En el primero de los cinco «movimientos» de esta obra, busco dar la faz humana del creador. Naturalmente, esa imagen será parcial. Es Ginastera visto por mí y solo por mí. En esa parte de mi trabajo he dado conscientemente la espalda a ciertas postulaciones actuales de la crítica, que pretende describir casi geométricamente aquello que cae bajo su lente, a fin de liberarlos, en el caso de los objetos, de toda significación humana, para corregirlos de la metáfora y del antropomorfismo. En cambio, en lugar de «expulsar» al hombre, al escritor, al crítico, me he incluido sin disimulos en ese primer «movimiento», al cual, parafraseando la terminología técnico-musical, he denominado «allegro bio-temático».

Algo análogo ocurre en el segundo «movimiento», aunque en ese caso hay una mayor aproximación al pensamiento puro del autor, a sus propias palabras, a sus ideas sobre la creación musical.

En los tres «movimientos» que siguen, el método de trabajo se orienta hacia un desmenuzamiento de la obra, desde un doble ángulo, descriptivo y explicativo. Es decir, un estudio de los elementos formales de cada composición, sin que ello signifique dejar de lado datos situacionales de cada una de ellas, o sea todo lo que de alguna manera condiciona su origen y es parte determinante de su génesis y expansión.

P. S. U.

Pola Suárez Urtubey

Ginastera en cinco movimientos

ePub r1.1

stjx30 09.12.14

Título original: Ginastera en cinco movimientos

Pola Suárez Urtubey, 1972

Fotografía de cubierta: Bruno Guth

Editor digital: stjx30

Corrección de erratas: Trujano

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El artista creador es como una sinfonía de Berlioz.

Los movimientos cambian; el estilo, aunque variado, reaparece siempre.

Es su «idée fixe».

Introducción

Con el propósito de iniciar la publicación de su serie de monografías sobre compositores, incluida en la colección «La música y los músicos», se me ha encargado este libro sobre Alberto Ginastera.

La solicitud responde a una idea bien definida: si se propone llenar en parte la carencia de bibliografía musical en nuestro idioma, pues nada mejor que empezar por la propia casa. El prestigio local e internacional de Ginastera hizo pensar entonces al editor que un volumen dedicado a su personalidad y producción podía servir de inmejorable pórtico.

En el primero de los cinco «movimientos» de esta obra, busco dar la faz humana del creador. Naturalmente, esa imagen será parcial. Es Ginastera visto por mí y solo por mí. En esa parte de mi trabajo he dado conscientemente la espalda a ciertas postulaciones actuales de la crítica, que pretende describir casi geométricamente aquello que cae bajo su lente, a fin de liberarlos, en el caso de los objetos, de toda significación humana, para corregirlos de la metáfora y del antropomorfismo. En cambio, en lugar de «expulsar» al hombre, al escritor, al crítico, me he incluido sin disimulos en ese primer «movimiento», al cual, parafraseando la terminología técnico-musical, he denominado «allegro bio-temático».

Algo análogo ocurre en el segundo «movimiento», aunque en ese caso hay una mayor aproximación al pensamiento puro del autor, a sus propias palabras, a sus ideas sobre la creación musical.

En los tres «movimientos» que siguen, el método de trabajo se orienta hacia un desmenuzamiento de la obra, desde un doble ángulo, descriptivo y explicativo. Es decir, un estudio de los elementos formales de cada composición, sin que ello signifique dejar de lado datos situacionales de cada una de ellas, o sea todo lo que de alguna manera condiciona su origen y es parte determinante de su génesis y expansión.

P. S. U.

Primer movimiento

Allegro bio-temático

18 de julio de 1967. La Municipalidad de la ciudad de Buenos Aires emite un decreto que excluye la ópera Bomarzo del repertorio del Teatro Colón, donde debía ser estrenada pocos días después. Los considerandos de la medida señalan que corresponde a las autoridades del Municipio resguardar la moralidad pública. Se recuerda que los trámites para llevarla a escena se habían concretado en la primera mitad de 1966, para formalizarse después las contrataciones respectivas. Luego, a causa del estreno de la obra en Washington (19 de mayo de 1967), «esta Intendencia Municipal —dice el decreto— recién pudo tomar conocimiento cabal de los aspectos característicos de dicho espectáculo, en cuyos quince cuadros se advierte permanentemente la referencia obsesiva al sexo, la violencia y la alucinación, acentuada por la puesta en escena, la masa coral, los decorados, la coreografía y todos los demás elementos concurrentes». Y se rubrica con la categórica afirmación de que «el argumento de la pieza y su puesta en escena revelan hallarse reñidos con elementales principios morales en materia de pudor sexual».

19 de julio de 1967. Ginastera opina desde las columnas de un vespertino de Buenos Aires: «Las obras de arte no deben juzgarse con un criterio rígido, sino con una medida estética. No debemos olvidar que las grandes obras giran alrededor de los grandes pecados».

27 de noviembre de 1970. Bomarzo se estrena en Europa, en la ópera de Kiel (Alemania) y pocos días después de Zurich (Suiza), dirigida por el eminente Ferdinand Leitner.

Año 1971. Desaparecida en la Argentina la política de paternalismo cultural y obsecuente fariseísmo, la Intendencia Municipal resuelve incluir nuevamente la ópera Bomarzo en el Colón. Su estreno queda fijado para el 28 de abril de 1972.

En los casi cinco años que median entre la prohibición de Bomarzo y su estreno en Buenos Aires, Ginastera añade a su producción operística un nuevo título, Beatrix Cenci. La noche del estreno mundial en Washington, el 10 de septiembre de 1971, la televisión argentina, vía satélite, difunde una entrevista con el compositor mientras las cámaras muestran diferentes momentos de la obra. Toca esa noche el punto álgido de la consagración del músico a nivel multitudinario. Esto último puede tener hoy poca importancia. Es signo de los tiempos que corren adquirir prestigio de la mañana a la noche, como perderlo al día siguiente. Sin embargo, la consagración de Ginastera aparece como logro de treinta años. Semejante lapso es capaz de desafiar con ventaja a esta sociedad nuestra, variable y veleidosa. Es un puesto ganado día a día, obra a obra, nota a nota. Ganado con el esfuerzo de la creación, con las horas de soledad que ese esfuerzo exige, con la alegría del triunfo. Ese triunfo no se lo ha regalado ninguna promotora comercial. Por eso llena de mayor felicidad al hombre que lo goza en la misma medida en que estremecen de impotencia las legiones de cainitas que todo Abel triunfante se gana en este mundo. Es el salario del éxito.

Alberto Evaristo Ginastera nació en Buenos Aires el 10 de abril de 1916. No se registran antecedentes musicales en su familia. El abuelo paterno era un inmigrante catalán; el materno venía de Lombardía, Italia. Sus padres, por tanto, eran argentinos y se llamaban Alberto Ginastera y Luisa Bossi. La familia, de desahogada situación económica, se completaba con una hija, Celia, actualmente profesional destacada y gran amiga del hermano. Ginastera siempre se acuerda de que el descubrimiento de su vocación musical fue inesperado. Una mañana de Reyes, al encontrar entre los regalos una flautita, comenzó a ensayar el himno nacional y algunas marchas militares aprendidas con los chicos del barrio, en Barracas. Tenía cinco años. A los siete, empieza a tomar lecciones particulares de música y a los doce se inscribe en el Conservatorio Williams de Buenos Aires. Paralelamente, continúa sus estudios regulares primarios y secundarios, estos últimos en la especialidad de perito mercantil. Egresado del colegio comercial, Ginastera tiene que elegir entre la Facultad de Ciencias Económicas y el Conservatorio. Por entonces había compuesto, en 1934, sus Impresiones de la puna, posteriormente retirada de catálogo, aunque no es esta la primera. Ya había comenzado a crear, intuitivamente, en 1930.

En 1936 (tiene 20 años), Ginastera elige su camino. Da la espalda a la Universidad e ingresa en el Conservatorio Nacional de Música. Los padres apoyan la decisión. Los tres meses (enero a marzo) de 1937 en que cumple el servicio militar como aspirante a oficial de reserva de caballería, no le impiden realizar sorprendentes avances, de modo tal que a los 22 años (1938) se gradúa con las más altas calificaciones. En ese breve lapso, se producen dos hechos fundamentales para su vida futura, en el doble orden profesional y personal. En 1937 conoce a Mercedes de Toro «Ñata», su futura mujer, y Juan José Castro estrena en el mes de noviembre la suite del ballet Panambí, el primer éxito de su carrera de compositor.

Es justamente en 1937 cuando encuentro las primeras informaciones periodísticas que graban en letra de molde el nombre de Alberto E. Ginastera, nombre profesional al que años después el músico reduce, quitándole la inicial. En el diario «La Nación» de Buenos Aires del 14 de agosto se dan a conocer los resultados del tercer concurso de la canción escolar argentina, donde figuran como jurados los profesores José Gil, Felipe Boero, Alfredo Schiuma, Gilardo Gilardi y Athos Palma, presididos por Arturo Marasso. Ginastera obtiene el primer premio de la quinta categoría con Arriero canta, letra de Félix L. Errico. Es también Errico quien le provee del argumento de Panambí, que se estrena como ballet, en el Colón, en 1940. El 12 de julio de ese año el diario «La Prensa» de Buenos Aires publica un artículo a dos columnas para anunciar el estreno de la obra de Ginastera, la cual comparte el cartel con el ballet «Offenbachiana» de Juan José Castro y la ópera «Cavalleria rusticana». El citado artículo periodístico incluye, junto con explicaciones en torno de la obra, una foto del autor y un fragmento autógrafo de la partitura. Ginastera, a los 24 años, ya es, localmente, un consagrado. Y así lo reconoce ese mismo año la Municipalidad, al conferirle un premio por la Sonatina para arpa y la Comisión Nacional de Cultura, que premia Panambí.

Cuando en 1942 Fritz Busch estrena la Sinfonía porteña, la crítica local la ubica entre «una de las más atrayentes de nuestra música sinfónica», opinión no compartida por el autor, sin duda, puesto que años después la repudia, como a tantas otras de ese período. Al año siguiente, el periodismo de Buenos Aires espeja el primer éxito de Ginastera en el exterior. Es muy cerca aún. Apenas Montevideo. Pero ya la Universidad de la República auspicia en sus aulas un acto totalmente destinado a obras del joven argentino. A los veinticinco años, no está mal. Sobre todo porque no eran todavía los años en que los jóvenes gozaban de todo tipo de privilegios solo por el hecho de ser «jóvenes». Un crítico de Montevideo —visionariamente— cree poder ubicar a Ginastera «en un plano de significativa magnitud dentro de la producción latinoamericana». Ya advierte por entonces que «el acervo folclórico argentino no es en su obra una simple etiqueta melódica o rítmica. Por el contrario, dice, su cancionero nacional es el que le dicta su concepto armónico-modal, convirtiendo a su música en una expresión a la vez autóctona y universal».

En los años siguientes se amplía la familia. De su casamiento con «Ñata» nacen sus hijos Alejandro y Georgina. Y también va enriqueciéndose la producción, aun cuando no manifiesta todavía cambios radicales respecto de la estética que abraza el músico por esos años, un nacionalismo al cual el mismo autor llama objetivo, por cuanto el material de raíz folk o popular (la Sinfonía porteña hacía escuchar un tema de tango) está presentado de una manera directa, con recurrencia a la tradición tonal.

Con todo, hay síntomas e inquietudes reveladoras. El influjo de Stravinsky y en menor grado de Bartók y Falla tiene sugestiva presencia en la obra de lo que llamaré el primer estilo. Desde Panambí se descubre la búsqueda de un lenguaje menos local, más de su época. Si hay algo que a Ginastera le preocupa desde entonces a hoy (una de las tantas constantes que concurren a informar su «idée fixe») es el de responder a su compromiso con la cultura que le toca vivir y a cuya renovación contribuye. Toda innovación le interesa en la medida en que pueda enriquecer el vocabulario de ese lenguaje comunicante que es la música. Pero solo lo adopta cuando ha podido probar su eficacia como elemento de nivel artístico.

El primer viaje a los Estados Unidos (diciembre de 1945) es decisivo para el curso posterior de su actividad profesional y de su obra. Permanece allí, en uso de la beca de la fundación Guggenheim, unos quince meses. Son los de la inmediata posguerra; aquellos en que la música de ese país se apresura fervorosamente a ganar nuevas dimensiones internacionales en el terreno de la vanguardia. En Estados Unidos, Ginastera tiene amplias oportunidades para conocer música, la música de su tiempo. Pero también consigue hacerse escuchar. En el curso de un concierto que la Comisión Interamericana de Mujeres dedica a su obra en el Hall de las Américas de la Unión Panamericana de Washington, se interpretan algunas de sus obras para piano. Asisten tres mil personas y el crítico del «Times Herald» le asigna una «imaginación atrevida». Refiriéndose a las partituras para teclado, escribe: «El comprende sus leyes de acústica y sus limitaciones. Las leyes las obedece puntualmente. Las limitaciones parece considerarlas como un desafío y trata de eliminarlas o circunvalarlas».

Con Pampeana N.º 1 para violín y piano, Op. 16, de 1947, se produce una importante vuelta de tuerca en el proceso de maduración de la obra ginasteriana. El autor la considera como «un pivote en el que se manifiestan materiales de las dos épocas», vale decir del estilo objetivo y del que le sigue, de nacionalismo subjetivo. Ya escribí en otra oportunidad que ese cambio, coincidente con los quince meses de residencia en los Estados Unidos, no me parece de ninguna manera casual. Lejos de su patria —y nunca la ausencia había sido tan prolongada— el músico puede desligarse más fácilmente del elemento tradicional popular, que actuará como objeto sonoro estimulante para la obra. El tema literario, la cita folclórica, el ritmo, las características tonales, ya no están «al alcance de la mano» en el nuevo medio. Sin embargo, inversamente, la distancia, la nostalgia de la tierra y de la familia parecen anudar desde la lejanía nuevos vínculos, más hondos, y aún más fuertes tal vez, aunque menos evidentes. De ahí surge una música que conserva del país todo su espíritu, aunque las líneas y los colores aparezcan diluidos por los procedimientos de composición más recientemente gustados y asimilados.

La fundación en 1948 de la Liga de Compositores de la Argentina, filial de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea (SIMC), será el segundo intento realizado en el país por la defensa de la música contemporánea. El primero lo constituyó el grupo Renovación, que empieza a manifestarse alrededor del 30 y en el que militan Juan Carlos Paz, Jacobo Ficher, Gilardo Gilardi, Juan José y José María Castro, Luis Gianneo y Honorio Siccardi. Posteriormente, y cumplido su ciclo la Liga, el impulso se prolonga en la actual SAMC (Sociedad Argentina de Música Contemporánea), siempre filial de la SIMC, y de la cual hoy Ginastera sigue formando parte.

También en aquel año 1948, Ginastera funda el Conservatorio de Música y Arte Escénico de la ciudad de La Plata, el que hoy lleva el nombre de «Gilardo Gilardi». Se concreta así la primera de las tres empresas puestas en marcha por el compositor en el terreno de la enseñanza musical. La fundación del conservatorio de La Plata significa el punto de partida de una toma de conciencia por parte de la provincia de Buenos Aires, que en etapas sucesivas fundará análogos centros en otros lugares de su órbita. Diez años más tarde, el músico se encarga de organizar, en el seno de la por entonces recientemente fundada Universidad Católica Argentina, una facultad de música. Por vez primera se crea, como carrera, la especialidad Musicología, con lo cual Ginastera propende a la formación universitaria de futuros investigadores.

En este punto, conviene valorar exactamente la iniciativa. La Musicología, que reconoce larguísimos antecedentes precientíficos en la Argentina, entra en su faz científica solo a partir de la década de 1930. Ello significa que en 1958 cuenta con algunos representantes, y por cierto de enorme valor, pero eran figuras surgidas aisladamente y por superior esfuerzo personal. Le tocó a Ginastera la misión de convertir el esfuerzo aislado en una institución encargada de dar formación y metodología adecuada a los aspirantes a dicha disciplina. Así, la investigación pasó a ocupar lugar análogo al de la composición y la facultad se llamó de Artes y Ciencias Musicales.

Cinco años después, en 1963, se concreta el tercer gran aporte de Ginastera en el campo de la enseñanza. Ahora tendrá proyección continental su empresa, al crear el Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales en el Instituto Di Tella de Buenos Aires. Y llega a lograr esa proyección no solo porque el CLAEM acoge en su seno a compositores de toda América Latina, sino porque los becarios formados llegan a modificar en algunos países, de manera profunda, el panorama de la creación musical. El Centro nació destinado a compositores jóvenes, con enseñanza a nivel de posgraduado e intención de especular en torno de las más avanzadas técnicas de composición, con un amplio margen de investigación, particularmente a través de su laboratorio de electrónica. De los tres institutos creados por Ginastera, continúan en plena actividad los dos primeros.

A partir de 1950 los viajes y encargos de obras se intensifican. Es característica de toda la producción de Ginastera el surgir por comisión y con un destino inmediato de ejecución. Esto no es común entre los músicos de la Argentina ni de otros países. Desde Estancia, encargado en 1941 por el Lincoln Kirstein para el ballet Caravan de Estados Unidos, la casi totalidad de su obra surge como exigencia de consumo. No existe para Ginastera la partitura que se escribe y queda guardada en espera de una oportunidad para su estreno. La lectura de la cronología incluida al final de este libro, es claramente reveladora. Con excepción de las primeras composiciones, toda la gran producción surge por encargo de grandes instituciones argentinas o del extranjero, particularmente de los Estados Unidos. Naturalmente, este es el ideal de los compositores siglo XX. Pulverizado el viejo concepto romántico del compositor que solo crea en los raptos de inspiración y por puro deleite interior, el músico de esta centuria tiene conciencia de su función social, en tanto productor de un bien cultural de consumo.

En el caso de Ginastera la demanda es abrumadora en relación con el «tempo» de productividad del autor. «Yo todavía compongo escribiendo nota por nota», me confesaba —innecesariamente claro está— hace unos meses. O sea, no dispone de «mano de obra» mecánica, ni electrónica ni por computadoras. Cada partitura, por tanto, una vez estructurada en la mente, requiere no solo el tiempo necesario para dar forma a las ideas musicales, sino para escribirlas sobre el papel y orquestarlas. El desequilibrio entre el tradicional sistema de componer sobre un pentagrama, nota por nota, y las exigencias de mercado, explican que Ginastera no pueda aceptar muchos encargos.

Paralelamente, sus obras se difunden por los principales festivales a partir del Cuarteto de cuerdas N.º 1, elegido por el jurado internacional para integrar los programas del XXV Festival de la SIMC, realizado en 1951 en Frankfurt. En adelante, su presencia es constante. Ya en 1958 en Estados Unidos, donde las estadísticas gozan de tanto prestigio, se revela que Ginastera ocupa la nómina de los diez compositores contemporáneos más frecuentemente interpretados durante la temporada inmediatamente anterior (56-57). Los nueve restantes son Stravinsky, Paul Hindemith, Kabalevsky, Shostakovich, Villa-Lobos, William Walton, Zoltan Kodaly, Carl Orff y Benjamin Britten.

Al lado de esas posiciones, Ginastera recibe todo tipo de distinciones honoríficas. Honores que, como a todos los mortales, le gustan mucho. Y no lo niega. En 1950, miembro honorario de la Facultad de Ciencias y Artes Musicales de la Universidad Nacional de Chile; en 1957, miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes de la Argentina; en 1958, miembro honorario de la Academia Brasileira de Música; en 1966, profesor emérito de la Universidad Católica Argentina; en 1968, una universidad de Estados Unidos le confiere el título de doctor honoris causa. El mismo año lo nombra miembro de honor la Academia de Artes y Letras de los Estados Unidos.

En 1970 se lo incorpora entre «los inmortales» de la Academia de Artes de París, presentado por Olivier Messiaen. Casado en segundas nupcias con la violonchelista argentina Aurora Nátola, muy ligada desde hace años a la actividad musical europea, Ginastera vive actualmente en Ginebra, lugar estratégico que permite hoy al compositor mantener vinculaciones artísticas con los cuatro puntos de Europa.

Ginastera con Olivier Messiaen (en el centro) y Ricardo Malipiero (Foto: Bruno Guth).

Físicamente, Alberto Ginastera es un hombre corpulento, sano, con gran capacidad de autocontrol en defensa de su buena salud. Hace un par de años me decía muy convencido que beber el jugo de un pomelo, todos los días en ayunas, es para él una eficaz manera de lograr que las gripes pasen de largo. También se controla con el tabaco, aunque fuma. El cuidado de su persona es casi un culto. Le gusta ser un elegante, viste con extrema sobriedad y buen gusto y cuida hasta el último detalle de su atuendo. Alguien escribió una vez que Ginastera es, por su pulcritud, la antítesis de la tradicional estampa del artista. Más bien se podría pensar que su aspecto es el de un presidente de banco.

Conocí a Ginastera en diciembre de 1959. Él era decano de la Facultad de Artes y Ciencias Musicales; yo, aspirante a iniciar mis estudios superiores en esa casa. Al poco tiempo entré en amistad con él y con su familia. Así pude tener un relativo ingreso a la vida cotidiana del músico. Desde entonces, lo sé hombre madrugador. El día comienza para él bastante temprano. A veces, porque dedica esas horas a trabajar; otras, por dos exigencias de diversa índole. A Ginastera le interesa estar siempre absolutamente informado de lo que ocurre en el mundo. Lee minuciosamente los diarios (siempre un vespertino y un matutino) y eso se advierte en cuanto hay ocasión de echar con él unos párrafos. Le preocupan tanto los problemas y acontecimientos artísticos como los políticos y sociales. La política exterior e interior lo apasiona. La otra exigencia de Ginastera es la puntualidad. Cuando debe mantener una entrevista o asistir a una cita, es siempre el primero en llegar.

De ahí que levantándose temprano y dedicándole largo rato a su persona, puede ordenar metódicamente sus actividades del día sin atrasos ni premuras. Considera tan inadmisible llegar tarde a una entrevista fundamental, como entrar en un cine cuando ya se han exhibido los títulos de la película. En los conciertos —se descuenta— es de los primeros en ubicarse en su butaca.

A Ginastera le gusta vivir bien. Le encanta el confort, las comodidades, incluso el lujo. Se rodea de cosas de alto valor artístico, cuadros, esculturas modernas. Es buen lector y tiene el placer del bibliófilo por las encuadernaciones preciosas. Además es un apasionado por el cine. No hay gran film que se le pase por alto, aunque también suele gratificarse con películas menos ambiciosas, de puro entretenimiento. Le gustan las de «cowboys» y las policiales. También se gratifica con la buena comida, aunque siempre mesurado. Es un gran «gourmet» y cuando va a un lujoso restaurante concentra su interés, por unos minutos, en la elección. Observaba yo en esas ocasiones que Ginastera no se dispersa. A cada cosa, aun a la más mínima, le otorga una atención exclusiva cuando llega el caso.

Ama a los gatos. Dijo una vez que «por su altivez y orgullo», tal vez, añadió, «acordándose de sus orígenes, cuando eran dioses en Egipto». Además, es un poco supersticioso. «Yo no creo en brujas; pero que las hay ¡las hay!». Y para preservarse de ellas, lleva consigo una medalla de San Benito. Le pregunté por qué de San Benito. «Me enteré de su vida y sus exorcismos». Durante muchos años le tuvo mucho miedo de viajar en avión. Eso le traía a menudo inconvenientes en su vida profesional por cuanto viajar a Estados Unidos o Europa en barco le insumía excesivo tiempo. Ahora se ha curado de ese temor o al menos lo ha superado.

(Foto: Bruno Guth).

Ginastera se definió alguna vez como un empedernido perfeccionista. Según él mismo lo dijo, eso suele ser un problema. Al margen de su profesión de músico, donde concentra, naturalmente, sus mayores exigencias, le preocupan, por ejemplo, las perfecciones del idioma. Cuando escribe algo, se desespera pensando que puedan haberse deslizado errores. El uso correcto de la preposición es uno de sus dolores de cabeza en cuanto escritor. Un día declaró a un periodista que lamentaba haber debido renunciar a su secreta vocación de detective millonario. Desde chico lo habían fascinado las novelas policiales y posteriormente las series de televisión. De aquella secreta aspiración, lo detuvo, según sus palabras, la música y la falta de millones. Pero, al margen de la humorada, pienso que a Ginastera le hubiera atraído, de no mediar la música, el estudio de la lingüística, la pureza del idioma, donde el afán perfeccionista encuentra terreno fecundo y fascinante.

Entre las cualidades morales hay una que siempre me resultó asombrosa y es su total incapacidad de odio. Ginastera tiene legiones de admiradores. Como todo creador de éxito, gente que lo ve de lejos, oyentes agradecidos, alumnos de conservatorio que se aproximan tímidamente al maestro. También tiene amigos Ginastera. Y me cuento entre ellos. Me resulta fácil comunicarme con él. Me resulta sencillo, sin vueltas. Está pronto a hacer un favor, aun cuando no sea tan cómodo hacerlo. Una vez hizo antesala ante gente que él no conocía, solo para resolverme un problema. Eso le había significado perder toda una mañana de su escaso tiempo. Lo he visto perder igual tiempo por otros alumnos, por otros amigos. Cuando promete ocuparse de algo por alguien, incluso poco allegado, lo hace invariablemente.

Pero Ginastera tiene también muchos enemigos. Ignoro las razones de algunos odios a él dedicados. Por tanto, ignoro la culpa que ahí pueda caberle. En cambio conozco el origen de muchos otros. Y en esos casos, sí, estoy bien segura: es por su talento. Y si bien muchos ataques deben haberle dolido, en cambio nunca lo he visto conservar el menor rencor. En mi opinión, más que por exceso de piedad cristiana —aunque es buen cristiano—, por absoluta incapacidad de odio. Olvida fácil. Para ciertas cosas tiene mala memoria. Y es una suerte, porque para crear, no hay nada mejor en el mundo que gozar de una infinita paz interior.

Pienso que esa capacidad de olvido, esa carencia de rencores, esa enorme paz interior, provienen en Ginastera del hecho de haber triunfado a tiempo. Me acuerdo siempre, a propósito de él, de un fragmento de José Ingenieros: «El éxito es benéfico; exalta el “yo” y, por ende, estimula al hombre de méritos. Pero tiene otra virtud mayor: destierra la envidia, enfermedad pasajera de los jóvenes talentosos y ponzoña incurable de los espíritus mediocres. Triunfar a tiempo, merecidamente, es el más favorable rocío para cualquier germen de bondad». (De «Psicología del éxito», en «Archivos de Pedagogía y Ciencias Afines», t. I, Buenos Aires, 1906).

Segundo movimiento

Adagio pensieroso

Muchas veces he tenido ocasión de hablar con Ginastera sobre problemas de estética y técnica musical, sobre su propia obra y la ubicación de la misma en el panorama histórico nacional y sobre creadores contemporáneos. Se muestra convencido de que la orientación estética no se busca; se la encuentra. Así, en las obras de su período de estudiante, se refleja a su juicio, de alguna manera, el ambiente musical con el cual él convivía. Es decir, el espíritu argentino de Williams, López Buchardo o Julián Aguirre (a quien no llegó a conocer personalmente), por una parte. Por otra, el formado por compositores que utilizaban técnicas más avanzadas, compositores algo más jóvenes que aquellos, como Juan José Castro o Juan Carlos Paz. El gran descubrimiento para el Ginastera de esos años de formación fue «La consagración de la primavera» de Stravinsky, «que me mostraba un mundo sonoro, rítmico y estético inusitado».

Reflejada entonces en aquel panorama, la producción de Ginastera se presenta en continuidad, tanto en el aspecto tradicional encarado por Williams, López Buchardo o Aguirre, como en el renovador de quienes como Juan José Castro o Juan Carlos Paz avanzaban en sincronía mayor con la música de Europa.

En efecto, en su primera etapa de nacionalismo objetivo, Ginastera confiere con Panambí, Estancia y toda una serie de canciones y piezas para piano, nuevo hálito de creación a una música que en su aspecto composicional participa aún de elementos melódicos de la música tonal, tal como la cultivaron las generaciones musicales argentinas desde fines del siglo anterior, aunque esos rasgos tonales ya se manifiestan totalmente trastornados por el imperio de la politonalidad.

A poco andar, con el Primer cuarteto de cuerdas, la Sonata para piano, las Variaciones concertantes y las Pampeanas N.º 2 y 3, se advierte cómo el lenguaje musical inicia su tránsito hacia la dodecafonía, método trasplantado al país por Juan Carlos Paz a partir de 1937.

No extraña que Ginastera, entre sus veinte y treinta años, haya continuado por la senda trazada en las promociones anteriores. Amante de la forma y perfeccionista extremo, necesitaba sin duda afirmarse en lo conocido, explorar dentro de ese mismo campo, perfeccionándolo por la vía de una imaginación creadora rica, fluyente, con aspecto de espontánea a fuerza de ser exuberante, y con una destreza compositiva ya manifiesta desde Panambí. Una vez seguro en el campo heredado, poco a poco va ampliando y asimilando las nuevas conquistas que le ofrecía la música europea y estadounidense. El paso de Ginastera de una a otra etapa (del nacionalismo objetivo al subjetivo) se produce con absoluta naturalidad y sin pretendidas posturas revolucionarias o desplantes de iconoclasia.

De esa circunstancia emanan dos condiciones favorables para la música de este compositor. La primera tiene que ver con la vigencia de las obras creadas en sus estadios nacionalistas. No puedo afirmarlo con respecto de Panambí por cuanto es obra que no ha vuelto a reponerse en estos últimos años. En cambio tanto Estancia, las canciones o piezas para piano como las Danzas argentinas, Tres piezas, Malambo, Doce preludios americanos, la Suite de danzas criollas o el Rondó sobre temas infantiles argentinos, mantienen una lozanía, un encanto, un interés pianístico sin declinación. Son obras que se tocan en los conciertos y que figuran en el repertorio de cualquier estudiante de piano, por el puro interés que despiertan entre profesores y alumnos. Que yo sepa, debe ser esa razón, pues no existe ley nacional, municipal o provincial que lo exija.

La segunda condición favorable alcanza a su música de lo que llamaría el segundo estilo, aquel que se manifiesta desde 1947 en adelante y que señala la progresiva adopción de procedimientos más avanzados. El hecho de haberlos incorporado Ginastera a medida que sus necesidades de lenguaje y expresión lo requerían, explica que las obras de ese período (nacionalismo subjetivo) no sean sentidas como música de ruptura. Tanto el Cuarteto N.º 1 como las Pampeanas N.º 2 y 3, la Sonata para piano o las Variaciones concertantes siguen siendo asimiladas como partituras características del ya impuesto estilo de Ginastera. Y sin embargo, el lenguaje, los procedimientos de composición, están por entonces mucho más actualizados.

No quiero decir con ello que en su segundo estilo (y tampoco en el tercero) Ginastera sea un compositor vanguardista, si entendemos por vanguardia toda posición de ruptura del código establecido. Ginastera no ha sido nunca un experimentador, un creador de nuevos códigos. Pero eso no significa que no sea actualísimo. Las posiciones de punta de lanza de la vanguardia representan solo un aspecto, y mínimo, de una actualidad dada. El resto de lo actual es lo aceptado, lo que todos comparten, lo que todos están de acuerdo en reconocer y con lo cual participan.

Refiriéndose a su etapa de nacionalismo subjetivo, Ginastera se analiza en estos términos: «Tiene como punto culminante la Pampeana N.º 3 para orquesta. En esta obra, así como en el Cuarteto N.º 1, en las dos primeras Pampeanas y en las Variaciones concertantes, aparecen las características de un estilo que, sin abandonar la tradición argentina, se había hecho más amplio o con una mayor ampliación universal. Ya no estaba como en la etapa anterior ligado a temas o ritmos genuinamente criollos, sino que el ambiente argentino se creaba mediante un ambiente poblado de símbolos. La Sonata para piano, por ejemplo, o las Variaciones concertantes no poseen ni un solo tema popular y tienen sin embargo un lenguaje que se reconoce como típicamente argentino».

En el capítulo sobre música nacional de un libro dedicado a la música del siglo XX (el autor también argentino), advierto que se invalida toda la producción musical del país vinculada con lo tradicional. Compositor que haya caído en la estética nacionalista, queda por lo mismo descalificado. Tanto si cultivó una proyección folk de cierta ortodoxia, como si transvasó esos elementos en los moldes de diferentes estilos europeos del siglo pasado o del actual. Esa posición crítica de denuncia y de lapidaria liquidación de toda la estética nacionalista musical argentina —y al margen de que pueda discutirse el logro de dicha estética, que no viene aquí al caso— no prueba nada, en última instancia. Al menos, no invalida para nada el lenguaje propiamente musical. Oscar Wilde decía que el hecho de que un hombre fuera un asesino no probaba nada en contra de su prosa. El hecho de que un compositor abrace una estética nacionalista, no prueba nada en contra de la música misma. Esto me hace acordar a un libro que leía hace poco sobre literatura argentina y realidad política, en la cual el autor, abarcando de Sarmiento a Cortázar, demuestra cómo los escritores argentinos, desde el autor de «Facundo», se erigen en una suma de claudicaciones y fracasos al ser todos ellos voceros de la burguesía, o de la clase dirigente tradicional, en lugar de haberse comportado como marxistas, incluso antes del marxismo. Y así como el autor dedica sus afanes a probar que la literatura argentina es mala por ser tributaria del sistema burgués, en aquel otro libro se ha buscado probar que la música argentina desvinculada del atonalismo o la dodecafonía, es una senda de despropósitos al nutrirse en elementos folk y populares. Naturalmente, eso no afecta en nada a la música misma. Negar la creatividad o el valor artístico de una obra —y es una perogrullada decirlo— por su entronque con el nacionalismo o, en posición contraria, con el internacionalismo, es caer en el dogmatismo más infecundo.

Una vez atravesadas las dos primeras maneras o estilos, arriba Ginastera a lo que él llama período neoexpresionista, el cual se inicia aproximadamente en 1958 con el Cuarteto N.º 2 de cuerdas, Op. 26. «No hay en ellas —juzga su autor— ninguna célula rítmica o melódica del folclore. Sin embargo, el estilo tiene ciertas implicaciones que podrían considerarse de esencia argentina. Por ejemplo, los ritmos fuertes u obsesivos, que recuerdan las danzas masculinas; la cualidad contemplativa de ciertos adagios que sugieren la tranquilidad pampeana o el carácter esotérico y mágico de algunos pasajes que recuerdan la naturaleza impenetrable del país».

En este punto, tal como ocurre en el Segundo Cuarteto, los Conciertos, la Cantata para América Mágica, Don Rodrigo o Bomarzo, el material musical se vuelca abiertamente hacia el serialismo, hacia una cierta aleatoriedad que aparece solo transitoriamente en algunas obras y la utilización de procedimientos (cluster, nubes de sonidos, etc.) generalizados por otros autores con anterioridad a Ginastera.

Dije antes que este compositor utiliza descubrimientos, aprovechables a su juicio, de otros. Nunca ha sido —ni lo pretende— un experimentador. «En todas las épocas —me dijo hace unos años— hubo dos clases de artistas; los experimentadores, pequeños seres de laboratorio que solo ven la novedad de las cosas; y los verdaderos creadores que se sirven de los materiales a su alcance para realizar una obra trascendente. Los primeros pueden sorprender, causar sensación por un momento. Los últimos pasan a veces inadvertidos. Pero luego surgen como un fenómeno positivo dentro del curso de la historia del arte. Los primeros explotan la vanidad de los “snobs”. Los últimos intentan hacer vibrar espiritualmente a los seres que persiguen un ideal superior de belleza». Y siguiendo con el hilo de su pensamiento, le recogí lo siguiente: «Porque la belleza no es cuestión de grados. Es la eclosión de un clima espiritual dentro del cual el artista se transfigura por el impulso de la creación y su obra, surgida de lo profundo de su alma e integrada por elementos humanos y personales, se purifica y se vuelve diáfana y clara. Se universaliza. El ideal de belleza debe, pues, prevalecer en todo. Hay belleza en las terribles pinturas del Bosco; en los dramáticos cuadros de Picasso; en las sarcásticas páginas de Prokofiev; en las herméticas obras de Webern; en las sombrías realidades de Dostoievski; en el clima obsesionante de Camus… Hay belleza porque hay orden y no caos; porque hay lógica y no disparate; hay poesía y no vulgaridad; hay inspiración y no ignorancia. Porque hay trascendencia y no trivialidad».

En el curso de un reportaje periodístico, me confesaba Ginastera que el proceso de creación se da en él de una manera muy lenta. Señaló que se da primero un «período de gestación», que en él dura a veces largos años y finaliza antes de comenzar el «período de realización». «Jamás empiezo a escribir una obra si no la veo, o mejor dicho, si no la siento plenamente realizada dentro de mí». Al preguntarle luego si componía pensando en un auditorio determinado, real, definido o en un público ideal, advirtió que solo piensa, al componer, en las necesidades propias de cada obra. «Hace varios años —recordó con ironía— un crítico de radio dijo que yo escuchaba el canto de las sirenas. Es cierto. Yo escucho encantado a las sirenas a orillas del mar. Supongo que esa persona jamás las habrá oído. Pero en mi arte ni pienso en el público. Ni en el cercano, ni en uno ideal. Creo que este es un problema secundario que con la continua audición de la obra desaparece. Si pensara en el público me hubiera quedado con el estilo de las Danzas argentinas o de la Canción al árbol del olvido en lugar de emplear las complejidades sonoras de Bomarzo o del Concierto para violonchelo».

La concepción de un teatro musical contemporáneo es preocupación constante de nuestro compositor, por algo convertido hoy en uno de los más fecundos creadores operísticos, con tres títulos realizados en el curso de siete años. Para Ginastera el teatro actual debe ser un teatro de acción, en el cual intervengan en cantidad apreciable elementos superrealistas o expresionistas; donde los caracteres dramáticos aparezcan perfectamente definidos y las pasiones choquen con violencia; en el que los sentimientos priven sobre los razonamientos y el mundo onírico sobre el real. Debe existir, para él, la relación formal entre drama y música y una buena ópera debe sintetizar lo que él consideró alguna vez como los aspectos más atendidos de su lenguaje musical: el dramático y el expresivo.

En aquella ocasión en que me decía Ginastera estas cosas, y a partir de la palabra «expresivo», se me ocurrió enfrentarlo con algunas declaraciones que yo acababa de leer en la «Nuova Rivista Musicale Italiana» pertenecientes al compositor Karlheinz Stockhausen. Para el autor del «Canto de los adolescentes», lo «expresivo» es hoy contra natura. Los hombres van a la Luna, dijo Stockhausen. Sin embargo, ir a la Luna es un hecho importante. Para el músico alemán el arte de hoy, de nuestra época, debe ser como el viaje interplanetario: una continua búsqueda, una sucesión de descubrimientos. Solo el mundo de los contenidos objetivos puede ser, para él, de carácter universal. En ese momento, para Stockhausen la expresión individual no tenía razón de ser. Para Ginastera, en cambio, cada obra era, sí, un nuevo planteo, una nueva búsqueda, un nuevo descubrimiento. «Pero esos tres estados —me dijo— deben darse en el orden espiritual, subjetivo o metafísico, como quiera llamárselos. Cuando esta búsqueda se detiene solamente en lo objetivo o en lo formal, el valor del descubrimiento se reduce de una manera notable por falta de trascendencia estética».

Y la vuelta de tuerca de la sensibilidad creadora contemporánea está liquidando —ya comenzó— la posición del alemán para dar la razón al argentino. Stockhausen se manifiesta como paradigma de la civilización tecnológica que deja al margen a los creadores puros y niega la teoría de la imaginación como fuerza autónoma y determinante de lo humano. La formidable definición de Coleridge (quien afirma, haciendo la distinción entre imaginación y fantasía, que la imaginación «primaria» es «la potencia viva y el agente primordial de toda percepción humana, y como una repetición en la mente finita, del acto eterno de creación en el infinito YO SOY»), olvidada en la era tecnológica, empieza a exhumarse. La corroboran no solo las huestes recientes de la juventud rebelde a la deshumanización de la era técnica, sino también la ciencia biológica, para quien la más depurada manifestación de la capacidad imaginativa (subjetiva, individual) del hombre, se reconoce en la creación artística. Es manifiesto el caso de los Estados Unidos donde la nueva conciencia se opone a la tecnocracia que somete, explota y por último destruye al hombre y a la naturaleza. No se trataría, es claro, de rechazar indiscriminadamente todo aquello que aportaron tanto la técnica como la ciencia; sino de un cambio de mentalidad y una nueva concepción de la vida frente al fracaso del sistema del «Establishment». Sería cuestión, una vez encauzado el nuevo movimiento, de rescatar lo que dignifica y hace bella la existencia, cosas que habían sido olvidadas durante la carrera en pos del desarrollo material. Se trataría, también, de trascender la ciencia y la tecnología y reintegrarlas a su específica función de herramientas, evitando convertirse el hombre en piezas sin voluntad sometidas a su ciego determinismo. Naturalmente, frente a este reverdecimiento del hombre, como individualidad, como ser humano, como ente sensible e imaginativo, surge otra vez ese hombre, dignificado en su carácter de «criatura creadora».

La electrónica no ha sido hasta el momento una tentación para Ginastera, aunque la haya usado como efecto dramático en Beatrix Cenci, por ejemplo. Como director, durante siete años (1963-1969) del Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales del Instituto Di Tella, donde llegó a formarse un importantísimo laboratorio de música electrónica, tuvo sobradas ocasiones de aproximarse y de crear por este medio. Sin embargo, algunos problemas que a su juicio emanaban de las sonoridades obtenidas por medios electroacústicos, lo mantuvieron distante sin que hasta el momento haya sentido, al parecer, y al margen de breves contactos, interés por abordarlos. Uno de los problemas que se le plantearon a Ginastera fue el del silencio. «En la música grabada —me dijo— ese elemento del arte musical (el silencio) carece de profundidad en relación con el silencio que se obtiene en una sala donde la música se ejecuta en vivo. Aquí lo siento —es impresión personal— en las tres dimensiones. En cambio el silencio grabado me resulta chato; lo “escucho” en dos dimensiones. No es un silencio real, sino que sale por los altavoces y se superpone al silencio de la sala».

El otro problema es de índole formal, y Ginastera, aquella vez que se habló del asunto, hizo hincapié en su aspiración de quitar a la música electrónica esa especie de estatismo que se manifiesta en casi todas las obras y en cambio volver a crear la relación «adagio-allegro», tan necesaria para el contraste de los valores temporales de la música.

Para el autor de Bomarzo, «toda obra de arte, ante todo, debe ser trascendente. El artista crea para el futuro. No hay más que ir a un museo de arte moderno cualquiera y contemplar ciertas obras que causaron sensación en la década del veinte. Ahora el dadaísmo nos parece anticuado. La moda no puede dictar la vitalidad de una obra». Por otra parte, el músico es intransigente en su estricto concepto de la seriedad del arte. «Yo siento tan profundamente las obras que escribo —lo escuché decir— que no puedo comprender a aquellos artistas que toman la creación como un juego o como una broma». Y en otra ocasión comentaba que al lado de los pedacitos de papel pegados sobre un fondo blanco cualquiera, hay obras como el «Guernica» de Picasso. «A eso sí llamo trascendencia. Lo otro es cosa de “clowns” que tratan de sorprender a incautos. Mi aspiración es componer una obra musical que se parezca al “Guernica”. ¡Que no me vengan con pedacitos de papel! No, eso no es arte. Todo eso pasa…».

Tercer movimiento

Allegramente rustico

Hace siete años, pude realizar la primera ordenación metódica de la obra de Ginastera. Si bien el autor hasta el momento no la había numerado, la ocasión fue propicia para dar a cada una su número de opus. Así como había quedado, Op. 1 Panambí y Op. 33 el Concerto per corde (la última incluida en aquella catalogación) respondía a los propios deseos del compositor.

Sin embargo, fuera de esa lista quedaban otras composiciones que con el tiempo fueron desestimadas por su creador. Repudiadas, fueron pasando al olvido, con la excepción de Impresiones de la puna, que todavía circula (hace un par de años la trajo en su repertorio un conjunto alemán) y de la Sinfonía elegíaca, a la cual de vez en cuando algún director exhuma.

Quien recorra la colección de programas de conciertos o de diarios de los últimos años de la década del 30, se encontrará sin embargo con que aquellos títulos desdeñados, fueron objeto de distinciones honoríficas y considerados dignos de ejecución por parte de insignes directores de orquesta o instrumentistas. Me interesó ahora hurgar en la protohistoria ginasteriana y el resultado fue lo que sigue.

En 1934, cuando aún cursaba el secundario, compone Impresiones de la puna para flauta y cuerdas y obtiene su primer premio de composición de la asociación «El Unísono», de Buenos Aires. A partir de entonces, Ginastera trabaja de manera bastante intensa mientras los profesores del conservatorio Williams, primero, y los del Nacional después (Athos Palma, José Gil y José André) le van dando los medios, el oficio, sin lo cual ningún creador, por muy grande que sea el talento, puede concretar sus ideas. Ya dije que en 1937 el tercer concurso de la canción escolar argentina le confiere un premio a Arriero canta. En julio de 1940, la Municipalidad de la ciudad de Buenos Aires, al adjudicar sus recompensas a la producción musical de 1939, asigna a Ginastera un premio por su Sonatina para arpa. Cuando se arriba al año 1941, el catálogo registra numerosas páginas. Al margen de las ya citadas y omitiendo las que posteriormente quedaron como reconocidas por el autor, la lista de las repudiadas se completa con dos series de Canciones infantiles para piano, La Cenicienta para dos pianos, La moza de los ojos negros, poema para soprano y piano según texto de Félix L. Errico y el Concierto argentino para piano y orquesta.

En 1942 se estrena en Buenos Aires una composición que será considerada importante en su momento, pero que años después también es destruida por Ginastera. El 11 de mayo, en efecto, Fritz Busch da a conocer en el Teatro Colón la primera sinfonía, llamada Sinfonía porteña. No conozco esta obra, pero por entonces fue descripta como una composición cíclica y poemática, según un contenido que se desprende del título. Los nombres mismos de cada movimiento la emparientan con ese sinfonismo poemático romántico iniciado por Berlioz. El primero se llama «Por las calles del suburbio» (forma sonata); el segundo es un «Nocturno», con un motivo melódico basado en un tema de tango; el final es el «Canto a la paz y al trabajo», donde su esquema constructivo exhibe una vez más la tendencia del autor hacia las construcciones claras y sólidas: preludio, coral, variaciones y fuga.

También retiradas de catálogo son las Canciones y danzas argentinas para violín y piano (Chacarera, Triste, Zamba, Arrorró, Gato) y la segunda sinfonía, Sinfonía elegíaca, de 1944, que gozó de gran prestigio durante años. Esta última había sido premiada en 1945 por la Secretaría de Cultura de la Intendencia Municipal.

En el caso de todas estas obras, como puede advertirse, hay una directa procedencia de fuentes románticas. Por una parte, el sinfonismo poemático que aún se prolongará en Ollantay, Op. 17, y en la Obertura para el «Fausto» criollo; por otro, el nacionalismo, por el cual seguirá el compositor durante muchos años, aun cuando en su obra se asistirá al paulatino tránsito de una concepción romántica a una decididamente contemporánea. Pero esto ya es «historia ginasteriana».

Ya se ha dicho que el primero de los tres estilos responde a una serie de características que el propio autor incluyó bajo la denominación de nacionalismo objetivo. En esos años, que abarcan sus primeros opus y tienen como culminación la Pampeana N.º 1 para violín y piano, el autor utiliza elementos de carácter argentino presentándolos de manera más o menos directa. El lenguaje es tonal, si bien al usar simultáneamente distintas tonalidades (politonal) adquiere un interés compositivo mucho mayor. Hay detalles sintomáticos de la intención del joven autor por incursionar por territorios hasta entonces por él inexplorados. En el ballet Panambí de 1937, el tema del hechicero se proyecta sobre los doce sonidos cromáticos. Naturalmente, ello no significa que Panambí esté concebida según el método de la composición dodecafónica, por cuanto la ordenación del material no responde a sus cánones.

EJEMPLO 1. Tema del hechicero del ballet Panambí.

También en el Salmo CL, de 1938, el breve tema que abre y cierra la obra está basado en otra utilización de los doce sonidos.

EJEMPLO 2. Tema del Salmo CL, exhumado recientemente en los Estados Unidos.

Panambí, Op. 1, se basa en una romántica leyenda de Félix L. Errico sobre los indios guaraníes. Si bien el estreno del ballet no se efectúa de manera inmediata (solo tres años después fue llevada al Colón por Juan José Castro y Margarita Wallmann), la obra es conocida en 1937 a través de fragmentos orquestales reunidos en una suite. Cuando en 1940 se conoce el ballet, se señala el agudo sentido teatral de Ginastera y la manera como comienza a tratar ese joven de 20 años los materiales de filiación popular. Sin que deje de advertirse, por supuesto, el influjo notorio del Stravinsky de «La consagración».

José André, desde su columna crítica de «La Nación», señala que Panambí está escrito en un lenguaje moderno, con inclusión de ásperas disonancias y con impulso rítmico por momentos avasallador. También los pasajes de sonoridades suaves, con virtudes de melodismo de buen cuño y una colorida orquestación, mostraban ya la otra faz de la creación ginasteriana. Es decir, en Panambí quiérase o no, ya aparece la «idée fixe». Y con todos sus elementos constitutivos. Veamos. Uno de ellos es el ritmo, ritmos fuertes, de danza masculina, que aparece en la «Danza de los guerreros». Primera constante, que recorre toda la producción hasta Beatrix Cenci. La otra constante se relaciona con la exaltación lírica, de la cual el «Canto de Guirahú» es un ejemplo. Por último, el tercer elemento es el clima expresionista, casi mágico, que se presenta en el «Claro de luna en el Paraná» y, como los anteriores, recorre e inunda todo su catálogo, haciéndose aún más marcado en las obras del segundo y tercer estilo.

Con la obra siguiente, la Danzas argentinas Op. 2, también de 1937, Ginastera afirma en el teclado su primera manera. Es una serie de tres danzas, cada una de las cuales lleva un título sugestivo: «Del viejo boyero», «De la moza donosa» y «Del gaucho matrero». Aquí se advierte la tendencia, nunca desmentida, hacia un formalismo neto. La primera es una especie de rondó en cinco partes; la segunda, de forma ternaria, lleva un gran crescendo lírico en la sección central; la última, también ternaria, se caracteriza por la aparición de un segundo tema en el carácter del malambo. La politonalidad, procedimiento por antonomasia de esta etapa, confiere un hálito de modernidad a su nacionalismo, marcado aún más por una elaboración rítmica que tiende a complejizar la materia dada por la tradición popular. Aparece ya, por otra parte, en este Op. 2, el acorde formado por la afinación de las cuerdas de la guitarra (mi, la, re, sol, si y mi), el cual es tan constante hasta bien avanzada la producción de Ginastera, que Gilbert Chase lo considera acorde simbólico, de fuerte significación.

EJEMPLO 3. «Danza del viejo boyero» de las Danzas argentinas (1937).

Las dos composiciones siguientes están destinadas a la voz. Voz con piano en las Dos canciones Op. 3 sobre poesías de Fernán Silva Valdés y voz con acompañamiento de conjunto instrumental formado por flauta, violín, arpa y dos cajas indígenas, según poesías de Rafael Jijena Sánchez en los Cantos del Tucumán, Op. 4. Si bien la obra vocal de cámara de Ginastera no es muy nutrida, en cambio esas páginas han alcanzado gran difusión y perduran entre las mejores joyas de nuestra producción en ese terreno. En realidad, es en el campo de la canción donde Ginastera pudo haber encontrado, al llegar a la vida creadora, un mayor sustento, una mejor tradición. En efecto, es en la canción, particularmente para voz y piano, donde la música argentina había alcanzado antes de Ginastera sus mejores alturas. Sin remontarnos a los pioneros que la cultivaron con modesto encanto, en páginas menores, por cierto, y que hoy no resisten el análisis crítico; sin ir entonces a los creadores del siglo pasado, Julián Aguirre y López Buchardo habían dejado composiciones realmente hermosas. Ginastera sigue por esa buena senda, aunque manifiesta ya en ellas una cierta modernidad a través de un melodismo menos suave y ondulante.

Con posterioridad a esos dos ciclos, Ginastera vuelve con sus Cinco canciones populares argentinas Op. 10 a escribir para canto y piano. Cinco años las separan de las anteriores y ese lapso se manifiesta en una mayor elaboración del cancionero folk desde el punto de vista de la armonización, que es más avanzada, así como de la instrumentación, al dar al piano una escritura virtuosística. El ciclo siguiente se titula Las horas de una estancia, Op. 11, según poesías de «Enumeración de la patria» de Silvina Ocampo. Aquí, impresionado el músico por el carácter contemplativo del libro inspirador, ofrece anticipaciones de carácter de lo que será su segundo estilo, el subjetivo, y del que la Pampeana N.º 3 para orquesta es excelente muestra.

Dentro del período que abarco en este «movimiento», la música para piano ocupa lugar significativo. Con posterioridad a la ya citada (Op. 2), sigue Ginastera por el camino de las piezas breves, que le permiten realizar un fino trabajo de bruñido; preciosas páginas donde la elaboración formal, las ideas musicales y sus realizaciones en el teclado, muestran con qué rigor, con cuánta seriedad y por qué caminos se manifestaba ese perfeccionismo que el autor señaló como característica personal.

Tres distintos aspectos del cancionero folk argentino reflejan las Tres piezas, Op. 6, para piano y la obra que le sigue, el Malambo, Op. 7. Esta última es una toccata que se inicia con el «acorde simbólico» formado por la afinación de las cuerdas de la guitarra. Le sigue luego el característico ostinato en 6/8 que tipifica al malambo, ritmo obsesivo que se mantiene sobre una pequeña célula melódica, repetido en intervalos irregulares. Es politonal en su aspecto armónico.

Las tres obras siguientes para piano pertenecen también a este primer estilo. Con los Doce preludios americanos, Op. 12, extiende la utilización de elementos populares al folclore americano. Hay en esta colección, sin embargo, una intención que va más allá del atractivo de los motivos elegidos. En efecto, en ellos plantea el autor problemas de técnica instrumental, de expresión, o bien hay una clara intención por poner de relieve distintos aspectos que hacen al orden tonal, armónico, rítmico o de acompañamiento de los cancioneros a los cuales pertenecen los distintos temas. Así, mientras hay un primer preludio «para los acentos», o un segundo que evoca el «triste» u otro para «las octavas», hay algunos que aluden a los distintos modos, perfectamente estudiados por la musicología, en que se da la música pentatónica sudamericana. La idea por tanto de Ginastera responde a las series de preludios o estudios que exhibe en su historial la música de especulación superior. En el propósito del autor, el término «preludio» adquiere valor similar al de los preludios de Chopin, pequeñas páginas que se plantean y exponen, sin posterior desarrollo. Algo así como microformas, que presentan temas puros, que quedan en ellos mismos y que aún van más allá de su intrínseca calidad musical para aportar algún tipo de enseñanza vinculada con la técnica del teclado.

La Suite de danzas criollas, Op. 15, compuesta en 1946 y revisada diez años después con vistas a la edición, es un ejemplo bastante claro de cómo utiliza Ginastera el elemento folclórico a esta altura de su producción. Es notorio aquí que se aleja cada vez más del material documental para aproximarse a una etapa de mayor creatividad personal, en la que el folclore es solo punto de referencia. Se trata de cinco danzas y una coda muy desarrollada, para las cuales recurre a diferentes células rítmicas. Un argumento que prueba cómo Ginastera se aleja de un nacionalismo objetivo puede residir en el hecho de que ya estas danzas no llevan nombres que las identifiquen con su especie, sino indicaciones de movimiento y carácter: «Adagietto pianissimo»; «Allegro rustico»; «Allegretto cantabile»; «Calmo e poetico»; «Scherzando»; «Coda: Presto ed energico». Aparecen estas páginas, despojadas de elementos accesorios y —se podría decir— anecdóticos. Hay una búsqueda de la esencia a través de la explotación de los componentes básicos que configuran el material popular en el que abreva. Por otra parte, la escritura pianística es la típica de toda la obra de Ginastera para teclado, una técnica de bravura, con todos los elementos del virtuosismo adoptado por el piano durante el siglo pasado, aunque modificada por la técnica percusiva a que lo lleva la fuerza rítmica de algunas de nuestras danzas, a semejanza de lo que ocurre en Bartók con su obra pianística.

La última composición para piano que podría ubicarse en esta primera etapa es el Rondó sobre temas infantiles argentinos, Op. 19, de gran elaboración y admirable interés desde el punto de vista instrumental.

Dos partituras orquestales pertenecen asimismo a este estilo. Con la Obertura para el «Fausto» criollo Op. 9 se refirma el don orquestal de Ginastera, ya manifiesto en Panambí y Estancia. Es esta la primera obra puramente sinfónica que el autor reconoce en su catálogo, desde el momento que fueron eliminadas las dos sinfonías. Inspirado en el hallazgo de Estanislao del Campo, quien en ingeniosas estrofas narra las andanzas del paisano, concibe Ginastera su humorada. En efecto, el gaucho, como todos recuerdan, en visita a la Capital asiste en el Teatro Colón, el viejo Colón situado frente a Plaza de Mayo, a la representación del «Fausto» de Gounod. La fantasía del poeta, quien refleja en la ingenua mentalidad campesina el insólito espectáculo de la lujosa sociedad porteña mezclado sin solución de continuidad con la ópera francesa, motiva en el compositor una página en la cual los elementos musicales populares de la Argentina se combinan con indiscutible ingenio con motivos de la difundida ópera de Gounod, a lo cual se añaden todavía temas originales del músico. Brillantemente orquestada, la Obertura ha corrido mundo y goza de vigencia en el repertorio sinfónico.

El tríptico sinfónico Ollantay, Op. 17, se inspira en temática de la mitología precolombina. La trágica historia de amor y muerte del guerrero Ollantay motiva tres posibilidades expresivas a través del lenguaje musical, y por medio de una orquestación buscadamente áspera, sonoridades crudas, oposiciones violentas. Como siempre, la «idée fixe».

Ginastera con Aaron Copland (Foto: Bruno Guth).

Dentro de esta primera etapa, que cronológicamente llevamos hasta el año 1947, se ubican dos importantes obras del género de cámara. La primera es el Dúo para flauta y oboe, Op. 13, de 1945, cuyo estreno en Nueva York, dos años después, señala un marcado éxito para Ginastera en aquel país. Al referirse a esa página, Virgil Thomson destaca la expresión poética tanto como la ingeniosa elaboración en el diálogo de ambos instrumentos. Escuchado el Dúo en los duros y agresivos momentos de la inmediata posguerra, decía el eminente crítico y compositor americano que la obra «hizo felices a los intérpretes e hizo feliz al auditorio. Esta es la clase de música que le hace a uno tener fe en el Nuevo Mundo. Ciertamente —continúa— tanta dulzura y alegría no nos puede llegar de Europa en estos días, como todos pueden imaginarse». El Dúo consta de tres partes: «Sonata, Pastorale y Fuga» y gráficamente podría definirlo como un dibujo caligráfico donde dos líneas se entrecruzan constantemente, a veces con un ritmo coincidente y otras en oposición.

La otra obra es la Pampeana N.º 1, rapsodia para violín y piano, Op. 16, a la que el propio autor considera punto culminante de su primer estilo y a la vez página inicial del segundo; especie de pivote en el que se advierten, al análisis detallado, elementos de las dos etapas. En realidad, si bien Ginastera la subtitula «rapsodia», no lo es desde el punto de vista formal, por cuanto responde a una construcción muy estricta, sino por el carácter, con reminiscencias de melodías populares argentinas. La estructura general de esta obra, en la cual tanto el piano como el violín tienen posibilidades de desplegar su virtuosismo, es la del «lento-allegro».

Hay por último un grupo de tres composiciones que pertenecen cronológicamente a la etapa que con excesivo desenfado califiqué de «allegramente rustica» en alusión a la temática popular y a la relativa ausencia de complejidades tanto de escritura como psicológicas que caracterizan a la música de Ginastera de aquellos años. Sin embargo, las tres páginas a las que me referiré ahora están alejadas de la estética nacionalista por su carácter de composiciones religiosas. El Salmo CL para coro mixto, coro de niños y orquesta, Op. 5, es la última partitura escrita durante los años de estudiante. En realidad, creada en 1938, fue la que le valió su brillante egreso del Conservatorio Nacional. Por entonces, era habitual que los alumnos del último curso de composición escribieran para el examen una escena lírica; vale decir, un fragmento y no una totalidad. Convencido de la escasa utilidad del esfuerzo, Ginastera solicitó a su maestro José André la opción para componer una obra que fuese completa en sí misma y válida por tanto para una ejecución posterior, fuera del recinto del instituto. Aceptada su iniciativa, surgió el Salmo CL, que obtuvo el premio municipal de música de 1940 y fue estrenada en 1945 por Albert Wolff en el Teatro Colón. En 1969 la obra fue «descubierta» en Estados Unidos. Con enorme éxito la ofrecieron Ormandy en Filadelfia y Franco Autori en Tulsa.

La otra composición de carácter religioso consiste en tres motetes para coro de voces mixtas a cappella. Se trata de las Lamentaciones de Jeremías Profeta, Op. 14, de 1946, y en la cual el compositor chileno Juan Orrego Salas vio en su momento una de las mejores creaciones de las surgidas hasta entonces de la mente del músico argentino. En particular, señala el chileno una virtud por omisión; la carencia de pintoresquismo anecdótico o de clisés corales. Como varias otras de ese mismo año, fue compuesta en los Estados Unidos, donde la editaron y grabaron. Por último, surge en este primer período una obra para órgano, la Toccata, Villancico y Fuga, Op. 18, de 1947, dedicada a Julio Perceval. Estrenada por este recordado instrumentista en 1952, el Círculo de críticos musicales de la Argentina la distinguió por la efectividad de sus ideas, la maestría con que estas se concretan y su logrado carácter místico.

Un año más, 1948, y Ginastera comunica nuevo rumbo a su producción. El próximo «movimiento» aporta novedades técnicas y una concentración psicológica muy acusada. Pasemos.

Cuarto movimiento

Poetico e con espressione profonda

Con el Primer Cuarteto de cuerdas, la Sonata para piano, las Variaciones concertantes y las Pampeanas 2 y 3, es decir, a partir de 1948 y ya de regreso de los Estados Unidos, el lenguaje de Ginastera inicia su camino hacia la dodecafonía. Estamos en el segundo estilo nacionalismo subjetivo.

En opinión del compositor, toda la evolución que han sufrido los procedimientos técnicos en el curso de su producción ha obedecido a profundas necesidades espirituales. A requerimientos de una necesidad creadora en constante transformación. A lo largo de años, aseguró, «el problema dodecafónico se fue planteando y resolviendo dentro de mí, no por influencias exteriores de procedimientos en boga en Europa, sino por fuertes demandas espirituales. Con el andar del tiempo ellas se plasmaron dentro de mí y renacieron, no como fenómeno objetivo de asimilación técnica sino como manifestación subjetiva de una necesidad interior. Es esta la única manera como yo concibo la transformación de los principios técnicos: como una necesidad imperiosa y espiritual del impulso creador».

No hay que olvidar que cuando Ginastera comienza a interesarse más decididamente por la dodecafonía, es decir, en la década del 40, el método de composición de Schoenberg cuenta con más de veinte años de existencia y tiene exégetas y creadores convencidos dentro del país. Esta circunstancia pone de manifiesto aquello que señalé antes, en el sentido de que Ginastera toma con mucha cautela los procedimientos de avanzada y solo cuando vienen a llenar necesidades de expresión. Consciente de que la música es un lenguaje comunicante, no parece dispuesto a incorporar lo novedoso por lo novedoso mismo por cuanto, al no ser sentido como lenguaje adecuado para exteriorizar su pensamiento musical, se convierte en letra muerta.

En conversaciones mantenidas a lo largo de varios años, se me ha presentado siempre Ginastera como un creador para quien la técnica tiene importancia, y capital. A su juicio ni siquiera la mente más privilegiada y original puede prescindir del dominio del oficio, por cuanto detrás de cada obra de arte, cualquiera sea la materia con que se trabaje, hay siempre una maestría sin la cual esa obra no hubiera podido darse en plenitud. Y en verdad, es cierto aquello de Croce de que un contenido determinado «solo está expresado» cuando se expresa en el modo que le es plenamente «apropiado», de modo que para tal contenido conviene tal forma, tal lenguaje o procedimiento. Pero será imposible saber el modo «apropiado» cuando el oficio no ha sido ya domeñado. En relación con lo mismo, confiesa Ginastera no creer en los genios tipo Erik Satie porque en última instancia nunca llegan a realizar una obra perdurable. «El artista debe adquirir primeramente un rico bagaje técnico que le permita todo ulterior desarrollo estético».

El segundo estilo de Ginastera no aparece ligado a temas o ritmos de genuina procedencia popular, aunque sí hay recurrencia a ellos con carácter de símbolos. El lenguaje ingresa en lo atonal y dodecafónico en las obras compuestas entre 1948 y 1958, con la Pampeana N.º 3 como pieza clave.

El Cuarteto de cuerdas N.º 1, Op. 20, le vale a Ginastera nuevos triunfos, tanto en Estados Unidos como en Europa, donde se lo conoce en el curso del XXV Festival de la SIMC realizado ese año (1951) en Frankfurt. En el curso de sus cuatro movimientos vuelven a manifestarse las características de vitalidad, fuertes contrastes rítmicos y tensa carga emotiva que configuran y vertebran su totalidad estilística. La prensa europea señaló en aquella oportunidad la manera cómo los elementos de la música folclórica argentina habían sido empleados: con la rigidez y la construcción sonora del lenguaje musical actual en el sentido europeo. Alphons Silberman, autor de tantos trabajos sobre sociología de la música, escribió que «hacía tiempo que deseaba encontrar un cuarteto contemporáneo en el que sus contrastes de fuerte ritmo sean expresiones de nuestro propio pensamiento, sin ser artificiales. Esta es una obra —sintetiza— que debe ser incluida en el programa de los conjuntos de música de cámara». A su vez en Estados Unidos, el cuarteto refirmó la fe en Ginastera como personalidad creadora descollante de la música americana.

EJEMPLO 4. Aparición del acorde simbólico en el tercer movimiento del Cuarteto de cuerdas N.º 1.

La obra siguiente, Pampeana N.º 2, Op. 21, para violonchelo y piano, también se subtitula «rapsodia», aunque como en el caso de la primera Pampeana, lo es más por su carácter que por su forma, ya que responde a una estructura de sonata. Para Paul Hume de «The Washington Post», uno de los más fervorosos críticos de Ginastera, «el título nativo sugiere algo del misterio y de la excitación que la obra contiene». Destacable resulta el movimiento central «muy lento y exaltado», donde el piano tiene a su cargo una serie de acordes en el registro grave, un poco percusivo y a la manera de campanas, sobre el cual planea el sonido de la cuerda «que se mueve —dice Hume— como el pincel de un pintor al producir tintas vagas».

Una nueva cumbre alcanza Ginastera en esos años con la Sonata para piano N.º 1, Op. 22. Es uno de sus «best seller». En realidad, desde su nacimiento mismo, la Sonata ganó notable difusión internacional. La obra había sido encargada por el Instituto Carnegie y el Pennsylvania College for Women con destino al festival de música contemporánea de Pittsburgh. Al año siguiente del estreno en esa ciudad se la conoció en Europa, ocasión en la que el compositor holandés Henk Badings la saludó calurosamente desde una columna periodística. «Por fin —escribe— encontramos una obra con un lenguaje apasionado, con energía, con fuertes contrastes, con una escritura pianística muy bien aprovechada y sonoridades incitantes». El entusiasmo de Bading residía particularmente en el hecho de que el autor haya empleado procedimientos modernos como la politonalidad y la dodecafonía, aunque sin el menor temor por el uso de consonancias o episodios líricos, de extrema cantabilidad. Estuvo acertado el eminente y sagaz Stuckenschmidt cuando vaticinó desde su publicación berlinesa, en 1953, que los pianistas modernos acogerán con entusiasmo esta partitura. Con motivo del estreno de la Sonata en Buenos Aires, el crítico Enzo Valenti Ferro señalaba a su vez «la consciente y saludable determinación de su autor de mantenerse al margen de un fácil nacionalismo de receta».

EJEMPLO 5. Serie de doce sonidos, en el segundo movimiento de la Sonata Op. 22.

Según ya se vio, politonalidad y dodecafonía alternan en esta obra. Como material temático ya no puede reconocerse al elemento folk, pues el autor apela a desnudas células rítmicas y melódicas que se convertirán en columna en torno de la cual la creación de Ginastera se convertirá en carnadura propuesta por su libre imaginación. El segundo de los cuatro movimientos proviene de una serie de doce sonidos; sin embargo, hacia el final del mismo, que transcurre casi íntegramente dentro de un matiz pianissimo, se escucha el «acorde simbólico». La simplicidad diatónica del mismo, en medio del obsesivo cromatismo del tema docetonal, crea una especie de respiro, una sensación de reposo para resolver en un final casi inaudible. Las dificultades de ejecución, bastante abrumadoras, se intensifican en el último movimiento de la obra, un rondó en cinco secciones elaborado con un esquema rítmico en permanente evolución, con características técnicas y estilísticas de una toccata.

Otro «best seller» son las Variaciones concertantes que le siguen (Op. 23), de la cual existen tres versiones coreográficas. Curioso, dado que en la concepción de su obra Ginastera no entrevió tal destino. Por el contrario, Variaciones concertantes ha sido pensada en función instrumental, con el intento de explotar al máximo las posibilidades técnicas y expresivas de cada uno de los instrumentos de la orquesta de cámara. Será por eso que el crítico de Chicago Don Henahan, al escucharla por vez primera en 1958, la bautizó de «variaciones para virtuosos».

Junto con la Sonata para piano, aquella obra ya marca el comienzo de la gran carrera internacional de Ginastera. Consisten —su nombre es explícito, desde luego— en un tema con variaciones, cada una destinada a destacar las posibilidades y belleza tímbrica de un instrumento solista diferente, excepción hecha de dos interludios escritos, el primero para todas las cuerdas y el segundo para los instrumentos de viento. Los títulos de las variaciones manifiestan el propósito de adjudicar a cada medio instrumental una característica expresiva diferente. Naturalmente, una característica sentida por el autor y tendiente a provocar en el oyente una reacción similar. Así, la variación para flauta está calificada de «giocosa»; la de viola es «drammatica»; la de corno «pastoral»; otras en cambio indican procedimientos empleados, como la «Variazione canónica per oboe e fagotto», etc. Además del procedimiento de variación utilizado en esta partitura, se advierte el de metamorfosis temática, bastante cercano a la elaboración wagneriana, bien que de una manera mucho más sintética. Se trata de la transformación de una célula de un tema o de elementos de una serie, lo cual da motivo a un nuevo tema.

EJEMPLO 6. De las Variaciones concertantes, (a) tema del violonchelo; (b) variación y (c) ejemplo de metamorfosis temática.

El ambiente argentino se manifiesta, por ejemplo, en el uso del «acorde simbólico» en la exposición del tema, lo cual supone que reaparece en el curso de distintas variaciones. También el habitual ostinato del malambo planea en la última variación, dando un impresionante final a esta partitura de refinada orquestación y maestra por el dominio compositivo.

Cuando en París se la conoció a través de su versión discográfica (1957), un crítico de la revista «Disques» (París, 15 de marzo) estimaba que la obra habría de llevar al público francés un testimonio indiscutible del valor de su autor, «hasta ahora casi desconocido», dice, para los oyentes de su ciudad. «Si toda la producción de Ginastera —agrega— alcanza este nivel, he aquí a un compositor del que oiremos hablar en el futuro, pues merece ocupar un lugar brillante dentro de la música de 1957». Nueve años después, en 1966, y por lo que a París se refiere, se cumplía su vaticinio cuando se realiza, con el auspicio del Consejo Internacional de la Música y de las Ediciones Boosey & Hawkes, una sesión-debate en torno de la obra de Ginastera. Críticos y musicólogos participaron en la misma.

Celebrada en Buenos Aires por numerosos premios, Variaciones concertantes inicia a poco andar su trayectoria coreográfica. El 20 de enero de 1960 John Taras estrena en Nueva York su versión, a la que titula «Tender Night». Pocos meses después, Taras la ofrece en Buenos Aires en el Teatro Colón (25 de mayo) con el título original de Variaciones concertantes. En este último caso, decorados y trajes de Horacio Butler se encargan de dar color local a la coreografía de Taras. El discípulo de Balanchine presenta una historia de amor coprotagonizada por dos muchachas y un joven. Una de ellas es la elegida, pero los amantes son separados por un coro de mujeres que sustituyen a la muchacha por su rival. La idea, más allá de la anécdota, es dar una imagen plástica de la búsqueda, el descubrimiento, la separación, la no deseada sustitución y el reencuentro final.

La segunda versión pertenece a Patricio Bunster y fue concebida según el estilo que caracteriza al repertorio del Ballet Nacional Chileno. Se trata de «Surazo», creación en la cual, según parece (el ballet no fue dado en Buenos Aires), Bunster encuentra una inspiración muy diversa a la de su colega John Taras. En lugar de la romántica historia de «Tender Night» o Variaciones concertantes, ahora, sin recurrir a una anécdota definida ni pormenorizada, Bunster hace referencia al carácter pasional de los criollos, su empuje, su virilidad. A cambio del joven y las dos mujeres, ahora es una pareja de novios y un tercer personaje, el enamorado solitario. En torno de ese nudo sentimental, el conjunto comenta el conflicto, a la manera del coro trágico griego. Por último, la tercera versión coreográfica en torno de las Variaciones concertantes es «Le Chapeau», coreografía de Paul Grinwis, estrenado el 13 de febrero de 1965 por el ballet du Gran Théâtre Municipal de la Ville de Bordeaux, en Francia.

Con la Pampeana N.º 3, Ginastera alcanza otro de sus éxitos mayores. Es hoy obra que se cuenta en el repertorio de varias orquestas del mundo y vuelve a exhibir esa síntesis de modernidad con una musicalidad que el público masivo sigue reconociendo como tal. En realidad, ese parece ser el secreto de composiciones tan difundidas como la Sonata, las Variaciones concertantes o la Pampeana N.º 3. Como es bien sabido, gran cantidad de obras de factura contemporánea transmiten ideas musicales y formas de expresión que el oyente no iniciado no parece estar en condiciones de asimilar. Y aún más. No reconoce como «música». Esto último resulta comprensible si se lo piensa a nivel etnomusicológico. Lo que para una comunidad cultural es «música» para otra no lo es. Y con la música contemporánea, dentro de la propia cultura occidental, ocurre algo similar. Si no hay diferencias culturales, pues todos pertenecen a la misma, sí las hay, y grandes, diferencias de formación o —como se quiera— de deformación. Y mientras para miles de oyentes la música de John Cage, valga un ejemplo, no es tal, para otros (grupo cuantitativamente muy menor, por cierto), Cage alcanza grados inefables de fantasía creadora.

La música de Ginastera de su segundo período no ofrece esa dicotomía de receptividad, pese a la utilización de un lenguaje relativamente avanzado dentro de sus años de creación. Y ello, no a causa de imponderables, sino de constancias estilísticas perfectamente medibles y analizables. Ante todo, no teme Ginastera mostrarse lírico, tierno, sumamente expresivo, a través de ideas musicales que el oyente puede retener en su memoria y aún repetir. Es decir, el parámetro melodía junto con el parámetro ritmo, siguen siendo el alfa y el omega de su creación en aquellas obras. Por otra parte —segunda constancia— Ginastera mantiene las oposiciones de tensiones y distensiones, propias de la música tradicional, aunque por medios diferentes a los cadenciales, razón que ofrece al oyente habituado al repertorio común, un grado importante de comprensibilidad.

Y cuando usa el serialismo integral posweberniano, acude a otros recursos para salvar la unidad orgánica. Porque es cierto. La señalización de todos los parámetros (alturas, duraciones, intensidades, timbres, ataques) reciben con ese procedimiento un tratamiento isomorfo al aplicárseles las mismas relaciones cifradas, lo cual, lejos de ofrecer a la música la ansiada unidad orgánica, conducen, a través del espejismo de una forma matemática, a la ausencia de forma musical.

A mi juicio un mérito de Ginastera es el no haberse embarcado por un camino errado; el no haberse sentido acuciado por el virus del vanguardismo a ultranza —pese a los ataques de los vanguardistas— manteniéndose fiel a su concepción sobre los límites y posibilidades del lenguaje musical. El exceso de información llega a destruir la posibilidad de que la memoria pueda realizar una reconstrucción parcial (siempre lo es, naturalmente) de la obra escuchada. Siendo así, tienen mayores posibilidades de receptividad aquellas partituras que, respetando las leyes de la memoria, acuden a símbolos reconocibles y que gozan de elementos de comprensibilidad.

No quiere decir esto que Ginastera haya renunciado a muchas de las conquistas del actual acontecer sonoro. No se circunscribe a conceder exclusivo predominio a las alturas sonoras, fuente del melodismo. La materia prima de su composición ya no radica solamente en el tema, como protagonista musical por excelencia. Puede apreciarse en las Variaciones concertantes, una de sus obras más elaboradas, cómo las alturas se reintegran a su contexto, cómo el sonido se escucha recompuesto, estructurado en sus dimensiones totales, es decir, altura, duración, intensidad, timbres. Pero en ese caso no por un procedimiento de señalización completa sino por un principio de estructuración que emana del simple conceder igual atención a todos los elementos del fenómeno sonoro. A través de la utilización de instrumentos solistas en las distintas fases de sus Variaciones concertantes, se advierte cómo Ginastera se propone descifrar su material sonoro, cómo parece apropiarse de las cualidades íntimas de cada una de sus fuentes. Y de aquí emana otra condición que lo aleja del vanguardismo de última hora. En ninguna de las obras que examinamos ahora se manifiesta la intención de falsear, de desvirtuar. El violín suena como violín, como podía haberlo hecho sonar Corelli; la flauta como flauta, el arpa como arpa. Y este es un principio muy importante de comprensibilidad para el oyente del gran repertorio. A ello debe sumarse —aunque ya se dijo— la relación «lento-rápido» que Ginastera considera tan necesaria para el contraste de los valores temporales de la música.

La Pampeana N.º 3 está invadida por un sentimiento de introspección, contemplativo y fuertemente poético. La obra consta de tres movimientos sobre la base de la alternancia lento-rápido-lento. En el segundo movimiento, «Impetuosamente», en forma de scherzo con trío central, recurre una vez más al acorde politonal derivado de una alteración del acorde natural formado por las cuerdas de la guitarra. Ese material original aparece en compás de 6/8 y con las características típicas del malambo, danza cuyos valores cinéticos han sido destacados por Ginastera en tantas de sus obras y con tanto éxito. El tercer movimiento, «Largo con poetica esaltazione», expone una serie melódica de doce sonidos, aunque tratada muy libremente, sin seguir la conducta más o menos general del método dodecafónico. Se siente aquí un centro tonal alrededor del sonido «mi», algo así como un punto de partida y de llegada, tal como ocurre en obras de Stravinsky del período ruso. Aquello significa entonces que la entonación natural de la guitarra vuelve a constituirse en elemento símbolo dentro de esta partitura.

EJEMPLO 7. De la Pampeana N.º 3, (a) serie armónica que sirve de base al primer movimiento; (b) acorde politonal derivado del acorde natural de la guitarra, tal como aparece en el segundo movimiento.

Una carrera brillante ostenta esta Pampeana, compuesta por encargo de la Orquesta de Louisville que la estrena en 1954 con dirección de Robert Whitney y es conocida en Buenos Aires al año siguiente bajo la conducción de Paul Klecki. En 1956 la dirige Hans Schmidt-Isserstedt en el festival de la SIMC, en Estocolmo; tres años después, Antal Dorati la ofrece en el festival de música contemporánea de Venecia.

La Cautiva. Ballet con música de la Pampeana N.º 3, por el Cuerpo de Baile del Teatro Colón. 1972 (Foto: Teatro Colón).

Por sus características, pertenecería también a este período una obra terminada por el autor varios años después. El Concierto para arpa y orquesta había sido iniciado en 1956, por encargo de la primera arpista de la Orquesta de Filadelfia, Edna Phillips, quien tenía el propósito de estrenarlo durante el primer festival interamericano de Washington, en 1958. Pero Ginastera, urgido por la composición de los conciertos para piano y para violín, de las cantatas Para América mágica y Bomarzo, el Quinteto con piano y la ópera Don Rodrigo, demora varios años en completarlo. En ese lapso, Edna Phillips se retira de la actividad artística permanente, de modo que cede los derechos de la primera ejecución del concierto a su colega, el arpista español Nicanor Zabaleta, quien lo estrena en 1965 en Filadelfia, con la orquesta de esa ciudad dirigida por su titular, Eugene Ormandy. Con posterioridad, el mismo intérprete graba la obra con la orquesta de la Radiodifusión Francesa, dirigida por Jean Martinon. La versión grabada había sido revisada en 1968 por el autor.

La orquesta que acompaña al arpa está formada por los instrumentos tradicionales, con reducido cuerpo de cuerdas y en cambio, abundante percusión que incluye veintiocho instrumentos diferentes. Para el arpa, resulta una partitura de exigencias virtuosísticas muy acusadas. Formalmente sigue de alguna manera las características habituales del concierto, con sus tres movimientos: el primero, especie de forma sonata; el segundo, una forma yuxtapuesta en cuatro secciones y el último, «liberamente capriccioso - Vivace», con una disposición equivalente a la de Introducción y Rondó. La Introducción es una larga «cadenza» para arpa sola. Esa disposición, más o menos tradicional, habrá de perderse en los conciertos posteriores, donde Ginastera recurre a fantasiosas combinaciones de formas y procedimientos. Pero con los conciertos para violín y para piano, ya entramos de lleno en el tercer estilo del compositor.

En el lapso comprendido entre 1952 y 55, Ginastera, caído en desgracia durante esa etapa del peronismo, atraviesa serias dificultades económicas. Tal circunstancia lo lleva a firmar con varias empresas comerciales contratos para realizar música para películas. Se intensifica así su vinculación con ese medio, por el que, en realidad, ya había incursionado desde 1942, año en que compone la música para el film «Malambo» de Alberto de Zavalía. La creación de música para películas se concreta en una docena de títulos, entre los cuales «Rosa de América» (Zavalía), «El puente» (Gorostiza), «Nace la libertad» (Saraceni), «Facundo» (Miguel P. Tato) o la coproducción sueco argentina dirigida por Arne Mattson «Primavera de la vida», con la cual se despide de esa actividad.

En varias ocasiones se refirió a ella Ginastera. En una conferencia dada en la Sociedad Científica Argentina señaló que para él «la música define y acentúa el carácter de los personajes; puede modificar una escena al producir efectos de terror, grandeza, alegría o misterio; puede acentuar la poesía del diálogo o la ironía de una frase; es, en fin, la parte viviente de la obra». Menos convencido se mostraba en cambio al dar cuenta de los tres «azarosos» períodos porque atraviesa el compositor dispuesto a «dedicarse al cine». La primera —decía— es de preparación. Naturalmente, hay que esperar que el film esté terminado; pero, se empieza a trabajar… y con entusiasmo. Como elementos de trabajo cuenta con papel, lápiz, cronómetro y piano. La segunda etapa es de creación. Y se la inicia —sigue Ginastera— alegremente. Aunque la felicidad no dura mucho. Enseguida se empieza a vivir en los estudios cinematográficos un clima neurótico. Las cosas no van bien (nunca van bien); siempre escasea el dinero. El productor comienza entonces a exigir prontitud, celeridad. El músico debe escribir en tres días… ¡cincuenta minutos de música! El productor desesperado, vigila al compositor. Lo llama por teléfono, lo espía. Como el compositor no es tan rápido como el productor desearía, empieza a dudar del talento de aquel. Y a continuación pasa a acosarlo: «Fulanito escribió en dos horas toda la música para otra película, con un concierto para piano; Menganito era capaz de componer al mismo tiempo la música para tres películas juntas en media mañana…». En suma, el atribulado compositor termina convencido de que será responsable de la ruina de toda una empresa y ve ante sí 200 páginas y 6000 pentagramas donde naufragarán sus escuálidas corcheas… Por fin, todo está listo y llega la tercera etapa: regrabación. Todo el tribunal del cine en pleno con un ingeniero de sonidos, reloj en mano, lo juzgan. Y a veces, hasta lo felicitan, aunque piden que la música sea más suave, más suave, más aún, para que la voz de la estrella se destaque. Un mortecino susurro reemplaza las vibrantes esperanzas del autor. La experiencia ha sido, para el productor, un éxito total.

Quinto movimiento

Vivacissimo, con fuoco

Tras el nacionalismo subjetivo, «attacca subito» el período llamado neoexpresionista y al cual, dado el carácter de las obras surgidas a partir de 1958 y hasta nuestros días, defino como un movimiento «vivacissimo, con fuoco». Ya casi no es posible encontrar reminiscencias de células rítmicas o melódicas del folclore. Tampoco aquellos elementos simbólicos que aparecen en las obras de la segunda manera. Sin embargo, hay constantes que siguen vertebrando el estilo: los ritmos fuertes y obsesivos, los adagios contemplativos, las sonoridades mágicas, misteriosas. Es siempre la «idée fixe».

En el Cuarteto de cuerdas N.º 2, que tuvo al cuarteto de la Juilliard como primeros intérpretes (19 de abril de 1958 en el Coolidge Auditorium de la Biblioteca del Congreso de Washington), ya se manifiesta una amplificación del lenguaje, rasgo asimismo característico del último período. A los procedimientos politonales y al serialismo, se suma la utilización de cuartos de tono. El cuarto de los cinco movimientos que constituyen la obra lleva forma de tema con variaciones, a modo de cadenza, de manera que cada instrumentista encuentra oportunidad de aparecer «a solo», como volverá a ocurrir, más acentuado, en la particular estructura del Quinteto.

EJEMPLO 8. del Cuarteto de cuerdas N.º 2, (a) utilización serial; (b) cuartos de tono. En (c) se muestra la grafía de Ginastera para los cuartos de tono, el segundo de la izquierda para el cuarto de tono alto y el penúltimo para el cuarto de tono bajo.

Siendo obra de tránsito el Cuarteto N.º 2 no extraña con todo que en ella se reconozcan todavía ciertas lejanas alusiones al folclore. Desde su columna de «Criterio» el crítico Alberto Emilio Giménez considera que «el carácter nacional, en la línea de Bartók, de Falla, constituye la esencia de la creación, de extremadamente variado, complejo, recio lenguaje». (Buenos Aires, 25 de agosto de 1960).

La obra siguiente entraña una experiencia totalmente nueva para Ginastera y es la de trabajar con la voz acompañada exclusivamente por conjunto de percusión. Aprovecha así las experiencias de varios compositores de este siglo: Stravinsky de «Las bodas», el Varèse de «Ionisation» o el Chávez de la «Toccata». La Cantata para América mágica vale al autor un sensacional triunfo. Uno de los más grandes que se recuerden en el país con una obra de músico argentino. Cuando en Buenos Aires la ofreció en primera audición local la Asociación de Conciertos de Cámara, el compositor, que por entonces tenía el brazo entablillado a causa de un pequeño accidente, debió salir a saludar una docena de veces. Y algo similar sucedió en todos lados. Da cuenta Paul Hume desde su columna de «The Washington Post» (1 de mayo de 1961) que al finalizar la obra escuchada en estreno mundial en la Capital de los Estados Unidos, «la demostración del público a Ginastera fue salvajemente exuberante. Fue un tremendo final para un festival significativo».

Respecto de las críticas a la obra, estimo que fueron las más expresivas de las recibidas en su carrera hasta entonces. Para Hume, Ginastera emerge tras esta obra «como uno de los gigantes de la música de nuestro tiempo» y destinado «a ser uno de los espíritus creadores más poderosos de las décadas futuras». Para Irving Lowens, en «The Evening Star» (12 de mayo del 61), la obra le resultó «casi imposible de describir con palabras. En mi opinión —dijo— es estilísticamente única». Y añade que aunque le debe algo a Stravinsky por su impulso cinético y su violencia primitiva, «en realidad solo se parece a algunas obras anteriores del propio Ginastera». Se manifiesta también convencido Lowens de que la Cantata puede ser considerada como la lógica culminación de un proceso evolutivo que va desde un nacionalismo militante hasta su condición de ciudadano del hemisferio occidental: «Porque es música que pertenece indudablemente a las Américas. Es atrevida, libre, magnífica, una música escrita por un hombre que se enorgullece de su herencia y que es lo suficientemente audaz como para caminar por su propio y solitario camino».

En Buenos Aires, hubo parecido entusiasmo crítico. Leopoldo Hurtado, con notable equilibrio de juicio, se pregunta desde su sección del diario «La Prensa» (29 de octubre de 1961) si las técnicas novísimas empleadas por Ginastera le permiten un mayor acercamiento al fondo del espíritu de la América precolombina. La respuesta es afirmativa. A su juicio era el mejor camino por cuanto el lenguaje utilizado por el compositor se basa en uno de los elementos primordiales de la expresión anímica nativa, el ritmo, y elude toda relación formal con los elementos habituales de la música de Occidente, tales como la melodía, la armonía, el contrapunto y las formas regulares, simétricas, cuadradas. Lo asombroso —en opinión de Hurtado— reside en el hecho de que mediante el extremo refinamiento de los medios sonoros ha conseguido dar Ginastera, precisamente, la impresión opuesta, es decir, lo primitivo, lo atávico. «La obra se sostiene —añade— por esos atisbos de lo telúrico y demoníaco que solamente la música —y quizás la música moderna— puede dar».

Por su parte el crítico Jorge D’Urbano, al dar cuenta de sus juicios en el diario «El Mundo» de Buenos Aires (29 de octubre de 1961), la considera, al margen de que sea o no, como se dijo, la mejor obra de Ginastera, al menos la más fascinante y desde luego una de las de mayor importancia de cuantas se han escrito en el país.

La Cantata para América mágica, Op. 27, está escrita para voz de soprano, orquesta de percusión y dos pianos, usados estos como instrumentos percusivos. Los textos fueron tomados de los poemas que los primeros sacerdotes cristianos recogieron en las avanzadas culturas mayas, aztecas e incas. Para ello, realizó el compositor, con la colaboración de Mercedes de Toro, una adaptación de los mismos o refundición, con el objeto de darle una continuidad epopéyica a esa poesía lírico-épica. Hay todo un drama en esos veinticinco minutos que dura la obra, por cuanto desde el primer número, «Canto a la aurora», hasta el final «Canto de la profecía» se asiste a la grandeza y destrucción de un mundo que sucumbe ante la fuerza de una distinta civilización que llega de lejos.

La Cantata ejemplifica la manera cómo Ginastera ha podido concebir una obra orgánicamente unitaria a través de la señalización de todos los parámetros. Y al mismo tiempo muestra cómo ha soslayado, con notable capacidad creadora, esa total indiferenciación, esa disolución a que el empleo del multiserialismo condujo a otros autores. Cuanto más se analiza la Cantata se llega a la conclusión de que el material sonoro elegido por el autor ha sido determinante de las formas y procedimientos empleados, en lugar de haberlo doblegado o falseado tras decisiones apriorísticas. De ahí que pese a la manifiesta elaboración y a que el fenómeno ha sido cuidadosamente ordenado en todas sus dimensiones, la obra carece de esa «atomización» que caracteriza a las partituras multiseriales. Su trama «no se ve», sus estructuras y procedimientos permanecen invisibles y lo que se escucha es poderosamente comunicativo y excitante.

Cinco de las partes de la Cantata llevan texto mientras una sexta, el «Interludio fantástico» es puramente instrumental. El material musical está organizado en series de alturas, intensidades, timbres, densidades sonoras, etc. Esta serialización no solo abarca a los instrumentos que producen sonidos, sino que se establecen también series de seis alturas diferentes entre los seis timbales, las seis cajas, los seis tambores de madera y los tres platillos que forman grupo con los tres tam-tams. Además de utilizar el cromatismo ordenado serialmente, Ginastera recurre a cuartos de tono. Desde el punto de vista rítmico, la obra naturalmente, se explaya en todo tipo de combinaciones y posibilidades. Al lado de pasajes de rítmica racional, hay predominio de multirritmia por el empleo simultáneo de valores irracionales. Incluso dentro de valores irracionales se incrustan nuevas fórmulas, también irracionales, lo cual lleva a pasajes como el del final, donde la ejecución rítmica arriba a la aleatoriedad.

EJEMPLO 9. De la Cantata para América mágica, (a) tratamiento vocal en el final de la 3.ª parte; (b) recitativo en estilo «parlato».

Respecto de la escritura vocal, Ginastera ya mide con la Cantata sus propias posibilidades con vistas a la próxima incursión operística. La voz está sometida en forma casi permanente a un tipo de canto de bravura, con amplios intervalos que llegan a la 11.º, siempre en la búsqueda de una dramaticidad enervante. Además, el canto se ve obligado a mantenerse en pedales agudísimos en los momentos de mayor violencia rítmica. Ataques abruptos, glissandi, acentos constantemente desplazados, recursos estos típicos del canto desde las obras atonales de Schoenberg (fin de la primera década y segunda de este siglo), abundan en la obra. Es de advertir que dichos procedimientos, si muy modernos en la escritura vocal del músico occidental contemporáneo, son inseparables del canto de infinidad de culturas no occidentales, entre ellas las aborígenes americanas. Piénsese en nuestras bagualas (cancionero tritónico) que, cantadas con «kenko» (algo así como cantar con «swing») recurren a toda una serie de artificios vocales tales como portamentos o rápidas inflexiones de ida y vuelta desde un sonido a otros de la escala, timbre particular, etc. Es que llegado Occidente a una de sus cimas, empieza a beber en las fuentes de culturas más espontáneas. Y la música no queda al margen. De ahí que en Ginastera se haya podido dar una simbiosis de procedimientos modernos con la veracidad estilística del canto indígena.

En cuanto al tratamiento instrumental de la Cantata, hay momentos densos, como sucede en el «Canto para la partida de los guerreros», una especie de violenta danza ritual, al lado de pasajes sonoramente delicados y poéticos, muy transparentes, como en el «Nocturno y canto de amor», donde los sonidos se escuchan en su diferenciado valor tímbrico, a la manera del puntillismo weberniano.

EJEMPLO 10. Tratamiento orquestal del «Nocturno y canto de amor» de la Cantata Op. 27.

Si la Cantata para América mágica, Op. 27 nace un año antes que el Concierto para piano y orquesta, Op. 28 (1961), ambas obras se conocen casi simultáneamente en el curso del Segundo Festival Interamericano de Música de Washington. El Concierto inaugura el festival de 1961 (22 de abril) y la Cantata lo cierra (30 de abril).

Para su Concierto recurre el músico a una orquesta completa con abundante percusión para acompañar al piano, cuya parte encierra enormes dificultades de ejecución. En lugar de los tres movimientos tradicionales, la obra consta de cuatro. La disposición, siempre en relación con lo habitual en el género, es bastante libre aunque, en el terreno de la sonata, Beethoven, recuérdese, ya echaba por la borda el orden establecido de los movimientos, un siglo y medio antes. El primer movimiento, «Cadenza e varianti» se inicia con una amplia cadencia del solista, acompañado por la orquesta, antes de iniciarse las diez variaciones realizadas sobre la base de una pequeña estructura serial contenida en aquella. Para los restantes movimientos adopta, respectivamente, los esquemas de scherzo en cinco secciones, lied tripartito y un rondó con aspecto de toccata.

En cuanto al lenguaje, y tal como ocurre en este tercer período, es bastante radical en su desprendimiento de las características que formaban el lenguaje de la etapa anterior. El serialismo está libremente empleado y parece advertirse una aproximación al experimentalismo tipo Boulez. Con todo, hay un rasgo que confiere real personalidad a este concierto y es que Ginastera encara el sistema serial con esa bravura y avasallante cinética que distingue toda su producción desde Panambí. Justamente, señalaba un crítico de Nueva York que «lo que hace diferente la obra es que el compositor argentino ha impuesto su tumultuosa personalidad (…) al no haber hesitado en imponer al concierto remolinos de bravura, a la Prokofiev». Más adelante, buscando explicar la gran excitación que provoca la obra, el mismo Biancolli («New York World Telegram and Sun», 12 de marzo de 1962) dice que «tal vez el ardid consista en poner cosas convencionales en el lugar menos convencional o preparar una cosa esperada para presentar, luego, lo inesperado. De todos modos —termina— lo cierto es que el Concierto es una estación de fuerza motriz».

Con motivo de su estreno en Montevideo, Washington Roldán, de «El País» opinaba (25 de junio de 1962) que «del Concierto se podría decir con un margen bastante pequeño de audacia que es la obra para piano y orquesta más original, más rica y más atrayente surgida en nuestro tiempo, luego de los conciertos de Bartók. Ginastera, como lo hizo Bartók, aunque en dirección musical completamente distinta, ha sabido ser pianístico, brillante y efectivo para el solista sin caer en la trivialidad o en el lugar común y ha sabido también ser actual, innovar, ser intenso y rico de ideas creativas, sin alejarse del poder de excitación emocional que está en la esencia de un concierto con solista».

Ginastera con el quinteto Chigiano (Foto: Bruno Guth).

El Quinteto para piano y cuerdas, Op. 29, separa al Concierto para piano del Concierto para violín. El Quinteto, dedicado a la presidenta del Mozarteum Argentino, Jeannette Arata de Erize y al Quinteto Chigiano, surge en 1963 por encargo de esa entidad y con destino al célebre conjunto de Siena (hoy transformado en sexteto de cuerdas), que lo estrena en el teatro La Fenice de Venecia el 13 de abril de 1963 durante el festival de música contemporánea. La partitura ofrece otras novedades en cuanto a la disposición de sus movimientos. Contiene siete partes en total, tres de las cuales son cadencias: la primera para viola y violonchelo; la segunda para dos violines; la tercera para el piano. Esto significa que solo en las cuatro partes restantes, es decir, «Introducción», «Scherzo fantástico», «Piccola musica notturna» y «Finale», está presente el quinteto completo. Las tres cadencias, lejos de desarticular el conjunto, actúan a manera de vínculos entre los miembros del conjunto, siempre que, como pide el autor, la ejecución de cada una de ellas se realice casi sin intervalos, con el objeto de lograr la deseada unidad.

EJEMPLO 11. Del Quinteto para piano y cuerdas, canon de intervalos contrastantes entre viola y violonchelo en la primera cadencia.

Con el Concierto para violín y orquesta, Op. 30, Ginastera vuelve a probar que el lenguaje serial puede ser muy dúctil y maleable. También que está dispuesto a buscar nuevas posibilidades arquitecturales para obras de este género. El Concierto es de 1963 y ha sido dedicado a Leonard Bernstein y a la Orquesta Filarmónica de Nueva York, ciudad donde la estrenaron el 3 de octubre del 63 con Ruggiero Ricci como solista.

Una vez más es motivo de admiración entre los profesionales de los Estados Unidos la circunstancia de tener la obra un impulso que a juicio de ellos, falta en general en la música serial. Aquí en cambio, señalan, se mantiene constante del principio al fin. El crítico Raymond Ericson, del «New York Times» cree advertir en su crítica (4 de octubre de 1963) que ese impulso así como su coloración única, son las trazas que aún se advierten de la preocupación anterior del compositor por la música folclórica argentina.

El Concierto para violín consta de tres movimientos. El primero lleva la indicación de «Cadenza e Studi»; el segundo es un «Adagio per 22 solisti» y el tercero un «Scherzo pianissimo e perpetuum mobile». Ello significa que sobre el comienzo mismo de la obra, el violín se presenta «a solo» en una cadencia, idea que Eric Salzman («New York Herald Tribune», 4 de octubre de 1963) juzga «demoníaca para el violinista, que tiene que aparecer y tocar su parte en frío; pero musicalmente fascinante». La cadencia desemboca en la segunda parte del primer movimiento, que lleva como título genérico el de «studi», en número de seis y dedicados a los acordes, las terceras, otros intervalos, el arpegiato, los armónicos y los 24 cuartos de tono. Se cierra con una coda esta primera parte. En realidad, cada uno de estos estudios es a la vez una variación de la serie original presentada al comienzo por el violín, variaciones que llevan, cada una, un acompañamiento instrumental diferente. En el último estudio, el autor usa a toda la sección cuerdas subdividida en cuartos de tono, empleándolos como amplios complejos sonoros.

EJEMPLO 12. Comienzo de la cadencia que inicia el primer movimiento del Concierto para violín y orquesta.

Siguiendo un procedimiento caro al autor y ya expuesto en las Variaciones concertantes o el Quinteto, en el segundo movimiento Ginastera hace participar a cada uno de los instrumentos de la orquesta como solista, confiando, en el caso de las cuerdas, al primer atril de cada sector. El último movimiento, al cual el autor desea «sempre volante, misterioso e appena sensibile», es de clima fantasmagórico, tanto como para recordar a esta altura de la producción, que es siempre el autor de la lejana Panambí el que reaparece. Se trata de un scherzo que incluye citas de Caprichos de Paganini, las cuales aparecen y desaparecen como ráfagas inasibles. El movimiento desemboca en una coda con carácter de movimiento perpetuo, la cual cierra conclusivamente la idea de variación, y da a la obra un excitante final.

Es simbólica la alusión a Paganini, por cuanto Ginastera parece proponerse una réplica en lenguaje moderno, de la trascendental escritura virtuosística que confiere Paganini al violín romántico. Su Concierto es para virtuosos de la técnica violinística contemporánea, según la han ido ampliando grandes creadores de las anteriores décadas de esta centuria. Irvin Kolodin, en «The Saturday Review» (Nueva York, 19 de octubre del 63), escribe en ese sentido: «Los violinistas desde luego amarán a la obra, una vez que hayan superado el latente odio hacia un compositor capaz de recrear la técnica del instrumento, como lo ha hecho Ginastera».

Con la creación siguiente, entramos de lleno en el terreno de la ópera. Don Rodrigo, Op. 31, fue terminada en 1964, poco antes de su estreno en el Colón, el 24 de julio de 1964. Se vio antes cómo desde su primera realización para la escena, el ballet Panambí, Ginastera se perfila como creador fuertemente dramático. Partituras posteriores, particularmente la Cantata para América mágica, venían a confirmar aquellas anticipaciones.

Para Ginastera —ya se dijo— el teatro de hoy debe ser de acción, fuerte y violento como es la vida en las décadas que nos toca vivir. Al afirmar que los sentimientos deben privar sobre los razonamientos, manifiesta un apartamiento del teatro de ideas, a la manera del drama de Wagner. Es coherente por tanto que en varias oportunidades haya manifestado su inclinación incondicional hacia el teatro lírico de Verdi, en cuyo estilo teatral ha fijado siempre Ginastera su atención con vistas a un aprendizaje para su posterior experiencia.

Don Rodrigo está construida en tres actos y nueve cuadros, según libreto del poeta y dramaturgo español Alejandro Casona, quien, residente algún tiempo en la Argentina, venía manteniendo conversaciones con Ginastera sobre la posibilidad de un trabajo en común. Esos proyectos pudieron concretarse cuando la Municipalidad de la ciudad de Buenos Aires encargó al músico, en 1962, la composición de una ópera para ser estrenada en el Colón en la temporada 1964.

La figura central de la obra es Don Rodrigo, el último rey visigodo de España, quien con el tiempo fue convirtiéndose en leyenda fructífera para la literatura, el teatro y la música de los siglos siguientes. «Juntos —declaró Ginastera— establecimos el primer andamiaje de nuestra obra, que tiene una organización severa, y sobre esa estructura arquitectónica construimos luego, él su drama y yo mi música».

Escena de Don Rodrigo en el Teatro Colón, 1964. (Foto: Teatro Colón).

Según registra Juan Andrés Sala en el magnífico texto explicativo incluido en el programa del Colón, a través de conversaciones con Ginastera este habría manifestado que al elegir el romance del rey visigodo no pretendieron con Casona crear una ópera de carácter histórico, sino aprovechar la fuerza dramática y humana del personaje. No hubo por tanto una intención documental, difícil por otra parte por cuanto la historia del rey Rodrigo se ha confundido a lo largo de siglos por transmutación del personaje real en legendario. Por otra parte, tampoco la reconstrucción histórica es cosa que haya preocupado nunca al arte, que se mueve con diferentes valores que la investigación científica.

La idea en cambio fue la creación imaginaria en torno de la vigorosa presencia de un personaje histórico con algunas de sus connotaciones legendarias. Justamente aquellas más teatralizables. De tal manera, el tema del último rey godo queda en el libreto de Casona convertido en un drama de amor y de muerte. Ginastera lo ve como «una fantasía que tiene una existencia permanente y actual, eterna y viva, ya que los sentimientos que de ella emanan son los sentimientos universales del alma humana, el amor, el deseo, los celos, la venganza, el odio y el perdón».

Este concepto, hay que señalarlo, priva en el curso de las tres óperas que Ginastera lleva compuestas. En todos los casos se trata de personajes que vivieron varios siglos atrás. Pero de esas historias, sea la de Rodrigo, la de Bomarzo o la de Beatrix Cenci, Ginastera retiene, particularmente en las dos últimas, el tremendismo de sus problemas existenciales, de las psicologías de sus protagonistas o de los agonistas que los rodean, por cuanto en ellos encuentra situaciones, enfrentamientos o psicologías vividas, perfectamente actuales. Por otra parte, al haberse convertido esos personajes en figuras legendarias, la imaginación popular las ha estilizado, las ha simplificado, convirtiéndolas en el arquetipo de vicios, virtudes, sentimientos, acciones o pasiones.

En tal sentido podría encontrarse una analogía con un aspecto de la teoría wagneriana. En efecto, Wagner nunca recurre a la historia, al menos de Lohengrin en adelante y con muy escasas excepciones. Y si lo hace, esta aparece parcialmente mezclada con la leyenda, la cual, ahora sí, domina en los libretos de sus dramas. Para Wagner, el poeta-músico, cuyas obras estén concebidas para una posible expresión musical, deberá conceder preferencia a los temas en los cuales las emociones, las pasiones, los sentimientos más elementales, espontáneos y primitivos del hombre, es decir aquello que configura lo Eterno Humano, formen el resorte de la acción. Pero esos temas no los buscará en la historia, por cuanto cada momento histórico condiciona social, económica, política o moralmente al hombre, lo constriñe a actuar de una u otra manera, de modo tal que sofoca lo elemental, espontáneo o primitivo. Es decir, el momento histórico sofoca lo Eterno Humano, que se sitúa más allá de cualquier contingencia temporal. En cambio el mito no será para Wagner otra cosa que la historia deformada, arreglada y estilizada por la imaginación popular, que despoja a esa misma historia de sus contingencias para reducirla al estado de drama puramente humano. La leyenda ofrece al hombre en su estado y sentimientos esenciales. En él se da el Amor, el Odio, la Venganza, los Celos, la Traición. Así, con mayúsculas, fuera del tiempo y del espacio. O mejor aún, por encima de toda limitación de tiempo y espacio. Shakespeare también sabía algo de eso.

Pues bien, en este aspecto y solo en él, aunque elaborado de otra manera, coincidiría la actitud de Ginastera con la teoría wagneriana. En cambio lo separa radicalmente el hecho de inclinarse el músico argentino por un teatro de acción y violencia, de neta raigambre verdiana.

Los antecedentes del rey Rodrigo en la historia y la leyenda son largos y de apasionantes alternativas. El reino hispano-visigodo se extiende entre los años 414 y 711, con treinta y tres monarcas en ese lapso. El primero fue Ataúlfo. El último, Rodrigo. Los años finales, que vieron desfilar gran número de soberanos, fueron años sangrientos, cargados de luchas y conflictos. A la muerte de Egica, asciende al trono Witiza, quien reina entre 701 y 709. Tras cruentas dificultades para alcanzar el poder, lo sucede Rodrigo, duque de Bética y oriundo de Córdoba, donde su padre era gobernador. Solo llegó a reinar dos años, período violento en el cual el joven rey debió mantener interminables encuentros con los descendientes de su antecesor. Finalmente, la invasión árabe en el año 710 terminó con el reinado visigodo.

Hasta aquí, según parece, llega la historia. En adelante, la leyenda, lenta pero inexorable, irá tejiendo y destejiendo su trama, envolviendo la trágica historia del último godo en una urdimbre de intrigas y contraintrigas, encantamientos, relatos fantásticos, estupros, maldiciones y traición. El «último rey godo» se convierte así en tierra de todos, en fecundo manantial donde abreva la imaginación popular y la fantasía del poeta o dramaturgo. El romancero de los siglos XV y XVI, las novelas de caballería, el teatro del siglo de oro español, así como manifestaciones de otras literaturas, se adueñan y lo modelan al personaje hasta el siglo XVII y XVIII. Naturalmente, con el Romanticismo, gran movimiento glorificador del Medievo, la leyenda de Rodrigo reverdece, y no extraña encontrarlo en 1811 en la fantástica imaginación de Walter Scott («The vision of Don Roderick») o en las colecciones de leyendas y romances españoles que circulan por toda Europa, para quien España, en el siglo XIX, se ha convertido en fuente inagotable de inspiración popular, caballeresca y medieval.

También en terreno musical cobra relieve la figura del último rey godo. En el ya citado trabajo del musicógrafo Juan Andrés Sala, se cita la vinculación de Rodrigo con la música en el siglo XVII. «Il Roderico» es una ópera representada en 1692 en L’Accademia Florentina degli Innominati, cuyos autores (música y libreto) han quedado desconocidos. Es bien sabido además que Haendel compuso en Florencia, entre 1707 y 1708 su ópera «Rodrigo» sobre libreto de autor desconocido. En 1823, Antonio Sapienza hace representar en el Teatro San Carlo de Nápoles un «Rodrigo», repuesto posteriormente en el Teatro Alla Scala de Milán, con el título de «Gonzalvo». En 1848, el compositor inglés Henry Charles Litolff da a conocer «Don Rodrigue de Tolède» y treinta años después presenta Manlio Bavagnoli en el Teatro Real de Parma su «Roderico di Spagna».

Igualmente la leyenda de Florinda, amancebada en abuso de confianza por Rodrigo, según la tradición witizana y musulmana, ha sido llevada al teatro lírico del primer ochocientos. El tenor Manuel del Popolo García presentó en Madrid, en 1805, su «Florinda», en tanto el famoso virtuoso del teclado, Segismundo Thalberg, estrenaba su propia ópera «Florinda» en el Teatro Italiano de Londres, en 1851. Además Thalberg realizó seis transcripciones para piano de fragmentos de la ópera. Dentro de la música argentina, el tema tiene su antecedente en el «Romance del Rey Rodrigo» del compositor español radicado en nuestro país, Julián Bautista, obra para coro «a cappella» estrenada en 1958.

Don Rodrigo se divide en tres actos concebidos como Exposición-Nudo-Desenlace o catástrofe, en el sentido estricto del vocablo griego «katastrophé» (desenlace de un drama). A su vez cada acto se divide en tres cuadros o escenas ligadas por interludios. La función de estos últimos es doble, musical y psicológica, pues vendrían a constituir una prolongación de lo acontecido y al mismo tiempo un anticipo de la acción inmediata. En cuanto a su carácter, cada uno de los tres actos lleva una significación poético-musical diferente. El primero es épico: Rodrigo regresa victorioso de la guerra, se lo corona rey de España y quebranta luego el enigma de la Cueva de Hércules que le anuncia una tremenda profecía: será el último rey de los godos. El segundo acto es lírico: nace el amor y el deseo por Florinda, hija de un compañero de armas, el conde don Julián, gobernador de África, que había atravesado el mar para acudir en su ayuda en la guerra. Rodrigo sugiere al conde dejar a Florinda en la corte española, comprometiéndose a honrarla como a una hija. Pese a ello, Rodrigo la ultraja y abandona. Florinda escribe un mensaje a su padre pidiendo venganza. El tercer acto es dramático: don Julián abre las puertas de España a los árabes; Rodrigo es vencido y termina sus días en una ermita, redimido, en brazos de Florinda, que se convierte así en el símbolo de toda España.

La quinta escena, «El ultraje», es el momento de la catástasis, el punto culminante del drama, tanto desde el punto de vista de la progresión dramática como de la progresión sentimental, que pasa de un Amor-Pasión al Amor-Redención.

Respecto de la estructura de su obra, declara Ginastera que a su juicio «la música lírica debe tener, como la sinfónica, su organización especial que la contenga y la ordene», en razón de lo cual trata siempre de que su obra tenga un material conscientemente organizado. Como puede apreciarse, el tipo de distribución, es decir, escenas musicalmente cerradas separadas por interludios, y cada una de aquellas sobre la base de formas o procedimientos tradicionales aunque tratadas con lenguaje moderno, tiene un directo punto de referencia en la estructura de «Wozzeck», de Alban Berg.

Según es característico en las obras de esta etapa, Ginastera utiliza estructuras seriales que varían constantemente en planos rítmicos contrastantes. Sobre la base del total cromático (acordes integrados por los doce sonidos de la serie), el músico elabora sus temas que actuarán a la manera del «leit motiv». En efecto, Amor, Tragedia, etc., tienen su definición temática. La utilización de bloques sonoros se presenta como uno de los elementos básicos de la obra. En el tercer interludio, por ejemplo, aparece el bloque de cuerdas, cromático en toda su extensión y microcromático en el extremo superior. Sobre ese fondo se desarrolla el contrapunto policordal y estereofónico de dieciocho cornos divididos en bandas, que se ubican en diferentes lugares de la sala donde se representa la ópera.

La orquesta se amplifica por una nutrida percusión, preferentemente metálica, y veinticinco campanas para el milagro final, varias de las cuales contestan desde distintos lugares de la sala. La partitura pide asimismo un grupo orquestal interno integrado por doce trompas y ocho trompetas. Como contraparte de ese despliegue sonoro que busca el autor en algunos pasajes, en otros, como ocurre en el «Madrigal a cinque» (cuarto cuadro, segundo acto) se adopta una ambientación sonora de cámara, de aspecto arcaico, donde la voz dialoga con una flauta de amor, una viola de amor, una mandolina y un arpa.

Desde el punto de vista vocal, recurre a todas las posibilidades de tratamiento enriquecidas por Schoenberg y Alban Berg. Un ejemplo de esa variedad se da en el pasaje en que don Julián, padre de Florinda, da lectura a la maldición contenida en el arcón (Escena III, Imprecazione, primer acto). La misma comienza con un «hablado con ritmo musical» para transformarse enseguida en un «hablado con altura relativa», luego en un «cantado-hablado» y terminar con el «canto pleno». A estos recursos debe sumarse el «hablado con ritmo prosódico». En el aludido fragmento logra el músico un atrayente crescendo dramático al pasar paulatinamente del hablado al canto, y paralelamente de la mezza voce al fortissimo.

EJEMPLO 13. De la ópera Don Rodrigo, (a) «serie heroica» (primera escena); (b) «serie Florinda», que simboliza el tema de Rodrigo.

Con motivo del estreno de Don Rodrigo en Buenos Aires, la crítica pudo señalar el don de Ginastera para este género en el que acababa de iniciarse. Desde «Criterio», Alberto Emilio Giménez pone énfasis en esa condición al juzgar que Don Rodrigo es una ópera que, como tal, «funciona muy bien». Considera que «es teatral y concisa en medida capaz de mantener el interés de los espectadores; su partitura (…) atiende a tradiciones del género en proporción suficiente y ha sido provista de elementos que aseguran el impacto». (Buenos Aires, 27 de agosto de 1965).

En Nueva York, Don Rodrigo fue ofrecida en coincidencia con la inauguración del New York State Theater, en su carácter de residencia permanente de la New York City Opera. La primera representación fue el 22 de febrero de 1966. En aquella ciudad, la crítica fue explícita y no retaceó su admiración. Alan Rich escribió en el «Herald Tribune» (23 de febrero) que «el señor Ginastera ha creado la ópera contemporánea que todos —por lo menos los que tenemos alguna fe en el lenguaje musical de nuestro tiempo— sabíamos que aparecería algún día». Según Louis Biancolli, del «New York World Telegram and Sun» (23 de febrero), fue «la inauguración más espectacular de la que se tenga memoria —por lo menos en la mía— (…) Espectacular es la única palabra que podríamos emplear». Para la crónica menuda, añadiré que según Biancolli «el público se enloqueció». Termina diciendo que Ginastera había compuesto no solo el «Wozzeck» de estas otras regiones del planeta sino también «una de las más grandes óperas desde “Turandot”».

Para el crítico de «The Times» de Londres, que presenció el estreno en Nueva York, «en su totalidad Don Rodrigo es un imponente esfuerzo, una obra que mira hacia adelante con imaginación y no hacia atrás con imitación» (2 de marzo). Por su parte en la columna de «Opera News», el crítico F. M. consideró que «el efecto total de Don Rodrigo es el de un “Otello” dodecafónico. Si la tragedia del héroe —señala— se desarrolla de una manera ritual más que en términos de un realismo psicológico, es porque así concuerda la muy organizada estructura musical, con una historia contada en breves y simétricas escenas unidas por interludios. Berg y Debussy lo habían hecho y algunos inclusive pensaron más allá en Wagner. ¿No habrá sido el impacto de “Tristán e Isolda” sobre los oyentes de 1965 igual al que produjo sobre nosotros Don Rodrigo y por las mismas razones?». (26 de marzo).

De la ópera Don Rodrigo compaginó Ginastera su Sinfonía «Don Rodrigo» para soprano y orquesta, Op. 31 b, sobre la base de tres momentos de la ópera: «Musica notturna»; «Musica tragica»; «Musica elegiaca», con una duración total de veinticinco minutos. Fue estrenada, como tal, en el curso del Primer Festival de Música de América y España, que justamente había encargado a Ginastera una obra. Sofía Bandín, la protagonista en Buenos Aires de la ópera, presentó la sinfonía en Madrid, acompañada por la Orquesta Nacional de España dirigida por Rafael Frühbeck de Burgos. De la impresionante recepción que aquel país tributó a la obra, dan cuenta varios musicógrafos. A Antonio Iglesias, figura clave como funcionario musical hispánico, no le importó que la sinfonía haya sido o no literalmente extraída de la ópera, ni que la colocación de los juegos de campanas, para el último número, sea de un efectismo que reclame la escena. Para él la sinfonía es «un rotundo acierto y todo en ella nos ha dado —escribe— una muestra sencillamente genial del talento musical de Ginastera y su emoción cierta. Elocuentísimo ejemplo de que la música puede incorporar elementos probados a título experimental cuando está pensada y construida en función de lo que es y siempre fue la música». (Washington, «Américas», febrero de 1965).

Con la cantata Bomarzo, Op. 32, que le sigue, el proceso fue inverso. Primero, año 1964, fue compuesta esta cantata para recitante, barítono y orquesta de cámara. Después vino la realización de la ópera. Aquella surgió por comisión de la Fundación Elizabeth Sprague Coolidge y su estreno tuvo efecto, justamente, en el Festival Coolidge de la Biblioteca del Congreso de Washington el 1.º de noviembre de 1964. Dos años después, recibe el encargo de la Opera Society de la misma ciudad para componer una segunda ópera. Entonces surge Bomarzo, siempre con textos (prosa y versos) del escritor argentino Manuel Mujica Láinez. La cantata está dividida en seis números, tres trozos en prosa extraídos de la novela original de Mujica Láinez y tres poemas escritos especialmente para la cantata por el mismo escritor.

Naturalmente, las secciones en prosa tienen un carácter narrativo; en este caso, se expresan en primera persona y están a cargo del narrador. Entrelazados aparecen los tres poemas, de carácter lírico, confiados al barítono.

En su orquestación incluye además de los instrumentos habituales de viento, arpa, clave, celesta, piano a cuatro manos, cuerdas sin violines y una viola de amor. La percusión es abundante. Los procedimientos vocales atraviesan por las diferentes etapas que ya se vieron en Don Rodrigo, aunque en este caso el carácter alucinante que Ginastera se propone transmitir, obliga a recitante y barítono a realizar variados efectos extra o paramusicales.

Entre la cantata y la ópera del mismo nombre, se sitúa una composición encargada por el Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes de Venezuela, con destino al Tercer Festival Interamericano de Música de Caracas. De ahí resulta el Concerto per corde, para el cual utiliza Ginastera material derivado de su Cuarteto de cuerdas N.º 2, solo que, a las combinaciones seriales y al microtonalismo se suman elementos incorporados a su más reciente manera, con el empleo de bloques sonoros basados en el total cromático y sonidos indeterminados derivados de procesos aleatorios. Esta partitura, dedicada al mecenas venezolano Inocente Palacios, tiene su estreno mundial el 14 de mayo de 1966 en Caracas, a cargo de la Orquesta Sinfónica de Philadelphia dirigida por Eugene Ormandy.

La ópera Bomarzo, Op. 34, está construida en dos actos y quince cuadros. Casi por natural exigencia de situaciones dramáticas y psicológicas que pedían mayor expansión, la cantata parecía llamada a ser llevada a la escena. La ocasión se concreta cuando Hobart Spalding, presidente de la Opera Society, presencia en Buenos Aires una representación de Don Rodrigo, en 1964. Entonces solicita a Ginastera la composición de una segunda ópera para celebrar el décimo aniversario de la sociedad lírica de Washington. El estreno mundial de Bomarzo se realiza en el Lisner Auditorium, con Salvador Novoa como protagonista y los cantantes Isabel Penagos, Claramae Turner, Joanna Simon, Richard Torigi, Manuel Folgar, Robert Gregori, Brent Ellis y Joaquín Romaguera en los restantes papeles y dirección de Julius Rudel. La vida de Pier Francesco Orsini, duque de Bomarzo, un príncipe del Renacimiento italiano, de atormentada psicología, es el tema de la laureada novela de Mujica Láinez. Si bien el autor ha movido con amplia libertad los hilos de esta historia de pesadilla y horror, propios de una estética de la congoja y el pavor, por debajo de su ficción hay una base histórica que sustenta la materia temática. Cerca de la ciudad de Viterbo, en efecto, a no muchos kilómetros de Roma, se halla la aldea de Bomarzo que fue, durante el siglo XVI, residencia de un extraño miembro de una rama colateral de la familia Orsini. En esa aldea se conservan todavía, dando pie a mil historias fantásticas, extrañas ruinas rodeadas por un jardín inverosímil. Es el misterioso Sacro Bosque en el que el duque de Orsini hizo construir una colección de monstruos tallados en piedra, material cuya resistencia simboliza desde antiquísimas culturas la ambición del hombre por alcanzar la inmortalidad.

Bomarzo. Decorado para el estreno en el Teatro Colón, 1972. (Foto: Teatro Colón).

Entre esas moles pétreas hay un elefante, un dragón, un perro, un Jano bifronte, una enorme ninfa, una tortuga, un Minotauro, un Neptuno y la llamada «Boca del infierno», que pareciera resumir la angustia metafísica del protagonista. Naturalmente, todos y cada uno de los monstruos contienen una alta carga de simbolismo en la extraña existencia de los Orsini.

Aquellas pasmosas criaturas de piedra estimularon la imaginación del novelista, en particular la estatua de la tortuga, que parece llevar su trágico destino en las espaldas. De ahí debía surgir la imagen del duque de Bomarzo como un jorobado «que arrastra su giba cargada con sus pecados». El submundo en el que se mueve Bomarzo es el de lo onírico. Es un personaje de miedo, pesadilla y horror; algo así como el mundo de las «fotografías de sueños» de Dalí o el del «Ulises» de Joyce.

El duque de Mujica Láinez es un hombre egoísta, dominado por la obsesión de desear lo que otros poseen. Ultrajado por sus hermanos y desdeñado por su padre; amado solo por su abuela y halagado por un astrólogo que le augura la inmortalidad, la impotencia de Bomarzo cobra realidad frente a Pantasilea, la bella cortesana florentina, o ante la dulce Julia Farnese, a quien desposa, aunque nunca posee.

Una vez más, como en el caso de Don Rodrigo y posteriormente de Beatrix Cenci, se interesa Ginastera no por un retorno al pasado. «No me preocupan los tipos —declaró Ginastera— sino los prototipos y Pier Francesco Orsini es un prototipo de la angustia humana ante la temporalidad».

En el cuadro tercero del primer acto, Silvio de Narni, el astrólogo lee a Bomarzo el mensaje de los astros:

SILVIO:

¡La inmortalidad,

el viejo y terrible sueño del hombre,

la inmortalidad,

el anhelo supremo de victoria,

ahí está,

ahí está marcada,

Orsini, pequeño Señor Orsini!

Toma la inmortalidad

que te ofrece el capricho de los astros.

Toma la inmortalidad,

como una flor.

La visita a Pantasilea, la meretriz florentina, hace surgir (cuarto cuadro, primer acto) un canto a Florencia. Una vez más —y la literatura ofrece centenares de ejemplos— el poeta identifica a una ciudad con una bella amante.

PANTASILEA:

Ninguna ciudad del mundo

sabe amar como Florencia,

ni Roma, Constantinopla,

ni Granada, ni Venecia.

Ninguna ciudad del mundo

sabe amar como Florencia.

Mi Florencia sabe amores

que brillan como perlas.

Mis pechos desnudos son

como perlas, como perlas,

y sobre ellos se reclina

todo el amor de Florencia.

................................................

El río está enamorado

de las piedras de Florencia;

la tiene toda ceñida

entre sus brazos que tiemblan,

y el claro río me dice:

Pantasilea, Pantasilea,

Pantasilea, Pantasilea.

La estructura de la ópera es análoga a la de Don Rodrigo. Si bien se ordena en dos actos (y no tres), también en Bomarzo cada uno de los quince cuadros o escenas están vinculados por interludios que obran a manera de nexo dramático y musical. De la misma manera, y sacando provecho una vez más del procedimiento creado por Alban Berg en sus dos óperas, Ginastera apela al uso de formas tradicionales «Villanella», «museta», «madrigal», etc., con lo que busca el autor poner orden a su creación, sometiéndola a las exigencias de la acción dramática, a la lógica escénica y al ritmo teatral.

La ópera se inicia en el momento de la catástrofe. El drama humano del duque de Bomarzo está a punto de finalizar. Traicionado y ya muy próxima la muerte que le ocasionará un brebaje que en cambio debía asegurarle la inmortalidad, Pier Francesco Orsini ve desfilar ante sí los episodios de su tortuosa existencia. Pero no aquellos gloriosos, vinculados con campañas bélicas, sino los relacionados con su aspecto más desdichado, su cuerpo deforme, su impotencia sexual, su ruina en medio de una familia decadente, corrupta, maldita.

EJEMPLO 14. De Bomarzo, uso del microtono para colorear un sonido.

Respecto del lenguaje utilizado por el músico, es el propio de su tercera época. Empleo de la serie en relación interválica que Ginastera denomina total cromático; además, serialismo y microtonalismo, ya sea como parte de una escala o bien para colorear un sonido. En el interludio undécimo aparece un microtonalismo aleatorio. El fragmento está basado en cinco sonidos que se ejecutan en diferentes registros de los cuales uno (sol sostenido) es el principal y los demás secundarios. Cada cantante del coro y cada instrumentista de la orquesta ataca el sonido principal y luego elige libremente los restantes para dar la impresión de oscilación del sol sostenido. Los cambios entre los cinco sonidos deben ser ininterrumpidos y la dinámica debe oscilar en el «ppp» y el «fff», siempre «legato». En realidad el procedimiento solo busca producir un efecto: el de que los gritos de Pier Francesco Orsini, al despertar de un sueño erótico, corre por las galerías del castillo, con lo cual sus gritos se amplifican y desaparecen en repetidos ecos.

EJEMPLO 15. De Bomarzo, base de un pasaje de microtonalismo aleatorio.

Para caracterizar situaciones o estados de ánimo recurre el autor a recursos parecidos, tales las nubes de sonidos y las constelaciones. Las nubes —es Xenakis quien lo propone— son sonidos producidos en forma aleatoria que quedan suspendidos en el aire y cambian lentamente de color y de forma. Las constelaciones son como brillantes chispas de sonidos que estallan súbitamente y desaparecen de la misma manera.

Por otra parte, cuando la situación dramática lo requiere, acude a un tema modal, como el del niño pastor, cuya voz abre y cierra la obra:

No me cambio, en mi pobreza,

por el duque de Bomarzo.

Tiene rebaño de rocas

y es de ovejas mi rebaño.

Con lo que es mío me basta,

con esta paz de Bomarzo,

la dulce voz del arroyo,

de las cigarras el canto

y la feliz soledad

de Dios, que va por los campos.

Para el personaje central de Bomarzo se emplea la voz de tenor lírico. Julia Farnese, su esposa, es una soprano. Le asigna el autor un carácter dulce y un poco misterioso, como recordando la Mélisande, de Debussy. Pantasilea, una hermosa y temperamental cortesana, está a cargo de una mezzosoprano; su voz debe sonar cálida y sensual. Maerbale, el hermano menor de Pier Francesco, es un personaje un tanto romántico, un poco introvertido, mientras Girolamo, hermano mayor, es autoritario, violento y orgulloso. Maerbale se define en estrofas como esta:

Es noche para amar, como ninguna.

Para morir también, pues todo tiembla

con el misterio de las horas únicas.

Y los monstruos enormes que mi hermano

manda esculpir en piedras taciturnas,

acechan a quien osa

andar por la espesura

........................................

La noche de Bomarzo es tan hermosa

que solo la derrota tu hermosura (a Julia)

Tú eres como la noche, misteriosa,

perfumada, por ti canta en la ilusa

noche la voz del ruiseñor.

(Cuadro XIII, segundo acto)

En cambio Girolamo:

......................................

¿Lo crees jorobado?

¿Verdaderamente?

¿Crees la loca fábula astrológica?

¿Para qué estarías aquí siempre?

¿Para manchar el suelo con tu sombra que se retuerce?

......................................

La Osa ha de ocuparse de otro Orsini

y no de este bufón que nos ofende.

La osa es mía, mía, del guerrero,

del cuerpo de oro, de la espada fuerte.

(Cuadro V, primer acto)

Los dos papeles, Maerbale y Girolamo están a cargo de barítonos, aunque las diferencias psicológicas están bien marcadas por la música. El padre, cruel condottiere que maltrata a su hijo Pier Francesco y cuya imagen aparece siempre en las pesadillas del duque, ha sido confiado a una voz de bajo, mientras Diana Orsini, la abuela, es contralto. El alquimista Silvio de Narni, hombre enigmático, es un barítono. Finalmente el esclavo Abul, es un mimo.

La escritura vocal no ofrece novedades respecto de Don Rodrigo. Los mismos procedimientos que van desde el recitado dramático al canto pleno, son utilizados. El coro, colocado en el foso de la orquesta, no aparece en la escena y es empleado de cuatro maneras diferentes: como coro tradicional de ópera, como coro griego, en que llega a adquirir valor de personaje; como coro de madrigalistas o como un nuevo instrumento de la orquesta. Hay momentos, en efecto, en que la masa coral comenta la acción; en otros emite sonidos para acentuar una situación o crear una atmósfera surrealista. En el Preludio, por ejemplo, Ginastera trata de describir musicalmente el extraño encanto del jardín de Bomarzo, con sus monstruos de piedra. Para ello, hace participar al coro emitiendo consonantes, sin vocales, como L, J, B, K, P, M; es decir, como si los monstruos desearan hablar y no pudieran, pues carecen de vida. En el ballet erótico, las voces del coro, además de suspirar, murmurar y lamentarse, pronuncian la palabra Amor en casi todas las lenguas. Más de treinta vocablos diferentes se entrechocan, incluidos asiáticos y africanos.

EJEMPLO 16. Efectos corales en Bomarzo, (a) glissando labial consonante; (b) sonidos vocales en sucesión; (c) dividida cada cuerda del coro en grupos de 6, se eligen aleatoriamente cualquiera de los 6 sonidos.

Más reducida es la orquesta de Bomarzo que la de Don Rodrigo. Aquí es normal, aunque con una importante sección percusiva, con setenta y tres instrumentos en la batería. Incluso en la «Pantomima del esqueleto coronado de rosas» (final del Cuadro II, primer acto) apela a un instrumento japonés, el «Hyoshigi». Para lograr el ideal sonoro renacentista recurre igualmente a mandolina, viola de amor y a un clave.

De alguna manera, el ansia de eternidad de Bomarzo, es simbólico para Ginastera, como para el creador de tipo tradicional. «No acepto cierta clase de obras —dijo— en las que no existe el sentido de la eternidad, como en las del “Pop art”. Parecen intentar una autodestrucción, quemar las naves antes de hundirse para que no quede marca de su impotencia creadora. La obra tiene que tener una proyección y una vigencia que la mantengan viva. En la música eso es claro, ahora hay un retorno a la música religiosa y a las óperas: el músico no puede separarse de la necesidad de trascender».

Si la obra de Ginastera, desde la lejana Panambí, no ha pasado nunca inadvertida para el juicio público, ninguna ha sido tan discutida como Bomarzo. Y ello, al margen del incidente creado por la censura argentina en 1967. La ópera en sí misma, en su totalidad, ha replanteado problemas estilísticos y estéticos, vinculados tanto con el argumento como con la música misma.

Tras el estreno de Bomarzo en Washington las críticas fueron no solo polémicas sino abundantes. Allen Hughes, integrante del equipo de críticos de «The New York Times», escribió lo siguiente: «Al describir a Bomarzo, hace unos días, Ginastera manifestó que el tema de la ópera era sexo, violencia y alucinaciones. No exageraba. Cada una de las quince escenas de los dos actos de la ópera se refiere, por lo menos, a uno de esos tres elementos (…)».

La temperatura crece con las críticas de «The Washington Post», para quien Bomarzo «es una obra maestra de sin par belleza (…) una galaxia de sonidos sin precedentes en el mundo operístico (…) Bomarzo se destaca de cualquier otra cosa que se está escribiendo ahora en el teatro lírico. Es seguramente la más fenomenal partitura orquestal operística, pieza maestra en su sonoridad orquestal y coral». (Paul Hume). En el «Washington Evening Star», Irving Lowens señala que el estreno de Bomarzo «marca un hito importante en la historia del arte».

El crítico de «El País» de Montevideo, Washington Roldán (6 de noviembre de 1967) escribe que «Ya sea en las sutilezas orquestales de Bomarzo, ya sea en la rutilante opulencia de Don Rodrigo (…) la mano instrumental de Ginastera brilla en sus óperas por encima de toda otra virtud creadora, y demuestra una vez más que su mundo es mucho más instrumental que vocal. Pero eso no quita —añade— que en una época donde tan pocas óperas salen del anonimato experimental de los herméticos para conquistar un público sin la tolerante facilidad de los que usan fórmulas conocidas y cómodas, las dos obras de Ginastera puedan considerarse excepcionales». Al escribir su nota Washington Roldán con posterioridad a la prohibición de Bomarzo en el Colón, añade «como apéndice pintoresco» que «resulta divertidísima vista desde aquí la prohibición argentina para esta ópera por sus excesos de sexo, violencia, climas alucinatorios, o perversiones más o menos visibles. Hasta las señoras más puritanas de Washington se deben haber sonreído con sorna cuando leyeron la noticia en el “Washington Post”. Y para Ginastera debe haber crecido el público potencial y un nuevo pigmento de curiosidad se habrá agregado a la natural expectativa. Pero vayan desencantándose los morbosos. No hay tal plato fuerte. Bomarzo es tan inmoral como “Rigoletto” y más inocente que “Salomé”. Los que vayan a verlo deben descartar todo otro interés que no finque en sus reales calidades de espectáculo y música».

Dos críticos argentinos asistieron al estreno de Bomarzo en Washington. Jorge D’Urbano escribió, ya de regreso, en «Panorama» que con el procedimiento narrativo del «racconto», organizado en quince escenas separadas por interludios «Ginastera logra dar coherencia y unidad a cada escena, pero en cambio disminuye la progresión dramática. Los personajes no se desarrollan, no crecen con la acción. Son elementos estáticos cuya movilidad depende de la anécdota antes que de la progresión del conflicto. Quizás esta hierática sucesión de cuadros sea lo que da a toda la ópera un carácter levemente irreal que se aviene muy bien con el poético, sinuoso y simbólico texto de Mujica Láinez». (Buenos Aires, julio de 1967).

Por su parte el crítico Alberto Emilio Giménez, del diario «La Nación» de Buenos Aires, que presenció el estreno, vaticina sobre vivencia a la obra por cuanto, escribe, «reúne todas las condiciones requeridas para ello; desde su empinada calidad musical y literaria hasta su indudable “funcionalidad” como ente dramático». En otro pasaje juzga el mismo crítico que «Ginastera asegura y acentúa la vida de sus personajes, los hace hablar y cantar con “verdad” y con vibración humana, mediante una escritura rigurosa pero lógica, que desconoce la monotonía». A su vez los interludios «casi invariablemente se erigen como ejemplos de superior virtuosismo orquestal». (7 de junio de 1967).

Las obras posteriores creadas por Ginastera son aún desconocidas en la Argentina. Después de Bomarzo el músico compone sus Estudios sinfónicos, encargada para su estreno mundial en Vancouver para incluirla entre las celebraciones del centenario de Canadá. En uno de estos estudios el autor se aproxima a la «música abierta», por cuanto, según su opinión, estas formas «han renovado en nuestra época el concepto de la estructura musical. Planteadas por Mallarmé en la poesía, tienen en la música antecedentes muy antiguos y el intérprete del barroco o del período clásico estaba muy entrenado en la improvisación. Actualmente —sigue Ginastera— el concepto ha cambiado con relación al pasado y las leyes de la teoría de las posibilidades son las que manejan a las formas abiertas».

En 1970 surge otra nueva obra, la cual no ha sido estrenada hasta el momento. Se trata de la cantata Milena basada en textos extraídos y combinados por el autor, a manera de «collage», de la correspondencia amorosa de Milena y Kafka. También a fines del mismo año concluye Ginastera un trabajo cuya realización llega a resultarle fascinante, según propias palabras. Se trata de la reelaboración, adaptándola al piano, de la Toccata para órgano de la colección titulada «Sonate d’intavolatura per organo e cimbalo» de Domenico Zipoli. Es la obra del monje jesuita (anteriormente brillante compositor en la vida romana), quien terminó sus días, el 2 de enero de 1726, a los 37 años, en la estancia de los jesuitas en Santa Catalina, a unos cincuenta kilómetros de la Córdoba argentina. Descubierta la vida jesuítica de Zipoli por los musicólogos rioplatenses en estos últimos años, para Ginastera Zipoli vendría a ser un verdadero «trait d’union» entre la música europea y la argentina.

En 1968, el compositor recibe el encargo para su tercera ópera, Beatrix Cenci en dos actos y catorce escenas, comisionada una vez más por la Opera Society de Washington, con destino a su estreno en 1971, año de la temporada inaugural del Kennedy Center for the Performing Arts. Además, dicho evento coincidía con el decimoquinto aniversario de la Opera de Washington.

Para el tema de Beatrix Cenci, bastante actualizado hoy (lo ha retomado la cinematografía y el novelista italiano Alberto Moravia), Ginastera recurre a William Shand, dramaturgo y poeta escocés radicado desde hace muchos años en Buenos Aires y al poeta argentino Alberto Girri. A Girri se deben algunos poemas que ya habían sido compuestos por él con anterioridad, pero cuyo contenido y carácter los hacían sumamente codiciables para el libreto de Ginastera. El resto fue obra de Shand, quien tuvo a su cargo la realización concreta del libreto. Para ello recurrió a dos fuentes. Una, la de Stendhal, que se ocupó del tema y proporcionó una documentación abundantísima sobre la tremenda historia del conde Francesco Cenci y su hija Beatrix. La otra es la del célebre poeta romántico inglés, el más grande lírico de su tiempo, Percy Shelley. Sobre esa base, Shand y Girri logran un libreto de acusada belleza poética, de verdadera fuerza trágica y sobre todo de una admirable concisión. Es un libreto lineal, sin pasajes episódicos, sin la menor cargazón; de una sobriedad que lejos de disminuir, aumenta el poder y tremendismo del asunto. El punto neurálgico de la situación gira en torno del incesto, relación por otra parte muy analizada en nuestros días a partir de las presentaciones estructuralistas de Levy-Strauss. Beatrix, en efecto, es objeto de la perversión de su padre. En la ópera el coro anticipa la psicología de Francesco Cenci:

CORO:

Somos el coro.

Presta atención

pues lo que contemplarás

es la vida de un hombre

cuyo malvado ejemplo

lo convertirá en un precursor

de tiempos futuros.

...............................

Francesco Cenci aparecerá

ante tus ojos

como la encarnación diabólica

de su época.

Verás cómo tejió

una mortaja de odio

bañándola en la sangre

y los gemidos de aquellos

que a su egoísmo criminal

no quisieron rendirse

............................

(Primera escena)

Pero la verdadera dimensión psíquica de Cenci se da a través del sobrecogedor monólogo del personaje, en la segunda escena, donde se plantea el problema de su locura. Con mano maestra, los libretistas lo presentan:

CONDE CENCI:

...........................

Paranoia y normalidad

agrandan lo que las separa

cuando el paranoico acentúa

su fijeza, su fijación a ilusiones,

mientras que el normal

rodea con preguntas al cerebro,

se aleja del alma,

y en su Tao Te Ching, su libro

del Camino y su virtud,

se obstina en subrayar la misma frase:

«Mantén tu corazón vacío

y fortifica tus huesos».

Paranoia y normalidad se asemejan

cuando el hombre normal acentúa

la furtiva sospecha de ser

también él paranoico,

solo que inhibido, acaso más enfermo

de lo que pudiera suponerse,

más inocentemente

a merced de su infección

y así

el muy incierto,

indagado instinto paranoico,

pasa entonces a constituirse

en el patrimonio de todos

y de ninguno,

como la voluntad de destruir,

como lo demoníaco,

en lo evidente

y en lo profundo.

La presentación de Beatrix se realiza en la tercera escena:

BEATRIX:

Dos veces al año

florecen tus rosas,

y dos veces

la ceniza en el cacto,

las fases de la lluvia.

En la escena decimocuarta, en una celda de Castel Sant’Angelo donde espera la muerte, condenada por haber asesinado a su padre, la figura de Beatrix se agranda en profundos destellos de alta poesía existencial:

Estoy preparada para lo peor,

y lo peor será mi destino;

pero aún así

hallo consuelo en el hecho

que me costará la vida.

(Subsistiré, subsisto,

ser del pimpollo,

ser del transitorio pez,

naturaleza como mezcla.

Apenas anunciada

la permanente degradación

me empuja al cambio,

inimaginable consumo

de fuego elemental…)

Es más fácil morir

habiendo muerto Cenci,

que vivir con Cenci

carcomiendo mis entrañas

..........................

¡No, la muerte no!

¡Tengo miedo del infierno!

¡Allí encontraré a mi padre

debatiéndose en las llamas,

mirándome

implacablemente

con sus ojos fijos,

muertos,

para siempre!…

Cuando aún los comentarios en torno de Beatrix Cenci siguen en el aire, Ginastera vuelve a los pentagramas en blanco. Nuevos encargos. Nuevas obras lo reclaman. Es difícil saber si su «idée fixe» aparecerá nuevamente variada en sus obras posteriores. Es difícil saber si lo que he llamado su tercera manera no ha comenzado a transformarse en busca de una nueva dimensión. Estoy demasiado cerca y ni siquiera conozco sus últimas obras para saberlo. Desde hace más de un año, al instalarse en Ginebra, aquel «adagio pensieroso» se ha interrumpido, al menos momentáneamente. El músico dirá en el futuro inmediato por qué nuevos caminos se aventura su urgencia creadora. Por eso, este ALBERTO GINASTERA EN CINCO MOVIMIENTOS no lleva coda. Solo se interrumpe con una

Cadenza sospesa…

Esquema de su vida

1916 Nace en Buenos Aires el 11 de abril.

1923 Ingresa en la escuela primaria y comienza su educación musical con clases de piano.

1928 Inicia en el Conservatorio Williams sus estudios musicales con los profesores Torcuato Rodríguez Castro (teoría y solfeo), Cayetano Argenziani (piano), Celestino Piaggio (armonía) y José Gil (composición).

1930 Ingresa en el colegio secundario (especialidad: comercial).

1934 Premio Asociación «El unisono».

1935 Se gradúa en diciembre con medalla de oro del curso de composición del Conservatorio Williams. Durante el lapso que va de 1930 a 1935 escribe composiciones que serán luego destruidas. Comienza la creación de su ballet Panambí.

1936 Ingresa en el curso de composición del Conservatorio Nacional de Música. Estudia con Athos Palma (armonía), José Gil (contrapunto y fuga) y José André (composición).

1937 Cumple con el servicio militar como aspirante a oficial de reserva de caballería (de enero a marzo). Conoce a Mercedes de Toro, estudiante del Conservatorio Nacional. Termina a mitad de año el ballet Panambí. Juan José Castro estrena en noviembre en el Teatro Colón la suite de Panambí. Escribe las Danzas argentinas.

1938 Se gradúa con las más altas calificaciones en el Conservatorio Nacional, con el Salmo CL. Compone Dos canciones y Cantos del Tucumán. Recibe los premios Comisión Nacional de Bellas Artes y Premio Nacional.

1939 Premio Ministerio de Instrucción Pública en el Primer Concurso de la Canción Escolar Argentina. Premio Municipal de Música.

1940 Estreno del ballet Panambí en versión escénica en el Teatro Colón. Compone Tres piezas y Malambo. Premio Nacional. Premio Municipal.

1941 Recibe una invitación de «Arte y Cultura Popular» de la Universidad de Montevideo para asistir a un concierto dedicado a sus obras. Lincoln Kirstein le encarga el ballet Estancia para el Ballet Caravan. Obtiene por concurso la cátedra de música en el Liceo Militar General San Martín. Es nombrado profesor del Conservatorio Nacional de Música. El 11 de diciembre se casa con Mercedes de Toro. Escribe el ballet Estancia.

1942 Gana la beca Guggenheim, de Estados Unidos. La posterga por razones vinculadas con la segunda guerra. El 28 de agosto nace su hijo Alex.

1943 Compone la Obertura para el Fausto criollo, Cinco canciones populares argentinas y Las horas de una estancia. Premio Nacional.

1944 Compone Doce Preludios Americanos y Sinfonía Elegíaca, posteriormente retirada de catálogo por el autor. Premio Municipal. Nace su hija Georgina el 3 de noviembre.

1945 Por razones políticas es exonerado de su cátedra del Liceo Militar General San Martín, junto con otros 14 profesores. Viaja en diciembre con su familia a los Estados Unidos en uso de la beca Guggenheim. Compone su Dúo para flauta y oboe.

1946 Transcurre íntegramente en Estados Unidos. Visita universidades y escuelas de música. Asiste a los cursos del Berkshire Music Center en Tanglewood por invitación de Aaron Copland. Asiste a la Conferencia de Educadores Musicales en Cleveland. Erich Kleiber presenta con la orquesta de la NBC la suite de Panambí. La Unión Panamericana dedica un concierto a sus obras. Compone Hieremiae Prophetae Lamentationes y la Suite de danzas criollas.

1947 Recibe una extensión de la beca Guggenheim por un lapso de tres meses. La League of Composers de Nueva York realiza un concierto dedicado a sus obras. En marzo regresa a la Argentina. Compone Pampeana N.º 1, Rondo sobre temas infantiles argentinos, Toccata, Villancico y Fuga y Ollantay. Esta última obtiene el premio Municipal.

1948 Funda en Buenos Aires, junto con otros compositores argentinos, la Liga de Compositores (Sección Argentina de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea). Es elegido secretario general de dicha sociedad. Funda en la provincia de Buenos Aires el Conservatorio de Música y Arte Escénico. Compone su Cuarteto de Cuerdas N.º 1 que obtiene el premio de la Asociación Wagneriana de Buenos Aires.

1950 Es invitado a Chile para asistir a la ejecución de su Sinfonía Elegíaca bajo la dirección de Erich Kleiber. En esa ocasión es nombrado Miembro Honorario de la Facultad de Ciencias y Artes Musicales de la Universidad Nacional de Chile y Miembro Correspondiente de la Sociedad Chilena de Compositores. Viaja a Montevideo para la ejecución de su Sinfonía Elegiaca por la Orquesta del Sodre, dirigida por Erich Kleiber. Compone Pampeana N.º 2.

1951 Es invitado por la Hessischen Rundfunk para la presentación de su Cuarteto de Cuerdas N.º 7 en el XXV festival de la SIMC, celebrado ese año en Frankfurt. Viaja a Alemania. Visita otros países. El director del conservatorio de París, Claude Delvincourt lo nombra jurado de los concursos de composición. Visita la Escuela de Fontainebleau por invitación de su directora, Nadia Boulanger. Arthur Honegger solicita su participación en las reuniones del Conseil International de la Musique (Unesco), donde es elegido miembro del mismo.

1952 El Instituto Carnegie y el Pennsylvania College for Women le encarga la Sonata para piano. Es dejado cesante, por razones políticas, en su cargo de Director del Conservatorio de Música y Arte Escénico de la Provincia de Buenos Aires. Compone su Sonata para piano N.º 1. Mención del Círculo de Críticos Musicales de Buenos Aires por su Toccata, villancico y fuga.

1953 Se toca en Oslo su Sonata para piano durante el XXVII festival de la SIMC Recibe una comisión de «Amigos de la Música» para una nueva obra. Surgen las Variaciones Concertantes, que estrena en Buenos Aires Igor Markevitch. Menciones del Círculo de Críticos Musicales de Buenos Aires y de la revista Polifonía por dicha obra.

1954 Igor Markevitch elige Variaciones Concertantes para su curso de dirección orquestal en el Festival de Salzburgo. La Orquesta de Louisville le encarga Pampeana N.º 3, que se estrena en aquella ciudad con dirección de Robert Whitney.

1955 Continúa componiendo música para películas, tarea que realiza desde 1952. Recibe una invitación de la Universidad de Indiana (Bloomington) para dictar la cátedra de composición. No puede aceptarla y permanece en el país.

1956 El jurado de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea (SIMC) elige la Pampeana N.º 3 para el XXX festival de dicha entidad, por celebrarse en Estocolmo. Asiste a la presentación de su obra en Suecia, dirigida por Hans Schmidt-Isserstedt. Visita la Universidad de Upsala, la radio de Estocolmo, la Royal Academy y la BBC de Londres, así como, el Centro de Investigaciones de la Música Concreta de la Radiodifusión Francesa. A su regreso al país se lo repone, con carácter de interventor, en la dirección del Conservatorio de la provincia.

1957 Integra el jurado del Concurso Latinoamericano de Composición para el Festival de Caracas, junto con Aaron Copland, Carlos Chávez, Domingo Santa Cruz y Juan Bautista Plaza. Jasha Horenstein dirige la Pampeana N.º 3 en Caracas. Actúa como jurado del concurso de composición del Festival Latinoamericano de Montevideo. Antal Dorati dirige la Pampeana N.º 3 en el teatro La Fenice durante la Bienal de Venecia. Es elegido académico de número de la Academia Nacional de Bellas Artes de la Argentina. Premio Provincial de Bellas Artes. Premio «Cinzano bicentenario» por sus Variaciones concertantes, como la mejor obra argentina de los últimos diez años. Mención de los críticos de Montevideo a las Variaciones concertantes como la mejor obra estrenada en el Festival.

1958 Es designado, por concurso, profesor titular de la Universidad de La Plata. Recibe una comisión de la fundación Elizabeth Sprague Coolidge para su Cuarteto de Cuerdas N.º 2. Es designado miembro honorario de la Academia Brasileira de Música. Por invitación del Departamento de Estado de los Estados Unidos, visita los centros musicales más importantes de ese país. Durante ese viaje asiste al primer Festival Interamericano de Música de Washington, donde estrena su Cuarteto de cuerdas N.º 2 el Juilliard Quartet. Asiste como invitado a la Convención Nacional de Educadores Musicales en Los Ángeles. Visita varias universidades. A su regreso es nombrado decano de la Facultad de Artes y Ciencias Musicales de la Universidad Católica Argentina con encargo de organizar dicha facultad. Renuncia a la dirección del Conservatorio de Música y Arte Escénico de la Provincia de Buenos Aires. Fallece su padre en mayo y su madre en septiembre.

1959 Viaja a Europa para asistir a la ejecución de su Cuarteto de Cuerdas N.º 2 en el XXXIII festival de la SIMC, en Roma. Visita otras ciudades de Italia y Francia.

1960 Recibe una comisión de la Fundación Fromm para escribir la Cantata para América Mágica. El New York City Ballet presenta «Tender Night», con música de las Variaciones concertantes y coreografía de John Taras. El mismo coreógrafo es contratado por el Teatro Colón para montar el ballet Variaciones concertantes con el cuerpo de baile de dicho teatro en un espectáculo en conmemoración del sesquicentenario de la Revolución de Mayo. Compone su Cantata para América Mágica. Mención de los críticos de Nueva York por su Cuarteto de Cuerdas N.º 2.

1961 Recibe una comisión de la Fundación Serge Koussevitsky para componer su Concierto para piano y orquesta. El Ballet Nacional Chileno presenta «Surazo», con música de las Variaciones concertantes y coreografía de Patricio Bunster. Viaja a los Estados Unidos para participar en el Segundo Festival Interamericano de Música de Washington donde se estrenan su Cantata para América Mágica y el Concierto para piano y orquesta por la Orquesta Nacional de Washington dirigida por Howard Mitchell con los solistas Raquel Adonaylo (canto) y João Carlos Martins (piano), respectivamente. Mención de la Asociación de Críticos Musicales de la Argentina por la Cantata para América Mágica.

1962 Invitación de la Universidad de California, en Los Ángeles, y de la California Fund for Music para asistir al estreno en la West Coast de la Cantata para América Mágica. Posterior grabación de la misma obra en los estudios Colombia de Hollywood bajo supervisión del autor. Es nombrado huésped de honor de la ciudad de Los Ángeles, recibido por el Lord Mayor de la ciudad. Asiste en Nueva York al estreno en Carnegie Hall de su Concierto para piano y orquesta. La Cantata para América Mágica es presentada en el teatro La Fenice durante la Bienal de Venecia. Es designado Director del Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales del Instituto Torcuato Di Tella con la subvención de la Fundación Rockefeller. Recibe una comisión de la Orquesta Filarmónica de Nueva York para componer el Concierto para violín y orquesta para la temporada inaugural del Lincoln Center. Recibe el encargo de la Municipalidad de Buenos Aires para escribir la ópera Don Rodrigo para el Teatro Colón.

1963 Recibe una comisión del Mozarteum Argentino para escribir el Quinteto para piano y cuarteto de cuerdas con destino al Quinteto Chigiano de Siena. La obra se estrena en la Bienal de Venecia. Se inaugura el Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales en el Instituto Di Tella. Se retira de sus cargos anteriores para dedicarse con carácter «full-time» a dicho Centro y a la actividad creadora. Firma contrato de exclusividad con la editorial Boosey & Hawkes. Se incorpora a la American Society of Composers, Authors and Publishers (ASCAP). Se estrena en Nueva York el Concierto para violín y orquesta con la Orquesta Filarmónica de Nueva York dirigida por Leonard Bernstein y Ruggiero Ricci como solista. Termina el Quinteto para piano y cuarteto de cuerdas y empieza la composición de la ópera Don Rodrigo.

1964 Recibe una comisión de la Fundación Elizabeth Sprague Coolidge para escribir la cantata Bomarzo. El Instituto de Cultura Hispánica de Madrid le encarga la Sinfonía Don Rodrigo. El 24 de julio se estrena Don Rodrigo en el Teatro Colón de Buenos Aires con dirección de Bruno Bartoletti. Se estrena en Madrid, en el curso del Primer Festival de Música de América y España la Sinfonía Don Rodrigo. Se estrena en el Festival Coolidge de la Biblioteca del Congreso de Washington la cantata Bomarzo. En diciembre viaja a los Estados Unidos.

1965 Asiste en Filadelfia al estreno mundial de su Concierto para arpa y orquesta por Nicanor Zabaleta con la Orquesta Sinfónica de Filadelfia dirigida por Eugene Ormandy. Es invitado por el Instituto of Contemporary Arts de Washington para pronunciar una conferencia titulada Ensayo para una autobiografía. Es nombrado miembro de la American Academy of Arts and Sciences de los Estados Unidos. Se ejecuta la cantata Bomarzo en el XXXIX Festival de la SIMC, en Madrid. El Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes de Venezuela le encarga el Concerto per corde para el Tercer Festival Interamericano de Música de Caracas. En noviembre viaja con su familia a Europa invitado por la Deutscher Akademischer Austauschdienst y la Ford Foundation para vivir un tiempo en Berlín como compositor en residencia. Termina en esa ciudad su Concerto per corde y asiste a la ejecución de su Concierto para piano y orquesta por la Orquesta Filarmónica de Berlín dirigida por Izler Solomon con Hilde Somer como solista.

1966 Viaja a París como invitado del gobierno francés. Con el auspicio del Consejo Internacional de Música y de las Ediciones Boosey & Hawkes se realiza, con asistencia de críticos y musicólogos, un debate sobre su obra. En febrero se dirige a los Estados Unidos para supervisar los ensayos de su ópera Don Rodrigo en el New York City Opera, que la estrena el 22 de ese mismo mes, en la función inaugural del New York City Opera en el State Theater del Lincoln Center. Se estrena en Caracas el Concerto per corde por la Orquesta Sinfónica de Filadelfia dirigida por Eugene Ormandy. El Consejo Superior de la Pontificia Universidad Católica Argentina «Santa María de los Buenos Aires» lo designa profesor emérito. Recibe el encargo de la Opera Society de Washington para escribir la ópera Bomarzo, con libreto de Manuel Mujica Láinez. Recibe el encargo del Darmouth College para componer un Concierto para violonchelo y orquesta y la Sonata para piano N.º 2. Un grupo de sus alumnos organiza en el mes de abril un concierto en el Teatro General San Martín de Buenos Aires, con obras especialmente escritas y dedicadas a celebrar sus cincuenta años.

1967 A fines de enero emprende viaje a los Estados Unidos. Asiste el 9 de febrero a la reposición en Nueva York de Don Rodrigo. Al día siguiente, la Orquesta Sinfónica de Filadelfia dirigida por Eugene Ormandy ofrece en la Academia de Música de esa ciudad la primera audición norteamericana del Concerto per corde. Con su presencia, se estrena el 19 de mayo la ópera Bomarzo en el Lisner Auditorium de Washington. Coincidiendo con su estada en la Unión, asiste a nuevas ejecuciones de sus conciertos para piano y para violín. En el mes de julio la Municipalidad de la ciudad de Buenos Aires excluye Bomarzo de su repertorio, cuyo estreno en la Argentina estaba fijado para el mes de agosto. Ginastera prohíbe la ejecución de sus obras de cámara, sinfónicas y escénicas en el Colón y en toda otra dependencia municipal mientras no se levante la censura a Bomarzo.

1968 El 8 de enero viaja nuevamente a Estados Unidos, donde permanece seis meses. En marzo es designado miembro de la Academia de Artes y Letras de los Estados Unidos y asiste a la ceremonia de incorporación que se realiza a fines de mayo. La Universidad de Yale le otorga el grado de doctor honoris causa. Recibe de la Washington Opera Society el encargo de componer una tercera ópera para la inauguración en 1971 del Kennedy Center. Ginastera anuncia ya entonces el tema de Beatrix Cenci. Se estrenan en el mes de marzo en Canadá los Estudios sinfónicos, comisionados por la ciudad de Vancouver. Los dirige Meredith Davies al frente de la Orquesta sinfónica de la ciudad. Poco después dirige la misma obra en Boston, al frente de la orquesta de esa ciudad, Julius Rudel. En el mes de junio permanece un mes como profesor en residencia en el Darmouth College donde se organiza un Festival Ginastera. Se estrena en esa ocasión su Concierto para violonchelo y orquesta y pronuncia el músico cuatro conferencias sobre los temas: «Ensayo para una autobiografía», «Don Rodrigo, Bomarzo y la renovación de la ópera», «La nueva generación de compositores argentinos» y «Jóvenes compositores latinoamericanos en el Instituto Torcuato Di Tella». Con la Orquesta de Filadelfia y un coro de quinientas voces, Eugene Ormandy presenta en el ciclo veraniego de Saratoga el Salmo CL.

1969 La New York City Opera ofrece Bomarzo. Con la Orquesta Filarmónica de Tulsa, en Estados Unidos, Franco Autori incluye en la temporada de la orquesta el Salmo CL. Colabora una formación coral universitaria preparada por David E. Robbins y el Coro infantil de Tulsa. Estando en Buenos Aires, es objeto de un homenaje por parte de la Universidad de West Virginia, de los Estados Unidos. El presidente de esa casa de altos estudios, profesor James G. Harlow suscribe una «citación de honor». El mensaje le es entregado por el Prof. Philip J. Faini, director del conjunto de percusión de la Universidad, de paso por Buenos Aires. Se separa de su esposa, Mercedes de Toro.

1970 Compone la cantata Milena y realiza la transcripción de la «Toccata» de Zipoli. Viaja a Europa. Asiste el 27 de noviembre a la primera representación de Bomarzo en la ópera Kiel, República Federal Alemana y el 5 de diciembre al estreno en Suiza de la misma obra, presentada por la Opera de Zurich.

1971 Se casa en segundas nupcias con la violonchelista argentina Aurora Nátola, residente en Ginebra, y se establece en esa misma ciudad suiza. El Fondo Nacional de las Artes de la Argentina le otorga por unanimidad su Gran Premio anual correspondiente a 1971. Asiste el 10 de septiembre al estreno mundial de Beatrix Cenci en la Opera House del Kennedy Center de la ciudad de Washington. En Buenos Aires, la Municipalidad levanta la prohibición de Bomarzo y la incluye para inaugurar la temporada 1972 del Teatro Colón.

Obras de Ginastera

Óperas

1964 Don Rodrigo, en tres actos y nueve cuadros con libreto de Alejandro Casona. Estreno: Teatro Colón de Buenos Aires el 24 de julio de 1964 con dirección de Bruno Bartoletti. Intérpretes principales: Sofía Bandín, Carlos Cossutta, Ángel Matiello y Víctor de Narké.

1967 Bomarzo, en dos actos y quince cuadros con libreto de Manuel Mujica Láinez. Estreno: Lisner Auditorium de Washington el 19 de mayo de 1967 con dirección de Julius Rudel. Intérpretes principales: Salvador Novoa, Joanna Simon, Isabel Penagos, Manuel Folgar, Michael Devlin, Richard Torigi, Claramae Turner, etc.

1971 Beatrix Cenci, en dos actos y catorce cuadros con libreto de William Shand y Alberto Girri. Estreno: Opera House del Kennedy Center de Washington el 10 de septiembre de 1971 con dirección de Julius Rudel. Intérpretes principales: Justino Díaz, Arlene Saunders, Carol Smith, Anthony McLean, etc.

Ballets

1937 Panambí leyenda coreográfica en un acto con argumento de Félix L. Errico. Estreno: Teatro Colón de Buenos Aires el 12 de julio de 1940. Coreografía y Regie de Margarita Wallmann y dirección de Juan José Castro.

1941 Estancia en un acto y cinco cuadros, según escenas de la vida rural argentina. Estreno: Teatro Colón de Buenos Aires el 19 de agosto de 1952 con coreografía de Michel Borowski y dirección de Juan Emilio Martini.

1960 «Tender Night» (Versión coreográfica de John Taras sobre Variaciones concertantes). Estreno: New York City Ballet el 20 de enero de 1960 y Variaciones concertantes (versión coreográfica de John Taras sobre la misma obra). Estreno: Teatro Colón de Buenos Aires el 25 de mayo de 1960.

1961 «Surazo» (versión coreográfica de Patricio Bunster sobre Variaciones concertantes). Estreno: Ballet Nacional Chileno en Santiago de Chile, el 13 de julio de 1961.

1965 «Le Chapeau» (versión coreográfica de Paul Grinwis sobre Variaciones concertantes). Estreno: Ballet du Gran Théâtre Municipal de la ciudad de Bordeaux, el 13 de febrero de 1965.

Obras para orquesta

1943 Obertura para el «Fausto criollo». Estreno: Teatro Municipal de Santiago de Chile por la Orquesta Sinfónica de Chile dirigida por Juan José Castro, el 12 de mayo de 1944.

1947 Ollantay tríptico sinfónico. Estreno: Teatro Colón de Buenos Aires por orquesta de dicho teatro dirigida por Erich Kleiber, el 29 de octubre de 1949.

1953 Variaciones concertantes, para orquesta de cámara. Estreno: Asociación Amigos de la Música de Buenos Aires por orquesta de la entidad dirigida por Igor Markevitch, el 2 de junio de 1953.

1954 Pampeana N.º 3, pastoral sinfónica 1. «Adagio contemplativo»; 2. «Impetuosamente»; 3. «Largo con poetica esaltazione». Estreno: Louisville, por la orquesta de esa ciudad dirigida por Robert Whitney, el 20 de octubre de 1954.

1968 Estudios sinfónicos. Estreno: Sociedad Sinfónica de Vancouver (Canadá) por orquesta de Vancouver dirigida por Meredith Davies, el 29 de marzo de 1968.

Obras para orquesta de cuerdas

1965 Concerto per corde. Estreno: Caracas, Orquesta Sinfónica de Filadelfia dirigida por Eugene Ormandy, el 14 de mayo de 1966.

Conciertos

1956 Concierto para arpa y orquesta (terminado en 1965). Estreno: Academia de Música de Filadelfia por Nicanor Zabaleta y la Orquesta Sinfónica de Filadelfia dirigida por Eugene Ormandy, el 18 de febrero de 1965.

1961 Concierto para piano y orquesta. Estreno: Washington por João Carlos Martins y Orquesta Sinfónica Nacional de Washington dirigida por Howard Mitchell el 22 de abril de 1961.

1963 Concierto para violín y orquesta. Estreno: Philharmonic Hall de Nueva York por Ruggiero Ricci y Filarmónica de Nueva York dirigida por Leonard Bernstein el 3 de octubre de 1963.

1968 Concierto para violonchelo y orquesta. Estreno: Darmouth College por Paul Olefsky como solista.

Obras para coro y orquesta

1938 Salmo CL, para coro mixto, coro de niños y orquesta. Estreno: Teatro Colón. Orquesta y coros del teatro dirigidos por Albert Wolff el 7 de abril de 1945.

Obras para coro «a capella»

1946 Hieremiae prophetae lamentationes, tres motetes, para coro mixto. Estreno: Asociación Filarmónica de Buenos Aires por coro Lagún Onak dirigido por Juan José Castro el 21 de julio de 1947.

Obras para canto y orquesta

1960 Cantata para América Mágica, para soprano dramática y orquesta de percusión sobre antiguos textos precolombinos. Estreno: Washington por Raquel Adonaylo y miembros de la Orquesta Sinfónica Nacional de esa ciudad dirigidos por Howard Mitchell, el 30 de abril de 1961.

1964 Sinfonía Don Rodrigo, para soprano y orquesta según poemas de Alejandro Casona. Estreno: Madrid por Sofía Bandín y Orquesta Nacional de España dirigida por Rafael Frühbeck de Burgos el 31 de octubre de 1964.

1964 Bomarzo, cantata para recitante, barítono y orquesta de cámara, según textos de Manuel Mujica Láinez. Estreno: Coolidge Auditorium de la Biblioteca del Congreso de Washington por Robert Sattel (recitante), Robert Murray (barítono) y miembros de la Orquesta Sinfónica Nacional de esa ciudad dirigidos por Walter Hendl, el 1.º de noviembre de 1964.

1970 Milena, para voz femenina y orquesta según textos extraídos de la correspondencia de Milena con Kafka. Sin estrenar.

Obras para canto e instrumentos

1938 Cantos del Tucumán, para voz, flauta, violín, arpa y dos cajas indígenas, según poesías de Rafael Jijena Sánchez. Estreno: Buenos Aires por Brígida Frías de López Buchardo (soprano) y conjunto, el 29 de julio de 1938.

Obras para canto y piano

1938 Dos canciones según poesías de Fernán Silva Valdés. Estreno: Buenos Aires, por Amanda Cetera (soprano) y Roberto Locatelli, piano, el 25 de agosto de 1939.

1943 Cinco canciones populares argentinas. Estreno: Buenos Aires por Brígida Frías de López Buchardo y Arturo Luzzatti en piano, el 17 de julio de 1944.

1943 Las horas de una estancia, según poesías de Silvina Ocampo. Estreno: Montevideo, por la soprano Estela Baridon con Alba Satalia de Perna en piano, el 11 de julio de 1945.

Obras para piano

1937 Danzas argentinas. Estreno: Buenos Aires por Antonio de Raco, el 27 de octubre de 1937.

1940 Tres piezas. Estreno: Montevideo por el pianista Hugo Balzo el 16 de octubre de 1940.

1940 Malambo. Estreno: Montevideo por el pianista Hugo Balzo el 11 de septiembre de 1940.

1944 Doce preludios americanos. Estreno: Asociación Wagneriana de Buenos Aires por el pianista Raúl Spivak el 7 de agosto de 1944.

1946 Suite de danzas criollas. Estreno: Teatro Colón de Buenos Aires por Rudolf Firkusny el 26 de julio de 1947.

1947 Rondó sobre temas infantiles argentinos. Estreno: Buenos Aires por Lía Cimaglia-Espinosa el 3 de mayo de 1949.

1952 Sonata N.º 1. Estreno: Pittsburgh por la pianista Johana Harris el 29 de noviembre de 1952.

Obras para órgano

1947 Toccata, villancico y fuga. Estreno: Buenos Aires por Julio Perceval el 19 de mayo de 1952.

Música de cámara

1945 Dúo para flauta y oboe. Estreno: Liga de compositores de Nueva York por Carleton Sprague Smith (flauta) y Louis Wann (oboe) el 23 de febrero de 1947.

1947 Pampeana N.º 1, rapsodia para violín y piano. Estreno: Liga de compositores de Nueva York por Eunice De Conte (violín) y Héctor Tosar (piano) el 23 de febrero de 1947.

1948 Cuarteto de cuerdas N.º 1. Estreno: Asociación Wagneriana de Buenos Aires por Cuarteto Mozart el 24 de octubre de 1949.

1950 Pampeana N.º 2, rapsodia para violonchelo y piano. Estreno: Asociación Wagneriana de Buenos Aires por Aurora Nátola (violonchelo) y Donato O. Colacelli (piano) el 8 de mayo de 1950.

1958 Cuarteto de cuerdas N.º 2. Estreno: Washington por el Cuarteto Julliard de Nueva York, el 19 de abril de 1958.

1963 Quinteto para piano y cuerdas. Estreno: Teatro La Fenice de Venecia por Quinteto Chigiano el 13 de abril de 1963.

Música de escena

1940 «Don Basilio Malcasado», farsa de Tulio Carella. Estreno: Teatro Nacional de Comedia de Buenos Aires. Director: Antonio Cunill Cabanellas.

1941 «Doña Clorinda la descontenta», comedia de Tulio Carella. Estreno: Teatro San Martín de Buenos Aires. Director: Julio Ferrando.

1947 «Las antiguas semillas», tragedia de Julio Vier. Estreno: Teatro Smart de Buenos Aires. Director: G. Toimacheva Gaymar.

1958 «El límite», tragedia de Alberto de Zavalía. Estreno: Théâtre des Nations Sarah Bernhardt de París. Director: Alberto de Zavalía.

1960 «A María el corazón», autosacramental de Calderón de la Barca, adaptado por Alberto de Zavalía. Estreno: en Buenos Aires (Congreso Mariano Internacional). Director: Jorge Petraglia.

1961 «La Doncella prodigiosa», misterio de Alberto de Zavalía. Estreno: Teatro Nacional de Comedia en Teatro Municipal General San Martín de Buenos Aires. Director: Fernando Labat.

Música para cine

1942 «Malambo». Director: Alberto de Zavalía.

1945 «Rosa de América». Director: Alberto de Zavalía.

1949 «Nace la libertad». Director: Julio Saraceni.

1950 «El puente». Director: Carlos Gorostiza.

1952 «Facundo». Director: Miguel P. Tato.

1953 «Caballito criollo». Director: Ralph Pappier.

1954 «Su seguro servidor». Director: Edgardo Togni.

1956 «Los maridos de mamá». Director: Edgardo Togni.

1957 «Enigma de mujer». Director: Enrique Cahen Salaberry.

1958 «Hay que bañar al nene». Director: Edgardo Togni.

1958 «Primavera de la vida». Director: Arne Mattson.

Transcripciones

Milonga para piano (Transcripción del autor).

Milonga para violín y piano (Transcripción de Aldo Tonini).

Milonga para guitarra (Transcripción de Domingo Mercado).

Pequeña danza para piano (del ballet Estancia. Transcripción del autor).

Triste para violonchelo y piano (Transcripción de Pierre Fournier).

Triste pampeano para guitarra (del ballet Estancia. Transcripción de Celia Salomón de Font).

Danza final - Malambo para banda (del ballet Estancia. Transcripción de David John).

Toccata para piano (Transcripción de Alberto Ginastera de la «Toccata para órgano» de Domenico Zipoli).

NOTA: Las obras que no figuran en esta lista actualizada al mes de enero de 1972 han sido retiradas por el compositor.

POLA SUÁREZ URTUBEY es profesora en Letras y doctora en Música por la Universidad Católica Argentina. Ha realizado numerosos trabajos de investigación musicológica sobre la creación argentina aparecidos en obras colectivas y es autora de varios libros, entre ellos Alberto Ginastera y Ginastera en cinco movimientos, que han devenido en obras clásicas del tema, La música en el ideario de Sarmiento y Breve Historia de la música. Ha colaborado en diccionarios internacionales entre ellos Diccionario de la música española e hispanoamericana, editado en Madrid. En 1991 obtuvo en Estados Unidos el primer premio del concurso internacional «Robert Stevenson de Historia de la Música y Musicología», por su estudio sobre La creación musical argentina entre los Ochentistas. Ha tenido amplia participación en la Historia General del Arte en la Argentina, editada por la Academia Nacional de Bellas Artes en 9 volúmenes.

Es musicógrafa del Teatro Colón y columnista de música clásica del diario La Nación de Buenos Aires. Desde 1999 organiza cursos públicos en el Teatro Colón sobre el tema «Aproximación al conocimiento de la ópera», como parte de una intensa labor pedagógica. En 1999 fue designada Miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes de la Argentina y Miembro de número de la Academia Argentina de la Historia.