verbalmente todo lo que va a pasar el día de la actuación. Un cierto control ayuda a las personas inseguras. Se puede hacer un ejercicio de visualización.

Grabarse en vídeo y visualizarse cantando ofrece mucha seguridad a la hora de interpretar las canciones en público. Es especialmente eficaz para las personas muy sensibles y fácilmente impresionables verse cantando y familiarizarse con esa nueva faceta de sí mismas antes de mostrarla a los demás.

Preguntar si hay algo en particular que le preocupe a alguien y tener la disposición de resolverlo es de suma eficacia. Y, desde luego, cuántas más veces se pueda cantar sobre el escenario, mejor que mejor.

7. Ha llegado el gran día

Hemos de desarrollar un estado de alerta desde la tranquilidad que nos da saber dónde estamos y con qué elementos contamos. De esa forma si ocurriera algún imprevisto, nuestra reacción será la de obrar con naturalidad, resolviendo con maestría, incluso con sentido del humor, aquello que, de otra manera, podría hundir una actuación. Por eso en el apartado anterior hemos jugado a «los accidentes».

Por otra parte, es imprescindible que cada cual sepa qué elementos habrá en escena, cuáles verá y cuáles, al estar tras el cantante, no. Aquellos que uno no ve deben ser tenidos en cuenta tanto o más, si cabe. Puesto que eventualmente la escena será nuestra casa, tenemos que conocerla para usarla bien.

Si se trata de un teatro profesional, anima al grupo a comentar con el equipo técnico y/o artístico cualquier cosa que parezca una adversidad, o que se valore que va en contra de la interpretación. Quizá sea solo cuestión de hacer algún cambio para que todo siga funcionando igual de bien y el artista se encuentre mejor en escena. Es también muy importante conocer la parte trasera y laterales del escenario (si los hubiere).

Mientras se realiza la puesta en escena, la parte trasera (o backstage) y laterales están prácticamente a oscuras para que nada que no sea la escena, resulte visible desde el público. Por lo cual tendremos que pactar claramente por dónde entrar y por dónde salir del escenario, hasta acceder a la zona de los camerinos. Hay tantas concepciones de escena como queramos crear. Traslademos este modus operandi a cualquier espacio donde se haga una puesta en escena con una dinámica establecida.

En función del espacio que tengamos, la muestra musical comportará más preparación o menos. Si disponemos de una escena semiprofesional, posiblemente haya un equipo de sonido que alguien debe manejar. En ese caso, la experiencia será muy enriquecedora ya que poder probar la microfonía es parte del «pulido» final del cantante en su camino a cantar en público. Procura que cada uno cante al menos su tema dos veces con micrófono. Posiblemente tengamos también luces, lo que ayudará a crear un clima que colabore a que las canciones lleguen con más calado. Al menos una vez la prueba debe ser con luces.

Dependiendo del grupo, hacia el final del taller conviene plantear qué hacer con el vestuario; tal vez con un simple elemento (un sombrero, una boa, algo brillante, un tul) sea suficiente, o tal vez no. Hay una solución muy alegre y práctica: que todo el mundo lleve al aula ropas que puedan ayudar a sus compañeros en sus composiciones. Verás cómo en un momento te encuentras con sombreros de copa, tacones de vértigo y pelucas de todo tipo. La idea básica es que nadie se esconda bajo un disfraz, sino que las personas se sientan cómodas y satisfechas con el atuendo.

En cuanto al maquillaje, si tienes un grupo con ganas de hacerlo, ¿por qué no? Los que más sepan que enseñen a los demás. Si hay focos conviene acentuar los colores, y si se trata del aula con un sencillo maquillaje de noche es suficiente. Una vez más conviene respetar los deseos de cada alumno, y dejar que las gominas, perfiladores y carmines sean los reyes de la fiesta.

¡Ha llegado el día de disfrutar de la magia!

Es un día muy especial y hay que vivirlo como tal desde el momento mismo en que los participantes se levanten, tras haber dormido al menos ocho horas. Es normal que se sientan nerviosos e ilusionados a la vez; están deseando pisar el escenario pero no pueden evitar tener miedo a la experiencia. Es necesario poner en marcha el ritual que aplacará la mente y organizará la energía dirigida a disfrutar del «antes» y, en la medida de lo posible, del «durante».

Ingerir un desayuno rico en vitaminas será el primer paso antes de una buena ducha o baño. El peinado, la preparación de las prendas destinadas a la actuación, la organización del neceser o maletín de maquillaje, y todo aquello que vayamos a necesitar en el camerino o el lugar habilitado como tal, serán las tareas que a lo largo del día irán conectando al artista con el acontecimiento. Mientras se realiza esta preparación, seguro que aflorará el tarareo de la canción que defenderán ante el público, si no es así, remarca la necesidad de provocarlo para ir ubicando la resonancia y abriendo la voz.

Es muy conveniente la ingesta de agua durante todo el día. También es aconsejable dar un largo paseo en un lugar oxigenado; cualquier ciudad cuenta con ese espacio natural donde poder sentirse mejor mientras se respira el aire más puro que pueda brindar.

El almuerzo será ligero, fácil de digerir. Los alimentos, dependiendo de la época del año. La fruta de la temporada entre horas resulta una buena costumbre en cualquier estación.

Después de comer conviene reposar un rato e intentar tranquilizar la mente, ya que es muy normal que se vaya viendo alterada por la inevitable anticipación de los acontecimientos. Es imprescindible realizar algún ejercicio de relajación, tomando conciencia de todo nuestro cuerpo e intentando conectar la respiración con el estado de la sonrisa, tal y como explicamos en el apartado «Para empezar, el cuerpo».

Cuando se haya conseguido un estado calmado, se puede realizar una actividad completamente distinta, algo que aleje al alumno por un período de tiempo de la responsabilidad que siente ante la muestra: ver una película, leer, realizar algún trabajo doméstico...

Unas cuatro horas antes de la actuación, se empezará el calentamiento vocal, tal y como explicamos en el capítulo «A la hora de cantar». Una vez terminado el proceso, y en una postura cómoda, comenzará la recreación individual de cómo será el paso por el escenario, intentando imaginar todas esas buenas sensaciones que cada uno desee tener mientras interpreta su canción. Si acude algún pensamiento negativo, hay que intentar reconducirlo hacia lo que se quiere que pase, hacia un estado de disfrute. Nunca hay que recrear situaciones negativas.

Ya en las dependencias del lugar donde se celebrará la muestra, se realizarán una serie de ejercicios colectivos de cuerpo-voz guiados por ti como coordinador del taller. Se trata de «templar» los nervios y de conseguir la conexión con la respiración. Puedes hacer un resumen de lo expuesto durante el curso, en la forma que te resulte más apropiada, según el nivel alcanzado.

Llega el momento de vestirse y maquillarse para la ocasión. Mientras se realizan estas tareas se puede ir cantando la canción en voz baja varias veces, a modo de tarareo. No hay que malgastar voz, los calentamientos están ya hechos, así como la preparación adecuada para el momento que llega.

Como ya hemos dicho en el apartado «“Domesticar” el miedo escénico» (véase pág. 77), es completamente normal y «necesario» que haya nervios. No hay que hacer de ellos un enemigo. Estamos viviendo una situación extraordianaria y nos importa mucho todo lo que allí va a suceder, por eso es comprensible que esos nervios hagan su aparación; si se usan como un aliado de impulsión, como un motor, serán de gran ayuda. Cuando se intenta luchar para no sentir ese nerviosismo, se invierte el proceso aumentando el estado de angustia. Para controlar y apaciguar la situación resulta muy efectivo intervenir en la respiración alterando los tiempos: tomar aire en dos y expulsar en ocho, tomar en diez y expulsar en uno... de esa forma engañaremos un poco al corazón y su latido bajará en alteración.

El público empieza a ocupar la sala, se oye el murmullo y aflora la contradicción que da el combinar los nervios con la necesidad y la pasión por pisar el escenario. Faltan pocos minutos y parecerá que el tiempo se detiene. Es el momento de compartir aquello que se ha estado preparando con tanta dedicación. El público no es un examinador; está allí para acompañarnos y aplaudirnos. Cualquier sensación, en ese sentido, sobra. Es el momento de comunicar con generosidad.

Una voz avisa: «¡A escena!».

La confección de la muestra final

En el período de duración del taller hemos estado preparando las canciones que formarán parte del espectáculo que cierra nuestro ciclo. Que resulte un mero recital o se transforme en una propuesta amena y con interés de principio a fin, dependerá de cómo armemos la puesta en escena, la iluminación (si contáramos con ella), la ambientación del escenario, el vestuario, etc.

Cualquier detalle, por pequeño que parezca, coadyuva de forma importante, por eso tendremos muy en cuenta todo lo que decidamos sacar a escena, sin concesión posible a ningún error consciente, aunque creamos que no se vaya a ver. Hay que pensar que, aparte del directo, habrá vídeos y fotos. Aquel detalle que creíamos tan insignificante y que quedaba tan escondido, puede resultar un fastidio verlo en la mejor foto de que disponemos.

Tendremos que concebir un orden en las canciones que establezca con buen criterio la sucesión de estilos. Hay que evitar que se canten dos baladas seguidas, o tres canciones muy movidas, una detrás de otra, aportando una variación que capte la atención constante del público y otorgue ritmo al espectáculo.

Hay muchos diseños de espectáculo posibles. Te proponemos, como coordinador, que tomes las riendas de las presentaciones haciendo de maestro de ceremonias, y expliques entre canción y canción, además del título y el nombre del intérprete, algún rasgo de la personalidad del cantante, o alguna anécdota que haya protagonizado en el taller, en tono muy distendido y con notas de humor.

Las canciones pueden ambientarse con figuración y colaboración de compañeros, canten en la muestra o no, de esa forma todo el mundo participa en el espectáculo; estas intervenciones pueden llevarse a cabo bailando algo sencillo o realizando alguna aparición de tipo gestual, por ejemplo. Todo ha de estar muy bien medido, hay que evitar salir a escena a «hacer bulto» o a improvisar.

Tenemos que saber cuánto durará nuestro espectáculo y, dependiendo del número de artistas y el minutaje de las canciones, contemplar un descanso de unos minutos o no: si el espectáculo dura dos horas, es conveniente hacer una pausa de quince minutos; si la duración es de una hora, no será necesario. Para ello, previamente, habrá que cronometrar la duración de las canciones.

Un detalle que adjudica aún más entidad al evento es la confección de un programa de mano para el público. No hace falta que encarguemos ningún formato a una imprenta, con el ordenador bastará. Hay que procurar que sea claro y, si es posible, con alguna nota de color. Además de servir como consultor durante la muestra, puede ser un recuerdo que los participantes y sus familias y amigos guarden con cariño.

Como broche final del espectáculo, resulta muy emotivo cantar un último tema coral donde participen todos los cantantes, y se unan al grupo aquellos asistentes (si los hubiere) que, aun sin cantar, hayan participado de una forma u otra. En esta propuesta final estás incluido tú como coordinador del taller.

Tenemos todos los ingredientes para realizar un fin de fiesta artístico y divertido. Será un éxito seguro.

¡Adelante!

8. Cantar a todas horas

Desde que la música grabada está presente en los más variados formatos, el espacio para que las personas canten para sí mismas y los demás se ha reducido sensiblemente. ¿Y qué decir de lo poco que proliferan las actuaciones en directo? La música grabada, cada vez más accesible, está sustituyendo la costumbre de crear música y «arrancarse» a cantar. Sin embargo, nuestros participantes han puesto su instrumento a punto y han recuperado ese placer olvidado; ya no hay razón para que eso no cambie.

Durante el tiempo que has liderado el taller, el grupo habrá practicado la autoobservación, activado su respiración, conocido algo más su aparato fonador ganando resonancia vocal, y se habrá empapado de las más variadas melodías y ritmos. Es decir, ha ahondado en ese «tesoro» personal que es escucharse con atención y expresar las emociones a través de las canciones. Y lo que es aún más importante: se habrá sumergido en la interpretación de las melodías de otros, escuchando con respeto, atención y alegría. El grupo habrá perdido el «miedo» a cantar en público, pero no solo eso, es de suponer que habrá disfrutado mucho de la experiencia. Si con el taller has conseguido potenciar el talento de cada alumno y avivar el placer de cantar, ten por seguro que tu taller ha sido un éxito. Solo queda, si resulta posible, tras la muestra final proponer una pequeña charla para valorar los objetivos alcanzados. Vale la pena poner encima de la mesa qué expectativas y metas personales tenían cuando llegaron, ver cuáles se han cumplido y cuáles no.

Evidentemente, profundizar en el aprendizaje vocal lleva toda una vida. La voz va cambiando con nuestro cuerpo, estados de ánimo y nivel de práctica. El éxito de nuestro taller no se medirá por los aplausos del día de la muestra final, sino por el crecimiento personal a la hora de recrear las canciones, gracias a ese espacio de expresión que hemos abierto. Anima al grupo a aprovechar cualquier circunstancia para ofrecer canciones: cantar en corales, crear bandas, seguir formándose para ser cantantes profesionales o cantar para sí mismos en su vida cotidiana.

Ese universo personal es una fuente de placer inagotable que nos acompañará toda la vida. Por lo tanto, poco más queda por decir excepto,

¡A cantar a todas horas!

Biblioteca de temas según niveles

Primer nivel

Te recuerdo Amanda (V. Jara).

No dudaría (A. Flores).

No me importa nada (P. Varona y G. Varona).

El talismán (R. Arbelo).

L.O.V. E. (M. Gabler y B. Kaempfert).

I’ve Got You Under My Skin (C. Porter). (Hay vers. cast.: Te llevo bajo mi piel.)

Y nos dieron las diez (J. Sabina).

La canción de las noches perdidas (J. Sabina).

Alabama Song (K. Weill y B. Brecht).

Me cuesta tanto olvidarte (J. M. Cano).

Y ¿cómo es él? (J. L. Perales).

Piensa en mí (A. Lara).

Moon River (H. Mancini y J. Mercer), tema de la película Desayuno con diamantes.

Duerme negrito (Anónimo).

Castle on a Cloud del musical Les Miseràbles (C. M. Schönberg y A. Boublil). (Hay vers. cast.: Castillo de cristal.)

Good Morning Starshine del músical Hair (G. MacDermot, G. Ragni y J. Rado). (Hay vers. cast.: Ya viene el día.)

Inés Inés (canción popular).

Cuéntame qué te pasó (Al Castellanos).

Yesterday (P. McCartney).

Love Me Tender (G. R. Poulton y W. W. Fosdick).

Fly Me to the Moon (B. Howard).

La vie en rose (L. Gugliemi y E. Piaf).

Die Moritat von Macky Messer (K. Weill y B. Brecht) de Die Dreigroschenoper.

Angelitos negros (M. A. Maciste y A. E. Blanco).

Summertime (G. Gershwin y D. Heyward).

Blue Velvet (B. Wayne y L. Morris).

Duo:

Colgando en tus manos (C. Baute).

Segundo nivel

El relicario (J. Padilla, J. M. Castellvi y A. Oliveros).

Melodía de Arrabal (C. Gardel, L. Pera y Battistella).

Killing Me Softly With His Song (Ch. Fox y N. Gimbel).

Orfeu negro (A. C. Jobim y Luis Bonfá).

A Felicidade (T. Jobim y V. De Moraes).

Fumando espero (J. Viladomat y F. Garzo).

Negra Maria (L. Demare y H. Manzi Bruna).

I Got Rythm (G. Gershwin) de la película Un americano en París.

I Don’t Know How to Love Him (A. Ll. Weber) del musical Jesus Christ Superstar.

Hello Dolly (J. Herman).

Garota de´Ipanema (A. C. Jobim y V. De Moraes).

Let’s Call the Whole Thing Off (G. Gershwin e Ira Gershwin).

Night and Day (Cole Porter).

Non, je ne regrette rien (Ch. Dumont y M. Vaucaire).

Nosotros (P. Junco).

Encadenados (C. A. Briz).

Out Here on My Own (M. Gore).

Bésame mucho (C. Velázquez).

Misty (E. Garner).

María se bebe las calles (A. Martínez Ares).

La gata bajo la lluvia (R. Pérez Botija).

Corazón partío (A. Sanz.)

Memory (A. LL. Webber y T. Nunn).

Your Song (E. John).

Hijo de la luna (J. M. Cano).

I Want to Break Free (J. Deacon). (Hay vers. cast.: Yo quiero salir.)

On Broadway (B. Mann y C. Weil).

Message in a Bottle (Sting).

Todo a pulmón (A. Lerner).

Cabaret (J. Kaender y F. Ebb).

Stormy Weather (H. Arlen y T. Koeher).

Contigo aprendí (A. Lara).

Beauty and the Beast del musical La bella y la bestia (A. Menken y H. Ashman). (Hay vers. cast.: La bella y la bestia.)

Calling You (B. Telson). (Hay vers. cast.: Llamándote.)

Rey Herodes del Musical Jesus Christ Superstar (A. LL. Webber y T. Rice).

Sway (P. Beltrán Ruíz). (Hay vers. cast.: ¿Quién será la que me quiera a mí?)

Duo:

Vivo por ella (Manzalli-Mengalli-Zelli).

Falling Slowly de la película Once (G. Hansard).

Tercer nivel

Tatuaje (R. León y M. Quiroga).

I Will Survive (D. Fekaris). (Hay vers. cast.: Yo viviré.)

All By Myself (E. Carmen). (Hay vers. cast.: Solo/a otra vez.)

Vida loca (F. Céspedes).

Y si fuera ella (A. Sanz).

Send in the Clowns (S. Sondheim) del musical A little Night Music.

The Winner Takes it All (B. Ulvaeus y B.Andersson). (Hay vers. cast.: Ya no quiero hablar.)

Te quiero, te quiero (A. Algueró).

Noches de Bohemia (I. de los Reyes y F.Carrasco).

Y sin embargo te quiero (Quintero, León y Quiroga).

My Way (C. Françoise y P. Anka). (Hay vers. cast.: A mi manera.)

Se te olvida (A. Carrillo).

I Dream a Dream del musical Les Misérables (C. M. Schönberg y A. Boublil). (Hay vers. cast.: Soñé con ser otra mujer.)

Impossible Dream del musical El hombre de La Mancha (M. Leigh y J. Darion). (Hay vers. cast.: Sueño imposible.)

The Lady is a Tramp (R. Rodgers).

Lucía (J. M. Serrat).

Alfonsina y el mar (A. Ramírez y F. Luna).

Desafinado (A. C. Jobim y N. Mendonça).

Sophisticated Lady (D. Ellington).

Tonight (L. Bernstein) del musical West Side Story.

Maria (L. Bernstein) del musical West Side Story.

Listen (H. Krieger) de la película Dreamgirls.

Maybe This Time del musical Cabaret (J. Kaender y F. Ebb).

Someone to Watch Over Me (G. Gershwin).

Calling You (B. Telson) de la película Bagdad Café.

My Funny Valentine (R. Rodgers y L. Hart).

Mediterráneo (J. M. Serrat).

Duos:

No sé por qué te quiero (V. Manuel San José).

One del musical A Chorus Line (M. Hamlisch y E. Kleban).

Otros temas líricos para alumnos iniciados en el género:

Voz femenina:

Voi che sapete (W. A. Mozart) de la ópera Le nozze di Figaro.

Canción de Paloma (F. A. Barbieri) de la zarzuela El barberillo de Lavapies.

Voz masculina:

Nessun dorma (G. Puccini) de la ópera Turandot.

La roca fría del Calvario (J. Serrano) de la zarzuela La Dolorosa.

Vocabulario básico

Cuerdas vocales (pliegues vocales)

Cada una de las dos bandas de tejido elástico y fuerte que se encuentran situadas en la laringe. Producen la vibración del aire.

Diafragma

Músculo membranoso (en forma de paracaídas) que separa la cavidad torácica de la abdominal.

Apoyo

Llamamos apoyo a la acción que realizan los músculos abdominales para que el aire en los pulmones se sustente sobre el diafragma.

Las tres direcciones

1. Desde las lumbares una fuerza nos dirige hacia el suelo.

2. Desde el abdomen hacia la clavícula buscaremos el cielo.

3. Sintiendo el cuello libre, los ojos miran al horizonte.

Proyección

Para realizar una correcta proyección hay que optimizar el proceso de fonación apoyando el sonido sobre el diafragma, evitando tensiones innecesarias, sobre todo en el cuello.

Resonadores fijos

Los resonadores fijos son los senos de la calavera.

Resonadores móviles

Hacen referencia a la cavidad bucal y la faringe.

Los registros de la voz

Se conocen como registros de la voz, las clasificaciones de la misma. Sucintamente, se podría decir que hay tres clasificaciones: voz natural, voz de cabeza y voz mixta.

La voz natural es el registro con el que hablamos y cantamos hasta que nos llega una determinada dificultad en el paso a las notas agudas.

La voz de cabeza conforma el registro en el que los sonidos agudos adquieren otro color, por una posición distinta en las cuerdas vocales a la empleada en la voz natural, y sin la cual nos sería imposible alcanzar notas muy agudas. Podríamos identificarla como un tipo de voz más «fina», aunque esta definición sirve únicamente para describir el sonido muy al principio de nuestra educación vocal. Con el estudio se acaba por descubrir que puede sonar fina o no, y el ejemplo más claro lo encontramos en el estilo lírico.

La voz mixta se halla en el paso de estos dos registros; es la zona de mayor dificultad en el canto, y también se la conoce como voz de paso; aunque no es exacta la definición, ilustra bastante la sensación que tendremos al usarla. A través del trabajo con vocalizaciones y entrenamiento en los registros natural y de cabeza, se logra flexibilizar la garganta para ir descubriendo esa voz mixta que se caracteriza por un sonido «fácil» al oído receptor de gran belleza.

Glisando

Es el efecto sonoro que se produce cuando se pasa de un sonido agudo a uno grave, o viceversa, logrando que se escuchen el mayor número de sonidos intermedios posibles, dependiendo de las características de cada voz.

Stacatto o picado

En rigor, stacatto significa obviar el valor de las notas escritas en la partitura por una corta duración acentuada. En relación a los ejercicios que hemos planteado, el sonido picado hace referencia a emitir las notas apoyando la emisión con un golpe diafragmático con una muy corta duración.

Vibrato

A la oscilación del sonido alrededor de una nota con pulsaciones regulares se la identifica como vibrato. En términos vocales se produce vibrato cuando el cierre de las cuerdas oscila por los impulsos del aire que proviene de los pulmones, produciéndose un «balanceo» entre éste y las dos bandas que conforman las cuerdas vocales; los resonadores se verán invadidos por la fluctuación del sonido.

Armónicos

Se trata de sonidos accesorios cuyas frecuencias son múltiplos de la del sonido principal, que se añaden al mismo dando lugar al timbre. Podríamos definir los armónicos como «las flores de nuestra voz».

Timbre

Cuando nos referimos a timbre hablamos de la cualidad del sonido que permite distinguir una voz de otra.

Bibliografía

Gelb, Michael: El cuerpo recobrado. Introducción a la técnica Alexander. Ediciones Urano, Barcelona, 1981.

Tomatis, Alfred: El oído y la voz. Paidotribio, Barcelona, 2010.

Berry, Cicely: La voz y el actor. Alba, Barcelona, 2002.

Rodenburg, Patsy: The Actor Speaks. Methuen, Londres, 1997.

A L B A

Alba es un sello editorial que desde 1993 ha emprendido una labor de recuperación de literatura clásica (Alba Clásica y Maior), así como de ensayo histórico, literario y memorísticos (Colección Trayectos). Asimismo, merece una especial mención la colección Artes Escénicas, dedicada a la formación de actores y la colección Fuera de Campo conocida por la publicación de textos de formación cinematográfica y literaria en todos sus ámbitos. También destacan sus originales y vistosos libros de cocina, así como sus Guías del escritor destinadas a aficionados y profesionales de la escritura. Por todo ello le fue concedido el Premio Nacional a la Mejor Labor Editorial, 2010. En 2012 ha incorporado a su catálogo dos nuevas colecciones, Contemporánea (dedicada a la ficción de hoy) y Rara Avis (clásicos raros de los siglos XIX y XX).

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