ALEJANDRO LANOËL D AUSSENAC

DICCIONARIO UNIVERSAL DE LA MÚSICA

INSTRUMENTOS - ESTILOS - OBRAS - AUTORES

EDICIONES DIDACTICAS

© Alejandro LanoëlD’Aussenac 2011
EDICIONES DIDÁCTICAS Palma de Mallorca, 2012 C/ Obispo Teodoro Úbeda, 36 1º D
07014 Palma de Mallorca (España)
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ISBN 13: 978-84-615-3251-3 Depósito Legal: P.M.-69/02 CDU: 78 [782/789]

Ilustración cubierta: Raman Maisei

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PRÓLOGO

La función de este diccionario universal es orientar la tarea del estudio y la investigación, despejando las dudas iniciales que suele hallar quien procura indagar en cualquiera de las múltiples facetas de la música.

Como obra de consulta, brinda las nociones elementales sobre la materia específica, dentro del amplio espectro integrado por todas y cada una de las disciplinas de la musicología.

De esa forma, el lector puede hallar desde las referencias básicas sobre la teoría y el solfeo, hasta la terminología propia de los diferentes estilos y formas musicales, los instrumentos de todas las épocas o las características físicas del sonido.

El DICCIONARIO UNIVERSAL DE LA MÚSICA no es sólo un glosario de términos técnicos organizados alfabéticamente, es también una fuente de conceptos e ideas relacionadas, que permiten orientar al lector hacia nuevas búsquedas, sea mediante los estudios normalizados o a través de las nuevas tecnologías informáticas.

La música es una de las distintas vertientes por donde discurre la expresión cultural de la humanidad. Puede afirmarse que no existe condición musical que no esté directamente ligada a la identidad colectiva y a las circunstancias particulares del pueblo al que pertenece.

Los grupos étnicos primitivos no se limitan a una simple manifestación sonora para demostrar sus sentimientos. Muchos pueblos de África, América u Oriente destacan por sus modos descriptivos, donde la voz y el movimiento configuran cantos y danzas plenos de un agudo sentido estético. Esa preciosa alianza de cadencias y sonoridades, permite descubrir otras formas de modular los ritmos, que son clásicos o tradicionales en cada región del planeta.

Ver y sentir la música del Líbano, de Afganistán, de Indonesia o Marruecos, constituye una experiencia fascinante y enriquecedora. Oír melodías originales, interpretadas con sus propios instrumentos, significa penetrar en el ámbito de antiguas formas de expresión musical, enmarcadas en un carácter popular, pero no por ello menos sugerentes y atractivas.

El Diccionario Universal de la Música ayuda a comprender mejor esas formas, explica su nacimiento y analiza su evolución, comparando las técnicas y los estilos de manera razonada.

Al citar los adjetivos calificativos y los nombres en su lengua original, indica las circunstancias de su origen, y en muchos casos también los sentimientos personales que marcaron los diversos estilos de sus creadores. Esa distinción se apoya en el valor semántico de los vocablos, según sean expresados en uno u otro idioma.

Aunque el significado literal de algunos vocablos pueda parecer demasiado conocido, éstos se incluyen en el cuerpo de la obra cuando su definición más amplia permite aumentar el conocimiento de los mismos, sea por su relación con otras palabras o porque pueden señalar aspectos puntuales vinculados a la evolución histórica de la música.

Sin embargo, en este diccionario también se recogen expresiones de la crítica especializada, como "espectro sonoro” o“lenguaje sensorial" que por su condición de neologismos o su amplitud conceptual, todavía no tienen una acepción claramente determinada en la terminología musical.

Por tratarse de giros empleados con bastante asiduidad en la prensa, se han analizado detenidamente, llegando a la conclusión de que el sentido de esos conceptos puede ser en algunos casos bastante vago, mientras que en otros se circunscribe a una idea concreta. Debido a ello, las acepciones puntuales tienen el carácter de acotación complementaria de las definiciones técnicas disponibles, tanto en los diccionarios corrientes como en los tratados específicos.

También se citan instrumentos musicales -unos muy curiosos y otros en desuso- que fueron empleados en la interpretación de sinfonías u óperas, demostrando su utilidad como elemento específico de apoyo para exponer el profundo sentido de la música descriptiva. Se trata de elementos que integran el complejo mundo de la música, formando parte tanto de la función orquestal o como complemento escénico.

Por ejemplo, la mandolina napolitana del siglo XVII -instrumento parecido a la antigua mandola o quinterna de origen árabe- aparece un siglo después en la "Serenata" de la inmortal "Don Giovanni" de Mozart. Esto es particularmente importante a la hora de expresar, mediante determinados sonidos, el carácter de los personajes o las circunstancias dramáticas expresadas en el libreto de ópera.

Cada instrumento, dentro de su propia época, nos muestra una perspectiva distinta de la evolución de la música, los gustos, el nivel evolutivo y los conocimientos propios de otras culturas que ya no existen, pero que han dejado su impronta a través del arte

El mundo de los sonidos y la influencia que estos han tenido en el desarrollo intelectual y psicológico del ser humano, forma una red de información, que en su conjunto constituye un inestimable fondo de referencias para la musicología.

La organología, también indaga en ese proceso evolutivo, analizando los distintos medios o elementos de producción sonora. Su desarrollo ha alcanzado un alto nivel -especialmente durante el siglo XX- creándose varias ramas anexas, cuyas investigaciones puntuales, sirven de apoyo y fuente de nuevos conocimientos para estudiantes e investigadores.

La contemplación de un instrumento antiguo nos lleva a pensar en la música para la cual fue creado. Finas cuerdas, tubos metálicos dotados de una exacta sonoridad, cajas armónicas de maderas finas, nos hacen pensar en remotas melodías, cuya lectura y reproducción sólo fue posible a partir de la Edad Media, con el desarrollo de los neumas y posteriormente con la invención del pentagrama y la notación musical moderna.

Muchos instrumentos sencillos, surgidos del intelecto de culturas primitivas, como los doggons de África, o los nativos de Zanzíbar, muestran características que los acercan y relacionan con los primeros intentos europeos por dar a la música una expresión sonora casi tan perfecta como la voz humana.

Esa particularidad hace pensar en un camino similar e intercultural, emprendido a través del conocimiento, el desarrollo de la técnica y el placer de la ejecución melódica.

Los repositorios de instrumentos musicales de todas las épocas y estilos, reunidos en los grandes museos de Europa y América, así como las colecciones privadas, han hecho posible la recuperación de un importante caudal de conocimientos que hoy permiten comprender y apreciar mejor la música de los siglos pasados.

Es destacable su influencia en el desarrollo y perfeccionamiento de los instrumentos, a través de los diversos periodos evolutivos de la música. Entre las ciencias y técnicas, auxiliares de la organología, cabe citar a la etnografía, la acústica, la recopilación y la documentación histórica.

El sonido melódico, basado en una forma de armonía presentida de antemano, ha acompañado al ser humano desde las distintas etapas de la historia universal. Es así como las culturas primigenias hallaron en la percusión su expresión musical más perfecta y elaborada. De allí que los tambores y sus complementos ocupan un papel importante en todas las civilizaciones, desde el extremo Oriente hasta los remotos confines de América.

Por ser la música la más universal de las artes, y la ópera la más diversa por excelencia, puede admitir como propios a todos los vocablos que se refieren a su entorno, haciendo de ellos un gran lenguaje natural, con prescindencia del idioma. Dentro de su constante búsqueda de nuevas sonoridades, la creación melódica contemporánea explora incesantemente las posibilidades de este tipo, con el objeto de hallar raras combinaciones armónicas.

Las danzas tradicionales de Hispanoamérica, que en parte son herederas directas de la música española y conservan en el fondo la esencia de las formas melódicas de la Edad Media, llevadas por los conquistadores. Sus melodías lograron conservar esa característica original, cuando ya en Europa había sido casi olvidada. La gracia y el candor de las tonadas mediterráneas, junto con reminiscencias de origen árabe, parecen surgir a cada instante y de manera inconsciente, entre las letras de las canciones y los compases de los bailes folclóricos.

En esas tradiciones culturales, no parece haber mutaciones caprichosas ni adaptaciones transitorias. La palabra es el resorte del estímulo conductor de la inteligencia. La combinación del sonido y el sentido natural adquiere entonces una acepción más abierta a la comprensión.

La ópera es un arte universal en el que entran en juego palabras, estilos y sonidos de diversas procedencias. Su multiplicidad geográfica y la variedad de influencias recibidas a través del tiempo, le otorgan un matiz universal, incluso más pronunciado que en otras disciplinas, como las artes plásticas, donde la apreciación estética es un elemento natural que responde a los efectos visuales de la luz, las formas y los colores.

El propósito de esta recopilación es explorar la acepción más clara, profundizando en las ideas derivadas, con el objeto de facilitar la comprensión del significado de cada término y su aplicación en el contexto de la música.

Generalmente, en la ópera se emplea un vocabulario de estilo elevado y grandilocuente. El sonido de la voz humana, en conjunto con la actuación orquestal, logra inspirar un sentimiento conmovedor en el oyente. Esas características, surgidas de la asociación entre la parte instrumental y la interpretación vocal, junto al factor emotivo de los efectos escénicos, hacen del arte lírico una de las disciplinas artísticas más bellas que haya creado el ingenio humano. La justa armonía de una composición pone en evidencia el profundo talento de los genios de la melodía.

El motivo de este diccionario sobre la terminología musical se basa en la persuasión de que en la actividad melódica -en general- intervienen distintas formas de arte, consubstanciadas entre sí, y dedicadas todas a lograr la perfección de la obra.

La crítica y el ensayo, que contribuyen notablemente a su asimilación, requieren la comprensión de las diferentes formas expresivas, entre ellas la palabra. Desde ese punto de vista, tenemos no sólo a la etimología, como elemento individual para la comprensión del sentido, sino también las vinculaciones de la frase, el conjunto de palabras más o menos breve, que permite ampliar la idea original.

Desde que el célebre ensayista y compositor belga Johannes Tinctoris escribió en el siglo XV el primer diccionario de términos musicales, ha pasado mucho tiempo y son diversas las obras destinadas a reunir y definir la mayoría de los vocablos que componen el lenguaje de la música.

Al citar los adjetivos calificativos y los pronombres en su lengua original, estamos indicando las circunstancias de su nacimiento, y en muchos casos también los sentimientos personales que marcaron los diferentes estilos de sus creadores.

Esa distinción se apoya en el valor semántico de los vocablos, según sean expresados en uno u otro idioma. Por ello, cada entrada presenta una labor explicativa básica del complejo y apasionante mundo de las sonoridades.

Conocer la historia y el desarrollo de la música en todos sus aspectos comprende el estudio de una considerable variedad de materias, directamente relacionadas con las teorías, los estilos, las biografías y los instrumentos de todo el mundo. En el contexto de esas disciplinas se recurre a diferentes orientaciones específicas, como la paleografía o la organología. La función esencial de este diccionario es justamente relacionar esos conocimientos a través de sus respectivas denominaciones y la descripción que de ellas se hace en el transcurso de la obra.

DICCIONARIOUNIVERSAL DELA MÚSICA

-A-

A: Letra equivalente a la nota la según el método musical empleado en Alemania y en la mayoría de los países de habla inglesa. La notación musical, en estos dos idiomas, presenta algunas diferencias con los grados de la escala tradicional, llamada de Guido d'Arezzo¹, vigente en el resto de los países occidentales.

A battuta: Vocablo musical de origen itálico. Equivale a la indicación a tempo. Señala el momento justo en que debe ejecutarse un determinado compás. Cuando esa modalidad inicial se ha modificado por alguna razón, entonces se emplea el término para indicar el retorno a la medida regular. El arranque de la melodía debe coincidir exactamente con un suave golpe de batuta que el director de la orquesta da sobre el atril. En algunas partituras y tratados del siglo XIX aparece escrito abbattuta.

Abbassamento: Palabra del mismo origen, que significa "debilitamiento". Es una señal de ejecución que se emplea en el bel canto para indicar al intérprete que debe dejar caer la intensidad de la voz, reduciendo progresivamente su volumen.

Abbellimenti: Su traducción es "embellecimientos". Este vocablo italiano fue utilizado por algunos compositores de ópera para sugerir a los cantantes la inclusión de adornos melódicos propios en algunos pasajes o arias. Esta costumbre era usual en el siglo XVIII. También se utiliza con el mismo sentido el término ornamenti.

Abe: Idiófono afro brasileño de doble percusión dotado de un sonido bien determinado y claro. Originario de la región nordeste del Brasil (Bahía, Recife, Pernambuco, etc.). Es un tipo de sonajero tradicional que se fabrica con una calabaza seca y vacía, de regulares proporciones, a la que se envuelve con una red de cuentas sonoras. Dedicado al culto xangó, suele emplearse en conjunto con otros instrumentos de percusión -como los tambores ilú- o formando tríos de sonajeros donde se combinan los movimientos rítmicos, sacudiendo las cuentas, repiqueteando con los dedos y dando palmadas a la calabaza. Las resonancias del abe, claras y concisas, se logran por golpe directo o indirecto.

Abemolar (escritura): Agregar bemoles a una clave. Es un adverbio que se empleaba con asiduidad en el canto de ópera durante los siglos XVIII y XIX. Aparece repetidamente en los escritos descriptivos de la época. Los sonidos reducidos a bemoles pueden ser propios o accidentales. Los bemoles propios se escriben inmediatamente después del símbolo de clave. Los accidentales pueden ir repartidos caprichosamente en diferentes partes del pentagrama.

Abemolar (vocalización): En el canto significa suavizar la voz, hacerla dulce. Al contrario de los sostenidos, que dan un timbre heroico, los bemoles indican un sentido delicioso, palabras de amor y expresiones románticas.

¹ Guido d'Arezzo (c. 995-1050). Musicógrafo y religioso italiano, creador del pautado de cuatro líneas o tetragrama y de los grados de la escala que lleva su nombre. (Ver Escala aretina).

A bene placito: Denominación italiana relativa al tempo de ejecución de una obra musical, que en este caso es libre. En la ópera se usa con el significado "a voluntad del cantante", para que éste realice por su cuenta todos los adornos melódicos o abbellimenti que crea convenientes.

Abertura: Como las palabras obertura y ouverture, es la forma española que se utiliza para indicar la introducción de un concierto o drama lírico. En las antiguas óperas y oratorios se llamaba sinfonía. Existen ejemplos bien descriptivos de este tipo de composición, que comenzó a ser usual a partir del siglo XVII, entre ellas las introducciones de los dramas líricos “Il Santo Alessio” de Stefano Landi (c.1570-1640) y“Orfeo”, de Claudio Monteverdi (1567-1643).

Abertura del sonido: Nombre que recibe el agujero frontal de la caja de resonancia en la generalidad de los instrumentos de cuerdas. También en ciertos idiófonos y en algunos de percusión. Existen diferentes formas que pueden variar según el ejemplar y la época de su fabricación. La abertura del sonido en los violines y en otros instrumentos de su clase tiene la típica forma de f. En las guitarras clásicas suele ser redonda, aunque los modelos del célebre artesano francés Bastien eran ovaladas. En los laúdes medievales y otros de su tipo la abertura adopta una forma de filigrana calada. En los membranófonos ocupa la parte inferior de la caja armónica, como ocurre con los bongós, las congas y otros tambores primitivos. En lo que respecta a los idiófonos de frotación, vasijas percutidas y sonajas, la abertura del sonido puede adoptar las más variadas formas.

Abigarramiento: Golpe de arco en los instrumentos de cuerdas frotadas. Se dice así cuando el intérprete hace sonar alternativamente la misma nota con la cuerda pisada y al aire. También se dice bariolage.

A bocca chiusa: Significa cantar con la boca cerrada. Es una técnica del canto coral cuya ejecución permite modular agradables melodías, con el resultado de tonalidades parecidas a ciertos instrumentos de cuerdas. Limitando al máximo la vocalización se reduce el conjunto de sonidos parciales o suplementarios, llamados armónicos, que determinan la formación del timbre de voz. Uno de los ejemplos clásicos de la utilización de esta técnica se puede apreciar en la actuación del coro a bocca chiussa de la ópera "Madame Butterfly", de Giacomo Puccini. El tono de la melodía configura el drama de la espera que finaliza con la muerte de Cio-Cio-San, la heroína de la historia, ambientada en el Japón del siglo XIX. El libreto, de los autores Luigi Illica y Giuseppe Giacosa, está inspirado en una novela de Luther Long, publicada en 1898.

Aboquillar: Acto de colocar o ajustar la embocadura intercambiable de ciertos instrumentos aerófonos. Entre los de viento de metal está la familia de las trompetas, cuyo acolchado es labial y tienen la boquilla semiesférica o de embudo (trompeta, corneta, tuba, trombón, trompa, cornófono, tuba wagneriana, etc.). Otros instrumentos con embocadura intercambiable son los de caña simple o doble, con lengüetas batientes o de entrechoque (gaita de fuelle, oboe, saxofón, clarinete, etc.). Algunos tipos de boquilla se pueden ajustar al instrumento mediante una simple presión, mientras que otras requieren una abrazadera metálica con tornillo de sujeción.

Abrazadera: Pieza de metal ajustable mediante un par de tornillos, que se emplea para ajustar la boquilla intercambiable de algunos instrumentos (clarinete, saxofón, etc.). Abreviatura musical: Del latín: (abbreviare=acortar, resumir). Es una forma convencional de reducir las indicaciones en la música escrita. En la práctica, existen diferentes tipos de abreviaturas musicales: destacando entre ellas, las que se refieren al lenguaje escrito y las que pertenecen a la técnica empleada en la notación. Los grupos de abreviaturas más usuales son: sonidos alternos, repetición de sonidos, repetición de compases y figuras, etc. A continuación se transcriben algunas de las abreviaturas musicales italianas más usuales como indicaciones de ejecución:

accel. (accelerando) progresivamente más rápido
all’. (alla) a la manera de
ard. (ardente) con cierto ardor o fogosidad
arp. (arpeggio) acorde quebrado, como en el arpa
as. (assai) muy, mucho
b. (basso) bajo
c. (col, coll’, colla) con, con el, con la
c.b. (col basso) con el bajo
c.d. (col destra) con la derecha
c.legg (con leggerezza) con agilidad
c.m. (con moto) con movimiento
c.o. (col ottava) con la octava
c.s. (colla sinistra) con la izquierda
cresc. (crescendo) progresivamente más intenso
D.C. (da capo) de nuevo, repetir desde el comienzo
dim (diminuendo) progresivamente menos intenso
d.s. (dal segno) desde el signo en adelante
f. (forte) fuerte, pero sin exageración
ff. (fortissimo) muy fuerte
fff (fortefortissimo) lo más fuerte posible
ffz. (forzatissimo) muy forzado
G.O. (gran organo) órgano mayor o de iglesia
mf. (mezzoforte) moderadamente fuerte
md. (mano dreta) usar la mano derecha (piano)
mn.t. (ma non troppo) pero no mucho, sin exagerar
mp. (mezzopiano) moderadamente suave
m (mano sinistra) usar la mano izquierda en el piano
mv. (mezza voce) cantar a media voz
ob. (obligato) sonido instrumental que no debe omitirse
ond. (ondeggiamento) aumentar y decrecer los sonidos
p. (piano) suave, con suavidad
ped. (pedal) usar el pedal de sostenido en el piano.
pp. (pianissimo) extremadamente suave.
rall. (rallentando) progresivamente más lento
rfz. (rinforzando) reforzando, cobrando bríos
rip. (ripieno) ejecutar a pleno instrumental
rit. (ritardando) igual que el anterior
rub. (rubato) libertad en la ejecución del compás
sfz. (sforzando) forzado repentino del tono
s.v. (sotto voce) en voz baja
tr. (trino) alternancia rápida de notas distintas
Absorción del sonido: Término relacionado con la acústica. Se refiere al fenómeno que provoca la disminución de energía de las ondas sonoras, cuando éstas inciden directamente sobre ciertos materiales -más o menos absorbentes- que permiten amortiguar dichas ondas.

Abub: Flauta ceremonial de los judíos. Tiene la forma de una pequeña corneta. Se empleaba desde la antigüedad en el acompañamiento de los cánticos religiosos. En el templo de Salomón existía un abub de marfil con guarniciones de oro. Se conoce su existencia por antiguas tradiciones y escrituras religiosas.

Academia de Música: Del griego (akademeia). Nombre genérico de una categoría superior de institución internacional, dedicada al estudio, la normalización, la investigación y la protección del patrimonio musical en distintos países. Algunos institutos de este tipo llevan en la actualidad el nombre de Conservatorio. Entre las entidades más representativas en el mundo se encuentran la Académie de Francia, fundada en 1571; las asociaciones filarmónicas italianas de Bolonia y Verona (también del siglo XVI), las de Londres, Viena y San Petersburgo, etc. En 1710 se fundó en Inglaterra una institución denominada "Academy of Ancient Music" (Academia de Música Antigua) con el objeto de promover el estudio de las leyes de la armonía vocal e instrumental en la antigüedad y su evolución a través del tiempo. Dos siglos más tarde, el célebre compositor alemán, naturalizado inglés, Georg Friedrich Haendel (1685-1759) fundó en Londres la "Royal Music Academy" (Academia Real de Música) dirigida en sus comienzos por él mismo. La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, cuenta con una Sección de Música creada en 1873. Entre los símbolos alegóricos, propios de las Academias de Bellas Artes, suele aparecer a menudo la representación de diversos instrumentos musicales, entre ellos la lira.

A cappella: Canto coral o individual que se realiza sin el apoyo sonoro de instrumentos musicales. Proviene del italiano (cappella=capilla). Significa al estilo del canto religioso. Aunque la locución procede de la Edad Media, recién desde el siglo XIX se emplea para designar a cualquier tipo de interpretación vocal carente de acompañamiento instrumental. En algunos tratados aparece escrito con una sola ele: a cappela.

A capriccio: Con el mismo sentido que a bene placito, se puede escribir esta forma de consentir algo expresamente, es decir, que el autor de una obra musical deja expedita la manera de interpretar un determinado pasaje melódico al gusto o el capricho del ejecutante.

Acbabe: Instrumento monocorde, compuesto de un mástil cilíndrico, clavijero de un perno, caja redonda de calabaza o madera ahuecada y revestida por un tenso parche de piel. Es originario de la antigua Persia. Por su forma, podría ser un lejano antecedente del más evolucionado kemangeh de dos o tres cuerdas. Su sonido agudo y chirriante se empleaba para acompañar el canto lamentoso de los campesinos kurdos y leks. La única cuerda de tripa de este primitivo laúd se frotaba mediante una especie de arco impregnado con resina o colofonia.

Academia Musicale dei Floridi: Escuela musical italiana, fundada en Bolonia por el compositor Adriano Banchieri (1567-1634). La tarea docente de este gran maestro renacentista fue notable y marcó una época de grandes progresos en la escritura musical. Bancheri fue el introductor, entre otras mejoras, de la actual barra de compás y de varias indicaciones dinámicas que aplicó en la composición de sus motetes.

Accademico filarmonico: Título oficial de los integrantes del consejo de las academias filarmónicas italianas.
Accatabula: Instrumento de percusión medieval, conocido en Europa hacia los siglos XI y XII. Se trata de una voz italiana, derivada del latín (acetabulum) y ésta del término híbrido árabe/latino a'kas-tábula (tambor y tabla). Consistía en una plancha hueca, con forma semiesférica, totalmente de cobre batido u otro metal, sin parche que se percutía en forma similar al gong oriental. Para ello se empleaba un pequeño macillo de bronce, o con una baqueta de madera forrada en cuero, según el tono del sonido que se deseaba obtener.

Accarezzevole: Del mismo origen. Indicación usual para los cordófonos. El autor pide que las notas suenen "acariciando" las cuerdas. Para escenas con dulzura. Si entra en juego la percusión del timbal, este debe ser apenas audible y el macillo debe sólo rozar el parche.

Accelerando: Vocablo italiano (acelerando). Este gerundio es un concepto puntual que se utiliza con el objeto de señalar una alteración en medio del movimiento y que no debe ser brusco, sino gradual o progresiva.

Accelerato: Es un concepto general que indica la velocidad del tempo musical, es decir, que todo el movimiento debe ir más rápido que lo normal. Este concepto tiene un carácter asociativo con las diferentes acepciones de tempo.

Accent: En francés. Forma de apoyatura extensa. El accent se puede combinar con otras indicaciones de ejecución, como: "accent y trino" o "accent y mordente". En la obra de Johann Sebastian Bach, este tipo de ornamentaciones tiene una gran importancia por la acertada aplicación en el momento exacto de la melodía que precisa de este tipo de embellecimientos melódicos.

Accentus: En latín (ad cantus). Origen de la palabra cantar, poner acento melódico a un texto. Es un término musical que surgió en la Edad Media junto con la notación neumática. El accentus se dividía en tres partes: arsis, o acento agudo; thesis, o acento grave y circumflexio, acento mixto o intermedio entre grave y agudo. Como ocurre con el punctum, el accentus fue una de los elementos esenciales que sirvieron para la interpretación de la escritura por neumas.

Acceso:

Indicación de ejecución (con

acceso

de fogosidad, un tono encendido).

Acciaccatura: En italiano. Es una nota ornamental que se interpreta o ejecuta juntamente con la nota esencial. En la composición vocal, rítmica y aguda, se canta brevemente a modo de preparación, antes de emitir una nota más extensa y grave. También puede consistir en dos o tres notas emitidas en un tono más alto que el correspondiente a la nota principal.

Accidental: Vocablo derivado del latín (accidens). En particular, se denomina así a una modificación que no figura en la armadura musical y que en consecuencia, resulta imprevista y esporádica.

Accidente: También llamado alteración. Es el signo que se emplea para indicar expresamente un cambio determinado en la tonalidad natural de los sonidos. En la notación musical existen cinco formas básicas de accidentes: bemol, (disminuye un semitono); sostenido, (eleva un semitono); doble sostenido (eleva dos semitonos); doble bemol (disminuye dos semitonos); becuadro (anula todas las alteraciones anteriores, las simples y las dobles). Los accidentes indicados sobre toda la extensión de un compás, se entiende que sólo valen para el mismo. Aquellos que se escriben fuera del pentagrama y sobre la nota significan que el autor deja la facultad de utilizarlo al gusto personal del intérprete.

Acción teatral: Denominación un tanto imprecisa, pergeñada por el dramaturgo Italo Calvino para definir de alguna forma a la ópera en dos partes "Un re in ascolto" (Un rey que escucha), estrenada en Salzburgo en 1984, con música del compositor italiano Luciano Berio (1925). La idea del espectáculo gira en torno a una serie de recuerdos del autor, que a modo de citas aluden de una manera indirecta a la acción teatral puesta en escena.

Accompagnato: Término operístico -usual en el recitativo- que indica cuando el cantante debe acomodar sus tiempos y la manera de cantar al tipo de acompañamiento señalado en la partitura.

Accordeur: En francés (templador, afinador). Es un título que se solía dar en España, hasta finales del siglo XIX, al técnico encargado de templar los instrumentos musicales antes de un concierto. La herramienta empleada para este menester se llama accordoir (llave de afinación).

Accordo: Especie de gran violín italiano del siglo XVIII. Poseía un tamaño considerable y estaba provisto de quince cuerdas afinadas en tesituras graves. Tenía un mástil con trastes al estilo de la guitarra. Por su forma y manera de ejecutar, era un instrumento similar al bajo de viola, que poseía el mismo número de cuerdas, aunque de tamaño algo menor. Su sonido no era brillante y cayó en desuso a principios del siglo XIX. También puede aparecer escrito acordo.

Achere: Instrumento idiófono. Existe en varias formas y tamaños. Una de las más comunes pertenece a la familia de las maracas de calabaza provistas de un mango de madera. Existe una variedad de estas sonajas que tiene carácter religioso y se suele emplear en las ceremonias de santería. Es popular de la isla de Cuba, aunque su empleo se ha difundido también en la música folclórica de otros países del Caribe.

A chula: En portugués (la guapa). Nombre de una danza lusitana del siglo XIX. Se bailaba haciendo castañetas con los dedos, al estilo de las actuales danzas folclóricas hispanoamericanas. También se la conoce con el nombre popular de "A chufa". Aún se baila en ciertos espectáculos folclóricos en la región central del país (Alentejo, Rivadouro).

Acento: Impulso que produce una variación en la intensidad de ciertos sonidos, con el objeto de resaltarlos en el conjunto de una composición musical. Es el principio generador de la melodía. Se emplea tanto en la ejecución de los instrumentos como en el canto o en la declamación. El acento agudo (virga) indica una elevación en la emisión de la voz o el sonido del instrumento. El acento grave (punctum) indica el descenso hacia un tono más grave. Este elemento articulatorio de las palabras permite que una sílaba determinada se destaque de las demás otorgando ritmo y fluidez a la enunciación de la frase musical. En la actuación vocal, la entonación va trazando una línea melódica paralela al fraseo. Cuando la acentuación prosódica está unida a la entonación, los distintos acentos de una composición se contrastan entre sí, destacando del resto a un sonido determinado, y por lo tanto, a la idea que desea expresar la melodía. En la poética–estrechamente ligada a la esencia vocal del arte lírico- el ritmo de los acentos ha recibido denominaciones de origen latino (espondeo, yambo, etc.). El acento latino, con su doble fuerza–melódica y rítmicamantiene una estrecha relación con el carácter de la música. La condición rítmica de este acento deriva de la duración de las sílabas, mientras que su rasgo melódico surge de la propia sonoridad de las palabras. Siendo la lengua itálica una derivación directa del latín, podría hallarse aquí la respuesta al interrogante que plantea porqué la esencia del bel canto nació y se desarrolló esencialmente en Italia. Existen distintas formas de acento musical, varias de ellas relacionadas con la técnica del canto llano o gregoriano. A continuación se detallan las principales variantes.

Acento agógico: Somera variante de tiempo, aplicable a la ejecución de una obra musical, con el objeto de adaptar los acentos requeridos a las voces o los instrumentos que los interpretan. Dentro de las normas, relativas a la libertad o la observancia estricta en la interpretación de una obra, existen ciertos parámetros establecidos que fijan pautas respecto al tiempo agógico.

Acento agudo: Cuarta variante entre los acentos litúrgicos del canto llano o gregoriano. Se produce cuando, al cantar varias sílabas antes de la última, el tono se mantiene en una tercera nota más grave.

Acento armónico: Establece un nexo coherente entre la armonía propia de una composición melódica y las diferentes partes que componen el acompañamiento armónico de la misma. Un ejemplo impecable de esta variedad de acento, es la sonata“Claro de Luna” en do sostenido menor Opus 27 Nº 2, de Ludwig van Beethoven (1770-1827). Esta pieza instrumental, a la que el compositor alemán llamaba“quasi una fantasía” demuestra en forma perfecta las posibilidades expresivas de la acentuación armónica. En las partituras se puede emplear la mayoría de las indicaciones de ejecución relacionadas con el dominio de los matices melódicos (piano, pianissimo, mezzo forte, mezza voce, forte, fortissimo, etc.).

Acento doble: Es una forma de apoyatura. Básicamente se produce al abreviar la extensión de la primera nota de un compás, pasando de inmediato a la segunda. Su técnica se debe al notable músico y tratadista alemán Johann Godofredus Walther (1684-1748). La primera descripción moderna del acento doble apareció en su obra“Lexicón musical” 2, una interesante enciclopedia técnica, biográfica y bibliográfica de la música, publicada en Weimar en 1732. Walther destacó en el mundo de la música por su técnica impecable para transcribir y variar los corales para órgano, especialidad en la que sólo fue superado por su pariente Johann Sebastian Bach.

Acento final: Séptima y última variante entre los acentos litúrgicos del canto llano o gregoriano. Ocurre cuando la secuencia de las sílabas, entonadas por grados, termina en la cuarta nota.

Acento grave: Tercera variante entre los acentos litúrgicos del canto llano o gregoriano. Se produce cuando en la última sílaba de una frase melódica se entona una tercera nota más aguda.

Acento inmutable: Primera variante entre los acentos litúrgicos del canto llano o gregoriano. Se dice que el acento mantiene sus características de inmutabilidad cuando, en la modulación vocal de un pasaje melódico, la última sílaba no es más grave ni más aguda que las anteriores.

²“Musikalisches Lexikon oder musikalische Bibliothek”

Acento instrumental: Término propio de la armonía, que se refiere al carácter tímbrico de los distintos instrumentos musicales y la gran variedad de recursos que estos brindan al compositor. Prácticamente todos los instrumentos -sean de viento, cuerdas o percusióntienen un acento propio, adecuado a la sensibilidad de la historia que intenta narrar la música y el temperamento requerido por un determinado rasgo melódico. De esto se desprende que, para expresar el sentido perfecto de un pasaje musical, se necesita el instrumento apropiando. Richard Wagner (1813-1883) fue uno de los grandes maestros en la creación de ese inefable lenguaje sonoro, puesto de manifiesto por los diferentes acentos. El complejo de su obra instrumental, música de cámara, incidental y orquestal, demuestra importantes ejemplos de esa justa combinación entre los sonidos y los sentimientos por ellos sugeridos. La“Obertura en re mayor” de 1831, de la que existen dos versiones, demuestra como el genio de Wagner, con sólo 18 años de edad, podía cambiar el sentido expresivo de una misma composición, mediante la aplicación de sutiles variaciones en el acento instrumental.

Acento interrogativo: Sexta variante entre los acentos litúrgicos del canto llano o gregoriano. Presenta una segunda nota en tono más agudo al vocalizar la sílaba final de una interrogación.

Acento invertido: Clase de imitación, donde las notas del modelo o antecedente, -que se encuentran en las partes fuertes de cada compás- van reproduciéndose en la imitación, pero en las partes débiles, y viceversa. La técnica de la imitación ha ofrecido interesantes ejemplos en la historia de la composición musical. Las sinfonías, sonatas y cuartetos de Mozart, Beethoven y Haydn, así como las fugas y suites de Johann Sebastian Bach, muestran perfectos pasajes, donde la imitación desempeña una función determinante en la armonía de la pieza.

Acento litúrgico: Conjunto de variantes en los acentos del canto llano o gregoriano. En el ritual eclesiástico se conoce como acentos a los fragmentos vocales que entona el sacerdote oficiante de la misa. Los tratados antiguos daban esa denominación a las distintas piezas litúrgicas, como las plegarias cantadas por el sacerdote y sus diáconos, la “Colecta”, los “Evangelios”, la “Epístola”, etc. El término se refiere especialmente al canto en contrapunto, cuando es realizado junto con el coro (concento). Los acentos se pueden producir en siete formas, cuyas características vocales definen el pulso y el ritmo en el desarrollo de la pieza cantable (inmutable, medio, grave, agudo, moderado, interrogativo y final). Cada uno de estos modos dio origen al conocimiento y la clasificación de los neumas. La configuración del acento adquiere una gran importancia en las ceremonias, debido a que ordinariamente las cantilenas del estilo llano o gregoriano están compuestas en prosa. Por esa razón, el acento litúrgico, también denominado “eclesiástico”, es el elemento melódico más considerable dentro del ritmo prosaico.

Acento medio: Existe una relación directa entre la forma declamada de canto eclesiástico y las diferentes variantes del acento musical. Esto se debe en principio a que éste es un elemento generador de la armonía. El acento medio –segunda variante entre los acentos litúrgicos del canto llano o gregoriano- ocurre cuando en la última sílaba de una frase melódica, se canta una segunda nota más aguda.

Acento melódico: Definición utilizada en la crítica de ópera para dar a entender la acertada musicalidad o combinación de notas de un tema, respecto de su línea argumental. En ausencia de un acento rítmico, el acento melódico complementa los pasajes culminantes de la composición musical, señalando los puntos esenciales de la misma. Esta combinación de dos términos musicales, viene a formar una tercera acepción más profunda y objetiva, conocida como "música descriptiva". En realidad, todas las combinaciones sonoras tienen su propio acento melódico. La diferencia reside en que la acentuación sea la adecuada para transmitir la idea que desea expresar el argumento.

Acento métrico: Junto con el acento rítmico, constituyen los elementos esenciales que hacen comprensible el sentido de la música. Sin ellos, la frase tiene sonido, pero carece de armonía. El acento métrico aporta la fuerza descriptiva del mensaje sonoro, definiendo el compás de la melodía.

Acento moderado: Quinta variante entre los acentos litúrgicos del canto llano o gregoriano. Forma acento moderado el grupo de notas que se modula antes de la sílaba final de una segunda más aguda.

Acento negativo: Consiste en el desarrollo de un pasaje musical ejecutado dentro de un tiempo bastante acelerado (presto/prestissimo) que pasa en un lapso muy breve hacia otro que está compuesto en tiempo lento (piano). Con el objeto de señalar en el pentagrama las notas que deben ser acentuadas se empleaba generalmente el signo circunflejo (^). Otra forma en uso fueron las comillas (”). En la actualidad son formas poco utilizadas.

Acento patético: Condición propia del arte lírico. A diferencia de otros tipos de acentos musicales, cuya esencia es básicamente sonora y descriptiva, el acento patético llega a lo más profundo de los sentimientos a través del propio colorido melódico. Las diferentes formas acentuales de este tipo están comprendidas en el contexto de las composiciones bajo las señales o acotaciones complementarias (staccare=destacar el compás; sciogliere=disolver/diluir el sonido lentamente; legare=ligar las notas; leggero=aligerar un movimiento melódico, etc.). En otros casos -como suele ocurrir en la ejecución instrumental- la idea que sirve para señalar la necesidad del recurso patético se puede expresar perfectamente a través de ciertas indicaciones de ejecución (forte, piano, sereno, delicato, etc.).

Acento prosódico-musical: Movimiento melódico que suele acompañar y realzar el acento prosódico de la poesía. Es uno de los pilares fundamentales en la armonía del arte lírico. Actuando como un espejo, la música recrea el efecto sonoro de las palabras, agrupando y coincidiendo los respectivos sonidos y silencios en una forma de composición armónica y homogénea. Es un término muy especializado que está directamente relacionado con la ópera.

Acento rítmico: Brinda personalidad al compás melódico, marcando los puntos sincopados y acentuando su estilo. El acento rítmico modela el pulso de las notas, aportando la independencia de cada nota dentro del contexto rítmico. Es una cualidad necesaria para concretar la ejecución de los diferentes movimientos sonoros dentro del espacio armónico. Cuando una nota se prolonga desde un determinado compás hacia el siguiente, transporta un acento rítmico muy señalado

Acentuación natural:

Secuencia normal de los tiempos fuertes y débiles que integran, de manera ordenada, el compás musical.

Acid jazz: Tendencia surgida de la fusión de ritmos dance con sonidos electrónicos y música tradicional de jazz (soul, rap, funky, house, hip-hop). El nombre proviene de un sello discográfico fundado en Inglaterra a fines de los años '80 que llegó a ocupar las listas de los más promocionados en todo el mundo. Durante la década siguiente, el acid jazz fue adquiriendo naturaleza propia, aunque sin apartarse demasiado del amplio espectro de sus influencias originales. Entre los más conspicuos exponentes de este peculiar estilo se encuentran notables intérpretes de la música popular de finales del siglo XX, como el polifacético Galliano, Alison Limerick, Black & Brown, James Taylor Quartet, Brand New Heavies, Funky Company o Brooklyn Funk Essentials.

Acid jazz hispano:

Variante del

acid jazz

tradicional, con cierta influencia caribeña, que se advierte particularmente en el ritmo latino y en la combinación de instrumentos étnicos.

A cinco:

Composición musical escrita para cinco partes o pasajes. Cada una de las partes suele estar relacionada con las demás por una línea melódica común.

Acolada:

Es un signo o corchete que une dos o más pentagramas y sirve para indicar que varias pautas, deben leerse de manera simultánea.

Acompañamiento: En la organización tradicional del concierto se llama así a todos los componentes, instrumentales o vocales, que están subordinados a la parte principal. Se refiere a la melodía que tiene por objeto otorgar el soporte rítmico a una determinada composición musical. Por ejemplo: en determinados pasajes, todos los instrumentos de cuerdas (contrabajos, violonchelos, violas, etc.) están condicionados por la actuación de un violín solista, que marca la melodía esencial, y al que todos los demás instrumentos deben seguir, cada cual en su tesitura. El sonido conjunto de todos los instrumentos acompañantes, forma la base rítmica y armónica del concierto. Hasta finales del siglo XVII este apoyo musical se lograba mediante el bajo continuo, también llamado bajo cifrado. Técnicamente, es a partir de la segunda mitad siglo XVIII, cuando la escritura musical va adquiriendo el equilibrio armónico y la perfecta proporcionalidad de los sonidos que ostenta en la actualidad.

A compás: Voz

corriente en el baile académico y en el cante flamenco. Se refiere al hecho de seguir con absoluta fidelidad la cadencia o el ritmo correspondiente a cada estilo.

Acompasado:

Acción de mantener el compás exacto en el ritmo de una melodía.

Acompasar (ejecución instrumental):

Ejecutar una melodía siguiendo los distintos compases.

Acompasar (notación musical):

Intercalar las líneas divisorias de los compases al realizar la transcripción de partituras antiguas, en las que aún no existía esta forma de separación.

A contratiempo: Es una forma más breve que la del sonido sincopado. Recordemos que la síncopa es un enlace de dos sonidos iguales, de los cuales el primero se halla en el tiempo débil del compás y el segundo en el fuerte, o a la inversa. En la forma llamada a contratiempo, el sonido se mantiene solamente sobre la parte débil, sin que llegue a prolongarse sobre el tiempo fuerte, que en el pentagrama debe estar señalado con un silencio.

Acoplamiento (clave): Mecanismo de este instrumento que posibilita la combinación de sonidos simultáneos de los dos teclados. Durante los siglos XVII y XVIII, se fabricaban claves o clavicémbalos dotados con tres teclados, instalados en diferentes niveles. En la actualidad, el sonido dulce y penetrante del clave, ha vuelto a cobrar vigencia a través de las renovadoras experiencias de los músicos de vanguardia.

Acoplamiento (órgano): Sistema que permite reunir todos los juegos en un solo teclado. También se suele utilizar para producir el acoplamiento de cada teclado con el pedalero, o bien, los distintos teclados entre sí. Algunos órganos complejos pueden tener hasta cinco teclados. El acoplamiento se produce al ejercer presión con el pie sobre la palanca que lleva este nombre.

Acordante (armonía):

Pasaje melódico en cual se logra sostener todos los elementos de la armonía sin llegar a alterar las tonalidades.

Acordante (instrumento): Se suele llamar así al instrumento musical -normalmente de cuerdas- que se puede afinar sin ningún tipo de impedimentos. Las dificultades más usuales para templar los cordófonos, son la humedad, la temperatura, la calidad de los elementos (las cuerdas, la madera adecuada en la construcción de la caja de resonancia, la precisión del sistema o mecanismo del clavijero, la correcta fijación del marco metálico en el piano de cola, etc.).

Acordar: Poner en consonancia la memoria auditiva del ejecutante. Respecto a las tonalidades de las notas musicales. Los diferentes tonos deben estar de acuerdo con los sonidos emitidos por el instrumento que utiliza. También se dice del proceso, previo a un concierto, en el que dos o más instrumentos se van templando hasta alcanzar un perfecto equilibrio y afinidad sonora.

Acorde: Efecto que se logra al emitir tres o más sonidos simultáneos, en diferentes alturas. No es un fenómeno aislado, sino el resultado de un grupo de varios sonidos ordenados o regidos por las pautas de la armonía musical. Por tanto, se puede decir que el movimiento melódico surge de la sucesión armonizada de los distintos acordes. Se entiende que un acorde, para ser considerado como tal, debe contener por lo menos tres notas. En la armonía tradicional existen acordes de subdominante, de dominante, de tónica y otras formas básicas. La mayoría de los especialistas coinciden en que la emisión de dos sonidos simultáneos no constituye propiamente un acorde, sino un intervalo.

Acorde armónico:

Conjunto de sonidos que se interpretan al mismo tiempo.

Acorde cromático:

Puede formarse partiendo de un acorde diatónico al incorporarle una o varias alteraciones sin cambiar la tonalidad.

Acorde de gran sexta: Denominación antigua que se daba a la primera inversión del acorde de séptima. Aparece en algunos tratados musicales hasta la primera mitad del siglo XX. Fue un término usual en armonía, que se empleaba para citar a los intervalos de quinta y sexta.

Acorde de novena: Se forma al agregar una novena a un acorde de séptima. Los acordes de este tipo más usuales tienen lugar sobre el grado de la nota dominante. Los acordes de novena, formados de esta manera, se denominan dominante mayor si está sobre las tonalidades mayores y dominante menor si está sobre las menores.

Acorde de novena dominante mayor: Es el acorde de cinco sonidos ubicado en el grado V de la escala mayor.
Acorde de novena dominante menor: Es el acorde de cinco sonidos ubicado sobre el Grado V de la escala menor.

Acorde de prolongación:

Nombre de una serie de disonantes, producidos por la prolongación artificial de una o varias notas de una acorde sobre el siguiente.

Acorde de resonancia: Se llama así a cada uno de los acordes provocados por la vibración simpática de las cuerdas de un instrumento musical. Es un fenómeno físico que tiene lugar cuando existe una cantidad suficiente de ciclos vibratorios y un mínimo de aproximación entre ambas cuerdas. El resultado melódico de este efecto es la nota fundamental acompañada por sus armónicos más próximos. Esto produce lo que se ha dado en llamar consonancias naturales, es decir: acordes naturales de 5ª, 7ª ó 9ª, acorde perfecto mayor, etc.).

Acorde de séptima: Es el que se forma añadiendo una tercera a cualquier tríada. La denominación se debe al intervalo de séptima que tiene lugar en relación con la fundamental. Los acordes de séptima se pueden configurar sobre los diferentes grados de las escalas mayores y menores (I, II, III, IV, V, VI y VII). Algunos de los acordes de este tipo más corrientes en la música actual son:

Séptima de dominante (tríada mayor/séptima menor) Séptima mayor (tríada mayor/séptima mayor)
Séptima menor (tríada menor/séptima menor)
Séptima disminuida (tríada disminuida/séptima disminuida) Séptima semidisminuida (tríada disminuida/séptima menor)

Acorde de sexta aumentada: En música se consideran actualmente tres variedades de acordes de este tipo. Normalmente, se emplean con el propósito de alcanzar los acordes de tónica o de dominante.

Acorde de sexta napolitana:

Tiene lugar sobre el IIº grado de las escalas mayores y menores.

Acorde de undécima: También se le puede denominar simplemente undécima. Es el acorde formado por seis notas que se pueden escribir con la forma de terceras una sobre otra. El orden puede ser variable. Si a una tríada base se le agregan la 7ª, la 9ª, la 11ª y la 13ª, se obtienen las siete notas de la escala. En la práctica, el acorde de 13ª es poco utilizado debido a la densidad sonora, que obliga a suprimir alguna nota.

Acorde disuelto: Es una forma de arpegio. Se llama así a la manera de interpretar los acordes reiterando un mismo tema en el transcurso de varios compases. La denominación se aplica especialmente en el piano y otros instrumentos de teclado.

Acorde mayor: Del latín (maior/genitivo:maioris). En términos generales, el acorde está formado por un grupo de tres o más sonidos que se combinan con armonía. El acorde mayor se compone de dos terceras superpuestas, una de ellas más grave. Esta última contiene un intervalo mayor. Se representa con la letra “M” mayúscula.

Acorde melódico: Conjunto de sonidos que se ejecutan de manera acelerada, uno a continuación de otro.
Acorde menor: Del latín (minor/genitivo:minoris). El acorde menor se compone de dos terceras superpuestas, una de ellas más grave. Esta última contiene un intervalo menor. Por lo tanto, la característica que determina el acorde menor es la distancia tonal entre la tónica y su tercera. Se representa con la letra “m” minúscula.

Acordeón: Del francés (accordéon). Instrumento de viento polifónico con doble sistema de teclado y botonera para los acordes. Antiguamente lo llamaban typotone. El principio del acordeón de teclado y botonera procede del diseño de un mecánico francés llamado Pinsonnat. Aunque aquel primer ejemplar era bastante elemental, con el tiempo fue derivando en otros instrumentos cada vez más perfeccionados, como la concertina, el melophone o la fisarmónica. Los sonidos se producen mediante el estiramiento y la presión ejercida sobre un fuelle de tela impermeable. La caja de resonancia está provista de un sistema de lengüetas metálicas, destinadas a graduar la intensidad de la salida del aire. Este mecanismo, similar al de las válvulas, se acciona mediante el referido teclado. En la ópera en tres actos "Wozzeck", del compositor vienés Alban Berg (1885-1935), está presente el sonido de un acordeón, cuyas notas agudas y vibrantes simbolizan la naturaleza romántica del notable creador vanguardista. La ya citada concertina -de uso popular en el norte de Europa- y el bandoneón -tradicional complemento del tango argentino- son instrumentos muy parecidos al acordeón, que obedecen a su mismo método de modulación sonora.

Acordeón cromático: Perfeccionamiento del primitivo acordeón. Provisto de un sistema de fuelle perfeccionado, teclado y botonera. Su complejo mecanismo sonoro consta, entre otros elementos, de registro de coros, registro de bajos, caja de armonía, botones de acordes de séptima dominante, mayor, menor, bajo fundamental, contrabajo, etc.

Acordeón de Berbería: Denominación procedente del francés (accordéon de Barbarie). Se trata de un instrumento popular, con 27 teclas de marfil y ébano, transmisión neumática. y lectura mecánico-neumática. Su fuelle se expande por presión del aire y posee una manecilla de expresión que permite graduar la potencia. Existe en versiones para una, dos y tres voces.

Acordeón de pistón: Versión simplificada acordeón cromático. Poseía un sistema de una sola tecla que podía variar los registros según la posición de la misma. No tuvo éxito. Sólo se conoce la existencia unos pocos ejemplares que en la actualidad constituyen piezas de museo.

Acordeón flageolet: Variedad que comparte las características del acordeón corriente con algunos complementos inspirados en el antiguo órgano portátil. Tenía un sistema de lengüetas vibrantes, ocho orificios armónicos y veinticinco llaves.

Acordeón-piano: Junto con acordeón cromático, fueron los únicos modelos que prosperaron y aún existen en la actualidad. Con ligeras variantes, ambos instrumentos tienen los mismos elementos estructurales y mecánicos de producción sonora.

Acordeona: Nombre común del acordeón en el Uruguay, especialmente en los suburbios de la ciudad de Montevideo. Junto con la guitarra, es uno de los instrumentos típicos de la milonga campera.

Acordinado: Conjunto formado por dos cantores o un cantor y un guitarrista. Es un término usual en algunos países suramericanos (Ecuador, Perú).
Acotación escénica: Indicación que da el autor de una partitura o de un libreto con el propósito de señalar modos que a su criterio deben seguirse en la interpretación de una ópera, concierto o representación teatral. Las acotaciones marginales pueden referirse a tiempos musicales, movimientos coreográficos, gestos de actores, tonos de voz u otras particularidades de la puesta en escena.

Acroama: Término de origen latino que se aplicaba especialmente a la música instrumental de carácter alegre y divertido. De hecho la palabra acroama significa "música agradable, gustosa al oído". La cita Cicerón en una sus obras. Por extensión, los antiguos romanos daban este nombre al intérprete virtuoso de cualquier instrumento musical.

Acrobatismo vocal:

figura simbólica, utilizada en la crítica de ópera para referirse a la habilidad de un cantante. La forma correcta sería

virtuosismo vocal

.

Acróstico: Del griego (akrostichion). Derivado de akros=arriba, en lo alto. En poesía es una composición donde un grupo de palabras encolumnadas forman otra leyendo las iniciales -o cualquier otra letra- de manera vertical. En música, suele emplearse este mismo término para señalar un signo en forma de llave que se escribe en la parte superior del pentagrama. Se utiliza en las acotaciones sinópticas que sirven para relacionar varios elementos (grados, tonos, semitonos, etc.).

Actante: Núcleo o elemento interdependiente que compone la narración de un argumento de ópera. En el libreto, representa no sólo al aspecto individual de cada uno de los personajes sino también a la circunstancia que narra la escena, muchas veces, destacada a través de la música descriptiva. Son ejemplos de actantes el sujeto (actor o cantante principal), el objeto (la razón de su existencia en el contexto argumental), el destinatario del objeto, el rival u oponente, el amigo, el falso, la traición, la víctima, es decir, cada uno de los elementos importantes, que van configurando la historia y a través de los cuales se desarrolla el argumento.

Acto de danza:

Cuadro musical bailable, llamado por los franceses

acte de ballet

. Durante el reinado de Luis XIV, adquirió la grandiosidad escénica propia de las grandes óperas.

Acto escénico: Comprende el sentido de acción que da lugar al desarrollo del libreto o guión teatral. Puede ser consecuencia de un acto anterior y dar lugar al desarrollo escénico que le sigue dentro de la trama argumental. Según la teoría filosófica de George W. Hegel (1770-1831), es la manifestación básica del espíritu, que nace de la inmediatez de los actos naturales como expresión del lenguaje y el movimiento. Cada acto escénico representa una parte conclusa de la acción general. En la ópera este concepto es importante, porque permite establecer una cierta relación entre los sentimientos que despierta el texto, aquello que logra infundir o insinuar la música y el efecto de la coreografía o la puesta en escena. Aunque la semántica del vocablo proviene de la filosofía aristotélica, su aplicación se debe a la teoría tomista. En el teatro griego clásico sugiere la idea de movimiento y acción (dinamis), en afirmación del estado de existencia o realidad de la escena (energeia). En las representaciones dramáticas de la Grecia clásica se acostumbraba a dividir la obra escénica en partes sucesivas, aunque en algunos casos un solo acto configuraba todo el desarrollo de la obra. En los primitivos dramas líricos del teatro romano se consideraba actos a los segmentos independientes que formaban parte del contexto total de una representación, sugiriendo cada uno la existencia de un drama independiente. El vocablo, de origen latino (actum=acción), fue empleado por primera vez en una obra del polígrafo romano Marco Terencio Varrón (119-26 a.C.). La rigidez de la estructura tradicional, que segmenta el contexto escénico en actos y cuadros sucesivos, fue cuestionada en el siglo XVIII por el dramaturgo alemán Teophilus Lessing (1729-1781). A partir de entonces, comenzó a utilizarse la técnica del racconto anteriore, como un acto dentro de la escena, independiente del curso del tiempo, pero fuertemente integrado al desarrollo argumental.

Actor: En la ópera, como en el teatro o el cinematógrafo, cada actor o actriz es un vínculo directo entre el espectador y la idea del autor, llevada a la escena bajo la supervisión del director. El actor es un vínculo vivo, individualista, cuya personalidad, voz y experiencia, tienen una importante incidencia en la representación escénica. Hasta las postrimerías del siglo XVI, el término actor se refería exclusivamente a los personajes ficticios de una obra dramática. En la antigüedad clásica, actor era el protagonista que suponía la idea de la acción (del latín actoris=el que actúa), porque siente y vive las emociones de su personaje como propias. En torno a la entelequia de esa figura tradicional -provista de máscara y calzada con altos coturnos- giran todas las incidencias del acto escénico. Según su gesto, y de cara al público, la máscara del actor es la exteriorización del carácter del personaje. En la ópera, la rigidez de la antigua máscara escénica es sustituida por el maquillaje remarcado que resalta los gestos del actor, pero deja amplia libertad para el desarrollo de la gestualidad. El sentido es el mismo, pero es allí donde entra en juego su mejor arma, la condición de actor, un elemento indispensable para penetrar con su propia dramatismo en la conciencia del espectador.

A cuatro manos: Característica de las composiciones para piano creadas con objeto de que sean interpretadas por dos personas en forma simultánea. Cada ejecutante tiene su propia sección en la partitura. El que se sienta a la diestra debe leer las notas de las páginas del lado derecho (llamadas prima o primera), mientras que su acompañante debe hacer lo mismo con las páginas del lado izquierdo (denominadas seconda o segunda).

Acústica: Especialidad de la fonética que describe el efecto de las ondas sonoras y su relación con el sentido de la audición. El estudio y la aplicación de sus reglas son temas esenciales en las salas que representan espectáculos operísticos, donde la acústica debe ser perfecta, porque tanto los cantantes como las orquestas, no utilizan ningún medio de amplificación de los sonidos. La acústica musical estudia las características físicas de los diferentes instrumentos, según su diseño o forma de construcción y los efectos de las ondas sonoras que estos producen en cada recinto.

Acústico: Se dice de cualquier instrumento musical que puede emitir sonidos, sin el auxilio de amplificadores eléctricos o equipos electrónicos. Dentro de esta categoría entran prácticamente todos los instrumentos, antiguos o tradicionales y sus diferentes combinaciones (idiófonos, aerófonos, cordófonos, membranófonos), salvo algunos ejemplos, muy puntuales, como guimbarda, cuya caja de resonancia es la propia cavidad bucal del ejecutante.

Acutus:

Denominación de las notas agudas, en la notación por el sistema de neumas del

canto llano

o

gregoriano

.

Achere: Sonaja típica del folclore musical de Cuba. Los ejemplares más corrientes son de calabaza seca y ahuecada, llena de semillas, o pequeñas piedras, y con el mango de madera, aunque se pueden fabricar con otros materiales. Es un idiófono tradicional, ligado a las ceremonias de santería.
Açon: Instrumento idiófono primitivo. Es bastante popular en el folclore musical del Caribe (Grandes y Pequeñas Antillas: Haití, Jamaica, Martinica, etc.). Corresponde al grupo de los sonajeros de percusión interna por sacudimiento. En Haití suele emplearse en el acompañamiento rítmico de los cantos pertenecientes al culto vudú. La caja se fabrica con la corteza del coco, seca y vaciada. El elemento sonoro consiste en vértebras de serpiente y corpúsculos de coral, ambos elementos poseedores de un significado mágico para los creyentes en ese culto animista.

Adagietto:

Tiempo normalmente moderado, lento, pero no demasiado.

Adagio (composición): Pieza musical breve, interpretada en forma lenta. En algunas óperas se suele ejecutar un corto fragmento de la obertura, para que la memoria auditiva del espectador pueda reubicar la escena en el momento inicial.

Adagio (indicación de tiempo):

Se usa para señalar la forma de interpretar una melodía, de manera muy despaciosa y serena.

Adagio affettuoso: En italiano. Apéndice complementario del sentido de afecto en un pasaje musical. Se refiere a un tono que expresa amor, cariño, entendimiento, entre los personajes de una obra. Se aplica con precisión en los momentos de la ópera donde la música debe expresar el significado profundo de la escena.

Adagio assai:

En italiano (bastante despacio). Como la indicación anterior. Es una de las formas más lentas del

adagio

.

Adagio molto:

En italiano (muy despacio). Es otra fórmula alternativa. Tiene el mismo significado que

adagio assai

.

Adagio sostenuto: En italiano ( despacio y sostenido). Es un tiempo suave, de carácter dulce, donde prevalecen las notas cuya entonación excede en un semitono mayor a las que corresponden sus sonidos naturales. Puede citarse como ejemplo, el tiempo del primer movimiento de la “Sonata Claro de luna en do sostenido menor” Opus 27 de Ludwig van Beethoven (1770-1827).

Adagissimo:

En italiano (superlativo de

adagio

). Sirve para señalar un tempo de ejecución extremadamente lento, más suave aún que

adagio assai

o

adagio molto

.

Adamo: Instrumento de percusión originario de Nigeria (África occidental). Pertenece a la variedad de los llamados “tambores hablantes”, que también existen en la música folclórica del Caribe. En Nigeria -uno de los países más poblados del continente- conviven 250 grupos étnicos, poseedores de sus propias culturas, con ejemplos musicales variadísimos. La forma y el sonido particular del tambor adamo se conoce también en Níger, Chad, Benín y Camerún.

Adaptación musical: Es la renovación de una obra, adaptándola a un estilo diferente. En 1774 se estrenó en París la ópera "Iphigènie et Aulide" del compositor germano ChristophWillibald Gluck (1714-1787), con libreto del francés Bailli Le Blanc de Roulet. La obra, en tres actos, estaba basada en una narración, escrita un siglo antes, por el poeta trágico Jean Racine. El estreno tuvo lugar en la primitiva Ópera de París, entonces llamada “Académie Royale de Musique”. Después que esta composición cayera durante muchos años en el olvido, Richard Wagner la rescató, reestrenándola con arreglos propios, en la Ópera de Dresden.

Additato: En italiano (digitado). Indicación de ejecución. Se consigna cuando un pasaje musical está escrito de acuerdo con la forma de digitación del instrumento para el cual se ha destinado.

Ad-duff: Membranófono tradicional de la República de Mozambique. Tiene forma de pandero, con la membrana de piel de cabra. Algunos ejemplares se percuten con la mano y otros emplean un pequeño macillo de madera. Existe una gran diversidad de tipos y tamaños diseminados en varios países de África oriental (Tanzania, Zimbabue, Zambia, Suazilandia, Sudáfrica). La capital de Mozambique -Maputoes la segunda ciudad portuaria más importante del continente africano. Por ella pasa la influencia de otras culturas, provocando un vigoroso intercambio de tradiciones y estilos musicales. Los cantos tradicionales que suelen acompañar el sonido rítmico del ad-duff pueden ser escritos tanto en portugués como en una gran variedad de dialectos locales.

Adedura: Forma de digitación para algunos instrumentos de cuerdas. Es una palabra arcaica que no se emplea en la actualidad. Tiene importancia sólo para el estudio de las diferentes formas de ejecución instrumental durante los siglos XVII y XVIII.

A deux: Expresión francesa. Significa “a dos”. Por tanto, una interpretación en concertino debe ser realizada por dos instrumentos complementarios. También se suele emplear la forma italiana a due.

Adicional: Se denomina así a los espacios y líneas adicionales que se pueden incorporar en los pentagramas con el propósito de mejorar todos los detalles referidos a la notación musical (notas altas o bajas, silencios, sostenidos, etc.). Estas líneas y los espacios adicionales se pueden agregar tanto en la parte superior como en la inferior del pentagrama.

Adja: Idiófono del Brasil. Lleva este nombre una variedad de campanas y vasos rítmicos de percusión vertical, con badajo y por sacudimiento. Forman parte de los numerosos elementos musicales y sonoros que acompañan las ofrendas rituales del culto afro brasileño xangó. Su área de difusión comprende diversos estados del nordeste atlántico, particularmente Recife y Pernambuco. Suelen integrar su sonido dentro del conjunto de las baterías de tambores ilú, las voces individuales y los cantos corales. Entre otras melodías tradicionales, donde intervienen estos ruidosos y alegres instrumentos, puede citarse el popular "Canto a Oxalá".

Ad libitum: Términología de origen latino que significa "a voluntad". Es lo mismo que a piacere. Se emplea para indicar que el compositor deja una parte o fragmento de su obra a gusto del intérprete o cantante, quien puede modificarla con arreglos u adornos. También puede suprimirla, si lo considera adecuado. En la realización y puesta en escena de una ópera, esta libertad se entiende también para la elección de los instrumentos, las voces e incluso los tiempos de ejecución.

Adodo: Instrumento idiófono de la República de Ghana (África occidental). Es un conjunto de campanas adaptadas en los extremos de una vara metálica. Se emplea en las fiestas populares. Ghana fue la primera colonia británica que obtuvo su independencia. Con ella sobrevino la recuperación de antiguas tradiciones musicales. El idiófono adodo es una de estas piezas, correspondientes al instrumental rítmico, utilizado en la coreografía de antiguas formas de danzas folclóricas.

Adonia: Especie de tocata militar, que los antiguos espartanos interpretaban antes de entrar en combate. La ejecutaban cuerpos de flautistas, que utilizaban un modelo de instrumento llamado flauta embateriana.

Adonidia: De aquella costumbre bélica, surgieron más tarde en Grecia, Egipto y Judea, las fiestas adonias, que se realizaban en tiempos de paz y en honor del mítico Adonis. Los cánticos e himnos fúnebres, inspirados en antiguos acontecimientos heroicos -que solían estar relacionados con la figura mítica de aquella deidad- se llamaron posteriormente adonidias.

Adonion: Cantos o himnos guerreros de la antigua Grecia. Acompañaban las composiciones musicales de los guerreros espartanos. La tocata inicial se denominaba adonia.

Adorno: Se llama así a la serie de notas no esenciales que constituyen una línea melódica agregada a otra composición musical, con el objeto de ampliarla, o para mejorar un determinado pasaje de la partitura. Los adornos más antiguos que se conocen corresponden a una serie de neumas formados por acentos, que se empleaban en el canto llano como elemento decorativo. Antes de que llegaran a desarrollarse estos sistemas, los adornos se transmitían de forma oral en la práctica de la música sacra que realizaban las escolanías y coros. Las escolanías (scholae cantoris) existían en casi todos los monasterios y basílicas de Europa. Esos adornos primitivos, figuran en los manuscritos gregorianos, cuyo método de notación se usaba entre los siglos IX y XII. El reconocimiento de estos signos hoy resulta materia imprescindible para la comprensión y transcripción de la música medieval. Los adornos más usuales en la actualidad son: el arpegio, la acciaccatura, el trino, la apoyatura, el mordente, la doble cadencia o gruppeto y el trémolo.

A double flat: La doble bemol

en la terminología musical inglesa. Equivalente de

Asas

en alemán y

La double bémol

en francés.

A double sharp: La doble sostenido

en la terminología musical inglesa. Equivalente de

Aisis

en alemán y

La double dièse

en francés.

ADSR: Sigla referida a la música electrónica. Está formada por los términos ingleses Attack, Decay, Sustain & Release (Ataque, Caída, Sustento y Liberación). Se refiere a las cuatro partes de la música envolvente, implícitas en el tiempo en el que se desarrolla una melodía.

melodía.

Ataque:

Señala el tiempo que demora el sonido en ascender, desde el nivel cero hasta su valor máximo.

hasta su valor máximo.

Caída:

Indica el tiempo que tarda el descenso del sonido hasta llegar al nivel de sostenimiento.

sostenimiento. Sustento: Se refiere al tiempo durante el cual el nivel de sonido se mantiene invariable.
invariable.
Liberación: Equivale al desvanecimiento del proceso. Es el tiempo en el que el sonido va pasando, desde el nivel de sustento hasta el nivel definitivo de la composición.

Casi todos los generadores de sonido electrónico permiten programar el valor y el tiempo máximo que se desean alcanzar durante el proceso.

A due:

Voz de ejecución italiana. Significa lo mismo que su versión francesa

a deux.

Cuando una voz canta

a due

, significa que lo hace al

unísono

.

A due corde: Otra forma doble, referida a la forma de ejecución de ciertos cordófonos de percusión, como el piano. La voz a due corde indica que el ejecutante debe presionar el pedal izquierdo del instrumento de manera suave para lograr un sonido determinado. Los músicos alemanes llaman verschiebung a esta técnica. Bajando el pedal sólo hasta la mitad de su recorrido el martillo se desplaza hacia un lado hasta golpear dos teclas a la vez. Bajándolo hasta el final del recorrido vuelve a oprimir una sola cuerda, produciendo un sonido distinto (a una corda).

Adufe (arábigo): Palabra antigua, derivada del árabe (aduff=tambor de tablas). Es un membranófono de forma cuadrada o triangular, con bastidor de madera y membrana de piel, similar por la forma de construcción y la variedad de efectos sonoros a la familia de los panderos y panderetas. Algunos adufes llevan sonajas de cobre o latón. Se trata de un antiguo instrumento popular que usaban los pastores para guiar con su sonido a los rebaños. Aún subsiste como elemento etnográfico y se suele emplear en las manifestaciones folclóricas regionales de España y Portugal. Se cree que en el siglo X fue introducido en occidente por los árabes. El fabricante de estos instrumentos se llamaba adufero.

Adufé (brasileño): En Brasil se emplea esta misma palabra para denominar a una especie de pandereta redonda, usada para marcar el ritmo de las danzas locales (escolas de samba, batucada, frevo de Pernambuco, etc.). Evidentemente se trata de un ejemplo de transculturación motivada por la influencia portuguesa durante la época colonial.

Ad una corda: En latín (a una cuerda). Término antiguo referido a la técnica de ejecución del piano. Significa que el fragmento musical señalado en la partitura con la indicación ad una corda debe interpretarse utilizando el pedal suave llamado celeste (del lado derecho), cuyo macillo -en algunos pianos- sólo percute una cuerda. Por lo general, los macillos percuten tres cuerdas a la vez.

Adungu: Cordófono tradicional de la República de Uganda. Es una variedad de arpa primitiva, provista de un número variable de cuerdas de tripa. En la región meridional de Sudán y también en Tanzania, Kenia y Ruanda, existen versiones de arpas adungu, con distintas formas y tamaños. En la práctica, todos los ejemplares se rigen sobre un mismo principio constructivo, razón por la cual se considera como un mismo instrumento. La población de Uganda, esencialmente rural, está compuesta por trece etnias mayoritarias, cuyas respectivas culturas conservan hondas raíces folclóricas. Los modelos de adungu más comunes suelen tener entre siete y diez cuerdas.

Aedo: Del griego (aeidos=cantor/vate). Cantores épicos y religiosos en la antigua Grecia, los aedos solían acompañar su voz con el sonido de instrumentos de cuerdas, como la lira o la cítara. También aparecen representados en frisos y otros monumentos antiguos, tañendo la flauta doble (phorbéia). Las formas primitivas de poesía musical griega fueron el canto religioso y los himnos en honor de héroes y dioses. Algunos autores clásicos creían que el sentimiento natural de los aedos era se transmitía en forma de letanía. Sin embargo, Eurípides dice que su canto era alegre y que encendía el alma de regocijo. Entre los primitivos aedos -anteriores a Homero- puede citarse al mítico Orfeo. El vocablo procede del verbo aeido, cantar en el templo[aedes].

Aedo museo:

De la musa Euterpe (

divinidad protectora de la música

Es una forma compuesta, de carácter elogioso. Esta relacionada con antiguas leyendas que narran el origen de la flauta. El calificativo aedo museo se empleaba antiguamente para nombrar a los cantores y poetas líricos inspirados por las musas

Aedon: Cantante femenina, cuya voz poseía un timbre alto y vibrante, comparable al trino del ruiseñor. Es un vocablo musical antiguo, derivado del griego. El apelativo aparece frecuentemente en las tradiciones y escritos literarios de la antigüedad. Los habitantes de la región helena de Panfilia, sobre el mar Egeo, adoraban a la diosa Aedon, inspiradora de las bellas melodías, a quien se identifica con el culto a Minerva.

Aegual:

Voz derivada de latín (

aequelis

=igual). En el órgano se llama así al registro de octava. Aunque es menos usual, puede aparecer escrita la forma

"aequal".

Aeneatoris: Trompeteros de la antigua Roma. Por extensión, los músicos que ejecutaban instrumentos de cobre (aeneus). En la antigüedad, los aerófonos de esta clase eran numerosos y variados. También las denominaciones que mencionaban a los distintos ejecutantes comprendidos en la acepción general del vocablo (buccinatoris=bocina, cornicinis=corno, tubicinis=tuba, etc.). En algunos tratados y enciclopedias, aparecen -con idéntico significado- las formas aenatores y aeneatores.

Aequal: La misma etimología que el término aegual. Es un vocablo latino que se utilizaba en las partituras para indicar que un fragmento melódico debía ser igual a otro, tanto en la altura como en los tiempos.

Aequaliter: En latín. Significa con uniformidad, sin distinción ni diferencia. Se trata de una indicación de ejecución propia del canto llano o gregoriano. Aparece con su forma abreviada (Aeq) en escritos musicales de la Edad Media.

Aeroclavicordio: Nombre compuesto. Del latín (aer=aire, clavis=llave y chorda=cuerda). Era un instrumento musical diseñado en el siglo XVIII, semejante al arpa eólica. Disponía de un fuelle accionado a pedal, cuya corriente de aire, encauzada por un tubo estrecho y plano, hacía sonar un sistema de cuerdas de seda y metal. Su sonido era similar a las tesituras humanas de soprano o tiple. En Alemania y Austria se lo conocía con el nombre aëroclavikord. En 1788, se presentó en París un instrumento basado en el mismo principio, al que llamaron aeroctovichord. A pesar del ingenio y la voluntad de innovación puestos de manifiesto por sus autores, ninguno de estos instrumentos llegó a trascender a través del tiempo. En la actualidad sólo representan una curiosidad en la historia de la música.

Aerófono: Son los instrumentos musicales cuyo principal elemento vibratorio es la columna de aire. Ciertos instrumentos, como el oboe, el fagote, el clarinete y el corno inglés pueden producir los sonidos a través de la boquilla debido a una pieza de metal o fibra de caña, muy delgada, denominada lengüeta. Este pequeño componente es el que produce las vibraciones en el aire que se halla en el interior del tubo. Existen instrumentos que actúan con una sola lengüeta y otros con dos. La forma de la embocadura puede variar con el objeto de adaptarse al receptáculo donde calzan estas piezas, que son intercambiables. En los instrumentos que poseen un par de lengüetas, éstas actúan en conjunto, vibrando una sobre la otra. Los modernos tratados de organología establecen una variante dentro de esta gran familia. Se trata de los instrumentos zumbadores como el burubush, de los hotentotes de Sudáfrica, el prehistórico rhombos de la Dordoña (Francia), o en la región de Tchuringa (Australia), que resuenan a través del aire ambiental.

Aevia: Vocablo musical derivado del italiano "alleluia" (aleluya=con júbilo). Es una indicación de ejecución para las melodías cuyo temperamento debe ser alegre. Aparece como abreviatura en el Barroco tardío. También aparece escrito con la transcripción fonética "aeuia".

Afecto: Con tono afectuoso. Nombre castellano de un tipo de embellecimiento relacionado con el tema argumental de una obra. En la música barroca, se denominaba así al momento de la exaltación sonora, cuando la melodía alcanza un tono apasionado.

Affetto: En italiano. Su uso es más frecuente en este idioma. El propio autor acostumbraba sugerirlo en la partitura, incluyendo la locución "con affetto". Fue un elemento indispensable, al que llamaban "l'affetto dell'animo" y al que consideraban parte esencial de la expresión lírica.

Affettuoso: En italiano. Voz complementaria (adagio affetuoso, andante affetuosso). Con sentido similar al vocablo anterior, este movimiento se aplica en función de apéndice descriptivo para compases intermedios entre andante y adagio.

Affabile: Afable. Indicación de ejecución subjetiva, en la que el autor encarece al ejecutante una forma melódica coherente con el espíritu cordial. En la ópera, se emplea para acotar un tono de interpretación vocal especialmente afectuoso y distendido.

Affannato: Como el caso anterior, pero indicando un carácter confuso, conturbado, con gestos nerviosos y anhelantes. Las características propias de la interpretación operística requieren el conocimiento y la práctica constante del lenguaje paralelo de los gestos.

Affrettando: Vocablo italiano (affrettare=apresurando). Indica una alteración gradual del movimiento, la transición desde un tiempo lento a otro más vivo o acelerado. Ej. tempo moderato (tiempo medio, no muy rápido) que pasa a tempo alla breve (tiempo muy acelerado). También se puede indicar con la palabra "affrettato".

Afinación: Del barroco italiano (affinare). En música perfeccionar el sonido, poniéndolo a la altura correcta Técnicamente es la frecuencia exacta de un determinado sonido, de acuerdo con la nota escrita. En la práctica, consiste en adecuar los tubos o las cuerdas de los diferentes instrumentos en entonaciones fijas con relación al diapasón. De la precisión con que se lleve a cabo esta operación, depende la exactitud de la frecuencia de los sonidos en los instrumentos. Cuando en la interpretación vocal el canto es afinado se dice que tiene buena entonación o timbre perfecto.
significa de una hacer más fino o

voz o instrumento.

Afinación (música electrónica): Término que se utiliza para definir una frecuencia continua en el tiempo.
Afinado (instrumento): Se dice del instrumento musical bien templado, cuyo grado de exactitud en la interpretación melódica, guarda la más estricta coincidencia con el sonido puro de cada una de las notas.

Afinado (sonido vocal): En la voz humana, se entiende por la cualidad física de las cuerdas vocales. Sin embargo, ese atributo natural debe ir necesariamente unido a una condición que también es indispensable, el profundo dominio de la técnica. En el arte lírico, cada tesitura vocal debe guardar un equilibrio perfecto con las tonalidades inmediatas superior e inferior. La perfecta coordinación e integración de las voces bien afinadas, da por resultado la eufonía del canto.

Afinidad:

Es la relación que existe entre dos o más sonidos, de acuerdo con los armónicos que son comunes a todos.

Afinidad de notas:

Tendencia de algunas notas a vibrar en consonancia.

Afinidad de tonos:

Se refiere a la relación de igualdad o coherencia que puede existir entre dos o más tonos dentro un mismo compás.

A fiore di labbro:

En el arte lírico se llama de esta manera al efecto de cantar con suavidad y ternura. Ver

labbro.

Aflamencado: Compás y entonación propia del carácter musical flamenco. También se suele llamar de esta forma a una composición de cualquier procedencia cuando muestra alguna influencia del folclore andaluz.

Aflamencar:

Emplear tonalidades o ritmos propios del cante flamenco en composiciones musicales que no pertenecen a ese estilo.

A flat: La bemol

, en la terminología musical inglesa. Equivalente de

As

en alemán. En francés sólo varía la acentuación de la letra é (

La bémol

).

Aflautado: En los cordófonos de arco se llama así a un sonido similar al de la flauta. Se obtiene frotando las cuerdas sobre el diapasón. Usualmente se emplea la forma italiana (flautato). En las indicaciones de ejecución de las partituras también se suele escribir el gerundio (flautando).

Aflautar:

En algunos países de Hispanoamérica se dice del acto de producir sonidos agudos o atiplados. Normalmente, se aplica a la voz humana.

Aflojar: Descender el tono en las cuerdas de un instrumento. El vocablo proviene del acto de girar las clavijas moderadamente, para ir reduciendo la tensión del encordado y variar de esa manera la tonalidad del sonido.

Áfono: Silencioso. Falto de sonido o de sonoridad. Cualquier elemento o instrumento que no produce ni transmite los sonidos. Se suele llamar así a un tipo de instrumentos que carecen de caja de resonancia (contrabajo eléctrico, Lloyd Loar, 1924). Sin embargo, esto no es absolutamente cierto, porque tales instrumentos -que sólo sirven para práctica y estudio- producen un sonido muy suave y perfecto, que sólo puede ser oído por el ejecutante mediante un sistema amplificador de frecuencia conectado a un par de auriculares.
Afoxe: Idiófono tradicional del Brasil. Pertenece al grupo de las sonajas o vasijas percutidas. Existen una gran diversidad de formas y tamaños. Los modelos de sonajas afoxe más corrientes contienen una cantidad pequeñas piedras o perdigones de plomo en su interior. Produce un sonido crepitante de altura indefinida. Otra variante, conocida en los estados de Amazonas y Pará, consiste en una calabaza con mango, decoradas con motivos geométricos.

Aftertouch: Término de la música electrónica. Se refiere a la medida de presión dada por el ejecutante de un instrumento de teclado o de un controlador, después de haber pulsado una tecla. El efecto aftertouch (después del toque) puede ser monofónico y en este caso se refleja la presión sobre todas las teclas. Si el efecto es polifónico, se mide la presión individual sobre cada tecla.

Afuche: Otro instrumento del Brasil, similar al afoxe. Algunos tratados de organología afirman que ambas denominaciones proceden de la misma raíz etimológica. La única diferencia entre ambos idiófonos consiste en la aplicación de los cuerpos percutores. En la sonaja afuche, se trata de una red de fibra, con pequeñas bolas de plomo enhebradas, que recubre la calabaza y produce los sonidos por sacudimiento.

Agada: También conocida con el nombre de kwetz. Es una variedad de flauta de pico provista de un estrangul parecido al del oboe. Su antigüedad es considerable y según parece la utilizaban desde hace siglos los pastores egipcios, etíopes y somalíes. Por la calidad del sonido, se parece a una flauta con lengüeta. Es posible que este nombre tenga relación con la palabra homónima, utilizada para referirse a ciertas composiciones judías de carácter religioso, relacionadas con remotas tradiciones del pueblo hebreo en Egipto.

Agals-keman: También llamado "agalikeman", es el nombre de un instrumento musical de Turquía equivalente al kemangeh de los persas. Se trata de un tipo de violín rudimentario provisto de dos o tres cuerdas, largo mástil y caja de resonancia redonda, cubierta con un parche tenso de piel de cabra. Se tañe con la ayuda de un arco.

Agbe: Sonaja africana de calabaza, perteneciente a la etnia yoruba, de la República de Nigeria. Existe una gran diversidad de instrumentos de este tipo, con distintos nombres o elementos de percusión. Se utilizan para marcar el ritmo de las danzas folclóricas. Nigeria es la nación más densamente poblada del continente. Los ejemplos rítmicos más complejos y variados proceden de las culturas hausa y fulani.

Agboba: Gran tambor de Ghana. Es uno de los instrumentos de percusión tradicionales en el folclore musical de África occidental. Tiene el perfil redondo y convexo, casi un metro de altura, un solo parche de piel de cabra y la base cerrada. Para tensar la membrana se emplean tiras de cuero ajustables mediante un aro del mismo material. Se percute con las palmas de las manos. Existen variantes similares en el folclore musical de Togo, Burkina Faso y Costa de Marfil. La República de Ghana, con 75 grupos étnicos y más de 100 lenguas regionales es uno de los países de África con mayor cantidad de juegos rítmicos.

Age-bachi: Pequeños listones de madera de almendro cuya función es puntual en la estructura de los tambores japoneses tsukeshime-daiko. Permiten variar la tensión de las cuerdas de este instrumento tradicional en el folclore musical nipón.
Agevole: Indicación de tempo. Señala un temperamento ágil, con gran movimiento, ligero en los pasajes de arias. En la ópera, señala el transcurso acelerado de una escena a la siguiente. En concierto, se emplea para poner énfasis en el movimiento ligero de ciertos instrumentos de arco, como los violines.

Agitato:

Otra indicación de

tempo

, similar a la anterior. Señala una forma de ejecución instrumental rápida, realizada con agitación y nervio.

Agogé rítmico: Vocablo musical compuesto, de origen griego, cuyo significado es dirección o conducción propia del ritmo. Corresponde a una de las partes de la melopeya contraria a la forma diatónica. En el movimiento agógico, el músico o compositor sólo respondía a un patrón general, pero iba desarrollando la melodía de acuerdo con su propio sentido de los tiempos. Además, esa medida temporal dentro del movimiento melódico, estaba directamente relacionada con la altura de las notas. El agogé rítmico de los poetas y cantores griegos tenía el mismo sentido de medida libre que se emplea en la actualidad. Su equivalente latino es ductus.

Agógica: Término creado a fines del siglo XIX por el investigador alemán Hugo Riemann (1849-1919). Señala un ligero margen de tiempo (llamado tempo rubato o agógico) que puede darse en ciertas composiciones musicales. Esa pequeña fluctuación o elasticidad permite al intérprete, con la práctica necesaria, alcanzar una mayor calidad en la ejecución de la obra. Riemann fundó en Leipzig, Alemania, un renombrado Instituto de Musicología. Es autor de una serie de estudios donde desarrolla el tema de la agógica. Entre sus obras dedicadas a la didáctica musicológica, destacan la "Historia de la Teoría Musical" y el "Manual de Historia de la Música", ambas traducidas al castellano.

Agogó: Instrumento idiófono tradicional de la cultura afro del Brasil. Pertenece al grupo de los metalófonos combinados, del que existen variantes compuestas por láminas y placas percutidas. En la región litoral nordeste del país (Sergipe, Alagoas; Pernambuco) se llamaba así a un tipo de cencerro, compuesto por dos campanas que se percutían entrechocándolas o mediante un macillo de madera. Este antiguo instrumento popular, aún se utiliza en el nordeste brasileño, en el acompañamiento de algunos cantos religiosos, especialmente en algunas comarcas interiores de Paraíba y Río Grande do Norte.

Agon: Del griego (agon=competición). Dialéctica, discurso y respuesta que tiene lugar en el proceso escénico. En la antigua Grecia existía una forma de competición entre coros, con melodías inspiradas en cantos religiosos y guerreros (siglo VI a. C.). En la comedia clásica (Aristófanes) el agon tenía un carácter de diálogo, expresado en forma de canto declamatorio, similar al estilo recitativo de la ópera actual.

Agregación: Denominación que reciben los acordes cuya existencia no es lógica dentro de la frase y que parecen ajenos a la naturalidad armónica de una melodía. Es un artificio que se da con frecuencia en la música llamada de vanguardia.

Agrements: Término francés, que se aplica preferentemente para indicar la existencia de un adorno vocal. Es una palabra que suele escribirse en plural cuando sirve para señalar la inclusión de diversos tipos de florituras. (mordentes, tresillos o cualquier otro tipo de agregados virtuosos del canto).

Aguda/o: Del latín (acutus). Nota o registro alto. Sonido de frecuencia elevada, en contraposición a bajo o grave.
Agudísima: También llamada sobreaguda, es la cualidad de los sonidos que presenta un número más elevado de vibraciones, en comparación con la calificación aguda, que tiene menos. Las diferentes tesituras medias de la voz humana y los sonidos de instrumentos musicales presentan diversos grados de tonalidad, en orden creciente de vibraciones (graves, medias, agudas y sobreagudas o agudísimas).

Agüe: Sonaja de calabaza, originaria de África occidental, a la que también se conoce con el nombre agbe. Pertenece al grupo cultural yoruba y se utiliza en el acompañamiento de las danzas típicas de la región. El sonido rítmico de agüe se complementa admirablemente con las ricas modulaciones de las flautas autóctonas, cuya función acústica es parte del contraste y la variedad de los sonidos de fondo. El idiófono agüe, o agbe, reapareció en la música tradicional del Caribe, entre los siglos XVIII y XIX, con la llegada de los esclavos negros al continente americano.

Aguinaldo: Villancico navideño de origen hispánico. En Puerto Rico existen notables ejemplares que muestran la impronta de la música tradicional caribeña. ("aguinaldo jíbaro", aguinaldo quinto al aire", "aguinaldo oroqueño").

Agwe:

Sonaja de la cultura yoruba de Nigeria. Es el

agbe

, que en algunas comarcas limítrofes con Chad y Camerún puede aparecer con este nombre.

AIFF: Sigla procedente del lenguaje informático y relacionada con el proceso de la creación musical (entorno Macintosh). Se refiere a un formato estándar de archivo, destinado a recibir y guardar información de audio.

Air à boire: En francés (aire de beber). Se refiere al símbolo báquico del“brindis” 3. Es una composición musical breve y animada, para una sola voz con acompañamiento de cuerdas, sujeta a un ritmo alegre y acompasado. Las letras, inspiradas en la bohemia romántica del siglo XIX, son similares a las populares chansons à boire. Se dice cuando el cantante requiere la atención de los espectadores antes de iniciar su actuación: "boire les paroles de quelq'un" (estar pendiente de los labios de alguien).

Air de baryton:

Denominación típica de la ópera gala. Significa

aria de barítono

. Se refiere a una pieza vocal, especialmente destinada a la tesitura de esa voz.

Air de cour:

En francés (

aire de corte

).

Aire

cuya letra está inspirada en las canciones cortesanas del siglo XVII.

Aire: Del griego (aéros). Composición musical corta y de estructura libre, cantada por un solo intérprete. El término también puede indicar el grado de lentitud o celeridad con el cual se debe interpretar una composición musical, tomando como ejemplo a un tipo determinado de melodía cuyo tempo puede servir de modelo. Entonces, se le puede llamar específicamente: aire de carácter o aire de estilo, porque la composición debe adoptar un tempo especial y responder a las características de un estilo musical determinado. Por ejemplo: aire de bolero, aire de minué, etc. Las indicaciones de graduación más usuales son: aire lento, aire moderado y aire vivo. La alteración gradual de dichos movimientos se escribe utilizando distintos términos musicales italianos, como: affretando, stringendo, morendo o calando. Todas estas palabras aclaratorias se indican en la partitura, junto a la clave o bien, en el lugar exacto donde debe empezar a aplicarse. En italiano se dice "alla" (con el aire de).

³ ¡Á boire! es una expresión francesa equivalente al dicho de origen alemán "ich bring dir's" (brindis), voz universal interpretada como un ofrecimiento de beber por la felicidad o la suerte de alguien.

¡Aire!:

Interjección. Voz de coordinación teatral. Es el aviso que da el traspunte indicando a los actores o cantantes de ópera que comienza la función y que se va a levantar el telón.

Aire de Huelva:

Denominación tradicional del

fandango

. También en el cante y el baile flamenco se llama aire a las melodías típicas una comarca o ámbito geográfico.

Air en rondeau: Voz de la grand-opéra francesa. Significa "aire cantable al estilo del rondó". Es lo mismo que en italiano "aria in rondo". Una variante musical que en los siglos XVIII y XIX se empleó especialmente en la composición lírica. Destaca en la aplicación de esta particularidad combinada la obra de Jean-Philipe Rameau (1683-1764).

Aires: Danza de movimiento vivo, tradicional desde el siglo XIX en el folclore musical de Argentina. Se baila en parejas independientes, separadas y marcando el ritmo con castañetas. Su área de difusión comprende particularmente las provincias del norte y oeste del país. La coreografía presenta galanteos y relaciones, como ocurre con otra danza de la misma procedencia y forma de paso, denominada gato. Durante el transcurso de la danza, el hombre simula galantear a la dama, acompañando sus giros y siguiendo sus evoluciones hasta lograr la aceptación en la parte final, conocida con el nombre de coronación. Las relaciones -tanto del hombre como de la mujer- se declaman, sin el acompañamiento de la orquesta.

Air sérieux:

En francés (aire serio o melodía formal). Su ambiente es opuesto al de la música alegre (estilo

bouffe

).

Air spirituel: En francés (aire espiritual o melodía sacra). Es una canción breve para una sola voz, con acompañamiento instrumental. Sus temas suelen ser de tipo religioso. El sentido amplio de la espiritualidad no siempre indica un aire severo. En francés "être spirituel" significa tener gracia para actuar o cantar.

Air vif:

En francés (aire vivo). Se emplea en las composiciones realizadas en un movimiento acelerado, especialmente en las danzas en tiempo alegre y vivaz.

Ais: La sostenido

en la terminología musical germana. Equivalente de

A sharp

en la solmisación inglesa y

la dièse

en la francesa.

Aisis: La doble sostenido

en la terminología musical germana. Equivalente de

A double sharp

en inglés y

la double dièse

en francés.

Aita: Cordófono folclórico de la República de Camerún. Existen varias versiones, distribuidas en distintas comarcas del país. Algunas tienen una forma vaga de arpa o lira. Pertenecen al repositorio folclórico de las etnias locales (bulú, yaundé, duala y mbum) que habitan en las vastas planicies centrales.

Aji: Aerófono de latón u hojalata estañada, que se suele emplear en el acompañamiento de las danzas folclóricas de Nigeria. Tiene un sonido agudo y penetrante. En el interior del país existen conjuntos musicales, integrados por niños, hábiles en el uso de este instrumento.
¡Ajujú!: Exclamación de júbilo. También se dice ¡ijujú!. Se canta a modo de estribillo. Suele acompañar algunas canciones populares españolas, especialmente en la región de Asturias.

Axabeba:

Flauta morisca del siglo XIV. La cita el Archipreste de Hita

⁴

. Es un término que proviene del árabe (

axabebe

). También aparece escrito

ajabeba

.

Ajustada (vocalización): Se llama así cuando el cantante se ajusta a la exacta entonación que requiere una determinada composición musical, en acuerdo con la tesitura de los instrumentos musicales.

Ajustada (ejecución instrumental): Interpretar una composición musical sujetándose con exactitud al compás indicado en la partitura y a todas las modificaciones o accidentes señalados en la misma.

Akadinda: Instrumento étnico de África occidental, perteneciente a la familia del balafón. Es una variedad de xilófono popular, que se distingue por su tamaño voluminoso. Bajo las tablillas de percusión -que configuran una escala rudimentaria- se dispone una serie de resonadores fabricados con calabazas secas de diferente tamaño. Su forma es tradicional en la República de Uganda, aunque también puede aparecer con distintos nombres en Sudán, Congo, Sierra Leona, Etiopía, etc.

Akogo: Variedad de guimbarda de la República de Uganda. África central. Es un curioso instrumento que pertenece a la serie de los vibráfonos. Existe una gran diversidad de formas y materiales. Tal vez tantos como la imaginación del artesano pueda crear. Los más comunes poseen unas laminillas flexibles de fibra vegetal, sujetas sobre una suerte de caja armónica de madera, que resuenan al ser presionadas y soltadas.

Akpwon: Cantante folclórico que desempeña la función de solista en la música yoruba de la isla de Cuba. Su canto individual suele interpretarse en contrapunto con un coro al que acompañan instrumentos y sonidos tradicionales (idiófonos atchetes, sonajas o güiros, tambores bata, campanillas agogó; etc.).

Aksak:

Ritmo popular del pueblo búlgaro. Es una figura bastante usual en la música tradicional de los Balcanes.

Alabado (estilo motete): Melodía de carácter religioso, con forma de cantilena, que tuvo amplia difusión en varias regiones de España durante los siglos XVIII y XIX. Con posterioridad pasó a Hispanoamérica, donde adquirió una cierta peculiaridad vernácula, sin perder su condición original de música religiosa. Esto ocurrió particularmente en Honduras, Guatemala y parte del sur de México (Tapachula, Tuxtla, Oaxaca, etc.). En la actualidad, el alabado se canta durante las fiestas populares que celebran las colectividades indígenas y mestizas, integrando el grupo de composiciones folclóricas inspiradas en ciertas tradiciones religiosas, como el culto de la Virgen y el Santísimo Sacramento. Como su nombre lo indica, es un canto de alabanza que se compone básicamente en el ritmo de 4 x 4 y sobre la forma tradicional del contrapunto. El argumento se lleva a cabo mediante la alternancia sistemática del coro y la actuación de un cantante individual. Las estrofas del alabado van desarrollando una serie de temas sacros, que canta el solista a modo de pregunta y que responde el coro de una manera parecida a la forma tradicional del canto llano. Dentro de las melodías populares navideñas, existe una versión del alabado que procede de la misma capital de Guatemala -ciudad fecunda en este tipo de arte musical- y que pertenece al conjunto denominado del folclore espiritual indoamericano, con una innegable influencia de mitos ancestrales y leyendas de origen prehispánico.

⁴ Juan Ruiz, "Archipreste de Hita" (c. 1283-1350). Op. ref. "De cómo clérigos é legos é frayres é monjas é dueñas é joglares salieron a recebir á don Amo"; "Libro de buen amor (1343)".

Alabado (canto popular): En Argentina y Chile forma parte de las tradiciones folclóricas. Era una composición que cantaban los serenos nocturnos al llegar el día, y los centinelas antes de regresar a los cuarteles después del toque de clarín.

Alabu-sarangi: También llamado sarangi. Es una variedad de violín artesanal, originario del norte de la India y Pakistán. Como se trata de un instrumento étnico, sus características no responden siempre a una exacta normalización, por lo tanto existen numerosas versiones con pequeñas variantes estructurales y nombres diferentes. Básicamente, el alabu-sarangi posee cuatro cuerdas de tripa que se extienden sobre un robusto diapasón oblongo y hueco- que alberga en su interior hasta once cuerdas simpáticas, con sus correspondientes clavijas. Esas cuerdas libres se anudan a un cordal ubicado en la base del violín y se introducen en el cuerpo del diapasón pasando por unos agujeros dispuestos a tal efecto en línea diagonal. Las cuatro cuerdas fijas poseen un puente móvil y un amplio clavijero con grandes pernos de ébano. Tanto la caja de resonancia, como el mango y las clavijas, presentan elaborados adornos de ebanistería e incrustaciones de nácar o hueso. Para tañer este instrumento se emplea un arco de crines de caballo. El ejecutante debe sostenerlo en forma vertical.

Al aire: Indicación de afinación de los instrumentos cordófonos. Se refiere al sonido básico o natural que se obtiene sin pisar las cuerdas. En la ejecución de la guitarra equivale a quitar la cejilla. También se suele escribir la forma italiana (vuoto=vacío).

Alalá: Voz onomatopéyica que remeda en forma somera la modulación de una melodía. Es el nombre de un canto típico del noroeste de España (Lugo, Orense, Pontevedra, La Coruña, Asturias, etc.).

Alba: Composición musical típica de la Edad Media. Se ejecutaba con acompañamiento de laúd y tenía un carácter romántico o melancólico. Fue un tema tradicional de los trovadores del siglo XIV.

Albada: También llamada alborada o serenata del amanecer. Tiene lugar al despuntar el día en algunas regiones de España e Hispanoamérica. Es una costumbre musical, inspirada en antiguas tradiciones populares.

Albazo: Expresión musical típica de Ecuador. Significa "música que se ejecuta al amanecer". Es una variedad tradicional en el folclore local. En la costa ecuatoriana del Pacífico (Guayas, Manabí, Esmeraldas) existe una versión que se interpreta mediante el rasgueo de un conjunto esencial de guitarras, con un somero acompañamiento de instrumentos de viento y percusión.

Albogue: Voz derivada del árabe (alboc=flauta). Es un aerófono pastoril, especie de clarinete doble, con la embocadura de madera o hueso y doble pabellón de asta de toro. En el folclore musical del país vasco se conoce un instrumento idéntico, llamado alboka. Aunque se pueden apreciar ligeras diferencias en cuanto a las medidas, la forma de construcción y el sonido, es evidente la íntima relación entre estos instrumentos, cualquiera sea su origen. Existen ejemplares que proceden del sur de España o Portugal y los hay también en algunos pueblos de Galicia. Todos poseen dos tubos de caña o de madera -en forma de cuna- con cinco o seis orificios, dispuestos en doble línea, que el ejecutante debe digitar con ambas manos hasta obtener una escala rudimentaria. Fue en la antigüedad el instrumento predilecto de poetas y bardos.

Alboguero: Músico experto en el arte de tañer el albogue. Antiguamente eran los poetas y rapsodas quienes empleaban este popular clarinete pastoril como instrumento de intermedio y para el acompañamiento de sus actuaciones.

Albogues: Instrumento de percusión directa, procedente de los antiguos cymbalum=platillos. (Se usa en plural). Son dos discos de latón, con unos 30 cm de diámetro, ligeramente cóncavos en su cara interna y provistos de asas de cuero. Se empleaban en las bandas como complemento del timbre grave y rotundo de los grandes tambores. Fue un elemento sonoro tradicional en las fiestas populares de algunas provincias de España.

Albogón: Flauta dulce o de pico, de origen remoto, utilizada por los árabes en el acompañamiento de canciones y danzas populares. Es un instrumento aerófono distinto del albogue. Su tubo aéreo mide casi un metro de largo y consta de siete agujeros, obturables con los dedos. Por su sonido grave, servía como bajo continuo en los conjuntos de flautas. Una variante del albogón, usual en la antigua Roma, dio lugar al desarrollo de la actual cornamusa.

Alboka: Cuerno de pastor con sonido de clarinete. También llamado albogue, aunque existen distintas versiones, antiguas y modernas Es un instrumento étnico, especie de flauta rústica, muy popular en el acompañamiento de danzas y bailes tradicionales del país vasco. El alboka está formado por dos cañas paralelas, unidas con hilo y cera. Los tubos presentan una serie de tres y cinco orificios respectivamente. Tiene una forma de asa semicircular para sostenerlo mientras se tañe. En un extremo de las cañas está la embocadura y en el opuesto las dos trompas de cuernos de toro, denominadas resonadores. En Francia se lo conoce con el nombre de alboguet. Con distintas variantes constructivas, el alboka o albogue forma parte del folclore regional de varios países.

Alborada (serenata del amanecer): Es una costumbre tradicional en algunas regiones de España, que tiene lugar durante las fiestas populares o con el objeto de un agasajo personal. Se realiza al aire libre y al despuntar el alba. En Asturias llevan este nombre unas típicas composiciones, en ritmo de marcha, escritas para gaita. Estas versiones presentan un estilo similar a los tradicionales pasucáis (pasacalles). Como en el caso anterior, su objeto era despertar a los vecinos en los días de fiesta para que acudan a las celebraciones. Antiguamente, los ejecutantes recibían como obsequio una hogaza de borona 5 y una jarra de leche. En el folclore musical típico de Asturias existe una gran cantidad de ejemplos ("Alboradas de paxarín", "Alboradas de Maquilo", "Alboradas de Amandi", etc.). También se puede utilizar el término albada, aunque es menos usual.

Alborada (toque militar): También se denominaba así al sonido clarinero, correspondiente a la llamada de primera hora, que se ejecutaba en los cuarteles al amanecer.

⁵ Pan de mijo o maíz, recién salido del horno.Alborea:

Composición vocal e instrumental de origen popular. Es de tipo melancólico y pertenece a un grupo de danzas y cantos del folclore regional de Andalucía.

Aleado:

Término poco usual en la actualidad, Su significado equivale a

mordente

. Puede aparecer en algunas referencias o manuales anteriores al siglo XX.

Alegoría: Figura literaria que se manifiesta particularmente en el canto operístico. Ocurre cuando un vocablo determinado hace referencia subliminal a otra idea más profunda, y en muchos casos, distinta a su propia acepción. El significado básico del término se denomina notación y la idea alegórica o alusiva que representa es la connotación. Como estilo poético, la alegoría forma parte esencial del simbolismo literario.

Alegrías: Grupo de danzas y cantos pertenecientes al folclore regional de Andalucía. Como lo expresa su nombre, tanto la forma musical como el conjunto de pasos y movimientos coreográficos expresan la enjundia y el colorido de la fiesta gitana.

Alemanda: Danza popular germánica, de compás binario y tempo moderato, aparecida en el anecdotario musical a mediados del siglo XVI. Su nombre proviene del francés allemande. A principios de la centuria siguiente adquirió carta de nacionalidad bajo la corte de Brandeburgo, destacando entre las demás danzas por la originalidad de su coreografía. Poco después se incorporó a la suite como un elemento orquestal, sustituyendo al preludio, o sucediéndolo en algunos casos. La alemanda integra varias suites de Rameau, Corelli, Bach y Händel. Las versiones originales, que al principio eran sólo bailables, datan del 1600. Una de las características salientes de este tipo de composición es la forma de anacrusa, con la cual comienza siempre su melodía.

Alfabeto musical: Fórmula literal, empleada en la notación sistematizada de los sonidos. En la antigua Grecia se utilizaban 24 letras, que servían para indicar los tonos, los semitonos y los cuartos de tono. Esa forma de memorización alfabética, ya había sido empleada en el siglo II d. C. por el musicólogo heleno Arístides Quintiliano ⁶. Para ello, denominó las primeras diez notas de la escala con las diez letras iniciales del alfabeto griego. En la denominación de las notas musicales correspondientes a las partes cantadas se empleaba el alfabeto vocal, aplicado en sentido directo y progresivo (alfa, beta, gama, delta, epsilón, etc.). En el caso de la notación para los instrumentos de cuerdas y de viento, como la lira y el corno, se empleaban las letras del alfabeto en el sentido inverso, es decir, comenzando por la última (omega, psi, ji, fi, etc.). Los acentos musicales -agudos y gravesse indicaban respectivamente mediante una pequeña elevación o disminución del tono. El acento circunflejo era aplicable sólo en las vocales largas, respetando siempre la elevación y el descenso del tono. Esa técnica fue utilizada más tarde por los romanos. El filósofo y teórico musical Boecio, propuso una forma de notación alfabética consistente en la utilización de quince letras, equivalentes a otros tantos sonidos escalados ⁷. En tiempos del Papa Gregorio Magno, se adoptó la manera de notación de Boecio, pero reduciéndola a las siete notas fundamentales. En la India y otros países de Oriente también se emplearon códigos de letras, tomados de sus propios alfabetos.

⁶“Tratado de Música”. Publicado en 1652. Capítulo“Historia de la música y los músicos de la antigüedad”. ⁷ Boecio, Anicio Manlio (c. 470-524): Ejemplos de notación boeciana en el siglo XI: “Manuscrito de la Abadía de Jumièges”; “Antifonario de Montpellier”; “Oficio de san Tubiago”.

Alfandoque: Idiófono folclórico de Colombia. Es una sonaja cilíndrica de tallo de bambú, rellena de semillas secas, que se usa en el acompañamiento rítmico de ciertas melodías populares como la cumbia y la guabina. Suena más suave que la maraca común.

Al fine:

Vocablo italiano. Significa: "hasta el fin". Es una indicación de ejecución. Aclara que una melodía debe seguir en un tono determinado hasta el final.

Alghaita: Oboe africano, de factura rústica y bella sonoridad. Los ejemplares más usuales tienen cuatro orificios de digitación. Parece la copia de un antiguo aerófono, llamado zourna, o zurna, por los árabes. Es el mismo instrumento que el típico algaita caribeño. Posiblemente llevado al nuevo mundo por los esclavos negros, donde mantuvo su nombre original, con un ligero cambio de fonética. Este oboe procede de la región africana del golfo de Guinea (Togo, Nigeria, Benin [ex-Dahomey], Camerún) y su área de difusión se extiende hasta las riberas del lago Chad. La embocadura, provista de una lengüeta doble, tiene un bisel metálico de latón u hojalata. El cuerpo, que en algunos ejemplares es de caña y en otros de madera dura, se acostumbra forrar con cuero.

Algoza: Flauta de Bengala, parecida a un flageolet, con el cuerpo ligeramente cónico, pico aguzado y siete orificios. Se tañe en posición vertical. También puede aparecer escrito algosah.

Alhambrismo sinfónico: Estilo de música sinfónica inspirado en las tradiciones poéticas y melódicas del Alhambra de Granada. El fondo argumental del alhambrismo gira casi siempre en torno a la idea que brindan las escenas ambientadas en los jardines andaluces. Existen notables documentos sonoros de este tipo, procedentes del Patrimonio Musical de Andalucía y su importante Centro de Documentación. Entre los compositores del siglo XIX, bien compenetrados dentro de esta tradicional corriente estética y sonora, puede XIX, bien compenetrados dentro de esta tradicional corriente estética y sonora, puede 1923) y Ruperto Chapí (1851-1909). Ya más recientemente destacan obras de gran envergadura, inspiradas en el estilo original, como la serie“En la Alhambra”, que contó con la actuación de la Orquesta Sinfónica Ciudad de Granada. Otras grabaciones representativas de esa forma, inspirada en escenas andaluzas, se deben a las celebradas actuaciones de la Gran Orquesta Sinfónica, dirigida por Ataúlfo Argenta (1913-1958).

Al loco: En italiano (a su lugar). Indicación de ejecución que se escribe en las partituras para señalar el cese de todas las alteraciones en las notas que hubieran sido ordenadas con anterioridad.
Alma (expresión coloquial): En música se dice que tiene "alma" la composición poseedora de una fuerza interior que se transmite al oyente a través de la modulación melódica, la calidad del timbre, la perfecta armonía y el sentido descriptivo.

Alma (pieza estructural): Parte de la caja armónica del violín y otros instrumentos de su clase, consistente en una varilla cilíndrica, de madera de pino o abeto, que une la tapa con el fondo. Este implemento se coloca a presión y sin adherir con cola, justo bajo las cuerdas agudas. Permite reforzar la caja frente a la presión de las mismas. Además, sirve para mantener el equilibrio acústico, distribuyendo las vibraciones internas del instrumento. Bajo las cuerdas graves se coloca otra pieza, denominada barra. En el violín, la presión del puente, con las cuatro cuerdas bien tensas, puede superar los 28 kilogramos.

Alpenhorn: Nombre de un instrumento folclórico de viento, también conocido como trompa de los Alpes. Este vocablo es una conjunción abreviada en alemán (Alpen=Alpes/horn=corno o trompa). También puede aparecer escrita la forma reducida "Alphorn". Consiste en un largo tubo de madera terminado en una campana o pabellón fabricado con asta de buey. Es popular en Suiza y Alemania, donde conserva un carácter festivo y tradicional. Antiguamente lo utilizaban los pastores montañeses para comunicarse a través de los valles alpinos. En la actualidad, también se emplea en el acompañamiento musical del ranz, una melodía típica de la región. El sonido es grave y profundo, similar al de la tuba. Puede considerarse un equivalente montañés del lituus de los antiguos romanos.

Al rovescio: Locución italiana que equivale a recurrencia o motivo retrógrado. Se trata de una de las formas de contrapunto, consistente en la imitación de una frase melódica, pero cantada al revés. Es usual en la salmodia de la música gregoriana. Por ejemplo, cuando la expresión inicial entona una frase, el contrapunto responde con otra que contiene las mismas palabras ordenadas a la inversa.

Al segno: Llamada de ejecución en italiano. Significa "hasta el signo" y sirve para señalar que una melodía debe continuar en un tempo determinado hasta llegar al signo que indica el comienzo o final de una repetición.

Alteración: Variación en el valor de las notas musicales, que se indica mediante una serie de símbolos, como el sostenido, el bemol, el becuadro, el doble sostenido, el doble bemol, que suben o bajan el tono de los sonidos. Cualquier nota se puede alterar de manera ascendente o descendente. Las alteraciones se hicieron necesarias debido al cambio de la escala heptatónica al sistema tonal clásico y también por la creación de la escala cromática. En algunos tratados aparece la denominación accidente, que es igualmente correcta.

Alternatim: Instrumento musical del siglo XVI. Se trata de un órgano portátil y de pequeño formato, que se podía desplazar en la zona del coro, ubicándolo junto a los cantantes, con el objeto de acompañar y realzar la interpretación vocal. Es uno de los antecedentes del acompañamiento en concertino, que tan bellos efectos tiene en la interpretación de ciertas arias de ópera.

Alternativement: Vocablo francés. Se utiliza en música para señalar la existencia de una serie de pasos alternados en el desarrollo de la melodía. Proviene de una indicación de ejecución, usual en la coreografía de ballet, que sirve para requerir la repetición de un determinado movimiento de danza. En la opera-ballet, ciertos pasos espectaculares suelen repetirse después de una interpolación instrumental, recitativa, o de otro tipo. En estos casos, las actuaciones de los bailarines, dibujando figuras en el ámbito del espacio escénico, tienen el mismo efecto insinuante que el propio motivo musical.

Alternancia: Correspondencia eufónica entre dos sonidos o grupos de sonidos. Ocurre especialmente en el contrapunto. En la mayoría de las expresiones polifónicas se halla presente la figura de la alternancia. Es una forma de equilibrio sonoro entre las partes simples o individuales y las compuestas o grupales.

Althorn: Denominación germana del aerófono conocido en las bandas con el nombre de onnoven. La forma de afinación más corriente en este instrumento transpositor es althorn in Es, o sea, en mi bemol. Los músicos británicos lo llaman bugle-horn in E flat y los italianos fiscorno alto in bemol.

Altilocuencia: Forma de expresión con apariencia de gravedad y ostentación. Del latín (altus poquens=hablar con grandeza). Se aplica a las partes recitativas de la ópera dramática y en la escena corresponde a personajes de edad madura que representan títulos, altos cargos o dignidades eclesiásticas.

Altisonancia: Canto operístico dotado de una gran sonoridad. De la misma forma se emplea el vocablo "altitonante". Este último también aparece como metáfora para indicar que suena una tempestad y en el cielo retumban los truenos.

Alto (categoría de voz): Palabra derivada del latín (altus). Es el nombre que se daba antiguamente a la cuerda de contralto. De acuerdo con los parámetros físicos, esta voz está ubicada en una categoría equivalente o similar a la del contratenor. Dentro de la escala de los tonos vocales, corresponde a la tesitura que se encuentra una octava sobre la del bajo. En algunos países, como Rumania, se sigue utilizando este término.

Alto (instrumento): Nombre que antiguamente se daba a la viola, cordófono perteneciente a la familia de los violines. Actualmente se sigue utilizando en inglés, francés e italiano. La acepción en castellano es poco utilizada. También puede aparecer citada con el nombre de violalto.

Alto-bajo: Del italiano (alto-basso). Instrumento musical de cuerdas percutidas, parecido a una cítara, que estuvo en uso durante los siglos XVII y XVIII. Se componía de una caja de resonancia oblonga sobre la que extendía una cantidad variable de cuerdas de tendón o metal. Para tañerlo se empleaba una baqueta, parecida a un pequeño martillo, que golpeaba directamente sobre las cuerdas. La escala melódica, denso y semigrave, de este instrumento solía acompañarse con las cristalinas sonoridades del pífano.

Alto-viola: Ejemplar agudo de la familia de las violas, equivalente a la tesitura de contralto. También llamada quintón o tenor-violín. Posee cuatro cuerdas (do-sol-re-la), que se afinan a la quinta del violín, de allí su sobrenombre de quintón.

Altra volta:

En italiano, significa "otra vez". Pedido de repetición de un pasaje musical. Es lo mismo que

da capo

.

Altura: También llamada frecuencia, es uno de los componentes esenciales del sonido. La altura se corresponde con la mayor o menor frecuencia vibratoria de las ondas sonoras dentro de un determinado espacio de tiempo. Cuanto más rápida sea esa frecuencia y mayor el número de las vibraciones, más agudo será el sonido. Y a la inversa, cuando el sonido es más grave, se debe a que las vibraciones son más lentas. Esta propiedad física del efecto sonoro se denomina tono. El oído humano puede percibir entre 16 y 38.000 vibraciones. Los otros componentes esenciales del sonido son: la duración, el punto de origen y el timbre.

Altura definida (fija): En música se llama así al tono de los instrumentos que suenan en una nota fija, generalmente determinada por la consistencia del material con que fueron fabricados (campana, triángulo, crótalos, címbalos, cencerros, platillos, castañuelas, etc.) y en general, todos los cuerpos sonoros dispuestos en juegos o combinaciones cromáticas de una octava o más.

Altura definida (por afinación): En cierto modo, la mayoría de los instrumentos de teclado tienen una altura definida para cada nota. El procedimiento de la afinación permite mantenerla constante. Esto se ajusta también a la altura básica de la mayoría de los instrumentos de viento (maderas y metales). En las versiones actuales de algunos instrumentos de percusión, de altura indefinida pero técnicamente evolucionados -como los modernos timbales de la orquesta sinfónica- es posible realizar una afinación bastante precisa, que los transforma en instrumentos de altura definida.

Altura indefinida: Es la que determinan las vibraciones de muchos instrumentos, cuyo sonido resulta imposible de encuadrar en una altura exacta. (tambores étnicos, tamboriles, bombos legüeros, cajas redoblantes, panderos, tumbadoras, etc.). Esas variaciones imprevisibles se deben a diversos motivos, como el ajuste de los tensores, el material de la membrana o la humedad ambiental, etc.

Al unísono: Del italiano (all'unisono=unisonancia). Es una indicación de ejecución que suele utilizarse en las partituras generales, dedicadas a la ejecución orquestal y también en las que utilizan los cantantes. Se refiere a la coincidencia de dos o más sonidos en el tiempo y en las vibraciones. La unisonancia puede proceder tanto de instrumentos con la misma tesitura, como de las voces de los cantantes que intervienen afinadamente y en concordancia.

Alusión: Figura literaria usual en el texto de los libretos de ópera, a través de la cual se sugiere una idea sin nombrarla expresamente. La alusión, perteneciente al grupo de imágenes que encierran la alegoría y el simbolismo, es un tipo de metáfora enigmática, donde el concepto del término aludido debe estar formado por uno o varios elementos comunes. En el acto primero de la ópera Tannhäuser, de Wagner, el joven pastor alaba en forma alusiva la llegada de la primavera, tras el paso del invierno:

"...Luego caí en un dulce sueño y,
cuando desperté el sol brillaba alto,
Comprobé que mayo había llegado.

Y ahora, toco alegremente mi flauta. 8¡Mayo ha llegado! ¡Mi mayo querido!...”

Alzamento: Voz italiana relacionada con la interpretación pianística. Aparece en las particellas indicando el cruce de manos sobre el teclado. Se trata de una difícil técnica de ejecución, que requiere largas prácticas y un gran dominio del teclado. Suele escribirse con la abreviatura "alz".

Alzar: También se dice elevación. Es el movimiento que el director de orquesta hace con la mano hacia arriba. Su objeto es marcar el tiempo débil de un compás. La acción opuesta a este movimiento se llama dar, normalmente precede a la elevación y se utiliza para señalar el tiempo fuerte.

Alzate: Orden de ejecución para piano, en italiano. Significa que debe mantenerse presionado el pedal derecho para que mantenga alzado el apagador de las cuerdas (sordina). Con el mismo sentido aclaratorio, en la partitura también se suele escribir senza sordino (sin sordina).

Alzavoz:

Vocablo musical antiguo. Su símbolo era la letra “A”. Se utilizaba en los antifonarios para señalar el punto exacto donde debía elevarse el nivel de la voz.

⁸ Libreto de Richard Wagner: "Tanhäusser y el torneo de cantores de Wartburg". Ópera romántica en tres actos. Versión de Dresde, 1845. Adaptación francesa, 1861. El joven pastor (voz de soprano).

Alla o All':

Acotación comparativa. Significa "con el estilo de" o "a la manera de".

Alla breve:

Indicación de movimiento que va asociada al carácter de un

tempo

. Señala que el movimiento de la interpretación musical debe ser acelerada al máximo.

Alla Marcia:

(A la manera de las marchas). Con el

tempo

y el

ritmo

propios de la música militar.

Alla Palestrina: Indicación referida a un estilo de composición musical semejante al polifónico vocal del siglo XVI. Esta forma sirvió de inspiración en la composición de algunas óperas cuyos libretos abordan motivos morales o religiosos. En su modalidad diatónica, la forma Alla Palestrina se interpreta a cuatro voces, a la manera moderna de la música de capilla, sin acompañamiento ni cromatismos. Existe una ópera del mismo nombre. Se trata de una leyenda musical en tres actos, compuesta por el músico alemán Hans Pfitzner (1869-1949), con libreto propio, estrenada en Munich en 1917. Para crear esta obra, Pfitzner halló su inspiración en la tradición que habla de la salvación de música eclesiástica, recuperada por el gran músico italiano Giovanni Pierluigi Palestrina.

Alla Pollacca:

Indicación de

tempo

. La melodía debe recoger la inspiración o un aire similar al de las

polonesas

.

Allargando: Término italiano (allargare=ampliar, expandir). Es el paso de un tiempo normalmente rápido a otro que no lo es tanto. Ejemplo: tempo allegro molto vivace (movimiento acelerado al máximo) que tras un breve compás de espera (tempo regiato) pasa a tempo moderato (despacioso, con cierta lentitud).

Alla zingarese: Forma típica de la interpretación instrumental, acompañada de danzas y golpes de manos, a la manera de los gitanos de Hungría. Melodía típica de la región balcánica.

Allegretto: Indicación de tiempo. Viene del italiano (con moderada alegría). Significa que la melodía debe interpretarse con animación y movimiento fluido, pero sin exagerar. Esta indicación de tempo suele escribirse con la abreviatura "Alltto". Aunque es más usual la palabra italiana, también es aceptada la forma castellanizada “ alegreto”.

Allegro: Señala el ritmo de la melodía, que debe ser bastante rápido y alegre. No obstante, su significado estricto se acerca más al sentido de la emoción que al de la rapidez. El tiempo inicial de las sonatas o sinfonías suele estar compuesto en esta forma. Allegro es un vocablo italiano que también se emplea para denominar las composiciones musicales que permiten su ejecución con cierta velocidad, porque expresan un estado de ánimo relacionado con la felicidad. Como en el caso anterior, el tempo allegro puede aparecer abreviada con el símbolo "Allº" y también se acepta la forma castellana“alegro”.

Allegro appasionatto:

Indicación de

tempo

. Significa rápido, con pasión y euforia.

Allegro ma non tropo: Tempo

rápido, igual que el anterior, pero sin agitación.

Allegro molto: Más acelerado que el tempo allegro. Un ejemplo interesante y especialmente didáctico -respecto a la aplicación justa del tiempo allegro molto- puede escucharse en la “Sonata para violín Opus 12 Nº 3, en mi bemol mayor” de Ludwig van

Beethoven. Esta bellísima pieza (compuesta en 1798 y dedicada al Maestro Antonio Salieri) consta de tres partes. Comienza en la tonalidad de Allegro con spirito; prosigue con un breve intermedio, escrito en Adagio con molt’espressione y concluye con un Rondo in Allegro molto, que pone la nota brillante a una sincronizada sucesión de cromatismos sonoros.

Allegro molto vivace:

Tiempo aún más acelerado que el anterior y dotado de una gran vivacidad.

Allegro vivace:

Sugiere un tiempo que debe ser bastante rápido y vivaz, aunque no demasiado agitado.

Allemande: Denominación francesa de la danza alemanda. En Inglaterra se la conoce por su adaptación fonética (almayn). Consta de dos partes con reiteraciones mesuradas, mientras su equilibrio tonal pasa alternativamente de tónica a dominante y viceversa. Por la armonía del compás binario y lo moderado del tiempo forma parte de la suite clásica.

Allentando:

Se escribe así cuando el tiempo de una melodía debe ir volviéndose lento, de manera paulatina.

All'ongarese: Al estilo de las danzas tradicionales de Hungría. La "danza kisvardesa" es una forma folclórica que se interpreta con vistosos trajes regionales y una bella coreografía, a la que también se conoce con el nombre popular de "danza all'ongarese” (a la manera húngara). Tanto las composiciones para ejecución instrumental, como las danzas populares campesinas de la región oriental de Szabolcs-Szatmar, al sur de los Cárpatos, reciben una notable influencia de la música folclórica ucraniana.

All'ottava: Forma de interpretación instrumental en la que se producen octavas. Esta técnica, que se conoce con el nombre de octaveo, se logra mediante una serie rápida de arpegios, haciendo sonar en primer lugar la nota que aparece escrita en el pentagrama y a continuación, la octava superior. Los instrumentos de cuerdas mejor adaptados para la realización de pasajes all'ottava son el piano y el violín. Con los instrumentos de viento resulta más difícil lograr este efecto, siendo la familia de las flautas la que permite obtener las notas más brillantes y de bella sonoridad.

Amabile: En el canto de ópera, es un tono de voz tranquila, afable, acompañada de una gestualidad coherente, que pone de manifiesto las características escénicas de un diálogo afectuoso entre dos o más personajes. No es muy corriente que este tipo de escenas tenga lugar en la ópera, donde todo es energía y dramatismo. Esta forma de canto se puede apreciar en varias escenas de la comedia musical en tres actos "El caballero de la rosa" (Der Rosenkavalier) de Richard Strauss (1864-1949). Esta ópera, basada en un libreto del escritor Hugo von Hofmannsthal, hace girar las circunstancias del argumento en torno al trato galante entre los personajes femenino y masculino. Posiblemente, la relación entre el sentido de la letra y el simbolismo de la melodía, esté dado en la versión estrenada en 1968 en la Ópera Estatal de Viena, bajo la dirección musical de Leonard Berstein. La actriz y cantante Lotte Lehmann (1888-1976), una de las figuras líricas preferidas de Strauss, fue de manera constante y durante mucho tiempo, la mejor intérprete del papel de Octavian, el galante personaje principal, cuyo amor por la joven Sophie, triunfa finalmente sobre los equívocos y enredos del intrigante Valzacchi. La obra finaliza con un impresionante dúo que une el destino de ambos amantes en una de los más bellos ejemplos del canto amabile. Ámbito: Del latín (ambitus=circunscripción, espacio). Segmento de la escala musical comprendido entre dos sonidos que lo limitan. Es la extensión de cada tono o modo. Por ejemplo: el ámbito de los instrumentos llamados tenores es equivalente -por relación- con la tesitura de tenor en la voz humana.

Amebeo: En la terminología literaria -aplicable al estudio del libreto de ópera- se llama así a la estructura del texto en la que los parlamentos se colocan alternativamente en boca de varios cantantes, que van actuando de manera sucesiva y estableciendo un diálogo fluido entre los personajes. Esta forma lírica tiene su origen en el teatro de la Grecia clásica. Reaparece en el siglo XVI con Garcilaso de la Vega. En poesía es usual ver esta forma en las églogas.

Amorebole: Como ocurre con la indicación de amabile, la aplicación del término italiano amorebole cubre un amplio aspecto de la interpretación vocal. Significa que el cantante debe emplear un tono amoroso y un verbo florido. Este tipo de canto, requiere una gran compenetración, no sólo por parte del intérprete, sino también por el instrumentista, que debe para dar la imagen musical de un sentimiento profundo que de repente surge a flor de piel.

Amphicordum: Nombre original latino de un instrumento de cuerdas del siglo XVII, también conocido como lira barberina. Tenía un sistema de 12 a 15 cuerdas, según el modelo y se parecía exteriormente al contrabajo. Tenía un sonido grave y penetrante, apto para el bajo continuo. Dejó de usarse a durante el transcurso del siglo XIX.

Amplificador: Del inglés técnico (amplifier). Equipo electrónico que permite aumentar la potencia, amplitud o intensidad de una señal de audio sin modificar perceptiblemente su forma de onda característica.

Amplitud:

Magnitud de una señal de audio en un instante determinado. La amplitud siempre es cambiante en comparación con el valor cero, también llamado nivel de reposo.

Anacaire: Tambor de gran tamaño, usado durante la Edad Media. Pertenece al grupo de los timbales. Durante los siglos XIV y XV, los escuadrones de caballería de varios ejércitos europeos, utilizaban estos instrumentos membranófonos por pares, montados sobre un arnés especial. Servían para indicar órdenes de marcha y marcar el paso de las cabalgaduras.

Anacoluto: Falta de coherencia sintáctica en la letra de un libreto teatral u operístico. Puede tratarse de un recurso del estilo. Se aprecia en las óperas naturalistas y en los ejemplos clásicos del verismo, donde los cantantes deben reproducir el acento del lenguaje hablado, llano y coloquial, evitando las formas elevadas o simbólicas de la poesía.

Anacrusa: Palabra de origen griego (ana=hacia arriba y krouéin=ejecutar un instrumento musical). Se trata de la nota o las notas musicales que en un ritmo determinado anteceden a la barra del primer compás, anunciando la proximidad de un tempo forte o vivace. Antiguamente se decía anacrusis. El sentido poético del vocablo se refiere al acto de elevación espiritual que surge de la música. Este rasgo sirve para señalar la notación inicial de una melodía.

Anacrusa integrante: Se denomina así cuando sus notas indicativas sólo forman parte como preludio de la línea melódica.
Anacrusa motriz: Se dice que la anacrusa es motriz cuando sirve para indicar un ritmo de carácter acelerado (tempo presto/prestissimo). En este caso, la indicación es aplicable a la totalidad de la expresión musical.

Anacrusa suspensiva: También se la suele llamar“anacrusa de suspensión”. Lleva cualquiera de estos apelativos cuando sólo comprende a las notas esenciales del ritmo al que preceden.

Anacrusis: En el drama lírico de la antigua Grecia se llamaba anacrusis a las sílabas secundarias, que en algunos versos precedían a la sílaba principal, cuando ésta iba acentuada. Su propósito más destacado consistía en la marcación del ritmo y en el efecto de contraste que producía con la entonación de los sonidos.

Análisis musical: Definición de la composición musical en todos sus aspectos. Permite valorar los elementos componentes y sus respectivas funciones dentro de la obra (ritmo, tonalidad, melodía, orquestación, temática, dinámica, etc.).

Anapale: Nombre de un tipo de composición para canto y danza, natural de la antigua Grecia. Acostumbraban interpretarla los jóvenes guerreros espartanos, golpeando sus lanzas contra el suelo y formando una serie de figuras coreográficas. Los romanos practicaban una danza similar, a la que llamaban tripudium, aunque su carácter no era guerrero sino festivo.

Anapesto (danza): Voz derivada del griego (ana=hacia atrás y paiein=golpear). Forma de danza rítmica antigua que avanza dos pasos breves y retrocede uno largo, desplazándose lateralmente.

Anapesto (métrica): Aparece como base rítmica en varias formas musicales de la antigüedad. En la poesía grecolatina se denomina de esta manera al pie compuesto por dos sílabas, con el sonido breve, más una sílaba con el sonido largo.

Anástrofe: Es la inversión del orden natural en las palabras de una oración. Esta figura sintáctica se emplea en la poesía lírica y en el libreto de ópera para adaptar el acento y el ritmo de los vocablos a una línea melódica predeterminada. Lo demuestra el siguiente ejemplo:

"...Consuélala, Otelo, 9Que de dolor se muere..."

Anata: Instrumento aerófono procedente del altiplano andino. Su sonido es dulce y melodioso, como el de la quena. El nombre anata (de origen quechua), empleado en toda la región noroeste de Argentina, sirve para señalar una variedad de flauta de pico. Construida en madera de una sola pieza, de unos 30 cm de largo y perforada en su longitud, cuenta con seis orificios que se obturan con los dedos. Existen anatas fabricadas con diferentes registros y tamaños que pertenecen al folclore musical de Perú y Bolivia, países donde también se la conoce con el nombre de tarka. Se suele ver a esta flauta formando conjunto con otros instrumentos típicos del folclore regional indoamericano, como la caja chayera y el bombo legüero. Las melodías tradicionales en las que intervienen estos grupos son el carnavalito y el huayño.

⁹ Personaje de Ludovico, en la escena octava del acto tercero de "Otello", ópera de Giuseppe Verdi, con libreto de Arrigo Boito. Traducción de Ángel Chiclana Almazán. Introducción de Arturo Reverter. Ediciones Cátedra/Expo '92, Sevilla - Madrid, 1992.

Ambira (idiófono): Instrumento musical de Mozambique (África). Esta versión pertenece al mismo grupo de idiófonos tradicionales que el koné, de Alto Volta y el kongoma, de Sierra Leona. El ambira mozambiqueño está compuesto por una caja de resonancia de madera y un sistema de lengüetas de corteza de palmera. En algunos ejemplares antiguos, las lengüetas se fabricaban con finas varillas de bambú. La caja contiene elementos sonoros, compuestos por pequeñas piedra o semillas secas, que resuenan al sacudirla. Es un instrumento similar a la marímbula tradicional en Cuba y otras islas del Caribe.

Ambira (xilófono): Aunque tiene el mismo nombre, se trata de un modelo diferente del anterior. Procedente de Etiopía, este instrumento popular pertenece a la familia de los balafones. Algunos ejemplares con este nombre tienen un teclado de tablillas de bambú, dispuestos en escala rudimentaria sobre un bastidor de cañas. Bajo las tablillas se dispone una serie de resonadores fabricados con calabazas vacías. Para percutirlo, se emplea un mazo de madera con la cabeza forrada en cuero.

¡Ancora piu!: Equivalente italiano del adverbio francés ¡encore!. Ambos vocablos provienen del latín (ad hanc horam=ahora). Es una exclamación elogiosa, usual entre los amantes del bel canto, cuyo significado vendría a ser: ¡ahora!, ¡de nuevo! u ¡otra vez!. Equivale a la interjección ¡da capo!, cuando se utiliza para solicitar la repetición una interpretación.

Andalusí: Denominación de carácter complementario que se suele aplicar al conjunto modal de la música árabe culta en el norte de África. Su estructura interna está configurada por cuatro modos esenciales: mezmoun, edzeil, djarka y ârap. Aunque cada modo demuestra su propio estilo y carácter, los cuatro poseen un origen común, nacido en las tradiciones musicales de la dominación islámica en la península ibérica.

Andante: Indicación de tempo. Debe ser un poco lento, es decir, con moderación. El compás del tempo andante se puede comparar con el movimiento de una persona caminando. La abreviatura común es "and.". El término también puede designar un determinado movimiento dentro de la composición de la sinfonía y la sonata.

Andante affettuoso: En italiano. Apéndice complementario del sentido de afecto en un pasaje musical cantable, con carácter moderado, pero dotado de una cierta gracia en los compases. Se emplea normalmente en escenas de ópera, donde los personajes narran sus vivencias personales en forma amable y distendida. También en manifestaciones líricas, impregnadas de vivencias sensibles y apasionadas, pero llenas de dulzor o ternura. Es un movimiento con acento esencialmente femenino.

Andante con moto:

Igual que el anterior. El

tempo

debe ser rápido y con cierta regularidad en los movimientos.

Andante maestoso:

También lo mismo. Movimiento moderadamente rápido, pero sereno y dotado de majestuosidad.

Andantino: Tempo alegre y distendido, algo más movido que el andante. Abreviatura: "Andino".
Andarele: Ritmo folclórico colombiano, también llamado andarete. Pertenece al grupo de composiciones musicales derivadas del popular currulao. Suele acompañarse con sonidos de percusión, particularmente el bombo, el redoblante, la marimba de chontas y los tambores cununos. Se conoce la existencia de una serie de composiciones parecidas, todas originarias de aquella zona (saporrondó, pangora, tiguarandó, etc.).

Angélica (cordófono): Antiguo instrumento de cuerdas, perteneciente al grupo de los laúdes. Tiene la caja de resonancia en forma de pera, con la base globular, un mástil provisto de 18 trastes, el clavijero inclinado hacia atrás y un complejo sistema de 17 cuerdas dobles.

Angélica (teclado): Nombre español de un instrumento de teclado del siglo XVI, perteneciente a la familia del clave. Las cuerdas se pulsan mediante el auxilio de plectros de cañón de pluma, que van unidos a pequeños martinetes accionados por las teclas. Todavía existen algunos en diversos museos. Tanto por la forma, como por el mecanismo sonoro, la angélica tiene bastante similitud con la espineta. En Inglaterra se lo conocía con el nombre de virginal.

Angkloung: Instrumento de percusión, tradicional en la isla de Java. Está formado por un marco de cañas finas, cuya estructura sostiene tres o cuatro cañas de bambú, más gruesas y cortadas a diferentes medidas, que resuenan al sacudirlas en forma coordinada. Los tubos de las cañas se llenan de agua hasta distintas alturas, con el objeto de obtener una somera variedad de sonidos escalados. Estos instrumentos, primitivos y a la vez complejos, suelen afinarse de acuerdo con una escala pentatónica -llamada slendro- que tiene los intervalos casi iguales. Existe una gran diversidad de tipos y tamaños, tanto en Indonesia como en Malasia. En el extremo suroeste de la isla de Java (Sukabumi, Purwakarta, Bogor, etc.), se suelen formar orquestas compuestas por más de sesenta angkloung, afinados en distintas tesituras, que interpretan melodías del rico folclore javanés. El sonido es cristalino y delicado, similar al de los carillones de campanas tubulares. También puede verse escrita la grafía angklang.

Angoscioso: Indicación de ejecución en lengua italiana (angustioso). Tipo de voz dado en la representación escénica. Tonalidad plañidera. Estado de ánimo propio del argumento de ópera.

Ángulo de ataque: Posición de los labios sobre la embocadura de algunos instrumentos de viento, como las flautas traveseras. En estos aerófonos, la boquilla se reduce a un simple orificio de soplo que permite, con el movimiento de los labios del ejecutante, obtener los diferentes sonidos mediante la posición de la boca sobre el orificio de entrada del aire. Esta operación se ejecuta sobre un suplemento propiamente diseñado para este menester al que se llama embocadora. La forma de la boquilla -y por lo tanto del ángulo de ataque- puede variar de acuerdo con la familia a la que pertenezca el instrumento.

Anilla: Pieza fija existente en la empuñadura o talón del arco del violín y otros instrumentos de esa familia. Posee un orificio por donde se introduce la cinta o haz de cerdas, pasándola a través de la morteza para asegurarla a la cuña de sujeción.

Anillo: Mecanismo de algunos instrumentos de viento (flauta, clarinete, oboe). Fue desarrollado a principios del siglo XIX. Permite obturar con facilidad y precisión los distintos orificios del tubo aéreo.
Animato: Denominación escénica de origen itálico. Se llama de esta manera al espíritu animado en los diálogos de la representación teatral. Su empleo es frecuente en la comedia musical. Significa lo mismo que "animoso" (temperamento vivo).

Antecedente: Se denomina así, en un contrapunto, a la primera voz que entra en escena cantando un motivo melódico. Generalmente se trata de conjuntos vocales (dúos, tríos, cuartetos) que se complementan a la perfección, logrando un admirable momento musical. Las voces que le siguen en la interpretación se llaman consecuentes.

Antara: Palabra quechua, que sirve para denominar a la tradicional zampoña indígena, también conocida por los aimaras con el nombre de siku. Es una flauta de múltiples tubos de caña, típica de la altiplanicie andina de Perú, Bolivia y el noroeste de Argentina. Existe una gran diversidad de instrumentos pertenecientes a esta familia, cada uno con características propias y adecuadas al tipo de música usual en la región de la cual provienen. En realidad, una sola antara es sólo medio instrumento, puesto que para alcanzar la escala cromática completa, se necesita el concurso de dos ejecutantes expertos y provistos de un par de antaras bien afinadas, cada una con media escala, para que se complementen alternando los sonidos.

Anthem: Forma musical equivalente al motete e inspirada en las antiguas antífonas, de las que deriva su nombre. De origen inglés, se canta en las iglesias del culto anglicano como un elemento independiente de la liturgia regular. Su estilo tuvo cierta influencia en el desarrollo de los cantos espirituales de la comunidad negra en Estados Unidos.

Anticipación:

Es la producción de una o varias notas correspondientes a una armonía determinada, antes de que ésta llegue a sonar.

Antífona: Palabra derivada del griego antiphonos. (anti=contra y phonos=sonido o voz). Que contesta o devuelve el sonido. Es una de las formas más antiguas y tradicionales del canto en contrapunto. Las letras de estos cantos eran pasajes de las sagradas escrituras que formaban parte de la liturgia y se cantaban antes o después de los salmos. Esta forma se efectuaba con dos coros que intervenían de manera alternada.

Antifonal: Artefacto mecánico de aplicación musical, desarrollado a mediados del siglo XIX por técnicos franceses (Alexandre-Débain, París 1849). Al instalarlo sobre el teclado de armonio u órgano corriente, posibilita la interpretación automática de una colección de melodías preparadas de antemano.

Antifonar:

En el

canto llano

o

gregoriano

, se llama así al acto de entonar dos coros paralelos la misma letra.

Antifonario: Libro manuscrito, dedicado a los oficios de las horas, donde se escribían las letras y los tetragramas del canto litúrgico durante la Edad Media. Una importante obra de estudio sobre esta variedad del canto religioso procede del musicólogo francés Joseph Pothier (1835-1923), titulada "Liber antiphonarius" (Libro antifonal), publicado en Francia, en 1891. Son varias y diversas las obras de este autor, que era monje en la congregación de la abadía benedictina de Solesmes (Cambray) ¹⁰. Desde el año 1904 hasta poco antes de su fallecimiento, Pothier presidió y colaboró activamente con la comisión pontificia para el estudio, la recuperación y publicación de la música litúrgica.

¹⁰ Entre ellas vale citar a: "Les mélodies grégoriennes" (Las melodías gregorianas), "Liber gradualis" (Libro gradual) e "Hymni de tempore et de Sanctis" (Himnos del tiempo y de los Santos), obras editadas entre 1880

Antifonario de Bangor: Manuscrito de música religiosa del siglo VII. Es una de las recopilaciones más antiguos en la historia del canto, fundamental para el conocimiento de la antigua música celta.

Antifonario mozárabe: Forma de canto de la liturgia católica que se practicaba en España durante la Edad Media. A esa forma coral religiosa también se la llama canto mozárabe. Actualmente se conoce la existencia de dos manuscritos pertenecientes a este periodo, ambos compuestos en la forma tradicional de campo aperto, es decir, carentes de indicaciones referidas a la altura de los neumas. El más antiguo de estos dos ejemplares es el Códice de León, del siglo VII. El otro manuscrito se conoce con el nombre de Códice del Monasterio de Santo Domingo de Silos, datado en el siglo IX.

Antón pintado:

Baile picaresco del estilo de la

zarabanda

. Su coreografía estaba basada en el compás ternario. Fue popular en España durante el siglo XVII.

Anubdar: Instrumento de viento antiguo, procedente de Asia menor. Llegó a Europa durante la Edad Media. Es similar a la trompeta militar, pero un poco más larga. La empleaban los pregoneros reales en tiempos de paz o para alertar a los vecinos de una villa en tiempos de guerra. Aparece como elemento histórico en la escenografía de algunas óperas. El encargado de hacerla sonar en batalla se llamaba "anubdator".

Añaes: Colección de nanas tradicionales de Asturias. Las letras de estas canciones sencillas son pintorescas e imaginativas. Aunque al principio se entonaban para dormir a los niños, con el tiempo fueron adquiriendo un carácter más variado. En el cancionero del compositor y musicólogo Eduardo Martínez Torner¹¹ existen numerosos ejemplos, con una gran variedad de motivos amorosos, románticos, etc.

Añafil: Forma de trompeta del siglo XII, de origen árabe y sonido fuerte. El tubo era recto y largo. La boca de salida o pabellón, en forma de campana cónica. La etimología proviene del vocablo annafir (corneta de órdenes). Se empleaba en la Edad Media como instrumento militar. Los musicólogos franceses la llaman trompette des maures (trompeta de los moros). A partir del siglo XIV fue utilizada también por las huestes cristianas, según lo consignan documentos de la época, donde aparece con las denominaciones de naffi y dannafil. Como el anubdar, el añafil era un instrumento militar de aviso, dedicado exclusivamente a los torneos y las acciones de guerra. Debe cierta popularidad a su intervención en varios filmes ambientados en la época medieval.

Apagado: Voz proveniente del latín (pacatus=apacible) Es decir, con calma, de manera sosegada. En música se refiere al sonido que resulta amortiguado, suave o que tiene poco brillo.

Apagador:

Pieza metálica o de madera que se utiliza en algunos instrumentos de cuerdas como el piano, con el objeto de evitar las resonancias innecesarias.

y 1885. Sus obras todavía son consultadas por musicólogos, estudiosos e investigadores de la época medieval y su incidencia y desarrollo durante los siglos posteriores.
¹¹ Martínez Torner, Eduardo: "Cancionero musical de la lírica popular asturiana" Instituto de EstudiosAsturianos - Publicaciones del Principado de Asturias, 1986.

A palo seco:

Voz corriente en el cante flamenco. Se llama así cuando el

cantaor

o

cantaora

interpreta una composición sin ningún tipo de acompañamiento musical.

Aparte: Monólogo o diálogo operístico, que se canta en forma reservada y fuera de contexto, durante el desarrollo de las distintas variantes del drama lírico. Tiene lugar en una misma acción escénica y puede aparecer -de ambas maneras- intercalado dentro del libreto general.

Aparte (diálogo operístico): Ocurre cuando dos actores conversan entre sí en forma privada, mientras los demás personajes que intervienen en la escena, no forman parte del coloquio, ni se enteran del tema de dicha conversación.

Aparte (monólogo operístico):

Se suele dar cuando un actor, estando en compañía de otros, habla para sí mismo, mientras los demás fingen no oírle.

Apasionado: Indicación de ejecución. Se usa para señalar que la forma de interpretación de una pieza musical debe tener un punto de agitación, demostrando ardor en la consecución de los compases. Es un término habitual en la música de la ópera, especialmente en las escenas románticas. En italiano (apassionato).

Apertura: Voz castellana equivalente a la francesa ouverture. Como aquella se utiliza para designar la composición instrumental que sirve de introducción a un drama lírico o un concierto. Las otras variantes son obertura y apertura.

A piacere: Voz italiana referida a la interpretación de una obra musical (a placer). Equivale al término latino ad libitum No es de uso común. También significa "a gusto del intérprete" y como ésta, se trata de una inscripción accesoria que algunos autores (pocos) dejan consignada en la partitura. El propósito de que la forma de ejecución quede librada a la voluntad del ejecutante suele obedecer a la existencia de ciertas dificultades de interpretación, existentes en la propia composición.

Ápicodental: Técnica de ejecución de algunos instrumentos de viento como la flauta. Se utiliza para producir el efecto frullato, motivo sonoro similar a un delicado trémolo, consistente en la sucesión rápida de notas cortas e iguales. En esta técnica, los elementos orientadores del sonido ápicodental son los dientes y la punta de la lengua. El prefijo ápico interviene en la formación de distintos vocablos.

A piena orchestra:

En italiano (a toda orquesta). Se dice de los pasajes plenos en los que intervienen todos los instrumentos de la orquesta.

Apinti: Voz popular en la república de Surinam (ex Guayana holandesa). Es un grupo de percusión compuesto por tres tambores tubulares, de madera de cedro, con el perfil ligeramente cónico y provistos de una sola membrana. Cada tambor de este conjunto es interdependiente y tiene su propio nombre, que lo identifica con una particularidad en la ejecución de la música afro caribeña. El tambor principal (apukudoon) se percute con las palmas de las manos y sirve para marcar el patrón rítmico. Los dos restantes se emplean para realizar el acompañamiento y las diferentes modulaciones melódicas. En el mayor de estos (tumaun) también se utilizan las manos y sirve para dar el bajo continuo, mientras que el pequeño (dein-dein), cuyo nombre es una voz onomatopéyica, sirve para dar las notas altas, empleando para ello una pequeña baqueta de madera. Estos membranófonos folclóricos, que pertenecen al contexto cultural "saramaka", suelen intervenir como elemento de percusión, tanto en fiestas populares como en ceremonias religiosas. Una de las melodías más conocidas en Surimame, donde los tambores apinti lucen su rica combinación de sonidos se llama "Toque para Papá Gadú".

Apofonía: En el contexto de una frase o estrofa, es la alternancia rítmica y vocálica de las sílabas finales lograda mediante la variación de uno o varios fonemas. Tiene un especial efecto eufónico en el estilo recitativo. En la poesía lírica, la apofonía presenta la particularidad de crear una forma sonora similar a la rima. En algunos tratados sobre operística, puede aparecer con la denominación cuasi-rima).

Apógrafo: Texto de una obra musical (partitura), o literaria (libreto), que ha sido copiado o transcripto directamente del original de un autor. Una partitura de Wolfgang Amadeus Mozart -que se creía extraviada- fue descubierta en los archivos del Ayuntamiento de Halifax. Se trata de la quinta versión del oratorio "Judas Maccabeus". Aunque la caligrafía no es propia del genio de Salzburgo, se tiene la certeza de que se trata de un documento apógrafo, es decir, realizada por un copista contemporáneo. En 1780, Mozart había realizado la adaptación musical de cuatro composiciones religiosas de Georg Friedrich Händel. A una quinta partitura -la ahora recuperada- se le había perdido la pista, tras haber sido remitida por Mozart a un editor musical de Leipzig. El manuscrito perteneció, desde 1817 hasta finales del siglo XIX, a la biblioteca personal de William Prestley, un coleccionista de música alemana, miembro fundador de la Sociedad Coral de Halifax, que fue el donante del documento al archivo municipal de su ciudad natal.

Apolo: Dios del canto y la música entre los antiguos griegos, que lo consideraban el director del coro de las nueve musas. Apolo -entre otros múltiples atributos- guiaba el carro solar llamado "phoibos" (febo) que portaba la sensibilidad y el espíritu de la creación, simbolizado por la luz del sol. En el amplio contexto de la mitología griega, esas condiciones están relacionadas con los sistemas religioso y político existentes en la época. De ellos deriva la importancia que tenía la música en todas las actividades humanas, desde los himnos guerreros hasta las nanas infantiles, o los cantos alegóricos que estimulaban las faenas rurales.

Apólogo: Término referido a la clasificación de los distintos géneros que intervienen en la creación del libreto de ópera: El argumento puede contener pasajes narrativos, generalmente breves, que dejan una enseñanza moral. También se llama texto apológico o fábula.

Aponga: Conjunto de tambores tradicionales de la isla de Madagascar. Antiguamente tenían un carácter ritual. En la actualidad suelen integrar la dotación instrumental de los grupos musicales que interpretan danzas y canciones del folclore malgache.

Apothetos: Música de la antigua Grecia. Concierto de flautas -aulos y otros aerófonos similares- que se llevaba a cabo en ocasiones solemnes. Estaba relacionado con el culto del dios Apolo. También aparece escrito apotetos [Esparta].

Apoyabarba: Pieza de madera o material plástico que se coloca en algunos cordófonos de arco (violín, viola). Se fija en la base de la caja, al lado del cordal. Permite al ejecutante apoyar mejor la barbilla para sostener el instrumento y además mejora la sonoridad, porque evita la presión directa sobre la tapa.
Apoyatura: Adorno u ornamento configurado por la emisión de una nota junto a otra inmediata superior o inferior y distante sólo un tono o semitono. Consiste en una nota de baja denominación que antecede con acento expresivo a una nota principal. Al unirse a ella toma su valor. Es una forma de retardo que no suele escribirse en la partitura. Normalmente se da en el tiempo fuerte, formando disonancia con otra nota del acorde. También se usa el término italiano "appoggiatura". En los tramos recitados de la ópera existen dos tipos de apoyaturas, una rápida y otra lenta.

Apoyatura lenta: Este conjunto armónico, compuesto por dos o tres notas preparatorias puede durar tanto como la nota principal a la que preceden, quedando entonces disminuida a la mitad de su extensión natural. Es una forma extendida en el tiempo, que puede durar tanto como la nota siguiente, pero resultando ésta disminuida a la mitad de su valor. Esta última variedad está relacionada directamente con la acciacatura.

Apoyatura preparada:

Es lo mismo que apoyatura lenta. En la armonía musical también se suele dar este nombre al efecto de

retardo

.

Apoyatura rápida:

Forma de adorno breve, cuya duración es mínima y da la sensación de rapidez y agilidad.

Appassionato: Con espíritu apasionado. Forma natural en la representación dramática del barroco italiano. El vocablo suele aparecer formalmente consignado en los libretos y cuartillas de ópera del siglo XVIII. Durante los siglos posteriores, la acotación fue desapareciendo como una obviedad, cuando el género adquirió un carácter individual dentro de cada estilo. Así, las grandes óperas dramáticas y las pertenecientes al estilo verista, llevan implícitas las maneras apasionadas en el propio contexto general del argumento.

Appoggiato: Indicación de ejecución. En la ópera italiana, señala la necesidad de que la voz cantante realice un sostenido. Esta forma vocal no surge abruptamente en medio del canto. Lo normal es que se vaya modulando junto a la nota esencial. Su función consiste en darle mayor preponderancia a una nota determinada, haciendo que ésta se destaque sensiblemente sobre las demás. En algunos tratados antiguos, aparece registrada con el nombre de trino.

Appoggiatura: Denominación italiana de la técnica del sostenido. La utilizan tanto los cantantes como los instrumentistas. Básicamente, consiste en una breve nota de apoyo que se agrega a otra más importante. La nota de apoyo no es esencial, sólo constituye un adorno, sin valor efectivo. También su duración queda librada al gusto o la necesidad puntual del intérprete. En castellano se escribe apoyatura. Ambas formas se suelen emplear indistintamente.

Appuyé: Vocablo indicativo de ejecución, usual en la ópera francesa. (Es un derivado de appui=apoyo, protección). La palabra tiene varias acepciones, siempre correlativas al sentido de la frase donde se halle inserta: apoyar, proteger, cargar, etc. En la terminología musical significa “con énfasis”.

Apreciables: En la terminología musical -y también en la parte relativa a la acústica- se denomina de esta manera a la gama de sonidos que el oído humano puede discernir perfectamente. Esta gama se extiende desde el extremo de los sonidos más agudos, hasta el límite de los más graves. Más allá de ambos confines, todo sonido que no sea discernible con claridad, se considera ruido. A partir del siglo XX, estos límites fueron sobrepasados por numerosos intentos musicales, aunque nunca llegaron a ser más que meros experimentos acústicos. Según la teoría del célebre matemático y polígrafo suizo Leonard Euler (1707-1783), la extensión normal de los sonidos apreciables, abarca un promedio de ocho octavas. Entre los investigadores posteriores, que realizaron pruebas sistemáticas sobre las distintas características del sonido, se han hallado parámetros que oscilan entre las cinco octavas y las ocho octavas y media.

A prima vista: Locución común italiana. Se dice cuando una composición musical se ejecuta a la primera, sin una práctica previa. Forma parte del anecdotario del virtuosismo. Se cuenta que Wolfgang Amadeus Mozart tenía una memoria sorprendente y la capacidad técnica necesaria para reproducir al primer golpe de vista cualquier composición musical, por compleja que esta fuera.

Apsada: Antigua danza folclórica de la India, de carácter voluptuoso. Antes de la dominación británica, fue muy popular en algunas regiones del valle del Ganges. El nombre procede de unas curiosas deidades con aspecto de ninfas, que según las viejas leyendas del hinduismo, adoraban al dios Indra, divinidad de los deleites terrenales en la primitiva mitología local. Según las narraciones de origen védico, las vírgenes apsadas habitaban en el Esvarga, o paraíso. En la actualidad se han perdido muchas de esas tradiciones.

A punto d'arco: Término italiano perteneciente a la serie de indicaciones propias de los instrumentos cordófonos de arco, como el violonchelo, la viola de gamba, el contrabajo o el violín. Significa que la nota musical debe ser producida por un suave golpe ejecutado con la punta del arco. La riqueza de sonidos de estos instrumentos permite realizar diferentes variaciones tanto en la dinámica, como en el ritmo y el fraseo, según sea la manera de ejecución. El moderno arco de violín, de forma cóncava y con tornillo para graduar la tensión de las cerdas, fue creado en París, en 1782, por el célebre fabricante de instrumentos François Tourte. Las mejoras realizadas por Tourte sobre el antiguo arco de viola -demasiado pesado y poco manejable- permitió desarrollar nuevas variantes de ejecución, como el toque a punto d'arco.

À quatre mains: Como en su versión italiana "a quattro mani", esta frase deja consignada la posibilidad de una melodía interpretada en el piano por dos ejecutantes. Los recursos técnicos del piano, permiten diferentes combinaciones de partituras escritas para dos ejecutantes en un piano, para cuatro ejecutantes en dos pianos, etc.

Araguato: Melodía popular de Venezuela. Corresponde al estilo folclórico del son. En la mayoría de las naciones de América Central y el Caribe surgieron formas coreográficas y melodías inspiradas en el ritmo tradicional del son cubano. Entre las más populares pueden citarse el araguato venezolano y el tamborito, panameño.

Ârap: Uno de los cuatro modos fundamentales de la música árabe culta, también conocida con el apelativo de andalusí, debido a su antigua procedencia de la España musulmana. El ârap tiene un aire grave y majestuoso. Los tres modos restantes se denominan: mezmoun, djarka y edzeil. La cultura y las tradiciones musicales reimplantadas en el Magreb¹² a fines del siglo XV, por los musulmanes que huyeron de la reconquistada Andalucía, generaron esos cuatro modos esenciales, a los que se atribuyó un carácter definido e individual.

¹² Área geográfica que comprende, en carácter estricto, a Marruecos, Argelia y Túnez. También puede aparecer escrito Mogreb. En un sentido étnico y cultural más amplio, se suele incluir también a países como Mauritania, Libia y la región septentrional del Sahara.

Arcato: Indicación de ejecución para instrumentos cordófonos de arco (violín, viola de gamba, contrabajo, etc.). Significa que el respectivo pasaje musical debe llevarse a cabo mediante un determinado movimiento oscilatorio, toque o golpe suave, realizado con el arco. Otras formas indicativas, referentes al uso de esta pieza son arco y coll'arco. La abreviatura corriente es "c.a.".

Arco (cordófonos): Del latín arcus. Es una vara de madera, liviana, flexible y muy resistente, provista de empuñadura, a la que se sujeta la cinta por ambos extremos. La cinta esta compuesta por un haz de cerdas o crines de caballo. Se emplea para tañer los instrumentos de cuerda de la familia del violín, permitiendo sostener y encadenar los sonidos. El Brasil es uno de los más importantes proveedores de una variedad de madera especial para la construcción de arcos, llamada de Pernambuco. La parte correspondiente a la empuñadura se denomina talón y el extremo opuesto, cabeza. La tensión de las cerdas se puede regular mediante un mecanismo de tornillo situado en dicha empuñadura. Su forma fue variando con el tiempo. En cuanto al largo, existen ligeras variantes entre los arcos de violín, de viola, de violonchelo y de contrabajo, pero en general ninguno de ellos sobrepasa los 75 centímetros. A continuación se incluyen las medidas de arco normalizadas que corresponden a los principales instrumentos de esta familia:

- Pochette o violín de bolsillo: ............ 40 cm
- Rebec o rabel: .............................. 54/59 cm
- Trompa marina (monocorde): ..... 59/65 cm
- Contrabajo: ................................. 60/65 cm
- Violonchelo: ................................ 72/73 cm
- Viola: ................................................ 74 cm
- Violín: ............................................... 75 cm

Entre los arcos más difundidos desde el siglo XVIII en adelante corresponde citar a los modelos denominados de Butler, Leipzig, Dragonetti y Bottesini. Todas las variantes tienen una estructura similar, un peso que no debe exceder de los 70 gramos y obedecen al mismo principio funcional. La primera innovación importante en la forma del arco se atribuye al compositor y teórico italiano Giuseppe Tartini (1692-1770), que redujo su volumen al utilizar maderas más livianas y resistentes, afinando asimismo el perfil de la vara. El sistema de arco moderno -llamado de Tourte¹³- data de 1775 y es el resultado de una larga serie de mejoras técnicas que se fueron realizando durante varios siglos.

Arco (indicación de ejecución): (Indicación de ejecución) Es una palabra o un símbolo que se escribe en las partituras de los cordófonos de arco, para avisar que el ejecutante debe volver a tañer normalmente su instrumento, después de realizar un fragmento pellizcado (pizzicato).

Arco abajo:

Desplazamiento del arco del violín que va desde el talón hacia la punta. Es un movimiento común en la ejecución de todos los instrumentos pertenecientes a esta familia.

¹³ No puede hablarse de una forma definitiva del arco. Sin embargo, la estructura moderna de esta pieza del violín, se debe a la inventiva de François Tourte (1747-1835), un fabricante francés de instrumentos de cuerdas, conocido con el sobrenombre de "Stradivarius del arco".

( viola de gamba, violonchelo, contrabajo). Cuando en la partitura general de instrumentos de cuerda no se agregan las indicaciones de ejecución referidas a los diferentes golpes de arco, los músicos deben ponerse previamente de acuerdo sobre este aspecto, con el objeto de evitar disonancias inesperadas. Para indicar arco abajo, también se puede emplear la forma francesa tiré.

Arco arriba:

Es como la operación anterior, pero en sentido inverso, el movimiento del arco debe ir desde la punta hacia el talón. También se utiliza el término francés (

poussé

).

Arco de ligadura: Signo musical que se emplea para indicar un legato. Es una línea curva horizontal con forma de arco que se coloca sobre las notas de diferente altura que deben estar ligadas entre sí.

Arco medio: Doble escotadura que forma la cintura de la caja de resonancia en los cordófonos de la familia del violín (viola, viola de gamba, viola d’amore, violonchelo, contrabajo lira da braccio) y la guitarra (tiple, guitarrón, guitarra eléctrica).

Arco monocorde: Primitivo instrumento musical, empleado por los habitantes de la América precolombina. Su existencia está documentada en distintas culturas autóctonas, desde los primeros tiempos de la colonización española. Debido a su amplia difusión geográfica y étnica, existe una cierta diversidad en las formas y tamaños, e incluso en los nombres. Uno de los modelos más corrientes, llamado “nwiké” o “noviqué”, fue usado hasta épocas recientes por los aborígenes tobas, pilagás y matacos, de la región chaqueña. Básicamente consistía en una fuerte rama de tusca¹⁴, sujeta en ambos extremos por un largo tendón o cinta de tripa bien tensada. En México, los chamanes de la etnia indígena seri, lo conocen con el nombre de “violín eé’neg”. Para hacer sonar este rudimentario instrumento se emplea otro arco mas corto y también de vara maleable, provisto de un fino haz de cabellos humanos. Otros ejemplares tradicionales tienen la cuerda fabricada con fibras vegetales. El arco monocorde también se halla ampliamente difundido en el folclore musical mapuche de la Patagonia.

Arco musical: También llamado “arco de los cafres” Es un instrumento originario de la región meridional de África, cuya distribución geográfica comprendía desde la antigua Cafrería británica, Natal, Zululandia, hasta Orange y Transvaal. El nombre “arco musical” es una denominación genérica, aplicada en los tratados especializados en organología a una larga serie de instrumentos musicales, provistos de una o varias cuerdas, generalmente guarnecidos de sonajas u otros complementos sonoros. Algunos ejemplares también disponen de una calabaza vacía, que les sirve de caja de resonancia. El más simple de estos modelos -similar al prototipo americano- consiste en una vara curva de madera flexible, en cuyos extremos se anuda una sola cuerda de tripa. Algunos ejemplares poseen un lazo de afinación en el centro del arco, que al desplazarlo en ambos sentidos permite modificar ligeramente la altura del sonido. Se pueden ejecutar pellizcando la única cuerda con un dedo o frotándola con otro arco de menor tamaño. Su existencia está documentada también en el entorno cultural de otras etnias, geográficamente distantes, como las poblaciones negras del alto Senegal.

Arco primitivo: Denominación general para un tipo de arco de frotar, para las violas o violines folclóricos, que aún se utilizan en África, en Asia y en algunos países árabes. El método de tensión consiste en una vara sencilla de madera, provista de un mango o empuñadura para sostenerlo y con una cierta curvatura, que asegura la tensión permanente de la cinta, generalmente formada por una haz de crines de caballo. En esto reside la diferencia con el modelo anterior.

¹⁴ Nombre americano de un arbusto espinoso, de ramas fuertes y flexibles, común en la región chaqueña. (Acacia aroma).

Archicémbalo: Clave inarmónico de gran tamaño. Inventado en el siglo XVI. Este curioso instrumento estaba concebido para el antiguo sistema tonal. Se asigna su creación a uno de los grandes precursores de la ópera italiana, el teórico musical y compositor de madrigales Nicola Vicentino (1511-1576), que buscaba un nexo entre la palabra cantada y la música instrumental, al estilo de la tragedia griega. Con el propósito de demostrar su teoría sobre las virtudes del politonalismo, Vicentino también ideó y fabricó otro instrumento -parecido al órgano alternatim- al que denominó archiorgano.

Archilaúd: En la ópera italiana, se utilizaba para interpretar el bajo continuo. Es un instrumento de madera, provisto de un mástil-clavijero, similar a la tiorba y al laúd normal, pero de un tamaño mayor. Su origen se debe al antiguo "eoud" (laúd oriental) introducido en España por los árabes en el siglo VIII. Consta de siete cuerdas dobles, además de otras suplementarias dispuestas sobre un mango clavijero paralelo al principal. El gran sostenedor de este raro instrumento fue Johann Sebastian Bach (1685-1753). Arcangelo Corelli (1653-1713), maestro del concerto grosso, solía colocar un archilaúd al lado del violonchelo en la disposición de los distintos instrumentos de su orquesta, por considerar que ambos sonidos llegaban a complementarse a la perfección.

Archiliuto: Archilaúd italiano provisto de diez cuerdas dobles que se tocaban con la ayuda de un plectro de pluma. La afinación de este modelo, similar a la tiorba, era la siguiente: do-re-mi-la-sol-do-fa-la-re-sol. Las cuatro cuerdas más graves siempre sonaban al aire. Este tipo de afinación se utilizó también en Francia y Alemania. El archiliuto itálico comenzó a difundirse en Europa a fines del siglo XVI, época que se acostumbra llamar la "edad de oro del laúd". Era un instrumento que se usaba normalmente en la interpretación del bajo continuo, acompañado por la pandora y la mandolina.

Archiparafonista: Voz del Canto Gregoriano. (Su significado es cantante secundario). Procede del estilo creado por la Schola Cantorum de Roma (siglo VI d. C.). Se llamaba así al cuarto intérprete vocal, que precedía a los parafonistas, inmediatamente después de los tres solistas principales.

Ardente: Ejecución de una pieza musical con ardor. Esta indicación de fuerza interpretativa vale tanto en las partes vocales como en las que corresponden a los diferentes instrumentos de la orquesta.

Ardito: Compositor o intérprete virtuoso, apasionado de su arte, en el que pone toda la voluntad y el talento necesarios para lograr el éxito profesional. Se emplea en la descripción de la ópera alemana con el sentido de temperamento (hardjan=con fuerza).

Areito: Cantar tradicional de la Antillas. Su melodía es dulce y dotada de un ritmo bailable. El área de difusión de esta antigua expresión folclórica se extiende hasta las costas de Centroamérica. Por extensión, se denomina con este mismo nombre caribe a ciertos pasos de danza inspirados en sus acordes.

Arghoul: Flauta popular doble, con tubos paralelos. Existen varias versiones. Se usa actualmente en Egipto. Coincide en la forma y número de agujeros con los modelos utilizados en la antigüedad. Otra forma responde a un tipo de flauta campesina de lengüeta simple y sonido melodioso. Esta última, muy antigua, aún se utiliza en las zonas rurales del delta del Nilo (Damanhur) y también en el oeste del país (Wahat el Kharga, Bulaq, etc.). En algunos tratados organológicos puede aparecer escrita la fonética árabe“arghül”. En el sur de Turquía existe un aerófono similar al que llaman argun. Se trata, sin duda, de un proceso de transculturación que debió ocurrir durante la larga dominación de Egipto por el imperio otomano. Las modernas investigaciones realizadas sobre los instrumentos musicales de la antigüedad, permiten aclarar las dudas acerca de la gama de sonidos empleados en el antiguo Egipto, llegando a la conclusión de que era en todo idéntico a las formas conocidas por los griegos.

Argumento: Es el tema a partir del cual se desarrolla el guión de una obra escénica. Elemento esencial en el drama lírico, representa la manifestación expresa de una o varias ideas que inspiran la existencia de la obra. En la ópera, la opereta, o la zarzuela, es el motivo de la narración, tal como se representa ante el público. Mientras que el libreto contiene todos los elementos textuales, coreográficos y escenográficos, necesarios en el desarrollo interpretativo de la obra, el argumento en sí mismo, es la propia historia, despojada de cualquier tipo de explicación aclaratoria para su puesta en escena. La arquitectura del argumento es la línea vertebral de todas las secuencias narrativas que componen la historia. Esa exploración intuitiva de la idea, expresada a través de las distintas técnicas narrativas, también se extiende al argumento como un resumen general del contexto narrativo. En los países de habla inglesa, se le denomina topic (tema).

Aria: Forma musical que comenzó a difundirse en las postrimerías del siglo XVIII. Es una palabra derivada del italiano (aria=aire o tonada). Por lo general se trataba de un solo interpretado por un determinado intérprete de la obra y su estructura estaba elaborada en concordancia con los sentimientos que intentaba expresar el personaje. En la actualidad se emplea preferentemente para definir a las actuaciones vocales en óperas y oratorios. En oportunidades, el aria narra una parte del argumento o un pasaje relacionado con el drama que representa la obra. En esos casos suele ir acompañada de un recitativo. La melodía del aria tiene una entidad propia muy particular, que se puede reiterar con distinta letra en varios momentos de la composición. Esta variante, cuando es acompañada por un buen recurso instrumental, logra efectos sonoros muy emotivos. Un ejemplo de aria mundialmente famosa es la parte del tenor, titulada "La Donna è mobile", de la ópera Rigoleto, compuesta por Giuseppe Verdi, con libreto de Francesco Piave. Fue estrenada en Venecia, en 1851, y estaba inspirada en "Le roi s'amuse", una creación literaria de Victor Hugo.

Aria bipartita: Consta de dos estrofas que no se repiten y pueden estar precedidas por un largo pasaje recitado. Suele ponerse en práctica cuando el solista debe responder al parlamento de un coro.

Aria breve:

Es la que sigue, a modo de cierre o culminación, a un

aria

más extensa, interpretada por el mismo cantante.

Aria cantabile: Que se canta con dulzura. Es una pieza dotada de ornamentos moderados y expresiones románticas, en algunos casos también puede presentar una letra triste o meláncólica.

Aria con clave: Interpretación vocal acompañada por un bajo continuo de clave. Se caracteriza por los ritornelli o retornelos, en los que se reitera la parte inicial del aria. Aria con orquesta: Es cuando el acompañamiento orquestal interpreta ritornelli entre cada estancia cantada. A continuación se acopla un instrumento de viento en concertante. Se presta bien para la cuerda de barítono.

Aria coreada:

Adjetivo que se aplica a las arias en las que un coro interviene como acompañamiento del cantante principal.

Aria da capo: Fue la forma principal del aria durante periodo barroco. Consta de dos estrofas, repitiendo la segunda el texto de primera, aunque la melodía puede variar ligeramente. Es una de las figuras ornamentales más conocidas y apreciadas por los cantantes de ópera. Se suele emplear para poner fin a un determinado pasaje, antes de comenzar con el siguiente. El aria da capo alcanzó la etapa de florecimiento en la ópera napolitana con las composiciones del Alessandro Scarlatti (1660-1725), que divulgó el estilo y llegó a perfeccionar la técnica de esta graciosa manera musical. La inmensa obra lírica de este compositor siciliano representa una forma muy elaborada de transición entre los estilos procedentes de las escuelas veneciana y napolitana. Podemos recordar, como ejemplos de esta brillante forma estilística, a las óperas "Telemaco" e "Il trionfo dell'onore" (El triunfo del honor), ambas escritas durante el año 1718. De la proficua pasión musical de Alessandro Scarlatti ha surgido la increíble cantidad de 115 óperas, 600 cantatas, 200 motetes y una gran variedad de oratorios, sinfonías y conciertos para orquesta, dotados de una particular coloratura.

Aria de contraste: Segunda parte de un dueto compuesto por dos composiciones iguales, comienzo y final (A-A). Esta forma no es corriente, dado que los duetos por lo general mantienen las tres partes usuales (A-B-A).

Aria de divisa: Se llama así cuando la orquesta interpreta una variedad de introito llamado cabecera de tema- cuya melodía va repitiendo el cantante con el acompañamiento del bajo continuo. A continuación vuelve la orquesta y finalmente termina el aria el cantante.

Aria di bravura: Con aire apasionado. Composición virtuosa, que debe ejecutarse con gran rapidez y a plena voz. En la ópera se presta para demostrar fuerza y vivacidad en escenas que exigen mucho temperamento.

Aria di mezzo carattere:

De carácter moderado. Expresa intimidad. Es adecuado para caracterizar las escenas amorosas, el sentimiento de pena, la angustia, el dolor, etc.

Aria di portamento:

Sin ornamentacione

s

. Se trata de una pieza musical apropiada para que el cantante pueda demostrar toda la extensión y la riqueza de matices de su voz.

Aria di sortita: De salida. Es el aria con que comienza una ópera. La letra, casi siempre plantea las líneas generales del argumento, o también las circunstancias de la primera escena en la que interviene el personaje principal.

Aria in concertato: Expresa una forma de interpretación concertada. Se dice así cuando la parte vocal se canta en obbligato con un determinado instrumento de la orquesta, que debe estar afinado a la misma altura de la voz del cantante.
Aria en rondó: El significado de esta denominación musical, se refiere un acompañamiento a la manera del rondó. En la práctica, esta forma melódica juega con la libertad expresiva, aunque sin ajustarse exactamente a ningún estilo en particular. Suele estar precedida por una breve introducción de carácter recitativo. La denominación en rondó -poco utilizada en la actualidad- proviene de la forma de interpretación, inspirada en dicha danza, cuyo tema principal se va repitiendo de manera alternada con otro motivos secundarios.

Aria parlante: Aria con declamación vertiginosa. Por lo general, se emplea en la ópera bufa para interpretar escenas jocosas, con textos de carácter intencionado. Exige un gran dominio de la dicción.

Arietta: De condición especialmente ágil y alegre, la arietta es más breve que el aria y suele estar acompañada por distintos ornamentos gestuales o coreográficos propios de la ópera bufa. Podría equipararse al aire en lo que atañe a su extensión modesta, aunque difiere de éste por su condición jocosa. El aire puede ser triste, mientras que la arietta siempre es alegre. También suele aparecer escrita en francés (ariette).

Ariñ Ariñ: Danza popular vasca (Bilbao, Basauri, Baracaldo). Es una expresión estética tradicional que surge espontánea en las romerías de verano, festividades religiosas y reuniones de estudiantes. Se baila por parejas, formando rondas o círculos entrelazados, con frecuentes avances y retrocesos u otras figuras coreográficas. El origen de su argumento musical, elocuente y significativo, es muy pintoresco y según parece esta relacionado con antiguos mitos celtas de la naturaleza. De acuerdo con la opinión de estudiosos de cultura y las tradiciones del pueblo vasco, el nombre de esta danza se debería a una voz onomatopéyica que imitaría el sonido del roce de las faldas almidonadas con los movimientos propios del baile.

Arioso (sustantivo): Forma recitativa del bel canto, derivada del aria. Toma de ella su forma lírica, pero manteniendo una cierta independencia en el desarrollo del ritmo que le da la voz. Puede constituir una forma vocal de transición entre el estilo recitativo y el cantábile.

Arioso (adjetivo):

En la ópera, se suele llamar así al canto que suena dulce al oído y su melodía es suave, pero dotada de cierta libertad para elevarla con

florituras

.

Aristón: También llamado armoniflauta. Es un instrumento musical mecánico del siglo XIX, que suena por la vibración de una serie de lengüetas metálicas fijadas sobre un rodillo. La denominación de este instrumento proviene del nombre de Aristeo, el personaje mitológico -hijo de Apolo- de quien había heredado el don de la música. Fue inventado en Alemania por el músico Erhlich de Leinzich. Durante una época fue muy popular como acompañamiento en las comedias musicales. Funcionaba mediante el impulso de una manivela que permitía graduar el tempo de la melodía, según girara la mano del ejecutante con lentitud o rapidez.

Armadura: Conjunto de accidentes (bemoles, sostenidos, becuadros, etc.) que indican el tono exacto de una composición musical. La indicación de la armadura se escribe al comienzo del pentagrama, en la parte inicial de la composición, justo después del signo de la clave. En la actualidad es poco usual debido a la gran variedad de modulaciones de la música contemporánea y particularmente por la difusión del atonalismo.
Armadura de clave: Cuando los accidentes se escriben al comienzo del pentagrama se entiende que valen para todo el transcurso de la melodía, hasta que ésta finaliza. Esta forma se emplea con el objeto de facilitar la lectura musical, al reducir las indicaciones de alteración a lo largo de todo el desarrollo de la partitura. Existe un orden generalmente aceptado para indicar los sostenidos y bemoles. En la mayoría de los casos, la armadura de clave se escribe entre la figura de la clave y la indicación de compás. Todas las escalas mayores configuradas sobre una nota con bemol emplean armaduras bemolizadas (si bemol, mi bemol, re bemol, etc.). Esto sirve para señalar la tonalidad general de una composición musical. Existe una sola excepción, que es la nota fa mayor. Por lo tanto, para identificar una armadura de clave es necesario ver si utiliza sostenidos, si comienza con una nota bemolizada o corresponde a la escala de fa mayor. Las alteraciones afectan a todas las notas del compás durante la interpretación de la pieza, incluyendo a las notas que están escritas en otras octavas.

Armaillis: Cantores populares suizos, pertenecientes a grupos tradicionalistas dedicados a la interpretación de las danzas y melodías típicas del folclore helvético, como el ranz des vaches u otras composiciones en dialecto montañés que exaltan el sentimiento patriótico del pueblo helvético. Los conjuntos de armaillis intervienen en distintos festivales musicales del país, caracterizándose por su brillante y alegre intervención en espectáculos de luz y sonido, típicos en las principales localidades agrícolas de la Confederación Helvética (Vevey, Montreaux, Lausanne, etc.).

Armoneón: Del francés (harmonéon). Acordeón de concierto, diseñado hacia 1950 por el musicólogo francés Pierre Monichon. Es una variante perfeccionada del acordeón corriente. Posee una notable potencia sonora y gran diversidad expresiva, con doble teclado y extensión equivalente a la del piano. Las cajas del armoneón, fabricadas en maderas nobles, son de construcción totalmente artesanal. Debido a esa cualidad, ha llegado a ocupar un importante papel en varias orquestas sinfónicas, desempeñando en muchas oportunidades la parte solista.

Armonía: Es el arte musical que estudia y pone en práctica la formación, modulación, sucesión y encadenamiento de los acordes melódicos. Esa combinación de sonidos debe resultar agradable al oído, es decir, armoniosa, de allí su nombre. El componente más significativo de la relación intelectual entre el efecto sensitivo de la música y su percepción sensorial es el conocimiento de las reglas que rigen la armonía. Este elemento, del que se empezó a tomar conciencia a fines del siglo IX, es esencial en todas las composiciones musicales que pretendan apoyarse en las combinaciones eufónicas. Aunque al principio pareció carecer de importancia, más tarde, durante el renacimiento y en los siglos posteriores, fue tal su estimación y categoría en la creación de melodías, que hasta comienzos del siglo XX, todas las composiciones se basaban en sus reglas. El transcurso de esta última centuria marcó una ruptura de todas las disciplinas artísticas con su pasado. Tanto las expresiones plásticas, como la poesía y la música, sufrieron una gran transformación. Inspiradas por esa revolución de los valores estéticos, todas las creaciones del intelecto se hallaron ante un campo sin límites para la experimentación, de tal manera que en la actualidad, la música electrónica, a la que algunos críticos musicales denominan posmoderna, vuelve a prescindir de la armonía. La palabra deriva del griego (harmonia=orden, consonancia musical, perfecto equilibrio de los acordes).

Armonía de las esferas: Doctrina filosófico-musical referida al origen celeste de los sonidos melódicos. Fue una idea que surgió en la antigüedad clásica y llegó a tener numerosas derivaciones en la Edad Media y aún durante el Renacimiento. En el pensamiento griego predominaba una concepción global de las artes. Según este juicio, todo obedece a un orden armónico, la expresión artística aparece entonces fuertemente influida por las fuerzas del universo, en una relación exacta y matemática, que los antiguos llamaron "armonía de las esferas" por atribuir su origen al equilibrio universal o de los cuerpos celestes. En consecuencia, la belleza de las formas escultóricas, la pintura y la música vendrían a ser un fiel reflejo del orden del universo. Para ellos, la ordenación numérica debía regir de manera constante la correlación de las formas y los colores o la sucesión eufónica de las notas musicales. En plena Edad Media este pensamiento entre místico y filosófico aún permanecía latente, sin embargo fue suficiente para impulsar las ideas creativas de pensadores como Guido d'Arezzo y otros teóricos del Ars antiqua, respecto al orden matemático de la música, el valor de las notas. Ya en el barroco renacentista, esa cosmovisión de la antigüedad volvió a cobrar fuerza dejando su impronta en numerosas creaciones musicales.

Armonía de resonancia: En música electrónica reciben esta denominación las combinaciones armónicas consistentes en la superposición de acordes resonantes en distintos niveles sonoros. Se trata de un fenómeno experimental al que se le suelen acoplar otros elementos acústicos (alteraciones cromáticas, ecos, consonancias analógicas, etc.).

Armonía imitativa: Figura literaria paralela a la onomatopeya. Es usual en la letra de los libretos de ópera y forma parte del contexto sonoro del recitativo. En el ordenamiento de las palabras que componen los versos inmediatos y consecutivos existe un cierto grado de concordancia sonora cuya modulación puede conducir el sentido textual de la frase. Las sílabas acentuadas forman un núcleo rítmico y fónico del cual depende toda la sucesión de consonantes velares y dentales que dan consistencia a cada grupo silábico.

Armonía tonal moderna: Sistema de recursos aplicados de manera metódica dentro del ejercicio práctico de la tonalidad. Básicamente se trata de una serie de innovaciones armónicas procedentes del jazz. Aunque su característica más destacada es el estilo impresionista, esta forma de composición y ejecución se ajusta con muy pocas diferencias a la armonía tradicional (sistemas diatónico mayor y menor). Ese espectro creativo permite que las experiencias en el campo de la tonalidad no queden encasilladas en el estilo jazzístico, aunque demuestre necesariamente su influencia ¹⁵. Toda expresión melódica que esté sujeta a las reglas tradicionales de la música puede ser objeto de nuevas experiencias basadas en la aplicación de la Armonía Tonal Moderna.

Armónica: Palabra derivada del adjetivo griego (harmoniké=armoniosa). Es un pequeño instrumento aerófono, muy versátil y de variadas posibilidades cromáticas. El célebre compositor francés Darius Milhaud (1892-1974) la incluye en el conjunto orquestal de algunas de sus obras. Reconocido mundialmente como el creador de la politonalidad, y miembro destacado de la célebre escuela musical llamada "Grupo de los Seis", Darius Milhaud supo aprovechar al máximo las posibilidades musicales de la armónica. Este instrumento funciona mediante el soplo que pasa a través de una serie de orificios, haciendo vibrar unas pequeñas lengüetas metálicas de diferente extensión. Esas piezas vibrátiles, causantes del sonido, van atornilladas alternativamente sobre las dos caras de un difusor metálico que divide el interior del cuerpo por donde pasa el aire. Existen armónicas de diferentes tamaños cromáticas, diatónicas, de blues, de trémolo, etc. Algunos modelos son tan pequeños que sólo miden unos pocos centímetros de largo, mientras que otros, llamados de concierto -poseedores de un maravilloso efecto sonoro y gran variedad de timbres- pueden sobrepasar los treinta. Las armónicas se utilizan asiduamente en la composición de la orquesta de jazz. También aparecen en varias óperas y comedias musicales como elemento secundario o de escena. En inglés: mouth organ (órgano de boca).

¹⁵ Mehegan, John: “Jazz Improvisation” (Vol. 1: “Principios tonales y rítmicos”; Vol. 2: “Ritmos de jazz y líneas de improvisación”; Vol. 3: “Swing y estilo progresivo de piano”, etc.) De Watson-Cuptill-Cuptill Publications, New York, 1962.

Armónica cromática: Su nombre proviene de la posibilidad de reproducir de manera bastante fiel las notas de la escala diatónica, sin necesidad de recurrir a la técnica del bend. Es decir, que sin alterar artificialmente de los sonidos, esta variedad de armónica puede alcanzar las siete notas de la escala diatónica, más los consecuentes sostenidos y bemoles. También se le suele llamar armónica de cambio.

Armónica de blues: Esta variedad de armónica posee una embocadura tradicional, provista de diez orificios dobles, que puede alcanzar la escala diatónica de una determinada tonalidad, generalmente aquella para la que están afinadas. Poniendo en práctica la forma bend (bending) es factible alcanzar otra escala diferente y lograr una serie de cambios o alteraciones cromáticas.

Armónica de cristal: A pesar de su nombre, no es un aerófono. Se trata de un instrumento musical conocido en Alemania y Austria desde el siglo XVIII. Técnicamente pertenece al grupo de los idiófonos frotados. Su artificio sonoro consiste en un eje vertical en torno al cual rotan unas escudillas de cristal. El sistema se hacía vibrar con el roce de los dedos del ejecutante, que debían estar humedecidos para que el sonido producido fuera perfecto. Después de 1762 aparecieron distintas versiones que funcionaban mediante un mecanismo de teclado. Aunque el tono de la armónica de cristal era dulce y claro, carecía de posibilidades cromáticas. Dejó de utilizarse definitivamente a mediados del siglo XIX y pronto cayó en el olvido. En la actualidad es sólo una pieza de museo. También puede aparecer citada con las denominaciones glassharmonica o glasharmonika.

Armónica de trémolo: La mayoría de los modelos son de doble lengüeta (double reed). Existen versiones de 20 y 40 orificios configurados en dos hileras. Las diferentes notas de este tipo de armónica se ubican en espacios de cuatro orificios denominados cuatrincas.

Armónica diatónica: Salvo aquellos afinados de otra manera, todos los modelos estándar de esta clase de armónica tienen diez canales provistos de un par de lengüetas metálicas cada uno. Las notas producidas corresponden a la tonalidad mayor del instrumento, que se repiten en tres octavas. La embocadura de estas armónicas posee diez bocas dobles, divididas en dos hileras, una inferior y otra superior. La hilera de bocas inferior corresponde a los llamados tonos aspirados (re-sol-si-re-fa-la-si-re-fa-la). La superior es para los tonos soplados (do-mi-sol-do-mi-sol-do-mi-sol-do).

Armónico (sonido): Los armónicos son vibraciones secundarias que se acoplan a un sonido compuesto. Esto significa que su frecuencia es múltipla de la de otro sonido fundamental, y que ambos se producen en forma simultánea. Los armónicos pertenecen a un grupo de sonidos parciales que, a su vez, tienen origen en los sonidos esenciales. Representan un carácter complementario en el desarrollo de la melodía y permiten la configuración del timbre. (ver Flageolett).

Armónico (instrumento): Cordófono perteneciente a la familia de las violas punteadas. Es popular en el área cultural del Caribe. Especialmente en la isla de Cuba. En su construcción intervienen elementos comunes a la guitarra española y el tres cubano. Este instrumento adquirió renombre en las manos del célebre compositor y cantante Compay. Las cuerdas, de acero, se puntean con el auxilio de un plectro. También es conocido con el nombre de armónica.

Armonicordio: Instrumento de cuerdas y teclado inventado a principios del siglo XIX, en Alemania, por el fabricante Kauffmann, de la ciudad de Desde. Tenía el aspecto de un piano de mesa, cuyo sonido se obtenía mediante la fricción de un rodillo de madera, forrado en cuero e impregnado con resina (colofonia). El mecanismo -accionado mediante un pedal- permitía obtener finas gradaciones sonoras, variando la presión de las teclas. También puede verse escrita la forma harmonicordio.

Armónicos naturales: En los instrumentos cordófonos (violas, violines, violonchelos, etc.), los armónicos naturales se dan cuando el punto de partida es la cuerda suelta o al aire, es decir, sin presión digital.

Armónicos artificiales: En la formación de los armónicos artificiales, la cuerda debe estar presionada con firmeza. También existen en el sonido de los instrumentos aerófonos de madera (flautas, oboes fagotes, etc.). Cada miembro de esta familia requiere una técnica particular para la ejecución de los armónicos.

Armoniflauta: Nombre común a una serie de aparatos musicales automáticos, que llegaron a ser muy populares durante la segunda mitad del siglo XIX. Existieron diversos modelos, fabricados tanto en Alemania, como en Francia, Inglaterra y los Estados Unidos. Algunos estaban provistos de una amplia bocina de metal, destinada a la amplificación directa del sonido. Todos estos artefactos funcionaban mediante un sencillo mecanismo de cuerda, parecido al de los relojes de pared. El más popular de ellos fue el conocido aristón de Erhlich, fabricado en Leinzich (Alemania). El sistema melódico se debía a la vibración de una batería de lengüetas de metal conectadas a un rodillo giratorio. Dejaron de tener popularidad con la aparición del fonógrafo a principios del siglo XX.

Armonio: Instrumento musical de teclado del siglo XIX, parecido en algunos aspectos sonoros y efectistas a la celesta. En este caso, el sonido se produce mediante la vibración de unas lengüetas metálicas que se ponen en movimiento con el aire inyectado por unos fuelles que son accionados mediante un sistema de pedales. La diferencia de presión sobre los pedales también permite controlar el volumen sonoro del instrumento. Aunque su empleo estaba originalmente destinado a la interpretación de la música sacra, con el tiempo llegó a integrar importantes orquestas de salón. La extensión regular del armonio es de cinco octavas, aunque en algunas escolanías y monasterios de Francia, se conservan ejemplares y documentos referidos a modelos de mayor tamaño. Estos últimos estaban dotados de una gran sonoridad. En algunas composiciones clásicas se emplea en reemplazo del gran órgano. Franz Liszt (1811-1886) lo utiliza en varias obras para órgano ligero: Ej.: "Cantatibus organis", una bella antifonía escrita en 1880 para la fiesta de Santa Cecilia, y "Ave Maria, Quattuor vocum concinente organo", la segunda versión, de 1853, porque la primera, compuesta en 1846, estuvo pensada para ser interpretada a cappella. Su nombre primitivo era melodio.

Aro (componente instrumental): En los cordófonos se llama así a las piezas de madera con forma moldeada, que sirven para unir el fondo del instrumento con la tapa, permitiendo la construcción de la caja armónica. En los violines y otros instrumentos de su tipo existen distintas partes que componen el conjunto: 1) aro superior, que va desde las escotaduras hasta la unión del mango con la caja armónica. 2) aros medios, que ocupan el espacio correspondiente a las escotaduras. 3) aro inferior, que cierra la caja por la parte de abajo.

¡Aro! (voz coreográfica): Se usa en el folclore musical hispanoamericano para marcar el compás de algunas danzas originarias de la región noroeste de la Argentina y el sur de Bolivia.

Arpa: Antiguo instrumento de cuerdas diatónico, dotado de una tonalidad de do bemol, sumamente melodiosa. Con sus formas primitivas, aparece entre los sumerios hace unos cinco mil años. También se la puede ver representada en el arte del antiguo Egipto -con un curioso aspecto de arco- en pinturas y bajorrelieves de la IV dinastía (2575-2467 a. C.). En Europa, los documentos más antiguos la ubican en Irlanda, a fines del siglo VIII. Este modelo de arpa -que se supone de origen celta- ya tiene incorporada la columna de refuerzo que configura el modelo triangular moderno. Las partituras de arpa más antiguas que se conocen proceden de Italia y España, durante el siglo XVI. Esos manuscritos ya contaban con indicaciones de ejecución precisas, con las que se intenta obtener el máximo de las posibilidades sonoras de este magnífico instrumento. En la actualidad, su empleo está muy difundido como un elemento imprescindible en la composición de temas de concierto. El arpa moderna, cromática, que abarca casi la totalidad de la escala musical, es en esencia el más antiguo de los instrumentos de cuerdas y por su forma es la que menos se ha alterado desde su nacimiento dentro del complejo universo armónico de la música occidental. El gran maestro italiano Claudio Monteverdi (1567-1643) emplea la melodía del arpa en sus conciertos de una manera regular. Su intervención alcanza el ambiente de la favola in musica con la ópera en cinco actos "Orfeo", estrenada en el Palacio Ducal de Mantua en 1607. Durante los siglos XVI y XVII las arpas tenían entre 7 y 24 cuerdas, afinadas de manera diatónica. Se empleaban básicamente como instrumento para el bajo continuo y en el acompañamiento del canto. El arpa actual, que suele afinarse en la tonalidad de do bemol mayor, llega a su más alto grado de perfeccionamiento a principios del siglo XIX (c.1811), con la aplicación de los pedales dobles inventados por el mecánico francés Sebastian Erard, quien más tarde fue uno de los principales fabricantes de estos instrumentos. Las partes esenciales del arpa, son: la base donde se encuentra la pedalera con su mecanismo de barras que transmiten a las cuerdas el movimiento de los pedales; la caja de resonancia -inclinada a 45º- que sostiene la tabla del encordado; la consola, con forma de cuello de cisne, que contiene el mecanismo tensor de las cuerdas; la columna vertical de refuerzo y el sistema de encordado.

Arpa aragüeña: Arpa diatónica de 35 cuerdas, típica de la región de Maracay (Venezuela). Como la mayoría de las arpas criollas, es un instrumento folclórico que carece de pedales para modificar las tonalidades. No obstante, sus notas siempre resuenan ajustadas, dulces y cristalinas. Para interpretar melodías aragüeñas con este bello instrumento folclórico, el arpista debe utilizar ambas manos: la derecha para puntear las notas agudas y la izquierda para atacar los registros graves. En las fiestas religiosas y celebraciones populares, suelen acompañarse con el ritmo constante de las maracas caribeñas y las voces de los cantantes populares. Dentro de la música folclórica de Venezuela se conocen dos modalidades que han ganado un merecido prestigio por la alta calidad de la interpretación y el bello timbre de las melodías: son los estilos llanero y tuyero. Con el popular joropo tuyero, el arpa aragüeña permite lucir las habilidades del arpista y la ductilidad de su sistema sonoro.
Arpa céltica: Instrumento de cuerdas de origen galés y tradición medieval. Carece de pedales, tiene la columna curva y su tamaño es algo inferior que el modelo actual de arpa de concierto.

Arpa-clavicordio: Raro instrumento de fines del siglo XVIII. La estructura interna y el encordado eran similares al arpa, pero todo ese sistema sonoro estaba integrado dentro de la caja de resonancia de un clavicordio de martillos. Las cuerdas se pulsaban con los dedos de las manos, mientras que los tonos bajos se obtenían mediante una especie de palancas que se presionaban con los pies. El ejecutante debía sentarse sobre una alta silla para alcanzar todas las teclas. Fue una adaptación realizada por el fabricante Nadermann, sobre una idea del compositor alemán Johann B. Krumpholtz en 1790, que no tuvo éxito y pronto cayó en el olvido. En la actualidad sólo es una pieza de museo.

Arpa criolla: Como el modelo anterior, es un cordófono diatónico, de factura artesanal y muy popular en el folclore hispanoamericano. Por sus características, se trata de un instrumento derivado del arpa cromática europea, a cuya imagen se fabrica. El ámbito geográfico de divulgación del arpa criolla, como instrumento tradicional, comprende una gran parte de los territorios comprendidos por Paraguay, Brasil y Argentina. En este último país, especialmente en las provincias de Corrientes, Salta, Catamarca, Tucumán y Santiago del Estero. El arpa criolla se tañe con las dos manos.

Arpa de David: Nombre de un cordófono de origen hebreo, contemporáneo de la primitiva lira y del arpa de los griegos. Se conoce su existencia por antiguas estelas y figuras grabadas en piezas de terracota. (Siglo V a.C.). Su brazo o bastidor, con forma de arco, servía para estirar 7 cuerdas, tenía casi un metro de altura y una pequeña caja de resonancia en la base. El escultor Carlo Filippo Chiaffarino (1856-1884) reprodujo este instrumento en la estatua de David que hoy figura en la colección de la Biblioteca Vaticana.

Arpado: Voz poética, derivada del sonido del arpa. Como arpegio. Se aplica normalmente para describir el sonido eufónico y melodioso. Suele aplicarse en particular al canto de los pájaros.

Arpa doppia: En italiano (arpa doble). Cordófono del siglo XVI, con tonalidades dulces y expresivas. Estaba provisto de 19 cuerdas. Muy apreciado durante el Renacimiento por su singular sonoridad, fue uno de los instrumentos esenciales en la configuración del madrigal y también del primitivo drama lírico. A principios del siglo XVII, Claudio Monteverdi incorporó un arpa doppia en la plantilla orquestal de su célebre ópera “Orfeo”, favola in musica en cinco actos, estrenada en 1607, en el Palacio Ducal de Mantua.

Arpador:

(derivado de arpa/arpista). Vocablo antiguo que se utilizaba para designar al músico, ejecutante o intérprete de ese instrumento.

Arpa eólica: Instrumento cordófono del siglo XVII, que tuvo especial auge durante el periodo del Romanticismo. Con sus largas cuerdas, de diferente diámetro, podían lograrse curiosas sonoridades. Algunos modelos disponían de un fuelle de piel que le proporcionaba la corriente de aire necesaria para poner en funcionamiento el sistema sonoro. Arpa laúd: Pequeña arpa montada sobre la caja de resonancia de un laúd. Tenía 12 cuerdas y mástil doble con 10 trastes. El clavijero de este instrumento, era una pieza de madera transversal, similar a la consola de las arpas diatónicas.

Arpa paraguaya: Prototipo introducido en América a fines del siglo XVII, cuyos ejemplares modernos poseen características propias de los artesanos y músicos guaraníes. El primer modelo conocido está registrado en una referencia escrita en el año 1691, en el pueblo de Yapeyú¹⁶. Existen magníficas arpas de este tipo con diferentes formas de encordado (32, 36, 38 y 40 cuerdas). Aunque la afinación puede ser variable, la manera más corriente es en sol mayor, con todas las posibilidades que permite esta escala, normalmente comprendida en el ámbito de las cinco octavas. Su caja de resonancia construida en forma artesanal- suele ser de madera de pino, con un peso bastante ligero y carente de refuerzos u otros elementos de metal. La tapa armónica lleva un listón de cedro, denominado escala, con guarniciones de hueso para sostener el encordado. El sistema clavijero suele ser de madera dura, con pequeñas clavijas de empotrar. El arpista paraguayo acostumbra interpretar los compases melódicos con la mano derecha, sobre las cuerdas altas. Para obtener los sonidos más brillantes emplea las uñas, mientras que para los tonos matizados se vale de las yemas de los dedos. También se conoce a este instrumento con los nombres autóctonos de “arpa india” o “arpa nativa”, aunque los aborígenes guaraníes no conocieron realmente el arpa. El único cordófono prehispánico era el rudimentario arco monocorde. La descripción gráfica más antigua que se conoce del arpa paraguaya, se remonta al año 1706 y se trata de unos relieves tallados en piedra, existentes en las ruinas del pueblo de Trinidad. La pieza representa a un grupo de ángeles arpistas.

Arpa teutónica: También llamada arpa danesa, o de los dinamarqueses. Cordófono diatónico, popular en el norte de Europa, especialmente entre los pueblos germánicos, cuyo origen es muy antiguo. Los normandos y anglosajones la llamaban crwth o crouth. En irlanda aún se la conoce con este nombre. La consola, el clavijero, la caja armónica y la columna con el cabezal, tallado en madera de roble, eran muy voluminosos. El arpa teutónica estaba provista de 24 órdenes de cuerdas dobles y combinadas (metal, entorchado y tripa). Su sonoridad alcanzaba una gran potencia, aunque el timbre era un tanto áspero. Dentro del tipo de las arpas medievales, existió una cierta variedad en los tamaños y las diversas formas de encordado. Muchos de esos ejemplares, hoy olvidados, o en desuso debido a las limitaciones técnicas para la ejecución de la música moderna, aparecen fielmente reproducidos en láminas y esculturas de la época. En una brillante obra de investigación y recopilación histórica, escrita en el siglo XVIII, por el monje benedictino Martín Gerbert¹⁷, aparece la descripción de un modelo de arpa teutónica del siglo IX, que todavía se conserva en el monasterio germano de Saint Blasien.

Arpègement: Vocablo francés. Es lo mismo que arpeggio. Acorde quebrado que se realiza imitando los sonidos del arpa. En las partituras aparece indicado con una línea vertical ondulada. Se usa en la descripción de ciertos pasajes musicales de la grand-opéra.

¹⁶ Antigua reducción jesuítica del Paraguay, situada en la actual provincia de Corrientes, República Argentina.

¹⁷ Gerbert von Hornau, Martín (1720-1793): Teólogo y publicista alemán. Monje de la orden de San Benito, llegó a ser príncipe-abad de Saint Blasien, en la Selva Negra. Entre sus obras más destacadas, dentro del ámbito de la musicología, caben destacar: “De cantu et musica sacra” [Del canto y la música religiosa] (1774) y“Scriptores eclesiastici de musica sacra” [Compositores eclesiásticos de música religiosa] (1784).

Arpeggiando: Es una indicación de ejecución en italiano. Significa que el ejecutante de un determinado instrumento debe interpretar un pasaje con arpegios. Existen diversos vocablos con este significado, que se emplean de manera corriente. La técnica también se suele se llamar glissando.

Arpeggiato:

Igual que la anterior, se emplea para indicar el pasaje melódico que debe ejecutarse en forma arpegiada.

Arpegiado: Técnica de la guitarra. Es una forma usual en la interpretación del cante flamenco. Se utiliza para interpretar acordes desarrollados alternando la posición de los dedos sobre las cuerdas. En este caso, el pulgar tañe la primera cuerda y los demás dedos las cuerdas restantes combinando la presión del rasgueo entre unos y otros.

Arpegio: Del italiano (arpeggio) Sucesión de los sonidos de un acorde. Se denomina con este nombre, derivado del vocablo arpa, a la serie de notas que son ejecutadas en forma sucesiva. Fue un efecto usual en la ejecución del clave, el clavicordio, el laúd y otros instrumentos menos usuales, como el arpeggione. En la actualidad se logra especialmente con las cuerdas del arpa. Es posible ampliar cualquier arpegio reiterando las notas que lo forman en tonos más graves o más agudos.

Arpeggione: Instrumento cordófono del siglo XIX, de la familia de las guitarras. Tiene el tamaño similar a un violonchelo y seis cuerdas que se frotan con arco. Durante el periodo del Romanticismo tuvo una moderada difusión, especialmente en Italia y Alemania. La "Sonata en la" compuesta por Franz Schubert en 1823 está pensada para la interpretación con arpeggione.

Arpicordio: Variedad de clave, del siglo XVII, provista de un teclado de marfil y ébano. La caja armónica, delicadamente decorada y con forma casi triangular, contenía el sistema de cuerdas pulsadas mediante un mecanismo de palancas y plectros de metal que le daban un sonido alto y cristalino, similar al del arpa. Cayó en desuso a principios del siglo XIX. Este instrumento puede aparecer citado también como arpicorde.

Arpicordo:

Denominación corriente que se daba en el siglo XVI al primitivo

clavicémbalo

, instrumento que con el paso del tiempo dio origen a la

espineta

.

Arpolire: Instrumento híbrido, también conocido con el nombre de guitarra-lira. Era una especie de guitarrón con tres mástiles, diseñado en 1827. Estaba provista de 21 cuerdas afinadas en tres escalas. Fue un intento de perfeccionamiento de la guitarra-lira de François Breton, creada en París (c. 1800).

Arraché: Término francés. Significa "arrancado". Se refiere a las notas que son obtenidas pellizcando las cuerdas de algunos instrumentos con el propósito de obtener sonidos especiales. En italiano: pizzicato forte.

Arrastre: Efecto particular en la ejecución de instrumentos de cuerdas pulsadas. Consiste en dejar deslizar el dedo índice sobre una de las cuerdas, logrando de esa forma un sonido prolongado y expresivo. Se trata de un detalle puntual del que no conviene abusar para evitar caer en lo repetitivo.

Arreglo: Modificación de una partitura con el objeto de utilizar diferentes voces o instrumentos musicales. En el cante flamenco es la transformación de un pasaje que pone en evidencia la habilidad del cantaor o cantaora para alterar ligeramente una melodía, embelleciéndola, pero sin llegar a distorsionar la armonía del conjunto.

Arriero: También llamado tambor mayor. Juntamente con el tambor respuesta o respondón, el cantante y el segundo, integra el grupo de percusión -compuesto por cuatro tambores graves- que suele acompañar las actuaciones de las bandas u orquestas de chimbanguele, populares en el folclore venezolano.

Arrorró: Letra y melodía de nana dulce y cadenciosa. Es una canción de cuna tradicional en la zona del Río de la Plata (Argentina y Uruguay). Existe una versión típica de las Islas Canarias, que parece ser aún más antigua, de la cual procederían las otras variantes hispanoamericanas. El nombre arrorró es una voz onomatopéyica.

Ars Antiqua: Nombre de una escuela francesa de contrapunto, famosa durante los siglos XII y XIII. Corresponde al primer periodo de la música polifónica occidental. Recibe este nombre como una manera opuesta al estilo del Ars nova. Sus maneras, inscriptas en el régimen polifónico elemental, destacaron en la ejecución del discantus y el organum, configurando una de las bases fundamentales del arte lírico medieval. Entre los más célebres cantantes de aquella época, figura Albert de París, llamado Magister Albertus Parisiensis, fallecido en el año 1180. A este monje laico, que fue maestro del coro de la catedral de Notre Dame, se le atribuye la autoría de la antigua "Congaudeant catholici", composición religiosa escrita para tres voces en neumas de Normandía sobre tetragramas. En época reciente se han realizado estudios y transcripciones de esta notable composición con el propósito de conocer más profundamente la línea melódica, el tono y el ritmo de la música medieval.

Arsis: Palabra griega cuyo significado es "elevación" (relacionado con la idea de progreso en el sentido espiritual). En la práctica de la música antigua se relacionaba con la elevación del tono armónico. El propósito artístico y religioso era llegar a lo más alto y puro del canto sacro. Los antiguos griegos relacionaban esta palabra con la danza y el cantar místico, aplicándolo especialmente al acto de elevar el tono de la voz marcando el compás de las melodías cantables. En el canto llano o gregoriano se llamaba técnicamente arsis al instante preciso en que realizaba la elevación de la voz.

Ars musicalis: Célebre tratado del siglo XIII sobre el arte de la música, escrito en latín por el teórico Aegidius Zamorensis¹⁸. Describe los efectos emocionales de la música, en particular el modo eclesiástico. "Ars Musicalis" es una de las primeras obras de su género, que describen los instrumentos medievales y la forma de tañerlos.

Ars nova: Forma de interpretación musical, antecedente del contrapunto, que surgió a fines Edad Media, como resultado del perfeccionamiento de la escritura de las notas. En Florencia fue divulgada por los renombrados maestros del siglo XIV, Giovanni de Cascia y Francesco Landino. En Francia tuvo el impulso del célebre teórico musical y compositor francés Philippe de Vitry (1321-1361) autor de varios estudios sobre el método del contrapunto y tratados sobre notación, de uno de los cuales se tomó el nombre de Ars Nova. Philippe de Vitry fue también un notable creador polifónico, a quien se atribuyen una serie de doce motetes isorrítmicos de tipo profano muy bien desarrollados. Contrariamente al modelo de la época, se considera a este autor francés más inclinado a la creación y reproducción de formas melódicas populares que a la inspiración de la música religiosa. Se estima también de su influencia la existencia de diversos tratados sobre teoría musical de aquel siglo, entre los que se cuentan "Ars Musicali" y "Ars Contrapuncti", obras claves en su tiempo para el estudio de la notación de los signos de división binaria y de compás. Del fuerte contraste expresivo entre el Ars Antiqua y el Ars Nova escribe interesantes referencias el musicólogo belga Jacobus de Lieja autor del libro Speculum Musicae (siglo XIV).

¹⁸ Juan Gil de Zamora (c. 1200-1265). Fraile franciscano. Fue maestro de coro en la corte de Alfonso X el sabio y tutor de su hijo Sancho IV.

Art Ensemble of Chicago: Título de un conjunto musical de vanguardia que durante la década de 1960 dio origen a la célebre escuela del jazz libre norteamericano conocida con el nombre de jazz free. Entre sus miembros se contaban músicos de renombre, como Lester Bowie, Roscoe Mitchell, Malachi Favors y Joseph Jarman. A ellos se unieron los miembros del innovador movimiento New Thing (cosa nueva).

Articulación: Llámase así a la claridad en la interpretación de los sonidos musicales. Para lograr una perfecta articulación se requiere el dominio del fraseo, el legato, el ataque y el stacatto. Entre sus condiciones son esenciales una buena vocalización, la impostación adecuada al momento musical, la respiración acompasada, ajustarse a la duración y mantener el timbre de la voz. La manera de cantar articulada está relacionada directamente con la técnica del recitativo, de la que parece asimilar el ritmo natural del diálogo.

Aru Amunyas: Serie de composiciones musicales pertenecientes al folclore aymará, típico de Bolivia. Forman una colección de danzas tradicionales del altiplano, cuyos acordes aún conservan el estilo pentatónico de las melodías incaicas. El instrumental corriente de esta pintoresca expresión artística alcanza una amplia gama sonora. Entre los aerófonos se pueden hallar el variado conjunto de flautas indígenas de diverso tamaño (tarkas, pinkillos, antaras y quenas). Los instrumentos de percusión pertenecen al grupo de los membranófonos (bombos, cajas, tambores). La creación musical del pueblo aymará observa un perfecto equilibrio con su propio carácter. La condición, mística y elevada, podría compararse con la música sacra de las antiguas civilizaciones asiáticas, donde las suaves sonoridades y los tonos prolongados configuran una forma de lenguaje emotivo y de contacto con las deidades, objeto de su culto religioso.

Arunguita: Danza folclórica argentina. También llamada danza quechua. Sólo existen constancias de que se bailaba originariamente en la provincia de Santiago del Estero, aunque actualmente goza de una gran popularidad en todo el país. Presenta ciertos rasgos melódicos y coreográficos similares a los de la danza lorenzita, otra variedad folclórica del mismo origen. Es un baile de parejas sueltas e independientes que se cortejan delicadamente en medio de giros y zarandeos, acompañados con castañetas y el revuelo de pañuelos blancos, cuyo movimiento parece idealizar el sentimiento de las parejas danzantes. Finaliza con la coronación, gesto amoroso que representa la culminación del cortejo.

As: La bemol

en la terminología musical germana. Equivalente de

A flat

en inglés. En francés sólo varía la acentuación de la letra é (

la bémol

).

Asas: La doble bemol

en la terminología musical germana. Equivalente de

A double flat

en inglés y

la double bémol

en francés.

A sharp: La sostenido en la terminología musical inglesa. Equivalente de Ais en alemán y la dièse en francés.
Ashiko: Tambor típico de Nigeria. Posee dos tipos de sonido: uno grave y profundo, cuando se percute en el centro del parche, y otro más alto, si el golpe resuena cerca del borde tenso. Tiene un perfil estilizado, con forma cónica, integrada por láminas de madera forradas con piel de cabra o antílope.

Asibilación: Sonido silbante producido por una modificación en la articulación de los fonemas. La asibilación se confunde con el sonido armónico dando por resultado notas discordantes aunque no exentas de originalidad. Algunos cantantes de ópera emplean esa transformación de los fonemas oclusivos para lograr curiosos efectos sonoros.

Asiento:

Pieza torneada en madera que va unida al odre en las gaitas o cornamusas. Sirve para conectar el

soplete

y los distintos tubos sonoros.

Asmatika:

Canto bizantino. Coro melismático, cuya forma ornamentada interviene en contrapunto con el

psaltika

, un cantante solista y virtuoso.

Asonancia: Es la rima imperfecta entre dos palabras cuyas consonantes son diferentes y las vocales iguales, contando desde la última acentuada. En la letra de ópera es muy común este tipo de efecto.

Aspiración:

En la técnica del canto, se denomina así al espacio mínimo de la pausa musical que solamente permite recuperar el aire.

Assai: Vocablo italiano que significa "muy". En música, se utiliza como complemento de los tiempos (tempi) para indicar, de manera directa, la disminución o el aumento en la velocidad del ritmo melódico. Cuando se trata de una acotación referida a la intensidad de la melodía, quiere indicar un fuerte aumento del sonido. Se escribe con la abreviatura "fff".

Assai forte:

Denominación complementaria de graduación. Significa que la intensidad de una melodía debe salir bastante fuerte, pero sin exagerar.

Assez:

Vocablo francés. Significa bastante. Se emplea especialmente para señalar la necesidad de intensificar un sonido.

Asturianaes: También llamada tonada asturiana. Estilo vocal folclórico, difundido en la región del principado. Algunos musicólogos consideran esta forma musical como una variante lejana del cante jondo, que emigró en tiempos pretéritos al norte de la península, aunque en realidad presenta notables diferencias estructurales. Antiguamente, las asturianaes se cantaban con el concurso de la gaita de lengüeta, en un alarde de coordinación melódica entre la voz y el sonido agudo del instrumento. En la actualidad se pueden oír interpretaciones profesionales que incluyen también el acompañamiento del piano y la guitarra. En el moderno repertorio popular asturiano existen bellos ejemplos, bien conocidos de esta variedad de tonada ("Dime paxarín parleru", "Pastor que tas nel monte", etc.).

Atabal: Variedad de timbal con la caja semiesférica de cobre y un solo parche de piel, tensado con tiras de cuero sin curtir o torniquetes de metal. Se apoya sobre un trípode especial que sostiene la caja de resonancia y con la superficie de percusión ligeramente inclinada hacia el ejecutante. Para golpear o batir estos instrumentos se emplean unos mazos de madera con la punta recubierta de paño. El sonido resultante es grave y profundo.

Atabalero: Soldado que acostumbraba tañer el atabal. Los atabaleros sirvieron en los ejércitos españoles y europeos desde el siglo X hasta el XIX. La percusión se realizaba mediante unas fuertes baquetas de madera con la punta forrada en fieltro. En el siglo XI, bajo el reinado de Alfonso VI, rey de Castilla, los ejércitos cristianos marchaban al son de unos grandes tambores sudaneses, montados sobre el arnés de las cabalgaduras. Aquellos grandes tambores o atabales era percutidos por esclavos negros que integraban las tropas almorávides. A la muerte de este rey, llamado el Bravo, su hija doña Urraca tomó posesión de la plaza de Zamora escoltada por un cortejo de atabaleros que marchaban a paso redoblado. En el Ayuntamiento de la ciudad de Vitoria (País vasco) existieron hasta épocas muy recientes clarineros y atabaleros encargados de los pregones de las fiestas religiosas y otros acontecimientos comunales. En la actualidad, los instrumentos y uniformes de atabaleros forman parte de las tradiciones regionales.

Atabaque : Membranófono perteneciente al folclore musical del Brasil. Se tañe en grupos de tres tambores de distintos tamaños. La suma de los tres niveles de sonidos combinados, produce una escala de percusión bastante amplia:

1) Tambor Rum: Tamaño grande de tono grave y profundo. Se tañe con mazo.
2) Tambor Rumpito: Tamaño mediano. Tono inter-medio. Se tañe con macillo.
3) Tambor Ie: Tamaño pequeño: Tono normalmente alto. Se tañe con las manos.

Ataque (música electrónica): Es un vocablo técnico que sirve para designar la primera fase del efecto envolvente. Se trata del tiempo que transcurre desde que comienza un sonido hasta que alcanza la fase intermedia, llamada estado permanente. La última fase se llama caída y cierra la curva de intensidades del sonido en el tiempo. En el ambiente de la música electrónica–particularmente en el lenguaje MIDI- se suele emplear la variante inglesa (attack).

Ataque (vocalización): Del italiano (attacare). Es una forma imperiosa y fuerte en la emisión de los sonidos vocales, su estilo es muy común en los parlamentos del drama lírico. En la música sinfónica constituye un recurso sonoro de alta intensidad con el objeto de destacar un determinado compás. Con referencia a la ejecución de cualquier composición musical, este vocablo significa dar comienzo a la misma.

Atarigane: Variedad de gong de mano usual en los espectáculos líricos del Japón. Otra de las funciones del atarigane es acompañar a los bardos y poetas en la declamación teatralizada del haikú.

Atcheres: Instrumento de percusión de la familia de las maracas. Es un idiófono tradicional en la isla de Cuba y otras regiones del Caribe. Se usa particularmente en la ejecución de la música yoruba.

Atelana: Del italiano (favola atellana). Variedad de farsa musical del siglo II a.C. Era originaria de la ciudad italiana de Atella (Campania). Los actores -que solían representar personajes grotescos- actuaban con máscaras y coturnos, al estilo del teatro griego clásico. Solían integrarse con cantos populares y danzas tradicionales del sur de Italia. Las fábulas atelanas tenían personajes propios, como Bucco el glotón, Pappus el anciano avaro, Dossenus el filósofo, o Maccus, el necio. En el acompañamiento musical se empleaban liras, flautas, cornos de latón y la típica clacca, una variedad de castañetas, talladas en madera de olivo. Fue un antecedente histórico de la comedia cómica italiana (commedia dell’arte). En algunos pueblos montañeses del Appenino Lucano (Basilicata y norte de Calabria) adquirió un carácter folclórico y se siguió representando hasta fines del siglo XIX.

A tempo: Indicación de ejecución. Volver al tiempo original. Señala el momento en que se debe retomar el compás normal de una melodía cuando éste se ha variado por alguna razón. Se emplea generalmente cuando un determinado pasaje se ha ralentizado durante varios compases y luego debe retornar a su anterior movimiento.

A tempo primo:

Igual que la indicación precedente. Refleja la necesidad de retornar al movimiento inicial.

A tiempo real: Término compuesto de la música electrónica, relacionado con la técnica del secuenciador. Se refiere al procesamiento de la señal acústica al mismo tiempo que ésta se produce (grabación, distorsión, amplificación, etc.). Es la operación opuesta al procesamiento por pasos, donde las notas van entrando una a una.

Atonalidad: Forma de interpretación que se caracteriza por la carencia de tonalidades. En sustitución de los cinco tonos y dos semitonos de la escala, suele emplear los doce semitonos correspondientes a las octavas o periodos de las notas. Es un término que surgió con la música del siglo XX, aunque su principio ya era conocido desde muchos siglos antes. Con la práctica de la atonalidad se elimina la idea que prevaleció durante siglos respecto a la distinta jerarquía de los sonidos y la fuerza gravitatoria ejercida por la tonalidad principal. En líneas generales, la atonalidad propicia una forma de libertad cromática donde todas las notas son iguales y fluyen al margen de las condiciones armónicas que encasillan a la música tonal. Por ello también se la suele denominar pantonalidad, un concepto intermedio, usado preferentemente por Arnold Schomberg, para evitar la idea de ausencia total de tonalidad.

Atonalismo: Escuela o movimiento musical que propicia la atonalidad. La técnica de la composición atonal comienza a incidir en la creación del drama lírico a partir del 1908, con obras primero de Richard Strauss (la tragedia en un acto "Electra", de 1909); Arnold Schömberg (el ciclo de canciones dramatizadas "Pierrot Lunaire", de 1912) y Alban Berg (con la ópera en tres actos "Wozzeck", de 1925). Dentro del ámbito de la música ligera, podría citarse a Anton von Webern ("Canciones para voz, violín, viola, clarinete y clarinete bajo", difundidas hacia 1940). En la actualidad, la música, como otras formas artísticas, no escapa a una profunda y novedosa corriente experimental. La idea gira en torno al amplio concepto de la libertad expresiva. En el atonalismo se pueden utilizar indistintamente todos los sonidos del total cromático de la escala, por esa razón, entre sus distintas posibilidades estructurales, existen numerosas variantes. Como no hay reglas para la experiencia creativa, y al no haberlas, la música no tiene razón para sonar bien o mal, todo depende del gusto personal de quien la escucha. Junto con el neoclasicismo y el romanticismo tardío, estuvo presente en la creación operística de las primeras décadas del siglo XX. Dos ejemplos de atonalidad se pueden apreciar en el canto gregoriano y en la primitiva música pentatónica.

Atonalismo libre: En la música dodecafónica, si no se determina ninguna serie o asociación ordenada de los doce semitonos.
Atonalismo serial: Las composiciones musicales dodecafónicas, son seriales cuando se determina un orden correlativo en la asociación de los doce semitonos.

Atracción: Relación dinámica entre los sonidos de una melodía. Es la atracción del grado fuerte sobre el débil que se halla contiguo o adyacente. Esa atracción responde a un principio fundamental de la música relacionado con la consonancia. El fundamento no varía si el lenguaje musical es armónico o melódico, aunque se produzca de diferente manera. La atracción ejercida por la consonancia entre los diferentes sonidos del pasaje musical crea una cierta tensión que a su vez le brinda expresividad a la melodía. Atrezzo: Objeto escénico, con exclusión del vestuario y los decorados (accesoires en francés). En la puesta en escena de la ópera, pueden considerarse parte del atrezzo los instrumentos musicales que simulan ejecutar los actores en función del argumento. En inglés se denomina props.

Atril:

Trípode liviano, de madera o metal, que sostiene las partituras en la orquesta.

Attaca: Vocablo italiano. Se escribe en la partitura al producirse el encadenamiento de dos pasajes musicales. Significa que se debe continuar directamente con la interpretación de una composición al finalizar un determinado movimiento. En consecuencia, la melodía debe seguir sin pausas aunque cambie el tema melódico.

Aturuxos: En gallego (gritos de alegría). Voces de estímulo que suelen acompañar el desarrollo de ciertas danzas populares, como la muiñeira mariñana, típica de la región de La Coruña (Galicia). Los aturuxos son gritos expresivos que forman parte del ambiente musical. Por su propia naturaleza armónica, intimamente relacionada con los compases de la danza, no están exentos de una cierta modulación melódica.

Au chevalet: Expresión francesa. Se refiere a un sonido particular, dotado de una gran cantidad de armónicos. Se obtiene frotando el arco cerca del puente (chevalet) en los instrumentos cordófonos como el violín, el violonchelo, la viola de gamba, etc. En italiano se escribe: sul ponticello.

Auditorio:

Sala especialmente dedicada a la representación de conciertos, óperas, recitales, etc.

Aufstrich:

Vocablo alemán referido a la técnica de ejecución de los instrumentos de cuerdas. Es el acto de frotar las cuerdas de manera ascendente, con leves golpes de arco.

Auledus: Música antigua. Es un término latino derivado del griego. Se llamaba así al interprete del aulos (flauta) que acompañaba el canto de los solistas en las escenas teatrales de la Roma imperial. Los romanos cambiaron la palabra griega aulos por su traducción latina tibia, pero continuaron utilizando los vocablos derivados, como auledus.

Auloda: Voz derivada del griego, cuyo significado amplio es flautista, cantante y ejecutante de aulos. Destacó en este difícil arte el poeta y músico Píndaro (siglo VI a.C.). La creación lírica de celebre genio de Tebas, quedó plasmada en una rica tradición musical que ha trascendido inmutable en el tiempo. El término auloda comprende una combinación de melodías instrumentales, danzas y poesías, sujetas a reglas muy precisas. Aulodía: Melodía pentatónica que se interpretaba con la flauta griega llamada aulos. También se dice de la habilidad e inspiración en la composición o ejecución de la música para dicho instrumento.

Aulos: Flauta de caña muy antigua, de origen griego, similar al caramillo. A través del tiempo, han existido muchas variantes de este instrumento, pero el modelo tradicional está formado por dos tubos aerófonos que producen distintos sonidos, uno para acompañar la voz, y otro para hacer un efecto similar al del bajo continuo. Todavía se utiliza como flauta típica en el folclore regional de algunas regiones del Mediterráneo oriental, especialmente en la costa de Anamur (Turquía), en Chipre y en las islas Cícladas. Por sus características sonoras y la amplia función melódica, dentro del conjunto instrumental, se considera a esta flauta como uno de los instrumentos antecesores del actual oboe. El rey de Egipto Tolomeo XIII (95 a.C.-52 d.C.) era tan aficionado al sonido de este instrumento y le complacía tanto ejecutarlo, que pasó a la historia con el apodo de "auletes" (tañedor de aulos). En Alejandría, una piedra labrada lo recuerda como uno de los soberanos de la antigüedad que impulsó el desarrollo de la música.

Aumentación: Efecto sonoro consistente en la prolongación proporcional de la duración de las notas de una melodía. De esa forma, se logra el incremento progresivo del valor temporal de los sonidos. Se pone de manifiesto en el contrapunto entre dos cantantes de ópera.

Aumentado: Término empleado en armonía para indicar el acorde cuyo ámbito se extiende un semitono. El límite de ese segmento de la escala musical debe estar comprendido entre dos sonidos.

A una corda: Señal de ejecución pianística. Indica al intérprete que debe bajar el pedal izquierdo hasta el final del recorrido, para que el martillo presione una sola cuerda, produciendo un sonido especial.

Au-ni-aau: Aerófono tradicional de las Islas Salomón. También llamado “flauta melanesia”, consiste en una caña de bambú, provista de una serie de orificios de diferente tamaño, que pueden variar de acuerdo con el largo y la tesitura del tubo sonoro. Las flautas au-ni-aau pertenecen al mismo grupo que los primitivos instrumentos de viento polinesios. Algunos modelos antiguos, bellamente tallados en madera, fueron recuperados por el folclore musical del archipiélago.

Au-ni-maku:

Bastón rítmico de bambú, que se empleaba en las Islas Salomón con el objeto de marcar los diferentes pasos coreográficos de las danzas ceremoniales.

Au-pasiawa:

Cordófono primitivo, con el cuerpo de caña y las cuerdas de fibra de bambú. Pertenece al mismo origen y grupo étnico que los instrumentos anteriores.

Au-porare:

Instrumento de viento de Melanesia. Es una variedad de flauta travesera de bambú, con sólo dos orificios. Es típica de la isla de Malaita (Islas Salomón).

Aurresku:

Conjunto de danzas populares de la región vasca. Posee una coreografía propia en la interviene el típico

Zortzico

, un baile local, muy movido y de compás quebrado.

Auténtico: Forma griega de ordenación de los sonidos en una escala. Desde la Edad Media, y posteriormente durante la época barroca, existían hasta una docena de modos diferentes de ordenar los sonidos. A uno de ellos -originario de la antigua Grecia- se le llamaba auténtico y su escala estaba compuesta por dos tetracordios iguales. En la actualidad, el modo griego ha caído en desuso y sólo existen los modos mayor y menor.

Auto: Drama lírico de carácter eclesiástico, cuyo componente principal era el canto y la música sacra. Alcanzó especial preponderancia entre las expresiones musicales del siglo XVII. Por sus características, fue un antecedente de la ópera y también del oratorio. El término, derivado del griego (autos=uno mismo), refleja el sentimiento individual de este tipo de representación escénica, impregnada de misticismo religioso de la época.

Autógrafo: El estudio de las piezas manuscritas o partituras originales, realizadas por los propios autores, tiene especial importancia en el análisis de las introducciones críticas que preceden las reediciones de obras antiguas. Especialmente cuando el compositor o escritor ya ha fallecido. Debido al uso corriente, el vocablo autógrafo, empleado como adjetivo, para indicar la calidad de un documento escrito por su propio autor, ha pasado a denominar, con índole de sustantivo, al documento en sí mismo.

Autor: En el concepto semiológico del trabajo creativo existen dos momentos claves que forman parte de la comunicación audiovisual. Uno de esos elementos es el autor (emisor del mensaje), el otro componente del proceso intelectual se halla al final del trayecto y es el público (destinatario y receptor directo de ese mensaje). La personalidad teorética del creador de una obra intelectual, así como las circunstancias humanas, individuales y sociales, de su tiempo, siempre están implícitas en el fondo del argumento y permanecen inmanentes en el desarrollo de la obra.

Auto sacramental: Conjunción del latín (actus=acción y sacramentum=misterio sagrado). Pieza o composición musical, de carácter religioso, que se acostumbraba representar en España y Portugal, desde fines de la Edad Media hasta mediados del siglo XVIII, durante las celebraciones del Corpus Christi. El espectáculo, que alcanzó una gran popularidad entre el pueblo llano, incluía danzas, cantos y actuaciones farsescas. Fueron prohibidas en 1765. El estilo, ágil y variopinto, del auto sacramental, ejerció una cierta inspiración en la obra de autores del Siglo de Oro español, como Tirso de Molina, Lope de Vega y Calderón de la Barca.

Ayacatchtli: Sonajero azteca, de origen precolombino. Era una variedad de sonajero de barro cocido, con forma redonda y bellamente decorado con pinturas o incisiones, que empleaban los antiguos mejicanos en el acompañamiento de sus danzas rituales. Existen ejemplares en varios museos arqueológicos.

Ayamuyo: Otro instrumento indígena similar al anterior, procedente de Ecuador. Aún se emplea en las danzas folclóricas, ceremonias tradicionales y otras celebraciones de la región oriental del país (Napo, Pastaza, Morona, etc.). Tiene forma de collar, compuesto por colmillos de jaguar, caracoles de agua dulce, huesos y semillas secas. El sonido de este primitivo instrumento idiófono es de carácter indefinido. Se obtiene por sacudimiento, mientras se lo sostiene con la mano al bailar.

Ayotl: Idiófono folclórico de percusión directa, procedente del sur de México (Oaxaca, Minatitlán, Chiapas). Consiste en una caparazón de tortuga, que se bate sobre la parte ventral mediante unos macillos de asta de venado. Estas primitivas cajas de percusión existen en diversos tamaños, que pueden producir una serie de sonidos rítmicos de regular intensidad.
Ayre: Vocablo de origen normando. Se refiere a una antigua composición musical, en estilo de canción, que data del siglo XVI. En la actualidad se suele cantar como pieza folclórica en las festividades populares del sur de Inglaterra y en la región de Dover-Calais. Está concebida para una sola voz, con el acompañamiento de laúd. El estilo aparece por primera vez en las cantatas inglesas con las características de un solo vocal. Luego su uso se fue divulgando con la denominación general de aria, hasta formar parte de varios oratorios y óperas clásicas.

Axabeba: Es el nombre de una variedad de flauta travesera, utilizada entre los siglos X y XIII. En recientes estudios musicales se ha intentado recuperar la forma y el sonido de este antiguo instrumento, tomando como base las pequeñas figuras representadas en las "Cantigas" de Alfonso X el sabio. El motivo de tales investigaciones es conocer con detenimiento todas las características de la interpretación musical en aquella época, y en general, las posibilidades instrumentales existentes en la Edad Media. Otro autor que se refirió a este instrumento fue Juan Ruiz arcipreste de Hita (1283-c.1350), en su “Libro del buen amor”. También se lo conoce con la denominación exabeva.

Azanita:

Cantor hebreo dedicado al culto en las sinagogas. Cumplía una función equivalente a la que desempeñan los diáconos en la iglesia católica.

Azione sacra: Forma de cantata religiosa de origen austríaco, que se representaba en el atrio de las iglesias durante las festividades populares. Tuvo gran difusión en Italia, de allí que su nombre fue divulgado en la lengua de aquel país. Data del siglo XVII, por lo tanto su evolución fue posterior al nacimiento del oratorio.

Azione scenica: También designada con el nombre de azione musicale, es una composición creada especialmente para canto agitado, con acción y un vigoroso acompañamiento musical.

Azione teatrale: Pieza de teatro ligero del siglo XVII, configurada en torno de un argumento alegre y variado. Básicamente era interpretada por grupos corales, bailarines y cantantes solistas. Estaba formada por varias partes o cuadros ornamentales que contenían diversos episodios de danzas y recitados. Fue un bello antecedente artístico, contemporáneo del nacimiento de la ópera. La representación de la azione teatrale se llevaba a cabo con gran boato en las cortes europeas de la época. Su difusión en salones privados y pequeñas salas de espectáculos -como un género breve de carácter independiente- se extendió hasta las postrimerías del siglo XVIII.

-B-

B: Nota si natural en los países de habla inglesa y si bemol en los de lengua germana, donde el sonido si natural se escribe H. Así aparece consignada en las ediciones y transcripciones de obras musicales publicadas en países que tienen al idioma alemán como lengua única o regional (Alemania, Austria, Liechtenstein, Luxemburgo, Bélgica, Suiza). Ambas formas observan una cierta similitud con el método de notación medieval de Odón de Cluny¹⁹.

Babel:

Especie de violín rudimentario de caña que se empleaba en la música folclórica de Filipinas.

Baborak: Tipo de danza tradicional de Bohemia, en compás variable, cuya melodía es propia de la región montañosa del norte de Austria. A principios del siglo XX su área de difusión comprendía también las comarcas vecinas de Sajonia, Silesia, Moravia y Baviera.

Bacanal: Composición popular típica del Renacimiento musical florentino. Era una pieza para canto y baile inspirada en las fiestas báquicas, que tenían lugar en la antigua Grecia en honor de Dionisos, una de las deidades más interesantes de la mitología grecolatina. Richar Wagner (1813-1883) incluyó un fragmento de este tipo de composición en la fiesta de los trovadores, de la ópera romántica "Tannhäuser und der Sängerkrieg auf der Wartburg" (Tannhäuser y el torneo de cantores de Wartburg) estrenada en el teatro de la corte de Dresde en 1845.

Bacchanna: Cítara de Etiopía, también llamada baganne. Parece ser la copia de un antiguo modelo de arpa, conocida con el nombre de magadis. Este instrumento, originario de Asiria, era conocido en Asia menor y en las islas del mar Egeo, desde donde debió pasar a Egipto y Nubia con las caravanas que transitaban aquellas regiones en épocas antiguas.

Bacciocolo: Antiguo instrumento sonoro, típico de la región central de Italia. Era un tipo de idiófono que se percutía por medio de un pequeño mazo parecido a una mano de almirez. Servía para marcar el ritmo de las danzas populares. Era común en el siglo XIX en las fiestas de los pueblos del valle del Arno, en la Toscana (Vicchio, Montevarchi, Pontassieve). Aún se conservan ejemplares en Arezzo, cuna de la notación musical moderna.

Bachata: Danza de parejas, tradicional de la República Dominicana. Tiene un ritmo alegre y vivaz, similar a la salsa, con temas inspirados en el ambiente rural. Adquirió una importante difusión durante la década de 1990, llegando a ocupar un lugar destacado entre los ritmos del Caribe.

¹⁹ San Odón de Cluny (c. 878-941). Abad del monasterio francés de Cluny. Celebrado poeta, compositor de himnos y homilías. Entre sus obras musicales destacan "Himnos y Cánticos en honor de los Santos".

Bach Gesellschaft: Sociedad musical alemana, dedicada a la difusión de la obra de Johann Sebastián Bach. Fue creada y organizada en 1842 por el compositor Moritz Hauptmann, sucesor de Mendelsohn. Desde 1850 hasta 1900, estuvo dedicada a la tarea de ubicar, recopilar y publicar la obra completa de gran compositor. El equipo de investigadores y redactores, demoró más de 40 años para reunir toda el conjunto, en sus distintas versiones. La edición del impresionante archivo documental comprende más de medio centenar de volúmenes.

Bachi: Plectro para laúd, de origen japonés, similar al de algunas balalaikas siberianas. Es bastante grande, de madera alerce y con forma de hacha. Su uso es corriente en la ejecución de melodías orientales con el laúd shamisen u otros cordófonos similares. Tara tañer estos sensibles instrumentos se coge el bachi con toda la mano -no con la punta de los dedos- y se frotan suavemente las cuerdas en forma de vaivén.

Badajillo: Nombre común que se le da en algunos países al pequeño martillo forrado con fieltro, que sirve para percutir los instrumentos musicales como el tubocampanófono y las campanas de orquesta, sean laminadas o tubulares.

Badajo (campanas):

Cuerpo metálico, fabricado con bronce, que se emplea para percutir las campanas tradicionales por su parte interna.

Badajo (carillón): Mecanismo integrante de un sistema de martillos accionados en forma automática. Estos badajos múltiples suelen estar provistos de un sistema operativo único, que permite accionar armoniosamente los carillones de iglesias y otros sistemas compuestos de campanas.

Badinerie: En francés (broma musical). Es una voz procedente de la música gala: "badiner avec le clavier" significa juguetear con el teclado. Se emplea también para denominar un movimiento de danza, de carácter ligero, que puede formar parte del conjunto de la suite.

Baganne: Variedad de cítara o lira de la antigua Abisinia (Etiopía). Los ejemplares conocidos en la actualidad, están provistos de diez cuerdas dobles, que se afinan una a la octava de otra. A pesar de ser un instrumento rústico, su sonido es bastante armónico. Puede aparecer escrito bagana o bacchanna, pero se trata del mismo instrumento.

Bagatela: Del italiano bagatella. Nombre de una variedad de obras breves y dotadas de una personalidad musical con cierto aire de improvisación. Es una forma propia del Romanticismo. Destaca como ejemplo en la composición de este tipo de melodías la serie de Ludwig van Beethoven: "7 Bagatelas", Opus 33, (1782-1802); "Bagatelas" Opus 119 (1821-1823-1828) y "Bagatelas" Opus 126 (1823).

Bagezege: Idiófono tradicional de África occidental. (Congo, Gabón, Zaire). Se conoce la existencia de distintos tipos o modelos, fabricados con una gran variedad de elementos propios de la naturaleza. Una de las formas más usuales consiste en dos bolas de barro cocido en atmósfera reductora, huecas, con las paredes muy finas y de color negro intenso. Ambas esferas van rellenas con bolitas macizas del mismo material alfarero y unidas mediante unas cuerda de fibra vegetal. Para obtener resonancias de estos ejemplares, el ejecutante debe sostener ambos extremos de la cuerda y sacudir rítmicamente las bolas al compás de las danzas folclóricas de la región.
Bag pipe: Denominación común de la cornamusa escocesa. Es el modelo que usan las bandas militares británicas (Ver highland pipe).

Baguala: Del término americano bagual (bravo, indómito). Nombre de una forma cantable, variedad de copla o tonada en falsete, tradicional del noroeste de Argentina, Bolivia y Perú. La forma baguala está compuesta por centenares de melodías, muchas de ellas procedentes de un antiguo cancionero aborigen con raíces prehispánicas. En el norte de Argentina, las bagualas muestran una estrecha relación con los festejos del carnaval y las celebraciones pascuales. En Tarija (Bolivia) se conoce la existencia de coplas de verano y de invierno, relacionadas con las temporadas de cosechas. El instrumento usual en el acompañamiento de estos cantos es la caja chayera, que suele ejecutarse en grupos de dos o tres “cajeros”, expertos en combinar armoniosamente el sonido de los parches con la entonación de la voz humana. De acuerdo con sus características, existen tres formas de bagualas, definidas por estilo de composición:

1)

Baguala amorfa:

compuesta por un número variable de frases musicales, de contenido libre y sin acompañamiento rítmico ni medida.

2)

baguala estructurada:

presenta una forma de fraseo regular, escrita al estilo de la copla española.

3) baguala mixta: contiene varios tipos de fraseo, combinados sobre textos de vidala, con estribillos y coplas inspiradas en el ambiente rural. Es la forma que subsiste en la actualidad.

Baila:

Sinónimo de

baile

o

danza

. Es una denominación poco utilizada desde principios del siglo XX, aunque perfectamente válida.

Bailanta: Americanismo. Es una denominación corriente en algunas regiones de Hispanoamérica (Argentina, Paraguay). Se llama de esa forma a los sitios populares donde se bailan danzas folclóricas.

Bailaor/bailaora: Nombre popular que recibe el artista dedicado al baile flamenco. En el acento particular de Andalucía se acostumbra suprimir del término bailador o bailadora, la sonoridad de la consonante oclusiva dental "d".

Baile: Denominación general del arte del movimiento corporal en torno a las modulaciones de la música. Es la sucesión de pasos coreográficos o mudanzas que se llevan acabo de acuerdo con el ritmo de una melodía determinada. El vocablo baile comprende todo el género. Cada forma musical recibe un nombre específico, de acuerdo con el orden al que pertenece (vals, polca, minueto, gallarda, mazurca, gavota pasacalle, etc.). El vocablo se refiere al género de manera global, de tal modo que al hablar de una danza determinada, estamos citando un estilo bailable en particular. En la mayoría de sus aspectos serían lo mismo ambas cosas, aunque existe un matiz que diferencia a las dos acepciones: el baile puede ser espontáneo y resulta más una diversión, porque expresa los afectos del espíritu valiéndose del movimiento. La danza, en cambio, obedece a un propósito intelectual, cuya esencia llega a formar parte de la cultura a la cual pertenece y es, por lo tanto, el lenguaje de la sensibilidad. Según esto, el baile sería una forma popular, que expresa menos artificio o complejidad argumental que la danza. En discrepancia con esa idea general, algunos musicólogos y ensayistas sostienen que desde la antigüedad, el baile ha formado parte del conjunto de las bellas artes, como la pintura, la pantomima, la declamación, la poesía y la elocuencia. Un ejemplo interesante de esta afirmación es el baile flamenco, una forma artística evolutiva y en constante desarrollo, que apareció al comenzar la segunda mitad del siglo XIX y cuyo periodo de mayor auge se extiende hasta finales de la década de 1920.

Bailecito: Danza de parejas sueltas e independientes, originaria de la región andina de América del Sur (Bolivia, Argentina). Fue un baile cadencioso, con aire típico del altiplano y movimiento moderado, bastante popular durante la segunda mitad del siglo XIX, época en la que su estilo se fue difundiendo en varias provincias del noroeste de Argentina (Santiago del Estero, Tucumán, Catamarca, Salta, Jujuy). Se caracteriza por los graciosos avances y retrocesos de las parejas, el airoso revoleo de los pañuelos blancos, un ritmo marcado por castañetas y la bella postura de los danzantes en el momento de la coronación final. En la actualidad constituye una expresión bailable tradicional, que se sigue cultivando en escuelas de danzas y centros folclóricos de ambos países.

Baile de la piñata: Diversión musical del primer domingo de cuaresma, en la que intervienen disfraces y máscaras. Tiene sus propias melodías tradicionales. Forma parte del acervo folclórico regional en varios países hispanoamericanos, especialmente en México. Se llama así por la costumbre de incluir en la celebración una olla de barro, repleta de dulces, que alguno de los participantes debe romper con los ojos vendados y golpeándola con un palo.

Baile de las Flores: Expresión musical y coreográfica de índole popular. La primera constancia escrita se ubica a principios del siglo XX en la ciudad de Santiago de los Caballeros de Guatemala, aunque se conoce su existencia desde épocas pretéritas. Se trata de una manifestación popular, en la que tienen lugar distintas expresiones artísticas, como la danza, el canto, la declamación y la ejecución instrumental, todo dentro del estilo barroco de los tiempos coloniales. Los instrumentos tradicionales que intervienen usualmente en el acompañamiento de este baile típico son la guitarra, la marimba y el armonicordio. Con el transcurso del tiempo y en forma similar fueron desarrollándose distintas versiones, cada una con el sello propio del municipio o la aldea de donde procede.

Baile de ronda: Pertenece al repertorio de danzas folclóricas cuya ejecución tiene lugar durante la celebración del carnaval típico en la zona andina de América del Sur. (Bolivia y noroeste de Argentina). Estos bailes tradicionales, con el ritmo marcado a través de la percusión, suelen ir acompañados por el canto de coplas. Los instrumentos musicales en este tipo de expresión cultural son los usuales de la región (caja criolla o uancara, quena, charango y guitarra).

Bailete (folclore): En la actualidad, es una forma adaptada del bailete europeo: Se halla presente en las tradiciones musicales de varias etnias indígenas de Hispanoamérica, como los aymará de Bolivia (tchilin-tchilis).

Bailete (lenguaje):

Traducción española por

ballet

. Es menos usual que la forma francesa, aunque para la manera purista del idioma castellano,

ballet

es un galicismo.

Bailete (ópera): Se llama así a una suerte de representación coreográfica breve, con pasos de danza, que solía formar parte en el desarrollo de ciertas óperas, operetas u otras obras de carácter dramático. Alcanzó su máxima difusión hacia el siglo XIX.

Bailinista: Voz del siglo XVII que se siguió utilizando hasta fines del XIX. Aparece en los libretos de ópera que contienen piezas de ballet. Es el poeta que componía los textos de los bailes cantados, especie de comedia musical de la época, inspirada en la novela picaresca y los cuadros de costumbres. Muchos de aquellos escritores eran conocidos dramaturgos que actuaban bajo un seudónimo. Los cita Vélez de Guevara en "El diablo cojuelo" (1641).

Baille a lo lixero: Denominación popular asturiana, de origen bable²⁰ (baile rápido). Es una forma genérica que reciben ciertas composiciones tradicionales del principado, como el xirigüelu o saltiquera. También conocidos con el apelativo de saltones, estos bailes folclóricos ofrecen una amplia gama de estilos e influencias que en la mayoría de los casos, tienen al sonido de la gaita como base del acompañamiento instrumental.

Baille cabraliegu: Nombre en bable de una antigua danza folclórica, típica de Asturias y originaria del región de Cabrales. También se la conoce con el nombre popular de corricorri.

Baille de pandeiru: También en bable (baile de pandero). Su nombre no deja lugar a dudas sobre el implemento más característico de su coreografía. Es una manifestación graciosa y lleno de movimiento que recuerda las fiestas campesinas.

Baille pesao: (baile pesado). Otra danza asturiana nominada en bable. El ritmo es algo más lento que los demás. Junto con el baille a lo lixero integra el conjunto de composiciones musicales típicas del principado.

Baión: Voz deformada, por bailón. Danza lenta y melódica de origen suramericano. Es una variedad de baile popular, que presenta compases con marcada influencia de ritmos aborígenes y africanos. Su difusión fue bastante amplia a mediados del siglo XX (Brasil, Caribe, Colombia). También aparece escrito bahión.

Baja:

Se dice comúnmente de la cuerda más grave en los instrumentos de este tipo.

Bajar (indicación de movimiento): En la escala descendente, significa pasar de un intervalo a otro. Se aplica en la transposición, cuando se transporta una pieza musical o un fragmento de la misma a un tono o semitono más bajo.

Bajar (técnica de ejecución): Cambiar la posición de la mano izquierda en los instrumentos de cuerdas, sea con trastes o de ejecución con arco (guitarra, viola, violín, violonchelo, etc.). Se trata de una técnica que requiere mucha rapidez y precisión para apoyar los dedos con exactitud donde deben pisar las cuerdas.

Bajete (cantante lírico): Se dice de la voz masculina, intermendia entre el tenor y el bajo. Puede equipararse a la tesitura intermedia del barítono. Es un término que tiene poca vigencia en la actualidad, dándose preferencia a este último término.

Bajete (composición):

En clave de

fa

. Se utiliza en las prácticas de

contrapunto

y

armonía.

Bajo: Del latín (bassus). En términos generales es el instrumento o la voz más grave dentro de la escala de sonoridades. Sin embargo, este vocablo posee una serie de acepciones puntuales cuyas definiciones se agregan a continuación.

²⁰ Lengua española derivada del latín, propia de la región de Asturias. Es rica en léxico y formas gramaticales que demuestran una apreciable influencia en la música y la literatura.

Bajo (cordófono): También llamado contrabajo. Existen varios modelos. Entre ellos pueden citarse el contrabajo de cuatro cuerdas, afinadas de agudo a grave (sol-re-la-mi) y el de cinco cuerdas, igual al anterior, pero con el agregado de una cuerda suplementaria (sol-re-la-mi-do).

Bajo (nota musical):

Es la nota que sirve de base para la ejecución de un acorde.

Bajo (partitura): Es el pasaje o fragmento de una composición musical que se escribe especialmente para un instrumento o cantante, cuya sonoridad se ubica entre los tonos graves.

Bajo (registro vocal):

Se refiere a la voz masculina más grave. Su extensión es equivalente por lo menos a dos octavas (

fa

grave y

fa

agudo).

Bajo (volumen): En el sentido de sonoridad, es lo opuesto a fuerte y se aplica para definir una serie de sonidos ahogados dentro del compás, que en el canto de ópera se expresa con el término compuesto italiano sotto voce (voz baja). Se usa también para designar el descenso en la sonoridad de un instrumento de la orquesta cuando produce desacuerdo en la armonía general durante una interpretación de conjunto.

Bajo barítono: Voz potente dotada de un excelente timbre que permite abarcar con éxito un repertorio complejo y versátil. El cantante austríaco Walter Berry, bajo-barítono nacido en 1929 en la ciudad de Viena, debutó en 1950 con el oratorio dramático "Juana de Arco en la hoguera", del compositor suizo Arthur Honegger (1892-1955). Desde entonces, tras su paso por los principales escenarios operísticos del mundo, ha demostrado la excelencia de una voz adecuada para acometer con éxito tanto la interpretación de óperas contemporáneas como clásicas.

Bajo bufo: Derivado del italiano (buffo). Cantante cómico, que en la ópera italiana representa a un personaje ridículo y con muchas ínfulas, como don Basilio en la ópera "El barbero de Sevilla", de Gioachino Rossini y Osmin, en "El rapto del serrallo" de Mozart.

Bajo cantante: Se describe así esta voz masculina cuando la parte dominante es equivalente al fa agudo. Normalmente, se suele comparar con la voz del barítono bajo, debido a que su tono se acerca a un punto intermedio entre ambos registros. Richard Wagner tenía en especial consideración las buenas condiciones de adaptabilidad, el sonido maduro y la riqueza melódica de este tipo de voz. El anciano Wotan, en el extenso drama musical "El anillo del Nibelungo", lo mismo que el zapatero Hans Sachs en la ópera "Los maestros cantores de Nuremberg" y otros personajes similares, son todos bajos cantantes.

Bajo cifrado: Forma de indicación por medio de números, que se escriben en el sector superior del pentagrama, justo sobre las notas graves de un pasaje melódico. Esa parte, cuando no está cifrada, equivale al acorde perfecto -menor o mayor- respecto a la tonalidad de la melodía. El bajo cifrado se utiliza sólo con los instrumentos que permiten ejecutar varios sonidos al mismo tiempo (llamados instrumentos polifónicos) que tienen la función de realizar el acompañamiento de las actuaciones solistas. Dentro de esta categoría, técnicamente perfecta para llevar a cabo su cometido, están el piano, la guitarra, el órgano y el clavicémbalo. La idea de codificar la actuación del bajo cifrado mediante una serie de símbolos numéricos surgió a fines del siglo XVI, cuando el canto con acompañamiento empezó a sustituir a la vieja forma medieval del contrapunto entre voces e instrumentos. Por tal razón, su historia está directamente relacionada con el desarrollo de la armonía musical durante el periodo barroco. La invención y divulgación del sistema del bajo cifrado se atribuye a los compositores italianos Emilio de Cavalieri (1550-1602) y Jacopo Peri (1561-1633), miembros de la célebre Camerata Fiorentina del conde Bardi y precursores del género de la ópera. Cavalieri fue uno de los grandes maestros del estilo monódico. Entre sus obras más destacadas está el conocido oratorio "Rappresetazione di anima e di corpo" (Representación del alma y el cuerpo), estrenado en el año 1600, en el oratorio San Felipe Neri de Roma. De la nueva técnica del bajo cifrado nació y fue evolucionando el estilo representativo, base del canto operístico. En cuanto a su incidencia en la música popular y de vanguardia, se advierte en ella un amplio campo abierto a las formas melódicas, aún en proceso de experimentación. Es en el ámbito del hot jazz, donde el método del bajo cifrado permite volcar la fuerza de un estilo musical abierto a toda clase de variaciones y esencialmente basado en el recurso de la improvisación. En algunos países el bajo cifrado también se denomina bajo numérico.

Bajo con carácter: Voz grave para un personaje dramático, apropiada para llevar adelante escenas con gran suspenso y tensión. Suele arrastrar las palabras, dando la sensación de un eco prolongado. Naturalmente, se destaca en el papel de personajes como Mefistófeles, de la ópera en cinco actos "Fausto" de Charles Gounod (1818-1893) y Alfonso en "Cosi fan tutte" de Mozart.

Bajo continuo (instrumental): En la ópera antigua se llamaba así a los instrumentos musicales que podían cumplir la función del actual contrabajo. Fue un elemento importante en la música barroca del siglo XVII. Su participación en el conjunto orquestal era la de acompañamiento por medio de acordes de fondo que ayudaban a definir mejor las armonías principales de todo el conjunto. La ejecución del bajo continuo se podía llevar a cabo con los siguientes instrumentos:

1) En la calidad de acompañantes: piano, órgano, contrabajos, violonchelos a la octava y fagotes.
2) En ciertos casos puntuales: el clavicémbalo, afinado en bajo.

Bajo continuo (técnica): Aunque suele aparecer como un sinónimo del bajo cifrado, existe una diferencia. Es la parte más grave del acompañamiento melódico, que suele ser constante a lo largo de la interpretación de un pasaje musical. Su efecto -casi siempre sin interrupciones- mantiene la continuidad de la composición, como un fondo permanente de las variaciones solistas. Los instrumentos más usuales en la ejecución del bajo continuo son el piano y el contrabajo, aunque de manera creativa, se puede emplear la combinación de estos u otros instrumentos. En la música moderna, tal suerte de arreglos resulta casi ilimitada. El efecto sonoro del bajo continuo -como su nombre lo expresa- está indicando una permanencia constante del acompañamiento grave durante todo el transcurso de una determinada composición musical. El canto recitativo, acompañado del bajo continuo, fue la base esencial en las primeras óperas del barroco italiano.

Bajo de Alberti: Nombre de una característica usual en la ejecución de instrumentos de teclado. Mientras la mano derecha ejecuta la melodía básica, la izquierda realiza los acordes quebrados o arpegiados. Fue una técnica popularizada en el siglo XVIII por el compositor y cantante italiano Domenico Alberti (1710-1740), que empleaba este curioso juego musical, de una manera recurrente, en sus sonatas para clavicémbalo. Se trata de un estilo de acompañamiento compuesto por un brillante acorde -siempre con la misma forma melódica- y que es aplicado en distintos intervalos de una misma composición. Esta particularidad también fue utilizada por notables compositores e intérpretes de la época, como Franz-Joseph Haydn y Wolgang Amadeus Mozart. Existe un bello pasaje que sirve como ejemplo; es el allegro inicial de la "Sonata en do mayor" Nº 15 K545, de Mozart, obra escrita en 1788 y a la que también se conoce con el nombre de "Sonatina".

Bajo de oboe: Nombre antiguo de la dulzaina. Es un instrumento de viento de la familia de las flautas, similar a la gaita zamorana. Su sonido, dulce y velado, se aproxima a las tonalidades intermedias. Los primeros ejemplares -conocidos con esta denominación relativa- aparecieron en Europa durante el siglo XVIII, y procedían del Cercano Oriente (Beirut). Existe una amplia gama de modelos, con diversos tamaños y tesituras. El musicólogo árabe Al-Farabi, la describe con el apelativo de surnâi. En ciertos pueblos de Siria y Jordania, se la conoce con los nombres locales de dufai o dusai. En la actualidad es un instrumento tradicional del folclore regional en Turquía, Armenia e Irán. Se emplea durante las fiestas religiosas, bodas y otras celebraciones populares, donde suele acompañar el redoble del tamboril, como ocurre en Europa occidental con algunos modelos de flauta dulce. Los músicos franceses y belgas lo conocen con el nombre de basson (de son bas=sonido bajo).

Bajo de válvulas: Denominación común de una variedad de tuba de tonalidad grave del siglo XIX, perteneciente al grupo de los fiscornos. Por su perfil también es similar al eufonio. Algunos ejemplares de este instrumento están dotados con cinco válvulas, mientras que otros -posiblemente más antiguos- sólo tienen tres. Aún se utiliza en las bandas en Estados Unidos e Inglaterra. Abarca una extensión de tres octavas.

Bajo de viola (cordófono): Variedad de viola de gamba del siglo XV. La caja de resonancia tiene unos 80 cms de largo y la eclisa es más alta que en el resto de instrumentos de su tipo. Se conoce la existencia de ejemplares provistos con seis y siete cuerdas. Dejo de utilizarse a fines del siglo XVIII.

Bajo de viola (teclado): Instrumento creado en 1710 en la ciudad de Weimar (Alemania). Como muchos otros de su tipo, el bajo de viola tenía un sistema de cuerdas de tripa que vibraban mediante el roce de una pequeñas ruedas untadas con la resina de trementina llamada colofonia. Una rueda de madera de ébano, de mayor tamaño y ubicada sobre la caja armónica, ponía en funcionamiento el artefacto sonoro. Posteriormente, el sistema del teclado y la disposición de las cuerdas del bajo de viola alemán dieron origen en 1802 al piano quatuor.

Bajo doble: Especie de contrabajo antiguo, aún más voluminoso que el actual. Por consiguiente, su ejecución resultaba bastante incómoda. Como aquel también tenía cuatro cuerdas de tripa. El sonido era muy denso y potente. Para su transporte o desplazamiento contaba con un par de ruedecillas de madera dura afirmadas a la base de la caja. A mediados del siglo XIX, ya se había dejado de fabricar y pronto cayó en el olvido.

Bajo eléctrico: Es una variante de la guitarra eléctrica común, pero con afinación de contrabajo. Se utiliza para realizar el bajo continuo en los conjuntos de rock y otras modalidades de la música contemporánea. Como su equivalente de registro amplio, el bajo eléctrico dispone de un sistema de amplificación que permite multiplicar las vibraciones de las cuerdas, incorporando una serie de sonidos suplementarios que producen las características modulaciones de este instrumento. La guitarra eléctrica corriente, de la cual deriva el bajo eléctrico, comenzó a utilizarse en Norteamérica durante la década de 1930. En la actualidad, ambos instrumentos se han convertido en piezas elementales de la composición de la música ligera.
Bajo fundamental Es el sonido más grave de cada acorde en su forma normal. Técnicamente es la serie de notas de bajo cuando todos los acordes son transportados a la posición básica. Su existencia fue descubierta, o por lo menos divulgada, en el siglo XV. Hasta entonces el bajo fundamental era un concepto desconocido en la práctica medieval Hasta entonces el bajo fundamental era un concepto desconocido en la práctica medieval 1764) en sus célebres tratados sobre armonía²¹ quien puso en evidencia la verdadera importancia de esta particularidad en la composición musical.

Bajo generador:

En muchos aspectos es un equivalente del

bajo fundamental

. Es el elemento o nota grave que permite regular la armonía en la generación de los acordes.

Bajo lamentoso: También llamado "bajo de lamento". Es la contraposición poco natural de una voz contra sí misma. Se trata de un elemento propio de la ópera barroca del siglo XVII. Puede citarse al "Lamento de Casandra", de Pier Francesco Cavalli, como un ejemplo perfecto de esta particularidad del canto operístico. Notable maestro de la generación de Monteverdi, se le reconoce como uno de los fundadores de la Escuela Operística Veneciana. Cavalli -cuyo verdadero apellido era Caletti-Bruni- compuso y llegó a estrenar más de cuarenta óperas, de las que sólo veintiocho han podido conservarse hasta la actualidad. Una de sus obras celebradas, que aún se representa es "La Didone" (Dido), estrenada en 1641.

Bajo ligero: Voz masculina de tono intermedio, alegre y límpida. El personaje Kaspar, en "El cazador furtivo", una ópera romántica del compositor alemán Carl Maria von Weber(1786-1826) es el prototipo de un bajo ligero.

Bajo melódico:

Cantante cuya voz corresponde al grupo de los bajos, pero que por su extraordinaria amplitud y flexibilidad puede alcanzar hasta la tesitura de los barítonos.

Bajo numérico: Es lo mismo que bajo cifrado. Se trata de una denominación poco usual, sólo aparece empleada en algunos estudios y ensayos editados en países latinoamericanos. En algunos tratados puede aparecer escrito "bajo numerado".

Bajo obstinado: Del italiano (basso ostinatto). Término musical del barroco. Es el segmento grave de una melodía que se repite invariablemente a lo largo de la interpretación. Representa un motivo instrumental de bajo que se reitera con cierta regularidad. Entre los siglos XVI y XVIII desempeñaba una importante función como acompañamiento rítmico. Esa repetición constante constituía un detalle refinado, que en su justa medida llegó a realzar numerosas composiciones. El bajo obstinado gozó de notable popularidad como una forma típica en el drama lírico durante el siglo XVII. En tiempos más recientes se ha interpretado con carácter de complemento en la ejecución virtuosa de arias u otros temas musicales relativamente breves. Una de las arias más celebradas, realizadas con esta técnica, forma parte de la ópera "Dido y Eneas", del compositor inglés Henry Purcell (1658-1695). Esta obra, inspirada en un pasaje de la Eneida de Virgilio, fue estrenada en Londres, en 1690.

²¹ Las obras más importantes de Jean-Philippe Rameau son: "Traité de l'harmonie réduite à ses principes naturels" (1722) y "Génération harmonique" (1737).

Bajo profundo: Se dice cuando el tono dominante de la voz de un cantante, en su momento más exigido, puede llegar hasta el fa grave. Es un tipo de voz muy particular, asignada a personajes de edad madura, dueños de un fuerte temperamento o con gestos sombríos y actitudes amenazadoras. (Ejemplo: el personaje de Sarastro, en la ópera "La flauta mágica", de Mozart).

Bajo quinta de viola de brazo:

Modelo de

violonchelo

del siglo XIX, con cinco cuerdas. La caja tenía el fondo plano y era de mayor tamaño que el violonchelo actual.

Bajo real: Nombre general que se suele dar en un acorde a la nota más grave. Para efectuar el análisis de esta nota, dentro del contexto melódico, se necesita la referencia del bajo fundamental y el bajo armónico.

Bajo serio: Voz grave y majestuosa, especialmente adaptada para la representación de personajes poderosos y que infunden respeto. (Ejemplo: Felipe II, en la ópera "Don Carlos" de Giuseppe Verdi.

Bajo tuba:

Aerófono utilizado por el ejército prusiano. Era del tipo del

bombardón

, pero de mayor tamaño, con el tono grave y dotado de profundas sonoridades metálicas.

Bajón (aerófono): Instrumento similar al fagot. Fue una variante española de otro similar que se utilizó en Francia durante los siglos XVII y XVIII. Está formado por un tubo de madera con llave de pistones. El sonido se obtiene a través un tubo anexo, de menor tamaño y provisto de embocadura, que se inserta lateralmente. Ya no forma parte en la moderna orquesta sinfónica, pero ha aparecido en algunas óperas como complemento en el bajo continuo. Su sonido es bastante grave. El intérprete de bajón se llama bajonista.

Bajón (voz):

Se llama así al cantante

bajo

cuya

tesitura

es la más

grave

dentro del grupo o conjunto de esa cuerda.

Bajón ruso: Instrumento de viento creado a fines del siglo XVIII. Tenía un cierto parecido con el serpentón. El tubo, de madera, estaba rematado por un amplio pabellón de metal y sus cuatro orificios provistos de llaves con muelles. Según consta en las partituras de la época, en el siglo XIX eran corrientes dos modelos de afinación (do y si bemol). El bajón ruso se caracterizaba por la dulzura del sonido y la gran variedad de matices que se podían lograr, combinando adecuadamente la digitación de las cuatro llaves. También se conocía una versión similar, con el nombre de serpentón inglés, por su difusión en las bandas militares de aquel país.

Bajón soprano: Otro instrumento de viento de la serie de las maderas, cuyas prestaciones eran similares a las del bajón ruso. Los modelos primitivos -afinados en fa tenían cuatro llaves, aunque después de realizar diferentes pruebas se le agregaron tres más. Como el modelo anterior, su creación data del siglo XVIII y tuvo su época espléndida en las grandes orquestas del siglo XIX. Sin embargo, con el paso del tiempo dejó de tener vigencia ante el desarrollo de otros aerófonos más dúctiles y fue cayendo paulatinamente en el olvido. En la actualidad sólo existen algunos ejemplares en colecciones privadas.

Bajonazo:

Sonido destemplado, producido por un instrumento de tono grave.

Bajoncillo: De menor tamaño que el aerófono llamado bajón, este pequeño y versátil instrumento, de la misma familia, se puede adaptar a distintos tipos de voces. Existen bajoncillos en categorías complementarias de las tesituras de tiple, contralto y tenor. Las tres versiones, unidas al bajón, se prestan para configurar un cuarteto de viento.

Bajos (Voz genérica): En términos amplios o conceptuales, se denomina de esta forma a todos los instrumentos que producen los sonidos más graves dentro de los de su tipo. Pueden ser de cuerda, de percusión o de viento. Tema relacionado: Ver Bajo continuo (Instrumental).

Bala: Es un ejemplo de marimba primitiva, formada por una cantidad de láminas de madera, colocadas sobre un marco del mismo material. Las tablillas -dispuestas en forma de escala rudimentaria- resuenan al ser percutidas mediante unas baquetas de madera con la cabeza forrada en piel. Se trata de un remoto antecedente del xilófono europeo. Los modelos más antiguos, también conocidos con el nombre de balafón, proceden de la región occidental de África, donde se los conoce con diferentes nombres autóctonos.

Balada: Término procedente de la lengua occitana (ballata=baile). Composición musical que describe un argumento, por lo general de condición romántica y tono melancólico. En la ópera suele tener un carácter descriptivo de las escenas de amor. Su forma poética, de origen provenzal, está compuesta por estrofas de rima variada, que terminaban con un estribillo. Cada compositor trata a la balada libremente y con un sentido subjetivo. Su adaptación al estilo narrativo llegó al más alto nivel con la "Balada de Senta", en la ópera "El holandés errante", de Richard Wagner (1813-1883). Originalmente la balada era compuesta como música lenta y bailable, al estilo del rondel, aunque con el tiempo, pasó a ser casi siempre cantada. Grandes Maestros, como Johannes Brahms (1833-1897) y Frédéric Chopin (1810-1849), compusieron notables baladas para piano. De este último autor pueden citarse cuatro piezas ejemplares, inspiradas en la obra del poeta polaco Joseph Mickiewicz. La evolución de la balada, independiente de otros tipos de expresión musical, tuvo lugar a partir de la alta Edad Media. Dentro de ese estilo de canto, se puede hallar un ejemplo interesante en la canción de "Warlaam", melodía del personaje de la ópera "Boris Godunov", de Modest Petrovich Mussorgski (1839-1881), que debe ser interpretada por un bajo profundo.

Baladesca: También se denomina así a una variedad de composición melódica, que suele cantarse con acompañamiento instrumental, normalmente de cuerdas. El argumento de este tipo de piezas casi siempre está inspirado en una historia o narración de carácter romántico.

Balafón de Senegal: Versión evolucionada del modelo denominado bala. Se trata de un instrumento popular, dedicado al acompañamiento de la música folclórica de Senegal. Se compone de un bastidor de madera, sobre el cual se disponen unas veinte tablillas de madera, de distinto tamaño y espesor, formando una escala armonizada de acuerdo con el estilo musical de la región. Una serie de calabazas secas y vacías sirven como cajas de resonancia debajo de la batería de tablillas.

Balalaika: Instrumento de cuerdas pulsadas con plectro. Pertenece a la familia de las guitarras. Es originario de Georgia y su área de difusión comprende otras naciones de la antigua Unión Soviética, donde es muy popular, como instrumento tradicional de la cultura eslava. Allí existen conjuntos de cuerdas constituidos solamente por balalaikas, en los que intervienen más de cuarenta instrumentos de este tipo. La caja de resonancia es de forma triangular, con el fondo plano y con la parte inferior levemente convexa. El mástil, bastante largo y estrecho, puede tener un número variable de trastes, aunque lo normal es que sean cuatro. Las cuerdas, dispuestas en tres órdenes, suelen estar afinadas por cuartas (de aguda a grave: mi, si, si). Puede aparecer escrito balalaica. Esta forma también es aceptada y así figura en algunos tratados o diccionarios.

Balla: Término genérico que comprende un grupo de estilos y formas musicales típicos de Cataluña, como el ball rodó, la sardana, o el contrapás. Es un nombre popular que también se daba a los bailes realizados al aire libre, siempre acompañados por los instrumentos característicos de las coblas.

Ballade: Denominación francesa de la balada. El término aparece registrado con esta forma en tratados, partituras y grabaciones de obras clásicas, especialmente las del siglo XIX.

Balladora: En catalán (bailadora). Nombre específico de una variedad de sardana, cuya música está escrita en un tiempo bastante acelerado. El ritmo melódico de algunas composiciones de este tipo puede variar perceptiblemente. Debido a esa razón, la mayoría de los compositores, intérpretes y concurrentes en general a los bailes de sardana les dan denominaciones propias (sardana obligada, de aplec, de conjunto, corales, de concierto, para varias coblas, etc.)

Ballad-opera : Variedad de la ópera ligera italiana, inspirada en las costumbres inglesas. Suele intercalar aires tradicionales y canciones anónimas, relacionadas entre sí por textos hablados o recitados. Aunque no elude la aparición de personajes cómicos, su música suele ser espiritual y con un alto contenido romántico. Se la tiene por un derivado de otras versiones similares de origen francés. Los argumentos de la ballad-opera pueden ser anónimos o proceder de antiguas tradiciones populares reunidas por los compositores en forma de libreto. Un ejemplo clásico de la típica balada dramatizada está en "La ópera del mendigo", impresionante obra lírica, también conocida como "The Beggar's opera", escrita en 1728 por el libretista británico John Gay (1685-1832) y el compositor alemán Johann Cristoph Pepush (1667-1752). En España se la conoce con el nombre de ópera balada.

Ballata : Canción italiana del siglo XIII, similar por su estructura al virelai francés. La época de mayor popularidad de este tipo de composición estrófica se extendió hasta mediados del siglo XV. Llegando a transformarse en la canción tradicional de Florencia. Básicamente, la ballata se compone de cuatro partes esenciales:
1) Ripresa: que se configura como un estribillo inicial
2) Piedi: pies compuestos por dos frases cantadas sobre la misma melodía 3) Volta: que presenta una letra nueva sobre la melodía de la ripresa
4) Ritornello: De vuelta. Repetición del texto del estribillo inicial. (Muchos términos musicales de origen italiano tienen una versión castellanizada, cuyo uso es frecuente. También se puede utilizar la forma: “ritornelo”).

Ballatella : Pequeña balada en italiano. Composición que se presta para motivos tristes, como en la composición de "Nedda", el personaje femenino de la ópera "Payasos" del célebre compositor napolitano Ruggiero Leoncavallo (1850-1919).

Ball de bot:

En catalán (

baile de brinco

). Danza popular de la isla de Mallorca, con ritmo vivo y alegre. Se baila por parejas.

Ballet: Término francés, derivado del italiano "ballo". Es un espectáculo magnífico, basado especialmente en la coreografía, la música y los decorados. Muchas óperas contienen números de ballet, como parte integrante del contexto narrativo. Los ballets del compositor, director de orquesta y virtuoso pianista ruso Sergei Prokofiev (1891-1953), configuran una exquisita gama de recursos expresivos, en los que se conjugan la música y la coreografía. Recuperamos para esta breve reseña, entre sus obras memorables, a los ballets "Romeo y Julieta", "El hijo pródigo", "El bufón", "La cenicienta" y "La flor de piedra". Además, Prokofiev es autor de una larga serie de conciertos, canciones, sonatas para piano y música de películas. Las óperas más interesantes de este destacado autor son "El amor por tres naranjas", "Guerra y Paz" y "El ángel de fuego".

Ballet con coro : Puede tratarse de un espectáculo independiente o formar parte del contexto de una ópera. Su desarrollo obedece a un argumento en el que intervienen varias disciplinas musicales, entre ellas la indispensable participación de uno o varios coros polifónicos. El libreto suele estar compuesto por una sucesión de actos que siguen la línea musical. El escenario, donde transcurren las distintas partes del guión -llamado décor- permite la actuación bailable de los distintos personajes, seguidos y complementados con la actuación de los coros.

Ballet de Cour: Espectáculo alegórico que se llevaba a cabo en los patios y jardines palaciegos con el objeto de alabar la figura de los reyes y su corte. Fue uno de los orígenes de la ópera barroca francesa. Su actual denominación es relativamente moderna. Durante muchos años esta variedad musical -inspirada en la tragedia lírica de la Grecia clásicarecibió el nombre de ballet héroïque, por los temas de carácter épico del que hacían gala los primeros argumentos.

Balleto: Canción estrófica para cinco voces, que se podía bailar y también interpretar en forma sólo instrumental. Fue una variedad de música profana que adquirió gran popularidad en Italia durante el siglo XVI. Cabe citar como ejemplo de esta modalidad a los "Balletti di cantare, sonare e ballare, a cinque voci", del compositor italiano y maestro de capilla, Giovanni Jacopo Gastoldi (c. 1460-1622), obra que gozó de una gran popularidad hasta finales del siglo XVIII.

Ballo: En italiano (baile). Representación teatral y musical que estuvo de moda entre los siglos XVIII y XIX. Su argumento estaba configurado por danzas y pantomimas acompañadas por la interpretación de música descriptiva, imitativa y sinfónica. La parte correspondiente a las danzas incluía valses, minuetos, polcas, czardas y gavotas. El estilo de las composiciones melódicas era alegre y en ocasiones podía integrar actuaciones encuadradas en el género bufo.

Ball rodó: En catalán (baile redondo o en rueda). Forma antigua de danza popular, cuyos orígenes datan de la Edad Media. Los bailarines -hombres y mujeres- realizaban los distintos pasos coreográficos formando un círculo y cogidos de las manos. Algunos autores creen que podría tratarse de un lejano antecedente de la actual sardana.

Ball vuitcentiste: Denominación catalana de un estilo interpretativo de la música de cobla. En castellano no tiene una traducción literal, aunque simbólicamente se refiere a un tipo de bailes de salón, ejecutados al estilo usual a finales del siglo XIX y cuya fuente de inspiración se nutre en los años de la "belle époque". Además de la clásica sardana, en su repertorio se incluyen polcas, valses y otras melodías de la época.

Bambara: Variedad de tambor africano. Se parece al djembé, pero su perfil es más alto y suena en tonos las graves. Como el anterior, se tensa mediante un complejo sistema de cuerdas que rodean la caja de resonancia a modo de red.
Bambera: Estilo de cante aflamencado, cuya copla está normalmente formada por cuatro versos octosílabos, aunque existen versiones con distinta configuración. Pertenece al grupo de bailes y cantes regionales pertenecientes al folclore de Andalucía.

Bambuces: Grupo melódico formado por cuatro flautas mixtas de caña de bambú. Este curioso conjunto brinda una serie de sonidos individuales, de viento y percusión, que resultan complementarios y por lo tanto son indivisibles. El equipo se compone de cuatro aerófonos de diferentes medidas, el de mayor tamaño se llama "papá bambú" y produce los sonidos graves. Los tres siguientes van agudizando progresivamente sus tonos respectivos y se denominan "primero, segundo y tercer bambú". Son tradicionales de la zona de Caribe, especialmente en la República Dominicana (en Haití existe el mismo grupo de instrumentos con el nombre de vaccines).

Bambuco:

Danza folclórica, típica de Colombia y la región occidental de Venezuela. El estilo dio lugar a numerosas composiciones de influencia caribeña.

Bambuco lírico: Se dice de la variedad dedicada expresamente a la interpretación vocal. Es un estilo tradicional de las zonas altas de Colombia (Caldas, Cundinamarca, Tolima), suelen cantarse a coro, por la noche y a modo de serenata. Su acento es algo triste y melancólico.

Bambuco instrumental:

Ritmo característico de las orquestas populares y otros conjuntos típicos de Colombia y Venezuela.

Banda: Antiguamente se denominaba así al cuerpo de músicos militares compuesto por cornetas y tambores. Actualmente y por extensión designa a todos los conjuntos corporativos que ejecutan en general instrumentos de viento y percusión. Antes del siglo XVIII el término señalaba a las orquestas regulares formadas con instrumentos de una sola familia. La llamada Grande Bande des Violons du Roy, célebre agrupación de la corte de Luis XIV, estaba compuesta por violines, violones, violonchelos, y violas En la antigüedad griega y también durante el imperio romano, existían bandas compuestas por pífanos y tambores. Su cometido era exaltar el ánimo en la batalla y atemorizar al enemigo con los sonidos marciales. El emperador Julio César empleó con éxito a las bandas militares en las conquistas de Galia y Germania.

Bandalón: Instrumento músico del tipo del sistro. Lleva veinticuatro cuerdas dispuestas en seis grupos de cuatro. El primer orden cuádruple es de acero, el segundo y el tercero de latón, los tres siguientes de seda retorcida con filamento de metal y la última también de latón. Gozó de una notable popularidad entre los músicos de México, especialmente durante el siglo XIX.

Bandola (cante flamenco): Grupo de temas musicales y otras composiciones emparentadas con la copla y los cantos gitanos. Pertenece al folclore regional del sur de Andalucía²². Aunque su origen es incierto, se cree que puede estar relacionado con el acompañamiento de un tipo de bandurria rústica que tiene el mismo nombre. La referencia más antigua sobre el cante a la bandola aparece citada durante la segunda mitad del siglo XIX.
Bandola (cordófono): Instrumento musical parecido a la bandurria. Existen distintos modelos que pueden presentar algunas variantes, tanto en su estructura como en la forma de afinación. Esta particularidad se muestra más acentuada de acuerdo con la época y el lugar de procedencia del instrumento. Normalmente, la caja de resonancia de la bandola moderna presenta una silueta periforme y ancha, con el fondo plano un corto diapasón con trastes, como la guitarra, y un enorme clavijero, tanto o más largo que el propio diapasón, provisto de 16 clavijas mecánicas. Este sistema permite tensar un conjunto de cuerdas combinadas que se disponen en dos grupos. El primero está formado por 12 cuerdas metálicas subdivididas en cuatro órdenes triples. El decreciente grosor de estas cuerdas aporta la escala básica, desde las notas graves a las agudas. Las cuatro cuerdas restantes son de seda entorchada y forman dos órdenes dobles, cuya función es ampliar la capacidad sonora. En los conjuntos dedicados a la interpretación de la música folclórica iberoamericana, la bandola cumple una función melódica, junto a la guitarra, el tiple y el requinto. En la interpretación de composiciones populares con ritmo alegre y movido (bambucos, cumbias, torbellinos, etc.) se suelen agregar raspadores de bambú, güiros u otros idiófonos similares.

²² M. Bois: "Flamencos Una aproximación al gran cante flamenco y la poesía popular cantada en Andalucía”. Ed. Max Fourny. París, 1985.

Bandolina: Diminutivo de bandola. También se le suele denominar bandolín. En algunos países latinoamericanos se da este nombre a una pequeña guitarra de cuatro cuerdas, afinadas como el cavaquiño portugués (de aguda a grave: re, si, sol, re). Junto con el cuatro, la guitarra y las maracas, la bandolina integra diversos tipos de conjuntos populares en la zona del Caribe (polos, malagueñas, jotas, joropos, galerones, etc.). Hasta mediados del siglo XIX este instrumento era usual en España en la interpretación del cante jondo. Antiguamente existían bandolinas parecidas a un pequeño laúd, con seis cuerdas, usualmente afinadas de la siguiente manera: la, mi, si, fa sostenido, do sostenido y sol sostenido).

Bandolinista: El ejecutante de la bandolina. En algunos pueblos de Andalucía se llamaba así a los músicos ambulantes que interpretaban números musicales en las ferias y fiestas populares.

Bandolón: Aumentativo de bandola. Similar a la bandurria, pero de mayor tamaño y dotado de siete cuerdas simples, todas de tripa (generalmente afinadas de la siguiente manera: sol, re, la, mi, si, fa, fa).

Bandoneón:

Instrumento de fuelle, de mayor tamaño que el acordeón común. Es un componente fundamental en las orquestas de tango.

Bandoura: Laúd ucraniano de treinta cuerdas, también denominado bandura, aunque esta palabra no existe en el diccionario castellano. Como el término bandurria, es posible que se trate de un antiguo derivado del bajo latín (panduriu). Se ejecuta mediante una púa o plectro consistente en una placa triangular de carey.

Bandourka: Pequeña guitarra rusa del siglo XVIII, popular en Siberia y el norte de los Urales. Era un instrumento híbrido entre la guitarra tradicional y la bandoura ucraniana. La tapa armónica era de picea²³ y el fondo de abedul. Poseía cinco cuerdas de tripa que se tensaban mediante clavijas de empotrar, dispuestas en hilera sobre la parte izquierda del clavijero (sol, re sol, si bemol, re). Se acostumbraba emplear este instrumento para acompañar a la balalaika.

²³ Picea (Abies excelsa). Árbol similar al abeto, cuya madera es muy apreciada en la fabricación de cajas de resonancia para guitarras y otros instrumentos musicales de este tipo.

Bandurria: Cordófono de la familia de los laúdes. Los modelos antiguos (siglo XIV) se parecían a una guitarra pequeña. Tenían tres cuerdas extendidas sobre un mástil corto y sin trastes. Otras versiones de bandurria posteriores, que fueron perfeccionadas durante los siglos XIX y XX, se fabricaban con un mástil de 20 trastes, 12 cuerdas pareadas de tripa y 6 entorchadas. La bandurria común, también llamada sonora tiene 6 cuerdas de metal afinadas de aguda a grave como la bandola (la, mi, si, fa sostenido, do sostenido y sol sostenido). En algunos ejemplares, para ejecutar este instrumento se emplea un plectro de corcho que actúa por roce o frotamiento. Existe otra forma de hacerlo, punteando las cuerdas con una púa de hueso o metal. Miguel de Cervantes lo cita en sus "Novelas Ejemplares". Aparece en varias óperas como elemento escénico. El intérprete de este instrumento se llama bandurrista.

Banjo: Neologismo inglés derivado de bandore o bandurria. Es un cordófono folclórico utilizado desde principios del siglo XX en la interpretación de la música popular de Estados Unidos. Se trata de una versión rudimentaria de la guitarra, aunque su origen primitivo proviene de África. En la actualidad es bastante usual verlo de nuevo como instrumento esencial en las orquestas de jazz de todo el mundo. La caja de resonancia está formada por un aro de metal -circular y con poco espesor, que tiene forma de tamboril. El banjo está provisto de una sola membrana y su mango, que es largo y tiene un pequeño clavijero, sirve para tensar un sistema de cuatro a seis cuerdas, afinadas a diferentes alturas, que se tañen mediante un plectro. Básicamente se conocen ocho modelos de banjos, cuya diferencia consiste especialmente en la forma de afinación y en algún otro detalle constructivo, como el clavijero o la manera de estirar la membrana de la caja armónica. Entre los banjos típicos, de cuatro cuerdas, la afinación de aguda a grave es similar (re-si-sol-do, también re-si-sol-si, o bien: re-si-sol-re, como el cavaquiño portugués). Entre los banjos de cinco cuerdas hay dos formas básicas de afinación (re-sisol-do-sol y re-si-sol-si-la). En algunos tratados y enciclopedias en idioma castellano, aparecen también como sinónimos las variantes banyo o zezé.

Banjo cubano: Existe una forma original de encordado, conocida con este nombre, que se compone de seis cuerdas metálicas y entorchadas, cinco de las cuales llegan hasta el cabezal o clavijero principal, anudadas a los respectivos pernos, mientras que la sexta termina en un pequeño clavijero suplementario ubicado en la mitad del mástil. Este instrumento se emplea en la música melódica del Caribe y también en América del Sur. De aguda a grave, la afinación corriente suele realizarse de la siguiente manera: mi-la-re-solsi-mi.

Banjolélé:

Modelo rudimentario de banjo. Es originario del archipiélago de Hawai y se afina de la misma manera que el ukelélé (

si, fa sostenido, re, la

).

Bansi: Flauta de pico de la India, bellamente decorada, con el cuerpo tallado en madera. Tiene un sonido dulce y tenue. Algunos ejemplares antiguos eran de calabaza. En la región de Khulna y Bakarganj (desembocadura del río Ganges) se conocen con el nombre de banse.

Bansoulie: Otro tipo de flauta, de sonido similar a un silbato. Existen varios modelos. El ejemplar más común, bellamente decorado con pinturas e incisiones, es típico de una región de Bengala situada al oeste de Calcuta (Kharagpur, Midnapur). Se fabrica con tallo de bambú, con ocho agujeros en línea y el pabellón en forma de campana. Según parece, su origen es bastante antiguo, aunque en occidente se conoce su existencia recién desde mediados el siglo XIX. También la llaman banse, tal vez por confundirla con la flauta de pico citada en el apartado anterior.

Baqueta:

Palillo de madera de fresno o cedro, con punta redondeada, parecido a los que se utilizan para tocar el tambor, aunque algo más corto. Se emplea por pares.

Baqueta de salterio: Tiene forma de un pequeño martillo forrado en fieltro u estopa. Es un elemento indispensable en la ejecución de algunos instrumentos de cuerdas, como el salterio alemán (dulcemel) y las cítaras comunes.

Baqueta de timbales: Esta denominación, en singular, corresponde a una especie de mazo grande, con la cabeza forrada en fieltro o badana, que se utiliza para batir el parche del timbal y otros instrumentos de percusión. Su forma y tamaño resultan adecuados para la percusión de estos voluminosos membranófonos. Antiguamente se fabricaban con varillas de hueso de ballena.

Barbada: Denominación que recibe la mentonera del violín. Es una pieza que utiliza junto con la hombrera para sostener el instrumento, firmemente asido entre el mentón y el hombro del ejecutante. También se conoce con el nombre de apoyabarba.

Barbiton: Voz griega que se utiliza para citar a un antiguo instrumento de cuerdas, semejante a una gran lira, que usaban los bardos atenienses y que tuvo notable difusión, no sólo en Grecia, también en Sicilia y en las colonias helénicas de Asia menor. El barbiton, también barbitos, como aparece en algunos tratados antiguos, tenía nueve cuerdas de lino, de un grosor algo mayor que en la lira común y con una sonoridad cercana a los tonos graves. El poeta latino Horacio (65-8 a.C.), se refiere en una de sus obras narrativas a este instrumento, al que llama lesbio, atribuyendo su invención al lírico Alceo (siglo VI a.C.). Otros autores clásicos adjudicaron la invención a Terpandro o Anacreonte. El escritor Ateneo, célebre propulsor de círculos y asociaciones artísticas, mantuvo vigente la esencia de la poesía lírica reconociendo a los instrumentos de cuerdas como este, la virtud de acompañar las palabras con sonidos celestiales. Mito o realidad, su creación en la remota antigüedad permitió el posterior desarrollo de otros cordófonos, que con el tiempo dieron lugar al arpa, el laúd y la guitarra.

Barcarola : Melodía que cantan los gondoleros de Venecia. Un conocido pasaje de la ópera “Los cuentos de Hoffmann” de Jacques Offenbach (1819-1880) está inspirado los movimientos de ese canto.

Bardo: Voz de origen celta (bardas=poeta). Es un término que en la actualidad se emplea como sinónimo de escritor de poemas, generalmente de carácter místico o romántico. En la antigüedad era el título que se daba a los poetas druidas que iban cantando sus versos al compás de melodías tradicionales. Tiene una cierta connotación con la poesía lírica, en particular aquella que se canta con el acompañamiento de algún instrumento de cuerdas (laúd, guitarra, mandolina, etc.). En la antigüedad, este vocablo se empleaba para identificar a los poetas galos, especialmente los de carácter lírico y solemne. El arte del bardo tuvo una honda tradición, especialmente en el norte de Francia y en las islas Británicas donde esta palabra aún subsiste en francés (barde) y en inglés (bard). Barghoni: Caracola sonora de la región costera de Madras (sur de la India). Es un instrumento primitivo de sonoridad indefinida, similar al churo de los indígenas sudamericanos.

Barrilete (clarinete): Diminutivo de barril. Nombre que se da a una pieza cilíndrica del tubo del clarinete. Se suele colocar en un sector inmediato a la boquilla con el objeto de modificar el sonido básico del instrumento.

Barrilete (gaita):

Pieza que sirve para proteger la pita y acoplar el tubo puntero en el asiento del odre. Se usa en la nomenclatura de las gaitas de la provincia de la Rioja.

Bariolage: Particularidad en la ejecución de los instrumentos de arco, como el violonchelo. Consiste en frotar una cuerda produciendo la misma nota, pero alternando las formas pisada y al aire. También se dice abigarramiento.

Baripicno: Nota grave del picnon. Es una serie de tres notas que constituyen un compás en el sistema enarmónico de los antiguos griegos (siglo VII a.C.). Tenía por objeto de determinar los sonidos de la lira y ajustarlos a la modulación del canto. En la actualidad sólo se trata de una referencia para el estudio de los orígenes de la música.

Baritenor: Voz de barítono mixta que puede alcanzar los agudos propios del tenor. El término se empleaba cuando aún no estaba bien definida la diversidad entre el barítono y el bajo. Gioacchino Antonio Rossini (1792-1868) recurrió a esta variedad de la escala sonora en algunas de sus óperas, entre ellas "Guillermo Tell" y "El barbero de Sevilla". Quien posee ese timbre de voz, es tenor por la levedad y el color, mientras que por la extensión es un barítono.

Barítono (acento literario): En griego (depresión de la voz). Término correspondiente a uno de los tres acentos utilizados en la poesía de la Grecia clásica. Su sonoridad y particular modulación sirvieron para destacar la musicalidad del acento melódico.

Barítono (aerófono): Es un aerófono de metal, del grupo de las tubas, con tres cilindros o pistones. El barítono normalmente se afina en do, pero mediante la acción de un tornillo de ajuste, puede bajar hasta el tono si bemol (bombardino). Por similitud, se denomina así a otros instrumentos musicales de metal y con boquilla intercambiable, cuyos timbres también corresponden a la tesitura de barítono, un registro que en los metales es intermedio entre el bajo y el soprano. En el siglo XIX aparecía citado con el nombre de euphonium

Barítono (cordófono): Instrumento musical del siglo XVIII, de la familia de las violas, con registro grave, también llamada viola de bordón o viola de fagote. Su sistema sonoro está compuesto por doce cuerdas, seis normales, de tripa, y seis de metal, que vibran por simpatía. Estas cuerdas simpáticas, que en algunos modelos pueden ser hasta veinticuatro, se afinaban siguiendo la escala diatónica, tomando como base el sonido de la cuerda normal número seis. El compositor austríaco Franz-Joseph Haydn (1732-1809) escribió varias obras para este instrumento, dedicadas en honor del príncipe Esterhazy²⁴ (Dúos para barítono, Sonatas para barítono y violonchelo, Divertimenti para barítono y clave, etc.).

²⁴ Nikolai Esterhazy (1765-1833). Príncipe de Hungría. Reconocido mecenas de las artes y las letras. Fue amigo y protector de Haydn. El barítono era su instrumento preferido.

Barítono (jazz):

Nombre común que recibe el modelo de saxofón barítono, un instrumento del siglo XX, distinto del

euphonium

Barítono (voz): tesitura masculina, intermedia entre el tenor y el bajo. Su extensión equivale a la escala del la grave y el fa agudo. El vocablo proviene del griego (barytonos=tono grave). El color de esta voz tiene mucha influencia en la representación de la edad y el carácter de los personajes.

Barítono bajo: Es como la voz anterior, pero de timbre medio grave, por lo que se acerca más al bajo cantante, llegando en muchos casos a confundirse ambas tesituras en una sola. El barítono bajo se adapta bien, tanto en los papeles cómicos como dramáticos. Vemos esta voz en el papel del zapatero poeta Hans Sachs, de la ópera en tres actos "Los maestros cantores de Nüremberg", de Richard Wagner (1813-1883).

Barítono bufo: Voz bien dispuesta para representar los papeles cómicos, típicos de la commedia dell arte. Posee un timbre fuerte y estridente que da carácter a las interpretaciones. El personaje principal de la ópera "Gianni Schichi", de Giacomo Puccini (1858-1924), es un barítono bajo, tierno y a la vez burlesco, cuyo canto se complementa admirablemente con el ambiente alegórico de la obra.

Barítono de viola de amor:

Instrumento del mismo tipo que la viola de amor normal, pero de tamaño algo mayor. Las versiones pequeñas eran poco mayores que el violín.

Barítono dramático: En las óperas cuyos argumentos están basados en la tragedia, representa un papel importante la voz del barítono de carácter. Ello se debe a la variedad de sensaciones y estados de ánimo que puede llegar a expresar. Un ejemplo clásico de esa combinación de factores gestuales y sonoros que imprimen un fuerte temperamento al personaje, está dado en el grotesco sermón del estrafalario fray Melitón, de la magnífica ópera en cuatro actos "La forza del destino". Giuseppe Verdi (1813-1901), pensó en la voz de este importante papel denominándolo "primo baritono brillante".

Barítono en si bemol: Instrumento de viento transpositor, de la familia de los metales, cuyo sonido es cálido y expresivo. Se utiliza en las bandas como complemento de fiscornos y bombardinos. Entre los músicos alemanes es conocido con los nombres de bassflügelhorn o tenorhorn. Los franceses e ingleses lo llaman baryton y para los italianos es el basso fiscorno.

Barítono lírico: Esta voz de carácter mixto -también llamada de barítono noble- se puede equiparar a la del tenor por su levedad y color. El personaje de Giorgio Germont en la ópera en tres actos de Verdi, "La Traviata" está pensado para un excelente barítono lírico. El canto llega al grado máximo de la síntesis expresiva en la escena en la que Violetta Valéry acepta sacrificar su felicidad para satisfacer la imposición del patriarca. El dúo en cabaletta pone el broche final a un intenso diálogo musical, donde la dúctil voz del barítono lírico pone la nota de intensidad dramática que exige el libreto. Un inolvidable barítono lírico es Fígaro en "El barbero de Sevilla", de Rossini.

Barra armónica (cordófonos): En los instrumentos de la familia del violín se llama así a una listón de madera, encolado en la parte interior de la caja armónica con el propósito de reforzarla. Esta pieza se coloca justo bajo las cuerdas graves para que aguante la presión de las mismas. Bajo las cuerdas agudas -o de discanto- se coloca otra pieza, denominada alma.

Barra armónica (clavecín):

Pieza de madera o metal, forrada con una funda de fieltro que sirve para restringir el espacio correspondiente al movimiento de los macillos.

Barra de compás:

Línea divisoria. Es una raya vertical fina que corta las cinco líneas del pentagrama separando los diferentes compases de una melodía.

Barrado: Detalle de escritura musical consistente en la agrupación de varias notas, eliminando los corchetes al unirlas mediante una barra común de mayor grosor que las demás. Se emplea especialmente para integrar conjuntos con valores inferiores a la negra.

Barrar: Pequeña raya fina con la que se cruza en forma oblicua el símbolo de una nota, transformándola en otra de valor más breve. Se suele emplear para acortar las notas ornamentales, también llamadas de apoyatura.

Barré: En francés barrado. Presión de las cuerdas atravesando el dedo índice sobre el traste de la guitarra u otro instrumento musical de su clase, como el laúd, la tiorba, la cítola o la mandola. En italiano se dice capotasto. La presión ejercida a distintas distancias del puente permite ir variando el tono de las notas.

Barroco: Vocablo proveniente del francés "baroque", cuyo significado es recargado o extravagante. En música se identifica con un periodo de la cultura europea que se extiende desde el siglo XVII al XVIII y en el que predomina la ópera seria y la tragedia lírica. Por lo general, el barroco musical es un estilo carente de naturalidad. Su entonación resulta demasiado forzada y se vuelve dificultosa, debido al exceso de modulaciones y disonancias. Henry Purcell, Claudio Monteverdi, Jean-Baptiste Lully y Georg Friedrich Händel, fueron -entre otros- los grandes maestros del barroco. Durante el apogeo de esta corriente cultural se afianzaron los conceptos artísticos y las características tradicionales del oratorio y la cantata. De hecho, durante el barroco surgieron y se consolidaron tres nuevas disciplinas artísticas cuya repercusión fue determinante en la historia de la música: en Francia el ballet, en España la zarzuela y el Italia la ópera. También durante este periodo adquirió un gran desarrollo la música instrumental, alcanzando -entre otros avances técnicos- la normalización del compás y la diferencia substancial entre los modos mayor y menor.

Bassa ottava: Octava baja. Emitir un sonido una octava por debajo de la tesitura de la voz o la altura normal de un instrumento que aparece escrita en el pentagrama. Dentro de la tesitura o conjunto de sonidos, propios de cada voz o instrumento, pueden existir distintas variantes agudas y graves. La bassa ottava es una indicación de ejecución en italiano. También se suele escribir ottava sotto u 8va.baja.

Bassetto: Término italiano (bajo pequeño). Es un nombre que se solía dar antiguamente a cualquier instrumento de cuerdas, equiparable a la viola, cuya tesitura fuera intermedia entre el contrabajo y el violonchelo.

Basso: Del mismo origen y equivalente a bajo. Este vocablo suele aparecer en libretos de ópera escritos en inglés y otros idiomas. Es aplicable tanto a la tesitura vocal como a la instrumental. Ejemplos: basso ostinato, basso profondo, etc.
Basso continuo: Forma o escritura italiana del bajo continuo. Se emplea preferentemente en las partituras de ópera. La abreviatura es de uso corriente. Puede aparecer escrito de dos maneras: "b.c." o "B.c.".

Basson: Del francés (bas son=sonido bajo). Nombre antiguo del bajón. Es una variedad de flauta dulce del tipo de la dulzaina. Tiene un sonido suave y agradable al oído, con acentos mate dentro de su amplia gama de tonalidades. También se la conocía con los nombres de "dulcine" o "donçaine", formas derivadas del italiano dulci sono (dulce sonido).

Bassoviulu: Denominación genérica del contrabajo en la lengua de Finlandia (suomi). También recibía este mismo nombre un violón rústico y voluminoso, con el tono grave, natural de la región finlandesa de Dunderlansdal (Norland). Tenía cuatro cuerdas, de tripa o tendón de reno, que se ejecutaban mediante la ayuda de un arco de madera, largo y de perfil curvado. En la actualidad, con ligeras modificaciones estructurales, este instrumento suele integrar la plantilla de los conjuntos folclóricos que interpretan danzas antiguas y motivos tradicionales del país nórdico.

Bass-tuba:

Denominación germana del

bombardino

. Equivale al francés

saxhorn basse

o

tuba basse

.

Bastón: Vara de madera o marfil, bastante voluminosa con respecto a la moderna batuta. Lo utilizaban los directores de orquesta de los siglos XVII y XVIII para marcar los compases.

Bastón Mocongo: Instrumento rítmico de origen afrocubano que se percute contra el suelo con el objeto de marcar el ritmo de los conjuntos músicos integrados por tamboriles, bongós y maracas. Pertenece al folclore tradicional de la hermandad “ñañiga”.

Bastonero: Nombre que se daba antiguamente al maestro de baile, por la costumbre de orientar el ritmo de la coreografía golpeando el suelo con su bastón, como lo hacían los directores de las orquestas.

Batá: Voz de origen bantú (sonido, eco, percusión). Nombre de un tambor tradicional entre los campesinos yorubas de la región de Nigeria (África occidental). Hasta la primera mitad del siglo XX, este membranófono primitivo sólo tenía un carácter ritual y se lo utilizaba en las ceremonias del culto animista. En la actualidad está difundido en el área cultural del Caribe, donde llegó a adquirir cierta popularidad como instrumento de percusión con las composiciones del folclore afrocubano. La caja de resonancia del batá es de madera y tiene la forma de un doble cono, unido por la parte más angosta. Para la ejecución de los números de percusión, se emplea una batería de tambores de diferente tamaño, con tres sonidos fundamentales que van elevando el tono de acuerdo con el diámetro de la membrana. Estos sonidos se denominan: iyá (grave), itótele (medio) y okómbolo (agudo).

Batalla: Nombre genérico cuya acepción musical procede del italiano (battaglia). En francés (bataille). Es un tipo de composición de carácter imitativo, con fanfarrias, sonidos tronantes y toques de clarín, que evocan un ambiente bélico. Estuvo de moda en el siglo XVI. "La bataille de Marignan", del polifonista galo Clément Janequin (1485-1558) es una obra clave para comprender el sentido descriptivo de esta variedad musical.

Batería (equipo de percusión): En inglés (drums). Conjunto de instrumentos idiófonos y de membrana, accionados por un solo ejecutante. La batería se compone básicamente de un grupo de tambores, un bombo de pedal (máquina de Fleming), cajas, redoblantes, y platillos. Su función en la orquesta es particularmente rítmica. En la música caribeña, las baterías suelen incluir instrumentos tradicionales procedentes del folclore local, como los tom-tom o el raspador de madera. Desde principios del siglo XX se ha transformado en un complemento instrumental típico del jazz y las orquestas que interpretan música ligera.

Batería (cordófonos): Técnica muy precisa en la ejecución de la guitarra y otros instrumentos de cuerda, como el laúd o la biwa oriental. Se refiere al efecto stacatto, que se logra percutiendo las cuerdas bien tensas con las puntas de los dedos. La manera opuesta al efecto batería consiste en rasguear varias cuerdas a la vez en forma de legato, que viene a ser lo contrario de lo anterior.

Batidor: También llamado diapasón. Es la pieza de color oscuro, de ébano u otra madera dura, que se superpone al mango del violín y cuya mitad inferior queda en el aire entre las cuerdas y la tapa. Su existencia permite al ejecutante apoyar los dedos sobre las cuerdas para variar las entonaciones.

Batintín: Instrumento de percusión, similar al gong chino. Consiste en un gran disco de metal fino con los bordes doblados hacia atrás, que se supende mediante unas pequeñas cadenas a un bastidor de madera y se percute con baqueta. El sonido es grave y muy profundo. En los países de extremo Oriente suele ubicarse junto a la puerta de los templos para anunciar las ceremonias rituales. Batintín es una voz onomatopéyica occidental. En Asia tiene una gran variedad de nombres de acuerdo a su tamaño u otras variantes (changkati, yün-lo, khar-nga).

Battaglia: Voz itálica que corresponde a un tema musical de inspiración épica o guerrera. Tiene su referencia en castellano (batalla). Es una variedad de pieza de carácter, dotada de un contenido programático. Fue un género tradicional en la música profana de la Edad Media y el Renacimiento.

Batucada: Juego de percusión típico del Brasil. Posee un ritmo vivo y acelerado, muy rico en matices. Su instrumento básico es el batuque, aunque lo corriente es que se utilicen una gran variedad de elementos sonoros combinándolos de manera armoniosa. Existen numerosas piezas escénicas que incluyen esta especialidad en acertada combinación con la actuación orquestal. Batucada es una voz portuguesa, derivada del término vulgar batuque=bulla o alboroto.

Batuque:

Tambor alargado, usual en algunas regiones del Brasil. Es similar a la

conga

o

tumbadora

del Caribe.

Batuta: Varilla que utilizan los directores de orquestas y coros para marcar el compás y transmitir otras señales o indicaciones a los músicos. El vocablo proviene de bastón (en italiano battuta y en francés bâton). Suelen medir unos 40 a 45 cm de largo. Las más lujosas están construidas en madera de ébano o marfil y tienen una contera de metal. La moderna batuta de director de orquesta fue diseñada a principios del siglo XIX, en Francfurt, por el maestro de capilla, eximio violinista y compositor alemán Ludwig Spohr (1784-1859), pero recién se empezó a usar en Inglaterra a partir de 1820. Antiguamente se marcaba el compás con un mazo o bastón de grandes dimensiones que se golpeaba en el suelo siguiendo el ritmo de la melodía. Otra manera de marcar el compás era con el pie derecho. Para ello se utilizaba el "scabellum", una forma de suela de madera, provista de guarniciones de metal, que se colocaba bajo el calzado.
Bayaderas: Del francés (bayadère=danzarina). Nombre que se da a las sacerdotisas que bailan y cantan en ciertos templos orientales (India, Birmania, Tailandia), cuya danza adopta una serie de gestos y movimientos coreográficos de carácter ritual.

B.C.:

Indicación abreviada de

bajo continuo

. Se escribe en la partitura para indicar la entrada de este acompañamiento musical.

B Double flat:

Nota

si doble bemol

en la nomenclatura inglesa. Equivale a

Heses

en la notación germana y

si double bémol

en la francesa.

B Double sharp:

Nota

si doble sostenido

en la nomenclatura inglesa. Nota

Hisis

en la forma germana y

si double dièse

en la francesa.

B Dur:

Nota

si bemol mayor

en la nomenclatura germana.

Beats: En inglés (golpe). Término del lenguaje MIDI. Es el tiempo de compás equivalente a una pulsación o golpe simple. Su efecto se calcula en beats por minuto (BPM). La correspondencia de los beats con las pulsaciones del metrónomo resultan prácticamente imposibles.

Be-bop: Creada en 1945, al finalizar la segunda guerra mundial, esta variedad de Jazz se basa en el estilo polirrítmico. La puso en boga en las jam-sessions de la época, el grupo de los músicos norteamericanos dirigidos por Dizzy Guillespie, Thelonius Monk (piano), Charlie Parker (saxofón) y Charlie Christian (guitarra), entre otros célebres maestros del ritmo. El estilo be-bop aparece en varias comedias musicales de Broadway. Forma parte del folclore musical de Estados Unidos. También se puede escribir bebop.

Be-bop revival: ("Resurgimiento del ritmo be-bop"). Movimiento de recuperación del típico estilo norteamericano, nacido en la década de 1970 dentro del ambiente del jazz. Fue, a su manera, una respuesta melódica a la avasallante efusión del free jazz.

Bebung: Variación rápida y casi imperceptible en la altura de un sonido. La palabra, de origen inglés, se refiere a una forma expresiva utilizada hasta el siglo XIX en la ejecución del clavicordio. En la actualidad, este efecto se puede obtener por medios electrónicos y con otros instrumentos. En estos casos, su objetivo no pasa de ser una mera experiencia estética de vanguardia.

Becuadro: Del latín (B cuadratum). Símbolo de notación que se escribe en el pentagrama antes de una nota con el objeto de suprimir o dejar sin efecto cualquier alteración previa, como pueden ser los sostenidos o bemoles. Su figura también sirve para indicar en el comienzo del pentagrama que la melodía integra no sufre alteraciones. El becuadro puede emplearse también en el cifrado y en la armadura.

Bequadre:

Denominación del

becuadro

en catalán. También puede aparecer escrito

becaire

. Ambas formas se usan indistintamente.

Becheraf: Voz de origen árabe. Es una forma de preámbulo musical o preludio que antecede a ciertas melodías tradicionales. El contexto general de esta introducción tiene por objeto reproducir las escalas ascendente y descendente de la melodía que se ha de interpretar a continuación. Es una costumbre que fue perdiendo vigencia con el tiempo, sin haber desaparecido totalmente. Algunos grupos folclóricos que cultivan la música tradicionalista de los países árabes del Mediterráneo (Libia, Túnez, Argelia, Marruecos) intentan preservar esas formas por ser ejemplos inestimables de la cultura islámica.

Bedón: En lengua provenzal (tamboril). Tambor francés de justas, del siglo XVII. De forma alargada, con doble parche de piel de cabra u oveja, aros tensados mediante cuerdas y anillas de cuero crudo. Se podía percutir por ambos lados, como el bombo moderno.

Bedón de Vizcaya: Membranófono distinto del modelo provenzal. Este bedón ibérico es un pandero de gran tamaño, originario de la región vizcaína, que se usaba en las fiestas populares de los vascos. El aro de madera se adornaba con cascabeles y sonajeros de metal.

Bel canto : Canto bello o agradable. Forma del cantar ideal para el lucimiento del solista, que se caracteriza por la gracia en la entonación, la perfecta impostación en el fraseo musical y la belleza de los sonidos. Por extensión se denomina así al canto operístico en general. Fue un estilo que nació en el siglo XVII y se extendió hasta el XIX, sin embargo su escuela y las consecuencias que ésta ha tenido en el desarrollo del arte lírico, sigue vigente hasta nuestros días. El bel canto, cuyo significado no puede ser más apropiado, alcanzó su más alto grado de refinamiento y perfección sonora con las óperas de Gaetano Donizetti y Vicenzo Bellini. Sin duda, la gran figura de la ópera durante la segunda mitad del siglo XIX fue el extraordinario compositor sinfónico Charles Gounod (1818-1893). Las maravillas estilísticas del bel canto alcanzan en esta época la cumbre de la exaltación estética, elevando a la escena lírica francesa desde las breves comedias sentimentales, al estilo de Mozart, hasta los más acabados ejemplos del genio romántico de Goethe. En este aspecto, la obra de Gounod podría considerarse como una línea directriz de la Escuela Francesa, a la que muchos compositores posteriores siguieron con fidelidad. La célebre ópera "Fausto", estrenada en 1859, en el Teatro Lírico de París, es un ejemplo puntual de este fenómeno. Con libreto de Jules Barbier y Michel Carré, esta obra llevó al escenario francés la profundidad del genio goethiano.

Belloneon: Curioso instrumento musical, provisto de sonidos múltiples, que fue inventado en Alemania a principios del siglo XIX. Estaba compuesto por una batería de tambores y timbales que actuaban en combinación con un sistema de lengüetas imitando una banda de trompetas en distintos tonos. No tuvo éxito comercial y dejó de fabricarse antes de que promediara aquella centuria. No obstante, su importancia radica en el hecho de haber dejado abierta la idea de la multiplicidad de sonidos combinados con cierto equilibrio armónico, que luego se aplicó con éxito en los primeros órganos eléctricos y electrónicos.

Bemol: Es el símbolo de alteración que indica la disminución en la altura de un sonido. Normalmente es un semitono cromático más bajo que su sonido natural. Su símbolo en el pentagrama es (b). Esta letra representa la nota si más la palabra italiana molle, cuyo significado es suave. Tiene una gran importancia para identificar correctamente los sonidos intermedios en la escala musical. El signo doble bemol (bb) altera la nota disminuyendo su altura en dos semitonos cromáticos. La denominación del bemol en catalán de "bemoll".

B moll:

Como

B dur

corresponde a la terminología alemana. Es el equivalente de

si bemol menor

.

Bend: Término inglés referido a una técnica de ejecución que permite modificar los sonidos estándar de las armónicas. Atañe a la resonancia producida en las lengüetas de cada orificio de la embocadura. Esa gama de sonidos se obtiene aspirando el aire en los primeros seis orificios y soplando de manera especial en los restantes. La manera de aspirar el aire, así como la flexión o posición curvada de la lengua, y especialmente la inclinación de los labios sobre la embocadura de la armónica, son elementos esenciales en el acto de la ejecución. De allí su relación con las distintas acepciones del vocablo bend (curva, ángulo, inclinación, flexión). Como se ha explicado, la técnica del bend es una particularidad posible de realizar sólo en algunos orificios de la armónica -no en todos- y tampoco se logra en cualquier clave. Además, existen otras maneras que pueden variar de acuerdo con el tipo de instrumento. Como indicación de ejecución, también se suele utilizar el gerundio bending.

Bendyr: Pandero rústico, de origen asiático al que los árabes llaman derbouka. Los ejemplares conocidos actualmente tienen unos 40 a 45 cm de diámetro y la única membrana suele ser de piel de cabra, tensada con cintas de cuero. En parte interna llevan una cantidad variable de cuerdas de tripa, extendidas en sentido diametral, que otorgan una vibración añadida al sonido natural del instrumento.

Bene: Significa que un pasaje de ópera o una melodía determinada está "bien", que no necesita ser cambiado o adaptado. Este término italiano se emplea principalmente para los arreglos y transcripciones de obras antiguas. En originales del siglo XIX suele aparecer escrita la palabra "ben", unida con una línea curva sobre la parte del pentagrama que no se ha cambiado. Esta costumbre es poco usual en la actualidad.

Benedicamus Domino: En latín (Bendigamos al Señor). Variedad de canon, compuesto para tres voces y en estilo de rondel. Es una obra clave de la polifonía medieval, que se entonaba al finalizar la Misa. El códice pertenece al Real Monasterio de las Huelgas (Burgos) ²⁵. En él se encuentran expuestas la mayoría de las partes musicales que se solían cantar en el ordinario del oficio religioso. La composición del Gloria, que también integra el conjunto, es uno de los más bellos ejemplos del Ars Nova. Aunque el Benedicamus Domino, existente en ese repositorio, es una copia escrita en el siglo XIV, se sabe que su origen es aún más antiguo.

Benedicite: En latín (Bendecid). Estilo cantoral inspirado en una antigua forma de plegaria monacal que se practicaba en la Edad Media. Adoptado en el siglo XVI por la Reforma, muchos compositores crearon diversas piezas instrumentales inspiradas en la letra latina original. El benedicite pronto alcanzó una amplia difusión debido a que también se cantaba en las lenguas populares (francés, flamenco, alemán, etc.).

Benedictus: También llamado “Cántico de Zacarías”. Es una armoniosa composición musical que se suele entonar en la misa. Tomada de los libros sagrados, su esencia literaria se muestra inspirada en las palabras de San Lucas (I, 68-79). Junto con el Magnificat, es una de las composiciones vocales más bellas de la liturgia católica. En su origen correspondía a la parte segunda del Sanctus. Apareció por primera vez como salmo y oración en la Galia romana, a principios del siglo VI, llegando a difundirse más tarde en toda Europa y el Cercano Oriente. Con el advenimiento de la polifonía, el Benedictus se separó del Sanctus, formando un canto independiente que se interpretaba durante la elevación. Ludwig van Beethoven (1770-1827) transformó el sentimiento melódico y poético del Benedictus en una ejemplo esencial en la música clásica donde la acertada instrumentación representa un papel preponderante (Misa en do mayor, Opus 86).

²⁵ Monasterio cisterciense, fundado en 1187 por el rey de Castilla, Alfonso VIII. Su esposa, doña Leonor, fomentó el desarrollo de la música. Durante su reinado, las ciencias y las letras experimentaron un avance notable con la fundación de la universidad en Valencia. Los restos mortales de ambos monarcas se encuentran depositados en ese monasterio.

Ben legato: Bien ligado. Aclaración referida a los arcos de ligadura que unen notas de distinta altura. Está relacionado también con el término legatissimo. Es lo contrario de non legato.

Berbeth: Lira primitiva de origen árabe provista de cuatro cuerdas de tripa, a la que también se conoce con el nombre de barbitos. Aunque no es el mismo instrumento de los poetas griegos, dado que el berbeth árabe resulta más pequeño, no es tan elaborado y posee menos cuerdas. No obstante, sería posible que procediera de aquel modelo original a través de sucesivas copias realizadas por artesanos desde la antigüedad.

Berceuse:

En francés (arrulladora). Es una forma de música suave y melodiosa, conocida popularmente como una suerte de nana o canción de cuna.

Berejú: Nombre indígena que se emplea en Colombia para citar a una variedad de tonada con estribillo. Junto con el patacoré y el currulao, pertenece al conjunto de cantos tradicionales en la costa occidental de aquel país. En su ejecución se suelen emplear el acompañamiento de marimbas de chontas, tambores cununos de un solo parche, redoblantes y unos sonajeros de calabaza llamados guasás. La melodía típica del berejú aparenta ser algo más lenta que las demás de su tipo.

Bergamasca: Danza tradicional italiana -similar a la romanesca- cuya melodía procede de la región lombarda de Bérgamo. Uno de los ejemplos más conocidos de esta danza, compuesta originariamente sobre el esquema de la chacona, aparece hacia 1635 en la obra instrumental del compositor ferrarense Girolamo Frescobaldi (1583-1643) titulada "Fiori musicali". Partiendo de un bajo obstinado, el estilo típico de la bergamasca combinaba un conjunto de variaciones melódicas elaboradas en ritmo binario. Según consta en los documentos de la época, el origen de este título gentilicio procedería del "Tercer libro de Laúd" de Giacomo Gorzanis, publicado en 1564. A partir del siglo XIX la danza fue evolucionando hasta adquirir el ritmo movido de 6/8, similar a la tarantela napolitana. No tiene relación con la célebre "Suite Bergamasca" de Claude Debussy, cuyo nombre se debe sólo a una coincidencia.

Bergerette : En francés (pequeña pastora). Es una melodía tradicional gala del siglo XVIII. Posee un aire melancólico que recuerda al lied. Algunos ejemplos evocan escenas pastorales o campestres de las regiones de Alsasia y Lorena. El compositor Jean-Baptiste Weckerlin (1821-1910), es autor de varias óperas donde aparecen fragmentos inspirados en melodías de bergerette. En su tarea de musicólogo logró recopilar y hacer editar una importante colección de estas canciones populares.

Berimbau : Cítara monocorde del Brasil con la que se acompaña el ritmo frenético de la capoeira. Consiste en un arco musical, provisto de un resonador de calabaza. Se tañe por medio de una varilla de madera, con la que se percute o frota la única cuerda. En este caso, la varilla hace las veces de arco. Para pisar la cuerda y modificar someramente la altura del sonido, se utiliza una pieza metálica o una moneda. Otra forma de variar la entonación es apoyando la boca o pabellón de la calabaza contra el pecho del ejecutante, a modo de sordina. Los músicos del estado de Bahía suelen ejecutarlo junto con un sonajero de fibra llamado caxixi. En la región de África central (Uganda, Ruanda, Burundi) existe un instrumento similar, llamado tzeze. Su antigüedad permite suponer que fue llevado al Brasil con los esclavos negros.

Bersolari:

Cantor vasco improvisador de coplas y estrofas inspirados en temas de amor o tradicionales de la región.

B flat:

Nota

si bemol

en la nomenclatura inglesa. Nota

B

en la germana y

si bémol

en la francesa.

Bheree: Transcripción inglesa de un tipo de trompeta tradicional de la India. Por la curvatura del tubo y la configuración general del instrumento, resulta muy parecida a las antiguas trompetas militares europeas, de las puede ser una réplica local. No existe una versión de este nombre en castellano.

Bhesoubnathie: Trompa bengalí de latón de forma cónica, cuya forma curva adopta sólo una vuelta. Su largo máximo puede alcanzar algo más de un metro. Existe un modelo similar que se usa en Nepal.

Bicina: Nombre derivado del latín (bicinium=dos voces). Se trata de una composición para dúo vocalista, que ya era popular en la época del Imperio Romano y cuyo esquema interpretativo fue recuperado en el siglo XVII por la Escuela Alemania en uno de sus estilos musicales destinados al acompañamiento de órgano. La forma original aparece consignada en "Etimologías", la obra magna de san Isidoro de Sevilla (c. 560-636). Durante la alta Edad Media y posteriormente, durante el movimiento renacentista, posteriormente, durante el movimiento renacentista, 1521) y Roland de Lassus (1532-1594). Uno de los ejemplos mejor logrados de bicina, ya integrada su forma en el naciente proceso del clasicismo inglés, pertenece a la obra del compositor Thomas Morley (1557-1603), autor de numerosas piezas para ballet, música religiosa, madrigales, canzonetas y obras instrumentales para laúd y virginal.

Bicromo:

Cromatismo doble. En el lenguaje musical, esta voz señala la presencia de dos ritmos diferentes que suena de manera simultánea en una melodía.

Big band: En inglés (gran banda). Se refiere de manera particular a un del estilo del jazz clásico -también llamado middle jazz o mainstream- cuya particularidad sobresaliente era el dominio del movimiento corporal del intérprete acompañando el sonido del instrumento. Su éxito arrollador constituyó un fenómeno social que entró con paso firme en la historia de la música contemporánea. Apoyado en el estilo de interpretación de los grandes conjuntos tradicionales, el fenómeno espectacular y acústico de las big bands alcanzó su apogeo durante la década de 1930 con grandes orquestas de jazz como las de Jimmie Lunceford y Cab Calloway.

Biguga-cither: Denominación que los ingleses daban a un pequeño laúd de cuatro cuerdas, con tesitura de tiple, llamado pandorina o pandora francesa. En el Museo Victoria and Albert, de Londres, existe un bello modelo de este instrumento barroco, cuya caja armónica de madera de laurel, profusamente decorada, ostenta en su fondo la figura de "las tres gracias" tallada en altorrelieve.

Bikkoy: Instrumento de viento de carácter ceremonial o religioso. Es originario de la república de Camerún, aunque actualmente se halla difundido por diversas regiones de África occidental. El bikkoy es un tipo de clarinete primitivo, con boca múltiple, compuesta por dos o tres tubos de caña con lengüetas- que parece tener coincidencias con otros similares, divulgados con ligeras variantes a través de una extensa superficie del continente africano. En la región norte de Adamawa, fronteriza con Nigeria, lo suelen emplear los jóvenes y adolescentes en ocasión de las celebraciones relacionadas con su circuncisión. Una de las formas más curiosas de tañer este instrumento es sosteniendo dos o tres tubos unidos con la boca, mientras se sopla y se van abriendo o serrando alternativamente los extremos opuestos de cada tubo, con el objeto de emitir una serie de sonidos modulados, semejantes a las tesituras conjuntas de un coro infantil. Algunos etnólogos que han estudiado esas raras sonoridades admiten que forman parte de un rito animista y que podría tratarse de una forma de lenguaje místico, mediante el cual que los nativos intentan comunicarse con sus divinidades locales.

Bilengüeta: Doble lámina flexible que produce la vibración del aire en el interior de algunos instrumentos de viento. También se dice lengüeta doble. Según la época y el tipo de aerófono, puede estar fabricada con diversos materiales (caña, madera, metal, fibra plástica, etc.).

Bilina: Canción rusa muy expresiva y de carácter épico. Por su extensión y las características escenográficas, necesarias en su desarrollo musical, constituye un pequeño cuadro de ópera. El gran maestro Nikolai Rimski-Korsakov (1844-1908) puso en boga este término en el libreto de su ópera en siete actos "Sadko", escrita en colaboración con un grupo de poetas populares, sobre un antiguo cuento folclórico de la región de Novgorod, cercana a San Petersburgo. La ópera fue estrenada en Moscú, en 1898.

Bimembranófono: Nombre genérico de todos los instrumentos de percusión, cerrados, cilíndricos y provistos de doble parche -superior e inferior- que se tocan con palillos o baquetas (cajas y tambores redoblantes, bombos, tamboriles, tambores militares, etc.).

Binaria (forma): Se denomina así a la fórmula musical configurada por dos partes bien definidas. Durante el siglo XVII aparecen con la suite interesantes ejemplos de esta combinación melódica, que a través del tiempo llega a ser una forma clásica (zarabanda, allemanda, giga, etc.). La primera parte de una composición binaria tiende su configuración melódica hacia la dominante, mientras que la segunda parte debe ir modulando el retorno desde la dominante hacia la tónica.

Binario (compás): En música significa que un compás está configurado con dos unidades métricas, o bien, que puede dividirse en potencias de dos. Por ejemplo, es compás binario el de tres tiempos (3/4). En términos fraccionados, puede decirse esto cuando una redonda se divide en dos blancas, cuatro negras, ocho corcheas, etc.

Biniou: Variedad de cornamusa de origen bretón. Se utilizaba normalmente en el acompañamiento de las danzas tradicionales de aquella región. Dejó de utilizarse hacia 1940. Sin embargo, aún existen distintos ejemplares -antiguos y modernosque corresponden a sus características. Básicamente, las partes de este instrumento consisten en un odre de piel de cordero, un pico de madera torneada para insuflar el aire, provisto de válvula de retención, un caramillo provisto de seis o siete orificios, según el modelo, y un tubo bordón, que emite los sonidos graves a modo de bajo continuo. Su sonido posee una entonación a la octava superior de la bombarda, instrumento con el que suele formar conjunto en los grupos dedicados a la interpretación de la música folclórica de Bretaña. Birimbao: Instrumento idiófono, también conocido en Europa con los nombres populares de guimbarda o trompa gallega. Consiste en un marco con forma aproximada de "U", de madera o metal que en la parte interna tiene una lengüeta accionada con la boca del ejecutante, que hace las veces de caja de resonancia. También aparece como instrumento complementario en algunos conjuntos folclóricos iberoamericanos. Se desconoce su verdadero origen, aunque por su sencillez, es probable que su desarrollo haya tenido varias formas, parecidas entre sí, que finalmente convergen en un solo descubrimiento. Estas coincidencias no son raras en los procesos históricos y culturales de todo el mundo.

Bis:

Denominación del

si sostenido

en las partituras y ediciones musicales procedentes de Alemania.

Bis!: Exclamación utilizada por el público para requerir la repetición de una canción o un pasaje musical especialmente bello de una ópera. En las partituras se escribe con símbolos gráficos, conocidos en cualquier idioma y se utiliza para indicar la repetición de dos o más compases (bis=dos veces). Equivale a los términos italianos simile o segue que se emplean para señalar que una interpretación debe repetirse de la misma forma.

Bisbigliando: En italiano (susurrando). Técnica de ejecución propia de los instrumentos aerófonos de la serie llamada de las maderas. Consiste en una sutil variación del timbre de una nota, que se obtiene mediante un cambio en la digitación o en la posición de los labios sobre la boquilla. En la ejecución de la flauta travesera el efecto de bisbíllio se produce al modificar la tensión lateral del instrumento.

Bisel: Forma estructural de algunos instrumentos aerófonos como la chirimía, la flauta común, e incluso los grandes tubos del órgano. Consiste en una pieza de madera o metal que por su forma puede desviar hacia el interior del conducto aéreo parte del viento insuflado por cualquier medio, provocando la vibración de la columna de aire existente en él, y en consecuencia la emisión del sonido.

Bitematismo: Variante en el esquema estructural de la sonata, configurado por el empleo de dos temas distintos y sucesivos, en lugar de los cuatro tradicionales. Empezó a generalizarse a partir de 1750.

Bitonalidad: Nombre que define la existencia de dos tonalidades diferentes en una misma composición musical. Darius Milhaud pone en evidencia la curiosa técnica bitonal en su obra "Saudades do Brasil", escrita en Río de Janeiro al comenzar la década de 1920. En el canto de ópera se considera un rasgo propio de virtuosos. Esta forma vocal es una suerte de adorno o floritura, cuyo completo dominio resulta muy dificultoso, debido a que requiere una gran experiencia para no confundir los tonos.

Biwa: Instrumento de cuerdas de origen mongol, similar al laúd. Alcanzó amplia difusión en Japón, donde llegó a perfeccionarse su técnica de ejecución. El biwa tradicional tiene un corto mástil de ébano provisto de tres divisiones o trastes. Las cuerdas se suelen tañer golpeándolas, una a una, con las yemas de los dedos, Esa manera de tocar se denomina efecto batería. La caja presenta un diseño periforme y aplanado. El clavijero, con una pronunciada inclinación hacia atrás, sostiene un sistema de cuatro cuerdas dobles que se tañen con púa de carey o marfil, alcanzando un tono y dos semitonos. Los primeros biwa, que aparecieron en Japón hacia el siglo X, procedían de las estepas de Mongolia. Blanca: Nota musical con un valor equivalente a la mitad de la redonda y el doble de la negra. Para indicarla en el compás se emplea el número dos como denominador (1/2 de la redonda). Hasta finales del siglo XX se conocía con el nombre de mínima. (Figura: h )

Bloque: En los actuales instrumentos idiófonos y de percusión, como el temple blocks, se llama así a cada pieza o elemento sonoro correspondiente a una nota determinada. Los bloques pueden tener distintas formas, de acuerdo con el modelo de instrumento. El tipo de bloque más usual es un pequeño cubo de madera dura, de una sola pieza, tallado y ahuecado, que cumple la función de caja de resonancia. Se colocan en grupos de cinco bloques de diferente tamaño formando una escala cromática, como en el xilofón.

Blue note:

Término de origen norteamericano. Su significado en inglés (nota triste) está directamente relacionado con el estilo del blues.

Blues: Composición de aire lento, típica del folclore negro de los Estados Unidos. Originada durante el siglo XIX, tuvo una cierta influencia en la configuración rítmica del jazz. Su forma armónica se caracteriza por la fusión de escalas europeas y africanas. Como expresión musical étnica y tradicional, alcanzó su máxima difusión en todo el mundo después de la segunda guerra mundial. Entre los cultores más destacados de este género puede citarse figuras de la talla de B. B. King, Johnny Winter, Eric Clampton, John Lee Hooker, J. J. Cale, Roberto Johnson, Muddy Waters y John Mayall.

Bluesman:

Compositor, cantante o intérprete instrumental dedicado al arte del

blues

.

B moll:

Nota

si bemol menor

en la nomenclatura germana.

Boca (aerófonos): Denominación que se da al agujero de salida del aire en todos los instrumentos de viento. Cuando la boca se abre en forma globular o de campana, se llama pabellón.

Boca (membranófonos):

En Iberoamérica se suele llamar así al parche de algunos instrumentos folclóricos de percusión, como el tambor

mina

de Venezuela.

Boca cerrada: Es una forma procedente del canto coral y significa lo mismo que en italiano a bocca chiusa. La manera de cantar se lleva a cabo mediante modulaciones sonoras que hacen las veces del acompañamiento musical. Esta técnica brinda un timbre especialmente opaco, debido a la limitación de los armónicos. Las interpretaciones a boca cerrada han tenido un efecto particular en la ópera, dado que su ejecución permite emitir agradables melodías, con el resultado de tonalidades parecidas a ciertos instrumentos de cuerdas.

Bocal: Del latín (baucale=bucal). Adjetivo que se aplica a la parte del instrumento de viento más cercana a la embocadura. En algunos tratados suele aparecer como sinónimo de tudel (ver esta palabra).

Body art: En ingles (arte corporal). Estéticamente, está relacionado con el gran guiñol. Es una forma expresiva donde el efecto armónico de la música desempeña un papel preponderante, juntamente con los más diversos movimientos corporales. El resultado final se traduce en una serie de figuras melódico-figurativas, cuyo carácter está íntimamente relacionado con el sentido descriptivo de las proyecciones audiovisuales.
Bolera: Danza española derivada de la antigua seguida, pero de movimiento mas lento y con un aire señorial. Es una forma regional, con estilo propio, como la tradicional seguidilla manchega. En su forma actual, comenzó a difundirse a principios del siglo XIX, especialmente en algunos países del Caribe, donde su estilo melódico ha servido de inspiración a varios cantautores contemporáneos.

Bolero: Baile de salón muy popular, que ostenta diferentes características, según la región a la que pertenece cada variante folclórica. Las constancias más antiguas que hacen referencia a esta variedad de danza se ubican en Andalucía y datan de fines del siglo XVIII. Se sabe que procede de la seguidilla y en aquella época tenía carácter cortesano. Los bailarines lucían trajes de gala y realizaban pasos majestuosos, siendo objeto de expresión musical para ocasiones señaladas. Su aire bailable, en compás ternario, se ejecutaba al principio con instrumentos sencillos, como la gaita, el caramillo y el tamboril. Con el paso del tiempo se fue adaptando a las distintas formas imperantes en cada región, llegando hasta la actualidad con el acompañamiento popular de guitarras, mandolinas, bandurrias, laúdes y violines. Las últimas experiencias del bolero -a partir de la segunda mitad del siglo XX- lo incluyen en todos los ambientes o estilos y con el acompañamiento de grandes orquestas populares.

Bolero mallorquín: Comenzó a popularizarse en los salones de Palma de Mallorca a principios del siglo XIX llegando en poco tiempo a popularizarse también en el ámbito rural, adquiriendo luego ciertas características propias del ambiente y la cultura isleña en general, particularmente en la ciudad de Andraitx. El bolero mallorquín solía bailarse al compás de gaitas y tamboriles, con aires solistas ejecutados con flabiols y caramelles (flautas o caramillos). Con el paso del tiempo la armonía de esta danza fue adquiriendo cierta relevancia con los bellos y armonizados acordes de bandurrias, mandolinas, laúdes, guitarrillos, guitarras e incluso violines.

Bolero de Valldemossa: También llamado "bolero viejo", es el nombre común del parado. Aunque se trata de una denominación menos usual, suele aparecer citado como referencia local en algunos artículos periodísticos, partituras y tratados musicales de fines del siglo XIX. Esta danza, la más popular de Mallorca, es una derivación de la típica seguidilla, aunque su ritmo es algo más lento y cadencioso. La estructura melódica del bolero de Valldemossa, se caracteriza por el aire elegante de sus pasos coreográficos y la forma señorial de los gestos del hombre hacia la mujer. La música suele ejecutarse con una dotación básica de instrumentos tradicionales en el folclore musical de las islas Baleares, entre los que se cuentan laúdes, guitarras, violines, castañuelas y el toque sonoro del triángulo.

Bolero gitano: Canción y danza del folclore andaluz. Normalmente se interpreta en tiempo lento. Lo lleva a cabo una sola cantante, en el centro del tablao, rodeada por un coro de jaleadores. Aunque no es esencial, los instrumentos originales suelen ser las guitarras y los cajones de percusión manual, empleados con cierta moderación. En ocasiones, los acompañantes del bolero gitano marcan el ritmo con un ligero sonido de castañuelas. Existen distintas versiones comerciales, en las que intervienen orquestas dotadas de un cuadro instrumental más variado.

Bolero zamorano: Danza española del siglo X, que se baila al compás de castañuelas, También conocida como bolero de Algodre, es un ejemplo musical típico de aquel pueblo de la provincia de Zamora. En su compleja coreografía intervienen dos mujeres y un hombre, en torno al cual realizan sus giros las danzantes femeninas. La melodía del bolero zamorano, bien distinta del bolero tradicional, denota la presencia de antiguas reminiscencias árabes. Tras la reconquista cristiana y al fundarse con el tiempo la cofradía de Santa Águeda, su imagen sagrada pasó a presidir los bailes dedicados en su honor

Bombarda (aerófono): Vocablo de origen italiano (derivado del gentilicio "lombarda"). Es un instrumento de viento de madera con lengüeta doble y el pabellón bastante amplio, perteneciente a la familia de los oboes. Se utilizó corrientemente desde el siglo XV hasta el XVII. Existieron distintas versiones de bombarda, denominadas de acuerdo con su tesitura: soprano, contralto, tenor y bajo. También puede citarse en esta serie a la piccola bombarda, que tenía un solo orificio. La boquilla es de caña, como la del fagot. Hubo una bombarda de origen alemán, de mayor tamaño. Con el transcurso del tiempo y luego de una serie de perfeccionamientos, ésta dio origen al actual clarinete. En el norte de Francia existe un tipo de bombarda, provista de siete agujeros y con registro agudo, que aún se emplea en la interpretación de la música folclórica bretona. Otra versión de esta familia, parecida a la chirimía, conserva alguna función puntual en la orquesta de ópera.

Bombarda (registro de órgano): Se llama así al sonido más grave en la serie de registros de este gran instrumento. Corresponde a la octava grave de la trompeta. El tubo que lo produce puede ser de estaño o de madera, tiene lengüeta, es voluminoso y su perfil es ligeramente cónico. Si suena en la doble octava se llama contrabombarda o bombardón. Según el tipo de órgano, este registro puede estar situado en distintos lugares del instrumento (pedalero, teclados manuales, etc.) Los órganos de gran tamaño suelen tener un teclado especial para los tubos de lengüeta.

Bombardino: Aerófono de metal diseñado y fabricado por el célebre fabricante Adolphe Sax a mediados del siglo XIX. Existe normalmente en la afinación do y si bemol. Es un instrumento imprescindible en las bandas militares, donde cumple el papel de instrumento solista debido a la amplia sonoridad que lo identifica inmediatamente entre el conjunto. Su timbre, algo pastoso, logra un buen equilibrio con el resto del conjunto. Todos los modelos de bombardino tienen una forma similar, consistente en un tubo enrollado de forma cónica, la abertura de la boca en estilo campana y un sistema de pistones para la modulación de los sonidos. Los músicos alemanes lo llaman bass-tuba y los ingleses baryton.

Bombardone : Aparece en las descripciones de la orquesta de ópera italiana del siglo XIX. Posee un sonido contrabajo. Los intérpretes franceses lo llaman gross bass. Tiene sólo seis orificios laterales, obturables mediante un mecanismo especial compuesto por cuatro llaves cerradas y una abierta para el cuarto orificio. En España se lo conoce con el nombre de oboe contrabajo.

Bombisto:

Nombre popular que recibe en Argentina y Bolivia el ejecutante del

bombo legüero

.

Bombo: Tambor de grandes proporciones con sonido grave y rotundo. Es un instrumento de origen guerrero y según parece de procedencia otomana, que se incluye en la orquesta sinfónica durante el siglo XVIII, juntamente con los platillos de latón y el triángulo. Los modelos actuales llevan dos parches o membranas que se estiran mediante unos tensores afirmados al cuerpo cilíndrico de madera laminada. Se puede percutir por ambos lados con un mazo de cabeza esférica, forrado en la punta -llamado baqueta para los golpes acentuados, y con una vara desnuda para los golpes de efecto. Estos últimos suelen sonar como latigazos. En posición vertical se lo puede tañer con el auxilio de un sistema mecánico de percusión, que se puede adaptar al instrumento y se acciona a pedal, denominado máquina de Fleming. Es un instrumento de banda. En la orquesta sinfónica se emplean los timbales. Cuando el bombo integra la plantilla de la batería su sistema de percusión se pone en acción mediante un pedal. En la bibliografía de otros países europeos, el bombo se conoce con la denominación genérica de gran caja (grosse Trommel, en la forma alemana; gran cassa, en italiano, etc.). Existen algunos bombos que tienen un diámetro de más de dos metros y se emplean para marcar los tiempos fuertes en ferias y espectáculos circenses. Aunque suelen estar bien construidos y afinados estos bombos también son instrumentos de orquesta.

Bombo legüero: Variedad de bombo tradicional de la Argentina. Se emplea en la ejecución de la música folclórica típica del norte del país. Su fabricación, de manera artesanal, se hace con un tronco ahuecado. Las membranas de cuero sobado -de vaca o becerro- se colocan con el pelo hacia fuera y se mantienen mediante un sistema de aros y tientos cruzados que le brindan la tensión necesaria. El nombre de este instrumento proviene de una tradición popular en la que se afirma que el sonido se puede oír a una legua de distancia. Para batir el bombo legüero se usan dos palillos de madera con las puntas sin recubrir.

Bombulum: Idiófono de bronce, de pequeño tamaño que se usó en la Edad Media (siglos XI-XII). Tenía el aspecto de un cimbalero o campanólogo, cuya función principal era el acompañamiento rítmico de las danzas. Se percutía con macillos.

Bonaccordo:

Pequeño cordófono de teclado, del siglo XVIII, perteneciente a la familia del

clavicordio

, el

arpicordio

y la

espineta

.

Bonang: Instrumento de la orquesta tradicional javanesa. Es uno de los componentes más destacados en la ejecución de la música de gamelan. Consiste en una batería de doce de gongs de latón dispuestos en dos hileras sobre un soporte de madera con forma de cama. Los gongs, que suena a distintas alturas, quedan suspendidos sobre una cuerdas tensas llamadas tabuh. Se percuten con unos macillos de roble.

Bones: Instrumento idiófono, también llamado castañuelas de tablillas. Consiste en dos placas de marfil o madera dura que se entrechocan o golpean con las manos obteniendo un sonido seco e indefinido. Se emplea en los conjuntos folclóricos para marcar el ritmo de una melodía.

Bongó caribeño: Pequeña batería de percusión compuesta por dos pequeños tambores unidos, de forma troncocónica, diferente tamaño y dotados de una sola membrana de piel de cabra. El diámetro máximo de los tambores oscila entre 17 y 19 cm Por su escaso peso y tamaño se puede sostener entre las rodillas y percutirlo con los dedos. El origen de este instrumento popular es afrocubano, con una fuerte influencia del folclore musical caribeño.

Bongó mejicano: Es similar al bongó caribeño, pero con un tamaño más reducido, tanto en el diámetro de las cajas, como en la altura. Se emplea en las orquestas típicas, con influencia del folclore caribeño, en la región costera de Campeche, Matamoros, Tampico y Veracruz.

Bonko enchemiya: Tambor del folclore afrocubano. Se utiliza en el acompañamiento de la salsa. El cuerpo de este instrumento es de madera, mide 1 m de altura y unos 20 a 25 cm de diámetro. Se percute sobre el parche con una de las manos, mientras que con otra se golpea la caja de resonancia mediante la ayuda de un palillo llamado iton. La acertada combinación de ambos toques produce sonidos contrastados, graves y agudos. El bonko enchemiya es un instrumento que pertenece a la cultura musical abacuá, originaria de África.

Boquilla: Pequeña pieza que en numerosos instrumentos aerófonos permite apoyar los labios para insuflar dentro de la columna de aire. La configuración de la boquilla puede variar según la familia a la que pertenezca el instrumento. Antiguamente, las boquillas de clarinete se tallaban en madera de haya o abedul, más tarde las fabricaron de ebonita y en la actualidad suelen ser de plástico moldeado. Algunos saxofones utilizados en la ejecución del jazz tienen boquilla de metal inoxidable. En las flautas de pico, del grupo de las maderas, la boquilla permite guiar directamente el soplo hacia la arista cortante. Son de fácil ejecución, aunque el sonido puede resultar algo duro o falto de modulación (flauta dulce, pífano militar, flauta de amor, piccolo, etc.). En las flautas traveseras la boquilla queda reducida a un simple orificio de soplo que permite adaptar o modificar los sonidos variando el ángulo de ataque con el movimiento de los labios. Esta operación se ejecuta sobre una guarnición -llamada embocadura- especialmente diseñada para ello. Los saxofones, clarinetes y otros instrumentos de lengüeta simple, la boquilla esta formada por una pieza conoide, plana y alargada, recubierta en su parte inferior por la misma lengüeta que se mantiene ajustada por la acción de una abrazadera.

Boquilla cóncava:

Tiene la cavidad de la cazoleta semiesférica y levemente pronunciada. Se utilizaba en el siglo XIX (

trompeta, trompa de caza

, etc.).

Boquilla cónica:

De metal, en forma de embudo angosto y profundo. La utilizan algunos instrumentos aerófonos, de metal, que tienen el timbre opaco y dulce (

trompa

).

Boquilla semiesférica de vaso hondo: Los sonidos aumentan su brillo cuanto más se aprietan los labios contra el borde (helicón, tuba, fiscorno barítono, sousafón). El diámetro es mayor cuanto más grave sea la tesitura del instrumento.

Boquilla semiesférica de vaso llano: Con la forma y el diámetro similar a la anterior, pero con el vaso menos profundo. (trombón de varas, trompeta normal, trompeta baja, fiscorno tenor, trombón de cilindros, fanfarra). El tubo de acople con el tudel es más corto.

Boquilla plana: Aunque a veces se la suele llamar así, técnicamente no es una boquilla, sino una embocadura, que en algunos casos se reduce a un simple orificio donde el ejecutante debe apoyar los labios, utilizando la cavidad bucal como caja de resonancia con el objeto de lograr los diferentes sonidos, (flauta travesera).

Boquilla de doble lengüeta: Consiste en dos cañas unidas (fagot, oboe, etc.). En la parte superior tiene la abertura o luz, luego el cuello de la caña con las ligaduras, y finalmente el encaje de la caña con el tudel.

Boquilla de pico de pato: Antigua. Cada instrumento tiene su forma particular. Dentro de las boquillas de este tipo se encuentra una caña que cumple la función de lengüeta simple (clarinete).

Bordadura: Nota de aproximación de un acorde, más grave o más aguda, que sólo cumple una función de adorno, por lo tanto es un equivalente del significado de floreo o fioritura. Con efecto inverso al del retardo y la apoyatura, la bordadura se produce sobre un tiempo o una fracción del mismo y siempre es más débil que el tiempo correspondiente a la nota real. Existen bordaduras por tonos y por semitonos, inferiores o superiores. Normalmente, la bordadura por semitono inferior se considera una nota ajena a la tonalidad. No es corriente que las bordaduras generen relaciones de semitono con otras notas de un acorde. Esta particularidad sólo puede producirse si tal relación tiene lugar por semitono inferior o por tono superior. Los instrumentistas y cantantes solían incorporar bordaduras por su cuenta a las composiciones que interpretaban como una forma de embellecimiento melódico. En castellano se suele emplear en plural. Se trata de un término musical antiguo, cuya aplicación -en su forma singular- es más usual actualmente en catalán (brodadura).

Bordeleto: Instrumento de viento, similar al bajoncillo. Su nombre deriva del provenzal antiguo (bordelette). De un tamaño más reducido que el bajón, existían versiones en tesitura de tenor, contralto y la más aguda denominada tiple. Se sabe que en la alta Edad Media el bordeleto solía integrar la formación de cuartetos de viento.

Bordón (aerófonos): Vocablo derivado del bajo latín (burdo) y éste del celta (burdan=zumbar). Se suele aplicar este nombre al sonido bajo y zumbador de la gaita o cornamusa. Es el bajo sencillo, o doblado a la quinta, cuyo sonido tradicional emite el tubo del mismo nombre. Por ejemplo, en la interpretación de ciertas melodías populares de Galicia (Muñeira) o de Cataluña (Lo Noy de la Mare). Es un término musical cuya existencia se conoce desde el siglo XIII.

Bordón (cordófonos): Denominación popular que sirve para referirse a la nota más grave que pueden dar algunos instrumentos de arco y punteo, de diferente procedencia (guitarra, bandola, bandurria, mandolina, etc.). Por extensión, se llama a sí a cualquiera de las cuerdas más gruesas, que se suelen utilizar normalmente en la ejecución del bajo, como la penúltima cuerda grave en la viola de gamba y el laúd. También se emplea en inglés (bass string), particularmente para las guitarras eléctricas (stratocaster, telecaster, etc.).

Bordón (diapasón): Elemento que sirve para producir una serie de sonidos fundamentales que sirven como base de comparación. Se emplea en la afinación de instrumentos de música.

Bordón (membranófonos): Llevan este nombre cada una de las cuerdas de tripa u otro material que se colocan junto a la membrana inferior de algunos instrumentos de percusión, como la caja clara o el redoblante. Esa membrana se llama parche de bordones. Al vibrar, los bordones producen un sonido chirriante, parecido al del cascabel. También se le llaman cuerdas vibradoras.

Bordón (nota pedal):

Sonido grave y persistente, con ligeras modulaciones, que desde la Edad Media está relacionado con el sentido de acompañamiento musical.

Bordón (órgano): Tubo grande, de madera o metal, con la embocadura biselada y el perfil generalmente cuadrangular, que produce los tonos graves y otros registros básicos de estos instrumentos. Suena en la octava grave de su longitud y el timbre es normalmente suave. Se suele utilizar con acierto en el órgano pleno, en los registros compuestos y en el acompañamiento del canto coral. Al accionarlo se pueden emplear tanto los teclados manuales como el pedalero.

Bordón (voz humana): Nombre dado en algunos países a la voz grave y profunda, que en el coro mantiene el sonido de acompañamiento durante la interpretación de las voces superiores.
Bordón mayor: Denominación del tubo más largo de la gaita de boto aragonesa -también llamado roncón- que encaja en el yugo o barrilete. El dispositivo está formado por dos tramos (regulador y bordón), que el gaitero lleva sujetos bajo el brazo derecho. Ambos segmentos se acoplan ajustando un tubo dentro del otro, para alcanzar la mayor extensión del conducto aéreo.

Bordones al aire : Se llama de esta forma a un sistema de cuerdas que tienen todos los instrumentos musicales de la familia de los archilaúdes (tiorba, laúd tiorbado, chitarrone o tiorba romana, etc.). Los órdenes de estas cuerdas son generalmente simples y no se pisan, como las de la viela ,que se ajustan fuera del cuerpo del instrumento y resuenan por simpatía. Requieren el diseño de un doble clavijero -también llamado clavijero suplementario- que debe estar ligeramente desplazado sobre el eje del mástil o mango para dar lugar a los órdenes de cuerdas dobles, que se pisan sobre trastes. Los cordófonos provistos de este complejo sistema armónico estuvieron en uso frecuente desde el siglo XVI al XVIII. En la actualidad estos instrumentos, con su sistema de bordones al aire, constituyen una importante fuente de estudio e investigación de la música barroca.

Bordoneta : Tubo menor de la gaita, también llamado ronquete o tenora. Sirve para dar la nota pedal. Por su forma, es similar al tubo bordón, aunque de menor tamaño. Puede tener una o dos lengüetas vibradoras y una cámara de resonancia de forma globular, ubicada en el extremo de salida del aire.

Bordonúa : Instrumento de cuerdas tradicional en el archipiélago de Puerto Rico. Es una variedad de guitarra perteneciente al mismo grupo de cordófonos que el requinto, el tiple doliente y el tiplón. Su procedencia original parece ser árabe, dado que la antigüedad de estos cordófonos se remonta al primer período de la conquista española en el Caribe. Llevados por los colonos procedentes de Fuerteventura y Tenerife (Canarias) -quienes su vez lo importaron de las costas africanas- su notable similitud con algunos instrumentos de aquella región parece confirmar esta hipótesis.

Borrega: Nombre popular de la cornamusa de Cataluña y Baleares, también llamada xeremia o sac de gemecs, según la comarca de donde procede el instrumento. Este nombre se debe posiblemente a la forma del odre o sarró (saco en catalán) que se fabricaba con la piel de un animal de este tipo. La borrega se utiliza en los conjuntos tradicionalistas llamados colla, junto con el flabiol (flautín) y el tamborín (un pequeño membranófono de mano).

Bossa Nova: En portugués (nueva ola). Variedad melódica del samba brasileño, que surgió en 1958, en los clubes de Sao Paulo y Río de Janeiro. En 1962 alcanzó la consagración internacional con su presentación en un histórico y multitudinario concierto realizado en el Carnegie Hall de Nueva York. El ritmo carioca experimentó desde entonces un cambio fundamental, configurado a través de compositores e intérpretes personalísimos, como Leny Andrade, Nara Leao, Wilson Simonal, Elis Regina, Caubí Peixoto, Edu Lobo, Durvan Ferreira y el inolvidable Vinicius de Moraes. La llegada de la Bossa Nova marcó una corriente innovadora en la estructura melódica del samba. Parte de este éxito se debe sin duda a la obra del guitarrista bahiano Joao Gilberto, notable exponente del género. Fue en aquella época cuando comenzó a cobrar forma personalísima a escala mundial con su lanzamiento en el nuevo estilo de ejecución (teclados, guitarra, bajo y batería), destacando en esa especialidad instrumentistas individuales y conjuntos de la talla de Edson Camacho, Paulinho Nogueira, Luiz Eça, Sergio Mendes y el celebrado “Tamba Trio”. Este importante conjunto brasileño fue uno de los primeros grupos estables de música instrumental dentro de la corriente cultural de la Bossa Nova. Entre sus integrantes iniciales puede citarse Bebeto Castilho, que además de cantar ejecutaba varios instrumentos (flauta, contrabajo, saxofón). También cantaban el baterista Helcio Milito y el ya citado Luiz Eça, notable pianista y encargado de los arreglos. Los integrantes del movimiento Bossa Nova ejercieron una destacada labor de investigación en las raíces de la música popular del Brasil, alcanzando éxitos notables en su posterior elaboración.

Bota:

Del latín tardío (

buttis

) y éste de

utris

(odre). Saco confeccionado con piel de cabra, cosido y encerado en los bordes que sirve para contener el aire en las

gaitas

o

cornamusas

.

Botasilla:

Del francés (

boute-selle

). Nombre antiguo de un toque de

clarín

de los regimientos de caballería. Se ejecutaba para enviar a la tropa la orden de ensillar y montar.

Botero: Oficio y labores del fabricante de gaitas en el Alto Aragón. Se utiliza particularmente para designar al especialista en la construcción de la gaita de boto y otras versiones similares. Es una habilidad casi olvidada que algunos enamorados de la cultura musical española intentan recuperar ante la creciente demanda de estos instrumentos folclóricos por parte de los conjuntos tradicionalistas.

Botija: Instrumento aerófono de factura rústica. Se desconoce su origen, aunque está bastante difundido en la isla de Cuba, donde se utiliza para la animación de las fiestas populares. Pertenece a la familia de las flautas de vasija. Tiene la forma de un pequeño cantarillo de barro cocido, con el cuerpo redondo y el cuello angosto, provisto de un orificio para soplar ubicado en el extremo superior. Utilizándolo de esta forma, se puede obtener un sonido prolongado, grave y algo indefinido. Algunos conjuntos autóctonos lo emplean para reemplazar la parte del bajo continuo. En el área cultural andina existe un instrumento musical, de hechura similar, al que los campesinos llaman pimporro.

Boto:

Es lo mismo que bota u odre. Se emplea este vocablo particularmente en Aragón (

gaita de boto

).

Botón de cordal: Pequeña pieza, fija en la faja inferior de algunos instrumentos de arco (violín, viola, violonchelo, contrabajo), donde se engancha una suerte de anilla denominada trascoda- que sirve para tensar el cordal.

Botuto: Trompa indígena. Concha vacía de un caracol marino (Strombus Gigas) que los naturales del Perú, Ecuador y Colombia utilizaban como corneta natural. El sonido surge profundo y destemplado, pero de acuerdo con la posición de los labios se puede lograr unas someras modulaciones. Para soplar a través de la concha se perforaba un orificio a través del ápice. En el sur del Perú y Bolivia también le suelen llamar pututu.

Bouben: Instrumento tradicional de Rusia. Es una variedad de tamboril, redondo y chato, con marco de madera de arce y provisto de sonajas. Por su forma se parece al pandero de los árabes. En épocas pasadas lo solían tañer los pastores de Mongolia. Entre los chamanes de Siberia tenía un carácter mágico y su empleo estaba restringido a las ceremonias religiosas. Hasta principios del siglo XX fue común ver a estos membranófonos en manos de domadores de osos. En la actualidad se siguen utilizando en las grandes orquestas rusas como elementos puntuales de percusión.
Bouché: Voz francesa que significa embocado o tapado. Se refiere a los instrumentos aerófonos de metal, cuya boca se cubre con la sordina para modificar el timbre o amortiguar la intensidad de los sonidos (trombone à pistons bouché=trombón embocado). Se trata de un procedimiento corriente en la interpretación de la música de jazz. Los tipos de sordina estándar son simples conos de aluminio, madera o cartón moldeado que se adaptan al pabellón del instrumento para obtener el sonido bouché.

Bouche fermé: Indicación de ejecución, común en el bel canto francés. Equivale al término italiano a bocca chiusa. Esta manera de cantar con los labios entornados, es decir, con la boca cerrada o semicerrada, se utiliza en los acompañamientos de los coros para imitar el bajo continuo, emitiendo sólo las notas con un sonido opaco y sin modular las palabras. Se emplea en los acompañamientos de coro.

Bouffes-Parisiennes : Célebre teatro francés, dedicado particularmente a la ópera bufa. Allí se estrenó en 1857 el drama lírico en un acto "El doctor Milagro", del compositor Georges Bizet (1838-1875), con libreto de su maestro, Jacques Fromental Halévy (1799-1862) y de Pantaléon Battu (1799-1870). La particular calidad escénica de este importante centro musical de la capital gala, se debió sin duda al valioso aporte de grandes personalidades del bel canto. Vatu también fue director de las orquestas sinfónicas de Capilla Real y de la Academia de Bellas Artes. La huella imperecedera de su genio permanece vigente en la gran ópera francesa.

Boumpa : Especie de clarinete travesero, de tipo artesanal, con lengüeta batiente, típico de la república de Alto Volta, aunque también es corriente verlo en Togo, Dahomey, Ghana y Costa de Marfil (África occidental). Suele ejecutarse en forma solitaria o formando dúos que se complementan en las variaciones de ambos registros sonoros. Aunque de factura elemental, los sonidos de este aerófono poseen nitidez y armonía- Su primitiva escala pentatónica posee ecos melódicos de notable pureza que recuerdan las notas del saxofón. Los nativos de Bobo Dioulasso y Gourounsi, al sur de Alto Volta, lo suelen fabricar con un tallo de mijo²⁶ al que le añaden, en cada extremo, unas pequeñas calabazas secas y ahuecadas, que cumplen la función de cámaras de resonancia. Los intérpretes de este curioso instrumento lo sostienen en forma horizontal, mientras soplan y aspiran alternativamente, aplicando el borde de los labios a la altura de la lengüeta. Los sonidos así modulados salen por unos orificios ubicados en los extremos, a los que se puede obturar con los dedos.

Bourdon:

Nombre que dan en Francia a la campana más alta de un carillón, o la que ocupaba el puesto más elevado en un campanario.

Bouri: Trompeta folclórica de la India (Madras), con embocadura en forma de copa semiesférica y pabellón acampanado. Su largo tubo de latón daba dos vueltas sobre sí mismo. Antiguamente se empleaba en las procesiones solemnes para anunciar el arribo del pueblo a los templos. Por su tesitura básica es similar a la trompeta de Bengala (bhérée). Su profunda sonoridad ha sido requerida como elemento escénico en algunos espectáculos musicales.

Bourrée: Variedad de danza francesa que suele aparecer como parte del grupo de la suite y en el contexto musical de la ópera-ballet. En sus orígenes tuvo un carácter popular, alegre y vivaz, pero a fines del siglo XVII conquistó el gusto de la aristocracia y se transformó en un elegante baile cortesano, sirviendo desde entonces como un motivo más de inspiración un elegante baile cortesano, sirviendo desde entonces como un motivo más de inspiración 1759) y Johann Sebastian Bach (1685-1750). El compás de esta danza puede ser binario o ternario, según la comarca de donde provenga inicialmente la composición melódica, aunque siempre se desarrolla sobre el mismo esquema musical. En sus diferentes estilos, aún se conserva como danza tradicional en la región central de aquel país (Berry, Orleannais, Nivernais, Boubonnais, etc.).

²⁶ Planta gramínea de caña robusta, parecida al maíz americano. Es originaria de la India. En la actualidad crece en las zonas templadas de todo el mundo. Su cultivo tiene una amplia difusión en el continente africano.

Bozaina: Del latín tardío (buccina=bocina/boca ancha). Instrumento aerófono de metal, cuyo sonido resulta grave y profundo. Es típico de la región de Castilla-La Mancha. Tiene el aspecto de una gran trompeta, de unos tres metros de largo y con un amplio pabellón en forma de campana. Este instrumento es tan voluminoso que se debe transportar sobre un soporte provisto de dos ruedas. Se emplea en las festividades religiosas y otras celebraciones populares.

Bozouki: Instrumento cordófono de origen oriental. Es una variedad de cítara, parecida al dulcimer. Su ejecución en espectáculos folclóricos es popular en Turquía (Estambul) y en casi todos los países árabes (Marruecos, Argelia, Egipto, Siria, Líbano, etc.). En la actualidad existen versiones provistas de tres cuerdas, afinadas de agudo a grave (re-la-re), y también con cuatro (re-la-sol-si).

Branla: Del francés (branle). Nombre genérico de un conjunto de antiguas danzas galas de los siglos XVI y XVII. Su coreografía podía ser simple o compuesta. Varias de estas composiciones eran originarias de la región del bajo Poitou (Deux-Sèvres, Vendée). Se bailaban en círculo al estilo del rondó y sobre un tema de arietta, bajo la dirección de un maestro de baile. Algunos ejemplos, escritos en compás binario, tenían una suerte de estribillo que se repetía constantemente a modo de ritornello. Según parece, la melodía y los pasos iniciales de una variante bastante moderada de la branla dieron origen en el siglo XVIII a la danza cortesana conocida con el nombre de menuet (minué). Otra versión, en compás ternario, presenta un estrecha relación melódica con el vals. Los italianos tienen una forma similar a la que llaman brando.

Brass: Voz musical derivada del inglés (brass=latón/cobre). Genéricamente se refiere a los metales. Es una denominación musical que reciben los instrumentos de viento fabricados con ese material. Por ejemplo, las obras clásicas para metales: (Great Brass Classics): Antonio Vivaldi "Concierto para dos trompetas", Wolfgang Amadeus Mozart "Concierto Nº 3 para corno/trompa".

Brass band: También procedente del inglés. La principal acepción se refiere específicamente a las bandas de música municipales, integradas por instrumentos de viento del grupo de los metales:

1) Familia de las trompetas de acolchado labial: Embocadura semiesférica: tuba, trompeta, corneta trombón. Embocadura de embudo: trompa, tuba wagneriana, cornófono.

2) Otra acepción comprende a las agrupaciones musicales que admiten, junto a los metales, a membranófonos, idiófonos rítmicos u otros elementos no tradicionales de compás y percusión.
3) Por antonomasia, también se suele llamar así a todos los conjuntos dedicados a la ejecución de música popular, cuya composición instrumental, no regular, está formada mayoritariamente por metales.

Bravura: Virtuosismo. Calidad y merecimiento del célebre grito de ¡Bravo! que da el público ante la actuación brillante de un cantante de ópera. Este vocablo se emplea para designar la resolución puesta de manifiesto cuando se encuentran con ciertas composiciones que entrañan una gran dificultad técnica. También se llama así a la composición misma cuando ésta exige un notable esfuerzo para su interpretación. También se dice canto de empuje o valentía.

Brazalete: Nombre común que se le suele dar a la cejilla o capotasto. Tiene forma de herradura y se ajusta mediante un tornillo al mástil de las guitarras con el propósito de modificar la altura de las notas.

Breve: Unidad de duración cuyo silencio que se escribía entre las líneas 3ª y 4ª del pentagrama y tenía un valor equivalente a dos redondas. Fue un tiempo fundamental de la métrica antigua que estuvo vigente en los libros de solfeo hasta mediados del siglo XX, pero que ya no se utiliza. Sin embargo, cabe aclarar que puede aparecer sólo como ejemplo comparativo en los actuales tratados musicales. La razón de la relativa importancia de su conocimiento es porque se trata de una forma de notación proporcional que data del siglo XII, cuando los únicos valores de referencia eran la longa y la breve. Durante los siglos posteriores estos dos valores fundamentales se fueron subdividiendo en términos cada vez más precisos. Fue entonces cuando aparecieron las notas semibreve, mínima, semínima, fusa, semifusa, etc. No obstante las denominaciones iniciales permanecieron de tal forma que la longa pasó a ser una nota final equivalente a un calderón y la breve se transformó en el más extenso de los valores. Tuvo varios símbolos, siendo el más corriente una redonda entre dos líneas verticales dobles.

Breviario: Voz procedente del latín (breviarium=abreviado). Libro de cánticos y recitados religiosos. Algunos ejemplos, publicados para el oficio de monasterios y abadías, contienen una somera notación musical agregada a los textos, con el objeto de orientar las diversas melodías destinadas a la interpretación a cappella. El estudio de estas anotaciones, sobre todo en los manuscritos anteriores al siglo XV, permitió conocer el estilo y la forma de antiguas melodías monacales que habían caído en desuso.

Brillante: Se dice que la música es brillante cuando los sonidos de la melodía son claros, el aire vigoroso y el movimiento vivace. Es una voz de carácter expresivo que aparece consignada, en su vertiente poética, a principios del siglo XVII, presumiblemente derivada del italiano dialectal (brillare=moverse vivamente)²⁷. En la historia de la composición melódica existen numerosos ejemplos de la aplicación descriptiva de este término, para melodías desarrolladas en un tiempo vivace marcado. Pueden citarse a modo de ejemplo la serie de Frédéric Chopin:“Gran Vals Brillante, Opus 18 en mi bemol mayor”; “Vals brillante Opus 34 Nº 1 en la bemol mayor”; “Vals brillante Opus 34 Nº 2 en la menor” y “Vals brillante Opus 34 Nº 3 en fa mayor”. En la original variedad dedicada al capricho, Félix Mendelsshon compuso una pieza notable, tanto por los acentos, como por la amplia gama de matices combinados:“Capricho Brillante Opus 22 en si menor, para piano y orquesta”. La lista se complementa con numerosos estudios de distintos autores románticos y contemporáneos. Por relación con esa particularidad del sonido, Giuseppe Verdi también llamaba“primo baritono brillante” al personaje que debía ser encarnado por un barítono dramático. Indudablemente, el sentido de brillantez se adecua mejor a las composiciones que invitan a la libertad rapsódica, donde existe un delicado equilibrio entre la gradación apasionada y el juego de tonalidades sutiles que moderan la armonía total de la obra.

²⁷ Corominas, J.: “Diccionario Crítico Etimológico de la Lengua Castellana” Vol. I. Pgs. 519/520. Edit. Francke. Berna, 1954.

Brindis: Canción alegre, relacionada con las escenas festivas. Su desarrollo se basa en una secuencia de estrofas breves, cuyo contenido resume los deseos expresados en ellas. Esta variedad musical fue utilizada con acierto por Giuseppe Verdi en algunas de sus óperas. Vemos algunos ejemplos interesantes en la fiesta del segundo acto, en el salón de ceremonias del castillo en "Macbeth", y el brindis bullicioso de Violetta y Alfredo en "La Traviata".

Brisé: En francés (cortado, quebrado). Es un término similar brisures, pero aplicado preferentemente a los instrumentos de teclado (virginal, clavicordio). Fue un estilo de interpretación virtuosa practicado por los ejecutantes de aquellos instrumentos musicales que estuvieron en boga durante los siglos XVI y XVII. Consistía en la ejecución de acordes a la manera de arpegios.

Brisures: Voz musical francesa, derivada del significado de cortar la continuidad de algo. Se utiliza para designar una forma de ejecución en los instrumentos de cuerdas frotadas (violín, viola, violonchelo). Consiste en atacar con el arco dos cuerdas no contiguas, de manera alternativa. Durante el paso de una a otra cuerda, el arco no debe tocar las intermedias, interrumpiendo de esa manera la continuidad en la frotación de la cinta. El sonido resultante produce un fuerte efecto rítmico.

Broderie:

También en francés. Este vocablo tiene diversas acepciones (adorno, bordado, recamado). En música y particularmente en el canto, significa

floritura

o

adorno vocal

.

Broken consort: En inglés (conjunto no íntegro). Agrupación de instrumentos musicales que proceden de diferentes familias, pero que forman un grupo homogéneo y se complementan bien en lo que respecta a matices o tonalidades. El concepto musical pertenece al estilo polifónico del Renacimiento (c.1430-1600). Salvo la flauta dulce llamada registrador- los instrumentos tradicionales del broken consort inglés del siglo XVI pertenecen en su mayor parte a la serie de las cuerdas, frotadas con arco o punteadas (laúd, bandora, cítola, viola de gamba, viola bajo de gamba). Se trata de un término compuesto de origen reciente (en inglés broken significa roto). Existen numerosos formas coincidentes en la música de cámara de los siglos XVII y XVIII: Un ejemplo tradicional: "Seis quintetos para flauta/oboe, dos violines, viola y violonchelo" G 431-36, del compositor italiano Luigi Boccherini (1743-1805).

Bronces: Nombre simbólico que a veces se suele dar con carácter genérico a todos los instrumentos de viento fabricados con latón (clarines, tubas, trompas, trompetas, trombones de varas, etc.)

Bronco: Se dice del sonido grave de algunos instrumentos musicales cuando surge áspero y con poca claridad. También se suele utilizar para señalar el mismo defecto en la voz humana, aunque es menos corriente.
Bruitage: En francés (efectos sonoros) Es un término usual, derivado de bruit=ruido. Se aplica a las técnicas de producción sonora por medios electrónicos, especialmente para el cine, el teatro, la radio y la televisión. En ciertos casos, también se aplica a la música descriptiva que sirve de fondo a escenas dramáticas cuya melodía describe fenómenos naturales, (ruido de olas, tormentas, rayos, etc.).

Brunette: En francés (morenilla). Romanza emotiva, con letra poética e inspiración romántica. Es un estilo de canción popular francesa del siglo XVIII, originaria de la región de las Landas (Aquitania). Algunos compositores de música de cámara la tomaron como ejemplo, o motivo de inspiración, para diversas composiciones dedicadas a estos temas.

B sharp:

Nota

si sostenido

en la nomenclatura inglesa.

His

en la manera germana y

si dièse

en la francesa.

Buccina (antigua): Nombre itálico derivado directo del latín. También llamada cornu, es una especie de trompa cuyo origen se remonta a los tiempos del Imperio Romano. Se sabe por altorrelieves que formaba parte en los desfiles militares y otras ceremonias de carácter religioso. Como el lituus y la tuba -de mayor tamaño- la buccina, también era un instrumento guerrero, que tuvo amplia difusión en todos los territorios dominados por Roma. Es el equivalente del clarión (en italiano chiaronne), un aerófono contemporáneo. Ambos instrumentos son remotos antecesores de la amplia familia de las trompetas. El tubo de los modelos originales era recto y largo, con el pabellón cónico acampanado. Durante la Edad Media fueron alargando el tubo, hasta que debieron darle una forma replegada sobre si misma, para poder transportarlo con mayor facilidad.

Buccina (moderna): En italiano. Trombón primitivo, provisto de un gran pabellón en forma de campana. Este nombre puede aparecer ocasionalmente designando al bucsem o serpentón de varas. Esto permite suponer que durante un tiempo ambos instrumentos se confundieron con uno solo, hasta que los modernos trombones de varas fueron evolucionando técnicamente hacia una familia de metales diferente. Este instrumento mantuvo varios siglos su perfil recto hasta que a mediados del siglo XV comenzaron a plegarlo sobre sí mismo con el objeto de facilitar su ejecución.

Buccinare: Entre los antiguos romanos era hacer resonar el cuerno, con gracia y de manera entonada. El sonido de estos instrumentos se decía originalmente "buccinaria", término que con el tiempo pasó a ser sinónimo de sonido estridente, algarabía, música ruidosa.

Buccinator: También llamado "buccinus", era el soldado romano encargado de hacer sonar la trompeta con una serie de toques y sonidos que cumplían la función de señales para las tropas en movimiento. Existía un tipo de sonido para cada orden (avance, paso vivo, retirada, flanco derecho, flanco izquierdo, a la carga, etc.). Aquellos toques con el tiempo se transformaron en melodías más extensas y elaboradas que se interpretaban en ocasión de las fiestas dedicadas a las victorias militares del imperio. Ya en tiempos del barroco y aún en épocas posteriores aquellos compases volvieron a surgir como elementos descriptivos en óperas, sinfonías u oberturas, cuyo argumento se basa en un tema histórico o bélico. Un ejemplo clásico en la historia de la música es: la "Obertura 1812, en mi bemol mayor" Opus 49, del compositor ruso Piotr Ilic Chaikowski (1840-1893) en la que se puede apreciar una equilibrada combinación entre el elemento básico del motivo inspirador y la proyección elaborada por el sentido creativo del artista.
Buccinum: Según Plinio²⁸ era el sonido de la trompeta y a su vez el nombre del trompetero, constumbre que ha perdurado hasta la actualidad, cuando se da al ejecutante la misma denominación que al instrumento.

Buche:

Nombre vulgar de una especie de

cítara

con cuerdas de latón, que algunos tratadistas identifican como la

espineta de los Vosgos

.

Bucolismo: Denominación que solía usarse antiguamente para designar la afición a la poesía bucólica. Por extensión señala la temática de una variedad de canción popular, cuya letra trataba siempre sobre algún tema pastoril. Tuvo cierta preponderancia en España hasta mediados del siglo XIX.

Bucsem de varas: Derivado de la buccina de los antiguos romanos, el bucsem o serpentón francés era una variedad de trombón rudimentario, con el pabellón sonoro en forma de cabeza de dragón o serpiente y doble sistema de varas que permitía variar someramente las entonaciones. Fue creado por un sacerdote en la ciudad de Auxerre (Francia) a fines del siglo XVI. Desde su invención, se utilizó en las bandas militares de varios países europeos, entre ellos España. Sus melodías tenían un sonido grave, algo ronco y de tonalidad mate que solía ir acompañado por redobles de tambores y toques de trompetas. Ya forma parte de la historia de la música. Dejó de utilizarse a finales del siglo XVIII, pasando a constituir una rara pieza de museo. En algún tratado antiguo puede aparecer designado con la denominación gala de buccin.

Bufa: Aparte de la ópera cómica, se da este nombre a ciertas arias y otras piezas musicales breves de carácter farsesco o chocarrero. Esta acepción aparece documentada en la recopilación de las obras de Leonardo de Moratín. Suárez de Figueroa la cita en "El pasajero" (1913).

Bufador: Derivación de la voz onomatopéyica buf equivalente a soplido. Es el nombre que se le da en algunas regiones de la península ibérica al tubo empleado para insuflar aire en el odre de las gaitas (especialmente en Aragón y Murcia). Esta pieza, generalmente tallada en madera de boj -de unos 16 a 20 cm de largo- tiene en su interior una lengüeta de cuero con tope de metal, que cumple la función de válvula de retención, permitiendo el paso del aire en un solo sentido. El bufador va unido al odre mediante una pieza, también de madera, denominada cepo. Se conoce la existencia de algunos modelos de bufadores antiguos, finamente tallados en hueso o marfil y con boquilla de latón. En Galicia y Asturias también lo suelen denominar soplete.

Buffet d'orgue: En francés (caja o consola del órgano). Mueble que sirve para proteger los delicados mecanismos de este gran instrumento aerófono (teclados, sistema de transmisión neumática y mecánica, pedales, registros, etc.). La vinculación o transmisión mecánica de las teclas con las distintas tuberías parte de esta consola.

Bufo (cantante): Del italiano (buffo). Sustantivo referido al artista lírico especializado en papeles cómicos, de ordinario relacionados con la ópera bufa. En este caso se suele aplicar también como adjetivo después de la tesitura del intérprete (bajo bufo, tenor bufo, etc.). Es un término popular que adquirió preponderancia también en la ópera francesa (bouffe).

²⁸ Cayo Plinio II (llamado "el viejo") (23-79). Polígrafo y enciclopedista latino autor de 37 libros donde describe los conocimientos artísticos, científicos y técnicos de su época.

Bufo (espectáculo): Variedad de representación lírica o teatral cuyo carácter es cómico o burlesco. Los italianos lo llaman dramma giocoso. En Francia, durante el siglo XIX, adquirieron especial relevancia los espectáculos encuadrados en este menester recreativo. Una de las más célebres compañías dedicadas al género bufo fue la denominada "Bouffes Parisiens" impulsada por el compositor francés de origen alemán Jacques Offenbach (1819-1880).

Bügelhorn: Como el Saxhorn y el Flügelhorn, son distintas denominaciones comerciales, que por el uso pasaron a ser genéricas y que sirven para citar al mismo aerófono metálico, de la familia de las trompas, que se conoce en España e Hispanoamérica con el nombre de bugle o fiscorno.

Bugle: Palabra derivada del latín (buculu=cuerpo). Gran bugle contralto, también conocido con el nombre de saxhorn. Es un instrumento metálico de viento, de la familia de las tubas, empleado en las bandas militares. El completo desarrollo del tubo tiene forma cónicocilíndrica. Es más común el bugle en si bemol (contralto), cuyo cuerpo aéreo tiene un recorrido oval y la campana un diámetro de 16 cm. Algunos modelos se accionan con tres pistones o llaves, y su embocadura es intercambiable. Otro de los nombres con los que se conoce este instrumento es el de fiscorno. El sonido es suave y pleno.

Bugle alto: Aerófono de la familia de los metales, también llamado pequeño bugle. Suena en mi bemol, una cuarta más aguda que el bugle barítono -llamado "gran bugle"- cuyo sonido natural es el si bemol. Su longitud total apenas supera 1,10 m

Bugle barítono: También llamado "gran bugle". Es el más dúctil de esta familia de instrumentos y también el más largo. Tiene una extensión de 2,21 m y el sonido fundamental gira en torno del si bemol. Posee un registro que en algunos casos puede equiparase al de tenor.

Bugle contralto: También en si bemol. En algunos países lo denominan bugle tenor. Pertenece a la misma familia que los fiscornos, bombardinos, tubas, onnovenes y barítonos. La extensión total del tubo aéreo es de 1,48 m La boquilla y el cuerpo tienen el perfil cónico.

Bugle piccolo in E flat: Nombre inglés de un pequeño instrumento transpositor, de viento, de la serie de los metales y afinado en mi bemol, también conocido con los nombres de sopranino y pequeño fiscorno. Su sonido, dotado de bellos agudos, corresponde a la trompeta en do, Los músicos franceses lo conocen con las denominaciones de petit bugle o petit saxhorn. El mecanismo de válvulas es similar al de la trompeta. Era un componente usual en las bandas de música del siglo XX, aunque en la actualidad se emplea con menor frecuencia.

Bugui-bugui: Del inglés (boogie-woogie=menear el cuerpo). Danza norteamericana muy movida y de ritmo sincopado. Estuvo de moda en la década de 1920. Luego cayó en el olvido. No obstante, su ritmo alegre ha servido de inspiración a numerosas variantes posteriores, especialmente en el área del Caribe. En la actualidad se la tiene como un ejemplo interesante para los cultores del baile retro.

Bulería: Cante flamenco perteneciente al folclore regional de Andalucía. Posee un ritmo vivaz y alegre que se suele acompañar con repique de cajón y palmoteo.
Bulería por soleá: Variante de la bulería tradicional que demuestra una clara influencia de la soleá.

Bullerengue: Voz de origen popular. Derivado de bulla. Es una danza tradicional de Colombia que pertenece a la serie del porro palitiao, el mapalé o la cumbia. Se caracteriza por el ritmo movido y los sonidos estridentes. La expresión musical contemporánea, en sus distintas y multitudinarias versiones underground, han hallado una importantísima fuente de inspiración ensayando incesantemente sobre el complejo entramado melódico de melodías primitivas como el bullerengue.

Bumbass: Denominación onomatopéyica de un instrumento mixto de carácter folclórico. Se trata de un idiófono de sacudimiento, unido a un pequeño tambor de parche con bordones, que pertenece, con diferentes variantes, a diversas culturas de África central, Sudamérica y Oceanía. Básicamente consiste en un aro con cascabeles y platillos de latón, dispuestos sobre una vara de madera de unos dos metros de altura. Su sonido rítmico se emplea para acompañar los diferentes pasos de ciertas danzas regionales.

Bunde: Del guineano (wunde). Forma musical típica del folclore occidental de Colombia. Su origen es africano. El wunde como canto ritual aún existe en Guinea y Sierra Leona. La forma tradicional consiste en rondas con cantos alusivos al misterio de la vida y la muerte, a veces con un contenido lúdico o de carácter adivinatorio. Antiguamente se usaba en la interpretación de los cantos fúnebres o de partida, especialmente en el acompañamiento de los ritos tradicionales importados por la población negra durante la época colonial (siglos XVII-XIX). Entre las piezas más tradicionales de esta expresión popular pueden citarse: “El Quilele”, “Adiós, tía Cotí”; “El Bambazú”, “La Buluca” y“El trapicherito”.

Burlesco (estilo melódico): Término musical que se emplea para designar una variedad de composición instrumental breve, de carácter alegre y estilo bastante libre. Un descriptivo ejemplo de esta variedad es la pieza orquestal titulada "Burlesca para piano y orquesta en re menor", del compositor vienés Richard Strauss (1825-1899).

Burlesco (libreto operístico):

Denominación corriente empleada para designar el contexto músico-literario de la ópera bufa.

Burletta: En italiano (pequeña broma). Es el nombre que se le daba en Italia, hasta el siglo XVIII, a una suerte de opereta breve, de carácter jocoso y popular, más cercana al sainete francés o la comedia musical española

Buxum:

Flauta antigua, de madera, originaria de Grecia. Según los escritos antiguos que la describen, su sonido era agudo y destemplado.

Buzuq: Instrumento musical árabe, de cuerdas punteadas, originario de Siria y Líbano. Pertenece a la familia del laúd, con el que comparte sus principales características constructivas. Como todos los miembros de este grupo instrumental, el buzuq goza de una renovada popularidad en la ejecución de la música original de los siglos XV y XVI. Este mismo instrumento, se conoce en Grecia con el nombre de buzuki.

Bylini: Célebre colección de cantos épicos de los pueblos eslavos. Tienen el mismo origen medieval y sentido narrativo que los romances juglarescos tradicionales en la Europa occidental. Se considera que los más antiguos datan del siglo IX. La temática de los bylini rusos giraba casi siempre en torno a los episodios heroicos protagonizados por héroes nacionales. Por lo general se trata de obras de considerable extensión, escritas en verso libre y con el acompañamiento musical basado en una serie de sencillas melodías populares.

-C-

C: Denominación equivalente a la nota do que se utiliza actualmente en Alemania y los países de habla inglesa. Procede de la música antigua. Se conoce su empleo como nombre de un sonido desde el siglo IX. El monje Guido d’Arezzo incluyó esta letra en la secuencia de sílabas de su célebre escala.

C (adagio): En la música italiana del siglo XVIII, cuando la letra“C” mayúscula se intercalaba inmediatamente después de la clave era equivalente de adagio para todo el movimiento. Esta fórmula también fue utilizada por los compositores alemanes de aquella época.

C (clave de do):En la Edad Media, tras las innovaciones de Guido d’Arezzo, se empezaron a utilizar nuevos signos musicales adaptados a las nuevas formas. La letra “C” servía también para representar la clave de do, que junto con la de ut (clave de fa) eran las dos más utilizadas en aquella época. Las palabras tenor, soprano y alto, escritas bajo la línea inferior del pentagrama, servían para indicar la altura de la nota.

C (indicación de ejecución): En las partituras de órgano, la letra“C” mayúscula colocada fuera del pentagrama- significaba cantus y servía para señalar el instante preciso donde el coro debía comenzar a cantar. Si estaba acompañada por la letra B, correspondía al acompañamiento del bajo (CB=col basso).

C (notación proporcional): Antiguamente la letra“C” era una indicación usual en el sistema de notación proporcional, cuyo significado equivalía “tempus imperfectus”. Se adoptó ese signo por su parecido con un círculo incompleto. En la actualidad, algunos teóricos siguen utilizando este símbolo para señalar el aumento o disminución de valor en un compás. Es un cambio que no modifica la escritura. Por ejemplo, un compás 4/4 C/, en realidad equivale a 2/2, por lo tanto debe ejecutarse en un tiempo alla breve, que representa el doble de velocidad.

Cabales:

Grupo de danzas y cantos tradicionales del tipo de las

Cantinas, Bandolas, Jaberas, Trilleras

y

Tonadillas,

todas pertenecientes al folclore regional de Andalucía.

Cabaletta : Voz itálica, usual en la ópera. Consiste en un aria sencilla formada por una sucesión de partes breves que se van repitiendo. Es un estilo empleado en la segunda parte de las arias de contraste, generalmente de tono alegre y brillante, a veces con características bufas. Puede escribirse para la interpretación solista de un instrumento en particular y también con el acompañamiento vocal de un personaje o del coro. Es el periodo en el que generalmente concluyen las arias, los dúos y otras piezas musicales dramatizadas. El origen de esta palabra italiana proviene del cappelletta (pequeña capilla), porque originariamente se escribía pensando en un movimiento cantado a cappella. Cabaletta finale: Es una forma que estuvo en boga durante el siglo XIX, coincidiendo con la última época del bel canto. Viene a ser lo mismo que la forma anterior, con la diferencia de que ésta se cantaba como cierre al finalizar la representación de un aria muy extensa.

Cabaletta lírica : Composición más suave que la anterior, de condición lenta y en oportunidades con un cierto carácter dramático. Su popularidad se debe a las magníficas óperas de Vicenzo Bellini (1801-1831), como Norma, La sonámbula y Los puritanos. Gaetano Donizetti (1797-1848) una de las grandes figuras de la lírica italiana, también llevó el recurso de la cabaletta a su máxima jerarquía. Compuso más de sesenta óperas, entre las que destacan Elixir de amor, Lucía de Lamermoor, María Estuardo, Don Pasquale y La hija del regimiento.

Caballete: Elemento estructural del piano moderno que integra la tabla de armonía. Sobre esta pieza pasan las cuerdas separadas y orientadas mediante una serie de pequeñas guías de acero. También se llama caballete a la pieza que sujeta los pedales.

Cabaza: Sonajero de origen africano (cabaçe). Muy similar a la maraca caribeña. Se fabrica con una calabaza redonda, seca y ahuecada, recubierta con una fina red, en la que se insertan una cantidad de granos o piedrecillas hasta formar un instrumento idiófono primitivo, pero de agradable sonoridad. Se emplea en el acompañamiento rítmico de las danzas populares en distintas culturas del continente negro. Se conoce también en América.

Cabecera de tema:

Introito musical de la orquesta, cuando precede a la interpretación de un

aria de divisa

. Su melodía la reitera el cantante acompañado por el bajo continuo.

Cabeza (cordófonos): Extremo del arco del violín y otros instrumentos de este tipo, donde se afirma uno de los extremos del haz de cerdas. El lado opuesto -correspondiente a la empuñadura- se denomina talón.

Cabeza (figura musical): En la forma de notación occidental, se llama así a la parte redonda de cada símbolo. Los otros elementos de la figura se llaman pica y corchete. De acuerdo con el sonido de la nota blanca o negra, el centro de la cabeza puede coincidir con el espacio entre líneas o con el centro de cada una de las líneas del pentagrama.

Cabrette: Variedad de gaita francesa, del siglo XIX, originaria de la región de Auvernia. Está provista de odre y un pequeño fuelle insuflador (barquín). Tiene dos tubos torneados en madera de olivo (puntero y bordoncillo), que van calzados a presión sobre un asiento del mismo material. Este asiento o barrilete, va ubicado en el extremo superior del odre (pie). Normalmente, el tubo bordoncillo sólo cumple la función de adorno. El puntero, de unos 40 cm de largo, presenta ocho orificios de digitación y dos troneras. La gaita cabrette, se emplea en las fiestas populares al compás del acordeón. A principios del siglo XX alcanzó bastante popularidad en varias provincias francesas, incluso en París, aunque en la actualidad, sólo se conserva en la zona central de Francia (Auvernia, Borbonés, Lemosín, etc.)

Caccia (estilo vocal): Concepto de origen italiano que indica un tema musical en forma de canon, cuyo argumento está inspirado en una escena de caza. El tradicional tema di caccia se considera una forma de pieza de carácter, con contenido programático. Fue un género tradicional en el Ars Nova florentino del siglo XIV. Existen numeroso ejemplos en la música profana de la Edad Media y el Renacimiento. Entre sus divulgadores se encuentran grandes maestros del estilo, como el organista Francesco Landini (1325-1397), considerado uno de los más importantes del periodo prerrenacentista, y Girardello da Firenze (Gherardello), compositor italiano de la misma época, autor de una importante colección de baladas, madrigales y teme di caccia entre las que destaca“Tosto che l’alba”, del célebre Codex Squarcialupi del siglo XV, obra que permaneció inédita hasta 1902, cuando fue publicada y dada a conocer por primera vez, tras dormir cuatro siglos en un archivo privado. La mayoría de estas obras únicas, que constituyen ejemplos invalorables del desarrollo de la música europea a través de su historia- hoy se encuentran protegidas en gabinetes de manuscritos especializados, como los del Museo Británico, la Biblioteca Nacional de París y la Comunal de Florencia.

Caccia (organología): En italiano (instrumentos de caza). Denominación característica de una serie de aerófonos, propios del periodo barroco, como el corno da caccia, el oboe da cacciacaccia 1750) incluye el sonido de estos instrumentos como elemento descriptivo, como la llamada “Mer hahn en neue Oberkeet” (cantata campesina) BWV 212.). Muchas piezas ligeras de este tipo escritas por Bach, que constituyen la parte menos conocida de su extensa obra, se han perdido debido a la poca difusión y el carácter circunstancial de las mismas.

Cacofonía: Del griego (kakos malo y phonos=sonido). Es decir: sonido cuyo efecto auditivo resulta desagradable, lo contrario de eufonía. Se trata de una discordancia debida al encuentro de varios sonidos en forma simultánea y sin concierto.

Cacorritmo:

Ritmo o cadencia ejecutado en forma irregular y que en consecuencia desentona con el movimiento general de una melodía.

Cachucha: Danza antigua de Andalucía. Presenta un aire alegre y de pleno movimiento. La melodía, que se baila al sonido de las castañuelas, comienza con suavidad y en compás ternario, pero va acelerando progresivamente el ritmo hasta terminar con una serie de giros vertiginosos. El argumento de la cachucha -inspirado por antiguas tradiciones de la cultura flamenca- muestra el pedido de perdón que hace el gitano por el rapto de su novia.

Cadena oral: En el libreto de ópera llamase así a la frase delimitada por los signos diacríticos (punto, punto y coma, coma). La expresión lingüística presta especial atención a estos signos, cuya existencia permite comprender el sentido de las oraciones y su correcta escenificación.

Cadencia: Del latín (cadens=caída) Se usa también en italiano (cadenza). Es uno de los efectos de la música descriptiva que indica la manera de concluir un motivo o una frase musical. Se trata de un encadenamiento o serie fija de acordes que cierran una melodía, dando la idea de terminación. También presenta una equivalencia con el sentido de asonancia. Cuando el juego musical se produce durante el desarrollo de un aria, por lo general sobre los acordes de la IV y la VI nota, permite la distribución proporcionada de las pausas, una elevación rítmica, los más variados adornos y el lucimiento virtuoso del cantante, con independencia de la melodía. Su observancia en el canto de ópera tiene especial importancia para que las frases no resulten duras o entrecortadas. Existen varias formas de cadencia (auténtica o perfecta, añadida, completa, coreográfica, modal, plagal, suspendida, semicadencia, etc).
Cadencia añadida: También llamada“cadencia instrumental” o “de concierto”, es una costumbre que apareció a finales del siglo XIX. Se trata de un delicado intermezzo ejecutado por el solista de una orquesta hacia el final de un fuerte pasaje de conjunto (a tutti). Durante el tiempo que dura la parte del concertino, el resto de la orquesta deja de tocar con el objeto de resaltar con su absoluto silencio la plena virtuosidad del intérprete. A una señal predeterminada (normalmente en el final de un trémolo prolongado) la orquesta vuelve a sonar en pleno. El efecto es altamente sugestivo.

Cadencia auténtica: También llamada cadencia perfecta. Es la más estable de las fórmulas musicales y se aplica especialmente a las notas finales de una secuencia de compases. Se dice así cuando la forma cadencial marca realmente el fin de una melodía, de allí su carácter conclusivo. Básicamente consiste en una pausa sobre el acorde de la nota tónica. Su práctica comenzó a difundirse en el canto a partir del siglo XV, época en que la percepción armónica empezó a dominar sobre la percepción melódica. En la ópera, la cadencia auténtica suele cerrar la parte correspondiente a cada uno de los cuadros breves que componen el acto escénico.

Cadencia completa: También llamada cadencia integral. Denominaciones que recibe la unificación de las cadencias perfecta y plagal. Debido a que en la primera se halla reunida y expresada la totalidad de las notas de la tonalidad.

Cadencia coreográfica: En el ballet es la secuencia o medida de los sonidos que regulan los pasos y movimientos de los bailarines. Cada uno de los movimientos coreográficos debe estar de acuerdo con la cadencia marcada por la interpretación instrumental. En los ensayos se suele emplear el piano y eventualmente el bastón de danza para marcar el ritmo de los golpes sucesivos.

Cadencia de dominante: También llamada semicadencia. Es la transición de una nota tónica hacia otra nota dominante. Su carácter suspensivo aparece como una pausa sobre el acorde de dicha dominante debido a la secuencia armónica de los grados Iº a Vº.

Cadencia dórica: Formada en las notas del modo dórico, su desarrollo aparece marcado por una fuerte coloración armónica. La parte inicial de la “Sonata en mi menor” Opus 90 de Ludwig van Beethoven (1770-1827), se basa en la reiteración de una serie de cadencias dóricas.

Cadencia invertida: Es lo mismo que cadencia de dominante o semicadencia. Básicamente es la inversión de una cadencia de tipo perfecto (desde la Vª hasta la Iª) que produce otra cadencia de efecto suspensivo, terminando en la dominante (desde la Iª hasta la Vª).

Cadencia modal: Es el tipo de cadencias que expresan la tónica en otros grados diferentes que el IVº o el Vº. Las cadencias modales más corrientes son las de IIª, IIIª o VIª. La de VIIª se produce rara vez.

Cadencia perfecta: Fórmula tonal de carácter conclusivo, configurada por una pausa ubicada sobre el acorde de la tónica. Es una figura musical que se produce a través de la sucesión armónica de los grados Vº al Iº (de dominante a tónica). Técnicamente es lo mismo que cadencia auténtica.

Cadencia plagal: Forma conclusiva formada por una sucesión de notas que termina en el acorde de tónica. Se produce cuando al finalizar la última entonación anunciada por la cadencia, la melodía arranca de nuevo en un inesperado da capo. Su condición más destacada reside en la pausa existente sobre el acorde de tónica debido a la sucesión armónica que va desde la nota subdominante hasta la nota tónica (grados Vº a Iº). La cadencia plagal es un recurso estilístico menos directo que la cadencia perfecta, debido a la circunstancia de que la nota subdominante no posee el poder de atracción de la nota dominante hacia la tónica. En el acompañamiento de los modos plagales empleados en el canto llano o gregoriano del siglo XIX, se encuentran frecuentes ejemplos de este fenómeno armónico

Cadencia suspendida:

Es la que detiene el movimiento sobre la nota dominante. Su efecto está íntimamente relacionado con la

cadencia invertida

o

semicadencia.

Cadenciosa: Forma musical marcada por una serie de cadencias sucesivas. En la danza es la medida del sonido que regula el movimiento de los bailarines. Suele darse con cierta frecuencia en la música popular, como ocurre con el tango argentino o las composiciones musicales del folclore caribeño.

Cadenza: Cadencia en italiano. Forma usual en algunos críticos de ópera y en los libretos antiguos, existentes en bibliotecas y librerías especializadas en temas musicales. Durante los siglos XVII y XVIII, las normas escritas para conducir el canto y los instrumentos de teclado establecieron una serie de normas de estilo describiendo los distintos ornamentos que debían ejecutarse a lo largo de una obra. Por lo general esos adornos correspondían a un trémolo (trino) al que se denominaba cadenza.

Cadenzato: En italiano (cadenciado). Es un término propio del bel canto. Se refiere a la acometida que realiza el cantante de un aire melódico, dándole un ritmo marcado por la repetición regular de sonidos. Generalmente, el final suele coincidir con un descenso paulatino o acelerado en la entonación.

Cadenze per addizione: En el canto lírico italiano del siglo XIX se llamaba así a los agregados vocales que no estaban escritos en la partitura y que tenían el carácter propio de la improvisación personal del artista. La aplicación de tales adornos era una costumbre corriente en esa época.

Caer la voz:

Término musical compuesto. Derivado del italiano (

cadere

) y éste del latín (

cadens

).En el canto, significa reducir progresivamente la intensidad del sonido vocal.

Café cantante: Local típico de esparcimiento del siglo XIX, especialmente en Andalucía, donde se servían copas y se ofrecían recitales de cante, baile y toque flamencos. Varios de estos reductos musicales fueron célebres por su contribución a la divulgación y desarrollo de este arte.

Caída (música electrónica): Es una palabra técnica que sirve para señalar la última de las tres fases integrantes de la curva de intensidades del sonido en el tiempo y que se conocen con la denominación de efecto envolvente. Esta última fase abarca desde el punto exacto en que empieza el declive del sonido hasta que el nivel de inaudible. Las otras dos fases previas son, el ataque (parte inicial) y el estado permanente (parte intermedia). Caída (vocalización): Forma parte de las posibilidades técnicas que la escala cromática ofrece a los cantantes. Corresponde a la misma definición del término cascada.

Caja: Instrumento rítmico de percusión, similar al tambor. Se bate con palillos de madera. Posee dos membranas, una a cada lado del cuerpo, que es cilíndrico y no muy alto. La membrana o parche inferior puede llevar varias cuerdas de tripa o nailon atravesadas en el sentido del diámetro con el propósito de obtener mayor vibración. Estas cuerdas se llaman bordones oscilan entre son removibles a gusto del ejecutante. La caja de batería permite interpretar el efecto trémolo de una manera vertiginosa. Algunos modelos pueden tener desde una a dos docenas de bordones, provistos de un mecanismo disparador que les aplica un movimiento vibratorio en respuesta al redoble realizado por las baquetas o palillos sobre el parche superior. Esto se debe al efecto de rebote que producen al batir rápidamente sobre la membrana cuando está bien tensa..

Caja armónica (cordófonos):

Antiguamente se llamaba de esta manera a la caja de resonancia de los instrumentos de cuerda.

Caja armónica (piano):

Pieza interior plana, de regular tamaño, que vibra al unísono con las cuerdas tensadas encima de ella, aumentando la sonoridad del instrumento.

Caja clara: También se la conoce con el nombre de pequeño tambor militar. Es una versión del redoblante normal, pero con la caja de menor altura. El diámetro del aro que sostiene el parche es coincidente con el del redoblante común, de unos 50 cm, pero la altura total de la caja clara no suele sobrepasar los 20 cm Las membranas se estiran con un sistema tornillos de ajuste. Su uso original corresponde a las bandas militares. La variante llamada de snare drum (tambor de bordones) dotada de un sistema de cuerdas vibrantes, es un componente infaltable en las baterías modernas.

Caja criolla: Este modelo es un poco mayor que el anterior. Se trata de un membranófono de golpe directo, con membrana doble, que responde a la clase de los tambores de marco de madera con asa, y una cuerda bordona llamada chirlera. Pertenece a la cultura mestiza de los "chapacos". Es el único instrumento que suele acompañar el canto de coplas en el carnaval de la región sur de Bolivia (departamentos de Tarija, Potosí, Chuquisaca, etc.). La baqueta que se utiliza para percutirlo se llama huastana. En ciertas oportunidades, especialmente en el canto de coplas y los bailes de ronda del carnaval tarijeño, la caja criolla suele acompañar con su redoble los sonidos de la quena y el erke.

Caja chayera: Es el mismo instrumento que el anterior, con ligeras diferencias en el diámetro, la madera empleada en la fabricación del aro, o la forma de tensar los parches. Resulta habitual en las manifestaciones folclóricas de provincias de la región central de Argentina (La Rioja, San Juan, Santiago del Estero, Tucumán). El aro de este cordófono se fabrica con una corta sección de tronco ahuecado. Las maderas más apropiadas son del nogal o el tala. En todo lo demás es igual.

Caja de efectos: Es un procesador electrónico de sonidos destinado a transformar la música mediante una sucesión de efectos especiales de distorsión: (ecualización, compresión, retardo, reverberación).

Caja de música: Es prácticamente lo mismo que caja melódica, difiriendo de ella sólo en el tamaño y el uso para el que está destinada. Se trata de un pequeño artilugio melódico de mesa, dispuesto dentro de un receptáculo que cumple las funciones de mueble contenedor del mecanismo de cuerda que produce el movimiento y el elemento resonante. Aunque la idea de la “rueda de levas” data de la Edad Media, la disposición compleja del mecanismo sonoro en las cajas de música se conoce como tal desde el siglo XVIII, cuando un relojero suizo fabricó los primeros modelos basándose en su experiencia en la construcción de relojes de cuerda. El sistema tradicional de las cajas de música se basaba en el cilindro de púas que rozaba un peine de lengüetas de metal produciendo de esa forma una serie de notas combinadas para dar forma una sencilla melodía.

Caja de órgano: Es lo mismo que consola. Contiene los teclados y todos los mandos anexos. En el órgano clásico la caja estaba integrada en el mismo cuerpo del instrumento. Con el advenimiento dell órgano romántico, la caja se ubicaba en un mueble separado. En el siglo XX, al difundirse la transmisión eléctrica, se transformó en un mueble independiente, y capaz realizar todas las operaciones del órgano desde una considerable distancia del mismo. Esta particularidad fue bien aprovechada en las salas de concierto donde el ejecutante realizaba su tarea sin quedar a espaldas del público.

Caja de resonancia: Pieza hueca de carpintería, generalmente decorada con diseños de ebanistería, que distingue a la mayoría de los instrumentos de cuerda (violín, violonchelo, contrabajo, guitarra, laúd, arpa, mandolina o mandolín, etc.). El aire que se halla en su interior resuena al tañer el instrumento, vibrando al unísono y transmitiendo el sonido a través de los orificios ubicados en la parte frontal. En el arpa, la caja de resonancia asciende en forma oblicua, uniendo la columna con la consola-clavijero y sirve para afirmar el sistema de cuerdas.

Caja de ritmos: Equipo electrónico utilizado como secuenciador de ritmos y repetidor multitímbrico que permite reproducir los sonidos de distintos instrumentos de percusión, batería, etc. Repite los patrones rítmicos de los diferentes compases de cualquier composición musical. Los compases pueden ser editados paso a paso o en tiempo real. En los sistemas de percusión electrónica se le suele llamar“módulo de sonidos”.

Caja huancara: Pequeño tambor rústico, propio del folclore tradicional del noroeste de Argentina (provincias de Salta y Jujuy) . Ocasionalmente se pueden ver cajas huancaras típicas, muy vistosas, construidas con la nudosa pero frágil madera del cardón y adornadas con trenzas coloridas, de lana de llama o vicuña. Los parches de fina piel de cabra u oveja, bien curtidos, se tensan con tiras de cuero "crudo". Para batir las membranas se emplea un macillo de madera con la cabeza forrada.

Caja melódica: Es una variante de la tradicional caja de música del siglo XVIII, pero de mayor tamaño y con los cilindros intercambiables. Se utilizó particularmente en la fabricación de organillos ambulantes. Como aquella, estaba provisto de un mecanismo de relojería, consistente en un cilindro de latón provisto de una cantidad de pequeñas pestañas o protuberancias. Al girar el rodillo, dichas salientes percutían unas láminas del mismo material. De acuerdo con su longitud las láminas producían diferentes sonidos, con tonalidades graves o agudas, que formaban en conjunto una sencilla melodía. Para cambiar la composición se debía colocar otro cilindro con la adecuada disposición de las pestañas salientes. Aunque no era propiamente un instrumento para ejecutar piezas musicales, la caja melódica, solía utilizarse en los espectáculos de variedades para acompañar algunos números escénicos o parodias donde la música desarrollaba un papel importante como elemento sonoro. Con diversas variantes, el sistema fue adoptado para la fabricación de los organillos ambulantes, que tuvieron un gran éxito durante el siglo XIX y principios del XX. Esos cambios eran tanto estructurales como operativos. La innovación más importante se debió a la posibilidad de cambiar los cilindros, permitiendo desde entonces a una misma caja de música disponer de muchas melodías. En la actualidad existen equipos electrónicos y chips dotados de diminutos amplificadores eléctricos que producen sonidos idénticos o similares.

Caja redoblante: Tambor bajo, con ajuste de aro, típico del folclore musical de Panamá. Lo suelen utilizar en las orquestas populares y grupos de percusión, para realizar el acompañamiento de las danzas tradicionales, como la cumbia y el tamborito o tamborcito. Forma conjunto con otros tambores -llamados "de cuñas" (pujador y repicador).

Cajero: Músico improvisado que toca la caja chayera, junto con la quena, en las fiestas populares (chayas). Es un término común en el folclore regional del noroeste argentino (Provincias del Jujuy, Salta, Tucumán, Catamarca, Santiago del Estero, etc.).

Cajón: Elemento de percusión, típico e indispensable en algunas variantes del cante flamenco. En rigor, no se trata propiamente de un instrumento musical, aunque cumple una importante función complementaria al marcar el ritmo junto al acompañamiento de la guitarra.

Cajonear: Tamborilear con los dedos o la palma de las manos sobre el cajón flamenco. Es un término que también se emplea en Cuba con el mismo significado. La utilización de este término suele aplicarse, por extensión, al toque del tambor caribeño.

Calando : En italiano (bajando/de calare=descender). Indicación de ejecución que se emplea para señalar la alteración gradual de un sonido al aflojar el tempo. De acuerdo con esta orden, la composición debe ir descendiendo progresivamente la intensidad sonora. Este efecto se produce cuando el cantante retarda y disminuye el sonido de la voz con el propósito de finalizar un canto.

Calandria: Danza folclórica de la República Argentina. Se interpreta en parejas sueltas e independientes. Esta bella página tradicional, que lleva el nombre de un pájaro parecido a la alondra²⁹, procede de la provincia de San Luis. Se la conoce desde mediados del siglo XIX, llegando su área de difusión hasta las provincias de Santa Fe y Córdoba. La coreografía -ágil y elegante- tiene una introducción de 8 compases. La primera parte con vuelta, contra vuelta y zapateo con zarandeo. La segunda parte finaliza con media vuelta, giro y coronación. En algunos manuales de danzas, el movimiento intermedio aparece con la denominación “contravuelta”.

Caldero: Pieza principal y caja de resonancia de los timbales. Es un receptáculo de cobre o latón, con forma semiesférica, sobre el cual se extiende la membrana, mediante un sistema de tensores ajustables con tornillos. Tiene un pequeño orificio en la parte inferior y se afirma sobre una base de cuatro o cinco patas, que sostienen el mecanismo del pedal.

Calderón (extenso): Símbolo gráfico que se emplea en la notación musical para indicar la prolongación de una nota en forma indefinida. Su aplicación suele ser discrecional, de acuerdo con las características de la composición y las posibilidades del cantante. El símbolo del calderón extenso tiene la forma de un semicírculo abierto hacia abajo y con un punto en el medio. Casi siempre coincide con la parte final de un aria. En la ópera, permite al cantante poner lo mejor de sí para adornar el sonido resultante con modulaciones y cadencias propias, siempre que juzgue conveniente ponerlas en acción en ese preciso momento de la representación. Su duración, que es aproximada, queda sujeta al juicio del cantante.

²⁹ La calandria, con su canto cristalino y armonioso, es el símbolo gauchesco de la voz femenina, así como el zorzal lo es para la tesitura masculina.

Calderón (reducido): También denominado calderón breve. Básicamente cumple la misma función que el calderón extenso, con la diferencia de que su valor es fijo. En la práctica, su frecuencia es sensiblemente menor y se usa casi exclusivamente para indicar la parte final de una vocalización. Por lo general no suele exceder de uno o dos tiempos como máximo. El símbolo de este calderón breve es un pequeño rectángulo abierto por la parte de abajo y con un punto en el medio. Para indicarlo en el pentagrama, a veces también se suele emplear una simple coma.

Calipso: Variedad musical originaria de las islas de Trinidad y Tobago, en el Caribe. Su ritmo -alegre y sincopado- suele estar muy marcado por las improvisaciones sonoras, que llegan a desempeñar un papel preponderante en el momento de la interpretación. La letra popular del calipso responde a una forma poética de carácter bastante libre, con cantos e interjecciones que cumplen la función de simple elemento accesorio en el desarrollo de la melodía. El equilibrio en la consonancia de las frases, -que se va sucediendo sin una métrica determinada- se logra más por el ritmo de percusión de las steel bands que por el propio acento de las sílabas.

Calypso song: Versión comercial norteamericana del calipso folclórico y natural de la isla de Trinidad. Su forma resulta más elaborada, suele disponer de una mejor orquestación y tanto el ritmo como la letra responden a un cierto acuerdo melódico. Los éxitos del calypso song comenzaron a popularizarse después de la segunda guerra mundial, patrocinados por los grandes sellos discográficos norteamericanos.

Cámara: Del italiano (camera=habitación/sala). Es un término calificativo que se emplea desde principios del siglo XVIII para distinguir al tipo de sonata o concierto cuya interpretación está pensada para llevarse a cabo en un espacio restringido (concerto da camera, sonata da camera, etc.). Su objeto es distinguir a este tipo de música – generalmente de carácter profano- de aquella dedicada a los grandes espacios abiertos, como la música religiosa, que se realizaba en las iglesias (sonata da chiesa). En la actualidad, el vocablo también se aplica a los conjuntos instrumentales o vocales de tamaño reducido. El tipo de instrumentos y su número puede variar de acuerdo con las composiciones a ejecutar y la amplitud del ambiente donde se deba realizar el evento.

Cambio de modo: Existe una relación directa entre un modo mayor y otro menor sin cambio de tónica. En este caso se consideran como tonos próximos. Para pasar de una tonalidad a otra se puede reducir medio tono la tercera del acorde mayor. Los cambios de modo se producen normalmente cuando finaliza un fragmento o periodo melódico y comienza otro, con la misma tonalidad, pero en un modo distinto. Si el cambio de modo se produce en otra parte de la composición, puede resultar discordante o desagradable para el oído, como ocurre a veces con la música basada en el atonalismo. El recurso del cambio de modo se acostumbra dar en las siguientes aplicaciones:

1) Lograr contrastes plenos de colorido musical
2) Obtener modulaciones con una gran distancia tonal
3) Diferenciar los periodos dentro de una misma frase
Cambio de posición: Técnica de ejecución de los instrumentos de cuerda y arco. Se llama de esta manera al acto en el que la mano izquierda del músico debe dejar de aferrar el mástil para realizar diferentes figuras pisando las cuerdas sobre el diapasón. Durante esta operación -en el violín- la caja de resonancia del instrumento debe quedar sujeta bajo el mentón del intérprete. Se trata de una operación que requiere movimientos rápidos y precisos.

Cambio de tono: Es una forma de modulación definitiva que usa para armonizar melodías demasiado monótonas. Normalmente se suele indicar mediante alteraciones accidentales. El cambio de tono se puede apreciar con claridad en las piezas musicales, dotadas de una tonalidad propia, pero separadas por partes bien diferenciadas entre sí. Generalmente tiene lugar al finalizar un fragmento musical, cuando se produce una modulación sin continuidad.

Cambio progresivo: En música, se denominan “cambios progresivos” a los que afectan la intensidad del sonido de manera gradual. Dentro del contexto melódico tienen la función de adaptar paulatinamente los compases al carácter de una frase musical determinada. Los cambios progresivos se suelen expresar mediante una serie de términos convencionales o abreviaturas, generalmente escritas en italiano. Ej.: “cresc” (crescendo=progresivamente hasta que se hace más intenso); “mp” (mezzopiano=moderadamente suave); “accel” (acelerando=progresivamente más rápido); “dim” (diminuendo=progresivamente menos intenso), etc.

Camerata Fiorentina : Nombre con el que se conoce la escuela de músicos, compositores, arregladores, escritores e intérpretes del siglo XVI, que fueron precursores de la gran ópera italiana. Entre los miembros de aquella sociedad lírica se hallaba el padre del célebre italiana. Entre los miembros de aquella sociedad lírica se hallaba el padre del célebre 1591) y fue el autor de un tratado sobre la música escénica, titulado "Dialogo della musica antica e della moderna". En este libro, Galilei explicó la idea que impulsaba su propósito de crear y desarrollar un nuevo género musical, que luego sería la ópera. El renacimiento de la cultura griega clásica, a través del arte lírico, se transformó desde entonces -bajo el impulso de la Camerata Fiorentina- en el germen del bel canto. La base de ese pensamiento resurgió, a mediados del siglo XVII, a través de la obra de Christoph-Willibald Gluck y posteriormente, en el XIX, con Richard Wagner.

Campana (instrumento de percusión): Elemento tradicional e irremplazable en las orquestas desde la antigüedad. El nombre es un derivado del término vasa campana, que proviene del latín tardío y hace referencia a la región italiana de Campania, donde se hallaban las primitivas fundiciones. De acuerdo con su forma típica, el tamaño, el grosor y la composición de los metales, pueden determinar el timbre. La aleación básica con que se funden -tanto las campanas, como los tubos que imitan su sonido- está compuesta normalmente por 24% de estaño y 76% de cobre, aunque existen otras proporciones. Algunas de estas variantes se han ensayado con éxito en carillones accionados mediante mandos electrónicos. Distintas variantes y componentes metálicos pueden producir otros sonidos, más o menos densos y coloridos.

Campana (aerófonos): También se llama pabellón. Es la parte terminal del tubo de los instrumentos de viento de la serie de los metales, que se abre en forma cónica y permite orientar el sonido y expandir las ondas 360º en torno al eje horizontal del instrumento. Campanas laminadas: Instrumento idiófono de originario de extremo oriente. Consiste en una serie de láminas metálicas rectangulares y alargadas que son percutidas con macillos forrados con fieltro, llamados comúnmente badajos. Se fabrican en diferentes materiales (bronce, aluminio, acero, etc.). Afinado en la extensión do-sol², se emplea en la moderna orquesta sinfónica desde principios del siglo XX.

Campanas tubulares: Instrumento idiófono empleado en las grandes orquestas, como elemento descriptivo, desde 1886. Suele utilizarse para reemplazar el sonido de la campana tradicional. (Chaikovski: "Obertura 1812 en mi bemol mayor" Opus 49). Puede adoptar varias formas. Por lo general, consiste en un conjunto de tubos de bronce o latón, de diferente longitud y grosor, suspendidos en doble alineación de una estructura apropiada para que puedan vibrar libremente. Para percutirlo se emplea un par de pequeños martillos recubiertos con fieltro. Su extensión normal es fa-fa².

Campanela (danza):

Paso de algunos bailes españoles e italianos consistente en dar un salto mientras con el pie derecho se realiza un círculo en el aire junto al pie izquierdo.

Campanela (guitarra):

Sonido que emite una de las cuerdas de este instrumento cuando se toca al aire en medio de un acorde realizado lejos del puente.

Campanelli japponese: Instrumento idiófono compuesto por placas de acero instaladas sobre unos resonadores esféricos del mismo metal. Aparece como efecto sonoro en la ópera "Madame Butterfly", de Giacomo Puccini, estableciendo un raro paralelismo con el dúo de amor de Cio-Cio-San y Pinkerton (Acto I).

Campanillas: Mecanismo que se podía adaptar a ciertos instrumentos de teclado en el que las cuerdas eran sustituidas por una serie de campanas ordenadas en escala cromática, con algunas octavas de expansión. Cumplía una función rítmica similar a las Khundra-ghanta de la India.

Campanillas chinescas: Idiófono múltiple, originario de extremo Oriente, formado por una pieza redonda, con forma de parasol, provista de cascabeles o campanillas y con un largo mango de madera o marfil. Se usaba antiguamente en ciertas ceremonias religiosas para marcar el compás de los cánticos y otras formas rituales. También se lo conoce con el nombre de cimbalero, o en inglés: tymbel-cembal.

Campanilleros: Cante típico andaluz, de estilo aflamencado, cuya letra generalmente aborda temas religiosos. Las coplas de campanilleros constan de seis versos. Es una forma de cante que se solía interpretar en el Rosario de la Aurora.

Campanólogo: Denominación española derivada del italiano (campanuolo). Existen varios instrumentos y mecanismos productores de sonidos que llevan este nombre. Básicamente se refiere a un antiguo juego de campanas o campanillas. Su evolución comienza a principios de la Edad Media, cuando colocaban estos implementos en las puertas de las iglesias y monasterios para llamar a los feligreses.

Campanólogo de carillón: Estructura de madera, de forma circular, que permite imprimir un movimiento de vaivén al soporte superior de las grandes campanas. Se acciona mediante una manivela que mueve las cuerdas o cadenas sujetas al mecanismo de los campanarios. Ayuda a lograr el impulso necesario para poner en movimiento el carillón. Campanólogo piramidal: Es el más antiguo que se conoce. No se conoce la existencia de ejemplos actuales. Estaba formado por un soporte simple, de madera, con cuatro caras triangulares formando una pirámide, donde se sujetaba una serie de campanas de diferentes tamaños y timbres, acordadas en forma armoniosa. Debían percutirse a mano, con la ayuda de un brazo extensible que hacía sonar varios bronces al unísono o en forma alternativa.

Campo aperto: Denominación italiana que se utiliza en los estudios musicológicos para definir una composición que carece de pautas para reconocer los intervalos. Es lo contrario de la diastematía. Esta técnica fue inventada en el siglo X por los músicos franceses de Aquitania que la empleaban de manera rudimentaria en la anotación neumática. En el siglo XI aquella forma original fue perfeccionada por Guido d'Arezzo con la utilización de papeles y pergaminos pautados de cuatro y tres líneas. Aunque en aquella época todavía resultaba dificultoso distinguir los tonos de los semitonos, y la utilidad de las llaves u otros símbolos aún no había sido descubierta, la diastematía fue un paso importantísimo para rellenar con información concisa y precisa el espacio de la notación musical.

Canario: Antiguo baile popular de las islas Canarias. Pertenece al mismo conjunto de danzas tradicionales que el arrorró, el sirinoque, la isa y la folia canaria o el tango herreño (de la Isla de Hierro) Por su estructura musical y coreografía de pasos, el canario se parece un poco a la giga. En la actualidad se suele ver en algunos pueblos del archipiélago como pieza folclórica.

Cancán: Danza frívola y muy movida, de origen francés. Estuvo de moda a fines del siglo XIX. El nombre proviene de un instrumento de tortura de la Edad Media, donde las víctimas debían saltar sobre un hierro ardiendo, para no quemarse los pies.

Canción (letra): Del latín (cantio/cantionis). Composición poética de diversos géneros, que se canta con el apoyo sonoro de un acompañamiento musical. Las frases melódicas de la canción deben acomodarse al ritmo, el tono y la modulación de las palabras.

Canción (música):

Composición melódica inspirada en la secuencia tradicional de la canción.

Canción coreada:

Adjetivo que se aplica a cualquier tipo de composición musical cantada en las que un conjunto coral interviene como acompañamiento del intérprete.

Canción épica: También llamada romancero, data de la Edad Media y solía acompañarse con laúd y flauta. Fue un término musical con sentido bastante amplio, que se utilizó hasta finales del siglo XIX, para referir en forma general a varias modalidades cantables. Estas formas o estilos podían ser de distinto carácter (popular, de salón, narrativa o infantil). Normalmente estaban dedicadas a exaltar la memoria de los héroes nacionales. La letra de las canciones épicas constaba normalmente de versos de ocho sílabas.

Canción lírica: Pieza independiente, integrada en el contexto musical de la ópera, la opereta, la zarzuela, etc. Se compone de estrofas largas, formadas por una cantidad regular de endecasílabo. La última estancia, llamada conclusiva, siempre es de menor extensión que las demás y cumple la importante función de estribillo o contrapunto. La canción lírica es una composición esencial en el desarrollo armónico el drama lírico, donde puede apreciarse el lucimiento simultáneo de los cantantes solistas y el coro.
Canción nacional: Nombre que se daba antiguamente a los himnos y cantos no religiosos, generalmente dedicados a exaltar gestas bélicas o hechos heroicos. Un ejemplo tradicional de este tipo de composición patriótica es el canto "Fratelli d'Italia", con música de Michele Novaro. La letra de esta canción garibaldina pertenece al malogrado poeta genovés Goffredo Mameli (1827-1849).

Canción narrativa: Composición musical con versos adecuados a una tesitura grave y de carácter dramático. Las estrofas se suceden bajo un patrón básico de ocho sílabas. El término se utiliza también para designar al género conocido con el nombre de canción épica.

Canción operística: Pieza melódica que puede ser interpretada por una o varias voces. Equivale al aria* y como ella, suele estar organizada en tres partes bien definidas: una prima, otra mezza -también denominada central- y la finale. Esta configuración básica, típica del aria operística, puede sintetizarse con la fórmula A-B-Abis. La primera parte difiere de la segunda, siendo la tercera igual a la primera, aunque algo más extensa y siempre adornada con detalles ornamentales.

Canción operística bipartita: Es otra fórmula melódica, diferente de la canción operística simple. El movimiento de la bipartita se caracteriza por combinar dos segmentos musicales sucesivos: uno despacioso y otro más rápido, también llamado lento-presto.

Canción operística di baula: En su aspecto anecdótico o costumbrista, el bel canto italiano tiene curiosas versiones cuyos nombres obedecían a razones circunstanciales, como las canciones llamadas di baula (de baúl) porque eran antiguas composiciones rescatadas del olvido por el libretista y adaptadas a las voces de los cantantes del momento.

Canción operística di contrasto: Existen otras dos modalidades modernas -derivadas del aria tripartita del siglo XVIII- que alcanzan un notable equilibrio sonoro y simétrico en su conjunto. La primera es una fórmula llamada de contraste, que consiste en una parte inicial de condición dramática, llamada aria propiamente dicha y otra de carácter lírico, conocida con el nombre de cabaletta. Ambas formas deben complementarse en la melodía.

Canción operística in aria: Hay varios estilos de canción, cada cual adaptada a las circunstancias propias del argumento de la ópera, la opereta, la zarzuela, u otra creación lírica, donde la gesticulación y el tono de la voz son elementos determinantes del éxito del cantante. En el drama lírico, la manera de expresar una composición vocal está directamente relacionada con el tema del argumento y condicionada por el momento escénico. Entre las fórmulas más usuales de canción operística in aria, pueden citarse las siguientes variantes, con sus respectivas denominaciones usuales, en italiano:

a) de salida (di sortita)
b) dulce o romántica (cantabile)
c) a plena voz (di bravura)
d) ágil (di agilità)
e) sonora (di strepito)
f) reiterativa (da simile)
g) triste (di lamento)
h) hablada o declamada (di parlamento)
i) demostrativa (di portamento)
j) vigorosa o gestual (infuriata)
Canción operística in concertato: Cuando la voz del cantante es acompañada por un solo instrumento musical, que va siguiendo sus modulaciones a través de la escala.

Canción operística in rindó: Por su estructura, se distinguen cuatro tipos de canciones operísticas: El más usual es el método alternado llamado in rindó, cuya fórmula se divide en cinco partes, tres de las cuales siempre son iguales, es decir, que mantienen la misma melodía, comenzando, promediando y finalizando la composición, con dos intermedios musicales distintos entre sí: (a-b-a-c-a).

Canción operística libera: Es el canto puro, que se lleva a cabo con un somero acompañamiento instrumental, o empleando sólo las voces de un coro. Este efecto se produce en los finales de los cuadros o al comienzo de una canción. Se trata de una suave y bellísima forma de interpretación, que también suele denominarse música natural.

Canción operística variatta:

Fórmula compuesta por una serie de distintas variaciones en el tono y el ritmo, que se denominan

variate

(variadas).

Canción sentimental: Composición amorosa del siglo XVIII. Configurada por una melodía simple, su letra era casi siempre romántica e ingenua, con estrofas de métrica variable, estribillos reiterativos y algunos ornamentos vocales. El tema argumental de estas creaciones de salón solía hallar su fuente de inspiración en la época medieval, con historias de caballeros andantes, doncellas y trovadores. Fue el equivalente español del romance francés.

Cancioneril: Estilo poético-musical relacionado con las características tradicionales del cancionero poético difundido en Europa durante los siglos XIV y XV. Sus formas también suelen hallar la inspiración en la juglaresca de las antiguas canciones medievales.

Cancionero: Recopilación de composiciones poético musicales de autores diversos. En la terminología lírica se refiere a los fragmentos cantables, compuestos por estrofas, que se suelen aplicar a las letras de los argumentos y que están concertadas para lucimiento de los coros. En la ópera actúan como unidades sonoras. Durante la Edad Media, el arte de la canción profana había alcanzado un elevado nivel de evolución técnica y difusión en todos los estratos sociales de la época. Los manuscritos de canciones provenientes del periodo medieval contienen cerca de dos mil composiciones melódicas y más de cuatro mil poemas, que eran interpretados por un número elevado de trovadores. Los primeros ejemplos de cancionero típico de la Edad Media datan de fines del siglo XIII, pudiendo citarse entre ellos al "Chansonnier d'Urfé" (c. 1300).

Cancionero musical de la Biblioteca Colombina³⁰: Conservado durante siglos en la biblioteca personal del historiador Fernando Colón (c.1488-1539), hijo natural del descubridor de América, a quien debe su nombre. Este importante repertorio de música medieval española está formado por unas cien composiciones musicales de la época de los Reyes Católicos (fines del siglo XV y principios del XVI). La colección comprende un número variado de villancicos polifónicos y otras canciones de autores castellanos, algunos de ellos anónimos y otros bien conocidos, como Juan de Triana, autor de las 17 canciones castellanas de esta colección, o Francisco de la Torre, cantor del rey Fernando I de Aragón y maestro de coro de la catedral de Sevilla. Se desconocen las referencias temporales de ambos autores aunque no el valor real de sus obras.

³⁰ Compuesta por más de 20.000 volúmenes. A su muerte, tanto la biblioteca, como los archivos y las distintas colecciones de documentos -entre ellos el valioso cancionero medievalfueron donados al patrimonio de la catedral de Sevilla.

Cancionero musical de la catedral de Segovia: Se cree que fue un encargo de la reina Isabel la Católica, con sucesivos agregados de su hija, Juana la Loca y su yerno, Felipe el Hermoso. Según parece, su destino original habría sido la capilla de música perteneciente a la Casa Real de Castilla. Instalada al principio en el alcázar de aquella ciudad, posteriormente pasó en calidad de préstamo a la catedral, donde ha permanecido hasta la actualidad.

Cancionero musical de Medinacelli: Importante recopilación de música española del Renacimiento. Está compuesto por una serie de obras escritas durante el reinado de Felipe II. Posiblemente formada en la ciudad de Sevilla durante el siglo XVI, se la suele atribuir indistintamente -aunque sin fundamentación seria- a las capillas musicales de las casas de los condes de Ureña o de los duques de Medina-Sidonia. La colección está integrada por un variado repertorio de piezas populares de aquella época (madrigales, villancicos, etc.). Aunque algunas de esas obras son de autor o autores desconocidos, una parte de ella se sabe que pertenece al intelecto de grandes maestros de la polifonía renacentista, como Francisco Guerrero (1527-1599). Fue Guerrero el autor inspirado de notables ejemplos de la antigua música religiosa, pudiendo citarse entre ellos, a la serie titulada "Sacrae cantiones, vulgo moteta nuncupata" escrita en Sevilla, en 1555.

Cancionero musical de Palacio: Importante repositorio de la música culta española del Renacimiento, perteneciente a la biblioteca del Palacio Real de Madrid. Se trata de una importante colección de canciones polifónicas españolas y portuguesas. Algunas de ellas fueron escritas para ser cantadas con acompañamiento instrumental. Los manuscritos corresponden a un periodo preciso que se extiende en el tiempo desde finales del siglo XV hasta principios del XVI. Aunque la mayoría de las piezas del Cancionero Musical de Palacio son de autor anónimo, también contiene obras de grandes compositores, como el músico vasco Juan de Anchieta (1462-1523), creador de la Escuela Polifónica Española; de Francisco de Peñaloza (1470-1528), uno de los más importantes autores de música religiosa del Renacimiento, y Juan del Enzina (1469-1529), compositor y dramaturgo, a quien se debe un extraordinario repositorio de música escénica. El valioso conjunto compuesto originalmente por más de medio millar de obras, de las que sólo se conservan unas 460 en la actualidad- fue descubierto a fines del siglo XIX por el musicólogo español Francisco Asenjo Barbieri (1823-1894), que lo estudió y transcribió por primera vez, razón por la que también se conoce con el nombre de "Cancionero de Barbieri".

Candombe (danza): Baile tradicional de las comunidades negras de Suramérica. Tiene un ritmo muy movido y se baila al ritmo de tambores. Su origen, así como el nombre, proceden de África. Alcanzó una gran popularidad durante el siglo XIX en el Río de la Plata. Se percuten con un ritmo alegre y contagioso en las agrupaciones musicales que actúan en los desfiles del carnaval montevideano.

Candombe (instrumento): Es un tambor, típico del Uruguay, alto y alargado, que se percute con las manos. Existen en tres tamaños (chico, repique y piano). Posee un solo parche o membrana de piel. Lo utilizan las comparsas de negros en el acompañamiento del carnaval de Montevideo, donde suelen actuar en grupos de más de 100 instrumentos en los desfiles multitudinarios que se conocen con el nombre de “llamadas”.
Canon: Se llama así al estilo coral en el que las distintas voces van entrando sucesivamente en escena, mientras cantan la misma melodía, una a continuación de la otra. La primera voz del canon es el dux y las siguientes responden a un conjunto denominado comes. En la interpretación de un aria o canción operística, tiene efecto cuando varias voces repiten el mismo pasaje del libreto a la distancia de una octava. Esta condición debe ser muy estricta para que el resultado sea satisfactorio. En contadas oportunidades se han dado casos en los que tal alarde interpretativo sea realizado por una sola voz. En la teoría musical, el canon es la repetición regular de un fragmento melódico, es decir. La reiteración de una frase en distintas partes de una partitura, respetando exactamente los tonos y semitonos que la configuran. En esta suerte de reproducción del pasaje melódico, se distinguen el canon antecedente, que es la composición musical original, y el canon consiguiente, que viene a ser la reproducción exacta de la primera. Esta frase musical puede repartirse una cierta cantidad de veces a lo largo de la composición musical, denominándose sucesivamente: primer consiguiente; segundo consiguiente, etc. y así hasta el último. Si se reproducen en el texto musical de forma simultánea dos, tres, o más motivos, se llaman canon doble, triple o múltiple. Esta forma de cantar repetitiva ya era popular en Italia en el siglo XIV. La preceptiva del canon es muy similar a la del contrapunto y la fuga. Durante mucho tiempo, el empleo del canon tuvo gran aceptación como música eclesiástica y de cámara. En ese orden pueden citarse los trece cánones de Johannes Brahms, Opus 113 Nº 4, titulados "volkslied" (cantos al trabajo), editados en Leipzig a fines del siglo XIX. El canon pasó de la música religiosa al repertorio dramático con las óperas "La buena hijita" del compositor italiano Nicola Piccini (1728-1800) y "Fidelio" de Ludwig van Beethoven. Piccini fue autor de más de cien óperas, además de un nutrido repertorio de música instrumental. Otros célebres compositores hallaron en el estilo de canon un excelente recurso rítmico para sus motivos. Entre los grandes maestros que dedicaron su esfuerzo creativo al perfeccionamiento técnico y la divulgación de esta variedad musical pueden citarse a W. A. Mozart, Johann Sebastian Bach y Carl Weber. También fueron reconocidos y admirados los introitos canónicos para composición instrumental de Richard Wagner y el bello canon integrante de la obertura del "Carnaval romano" de Héctor Berlioz.

Canon doble: Fue una forma de canción medieval, generalmente de carácter profano. Como sus consecuentes, el canon doble se caracteriza por la repetición de dos motivos relacionados en el texto musical. Un ejemplo típico del siglo XV, es la canción cortesana “Baisez-moi”moi” 1521). Esta pieza técnicamente responde a las características de un canon doble en el que se narran los amores de un pastor y una pastora. Las palabras acentuadas de los sucesivos versos -breves y sencillos- se repiten entre las suaves modulaciones de una melodía tradicional.

Canon enigmático: Esta particularidad se puede dar en el canon en contrapunto cuando éste adopta la forma de juego de adivinanzas. En este caso sólo se suele presentar el antecedente y el programa, dejando la respuesta a cargo de un intérprete solista. Un ejemplo típico de esta variedad de canon es la pieza conocida con el lema“Quaerendo invenies” (buscad y encontraréis). Pertenece a una colección de siete cánones de Johann Sebastian Bach, escritos en 1747 a instancias del emperador Federico II de Prusia y reunidos bajo el título de “Musicalisches Opfer” (Ofrenda musical) BWV 1072-78.

Canon múltiple: Es el que está compuesto por varios cánones reunidos en una misma obra, que se van desarrollando en forma simultánea. Puede ser doble, triple o cuádruple. Uno de los ejemplos clásicos de este tipo de composición es el doble canon titulado “Sumer is icunen in”. Es de origen inglés, escrito a principios del siglo XIV, y su argumento se refiere al canto de un pájaro,

Canon por aumentación: Se llama así cuando en el aspecto rítmico se aumentan los valores del canon. Su interpretación debe recurrir en ocasiones a la inclusión de partes de carácter libre, con el objeto de compensar las diferencias en la extensión de la obra.

Canon por disminución:

Es la parte inversa

del canon por aumentación

. En su caso disminuyen los valores del plano rítmico.

Canon retrógrado: Forma de canto en la que se repite una línea melódica completa en forma invertida. También se aplica a la secuencia instrumental. El canon retrógrado puede ser simple o doble. La canción "Der Mondfleck" del compositor austríaco Arnold Schönberg (1874-1951) es un doble canon invertido. Compuesta en 1912 -con el Nº 18 en la serie de canciones titulada "Pierrot Lunaire"- esta obra muestra un juego de espejo entre el violín y el violonchelo y entre el piccolo y el clarinete³¹. El doble canon retrógrado se superpone al tono de la voz humana y el sonido del quinto instrumento (piano), que interpreta una fuga.

Canónica: Forma de composición que responde a las características tradicionales del canon. Admite la posibilidad de realizar variaciones sin perder su condición. Se puede apreciar una demostración práctica de este tipo de combinación estilística en la obra de Johann Sebastian Bach“Kanonische Veränderungen” (Variaciones canónicas). Pertenece a una serie de 189 piezas corales compuestas por Bach entre los años 1784 y 1787, la mayoría para cuatro voces (BWV 250/252 y BWV 253/438).

Canoro/canora: Canto armonioso. Se dice así de la voz humana cuyo sonido, siendo grato al oído, está bien templado y especialmente dispuesto para el canto. Por extensión, se suele aplicar tal adjetivo a las melodías que provienen de algunos instrumentos musicales, como la flauta dulce o el violín.

Cansó : Voz de origen provenzal (canción). Designa a un tipo de composición poética y melódica, propia de la Edad Media (siglos XII y XIII) que acostumbraban cantar los franceses y catalanes. Su forma musical, aunque basada en las escalas modales de la época, estaba en cierto modo emparentada con los himnos de antiguos celtas. La letra, en cambio, respondía al estilo de la copla, formada por estrofas de versos latinos que servían de base a una armoniosa entonación. Por la iconografía contemporánea se sabe este tipo de canciones se solía acompañar con instrumentos cordófonos y de viento. Entre los poetas amorosos del siglo XII que manifestaron su arte a través de la cansó provenzal, cabe recordar a los célebres trovadores Raimbaud de Vaqueiras, que intervino en las cruzadas de 1201; Bernard de Ventadour, elogiado por Petrarca, y el príncipe de Blaye, Jaufré Rudel, de quien sólo han subsistido seis obras manuscritas, publicadas por primera vez en 1873.

Cansó de Nadal:

Tipo de canción navideña que en Cataluña equivale al

villancico

. Los franceses la llaman

"Chanson de Noël"

,

"Noue"

o

"Nouvé"

, en la región provenzal, etc.

Cantabile : Término italiano (cantable). Su empleo en el arte lírico -que data del siglo XVIII- sirve para indicar que una melodía es apropiada para el canto, es decir, que puede interpretarse de manera expresiva. La forma cantabile señala marcado carácter vocal y la aptitud especial del pasaje musical para la puesta en escena. En la obra vocal y coral de Wolgang Amadeus Mozart (1756-1791) se encuentran inolvidables pasajes dedicados a exaltar las condiciones sonoras de la forma cantabile. Entre ellas pueden señalarse canciones para una voz y piano, dúos, tríos, arias individuales con orquesta, etc. A guisa de ejemplos puntuales, puede citarse una serie de piezas sumamente originales, como el trío “Se lontan, ben mio, tu sei”, K 438 (1783); la composición para soprano “Chi sa, chi sa,qual sia”, K 582 (1789); y diversas obras, escritas para voces sin acompañamiento, como el canon “Nascoso è il mio sol” K. 558 (1788) y“Caro bell’idol mio” K 562 (1788).

³¹ "Pierrot Lunaire". Colección de 21 canciones para cinco instrumentos y un narrador cantante. Adaptación de Albert Giraud y traducción de O. E. Hartleben. (1912).

Cantadera (agrupación músico-poética): Peña o reunión de carácter folclórico tradicional en la república de Panamá. Se llama así a las reuniones de poetas y músicos en las que se cantan y recitan composiciones de estilo tradicionalista.

Cantadera (género musical): Por relación con las reuniones cantaderas, también se suele dar este nombre de un subgénero trovadoresco, tradicional en algunos países de Centroamérica y el Caribe. Su práctica gira en torno al canto en décimas populares, acompañadas normalmente por la guitarra y otros instrumentos de cuerda autóctonos, como el tres, el cuatro, el armónico cubano o el requinto, etc.

Cantante (intérprete): Artista vocal dedicado a cualquiera de los diferentes géneros musicales. El término se refiere específicamente quien practica este arte como profesión. Existe una compleja clasificación de acuerdo con el sexo y la tesitura, cuyos rangos básicos de agudos a graves son: tiples o sopranos, contraltos o mezzosopranos, tenores, barítonos y bajos.

Cantante (percusión): Nombre de un tambor grave del folclore musical de Venezuela. Integra del grupo o batería de siete instrumentos encargados del redoble en las orquestas de chimbaguele. Son cuatro membranófonos de tono grave (mayor o arriero, respuesta o respondón, cantante y segundo), que se complementan con otros tres de menor tamaño llamados requinta (media, primera y segunda). Se utilizan en los festejos populares de San Benito.

Cantaor/cantaora: Intérprete del cante flamenco. El término es aplicable de la misma manera para cualquiera de los numerosos estilos que componen este arte. Como ocurre con los términos bailaor, bailaora, etc. en el habla popular de Andalucía se acostumbra eliminar el sonido oclusivo dental de la consonante "d".

Cantare d'affetto : Esta calificación no se refiere de manera específica al timbre o la potencia de la voz, sino a la modulación del canto, que de acuerdo con las exigencias del argumento debe resultar afectuoso, con gran variedad de claros y obscuros, y potencialmente capaz de realizar con éxito las partes que requieren un gran colorido dinámico.

Cantar de gesta: Obra poético-musical, de carácter popular en la que se narran acontecimientos relacionados con la vida de personajes históricos o legendarios. Básicamente se trata de letras inspiradas en hechos memorables, que se cantaban siguiendo las pautas de una melodía sencilla. El armado rítmico y las modulaciones se iba repitiendo en cada estrofa, salvo la última que suele finalizar con una coda. Entre las obras consagradas como ejemplos clásicos de este género se encuentran el“Cantar del Mío Cid”, obra primordial de las letras castellanas, y el “Roman de Fauvel”, uno de los documentos más interesantes de la lírica medieval francesa.

Cantar de sala: Denominación equivalente a la tradicional romanza de salón, dado a un tipo de composición instrumental española del siglo XVII, que también se podía acompañar con la voz, al estilo del lied. Su origen parece estar en la forma musical de la sonada. Se adjudica la creación de este subgénero melódico al docto músico y poeta Vicente Espinel (1550-1624).

Cantare parsaggiato:

En el arte del

bel canto

es así como se denomina a la

coloratura virtuosa

, es decir, la voz cuyo sonido es muy claro y posee un gran timbre.

Cantarela : Del italiano (cantarina). Nombre de la cuerda prima, la más fina y aguda en los cordófonos de arco, como el violín, o punteadas como la guitarra y el laúd. También se llamaba de este modo a las cuerdas melódicas de la zanfonía, que vibraban mediante el roce con una rueda accionada a manivela.

Cantar sordo: Canto sin adornos, que suena poco y con un timbre apagado. Esto no significa que la voz sea de mala calidad. En la ópera sirve para determinados papeles en los que el personaje es un anciano o una persona en el trance final de la vida.

Cantata: Composición lírica, instrumental y vocal, perteneciente al periodo barroco. Suele estar integrada por varias series en las que interviene el canto coral, la interpretación de arias por solistas y algunas partes recitativas. Por su analogía, es uno de los antecedentes más cercanos a la ópera clásica. Su inspiración puede ser profana o religiosa. La cantata humorística BWV 211 "Schweigt stille, plaudert nich" (Cantata del café) de Johann Sebastian Bach, fue representada muchas veces como una ópera bufa, mientras que la cantata BWV 140 "Wachet auf" (Despertad), obedece a un concepto profundamente devoto y dedicado a los servicios eclesiásticos. "La damnation de Faust" (La condenación de Fausto), cantata de Héctor Berlioz, compuesta en 1846, fue transformada en ópera dramática en 1893, y desde entonces se la representa de esa forma. Una página orquestal simple, de Joseph Haydn -estrenada en la catedral de Cádiz en 1785- fue transformada en cantata por el propio autor en 1797. Su título: "Die sieben Worte des Ërlosers am Kreus" (Las siete palabras del Redentor en la Cruz).

Cantata escénica: Variedad de cantata que incluye escenas dramatizadas. Su estilo inspirado en las formas de la ópera clásica, adquirió popularidad en tiempos relativamente recientes (primera mitad del siglo XX). Hallamos un ejemplo interesante en la célebre cantata escénica, titulada "Atlántida", con música de Manuel de Falla y libreto en catalán del dramaturgo Jacinto Verdaguer, escrita entre 1926 y 1946. Esta pieza quedó inconclusa debido al fallecimiento del gran compositor gaditano en su residencia de la provincia argentina de Córdoba (Alta Gracia). Su discípulo, el músico español Ernesto Halffter, la convirtió en ópera, estrenándola en Milán en 1962.

Cantatarium : Pieza musical que se cantaba en la misa después de la epístola. Es un antecedente del contrapunto. También se le llamaba gradual, porque era interpretada por el cantante desde las gradas del púlpito. Otro de los nombres que recibía este tipo de música sacra es responsorium, porque se entonaba en contrapunto con el coro, formando preguntas y respuestas de carácter catequístico.
Cantatilla: Cantata breve -también llamada cantata de cámara- de carácter romántico y compuesta para una sola voz, generalmente femenina. Es una forma musical que prosperó en España durante el siglo XVIII.

Cantautor/a: Término compuesto (cantante y autor/a). Se llama así al cantante que compone e interpreta la letra, la música -o ambas cosas- de sus propias obras. Aunque su origen es medieval y procede del antiguo mester de juglaría, la palabra cantautor es un vocablo de formación relativamente reciente (mediados del siglo XX). En la actualidad figura en la mayoría de los diccionarios de la lengua castellana. El cantautor, normalmente suele encausar su creación a través de los estilos melódico y moderno. La temática abordada por la mayoría de los cantautores actuales, suele estar dirigida a un determinado sector del público en particular, con el que se relaciona por afinidad de ideas. La obra musical de algunos cantautores -marcada por sentimientos subjetivospuede tener características de denuncia pública contra las injusticias sociales o demostrar cierta implicancia política. A veces también se inspiran en asuntos románticos, cómicos o satíricos.

Cante: Forma abreviada por antonomasia del cante flamenco. Se refiere al patrimonio de formas musicales folclóricas de carácter popular, propias de Andalucía y que fueron creadas desde finales del siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX.

Cante de Levante: Se llama así a todos los ejemplos del cante flamenco pertenecientes al litoral español situado sobre el Atlántico y el Mediterráneo (Huelva, Cádiz, Málaga, Granada, Almería, Murcia, etc.). Los principales exponentes son la minera -también llamada canto de las minas variedad propia de la provincia de Huelva; la cartagenera, de Murcia y la taranta, de Almería.

Cante chico: Forma del cante de carácter ligero, cuya condición principal es servir en el acompañamiento del baile. Se trata de una forma de nominación subjetiva con la que algunos especialistas no están de acuerdo.

Cante festero: Denominación general que comprende las formas del cante festivas y estrepitosas, como los tanguillos o las alegrías y también las que presentan un ritmo movido como las rumbas.

Cante flamenco: Término genérico que sirve para definir a todo el conjunto de formas y estilos musicales que surgieron en la región de Andalucía, a fines del siglo XVIII y principios del XIX. Existen teorías que van más allá y vinculan los orígenes del flamenco a la música tradicional del Kurdistán. Ambas formas parecen muy cercanas y es posible que desde su antiguo origen común hayan permanecido inalteradas a través del tiempo. La música oriental llegó a España a fines del siglo IX, bajo el reinado de Alhakem I, emir de la dinastía de los Omeyas. El arte musical de Al Andalus alcanzó entonces su periodo más floreciente con las creaciones del músico kurdo Ziryab, protegido de Abderramán II, a quien se atribuye la creación de técnicas y reglas de estilo para el canto que aún subsisten.

Cante gitano:

Otra forma popular -también de carácter subjetivo- que atribuye una manera o estilo particular al cante flamenco cuando es interpretado por artistas de etnia gitana.

Cante grande: Expresión corriente que se emplea para señalar cualquier forma del cante cuando es interpretada con maestría y dentro de las más puras reglas del arte. También se puede referir a un estilo pleno de solemnidad.
Cante jondo: Es el cante puro, sin influencias extrañas y en cierto modo independiente del moderno estilo flamenco. Su forma es atávica, impregnada del sentido original del arte andaluz. La primitiva musicalidad de este arte se advierte plena de sentimiento y dotada de un gran impulso expresivo que recuerda las profundas vocalizaciones de los almuédanos árabes. Entre las formas tradicionales del cante jondo se cuentan las seguirillas gitanas, la soleá y el martinete.

Cante de ida y vuelta: Estilo aflamencado, carente de la riqueza estilística del flamenco puro. Se refiere a ciertas composiciones modernas, de carácter variado y con numerosas influencias de diverso origen. Generalmente se trata de piezas que proceden del folclore latinoamericano y que parecen inspiradas en el cante flamenco tradicional.

Canti carnavaleschi: Fue uno de los estilos típicos del cancionero profano italiano del siglo XV. Sus composiciones, casi siempre inspiradas en temas populares, solían interpretarse durante la celebración del carnaval. Un ejemplo descriptivo de esta original forma melódica es el "canto dei facitori d'olio", del compositor italiano Alessandro Agricola (1446-1506), cantor de Felipe el hermoso. Este compositor y trovador ítaloflamenco escribió también un conjunto de nueve misas y veinticinco motetes, una didáctica frottola y más de noventa canciones de diversa índole, con texto polígloto (francés, italiano, etc.). Esta colección constituye un interesante ejemplo de la música medieval y en especial, del tratamiento armónico del cantus firmus.

Cántico: Denominación genérica que se da a un tipo de poesías profanas y de carácter tradicional que se suelen recitar con un acompañamiento musical o coral: (“Cántico nupcial”, de“Buena Ventura”, de la “Despedida”).

Cántico espiritual: Composiciones monódicas o polifónicas del siglo XVI, cantadas en lengua vulgar y destinadas al canto religioso en asambleas de fieles reformistas en Suiza y en Francia. Junto con los salmos, los cánticos espirituales fueron las máximas expresiones musicales del calvinismo. El argumento de este tipo de composición responde siempre a una inspiración moral. A la inversa del cántico litúrgico de la Iglesia Católica, los cánticos de la Iglesia Reformista consisten en letras de carácter piadoso que fueron escritas sobre el patrón de una serie de melodías profanas ya existentes. La razón de convertir la letra de un canto mundano en una composición de carácter religioso se consideraba entonces, no un abuso o un plagio, sino un acto de Fe. El filósofo y teólogo reformista francés Antoine de la Roche de Chandieu (1534-1591) escribió varias obras dedicadas al estudio de este interesante proceso artístico e intelectual.

Cántico litúrgico: Primeros cantos de acción de gracias, tomados del texto original de la Biblia y adaptados de acuerdo al servicio de la liturgia católica. Consisten en catorce cánticos procedentes de Antiguo Testamento: (“Moisés”, “Ezequías”, “Habacuc”, etc.). De los capítulos correspondientes al Nuevo Testamento se conoce la existencia de tres: (“Magnificat” o “Cántico de la Virgen,” de San Lucas, “Benedictus” o “Cántico de Zacarías” y“Nunc Dimitis” o “Cantico de Simeón).

Cantiga: Variedad de canción medieval del siglo XIII, común en la lírica portuguesa y gallega. Aunque el origen de esta voz es incierto, es factible que proceda de la lengua céltica (cántica).
Cantigas de Santa María: Una de las más importantes colecciones de la lírica hispánica de la Edad Media. Son cuatro códices manuscritos, correspondientes al siglo XIII. El rey de Castilla y León, Alfonso X "el sabio" (1230-1284), célebre por sus vastos conocimientos en las artes y las ciencias de su tiempo y también por la protección de prestó al desarrollo de la música religiosa, llegó a coleccionar un repertorio compuesto por unas cuatrocientas piezas este género, reunidas en la actualidad bajo ese título. Parte del contenido de esas obras en verso, escritas en la lengua galaico-portuguesa que se hablaba de manera corriente en aquella época, está inspirado en los milagros de la Virgen María. Junto con otros códices coetáneos, en la actualidad forman parte de diversos repositorios y colecciones de piezas poético musicales de la misma procedencia. En el conjunto se encuentran villancicos, virelais y simples cantigas con refrán, relacionadas con las composiciones de origen árabe denominadas zejel. Dos de esos repertorios de manuscritos -entre ellos el célebre "Códice Princeps"- se conservan en la Biblioteca del Escorial y están realizados en una forma de escritura mensural, que facilita la comprensión del tipo de ritmo usado en la época medieval. Los dos manuscritos restantes se hallan en las Bibliotecas Nacionales de Madrid y Florencia, siendo este último una recopilación de letras carente de notación musical. Aunque tradicionalmente se considera al rey Alfonso X autor de la mayoría de las cantigas, lo más natural es que fuera el inspirador y guía de aquel trabajo creativo. Tal como lo expresa un texto de la época, donde se afirma que el rey pone su espíritu en el libro, no porque lo escriba él mismo con sus manos, sino porque "compone las razones del e las enmienda, e enderesça, e muestra la manera de como se deban facer".

Cantilena (medieval): Pieza monódica del siglo IX, de condición profana, que se cantaba a una sola voz. Su carácter podía ser lírico, épico o religioso. Con el tiempo, el término se extendió también a la música polifónica.

Cantilena (moderna): Melodía sencilla y reiterativa que se canta siempre a cappella. Puede tener una función de estribillo o servir como fondo melódico en algunas representaciones teatrales. Aunque tiene un sentido similar al del término cantabile, por su monotonía carece de un auténtico carácter musical. Puede aparecer ocasionalmente en la ópera, como complemento transitorio de la escena.

Cantina: Denominación típica de los cantares y coplas del suroeste español. Algunos especialistas en temas flamencos llaman así a un grupo de estilos de cante originarios de la región gaditana. Existen ejemplos de este tipo que están relacionados con la antigua jota de Cádiz. También aparece registrado con el mismo nombre el conjunto de piezas tradicionales pertenecientes al grupo más numeroso de versiones regionales del cante flamenco. Todas son manifestaciones muy populares en el amplio valle del Guadalquivir. Las melodías resultan bien conocidas por la gracia y el aire gitano (bandolas, malagueñas, romeras, siguirillas, tonás, saetas, etc.).

Cantiña:

Cantar gallego, propio del ámbito rural. Está relacionado con la copla.

Cantionis sacrae: En latín (canciones sagradas). Se llama así a la colección de cantos religiosos que originariamente proceden de la baja Edad Media y aún de los primeros siglos del cristianismo. Alcanzaron su máximo esplendor durante el Renacimiento con la aparición, en el siglo XV, de los primeros instrumentos de cuerdas y teclas, como la espineta y el virginal. El compositor inglés William Bird (1543-1623) escribió numerosas piezas de carácter religioso para órgano, clavicémbalo y otros instrumentos de ese tipo, contándose entre ellas más de doscientos motetes, misas, madrigales y cánones. Su colección de motetes lleva el título de "Cantionis Sacrae".
Canto: Término amplio que puede referirse a la acción de entonar una melodía, al dominio del arte para realizarla y a la misma composición. La emisión del canto puede producirse mediante los actos de vocalización, articulación, tatareo o entonación con la boca cerrada (a bocca chiuzza).

Canto ambrosiano: Variedad de canto litúrgico del siglo IV. Es una forma de melopeya métrica diferente del canto gregoriano. Su origen procede del antiguo canto romano y aún se interpreta en algunas congregaciones religiosas del norte de Italia, especialmente por el coro la catedral de Milán. Su estudio y codificación se atribuye al patrocinio de san Ambrosio (340-397).

Canto arará: Expresión musical, perteneciente al folclore tradicional de la isla de Cuba. Demuestra una profunda influencia de los motivos aborígenes y africanos, tanto en el argumento de los cantos, de origen ritual, como en los componentes rítmicos presentes en la percusión. En la actualidad, el estilo melódico del canto arará es tomado por muchos folcloristas para elaborar nuevas versiones, adaptadas al gusto popular y a las formas instrumentales disponibles en la actualidad.

Canto bizantino: Forma de música religiosa, compuesta por cantos monódicos a cappella con alternancia de coros, cuyo empleo es tradicional en las iglesias cristianas ortodoxas de Europa del Este, particularmente en la Iglesia Ortodoxa Griega. Su desarrollo parte del método antifonal propio del Imperio Bizantino, aunque su origen remoto es aún más antiguo, puesto que surge con los antiguos cantares hebreos y griegos, mezclados con ciertas influencias orientales procedentes de Armenia y Siria. En épocas posteriores fue adquiriendo un carácter propio a través de las normas de interpretación establecidas en el siglo IV por san Basilio el Grande y san Juan Crisóstomo, obispo de Constantinopla. Aunque las primeras partituras manuscritas aparecen recién en el siglo X. Esa forma de escritura neumática fue experimentando diversas variantes a través del tiempo. Los coros que se alternan con el canto se denominan protopsaltis y lampadarios. En la mayoría de las formas litúrgicas del canto bizantino está prohibido el uso de instrumentos musicales. Por manuscritos franceses del tiempo del rey Pipino el Breve (siglo VIII) se sabe que antiguamente en las ceremonias de la iglesia de Constantinopla se solía emplear el órgano como acompañamiento de los solistas y coros. Dentro del contexto general del canto bizantino existen cuatro tipos bien definidos por sus características y la cantidad de ornamentaciones:

1) Heirmologion: canto simple.
2) Heirmoi: canto de odas.
3) Sticherarion: canto ornamentado.
4) Melimelas (melisma): canto muy ornamentado.

Canto de coplas: Cantares folclóricos multitudinarios que se llevan a cabo en las fiestas populares de las provincias del noroeste de Argentina. Existe una costumbre similar en el sur de Bolivia. Los cantos de coplas se interpretan especialmente durante la época de carnaval. Suelen acompañarse por el redoble de la caja criolla o uancara, en cuartetas octosílabas, casi siempre seguidas de un breve estribillo que se repite periódicamente.

Canto de órgano: Técnica vocal que aparece a fines de la Edad Media y se prolonga hasta el barroco. Se llama de esta forma porque antiguamente se empleaba en la interpretación vocal de composiciones religiosas con el acompañamiento melódico de órganos pequeños, livianos y portátiles como el regalía y el portativo.
Canto eugeniano: Forma de canto eclesiástico inspirado en las tonalidades usadas en el ritual de la Iglesia romana. Fue reformado por san Eugenio III, obispo de Toledo. Difiere del canto llano o gregoriano. Su origen se hallaba en el sistema de notación empleada en España, desde el siglo V, por la cultura visigótica. A partir del siglo VIII, con la llegada de los árabes a la península, comenzó a sufrir ciertas modificaciones e influencias propias del canto oriental que motivaron la configuración del canto mozárabe.

Canto figurado: Técnica del bel canto, muy elaborada, en la que se suelen emplear distintas ornamentaciones vocales aplicadas sobre la base de una melodía. Puede aparecer escrito en italiano: canto figurato. Exige un buen timbre y un gran volumen de voz .

Canto galicano: Canto eclesiástico, natural de la iglesia de Francia. Equivalente del canto romano tradicional, el mozárabe en España y el ambrosiano en el norte de Italia. Durante muchos años logró mantener sus propias características en oposición a la unificación del canto eclesiástico impuesta a fines del siglo VI por el Papa Gregorio I. Desde el siglo XI en adelante las peculiaridades del canto galicano fueron desapareciendo progresivamente, no obstante sus patrones básicos continuaron sirviendo de modelo a numerosas obras de carácter litúrgico, que aparecieron con posterioridad. Una de ellas es el conocido Te Deum, de cuya procedencia galicana no existen dudas.

Canto gregoriano: Repertorio de cantos monódicos de la Edad Media. Fue el estilo adoptado oficialmente por la Iglesia Católica a partir del siglo VII para ser interpretado en sus ceremonias litúrgicas. Se denomina de esta manera en homenaje al Papa Gregorio I (540-604), a quien se atribuye la normalización de su uso en la liturgia y posiblemente algunas regulaciones sobre la forma de cantar. La denominación canto gregoriano es relativamente reciente (principios del siglo XX)³², antes se llamaba modo eclesiástico o canto llano.

Canto hablado: Es la Sprechgesang de la música germana. La ópera Boris Godunov, de Modest Mussorgsky (1839-1881), inspirada en la obra del poeta ruso Alexandro Pushkin y estrenada en San Petersburgo en 1874, muestra ese particular acento melódico, en el se mezclan elementos propios del canto hablado con la armonía de una gran orquesta mezclan elementos propios del canto hablado con la armonía de una gran orquesta 1908). Una parte importante de las composiciones musicales se apoyan en dos formas rítmicas:

1)

binario

, que repite un tiempo fuerte cada dos tiempos. 2)

ternario

, con un tiempo fuerte cada tres tiempos.

Este esquema presenta una notable similitud con la cadencia de la declamación poética, que también es una forma musical dada al sonido hablado. Esa armonía rítmica suele presentarse en la declamación poética con independencia del sentido literal de los vocablos, porque más que una idea concreta, expresa un sentimiento amplio y con un sentido muy variado.

Canto latino versificado: Derivado del latín (versus) Denominación que se usaba entre los siglos XII y XIII para indicar una forma de conductus no litúrgicos inspirados en una gran diversidad de temas profanos o religiosos. Fue el estilo preferido en el repertorio de los trovadores medievales.

trovadores medievales. Motu Propio de Pío X (1903).

Canto litúrgico: Denominación genérica que agrupa a todas las formas de canto empleadas en la liturgia de la Iglesia Católica. La configuración de este tipo de expresión religiosa comenzó efectivamente en el siglo IV, dividiéndose con el tiempo en cuatro ramas o estilos principales: Canto mozárabe (España); Canto galicano (Francia); Canto ambrosiano (Italia); Canto gregoriano (Italia).

Canto llano: Establecido en el siglo VI por el Papa Gregorio I (540-604) quien estableció sus normas. Es el nombre original del canto gregoriano, nombre este último que fue instituido en época relativamente reciente. Esta forma de canto fue aceptada en la reforma de la liturgia romana y contribuyó a la normalización y divulgación del mismo. Se escribía con notas cuadradas.

Canto mensurable: Forma de canto muy dúctil. Se emplea para la interpretación virtuosa de ciertos pasajes de ópera y otras variantes del canto lírico, como las cantatas. Sus características son paralelas a las del canto figurado. Es el que se compone con notas distintas en su forma y duración y permite acomodarlo a diferentes compases y ritmos melódicos.

Canto mozárabe: Estilo de canto eclesiástico derivado del antiguo canto eugeniano. Recibían el nombre de mozárabes los españoles que conservaron la religión católica bajo el dominio de las dinastías musulmanas. El canto mozárabe propiamente dicho se practicó en España desde el siglo VIII hasta fines del siglo XI, aunque en algunos templos autorizados se conservó aquel rito hasta épocas muy posteriores

Cantor:

Cantante, que tiene por oficio el arte vocal. Antiguamente se llamaba de este modo al bardo, poeta especialmente religioso o épico

Cantoral:

Libro del coro donde se hallaban escritas las pautas y las letras del canto religioso. Es una voz derivada del latín eclesiástico (

canturale

o

cantulare

).

Cantoría: Grada que se colocaba antiguamente al costado del órgano para los integrantes del coro de voces infantiles. Llegó a ser un elemento importante en la arquitectura eclesiástica del Renacimiento.

Cantoris: En latín (cantor). Nombre que se daba antiguamente al poeta o bardo que cantaba en lugares públicos. Durante el Renacimiento se llamaba así al maestro de capilla, que llevaba la voz cantante en el coro. Debido a esa tradición, también se denominaba de esta forma al actor-cantante de las primeras óperas.

Canto silábico:

Es la forma vocal en la que las sílabas y las notas musicales se corresponden con exactitud.

Canto surero: Estilo de tonada folclórica, típica de la zona austral de Argentina (Patagonia, provincia de la Pampa, sur la provincia de Buenos Aires). Dentro de este tipo de melodías tradicionales se pueden citar aires pampeanos como la chorrillera, etc. Se suele acompañar con guitarra criolla y eventualmente con la percusión de la caja o el cultrún.

Canto tirolés: Melodía sin palabras inspirada en el grito modulado de los pastores del Tirol. Es tradicional de la región alpina de Austria. También se lo conoce con el nombre de tirolesa. En alemán: jodler.

Canturía: Palabra que en la actualidad se suele emplear en la crítica de ópera, referida en particular al ejercicio del canto. Se dice que una composición musical tiene canturía cuando su línea melódica determina la manera en que ésta debe ser cantada, es decir, su modo o aire. Antiguamente existían distintas formas de canturías (himnos, letanías, canzonetas napolitanas, etc.).

Cantus: En latín (canto). Desde la Edad Media se usó como término genérico en varias locuciones compuestos relacionados con la expresión vocal (cantus planus, cantus mensuratus, cantus firmus, cantus ambrosiano, cantus bizantino, etc.).

Cantus (coro infantil):

En las escolanías y orfeones eclesiásticos del siglo XIX era una variante del canto religioso, realizado por coros infantiles.

Cantus (voz): En el canto polifónico del siglo XVI se usaba como sinónimo de voz superior, la más importante dentro del desarrollo melódico, porque actuaba en contrapunto con la voz del discantus o cantante secundario. Durante el siglo XVIII se daba este nombre al canto de soprano. Se siguió utilizando hasta principios del siglo XX en los libretos de ópera italianos.

Cantus firmus: En latín. Su sentido es “melodía fija”. Esto se debe a que en la Edad Media era una composición básica, sobre la cual se entonaban ciertos cantos religiosos. Antiguamente era una formula usual que permitía recrear ciertas piezas musicales, tomando como estructura a otra que le servía de base. Con el tiempo esa costumbre fue perdiendo adeptos, hasta quedar reducida su práctica escolástica a una forma de contrapunto. En la composición polifónica se llama así a la voz principal. Suele escribirse siempre en latín. Se refiere al canto firme o esencial en la actuación de un coro. Es la voz que entona el tema o melodía básica dentro del cuadro musical. En el contrapunto, se utiliza para distinguir a la interpretación de la primera voz, respecto de la voz secundaria o contravoz. En épocas pasadas también se le llamaba canto tenor, debido a que la voz esencial de este tipo de composición siempre se apoyaba en las voces de los tenores.

Cantus primus:

Indicación de la voz de

tiple

(infantil) en el canto eclesiástico. En el libro facistol se indicaba con una abreviatura (C I).

Cantus secundus:

Indicación de la voz de

contralto

en el canto eclesiástico. En el libro facistol se indicaba con una abreviatura (C II).

Canum:

Denominación latina que tenía la antigua cítara alemana del siglo XVII. Poseía diez cuerdas metálicas

Canyeta: En catalán (pequeña caña). Lengüeta doble de las xeremias (chirimías) y otros instrumentos de viento típicos en el folclore de Cataluña y Baleares. Por su forma, es similar a las cañas de otros instrumentos de su tipo (oboe, corno inglés, etc.). Aunque de factura rústica, en las cornamusas es una pieza fundamental que le permite modular distintas notas musicales. Esto se obtiene mediante la vibración del aire transmitida a la caja de resonancia de la gralla o grall, un tubo de madera provisto de ocho orificios (similar al flabiol) que se acopla al odre.
Canzona: Se denomina así a la canción polifónica o monódica que consta de tres o más estrofas, seguidas de un breve intervalo instrumental.

Canzone : En algunos tratados específicos figura la denominación canzone como vocablo derivado del latín cantius=canto. Es una de las modalidades más antiguas de la lírica italiana. A fines del siglo XVIII se le dio este nombre a una especie de motete polifónico que se representaba en las ciudades toscanas durante las fiestas populares.

Canzone a ballo : En italiano (canción bailable). También llamada ballata, aunque no está relacionada con la tradicional balada, originaria del norte de Europa. Es una forma de canción popular contemporánea de la canzone petrarchesca. El canto lo iniciaba el coro, con el verso primero, continuando la voz solista con las demás estrofas hasta la finalización, en la que volvía a intervenir el coro. Aunque era más usual la forma poética denominada “rimalmezzo” (rima al medio), la canzone a ballo podía aplicarse a cualquier tipo de versos. Fue el estilo musical preferido a fines del siglo XV en la corte de los Medici.

Canzone alla greca :En italiano (canción a la griega). También llamada “pindárica”, porque su letra imita el estilo del poeta griego Píndaro³³. Entre los notables creadores italianos que destacaron en este género cabe citar al fecundo y polifacético escritor savonés Gabrielle Chiabrera (1552-1638), uno de los precursores de la lírica renacentista (canzonette), que halló una valiosa fuente de inspiración en las formas elocuentes de Píndaro y Anacreonte. Otro autor que llegó a profundizar en estas variantes fue el erudito de Vicenza, Giovanni Giorgio Trissino (1478-1552), maestro de la lengua itálica y autor de una célebre“Poetica” editada en 1529.

Canzone distesa : En italiano (de estancia continua). La letra de este tipo de canzone presenta la particularidad de que las estrofas carecen de rima propia, pero cada verso de dicha estrofa rima exactamente con el verso de la estrofa siguiente. Fue una característica de los primeros tiempos de la lírica renacentista, que fue perdiendo adeptos con el paso del tiempo.

Canzonetta : Canción típica y sentimental de la parte sur de Italia. Particularmente, de la Campania (Nápoles), Basilicata, Calabria y Sicilia. Son famosas en todo el mundo por sus bellas melodías y la suave modulación de las palabras, cantadas con un dulce acento, propio de la lengua meridinal del país.

Caña (aerófono): Nombre genérico que recibe una variedad de instrumentos de viento, con el tubo muy largo, común en el folclore musical de diversas culturas, tanto de América, como de Asia o Europa. Básicamente se trata de un cuerpo cilíndrico, sin orificios de digitación y con una extensión que puede variar entre dos, tres y hasta cuatro metros. La boca de salida suele adoptar una forma cónica, a modo de pabellón acústico. También pertenecen a este mismo grupo algunos instrumentos de viento europeos, antiguos y modernos, como el orlos medieval; la trembitta, utilizada por los hutzules de Rumania y Eslovaquia, o la típica corneta de los Alpes de Suiza y Alemania. En América del Sur existe un equivalente denominado caña chapaca o erke, muy popular en el sur de Bolivia (Tarija); el sur del Perú y la región noroeste de Argentina. Su sonido profundo le permite integrar un grupo armónico, junto con el charango y el bombo, en la interpretación de melodías tradicionales del tipo del carnavalito.

³³ Píndaro (c. 522-441 a.C.). Cantor de las glorias atenienses y precursor de la lírica universal, nació en Cinocéfalos, cerca de Tebas. De su obra literaria, ejemplo de armonía rítmica y eufónica, aún subsisten varias colecciones de odas triunfales. Destacan entre ellas“Olimpia” y “Nemea”. El estilo que lleva su nombre sirvió de inspiración a numerosas generaciones de poetas.

Caña (cante): Variedad musical típica de Andalucía, parecida al estilo del fandango. Pertenece al nutrido grupo folclórico del cante flamenco. La caña es una expresión esencialmente vocal. Su carácter es alegre y festivo,

Caña de millo: Instrumento de origen popular, también llamado maraca caribeña. Pertenece a la familia de los idiófonos sacudidos, como el sistro y la cabaza. Es parecido a un sonajero grande. Algunos modelos proceden de la serranía de Abibe, en el norte de Colombia, cerca de la frontera con Panamá. Están fabricados con la corteza seca de una calabaza, que utilizan a modo de caja de resonancia y tienen piedrecillas en su interior para aumentar el efecto rítmico. Pertenecen a la organología de los bailes tradicionales del tipo de la cumbia, el porro palitiao y el caracumbé.

Cappeletta : Palabra italiana antigua, que en música ya no se utiliza. Significa pequeña capilla, nombre con el cual se designaba originariamente a la parte final de la cabaletta, porque se cantaba a cappella.

Capiscol: Del latín (capischolus=director de escuela). Es una voz compuesta, derivada de caput=cabeza y scholae=escuela. Nombre que se daba en la antigüedad al chantre o sochantre que dirigía el canto llano en las escuelas cantorales de la Edad Media (schola cantorum). Fue un término que se utilizó en las catedrales del antiguo reino de Aragón con el título de "cabdillo del Coro para levantar los cantos".

Capiscolía: Oficio y dignidad del capiscol. En la Edad Media se le reconocía la categoría de gran maestro de capilla, vestía capa de seda blanca y portaba un cetro o bordón, que también servía de guía para el canto llano.

Capistro: Del latín (capistrum=cabezal). Arnés para sostener las grandes flautas de madera a la altura de la boca. Su objeto era evitar el cansancio de los tañedores que debían sostener aquel instrumento durante un tiempo prolongado. En la antigüedad tuvo especial aceptación en la ejecución de la flauta doble, cuyos tubos se bifurcaban demasiado dificultando su manipulación. Existían varias formas de capistro, pero básicamente consistía en una faja de piel de carnero, con forma de carrillera y provista de un orificio para la boca donde encajaba la boquilla de la flauta.

Capocomico: Primer cantante de la ópera bufa y la opereta napolitana (cómico principal). Ciro Scognamiglio (1859-1918) maestro indiscutible en este difícil aspecto del arte lírico, está reconocido por la crítica teatral como uno de los más notables capocomici italianos del siglo XIX.

Capotasto: Voz italiana (capo=arriba/tasto=tecla). Pieza de metal existente en el mecanismo del piano que permite alterar las notas limitando la sonoridad de las cuerdas en los tonos altos.

Capotasto (cordófonos): Dispositivo removible de algunos cordófonos como la guitarra, que permite modificar la afinación y, por tanto, los sonidos naturales del instrumento. Se ajusta al mástil con el objeto de subir el diapasón uno o varios tonos. Existen diferentes formas de capotasto aunque las más corrientes suelen ser de latón cromado y con forma de herradura. Algunos modelos -llamados de brazalete- se afirman al mástil mediante un tornillo, mientras que otros emplean un sistema de muelle. En castellano también se denomina ceja o cejilla.

Capotasto (instrumentos de arco): Posición de la mano. En los violonchelos y contrabajos, sirve para designar la presión que ejercen los dedos del músico al pisar las cuerdas sobre el diapasón, con el objeto de modificar la altura de las notas.

Capriccioso:

Voz italiana. Composición musical con forma o aire de

capriccio

(capricho).

Capricho operístico: Género musical que corresponde a la característica de la ópera bufa. Una composición del maestro Antonio Salieri (1750-1825), titulada "Primero la música después las palabras" representa el más acabado ejemplo de esta variedad. El vocablo proviene del italiano: ("capriccio"=antojo u obstinación para crear en total libertad). En la ópera homónima, Richard Strauss (1864-1949) se distingue especialmente por el virtuosismo necesario en la ejecución del divertimento. La ópera en un acto "Ariadna en Naxos" -del mismo compositor- hace gala del capriccio con una variedad excéntrica e inusual. El tema del capricho operístico -también llamado capricho teatral- siempre está relacionado con el argumento de la ópera, de la cual forma parte. Wolfgang Amadeus Mozart, lleva a esta variedad a su más alta calidad expresiva en la magnífica ópera "Der Schauspieldirektor" (El empresario), estrenada en 1786. Con la denominación equivalente de capricho teatral, Ferruccio Bussoni (1866-1924) creó la ópera "Arlecchino oder Die Fenster" (Arlequín o Las ventanas).

Caput chori: En latín (cabeza de coro). Cantor experimentado en las formas del canto llano que dirigía las distintas voces en los conjuntos corales de la Edad Media. Fue un cargo equivalente al capiscol de las escuelas cantorales (schola cantorum).

Caracoles:

Grupo de danzas y cantos pertenecientes al folclore regional de Andalucía.

Carácter (instrumental): Se dice que cada instrumento tiene su propio carácter y que éste se adapta a las necesidades expresivas de la música. Así, el compositor debe saber elegir los instrumentos adecuados para llega a trasuntar un determinado carácter o un estado de ánimo

Caracumbé: Nombre de una antigua danza coreográfica, natural de Antioquía (Colombia). Pertenece al folclore musical de los campesinos negros que trabajaban en los cafetales y minas de aquella región, ubicada entre los valles del río Magdalena y las estribaciones de la cordillera central colombiana. Pertenece al mismo grupo de composiciones tradicionales del que procede la cumbia.

Carajillo: Idiófono de madera, cuyo sonido imita a las castañuelas. Es típico en algunas regiones de Galicia, Asturias, Cantabria, y también en Suramérica, Consiste en un cuenco de madera de olivo, de unos 12 ó 15 cms de largo, provisto de una varilla plana, sujeta a una banda de goma retorcida, que la mantiene en tensión. Al presionar y soltar -de manera rítmicauno de los extremos de dicha varilla, ésta percute el borde del cuenco, produciendo el sonido hueco, característico de estos instrumentos. Existe una variante más simple, que se fabrica con media cáscara de nuez. El efecto sonoro es similar. Caramba (danza): Denominación popular de un baile folclórico argentino³⁴. Es una danza galante, marcada por movimientos alegres y acelerados, con ritmo de castañetas, giros, contra giros o “contragiros” y media vuelta. Lo interpretan parejas sueltas e independientes, en una ingeniosa coreografía de círculos, en los que el hombre enamorado simula perseguir a su amada, mientras ésta lo esquiva con gestos graciosos. Finaliza con la típica coronación que pone el punto final a estas danzas.

Caramba (instrumento): Idiófono de calabaza, relleno de piedras o semillas secas, que se utiliza para marcar el ritmo de algunas danzas populares de América Central. Existen distintos ejemplares con este nombre, la mayoría de ellos fabricados con epicarpios de frutos diversos.

Caramelles: Forma de serenata del siglo XVI, popular en la región pirenaica de Cataluña. Durante las últimas décadas del siglo XX es recuperada por musicólogos y grupos folclóricos con el propósito de mantener las tradiciones folclóricas locales en lengua catalana. Se trata de un tipo de manifestación cultural, en forma de coro, que tiene carácter de homenaje y se suele cantar los domingos de Pascua en honor de las figuras relevantes de cada pueblo o las personalidades que se encuentran de visita. Actualmente, su área de difusión comprende las provincias catalanas de Gerona, Barcelona Tarragona, Lérida, el principado de Andorra y parte del Rosellón francés.

Caramillo: Del latín calamellus (derivado de cálamus=caña o tallo cilíndrico similar al junco). Denominación que corresponde a una serie de flautas simples y dobles, de distinto origen, a las que se conoce desde la antigüedad. Varias de ellas pertenecen a la familia de los oboes. La mayoría tiene cuerpo alargado, carecen de llaves o pistones y la embocadura puede coincidir con un orificio rectangular y acanalado. El sonido de los caramillos suele ser un tono tiple, en general bastante agudo.

Caramillo de bombarda: Se parece a la dulzaina contemporánea de madera, empleada en la ejecución de música folclórica. La boca es algo acampanada. Se emplea como tiple en la bombarda francesa, llamada por los músicos galos chalanice-bombarde.

Caramillo de cornamusa: Tubo de gaita, que se emplea para ejecutar la parte aguda de estos instrumentos de fuelle, en contraste con el sonido grave del bordón. Se puede separar del fuelle de la gaita y ejecutar en forma normal soplando por la embocadura.

Caramillo de lengüeta: Instrumento antiguo, similar a la flauta denominada aulos por los antiguos griegos y tibia por los romanos. Últimamente se ha rescatado del olvido, incluyendo su uso en los conjuntos tradicionalistas dedicados a la interpretación de la música folclórica europea.

Caramillo doble frigio: Tenía dos tubos distintos. Uno era recto y el otro, más largo y curvo, terminaba en forma de campana. Se utilizaba en el acompañamiento del ditirambo, en ocasión de las fiestas dionisíacas.

Caramillo doble griego: Flauta de dos tubos, bastante larga, y provista de una serie combinada de orificios, que se ejecutaba con la ayuda de un arnés de cabeza, llamado capistro, destinado a sostener la embocadura del instrumento fija a la altura de la boca, evitando esfuerzos al ejecutante. Se conoce su existencia por dibujos e ilustraciones en piezas de cerámica.

³⁴ Interjección de origen africano, llevada a América por los esclavos negros (siglos XVIII-XIX). Denota contrariedad o extrañeza.

Caramillo italiano: Instrumento tradicional del sur de Italia (Sicilia, Calabria, Basilicata, Puglia, Campania) Por su forma parece inspirado en los antiguos oboes de los griegos. Algunos modelos pueden tener la boca más ancha que el resto del cuerpo. El tubo corriente tiene una extensión de 40 a 50 cms, con seis orificios en la parte superior. Se suele afinar en si bemol.

Caramillo pastoril: Aerófono popular, de caña, derivado de las antiguas flautas de los pastores griegos. Tiene pequeñas dimensiones y generalmente dispone de tres a cuatro agujeros. La extensión del diapasón es bastante reducida. Se trata de un instrumento muy difundido en el área cultural del Mediterráneo (Islas Baleares, Córcega, Cerdeña, Sicilia, Creta, etc.). En Mallorca y Menorca existe un ejemplar que se usa en las fiestas populares para ejecutar melodías típicas con el acompañamiento de un pequeño membranófono, llamado comúnmente tamborí. El tubo aéreo del caramillo pastoril consiste en un segmento de caña de 25 a 30 cm de largo, sin nudos y su pico es similar al de la flauta dulce. Lleva dos orificios de digitación en la parte superior y uno solo en la de abajo. Fue un instrumento infaltable en las celebraciones populares que se llevaban a cabo en el ámbito rural. En la actualidad muchos instrumentos de viento tradicionales han recuperado su popularidad, especialmente por la actuación de los grupos folclóricos locales.

Caramillo ruso: También llamado ragiok o rojok. Es un instrumento rústico utilizado por los pastores de las llanuras caspianas, bañadas por los ríos Volga y Ural. El tubo puede estar fabricado con caña o varilla de madera. Tiene unos cuarenta centímetros de largo y seis agujeros, cinco en el frente y uno en la parte posterior.

Caramillo tirolés: Aerófono antiguo que los franceses llaman chalumeau. Su tono de afinación es algo más grave que el clarinete moderno. Tiene una lengüeta similar a la del oboe y seis orificios armónicos, uno de ellos accionado mediante una llave suplementaria. Los caramillos de este tipo que se emplean en la actualidad, guardan la forma de los modelos de siglo XVIII. Aún se suelen emplear en algunas comarcas montañesas del Tirol, como instrumento típico de las agrupaciones folclóricas. Se considera a este instrumento como un precursor directo del clarinete bajo y el oboe.

Carátulas: Desde la antigüedad clásica, las dos carátulas o máscaras, representaron el símbolo universal de la actividad teatral. La tradición iconográfica atribuye el concepto y la esencia de la idea a las célebres musas Talía y Melpómene. La máscara de Talía (la comedia) tiene el gesto de la risa, mientras que la de su hermana Melpómene (la tragedia) ostenta la expresión del llanto.

Carcelera: Variedad del cante flamenco que se interpreta con aire de lamento y sin acompañamiento de guitarra. Por su forma, cadencia y ritmo está emparentada con la toná. La denominación carcelera proviene del tema argumental de muchas de sus coplas, compuestas por versos octosílabos, que suelen repetirse y que casi siempre están relacionadas con la vida amarga de los presos comunes o perseguidos políticos.

Caricato: Término de la ópera bufa. Es un vocablo italiano (derivado de caricatura=carga, en el sentido figurado de molestia). Se refiere al cantante bajo que desempeña un papel grotesco o fastidioso por lo ridículo.
Carillón (de láminas): Instrumento idiófono, también conocido con el nombre de carillón de Mahillon. Los ejemplares originales estaban compuestos por una serie de láminas de acero que vibraban dentro de una caja armónica. Se accionaba mediante un sistema de teclado. El nombre de este instrumento proviene de su primer fabricante. Con el tiempo se idearon nuevos aparatos basados en el mismo principio. El vibráfono, la celesta y el campanólogo proceden de aquel primitivo modelo.

Carillón (de timbres): Idiófono de sacudimiento compuesto por un eje provisto de mango, en el que se insertan un número indeterminado de timbres cóncavos de diferente tamaño y sonoridad. La serie completa suele observar en escalas variables. Por lo general, cada elemento está separado de siguiente por el espacio de una octava. Es una variante múltiple del timbre corriente, provisto de un solo elemento.

Carillón (mecánico): Conjunto de campanas tradicionales de bronce, con diferente tamaño y sonoridad, que al tañerlas mediante un sistema adecuado forman una melodía. Existen carillones de gran tamaño, instalados en torres o campanarios, que pueden ejecutar sonidos variados por medio de complejas combinaciones de muelles y palancas. Los artefactos de este tipo más antiguos, que se conocen, datan del siglo IX. En aquella época se utilizaban cadenas y engranajes accionados a mano con la ayuda de grandes barras articuladas. A fines del siglo XV se inauguró en Flandes el primer carillón gobernado mediante un ingenioso sistema de teclado parecido al de un órgano. Más tarde se instalaron sonerías mecánicas similares en Dunkerke y en la iglesia de Saint Germain en París, cuyos modelos fueron copiados o imitados por numerosos fabricantes. En los últimos años se han desarrollado en Europa interesantes conciertos de campanas.

Carillón (tubular): Instrumento portátil, que lleva el mismo nombre del carillón tradicional, pero pertenece a la familia de los idiófonos. Está compuesto por un bastidor metálico del que penden 18 barras tubulares de bronce, de diferente largo, y afinadas con tonalidades que van desde los graves hasta los agudos. Se percute manualmente con unos martillos especiales.

Carnavalito: Danza colectiva, alegre y movida, cuya coreografía muestra una evidente influencia o inspiración del folclore musical incaico. Es muy popular en las provincias del noroeste de Argentina, región de donde procede y es oriunda esta danza. Se baila con muchas parejas formando grandes rondas al compás de la música. Los instrumentos tradicionales del carnavalito son la quena, el charango, el bombo criollo o legüero, la caja unacara, la tarka o anata, y ocasionalmente, el acompañamiento de guitarras.

Carol: Vocablo musical de origen británico. (Significa Villancico). Se refiere a un tipo de canción popular festiva y de interpretación polifónica. Es el nombre genérico que reciben en las Inglaterra y en otros países de habla inglesa los típicos villancicos de Navidad.

Carraca: Antiguo instrumento de madera, de la familia de los idiófonos autorresonadores. El sonido lo produce una lengüeta del mismo material y regular grosor, que bate contra las puntas de una rueda dentada fija al eje giratorio. Existen distintas variantes y tamaños. También se lo conoce con el nombre popular de matraca. Manuel de Falla -inspirado en la obra de Miguel de Cervantes- lo incluye como elemento de escena en la representación de la pequeña ópera para marionetas, titulada "El retablo de Maese Pedro", escrita en 1923. En la vertiente andina del folclore hispanoamericano (Bolivia, Perú, noroeste de Argentina) existe una variedad de carraca que utilizan los maestros de música, o directores de bandas tradicionales, para anunciar la entrada de los bailarines sikuris en la espectacular danza que lleva ese nombre.

Cartagenera: Cante flamenco, típico de la provincia de Murcia. Corresponde al grupo llamado "del levante español", como la taranta, de la provincia de Almería y la minera, de Huelva. Todas estas variedades regionales pertenecen en conjunto al folclore de Andalucía.

Cascabel:

Esfera de metal hueca y provista de una anilla para sujetarla. Lleva en su interior una o varias bolillas de metal que suenan al sacudirla.

Cascabelada:

Nombre antiguo de un registro de órgano, cuya sonoridad era parecida a la que podrían producir muchos cientos de cascabeles. Ya no se emplea.

Cascada: Denominación que recibe la escala cromática. Es una suerte de floritura -muy celebrada en el canto de ópera- mediante la cual se entona una nota aguda y sostenida, para luego hacerla descender progresivamente por semitonos hasta el final. También se le dice en caída.

Cassazione: En italiano (cancelación). Especie de divertimento musical, típico del siglo XVIII, que se utilizaba como cierre o punto final en un concierto improvisado o una serenata. Wolfgang Amadeus Mozart y Franz-Joseph Haydn compusieron varias piezas de este tipo.

Castanyetes: Nombre catalán de diversos tipos de castañuelas. Son populares en el folclore de Cataluña, Valencia y las islas Baleares Existen distintos tipos: castanyetes de canya (de caña); castanyetes de copinyes (de concha), etc. También se conocen con los nombres de closques, nyacres o castanyoles.

Castañetas: Chasquido seco y breve que se logra haciendo sonar con fuerza los dedos medio y pulgar. Forma parte de la coreografía de varias danzas tradicionales en distintos países. El sonido es similar al de las castañuelas, pero menos rápido. Se emplea en el baile flamenco, en las danzas argentinas, en la cueca chilena, etc.

Castañuelas: Instrumento idiófono, consistente en dos conchas de madera dura, unidas por un lazo, que se entrechocan mediante el rápido movimiento con los dedos. Las castañuelas se emplean para marcar el ritmo musical en las danzas folclóricas de varias regiones de España. Existen constancias documentales que las señalan como procedentes de Egipto. También se sabe que llegaron a la península ibérica con los árabes y que ya eran muy populares desde el siglo XI en adelante. Para ejecutarlas se emplean por pares. Cada dupla de castañuelas puede emitir un sonido distinto, que se suele complementar a la perfección, tanto con los compases del acompañamiento vocal e instrumental, como con el eco sostenido que alternativamente va produciendo el golpe del otro par. Un ejemplo de ingeniosa combinación instrumental, "Feuillets d'Album", composición para canto y piano con castañuelas, de Héctor Berlioz (1803-1869).

Castratti : Niños cantores que eran sometidos a la práctica cruel de la castración, con el propósito de evitar las alteraciones vocales propias de la pubertad, logrando así intérpretes masculinos con voces de soprano y contralto. Esta horrible costumbre, en la que tuvo participación la Iglesia católica, dejó de llevarse a cabo recién a fines del siglo XVII. En la capilla Sixtina se utilizaron los castratti para los cantos litúrgicos hasta que el Papa Clemente XIV decidió prohibirlos autorizando a las mujeres para que interpretaran papeles femeninos. En el siglo XVI eran célebres los falsetistas españoles que cantaban en la campilla pontificia. Durante todo el periodo barroco fueron los intérpretes que gozaban de mayor éxito en los escenarios europeos. En 1601 fueron sustituido por castratti italianos, a los que llamaban sopranistas. Por una bula del Papa Sixto V, enviada al nuncio apostólico en España, se sabe que los castrati también cantaban en las iglesias españolas. Uno de los más renombrados en la historia del bel canto fue el napolitano Carlo Broschi (1705-1782)
-conocido con el seudónimo de Farinelli- que tuvo una gran influencia en el arte y la política cultural española entre 1736 y 1759, bajo los reinados de Felipe V y Fernando VI. En el ámbito de la música religiosa, los castrati italianos lograron eclipsar con su éxito al predicamento que habían obtenido los contratenores españoles durante los siglos XVII y XVIII.

Catabasis:

Progresión de sonidos descendentes. Es un término procedente de la antigua música griega.

Catacústica:

Parte de la acústica que trata de los ecos y resonancias. Se aplica al estudio y diseño de salas de concierto, cámaras sonoras, cajas de instrumentos, etc.

Catarineta: En catalán (catalinita). Nombre popular de la cornamusa catalana, también conocida con los nombres de xeremeia o xeremía, sac de gemecs o borrega. Se sabe de su existencia en Europa desde el siglo XII. Su área de dispersión cultural comprende gran parte de la península ibérica y las islas Baleares. Existen variantes de este instrumento en otras regiones del Mediterráneo (Provenza, Córcega, Sicilia, Cerdeña) y también el norte de África.

Catch : Estilo de composición para varias voces en contrapunto, típica del Barroco. Fue bastante popular en Inglaterra durante los siglos XVII y XVIII. Por su forma era similar al canon, aunque la letra solía ser cómica o picaresca. Destacaron en la producción de este género menor los compositores Henry Purcell (1659-1695) y Thomas Arne (1710-1778). En la numerosa creación de ambos autores destacan piezas vocales e instrumentales de este tipo, inspiradas en la sociedad de su tiempo.

Cavaquiño : Instrumento de cuerda, de tesitura bastante aguda, muy popular en Brasil y Portugal. Es similar al charango boliviano pero con caja de madera. Tiene cuatro órdenes de cuerdas simples, afinadas de aguda a grave como el banjo (re-si-sol-re), que se ejecutan al rasgueo.

Cavatina (instrumental): Composición musical del siglo XIX, cuyo movimiento era semejante al del típico adagio italiano. Un descriptivo ejemplo del espíritu de la cavatina instrumental, puede apreciarse en la magnífica pieza para cuerdas de Ludwig van Beethoven "Cuarteto en si bemol para 2 violines, viola y violonchelo" Opus 130, escrita en 1826.

Cavatina (vocal): Es un aria o canción breve, libre de coloraturas, compuesta por un cuerpo argumental dividido en dos partes, y que suele prescindir de los estribillos o repeticiones. Durante los siglos XVIII y XIX se llamaba así a un fragmento lírico destinado solamente a la parte cantoral en los oratorios. En la ópera clásica, corresponde a la presentación de un cuadro o acto único, por lo general de carácter romántico. Se trata de un fragmento compuesto al estilo de la canción provenzal, que suele aparecer en escena con un gran lirismo. Sus valores de ritmo y modo son semejantes o menores que en el aria y siempre se destaca por el canto individual. Son dignas de un emotivo recuerdo las cavatinas compuestas por Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart.

C double flat:

Denominación de la nota

do doble bemol

en la terminología musical inglesa. Equivalente de

Ceses

en alemán y ut

double bémol

en francés.

C double sharp:

Denominación de la nota

do doble sostenido

en la terminología musical inglesa. Equivalente de

Cisis

en alemán y

ut double dièse

en francés.

Ceja: En los instrumentos cordófonos, es un pequeño listón de hueso o marfil que sirve para apoyar las cuerdas y mantenerlas separadas. Esta pieza se ubica justo en la unión del mástil y el clavijero.

Ceja de guitarra: También llamado capotasto. Pieza metálica, con forma de espuela, provisto de un tornillo que se ajusta al mástil de algunos instrumentos de cuerdas y trastes, con el propósito de modificar la afinación o facilitar la ejecución de melodías que requieren una determinada entonación.

Ceja del diapasón:

Pieza componente de la caja armónica del piano. Es un listón de madera que se une a la hipotenusa del diapasón.

Ceja de secreto:

Pieza componente de la caja armónica del piano. Tiene forma curva y lleva las púas o puntas que dan dirección a las cuerdas.

Cejar:

Se llama así a la presión que el guitarrista realiza con el dedo índice sobre los trastes del instrumento para cambiar el tono de la cuerda al ser pulsada.

Cejilla (cordófonos con mástil): Aditamento metálico y removible de la guitarra u otros instrumentos, como la viola y el laúd, que se ajusta mediante un muelle o tornillo y permite pisar las cuerdas a una determinada altura del mástil, con el propósito de modificar la entonación. Es una operación que se lleva a cabo de acuerdo con la melodía que se deba ejecutar, o bien con voz del cantante, en el caso de un acompañamiento. Otra denominación usual de este mismo elemento es la forma italiana capotasto.

Cejilla (mecanismo del arpa): Piezas fijas de este instrumento consistentes en unos pernos de acero acanalado, que permiten orientar cada una de las cuerdas para que puedan ser tensadas por el mecanismo giratorio de las horquillas. El sistema de cejillas (una para cada cuerda) se encuentra ubicado en el cuerpo lateral de la consola-clavijero.

Cejilla (técnica de ejecución manual): Presión ejercida por el dedo índice de la mano izquierda. Se aplica de manera transversal sobre un traste del diapasón de la guitarra u otro instrumento de su tipo. Al pisar las cuerdas de esta manera se modifica la altura de la nota básica. Esto es así en el caso de los ejecutantes diestros, o a la inversa si son zurdos. Para realizar esta operación, también se puede empleare el dedo pulgar.

Cejuela:

Tiene el mismo significado que las dos primeras acepciones del término

cejilla

. La tercera acepción no es usual.

Celeriter: En latín (presto/acelerado). Acotación musical simbolizada por la letra c minúscula. Fue utilizada en el siglo VIII por el monje Romanus de la abadía del cantón de Sankt Gallen (Suiza), con el objeto de facilitar la lectura en la notación neumática del canto gregoriano.

Celesta: Instrumento musical de teclas, inventado en Francia a fines del siglo XIX por el constructor Adolphe Mustel, sobre el modelo de un instrumento similar, originario de Java. Su sonido, puro y cristalino, posee bellas resonancias que recuerdan a los pequeños carillones de campanas tubulares. De allí su nombre, derivado del francés (céleste=celestial). El mecanismo sonoro de este instrumento se parece bastante al del armonio y su afinación se realiza de manera similar a la del piano. La celesta aparece por primera vez como instrumento de la orquesta sinfónica en las obras del compositor y director austríaco Gustav Mahler (1860-1911). En la ópera luce su amplitud cromática con el advenimiento del verismo, siendo Ruggiero Leoncavallo y Giacomo Puccini quienes logran aprovechar mejor las posibilidades eufónicas de este versátil instrumento. Richard Strauss (1864-1949) le dio su mejor realce en las escenas románticas de la comedia musical en tres actos "El caballero de la Rosa", estrenada en 1911. Como ocurre con el piano, la celesta tiene un sistema de pedales que le permite graduar los sonidos de acuerdo con la tonalidad general de la obra. El timbre de este instrumento, célebre en la historia de la ópera, por el conocido tema de la rosa de plata, se basa en una serie de equilibradas melodías de tonalidades agudas, magistralmente acompañadas por acordes mayores de flautas, violines y arpa. Debido a esas interesantes propiedades sonoras, también la música contemporánea halla en la celesta un aliado imprescindible para el desarrollo de las melodías descriptivas. Su sonido, brillante y bien definido, gozó de una gran aceptación durante la segunda mitad del siglo XIX, época en la que figuró en varias orquestas sinfónicas de renombre mundial. La celesta alcanzó un papel relevante como instrumento solista en la suite "Danza del ada", del ballet "Cascanueces" Opus 71a, del notable compositor ruso Piotr-Illitch Chaikowski (1840-1893). El aspecto exterior de este instrumento se aproxima al de un piano vertical, aunque su sistema sonoro, en lugar de cuerdas emplea láminas de metal integradas en una batería de finos tubos resonantes de madera. La caja armónica posee un mecanismo que entra en acción con la presión de unos pequeños martillos. Algunos modelos tienen resonadores tallados en maderas nobles, no resinosas, como las del roble y la encina. El sonido real de la celesta siempre resulta una octava superior. Estando bien afinada, la extensión normal de su escala completa puede comprender desde el do¹ hasta el do⁶, alcanzando una extensión entre cuatro y cinco octavas aproximadamente.

Celeste (armonio/órgano):

Registro tipo de estos grandes instrumentos aerófonos, dotado de un sonido dulce y suave.

Celeste (piano):

Nombre del pedal derecho del piano, también llamado suave.

Celestino: Instrumento anterior al pianoquatuor, creado a fines del siglo XVIII. Poseía un teclado de ébano y marfil que ponía en movimiento un complejo mecanismo de rueda a pedal, poleas y cinta de seda que hacían vibrar las cuerdas.

Celeusma: Del griego (kéleusma=orden/mando). Canto acompasado del celeusta o jefe de los remeros en los navíos de guerra griegos, egipcios y romanos. Tenía por objeto marcar el ritmo del movimiento de los remos. El canto solía acompañarse con instrumentos de viento y el redoble de dos grandes timbales. Los marineros también acostumbraban cantar a coro siguiendo los movimientos de cada banda, que respondía en contrapunto al girar hacia babor o estribor. Algunos autores la llamaron "música del mar", acotando que ejercía un poderoso influjo en el ánimo de los hombres sometidos a tan dura faena. Celéustica: Nombre genérico que define la música marcial. Se suele darse en las faenas a bordo de los grandes veleros, cuando los marineros se acompañan por medio de cantos para dar ritmo y fuerza a su trabajo de izar y arriar velas. La celeústica aparece reiteradamente en la ópera como un efecto descriptivo. Antiguamente se aplicaba a la transmisión de órdenes y señales militares.

Cello:

También

celo

o

chelo

. Forma abreviada del nombre italiano del

violonchelo

. Se suele emplear para indicar en el pentagrama la entrada del

bajo continuo

.

Cémbalo: Forma antigua. Instrumento de teclas, también conocido por el nombre de protreo. Estuvo en boga en Florencia entre los siglos XVIII y XIX destinado a la interpretación de música sacra. Se utilizó en algunas óperas y oratorios, para representar los pasos en el bosque y otras escenas bucólicas. Tiene un tamaño menor que la espineta y sus cuerdas se tocaban con unas varillas curvas llamadas plectros.

Cembalo ungarico: En italiano (címbalo húngaro). Cordófono de origen incierto. Apareció en el país magiar hacia el siglo XIV, posiblemente traído de Asia, desde donde pasó a Italia y luego al resto de Europa. Su caja de percusión es plana y tiene forma rectangular o trapezoidal. La versión moderna de este instrumento consta de un soporte con cuatro patas, 35 cuerdas vibrantes y apagadores que funcionan a pedal. Para pulsar las cuerdas se emplean baquetas de madera. Se emplea especialmente en las interpretaciones musicales donde debe destacar la escala zíngara. Franz Liszt creó bellas composiciones para piano inspiradas en esta forma musical.

Cencerrada: Nombre vulgar de un espectáculo teatral popular, que estuvo en auge desde fines del siglo XIX hasta las primeras décadas del XX. El término se empleaba para designar a una forma de parodia musical que intentaba imitar la ópera bufa. Su manera aparente de interpretación instrumental -anárquica y discordante- imitaba la forma de un concierto serio, provocando hilaridad con sus errores groseros.

Cencerro afrocubano: Campanillas de hierro o latón, de forma cilíndrica o cónica. Similar al cencerro europeo, aunque su origen es africano. Algunos ejemplares portan un pequeño badajo de latón. Se emplea corrientemente en la música folclórica del caribe. El compositor francés Olivier Messiaen (1908-1992) indagó en la sonoridades de este instrumento, aplicando sus notas agudas y penetrantes en la obra orquestal para instrumentos de madera y percusión metálica "Et exspectro resurrectionem mortuorum" estrenada en París en 1964.

Cencerro de jazz: Serie afinada de diez o más cencerros que se emplean como un idiófono polivalente en algunas orquestas populares y de música campesina en el sur de los Estados Unidos. Es un instrumento de batería que eventualmente se utiliza en las interpretaciones de be-bop, blues o jazz como elemento musical de apoyo.

Cencerro europeo: Es un instrumento del grupo de los idiófonos percutidos, evidentemente inspirado en su forma y sonido por los tradicionales cencerros de las vacas. Aunque esta versión no lleva badajo y se percute mediante una baqueta de madera sin forro, similar a la de los tambores y cajas militares. El compositor austriaco Richard Strauss (1864-1949) los emplea como elemento descriptivo en su "Sinfonía Alpina" Opus 64, estrenada en 1915.
Cencerro espiritual: Una versión de menor tamaño, compuesta por dos o tres cencerros unidos a un yugo de madera, se suele tañer también en los oficios y cantos religiosos de la comunidad negra norteamericana. Lo llaman en inglés spiritual bell para diferenciarlo del cencerro común del ganado (cowbell).

Cent: En inglés (centavo/centésima parte). También llamada unit Ellis 35. Se trata de un sistema muy exacto en la medición de los intervalos musicales. Para aplicarlo, se divide la octava en 1200 partes o cents. De tal manera, que cada semitono temperado se compone de 100 cents. Como referencia de medida musical, aunque no es la única, ha tenido un desarrollo considerable, dado que en la actualidad su empleo está difundido en todo el mundo.

Cepo: Del latín (cippus). Es una pieza de la gaita o cornamusa, tallada generalmente en madera de boj, que permite acoplar los tubos sonoros al odre. También sirve para sujetar y proteger las lengüetas correspondientes a los asientos de los diferentes tubos (roncón, clarines, bordoneta, etc.).

Cerdas: En los instrumentos de arco. Parte de este implemento que entra en contacto directo con las cuerdas y produce los sonidos por efecto de la frotación. Generalmente se compone de un haz de crines de caballo que se extiende longitudinalmente, desde la nuez del arco hasta la punta o cabeza. El conjunto de las cerdas, montadas y estiradas, se suele llamar cinta.

Cervelat: Pequeño fagot francés de los siglos XVI y XVII. Ofrecía el aspecto de un barrilito cilíndrico con seis agujeros, al que se conectaban la boquilla, un juego de tres llaves y el pabellón. En el interior del cilindro tenía un tubo replegado ocho veces sobre un eje central. El aire insuflado por el ejecutante pasaba por ese tubo interno aumentando notablemente la extensión del mismo. A pesar de su reducido tamaño, -sólo 15 cm de altura- el sonido era bastante grave.

Ces:

Nombre de la nota

do bemol

en la nomenclatura de Alemania y otros países que utilizan dicha terminología. Equivale a

C flat

en inglés y

ut bémol

en francés.

Ceses: Nombre de la nota do doble bemol en la nomenclatura de Alemania y otros países que utilizan dicha terminología. Equivale a C double flat en inglés y ut double bémol en francés.

Cesura: En la letra de ópera tiene importancia por el ritmo musical que deben mantener las frases declamadas. Es un vocablo propio de la poética que se aprecia cabalmente en el estilo recitativo. Además de la pausa versual, que marca el límite de cada verso, la frase poética con una extensión mayor de ocho o nueve sílabas, puede contener otra pausa intermedia, llamada cesura. La aplicación de esta pausa suele quedar determinada por el control de la respiración del rapsoda o cantante. Aunque menos pronunciados en la prosa también existen condicionamientos rítmicos y estilísticos, como ocurre con la poesía tradicional.

³⁵ Unidad Ellis: Así llamada en homenaje al investigador, fonético y filólogo inglés Alexander John Ellis (1814-1890), considerado mundialmente, como uno de los precursores de la musicología. Entre las obras más destacadas de este autor, cabe citar: “Pronunciation for singers” (Pronunciación para cantantes) [1ª Edición 1877] y“The History of Musical Picht” (Historia del tono musical) [1ª Edición, 1880].

Cetera: Variedad de laúd autóctono, originario de la isla de Córcega. Existen diversas formas típicas, según la época y procedencia: (Nebbiolo, fines del siglo XVIII; Pertusato, hacia 1830-40). La referencia más antigua, data del siglo XVI. En la actualidad, todo lo relacionado con este instrumento es objeto de estudios musicológicos, especialmente en lo que se refiere a las composiciones folclóricas contemporáneas. Su área de difusión comprende también a la vecina isla de Cerdeña y la parte norte y occidental de la península itálica. Como la cítola (un instrumento de la misma familia) la moderna cetera tiene cuerdas pareadas de metal que descansan sobre un puente y se anudan a serie de pernos insertos en la base del instrumento. Su sonido es bello y melodioso.

C flat:

Denominación de la nota

do bemol

en la terminología musical inglesa. Equivalente de

Ces

en alemán y

ut bémol

en francés.

Chrout: Antiguo instrumento musical francés, parecido a una lira grande. Del celta (crwuth). Según parece, ya era conocido en el siglo II a. C. y su uso era privativo de la casta sacerdotal. Posteriormente, lo emplearon los bardos galos para acompañar los cantares referidos a las hazañas de sus héroes legendarios.

Ciaramella: Variedad de oboe de lengüeta doble, con el tubo cónico de madera torneada y un amplio pabellón acampanado. Es un instrumento de viento tradicional en las regiones central y sur de la península itálica (Lazio, Campania, Molise, Lucania, Calabria). Existen distintos modelos de ciaramelle, la mayoría provistas de un número variable de orificios de digitación (seis a ocho), más uno o dos para la modificar la entonación, que se pueden obturar mediante un tapón de cera. Por lo general, alcanza una escala diatónica de ocho a diez sonidos bien definidos. Su tamaño suele variar de acuerdo con la tonalidad y la cantidad de agujeros (de 20 a 28 cms).

Ciarambone: Antiguo tambor folclórico del sur de Italia. Una variante más grande que el tamburello. Este membranófono tradicional -el más voluminoso de su tipo- se empleaba en el acompañamiento rítmico de los cantos y danzas, como el baile napolitano “ncopp ‘o tammurro”, también conocido con el nombre popular de “tammurriata”. Aunque era originario de la provincia de Nápoles (Campania), también se lo conocía en Calabria y en la isla de Sicilia. Su diámetro puede superar los 80 cms.

Cíclica: Se llama así a las piezas musicales compuestas por distintos movimientos o fragmentos melódicos. La principal característica de la forma cíclica es que cada uno de esos movimientos va desarrollando una parte consecutiva en el contexto argumental, también llamado "temática de la obra". Se emplea primordialmente en las composiciones dedicadas a la comedia musical.

Ciclo: Colección de obras musicales, reunidas bajo un mismo estilo o género. Las piezas pueden ser independientes, o estar relacionadas por un tema común. En los álbumes musicales, los ciclos se agrupan bajo un título único que les brinda el carácter asociativo.

Cielito: Antigua danza tradicional argentina, de carácter galante y movimiento combinado (pausado y vivo). Es una forma local, derivada de la contradanza y otros bailes españoles de salón. Existen constancias documentales de su existencia durante el periodo colonial (siglos XVIII-XIX). La versión moderna se interpreta por parejas, tomadas de la mano, con un intermedio en forma de vals, con vueltas y enlaces. Su variada coreografía también presenta balanceos, giros, contragiros, zapateo y zarandeo.
Cifra: Forma cantable tradicional en el Río de la Plata (Argentina, Uruguay), donde ya se la conocía desde mediados del siglo XIX. La denominación proviene del antiguo método español de tabulatura o entabladura, utilizado en América durante la época colonial. Fue la expresión musical preferida por los payadores gauchescos, que divulgaron su estilo a través de la extensa llanura pampeana.

Cifra de bajo:

Son los números que se escriben en las pautas y sirven para indicar los distintos acordes a los intérpretes.

Cifra de digitación: Se refiere a una serie de cifras o números que sirven para señalar la ubicación exacta de los dedos en los métodos prácticos dedicados al aprendizaje de la guitarra u otros instrumentos cordófonos como el arpa, el banjo. el machete portugués.

Cifra de tablatura: Antigua forma de digitación para los instrumentos de cuerda. Data del siglo XIV y se usaba especialmente con la guitarra moresca, la guitarra latina, el laúd o la domra de origen arábigo. Durante los siglos XVI y XVII se empleaba también con la pandora y la viola d'arco. En cierto modo es una manera de indicar el punto exacto donde el ejecutante debe presionar determinadas cuerdas para obtener el sonido deseado, como ocurre con las modernas cifras de digitación. Las cifras de tablatura se empleaban como signos adicionales junto con la notación musical corriente.

Cifra indicadora:

Es la que va escrita al iniciar la partitura, inmediatamente después de la clave.

Cífteli: Cordófono de Albania que pertenece a la familia del laúd. Tiene el mástil largo, el diapasón con trastes, la caja convexa, en forma de pera, y el clavijero fuertemente inclinado hacia atrás Sus seis órdenes de cuerdas se tañen con plectro.

Cilindro (aerófonos): Receptáculo en el sistema de los instrumentos de metal donde se aloja el pistón. Antiguamente se les llamada "instrumentos de cilindro" (tuba, trompeta, fliscorno, trombón de pistones, etc.).

Cilindro (membranófonos): Cuerpo central de algunos instrumentos de percusión sobre el cual se afirma el marco que mantiene tenso el parche, las cuerdas o el sistema de tornillos. Según el modelo, los cilindros pueden ser de madera, metal o fibra sintética.

Cilindro (organillos de manivela): Pieza tubular intercambiable, provista de pestañas de metal (bronce o latón). Podía acoplarse al mecanismo motor de los organillos portátiles. Al girar, el cilindro ponía en acción el teclado del instrumento haciendo sonar las notas correspondientes a la respectiva disposición de las pestañas. Cada cilindro tenía una melodía diferente. En la actualidad, estos cilindros son elementos de museo que forman parte de la historia de la música.

Cimbalero: Especie de parasol circular, de cobre o latón, bordeado de campanillas o cascabeles y provisto de un mango, que se usaba en la antigua música oriental para marcar el ritmo en las marchas y peregrinaciones. Hasta el siglo XIX se conocía a este instrumento idiófono con la denominación inglesa de tymbel-cembal.

Cimbalillos: Instrumento antiguo. Está formado por un conjunto de campanillas pequeñas, de plata, cobre o latón, unidas a un mango de madera. Al sacudirlas, suenan a distintas alturas, formando una curiosa melodía. Aunque en los tratados antiguos este vocablo se indicaba con su forma plural, en el diccionario de Academia Española aparece escrito en singular (cimbalillo).

Cimbalista: Persona encargada de tañer los címbalos. Solían realizar el acompañamiento rítmico de las agrupaciones musicales. Su función principal era la marcación de los diferentes compases. También se puede decir cimbalero.

Címbalo (aerófono): Del latín cymbalu, y éste del griego kymbalon. Ocasionalmente se suele llamar címbalo al instrumento de viento más conocido con el nombre de dulcemel. En algunos manuales musicales y libros de estudio de solfeo, aparece escrito cémbalo.

Címbalo (idiófono): Instrumento doble, también se suele escribir en plural (címbalos). Es un elemento de percusión formado por dos platillos metálicos, de forma cóncava, generalmente de aleación de bronce o latón, con los bordes planos, que suenan al entrar bruscamente en contacto. Su diámetro medio no suele exceder los 12 ó 15 cm y los hay aún más pequeños. Los utilizaban los griegos y romanos en sus ceremonias religiosas, pasando luego al acompañamiento de marchas militares. En las partituras aparecen indicados con el nombre francés de cymbales antiques (platillos antiguos). El compositor francés Louis Berlioz (1803-1869) empleó estos instrumentos en su sinfonía dramática Romeo y Julieta, estrenada en 1839, con el objeto de marcar los compases más conmovedores en la marcha triunfal de la Reina de las hadas. También llamados crótalos.

Cimbalom (cordófono): Pese a la similitud del nombre, es un instrumento de cuerdas cuyo origen exótico ha enriquecido el repertorio musical occidental. Procede de Asia y apareció en Europa del este hacia el siglo XV llevado por los turcos. En Hungría pasó a formar parte del folclore zíngaro. Posee un sistema de treinta y cinco grupos de cuerdas metálicas que se afinan en forma cromática. La caja, bellamente decorada y de forma trapezoidal, se apoya sobre cuatro o cinco patas según el modelo. Todos tienen dos puentes sobre los cuales se extienden las cuerdas de manera irregular. Para tañerlas se emplean dos baquetas con la punta forrada.

Cinésica: Teoría del movimiento. Estudia el lenguaje gestual en función de la representación escénica. Se relaciona con el género operístico por ser una de las bases fundamentales de la teatralidad. Su conocimiento adquiere importancia cuando es preciso actuar demostrando los sentimientos de un personaje que no están explícitamente aclarados en el texto del libreto (sarcasmo, incredulidad, sorpresa, alegría, rencor). Los gestos, las posturas o actitudes del actor pueden, según sea el caso, contradecir, enfatizar o afirmar con rotundidad el sentido de las frases expresadas de manera oral.

Cinquillo: Conjunto de cinco notas cuyo valor total es equivalente a un grupo normal de cuatro notas. En las partituras se indica con el número 5 sobre una curva de unión o corchete que comprenda las cinco notas.

Cinta: Cerdas del arco del violín y otros cordófonos de su tipo. En algunos tratados de organología y teorías musicales puede aparecer este término indicado como voz sinónima. No aparece consignado en el Diccionario de la Real Academia Española.

Círculo "Manuel de Falla": Nombre de una escuela musical española, fundada en Barcelona a mediados del siglo XX. Su estilo, dinámico pero sin ser predominantemente de vanguardia, intentó dar nuevos aires vivificantes a los estatutos tradicionalistas. El movimiento llegó a integrar experiencias aleatorias y otras formas novedosas para la época, que hasta entonces eran desconocidas en el país. Entre sus impulsores, se hallaban compositores y musicólogos de la talla de José Casanovas, Manuel Valls, Juan Comellas y José Mestres Quadreny.

Circumflexio: En latín (circunflejo). Acento mixto o intermedio entre grave y agudo. Una de las tres variantes del accentus en el canto medieval. Este último se dividía en tres partes: arsis, o acento agudo; thesis, o acento grave y circumflexio. Es un elemento del antiguo sistema de escritura musical por meumas.

Cis:

Nombre de la nota

do sostenido

en la nomenclatura de Alemania y otros países que utilizan dicha terminología. Equivale a

C sharp

en inglés y

ut dièse

en francés.

Cisis: Nombre de la nota do doble sostenido en la nomenclatura de Alemania y otros países que utilizan dicha terminología. Equivale a C double sharp en inglés y ut double dièse en francés.

Cistro: Este primitivo instrumento musical, originario del siglo XIV, se parece bastante a la viola. El cuerpo de la caja armónica tiene forma de pera, como la mayoría de los miembros de esta familia de cordófonos (laúdes, cítolas, tiorbas, etc.) En este modelo antiguo se inspiraron, evidentemente, para construir la cítola del siglo XVI. Como aquella, tiene el fondo plano y de escaso espesor. Su época de esplendor alcanzó hasta el siglo XVIII.

Cistro-tiorba: Esta es otra variedad de laúd antiguo, similar a la cítola antes descripta. Los modelos conocidos, existentes en museos y colecciones privadas, pertenecen aproximadamente a la misma época (siglo XVII). Este instrumento tenía un sistema de cuerdas pisadas dobles y otro de cuerdas de resonancia simples. Estas últimas, también conocidas con el nombre de bordones al aire. En algunos tratados antiguos aparece descripta con el nombre de cítola atiorbada. Hacia el siglo XVIII comienza en Italia un importante periodo de evolución, tanto en la técnica interpretativa, como en la construcción de los instrumentos musicales. Dentro de ese proceso evolutivo, los diferentes modelos de cistros y cítolas del Renacimiento son superados por la mandolina y posteriormente por la guitarra clásica, mucho más sencillos en su construcción y con sonoridades equivalentes.

Cítara: Cordófono derivado de la lira antigua. Su nombre proviene del griego (kithara=dulce melodía). La evolución de este instrumento comenzó hacia el siglo XVII, cuando le incorporó una caja de resonancia plana. En la moderna cítara de concierto, la caja armónica se apoya sobre un soporte especial con forma de mesa baja. Existen cítaras de distintos tamaños. Las de pequeño formato -también llamadas citarillas se apoyan directamente sobre las rodillas del intérprete. Dispone de un diapasón compuesto por 29 trastes y 5 cuerdas que deben ser pulsadas mediante unas púas. Además, suele tener, según el modelo, entre 33 y 42 cuerdas libres destinadas al acompañamiento de los acordes.

Cítara-arpa: Cordófono del siglo XVIII, similar al arpa tradicional, pero de un tamaño bastante menor. También se lo conoce con los nombres alemanes de flügelharfe o spitzharfe. La caja armónica de este instrumento se apoya sobre una mesa, o sobre el regazo del intérprete

Cítara austriaca: También llamada zither. Es un instrumento musical de cuerdas pulsadas, originario de aquel país, aunque también es popular en Baviera (Alemania). Consta de treinta y seis cuerdas para acompañamiento que se extienden libres sobre la caja armónica y cinco cuerdas de puntear tensas sobre un mango con trastes.

Cítara de siete cuerdas: Más sencilla que la anterior, se conoce con distintos nombres y formas en varios países de Europa central. Aunque las diferentes versiones pueden variar también en la forma de afinación, el modo más usual, de aguda a grave, es: fa-do-sol-dosol-do-do, de aguda a grave y todas las notas sostenidas.

Cítara de vara: Primitivo instrumento, de una sola cuerda, que se encuentra en numerosas culturas antiguas y modernas. Aunque se trata del modelo más simple entre todos los cordófonos, algunos ejemplares no dejan de tener un timbre agradable y cierta capacidad de modulación capaz de sorprender al oyente. Esta categoría comprende varios instrumentos monocordes (tubo o vara musical, arco musical simple o con lazo de afinación, bumbass, etc.)

Citarilla:

Cordófono más pequeño que la cítara común y como ella también derivado de la

lira

. Para su ejecución se apoyan directamente sobre las rodillas del intérprete.

Cítola: Instrumento de cuerdas pulsadas de la familia de los laúdes y tiorbas, que tuvo su época de mayor difusión durante los siglos XVI y XVIII. Se le suele denominar cistro, aunque éste último es un instrumento más antiguo, que ya existía en el siglo XIV. La caja armónica tiene la forma de pera con el fondo plano y un orificio de resonancia redondo ubicado en el centro de la tapa. Los sonidos se obtienen pulsando un sistema de doce cuerdas dobles o cuádruples, según el modelo, que se sujetan a la base del instrumento y se tensan mediante el sencillo mecanismo de un clavijero curvo y tallado, casi tal largo como el mango. En el siglo XVIII, algunos modelos de cítola llegaron a tener hasta cuarenta cuerdas.

Cítola atiorbada:

Es el mismo instrumento que el

cistro-tiorba

. Sólo difiere la denominación con respecto a la época de construcción (Italia, fines del siglo XVIII).

Citole: En Francia suelen llamar citole (cítola) a un antiguo instrumento medieval, fabricado con madera de arce y provisto de cuatro órdenes de cuerdas dobles, cuyos orígenes se remontan a los siglos XII y XIII. La caja de resonancia puede adoptar distintos perfiles, curvos o angulados. En España también se la conoce con el nombre de guitarra latina.

Clasificación instrumental: Fue propuesta en 1914 por los musicólogos alemanes Erich Maria von Hornbostel (1877-1935) y Kurt Sachs (1881-1959). Originalmente se componía de cuatro grupos o clases, a las que luego se le agregó una quinta variedad, integrada por los modernos instrumentos electrófonos, cuya sonoridad es generada por impulsos eléctricos:

1) Idiófonos:
-Percusión: xilófono, campana, triángulo.
-Sacudimiento: maraca, sonajero.
-Rozamiento: armónica de cristal.
-Frotación: güiro, raspador mejicano.
-Pellizco o punteo: guimbarda, sanza africana.

2) Membranófonos:
-Percusión: tambor, tamboril, bombo, timbal.
-Fricción: zambomba, caccavella napolitana.
-Resonancia o vibración: kazoo, mirlitón, zobo.

3) Cordófonos:
-Simples: arco musical, cetera corsa, sistro.
-Compuestos: violín, viola, guitarra, laúd, arpa.

4) Aerófonos:
-Embocadura natural: flauta travesera, quena.
-Boquilla: trombón, corno, trompa, trompeta.
-Lengüeta simple: saxofón, clarinete.
-Lengüeta doble: fagot, corno inglés, oboe.
-Reserva de aire: órgano, gaita, fisarmónica.

5) Electrófonos:
-Electromécanicos: órgano Hammond,
-Semielectrónicos: guitarra eléctrica

Claqué: Voz onomatopéyica. Estilo de zapateado americano, con rápidos efectos de percusión, conocido con la denominación original de tap dance. Es un genero originado entre la población negra de los Estados Unidos, alcanzó una gran popularidad en todo el mundo a través del cine. Para realizar este baile se emplean zapatos provistos de guarniciones metálicas que aumentan la sonoridad y ayudan a mantener el ritmo. También se escribe claque.

Clarín: Instrumento aerófono de metal, de uso principalmente militar. Su sonido es agudo. La forma actual, carente de pistones o llaves, proviene de ejemplares que ya se utilizaban en las bandas durante el siglo XVIII, época en la que dejó de utilizarse como instrumento de orquesta. Durante el Barroco su empleo estaba limitado al papel de instrumento concertante.

Clarín de gaita: Pequeño oboe con lengüeta doble, provisto de ocho orificios (siete arriba y uno en la parte inferior). Encaja en la pieza de madera denominada cepo de los clarines. La particularidad de este tubo es que separándolo del odre, también se puede ejecutar en forma independiente, a la manera de la dulzaina de los pastores. Es un implemento común en la gaita de boto del alto Aragón.

Clarinete: Instrumento aerófono transpositor, de la familia del oboe alemán que aparece en la orquesta de ópera a partir del siglo XVIII y se afianza como elemento clave durante el periodo romántico. Por su flexibilidad y su condición expresiva se lo suele comparar con el violín. Sólo tiene una lengüeta de caña que permite regular el paso del aire hasta el cuerpo compuesto por un tubo cilíndrico. Suele ocupar la parte central en la gran orquesta sinfónica. Por su agilidad, su agradable tono cantante y la riqueza de tonos resulta muy útil en las interpretaciones de conjunto. En los registros más agudos tiene sonidos de gran claridad y amplia tesitura, con rápidos cambios de matiz, notables arpegios y ágiles figuraciones. Johann Sebastian Bach lo empleó con notable acierto en su renombrado "Quinteto para clarinete en si menor". En la actualidad, el clarinete también se construye de ebonita y con el tubo de metal. La ebonita es un producto derivado del caucho de extrema dureza y resistencia, que suple perfectamente a la madera de ébano. Actualmente estos instrumentos están afinados en si bemol y en la. Existen distintas variedades, con registros sonoros adaptables a las más complejas circunstancias escénicas. Según su registro, dentro de esta familia de instrumentos existen el clarinete piccolo o pequeño clarinete (también denominado requinto) y los clarinetes contralto, bajo y contrabajo.

Clarino: Denominación itálica del clarinete. Se utilizó hasta principios del siglo XIX. Aparece en las descripciones de orquestas de ópera y conciertos de la época. En la actualidad, se emplea la palabra clarinetto, aunque esta forma también sirvió para denominar a una variedad de similar a la trombetta, pero de uso esencialmente militar. El origen de este último instrumento data de la alta Edad Media. Entonces era un aerófono recto, con la boquilla plana y estrecha, de menor tamaño que la tromba y afinado en si bemol, que cumplía las funciones de diana y retreta en los cuarteles. Las versiones del clarino en tesitura grave se denominaban principale.

Clarión: Del italiano (chiaronne). Instrumento aerófono de la antigüedad, perteneciente a la extensa familia de las trompetas rectas. Es un antecesor del clarín. El tubo de los modelos primitivos era recto y largo. Durante la Edad Media extendieron el largo del tubo y lo dieron una forma replegada sobre si misma, para poder transportarlo con más facilidad. Desde entonces se le llamó claro o clarión, nombre del cual procede la actual denominación clarín.

Claroscuro: Técnica vocal originaria de Italia (chiaroscuro). Se distingue por la gran variedad de contrastes. Está presente en las primeras óperas románticas. W. A. Mozart fue uno de los grandes maestros del claroscuro.

Clásica:

Se llama así a todo tipo de música de cualquier periodo que no sea popular.

Clasicismo: Periodo musical típico de la ilustración, que se extiende desde mediados del siglo XVIII hasta principios la segunda década del XIX. Bajo sus líneas directrices se puso de manifiesto el alto nivel de sensibilidad, transparencia y sencillez que caracterizó a todas las manifestaciones artísticas. La manera de composición musical predominante en esta época fue la sonata. El estilo clásico se caracteriza por la claridad y la fácil comprensión de la línea melódica respecto del argumento. La primera parte, denominada etapa preclásica, se desarrolló entre 1750 y 1770. En esta época se establecieron los fundamentos esenciales de lo que luego se llamaría la etapa del alto clasicismo, o clasicismo vienés, que se extendió desde 1770 hasta 1810, con representantes tan importantes Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) y Ludwig van Beethoven (1770-1827). En el ámbito de la ópera el estilo clásico fue lentamente desplazado después de 1780 por la ópera nacional alemana, la comedia musical italiana, la ópera cómica francesa, los singspiel y otras creaciones reformistas.

Cláusula: Vocablo musical que aparece en escritos y tratados antiguos. Era el equivalente de la actual cadencia. Se empleaba para indicar una breve fórmula melódica, intercalada en las composiciones canónicas. Ocasionalmente aparece también en el estilo de fuga. En la actual teoría musical, existen cláusulas que han cambiado de nombre, o bien han caído en desuso.

Cláusula accidental: Se decía así cuando la frase melódica descansaba sobre una cadencia corta, cuya tonalidad era distinta a la del resto de la composición.
Clausula cantisans: En algunos escritos musicales de la Edad Media se observan diversos tipos de cadencia. La clausula cantisans consistía en dos notas idénticas, que tenían otra nota, con un semitono más bajo, en el medio.

Clausula fundamentalis:

Era una cadencia de bajo, cuya última parte estaba formada por tres notas (tónica, dominante y tónica).

Clausula intentiva:

También llamada cláusula intensa. Se llamaba así a la cadencia en la que el bajo descendía una quinta o bien, subía una cuarta en la escala.

Clausula remissa:

Se producía cuando, al tener efecto la cadencia, el bajo llegaba a descender un semitono o hasta un tono completo.

Clausula tenorisans (modo menor):

Mostraba las tres últimas notas del compás separadas por un semitono y un tono.

Clausula tenorisans (modo mayor):

Las tres últimas notas del compás estaban separadas por un tono.

Clave (cordófonos): Primitivo instrumento de teclado, antecesor del clavicémbalo y del piano. Los modelos más antiguos datan del siglo XVI. Sus cuerdas son punteadas por un complejo mecanismo de macillos, con puntas en forma de púa que se accionan con las teclas. Las posibilidades cromáticas y rítmicas de este instrumento histórico son bastante limitadas en comparación con sus sucesores.

Clave (signo de notación): También denominado llave en sentido figurado, porque es el símbolo que indica la apertura de una composición musical. El empleo de este sistema de notación data del siglo X. Es el primer símbolo que se escribe a la izquierda del pentagrama. Su término, que proviene del latín, tiene el mismo significado (clavis). Aunque existen varias claves, la más empleadas por su adaptación a las tesituras de la mayoría de las voces e instrumentos, son las de sol y de fa. La figura correspondiente a cada tipo de clave se escribe al comienzo de las pautas con el objeto de indicar la altura absoluta de las notas escritas en el pentagrama. Esta particularidad permitía al músico comprender la entonación en los diferentes registros. Normalmente, en la música para piano se emplea un pentagrama en clave de sol y otro de en clave de fa. La variedad de combinaciones de claves permite aplicar dentro de lo posible todas las notas dentro del espectro del pentagrama. Esto se debe a las características de este avanzado instrumento, que permiten abarcar desde la nota más grave hasta la más aguda, combinando los registros correspondientes de cada clave. De acuerdo con su tesitura el orden de las claves se desarrolla de la siguiente manera:

- Registro grave máximo (Clave de fa en cuarta)
- Registro grave (Clave de fa en tercera)
- Registro medio inferior (Clave de do en cuarta)
- Registro medio (Clave de do en tercera)
- Registro medio superior (Clave de do en segunda)
- Registro agudo (Clave de do en primera)
- Registro agudo máximo (Clave de sol en segunda)

Clave acústico: Instrumento de cuerdas, del tipo del clavicordio, se fabricaba en París a principios del siglo XVIII. Tenía un sistema mecánico que alcanzó poca difusión y terminó desplazado por otros cordófonos mejor adaptados a las necesidades de la música barroca. Su interés sólo reviste un carácter histórico.

Clave aguda: Denominación que se daba antiguamente a la clave de sol. Se empleaba especialmente en las partituras correspondientes a las voces agudas (soprano) y para los instrumentos de tesitura alta (violín, flauta, flautín, clarinete, oboe, cornetín, etc.).

Clave de amor: Fue una variedad del instrumento musical llamado clave. Se diferencia de éste por tener las cuerdas mayor extensión. En cuanto al sonido obtenido, sistema del teclado, etc., ambos cordófonos eran muy similares. Tuvo cierta difusión durante el siglo XVII. En la actualidad es una pieza curiosa de museo.

Clave de arco: También conocido por su denominación germana (bogenklavier). Se trata de un instrumento histórico, creado en Berlín, en 1751. El sistema sonoro de esta pieza funcionaba mediante la acción de un arco movido por una rueda que frotaba un encordado de tripa.

Clave de cuerdas: Denominación antigua del instrumento de teclado, también conocido con el nombre de clavicémbalo. Solía aparece citado de esta forma en los catálogos y tratados organológicos publicados hasta fines del siglo XIX.

Clave de do: Se utiliza para señalar los registros medios. Existen claves de do en 1ª, en 2ª, en 3ª y en 4ª línea. Las más usuales son la clave de do en 3ª (partituras para viola) y Claves de do en 4ª (partituras para fagot, violonchelo y otros instrumentos de tesitura aguda). En la primitiva notación alfabética, aún empleada en Alemania y los países anglosajones, correspondía a la letra-clave "C".

Clave de fa: Indica los registros graves de ciertos instrumentos de la orquesta (trombón, contrabajo, violonchelo, fagot, etc.). Su letra-clave en el actual sistema de notación germano y anglosajón es la “F”. En la clave de fa, las notas que se escriben sobre las líneas y sus respectivos espacios desde abajo hacia arriba son las siguientes:

Primera línea: nota sol Primer espacio: nota la
Segunda línea: nota si Segundo espacio: nota do
Tercera línea: nota re Tercer espacio: nota mi
Cuarta línea: nota fa Cuarto espacio: nota sol
Quinta línea: nota la

Clave de octava: Es una figura musical que reemplazaba la indicación de 8ª. Tuvo bastante difusión durante el siglo XIX, pero en la actualidad ha dejado de emplearse. No obstante puede aparecer en algunos tratados antiguos y partituras de época. Servía para indicar que la ejecución instrumental o vocal de una determinada composición debía llevarse a cabo a la octava de lo realmente escrito.

Clave de orquesta: Artilugio inventado en Praga a fines del siglo XVIII. Se trataba de un complejo mecanismo integrado por barras articuladas, fuelles y poleas. El sistema permitía a una sola persona ejecutar varios instrumentos en forma simultánea con la ayuda de las manos y los pies (flauta, cornamusa, pífano, tambor, tamboril, platillos, triángulo, sonajas y castañetas). Obviamente, se trataba de una pieza de circo, más que un auténtico elemento musical.

Clave de re:

Es una de las cinco

clavis signatae

de la antigüedad. Ya no se utiliza. Su conocimiento sólo interesa en las investigaciones musicológicas

Clave de sol: Indica los registros agudos en los instrumentos de la orquesta cuya tonalidad es naturalmente alta (flauta, violín, trompeta, etc.). Su letra-clave en el actual sistema de notación germano y anglosajón es la “G”. En la clave de sol, las notas que se escriben sobre las líneas y sus respectivos espacios desde abajo hacia arriba son las siguientes:

Primera línea: nota mi Primer espacio: nota fa
Segunda línea: nota sol Segundo espacio: nota la
Tercera línea: nota si Tercer espacio: nota do
Cuarta línea: nota re Cuarto espacio: nota mi
Quinta línea: nota fa

Clave de viola:

Se utilizaba para señalar la nota de

do

en 3ª. Normalmente recurría a ella en las partituras de viola.

Clave fingida: Es el tipo de clave que sustituye por otra con el objeto de llevar cabo el transporte de una melodía a otra tonalidad diferente. También se puede denominar llave transportada.

Clave-laúd: Instrumento musical mixto, ideado por Johann Sebastian Bach (1685-1750) y construido por el fabricante alemán Hildebrand, después del fallecimiento del compositor, en 1785. Sólo se conoce la existencia un ejemplar.

Clave transportada:

Clave imaginaria que utiliza el intérprete de una melodía cuando desea transportar el tono escrito en el pentagrama a otro distinto.

Clave-vielle: Instrumento musical de cuerdas vibrantes metálicas, creado en Francia a principios del siglo XVIII. Funcionaba mediante un complejo sistema de ruedas de madera recubiertas de pergamino y untadas con resina de pino para obtener un mejor deslizamiento. Para tañer este raro aparato se accionaba a pedal una rueda mayor que hacía girar unos cilindros. Algunos modelos similares, en lugar de pedal, empleaban el sistema de manubrio. El sonido era similar al pianoforte. Fue perfeccionado por Gerli en el año 1789.

Clave-viola: Este instrumento musical, del siglo XVII, tenía una forma exterior similar al clavicordio. Los sonidos se producían con un sistema de teclado y cuerdas vibrantes de tripa, que se ponían en acción mediante una rueda de resina, movida a pedal por el ejecutante. Fue registrado en Alemania, en el año 1610 por Johann Hans Heyden, músico e inventor de Nuremberg. En algunos tratados figura con su denominación en alemán (geizen clavicymbal). Un siglo después apareció otro modelo muy similar, creado en Weimar, en 1710, entonces importante ciudad, capital de gran ducado de Sajonia-Weimar-Eisenach, que también era el centro de la vida intelectual y musical de Alemania. A este segundo instrumento, se lo conoce con el nombre de clave-viola de Risch.

Clavecín: También llamado clavicémbalo por sus características muy similares. Instrumento musical de teclas, algo mayor que la espineta, se utilizó en conciertos de capella y en el acompañamiento musical de varias óperas. Su caja acústica contiene un cémbalo de latón percutido por púas de cuero crudo o madera flexible. En algunos tratados puede aparecer la denominación en inglés (hapsichord).

Claves (idiófonos): Par de macillos de madera dura, de forma cilíndrica, de unos tres centímetros de diámetro, que se emplean, percutiéndolos entre sí, para dar una nota básica. Pertenecen al acervo musical del Caribe.

Clavicémbalo: Es una conjunción derivada del latín (clavicymbalu). También llamado clave de cuerdas, se llama así a un instrumento de teclas, similar al clavicordio, pero con algunas diferencias puntuales. En el clavicémbalo, las cuerdas son punteadas mediante un sistema que las ejecuta por medio del roce, como ocurre con la guitarra. La forma exterior del clavicémbalo es triangular, como el moderno piano de cola. El nombre compuesto proviene de la unión de las palabras clave y címbalo.

Clavicilindro: Del inglés clavicylinder (clave y cilindro). Instrumento musical de difícil catalogación. Se empleaba como bajo continuo en algunas orquestas hasta principios del siglo XX. Su mecanismo es parecido al del odeofón, creado en Londres por Vanderburg. El clavicilindro estaba inspirado en el primitivo mecanismo del clave. Poseía un sistema de planchuelas flexibles, movidas a través de palancas unidas al teclado. La convergencia de los sonidos se canalizaba a través de un cilindro de latón. En algunos ejemplares, esta pieza estaba forrada interiormente con finas láminas de madera, que le brindaban una resonancia mate. La imposibilidad de obtener variaciones melódicas a su limitada escala sonora, motivó su desaparición. En la actualidad sólo existen pocos ejemplares en poder de coleccionistas.

Claviciterio: (Clavicytherium) Instrumento de teclado que estuvo en uso desde fines del siglo XVII hasta mediados del XVIII. Pertenece a la familia de la espineta. Su aspecto es el de un piano de cola vertical, con cuatro patas torneadas y una alta caja de resonancia colocada hacia arriba. El principio de su mecanismo, es parecido al cémbalo y al clavecín. Fue uno de los instrumentos precursores del piano actual.

Clavicordio: Instrumento musical cuyas cuerdas son percutidas por macillos con forma parecida al piano moderno. Posee un cuerpo oblongo y su caja de cuerdas tiene forma rectangular. Fue introducido en Europa durante la Edad Media como un cordófono de mesa. Con el paso de los siglos fue sufriendo distintas modificaciones o variantes. Estuvo de moda durante los siglos XV y XVI. Con la aparición del piano moderno, el siglo XIX, fue perdiendo su popularidad. Las variantes más destacables de este instrumento fueron la harpaneta, una variedad de clavicordio vertical, aparecida en el siglo XVI, y el clavicordio harmónico, desarrollado por Maslowski, con un mecanismo de relojería. En la actualidad, el clavicordio sólo tiene un carácter ornamental o como instrumento dedicado el estudio del proceso evolutivo de la música a través del tiempo.

Clavicorno : Instrumento aerófono de metal, derivado del figle alto. Es parecido a una corneta pequeña y su tubo está provisto de un sistema con tres pistones. Se utilizaba en las bandas militares hasta el siglo XIX. El nombre deriva de la unión clave y corno, por la similitud sonora con los de ambos instrumentos.

Clavija: Elemento de madera, hueso o marfil que permite tensar las cuerdas en los instrumentos de este tipo, enrollándolas sobre su propio eje o en un mecanismo especial. Las clavijas empotrables de madera se fabrican con variedades duras, como el ébano o el palisandro. También las hay de metal, aunque en este caso no van empotradas directamente en el cuerpo del clavijero sino que forman parte de un mecanismo de rosca, que permite tensar las cuerdas en forma indirecta girando una llave o perilla. Las clavijas son indispensables para efectuar la afinación del instrumento. Algunos instrumentos de teclado, como el piano, también las utilizan pero éstas deben ser ajustadas mediante una llave especial.

Clavija ( Hi Fi): Clavija de conexión para los equipos de reproducción musical. El diámetro de las clavijas utilizadas en los cascos de escucha, puede variar de acuerdo con el equipo al que deben acoplarse. Los aparatos de las cadenas de alta fidelidad poseen un orificio de 6,35 mm. En cambio, los modelos portátiles miden sólo 3,5 mm. Par compensar esa diferencia, existen adaptadores para cualquier equipo normalizado.

Clavijero: La parte superior del mango de una gran variedad de instrumentos de cuerda, donde se insertan las clavijas. Existen clavijeros de diferentes tamaños y apariencias. Algunos con una pronunciada inclinación hacia atrás, como el laúd, y otros casi rectos, como la guitarra o la mandolina, pero todos cumplen la misma función. El clavijero de las cítaras consiste en una barra de madera plana adherida a la caja de resonancia, donde se ajustan las clavijas. También existen clavijeros dobles o suplementarios para ajustar las cuerdas simpáticas. En los cordófonos de arco, como el violín, la viola, el violonchelo, el clavijero se corona con una voluta o adorno de madera tallada, que cumple una función estética, pero también sirve de contrapeso en el perfecto equilibrio del instrumento.

Clavijero suplementario : También denominado doble clavijero. Es un sistema dispuesto para la sujeción y tensión de las cuerdas que tienen casi todos los instrumentos musicales de la familia de los archilaúdes, como la tiorba romana o chitarrone, el laúd tiorbado, la tiorba, el cistro-tiorba etc. El clavijero suplementario suele estar ubicado en la parte más alta del mástil y ligeramente desplazado hacia la derecha del eje central del mismo. Este sistema lateral -que en algunos casos constituye un segundo mástil- permite agregar una serie de ocho órdenes de cuerdas suplementarias, llamadas bordones al aire, que suelen ser simples y no se pisan, por carecer de trastes esa parte del mástil.

Clavis signatae: En latín. (participio pasado de signum=señal). Denominación genérica de cada una de las cinco claves que se empleaban antiguamente en la notación musical (gamma-ut, fa, ut, sol y re).

Clepsiambo : Cordófono antiguo, originario de Grecia. Desde mediados del siglo XX se fueron recuperando los diversos modelos originales y algunas melodías propias de este instrumento. Los ejemplares actuales, con seis, ocho y hasta dieciséis cuerdas, tienen un cierto parecido con el aspecto de las guitarras napolitanas.

Clepsidro : Nombre antiguo del órgano hidráulico. Se conocía con distintos nombres, tanto en Grecia como en diversas ciudades del Mediterráneo oriental. También en China se ha documentado la existencia de una variedad de complejos instrumentos musicales cuyo funcionamiento dependía de receptáculos conteniendo agua y provistos de válvulas accionadas mediante pedales que permitían obtener diversas melodías procedentes de los tubos de salida del aire contenido en el interior de esos rudimentarios artilugios.

Climacus: Derivado del latín (clinare=inclinar). Es un vocablo correspondiente al sistema de notación por neumas del canto gregoriano que servía para indicar un movimiento descendente de tres notas consecutivas.

Clivis: Derivado del latín (clivus=subida) Es un vocablo propio del canto cregoriano. Tiene el mismo sentido que flexa, pero a la inversa (circunflexus=dar la vuelta o retornar al tono normal). En este caso es como podatus, que requiere un pasaje desde puctum (bajo) hasta virga (alto), que sería la voz normal del cantante. Estos signos eran empleados durante la Edad Media por las Schola Cantorum de Francia e Italia. (Roma, Aquitania, etc.).

Cluster : Término musical inglés, referido a un conjunto de notas que suena en forma simultánea (tone cluster). El sentido literal de esta expresión equivale a "racimo sonoro". Es una técnica propia de la música contemporánea, que comprende a las interpretaciones de los coros, a las orquestas sinfónicas y en general a todos los instrumentos de ejecución polifónica. Su puesta en práctica se debe más a las características del timbre que a la necesidad armónica. El cluster se produce en el piano golpeando las teclas con la palma de la mano o el antebrazo. Entre los músicos que dieron realce a este recurso no tradicional, se encuentra el compositor y pianista estadounidense Henry Dixon Cowell (1897-1965). Autor de más de 700 composiciones, entre las que se hallan 16 sinfonías, Henry Cowell creó una curiosa variedad de formas rítmicas de vanguardia, muchas de ellas para percusión y orquesta, como "Rhytmicana", "Old American Country", "Seven Rituals of Music" y "Antifony. Otro compositor norteamericano que investigo las posibilidades sonoras del cluster fue Charles Ives (1874-1954) a quien Cowel dedicó uno de sus libros, titulado "Charles Ives and his Music".

Cobla: Del latín (copula=unión). Nombre genérico de los grupos musicales, típicos del folclore regional de Cataluña, que se especializan en la interpretación de la sardana. El conjunto instrumental de la cobla consta de los siguientes instrumentos: dos trompetas, dos tenoras, dos fiscornos, dos tiples o tibles, un trombón, un contrabajo y el conjunto de flabiol-tamboril, ejecutado por un solo músico. La cobla puede interpretar cualquiera de las formas de la sardana (balladora, d'aplec, obligada, coral, de revesses, de concierto, etc.). Además, en determinadas ocasiones, varias coblas concertadas pueden interpretar una misma sardana. Como grupo u organización musical aparece documentada por primera vez en el siglo XII, cuando se daba este nombre a los conjuntos músicos que amenizaban las fiestas populares acompañando las danzas de la época. El significado semántico del nombre cobla se refiere a la coherencia sonora que une los distintos sonidos de un determinado grupo de instrumentos musicales cuando suenan de manera orquestada. Las diferentes formas o combinaciones de la cobla existieron hasta que el compositor jaenés José Ventura (1818-1875) logró popularizar la sardana llarga, normalizando a la vez el empleo de los once instrumentos actualmente en uso, entre ellos los fiscornos, las trompetas y el contrabajo. El uso de este voluminoso cordófono tuvo al principio bastante reticencia por parte de los músicos de la cobla, aunque finalmente terminaron por aceptarlo, vista la propiedad del sonido que resultaba ideal para mantener el ritmo y el compás de las interpretaciones. Creador de la sardana moderna, José Ventura, compuso una gran cantidad de obras de carácter descriptivo, que representan el espíritu y el arte musical de Cataluña. Muchas de esas piezas aún forman parte del repertorio corriente en las coblas. Entre las sardanas más destacadas de su creación pueden citarse "Lo cant del aucells"; Totes volem hereus"; "Per tú ploro"; "El toc dóració", etc. A él se debe también el diseño y la divulgación de la tenora, introducida en Cataluña en 1850, a partir de otro aerófono similar -algo más pequeño y de origen rosellonés- que había sido creado hacia 1820 por el músico de Perpignan, Antoni Turon. Las palabras del musicólogo español José Subirá logran expresar de meridiana manera su personalidad: "Fue Ventura un apóstol del arte, a quien sorprendió la muerte sin que supiera que ejercía un apostolado y sin presentir que el porvenir habría de depararle una exaltación digna de tan grande figura".

Cobla antiga: En catalán (cobla antigua). Forma primitiva de cobla -siglo XVI- integrada por músicos que ejecutaban los siguientes instrumentos: guitarra, viola de once cuerdas, citra (cítara), rabaquet (pequeño rebec), saca-boxo (sacabuche), tenor (tenora), flauta y tamboril de cuerdas. Existen documentos que demuestran que esa configuración se mantuvo por lo menos hasta el siglo XIX. Las composiciones que interpretaba este tipo de cobla solían tener carácter pastoril o religioso.

Cobla de tres quartans: En catalán (cobla de tres músicos que tocan cuatro instrumentos). Agrupación tradicional en el siglo XVIII en la región de Ampurdán (Gerona). Sus instrumentos eran el tible o tiple, la gaita o cornamusa y el conjunto formado por el flabiol y el tamboril. En algunos grabados de aquella época aparece la representación gráfica de este conjunto, aunque uno de los músicos aparece tañendo un aerófono tubular, con el tudel curvo y lateral, parecido el actual fagot.

Cobla-Rock: Combinación armonizada entre conjuntos de cobla y rock donde se intenta combinar los ritmos y sonoridades de ambos estilos y agrupaciones instrumentales. Se trata de una experiencia musical de vanguardia, no exenta de dificultades técnicas e incluso de una experiencia musical de vanguardia, no exenta de dificultades técnicas e incluso las actuaciones publicas de los conjuntos cobla-rock estuvieron rodeadas de una profunda polémica entre los compositores tradicionalistas y ciertos grupos de rock.

Cobres: Término poco utilizado en la actualidad. Se solía llamar así al conjunto de instrumentos metálicos de viento que intervienen en la composición de una orquesta. Por razones de entidad sonora, los instrumentos de esta familia suelen estar apostados al centro y atrás del semicírculo formado por los ejecutantes. Este nombre proviene del griego Kypros (cobre) nombre heleno de la isla de Chipre, donde existían importantes yacimientos de este mineral.

Cobzar: Nombre que recibían antiguamente los músicos rusos especializados en la ejecución de instrumentos de cuerdas (bandourka, gousli, dômra, goudok, etc.). A fines del siglo XVIII se empezó a tomar conciencia del rico patrimonio reunido bajo el concepto de danzas y cantos populares del pueblo eslavo. Entre las primeras colecciones reunidas, se hallan las Danilov Kircha, de 1804, e Ivan Pratch, de 1806, este último uno de los más importantes repositorios de la época³⁶. Grandes autores como Milij Alekseevic Balakirev (1817-1910) y Nikolai Andreevic Rimski-Korsakov (1844-1908) hallaron una rica y variada fuente de inspiración creativa en aquel extraordinario repositorio de melodías tradicionales.

Coda: Del italiano (coda=cola/parte final). Es la reiteración de los últimos compases de una pieza bailable. Algunas composiciones musicales suelen terminar con un pasaje adicional al que llaman coda. Las variedades donde más se da este tipo de agregados son las sinfonías y las sonatas. Ese fragmento final puede contener sólo un par de acordes cadenciales.
Coda (canon): En la interpretación del canon se denomina coda a una suerte de contrapunto libre que se puede dar durante el desarrollo de esta forma vocal.

³⁶ Pratch, Ivan (Pratsch, Johann Gottfried c. 1759- 1818): “Sobranie russkikh narodnikh pesen sikh golosami” (Colección de canciones populares rusas con sus melodías) San Petersburgo, 1806.

Coda (intermedio): En ciertas obras que requieren ambientación sonora, la coda cumple la función estricta de un intermedio descriptivo, como ocurre con la melodía de las aves en la "Sinfonía Pastora", Nº 6 en fa mayor, de Ludwig van Beethoven.

Codex Calixtinus: El más antiguo de los manuscritos polifónicos españoles de la Edad Media, transcripto en el siglo XII en la ciudad de Santiago de Compostela. Esta integrado por unas veinte piezas musicales para canto a dos y tres voces, particularmente en el estilo organa, con un modo comparable al que se aprecia en el célebre codex francés de Saint Martial de Limoges. La composición más relevante de este manuscrito es el llamado Congaudeant Catholici.

Códice de Faenza: Manuscrito italiano de principios del siglo XV, que contiene una colección de transcripciones para teclado de música instrumental adornada. La mayoría de las composiciones seleccionadas son canciones medievales, escritas o adaptadas durante el siglo XIV. Entre las piezas más destacadas se encuentran "Ave sublime" y "Aquila altera", "Aquila altera", 1397). La mayoría de las piezas fueron escritas para ser interpretadas en el claviciterium, un primitivo instrumento de cuerdas, difundido en Europa durante la alta Edad Media y el Renacimiento.

Códice de Las Huelgas: Importante repositorio de manuscritos musicales del siglo XIV, existente en el archivo documental del antiguo monasterio cisterciense de la provincia de Burgos (España). Todas las composiciones, corresponden al canto del gradual, que se acostumbraba interpretar en latín³⁷ durante el transcurso de la misa. Entre los ejemplos más destacados de esta colección, pueden citarse los motetes y los conductus, estos últimos desarrollados en estilo silábico y melismático. Los motetes eran una forma más perfeccionada del organum tradicional. El célebre códice de Las Huelgas -uno de los documentos más interesantes de la polifonía medieval- también contiene dos tipos de organum: Una variedad, llamada “de modo libre”, en la que cada voz realizaba un contrapunto independiente, y otra que respondía a un estilo más condicionado en el orden de las tesituras, impuesto por la célebre escuela cantoral de Notre Dame de París (siglos XII y XIII). Las características esenciales del organum aparecen en la estructura melódica de diversas composiciones litúrgicas, como el Benedicamus Domino, los graduales y las alleluias. Algunos ejemplos musicales responden a otras características combinadas, raras en aquella época, como el “Conductus VI”, en el cual se interpretaba la parte central de la pieza de manera silábica, mientras que el principio y el final constituyen un muestrario de melismas. Otro de los ejemplos, destacados en este conjunto, es un conductus a dos voces femeninas, cuyo desarrollo constituye una verdadera clase de solfeo. Se cree que esta composición estaba dedicada a los estudios musicales de las novicias del monasterio.

³⁷ En el mismo periodo también se cantaban motetes en lengua romance. Entre los ejemplos notables de esta variedad cantoral religiosa se encuentran las series cantadas en francés antiguo, existentes en las colecciones de música polifónica renacentista de Wolfenbuttel y Montpellier.

Códice de León: Importante cancionero musical del siglo VII, perteneciente a la liturgia mozárabe. Los textos y sus respectivas entonaciones aparecen consignados con neumas hispanos, compuestos de acuerdo con el método coral medieval llamado de campo aperto, es decir, sin indicaciones de altura, aunque cada neuma disponía de una variada posibilidad de formas interpretativas. Además de este precioso antifonario leonés, y de su similar procedente del Monasterio de Silos- existen otros cantorales inspirados en las mismas formas musicales, aunque estos últimos fueron encargados a fines del siglo XV por el cardenal Francisco Jiménez de Cisneros (1436-1517) con destino a la capilla de Corpus Christi.

Códice de Silos: Antifonario mozárabe del siglo IX, así denominado por haber sido copiado del scriptorium del Monasterio de Santo Domingo de Silos, en la Provincia de Burgos. Es un valioso manuscrito, bellamente ilustrado, del comentario del Beato de Liébana al Apocalipsis de San Juan. Fue adquirido a mediados del siglo XIX por el British Museum de Londres.

Códice Princeps: Manuscrito de las "Cantigas de Santa María" del rey Alfonso X el Sabio, existente en la Biblioteca del Escorial, llamado así por la perfección de su notación musical, así como la belleza y cantidad de las miniaturas policromas que ilustran sus páginas, interesante ejemplo de la organología medieval. El nombre de este importante monumento de la antigua lírica española se lo dio el musicólogo catalán Higinio Anglès (1888-1969).

Codificaciones accesorias: Serie de abreviaturas, vocablos y símbolos mundialmente aceptados, que permiten registrar sobre el características necesarias para la ejecución de indicaciones de tempo, etc.). El uso correcto de estos códigos -referidos al tiempo de ejecución, el espíritu de la melodía o altura de las notas- permite que una partitura pueda ser correctamente interpretada de manera universal por cantantes e instrumentistas, sin importar el idioma o el país del mundo donde estos se encuentren.
pentagrama todas las condiciones y

una obra musical. (

claves, bemoles,

Colascione: Instrumento de cuerdas de la familia del laúd, dotado de un largo mástil provisto de veinticuatro trastes. Parece proceder del tanbur, un cordófono primitivo, oriundo de la India. En el siglo XVI, época en la que aparecen los primeros documentos sobre el colascione en el sur de Italia, éste sólo tenía tres cuerdas, aunque en los siglos posteriores fue evolucionando, tanto en la construcción como en la forma de ejecución. En el siglo XVII ya se lo cita con seis cuerdas y se conoce su difusión en otros países como Austria y Alemania.

Col basso: En italiano (con el bajo). Es una indicación de ejecución propia del canto llano con acompañamiento de órgano. En el pentagrama se escribía C.B. Cuando la letra C mayúscula, indicativa de cantus, estaba seguida por la letra B, correspondía la entrada del acompañamiento del bajo continuo como fondo melódico. Ambas letras se escribían fuera del área rayada del pentagrama.

Col canto: En italiano (con el canto). Otra indicación de ejecución similar a la anterior. Servía para indicar que la ejecución instrumental debía comenzar junto con la emisión vocal de los cantantes.

Col legno : Vocablo italiano (con la madera). Es una señal de ejecución para instrumentos de cuerda que emplean arco, como el violín, el violonchelo, el contrabajo y la viola de gamba. Indica que las cuerdas deben golpearse suavemente con la baqueta del arco y no con la parte de las crines. Esta técnica se utiliza para lograr un sonido más áspero y seco con el objeto marcar fuertemente el ritmo de un determinado pasaje musical.

Colmao: Célebres establecimientos musicales que surgieron en Andalucía, a mediados del siglo XIX con la decadencia de los café-cantantes. Originariamente eran mesones populares dedicados al expendio de bebidas y comidas típicas, donde se reunían los guitarristas, cantaores y bailaores flamencos con el propósito de interpretar su arte ante un público humilde pero entusiasta.

Colocación vocal: Ejercicio combinado de la respiración y las cuerdas vocales tendiente a mejorar la pronunciación de las frases musicales, aprovechando al máximo las posibilidades del aire al pasar por la garganta. Es sinónimo de impostación.

Colofonia: Substancia resinosa derivada de la destilación de la trementina, de aspecto cristalino y translúcido, con la que se impregnan las crines de los arcos para mejorar su contacto con las cuerdas. La consistencia natural de la colofonia tiene un efecto importante en la sonoridad y la claridad del timbre.

Coloratura (ornamentación): Es lo mismo que colorido. Esta forma procede del idioma italiano. En las arias de ópera se dice así cuando son cantadas con mucha rapidez y numerosas ornamentaciones vocales. Esta técnica del bel canto se logra con adornos vertiginosos, saltos y escalas que permiten expresar el virtuosismo del intérprete. La coloratura llegó a su más alto grado de perfección técnica en el siglo XVIII con las composiciones barrocas de Alessandro Scarlatti. Algunos ejemplos célebres de coloratura en la historia de la ópera, son la escena de la locura en "Lucía de Lamermoor," de Gaetano Donizetti (1797-1848) y la venganza de la Reina de la Noche en "La flauta mágica", de W. A. Mozart (1756-1791).

Coloratura virtuosa:

Es lo más perfecto en la escala de valores del

bel canto

italiano, también llamado

cantar parsaggiato

.

Colorido: En la música sinfónica es el carácter peculiar de la melodía con respecto al argumento y a las ideas afines que tienen relación con los sentimientos del compositor. En el drama lírico vemos la importancia del colorido no sólo en la composición musical, sino también en las características de la escenografía y los movimientos coreográficos. Todas son formas -consecuentes entre sí- que tienen una especial importancia en el logro de esta técnica. El gran compositor francés Charles Gounod (1818-1893) fue un maestro del colorido y la ternura sentimental. Sus óperas "Safo", "Fausto" y la magnífica creación romántica "Romeo y Julieta" obtuvieron en su tiempo un éxito clamoroso debido esa particularidad.

Colorido local:

Se llama así a la descripción de un paisaje o una escena popular a través de la música típica del lugar que representa el argumento.

Columbia: Ritmo folclórico de la isla de Cuba. Afirma su melodía en las diferentes formas de percusión (tambora, maracas, raspadores, etc.) Pertenece a la familia musical de la rumba, como el yambú y el guaguancó o wawancó.

Columna: Parte del arpa, generalmente maciza y de forma cilíndrica, provista de una base y una cabeza, que une la caja de resonancia con la consola-clavijero, formando el clásico triángulo donde se extiende la encordadura.

Colla : En catalán (grupo o conjunto). En el folclore de las islas Baleares y también en otras comunidades de habla catalana se llama colla al dúo de músicos folclóricos que ejecutan tres instrumentos: la xeremía (cornamusa); el flabiol (flautín) y el tamborí (pequeño tambor de mano).

Col.la parte (concierto): Fórmula abreviada (con la parte principal). Sirve para indicar que la parte de un determinado instrumento de la orquesta debe interpretarse al unísono o de igual manera que la de otro. Con esta indicación se entiende que los instrumentos secundarios deben acompañar las modulaciones rítmicas del instrumento principal.

Col.la parte (ópera): Igual que la locución anterior. Es una forma itálica abreviada, corriente en las partituras de ópera (con la primera voz). En este caso el significado se refiere al cantante principal, cuya voz debe seguir el comprimario u otro intérprete a quien se confía el seguimiento puntual de todos los matices. Requiere un acompañamiento instrumental especial para la tesitura del solista, también llamada prima voce.

Coll'arco:

Con el arco. Indicación de ejecución referida al uso de esta pieza en los instrumentos cordófonos. Es lo mismo que

arcato

.

Coma: Del griego (kómma). Es un intervalo muy pequeño. Sirve para diferenciar dos sonidos cuya entonación es prácticamente igual. En la teoría musical la palabra coma sirve para designar a cada una de las 9 partes ideales en las que se divide un tono determinado.

Coma diatónica:

Es la brevísima diferencia que existe entre el conjunto de doce quintas perfectas y la octava exacta. También se la llama

coma pitagórica

.

Coma enharmónica: Se trata de la diferencia mínima que existe entre dos sonidos casi idénticos, como el do sostenido y el re bemol. Tal diferencia resulta casi imperceptible para el oído no acostumbrado.

Coma sintónica:

Es la diferencia existente entre una tonalidad menor y otra mayor.

Combinación: Mecanismo del órgano que permite gobernar los diferentes registros, accionando un botón o ejerciendo presión sobre un pedal. Su objeto es simplificar los diferentes cambios de registro durante la ejecución de una obra musical. De acuerdo con el tipo de instrumento, la combinación puede responder a diferentes sistemas (neumático, transmisión mecánica, circuito eléctrico o electrónico).

Combo: La acepción musical de este vocablo se refiere a una formación orquestal compuesta por un número reducido de intérpretes. Generalmente se forma sobre la base tradicional del clásico conjunto dedicado a la interpretación de la música popular cubana (piano o tres, trombones, trompetas, contrabajo, tumbadora, bongó y cantante). Este tipo de grupos, se especializa en la ejecución de salsa y otras composiciones ligeras

Comedia: El desarrollo de este género comienza a partir del siglo V a.C. como un espectáculo cómico, cuyos principales componentes eran el baile y la música coral. Los personajes integrantes del coro en el teatro griego portaban curiosos atuendos y caretas gestuales de cerámica, muy bien decoradas, de la misma forma que en las representaciones de la tragedia. El aspecto de esas máscaras daba una idea clara de las distintas actitudes relacionadas con el desarrollo de la trama, como la risa, el temor o la ira. En distintos museos arqueológicos de Grecia e Italia, como el Panatenaikos, de Atenas, y el Archeologico Eoliano de Sicilia, existe una colección de estas máscaras escénicas que ha perdurado a través del tiempo. Están fabricadas con una delicada pasta de barro cocido y policromado. Tienen grandes ojos y una gran boca abierta por donde salía la voz del actor. El Teatro Griego de Siracusa es uno de los más importantes ejemplos que existe en el mundo de lo que fue el arte clásico. En el Istituto Nazionale del Dramma Antico de Siracusa aún se representan obras escritas hace 2500 años. Como en el desarrollo de la tragedia cada actuación se iniciaba con alabanzas al dios agrario Dionisos. A esta ceremonia luego se agregaron a pedido del público una serie de escenas y pasajes intermedios de carácter cómico o burlesco. Mientras que la tragedia era un tema propio de héroes y seres mitológicos, la comedia pasó a representar escenas de la vida diaria con personajes comunes. Así, lo que antes había sido un género serio y revestido de gravedad, se fue tornando a pedido del público en algo divertido, cuya temática estaba inspirada en circunstancias corrientes. Eran motivos tomados de la vida diaria que todos los asistentes conocían. Así nació este género ameno, cuya esencia pervive en el motivo argumental de la ópera cómica.

Comedia ballet: Expresión musical dramatizada, derivada del francés (commédie-ballet). Fue un género teatral en prosa, acompañado de baile, cantos y otros divertimientos musicales. Surgió en Francia, a mediados del siglo XVII, por la inspiración del autor cómico Molière (1622-1673) y el compositor Jean-Baptiste Lully (1632-1687). Esta variedad de expresión musical contó con el gusto y la decidida protección del rey Luis XIV. Su guión argumental, con partes dialogadas, solía responder a un motivo conductor configurado a través de una serie de piezas bailables. En ocasiones las representaciones de ballet tenían un carácter secundario, cumpliendo su función meramente decorativa.

Comedia madrigalesca: Antecedente de la ópera barroca italiana, anterior al siglo XVII. La acción dramática transcurre a través de una sucesión de madrigales. En su inspiración se advierten la influencia de la Commedia dell'arte, incluyendo la actuación de personajes típicos de esta clásica expresión del teatro itálico. Una obra tradicional de esta variante es "L'Amfiparnaso", del nombrado compositor italiano Orazio Vecchi (1552-1605), estrenada en el teatro ducal de la ciudad de Módena, en 1594. Se considera a esta combinación de madrigales dramatizados como uno de los precedentes más cercanos a la idea y el sentido estético de la ópera.

Comedia satírica: Se suele llamar así al argumento escénico que se apoya en situaciones absurdas o ridículas, pero cuya intención ideológica tiene un sentido mucho más profundo y cercano a la ópera de ideas. La obra "El gallo de oro", del compositor ruso Nikolai Rimski-Korsakok (1844-1908), con libreto del escritor Vladimir Belski, es una crítica social y política que hace escarnio del orden establecido a través de una comedia satírica. Su base literaria halla sustento en la creación del poeta ruso Alexander Pushkin.

Comédien : Del latín (comoedus=actor de la comedia o fábula). Nombre que recibe en Francia el actor profesional, encargado de llevar a la escena la condición humana del drama. En la ópera, además de llevar la línea melódica a través del canto, interpreta el carácter dramático y las circunstancias generales en torno a la individualidad del personaje. Con el desarrollo de la Comédie Française, el intérprete pasa a formar parte substancial e indivisible con su personaje, representando el arte escénico a través del canto. Es entonces cuando la etimología del término comédien adquiere en Francia su más elevado sentido intelectual. En los países de habla castellana la transcripción "comediante" tiene un sentido menos elevado. Se refiere más al “saltimbanqui” o “cómico de la legua” que al actor de alto nivel intelectual.

Comes: Denominación propia del canon. Se utiliza para designar al conjunto de las voces que entonan una misma melodía en contrapunto con la primera, llamada dux. Cada voz que va entrando a continuación de ésta recibe el nombre de "primer comes", "segundo comes", etc.

Cómico: Del latín (comicus=comediante). Actor especializado en la comedia ligera y en la ópera bufa. El cómico auténtico es un genio del arte escénico. A través del libreto, puede conjugar la profundidad intelectual del autor de la obra con la sutileza de su propia voz, de su mirada, en suma, de todo lo que implica el gesto interpretativo. Los literatos franceses del siglo XVIII comprendieron la verdadera calidad del género, creando la figura del Théâtre Comique, como un templo del arte en su más alto nivel. Esa condición aún subsiste y es la característica principal que eleva la condición de la comicidad, respecto a la farsa popular del llamado "théâtre boulevardier" (teatro callejero). En el verdadero humorista se advierte la capacidad de transformar las circunstancias de una escena grotesca en el paradigma de la interpretación. En la antigüedad clásica, el actor cómico era un genio de la comedia y como tal era tenido en el podio más alto de la gloria escénica.

Comma: En la música de la Grecia clásica se llamaba así al intervalo mínimo. En realidad se trata de un concepto teórico, inapreciable en la práctica y que sólo está al alcance de oídos expertos. Ya en la antigüedad se distinguían tres maneras de ordenar las notas musicales con el objeto de obtener escalas. A esas formas las llamaban genus (modo o género). Cada uno de esos géneros se denominaba respectivamente: diatónico, cromático y enarmónico.

Commedia dell arte : Género teatral italiano, de estilo barroco y carente de una línea argumental estricta. Su libreto, sumamente elástico en lo que respecta a los diálogos y las situaciones, permitía que los actores o intérpretes pudieran improvisar a su gusto sobre el texto básico del libreto, dando lugar a escenas singulares y de gran espontaneidad. Tenía personajes fijos, cada cual con su propio carácter, como Arlechino, il dottore, Pantalone, Colombina o Polichinela. Sus particulares características interpretativas se aplicaron con éxito a diversas óperas que ganaron con ello frescura y libertad. Esa apertura escénica dio por resultado una variedad casi infinita de situaciones disparatadas, que casi siempre giraban en torno a una idea original. Por ejemplo, en la comedia francesa el personaje llamado Polichinela o Pulcinele representa a un gañán alegre, fanfarrón y amigo de la bebida, mientras que en la italiana es un burgués zafio y satírico que suele dar lugar numerosos enredos.

Commedia in musica: También llamada denominaciones que recibe la ópera bufa compositor, pianista y libretista florentino fue el creador de un nuevo estilo en la comedia musical humorística. Entre sus obras destacadas está la fábula oriental "Turandot" y el capricho teatral en un acto llamado"Arlecchino". Es de notar que la ópera "Turandot" de Busoni, pese a llevar el mismo título que la obra de Giacomo Puccini, es anterior a ésta y presenta un enfoque distinto.

"commedia per musica" es otra de las italiana. Ferruccio Busoni (1866-1924), Commédie-ballet: Forma francesa de la denominación castellana comedia ballet. En Alemania alcanzó amplia difusión entre ambas guerras mundiales, como un variedad típica del sainete político o inspirado en la sátira social (ballettkomödie).

Commiato : En el canto de ópera se llama así a la estrofa breve con la que concluye la canción italiana. Tiene un efecto especialmente eufónico, porque permite estirar las palabras acomodando el contexto verbal a la modulación de la melodía que se está interpretando.

Commodo:

Indicación de movimiento. Algo lento, tranquilo, despacioso, pero sin exagerar.

Comparsa: Término teatral y lírico derivado de italiano (comparsa=figurante), desde donde pasó al uso popular. También se denomina así a las compañías de actores, cantantes y músicos, disfrazados o enmascarados, que suelen actuar en algunas obras escénicas y en la celebración de distintas festividades tradicionales.

Compás: Es la unidad que divide una composición musical en varias partes rítmicas de igual duración. En la música antigua y hasta ya entrada la Edad Media no se conocía la noción de compás. El concepto y su estudio comenzó a desarrollarse a partir de los siglos XII y XIII con una serie de líneas someras que dividían los compases en forma aproximada. La moderna señal de compás, para uso de los conjuntos instrumentales, comenzó a divulgarse recién durante el siglo XIV y posteriormente -hacia mediados del siglo XVII- empezó a utilizarse también en la interpretación vocal. La cantidad de partes, o espacios pertenecientes a cada compás, debe corresponder exactamente con la unidad determinada para cada uno de ellos. Con el objeto de señalar los distintos compases que se emplean las líneas divisorias y la indicación de compás. Por lo tanto, el desarrollo de una melodía obedece a ciertos patrones rítmicos cuyas pulsaciones se pueden agrupar en módulos de 2, 3, 4, e incluso 5 ó 7 tiempos. Si se toma como modelo al patrón rítmico del valsvals 1,2,3, etc.). Esta forma conceptual de identificar y medir el ritmo de los diferentes compases pareció limitar la absoluta libertad manifiesta desde un comienzo por la denominada música contemporánea (aleatoria, algorítmica, concreta, etc.). Actualmente, las corrientes vanguardistas tienden a medir el tiempo de las melodías por su duración en segundos, suprimiendo prácticamente la utilidad de las barras de compás. En realidad, existen serias dudas respecto a la auténtica validez y vigencia en el tiempo de estos experimentos. En términos generales, puede afirmarse que la marcación tradicional de los compases sigue siendo imprescindible en la ejecución musical. El movimiento de la mano del director de orquesta, desplazándose de un lado hacia otro, va marcando dichas unidades, de acuerdo con el ritmo o cadencia de la composición musical. Siendo un medio idóneo para analizar y subdividir las distintas partes de la frase musical, existen varios tipos bien definidos de compases, de acuerdo con la configuración y la cantidad de tiempos que los forman. En la ejecución de la guitarra flamenca, el compás marca la medida de la frase musical, con su correspondiente acentuación.

Compasado: Sujeto al compás. Se trata de un término musical cuyo significado es bastante amplio. Por lo general, se emplea para definir un pasaje melódico preciso, bien arreglado, pero también puede indicar un movimiento moderado, es decir, sujeto estrictamente al compás previsto.
Compasar: Marcar estrictamente el compás de una composición. En la escritura musical, significa separar la línea melódica en tiempos iguales, mediante el uso de líneas divisorias que cortan el pentagrama en forma vertical.

Compás binario: Es el que está formado por dos tiempos reales, como el compás de marcha. El compás binario tiene un tiempo fuerte y otro débil: 2/2; 2/4; 2/8; 6/8; 6/16; 4/2; 4/4; 4/8 etc. Cada variedad de compás tiene sus respectivas subdivisiones. Por ejemplo: el compás en 6/8 está formado por un total de seis tiempos: uno fuerte y dos débiles, más otro fuerte y otros dos débiles. También se dice compás mayor.

Compás compuesto: Es el acoplamiento de un compás binario con otro ternario, o al revés, un ternario más un binario. La suma de ambos compases da por resultado la forma compuesta. Ejemplo: Un compás de 2/4 más otro de 3/4 da un compás de 5/4, etc. La unidad de tiempo de los compases compuestos se divide en tres partes.

Compás de espera: Es un silencio que puede extenderse durante todo el tiempo que dura un compás. Suele emplearse como efecto especial en el acompañamiento del canto lírico, en algunas composiciones tradicionales, etc. En el desarrollo musical de ciertas obras dramatizadas, como ocurre en la ópera, el compás de espera tiene un fuerte efecto descriptivo, cuando en determinadas circunstancias, el contexto del argumento precisa la ausencia total de sonidos para señalar un instante de suspenso.

Compás espondaico: Del griego (spondeios=pie de verso compuesto por dos sílabas). Es una denominación que se empleaba antiguamente, en la enseñanza de la teoría musical, para definir al compás binario. Por su relación de tiempo y sonido, está directamente relacionado con el espondeo de la versificación clásica.

Compasillo: Es el compás de cuatro tiempos. Se indica mediante una letra C, escrita en el sector derecho de la clave. Representa la nota redonda, cuyo valor se toma como unidad básica para todos los compases. Antiguamente, a esta nota se la llamaba semibreve, por ello puede aparecer escrita así en algunos manuales y teorías publicadas hasta fines del siglo XIX. El compasillo es una de las formas de división más empleadas, junto con el compás mayor, el de dos por cuatro y el de tres por ocho, entre otros.

Compás mayor: Es un compás que dura el doble de un compasillo, o compás menor. Para indicarlo en el pentagrama se suele emplear un símbolo consistente en una letra C cortada por una línea vertical, que se escribe al comienzo de la melodía, inmediatamente después del signo de la clave.

Compás menor: Es el que tiene una duración equivalente a la octava parte de la máxima. También se puede decir que su valor corresponde a cuatro negras, también llamadas semínimas, aunque esta definición se emplea muy poco en la actualidad. Para indicarlo se escribe una letra C (sin barra), colocada de la misma forma que en el compás mayor.

Compás simple: Se llama así cuando en una melodía el número de tiempos de los compases se puede dividir por dos, por lo tanto, el tiempo es binario. En el compás simple la unidad de tiempo se divide por la mitad. (Una redonda en dos blancas, una blanca en dos negras, etc.)
Compás ternario: Tiene tres tiempos reales: uno fuerte y dos débiles: 3/2; 3/4; 3/8; 3/16; 6/2; 6/4; 6/8, etc. Por ejemplo: en el compás de 6/8 se produce la reunión de dos compases de tres unidades cada uno.

Compás trocaico: Término compuesto, que se utilizaba antiguamente para designar al compás ternario. Está relacionado con el troqueo de la versificación clásica. Se trata de una relación de tiempo y sonido, aplicada a la teoría musical. La denominación proviene del griego (trochaikós) nombre de un pie de verso, compuesto por una sílaba larga seguida de otra breve.

Complainte: En francés (endecha o canción triste). Genero musical antiguo, perteneciente al romancero popular. El motivo argumental solía referirse a temas caballerescos o amorosos, generalmente inspirados en leyendas y tradiciones medievales. Su forma melódica respondía a un tipo de composición sencilla, basada en ritmos tradicionales de la región de las landas (suroeste de Francia).

Complanta: Voz antigua en castellano. Igual que la palabra anterior, todas las variantes en lenguas romances, proceden del latín (planctus=llanto). La complanta era un tipo de endecha, en ritmo lento, que integraba la belleza de la poesía y la música en un conjunto pleno de armonía expresiva.

Complantas de Abelardo: Ejemplo clásico de la composición melódica medieval para acompañamiento de cuerdas. Es una serie formada por seis complantas, presumiblemente escritas durante el siglo XI, con el primitivo sistema de neumas que se utilizaba en la Edad Media. Estos manuscritos, importantes en la historia de la primitiva música popular europea, fueron descubiertos en el siglo XIX, en la Biblioteca del Vaticano 38, por el musicólogo suizo Charles Greith (1828-1887). Existe una versión impresa con la transcripción moderna de cada una de las piezas.

Composición musical: Es el acto de crear y reflejar la música sobre un soporte determinado, que puede ser papel (pentagrama) o cualquier otra forma de registro sonoro (CD, cinta magnetofónica, etc.). En la antigua Roma era conocida la creación del ritmo con el nombre de pedes musici=pie musical. Esta palabra tiene un amplio sentido dentro de las distintas variantes o disciplinas artísticas. El acto de la creación melódica requiere el conocimiento previo de la técnica musical, como el sistema de notación, la instrumentación, el ritmo, la armonía, el contrapunto, etc. También es necesario poseer un buen oído para reconocer e identificar por su nombre a los diferentes sonidos y sus innumerables variantes. El auténtico espíritu de la composición musical es algo que no se puede enseñar. Esta dentro del propio sentido estético, es un medio que el artista va desarrollando poco a poco, con el esfuerzo y la práctica constante.

Comprimario: Personaje secundario en el reparto de una ópera. La brevedad o intrascendencia de sus apariciones, dada solamente por exigencias del libreto, no siempre significa una calidad inferior en la interpretación. Óperas de Giusseppe Verdi (1813-1901), como “I Masnadieri”, basada en la obra“Los Ladrones” de Schiller, y“La forza del Destino”, presentan en su reparto a una serie de personajes comprimarios cuya interpretación requiere siempre un hondo dramatismo y un determinado color de voz.

³⁸“Planctus Petri Abailardi, Spicilegium Vaticanum”.

Con affetto: Forma expresiva de carácter afectuoso. Es una indicación de tono vocal que se emplea particularmente en el canto operístico. Tiene relación directa con la técnica del lenguaje gestual. Esa característica también puede indicarse con el vocablo "affettuoso".

Con anima:

Expresión escénica, propia del drama, que requiere una interpretación realizada "con el alma", es decir, con mucho sentimiento.

Con ardore:

Con fuerza y voluntad. Creación o interpretación realizada en forma apasionada.

Con brío: Acotación complementaria del carácter sonoro, referida al desarrollo de una escena musical. Indica que la melodía estará en tempo vivace y la música debe ser interpretada con fuerza, pero con una gran sensibilidad. El vocablo proviene del celta (brigos=potencia).

Concatenación:

Unión de dos compases en una misma línea melódica. Es un efecto producido por el sonido, cuando éste es común a dos combinaciones sucesivas de notas.

Concento (italiano): En el canto llano o gregoriano es la parte de conjunto, un grupo armonizado de voces que debe ser interpretada por el coro. Esta combinación de cantos se lleva a cabo en contrapunto con la parte que canta el sacerdote oficiante, llamada acento. La liturgia establece distintas formas de concento (salmos, himnos, aleluyas o alleluia, responsos, etc.).

Concentus (latín): Es el mismo vocablo que la entrada anterior, aunque en este caso se refiere a la relación de armonía entre las voces de los cantantes y el sonido de los instrumentos.

Concertada: instrumental. Por ejemplo: los salmos concertados, que se entonan en la misa juntamente con el órgano.
Se dice de la composición vocal que se canta con acompañamiento

Concertante:

Vocablo italiano de reconocimiento general en el mundo de la música. Este término tiene varias acepciones:

1) En la ópera clásica es el momento en el que intervienen todos los actores en la escena, cantando en contrapunto o acompañados por el coro. En los programas, libretos y partituras, puede aparecer escrita la forma italiana (in concertato).

2) Se emplea también como sustantivo para señalar a los intérpretes que actúan en una pieza compuesta para varias voces.

3) Otra de las variantes de este término se usa para denominar a un efecto musical, común en los siglos XVII y XVII, en el que uno o varios ejecutantes de la orquesta emplean sus instrumentos como solistas (tríos, cuartetos, etc.).

Los modelos de grandes maestros son variados e importantes: Un ejemplo interesante: "Rondó concertante en si bemol mayor""Rondó concertante en si bemol mayor" 1791). Esta pieza fue concebida como alternativa final del "Concierto Nº 1 para violín y orquesta" en si bemol mayor, que el gran compositor había escrito cuando sólo tenía 19 años. Otra obra importante que recurre al concertante como un elocuente medio de expresión sonora, aparece en los conocidos "Conciertos de Brandeburgo" "Conciertos de Brandeburgo" 1051. Compuestos entre 1711 y 1721, son seis obras maestras del Barroco, pensadas para el lucimiento, entre otros instrumentos, de trompetas, oboes, violines, violonchelos y flautas.

Concertina (acordeón): Pequeño instrumento de fuelle, originario del sur de Italia (1834). Las cajas armónicas y el receptáculo del aire pueden ser de forma cuadrada o hexagonal. Funciona igual que el bandoneón, mediante dos cintas o asas de cuero que permiten pasar las manos y estirar o comprimir el fuelle, ejecutando a la vez, con los dedos, un sencillo teclado de botones que regulan el paso del aire expelido por el fuelle. Hay modelos que tienen teclas especiales para acentuar la sonoridad en la parte del discanto y en los tonos graves o bajos.

Concertina (órgano): Antiguo sistema ventilador, de fuelles combinados, que se usaba en un tipo de aerófono con lengüetas metálicas, llamado órgano expresivo. Este instrumento estuvo vigente hasta finales del siglo XIX, aunque algunos ejemplares, existentes en la actualidad, aún funcionan perfectamente. El mecanismo de insuflar aire, llamado concertina, tiene la apariencia de dos cajas equilibradas y montadas sobre una estructura de soporte, que se expanden y comprimen, mediante unos pedales, de acuerdo con el requerimiento de aire para cada sección de tubos. El fuelle del lado derecho se utilizaba en el canto, mientras que el izquierdo se empleaba en el acompañamiento.

Concertino (acordeón): Instrumento de fuelle, de la familia de los acordeones. Durante el siglo XIX, gozó una gran popularidad en Inglaterra. Se fabricaba en dos versiones (barítono y bajo).

Concertino (ejecutante): Es el músico que interpreta la parte más relevante de un concierto. Se refiere particularmente al primer violín. También se llama así al grupo de solistas que actúan con carácter virtuoso en el contexto de una gran orquesta sinfónica. En el concerto grosso se llama así a un grupo reducido de eximios solistas, cuya parte adquiere especial preponderancia dentro del conjunto interpretativo. Entre los instrumentos más ricos en recursos cromáticos para el lucimiento del concertino se encuentra el violín, el violonchelo y la flauta travesera. Aunque en esta especialidad, los instrumentos de viento tienen menos preponderancia que las cuerdas, existen ejemplos brillantes de un acertado empleo de las resonancias propias de cada grupo instrumental. Ejemplos: "Concertino para clarineteOpus 26” del compositor alemán Karl Maria von Weber; “Quinteto para clarinete y cuerdas en la mayor, K 581”, de Wolfgang Amadeus Mozart.

Concertino (orquesta): Agrupación de instrumentos selectos, que durante los siglos XVII y XVIII, solía integrar el cuadro general del concerto grosso. El grupo concertino tenía a su cargo las partes solistas.

Concertino (profesor): Miembro de un cuerpo de cuatro profesores instrumentales, que desarrollaba su labor en los conservatorios y capillas, formando a los alumnos con el ejemplo y dando recitales. El cuarteto concertino, solía componerse con un primer violín, dos segundos violines y un violonchelo.

Concerto da chiesa: En italiano (concierto de iglesia). También llamado concerto ecclesiastico. Tuvo su origen durante el siglo XVI, como un ejemplo del desarrollo adquirido por la música sacra medieval. Formaba parte, junto con los concertantes y madrigales del primitivo concierto barroco italiano.
Concerto spirituale: (concierto espiritual): Nombre que se le daba durante una parte del barroco a los corales para órgano que interpretaban temas religiosos. Algunas composiciones melódicas de este tipo, que datan del siglo XVI y proceden de Alemania, llevan el título de "Choral vorspiele".

Concerto grosso: En italiano (gran concierto). Forma de estilo barroco, compuesto por dos grupos instrumentales bien definidos y que se complementan a la perfección: la parte solista, denominada concertino, y el conjunto orquestal en pleno, al que se llama tutti o ripieno. Tomaso Albinoni (1675-1726), violinista, compositor y cantante veneciano, es considerado por la crítica musical como uno de los creadores de la técnica del concerto grosso. Además de una importante serie de cantatas, conciertos, sonatas y fugas, Albinoni compuso 49 óperas, entre las que destacan "Didone abbandonata", "Zenobia", "Astarté" y "Meleandro".

Concerts royaux: En francés (Conciertos reales). Serie de conciertos de cámara instaurados durante el siglo XVII en la corte de los reyes de Francia. Adquirieron prestigio y celebridad internacional, tanto por el alto nivel de calidad de las creaciones musicales, y celebridad internacional, tanto por el alto nivel de calidad de las creaciones musicales, 1733), compuso para Luis XIV cuatro concerts royauxs, excelentes ejemplos del barroco en las que destacan las partes ornamentales y los solos para flauta, violín y violonchelo. Couperin, célebre organista y clavecinista francés, compuso, además, una serie de obras entre las que brillan el recital titulado "Leçons de ténèbres pour le mercredi" (Lecciones de tinieblas para el miércoles) escrito entre 1712 y 1715, y una colección de obras para clavecín integradas en cuatro libros con veintisiete suites de concierto.

Concerto scenico: Estilo operístico contemporáneo inspirado en motivos arcaicos. Un ejemplo directo es el renacimiento de la lírica latina y medieval alemana del siglo XIII a través de una concepción moderna. Surgida durante la primera mitad del siglo XX, esta corriente intelectual recuperó los colores y los movimientos de la tradicional forma cantata de la alta Edad Media. El concierto escénico "Trionfo di Afrodita" configura uno de esos puntos culminantes dentro del concepto vanguardista creado por el músico alemán Carl Orff (1895-1982). Como director de la eminente Escuela Superior de Música de Salzburgo, Orff llegó a consubstanciar el dominio de la nueva expresión visual junto a los magníficos sonidos de la polifonía, haciendo de ella un medio ideal para el desarrollo de una nueva forma de composición dramática.

"Concerts spirituels": Renombrada institución gala, dedicada a la ejecución y divulgación de la música de cámara, fundada en Francia, en 1725. Uno de sus directores más destacados fue el cantante lírico y compositor Joseph Legros (1739-1793), célebre en aquellos años por su actuación como tenor en la Ópera de París. En los Concerts spirituels destacaron importantes orquestas de cámara, como la de Mannheim, e instrumentistas virtuosos de aquel tiempo, pudiendo citarse entre otros a los solistas Friedrich Ramm (oboe), Georg Wenzel Ritter (fagot), Johann Baptist Wendling (flauta) y Giovanni Punto (corno). Mozart escribió, por encargo de Legros, una sinfonía concertante para ser interpretada en el célebre recinto de los Concerts spirituels. En ediciones musicales procedentes de Italia se llama del mismo modo a los corales para órgano que interpretan temas religiosos, aunque no tienen relación con la entidad francesa (ver concerto spirituale).

Concierto: Del italiano (concerto=concordancia entre las partes de un todo). Este vocablo aparece en el siglo XVI, como una forma de ejecución originaria del barroco. Los primeros intentos dedicados a la coordinación armónica de los conciertos datan del periodo preclásico y se deben al gran compositor y violinista italiano Antonio Vivaldi (1678-1741), que compuso 454 conciertos para distintos instrumentos. Sus obras están creadas especialmente para violines, violonchelos y oboes. Destacan notablemente entre ellos: "Estro Armonico" Opus 3, escrito en 1712, y "La Stravaganza" Opus 4, entre 1712 y 1713. Ocasionalmente, Vivaldi compuso melodías para flauta, como los "Sei Concerti per flauto" Opus 10, de 1729. En aquella época existían dos variantes de concierto bien definidas: El concerto per solista, donde se pone de manifiesto el virtuosismo individual, especialmente en los instrumentos de cuerdas, y el concerto grosso, en el que un reducido y selecto grupo instrumental ejerce una suerte de contrapunto con el resto de la orquesta. El estilo del concerto grosso también era conocido con el nombre itálico de concerto ripieno (completo, relleno), por ello es posible ver tratados musicales y partituras antiguas que lo citan de esta última forma. Por lo general, el concierto clásico presenta un orden y se divide en tres partes o movimientos bien definidos:

a)

Rápido:

El primer movimiento, en tiempo acelerado, consta de dos partes o temas, por eso se llama

bitemático

y su presentación debe ser muy brillante.

b)

Lento:

El movimiento intermedio, en tiempo mas pausado, suele estar dedicado a la parte cantable -si la hubiere- y al lucimiento de los instrumentos solistas.

c)

Rápido:

El tercer movimiento, también llamado

tempo finale

, se compone de un

rondó

, presentado casi siempre por un solista.

Entre los grandes compositores que introdujeron variantes substanciales en estructura del concerto, se encuentran Ludwig van Beethoven (1770-1827). De las obras de este gran maestro alemán para diversos instrumentos y orquesta hallamos algunas que llenan el espacio de una magia sonora indescriptible. Estas son, sin duda, el "Concierto para clavicémbalo o pianoforte" en mi bemol mayor, del año 1784; el "Concierto en do menor para piano y orquesta" Opus 37, de 1800; el "Triple concierto en do para violín, violonchelo y piano" Opus 56, de 1804 y el "Concierto en re mayor para violín y orquesta" Opus 61, de 1806. Con el romanticismo llegó una nueva tendencia -más liberal respecto a las normas tradicionales del concierto- pero cuyas variantes no desentonan ni llegan a romper la armonía imperante en el estilo. Robert Schumann (1810-1856), Franz Liszt (1811-1876), Frédéric Chopin (1810-1849) -entre otros no menos célebres y reconocidosdieron muestras de una fina sensibilidad a la hora de crear sus respectivos conciertos, de una manera personal, pero absolutamente perfectos y armónicos. Finalmente, los periodos moderno y neoclásico dan lugar a una serie de variables y novedades vanguardistas en las que resulta difícil distinguir lo que es un concierto tradicional, de aquello que realmente no lo es. Las primeras décadas del siglo XX ya marcan un estilo novedoso, rico en ideas e influencias combinadas (jazz, melódico, clásico) en el que se da mucha importancia a otros aspectos distintos a la secuencia tradicional de los tiempos, los movimientos, etc. Las nuevas generaciones de compositores e intérpretes, fijan la conciencia creativa especialmente en los recursos electrónicos y en el timbre de los instrumentos.

Concierto de solista: Su característica más saliente es la individualidad del sonido. Difiere del concerto groso tanto por la estructuración como por el efecto sonoro. Hasta mediados del siglo XVIII fue el violín el instrumento más adecuado para este tipo de interpretaciones. Desde entonces esa predilección fue polarizada por el piano de cola, instrumento indiscutible en este tipo de concierto. Wolfgang Amadeus Mozart fue el compositor que más influyó en su forma actual, compuesta de la siguiente manera:

1er. movimiento: en forma de sonata (tiempo acelerado)
2º movimiento: en forma de lied (tiempo lento)
3er movimiento: en forma de rondó (tiempo rápido)

Concitato: En italiano (agitado). Es un vocablo propuesto en el siglo XVII por el compositor italiano Claudio Monteverdi (1567-1643), a quien se considera uno de los grandes maestros del estilo recitativo. Se refiere a la forma de interpretación que demuestra un gran temperamento escénico para representar sobre las tablas la agitación del espíritu, la emoción y el arrebato propios de la tragedia. Un ejemplo de esta particularidad aparece en la obra de Monteverdi titulada "Settimo libro de madrigali", concierto compuesto en 1619, con bajo continuo y varios géneros de canto para una, cuatro y seis voces. Desde entonces, la idea del término concitato se ha transformado en una indicación usual en la ópera y en otras obras musicales.

Con delicatezza:

Con suavidad, manteniendo el

ritmo

de una melodía, pero sin forzar el

tempo.

Condición: Danza de carácter galante, dividida en dos partes en las que se suceden tiempos de minué y zamba. Es una forma tradicional en el folclore regional de la República Argentina, consistente en un baile de parejas sueltas e independientes, con movimientos combinados (lentos y algo más vivos). Se la considera originaria de la provincia de Catamarca, donde floreció a principios del siglo XIX (c. 1812/13). Su característica principal reside en un juego airoso de pañuelos blancos, que los bailarines mueven con gracia para expresar los sentimientos. La coreografía incluye avances, retrocesos, saludos, media vuelta, arrestos y coronación.

Conductus (canto medieval): Vocablo en latín, que significa canto dirigido. Se trata de una manera primitiva de contrapunto vocal, sobre textos latinos, que fue usual en las procesiones religiosas de la Edad Media. Esta forma se realizaba durante el desarrollo del canto monódico o polifónico. Estuvo en uso desde el siglo XII hasta el XIII. Uno de los conductus que ha perdurado hasta el presente, con todos los detalles de su estilo medieval, es una monodia llamada "Beata Viscera" del compositor francés Perotinus, maestro de la célebre escuela polifónica de Notre Dame, que vivió en el siglo XIII. La más lograda perfección eufónica del conductus -durante el apogeo del estilo- se pone de manifiesto en los tropos del Benedicamus Domino. Se conoce la existencia de varias colecciones de conductus -para dos y tres voces- que han perdurado hasta la actualidad. Las copias originales se encuentran en su mayor parte reunidas en forma de códices o manuscritos, conservados en abadías y monasterios medievales de España, Francia e Italia. El ejemplar más conocido, y el primero de los que se tuvo noticias en épocas relativamente recientes, es el Congaudeant Catholici, escrito sobre pauta gregoriana, para tres voces y con neumas normandos. Perotinus, llamado "el grande", fue el autor de una serie destacada de obras musicales de carácter religioso, especialmente dentro de las formas conductus y organa. Otras obras de este autor son los conductus para dos y tres voces "Dum sigillum" y "Salvatoris hodie", que sentaron un precedente dentro del estilo vocal y crearon las bases del actual canto lírico.

Conductus (fuga): Antiguamente se llamaba conductus a una composición ligera y breve que se intercalaba entre las dos partes principales de una composición bitemática. El estilo aparece en algunas fugas como transición entre la parte final de la exposición y el comienzo de la respuesta.

Con fuoco:

Acotación complementaria del carácter sonoro de una melodía. Sugiere que la interpretación debe realizarse con temperamento, en forma apasionada.

Conga: Instrumento de percusión, autóctono en varios países caribeños, aunque presumiblemente su origen primitivo es africano. Las congas se percuten por pares, afinadas a diferentes alturas y colocadas sobre trípodes. Cada tambor tiene un solo parche, de piel de oveja, que cubre la parte superior del cuerpo, cuyo perfil es alargado y troncocónico. El extremo inferior de la caja de resonancia queda abierto para facilitar la expansión del sonido. Cada membrana se tensa con un marco circular de madera, puesto a presión. La percusión se realiza con las manos y a gran velocidad. Existen distintas formas y tamaños, que según su tono se denominan quinto, conga propia y tumbadora. En la actualidad, existen modelos más evolucionados, provistos de membrana de material sintético y que se templan mediante un sistema de llaves metálicas.

Congaudeant catholici: Título de una de las formas primitivas de composición vocal, de las que se tienen constancias fehacientes. Escrita para tres voces, con neumas normandos y sobre el pautado gregoriano de cuatro líneas (tetragrama), es una importante fuente de conocimientos sobre la música europea del medioevo. La escritura fue recuperada y transcripta recientemente con el auxilio de avanzados sistemas informáticos. En el códice seudocalixtino se atribuye su autoría al monje francés Albert de París, maestro del coro de la basílica de Notre-Dame entre 1147 y 1180. (ver Ars Antiqua).

Conjunto: Vocablo derivado del latín (coniunctus) referido a la relación armónica entre las partes y el todo en una obra musical. Su significado general de unión de componentes es aplicable a distintas posibilidades, como el conjunto de los instrumentos de una determinada categoría o la colección de partituras de una obra compleja.

Conjunto (instrumental/vocal): Grupo de intérpretes, instrumentistas o cantantes reunidos con el objeto de actuar en concierto, cuyas características responden a la imprescindible relación entre todas las partes componentes. Durante mucho tiempo se denominaba conjunto -de manera particulara las agrupaciones de ejecutantes instrumentistas -mayores que el cuarteto- que se especializaban en la interpretación de la música de cámara (consort). Su actual acepción, más amplia, también sirve para designar a las compañías de artistas de variedades que cantan, ejecutan diversos instrumentos o bailan en espectáculos musicales. En términos generales, también se suele llamar conjunto vocal a los integrantes de un dúo, trío o grupo coral y conjunto instrumental a los miembros de una banda u orquesta no muy numerosa.

Conjunto caribeño: Agrupación musical, también conocida con el nombre de combo. Es la denominación genérica de un tipo de agrupación que surgió en la ciudad de La Habana durante la década de 1940, debido a la ampliación del clásico septeto. El instrumental podía variar, pero generalmente estaba formado por el clásico piano vertical, un dúo de trompetas, trombones, contrabajo, bongó y tumbadora. Las actuaciones siempre contaban con uno o dos vocalistas. En ocasiones el piano podía ser reemplazado por el tres, un cordófono dúctil y adaptable a cualquier contingencia interpretativa. En la actualidad, casi todos los grupos dedicados a la interpretación de salsa tienen la configuración tradicional del conjunto caribeño.
Con leggierezza: Indicación de ejecución puntual. Especialmente pianística, aunque no es determinativo. Significa que una melodía debe ser ejecutada "con espíritu ágil". Puede aparecer escrito con la abreviatura "c.legg.".

Con moto:

Acotación musical propia para la descripción de una escena con marcado movimiento. Señala la existencia de compases acelerados.

Consecuente:

En el

contrapunto

, se conoce con este nombre a cada una de las voces que siguen a la primera voz, también llamada

antecedente.

Conservatorio: Institución docente -pública o privada- donde se imparte la enseñanza de distintas disciplinas relacionadas con la música y el arte escénico. Como entidad educativa se trata de un modelo establecido en Europa desde el siglo XVI. Los primeros conservatorios se fundaron en Italia y tenían un carácter de obra benéfica -orfanato u hospicio- patrocinada por los nobles de la localidad, donde los educandos recibían alojamiento, vestido y alimentación, además de la enseñanza musical. Entre los centros más importantes de aquella primera época, pueden citarse a los conservatorios napolitanos de "Santa Maria di Loreto"; "Sant'Onofrio"; "Della Pietà" y "Dei Poveri di Gesù Cristo", establecidos en Nápoles a partir del año 1537. En Venecia y Ferrara se llamaban ospedale (hospital/hospicio). Para las niñas también existían estos primitivos conservatorios llamados ospedaletti, donde también se enseñaban las faenas domésticas, junto a los conocimientos elementales de la música. El concepto moderno del conservatorio, donde se imparten todas las materias relacionadas, no sólo con la teoría y la práctica musical, sino también con la historia del arte y otras ciencias afines, recién adquiere preponderancia hacia el siglo XIX. En la actualidad existen más de 60.000 conservatorios de primer nivel en todo el mundo. Entre los más importantes, de esta categoría están el "Regio Conservatorio di Musica", de Milán, el "Mozarteum" de Salzburgo y el "Conservatoire National de Musique et Déclamation" de París, que patrocina el Grand Prix de Rome.

Consola (arpa): Del francés (console). Parte superior del arpa moderna donde se encuentra el sistema de clavijas, las cejillas de asiento de las cuerdas y los mecanismos de las horquillas tensoras. El cuerpo de la consola-clavijero va unido a los extremos superiores de la columna y la caja de resonancia. También se le suele llamar cordal.

Consola (instrumentos electrónicos): Pupitre de metal, fibra plástica o madera, destinado a contener los mandos del sistema operativo, la unidad central de procesamiento electrónico y otros componentes eléctricos de estos instrumentos.

Consola (órgano):

Parte del cuerpo del instrumento donde se alojan los teclados manuales y las diferentes llaves de registro.

Consola (piano):

Patas delanteras, que soportan la caja con la maza del teclado y los paneles frontales, tanto en los pianos de cola, como en los modelos verticales.

Consonancia (física): Es la cualidad de los sonidos, que al ser oídos de manera simultánea dan por resultado una melodía agradable. La resolución de los tonos melódicos siempre va de acuerdo con el estilo musical determinado por la época o la cultura. Es una palabra que procede del latín (consonantia) y su nombre indica sonidos simultáneos. Dentro de la música tonal, la consonancia se percibe como una secuencia armónica y siempre debe estar compuesta por más de dos tonos. Este concepto a perdido vigencia con el desarrollo del atonalismo y los sonidos dodecafónicos. El ejemplo opuesto es la disonancia. Consonancia analógica: Efecto técnico de producción melódica por medios electrónicos (sintetizadores, ondas Martenot, etc.). Básicamente producen una serie de vibraciones electrónicas, repetidas en forma continua o intermitente, que actúan como música de fondo para la melodía fundamental.

Consonancia natural: Corresponde a las vibraciones simpáticas, es decir las notas fundamentales acompañadas por sus armónicos más próximos. Las consonancias naturales en los instrumentos de cuerda son producidas por una serie de fenómenos acústicos que tienen lugar cuando existe la cantidad suficiente de ciclos vibratorios, un mínimo de aproximación entre los cuerpos vibrantes y la estructura adecuada del instrumento. Entre otros efectos sonoros secundarios, las consonancias naturales pueden producir acordes perfectos mayores, acordes de 5ª, 7ª, 9ª o 11ª, etc.).

Cónsono:

Acorde que suena en consonancia con otros de su tipo formando un sonido armónico. También se puede decir acorde

cónsone

.

Consort (instrumental): Voz inglesa derivada del latín (consortium=reunión). Conjunto de instrumentos cuyos sonidos se adaptan y complementan bien entre sí. Por ejemplo, el grupo de los laúdes y el timbre del virginal, una fórmula ideal para la interpretación de la música renacentista, o laúdes y violas da gamba, otro bello enlace de sonidos que alcanzó bastante difusión en el siglo XVII.

Consort (vocal): El término también se puede aplicar a un grupo de cantantes de la misma cuerda. La concepción moderna de consort se debe a la influencia de la música popular británica durante la segunda mitad del siglo XX.

Contano: Indicación aclaratoria de ejecución. Se incluye en las partituras para aclarar que los silencios también cuentan en el cómputo de los tiempos (tempi). Es una aclaración destinada a los instrumentos de la orquesta que tienen compases de pausa.

Continuo: También se dice bajo continuo, o continuum en el ambiente de la ópera italiana. Es la parte grave de una partitura. La notación se escribe como una sola voz. Los acordes que debe llevar a cabo el intérprete se consignan mediante una serie de cifras. De esta modalidad proviene el nombre bajo cifrado, con el que también se conoce a esta antigua forma musical.

Continuum: Término preferentemente operístico. Se suele llamar así a la composición musical persistente o continuada, que sirve de fondo al desarrollo de un pasaje musical. La música no detiene su fluir, aunque el libreto intercale partes cantadas con otras que son declamadas.

Contra: Nombre de uno de los pedales del órgano. La forma plural (contras) de esta palabra, sirve en consecuencia para señalar a la serie de los sonidos bajos más profundos de dicho instrumento.

Contrabajo: Instrumento de cuerdas frotadas por arco, el más voluminoso de la familia del violín. Casi toda su tesitura se halla en la gama de los graves. Además, debido a su tamaño, las posibilidades de ejecución y dominio del arco son más críticas en el contrabajo que en los demás componentes de su familia (violín, viola, violonchelo). El arco es distinto (más corto y pesado) debido a las necesidades propias del instrumento y suena una octava más baja que su propia notación. La misión más importante del contrabajo en la orquesta es contribuir con la base sonora de la melodía, prestando la fuerza de los graves y la profundidad del ritmo a todo el conjunto de las notas musicales. Los contrabajos antiguos tenían sólo tres órdenes de cuerdas, pero los modelos actuales tienen cuatro, afinadas al aire en cuartas justas. Ocasionalmente, se pueden ver algunos modelos con una cuerda adicional. Su extensión aproximada es de dos octavas y media. Los hombros del contrabajo adoptan un ángulo agudo con una silueta similar a la viola de gamba, pero mucho más voluminoso. Su diapasón carece de trastes y el cuerpo tiene un fondo plano que se va haciendo más angosto en las proximidades del mástil. Una de las características de la ejecución del contrabajo es que puede tocarse de dos maneras: en pizzicato, es decir, pellizcando las cuerdas con los dedos o utilizando el arco. El contrabajo usual en la composición instrumental de la cobla catalana sólo lleva tres cuerdas, que le permiten mayor vibración sonora. Esta particularidad es importante, dado que este tipo de conjuntos musicales generalmente deben realizar sus ejecuciones al aire libre y sin amplificación. Sin embargo, algunos compositores de sardanas señalan la necesidad de utilizar contrabajos de cuatro cuerdas por su posibilidad de lograr notas más graves. El contrabajo de jazz -de cuatro cuerdasse emplea desde principios del siglo XX en la sección rítmica, estableciendo un nexo melódico muy fluido y perfecto con la sección armónica.

Contrabajo de viola: Instrumento de seis cuerdas de la familia de las violas de gamba. Su aspecto era similar a los contrabajos actuales. Estuvo en uso desde la segunda mitad del siglo XVI, hasta principios del XVII. Debido a su tamaño voluminoso -el de mayor envergadura en este tipo de cordófonos- también suele llamarse "gran contrabajo de viola". El compositor italiano Claudio Monteverdi (1567-1643) incluyódos “ contrabaffi de viola” en la plantilla de 33 instrumentos previstos para la orquesta de su ópera“Orfeo”.

Contrabajón:

Instrumento de viento de la gama de los graves, parecido al

fagot

. Pertenece de la serie de los

bajones

y suena una octava más baja que estos.

Contrabajo-octava: Especie de contrabajo de gran tamaño, inventado en Francia en 1849, al que también se conoce por su denominación original (octobasse). Debido su gran tamaño -cerca de cuatro metros de altura- y las evidentes dificultades de ejecución, dejó de fabricarse y pronto cayó en el olvido. En la actualidad es una pieza de museo. Podía alcanzar sonidos más graves que el contrabajo corriente. En Italia gozó de cierta popularidad con el nombre de violonaro.

Contracanto: Técnica propia del canto polifónico. Se llama así al efecto acústico producido por una voz secundaria -o un grupo de voces secundarias- ocupando una posición subordinada respecto a la voz de cantante principal. Cuando no se trata de un canto a cappella, esa parte se interpreta en forma simultánea con la melodía básica ejecutada por el acompañamiento instrumental. El contracanto se suele poner en práctica con el propósito de resaltar el efecto melódico de las voces secundarias.

Contracción rítmica: Ocurre cuando el ritmo de una serie de notas reduce sus valores, razón por la que un par de compases se contraen, formando uno solo. Es lo contrario de dilatación rítmica.

Contradanza: Voz derivada del inglés (country-dance). Es un baile de origen británico, con movimiento vivo y compases de 2/4 y 6/8. que se desarrolló en ambientes rurales a mediados del siglo XVII. Consta de varias partes, cada una compuesta por 8 campases, que se repiten indistintamente. Décadas después de su nacimiento, la contradanza aparece en Francia, donde pronto adquiere una gran popularidad, llegando poco después a extenderse por el resto de Europa. Ludwig van Beethoven compuso en 1795 una serie de piezas inspiradas en los movimientos de este baile, titulada "12 danzas alemanas" Opus 140. A fines del siglo XVIII, llega al Caribe, donde adquiere un aire particular, impregnado con cierta influencia criolla, especialmente en la isla de Cuba. Entre el conjunto de bailes típicos del folclore de aquella isla se encuentra el danzón cubano, una variedad del mismo grupo. Esa forma -parecida a la habanera- logró preservar durante bastante tiempo las características coreográficas y rítmicas de las danzas criollas, en las que predominan los tiempos lentos. El estilo de la contradanza, gracioso y alegre, alcanza también los Estados Unidos, donde sus movimientos se dejan ver en las clásicas danzas vaqueras del oeste norteamericano. Durante el siglo XIX arriba finalmente al Río de la Plata, pasando desde entonces a formar parte de las formas y los aires melódicos correspondientes a varias danzas argentinas, como el cielito, la media caña y el pericón.

Contrafagot: Instrumento aerófono de madera. Su largo tubo es bastante más extenso que el del fagot, debido a ello debe adoptar varias circunvoluciones, con el objeto de resultar práctico en la ejecución. Es el miembro más grave de la familia del fagot, siendo idéntica su técnica de ejecución. El sonido particular del contrafagot equivale al del contrabajo, entre los de cuerdas frotadas. Por eso, se utiliza en la orquesta para reforzar los registros graves. Su timbre profundo suena siempre una octava más baja que la nota escrita en su partitura.

Contrafuga:

Variedad de

fuga

, donde la parte de la

imitación

del tema se lleva cabo de manera inversa.

Contralto: Voz femenina con timbre intermedio con registro amplio. Se suele aplicar a papeles con mucho carácter. Su extensión alcanza por lo menos dos octavas, desde el fa grave hasta el agudo. Los críticos papeles de la doncella Piccarda y de Dianora, la desgraciada hija de Francesco dell Giocondo, en la ópera en dos actos "Mona Lisa", del notable compositor alemán Max von Schillings (1868-1993), requieren la intervención de contraltos experimentadas, capaces de dar vida a la intensidad dramática que requieren sus respectivos papeles. Una de las voces más admiradas del siglo XIX fue la contralto italiana Marieta Alboni, artista lírica dotada coloratura. Pudo triunfar en los más destacando su interpretación de la "Misa Solemne" de su maestro Gioacchino Rossini. El término proviene del latín (altus) y también se suele dar al registro de la voz infantil. Un ejemplo de contralto dramática es el personaje femenino de Ulrica en la ópera "Un ballo in maschera" de Mozart.
de un registro excepcional por su amplitud y

importantes escenarios de Europa y América,

Contramotivo:

Parte musical en contrapunto que sucede a la primera parte de la

fuga

, denominada

motivo

.

Contrapás : En catalán (contrapaso). Danza folclórica, de carácter alegre y movido. Es muy popular en algunas comarcas de la región de Cataluña. Puede asimilarse a la contradanza.

Contrapaso de danza: Es un paseo o figura coreográfica de la contradanza. Se refiere el paso que, sin romper el ritmo, se da en sentido opuesto a la dirección del paso que se ha dado antes de éste.
Contrapaso vocal: Se llama de esta forma a un estilo de canto polifónico en el que una parte de los intérpretes va emitiendo las notas musicales de manera normal, mientras que otro grupo de voces ejecuta un canto paralelo (llamado contrapaso) consistente en una inflexión que sirve de acompañamiento y cobertura a las voces normales.

Contrapunt (sardana): Nombre catalán de cada uno de los pasajes melódicos de la danza llamada sardana, en los que el flabiolaire de la cobla interpreta su parte en contrapunto, empleando los sonidos modulados del flabiol, junto con el repique del tamboril.

Contrapunto: Voz derivada del latín (punctum contra punctum=nota contra nota). Es la armoniosa concordancia de varias voces contrapuestas, durante el desarrollo de un determinado pasaje musical. En el transcurso del canto coral, dos o más voces se replican o contestan consecutivamente unas a otras -nota contra nota- siguiendo puntualmente el texto de la composición. El efecto se puede lograr también con el sonido instrumental, interpretando simultáneamente la misma melodía. La técnica del contrapunto apareció descripta por primera vez en la partitura de un discantus del siglo XI. Con el desarrollo del Ars Antiqua, y posteriormente con el Ars Nova, se practicaba en las formas de imitación. Sus medios de expresión más conocidos e importantes fueron el canon, la caccia y el gymel. Durante el siglo XV se practicaba en Francia (Cambrai), bajo la influencia de las escuelas francesa y neerlandesa. Uno de los más destacados propulsores de esta técnica cantoral fue el teórico brabantino Johannes Tinctoris (c.1436-1511), autor de un profundo estudio titulado "Liber de arte contrapuncti" (Libro del arte contrapuntístico), publicado en Lieja en 1477. Tinctoris, notable compositor y ensayista, escribió una docena de tratados sumamente importantes en la actualidad para conocer cómo se escribía e interpretaba la música medieval. La obra "Istituzioni harmoniche" -escrita un siglo después por el italiano Gioseffo Zarlino (1517-1590)- contribuyó al perfeccionamiento de las diferentes formas de escritura y ejecución. El compositor alemán Georg Friedrich Haendel (1685-1759) incluyó en sus óperas la forma del contrapunto entre los respectivos roles de alto y contralto, con un éxito perdurable. El método de contrapunto puede formar parte de distintas maneras en el desarrollo de la fuga. Cuando sigue al motivo, es decir, a la primera parte de ésta, se le llama contramotivo.

Contrapunto escolástico: También llamado Diversorum tonorum concentum. Es una puntualización del vocablo anterior. Antiguamente se llamaba así al canto polifónico que predominó en Europa occidental durante la última parte de la Edad Media. El contrapunto escolástico estuvo vigente en la liturgia cristiana hasta la reforma instaurada por el Concilio de Trento (siglo XVI). La Santa Sede propuso una serie de modificaciones en las pautas del canto gregoriano, con el objeto de ajustarlo a las normas de la templanza y la moderación.. El Papa Pío IV designó una comisión de estudios, destinada a implementar la revisión de la expresión musical dentro de la Iglesia. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594), maestro del coro de la Basílica de San Pedro, fue uno de los compositores a quien se encomendó, en 1577, la tarea de establecer las reglas definitivas del canto llano. Lo secundó en esa obra el músico italiano Annibal Zoilo. Giovanni Guidetti, alumno de Palestrina, fue quien publicó en 1582 los documentos del canto reformado, titulado “Directorium Cori”. Fue en esa época–durante los siglos XV y XVI, cuando la música religiosa alcanzó su más alto grado de perfección técnica.

Contrasto: En italiano (contraste). Segunda parte de la fuga, cuando está compuesta por dos partes o melodías distintas. La primera melodía de la fuga se denomina sujeto. Contrasujeto (vocal): Es una forma de canto que se da en la ópera clásica italiana, especialmente en la variante recitativa. Se trata de un juego melodioso de voz contra voz, que requiere una técnica precisa y elaborada, donde los interpretes -que pueden ser dos o más- se contestan mutuamente creando un bello efecto vocal de eco modulado. La forma básica del contrasujeto, también se puede ver y escuchar en las distintas modalidades del diálogo teatral (tensó provenzal) y en la declamación poética con versos atenidos a la métrica y la rima tradicional. Esta forma se conoce con el nombre general de coplas de contrapunto.

Contrasujeto (instrumental): Se llama así al pasaje melódico que sigue a la primera parte de la fuga o exposición del tema. Recordemos que la fuga se compone de tres partes: 1) la exposición, donde aparece el tema; 2) la respuesta o consecuente y 3) el episodio o divertimento final. El contrasujeto aparece a partir de la segunda parte y es una forma de contrapunto doble, donde la tonalidad aguda se sustituye alternativamente por la grave y a la inversa.

Contratenor: Voz masculina que sobrepasa en riqueza de matices y en potencia a las cantantes femeninas. En la ópera barroca solían representar papeles de mujer. Es la tesitura más aguda entre las voces masculinas. Aunque los ejemplos son raros en la actualidad, antiguamente la modulación cromática de los contratenores se podía equiparar a la voz de las mezzosopranos y los falsetistas. En la ópera inglesa del siglo XVII, los contratenores desempeñaron un papel importante como solistas en las arias de conjunto. El contratenor posee un tipo de voz homogénea que logra combinar los registros de cabeza y de pecho, alcanzando un equilibrio armonioso entre ellos. Sus cuerdas vocales están capacitadas para interpretar los difíciles roles que fueron escritos siglos atrás para los castrati, aunque algunos autores han criticado su empleo en las óperas cómica y dramática por considerar que históricamente fue un tipo de voz más apropiada para el canto religioso. En la música polifónica de la Edad Media se llamaba con este nombre a una voz similar a la del tenor, cuya función era ejercer las tareas de contrapunto.

Contratiempo: En música se usa este vocablo para denominar ciertos acentos rítmicos que combinan armoniosamente entre cada uno de los tiempos de un compás o especialmente sobre los tiempos débiles. Su uso suele estar determinado por la necesidad de dar variedad rítmica a una composición. En el contratiempo, los tiempos fuertes se anotan con un silencio.

Contravoz:

Figura consecuente o secundaria, que replica y secunda a la primera voz en un

contrapunto

.

Contravoz alterada: Estilo tradicional en la polifonía litúrgica del Renacimiento (coral gregoriano). Forma parte del discanto inglés. Corresponde al transporte de la duodécima descendente y puede alcanzar hasta el doble de la octava, por debajo del plainsong (canto llano). Normalmente, su indicación aparece escrita con abreviatura (Ca).

Contravoz natural: Estilo tradicional en la polifonía litúrgica del Renacimiento (coral gregoriano). Es el transporte de la quinta descendente. Forma parte del discanto inglés. Puede alcanzar la octava por debajo del plainsong (canto llano). La indicación de contravoz natural suele aparecer escrita con abreviatura (Cn).

Copa: Extremo globular del tubo bordón de algunos modelos de gaitas o cornamusas (gaita de boto aragonesa, gaita francesa antigua, gaita asturiana, etc.). Es una pieza tallada en madera, con forma ovoide y las paredes delgadas, que cumple la función de cámara de resonancia.

Copalchí: Instrumento de viento, tradicional en los territorios del Petén (Guatemala) y Chiapas (México). Es una variedad de flauta autóctona, con el pico en forma de cuña y sin lengüeta. El tubo presenta tres agujeros de digitación distribuidos en la parte superior y uno, de menor diámetro, en la inferior. Se fabrica con la madera de un pequeño árbol resinoso, del mismo nombre³⁹. Su sonido pentatónico, agudo pero bien modulado, permite formar una escala sencilla de cinco tonos, distribuidos en cuatro tonos mayores y dos semitonos -uno mayor y otro menor- que en el sistema temperado corresponden a la sexta aumentada. Las dulces melodías que interpretan los indígenas lacandones, habitantes de los valles del río Usumacinta, reflejan la añeja tradición de una cultura musical presumiblemente heredada de sus ancestros mayas. El nombre compuesto de este curioso aerófono indígena procede de la unión de tres palabras en la lengua quiché, propia de los nativos de aquella región (co=templar; pal=poner y chi=boca) cuyo significado semántico sería templar o entonar sonidos puestos en la boca del intérprete, a través del tubo de la flauta. Las hojas y la corteza del copalchí tienen efectos medicinales. La madera y su aromática resina se suelen emplear en la fabricación de instrumentos musicales y barnices de excelente calidad.

Copeo: Danza folclórica de la isla de Mallorca, de origen bastante antiguo. Lo mismo que la jota, es muy alegre y también se canta, quedando este menester a cargo de un coro que en ocasiones puede ser exclusivamente femenino y en otras quedar a cargo de los ejecutantes instrumentales (guitarras, bandurrias, laúdes, panderos, etc.). Existen constancias de expresiones musicales muy similares en todo el ámbito cultural del Mediterráneo, especialmente en la isla de Cerdeña. En Baleares ya se conocía su existencia en el siglo XVIII. Aunque el estilo musical, la manera de bailar y las distintas coreografías recién se popularizaron y quedaron registradas a fines del siglo XIX. El copeo se baila en parejas, dejando el hombre que la mujer vaya llevando con sus giros y evoluciones los distintos pasos y movimientos de la danza.

Coperto (canto): Recurso que consiste en un cambio muy sutil en la emisión de las vocales abiertas, con el propósito de lograr una mayor suavidad en la pronunciación de las palabras y que el tono de la voz surja de manera expresiva. Cantando de esta forma, el timbre general de la voz se vuelve más rico en modulaciones y las notas parecen expresar dulzura. Suele ponerse en práctica en las escenas románticas. La interesante relación entre la armonía y la declamación, se pone en evidencia a través de un juego de resonancias propio del coperto. El papel de la armonía está dado por los acordes, las notas que surgen de la vocalización del rapsoda o del cantante, junto con los sonidos instrumentales de acompañamiento (tono cubierto). En la ópera, ese equilibrio entre la pulsación audible y el ritmo se debe a la armonía del canto hablado.

Coperto (membranófonos): Sonido apagado del timbal. Efecto utilizado en la música descriptiva para insinuar el ruido de la caballería galopando en una pradera, pasos sigilosos, etc. La manera más práctica se logra cubriendo la membrana con una funda de paño, con los bordes elásticos, especialmente adaptados al diámetro del instrumento. Ésta y otras técnicas de adecuación sonora son usuales en la música de ópera.

³⁹ Copal (Géneros: Hymenoea, Trachylobium). Variedades de árboles leguminosos, originarios de América Central (México, Guatemala). En Honduras se los conoce con el nombre de curbaril y en las islas del Caribe como copalillo (Cuba, República Dominicana).

Copista musical: Experto que se dedica a copiar las obras de otros autores en el pentagrama. Su conocimiento estilístico debe ser perfecto para interpretar los más ligeros acentos o rectificar errores del original, mejorando al máximo la transcripción definitiva. Hans Richter (1843-1916), famoso director de orquesta nacido en Hungría, fue copista de Richard Wagner. Su profunda compenetración con la obra operística del gran compositor alemán, le llevó a dirigir en Bayreuth la tetralogía "Der Ring des Nibelungen".

Copla (canto popular): Dentro del contexto lírico, la variedad de la copla permite improvisar textos diversos sobre el patrón rítmico de una misma melodía. Es un vocablo popular de origen antiguo, normalmente ligado a la práctica del canto improvisado. En la actualidad sigue teniendo vigencia como voz sinónima de estrofa modulada. En el folclore musical de Andalucía se llama así a la tonada seguida de estribillo. La melodía puede variar de acuerdo con las características del texto o a la inversa. En Francia recibe el nombre de couplet.

Copla (ornamento instrumental): En algunas piezas para clavecín y otras composiciones instrumentales de los siglos XVII y XVIII, se denominaba copla a la reiteración de un pasaje melódico -generalmente el tema principal- al que se acostumbraba incorporar ciertos ornamentos melódicos. Esa variación instrumental solía estar precedida o sucedida por el paso breve de un rondó, que cumplía la función del estribillo.

Copla (técnica poética): Composición literaria formada por una combinación breve (redondilla, cuarteta, etc.) que suele emplearse como texto en las canciones populares. Dentro de ese estilo, existen diversas variantes. Entre ellas pueden citarse:

-Copla de arte mayor : Es la que consta de ocho versos dodecasílabos. En el siglo XIX se usaba en el canto religioso inspirados en la adoración a la Virgen Nazarena. Riman del siguiente modo: el primero con el cuarto, quinto y octavo; el segundo con el tercero y el sexto con el séptimo.

-Copla de pie quebrado

: La que integra en la letra algunos versos con esa característica junto a otros de mayor extensión.

Coplería:

Conjunto de

coplas

,

romances

,

jácaras

o

endechas

que integran el acervo folclórico de un pueblo y representan algún aspecto de su entidad cultural.

Coplista:

Poeta aficionado, de condición popular y estilo rudimentario, que suele improvisar coplas en las fiestas y celebraciones religiosas. También se dice coplero.

Copólogo: Artificio musical formado por un conjunto de copas de cristal llenas de agua hasta diferentes niveles. Regulando bien la altura del líquido, a modo de afinación, cada copa da un sonido diferente de la escala, muy suave y agradable. Se ejecuta pasando los dedos mojados por el borde de la copa. Constituye más un entretenimiento que un verdadero instrumento músico.

Cora: Instrumento musical de cuerdas, dos mástiles y membrana, originario del corazón de África central. La caja de resonancia consiste en una calabaza grande, atravesada por una vara de madera dura que hace las veces de mástil y clavijero. Por la parte superior se recubre con una piel tensa que transmite los sonidos de las cuerdas al interior de la caja a través de un alto puente. Posee 24 órdenes de cuerdas, con sus respectivas clavijas, a ambos lados. Al costado izquierdo tiene otro mástil–de menor tamaño- al que se anuda un número indeterminado de cuerdas que vibran por simpatía. Con el desarrollo evolutivo de la música étnica existen cordófonos cora profesionales dotados de bella sonoridad y perfecta afinación.

Coral: Composición vocal sencilla, escrita sobre un tema religioso, cuya armonía estaba escrita o compuesta para un conjunto de cuatro voces. Los preludios corales, suelen ser piezas de carácter inspirados en tradiciones y asuntos de condición sacra. Fue un canto religioso tomado por la iglesia protestante con la índole de composición propia para su rito. La música del coral empleado por la Reforma–originalmente un canto monódico- provenía de distintas fuentes culturales. Entre otros motivos de inspiración pueden citarse antiguas piezas del folclore popular y algunos cantos tradicionales de la liturgia católica. Varias melodías de este tipo se atribuyen a la creación del reformador Martín Lutero (1483-1546). Dentro del complejo estilístico de la música coral se advierten algunas variantes, como la melodía armonizada simple, la melodía polifónica (coral figurado), la melodía extensa y ornamentada (coral variado), obra compuesta especialmente para órgano, y el coral como tema integrado en el desarrollo la fuga.

Coral en contrapunto: Es un estilo de coral en el que se va armonizando nota contra nota. En la interpretación del coral en contrapunto, la melodía ocupaba la voz superior y su forma de armonización se llevaba a cabo mediante acordes perfectos.

Coral figurado: Se llama así a la música del coral tratada de manera polifónica, siguiendo el estilo del cantus firmus. Por esa razón, también se le suele llamar coral polifónico o coral "Pachelbel". Su principal característica reside en la función del sujeto, en torno a cual se desarrolla un elaborado trabajo de contrapunto. El coral figurado, que apareció a fines del siglo XVI con el desarrollo de las modernas formas cantorales, dio lugar a diversas combinaciones estilísticas, entre ellas el coral variado.

Coral "Pachelbel": Denominación que se le suele dar ocasionalmente al estilo del coral figurado. Lleva ese nombre en recuerdo del célebre compositor y musicólogo alemán Johann Pachelbel (1653-1706), a quien se considera uno de los grandes organistas de la antigua escuela alemana.

Coral para órgano: También se le llama coral variado. Composición escrita para ser interpretada en órgano, en la que prevalecen melodías de himnos. El teórico musical y compositor Michel Praetorius (1571-1621), fue un gran organista que se destacó como maestro de capilla en la corte de Sajonia. Entre sus obras, dedicadas al canto coral con el acompañamiento de este instrumento, podemos recordar a las interesantes composiciones tituladas: "Musae Sioniae", de 1609, e "Himnodia Sionia", de 1611. La prolífica y diversa labor de Praetorius comprende una magnífica colección de obras didácticas, entre los que destacan una veintena de publicaciones de música religiosa y su célebre teoría "Syntagma Musicum", un voluminoso tratado en tres volúmenes ilustrados, donde por primera vez se describen gráficamente las formas y características de numerosos instrumentos musicales.

Coral polifónico: En esta especialidad musical, cada una de las partes melódicas debe expresar su sentimiento individual a través del sonido y al mismo tiempo, conformar un todo armónico con las demás partes del conjunto. Por lo tanto, en el coral polifónico, el ritmo es coincidente con la totalidad del conjunto de las voces. Destaca en esta época, entre otras magníficas composiciones, los corales polifónicos de los maestros alemanes Sethus Kallwitz (1556-1615), Melchor Vulpius (c.1560-1615) y Hans Leo Hassler (1564-1612). Kallwitz -cantante, compositor y maestro de capilla, cuyo seudónimo era "Calvisius"escribió una importante colección de corales luteranos, corales para 12 voces, etc., todos dotados de un alto valor melódico y descriptivo de la música coral durante los siglos XV y XVI. A Melchor Vulpius se debe una importante colección titulada "Cantionum sacrarum", para 4, 5 y 6 voces, publicada en 1610. Otro trabajo interesante fue la recopilación y edición aumentada de un valioso tratado sobre música de principios del siglo XVI, reunido en la obra del teórico alemán Heinrich Faber y titulado "Compendiolum musicae pro incipientibus". Esta edición -a la que además de recopilar y revisar, Vulpius agregó varios capítulos de su propio conocimiento- es de gran utilidad para los estudiosos e investigadores de la música renacentista. En la creación musical de Hans Leo Hassler se advierte una importante influencia de la escuela veneciana. Entre sus obras dedicadas a este género destacan "Cantiones sacrae" a cuatro voces, escrita en 1590; "Sacri concentus", para cuatro a ocho voces, del año 1601. En latín, el término concentus (consenso) se refiere al concepto de armonía entre las voces o los instrumentos. Durante el siglo XVII el coral polifónico fue incorporado a obras más extensas, como los conciertos espirituales, oratorios y cantatas. El coral polifónico alcanza su más alto nivel armónico y de sensibilidad melódica con las obras de Johann Sebastian Bach (1685-1750). También puede aparecer con la denominación de coral figurado.

Coral variado: Aunque su característica esencial es la variación, esta forma de coral responde en términos generales a la forma tradicional. Sus variantes suelen apoyarse en los ornamentos, las cadencias y los acentos.

Corchea: Del francés (croche=torcido). Llamada así por el rasgo oblicuo que adorna la figura de las notas musicales. Es un signo que sirve para expresar la duración de un sonido determinado. Ese sonido se considera una nota. Equivale la octava parte de la redonda. (Figura: e).

Corchete: En las figuras musicales se llama así al pequeño trazo simple o doble, cuyo rasgo horizontal levemente oblicuo, se une a la pica por el extremo opuesto a la cabeza. Dependiendo de su ubicación en el pentagrama, tanto la pica como el corchete se pueden dibujar partiendo de la cabeza hacia arriba o hacia abajo. Si la pica va hacia abajo, el rasgo del corchete se dibuja hacia la derecha. Si la pica sale para arriba, el rasgo del corchete debe colocarse mirando hacia la izquierda. Con el objeto de hacer más fácil y comprensible la lectura musical, cuando se escriben las figuras correspondientes a ciertas notas (corcheas, semicorcheas, fusas y semifusas) se suelen unir las que entran en un mismo tiempo. De esa forma, todos los corchetes individuales se transforman en una doble barra horizontal.

Cordal (arpa): Es la parte superior de este instrumento donde se encuentra el sistema de clavijas y los mecanismos de las horquillas tensoras. El cuerpo del cordal de arpa, al que también se llama consola o consola-clavijero se une a los extremos superiores de la caja de resonancia y la columna.

Cordal (cordófonos de arco): Paleta suelta de madera plana y forma casi triangular, con cuatro orificios que permite sostener las cuerdas en el lado opuesto al clavijero. Se asegura a la parte media del aro inferior mediante una pieza de acople denominada botón de cordal. Es propia de los instrumentos de este tipo (violín, viola, violonchelo, contrabajo).

Cordal (cordófonos rasgueados): Existen distintos tipos de cordal fijo para la familia de las guitarras y las violas (pochette, viola d'amore, viola medieval, lira da braccio, viola de gamba). En general, esta forma va encolada a la tapa del instrumento y cumple la función de puente.

Corda vuota: Indicación operativa en italiano. Significa "cuerda al aire". Se emplea en los conciertos para señalar esa condición de ejecución para algunos cordófonos, como la viola de amor, el violonchelo o el contrabajo.

Cor d’harmonie:

En francés (corno de armonía). Denominación antigua de la trompa de pistones. También se daba ese nombre a la trompa de mano.

Cordófonos: Término compuesto, derivado del griego (chordae=cuerda y phoné=sonido). Se llama así a los instrumentos musicales cuyo sonido se produce por la vibración de las cuerdas. En esta numerosa variedad de componentes existen los cordófonos simples, como la cítara de varas y la de tablas, con teclado o diapasón y los cordófonos compuestos, como la lira, el arpa y la trompa marina. Una de las características más importantes de este tipo de instrumentos es la caja de resonancia y como parte integrante de ésta, el barniz. El conocimiento de las fórmulas y el dominio de las diferentes técnicas de aplicación, son unos de los secretos mejor guardados del oficio de luthier. El barniz sirve no sólo para aislar al instrumento de factores externos como la humedad y el roce, también incide en la propia acústica del instrumento, porque otorga a la madera un sonido nítido y brillante. El uso de las lacas se emplea desde la antigüedad en la fabricación de cordófonos pertenecientes a las diferentes culturas del sureste asiático.

Cordófono (frotado): Pertenecen a esta familia los instrumentos cuyas cuerdas se frotan de distinta forma:
a) con un arco (rebec, violín, viola d'amore, viola de gamba, violonchelo,
contrabajo, etc.).
b) mediante un rueda (zanfonía).

Cordófono (percutido): Son aquellos instrumentos cuyas cuerdas se tañen con la ayuda de unos pequeños martillos o baquetas de madera. Dentro de esta categoría existen dos variantes:

a) Percusión manual (algunas cítaras, el címbalo o cembalo ungarico, el salterio alemán o dulcemel, etc.)
b) Percusión mecánica, con sistema de teclado (piano)

Cordófono (pulsado/punteado): Nombre específico de la serie a la que pertenecen los instrumentos cuyas cuerdas se pulsan
a) con los dedos (laúd, arpa, guitarra, mandola, mandolina, cítola, tiorba, banjo,
balalaika, etc.).
b) mediante un sistema de punteado mecánico (clave o clavicémbalo)

Coreada:

Adjetivo que se aplica a las obras musicales en las que un coro interviene como acompañamiento, o también en el caso de varios coros actuando en concertante.

Coreuta: Del griego (choreutés). Cantante que integraba el coro general en las representaciones dramáticas de la Grecia clásica. El ciudadano que costeaba con su propio peculio el estudio, los ensayos, los decorados y la vestimenta de un coro popular se llamaba corega. Los coros polifónicos podían intervenir en los certámenes musicales y dramáticos que se desarrollaban cada año en Atenas y otras ciudades. En la actualidad -y por extensión- en algunos países se suele llamar corega al director de un coro. Su correcta etimología es corego. En el teatro griego, los coreutas se dividían, según sus respectivas voces- en dos semicoros. De acuerdo con el desarrollo de las escenas, los coreutas podían cantar sus partes respectivas en forma conjunta o alternada.

Corion: Música de la antigua Grecia. Estilo de composición melódica, dedicado a la diosa Cibeles. Remotas tradiciones cuentan que el legendario Olimpo de Frigia (siglo VIII a.C.) fue el creador e inspirador del estilo musical corion. Plutarco y Aristóteles cuentan en sus escritos, que Olimpo inventó el sistema enarmónico, agregando que sus compases llenaban el alma de un cálido entusiasmo. Otros autores lo relacionan con los líricos griegos Hierax, Cratex y Antipos. Algunos tratadistas e investigadores modernos, consideran que sólo se trata un mito, utilizado para designar de una manera simbólica a todo el contexto musical de la civilización frigia. Frente a las costas del mar Egeo, en la región montañosa de Kozak Daglari (actual Turquía), aún subsiste una danza popular que conserva el nombre y las características del corion.

Corista (danza): Voz derivada del griego (choros=coro). Bailarina o cantante de grupo [género femenino]. Mujer joven, integrante de un número musical. Es una acepción relativamente moderna, derivada del francés (choriste).

Corista (canto): Integrante de un conjunto vocal. Tomado del inglés (choirboy). Antiguamente, esa acepción en particular era de índole masculina, aunque en la actualidad se suele utilizar para ambos géneros. En la ópera y otros espectáculos musicales se llama así a los integrantes del coro.

Corista de boca:

Nombre que se daba antiguamente al diapasón. Era similar al

tipótono

de lengüeta libre, que sonaba en la nota la. También se le llamaba

afinador

.

Corística: Se dice del arte de bailar en grupo, formando coro con los cantantes y otros bailarines. En el teatro grecolatino, este vocablo se aplicaba a la actividad desarrollada por los integrantes de los conjuntos de baile y otros números musicales. El estudio de la corística, era aplicable tanto a las danzas ceremoniales, de compás lento y pausado, como a los movimientos rítmicos y acelerados que realizaban los actores secundarios sobre el escenario.

Cornamusa: Instrumento de viento, similar a la gaita, pero con características propias. Ya en el siglo XVII existía una gran variedad de estos instrumentos, conocidos en toda Europa. Se sabe que fabricaban buenos ejemplares en Italia y Alemania. La cornamusa formaba parte del equipo de instrumentos portátiles de las bandas populares y otros tipos de conjuntos. En la enciclopedia "Syntagma Musicum", de Michael Praetorius, publicada en Alemania entre 1615 y 1620, aparecen varios modelos, algunos con un fuelle insuflador accesorio y otros, provistos largas pipas con la boca o pabellón en forma de campana. Lulli la empleaba en la Academie Royale de Musique.

Cornamusa de metal: Antigua trompeta de latón o metal bronceado. Su longitud total puede pasar de 1,50 m y el pabellón es cónico. En la mitad de su recorrido, el tubo realiza una amplia circunvalación que a la vez sirve de asa. Carece de válvulas y su embocadura sirve para modular los sonidos.

Cornamusa irlandesa: Instrumento de viento compuesto por un pequeño fuelle que se acciona con el brazo derecho. Tiene un odre provisto de un caramillo de lengüeta doble con ocho agujeros. Los bordones o tubos de salida son tres: (grave, medio y agudo). Corne: Denominación francesa de la antigua bocina (cuerno). Fue un instrumento típico de la Edad Media que se utilizaba en fiestas y torneos. Su sonido, grave y profundo, solía acompañarse con acordes temperados de pífanos y redobles de tambores.

Corneta: Aerófono de mayor tamaño que el clarín y con el sonido más grave. Su popularidad, como instrumento guerrero y cortesano, data del siglo XIV. En la actualidad se utiliza especialmente en las bandas militares. Existen varias tesituras de corneta, en su mayoría afinadas en do, la y si bemol, aunque pueden verse otras tonalidades más extremas. Cuanto más estrecho o cerrado sea el diámetro del tubo aéreo, más se acerca al sonido de la trompeta. Los modelos actuales de corneta, de fácil ataque y provistos de válvulas a pistones, aparecen en Francia a comienzos del siglo XIX. Los franceses la llaman cornet à piston, para diferenciarla de una versión similar -también derivada de la corneta- que utilizaban asiduamente los postillones para anunciar el paso de las diligencias. Entre los grandes maestros de la orquestación, que han creado melodías especialmente concebidas para corneta hallamos un bello ejemplo en el ballet "Petroushka", del compositor ruso Igor Feodorovic Stravinski (1882-1971). De esta magnífica obra, estrenada en París en 1911, se realizó una suite orquestal en 1947.

Corneta contralto:

Es una variedad que está afinada corrientemente en la tesitura

mi bemol

.

Corneta curva o semicurva: Modelo primitivo, fabricado en madera dura, generalmente de ébano y forradas en cuero, con siete orificios. Con una extensión media de dos a tres octavas estos instrumentos no permitían una afinación muy estricta. Existen ejemplares de los siglos XIII y XIV que proceden de la región de Normandía y el norte de Polonia.

Corneta de los Alpes: Es una forma de oboe rústico, de origen montañés. La caña es cilíndrica, de unos 2 metros de extensión desde la boquilla hasta la boca de salida, que es amplia y curvada, con forma de campana. Su sonido resulta estridente y monótono. Se trata de un instrumento primitivo que utilizaban los pastores para comunicarse en las montañas. Aparece como instrumento de escena en algunas películas.

Corneta de pistones: Instrumento de viento-metal creado por el fabricante belga Victor Mahillon. Es un aerófono de gran ductilidad que puede llegar hasta el nivel el Re 7 agudo. Se afina en Re agudo y su timbre es similar al de las trompetas graves, a las que puede sustituir sin perdida de la calidad orquestal. Se considera un elemento ideal en la interpretación de las obras de Johann Sebastian Bach.

Corneta piccolo:

La menor de todas las cornetas de banda. Es la que está afinada corrientemente en las tesituras

re

o

mi bemol

.

Corneta soprano:

Es la que está afinada corrientemente en las tesituras

do

,

si bemol

o

la

.

Cornetín: Instrumento de viento, provisto de válvulas a pistones, creado en el siglo XIX. Es similar a la trompeta, aunque su timbre no resulta tan brillante como el de aquella. Se trata de un aerófono ideal para la interpretación de composiciones que requieren una gran agilidad y cuya correcta puesta en el aire necesita una cierta dosis de virtuosismo. Básicamente existen cuatro modelos o tipos de afinación para el cornetín (do, la, si y si bemol). También se utiliza en las bandas, aunque sin llegar a aprovechar al máximo sus cualidades sonoras. El cornetín gozó de la aceptación de celebrados maestros del belcantismo y el romanticismo musical, como el italiano Gioachino Rossini (1792-1868) y los franceses Héctor Berlioz (1803-1869) y Georges Bizet (1838-1875), que hallaron en este instrumento un medio apropiado para incluir nuevas sonoridades a sus portentosas creaciones orquestales.

Cornetto: Corneta italiana usada en las bandas. Los modelos más antiguos eran similares a las llamadas cornetas de postillón. Existieron varios modelos, algunos de ellos evolucionaron mediante la aplicación de distintos sistemas mecánicos para modificar la tesitura natural.

Cornetto a cilindri: Otro instrumento de esta familia, dotado de un rudimentario mecanismo de pistones. Aunque su sonido era profundo y pleno de relieves, dejó de usarse a fines del siglo XIX, ante el avance de otros ejemplares de su tipo más evolucionados.

Cornetto circolare: Aerófono de diámetro regular y amplio pabellón, parecido al antiguo corno romano, pero provisto de un juego de tres llaves que le permitían alterar la altura de los sonidos.

Cornicen: Músico que tocaba el corno o clarín en la antigüedad. Integraba las bandas que acompañaban a las legiones del imperio romano. Su misión era ejecutar los toques de marcha y melodías con aquel instrumento.

Cornix: Nombre latino antiguo del clarín. Llamado originariamente cornu o buccina. Era una pequeña trompa de metal –de bronce laminado o latón- con el diapasón más agudo y penetrante que las trompas normales.

Corno bohemio: Aerófono original del siglo XIX, derivado del antiguo "krummhorn" (cronormo). Por su forma de ejecución, pertenece a la familia de la flauta dulce. Aún se utiliza como un instrumento tradicional en los conjuntos de música folclórica checa de Dublovice y Neveklov (Bohemia).

Corno di bassetto : Instrumento de viento de la serie de madera, también perteneciente a la familia de los oboes. Su registro se prestaba bien en la ópera para acompañar las partes dramáticas. Fue muy popular hasta las postrimerías del siglo XVIII. Lo empleó Wolfgang Amadeus Mozart en sus obras. Actualmente su tono lo sustituye el clarinete bajo.

Corno inglés: Este aerófono, presente en la gran orquesta sinfónica, pertenece a la familia de los oboes en la variedad de contralto en fa. Su sonido neto y de registro amplio se presta en la ópera tanto para acompañar tanto las escenas trágicas como aquellas que indican un estado melancólico. Es un noble instrumento transpositor de madera o ebonita, con doble lengüeta, cuerpo cilíndrico y campana periforme. En la conocida Sinfonía Nº 5 "El Nuevo Mundo", del compositor checo Antonin Dvorak (1841-1904) se aprecia el valor del corno inglés como instrumento de carácter. A pesar de su nombre el modelo actual, recto, del corno inglés procede de Francia, donde apareció hacia 1820. Era ésta una derivación del llamado corno da caccia, que tampoco era inglés ni se utilizaba en la caza.

Corno romano: Especie de gran clarín de la antigüedad. Era un aerófono de tamaño considerable y forma redonda, que se usaba en las paradas militares del imperio romano. El encargado de ejecutarlo se llamaba cornicen. Se fabricaba con bronce laminado o latón. Tenía una barra transversal destinada a prestarle rigidez, conservando la forma circular del tubo. Una amplia campana le permitía orientar el sonido. La barra transversal también ayudaba al cornicen a sostener el pesado instrumento apoyado sobre el hombro.

Coro: En la configuración de la ópera es un conjunto de cantantes que actúan como una unidad rítmica, actuando de manera independiente o acompañando a los solistas y a la música instrumental. Este vocablo viene del griego (chorós) que era el lugar donde los intérpretes de la tragedia clásica realizaban sus movimientos coreográficos, bailes, cánticos y recitados. Puede decirse que su existencia, como manifestación musical organizada, comprende a las más diversas culturas y su tradición ya es milenaria. En la música europea, los conjuntos corales adquirieron una gran preponderancia, especialmente a partir del siglo XI, con el nacimiento de la polifonía. Durante el periodo del desarrollo de la ópera francesa, los coros desempeñaron una importante labor de acompañamiento que resaltaba la parte dramática en los diversos pasajes. Un ejemplo interesante de la utilización puntual del coro para lograr distintos efectos dentro del desarrollo argumental, puede apreciarse en la ópera trágica en tres actos "Orfeo y Eurídice", del compositor bohemio Cristoph Willibald Gluck (1714-1787). La interpretación coral y de acompañamiento, configurada por pastores, ninfas, furias del averno y espíritus sagrados, logra un efecto extraordinario en los aspectos sonoro y visual. Gluck fue uno de los reformadores en la historia de la ópera. Aunque el gran impulso del coro tuvo lugar durante el siglo XIX, ya desde los inicios de la ópera como género musical y teatral llegó a constituir un elemento preponderante del espectáculo. Esto se debió al hecho de que su esencia expresiva estuvo siempre adornada por el idealismo de la tragedia griega clásica.

Coro (pentagrama): Nombre genérico de la parte escrita que se destina a la interpretación de un grupo de voces. Por extensión, también se llama así a la misma pieza musical compuesta con ese objeto.

Coro angélico: Agrupación de cantantes infantiles que acostumbraban recorrer las calles entonando villancicos y chanzas en la época navideña. Es una antigua costumbre musical que se practicaba en los pueblos de España desde el siglo XIX hasta principios del XX.

Coro cíclico: En el teatro griego (siglo V a. C.) se denominaba así al grupo de cantantes que se reunía en círculo para entonar ditirambos. Por no existir en aquellos tiempos la notación escrita, los coros eran dirigidos por el mismo compositor de la pieza musical que debían interpretar. Es una de las circunstancias más remotas en las que se aprecia la función del director de orquesta, para marcar con las manos la altura y el ritmo de la melodía.

Coro spezzato : Canto partido. Forma de entonación religiosa, cuyo apogeo coincide con el periodo de mayor brillo del estilo musical creado por la Escuela Veneciana (siglo XVI). Fray Rufino Bartolucci de Asís, maestro de capilla en la basílica de San Antonio de Padua, compuso entre 1520 y 1530 numerosos salmos para ocho voces, llamados normalmente "a coro spezzato". Fue en Venecia donde esta forma alcanzó su mayor perfección técnica y estilística, con la configuración de los coros enfrentados cantando en concertato. Un recurso empleado usualmente en el canto de ópera.

Coronat opus : Denominación latina (obra coronada) que se daba antiguamente a la parte final de una ópera, para indicar que se había llevado a cabo el desarrollo íntegro de la misma, partiendo del preludio, continuando con el desarrollo y concluyendo con el epílogo.

Corranda:

Tipo de copla popular en la región de Cataluña. El mismo nombre recibe una danza que se baila en circulo, como la sardana.

Corrente: Versión italiana de la danza francesa llamada courante. En sus orígenes fue una manifestación popular viva y alegre, compuesta en compás ternario (3/8, 3/4). Durante el siglo XVII se transformó en una danza aristocrática con el ritmo algo más lento.

Corri-corri: Danza folclórica de Asturias. Procede de la región de Cabrales, situada en el valle del río Cares, entre las serranías de Cuera y Covadonga. Como el popular pericote, el corri-corri tiene un origen muy antiguo, que entronca con la época céltica. Según parece, formaba parte de las ceremonias tribales y su sentido tenía un carácter mágico-religioso. Los lugareños también lo llaman baille cabraliegu.

Corridas: Serie del cante flamenco. Es un término que se suele emplear casi invariablemente en plural. También se los conoce con la denominación de playeras. Pertenecen al grupo de composiciones populares propias del folclore regional de Andalucía.

Corrido: Canción típica de México. Su origen remoto parte de los cantos populares españoles llevados a tierras americanas por los colonizadores. Su letra reviste un carácter narrativo.

Corroborees: Transcripción en la fonética inglesa de una denominación propia de los aborígenes de Australia. Se refiere a un conjunto de danzas y cantos tradicionales que formaban parte de sus antiguos ritos y ceremonias religiosas. En la actualidad tienen un carácter particularmente folclórico y pueden asistir los visitantes extranjeros. En ellas es posible escuchar el sonido profundo de los didgeridoo, unos grandes aerófonos, típicos australianos.

Coulé: Término francés (ligado). Es un tipo de embellecimiento u adorno melódico, consistente en una secuencia acelerada de notas. A veces se encuentran moduladas en forma de trino, mientras que en otras suenan a la manera de un delicado arpegio. Se usaba antiguamente tanto en obras de carácter instrumental como en piezas cantables. Se puede apreciar ejemplos brillantes de esta particularidad musical en algunas creaciones para clavecín del compositor francés François Couperin (1668-1733).

Countertenor: Denominación germana. Voz aguda masculina de cantante de ópera. Corresponde a un timbre puro y de sonido juvenil. Su tesitura ocupa una gama intermedia entre las de soprano y mezzosoprano.

Couplet: Voz francesa originada en la copla española. Consiste en una sencilla tonada seguida de un estribillo. Es un recurso utilizado en algunas óperas para dividir dos momentos diferentes de un mismo pasaje musical. El texto del couplet es meramente ornamental. Surgido en el siglo XVIII, en la actualidad es un componente propio de la ópera cómica, la opereta y la zarzuela.

Courante: Danza popular francesa del siglo XVI. Su carácter era vivo y alegre. Se bailaba en compás de tres por cuatro, en tiempo acelerado. Bajo el reinado de Luis XIV adquirió el carácter de danza cortesana, con un aire más lento, llegando a formar parte de la suite instrumental, junto con otras danzas contemporáneas, como la giga, la zarabanda y la alemanda.

Cravo: Instrumento de origen portugués (clave), típico de los siglos XVII y XVIII. Alcanzó cierta popularidad durante el periodo barroco. Se trata de un cordófono artesanal, de fina factura, provisto de teclado, con un mecanismo de 53 órdenes de cuerdas dobles, de latón, que se tañen, mediante un pequeño plectro de marfil en forma de corazón, o bien con las yemas de los dedos. El cuerpo tiene una extensión de unos 82 cm, con un ancho máximo de 24. La tapa solía tallarse en tabla de pino, bellamente decorada. Las clavijas suelen ser de ébano y las teclas de palosanto. Para el caballete y la parte interior se empleaba madera de macacaúba 40. Debido a que nunca estuvo normalizado, existen varias formas o versiones dentro de una línea general, que parece responder al capricho personal del constructor. Fue un instrumento de ejecución esencialmente solista, símbolo del refinamiento cultural de la aristocracia y la alta burguesía, que se podía oír tanto en los conjuntos de cámara como en la gran orquesta de ópera. Entre los modelos más destacados por su clara sonoridad y la elegancia estructural puede citarse a los ejemplares realizados por el célebre constructor portugués Joaquim José Antunes (Lisboa, c. 1758).

Crécelle: Vocablo francés (matraca). Nombre de un instrumento de percusión. Es una idiófono de madera de fresno o roble, originario de la región de Provenza. Existen otras versiones metálicas, fabricadas con dos planchuelas de hierro. El sonido seco y repetitivo de este sonajero folclórico se emplea como fondo para las interpretaciones con pífano y tamboril de la danza popular, llamada farandole.

Crescendo (indicación de matiz): Momento musical caracterizado por un progresivo aumento del volumen sonoro. Suele emplearse al final de las óperas para dar el toque culminante de la melodía. En otros casos se emplea para denotar acción o suspenso. En el apartado correspondiente a las denominaciones dinámicas se indican las distintas intensidades y sus respectivas variantes. Un interesante ejemplo de crescendo continuo lo podemos apreciar en el himno triunfal "¡Ritorna Vincitor!" que cierra el segundo acto de la ópera "Aída", de Giuseppe Verdi. En el pentagrama se indica con un pequeño símbolo, consistente en dos líneas formando un ángulo, abierto hacia la derecha. El compositor italiano Niccoló Jommelli (1714-1774), cuya obra esta compuesta por una gran cantidad de óperas y oratorios, fue el primero en emplear el crescendo orquestal.

Crescendo (procedimiento orquestal): Reiteración de una frase musical breve. Si la frase es demasiado extensa se suele repetir solamente un fragmento de la misma (máximo tres o cuatro compases). En este caso, el efecto de crescendo se logra mediante la incorporación sucesiva de otros instrumentos, que van entrando en acción con cada reiteración. Este efecto sonoro aparece con toda su grandiosidad en varias óperas de Rossini. (oberturas, acompañamiento de arias, etc.) Se atribuye su invención a los compositores italianos Pietro Generali (1773-1832) y Giuseppe Mosca (1772-1839).

Crible: Especie de pandereta antigua, conocida por las culturas del Mediterráneo y el norte de África. Aún subsisten ejemplares de su tipo entre los descendientes de los pastores beduinos de Siria.

Criolla: Variedad musical cubana, perteneciente al género cantable. Es carácter ciudadano, aunque existen ejemplos orientados en el ámbito rural. Se caracteriza por su compás de 6/8 con el acompañamiento en 3/4. Fue creada a principios del siglo XX por el músico Luis Casas Romero, quien inauguró el estilo con la criolla "Carmela" (1909).

⁴⁰ (Acrocomia aculeata) Variedad de palmera, originaria de América del Sur. Su madera -aceitosa y aromática- es apreciada entre otros usos en la construcción de piezas para instrumentos musicales. En su mayor desarrollo, el tronco puede alcanzar 30 cm de diámetro y unos 15 metros de altura.

Cristalocordo: Instrumento musical que imitaba el sonido de las campanas. Fue creado en 1781 por un fabricante llamado Boyer. Exteriormente era similar a un clave y su mecanismo sonoro poseía un sistema de varillas de cristal mediante el roce de las cuales se obtenían las diferentes notas. No tuvo suficiente difusión, debido en parte a la fragilidad del material sonoro, pero su mayor problema constituía la dificultad para lograr una correcta afinación. Se sabe que lo utilizó Wolfgang Amadeus Mozart en "La flauta encantada".

Crítica musical: Analiza las características generales y la práctica de ejecución de las obras nuevas, comparándolas cualitativamente con los parámetros tradicionales de estilo, formas de ejecución, referencias estéticas, etc. La crítica musical es una práctica subjetiva que no siempre suele atenerse al rigor de una apreciación justa. Tampoco suele estar de acuerdo con el espectador medio, respecto a la forma de ver y admirar las expresiones artísticas.

Crodias:

Denominación general que se utiliza para citar a una variedad de flauta típica de Grecia.

Croma:

Término musical derivado del griego (

chroma

=colorido). En la antigüedad era un equivalente de

sostenido

. En italiano pasó a tener el significado de corchea.

Croma simple:

Sostenido enarmónico menor.

Croma doble:

Sostenido enarmónico cromático.

Croma triple:

Sostenido enarmónico mayor.

Cromático:

Del griego (

chromatikós

). Uno de los tres géneros musicales de la antigua Grecia. Los otros dos eran el

enarmónico

y el

diatónico

.

Cromatismo: Cuando la escala musical abarca también los intervalos tonales más breves, llamados semitonos, se dice que es una escala cromática, que comprende las doce notas del sistema moderno, mientras que la escala común o básica sólo considera siete de estas notas. En la actualidad, la disposición de los sonidos, de acuerdo con su altura, determina dos géneros esenciales: el cromático, con la escala por semitonos y el diatónico, formado por tonos y semitonos. Una de sus principales características es la prevalecencia de las notas que no forman parte de las escalas diatónicas, por ejemplo las notas do sostenido y re sostenido de la escala diatónica de do mayor. Algunos autores de tratados musicales lo suelen denominar sistema cromático. La palabra viene del adjetivo griego chromatikós (que tiene colorido). Los doce semitonos sucesivos unidos a las siete notas forman la escala cromática. El método no es nuevo, ya lo había puesto en práctica en el siglo XVI el compositor y laudista italiano Carlo Gesualdo (1560-1613). En el ejemplo del piano, la escala cromática completa está contenida en el conjunto completo de las teclas negras y las blancas. Louis Spohr (1784-1859) fue uno de los grandes maestros alemanes del cromatismo musical del siglo XIX. Autor de bellas sinfonías, oratorios, conciertos para violín y música de cámara, llegó a componer diez óperas, entre las que destaca "Faust", estrenada en 1816. Fue ésta la primera ópera romántica carente de diálogos hablados y en la que el leit motiv musical adquiere un papel preponderante en la comprensión de las escenas. Otro de los bellos exponentes de esta tendencia, ya perfectamente evolucionada y adaptada al proceso argumental de la ópera, es el drama musical en tres actos "Tristán e Isolda" de Richard Wagner, cuyo estreno en 1865, en el Teatro de la Corte de Munich, marcó el momento cumbre del cromatismo operístico.

Cromorno (cuerno de llamada): Nombre de un rústico instrumento de viento cuyo origen se remonta al medioevo. Es originario de la región de los Alpes y pertenece a la familia de los grandes aerófonos de los pastores del Tirol. Adopta la forma de corneta, compuesta por una serie de tubos de madera que encajan a presión, uno con otro, alcanzando una extensión bastante considerable (entre dos y tres metros). Carece de orificios de digitación, por lo que la amplitud del sonido -aunque grave y penetrante- resulta bastante reducida. La campana o pabellón, que suele ser de latón, adopta la forma de un cuerno. El nombre procede del alemán (krummhorn=cuerno encorvado).

Cromorno (flauta): Aerófono antiguo, similar a una flauta dulce, pero con el perfil estrecho y curvo. Es diferente del cronormo alpino. Tiene siete orificios para los dedos y la boquilla emplea el sistema de lengüeta doble. El sonido se acerca a las notas agudas con numerosas variantes de tonos. Se utilizaba con frecuencia en las expresiones musicales populares del Renacimiento, particularmente en la región de Baviera, la cuenca del Elba y Bohemia, donde su popularidad llegó a extenderse desde el siglo XV al XVII. La particularidad más destacable de este instrumento -también llamado orlo o corno bohemio- es su asombrosa ductilidad para la modulación de los sonidos en el acompañamiento de la voz humana. Su nombre compuesto también es una adaptación del vocablo germano "krummhorn" (krumm=curvo y horn=cuerno).

Cromorno (registro de órgano): Forma parte de la batería de tubos intermedios e imita el sonido del instrumento de viento del mismo nombre. Es algo más pequeño y grave que el tubo correspondiente al sonido dulzaina.

Crooner: En inglés (cantante/vocalista). Especialmente los que se dedican al repertorio melódico. Son numerosos los ejemplos que tipifican al tradicional crooner norteamericano norteamericano 1965).

Crótalos: Antiguo instrumento idiófono. Se cree que son originarios de la isla de Creta, según se desprende de unas antiguas leyendas, aunque está comprobado que eran conocidos desde épocas muy antiguas en Egipto y Roma. Es una denominación que proviene del griego (krotalon=cascabel) por la similitud de su sonido. Existen distintos tipos o variantes de crótalos, siendo más usuales los pequeños platillos de dedos, difundidos por los árabes, que presumiblemente lo trajeron de Egipto. Los crótalos de mano tienen un diámetro de 4 a 5 cm y los crótalos de mango, son unos platillos numerosos y muy pequeños unidos a un eje metálico, provisto de un mango de madera, que se sacude verticalmente. El sonido de estos rudimentarios instrumentos es rítmico, monótono y de poca intensidad. Es posible afinar el sonido básico de estos instrumentos calibrando la densidad y el grosor del metal de los discos. Aunque este idiófono de entrechoque se emplea normalmente en el acompañamiento de comparsas y danzas típicas, también cumple un papel descriptivo en ciertas obras de carácter clásico. Claude Debussy (1862-1918) lo incluyó junto a las arpas en la instrumentación de su obra orquestal "Prelude à l'après-midi d'un faune" (Preludio para la siesta de un fauno).
Crouth: Vocablo inglés derivado del galés (crwth). Es el nombre de una pequeña lira de arco de la Edad Media, también conocida en Europa con el nombre de rote o rotta. Para ejecutar este instrumento se lo empuñaba a la manera del violín. Se sabe que en la antigüedad lo empleaban los bardos celtas. En el siglo VIII existían varios modelos, todos con el bastidor de madera en forma de triángulo isósceles, con puente y un diapasón central. Algunos ejemplares antiguos, sólo se conocen por ilustraciones en manuscritos de la época. El crouth -que fue evolucionando a través del tiempo- llegó a utilizarse en el país de Gales hasta mediados del siglo XIX. Los ejemplares más avanzados tenían una caja de resonancia con puente y un sistema compuesto por seis cuerdas de tripa, afinadas a la distancia de la octava. Distribuidas en tres pares u órdenes dobles, se tensaban mediante un mecanismo de clavijas empotradas en el travesaño superior del marco. El arco sólo frotaba los dos ordenes de cuerdas más próximos al lado derecho, dejando el tercero para puntearlo con el pulgar de la mano izquierda, a la manera de bordón.

Cruzamiento de manos: Técnica propia de la ejecución en el piano. Ocurre la mano derecha del intérprete debe pasar sobre la izquierda o al revés. Fue una característica que comenzó a difundirse en el siglo XVIII con las interpretaciones de los grandes maestros del clavecin. Destacan en este sentido los célebres "Essercizi" (ejercicios), colección de sonatas para clave, escritas por el compositor italiano Domenico Scarlatti (1660-1725).

Cruzamiento de voces: Fenómeno de la polifonía vocal. Procede cuando una voz normalmente inferior a otra en la escala, debe sobrepasarla por exigencia de lo escrito en la partitura.

C sharp:

Denominación de la nota

do sostenido

en la terminología musical inglesa. Equivalente de

Cis

en alemán y

ut dièse

en francés.

Cuadrada: Figura musical que corresponde a dos compases mayores. Su valor real es el doble de una redonda; 4 veces mayor que el de la blanca; 8 veces mayor que el de la negra; 16 veces mayor que el de la corchea; etc. Su figura es igual a la de la redonda, pero con el agregado de dos pequeñas líneas verticales puestas a cada lado.

Cuadrafonía: Sistema de grabación musical que utiliza cuatro canales preseleccionados para registrar independientemente las diferentes alturas de los sonidos. Su resultado final es un relieve acústico superior al de la estereofonía.

Cuadro escénico: Forma parte del acto teatral y va de acuerdo con las circunstancias del argumento. Cada escena descriptiva forma un cuadro escénico aparte, que en cierta medida es dependiente del cuadro siguiente, o de otro cuadro, también relacionado con el guión, que ocurrirá más adelante. En el libreto de ópera, cada uno de los actos puede estar compuesto por varios cuadros musicales relacionados por un leit motiv que le sirve de guía en la historia narrada.

Cuadro flamenco:

Grupo de intérpretes del arte musical típico de Andalucía. El término comprende al conjunto de bailarines, cantantes y ejecutantes instrumentales.

Cuadruplum: Voz latina (cuádruple) que se refiere a una forma de vocalización procedente del canto llano que se realizaba con cuatro vocalistas masculinos. En ella los cantantes acompañaban con sus voces la ejecución instrumental de la liturgia, también podía llevarse a cabo con tres e incluso con dos voces. Esta técnica estuvo en uso en las catedrales de Notre Dame de París, Limoges, Santiago de Compostela, etc. En este tipo de conjuntos vocales siempre había una voz principal, con registro más grave, que guiaba a las demás. La forma -llamada organum- pertenece a la antigua escuela polifónica de aquella época. Esta manera fue usual aproximadamente hasta el año 1250. Actualmente se estudia en los principales centros europeos y americanos especializados en música medieval.

Cualidad métrica: En la composición musical, es un concepto que corresponde a las distintas categorías de acentos (sonidos fuertes y suaves). Tomando como referencia a la teoría de la estructura de la frase melódica, la cualidad métrica de la música es equivalente a la que rige para la estrofa poética.

Cualidad rítmica: Es la que surge de las variaciones en el tiempo o duración de los sonidos (breves y extensos). La concepción de toda obra musical requiere la comprensión previa del concepto de medida, para poder percibir la melodía mediante la división de cada una de sus partes o compases.

Cuándo: Danza tradicional argentina. Consta de dos tiempos, uno de minué y otro de allegro, que finaliza con zapateo y zarandeo. Debe su nombre a la pregunta que, a modo de reclamo amoroso, hace el varón a la mujer, esperando una respuesta afirmativa a su galanteo. Diversos documentos de época atestiguan que esta danza ya se bailaba en Chile y Argentina durante la guerra de la independencia (1810-1824). Por su forma coreográfica, es posible que el "cuándo", convertido en baile tradicional argentino sea una variante de las gavotas cortesanas que se bailaban en las cortes europeas durante el siglo XVIII.

Cuarta: Distancia mínima que existe entre la altura de dos notas sucesivas, es decir, que suenan casi simultáneamente. También se llama intervalo. Esta denominación musical -que proviene del vocablo "quarta" en latín- tenía una equivalencia distinta en las escalas antiguas. En la Escala de Zarlino corresponde a 4/3 de la frecuencia que utilice como punto inicial de la melodía.

Cuarta aumentada: Variedad de intervalo formada por tres tonos seguidos. Procede del canto coral. También se utiliza la palabra tritono. La entonación de esta forma armónica es bastante dificultosa, razón por la que antiguamente se le llamaba diavolo in musica.

Cuartete:

Del francés (

quartette

). (Conjunto de cuatro). Es lo mismo que

cuarteto

. Puede aparecer escrito de esta manera en algunos tratados musicales.

Cuarteto: Del italiano (quartetto) y éste del latín (quartus). Conjunto de cuatro voces o instrumentos, coordinados con el objeto de interpretar composiciones musicales, especialmente escritas o adaptadas para grupos de este tipo. También se denomina de esta forma a la música orquestada para instrumentos que se complementan entre sí. Los cuartetos clásicos generalmente interpretan música de cámara. Existen diversas combinaciones instrumentales, pero los componentes tradicionales son: el violín, el violonchelo, la viola y el contrabajo. A veces, en lugar de este último, pueden aparecer dos violines. La forma típica de la música de cámara se denomina sonata, configurada cuatro partes: allegro, andante, scherzo y presto o rondó. El cuarteto tuvo su origen a principios del siglo XVIII. El compositor Franz-Joseph Haydn (1732-1809) a quien se considera como uno de los creadores del cuarteto, escribió más de ochenta obras de este tipo. Las óperas de W. A. Mozart, "Don Juan", "Las bodas de Fígaro" y "La flauta encantada", contienen bellas partes destinadas a la actuación de cuartetos. La intervención de estos conjuntos en la ópera francesa comenzó con "Dardanus", obra del compositor JeanPhilippe Rameau (1683-1784).

Cuartina: Nombre que se da a la división cuaternaria de una figura musical simple. Es un término poco usual que no aparece en la mayoría de los diccionarios de la lengua castellana.

Cuarto de tono: Relación entre las distintas frecuencias tonales que se llevan a cabo con el propósito de lograr nuevas sonoridades. Esta técnica, que ya era empleada en la antigüedad, proviene de los modos enarmónicos de la música griega. El compositor italiano Ferrucio Busoni (1866-1924), propició la utilización no sólo de los cuartos de tono, sino también de una fórmula más amplia, denominada tercios de tono. El cuarto de tono fue utilizado en forma demostrativa por el investigador mejicano Julián Carrillo (1875-1965), descubridor del controvertido sonido trece. También lo impuso en la escena musical, entre otros grandes innovadores, el compositor polaco contemporáneo Krzyztof Penderecki (1933), que obtuvo renombrados éxitos con sus estudios sobre el nuevo impresionismo musical. El húngaro Bela Bartók también intentó descubrir nuevas posibilidades dentro de este tipo de experiencias novedosas, cuya esencia trasciende en las melodías del ballet "El mandarín maravilloso" y sin duda, también en su leyenda sinfónica "El castillo de Barba Azul", estrenada en la Ópera de Budapest en 1918. Esta obra escénica es la adaptación de una antigua tradición renana, inscripta dentro del movimiento musical contemporáneo -al estilo de Arnold Schömberg- pero con una sutil influencia de Richard Strauss.

Cuasi: Adverbio italiano (casi, cercano o parecido a) y éste del latín quasi. Algunos compositores crearon obras nacidas de su propia inspiración, en las que entrelazaron diversas maneras, dotadas de una cierta libertad. El término cuasi -precedido y sucedido por los nombres de dos estilos determinados- suele indicar que no se ajusta exactamente a ninguno de ellos. Cuando Ludwig van Beethoven compuso su inolvidable “Claro de Luna” [Nº 14, Opus 27] dejó consignado que se trataba de una“Sonata cuasi una Fantasía” para hacer comprender la licencia con que había procedido respecto a los modelos clásicos en su tiempo. Por la singular combinación de las notas y los compases melódicos, esta sonata se encuentra comprendida en el sentido descriptivo de ambas formas musicales.

Cuatríada: Término poco usual, aunque lo suelen emplear algunos tratadistas. Se refiere a los acordes de séptima, o de cuatro notas distintas. Un acorde de séptima de dominante de do es técnicamente una cuatríada (sol - si - re - fa).

Cuatrillo:

Diminutivo de cuatro. Término de uso corriente en armonía. Es un conjunto de cuatro notas cuyo valor corresponde en realidad a tres del mismo tipo.

Cuatrinca: Otro término de uso corriente que ha pasado al repertorio de la organología con un sentido específico. Se utiliza para denominar a cada grupo de cuatro orificios en la embocadura de las armónicas. Equivale a un ámbito sonoro -comprendido por dos orificios de la hilera superior y dos de la inferior- que en conjunto, dan una nota básica de la escala.

Cuatro: Pequeña guitarra folclórica de Venezuela. Tiene un sistema de cuatro órdenes de cuerdas simples y de metal, con la siguiente afinación, de la nota aguda a la grave (si-fa sostenido-re-la). Para ejecutar este instrumento se utiliza el típico rasgueo, que puede ser apagado o libre, en consonancia con la melodía. Se trata de un instrumento de uso popular durante las fiestas religiosas de San Antonio, especialmente en el acompañamiento musical de los cánticos de santo, de la cruz, del angelito o de los salves.

Cuatro monterol: Instrumento popular de Venezuela, variante del cuatro tradicional. Con respecto a aquel, que sólo tiene cuerdas simples, éste presenta algunas variantes de encordado y también estructurales. La diferencia principal reside que dispone de tres cuerdas simples, mientras que la cuarta es doble. Esta última se afina con el mismo sonido que su modelo original, pero a la distancia de una octava. Es un instrumento muy popular entre los intérpretes de la música llanera. Su área de difusión también comprende a Colombia y el noroeste del Brasil (Marabitanas, Bela Vista, Santana) donde existen orquestas de cuatros y bongoes.

Cuatro pies (clavicordio): Nombre de los registros de este instrumento de cuerdas que suenan a la octava superior a la normal. Recibe el nombre por asociación con el registro de órgano.

Cuatro pies (órgano): Registro correspondiente al tubo de órgano que mide aproximadamente 1,20 m de altura. La nota que emite equivale al do₂ y corresponde a la octava superior de la voz humana. En los tratados y partituras se suele consignar con su representación abreviada (4'). El registro de cuatro pies es un complemento perfecto del registro de ocho, cuyo sonido se halla a la misma altura de la voz.

Cuatro tamunanguero: Es igual al anterior. A veces puede variar la decoración de la tapa del instrumento. Algunos muestran motivos típicos de la región de los estados venezolanos de Falcón, Yaracuy, Lara y Portuguesa. Junto con la guitarra y el tambor tamunango, se usa en el acompañamiento de la danza tradicional llamada tamunangue.

Cuatro

voces

:

Composición musical escrita para ser interpretada por cuatro cantantes.

Cueca: También llamada Zamacueca. Es un baile popular, de origen folclórico, muy movido y alegre. Se lo conoce en distintas regiones andinas de Hispanoamérica. Puede distinguirse de manera particular la cueca chilena y su variante en las provincias occidentales de la Argentina, llamada cueca cuyana. La cueca boliviana, aunque es similar en su esencia, tiene otros compases y diferente de las anteriores en la forma coreográfica.

Cuerda: Término específico, derivado del latín (chorda). Filamento de diferentes diámetros, consistencia y materiales. La cuerda se emplea sola o en conjuntos llamados órdenes, integrando el mecanismo productor del sonido en los instrumentos de este tipo. Las cuerdas de los primitivos cordófonos, como las arpas egipcias y las liras griegas eran de lino. Los materiales empleados en la fabricación de cuerdas musicales a través del tiempo fueron muy variados, pudiendo citarse entre ellos las fibras vegetales, el lino ya citado, la seda hilada, la tripa de carnero, el latón, el acero y diversos materiales sintéticos, como el nailon. Las cuerdas del piano son exclusivamente de acero filado y las de los salterios y cítaras, de latón. Cuanto mayor es el diámetro de la cuerda, más lentas resultan sus vibraciones y por lo tanto el sonido que producen es más grave.

Cuerda (extensión instrumental): Se refiere a la extensión total o capacidad de las notas que puede alcanzar un instrumento musical de cualquier tipo, desde las tonalidades más graves hasta las más altas o agudas.
Cuerda (extensión vocal): Se llama así a cada una de las cuatro categorías fundamentales de la voz humana: tiple, contralto, tenor y bajo. En el arte lírico corresponde a la extensión de la voz, es decir, la cantidad de notas que puede alcanzar.

Cuerda al aire (cordófonos): Se llama libre o al aire cuando en un instrumento se deja que una sola cuerda vibre libremente, sin la presión de los dedos que acortan su tramo y por lo tanto sin modificar el sonido natural más que con la afinación adecuada.

Cuerda al aire (ópera): En el drama lírico, la música tiene una función bien descriptiva. Los distintos sonidos pueden expresar sentimientos como la ansiedad, situaciones de misterio o escenas con suspenso. Es un recurso utilizado por los solistas para crear espacios sonoros especiales, cuyo significado suele acompañar perfectamente la escena descripta en el libreto. Por ejemplo: pasos sigilosos, golpes de obenques o de remos en relatos marineros, el latido de un corazón sobresaltado, un gemido. etc.

Cuerda coral: También llamada diapasón. En el canto llano o gregoriano, se denomina así al punto de comparación entre un sonido y otro. Esa clasificación se refiere especialmente a los diferentes tonos de la melodía que se debe cantar. La particularidad de cada voz se comprueba en los ensayos, antes de la interpretación de una obra determinada. Los dos sonidos básicos, empleados como cuerda coral, son el tono tiple de la nota la (voz infantil) y la nota sol del órgano, instrumento de iglesia que en la mayoría de los casos se utilizaba como acompañamiento. Es un término antiguo que aún se emplea en la interpretación de este género vocal.

Cuerda entorchada:

En algunos instrumentos cordófonos es la cuerda de seda y alambre enroscada en forma helicoidal.

Cuerdas homónimas: En los cordófonos complejos, como el arpa, se llama así a las cuerdas de una misma gama, que se pueden accionar mediante un solo pedal. De tal forma que para alcanzar la escala diatónica de siete grados requiere siete pedales ubicados en la base y que permiten accionar por grupos las 47 cuerdas del instrumento.

Cuerdas simpáticas: Se trata de un efecto similar al anterior. Son las cuerdas que vibran por simple resonancia cuando otras inmediatas son frotadas por el arco. Se dice entonces que vibran por simpatía. También puede tratarse de las cuerdas que resuenan al puntear o percutir otras. Este sonido se emplea en la ópera para dar la idea de un pensamiento. La viola di fagotto, con un aparejo barítono, también llamada bordón o viola bastarda, da unos sonidos muy melodiosos por la repercusión de las cuerdas simpáticas. En el siglo XVII, también se utilizó con ese fin la viola di lira, que tenía quince cuerdas.

Cuerdas vibradoras: Cuerdas de tripa u otro material que se colocan junto a la membrana inferior de algunos instrumentos de percusión, como el redoblante y la caja clara. Al batir el parche, las cuerdas vibradoras producen un sonido chirriante, similar a un cascabel. Esa membrana se denomina parche de bordones.

Cuerdas vocales: Sistema de músculos y ligamentos ubicados en la laringe que forman en conjunto el órgano de la fonación. Las cuerdas vocales determinan la tesitura de la voz humana. Su estado o preparación es esencial en la ejecución del canto. Son cuatro, dos a cada lado del conducto laríngeo. Se dividen en dos tipos (superiores e inferiores). Las cuerdas vocales superiores o falsas, tienen el aspecto de un par de láminas musculares planas y su función no es significativa en la producción de los sonidos. Las cuerdas vocales inferiores -también llamadas verdaderas- son musculosas, de corte prismático triangular y constituyen el elemento productor de la voz.

Cuerno de llamada: Nombre genérico que sirve para designar a una variedad de instrumentos aerófonos de carácter folclórico como la corneta tradicional de los Alpes, también conocida con las denominaciones regionales de krummhorn (en Suiza y Austria) o torloroto (en Italia).

Cuerpo de recambio: Pieza removible de algunos aerófonos. Son los segmentos de tubo de latón, de diferentes medidas y diámetros, que se utilizaban antes del siglo XIX para modificar el sonido fijo de las antiguas trompas. Provistos de su correspondiente sistema de uniones, el agregado de dichos tubos hacían posible el alargamiento del recorrido de la columna de aire, y por lo tanto obtener otra tesitura. Cabe aclarar que las trompas y trompetas se habían mantenido casi sin variantes desde el siglo XVII. La aplicación del mecanismo de pistones, creado por el constructor de instrumentos musicales Heinrich Stölzel, permitió superar la necesidad de ir agregando o quitando aquellos incómodos cuerpos de recambio. En la actualidad estos implementos constituyen sólo una curiosidad histórica que evidencia el largo proceso evolutivo de la música a través del tiempo.

Cuivré : Vocablo francés. Literalmente significa encobrado o cobreño, aunque de manera figurada quiere decir con sonido metálico. Es una indicación de ejecución que señala el momento en que deben intervenir únicamente los aerófonos metálicos de la orquesta, como las trompas, trompetas, tubas, trombones o fiscornos.

Cultrún: Instrumento de percusión originario de América del Sur. Pertenece a la cultura musical de los aborígenes mapuches y araucanos que viven en la Patagonia. Es una variedad de tambor semiesférico, con la caja de madera tallada en una pieza y una sola membrana sonora. Se bate con un macillo de madera. Con el objeto de brindarle efectos de sonaja se le introducen cuatro piedras redondeadas, llamadas "likán". El número de esos guijarros, así como los dibujos geométricos pintados sobre la membrana de piel de oveja, tiene para los indígenas del Neuquén un significado ritual. Se lo conoce desde el siglo XVI. En el interior de algunos ejemplares antiguos de kultrún se han hallado monedas de plata, haciendo las veces de likán. En el seno de las comunidades indígenas patagónicas, este instrumento lo empleaban las hechiceras ("machis") en las rogativas y otras ceremonias religiosas. También se utiliza la grafía kultrún.

Cumbacha: Denominación general de una serie de danzas populares del Caribe, de origen africano, como el caracumbé y el paracumbé. En Cuba, esta palabra es sinónima de diversión, música y canto. Existen numerosas melodías de este tipo, poseedoras de ritmos folclóricos, cuyas principales características son el carácter alegre y la originalidad de los instrumentos autóctonos que se emplean para su ejecución.

Cumbia: Baile popular, originario del litoral caribeño de Colombia y Panamá. El nombre es apócope de la palabra cumbiamba, derivada a su vez de la voz antillana cumbacha, (de cumbé=danza). Se trataba originariamente de una tonada musical, acompañada de baile, con pasos coreográficos propios y sin letra. Con sutiles detalles identificatorios, se conocen diferentes versiones de esta danza, entre ellas las cumbias llamadas de Mompós, San jacinto, Sincelejo, Sampués, etc. Auque todas las variantes obedecen a una forma melódica única, cada versión tiene su propio estilo y características coreográficas. El instrumental tradicional puro, que se emplea en la interpretación de la cumbia colombiana, consta de una tambora, dos tambores o congas, una maraca, un guache, una gaita o flauta vertical y una caña de millo.

Cumbiamba:

En Colombia, esta palabra recuerda los festivales de música autóctona, donde se bailan melodías tradicionales como el

bullerengue

, los

porros

y la misma

cumbia

.

Cumparsa: Voz popular. En el área cultural del Caribe se llama así a las composiciones musicales con influencia afro escritas especialmente para las agrupaciones o conjuntos carnavalescos. Es un tipo de música festiva -muy alegre y de vivos movimientos- que equivale a la marcha o marchinha del Brasil.

Cununo: Voz mestiza de Colombia. Se emplea para citar a un tipo de tambor rústico, provisto de un solo parche de piel de ternera o venado. La caja -de forma cónica y cerrada por abajo- se fabrica con el tronco ahuecado del “guaguapiro”, un árbol de la región, cuya madera, estando bien estacionada y trabajada, es muy apreciada por la gran sonoridad. La tensión del parche se logra mediante un sistema de cuerdas retorcidas de fibra vegetal, ajustadas mediante un sistema de ocho o nueve cuñas talladas en madera de mangle. Los tambores cununos se emplean en la interpretación del currulao, una danza y tonada folclórica típica de la vertiente andina del Pacífico. Existen dos tipos o versiones de distinto diámetro y altura, denominadas respectivamente“cununo macho” y “cununo hembra”. Ambos instrumentos difieren especialmente por la gran variedad de sonidos. Se suelen percutir con las palmas de las manos, aunque en algunas oportunidades también se emplea un pequeño mazo de madera para golpear la parte lateral del cuerpo, logrando un sonido mate, algo más suave y conciso que el redoble natural, producido por la membrana de piel. Su uso, formado grupos de percusión con sonajeros guasás, bombos y marimbas de chontas, se conoce fehacientemente desde la primera mitad del siglo XX, aunque por el origen africano podría ser mucho más antiguo.

Cuña de sujeción: Pieza removible de la empuñadura del mango del arco del violín y otros instrumentos de su tipo (viola, violonchelo, contrabajo). Sirve para asegurar uno de los extremos del haz de cerdas dentro del receptáculo destinado a ese fin.

Cup: En inglés (taza/copa). Nombre de un modelo de sordina para trompeta, con el pico en forma de embudo y la cámara semiesférica. Se emplea normalmente en la interpretación de la música de jazz. Pertenece al grupo de accesorios para efectos especiales, como las sordinas straight y la wah wah.

Curetas: Del latín (cuteres) y éste del griego (kouros=muchacho). Jóvenes danzarines que ejecutaban una danza guerrera: Ataviados con corazas, yelmos y espadas, realizaban bailes simbólicos, remedando batallas y otros acontecimientos épicos. Los curetas, según el historiador clásico Diodoro, procedían de un primitivo pueblo de Etolia. Antiguas leyendas romanas los identifican, de una manera poética, como una raza originaria de la península itálica. Sojuzgados por los griegos y llevados a la guerra, sus cantos y danzas recordaban su cultura originaria, sus tierras y su religión. La colección arqueológica Campana, de Italia, posee una serie de relieves que representan las danzas de los curetas.

Cureticon: Derivado del griego (kourethykon). Música de la Antigua Grecia. Composición melódica para flautas espondaicas. Era una forma de tocata, dedicada a la diosa Cibeles. El nombre proviene de los danzarines curetas.
Currulao: Tonada y danza folclórica de Colombia, típica de la región del Pacífico. Es una forma de composición vivaz y acelerada, con un innegable origen africano, que posee modalidades propias, tanto en lo vocal como en lo instrumental. Su música -vigorosa y dotada de un marcado acento rítmico- se baila por parejas, formando filas de danzantes, cuyos pasos y movimientos coreográficos demuestran una gran belleza plástica. La interpretación vocal corre por cuenta de una primera voz femenina, llamada glosadora, encargada de recitar las “coplas”, mientras un conjunto de cantantes, llamadas respondedoras, cumple la función del coro, entonando un estribillo reiterativo en tono de segunda voz. La organología esencial del currulao consiste en una marimba de chontas, un bombo de factura corriente, dos tambores cununos de un solo parche, un redoblante y cinco sonajeros guasá.

Curva de ligadura: Signo de ejecución consistente en una línea curva trazada por encima de un grupo de notas con el objeto de señalar la unión de las mismas dentro de un solo movimiento.

Cussier:

Cordófono de origen árabe. Tiene forma oval, con cinco cuerdas de tripa y su aspecto es similar a un arpa rudimentaria.

Cymbalo: Instrumento folclórico, de cuerdas percutidas con baquetas, cuyos sonidos son cálidos y expresivos. Tuvo amplia difusión en Europa central desde fines del siglo XVIII. Se sigue usando en la actualidad en algunos conjuntos instrumentales tradicionalistas de Alemania, Austria, y Hungría. Consiste en una caja de madera tallada, sin cubierta y con forma de trapecio. En su interior se extiende el encordado y la barra de clavijas. Por sus características parece que en sus orígenes estuvo relacionado directamente con el dulcimer.

Czárdás: Baile popular de origen húngaro. Su nombre significa "danza de taberna". Apareció alrededor de 1840, posiblemente como un estilo derivado de los rítmicos verbunkos. Sus características y trascendencia social originalmente encuadrados dentro de los que podría denominarse la música culta del siglo XIX, pronto pasó a tener un carácter mucho más movido y decididamente popular. Esto se debió, presumiblemente, a la gran difusión que la danza llegó a tener en poco tiempo en todos los estratos sociales. El compositor húngaro M Rózsavölgyi fue el primero en fijar las características coreográficas y musicales de esta danza, cuya forma está compuesta por dos movimientos, uno con carácter de introducción, más bien lento, y otro final en tempo decididamente rápido. Este tema melódico lo emplea Franz Liszt en el pasaje inicial de su segunda rapsodia, escrita en Rumania.

-CH-

Chabati: Danza popular de Argelia, de ritmo lento, que suele ejecutarse en el modo mezmoum, al compás de cítaras y laúdes. Su principal característica es el movimiento sensual del cuerpo femenino mediante la torsión del talle y la cadera. También es conocida con el apelativo de danza de Constantina.

Chabbabeh:

Flauta dulce o de pico, con siete agujeros, originaria de la antigua Persia. Por la forma se parece a la

souffärah

, aunque ésta suele tener solamente cinco agujeros.

Chabrette:

Gaita antigua, procedente de la región de Occitania (sur de Francia). Es similar a la

gaita de boto

aragonesa.

Chacarera: Danza folclórica argentina. Aunque se desconoce a ciencia cierta el verdadero origen de esta danza, por antonomasia se la considera típica de la provincia de Santiago del Estero. Se trata de un modelo de coreografía variada y relativamente compleja. Se baila con parejas sueltas y enfrentadas por los extremos del cuadrado de danza. Al decir pareja suelta estamos indicando que sus vueltas y zarandeos son independientes de los movimientos que realicen otras parejas, por lo tanto, no dependen de un movimiento coordinados de grupo. Esta es una forma de danza tradicional, también conocida como "baile de dos". Cuando interviene más de una pareja, se llama Chacarera en cuarto. De acuerdo con la tradición -y también por sus características coreográficas- es posible distinguir tres clases distintas: simple, doble y trunca. La diferencia reside en la escritura musical, dado que la letra siempre está compuesta por cuartetas octosílabas. Todas las formas constan de dos partes bien definidas: la primera se inicia a la voz de ¡Adentro! (comienzo de la danza) y la segunda, con el aviso de ¡Aura! (segunda parte). Existen dos versiones:

1)

Chacarera simple:

Forma las partes de mudanzas y canto mediante períodos de 8 compases (introducción y vueltas enteras).

2) Chacarera doble: Agrega 4 compases a los 8 tradicionales de la chacarera simple. Siguiendo el mismo régimen de alternancia entre las partes de canto y las que realizan mudanzas. Por su coreografía, esta versión presenta una cierta relación con la danza popular conocida con el nombre de gato: (giros con castañetas, zapateo, zarandeo, vuelta entera, giro final, etc.).

3)

Chacarera trunca:

Su forma puede ser simple o doble, con 6 u 8 compases. La estructura típica de cantos y mudanzas, es igual en todas las formas.

Chacona: Del italiano (ciaccona=ciega). Danza popular del mediodía de Italia, que según la tradición fue creada por un músico ciego, de allí su nombre. Tiene un ritmo uniforme, repetitivo, grave y medianamente lento, aunque también existen ejemplos, compuestos para orquesta de cámara, que combinan una serie de variaciones en contrapunto. El aire melódico, casi siempre diseñado sobre un bajo obstinado, suele responder al compás de 3/4. La chacona ya se conocía en España en el siglo XVI. El compositor Jean-Baptiste Lully (1632-1687) autor de renombradas óperas, ballets y otras composiciones para música instrumental, logró su éxito y divulgación en Francia. A fines del siglo XVII ya había adquirido ciertas características que la hacían similar o a veces idéntica al pasacalle.

Cha-cha-chá: Voz onomatopéyica. Baile popular que surge a finales de la década de 1940 y alcanza una notable popularidad en Hispanoamérica y Estados Unidos con el músico cubano Enrique Jorrín. La forma tradicional del cha-cha-chá -parecida por sus movimientos a un mambo lento- está configurada sobre el esquema de la segunda parte del danzón. Durante las décadas posteriores fue una composición típica de las charangas caribeñas.

Chalemie: Especie de clarinete antiguo, de madera, con el tubo de forma cilíndrica y el pabellón levemente cónico, que usaban los pastores en el sur de Francia y la región pirenaica. También se lo solía ver ocasionalmente en las fiestas populares de Aragón y Cataluña. El vocablo es una forma romance derivada del latín (calamus), que servía para nombrar a un aerófono antiguo de la familia de la actual chirimía. Durante la Edad Media se utilizaba en el acompañamiento de los cantos religiosos. En la actualidad tiene un carácter popular y suele figurar en los conjuntos folclóricos de algunas comarcas provenzales.

Chalumeau: Antiguo modelo de clarinete de origen francés, cuyos orificios se obturan con los dedos. Era un instrumento de viento común en las orquestas populares. Fue perfeccionado en Alemania con la aplicación de llaves y otras mejoras técnicas. El chalumeau estuvo en uso hasta comienzos del siglo XVIII, época en que aparece el clarinete moderno.

Chamade: Registros de órgano pertenecientes a la batería de lengüetas, cuyos tubos presentan una disposición horizontal. Las bocas de estos registros, que se orientan hacia el público, permiten obtener brillantes efectos sonoros de acústica directa, complementando la melodía de los grandes registros verticales. Esta disposición de los tubos fue corriente en los grandes órganos españoles desde el siglo XVIII.

Chamamé: Baile folclórico tradicional en la región guaranítica de América del Sur. Goza de una gran popularidad, particularmente en la región noreste de Argentina, (provincias de Corrientes, Misiones, Chaco, Formosa), también en el Paraguay y en la región suroeste del Brasil. Entre sus instrumentos de acompañamiento más usuales se encuentran la guitarra y el acordeón, aunque ocasionalmente también pueden oírse excelentes interpretaciones que incluyen el arpa paraguaya y la armónica. Es uno de los fenómenos más representativos de la música regional indoamericana, del cual se conocen pocos antecedentes bibliográficos. Por su estilo sería una variante de las formas coreográficas conocidas como polca paraguaya y su variante argentina, la polca correntina. Si nos atenemos a las sucesivas secuencias de su desarrollo como expresión musical, el chamamé parece haber surgido de aquellas expresiones locales, como una nueva forma, perfectamente definida y con características propias, tanto en lo que respecta a su estilo cadencioso, como a la armonía y el movimiento. En lo que respecta al título de esta danza criolla, inspirada en el galanteo amoroso, tiene un origen incierto y pese a su amplia divulgación no aparece en la mayoría de los diccionarios de la lengua castellana. De acuerdo con algunas versiones populares, el nombre guaraní procedería del término compuesto che-ama-mi, cuyo conjunto de acepciones es bastante amplio (mi dueña, mi alma, mi amiga). Aunque su difusión cultural comprende la ya citada región del litoral fluvial argentino, también alcanzó una cierta popularidad en las provincias andinas de Mendoza y San Juan. A fines del siglo XX, tanto su línea melódica como su coreografía fueron redescubiertas por algunas escuelas folclóricas de vanguardia como el antecedente más cercano a una variante musical, aún en su etapa evolutiva, a la que suelen denominar paso traspié. Actualmente existe un género híbrido entre el chamamé y otros estilos modernos, al que también se conoce con el nombre de milonga traspié.

Chamarrita: Danza folclórica argentina, similar en algunos aspectos al chamamé. Tiene un movimiento acelerado que se ejecuta por parejas que bailan en conjunto, coordinando los distintos pasos coreográficos. Fue una expresión bailable que gozó de cierta popularidad durante la segunda mitad del siglo XIX, particularmente en la región litoral del río Paraná, (provincias de Entre Ríos, Santa Fe, Corrientes, Chaco, Misiones). En la actualidad ha sido recuperada por distintas escuelas de danzas y grupos folclóricos. La introducción de esta danza consta de ocho compases con dos acordes finales. Presenta una sola parte. Durante su desarrollo se realizan vueltas, zapateados, molinetes y medios giros, etc.

Chamberga: Baile y canto tradicional de Cataluña, del siglo XVII, que también se conocía con el nombre de xamberga. Presumiblemente originado en el sur de Francia durante la Edad Media. La letra típica de la chamberga responde a la estructura de la cansó (canción) catalana. Básicamente, consiste en una seguidilla de estrofas breves, con estribillo irregular de seis versos. Su carácter es alegre y vivaz. El ritmo -que en oportunidades suele adoptar un estilo marcial y con cierto estilo de pregón- lo cantaban los combatientes españoles durante el sitio de Gerona de 1684. De allí procede el antiguo refrán "cantar a la chamberga".

Change:

En francés e inglés (cambio). Término empleado en varios países para citar las distintas combinaciones sonoras de los carillones.

Change ringring: En inglés (cambio de timbre). El segundo término es onomatopéyico. Se refiere a las diferentes formas de tañer las campanas. Un carillón, con cinco elementos, puede lograr hasta 120 variantes sonoras. Con 12 campanas la cantidad de posibilidades aumenta de manera exponencial (480 millones de sonidos combinados). Para alcanzar la totalidad de los changes posibles en el sistema de doce campanas de la catedral de Saint Paul, en Londres, sería necesario hacer sonar el carillón durante 30 años seguidos.

Chang-kati: Instrumento sonoro originario del reino de Siam (actual Tailandia). Pertenece a la familia de los idiófonos percutidos. Se parece al gong de los chinos, aunque es un poco más pequeño. Por lo general el diámetro del disco no pasa de los 35 cm Se puede percutir sosteniéndolo de un asa con la mano, o pendiente de unas pequeñas cadenas unidas a un bastidor cuadrado como el del batintín. En la actualidad se conocen varios modelos cuyas características resultan bastante similares a las de este idiófono y cuyos nombres pueden variar de acuerdo a la procedencia (Birmania, Laos, Camboya, Indonesia). Los modelos de chang-kati más corrientes son de latón y se percuten con dos tipos de baquetas. La de madera, con la cabeza forrada en fieltro, se emplean para los sonidos graves y profundos, mientras que las de bronce, más finas y delicadas, se reservan para los sonidos agudos. En Birmania se emplea para acompañar el sonido del arpa.

Changüi: Estilo musical típicamente cubano. Es una variante antigua del son tradicional, con movimientos coreográficos y cantos que proceden de la zona oriental de la isla. (Holguín, Baracoa, Guantánamo). Por el estilo melódico y la manera de coordinar la parte instrumental es similar al guateque de las provincias centrales. Este nombre autóctono sirve para identificar tanto al tipo de ritmo, como al conjunto instrumental y también a los locales o reuniones donde se interpreta este baile. Los instrumentos imprescindibles del changüí son: maracas, güiro, bongó, tres y marímbula.

Chanson: En Francia se llama así a la poesía cantada, cuyo argumento tiene un sentido figurado, que puede ser jocoso o romántico. En algunos casos se la utilizó para demostrar la sátira política, aunque no era lo usual. La ópera también recibió el aporte de esta especialidad del canto lírico francoflamenco de los siglos XV y XVI. Su origen arranca en la trova medieval francesa, llegando a través de una constante evolución a figurar entre las más bellas y logradas composiciones polifónicas. Durante el Renacimiento la chanson adquirió un carácter de improvisación en el mismo momento de la ejecución aunque siempre mantuvo las características del ritmo inicial. El estilo alcanzó amplia difusión en Holanda y en la región de Flandes. Los creadores e intérpretes más destacados de la música vocal profana del siglo XVI fueron el polifonista neerlandés Adriano Petit, llamado "Coclico", especializado en la técnica del contrapunto, y el compositor Claude de Sermisy (c. 1490-1562). De Adriano Petit, nacido en Hainaut hacia el año 1500, se conocen pocos datos, aunque se conserva gran parte de su obra. Además de una serie de cuadernos de motetes y misas, Claude de Sermisy dejó escritos once libros de chansons, felizmente recuperadas en 1894 en la obra de del musicólogo francés Enri Expert, titulada "Les Maîtres Musiciens de la Renaissance Française".

Chanson de toile: Término galo de origen medieval (canción de tela). El nombre procede del ambiente cortesano donde se realizaban tales representaciones, rodeado de vestidos, cortinados, encajes, etc., en contraste con el ambiente rústico donde tenían lugar las canciones populares. Fue uno de los géneros cantable de cuyo estilo derivó la romanza. Es similar por su forma al air de cour (aire de corte).

Chanterelle: Nombre corriente en francés de la primera cuerda del violín. Corresponde a la nota mi del cuarto espacio de la clave de sol. El nombre (cantarina) procede de su sonido. Llamada prima en España y los países iberoamericanos. Lleva el mismo nombre en el laúd.

Chantre: Voz francesa, derivada del latín (cantoris). Dignidad de las catedrales medievales que dirigía las interpretaciones del canto llano según el uso y características de la liturgia. También se llamaba así al capiscol o director del coro en las escuelas cantorales (schola cantorum).

Chantría: Cargo o dignidad de los chantres o sochantres de la Edad Media. Debían ser excelentes cantores, con amplia experiencia en las modalidades del canto llano durante el oficio religioso. También se exigía que la modulación de su voz siguiera a la perfección los sonidos de los instrumentos musicales de la época (ad chordarum sonum).

Chanzas: Forma musical antigua, equivalente a los villancicos de las fiestas navideñas, pero en plan jocoso. Durantes esas celebraciones, los cantantes e instrumentistas se disfrazaban de pastores u hortelanos con sus correspondientes vestimentas y avíos. Iban asistidos por un coro infantil cuyos integrantes se vestían como ángeles. De hecho lo llamaban el coro angélico.

Cha-pei: Especie de laúd del reino de Camboya, con dos órdenes de cuerdas dobles y la caja de resonancia de madera. El clavijero, con forma curva, suele estar finamente tallado y decorado. Este cordófono suele integrar los conjuntos típicos de aquella región, como el laúd o la cítara monocorde. Son pequeñas orquestas folclóricas, dotadas de cuatro a seis instrumentos, que interpretan la música de acompañamiento para las danzas populares camboyanas.

Charamela: Del latín (calamu=caña). De este sustantivo deriva calamellu=caramillo. Es un nombre castellano antiguo que se daba al instrumento de viento, fabricado usualmente con un tubo de caña, también conocido con el nombre de flautillo o chirimía. En Cataluña, Valencia y Baleares suele llevar denominaciones parecidas (xaramelle, xeremie, etc.)

Charanga (agrupación instrumental): Es un término derivado del latín (clangere/clango=sonar el clarín o la trompeta). Se suele llamar así al grupo orquestado de instrumentistas menos numeroso que las bandas militares. En algunos países puede formar parte de los cuerpos de infantería y de algunos batallones ligeros. También puede aparecer citado con la denominación de fanfarria, como en Francia (fanfare). Su forma de interpretar la música es decididamente marcial y está compuesta por instrumentos de viento, de las series de los metales o las maderas, pero en cuya composición no entran los de percusión, como ocurre con las bandas. Sus principales instrumentos, según el orden de las partituras especiales para este tipo de agrupaciones es el siguiente: requinto, flautín o flauta, clarinete, saxofón en mi bemol, saxofón en si bemol, fiscorno, cornetín, trompa, trombón, barítono, bombardino, bajo.

Charanga (composición melódica): Por relación con el estilo de interpretación de las referidas agrupaciones instrumentales, también llevan este nombre algunas piezas de carácter variado, pero siempre apoyado en los compases de ritmo marcado y en el expresivo sonido de los instrumentos de viento. (clarinete, saxofón, etc.). El compositor estadounidense Aarón Copland (1900-1990) creó su "Fanfare for a common man" (Charanga para un hombre corriente) usando motivos diversos, aunque siempre con un aire inspirado en la música popular norteamericana, especialmente los motivos tradicionales del jazz.

Charanga caribeña: En algunos países del Caribe y América Central se llama así a un tipo de danza folclórica que se baila por parejas y presenta diversas coreografías. En Cuba es una agrupación musical de carácter popular, que adquiere su mayor relevancia en la interpretación del cha-cha-chá y el danzón cubano. Las formas y compases de estos bailes pueden diferir según sea la región de la cual provienen. Los instrumentos tradicionales de la charanga caribeña son piano, contrabajo, flauta, violines, paila o timbal, güiro y tumbadora. Suele acompañarse con una o dos voces. La "Charanga cubana" es una institución, creada en 1960 por el Consejo nacional de Cultura, con el objeto de ilustrar en conciertos las características del danzón cubano y otros géneros tradicionales

Charanga costarricence: Término musical que presenta distintas acepciones, de acuerdo con la época y el lugar de donde proceden. En Costa Rica se alude a una danza familiar, cuya melodía -alegre y variada- difiere de la típica charanga caribeña. Su popularidad alcanza también otras regiones de América Central.

Charanga española: También llamada música cuartelera. Agrupaciones de músicos militares de los regimientos españoles durante el siglo XIX. Normalmente estos conjuntos estaban integrados por los siguientes instrumentos: clarinetes, saxofones bajos en si bemol, saxofones en mi bemol, trompas, trombones, cornetines, barítonos, flautas, bombardino, bajos, flautín y requinto.

Charanga francesa: Llamada fanfarria (fanfare). Las agrupaciones musicales de este tipo, que dejaron precedentes para la constitución de las actuales bandas militares, estaban integradas usualmente con los siguientes instrumentos: saxofones sopranos, saxofones contraltos, trombones, cornetas, cornetines, trombas, bajo en si bemol, contrabajo en fa, contrabajo en do y barítono.

Charango: Instrumento folclórico hispanoamericano, originario del altiplano de Bolivia. Su área de difusión comprende también Perú, Ecuador, el norte de Chile y el noroeste de Argentina, especialmente en las provincias de Salta y Jujuy. Es una pequeña guitarra criolla, con cinco pares de cuerdas de tripa o nailon. Las melodías se interpretan mediante punteo, siguiendo la técnica básica de los cordófonos de punteo. Para acompañar la actuación de otros instrumentos -como los solos de quena se suele practicar el rasgueo o el trémolo. La caja del charango se fabricaba hasta hace pocas décadas con la caparazón disecada del armadillo⁴¹. En la actualidad existen modelos de charangos, tallados en madera, de una sola pieza, tan finos y delicados, que son verdaderas joyas de la artesanía popular. El charango, junto con el erke, la quena, la zampoña y el bombo legüero, forma parte del grupo instrumental típico del folclore musical andino. Se acostumbra ejecutar en presentaciones individuales y también en el acompañamiento de carnavalitos, bailecitos y huayños.

Charangón: Lo mismo que el charango bajo, es una variante de nueva tesitura, producto de la constante evolución de estos instrumentos autóctonos. Existen en una gran variedad de tamaños.

Charangón bajo: Similar al anterior, pero de tesitura más grave. También se lo conoce con el nombre de charangón. Varía en el encordado y a veces también en la forma de la caja, a la que llaman "lauckiada" (ahuecada). En algunos casos suele ser más voluminosa.

Charangón mixto: También llamado "siamés" por estar unido a otro instrumento que el ejecutante suele tañer en forma simultánea. En el Museo de Instrumentos Musicales de la ciudad de La Paz, Bolivia se pueden observar diversos ejemplares combinados (charangopinquillo, charango-quena, etc.).

Charlestón: Denominación castellanizada de un baile norteamericano parecido al fox-trot, originario de la ciudad de Charleston, en el Estado de Virginia. En la década de 1920 tuvo un éxito notable en todo el mundo. Actualmente es uno de los tipos de danza popular más recurrentes entre los cultores del baile retro.

Chaudron: En francés (caldero). Denominación corriente de la forma semiesférica de metal que cumple la función de caja de resonancia en los timbales. La parte superior se recubre con el parche o membrana, que se ajusta mediante un sistema periférico de tornillos tensores. Algunos ejemplares tienen las patas adheridas a una base regulable que puede colocarse inclinada hacia la posición del ejecutante, con el objeto de facilitar el acto de la percusión. Otros modelos, más antiguos, sostienen el chaudron mediante un simple trípode.

⁴¹ Armadillo: (Género: Dasypus). Es un mamífero desdentado, propio de la fauna americana. Presenta el dorso y la cola recubiertos con un escudo de placas córneas. Esa coraza natural, una vez seca se empleaba para construir la caja armónica del charango. Por tratarse de una variedad zoológica en peligro de extinción, el armadillo está protegido en la mayoría de los países americanos.

Chaurares : Nombre mejicano de un antiguo idiófono parecido a las castañuelas, pero de un tamaño algo mayor y de factura bastante rústica. Su sonido es parecido al del güiro de bambú.

Chella : Especie de oboe rústico de Sudán, construido con la madera del árbol africano llamado “ébano de Mozambique”⁴², del cual toma su nombre. El sonido natural de este primitivo instrumento tiene una tonalidad grave y melodiosa. Los pocos ejemplares conocidos en la actualidad poseen una lengüeta simple de caña, el tubo cilíndrico con el pabellón ligeramente cónico y cuatro orificios. Es originario de las llanuras centrales del continente.

Chevalet : En francés (caballete o soporte). Se emplea en la terminología francesa para referirse al puente de los cordófonos de arco (violín, violonchelo, viola de gamba, etc.). También puede aparecer escrito de esta forma en ciertas expresiones de ejecución (au chevalet=sobre el puente).

Chiesa: Denominación itálica que significa "iglesia". Suele emplearse también en los países anglosajones. Se refiere a los himnos, loas o cánticos religiosos, y en general, a toda la música destinada a la interpretación exclusiva dentro del ámbito de los templos.

Chifle: Del latín (sifilum=silbo/silbato). Pito rústico de caña borde, latón o asta de buey, que utilizaban los campesinos en algunas regiones de España para comunicarse a la distancia, o para acompañar el son del tambor en las fiestas populares. También se dice chifla.

Chiflo: Nombre específico de un instrumento aerófono tradicional de la familia de las flautas de tres agujeros. Se usa en las fiestas regionales de Huesca (Jaca) acompañándose con el ritmo del tamboril.

Chigualo: Canto fúnebre de tradición indígena, natural del occidente colombiano. El nombre procede del suroeste del país, en las vastas regiones fronterizas con Ecuador y Perú, donde aún se utiliza el término quechua“chigua” para denominar a la pequeña caja mortuoria de madera rústica, en la que se acostumbra velar a las criaturas fallecidas. Se trata de una forma musical relacionada con antiguas ceremonias funerarias. En la región de Boyacá y Cundinamarca existe una modalidad similar, conocida con el nombre popular de “Angelito bailao, cuyo tema musical ha dado lugar a numerosas composiciones folclóricas. En el noroeste de Argentina (provincias de Salta, Jujuy, Tucumán, Santiago del Estero), lo llaman “El velorio del Angelito”.

Chilla: Instrumento aerófono, por vibración de lengüeta. Es popular en España y algunos países suramericanos. Está formado por una base de madera que sostiene una fina lengüeta de fibra elástica o papel de seda. El cuerpo del instrumento está formado por dos tablillas oblongas, provistas de una ranura por donde el ejecutante debe soplar. Emite una serie reducida de sonidos, similares al canto de algunas aves. La forma de colocar los labios y la posición de la lengua, sobre dicha ranura, permite diversificar la altura y el timbre de las notas. Se utiliza en el acompañamiento de algunas danzas típicas, junto con la flauta de caña y el charango o guitarrillo indígena. El nombre vulgar proviene de chillar o producir un sonido agudo. En España, también lo utilizan los cazadores para atraer las presas, imitando el graznido de ciertos pájaros.

⁴² Dalbergia melanoxylumTambién llamado “granadilla de África”, es un árbol de madera muy dura y resistente, de color casi marrón negruzco, con vetas amarillentas, muy apreciada en la fabricación de instrumentos musicales.

Chimbaguele (danza): Voz de origen mestizo. Expresión musical folclórica de Venezuela. La melodía muestra la influencia de su origen africano. Aunque también tiene raíces campesinas e indígenas. Es popular en la región de los Llanos.

Chimbagueles (membranófonos): Se denomina banda de chimbagueles a un conjunto de percusión típico del folclore venezolano. Está formado por una batería de siete tambores especializados en el acompañamiento de la danza del mismo nombre. Los tambores de chimbaguele se clasifican en dos originales grupos sonoros: cuatro tipos graves, conocidos como "tambores macho" y tres de menor tamaño, con tono más alto, a los que llaman "tambores hembra".

Chimbique: Tambor criollo que se emplea en la ejecución de la música tradicional en los llanos de Venezuela (Guárico, Barinas, Anzoátegui, etc.). Este instrumento de percusión suele acompañar con su ritmo los compases un baile popular que tiene el mismo nombre (Danza del Chimbique). En Colombia existe un cordófono semejante, al que los campesinos de Arauca llaman chimborrio y que también es usado por las colectividades indígenas de la región Vichada. Ambos tambores proceden del folclore africano, llevado por los esclavos negros durante la época colonial.

Chimbuzo: Nombre popular de una variedad antigua de flauta de pico, de unos 40 cm de largo, procedente de las regiones altas de Ecuador (Tungurahua, Cotopaxi, Chimborazo, etc.). Es similar al típico pinkullo o pinquillo, de Bolivia y el noroeste de Argentina, por lo que se deduce su lejano origen incaico. La única diferencia con las demás flautas de pico de su tipo es que la extremidad opuesta a la embocadura tiene una forma de embudo, similar a la campana del clarinete o el saxofón soprano.

Chinchines: Voz onomatopéyica que sirve para designar un tipo de maraca, que se utiliza en Guatemala durante las celebraciones religiosas llamadas "acabo de novena". Este idiófono que suele acompañar al violín y la flauta travesera en el son de pascua y otras interpretaciones de la música popular navideña. Se fabrica con una pequeña calabaza, finamente labrada, con mango de madera y rellena de pequeñas piedrecillas que le dan el sonido característico.

Chinfonia:

Nombre antiguo que se le daba al instrumento de cuerdas y teclado, conocido actualmente como

viella de rueda

.

Chirimía (aerófono): Antiguo instrumento de viento, de madera, provisto de diez orificios y lengüeta de caña. Su nombre proviene del latín (calamus). Por su forma y manera de ejecutar se parece al clarinete. Algunas chirimías pueden llegar a medir hasta 70 cms de largo, incluida la boquilla. En realidad, es una versión primitiva del oboe. Actualmente tiene un carácter popular y suele formar parte de conjuntos folclóricos en diversos países. Durante la Edad Media se lo empleaba para acompañar el canto. Se piensa que en España lo introdujeron los árabes. En Francia lo siguen llamando a la manera romance (chalemie).

Chirimía (registro de órgano): El más pequeño de los tubos cónicos largos. Tiene un pabellón superior en forma de campana invertida. El extremo inferior conecta con el pie junto al muelle de afinación. Imita el tono del aerófono folclórico del mismo nombre. Chirlera: Cuerda bordona de crin de caballo que llevan las cajas criollas junto al parche inferior. Cumple la misma función sonora que en los demás membranófonos de este tipo.

Chitarra battente: Cordófono punteado, originario del sur de Italia. Pertenece al grupo de instrumentos musicales, similares al laúd. La forma y disposición de las cuerdas metálicas es coincidente con la guitarra portuguesa y la viola campaniça. Aún se utiliza en la interpretación de la típica canzoneta napolitana. Los ejemplares más antiguos de esta guitarra italiana tienen una forma bastante estilizada y datan del siglo XVI, cuando se la conocía con el nombre de chitarra mandola. En Francia, donde tuvo bastante aceptación hacia el siglo XVII, respondía a las denominaciones de guitarre capucine o guitarre en bateau.

Chitarra mandola: Guitarra italiana del siglo XVI. Pertenece al mismo tipo de instrumentos de cuerda que la chitarra battente y la guitarre capuccine francesa. Durante las últimas décadas del siglo XX surgieron en Italia y Francia notables artesanos e intérpretes, dedicados a recuperar la calidad original de estos cordófonos y su música coetánea.

Chitarrino: Guitarrillo de origen italiano. Era muy popular en el siglo XVII en las comarcas de Campania y Basilicata. Existen modelos actuales de seis cuerdas, copiados de los originales de aquella época, que sólo tenían cuatro. La caja de resonancia presenta una forma casi triangular, el fondo plano y la tapa decorada con diseños de ebanistería. Su puente es fijo y lleva cordal de latón unido al filete inferior. El mango tiene once trastes de metal incrustados en el diapasón, la cejuela es de hueso o marfil y el clavijero, someramente inclinado, del tipo de pernos empotrados. El sonido del chitarrino itálico es medianamente alto, similar al del requinto.

Chitarrone: Instrumento cordófono de la familia de los archilaúdes, dotado de doble clavijero, 18 cuerdas y gran tamaño (algunos modelos alcanzan casi dos metros de altura). También se le suele llamar tiorba romana por su procedencia itálica. Estuvo en boga durante los siglos XVII y XVIII. Se empleaba como instrumento de acompañamiento, especialmente en la interpretación del bajo continuo. Ya en el periodo de la ópera barroca esta función era encomendada a otros instrumentos más dúctiles, como el fagot, el violonchelo y el órgano. Existía también otra versión algo más corta provista de diez cuerdas dobles a la que llamaban arciliuto. Este modelo se afinaba como los actuales: dore-mi-la-sol-do-fa-la-re-sol. Las cuatro cuerdas más graves sonaban al aire. También puede aparecer escrito chitarone.

Chiterna: Cordófono italiano de la familia de las guitarras. Los ejemplares originales estuvieron en boga entre los siglos XVI y XVII. La mayoría de los pocos instrumentos de aquella época que aún se conservan en el presente se encuentran depositados en museos y organismos especializados. Por su sistema armónico, los modelos actuales presentan un cierto parecido con la pandora. El encordado, con puente y cejuela de hueso o marfil, se afirma en un cordal metálico asegurado a la parte inferior del filete. La mayoría de los modelos posee un sistema de cinco órdenes de cuerdas que se pueden puntear con los dedos o mediante la ayuda de un plectro. La caja de resonancia es algo aplanada y el mecanismo del clavijero lleva pletina y tornillo sinfín.

Chnué: Trompeta encorvada de los antiguos egipcios. También puede aparecer escrito el nombre djonoué. No existen en la actualidad más modelos que las réplicas fabricadas por musicólogos, estudiosos e investigadores del arte melódico del Egipto faraónico. Se conoce su existencia por dibujos y frisos grabados en piedra. Según algunas interpretaciones estaba dedicada al dios tutelar Chnum-Ra. La palabra "chnum" significa "dar vida a un sentimiento íntimo" o también "llenar el espacio con algo". En el caso del pueblo egipcio y su amor a la música, se interpreta como "llenar el aire con himnos de vida". De allí su relación con el sentido místico de esta trompeta.

Chocalho: En portugués vulgar (batidor/chocador). Es un instrumento idiófono tradicional en la región nordeste del Brasil (Bahía, Sergipe, Alagoas, Pernambuco, etc.). Se trata de una variedad de sonaja de percusión interna que suele utilizarse en el acompañamiento rítmico de la batucada y algunas danzas folclóricas. Para fabricarlo se emplea un cilindro hueco de madera o bambú, obturado por ambos lados y relleno con semillas secas o piedrecillas. Actualmente se hacen chocalhos en serie, de chapa de hojalata soldada con estaño y rellenos de perdigones. Estos últimos son más sonoros, pero tienen un timbre metálico, distinto de los tradicionales de bambú.

Chocklla: Caña de las selvas peruanas que da nombre varias flautas autóctonas. Entre ellas, la antara o zampoña, llamada sicus en Bolivia. Las zampoñas peruanas de este nombre tienen cuatro tubos. Se tocan en grupos con afinaciones complementarias, de tal forma que pueden alcanzar una sencilla escala cromática, elemental pero rica en matices. Los grupos de músicos-bailarines ejecutan estos instrumentos folclóricos con destreza haciendo que cada flauta individual vaya intercalando sus sonidos en las pausas que realizan las demás. El ámbito cultural de estos instrumentos -similares a la tradicional flauta de pan europea- se desarrolla a través de un extenso territorio andino que comprende varios países y antiguas culturas (Bolivia, Perú, Ecuador). Esta flauta se conoce en el altiplano boliviano con el nombre aymará de huaira-puhura.

Chokela (aerófono): Flauta boliviana de caña, con un solo tubo y seis orificios adelante y uno atrás. Tiene unos 45 cm de largo y un diámetro de 25 mm El tono natural es relativamente grave, en el orden del mi mayor (otro referente: do sostenido menor). Es posible que la denominación de este instrumento también provenga de la caña chocklla.

Chokela (danza): Espectáculo musical con pasos de baile propio de la colectividad aymará de Bolivia. Representa la danza de las vicuñas. Su origen es muy antiguo. Se tiene constancia de su existencia desde la época colonial. Su acompañamiento melódico se caracteriza por el sonido agudo de las flautas populares (pinquillos, tarcas, anatas, etc.)

Choradie: Término musical arcaico, cuyo significado se refería a la música vocal interpretada por varias voces distintas, o también con acompañamiento instrumental (del latín choraules= músico que acompaña el canto o el baile con la flauta). Es lo opuesto a monodia cuyo sentido se aplicaba al canto realizado por una sola voz.

Choirs Festival: En inglés (festival de coros). Costumbre tradicional que alcanzó su mayor prestigio con unos célebres eventos musicales, conocidos con el nombre“Three Choirs Festival” (“Festival de los Tres Coros”). Son jubileos músico-religiosos, que se llevan a cabo en Inglaterra desde principios del siglo XVIII. Se trata de reuniones corales polifónicas, de carácter anual, celebradas en las ciudades de Hereford, Worcester y Gloucester, con la participación de las más importantes entidades musicales del país. Grandes compositores, como Georg Friedrich Haendel y Henry Purcell, escribieron obras para este festival, muchas de ellas dotadas de una perfecta y elevada armonía vocal. Una de las piezas más bellas, que se acostumbra interpretar en estos festivales, es la“Missa Solemnis en re mayor” Op. 123, de Ludwig van Beethoven. La costumbre de realizar periódicamente estos festivales, pasó luego a otras ciudades e instituciones, sobre cuyo patrón se fue renovando en el tiempo la antigua tradición coral inglesa. Entre los ejemplos actuales, puede citarse al“Three Choirs Festival”, un encuentro bienal, iniciado en 1995 entre las universidades de Yale, Princeton y Harvard.

Choral society:

En inglés (asociación coral). Orfeón.

Choral vorspiele: Voz en alemán: (vor=antes y spielen=tocar, interpretar) Forma breve de coral, destinada a la ejecución con acompañamiento de órgano, que también servía como preludio a los corales polifónicos, cuyo desarrollo es más extenso y complejo. Esta forma surge en el siglo XVII y tiene su apogeo durante el siglo XVIII, con las obras de este tipo compuestas por Johann Sebastian Bach. En su voluminosa colección, titulada "186 corales a 4 voces", BWV 253-438, publicada entre 1784 y 1787, aparecen interesantes ejemplos de choral vorspiele.

Choraules: Flautista que acompañaba el canto del coro en la Roma imperial. Es una palabra latina que se utilizaba en la música antigua. Formada por la conjunción de dos términos relacionados con la actuación musical en el teatro clásico (chorus=coro y auletes=intérprete de flauta).

Choraulicus:

Es un vocablo del mismo origen. En términos generales, se refiere a cualquier forma instrumental que acompañe el canto polifónico.

Chordae essentiales:

En griego (cuerda esencial). Antigua denominación de la nota tónica, cuya correspondencia era la 3ª y la 5ª de un tono determinado.

Chordaulodion: Primitivo instrumento mixto de cuerdas y teclado, similar a un piano vertical, cuyo mecanismo se accionaba con el pie. Fue inventado en Dresde, Alemania, a fines del siglo XVIII. El armonicordio del siglo XIX es una variante perfeccionada de este instrumento.

Chordotonon:

Derivado del griego (cuerda tonal). Denominación que daba antiguamente al

manocordio

, un instrumento de teclado, similar a la

espineta

.

Chorea: Denominación que se usaba en la Edad Media para describir un tipo de danza popular acompañada con música de coro. De ella derivaron los villancicos y las rondas actuales.

Chorebenite: Instrumento de viento de la familia de las trompas, fabricado con aleación de bronce o latón plateado, sin llaves, con boquilla de soplo directo y amplio pabellón. Se usaba en Francia durante los siglos XIV y XV. El poeta francés Eustache Deschamps (1340-1410) escribió una interesante descripción de las virtudes sonoras de este aerófono, donde compara la expresión melódica del instrumento con la eufonía del verso. Deschamps escribió más de 1000 baladas, 80 temas para canciones populares, 171 rondós y una gran variedad de farsas musicales, poesía y epístolas que aún se conservan⁴³.

⁴³ "Oeuvres inédites d'Eustache Deschamps" Colección de poetas de Champagne anteriores al siglo XVI. (1ª Edición, París, 1849).

Choreion: Danza festiva de los antiguos griegos, que se bailaba en rondas, con coros de cantantes. Cada conjunto coral estaba compuesto por un grupo homogéneo de integrantes. Acostumbraban cantar en los actos públicos y las celebraciones religiosas. Los coros estaban integrados, sin distinción de clases, por ciudadanos y miembros del pueblo llano. Normalmente, cada grupo de coreutas solía estar consagrado al culto de una deidad local.

Chôro: Composición musical autóctona del Brasil con influencia afro. Significa lamento en portugués. Es un forma derivada del verbo chorar (llorar). El tema del chôro es esencialmente amoroso y de carácter melancólico.

Chorus (aerófonos): Instrumento musical parecido a la cornamusa o symphonia de los antiguos romanos. Los hebreos la utilizaba como un elemento sonoro del culto sagrado en las sinagogas. El músico e historiador alemán Michael Praetorius (1571-1621) describe una gran variedad de formas pertenecientes a distintas épocas en su célebre tratado "Teatrum Instrumentorum seu Sciagraphia", una importante obra de recopilación y estudio, dedicada a la reproducción y descripción técnica de instrumentos musicales antiguos.

Chorus (cordófonos): Es una variedad de cítara primitiva, utilizada en la baja Edad Media. Existen constancias de modelos con tres y cuatro cuerdas. Aparece citado en algunos tratados del siglo XIX con distintas denominaciones (choro, chorum). Se ignora si se trata de una confusión de los autores y editores de la época, o eran indistintas las dos maneras de nombrar a dicho instrumento. La caja tenía la forma de una letra delta griega, con uno de sus lados o catetos algo más largo que los otros dos. Se utilizaba en los templos cristianos para el acompañamiento del canto religioso. Según recientes estudios musicológicos, podría tratarse de uno de los orígenes del arpa actual. Su sonido es parecido al de la cítara de Scheitholt.

Chorus (cordófono/membranófono): Otra variedad, que llevó el mismo nombre, es una especie híbrida entre los instrumentos de cuerdas y los de percusión. Este curioso objeto estaba compuesto por dos tubos de estaño, paralelos y recubiertos por una piel tensa que hacía las veces de membrana. Uno de los tubos tenía orificios obturables con los dedos de la mano derecha, para lograr diversas modulaciones, mientras que la membrana podía batirse como un pandero con los dedos de la izquierda.

Chorus (música electrónica):

Del inglés (coro). En la terminología MIDI se llama así a los efectos de sonido que cumplen la función del acompañamiento coral.

Choralis Constantinus: Nombre de un estilo de interpretación coral del siglo XVI, inspirada en la obra del compositor flamenco Henricus Isaac (c. 1450-1517). Esta obra ejemplar en el desarrollo histórico del canto coral, fue encargada a Isaac por el capítulo eclesiástico de la Catedral de Constanza (Baden-Würtemberg), donde aún se conserva. Se trata de una colección de piezas originales de música sacra, de gran valor artístico y didáctico, contenidas en tres libros publicados entre 1550 y 1555.

Chorrillera: Forma de canción folclórica, también llamada "canto surero". Es típica de Argentina, especialmente de la región pampeana, provincias patagónicas y eventualmente, de la zona sur de la precordillera de los Andes. Constituye un bello ejemplo de la agradable combinación de melodía y poesía, casi siempre relacionada con el sentimiento del paisano hacia su tierra. Se acompaña con guitarras y coro.
Chotis: Baile típico de Madrid, del estilo de la mazurca, pero más lento. Es una palabra de uso corriente, derivada del lenguaje germánico (schottisch).

Christmas carols:

Equivalente inglés de los tradicionales villancicos navideños de España e Hispanoamérica.

Chula: Estilo musical portugués, similar a la rusga, pero poseedor de un cierto carácter local cuyas particularidades instrumentales realzan notablemente la parte coreográfica de las danzas y la vocalización de las canciones. La chula es una forma de conjunto autóctona de la región noroeste del país (ríos Tâmega y Douro). Entre sus instrumentos típicos sobresalen dos que son propios de esta región lusitana: la rabeca chuleira y la viola amarantina. Ambos instrumentos, poseedores de un timbre especial, adquieren el relieve armónico más acorde con el temperamento sentimental de las composiciones chuleiras. Las obras pertenecientes al repertorio de la chula permiten el acompañamiento del contrapunto entre los cantantes con una gran variedad de bellas melodías tradicionales, alternadas con largos ritornelli.

Chuo-pi: Pequeño tambor de las orquestas chinas que se colocaba al lado del bombo huien-kou y se percutían ambos en consonancia, logrando un curioso efecto de eco. La sonoridad de estos juegos de tambores -de los que existen diferentes versiones en el sudeste asiáticolejos de resultar monótona, adquiere una variedad de ritmos y combinaciones tonales sumamente originales.

Churo: Primitivo instrumento aerófono de los indígenas de la costa de Ecuador. Lo fabricaban con la concha de un gran caracol marino. Se presume que su origen es prehispánico y que lo empleaban los incas para enviar señales a través de las grandes distancias de su imperio. En la actualidad ha subsistido como una forma de transculturación entre las comunidades indígenas de la vertiente amazónica. El sonido era estridente y de tonalidad indefinida.

Churumbela: Antigua flauta pastoril de Andalucía. De pequeño tamaño para llevarla en el morral, madera dura y tonalidad aguda. Los catalanes la conocían con el nombre erróneo de gralla.

-D-

"D":

Denominación usual de la nota

re

de la escala diatónica en las ediciones y transcripciones de obras publicadas en países de habla inglesa y alemana.

Da capo: Voz italiana. Significa literalmente "desde el encabezamiento", esto es que se debe repetir un pasaje musical desde el principio. En el pentagrama se suele indicar con la forma abreviada (D.C.).

Da capo al fine: Repetición de toda la melodía entre unos límites que van desde el punto donde se indica el comienzo del fragmento repetido, hasta que aparece la palabra fine. Es una indicación más precisa que la anterior, porque indica el instante exacto en que la reiteración del fragmento musical debe concluir. La señal que marca el final puede estar escrita de diversas maneras. La más usual es la fermata o calderón, consistente en un signo formado por una línea curva con un punto en el centro. El calderón se utiliza para señalar la prolongación de la nota final de una melodía. El uso de esta particularidad, así como la repetición da capo en algunos pasajes de arias de ópera, suele quedar librado al criterio del cantante principal o el director de orquesta.

Dal segno: En italiano (desde el signo). Indicación de repetir un fragmento melódico a partir el signo que aparece escrito en un lugar determinado de una composición musical (Ej. da capo).

Danborra: Nombre vasco de un tambor típico, con armazón cilíndrica, de madera laminada, aros de fresno y parches de piel de cordero, que se emplea en las fiestas populares de Euskadi. Para estirar los parches se recurre al sistema tradicional de cuerdas de lino o cáñamo y anillas tensoras de cuero crudo. Existen ejemplares de damborra en distintos diámetros, que pueden variar de acuerdo con la procedencia del instrumento y la época de fabricación. Se percute con dos macillos. Su particular sonido –de tonalidad grave aunque indefinida- se emplea en el acompañamiento de algunos instrumentos de viento como el txistu.

Danza: Pertenece al movimiento visual de la música. Es una antigua forma de expresión estética, cuya esencia se basa en la gestualidad. Aunque en la mayor parte de las posibilidades semánticas, baile y danza son sinónimos, existe un ligero matiz que diferencia ambas acepciones. En ambas formas prima el sentido del ritmo y el movimiento, pero su espíritu puede variar en la forma, e incluso ser distinto. El baile es la exteriorización de un sentimiento espontáneo, que lleva implícita la sensación primigenia del movimiento corporal. La danza se acerca más a un concepto elaborado y muy personal de ese mismo movimiento. Es la estética pura de la expresión corporal con un sentido eminentemente artístico.

Danza coreada: Adjetivo que se aplica usualmente a las comedias musicales en las que el coro acompaña las evoluciones de los bailarines en la escena. El coro puede intervenir como acompañamiento, o también en el caso de varios coros actuando en concertante.

Danza de caballitos: Es una de las más bellas expresiones del folclore musical de México. Comprende varios sones típicos de la región. Tiene lugar durante las fiestas del 4 de octubre, por San Francisco de Asís y el 12 de octubre, en homenaje a la Virgen de Guadalupe. Dentro de su entorno religioso, es una danza que demuestra la supervivencia de antiguas tradiciones mestizas, cuyas raíces están íntimamente ligadas a las tradiciones del tiempo de la conquista. En su compleja coreografía intervienen trece danzarines de a pie y trece disfrazados de jinetes, con caballitos de cartón moldeado y pintado. La cabeza de los caballitos se talla en madera de madroño. Además, participan de ese juego musical una mula y un torito simulados por sendos bailarines, un anciano barbado -al que algunos musicólogos atribuyen la representación de la figura del conquistador Hernán Cortés- y una muchacha vestida de blanco, que representa a "La Malinche". Suelen acompañar los sones de esta danza con una serie de instrumentos musicales típicos del ámbito rural (violín, guitarra, tambora, etc.).

Danza de la azucena: Baile popular del folclore andaluz. Lo interpretan dos gitanas enfrentadas en elaborados giros y movimientos ondulantes. Ataviadas con bata de cola, el ambiente y la coreografía forman parte de la gracia del arte flamenco. El ritmo de los instrumentos de percusión, acompaña la sonoridad del coro de cantaores y cantaoras. Los elementos más destacados de este tipo de danza son la guitarra y el cajón. En ocasiones, se acompañan con castañuelas.

Danza de la Purísima Concepción: Forma tradicional toledana, integrada por la ya citada danza del cordón, la carrera y el paloteo. La cuadrilla de la danza suele estar compuesta por ocho bailarines y el director, que porta una porra adornada con una figura religiosa. Cada integrante va vestido con una enagua blanca, bordada con cintas y encajes, alpargatas trenzadas y un curioso tocado en forma de turbante que recuerda su antigua procedencia, tal vez relacionada con alguna celebración de "moros y cristianos". Los instrumentos típicos de esta pintoresca manifestación musical son la gaita y el tamboril.

Danza de la rosca: Baile religioso, típico de la provincia española de Salamanca. Esta relacionada con fiestas patronales, bodas y bautismos. Su carácter presenta un cierto aire charro, cuya tradición mística se advierte en el simbolismo de una jarra con vino y una rosca de pan, objetos de propios de la liturgia cristiana, que siempre presiden las celebraciones de este tipo y la posterior representación coreográfica de la danza en torno a la mesa de la eucaristía.

Danza de las almeas: Espectáculo musical femenino. Su carácter -rítmico y melódicoforma parte de las tradiciones propias de la cultura islámica. Normalmente era protagonizado por las “almeas”, mujeres que solían interpretar danzas y cantos folclóricos en los pueblos de Cercano Oriente. Durante el acompañamiento de esas danzas se acostumbraba tañer una variedad de flautas, conocidas con los nombres de nay o nay-châh, que aún constituyen la tipología corriente entre los aerófonos oriundos de aquellas regiones.

Danza del cordón: Pertenece a la compleja coreografía de las festividades religiosas del mes de mayo en Villacañas, provincia de Toledo, dedicadas al culto del Cristo de la Viga. Se interpreta habitualmente en torno a un alto palo del cual pende un número variable de cintas de colores. Cada cinta tiene un color distinto de las demás y corresponde a un bailarín, que tomando una de las puntas comienza a realizar giros sobre sí mismo y circunvalaciones en torno del palo, intercambiando su posición con los otros participantes de la danza. Al cabo de varias vueltas, ejecutadas siempre al compás de la música, el palo queda totalmente trenzado como si fuera un grueso cordón. Esta expresión musical, llevada a las tierras de América por los colonizadores españoles, ha perdurado con distintas variantes en algunos países de aquel continente.

Danza del venado: Es un baile popular de Guatemala y México, de origen maya. Los conjuntos musicales que acompañan estas danzas están organizados por cofradías. En el desarrollo de la procesión indígena se emplean diversos instrumentos típicos (tamborón, tun, chirimía y el pito, también llamado tzijolaj). La parte vocal es amenizada por un cantante solista (tenor o barítono). En los acompañamientos vocales interviene un coro. La coreografía actual de la danza del venado está basada en una tradición de los tiempos coloniales. Narra esta leyenda que un sacerdote cristiano al oficiar la misa descubrió que la hostia se esfumaba en el instante de la consagración. Tiempo después, aquella hostia desaparecida fue hallada en el monte por un venado, que la devolvió a la parroquia del pueblo. A partir de entonces la procesión de Corpus se acompaña con danzas folclóricas y bailarines vestidos con trajes típicos que representan a este animal. Sin embargo, testimonios arqueológicos confirman que el mito es anterior a la conquista y tenía relación con las ceremonias propiciatorias de la caza. Existe una danza casi idéntica, cuyo personaje es el puma.

Danza de Santo Domingo: Baile típico de las Islas Canarias. Es una manifestación musical de carácter folclórico y religioso. En su actual versión es típica del archipiélago, aunque sus orígenes parecen proceder del sur de la península ibérica, donde aún se baila en las aldeas durante las fiestas patronales. Los movimientos de esta curiosa danza canaria se interpretan ante la imagen del santo en la población homónima, situada al norte de la isla de La Palma. En la coreografía intervienen juegos de cintas de colores anudadas a largos mástiles o astas que se cruzan en hileras o por parejas de danzantes. Las distintas secuencias del baile se llevan a cabo con el acompañamiento musical de guitarras, timples, laúdes, tamboriles rústicos y flautas de caña.

Danza huave: Composición folclórica de México, con elementos coreográficos de los pescadores huaves, de la costa del Pacífico. Los cantos que acompañan estas danzas narran leyendas indígenas prehispánicas.

Danza mayagüezana: Modalidad de baile folclórico, típico de la región occidental de la isla de Puerto Rico. Tiene un movimiento mesurado y su compás rítmico gira en torno a una elaborada coreografía. Desde sus lejanos ambientes campesinos, el estilo musical mayagüezano ha pasado a convertirse en una selecta pieza de concierto. Las melodías puertorriqueñas combinan las tradiciones musicales heredadas de España con los ritmos de origen africano, comunes en toda la región del Caribe.

Danza pelopía: Baile rítmico, de carácter gimnástico, que se realizaba cada año en la antigua Grecia, en ocasión de las fiestas pelopías. Estas celebraciones, rodeadas de una gran magnificencia estaban dedicadas a Pelops, héroe mitológico de Olimpia, a cuyos juegos atléticos dio esplendor. La característica más destacada de la danza pelopía, es la maravillosa coordinación entre la música y la plástica del ejercicio corporal. Cada año, durante los juegos olímpicos mundiales, se renueva el antiguo esplendor del sonido y el colorido movimiento de los gimnastas.

Danza pírrica: Danza militar de los antiguos espartanos, dotada de una bella y simbólica coreografía. La describe en una de sus obras el poeta latino Virgilio (70-19 a. C.). Los intérpretes vestían túnicas de color rojo e iban armados como los hoplitas. Danzando en círculos imitaban un combate, haciendo entrechocar sus espadas al ritmo de la música. Se cree que el nombre de esta danza guerrera proviene de Pirro, hijo de Aquiles, ciudadano de Esparta y héroe de Troya, quien según la tradición habría sido su creador.

Danza prima: Variedad asturiana muy antigua, que se baila en círculo, lentamente, con pasos sencillos, hacia delante y hacia atrás, desplazándose en sentido inverso al de las agujas del reloj. Existen ejemplos que proceden de diversas regiones del principado. La "Danza prima de Luarca", una de las más tradicionales, es oriunda del municipio homónimo, situado al oeste de Gijón, sobre el mar Cantábrico.

Danza quechua:

Denominación genérica que recibía antiguamente la danza tradicional argentina, hoy conocida con el nombre de

arunguita

(ver este nombre).

Danzón: Baile típico de Cuba, del grupo de las contradanzas. Es similar a la habanera. Durante el siglo XIX aún conservaba las características básicas de las danzas criollas, en las que predomina el tiempo lento. A principios del siglo XX el danzón cubano fue evolucionando hacia su forma actual, con un ritmo cada vez más acentuado. Durante la década de 1940 se empezó a perfilar una variante alegre y sincopada, que poco después surgió con el nombre de mambo, alcanzando renombre mundial.

Danzonete: Variante del danzón cubano. Es un tipo de composición bailable, con un estilo similar al del típico son. Se suele cantar con el acompañamiento de instrumentos tradicionales de la isla, más una parte primordial encargada a la virtuosidad del violín. Este tipo de composición adquirió popularidad a fines de la década de 1920. Su parte vocal confiada generalmente a un cantante solista- es extensa y variada. Se considera que fue su creador el compositor, flautista y saxofonista cubano Aniceto Díaz (1887-1964). Sus partes esenciales son la introducción, un par de actuaciones cantadas, el segmento del violín y una coda, que pone la parte final de la melodía. Tiene un cierto aire montuno, similar al de la guaracha.

Dar: También se dice descenso. Es el movimiento que el director de orquesta hace con la mano hacia abajo. Su propósito es indicar el tiempo fuerte de un compás. La acción opuesta -a la que suele preceder- es la elevación, que se denomina alzar y se emplea para indicar el tiempo débil.

Darabukka: Instrumento de percusión primitivo. Pertenece a la serie de tambores zarb. Son conocidos en Cercano Oriente y el norte de África. Tiene la forma de un cubilete. En Turquía se lo conoce con el nombre de deblek y en Iraq como doumbak, donde forma parte como instrumento de percusión en las orquestas tradicionalistas llamadas djalghi.

Davul: Tambor de los jenízaros que se percute en formación. Lo empleaban las unidades montadas e iba colgado del cuello de los ejecutantes. Junto con los grandes timbales, los grupos de platillos y las trompetas, integraban las bandas militares de los ejércitos otomanos.

D.C.:

Indicación abreviada que se escribe en las partituras para avisar que se debe repetir íntegramente un pasaje melódico (

da capo

).

D double flat:

Nombre del sonido

re doble bemol

en la terminología musical inglesa. Es equivalente de los vocablos

ré double bémol

en francés y

Deses

en alemán.

D flat: Denominación inglesa del sonido re bemol. En los países de lengua germana corresponde al vocablo Des. La forma francófona emplea la misma fórmula (ré bémol), variando sólo la acentuación de la letra é.

D double sharp:

Nombre del sonido

re doble sostenido

en la manera musical inglesa. Equivalente de

Disis

en alemán y

ré double dièse

en francés.

Deblas:

Grupo de danzas y cantos pertenecientes al folclore regional de Andalucía.

Deblek: Tambor folclórico de Turquía. Pertenece a la misma categoría de los zarb, junto con los darabukka del norte de África y los doumbak tradicionales en Iraq. Como todos los membranófonos de este tipo, el cuerpo o caja de resonancia adopta la forma de un cubilete con la parte superior más o menos curva, la cintura estrecha y la base o pie algo más ancha. Se percute con ambas manos.
Debouka: Especie de tambor, de origen árabe, fabricado con una pieza hueca de barro cocido y afirmada con una funda de cuero crudo sobre la cual se estiran los tientos o cuerdas que aseguran la membrana de percusión. Para tañerlo se utilizan macillos de madera con las puntas revestidas de piel de carnero. Se cree que procede del norte de África y en la antigüedad tuvo carácter militar como redoblante. Existen variantes regionales de la debouka en Túnez y Marruecos. Su sonido peculiar está unido a la música típica de las fiestas tradicionales.

Decibelio: Unidad básica empleada en la medida de las intensidades sonoras. En la nomenclatura internacional es corriente el uso del término decibel, que también se aplica en la organología y otras ciencias musicales. En las indicaciones de sonoridad máxima de los instrumentos puede aparecer la abreviatura (dB).

Décima (intervalo):

Es el que se forma dentro de diez grados diatónicos sucesivos.

Décima (métrica): Combinación de diez octosílabos, cuya rima esta marcada por una particular musicalidad, que se adapta especialmente a las distintas formas del canto popular. La rima tradicional de la décima se realiza de la siguiente forma: el primer verso con el cuarto y el quinto; el segundo verso con el tercero; el octavo verso con el noveno, y finalmente, el sexto con el séptimo y el décimo, formando de esta manera los diez versos. La décima admite punto final o dos puntos después del cuarto verso y no los admite después del quinto⁴⁴. También se la suele llamar espinela, por considerarse creador de esta forma poética al escritor y músico español Vicente Espinel (1550-1624).

Décima campesina: La décima campesina es una medida típica de la poesía musical cubana. Destaca en particular por las letras sentimentales de la guajira. No es propiamente un estilo, sino el espíritu mismo de la música, hecho al modo tradicional de los cantares más amados por el pueblo de Cuba.

Decir: Forma de entonar el cante flamenco, de tal manera que el cantaor parece estar hablando. Es un estilo interpretativo dotado de una gran intensidad dramática, especialmente cuando va acompañado por la ejecución magistral de una guitarra punteada.

Deciso:

Composición melódica con un aire resuelto. En especial, se entiende "con ritmo decidido".

Declamación: En música se llama a sí al canto modulado en estilo recitativo con entonación y ademanes. Es propio del drama lírico, aunque existen múltiples combinaciones y variantes que relacionan profundamente a la música con la palabra. Una de ellas es la rapsodia, cuya forma declamatoria ya era conocida en la antigua Grecia (rhapsodós). El compositor alemán Robert Schumann (1810-1856), que estudió simultáneamente música y literatura, intento explorar las posibilidades acústicas de la declamación combinándola con el acompañamiento de piano. En sus ejemplos "Ballade von Heideknaben" Op. 122 Nº 1 y su consecuente "Die Fluchtlinge" Op. 122 Nº 2, aplica con acierto las dos vertientes que forman su base creativa.

Decrescendo: Vocablo italiano. Es una indicación de ejecución que señala la necesidad de ir disminuyendo la intensidad de la melodía. Esta operación debe realizarse lentamente o de manera gradual. La palabra también se emplea para denominar a un pasaje musical que debe interpretarse de esa manera.

⁴⁴Góngora. “Obras” II 305/306.

Deducción:

Conjunto de notas musicales que suben o bajan de manera diatónica, es decir, de tono en tono y en forma sucesiva.

Def: Membranófono turco del siglo VIII. Su uso estuvo relacionado con la práctica del canto y la recitación de poemas. Su evolución y divulgación en otros ámbitos musicales fue progresando hasta el siglo XIII, época de esplendor en la cultura turca , en la que aparecen los más célebres tratados musicales. Su desarrollo -junto con una variedad de flauta otomana llamada ney- está unido a la obra de los grandes poetas turcos de la Edad Media.

De la-sol-re: Antiguo precepto que se escribía en los folios manuscritos del canto figurado y también en el canto llano o gregoriano (siglos XIII-XVII) cuyo significado era una indicación de tono que empieza en el segundo grado de la escala diatónica de la nota do. Se podía escribir separado o todo junto, uniendo la letra determinativa d y las notas musicales la, sol y re.

Démancher: Término musical de origen francés. La traducción literal es "desmangue" (sin mangas). El origen de este vocablo surge con el desarrollo de la interpretación virtuosa del piano y otros instrumentos, cuando es necesario evitar que las mangas puedan entorpecer los movimientos del ejecutante. En los instrumentos de cuerdas frotadas con arco, significa un cambio de posición. En el piano y otros instrumentos de teclado indica un cruce de manos.

Denominaciones dinámicas: Son nombres técnicos empleados por los críticos de ópera para indicar con palabras lo que sugieren las composiciones musicales. Dentro de las formas dinámicas existen diferentes transiciones y grados de intensidad. Las denominaciones más importantes determinan progresivamente el aumento o la disminución de esas intensidades, señalándolas con los términos italianos crescendo y diminuendo.

Denominador:

Número inferior en la indicaciones numéricas de compás. Por ejemplo en un compás de 2/8 el denominador es 8.

Densidad: Vocablo técnico empleado en musicología para señalar las variantes numéricas de los diferentes sonidos que intervienen en una obra melódica. Se dice que en un compás existe densidad sonora cuando la excesiva agrupación de notas tiende a confundir la melodía. En tal caso, es normal la supresión de alguna nota.

De profundis: Composición musical perteneciente a la liturgia católica. Son las palabras iniciales del salmo reformado Nº 130, empleadas como título de una pieza en el ritual de las exequias. También figura en el repertorio de corales de la religión luterana.

Derbouka: Instrumento de percusión de la clase de los panderos y panderetas. Pertenece a la cultura musical de los árabes y bereberes. Tiene unos 40 cm de diámetro y porta una batería de sonajas de metal.

Des: Nombre de la nota re bemol en la nomenclatura de Alemania y otros países que utilizan dicha terminología. Equivale a D flat en inglés y ré bémol en francés. Desafinar: También llamado desentonar, aunque existe un ligero matiz descriptivo entre ambas acepciones. Desafinar es una forma infinitiva que describe el efecto de apartarse la voz o el sonido de un instrumento musical de la entonación correcta. Esto es en cualquier sentido, incluyendo la inexistencia, supresión o afonía de alguna nota intermedia.

Desarrollo: Parte central de un libreto o argumento de ópera en el que se plantean las diferentes secuencias dramáticas. Sucede al preludio y antecede al epílogo. En la sonata y la fuga, se llama así a la parte que sucede a la exposición del tema.

Descarga: Voz usual en el Caribe, particularmente en la isla de Cuba. Es una peña o reunión de músicos, donde se suele escoger como base una composición tradicional, sobre la que cada intérprete va realizando sucesivas improvisaciones, tanto en el ritmo como en la letra. De esas experiencias surgieron magníficas variaciones que han perdurado en el tiempo, como ejemplos del folclore regional.

Descripción de la escena: Capítulo o apartado que se incluye en los libretos de ópera, en el que se describe la escenografía y los distintos movimientos que deben realizar los actores sobre el escenario. Con distintas normas de adaptación a las necesidades propias de cada disciplina, la descripción de la escena, se emplea tanto en el teatro tradicional como en la ópera y el cine. La descripción de la escena también puede denominarse disposizione escénica y estar incluida como un apartado o capítulo dentro del libreto de ópera.

Desentonar:

Es el acto de descender o ascender de manera inoportuna con la entonación de la voz o el sonido de un instrumento.

Deses: Nota re doble bemol en la terminología musical germana. Se emplea actualmente en los países que utilizan el idioma alemán como lengua nacional o regional (Alemania, Austria, Suiza, Liechtenstein, etc.). En la terminología inglesa equivale a la nota D double flat. Los países francófonos utilizan la fórmula ré double bémol.

Desligar:

Evitar que las notas musicales de una melodía suenen ligadas. Se logra aplicando una brevísima pausa entre ellas.

Desplante: Gesto natural del baile flamenco. Consiste en una serie de golpes dados con el pie contra el suelo del tablao, al tiempo que se eleva el pecho y el rostro con gesto altanero. Va acompañado por un juego de las manos del bailaor o bailaora, que forman una figura armoniosa y estética, relacionada con la melodía, mientras las notas de la guitarra se van sucediendo en delicados rasgueos, cada vez más suaves. Se suele utilizar como remate final de otros pasos coreográficos previos.

Détacché: En francés (note détachée=nota picada). Es una de las variantes del golpe de arco. La técnica es aplicable al violín y otros instrumentos de su familia, como el violonchelo, la viola de gamba o el contrabajo. Consiste en un golpe suave del arco sobre las cuerdas. El sonido que se produce es breve y concreto, de acuerdo con la nota emitida. Se emplea en la ejecución de la música descriptiva. Tiene el mismo significado que el término spiccato.

Deza: Idiófono africano, compuesto por una caja resonante de madera y un número variable de lengüetas de bambú. Forma parte del conjunto de instrumentos primitivos con afinación indeterminada. Es similar al koné, de Alto Volta; la ambira, de Mozambique; la kongoma, de Sierra Leona y la marímbula tradicional en Cuba y otras islas del Caribe. Diabolus in musica: Expresión musical corriente en la Edad Media. Significa melodía diabólica. Se usaba para nombrar al intervalo de tritono, figura formada por tres tonos enteros sucesivos o consecutivos (Ej. fa-si becuadro) cuya ejecución se consideraba muy difícil de realizar. Aparece escrito también diavolo in música. Esta última es una forma musical italiana.

Diacústica: Doble efecto acústico. Tecnología aplicada al estudio de la refracción de los sonidos. Su conocimiento y experiencia práctica, se emplea particularmente en el diseño arquitectónico de salas y teatros dedicados al arte lírico. Es un término compuesto, donde el elemento prefijal di integra el vocablo acústica con sentido de duplicación.

Diafonía: Nombre que recibía antiguamente el contrapunto de nota contra nota. Este vocablo -que equivale a discantus aparece en el siglo IX con el desarrollo de la polifonía. Es la forma básica o elemental del organum, voz que refiere un contrapunto más elaborado y de carácter bien rítmico. El uso de la palabra griega diafonía, como sinónimo de discantus, se extiende en algunos países hasta el siglo XIX. Puede aparecer también con el antiguo sinónimo de disonancia, aunque en la actualidad esta acepción es cuestionable.

Diálogo instrumental: Relación de sonoridades entre instrumentos de tesitura concordante y armónica. En la función de la orquesta sinfónica, el diálogo tiene un importante efecto descriptivo, que permite expresar ideas y sentimientos. Uno de los ejemplos musicales más bellos de diálogo solista-tutti se escucha en la conocida “Rapsodia portuguesa, obra escrita en 1940 por el compositor español Ernesto Halffter (1905-1989). Esta pieza– revisada y corregida por el mismo autor en 1951- está basada en una delicada combinación politonal, cuyas formas constituyen un auténtico mosaico de la música tradicional ibérica, que recuerda a las creaciones de Manuel de Falla.

Diálogo mixto: Pasaje musical basado en la alternancia se puede producir entre uno o varios cantantes y un grupo de instrumentos de la misma cuerda, entre un solista y el coro, etc. Es un término poco usual en la actualidad. alternancia vocal e instrumental. Esa

Diana: Toque clarinero que se ejecuta al amanecer para despertar a la tropa. Durante la Edad Media se usaba para cumplir este menester el añafil, o la trombetta afinada en si bemol. En este sentido específico, la palabra diana, proviene del latín vulgar (dianoea=ruido o sonido de día). Era un término de uso corriente en las legiones romanas durante la conquista de las Galias. En el siglo XVII se empezó a utilizar en España, posiblemente procedente del ejército francés. Hasta entonces este toque de llamada, con su melodía característica, se denominó alborada o alboreada, como parece en los reglamentos militares españoles de la época.

Diapasón: Término de origen griego (diá=a través y pason=todas las notas). En música tiene diversas acepciones. Básicamente, define el conjunto de notas que comprenden la extensión total de una voz o instrumento.

Diapasón (cuerda coral): Término específico del canto llano o gregoriano. Se emplea para señalar las notas que sirven para establecer la tonalidad de una composición. Los sonidos adoptados como diapasón o cuerda coral, para servir como base de comparación, suelen ser la nota sol del órgano y la nota la de la voz tenoril.
Diapasón (cordófonos): Pieza de madera que va afirmada al mástil de diversos instrumentos musicales, como el violín, la viola o el violonchelo. Esta prolongación, que se extiende desde el clavijero hasta la proximidad del puente del instrumento, permite presionar las cuerdas con los dedos para modificar el tono de las notas.

Diapasón (norma de ejecución): En la interpretación vocal, se dice comúnmente "subir o bajar el diapasón" para indicar la necesidad de elevar o reducir el volumen de la voz. La entonación estándar del diapasón, 435 vibraciones por segundo, fue fijada a mediados del siglo XIX por la Academia de Ciencias de París. En 1939 se acordó la regulación definitiva de su altura en 440 vibraciones por segundo. La entonación no es igual en todos los países y puede variar algo de acuerdo con cada instrumento.

Diapasón manual: Aparato metálico utilizado en los estudios musicales como guía para regular la correcta emisión de la voz y la frecuencia en el sonido de los instrumentos. Da una nota la de 870 vibraciones por segundo. En acústica es una barra metálica con mango, en forma de "U", que al golpearla vibra en un tono determinado. Desde antiguo lo empleaban los afinadores de instrumentos cuerdas con el objeto de determinar la tensión exacta que permita obtener el sonido deseado.

Diapente: Primera parte de la escala, que va desde el primero hasta el cuarto grado. Es un término griego que equivale a dominante. Era el nombre que daban los antiguos músicos helenos a lo que en la actualidad se conoce con el nombre de intervalo de quinta. Aún persiste en algunos monasterios de la península de Agion Óros (Monte Athos) donde se practica el canto religioso al estilo tradicional.

Diastematía: Método de anotación musical mediante el cual se pueden escribir con bastante aproximación los intervalos de una composición musical. Existen dos posibilidades de hacerlo, la primera y más sencilla es anotando la altura de los sonidos por medio de letras convencionales o signos acordados de antemano y que son conocidos tanto por el compositor como por los ejecutantes. La otra manera consiste en escribir los distintos sonidos en un pautado simple. Si la melodía no se consigna de esta manera puede considerarse como una obra abierta a la interpretación libre o subjetiva del intérprete condición que en italiano se denomina campo aperto. La diastematía, del griego "diastema" (intervalo), fue inventada en el siglo X por los músicos franceses de la región de Aquitania, que la empleaban de manera rudimentaria en la anotación neumática. En el siglo XI la técnica diastemática fue perfeccionada por el monje Guido d'Arezzo, con la utilización de papeles y pergaminos pautados de cuatro y tres líneas. Aunque en aquella época todavía resultaba dificultoso distinguir los tonos de los semitonos, y la utilidad de las llaves u otros símbolos aún no había sido descubierta, la diastematía fue un paso importantísimo para rellenar con información precisa el espacio de la notación musical.

Diatesarón: Segunda parte de la escala, que va desde el quinto al octavo grado. Es un vocablo musical antiguo, derivado del griego (dia=a través/tessaron=de cuatro). Su significado textual se refiere al intervalo de cuarta.

Diatónica: Voz derivada del griego diatonikós=por tonos). En la teoría musical es la clasificación sistemática de los diferentes tonos, cuando la octava aparece dividida en una secuencia de cinco tonos enteros, más dos semitonos. La escala resultante -también llamada serie tonal configura la base del sistema armónico actual en Europa y América. No ocurre lo mismo con la música oriental o tribal africana (música étnica) que se rigen por otros principios básicos de la composición, no por ello menos elaborados o perfectos, pero sí distintos del sistema al que acostumbrados en la culturas occidentales. La ópera contemporánea, inspiradas en motivos exóticos, suele apelar a este recurso para lograr el clima necesario en la descripción de las escenas. Por ejemplo, el músico norteamericano George Gershwin (1897-1936) eligió como fuente de inspiración para su ópera "Porgy and Bess" distintos aspectos melódicos que proceden de las raíces del folclore afro americano.

Diatónico-cromático:

Configuración musical cuya fórmula presenta un estado intermedio entre las maneras diatónica y cromática.

Diatónico-cromático-enarmónico: El sistema musical moderno está compuesto por estas tres formas. La manera más práctica y descriptiva para describir el género mixto que contiene las tres formas es la denominación triple y conjunta.

Diatonismo: Forma de composición musical que sigue sin alteraciones la escala natural. Con respecto a la explicación del término anterior, este vocablo se refiere especialmente al estilo de composición que respeta el carácter propio de la melodía. Ya los antiguos griegos habían establecido la diferencia entre las formas diatónica y cromática. El modo diatónico, formado por tonos y semitonos estaba configurado de la misma manera como están ordenadas las teclas blancas del piano.

Di ballo:

Indicación de movimiento apropiada para las escenas de

ballet

. Tiene carácter complementario.

Tempo di ballo

significa: "con aire de danza".

Di cappella: Es una indicación complementaria como la anterior. Señala un aire recatado y solemne, adecuado para ciertas escenas de ópera, impregnadas de hondo sentimiento y también para configurar el ritmo especial que debe tener la música religiosa.

Dicción: En el canto de ópera, se denomina así a la forma correcta de pronunciar las palabras escritas en el libreto. La buena dicción debe adaptar la modulación de las sílabas al fraseo musical, sin desvirtuar su correcta pronunciación en el idioma original de la obra

Didgeridoo: Aerófono tradicional de los aborígenes australianos. Es una variedad de trompeta que se fabrica con un largo tubo de madera de eucalipto, ahuecado por las termitas en un curioso proceso que puede durar años, y cuya música se basa en el lenguaje aplicado al sentido espiritual de los sonidos. Didgeridoo es una transcripción en la fonética inglesa del nombre autóctono del instrumento. También puede aparecer escrita la forma didscheridus.

Diesis: Palabra derivada del griego (diesis=medio tono). Es la nota que supera en medio tono a su sonido natural. Se acompaña con el símbolo de sostenido. Entre los antiguos griegos, era el nombre que recibía cada uno de los tres tonos que se intercalaban en el intervalo de un tono mayor

Diferencia: Es la variación armónica, rítmica o melódica que se realiza en un pasaje musical, con los mismos compases y con el mismo instrumento, es decir, sin alterar lo esencial de la melodía.

Digitación: Del latín (digitus/digito instrumentum) Ejercicio o movimiento realizado con los dedos al ejecutar un determinado instrumento musical, con el objeto de formar una melodía, combinando, encadenando o modificando la altura de las notas emitidas. Las indicaciones de digitación son más complejas en el piano, instrumento que permite obtener una misma nota de diferentes formas. Los instrumentos de viento requieren menos indicaciones de este tipo, dado que sus posibilidades de variación resultan más limitadas. En las partituras para estudio, dedicadas al alumnado de institutos y conservatorios se acostumbra agregar una gran cantidad de indicaciones de digitación que no existen en las partituras normales. Se entiende en estos casos que los profesionales conocen perfectamente las técnicas de digitación, tornando innecesarias tales acotaciones.

Dilatación rítmica: A la inversa de lo que ocurre en la contracción rítmica, este caso se produce cuando el ritmo de una serie de notas aumenta sus valores, razón por la que un compás alcanza el tiempo de dos.

Diludium:

Término de origen latino (

diludia

=descanso). Nombre antiguo del

intermedio

entre dos partes de un concierto.

Diluendo: Apagando lentamente el sonido producido por un instrumento musical. Las notas pierden intensidad, se tornan mate y la sensación auditiva es como que la melodía se va diluyendo. Por lo general, su aplicación es adecuada en la parte final de una composición.

Dilli-Tjujdjuk: Clarinete rústico de Turkmenistán⁴⁵, Fabricado con tubo de caña. Existen variantes con tres y cuatro orificios de digitación. Por su perfil estilizado, la forma de la embocadura y el timbre dulce se parece bastante al yasti-baraban, otro aerófono popular de la región de Daguestán. Ambos instrumentos pertenecen a la misma familia de aerófonos tradicionales, divulgados especialmente en el ámbito rural, a través de melodías conocidas desde hace siglos en distintos territorios de Asia Central.

Dinámica: Palabra origen griego (dynamis=fuerza, potencia). Se refiere al método o sistema de ejecución de una composición musical que regula su intensidad sonora. La dinámica está comprendida dentro del apartado de la teoría musical que analiza la variación de intensidad de los sonidos. Sus propiedades forman parte de la energía que se desprende de la misma melodía. Se trata de la esencia fundamental de los sonidos combinados, y la influencia que estos ejercen sobre el sentido de la audición. Su carácter y condición están dados por la propia composición. Algunos de los efectos derivados del tratamiento dinámico de la música, pueden ser tan singulares como la aplicación de los crescendi hasta su punto máximo. Un buen finale, brillante y con gran despliegue orquestal, la reiteración de un pasaje con efecto de eco, el fraseo delimitado por adornos sonoros realizados en el piano, la repentina disminución de la intensidad cromática o la intensificación progresiva de algunos compases, pueden contener los efectos dinámicos que dan carácter a una obra. El conocido "Concierto de Varsovia", del compositor inglés Richard Addinsell (1904-1977), contiene ejemplos perfectos y bien descriptivos de la aplicación de las formas dinámicas en la coordinación total de un gran concierto. El tratamiento de la intensidad sonora en la interpretación de una composición, la sucesión de intensidades, los contrastes sonoros y el estado de ánimo, que sugieren los diferentes tiempos, es lo que induce a la comprensión del lenguaje musical. En el siglo XVII, el apogeo del estilo representativo permitió la comprensión y el desarrollo de la dinámica, olvidada o soslayada, desde el siglo XI, con la polifonía medieval. Fueron los grandes sinfonistas alemanes y los violinistas italianos del siglo XVIII, quienes comprendieron la importancia de la dinámica, aplicándola a sus propias composiciones y llevándolas a la práctica a través de ejecuciones virtuosas. La aplicación de las posibilidades dinámicas en la composición musical adquiere su grado máximo de originalidad y variedad con el serialismo. Se entiende, a través de esta corriente musical, que todas las formas dinámicas son seriables, y por lo tanto, tienen cabida en el ámbito de la música contemporánea.

⁴⁵ República asiática, situada al norte de Irán, sobre el mar Caspio. Su ciudad más importante es Ashgabad. También llamada Turkmenia, es heredera de una de las tradiciones musicales más ricas y antiguas de la región.

Di marcia:

Acotación complementaria de

tempo

que señala un movimiento de marcha. Indicada para la música militar.

Diminuendo : Voz italiana. Se emplea para indicar la disminución progresiva en la intensidad de los sonidos de una melodía. Con el mismo sentido, también se suele escribir diluendo y pianissimo. El símbolo de esta indicación son dos líneas breves formando ángulo obtuso con el vértice hacia la derecha.

Di minueto:

Indicación de movimiento. El

tempo

debe ser equivalente al de las melodías que guían los pasos de minué.

Di polacca:

Sugiere un

tempo

melódico inspirado en el espíritu marcial de la

polonesa

.

Director de orquesta: Músico con gran experiencia como autor y compositor, dotado de un gran sentido melódico y conocimiento de su oficio. Ese dominio no se limita sólo a la música que debe interpretar, sino también a las características técnicas de cada instrumento y las posibilidades de concierto de todos los integrantes que componen la configuración orquestal. El director es un artista consumado, cuyo sentido eufónico sabe guiar el conjunto de las diferentes partes de su orquesta, unificándolas y combinándolas con el mejor resultado interpretativo. Una de sus principales funciones es mantener el equilibrio y la relación entre el volumen y el tono de todos los instrumentos del grupo, para que cada uno de ellos tenga la oportunidad de actuar en un medio armónico.

Dis:

Denominación alemana que recibe el sonido de la nota

re sostenido

. Equivale a

D sharp

en inglés y

ré dièse

en francés.

Discantado

: En el Perú se llama así a una forma tradicional de glosa o recitado que suele acompañar algunas composiciones musicales de carácter religioso.

Discantar:

Cantar en contrapunto o glosar una composición musical.

Discante (concierto):

Se dice especialmente de los ejecutados por instrumentos de cuerdas.

Discante (cordófono): Instrumento de cuerdas antiguo con la tonalidad aguda. Es una variedad de tiple o guitarrilla, llamada también vihuela en algunos países hispanoamericanos.

Discantum: Conjunción latina (dis=opuesto o separado y cantus=canto). Es decir, canto doble o diferenciado entre la primera y segunda voz. Estilo vocal en forma de contrapunto. Fue muy popular en el siglo XII. La figura cantoral del contratenor surgió con la práctica del discanto, en oposición a la voz más importante del entonces llamado canto llano (voz de tenor), cuya etimología significa literalmente "el que sostiene". La voz del tenor sostenía la secuencia melódica y el contratenor replicaba con una segunda melodía, en un contrapunto sencillo de nota contra nota. El empleo simultáneo de esas dos melodías -con el tiempo fueron aumentando de número- hizo necesaria la correcta notación y el consecuente desarrollo de una técnica cantoral cuyas bases permitieron el perfeccionamiento de la armonía. El discantum se adaptaba tanto a los cantares populares como a la música litúrgica. En los siglos posteriores hubo otras formas en las que intervenían tres, cuatro o más voces, cada una con su propia letra y melodía. También se llama así a un breve concierto o serenata en el que intervienen instrumentos de cuerdas. Aparece en algunas óperas como elemento escénico. Una tercera acepción, cuyo sentido es figurado, señala al término como sinónimo de comentario, exposición o glosa paralela o simultánea al canto principal. En algunos tratados en castellano puede aparecer la forma castellanizada "discanto". También se suele utilizar con el mismo significado la palabra derivada del griego "diafonía".

Discordancia: Se dice que hay discordancia en una obra musical cuando su línea melódica contiene sonidos abigarrados e incompatibles entre sí. Técnicamente se trata de una o varias notas musicales carentes de consonancia.

Discorde:

Nota fuera de tono. Es un sonido no eufónico, poco agradable al oído y que no combina armoniosamente con los demás.

Dis Dur:

Nota

re sostenido mayor

en la terminología alemana.

Disis: Nombre que recibe la nota re doble sostenido en la terminología musical de Alemania y otros países que utilizan dicha nomenclatura. Equivale a D double sharp en inglés y ré double dièse en francés.

Disjunto:

Cada uno de los grados de la escala que no son consecutivos entre sí.

Disminución: Procedimiento musical que aparece con la fuga y el canon. Se trata de la disminución proporcional a la mitad de los valores de duración de una composición. Es lo opuesto de aumentación. También equivale al sentido del término italiano diminuendo=disminuyendo (dim), utilizado con la misma función.

Disminución de intensidad: En la composición musical moderna existen otros términos puntuales, que sirven para indicar la disminución de la intensidad, o los valores de celeridad: Entre ellos cabe citar los siguientes vocablos italianos, con sus respectivas abreviaturas: smorzando=languideciendo gradualmente la intensidad del sonido (smz); stinguendo=extinguiendo los ecos en forma paulatina (stg); morendo=ir muriendo lentamente o desapareciendo el volumen (mrd), etc.

Disminuido:

Se dice así cuando a un acorde se le rebaja un

semitono

.

Dis Moll:

Nota

re sostenido menor

en la terminología alemana.

Disonancia: En la Música, -como ocurre con la poesía- la disonancia es una característica diferente de la consonancia sin que por ello sea necesariamente lo opuesto. En la rima se puede dar el efecto disonante como una particularidad estilística. El término, que proviene de latín (dissonantia=dos sonidos) se refiere a la falta de consonancia en la secuencia de dos o más sonidos simultáneos. En el efecto disonante se pueden apreciar diferentes intensidades o grados. Es importante consignar que la cuestión del oído para las disonancias es algo absolutamente subjetivo, dado que el cerebro puede acostumbrarse con facilidad a ciertos sonidos que al principio puedan parecerle extraños o distintos. Esto es algo que ocurre con la llamada música étnica, cuya raíz folclórica proviene de culturas y lugares distantes en el espacio o el tiempo. Una composición musical que fuera consonante desde el principio hasta el fin sería más parecida a un monótono ejercicio para la práctica de la armonía que a una obra creativa, plena de modulaciones originales y cromatismos descriptivos. Es por esa razón que la disonancia, cuando es aplicada en su justa medida y armoniosamente, puede tener una directa relación con el estilo personal de un autor.

Disposición escénica: Vocablo compuesto, procedente del italiano "disposizione scenica". Equivale a la coreografía. Es un término poco utilizado en la actualidad, aunque aún puede leerse en los antiguos libretos de óperas italianas. En el siglo XIX existía una especie de manual, llamado libro de escena que contenía todas las indicaciones relativas a la presentación de los distintos actos sobre el escenario.

Dístico: Del griego (distichos=dos hileras o versos). Se emplea en armonía para determinar dos partes simétricas de una frase musical. En la "Oda a la alegría" de la "Sinfonía Nº 9 en re menor Op. 125 Coral", de Ludwig van Beethoven, los dos primeros periodos configuran un díptico.

Distorsión: Alteración involuntaria en la perfección sonora de una melodía, debida a un defecto del instrumento musical o algún otro medio que la produce. En la llamada música de vanguardia, estas alteraciones en el timbre, la intensidad o frecuencia suelen darse de manera intencional, con el objeto de buscar nuevas experiencias en la producción del sonido.

Ditirambo: Estilo de canto griego clásico del cual derivan las formas que, con el paso del tiempo y tras una larga evolución, dieron vida a los elementos que componen la ópera como espectáculo lírico. Los versos libres del ditirambo no están sujetos a otro sistema que no sea el acento eufónico. La letra tiene que seguir las evoluciones de la melodía, y a su vez las notas musicales deben formar parte respetuosa del sonido silábico. Las premisas que guían esta compenetración profunda entre la música y el arte vocal, no son otras que las que propugnan las modernas corrientes belcantistas, desde la creación de la célebre Escuela Veneciana en el siglo XVI. Tradicionalmente se considera al músico y poeta griego Arión (siglo VII a.C.) como el creador del primitivo ditirambo. Esta forma de loa, era una composición musical dedicada a Dionisios, dios de la alegría y las cosechas, deidad equivalente al Baco de los romanos.

Diva: Voz poética de origen latino que significa "diosa". Se suele llamar así a las cantantes femeninas dotadas de una voz de excepcional coloratura. Se aplica preferentemente a las mujeres.

Di valsa:

Acotación complementaria de

tempo

. Sugiere que el movimiento melódico debe tener tiempo de vals, es decir, con el aire y los giros de la popular danza vienesa.

Divertimento:

Vocablo de origen itálico que presenta varias acepciones relacionadas con el arte musical.

Divertimento (danza): Conjunto de danzas y cánticos que forman parte de la coreografía de una ópera. Las letras de las canciones y los motivos de las danzas pueden o no tener relación con la historia desarrollada a través del argumento. Sólo son rellenos recreativos que suelen utilizarse en algunos cuadros alegóricos, cuyos parlamentos resultan muy largos, o también para enfatizar un final de acto. Los aficionados a la ópera francesa lo llaman divertissement. Está relacionado con la comédie-ballet y la tragédie lyrique del barroco francés.

Divertimento (intermedio de la fuga): Es un fragmento musical que se puede intercalar en el orden tradicional de la fuga. También sirve para señalar un intermedio de creación libre. En cierto modo, el divertimento de la fuga sirve para anunciar las características de la misma y determinar la relación argumental entre las distintas partes o episodios.

Divertimento (forma libre): Esta tercera acepción se refiere a una composición instrumental parecida a la suite, o también a una obra breve, desarrollada en un acto. El célebre compositor francés Jean-Baptiste Lully (1632-1687) fue el gran creador y divulgador del divertimento en la corte de Luis XIV. El estilo de este subgénero musical está inspirado en el libre juego de sonidos y movimientos entre el coro y el ballet. Durante la segunda mitad del siglo XVIII y parte del XIX su forma libre solía representarse como un anexo entre los actos de la ópera, aunque el motivo melódico podía ser totalmente independiente de ésta.

Divertimento (serenata): Voz coincidente con el concepto musical de la serenata clásica. Es presumible que su origen sea un derivado del estilo rítmico y alegre de los famosos divertimienti de Wolfgang Amadeus Mozart: Ejemplo: “Pequeña serenata nocturna” Op. 13 en sol mayor K 525.

Divertissement: En francés. Su significado es igual que divertimento en italiano. También suele emplearse -con la misma acepciónintercalado con los textos redactados en castellano.

Divette:

En Francia, se llama de esa manera a las cantantes ligeras. En especial a las que se especializan en temas de opereta.

División (canto llano o gregoriano): En las partituras de este estilo vocal se llama así a las barras utilizadas para señalar el fraseo y las partes dedicadas a la respiración. La medida de las barras determina el tiempo que debe durar cada inspiración, siendo mayor o menor, de acuerdo con la extensión de la frase a interpretar.

División (orquestación): Procedimiento que permite diversificar la función de los instrumentos de un grupo determinado, abriendo el espectro de sonoridades como si se tratara de un abanico. En la ejecución orquestal, indica la división de un acorde entre varios intérpretes de cuerdas, en sustitución del sistema de dobles cuerdas. Se trata de una forma de división clásica en la organización de los instrumentos de la orquesta sinfónica. Su práctica se aplica particularmente con la línea de las cuerdas (violines, violas, violonchelos). Tanto el compositor, como el director de la orquesta pueden dividir los atriles a partir de un eje melódico central pleno de sonoridades, logrando así un efecto múltiple, pero absolutamente homogéneo. En las partituras suele emplearse la abreviatura "div".

Divo: Denominación poética, que se refiere a un cantante de ópera masculino de calidad excepcional. Entre otros, no menos importantes, fueron considerados divos los grandes maestros del bel canto universal: Beniamino Gigli, Jussi Bjorling, Tito Schippa, Roberto Paternostro, Richard Tauber, Enrico Caruso, etc. En la actualidad, el término divo, dado a los intérpretes masculinos, es raro aunque no inusual.
Dixieland: Estilo musical sincopado, derivado directo del jazz, que surgió alrededor de 1920 en el sur de los Estados Unidos, especialmente en la ciudad de New Orleans y su zona de influencia. Pronto tuvo una gran repercusión entre la colectividad negra de aquel país.

Djalghi: Orquesta popular de Iraq, dedicada a la ejecución de melodías tradicionales de aquel país. Entre los instrumentos propios de este tipo de expresión musical se encuentra el tambor doumbak, cuyo sonido es la base rítmica de la mayoría de dichas interpretaciones,

Djarka: Modo tradicional de la música árabe culta. Tiene un carácter severo y su estilo demuestra un fondo esencial de inspiración religiosa. Es uno de los cuatro modos musicales básicos en la vertiente norteafricana de la antigua música étnica, denominada andalusí, que nutre sus profundas raíces históricas y culturales con el recuerdo del dominio islámico en la península ibérica. Las tres formas restantes son el mezmoun de estilo sentimental; el impetuoso edzeil y finalmente el ârap, de tono grave y majestuoso.

Djembé: Tambor tradicional africano, de madera maciza y ahuecada. La caja observa una forma cónica. Para percutirlo se utilizan ambas manos. La membrana, de piel de cabra, se tensa mediante un complejo entramado de cuerdas. El pequeño tambor djembé -también llamado tam tam- posee un sonido dulce y suave que contrasta con el ritmo prominente del cordófono cora y el balafón de calabazas. Existen en diferentes tamaños, desde los grandes, con un diámetro de unos 40 cm, hasta los de menor tamaño (llamados sankhal) que sólo miden 16 cm. Cada medida posee una tesitura distinta.

Do: Primera nota de la escala diatónica. Corresponde a la nota "C" en la nomenclatura germánica y anglosajona. Sustituyó al antiguo "ut" de la escala de Guido d'Arezzo. La implantación definitiva de su uso se produjo en el siglo XVII.

Do bemol:

Nota

la

que desciende un semitono cromático. Símbolo:

b

. Equivale a

ut bémol

en la terminología musical francesa,

C flat

en la manera inglesa y

Ces

en la alemana.

Doblaje orquestal: Procedimiento de orquestación. Tiene lugar durante la asociación de un par de instrumentos que integran una sonoridad mixta, aunque posean diferentes timbres. Cuando en la actuación de una orquesta, dos o más instrumentos emiten las mismas notas al unísono, se dice que existe doblaje. Este fenómeno de conjunto modifica la textura orquestal y el timbre individual, aumentando considerablemente la masa sonora. Un ejemplo clásico de la técnica del doblaje se puede oír en la "Sinfonía fantástica" (Episodio de la vida de un artista), del compositor francés Héctor Berlioz (1803-1869), donde el juego de sonidos paralelos entre la flauta y los violines provoca un marcado contraste. Es un recurso descriptivo que se basa esencialmente en la combinación de efectos sonoros, casi siempre producidos por instrumentos del grupo de las maderas y los metales. También Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), recurre a este efecto en la parte inicial de una de sus más celebradas piezas orquestales, la "Sinfonía Nº 40 en sol menor" K 550.

Doble apoyatura:

Es la

apoyatura

de dos notas de distintos

intervalos

.

Doble barra de compás: Signo formado por dos líneas divisorias verticales, que se escriben en el pentagrama y sirven para indicar la repetición integral de un pasaje o fragmento musical.
Doble bemol: Es una alteración doble. La entonación de esta nota se encuentra dos semitonos más abajo que su sonido natural. El símbolo que la representa se compone de dos bemoles juntos (bb). Al repetir la alteración, el doble bemol equivale a un descenso en la escala de dos semitonos cromáticos.

Doble cadencia: Grupo ornamental de tres o cuatro notas cantadas antes o después de la nota principal. También se le llama gruppetto (pequeño grupo de notas). El adorno musical consiste en la emisión de dichas notas seguidas, desde las graves hasta las agudas. La forma de entonar la doble cadencia depende de lo que señale el compositor. En la ópera inglesa se conoce como turn.

Doble cadencia con mordente:

Es como la doble cadencia, pero con más carácter. Los compases deben interpretarse con vigor y resolución.

Doble concierto: Del italiano (doppio concerto). Variedad escrita especialmente para dos instrumentos solistas, a veces con acompañamiento orquestal. La composición instrumental "Lindaraja", del músico francés Claude-Achille Debussy (1862-1918), es una obra escrita para dos pianos. En el concepto estricto de la música de cámara, la "Polonesa brillante en do mayor" Op. 3 de Frédéric Chopin (1810-1849), fue pensada para combinar las sonoridades del piano y el violonchelo. Dentro de ese mismo estilo está el "Caprice Héroïque" para dos pianos, Op. 106, de Camille Saint-Saëns (1835-1921).

Doble coro: Forma compuesta de la polifonía vocal. Se refiere a la duplicación del número de cantantes, separados en dos grupos complementarios y equivalentes en cuanto a tesitura, armonía, volumen de las voces, etc. Su aplicación sobre la escena, permite mejorar notablemente el efecto estereofónico, aumentando asimismo la masa sonora. El efecto buscado se puede lograr con mayor perfección en los teatros o auditorios, cuyo diseño arquitectónico permite aprovechar al máximo las condiciones acústicas de la sala.

Doble cuerda: Se escribe siempre en plural. Es cuando dos instrumentos de cuerdas (violines, violas, etc.) ejecutan una melodía a dúo. También se dice a due corde. En la música germana se conoce con la denominación "verschiebung". Si ambos instrumentos ejecutan el mismo acorde, se entiende que es al unísono. Si el acorde se divide entre ambos instrumentos, se dice divisi.

Doble larga: Nombre que se daba a la nota máxima en la forma de escritura proporcional utilizada a finales de la Edad Media (siglos XIV y XV). Tenía un valor equivalente a dos o tres notas longas.

Doble sostenido: Alteración que eleva cualquier nota del pentagrama en dos semitonos. En las notas que ya están sostenidas por la armadura de tonalidad se eleva solo un semitono. Cuando el signo de esta alteración (x) está escrito delante de la nota, significa que su efecto se mantiene en toda la extensión del compás.

Doble tresillo: Conjunto de seis figuras musicales (en lugar de tres) aunque su equivalencia dentro del compás también coincide con la de un tresillo. El tresillo–como su nombre lo indica- está formado por tres figuras, con un valor irregular, equivalente a sólo dos figuras del mismo tipo.

Doble trino:

Es una serie de

trinos

encadenados que se ejecutan a la distancia de una

tercera

o una

sexta

.

Dodecafonismo: Sistema de composición musical que emplea los doce sonidos de la escala, pero sin atenerse a la jerarquía de los grados. Se trata de una corriente contemporánea, partidaria del método basado en los principios ideados por el compositor austríaco Arnold Schönberg (1874-1951). En la actualidad cuenta con numerosos seguidores. (Ver Música dodecafónica).

Do doble bemol: Se llama así cuando la nota do desciende dos semitonos cromáticos. Símbolo: bb. Equivale a ut double bémol en la terminología musical francesa, C double flat en la manera inglesa y Ceses en la alemana.

Do doble sostenido: Nota do que se eleva en dos semitonos. El símbolo del doble sostenido (##) corresponde a un tono completo. En la terminología musical francesa, se escribe ut double dièse. La manera inglesa tiene el equivalente C double sharp. En la forma germana se utiliza el vocablo Cisis.

Dolce: En italiano (suave). Término que se emplea para señalar un pasaje escrito en tiempo regularmente lento, con tonos moderados y ritmo apacible. Es una indicación de matiz que representa el estado de la serenidad y alegría. Muchos autores franceses e italianos emplearon esta calidad musical, especialmente en la música de inspiración pastoral.

Dolcezza:

Ejecución de una melodía con dulzura. Pertenece a la serie de indicaciones del periodo del romanticismo. Se emplea en las escenas de amor de la ópera.

Dolente: En italiano (doliente). Indicación de ejecución musical que en el drama lírico se relaciona con la gestualidad del cantante en la escena. Sugiere un ambiente de tristeza y dolor. La representación de ese estado de ánimo sobre las tablas requiere al cantante una serie de gestos corporales y faciales acordes con la música y la letra. Equivale al término lamentevole, del mismo origen y función descriptiva.

Dolentissimo:

Superlativo de dolente. Se emplea en el

drama lírico

para indicar un grado extremo de dolor.

Dominante: Sonido musical correspondiente al grado quinto de la escala diatónica. Su función es complementaria del sonido fundamental de la nota tónica. Las notas esenciales de la armonía son la tónica, cuya existencia indica reposo o asentamiento; la dominante, que señala una función dinámica respecto a la tónica y la subdominante, opuesta a la anterior, porque tiene una función de equilibrio en el contexto melódico. La dominante también se puede indicar con una cifra romana (V).

Dômra: Especie de laúd antiguo que pertenece a la cultura de los quirguices, un pueblo de origen tártaro que habitaba desde los Urales hasta la vertiente norte del complejo montañoso de Pamir (Tadzhikistán, Kirghizia). Por referencias de viajeros y documentos de la época, se sabe que el laúd domra es anterior al siglo XVI. También se conoce la existencia de instrumentos de este tipo que se fabricaban en distintos tamaños y se afinaban en varias tesituras. En algunos tratados del siglo XIX aparece citado con el nombre de laúd kirghis. Posee un mástil o mango relativamente largo, con clavijero inclinado y cuerdas de metal que se tañen con la ayuda de un plectro.

Dórica: Instrumento de viento de los antiguos griegos. Era una variedad de flauta de caña con el tono suave y bajo, originaria de los pueblos de la Dóride. Estaba dedicada a la ejecución de melodías compuestas en el modo dórico, el más grave de los que durante la Edad Media se llamaron modos auténticos.

Dórico (eclesiástico): Modo principal del canto llano o gregoriano. También llamado “protus, se caracteriza por la serenidad de la entonación. En la Edad media se consideraba una de las formas más puras de elevar las plegarias cantadas a Dios. El modo dórico eclesiástico responde a una escala de notas naturales que se extiende desde re hasta re. Sus tetracordios superior e inferior guardan una relación simétrica (tono-semitono-tono) desde la nota la hasta la nota re y lo mismo desde la nota re hasta la nota sol.

Dórico (griego antiguo): Modo utilizado por los dorios de tono grave y acento dulce. Era lo opuesto a modo frigio, de movimiento vivo y tono menos grave. El modo dórico griego, equivalente al modo de sexta, responde a una escala diatónica cuya serie de sonidos va desde mi hasta mi (mi-fa-sol-la/si-do-re-mi). Los dorios fueron un grupo de pueblos de la antigua Grecia –asentado al norte de Atenas- que dieron su nombre no sólo a un modo homónimo, sino también a una serie de siete gamas diatónicas, equiparables a los actuales modos mayor y menor.

Dorje: Es un complemento sonoro en el ritual budista del Tibet. Presenta la forma de un pequeño cetro de bronce con dos cabezas, que suele cumplir la función de badajo de mano o tañedor de tibuh (campana litúrgica de los lamas). Su compleja simbología, rodeada de una profunda fe religiosa, puede estar relacionada con los sonidos atribuidos a elementos intangibles, como la fortaleza del alma, el reflejo del diamante o el estruendo del rayo.

Dosillo: Fórmula melódica poco usual, cuya relación es de dos por tres. Se trata de un conjunto de dos notas, ubicadas dentro de un compás ternario, cuyo valor equivale a tres notas de su misma figura.

Do sostenido: Nota do precedida del signo de alteración #, que asciende su valor en un semitono cromático. En la terminología musical francesa se escribe ut dièse. Equivalente de C sharp en la manera inglesa y Cis en la alemana.

Do-ting: Litófono o piedra sonora que cumple la función de campana en los monasterios del Tibet. Produce sonoridades muy nítidas y cristalinas. Es uno de los más antiguos instrumentos de percusión conocidos por la humanidad.

Doublé: Término francés que se emplea para indicar la existencia de un gruppetto dentro del compás. Es una forma de variación que utilizaba en las suites y arias durante los siglos XVII y XVIII.

Doublette:

Registro de órgano con sonido de corneta. Pertenece a la familia de los tubos principales. Se puede utilizar como juego de detalle o en los efectos plenos.

Doudka: Flauta dulce, de madera de arce, de unos 35 cm de largo, con seis orificios de digitación, típica del folclore musical eslavo. En el pasado se hacían de hueso y sólo tenían cuatro orificios. En excavaciones arqueológicas realizadas en la zona de Riazán (Rusia central) se encontró una flauta de este tipo, cuya datación estratigráfica le adjudica unos 4.000 años de antigüedad. Los campesinos de Crimea también solían fabricarla con arcilla, remedando las antiguas flautas de cerámica de los aedos bizantinos. En la actualidad se conocen diversos ejemplares de doudka hechos de madera, de abedul o enebro. Existen dos clases de doudka cuya diferencia reside en la forma del pico. En 1920 se establecieron sus características definitivas de acuerdo con las mejoras realizadas por el músico ruso G. Lioubimov (1882-1934).

Doumbak: Instrumento de percusión originario de Turquía. Pertenece a la misma familia de los tambores cubilete llamados zarb. Difundidos con diferentes nombres en países de Cercano Oriente y el norte de África, estos instrumentos de una sola membrana y se percuten con ambas manos.

Drama:

Del griego (

drao

=obrar). Género mixto entre la comedia y la tragedia, en ciertos casos con fondo melódico.

Drama escolástico: Combinación típica de drama y música, precursor de la ópera barroca italiana, la representación dramática del argumento escolástico estaba configurada esencialmente por una sucesión coros y canciones.

Drama jocoso: Término utilizado por varios autores de óperas desde el siglo XVIII. Se emplea para designar un tipo de obra cuyo tema argumental oscila entre lo cómico y lo dramático. En algunos casos, su estilo aparece consignado bajo la denominación técnica de ópera semi-seria. Su característica se basa esencialmente en el fondo musical divertido y mordaz, aunque también suele recurrir a los efectos escénicos, como los juegos de palabras y las onomatopeyas que remedan el fondo melódico, o en su caso el leit motiv de la obra. Existen diferentes ejemplos de óperas tradicionales en los que concurren estas condiciones. Ejemplos: "Il dissoluto punito, ossia Il Don Giovanni" (Don Juan), drama jocoso en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart, estrenada en el Teatro Nacional de Praga, en 1787. En la forma típicamente italiana (dramma giocosso) desempeña un papel preponderante la parte descriptiva de los efectos escénicos.

Drama lírico: No debe confundirse con el dramatismo de un libreto de ópera. Aunque esté relacionado en distintos aspectos, como los elementos escenográficos y el simbolismo de la coreografía, este subgénero concede especial importancia al desarrollo de la música y su contenido. En esta especialidad de la ópera los distintos movimientos melódicos deben lograr la expectativa conmovedora que requiere el argumento, en mayor medida aún que su propia letra. El drama lírico surge como un elemento desencadenante de la obra sinfónica, que se superpone al texto argumental. En muchos aspectos, las operas de Verdi y otros compositores de su escuela, son magníficas derivaciones musicales del género teatral. El drama lírico en un acto Eneas, ballet y coros, con música del célebre compositor francés Albert Roussell (1869-1937), muestra el formidable efecto sonoro de la melodía y el movimiento de la danza, girando con una perfecta combinación en torno de las ideas que expresan las palabras. En la tercera parte del ballet, titulada Gli amori tragici (La danza de Didón), el coro canta una frase breve pero dotada de un alto contenido dramático: "Bisogna arder Cartagine...", en la que todas las sílabas tiene el mismo valor. Es el momento más patético de la obra, en el que tanto la danza, como el canto, llegan al tempo molto più presto. El drama lírico llegó al más alto grado de profundidad psicológica con la ópera "Werther"" de Jules Massenet (1842-1912). Inspirada en la magnífica e inconfundible obra de Goethe, el argumento profundiza en el universo interior del personaje y expone el sufrimiento que embarga su alma, transformando la esencia sentimental de la leyenda en música celestial. Igual que "Manon", estrenada en 1884, con libreto de Gille y Meilhac, el drama lírico "Werther" aborda las diferentes escenas desde una óptica naturalista que se aproxima notablemente a la rudeza del verismo.
Drama litúrgico: Representación escénica de carácter sacro, basada en las interpolaciones y tropos litúrgicos de la Edad Media. Comenzó a representarse en Francia a fines del siglo X, en los pórticos de los templos, con asistencia e intervención activa del pueblo. Al principio, los dramas litúrgicos consistían en la recitación melódica de salmos y cantos dramatizados, que tenían lugar juntamente con la celebración de la misa. Los temas eran tomados de la celebración navideña, la pasión y resurrección de Jesucristo, la vida de los santos, etc. Durante los siglos XI y XII esta expresión musical y religiosa alcanzó cierta relevancia en otros países de Europa, principalmente en Italia. Por su característica esencial, la perfecta concordancia entre la música y el texto, es uno de los antecedentes más antiguos del dramma in musica del Renacimiento y a partir del siglo XVII, de las primeras óperas del barroco italiano.

Drama pastoril: Combinación músico-dramática similar a la comedia madrigalesca italiana. El estilo del drama pastoril es anterior al siglo XVII y forma parte del grupo de antecedentes de la ópera barroca-. Las historias de las primeras óperas italianas tienen su origen en los dramas pastoriles. El estilo conceptual de los argumentos mitológicos y la vertiente literaria sobre la que se apoya la creación de la primitiva ópera barroca, como un nuevo género independiente, parten de la esencialidad de obras clásicas de la antigüedad, como las de Virgilio y Teócrito. La influencia musical de los poetas y trovadores de la Edad Media sirve también como un elemento importante en la configuración de la poesía bucólica que, en la escena, sirve de enlace al drama pastoril. Un ejemplo clásico y descriptivo de esta variante es el drama lírico "Orfeo", del poeta toscano Angelo de Ambroginis, llamado "Policiano" (1454-1494). Nacido en Monte Pulciano, -de donde deriva su apodo- este gran humanista, que dedicó su vida a la carrera eclesiástica, fue uno de los propulsores en el Renacimiento del estilo denominado drama pastoril. Sus obras completas se publicaron por primera vez en Venecia, en 1498.

Drama musical: Por lo general, esta denominación se suele emplear como sinónimo de ópera. En este caso, se refieren a la ópera seria, que los críticos italianos denominan dramma in música, o también dramma per musica. Un ejemplo clásico de drama musical, dividido en un prólogo y dos actos es "Tiefland" (Tierra baja), del compositor inglés de origen galo Eugen d'Albert (1864-1932). Es de notar que el libreto de "Tiefland", de Rudolf Lothar, está basado en la pieza teatral "Terra Baixa", del poeta catalán Ángel Guimerà. Sin apartarse de algunas premisas escénicas propias del verismo, D'Albert halló una interesante fuente de inspiración en el estilo cantabile de la ópera italiana y en la intensidad musical y escénica de las obras de Richard Wagner (1813-1883). Específicamente, el subtítulo drama musical comprende el conjunto de óperas reformistas realizadas en Alemania, desde las creaciones de Wagner hasta las de sus numerosos émulos y discípulos europeos. Este sentido reformista se debió a la necesidad de reinstaurar en el contexto de la ópera el sentido nacionalista de las leyendas y la potencialidad de la música germana. El efecto sonoro tiene un papel preponderante en el desarrollo del drama musical. La ópera en dos actos "Fidelio", de Ludwuig van Beethoven (1770-1827), estrenada en Viena, en 1805, presenta el concepto argumental del libreto, pero su armadura musical se acerca más al concepto de la obra sinfónica. Un ejemplo de esta particularidad se advierte en el acto primero, cuando la vibrante melodía de las trompetas sugiere la fuerza de voluntad y determinación de la heroína Leonora, cuyo nombre sirve de título a tres oberturas del gran compositor alemán.

Drama sacro: Denominación que se daba antiguamente al oratorio. Era un término descriptivo referido a la forma teatral de la puesta en escena.
Dramatic opera: Drama musical de origen inglés. Su equivalencia en castellano es semiópera. Contiene melodías, diálogos y escenas cantadas, todo en medio de un gran despliegue escenográfico. En las versiones contemporáneas de este género se advierte la aplicación de técnicas cinematográficas, proyecciones, sonido digital, etc.

Dramma eroico-buffo : También conocida como dramma buffo, dramma giocosso u ópera bufa, es un género de origen italiano, relacionado con la célebre commedia dell arte. El estilo, jocoso y divertido, por momentos crítico o sarcástico con la propia sociedad a la que pertenece, floreció durante el siglo XVIII y sigue hasta la actualidad con un éxito variable.

Dramma giocosso : Es la forma italiana equivalente a la ópera bufa. También denominado por algunos autores melodramma giocosso. Una obra que se encuadra dentro de este género mixto, donde imperan el carácter y el espíritu peninsular, es la ópera en dos actos de Gioacchino Rossini "L'italiana in Algeri" (La italiana en Argel), pieza estrenada en Venecia en 1813, con libreto del Angelo Anelli. Ver drama jocoso.

Dramma tragico: En oposición a la definición anterior, el dramma tragico se refiere a la ópera seria, cualquiera sea su origen o variedad. Es un término que sólo utilizan los críticos italianos.

Dril-bu: Antiguo instrumento ritual de la India y Birmania. Es una variedad de campanilla con el sonido agudo y persistente. Se emplea como acompañamiento musical para los cantos religiosos que se llevan a cabo en los templos budistas. Su empleo, con diferentes formas y denominaciones está ampliamente difundido en los países del sudeste asiático.

D sharp:

Nombre del sonido

re sostenido

en la terminología musical inglesa. Equivalente de

Dis

en alemán y

ré dièse

en francés.

Düdük: Palabra turca que se refiere a un modelo de flauta tradicional, de caña larga y embocadura con boquilla en bisel, que se usa particularmente en las fiestas campesinas de Anatolia y el Kurdistán. Tiene un sonido muy dulce y por la forma es idéntica a la flauta duduk de los Balcanes (Serbia, Bosnia, Croacia, Montenegro y Albania).

Duende: Denominación corriente. Se llama a sí a la capacidad o condición de un artista para alcanzar la sensibilidad del público. En el cante flamenco se refiere al encantamiento de la melodía, en conjunción con la belleza de la voz, y la magia de las figuras coreográficas que adornan la interpretación.

Duetón: Instrumento de viento, doble, en forma de lira, con una sola boquilla y dos pabellones dirigidos hacia ambos lados del ejecutante. Su forma moderna se desarrolló en Rusia, en el siglo XIX, y fue precursora del dúplex. Se cita en este glosario por su curiosa similitud con una especie de corno doble, de origen árabe, que se empleaba en el siglo XI.

Duetto: Composición musical escrita para ser interpretada por dos instrumentos o cantantes. También se usa en la versión castellana (dueto). Este vocablo -que puede aparecer escrito de las dos maneras- es una asimilación del italiano (duetto=de a dos). Consta de varias partes: un comienzo o apertura; la composición central, y un final que debe ser igual al comienzo (A-B-A). Es algo más extenso que el duettino, también escrito para dos voces o instrumentos. Debido a exigencias del libreto, en algunas óperas que incluyen el duetto se ha eliminado la composición central, quedando sólo las dos partes iguales: comienzo y final (A-A). En este caso, a la segunda parte se le denomina aria de contraste. En la ópera bufa, cuando el duetto se canta muy rápido y con tono alegre. También suele llevar el nombre de cabaletta. Un duetto memorable: Don Carlo y Elvira cantando "Da qual dì che t'ho veduta" (Desde el día en que te vi) en la ópera "Ernani", de Giuseppe Verdi.

Duettino:

Vocablo diminutivo derivado del italiano

duetto (duettino=pequeño dúo).

Composición musical más breve que el

dueto

o

duetto,

para dos voces o instrumentos.

Dugazón: Denominación empleada en algunos tratados musicales, para referirse a una variedad de voz femenina de la cuerda de soprano. Posee un registro de tono dulce, que no alcanza el agudo extremo. Es el apellido de la célebre actriz y cantante de ópera francesa, Louise Rosalie Lefèvre de Dugazón (1755-1821), que gozó de una gran popularidad como soprano en la opéra-comique del compositor belga André Gretry (1742-1813).

Dulcemel: También llamado dolçemele. Nombre de un instrumento cordófono del siglo XV, parecido al salterio, y al bozouki árabe, aunque su técnica de interpretación era diferente. Pertenece a la familia de las cítaras. Estaba provisto de cuerdas de acero que se percutían con unas baquetas de madera, con el aspecto de un pequeño martillo, que se manipulaban en forma similar a los palillos de tambor. A partir del siglo XVII fue evolucionando, tanto en la forma de construcción como en la manera de ejecución. En algunos tratados sobre la historia de la música se lo identifica con el nombre de salterio alemán. Una versión inglesa tiene la caja de resonancia con forma de trapecio irregular. Por el sonido y la manera de tañer este instrumento es similar al timpanon.

Dulcimer: Es el mismo instrumento que el dulcemel. Actualmente se utiliza con asiduidad en la música tradicional de Turquía, Grecia y Rumania. Existen modelos de estudio, de fácil ejecución, que cuentan con tres órdenes de cuerdas, afinadas de aguda a grave (re-lare). Resuenan al golpe de dos pequeños martillos. En Hungría, Austria y otros países de Europa central existe un instrumento similar, aunque provisto de un encordado más complejo, al que llaman cymbalo o cymbalum.

Dulci sono: En italiano (dulcesonido). Nombre antiguo de una variedad de flauta folclórica, similar a la dulzaina. El alcance de su sonoridad, así como su tesitura es algo grave, con matices suaves y dulces. También se la conocía con los nombres de "dulcine" o "donçaine", derivados de italiano dulci sono (dulce sonido).

Dulzaina (aerófono): Instrumento de madera, con lengüeta doble, de la familia del oboe. Su sonido es bastante profundo y penetrante. Por la técnica de interpretación, se parece a la chirimía. Su denominación castellana proviene de francés antiguo (doulçaine=dulzón), aunque su origen remoto sería semítico y procedería del mismo origen que la flauta aguda llamada surnâi por los árabes del norte de África. La versión moderna es muy popular en distintas regiones de España e Hispanoamérica. En Cataluña, Valencia y las islas Baleares la suelen llamar dolçaina o donçaine. En otras regiones se conoce a esta flauta con el nombre de gaita zamorana, denominación que también se suele dar a la zanfona. Normalmente suele emplearse en la interpretación de melodías y composiciones de carácter popular. Es uno de los instrumentos típicos indispensables en los conjuntos o agrupaciones folclóricas. Por sus propias limitaciones, la dulzaina no integra el plantel de las grandes orquestas.
Dulzaina (registro de órgano): Imita el sonido de la antigua flauta folclórica. Su tubo aéreo -cilíndrico y fino- es el más largo del grupo de los medianos. El extremo inferior adopta un perfil ligeramente cónico al conectar con el pie.

Dumbac:

Pequeño tambor caribeño que suele acompañar la actuación de los

tambores de calipso

en las fiestas del carnaval.

Dumka: Forma musical similar a la balada. Pertenece al folclore de los países del nordeste de Europa. El compositor checo Antonin Dvorák empleó los motivos de dumka en varias de sus obras dedicadas a la música de cámara. Su "Trío para piano Nº 4, en mi menor” Opus 90, lleva el subtítulo "Dumky". Dvorak también compuso la ópera "Rusalka", considerada por la crítica especializada como un ejemplo valioso de la música escénica; la serie "Danzas eslavas" Opus 46 y 72; una gran variedad de conciertos; scherzos, serenatas para cuerdas; variaciones sinfónicas y nueve grandes sinfonías, entre ellas la titulada "El nuevo mundo", que adquirió renombre mundial.

Dúo: Pieza musical más extensa que el duetto. En la ópera italiana, el dúo acostumbraba emplear notas blancas, sin acompañamiento de bajos, mientras que en el dueto también había notas negras e incluso podía tener un acompañamiento de bajo continuo para piano. Algunas sonatas, compuestas para dos instrumentos melódicos llevan la denominación de dúo. Pueden citarse como ejemplos: el "Dúo para clarinete y fagot", de Ludwig van Beethoven o el "Dúo para violín y violonchelo", de Maurice Ravel. En la ópera barroca no se establecía diferencia entre el dúo y el dueto, empleándose más asiduamente este último término. La ópera en cinco actos "Orfeo", de Claudio Monteverdi (1567-1643) finaliza con un celebrado dúo.

Dúo coreado: Adjetivo que se aplica a las obras musicales en las que el coro interviene como acompañamiento, o también en el caso de dos coros opuestos, actuando en contrapunto, como acompañamiento de cada uno de los solistas.

Dúo de amor: Aria interpretada por una pareja de cantantes, cuyo motivo es siempre romántico, aunque no carente de circunstancias dramáticas. Técnicamente no difiere del dúo simple, más que en dulzura de la interpretación. En la parte final de la ópera "L'incoronazione di Poppea", estrenada en 1642, Claudio Monteverdi incluye el primer dúo de amor en la historia del arte lírico. El siempre aplaudido "Dueto de despedida" ("Duetto d'addio") del segundo acto del drama musical "Tristán e Isolda", de Richard Wagner (1813-1883) es otro ejemplo bien descriptivo del llamado popularmente en italiano duetto d'amore.

Duolo: Término italiano. Significa aflicción, dolor. Es una indicación de ejecución relativa a la expresión del sentimiento. Se aplica preferentemente en la música de ópera, cuando es preciso demostrar una cierta concordancia con la idea del argumento.

Duplum: En latín (doble). Canto llano que efectuaba a dos voces. Pertenece al estilo del organum, una forma vocal polifónica de la Edad Media en la que se acoplaban las voces a la melodía litúrgica. Estuvo en uso desde finales el siglo IX hasta mediados del XII.

Dur: Vocablo musical alemán, equivalente a modo mayor. Es lo opuesto a moll, cuyo significado se refiere al modo menor.
Duración: En música es la longitud del sonido dentro el plano conceptual del tiempo. La composición melódica tradicional asigna a la duración de cada nota un tiempo y un compás determinado por el valor del símbolo que la representa. (redonda, blanca, negra, corchea, etc.). Es un concepto que se va modificando desde la aparición de los CD y similares. La teoría musical clásica considera a la duración de las notas como uno de los elementos esenciales del sonido armonizado. Otros elementos son el timbre, la altura o frecuencia y el punto de origen, principio básico de la estereofonía. En la grabación electrónica, esto equivale a una medida predeterminada (tanto en segundos, como en centímetros) y permite controlar que el ritmo de una grabación sea exacto al de la voz humana o la melodía obtenida con un instrumento musical. Si esa relación exacta sufriera una mínima alteración en la velocidad, los sonidos resultantes serían más agudos o más graves, según fuera más rápida o más lenta. En el caso de las grabaciones magnetofónicas, la medida de tiempo corresponde a la extensión de la cinta. Por eso, cuando el sonido se graba mediante esa técnica, el magnetófono debe operar a una velocidad puntual de centímetros por segundo.

Durezza: Término italiano. Es una indicación de ejecución cuyo significado en música equivale disonancia. Es poco usual en la actualidad. Tuvo difusión en las obras pertenecientes al periodo del barroco (siglo XVII).

Dutka: Instrumento musical aerófono similar a la flauta griega de doble cánula. Es de origen eslavo y se lo conoce desde la antigüedad. Su sonido es dulce y está dotado de una gran variedad de tonos graves y agudos. Los tubos suelen ser de madera de fresno o cedro del Líbano y presentan tres orificios cada uno que el ejecutante obturan alternativamente con los dedos índice, medio y anular de cada mano, para obtener una vasta gama de sonidos. Los campesinos de Vierjnaia Zaimka, en las cercanías del lago Baikal, aún lo emplean en sus fiestas y celebraciones. La dutka apareció como elemento escénico en la ópera "Aleko" del compositor ruso Sergei Rachmaninov, estrenada en 1893 en el Teatro Bolshoi de Moscú. El libreto de esta ópera, debido a la pluma del escritor Vladimir Nemirov-Danchenko, que narra una romántica historia de gitanos trashumantes, surge de la belleza implícita en el extenso poema narrativo titulado "Cygany" (Zíngaros) de Alexander Puskin. La dulce melodía de la dutka pone una nota étnica y regional al imponente fondo musical de Rachmaninov.

Dux: Nombre general de la primera voz en la forma contrapuntística del canon. Las siguientes voces, que van entrando a continuación, responden a la denominación general de comes.

-E

E: Denominación de la nota mi en las ediciones musicales y partituras procedentes de países de habla inglesa y alemana. También se conserva como nombre de nota en el clavijero de algunos pianos.

E (canto llano): En la música antigua y de la Edad Media se llamaba así al tercer grado de la escala diatónica natural.
E (modo griego): Equivale al quinto grado o nota final del antiguo modo griego, también llamado hipodorio.

Early Music : Término que procede del inglés (antigua música). Según el criterio histórico, esta definición de carácter puntual se aplicó a la definición de los estilos correspondientes al periodo preclásico. Este concepto, con el tiempo dejó de ser puntual para convertirse en un espectro melódico cada vez más amplio, conforme iba pasando los años. Durante las primeras décadas del siglo XX se realizaron diversos intentos dedicados a la interpretación fidedigna de la música antigua, poniendo especial atención en las melodías populares anteriores al siglo XV. Estos interesantes trabajos de investigación y recopilación del folclore musical sentaron la base de un importante repositorio de partituras, en su mayor parte reconstituidas a partir de fragmentos recuperados y transcripciones tomadas de archivos antiguos. Para la interpretación de estas fuentes musicales se emplearon instrumentos de la época, fabricados con ese objeto, logrando así la perfecta recuperación de un patrimonio cultural que se creía perdido. En la actualidad existen escuelas en Estados Unidos y Europa, dedicadas a formar especialistas en esa difícil tarea. Los maestros compositores de la ópera contemporánea buscan en esas fuentes la riqueza cultural de los tiempos pasados, tratando de revivir en el espíritu de la early music el motivo esencial de su inspiración creativa.

Éclatant:

Término francés. Significa

brillante

en el sentido de la ejecución vocal o instrumental.

Eclisa: Del francés (éclisse=tableta). Pieza de la caja de resonancia de algunos cordófonos (violín, viola, violonchelo, contrabajo, guitarra, etc.). Es la cinta o faja alargada, de madera, que adopta el perfil del instrumento y sirve para unir la tapa con el fondo.

Ecmele:

Del griego (

ex

y

melo

s=sin melodía) Sonido carente de armonía o sonoridad musical.

Eco (física):

Repetición de los sonidos debida al efecto de reflexión de las ondas sonoras.

Eco (música): En el canto coral se llama así a la reiteración de las últimas palabras o sílabas cantadas por una parte del coro. Franz-Joseph Haydn (1732-1809) fue uno de los primeros compositores del género sinfónico en aplicar la perfecta consonancia de los ecos en las respectivas interpretaciones de dos tercetos. Esa particularidad del canto se produce siempre en un tono más débil, configurando otro plano sonoro que no enturbia el significado de las frases ni se confunde con el tono de la vocalización principal. La música en general presenta formas particulares en las que el eco adquiere una importante función descriptiva. En el drama lírico "Il Pirata" de Vicenzo Bellini (1801-1835) se oyen ciertas melodías fuera de la escena que reproducen las entonaciones finales de algunas frases cantadas. Otro ejemplo interesante se encuentra en la ópera "La pietra di Paragone", de Gioachino Rossini (1792-1868), la voz grave del cantante bajo -imitando la reverberación de un eco lejano- reproduce entre bambalinas las palabras finales de cada frase entonada por la soprano.

Ecualizador: Procesador electrónico de sonidos utilizado en música para atenuar las altas frecuencias y amplificar las bajas. Puede transformar los compases melódicos mediante una serie de efectos especiales destinados a lograr una relación equilibrada entre la señal de audio y el ruido.
E double flat: Nombre del sonido mi doble bemol en la terminología musical inglesa. Es equivalente de los vocablos Eses en alemán y mi double bémol en francés (sólo varía la acentuación de la letra é).

E double sharp:

Nombre del sonido

mi doble sostenido

en la manera musical inglesa. Equivalente de

Eisis

en alemán y

mi double dièse

en francés.

Edzeil: El más vigoroso de los cuatro modos esenciales en la música culta del norte de África. Su espectro melódico, también denominado andalusí, revela un carácter viril inspirado en las antiguas leyendas y tradiciones históricas relacionadas con el dominio islámico en la España medieval. Junto con el ârap, el djarka y el mezmoun, configura un sistema modal cuyas características, aunque tradicionales del Magreb, demuestran una cierta esencialidad, propia de las culturas mediterráneas, que se parece notablemente a las formas de la Grecia clásica.

Efe: Denominación que reciben los orificios de resonancia en la caja del violín y otros instrumentos análogos, como la viola de amor, el violonchelo y el contrabajo. Debe ese nombre a la forma de la abertura, que recuerda el perfil de dicha letra en bastardilla (f).

Efecto de sonido: Término empleado en el lenguaje teatral y operístico. Se refiere a la reproducción artificial de sonidos naturales, como el galope del caballo, el fragor del trueno, el rumor acompasado de las olas, o el rugido de la tempestad. Es un elemento identificado con la acción, a tener en cuenta durante la puesta en escena, debido a que su función es eminentemente descriptiva. Los efectos de sonido se pueden producir de varias maneras: entre bastidores, mediante elementos simples, mecánicos, electrónicos o combinados. Se distinguen tanto de la música orquestal, como de la expresión vocal, dado que ambos grupos sonoros son emitidos desde el foso de la orquesta o bien por los actores y cantantes sobre el mismo escenario. Los técnicos de sonido franceses lo llaman bruitage (de bruit=ruido) y los anglosajones sound effects ( efectos sonoros).

Efecto envolvente: Concepto acústico utilizado en la música electrónica. Es la curva de intensidades de un sonido dentro de un lapso determinado. El sonido puede ser simple o complejo. El efecto envolvente consta de tres partes: ataque, estado permanente y caída.

Efecto teatral: Concepto propio del ambiente teatral, que también se aplica a la terminología de la ópera. Es un concepto opuesto al efecto de realidad, que trata la actuación escénica basada en efectos lúdicos. Cuando la escenificación de un cuadro no se basa en la ilusión de la idea argumental, sino en El motivo esencial siempre gira en torno a la representación artificial de una idea dispuesta para ser representada. Los guionistas franceses e ingleses suelen emplear la misma denominación en sus respectivos idiomas: (effet teatral/theatralical effect)

Effetuoso:

Vocablo italiano que sirve para señalar una nota de afecto del tono de voz en el canto lírico, o una melodía especialmente dulce en la

música descriptiva

.

E flat:

Forma inglesa del sonido

mi bemol.

En los países de lengua alemana se denomina

Es

. La terminología francesa emplea la fórmula de Guido d'Arezzo (

ré bémol

).

Egerzis: Voz derivada del griego (égersis=acción del despertar). Composición musical en tiempo de himno que se cantaba en la antigua Grecia a las mujeres recién casadas en el día siguiente de la boda. Tenía carácter de invocación a los dioses para lograr salud, muchos hijos y larga vida a la nueva pareja.

Égloga: Composición poético-musical de origen y esencia pastoril. El término viene del griego (eklogé=pieza escogida). Antiguamente se daba este nombre a ciertas colecciones de poesías sueltas recopiladas entre la obra de distintos autores. Fue uno de los primeros antecedentes relacionados con la zarzuela y en ciertos aspectos, también con la ópera hispana. En 1629 se estrenó en el Palacio Real de Madrid una égloga pastoril, titulada "La selva sin amor", de Lope de Vega (1562-1635). Son cuadros bucólicos donde intervienen personajes que dialogan sobre temas populares. En la actualidad, la égloga, es una forma de composición poética inspirada en escenas costumbristas. Aunque la estructura de la égloga puede ser apta para la representación dramática y el "Fénix de los Ingenios" así lo indica en la dedicatoria de un ejemplar impreso de la letra, todavía se ignora si disponía de una partitura propia y tampoco se sabe quién pudo ser el autor de la música. Las primeras églogas que se conocen, son del siglo XII y pertenecen al poeta salmantino Juan de Enzina.

Eguepa: Nombre de origen azteca, referido a un instrumento aerófono natural de los antiguos habitantes de México. Tiene la forma de una trompeta de pequeño tamaño y su tono se aproxima a los agudos. Existen distintos modelos de eguepas, a los que se atribuye un origen precolombino. La mayoría de los instrumentos que se exhiben en museos, están fabricados con caña y poseen un amplio pabellón de corteza. La variedad y amplitud del sonido de algunos de estos ejemplos permite suponer que el conocimiento musical de los antiguos aztecas había alcanzado un grado de evolución bastante considerable. También puede aparecer escrito "egueppa".

Eis:

Denominación alemana que recibe el sonido de la nota

mi

cuando es sostenida. Equivale a

E sharp

en inglés y

mi dièse

en francés.

Eisis: Nombre de la nota mi doble sostenido en la terminología musical de Alemania y otros países que utilizan dicha nomenclatura. Equivale a E double sharp en inglés y mi double dièse en francés.

Ejecución: En música equivale al acto de transformar en realidad sonora la melodía oculta en las notas escritas sobre el pentagrama. En términos generales se dice del acto de representar o poner en escena una producción melódica, polifónica, lírica o dramática, (ópera, zarzuela, concierto sinfónico, coral, etc.). De manera corriente, se refiere a la interpretación de cualquier instrumento en forma individual. Se llama ejecutante al intérprete de una obra musical.

Ejecutante: En términos generales se dice del músico que interpreta cualquier melodía tañendo un determinado instrumento. En la música electroacústica los compositores son a la vez ejecutantes de la melodías que emiten los equipos o sistemas sonoros. El notable avance de la tecnología electrónica permite el empleo sistemático de partes musicales de distinta procedencia o de diferentes autores, sometidas a un montaje sonoro. De esa manera, la técnica en sí misma pasa a ser una forma más de ejecución.

Ejercicio: Pieza musical compuesta con cierto grado de dificultad progresiva, que se suele crear o desarrollar especialmente para que los estudiantes de música puedan realizar prácticas (teoría, solfeo, digitación, vocalización, etc.).
Elafebolias: También llamadas fiestas artemisias, eran reuniones musicales, compuestas por danzas y cantos rituales, que se celebraban en honor de la diosa Artemisa, en los territorios sometidos al dominio de la antigua Grecia (Delfi, Éfesos, Siracusa). Hermana de Apolo e hija de Leto, Artemisa fue la deidad protectora de los bosques y el fenómeno regenerativo de la naturaleza. Es posible que las celebraciones elafebolias tuvieran un carácter propiciatorio de la fecundidad en la mujer, porque tal era la función de amparo de aquella diosa, a la que los romanos conocían con el nombre de Diana.

Élami: Vocablo musical antiguo. Corresponde a la nomenclatura del canto figurado y el canto llano. (Se refiere a la conjunción de la letra e y las notas la y mi). En la música medieval, era una denominación auxiliar o mnemotécnica que recibía el tono que comienza en el tercer grado de la escala diatónica de do. Se siguió utilizando durante bastante tiempo en la música provenzal y posteriormente -hasta mediados el siglo XIX- en algunas manifestaciones folclóricas del sur de Francia.

Élargissant:

Equivalente del vocablo italiano

allargando

en la música francesa. Su sentido indica un movimiento melódico bien amplio y en tempo

lento

.

Electroacústica: Técnica de elaboración y ejecución musical que comprende elementos físicos de la electrónica junto con los métodos conceptuales e interpretativos de la música concreta.

Electrófono: Nombre genérico de se suele dar a todos los instrumentos musicales cuyo sonido se produce mediante aparatos eléctricos o electrónicos. Ej.: sintetizador, guitarra, bajo u órgano electrónico, etc.

Electrofunk:

Forma bailable norteamericana. Es una variante en el amplio espectro de la música moderna, compuesta sobre la base de oscilaciones electrónicas.

Electro-techno-sampling: Prueba, sondeo o investigación sobre las posibilidades electroacústicas de la música electrónica. Es una variante amplia e innovadora del techno. Desde principios de la década de 1980 destaca en este campo la obra de los musicólogos y cantantes norteamericanos. Se trata de un estilo que está relacionado directamente con los espectáculos multimedia basados en esquemas vanguardistas del ambiente "arty" neoyorquino.

Elefantina: Antigua flauta de marfil, difundida en las culturas mediterráneas por los navegantes fenicios. Se atribuye su descripción al historiador romano Trebellius⁴⁶. El nombre de este instrumento, del que sólo se tiene una somera descripción, proviene de la procedencia del material con que se fabricaba (elephantina, o dens elephantus).

Elegía (composición musical): La elegía, como forma musical propiamente dicha, aparece en Alemania en el siglo XVIII. Se trata de un tipo de composición pensada originariamente para la ejecución instrumental, aunque con el tiempo llegó a emplearse en diferentes combinaciones de carácter mixto. Una de las variantes, dentro del estilo de interpretación vocal con acompañamiento de cordófonos, es el "Canto elegíaco para cuatro voces y cuarteto de cuerdas" Op. 118, de Ludwig van Beethoven. En su obra múltiple, titulada "Homenajes", Manuel de Falla adaptó la elegía para el especial lucimiento de la guitarra española. Destaca en su título: "Homenaje en la tumba de Claude Debussy", obra compuesta en 1920.

⁴⁶ Trebelio Polión (Trebellius) Polígrafo del siglo IV d.C. Alcanzó un cierto renombre durante la época de los emperadores Constancio y Constantino, por su aporte en la redacción de la "Historia Augusta". Sólo quedan fragmentos de sus obras completas.

Elegía (género poético): Vocablo derivado del griego (elhegeia). Era una composición poética, cantable, formada por un hexámetro y un pentámetro, que estuvo en boga hacia el siglo V a.C. Su forma literaria era considerada entonces una forma de nomo para flauta. El ritmo declamatorio se apoyaba esencialmente en el compás melódico y solía acompañarse con el aulos, un tipo de flauta de caña provista de lengüeta. La métrica tradicional de esta forma lírica se denomina "dístico elegíaco".

Elegía (ópera): Forma cantable que se emplea corrientemente en la ópera romántica. En la actualidad, el estilo elegíaco no se ajusta a ningún tipo de métrica y se caracteriza por expresar sentimientos de tristeza o melancolía.

Elemento musical: Nombre que suele aparecer en los antiguos tratados de teoría y solfeo, con el que se acostumbraba citar a las tres bases fundamentales y configurativas del arte musical: el ritmo, la melodía y la armonía.

Elevación (indicación de ejecución):

También se dice

alzar

. Es el movimiento que el director de orquesta hace con la mano hacia arriba. Marca el tiempo débil de un compás.

Elevación (motete): Nombre de ciertas composiciones de carácter sacro, del tipo de "Ecce panis" y "Salutaris Hostia", que observan la forma y estructura musical del motete. Se solían entonar durante la celebración de la misa en el instante en que el sacerdote oficiante elevaba la hostia consagrada.

Elevación (órgano):

En la misa se llama así a la parte melódica que solamente debe interpretar el órgano mientras las voces del coro guardan silencio.

Elevación vocal:

Ámbito de la voz humana. Corresponde a la extensión total que va desde la parte baja (notas graves) hasta las más elevadas (notas agudas).

Elicón: Término que aparece en algunos tratados musicales citando a un antiguo instrumento monocorde de origen heleno. En la actualidad se emplea preferentemente la forma helicón. Se trata de una grafía arcaica, derivada de la etimología de helicónides, designativo plural de las musas. El origen del vocablo procede del lugar geográfico donde los griegos pensaban que residía la inspiración poética. No debe confundirse con un voluminoso aerófono de metal, del mismo nombre, que fue inventado por el fabricante vienés Stowasser a mediados del siglo XIX.

El'oud: En árabe (laúd). Nombre genérico de una serie de cordófonos populares. Existen varios modelos procedentes de diferentes épocas y áreas geográficas del mundo islámico, aunque todos los ejemplares presentan similares características. Uno de ellos (el'oud el kebir), de tesitura grave y provisto de doble clavijero, tiene catorce cuerdas y se parece al laúd barroco alemán, por la forma alargada de la caja de resonancia y la disposición superpuesta de los clavijeros. Aún se suele emplear para acompañar con el bajo continuo las melodías árabes tradicionales.

Embankis: Denominativo amplio que comprende una colección de instrumentos musicales típicos del folclore tradicional del Congo (sonajeros, tambores, aerófonos). En épocas pasadas fueron instrumentos rituales, dedicados al culto animista, cuyo empleo era privativo de los reyes y príncipes de las diferentes etnias. En la actualidad, muchos de estos curiosos instrumentos han sido rescatados del olvido por intérpretes e investigadores de la música tradicional africana. En Europa se conoce la existencia de diversos ejemplares procedentes de las culturas m'bochi, teké y kongo.

Embarateres: Flauta tradicional de la antigua Grecia cuyo uso era particularmente ritual. La empleaban los sacerdotes y oficiantes laconios durante las procesiones de los cortejos fúnebres que se realizaban en homenaje a los guerreros y héroes de Esparta.

Embateriana:

Flauta guerrera que acompañaba el paso de ataque de los hoplitas espartanos (

embaterion

).

Embocado: Pabellón cubierto tapado. En los instrumentos aerófonos de metal -como la trompeta o el trombón- se dice así cuando el pabellón se obtura parcialmente con un implemento denominado sordina. Esta operación se lleva a acabo con el propósito de amortiguar los sonidos y según el caso, también para modificar el timbre. En la interpretación del hot-jazz es usual la forma francesa (bouché=embocado).

Embocadura (de boquilla): Pieza también llamada embocadura de bocal, es la parte de los instrumentos aerófonos donde el ejecutante aplica los labios, insuflando aire con el propósito obtener los distintos sonidos que salen por el otro extremo del tubo aéreo. Los cuatro tipos corrientes son:

a) boquilla semiesférica perfecta ( trombón) b) boquilla semiesférica llana (trompeta) c) boquilla semiesférica profunda (tuba) d) boquilla cónica o de embudo (trompa)

En estas formas de embocadura los labios del intérprete hacen las veces de la lengüeta vibrante, modulando los sonidos al soplar.

Embocadura (de estrangul): Tubo de ciertos aerófonos donde se producen los diferentes sonidos al pasar el aire haciendo vibrar una lengüeta flexible. Existen varios sistemas o tipos de embocaduras de estrangul: con una lengüeta sola y con lengüeta doble.

Embocadura (de flauta): Es la que produce los sonidos haciendo pasar el aire soplado contra un bisel ubicado en la parte anterior del tubo aerófono. La forma particular de los instrumentos de este tipo -carentes de lengüeta- permite hacer vibrar la columna aérea contenida en el interior del tubo mediante la adecuada posición de los labios.

Embudo: También llamado cono. Es una de las tres formas de boquillas correspondientes a los instrumentos aerófonos de metal (bugles y tubas). Especialmente en la trompa, se obtiene una serie de sonidos muy suaves y oscuros. Las otras dos formas son semiesféricas, profunda y superficial.

Emisión: En música se refiere a la producción de los sonidos. La emisión puede ser vocal o instrumental. Para cada eventualidad existe una serie de técnicas bien definidas, que regulan el timbre, la tonalidad, la altura, el volumen, etc. Existen instrumentos de estudio que no emiten sonidos audibles por el oído humano. Se denominan instrumentos sordos. Su emisión, sólo puede ser captada mediante un sistema electrónico de captación e interpretación de ese tipo de señales acústicas.

Emmele (danza antigua): Del griego (eu=bello y melos=sonido musical) Nombre de una variedad de espectáculo músico-teatral basado en el equilibrio de los sonidos y las formas coreográficas. Consistente en demostraciones de baile acompañado de composiciones instrumentales. Antiguamente servía de intermedio entre dos partes de un drama lírico.

Emmele (sonido): Es un vocablo equivalente de eumelia. Se dice expresamente del sonido agradable, dotado de musicalidad, en oposición al sonido hablado, que carece de estos atributos. La forma opuesta, se llamaba ecmelle, derivada de la unión de ex y melos, es decir, que no tiene sonoridad musical.

Empressé: Tempo urgido, movimientos rápidos, con síncopa enérgica. Se emplea con asiduidad en las acotaciones de tempo y cadencia de la música contemporánea. En el drama lírico "Europera 1 y 2", del compositor norteamericano John Cage (1912-1992), aparecen fragmentos melódicos que corresponden a esta rara forma de sonoridad. La obra de Cage es considerada por la crítica especializada como una de las más evolucionadas y renovadoras, dentro de las corrientes musicales del siglo XX.

Enarmonía: Conjunción grecolatina (enarmonikós). Significa dentro de la armonía. Son los sonidos de la escala musical que pueden intercambiarse, porque en la práctica su efecto sonoro es idéntico. Así, la notas fa sostenido y sol bemol, que suenan exactamente igual, en el piano están representadas por una misma tecla. Dentro de los sonidos enarmónicos existe una relación entre notas que tienen distinto nombre y tonalidad, pero desarrollan la misma frecuencia, es decir, que ambos sonidos tienden a confundirse.

Enarmonía (género): Tercer grado en la teoría musical, tal como fue concebida en la Grecia clásica. Era una de las partes o divisiones que componían el tetracordio. Según el erudito historiador alemán Mark Meibom, el estudio y la definición de la enarmonía entre los antiguos griegos se deben al filósofo y teórico musical Aristógenes (s. IV a. C.)⁴⁷.

Enarmónica:

Nota consecutiva a otra, cuyo sonido es idéntico, aunque tenga un nombre y un valor teórico diferente.

Enarmónico-cromático:

Término relativo al género enarmónico. Se utilizaba antiguamente para nombrar a las melodías configuradas por semitonos menores.

Enarmónico-diatónico:

Igual que la anterior, pero referida a los semitonos mayores.

Enarmonismo:

Método musical basado en el principio de las divisiones enarmónicas de la Grecia clásica..

Encadenamiento: Sucesión continua de dos pasajes o movimientos diferentes. Los principios relativos a la perfección de los encadenamientos establecen pautas sobre la combinación de los acordes. Esas condiciones son importantes a la hora de realizar un encadenamiento eufónico de las melodías, esto es con el objeto de que el resultado final resulte coherente con el estilo y el tono de toda la obra. Otra aplicación del término se produce en el momento de interpretar de manera homogénea las distintas partes de una composición musical compleja. En la partitura se indica con el vocablo italiano attaca.

⁴⁷ Meibom, Mark (1630-1711): "Antiqae musicae auctores septem grecus et latinus..." Se afirma en esta obra, editada en Amsterdam en 1652, que Aristógenes, discípulo de Aristóteles, escribió 453 obras, de las que se extravió la mayor parte. Sobre la teoría musical en la Grecia clásica, se conocen de este autor tres volúmenes sobre elementos armónicos y uno sobre ritmo.

Encomia: Una de los estilos musicales de la antigua Grecia. Se solía practicar especialmente en las celebraciones religiosas en forma de cantos o himnos de alabanza a los dioses y los héroes. Posteriormente fue adoptado por los romanos pasando con el tiempo a constituir una de las bases del canto llano medieval.

Encordadura: La idea del término comprende el material con que están fabricadas las cuerdas, la cantidad y la forma de colocación. Entre los cordófonos modernos, aptos para la interpretación orquestal o de conjunto, existen ejemplares como el contrabajo de la cobla, que sólo tiene tres cuerdas y el violín, la viola o el violonchelo, con cuatro. Del grupo de instrumentos indicados para la ejecución solista, pueden citarse modelos de encordadura compleja, como la cítara de Mittenwald, la viola d'amore, el salterio o la cítara de concierto (salzburguesa). Entre los cordófonos clásicos y antiguos -aún en uso en conciertos de virtuosos- existen algunos ejemplares dotados de dieciocho cuerdas y doble clavijero (uno principal y otro secundario). La viola d'amore, con catorce cuerdas, está provista de un puente en dos niveles que sostienen siete cuerdas superiores (pisadas) y siete inferiores (de resonancia). La tiorba tiene veinticuatro cuerdas y el chitarrone dieciocho, distribuidas en doble diapasón. En el arpa el sistema de encordado se extiende dentro de la figura triangular formada por la caja de resonancia, la consola-clavijero y la columna. El arpa puede tener más de cuarenta cuerdas, afinadas a distintas alturas. Todas están dotadas de mecanismos complejos que permiten tensar o acortar la extensión. Las cuerdas se tensan mediante un mecanismo de siete pedales, más uno pequeño destinado a sostener los sonidos (pedal sostenedor). Cada cuerda sube un semitono con la simple presión del pedal. Si la presión es doble, asciende dos semitonos, así hasta alcanzar las doce notas de la escala temperada.

¡Encore! : Advervio francés. Su significado no literal es "otra vez". Se refiere especialmente a la repetición que pide el espectador ante una excelente actuación. Como las voces italianas ¡ancora! y ¡ancora più!, que se utilizan para pedir una actuación, el término corresponde también al sentido elogioso de la interjección ¡bis! y a la expresión ¡da capo!.

Enchombre: Instrumento musical de hechura rústica, provisto de cinco cuerdas de fibra de palmera, caja de madera, mango de caña y clavijero. Es originario de África central. Por su apariencia parece una imitación de la mandolina, aunque el sonido presenta poca variedad de notas no es desagradable. Se tañe con las dos manos.

Endecha (

música

):

Melodía que suele acompañar a las canciones de carácter triste y melancólico, casi siempre inspiradas en temas amorosos.

Endecha (

poética

):

Forma métrica que se usa en poesía para componer la letra de los himnos religiosos, cantos fúnebres u otros motivos dolorosos.

Endecha real: También llamada endecasilábica. Es la forma poética en la que el último verso de cada estrofa es endecasílabo.
Endosimon: Conjunto de reglas mnemotécnicas que los maestros de capilla y directores de conjuntos corales de la Edad Media daban a los cantantes o coristas con el objeto de que les sirviera de guía para la dirección del canto. Es un nombre de origen griego, que se utilizó particularmente en la dirección del contrapunto y que aún suele citarse como ejemplo.

Endressa: Término musical en catalán. Se refiere a una variedad de glosa o estrofa breve que se colocaba al principio de las canciones a modo de introducción o dedicatoria. A esta acotación sumaria también se la llamaba semi-estrofa.

Engolar: La voz del cantante lírico con tendencia a engolar, tiene dificultad en la articulación de las palabras y el sonido que produce resonancias en el fondo de la boca o la garganta.

Enigma:

En música se llama así a una sentencia cantada que se intercalaba en el texto del

canon enigmático

. Casi siempre se presentaba con la forma de una metáfora o un adagio.

Ensalada: Denominación vulgar de unas piezas musicales de carácter profano y estilo polifónico que se interpretaban en Europa durante el siglo XVI. La parte vocal de estas composiciones se cantaba simultáneamente en varios idiomas (catalán, castellano, portugués, gascón, italiano, etc.), de allí su nombre. Respecto al acompañamiento instrumental, la forma melódica parece proceder del canto llano. Con la misma palabra se designa a unas composiciones sólo instrumentales para ejecución en órgano.

Ensemble : Palabra francesa que significa conjunto. Es una denominación propia que dan algunos críticos de ópera a los grupos de cantantes o instrumentistas que actúan juntos. Con las obras de Wolfgang Amadeus Mozart -especialmente a partir de la ópera en tres actos "Idomeneo, rey de Creta"- se ponían en escena grandes conjuntos vocales, compuestos por muchos intérpretes, dando la sensación de una insuperable grandiosidad escénica y sonora. En la ópera barroca se emplearon sólo duetos o tercetos.

Entonación:

Sucesión de tonos que en el canto permiten modular el lenguaje recitado. Corrientemente significa cantar en forma afinada.

Entonador:

En los antiguos órganos se llamaba así al ayudante del organista, encargado de accionar el fuelle, manteniendo siempre a punto la provisión de aire.

Entrada: Instante exacto de la ejecución de un concierto en el cada instrumento de la orquesta sinfónica debe empezar a sonar. También se llama así a la parte de ese instrumento. En términos generales designa la aparición de un motivo musical.

Entrada (fuga): En este apartado se refiere a la entrada de las voces en el desarrollo de la fuga. Cada parte vocal puede estar caracterizada por una breve melodía que le sirve de introducción.

Entrada (suite): Composición inicial que hace las veces de obertura o preludio en una suite compuesta de tres partes. Cumple la función de introito musical, anticipando a las demás partes de la obra, que se suceden a continuación.

Entreacto: Término musical equivalente a intermedio. Es una composición instrumental de corta duración que sirve de unión entre dos escenas diferentes de un mismo acto. Entremés: Nombre que se le da a un subgénero musical de origen español y carácter cómico, compuesto por bailes, cánticos y recitados. Solía interpretarse como un espectáculo intermedio entre dos actos, o al finalizar una obra teatral. Es uno de los géneros antecesores de la ópera bufa.

Entubamiento: Forma de emitir los sonidos para que salgan de la garganta con un tono exageradamente grave. Se usa en la ópera para denotar tristeza o desaliento. Esta técnica vocal, común entre los artistas líricos italianos, que emplean como caja de resonancia preferentemente las cavidades frontales del rostro, produciendo el efecto de cantar a través de un tubo. Esta costumbre ha sufrido una crítica negativa por parte de los especialistas. El arte de juzgar la calidad del canto resulta en muchos casos subjetiva. Hay diletantes que aprecian la curiosa sonoridad producida por el entubamiento.

Eoliano orquestal: Instrumento melódico de tamaño bastante voluminoso, parecido al piano vertical y al antiguo harmonio. La persona que operaba su complejo mecanismo podía graduar a voluntad la sonoridad y el tiempo de ejecución. Las diferentes notas eran producidas por una serie de lenguetas metálicas. El eoliano orquestal poseía un par de teclados y pedales. Servía de acompañamiento en espectáculos musicales compuestos por números cerrados en los que intervenían el canto, la danza y la declamación. La asociación del sonido instrumental a la interpretación vocal otorgó una mayor fuerza expresiva al texto dramático y al sentido poético. Junto al decorado escénico representaciones populares, configuraban los tres elementos básicos operística.
portátil de las

de la función

Eólico: Del griego (aiolos). Denominación usada para definir al sonido particular de los instrumentos aerófonos, evidentemente inspirada en los atributos de Eolo, dios de los vientos en la antigua Grecia.

Eolio: Nombre que se daba antiguamente a uno de los modos esenciales de la música griega. En las composiciones modernas equivale a la escala menor. Tuvo cierta aceptación en los cantos litúrgicos, especialmente en los pertenecientes al culto protestante

Épica: Adjetivo relativo a la poesía heroica y especialmente al argumento de la epopeya. Es una forma de narración de hechos memorables y legendarios que suele intervenir profundamente en la concepción de letra de ópera. El motivo de inspiración siempre se basa en circunstancias dramáticas y otros asuntos relacionados con la historia y las tradiciones nacionales. El poeta italiano Temistocle Solera, con la historia de "Nabuco" (música de Giuseppe Verdi) y Richard Wagner, con su drama musical "El anillo del Nibelungo", son dos ejemplos de argumentos de ópera épico-legendarios, que incursionan profundamente en esta especialidad literaria. También se llama épico al poeta que cultiva la especialidad del género.

Epífono: Voz musical derivada el griego (epi=sobre y phoné=sonido). El prefijo epi es común en numerosos compuestos del idioma castellano su significado comprende acepciones como: encima, acerca de,, relativo a, etc.

Epílogo: Parte final de una ópera que sucede al desarrollo y concluye la historia desarrollada en el libreto. En el discurso narrativo (cuento, novela, obra teatral, etc.) es el fin de la trama literaria, el momento preciso en el cual la secuencia argumental del relato llega a su parte culminante, cerrando el círculo descriptivo representado por la sucesión de los cuadros o escenas.

Epinette des Vosgues: (Espineta de los Vosgos) Cordófono primitivo de origen francés. Es un instrumento parecido a la guitarra, aunque de menor tamaño, con tres grupos de cuerdas. Cada orden está compuesto por dos cuerdas simples de alambre y una entorchada. Se tañe con plectro.

Episodio:

En la

forma sonata

y en la

fuga

, es una parte o fragmento melódico que se intercala entre los

temas

principales.

Êre: Sentido del ritmo, tradicional en la cultura musical africana. Es la asociación del canto con los diferentes sonidos de percusión, cuyas variantes acústicas -ricas en maticesson conocidas y practicadas desde hace siglos entre los miembros de las distintas etnias, como los yoruba, de Nigeria, los clanes tamajeks, de Burkina Faso, o los krus y malinkes, de Costa de Marfil. Este nombre tradicional (êre) puede variar con cada grupo étnico, aunque el significado semántico sea el mismo. Como el concepto de la representación escénica, prácticamente no existe en la cultura musical africana, todos los integrantes de un pueblo determinado, intervienen, sin distinción de edades o sexo, durante las fiestas y celebraciones.

Erke: También llamada "corneta de los Andes". Es un instrumento aerófono de origen incaico. Su sonido, grave y profundo, podía oírse a gran distancia entre los valles y cerros de la precordillera. Era el mayor de todos los instrumentos musicales existentes en la América precolombina. Existen leyendas y consejas muy antiguas que narran acontecimientos relacionados con este curiosa corneta, que en su tiempo tenía un carácter ritual y estaba dedicada al culto de Mama Quilla (la luna). En la actualidad suele aparecer como un efecto sonoro complementario en las agrupaciones folclóricas que interpretan composiciones típicas del altiplano. En su fabricación se emplean varios segmentos de caña ahuecada, unidos hasta alcanzar una longitud que puede variar entre tres y cinco metros. Para la campana o pabellón se utilizaba un cuerno de vaca. En la actualidad esta piezas se hacen de hojalata y ocasionalmente se forran con cuero. Una pequeña cuerda de lana trenzada sirve para mantener la curvatura de la campana respecto al eje de la caña. Su actual difusión comprende la región noroeste de Argentina (provincias de Salta y Jujuy).

Erkencho: Es una variante del erke tradicional, pero mucho más pequeña. Su nombre indígena significa "pequeño erke". Tiene una boquilla de unos quince centímetros, unida a un cuerno de vacuno, bien ahuecado, que hace las veces de bocina. Cuanto más finas y bien pulidas resulten las paredes del cuerno, más nítido y brillante resulta el sonido. En la actualidad su difusión comprende un área extensa y multicultural que comprende desde el altiplano andino hasta la cuenca de los ríos Paraná, Pilcomayo y Bermejo. El erkencho se usa preferentemente en las fiestas tradicionales y religiosas del norte de Chile (Antofagasta, Atacama), el sur de Bolivia (Potosí, Chuquisaca, Tarija) y las provincias de norte de Argentina (Jujuy, Salta, Formosa y Chaco).

Eroico : Definición de origen itálico que alude efectivamente a una actitud heroica, desarrollada con las mejores técnicas vocales del bel canto. Por antonomasia se llama así a las partes del libreto en la que los intérpretes deben poner una fuerza inusitada para representar sus respectivos papeles. También se llama con brio (en italiano) al momento de mayor acción y dramatismo puestos de manifiesto en la escena.
Es: Nombre de la nota mi bemol en la nomenclatura de Alemania y otros países que utilizan dicha terminología. Equivale a E flat en inglés y mi bémol en francés.

Escala: Serie sucesiva de sonidos inmediatos partiendo desde una nota cualquiera. Cuando los sonidos están ordenados de grave a agudo se llama sentido ascendente, y si es a la inversa -de agudo a grave- se dice que la escala es descendente. La sucesión completa de sonidos (do-re-mi-fa-sol-la-si) se puede repetir formando otra serie de sonidos escalados, ascendentes o descendentes. Cada una de esas series se denomina gama. En cada escala se distinguen los sonidos que la componen. Las dos condiciones que sirven para determinar las características de una escala son la cantidad de notas que la forman y la distancia entre cada uno de los grados. El sistema de afinación temperada permite dividir la octava justamente en doce sonidos. Existen progranas informáticos que permiten determinar más de 500 variedades de escalas aplicables a todas las formas musicales, antiguas y modernas. Muchas de ellas resultan imprescindibles para el estudio de las distintas melodías del mundo (Alterada, Aumentada, Bizantina, Dórica, Flamenca, Frigia, Gregoriana, Hipodórica cromática, Jónica, etc.). En lo que respecta a la cantidad de tonos contenidos dentro de cada escala, también existen modalidades o variantes relacionadas con la época y el estado evolutivo de la cultura a la que pertenecen (Tritónica, Tetratónica, Pentatónica, Hexatónica, Heptatónica, Octatónica. Nonatónica, etc.). Algunas escalas proceden directamente del entorno de distintos géneros musicales, en cuyo seno surgen y se llevan a la práctica (be-bop, blues, jazz, raga, etc.).

Escala (arpa): Parte central de la tapa armónica del arpa paraguaya. Consiste en un listón de cedro con guarniciones de hueso tallado, que sirve para fijar el encordado. La caja de resonancia sobre la que se asienta la escala, acostumbra ser de madera de pino lustrada o barnizada, con un peso bastante ligero y carente de refuerzos u otros implementos de metal. La barra que sostiene el sistema clavijero es de madera dura, construida en forma artesanal y provista de pequeñas clavijas de empotrar.

Escala aretina: Primitiva forma de notación musical de occidente. Fue ideada en Italia por el monje benedictino Guido d'Arezzo (990-c.1050). Las únicas diferencias con la actual terminología corresponden a la primera nota Ut=do. Estos nombres provenían de las primeras seis sílabas de un himno religioso de aquella época, compuesto por el poeta religioso Paulo Diacono, y dedicado a la memoria de San Juan Bautista:

"Ut queant laxis/Resonare fibris, Mira gestorum/Famuli tuorum, Solve polluti/Labii reatum"

La séptima nota actual, correspondiente a la sílaba Si, se tomó más tarde de las primeras letras del verso final de aquella estofa: (¡Sacte Iohannes!). Guido d'Arezzo fundó una célebre escuela de canto de la que salieron numerosos artistas capaces de leer las notas escritas en un pentagrama y entonar perfectamente cualquier melodía, con el único auxilio de su conocimiento del sistema de notación. Hoy se considera a este maestro italiano como un reformador del arte lírico y el creador del moderno sistema musical.

Escala cromática: Recurso de vocalización que consiste en la emisión de una nota aguda sostenida, que luego va descendiendo por semitonos hasta finalizar la frase. También se le llama en caída o en cascada. La escala cromática -que puede ser ascendente o descendente- abarca doce notas y todos los semitonos del sistema de notación moderno. Como sucesión gradual de tonos dentro de una octava, con separaciones entre sus intervalos, la escala está directamente relacionada con los modos mayor y menor del bel canto.

Escala cromática ascendente: En esta escala, los medios tonos son representados por sostenidos. Aunque en la práctica suelen confundirse, los sostenidos se producen mediante distintas vibraciones que los bemoles, por lo tanto, no significan un mismo sonido.

Escala cromática descendente:

En esta forma las notas descienden en la escala y los medios tonos se representan con

bemoles

.

Escala de modo:

Conjunto de sonidos que corresponden a un modo determinado -mayor o menor- coordinados de tal forma, que el comienzo siempre arranca con un sonido tónico.

Escala de tonos enteros:

Es la misma que se conoce con el nombre de

escala hexatónica

(seis sonidos separados por un tono de distancia).

Escala de Zarlino: Sistema tonal inventado por el célebre teórico musical italiano Gioseffo Zarlino (1517-1590). Notable polifonista e innovador de la teoría musical, Zarlino fue uno de los tratadistas más destacados del Renacimiento. En la práctica instrumental, se destacó como organista y maestro de capilla en la basílica de San Marcos de Venecia. Su obra más importante es "Istitutioni Harmoniche", un estudio profundo sobre la armonía musical, cuyas enseñanzas y reflexiones sentaron un precedente en los siglos posteriores. Aprovechando sus conocimientos matemáticos, logró fijar con notable precisión la relación numérica entre los distintos grados de la escala. Con ese propósito, creó dos formas de división para los acordes, una para los menores, llamada "divisione aritmética", y otra para los mayores, a la que dio el nombre de "divisione harmonica". Los originales de sus obras, que representan un material clave para los estudios musicológicos, se encuentran depositados en el "Royal College of Music" y en el "British Museum" de Londres.

Escala diatónica: Es la que avanza por tonos. Dentro de una octava, se combinan cinco tonos y dos semitonos. En la música sujeta los principios elementales de la tonalidad, la escala del do mayor está formada por dos tonos (do-re), un semitono (mi), tres tonos (fasol-la), un semitono (si). Este patrón sirve como base a todas las escalas mayores diatónicas.

Escala disminuida: También llamada octatónica, es la que tiene ocho sonidos. Su nombre se debe a que los grados I, III, V y VII configuran un acorde de séptima disminuida. Las distancias entre notas son variables (tonos y semitonos).

Escala hexatónica: Se llama así a la escala de seis sonidos ubicados cada uno a un tono justo de distancia. También se la suele denominar escala de tonos enteros. Claude Debussy empleó las características de esta escala en varias de sus obras.

Escala mayor: Junto con la escala menor son las dos escalas que han sido más utilizadas desde el barroco hasta la actualidad. La escala mayor comprende siete notas o grados en cada gama, la mayoría de los grados están distanciados por un tono completo, salvo los espacios comprendidos entre los grados III a IV, y el VII al I de la siguiente gama, que son semitonos.

Escala menor (natural): Como la escala mayor, está compuesta por siete notas o grados. En esta escala, los semitonos se encuentran entre los grados II a III y V a VI. Existen otros dos tipos de escala menor (armónica y melódica). La diferencia principal entre ambas reside en las alteraciones de los grados.

Escala menor armónica: Primera variante de la escala menor natural, también compuesta por siete grados. En esta escala el séptimo grado aparece alterado de manera ascendente. Cuando ocurre la alteración de la VIIª nota, se produce un acorde de dominante sobre la Vª nota. El motivo de esa alteración es de orden armónico, de allí la denominación de esta escala.

Escala menor melódica: También está compuesta por siete grados, como la escala menor natural. En esta forma aparece alterada la VIª nota. Su objeto es aligerar o canalizar el movimiento melódico que va desde el VIº al VIIº grado, eliminando la 2ª aumentada, típica en la escala menor armónica.

Escala octatónica:

Es la escala compuesta por ocho sonidos, distanciados en forma alternada a un tono y un semitono. También se la suele llamar

escala disminuida

.

Escala pentatónica: Es una de las escalas musicales más antiguas y difundidas entre las culturas primitivas del mundo. Sólo tiene cinco sonidos (del griego penta=cinco). Se conocen variantes pentatónicas en la música del norte de Europa, en el lejano Oriente y en la América precolombina. Aunque existen distintos patrones, su estructura siempre se basa en cinco notas (do-re-mi-sol-la). Esta forma carente de semitonos es la más usual, pero existen otras. La escala pentatónica goza de la predilección de los atonalistas, porque al carecer de semitonos no existen impulsos que induzcan a respetar la jerarquía de una nota tónica. Pese a sus evidentes limitaciones, la música pentatónica alcanzo un señalado relieve en la música de los siglos XIX y XX con obras de carácter folclórico y nacionalista como en la música de los siglos XIX y XX con obras de carácter folclórico y nacionalista como 1967).

Escala relativa: Se llama así a las escalas que tiene las mismas notas (equivalentes), como la escala de do mayor y la escala menor natural. Los índices de relación entre escalas se denominan relativo mayor y relativo menor. Por ejemplo: do es relativo mayor de la y la es, a su vez, el relativo menor de do.

Escala temperada: Como la escala cromática, esta variante también consta de doce notas. Resulta adecuada para la afinación de instrumentos musicales dotados de intervalos fijos (guitarra, piano). A mediados del siglo XX se estableció definitivamente la frecuencia de una nota de referencia (la₄=440 Hz.), llamada tono de cámara, sobre la cual se pueden definir las frecuencias de las demás notas.

Escala zíngara: [También se escribe “cíngara”]. Consiste en una serie de adornos musicales, inspirados en la música típica de los gitanos húngaros. La principal característica de las melodías zíngaras reside en el ritmo muy marcado y en la utilización de un determinado grupo de instrumentos, entre los que destacan esencialmente los solos de violín. Los demás componentes típicos del conjunto instrumental zíngaro son: contrabajo, violonchelo, címbalo húngaro (cembalo ungarico) y clarinete. De manera ocasional, suele aparecer también la pandereta, cuando las interpretaciones van acompañadas de bellas coreografías y danzas folclóricas, como las de Györ-Sopron, región cercana a la frontera con Austria. Una forma dramatizada, con acompañamiento de cantos y música zíngara, también se aprecia en las czárdás campesinas de Somogy, extensa planicie colindante con Eslovenia, de la que recibe una marcada influencia artística y musical. La música zíngara y sus diversas variantes, tuvieron una particular difusión entre la sociedad burguesa de la región balcánica durante los siglos XVIII y XIX. La influencia musical de los gitanos de Hungría, plasmada en reflejos denominados "all'ongarese", aparece en la música culta europea de los siglos XVIII y XIX. Sus exponentes más destacados fueron Joseph Haydn, Johannes Brams y Franz Schubert.

Escena: Proviene del griego skené. En el teatro de la Grecia clásica, era el espacio físico donde se representaba un acto teatral. Una segunda acepción, más actual, designa a los distintos cuadros o partes en las que se puede dividir una representación para lograr la mejor comprensión del contexto argumental. En la ópera contemporánea, existe una gran libertad respecto a la extensión y la cantidad de escenas que pueden integrar cada acto. Por su contenido, se suelen dividir en trágicas, descriptivas y pastorales.

Escena musical: Es la parte de un drama lírico en la que se lleva a cabo la acción teatralizada, cantada o recitada. Esto es aplicable, tanto al género de la ópera, en sus distintas variedades, como a la zarzuela y la tonadilla. En siglos pasados se llamaba así a una suerte de preludio de los duetos y las arias representadas por solistas. Son acotaciones complementarias del carácter sonoro referidas al desarrollo de la escena musical: con brío, con moto, con fuoco, etc.

Escena y aria: Voz compuesta, de origen francés (scène et air). Es una fórmula usual en la ópera clásica, que comienza con una primera parte en recitativo (escena), sigue a continuación la parte cantada (aria) y finaliza con un allegro breve.

Escobilla: Adminículo formado por un mango de madera o fibra plástica, provisto de filamentos de acero que sirve para producir un sonido especial por roce sobre la superficie de algunos instrumentos musicales, especialmente en los platillos y cajas de la batería. En algunos países hispanoamericanos también recibe el nombre de escobeta.

Escocesa: Danza antigua, en compás ternario, con raíces celtas. Se hizo popular en Alemania y Francia desde el siglo XVIII. Dentro de la serie de danzas y otras piezas para piano, Beethoven compuso "Seis danzas escocesas", escritas entre 1805 y 1806. Años después, escribió otras dos, sin título pero del mismo estilo, que fueron publicadas en 1825, junto con una colección de valses, rondós y bagatelas.

Escenografía: Es el arte de la perspectiva, la referencia virtual de la historia que se está representando en un escenario. Su función es complementar el mensaje sonoro de la música identificando la idea del argumento mediante la representación plástica del ambiente, la decoración, la ropa de época, etc.

Escolanía: Coro infantil perteneciente a un centro religioso. Su principal función es realizar los cantos durante las ceremonias del culto. La Escolanía de Montserrat, con sede en el monasterio del mismo nombre en Cataluña, es una de las agrupaciones corales más célebres del Europa.

Escondido: Baile tradicional de la Argentina. Dotado de una bello juego coreográfico, donde el hombre y la mujer simulan "esconderse" mutuamente ante los requiebros amorosos que ambos se prodigan en forma alternativa. De allí su nombre. Se tiene constancia de su existencia desde principios del siglo XIX y su área de difusión comprende la mayor parte de las provincias andinas, del centro y noroeste del país. La coreografía tiene una variedad de figuras propias, como la actitud de esconderse saliendo del marco de la danza, arrodillarse, palmotear, etc. La introducción, de 8 compases, da lugar a la primera parte que tiene vueltas, búsqueda, escondidas y zapateo por parte del varón, mientras que la mujer realiza zarandeo, vuelta, media vuelta y giro. Finaliza con la coronación.

Escotaduras: Son dos hendiduras alargadas con forma de semicírculo que existen los instrumentos de arco, a la altura del puente y en ambos lados de la caja de resonancia. Su función es permitir el libre movimiento del arco sobre las cuerdas externas. (violín, viola, violonchelo, contrabajo). También se le llama arco medio o arco cóncavo.

Escritura de canon:

Denominación antigua que se solía dar a todas las formas de escritura contrapuntística.

Escritura musical: Conjunto sistemático de signos, figuras y palabras abreviadas que se pueden escribir sobre un pentagrama, permitiendo -a quienes estén instruidos en la teoría y la práctica de la música- comprender el contenido de cualquier composición melódica.

Escuela de Arcueil: Escuela de la vanguardia musical parisina, fundada en 1923 por el compositor francés Erik Satie (1866-1925). Lleva el nombre de un barrio suburbano de París. Integraron este grupo: Maxime Jacob, Henri Sauguet, Roger Désormière y Henri Cliquet-Pleyel. La curiosa tendencia musical de la École d'Arcueil fue un símbolo de la revolución estética de los años veinte. Sus formas novedosas, que parecían inspiradas en las badineries de los locales musicales de Montmartre, preconizaban una libertad creativa contraria a todas las reglas tradicionales de la armonía. El estilo luego generó numerosas tendencias que fueron apareciendo con mayor o menor suerte a lo largo del siglo XX.

Escuela Franco-flamenca: Escuela de compositores de los siglos XV y XVI, que tenía sus sedes principales en las ciudades de Rotterdam, Bruselas, Amberes y Amiens. El área de difusión de esta escuela, en el período de su mayor actividad creativa, comprendía Bélgica, Holanda, Luxemburgo y el norte de Francia y la cuenca del Ruhr. Su estilo de polifonía y contrapunto vocal tuvo un gran predicamento en la música europea occidental durante aquella época. Sus obras eran muy populares y bien reconocidas. Destacan entre ellas el ordinarium de misa, la chanson francesa, el madrigal polifónico (al estilo flamenco), el motete, etc. Entre sus miembros más destacados se pueden recordar a grandes maestros como Gilles Binchois (1400-1474), Johannes Ockeghem (1430-1479), Guillaume Dufay (1400-1470) y Josquin Des Prés (c. 1450-1521). Las obras creadas e inspiradas en el seno de esta corriente artística, de notable sensibilidad musical y fuerte personalidad, contribuyeron en buena medida al desarrollo musical del Renacimiento.

Escuela post-weberiana: Corriente musical de vanguardia, surgida a mediados del siglo XX y constituida por seguidores del estilo creado por el compositor austríaco Anton von Webern (1883-1945). Las técnicas creativas de esta filosofía musical aparecen estrechamente ligadas a los conceptos fundamentales del serialismo integral. Entre las formas compositivas del estilo post-weberiano pueden citarse también algunas características típicas del puntillismo y la melodía de timbres (die Klangfarbenmelodie). Destacando entre ellas la dispersión del sonido a través de distintos planos sonoros, los saltos tímbricos recurrentes y en particular una forma de orquestación difusa en la que se suele intercalar de manera esporádica una gran variedad de temperamentos sonoros y motivos melódicos independientes. Está relacionada con la denominada segunda escuela de Viena, creada por Webern, junto Arnold Schönberg y Alban Berg.
Escuela Suaba de lied: Creada a fines del siglo XVIII, destaca especialmente por las formas de lied para piano. Entre los precursores de esta escuela musical se encuentra el compositor bohemio Christoph-Willibald Gluck (1714-1787). Su obra consagrada a la estructura melódica del lied comprende una de laspiezas claves del clasicismo (“Odas y Canciones de Klopstock” escritas en Viena entre 1785 y 1786). Gluck fue también el autor de célebres óperas, cuyo contenido dramático supo plasmar en el contexto del lied (“Alceste”; “Armida”; “Orfeo y Eurídice”; “Ifigenia en Aulis”; “Ifigenia en Tauris”).

Escuela Veneciana: La capital del Véneto fue desde el siglo XVI uno de los polos de irradiación de la cultura musical en gran parte de Europa. Su característica era la perfección del acompañamiento instrumental, tanto con los conjuntos corales, como en la interpretación vocal individual o en el alarde del concertino. Los instrumentos de cuerda que destacaban en aquella época eran violines, violas y violones; entre los de viento sobresalía el fagot, y entre los metales había clarines, trompetas y trombones. Otra innovación característica de esta época fue la intervención de varios modelos de órganos, instalados en distintas ubicaciones, dentro del área de ejecución musical, aprovechando las características acústicas del lugar. Usualmente se empleaba un órgano grande y fijo, con numerosos registros para el acompañamiento de los solos y otro portátil, de menor tamaño, llamado alternatim, que se instalaba cerca de los cantantes con el objeto de seguir de cerca las evoluciones del coro dentro de la basílica. En San Marcos de Venecia se descubre entonces la excelsitud de un nuevo estilo polifónico, colorido, brillante e impregnado de un hondo misticismo. En esta época destacan los grandes maestros de capilla, como Giovanni Croce, Giulio Cesare Martinengo y Claudio Monteverdi. Muchos de ellos trascienden las fronteras de Italia, por su genio creativo y conductor de armoniosos conjuntos musicales.

Eses: Denominación del sonido mi doble bemol en la terminología musical alemana. En Francia y los países de la francofonía se emplea el nombre mi double bémol. La nomenclatura inglesa se indica E double flat.

E sharp:

Nombre del sonido

mi sostenido

en la terminología musical inglesa. Equivalente de

Eis

en alemán y

mi dièse

en francés.

Espacio (pautado): Distancia comprendida entre dos líneas consecutivas del pentagrama. Cada grupo de cinco líneas paralelas consta de cuatro espacios. De acuerdo con las necesidades de la melodía (notas más graves o agudas) se pueden agregar espacios y líneas adicionales, tanto en la parte inferior como en la superior del pentagrama.

Espacio acústico: Ámbito donde convergen o se expanden la ondas sonoras. En música se aplica al medio acústico que permite la audición del sonido emitido por la voz humana o los instrumentos.

Especie: En la composición musical, se llama de esta manera a cada una de las voces. Estas se dividen en consonantes y disonantes. Entre las voces disonantes se distinguen dos clases: las perfectas y las imperfectas. La palabra deriva del latín (species=variedad).

Espectro sonoro: Del latín (spectrum). Una de sus diversas acepciones es “imagen”. El espectro sonoro se refiere a las metáforas sugeridas por determinados sonidos o visiones. Henrik Ibsen da esa idea de relación entre la imagen y el sonido, a través su obra dramática “Espectros”. A diferencia de la pintura, la escultura o la arquitectura, que también son formas de arte -bidimensionales o tridimensionalespero estáticas, la música y la declamación configuran un espectro envolvente sonoro y ambiental, cuyos límites sólo responden a la capacidad auditiva, la sensibilidad y la preparación intelectual del oyente.

Espejo: Forma o estilo de composición musical que exige un notable virtuosismo. Se trata de una pieza que puede leerse tanto de izquierda a derecha como en forma inversa, y que en ambos sentidos la melodía sea perfectamente reconocible, tal como si se colocara la partitura junto a un espejo. Un ejemplo bien descriptivo de dos bellas fugas en espejo, aparece en la obra titulada "El Arte de la Fuga" de Johan Sebastian Bach (1685-1750). El orden de las partes de cualquier composición musical en espejo suele ser siempre estricto, admitiéndose únicamente variaciones en las claves y las alteraciones.

Espineta: Pequeño instrumento del tipo del clave, con las cuerdas paralelas al teclado, y accionadas por un teclado rudimentario. Su nombre castellano es un derivado del italiano spinetta. En algunos países se le llamaba virginal. El mecanismo de la espineta, relativamente sencillo, gobierna una sola cuerda por nota. La caja, exquisitamente decorada con pinturas y adornos barrocos, puede tener forma oblonga o triangular.

Espineta de arco: Instrumento musical francés, de cuerdas y teclado. Data de 1770. Fue inventado por Renaud en la ciudad en Orleans. Funcionaba mediante un arco de crines que se desplazaba realizando el efecto de una correa continua. Su sonido era bastante agudo y se desafinaba con frecuencia. Sólo tiene un interés histórico para conocer el desarrollo de este tipo de cordófonos en la época inmediatamente posterior al barroco.

Espineta sorda: Instrumento de la familia del clave y el clavicordio, al que también se conoce con el nombre de manocordio. Los apagadores de esta variedad de espineta poseen un mecanismo que ahoga notablemente el sonido. A ello debe su sobrenombre.

Espíritu teatral: Antigua denominación que recibía la inspiración del drama clásico, íntimamente relacionado con la música y la poesía. En Francia se solía denominar "l'esprit du théâtre" a la idea germinal del acto escénico. Un ejemplo clásico de tal asociación de ideas es la loa. Esta obra breve, sólo tenía la facultad de preparar el espíritu del espectador para la verdadera satisfacción que debía causar la obra principal, a la que acompañaba como un tandem, aunque su sentido fuese bien distinto. Con la simultánea puesta en escena de un acto breve -opuesto en su sentido al de la obra esencial- se intentaba demostrar el profundo sentido de la tragedia frente a otras demostraciones artísticas.

Espondalias:

Música griega antigua. Denominación tradicional de unos conciertos corales que se realizaban en Atenas con motivos de sus celebraciones religiosas.

Esrar: Instrumento musical de la India. Pertenece a la gran familia de los cordófonos de arco. En algunas regiones lo llaman sarangie. Ambos pertenecen al grupo de las cítaras. El esrar posee cinco órdenes de cuerdas simples y fijas a un largo mástil, además de otras once libres, que vibran por simpatía. El mástil presenta dieciséis trastes de latón incrustados sobre la superficie del diapasón. La caja armónica suele ser de calabaza decorada o también de madera tallada.

Establecimiento de partitura: Es el acto de revisar y seleccionar la versión definitiva de una obra musical. Esta tarea de investigación e interpretación suele realizarse después que el autor ha fallecido, cuando existen varias versiones diferentes o la única disponible se halla incompleta. La ópera "Merlín", de Isaac Albéniz fue escrita a fines del siglo XIX sobre un argumento del autor inglés Francis Burdett, siguiendo el estilo dramático de las leyendas wagnerianas. La ópera -que nunca había sido estrenada- presentaba una gran dificultad técnica para su interpretación, debido a que la partitura original, la única existente, se hallaba incompleta y "plagada de errores" según la afirmación de su propio autor en una carta dirigida a su editor. Tras la búsqueda en diferentes repositorios musicales y el establecimiento de la partitura definitiva, la obra pudo ser estrenada en Madrid en 1988.

Estado permanente: Terminología propia de la música electrónica. Se refiere a la fase intermedia del efecto envolvente. Dentro de la curva de intensidades del sonido en el tiempo, esta fase comprende el tramo donde el sonido no modifica su nivel de intensidad. Las parte previa a esta fase intermedia se conoce con el nombre de ataque y la que concluye se llama caída.

Estampida: Canción y baile contemporáneo de la trovadoresca provenzal del siglo XII. La música de esta variedad rítmica es de condición movida y alegre. En las fiestas y celebraciones populares se acostumbraba interpretarla con el aporte instrumental de flautas y clarinetes. El compositor Michael Praetorius se refiere a ella en su obra "Syntagma Musicum". Entre sus cultores más destacados pueden citarse a los trovadores Rotger d'Ambray y Raimbaldo de Vaqueiras. Es posible que la letra proceda de una variante popular de la antigua poesía lírica francesa, que se cantaba con el propósito de marcar los pasos en el baile. Vaqueiras compuso una colección de serventesios, dedicados a la tercera cruzadas a Tierra Santa (1189-1192), cuya ligereza y eufonía recuerdan las modulaciones armónicas de la estampida.

Estampida-rota: Binomio formado por dos tipos de danzas medievales que respondían a un argumento común y cuyo contexto musical integraba la suite primitiva. Fue un estilo que estuvo en boga con anterioridad al periodo del Renacimiento. En ciertos aspectos era similar a la actual sardana. Algunas entidades dedicadas al estudio y desarrollo de las danzas folclóricas europeas intentan recuperarla por la riqueza de su coreografía.

Estancia: Denominación que reciben las estrofas de una de una canción en el arte lírico. El acento de los versos debe estar directamente relacionado con el movimiento de las frases melódicas.

Estancia conclusiva: Última estrofa de la canción lírica, generalmente de menor extensión que aquellas que la preceden. Las estancias conclusivas suelen estar compuestas por versos endecasílabos. Cumplen la función del estribillo y suele cantarse en contrapunto. En este caso, se produce un bello efecto sonoro entre los cantantes solistas y el coro.

Estenógrafo musical: Aparato que permite escribir automáticamente las notas musicales durante una improvisación ejecutada en el piano. Fue creado por Alexandre François Débain (1809-1877), un fabricante francés que creó y perfeccionó varios instrumentos, entre ellos, el harmonium, el armonicordio y el piano mecánico que lleva su nombre.

Estereofonía: Técnica de reproducción de los sonidos que permite brindar al oyente la máxima calidad en lo que respecta a intensidad, timbre, altura y volumen. También permite tener la sensación de ubicación o localización del instrumento emisor del sonido dentro del conjunto orquestal.

Estética musical: Es una rama de la musicología general. La estética pura (del griego aisthetikós) es el método filosófico que permite apreciar la belleza intrínseca del arte y la naturaleza en todas sus formas. La estética musical defiende la integridad de los principios de la perfección como un fundamento inamovible, del cual depende el resultado final de una obra artística. Siguiendo es norma, analiza el concepto metafísico de la eufonía desde el punto de vista de la armonía subjetiva. Y esto se produce de tal manera, que el esteta musical puede determinar los auténticos valores de la armonía en composiciones de diferente origen o escuela. Ello se da también en casos opuestos y hasta distanciados por principios elementales e históricos, como ocurre con la música techno, si se la compara con las formas tradicionales del barroco. El rigor formal del neoclasicismo es otro de los ejemplos enfrentados a las innovaciones del serialismo integral.

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Materia de la musicología. Analiza las características de los géneros y su diferentes versiones de cada obra,
encuadrándola en su respectiva escuela musical, la época y el estilo personal de cada autor.

Estilo: Cada autor o compositor tiene un estilo propio que acoge y comprende el público. Es como el sello de su personalidad. Giacomo Puccini (1858-1924), fue uno de esos grandes creadores cuyas obras son únicas e irrepetibles. Cuando falleció, en 1924, quedó inconclusa la escena final de su última ópera "Turandot". Esa parte fue terminada por el compositor Franco Alfano (1876-1954) con el objeto de dejar establecida la partitura definitiva. Alfano, director del Conservatorio de Turín y músico de reconocido prestigioso, era autor también de varias óperas muy celebradas, entre las que pueden citarse "Resurrección" y "Cirano de Bergerac". El 25 de abril de 1926, en ocasión del estreno póstumo de "Turandort" en el Teatro Alla Scala de Milán, Arturo Toscanini interrumpió la representación justo donde la había dejado Puccini y dirigiéndose al público, mientras el telón bajaba lentamente, dijo: "aquí termina la obra del Maestro". El gran director y admirador de Puccini, embargado por la congoja, no pudo seguir dirigiendo la orquesta esa noche. A partir del día siguiente y desde entonces la ópera "Turandot" se ha representado con el final del maestro Alfano.

Estilo canónico:

Del canon. El que se emplea en el canto religioso. Es un término equivalente al estilo eclesiástico.

Estilo coraico: Es una forma lírica de la antigüedad derivada del griego (choreios). Durante la Edad Media se denominaba así a los modos o formas musicales cuyo fraseo estaba relacionado con la poesía coraica (variedad de verso griego y latino). En España, durante el siglo XIX se conocía con el nombre de estilo coraico al que interpretaban los cuartetos vocales dentro de ese estilo. El pie coreo se compone de dos sílabas, una larga y otra breve.

Estilo dramático: Propio de la tragedia. En la ópera y todas las variantes del género, está ligado al estilo recitativo. Existe un evidente paralelismo entre los diferentes estilos y la creación musical que envuelve la escena, de allí que también se hable en términos ideológicamente relacionados, como puede ser la música dramática o el drama lírico. Los italianos la llaman dramma in musica. La ópera en tres actos "Tristán e Isolda", de Richard Wagner, es un ejemplo clásico del drama musical basado en motivos relacionados entre sí a través de simetrías melódicas y conjuntos de sonidos que mantienen siempre presente el carácter dramático de la obra.

Estilo galante: Del francés (style galant). Forma musical suave y encantadora que floreció en París durante el siglo XVIII. Las composiciones escritas siguiendo sus reglas son más apropiadas para los conciertos de cámara que para las representaciones públicas multitudinarias. El "Concierto en do mayor para flauta, arpa y orquesta" (K 299) de Mozart, es un perfecto ejemplo de esta bella variedad instrumental, cuyos tres movimientos se ajustan de manera sucesiva a las formas allegro, andantino y rondó.

Estilo (pampeano): Especie lírica tradicional en Argentina y Uruguay. Es una forma de expresión libre que fue muy popular durante el siglo XIX, especialmente en la llanura pampeana. En la actualidad se sigue practicando en los círculos folclóricos. Suele cantarse sobre un patrón rítmico elemental, donde el cantor improvisa o puede modificar la melodía a su gusto. La letra del estilo pampeano, también llamado “surero”, suele proceder de refranes y poesías de carácter gauchesco. La forma de interpretación muestra tres variantes bien definidas:

1) Estilo de cantor solo: variante individual, usual en el cantor solitario, aunque también se puede practicar en la forma tradicional de la payada gauchesca [contrapunto de guitarras y voces].

2)

Estilo entre dos cantores

: interpretado a dúo de terceras. Es la manera simultánea, más común dentro del estilo pampeano.

3) Estilo cruzado: En esta variante los cantores ejecutan su canto en forma alternativa y de la misma manera que en los tonos cruzados, como los payadores uruguayos.

Estilo (norteño): Es similar al anterior, aunque su forma muestra una marcada influencia del folclore tradicional andino. Por su distribución geográfica actual, pueden considerarse dos modalidades:

1)

Estilo antiguo

: presenta dos temas expresados a través de una forma de ritmo libre. Se divide con interludios de guitarra punteada.

2)

Estilo escala bimodal

: interpretado

Estinguendo: Equivale al término diminuendo. Se trata de otra manera de indicar que un aria debe ir extinguiéndose muy lentamente hasta dejar de ser audible. Es un recurso descriptivo usual en la música de ópera, que se practica generalmente por razones argumentales, por ejemplo: la muerte de un personaje en escena. Otro término itálico que se suelen emplear para señalar este mismo efecto sonoro es "estinto" (extinguido).

Estíquica: Forma poética libre, usual en la letra de ópera, compuesta por una sucesión armónicamente equilibrada de los versos. Su estructuración obedece a las reglas de la eufonía. En la literatura castellana, hallamos este tipo de composición en los cantares de gesta del siglo XII. A partir del Renacimiento, con la aparición en Italia del verso endecasílabo, la fórmula estíquica vuelve a adquirir preponderancia. Esta particularidad, dentro de la técnica del verso libre, se debió al redescubrimiento de los autores grecolatinos y la influencia que aquellos ejercieron en el neoclasicismo del siglo XIX. Un ejemplo tradicional de esta forma, adaptable a un gran espectro de posibilidades sonoras, son las "Soledades" de Luis de Góngora. Creadas con un desarrollo casi escénico, las primeras composiciones de esta preciosa serie del poeta cordobés juegan con la dinámica de los sonidos, la curiosidad de las metonimias y los versos traspuestos, que en su constante movimiento forman melodías plenas de ritmo y riqueza estilística. Estocástica: Del griego (stochástikos=conjetural). Adjetivo relacionado con la música del siglo XX, compuesta mediante métodos informáticos basados en la aplicación de las variables del azar a la creación melódica. Los resultados de estos experimentos aún se hallan en el terreno de la investigación, por lo tanto, no siempre resultan satisfactorios. Aunque la música estocástica puede resultar cacofónica o incoherente para el oído no iniciado, cuenta con una gran cantidad de adeptos.

Estrecho: Del italiano (stretto). Se llama así al momento culminante de la fuga. Cuando los cantantes interpretan la melodía estrechando sus entradas, de tal forma que la segunda voz comienza su parte después que ha iniciado la primera, la tercera inmediatamente después de la segunda y así sucesivamente.

Estribillo: Diminutivo de estribo. Es una cláusula en verso que estriba en un detalle singular del texto, enfatizando su sentido como sujeto determinante de la letra. Suele dar comienzo a ciertas obras de carácter lírico y que se reitera al finalizar cada estrofa. En la poesía antigua era la parte final integrante del zéjel, la letrilla, el villancico, las cantigas de amigo, etc.

Estribillo (lírico): También se llama de esta manera a un dicho o muletilla breve, de carácter jocoso, que se repite una y otra vez durante el desarrollo de la obra. En la letra de ópera designa a uno o varios versos de carácter que se repiten regularmente a lo largo de la composición textual.

Estribillo (instrumental): Fragmento instrumental que se suele intercalar en los números cantados de algunas óperas y comedias musicales. Debido a su corta duración, y sólo en algunos casos particulares, el estribillo instrumental puede ir colocado al comienzo o al final de la actuación vocal.

Estridulador: De estridular (rechinar, crujir, chirriar). Denominación genérica para una serie de instrumentos idiófonos de carácter folclórico. Producen una variedad de sonidos estridentes y continuados por la frotación de un macillo de madera dura contra otra superficie estriada (güiro, reco-reco, raspador de bambú, rubel, algunas matracas, como la trechtchotka rusa, etc.).

Estro: Entusiasmo o ardor poético. Proviene del latín (oestrus), y éste del griego (oistros=tábano, aguijón) Un significado simbólico relaciona a esta curiosa palabra con el impulso creativo de los músicos y poetas. Define la fuerza que siente el compositor para exteriorizar sus sentimientos y dar a conocer su creación intelectual. La obra más conocida y divulgada del compositor y violinista veneciano Benedetto Marcello (1686-1739) lleva por título: "Estro poetico-armonico". Se trata de una colección de cincuenta paráfrasis de salmos religiosos, compuestos para solistas, varias voces combinadas, actuación de coros y bajo continuo. Los textos de obra -muy popular en su tiempo- pertenecían al religioso dominico Agustin Giustiniani (1470-1536).

Estrofa: Cada una de las partes compuestas por un mismo número de versos y organizadas con la misma secuencia dentro de un poema o canción. Voz proveniente del griego (strophé) cuyo significado es "reiteración" o "de vuelta". El nombre se refiere a la repetición de la forma estrófica (medida, rima, etc.) dentro del desarrollo de una composición poética. En la lírica coral de la Grecia clásica se llamaba estrofa a la primera parte de un canto, antistrofa a la segunda y epodo a la tercera. Según la naturaleza de sus versos la estrofa se dice que es pareada, en terceto, manriqueña, etc. En el arte lírico la estrofa también se suele denominar estancia.

Estrofa lírica: Escrita esencialmente para el canto, es la parte vocal que por momentos acompaña a la melodía y en otros la va guiando a través de las diferentes modulaciones. Entre las composiciones poéticas, la que posee una armonía más elaborada y sujeta al orden perfecto de las consonancias.

Estructuras sonoras: Denominación propia de la producción musical contemporánea. Suele aplicarse a una diversidad de métodos o sistemas que permiten ordenar los sonidos mediante métodos no convencionales. En términos específicos se refiere a la técnica del bruitage o la coordinación creativa de los distintos recursos electrónicos, ordenados mediante una secuencia de módulos musicales. Destaca en este campo de la vanguardia melodista el músico, teórico y disertante francés Nicolas Schöffer. Su serie de composiciones, llamada "Estructuras sonoras" (1982-1983), se basa en el arte de la programación rítmica y tímbrica a través de procesos electrónicos. Por este método, Schöffer ha compuesto una variedad de espectáculos cibernéticos, música para el cine: "Percussonors, basculantes et hydrothermochronos" (1989).

Estudiantina: Conjunto musical integrado por estudiantes universitarios que van por las calles interpretando canciones populares. Los instrumentos básicos que emplean estos grupos suelen ser de tres tipos. 1) Cordófonos portátiles: (guitarra, laúd, viola, mandolina) 2) Aerófonos: (flautas dulce o travesera) y 3) Percusión: (caja, redoblante o pandero). Muchas organizaciones de este tipo alcanzaron notoriedad internacional -como la célebre estudiantina cubana de la provincia de Oriente, o las estudantinhas portuguesas de Coimbra- que a través del tiempo lograron preservar el nombre y el espíritu romántico que las anima. En España se conocen con el apelativo de Tuna.

Estudio: Forma de composición musical pensada para un nivel más alto que el simple ejercicio. En consecuencia, su práctica entraña concordancia con las prácticas más avanzadas.

Esué Cribó: Canto afrocubano del siglo XIX instrumentos idiófonos y de percusión (maracas, tamboriles, raspadores de bambú, tumbadoras). Procede de la hermandad "ñañiga" y se acostumbraba interpretar junto con otras variantes similares de la música popular caribeña, como el "Mocongo machaveré" o el "Hocicó dinán diná". El acompañamiento con percusión del "Esué cribó" posee un compás alegre y pegadizo, muy parecido a la batucada de los brasileños.
un mayor grado de dificultad, en

con el ritmo marcado por diversos

Étalonnage: Vocablo musical francés, cuya traducción es "contraste". Aparece en el barroco del siglo XVIII para indicar una fuerte diferencia entre dos arias consecutivas, cuando la segunda se debe interpretar después de un gesto o un acontecimiento pleno de tensión dramática. También se puede aparecer escrito, con el mismo sentido, el término sinónimo "étalonnement".

Éteint: Del mismo origen y época que el vocablo anterior. Significa "apagado" y se emplea principalmente en la música de ópera para indicar un efecto similar al de las palabras estinguendo o diminuendo.

Ethos hipodórico: Fórmula modal de la antigua música griega. Su estilo aún se conserva en algunas piezas tradicionales del folclore heleno, particularmente entre los pueblos de la costa del mar de Tracia, y también, en el folclore musical de las islas Cícladas. Es un estilo melódico altamente expresivo, dotado de tonalidades profundas y moderados por extensas modulaciones. En la lírica occidental, su potente sonoridad establece un nexo directo con las escenas de tutti, plenas de ecos magníficos y grandiosas escenografías, propias de la Grand Opéra. El ethos hipodórico se distingue por la resolución de sus compases, pero también por la estrecha relación con los sentimientos magníficos expresados en la escena, como el estoicismo o la resignación.

Ethos dórico: Es el actual modo menor diatónico. Se identifica con la austeridad. La sencillez en los conceptos básicos de la composición musical no impide la perfección del concepto expresado mediante sonidos descriptivos.

Ethos frigio: Indica pasión. Ideal en la expresión lírica. Sus formas melódicas suelen hallar un derrotero directo a través de los sentimientos individuales del oyente, o el espectador, en el caso de la ópera. Sus características modulaciones, reflejan el colorido de las escenas cantables, inspiradas casi siempre en antiguos mitos y leyendas populares.

Ethos rítmico: Fórmula modal descripta por los teóricos medievales. Sus conceptos generales nacen con las formas musicales de la antigua Grecia. La aplicación práctica de sus diversas características se apoyaba esencialmente en el movimiento rítmico y en el efecto expresivo de cada una de las variantes tonales. Según el pensamiento de los primitivos analistas, el término griego ethos, servía para designar el contenido expresivo y la potencia espiritual de los modos. Aquella corriente estética sirvió para fundar las bases de la actual musicología y permitió establecer nociones bien definidas respecto a la incidencia los modos en el desarrollo de cualquier creación melódica. Indagaron y escribieron sobre este particular los teóricos latinos Boecio⁴⁸ y Casiodoro⁴⁹.

Etnología musical: Término compuesto por las raíces griegas (ethnos=pueblo; logos=estudio o conocimiento de una determinada materia, y musiké=música). Es la ciencia que estudia el arte musical de las sociedades primitivas en el contexto de sus propias tradiciones culturales. También se la conoce con el nombre de etnomusicología. La variedad de conocimientos provenientes de la etnología musical es una inagotable fuente de recursos estilísticos, sonoros y narrativos para compositores y libretistas de ópera. Muchos ejemplos del arte lírico, como el drama con música en un acto "Die glückliche Hand" (La mano feliz), o el monodrama "Ewartung" (La espera), ambos del compositor austríaco Arnold Schömberg (1874-1971), nutren su inspiración en las tradiciones culturales de ciertos pueblos o grupos sociales, cuyos profundos atavismos, usos y costumbres han servido de idea a los respectivos argumentos.

Etnomusicología: Tiene el mismo significado que el término anterior. Hasta fines del siglo XIX y principios del XX se llamaba musicología comparada, debido a una serie de principios generales cuyas normas valían para orientar los estudios correspondientes a esta

⁴⁸ Boecio, Anicio Manlio Torcuato Severino (470-c.525): [Boetius]“De Institutione Musicae Libri V”

⁴⁹ Casiodoro, Flavio Magno (c. 480-c. 560). Ilustre cuestor y senador del Imperio Romano, fue uno de los escritores más brillantes de su tiempo. Puede considerarse a Casiodoro, como el más importante entre los continuadores de la obra didáctica de Boecio, y uno de los primeros divulgadores del primitivo canto eclesiástico. Entre sus trabajos de investigación humanista, se cuenta una importante Teoría de la Música, que comprende desde la antigüedad hasta los comienzos de la Edad Media. Los trabajos de investigación musicológica de Casiodoro incluyen descripciones de instrumentos de la época, como el oboe, la flauta y el primitivo órgano hidráulico.

ciencia. La etnomusicología tenía entonces por función el análisis comparativo del patrimonio musical europeo y las otras manifestaciones procedentes del resto del mundo, a las que se consideraba de un nivel evolutivo inferior. En la actualidad, el concepto que se aplicaba para considerar la complejidad y la eufonía de las distintas formas de composición musical -cualquiera fuera su procedencia- ha variado notablemente. Esto se debe a la correcta identificación y al estudio analítico de las distintas corrientes o estilos musicales, catalogados de acuerdo la época, la ubicación geográfica y el grupo étnico al que pertenece cada manifestación.

Étouffé: Vocablo particular para los instrumentos de percusión como los timbales, tambores, bombos o redoblantes. En francés significa "ahogado". Se refiere al efecto de ahogar o apagar de inmediato la vibración que producen estos instrumentos al ser golpeados con el macillo. El procedimiento más directo y efectivo consiste en apoyar la palma de la mano sobre la membrana para evitar la vibración de la misma y en consecuencia, también el sonido.

Eudronía: Tocata de flauta en honor del dios Zeus, que se solía interpretar en la antigua Grecia durante los juegos musicales y escénicos de Argos. Fue una forma primigenia del oratorio.

Eufona: Denominación común de un singular instrumento del grupo de las fisarmónicas, inventado en Alemania, a fines del siglo XVIII (Witemberg, 1790). Está compuesto por una caja oblonga, de madera de cedro, que sustenta 42 pequeños tubos de cristal de Baviera, dispuestos en escala sonora y que vibran por rozamiento mecánico. La estructura de madera servía de soporte y cuerpo de resonancia. También se conoce a este instrumento con el nombre de eufono musical. Gozó de cierta popularidad durante el siglo XIX, cayendo luego en el olvido. En la actualidad, es una pieza curiosa, en las colecciones temáticas y museos de instrumentos musicales. Últimamente se han realizado experiencias prácticas, intentando complementar o integrar los ecos cristalinos de este idiófono, con los sonidos naturales de otros instrumentos de viento y percusión.

Eufonía: Efecto sonoro agradable. Vocablo proveniente del compuesto griego euphonia (eú-phooné=sonar como la voz). Se refiere a la concordancia de los valores tímbricos y melódicos que se pueden lograr con la musicalidad de las palabras cantadas. El antónimo es cacofonía.

Eufonicón:

Cordófono voluminoso, inventado por los fabricantes Crauser y Béale en 1842. Compartía algunas características del

armonio

, el

arpa

y el

piano

.

Eufonio de Sommer: (Sommerphone). Instrumento de viento inventado en 1843, que pertenece a la serie de los metales. Por su sonoridad particular y la forma estructural tiene un cierto parecido con el figle u oficléide. A principios del siglo XX dejó de utilizarse y fue sustituido por la tuba de pistones. En algunos tratados musicales este instrumento aparece citado con el nombre euphonium

Eufonización: En la técnica del canto lírico se llama así al acto de otorgar eufonía a la expresión recitativa, suprimiendo, agregando o alterando el orden de algunas letras o sílabas que puedan resultar disonantes.

Eufonizar: Término operístico. Dar armonía y elegancia al canto, adaptando timbres y tonalidades adecuadas al texto. Técnica imprescindible en el recitativo.
Eufono (adjetivo): Referido en general al sonido dulce, apacible y armónico. También se aplica a la belleza de la voz, cuando ésta es suave, bien modulada y sin estridencias. Es una derivación del latín (vox euphoniae).

Eufono (idiófono): Otra variante del instrumento idiófono, de la familia de las fisarmónicas, también divulgado con el nombre de eufona. Los ejemplares conocidos en la actualidad, están dotados de una extensión cercana a las dos octavas, con sus respectivos semitonos

Eumatia: Nombre de otro idiófono, de fines del siglo XVIII, con aspecto similar a la eufona y provisto de similares características sonoras. La coincidencia de esa variedad de nombres parecidos -muchas veces aplicados al mismo instrumento- se debe al significado del prefijo griego “eu” (bello).

Eumelia: Perfección en el arte del canto. Se refiere especialmente a la correcta dicción en la expresión del arte lírico. Es un término de origen griego, que también fue empleado por los autores latinos.

Eumenidias: Ceremonias rituales que se celebraban en Atenas, en ocasión del sacrificio colectivo, realizado cada año para aplacar a las Euménides [las furias] deidades de la mitología griega, relacionadas con los demonios de la naturaleza. Los cantos y danzas (eumenideas) adquirían un ritmo vertiginoso, girando sin cesar como un torbellino, al compás de broncos redobles de tambores que imitaban el trueno y sonidos de trompetas, con su timbre agudo y ululante que remedaba el estallido del relámpago. En el folclore tradicional de algunos pueblos del Peloponeso, aún se conservan piezas musicales, cuyo estilo y coreografía recuerda vagamente el trasunto de aquellas antiguas manifestaciones populares.

Eumolpidas: Del griego (los que cantan bien). Es una voz antigua, derivada del teatro heleno. En sus orígenes, tenía un sentido místico, relacionado con los ritos dionisíacos y con la leyenda de Eleusis. El nombre eumolpidas representaba, entonces, la más pura dignidad religiosa y estaba envuelto en una tradición de siglos. Fue el título simbólico de reconocimiento a una casta sacerdotal que ostentaba privilegios sociales. La magia de los sonidos desempeñaba, para sus seguidores, un papel determinante en aquel lejano rito musical emparentado con la tragedia clásica: “llegados desde las esferas celestes, donde se halla el puente que une las regiones del alma, los eumolpidas se elevan al firmamento, al son de una música divina, para ir en busca de la morada de los dioses” 50.

Euneides: Nombre de ciertos músicos atenienses, encargados de tañer una variedad de cítara ritual, que sólo se empleaba durante las ceremonias de los sacrificios a sus dioses. En algunos tratados musicales, aparece escrito “eunides”.

Euphonicon: Especie de piano vertical. Es un instrumento mixto, inventado a mediados del siglo XIX, cuyo sistema o mecanismo sonoro reunía características técnicas, tanto del piano, como del arpa. Debido a su tamaño y complejidad dejó de fabricarse pocos años después.

⁵⁰ Eumolpidas. Ed. Thrakikón Pélagos. Atenas, 1913.

Euphonium: Nombre con el que se conocía en los países de habla inglesa a la tuba menor en si bemol y al eufonio de Sommer o Sommerphone, aunque existen algunas variantes en la tesitura. Se conoce en las categorías de barítono con cuatro válvulas y afinado en si bemol. A partir del siglo XX, cuando la terminología musical comenzó a normalizarse, esta denominación fue cayendo en desuso. En la actualidad sólo figura en las traducciones de catálogos de aquella época.

Euritmia: Del griego (eurythmía). En música se refiere a una combinación equilibrada y armónica de los sonidos. También indica la correspondencia entre las distintas jerarquías de las notas musicales y la acertada disposición de todas las partes de una composición melódica. Es lo mismo que rítmica. Como disciplina analítica, estudia los diferentes tipos de ritmos (poéticos y musicales). Los músicos anglosajones la denominan eurhythmics.

Euterpe: En la antigua Grecia era la musa protectora e inspiradora de la creación melódica y de los intérpretes músicos en general. Fue una de las divinidades mitológicas relacionada con el culto de Dionisos. Su figura suele representarse tañendo una flauta doble (phorbeia).

Evohé: Nombre de una danza folclórica del cantón de Valais, en la Confederación Suiza. Tomado de un grito de júbilo que expresa la alegría popular durante la Fiesta de la Vendimia. Procedente de una antigua tradición céltica, en la escenografía de estas danzas, de esencia mitológica y origen pagano, intervienen cientos de figurantes, muchos de ellos disfrazados de faunos y bacantes.

Exaquir: Instrumento medieval de cuerdas y teclado, al que se describe en 1460 con el nombre latino de "clavisimbalum". Es un remoto antecedente del piano. No ha subsistido ningún ejemplar hasta la actualidad y solo se conoce su aspecto y funcionamiento por referencias de la época (siglo XV). Parece ser el mismo que en Francia llamaban échiquier o eschaqueil. El rey Juan I de Aragón (1350-1393), protector de la poesía y la música, poseía un cordófono de este tipo, que según sus palabras era parecido por su forma a un órgano, pero sonaba "ab cordes".

Expecta: Término latino (espera/silencio). En la Edad Media se identificaba con la letra x minúscula. Su uso tenía el propósito de facilitar la lectura en la notación neumática del canto gregoriano. Pertenece a un códice creado en el siglo VIII por el monje Romanus de la abadía de Sankt Gallen.

Exposición: En música se denomina así a la parte primera de cualquier composición melódica que esté formada por dos o más fragmentos (temas de composición). Son ejemplos clásicos de esta variedad de forma melódica la sinfonía, la sonata y la fuga. Sin que sea una norma estricta, es usual que los conjuntos orquestales ejecuten los temas melódicos de conformidad con ciertas reglas de interpretación. Cuando existe la actuación de coros se suele poner en práctica la forma de contrapunto. La exposición musical no constituye propiamente un estilo sino una manera de interpretar determinados temas, pasando alternativamente por las distintas partes de una obra completa.

Expresión musical: Se refiere a la expresión de los sentimientos, una norma implícita en el contexto de toda composición musical. La expresión es un elemento fundamental en la terminología de las formas descriptivas -como el drama lírico- cuyo objetivo esencial es acompañar el sentido del argumento. Los vocablos expresivos son términos específicos que forman parte del conjunto de indicaciones de ejecución. Casi siempre están relacionados con el sentimiento personal de los protagonistas. Normalmente se trata de acotaciones del compositor, escritas en italiano (por ejemplo: agevole=ágil, con soltura; ardito=con ardor; duolo=con aflicción; flebile=débilmente, con languidez; gioioso=con jocundia, alegremente; slancio=arrojado, ímpetuoso; lucingando=halagando, o acariciando con las palabras; volubile=con ligereza, etc.).⁵¹ La función expresiva es uno de los elementos que constituyen la riqueza de la música. En el aspecto melódico, la función de la modulación es brindar variedad y contraste al desarrollo temático de la obra.

Expresionismo: Se puede definir al expresionismo musical como una forma de énfasis aplicada en el fraseo de la orquesta, acompañando el recurso vocal de los cantantes. Esta tendencia popularizada durante la segunda mitad del siglo XIX, tuvo relación directa con los movimientos culturales de la misma época que incidieron en las artes plásticas y la literatura. Richard Strauss (1825-1899), en quien se aprecia una cierta influencia wagneriana, realizó obras maestras de la orquestación, en las que siempre descuella la difícil técnica del contrapunto. Sus óperas, "Salomé" y "El caballero de la rosa", se vuelcan decididamente hacia la vertiente más tradicional del drama lírico. Pero el aporte de Strauss a la historia de la música no se basa tanto en las composiciones de corte neoclásico, como en las nuevas corrientes de tipo expresionista, que surgieron a principios del siglo XX. La obra musical "Pierrot lunaire" "Pierrot lunaire" 1951), contiene veintiún poemas expresionistas que integran un contexto coherente entre la curiosa atonalidad de la parte melódica y los fragmentos cantados o recitados. Entre las obras complementarias -dentro del ámbito musical contemporáneo- pueden referirse: "Eight songs for a mad king" (Ocho canciones para un rey loco"), de Peter Maxwel Davies, y "Le marteau sans maître" (El martillo sin dueño) de Pierre Boulez.

Extensión (ámbito sonoro):

Conjunto total de las notas que puede emitir un instrumento o la voz humana, desde las más graves a las más agudas.

Extensión (técnica de digitación): Se practica en la ejecución de instrumentos de cuerdas punteadas, como la guitarra. Consiste en separar o extender al máximo uno de los dedos que presionan las cuerdas con el objeto de alcanzar una nota que se halla fuera de la posición normal de la mano.

-F-

F:

Símbolo del sonido

fa

que se utilizaba en el antiguo método de notación musical de la Edad Media. Es anterior al sistema divulgado en el siglo XI por Guido d'Arezzo.

F: Abreviatura de forte.(Símbolo: f).
Fa: Cuarta nota de la escala diatónica. Equivale a la nota F en la actual nomenclatura germánica y anglosajona.

⁵¹ En el cuerpo del diccionario se pueden hallar numerosos vocablos, con su correspondiente acepción, que forman parte del grupo de las indicaciones de ejecución.

Fa ( clave de): De acuerdo con su ubicación entre las líneas del pentagrama puede señalar la posición de la nota. Pude encontrarse en la tercera línea (fa 3) o en cuarta (fa 4), siendo más usual esta última.

Fabario:

Denominación popular que se daba antiguamente a los cantantes.

Fa bemol: Nota fa que desciende un semitono cromático. (Símbolo: b). En la terminología musical francesa tiene el mismo significado, variando sólo en la acentuación de la letra é. (fa bémol) Equivalente de F flat en la manera inglesa y Fes en la alemana.

Faborda: Instrumento de cuerdas de origen portugués, de la familia de los laúdes. Se parece a la bandurria española. Tiene la caja redonda, con el fondo plano y consta de seis cuerdas, tres triples y tres dobles. Aún se utiliza un instrumento folclórico similar, aunque más rudimentario, en la región nordeste del Brasil.

Fabordón: Forma de contrapunto que tiene lugar en la ejecución del canto llano. Se trata de una antigua forma musical de origen francés (faux bourdon=falso bordón) por su parecido con el verso quebrado que se reitera al final de cada copla. En la Edad Media se improvisaba sobre la interpretación del cantus firmus, al que se le oponía un discantus realizado a dos voces paralelas en terceras o sextas.

Fábula dramática: Clasificación genérica de la primera ópera que se conoce en la historia. El libreto fue escrito por el poeta Ottavio Rinunccini (1564-1621) y la música era de Jacopo Peri (1561-1630). Se estrenó en 1597 en el Palazzo Corsi de Florencia. Su título "Dafne" tuvo por objeto la celebración de los carnavales de aquel año. Al principio, las características descriptivas de estas obras empleaban denominaciones como "dramma per musica" o "favola pastorale". La palabra "ópera", como término genérico recién aparece en el siglo XVII. La representación dramática y la ornamentación melódica del texto narrativo de Rinunccini dieron lugar entonces al nacimiento de una nueva manifestación artística, en laque convergen distintas disciplinas como el teatro, la declamación poética, la música y la escenografía. Nadie hubiera imaginado en esa oportunidad que al cabo de cuatro siglos, la ópera alcanzaría la sombrosa cantidad de 30.000 títulos, escritos en más de veinte idiomas, pero unidos por el lenguaje universal de la música.

Facile: En italiano. Es una indicación de ejecución que se emplea para señalar un determinado pasaje musical cuya interpretación debe llevarse a cabo sin adornos, es decir, de manera fácil y sencilla.

Facistol:

Mueble que cumple la función de atril. Se utiliza en el coro de las iglesias para apoyar los libros del canto eclesiástico y las guías litúrgicas.

Factor aleatorio: Se denomina así a las múltiples variantes que pueden surgir de libertad de reproducción concedida a los intérpretes en la música contemporánea. (Ver música aleatoria). Este factor, basado esencialmente en las posibilidades que brinda el azar, debe estar permanente avalado por una sólida formación en el campo instrumental Uno de los principales gestores de este movimiento fue el compositor vanguardista norteamericano John Cage (1912-1992), autor las serie operística "Europera" (1987).

Factura: Actividad del fabricante de instrumentos musicales. Durante el periodo Barroco los creadores de instrumentos competían en el arte de hacerlos cada vez más perfectos y elaborados. Entre los de viento, especialmente los grandes órganos de iglesia, la factura adquirió rasgos y peculiaridades artísticas del más alto nivel, como la talla en madera, la pintura al óleo, el esmalte y el dorado. Un buen número de instrumentos de mano, especialmente los de cuerdas (arpas, clavicordios, laúdes, etc.) eran obra de auténticos artífices. Destacan entre esas especialidades, el lustre con goma laca y el taraceado en madera, concha o nácar.

Fa dièse:

Denominación del sonido

fa sostenido

en la terminología musical francesa. Equivalente de

F sharp

en la manera inglesa y

Fis

en la germana.

Fado:

Canción típica de Portugal. Sus instrumentos son la

guitarra

y la

faborda

.

Fa doble bemol: Se llama así cuando el sonido de la nota fa baja dos semitonos cromáticos. La terminología musical inglesa utiliza la forma F double flat. En los países de lengua germana se escribe Feses.

Fa doble sostenido: Nota fa que sube dos semitonos. El símbolo musical del doble sostenido (##) equivale a un tono completo. La terminología germana utiliza el término Fisis. En francés se escribe fa double dièse y en inglés F double sharp.

Fa double dièse:

Nota

fa doble sostenido

en francés. Equivalente de

Fisis

en alemán y

F double sharp

en inglés.

Fagot: Instrumento aerófono de madera, de la serie de los oboes. Aparece por primera vez como elemento estable de las orquestas a fines del siglo XVI. Se lo utiliza con frecuencia en la ópera bufa por su alegre sonoridad, muy variada y rica en la gama de los tonos graves. El timbre del fagot equivale al del violonchelo. Debido a lo extenso del tracto aéreo, y para facilitar la ejecución, consta de dos tubos paralelos cónicos de madera de arce, unidos por la parte inferior. Tiene lengüeta doble, seis orificios, veinticuatro llaves y una larga boquilla curva de metal. El fagot fue un instrumento insustituible para la realización del bajo continuo durante todo el periodo barroco. En la gran orquesta sinfónica actual se suele emplear tres o más fagots. También se le dice fagote (de fagotto=haz en italiano). Como no es un instrumento transpositor, en su interpretación las notas suenan de la misma forma como aparecen en el pentagrama. En Francia le llaman basson y también dolcian. Un bello ejemplo de adagio donde se luce la parte del fagot es la primera parte de la Sinfonía Nº 6 en si menor, Opus 74 "Patética" del compositor ruso Piotr-Ilitch Tchaikowski (1840-1893). También se puede escribir fagote.

Fagot-quinta: Del francés (quintfagott). Versión más aguda que el fagot ordinario. Su sonido resultaba adecuado para el acompañamiento de las tesituras de contralto y tenor. En la actualidad se conocen pocos ejemplares de este modelo.

Fagottino: En italiano (pequeño fagot). Instrumento de menor tamaño y tesitura más aguda que el fagot normal. Es lo mismo que el fagot-quinta. Esta versión procede de un modelo antiguo explicado e ilustrado por el compositor y polígrafo alemán Michael Praetorius (1571-1621) en su obra "Syntagma Musicum".

Fagottone: En italiano (gran fagot). Instrumento de mayor tamaño y tesitura una octava más baja que el fagot común. En Francia se lo conoce con el nombre de contre-basson. Existen varios ejemplares en el Museo del Conservatorio de París
Faloforias: Himnos y cantos que se cantaban en Egipto durante las fiestas en honor de Isis (siglos I a III d.C.) Presentaban una clara influencia de los modos griegos.

Falsa cadencia:

Término de la armonía que hace referencia a una cadencia cuando es interrumpida, o resulta imperfecta en su desarrollo.

Falsa consonancia: Forma imperfecta que suele ocurrir por dos motivos principales: 1º) por haberse dividido únicamente en tonos, con lo que puede resultar redundante si presenta un semitono más que los correspondientes a su proporción musical; y 2º) por haberse dividido sólo en semitonos y llevar uno de menos, con lo cual resultaría una consonancia con el intervalo diminuto. De ambas formas, por exceso o por falta, resultaría una falsa consonancia.

Falsa relación: Disonancia que se caracteriza incompatibles entre sí. Esa coincidencia puede consecutiva. Suele estar motivada por la existencia de intervalos como la octava disminuida, la aumentada o la existencia de tres tonos consecutivos (tritono). La aplicación de esta forma de composición musical gozó de bastante popularidad entre los polifonistas del siglo XIX.. En la actualidad suele aplicarse cuando uno de los sonidos corresponde a un adorno y más asiduamente en el ámbito de la música serial o atonal.
por la coincidencia de sonidos

producirse en forma simultánea o

Falseta: Particularidad del toque flamenco con guitarra. Consiste en una serie de floreos o frases melódicas que el guitarrista o tocaor suele ejecutar entre copla y copla punteando su instrumento. También se puede realizar la falseta al principio de una composición, antes de la actuación del cantaor.

Falsete (disfunción vocal): Tono agudo que emite la voz masculina cuando utiliza sólo una parte de las cuerdas vocales, produciendo sonidos de timbre desagradable y con poca variedad de color.

Falsete (técnica): Registro equivalente a la voz de la tiple ligera, también llamado voz de cabeza. En los tenores corresponde a las notas más altas que el fa agudo, y en las sopranos normales a las que se hallan sobre el si.

Falsetista: Intérprete masculino que entona la voz en falsete. Decíase antiguamente de los cantantes evirados o castrados que podían entonar notas agudas correspondientes a los registros de voces femeninas. En el siglo XVII tuvieron gran renombre los falsetistas españoles del coro de la Capilla Sixtina.

Falsetto: Término italiano, derivado del latín (falsus). Esta relacionado con los términos falsete y falsettone. Es el registro más alto de la voz masculina, correspondiente a una tesitura femenina. Se logra mediante la obturación parcial de la glotis provocando que las cuerdas vocales vibren solo en una tercera parte de su extensión total. Se practica en el canto tirolés llamado jodler.

Falsettone: Equivalente en italiano a falsete mayor. Es un recurso de emisión de la voz en la que se mezclan las condiciones de entonación del falsete. Esta relacionado con las resonancias producidas en la parte superior de la caja torácica del cantante de ópera. Su registro, bastante estridente, puede alcanzar notas más altas que La III. Esta técnica se dejó de practicar a mediados del siglo XIX. Giovanni Battista Rubini (1794-1854) corista y comprimario, natural de Bérgamo, Italia, fue un renombrado cultivador del bel canto y la técnica del falsetísta, logrando sonidos inolvidables. La crítica de la época atestiguaba que Rubini, con la difícil combinación de voz de pecho y cabeza, había logrado el perfecto dominio de la armonía y la dulzura del timbre melódico.

Fancy: Término musical inglés de los siglos XVI y XVII, derivado del italiano (fantasia). Se empleaba para designar un estilo melódico libre, destinado a la interpretación con órgano e instrumentos de cuerda. Entre los cordófonos pueden citarse al grupo de violas en consort, el laúd y el virginal. Ejemplo: "Fantasía sobre una nota, Z-747", del compositor británico Henry Purcell (1659-1695).

Fandango: Aire de danza española. Cita un modelo amplio y diversificado de composiciones para canto y baile. El fandango moderno, natural de Andalucía, surgió en el siglo XVII. En España alcanza una amplia difusión como estilo melódico de compás ternario, alegre y de raigambre popular. Durante el siglo XIX aparecen diferentes tipos o variantes regionales (granadino, malagueño, rondeño, murciano). Los instrumentos tradicionales del fandango solían ser la guitarra, las castañuelas y los palillos. En algunos casos puntuales se conoce también el uso del violín, el triángulo y los platillos, aunque esto último fue menos usual. Varias obras clásicas integran aires de fandango y autores consagrados como Issac Albeniz, Enrique Granados y Manuel de Falla cultivaron este género popular en el marco de la composición clásica. Un ejemplo de la tradición centenaria de esta vertiente musical, dentro la creación escénica, puede apreciarse en la obra: "El fandango del candil", sainete de Ramón de la Cruz, estrenado en 1678. Según algunos autores, el término fandango procedería de una voz musical antigua, derivada del latín, (fidicinare=ejecutar la lira).

Fandango asturiano: Variedad musical que a pesar de no ser oriunda del principado, ha llegado a tener un carácter popular. Aún existe allí una considerable cantidad de versiones con típico sabor local y letras en lengua bable ("Ringo-rango", "Fandango puntiau", "Riu verde", L'aldeanu", etc.). La coreografía de esta danza, conocida desde el siglo XVII, se caracteriza por la complejidad de los pasos, que va aumentando con cada vuelta. Una de las diferencias entre el fandango asturiano y el tradicional, que se interpreta en el resto de España, es que aquel se canta con coplas de cinco versos octosílabos y no con cuatro como es lo usual. La melodía del fandango asturiano fue la sutil inspiración del compositor ruso Nikolai Rimski Korsakov (1844-1908) para una de sus obras orquestales más importantes ("Capricho español" Op. 34).

Fandanguillo:

Forma simple del fandango. También llamado fandanguillo gaditano. (Siglos XVII al XIX). Pertenece al repertorio del cante flamenco.

Fanfarria (tema): Composición musical que originariamente se ejecutaba con trompas de caza. Posteriormente se añadieron otros instrumentos, como las trompetas de caballería. En la actualidad sirve para designar cualquier tema escrito especialmente para su ejecución con aerófonos de metal, y por extensión a las agrupaciones u orquestas organizadas con ese propósito. La fanfarria aparece como elemento escénico de la ópera a principios del siglo XVII, con "La fábula de Orfeo", de Claudio Monteverdi (1567-1643). Desde entonces, grandes autores, como Beethoven en "Fidelio" y Rameau en "Castor y Pólux", llevaron al ámbito escénico el sonido espectacular de los metales. El mayor éxito de la fanfarria sobre el escenario -con su sonido natural y en forma independiente de la orquesta sinfónicaalcanzó el más alto grado de perfección visual y coordinación eufónica con la ópera "Aida" de Giuseppe Verdi.
Fanfarria (aerófono): También llamado trompeta de heraldo. Es un aerófono de metal, de la familia de las trompetas y trombones. Un poco más larga que la llamada "trompeta de Aída" (dos metros) y se afina en si bemol. El tubo de la fanfarria es perfectamente cilíndrico, curvado sobre sí mismo y carece de válvulas.

Fang-Hiang: Carillón originario del norte de China, que contiene dieciséis campanas de madera, dotadas de una sonoridad variada y melodiosa, aunque sus tonos resulten apagados. Cada campana se sostiene mediante un marco que la mantiene en posición de ser ejecutada con la ayuda de baquetas.

Fango-fango: Flauta de bambú de las islas Fidji. Es un aerófono sencillo, cuya particularidad más saliente es que se sopla con la nariz y no con la boca. Para ello, el ejecutante debe introducir el pico de la flauta en uno de los orificios, mientras cierra presionando con el dedo índice sobre la aleta nasal. Los sonidos que se obtienen con este curioso instrumento son suaves y modulados dentro de los limitados extremos de la escala pentatónica. Una antigua leyenda polinesia dice que estas flautas imitan el sonido de las aves marinas.

Fantasía: Forma similar a la sonata, aunque su estructura también puede ser libre. Algunos pasajes de ópera contienen fantasías. Es la primera denominación -junto con ricercare- que se empleó para designar a un tipo de composición donde la interpretación instrumental realiza las mismas partes que la vocal. Las primitivas fantasías contenían fugas u otros pasajes divertidos, de inspiración popular, cuya estructura también recuerda las formas del madrigal. Esta denominación equivale a tiento, término empleado por los compositores españoles del Siglo XVI.

Farandola: Danza tradicional de la región de Arlés, en la Provenza francesa. El estilo, basado en un compás 6/8, aparece como fondo o intermedio musical en varias obras de carácter escénico. El compositor Georges Bizet (1838-1875) la incluye en la partitura de "La arlesiana", una suite escrita en 1872, que halló su fuente de inspiración en la obra literaria de Alphonse Daudet. En francés: farandole.

Farruca:

Baile tradicional en compás binario, variante del flamenco. Un ejemplo de esta variedad aparece en el ballet "El sombrero de tres picos", de Manuel de Falla.

Farsa: En el sentido de representación escénica, era la exageración de la tramoya. El término proviene del latín (farcinare = rellenar), debido a su condición de relleno o intermedio cómico entre actos de comedia. En la actualidad se llama así a la pieza jocosa y breve que contiene enredos y equívocos, cuyo objeto es provocar la hilaridad del público. También lleva este nombre la compañía de cómicos que representan obras teatrales con ese carácter. Tiene muchos puntos de coincidencia con el estilo argumental de la ópera bufa, que ha tomado de la farsa las situaciones ridículas o equívocas y lo grotesco del ambiente en el que se mueven los personajes.

Farsa per musica: Es otra de las denominaciones itálicas que suelen dar los críticos al referirse a la ópera bufa. La música es propia de la farsa, movida y estridente. La trama argumental mínima, junto la comicidad forzada y recurrente, dependen en gran medida del movimiento musical para mantener el interés del público en la escena.

Fasil: Música de Turquía. Es un estilo vocal con aire marcial. Se practica en las orquestas de jenízaros de los ejércitos otomanos. Su letra suele estar relacionada con hechos heroicos. Coincide con la forma instrumental (mehter). La época de mayor esplendor de la ). La época de mayor esplendor de la 1566).

Fa sostenido: Nota fa precedida del signo de alteración #, que asciende su valor en un semitono cromático. Corresponde a Fis en la manera germana y F sharp en la inglesa. En la terminología musical francesa se escribe fa dièse.

Fatha:

Una de las tres indicaciones sonoras básicas en la música árabe. Los bereberes llaman así al sonido suave y agradable de una variedad de laúd antiguo.

Favellar in musica: En italiano (fábula musical). A comienzos del siglo XVII estaba de moda en Italia un tipo de ópera breve y anecdótica, con bastantes textos narrativos y el acompañamiento musical alegre y vivaz. El favellar in música tuvo un marcado carácter localista, basando casi siempre sus argumentos en temas legendarios. Uno de los ejemplos contemporáneos mas relevantes de esta variedad lírica es la obra musical titulada "Orfeo", de Claudio Monteverdi, en la que el gran maestro cremonés puso distintos tipos de coloraturas virtuosas junto a lo más variado y rico de los recursos teatrales. El falsete fue un recurso destacado en el estilo de los grandes maestros y su técnica se empleó asiduamente en las distintas tesituras del bel canto.

F double flat:

Nombre del sonido

fa doble bemol

en la terminología musical inglesa. Es equivalente de los vocablos

Feses

en alemán y

fa double bémol

en francés.

F double sharp:

Nombre del sonido

fa doble sostenido

en la manera musical inglesa. Equivalente de

Fisis

en alemán y

fa double dièse

en francés.

Fefaut : Término que se usaba antiguamente en la marcación tonal del canto figurado y el canto llano o gregoriano. La palabra está formada por la letra f seguida de las notas fa y ut. Se trata de un vocablo musical actualmente en desuso, aunque es importante que sea conocido por los estudiosos de la música religiosa primitiva. En el siglo XIX tuvo lugar el renacer del canto llano. Los monjes de la Abadía de Saint Pierre de Solesmes (Francia) se ocuparon de actualizar antiguas partituras pertenecientes a las colecciones originales adaptándolas a la notación moderna. En las notaciones del canto llano desde fines del siglo XIV en adelante se encuentran los primeros ejemplos de escritura musical occidental, con posterioridad al periodo de la Edad Media, cuando se fueron perdiendo las formas arcaicas que se utilizaban en la antigua Grecia.

Feinte (alteración): Voz francesa (fingimiento/falta de precisión). Es una forma antigua que se usaba para indicar cierta forma de accidente musical. Consiste en la alteración del sonido de las notas o los intervalos por la introducción de bemoles o sostenidos inadecuados.

Feinte (

cordófonos

):

En el teclado de los primitivos clavicordios, era el nombre de las teclas más cortas y de color marfil.

Feldfeife: Nombre original del antiguo pífano militar. Era un flautín travesero de tono muy agudo conocido en los ejércitos españoles desde el siglo XVI. Se ejecutaba junto al tambor de redoble. El nombre germano proviene de los soldados suizos que combatieron en la conquista de Granada y que también sirvieron en Italia, en las campañas de Nápoles y Barletta, bajo las órdenes de don Gonzalo de Córdoba, "el Gran Capitán".
Fermata: Vocablo italiano que significa "detención". Es una secuencia de notas de adorno en forma de cadencia. Con el objeto de llevara a cabo esta operación es normal que se suspenda transitoriamente la ejecución del compás. Para indicar esta particularidad se emplea el calderón.

Fermezza: Indicación de ejecución para el ataque de una melodía que debe ser interpretado "con firmeza", sin vacilación. Tiene importancia como rasgo esencial de un pasaje musical en el que las notas corresponden a un tempo vivo y enérgico. (ver Anacrusa motriz).

Ferrinhos: En portugués (pequeños fierros). Idiófono sencillo de metal. Pertenece a la familia de los autorresonadores. Consiste en dos barritas de hierro o latón que se entrechocan del mismo modo que los palillos de madera dura. Su objeto es producir un sonido diferente, con efecto de percusión constante o alternado. Se emplea en las orquestas folclóricas del Brasil, del mismo modo que el triángulo y otros complementos similares.

Fes:

Nombre del sonido

fa bemol

en la nomenclatura de Alemania y otros países que utilizan dicha terminología. Equivale a

F flat

en inglés. y

fa bémol

en francés.

Feses: Denominación alemana para la forma doble bemol de la nota fa. En Francia y los países de la francofonía se emplea el nombre fa double bémol. La nomenclatura inglesa se indica F double flat.

Festejo: Nombre corriente de un género musical, de carácter étnico, cuyo origen remoto procede de África ecuatorial. Muchos ritmos vivaces y sonidos de percusión, llevados en el siglo XVIII por los esclavos negros al virreinato del Perú, fructificaron luego en danzas y canciones típicas del folclore regional hispanoamericano. El arraigo del festejo, como expresión musical autóctona, comienza ya en el siglo XIX, con las canciones y rondas infantiles que se cantaban en los barrios negros de Lima y otras ciudades peruanas. Los instrumentos musicales que forman parte esencial de este género son la guitarra española y el bajo, secundados por una curiosa batería de idiófonos autóctonos, como el cajón, la cajita y la quijada. El toque cristalino y sonoro, de este conjunto lo aporta la campana o cencerro. Un ejemplo práctico de la amplitud de conceptos, dentro del arte musical, que prima en la interpretación de este tipo de melodías está dado en el festejo titulado "El compadre Nicolás", del compositor Porfirio Vázquez, cuya letra narra los episodios históricos, referidos a la abolición de la esclavitud en el Perú bajo el dominio del general Ramón Castilla (1854). El conjunto musical "Los folcloristas" realizó una extraordinaria interpretación de esta pieza tradicional, sustituyendo acertadamente el bajo por el guitarrón mejicano.

Festival: Del inglés (gran fiesta). Conjunto de eventos musicales, realizados en homenaje a un artista célebre, o como expresión de un género determinado. En el ámbito de la música, este vocablo comprende a todas las manifestaciones populares, donde el arte de armonizar los sonidos adquiere un carácter festivo y multitudinario. El nombre deriva justamente de la palabra “fiesta” (del latín Vesta). La idea procede de la Grecia clásica, donde se llevaban a cabo grandes reuniones en honor de la diosa del fuego sagrado, cuyo espíritu fue relacionado durante siglos con el genio implícito en toda manifestación artística. Se trata, por tanto, de una costumbre antigua que ha perdurado a través del tiempo, como un elemento trascendente del arte. En la actualidad, y por extensión, el concepto de festival alcanza a otros medios de difusión masiva, como el cine, el teatro y la ópera. El motivo esencial de estos acontecimientos, obedece tanto al deseo de divulgar el conocimiento de la obra de los grandes maestros de otras épocas, como dar a conocer el trabajo creativo de los autores contemporáneos.

F flat: Nombre del sonido fa bemol. Utilizado en la terminología musical inglesa. En los países de lengua alemana se denomina Fes. En la técnica musical francesa se utiliza el sistema occidental de Guido d'Arezzo (fa bémol).

Fiato: Este vocablo se refiere a la técnica respiratoria que permite regular el aire con el objeto de emitir una nota sostenida o cantar una frase completa sin necesidad de cortarla para recobrar el aliento.

Fictas: Denominación que se daba antiguamente a las teclas negras del órgano, y también a las del clavecín, aunque de manera menos corriente. Antes de que se adoptara el sistema moderno de teclado, todas las teclas eran blancas. Fictas es plural del participio pasivo del verbo fingir. El sentido original sería entonces "teclas falsas".

Fiddle:

Violín, en inglés. Es un vocablo derivado del latín (

fidula

=instrumento de cuerdas).

Fiddlestik:

Arco de violín. Vocablo de la misma época y procedencia que el anterior.

Fidel:

Del latín (

fides/fidula

). Forma antigua que se utilizaba para denominar al

violín

. Su uso estuvo extendido en Alemania, Austria y Hungría, durante los siglos XVII y XVIII.

Fidicula:

Nombre latino de una lira pequeña, de cuatro cuerdas, conocida en la antigua Roma. Carece de equivalente en castellano.

Fidis:

Denominación latina -genérica- que se utilizaba antiguamente para referirse a los instrumentos de cuerdas. En particular, a la

lira

. También se usaba la forma

fides

.

Fidula:

Instrumento cordófono de la familia de las violas. Se usaba en la Edad Media. Es posible que el nombre sea un derivado de

fidicula

.

Fiesta flamenca: Reunión de amantes de la música, cantaores, tocaores y bailaores, donde cada concurrente puede expresar sus propias cualidades, en un ambiente melódico donde predomina el respeto y la admiración por el arte.

Fifre: Instrumento aerófono. Especie de flauta travesera, de origen francés, que da unas notas de tono muy agudo. Se ejecuta de izquierda a derecha. Tiene siete orificios pequeños y la embocadura es de forma oval.

Figle: Instrumento de viento de sonido grave, transpositor, de la serie de los metales. Nombre derivado del francés (bugle). También se lo conoce con el nombre de oficléide (de ophis=serpiente y kleis=llave).

Figularia: Ocarina de barro cocido, con forma globular, provista de un pequeño mango del mismo material, y ocho orificios de digitación. Es un vocablo antiguo, procedente del latín (figulator=alfarero), por el artesano que fabricaba las flautas de vasija. El término estuvo en uso en el sur de Italia hasta épocas relativamente recientes.
Figura (melodía): Grupo de notas que forman un adorno o motivo musical dotado de unidad rítmica y armónica. Se aplicaba particularmente para señalar las indicaciones de ornamentación de la frase melódica (trino, apoyatura, mordente, gruppetto, etc.). Es una acepción que se utiliza poco en la actualidad.

Figura (notación): En los sistemas de escritura musical es la representación gráfica de un sonido o un silencio. La figura equivale a la forma o diseño que representa la nota escrita. A partir de la nota base (cuadrada), cada figura tiene el doble de duración que la siguiente y la mitad del tiempo de la anterior, Por lo tanto, sus equivalencias son las siguientes:

-La nota cuadrada -tomada como base- vale el doble de la redonda.
-La redonda vale la mitad de la cuadrada y el doble de la blanca.
-La blanca vale la mitad de la redonda y el doble de la negra.
-La negra vale la mitad de la blanca y el doble de la corchea.
-La corchea vale la mitad de la negra y el doble de la semicorchea.
-La semicorchea vale la mitad de la corchea y el doble de la fusa.
-La fusa vale la mitad de la semicorchea y el doble de la semifusa.
-La semifusa vale la mitad de la fusa.

Cada denominación específica tiene la función de indicar la localización de un determinado sonido y su duración dentro de la frase melódica.

Figura (actor-protagonista): Personaje de una obra dramática y el actor o actriz que lo representa. En la ópera, el modo de hablar o cantar, el tipo de voz, el tono adecuado, etc. determina la diferencia entre las distintas figuras en escena.

Figuralismo: Representación de un paisaje, un carácter o una escena por medio de frases melódicas. Es un término propio de la creación contemporánea, que se emplea para designar a las formas descriptivas del lenguaje musical. Entre otros, pueden citarse como ejemplos de figuralismo los sonidos musicales que imitan el movimiento del agua, el rodar de los carruajes, el rugir del viento en la tempestad o la alegría de un brindis. Esta tendencia -que no es nueva- recibió en otras épocas diferentes nombres (mandrigalismo, música descriptiva, etc.).

Figurante: En la ópera es el personaje que figura en el reparto pero no canta, sólo tiene un efecto decorativo o de relleno. No debe confundirse con los coristas que sí cantan o hablan aunque sea en conjunto. Antiguamente se decía comparsa.

Figurinista:

La persona que realiza los figurines o bocetos de trajes y adornos escenográficos.

Filar: Mantener un sonido bien afinado, en su nota exacta, durante un lapso prolongado, para ir disminuyendo la intensidad -de manera progresiva- hasta alcanzar sin sobresaltos el nivel de pianísimo. En los instrumentos de la familia del violín se llama sonido filé.

Filarmonía:

Vocablo cuyo significado es "amor por la música". Procede del griego (

philos

=amor y armonía).

Filarmónico/a:

Se dice, de quien siente pasión por la música. Es un vocablo que se emplea asiduamente en los títulos de sociedades músicas y grandes orquestas.

Filé (

encordadura

):

En francés (

hilado

). La cuerda entorchada de algunos instrumentos.

Filé (sonido instrumental): Voz corriente en algunos países, referida especialmente a los instrumentos de cuerdas y arco (violín, viola, violonchelo, etc.). Se dice así cuando el sonido se va sosteniendo progresivamente sobre una nota única para terminar en un extenso pianísimo.

Filé (

sonido vocal

):

En el canto lírico, equivale al término mezza

vocce

(media voz). Es un matiz de la entonación que se acerca al piano.

Filete: Aplicación delicada de ebanistería en el borde o contorno de las cajas armónicas. Su razón no es puramente decorativa. El taraceado o incrustación con finas y flexibles láminas de madera, metal, concha o marfil, también sirve para otorgar consistencia a la tapa del instrumento.

Filin: Nombre común derivado del inglés (feeling=encanto). En el ambiente de la música melódica, es aplicable a las composiciones que se interpretan con mucho sentimiento. El término se empieza a usar por primera vez en La Habana, en la década de 1940.

Filosofía de la música: Materia derivada de la musicología sistemática. En la práctica de esta rama de la filosofía general, se realiza una investigación esencial referida a los distintos aspectos de esta disciplina (cognoscitivos, terapéuticos, creativos, etc.). Con su estudio razonado, se procura establecer conceptos fundamentales que ayuden a comprender la incidencia de la música sobre el resto de las artes y en especial sobre las manifestaciones más íntimas del espíritu.

Final: Pasaje final de una ópera. Se dice del remate o perfección de una obra lírica. Generalmente corresponde a un cuadro en el que intervienen la mayoría de los intérpretes. También se usa la forma italiana (finale). Coincidiendo con las características del argumento, puede representar un final feliz (lieto fine), trágico o conmovedor (drammático).

Final (canto llano): Equivale a finalis usado antiguamente como nota fundamental en cada tono de las composiciones utilizadas en la liturgia religiosa de la Iglesia Católica Romana. También llamadas tónicas, las notas finales suelen ser: Re, Mi, Fa y Sol. Debido a su estilo monódico, la música del canto llano suele estar condicionada por los distintos registros de la propia letra.

Final à la vaudeville : En francés. Significa "final al estilo de la comedia musical". Es un cuadro de cierre, similar al anterior, con la diferencia de que cada intérprete en escena debe cantar por orden una porción sucesiva de estrofas de la misma composición musical. En el estribillo cantan todos juntos. En algunos textos de estudio aparece escrito “finale en vaudeville”.

Final de conjunto: Parte de una composición lírica en la que intervienen simultáneamente varios solistas actuando en conjunto. Usualmente se llama así al fragmento que realiza el cierre del acto. Es una característica que aparece con su mayor brillo, en la segunda mitad del siglo XVIII, con la obra de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). A partir de entonces comenzó a popularizarse cada vez más como expresión musical. Durante el siglo siguiente, los compositores italianos Gioachino-Antonio Rossini (1792-1868) y Giuseppe Verdi (1913-1901) recuperaron la técnica del final de conjunto con notable espectacularidad.

Finale (ópera) : Voz italiana. Se utiliza para definir el episodio del cierre o conclusión en los actos operísticos. Puede haber finales breves -cuya interpretación resulta relativamente simple- aunque también se ven finales extensos y complejos. En estos casos, la partitura general suele estar compuesta por varios números o partes consecutivas

Finalis (canto gregoriano):

Tiene la misma acepción que el término

final

del canto llano. Es un vocablo latino que se empleaba en la Edad Media para denominar a la nota tónica.

Finalis (salmodia): Fórmula melódica que se utilizaba corrientemente hasta fines del siglo XVII para acompañar la terminación de cada verso, estirando las sílabas con una suerte de canto o entonación modulada.

Fioritura : Vocablo italiano. Significa ornamento musical. Es un término empleado asiduamente en la crítica de ópera. Se trata de un recurso que los grandes maestros de los siglos XVII y XVIII utilizaron con elegancia y mesura, dejando un precedente en cuanto a la forma, el estilo y especialmente el momento adecuado para ponerlo en práctica. Las distintas fioriture pueden indicarse expresamente en la partitura, o bien dejar su elección a la voluntad del intérprete. También se dice floritura.

Firmeza (La): Danza tradicional de la Argentina, que se baila por parejas, con paso de vals y melodía armoniosa. Es uno de los ejemplos más bellos, tanto por la música como por la letra y la coreografía. De la misma manera que en otras composiciones musicales de salón, los bailarines que intervienen en el desarrollo escénico de "La Firmeza" -hombre y mujer- realizan sus evoluciones de manera independiente del resto, pudiendo ser variable el número de parejas, aunque lo corriente es que se formen grupos de cuatro a seis. El baile siempre está dirigido por un maestro de danza o cantor que suele dar una serie de órdenes coreográficas para que los danzantes las vayan cumpliendo. Cada voz de mando va precedida y sucedida alternativamente por una copla. El estilo es muy antiguo y según parece, procedente de España⁵². En la Argentina adquiere personalidad propia a fines del siglo XIX. La primera versión escrita aparece en 1883. Difundida su coreografía por espectáculos populares y circenses, recién hacia 1916 el musicólogo argentino Andrés Chazarreta (1876-1970) publica la música y el texto definitivo de esta danza tradicional.

Fis:

Denominación alemana que recibe el sonido de la nota

fa

cuando es sostenida. Equivale a

F sharp

en inglés y

fa dièse

en francés.

Fiscorn : En catalán (fiscorno). También llamado "fiscorno", aunque esta última es una forma poco usual que no está registrada en la mayoría de los diccionarios. Se trata de un instrumento aerófono de la serie de los metales, mayor que la trompeta y perteneciente a la familia de los bugles. En ocasiones, sus notas graves pueden alcanzar un volumen más alto y profundo que el propio sonido del trombón. Su empleo en pareja es usual en las interpretaciones de la cobla, con cuyos acordes se baila la sardana, danza típica de Cataluña.
Fiscorno: Vocablo derivado del alemán (Flügelhorn). También llamado bugle, es un instrumento similar a la corneta, que fue inventado en Austria, a mediados del siglo XIX. Existen modelos básicos afinados en do (llamados soprano) y en si bemol. El tubo aéreo tiene cuatro vueltas, es cilíndrico, largo y bastante estrecho, salvo en el tercio final donde se ensancha, adoptando la forma tradicional de campana de todos estos instrumentos. El sonido es relativamente grave con resonancias suaves y apropiadas para la interpretación de melodías populares. En Cataluña se conoce con el nombre de fiscorn, empleándose por parejas en las interpretaciones de la cobla. El nombre puede variar en algunas zonas rurales de Cataluña y Andorra: Cerdaña, Ampurdán, Ribagorza, Segarra, etc..

⁵² En las representaciones de comedias españolas del siglo XVII se empleaban danzas cuyas parejas eran dirigidas por un maestro o cantor. Miguel de Cervantes Saavedra cita en una de sus obras los distintos pasos y reverencias de un baile similar a La Firmeza.

Fiscorno alto en mi bemol: Aerófono transpositor de la serie de los metales. Es el bugle alto de los franceses. Su sonido resulta usual en las bandas, que suelen tener dos o más instrumentos de este tipo. También se lo conoce con el nombre de onnoven en mi bemol.

Fiscorno alto en si bemol: Similar al anterior. Posee un registro medio dulce y expresivo, dotado de una gran suavidad. Aunque se combina bien con otros instrumentos de viento, es un componente ideal para acompañar las partes cantables. También es transpositor y sus notas suenan una octava más grave que la tonalidad de do. En los catálogos germanos aparece citado con el nombre flugelhorn in B.

Fisiología de la ejecución instrumental: También llamada pedagogía instrumental. Pertenece al área práctica de los estudios musicales. Se apoya en los principios prácticos de la ergonomía para analizar las técnicas de ejecución de los distintos instrumentos y los movimientos corporales del intérprete.

Fisiología de la voz:

Ciencia coadyuvante en los estudios de canto. Se dedica a la estructura y funciones específicas relacionadas con el oído y la voz.

Fisis: Nombre de la nota fa doble sostenido en la terminología musical de Alemania y otros países que utilizan dicha nomenclatura. Equivale a F double sharp en inglés y fa double dièse en francés.

Fistula: En latín (tubo o caña hueca). Se decía en particular de los primitivos aerófonos de caña. El vocablo se utilizó asiduamente hasta la Edad Media, derivando luego su nombre en varios tipos de flautas y otros instrumentos relacionados con esa extensa familia.

Fistula panis: En latín (flauta del dios Pan). Antiquísimo aerófono pastoril policálamo, popular entre los antiguos romanos, fabricado con una serie de tubos de diferente extensión y alineados en escala rudimentaria. Su uso estuvo ampliamente difundido en distintas culturas. También se conocía a este instrumento de viento con la denominación específica de syrinx (siringa).

Fistulator: Arte u oficio del flautista, entre los antiguos romanos. Ejecutante de cualquier instrumento de viento hasta el siglo XIV. Durante la Edad Media se llamaba así al tañedor de gaita, flauta o zampoña. También aparece el término fistularius para referirse al ejecutante del chifle o silbato.

Flabiol: Voz catalana (flautillo o caramillo). Tipo de aerófono corto, de ejecución vertical, con el tubo hueco, de madera y la embocadura parecida a la flauta dulce. Procede de la primitiva flauta de caña de los pastores mediterráneos. Su largo puede variar, desde unos 15 cm en los ejemplares más pequeños, hasta 35 cm en los mayores. El diámetro medio es de unos 2 cm Normalmente, el flabiol tiene cinco orificios de digitación, aunque existen ejemplares que poseen siete. Es un instrumento musical típico en las interpretaciones de la cobla. Normalmente se tañe sosteniéndolo con la mano izquierda, mientras que con la derecha se bate la membrana de un pequeño tamboril, que cumple la función de acompañamiento rítmico. Con el flabiol de la cobla se ejecutan el introït y los contrapunts de la sardana. En algunos textos musicales antiguos también puede aparecer escrita la grafía "flaviol".

Flabiol cabrer: En catalán (flautilla de pastor). Instrumento de viento tradicional de las islas Baleares perteneciente al grupo llamado de buf. Desde la antigüedad lo utilizaban los pastores para entretenerse en las noches que pasaban en la serranía cuidando sus animales. De acuerdo con una antigua leyenda isleña sobre su origen, al principio los pastores para entretenerse producían golpes con diversos elementos existentes en su entorno silvestre. Para ello utilizaban piedras, ramas, troncos de árboles, cañas, etc., notando que cada elemento producía un sonido distinto. Alguna vez aquellos pastores escucharon el sonido del viento al pasar por el tubo de una caña, descubriendo que podían soplar a través de ella, lo mismo que el viento. Y que al hacerlo, al variar la intensidad del soplo, también podían modular la altura del sonido. Así nació el flabiol cabrer. Con el tiempo, pasó a ser un instrumento tradicional en las viviendas y posesiones rurales, donde su presencia era imprescindible en las fiestas familiares y cívicas. En Ciutadella (Menorca) se fabrican y venden en las Ferias de Sant Joan.

Flabiol de llaves: Es un instrumento relativamente moderno. Con el tiempo se le agregaron las llaves de accionamiento mecánico, que permiten modular mejor los sonidos, graduando más finamente la salida del aire a través de los distintos orificios.

Flabiol de set canons: En catalán (flautilla de siete cañas). En algunas regiones pirenaicas, se llamaba así a un instrumento folclórico de viento, formado por siete tubos de caña, del tipo de la flauta de Pan.

Flabiol de set forats: En catalán (flautilla de siete agujeros). Este modelo posee cinco perforaciones en la parte superior del tubo, dispuestas a regular distancia, y dos abajo. El mayor número de orificios le permite obtener sonidos mejor modulados y alcanzar ciertas notas que están vedadas para los instrumentos de cinco.

Flabioler:

También

flabiolaire

. Ejecutante del flautilla folclórica, llamada

flabiol

en Cataluña y las islas Baleares.

Flageolett (aerófono): Instrumento de viento del siglo XVIII, antecesor de la flauta y el flautín. Algunos modelos, fabricados con madera de roble o cedro, pertenecen al mismo grupo que los caramillos y se conocen desde el siglo XIII. El ejemplar más conocido de este grupo es una pequeña flauta de pico, dotada de un tono bastante agudo, que se utilizaba en Francia e Italia desde el siglo XVI. Años más tarde, el mismo instrumento era utilizado en distintas piezas pastorales y danzas folclóricas. Este vocablo también sirve para señalar a un caramillo popularmente conocido con el nombre de doble flageolett. Es originario de la región central de la península balcánica (Çermenika). Presenta doble embocadura paralela y dos tubos rectos de perfil cuadrangular -uno con tres y otro con cuatro agujeros- que están integrados en el mismo cuerpo del instrumento y pueden tocarse de manera conjunta o independiente.
Flageolett (efecto): También se da este nombre a un sonido muy particular, producido por ciertos instrumentos de cuerdas, cuando los dedos las presionan tan suavemente que sólo llegan a producir una nota bastante aguda (como el de las flautas). Se trata de una variedad de armónicos, llamados hipertono. Esto se debe a la existencia de nodos creados artificialmente sobre los puntos divisorios (1:2, 1:3 etc.). Su efecto, como ocurre en el pizzicato, es un adorno propio de virtuosos y muy difícil de lograr correctamente. Giuseppe Verdi incluye un magnífico conjunto de sonidos de flageolett para los violonchelos que interpretan la introducción del acto tercero "en las riberas del Nilo", de su ópera "Aída".

Flaiole:

Del griego (

flajos

). Nombre antiguo de la

flauta de pico

. El nombre derivó con el tiempo en

flaiolet

o

flageolet

.

Flamenco: Arte musical folclórico, natural de Andalucía, que comprende varias formas de cante y baile. Las antologías más completas del cante flamenco establecen cincuenta y seis formas diferentes, aunque su característica más saliente está en la manera de cantar con inflexiones melismáticas e intervalos inferiores al semitono. La naturaleza lírica de esta variante artística está documentada desde el siglo XVIII, aunque las características formales, tal como se conocen en la actualidad, aparecen por primera vez hacia 1869 y cumplen un periodo evolutivo que se prolonga aproximadamente hasta 1930, época a la que se suele llamar "edad de oro del arte flamenco". La temática argumental y coreográfica se divide en estilos dotados de un gran sentido expresivo en el que suele predominar el orientalismo musical andaluz. Según su origen, el cante flamenco que puede ser religioso, sentimental, histórico o tradicional. Cada familia tiene su propio cuadro rítmico y armónico, muchas variedades del cante flamenco se dividen en subfamilias. El instrumento más representativo de este arte es la guitarra española, que junto con la percusión del cajón y el ritmo sonoro del palmoteo están indisolublemente ligados a la esencia musical del espíritu andaluz.

Flat:

Denominación inglesa del término

bemol

.

Flattement: Término procedente del barroco francés. Sirve para indicar que un pasaje musical debe interpretarse con cariño, suavemente, como acariciando a los instrumentos. Esta palabra significa efectivamente: "caricia" o "halago". En la música de cámara se refiere de manera particular a los instrumentos de cuerdas pulsadas. En algunas partituras antiguas puede aparecer escrito como participio regular (flatté=acariciado, halagado).

Flatterzunge: Vocablo alemán de uso corriente en la música moderna. Equivale a un acelerado trémolo apicodental con intervención de la lengua (flattern=tremolar y Zunge=lengua). Se emplea en la ejecución de algunos instrumentos de viento, como la trompeta y la flauta. También se suele utilizar la forma italiana (frullato).

Flauta: Instrumento musical perteneciente a la familia de los aerófonos de madera. No obstante existe una gran variedad de formas y materiales con los que están hechos estos instrumentos (metal, vidrio, fibras sintéticas, arcilla, marfil, etc.) En la categoría de flautas de concierto existen varios tipos, siendo más difundidas por su versatilidad la flauta dulce y la travesera. La altura del sonido emitido por estos instrumentos depende de extensión de la columna de aire. Desde la antigüedad existió una gran variedad de flautas construidas de acuerdo con técnicas más o menos avanzadas. A partir del siglo XVII, con el perfeccionamiento logrado por los fabricantes alemanes y franceses, la flauta estándar de 13 orificios comenzó a formar parte de las más importantes orquestas y conjuntos de cámara.
Flauta acórdica: Flauta de dos tubos, también llamada flauta doble. Existen constancias de su existencia desde la Edad Media. Pertenece al grupo de las flautas verticales.

Flauta bajo: Instrumento de esta familia, cuya característica principal es el sonido más grave. Debido a la mayor extensión y diámetro del tubo aéreo, éste presenta un repliegue sobre sí mismo en forma de doble "U" que facilita su ejecución.

Flauta de Böhm: Instrumento de viento del siglo XIX. Sus características sonoras, que inspiraron diversas mejoras y perfeccionamientos en la actual flauta travesera, se deben a los ensayos del célebre flautista alemán Theobaldus Böhm (1802-1881). En la actualidad subsiste un aerófono similar, denominado flauta grande, afinada en do. Para diseñar su flauta de llaves, Böhm pensó especialmente en las condiciones acústicas para la ubicación de los orificios cromáticos, los anillos, las llaves para trinos y los acoples sobre ejes longitudinales.

Flauta de canya: En catalán (canya=caña). Instrumento típico de las islas Baleares y Pitiusas (Mallorca, Menorca, Ibiza, Formentera) Es una variedad similar al flabiol, pero con tres orificios en la parte delantera del tubo y dos en la de atrás, separados entre sí por unos dos cm de distancia. El sonido es dulce y equilibrado. Acompaña de manera armoniosa el redoble del tamborino y el arrullo melódico de las xeremíes.

Flauta de millo: Pequeño aerófono tradicional de Colombia, utilizado en el acompañamiento melódico de la cumbia. Los artesanos fabrican este aerófono con un segmento de caña de millo o sorgo, provisto de una diminuta lengüeta vibrante. Se tañe en posición transversal.

Flauta de ojariza: Aerófono típico de la región occidental de Extremadura. Provisto de tres orificios de digitación, es uno de modelos más simples dentro del grupo de las flautas folclóricas españolas. Se ejecuta con una sola mano y por el sonido suele confundirse con el txistu y el flabiol. En algunas comarcas rurales de Castilla y León también acostumbran llamarlo “pito de cencerrada”. Antiguamente tenía un carácter militar y era común escuchar su sonido acompañando los redobles del tambor para marcar el paso de los milicianos. El tubo de esta pequeña flauta recta, normalmente de caña borde y con el pico biselado, tiene unos 25 cm de longitud y un diámetro que no llega a superar los 2 cm Los tres agujeros, con 9 a 10 mm de luz, se disponen de manera equidistante sobre la parte superior del tubo.

Flauta de órgano: Tubos pertenecientes al grupo llamado de los registros de fondo. Los sonidos -desde el agudo hasta el grave- acostumbran mantenerse en tonalidades suaves y cálidas. De acuerdo con la época de fabricación y el tipo de instrumento, las flautas de órgano pueden adoptar perfiles cónicos o cilíndricos y alcanzar un diámetro considerable. También pueden disponer de orificios o carecer de ellos. En cuanto al material utilizado para construir estos tubos, puede variar entre el metal y las maderas duras.

Flauta de Pan: Instrumento aerófono muy antiguo, también conocido como siringa o zampoña. Consiste en una batería de tubos o cañas, dispuestas en una o dos filas, de mayor a menor, con el objeto de lograr una escala cromática más o menos completa, según la cantidad de tubos y la correcta afinación que estos tengan dentro del conjunto. Se desconoce exactamente su origen, aunque se sabe que ya existían en Grecia varios siglos antes de la era cristiana. En la actualidad pertenece especialmente al folclore musical del Mediterráneo oriental. En América del Sur se conocen variantes muy parecidas, sobre cuyo origen existen constancias de que es prehispánico. Las versiones más conocidas de este tipo de flauta corresponden al floclore típico del altiplano andino, como el siku, de la cultura aymará y su equivalente, la antara de los quechuas. Una variante, compuesta por dos hileras de tubos de distinta longitud, puede emitir sonidos dentro de las series pentatónica o diatónica. Los ejemplares procedentes de las islas Salomon, en el océano Pacífico, presentan diecinueve tubos, mientras que las flautas de Pan de Rumania tienen veintidós. En la ópera en dos actos "La flauta mágica". Wolfgang Amadeus Mozart da a su personaje Papageno, -un vendedor de aves- el arte de interpretar bellas melodías con este pequeño instrumento de viento. Pan era el dios de los pastores griegos. En la ópera "Ollántay", del peruano José María Valle Riestra, también aparece esta flauta en su versión del folclore musical indoamericano. Se conoce la existencia de flautas similares en distintas partes del mundo sin que tengan una evidente conexión cultural.

Flauta de pico: También conocida como "flauta dulce", es la que tiene la embocadura en forma de pico y junto a éste un orificio cuadrado -llamado labio- cortado en ángulo. El tubo aéreo tiene 6 orificios que se obturan con los dedos. En la boca de salida, denominada pie tiene otro pequeño orificio extra, que permite modificar parcialmente el tono. Las flautas de pico conducen directamente el aire insuflado hacia el ángulo del labio. Su ejecución es relativamente fácil, aunque la propia sencillez del sistema sólo permite una limitada cantidad de sonidos modulados.

Flauta oblicua: Antigua denominación genérica, que aún perdura en algunas regiones de España y se aplica a la familia de las flautas traveseras. Este tipo de aerófono, en sus distintas etapas evolutivas, ya era conocido desde la antigüedad por los pueblos que habitaron la cuenca oriental del mar Mediterráneo, el cercano Oriente, la parte meridional del continente asiático (fenicios, asirios, caldeos, egipcios, indos, etc.) y también por ciertas etnias aborígenes de la América precolombina.

Flauta pítica: Flauta de Apolo. Del latín (phytiu). El nombre proviene de la leyenda según la cual el héroe griego venció a la serpiente Pitón. Era un aerófono de caña doble y siete orificios. Solían tañerla en ocasión de las fiestas y juegos del mismo nombre que se acostumbraba celebrar cada cuatro años en la isla de Delfos.

Flauta recta: Como la flauta oblicua o travesera, fue uno de los primeros instrumentos de viento conocidos por la humanidad. Los ejemplares primitivos y rudimentarios se fabricaban con simples tubos de caña borde o hueso, carentes de orificios de digitación y con el pico cortado en forma de cuña biselada, donde se apoyaban los labios para obtener un número limitado de modulaciones, generalmente tritónicas o pentatónicas. Entre las variedades más antiguas de este aerófono, aún subsistentes en la actualidad, puede citarse al nay de Persia, también conocido en Egipto desde la época faraónica.

Flauta rociera: Aerófono folclórico de madera o caña, con tres orificios que se tañe con la mano izquierda, mientras se percute el tamboril con la derecha. Con el objeto de poder ser manipulada con una sola mano, dos de los agujeros están dispuestos en la parte delantera del tubo y el tercero en la parte de atrás. Esta flauta es típica de Andalucía y Extremadura. En la provincia de Salamanca se la conoce con el nombre de gaita charra, aunque tal denominación tiene un arraigo limitado. Por su aspecto y forma de ejecución presenta ciertas similitudes con el txistu del País vasco, el chiflo de Huesca y el pito maragato, de Benavente (León).
Flauta tercerola: Aerófono de madera, templado en tonos medios y agudos, algo mayor que el flautín, pero más pequeño que la flauta normal. Suele integrar el equipo de algunos conjuntos de cámara. Los grupos musicales dedicados a la interpretación de las melodías folclóricas del Caribe también acostumbran utilizar la flauta tercerola en la ejecución de las partes solistas y ciertos pasajes descriptivos.

Flauta tucumana: Aerófono de metal, hueso o caña, según sea su procedencia, época y tipo de fabricación. Es una flauta vertical con un pequeño canal de insuflación y el orificio de la embocadura de forma cuadrangular. Dispone de siete agujeros que se obturan con las yemas de los dedos. Los seis orificios principales están colocados en forma equidistante, sobre la parte superior del tubo. El orificio restante, que tiene un carácter suplementario, está ubicado en la parte de abajo. El sonido de estos instrumentos puede variar mucho, de acuerdo con el material empleado en la construcción. Los intérpretes de música nativa, prefieren los folclóricos modelos de caña de tono dulce y suave.

Flautado (cordófonos): Del italiano (flautato o aflautado). Se refiere a un sonido agudo y penetrante, similar al de las flautas. En la ejecución de algunos cordófonos, como el violín, se logra este efecto al frotar las cuerdas sobre el extremo saliente del diapasón.

Flautado (

órgano

):

Registro de este instrumento de cuyo sonido imita a las

flautas

. También se utiliza la palabra

prestante

.

Flautilla jujeña: Aerófono folclórico, de cuatro agujeros, típico de la provincia de Jujuy (Argentina). La particularidad de este instrumento es que emplea como tope el mismo nudo de la caña. La embocadura, dispuesta en forma de doble aleta, presenta una escotadura central, donde se apoyan los labios y la lengua del ejecutante. La flautilla jujeña se acostumbra utilizar acompañada por la caja criolla o uancara. Su largo no suele sobrepasar los 35 cm También se la conoce con el nombre genérico de quena.

Flautillo: Flauta de caña, pequeña y de factura rústica, también conocida con los nombres de caramillo o chirimía. El origen de este instrumento de viento es muy antiguo y su uso estuvo difundido en diversas culturas primitivas. Con ligeras variantes estructurales también se lo conoce en España e Hispanoamérica. En Cataluña, Valencia y Baleares se le suelen aplicar denominaciones similares (xeremíe, xaramelle, etc.).

Flautín: También llamado flauta pequeña o piccolo. La técnica de ejecución es idéntica a la de su hermana mayor, la flauta de madera. Es el instrumento transpositor, el más agudo y chillón de la orquesta. Su sonido real -con menos extensión que en la flauta- es una octava mas alto que la nota escrita en el pentagrama. En la música de ópera, se convierte un complemento pintoresco y simbolista, empleado para las escenas silvestres o para las situaciones cómicas. Su registro en los graves no es muy expresivo y sólo permite un sonido muy tenue.

Flautino alla ottava: Nombre italiano de la flauta aguda, de pequeño tamaño y sonido muy descriptivo. En los países de habla hispana es conocida con el nombre de flautín. Adquirió su forma definitiva a mediados del siglo XVIII. Su diapasón se ciñe a la octava aguda de la flauta en do. El sonido de este diminuto instrumento adquiere una gran brillantez al doblar a la flauta a la octava superior, prestando un fuerte temperamento al conjunto de los instrumentos de viento. El flautino es el único aerófono de esa serie que suele integrar la plantilla instrumental de las grandes orquestas. Antonio Vivaldi (1678-1741) compuso varios conciertos para flautín y orquesta con singular acierto. Ludwig van Beethoven la empleó con particular talento en la escena de la tempestad, de la Sinfonía Pastoral y en la parte final de la Sinfonía Novena.

Flautino alla vigesima seconda: Flauta dulce italiana, de tamaño reducido, con tonalidades muy agudas y expresivas. El empleo puntual de este aerófono en las orquestas del Renacimiento se aplicaba normalmente a las circunstancias descriptivas del argumento musical. Su empleo tuvo particular difusión en el desarrollo de la melodía escénica (dramma per musica, favola in musica, etc.). Durante los siglos XVII y XVIII, solía aparecer en forma individual dentro de la plantilla instrumental de algunas agrupaciones de cámara.

Flautista: Músico especializado en la ejecución de la flauta. El diccionario de la Real Academia Española (RAE) no establece diferencia entre el ejecutante de la flauta dulce y la travesera. En la organización de la orquesta se acostumbra usar el término“flauta”. La denominación se escribe igual en castellano, italiano y portugués. En francés: flûtiste, flûteur o joueur de flûte. En inglés: fluter o flutist. En alemán flötenspieler.

Flautone: Vocablo italiano con el que se denominaba hasta fines del siglo XIX a la flauta bajo, un aerófono dotado de tonalidades graves y profundas. Aún se utiliza en algunos países de Europa y suele aparecer en los programas musicales de conjuntos de cámara, indicando la actuación de esta variedad instrumental

Flauto piccolo: En italiano (flauta pequeña). En castellano se encuadra dentro de la categoría general del flautín. El flauto piccolo italiano es un instrumento aerófono de la serie de las maderas, que suena en la octava superior de la flauta normal. Existe una versión equivalente, que en los países de habla germana se llama octavflöte (flauta a la octava).

Flauto terzino: Nombre italiano de la flauta tercerola. Es un término compuesto, poco usual en la actualidad, aunque solía figurar hasta épocas relativamente recientes en programas y memorias descriptivas de conjuntos de cámara especializados en composiciones típicas del periodo barroco.

Flautos: En algunas regiones de España, era el nombre que se daba a una forma de pito de madera usado en las fiestas populares. En las comarcas rurales de Navarra se empleaba para anunciar la salida de los toros del encierro. De allí paso al habla común como sinónimo de entretenimiento y algarabía.

Flautulentos: Del latín (flatos=soplo, sonido de la flauta). [También flatulentos]. Es una denominación genérica que se solía aplicar antiguamente al conjunto de los instrumentos de viento.

Flebile: (débil, compungido, lloroso) Es un vocablo italiano que se aplica particularmente como indicación de ejecución en la música de ópera. Tiene importancia cuando el argumento expresa un estado de ánimo del personaje en la escena. Es lo opuesto a gioioso (alegre exultante).

Fleuste: Denominación general que se daba antiguamente a distintos instrumentos de la familia de los aerófonos de madera (ocarina, flauta travesera de los siglos XVII y XVIII, flauta de Böhm, del siglo XIX; etc.). La denominación aparece en la alta Edad Media, prolongándose hasta el barroco y el neoclasicismo. Es posible que tal nombre sea una deformación del francés fleute. En algunos tratados antiguos aparece la forma flaute.

Flexa: Término del Canto Gregoriano, derivado del latín (circunflexus=recodo o curva/dar la vuelta) Se aplicaba para indicar el retorno a la tonalidad anterior mediante un pasaje de la voz del cantante, desde agudo hasta grave. Es decir, que se debía retornar a un tono más bajo, luego de interpretar un pasaje de altura.

Flexatón: También llamado flexatone. Es un instrumento músico no tradicional, compuesto por una lámina de acero, delgada y flexible, sujeta a un mango de madera, que vibra intensamente mediante cualquier movimiento, roce o fricción. El compositor armenio Aram Khachaturian (1903-1978) lo emplea en uno de sus conciertos para piano como elemento descriptivo del argumento musical. Khachaturian compuso una obra muy importante y variada logrando curiosas sensaciones auditivas con la inclusión de elementos novedosos como el flexatón. Algunos modelos de este instrumento cuentan con dispositivos de percusión, simples pero ingeniosos (bolitas de madera, cascabeles, sonajas, etc.) que agregan sonoridad y ritmo a la ejecución.

Fliscornillo: Denominación corriente de un pequeño bugle conocido con el nombre de sopranino en mi bemol. En Italia y otros países responde al apelativo de trombino. Es un instrumento transpositor, como sus hermanos de la serie de los saxhorns, figles y Oficléides. Los músicos alemanes lo llaman piccolo in Es y los ingleses bugle piccolo in E flat.

Floreo (guitarra): Hacer gala del arte de la guitarra. Forma de ejecución que consiste en tañer varias cuerdas a la vez, empleando sucesivamente tres dedos. El sonido continuado que se logra mediante esta difícil técnica, se considera propio del intérprete virtuoso de este instrumento.

Floreo (gaita): Escala de introducción que los gaiteros realizan a modo de prueba con el objeto de precisar si todas las notas de la escala diatónica de su instrumento están correctamente afinadas.

Floreu:

Voz bable (floreo). En Asturias se llama así a la melodía previa que tiene carácter de adorno o embellecimiento de la composición que se ha de ejecutar con la gaita.

Floritura: Adorno del canto. Se llama así a la interpretación de varias notas consecutivas empleando siempre la misma vocal. Es un difícil juego sonoro de efecto agradable y muchas veces improvisado, con el que los cantantes ponen un toque ornamental a su actuación. El gran compositor italiano Gioachino-Antonio Rossini (1792-1868), que escribió más de cincuenta óperas, música sacra, de cámara, etc. fue el primero que indicó en sus partituras todas las variaciones para los cantantes. Antes de él, las florituras quedaban libradas al gusto del intérprete. También se suele emplear la forma italiana (fioritura).

Flügelhorn: Voz germana que se emplea para designar a un instrumento aerófono de metal de la familia de las trompas, desarrollado en Austria a mediados del siglo XIX. Tiene un sistema de válvulas rotatorias y el tubo con una sección cónica y bastante amplio, que le da un sonido pleno y suave. En España e Hispanoamérica se lo conoce con el nombre de fiscorno. También suele aparecer en algunas transcripciones con el nombre de Bügelhorn, del cual deriva la palabra bugle.
Flügelhorn in B: Denominación germana del instrumento de banda conocido con el nombre de fiscorno en si bemol.

Flûte creuse: Del francés. (flûte=flauta y creuser=profundizar, ahondar) Equivale al sonido de flauta profundo. Es una voz de uso internacional, que señala los registros para órgano de 16, 8, 4 y 2. En la terminología alemana destinada a la enseñanza y a la interpretación organista, esta serie de registros se denomina hohlflote.

Folclore musical: Término universal, derivado del inglés (folk=pueblo y lore=ciencia/saber). Esta variante se refiere, de manera general, a la historia y las tradiciones musicales de la humanidad, a través de las épocas sucesivas de su desarrollo. El término fue utilizado por primera vez en 1846, por el escritor británico W. J. Thomas. Como ciencia de carácter universal, el folclore estudia y recopila todas las manifestaciones artísticas, musicales, usos y costumbres, procedentes de los distintos pueblos o culturas del mundo. Hasta hace pocos años, esta palabra compuesta se escribía en castellano de la misma forma que en inglés. No obstante, en la actualidad están aceptados los modos castellanizados folclore y folclor⁵³, esta última derivada de la forma fonética. La música en general y particularmente la danza, formaron parte de la expresión anímica y religiosa de las sociedades primitivas, en todos los grados evolutivos de sus propias tradiciones. Esto fue así en todo el mundo, desde los tiempos prehistóricos, hasta los más altos grados de desarrollo de las altas culturas. Aunque los motivos fueron variados, desde el principio de la expansión intelectual prevaleció siempre la danza como una forma de culto, ligada a la magia. Ya en los estadios superiores del desarrollo cultural, comenzó a ganar importancia un concepto más cabal del arte, aunque mezclado aún con ciertas creencias de carácter religioso o motivos de índole social. Finalmente, ya en el contexto de las civilizaciones más avanzadas, el folclore musical se fue transformando en las expresiones más completas, puras y naturales del goce estético. Dentro del folclore musical, existen distintas especialidades.

Folclore musical (Agrupación instrumental): Grupo de músicos, especializados en la ejecución de un determinado estilo de música folclórica. Casi siempre se trata de formas o estilos melódicos propios de una nación. Ese sentido localista es el que determina su razón de ser. La función esencial de las agrupaciones folclóricas, es recrear e interpretar formas tradicionales que son significativas en su propia comunidad.

Folclore musical (Agrupación vocal): Este tipo de conjunto desarrolla la misma función artística y social que la anterior, salvo que su actividad principal tiene lugar a través del canto, bien sea en forma independiente del acompañamiento instrumental, o a través de una agrupación coral combinada. En la mayoría de los ejemplos, suele estar directamente relacionada con la función instrumental.

Folclore musical (Autor de raíz folclórica): El contexto natural de su obra, procede de las costumbres y tradiciones propias de un grupo social determinado. El ámbito comprende desde la creación de letras para composiciones musicales, hasta la redacción de textos literarios, naturalmente surgidos de las características más significativas de su comunidad. Los compositores y libretistas de muchas óperas, han recurrido -como fuente de inspiración- al rico patrimonio de las tradiciones nacionales. En la actualidad es una tendencia que se nutre de la música popular, la lengua vernácula, los motivos regionales y las costumbres de cada lugar. La ópera en cinco actos titulada "Kovanchina", de Modest Mussorgski, es un drama folclórico de carácter nacional. Estrenada en 1886, en una impecable versión de Nikolai Rimski-Korsakov, su motivo argumental profundiza en las raíces de la cultura moscovita del siglo XVII.

⁵³ Diccionario de la Real Academia Española - Diccionario General de la lengua Española. Edición 1997/2000.

Folclore musical (Conjunto de proyección de danza y música folclórica): Agrupación artística dedicada al estudio, la práctica y la divulgación de las danzas folclóricas nacionales. El ejercicio de esta disciplina siempre está ligado a las distintas formas de interpretación vocal e instrumental. Su labor es esencialmente didáctica, y suele formar parte de los programas de estudio en escuelas e institutos de los niveles primario y secundario. Las peñas o agrupaciones dedicadas a la proyección de los bailes folclóricos nacionales -en el ámbito profesional- procuran conservar la pureza de los estilos y tradiciones. Esa expresión artística, se desarrolla mediante espectáculos musicales, compuestos por danzas nativas de cada región.

Folclore musical (Intérprete de proyección de música folclórica): En musicología existe una serie de características que determinan la función natural de cada especialidad, o forma de orientación artística. El cultor de proyección folclórica, aplica o recrea los procedimientos de interpretación musical tradicionales, dando vida a nuevas formas artísticas, aunque señaladas por su propio individualismo. Como ocurre en los casos anteriores, sus composiciones siempre se nutren en las costumbres y tradiciones más significativas del grupo social o la comunidad a la que representan.

Folclore musical (Investigador de música folclórica): Es un término de carácter amplio, que se aplica de manera particular a la tarea del investigador sociólogo, especializado en el área de la musicología. Su labor específica consiste en recoger y recopilar mediante grabaciones o filmaciones, todo lo referido al folclore regional de una cultura determinada. Del fruto de esa profunda tarea de investigación, aparecen nuevas creaciones, basadas en los antiguos estilos y costumbres, recuperados mediante una compleja tarea de campo.

Folía (canción): Melodía popular, con el ritmo algo lento, natural de las islas Canarias, que suele cantar en forma libre o con el acompañamiento instrumental del tiple y la guitarra.

Folía (danza): Danza muy alegre y movida, de compás ternario, parecida al pasacalle. El nombre significa "locura" y su origen es incierto. Podría ser italiano, por su similitud en el bajo obstinado con un baile tradicional de Calabria, llamado "follia di Cocuzzo". En Portugal existe otro ejemplo similar que se ejecuta en compás ternario. Alessandro Scarlatti (1685-1725), creador de la ópera napolitana, emplea ritmos que recuerdan a esta danza en algunas de sus composiciones. El inmenso y variado fondo musical de este notable compositor italiano comprende más de 100 óperas, 200 misas, tocatas para órgano, madrigales, oratorios y cantatas. En España y Portugal la folía tuvo bastante difusión durante el siglo XVIII. En el resto de Europa, fue tal su fama que los clavecinistas franceses llamaban "Folies d'Espagne" a una serie de variaciones elaboradas sobre el estilo de esta danza. También lleva este nombre un baile tradicional en el archipiélago canario. La melodía, con ritmo de bolero, tiene una modalidad más lenta que la anterior y se interpreta con el instrumento de cuerda, típico de las islas, llamado tiple o timple.

Fonds: En francés (tubos de fondo). Denominación técnica del conjunto de registros de órgano llamado agrupación de llenos en castellano. Forma una batería de timbres homogéneos y brillantes.
Fonomimia: Término compuesto griego (phoné=sonido y miméomai=imitar). Sistema mnemotécnico para aprender a memorizar los sonidos, que también se emplea con distintas variantes en la enseñanza impartida a las personas sordomudas. El compositor húngaro Zoltan Kodály (1882-1967) escribió un método basado en tales normas. Se basa en un principio similar la técnica denominada mano musical o "de Güido d'Arezzo".

Fonolito: Conjunción del griego (phoné=sonido y lithos=piedra). Literalmente piedra sonora. Existen varios instrumentos de origen africano que pueden integrar esta serie de primitivos artilugios musicales. En las llanuras de Togo y Dahomey lo tañen los jóvenes de ciertas culturas agrarias, en ceremonias de iniciación relacionadas con los mitos de la tierra y las cosechas.

Forlana:

Danza tradicional de compás ternario, natural de la alta Italia, región del FriuleVenezia Giulia. También puede aparecer escrito

furlana.

Forma: En la teoría musical se llama así a la manera y la técnica con las que el artista va componiendo mentalmente su creación. La manifestación definitiva de su idea queda entonces plasmada en el tipo de melodía, el orden de sus partes y cada una de las variantes que se incluyen en el desarrollo de la misma. Las formas musicales se dividen en grupos o conceptos de acuerdo con sus características. Una misma obra musical puede pertenecer a uno o varios grupos a la vez.

Forma compleja: Su configuración responde a un esquema integrado por varios movimientos (sonatas, suite, oratorio, ópera, sinfonía, concierto, etc.). Dentro de la estructura general de una composición compleja también se distinguen formas breves o subformas que integran el conjunto total de la obra. Por ejemplo, la ópera suele estás compuesta por una serie de partes de menor dimensión y dotadas de características propias o puntuales (obertura, aria, aria de bravura, cavatina, final concertante, etc.)

Forma conceptual: Comprende todas las características que dan coherencia a una obra musical. Dentro de ese espectro amplio pueden identificarse tres variantes fundamentales. En principio está la forma académica, donde el creador debe ajustarse a un sistema de composición estricto, cuyas partes, además de ser inamovibles, están regidas por normas tradicionales. En segundo lugar está la forma libre, donde se puede conservar lo esencial del esquema tradicional, pero sin dejar de aportar todas las variantes que permita crear la imaginación. La tercera y última variante es la inexistencia de cualquier forma o regla que pueda condicionar de alguna manera la función creativa del compositor.

Forma estructural: Se refiere en el sentido puntual al esquema de una obra determinada, las partes que conforman su estructura, los tiempos, etc. De ese orden prefijado de acuerdo con las formas tradicionales de la composición musical, surge entonces la melodía con su forma clásica, reconocidas por sus características y adecuadas para ser interpretadas con facilidad por los distintos ejecutantes que puedan interesarse en ella. Merced a esa ordenación previa al acto creativo, pueden distinguirse perfectamente formas estrictas de composición como la suite, la sonata, la fuga, la sinfonía, etc.

Forma instrumental: Sus características de ejecución se basan exclusivamente en el sonido de los instrumentos musicales, agrupados por tipos o familias (allemande, gallarda, mazurca, nocturno, fantasía, impromptu, chacona, barcarola, poema sinfónico, polca pavana, divertimento, capricho).

Forma libre: Son las que no obedecen a ninguna estructura definida. Se aplica especialmente a las creaciones de vanguardia (música concreta, osciladores electroacústicos).

Forma mixta:

Comprende, de manera conjunta o indistinta, a todas las formas

instrumentales

y

vocales

(

aria, cantata escénica, canción

).

Forma simple:

Consiste en un solo movimiento y su duración es relativamente breve (

rondó, nocturno

).

Forma vocal:

Solamente interviene la voz humana (

coro a cappella, algunas formas de cantata religiosa, melopeya

).

Formantes: Vocablo técnico, procedente de los estudios acústicos, que se refiere a la frecuencia de la resonancia en los instrumentos musicales. Los formantes son elementos o referencias imprescindibles para reconocer la calidad del timbre de un instrumento y su capacidad para producir una determinada gama melódica.

Fórmula bitemática: En la configuración escénica, se llama así a la composición argumental de la fuga, la sonata y la sinfonía. Cada parte lleva el título respectivo de exposición y desarrollo.

Forte (

matiz de intensidad

):

Denominación de la fuerza sonora de una melodía (

in crescendo

). Indica un fuerte aumento del sonido. Se escribe con la abreviatura

"f"

.

Forte (mecanismo):

Pedal derecho del piano.

Forte-piano:

Indicación de ejecución. Señala el instante del ataque

forte

de un pasaje melódico al que inmediatamente sucede un compás atenuado.

Fortissimo:

Es como la denominación anterior (

in cre

sc

endo

). La sonoridad debe salir mucho más fuerte. Se escribe con la abreviatura

"ff"

.

Fosco: (Sonido) Término equivalente al de sonido oscuro, que en música es lo opuesto de aire brillante. Los sonidos foscos carecen de nitidez y los movimientos tienden a ser lentos o carentes del vigor.

Fox-trot:

Forma de baile nacida en los Estados Unidos poco antes de la primera guerra mundial. Tiene un

compás binario

y aire de marcha.

Frase musical:

Conjunto de compases circunscriptos dentro de un pasaje melódico cuyas fluctuaciones dinámicas tienen comienzo, desarrollo y fin.

Frasear:

En la ejecución musical, se llama a así al acto de seguir en forma exacta los elementos componentes de una partitura (graduación, puntuación, etc.).

Fraseo (aerófonos): Técnica de los ejecutantes de instrumentos de viento para puntuar y graduar las distintas frases musicales. La habilidad para agrupar los sonidos de manera equilibrada se advierte en el acto de la interpretación. La comprensión de la armonía del fraseo es una capacidad innata en la personalidad del músico y relativa a su naturaleza, aunque el dominio de la técnica debe adquirirse con el esfuerzo del estudio y el trabajo. Las indicaciones musicales especialmente dedicadas al fraseo empezaron a divulgarse a principios del siglo XIX, cuando el compositor y polígrafo francés Jérome Joseph de Momigny (1762-1838) publicó sus célebres tratados sobre musicología⁵⁴. La existencia de condiciones especiales de fraseo puede constar en la partitura, especialmente en las indicaciones de compás, aunque no se tome en cuenta la imprescindible interrupción del sonido para regular la respiración del intérprete. Aunque no es corriente hallar estas advertencias especiales en las partituras musicales impresas, en la práctica suelen indicarse mediante un signo con forma de "V" escrito a mano. Las normas de fraseo para el canto gregoriano fuero fijadas en 1908 por el religioso benedictino y musicógrafo Dom André Mocquereau (1849-1930).

Fraseo (vocal): En el canto, es la observación estricta de todos los signos de puntuación, inflexiones y acentos que contiene una melodía. Requiere una correcto y adecuado control de la respiración. En la ópera "Otello", Giuseppe Verdi establece un fino ejemplo de fraseo con la ensambladura de las voces del coro, perfectamente adaptadas a las masas sonoras de la orquesta, mediante la adaptación de la respiración, las ligaduras y los acentos.

"...¡Pietà...! ¡Mistero...!

Ansia mortale, bieca, 55Ne ingombra, anime assorte in lungo orror..."

En este breve parlamento de ópera se advierte la necesaria dosificación de la respiración para alcanzar la correcta dicción de cada una de las palabras. Esas interrupciones, aunque sean muy breves, suelen registrarse mediante un apóstrofo o una coma intercalada entre dos notas.

Frecuencia: Término musical perteneciente al ámbito de la acústica. Sustituye a la nota, que siempre está sujeta a una escala determinada. El timbre de una voz o instrumento determinado queda entonces definido por el espectro de frecuencias de su propio sonido. Por ello, la frecuencia se refiere a la cantidad de ciclos (vibraciones por segundo) que producen un sonido determinado y determinan su nivel grave, medio o agudo. La frecuencia en la música electrónica se mide en ciclos o en hercios por segundo, (c/s) o (H/s). La extensión de frecuencias audibles por el oído humano va desde los 16 hasta los 20.000 c/s.

Fretel:

Flauta francesa antigua, de madera, con lengüeta doble, tres agujeros y el pico similar al de la

flauta dulce

. También se conocía con el nombre provenzal de

“galoubet”.

Fricassé: Forma musical francesa. Es un tipo de melodía cantada, de estilo polifónico, que procede del canto llano. Fue bastante popular en Europa durante el siglo XVI. Se podía cantar en varias lenguas a la vez (francés, catalán, gascón, provenzal, italiano, etc). El acompañamiento instrumental del fricassé se hacía con instrumentos de cuerdas como el laúd y la tiorba.

Frigio (eclesiástico): Tercer modo musical perteneciente a la teoría del canto llano o gregoriano. Compuesto por notas naturales en la escala de mi mayor.
Frigio (griego): Modo musical de la antigua Grecia que se practicaba en la interpretación del ditirambo. Compuesto por notas naturales, en la escala de re mayor. Se cree que esta forma ya era conocida en los tiempos del célebre flautista Hiagnes (siglo XV a. C.)⁵⁶. En la práctica musical helénica, el modo frigio tenía un carácter alegre y animado, diferenciándose del modo dorio, cuyo ritmo era mucho más suave y sosegado.

⁵⁴ "Cours complet d'harmonie et de composition" (1806); "Encyclopédie Méthodique" Tomo II Música (1811). ⁵⁵ Interpretación del coro en la escena octava del tercer acto.

Friulana: Es la misma danza que la forlana, sólo cambia la forma del nombre. El notable compositor y pianista francés Maurice Ravel (1875-1937) emplea ciertos aires inspirados en los acordes típicos de esta variedad musical. Pertenecen a la serie de seis piezas para piano escritas en 1917 y tituladas "Le tombeau de Couperin".

Frottola: Melodía italiana del siglo XV. Presenta un estilo polifónico vocal que dio lugar a numerosas canciones populares. Su estrofa se compone de seis versos octosílabos, mientras que los temas de las letras recurren frecuentemente a motivos sencillos o amorosos. La fórmula para la interpretación de este género puede tener un carácter libre. Existen composiciones homorrítmicas concebidas para cuatro voces que contrastan con otras variantes regionales compuestas para una sola voz con acompañamiento de laúd.

Frullato: Trémolo apicodental con intervención de la lengua que se pone en práctica durante la ejecución de ciertos aerófonos, como la flauta y la trompeta. Es un término de origen itálico equivalente al alemán flatternzunge. Su uso es bastante corriente en la música moderna.

Fruste:

Vocablo de origen francés (significa borrosa) que se emplea en algunos países para indicar la presencia de notas claras en una melodía.

Frying Pan:

Primitiva guitarra hawaiana creada por el fabricante Rickenbacker. Antecesora de las modernas guitarras eléctricas.

F sharp:

Nombre del sonido

fa sostenido

en la terminología musical inglesa. Equivalente de

Fis

en alemán y

fa dièse

en francés.

Fuelle (acordeón): Del latín (follis). Mecanismo neumático que permite absorber el aire, almacenarlo en el interior de un receptáculo adecuado y expelerlo a través de conductos determinados a ese efecto. Existen diferentes formas de fuelle. En algunos instrumentos aerófonos, con el sistema de entrada y salida del aire accionado a mano, como el acordeón o el bandoneón, es el elemento que permite producir los sonidos al mismo tiempo que se digita el teclado o botonera para la salida modulada de los sonidos.

Fuelle (gaita): Odre o saco de piel. Del latín (uter/utris), se rellena de aire soplando por una boquilla llamada bufador o soplador -según la región- y al que se pueden acoplar los diferentes tubos sonoros (flautas, bordones o roncones, etc.).

Fuelle (órgano): En el sistema tradicional usado por los órganos fijos. La columna de aire salía impulsada hacia los juegos de tubos, debido a la presión ejercida por un fuelle de gran tamaño, ubicado en la parte posterior del instrumento. Los órganos antiguos tenían dos fuelles, uno ("de alimentación") que inyectaba el aire desde el exterior y otro ("regulador") encargado de mantener la presión constante en la cámara. Desde la Edad Media y hasta fines del siglo XIX, los fuelles reguladores eran accionados por entonadores. En la actualidad los fuelles han sido reemplazados por modernos ventiladores eléctricos que pueden impulsar a voluntad la presión y la velocidad de la columna de aire que circula dentro del recorrido que conduce a la batería de tubos productores de sonidos.

⁵⁶ Célebre personaje, cuya existencia ronda entre lo real y lo mitológico. Según las antiguas tradiciones frigias fue el inventor de la flauta y quien enseñó a sus descendientes el arte de tañerla.

Fuerte: Indicación de ejecución. En el pentagrama se marca mediante signo musical representado por la letra "f". Señala un pasaje que requiere un mayor esfuerzo vocal o la elevación del volumen de ejecución instrumental

Fuga: Composición polifónica que consta de un solo tiempo, integrado por una cantidad de partes, consistentes en repetición de un tema y su imitación, con algunos fragmentos libres intercalados. Básicamente es la repetición de una misma melodía entonada en forma sucesiva por distintas voces o instrumentos. En la forma de contrapunto severo las voces deben ir imitando sucesivamente el tema inicial -llamado motivo para continuar luego con la segunda parte contramotivo-. Este brillante juego vocal puede ser interpretado por varios cantantes, siempre que mantengan en conjunto una perfecta complementación cromática. Parece ser que el estilo de fuga, a la manera de Johann Sebastian Bach, junto con la influencia de los Maestros de Mannhein, sirvió de inspiración a la creación musical de Wolfgang Amadeus Mozart en la sinfonía en do mayor“Júpiter”. El alegre carácter de esta obra resulta similar en su concepción a la sinfonía en re mayor “Haffner”. Ambas composiciones tienen en común una serie de pasajes festivos que la acercan a la célebre ópera“El rapto en el serrallo”. Sin duda, fue Bach el gran maestro y precursor de la fuga instrumental, mientras que en la fuga vocal parece indiscutible el predominio sobre este tema por parte de Haendel. Algunos tratadistas denominan sujeto y contrasujeto a las partes sucesivas de la fuga.

Fuga de escuela: Su estructura responde a un plan estricto y sin variaciones, respecto a los ejemplos de los grandes compositores de fugas, cuya obra sirve de guía. Entre ellos, puede citarse al gran contrapuntista italiano Lorenzo Gibelli, maestro de Rossini, que era conocido en su tiempo con el apodo “Gibellone delle belle fughe” (El Gran Gibelli, el de las bellas fugas!).

Fuga libre: Comprende el tipo de composición que no se ciñe a las características de la llamada fuga tradicional o de escuela. Esta particularidad comenzó a difundirse entre los compositores modernos a quienes algunos tratadistas atribuyen una presunta decadencia del estilo a partir de mediados del siglo XIX. Sin embargo, esa apreciación no es del todo cierta. La fuga ha sido y sigue siendo una parte indispensable en los planes de estudio de los conservatorios y academias de música en todo el mundo.

Fuga de danzas: Representación musical compuesta por demostraciones de danzas típicas y mascaradas callejeras que se realizaba en Madrid durante el siglo XVII, con motivo de las festividades populares. La fuga de danzas solía ir acompañada por una suerte de interpretación instrumental, llamada pandorga.

Fugato: En italiano (fugado/con aire de fuga). Pieza musical breve, para voces o instrumentos, configurada por dos partes o temas, cuya composición imita el estilo de la fuga.

Fughetta: (Pequeña fuga, en italiano). Johann Sebastian Bach compuso en 1720 un bello ejemplo de síntesis compositiva, titulada: "Preludio y fughetta en Sol Mayor, BWV Opus 902".
Fuguista: Compositor de fugas. Ordinariamente este término se emplea para citar a los grandes maestros clásicos, cuya obra sirve de guía en la creación de las llamadas fugas de escuela.

Fulu: Órgano de boca de Birmania, dotado de una sonoridad redonda y marcada. También se lo conoce con el nombre de kyen. Es una forma simplificada del khen de Laos, muy difundida bajo diferentes nombres y apariencias en la mayoría de los países del sudeste asiático. En los extremos de los tubos se pueden aplicar unas fundas de bambú que cumplen la función mixta de sordinas o bordones.

Función expresiva: Es uno de los componentes más importantes de la música descriptiva. Su aplicación práctica en lo que respecta a la sonoridad, variedad y contraste de una obra, constituye la riqueza más apreciada en la música. En el aspecto melódico, la función de la modulación es brindar al desarrollo temático de la obra. Las famosas "Bachianas brasileiras", del gran compositor Heitor Vilalobos (1887-1959) configuran una singular muestra de función expresiva. Su creación es una exposición musical, como un fresco de la Europa barroca y romántica expuesto en el ambiente del trópico. Vilalobos, uno de los grandes músicos del Brasil, logró consubstanciar los elementos melódicos autóctonos de su tierra [ritmo, síncopa, cadencia] con el temperamento clásico y tradicional de la música europea. Las óperas brasileñas de este prolífico autor, como "Zoe" y "Malazarte" incluyen una serie de hermosas y bien logradas exposiciones abiertas a la interpretación virtuosa.

Fundamental: Se denomina así a la nota que da lugar a las demás notas integrantes de un acorde. Este efecto se produce, en la armonía tonal, a través del impulso de los armónicos naturales. Los armónicos superiores sólo se utilizan en contadas ocasiones. Prácticamente, las notas consecuentes -formadas por la nota fundamental- son las siguientes: tercera, quinta, séptima y novena.

Funky: Nombre popular del hard bop, una variante evolutiva del estilo be-bop, nacida a principios de la década de 1940, bajo la inspiración melódica del jazzman norteamericano Dizzie Guillespie.

Furnitura: Registro de órgano compuesto de varios tubos por nota. Generalmente están organizados en grupos desde cuatro hasta diez hileras de tubos. La cantidad y disposición pueden variar de acuerdo con el modelo de instrumento. Las fornituras suenan en octavas y quintas con relación al sonido fundamental. Cuando los sonidos de la fornitura se combinan con los del címbalo -que son más agudos- se produce el registro compuesto llamado de plein-jeu (pleno juego).

Furruco: Tambor de frotación típico del folclore venezolano. El principio sonoro es similar al de la zambomba común en ciertas regiones de España. Consiste en una vasija cilíndrica de barro cantarero u hojalata, provista de un parche de piel en la parte superior. El elemento de frotación es una varilla de madera encerada. Se usa especialmente en las fiestas navideñas y en las parrandas de aguinalderos, en conjunto con otros instrumentos tradicionales de Venezuela (tambora, cuatro, charrasca).

Fusa: Símbolo de una nota musical (Figura: r). La duración de su sonido equivale a la treintaidosava parte de la unidad básica (nota redonda). El valor de la fusa equivale a la mitad de su precedente, la semicorchea, la cuarta parte de la corchea, y así sucesivamente. El silencio correspondiente se denomina silencio de fusa.
Fuste: Importancia, entidad, categoría. Se dice voz de fuste a la que tiene personalidad para representar o demostrar el carácter que el libreto exige de un personaje.

Fututos: Conjunto de cuatro flautas folclóricas, de caña de bambú, pertenecientes al grupo cultural afrodominicano. Se trata de un instrumento aerófono múltiple, con vibrantes sonidos de trompeta, cuya área de difusión es bastante extensa (Barahona, Santiago, La Vega, Neiba, San Juan, etc.). Los cuatro fututos se denominan en forma individual: grande, primero, contrabajo y coupé. Sin embargo, nunca actúan de manera independiente puesto que sus respetivos sonidos se complementan formado un sistema sonoro único e indivisible. Las piezas que componen el grupo musical de cuatro fututos suelen denominarse de manera diferente, según la comarca a la que pertenecen y la influencia que reciben de Haití. También se conocen con los nombres de vacines y bambuses o bambús.

Futurismo musical: Movimiento artístico y filosófico, creado a principios del siglo XX por el compositor italiano F. Balilla Pratella. Esta idea, expresada por primera vez en el célebre "Manifesto dei Musici Futuristi", propugan una revolución en el arte creativo basando sus ideas en las premisas del filósofo Marinetti para todas las manifestaciones artísticas, en general. La obra más conocida de este autor tenía un título sugestivo: "Inno alla vita" (Himno a la vida). Lo había compuesto en 1913, en apoyo al esfuerzo ideológico de los artistas de todo el mundo y las más diversas disciplinas, unidos en un programa de actos pacifistas, que se realizaban en las principales ciudades de Europa y América con el propósito de evitar que se desatara la inminente Primera Guerra Mundial. Respondieron a propósito de evitar que se desatara la inminente Primera Guerra Mundial. Respondieron a 1965) y el estadounidense George Antheil (1900-1959). Antheil es autor de una obra instrumental y escénica basada en las ideas futuristas de Balilla Pratella, a la que tituló "Ballet mécanique" y que se estrenó con gran asombro en el Carnegie Hall de Nueva York. En la curiosa composición de esta creación figuraban diez pianos que actuaban en combinación con un sistema de campanas, aerófonos de metal (trompas, tubas, helicones), motores a explosión y diversas herramientas eléctricas. Fue tal el escándalo -para aquella época que le valió el mote de "niño terrible" con el que se lo conoció durante toda su carrera artística. Antheil es autor entre otras creaciones de la ópera "Transatlantic", estrenada en Frankfurt en 1930, y de varias sinfonías, algunas de ellas compuestas en torno a una espiritualidad, tal vez menos revolucionaria y futurista que las primeras.

Fyell: Instrumento aerófono perteneciente a la familia de las flautas. En su forma actual procede de la región de Dalmacia, aunque su remoto origen puede ser árabe. Tiene la embocadura en forma de bisel y cinco o seis orificios. Esta flauta también era conocida en la antigua Yugoslavia con el nombre de kawall. Con ligera variante, la denominación también existe en las regiones montañosas del Magreb (Ksar Ait Attab, Goulmina), donde sirve para denominar una flauta muy parecida, llamada kawala, usada en la interpretación de composiciones folclóricas del Gran Atlas.

-G

G: Denominación equivalente a la nota sol en la nomenclatura anglosajona. Se trata de una forma de notación que ya se utilizaba en la Edad Media y aún se encuentra vigente en los países que no han adoptado el sistema por sílabas, llamado de Guido d'Arezzo.

Gadulka: También llamado goudulka (ver esta palabra). Es un antiguo modelo de cordófono perteneciente al folclore tradicional de Bulgaria, del que existen varias versiones. Corresponde al mismo grupo o familia de instrumentos que el goudok o el goudotchek de Rusia.

Gaita (aerófono): También denominado cornamusa, aunque existen ciertas características que permiten diferenciar a ambos instrumentos. Es un aerófono de fuelle, típico de regiones distintas, como Asturias, Galicia y Escocia, aunque parece tener un remoto origen celta. Se trata de un sistema mixto, compuesto por un odre forrado en tela, en el que se insertan una serie de tubos de madera tallada. Uno de los tubos, provisto de una válvula que permite el paso del aire en un solo sentido, sirve para inflar el saco, presionándolo luego con el antebrazo para que salga por los tubos de salida, que tienen lengüetas y pueden ser dos o más según el modelo de la gaita. El tubo de salida principal -que da la melodía- se llama "puntero" o "caramillo" y los restantes, que dan las notas graves, se llaman "roncones". En Colombia y Panamá, existe un tipo de flauta dulce aborigen a la que llaman gaita. Se emplea en la interpretación de la danza típica que lleva este mismo nombre y a la que también se conoce con el apodo campesino de porro palitiao.

Gaita (danza): También llamado porro palitiao, es un tipo de melodía bailable procedente de la región norte de Colombia. De acuerdo con las últimas investigaciones del folclore musical iberoamericano, la danza llamada gaita, tendría el mismo origen que la cumbia.

Gaita (tocata): Composición tradicional para instrumentos de cuerdas (guitarra, vihuela). Era popular en España durante el siglo XVIII y parte del XIX. Las gaitas para vihuela acompañaban los sonidos y el tipo de piezas musicales propias de los aerófonos del mismo nombre. En algunos manuales, el nombre aparece escrito en plural (gaitas).

Gaita asturiana: También conocida con el nombre de "gaita de ribera", sus orígenes datan del siglo XIII. El área de difusión de este instrumento comprende gran parte del principado de Asturias y parte de Cantabria. Una de sus característica más destacadas de la gaita asturiana es el timbre particular, debido al tamaño breve y la forma de la doble lengüeta (llamada payuela e lengua bable). Es normal que tenga un solo tubo roncón, que se apoya sobre el hombro del gaitero, aunque existen ejemplares poseen, además, un tubo ronquete o ronquín, como las gaitas gallegas

Gaita charra: Flauta pastoril de tres agujeros. Es típica de la provincia de Salamanca y en la actualidad tiene un carácter folclórico Suele emplearse en compañía del tamboril, ambos instrumentos ejecutados en forma simultánea por un solo intérprete. Es similar al aerófono que se conoce en Extremadura y Andalucía con el nombre de flauta rociera. La palabra charra/o se emplea para nombrar a los aldeanos salmantinos y sus costumbres, especialmente en las comarcas donde se usa este instrumento, que forma parte del folclore local y es una importante fuente de inspiración creativa para los músicos tradicionalistas. También se conoce la existencia de un estilo melódico denominado charro, una manera de hablar y un traje típico con ese nombre.

Gaita de boto: Del latín (buxum o buxus=caramillo de boj). Antigua gaita aragonesa dotada de un odre o fuelle de gran tamaño que se forra con una funda confeccionada con tela estampada y encaje de puntilla, similar a un vestido de niña. Por su forma y la disposición de los tubos (soplador, roncón puntero y ronquete) corresponde al tipo de gaita común en Europa occidental. Algunos especialistas consideran a la gaita de boto aragonesa como un instrumento de aliento típicamente mediterráneo, similar a la chabrette de Occitania, la zampogna calabresa y la xeremie mallorquina. Una de las características de uso de este instrumento es que el tubo roncón -también llamado bordón mayor- debe quedar sujeto bajo el brazo derecho del gaitero en vez de pasar sobre su hombro, como es común en otras gaitas. Los tubos de la mayoría de los ejemplos conocidos proceden del modelo de chirimía cónica, con lengüeta doble de caña. Su principal área de difusión comprende toda la zona del Alto Aragón, parte de Cataluña y Navarra.

Gaita de cumbia: Aerófono folclórico de Colombia que se emplea en las orquestas de cumbia. Es una flauta de ejecución vertical. Su uso es corriente sólo en algunas localidades del interior del país. Existen tres versiones distintas:

1) Gaita corta: tiene seis orificios. Se suele emplear en los pasajes rápidos, con diversidad de cadencias.
2) Gaita hembra: La de tono alto. Tiene cinco orificios de digitación y es la que interpreta la melodía
3) Gaita macho: Posee un solo orificio de digitación y el diámetro es algo mayor. Cumple la función de bajo continuo.

Gaita de fole: Típica de la provincia castellana de Zamora. Es un instrumento habitual en la región noroeste (Aliste, Sanabria, Carballeda, Valles de Benavente, Alba). Existen en dos modos distintos de afinación: 1]Gaita de fole de Sanabria (afinada en do, con el cuarto, quinto y sexto grado rebajados); 2]Gaita de fole de Aliste (afinada en si bemol). Su estructura es similar a la de otras gaitas del noroeste español, como las de Asturias y Galicia. Sus partes esenciales son el puntero cónico de doble lengüeta y el tubo roncón, que se apoya sobre el hombro del gaitero. En las fiestas populares suele formar conjunto con el tambor y la pandereta. También se la conoce en Portugal con el nombre de gaita de pele de cabrito.

Gaita de Guadalajara: Gaita simple, sin odre, con pico y lengüeta doble. Es una variedad de dulzaina o chirimía de pastor, de la que existen varios tipos, como ocurre con la gaita navarra. Básicamente es un aerófono de afinación aguda, parecido a la puntera de la gaita de fole. Se fabrica en madera de brezo, torneada con forma cónica y seis o siete agujeros, según el modelo.

Gaita gallega: Gaita de fuelle. Su uso está extendido normalmente en las provincias gallegas de Lugo. Orense, Pontevedra y A Coruña. De manera ocasional también se puede ver este instrumento en el norte de Portugal (Tras os montes). La única diferencia que existe entre los modelos pertenecientes a distintas regiones suele ser la dimensión de los tubos sonoros. Por esa razón, los tubos -denominados burato, ronco, ronqueta y chillóntienen distinta altura, según el modelo de gaita. La mayoría de las gaitas son transpositoras. Sólo el modelo en tonalidad re mayor se puede considerar un instrumento "no transpositor".
Gaita gastoreña: Gaita sin odre, de lengüeta simple, típica del folclore regional de Gastor (Arcos de la Frontera, Cádiz). Compuesta por un cuerno de toro unido a un pequeño tubo de madera o hueso, de sección exterior cuadrada, con cuatro orificios y unos 10 cm de largo. Debido a la configuración cónica del pabellón, el sonido que emite este aerófono es algo grave y profundo.

Gaita hurdana: También llamada gaita de Las Hurdes, es un instrumento tradicional del folclore de Extremadura que se tañe con una sola mano en compañía del tamboril con cencerros. Tiene unos 30 cm de largo y tres agujeros, dos en la parte superior del tubo y uno en la parte de abajo. Sonido suave, con notas alternas.

Gaita MIDI: (Musical Instrument Digital Interface) Instrumento electrónico que imita los sonidos de una gran diversidad de gaitas españolas y europeas. Basado en el sistema informatizado de los instrumentos musicales de interfaz digital, en lugar de odre posee un sistema impulsor del flujo aéreo dosificado a través del dispositivo controlador gobernado mediante un software especial. La gaita MIDI es un instrumento de sonido cromático formado por un tubo puntero de forma cilíndrica, que carece de orificios de digitación a los que sustituye por sensores táctiles. Además, tiene memoria de sonidos y otros sensores especiales destinados a la ejecución de los efectos vibratorios y de stacatto. Su funcionamiento, programable en el tono fundamental, responde a una interfaz que controla y envía la información codificada a un microprocesador. Éste se encarga de determinar la posición de cada uno de los dedos del ejecutante, mediante un muestreo realizado en milésimas de segundo (12.500 veces en dicho lapso). Las referencias recogidas permiten ubicar inmediatamente la nota correspondiente a dicha posición, con el objeto de aplicar la frecuencia y el tono del sonido analógico.

Gaita militar: En las bandas militares de algunos países se utilizan gaitas o cornamusas como instrumento especial en paradas y desfiles (España, Estados Unidos, Gran Bretaña, etc.). También se les suele llamar gaitas marciales. La mayoría de las que utilizan los cuerpos de música militar del ejército español son gaitas gallegas de un solo roncón. Aunque menos usuales, también existen ejemplares que poseen tres (ronquillo, ronquete y roncón). Las gaitas del ejército británico son escocesas, provistas de dos tubos ronquetes y un roncón o mayor. Esos tres tubos pedales van dispuestos en forma de abanico unidos por cordones sobre el hombro del ejecutante.

Gaita rociera: También llamada pito rociero, es un aerófono típico de Huelva, que se tañe junto con el tamboril durante la romería del Rocío. Aunque pertenece al folclore musical de las comarcas de Andévalo y el Condado, su difusión se extiende hasta las comarcas de Aljarafe, en la provincia de Sevilla. Es posible que su origen sea árabe. Existen instrumentos muy similares en otras provincias (Cáceres, Badajoz, Salamanca, Zamora, León). Sonido agradable, con predominio de las tonalidades agudas.

Gaita serrana: También llamada albogue, es un instrumento de viento pastoril, que fue muy popular en las comarcas de la sierra de Madrid hasta mediados del siglo XX. En la Edad Media era un instrumento predilecto de bardos y poetas. Descendiente de los antiguos aerófonos ibéricos, su figura aparece representada en antiguas esculturas de catedrales y en las Cantigas de Alfonso X el Sabio. Básicamente consiste en un tubo corto
-simple o doble- de madera, generalmente de higuera, con cuatro o cinco agujeros y dos cuernos de vaca, uno a cada lado del conducto central que cumplen la función de pabellón amplificador del sonido. En uno de los extremos del tubo de madera central lleva insertado un juego de lengüetas. Existen otros modelos similares, distribuidos en la geografía española (Guadalajara, Burgos, región pirenaica) y también en el norte de África. Algunos ejemplares tienen dos tubos de madera -en forma de cuna- con seis orificios, colocados en línea doble. El intérprete puede obturarlos con ambas manos para obtener una escala simple con supremacía de las notas graves.

Gaita zamorana: Denominación corriente que se suele dar a la zanfona, un instrumento de cuerdas de origen medieval. A pesar de su nombre, no tiene ninguna relación con la gaita de odre o cornamusa ni con otros tipos de gaita simple. Es un cordófono que suele verse ocasionalmente en manos de músicos ambulantes y sólo en algunas regiones de España (Galicia, Asturias, Cantabria, León y Zamora).

Galería (repertorio): Nombre que se daba antiguamente a la compilación de obras propias de un compositor, o también para designar al archivo donde se guardaban los originales de las piezas estrenadas de una orquesta.

Galería (teatro):

También llamada cazuela o paraíso. Era una de las plantas o niveles destinados al público en los teatros líricos.

Galopp : Pasaje musical acelerado, muy vivaz y sonoro, que recuerda el galope de la caballería. En ciertas danzas, se llama así a los pasos rápidos que imitan el trote del caballo. El galopp fue un baile de salón de origen húngaro, muy popular en el siglo XIX. Respondía a un compás binario, con pasos breves y ritmo agitado. La coreografía estaba compuesta por tres partes. Un típico ejemplo de esta bella melodía, en tempo presto, es "Le bal" (El baile), de Georges Bizet (1838-1875). En algunos tratados musicales puede aparecer escrito galop o gallopp.

Gallarda: Danza tradicional del siglo XVI, de condición popular y carácter alegre. Fue tal la aceptación gozada por este baile, en todos los niveles sociales, que el periodo de 1550 a 1650 -se llamó "el tiempo de la gallarda". Una de las piezas más conocidas del compositor español Juan de Cabezón, maestro músico de la corte de Felipe II, se llama "Gallarda milanesa" y estaba inspirada en los pasos elegantes y airosos de esta danza típica. También se la conocía con el nombre de romanesca.

Gallo: Giro popular entre los aficionados al canto operístico, que se emplea para señalar un fallo en la emisión de la voz, que impide al cantante alcanzar la nota adecuada en el momento crítico. Puede deberse a distintos motivos: agotamiento del tono muscular de la garganta, cansancio, mala respiración, problemas de salud, etc. Técnicamente se denomina quiebro de voz.

Gama: Se denomina así a la serie completa de todos los sonidos. (do–re–mi–fa–sol–la–si). Su denominación corresponde a la primera de las notas, la más grave, y proviene de la tercera letra griega (gamma). Una escala musical puede contener tantas gamas como lo permita la extensión de un determinado instrumento o la voz de un cantante. En la práctica se considera gama fundamental a la que tiene el sonido más grave de la nota do (64 vibraciones por segundo). Con el objeto de identificar las notas de cada una de las gamas siguientes, se les coloca un número denominado subíndice (Por ejemplo: mi₂=nota mi de la segunda gama, sol₄=nota sol de la cuarta gama, etc.). Cuando las siete notas de una gama completa se unen a la primera nota de la gama siguiente (do-re-mi-fa-sol-la-si-do) se forma una octava. Así llamada por haberse formado con ocho notas. Existen otras formas creadas para identificar los sonidos de la escala. Durante el siglo XX aparecieron diferentes formas basadas en el índice comparativo de extensión sistema desarrollado a fines del siglo XIX que utiliza una denominación individual gráfico-numérica para una serie completa de 116 sonidos distintos. Esa serie permite configurar 9 octavas y media en la escala cromática.

Gama fundamental: Es la primera de las gamas sucesivas de una escala. Al escribir la gama fundamental es corriente omitir los subíndices que sirven para distinguir las notas de las gamas siguientes.

Gama natural: También llamada “gama armónica”. Su concepción se atribuye al filósofo y músico griego Aristógenes (siglo IV a. C.). En el siglo XVI fue redescubierta y elaborada por el teórico musical italiano Giuseppe Zarlino (1517-1590), que intentó concatenar las relaciones numéricas entre los distintos grados de la escala.

Gama pitagórica: Es una antigua teoría, atribuida al genio de Pitágoras. Ha sobrevivido por más de veinte siglos, siendo objeto de constantes estudios y polémicas. Se basa en un principio sencillo. Tomando una nota determinada como base se multiplica la frecuencia por 3/2, siguiendo esa norma con todas las siguientes

Gama temperada: Sus notas dividen el intervalo de octava en doce medios tonos templados, de allí su nombre. Fue preconizada por Johann Sebastian Bach (1685-1750) en su obra “Das Wohltemperierte Kalvier” (El clave bien temperado) BWV 846-869, publicada en 1722.

Gamba: Registro del grupo de tubos, con sonoridad mordente, típicos del órgano sinfónico. Los tubos son de metal, bastante estrechos, en su parte superior y suenan graves en la escala normal. También es usual la forma inglesa (gamba-bass).

Gambang: Idiófono tradicional de la isla de Sumatra (Indonesia). Es un instrumento típico en el folclore regional de aquel archipiélago. Se conocen diferentes modelos de gambang, fabricados en varios tamaños y con afinaciones a distintas alturas. El sonido combinado, entre varios instrumentos de este tipo, permite obtener melodías agradables y dulces, ejecutadas en distintas tonalidades. Esta compuesto por láminas metálicas.

Gambuh: Espectáculo lírico tradicional de la isla de Bali (sureste de Indonesia). Similar a la ópera de occidente, donde se pone en juego un deslumbrante efecto de imágenes en movimiento, luz y sonido. Basado en un principio escénico equivalente al de commedia dell'arte, pero a la manera oriental, el gambuh representa un elaborado juego filosófico entre la realidad y la ficción, donde los valores, tanto individuales como de conjunto, ponen en juego la dualidad existente entre el actor y el personaje. En lo que atañe al tema místico o legendario -siempre recurrentemuestra la esencia del folclore javanés, impregnado sin duda por sus antiguas tradiciones culturales, pero enfocado a través de una perceptible influencia del arte teatral europeo, un aspecto residual de su reciente pasado como colonia neerlandesa. En cuanto al efecto rítmico, puede decirse que se basa en los compases breves, suavemente marcados por los instrumentos idiófonos -como los platillos tjeng-tjeng y ritjik- mientras que la melodía de fondo suele confiarse al dominio de las orquestas de gamelang. El gambuh se representa tanto en los teatros tradicionales de la capital, Singaradja, como en los pueblos del interior de esa provincia insular. Existen variantes folclóricas parecidas en Malasia, Brunei y Papúa-Nueva Guinea.

Gamelang: Grupos musicales especializados en la ejecución de música oriunda de la isla de Java (Indonesia). Los instrumentos que utilizan son esencialmente aerófonos metálicos (trompa, trompeta, tuba, serpentón, etc.). En ocasiones y sólo con carácter efectista pueden incluir la actuación de algún idiófono folclórico como las varillas de bambú, los cascabeles o el sistro. Es una antigua manifestación musical que fue conocida en Europa recién en 1889, con motivo de la Exposición Universal de París. También puede aparecer escrito Gamelan.

Gamma: Escala musical en la antigua Grecia. Debe su nombre a la tercera letra del alfabeto helénico. Correspondía al sonido más grave (nota sol) del primitivo sistema utilizado por los melodistas griegos. La forma original gamma, se usaba antes de que se difundiera el sistema de notación de Guido d’Arezzo (siglo XI).

Gand: Aerófono africano. Es una variedad de trompa primitiva, originaria de la región oriental de Abisinia, Somalia y Eritrea. La embocadora es de caña o madera y carece de lengüeta. El pabellón, largo y cónico, se fabrica con un cuerno de buey. Puede emitir dos tipos de sonidos diferenciados, agudos y estridentes. Se usó desde épocas antiguas para acompañar las danzas tribales.

Gangarilla: Compañía teatral rudimentaria. También llamada "cómicos de la legua". Los actores eran siempre hombres. A veces un muchacho encarnaba los papeles de mujer. En ocasiones, solían recitar composiciones de gesta, o cantar y hacerse acompañar por algún instrumento musical de cuerdas como el laúd o la viola. Sus obras eran improvisadas en el mismo lugar donde se realizaba la representación.

Ganza: Especie de maraca o sonajero del Brasil que se utiliza para marcar el ritmo musical en las ceremonias del culto Umbanda. También llamado xere o adja, según la región de donde proviene Es un idiófono de hojalata con cuentas o piedrecitas en su interior que resuenan mediante percusión directa o por sacudimiento.

Garrapatea: Figura musical que tiene un valor equivalente a la mitad de la semifusa. También se llama así al movimiento muy rápido de los dedos sobre las cuerdas de la guitarra u otro instrumento de ese tipo.

Garrotín: Danza folclórica española, en compás de 2/4 con movimiento acentuado y alegre. Surgió y se difundió en Andalucía durante la segunda mitad del siglo XIX, época en la que llegó a ser muy popular. Su melodía, acompañada con cantos y palmadas, está impregnada de una profunda esencia gitana. En la actualidad subsiste una variante con las características de un canto con baile de inspiración flamenca, especialmente en Sevilla, Cádiz, Córdoba, Granada y Jaén. Varios autores, cautivados por el estilo, asimilaron la influencia de sus compases primitivos en obras dedicadas a cultivar la forma típica del garrotín. En ese sentido son especialmente recordadas las obras del compositor valenciano Vicente Lleó (1870-1922).

Gato:

Danza criolla, típica del folclore argentino. Se puede bailar entre dos parejas realizando giros y vistosas coreografías en las que interviene el zapateado.

Gauche: Voz musical francesa (izquierda). Es el vocablo equivalente de sinistra, en italiano. Se trata de una indicación de ejecución, referida al uso de esa mano en la interpretación de un determinado pasaje. En el piano: main gauche.

Gauchita: Composición musical con forma de cantata, típica de las provincias meridionales de Argentina (Santa Cruz, Neuquén, Río Negro, Chubut, La Pampa, sur de Mendoza, etc.). La letra suele tener un carácter romántico, similar a la vidalita. No se baila, sólo se canta en tiempo lento y con acompañamiento de guitarras.

Gauchito: Danza y canción folclórica argentina, de movimiento vivo, que floreció a principios del siglo XIX en las provincias de Córdoba, La Rioja, Catamarca y Santiago del Estero. Es un baile dotado de una extraordinaria riqueza melódica, cuya coreografía se realiza por parejas, simulando el cortejo del hombre a la mujer. La letra -que forma parte del cancionero criollo tradicional- alcanzó una gran popularidad durante el periodo de las luchas por la independencia y la organización nacional, época en que las diferentes letras de las canciones que acompañaban a "El gauchito" adquirieron un marcado acento patriótico.

Gavota: Danza cortesana de compás binario y carácter alegre. Su estructura musical -que puede tener anacrusas- se compone de frases con cuatro compases. La palabra viene del francés gavots nombre popular de los habitantes de Gap, una ciudad del delfinado. En los siglos XVI y XVII formaba parte de las suites y otras composiciones de salón. La "Suite Inglesa Nº 3", de Johann Sebastian Bach, tiene un aire de gavota en sol menor.

G double flat:

En la terminología musical inglesa, es el nombre del sonido correspondiente a la nota

sol doble bemol.

Equivale a

Geses

en alemán y

sol double bémol

en francés.

G double sharp:

Denominación de la nota sol

doble sostenido

en inglés. En alemán es

Gisis y

en francés:

sol double dièse

.

Gebrauchsmusik: (Música de segunda mano). Método de intercambio y enseñanza musical, basado en el conocimiento de la esencia de cada melodía, más que en la técnica de la notación. Es de origen alemán y fue adoptado en todo el mundo para su empleo entre de aficionados. Comenzó como un intercambio de grabaciones, libros de texto, ensayos críticos, instrumentos, etc. En la actualidad abarca un amplio espectro pedagógico, sin dejar de responder a su filosofía original, destinada al uso esencialmente doméstico.

Género (acepción general): Del griego (genus/generis). Categorías o estilos en los que se dividen e identifican las diferentes formas musicales, teniendo en cuenta sus características, época, escuela o procedencia.

Género (teoría musical): Término procedente de la música griega antigua, donde servía para identificar la manera como se repartían los intervalos en el ámbito del tetracordio. En la teoría, los griegos llegaron a distinguir tres tipos de géneros (diatónico, cromático, enarmónico) cada uno con sus correspondientes matices.

Ges: Sol bemol

en la terminología musical germana. Equivalente de

G flat

en inglés. En francés sólo varía la acentuación de la letra é (

sol bémol

).

Geses: De la misma forma, en la nomenclatura germana corresponde al sonido sol doble bemol del sistema de Guido d'Arezzo. En inglés es G double flat en inglés y en francés: sol double bémol.

Gestualidad: Sistema de gestos mediante el cual el actor puede acentuar el carácter del lenguaje hablado o cantado. Esa fluencia entre la figura y el movimiento corresponde a la manera como el cuerpo entra en relación con el espacio escénico. En la ópera, de la misma forma que en el teatro y el cinematógrafo, los gestos y ademanes son afines al sentido de la mímica y suelen parecer exagerados por los efectos de la acústica y la iluminación. En la coreografía del ballet se presta atención al sentido de los movimientos para describir las escenas que serán interpretadas por los intérpretes. El actor mantiene una relación con el público, que vive el episodio escénico a través del equilibrio rítmico de los personajes. En el bel canto, el lenguaje gestual es tan sutil como la expresión verbal. En la actuación operística, cada postura corporal tiene un significado distinto y según las circunstancias, puede significar una idea diferente. Para comprender esa multiplicidad de formas expresivas debemos remontarnos a los orígenes del arte teatral.

Gettato: En italiano (lanzado). Técnica del golpe de arco del violín y otros instrumentos de esta clase. Significa que el arco se desliza sobre las cuerdas como si fuera proyectado o arrojado libremente sobre ellas.

G flat:

Denominación inglesa de la nota

sol bemol

. Corresponde al término

Ges

en alemán. En francés sólo varía la acentuación de la letra é (

sol bémol

).

Giga ( danza): Palabra derivada del inglés (Jig o giggle=diversión). Según otras teorías el nombre procedería de geige un antiguo cordófono antecesor del violín que se utilizaba para acompañar distintas danzas populares. Se trata de una manifestación folclórica natural de las tierras altas escocesas, que luego pasó a Irlanda y Gales, donde llegó a ser del agrado de los virginalistas de la época, que le otorgaron su sello tradicional. También es probable que en su forma original la giga naciera en Alemania, para luego extenderse hacia el norte a través de Francia e Inglaterra y por el sur, hacia Italia, adquiriendo en cada país el carácter propio de la región. El movimiento de esta danza resulta sumamente vivo. Según la zona, el compás puede ser binario o ternario (2/2, 4/4, 3/8). La popularidad de la giga en Europa se debe al trabajo de los compositores Rameau y Lully, que incluyeron en algunas de sus óperas diversas melodías inspiradas en sus melodías. Bach recuperó los compases de la giga en el "Concierto de Bandenburgo", pero al finalizar el siglo XVIII ya la popularidad de la giga había decaído bastante. Durante la primera mitad del siglo XX, grandes compositores de la categoría de Arnold Schönberg y Darius Milhaud rescataron ciertos aires de esta danza, incluyéndolos en distintos pasajes de sus obras.

Giga ( instrumento): Del inglés (geige). Cordófono simple, dotado de una pequeña caja de resonancia de tono muy agudo. Se fabricaba con madera de fresno y se ejecutaba mediante un arco, también de madera, provisto de cuerdas de crin bien estiradas. Fue un antecesor del actual violín.

Gioioso: Voz italiana. (Adjetivo de gioia=alegría). Es una expresión de sentimiento que se emplea con cierta asiduidad en la música de ópera con el objeto de señalar un estado de ánimo particularmente alegre y jocundo de uno o más personajes en la escena. También se suele usar como indicación de ejecución instrumental, de manera especial con algunos instrumentos de viento y percusión (tuba, helicón, sousaphon, bombo, timbal, etc.)

Gioco di campanelli: En italiano (juego de timbres) Idiófono de percusión directa, compuesto por una batería de láminas sonoras, de hierro o latón, que se golpeaban con macillos también de metal. Se usaba para marcar el ritmo de algunas danzas sardas y napolitanas. En la actualidad se conoce un instrumento basado en un principio similar, con los nombres de campanólogo o glockenspiel. El gioco di campanelli llegó a tener cierta popularidad en el sur de Italia durante el siglo XVII.
Giraldilla: También llamada xirandiya. Danza típica -con música bastante alegre y movida- propia de las regiones altas del norte de España. Se conocen variantes musicales que proceden de Asturias y León. Tiene compás binario y se baila en forma de corro. Es un género musical surgido de la fusión entre dos variedades independientes que siempre gozaron del aprecio popular (la danza prima y la jota). Entre las giraldillas tradicionales más conocidas, tanto en España como en el extranjero, pueden citarse: "Asturias, patria querida"; "La Romería de San Andrés"; "Chalaneru" y "El jardín de la Pola". El nombre de esta danza proviene de la forma típica del baile, que consiste en girar sobre un pie, tomados los bailarines con los dedos, para seguir las evoluciones de la coreografía.

Gis: Sol sostenido

en la terminología musical germana. Equivalente de

G sharp

en inglés y

sol dièse

en francés.

Gisis: De la misma forma, es la nota sol doble sostenido

en alemán. En inglés se escribe

G double sharp

y en francés

sol double dièse

.

Giusto : Indicación de movimiento en italiano. (giusto=justo). Su fluidez debe ser la normal para la melodía que se interpreta. El tempo giusto debe desarrollarse con naturalidad.

Glasharmonica: Idiófono cuyo sonido se obtiene por frotación. Conjunción del inglés (glass=cristal/vidrio y harmonic=armonioso). También se lo conoce con el nombre de armónica de cristal.

Glee : Composición musical destinada al acompañamiento de las voces de un pequeño conjunto coral masculino. Surgió a mediados del siglo XVIII, cayendo en el olvido a principios del siglo XIX. En la década de 1950 intentaron recuperar esta forma, aplicándola a la música folclórica norteamericana.

Glissando : [También puede aparecer escrito glisando]. Es un efecto que se logra al deslizar suavemente el sonido de una nota hasta la inmediata siguiente en la escala musical y así sucesivamente. El glissando se obtiene al recorrer velozmente la escala entre dos notas previstas como límites del efecto melódico. La palabra italiana tiene ese mismo significado (glissare=deslizar). La sensación sonora del glissando se parece un abanico que abre o cierra su espectro sonoro dejando sentir una variedad de notas bien moduladas en escala ascendente o descendente. En las partituras y en las descripciones musicales también se suele escribir glissar. El glissando es uno de los más armoniosos y sonoros recursos del arpa. Este efecto puede llevarse a cabo sobre una gran diversidad de acordes, puesto que puede superar a las notas de la escala diatónica mediante la producción de sonidos enarmónicos.

Glockenspiel: Instrumento musical idiófono, similar a un pequeño carillón de teclado. Se acciona con pequeños martillos que golpean unas láminas de acero. Su nombre común (campanólogo) proviene del sonido que recuerda al de un juego de campanillas. Lo utiliza por primera vez el compositor alemán Haendel en su oratorio "Saul", basado en pasajes de la Biblia y estrenado 1739. También lo emplea Mozart en 1791, en la ópera en dos actos "La flauta mágica".

Gloria Patri: En latín (gloria al Padre). Fórmula de alabanza religiosa. Constituye un elemento musical de la liturgia cristiana, de uso corriente en el canto de los salmos. La melodía elemental sirvió de inspiración a distintas composiciones del canto gregoriano y es presumible que también fuera uno de los orígenes del estilo recitativo aplicado primero al oratorio y más tarde a la ópera.

Gloria in excelsis Deo: Melodía tradicional del oficio religioso que forma parte de la polifonía sacra. Inspirada en el canto de los ángeles a los pastores, el fragmento coral tiene un lugar preponderante en la segunda parte de la misa con acompañamiento de órgano. Durante una época el Gloria estaba constituido por distintas partes cantables, destacando entre ellas el brillante final en forma de fuga, denominado Cum sancto spiritu.

Glosa: Variación libre que se realiza sobre una composición musical. En poética es una estrofa inicial, cuyos versos se repiten a modo de estribillo al final de las estrofas siguientes. Las composiciones corales de ópera apelan a este recurso con el objeto de lograr un ritmo sincopado durante los finales en concertante.

Godoulka: Violín rústico de Bulgaria. Es un cordófono tradicional en el folclore musical de aquel país. También llamado gadulka. Tiene un cierto parecido con la viela o rabab medieval. La tapa armónica es de madera de pino y suele estar decorada con pinturas alegóricas. Posee un número variable de cuerdas, que se tañen con la ayuda de un arco o mediante el punteo con los dedos para que emitan sonidos flageolet. Algunas cuerdas se tensan sobre el diapasón y otras quedan libres para que vibren por simpatía. El puente de este instrumento tiene un curioso efecto de resonancia logrado por dos prolongaciones de madera tallada que penetran a través de tapa y se apoyan directamente sobre el fondo de la caja. El sonido resultante es agudo y bien modulado.

Goliardesco: Estilo poético que aparece en algunas óperas como “Carmina Burana” del compositor alemán Carl Orff (1895-1982). Los goliardos eran monjes trashumantes que componían o recitaban poesías y piezas escénicas de carácter profano. Su estilo de carácter libre y un tanto desenfadado, estuvo en boga en Francia e Italia entre los siglos XI y XV. Siguiendo la inspiración del estilo goliardesco, Carl Orff compuso para su ópera una serie de "canciones profanas para solistas y coros con acompañamiento de instrumentos e imágenes", tal como explica en el introito del libreto original. Las canciones germánicas y latinas de "Carmina Burana" pertenecen a una colección de manuscritos goliardescos del siglo XIII, recogidos por compositor alemán. Esta popular obra escénica, dotada de ritmos vitales y formas ostinati, fue estrenada en 1937 en el Teatro de la Ópera de Frankfurt.

Golpe: Melodía popular de Venezuela, que se suele cantar con acompañamiento de tamboras, maracas y cuatro, un típico instrumento de cuerdas. El golpe pertenece a la cultura musical criolla. Una de sus variantes con mayor difusión es el golpe larense.

Golpe de arco: Denominación amplia que se emplea para referir en términos generales el movimiento del arco en la ejecución de los instrumentos pertenecientes a la familia del violín. Además, existen indicaciones específicas, dentro de lo que se conoce como golpe de arco (staccato, spiccato, legato, gettato, saltato, martellato). Cada una de estas maneras, que se escriben normalmente en italiano, exige un tratamiento diferente y todas en conjunto forman parte de la técnica instrumental.

Golpe de glotis: Efecto que se logra al cantar una nota poniendo en acción las falsas cuerdas vocales, uniéndolas y separándolas con mucha celeridad. Se trata de una técnica difícil de lograr, cuya consecución requiere una gran práctica para que el sonido salga perfecto.
Golpe de lengua: Es una maniobra de soplido común para todos los aerófonos, sean del grupo de los metales o de las maderas. Consiste en presionar con la lengua hacia delante la embocadura del instrumento, cerrándola en forma hermética, para luego expulsar fuertemente el aire hacia el interior del tubo aéreo. El sonido resultante se emplea, entre otros, en la interpretación del staccato.

Golpe larense: Una de las versiones regionales más populares del tradicional golpe venezolano. Es natural de Lara, estado situado al occidente de caracas. La principal característica de esta variante es el canto a dos voces paralelas.

Gong: Instrumento de percusión de origen oriental (Java, China, Malasia). También llamado batintín o tam-tam aunque este último nombre corresponde a un modelo de mayor tamaño. Se trata de una pieza circular de metal que cuelga de un bastidor y se hace vibrar mediante un mazo o martillo. Por su insinuante sonido -profundo y majestuoso- ha formado parte como instrumento descriptivo en varias orquestas sinfónicas. Existen gongs de diferentes tamaños, espesores y aleaciones metálicas de bronce o cobre, con la consiguiente diversidad de notas. Algunos sistemas múltiples pueden tener más de veinte gongs, de distinto tamaño, formando una especie de carillón que se suele ejecutar entre varios percusionistas. En general, el diámetro de los platos de gong puede oscilar entre cincuenta centímetros hasta un metro y medio. Durante la Edad Media se utilizaba un instrumento similar, que pendía junto a las puertas de las abadías y hacía las veces de campana. Entre las obras más interesantes de la lírica europea, que incluyen sonidos de gong con función descriptiva está "Madame Butterfly", de Giacomo Puccini (1858-1924) y en la creación sinfónica, la suite "The planets" (Los planetas)"" 1934).

Gorgheggio: Adorno vocal mediante el cual los cantantes de ópera logran un bello efecto sonoro emitiendo la voz de un extremo al otro de la escala musical, sin pronunciar ninguna letra. En la lírica italiana, equivale a la palabra española "gorjeo".

Gospel songs: Conjunto de cantares de origen religioso, muy populares entre la población negra de los Estados Unidos. Tienen su génesis en la época de la esclavitud (desde el siglo XVIII hasta el XIX). Era un canto de resignación y a la vez de protesta, motivado por las maneras brutales de la época, el trabajo forzado y los sufrimientos de su condición social. A partir del siglo XX, los gospel songs se transforman en base melódica para la ejecución de distintos cantos evangélicos, especialmente en los templos del culto metodista, logrando también una amplia difusión fuera de ese ámbito, a través de la actuación de bandas y conjuntos vocales de repercusión mundial, como el Golden Gate Quartet, fundado en 1930. La manera de entonar las melodías tiene relación directa con los negro spirituals y el jazz. El cuarteto vocal -formación tradicional de este tipo de conjuntos- suele constar de barítono, bajo y dos tenores. Además de un número indeterminado de músicos, cuyos instrumentos deben estar acordes con las distintas voces del cuarteto. Algunos vocalistas de gospel pueden llegar a imitar con sus propias voces los sonidos de casi todos los instrumentos musicales del grupo.

Goudoc: Cordófono de arco, de origen asiático, introducido en Rusia durante la Edad Media 57. Es una variedad de rebec, prototipo del violín actual, perteneciente a una antigua familia de instrumentos del mismo tipo y variada tesitura (goudotchek, goudilo, gouditche). Tenía un arco primitivo, semicurvo, con cinta de crin, que frotaban tres cuerdas de tripa. La caja era periforme y el mástil del clavijero, inclinado hacia atrás como el laúd, alcanzaba un largo cercano a los 80 cm Para tañerlo, el goudochnik (ejecutante) debía apoyarlo sobre las rodillas, como la gadulka de Bulgaria. En la actualidad se utiliza muy poco, aunque existen en distintos países asociaciones culturales dedicadas a recuperar del olvido los diversos ejemplares y las composiciones creadas para ellos, todas pertenecientes a un tesoro lírico popular acumulado a través de los siglos.

⁵⁷ Se hallaron instrumentos muy similares que databan del siglo XII en excavaciones arqueológicas realizadas en uno de los numerosos sitios arqueológicos de la región de Novgorod (1951-1962).

Gousli: En lengua eslava (gousti=zumbar/resonar). Es un cordófono folclórico, originario de Rusia y perteneciente a la familia de las cítaras. Su cuerpo, con forma trapezoidal alargada, posee una caja armónica provista con 23 cuerdas de tripa (gouslia). Se trata de un término genérico que suele inducir a confusión, debido a que antiguamente los campesinos rusos denominaban con este nombre a una gran variedad de instrumentos de cuerdas. También puede aparecer escrito gusli o gusla. Lo describe el historiador griego Teofilacto Simocates en el siglo VI d. C. refiriéndose a él como un instrumento de los eslavos procedentes del norte de Europa. Aparece modernamente como complemento en la orquesta de ópera, pudiendo destacarse entre sus roles más destacados a la fuga para percusión de la ópera "Nos" (La nariz), de Dimitri Shostakóvich, también en la ópera “Sadko”, de Nikolai Rimski-Korsakov y en sinfonía de Alexander Borodin. Existen tres tipos o formas tradicionales de gousli:

Gousli de mesa: Es el de mayor tamaño, Con un largo cercano a 1,50 m, 0,50 m de ancho y unos 20 cm de espesor. La caja armónica presenta un perfil rectangular, semejante al del clavicordio. También se lo suele llamar“gousli de los popes”, por ser este instrumento el preferido en la celebración del oficio ortodoxo. Aun existe ejemplares que datan del siglo XVII en museos y colecciones privadas. Las primeras recopilaciones de antiguas canciones rusas, acompañadas con este modelo de gousli, fueron publicadas en 1913, en la ciudad de San Petersburgo.

Gousli salterio: Conocido con el nombre de psaltyr, es un modelo de tamaño intermedio. Su longitud alcanza 1,50 m, con un espesor que varía entre 10 y 12 cm. La caja adopta una vaga apariencia triangular, con las cuerdas dispuestas en forma transversal. Existen distintos modelos, provistos desde 11 hasta 36 cuerdas de tripa y con el templado en escala diatónica. En épocas pasadas el uso de este instrumento fue desaconsejado por el clero debido a su forma, que recordaba al salterio bíblico del rey David.

Gousli sonoro: Es el menor de esta familia. Su largo alcanza poco más de medio metro, con unos 25 cm de ancho la forma de un ala extendida, solía fabricarse en madera de abedul o arce blanco, tallada en una sola pieza y con la tapa armónica finamente decorada. El número de cuerdas, dispuestas en forma longitudinal, puede variar, según el modelo entre cuatro y quince. Antiguamente eran de tripa, en la actualidad pueden verse de acero, cobre, latón. Recientemente se han hallado cinco gousli primitivos, de este tipo pequeño, que datan del siglo XIII.

Gradación conjunta:

Se dice así cuando la gradación de las notas se va sucediendo de grado en grado, bien sea en forma ascendente o descendente.

Gradación descriptiva: Periodo armónico en el que se van modificando paulatinamente los grados de intensidad de una melodía. Se emplea de manera especial en la música aplicada al drama lírico, siguiendo la trama del libreto. Su propósito es esencialmente expresivo. Intenta demostrar sentimientos como el afecto, la risa, ternura o la ira. Gradación disjunta: Es cuando la gradación de las notas se va sucediendo por saltos, con intervalos de silencio más o menos extensos entre nota y nota.

Gradación rítmica:

Se refiere a los diferentes grados de aceleración o decrecimiento existentes en el movimiento de un compás.

Gradación sonora:

Disminución o aumento progresivo de la intensidad de los sonidos.

Gradatamente: En italiano (gradualmente). Forma de ejecución de un movimiento por pasos sucesivos, en el que los cambios de tempo u otras variaciones se deben realizar de manera moderada y gradual, sin alteraciones bruscas.

Grado (escala ): Nombre genérico de cada uno de los sonidos o notas que integran una escala musical. Cada grado tiene un nombre específico. También se suele identificar a los grados con números romanos que van desde el I al VII. A continuación se indican los respectivos nombres específicos de corresponden a cada grado de la escala:

Grado I = Tónica
Grado II = Supertónica
Grado III = Mediante
Grado IV = Subdominante
Grado V = Dominante
Grado VI = Superdominante
Grado VII = Sensible

Cada denominación técnica corresponde a una función específica dentro de la escala diatónica: 1) Tónica: es el grado que le da el nombre al tono 2) Supertónica: ocupa el lugar inmediato superior sobre la ubicación de la tónica 3) Mediante: Es el grado intermedio que se ubica entre las notas tónica y dominante 4) Subdominante: ocupa el espacio inmediato anterior a la dominante 5) Dominante: se llama así por su función preponderante dentro del sistema tonal 6) Superdominante: tiene el espacio inmediato superior a la dominante 7) Sensible: es atraída por la nota tónica, de la que está separada solamente un semitono.

Grado (periodo):

También se suele llamar así a la distancia que existe entre un sonido y otro.

Gradual:

Libro de cánticos religiosos dedicado al canto propio de la misa.

Grafismo visual: Sistema mnemotécnico utilizado desde el siglo IX en la práctica del canto religioso. Su uso estaba centrado en la actividad vocal de los coros de los monasterios y capillas de la Edad Media. Fue el origen de los gestos corporales del director de orquesta. Se basaba en el movimiento de las manos del maestro de coro, tomando como parámetro a diversos signos convencionales que han subsistido hasta la actualidad.

tono agudo =mano en alto
tono grave=mano abajo
tiempo lento=palma de la mano hacia abajo
tiempo allegro=palma de la mano hacia arriba, etc.

Graille: En francés (ronca). Nombre de una corneta militar francesa de la Edad Media (siglo XII). Se utilizaba para transmitir las órdenes en campaña. Posteriormente la comenzaron a utilizar los cazadores a caballo para comunicarse entre sí. De allí que en francés grailler signifique "tocar la trompa de caza". La graille emite un sonido único, áspero y algo grave, parecido al ronquido o la carraspera. En algunos textos antiguos se la suele confundir con el oboe o la gralla catalana, pero no existen motivos para establecer una relación.

Gralla (tubo de cornamusa):

Antiguamente se llamaba así a uno de los tubos sonoros de este instrumento de fuelle. También era conocido con el nombre de

prima

o

grall

.

Gralla (chirimía): Variedad de xeremia catalana. También llamada grall. De madera dura, pequeño tamaño y tono bastante agudo. Fue un instrumento pastoril muy popular durante el siglo XIX en la región pirenaica. Su uso era bastante común también en las fiestas religiosas y en la interpretación de piezas de carácter folclórico. Se le daba este nombre por relacionarla erróneamente con la corneta graille francesa, que es un instrumento distinto, de la familia de los metales.

Gralla (dulzaina): Nombre que recibía un aerófono de lengüeta, bastante voluminoso y del tipo de la antigua dulzaina, en algunas comarcas de Cataluña y el Rosellón francés (graille). Su extensión era de catorce notas y el sonido similar al oboe tenor. En el noroeste de Inglaterra todavía subsiste un instrumento similar, muy antiguo, al que los lugareños denominan whit-horn.

Granaina: Vocablo vulgar por granadina. Estilo del cante flamenco, en ritmo lento, perteneciente folclore manifestación musical acompañarse con sonidos de guitarra y, eventualmente, por un moderado toque de percusión (cajón, palillos, etc.).
regional de la provincia de Granada (Andalucía). Es una

compuesta por una serie de coplas dolientes, que suelen

Grand-opéra: Versión francesa de la ópera clásica italiana. Aborda motivos de carácter épico o dramático, con elevado número de intérpretes y extras, gran despliegue escenográfico y orquestal. Incluye el ballet y el conjunto coral. Aunque se advierte la influencia musical y literaria de varios estilos, en la ópera en tres actos Sansón y Dalila del compositor francés Camille Saint-Saëns (1835-1921), predomina el ambiente clasicista de la grand opéra. En su conjunto se configura perfectamente el notable equilibrio sonoro de la composición orquestal con las actuaciones vocales de los diferentes personajes y el coro. En ocasiones, el libreto de la grand opéra puede llegar a sacrificar la coherencia argumental a favor de los efectos espectaculares. Su condición de superproducción dentro del género operístico, le valió el triunfo y la aceptación del público en el ámbito internacional. La ópera "Los pescadores de perlas" de Georges Bizet (1838-1875) implantó en la escena europea el sensual encanto de los ambientes exóticos.

Gran manual:

Teclado principal del órgano, donde se hallan distribuidos los mandos de todos los registros esenciales. Se emplea en los grandes planos sonoros.

Gran órgano (instrumento): Del francés (grand-orgue). Nombre del modelo de órgano de mayor tamaño y capacidad sonora. El “Gran Órgano de Sol Mayor”, de la iglesia Nuestra Señora de la Encarnación, en la ciudad de Marbella, España, es uno de los instrumentos de este tipo más importantes de Europa. Diseñado y fabricado entre 1971 y 1975, por los maestros organeros Joan Capella de Collbató y Gabriel Blancafort, está compuesto por 4 teclados manuales de 56 notas cada uno, un pedal completo de 32 notas y 5000 tubos de cobre, madera y estaño. El tubo más alto y voluminoso, pesa 100 kilos y mide 6 metros de altura. Los tubos de la fachada son de 16 pies.
Gran órgano (juego): Término relacionado con el anterior. Se refiere específicamente al juego principal de elementos sonoros y otras piezas que componen el equipamiento de este instrumento.

Grave (indicación de tiempo):

Señala un movimiento musical despacioso, grávido, con cierta flema. En la música de ópera suele aplicarse al

leit motiv

de un personaje de respeto.

Grave (sonido):

Se dice de aquel cuyo acento se marca en la última sílaba. Respecto al

tono

, es el que suena

bajo

y hueco, en oposición al tono

agudo.

Gravicembano: En italiano (clavicémbalo). Instrumento de cuerdas del siglo XVII. Claudio Monteverdi lo emplea en la orquesta de la ópera“Orfeo”. La gran intuición musical de este gran compositor italiano le hizo concebir interesantes combinaciones orquestales, en las que incluyó los más diversos instrumentos.

Gravis:

Denominación usual en el canto gregoriano. Se empleaba para señalar las tesituras correspondientes a las notas bajas (tonos profundos).

Grazioso:

Además del

tempo

, es una indicación de ejecución

.

Significa que la composición músical debe interpretarse con gracia y donaire.

Groppo: Vocablo musical en italiano. Su acepción en castellano es “trino”. El empleo de esta palabra pertenece naturalmente al género lírico. En Italia, los aficionados al bello canto lo llaman gruppo o trillo.

Grosse Pianoforteschule : Célebre método de piano creado por el pedagogo austriaco Johann B. Cramer (1771-1858) considerado uno de los más completos y racionales del siglo XVIII. Cramer dedicó el esfuerzo de su proficua existencia a la educación musical. De ese estilo, fuente de sutiles melodías, surgieron notables maestros de la composición, como Robert Schuman (1816-1856), que logró poner una cuota de poesía sonora a la más hermosa de las artes. Su ópera en cuatro actos "Genoveva", y el emotivo poema dramático "Manfredo", registran el modelo de composición ideado por Cramer. Las obras de Schumann también comprenden estudios sinfónicos, sonatas, conciertos para piano y sinfonías completas para gran orquesta, solos y coro.

Gruppetto: Adorno musical consistente en la emisión de varias notas seguidas, desde graves hasta agudos indistintamente (gruppetto=grupo pequeño). La manera de cantar los gruppetti depende de las indicaciones del autor, quien concibe su ejecución según las circunstancias del libreto. También se puede llamar doble cadencia.

Grupo de los Cinco: Célebre escuela musical del siglo XIX que intentó reunir y divulgar la esencia del nacionalismo ruso. Recibe su nombre por los cinco compositores que originalmente pusieron de manifiesto los valores culturales de la música y las tradiciones de la Rusia imperial. Eran ellos Milij Aleksecvih Balakirev (1817-1910); sus discípulos Alexandre Borodin (1883-1887) y Modest Petrovich Mussorski (1839-1881), el compositor ruso de origen polaco, César Cui (1835-1918) y el compositor, director de orquesta y pedagogo Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908).

Grupo de los Seis: Se llama así al equipo de compositores que configuró las características de una importante corriente musical del siglo XX, con especial incidencia en Europa y Estados Unidos, después de la segunda guerra mundial. Eran sus seis integrantes Germaine Taillaferre (1892-1983), la única mujer del grupo, Darius Milhaud (1892-1974), Georges Auric (1899-1983); Francis Poulenc (1899-1963), Louis Durey (1888-1979) y Artur Honneger (1892-1955). El poeta, ensayista y director cinematográfico, Jean Cocteau (1889-1963), oficiaba de inspirador y portavoz del grupo. En sus obras Orfeo (1949) y el Testamento de Orfeo (1969), Cocteau dejó entrever su pasión por la música, cuyos orígenes entroncan con la poesía. El "Grupo de los seis" resalta por la originalidad de sus conceptos vanguardistas. Cocteau era miembro de la Academia Francesa y trabajó activamente en el arte del ballet, con escritos, figurines y decorados escenográficos. Dedicó varias de sus obras a destacar el ambiente musical y otras disciplinas afines.

G sharp:

Denominación del sonido

sol sostenido

en la terminología musical inglesa. Equivale al vocablo

Gis

en alemán y

sol dièse

en francés.

Guabina: Variedad musical originaria de Colombia, que se canta y baila con una bella coreografía. En su ejecución se emplean instrumentos típicos de las regiones andina y llanera, como el tiple, la bandola, el alfandoque y el requinto.

Guache: Nombre indígena de un tipo de maraca de tallo de bambú. Es típica del folclore colombiano. También se la conoce en la denominación de alfandoque. En algunas regiones se emplea en el acompañamiento rítmico de las orquestas de cumbia.

Guaguancó: Denominación popular de una variedad de rumba cubana, muy movida y alegre. Es típica del folclore musical de La Habana y otras ciudades de la isla. Se suele acompañar con coros a cappella, acompañados del redoble de tambor.

Guajira: Tipo de canción popular cubana. Según se infiere de su estudio, es una forma derivada del folclore musical de las islas Canarias y Andalucía. La letra de la guajira se compone en décimas. En su forma actual, alcanza una amplia difusión en la región del Caribe. El motivo de la guajira responde a la naturaleza y los sentimientos de la población rural. Posee dos modalidades, ambas en compás ternario. También existe una variante puertorriqueña, que se suele acompañar con bailes de una bella coreografía.

Guajurú: Baile indígena de América del Sur. Las características de esta forma melódica y los movimientos coreográficos -cuyas raíces se hunden en los tiempos prehispánicos- han servido de base para la creación de distintas composiciones folclóricas de estilo tradicionalista.

Guanca: Instrumento autóctono de Venezuela, parecido a la flauta de pico, pero sin lengüeta. Es una especie de bocina, con el sonido bastante grave, que se emplea como acompañamiento en las bandas populares. Existen algunas formas artesanales fabricadas con latón bruñido y otras decoradas con pinturas geométricas. Algunos modelos -más rústicos- son de madera. Los ejemplares más antiguos tienen el pabellón de calabaza.

Guaracha: Danza y canción tropical caribeña, muy movida, de origen venezolano. Pertenece al mismo grupo folclórico del son cubano. La letra es alegre y tiene un ritmo acelerado que se desarrolla normalmente en compás binario, con diversas figuras de zapateado. Su difusión alcanza gran parte de América Central, Cuba, Puerto Rico y la República Dominicana. Al parecer, su origen se confunde entre los ecos ya casi olvidados de las antiguas melodías hispánicas que comparten el espacio sonoro junto a ritmos insinuantes con una marcada ascendencia africana. En el siglo XX, la guaracha fue perdiendo su antigua estructura melódica, en la que predominaban el típico estribillo y la copla andaluza, adoptando desde entonces nuevos compases combinados (6x8/2x4) junto a partes cantadas y coreadas.

Guarura: Trompeta antiquísima de caracol marino. Este modelo, que es igual al pututu de los incas, pertenece al folclore afrocriollo del litoral venezolano. El soplo con los labios vibrantes produce un sonido penetrante y destemplado. Suele integrar conjuntos de música tradicionalista, junto con tambores rústicos y otros instrumentos similares.

Guasá: Nombre indígena de un tipo de sonajero folclórico, natural de la zona occidental de Colombia, que en número de cinco o seis, suele integrar los conjuntos de percusión, tradicionales en la ejecución de la danza y tonada típica de aquella región, llamada currulao. También se los conoce con el nombre de“sonajeros de guadua”. Habitualmente tocado por mujeres -llamadas guasaceras- consiste en un tubo de guadua⁵⁸ de unos 40 cm de longitud. Tiene un diámetro de 8 a 10 cm, cerrado por ambos lados, salvo dos pequeños orificios de resonancia ubicados en los extremos. El sonido persistente de estos primitivos idiófonos se obtiene por raspado o percutido con la ayuda de una varilla de madera. Es complementario del fuerte y grave redoble del bombo rústico, la base intermedia de la pareja de cununos o tambores de un solo parche, y el tono alto de la marimba de chontas.

Guasacera: En el occidente de Colombia. Mujer integrante de los grupos de percusión del guasá o sonajero de guadua. Cumple diferentes funciones acompañadas por el canto. La intérprete que dirige el conjunto se llama“glosadora”. Otra mujer, la bajonera suele marcar la armonía melódica cantando en segunda voz con adornos melismáticos. A una cantante solista -generalmente la de tesitura más aguda- se le encomienda el recitado de los estribillos. Las mujeres que replican cantando en forma de letanía y ejecutando sus sonajeros guasásllevan el nombre de “respondedoras”. Las guasaceras amenizan con su actuación las ejecuciones de danzas y aires típicos del litoral colombiano, como el currulao.

Guayo: Idiófono indígena primitivo, posiblemente de origen precolombino. Consiste en una pieza de madera dura, de unos 30 cm, con una serie de hendiduras transversales que se raspan con un macillo, produciendo sonidos secos y repetitivos, muy similares las matracas. Se suele emplear en los conjuntos típicos para marcar el compás rítmico y tiene una difusión bastante amplia, especialmente en el área cultural de Centroamérica y el Caribe. Como las maracas, el guayo es un instrumento que tañe usualmente el cantante. También se conoce con el nombre de güiro.

Guía: Voz principal en la presentación sucesiva de un tema musical. En la fuga, se llama así a la voz guía o antecedente, que va adelante y a la que siguen o imitan todas las demás. Es una forma de canto basada en el sistema de repetición, típica del contrapunto.

Guimbarda: Idiófono popular, también llamado birimbao. Está formado en un marco metálico en forma de herradura. En la parte interior posee una planchuela que vibra al ser pulsada con un dedo y modulada por la lengua del intérprete. La cavidad bucal sirve como caja de resonancia. Es un instrumento complementario de algunos grupos folclóricos, tanto en Europa como en el norte de África y en América. Se desconoce su origen exacto, aunque es probable que proceda del sudeste asiático y que su desarrollo haya tenido varias etapas. Existen constancias de la existencia de un instrumento similar en China desde el siglo XII. A partir del siglo XV comenzó a popularizarse también en Europa. El célebre compositor alemán Johann Albrechtsberger (1736-1809) empleó el sonido de la guimbarda en un concertino escrito en 1769. En Sicilia es típico un instrumento de características similares, al que los isleños denominan “scacciapensieri”.

⁵⁸ (Bambusa guadua) Nombre de una variedad de bambú americano, cuyo tallo se caracteriza por la altura y el grosor. Se emplea, entre otras aplicaciones, en la construcción de diversos instrumentos musicales autóctonos.

Guión (literatura): Desarrollo de un argumento teatral o cinematográfico con sus respectivas acotaciones prácticas para ser aplicado a la puesta en escena. En la ópera contiene los diálogos y las partes cantadas, con las indicaciones para los respectivos personajes.

Guión (notación): Signo musical que se pone al terminar una escala cuando es necesario volver a empezar. Sirve para indicar el punto exacto de dicha escala, el espacio o la línea donde debe proseguir el solfeo.

Guitarra: Del griego (kithara). Instrumento musical cordófono, compuesto por una caja armónica de madera, con un orificio de resonancia redondo en el centro. La forma del cuerpo es ovalada, algo más estrecha en la cintura. Posee un mástil de madera, con clavijero de rosca, provisto de 18 trastes, y seis cuerdas, que se pulsan con la mano derecha mientras la izquierda las pisa o aprieta para lograr el tono deseado. Es un instrumento transpositor, es decir que las notas escritas en su partitura no son las que realmente suenan. La primitiva guitarra morisca, posiblemente de origen persa- llegó a España en el siglo XIII, con los árabes, que la llamaban "kizara". Contemporáneamente existía otro tipo parecido, llamado guitarra latina, con cuatro cuerdas dobles, que era una variedad local de la viola italiana. Los trastes reducen el sonido por semitonos. A partir del siglo XVII aparecen formas perfeccionadas, que en la actualidad derivan en la moderna guitarra de concierto. El primer tratado español sobre el uso de la guitarra apareció en 1586 y fue obra del médico y compositor Juan Amat.

Guitarra bajo: No debe confundirse con el bajo eléctrico. Este es instrumento de cuerdas, parecido a la guitarra tradicional, aunque carece de los sencillos trastes de metal. La guitarra baja comienza a ser conocida en las orquestas populares durante la segunda mitad del siglo XIX. Tiene doble diapasón, con el sistema sonoro compuesto por seis cuerdas pisadas, más una docena de cuerdas graves suplementarias. Existen modelos con sólo cinco cuerdas bajas y una gran diversidad en la manera de afinarlas. Esa anarquía, tanto en la construcción, como en la forma de tañer el instrumento, fue la razón por la que se dejó de fabricar y pronto cayó en desuso. En la actualidad es un raro elemento para musicólogos interesados en el estudio de la música popular norteamericana, desde 1870 hasta 1922, año en que se lo vio por última vez integrando la plantilla de una orquesta de New Orleans.

Guitarra Bissex: Modelo de guitarra histórica, de 12 cuerdas, diseñada en París a fines del siglo XVIII, por el fabricante belga Van Hecke. Por su forma barroca y sus características técnicas, la primitiva guitarra Bissex fue un instrumento antecesor de los cordófonos que más tarde se pusieron de moda en Francia, durante la época del Consulado y el Imperio (siglo XIX). La mayoría de esos instrumentos eran formas híbridas, inspiradas en los perfiles estructurales de las cajas armónicas y los diversos sistemas de encordado de las liras y mandolinas del periodo romántico.

Guitarra de amor: Instrumento del Romanticismo, también llamado arpeggione. Fue creado en 1823 por un fabricante de Viena llamado Johan G. Stauffer. Era una guitarra de seis cuerdas de tripa y latón, particularmente adaptada para la ejecución de arpegios y otras amalgamas tímbricas. Se afinaba como la guitarra normal de concierto (mi, la, re, sol, si, mi). En algunos aspectos era similar al violonchelo, instrumento del cual tomó su nombre y con el que se la conoció más estrechamente hacia mediados del siglo XIX. La guitarra de amor tenía el mástil con trastes, pero se tocaba con arco. Franz Schubert (1797-1828) le dedicó una de sus obras de cámara: "Sonata D 821 en la menor para arpeggione o violonchelo", publicada en 1824.

Guitarra de diez cuerdas: También llamada“guitarra decacorde”, es un instrumento evolucionado, dotado de una gran sonoridad, con ocho nuevos armónicos y una mayor amplitud tímbrica. Esas particularidades la transforman en un cordófono ideal para la interpretación de la música de los periodos renacentista y barroco. La moderna guitarra de diez cuerdas fue creada en 1964, por el concertista español Narciso Yepes (1927-1997), sobre la base de otros instrumentos similares, que ya habían existido durante los siglos XVII y XIX. El desarrollo de este nuevo instrumento de cuerdas –con una notable perfección técnica- se debió esencialmente a la necesidad de profundizar en el estudio del laúd barroco, la tiorba, la vihuela y otros instrumentos tradicionales en la época. Una de las características más destacadas en la guitarra de diez cuerdas de Yepes, es su gran fidelidad tonal en la ejecución de las composiciones para laúd de Johann Sebastián Bach. Esa perfección hace que resulten innecesarias las transcripciones especiales para guitarra. El conjunto del mástil, con el diapasón y el sobrepunto, tiene veinte marcas de trastes y es más ancho que en la guitarra corriente de seis cuerdas. El clavijero, presenta una forma distinta, más ancha en su base, junto a la cejuela. La cabeza está adaptada para contener un mecanismo de diez clavijas tensoras, cinco a cada lado. La particularidad más saliente de este instrumento son los excelentes ligados. Dijo de ella su creador: “en la guitarra de diez cuerdas, ni cambia el timbre, ni en lo fundamental y trascendental, la técnica es distinta. Se trataba de superar la desigual resonancia, que es el defecto de la guitarra de seis cuerdas”. Aunque este bello cordófono no ha gozado de una aceptación masiva entre el público, algunos ejecutantes virtuosos, como el concertista chileno Jaime Valenzuela, la consideran su instrumento preferido.

Guitarra de jazz: Posee la misma caja armónica que la guitarra clásica. La principal característica de esta versión es el equipo de resonadores eléctricos, un artilugio que permite aumentar considerablemente la vibración de las ondas sonoras dentro de la misma. Otros detalles propios de este instrumento son las aberturas de la caja que adoptan la forma de f, como las violas, y el cordal, que va asegurado por debajo del bastidor. Se emplea particularmente en la interpretación de la música ligera, como el jazz, el blues, etc.

Guitarra de Túnez: Denominación castellana de un instrumento de cuerda árabe, también conocido con el apelativo de kitra o quitra. Es una deformación del término kithara, de amplia difusión en todas las culturas del Mediterráneo. Consta de ocho cuerdas dobles que vibran al unísono, o por lo menos de una manera casi imperceptible para el oído no experimentado. La caja de resonancia es plana -similar por su forma a la del guitarrillo español del siglo XIX- el mango carece de trastes y el clavijero lleva un doble juego de pernos o clavijas de madera dura. Los cuatro sonidos al aire de su afinación básica son: re sol - la - re. Para puntear las cuerdas de tripa de la kitra se acostumbraba utilizar un pico de pluma de ganso. En la actualidad se emplea el plectro común de hueso o material plástico. Para guardarla se utilizaba una funda de gante, u otro tipo de lienzo grueso, que permitía colgarla del arnés del dromedario. Esta precaución también tenía por objeto preservar al instrumento de la erosión que producen los vientos del desierto.
Guitarra eléctrica: Fue creada los Estados Unidos en 1936 y en la actualidad forma parte del instrumental básico del rock. Aparece en algunas óperas contemporáneas como elemento de escena. La guitarra eléctrica es un cordófono productor de sonidos estridentes y artificiales, que de la guitarra tradicional española solo tiene el nombre y una forma aparente. La modulación sonora de este instrumento se produce mediante un equipo electrónico que recoge y amplifica las vibraciones de las cuerdas.

Guitarra hawaiana: Cordófono típico del folclore polinesio, más parecido al ukelele que a la guitarra propiamente dicha. El modelo folclórico primitivo tiene cuatro cuerdas de tripa y un largo mástil. Existen otras versiones de seis y ocho cuerdas. En lo que respecta a la forma de afinación -siempre de acuerdo con el modelo de instrumento- hay cuatro formas usuales para las de seis cuerdas y una para la versión de ocho. La guitarra hawaiana sirvió como instrumento experimental en los primeros ensayos eléctricos. Con el tiempo llegó a potenciar su desarrollo hasta transformarse en la conocida "guitarra de acero" (steel-guitar), un componente básico y esencial en interpretación de la música country norteamericana.

Guitarra hawaiana de seis cuerdas en la: Se emplea particularmente en la ejecución de la música tradicional en las numerosas islas del Océano Pacífico. Afinación de aguda a grave: (mi-do sostenido-la-mi-si-mi).

Guitarra hawaiana de seis cuerdas en mi: A pesar de su nombre, la divulgación geográfica de este versátil instrumento es muy amplia. Afinación de aguda a grave: (mi, do sostenido-sol sostenido-mi)

Guitarra hawaiana de seis cuerdas en fa: Existen modelos de guitarra hawaiana y de ukelele -con someras variantes constructivas- en los archipiélagos Salomón, Vanuatu, Fiji, Samoa occidental y Kiribati. Afinación de aguda a grave: (mi-do-sol-do-fa-do). En las islas Fiji, existe una variada colección de instrumentos musicales autóctonos, fabricados con los elementos que provee la naturaleza a los nativos. Algunos idiófonos y aerófonos folclóricos (flautas, campanillas, zumbadores y raspadores) proceden de la India, lugar desde donde ha emigrado una gran parte de la población actual del archipiélago.

Guitarra hawaiana de seis cuerdas en sol: Las melodías polinesias son suaves y arrullantes, con un movimiento ondulatorio al que se presta admirablemente este bello instrumento de Oceanía. Afinación de aguda a grave: (re-si-sol-re-sol-re)

Guitarra hawaiana de ocho cuerdas: Su conformación le permite lograr efectos de glissando y potentes vibratos. Afinación de aguda a grave: (mi-do sostenido-si-sol sostenido-mi-re-si-mi).

Guitarra Jumbo: Más voluminosa que la guitarra corriente, es un cordófono popular de 6 cuerdas, cuya caja de resonancia, lustrada con goma laca, presenta el fondo convexo o abombado. Los trastes, que suelen ser de madera dura y en ocasiones de latón, guardan una distancia ligeramente mayor que en la guitarra común. El clavijero difiere muy poco de la anterior, aunque en algunos modelos, especialmente los anteriores a 1950, se observan clavijas de mayor tamaño, fabricadas con hueso o madera de jacarandá. Existen algunas variantes -originarias de México, Venezuela, Perú y Paraguay- que presentan elaborados diseños de marqueterías. También se fabrica un modelo provisto de 12 cuerdas dobles. Guitarra-lira: Durante la primera mitad del siglo XIX hubo varios intentos de crear un instrumento de este tipo. Básicamente era una caja de resonancia con dos orificios armónicos circulares paralelos y forma de lira. En el centro tenía un tercer mástil unido a los dos primeros por un travesaño de bronce. El clavijero, la cejuela de hueso o marfil, seis clavijas de empotrar, con otras tantas cuerdas de tripa, un sencillo puente abigotado y el diapasón con catorce trastes de metal, completaban las características externas de este extraño cordófono de punteo.

Guitarra morisca: Cordófono más pequeño que la guitarra española. Por su forma y tamaño algunos autores lo encuadran en el tipo de los laúdes. La caja suele tener el perfil de una pera, con la tapa armónica elaborada en madera de cedro, lustrada a la goma laca y con la boca finamente tallada en motivos arabescos. Normalmente lleva cinco pares de cuerdas de tripa, con la selleta trabajada en marfil o hueso. El cabezal o clavijero es levemente curvo e inclinado hacia atrás, soporta diez clavijas empotradas a presión.

Guitarra portuguesa de seis cuerdas: Similar a la guitarra de concierto española pero con la caja armónica más estilizada y en algunos casos finamente taraceada. Su afinación de aguda a grave (sol-mi-do-mi-do).

Guitarra portuguesa de ocho cuerdas:

Igual a la anterior. Solo varía el encordado y la forma del clavijero. Afinación de aguda a grave (

mi-si-sol-re-la-mi-re-do

).

Guitarra romántica: Instrumento de aspecto estilizado con la cintura más fina y la caja más estrecha que la de las guitarras clásicas contemporáneas. Su forma se debe a los creadores franceses Pierre Pacharel y François Bastien. Comenzó a configurar su forma y estilo a comienzos del siglo XIX. Algunas de sus características estructurales resultan esenciales en cuanto a la incidencia en el sonido y la facilidad de ejecución. En las guitarras de este tipo fabricadas desde 1820 en adelante, los trastes se extendieron hasta llegar al orificio de resonancia. Las cuerdas se afirmaban al puente mediante unas pequeñas clavijas de madera

Guitarre capucine: Versión francesa de la chitarra battente italiana, diseñada en Italia durante el siglo XVI, como instrumento propio de la música culta. Fue un cordófono típicamente barroco, bien elaborado, con formas originales realizadas en maderas preciosas y sonido melodioso. Estaba provisto de cinco órdenes de cuerdas dobles, de acero “a corde incrociate”, con un calibre equivalente (0.20/0.25 mm). La progresión de tonos, desde la más grave a la más aguda era la siguiente: la₂, re₃, sol₂, si₂ y mi₃. Su perfil, más largo y estilizado que el de la guitarra moderna, tuvo amplia difusión durante los siglos XVII y XVIII. También aparece citada en algunos tratados con el nombre de “guitarre en bateau”, por la forma convexa del fondo.

Guitarrico: Se emplea en el acompañamiento de las rondallas y otras manifestaciones musicales de carácter festivo. Es un pequeño cordófono equivalente, por el sonido y el uso que se le da, al cavaquiño portugués y el timple canario. Existen versiones similares en Hispanoamérica. El guitarrico español suele estar provisto de cuatro cuerdas metálicas, cuyo sonido es bastante agudo. Existen constancias de su desarrollo desde el siglo XVII.

Guitarrón: Aumentativo vulgar de guitarra. Nombre que recibe la guitarra de cinco cuerdas, afinadas de aguda a grave. (si-fa sostenido-re-la-re).
Guitarrón chileno: Guitarra algo más grande que el modelo clásico. Está provista de un complejo sistema de veinticinco cuerdas y se emplea generalmente en la interpretación de temas folclóricos.

Guitarrón mejicano de seis cuerdas: Este modelo, aunque es un derivado de la vihuela, tiene la caja con el fondo convexo como los laúdes. Su perfil parece inspirado en los antiguos cordófonos llevados por los europeos en los tiempos de la colonia.

Guitarrón mejicano de cuatro cuerdas:

Mayor que el anterior, hace las veces de contrabajo folclórico en las orquestas de

mariachis

.

Guiterne: También llamada cítola o guitarra latina. Es un cordófono fabricado con madera de arce, cuyos antecedentes se ubican en Europa occidental durante la alta Edad Media (Siglos XII y XIII). Aún se siguen fabricando versiones modernas, basadas en la antigua técnica de construcción. Dispone de cuatro órdenes de cuerdas dobles, de tripa, templadas en la escala re-sol, con un pequeño cordal en la base, diapasón con trastes y clavijero de empotrar. La caja, con el fondo plano y rosetón tallado, puede adoptar distintos perfiles, algunas veces curvos y otras angulados. La guiterne aparece profusamente representada en iglesias y catedrales de Francia y Alemania (Colonia, Reims, Chartres). Sus dimensiones son corrientes en este tipo de instrumentos: Largo: 75 cm, diapasón 42 cm, clavijero; 28 cm

Güiro: Instrumento popular de la serie de los idiófonos frotados. Se trata de una calabaza seca y vacía, de forma alargada y provista de una cantidad de muescas o estrías, que se raspan con un palillo de caña, produciendo un sonido rítmico y acompasado. Existen modelos de güiro fabricados en madera y con forma de pescado. Es un componente usual en el acompañamiento de las orquestas típicas del Caribe. También se lo suele llamar guayo. Su sonido equivale al de las maracas.

Guzla: Variedad de rabel típico de la cultura musical eslava, conocido en las repúblicas de Dalmacia, Serbia y Croacia. Esta provisto de una sola cuerda de crin, tiene un mástil largo, con 24 trastes de metal, y la caja armónica se parece a la guitarra moderna, aunque de tamaño más reducido. Este instrumento sería una versión primitiva del antiguo gousli de los campesinos rusos.

Gymel: Pieza musical breve, compuesta para la interpretación de dos solistas con la misma tesitura. Procede del periodo medieval (siglos XI-XII). Es probable que su origen sea normando y que esté relacionado con el fabordón, una forma musical bastante parecida, a la que se le incorporó una tercera voz. Su difusión como género polifónico comprendía el norte de Francia y parte de las islas británicas (South Downs Music). En la década de 1960 se dedicó a su estudio y divulgación un movimiento musical irlandés, denominado "Old Ireland Music" (Música del Reino Eire). En la actualidad es objeto de investigaciones musicológicas y se intenta recuperar esta forma en la composición de cantares autóctonos de la región de L'Artois (Francia).

-H-

H:

Denominación de la nota s

i natural

de la escala diatónica en la nomenclatura germánica.

Habanera: Danza y canción en compás binario, típica de la isla de Cuba. Se desconoce el verdadero origen de esta variedad melódica. Aunque posee un ritmo musical afrocubano, también se advierte en ella una cierta influencia de las formas melódicas españolas. Tiene un estilo muy característico y su modo agradable ha sido el motivo de inspiración de grandes compositores clásicos, como Manuel de Falla, Georges Bizet, Isaac Albéniz y Maurice Ravel.

Hablar cantando: Es el lenguaje cantado. En las partituras se escribe "parlando". El texto del libreto operístico, hábilmente modulado por el cantante de ópera parece surgir de las propias condiciones de la lengua. Según la opinión de algunos especialistas, el idioma italiano sería el más adecuado para el canto operístico. No obstante esa opinión no es compartida por todos, especialmente en el área anglosajona. Llegar a dominar profundamente la difícil técnica de hablar en tono musical, llamada favellar in musica ha sido uno de los retos a los que se han visto enfrentados los intérpretes de los melodramas o dramas musicales desde el siglo XVII.

Haikú: Estilo poético tradicional del Japón, cuya particularidad más destacable es la síntesis. Su estilo se ciñe a lo esencial de la expresión poética, dejando lugar a la música para que ésta revele el sentido contextual de cada poema. Suele interpretarse con fondo musical de la cítara koto y el gong atarigane. Uno de los ejemplos más bellos de la compenetración entre el sonido melódico de los instrumentos y la palabra está en la representación musical de los haikus de otoño, de célebres poetas japoneses que vivieron de célebres poetas japoneses que vivieron 1836); Meisetsu (1847-1926), etc.

Halile: Idiófono tradicional de Turquía. Son unos platillos de metal que emplean las cofradías religiosas para acompañar los cánticos de sus ceremonias rituales. Tienen sentido de llamada y alabanza.

Hammerklavier:

Piano de macillos en alemán. Fue un instrumento tradicional del estilo galante y sentimental típico del clasicismo de fines del siglo XVIII.

Harmonium: Forma antigua del nombre de un instrumento musical de teclado, similar a la celesta. Puede aparecer escrito de esta manera en los tratados de musicología editados hasta las primeras décadas del siglo XX, y también en algunos publicados en idioma inglés. (Ver Armonio).

Harpaneta: Instrumento de cuerdas del siglo XVII, confundido a veces con el arpa de David. Existen varios modelos, todos con similares características. Uno de esos ejemplares sirvió de prototipo para el clavicordio vertical. Existen piezas muy elaboradas, que se conservan en museos de Italia y Alemania. Su aspecto era similar a una lira grande. La estructura tenía una base horizontal de raíz de nogal, con líneas barrocas, provista de un par de esbeltas columnas verticales, talladas en el mismo material, y dos grupos de cuerdas, diatónicas y cromáticas, separadas por una bella caja de resonancia, adornada con dos rosetas caladas en forma circular. Uno de los encordados era de acero y el otro de latón. En la parte superior, remataba el conjunto una barra transversal, con cejilla de marfil y clavijas de ébano.

Harpsichord:

Denominación inglesa del

clavicémbalo

. Aparece escrito así en las ediciones discográficas y tratados musicales procedentes de Gran Bretaña y Estados Unidos.

Hard bop: Evolución del estilo be-bop, también llamado funky (lindo, de moda, en la jerga musical norteamericana). Es una forma mixta que también tiene elementos melódicos del gospel y el rhytm and blues.

Hauptrhytmus: (ritmo esencial). Vocablo alemán perteneciente a la terminología de la ópera. Su sentido es similar al leit motiv. Indica la esencialidad de un ritmo determinado dentro del contexto general de una obra.

Hauptstimme:

(voz esencial). En la ópera wagneriana, es el nombre que recibe la voz principal, en contraposición a la secundaria o

nebenstimme

.

Haute-contre: Denominación francesa de la voz masculina aguda, cuya extensión -con ligeras variantes- puede abarcar en la escala desde el Do hasta el Re. En la ópera gala del siglo XVII, era una voz equivalente a la del actual tenor y contrastaba con la voz del falsetista.

Heirmoi: Canto bizantino. Forma de oda de los cánones. El canto gregoriano y el galicano recibieron una notable influencia del estilo tradicional bizantino. Sus características, en combinación con otras formas musicales dieron lugar a la música religiosa de las iglesias ortodoxas eslavas (Rusia, Bulgaria, Serbia, etc.).

Heirmologion:

Canto bizantino. Forma vocal simple, también dedicada a los cánones.

Helenias: Composiciones musicales de la antigua Grecia. Eran populares en la región de Laconia (Esparta). Se acostumbraba entonarlas al son de instrumentos típicos, como la flauta syrinx y la cítara, durante las fiestas dedicadas a la reina Helena. Hija de Zeus y hermana de Cástor y Pólux, según la mitología, su rapto organizado por Paris, motivó la guerra de Troya y dio lugar a numerosas leyendas.

Helicón (aerófono): Instrumento metálico de viento que se emplea en las bandas y charangas militares. Lo inventó en 1855 el fabricante austriaco Stowasser. Es una variedad de la tuba tradicional, con boquilla semiesférica y campana orientada a 45º hacia arriba. El perfil más usual es la forma ovalada, que rodea el cuerpo del ejecutante y le permite llevar el pesado instrumento terciado sobre uno de los hombros. Existen dos modelos básicos, uno con sonido de tuba baja en mi bemol o fa, y otro con sonido de contrabajo, afinado en si bemol, como el modelo denominado Sousaphon. El nombre Helicón procede de un monte de Beocia, sobre el golfo de Corinto, consagrado al culto de las musas y donde los antiguos poetas y músicos griegos ubicaban la morada de la inspiración.

Helicón (cordófono): Es una denominación antigua, procedente del griego (helikon=lugar u origen la inspiración poética). Se solía emplear para citar a un primitivo instrumento de madera y cuerda de tripa, similar al monocordio, que usaban los vates de la antigüedad para acompañar sus declamaciones. La única cuerda se pulsaba mediante un plectro, variando el tono al pisarla a diferentes alturas del diapasón. En algunos tratados antiguos en castellano puede aparecer escrito el nombre elicón.

Helicón de Ptolomeo: Teoría de los sonidos utilizados en la antigua música griega. Denominación corriente dada a un complejo diseño geométrico creado por el astrónomo y matemático griego Claudio Ptolomeo (siglo II d.C.), mediante el cual se suponía que era posible expresar gráficamente la relación existente entre los distintos intervalos musicales⁵⁹.

Helodicón: Instrumento musical, similar al armonio, que producía el sonido mediante un sistema de fuelles y láminas vibrantes de latón. Fue creado a principios del siglo XIX. Dejó de fabricarse y cayó en el olvido, poco después, ante el desarrollo de la fisarmónica y el órgano expresivo.

Hemiditon: Término musical griego. Es la denominación de un intervalo de tercera menor, que los antiguos músicos del Peloponeso conocían con el nombre de triemiton. Está relacionado con el vocablo siguiente.

Hemiolia (música antigua): Voz derivada del sistema musical de la Grecia clásica, cuyo significado se refiere a la proporción de dos a tres. En la antigua Roma fue una de las divisiones de la escala cromática (hemiolius). Su equivalencia en la frase melódica era la de un compás y medio (sesquialter).

Hemiolia (música medieval y renacentista): Del italiano (emiolia). Durante la Edad media esta palabra servía para señalar la quinta justa. En la teoría musical renacentista italiana se denominaba "emiolia minore" al compás de 3/8 y "emiolia maggiore" al de 3/4.

Hemiolio (música contemporánea): Figura rítmica equivalente al tresillo. También se llama así al compás quebrado de 5/8, a dos y tres partes, presumiblemente derivado de la forma anterior.

Hemiolion: Danza tradicional de la antigua Grecia. La variedad de su compás era de cinco tiempos, configurados por dos tiempos desiguales (3 + 2). Fue una forma de armonía popular. Es posible que formara parte de una forma coreográfica -hoy desaparecida- en la que intervendrían la flauta y algún membranófono del tipo de la caja o el pandero. Se parece bastante al zortzico, un aire típico de las comarcas vascongadas.

Heptacordio: Denominación genérica de todos los instrumentos que poseen siete cuerdas y a la música que se obtiene de ellos. En forma particular designa una variedad de lira conocida en la antigua Grecia. Durante la Edad Media se llamaba así un tipo de cítara usada por los trovadores. Finalmente, en el siglo XIX, tomó este nombre un tipo de viola de tesitura grave creada en Francia.

Heptacordo: Siete acordes. Escala compuesta por las siete notas consecutivas (do, re, mi, fa, sol. la, si). En la terminología relacionada con la escala, también se llama así al intervalo de séptima. También se dice heptacordio, aunque esta forma es menos usual en los tratados musicales.

⁵⁹ "Harmonice" Arte de la armonía. Ciencia de los sonidos. Música y acústica. Primera edición en latín, Venecia, 1562. Edición crítica de las obras completas de Claudio Ptolomeo. Heilberg & Boll (1894).

Heptatónico: Sistema basado en la escala de siete tonos de los antiguos griegos. En general, la secuencia heptatónica se refiere a cualquier escala cuya extensión comprenda siete sonidos progresivos desde el más grave al más agudo. En la actualidad distingue a las siete notas de escala diatónica completa (do-re-mi-fa-sol-la-si).

Heses:

Nota

si doble bemol

en la nomenclatura germana. En la inglesa es

B double flat

en la inglesa.

Heterofonía: Del griego (sonidos distintos). Acorde de dos sonidos o voces que se complementaban, guardando un equilibrio armónico. Esa concepción, procedente de la teoría musical de la antigua Grecia, llegó a ser una de las bases esenciales en el desarrollo de la polifonía medieval.

Hexacorde (teoría musical):

Escala de seis sonidos. Melodía elemental compuesta por seis tonos diferentes. Cada acorde está compuesto por tres notas simultáneas.

Hexacorde (instrumento):

Lira de seis cuerdas conocida en la antigua Grecia.

Hexacordio mayor:

En la música antigua y medieval, intervalo compuesto por tres tonos y un semitono mayor. En la actualidad se dice sexta mayor.

Hexacordio menor:

En la música antigua y medieval, intervalo de cuatro tonos y un semitono mayor. En la actualidad se dice sexta menor.

Hi-Fi: Abreviatura en inglés del término compuesto high fidelity (alta fidelidad). Su uso en equipos de reproducción musical está mundialmente aceptado. También puede aparecer escrito sin guión y con letras minúsculas (hi fi).

Highland pipe: Cornamusa nacional de Irlanda, instrumento de embocadura, típico de las tierras altas (highlands). Dispone de un caramillo de madera torneada y forma cónica, normalmente afinado en la₃. Los tres tubos bordones se disponen con la siguiente afinación: la₂, la₂, la₁. Forma parte de los grupos musicales denominados pipe bands.

Himnágoro: Del griego (Hymnagoras). Cantante de himnos en las festividades populares de la antigua Grecia. Por atribuírsele dotes musicales, también se llamaba de este modo a los dioses Apolo y Baco, identificados respectivamente con el arte de tañer la lira y la flauta.

Himnario:

Colección de cantos sagrados de cualquier religión. También se llama así al archivo o repositorio que contiene los originales, libros o manuscritos.

Himnario mozárabe:

Colección de 250 himnos que se cantaban en las celebraciones de la iglesia mozárabe hasta el siglo XI. Están reunidos en manuscritos de los siglos X y XI.

Himnario romano: Son los himnos que componen el breviario de la Iglesia Católica, destinados al canto en la horas del oficio religioso y en diversas festividades sagradas. Tienen su origen en las liturgias monásticas de la Edad Media.

Himnesto: Nombre que se daba antiguamente al músico compositor de himnos litúrgicos. Es un término que también se solía aplicar al cantante que improvisaba letanías y ciertos adornos vocales, en los coros de las iglesias medievales. Es posible que se trate de un derivado del término latino (Hymnifer)⁶⁰.

Himnia: En latín (hymnio=cantar himnos). Título de un canto religioso de la antigua Arcadia (Grecia). La melodía procede de un estilo tradicional de alabanza a la divinidad de la diosa Artemisa⁶¹. Existe un templo, en las cercanías de Mantineia, en la península de Peloponeso, donde se llevaban a cabo las ceremonias llamadas himnias.

Himno: Composición poética y musical, de carácter religioso o patriótico. Viene del griego (hymnos=canto de alabanza). Los "Himnos de la Fe" eran alegorías de entusiasmo dedicadas a los dioses en la antigüedad. Su estilo dio lugar a las distintas manifestaciones de la música sacra. En el segundo movimiento del Cuarteto en do, Opus 76, Nº 3 de FranzJoseph Haydn (1732-1809), aparece el "Himno del emperador" (Deutchland über Alles), obra poseedora de un acentuado carácter rítmico, que fue adoptada como himno nacional de Alemania.

Himnoda: Del griego (hymnodós=cantar himnos). Nombre dado en la antigua Grecia a los poetas, músicos y cantores de himnos. Solían acompañarse con la cítara y la flauta. Era normal que estos cargos lo desempeñaran los sacerdotes o ciertos miembros de los templos, especialmente encargados de ello.

Himnodia: Tiene el mismo origen que el vocablo anterior (hymnodia=acción de cantar de himnos). También se aplicaba al arte de la versificación, especialmente la métrica, la rima y su relación con la música.

Himnografía: Tratado sobre los himnos. Estudio, análisis y recopilación de letras y partituras. Por extensión, todo aquello que está relacionado con este género poéticomusical.

Himnología:

Ciencia que se ocupa de la historia, la filología y el estudio crítico de los himnos, también de sus compositores y poetas.

Hio: Voz taitiana (silbido). Denominación genérica de una flauta de procedencia polinesia, fabricada con caña de bambú. El sonido que emite es agudo y bien modulado, debido a una serie de orificios de digitación colocados en la parte superior del tubo. Aunque el origen de este aerófono parece provenir del archipiélago de Tahití, su ámbito de difusión comprende una gran cantidad de islas del océano Pacífico. Algunos autores creen que llegó hasta las costas de América del Sur con antiguas migraciones oceánicas. Aunque esta teoría es poco probable, lo cierto es que se parece mucho a la kena de los indígenas andinos. También es conocida con ese mismo nombre en la Isla de Pascua, lo que permite inferir una magnitud considerable en el área de dispersión del instrumento. Existen varios modelos de flauta hio con distintas características, especialmente en lo que respecta al tamaño y la cantidad de agujeros. Las expresiones musicales obtenidas con este instrumento también recuerdan a la variedad de etnias comprendidas en su extensa difusión cultural.

⁶⁰ Cita del poeta romano Ovidio (43 a.C.-18 d.C.).“Diccionario LatinoEspañol” Valbuena Reformado (Pag. 409.).

⁶¹ Artemisa (la diosa Diana, para los romanos) Deidad de la caza, hija de Zeus (Júpiter). La letra de los Cantares de Himnia cuenta que Artemisa hechizaba con un himno a las bestias para luego darles caza con sus flechas.

Hipertono:

Armónico. Es un término relacionado con la acústica que se emplea normalmente en estudios del sonido.

Hirajoshi: .Escala musical del Japón. Es una forma de escala eólica, que carece del 4º y 7º grado. En la actualidad tiene especial difusión en la creación de obras de vanguardia, expresadas a través de la música electrónica, especialmente en sus distintas variantes denominadas electroacústicas. Corresponde al grupo de escalas orientales.

His:

Denominación germana del sonido

si sostenido

. En francés se escribe

si dièse

y en inglés

B sharp

.

Hisis:

Es la versión

doble sostenido

de la nota

si

en alemán. En francés

si double dièse

y

B double sharp

en inglés.

Historicus:

Nombre que se daba en la Edad Media al cantante de oratorios que ejercía la parte narrativa de las escenas, equivalente a la del chantre

recitador

.

Hit-hat: Barra vertical de metal, regulable, provista de patas en forma de trípode y con un sistema de pedal, que sirve para accionar mecánicamente los platillos en las orquestas de jazz. Ambos platillos se percuten de manera directa y por golpe aislado.

Hombrera: Elemento de madera que se acopla a la caja armónica del violín para sostenerlo mejor. Se suele emplear junto con otra pieza, llamada barbada o mentonera. Ambos agregados permiten apretar el instrumento entre mentón y el hombro del intérprete, con el objeto de sostenerlo y dejar el mango libre para realizar la digitación virtuosa de las cuerdas.

Hombro: Parte de la caja armónica de los instrumentos de cuerdas compuesta por los aros superiores, que se unen junto al mango. Su mayor o menor inclinación respecto al eje vertical del instrumento determina la clásica silueta de cada uno de ellos.

Homofonía: Del griego (homophonía=sonidos iguales) Forma de canto teatral del tipo recitativo, que en la antigua Grecia se interpretaba al unísono, de allí su nombre. La manera más usual era a la octava o a la doble octava.

Homófono: Forma vocal donde todas las voces cantan al unísono y tienen el mismo sonido. En el sistema temperado, todos los sonidos enarmónicos son homófonos. Se dice que existe una homofonía cuando unos acordes determinados se escriben con notas distintas aunque estén formados por los mismos sonidos.

Homorritmia: Sonido de ritmo constante, que constituye una de las formas básica de la armonía. Su característica esencial es la concordancia rítmica entre las partes cuando se ejecuta nota contra nota. Algunas formas vocales, como la frottola napolitana, suelen tener un carácter homorrítmico. Es una forma de escritura musical que surgió en la Edad Media con la aparición del conductus (siglo XIII).

Hoquetus: Palabra derivada del francés (hoquet=hipo). Forma vocal polifónica de la Edad Media, en la que se acostumbraba intercalar abruptamente un breve silencio -con una aspiración brusca o repentina, similar al hipo- dentro de la modulación de una determinada frase musical. Este procedimiento era usual en el canto a dos voces (duplum) que alternaba los silencios con las notas emitidas, de tal manera que cuando sonaba una de las voces emitiendo una nota sostenida- ésta debía coincidir exactamente con un silencio de la otra, de la misma extensión de la nota. El hoquetus fue adoptado por primera vez en el siglo XIII -con la ejecución de los organumen la célebre escuela de cantores de Notre-Dame de París.

Horizontal: (Escritura armónica) La representación gráfica del desarrollo melódico se escribe en las pautas en forma horizontal. Este término se emplea en oposición al que sirve para indicar los acordes, que es vertical.

Hornión:

Nombre popular del tubo roncón en las gaitas típicas de Aliste y Sanabria (Zamora). Es un localismo castellano derivado del verbo

horniar

=rebuznar.

Hornpipe (

aerófono

):

Nombre que reciben indistintamente en inglés la g

aita

escocesa y la

chirimía

.

Hornpipe (

danza

):

Melodía popular escocesa, muy movida y alegre, que se baila al compás de las gaitas.

Horquilla tensora: Mecanismo giratorio que sirve para acortar las cuerdas del arpa moderna. Las horquillas se ubican en el cuerpo de la consola-clavijero y se accionan a través de unos cables unidos al sistema de pedales.

Hot-intonation: Vocablo del folclore musical anglo-americano, relacionado con la terminología específica del jazz (literalmente significa "entonación caliente"). Se refiere a una forma de canto, fuerte y emotiva, inspirada en la manera de hablar de los negros de Alabama. Aparece frecuentemente en la comedia y el drama musical. El estilo se trasladó también a la interpretación de instrumentos apoyados por sonidos ambientales, trémolos, portamentos y vibratos. Algunos críticos y tratadistas musicales la denominan "entonación sucia" (dirty tones).

Huaillaca: Flauta típica de México, fabricada en hueso, de una sola pieza, con cuatro agujeros y boca de forma acampanada. Su procedencia es antigua. Aunque algunos autores creen que el origen de este instrumento es azteca y por lo tanto, anterior a la llegada de los españoles, lo más probable es que se trate de una copia artesanal indígena de la flauta picolo europea, contemporánea de la conquista, que fue adaptada a la forma tradicional de ejecución en la América precolombina. Existen modelos finamente labrados y decorados con motivos autóctonos.

Huaira-puhura: Especie de flauta de Pan de los indios aimaras, del altiplano boliviano. También se conoce con otros nombres en diversos países hispanoamericanos: sicus en Bolivia, antara en Perú, zampoña en Ecuador. En la región oriental de los Andes peruanos lleva el nombre de una variedad de caña silvestre que sirve para fabricar este instrumento, llamada chocklla. Las flautas huaira-puhura son aerófonos simples, de soplo directo y sin lengüeta, provistos de cuatro tubos de caña afinados a distintas alturas. Su ejecución la suelen realizar grupos folclóricos provistos de cinco o seis instrumentos de este tipo, con afinaciones complementarias, de tal forma que pueden interpretar composiciones sencillas dentro de una escala cromática elemental. El sonido es dulce, alegre y sincopado. Respecto al nombre indígena de este instrumento, también puede aparecer escrita la variante fonética unificada "huairapura".

Huapango: Baile popular mejicano de la familia del fandango. Es típico de la región huasteca y alcanzó una gran difusión en Hidalgo, Veracruz, Tamaulipas, San Luis Potosí, Querétaro, etc. Su estilo recibe otros nombres, según los estados de donde procede (zapateado, repiqueteado o jarabeado). El huapango huasteco difiere en ciertos aspectos de su variante nuevoleonesa, particularmente en el ritmo, las cadencias y en la forma de algunos pasos coreográficos. Los instrumentos tradicionales en el acompañamiento musical del guapango son el violín, la mandolina, la guitarra, el acordeón, el bajo sexto y en algunos casos el saxofón. Los ejemplos más antiguos de esta danza datan de principios del siglo XX. Aunque es menos usual, también se escribe guapango.

Huastana: Macillo o baqueta de madera, con la cabeza forrada de piel, de unos 30 cm de largo, que se utiliza para percutir la caja criolla o uancara. Es una denominación tradicional de la cultura "chapaca" procedente del departamento de Tarija (Bolivia).

Huayño: Baile tradicional de la región andina de Sudamérica (Bolivia, Perú, noroeste de Argentina). Es muy alegre y colorido. Se baila por parejas. Su área de dispersión comprende la región del altiplano boliviano, el noroeste de Argentina, parte de Chile y Perú. Existe una variante de ejecución -de carácter exclusivamente instrumental- a la que se denomina "huayño para guitarra".

Huella: Danza folclórica argentina, natural de la provincia de Buenos Aires. Corresponde al tipo de coreografía, llamada "de par suelto", donde cada pareja realiza sus evoluciones de manera independiente, respecto al conjunto de danzantes, que puede ser variable. Es un baile popular picaresco, muy del agrado de los campesinos de la región pampeana. Se caracteriza por el zapateo vigoroso y la gracia de los giros. Forma parte del repertorio folclórico argentino por lo menos desde el año 1824⁶². Aunque, como danza derivada de la gavota y el minué, su procedencia podría ser aún más antigua (mediados del siglo XVIII).

Hula: Danza tradicional de Hawaii. En la actualidad existen más de trescientas composiciones melódicas puramente inspiradas en su estilo. El motivo argumental integrado en la suave armonía y el movimiento ondulante de las caderas- es muy antiguo y se pierde entre las leyendas fantásticas del archipiélago. La esencia del hula se presenta como un bello ejemplo de música, dulce y rítmica. Sin embargo, los nativos isleños no pueden concebir esta danza, sin el factor exultante de la poesía, el verbo musical nacido de su profundo fervor religioso. De allí que los ejemplos más antiguos del hula, casi siempre están inspirados en narraciones populares, en creencias nacidas de leyendas fantásticas, muchas de ellas envueltas en un carácter sagrado. Sus orígenes remotos se pierden a través de las distancias inconmensurables de la Micronesia, siempre en busca de la morada del sol, la última luz del atardecer, llegando hasta los profundos rincones de su universo azul, donde la realidad se confunde con la ficción. La deidad más acendrada entre todas sus tradiciones folclóricas es la diosa Laka, a quien consideran la gran madre protectora del hula. Una de esas antiquísimas consejas, surgidas de la narrativa popular, cuenta que Laka quiso instalar su morada en la isla más hermosa del mundo. Buscó en todos los paisajes, en todos los archipiélagos del inmenso océano, hasta que halló el hogar anhelado en el gran volcán de Hawaii, donde habita desde entonces, y guía el destino del pueblo polinesio, junto a otras divinidades del mar, como Lohiau, deidad protectora del canto. Otra leyenda imaginativa, plena de inspiración y fuerza emocional, narra las peripecias de la heroína Lailai, que arribó a las costas de Hawaii, desde las lejanas islas Marquesas, trayendo sonidos embriagadores, para acompañar la expresión poética del hula, nacido del vientre de Laka en las ardientes selvas de la isla Molokai. Esta leyenda tiene un origen probable en las migraciones oceánicas, ocurridas hace unos 1300 años, que procedían de los mares del sur. Por ello, lo ancestral de los ritmos polinesios se apoya en el regocijante eco de los puniu, tambores de corteza de coco, en el profundo resonar las grandes sonajas de calabaza, llamadas ipu heke, y en la onomatopeya de los palillos de bambú. El timbre inconfundible del ukelele surgió más tarde, con la afluencia de otros navegantes, llegados de mares aún más lejanos. Cada año, con las flores de mayo -mes de intensas celebraciones musicales en Hawaii- el ambiente musical de las islas se puebla de sonidos arrullantes, el ritmo melodioso del Ka hula Piko, que flota entre las olas como un símbolo de espiritualidad y buena fortuna.

⁶² Según el musicólogo argentino Carlos Vega, la Huella se cantaba y bailaba en ocasión de los festejos por la victoria de los patriotas americanos en las batallas de Junín y Ayacucho (1824). El testimonio aparece en la letra de una estrofa procedente del folclore regional de la provincia de Entre Ríos (Argentina).

Hummel: Antiguo instrumento de cuerdas, perteneciente de la familia de las cítaras. Existen varios modelos de este tipo, todos procedentes de Escandinavia (Uppsala, Göteborg, etc.). Normalmente tenían tres órdenes de cuerdas que se podían tañer con plectro. Algunos tipos de hummel tenían la caja de resonancia de forma triangular alargada y formando un solo cuerpo con el diapasón. La cuerda grave se empleaba para lograr un efecto similar al bajo continuo.

Humoresca: Término musical derivado del francés (humoresque=humorada). Fue un tipo de composición bastante popular en Europa durante los siglos XVIII y XIX. Esta palabra en castellano tiene connotaciones también relacionadas con la literatura. El poeta Ramón de Campoamor (1817-1901) denominó de esta forma a sus célebres composiciones de carácter epigramático. El argumento de la humoresca musical es de carácter libre y el ritmo tiene un aire ligero y alegre. Los principales compositores que desarrollaron su imaginación creadora sobre el esquema básico de la humoresque francesa fueron: Robert Schumann (1810-1856), Antonin Dvorak (1841-1904) y Gustav Mahler (1860-1911). Existen algunas piezas raras, que fueron adaptadas a la interpretación vocal. La letra de estas versiones presenta un espíritu mordaz y pleno de ironía, con un trasfondo humorístico similar a la parodia. Suelen ser composiciones ligeras, pensadas para violonchelo y piano, violín y piano, o eventualmente para piano solo. La obra instrumental titulada "Humorescas" Op. 101 -compuesta por Mahler -compuesta por Mahler representan uno de los exponentes mejor elaborados dentro de este tipo de creaciones.

Hypate: Palabra latina que se empleó hasta la Edad media para denominar a la cuerda más alta de la lira, cuyo tono era bastante agudo. Por comparación con el sonido de la voz femenina, las cantantes tiples de los coros recibían el nombre de "hypatia". Es el vocablo equivalente de sinistra, en italiano.

Hypochrema: Canto con acompañamiento de danzas en la antigua Grecia. La pieza poética estaba compuesta para el acompañamiento con sonidos de flauta, lira o cítara (acento bajo). Acostumbraba integrar los números en conciertos y exhibiciones de danza.

-I-

Ictus: Soporte extremo de una frase musical, periodo o subperiodo. Existe un ictus inicial y otro final. Su posición no suele coincidir exactamente con el compás escrito. Esto se debe a la particularidad de que, a veces, el compás escrito representa sólo la mitad, o un tercio del valor que le correspondería en realidad. El valor expresivo del ictus está directamente relacionado con la importancia del fragmento melódico al que pertenece.

Idiocorde: Idiófono de percusión directa, provisto de cuerdas, normalmente formadas con fibras del mismo cuerpo del instrumento. Uno de los ejemplos usuales en de este tipo de elemento sonoro es la cítara de bambú de Madagascar. Es un término técnico de nueva generación que se emplea en la etnomusicología para designar a un tipo primitivo de elementos musicales, que por su propia condición de simples objetos sonoros no llegan a ajustarse exactamente a ninguna de las grandes familias de instrumentos. Técnicamente la palabra idiocorde define a la asociación de dos elementos productores de sonidos (idiófonos y cordófonos), que pueden estar reunidos o complementados entre sí, dentro del mismo cuerpo. Entre los ejemplos demostrativos de este curioso tipo de instrumento puede citarse a la valiha, una variedad de cítara tubular africana (región costera de Zambezia e islas vecinas). La versión antigua del jeji o zeze, también llamado “arpa de Mozambique”, presenta cuerdas de fibra que forman parte del mismo cuerpo sonoro. También es similar el curioso modelo de arpa-cítara muet, de Camerún, formado por una caña como mástil, de la que se sacan cuatro fibras vegetales que hacen las veces de cuerdas. Todos estos instrumentos suplen con ingenio la falta de medios adecuados para una construcción más perfecta. Por esa causa es considerable el valor de las melodías con ellos obtenidas.

Idiófono: Instrumento de percusión autorresonador que carece de parche, tubo de aire o cuerdas. El vocablo proviene del griego (idios=propio). Se llama así porque se puede obtener el sonido por su propia oscilación, sin que dispongan de membranas o cuerdas para obtener las vibraciones sonoras. Existen diferentes tipos de idiófonos: percutidos, sacudido, punteados, frotados, etc. La mayoría de estos instrumentos rara intervienen en la composición regular de las grandes orquestas sinfónicas. Por su particular sonoridad, son más propios de los conjuntos folclóricos. Ejemplos comunes de idiófonos son las castañuelas de tablillas, los platillos y el triángulo.

Idiomatismo:

Adaptación de la escritura musical al tipo o variedad de instrumento, para el cual ha sido creada.

Idis: Flautín o caramillo de caña, típico de la isla de Sicilia. Es una denominación antigua cuyo origen entra en el terreno de la leyenda. Según algunos autores, Idis era el nombre de un pastor isleño, a quien se atribuye la invención del aerófono.

Idouthos:

Flauta griega de caña, dulce y melódica. Su origen es similar del aerófono anterior. Ambos integran el acervo musical del Mediterráneo.

Ilú: Variedad de tambor folclórico, natural de la costa nordeste del Brasil (Sergipe, Bahía, Alagoas, Pernambuco, Paraiba, etc.). Suele ejecutarse en compañía del popular sonajero abe durante las ceremonias del culto afrobrasileño xangó.
Imagen escénica: En la expresión lírica, es la idea que procede de la combinación de diversos factores, como la letra, la música, la escenografía, etc. Las imágenes sugeridas anticipan una serie de elementos circunstanciales cuyo concepto global proviene de un conjunto de estímulos distintos. Al concebir un episodio, real o imaginario, en la fantasía del acto interpretativo, la ópera convierte a la idea argumental en un nexo con la imaginación del espectador. Lo fantástico de la creación literaria permite ver o imaginar la el contexto total de la historia narrada, mientras el efecto sonoro la pone en ambiente. Se trata de un juego de intensidades eufónicas, unido al poder sugerente de las palabras. Los sonidos combinados de los distintos fonemas fluyen y crean la escena.

Imitación: Elemento característico del contrapunto. Es una forma musical similar al canon, que reproduce una secuencia rítmica interpretado por una voz cantante. Esa respuesta musical -que también hallamos en la fuga- puede ser ejecutada en el mismo o en distinto grado de la escala. Cuando la manera de imitar la primera voz es exacta y mantiene los rasgos de la misma, se denomina canon. La diferencia más perceptible entre ambas formas, es que la primera versión permite la alteración del texto melódico a través del cambio de movimiento o mediante el aumento y la disminución del valor de las notas. En las composiciones corales antiguas, estas dos bellas posibilidades imitación y canon- eran designadas como "canon per augmentationem" y "canon per diminutionem".

Imitación estricta: También llamada imitación severa o canónica. Se produce cuando la reproducción de la melodía es absolutamente exacta, respecto al modelo imitado. En este caso particular, las distancias de tonos y semitonos -cromáticos o diatónicos- se repiten en forma regular, guardando idénticas distancias.

Imitación ( per arsin et thesin): Contrapunto. Derivado del latín (arsis=elevación de la voz y thesis=tiempo que lleva el compás). Es una denominación antigua de la imitación, llamada de acentos invertidos. Puede aparecer en algunos tratados musicales, publicados hasta finales del siglo XIX. En esta forma de imitación, las notas del modelo o antecedente
-que se hallan en las partes fuertes del compás- se repiten en las partes débiles del consiguiente y a la inversa.

Imitación (modo contrario): Del latín (imitationis per motus contrarius). Basándose en el patrón de contestación o respuesta de un determinado pasaje melódico, esta variedad de imitación excede las estrictas condiciones del estilo de fuga. Su carácter amplio le permite incluir la respuesta en cualquier intervalo, aumentando o disminuyendo los valores de las notas, pero también en sentido contrario (de allí su nombre). Puede aparecer escrito en italiano (imitazione per moto contrario).

Imitación retrógrada: Como la anterior. Se trata de una curiosidad del contrapunto, cuya aplicación práctica es poco usual, debido a las dificultades que presenta a la hora de coordinar la armonía del canto. También llamada imitación cancrizante, la imitación retrógrada se forma al tomar la última nota del modelo o antecedente, utilizándola como nota inicial del consiguiente, retrocediendo luego en la escala, hasta la primera nota del modelo, que pasa ser la última de la imitación.

Impedancia: Música electrónica. Resistencia aparente de un circuito al flujo de corriente alterna. Para lograr el máximo rendimiento en los equipos de alta fidelidad, los altavoces o cajas acústicas necesitan recibir un flujo de corriente equilibrado, cuya impedancia debe ser coincidente con la del amplificador. Al elevarse la impedancia del cable, el amplificador entrega una potencia menor, con la consecuente reducción de intensidad sonora. Esta observación técnica, también tiene importancia en la reproducción de los conciertos sinfónicos, donde las respectivas partes o entradas de cada instrumento solista, o grupo de instrumentos de una misma familia, deben estar perfectamente definidas. Debido a ello, la impedancia del cable necesita guardar una relación en serie con la del altavoz.. No obstante, como los decibelios se calculan en forma logarítmica, para que se note una reducción de potencia auditiva, la distancia entre el amplificador y el altavoz debería ser muy grande o el cable muy fino. En términos de impedancia, se considera aceptable una pérdida de sonoridad relativa entre el 11 y 29 % (1-3 decibelios).

Impostación: Efecto de vocalización que se logra en el ejercicio del bel canto, mediante el cual se puede aumentar o disminuir la emisión de los sonidos fijando sus límites y prolongando su duración cuando resta aliento.

Impresionismo musical: Se llama así un estilo musical desarrollado durante la segunda mitad del siglo XIX, cuyo ejemplo más descriptivo lo hallamos, entre otras, en las composiciones de Maurice Ravel (1875-1937) y Claude Debussy (1872-1918). El impresionismo musical recibe ese nombre por su relación filosófica y contemporánea con el movimiento impresionista de aquella misma época, en la que destacan genios de la pintura como Jules Chéret y Louis Legrand. El sentido de esta curiosa relación entre la música y las artes visuales obedece a un cierto paralelismo existente entre todas las disciplinas artísticas que responden a la doctrina creativa de aquella escuela, creada en París hacia 1860. La tendencia no se identifica con la propia exactitud de la escena o el objeto representado sino la búsqueda de la impresión íntima que produce esa realidad en la mente del artista. De la misma manera, la música en la que existe el fondo narrativo, buscó una nueva forma de expresar las sensaciones a través de métodos subjetivos.

Impromptu: Aunque la acepción literal de este vocablo latino es "lento" o "no pronto", en términos musicales se entiende como una pieza breve que suele ejecutarse con carácter de improvisación. Es una forma típica del romanticismo, de estilo libre y con un aire dotado de gran agilidad. Se identifica con el capricho y la fantasía. Entre los más notables cultivadores de esta variedad puede citarse a Schumann, Chopin, Litz, Schubert y Brahms.

Improperia: Del latín (improperus=lento). Pieza musical de carácter religioso, inspirada en la liturgia de la Semana Santa. Su forma elemental fue el estro de célebres maestros de capilla del siglo XVI, como Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594) y Tomás de Victoria (1548-1611).

Impropiedad: Del latín (improprietas). En el antiguo sistema de notación cuadrada era lo contrario de propiedad (ver esta palabra). Se producía cuando la primera nota de una ligadura correspondía a una longa.

Improvisación: Composición musical que surge de manera espontánea y se ejecuta de la misma forma. Se trata de una manifestación primigenia y natural en el arte interpretativo, que desde la antigüedad fue un motivo esencial en la creación de melodías. En la Edad Media, ya se expresaba con la actuación el organum, que en la liturgia era cantado de manera improvisada. Durante los siglos posteriores, ya dentro del marco estimulante del Renacimiento y a través de las diversas corrientes artísticas que fueron surgiendo -como el barroco o el romanticismo- la improvisación se fue transformando en un área dotada de un amplio espectro creativo donde desarrollan su virtud los grandes maestros de la música. Finalmente, y con el despertar renovador del siglo XX, la improvisación plena de talento y fantasía, se transforma en una de las particularidades más originales entre las obras contemporáneas. Como ejemplo descriptivo puede recordarse a la expresión libre del serialismo, las experiencias dodecónicas, las variantes del jazz y la llamada música futurista.

Indeterminación: Término propio de la música aleatoria que refiere la filosofía de esta forma de expresión melódica. La indeterminación puede modificar la estructura general de una obra musical o cambiar solo una parte de ésta, configurando planos sonoros o categorías de ritmos cuya incidencia siempre es variable y eventual.

In armonia favellare : En italiano (arte de hablar con armonía). Técnica aplicada al estudio y desarrollo de la habilidad para interpretar el bel canto. Esta técnica vocal se destaca especialmente en la monodia, forma en la que interviene una voz sola, acompañada de interpretación instrumental. El compositor y cantante Giulio Caccini (1545-1618) expuso esta técnica en su obra "Le nuove musiche", publicada en Florencia a principios del siglo XVII. Caccini, autor de la ópera "Eurídice", fue uno de los precursores en el desarrollo de la técnica del madrigalismo.

Inarmónico/a: Carente de armonía. Una obra musical inarmónica no significa necesariamente que esté mal realizada, sino que su concepción obedece a una manera diferente de componer sonoridades.

Incalzando: Señala la necesidad de acelerar un poco el tempo, urgiendo el desarrollo de los sucesivos compases de una melodía. Agilizando el ritmo, con cierto ímpetu, pero sin exagerar.

Indicación de compás (numérica): Se consigna en la parte inicial de la partitura empleando para ello dos números superpuestos. El número superior se usa para señalar la cantidad de tiempos que tiene el compás. El número de abajo sirve para indicar la figura correspondiente a cada tiempo. Cada compás va separado por la barra vertical denominada línea divisoria. La relación existente entre las respectivas figuras y los números inferiores de la indicación de compás es la siguiente:

Redonda = 1
Blanca = 2
Negra = 4
Corchea = 8
Semicorchea = 16 Fusa = 32
Semifusa = 64

Por ejemplo, si una indicación contiene los números 12 superior y 8 inferior, está señalando que el compás tiene doce tiempos, cada uno ocupado por una corchea. Esta particularidad puede apreciarse en el comienzo del “Dúo deCornelia y Sexto”, de la ópera “Giulio Cesare in Egitto”“Giulio Cesare in Egitto” 1759). Otro ejemplo interesante del mismo autor aparece al comienzo del larghetto en el “Aria de Jerjes”, de la ópera homónima, donde el compás presenta la indicación 3 superior y 4 inferior, es decir, tres tiempos ocupados cada uno por una negra.

Indicación de compás (simbólica): Otra forma de señalar la cantidad de los tiempos y las distintas figuras del compás se puede hacer colocando una letra“C” (sola) para el compás 4/4, y una“C” (barrada) para el de 2/2. Por ejemplo, la “Melodía rusa” del preludio de la ópera“Boris Godunov” presenta un compás de 4/4, indicado en el pentagrama con la letra “C”. Modest Mussorgski (1839-1881) expresa a través de una serie de compases sombríos
-insinuados por el dramatismo de los efectos sonoros- el monólogo y la muerte del protagonista, Boris Godunov, circunstancia que refleja, a través de la música, el sufrimiento del pueblo ruso.

Indicación de graduación: Existen varias. Las más empleadas suelen ser: lento, moderado y vivo. Estos movimientos, que señalan una alteración en el ritmo de las melodías se escriben en la partitura empleando vocablos italianos: calando, morendo, ritardando, stringendo, rallentando, affretando, etc. Si el cambio de ritmo procede desde el comienzo de la melodía, la indicación se pone junto a la clave. Si ocurre en otra parte, se aclara en el lugar exacto donde debe comenzar a aplicarse.

Indicación de registración: Serie de símbolos o anotaciones marginales que algunos compositores escriben en las partituras de órgano señalando la necesidad de utilizar determinados registros para lograr un mejor aprovechamiento de la capacidad sonora del instrumento. Constituyen un elemento imprescindible para la interpretación de obras antiguas porque algunos autores solían registrar hasta la marca y las características de los órganos para los cuales fueron escritas las obras. Esas indicaciones se refieren no sólo al tipo de instrumento, sino también a la elección de las diferentes combinaciones, mezclas u oposiciones de las sonoridades correspondientes a cada registro.

Índice acústico: Sistema que permite identificar a qué octava corresponde un determinado sonido. Para ello se emplea unas cifras denominadas índices acústicos que se colocan al lado de la nota, con el objeto de indicar la octava a la que pertenece. Se trata de una técnica muy diversa y que puede variar según el país y la época a la que corresponde la indicación.

Inflexión: Alteración del timbre vocálico. En el canto es una variación en la altura del sonido, por atenuación o elevación, al pasar de un tono a otro. Ese cambio o variación en la altura de los sonidos, puede provocada a propósito por el cantante, de acuerdo con las características de la letra que debe interpretar.

Infrasonido: Sonido cuya frecuencia es menor de 15 ciclos por segundo. Las ondas infrasonoras son producidas por muchos prácticamente inaudibles para el oído humano. instrumentos musicales, pero resultan

In nomime: Género musical religioso, vinculado en su parte instrumental al carácter libre de la fantasía y más directamente con el estilo fancy inglés de los siglos XVI y XVII. Se escribe normalmente en forma de fuga, con ciertos pasajes imitativos que se suelen entonan partiendo de un cantus firmus inicial. Ejemplo: "In nomine Z-746", de Henry Purcell, compuesto hacia 1680.

Insieme (instrumental): En italiano (juntos). Suele aplicarse en la escritura musical como indicación de interpretación en concertante. Se refiere a la ejecución, simultánea o coincidente, de todos los elementos que integran una orquesta. Suele aplicarse a la entrada conjunta del resto de los instrumentos, a continuación de un solo o una parte obligada. En cierta manera, es equivalente del tutti.
Insieme (vocal): Como el término anterior, se refiere a la unificación coordinada de las diferentes partes de un conjunto. En el canto lírico es la unión de todas las voces de un coro polifónico.

Instante rítmico: Denominación correspondiente al pie, o medida básica del ritmo en el verso, configurada por una sílaba fuerte o débil, y sus distintas combinaciones posibles. La duración de un pie o instante rítmico está determinada por la fonología, es decir, la extensión y el sonido de la sílaba. Esta particularidad de la forma declamatoria tiene una especial incidencia en el arte del bel canto, debido a la mayor o menor adaptabilidad que puedan presentar las palabras respecto a los adornos vocales. La variedad de recursos eufónicos y estilísticos, es el producto de la acertada combinación de cada instante rítmico dentro del enunciado de una oración. En poética, el pie compuesto está formado por diferentes combinaciones de instantes rítmicos.

Instrumentación (técnica): Arte de concertar y combinar de una manera armónica las partes correspondientes a cada uno de los distintos instrumentos de la orquesta en función de sus respectivas características. Es una especialidad que se practica en los niveles superiores de la enseñanza musical. Su aplicación puntual es lograr una obra de conjunto armónica y eufónica. En la instrumentación se tiene en cuenta el registro, el timbre y las demás posibilidades expresivas de cada instrumento en particular y también su compleja relación sonora con los demás instrumentos del conjunto.

Instrumentación (organología):

Conjunto de los instrumentos que integran una agrupación musical u orquesta.

Instrumentaje:

Sinónimo de instrumentación. Es un vocablo que se emplea poco en la actualidad.

Instrumentista:

Músico especializado en la ejecución de uno o varios instrumentos de la orquesta.

Instrumento acorde: Se llama de esta forma a cualquiera de los instrumentos de una orquesta sinfónica que, luego de haber sido convenientemente afinado, se encuentra en perfecta consonancia de tonos con todos los demás.

Instrumentos de cuerda: También llamados cordófonos. Comprende a todos los instrumentos que producen los sonidos mediante la vibración de cuerdas tensas. Existen muchas variantes con respecto a las formas o adaptadas a distintas tesituras. La clasificación general de estos instrumentos esta formada por tres grandes grupos:

1) Cuerdas percutidas: La vibración se obtiene a través de unos pequeños martillos que golpean las cuerdas, insertas en una caja de resonancia (históricos: espinetas, virginales, clavicordios, claves o clavicémbalos, etc.; actuales: pianos).

2) Cuerdas frotadas: Las cuerdas suenan mediante el roce o frotamiento de un arco. A este grupo se le suele llamar "familia del violín" (violines, violas, violonchelos, contrabajos).

3) Cuerdas pulsadas: En este grupo, el sonido se obtiene pulsando las cuerdas con los dedos. (

guitarras, arpas, banjo, balalaikas

).

Instrumentos de percusión: Esta variedad corresponde a la forma más antigua de producir sonidos rítmicos. Al decir percusión estamos nombrando a todos los instrumentos que integran una serie muy variada, cuyo conjunto incluye a los tambores, platillos, sonajas, etc. En el caso particular de los instrumentos de percusión, lo que realmente produce el sonido es el material con el que están fabricados. Por ello, la clasificación general de los instrumentos de percusión se divide en cuatro grupos principales:

1) Membranófonos provistos de un cuerpo o caja de resonancia y una membrana tensa que lo cubre. Se percuten con las manos o con macillos de diferentes tipos: (timbales, bombos, tambores redoblantes, tambores militares, panderos, cajas, panderetas, bongós, timbaletas, etc.).

2) Metalófonos simples y de percusión directa: (

platillos, triángulos, gongos,

etc.).

3) Idiófonos de placas, tubos y láminas. Pueden ser de madera o metal ( xilófonos comunes y de
tubulares, etc.).
artesa, marimbas, vibráfonos, celestas, litófonos, campanas

4) Idiófonos autorresonadores, que producen los sonidos con los movimientos de la mano y sin ayuda de membrana: (castañuelas, crótalos, raspadores, sistros, maracas, sonajas, etc.).
sencillos: Son los elementos llamados resonadores o

Instrumentos de viento: También llamados aerófonos. Son todos aquellos cuyos sonidos se producen por la vibración de una columna de aire encerrada en un conducto tubular, que puede ser de madera o metal y adopta distintas formas estructurales. Existen varios procedimientos para insuflar el aire en el conducto vibratorio y también pueden ser diversas las combinaciones de materiales utilizados en su fabricación⁶³. Se trata de una definición genérica, pero no siempre ajustada a la realidad, porque algunos pueden estar construidos en ebonita o plata: La altura de los sonidos emitidos por los instrumentos de viento depende de la extensión del tubo por donde circula el aire. En términos generales, puede decirse que cuanto mayor sea dicha longitud, más grave resultará el sonido. La clasificación general de los instrumentos de viento se divide actualmente en tres grupos principales:

1) Maderas: Instrumentos aptos para ejecuciones solistas (

flautas traveseras o laterales, flautas picolo o flautines

).

2) Lengüeta: Los instrumentos de la orquesta sinfónica (

oboes, cornos, fagotes, contrafagotes, clarinetes, etc.

).

3) Metales: Instrumentos militares, de bandas y orquestas típicas. Existen distintas formas: simples, de válvulas, pistones, varas: (trompas, trompetas, tubas; clarines; trombones, etc.).

En los instrumentos de metal se obtienen los sonidos con la posición de los labios que deben estar tensos sobre la embocadura o boquilla, pero a la vez necesitan mantener una cierta elasticidad para ir modulando las notas. El timbre obtenido depende mucho del tipo de boquilla.

⁶³ Actualmente, la clasificación tradicional de algunos instrumentos de viento puede resultar confusa o dar lugar a errores de interpretación. Esto se debe a que varios instrumentos metálicos, que desde siglos atrás se fabricaban de bronce, ahora pueden construirse con otros materiales. Respecto a los instrumentos de madera, ocurre los mismo, en la actualidad se pueden encontrar en diferentes aleaciones metálicas, fibras sintéticas o ebonita.

Instrumentos electrófonos: Son los aparatos de ejecución y amplificación musical, cuyo principio sonoro se basa en los resonadores de corriente eléctrica. El órgano electrónico es uno de los más conocido exponentes de este tipo de instrumentos. Sus partes esenciales son el generador de sonidos, los dispositivos de crescendo, el grupo de filtros electrónicos, los amplificadores y altavoces.

Instrumentos históricos: Se llama así a los primitivos instrumentos musicales que integraban las agrupaciones orquestales en épocas pasadas, para cuyas posibilidades sonoras fueron creadas las respectivas partituras, objeto de las investigaciones relacionadas con la paleografía musical. La utilización de instrumentos históricos, reconstruidos con los materiales y técnicas originales, permite experimentar y profundizar en el conocimiento de la verdadera entidad sonora que prevalecía en la época estudiada. Esta ciencia tiene especial importancia para el estudio y la reposición de conciertos y óperas escritas en antiguos documentos musicales, pertenecientes, por ejemplo, a los periodos barroco o clasicista. Es de notar que la constante evolución de los medios de audición y la diferencia existente entre los instrumentos antiguos y los actuales, nos permite comprender el verdadero alcance de la técnica y el proceso por el que ha pasado la música en los últimos siglos. Debido a ello, la interpretación de las composiciones musicales históricas con técnicas e instrumentos actuales debe estar condicionada a ese conocimiento objetivo. Los modelos antiguos sólo tienen utilidad para estudiar con detenimiento la esencia que movía la creación musical de los primeros compositores. Por tal razón, su recuperación tiene gran importancia para el perfecto conocimiento de la forma cómo sonaban en realidad las primitivas melodías, tanto sacras como populares. Entre los antiguos instrumentos de tecla, como la espineta o el virginal del siglo XV, existen variedades adaptadas a distintas tesituras. Debido a la misma razón, la restauración y reconstrucción de los modelos antiguos de cordófonos, como el arpeggione, -una guitarra de cuerdas frotadas ya en desuso- resultan útiles y en muchos casos indispensables para la investigación de la historia de la música.

Instrumentos indígenas: En musicología se denomina a así a todos los instrumentos musicales indígenas, de los que se tiene constancia respecto a su existencia durante el periodo anterior a la llegada de los conquistadores europeos. Se trata de un aspecto en el que intervienen la etnomusicología y los estudios históricos. Hasta hace pocas décadas sólo era posible penetrar en esta rama de los estudios musicales deduciendo el sonido original de aquellos instrumentos rudimentarios a partir de las descripciones de narradores contemporáneos o de las representaciones de tales objetos y sus ejecutantes, tal como aparecen en ciertas piezas de cerámica u otras ilustraciones similares. El avance de las nuevas tecnologías, así como otras ramas de la investigación científica en las últimas dos décadas del siglo XX, permitieron profundizar en este campo a partir de nuevos exámenes realizados a los instrumentos que se han podido preservar a través del tiempo. Lamentablemente, muchas piezas, fabricadas con materiales frágiles o perecederos, han ido desapareciendo a través de los siglos transcurridos desde el descubrimiento, nos obstante muchos instrumentos interesantes y descriptivos -especialmente los de cerámicahan subsistido, permitiendo a los musicólogos de la actualidad dar una idea práctica del mundo sonoro que poblaba la vida de las culturas aborígenes americana. Estas interesantes colecciones, casi todas en poder de museos especializados, comprenden instrumentos idiófonos, aerófonos y membranófonos cuya datación comprende desde el siglo IV hasta el X de la era cristiana. (flautas, sonajas, cascabeles, tambores y silbatos de distintas tonalidades).
Instrumento insonoro: Se dice del que está desprovisto de sonoridad. En la ejecución musical, se refiere a un tipo de instrumentos de estudio o ejercitación que no emiten sonidos audibles directamente, pero permiten al ejecutante oír las notas a través de un captador electrónico y con la ayuda de unos auriculares.

Instrumentos parciales: Son todos aquellos, de estructura sencilla, que no pueden atacar el sonido fundamental y su primer armónico. Por ejemplo, las trompetas primitivas, que por su conformación dependían absolutamente de los sonidos naturales. Por ello se fabricaban con distintas afinaciones, que permitían suplir lo reducido del ámbito de ejecución.

Instrumentos polifónicos: Se denomina de esta forma a todos los instrumentos musicales, que al ser ejecutados permiten obtener una variedad de sonidos de manera simultánea. Su función más destacada es el acompañamiento de las actuaciones de los solistas o concertinos. Dentro de esta serie en particular existen tres grupos: a) los instrumentos imprescindibles en la composición de la orquesta sinfónica, como el piano, b) los instrumentos accesorios o adecuados a ciertas necesidades expresivas de carácter puntual, como la guitarra o el órgano, y c) los instrumentos de época, que son esenciales en las representaciones preciosas de música de cámara, barroca etc., como el clavicémbalo.

Instrumentos transpositores: Dentro de la gran variedad de instrumentos musicales y sus respectivas clasificaciones, ya señaladas, existe una variedad de ellos que se pueden encuadrar dentro de la categoría de los transpositores. Esta característica se da solamente en los instrumentos de viento: (trompa, corno inglés, clarinete, etc.) Básicamente, la transposición es el traspaso de una composición musical a otra tonalidad diferente. Estos instrumentos originalmente están afinados en una tonalidad distinta de la que realmente suena. El motivo de que haya instrumentos transpositores se debe a la necesidad de equiparar las tonalidades entre todos los instrumentos de la orquesta evitando de esa manera las disonancias.

Intensidad (instrumental): Cualidad del sonido de los instrumentos musicales. Cuanto mayor sea dicha capacidad, se los puede oír a mayor distancia. El valor de la intensidad está determinado por la amplitud de las vibraciones. En la percepción de la intensidad tienen incidencia directa tanto la amplitud, como la distancia existente entre el oído y la fuente de emisión. Este fenómeno está relacionado con la energía de las ondas sonoras.

Intensidad (vocal): Para hacer sonar la voz en toda su intensidad y capacidad de comunicación, el cantante deben poner en funciones a un conjunto de energías potenciales, coordinadas hacia ese propósito. El fin perseguido no es únicamente la intensidad del sonido producido por las cuerdas vocales, sino el movimiento del cuerpo y la gesticulación. El desplazamiento de un cantante a través del escenario, necesita una moderada cantidad de energía que debe equilibrarse con la que requiere la musculatura del pecho y la boca.

Interlínea:

En el pentagrama se llama así al espacio en blanco existente entre dos líneas. Cada pentagrama contiene cuatro espacios interlínea fijos.

Interludio: Sinónimo de "entreacto". Es una breve pieza orquestal que tiene por objeto servir de nexo entre dos cuadros de un mismo acto escénico.
Intermedio: Pieza ligera que se representa entre dos partes de una obra dramática. Es lo mismo que intermezzo.

Intermezzo (intermedio): Este vocablo italiano tiene varias acepciones: La más conocida se refiere a un divertimento musical de carácter coreográfico. El argumento consiste en un pasaje cómico de corta duración que suele aparecer intercalado entre dos actos dramáticos. Su temática -casi siempre de carácter alegórico- se compone de diálogos, danzas, arias y madrigales. En la parte musical sobresalen las actuaciones corales. Es uno de los precedentes directos del barroco italiano. En algunas obras importantes, o cuando las circunstancias del libreto así lo exigían, era costumbre intercalar varios intermezzi. La comedia musical "Pellegrina", del jurisconsulto y dramaturgo italiano Gieronimo Bargagli, estrenada en Florencia, en 1589, incluye seis formas similares de intermezzo, aunque cada uno contiene un espíritu diferente, de acuerdo con el cuadro escénico al que sucede. A partir de 1920 se empieza a llamar así al tiempo de divide dos partes de un concierto, o dos actos de una obra teatral.

Intermezzo (ópera): Aunque de manera menos corriente, el término intermezzo también puede referirse a una forma breve de drama lírico, como "El niño y los sortilegios", fantasía en dos actos del compositor francés Maurice Ravel (1875-1937).

Intermezzo romantico : Desde el advenimiento del estilo musical y literario, llamado romanticismo, a mediados del siglo XIX, se llama así a un intermedio sinfónico, sin letra, que se suele incluir entre dos cuadros operísticos, cuyo desarrollo resulta demasiado extenso por exigencia del libreto. Su finalidad es distender la atención del público para que pueda reflexionar sobre el sentido del argumento.

Interpretación: Ejecución vocal o instrumental de una composición melódica. Específicamente, se refiere al acto mismo de transformar en realidad sonora el significado de las notas, abreviaturas, palabras técnicas y símbolos musicales en un pentagrama.

Intervalo: Voz derivada del latín (intervallum). Es la distancia mínima o diferencia de entonación existente entre dos sonidos bien afinados. En el fraseo musical indica el espacio que corresponde a los semitonos. Existen diferentes tipos de intervalos (melódicos, armónicos, consonantes, disonantes ascendentes, descendentes, etc.). Como conjunto de valores, el intervalo comprende el espacio entre dos límites que le sirven de referencia (justo, mayor, menor, aumentado y disminuido). Cuando los intervalos tienen las notas separadas por mayor distancia se llaman aumentados. Los intervalos justos siempre poseen un semitono más que los intervalos disminuidos y uno menos que los intervalos menores.
-Los intervalos doble-aumentados y doble-disminuidos son de uso poco frecuente.
-Los intervalos mayores siempre tienen un semitono menos que los intervalos aumentados.
-Los intervalos menores siempre tienen un semitono menos que los intervalos mayores.

 [intervalos doble-aumentados]  [intervalos aumentados]  [intervalos mayores]

Intervalos justos{

 [intervalos menores]

 [intervalos disminuidos]

 [intervalos doble-disminuidos] Intervalo armónico: Es cuando dos sonidos se dejan oír a la vez, es decir, de forma simultánea. Los intervalos armónicos pueden ser, a su vez, consonantes o disonantes. 
Intervalo ascendente: Se llama así cuando entre los dos sonidos que configuran un intervalo, el primero es más grave que el segundo.

Intervalo compuesto:

Es el intervalo que excede la octava. Conserva la denominación de cualquiera de las formas de intervalo simple que lo haya originado.

Intervalo consonante:

Es el intervalo armónico cuyas notas producen un efecto agradable y eufónico al ser oídas en forma simultánea.

Intervalo cromático:

Es cuando separa a dos notas musicales que tienen la misma denominación, pero una es alternada y la otra permanece sin alternar.

Intervalo descendente:

A la inversa, se llama descendente si el primer sonido es más agudo que el segundo.

Intervalo diatónico:

Se da esta circunstancia si el intervalo separa a dos notas musicales de distinta denominación.

Intervalo disonante:

Es el intervalo armónico cuyas notas suenan desapaciblemente por falta de consonancia.

Intervalo invertido:

Se produce cuando ocurre una variación -ascendente o descendente en cualquiera de los dos sonidos que lo componen.

Intervalo invertido ascendente:

Si el sonido grave asciende una octava.

Intervalo invertido descendente:

Si el sonido agudo baja una octava.

Intervalo justo:

Se llama así al intervalo simple cuando no se puede aumentar ni disminuir. Si esto ocurriera, se produciría una disonancia.

Intervalo mayor:

Es una forma de intervalo simple que presenta un semitono más que el menor. Comprende cuatro tonos y un semitono (6ª mayor), o dos tonos (3ª mayor).

Intervalo menor: Es otro intervalo simple. La diferencia es que tiene un semitono menos que el mayor. Existen varias formas. Las más usuales comprenden: medio tono (2ª menor); un tono y medio (3ª menor); cuatro tonos (6ª menor); cinco tonos (7ª menor).

Intervalo melódico: La manera melódica del intervalo ocurre cuando los dos sonidos que lo forman se producen de forma sucesiva, es decir, primero un sonido determinado y a continuación el otro, sin solución de continuidad (do-re; re-mi; mi-fa, etc.)

Intervalo simple:

Son aquellos que no exceden la octava. Los intervalos simples se dividen en:

disminuido, menor, mayor, justo

y

aumentado

.

Interpretación musical: Acto de llevar al espacio sonoro la melodía creada por el compositor. En este proceso intelectual intervienen diferentes técnicas y conocimientos empíricos, como la teoría musical, el canto, la ejecución instrumental, la orquestación, etc. Además, en el caso de una obra escénica en particular, entran en juego otros valores subjetivos, como la comprensión del propósito descriptivo que tiene la melodía respecto al argumento y los adornos sugeridos por la misma melodía en el momento de la ejecución.

Interrogación: Parte del canto llano o gregoriano cuyo acento procede por cadencias ascendentes. El término -que proviene del latín (interrogatio)- se refiere a la figura retórica que encierra el contexto de una pregunta. Es una denominación que remite al argumento o silogismo planteado durante el desarrollo del texto cantable, donde la respuesta suele surgir de la propia interrogación

Intonare : Se llama de esta manera al acto de ajustar el sonido de un instrumento, o la voz de un cantante, a la altura correspondiente. El término indica afinación de los sonidos y proviene del italiano (intonare=sonar bien).

Intonarumori : En italiano (entonador de ruidos). Vocablo empleado por el músico futurista Luiggi Russolo, a principios del siglo XX, para definir una serie de instrumentos sonoros, diseñados con el propósito de emitir patrones rítmicos sujetos a diversas formas de modulación, amplificación y distorsión. El efecto de aquel curioso experimento musical se basaba en la producción coordinada de una amplia gama de sonidos eléctricos. La presentación del equipo de intonarumori -coincidiendo con el célebre manifiesto del Movimiento Futurista- se realizó en junio de 1913, en el Teatro Storchi de Módena. Al año siguiente se llevó a cabo el primer gran concierto internacional en el Coliseum de Londres, con el apoyo intelectual del célebre poeta Marinetti⁶⁴. Poco después de finalizar la Primera Guerra Mundial, Russolo continuó con la serie de conciertos de intonarumori en distintos países de Europa, donde explicaba de manera efectiva la filosofía de los músicos futuristas respecto a la necesidad de enriquecer cada vez más el campo de los sonidos expresivos. Las demostraciones prácticas, que se prolongaron durante la década de 1920, causaron asombro y no pocas controversias entre melómanos tradicionales y vanguardistas. Aquellas experiencias futuristas sirvieron para formar los conceptos que más tarde dieron lugar a la música concreta y electrónica, despertando el interés de grandes compositores vanguardistas como Arthur Honegger, Edgard Varèse y Darius Milhaud.

Introducción: Parte de una composición instrumental con la que se da comienzo a la misma. Suele ser de corta duración y presentar un aire similar o diferente al del resto de la melodía. Cuando la obra consta de varios tiempos, pueden componerse breves introducciones para todos o sólo para algunos de ellos.

Introït: En catalán (introito). Fragmento inicial en la interpretación de la danza tradicional de Cataluña denominada sardana. Junto con los sonoros contrapunts (contrapuntos), configuran la ejecución de las partes melódicas que interpreta el flabiolaire, acompañándose siempre de un diminuto tamboril.

Introito: Del latín (introitus=entrada). En la ópera significa lo mismo que preludio. Es una composición breve, generalmente integrada por un solo cuadro, que da inicio al cuerpo musical de la obra.
Invención: Acepción musical del término italiano "invenzione". Es una breve composición para piano, que acompaña la actuación vocal de dos o tres cantantes. Otra acepción similar se refiere a una serie de composiciones instrumentales (particularmente las del tipo de contrapunto) cuya condición más saliente era la posibilidad de que el ejecutante improvisara sobre la marcha unos breves compases libres. Estos cortos pasajes debían agregarse a la pieza sin interferir en su desarrollo normal. Fue una práctica, usual durante los siglos XVII y XVIII, que tiene mucha similitud con el sentido actual de la improvisación. No se descarta que se tratara de la misma costumbre, con someras diferencias en lo que atañe al tiempo, ritmo o tipo de melodía. Johann Sebastian Bach compuso 15 obras cortas de carácter didáctico que llevan este mismo nombre. En 1720 escribió una de sus más bellas invenciones para dos y tres voces, que se conservan como un modelo clásico de esta curiosa variedad musical. Los compositores alemanes de aquella época la conocían con el sustantivo femenino "Erfindung".

⁶⁴ Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944). Poeta italiano, creador de la corriente artística denominada futurismo, que bajo el lema “Arte en libertad”, atribuía un sentido expresivo y paralelo para la música, las artes plásticas y la poesía.

Inversión (acorde): Se llama así a la particularidad de escribir un acorde musical con las notas colocadas en una posición diferente de la normal. El ejemplo se da en cada una de las posiciones que aquel presenta a lo largo de la composición. Si la nota fundamental de un acorde es el bajo, este se hallará en estado fundamental.

Inversión (dodecafonía): En la terminología de la composición dodecafónica se denomina inversión a una de las cuatro operaciones, elementales o básicas, que permiten desarrollar acordes mediante este sistema. El nombre inversión proviene de su similitud con el procedimiento empleado en la escritura imitativa.

Inversión (imitativa): Mediante este método musical, se puede interpretar una composición melódica modificando la orientación de sus intervalos, de tal forma que el sentido descendente se transforma en ascendente y al revés. La imitación es una de las bases esenciales del contrapunto. Su estilo es parecido al canon. En ambas formas, se crea una secuencia rítmica cuya secuencia melódica es interpretada por una voz cantante. La respuesta musical puede ser llevarse a cabo en el mismo grado de la escala o en otro distinto. Esa característica aparece también en la fuga.

Inversión (intervalos): Cuando en un fragmento melódico, dos sonidos intercambian sus respectivas alturas se produce la inversión de intervalos. Una forma bastante usual en esta práctica es la quinta mayor que pasa a ser cuarta menor. Como pauta para comprender esta relación, se puede citar el siguiente ejemplo: cuando una de esas alturas se escribe en la octava superior, se invierte la relación entre ambas notas. Por tanto, la más aguda se tornará más grave y la grave más aguda.

Inversión de contrapunto: Se trata de una variación dentro de la imitación vocal. Esto ocurre generalmente porque el orden de las voces se halla invertido. Un ejemplo bastante usual de esta modalidad del canto contrapuntístico es cambiar la posición de los intervalos sucesivos en un determinado pasaje o frase musical, transformando el movimiento descendente en ascendente, o al revés.

I.R.C.A.M. : Sigla en francés. [Institute de Recherche et de Coordination Acoustique Musique]. Importante entidad oficial de investigación melódica, con sede en París. Se dedica al estudio y la aplicación práctica de las nuevas tecnologías electrónicas y de procesamiento digital del sonido, disponibles en la actualidad. Fue fundada en 1969 por el entonces presidente de Francia, Georges Pompidou. La cristalización del proyecto estuvo a cargo del célebre compositor Pierre Boulez, que fue su primer director. La función de este centro es investigar, practicar, enseñar y difundir la obra innovadora de nuevos músicos y creadores musicales. La comisión destinada a la difusión de las actividades del I.R.C.A.M. es el Conjunto de Divulgación de la Expresiones Musicales Contemporáneas [Ensemble Inter-Conteporain] situada en el mismo edificio del Centre Pompidou.

Isa: Canto y baile tradicional de las Islas Canarias, muy alegre y movido. Los danzantes van formando sencillas figuras y pasos combinados al compás de las distintas melodías, interpretadas por instrumentos folclóricos como el timple y la bandurria. Estudios musicales comparativos han hallado curiosas similitudes armónicas y coreográficas con el corrido mejicano, el pericón argentino y varias danzas populares procedentes de Chile.

Ison: Signo musical que se usaba antiguamente para señalar los intervalos en la música bizantina. En las melodías religiosas antiguas existían caracteres neutros, ascendentes y descendentes. El ison es un signo neutro. Indica que las notas sometidas a esta señal no deben cambiar de altura.

Isorritmia: Voz procedente del idioma griego (iso=igual, rythmós=ritmo). Se refiere a una técnica musical que propone la regulación de la correspondencia métrica entre todos los periodos de una composición melódica. En otras palabras, el ritmo debe permanecer idéntico a lo largo de toda la pieza, sin tener en cuenta la monotonía. Se empleaba especialmente en la música sacra y de manera particular en los conductus y motetes de la Edad Media.

Istitutione harmoniche: Célebre tratado de armonía del compositor Gioseffo Zarlino (1517-1590), maestro de capilla de la Escuela Veneciana. Sus formas polifónicas sirvieron de base a numerosos discípulos y creadores que siguieron sus pasos en el mundo de la ópera.

Iteración: Figura sintáctica del canto lírico, también llamada anáfora en poética. Consiste en la repetición sucesiva de una o más palabras al comienzo de cada uno de los versos que componen la unidad estrófica.

"De tímida ansia, de certeza feliz,
De fe, de duda, de deleite, de tormentos,

De fidelidad, de doblez... 65En fin, las mil posibilidades..."

Se utiliza con el objeto de enfatizar el enunciado de las frases. Por ejemplo: el personaje de Masolino en la ópera "Mona Lisa" de Schillings, cuando describe a la tercera esposa de Messer Francesco.

Iton: Baqueta que se utiliza en Cuba para percutir los tambores bonko enchemiya. El golpe se da sobre la parte inferior de la caja de madera. El efecto produce dos sonidos definidos uno grave y otro agudo. Los ritmos, como el tambor pertenecen a la cultura abakuá. En la lengua aborigen iton significa "palillo".

⁶⁵ "Mona Lisa" Libreto de Edoardo Traversa. Música de Maximilian Schilling. Traducción española de Beatriz Dovski del texto original italiano. Acto primero (Pág. 17) Universal Editions, Viena, 1922. Gentileza Archivo Histórico Musical del Instituto del Teatro. Barcelona.

-J-

Jabelas:

Grupo de danzas y cantos pertenecientes al folclore regional de Andalucía.

Jácara: Intermedio escénico breve compuesto por escenas de bailes y diálogos cómicos, que en el siglo XVIII dio origen a la tonadilla española. El ritmo animado de las jácaras también encuentra una relación con la soleá del folclore andaluz. Fue muy popular en las corralas durante el transcurso de los siglos XVI y XVII. Destacó en este género el musicólogo y guitarrista aragonés Gaspar Sanz (1640-1710), que dio a conocer su importante labor creativa a través de la obra "Instrucción de música sobre la guitarra española" una importante selección de danzas populares y cortesanas, publicada en 1674.

Jaleador/a:

En la música popular de Andalucía, se llama así a los acompañantes rítmicos que animan los cuadros flamencos con palmas, gritos y otras expresiones de júbilo.

Jalear: Infinitivo típico del cante flamenco. Significa animar la actuación con voces y palmas dirigidas a los bailaores y cantaores. Por extensión, se aplica al hecho de rodear con entusiasmo e intenso bullicio a la danza del mismo nombre.

Jaleo (danza): Baile tradicional de Andalucía, en compás de 3/8 y tono menor. Tiene especial difusión en la región de Jerez de la Frontera (Guadalcacín, Rajamencera, San Isidro, Jédula, Torrecera, etc.). Lo suele bailar un solo intérprete, hombre o mujer, con cante de coplas, tonadas y toque de castañuelas. El estilo del jaleo es muy singular por la gracia de su coreografía. Eventualmente pueden verse variantes acompañadas con palmas y rasgueos de guitarra.

Jaleo (vocal):

Copla o tonada que acompaña el baile anterior. La etimología de este vocablo indica animación. Proviene de la interjección

¡hala!

o

¡jala!

[de jalear].

Jam-session: Variedad del jazz basada en la improvisación. El nombre proviene de las sesiones musicales donde se practica esta modalidad del género, que dio lugar a una cantidad considerable de composiciones famosas.

Jarabe tapatío: Danza folclórica mejicana. Procede del estado de Jalisco, región montañosa situada al noroeste de la capital. Según algunos autores, el origen de esta manifestación musical proviene de la variedad española llamada zapateado de Cádiz, llevada a América durante el periodo colonial.

Jarana (danza):

Pertenece al folclore musical de México. Es una forma bailable típica de la región de Yucatán, de la que existe varias versiones

Jarana (instrumento):

Pequeña guitarra de cinco cuerdas, típica del folclore musical de México. Afinación de aguda a grave: (

mi-si-sol-re-la

).

Jarana con charola en la cabeza: Variante de la jarana tradicional. Se baila por parejas. Ambos danzantes -hombre y mujer- deben realizar los diferentes pasos de la danza sin derramar el líquido de las jícaras o copas que contiene la bandeja.
Jarana sobre almud: Difiere de la anterior en algunos detalles coreográficos. En esta versión de la tradicional jarana, sólo las mujeres deben realizar sus evoluciones sobre un almud⁶⁶, demostrando así la habilidad para llevar a cabo en tan reducido espacio todos los movimientos rítmicos, presentación con los brazos en alto, balanceos, giros, etc.

Jazz: El carácter melódico del jazz surgió en New Orleans a fines del siglo XIX. Su forma de interpretación, basada particularmente en el ritmo y la síncopa, poseen una fuerte inspiración tomada del sentimiento expresivo de la raza negra. El ambiente musical de la época y los argumentos que le sirvieron de inspiración tienen una relación progresiva en el tiempo y el espacio, cuya esencia étnica y espiritual surge en las mismas raíces de las antiguas leyendas y tradiciones africanas. Con el tiempo se le fueron incorporando técnicas musicales de la población blanca, en especial el tiempo de marcha.

Jazz Band: Tomando el ejemplo de las primitivas "Brass Bands" (pequeñas orquestas típicas integradas por blancos que ejecutaban instrumentos de viento) en 1890 aparecen los primeros conjuntos de jazz integrados sólo por negros -llamados al principio "Marching Bands" y luego "Jazz Bands". Los integrantes de estos conjuntos típicos se reunían para ensayar en tabernas e intervenían en casamientos, entierros o fiestas nacionales. La configuración instrumental de estos conjuntos estaba formada por diferentes opciones: trompeta, corneta, trombón, clarinete, tuba baja, contrabajo, banjo, piano guitarra, etc. La inspiración del jazz aparece en varias óperas con el carácter de fondo musical o motivo central.

Jazz clásico: Estilo tradicional de interpretación del jazz, conocido en los Estados Unidos con el nombre de mainstream. Corresponde al periodo de gran desarrollo del jazz, en todos los niveles. Coincide con el desarrollo de la radiofonía (1920-1930).

Jazz fresco: . Del inglés (cool jazz). Estuvo de moda en la década de 1940. Era una forma ubicua que reunía las características de las más importantes tendencias musicales de la época. En el desarrollo de esta variante ejercieron cierta influencia los notables de jazz tradicional, entre ellos el popular estilo de la Thornhill's Band, del célebre director Claude Thornhill, Lennie Tristano con sus alumnos y continuadores, Billie Bauer y Lee Konitz. Finalmente, cabe destacar la gran tendencia del cool ejercida por los grandes saxofonistas de la orquesta de Woody Herman, Stan Getz, Serge Chaloff, Zoot Sims, integrantes primigenios de los Four Brothers. Al promediar los años 50, la influencia del estilo cool genero una forma denominada Third Stream (tercera corriente), variante inspirada en el clasicismo, que tuvo su parcela de fama en la costa oeste de los Estados Unidos.

Jazz libre: Del inglés (free jazz). Movimiento musical surgido durante la década de 1960, bajo la inspiración del saxofonista norteamericano John Coltrane. Fue un pronunciamiento basado en el principio de la improvisación colectiva y en la libertad de ejecución, cualquiera sea la forma de composición melódica. Los seguidores más conspicuos de esta corriente interpretativa -a la que se llamó "revolución de Coltrane"- fueron Archie Shepp, Albert Ayler y Pharoah Sanders (saxofón); Dom Cherry (trompeta); Cecil Taylor (piano) y los miembros de un renombrado conjunto de jazz americano, el Art Ensemble of Chicago. Todos ellos integraban una asociación vanguardista dedicada a difundir las obras de los compositores de jazz libre (Association for the Advancement of Creative Musicians).

⁶⁶ Almud: Palabra española antigua, de origen árabe. Es un cajón de madera utilizado en las tareas agrícolas para medir una cantidad fija de áridos (granos, legumbres y otras mercaderías).

También se la conoce a esta escuela vanguardista con el nombre de "cosa nueva" (

new thing

).

Jazzman: Voz inglesa (hombre de jazz). Universalmente se llama así al intérprete que ejecuta alguno de los instrumentos tradicionales en las orquestas de jazz y también al compositor de este tipo de música. El jazzman es un improvisador, llevado por la magia del concierto. Muchas de sus creaciones son espontáneas e irrepetibles. Sólo pueden perpetuarse a través de las grabaciones directas, obtenidas al pie del escenario.

Jazz post-libre: Del inglés (post-free jazz). Segunda etapa del movimiento liberal freejazz. Recibió una notable influencia del rock, estilo con el que llegó a formar un tipo de fusión, caracterizándose por las innovaciones técnicas, especialmente en lo atañe a los instrumentos. De esta promoción surgieron intérpretes y compositores de la calidad de Chick Corea, John Mc Laughlin, Keith Jarret y Tony William Una de las invenciones más curiosas del periodo post-libre fue la trompeta eléctrica. Caben citar también dentro de esa corriente renovadora a otros movimientos musicales tradicionalistas, como el be-bop revival o el further jazz, una forma de investigación sonora promocionada por el saxofonista Anthony Braxton en la década de 1970.

Jeji: Especie de cítara folclórica que utilizan los nativos de Mozambique para acompañar su cantos y danzas tradicionales. También llamada cítara de palo, pertenece al grupo de los instrumentos folclóricos semicomplejos, como el violín malgache (lokanga voatavo) o la cítara de Uganda (enzeze). Básicamente consiste en una tabla de madera tallada con forma de pez. Esta alusión a una deidad zoológica tiene su origen con las creencias animistas relacionadas con la pesca. En uno de los extremos de la tabla lleva una o dos calabazas secas y cortadas por el medio, que cumplen la función de resonadores. La parte abierta de las calabazas se apoya contra el pecho del intérprete, que puede tocar el instrumento de pie o sentado sobre un bajo taburete. Posee nueve cuerdas de metal, divididas en dos grupos cruzados y afinados de la siguiente manera: Primer grupo: do₄, la₃, la₃, la₃; Segundo grupo: sol₃, si₂, fa₃, sol sostenido₃, do₃. Es posible que el antiguo origen de la cítara jeji -también llamada zeze- proceda de la India, desde donde comenzó la divulgación de su uso a través del Océano Índico, junto con las numerosas migraciones que caracterizaron la región durante siglos. La cítara vinâ de Bombay es idéntica. Su repertorio musical, amplio y variado, se puede interpretar tanto en forma individual, como en grupos reducidos, formados por dos o tres ejecutantes, generalmente al compás de moduladas interpretaciones vocales. Existen distintas versiones de este instrumento folclórico, conocido también en la isla de Madagascar y en el territorio centro-oriental de África (Tanzania, Kenia, Ruanda, Malawi, etc.).

Jeliya: Movimiento intelectual africano, inspirado en los postulados de la “negritud”. Sus miembros, llamados griots forman un importante frente popular, integrado por literatos, poetas y músicos, dedicados a recuperar y recrear las letras, los símbolos, las tradiciones orales y los ritmos melódicos propios del continente.

Jeune École Française: (Joven Escuela Francesa) Movimiento musical fundado por el célebre profesor y organista belga César Franck (1822-1890). Autor de las óperas en cuatro actos "Hulda" y "Chiselle", Franck puso en práctica formas novedosas en las que intervienen elementos propios de la música religiosa, de cámara y sinfónica.

Jingle: En inglés (campanilleo/cascabeleo). Es una forma de denominación genérica que se ha hecho muy popular en todo el mundo para definir un tipo de composición musical, breve y pegadiza, que sirve para acompañar anuncios publicitarios, aplicar cortinas musicales a programas de radio, servir como leit motiv para una determinada marca comercial, etc. En los Estados Unidos existe una auténtica industria del jingle, especialmente para las productoras de series televisivas. El jingle publicitario puede tener letra, o sólo música. En el segundo caso, la melodía cumple una función sensorial de mnemotécnica inducida, es decir, que ejerce un efecto de “llamada”, relacionando automáticamente la memoria auditiva y las imágenes mentales del producto que anuncia. Los estudios de mercado y las estrategias de ventas, atribuyen una gran importancia al jingle como elemento esencial en toda campaña publicitaria.

Jodler: Forma de canto tradicional tirolés. Es una expresión musical típicamente masculina, bastante popular en la región de Innsbruck, en los Alpes austriacos. El intérprete del jodler debe poseer una buena sonoridad vocal para interpretar sonidos que en muchos casos llegan a sobrepasar la octava, alternando la voz de pecho con largos pasajes en falsete.

Jónico: Modo musical de los antiguos griegos, también llamado hipofrigio o frigio grave, en el apelativo de Euclides. Contando desde los sonidos graves a los agudos era el segundo de los cinco modos medios. En el método de notación clásica propuesto por el gran humanista suizo Glareano (1488-1563), se identifica con el nombre de modo mayor⁶⁷.

Joraghagi: Instrumento doble de percusión, originario de la India y similar al bongó. Esta formado por una pareja de pequeños tambores independientes, con caja de madera y de distinto tamaño, que se llaman dholas, y se percuten de manera conjunta. Para tocar este membranófono el ejecutante suele colgarlo del cuello mediante una correa que sostiene ambos tambores en línea. El tambor más grande de esta serie, que se percute con baqueta, mide unos 20 cm de diámetro, mientras que el pequeño se golpea con el puño cerrado y mide 15 ó 16 cm de diámetro.

Jornada operística: Se suele llamar así a cada una de las partes que componen una ópera multiple. Cada jornada constituye en sí misma una ópera completa, tanto por el desarrollo argumental como por las partes de su composición musical. El más acabado ejemplo de esta interesante combinación de ingenio melódico y talento literario, es el imponente conjunto de Richard Wagner "El anillo del nibelungo", leyenda musical de carácter dramático, compuesta por un prólogo y tres jornadas, que fue estrenada con un éxito inusitado en Munich, en 1869.

Joropo: Baile folclórico nacional de Venezuela. Tiene un carácter alegre y el ritmo acelerado con ciertos pasajes zapateados. Las parejas realizan la presentación de la misma manera que en el vals. Los instrumentos típicos del joropo son el arpa y las maracas. El intérprete que ejecuta este último instrumento (maraquero) hace las veces de maestro de baile y también suele cantar estrofas improvisadas, que dirige a los integrantes de la danza, quienes responden a la manera de un contrapunto. En algunas partituras antiguas, el joropo venezolano puede aparecer subtitulado como tango, sin embargo, no tiene nada que ver con la música popular de Buenos Aires.

Joropo tuyero: Versión del joropo tradicional venezolano, originario de los valles del Tuy. El joropo tuyero integra en su ritmo la esencia musical de las danzas tradicionales del folclore iberoamericano.

⁶⁷Heinrich Loritz (Glareanus): Tratado musical "Dodecachordon".

Jorovodi: Estilo de canto coral perteneciente al folclore tradicional de los pueblos eslavos. Consiste en una armonía de voces que se van fundiendo en un gran tema coral, sin perder cada una su propia independencia de tesitura dentro de la armadura polifónica. La primera voz expone la melodía básica, seguida a continuación por las restantes voces, que entonan en forma casi intuitiva una serie de variaciones en torno a las notas de la composición inicial.

Jota: Danza tradicional española en compás ternario y movimiento vivo. Es originaria de la región de Aragón, aunque está difundida en casi todo el ámbito de la península ibérica. Existen versiones de la jota, cantadas en forma de copla, con un movimiento menos acentuado, integrado por preludios cortos, con intervalos instrumentales. Las formas más conocidas proceden de Baleares, Valencia, Murcia y las Islas Canarias. En estas variedades mixtas, siempre entra en juego el complemento rítmico de las castañuelas. La jota tradicional ha sido fuente de inspiración para conocidas obras sinfónicas. El fuerte carácter melódico de la jota aragonesa aparece con su mayor esplendor en la ópera "La Dolores" del maestro Tomás Bretón (1850-1923) y dentro del estilo de obra orquestal, la suite: "El sombrero de tres picos", de Manuel de Falla (1876-1946). Una leyenda atribuye la invención de la jota en el siglo XII, a un músico y poeta de origen árabe llamado Ben Jot, de quien derivaría el nombre.

Jota de la vendimia: Expresión musical pintoresca y alegre, típica de la provincia de Ciudad Real. Procedente del ámbito agrario, su época de mayor relieve, dentro del panorama musical de aquella región castellano-manchega, se da especialmente durante los días de la vendimia. El instrumental básico para el acompañamiento de esta danza comprende algunos cordófonos, como la bandurria y la guitarra, la percusión rítmica del pandero y en ocasiones el dulce arrullo de flautas o chirimías. Los trajes de las parejas danzantes recuerdan la indumentaria campesina tradicional en los días festivos, mientras que en sus tocados resalta el colorido de los amplios pañuelos y los sombreros de paja.

Jotilla: Danza movida y alegre, con palmas y aires de fandango. Es natural de la localidad de Villanueva de Córdoba (Andalucía), donde se baila en corro y por parejas durante las fiestas populares que suceden al fin de la recolección de la aceituna. La interpretación de esta danza se lleva a cabo con acompañamiento de bandurrias, guitarras, panderos y distintos elementos de percusión que no desmienten su típico carácter flamenco.

Jubal: Registro de órgano, equivalente a la flauta abierta, sin lengüeta. Es una denominación antigua. Aunque su etimología es incierta, cabe suponer que el vocablo jubal tiene el mismo origen que jubel. En algunos tratados musicales, aparece escrita la forma tubal, con la misma acepción.

Jubel: Trompa de cuerno de cabra de los antiguos hebreos. Tenía un perfil semicurvo y estaba provista de un pabellón bastante abierto con la embocadura simple, sin lengüeta ni canal de insuflación. Produce un número reducido de notas graves obtenidas mediante el soplo directo. Aparece mencionada en el Pentateuco con el nombre de schofar.

Jubilum: En latín (gozo, alegría). Adorno vocal de la misa cantada. Es una forma de embellecimiento sonoro que se solía practicar en la interpretación de las sílabas finales del Aleluya. En algunos tratados aparece escrito jubilus. Los cita san Agustín en una de sus obras⁶⁸.

Juego: Conjunto de tubos del órgano que tienen el mismo timbre. Se distribuyen en hileras que se corresponden con las funciones de las teclas y el pedalero. El organista puede activar o desactivar estos tubos a través de un registro o mecanismo especial que los gobierna. Los diferentes juegos que componen la batería de un órgano se clasifican por extensión, forma y sonido. El material utilizado en la fabricación de los tubos de órgano metal o madera- no incide demasiado en el timbre, en cambio su forma es determinante.

Juego de fondo: Nombre general de los juegos principales del órgano, cuyos tubos presentan la forma de embocadura directa. Este grupo se compone de tres tipos de juegos: abiertos, tapados y mixturas:

1) Juegos abiertos, con tubos de sección amplia y el sonido redondo y grave (

flautas Hohlflöten

).

2) Juegos abiertos, con tubos de diámetro medio y el sonido fuerte y claro (

diapasón o principal

).

3) Juegos abiertos, con tubos de diámetro reducido y sonido penetrante (

viola de gamba

).

4) Juegos abiertos, con tubos de forma cónica y el sonido velado (

saliciales

). 5) Juegos tapados, con tubos cerrados en su parte superior y el sonido velado. Suenan una 8ª más grave (

bordones

).

6) Juegos tapados, con tubos de diámetro medio y el sonido cristalino (

quintatonos

).

7) Mixturas simples, poseen sus propios armónicos y forman conjunto con los juegos de fondo (

juegos de mutación

).

8) Mixturas compuestas, formadas por varias hileras de tubos asociados.

Juego de lengüeta: Variedad de tubos de órgano con la embocadura indirecta. Normalmente presentan una sección cónica en forma decreciente hacia la parte alta. Existen dos tipos de tubos:

1) Lengüeta batiente, fijada a una

garganta

ubicada en la base del tubo 2) Lengüeta libre, actualmente poco utilizados.

Juego de mutación: Integrado por tubos que pueden alterar el timbre fundamental mediante el refuerzo de algunos de sus armónicos. Es un juego relacionado con los tubos de 8, 16 y 32 pulgadas, (mixturas simples) que dan las notas fundamentales. Su sonoridad fuerte y expresiva impide oír los sonidos correspondientes a las teclas bajadas.

Juego de quintas:

Su sonido es variable. Puede producir desde la quinta de la fundamental hasta una de sus octavas. El registro más usual dentro de esta variedad se llama

nasardo

.

⁶⁸ San Agustín (354-430) "Enarrationes super Psalmos" Cap. 404-416

Juego transpositivo: Mecanismo de algunos instrumentos antiguos, como el armonio, que permitía modificar la altura de un pasaje musical. Esta operación se podía ejecutar, variando sobre la marcha la posición del teclado. La mutación se hacía por puntos o semitonos, tanto hacia los tonos graves como hacia los agudos.

Juga: Estilo cantable propio del folclore colombiano. Consiste en un juego alternado de voces, masculinas o femeninas, que van desarrollando la composición, sobre un mismo tema melódico. Mientras una voz canta las estrofas de la canción, otra responde con los estribillos. Su práctica es usual en la región litoral de Pacífico. Algunos autores consideran a este término como una deformación de la palabra fuga. Se trata de un término musical de origen criollo y bastante usual. Debido a ello, que algunas piezas folclóricas, tradicionales en la vertiente occidental de la cordillera andina, suelen llevar el subtítulo “aire de juga”.

Juglar: Cantante de la Edad Media. En oposición al trovador, que pertenecía a las clases elevadas y cantaba por placer, los juglares pertenecían a los niveles inferiores de la sociedad medieval. Por esa razón iban de pueblo en pueblo, visitando cortes y castillos o asistiendo a las fiestas populares donde ejercían su oficio de cantores o malabaristas.

Juglaresco: (Estilo) El origen de la lírica popular es tan antiguo que se confunde con los primeros ejemplos del arte juglaresco. Muchos argumentos operísticos, ambientados en historias y leyendas medievales, incluyen la actuación de artistas y juglares errantes. Adenet Lirois, o Li Rois, fue un célebre juglar francés que vivió en el siglo XIII, en la corte de Bravante. La tradición popular de Sint Nikklaas, en la región de Antwerpen, le atribuye representaciones teatrales breves, compuestas por música, poesía, mímica y danzas. Gracias al conde de Flandes, Guy Dampierre (1225-1305), aún se conservan obras interesantes de la pluma de Lirois, entre ellas, el drama: Cléomadès y la comedia Beuves de Commarchis, que han pasado a la posteridad como ejemplos clásicos de la lírica medieval.

Juglaría:

El oficio del juglar. En la Edad media era popular la expresión musical cortesana denominada

“cantar de joglaría”

.

Jungle style: (Estilo de la jungla) variedad de la música popular norteamericana, con una innegable influencia del jazz, en la que destacó el compositor, pianista, director de orquesta Edward "Duke" Ellington (1899-1974). El nombre jungle style que floreció durante la década de 1930 en los ambientes bohemios de Nueva York, Chicago y Detroit- surge del sonido de algunos instrumentos de viento (como el clarinete y el saxofón) que recuerdan los rugidos de la selva al ser ejecutados de una manera especial.

Jurin: Instrumento musical de Birmania, parecido a una campana. El cuerpo, pequeño y con forma globular, sostiene un pequeño badajo accionado por el viento. Se suelen montar en grupos de diez jurins sobre una base de madera tallada, haciendo sonar a todos al mismo tiempo.

Justo: Denominación general que se emplea para señalar a todos los intervalos de cuarta, quinta y octava que no han sido modificados por ningún tipo de modificación. Normalmente, se dice de la técnica de composición donde el intervalo debe permanecer inalterable para evitar que cualquier cambio pueda deshacer la consonancia. Por ello, se dice que toca o suena justo a toda melodía eufónica.

-K-

Kalengo: Tambor tradicional africano, de madera dura, ahuecada y con dos membranas de piel de cabra. Tiene el perfil doble con un pronunciado estrechamiento en la cintura. Ambos parches son de piel de oveja curtida y se tensan mediante un complejo sistema de cuerdas. El kalengo es un instrumento de percusión muy apreciado por los intérpretes de música folclórica de Nigeria debido a la variedad de tonalidades que posee.

Kamantcheh: Viola rústica de Irán, también conocida en la península arábiga. Su factura es relativamente moderna. Posee cuatro cuerdas de tripa, un mango largo, con la caja de resonancia redonda y cubierta por uno de sus lados con una membrana. Probablemente sea un instrumento derivado del antiguo kemangeh de los persas.

Kammu-purrui: Flauta de siete tubos de caña, natural de los indígenas de la etnia cuna (Golfo de Darien, Colombia). Se diferencia de la tradicional flauta de pan americana porque los tubos están separados en dos grupos graves y agudos. Unidos con finas cuerdas de cuero y decorados con tintes vegetales, el tubo más largo mide unos 50 cm y el más pequeño sólo 16. Los tubos cerrados por la parte inferior, le dan un sonido grave y melodioso.

Kanonaki: Cordófono de origen griego de uso folclórico. Pertenece a la familia de las cítaras. Existe una gran diversidad de modelos, que pueden variar someramente en la conformación del encordado o en el aspecto exterior, según la región de la que procede el instrumento. Por lo general, se trata de una caja armónica de madera de cedro, bastante plana -rectangular o con forma de trapecio- provista de un sistema de cuerdas de metal, extendidas por pares sobre el orificio de resonancia y que se tañen con plectro. Antiguamente las cuerdas se fabricaban con tripa de oveja. El sonido era muy dulce y melodioso. En la actualidad el encordado de acero le da una tonalidad metálica más definida, pero no tan dulce. De la misma región y con similares características es el santuri.

Kantele: Cítara finlandesa del siglo XIX. Es un instrumento tradicional, con cinco cuerdas, bastante difundido en las regiones central y meridional del país (Vaasa, Häme, Uusimaa), donde aún se la utiliza en la interpretación de antiguas composiciones y aires populares. La caja de resonancia tiene forma de trapecio irregular, con cinco trastes, un puente de madera labrada donde se afirman las cuerdas de tripa, y el clavijero lineal, que está integrado en el lado opuesto del instrumento. La tapa superior suele presentar diseños geométricos, realizados en marquetería, y un gran orificio en el centro, que en algunos modelos suele estar cubierto por una rejilla de marfil finamente trabajada y con aspecto de filigrana. Esta cítara, que se tañe con dos dedos, tiene un sonido dulce y profundo.

Kantelharpa: Instrumento de la misma procedencia étnica que el anterior. Es una variedad de lira de arco provista de tres cuerdas de tripa, cuya caja se fabrica con una pieza de madera tallada. Su uso actual se limita a la interpretación de sencillas melodías folclóricas de Finlandia. En todos sus aspectos es similar a la lira tallharpa de los campesinos estonios.
Kantor: Voz germana. Se empleaba en el siglo XVIII para denominar al maestro de capilla y organista en las iglesias metodistas de Alemania. En 1723 Johann Sebastian Bach ostentaba el cargo de kantor en la St.Thomasschule de Leipzig (Escuela religiosa de Santo Tomás).

Kanum: También citado con el nombre de ganum, es un instrumento de cuerdas de la familia de las cítaras . Su área de difusión tuvo un amplio desarrollo en todo el dominio latino o romano. Es otro de los antecesores del clave y el piano.

Kasso: Variedad de arpa folclórica originaria de África occidental (Senegal, Gambia, Guinea). En Sierra Leona se llama sarong. Como ésta, el arpa kasso tradicional posee una veintena de cuerdas de fibra vegetal, aunque se han visto algunos ejemplares modernos dotados de encordado de nailon. Su sonido, agradable y melodioso, se emplea en el acompañamiento de las canciones típicas de la región. La caja de resonancia -de fina calabaza, cubierta con membrana de piel de cabra u oveja- hace las veces de tambor en algunos pasajes musicales interpretados al estilo tradicional de los campesinos de la etnia wolof. Los ejecutantes del grupo mandinka emplean las yemas de los dedos anular, medio e índice para percutir el parche y tañer las cuerdas del instrumento. Se conoce la existencia de ejemplares con ligeras diferencias en la cantidad de cuerdas o la forma, aunque conservan un sonido similar y siempre responden a un mismo principio constructivo.

Kassuto: Idiófono tradicional del Congo. Consiste en una caja oblonga, de madera tallada, con pequeños orificios y una serie de ranuras paralelas que se frotan vigorosamente mediante una varilla del mismo material. El sonido rítmico se produce tanto por el efecto del raspado como por el percutido. Se suele usar en compañía de un grupo de cascabeles fabricados con pezuñas de cabra. El principio sonoro del kassuto se basa en la resonancia de la caja hueca.

Kaval: Flauta de pastor, típica en el folclore musical de Bulgaria. Se suele ejecutar en compañía del godoulka, violín rústico provisto de un número variable de cuerdas, y la gaïda o cornamusa.

Kantele: Instrumento de cuerdas, originario de la región de Finlandia, Suecia y Noruega. Es una variedad de salterio. Tiene 5 o 7 cuerdas metálicas, según el modelo. Se utilizaba en el acompañamiento de las canciones folclóricas, escritas con runas⁶⁹. En la antigua Escandinavia, la música tradicional suele estar compuesta, en modo menor, con los cinco primeros sonidos de la escala diatónica (sol, la, si bemol, do, re). La caja armónica del kantele es de madera, plana y alargada. Existe una versión antigua de este instrumento, provista de cuerdas de crin, que se llama vanski-kantele.

Kazoo: Especie de mirlitón de origen europeo. Es un instrumento primitivo hoy en desuso, que tuvo una gran difusión hacia la década de 1930. Consistía en un corto segmento de caña, con una abertura lateral, y provisto de una membrana vibrante ubicada en la parte central del tubo. Producía una extraña resonancia nasal, parecida al sonido de la trompeta, cuando se cantaba o tarareaba sobre la embocadura. Su popularidad fue tal que existían conjuntos de cazoos afinados a distintas alturas y hasta llegó a figurar como instrumento étnico en algunas orquestas de jazz.

⁶⁹ Sistema de escritura, con caracteres propios, que utilizaban los antiguos escandinavos.

Kede-benta: Idiófono de madera con lengüetas de punteo, utilizado por la población de origen africano residente en la actual república de Surinam (antigua Guayana holandesa). Consiste en una tabla oblonga y fina, sin resonador, con seis varillas planas, fabricadas con la corteza de una variedad de palma, llamada "maripa". Los ejemplares conocidos presentan una serie de ataduras de fibra y dos separadores o puentes de madera que afirman fuertemente las lengüetas a la base del instrumento. Para tañerlo, el ejecutante lo suele apoyar sobre las rodillas, punteando cada varilla con los dedos de ambas manos. Es un elemento cultural típico del grupo étnico denominado "Saramaka", habitante en la región sur del río Surinam. Se ignora si las melodías obtenidas tienen algún sentido ritual. Su empleo es habitual en el acompañamiento del "seketi", un baile tradicional del folclore surinamés.

Kemangeh a gouz: Antiguo instrumento de arco, provisto de tres cuerdas de crines de caballo, perteneciente a la familia de las violas arcaicas. Data del siglo X y aunque su origen es persa, fue difundido por los árabes en el área de influencia de la cultura islámica. La caja armónica tiene forma semiesférica, es de madera de ébano y presenta delicadas incrustaciones en concha o marfil. Una pequeña membrana de vitela cubre el orificio de resonancia transmitiendo las vibraciones de las cuerdas a través de un puente removible. El mástil, largo y cilíndrico, termina en un breve soporte para las tres clavijas. Para tañerlo debe apoyarse en el suelo sobre el pie o soporte de hierro forjado, que atraviesa el instrumento permitiendo sostener la caja y el mango. Mediante un suave balanceo rítmico, el ejecutante debe frotar las cuerdas con la ayuda de un sencillo y primitivo arco de madera. Incluyendo el soporte de hierro, mide casi un metro de largo. Las versiones más conocidas en occidente -desde el siglo XIX- son la kemangeh farkh (media viola) y la kemangeh roumy (viola griega).

Kemangeh farkh: (media viola) Versión de tamaño más reducido que el modelo llamado kemangeh a gouz. Sólo tiene un par de cuerdas de crines de caballo retorcidas, que suenan teóricamente en si-mi, una quinta más alta que aquel. Mide unos setenta centímetros de largo y carece de pie. Para tañerlo, el ejecutante lo apoya sobre su regazo.

Kemangeh roumy: (viola griega). Aunque tiene el mismo nombre genérico, es un cordófono más evolucionado que los anteriores, parecido en algunos aspectos a la viola de amor. Presumiblemente, fue difundido en la región balcánica por los músicos del imperio turco. Existen diversas variantes, tanto en lo que respecta a la cantidad de cuerdas, como a la extensión y a la propia estructura del instrumento. El modelo primitivo tenía seis cuerdas positivas de tripa y seis resonantes o simpáticas, de latón. Otros formas de kemangeh roumy tienen ocho cuerdas, y algunos hasta catorce. En todas las versiones, la mitad de las cuerdas son positivas y el resto simpáticas.

Kemençe: Instrumento musical que se usa en la isla de Chipre. Es del tipo de los laúdes de arco, con los que conforma una familia de amplia difusión en la región del Mediterráneo oriental. El kemençe tiene el mástil corto, como el vijalo de Dalmacia y el rebab magrebí. La encordadura es similar a la viola medieval. Corresponde a la tipología general del kemangeh.

Kemkem: Membranófono antiguo, originario de Egipto. Se parece al pandero, aunque su forma es oblonga y bastante aplanada. El nombre de este instrumento aparece citado en la Biblia. Aún lo utilizan los campesinos de Nubia para acompañar sus danzas tradicionales. Kena: Término equivalente a quena. Como ésta, se trata de una palabra castellanizada, derivada de los antiguos vocablos quechuas kjena, khoana o kkéna kkéna. Cualquiera de esas formas se empleó durante siglos para denominar una serie de instrumentos aerófonos que han perdurado hasta la actualidad. Su sonido es producido por la vibración de aire dentro de un tubo de caña de distinto largo y grosor, debido a ello, la acepción común de tales vocablos es "hueco", aludiendo al interior del conducto aéreo del instrumento, símbolo de la música tradicional del altiplano andino. El origen de la kena se pierde en la historia de las civilizaciones precolombinas. Su representación gráfica se puede ver reiteradamente en los dibujos de los vasos de cerámica y en las pictografías de las culturas preincaicas Nazca y Chimú.

Kena-kallu: Flauta boliviana de caña de cuatro agujeros. Este curioso nombre, de origen aymará, tiene un significado que define simbólicamente al instrumento musical de pequeño tamaño (kena-kallu=quena hija). Su dimensión es la mitad de la quena grande (kena-taika) y da la octava superior respecto al sonido de esa versión mayor, alcanzando el tono armónico principal cuando se tañe en conjunto. Esta combinación de sonidos entre distintos instrumentos, recuerda el primitivo sistema de diafonía y organum en la música medieval europea.

Kena-kena: Danza folclórica de Bolivia. Integrada por comparsas ricamente ataviados. En las diversas composiciones musicales de acompañamiento intervienen instrumentos de viento autóctonos, especialmente del grupo de las quenas.

Kenalis: Pequeña flauta vertical, de caña, con cinco orificios de digitación adelante y un atrás. Tiene un registro medianamente agudo y su escala natural suele estar entre el si mayor y el la bemol menor.

Kena-mallta: Denominación en lengua aymará de una variedad de quena provista de cuatro orificios y con un tamaño intermedio entre la kena-kallu y la kena-taika. Su largo equivale a dos tercios de la última y da el sonido en la quinta justa superior, alcanzando el tono de la dominante en las ejecuciones de conjunto. El término (mallta=media/mediana), que se emplea muy poco en la actualidad, aparece escrito en distintas formas, según la región de la cual procede el instrumento (malta, mala, malla). Esta particularidad puede atribuirse a la falta de normalización que existía en las lenguas autóctonas americanas hasta principios del siglo XX.

Kena-taika: Significa quena madre en lengua aymará. Es el aerófono más grande de las quenas pusi-ppías (flautas de cuatro agujeros) El sonido de este instrumento, que se suele ejecutar en conjunto con la kena-kallu y la kena-mallta, puede configurar una armonía de quintas y octavas justas.

keren: Corneta tradicional de los antiguos hebreos, fabricada con un cuerno de cabra, sin lengüeta ni pabellón añadido a la boca de salida. Pertenece al mismo tipo de aerófono que los olifantes y las cornetas de la Edad Media. El sonido, grave y vibrante se obtiene por soplo directo. También se lo conoce con los nombres de schofar y jubel.

kerke-kala: Curioso instrumento procedente de las selvas de América Central (Panamá). Consiste en una flauta doble que es a la vez un sonajero. Forma parte del atavío ritual de los indígenas kuna y sólo las puede tañer el kandur, una especie de chamán o sacerdote tribal. Las flautas se emplean en el acompañamiento de una danza típica de la región llamada "Inna Wil'la", que se baila en ciertas ceremonias rituales de la colectividad indígena, como el corte del cabello de una niña virgen. El aerófono, del tipo de los de soplo directo, de caña o hueso, con canal de insuflación, tiene una serie de cuatro orificios de digitación en la parte superior del tubo. Tales flautas cuelgan por pares en un collar que también tiene varillas de hueso de pelícano, percutidas indirectamente con el movimiento de las danzas.

Kerrena: Aerófono tradicional de la India poseedor de un sonido grave y profundo. Antiguamente se lo llamada "gran trompeta del Indostán". El tubo mide casi cinco metros de extensión y lleva acoplado un cuerno de búfalo en uno de sus extremos a modo de pabellón sonoro. Su uso se extiende a través de la gran península del sur del continente asiático. (India, Pakistán, Bangla Desh).

Kesser: Cordófono primitivo parecido a un arpa, con cuerpo de calabaza, parche de piel de cabra y cinco cuerdas de tendón, tensadas mediante un arco de madera flexible. Es un posible antecedente de la kithara de los árabes. Pertenece al mismo grupo del cussier, el qussir o el kuffir. Todas las denominaciones son variantes fonéticas de un tipo único de instrumento.

Keyed bugle: Aerófono de metal, de la familia de los clarines, parecido al bugle con llaves. Se utilizaba en Inglaterra en el siglo XIX. Sirvió como base para el posterior desarrollo de los oficléides.

Khar-nga: Gong del Tibet. El disco de bronce presenta una protuberancia redonda en el centro y los bordes van doblados hacia atrás en ángulo recto. Existen en varios tamaños. Se percute con un mazo forrado en fieltro sobre la parte saliente del centro del disco. Para sostenerlo en las procesiones se aferra del asa con una mano, mientras se percute en forma rítmica con la otra. Si el diámetro del disco es demasiado grande -como ocurre con los grandes khar-nga de los monasterios- se lo suele suspender de un soporte fijado al techo del recinto. Su empleo esta dedicado casi exclusivamente al ámbito religioso.

Khartal: Sistro típico del folclore musical de Rajasthán (India). El uso de este instrumento idiófono se halla difundido en varios países del sur y sureste asiático. Se emplea particularmente en el acompañamiento rítmico de melodías tradicionales interpretadas con laúd. En su construcción se utilizan dos planchuelas de madera de cedro, perforadas, a las que se le agregan pequeños discos de latón u hojalata que resuenan por entrechoque. Para tañer el khartal el ejecutante debe sostenerlo con una mano, sacudiéndolo en forma acompasada, mientras con los dedos de la otra puntea las cuerdas del laúd.

Khattalia:

Castañuelas de Bengala (India). Se utilizan para marcar el ritmo de las danzas. Tienen un sonido particular, parecido al golpe de un martillito de madera.

Khen: Órgano de boca. Es un instrumento folclórico de Laos provisto de una batería de cañas de bambú formando secuencias de 14 hasta 26 tubos provistos de lengüetas de fibra vegetal y alineados en dos filas paralelas. Ambas hileras de tubos sonoros atraviesan una cámara de aire con forma de barrilete, tallado generalmente en marfil o maderas nobles. El khen laosiano es una de las formas más avanzadas dentro del modelo tradicional de los órganos de boca asiáticos. Se encuentran ejemplares similares, aunque más simples en Birmania (kyen, fulu), Vietnam (mbuat), etc. Algunos modelos presentan sordinas fabricadas con fundas de bambú que permiten obturar los extremos de los tubos y modificar el timbre de los mismos.
Kheo: Tambor nativo de la Isla de Pascua. Es una forma primitiva consistente en un agujero redondo de unos 80 cm de diámetro, excavado en la tierra. En su interior se hacía otra perforación de menor tamaño y forma circular, donde se colocaba semienterrada una calabaza grande, seca y ahuecada. Luego se cubría todo con una piedra plana y circular a modo de laja. El ejecutante bailaba o cantaba sobre esa piedra, marcando el ritmo de las danzas con las plantas de los pies. El aire contenido en el receptáculo retumbaba como un tambor, obteniendo un sonido grave y mate que recordaba a un gran membranófono. La calabaza cumplía la función de caja de resonancia.

Khew: Campanillas que suenan con el viento. Son comunes en los templos de la India, donde se acostumbra suspenderlas de los techos para que suenen suavemente con las corrientes de aire. Tienen un significado ritual.

Khoradak: Juego de dos tambores tradicionales en algunas regiones de la India. Son de pequeño tamaño, ambas cajas son de alfarería con membranas de piel de cabra tensadas al calor de las llamas con tiras delgadas de cuero sin curtir. Se percuten con las palmas de ambas manos al estilo de los bongó caribeños.

Khudra-ghanta:

Campanillas de bronce que se utilizan las bailarinas rituales de la India para marcar el ritmo de las danzas.

Khudra-kattiauna-vina: Instrumento musical de la India, parecido al salterio de los árabes conocido con el nombre de kanoun o Ganun. Tiene catorce cuerdas y la caja de resonancia es de menor tamaño.

Khura: Especie de arpa-laúd de África occidental (Senegal, Guinea-Bissau, Mauritania). En la actualidad forma parte de la cultura musical de la etnia mandiga. Según algunos tratados organológicos sería originaria del Egipto. (Ver kora).

Kiffar: Como el kesser o el kussir, es otro de los numerosos apelativos genéricos que se emplean en el mundo islámico para denominar a una serie de cordófonos de características similares. Tiene cinco cuerdas de tripa y la caja armónica puede ser de madera ahuecada y forrada con un parche tenso de piel de cabra o garduña, según la región de la cual proceden estos instrumentos. La construcción y ejecución del kiffar ya se conocía desde épocas antiguas en las culturas primitivas de Sudán y entre los pastores trashumantes. Se supone que fue el origen de la kitarah de los árabes. Se conocen bellos ejemplares fabricados en Ahaggar (Argelia) y en Sebha (Libia).

Kikwaju: Especie de clarinete de madera, típico de Kenia. Se fabrica con una rama recta y sin nudos de un árbol regional denominado “granadilla de África”, del que procede su nombre. Es un material duro, similar al ébano, muy resistente y dotado de una bella sonoridad, que lo hace apto para la construcción de distintos instrumentos musicales (oboes, flautas, etc.).

Kinnor: Antiguo instrumento de cuerdas, de la familia de las cítaras u los salterios. Es un antecedente primitivo del clave y el piano. Aún se emplea en algunos países del Cercano Oriente.

Kippour: Melodía religiosa de carácter libre, destinada al acompañamiento de las salmodias en las fiestas judaicas. También aparece escrita qipur.
Kiou-kin: Especie de birimbao de origen mongólico. Es un antiguo instrumento de hierro, similar a una pequeña herradura de caballo, con una lengüeta de acero en el medio que se hace vibrar con un solo dedo, mientras se la sostiene entre los dientes. El sonido, aunque de poca intensidad, es dulce y melódico, parecido al que producen las cuerdas agudas del charango boliviano. Lo usaban los jinetes de las estepas de Mongolia oriental para amansar a sus potros (especialmente en las regiones ganaderas de Suhe Baatar, Hentei y Choybalsan). Un viajero del siglo XIX narra que los campesinos de Tamsagbulag, en las cercanías del lago Dalai Nur, acostumbraban a sus cabalgaduras al delicado sonido del kiou-kin, para que acudieran al oír el timbre de este instrumento cuando el jinete los llamara.

Kiran:

Mandolina de origen árabe. Se empleaba en las reuniones musicales para acompañar el canto femenino.

Kiringhie: Gran tambor fijo, de tronco ahuecado, que utilizaban las sociedades primitivas de Africa y Oceanía como instrumento rítmico y sonoro, o para transmitir señales a gran distancia. Sus características estructurales y la decoración exterior podían variar de acuerdo a la cultura a la que pertenecía, pero el principio acústico y la forma de ejecución eran idénticos. El alcance de estos instrumentos dependía del diámetro del tronco, el tipo de madera y el grosor de las paredes. El aparato acústico de estos idiófonos consistía en tres láminas de madera flexible que se adherían mediante pernos a la caja sonora formada por el tronco hueco. Al percutir esas láminas con unas largas baquetas forradas con piel de cabra, transmitían la resonancia al interior del tronco a través de un orificio rectangular practicado en la parte superior. Con el objeto de lograr una perfecta vibración, el tronco se mantenía suspendido con cuerdas a un soporte de madera. En algunos escritos puede aparecer escrito kiringhi.

Kissar: Instrumento de cuerda de los antiguos etíopes y bereberes. Posiblemente un antepasado lejano de la actual guitarra clásica. Es una variedad de lira primitiva, con cuerpo de membranófono, parche de piel, dos montantes unidos por un travesaño y cinco cuerdas de tripa. Debido a la ausencia de una bibliografía concreta y normalizada, el nombre de este curioso instrumento puede aparecer escrito de diferentes maneras (kussir, kiffar, kesser, etc.), aunque siempre se trata del mismo modelo. Se tañe con la ayuda de un plectro de cuero crudo. Según algunos autores este cordófono antiquísimo, que ha conservado sus características primigenias a través del tiempo, fue el modelo que inspiró la creación de la lira griega heptacorde. Las cuerdas se afinan aproximadamente en el tono de las notas sol - la - si - re - mi, en clave de sol. Otra versión afirma que fue el origen de la kitarah de los árabes.

Kithara: Cordófono tradicional de las culturas mediterráneas de la antigüedad. Originariamente tenía la forma de una caparazón de tortuga, con uno o dos mástiles y un número indeterminado de cuerdas. La diversidad que se aprecia en las descripciones antiguas de este instrumento dificulta su catalogación como un modelo concreto. Incluso es posible que se tratara de varios intentos de distinta procedencia, aunque todos estuvieran inspirados en un principio similar (cithara, chetarah, etc.). El nombre deriva probablemente de la ketarah de los asirios y parece evidente que se mantuvo con ligeras variantes hasta el presente, reapareciendo en las denominaciones de modelos actuales como la cítara y la guitarra. Tuvo una notable difusión durante el apogeo de la civilización griega clásica y posteriormente entre los romanos. Estos últimos la llamaron lira, incluyendo su forma y la manera de tañer entre los numerosos instrumentos de este tipo. Kitiar: Cordófono primitivo de la región selvática de Ecuador. Es un tipo de viola de arco, fabricado con madera de cedro, de una sola pieza ahuecada y con la tapa de metal (cinc). Una serie de perforaciones imitan la forma de las efes. A pesar de su rusticidad es un instrumento dotado de una gran sonoridad en el que los indígenas de la etnia shuara logran tañer composiciones sencillas pero, dulces y melodiosas, dentro de las propias limitaciones técnicas y humanas su cultura. Tiene sólo dos cuerdas de tripa que se ajusta mediante clavijas. El arco utiliza crines de caballo. Su uso tiene un cierto sentido místico, relacionado con sus creencias en un mundo fantástico y sobrenatural. Lo ejecutan los chamanes para invocar a los espíritus protectores en sus ceremonias religiosas. Entre las canciones más bellas que suele acompañar el kitiar está la melodía llamada "Uchi Tutchrano" inspirada en la figura de una madre que consuela a su hijo y le da consejos.

Kitra (kouitra): Instrumento de cuerda conocido en la zona del Magreb. De factura rústica, se parece a la antigua guitarra española, de la que parece haber tomado el nombre. Como todos los instrumentos de este tipo, parece tener un origen común en la antigua kithara asiria, divulgada por los griegos entre las culturas de la cuenca del Mediterráneo.

Kkéna-Kkena:

Nombre antiguo del instrumento aerófono que se conoce actualmente con el nombre de

quena

o

kena

.

Klampfe: Palabra de origen germano. Se emplea para denominar a la vihuela de mano que se puntea con la ayuda de un plectro o púa. En algunos tratados y manuales de estudio del siglo XIX, aparece su descripción con el nombre de zupfgeige (violín punteado). Durante el siglo XVII estos cordófonos de la familia de las guitarras, se fabricaban con cuatro o cinco órdenes de cuerdas dobles. A partir del siglo XVIII se modifica el sistema de encordado, derivando hacia la forma actual, con seis cuerdas simples, afinadas como la guitarra clásica.

Klangfarbenmelodie: En alemán (melodía de timbres). Experiencia sonora puesta en práctica por compositor austríaco Arnold Schönberg (1874-1951). Forma parte de las novedosas experiencias en el campo de la música atonal, que marcaron un periodo importante en la primera mitad del siglo XX. Algunos autores creen ver en estas tentativas una cierta influencia del impresionismo francés.

Klingend: Es una palabra que aparece en las partituras y explicaciones musicales impresas en Alemania y Austria. Pertenece a la serie de indicaciones de ejecución de los instrumentos transpositores y quiere decir "como suena", que está escrito sin transporte, por lo tanto, la notación corresponde al sonido real de dichos instrumentos.

Ko-an: Antiguo oboe de origen chino (siglos XVII y XVIII). Aunque su tamaño era relativamente pequeño poseía una gran sonoridad. Se acostumbraba fabricarlo con materiales como el marfil y ébano, con pico de latón o plata labrada y lengüeta de caña. También se escribe koan.

Kodowo-gaoulo: También llamado Kkithara el Karthoum (guitarra de Jartum). Curioso instrumento originario de la región de Hawawir, en Sudán. Tiene cuatro cuerdas punteadas, que se tañen mediante un plectro de hueso. Sólo dos de sus cuerdas reciben la presión de los dedos de la mano izquierda del ejecutante, mientras que las restantes suenan al aire por simpatía
Koffo: Flauta de Senegal, fabricada con la madera negra y dura de un árbol leguminoso, denominado “ébano de Mozambique”, del cual procede su nombre. Es similar a otro aerófono regional, procedente de las llanuras de Kenia, al que los nativos llaman kikwaju o mwengo. La flauta koffo tiene el cuerpo cilíndrico, de unos 30 cm de largo con cuatro agujeros y el pico parecido al de la flauta dulce europea. Se emplea ocasionalmente en las fiestas populares para acompañar las danzas ceremoniales, junto a los tambores de un solo parche y otros instrumentos idiófonos.

Kokin: Violín tradicional del Japón. Se conoce la existencia de modelos provistos de dos, tres y cuatro cuerdas, que se pueden afinar de distintas formas. Los kokin de cuatro cuerdas tiene una sonoridad equivalente al violín europeo. Para tañerlo se emplea un arco con cinta de seda.

Kolo: Danza tradicional de los serbios. Procedente de la región balcánica, en el siglo XIX se fue difundiendo en otros países de la Europa Central, como Austria, Hungría, y Rumania. Tiene una coreografía sumamente pintoresca. Todos los participantes deben alinearse tomados de las manos y la cintura, formando distintas figuras mientras bailan cada vez más rápido.

Kolovodja: Nombre eslavo (maestro de danza). Equivalente al de primer bailarín en la danza serbia. El kolovodja dirije los distintos movimientos de la danza kolo, que en su inicio son lentos pero poco a poco se van acelerando, mientras los participantes forman distintas figuras, circulares o elípticas, en torno al maestro.

Komische Oper:

Término que aparece en las grabaciones de origen germánico. Es equivalente de

ópera bufa

.

Koné: Instrumento idiófono de lengüetas vibrantes, con afinación indeterminada, típico de Alto Volta (África). Las vibraciones son producidas por una serie de varillas de bambú adosadas a una especie de caja de resonancia, fabricada con madera. En su interior se colocan pequeñas piedras con el propósito de que resuenen al sacudir el instrumento. Se lo conoce en distintas partes del mundo debido a la transculturación ocurrida durante la época del esclavismo: marímbula, en Cuba y otras islas del Caribe; ambira, en Mozambique; kongoma, en Sierra Leona y deza, en Suráfrica.

Konghwa-fouje: Nombre de una tradicional flauta coreana. (konghwa-guk=Corea/fouje o fouye=flauta). Es un aerófono de seis agujeros y cuerpo de caña o madera. El sonido es algo agudo, pero agradable. Puede aparecer escrito koma-fouye y atribuido a la cultura musical del Japón, país que dominó política y económicamente durante varios siglos a aquella península.

Kongoma: Idiófono típico de Sierra Leona (África). También conocido con el nombre genérico de sanza. Consiste en una caja de resonancia plana, de madera, provista de lengüetas de bambú que suenan al pulsarlas con los dedos, La caja puede contener pequeñas piedras en su interior, que aumentan las resonancias primitivas del instrumento. El idiófono kongoma -junto con distintas clases de tambores de una o dos membranas- son los instrumentos de afinación indeterminada, más difundidos en el folclore regional africano.

Kokochnik: Curioso instrumento musical procedente de Rusia central. Pertenece a la familia de los membranófonos, aunque por varios aspectos también podría ser considerado un idiófono. Tuvo una gran difusión durante los siglos XVIII y XIX. El kokochnik era en realidad una cofia femenina, bordada y transformada mediante una armazón de madera, en un sonajero de bola percutiente. Lo utilizaban los guardias de las murallas durante la noche para avisar su presencia vigilante. A cada hora de la noche dejaban oír esta sonaja mientras anunciaban sus consignas de serenos.

Kontakion: Himno litúrgico. Corresponde a la forma original del canto bizantino, que estuvo en uso en el Imperio Romano de Oriente durante la antigüedad tardía y la temprana Edad Media. El estilo del kontakion ha perdurado a través del tiempo, hallando su máxima expresión en la interpretación coral de la liturgia ortodoxa griega. Uno de los ejemplos históricos más divulgados es el“Akathistos Hymnos”, del compositor paleocristiano San Román de Siria (siglo VI d. C.). Compuesto en forma de acróstico, con veinticuatro estancias o estrofas, -denominadas oikos- el Akathistos es un himno compuesto en honor de la Virgen María. Otros autores notables de ese periodo fueron Sergio de Bizancio y Sofronio de Jerusalén.

Konzertstück: En alemán (pieza de concierto). Composición en un movimiento, típica del romanticismo germano del siglo XIX. Su concepción se basa en la interpretación de uno o varios solistas con acompañamiento orquestal. Como se trata de una pieza concertante, en ocasiones puntuales también puede estar configurada para más movimientos contrastados al estilo sonata. El estilo desapareció con el decaimiento del romanticismo. En la actualidad existen obras creadas sobre este esquema, pero no suelen llevar este nombre genérico. Un ejemplo representativo para instrumentos de viento de la serie de los metales: "Konzertstück para cuatro trompas en fa mayor" Op. 86, 1849, de Robert Schumann.

Kopytsa: Zueco de madera dura que se usa en algunas danzas del folclore tradicional ruso. Su función es idéntica a la de los antiguos coturnos de los griegos. Al bailar se produce un sonido particular, parecido al de los cascos de los caballos al trote.

Koo: Tambor tradicional de la China. Se conoce la existencia de varios modelos distintos, aunque en conjunto llegan a configurar un curioso lenguaje tonal. Por lo general son algo menores que el timbal y pueden estar provistos de una o dos membranas de piel afirmadas con cuerdas que permiten tensarlas a voluntad del ejecutante. Existen variantes que proceden de diferentes áreas geográficas de aquel país. Los koo de Chengchow, en el centro de la gran llanura china, se percuten con baquetas de madera forradas en fieltro, mientras que los procedentes de Fodchou, frente a estrecho de Formosa, son algo más pequeños y se percuten con las manos, a la manera del kalengo africano.

Kora: Especie de arpa-laúd de cuerdas punteadas con los dedos. Es un instrumento tradicional en Senegal y otros países de África occidental. Aunque su factura es primitiva, tiene una sonoridad dulce y armoniosa. Fue difundida por la etnia mandinga, cuya cultura se extendía desde el sur de Senegal hasta la antigua colonia francesa, actual república de Malí. También llamada "arpa de Koura", por el nombre de una isla y un poblado sobre el río Níger, cerca de la ciudad de Tombuctú. Se han recogido ejemplares de este tipo de arpa entre las tribus nómadas que habitan la región de los lagos Dô, Bado y Haribongo, en el distrito maliense de Mopti. La caja de resonancia se fabricaba con una calabaza seca, de regular tamaño, a la que se adhería un mango de madera curvo y flexible. En la actualidad se conoce la existencia de ejemplares de diferente tamaño y tonalidad, provistos de seis, ocho y hasta dieciséis cuerdas de tripa. Es posible que este curioso instrumento hubiera llegado desde Egipto entre los siglos XVI y XVII, a través del comercio con las caravanas procedentes del Sudán. Para tañerlo, el ejecutante se sentaba en el suelo apoyando la base de la calabaza sobre el regazo. En algunos tratados descriptivos pueden aparecer escritos los nombres koura o khura.

Korobotchka: Instrumento idiófono del folclore ruso. Es un instrumento raro, tanto por la forma como por el modo de percusión. Consiste en una caja de una sola pieza de madera de thuja o de fresno, ahuecada y con forma de paralelepípedo rectangular. Para percutirla se emplea una especie de mazo, también de madera dura, similar al pis del almirez, con el que se golpea rítmicamente en su interior, produciendo un sonido grave y de timbre indefinido. Se emplea usualmente para realizar la percusión en el acompañamiento de las algunas danzas populares. De acuerdo con la fuerza y la incidencia del golpe se puede obtener una serie de ritmos complejos.

Kös: Juego de grandes timbales de Turquía, usados en las orquestas de jenízaros. Las cajas de resonancia son de una sola pieza de cobre batido, con una gama amplia de sonidos retumbantes, cuyos matices graves son esenciales en la ejecución de la música instrumental otomana (mehter). El compositor bohemio Christoph Wilibald Glück (1714-1787) recurre a la profunda intensidad de estos timbales turcos en su ópera“Iphigénie en Tauride”, tragedia declamatoria en cuatro actos, basada en la obra del poeta francés Claude Guimond de la Touche (1725-1760.

Koto: Cítara tradicional del Japón, utilizada tanto en la interpretación solista como en el acompañamiento orquestal. Tiene trece cuerdas de metal que se tañen con los dedos. La característica más saliente de este instrumento son unos pequeños puentes móviles que permiten modificar a voluntad la tonalidad del instrumento. La caja de resonancia, oblonga y ligeramente convexa, suele tener una longitud cercana a los dos metros. Para tañerla se apoya sobre el suelo y se percuten las cuerdas con un palillo sostenido suavemente con una mano, mientras que con la otra se levantan para darle el tono requerido por la melodía. La cítara koto se fabrica con una clase de madera típica del Japón. Según parece, este instrumento procede de los pueblos que habitaban las praderas de Mongolia, donde se lo conoce desde hace más de dos mil años. En la China existe una cítara parecida, pero con siete cuerdas, a la que llaman kin. También se lo conoce con el nombre de sô. La música de koto se llama sokyoku.

Ko-tsuzumi/ô-tsuzumi: Dúo de tambores orientales, con la cintura estrecha en forma de reloj de arena. Se apoyan sobre el hombro de los ejecutantes, que los percuten con dedales en la punta de los dedos. Forman parte de la orquesta tradicional del nô (drama-lírico japonés).

Kou: Instrumento idiófono chino, catalogado entre los elementos de percusión tradicional de aquel país. Suele aparecer colgado de un soporte en las puertas de los templos y los teatros tradicionalistas de aquel país asiático. Se emplea especialmente en los templos y en las funciones teatrales de carácter ritual.

Kouitz: Especie de flauta travesera, típica de Abisinia (Etiopía). Difiere de los instrumentos de esta clase, no sólo por su construcción rústica, sino porque también lleva acoplada a la embocadura una forma de tudel corto, con una lengüeta de caña parecida a la de los antiguos cornos europeos. Los instrumentos de esta familia -bastante popular en África oriental- integran una serie compuesta por varias medidas y tonos. Uno de ellos, el de mayor tamaño, suena aproximadamente en do bajo, mientras que el de menor extensión se aproxima bastante a la gama del contralto en sol. Una versión pequeña, que usan los pastores somalíes para reunir sus rebaños, tiene una gran similitud con el tono las flautas piccolo.

Koukerskité igri: Danza de máscaras, típica del carnaval de Bulgaria, que se baila al son de flautas y cascabeles. Las danzas tradicionales búlgaras recuerdan la herencia de los pueblos tracios que ocuparon el país en la antigüedad. La posterior influencia eslava, junto a la música religiosa bizantina y las melodías otomanas, también dejaron su impronta en las manifestaciones folclóricas del aquel país.

Koundieh: Violín rústico de los campesinos de Sierra Leona. Tiene una caja de resonancia fabricada con una calabaza grande cortada por la mitad a la que se adhiere una membrana de piel de garabucha, una cabra africana de cuernos retorcidos. Posee un número variable de cuerdas anudadas al extremo de un largo brazo de madera que hace las veces de mástil. Al puntear las cuerdas, o frotarlas con una suerte de arco primitivo, éstas emiten una serie de sonidos indeterminados que se acompañan con el ritmo de tambores. Se conoce el mismo instrumento, con leves diferencias de construcción y con distintos nombres locales, en Mauritania, Costa de Marfil, Senegal, Malí y Nigeria.

Kougwang:

Idiófono del antiguo reino de Siam (Tailandia). Está formado por un conjunto de bolas de latón que producen un sonido particular al agitarlas.

Kouwan-teki:

Aerófono tradicional del Japón. Pertenece a la familia de las flautas traveseras.

Krap:

Voz onomatopéyica. Pertenece a un tipo de castañuelas de madera dura que emplean las bailarinas de Tailandia.

Krillant: Tambor de chamán usado por los esquimales de la parte septentrional de América del Norte (Netsilik, Pelly Bay). Tiene el aspecto de un gran pandero, con la membrana de piel curtida de caribú. Mide aproximadamente un metro de diámetro y el aro sólo tiene unos cinco o seis centímetros de espesor. Para percutirlo se emplea una mano, mientras se sostiene con la otra mediante un robusto mango de madera afirmado a la estructura del instrumento. Tiene un sonido grave e indefinido.

Kromong: Carillón del sudeste asiático (China, Birmania, Taiwan, Tailandia). Suele estar formado por diez o doce gongs que penden de un soporte especial de madera mediante una red de cuerdas. Su sonido tiene un sentido ritual asociado.

Krummhorn: Nombre alemán del un aerórofono folclórico de la familia de las cornetas, conocido por los italianos con el nombre de torloroto. Existen diferentes versiones de estos grandes cuernos de llamada de los pastores alpinos, aunque casi todas coinciden con el tamaño, la forma, el sonido y el objeto para el cual se fabrican. En la vertiente meridional de los Alpes, los campesinos italianos lo llaman torloroto.

Kuffir: Arpa primitiva de la cultura islámica. Suele adoptar una forma ovalada, aunque existen algunos ejemplares que son triangulares. El cuerpo es de madera resistente y flexible. Tiene cinco cuerdas de tripa de garduña, un roedor que los campesinos de la región africana de Berbería llaman agarda. Se conoce la existencia de ejemplares similares en un área de dispersión cultural muy amplia (Yemen, Omán, Sudán, Jordania, Egipto, Túnez, Argelia). Los otros nombres que existen, como Qussir o Cussier, sólo constituyen variantes fonéticas para designar el mismo instrumento.
Kuling-tangam: Guitarrillo de cuatro cuerdas muy popular en Filipinas.

Kumar kaj: Voz quiché (danza de la culebra). Baile típico de Guatemala. La coreografía está inspirada en una antigua leyenda prehispánica. El grupo principal de bailarinas realiza suaves movimientos ondulantes, avanzando en zigzag e imitando el deslizar de una serpiente. La versión actual de esta danza -cuyo origen data del siglo XVIII- se desarrolla a través de una trilogía musical cuyo desarrollo suele acompañarse con el sonido penetrante de las chirimías y la percusión constante de un conjunto de tamborones, que interpretan una suerte de bajo continuo.

Kunstlied: En alemán (canción culta). Llamada así en comparación con la Volkslied (canción popular). Es un estilo musical que surgió a mediados del siglo XII en los reinos germánicos, como una manifestación cultural.

K. V.: Iniciales de la acotación alemana Koechel Verzeichnis (Catálogo de Koechel). Se refiere al índice establecido en la ordenación definitiva de las obras de Wolfgang Amadeus Mozart, donde ambas letras preceden a una serie de números correlativos para cada composición. Esa minuciosa tarea fue realizada, recién a mediados del siglo XIX, por el tratadista y teórico musical austríaco Ludwig von Koechel (1800-1877).

Kwetz: Instrumento de viento de los antiguos abisinios (Etiopía). Era una flauta de caña, de ejecución vertical y provista de un pico con lengüeta o estrangul. Lo usaban los pastores de Ilubabor y Kaffa, al sur de aquel país, para comunicarse entre las montañas y también para anunciar la hora de reunir los rebaños.

Kyen: Órgano de boca de Birmania, fabricado con cañas pulidas de bambú y provisto de lengüetas vibrantes del mismo material. Se trata de un aerófono sencillo y de aspecto rudimentario, que suele emplearse en el acompañamiento de las danzas o cantos tradicionales en el folclore musical de Myanmar. El kyen se basa en el mismo sistema que los típicos órganos de boca shêng, originarios de la China, aunque la disposición de los tubos puede adoptar formas en “V” o en “X”. Los extremos de las cánulas se pueden obturar parcialmente con la ayuda de una suerte de capuchones de bambú que cumplen la función de resonadores o de sordinas. Este modelo es una forma similar del khen laosiano.

Kyrie: Libro de cantos religiosos dedicado al ordinario de la misa. Es un vocativo derivado del griego (Kyrios=Señor). El nombre proviene de Kyrie eleison, primeras palabras de una invocación en idioma griego (Señor, ten piedad). Fue parte de un cántico religioso en la liturgia grecolatina conocido desde mediados del siglo II. En el rito europeo occidental comenzó a utilizarse como pieza vocal de los coros angélicos al despuntar el siglo VI. Durante la Edad Media, los kyrie solían adornarse con numerosos neumas y otras elaboradas vocalizaciones. En España entró con el rito hispanogótico o mozárabe, como una invocación que se cantaba junto al Christe después del introito de la misa. Desde el siglo XVII empezó a entonarse durante las celebraciones de la Semana Santa y la Misa de Difuntos.

-L-

La: Sexta nota de la escala diatónica. Puede alcanzar la altura de 870 vibraciones por segundo y sirve de referencia para la afinación de muchos instrumentos musicales. El diapasón normal da esta nota, que en la nomenclatura germánica y anglosajona se denomina "A".

Labbro: Acotación musical (Lab) Voz que en italiano significa labio. Se utiliza para indicar que el canto debe interpretarse con extrema dulzura. En la terminología operística también se dice "cantar a flor de labio".

La bemol: Nota la que desciende un semitono cromático. En la terminología musical francesa tiene el mismo significado, variando sólo en la acentuación de la letra é. (la bémol) Equivalente de A flat en la manera inglesa y As en la alemana.

Laberinto: Artificio vocal que se solía practicar en el discanto. Consistía en agregar complicados adornos al desarrollo del contrapunto. Es un término que se utilizaba antiguamente para designar cualquier manera extravagante de cantar.

Labuntum:

Nombre latino que se daba en la Edad Media a diversos instrumentos de cuerdas de la familia del laúd.

La dièse: La sostenido

en la terminología musical francesa. Equivalente de

A sharp

en la manera inglesa y

Ais

en la germana.

La doble bemol: Nota la que desciende dos semitonos cromáticos, o un tono en la sonoridad del sistema temperado. Se escribe con ligeras variantes en la grafía francesa (la double bémol). Equivalente de A double flat en la manera inglesa y Asas en la alemana.

La doble sostenido:

Nota

la

que asciende dos semitonos, equivalentes a un tono completo. Aunque en la práctica se comprende como la suma de dos semitonos consecutivos.

La double dièse: Sonido la doble sostenido en francés. En la terminología musical francesa, se escribe la double dièse. La forma inglesa tiene el equivalente A double sharp. En la manera germana se emplea el término Aisis.

Laendler: Baile de origen alemán, parecido en sus pasos y coreografía al vals vienés. Hasta mediados del siglo XVIII, época en la que fue evolucionando hacia su forma moderna, tenía un compás ternario, como el minueto.

Lai: Canto legendario del norte de Francia y las islas británicas, posiblemente de origen céltico, cuya letra se apoyaba en antiguos poemas narrativos relacionados por su estilo con los cantares de gesta. Alcanzó su apogeo en la Bretaña francesa durante el periodo medieval (siglos XII y XIII). Solía entonarse con el acompañamiento de instrumentos típicos de la época como la vihuela o el arpa.

Laisser vibrer: Acotación en francés (significa dejar vibrar). Se emplea en las partituras de los platillos y otros instrumentos de percusión complementarios, como el triángulo, para indicar que el sonido vibratorio puede continuar hasta el final, sin ser interrumpido. El caso contrario se llama sec.

Lamentationis: Vocablo musical en latín, referido al tono de una interpretación vocal. Es una forma de canto triste, cuyo acento expresa gravedad. El nombre proviene de las "Lamentaciones de Jeremías".

Lamentevole: Expresión italiana indicativa de ejecución. Sugiere una forma de canto doliente, con extrema tristeza. Es igual a dolente. En castellano "lamentoso" es la misma indicación, que se consigna en la partitura cuando la interpretación del canto debe expresar pena o dolor.

Lamento: Vocablo italiano referido a una forma de canto plañidero del estilo de la barcarola. Es una pieza de carácter, cuyo argumento tiene un contenido programático. Forma parte de los elementos clásicos de las primeras óperas del periodo barroco. Posiblemente su inspiración surgió del canto melancólico de los gondoleros venecianos del siglo XVII.

Lampadarios:

Coro

a cappella

que en concordancia con el

Protopsaltis

y los cantantes individuales alternan sus voces en la liturgia del

canto bizantino

.

Ländler: En alemán (campesino). Danza folclórica originaria de Austria y el sur de Alemania. Es una de las formas precursoras del vals. Consta de tres tiempos, bien definidos y coordinados entre sí, a través de las diversas tonalidades. Pueden apreciarse bellos ejemplos de esta danza en el catálogo de piezas de Joseph Lanner (1801-1843). La obra de este célebre violinista y compositor austriaco, contiene más de 200 valses.

Langleik: Instrumento musical de Noruega. Es un cordófono sencillo pero dotado de una hermosa sonoridad. Por su forma es similar a la cítara hummel de Suecia. En Escandinavia existen varias versiones de este tipo, que presentan leves diferencias en su construcción. La cítara langleik está dotada de una serie progresiva de tres órdenes de cuerdas, que se ejecutan con plectro.

Languendo: En italiano (languideciendo, arrastrando). Es una indicación de ejecución, utilizada en las partituras generales de la orquesta sinfónica, para señalar que se debe descender lentamente el volumen de los sonidos instrumentales, hasta el punto mínimo de lo audible. Normalmente, suele preceder a una brusca elevación del sonido. Como efecto acústico, da la sensación de suspenso. Es un recurso bien descriptivo y usual en la música de ópera.

Laouto: Palabra derivada del árabe (al'ûd). Es una variedad de Laúd de procedencia griega, con el mástil relativamente largo, separado por trastes, y clavijero inclinado hacia atrás. Existen en varias tesituras. La noticia fehaciente más antigua que se tiene de este instrumento data del siglo XVIII. La tapa suele estar profusamente decorada con adornos geométricos de ebanistería, que reflejan la influencia de la cultura árabe. La caja armónica tiene un aspecto semiglobular -también llamado periforme- constituido por láminas de madera, como ocurre con todos los laúdes de este tipo. Tiene un número variable de cuerdas dobles, que se tañen con plectro. Es similar a la sargija de los Balcanes.

Lapa (Aerófono): Nombre castellano de una antigua trompeta de origen asiático, con el tono agudo medio. Su empleo era esencialmente militar. Se utilizó también como trompa de órdenes y en las paradas o desfiles de los ejércitos coloniales europeos del siglo XIX. Su cuerpo se fabricaba en lámina de cobre batido, con ornamentos y refuerzos de latón. El perfil de este instrumento era cónico y tenía una curiosa protuberancia esférica en el centro del tubo aéreo. Ese detalle sólo cumplía la función de ayudar a mantener el aerófono fuertemente apretado a los labios del ejecutante, evitando que la transpiración hiciera resbalar la mano a lo largo del mismo. Existieron varias formas de lapa en China, en Manchuria y en la antigua Indochina francesa. Durante el siglo XX, se conocían ejemplares folclóricos muy similares, pero con diversas denominaciones autóctonas.

Lapa (Órgano): Antiguo instrumento musical turco, perteneciente a la extensa familia de los pífanos y órganos primitivos. Existieron diversos tipos, con una gran variedad de tamaños y funciones. Los más usuales, también conocidos cono el nombre de lapas de Turquía, fueron comunes en las orquestas populares durante el siglo XIX. Básicamente, consistían en una serie de tubos de latón, de casi tres metros de largo, cuya boca terminaba en forma de pabellón acampanado. Se podía tañer individualmente, o en conjunto, mediante la ayuda de un fuelle y un sencillo teclado, que se tocaba con una sola mano. En la actualidad sólo se conoce la existencia de algunos raros modelos en museos o colecciones privadas.

Lap-steel: Del inglés (lap=regazo y steel=acero/herramienta). Se trata de un término compuesto, cuyo significado literal es "instrumento musical para apoyar en el regazo". Es una variedad de guitarra hawaiana con doble mástil, lanzada en 1935 por la fábrica National. Destacó en esa época en la interpretación de la música country norteamericana. Posteriormente se le adaptó un mecanismo de pedales con el propósito de facilitar el cambio de frecuencia de las cuerdas (pedal-steel). Las guitarras lap-steel se fabricaron hasta 1967, con diferentes modelos que tenían entre seis y trece cuerdas.

Larghetto: Indicación de ejecución que se emplea usualmente en italiano (larghetto=ancho/cómodo) Su significado exacto se refiere a un tiempo moderado, menos lento que el largo, pero más que el andante. El estilo de ejecución debe ser algo más fluido que aquel, pero igualmente lento.

Larghissimamente: Pertenece a la misma serie de indicaciones de ejecución. Referida a un movimiento extremadamente lento. El término en la actualidad no es muy usual, aunque puede aparecer escrito en algunas partituras de ese origen y en transcripciones de obras musicales del siglo XIX.

Largo (Indicación de ejecución): Vocablo proveniente del latín (largus). Se emplea en las partituras con el objeto de señalar un determinado pasaje o movimiento cuya ejecución debe llevarse a cabo con lentitud. Es uno de los ejemplos fundamentales más recurridos en la composición musical.

Largo (Movimiento):

También se denomina así a una obra completa -o parte de ella- que ha sido escrita en tiempo lento.

Largo assai:

Frase de indicación en italiano. Señala un pasaje melódico marcado por el movimiento muy lento.

Largo di molto: Como largo assai, extrema la necesidad de interpretar un determinado pasaje musical con extremada lentitud.
Largo, ma non tropo: En italiano (lento, pero no mucho). A la inversa de la forma anterior, señala que el pasaje o movimiento debe ser moderadamente lento.

Laridón : Antigua variedad de flauta, de madera de cedro, con ocho agujeros y el perfil del tubo aéreo en forma curvada. Su sonido más grave correspondía a la nota sol del cuarto espacio en la clave de fa. Durante los siglos XVIII y XIX, se llamaba así al bajo de flauta. Aparece documentada en los catálogos Daumier y en varios tratados de la época. Es posible que su nombre proceda del francés (larigot). En el siglo XIII, existía una variedad de flauta travesera con similar tesitura, a la que llamaban bajo en latín (bassus).

Larigot (Flauta): Caramillo rústico, de origen francés. Es la antigua denominación de un instrumento de viento perteneciente a la familia del flageolet. Por el tamaño, la forma de la embocadura y los orificios de digitación, puede decirse que es una variedad de flauta folclórica, muy similar a la chistúa de los vascos o el flaviol de los catalanes.

Larigot (Órgano): Juego de tubos de órgano, fabricados con estaño, cuyas tonalidades se encuentran en los niveles agudos. El nombre galo procede del pequeño aerófono de mano, anteriormente citado. Los tubos larigot corresponden al tipo conocido con el nombre genérico de juegos de boca. Suenan a la quinta del grupo llamado doublette, alcanzando una extensión de cuatro octavas y media.

La sostenido: Nota la, precedida del signo de alteración #, que asciende su valor en un semitono cromático. En la terminología musical francesa se escribe la dièse. Equivalente de A sharp en la manera inglesa y Ais en la alemana.

Látigo: También llamado fusta (madera). Es un instrumento étnico, de percusión, formado por una serie de tablillas planas (puede ser dos o más) que suenan de una manera peculiar como un chasquidoal hacerlas entrechocar. Procede de las culturas africanas. El compositor francés Maurice Ravel (1875-1937) emplea el sonido de la fusta o látigo en su célebre Concierto para piano en sol mayor, escrito en 1929.

Laúd: Instrumento musical, de la familia de los cordófonos punteados, que cupo un carácter relevante en el desarrollo de la polifonía. La palabra laúd proviene del idioma árabe (Al'ûd=la madera) denominación que nos remite a la delicada artesanía del laudista o luthier. A este vocablo lo hallamos también como un genérico de diversos elementos de madera. En el antiguo provenzal se llamaba "laüt" a un tipo de barca fabricada con este material. En Europa, aparece durante la Edad Media (siglo XIV), traído por los conquistadores árabes. Desde entonces, fue evolucionando hasta su forma actual. Fue un instrumento popular que tuvo gran difusión en la música doméstica. Por su gran versatilidad, en él se tocaban todo tipo de composiciones sencillas como preludios, danzas, motetes. En el siglo XVII existían laúdes en tres tesituras: tenor, discanto y bajo. Con el tiempo fue perdiendo preponderancia, debido a la aparición de los nuevos instrumentos de teclado, cuya forma de interpretación era más sencilla y tenían más sonoridad. Los modernos estudios en organología le dieron un nuevo aire vital como elemento clave en el estudio de la música medieval y renacentista. Afinación básica del laúd de seis cuerdas dobles, de aguda a grave: (la-mi-si-fa sostenido-do sostenido-sol sostenido). El mango, relativamente corto, suele tener entre nueve y diez trastes formados por fragmentos de tripa retorcida e incrustada en una serie de hendiduras transversales.

Laúd bajo: Instrumento musical, el más grave de la familia de los laúdes. Las cuerdas, cuya cantidad puede variar según el modelo y la época, están formadas por órdenes dobles que se tensan entre el extremo del diapasón y la parte inferior de la caja armónica, donde se anudan a una varilla de madera encolada y asegurada a la tapa.

Laúd discanto:

Instrumento igual al anterior, cuya tesitura es intermedia entre el

laúd tenor

y el

bajo

.

Laúd francés: También llamado pandorina o mandorina. Es un pequeño cordófono del siglo XVI, que tiene la caja de resonancia más angosta y largada. El mango es relativamente corto y el clavijero grande e inclinado, como todos los de su tipo. Está provisto de cuatro órdenes de cuerdas de metal, con afinación de tiple, que se puntean mediante una pequeña púa de marfil. En todo lo demás es semejante al laúd tradicional. Los laúdes de esta serie solían tallarse con una gran cantidad de adornos barrocos. En Inglaterra existen versiones de este mismo instrumento, que están provistos de seis cuerdas y se conocen con el nombre de biguga-cither.

Lauda: La lengua vulgar en sus numerosas variantes romances y vernáculas, fue un vehículo usual en la expresión musical de la alta Edad Media. Los laudas o laudes eran canciones religiosas de estilo polifónico escritas en dialectos derivados del latín. Su desarrollo tuvo por escenario a Italia durante el periodo anterior al Renacimiento. Este tipo de cánticos, cuya letra contenía los salmos de acción de gracias, formaba parte del oficio del breviario y se acostumbraba rezar después de los maitines. Los laudas ocupan un lugar significativo en la evolución de la música polifónica.

Laudatorium: En latín (laudes=albanza). Cántico fervoroso. Es una composición vocal, generalmente dedicada al enaltecimiento de una figura o creencia religiosa. Por su estilo y cadencia es un equivalente del salterio. También llamado Psalterium de laudatio. Como la frottola, el laudatorium es un antecedente destacado en la evolución y el desarrollo del moderno oratorio.

Laude spirituale: Origen remoto de las representaciones sacras que tuvieron gran difusión en los siglos XIII y XIV. Sus cánticos eran monodias inspiradas en la vida de los santos o en alabanzas a Dios. Tanto los pasajes musicales como los declamatorios se efectuaban en latín. Su contexto era similar a las rappresentazione profana. Ambas formas surgieron en Italia y eran contemporáneas. Junto con el oratorio configuran los antecedentes más antiguos de la ópera.

Laudista (fabricante): Palabra castellana equivalente al término francés luthier, que en la actualidad es reconocido universalmente. El constante desarrollo de este y otros cordófonos de su tipo, se debe de manera especial a los laudistas o luthiers, que desde la Edad Media aprovecharon sus admirables características estructurales y sonoras para crear nuevos instrumentos musicales, cada vez más evolucionados y sencillos en su ejecución, como la tiorba, la mandolina y la guitarra.

Laudista (intérprete): Persona que sabe ejecutar con maestría este instrumento musical. También se suele escribir lautista, aunque en los diccionarios corrientes no aparece esta palabra, nos parece más adecuada la primera. Entre los célebres ejecutantes de laúd, reconocidos como eximios maestros en la historia de la música puede citarse al compositor alemán Ernest Theophile Baron (1696-1760) y al italiano Carlo Gesualdo, príncipe de Venosa (1560-1613), uno de los creadores del madrigal y gran maestro del cromatismo musical. Ernest Teophile Baron redactó y publicó la obra titulada "Examen histórico, teórico y práctico del laúd", impresa por primera vez en Nurembreg, en 1727. De este tratado, que sirvió a generaciones de músicos en todo el mundo se realizaron ediciones en otros idiomas.

Laudiste (Compagnia di): Durante la Edad Media y el Renacimiento se llamaba de este modo a una sociedad de laudistas ambulantes que se dedicaban especialmente al canto religioso. Eran grupos de cantores y ejecutantes de laúd que recorrían las calles de Florencia y otras ciudades del norte de Italia entonando melodías sacras y tradicionales. Iban siempre en procesión, vestidos de blanco y portando grandes cirios encendidos. El teatro de su arte vocal solía ser el coro en las iglesias y otros monumentos del culto cristiano.

Laúd kirghis: Cordófono antiguo, perteneciente a la extensa variedad de los laúdes medievales. Es un instrumento tradicional de Kirguískaia (lugar de los quirguises), una región del Asia central, situada al norte de la meseta de Pamir. También conocido con el nombre de domra, este laúd parece ser un derivado del tanbur árabe. Existe en diversos tamaños y con tonalidades distintas. Los modelos reconstruidos del laúd kirghis tienen encordado metálico que se tañe con plectro mango largo y clavijero inclinado.

Laúd tenor: Se utilizó en algunas óperas para la interpretación de pasajes que exigen música de época en la escena. Existen ejemplares de 24 cuerdas divididas de dos en dos, afinadas cada una a la octava respecto de la otra.

Laúd tiorbado: Es un instrumento curioso, tal vez un tanto complejo en su estructura, pero con una gran variedad de posibilidades armónicas para los intérpretes virtuosos. Aunque exteriormente el laúd tiorbado presenta un cierto parecido con la tiorba común, este instrumento tiene dos grupos de cuerdas dobles, como el laúd, y consta también de dos clavijeros. El principal -más corto e inclinado con respecto al mango- sirve para sustentar los órdenes de cuerdas normales. El secundario -enhiesto y de mayor tamaño- sirve para tensar los bordones adicionales

Launeddas: Flauta de caña triple, con las embocaduras de lengüeta simple. Es un aerófono derivado de los antiguos clarinetes agipcios y sumerios. Pertenece a la familia de los oboes primitivos, presentes en la cultura musical del Mediterráneo, como el argul de Egipto o el zumr del Magreb. Aún se utiliza en las zonas rurales del sur de la isla de Cerdeña. Por su factura rústica y el sonido dulce, se adapta muy bien a las interpretaciones del cancionero popular sardo. Para hacerlo sonar se emplea la técnica llamada de respiración circular. Se trata de un instrumento cuyos antecedentes se remontan a la época nurágica (siglos VIII y VII a. C.). Básicamente consiste en tres cañas de distinto tamaño, dos de ellas provistas de orificios de digitación, que se tañen en forma simultánea a través de tres picos independientes (cannelini). La caña mayor, llamada tumbu o canna di bordone es la que produce el sonido del bajo continuo, como en las zampoñas. Los dos tubos restantes, más cortos canne melodiche- son los que ejecutan las distintas melodías mediante un sistema combinado de cuatro y cinco orificios de digitación de forma cuadrangular. Una de estas cañas cortas, llamada mancosa manna, va unida al tumbu o tubo bordón, mediante una suerte de ligamentos encerados. El quinto agujero de la caña intermedia sólo se emplea para afinar el instrumento y modificar la entonación. Para tañer este raro y complejo instrumento se requiere el uso de las dos manos y una rara habilidad para obturar los orificios. A pesar de su notable antigüedad, aún se emplea en el ámbito isleño como un instrumento típico, dedicado al acompañamiento de los cantos y danzas regionales. Legatissimo: Superlativo de legato. Señala la necesidad de no omitir dicha condición por ninguna circunstancia.

Legato: Significa "ligado". Es el estilo de fraseo contrario al Staccato. En el legato las notas quedan unidas, literalmente "pegadas" unas a otras, provocando un efecto de continuidad sonora. Esa falta de separación en la emisión de las notas sucesivas en una melodía provoca la ausencia de colorido en la configuración un pasaje musical.

Leggiadro: Vocablo descriptivo de origen italiano, cuyo significado es "gracioso", con "espíritu donoso". Se refiere a un determinado pasaje musical que por sus circunstancias argumentales debe tener esa característica. En la ópera corresponde generalmente a las escenas de amor.

leggiero: Indicación de ejecución. Significa "leve" (non legato). Es igual que el término "con leggierezza". Es lo contrario de algo recargado. Sirve para aclarar que una composición musical debe ser interpretada con cierta agilidad vocal e instrumental. Puede requerir la inclusión por parte del cantante de ciertos "adornos" vocales que den ligereza al contexto melódico. También se puede emplear el vocablo "leggieramente".

Leit motiv: En francés (tema esencial). En los argumentos operísticos este vocablo, originario de la literatura francesa, indica las circunstancias propias de cada uno de los personajes implicados en la trama, y su incidencia en el desarrollo de la historia narrada por el libreto. Es un recurso común de la ópera wagneriana, referido a la circunstancia individual de cada personaje dentro del contexto general de un relato histórico. El término, en su acepción escénica, fue empleado por primera vez por F. G. Jähns. En alemán e inglés suele aparecer escrito leit motive.

Lema: Del latín (lemma). En la antigua música religiosa, se llamaba así al tema o argumento breve del canon enigmático, que ayudaba a resolver el interrogante planteado en su desarrollo. A veces, el lema podía ocultar un detalle curioso, como el ejemplo “In girum imus noctu ecce ut consumimur igni” 70, que se puede leer exactamente de izquierda a derecha, o a la inversa. Esto significaba que el consecuente debía imitar al antecedente volviendo hacia atrás (por movimiento retrógrado). Para dar a entender que las notas semínimas del antecedente debían convertirse en mínimas al llegar al consecuente, se empleaba el lema“non judicat de coloris”. La idea de esta oración instaba a no juzgar por el tono de la nota, porque podía cambiar en la entrada siguiente. Cuando en cada repetición del canon, las voces debían descender un tono, se decía“Sol post vesperas declinat” (el sol declina al atardecer). Algunos ejemplos inducen a un complicado proceso de elaboración de las ideas, llegando a la solución, más por descarte que por deducción directa. El lema“Otius dant vitia” (el vicio lleva al vicio) se usaba para indicar que el consecuente debía imitar todas las notas del antecedente, pero suprimiendo los silencios, es decir, “cantar con el menor esfuerzo”.

Lemma: En el ritmo cataléctico es la pausa o silencio de un tiempo breve. Ocurre cuando a un verso le falta una sílaba (generalmente la última). El vocablo lemma es de origen griego, aunque pasó luego al latín, aplicándose a diversos aspectos relacionados con la musicalidad de los sonidos.

⁷⁰ Aunque el sentido de esta enigmática frase es bastante críptico, podría traducirse de la siguiente manera: “Al cabo de las vueltas de la vida, en la profunda oscuridad de la noche (la muerte), verás como tus pecados serán consumidos por las llamas, o el fuego eterno”.

Lenguaje sensorial: Idea que describe una variada combinación de notas musicales, cuya escala cromática sugiere determinados estados de ánimo, como la euforia, la tristeza, el desasosiego o la sorpresa. Es la esencia del acto creativo y está estrechamente ligado a ciertos sonidos que responden a leyes constantes e invariables. La música, el canto y la declamación, comparten en gran medida el sentido amplio que da el concepto de expresión verbal. En la ópera "Las bodas de Fígaro", compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart, estrenada en Viena en 1796, se advierte un interesante ejemplo de lenguaje sensorial, propio de la comedia. Su línea melódica, incorpora una serie de diferentes elementos musicales (color, timbre, variedad instrumental, etc.) y su función es llegar al espectador con el sentido que quiere mostrar el argumento.

Lengüeta: Pequeña lámina móvil, de metal o caña, que forma parte de la embocadura de algunos instrumentos aerófonos. Determina el régimen sonoro mediante las vibraciones originadas por el paso del aire insuflado en el tubo.

Lentement:

Vocablo francés, indicativo de

tempo

lento. En la ópera francesa corresponde al término italiano

largo

.

Lento: Igual que el término anterior, pero derivado del italiano. En la música peninsular suele tener un carácter también lento, aunque menos grave, especialmente en las manifestaciones folclóricas procedentes del sur del país (Nápoles, Calabria, Sicilia).

Lesbio: Nombre que el poeta latino Horacio da a un antiguo instrumento cuerdas de origen helénico, llamado barbiton, por creerlo natural de la isla de Lesbos, en el mar Egeo (actual Mitilene). Aparece citado en algunos tratados como sinónimo del referido cordófono.

Letanía:

Del griego (

litaneia

=plegaria). Invocación del canto litúrgico que va repitiendo la fórmula de la plegaria en tono melódico.

Letra (música): En música es la composición poética, o conjunto de palabras, que se pueden expresar y entonar de manera coincidente con las notas de una determinada melodía.

Letra (trova): En el lenguaje trovadoresco de la Edad Media, se llamaba letra o lettre a un romance corto, musicalizado, con un texto glosado, escrito en prosa, que se recitaba al comenzar la interpretación.

Letras de Boecio: Sonidos indicados mediante letras que se usaban desde la antigüedad. Boecius le dio forma práctica para el estudio de la música, aplicando las primeras quince letras del alfabeto (desde la A hasta la P). Siglos más tarde quedaron sólo las siete letras correspondientes a las notas modernas, que aún se emplean, entre otras, en la terminología musical inglesa y alemana.

Letras gregorianas: Se siguen utilizando en ciertas formas de notación modernas, como la alemana. Se colocan a continuación del título de las obras para indicar las diferentes tonalidades, agregando el término dur (duro) señala el tono mayor y moll (blando) el tono menor. A continuación se presenta el cuadro de las siete notas de la escala tradicional, con sus equivalencias en el sistema de letras gregorianas. La desinencia en is corresponde a las notas sostenidas, mientras que las notas bemolizadas terminan en es.
Notación moderna: do - re - mi - f - sol - la
Notas naturales: C - D - E - F -G - A - H
Notas sostenidas: Cis - Dis - Eis - Fis - Gis - Ais - His Notas bemolizadas: Ces - Des - Es - Fes - Ges - As - B

Letras romanianas: Símbolos de expresión pertenecientes a un conjunto de acotaciones musicales, escritas en un códice del siglo VIII, que escribió el monje Romanus, de la Abadía de Sankt Gallen, en Suiza. La mayor parte de estos símbolos consistía en letras minúsculas del alfabeto latino, aunque también había otras formas denominadas signos románanos representadas por líneas cortas, verticales u horizontales, que se agregaban a las notas normales del neuma. Cada una de las letras correspondía a la inicial o la segunda letra de la palabra que representaba. Por ejemplo, la letra t minúscula correspondía a tenere (retardar/detener). La letra x equivalía a expecta (espera/silencio), la c a celeriter (presto/acelerado), etc. Aunque el conjunto de letras romanianas comprende casi todo el alfabeto, en el canto gregoriano sólo se utilizaron unas pocas que permitían comprender mejor la notación neumática.

Letrilla: Composición poética cantable, de origen popular y tema gracioso o romántico. Se compone de una serie irregular de versos cortos, normalmente acompañados por un estribillo.

Leut:

Denominación antigua del

laúd

corriente. Ya no se utiliza, aunque puede aparecer de manera puntual en algunas traducciones modernas del francés y el alemán.

Leyenda: Aspecto narrativo que forma parte de la esencia misma del libreto de ópera. Casi siempre se trata de un conjunto de descripciones fantásticas, inspiradas en las tradiciones populares de una determinada etnia o estrato social. El ritmo del relato, junto con el desarrollo musical, van guiando el conjunto u orden de componentes del argumento, integrándose con otros elementos culturales inmediatos en el tiempo, de los cuales reciben como herencia las costumbres, el idioma, la formación de la identidad nacional, etc.

Leyenda musical: Denominación alternativa que utilizan los tratadistas y críticos de ópera para definir un aspecto particular de este género. Las óperas de Richard Wagner,
-inspiradas en antiguas tradiciones nórdicas- constituyen un ejemplo particular del estilo que caracteriza a la leyenda musical. En este caso, el estilo siempre aparece impregnado por un hondo dramatismo. Uno de los ejemplos wagnerianos que mejor describen esta condición de la ópera, es el grandioso conjunto del: "El anillo del Nibelungo", obra compuesta por tres leyendas musicales de carácter dramático: "El oro del Rhin" (prólogo); "La valquiria" (primera jornada); "Sigfrido" (segunda jornada) y "El ocaso de los dioses" (tercera jornada).

Leyenda sinfónica: Combinación de dos términos descriptivos que se suele emplear para indicar el origen narrativo de un aria o preludio de ópera. En su composición "El cisne de Tuonela", el gran compositor finlandés Jan Sibelius (1865-1957) recurre a la fuente de inspiración de una antigua leyenda nórdica que narra la historia de un reino acuático en el que los cisnes -mensajeros de la muerte- nadan y cantan melodías. Esta obra fue en principio un bello e interesante preludio, compuesto para una ópera del mismo título.

Libreto: (del italiano libretto) Texto del argumento de una ópera, publicado generalmente en edición bilingüe: el idioma original de la obra y su traducción correlativa en la lengua del país donde se realiza la tirada. Es un elemento útil para los seguidores de las representaciones operísticas, porque además de ayudar en la comprensión de los parlamentos, contiene una introducción crítica general; el reparto de los diferentes cantantes, las características de cada voz, los nombres de los personajes, la explicación de la coreografía; una descripción escenográfica y finalmente, el argumento de cada acto. La letra suele ser el elemento desencadenante de la inspiración musical. El texto escrito tiene un ritmo perceptible para el oído acostumbrado, cuyo sonido puede sugerir las diferentes notas de una composición melódica. De allí que siempre se dice de la música de ópera que es un producto elaborado en consecuencia con aquella. Las pausas, los acentos, la duración de los tiempos, e incluso los silencios, configuran la frase musical, dando lugar a la medida estrófica. Esto es ciertamente equiparable al ritmo que se puede advertir en las frases leídas en voz alta, recitadas o simplemente habladas de manera coloquial. Por lo tanto, la cadencia propia de la poesía, implícita en el texto del libreto es un elemento capaz de despertar en la mente creativa del compositor las sensaciones que luego marcarán las pautas del fraseo musical. El libreto de la ópera "Hansel and Gretel", escrito por una hermana del compositor alemán Engelbert Humperdinck (1854-1921), está inspirado en el célebre cuento de los hermanos Grimm El vocablo, de origen italiano (libretto) también se utiliza para designar el guión argumental de las cantatas y los oratorios.

Licencia musical: Del latín (licentia). Se denomina de esta manera a las pequeñas infracciones existentes en el conjunto de la unidad musical, especialmente en lo que atañe a las reglas de la armonía. En italiano se suele poner "con licenza" para indicar que el autor de una pieza musical no se ha sujeto a un compás exacto, dando lugar a ciertas variaciones que deben ser interpretadas sobre la marcha por el propio ejecutante. En el canto lírico tiene una especial importancia debido a su relación con las reglas establecidas por la costumbre para el equilibrio sonoro entre la melodía y la letra, etc. En la ópera, el monólogo escénico constituye una forma similar a la licencia musical. En sus orígenes, la expresión dramática era siempre dialogada. Con el tiempo, las historias narradas en los argumentos teatrales fueron ganando intensidad y en determinadas situaciones se hizo necesaria la inclusión de fragmentos descriptivos del sentir íntimo y el pensamiento de los personajes. La función de estos pasajes, a los que se denomina apartes y monólogos, es descubrir los sentimientos más profundos que animan la acción a través de las palabras y los actos de cada uno de los seres que intervienen en el drama.

Lidiana: Nombre de una flauta de madera provista de cinco agujeros y embocadura sin lengüeta. Era un instrumento típico de los pueblos lidios del Asia Menor (siglos VII a V a.C.). Los arcadios la llevaron a Italia, donde alcanzo cierta popularidad. Se usaba para entonar melodías compuestas en el modo del mismo nombre (modus lydius). Su tonalidad intermedia estaba ubicada entre los modos eolio e hiperdórico de la antigua música griega. Las letras de las composiciones que acompañaban la ejecución de este aerófono estaban escritas en lengua lídica, cuya existencia sólo se conoce por algunas glosas conservadas en inscripciones grecolatinas.

Lied (estructura musical): Composición semejante a la romanza. En el establecimiento de estructura moderna ha tenido especial importancia el genio musical de Gustav Mahler. En alemán lied significa canción. La particularidad de esta creación de tipo sentimental reside en su texto, que establece una íntima relación entre la música instrumental y la eufonía poética. Wolfgang Amadeus Mozart fue uno de los primeros compositores que prestaron atención a la belleza armónica del lied llevando a la escena bellos compases y modulaciones inspiradas en la forma original. Otros grandes maestros del romanticismo, como Robert Schumann, Johannes Brahms y Ludwig van Beethoven le otorgaron la consagración como melodía clásica.
Lied (estructura poética): Respecto a su composición literaria, el lied responde a un tipo de poesía armada mediante una serie de estrofas de igual estructura rítmica y melódica. Las características esenciales, a las que debe corresponder la poesía lírica, son la cantidad de sílabas en cada verso y la manera de combinar las diferentes estrofas.

Lied de composición desarrollada: Es un estilo de lied en el que la poesía se adapta a la armonía musical. Su configuración melódica puede ser cambiante y sin vinculación estrecha con la estructura poética.

Lieder ohne Worte: En alemán (romanzas sin palabras). Forma musical, típica del romanticismo germano de la primera mitad del siglo XIX. El nombre original -que suele aparecer en distintos tratados y partituras- se refiere al estilo de composición breve creado por Félix Mendelssohn.

Lied estrófico: Surgió a fines del siglo XVIII con el impulso artístico del clasicismo. El lied estrófico afirma su composición melódica sobre el ritmo que le marca la estructura poética. Fue un estilo que recibió la influencia literaria del gran poeta y dramaturgo alemán Johann Wolfgang Goethe (1749-1832). Destacan en esta particularidad melódica las tres escuelas berlinesas de lied. Contribuyó decisivamente a su desarrollo el compositor alemán escuelas berlinesas de lied. Contribuyó decisivamente a su desarrollo el compositor alemán 1832), uno de los fundadores de la “Lieder-tafel” (tablado de canciones) entidad cantoral germana para la que compuso una importante colección de obras corales.

Lieto fine:

Término que designa un final moral para el argumento de una ópera. Equivale a la moraleja de los cuentos infantiles.

Ligado: Asociación de dos notas, que mantienen su propio valor, pero se nombra solamente a la primera. Es la forma-opuesta a picado- que permite interpretar un conjunto de notas distintas, sin que entre ellas se perciba ninguna interrupción del sonido.

Ligadura: Recurso musical que permite unir de manera armónica a una disonancia con una consonancia. En el pentagrama, se indica con una línea curva que abarca dos o más notas distintas, uniendo sus sonidos. Tiene directa correspondencia con los vocablos italianos legato y legatissimo.

Ligadura de frase:

Es cuando en el pentagrama aparece una línea curva que une a todas las notas integrantes de una frase musical, formando un sonido continuo.

Ligadura de portamento:

Es cuando dos notas distintas deben mantenerse unidas mediante el efecto de continuidad melódica señalada por la línea curva de la

ligadura

.

Ligadura de valor:

Es la que une a dos notas iguales, de las cuales solamente se canta o interpreta la primera, otorgándole el valor de ambas.

Línea de pentagrama: Cada una de las rayas que componen el área de escritura. Cada línea está separada por espacios, donde también se pueden escribir notas. Las líneas empiezan a contarse desde abajo, siendo la inferior la primera y así sucesivamente. Las líneas que se escriben sobre estas cinco fijas, se llaman suplementarias y pueden agregarse tanto arriba como abajo del pentagrama.
Línea divisoria: Son las rayas verticales que sirven para indicar cada compás. Un compás de seis tiempos ocupados por corcheas (6/8) tiene cinco rayas verticales separando cada compás con sus respectivas figuras.

Línea melódica: La música diseña en el pentagrama una variedad de movimientos sinuosos que al formar las diferentes melodías se van desplazando hacia los graves o los agudos, dentro de ciertos parámetros estéticos previamente establecidos. Las normas básicas para controlar la armonía de esa sucesión de sonidos fueron evolucionando hasta fundamentar -en forma definitiva e inalterable- los elementos universales de la música (compás, ritmo, dinámica, etc.). A partir de la primera mitad del siglo XX, los movimientos musicales de vanguardia pusieron en el terreno de lo discutible u opinable la validez de esos conceptos tradicionales que durante siglos determinaron la observancia de una línea melódica armonizada. A esa nueva tendencia se llamó en términos generales línea no-melódica.

Línea no-melódica: Es una forma nueva de entender el sentido de la música, absolutamente libre de cualquier concepto preestablecido con anterioridad. Dentro de esa corriente se encuentran los movimientos musicales asimilados por la nueva filosofía creativa y encuadrados dentro de una concepción estética diferente, llamada de vanguardia contemporánea. Congregada en torno a ese amplio espectro musical, se encuentra una gran variedad de formas y escuelas (dodecafonismo, atonalidad, microtonalidad, minimalismo, serialismo, estocástica, etc.).

Línea suplementaria: También llamadas adicionales. Son las líneas del pentagrama que se colocan tanto arriba como debajo de las cinco líneas básicas, con el objeto de escribir las notas más graves o más agudas de una melodía.

Lings-dung: Trompa tibetana. Ricamente decorada con adornos labrados en bronce. Antiguamente se fabricaba con un colmillo de elefante decorado con guarniciones metálicas. Los modelos posteriores se hacían de cuerno de yak, cobre o latón. Aunque originariamente era un instrumento de señales, también se utilizaba en las ceremonias religiosas.

Lingua: En latín (lengua). Nombre que se daba hasta fines del siglo XVIII a la embocadura de las flautas de pico. Puede aparecer indicado en algunas partituras italianas y alemanas, para el solo de flauta (Ling fl.). El término proviene de la técnica de ejecución utilizada por los antiguos romanos, en este tipo de aerófono y otros similares.

Linon Ashma: Canción fúnebre, originaria de la antigua Grecia. Es una de las piezas tradicionales que han perdurado a través de los siglos, y que aún suelen cantar los pastores, para acompañar los ritos funerarios. Lino fue un personaje mitológico relacionado con la música, patrono de las melodías entre los campesinos de Tracia. Según la leyenda, Lino, que era hijo de Apolo y hermano de Orfeo, fue el creador del verso lírico. Su madre, la musa Terpsícore, le transmitió el sentido del ritmo y la armonía. El nombre perduró en el contexto cultural de las composiciones que se cantaban en la antigüedad, tanto en la Grecia clásica como en el Egipto de la dinastía Tolomeo. La transculturación ha preservado vestigios del estilo en los pueblos de Nubia.

Lira: Instrumento de 7, 8 y hasta 11 cuerdas, que se utilizaba con ambas manos o empleando un plectro. Fue el instrumento predilecto de los poetas en la antigüedad. Según la mitología grecorromana era el atributo principal de Apolo, dios de la música y la poesía. De su nombre proviene la denominación lírica. La lira primitiva, poseía sólo 3 cuerdas de tendón de venado. El perfeccionamiento de la caja armónica y los brazos de la lira, juntamente con el agregado de nuevas cuerdas, permitieron que se lograran diferentes notas en los estilos diatónico, cromático y enarmónico. Para el acompañamiento de las voces altas y en especial del canto femenino, se empleaban liras de siete y ocho cuerdas, llamadas heptacordo y octocordo. Existía una variedad de lira de mayor tamaño y sonoridad, llamada cítara, que se apoyaba en el pecho del ejecutante. En poética, este vocablo se refiere a la estrofa de cinco versos, heptasílabos y endecasílabos, con rima consonante. Tuvo especial significación durante el periodo del Renacimiento por haber sido el tipo de composición poética empleado para escribir la oda horaciana.

Lira da braccio: En italiano (lira de brazo). Instrumento cordófono procedente de Italia. Era conocido en el siglo XVI. Dejó de fabricarse y cayó en desuso al finalizar el periodo barroco. Por su morfología, se podría considerar un antecesor del violín, aunque esta versión tiene siete cuerdas, cinco normales, tensas a lo largo del diapasón y dos suplementarias, llamadas bordones, que se estiran al aire mediante unos pernos de madera ubicados en la parte exterior del clavijero. Por su sistema de encordado podría tratarse de una evolución de la viola medieval. En su tiempo fueron muy populares las liras da braccio realizadas por el fabricante alemán Johannes Andrea.

Lira mandola: Conocida en el sur de Italia con el nombre popular de mandoletta, era un cordófono primitivo del siglo XIV, procedente del pentacordio de los antiguos griegos. Tenía cinco cuerdas de tripa, tensadas sobre un bastidor alargado, que se fabricaba con madera de olivo. Los escitas, pueblo originario del Asia Menor, tenían un instrumento similar al que acostumbraban tañer valiéndose de un plectro de hueso.

Lírica: Denominación derivada del instrumento musical. (lira=onomatopeya de un acorde de dos notas). Es el estilo poético propio o adaptable para el canto. Su práctica requiere el talento y la concepción de un estilo eufónico. En la época clásica, la lírica era el medio expresivo que permitía surgir a la escena los más elevados sentimientos del autor. Tradicionalmente se identificó a la lírica con la poesía y la música, especialmente con la estética predominante en el siglo XIX. Sin embargo, su evolución fue sumamente compleja La estructura de la lírica moderna, que nos remonta al periodo del Romanticismo, comprende expresiones tan amplias variadas desde su punto de vista funcional y operativo, como el teatro, el cine y la ópera.

Lirica (cordófono): Instrumento típico del folclore musical del Mediterráneo. Posee un sistema de cuerdas metálicas frotadas por arco. Es natural de la región de Croacia y pertenece a la familia de los laúdes de mástil corto. Comparte las características constructivas y de ejecución con el vijalo de Dalmacia, y el kemençe de Turquía y Chipre.

Lithophone : Conjunción francesa derivada del griego (lithos=piedra/phoné=sonido). Nombre de un idiófono contemporáneo -diseñado en la localidad belga de Rhode St. Genèse (Bruselas)- que aprovecha las propiedades musicales de diferentes tipos de piedras naturales, dispuestas en escala. Este moderno y singular instrumento es una forma perfeccionada en los antiguos litófonos prehistóricos, hallados a finales de la década de 1980 en el sur de Vietnam Su mecanismo sonoro está formado por una secuencia progresiva de finas lajas o planchuelas de piedra pulida (fonolita, pórfido, basalto, diorita). El conjunto se asienta en forma horizontal sobre una estructura de madera de teka, provista de una serie escalada resonadores cilíndricos. Para tañer las planchuelas se emplea un complejo sistema de macillos de fibra de vidrio accionados mediante un teclado. Litófono (étnico): También se escribe fonolito o piedra sonora). Nombre genérico de una serie de instrumentos idiófonos fabricados con lajas de distinto tamaño y grosor que cuelgan de estructuras apropiadas y resuenan al ser percutidas, formando una escala rudimentaria. Estos ejemplos musicales que han perdurado a través de los siglos -tal vez milenios- están relacionados con antiguos rituales animistas. Muchos de estos ejemplos ya no existen, sólo se conservan en museos o colecciones organográficas. Otros, en cambio, cumplen una interesante función folclórica en la práctica de la música étnica, integrando conjuntos dedicados a sostener la memoria colectiva a través de los sonidos profundos de la tierra.

Litófono (moderno): Aparato de complemento instrumental que sirve para sostener una batería de 15 o 16 lajas redondas de piedra artificial, graduadas con distintas tonalidades y montadas sobre un soporte metálico, con ruedas para poder desplazarlo. Tanto la estructura, como el mecanismo y la sonoridad de este instrumento difieren bastante del moderno lithophone francés. El sonido resulta medianamente agudo y algo indefinido, aunque podría situarse entre el la³ y do⁵. La inspiración exótica de este tipo de instrumentos se adapta admirablemente a la expresión estética y descriptiva del drama lírico. El compositor alemán Carl Orff (1895-1982) incluyó los timbres de un complejo fonolito de lajas en su ópera "Antígonae", una tragedia en cinco actos basada en la heroína de Tebas, que fue estrenada en la ciudad de Salzburgo en 1949.

Lituus: Instrumento de viento de los romanos, derivado de las antiguas trompetas etruscas. Fue originariamente un tipo de clarín guerrero, que usaban en campaña las centurias imperiales. Con el tiempo paso a formar parte en las fiestas populares y en las representaciones teatrales, como instrumento de escena. El lituus estaba formado por un largo tubo, de cobre batido, curvo y provisto en su extremo con una gran bocina, similar a un cuerno, que sólo daba tonos naturales.

Loa: Forma de representación escénica poco usual en la actualidad. Se utilizaba como contrapunto de óperas y distintas obras de carácter dramático. Tuvo su auge en Francia desde mediados del siglo XVIII hasta fines del XIX. Era normal su puesta en escena acompañando a otra obra más extensa en función de tandem Por lo general se trataba de un solo acto breve y su espíritu teatral era siempre opuesto al de la pieza principal, de allí su condición de contrapunto. Por ejemplo, si la obra importante, era una tragedia, la loa tenía que ser de carácter cómico. Con forma de cuadro, o acto breve para relleno, llegó a ser un elemento bien característico de la Comédie-Française. Durante el siglo XVII existió en España otra forma específica de loa -de carácter religioso- que servía de introducción a los autos sacramentales.

Lojki: Instrumento idiófono del folclore ruso. Se conoce su existencia por tradiciones que datan del siglo XVIII. El sonido que emite puede compararse al de las castañuelas españolas. Se fabrican con maderas estacionadas, de roble o cedro, y con diversos tamaños que corresponden a las distintas alturas y timbres. Además, llevan adheridos unos pequeños cascabeles en el mango, que contribuyen a la variación y complejidad de los sonidos. El cucharón grande (tchepak) produce las notas graves, mientras que el pequeño cucharín (tcherenok) se utiliza para dar notas algo más altas. Ambas formas se emplean de manera simultánea. Los métodos para tañer este instrumento son múltiples y las combinaciones sonoras tantas como pueda elaborar la imaginación del ejecutante (glissandos, trémolos, batidos, etc.). Existe un tipo de lojki fabricado en cobre, que se suele emplear como elemento de percusión en las orquestas populares por su sonido, similar a las tarreñas.

Lokanga voatavo: Variedad de cítara folclórica, tradicional entre los malgaches y otras culturas del océano Índico. Es un instrumento músico correspondiente a la serie de los idiocordes (idiófonos provistos de cuerdas rudimentarias). Su sonido es débil pero muy dulce y bien modulado. Fabricado con madera y caña de bambú, se usa normalmente para acompañar los cantos populares de Madagascar. Pertenece al mismo tipo que el jeji de Mozambique.

Longa: Del latín (larga). Nota musical antigua que se utilizaba en el sistema de notación cuadrada. Aún se conserva en la lectura de las partituras antiguas del canto llano o gregoriano. Tomada como unidad de tiempo, la longa tiene un valor equivalente a dos breves. En ciertas ubicaciones -como ocurre en la medida perfecta o ternaria- la longa adquiere el valor de tres breves. Es la nota que va sobre la sílaba acentuada y sirve para indicar el énfasis en el canto.

Longa doble:

Vale dos tiempos iguales de la medida perfecta. Se identifica bien en el pentagrama porque su figura tiene la cabeza de forma cuadrilonga.

Longa imperfecta:

Corresponde al ritmo binario, o al cuaternario. Se identifica porque siempre va acompañada de una nota breve.

Longa perfecta:

Corresponde al ritmo ternario. Vale tres tiempos perfectos y tiene la figura como un cuadradilongo con una plica descendente del lado derecho

Longa (idiófono): Instrumento de hierro, con forma de doble cuerno y sonido parecido al de una campana. Su sistema de percusión -directa- se realiza con la ayuda de una barra o macillo del mismo material.

Loo-Jon: Instrumento idiófono de origen oriental, perteneciente al grupo de los metalófonos. Tiene una tonalidad grave (extensión fa-fa). El sistema sonoro consiste en placas de metal (acero) dispuestas por grados sobre un bastidor horizontal. Su funcionamiento es similar al del vibráfono y las campanelli japponessi.

Lo stesso tempo: Indicación italiana que se consigna sobre el pentagrama para que el ejecutante sepa que debe seguir una melodía siempre con el mismo tempo, aunque existan variaciones en los compases. También se suele escribir "con el mismo pulso", o "igual longitud de notas".

Loure (aerófono): Denominación de un tipo de gaita o cornamusa que se utilizaba en Francia para acompañar la danza del mismo nombre. Su empleo estuvo vigente desde fines de la Edad Media hasta mediados del siglo XVII.

Loure (danza): Antigua danza popular, de origen normando, que se solía acompañar con música de gaitas. Su compás corriente es de 6 por 4. En el siglo XVII se la incorporó a la suite instrumental junto con otras composiciones semejantes. El particular estilo de la danza loure aparece con su mayor esplendor en la obra instrumental de Johann Sebastian Bach (“Suites francesas en re menor, si menor, mi bemol mayor, sol mayor y mi mayor” BWV 812-817, escritas entre 1722 y 1724.
Louré: Término musical francés que significa "ligar", esto es: unir o conciliar sonidos. Es una manera de articular las notas, destacándolas individualmente, pero sin separarlas del conjunto. Se denomina así porque las distintas tonalidades de las notas se van ligando a través de ciertas vibraciones secundarias. En los instrumentos de cuerdas es un pequeño toque o golpe suave dado con el arco destacando particularmente cada nota para destacarlas del bajo continuo.

Lucernario: Canto ambrosiano. Del latín (lucernarium). Es una denominación antigua, procedente del periodo paleocristiano. El vocablo deriva de lucerna, antorcha u otro elemento de iluminación que también se utilizaba durante las celebraciones religiosas. En música, se refiere a una forma melódica que se entonaba en culto de San Ambrosio obispo (siglo IV d-C.).

Lung-tao-ty: (Flauta con cabeza de dragón o flauta-dragón). Antiguo instrumento de viento, de doce agujeros, que pertenece a la serie de las flautas traveseras. Es originario de China, donde se fabrica con bambú lacado y dorado con incrustaciones de nácar. Uno de esos orificios, el más próximo a la embocadura, lleva una lámina fina de bambú que cumple la función de lengüeta, incidiendo directamente en la vibración del aire dentro del tubo. También puede aparecer escrito lung-ti o simplemente ty, aunque este último apelativo se refiere a una variedad más amplia de flautas traveseras, muchas de ellas carentes de los curiosos aditamentos que adornan estos ejemplares, tallados en madera de ébano, con forma de cabeza de dragón.

Lur: Variedad de trompa natural, de origen antiquísimo, también llamada trompa de señales. Existen varias versiones. Por lo general, se trata de instrumentos aerófonos sencillos, de metal, carentes de agujeros, con el arco bastante amplio y la embocadura fija. El tubo suele ser delgado y con una extensión cercana a los dos metros. Se conocen bellos ejemplares, totalmente elaborados con plancha de latón y artísticamente labrados. La forma de la campana casi siempre suele adoptar la forma de un cuerno de animal. Los más bellos ejemplares hallados hasta la actualidad, proceden de la región sur de Escandinavia (Suecia y Dinamarca). Su existencia está registrada desde la Edad del Bronce. Además, existe otra variedad de raros ejemplares, de menor tamaño, hallados en diversos sitios arqueológicos del sur de Europa. Los lures nórdicos más antiguos están confeccionados con cuernos verdaderos, ahuecados y provistos de anillas, guarniciones y otros ornamentos de latón. El sonido de estos instrumentos es algo grave y oscuro. Los lures se empleaban por pares. Existen otros instrumentos contemporáneos de la categoría de los idiófonos de entrechoque (láminas y vasijas percutidas), que se complementaban con el sonido particular de los lures, creando una suerte de combinación de melodías primitivas. Estos son: las sonajas de arcilla y latón, las láminas sonoras, etc.

Lusingando: Vocablo musical que equivale a decir "halagando el oído". Del italiano (lusinga=halago/ mimo). Es una indicación de ejecución instrumental que se suele aplicar especialmente para algunos cordófonos de arco (violín, viola, viola de gamba, etc.). En algunos casos se puede equiparar con el término accarezzevole (acariciando las cuerdas).

Lutería: Del francés (lutherie). Término musical que no consta en los diccionarios corrientes de la lengua castellana, aunque suele aparecer en diversos tratados especializados en la materia. Se refiere al arte de la construcción de instrumentos de cuerda (violines, guitarras, laúdes, vielas, etc.). En Francia, se llama así, preferentemente, a la venta de este tipo de instrumentos.
Luth: Antiguo símbolo de la poesía. En la lírica clásica se llamaba así a la deidad olímpica que otorgaba la inspiración a la música y el canto. Su facultad esencial, era el don poético de las ideas. También se creía que el genio inspirador de Luth era capaz de brindar una forma magistral a las letras. En el siglo XVIII se llamaba así al fondo musical que sonaba entre bambalinas durante la representación de una obra. Estos fragmentos melódicos, interpretados con violín, flauta o clavicordio, eran conocidos con el nombre·de “espíritu teatral”.

Luthéal: Accesorio del piano de cola. Consistente en un sistema de cuatro pulsadores que se acoplan al instrumento, permitiendo alcanzar alturas más extremas que las normales y sonoridades parecidas a las del címbalo. Fue inventado por George Cloetens, un constructor natural de Bélgica. Lo empleó por primera vez el compositor francés Maurice Ravel (1875-1937) en su rapsodia de concierto para violín y piano, titulada“Tzigane” (cíngara), estrenada en 1924.

Luthier: En francés (constructor de laúdes). Nombre que alcanzó mayor popularidad con el significado de fabricante de instrumentos musicales de cuerdas. Este vocablo, con difusión universal, también sirve para nombrar a los comerciantes que venden dichos instrumentos.

Lyra: Denominación antigua de la lira griega de seis cuerdas. El nombre estuvo relacionado desde el pasado con la imagen difusa de un cordófono. A través del tiempo, ha servido para identificar distintos instrumentos musicales. En la Edad Media, existía una variedad de rabel, cuya estructura y forma de ejecución ha perdurado en la región balcánica hasta la actualidad (Albania, Macedonia, Grecia). El primitivo violín rebab o rabab, de los pueblos árabes, las violas gigas de Europa central, y otros primitivos instrumentos de arco, hoy desaparecidos, también recibían esta designación genérica.

Lyra viol: Viola de gamba de seis cuerdas. Estuvo en uso en Inglaterra desde el año 1600 hasta fines del siglo XVIII. Es un vocablo musical compuesto, derivado del inglés lyre=lira y viol=viola.

Lyrofenix: Lira fenicia. Nombre que se daba en el pasado a un instrumento de cuerdas, presumiblemente de la familia de la sambuca, y originario de África del Norte. No han quedado muestras de aquellos ejemplares originales. Aunque se sabe, por referencias y descripciones de la antigüedad, que se trataba de una variedad de arpa vertical. Posiblemente similar a la forma triangular griega, o tal vez, derivada de aquella. Apoya esta referencia el hecho de que a los ejecutantes de este cordófono se les llamaba sambucistriae (intérprete de sambuca).

Lyroviol: Como el vocablo anterior, es una conjunción de lira y viola. En algunos manuales y tratados musicales puede aparecer escrito este vocablo, que sustituye a la palabra anterior (lyra viol). Esta denominación dada a las antiguas violas de gamba, se registra particularmente en las bibliografías y transcripciones -en inglés y alemán- de los siglos XVIII y XIX.

-LL-

Llaguerelemé: Antiguo canto popular afrocubano. Se acostumbraba interpretar en las procesiones religiosas y sociales de la hermandad "ñañiga", acompañado por el ritmo de instrumentos musicales típicos del Caribe (cajas, tamboriles, palillos, reque-reques). Durante el siglo XIX alcanzó amplia difusión en La Habana, Matanzas, Guanabacoa y otras localidades de la isla de Cuba. Junto con varias composiciones tradicionales, del mismo origen -como la canción típica llamada Esué cribó pertenece al ámbito cultural de la cofradía de negros "Efí".

Llamada (danza):

Acordes propios del vals y el rigodón. Se interpretaban al comienzo de los bailes, advirtiendo a los participantes para que ocupen sus respectivos puestos.

Llamada (tocata):

Pasaje de una sinfonía, ejecutada con cornos y otros aerófonos similares. Se empleaba en la música imitativa para simular escenas de caza.

Llamada (toque militar): Sonidos marciales que se usan en la música de las bandas militares. Los instrumentos más usuales en este menester son el tambor de órdenes (redoblante) y la pequeña corneta sin llaves (clarín). Existen diferentes sonidos para uso de los membranófonos y melodías cortas destinadas a la interpretación con aerófonos.

Llamador (instrumento): Tambor de Colombia. Es un instrumento membranófono típico en las orquestas dedicadas a la interpretación de la cumbia. Se usa para marcar diversos efectos sonoros, como el compás en contratiempo. Suele integrar los grupos de percusión, junto con la tambora y el tambor alegre. El llamador es el más pequeño de los tres.

Llamador (intérprete): Del latín (appellator). En la Edad Media se llamaba así a un cantante que iba por los pueblos contando las noticias en forma de romanza melódica. Solía acompañarse con sonidos de flautas, y en ocasiones señaladas, con timbales montados sobre asnos o mulas. Es posible que esta costumbre haya sido el origen de las compañías musicales ambulantes, comunes en el sur de Italia hasta el siglo XVI.

Llamamiento: Nombre de un tipo de canto indígena, originario de la región andina de América del Sur (Potosí, Oruro, Cochabamba). Es una llamada de amor, acompañada con toques de quena. La que hace el hombre, en la víspera, invitando a su amaba para que al amanecer del día siguiente, lo acompañe en la bajada del altiplano, rumbo a las llanuras donde trabajará en las cosechas. Se trata de un argumento tradicional, reiterado con distintas letras o motivos folclóricos, en numerosas creaciones, dotadas de una gran riqueza poética y musical.

Llamarada: Canción breve conocida en Sicilia y Calabria con el nombre de flamma. Era muy sonora y se entonaba con acompañamiento de fuertes voces y tambores. La letra -de carácter entusiasta o heroico- pretendía elevar el estado de ánimo (subitus animi motus). Fue también una manifestación de música popular que caracterizaba a las fiestas campesinas en el tiempo de la cosecha. En la antigua Roma la flamma acompañó el movimiento de rebeldía de los esclavos griegos.
Llaute: Variedad de laúd albanés. Dentro de la diversidad de términos regionales, hallamos éste instrumento de cuerdas punteadas, cuya similitud con el ud balcánico, el outi griego y el mandolino italiano, hace pensar en un mismo cordófono con un área de difusión cultural tan extensa como la Mediterranía. El llaute de Albania se tañe mediante un plectro, como el laouto y el buzuki, de los griegos actuales.

Llave: Del latín (clavis). Dispositivo de cierre que se aplica en los orificios de algunos instrumentos de viento (flauta travesera, clarinete, fagot, contrafagot, flautín o piccolo, corno inglés, etc.). Se emplea para abrir y obturar los orificios ubicados en las partes alejadas del instrumento donde los dedos del ejecutante no pueden llegar con facilidad parea realizar la digitación. En algunos instrumentos, como el oboe o el corno inglés este mecanismo es especialmente complejo. Dispuesto en dos conjuntos -para las manos derecha e izquierda del ejecutante- el mecanismo de llaves está compuesto por un grupo de pequeñas palancas (espátulas), que realizan la maniobra de apertura u obturación de los orificios, mediante un sistema combinado de muelles y tapas (platos).

Llave adicional: Transcripción castellana del inglés (additional keys). Son notas que en el pentagrama se escriben en líneas adicionales. En la pauta del piano pertenecen a las teclas superiores a la 3ª. octava.

Llave de afinar: Herramienta que usan los afinadores de instrumentos como el piano y el arpa. La forma de su cabeza se adapta a las clavijas de dichos cordófonos. El mango de estas llaves se adapta al uso y la forma del bastidor donde se encuentre montado el clavijero. Por ello, también se conocen con los nombres de llave curva y llave recta, según el perfil.

Llave transportada:

También llamada

clave fingida

. Es la clave que se cambia para realizar el transporte de una melodía a otra tonalidad distinta.

Lleno: Registro del gran órgano clásico. Denominación genérica de una serie de registros de órgano. Constituyen una batería de timbres brillantes y homogéneos, llamados fonds en los órganos franceses.

Llorado: Canción folclórica, natural de las llanuras de Venezuela. Normalmente se suele acompañar con instrumentos de cuerdas (guitarra, requinto, etc.) Es una expresión musical, esencialmente romántica y sentimental, muy popular entre los llaneros de la región del Orinoco, Guárico y Vichada.

Lloro: Melodía lenta, con letra doliente y plañidera, que se cantaba antiguamente con acompañamiento de laúd o guitarra. En Italia la llamaban dolere. El tema solía tratar historias de amor. El estilo llegó alcanzó bastante difusión en la península ibérica, especialmente en Portugal y más tarde en Brasil.

Lloronas: Nombre que daba el gaucho argentino a una canciones tristes e improvisadas, que se interpretaban con guitarra. Se acompañaban con el sonido metálico de unas espuelas de rodaja estrellada, llamadas justamente lloronas o nazarenas. La pieza giratoria de una de esas espuelas, sacudida con el pie izquierdo, servía para marcar el ritmo del canto.

-M-

Ma: En italiano equivale a la conjunción adversativa "pero". Denotación musical que se emplea comúnmente en las indicaciones de ejecución para perfeccionar una idea o un concepto determinado. (Ej.: presto, ma non tanto=rápido, pero no tanto). En este caso, el sentido de la aclaración "ma non tanto" (sin exagerar) es un concepto que se sobrepone al anterior, mejorando la comprensión del mismo.

Maceta: Del latín vulgar (mattea). Diminutivo de maza. Pieza torneada en madera dura (ébano, almendro, azofaifo). Lo utiliza el flabioler con la mano derecha para percutir el parche del tamborí, mientras que con la otra, tañe el flabiol.

Macillo: Pieza de los instrumentos de tecla, con cuerdas pulsadas (clavicordios, espineta, etc.). Consiste en una regleta de madera, que lleva adosados un plectro y una almohadilla de fieltro grueso, que cumple la función de apagador. Es un elemento fundamental en este tipo de instrumentos, sin el cual sería imposible una ejecución perfecta. Al presionar cada tecla se eleva un macillo, mientras la púa o plectro, pulsa la cuerda correspondiente. Al soltar la tecla, el macillo recubierto de fieltro cae nuevamente sobre la cuerda, evitando resonancias que sólo enturbiarían la pureza del sonido en el desarrollo de la melodía.

Machete (cordófono):

Guitarra pequeña de origen portugués. Se emplea en la interpretación de la música popular. Consta de un sistema de cuatro órdenes de cuerdas.

Machete (idiófono): Existen varios instrumentos de este tipo en el folclore musical del Caribe. El más común consiste en un palo grueso de madera de unos 40 cm de largo, provisto de muescas, que se frota con la ayuda de una varilla, al estilo del raspador de bambú. Produce un sonido bajo constante, que sirve de acompañamiento en la ejecución de ciertos ritmos tradicionales, como el sucu-sucu jamaiquino o el son cubano. Existen otros modelos con este nombre, cuyo principio de producción melódica se basa en el sistema de varillas de metal percutidas. Las notas pueden variar según el tiempo de ataque e intensidad sonora.

Machicot:

Nombre que se daba en Francia a los

sochantres

(maestros cantores) de Notre Dame de París.

Machicotage: En francés (maestría del canto). Antiguamente, se llamaban así algunos pasajes del canto llano, donde los sochantres cantaban al unísono con el coro de niños. La perfecta combinación de voces de tenor y barítono con las voces blancas de los niños

Machicha: Voz del folclore afrobrasileño. (alegría de la danza). Es el nombre popular de un baile de Río de Janeiro. Tiene un ritmo alegre y sincopado. Podría tratarse de una adaptación local de la polca europea.

Machol: Flauta tradicional de los antiguos hebreos. También pueden aparecer escritas las traducciones magol o maghol. Es uno de los seis instrumentos sagrados, que cita el Pentateuco.
Maderas: Del latín (materia). Es un vocablo genérico que se usa en organología para definir a tres tipos distintos de instrumentos, comprendidos los de soplo directo y los de lengüetas (simple y doble):

1) Instrumentos de viento que antiguamente se fabricaban de madera, aunque en la actualidad sean de otros materiales como el metal, la bakelita o la fibra plástica (flautas dulce y travesera).

2) Instrumentos de viento que en la actualidad siguen siendo tradicionalmente de madera (

fagotes, oboes, clarinetes

, etc.).

3) Instrumentos de metal basados en el principio de funcionamiento de los de madera (saxofones, en sus seis tesituras: sopranino, soprano, contralto, tenor, bajo y barítono).

Madrigal: Motivo lírico que se cantaba en forma de contrapunto. Estuvo en boga desde principios del siglo XV. Es un antecedente directo del concepto técnico y argumental de la ópera. En los madrigales del siglo XVIII, ya se apreciaba la relación de los ritmos musicales con la expresión fonética de la poesía, combinación que dio lugar al estilo llamado belcantismo. Con sus experiencias innovadoras sobre el estilo recitativo y el aria lírica, el compositor italiano Claudio Monteverdi (1567-1643) inició la evolución del madrigal hacia la ópera formal. El lautista y compositor italiano Carlo Gesualdo, príncipe de Venosa (1560-1613) perfeccionó el madrigal incorporándole un expresivo cromatismo. Son célebres sus Sacrae Cantiones para cinco voces.

Madrigal italiano: Esta forma surgió de manera casual en el siglo XVI, como resultado de la búsqueda de un motivo (madrigale) más elaborado que el strambotto y la frottola, dos formas musicales corrientes en Italia durante aquel periodo. Aunque su estilo poético se basa esencialmente en el verso libre (rime libere) podía contener elementos de carácter fijo, como el soneto, y también una serie de versos, en la que se sucedían endecasílabos y heptasílabos. La inspiración nació al amparo del célebre mecenas cardenal Pietro Bembo (1470-1547) convirtiéndose de inmediato en una versión profana del motete. Bembo, que admiraba la excelsitud literaria expuesta en los madrigales del poeta Francesco Petrarca (1304-1374), procuró brindarle al madrigal italiano un fondo de imágenes tan ricas en sentimientos como las del maestro de Arezzo. Por su condición elitista, basada en gran parte en los movimientos poéticos de la época, también se le llamó musica reservata. Aunque al principio el madrigal italiano se fue aproximando a un estilo parecido al manierismo, con el tiempo fue adquiriendo una mayor variedad temática, sobresaliendo especialmente en aspectos como el humor y la sátira.

Madrigalismo: Recurso estilístico y de composición que se manifiesta con el madrigal tardío (fines del siglo XVI y principios del XVII). La condición más sobresaliente en esta forma lírica es el carácter descriptivo de la composición musical con respecto al sentido de las escenas u otros elementos que componen el contexto argumental. En la composición de las óperas de Monteverdi se aprecia la influencia de este recurso, dotado de un intenso cromatismo, profundos silencios y escalas ascendentes. Entre los más destacados precursores del madrigalismo pueden citarse al maestro de capilla de la Escuela Veneciana, Constanzo Porta (c.1529-1561), a Luca Marenzio (1533/54-1599) y al notable polifonista Luzzascho Luzzaschi (1545-1607). El ya citado compositor Carlo Gesualdo, logró darle al género su más alto grado de expresividad musical. Además de sus madrigales a cinco voces, es autor de una composición titulada "Dolcissima mia vita", donde pone en juego toda una serie de recursos estilísticos realmente novedosos para su época. Luca Marenzio escribió más de doscientos madrigales dotados de un profundo sentido rítmico y una colección de música religiosa que aún se interpreta en nuestros días. Fue uno de los creadores del madrigal renacentista.

Maea: Instrumento musical primitivo de la Isla de Pascua. Consiste en un juego de piedras sonoras de forma redonda. Con ellas, los nativos lograban emitir una serie de sonidos rítmicos que servían para acompañar sus danzas y cantos tradicionales.

Maestoso:

Indicación de

tempo.

Señala que la música debe fluir con cierta lentitud y majestuosidad.

Maestro/a:

Denominación honorífica que se emplea en la actualidad para nombrar a los intérpretes

solistas

, especialmente a los

concertinos

y los directores de orquesta.

Maestro concertador: En los ensayos del canto lírico se llama así al músico experto en todas las partes vocales de una obra. Su función específica consiste en acompañar con el piano los ensayos o repasos de cada uno de los cantantes, coordinando el conjunto de las voces.

Maestro de capilla:

Del francés (

maître de chapelle

). Director de un grupo instrumental o vocal perteneciente a una entidad religiosa (capilla, monasterio, iglesia o catedral).

Maestro de danza: En los bailes folclóricos de España e Hispanoamérica es el cantante o bastonero que da las órdenes coreográficas guiando a las parejas en sus diversas evoluciones.

Maestro/a de ópera: Título o cargo del músico profesional que acompaña al piano a los principales protagonistas de las óperas. Se trata de una función que requiere sensibilidad melódica, experiencia en el acompañamiento de la parte vocal y un gran dominio de todas las posibilidades instrumentales.

Maestro al cembalo:

Título con el que se designaba en el siglo XVII a los directores de orquesta, debido a que realizaban su labor sentados frente al clavecín o címbalo.

Magadis: Arpa antigua originaria de Asiria. Aún existen ejemplares modernos copiados por tradición de los primitivos instrumentos del siglo VI a.C. El poeta lírico griego Anacreonte (559-478 a.C.) la llamó magadis lidia, atribuyendo su procedencia a ese antiguo reino de Asia menor. Los ejemplares actuales tienen veinte cuerdas. Fue un instrumento conocido en Chipre, Creta y otras islas del mar Egeo, donde alcanzó una gran difusión. En épocas pretéritas pasó a Egipto y Nubia, cuyos habitantes la copiaron y reprodujeron bajo distintas formas con el nombre de bachanne o baganne.

Maggio Musicale Fiorentino: Sociedad italiana de conciertos. Son recordadas sus representaciones de óperas en el Teatro Verdi de Florencia. Posee coro y orquesta sinfónica.

Maghul: Cordófono antiguo de la cultura hebrea. Es una variedad de laúd de ocho cuerdas. También puede aparecer escrito machul. Aunque proceden del mismo origen, el maghul no debe confundirse con el machol o maghol, que es un instrumento de viento. Magnificat: Música religiosa inspirada en un pasaje del Evangelio de San Lucas. El título surge del primer verso de un canto evangélico inspirado en las palabras de la Virgen María narrando a su prima Isabel el episodio de la Anunciación: "Magnificat anima mea Dominum.." (Alaba mi alma al Señor). Es una variedad de canto litúrgico que se suele entonar con el aire de una salmodia, pero con el agregado de numerosos ornamentos vocales. Los más bellos ejemplos de esta forma musical, que se llevan a cabo al finalizar las vísperas, proceden de la obra del gran músico y contrapuntista italiano Lorenzo Gibelli, maestro de capilla de la catedral de Bolonia y profesor del renombrado "Liceo Musicale" de aquella ciudad, cuyas composiciones aún se cantan en las iglesias de Italia.

Mahori: Orquesta original de Tailandia (Siam), cuya característica más destacada consiste en la ejecución de piezas folclóricas muy dulces y de sonidos suaves. En la actualidad, el estilo de la orquesta mahori se halla difundido en una vasta región del sur y sureste asiático (Camboya, Birmania, Bangla Desh, India, etc.). Estos grupos sólo actúan en sitios cerrados, como pequeñas salas o salones especialmente destinados a ese efecto. La orquesta tradicional mahori suele estar integrada por 21 instrumentos:

-3 kluis (flautas con la embocadura en bisel)
-2 ta'khays (especie de campanas)
-4 ranats (resonadores de timbres metálicos)
-1 chapi (instrumento de cuerdas pulsadas)
-2 sav-samsai (instrumentos de arco)
-2 sav-tai (instrumentos de arco)
-2 khongs (conjuntos pequeños gongs)
-1 rumana (membranófono grande)
-1 thon (membranófono pequeño)
-2 yhanya o jhálra (címbalos o platillos de latón)
-1 va-lekt-yot (especie de crótalos o castañuelas)

Mainit: Idiófono tradicional del antiguo Egipto. Se tañe por pares, cogiendo cada instrumento con una mano y haciéndolo sonar rítmicamente. Básicamente consiste en un mango con dos largas tablillas de madera flexible, provistas de unos pequeños crótalos o platillos de bronce, afirmados en sus extremos, de tal forma que vibran al entrechocar. Ambos platillos, que antiguamente eran de marfil o ébano, están orientados hacia dentro y afinados a distinta altura, según el instrumento. El timbre puede variar notablemente de acuerdo con el material. Su forma y sonido aún subsisten en las manifestaciones del folclore musical egipcio.

Mainstream: Forma de interpretación del jazz tradicional, a la que también se conoció con el nombre de middle-jazz. Fue un estilo que alcanzó amplia difusión de la mano del compositor y director Flechter Henderson, cuya banda -perfecto exponente de la música afro-americana- llegó a ser una de las más conocidas y apreciadas por los amantes del jazz en la década de 1920. La banda de Henderson, que realizó grabaciones con numerosos sellos discográficos de la época, comenzó a adquirir una gran difusión hacia 1924, con las actuaciones del trompetista Louis Armstrong. A esa época, que se extendió hasta la década de 1940, se la llamó la era del swing.

Maitines: Música religiosa. Del latín (matutinum), es la primera hora del oficio religioso. Acostumbraba realizarse antes del alba. Muy reducido en la actualidad, su punto musical constaba de partes salmodiadas por un cantante solista. Los maitines culminan con la entonación de un himno de acción de gracias y el Te-Deum, inspirado en el drama litúrgico medieval.
Makilak: Bastón corto de madera que se emplea en la percusión del idiófono tradicional vascuence, llamado txalaparta. Este antiguo instrumento folclórico, consiste en un conjunto de tablones de madera dura, dispuestos sobre un soporte, y cuatro bastones que se golpean con dichos palos. Normalmente se ejecuta entre dos participantes provistos con dos bastones, uno en cada mano. El ritmo de la percusión, medido y constante, constituye la música de fondo para una serie de danzas populares del país vasco.

Malagueña: Modalidad del cante flamenco. Se desarrolla en coplas de cuatro versos octosílabos, al estilo popular de Andalucía. También se llama así a la composición musical escrita para acompañar estos cantos. En las islas Canarias existe una melodía, típica del archipiélago, que lleva este nombre, sin que tenga relación con la forma peninsular.

Malagueña canaria: Danza popular en el archipiélago, con aire de minueto y evidente influjo peninsular. Tiene algo del estilo de Huelva, aunque por sus formas coreográficas, puede considerarse una variedad particular de estas islas. En el transcurso de la danza un solo bailarín hace el juego de pasos y mudanzas frente a un grupo de varias mujeres, que responden con los giros y meneos, típicos de la malagueña peninsular. Se suele acompañar con el timple, instrumento de cuerdas típico canario.

Mambo: Ritmo cubano difundido hacia 1940 en el panorama musical de la isla como una explosión de sonidos y movimientos. Parece ser una forma musical evolutiva que surge a partir del antiguo danzón cubano. Se atribuye la configuración definitiva de sus características rítmicas a los compositores Israel y Orestes López. Después de 1950, el mambo alcanzó una gran popularidad en todo el mundo a través de las actuaciones del músico y director de orquesta José Pérez Prado.

Mancando: Vocablo musical en italiano. Indica el paso a un tempo más suave y lento. La voz proviene del infinitivo (mancare=fallar o faltar el ímpetu). Se refiere a la necesidad de ir disminuyendo la velocidad en la interpretación de una melodía cantada o ejecutada con instrumentos.

Mandola: Instrumento de cuerdas pulsadas, perteneciente a la serie de los laúdes de mango corto. Se sabe que su origen es árabe, que ya existía en la baja Edad Media y que llegó a Europa a fines del siglo XV, o principios del XVI. En algunos países se lo conoce con los nombres de mandora o quinterna. La caja tiene forma de pera, con la base redonda, el mástil dotado de siete trastes o resaltos de metal y un bello clavijero curvo, tallado en madera noble. Este instrumento está adaptado para cuatro grupos de cuerdas afinadas por quintas, de allí su apelativo de quinterna, aunque existe una variante con seis cuerdas dobles. Afinación tradicional de la mandola de cuatro cuerdas, de aguda a grave: (mi-si-misi).

Mandoletta: También llamada lira mandola, era un instrumento primitivo, derivado del pentacordio de los griegos, provisto de cuerdas de tripa, cuya caja o bastidor se fabricaba con madera de olivo. Lo usaban en el siglo XIV los cantores populares del sur de Italia (Catania, Tarento, Reggio di Calabria, Basilicata, etc.).

Mandolín: Nombre vulgar que se da en Cuba y otras islas del Caribe al bandolín, un pequeño cordófono de madera, parecido a la bandola, provisto de cuatro cuerdas de tripa. Mandolina común: Del italiano (mandolino). Es otro instrumento de la familia del laúd. Su tamaño es menor que aquel. Consta de cuatro cuerdas dobles que se afinan de la misma manera que el violín. La caja de resonancia es abombada y periforme, con el orificio redondo, ubicado en el centro de la tapa, como todos los de este tipo. Se tañe con plectro. Los juegos de cuerdas se sujetan por la base a un cordal de madera tallada. Afinación tradicional de la mandolina de cuatro cuerdas, de aguda a grave: (mi-la-re-sol).

Mandolina milanesa: Existen varias formas, con cinco o seis juegos de cuerdas y clavijero arqueado, como la mandola del siglo XV. Todas son originarias de esta ciudad del norte de Italia. Se pueden afinar de distintas maneras, de acuerdo con la voz o el conjunto al que deben acompañar. Esta variante de la mandolina común se suele afinar como el banjo y la vihuela de cuatro cuerdas, de aguda a grave: (mi-si-sol-re).

Mandolina napolitana: Instrumento cordófono dotado de un clavijero plano y doble encordado, afinado a la manera del violín. Su caja de resonancia periforme es convexa por abajo. Existen varios tipos de mandolas y mandolinas napolitanas, todas con características similares, pero con diferente timbre. Su modo de ejecución se lleva a cabo en trémolo, empleando un plectro. Se presta bien para las escenas románticas, en las que se interpretan serenatas. Aparece en algunas óperas como complemento musical en escena.

Mandolinista:

Músico popular que interpreta canciones folclóricas acompañándose con la mandolina. Suele integrar las tunas, serenatas y otros conjuntos callejeros.

Mandora:

Denominación corriente de la

mandola

o

guitarra morisca

, también llamada

quinterna

. Afinación de aguda a grave: (

mi-si-mi-si

).

Mango: Parte importante en la configuración de los instrumentos de cuerdas que se prolonga desde la caja de resonancia hasta el clavijero. Su función es sostener el sistema de encordado y permitir la obtención de las distintas notas. Su punto de adaptación a la caja se consigue mediante una pieza de acople y refuerzo, denominada talón. Existen diferentes formas de mango: el del violín es corto y se prolonga en el diapasón, el del banjo es muy angosto, el de la tiorba es largo y tiene doble clavijero, etc.

Manocordio: Denominación que se daba antiguamente al cordófono de teclado, también conocido con los nombres de clave, clavicordio y espineta. En realidad, todos son un mismo instrumento musical con ligeras variantes, tanto en lo que respecta a la disposición de la caja armónica, como por la fecha o el lugar de fabricación. El manocordio común tiene mayor extensión que la espineta. Las cuerdas, que son de filamento de latón o acero, se ponen en vibración mediante una plancha de metal colocada en posición vertical, sobre la parte final del listón de madera al que pertenece cada tecla. Los apagadores del manocordio, formados por piezas de fieltro, se accionan con el auxilio de un mecanismo que ahoga sensiblemente el sonido. De allí su sobrenombre de espineta sorda. También puede aparecer escrito manicordio o monacordio. Ambas formas están consignadas en el diccionario de la Real Academia Española.

Mano musical: Método mnemotécnico utilizado hasta el siglo XVI. Estaba basado en el cálculo de los sonidos del hexacordo, utilizando las falanges de la mano extendida. Fue un procedimiento que se usaba desde la Edad Media para memorizar la entonación de las diferentes notas dentro de la melodía. Para ello, el director de un coro o el maestro de música mostraba su mano izquierda, mientras que con el dedo índice de la otra iba señalando las distintas falanges donde se encontraban las notas que se debían cantar. También se le suele denominar "mano de Güido d'Arezzo", por creerse que fue el célebre teórico italiano quien creó este sistema. En la actualidad se practica una técnica de memorización similar, denominada fonomimia.

Ma non tropo: Complemento aclaratorio que se suele agregar a continuación de una indicación de tempo con el objeto de señalar que debe existir una atenuación respecto a dicha indicación. Quiere decir "pero no mucho".

Mansions: Denominación inglesa del decorado escénico. Es un término de la ópera británica (siglo XVII) que equivale a localización, ambientación. Las mansions se ubicaban sobre estrados en diferentes niveles que sustituyeron a las antiguas carrozas engalanadas. En la creación de estos decorados intervenían tanto arquitectos como pintores y compositores que procuraban hallar la mejor incidencia para el sonido de la orquesta y la visión escénica más adecuada a la vista del público.

Manual: Del latín (manualis). Término común que sirve para nombrar a cualquiera de los teclados del órgano que se ejecutan con las manos. Puede haber hasta tres niveles de teclados que están ubicados en la consola o sistema de mandos y sirven para accionar los juegos de tubos principal, superior y positivo de cadeneta. El término manual o manuales se emplea para diferenciarlos del teclado pedalero, que se acciona con ambos pies y permite regular la altura de los grandes tubos bajos, ubicados en la torre de pedales. En las partituras para órgano y clavicordio suele aparecer la indicación abreviada (M).

Manualiter:

Vocablo procedente del barroco italiano. Se refiere a la técnica de ejecución del pequeño órgano manual, que carece de pedales.

Maquerule: Aire musical y danza pantomímica–típica en el occidente de Colombia- de carácter jocoso y muy movido, parecido a la jota chocoana. Cada estrofa se canta con un estribillo inspirado en antiguas consejas populares. El término es una corrupción fonética del nombre Mac Duller, personaje tradicional de Andagoya, cuyas desventuras inspiraron la letra original.

Máquina de Fleming: Sistema mecánico que se puede adaptar al marco o bastidor del bombo tradicional. Permite estabilizarlo sobre una base en forma vertical y tañerlo con el auxilio de un pedal. Así equipado, es un instrumento imprescindible en la moderna batería de percusión.

Maraca: Instrumento idiófono común a varias culturas de América del Sur y el Caribe. Se desconoce la verdadera etimología de esta palabra. Hallándose raíces similares entre los aborígenes caribes, araucanos y guaraníes. Por lo que se deduce que el origen del nombre podría ser onomatopéyico. Básicamente equivale a la sonaja, de la que existen varios tipos, entre los que cabe señalar el sitro (sonaja de Isis) y la cabaza o sonajero africano.

Maraca caribeña: Sonaja de calabaza. Es uno de los instrumentos más antiguos de la familia de los idiófonos. Muy popular como elemento rítmico en cultura musical del Caribe. La maraca pertenece a la organología tradicional de la cumbia, junto con la gaita indígena, la tambora y la caña de millo.

Maracutanga: Ritmo de tambores procedente de Haití. Durante la primera mitad del siglo XX tuvo también especial difusión en el noroeste del Brasil. (Manaus, Óbidos, Parintins, Itacoatiara, Belén do Pará). El sonoro nombre, que recuerda la leyenda de una flor mágica, hunde sus raíces ancestrales en las complejas tradiciones animistas de la raza africana, llevada al Caribe y América del Sur por los conquistadores. En el estado brasileño de Amazonas -donde adquirió un gran desarrollo- este ritmo, en particular, sirvió como base para incontables ejemplos del percusionismo moderno. En la actualidad existen varias piezas musicales y coreográficas que llevan ese nombre.

Marcato: En italiano (marcado). Indicación de ejecución que se utiliza para señalar que en un pasaje se debe destacar ciertas notas sobre las demás. En la música de ópera tiene un efecto descriptivo.

Marco (libreto de ópera): Es la primera parte del texto descriptivo que comprende un resumen del argumento. Equivale a la presentación del ambiente donde se desarrolla la escena y los personajes que forman parte de la historia narrada.

Marco (membranófonos). Pieza circular de los instrumentos de este tipo que sostiene el parche bien tenso, mediante un sistema de cuerdas en zigzag o tensores a rosca. Suelen ser de madera, pero también los hay de metal.

Marcha (instrumental): Pieza musical de ritmo marcial, destinada en principio a marcar el paso de las milicias o de un cortejo real. El tiempo de marcha, en compás binario, suele emplearse en la ópera de carácter heroico. Es popular la "Marcha de la Coronación", perteneciente a la ópera "El Profeta", de Giacomo Meyerbeer, estrenada en París, en 1849. El libreto del dramaturgo francés Eugene Scribe (1791-1861) describe con vigorosos movimientos orquestales a un abigarrado desfile de masas, sonidos bélicos y movimientos movimientos orquestales a un abigarrado desfile de masas, sonidos bélicos y movimientos 1687) la introdujo en el desarrollo coreográfico del ballet.

Marcha (vocal): Forma cantada, que se expresa con énfasis en el compás binario de las composiciones revolucionarias y patrióticas. Su acompañamiento se basa en el ritmo marcado de los instrumentos de percusión y la melodía polivalente de los de viento.

Marcha armónica: En música es una progresión de notas -una a continuación de otra- que forman una secuencia. Ocurre cuando dos o más fragmentos se enlazan sobre una fórmula de transición, que puede ser reiterada muchas veces a lo largo de una interpretación musical. Es una práctica corriente en el estudio de la modulación.

Marcha armónica modulante:

Se llama a sí a la figura en la que los intervalos se van adecuando de manera modulada a los diferentes grados de la escala.

Marcha armónica tonal:

Es cuando los intervalos se adaptan a la escala por tonos independientes, sin ningún tipo de modulación.

Marcha fúnebre:

Composición lenta y grave, creada para el acompañamiento de los desfiles en las exequias u otras ceremonias mortuorias.

Marche du printemps: Alegoría musical de carácter agrario, tradicional en los festivales del sur de Francia. Se acompaña con melodías populares, danzas, lluvias de flores y desfiles de carros alegóricos en honor de la antigua deidad romana Pales (Diva Palatua), diosa protectora de los pastores y sus rebaños. Su inspiración se nutre en las antiguas celebraciones populares posiblemente heredadas que se realizaban al llegar la primavera -llamadas Paliliasde la antigua cultura céltica. Hasta 1791 fue una fiesta exclusivamente masculina. A partir de aquella fecha y después de la Revolución Francesa se permitió el ingreso de las mujeres danzantes simbolizando la divinidad femenina.

Marchinha: En portugués (pequeña marcha). Es una composición en compás binario, de carácter alegre y sincopado, que fue muy popular en el Brasil. Reconocida durante muchas décadas como la música tradicional del carnaval carioca. Aunque su estilo, acelerado y con aire de marcha militar, se conoce desde fines del siglo XIX, la época más brillante se extendió desde la década de 1920 hasta 1960, llegando a ser entonces el motivo esencial en la inspiración de las canciones más populares del país. Entre sus grandes figuras puede citarse a Chiquinha Gonzaga, autora en 1899 de la marchinha inaugural del“Cordao Rosa de Ouro”, uno de los principales eventos del carnaval brasileño; y también a los afamados compositores Ary Barroso, Noel Rosa, Lamartine Babo y Mario Lago, que hicieron cantar al público en los cuatro días de la fiesta máxima, con vocalistas de la talla de Carmen Miranda, Silvio Caldas, Black-Out, Almirante, Dalva de Oliveira y Mario Reis, por citar sólo a algunos pocos artistas inolvidables. Hacia 1960, con la popularización de los desfiles de carnaval, comenzó el ocaso de la marchinha y la ascención del samba en el favor del público juvenil, pasando desde entonces la pequeña marcha, orgullo musical de antaño, a formar parte de un selecto grupo de nostálgicos, liderados por notables figuras en la historia de la música del Brasil como Caetano Veloso, Chico Buarque y Gal Costa.

Mariachi: También conocido como mariache, es el tipo de música tradicional que ha popularizado el sentimiento nacional de México en todo el mundo. La práctica de esta variedad melódica ha dejado composiciones perdurables que constituyen auténticas obras maestras del equilibrio armónico. Los ejemplos tradicionales del mariachi han sido comparados por la crítica especializada como verdaderos haikai melódicos con rasgos musicales típicos del folclore mejicano. Los músicos mariachi suelen acompañar las actuaciones de cantantes solistas en conciertos populares y serenatas. El conjunto instrumental propio de este tipo de orquesta está formado por: violines, arpa, trompetas, guitarras y guitarrones. Ocasionalmente, en orquestas fijas, aparece el contrabajo. En la zona de la costa del Golfo de México, se suelen ver también otros elementos populares, como la marimba caribeña, pero no es corriente. El repertorio usual de estos conjuntos está compuesto por melodías de la región azteca: corridos, rancheras, etc. En el estado de Jalisco se llama así a un baile típico, similar al fandango.

Marimba: Instrumento xilófono, tradicional en la música del Caribe. Su área de difusión comprende especialmente a las islas Antillas y se lo conoce desde el siglo XVII, siendo presumible su anterior procedencia africana. Consiste en una serie de tablillas de diferente medida y espesor que se instalan, con pernos holgados, sobre un bastidor rectangular y se baten con macillos o baquetas de madera. Bajo las tablillas se suelen colgar unas calabazas secas y ahuecadas o tubos de caña que cumplen la función de resonadores. El sonido de la marimba es mate y bien definido, muy adecuado para marcar los compases rítmicos. A la marimba pueden ejecutarla varios intérpretes, siendo hasta cinco a la vez los que intervienen en los modelos de mayor tamaño. En África central existe con este nombre una forma de tambor primitivo, de tronco hueco, con dos parches de piel de oveja y resonadores laterales de cañas. Entre las obras para marimba más relevantes del siglo XX pueden citarse los trabajos del compositor y organista italo-norteamericano Joseph Guttoveggio (Paul Creston), que exploró las posibilidades rítmicas del jazz en una de sus piezas más celebradas ("Concertino para marimba"). Otro autor destacados en esta materia fue Darius Milhaud ("Concierto para marimba y vibráfono”).

Marimba de chontas: Voz mestiza. Se usa para citar a una variedad de xilófono, provisto de resonadores de madera dura y calabaza, típico del folclore musical colombiano. Se suele emplear normalmente en la interpretación del currulao, una danza tradicional en la región litoral del Pacífico. Su uso está ligado a otros instrumentos comunes de aquella región, como la pareja de tambores cununos y los sonajeros guasás. Por su gama de sonidos dulces y melodiosos, este raro instrumento se adapta bien en el acompañamiento de los tonos de voz femenina, que acostumbran interpretar las coplas y estribillos del currulao.

Marimba mejicana: También conocida en Guatemala con el nombre de marimba de canutos de carrizo. En estos países se la considera como un instrumento nacional. Consta de treinta y tres tablillas finas y una cantidad similar de tubos atados con cuerda a un sencillo bastidor de 1,50 m, que sostiene el marco de tablillas. La pueden percutir hasta tres ejecutantes, que suelen emplear hasta tres o más baquetas cada uno, agrupadas por registros.

Marimbáfono: Marimba de concierto, utilizada por las grandes orquestas dedicadas al repertorio moderno como elemento de sonido puntual. Los primeros modelos -aparecidos hacia 1920- estaban montados sobre estructuras prefabricadas y provistos de tablillas de madera con resonadores tubulares de metal. Desde 1950 en adelante se fueron perfeccionando los teclados y las antiguas tablillas de madera se reemplazaron por láminas de fibra de vidrio (kelon), un elemento con buenas propiedades sonoras y mucho más resistente que la madera. Cada lámina suena en la nota justa que sirve para afinar su resonador tubular. Todo el mecanismo va conectado al teclado, que en algunos modelos grandes puede comprender hasta cinco octavas. El sonido procedente de estos instrumentos
-redondo y vibrante- permitió que fuera incluido en la plantilla orquestal, en muchas oportunidades como elemento solista. El compositor y director de orquesta francés Pierre Boulez brinda una importante aportación creativa a la música contemporánea, con la inclusión de instrumentos no tradicionales en las obras de concierto⁷¹. De esta serie puede citarse la composición “Pli selon Pli” (1960), donde la parte esencial de la percusión se sustenta en las sonoridades contrapuntísticas de un marimbáfono y un xilófono.

Marímbula: Curioso instrumento musical, que técnicamente es un idiófono, pero se basa en el principio de los cordófonos. Es una especie de cítara primitiva, de origen africano, más pequeña que la marimba, que utilizan los campesinos en Cuba. Consiste en una sencilla caja de madera, de forma oblonga, provista de una serie de varillas de acero de diferente largo, con las puntas aplanadas. Estas piezas móviles -que cumplen la función de resonadores- van sujetas a la caja por el centro, de tal forma que los extremos quedan libres y pueden ser pulsados con los dedos del ejecutante como si fueran cuerdas.

Mariona (danza): Antigua danza popular (siglos XVI–XIX). Era conocida en España y también en el sur de Italia. El baile de las campanillas, de Lombardía (Gallarate, Brianza) está inspirado en la mariona napolitana.

Mariona (melodía): Tañido de guitarras y bandolas que acompañaba la danza folclórica del mismo nombre. La mariona debe su nombre a una cantante popular napolitana del siglo XVIII.

⁷¹ La creación de Pierre Boulez comprende piezas de concierto para diversos instrumentos no tradicionales, entre los que destacan las combinaciones de vibráfonos, percusión cuatro, campanas tubulares, celestas, xilorimbas y marimbáfonos. Ese conjunto de sonidos poco usuales forma una acertada combinación con las sonoridades de otros instrumentos tradicionales, como la guitarra de concierto, el arpa, la flauta y el piano.

Marionne: En la región francesa de Aquitania (Midi-Pyrenées) era conocía un baile folclórico similar a la mariona italiana, que se acompañaba con unas plaquetas de madera cuyo sonido es parecido al de las castañuelas.

Marizápalos: Danza española antigua, en compás de tres por cuatro, que se solía acompañar con tonadillas. Existen referencias desde el siglo XVI en Galicia, Asturias, Extremadura, Castilla y León. Su melodía aparece citada como referencia en tratados de armonía y guitarra.

Martelé: En francés (martillado). Es una técnica de ejecución propia de los cordófonos de la familia del violín. Se refiere a unos toques de arco sobre las cuerdas, breves y bien separados.

Martellato:

Forma italiana. Se emplea particularmente en el ataque de las teclas del piano. En lo que respecta a los instrumentos de arco, es igual que la definición anterior.

Martillo (p/ cuerdas):

Pieza metálica en forma de llave o pequeño macillo, que se utiliza en las tareas de afinación de los cordófonos.

Martillo (p/ teclado): Cada uno de los artilugios de madera que entran en movimiento al accionar las teclas del piano. La parte superior de su cabeza -recubierta de fieltro con guarnición interna- golpea las cuerdas del instrumento haciéndolas vibrar.

Martinete (clavicordio):

Macillo de percusión mecánica. Es una pieza especial, con forma de palanca, que sirve para puntear las cuerdas de estos instrumentos.

Martinete (cante flamenco):

Pertenece al folclore regional de Andalucía. Su aire es melancólico y se vocaliza sin acompañamiento instrumental.

Marunga: Instrumento idiófono afrocubano, de la familia de las sonajas de metal. Está formado por dos conos de hojalata soldados por sus bases, formando un cuerpo hueco, al que se le agregan piedrecillas sonoras y un mango del mismo material de los conos. Los artesanos que fabrican estos primitivos instrumentos suelen decorarlos con delicados diseños y filigranas grabadas con punzón sobre el mismo metal. Se utiliza en el acompañamiento de los ritmos caribeños.

Maruvane: Especie de lira típica de la isla de Madagascar. Tiene forma redondeada y cuerdas fabricadas con fibra de bambú. Para modificar la altura de los sonidos y afinar el instrumento, se emplean unos pequeños puentes removibles de madera. Pertenece al folclore tradicional malgache.

Marzas: Cantos del mes de marzo. Es una variedad de canción popular de la región de Cantabria (Santander). Son coplas que cantan los jóvenes en rondas nocturnas. Es una forma musical con movimientos acompañados de cantos que duran hasta el amanecer, parecida por su coreografía a la alborada. Los cantantes y bailarines se llaman marzantes.

Mascarada: Espectáculo teatral antecesor de la ópera, originario de Venecia, que floreció en el siglo XVI y prolongó su popularidad hasta fines del XVIII. Fue común en el norte de Italia, especialmente en la región véneta donde nació, en algunos cantones de Suiza, en Francia y especialmente en Inglaterra, país donde alcanzó mayor difusión. Aunque en sus comienzos la mascarada era cantada a cappella, durante su desarrollo se le fueron incorporando progresivamente la música instrumental, la coreografía del baile y la declamación poética. Los motivos podían ser muy variados, tomando temas mitológicos, leyendas populares o tradiciones históricas. En varios idiomas se utiliza el término masque, denominación en inglés de un género similar.

Maschera: Forma de cantar propia de la Escuela Italiana, que utiliza las cavidades del rostro (máscara) para obtener mayor resonancia. La riqueza musical del idioma latino contribuye eficazmente a la divulgación de este método. El canto in maschera se diferencia de la Escuela Alemana en que no emplea las cavidades naturales de la cabeza y la garganta como caja de resonancia.

Masque: Variante inglesa de la mascarada italiana. Como género musical ligero, se acerca bastante al estilo de la dramatic opera. Se puede considerar otra variante de la ópera cómica, con características escénicas y argumentales propias: gran profusión de decorados, ricos vestuarios, fondos musicales con mucho ritmo, escenas de danzas, etc. Todas las formas dramático-musicales obedecen a un mismo patrón, con someras variantes que motivan las diversas denominaciones. La diferencia entre la mascarada inglesa y el drama musical es que la primera carece de monodia.

Mástil: En italiano (tastiera). Pieza de los instrumentos de cuerdas, en cuyo extremo se encuentra el clavijero. También se le llama mango. Existen mástiles fabricados con distintos materiales y en diversas formas o tamaños. Los diferentes diseños -adaptados a las más variadas técnicas de ejecución- pueden estar separados con trastes de metal o carecer de ellos. Los dos modelos de mástiles más corrientes son:

a) con trastes: (

guitarra, bandola, banjo, bandurria, bandolina

, etc.). b) sin trastes

: (violín, violonchelo, viola de gamba, viola de amor, contrabajo, laúd

, etc.).

En algunos ejemplares artesanales, la parte superpuesta de los mástiles suele tallarse en piezas seleccionadas de madera de palisandro o nogal, especialmente adecuadas para soportar la tensión de las cuerdas. Su cara superior, que recibe la denominación de batidor o sobrepunto, permite la inserción de la cejuela y los trastes. En los instrumentos de arco, como el violín, las violas o violonchelo también puede llevar también el nombre de diapasón.

Matachines: Danza española del siglo XVI, o anterior, cuya melodía se interpreta en compás de 3/4. Es una forma similar al estilo musical de la mascarada italiana, aunque la coreografía es más sencilla. Este curioso vocablo, que proviene del idioma árabe (matachihin=enmascarados), permite inferir que el origen primitivo de la danza podría estar en aquella cultura y ser mucho más antiguo. Con certeza se sabe que ya a mediados del siglo XVII empezó a difundirse en otros países de Europa, alcanzando bastante popularidad como danza alegre y vivaz en las festividades patronales de Portugal e Italia.

Mate: Calidad del sonido que resulta atemperado o falto de brillo. El efecto sonoro, común en los instrumentos de percusión, se pone de manifiesto en la música concreta. Un ejemplo de este tipo de sonidos amortiguados es el producido por las tabletas de madera del xilófono.

Matiz: Variación en la intensidad de un sonido, con el propósito de adaptarlo al carácter de una determinada frase musical. En el contexto melódico, los matices equivalen a los diferentes grados de sus notas. Los niveles de intensidad se suelen expresar mediante vocablos reguladores, configurados por abreviaturas en italiano. Ejemplos: “pp” (pianissimo), “ff” (fortissimo), “dim” (diminuendo), etc.

Matraca: Del árabe (mitraca=martillo). Idiófono golpeado que produce un sonido seco y repetido. Pequeño instrumento rítmico utilizado por las comparsas en carnaval y en otras fiestas populares. En algunas regiones de España e Hispanoamérica también se lo conoce con el nombre popular de carraca. Básicamente consiste en una pieza oblonga, de madera, a la que se acoplan unos pequeños martillos o batidores del mismo material.

Matraca portátil: Instrumento tradicional de carácter religioso y uso corriente en varias regiones de España. Es algo mayor que la matraca común. Sostenidas por un mango, se solían tañer en las calles durante los días de Semana Santa, especialmente en los oficios de Tinieblas.

Matraca de campanario: De mayor tamaño que las anteriores, se utilizaban en las iglesias hasta el siglo XIX. Eran de instalación fija y estaban compuestas por varios cuerpos de madera sustentadas por un fuerte bastidor. Algunas se accionaban mediante una manivela y otras, las más voluminosas, tenían un sistema de cuerdas y contrapesos como los carillones.

Máxima: Nota larga en la escritura proporcional de la Edad Media (siglos XIV y XV). Equivalía a la medida de dos o tres notas longas, debido a ello también solían darle el nombre de doble larga.

Mayas: Del latín (maius mensis), el mes de la diosa Maya en la antigua Roma. Serie de antiguos cantares tradicionales que se entonaban en el mes de mayo. La tradición folclórica está formada por una variedad de canciones típicas en varias regiones de España. El repositorio histórico de las festividades mayas contiene coplas, aires melódicos regionales y pasos de danza, que varían en cada región. Los cantantes y bailarines se llaman mayantes.

Maychaypuito: Accesorio de un instrumento musical indígena, relacionado con una antigua leyenda del altiplano boliviano. Los maychypuitos son unos recipientes de alfarería, especie de cántaros con dos orificios en los extremos, por donde se introducen las manos del tañedor de quena. El cuerpo hueco, realizado con sutiles paredes de barro cocido y templado al fuego, cumple la función de una vibrante caja de resonancia, logrando sonidos ricos en los tonos y medios tonos de la escala cromática, que sólo pueden oir el intérprete o la persona que se halle muy cerca. Antiguamente se creía que la quena únicamente permitía obtener sonidos dentro de la escala pentatónica. Con el tiempo se lograron ejemplares de fina artesanía que alcanzaban la escala diatónica de siete notas. En la actualidad algunos virtuosos logran sonoridades casi ilimitadas para un instrumento tan sencillo como la quena. La leyenda del maychaypuito cuenta que un sacerdote destinado en un alejado pueblo del altiplano de Bolivia se enamoró perdidamente de una bella mujer de la comarca, aunque por su condición de religioso católico, nunca pudo confesarle su amor imposible. Cuando aquella joven falleció, el cura desenterró su cadáver para extraerle un fémur, con el que se fabricó un aerófono de hueso, al estilo de las antiguas quenas indias. El sacerdote interpretaba con este curioso instrumento tristes melodías, llorando su amor perdido para siempre, y para que no se escuchara aquel lamento melodioso lo hacía dentro de un cántaro de barro, que desde entonces se llamó maychaypuito, el "oculta penas".

Mayor (membranófono): Tambor venezolano, también llamado arriero. Es uno de los instrumentos de percusión tradicionales de Venezuela. Se emplea en las orquestas de chimbangueles y pertenece al grupo de los tambores graves.

Mazo: Elemento con el que se golpea la membrana de los grandes instrumentos de percusión, como el bombo o el gran timbal. Está compuesto por un mango de madera dura, cuya cabeza redondeada se cubre con un fieltro. En algunos conjuntos instrumentales, como la batería, el movimiento del mazo se obtiene mediante un mecanismo accionado con un pedal.

Mazurca: Danza en compás ternario, originaria de Polonia. Creada a principios del siglo XVII, pronto se hizo frecuente en los salones de la aristocracia. Su nombre proviene de un término polaco, cuyo significado es "natural de la llanura de Masuria (Mazoviecka)" una región agrícola situada al sur de la ciudad de Varsovia. Durante el siglo XVIII llegó a ser popular en Alemania, y más tarde en Francia, Inglaterra y el resto de Europa. Frédéric Chopin (1810-1849) compuso una extensa serie de mazurcas, integrada por más de medio centenar de piezas inolvidables. Esta importante colección está configurada por tres tipos de mazurcas (kujaviak, mazur y oberek). Todas ellas aparecen marcadas por el estilo romántico y la personalidad introspectiva del autor. Caben destacar como obras claves de cada época y tipo de composición: ("Cinco mazurcas en si bemol mayor, la menor, fa menor, la bemol mayor y do mayor" Op. 7, publicadas en 1832; una variante condicionada: "Rondó alla mazurca en fa mayor", Op. 12, escrito y publicado en 1833; "Tres mazurcas en si mayor, fa menor y do sostenido menor" Op. 63, de 1847, y "Mazurca en la menor" sin número de obra- que llegó al público en 1851, después de la muerte del compositor.

Mbiké: Especie de violín autóctono, propio de la etnia toba, del norte de Argentina (Provincias de Chaco y Formosa). También se conoce con el nombre de nowiké. Se acostumbraba fabricarlo con una caja de resonancia de madera, de una sola pieza, con forma de cubo y el orificio de resonancia en la parte superior. Aún existen ejemplares que proceden del antiguo modelo. El mástil, sin clavijero, se emplea para sostener y tensar una sola cuerda, afinada a oído del ejecutante, mediante un pequeño perno de madera. El arco de frotación, construido con una vara de madera flexible, consta de una sola cuerda de crin de caballo tratada con resina. El puente móvil consiste en una pieza de madera acanalada en forma de "V" que se puede desplazar con el objeto de brindar mayor tensión a la única cuerda. Este instrumento servía antiguamente para acompañar las danzas rituales, las ceremonias religiosas y el canto de los coros aborígenes. Su descripción aparece en varios tratados especializados en el estudio de la música étnica indoamericana, donde se afirma que el uso de un cordófono similar ya era conocido en las misiones jesuíticas del Paraguay, durante los siglos XVII y XVIII. En la actualidad se siguen fabricando de forma muy rudimentaria con el cuerpo de hojalata y las dos cuerdas (arco e instrumento) de nailon.

Mbuat: Órgano de boca tradicional de Vietnam También se lo conoce y practica en Camboya. Es una forma simplificada -similar al khen de Laosque se usa en el acompañamiento de las danzas y cantos regionales. Sólo dispone de seis tubos sonoros, provistos de lengüetas de bambú. El conjunto va montado en forma de “V”, integrando dos grupos, uno con cuatro tubos y otro con dos. Esta modalidad de bocas sonoras divergentes se encuentra también en la región de Bangla Desh.
Media Caña: Danza folclórica argentina, derivada del Cielito. Se conoce su existencia desde 1816 en adelante. Su área de difusión comprende los territorios de Uruguay, Paraguay, Chile y el sur del Brasil (Río Grande do Sul, Curitiba, Paraná). La época de mayor popularidad de esta forma musical en tempo allegro, baile de cortejo y canto estrófico, coincide en la historia de la Confederación Argentina con el periodo más violento de la guerra civil entre federales y unitarios (1838-1844). Es entonces cuando la letra de esta danza adquiere el papel de elemento propagandístico para ambas facciones. La Media Caña, junto con el Pericón y el Cielito, forman parte del grupo de danzas populares que se bailan por parejas sueltas. En sus evoluciones, los danzantes realizan sus pasos de manera independiente, pero siempre manteniendo una relación coreográfica dentro del conjunto.

Mediante: Denominación específica del sonido equivalente al tercer grado de la escala diatónica. Permite determinar el modo. Ocasionalmente puede aparecer escrito con el nombre de nota medianta, pero esta forma es incorrecta, o por lo menos inusual. También se puede indicar con la cifra romana que corresponde al Nº 3 (III).

Media requinta: Tambor de Venezuela perteneciente a la banda u orquesta folclórica de chimbaguele. Junto con la primera y segunda requinta, forma parte de un conjunto de tres membranófonos de tamaño reducido, a los que se suele llamar "tambor hembra".

Megafonía: Del griego (megalós=grande y phoné=sonido). Técnica que se ocupa de los equipos e instalaciones dedicados a elevar el volumen de los sonidos. Genéricamente se emplea para designar al conjunto de aparatos electrónicos que se destinan al sistema acústico de los grandes espectáculos musicales (amplificadores, equipos generadores de energía, secuenciadores, sintetizadores, etc.).

Mehter: Música instrumental turca. Su estilo es practicado normalmente en las orquestas militares de los jenízaros. El equipo sonoro empleado en esta práctica musical otomana es variado. Los sonoros timbales (kös) son los elementos más destacados en la práctica del mehter. Otros instrumentos son el tambor mediano (def), un tambor más pequeño que pende del cuello (davul) y la flauta (ney).

Meistersinger: En alemán (maestros cantores). Músicos y poetas germanos que desde la Edad Media se agrupaban en corporaciones especializadas. Sus representantes más conspicuos eran siempre cantores populares, errantes en su mayoría, que contribuyeron al conocimiento y divulgación de la música y la poesía cantando de pueblo en pueblo. Las composiciones tenían un carácter alegórico y en algunos casos también místico o religioso, pero su estilo procedía siempre de un estrato social de origen burgués, que con el paso del tiempo dio lugar a un nuevo tipo de lírica, opuesta en cierta forma a las maneras propias de los trovadores cortesanos. Meistergesäng es un término alemán que se refiere al rico patrimonio musical, de carácter religioso o profano, típico de principios del Renacimiento. La colección está integrada por piezas vocales destinadas particularmente al canto monódico. Su estilo era casi siempre silábico. Fue una forma de composición tradicional entre los maestros cantores germánicos del siglo XV. Entre los grandes cultivadores del estilo puede citarse a Mitchell Behain (1416-1474), impulsor de la lírica alemana del siglo XV, y al célebre poeta, dramaturgo y cantante Hans Sachs (1494-1576), en cuya figura se inspiró Richard Wagner para crear el personaje principal de su ópera "Die Meistersinger von Nürnberg" (Los maestros cantores de Nuremberg).
Mejorana (cordófono): Instrumento criollo, tradicional en Centroamérica, especialmente en las repúblicas de Panamá y Costa Rica. Es similar a una guitarra de cinco cuerdas, pero con medidas algo más reducidas. Se suele ejecutar mediante rápidos y elaborados rasgueos en el acompañamiento de la danza homónima. También se emplea en otras variantes regionales (tonos, toques, puntos, torrentes, etc.). El mango resulta corto en proporción con la caja de resonancia, que se talla en una sola pieza de“amarillo”, un árbol de la región, muy apreciado por calidad de su madera. Los ejemplares corrientes suelen tener hasta cuatro trastes de cordel, insertados en la superficie frontal del diapasón. El orificio del sonido, ubicado en la parte superior de la tapa, es redondo y pequeño. Como carece de puente, el encordado se fija directamente en una pequeña pieza suplementaria -denominada portacuerdas- que va adherida a la parte frontal de la caja.

Mejorana (danza): Pertenece al folclore musical de Panamá. Es sinónimo de fiesta o diversión. Debe su título al cordófono del mismo nombre. También se suele acompañar con otros instrumentos tradicionales (guitarra, violín, caja y tambores de cuñas pujador y requinto.

Mélica: Estilo tradicional de la poesía grecolatina compuesta por partes recitadas, a las que se incorporaba la ejecución instrumental de diversas melodías y la interpretación de canciones populares. La parte musical -que podía ser coral o monódica- estaba compuesta por ejemplos de epitalamios, himnos o epinicios. El acompañamiento instrumental se realizaba mediante cordófonos sencillos como la cítara y la lira. Esta forma de representación escénica podría ser un antecedente primitivo de la ópera. Documentos relativos a la historia del teatro clásico, recopilados por el Istituto Nazionale del Dramma Antico de Siracusa, Italia, refieren este tipo de actuación escénica en los teatros griegos de Delfos, Argos, el de Herodes Ático en Atenas, y el romano de Corinto, durante siglos V a I a.C.

Melimelas: Canto bizantino. Modulación melismática, muy ornamentada, usual en la liturgia monofónica de la iglesia ortodoxa griega. Estuvo en uso, bajo diversas formas, durante el imperio de Bizancio (330-1453). La interpretación principal de este tipo de canto religioso estaba a cargo del coro (asmatika), en contrapunto con un cantante solista (psaltika), que vocalizaba las partes puntuales de la melodía.

Melisma (cante flamenco): Se llama de esta manera a un estilo de canción breve, que en su aspecto vocal podría estar emparentada con ciertas variantes estilísticas similares a la soleá (soledad), y también a las diversas formas de cante gitano que se realizan sin el acompañamiento de la guitarra (martinete, toná, debla, saeta, etc.)

Melisma (canto llano o gregoriano): Es la frase compuesta por un conjunto de notas cantadas con una sola vocal. Esta particularidad se da usualmente en los acompañamientos corales cuando la interpretación se hace a cappella como si fuera una melodía de fondo. Aunque esta técnica se utilizó como complemento en algunas óperas, su aplicación resulta más apropiada para el canto llano o gregoriano. El canto melismático es la forma opuesta al canto silábico. En el canto llano o gregoriano suele darse mejor la forma melismática, especialmente en las partes de las aleluyas, graduales y responsos.

Melodía: Del griego (mélos=música y odé=canto). Es la sucesión de sonidos que configura un concepto musical completo. También se llama melodía a la secuencia de ciertas notas musicales cuando destacan entre las demás por su riqueza expresiva. También se refiere a la suavidad y dulzura de la voz, o el sonido propio de un instrumento, para diferenciarlo del simple ruido. El compositor y tratadista francés Vincent d'Indy (1851-1931), dice en su "Curso de composición musical" que la melodía es "una sucesión de sonidos determinados, que se diferencian entre sí, por el tiempo, la intensidad y la entonación". D'Indy -profesor del Conservatorio de París y maestro, entre otros, de Darius Milhaud- fue un convencido creador de melodías inspiradas en el estilo wagneriano. Esa fuerza esencial de los sonidos, logró plasmarla en su ópera "Fervaal".

Melodía de base: En la ópera es una composición musical formada por una sucesión coordinada de sonidos cuyo carácter expresa un estado de ánimo concordante con los sentimientos expresados en el argumento. La ópera húngara "Harry Janos", de Zoltan Kodaly, está inspirada en el ritmo de varias melodías populares

Melodía del lenguaje: Se llama así al sonido eufónico que produce la perfecta dicción y la sucesión de los vocablos. En el canto de ópera esta propiedad tiene especial importancia. En este caso entran en juego no sólo la melodía sino también los ritmos de tiempo y de acento.

Melódica: Curioso instrumento con forma de clavicordio y registro de flauta. Estuvo en boga en Alemania durante el siglo XVIII. Se lo utilizaba en la ópera bufa para lograr efectos de sigilo o disimulo en los cuadros cómicos. Ya no se lo utiliza y los pocos instrumentos de este tipo que quedan, son verdaderas joyas que se hallan en los museos o en colecciones particulares.

Melodio:

Antiguo nombre del

armonio

.

Melodium de timbres: Mecanismo músico del siglo XIX. Consiste en un sistema de timbres que se aplica al piano con el objeto de obtener diferentes sonoridades. No tiene uso práctico en la actualidad.

Melodium orgel: Denominación que recibía el órgano eléctrico norteamericano en los tratados y descripciones procedentes de Alemania. El término dejó de tener vigencia con la aparición del órgano electrónico.

Melodore: Variedad de clarinete de registro alto, fabricado en madera y con el pabellón de metal. Por su sonido agudo, se utilizó en la ópera francesa a mediados del siglo XIX. En la actualidad sólo aparece esporádicamente como instrumento de efectos especiales.

Melodrama: Nombre con el que también se denomina a la ópera en Italia. También se lo conoce con el nombre de drama musical. La denominación original italiana es favellar in musica. Como variante, este vocablo designa al acompañamiento orquestal que sirve de fondo a un diálogo operístico. Dicha interpretación instrumental puede darse simultáneamente con las partes habladas, o intercalada en los periodos de silencio. Los puntales del melodrama son: trama, personaje y efecto. Un ejemplo clásico del típico melodramma itálico, lo tenemos en la ópera verista "Cavalleria rusticana" de Pietro Mascagni, que junto con el "Pagliacci" de Ruggiero Leoncavallo formaron un tandem ligado por vínculos sentimentales y de coherencia artística al gusto del público dieciochesco.

Melodramático: Relativo al melodrama. Efecto musical íntimamente relacionado con las expresiones corporales y faciales, que participa de las características del melodrama. Vista desde el aspecto de su composición dramática, la expresión melodramática está relacionada directamente con el sainete francés, la comedia musical inglesa, la opereta italiana y la zarzuela española.

Melófono: Es otro de los instrumentos musicales de museo, que aparecer esporádicamente en alguna representación lírica sólo como complemento de escena, o en la función de algún efecto especial. Su nombre significa "sonido musical" (del griego mélos= música y phoné=sonido) Este órgano, similar a la viella y la guitarra antigua, está compuesto por una suerte de acordeón provisto de doble fuelle. El aire se puede graduar mediante una serie de botones situados en el mango. El sonido es grave y sostenido. Es bastante antiguo, aunque existe una versión perfeccionada por el músico y luthier francés J. Lecrer, que llegó a destacar en la orquesta de la grand-opéra durante la segunda mitad del siglo XIX

Melofonórgano: Como el melófono de Lecrer, forma parte de la serie de instrumentos que tuvieron una destacada aunque efímera actuación en la música de ópera, especialmente durante siglo XIX. Esta versión, de la que existe un estupendo ejemplar en el Museo de la Música de Dreden, tiene dos series de lengüetas que funcionan libres y suenan de manera simultánea, afinadas a la cuarta y a la novena del tono.

Melografía:

Del griego (

mélos

=música y

graphé

=acción de escribir). Es un término, poco usual, que se refiere al conocimiento de la técnica y el arte de escribir o componer música.

Melógrafo/a: Sinónimo de compositor/a. El término aparece consignado por primera vez en latín, durante la baja Edad Media, como sinónimo de poeta lírico (melodus). El que escribe versos cantables dotados de suavidad y dulzura. Siendo melodes el que canta versos armoniosos. Era tradición que los más brillantes melógrafos procedían de“Melodunum”, antigua ciudad de Francia⁷².

Melomanía: Afición o apasionamiento muy marcado hacia cualquier tipo de expresión musical. Particularmente, se emplea para designar a los entusiastas de la música clásica y en especial de la ópera.

Melómano/a:

Se dice de la persona o el temperamento apasionado por la música.

Melopea (inspiración): Voz derivada del griego melopoia (melos=música y poieo=hacer). Literalmente: “crear música”. Es un término que hace referencia a la inspiración para componer piezas musicales.

Melopea (melodía): Segunda acepción, relacionada con el sentido de la primera. Declamación interpretada con el auxilio de notas musicales. Designa a la canción que se interpreta en forma improvisada y sin acompañamiento instrumental.

Melopeya:

Tiene el mismo significado que la palabra anterior. Ambas formas son aceptadas por la Academia Española.

Melopeya lenta: Actualmente, es un concepto descriptivo poco usual en la polifonía vocal. Antiguamente, se llamaba así al canto llano, cuyas características eufónicas se basaban en la acentuación prosódica de la rima. La técnica permitía alargar el canto con diversas modulaciones, tanto en la duración, como en la consonancia y la sucesión de las palabras.

⁷² Melun (Melodonum): Capital del antiguo departamento de Sena y Marne. Fundada en tiempos de los galos. En ella nació el maestro de las letras francesas Jacques Amyot (1513-1593).

Ese tipo de entonación litúrgica tuvo una aplicación particular en los salmos del estilo coral protestante.

Melos: Voz griega. Es un término derivado del sonido musical (musoea mele=el dulce canto de las musas). En la antigüedad clásica tenía el significado de melodía, canto, verso suave y melodioso. Su sentido es similar al de melopeya (melopoeiao=declamación realizada con el auxilio de notas musicales).

Membranófono: Instrumento musical de la familia de los de percusión, que utilizan el parche o membrana como elemento vibrante para producir el sonido. Dentro de esta clasificación general existen varias categorías:

1) Tambores percutidos
2) Tambores redoblantes
3) Tambores de mano
4) Timbales y bombos
Existen membranófonos provistos de uno o dos parches. Los tambores de un solo parche tienen la parte inferior abierta. Aquellos que poseen dos parches tienen uno superior, grueso, que se llama parche de redoble y otro inferior, más fino, denominado parche de bordones. El cuerpo de la mayoría de los membranófonos es cilíndrico (tambor militar, bombo, redoblante, provenzal), no obstante existen otras formas: semiesférica (timbal), troncocónica (bongós, congas) y semiplana (timbaletas, pandero).

Mensura:

En los instrumentos aerófonos de metal, es la relación existente entre el diámetro y la longitud del tubo. El coeficiente de la mesura permite determinar el timbre.

Mentonera: También llamada barbada. Es una pieza de madera de ébano o fibra plástica que se coloca sobre la parte inferior de tapa armónica del violín para que el ejecutante pueda apoyar el mentón. Fue introducida en 1820 por el violinista, compositor y director de orquesta alemán Luis Spohr. La mentonera suele utilizarse en combinación con la hombrera. Ambos adminículos -que se instalan en la caja del violín junto al cordalpermiten apretarlo firmemente entre el hombro y el mentón. De esta manera, el intérprete no necesita sostener su instrumento por el mango, logrando una mayor libertad de movimiento para realizar la digitación de las cuerdas.

Menuetto: Composición musical de compás ternario, adecuada para la ejecución de los instrumentos de cuerdas. Se interpreta en tempo moderato. Es una parte integrante del cuarteto, la sonata, la sinfonía, etc. El nombre puede aparecer escrito en su forma castellanizada (menueto). Un ejemplo brillante del gran juego expresivo en esta variedad musical es el "Menuetto" (Scherzo) de 1878, del compositor inglés Sir Edward Elgar (1857-1934). Creador brillante e imaginativo, Elgar fue uno de los grandes maestros del llamado "renacimiento musical británico". Compuso una importante obra instrumental y de cámara, para piano y órgano; sinfonías, oberturas, conciertos, obras para orquesta, corales sacras, ópera y ballet. El "Menuetto en Do Mayor", del maestro italiano Luigi Boccherini (1743-1805) introduce al oyente en la substancia medular del romanticismo. Influido por la esencia romántica de la música tradicional española, a la que dedicó muchas composiciones, Boccherini fue uno de los notables creadores de un estilo melódico en el que se aprecia el aire moderado del menuetto. Entre sus obras destacadas se cuentan más de cien quintetos -varios de ellos dedicados a la intervención virtuosa de la guitarra- veinte sinfonías, cuartetos para cuerdas, conciertos para violonchelo y la ópera "Clementina". Meo canon: Instrumento cordófono europeo, usual en el transcurso de los siglos XIV y XV. Se ejecutaba punteando las cuerdas con un plectro o púa de marfil. Su utilización estaba dedicada esencialmente a la música religiosa. Existían varios modelos de este instrumento, uno de ellos, parecido a la cítara, tenía una caja armónica de madera tallada, con forma oblonga y aplanada, con cinco cuerdas de tendón estiradas mediante un sistema de clavijas.

Merengazo : Voz popular [aumentativo de merengue]. Es una danza tradicional, perteneciente al folclore de Andalucía. Lo baila una sola mujer, con el acompañamiento melódico de diversos instrumentos musicales, típicos en el arte flamenco. Es una forma de danza femenina, individual, con profusión de figuras coreográficas, movimientos de manos y giros corporales. La música del merengazo, se desarrolla bajo la impronta del intenso movimiento y la marcación rítmica.

Merengue (dominicano): Género vocal-instrumental difundido en el área cultural del Caribe. Tiene el mismo origen étnico y las características musicales del son de Cuba, el porro de Colombia y el tamborito de Panamá. Es posible que esta forma sea descendiente de una antigua melodía criolla, llamada upa, formada por varias partes, una de las cuales se llamaba merengue. El estilo upa, paso a mediados del siglo XIX, a la isla de Puerto Rico y más tarde a Santo Domingo, donde adquirió su carácter actual. El merengue auténtico y tradicional ha sufrido variaciones procedentes de ritmos variados. En la actualidad, sólo subsiste en estado puro en las zonas rurales. La composición tradicional de sus partes melódicas también ha sufrido variaciones. El paseo fue desapareciendo con el tiempo. La extensión total de la composición es mayor. En lugar de 8 a 12 compases, en ocasiones llega a tener 32, o más. Algunos autores consideran que la versión dominicana del merengue surgió como una tonada patriótica, movida por el júbilo popular tras la victoria de Talanquera, célebre batalla de la guerra de Separación.

Merengue (haitiano): . Se aprecia un cierta diferencia con el estilo anterior. La melodía del merengue haitiano se apoya esencialmente en los efectos de percusión (tambor, bongó, tumbadora, maracas), mientras que la letra aparece básicamente configurada por el efecto de contraste entre las estrofas breves y el estribillo, que se repite de manera constante.

Mesopicno: Nota intermedia del picnon. En la antigua Grecia, el picnon tenía por objeto determinar los sonidos de la lira y ajustarlos a la modulación del canto. Los rapsodas y cantantes lo dividían en tres tiempos muy breves, que equivalen a un sonido determinado. Esa serie era una forma de compás en el primitivo sistema enarmónico. En la actualidad sólo se trata de una referencia para el estudio de la música y sus orígenes.

Messa di voce: Habilidad propia del bel canto, que corresponde a la impostación. La práctica de esta técnica vocal exige un perfecto control de la emisión del aire, en la que el intérprete debe elevar o disminuir el volumen de los sonidos siguiendo con gran exactitud el orden de las notas indicadas en la partitura.

Metales: Nombre genérico de los instrumentos de viento fabricados con aleación de cobre o latón (trompa, trompeta, tuba, bombardino, clarín, bugle o fliscorno, trombón, helicón, etc.). Casi siempre tienen el tubo cónico niquelado o plateado. Normalmente se suele excluir de esta categoría a las flautas traveseras y los instrumentos metálicos de lengüeta, como los saxofones, que debido a ciertas características se encuadran dentro del grupo de las maderas.

Metales claros: Instrumentos de la serie de los metales, cuyo sonido es brillante y nítido (trompeta, cornetín, trombón). Los músicos franceses llaman cuivré (cobreño o encobrado) a este tipo de sonido.

Metales mate:

Son los que tienen un sonido apagado (

bombardino

) o intermedio (

corno

).

Metalófono: Nombre genérico que se suele dar a todos los instrumentos idiófonos compuestos por láminas o plaquetas vibrantes de metal. También llamado metalofón. El modelo corriente, afinado en fa-fa₃, es un instrumento de percusión bastante complejo, cuyo funcionamiento se lleva a cabo en forma manual mediante un juego de baquetas. Consiste en una batería de plaquetas de acero instaladas horizontalmente por grados sobre un bastidor rectangular y dispuestas en escalas que van desde el grave al agudo. Bajo este sistema lleva otro de tubos de resonancia verticales y un mecanismo de apagadores a pedal.

Método global (notación musical): Denominación utilizada para definir una técnica rudimentaria de memorización musical. Era una fórmula de asociación mnémica que se empleaba para poder recordar las composiciones de carácter litúrgico durante la baja Edad Media. Básicamente consistía en un esquema general de la pieza, aprendido de memoria, al que sólo se le podía intercalar un número limitado de variaciones. A cada una de esas fórmulas globales se le aplicaba un signo gráfico convencional para poder fijarlas o retenerlas mentalmente.

Métrica musical: Del griego (metron=medida). Concepto relativo a la medida de los compases musicales. Es un término compuesto -equivalente a rítmica- que se relaciona con la teoría de la medida de los versos. Su conocimiento se utiliza en la creación del ritmo musical. Para definir mejor esta idea, en música se suelen emplear los conceptos de cualidad métrica (duración de los sonidos) y cualidad rítmica (acentuación). El ritmo, en su condición de esencia motora de los sonidos musicales, es aplicable tanto a la ejecución instrumental, como a la danza, el canto o la declamación.

Metrónomo: Vocablo compuesto, derivado del griego (métron=medida y nómos=regla). Recibe este nombre un aparato destinado a marcar el compás y medir el tiempo de las composiciones musicales. El metrónomo moderno, llamado de Mälzel, por el apellido de su inventor, es un cronómetro pendular cuyo sonido se produce en una escala progresiva compuesta por diez tiempos distintos, que dan desde 40 hasta 208 golpes por minuto. La denominación de estos tiempos es la siguiente:
1º) lento; 2º) largo; 3º) larghetto; 4º) adagio; 5º) andante; 6º) moderato; 7º) allegretto; 8º) allegro; 9º) presto y 10º) prestísimo.

Mezclador: Sistema de grabación que posibilita la combinación ordenada de distintas señales de audio. Por su intermedio es posible controlar en forma independiente la posición estereofónica y el volumen de cada sonido

Mezmoum: Modo tradicional de la música árabe culta, cuya base es la nota mi. Su tono de lamento es un derivado de la antigua forma griega conocida con el nombre de modo lidio. Durante la Edad Media se empleaba como tercer modo en la práctica del canto llano. Tras la caída del reino de Granada a fines del siglo XV, pasó a integrar la cuádruple estructura interna de la música regional del Magreb completada por las formas ârap, djarka y edzeil. Su aire melancólico recuerda el tañer de un laúd y los atardeceres en los antiguos reinos árabes de Al Andalus, de allí su sobrenombre andalusí. Otros modos y formas musicales de origen étnico pueden resultar incluso más familiares al oído occidental, pero el mezmoun siempre será -por excelencia- el modo predominante entre las composiciones románticas del mundo árabe. El empleo de esta forma reapareció en España en el siglo XIX, especialmente en algunas expresiones del cante flamenco.

Mezza voce: Emisión de la voz a mediana potencia, con timbre dulce y suave. Se emplea en las escenas de amor. En algunas partituras de ópera, puede aparecer escrita como forma interpretativa la indicación: "a mezza voce" (a media voz). En la partitura se puede escribir la abreviatura "mv."

Mezzo:

Prefijo italiano cuyo significado musical indica un estado intermedio. Se utiliza en diferentes acepciones siempre con el mismo sentido.

Mezzoforte:

Denominación de la intensidad sonora de una melodía (

in crescendo

). Indica un aumento paulatino del sonido. Se escribe con la abreviatura

"mf."

.

Mezzopiano:

Es como la denominación anterior, pero a la inversa (

diminuendo

). La sonoridad debe salir relativamente suave. Se escribe con la abreviatura

"mp."

.

Mezzo recitativo: Estilo vocal entre el airoso y el recitativo. La emisión vocal debe acompañar el tono de la melodía debiendo el cantante poner en juego toda su experiencia en la emisión de las palabras, ajustándose con exactitud a la expresión prosódica. Se emplea especialmente en las escenas donde hay confidencias.

Mezzosoprano: Voz femenina media, con timbre suave y color variado. Suele adjudicarse a intérpretes de edad madura. Su escala abarca un promedio de dos octavas, desde el la grave al agudo. Es por lo tanto más baja que la de soprano, pero menos que la de contralto. Vemos un ejemplo acertado del empleo de esta voz en la magnífica ópera Otello, de Giusseppe Verdi. El personaje de Emilia, esposa de Iago y doncella de la desdichada Desdémona, representado por una mezzosoprano requiere una gran calidad interpretativa y una tonalidad especialmente dramática. Otro ejemplo clásico de esta cuerda tan bien adaptable a circunstancias extremas es Carmen, de la ópera homónima de Georges Bizet.

Mezzo staccato: Indicación de ejecución en italiano. Se usa para señalar que la ejecución de un pasaje musical debe ser ligeramente destacada del resto, aunque sin elevar demasiado el tono.

Mi:

Tercera nota de la escala diatónica. Nota

"E"

en la nomenclatura germánica y anglosajona.

Mi bemol: Nota mi que desciende un semitono cromático. Símbolo: b. En la terminología musical francesa tiene el mismo significado, variando sólo en la acentuación de la letra é (mi bémol). Equivalente de D flat en la manera inglesa y Des en la alemana.

Microintervalo: Es un concepto teórico, que se emplea para designar a un intervalo, cuya duración es aún más breve que la de un semitono de la escala cromática. El oído acostumbrado, puede distinguir intervalos de 1/3, 1/8 y hasta 1/5 de tono.

Middle-jazz: Otra de las denominaciones populares con las que se conoce al estilo clásico del jazz. Fue un periodo importante de la llamada "era del swing" en la que destacaron, entre una corte numerosa de grandes maestros del jazz, el clarinetista blanco Benny Goodman y la orquesta de Count Basie, con el saxofonista Lester Young.

MIDI: Sigla en inglés (Musical Instruments Digital Interface) Interfaz Digital para Instrumentos Musicales. Es un protocolo o estándar internacional que permite la comunicación informatizada entre los ordenadores y los instrumentos electrónicos que están especialmente concebidos para ello. Básicamente consiste en un circuito impreso (Tarjeta MIDI) que se instala en uno de los slots de expansión del ordenador, y el sistema de cables que conectan al ordenador con un instrumento como el teclado electrónico. Un grupo de sintetizadores pueden comunicarse entre sí en forma coordinada intercambiando información mediante el sistema de conectadores (MIDI in, MIDI out, MIDI thru).

MIDI files:

Archivos que permiten almacenar información musical en la memoria del ordenador (melodías, bajos continuos, compases, ritmos de percusión, etc.).

MIDI in:

Sistema de conexión electrónica que permite recibir información

MIDI

desde otro equipo.

MIDI mapper: Utilidad informática que permite realizar el proceso de identificación de teclas y la selección de los instrumentos que se utilizan en la composición o ejecución electrónica (mapping).

MIDI out:

Sistema de conexión electrónica que permite a un sintetizador enviar información

MIDI

, desde su propio módulo o archivo de sonido, hacia otro equipo.

MIDI thru: Sistema de conexión electrónica que permite duplicar la información MIDI recibida por un sintetizador y remitirla hacia otro equipo, conservándola en su módulo de memoria

Mi dièse:

Denominación del sonido

mi sostenido

en la terminología musical francesa. Equivalente de

E sharp

en la manera inglesa y

Eis

en la germana.

Mi doble bemol: Se llama así cuando el sonido de la nota mi baja dos semitonos cromáticos. La terminología musical inglesa utiliza la forma E double flat. En los países de lengua germana se escribe Eses.

Mi doble sostenido: Nota mi que sube dos semitonos. El símbolo musical del doble sostenido (##) equivale a un tono completo. La terminología germana utiliza el término Eisis. En francés se escribe mi double dièse y en inglés E double sharp.

Mi double dièse:

Nota

mi doble sostenido

en francés. Equivalente de

Eisis

en alemán y

E double sharp

en inglés.

Milonga: Baile tradicional del Río de la Plata. Cobró importancia como música típica en los suburbios de Montevideo, desde donde pasó a Buenos Aires. La letra -en versos octosílabos- se canta con el acompañamiento de guitarras. El nombre es de origen africano, no así la música y la letra, que a través del tiempo y especialmente durante la última década del siglo XIX, han recibido la influencia de diversos estilos musicales, llegando a confundirse en algunos aspectos con los primeros tiempos del tango.
Milonga campera: Tonada popular, inspirada en temas gauchescos. Forma parte del cancionero tradicional rioplatense, especialmente en las áreas rurales del Uruguay y la provincia de Buenos Aires, en la Argentina.

Milonga traspié: Forma bailable de pareja abrazada, en compás de 2/4, originaria de Argentina. Es una variante tradicionalmente relacionada con el tango canyengue, muy popular, tanto en Europa como en los Estados Unidos. Algunos pasos de esta danza recuerdan las formas cadenciosas del chamamé. Su estilo coreográfico también se conoce con el nombre de paso traspié.

Milonguero/a: Cantor de milongas camperas en ambas márgenes del Río de la Plata (Argentina, Uruguay). Vulgarmente se dice de quien gusta de asistir a los bailes marginales. En las zonas rurales se confunde esta voz con la de gauchos payadores, especie de trovadores populares que lucen el ingenio creador de la música criolla acompañando su canto con la guitarra. Es una costumbre que data del siglo XVIII, cuyo estilo ha subsistido a través del tiempo y se sigue cultivando al amparo de las asociaciones folclóricas y otros centros tradicionalistas.

Milvina: (Milvinae tibiae). Flauta de los antiguos romanos, dotada de un sonido muy agudo. Se fabricaba con el hueso de la pata del milano, de cuya raíz latina (milvus=milano) parece haber tomado el apelativo.

Mimby-etá: Instrumento aerófono típico del área cultural guaraní (regiones limítrofes de Paraguay, Brasil y Argentina). En algún tratado sobre la música típica de la región puede aparecer escrito mimby-heta. Es una forma autóctona de la conocida flauta de Pan, que sólo pueden tañer las mujeres de la etnia aborigen Mbyá. En su fabricación se emplean siete tubos de diferente extensión. Estos tubos o cañutos, llamados "mimbü", se fabrican con la caña "tacuapí", una variedad fina y de diámetro reducido, que además, es bastante lisa por dentro y por fuera. La particularidad de este instrumento -que lo hace único en el mundo- es que los tubos se pueden tañer por separado, configurando siete instrumentos independientes, afinados a distintas alturas. Para la interpretación de sus melodías tradicionales, las integrantes del conjunto se reparten alternativamente las cañas, entre dos o tres ejecutantes. Este rápido intercambio -realizado de manera frecuente y con gran habilidad- les permite seguir el ritmo y la armonía de la música guaraní, con bellas y originales combinaciones sonoras. Según algunos musicólogos, especializados en el folclore tradicional de América del Sur, este curioso instrumento múltiple sería anterior a la flauta de cañas atadas del altiplano andino.

Mímica: Pantomima. Si apreciamos que el arte dramático procede del gesto, veremos que la mímica o pantomima es una de las vertientes con mayor plasticidad en la expresión teatral. La filosofía del lenguaje corporal nos demuestra que el subjetivismo del gesto mímico es una forma de poesía. Por ella se transmiten las ideas sin mediar palabras, y se hacen comprender los estímulos y las sensaciones a través de los movimientos que afloran de los gestos faciales y la posición del cuerpo o las manos.

Mina: Tambor folclórico de Venezuela, con el sonido grave, similar al denominado bombo legüero, de otras regiones más meridionales de América del Sur. Existen distintos modelos de tambores con este nombre, con el que también se conoce en Colombia, Guayanas y el noroeste de Brasil. Los ejemplares corrientes son bimembranófonos y se tañen con palillos o baquetas de madera.
Minera: Variedad de canción folclórica. También llamada canto de las minas. Es típica de la provincia de Huelva (Minas del Amparo, Riotinto, etc.). Pertenece a la serie de cantos llamados "del levante español", como la cartagenera, y la taranta, procedentes respectivamente de Murcia y Almería. Todas estas expresiones corresponden al cante flamenco de Andalucía.

Mínima: Nota musical antigua. Pertenece al sistema de notación proporcional usado a fines de la Edad Media y durante el Renacimiento (siglos XIV-XVI). En la actualidad se denomina blanca. Su valor es equivalente a la mitad de una semibreve. Tiene forma romboidal, blanca o negra, cada una con un valor diferente. Cuando comenzó a emplearse la actual forma de escritura musical, el rombo adquirió una silueta más redondeada y las antiguas notas mínimas pasaron a llamarse directamente blanca y negra.

Minimalismo: Estilo influido por la filosofía oriental. La creación operística minimalista se caracteriza por la reiteración de los componentes rítmicos y armónicos. La ópera en tres actos "Nixon en China", del compositor estadounidense John Adams, la composición musical repetitiva de esta obra -prevista para una orquesta de sólo ocho intérpretesmuestra una perceptible influencia del movimiento folk americano. En el drama en tres actos "Akenatón", de Philip Glass, el minimalismo escénico y musical adquiere un valor preponderante. En la escenografía de esta ópera, que forma parte de una curiosa trilogía, la decoración es realmente mínima, la luz dirigida desempeña un papel importante, mientras que la melodía se transforma en una serie de sonidos duros e insinuantes que sugieren los sentimientos del faraón hereje en un descabellado viaje a través del tiempo. El movimiento minimalista nació en Norteamérica en la década de los años sesenta, como respuesta al estilo musical del serialismo.

Ministril: Denominación proveniente del francés antiguo (menestriel) y éste del adjetivo en latín (ministeriale=servicial). Se usaba en la Edad Media para designar a los músicos que estaban al servicio de los trovadores. Tenían la función de acompañar con sus instrumentos musicales la actuación vocal de los cantantes de corte. También se llamaba así, por extensión, al músico independiente que sabía tañer instrumentos de viento o de cuerda en los templos.

Minnesang: En alemán (canción de amor). Forma poética cantable, de origen cortesano y estilo caballeresco, natural de estados germánicos. Aparece durante la Edad Media y tiene amplia difusión entre los siglos XII y XIII.

Minnesinger: Caballeros poetas y juglares cortesanos que cultivaban el género culto denominado minnesang. En lo que atañe al estilo musical, romántico y alegórico, se sabe que el minnesang recibió una notable influencia de la lírica provenzal.

Minué: Danza galante de origen francés (menuet). Se interpreta en compás ternario, allegro o moderato. Apareció en el siglo XVIII como una pieza cortesana de pasos suaves y elegantes. Su coreografía consta de cuatro movimientos de pie, compuestos por dos compases de tres tiempos. De acuerdo con algunas investigaciones musicológicas, el minué sería una forma melódica procedente de la branle, antigua danza de Poitou, de la cual parece derivar también el vals. A fines del siglo XVIII formó parte de la suite, incorporando su forma instrumental a varios géneros entonces en boga (la sinfonía, el cuarteto, la sonata). Jean-Baptiste Lully (1632-1687), creador de grandiosas formas escénicas, incluyó a esta danza en varias de sus obras dramáticas ("Cadmus et Hermione", 1763; "Bellérophon" 1680; "Proserpine", 1682; "Persée", 1683, etc.). Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) lo introdujo como episodio esencial del cuarteto, experimentando con la fórmula del minué ya en sus primeras obras para piano ("Minueto y trío en sol mayor" K 1, 1761; "Minueto en fa mayor" K 2, 1762). Franz-Joseph Haydn (1732-1809), uno de los grandes maestros precursores de la música instrumental, incluyó el minueto sinfónico a la italiana en su "Raccolta di quattordici menuetti ballabili", (Colección de catorce minuetos bailables), escritos hacia 1784. Después de la Revolución Francesa la popularidad del minué fue decayendo. Jacques Offembach (1819-1880) lo exaltó en su ópera fantástica "Orpheus in der Unterwelt" (Orfeo en los infiernos), estrenada en 1858. En España e Italia tuvo amplia difusión y también se la conoce en Hispanoamérica, donde con ligeras variantes, pasó a ser una popular danza de salón ("Minué federal", Argentina, a mediados del siglo XIX).

Mirlitón: Nombre genérico que sirve para designar a una serie de membranófonos pertenecientes a la subfamilia de los membranófonos soplados. Los ejemplares etnográficos de esta rara forma -que comprende a una gran variedad de instrumentos populares- producen el sonido a través de la corriente de aire que pasa por unos tubos provistos de membranas y que vibran al paso del viento. Existen ejemplares folclóricos, con diferentes formas y materiales, pero basados en el mismo sistema para producir ruidos de tonalidades indefinidas. Estos instrumentos son originarios de culturas muy variadas. Algunos proceden de África occidental, mientras que otros pertenecen al acervo cultural de las islas del Caribe, de las Guayanas, o el Brasil.

Misa (cantable):

Parte vocal de la música religiosa que se practicaba durante la Edad Media. La forma típica se basa especialmente en el estilo del

canto llano

o

gregoriano

.

Misa (instrumental): Composición musical escrita sobre un esquema básico de cinco partes escogidas de la liturgia de la misa: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Benedictus, Agnus Dei. Las primeras composiciones de este estilo estaban formadas por piezas instrumentales, especialmente concebidas para acompañar el canto gregoriano. Posteriormente aparecen las misas escritas para la escenificación. El contrapunto comienza con las obras de Palestrina y otros grandes maestros de su tiempo. Dentro de esta variedad, Beethoven y Bach crearon composiciones orquestales plenas de virtuosismo. El "Magnificat" de Bach, escrito en 1723, tenía como objeto la representación dramática de la Natividad. En la configuración de esta obra maestra, María y José cantan bellas creaciones melódicas al niño Jesús, mientras un coro infantil, entonando el gloria, representa el arrullo de los ángeles. La obra vocal de Bach es rica en cantatas, misas y pasiones.

Misachico: Composición folclórica indoamericana, inspirada en la ceremonia de la misa. El nombre se refiere a un giro popular, en lengua castellana, pero escrito con la sintaxis quechua (pequeña misa). Muestra una evidente inspiración en la forma musical europea. La influencia directa procede del villancico y otras vertientes de la cultura tradicional en la región andina de América del Sur (provincias del noroeste de Argentina y parte de Bolivia). Intervienen instrumentos folclóricos como el erke, el charango, la quena y la caja chayera. El misachico, se interpreta durante las festividades patronales y suele acompañar con su ritmo melódico el transcurso de las procesiones religiosas.

Misa escénica: Denominación innovadora y no exenta de cierta ironía. Define a una forma vanguardista del drama lírico compuesta por fragmentos escénicos relacionados por la narración, el hilo conductor que hace las veces de argumento. Tiene afinidad con este estilo la ópera "Passaggio" (Pasaje), de Luciano Berio, con libreto del dramaturgo Eduardo Sanguinetti, estrenada en 1963 en la Piccola Scala de Milán. Dentro de su categoría, la obra de Berio es una de las más destacadas de los últimos años. Las composiciones musicales dotadas de resonancias alegres y joviales, contrastan violentamente con lo trágico de las historias narradas. Esa doble lectura, abierta a una interpretación subjetiva por parte del espectador, recuerda el concepto de la opera aperta del filósofo italiano Umberto Eco.

Misal:

Libro de cánticos religiosos propios de la misa. También llamado

"Antiphonarium missae"

, contiene los cánticos del

Gradual

y el

Kyrial

.

Mise en abîme: En francés: (puesta en profundidad). Definición compleja que representa el teatro dentro del teatro. En la ópera aparece como elemento argumental cuando los actores representan una o varias secuencias cuya conclusión es una versión breve o reducida de todo el argumento. Esta parte esencial en la comprensión de la obra, puede ser por ejemplo, una secuencia de ballet o un poema recitado como complemento lírico dentro del desarrollo de un acto.

Mise en scène:

En francés

(puesta en escena)

. Una de las funciones más delicadas y determinantes del éxito de una obra, tanto en la ópera, como en el cine o el teatro.

Miserere: Del latín (ten compasión). Forma genérica de ciertos cantos religiosos, compuestos sobre la forma del antiguo salmo penitencial que lleva ese mismo título. El nombre miserere fue tomado de la primera palabra del verso inicial (“Miserere mei Deus...).. Posiblemente, el más célebre en la historia de la música sea el "Miserere para nueve voces", un motete del compositor italiano Gregorio Allegri (1582-1652), que alcanzó un éxito notable en su tiempo y formaba parte del repertorio particular de la Capilla Sixtina. Una curiosa anécdota cuenta que habiéndose prohibido su copia bajo pena de excomunión, Mozart lo transcribió de memoria habiéndola escuchado una sola vez.

Mi sostenido: Nota mi precedida del respectivo signo de alteración (#), que asciende su valor en un semitono cromático. Corresponde a Eis en la manera germana y E sharp en la inglesa. En la terminología musical francesa se escribe mi dièse.

Misterio: Drama sacro-lírico medieval inspirado en el dogma de la Virgen María. Por sus características particulares constituye otro de los diversos antecedentes de la ópera actual. Los misterios eran composiciones dramáticas de carácter litúrgico, con canto coral, que se representaron en los atrios de las iglesias hasta finales del siglo XIV. Ya en tiempos del Renacimiento le fueron agregando el acompañamiento de una gran variedad de instrumentos musicales. Uno de los ejemplos más conocidos de este tipo de representación monódica y polifónica es el Misteri d'Elx (Misterio de Elche), que se lleva a cabo cada año bajo la cúpula de la Basílica de Santa María, de aquella ciudad alicantina, seguida de procesiones y cantos jubilares. La obra nutre su inspiración en el texto original de los "Evangelios Apócrifos" -escritos en la Edad Media- que describen los distintos pasos de la Asunción y Coronación de la Virgen. El libreto de la obra, que contiene 259 versos, escritos en su mayor parte en valenciano y latín, se basa en documentos del año 1523. La música de este drama mariano, escrita y compuesta por varios autores, pertenece a distintas épocas (Medioevo, Renacimiento y Barroco). Cuando a raíz del Concilio de Trento se prohibieron las representaciones teatrales en los recintos de las iglesias y catedrales, el Misteri d'Elx fue la única obra de este tipo que continuó brindándose al público, en virtud de una bula especial de 1632, otorgada por el Papa Urbano VIII.
Mitescens: Vocablo musical, de origen latino, que indica el efecto de suavizar, reducir o aplacar la sonoridad de la entonación. En los escritos antiguos referidos a las distintas formas del canto escénico, aparece esta palabra indicando que la voz del intérprete debe enternecerse, adoptando un aire de dulzura.

Mitesis : Del latín (coelum mitescere). Templar la voz, volverla dulce y suave. Es una forma anticuada, actualmente en desuso. Tiene le mismo significado que el vocablo anterior.

Mitología: En la ópera tuvo especial consideración a partir de las obras de Richard Wagner. La esencia de lo mítico como base del acto creativo nace junto con la épica tradicional y se conserva a través del tiempo recreado por la narrativa. El relato, inspirado en la vida arquetípica de los dioses y los héroes se consideraba simbólico en la antigüedad. Al ponerse de moda con la llegada del wagnerismo, la influencia de la mitología entra en el mundo particular de la ópera con las características de un género independiente. La inspiración surgida de la mitología griega surge ya en el siglo XVII, con el advenimiento de la ópera barroca italiana, donde se aprecian influencias de la "Metamorfosis", de Ovidio y otras tragedias clásicas, en las que aparecen historias impregnados de fuertes pasiones sobre héroes poderosos, actos de magia, transformaciones de dioses en animales u objetos, milagros sorprendentes, etc.

Mixis: Nombre griego de una de las teorías musicales más interesantes de la antigüedad. Su cometido era preparar al futuro músico en la técnica de combinar los sonidos y sus respectivos intervalos. También se ocupaba de la coordinación de los diferentes géneros musicales y la aplicación de los modos de acuerdo con el carácter de la composición.

Mixolidio (música griega): Palabra compuesta de origen heleno (medio lidio). También se usaban las denominaciones hyperdórico y syntonolydio. El término servía para indicar un tropo o parte breve cantada. En la música de la Grecia clásica, los tres tropos originales eran el dórico, el frigio y el lidio, colocados cada uno a la distancia de un tono. La altura del canto mixolidio estaba ubicada a medio tono del modo lidio. Estas y otras referencias sobre los principios esenciales de la música griega, se conocen por la obra del sabio de Alejandría, Claudio Tolomeo (siglo II d.C.)⁷³.

Mixolidio (música medieval): En la Edad Media se utilizó esta antigua denominación griega para aplicarla al cuarto modo del canto llano o gregoriano, circunstancia que algunos musicólogos consideran arbitraria. Así aparece en "Alia Musica", un manuscrito musical de autor anónimo redactado en el siglo IX. Con este sentido se cita en varios tratados y comentarios musicales de los siglos XIX y XX. El erudito musicólogo Glareanus (1488-1563) 74. lo representa con la siguiente sucesión de notas: sol-la-si-do-re-mi-fa-sol,

⁷³ "Harmonicas" Teoría de los sonidos empleados en la música griega. Volúmenes I, II y III. Edición crítica de Heilberg y Boll.

⁷⁴ Glareanus -Enricus Loriti o Loritus- (1488-1563): Humanista y teórico musical suizo, nacido en el cantón de Glaris, de donde proviene el sobrenombre. Escritor, poeta latino, historiador, matemático y editor, Glareanus fue profesor de bellas artes y letras en el Colegio de París y en la célebre Academia de Friburgo, de la que también fue fundador. Pese a la polémica que despertaron sus ideas, siempre fue considerado una de las grandes figuras de la intelectualidad renacentista. Entre sus tratados, dedicados a la teoría musical, figuran "Isagoge in musicam" (Basilea, 1516); "Dodecachordon", tratado en latín sobre la teoría musical occidental (Basilea, 1547 - Traducción moderna en inglés de Clement A. Miller) y "De Arte Musica" (Basilea, 1549).

En cuanto a su real utilidad, se refiere a él de la siguiente manera: “ Sequitur Mixolydius Princeps, sed qui principatus vetustate ac reverentia magis quam usu hominum in precio est...” 75.

Mixto:

Tono del canto llano o gregoriano que supera su escala más de una nota, tanto en los graves como en los agudos.

Mixtura: Nombre genérico de un grupo de juegos del gran órgano clásico, empleados particularmente en la interpretación de la música barroca. La función más importante de los juegos de mixtura es evitar una polifonía demasiado densa que llegue a enturbiar la claridad de los registros. Cada nota incumbe a varios juegos de tono relativamente agudo, responsables de las octavas y las quintas correspondientes al sonido fundamental. Algunos órganos completos también pueden reproducir las terceras. Los juegos de mixtura más importantes son: furnitura, cimbalo (tres tubos por nota) y pleno o lleno (plein jeu).

Mizmar: Variedad de flauta tradicional de madera, con lengüeta simple, procedente de la región cultural del Mashreq (Líbano, Siria, Jordania y Palestina). El sonido de este instrumento aerófono es dulce y melodioso como todos los de su tipo. Lo suelen utilizar los pastores para reunir sus animales. En la misma región existe un modelo de flauta muy parecido al que llaman miywiz.

Modalidad: Término musical derivado del francés (modalité). Se refiere específicamente al carácter del modo y el método utilizado para determinar su tono. Comenzó a emplearse a mediados del siglo XIX.

Moderato:

Indicación de

tempo.

Señala que el tiempo de ejecución de una melodía debe ser moderado y desarrollarse con cierta lentitud.

Modetta: Denominación antigua del motete. También solía usarse la manera latina "modecta". Aparece con ambas formas en la bibliografía musical correspondiente a los siglos XVI al XVIII.

Modo: Forma de organizar la secuencia de los sonidos en el contexto de una escala. Se diferencia de la tonalidad en la manera de intercalar los intervalos de semitonos. Los modos no son todos iguales, dado que existe una variedad de tono mayor y otra de tono menor, sirviendo ambas maneras a los respectivos papeles escenográficos del canto lírico. Cada modo tiene sus propias características y esas cualidades son aplicables a los distintos tipos de música. Modest Mussorgski (1839 1881) es uno de los ejemplos más descriptivos del nuevo estilo modal que se fue afirmando progresivamente en el movimiento musical europeo del siglo XIX. La ópera de Mussorgski "Boris Godunov", basada en una adaptación libre de Pushkin, y estrenada en Sant Petersburgo en 1874, representa una novedad dentro del arte recitativo, con una orquestación plena de coloridos, donde el autor ruso da nuevas formas a la profunda relación existente entre la melodía y la letra. En los países de habla inglesa, las letras mayúsculas y minúsculas se utilizan para indicar los modos mayor y menor, respectivamente. Por ejemplo: B flat=si bemol mayor y b flat=si bemol menor.

⁷⁵“Es un modo principal, aunque su preeminencia reside más en la reputación por la antigüedad que por su real empleo por parte del hombre” (Extracto del "Dodecachordon").

Modo ambrosiano: Eran ocho en total. También llamados modos auténticos, fueron instituidos en el siglo IV por el obispo milanés san Ambrosio. Estaban formados por dos grupos de cuatro tonos cada uno. Las distintas formas -inspiradas en el principio de las escalas no alteradas- fueron sufriendo ligeras variantes a través del tiempo.

1) Tono primero: (en modo de séptima: re-mi-fa-sol-la-si-do-re)
2) Tono segundo: (en modo de sexta: mi-fa-sol-la-si-do-re-mi).
3) Tono tercero: (en modo de segunda: fa-sol-la-si-do-re-mi-fa)
4) Tono cuarto: (en modo de cuarta: sol-la-si-do-re-mi-fa-sol).

El modo de segunda del tono tercero adoptaba una forma recitada, no melódica. El si variable, al estilo de ciertas escalas griegas se transformaban en un si bemol, dando lugar a las cuatro variantes tonales siguientes:

5) Primera variación de tono: (en modo de tercera menor:

re-mi-fa-solla-si bemol-do-re

) .

6) Segunda variación de tono: (en modo de segunda y forma no melódica:

mi-fa-sol-la-si bemol-do-re-mi

).

7) Tercera variación de tono: (también llamada

Modo mayor

:

fa-sol-lasi bemol-do-re-mi-fa

).

8) Cuarta variación de tono: (en modo de séptima:

sol-la-si bemol-dore-mi-fa-sol

).

A los modos ambrosianos se les dio la categoría de auténticos por comparación con los gregorianos, a los que se consideraba

plagales

.

Modo austero:

Del latín (

modus austerus

=áspero, severo). Denominación sustitutiva del tercer modo gregoriano, más conocido con el nombre antiguo de

modo frigio

.

Modo auténtico: Del latín (modus authenticus). Nombre primitivo de cada uno de los cuatro modos del canto llano o gregoriano. Esta calificación correspondía a los tonos primero, tercero, quinto y séptimo.

Modo común perfecto: En el canto llano o gregoriano se llama así cuando el modo auténtico alcanza el nivel de la cuarta inferior a la tónica, ya casi entrando en el ámbito sonoro del modo plagal. Algunas composiciones litúrgicas están escritas de este modo. El conocido drama musical del siglo XI "Victimae Paschali Laudes" -dedicado al día de Pascua- constituye un ejemplo de la aplicación del modo común imperfecto. La fórmula original fue tratada con acierto y elevación por grandes polifonistas del siglo XVI, como Giovanni Pierluigi da Palestrina, pudiendo advertirse la influencia del estilo en varias piezas breves para uso eclesiástico.

Modo dórico: También llamado modo dorio. Fórmula modal del canto llano o gregoriano. Se trata de una nomenclatura inspirada en el estilo vocal de la antigua Grecia, que fue propuesta en el siglo XVI por el erudito Glareanus en su obra ya citada "Dodecachordon". Junto con los modos auténticos de la misma serie, integra el grupo de modos eclesiásticos, denominados jonio, frigio, lidio, mixolidio y eolio. El modo dórico es el segundo en una secuencia de seis modos adaptados a la música polifónica, de la que el canto llano recibió una gran influencia. Durante la Edad Media se concreta bajo el nombre de modo dórico gregoriano. Sus notas son las siguientes: (re-mi-fa-sol-la-si-do-re). Entonado de esta forma, el canto litúrgico recibía también el nombre de "modus hilaris" (alegre, pleno de gozo) porque se utilizaba para manifestar actos de júbilo o alegría.

Modo eclesiástico: Nombre genérico de un conjunto de modos utilizados en la música religiosa. También llamado "tonos de iglesia". Corresponden a un estilo polifónico cuyas raíces surgen a principios de la Edad Media en el seno de las culturas griega y bizantina. Este antiguo sistema modal, en sus distintas variantes (jonio, dorio, frigio; lidio, mixolidio y eolio) fue cambiado en tiempos modernos por los modos denominados mayor y menor.

Modo eolio: Sexto modo del canto llano o gregoriano. Corresponde a la escala de modo menor usada en la actualidad. Es el último de la secuencia de seis modos indicados por Glareano en el siglo XVI. (la-si-do-re-mi-fa-sol-la).

Modo frigio: Tercer modo del canto llano o gregoriano. También recibía el nombre de modus austerus (modo austero) porque se empleaba para denotar una expresión severa del ánimo. (mi-fa-sol-la-si-do-re-mi).

Modo gregoriano: Escala o modo empleado en la interpretación del canto gregoriano. Inspirados en la teoría musical de los antiguos griegos, su número fue sufriendo distintas variaciones a través de las distintas épocas. No obstante, puede afirmarse que básicamente fueron ocho modos, divididos en dos grupos:

a) Modos auténticos: I Dórico
III Frigio
V Lidio
VII Mixolidio

b) Modos plagales: II Hipodórico
IV Hipofrigio
VI Hipolidio
VIII Hipomixolidio

VIII Hipomixolidio

604), los modos gregorianos estuvieron en su apogeo desde la Edad Media hasta el periodo del Renacimiento. A partir del Barroco los diversos modos gregorianos se fueron transformando paulatinamente en

escalas mayores

y

menores

. La característica esencial y común a todos los modos gregorianos era la dominante, una nota recurrente, sobre la cual se desarrollaba el patrón general de la melodía.

Modo griego: Es una de las formas de escala musical más antiguas. Estaba compuesta por dos tetracordios, uno superior y otro inferior. Fue empleada en el sistema heleno, donde comenzaba con la nota mi y posteriormente en el modo eclesiástico también llamado modo dorio de Glareano, o dórico gregoriano, que empezaba con la nota re.

Modo hipodórico: Se basa en el efecto expresivo. Originado en las formas líricas antigua Grecia, fue evolucionando a través del tiempo. Expresa majestad, resolución, grandiosidad. Es usual en la música de ópera. En algunos tratados es citado con el nombre de ethos hipodórico.

Modo imperfecto: Del latín (modus imperfectus). Forma de notación musical binaria de la Edad Media. Se llama así al canto gregoriano cuando en el modo perfecto la voz del cantante no alcanza a la octava de la tónica. En el modo plagal es cuando no alcanza la cuarta inferior. Las "Lamentaciones de Semana Santa" y las antífonas destinadas al canto de las "Horas canónicas" responden a una forma de modo imperfecto.

Modo jonio:

Primer modo del

canto llano

o

gregoriano

. Corresponde a la escala de

modo mayor

que se emplea en la actualidad. (

do-re-mi-fa-sol-la-si-do

).

Modo lidio: Cuarto modo del canto llano o gregoriano. Los antiguos lo llamaban "diabolus in musica", por las dificultades que ofrecía su ejecución. Su empleo en la composición polifónica se vio por este motivo un poco restringido. Su nota más expresiva es el si natural, que puede combinarse bien junto a otras notas, brindándole fuerza al conjunto sonoro de la escala (fa-sol-la-si-do-re-mi-fa). Este modo también aparece denominado con dos apelativos latinos curiosamente opuestos: "modus asper" (modo áspero, desagradable) y "modus jucundus" (modo alegre, festivo).

Modo mayor: Está formado por una escala cuya tercera nota se halla a una distancia de un par de tonos de la inicial. Se distingue especialmente por la claridad de su registro y por el sonido firme y envolvente. Expresa alegría, pujanza y revela un gran vigor. Se emplea en los cantos épicos, en las marchas o en las escenas de victoria. Suele aplicarse juntamente con el sonido grandioso de los instrumentos en escena como en la Marcha Triunfal de la ópera "Aída", de Giuseppe Verdi. Los instrumentos de metal, trompetas, pífanos y cornos, así como los redobles de tambores, acompañan admirablemente la voz de los cantantes en modo mayor.

Modo menor: Está formado por una escala cuya tercera nota se halla a la distancia de un tono y un semitono de la nota inicial. En la ópera se emplea para definir sensaciones de tristeza o melancolía a través del canto. Se suele aplicar en escenas de tranquilidad y silencio.

Modo mixolidio: Quinto modo del canto llano o gregoriano. (sol-la-si-do-re-mi-fa-sol). Expresa un sentimiento natural de fuerza y emoción. Requiere buena dicción, porque su tono representa una cierta majestad y altura suprema.

Modo mixto o irregular: También llamado "modo peregrino". Antiguamente se llamaba así a la reunión de varios modos diferentes en una misma composición. Se trata de un modo irregular que se utilizaba en Francia en el siglo IX. En el siglo X fue divulgada en Italia por los cantantes eclesiásticos romanos. Con el tiempo dejó de usarse. En el canto llano o gregoriano se dice que el modo es mixto cuando alcanza en más de un tono la extensión ordinaria. Ocurre así, que subiendo o bajando en la escala, el modo auténtico se llega a confundir con el modo plagal.

Modo perfecto: Del latín (modus perfectus). Forma de notación musical de la Edad Media de división ternaria, considerada entonces perfecta por su relación con la trilogía sagrada. Se llama así en la interpretación del canto llano o gregoriano cuando la voz del cantante, en el modo auténtico, alcanza a la octava de la tónica. En el modo plagal se dice que es perfecto cuando alcanza la cuarta inferior o la quinta superior.
Modo plagal: Denominación de cada una de las cuatro escalas, instituidas por el Papa San Gregorio Magno, que fueron intercaladas entre los modos ambrosianos. Esta forma se caracterizaba porque la dominante correspondía a la tercera, por debajo de la tónica.

Modo rítmico:

Antiguamente se llamaba así a las formas musicales compuestas por pasajes melódicos dotados de compases con ritmos bien marcados.

Modo pluscuamperfecto: En el modo auténtico del canto llano o gregoriano es cuando la voz puede alcanzar y exceder por lo menos en un tono a la octava. En el modo plagal corresponde a la voz que supera en un tono a la cuarta inferior.

Modulación: Es un término que en música se entiende como un cambio de tonalidad pasando por una progresión regular, aunque también puede significar una variación en el modo. Técnicamente se refiere al cambio ininterrumpido de una nota a otra, en el curso de una melodía. La modulación de los sonidos, que contribuye notablemente a la asimilación del estro musical, requiere la comprensión de las diferentes formas expresivas, entre ellas la voz humana. Desde ese punto de vista, en el canto lírico percibimos no sólo a los sonidos como elementos individuales y el sentido profundo del canto, sino también el significado abstracto o puntual de la frase melódica, que en este caso configuran un conjunto de ideas que permiten ampliar las formas descriptivas del lenguaje musical. Existen tres tipos esenciales de modulación: cromática, diatónica y enarmónica.

Modulación cromática: Tiene lugar cuando en un acorde se encuentra una nota del mismo grado que otra del último acorde de la tonalidad original. La separación entre ambas notas siempre es de un semitono cromático.

Modulación diatónica: Ocurre a través de una nota alterada -ajena a la tonalidad originalque no llega a formar un semitono cromático con ningún sonido del último acorde de la tonalidad original.

Modulación enarmónica: Se produce mediante un acorde de tránsito, donde una o más notas del mismo se modifican de manera enarmónica, transformándose en otro acorde con una tonalidad distinta.

Modulación extratonal: Se llama así a la forma de tonalidad moderna, también llamada “nueva tonalidad” esencialmente atribuida a la música contemporánea. La modulación extratonal ha cortado toda relación con el tonalismo tradicional. El musicólogo y compositor belga François A. Gevaert (1828-1908), estableció por primera vez los límites de este concepto y sus distintas variantes. La argumentación descriptiva se encuentra desarrollada en varios estudios puntuales, en una serie de obras destinadas a la enseñanza de la teoría musical y también en su célebre tratado sobre instrumentación 76.

Modulación gradual: Forma tradicional, también llamada “modulación indirecta o compuesta”. Ocurre cuando se pasa de una tonalidad primitiva a otra nueva, pasando por tonalidades intermedias.

⁷⁶ “Tratado General de Instrumentación”:1ª Edición, Gante, 1864.: “Traité de Composition”, Gante, 1868; “Cours Méthodique d’Orchestration”, París, 1890; “Traité d’Harmonie Théorique et Practique”, París, 1906. El texto, refundido con las obras citadas, fue editado en castellano en España, en 1957

Modulación inmediata: Forma moderna, también llamada “modulación directa o simple”. Ocurre cuando se pasa de una tonalidad primitiva a otra nueva, sin pasar previamente por tonalidades intermedias.

Modulación intratonal: Ejercicio de las formas de tonalidad contemporáneas. Sus normas aún permanecen en cierto modo indefinidas, debido a que no están totalmente desligadas de la tonalidad tradicional. Distintos autores intentaron coordinar una serie de conceptos fundamentales, destinados a definir el proceso de modulación, estableciendo las condiciones básicas de lo que dieron en llamar“nueva tonalidad”. Las principales características que permiten determinar la clasificación de las formas de modulación intratonal son: la sucesión de los acordes, el proceso modulante y su adaptación a las distintas formas de tonalidad.

Modulación melódica: Se llama a sí a la escritura de melodías con notas perfectamente relacionadas en la altura y el timbre. El conjunto eufónico, así creado, representa un lenguaje expresivo y rico en tonalidades.

Modulación pasajera (armonio): Fórmula cadencial o alteración que se desea interpretar en el armonio con una tonalidad determinada previamente y que en realidad, al ejecutar el instrumento, suena en otra distinta sin que haya ningún tipo de modulación expresamente aplicada en ese instante.

Modulación pasajera (órgano): Fuga de aire o defecto en el sistema de registros del gran órgano que emite una o varias notas extrañas a las escritas en la partitura y que no han sido ejecutada en el teclado.

Modus: Denominación que recibía en el siglo XVI la notación proporcional. Es la forma variable de acuerdo con la cual el valor de una nota podía dividirse en dos o tres partes (doble o triple). De acuerdo con su aplicación a las notas entonces llamadas longa, breve o semibreve, recibían los nombres en latín, derivados de la tradición musical grecorromana (modus, tempus, prolatio). El modus equivalía a la transformación de longas en breves; el tempus, a la de breves en semibreves y la prolatio (prolación) a la de semibreves en mínimas.

Molto pianissimo: (diminuendo). Indica abreviatura "ppp".

Denominación relacionada con la intensidad de una melodía un nivel de sonido extremadamente suave. Se escribe con la

Momento musical: Término empleado por los románticos alemanes para definir una forma de pieza lírica. La idea del vocablo sirve para cualquier tipo de composición. Franz Schubert utilizó esta idea por primera vez en 1828, al titular un grupo de piezas diversas con la simbólica denominación de “Seis momentos musicales” D 780 Op.94.

Monaulos: Flauta recta, de madera, utilizada por los antiguos griegos y egipcios. En la música de la Grecia clásica se conoce la existencia de tres clases de flautas: la flauta recta (monaulos); la flauta oblicua (photinx), y la flauta doble (arghul). El conocimiento de las diferentes formas y sus características musicales se debe tanto a las descripciones que de ellas hicieron los escritores griegos coetáneos, como a los ensayos e investigaciones de la musicología moderna.
Monacordio: Deformación del término manocordio. Es un instrumento de teclas, del tipo de la espineta.

Monocorde: Del griego (monochordon=una cuerda). Cualquier clase de instrumento musical que sólo dispone de una cuerda (lira monocorde, tubo o vara musical, cítara de vara, arcos musicales africanos, bumbass, etc.)

Monocordio: Instrumento musical de la familia de las cítaras. Tiene una caja armónica con mango, como los laúdes y clavijero de una sola cuerda. Existen dos versiones conocidas, una -la más antigua- tiene un pequeño travesaño, provisto de un orificio, donde se anuda la parte inferior de la cuerda, como ocurre con las guitarras. La otra forma tiene puente y lleva el extremo de la cuerda afinada a un botón de cordal, al estilo de los violines. Aunque la existencia de instrumentos monocordios se conocen en distintas culturas desde la antigüedad, los cordófonos con estas características, existentes en la actualidad, son de factura relativamente reciente. Desde un punto de vista técnico, sería el antecedente más antiguo del piano y otros instrumentos de teclado, como el clave y el clavicordio.

Monocordio de Pitágoras: Primitivo instrumento griego, provisto de una sola cuerda. Su carácter era experimental. Fue ideado por el filósofo y matemático Pitágoras en el siglo VI a. C. con el propósito de realizar mediciones comparativas respecto a los diferentes sonidos de una escala musical y su relación matemática.

Monochorius: En latín (un corifeo). En el antiguo teatro grecolatino se llamaba así al bailarín que danzaba solo y con el simple acompañamiento musical de una flauta monaulos. Se trataba de una forma primitiva de expresión corporal donde el intérprete debía suplir la ausencia de otros estímulos sensoriales con la armonía y el equilibrio de los movimientos. Algunos historiadores como Tirón⁷⁷ consideraban a esta forma de arte como la más excelsa entre todas las expresiones conjuntas del sonido y el movimiento corporal.

Monodia: Del latín (monodiae=canto solitario). Número interpretado por una sola voz. A veces con un acompañamiento instrumental simple, de percusión o cuerdas. Por su sencillez puede decirse que es lo contrario de la polifonía. En el siglo XVII, el compositor italiano Giulio Caccini la bautizó in armonía favellare.

Monodiarius: En el antiguo teatro musical romano, se llamaba así a una forma de cantante lírico especializado en canciones tristes, lamentos y secuencias dramatizadas, generalmente sin acompañamiento.

Monofonía: Método de grabación y reproducción sonora que emplea un solo canal, tanto de entrada como de salida. Es lo contrario de estereofonía. Fue la primera forma de registro sonoro. La carencia de relieve acústico en la monofonía se debe a la existencia de un único canal para registrar u oír los tonos agudos y graves.

Monólogo escénico: Actuación de una sola persona que habla o piensa en voz alta en el transcurso de una escena. También llamado soliloquio, aunque existe un matiz semántico que diferencia ambas acepciones. En la ópera es el pasaje o fragmento interpretado por un cantante solista. La estructura es libre, pero su texto debe estar relacionado de alguna manera con el desarrollo argumental del libreto. En la acción teatral ocurre cuando un solo actor recita o canta en escena. El monólogo se emplea para exponer los razonamientos de un personaje. Como técnica escénica pone en evidencia el aspecto psíquico del personaje mediante la relación directa entre el actor, que representa a un personaje ficticio, y el espectador, que es quien recibe la idea de sus pensamientos. La sutil disimilitud entre las características semánticas del soliloquio y el monólogo escénico se refiere a una cuestión de fondo, más que de forma. En el libreto de una pieza teatral o de una ópera, el soliloquio representa la circunstancia en la que alguno de los personajes habla solo, sin dirigirse a ningún interlocutor aunque otros actores se hallen presentes sobre el escenario. Usualmente, se utiliza el recurso del soliloquio para expresar el pensamiento íntimo, las pasiones o los sentimientos. El monólogo reviste una circunstancia especial, que se aplica en caso de necesidad, cuando resulta justificado que un personaje hable solo en la escena durante un largo tramo del texto argumental. Se trata de un recurso de interpretación, que requiere buena capacidad para la memorización y excelentes dotes declamatorias o dramáticas, difíciles de aplicar pero aptas para el lucimiento del actor. Las loas, populares durante los siglos XVI y XVII, constituyen verdaderos ejemplos de monólogos cuya difusión alcanzó también al género operístico naciente en aquella época. La presencia de estos factores determina la mayor o menor orientación de la representación escénica hacia el soliloquio o el monólogo.

⁷⁷ Marco Tulio Tirón (94 a.C.-5 d.C.). Polígrafo y gramático romano, amigo y discípulo de Cicerón. Creó una forma de escritura por signos, semejante a la taquigrafía moderna, conocida con el nombre de "Notae Tironis".

Montferrina: Danza tradicional italiana, típica de la región norte de Lombardía en la frontera con Suiza. Su desarrollo musical y coreográfico demuestra un alarde de movimientos y colores, típicos en el ambiente alpino. Existe otra expresión musical similar en Francia, la bourrée de Poitou. Otras composiciones musicales de la misma región, pertenecen al folclore helvético, como el ranz de las vacas o la germaine, una danza campesina de influencia alemana.

Montuno: Expresión musical de origen caribeño. Se trata de un estilo de coro de origen campesino, dotado de un gran sentido del ritmo y una profunda sensibilidad folclórica, inspirada en las tradiciones musicales de los pueblos indoamericanos. De allí su nombre, relacionado con la idea del monte o la selva virgen, plena de leyendas que nutren las letras de sus canciones. El fondo musical de ese tipo de composiciones suele estar formado por melodías tradicionales de Cuba, que se interpretan sobre una variada suerte de improvisaciones vocales e instrumentales realizadas en contrapunto.

Mordente: Adorno vocal que consiste en una doble apoyatura. También puede ser sencilla cuando la alternancia se produce entre una nota y su inmediata inferior en la escala. La voz, que proviene del italiano (mordere=morder) indica la existencia de un adorno compuesto por varias notas, usualmente entre dos y cuatro, que se ejecutan rápidamente antes de otras que siguen la línea melódica normal.

Morendo: Término italiano que significa "muriendo". Se utiliza para indicar la disminución gradual de un sonido hasta llegar a su total extinción. Este efecto puede ser vocal o instrumental. Se produce cuando el cantante o ejecutante va disminuyendo progresivamente el sonido y lo va retardando con el propósito de finalizar una melodía.

Moresca: Danza hispánica de los siglos XVI y XVII. Es posible que su origen arranque en el tiempo de la dominación árabe en España. Tiene pasos y movimientos que recuerdan el estilo de los bailes orientales. El aire musical de la moresca fue motivo de inspiración para varias obras sinfónicas.
Morteza: Conducto existente en la empuñadura del arco del violín y otros instrumentos de este tipo. Permite introducir uno de los extremos del haz de cerdas para asegurarlo a la cuña de sujeción.

Morratxa: Danza típica del Principado de Andorra. Es originaria de la villa de Sant Juliá del Lòria. Según la tradición popular, se baila durante la segunda jornada de la fiesta mayor del pueblo, en el mes de julio. Ese día los grupos de danzarines salen a la plaza, entre las sonoras descargas de los “escopetaires”. Dos hombres, ataviados a la usanza montañesa, simbolizan a los príncipes andorranos y seis mujeres, que representan a las seis parroquias del pequeño Estado, bailan tomados de la mano. El argumento de la danza es muy antiguo (siglo XIII) y la coreografía posee un aire señorial, con pasos llenos de gracia y delicadeza. La tradición, representada en sus distintos pasos, se remonta al tratado de paz realizado entre el conde de Foix y el obispo de Urgell, en tiempos del rey Pedro III de Aragón.

Mosso: En italiano (movido). Término musical que indica ejecución complementaria. Se aplica para modificar las características iniciales de un movimiento tornándolo más o menos acelerado. Su uso agrega una escala de matices a la idea del compositor (andantino mosso, andantino piu mosso, allegro mosso, etc.).

Motete: Estilo interpretativo rescatado por la ópera en forma de motivo secundario. Desde la alta Edad Media fue una composición de corta duración escrita para ser cantada durante los oficios religiosos. Walter Odington, un tratadista musical inglés del siglo XIII, lo describe a tres voces con el simple título de "Brevis Modus Cantilene". El estilo aparece ocasionalmente en el canto operístico como inspiración de composiciones de carácter sentimental. En la obra sacra de Orlando de Lasso (1532-1594) aparecen los motetes como un modelo predominante de la polifonía vocal. Inspirados en la poética de Giovanni Pierluiggi Palestrina, destacan "Heroum Soboles", escrito para el emperador Carlos V, y "Deliciae Phoebi", compuesto en honor del entonces obispo de Arras (Francia) D. Antonio Perenotto. Tomás Luis de Victoria, una de las glorias sobresalientes de la música española del siglo XVI, escribió notables composiciones en estilo de motete, a los que se considera de equivalente categoría y factura técnica con las mejores obras de Palestrina.

Motivo: Denominación genérica que recibe cualquier tema musical. También se llama así al tema que forma una unidad completa dentro del contexto de una obra mayor, compuesta por otros temas ligados entre sí, a través del desarrollo melódico. Dentro de una frase o un tema melódico, es el menor de los elementos analizables.

Motivo de fuga: Es el tema que da comienzo a la fuga y sobre el cual se apoya el resto de la composición vocal o instrumental. A esta parte, también se le suele llamar sujeto. La "Fuga Nº1" de la serie titulada "El clave bien temperado", de Johann Sebastian Bach, mantiene las notas melódicas que componen el motivo, sin producir alteraciones, durante todo el desarrollo de la obra. Esto requiere un gran dominio de la técnica de composición, para que la melodía no termine resultando monótona. La segunda parte o contestación al motivo de fuga acostumbra hacerse mediante la transposición de la melodía original al tono de cuarta o quinta superior o inferior.

Moto: Palabra de origen italiano. Proviene del latín (motus). Significa movimiento en su acepción relacionada con la dinámica. La indicación con moto expresa que un determinado pasaje debe tener un movimiento más acentuado que el normal.
Moto precedente: Indica que un pasaje musical, cuyo movimiento inicial ha sido transitoriamente modificado, debe retornar a su estado primitivo.

Moto primo:

Como el movimiento anterior. Se utiliza para indicar que el ejecutante debe retornar al movimiento indicado al principio.

Moto retto: Movimiento recto o directo. Señala que un determinado movimiento, escrito al comienzo de un pasaje musical, debe continuar sin alteraciones hasta el final de la obra. La indicación de movimiento determina el grado de ligereza o lentitud que debe seguir la ejecución de un compás. La abreviatura de movimiento recto [rett], escrita al principio, señala que esa condición será mantenida en forma constante.

Motus contrarius: En latín (modo contrario). Forma del canto medieval, conocido con el nombre de discantus. Se caracterizaba por el movimiento contrario de las voces, que al entonar la melodía, producen el efecto conocido con el nombre de diafonía (a través del sonido). En la Grecia clásica se tenía por tal a cualquier intervalo que produjera una disonancia. Esa causa era conocida por los teóricos antiguos como algo opuesto a la sinfonía. Ya en plena Edad Media, el vocablo pasó a ser sinónimo de discantus, es decir, la primera voz de la armonía. En el siglo XII empezó a cobrar forma este concepto, dando lugar a elaboradas creaciones dentro del canto llano. La forma abreviada se indica al principio [contr].

Motus obliquus: En latín (modo oblicuo). Característica del organum o canto litúrgico medieval. Hacia el siglo XI, se acostumbraba acompañar las voces del coro con una voz secundaria. Mientras ésta se sostenía firme en una nota, las demás efectuaban una serie de variaciones en las alturas, logrando el efecto denominado oblicuo [obliq].

Motus rectus: En latín (modo recto). Es el modo inverso del anterior. La voz secundaria debía ajustar su tonalidad en intervalos determinados (cuarta, quinta u octava) elaborando las modulaciones del canto dentro de los parámetros determinados.

Movimiento (composición musical): Denominación que recibe cada una de las partes que integran la sinfonía, la sonata, algunas formas de obertura, etc. El compositor francés, de origen italiano, Jean-Baptiste Lully (1632-1687) creó oberturas que constan de un solo movimiento, en el que coexisten tres formas de tiempo (lento-vivo-lento). La diferencia existente entre los distintos movimientos que componen una obra, está determinada especialmente por los contrastes. Por ejemplo, a fines del siglo XVII, Alessandro Scarlatti (1660-1725) configuró un modelo clásico de obertura, al que luego denominó sinfonía. Ésta se divide en tres movimientos bien definidos: una primera parte allego brillante, a continuación sigue un adagio, y finaliza con un presto vivace. Esta fórmula sinfónica, fue seguida en Italia por célebres compositores de la talla de Baldassare Galuppi (1706-1785), o Giovanni Paisiello (1740-1816), que marcaron el ritmo musical del movimiento durante el siglo XVIII. Galuppi, uno de los grandes maestros de la lírica italiana, compuso más de cien óperas y una cantidad considerable de piezas instrumentales. Paisiello, admirador de la línea melódica mozartiana, fue el autor -entre otro centenar de óperas- de una exitosa versión de "El barbero de Sevilla", anterior a la de Rossini. En todas estas obras resaltan los movimientos perfectamente definidos que caracterizan la época barroca.

Movimiento (dinámica): Se refiere específicamente a la velocidad de un compás musical. Cuando una obra está compuesta en un ritmo vivo, se dice que tiene mucho movimiento. Movimiento conjunto: En un compás melódico se llama así al avance del movimiento a través de una serie de notas consecutivas que van formando escalas moduladas por tonos y semitonos.

Movimiento disjunto:

Es la forma opuesta, donde el movimiento produce un salto superior al intervalo de segunda mayor o de tercera.

Movimiento paralelo: Se dice así cuando dos cantantes entonan la misma melodía en cuartas y quintas paralelas. Esa forma simultánea de cantar produce el movimiento paralelo de octavas en forma natural. La coincidencia de ese intervalo se da en la actividad lírica en general y particularmente en el campo de la ópera cuando la llamada voz organal o paralela dobla a la voz principal.

Muashash: Estilo melódico anterior al siglo IX originario de Oriente Medio (Kurdistán). Junto con los cantos nubas, han subsistido hasta la actualidad en Turquía y el norte de África. Algunas teorías vinculan a este tipo de música con el cante flamenco, por considerar que tienen una raíz común.

Muletilla: Forma antigua del estribillo popular, de carácter irónico o sarcástico, que se suele reiterar en la letra de la ópera bufa. La denominación proviene de las palabras o frases que se repiten con cierta frecuencia en una conversación normal.

Multifónico: Denominación genérica para algunos instrumentos de viento de la serie de las maderas que permiten -mediante una técnica de digitación adecuada-la emisión simultánea de dos notas e incluso un acorde (flauta travesera, pífano, flauta contralto, flauta de amor en la, etc.). Debido a las propias dificultades en ejecución de esta técnica, la afinación de estas notas y la claridad no siempre suelen ser las correctas.

Multitímbrico: Característica de algunos instrumentos musicales -especialmente electrónicos- que permiten producir diferentes timbres en forma simultánea. El dispositivo multitímbrico es un secuenciador que permite reproducir una composición musical con varios instrumentos y a través de distintos canales al mismo tiempo.

Muñeira: Danza típica de Galicia. (muñeira en gallego significa molinera). Su área de difusión comprende las provincias de Lugo, Orense, Pontevedra, La Coruña y el norte de Portugal (Minho, Douro, etc.). También se conoce a esta variedad musical para gaita con los apelativos regionales de "muñera", "muiñeira" y "muliñeira". Los instrumentos folclóricos que se emplean usualmente en el acompañamiento son la flauta o la gaita y el pandero. Es un género que también ha tenido amplia difusión en Asturias, donde forma parte del estilo folclórico típico en las aldeas cercanas al límite con la provincia de Lugo (Serranías de Bobia, Oscos, Rañadoiro, etc.). Dentro de los límites del principado se pueden identificar tres variedades de muñeiras, llamadas occidental, central y oriental. La forma central ("Muñeira del centru") es la más variada y evolucionada desde el punto de vista estrictamente musical, frente a las otras que mantienen un estilo tradicional. Otras versiones típicas son "Muñeira del gaiteru Lliberdón", "Muñeira de Bargamaz, "Muñeira d'Ancadeira", etc.

Muiñeira mariñana: Baile típico de La Coruña, Galicia. La melodía, en tiempo de rigodón y estimulada con frecuentes aturuxos (gritos de alegría), responde a un compás de 6/8, natural en este tipo de composiciones folclóricas. Tiene la misma procedencia que las muñeiras tradicionales en el resto de Galicia o Asturias. Y como en ellas, su origen remoto también puede hallarse en las antiguas danzas rituales celtíberas. Es curiosa la semejanza de la muiñeira mariñana con otras expresiones populares del mismo tipo, que proceden de la antigua Grecia y tuvieron amplia difusión durante la dominación romana, posiblemente llevadas a través de los extensos caminos de Europa, luego de la conquista de Galia e Iberia.

Murali (clarinete): Aerófono de Rajasthán (India). Es una variedad de clarinete doble, rústico pero dotado de una brillante sonoridad, que suele emplearse junto con la viela sârinda en el acompañamiento de danzas y canciones populares en aquel país asiático. El cuerpo de este singular instrumento de viento mide unos 70 cm de largo y consta de cuatro partes: 1) un tubo de entrada con pico para insuflar el aire. 2) un receptáculo de madera tallada con forma de barrilete, que contiene el aire y lo deriva a los tubos de salida. 3) un caramillo melódico, con lengüeta batiente de sección cuadrangular y provisto de siete orificios que se obturan con los dedos. 4) un tubo bordón, también con lengüeta batiente y tres orificios, que va unido al caramillo y sirve para dar la tónica. Los clarinetes murali de la región norteña de Ganganagar suelen mostrar curiosas decoraciones pintadas o pirograbadas. Existen formas similares, aunque de menor tamaño, en Bahawalpur y Khairpur (Pakistán).

Murali (flauta): Es un instrumento distinto del anterior, también de la India, al que se conoce con diversas denominaciones en el ámbito de la cultura musical surasiática (Bangla-Desh, Pakistán, Bután). Esta variedad consiste en una simple flauta travesera, de carácter religioso, conocida desde la antigüedad porque aparece en las figuras representativas del dios Krishna. Las flautas murali actuales son delicados productos de artesanía regional que respetan las características de los ejemplares primitivos, muchos de ellos hoy conservados en museos. Los artesanos indios suelen fabricarla con caña de bambú finamente elaborada. También pueden verse, aunque en forma ocasional, cinceladas en metales como la plata o el cobre. Su largo total no sobrepasa los 35 ó 40 cm Además de la embocadura, posee seis orificios de digitación que pueden llegar a producir las siguientes notas: la bemol₃, si bemol₃, do₄, re bemol₄, mi bemol₄ y fa₄.

Murcianas: Grupo de danzas y cantos pertenecientes al folclore regional de Murcia (cartagenera, fandango murciano, etc.) Entre los instrumentos tradicionales pueden citarse a la pandorga, una variedad de zambomba usual en la provincia y el timple, un pequeño cordófono, similar a la guitarra, provisto de cuatro cuerdas metálicas.

Murga: Conjunto de músicos instrumentistas y cantantes callejeros que suelen actuar durante la celebración del carnaval u otras festividades populares. Es una derivación fonética de musga, vulgarismo castellano por música.

Musa: Sinónimo universal de la inspiración. El concepto amplio y la condición múltiple de la ópera reúne en su acto creativo la mayor parte de las aptitudes atribuidas a las musas. En la mitología griega clásica eran nueve divinidades olímpicas, a las que se consideraba que estaban dotadas de facultades especiales para las artes, las letras y las ciencias. Sus nombres eran: Euterpe (la poesía lírica); Talía (la comedia); Polimnia (la música); Melpómene (la tragedia); Terpsícore (la danza); Erato (la poesía amorosa); Calíope (la epopeya); Clío (la historia) y Urania (la astronomía).

Musette (danza): Composición bailable francesa de los siglos XVII y XVIII, en ritmo binario. Solía acompañarse con un fondo de bajo ejecutado por el bordón de la gaita musette, de la cual deriva el nombre de la danza. Suele integrar la segunda parte de la gavota. En las danzas italianas aparece con la denominación "musetta".

Musette (gaita): Instrumento de fuelle conocido desde la alta Edad Media. Es originario de la región de Bretaña y por su aspecto resulta similar a la cornamusa irlandesa, aunque en lugar de tres bordones tiene sólo uno, replegado dentro de una caja oblonga. Algunos ejemplares poseen tubos de oboe. La musette tradicional carece de pico insuflador, empleando en su lugar un mecanismo de fuelle que cumple la misma función. En las bibliografías antiguas se la describe con el nombre de "symphonia".

Musette (órgano):

Registro de 8 pies del gran órgano clásico. Imita el sonido de la gaita del mismo nombre (octava real). Pertenece a la batería de tubos de lengüetas.

Música: Este vocablo es relativamente moderno que aparece a partir del siglo XV. No existe en las fuentes documentales de la antigüedad. En la Edad Media se empleaba con preferencia la voz son, que aún se podía leer en algunos escritos del siglo XVIII. En la actualidad sirve para indicar un tipo de composición de origen caribeño. Existe una gran variedad de definiciones para el significado del término música, de acuerdo con sus características formales (ritmo, armonía, altura, timbre, etc.) La materia básica de toda melodía es el sonido y su principio fundamental surge del ritmo. En consecuencia, música es la ordenación de los sonidos, dotándolos de significación.

Música abierta: Vocablo compuesto, proveniente de la terminología de vanguardia. Su sentido filosófico propone la concepción espontánea de la melodía, en el mismo momento de su interpretación y sin un plan determinado. Algunas óperas, de concepción posmoderna llegaron a utilizar este estilo combinándolo en forma anárquica con otras creaciones surgidas de la música electrónica. Su plan de interpretación no se atiene estrictamente a las notas u otras indicaciones escritas en el pentagrama, sino que se deja llevar por los sentimientos subjetivos del intérprete en el preciso instante de la ejecución. El término indica el sentido opuesto a las estructuras melódicas tradicionales -llamadas música cerrada- como la sinfonía o la sonata.

Música africana: Tierra de culturas tradicionales, y con una acendrada vocación musical, África ha mantenido a través de siglos, diferentes contactos entre sus mismas etnias, pero también con influencias llegadas de Europa, Oriente Medio, y el continente asiático. Uno de los elementos que constituyen la riqueza expresiva de la música africana, es la gran variedad de formas moduladas -principalmente en el acompañamiento de los aerófonos- y el equilibrio que estos conservan con el recurso básico de la percusión. En África, el diario acontecer de los pueblos autóctonos, gira en torno a los más variados estilos y tipos de música, diferentes en su esencia, aunque apropiados para cada fin e integrados en la vida diaria. Las actividades sociales y religiosas del pueblo africano, siempre están marcadas por una fuerte influencia rítmica y melódica, en la que destaca una gran diversidad de composiciones tradicionales, muchas de ellas de una antigüedad incalculable. Prácticamente cada uso, costumbre o formalidad, posee un ritmo propio, que puede presentar variantes en cada etnia. Los ritmos de percusión más usuales corresponden a las ceremonias de iniciación en la pubertad, los ritos funerarios, las bodas, compromisos entre familias, homenajes a jefes tribales, etc. En Benín, la compenetración con la música de percusión se llama vaudou (también woodoo o vudú) y su práctica está siempre ligada a la música de percusión. Los reyes fon, de Abomey, organizaron una monarquía centralizada que extendió su poder sobre una extensa región del África occidental. A partir del siglo XVII, los traficantes de esclavos, utilizaron el puerto de Ouidah, en Benin, como centro distribuidor de los convoyes de prisioneros. Aquel tráfico inhumano -principalmente hacia América- que era permitido y fomentado por la monarquía corrupta de Abomey, sufrió un duro revés cuando los británicos prohibieron el tráfico de esclavos a principios del siglo XIX. Sin embargo, aquel drenaje humano continuó durante bastante tiempo, aunque de manera clandestina, hacia Brasil y Cuba, países donde el mestizaje cultural fue absorbiendo paulatinamente las formas tradicionales de la música folclórica africana, quedando, desde entonces, fuertemente incorporadas en el sentido rítmico y melódico de los nativos.

Música aleatoria: (Del latín Alea = azar, casualidad) Se llama así a la melodía que surge de improviso al influjo de cualquier estímulo transitorio. Un acto espontáneo en el transcurso de un concierto o cualquier otra forma de interpretación colectiva, da lugar cuando el autor o el director orquestal permiten y en ciertos casos estimulan- este tipo de florituras. En cierto modo está relacionado con la música abierta. En las interpretaciones contemporáneas, esa libertad para efectuar improvisaciones sobre la marcha se llama aleatoria pura. Algunos compositores de la escuela contemporánea han empleado este antiguo recurso con el objeto de brindar mayor espontaneidad al espectáculo musical, aunque la mayoría de estas experiencias -como "Available forms" de Earle Brownresultaron totalmente intrascendentes. Brown, compositor norteamericano nacido en 1926, fue un conocido divulgador de la fórmula aleatoria. En buena parte de la obra de estos autores destacan curiosas variantes electrónicas, ejecutadas mediante una serie de instrumentos especialmente adaptados para lograr nuevas capacidades tímbricas. György Ligeti (1923) fue otro de los propulsores de la música aleatoria en su variante electrónica. Los títulos citables de esta serie del compositor húngaro son "Aventuras", "Articulación" y "Atmósferas". Es posible que la música de la primera ópera española "La selva sin amor", con letra de Lope de Vega, estrenada en el Palacio real de Madrid en 1629, habría sido aleatoria, puesto que se desconocen sus compases y su efecto era simplemente de fondo sonoro para el espectáculo.

Música algorítmica: Es la que se compone con el auxilio del cálculo matemático realizado con la asistencia de ordenadores multimedia, programas especiales creados para la composición algorítmica, sintetizadores, etc.. La calidad final depende mucho de la capacidad del sistema operativo y también del programa que se utilice para realizar este trabajo. Este método se utilizó por primera vez en el año 1957, en la composición de la "Suite Illac". Era una novedosa fórmula algorítmica experimental creada y desarrollada por el binomio músico-matemático Hiller-Isaacson, que contó posteriormente con la asistencia de la Universidad de Illinois. De esa cooperación nació el programa "Musicomp", uno de los más conocidos durante los años siguientes por la amplitud de posibilidades creativas. Entre las figuras más destacadas en el campo de la composición algorítmica con la ayuda de ordenadores puede citarse al músico, matemático y arquitecto francés, Iannis Xenakis (1922-2001). Su origen griego y la amplitud teórica de distintas profesiones combinadas en el procesamiento del sonido, le permitieron una amplitud de conceptos y una versatilidad técnica que oscilan entre la perfección estética del clasicismo y la pujante potencia de las tecnologías de vanguardia.

Música alta: Concepto musical, utilizado particularmente en Cataluña, entre siglos XVIII y XIX. Es una denominación ya en desuso. Se empleaba antiguamente al citar las composiciones para instrumentos de carácter marcial, brillantes y de gran sonoridad (trompas, trompetas, cornetas, clarines, tambores y timbales).
Música cifrada: Los intentos de comprender y retener la escritura musical, se conocen desde tiempos antiguos, particularmente, con las guitarras, latina y moresca, el laúd, o la domra arábiga, cuyos mástiles, divididos en trastes, se prestaban bien para ello. Ya en el siglo XIV, el uso de la música cifrada estaba extendido entre los intérpretes de instrumentos de cuerdas, como ocurre actualmente con los números indicativos, que sirven para señalar los diferentes puntos de digitación. Era un modo de indicar el lugar exacto donde el ejecutante debía presionar las cuerdas, para lograr la secuencia de sonidos esperada. Más tarde, la técnica se adaptó también a otros instrumentos.

Música celta: Del griego (keltoi). Los celtas formaban parte de un amplio complejo racial y cultural que alcanzó su desarrollo en Europa occidental hace más de 2000 años. Es imposible saber cómo era en realidad la música celta original. Lo que hoy se conoce con ese nombre es una concepción actual, inspirada en formas melódicas medievales y antiguas tradiciones folclóricas de la región. Sus melodías son suaves y relajantes, con predominio del acompañamiento de aerófonos y delicados arpegios. Entre sus instrumentos esenciales puede considerarse a los sonidos de la gaita, la zanfonia, el arpa celta, etc. Surgida en la década de 1970, de la mano de importantes músicos de la época que en poco tiempo alcanzaron una gran popularidad, esta corriente musical ha tenido un desarrollo más profundo y de mayor envergadura entre los pueblos europeos donde han predominado las tradiciones culturales célticas (Escocia, Gales, Irlanda, Galicia, Asturias, Bretaña, etc.). Otras escuelas y grupos de investigación musical han surgido también en los Estados Unidos, Australia y Argentina. En los últimos años del siglo XIX, la música celta ha logrado una gran expansión llegando a los medios de difusión con álbumes conceptuales y recopilaciones de consumo masivo.

Música clásica: Se empezó a llamar así, por oposición a la música romántica. Aunque se conocía desde muchos siglos antes, recién a fines del siglo XVIII y principios del XIX, comenzó a cobrar forma el concepto tradicional, que relaciona esta música con toda obra perfecta, escrita de acuerdo con las reglas establecidas de estilo y composición.

Música conceptual: Variante procedente del techno. Tratándose de un estilo musical, el nombre no parece tener relación con la doctrina filosófica del conceptualismo. Surge en la ciudad de Nueva York durante la década de 1970. Su campo de investigación sondea en las sonoridades del electro-techno-sampling.

Música concreta: Se llama así a las composiciones musicales cuyas fuentes sonoras provienen de distintos medios y que se llevan a la práctica con los métodos más diversos. De acuerdo con esta idea, la amplitud de ideas se extiende tanto como la imaginación del compositor, y también del intérprete, que en última instancia es quien modifica o crea sobre la marcha los motivos fundamentales de la música concreta. Uno de los teóricos de la música concreta es el francés Pierre Schaeffer, autor de una serie de tratados y ensayos sobre este género 78. De la obra de Schaeffer, realizada en colaboración con el músico Pierre Henry se destaca "Synphonie pour un homme seul" (Sinfonía para un hombre solo), creada en 1950. El sonido grabado, las estridencias electrónicas y cualquier otro producto sonoro no tradicional o de vanguardia, incluso los efectos acústicos provenientes de las fuentes más insospechadas, pueden ser elementos valiosos para la improvisación creativa de la música concreta. Destacaron en este campo: Olivier Messiaen, Pierre Boulez, con la incorporación del serialismo, André Odeir, con la nuevas formas del jazz, y Edgard Varèse, un compositor norteamericano de origen galo, que incorpora el ruido no temperado como un elemento descriptivo de la composición musical.

⁷⁸ Schaeffer, Pierre: a) "À la recherche de la musique concrète" 1952; b) "Traité des objets musicaux", 1966;. c) "La musique concrète", 1967.

Música contemporánea: En la actualidad (hablamos del siglo XX en adelante) ocurre una auténtica explosión de formas y estilos musicales que se suele englobar dentro de la llamada música contemporánea. En realidad no se trataría de un solo estilo, sino de la mezcla de una cantidad considerable de medios y formas, de una variedad casi infinita, de posibilidades. Ello permite un mejor conocimiento de las incidencias acústicas y sonoras en el campo de la experimentación musical (medios informáticos, equipos, ambiente, instrumentos, etc.). Los nuevos instrumentos asistidos por ordenador, el progreso en la grabación y reproducción los registros sonoros, la inmensa posibilidad de los medios audiovisuales, configuran un campo riquísimo de experiencias abiertas a la imaginación, donde las diferentes escuelas conviven y establecen nexos que terminan por crear nuevas formas e ideas. Mientras que la música clásica -culta y elaborada a través de siglos de lenta evolución hacia la perfección eufónica- la ruptura del tonalismo se abre en un abanico de posibilidades, casi impensable hasta hace pocas décadas. Abierta a toda una serie de caminos insólitos e insospechados, la música contemporánea intenta reflejar la realidad de una época signada por el progreso de la técnica y la confusión de los valores tradicionales. El primer hito importante en esta carrera está dado por la llamada "Segunda Escuela de Viena", integrada por Anton von Webern (1883-1945), Arnold Schömberg (1874-1951), Alban Berg (1885-1935) etc., que rompe con todas las formas tradiciones de componer música, creado el sistema dodecafónico, una nueva forma de ver y sentir las melodías a través de doce sonidos fundamentales y finalmente el atonalismo, con el uso indistinto de los sonidos cromáticos, que fue como un estallido de anarquía, el día y la noche en el mundo de la composición. El cambio de sentido musical generó los más encontrados sentimientos. Fue una senda plagada de oposiciones, discutida y negada con fervor por los tradicionalistas. Mientras tanto, la corriente de renovación surge cada vez más avasalladora. Oliver Messiaen (1908-1992) comienza con la investigación de los modos y ritmos hasta entonces desconocidos. Poco después, el italiano Luigi Nono (1924-1990) asombra al gran público con sus primeros ámbitos sonoros. En París, Pierre Boulez (1925)
-siempre en la permanente búsqueda de nuevos cromatismos- da rienda suelta a las modulaciones del serialismo integral y Pierre Henry (1927) busca nuevos elementos rítmicos en la combinación de ondas sonoras de la música concreta... En Alemania, Karlheinz Stockhausen (1928) hace innovaciones en el contundente espectro de los sonidos electrónicos y el polaco Krzystof Penderecki (1933) crea el nuevo impresionismo musical. Por fin, las recientes experiencias en el campo de la música aleatoria configuran los primeros eslabones de un camino evolutivo que parece no tener fin.

Música coral: Conjunto de voces orquestadas, en el que varios cantantes entonan simultáneamente la misma línea de notas. La tradición histórica de la música coral comienza en los certámenes y festivales realizados en la antigua Grecia, aunque en la actualidad, su ámbito de expresión comprende los países y culturas más diversos. La forma a dos coros fue la música religiosa más utilizada en España. Casi todas las composiciones, sacras y profanas del siglo de oro de la música, se escribía para varios coros que entonaban sus respectivas letras de manera concertada o en contrapunto.

Música coral profana: Halla su punto de influencia en las relaciones humanas, la exaltación de la naturaleza y los temas festivos (ambientes, paisajes, escenas íntimas, costumbres populares, amor, etc.)
Música coral sacra: Destacan Monteverdi //Palestrina //que emplearon formas creativas y procedimientos similares

Música de cámara: Grupo de obras musicales compuestas especialmente para ser ejecutadas en recintos no muy amplios (cámaras, salones, pequeños auditorios, etc.) y por conjuntos integrados por un número reducido de instrumentos. La trompeta ocupa un lugar preponderante en este tipo de ejecución instrumental. Grandes compositores han recurrido a su timbre especial que se adapta sin inconvenientes a cualquier tipo de tema o configuración donde intervienen aerófonos y cordófonos sobriamente combinados.

Música de escena: En la ópera se llama así a la ejecución instrumental que se desarrolla sobre el escenario y no en el foso de la orquesta. Por lo general, su sentido es decorativo, aunque en algunos ejemplos cumple una función introductoria o descriptiva del ambiente escénico. Sus configuraciones más usuales son la fanfarria en las partes de carácter bélico, el conjunto de cámara, para las escenas palaciegas y la ejecución individual de instrumentos antiguos en los ambientes populares o de época.

Música descriptiva: En la coreografía de la ópera se emplea para reproducir los sonidos naturales que resultan necesarios o indispensables en la configuración de las diferentes escenas y contribuyen con su aporte acústico a la función visual de la escenografía. Un ejemplo de este tipo de música es la imitación del tañido de las campanas, el sonido de un órgano de iglesia, el rumor de las olas o el potente sonido de una locomotora arrastrando un tren. Siendo que la música es una secuencia ordenada de sonidos que tienen una determinada significación, a la música descriptiva le corresponde el rango más profundo en esa voluntad de expresión. El compositor suizo Arthur Honnegger (1892-1955) dice en la introducción de su movimiento sinfónico titulado "Pacific 231" que la música descriptiva permite transportar la impresión visual al lenguaje musical. Ese fenómeno transforma el ruido de la antigua locomotora americana en una fascinante imagen lírica sugiriendo de manera eufónica el mensaje de fuerza y potencia que encierra el argumento de la obra. Honnegger también es autor de las óperas "Antigona" y "Judith", magníficos exponentes de su estilo descriptivo. El fondo musical de varias de sus composiciones ha prestado importantes servicios a la cinematografía. Pero este gran compositor no fue el único en intentar figuraciones simbólicas mediante una adecuada combinación de las notas musicales. En su "Sinfonía Pastoral", Ludwig van Beethoven (1770-1827) también describe con una armoniosa melodía los apacibles sentimientos que despierta la contemplación de la naturaleza.

Música dodecafónica: Consiste en el empleo constante de una serie de doce sonidos distintos, con la característica de que ninguno de esos sonidos se puede repetir en el orden establecido. La serie así formada emplea los doce sonidos de la escala cromática, pero en un orden distinto. En esto radica la libertad creativa del compositor. La observancia de tales consignas a la hora de componer una melodía, ha dado resultados muy controvertidos. Siendo necesaria una gran amplitud de criterio para intentar comprender el sentido descriptivo de la música dodecafónica como una variante musical aceptable desde el punto de vista eufónico. Arnold Schönberg describe su idea sobre el dodecafonismo como una forma de composición en la que se ponen en acción los doce sonidos de la escala cromática, de una manera "plana", es decir, sin que ninguno de ellos tenga un valor más elevado dentro del conjunto. La opinión de Schönberg es que no existe ningún motivo concreto que permita establecer una diferencia real entre consonancia y disonancia. Música eglógica: Del griego (eklogé=pieza escogida). Se dice así de las composiciones que demuestran inspiración o participan del carácter poético de la égloga.

Música electroacústica: Esencialmente se refiere a un género musical para banda magnética, aparecido en las décadas de 1950/60, como consecuencia de las creaciones, entonces novedosas, del compositor alemán Karlheinz Stockhausen, nacido en Mödrath, en 1928.. Aunque esta nueva variante se inicia en 1956 con la pieza instrumental "Canto de los Adolescentes" (Gesang der Jünglinge) -inspirada en los textos bíblicos del profeta Daniel- la idea de lo que realmente es la música electroacústica aparece más tarde, a través de una síntesis de secuencias electrónicas inmersas en el contexto general de la música concreta. A partir de aquella experiencia inicial, surgen nuevas búsquedas rítmicas en las que impera la síntesis de diferentes ruidos combinados con un envolvente ambiente musical. En este campo -signado por el trascendente impulso hacia libertad sonora logrado en aquella década con el desarrollo de la electrónica- prevalecen distintas obras que han permanecido desde entonces como hitos o modelos a través del tiempo. Y podría añadirse que no fueron sólo ejemplos históricos o descriptivos, también llegaron a ser la base de inspiración para otros compositores que siguieron aquel impulso inicial hacia una total libertad de sonoridades. Pueden citarse como obras tradicionalmente referidas al estilo electroacústico: "Ciclos" (Ziklus, 1959), sonidos electrónicos y concretos; "Contacto" (Kontacte, 1960), pieza para resonancias eléctricas, piano y percusión; "Ondas cortas" (Kurzwellen, 1968), combinación para instrumentos musicales y receptor de ondas cortas, etc.. Dentro del estilo cantable, cabe destacar "Stimmung" (Inexistencia de la voz, 1967), una curiosa combinación en la que Stockhausen alterna las nuevas tecnologías del sonido con distintas experiencias electroacústicas, como la distorsión de los sonidos vocales mediante el uso de filtros y moduladores. Las óperas de este creador, dotadas de una gran complejidad técnica, requieren para su puesta en escena, una portentosa maquinaria escénica y sonora.

Música electrónica: Forma de composición y ejecución musical que se vale de diferentes medios o elementos electrónicos para la producción de los sonidos. Nace durante la década de 1950 como resultado de los avances tecnológicos en el campo de la grabación, tratamiento y la reproducción de los sonidos. Tuvieron especial incidencia en el desarrollo de esta técnica musical, los modernos sistemas de amplificación, el perfeccionamiento de la banda magnética y las nuevas gamas de sonidos generados por medios electrónicos. En realidad, el esquema general sobre el cual se basa la concepción acústica de esta forma de creación melódica, resulta mucho más simple y con un criterio más amplio que el de la música tradicional. En el tratamiento de las combinaciones electrónicas entran en juego una serie de conceptos, que en cierto modo son distintos a lo corriente: 1) la frecuencia de la fuente sonora, que equivalen al valor de las notas; 2) el timbre, configurado por una secuencia fundamental y unos armónicos; 3) la duración, que es la longitud del sonido en el tiempo. Esto se controla mediante ordenadores que miden el tiempo y la cantidad grabada, sacando automáticamente el cómputo del sonido; 4) la intensidad, calculada en decibelios (db), las curvas de intensidad de los sonidos constan de tres fases: ataque, estado de permanencia y caída; 5) el control de audibilidad, etc.

Música escénica: También llamada "música de teatro". Creada especialmente para su representación en el contexto escénico de la comedia o el drama, variantes escénicas a las que parece servir como elemento descriptivo. Un interesante ejemplo de este tipo de composición es la suite "Sueño de una noche de verano" Op. 61, escrita en forma en 1843 por el compositor alemán Felix Mendelssohn (1809-1847).
Música estocástica: Su forma de composición se basa en la teoría de los procesos aleatorios. Aunque el concepto teórico ya existía en la antigüedad, su aplicación práctica en la creación musical recién se pudo concretar a finales del siglo XX con el auxilio de la informática. Las formas melódicas, compuestas con la ayuda de ordenadores y otros equipos periféricos, se basan en complejos sistemas matemáticos de probabilidad, búsqueda operacional, determinismo, etc.

Música étnica: Recopilación melódica propia de un pueblo o cultura determinada, sin influencia externa de ningún tipo y que, además, no ha sido afectada por ningún proceso industrial previo de reproducción del sonido.

Música experimental: Denominación general que se dio, después de la segunda guerra mundial y hasta fines de la década de 1960, a la música electrónica o electroacústica. Aparece definida esa manera en la bibliografía de la época.

Música fantástica: Del francés (musique fantastique). Nombre que se dio hasta finales del siglo XIX a las composiciones melódicas extravagantes, inspiradas en valores inusuales, o que ignoraban la diferencia entre consonancia y disonancia. Las series de música fantástica aplicaban en un orden distinto los doce sonidos de la escala cromática. Esa teoría fue retomada, décadas más tarde, por intérpretes vanguardistas y compositores de la llamada “música dodecafónica”, como Arnold Schönberg.

Música ficta: Es una expresión equivalente del latín (música fingida o imaginaria). En la Edad Media servía para indicar que las alteraciones escritas en los tetragramas del canto gregoriano no reflejaban siempre la realidad, debiendo los cantantes adaptar la altura de las notas, de acuerdo con sus respectivas tesituras vocales o las características del grupo (coro infantil, mixto, etc.). Se sabe que desde el siglo XI existía un complejo sistema de adaptación destinado a sortear las dificultades que planteaban las alteraciones en la evolución del solfeo. Aún no se han logrado descifrar totalmente aquellas formas, que en la actualidad sólo constituyen una curiosidad para la musicología.

Música geométrica: Teoría imperante en la Edad Media que intentaba explicar la existencia de los diferentes modos musicales, basándose en complejas consideraciones aritméticas. Otra de las conjeturas, a las que se enfrentaban los partidarios de esta hipótesis, era la existencia y aplicación de los intervalos. En la escritura musical geométrica sólo se utilizaban tablas, números y formas planas.

Música imitativa (natural): Se refiere al tipo de melodías que reproducen sonidos comparables con ciertos motivos de la naturaleza, o producidos de manera intencional por la actividad humana. La forma más corriente se reduce a la imitación del sonido del agua, el canto de los pájaros, el viento, la tempestad, el redoble del tambor, el tañido de las campanas o el violento fragor de una batalla. Uno de los ejemplos más conocidos es la Polonesa en la bemol mayor Op. 53, llamada“Heroica”, de Frédéric Chopin, basada en un hecho histórico y publicada en 1853. En esta obra extraordinaria del gran compositor polaco, se siente claramente el sonido de los cañones, el paso de la caballería, incluso la tristeza de un pueblo derrotado y posteriormente la alegría por la liberación de Varsovia. El origen de la imitación, tanto de las formas sonoras naturales, como de las voces o compases melódicos, ya se hallaba presente en la música de las culturas primitivas.

Música imitativa (polifonía medieval): La música occidental de la Edad Media le aportó una forma normalizada, a través de piezas o composiciones religiosas, dotadas de un perfecto equilibrio armónico (organa, conductus, etc.). Destacó notablemente en el desarrollo de esta modalidad, la célebre escuela musical francesa de Notre Dame de París. Desde el periodo previo al desarrollo evolutivo del Renacimiento (siglos XV-XVI), la música imitativa fue adquiriendo diversas cualidades -vocales e instrumentales- adaptadas a cada tipo de expresión melódica. Esta modalidad se apoyaba expresamente en el procedimiento unificador del estilo de las composiciones sacras, sobre el modelo tradicional del antecedente y sus consecuentes imitaciones. En algunos casos (como en la fuga) la imitación puede ceñirse estrictamente al tema de la composición polifónica, mientras que en otros (como el canon) se puede dar sobre un extenso pasaje o durante toda el desarrollo de la obra. Los estilos vocales más usuales en aquella época fueron los madrigales, las misas y los motetes. Desde el medio expresivo instrumental, cabe destacar el delicado ejemplo de las fantasías. En Italia, los modelos de música imitativa fueron bastante comunes, especialmente en las canzone, caccie y ricercare.

Música incidental: Forma típica de representación escénica compuesta por drama y música que floreció en el siglo XVIII con el periodo barroco. Fue otra de las variedades que dieron origen a la ópera italiana. Uno de los ejemplos más conocidos de este tipo de expresión lírica es el drama "Edipo", basado en la tragedia de Sófocles. Esta ópera, formada esencialmente con obras musicales del compositor y organista italiano Andrea Gabrielli (1510-1586), fue estrenada en Vicenza, en 1585. Discípulo aventajado del gran maestro flamenco Adrian Willaert (1480-1562), Gabrielli llegó a destacarse como uno de los grandes madrigalistas del Renacimiento. La influencia de la música incidental llegó a extenderse hasta mediados del siglo XX. Tanto por su estilo -que fue variando ligeramente en el tiempo- como por la profundidad filosófica del concepto y la idea argumental, se pueden advertir reminiscencias dentro del estilo contemporáneo en la obra homónima de Jean Cocteau y en la ópera-oratorio "Edipo rey", de Igor Stravinsky (1882-1971). El celebrado compositor gaditano Manuel de Falla (1876-1946) compuso varias obras que se pueden catalogar dentro de las características comunes a la música incidental. Los principales ejemplos de esta colección, inspirada en la obra de los grandes maestros de la literatura española son: "Auto de Reyes Magos", escrita en 1923; "El gran teatro del mundo" inspirada en Calderón de la Barca, de 1927 y "La vuelta de Egipto" sobre Lope de Vega, en 1935.

Música indoamericana: Estilo inspirado en la esencia melódica de las razas precolombinas, pero con la vital influencia de la armonía occidental. Entre estas expresiones, por cierto variadas y numerosas, se pueden identificar las más puras creaciones del folclore costumbrista (guaranias, takiraris, huayños, carnavalitos, etc.). Como tal, la nueva música indoamericana -de raigambre puramente indígena- aún se mantiene en distintas regiones del altiplano andino. Las composiciones melódicas de los aimaras no son canciones elaboradas sobre patrones preconcebidos. Su sentido melódico obedece a un motivo esencialmente acústico, es sólo música, sin estribillo. Su armonía de sonoridades representa el aliento telúrico que surge como un lamento desde los orígenes de la primitiva raza americana. La música quechua demuestra un espíritu distinto, triste o alegre, pero siempre pleno de ritmos sincopados, con juegos de voces y sentido dinámico. La música guaraní, en cambio, es suave y romántica como un arrullo de amor.

Música medida: Del italiano (musica mensurata=acotada). Método musical del siglo XII. Se basaba en la notación gráfica para la lectura y la interpretación vocal o instrumental. En ella, las notas tenían una duración precisa, representada por distintas figuras que cumplían la función de orientación mnemotécnica.
Música militar: La orquesta de ópera ha llevado a la escena distintas composiciones que pueden encuadrarse dentro de lo que se considera música militar, tanto por los instrumentos que en ella se emplean, como por el ritmo especial que la caracteriza. Los compases de la "Marcha Triunfal" de la ópera "Aida", de Giuseppe Verdi, son un ejemplo claro de esta modalidad. La "Sinfonía Militar" Nº 100, del compositor austriaco FranzJoseph Haydn, es otro ejemplo aplicado a las obras para orquesta sinfónica. Estrenada en 1794, recibió aquel nombre porque en su composición orquestal el autor contempló el uso de instrumentos propios de las bandas militares, como el triángulo, los platillos y el bombo.

Música minimalista: Del inglés (minimal music). Corriente surgida en los Estados Unidos en la década de 1960. Se trata de una variante melódica del controvertido minimal art de las artes plásticas, pero aplicado a la creación melódica. Las características más salientes en esta forma sencilla de composición es el continuum sonoro ligado a la existencia mínima de variantes rítmicas y tímbricas. Ejemplos típicos de este proceso melódico: "Piano Phase" (1966) y "Phase Patterns para cuatro órganos electrónicos" (1970), del compositor norteamericano Terry Riley. Una interesante presencia del drama lírico, inspirado en esta corriente musical, es la ópera en tres actos "Akenatón" (Echnaton), obra del celebrado minimalista norteamericano Philip Glass, estrenada en Rotterdam en 1980.

Música monódica: Estilo cantable para una sola voz que se practicaba desde principios del siglo XVII. Es la manera opuesta a la polifonía. La monodia alcanzó su más alto grado de desarrollo en Italia y Alemania, compartiendo las funciones de la música sacra con el contrapunto.

Música mozárabe: Forma de canto litúrgico de la Edad Media. Es anterior al siglo XII, puesto que desde aquella época en adelante la iglesia católica adoptó el rito romano, variando también las formas del canto religioso.

Música oriental: Es un concepto totalmente diferente de la música occidental. En el ámbito cultural de extremo oriente -continental e insular- la expresión musical muestra una larga trayectoria, cuyas raíces nacen en el siglo IV antes de la era cristiana e incluso antes, si se tienen en cuenta algunas manifestaciones primitivas o aisladas de las grandes corrientes evolutivas. Todos aquellos primitivos sistemas de clasificación -que por otra parte no carecen de cierta lógica- son objeto de estudio por especialistas en musicología, especialmente los del sudeste asiático, donde la filosofía es una parte esencial en el desarrollo de toda labor creadora. Los instrumentos musicales asiáticos y en especial los del lejano oriente (China, Tíbet, Nepal, Mongolia, Camboya, Birmania, Tailandia, Corea, Japón, etc.) se agrupan en nueve familias, consideradas en su mayor parte por los distintos materiales empleados en su fabricación. Esa división empírica se debe particularmente a los sonidos que se pueden obtener con cada material. Los elementos tradicionalmente considerados en la música oriental como idóneos para la producción de sonidos son, desde los primitivos a los más evolucionados:

-Piedra (pulida y tallada): El más antiguo material de factura: litófonos o fonolitos (ndut lieng krak); piedras sonoras de distinta clase y procedencia que cumplían la función de las campanas (bian-k'ing, chik'ing); aerófonos de piedra, como la ritual flauta de jade, etc.

-Barro cocido (alfarería, cerámica): Pitos u ocarinas de distintas formas y tamaños; tambores con la caja de barro cocido, etc.
-Bambú (caña horadada): Diversos tipos de flautas rectas (shakuhachi japonesa); flautas traveseras (lung-ti o flauta dragón); flautas de tubos escalados (siringa).

-Madera (aerófonos

):

Órgano de bo

ca (sheng),

con 17 flautas lengüeta, distintas formas de oboe, etc.

-Madera (percusión): Tambores simples y de pareja, con la caja de madera; varillas y planchuelas de roce o frotación, caja china, etc.

-Cuero o piel (membranófonos): Tambores de distinto tipo, con caja de madera y membrana de piel. Las membranas van ajustadas con tensores del mismo material

.

-Metal (idiófonos): gong tradicional; gong múltiple (yün-lo); gong circular camboyano; platillos, campana (po-chung); campanilla (dril-bu); timbal de bronce, etc.

-Metal (aerófonos): Cornetas de bronce; la trompa tibetana

(lings-dung),

etc.

-Seda (cordófonos): Cuerdas para instrumentos de cuerda

(laúdes, vielas, citaras).

Música popular: La característica más destacada de lo que se entiende como música popular es su propia espontaneidad. En musicología, se considera popular a todo movimiento que surge naturalmente del ámbito social al que pertenece, marcado naturalmente por las tradiciones y costumbres, propias o incorporadas al acervo nacional a través de la inmigración. Uno de los ejemplos más destacados de esta particularidad se observa en la fuerte influencia de los ritmos africanos dentro de la música popular del Caribe, o en otras regiones de América Latina, donde la afluencia de esclavos, procedentes de ese continente, ha sido constante y masiva durante siglos. Tanto los ritmos como el instrumental de la música popular, se destacan por una gran multiplicidad de formas y estilos, a veces transmigrados desde otros continentes. Esa dualidad de formas y características puede obedecer a circunstancias históricas, como ocurre con la música popular centroamericana y del Caribe, que es el resultado de la fusión de ritmos originarios de África, melodías indígenas y formas musicales barrocas, trasladadas al continente americano por los conquistadores europeos.

Música popular internacional (autor/a): Persona cuyos conocimientos y experiencia le permiten crear letras, traducciones o adaptaciones de textos, dedicados especialmente al amplio mercado de las composiciones musicales de difusión masiva. Su propósito suele ser estrictamente comercial. Muchas veces, los autores de música popular internacional escriben por encargo de compañías discográficas, aplicadas a la promoción de piezas musicales de cuestionable calidad, pero con gran éxito temporal movido ciertamente por la publicidad. Este tipo de música se caracteriza por imitar los temas promocionados por figuras y corrientes melódicas internacionales, que están de moda en el momento, ignorando lo esencial de su propio medio folclórico o cultural.

Música popular internacional (autor/compositor/a): Artista que crea composiciones con fines estrictamente comerciales. Su creación debe ajustarse a ciertos parámetros (ritmo, tonalidad, temática, orquestación, etc.) que imponen las modas del momento, o las campañas publicitarias de las grandes empresas discográficas.

Música popular internacional (intérprete ): Puede ser vocal, instrumental o ambas formas a la vez. En el caso de la interpretación instrumental, el ejecutante se especializa en este tipo de música comercial, recreando piezas de otras épocas o tendencias. La adaptación a las características del momento es una de las condiciones esenciales de esta actividad, fuertemente relacionada con la publicidad, los concursos televisivos y la música de carácter comercial en general. La música popular internacional carece de arraigo con el país y la cultura a la que pertenece el autor o el intérprete. Responde siempre a condicionamientos específicos. Su aplicación es corriente en las cortinas musicales, jingles televisivos, campañas políticas, o motivos de películas.

Música postserial: Aparece en la década de 1960 a través del teatro musical experimental, con una gran diversidad de formas aleatorias y estructuras melódicas dotadas de una gran sonoridad. Destaca en este medio el compositor polaco Krysztof Penderecki, donde combina elementos tradicionales del canto llano con motivos innovadores de vanguardia. (consonancias, disonancias, formas tonales y atonales, etc.). Entre sus obras más representativas cabe señalar "Treno a la memoria de las víctimas de Hiroshima" "Treno a la memoria de las víctimas de Hiroshima" 1961) pieza orquestada para 52 instrumentos de cuerda, cuyo título original era "8 minutos y 37 segundos", tiempo que duró el bombardeo sobre aquella ciudad del Japón en 1945.

Música precolombina: Básicamente, estaba compuesta por instrumentos aerófonos y de percusión. Las altas culturas americanas alcanzaron su mayor desarrollo musical antes del siglo X de la era cristiana. Entre los aerófonos se encuentran las flautas de todo tipo y material, como la caña, el barro cocido, el hueso e incluso la piedra. Los idiófonos y membranófonos de aquel periodo, existentes en museos, muestran grandes tambores de madera ahuecada, pequeños atabales forrados con cuero, sonajas de calabaza, raspadores y zumbadores de laja o cerámica, etc. El destino de aquellos instrumentos solía estar bien diferenciado. Mientras que algunos parecen dedicados especialmente a la ejecución de música religiosa (ritos de las cosechas, ceremonias reales, etc.), otros servían para el acompañamiento de danzas guerreras y festejos populares. Los impresionantes frescos de la famosa sala primera del templo maya de Bonampak, en México meridional, muestran una procesión de músicos adornados con vistosos tocados de plumas y portando grandes cornetas de corteza, similares a las que aún existen y se pueden ver en las fiestas populares. Algunos de aquellos instrumentos han subsistido hasta el presente, resguardados de la acción del tiempo en antiguos templos y enterramientos, en particular los fabricados con piedra o cerámica, que aún pueden producir sus maravillosos sonidos originales. La variedad de notas no sólo se puede imaginar a través de las descripciones contemporáneas de la conquista⁷⁹, recientes estudios etnomusicológicos están logrando desentrañar los profundos secretos de la cultura musical prehispánica.

Música programática: Denominación específica de un tipo de composición musical basado en expresiones estéticas correlativas, como la poesía, el arte dramático, los sonidos de la naturaleza, las emociones íntimas, un mundo de visiones y paisajes abiertos a la imaginación o a través de símbolos acústicos, etc. Su ubicación -como expresión musical independientepuede encuadrarse dentro del contexto general de la estética contemporánea. Una de sus características salientes es la glosa o explicación que los compositores de esta variedad musical suelen incluir en el soporte de las grabaciones, o antes de cada actuación en vivo. La glosa tiene por objeto explicar el sentido profundo de los sonidos y su relación con el libreto o argumento de la obra. Así es como nace la idea del poema sinfónico, que en definitiva es la armonía del sonido musical orientada e inspirada por los sonidos procedentes de la lectura poética. Aunque el sentido programático formó parte esencial en la creación musical de todos los tiempos, es durante el periodo del romanticismo cuando surge con mayor ímpetu el concepto puro de esta filosofía. En otras palabras, podríamos decir que el arte de la composición programática permite crear melodías originales sobre esquemas preconcebidos y dar forma a las ideas musicales mediante un esquema previo del proceso auditivo.

⁷⁹ "...Tienen atabales pequeños que se tañen con la mano, y otro atabal de palo hueco, de sonido pesado y triste, que tañen con un palo larguillo con leche de un árbol puesta al cabo; y tienen trompetas largas y delgadas de palos huecos, y al cabo unas largas y tuertas calabazas; y tienen otro instrumento que hacen de la tortuga entera con sus conchas y sacada la carne táñenlo con la palma de la mano y es su sonido lúgubre y triste. Tiene silbatos hechos con las cañas de los huesos de venado y caracoles grandes y flautas de cañas, y con estos instrumentos hacen son a los valientes...". Diego de Landa, prelado español, obispo de Yucatán (Siglo XVI).

Música repetitiva: Denominación Europa de un tipo de creación melódica procedente de los Estados Unidos, donde se conoce con los nombres de spaced out music o new music. Surgida a principios de la década de 1960, su condición principal reside en la repetición constante de un determinado grupo de sonidos que conforman el pasaje descriptivo de cada pieza. Al eliminar la característica narrativa y direccional de las melodías tradicionales de la época, la música repetitiva, se concibe como un elemento espacial más dentro de un ambiente particular, sin principio ni fin. Su insólito estilo expresivo -semejante a una cinta sonora interminable- propone una percepción distinta del arte al margen del factor tiempo.

Musica reservata: Durante el siglo XVI y parte del XVII, se llamaba así a un estilo musical reservado para la aristocracia y la clase social instruida de las grandes ciudades. Se trata de un tipo de composición polifónica normalmente muy expresiva, dotada de abundantes disonancias, enarmónicos y cromatismos, que en los siglos posteriores tuvo una fuerte influencia en la composición de la música de ópera. Ciertamente elitista, el término itálico música reservata fue acuñado en realidad por el compositor neerlandés Coclico (Adriano Petit) con el propósito de asignarle un rango elevado a su serie de motetes incluidos en el libro "Salmos a cuatro voces" editado en Nürembreg, en 1552.

Música serial: También llamada "serie", es un concepto moderno que se agregó al glosario musical a partir de 1920. Concebido por el compositor austriaco Joseph Matias Hauer (1883-1959), este sistema está relacionado directamente con el método básico de la música dodecafónica diseñado por Arnold Schönberg. Es otra de las formas de vanguardia que difieren de manera radical con los principios de la escala cromática. El primitivo método serial, que compuso Hauer como factor coordinador en la nueva composición musical, fue reelaborado y perfeccionado por Schönberg. Existen algunas corrientes, como la del compositor y organista francés Olivier Messiaen (1908-1992), miembro de la escuela vanguardista llamada Jeune France, o su discípulo y seguidor, Pierre Boulez (1925), que pusieron sus mejores esfuerzos en la práctica e investigación de estas nuevas formas musicales. Entre las entidades más importantes dedicadas al serialismo se encuentra el llamado Domaine Musical de París, fundado en 1954 por Boulez, quien también se destacó como un consumado director de orquesta.

Música sorda: [la dels orbs] Antiguamente se llamaba así, en Cataluña, a la música callejera, popular y festiva que interpretaban las coblas campesinas. Una de las características más salientes de este tipo de música era la falta de concierto entre los distintos instrumentos y sus ejecutantes, que en ocasiones eran ciegos (de allí su nombre). En Barcelona, estas representaciones musicales, tenían lugar durante la procesión del Corpus. Los instrumentos, naturalmente, pertenecían a acervo folclórico local, pudiendo contarse entre los más usuales, el violín rústico o la vihuela de arco, la tiorba, la guitarra, el arpa, el laúd y el tamborino, con su correspondiente flabiol. En cuanto a lo curioso y contradictorio del nombre “música sorda”, es posible que la similitud entre los sonidos de ambos vocablos catalanes pudiera ser causa de la confusión (sord=sordo y orb=ciego). Música tonal: Término relativo al sistema de sonidos en los que se basa una melodía. Esa referencia se da con respecto a un tono central que sirve como base para poder signar una función determinada a cada uno de los demás tonos de la escala. En la música tonal se aplica el principio de la fuerza gravitatoria que va desde la tónica tonalidad esencial- hacia el resto de las notas con ella relacionadas.

Musica villereccia: (Melodías de origen especialmente para instrumentos metálicos de viento (bandas populares, fanfarrias) tuvo una gran difusión en Italia, especialmente durante el siglo XIX. La ópera en cuatro actos "Macbeth", de Giuseppe Verdi, muestra una escena patética, sin cantos ni parlamentos, en el que la nota rítmica y melódica está dada por una interpretación de música villereccia (la entrada del rey al castillo de uno de sus súbditos).
o influencia campesina) Compuestas

Música yoruba: Estilo musical de la isla de Cuba, en el que figuran la danza, el canto en lengua lucumi y un predominante juego de efectos rítmicos (tambores batá, sonajas o güiros, campanillas agogó; idiófonos atchetes, etc.). Su esencia muestra influencias melódicas de los siglos XVI al XIX, mezcladas con ritmos modernos, en los que interviene el cantante solista, denominado akpwon, al que responde un coro en contrapunto. La etnia yoruba es originaria de África (Nigeria), desde donde pasó a las colonias españolas de América del Sur y el Caribe, adquiriendo un gran arraigo popular, particularmente en la isla de Cuba. Otros vestigios importantes de esta rica expresión cultural se pueden hallar en Haití, Trinidad y Tobago, Brasil, etc.

Musicaire: Término corriente en la comunidad de Aragón (Huesca, Zaragoza, Teruel). En general se refiere a todo aquello que esté vinculado con la música. Por la conjunción de los términos música y aire, se infiere que originalmente este vocablo tenía relación con la música popular producida por instrumentos de viento, como la gaita de boto o la chirimía de los pastores montañeses.

Musical score: En inglés (partitura). Representación gráfica de una pieza compuesta mediante el sistema MIDI (Musical Instrument Digital Interface). El proceso parte del instrumento o teclado electrónico, llegando a través de distintas secuencias informáticas hasta la partitura impresa (written version).

Musical Sound Vocabulary: Término inglés. (Vocabulario sonoro de términos musicales). Recopilación informatizada y sonorizada, generalmente en formato MIDI. Su propósito es servir como material de consulta, explicando el significado de los términos que integran el documento mediante el aporte de ejemplos sonoros.

Musical switch: En inglés (Conmutación musical). Pieza melódica, formada por partes muy breves y escogidas, de distintas composiciones. Cada fragmento melódico va intercalado en el conjunto, de tal forma que en el efecto final parece una obra distinta. Las porciones integrantes del estilo musical switch son más cortas que en el popurrí, razón por la que, en ocasiones, resulta difícil identificar, una a una, todas las melodías que lo componen. Su empleo tiene especial difusión en el jazz y en la música moderna.

Musicalidad: Vocablo referido al carácter musical de una obra. Suele emplearse objetivamente en la letra de ópera (recitativo), para indicar la perfecta correlación de las frases habladas, cuando éstas van siguiendo las modulaciones cromáticas del acompañamiento melódico.
Músico: Persona que conoce, ejerce o profesa el arte de la interpretación y la creación musical. Es un adjetivo castellano que aparece citado por primera vez el siglo XV como referencia a todo lo concerniente al desarrollo de la música (instrumento músico, ambiente músico, etc.).

Músico mayor:

Director o músico principal de las bandas militares y

fanfarrias

. También se emplea este término para señalar al director de las

charangas

.

Musicografía:

Término compuesto, derivado del griego (

mousikós

=musica,

graphein

=escritura). Arte de escribir música.

Musicología: Del griego (mousikós/logos=estudio de la música). Es la ciencia que investiga todo lo relacionado con la música, su historia, las diferentes épocas y escuelas o corrientes musicales, los distintos tipos de instrumentos, las formas de notación, etc. Una de sus ramas más importantes es la paleografía musical, dedicada al análisis comparativo de los diferentes sistemas de notación y su evolución a través del tiempo. En la actualidad existen numerosas instituciones que dedican su esfuerzo a la investigación científica de la música en sus diferentes épocas, escuelas y estilos. Los ámbitos temporales más importantes en la historia de la música son: antigua, medieval, barroca, clásica, romántica, impresionista, neoclasicista y contemporánea. Una de las primeras obras dedicadas al desarrollo de esta ciencia, y que en cierto modo sentó las bases de su posterior evolución, fue el célebre tratado "Paleographie Musicale" publicado en 1889 por la Abadía de Benedictinos de Solesmes (Francia). Desde entonces los avances con el auxilio de las nuevas técnicas fueron innumerables.

Musicología comparada: Antigua denominación de la ciencia que estudia las manifestaciones musicales de los pueblos primitivos, en comparación con los parámetros establecidos por la llamada música culta europea. En la actualidad se conoce con el nombre de etnomusicología.

Musicoterapia: Conjunción de dos términos griegos (mousikós/therapeia=método de curación). Tratamiento de cierto tipo de dolencias por medio de la música relajante. Se suele aplicar particularmente en los problemas psíquicos, como la hipocondría.

Musique de Chambre Royale: También conocida por el nombre popular de "Regia Camerata". Este conjunto musical del palacio real de Luis XV, formado alrededor de 1730, fue uno de los antecedentes fundamentales en la configuración de la orquesta de cámara, y más tarde de la orquesta sinfónica. La "Regia Camerata" estaba formada por artistas que ejecutaban los instrumentos de entonces llamados de salón: laúd, clavecín, flauta y viola de bajo. No utilizaban violines entonces. El dominio técnico de la parte instrumental contribuyó a la difusión de este magnífico conjunto que llegó a ser un referente esencial en las futuras de las orquestas de cámara. Su éxito a escala internacional tuvo lugar unos años más tarde, cuando se constituyó la célebre orquesta de cuerdas titulada "Los 24 violines del rey", que actuaban en concierto exclusivamente para las grandes recepciones del palacio de Versalles o en las fiestas al aire libre.

Musique de scène: En francés (música de escena). Denominación genérica que recibían las melodías para ballet en el siglo XVII. Es un término poco usual en la actualidad con este sentido. Aparece en algunos artículos con el carácter de música destinada a secundar la acción, reforzando el sentido descriptivo de la escena. Como tal se utilizó para describir las características de la comédie-ballet o la tragédie-ballet.

Musiquero (mueble): Armario adecuado donde se acostumbraba guardar las partituras, especialmente en las iglesias y conservatorios. Es un término práctico que en la actualidad ha caído en desuso, pero que se empleaba con asiduidad durante los siglos XIX y XX.

Musiquero (intérprete): En las comarcas meridionales de Castilla y León (Segovia, Burgos) se llama así al músico que se dedica a la ejecución del tamboril y la dulzaina. Es un término que también se suele emplear en América Latina (Argentina, Bolivia, Paraguay, etc.) cuando se nombra a ciertos músicos campesinos, especialmente aquellos que acuden a los bailes populares integrando conjuntos folclóricos.

Mutación (fuga): Leve diferencia en los intervalos existentes el tema de una fuga. Suele darse entre el sujeto y la respuesta, cuando el primero representa el tono de la tónica y la segunda da el de la dominante.

Mutación (órgano): Variedad de juegos del gran órgano clásico, de una gran amplitud tímbrica, que emiten diversos sonidos de quinta (chirimía o nasardo), además de las octavas y los armónicos del sonido fundamental.

Mutacismo: Vocablo derivado de mutación, que en el canto se emplea para señalar un vicio consistente en la sustitución de unas letras por otras cuyo sonido resulta similar. Se trata de un fenómeno sonoro -poco usual- que puede producirse en el acto de la interpretación vocal y muchas veces por motivos eufónicos (suele ocurrir con la fonética las consonantes). También puede darse de manera involuntaria, cuando los vocalistas interpretan canciones escritas en una lengua diferente a la propia.

Mutanza:

Voz arcaica por

mudanza

derivada del latín (

mutare

=cambiar). Equivale a modulación y se refiere a un antiguo sistema de

solmisación

.

Mutatio: Indicación musical antigua, escrita en latín (mutación). Se refiere al movimiento, mudanza o alteración de un sonido y la nota que lo representa. En los escritos musicales de la alta Edad Media también aparece consignada la forma latina mutationis.

Muda: En la ópera, es la parte del libreto donde no se habla, aunque la escena continúa desarrollándose con el movimiento de los personajes y los gestos corporales. Durante esos breves instantes, la orquesta tiende a limitar los sonidos instrumentales, produciendo un marcado efecto de suspenso.

Mudo (mecanismo): En música tradicional se refiere a los diversos mecanismos que emplean los instrumentos para velar o apagar el sonido (pedal suave del piano, cámara acústica de SAS, obturador cónico en el pabellón de ciertos aerófonos, etc.)

Mudo (sonido):

Sector del pentagrama que no tiene nada escrito. En el canto, se llama así al sonido consonante oclusivo sordo.

Mute (música electrónica): En inglés (mudo). Comando de los secuenciadores MIDI que permite oír solamente el sonido de una pista predeterminada, enmudeciendo las señales acústicas grabadas en las demás pistas.
Mute (música tradicional): En inglés (4ª acepción: sordina/apagador).

-N-

Nablia (hebrea): Instrumento de cuerdas de la familia de las arpas. Similar al nefer de los egipcios, este antiguo instrumento de cuerdas de origen hebreo, fue un antecedente de la familia de cordófonos como el laúd y la guitarra. Aparece en documentos del siglo I d.C. Su origen de estos instrumentos es muy antiguo. Se podían pulsar indistintamente con ambas manos. Ya los conocían los romanos, a los que llamaban "nabulum". Es posible que fueran originarios de las islas griegas del Dodecaneso, donde actualmente subsiste un instrumento folclórico similar, aunque más rudimentario. Al parecer, también tuvieron difusión entre los fenicios. Algunos modelos poseen la caja de resonancia de forma rectangular con 10 cuerdas de alambre. En la parte superior presentan unos agujeros u oídos destinados a lograr mayor sonoridad.

Nablia (romana): También denominado nabilum, es un instrumento musical de cuerda, que se utilizaba en la antigua Roma. La caja armónica era de madera, plana, con orificios de resonancia y estaba provista de un sistema de encordado compuesto por cinco a siete cuerdas de tripa, tensas mediante un clavijero. Según Policiano⁸⁰, la nablia romana fue un cordófono antecesor directo del salterio medieval. Es evidente que de allí deriva también el término nablio, que se utilizó desde entonces para designar al ejecutante de aquel instrumento. Posteriormente, aparece el término latino nablum como sinónimo de salterio.

Nablio:

Cordófono de la Edad Media, similar al

salterio

o la

cítara

.

Nabú: Deidad babilónica protectora de la música. Su culto tenía lugar en los confines de la antigua Mesopotamia, una vasta región asiática -llamada "El Jezireh"- que se extendía desde los montes de Armenia hasta el valle situado entre los ríos Tigris y Éufrates. Según las antiguas tradiciones asirias, el dios Nabú -que era músico- había enseñado también otros conocimientos, como el arte de escribir y la agricultura. También se lo conocía con la variante nominal de "Nebo". Los griegos lo identificaban con Mercurio.

Nácara: Instrumento de percusión antiguo, mayor que el actual timbal. Es de origen persa y uso militar. En algunos documentos del siglo XVIII aparece con el nombre "nacre". Se empleaban en pareja, montados sobre el arnés de las caballerías. Se percutían con mazos de manera rítmica y persistente. Servía para marcar el paso de la infantería y transmitir las órdenes de marcha a los escuadrones. Aparece como instrumento de escena acompañando la fanfarria en la "Marcha Triunfal" de la ópera "Aida" de Giuseppe Verdi. La mayoría de los instrumentos exóticos incorporados a la representación operística suelen tener un carácter meramente decorativo y su participación en el desarrollo musical es más bien escasa o simplemente nula. También suelen aparecer escritas las formas arcaicas "anacaire" o "naquaires".

⁸⁰ Poliziano, Angelo Ambroginis (1454-1494). También Llamado Policiano. Poeta, autor de versos sonoros y musicales en lengua latina. Escribió numerosas obras de carácter humanista. Según Marcelino Menéndez y Pelayo, su obra ejerció una notable influencia en la poesía y la lírica hispánica.

Naccherette: Castañuelas italianas. Se conocen variedades procedentes del oeste de Sicilia (Val di Mazara), Cerdeña (Ogliastra), e incluso en Túnez (El Hammamet), lo que indica la amplia difusión geográfica de este idiófono del folclore mediterráneo. Son un poco más grandes que las castañuelas españolas tradicionales. Existen modelos de distinto tamaño, talladas en maderas, duras como el ébano, y con incrustaciones de hueso o marfil.

Nachtstücke: En alemán (obra nocturna). Variante germana del nocturno romántico del siglo XIX. En su mayor parte se trata de piezas escritas en tiempo allegro o vivace, cuya esencia melódica suele aparecer marcada por una serie de compases agitados, que difieren bastante del tradicional nocturno romántico. Un ejemplo tradicional de este tipo de composición se aprecia en la obra del compositor Robert Schumann (1810-1856): "Nachtstücke, Nº 1 en do mayor; Nº 2 en fa mayor; Nº 3 en re bemol mayor y Nº 4 en fa mayor" Op. 23, escritas en 1839.

Nafa: Tambor ceremonial de las islas Tonga, en el océano Pacífico. Estaba formado por un cilindro alargado de madera -o un tronco de palmera- cuidadosamente ahuecado hasta dejar las paredes muy delgadas y vibrantes. En la parte superior se hacía una ranura longitudinal y alargada que cumplía la función de orificio de resonancia. Para percutirlo se utilizaban baquetas de madera dura.

Nafir: Trompeta recta de latón o metal bronceado, utilizada en las bandas militares de los ejércitos turcos (jenízaros). Se conoce desde la época de las Cruzadas. Tiene varias formas y medidas, todas muy similares. Algunas son totalmente rectas y otras adoptan la forma de “S”. Modelos semejantes han persistido hasta el presente dentro del ámbito de la música regional del norte de África, particularmente en Marruecos. También existe un aerófono similar en el folclore musical de Iraq y en las poblaciones del Niger. Wolgang Amadeus Mozart halló la inspiración para varias partes de su ópera“Die Entführung aus dem Serail” (El rapto del serrallo) K 384, en la música instrumental de los jenízaros (mehter).

Nagara: Tambor antiguo de la región de Bengala (India). Tenía el cuerpo semiesférico fabricado con barro cocido y recubierto con un solo parche de cuero curtido y tensado con correas. Para percutirlo se valían de las palmas de las manos o mediante unas baquetas de madera.

Nagaret: Juego de tímpanos, naturales de la antigua Abisinia (actual Etiopía). Se montaban por pares sobre un arnés colocado en la silla de los dromedarios y se batía con unos largos bastones de madera, de forma curva y más de un metro de largo.

Nagasuram: Aerófono originario del valle del Ganges [Khulna, Rajshahi]. Pertenece a la familia de los oboes primitivos. Antiguamente se usaba en el acompañamiento de las danzas tradicionales. Algunos ejemplares poseen una boquilla doble, provista de lengüeta, y un largo tubo sin orificios de digitación. Produce un sonido continuo, compuesto por una sola nota afinada en la. El ejecutante de nagasuram sostiene este instrumento con la mano izquierda, inspirando a través de la nariz para mantener el sonido casi indefinidamente. Algunos conjuntos folclóricos de Calcuta lo emplean como bajo continuo, junto con otro aerófono de dos tubos, dispuestos en ángulo, encargado de modular los compases de la melodía.

Nagava: Tambor ritual de la India. Parece ser el mismo instrumento conocido con el nombre de nagara. Es posible que ambas formas sean deformaciones fonéticas del término nácara o nacre, de origen persa (nigar=ornamento), por tener las cajas de resonancia decoradas exteriormente con plaquetas de concha o madreperla. Los ejemplares primitivos
-conocidos sólo por descripciones de viajeros- pertenecían a una antigua cultura de la región del río Languluja (Madrás). Solían usarlo en las ceremonias rituales y en la guerra entre distintas etnias.

Nagrazân: Antiguo conjunto de tambores de Mauritania. Estaba formado con dos timbales semiesféricos de distinto tamaño. El mayor Es un instrumento tradicional, dotado de dos sonidos distintos, combinados, tenía una resonancia potente y profunda Llegó a formar parte de las bandas militares en los ejércitos coloniales. Las cajas de los tambores eran de madera tallada. Los parches, de piel de burro, se colocaban con el pelo hacia fuera y se tensaban con tiras de cuero crudo. Montados sobre camellos o mulas, los percutía el jinete, con mazuelos de madera dura. El nombre parece indicar que existe una relación entre estos instrumentos y sus similares de la India (nagara, nagava, nagasuram) o los nácara (naqqâra), de Persia.

Naïon: Flauta de tubos originaria de Rumania. Es un instrumento de viento, perteneciente a la familia de las siringas (syrinx) o flautas de Pan griegas. En las bandas militares y municipales, solía reemplazar el sonido de la flauta travesera.

Nakry: Pequeños timbales de arcilla, típicos del folclore ruso. El término eslavo procede del árabe (naqqâra). Fue un instrumento de las bandas militares de caballería durante la época del zar Pedro el Grande. También los fabricaban con cobre batido, de una sola pieza, con el cuerpo semiesférico y la membrana de piel tensa por una compleja red de cuerdas trenzadas

Nanas (canciones de cuna): Grupo de danzas y cantos de ritmo lento y modulación dulce, pertenecientes al folclore regional de Andalucía. También se conocen con este nombre en diferentes países de Hispanoamérica.

Nanga (cordófono): Variedad de arpa, cuya caja de resonancia adopta la foma de una barca con una prolongación curva que surge de la parte trasera a modo de mango y clavijero. Es un instrumento tradicional en la región central de África. Su área de difusión comprende la vasta región subsahariana y central media del continente, habitada por una gran diversidad de culturas. Básicamente comprende los territorios de Sudán, Chad, República Centroafricana, Congo y Gabón. Consta de cinco cuerdas de fibra vegetal. Forma parte de un grupo de arpas aborígenes que proceden de un mismo tronco común, entre ellas, el arpa dilla, de cuatro cuerdas, tradicional en la región de Chad y el arpa kinde, de los pueblos islámicos, que tiene cinco, aunque en este caso se trata de cuerdas de tripa.

Nanga (danza): Danza folclórica que se baila a son de este instrumento en el Congo y Gabón. Los movimientos son rítmicos y pausados. Antiguamente, era una danza de carácter ritual relacionada con las cosechas y la fertilidad de la mujer.

Napura: Artilugio sonoro usado por los bailarines indios para marcar el ritmo de sus danzas. Consiste en una serie de anillos huecos fabricados con láminas de cobre batido. Contiene pequeñas bolitas de plomo en su interior que cumplen la misma función de las maracas.

Naquaires: Nombre de origen francés. Es la denominación genérica de un conjunto de canciones trovadorescas de la Edad Media, inspiradas en las leyendas y tradiciones de las Cruzadas.
Náquera: Es lo mismo que nácara (naqqâra). Denominación antigua de un instrumento de percusión similar a los modernos timbales. Montados por pares sobre cabalgaduras, se utilizaban especialmente en las acciones de guerra para levantar el ánimo de las tropas. Aunque su procedencia original parece ubicarse en Persia, también se conoce la existencia de membranófonos similares en la cultura musical de los pueblos ruso y germánico.

Naqueracuza: Tonadilla popular de los siglos XVII y XVIII, conocida bajo diferentes denominaciones entre los pueblos cercanos al mar Mediterráneo. Se cantaba y bailaba en ocasión de las bodas y otras celebraciones similares. Poseía un aire rápido y alegre, con variedad de movimientos.

Nasal: Sonido defectuoso de la voz humana. Tiene lugar cuando una gran proporción de la columna vibrante de aire contenido en los pulmones, al ser expelida hacia la boca también sale por los orificios nasales produciendo un tipo de sonoridad artificial y extraña a la voz natural del cantante. También se suele llamar así a un sonido similar que producen algunos instrumentos mal templados, especialmente los de viento.

Nasardo: Vocablo musical proveniente del francés (nasard=nasal). Se llama así a ciertos registros de órgano pertenecientes a la serie de las flautas, cuyo tono es algo gangoso. Pertenece a la familia de los registros de mutación, cuyo sonido es variable y puede producir desde la quinta de la fundamental hasta una de sus octavas. Se utiliza como base en la afinación del órgano porque básicamente suena a la quinta del sonido prestante. También se le suele denominar juego de quintas.

Naseré: Existen varios instrumentos sonoros con este nombre, propio de la cultura guaranítica. El más común es una variedad de pito, de sonoridad aguda y penetrante, que se utiliza en las ceremonias del culto religioso y también como elemento de señales en la cacería. Algunos conjuntos tradicionalistas de Chaco y Formosa (Argentina) han hallado una rica fuente de inspiración musical en el sonido rítmico de este primitivo instrumento, y de otros similares, como el sereré.

Natajiasole: Voz en lengua wichí (aborígenes matacos). Es un instrumento musical heterocorde, consistente en un doble arco de madera, cuyo roce produce un sonido suave y lamentoso. Pertenece al folclore del litoral de Argentina (Provincias de Chaco, Corrientes y Formosa). Este sencillo instrumento, también llamado lechej-onjó, es un cordófono primitivo, provisto de múltiples cuerdas de crin, que se unen en un manojo. Su modo de ejecución es simple: uno de los arcos frota contra las cuerdas principales del otro, a modo del arco tradicional de violín. El arco principal del natajiasole se apoya contra los dientes del ejecutante, transformando su boca en caja de resonancia. Con los dedos de la mano izquierda, debe ir presionando o aflojando las cuerdas, pero no pisándolas con las yemas, sino levantándolas con el dorso de las falangetas. De esa manera logrará tensarlas hasta obtener una serie de tonos o alturas adecuados al tipo de melodía que desee interpretar.

Natural (adjetivo):

En música se emplea para indicar que una nota o sonido determinado no debe sufrir alteraciones.

Natural (sustantivo): Se refiere particularmente al signo becuadro. Señala la suspensión o anulación de cualquier alteración que hubiera sido indicada con anterioridad. Naturalismo: Concepto filosófico que atribuye a la naturaleza la razón y la esencia de todas las cosas. Basándose en los principios de esta doctrina, a fines del siglo XIX se manifiesta la Escuela Naturalista como una pujante teoría intelectual, opuesta al romanticismo, cuya influencia se deja ver esencialmente en las bellas artes, en la literatura y el teatro. En la ópera, se manifiesta con los ejemplos del verismo, y más tarde, a mediados del siglo XX, con el neorrealismo del cine italiano.

Nay: Nombre genérico, de origen persa, que suele aplicarse a una gran variedad de instrumentos de viento, que fueron muy populares desde la antigüedad entre los pueblos de Turquía y el cercano oriente. Consiste en una flauta de caña, bien pulida y alisada por dentro, con embocadura de concha o de asta, sin lengüeta, a la que se le aplica una virola de metal en el extremo correspondiente a la salida del aire. Los derviches de Turquía utilizaban un tipo de nay al que llamaban fogara. Algunas versiones -que sólo difieren en el tono- aún se siguen utilizando con diferentes denominaciones. Esto ocurre especialmente en el ámbito rural y en los conjuntos dedicados a la ejecución de la música folclórica de aquellas regiones (Iraq, Irán, parte de la península arábiga, Jordania, Palestina etc.), donde también puede aparecer citada con las grafías nai o nei. El orificio correspondiente a la embocadura de estos aerófonos está orientado en ángulo agudo hacia la pared inferior interna del tubo, provocando una mejor vibración de la columna de aire, mediante la incidencia dirigida del soplo. Debido a esa característica estructural y la forma de ejecución, el nay constituye una variedad intermedia entre las flautas traveseras y las de pico. Una versión fabricada con tubo de metal, que se utiliza en Egipto, da el diapasón para la construcción de las flautas de caña. Sus seis agujeros laterales le permiten alcanzar una escala de si mayor a partir de la tercera línea en clave de sol.

Nay-ambanah: Variedad de cornamusa pequeña, muy popular entre los campesinos persas. Suele utilizarse en las fiestas populares acompañada con el redoble de un pequeño tamboril, a la manera del flabiol mediterráneo.

Nay-châh: Flauta aguda de las poblaciones islámicas del norte de África y el Cercano Oriente. Su nombre procede del nay tradicional. Tiene siete orificios en línea ubicados en la parte superior del tubo, que podía ser de madera, caña o metal. El ángulo de incidencia del soplo es el mismo. Desde los tiempos antiguos goza de una gran popularidad como instrumento folclórico y ritual. Especialmente entre los turcos, persas y egipcios. Es el aerófono tradicional de la celebrada danza de las almeas.

Nay-giref: Versión similar a la anterior. Se reconoce por el tamaño reducido y porque presenta ocho agujeros en lugar de siete. Existen ejemplares parecidos en las antiguas culturas de Indostán (India, Pakistán, Bangla Desh).

Ndut Lieng Krak (litófono de): Instrumento de percusión, de origen prehistórico, descubierto en 1949 en la región del mismo nombre (provincia de Dak Lak, Vietnam). Es uno de los ejemplares más antiguos de los que se conoce su existencia. Actualmente forma parte de la colección organológica del Museo del Hombre de París (Palais Chaillot). Aunque se desconoce la etnia a la que perteneció, los estudios estratigráficos permiten situarlo con exactitud en el periodo neolítico. Se compone de once planchas de piedra tallada y pulida, de diferentes tamaños y espesores, formando una secuencia de sonidos variables en una escala rudimentaria. Las piedras sonoras tienen un peso individual que oscila entre los 5 y los 11 kilogramos. Al parecer, estos instrumentos eran comunes en sudeste asiático desde hace más de 3.000 años. En la misma región se han hallado otros litófonos semejantes, aunque más pequeños e incompletos. Se supone que tenían un carácter ritual, acompañando las ceremonias dedicadas a las deidades locales. Para percutir las placas se usaba pequeñas piedras de punta roma o mazos de madera dura, de acuerdo con el sonido que deseaban obtener de cada piedra.

Nebel: Nombre de origen fenicio. Una de las diversas denominaciones del arpa de Judea, citada repetidamente en la Biblia como un instrumento popular de los antiguos hebreos. Su amplia y bien elaborada caja de resonancia le permitía alcanzar una excelente sonoridad, característica poco usual en estos instrumentos. Tenía doce cuerdas y también se la conoció entre los súbditos romanos con las formas latinas de nablum o nabulum

Nebenstimme:

Término operístico que significa voz secundaria. En la ópera wagneriana, se llama a sí a la voz secundaria, en contraposición a la principal o

hauptstimme

.

Negra: Nombre de uno de los signos de duración del sonido. Corresponde a la cuarta parte de la redonda y la mitad de la blanca. Es una forma moderna, derivada de la antigua nota mínima negra. En la notación cifrada se emplea el número denominador 4 porque su valor equivale a 1/4 de la redonda. (Figura: q ).

Neghinoht (cordófonos): Música hebrea. Nombre genérico para varios instrumentos de cuerdas oriundos del Cercano Oriente (Palestina). De manera puntual describe a una variedad de lira o arpa de mano, con forma triangular, los mangos de madera flexible y provista de tres cuerdas de tripa. Aparece en antiguas narraciones judaicas. La primera descripción castellana en el siglo XVIII, en la Vulgata Latina, obra del filólogo y hermeneuta Felipe Scio ⁸¹.

Nehiloth (aerófonos): Del mismo origen que el vocablo anterior. Aunque en este caso se trata de una de las diversas denominaciones genéricas que se empleaban antiguamente para citar a los instrumentos de viento usados por los pastores anteriores a la era cristiana (trompas o cornetas de asta, pitos de barro cocido, silbadores y flautas de caña, etc.).

Neoclasicismo: Corriente estética que surgió en Europa a mediados del siglo XVIII. Procuró volver a las ideas y el gusto artístico de la antigüedad griega y romana. Este sentimiento, relativo a la filosofía del arte, comprendió en su ideal a distintas disciplinas, como la música, la literatura, las artes plásticas y la arquitectura. En la música -y particularmente en el drama lírico que es donde se aprecia más su influenciael neoclasicismo siguió los parámetros fundamentales de la tragedia helenística. El drama lírico "Norma" del compositor italiano Vicenzo Bellini es un ejemplo del ascendiente del neoclasicismo en el complejo melódico y argumental de la obra. Esta ópera en dos actos, con libreto del escritor Felice Romani y estrenada en el teatro Alla Scala de Milán en 1831, muestra ciertos visos del naciente romanticismo que triunfaría pocos años después en los escenarios operísticos de todo el mundo.

Neorrealismo: Movimiento musical surgido en Italia hacia la década de 1950, al amparo de otras corrientes artísticas de mayor trascendencia. Tuvo especial incidencia en la música compuesta especialmente para el cine, la ópera, la comedia musical y otras manifestaciones similares.

⁸¹ Scio de San Miguel, Felipe (1738-1786). Prelado español, autor la primera traducción integral de la Biblia al idioma castellano, incluidos los libros canónicos que configuran el Antiguo y el Nuevo Testamento.

Nestinarstvo: Danza ritual sobre brasas, típica de Bulgaria. Pertenece a las celebraciones que se realizan todos los años durante las festividades de San Constantino y Santa Elena en las comarcas montañosas del sur del país. Tiene un carácter marcadamente folclórico, relacionado con antiguas creencias populares sobre la purificación del alma.

Neto:

Término relacionado con la acústica. Se dice del sonido limpio, sin acordes parásitos ni vibraciones innecesarias.

Neuma: Término utilizado antiguamente en la escritura musical. En las partituras operísticas tiene el significado de tomar aliento, porque indica los sonidos que se deben emitir con una expiración única. En el canto gregoriano, es el conjunto de notas que se cantan en un solo aliento. Generalmente se trata de una sola vocal que en la emisión de la voz se va repitiendo con distintos tonos de la escala cromática -cada vez más agudos- hasta llegar al final de la respiración. Se trata de una técnica vocal que ha persistido a través de los siglos y tiene numerosos ejemplos en los coros de ópera. En la Edad Media, los intérpretes que debían guiarse por la escritura neumática, estaban obligados a estudiar y aprender con exactitud todas las características de las melodías que debían cantar, sus intervalos, etc. El ritmo y el tiempo no se anotaban, porque no existían símbolos ni códigos reconocidos para señalarlos. Las instituciones tradicionales, como la Schola Cantorum de Roma y otros importantes centros musicales de la Edad Media contribuyeron en gran medida al conocimiento y perfeccionamiento de la lectura musical. Este hecho se debió, en principio, al desarrollo de los diferentes métodos de notación, y luego al progresivo perfeccionamiento de la técnica. El estudio se basaba esencialmente en las tradiciones orales, porque aún no existían los libros de texto. A continuación se incluyen los nombres de los neumas con sus respectivos acentos:

- Punctum (grave)
-Virga (agudo)
-Podatus (grave, agudo)
-Clivis (agudo, grave)
-Climacus (agudo, grave, subgrave)
-Scandicus (subgrave, grave, agudo)
-Salicus (agudo y dos graves)
-Torculus (agudo, subagudo, grave)
-Pes subpunctis (grave, agudo, grave, subgrave)
-Climacus resupinus (agudo, agudo, grave, grave)

Neuma de acento: Término del canto llano o gregoriano. Equivale a las notas correspondientes a los sonidos melódicos con movimiento ascendente y descendente. Servían para indicar las direcciones pero no las alturas de tono. Existen varias formas de neumas de acento (punctum, virga, flexa, torculus y podatus).

Neuma de apóstrofo:

Son los signos de ejecución en el canto llano o gregoriano, particularmente los neumas ornamentales. (

strophicus, oriscus, pressus

, etc.).

Neuma ornamental: Vocablo perteneciente a la terminología del canto llano o gregoriano. Se refiere a las notas musicales que en el sistema de notación por neumas cumplían la función de las actuales florituras (strophicus, oriscus, etc.).

Neumas de antífonas: Composiciones musicales -tradicionales en el canto llano- cuya principal característica consiste en el grupo de notas de adorno con que concluyen estas obras
New music: En inglés (nueva música). Género melódico de vanguardia también conocido en los Estados Unidos con el nombre descriptivo de spaced out music. En Europa alcanzó la fama con el membrete de música repetitiva, cimentado sobre un nuevo concepto filosófico para entender y percibir la sucesión sonora. El estilo de esta variante demuestra una profunda influencia de la música norteamericana del siglo XX, aunque bastante tocada por el neodadaísmo e incluso ciertas influencias orientales (música de la India, Bali, Ghana etc.). Entre sus más señeros exponentes se encuentran compositores de la talla de John Cage, su alumno y seguidor, Morton Feldman, el cultor de la música aleatoria, Earle Brown y los miembros de la New York School (Escuela musical de Nueva York).

New thing: Movimiento de vanguardia musical integrado en el ambiente del jazz libre. Su traducción literal es "cosa nueva". Pertenecieron a esta corriente -cuya esencia era la improvisación- numerosos creadores de renombre en aquella época, como Lester Bowie, integrante del Art Ensembre of Chicago, el pianista Cecil Taylor y el trompetista Don Cherry.

Ney: Flauta campesina de madera, con la embocadura en forma de bisel. Presumiblemente es originaria de las extensas llanuras de Anatolia central (Turquía), donde se la conoce desde muy antiguo. Esta variedad de aerófono popular -con el mismo nombre o muy parecido- también se acostumbra tocar con cierto arte en los países del Cercano Oriente (Siria, Líbano, Jordania, Palestina, etc.) y prácticamente en todo el norte de África (Libia, Túnez, Argelia, Marruecos). En la región del Magreb esta flauta se denomina nay, y se suele tañer juntamente con una suerte de castañuelas de madera dura y oscura -muy parecidas a las españolas- que los músicos árabes llaman qraqreb.

Nguillatún : Ceremonia ritual indígena, cuyo desarrollo contiene melodías tradicionales entre los araucanos de la Patagonia (sur de Argentina y Chile). Se suelen interpretar con el acompañamiento de una serie de instrumentos autóctonos (bombo criollo, cultrún, trutruca, pifilca, etc.). En algunos manuales y tratados -especialmente los que tratan sobre el folclore musical indoamericano- el nombre puede aparecer escrito de distintas formas, según la adaptación fonética (guillatun o nguiyatum).

Nô: Drama lírico japonés, de los siglos XIV y XV, equivalente a la ópera occidental. Aunque el estilo constituye una fusión de danzas, cantos y recitados anteriores al siglo XIV, se sabe que fue codificado y divulgado por el músico, poeta y director teatral japonés XIV, se sabe que fue codificado y divulgado por el músico, poeta y director teatral japonés 1443), cuyos escritos constituyen una importante referencia en el estudio de las características del nô. El término es una abreviatura de sarugaku-no-nô, nombre que le dio Zeami Motokiyo al realizar la recopilación y el estudio de esta expresión tradicional del Japón. En su desarrollo constituye una parte esencial la intervención de los personajes principal y secundario, la filosofía vital del sintoísmo junto a las expresiones figurativas, como el sugestivo arte del movimiento corporal o el uso elocuente de la máscara y el quimono. Las partes esenciales y profundamente significativas que integran el complejo escénico del drama lírico japonés son:

-Escuela a la que pertenecen los protagonistas principales. Son cinco estilos : Kanze; Hôshô; Komparu; Kongô y Kita.
-Escenario (ji-utai-za) espacio básico compuesto por una tarima cuadrada de madera, con un mínimo decorado escenográfico.
-Orquesta (ato-za) compuesta por un grupo reducido de instrumentistas (flauta y tambores). Brinda el ritmo a la danza representada sobre el escenario.
-Coro, integrado por un grupo homogéneo de ocho o diez voces masculinas. Sus integrantes cantan al unísono, reforzando las palabras y describiendo los paisajes imaginarios que rodean el ambiente del escenario.
-Personaje principal, llamado shite (significa "el que actúa"). Siempre lleva puesta una máscara.
-Personaje secundario, llamado waki (significa "el de al lado"). No lleva puesta ninguna máscara.
-Kata, forma estilizada del movimiento que representa la perfección escénica.
-Mi, es el principio esencial del arte japonés

La concepción lírica del

nô

es un arte esencialmente masculino. No se concibe sin las máscaras, cuyos gestos representan el drama puesto en escena.

Nocturno: Vocablo que en música tiene varios significados, siendo más usual el que se refiere a una pieza breve, instrumental o vocal, inspirada en la belleza de la noche. El estilo de este tipo de composiciones suele ser melódico, con movimientos moderados y carácter sentimental. Creación esencialmente romántica, el nocturno clásico es una pieza típica del siglo XIX, que suele escribirse en series para piano solo o pensando en su integración con otros instrumentos cantantes (flauta dulce, violín, viola d'amore, violonchelo, etc.). Se considera creador de este género al compositor y pianista irlandés John Field (1782-1837), el primero en denominar así a las obras inspiradas en tales sentimientos, aunque algunas parecen sensiblemente marcadas sobre los acentos melódicos del bel canto italiano. Después de Field, Frédéric Chopin (1810-1849) elevó la calidad estética del nocturno al más alto nivel creativo, elaborando su propio estilo y armonía musical. Los diecinueve nocturnos chopinianos -escritos entre 1833 y 1846- responden en general a la formula tradicional (A-B-A), aunque alguno se acercan a la estructura básica del lied (A-B-A/C-A). Entre ellos caben destacar especialmente: "Tres nocturnos en fa mayor, fa sostenido mayor y sol menor" Op 15, escritos hacia 1830, y los últimos "Dos nocturnos en si mayor y en mi menor" Op. 62, de 1846, que vieron la luz un par de años antes de su muerte, cuando ya la enfermedad que consumió su vida tempranamente le había marcado en el ánimo la impronta de la amargura. Otros compositores de nocturnos maravillosos, por la gracia de sus melodías fueron el autor ruso Aleksandr Nikolaievic Scriabin (1872-1915), un Nikolaievic Scriabin (1872-1915), un 1925) y Francis Poulenc (1899- 1963), este último, destacado integrante del parisino "Grupo de los seis". El término nocturno también se emplea como sinónimo de pieza litúrgica y de serenata.

Nocturno (música litúrgica): En rito de la iglesia católica romana se denomina nocturno al grupo de himnos y otros cánticos que se interpretan durante el oficio de maitines (antífonas, salmos, lecciones). Durante los siglos XVII y XVIII era costumbre celebrar "Nocturnos de Navidad" compuestos por series de villancicos que vocalizaban los coros de capilla, con acompañamiento de órgano.

Nocturno (serenata): Concierto improvisado donde se interpretan piezas melódicas de carácter romántico, que pueden ser cantadas, instrumentales o mixtas. Aunque suele llevarse a cabo en horas de la noche, es posible que ninguna de las composiciones de este tipo de serenata corresponda técnicamente a las características del nocturno clásico. Nodo: En música se llama así al punto de interferencia entre dos ondas vibratorias. Este efecto se produce en algunos instrumentos de cuerda, cuando los dedos del ejecutante las presionan de manera muy suave sobre los puntos divisorios (1:2, 1:3 etc.). Este efecto es un adorno propio de virtuosos y muy difícil de lograr correctamente. Algunas variedades de armónicos se llaman hipertonos.

Noël: Vocablo francés equivalente a “Canto de Navidad”. Era un antiguo drama litúrgico inspirado en el nacimiento de Jesucristo. A través del tiempo, la letra y la melodía de esta forma religiosa se fueron transformando en cantos populares. En el sur de Francia son tradicionales los noël de Saboli, redactados en lengua provenzal.

Noema: Del griego (noema=idea, pensamiento). Vocablo que se refiere a la concepción de una obra de arte literaria o musical. Se admite que toda creación del intelecto parte de un pensamiento inicial al que se denomina noema como sinónimo de arrebato e inspiración. Algunos filósofos difieren de esta opinión por considerar que la inspiración llega, pero nos debe hallar trabajando o pensando en el motivo del cual surge la creación literaria. Los libretos de muchas óperas se han basado en adaptaciones escénicas realizadas sobre obras de grandes escritores. Como ejemplo puede citarse a "Boris Godunov", ópera de Modest Mussorsky, con libreto del propio compositor, basado en un drama histórico del poeta y novelista ruso Alexander Pushkin. "El barbero de Sevilla", ópera bufa en dos actos de Gioacchino Rossini, con libreto de Cesare Sterbini, está inspirada en una comedia de Beaumarchais titulada "Le barbier de Séville ou Précaution inutile".

Nôkvan:

Especie de flauta travesera del Japón. Tiene siete agujeros. Es un instrumento aerófono tradicional en las representaciones del

nô

(drama lírico japonés).

Nomo: Los antiguos griegos llamaban nomos (nomos o nome) a todas las composiciones cantables sujetas a reglas fijas. Los diferentes tipos de nomos conocidos en la antigüedad eran clasificados de acuerdo con su procedencia o estilo (dóricos eolios, frigios, lidios, yámbicos, dactílicos, etc.).

Nomo compuesto: Forma de canto griego que se entonaba sobre dos o más modos combinados. Existían nomos bipartitos y tripartitos, básicamente entonados sobre las formas tradicionales dórica, frigia o lidia.

Nomo pitio: Del griego (nomos=obra, creación y phytios=concerniente al dios Apolo). Era una pieza musical que se interpretaba en la antigua Grecia, en honor de aquella deidad. La representación de la obra tenía lugar durante los juegos píticos, frente al templo de Delfos. El argumento –marcado por un profundo sentido religioso- estaba inspirado en antiguas tradiciones que narraban las hazañas de Apolo. La parte melódica estaba compuesta por cantos y sonido instrumental (flautas y liras).

Noneto (composición): Pieza musical concebida para nueve voces o instrumentos. La partitura del noneto se desglosa en nueve partes, adaptadas a cada ejecutante. En la actualidad es un término poco utilizado. Lo cita el compositor catalán Roberto Gerard (1896-1970) autor de la ópera "La peste", inspirada en la novela de Albert Camus.

Noneto (conjunto): Grupo de nueve músicos de cámara y sus respectivos instrumentos. Cuando se trata de formaciones instrumentales -aunque pueden ser mixtas- lo usual es que se trate de cuerdas. El noneto suele estar compuesto por violines, violas, violonchelos, y contrabajos. A veces pueden intervenir en la dotación algunos aerófonos, como la flauta travesera. También se emplea este término para citar a los coros reducidos, integrados por nueve vocalistas.

Non legato: Indicación de ejecución. Significa "no ligado". Sirve para aclarar que una composición musical debe ser interpretada con cierta agilidad vocal e instrumental. (ver ligadura).

Nonquilñ: Instrumento de viento mapuche, originario de la región de Neuquén en la Patagonia (Argentina). Aunque tiene escasas posibilidades melódicas, suele integrar como instrumento de conjunto las orquestas populares del pueblo araucano. Es similar a la trutruka, aunque tiene un sonido diferente debido a que carece del pabellón de asta vacuna que caracteriza a aquella corneta. El cuerpo del nonquilñ, de unos 80 cm de largo, suele presentarse adornado con borlas colgantes y envuelto en hebras de lana de vivos colores.

Non legato:

Sistema de articulación de las notas musicales, intermedia entre el

staccato

(sonidos bien separados) y el

legato

(sonidos bien ligados o unidos).

Non vibrato : Se dice así cuando el sonido de un instrumento queda inmovilizado, como en un compás de espera entre la última nota de un acorde y la primera de la siguiente. En la ejecución de los cordófonos de arco -como el violín- significa eliminar el movimiento de vibrato que se lleva a cabo con la mano izquierda.

Northumbrian small-pipe: Cornamusa inglesa del siglo XVII, poseedora de una sonoridad dulce y bien modulada. Tiene un tamaño reducido, de allí su condición de instrumento “de cámara”. Su origen puede estar relacionado con la típica musette francesa. Dispone de un fuelle en lugar del pico insuflador. El tubo melódico o caramillo es de sección cilíndrica, con doble lengüeta y nueve llaves, suele afinarse en sol₃. Dispone de cuatro bordones, de los cuales suenan tres en forma simultánea: sol₃, re₃, sol₂. Es un instrumento tradicional en el condado de Northumberland, limítrofe con Escocia.

Nota: Es la denominación que tiene cada sonido de la escala, en función del conjunto de armónicos que originan los sonidos fundamentales. Su carácter de símbolo gráfico del sonido equivale a las letras del lenguaje hablado. El sistema musical moderno, adoptado en la música occidental está compuesto por siete notas básicas que corresponden a las teclas blancas del piano. Su orden es el siguiente: do, re, mi, fa, sol, la y si. Cada nota posee su propia denominación técnica, variando según la posición que ocupe en la escala mayor. Cuando ello sucede, se denomina escala diatónica y cada nota equivale a un grado diferente.

Nota contra nota: Característica del canto polifónico que se produce cuando una nota determinada, cantada con una voz determinada se repite simultáneamente con otra voz, dando lugar al fenómeno acústico denominado homofonía.

Nota de adorno: Como su nombre lo indica, se trata de una nota o un grupo de notas agradables, destinadas a la ornamentación de un pasaje melódico. Una serie ejemplos clásicos de notas de adorno se da en los arpegios para órgano o clavicordio del siglo XVII. También existen ejemplos de grata factura en la música para laúd. Las diminutions (disminuciones) de los airs de cour franceses del siglo XVIII son otro ejemplo deleitoso. Entre las diferentes denominaciones específicas que dan los músicos galos a las notas de adorno (ornements) pueden destacarse las siguientes: doublé (gruppetto); port de voix (apoyatura); pincé (mordente); coulé (ligado), etc.
Nota de paso: Es un efecto disonante creado por la existencia de notas extrañas al acorde e intercaladas entre dos notas. Las notas de paso pueden sonar en forma diatónica o configurando un semitono. Se producen y son perceptibles normalmente sobre un tiempo débil, más que sobre uno fuerte. Existe una gran variedad de notas de paso, dependiendo de la disposición del acorde y la separación relativa entre las notas.

Nota de transición:

Nota extraña que se escucha entre dos acordes.

Nota escapada: Nombre común que se aplica a las notas de un compás que quedan fuera de la armonía. Técnicamente, es un sonido que no está bien resuelto en el contexto de la melodía. La nota escapada puede ser inferior o superior. Como efecto acústico resulta más adecuado en los estilos libres que en la música clásica.

Nota extraña: Nota que, sin ser parte de un acorde, se oye dentro del mismo. Por lo general se trata de una nota de adorno y pueden encontrarse bajo distintas formas (apoyaturas, bordaduras, notas pedales, etc.). Existen varias configuraciones que se determinan por su ubicación dentro de la frase melódica (nota de transición, nota simultánea).

Nota pedal: Nota sostenida en cadencia, que sirve para preparar un estado de quietud o serenidad al terminar un finale. Su cometido es similar a la nota tenida. En el arte lírico, la cadencia mejor lograda es la que puede dar más sensación de reposo o laxitud. Esto se logra mediante la sucesión de dominante y tónica.

Nota real: Las notas reales son aquellas que configuran perfectamente un acorde y que le pertenecen. Es un vocablo propio del análisis armónico que se utiliza en oposición a las notas alteradas o extrañas que pueden formar parte del acorde.

Nota romboidal: Forma de nota musical antigua, equivalente a la redonda o semibreve, cuya figura adoptaba el aspecto de un pequeño rombo. Estuvo vigente desde el siglo XIII en el sistema medieval de notación proporcional. A partir del siglo XVII comenzó a emplearse el modelo redondo, en uso en la actualidad.

Nota simultánea:

Nota extraña que se escucha juntamente con el acorde en el cual se encuentra inserta.

Nota (sonido): Específicamente se refiere a cada uno de los respectivos sonidos de las notas musicales, producidos por una vibración de frecuencia constante que permite identificarla (dar la nota).

Notación alfabética: Sistema primitivo de escritura musical relacionado con un código mixto de letras y neumas. Dejó de utilizarse, porque en la práctica resultaba demasiado complejo y poco preciso.

Notación cuadrada: También llamada Notación gregoriana romana. Es un método de escritura musical relacionado con el sistema de neumas del canto gregoriano. Comenzó a difundirse en Francia a partir del siglo XII y tuvo un gran desarrollo en las regiones de Aquitania y Normandía. Con ciertas restricciones, este método se sigue estudiando y utilizando en la actualidad, especialmente por los investigadores especializados en la música medieval.
Notación diástemática: Forma de notación musical de la Edad Media (siglo X). Desarrollada en Cataluña por los monjes del monasterio de Ripoll. Es similar a la forma aquitana.

Notación gótica: También llamada notación tudesca o de clavo de herradura, por el perfil de los símbolos. Era una forma corriente en la Edad Media, especialmente en Alemania y los Países Bajos. Se puso en práctica durante los siglo XIV y XV, especialmente en la notación del canto coral en alemán. Ya no se utiliza.

Notación musical: Es el conjunto de los signos empleados para señalar la duración y altura de los sonidos, además de todas las otras indicaciones normalizadas que puedan ser de utilidad para la correcta ejecución de una partitura.

Notación musical (historia): La suma de los conocimientos acumulados a través del desarrollo histórico de la música da lugar a la moderna práctica interpretativa. A lo largo de los siglos se pusieron en práctica diferentes sistemas de notación (cuadrada, románica, gótica o de clavo de herradura, por líneas, etc.) De todos aquellos intentos, muchos resultaron realmente complejos o imperfectos. La mayoría de ellos fueron cayendo en desuso. En lo que respecta a los principios originales, empleados en la concepción de las diferentes formas históricas de notación, pueden definirse cinco métodos distintos que en algunos casos y a través del tiempo llegaron a ser complementarios:
algunos casos y a través del tiempo llegaron a ser complementarios:
Tablatura antigua (Grecia clásica)
(Grecia clásica)
Transcripción abstracta (siglo IV)
(siglo IV)
Sistema de intervalos (época bizantina)
(época bizantina)
Método global (baja Edad Media)
(baja Edad Media)
Grafismo visual (siglos IX-X)
En la actualidad, el conocimiento de esos principios aplicados a las formas primitivas de notación sólo se emplea en el estudio de la música antigua y medieval.

Note d'agrement:

En francés significa "

nota de adorno o floreo

". Es un término empleado normalmente en las partituras y descripciones de la ópera gala.

Noúmeno melódico: Idea lógica, divulgada por la crítica francesa, cuando alude a la música descriptiva. El vocablo proviene del griego: noumenon=comprensión; término que a su vez, es concepto del infinitivo noeo=comprender y derivado de nous=mente. Por lo tanto, explica un fenómeno mental referido a la condición inteligible de las ideas inspiradas en la armonía musical. Esta condición puede darse por asociación con otras ideas similares o por la relación con ciertos sonidos que tengan un significado subjetivo. En la "Teoría del conocimiento", de Emmanuel Kant (1724-1804) es el objeto en sí mismo -el sonido o la melodía- lo que genera la percepción sensorial.

Nouvé: Canción francesa de Navidad, equivalente al villancico español. Género tradicional en la región de Provenza. Conocido bajo distintas formas desde la alta Edad Media ("l'Annonciation", "les Saints-Innocents", "Magnificat", etc.). Los cantares de nouvé alcanzaron su apogeo en el siglo XVII, con las creaciones del célebre músico y poeta provenzal Nicholas Saboly (1614-1675).

Novena: Grado número nueve en la escala temperada occidental. Se denomina de esta manera porque entre el sonido más bajo y el más alto se cuentan ocho grados de diferencia. Novena (intervalo): En la escala diatónica se llama así al intervalo formado dentro de los extremos de un grupo de nueve notas consecutivas.

Novena (órgano):

Juego de mutación existente en algunos órganos modernos que sirve para producir la novena del sonido fundamental.

Nowiké: Violín rústico, del tipo monocorde, de procedencia campesina, que se suele utilizar durante las fiestas populares en algunas regiones de la cultura guaranítica (litoral nordeste de Argentina y parte del Paraguay). También se conoce a este instrumento con el nombre de mbiké. Debido a su origen folclórico y rodeado de leyendas, en algunas localidades se le suele dar el apelativo de "violín payé". El cuerpo es de hojalata y su única cuerda se frota con arco.

Nuba: Estilo de melodía árabe tradicional en el norte de África. En Argelia fue adaptada como música militar para algunos regimientos de infantería. Los grupos folclóricos locales interpretan aires populares de nuba con flautas, clarinetes y tamborinos. Se cree que su origen remoto estuvo en Oriente Medio (Kurdistán), desde donde se fue divulgando a través de los siglos hasta el Magreb.

Nuez: Pieza de madera ubicada junto a la empuñadura del arco, en los instrumentos de este tipo (violín, viola, violonchelo, contrabajo, etc.). Posee un sistema de cuña que permite sujetar el extremo posterior del haz de cerdas al talón.

Numerador: De latín (numeratore) Denominación de los números quebrados, que sirve para señalar cuántas partes de la unidad contienen aquellos. En música es el nombre de la cifra superior que se usa para indicar los tiempos que entran en un compás determinado.

Número cerrado: Interpretación individual realizada por un solista, cuya actuación destaca netamente del resto de los integrantes de un elenco. Por extensión se llama así a las intervenciones corales, cuando su parte puede separarse del contexto general de la obra como una actuación independiente. Era una forma característica en la configuración de las óperas del siglo XIX. Las estructuras musicales de este tipo -divididas en fragmentos individuales- permiten la actuación destacada de arias, dúos, tríos y concertantes. Un ejemplo clásico de esta configuración estructural es la ópera en cinco actos "Rienzi", de Richard Wagner, estrenada en Drede, en 1842. A pesar de su escasa difusión, esta ópera juvenil tiene una gran originalidad musical y es una de las piezas fundamentales para conocer cabalmente la obra del gran compositor alemán.

N'vique: Voz indígena que sirve para designar a una especie de violín folclórico, provisto de una sola cuerda de tripa. Procedente de la provincia del Chaco (norte de Argentina), se trata de un instrumento tradicional cuyo origen está rodeado de leyendas. El término n'vique tiene un amplio sentido descriptivo, cuyo significado está relacionado con el sonido que hacen las uñas del jaguar al rozar la corteza de un árbol. La caja armónica suele fabricarse con diversos elementos (lata, caparazón de quirquincho, con tapa de madera, etc.). Un pequeño puente de madera, removible, permite modificar ligeramente la entonación básica del instrumento. El mango, corto y robusto, sostiene la única clavija de madera. Se tañe mediante un arco (checne'c), de vara de lapacho con cuerda de cerda de caballo.

-O-

O:

Símbolo de tiempo perfecto en la música antigua. Esta formado por un compás de tres tiempos. Aparece indicado con un círculo y un punto en el centro

Ob:

Abreviatura de oboe. Las dos letras sobre el pentagrama indican la parte del contexto melódico donde entra el sonido del instrumento.

Obertura: Pieza sinfónica con la que dan comienzo las óperas y los oratorios. En Italia se le llama sinfonía. Suele contener un par de temas melódicos con diferentes variaciones y un final brillante. Algunas oberturas de ópera constituyen por sí mismas una pequeña sinfonía inicial. Su composición musical suele anunciar los temas que irán apareciendo más adelante. En este caso, la composición musical representa un efecto sonoro producido por la orquesta como consecuencia de la idea que intenta transmitir el argumento. La melodía siempre debe dar una idea del ambiente y señalar el camino a la acción que se irá desarrollando en los actos sucesivos. La composición básica puede repetirse con otros tiempos durante todo el desarrollo de la obra. La obertura comenzó a tener difusión a partir del siglo XVIII. Con anterioridad, el vocablo había servido para señalar la primera parte de una suite. Las tres oberturas tituladas "Leonora", de Ludwig Van Beethoven (1770-1827), al principio formaron parte de su ópera "Fidelio", hasta que el gran compositor alemán las quitó para componer otra, cuya partitura es la que se representa actualmente. Una curiosa obra de Mozart, catalogada como ópera, con el título de "Impresario" y estrenada en Viena, en 1786, es en realidad una obertura. En la obertura italiana, la secuencia de los tiempos de ejecución es: allegro-lento-allegro. También se puede emplear las formas castellanas (apertura/abertura).

Obertura francesa: (ouverture). Variante gala de la célebre obertura a la italiana, cuya secuencia en los tiempos de ejecución se reduce a un cambio en la sucesión de los pasos, configurándolos de esta manera: lento-allegro-lento. Fue puesta en boga durante la época de Jean-Baptiste Lully (1632-1687). Su disposición tripartita consta de una parte inicial -en compás binario- con movimiento lento y majestuoso. La parte segunda o intermedia, que suele tener cierta apariencia de fuga, presenta un compás ternario con movimiento vivo. Finalmente, la tercera parte acostumbra ser una repetición integral o parcial del segmento inicial.

Obertura napolitana: Así llamada por la popularidad que le otorgó la magnífica obra de los compositores napolitanos Alessandro Stradella (1645-1682) y Alessandro Scarlatti (1660-1725). Los tiempos de ejecución tradicionales en esta variedad de obertura tripartita son: allegro-lento-allegro. En la mayoría de las obras el primer movimiento suele ser un allegro a 4/4 y el tercero presto a 3/8. En algunos tratados aparece con la denominación "obertura a la italiana".

Obertura pot-pourri: En castellano“popurrí”. Aparece en el siglo XIX. Su denominación proviene de la costumbre de contener fragmentos de los temas musicales más representativos de la ópera a la que precede. Lo mismo que la anterior, sigue el estilo y la línea sinfónica de las oberturas italianas, aunque el tipo y la secuencia de los tiempos puede diferir, de acuerdo con el estilo y las características de la obra. La forma más usual de esta obertura se divide en dos partes: andante-allegro.
Obligado: Término musical derivado del italiano (obbligato). Intervención especial de un solista de orquesta, acompañando la actuación de un cantante. Este bello efecto se suele poner en práctica con el propósito de señalar un aria u otro pasaje específico de una ópera, al que su autor desea destacar especialmente con el sonido de un determinado instrumento.

Oboe: Instrumento aerófono, de lengüeta doble de caña, muy expresivo, formado originariamente por un tubo cilíndrico de madera dura. Su sonido es suave, parecido al de la viola y el violonchelo. Presenta una serie de 16 hasta 20 orificios que se obturan independientemente mediante un complejo mecanismo de llaves que fue perfeccionándose con el tiempo. El nombre proviene del francés (hautbois=madera alta). Existe una variedad de origen alemán, cuya caña tiene forma cónica alargada, como la dulzaina y su sonido es menos agudo que su similar francés. El oboe apareció en Europa en el siglo XV, procede de otras versiones antiguas, como la thibia de los romanos y el aulos de los griegos. A mediados del siglo XVI y bajo la influencia de Jean-Baptiste Lully, este versátil instrumento, ya perfeccionado y con un sistema de boquilla adaptada a la altura de los labios del intérprete, se convirtió en un elemento insustituible para la orquesta de ópera. El intérprete se llama oboísta, aunque en la orquesta española se lo identifica simplemente como oboe.

Oboe barítono: Es el mismo instrumento que el oboe d'amore. Su timbre -que suena a la octava inferior del oboe normal- se consideraba el más puro y característico de la serie. Los oboes de procedencia francesa podían alcanzar hasta la nota si bemol.

Oboe bombardone: Versión italiana, también conocida con el nombre de oboe contrabajo. Constaba de seis orificios alineados lateralmente y cuatro llaves. Su sonido más bajo era la nota sol. Aunque sufrieron numerosas transformaciones, producto del progreso de la música y el desarrollo tecnológico, todos los miembros de la familia de los oboes -igual que la de los clarinetes- proceden directamente de los antiguos instrumentos de lengüeta griegos y romanos.

Oboe contrabajo:

Con ligeras diferencias estructurales, es el mismo instrumento citado anteriormente. Los alemanes lo llaman

grosse Bass Pommer

.

Oboe contralto: También llamado oboe alto. La forma de la columna de aire tenía un perfil cónico. El cuerpo se fabricaba de madera tallada en una sola pieza. Los modelos antiguos sólo tenían seis agujeros. Posteriormente se le agregó uno más que debía obturarse con el pulgar. Su sonido más grave era la nota mí.

Oboe da caccia : Oboe de caza. Nombre italiano del corno inglés (english horn). También suele figurar la versión francesa (hautbois de chasse). Es una denominación que puede aparecer escrita de distintas formas, según la procedencia de la grabación o el tratado donde se hace referencia a este instrumento. En la Italia del siglo XVII lo conocían con el nombre de voce umana por su extraordinaria variedad de tesituras.

Oboe d'amore : También llamado oboe luongo. Es otra versión de este instrumento aerófono similar al anterior, aunque la caña es más alargada. Aparece frecuentemente en las composiciones de Johann Sebastian Bach. Debía estar afinado en la y su sonido equivalía al registro de mezzosoprano. En la orquesta moderna ya no se lo utiliza, aunque puede aparecer como instrumento de escena o aplicado por su sonido en algún tipo de efecto especial. En la orquesta de ópera francesa se lo identificaba con el nombre de hautbois d'amour.

Oboe Heckelphon: Oboe barítono inventado a fines del siglo XIX y desarrollado en 1905 por el constructor Wilhelm Heckel (1856-1909), heredero de una célebre casa constructora de instrumentos de viento de Alemania. Heckel fue el creador también de un contrafagot y de dos tipos de clarinete, uno de ellos contrabajo. El oboe Heckelphon tiene el sonido una octava más baja que el oboe normal. Pese a ser un instrumento muy dúctil no ha tenido una gran difusión en la orquesta sinfónica.

Oboe pastoril: Aerófono popular del siglo XIX. Tiene agradable sonoridad y presenta un tamaño más reducido que los oboes normales. Por su gran ductilidad, llegó a figurar en algunas óperas como elemento de escena. Este instrumento, como todos los de su tipo, tiene una gran afinidad de timbre con la voz humana. En algunos tratados y manuales se lo compara con el oboe piccolo.

Oboe piccolo: También llamado oboe pastoril u octavin. Es un instrumento de la familia de los oboes, más pequeño y con la caña curvada. Su sonido es más agudo. Una octava más alta que la del oboe normal, de allí su sobrenombre de octavín.

Oboe (

registro de órgano

):

Tubo metálico y cónico, algo más corto que el tubo

bombarda

. Su sonido imita el aerófono de lengüeta del mismo nombre.

Oboe tenor: Versión antigua, afinada a una quinta más grave que el oboe contralto. El pabellón era desmontable e intercambiable con otra boca de mayor tamaño. Se ha dejado de utilizar. En la actualidad sólo existen algunos ejemplares en manos de coleccionistas.

Oboísta:

Músico dedicado a la ejecución de cualquiera de los modelos de

oboe

.

Obra complementaria: En los estudios musicales, se dice del tipo de composición que observa el mismo estilo de una obra sujeto de análisis. Se incluye como acotación integral para la mejor comprensión de la misma. En las descripciones de obras sugeridas se suele incluir una breve apostilla con los títulos recomendados, que pueden servir como ejemplo para reforzar el conocimiento de una escuela o estilo determinado. Por ejemplo, cuando se analizan las características armónicas y estilísticas de la suite "Iberia", de Isaac Albéniz, resulta casi obligado citar como obra complementaria a la suite "Goyescas" de Enrique Granados. Esta última, integrada por siete piezas para piano escritas en 1911 e inspiradas en la obra de Goya, contiene partes que derivaron en la ópera del mismo nombre, estrenada en 1916.

Obra escénica: Es un sinónimo de ópera, opereta, zarzuela, comedia musical etc. En el amplio espectro de la creación musical existen variantes específicas que agrupan a los distintos elementos coincidentes dentro de un mismo género. La obra escénica está pensada especialmente para ser representada por actores cantantes o coristas- que trasladen a las tablas la imagen humana, vibrante y vital. La música incidental -forma típica de representación escénica compuesta por drama y música- floreció con el barroco durante el siglo XVIII, llegando a ser uno de los más perfectos complementos para este tipo de expresión. La obra escénica "Grania and Diarmid", del compositor británico Sir Edward Elgar (1857-1934), es un ejemplo clásico de la gracia imaginativa, donde el conjunto de la parte actoral, la iluminación y la escenografía se transforman en complementos fantásticos de la música sinfónica.
Obstinado: Del italiano (ostinato). Elemento rítmico o melódico, generalmente breve, que suele reiterarse de manera constante en el transcurso de una interpretación. El bajo obstinado es un efecto melódico de tonalidad grave compuesto por una cantidad limitada de compases (normalmente entre cuatro y ocho) que se repiten de manera periódica. Puede aparecer en las arias de ópera, y en composiciones de distintas épocas y estilos, como el pasacalle, la folía, la chacona, etc. La fórmula básica del obstinado puede eventualmente extenderse en forma de variación, como ocurre en la música étnica de África, cuyo ritmo melódico se basa en una serie de obstinados superpuestos.

Ocarina: Pequeño instrumento de viento fabricado con barro cocido. Posee sonidos medianamente agudos y un timbre dulce. Pertenece a la familia de las flautas de vasija con pico. Su forma es globular alargada y tiene de ocho agujeros, que se obturan con los dedos para obtener las distintas modulaciones El modelo actualmente en uso fue diseñado en Italia en el siglo XIX.

Oclusión lingual: Transcripción del inglés (tongue blocking). Técnica de ejecución de la armónica. Consiste en obturar parte de la embocadura con la lengua, para que al soplar el aire pase por una sola cuatrinca, obteniendo de esta forma un acorde puro.

Octava: Grado número ocho en la escala temperada occidental. Se denomina de esta manera porque entre el sonido más bajo y el más alto se cuentan seis grados de diferencia (do-re-mi-fa-sol-la-si-do). La formación de la octava ocurre cuando a las siete notas de una gama se le une la primera nota de la gama siguiente. Por lo tanto, corresponde a una gama más extensa que la normal, formada con ocho notas. La escala que en la octava tiene cinco intervalos de tono entero y dos de semitono se denomina diatónica (do-re-mi semitono-fasol-la-si semitono-do).

Octava alta:

Sonido que se obtiene al aumentar la frecuencia de otro sonido al doble de su valor.

Octava baja:

Sonido que se obtiene al reducir la frecuencia de otro sonido a la mitad de su valor.

Octava italiana: Variedad de estrofa utilizada en la letra de algunas óperas para enfatizar la parte final de un tramo recitativo. Se compone de ocho versos de arte mayor, con el cuarto y el octavo oxítonos. Aunque los versos de la octava italiana son generalmente endecasílabos, una versión semilibre de este tipo de estrofa puede emplear versos agudos heptasílabos. Su época de mayor divulgación se produjo durante el periodo del Romanticismo.

Octavear: Dar la octava en la ejecución de un instrumento. Es un término que se usa normalmente en la ejecución de los cordófonos y algunos aerófonos, como la flauta travesera. También significa hacer sonar varias octavas en forma simultánea. Se trata de una forma verbal frecuentativa, derivada del vocablo octava. La manera correcta en castellano es octavar.

Octaveo: En la técnica musical, significa hacer sonar rápidamente y en forma de arpegio, la octava superior de cada nota. Se trata de un efecto utilizado con frecuencia en la ejecución del arpa. En el piano se puede llevar a cabo de cuatro maneras:

1) Octaveo arpegiado simple
2) Octaveo arpegiado redoblado
3) Octaveo en trémolo
4) En octavas simultáneas
En la familia de las flautas, halla el intérprete uno de los campos más propicios para el desarrollo de esta habilidad interpretativa. Con el objeto de lograr un sonido brillante, el instrumentista debe realizar un fuerte impulso al insuflar el aire. La potencia de ese soplo debe ser mayor que la salida total del aire a través de los orificios de digitación. De esa forma, la compresión de la columna vibrante se divide en dos, en un efecto que se conoce con el nombre de octava. Entre los demás aerófonos es una técnica difícil de realizar con absoluta precisión. En el violín, el octaveo se puede aplicar de una manera particular, dependiendo del efecto y la destreza del ejecutante con el arco.

Octavflöte: Instrumento aerófono. Nombre alemán de una flauta pequeña, que suena en la octava superior de la flauta corriente. En las descripción instrumental de algunas composiciones de cámara, aparece la denominación italiana (flauto piccolo).

Octavín: Del italiano (ottavino). Nombre de una variedad de flauta pequeña, o flautín, que suena a una octava más alta que la flauta normal. La música del octavín se escribe en clave de sol.

Octavina: Variedad de espineta portátil, original del siglo XVIII. Es de menor tamaño que la espineta corriente. Existen algunos ejemplares bien conservados en diversos museos de Europa. La caja armónica de la octavina, provista de cuerdas oblicuas, es de madera de sándalo, tiene forma rectangular, o a veces triangular, y presenta delicadas figuras talladas en relieve. El interior de la tapa armónica posee decoraciones barrocas, pintadas al óleo, que sólo se ven cuando el instrumento está abierto. Las cuerdas se pulsan mediante unos plectros de pluma de ganso, asegurados a unos martinetes. El teclado de este cordófono perteneciente a la familia del clave- alcanza una extensión más reducida que el modelo normal. Para su ejecución se podía colocar sobre una mesa, adecuada a la altura del músico. También había modelos provistos de patas retráctiles, con aspecto de garra de león, que se afirmaban formando una base triangular, mediante unas finas barras horizontales, también talladas en madera de sándalo y bellamente ornamentadas con rosetas en forma de lira. En italiano (ottavina). En francés (octavine o clavecin).

Octeto: Grupo vocal de ocho cantantes o de instrumentos de diversas de cuerdas y viento. Especialmente coordinados con el objeto de interpretar composiciones musicales adaptadas para grupos de capacidad media. Los octetos tradicionales están preparados para interpretar la música de cámara. Entre las distintas variantes combinaciones instrumentales puede citarse: violines, viola, violonchelo, contrabajo, piano e instrumentos de viento de la familia del oboe. La composición tradicional de la música de cámara se denomina sonata y suele estar configurada con los tiempos: allegro, andante, scherzo y rondó.

Octobajo: Del francés (octobasse). Instrumento voluminoso de la serie de los contrabajos. Fue diseñado y fabricado a mediados del siglo XIX por el célebre luthier galo JeanBaptiste Villaume. También conocido con el nombre de contrabajo-octava, podía emitir sonidos aún más graves que el contrabajo moderno. Estaba provisto de tres grandes cuerdas de acero y su afinación podía alcanzar notas extremas (do₁, sol₁ do₁). En su orquesta “Idéal” Héctor Berlioz llegó a utilizar hasta cuatro de estos enormes cordófonos. Debido a su altura -cercana a los cuatro metros- el músico debía subir a una escalera y accionar un sistema de plectros o dedales metálicos movidos por un mecanismo de pedales. Existe un ejemplar en el museo de instrumentos musicales del Conservatorio de París. Octuor: En francés (octeto). Conjunto de cámara, compuesto por ocho instrumentos, normalmente seleccionados por el compositor, con el propósito de lograr determinados efectos musicales.

Ocho pies (órgano): Nombre de un registro de órgano cuyo tubo da una nota bastante baja (do₁) y tiene una altura variable entre 2,24 y 2,64 m. En los manuales puede figurar con una abreviación (8'). La extensión del tubo depende del país donde éste se construye. (España: 28 cm, Francia: 33 cm, Inglaterra 30,5 cm). El tubo de ocho pies se integra en una batería de tubos que se distribuyen en las siguientes medidas:

- 1 pie (tres octavas más aguda)
-2 pies (dos octavas más aguda)
-4 pies (una octava más aguda)
-16 pies (una octava más grave)
-32 pies (dos octavas más grave)

Debido a esa amplia gama de alturas, el órgano puede alcanzar escalas superiores a las que podría dar su teclado normal que no suele superar las 5 octavas.

Ocho pies (clavicordio):

Esta denominación también se usa para indicar el registro de

clavicordio

, cuyo sonido corresponde, igual que en su teclado a la octava real.

Oda: Del griego (odé=canto). Término referido a la clasificación de los géneros literarios que intervienen de alguna forma en el desarrollo del libreto de ópera. Las odas son poemas inspirados en un profundo sentido de éxtasis y elevación espiritual. En la dramaturgia grecolatina, la oda constaba de una serie de estrofas seguidas de un estribillo cantado por un coro mientras sus integrantes realizaban distintos movimientos escenográficos. Actualmente se llama así a la composición poética de inspiración lírica.

Ô-daiko: Tambor tradicional del Japón. Junto con su hermano el gran tambor da-daiko, de las orquestas bugaku son los membranófonos más grandes que existen en la actualidad. El ô-daiko es un instrumento rítmico, cuyos sonidos medio y bajo se integran normalmente en el conjunto de tonalidades graves, propias de los conciertos de percusión.

Odeofón: Conjunción de procedencia griega (odeion/phoné). Instrumento musical inventado en Inglaterra por el constructor austriaco Vanderburg. Estuvo en uso hasta fines del siglo XIX. Aunque su serie de sonidos formaba una escala bastante melodiosa, las dificultades que ofrecía la ejecución práctica terminó por relegarlo al olvido. Su mecanismo, parecido al del clavicilindro, consistía básicamente en un sistema de láminas accionadas mediante un teclado y un cilindro metálico donde se producía la convergencia sonora.

Odeón: Del griego (odeion=recinto dedicado al canto). Según parece, la traducción correcta en castellano sería “odeo”. Sin embargo, la tradición y el uso constante registraron el término moderno "odeón", derivado de la forma latina"odeum", nombre de un célebre teatro parisino. La rigurosa etimología se basa en la misma regla por la cual el vocablo museo procede de "museion" (morada de las musas) o gineceo de "gynekeion" (vivienda o habitación femenina).
Odeum: Nombre que se daba en las iglesias al recinto destinado al coro o capilla de voces. Tiene la misma procedencia que el vocablo anterior. Su empleo tuvo difusión durante la Edad Media.

Odre: Del latín (uter/utris=recipiente). Receptáculo para el aire de las gaitas o cornamusas, que cumple la función de fuelle, permitiendo recuperar y dosificar el viento que sale por los tubos sonoros. Consiste en una piel de cabra u oveja, impermeabilizada por dentro y cosida en los bordes, que remata en unos cuellos provistos de cepos o brocales de madera, donde encajan los diferentes tubos (bufador, roncón, clarín, clarinete, bordón, etc.). Existen odres enterizos, fabricados con piel de cabrito, como el que se emplea en la gaita de boto de Aragón. Antiguamente se impedía el escape del aire por los poros de la piel del odre, recubriéndola interiormente con una substancia elástica, denominada pez. En la actualidad se utilizan unas grasas impermeabilizantes especiales y se protegen por fuera con lanolinas.

Odrecillo: Diminutivo de odre. Es el nombre que se daba a las gaitas o cornamusas en la Edad Media. Así aparece consignado este instrumento en las "Cantigas" de Alfonso X, el Sabio.

Ofertorio: Del latín (offertorium). Composición vocal que tiene lugar durante la misa, entre el credo y el sanctus. Debe su nombre a las ofrendas del pan y el vino consagrados. Algunas piezas de este tipo están directamente inspiradas en la antífona que reza el sacerdote antes de ofrecer el cáliz y la hostia.

Oficléide: Voz francesa. Especie de trompa de llaves derivada del serpentón, con tesitura grave, inventada en Francia durante la primera mitad del siglo XIX. Tiene tesituras de bajo y contralto. Es un instrumento de orquesta -ya en desusoque en su momento desempeñaba la función de la tuba baja. Su sonido fue reemplazado por el actual fagot.

Ola: Del inglés (wave). Vocablo corriente, que en la música popular tiene el sentido de moda o estilo pasajero. Sin embargo, algunas olas han persistido en el tiempo -bajo distintas denominaciones- aunque siempre sujetas a los consecuentes cambios de imagen. Los músicos franceses llamaron a estos movimientos “nouvelle vague” (nueva ola), término que adquirió dimensión internacional. La fama de esas tendencias alcanzó renombre mundial a través de los medios de difusión y la publicidad de las cadenas discográficas. Entre las olas más importantes de la música pop internacional, cabe destacar al rock and roll, aparecido en Estados Unidos durante la década de 1950, el movimiento beat inglés, caracterizado por el rock británico, impulsado por “The Quarrymen” hacia 1959, y el popular disco sound, de los años‘70. El lapso transcurrido entre la aparición del grupo “The Beatles” y la consagración de los ritmos trepidantes de la música disco, fue ocupado sucesivamente por movimientos estilísticos -combinados o independientes- como el sonido Filadelfia, el jazz-rock, la salsa o heavy metal.

Olifante: Instrumento aerófono muy antiguo. Es una trompa o cuerno que se empleaba tanto en la caza como en la guerra. Ya era conocido en Bizancio, desde donde llegó a Europa durante la Edad Media. Con el tiempo pasó a formar parte de los instrumentos empleados también en las fiestas populares. En la actualidad se emplean en conjuntos folclóricos como elemento de apoyo acústico. En el Museo de Angers (Francia) existen olifantes de marfil de siglo XII, que eran empleados por los navegantes escandinavos para comunicarse en el mar.
Omoalana: Nombre que se da en la isla de Cuba a los tamboreros encargados de ejecutar los ritmos de percusión del folclore afrocubano, con los tambores bata.

Onda acústica:

Fenómeno vibratorio que transmite los sonidos, al interferir en un ámbito elástico como el aire. También se dice

onda sonora

.

Ondas Martenot: Instrumento ideado para la producción de música mediante impulsos eléctricos. Fue inventado en París, hacia 1920, por el pianista, violoncelista y director de orquesta francés Maurice Martenot (1898-1980). Aunque su presentación oficial en 1928, en la Ópera de París, generó infinidad de controversias, sus características sentaron las bases de la futura música electrónica. El instrumento de ondas Martenot consiste en un sistema electromecánico de produción sonora, generado por osciladores que provocan el encuento de dos ondas de alta frecuencia (300 kHz). Su compatriota, el célebre compositor vanguardista francés Olivier Messiaen (1908-1992) utilizó tales sonidos en su original obra orquestal titulada Turangalîlâ-Symphonie, para piano y ondas Martenot, escrita y estrenada con gran éxito entre 1946 y 1948. Un interesante ensayo crítico de Messiaen sobre las implicancias de la nueva teoría musical del grupo "Jeune France" -publicado en París dos años antes de aquella experiencia- parece anticipar la filosofía que rige de alguna manera la concepción virtual de los llamados sonidos de vanguardia⁸².

Ondeggiando: Término italiano. Es una señal de ejecución para instrumentos de arco, que significa "ondeando", con movimiento ondulatorio. Indica que se debe incrementar y decrecer el volumen de los sonidos con rápida alternancia. (ver Tremolo).

Onnoven: Bugle alto en mi bemol. Es un aerófono transpositor de metal, perteneciente a la misma familia de los bugles y fiscornos. Posee un timbre claro -algo débil- que no suele utilizar sonidos extremos (graves o agudos). En las bandas pequeñas puede reemplazar el sonido de las trompas. En esa tesitura, suena una sexta más abajo que su sonido verdadero, pareciéndose notablemente al clarinete o el saxofón altos. Los músicos ingleses lo conocen con el nombre de bugle-horn in E flat y los alemanes althorn en Es.

Ópera ballet: De origen francés. Intercala cantos y danzas en un bello equilibrio de luces, sonidos y formas en movimiento. Su argumento se nutre en la rica variedad de los componentes tradicionales de la comedia, representados en pasos de baile. Tiene una serie de personajes propios, inspirados en las comedie-ballet de Molière y Jean-Baptiste Lully.

Ópera barroca: (ver barroco) Vocablo cuyo significado comprende un amplio espectro dentro de las artes plásticas y representativas. Las características más salientes de este tipo de ópera, fueron dadas a conocer a principios del siglo XVIII en un breve ensayo del violinista y compositor veneciano Benedetto Marcello (1686-1739), titulado "Il teatro alla moda"(1720).

Opéra-bouffe : Versión francesa de la opereta italiana. Tiene un estilo más frívolo y divertido que la ópera clásica, tanto en la parte musical y declamatoria como en la coreografía y la escenografía. Aunque s En Francia alcanzó un éxito notable a fines del siglo XIX.

Opera buffa: En italiano. Surgió en el siglo XVI, aunque en la actualidad su desarrollo tiene un alcance universal. En la composición predomina el canto silábico. Su argumento apela a las situaciones ridículas protagonizadas por los actores en la escena. Los papeles de los personajes son francamente cómicos y en ocasiones patéticos, debido a los enredos y circunstancias grotescas que se plantean. Wolfgang Amadeus Mozart escribió varias óperas de ese tipo, que tuvieron mucha aceptación entre el público vulgar. La composición musical de la ópera buffa no estaba prevista para la seriedad del canto coral, pero podían incluir arias, duos, tríos y hasta concertantes. La razón de ese acento silábico era porque el público debía comprender el humorismo satírico que escondían los libretos, una de las razones de su éxito, en una época en la que no existían otros medios de diversión.

⁸² "Techniques de mon langage musical" París, 1944.

Opéra-comique: De inspiración francesa, nacida del movimiento escénico y la sonoridad propia de la ópera bufa italiana, pero con sutiles diferencias. En la opéra comique francesa, el tema suele ser serio, la única diferencia consiste en que los personajes no proceden de la gravedad mitológica, sino que surgen de la vida cotidiana y las figuras de la escena son personas normales. Del estilo bufo recibe la notable influencia musical que se advierte en "Fra diabolo" (Fray diablo) la célebre opéra-comique en tres actos del compositor Daniel François Esprit Auber (1782-1871). La composición musical de Auber logra aunar en un estilo propio las características más salientes de la música italiana, como la alegre barcarolabarcarola 1861) representa el mejor momento de la escena francesa. Scribe es el autor de más de 50 libretos de ópera. Dentro de este estilo, las variantes pueden ser destacables y los ejemplos numerosos pudiendo citarse como ejemplos interesantes a“La dame blanche” (La dama blanca) de François Adrien Boieldieu (1775-1834) y "Albert Herring", una versión inglesa de Benjamin Britten (1913-1976). Subtitulada por su autor opéra-comique en cuatro actos, la configuración escénica de“Carmen”, de Georges Bizet (1838-1875), presenta un ambiente donde se puede advertir la complejidad argumental de una obra en la que desempeñan un papel preponderante las pasiones humanas, la fiesta popular y el drama. El argumento presenta una comicidad no exenta de dramatismo. El movimiento melódico impulsado por el compositor francés orientó el punto de atención de la afición operística hacia los nuevos horizontes del arte realista. Ésta y otras obras similares gozaron pronto de la atención de los más importantes y autorizados críticos del momento. Los diálogos hablados y el suspenso de los respectivos actos se acercan por momentos a la técnica cinematográfica que surgiría tres décadas más tarde. Bizet –precursor del verismo- elevó la naturalidad a los límites más puros, con modelos que surgen de la vida cotidiana en un ambiente músico-argumental pleno de pasiones. En esta opéra comique, una de las más representadas en la historia del arte lírico, la música sensible y la actuación espectacular se conjugan al amparo de la ficción llenando el espacio virtual de la escena.

Ópera de ideas: Configurada como una variedad neoclásica del oratorio, la ópera de ideas describe los problemas religiosos
melodramático. Un exponente de
y morales del arte, en un abigarrado conjunto esta curiosa vertiente lírica es la ópera titulada

"Palestrina", acertada creación de Hans Pfitzner (1869-1949), inspirada en un episodio de la vida del célebre compositor renacentista Giovanni Pierluigi. Los grandes escritores supieron dejar un testimonio imperecedero de su tiempo y del medio social donde desarrollaron su obra literaria. Este pensamiento, que se podría extrapolar a cualquier manifestación artística, cabe también al sentido comunicativo de la música. La ópera fue en repetidas oportunidades un campo propicio para la manifestación de las ideas. La obra literaria del poeta y novelista ruso Alexander Pushkin (1799-1837) fue la fuente de inspiración histórica para el libreto de Vladimir Belski y la composición musical de Nikolai Rimski-Korsakok, autores de la ópera en tres actos "El gallo de oro". Estrenada en 1909 en Moscú, expresa un profundo sentido moral, al mostrar su argumento de comedia satírica como un alegato contra las dictaduras.
Ópera flamenca: Se llama así a un espectáculo de cante y baile con acompañamiento de guitarras, que estuvo en boga en España, durante las décadas de 1920 y 1930. Estas representaciones, que eran organizadas por empresarios especialistas en el género, se llevaron a cabo con un éxito notable en grandes teatros y plazas de toros.

Ópera histórica: Suele abordar temas mitológicos o de carácter narrativo. Sus personajes están inspirados en héroes legendarios. El libreto de la ópera histórica contiene parlamentos grandilocuentes y finales con sentido moral. Los usos, costumbres y tradiciones heroicas, así como las supersticiones y las consejas son motivos recurrentes en este tipo de ópera, que tuvo amplia difusión en Italia y Alemania entre los siglos XVIII y XIX. Desde el punto de vista musical, la ópera histórica suele alternar arias da capo con extensos recitativos, que plantean dramas de gesta con un fin evidentemente descriptivo.

Ópera jocoseria: También llamada ópera ligera. Tiene un argumento de carácter mixto, porque incluye partes cómicas o graciosas, propias de la ópera buffa, con arias de una belleza incomparable, que a veces no congenian bien con la banalidad de los parlamentos.

Ópera minuta: Derivado del latín (minuta=pequeña). Ópera breve, cuyo contenido e inspiración suele rondar en los temas mitológicos. Una de las más conocidas entre las óperas minuta es "El rapto de Europa" "El rapto de Europa" 1974), estrenada en 1927. Este tipo de expresión lírica se caracteriza también por un complejo entramado lleno de simbolismos y otras características estructurales que son propias del clasicismo. El argumento de esta ópera narra la historia de Europa, hija del rey fenicio Agenor, raptada por Zeus. Convertido en toro para engañar a la joven, el dios griego logró que montara sobre su lomo y huyera con él, hasta un refugio secreto en la isla de Creta. La característica más saliente de este tipo de obra es la cualidad de integrar en un mismo contexto poético y musical toda la profundidad narrativa del argumento.

Ópera romántica: Su contexto general parece coincidir con las características básicas de la ópera clásica italiana. Uno de los ejemplos tradicionales de esta corriente lírica puede apreciarse en la obra de Gaetano Donizetti (1797-1848), el gran maestro de la ópera romántica. Donizetti, dueño de una trayectoria musical extensa y variada, compuso las imaginativas melodías de “Lucia de Lamermoor” sobre un libreto de Salvatore Cammarano, inspirado en la obra literaria del poeta y novelista inglés Walter Scott. Estrenada en Nápoles en 1835, esta ópera en cuatro actos representa el apogeo de la fuerza dramática dentro de los conceptos extremos que aún perduraban del romanticismo de principios del siglo XIX.

Ópera satírica: Especie de parodia, cuya música y argumento suelen remedar en tono cómico a otras de carácter serio y muy conocidas. La sátira como subgénero, gozó de popularidad desde el siglo XVIII, hasta que fue perdiendo paulatinamente el interés del público.

Ópera semiseria: Variedad singular, vinculada al romanticismo del siglo XIX. Una creación que representa este tipo de obra musical y escénica, es "La sonnambula" del malogrado compositor Vicenzo Bellini (1801-1835). Esta fue la única obra que compuso en este estilo, dado que el resto de las óperas son esencialmente severas en su argumento y dotadas de un profundo simbolismo. La composición musical y las escenas de esta ópera semiseria en dos actos parecen fluctuar en medio de corrientes opuestas. El estilo narrativo la acerca sin duda al drama lírico, pero el melódico ligero, exento de la gravedad propia de la ópera seria, presenta un desarrollo en cierto modo alegre y movido.

Ópera seria: Este tipo de ópera se suele presentar con una escenografía impresionante. "La clemencia de Tito", de Wolfgang Amadeus Mozart, es un ejemplo cabal. El libreto, del dramaturgo italiano Caterino Tommaso Mazzola, surge de la inspiración prodigiosa del inmortal Metastasio⁸³. La trama argumental, impulsada por el brillantísimo fondo melódico de Mozart, permite el máximo esplendor en el papel de la prima dona, Vitelia, personaje odioso, que termina redimida por la magnánima grandeza del emperador. Los instantes supremos se ven adornados por magníficos ejemplos de interpretación instrumental, entre los cuales destaca el rondó con acompañamiento del corno de bassetto en calidad de solista. Tomando lo mejor de la filosofía creadora del naciente clasicismo, Mozart logra aunar ambas tendencias en modelos del género, considerados obras maestras intemporales. "La flauta mágica" y "La clemencia de Tito", ambas de 1791, se visten con decorados meticulosos y elaboradísimos, capaces de acoger las multitudinarias escenas de conjunto usuales en este tipo de ópera- cuya esencia trasciende a través del tiempo y llega hasta nuestros días con la misma frescura que tuvo en el momento de su creación. Como variedad del género, la ópera seria es el último intento representativo del estilo barroco. La compleja concepción argumental, unida a la grandiosidad escénica y la magnificencia de los decorados, forman un conjunto digno del genio musical de los grandes maestros del siglo XVIII.

Opereta: Versión ligera de la ópera. Es un vocablo original italiano (operetta=pequeña obra). Este género posee un marcado carácter musical, con danzas y canciones de tono satírico, aunque también puede presentar fragmentos hablados. Las operetas "El murciélago", "El barón gitano" y "Sangre vienesa", de Johann Strauss, hijo, (1825-1899) son ejemplos clásicos de la variedad y el arraigo internacional de este género alegre, que en realidad surgió en Francia a mediados del siglo XIX. Podemos hallar sus afinidades en la gala opéra-comique y en el Singpiel alemán. Jacques Offenbach (1819-1880) fue el creador de la opereta francesa. Entre sus obras más celebradas se hallan "Orfeo en los Infiernos" y "Los cuentos de Hoffmann". La opereta italiana tiene un remoto antecedente . La opereta italiana tiene un remoto antecedente 1290), es autor de una interesante obra de este tipo, cuya música constituye un ejemplo clásico en la historia del arte lírico. Se trata de "El juego de la enramada", escrita en 1262 y representada en la corte de Anjou. De este autor, natural de Arras, se conoce una importante colección de canciones, rondós y motetes polifónicos, sumamente útiles para el estudio de la poesía y la música del medioevo.

Opere volgare: Representaciones musicales cantadas y recitadas en sermo vulgaris (latín vulgar). Gozaron de popularidad en la alta Edad Media, debido a los libretos satíricos que escribió el poeta italiano Osmano Castra en el siglo XIII. Constituye el antecedente más próximo en el tiempo al oratorio y, en consecuencia, también de la ópera.

Opus: Obra en latín que significa obra. La abreviatura usual es Op.. Se utiliza desde el siglo XVII para indicar el tipo de composición musical. Va seguida de la nota predominante, el modo y el número de la obra, si lo tiene.

⁸³ Metastasio (1698-1782). Poeta y dramaturgo contemporáneo del barroco, cuya obra demuestra una gran influencia renacentista. Este gran literato, autor de numerosas piezas teatrales, puso el punto de inspiración en renombrados libretos de ópera de la época.. Su verdadero nombre era Pietro Trapassi.

Oquetas: Término musical antiguo, que hace referencia al sonido hueco, bien sea en el canto (ahuecar la voz) o por el tono especial de un instrumento que posea esas características, como el bajón. Fernán Ruiz de Sevilla lo cita en un pasaje de "La coronación de Nuestra Señora" (siglo XV). En el bel canto italiano del siglo XVIII, aparece el occhetto indicado como un adorno vocal.

Oratorio: Composición de carácter religioso, para orquesta con acompañamiento de coros. Su forma definitiva, surgida a partir de las antiguas laude spirituale* de la Edad Media, fue evolucionando a mediados del siglo XVI en el célebre oratorio romano de San Felipe Neri, de donde deriva su actual denominación. El oratorio "Sansón y Dalila", del compositor y pianista francés Camille Saint-Saëns (1835-1921) fue convertido en ópera y estrenado en Weimar en 1877. Su libreto, de F. Lemaire, está inspirado en pasajes de la Biblia. Una versión mixta es la ópera-oratorio "Juana de Arco en la hoguera", del compositor suizo Arthur Honegger (1892-1955). El escritor francés Paul Claudel (1868-1955) le puso letra en 1937, estrenándose el año siguiente en Basilea, con un éxito considerable. El compositor alemán Johann Georg Albrechtsberger (1736-1809) compuso bellos oratorios en cuyas melodías fluyen las más exquisitas combinaciones polifónicas. Albrechtsberger fue profesor de Ludwig van Beethoven y la influencia de su teoría musical se nota en los aires iniciales y la armonía de la ópera "Fidelio". Franz Joseph Haydn (1732-1809) compuso hermosos oratorios que aún siguen conmoviendo a los auditorios de todo el compuso hermosos oratorios que aún siguen conmoviendo a los auditorios de todo el 1874), maestro de la armonía, pasó a la inmortalidad con el "Oratorio a Santa Catalina", cuyas notas se perfilan en otras obras de su autoría, como la "Misa solemne" con orquesta en sol mayor; los "Villancicos a Santo Domingo de la Calzada" y la "Plegaria a la Virgen" en la bemol a tres voces.

Oratorio-mimo: Curiosa amalgama en la que se combinan los efectos más característicos y descriptivos de ambos géneros. En su desarrollo entra en juego el efecto sonoro provocado por una composición musical estructurada con ritmos acompasados que siguen el movimiento corporal de los actores. La composición de los cuadros del oratorio-mimo, recuerda los pasos escénicos de la Commedia dell'Arte. Algunos oratorios contemporáneos, como "Juana de Arco en la Hoguera", del compositor suizo Arthur Honegger (1892-1955) y "Edipo rey", de Igor Strawinski (1882-1971) fueron creados especialmente para un tipo de dramatización en la que entra en juego la fantasía del lenguaje corporal. Con el estreno en Frankfurt, en 1937, de su oratorio-mimo, el compositor alemán Carl Orff (1895-1982), logra ensamblar el efecto sonoro de una música intensa y el estilo de la poesía popular del siglo XIII. "Carmina Burana" integra un tríptico junto con "Catulli Carmina" y "Triunfo de Afrodita", ambas obras para coro y orquesta sinfónica.

Orden de cuerdas: En organología se llama así al grupo de cuerdas afinadas al unísono o a la octava, que se pulsan o pisan como si fuera una sola. Puede tratarse de una cuerda, dos, tres o cuatro, que vibran juntas y representan un solo sonido básico.

Orden cuádruple: Grupo de cuatro cuerdas que se anudan y tensan juntas formando un sonido único. Es un orden fuerte interdependiente. Al pulsarlas conjuntamente vibran al unísono con tonalidades mate y ecos profundos.

Orden doble: Grupo de dos cuerdas que se anudan y tensan juntas formando un sonido único. Ambas responden a un patrón de afinación básico, considerándose en consecuencia, como una sola nota, aunque el sonido presente ciertas reverberancias simpáticas, imposibles de obtener con el orden simple.
Orden simple: Una sola cuerda. Se denomina orden por definición general, debido a que representa una nota determinada. Su sonido es puro y nítido, con timbres cristalinos.

Orden triple:

Grupo de tres cuerdas que se anudan y tensan juntas formando un sonido único. Resonancia vigorosa y con capacidad de permanencia.

Ordre: En francés (orden). Equivale a suite. Variedad musical descriptiva o de entretenimiento, creada por el compositor e instrumentista parisino François Couperin (1668-1733), que escribió una colección de cuatro volúmenes con veintisiete ordres o suites para clavecín. La mayoría de las composiciones de este tipo son piezas para instrumentos de teclado, escritas en los estilos tradicionales de las danzas cortesanas de fines del siglo XVIII. (courante, zarabanda, allemande). En el ordre, como en la mayor parte de la obra de Couperin se manifiesta en toda su magnitud musical y escénica la fusión de los estilos francés e italiano, pleno de cadencias melodiosas y elaboradas fioriture. ("L'art de toucher le clavecin", 1716).

Orfeo: Personaje de la mitología griega a quien se atribuye el conocimiento de los secretos de la música. La antigua leyenda de Orfeo y Eurídice constituye un punto de inspiración evidentemente relacionado con la historia de la ópera. Fue un nombre que marcó de manera singular el nacimiento de este género a comienzos del siglo XVII. Aunque figura con el subtítulo de "Favola in musica", tradicionalmente se considera a "Orfeo" como la primera ópera creada y desarrollada como tal. Música de Claudio Monteverdi con libreto de Alessandro Striggio, el joven.(1607).

Orfeón (entidad coral): Sociedad de canto coral. Los integrantes de estas instituciones se llaman orfeonistas. La denominación que proviene de Orfeo. Personaje de la mitología griega a quien se atribuye el conocimiento de los secretos de la música. Hasta el siglo XIX, el nombre orpheon lo recibían en Francia las entidades corales integradas sólo por hombres. Puede citarse como un ejemplo clásico de obra para este tipo de conjunto vocal, al coro para hombres con solos y orquesta "Unter der Linde" del compositor austríaco Wilhelm Floderer (1843-1887).

Orfeón (cordófono): Es un instrumento musical perteneciente a la familia de los pianos mecánicos, que estuvo de moda en el siglo XVIII. Funcionaba mediante una rueda de madera, untada con colofonia⁸⁴ que hacía vibrar un sistema simple de cuerdas de tripa. El movimiento de las cuerdas se obtenía a través de un mecanismo de cadena sinfín que engranaba en dicha rueda. Su aspecto era el de un pequeño clavicordio. Se desconoce la identidad de su creador o constructor. En la actualidad existen pocos ejemplares originales, en museos y colecciones privadas. En algunos tratados antiguos aparece escrito Orpheon.

Organero: Oficio del artesano dedicado al diseño y la construcción de órganos. Aunque responden a patrones generales de construcción, los grandes órganos fijos se realizan por encargo y suelen tener notables diferencias en lo respecta a la estructura, las dimensiones de los tubos, la sonoridad de los distintos juegos, etc. Esas características -individuales para cada órgano- están adecuadas a las necesidades específicas de quien encarga al organero la tarea de construir un instrumento de este tipo.

⁸⁴ Resina de pino purificada, que se obtiene mediante un proceso en alambique.

Organica tintinnabula: Sistema o mecanismo de campanillas acordadas en escalas, que se utilizaban en los monasterios de los siglos X y XI. Su sonido estaba dedicado al acompañamiento de la música del órgano. Las campanillas estaban unidas a dicho mecanismo, que permitía hacerlas sonar juntas o de manera independiente.

Organista: Músico especializado en la ejecución del órgano. También se incluye en este concepto al compositor que escribe obras pensadas para ser tocadas en este instrumento. Debido a alta complejidad del órgano, que requiere una maestría indiscutible, tanto en la creación de piezas musicales como en su ejecución, el organista ocupa el lugar más destacado entre todos los intérpretes instrumentales. Una de las condiciones más relevantes en el organista es la de saber combinar el poderoso sonido de los tubos sonoros, en relación con las voces del coro, adecuando los diferentes registros a los timbres y tesituras a cada uno de los cantantes solistas, en particular y también del conjunto en pleno. Entre las condiciones exigidas a un buen maestro organista se pueden destacar particularmente:

1- Llevar el acompañamiento del canto llano de acuerdo con el coro.
2- Suplir con el sonido de órgano a cualquier voz cantante que involuntariamente llegara a decrecer en su volumen durante un pasaje.
3- Transcribir o reducir una partitura destinada a la interpretación vocal a las características del órgano.
4- Llevar a cabo los transportes cuando esto sea necesario, aún sobre el desarrollo de una composición.
5- En el campo de la improvisación, ejecutar preludios o interludios sin tema fijo, a modo de la música entre actos.
6- Armonizar el acompañamiento de bajo continuo de acuerdo con el estilo y la forma usuales en la época en que se escribió la obra original.

Del profundo dominio de esas condiciones -y otras más que sería largo enumerar- se desprende la importancia de los grandes maestros organistas en la historia de la música. Después de la portentosa genialidad de Johann Sebastian Bach, hubo notables creadores, tal vez insuficientemente conocidos con respecto a la importancia de su obra. Entre los notables en la historia de la música de órgano cabe recordar a:

-Francesco Landini (1325-1397) organista italiano, un profundo e inspirado innovador dentro del llamado "estilo pre-renacentista".
-Juan Bautista Cabanilles (1644-1712), compositor y organista valenciano, maestro del barroco español. Sus obras fueron reconocidas y valoradas por grandes musicólogos como Felipe Pedrell y Miguel Querol.
-Mateo Ferrer (1788-1864), músico catalán, compositor de música religiosa y gran maestro del contrapunto, fue un excepcional organista y director de orquesta.
-César-Auguste Franck (1822-1890), compositor y organista belga que sistematizó el uso de la forma cíclica;
- Anton Bruckner (1824-1896), compositor y organista austríaco, profesor del Conservatorio de Viena y autor de inolvidables sinfonías.
-Charles-Marie Widor (1845-1937), gran compositor francés, autor de inmortales obras para órgano. Fue un destacado discípulo de Rossini.
-Dámaso Ledesma (1868-1928), compositor y organista español autor de un extraordinario "Cancionero salmantino".
-Marcel Dupre (1886-1933), francés, discípulo de Widor. Aunque conservó mucho del estilo de su maestro, llegó a desarrollar nuevas sonoridades acordes con su propia personalidad musical.
-José Antonio de Donostia (1886-1956), musicólogo, compositor y organista vasco. Contribuyó a la recuperación de un importante tesoro de la música popular española. También es autor de música religiosa.

Organistrum: Del italiano (órgano con registro). Antiguo instrumento de cuerdas frotadas, cuya procedencia se desconoce, aunque podría ser un elemento derivado de la rota medieval.

Órgano: Del griego (organon=instrumento musical). El más voluminoso y complejo de los aerófonos. Está compuesto por una batería de tubos donde se insufla aire mediante la presión de un fuelle con el objeto de producir sonidos modulados mediante un complejo mecanismo de teclado. Dentro de la amplia familia del órgano tradicional, cuya dilatada historia evolutiva comienza en la remota antigüedad, pueden enumerarse una gran diversidad de ejemplares y sistemas cuyas características permiten configurar un catálogo de tipos y categorías bien definidas, que van desde el pequeño órgano portativo con una reducida capacidad sonora hasta el gran órgano de las iglesias y catedrales. La longitud de los tubos puede extenderse desde 1/3 de pulgada, en los tonos agudos de los diminutos órganos portativos, hasta los 64 pies (unos 20 metros de altura), en los órganos de algunas catedrales. El sonido de estos últimos corresponde al tono más grave audible por el ser humano.

Órgano de manubrio: Pequeño órgano de funcionamiento mecánico. Produce una serie predeterminada de melodías mediante un rotor accionado a mano. El sistema sonoro consiste en un bastidor de cuerdas que son percutidas por un cilindro de púas. Pertenecen a este tipo el órgano de Barberi, una variedad de órgano de cilindro y también el organillo tradicional de palanquetas o básculas.

Organo di legno: Se usó en Italia desde la Edad Media hasta fines del Renacimiento. Era un instrumento de iglesia, de tamaño reducido y sonoridad acorde con sus breves dimensiones. El conjunto de timbres de este aerófono, resultaba adecuado para acompañar los pequeños coros de capilla. Los tubos eran de cedro o alerce, de allí su nombre popular (órgano de madera). Algunos ejemplares tenían las teclas revestidas con finas plaquetas de marfil y ébano. Los cilindros, dispuestos en escala y montados sobre una estructura con adornos tallados a mano, estaban formados por una o dos piezas, finamente encastradas en la caja armónica. El compositor italiano Claudio Monteverdi (1567-1643) empleó un par de órganos de este tipo en la plantilla orquestal de su ópera“Orfeo”. En la coordinación de esta célebre favola in musica, supo combinar los efectos descriptivos de los más variados instrumentos de viento y cuerdas. De los organi di legno aprovechó su sonido redondo, contrastándolo con las vibraciones del flautino alla vigesima seconda, una flauta dulce con el registro muy agudo, y las tonalidades moduladas del regale, otro tipo de órgano provisto de tubos con lengüetas.

Órgano electrónico: Instrumento musical polifacético, provisto de uno o varios teclados, cuyo elemento sonoro está formado por un sistema de altavoces. Aunque su dilatada gama de sonidos nunca llega a superar la sonoridad y la pureza de los órganos de tubos, es un instrumento dúctil y económico. Dotados de complejos circuitos de alta precisión -tanto en lo que respecta a la altura, como al timbre o cualquier otra característica- los órganos electrónicos están capacitados para reproducir el acompañamiento básico con cualquier clase de ritmo. Existen distintas variantes, desde el pequeño órgano de estudio, con cuatro octavas y un solo teclado, hasta los modelos provistos de varios teclados y pedalero, aptos para la ejecución de toda clase de obras, clásicas y modernas. Estos últimos instrumentos han llegado a sustituir con ventaja a los órganos tradicionales en muchos institutos de enseñanza, salas de conciertos o centros religiosos.

Órgano expresivo: Denominación antigua del órgano de lengüetas libres conocido actualmente con el nombre de armonio o harmonium Debía su nombre a la excelente calidad de su sonido y las posibilidades expresivas derivadas del mismo. A través del tiempo este tipo de instrumento ha mantenido las características propias de los modelos originales (potencia, timbre, etc.).

Órgano gregoriano: Instrumento inspirado en la técnica del canto llano o gregoriano, cuyas normas servían como patrón armónico y cadencial. Fue creado en el siglo XIX por el constructor francés Teodore Nissard para acompañar esa particular expresión musical

Órgano hidraulus: Término derivado del griego (hydraulos de hydór=agua y aulos=tubo). Órgano rudimentario que se usaba en la antigüedad⁸⁵. Su funcionamiento estaba basado en el sistema de vasos comunicantes que, al ser rellenados en forma constante, impulsaban el aire a través de unos tubos simples. Alcanzó una gran difusión en el Imperio Bizantino. En el siglo VIII, Constantino V, regaló al rey de los francos, Pipino el Breve, el primer órgano de este tipo conocido en la Europa occidental.

Órgano nimfel o ninfale: Uno de los más pequeños entre los órganos portátiles. Derivado del primitivo órgano neumático, existió antes que el órgano hidráulico, aunque ambos sistemas coexistieron desde la antigüedad hasta el siglo XII. Finalmente el órgano neumático se impuso como un instrumento más práctico. El órgano nimfel, descendiente de aquellos órganos primitivos, poseía una limitada cantidad de registros. El ejecutante lo sujetaba a la cintura por medio de correas. Mientras digitaba las teclas con una mano, con la otra accionaba el fuelle. Pertenece al mismo tipo que el órgano torsellum

Órgano portativo: De mecanismo manual, pequeño y portátil. Como su nombre lo indica, es una derivación del prefijo latino portatio=transporte. Era conocido en la Edad Media (siglos XII al XV) como instrumento musical de acompañamiento para desfiles y procesiones religiosas. Se colocaba junto a los vocalistas, que interpretaban el llamado canto de órgano y los seguía en sus desplazamientos.

Órgano positivo: Fijo y de pequeño tamaño, provisto de dos juegos de tubos o flautas de latón. Existen constancias de modelos provistos de un sistema de pedales para accionar el fuelle y otros, sin pedalero, cuyo fuelle se accionaba a mano por medio de una larga palanca. Este primitivo instrumento estuvo en uso entre los siglos XII y XVIII y se empleaba preferentemente en las ceremonias del culto religioso, aunque no se descarta su ejecución también en el ámbito de la música profana. Durante el barroco se lo empleaba en la ejecución del bajo continuo.

Órgano positivo de cadeneta: En la nomenclatura técnica del gran órgano se llama de esta manera a uno de los cuatro juegos de tubos del órgano. Se acciona mediante las teclas correspondientes, que están ubicadas en el nivel medio del teclado manual. El conjunto denominado positivo de cadeneta ocupa la parte central baja del instrumento.

⁸⁵ El mecanismo basado en la presión del agua -luego aplicado al órgano hidraulus- fue explicado ya en el siglo II a.C. por Herón el Viejo, físico y matemático de Alejandría, quien lo aplicó al sistema hidráulico de una fuente pública. Una de las representaciones más antiguas de este instrumento (una maqueta de alfarería) se encuentra en el museo arqueológico de Cartago, en Túnez.

Órgano torsellum: Variedad italiana de órgano portátil dotado con dos, tres y hasta cuatro registros. Estuvo en uso hasta el siglo XVII. Por sus características era similar al órgano portátil llamado nimfel o ninfale.

Organología: Especialidad de la musicología que se dedica al estudio, la construcción, la forma de ejecución y el desarrollo histórico de los instrumentos músicos. Es una rama importante en las ciencias de la educación. La organología indaga en el proceso evolutivo de los distintos elementos de producción sonora. Es destacable su influencia en la creación melódica a través de las distintas épocas en la historia de la música. Su desarrollo ha alcanzado un alto nivel -especialmente durante el siglo XX- creándose varias ramas colaterales, cuyos estudios e investigaciones puntuales, sirven de apoyo y fuente de información. Entre las ciencias y técnicas, auxiliares de la organología, cabe citar a la etnografía, la acústica, la recopilación y la documentación histórica, etc. Uno de los precursores de esta ciencia, fue el teólogo y enciclopedista francés, Martin Mersenne (1588-1648) autor de una serie de obras, esenciales en la historia de la música 86.

Organólogo: Perito especialista en instrumentos musicales. Su experiencia y conocimiento comprende las técnicas y ciencias que permiten indagar en el origen, el desarrollo y la forma de ejecución de los ejemplares sujetos a su estudio.

Organum (instrumentos): En latín (órgano). Es un término genérico que se usaba antiguamente para referirse a cualquier tipo de instrumento musical, sin importar sus características estructurales o el sistema de producción de los sonidos. A partir de la Edad Media empezó a emplearse solamente para citar al órgano de manera específica. San Agustín (354-430) refirió, ya en el siglo IV, que se llamaba organum a todos los instrumentos músicos en general, aunque haciendo la salvedad de que el verdadero órgano era neumático ⁸⁷.

Organum (polifonía medieval): Forma relacionada con las voces del canto llano organizadas por alturas. Es un estilo polifónico que procede de la baja Edad Media y consta de dos variantes:

consta de dos variantes:

Órganum paralelo

(siglos IX al XII)

(siglos IX al XII)

Órganum vocalizado

(siglos XII al XIII)

Organum paralelo: Es el sistema de organum original o primitivo, consistente en dos o más voces de un coro que deben entonar la misma melodía de manera simultánea, pero empleando diferentes alturas. Las tesituras debían estar distanciadas una de otra entre una quinta y una octava. Esta característica se podía dar sólo al comienzo y al final de las frases, o durante todo el desarrollo de la pieza a interpretar. El organum paralelo es la forma opuesta al discanto.

Organum vocalizado: Es un antecedente del motete. Le daba preponderancia a la vocalización libre de una o varias voces que se superponían al canto litúrgico o a la música ejecutada con órgano lento o moderado.

⁸⁶ "Questions harmoniques" (1634); "Harmonicorum Libri XII" (1636); "Harmonie universelle, contenat la théorie et la pratique de la musique" (1636-37).
⁸⁷ "Organum quod grande est, inflatur follibus" "Enarrationes in Psalmos" (404-416).

Orificio de resonancia: Son las aberturas que tienen los instrumentos cordófonos en la tapa de la caja armónica. Los hay de distintos tamaños y formas. La apariencia de estos orificios fue evolucionando desde los orificios redondos y grandes -como los de las guitarras y las cítaras- hasta los estilizados perfiles en forma de f de los instrumentos de arco. Las cítaras de tabla sin diapasón pueden tener 2 ó más orificios redondos, de diferente tamaño. El diseño del orificio depende de la presión ejercida por el sistema de encordado. Con la evolución de los instrumentos de cuerdas frotadas con arco, la presión fue aumentando, por consiguiente, el agujero fue reduciéndose con el propósito de ganar resistencia. Durante la Edad Media y el Renacimiento, los instrumentos de cuerdas tenían orificios de distintas formas. Está demostrado que la forma de los orificios de resonancia del violín es la que menos afecta las líneas de fuerza vibratoria de la caja armónica.

Oriscus: Voz procedente del latín que se utilizó en el sistema de notación por neumas del canto gregoriano. Servía para indicar un semitono por debajo de la nota escrita (do, si bemol, fa). Ya no se emplea. Se desconoce si se trataba de una forma de vibrato.

Orlos (aerófono): Instrumento musical de la Edad Media, perteneciente al grupo de los de viento-madera, Era una variedad de flauta curva con lengüeta doble, cuyo perfil adoptaba el aspecto de un bastón o cayado invertido. Su tono coincidía con el registro del cromorno. En las agrupaciones musicales que interpretan composiciones del medievo, cumple la función del bajo. En algunos tratados aparece con el nombre de "orlas".

Orlo: Denominación que recibe en Italia el cronormo (krummhorn). Data del siglo XVI y su empleo en la actualidad sólo tiene un carácter folclórico o tradicional. Su tono, que se adapta admirablemente a la voz humana, se utiliza en el acompañamiento de canciones típicas de los Alpes. En la familia de los orlos existen varias versiones derivadas de los antiguos bajones y oboes. La principal o más conocida es el aerófono curvo, con seis agujeros y lengüeta libre, al que los franceses llaman "cromorne". Los registros comunes del orlo son: tenor, bajo, soprano y contralto.

Orlos

(

registro de órgano):

Es el más corto de los tubos rectos y cilíndricos. Imita la tesitura del antiguo aerófono del mismo nombre.

Ornamentación: Adorno musical que se agrega a una melodía. Esta palabra no es muy usual en la actualidad y sus notas no se suelen escribir en las partituras, dejando su inclusión al gusto del intérprete. Johann Sebastian Bach fue uno de los grandes compositores que consignaron con exactitud las ornamentaciones que debían intercalarse en sus obras. Este detalle aparece como un ejemplo en la melodía de su "Concerto Italiano". Para el aria de la ópera "Orfeo", Claudio Monteverdi creó dos alternativas, una bien ornamentada y otras sin ningún tipo de adornos. Ambas versiones merecieron igual concepto de la crítica. Esta fabola in musica fue la primera ópera de Monteverdi, estrenada en el Palacio Ducal de Mantua en 1607, con libreto del dramaturgo Alessandro Striggio, llamado "Il giovine".

Ornamenti: En italiano. Equivale a "ornamentos" o "embellecimientos". Se emplea en la música de ópera para indicar la inclusión de adornos melódicos propios en algunos pasajes o arias. Fue una costumbre usual en el siglo XVIII.

Orquesta: Del griego (orchestra). Conjunto de músicos, con sus respectivos instrumentos, organizados por grupos o secciones de acuerdo al modelo y tesitura de los mismos. La actual forma de configuración, o de ubicación en la plantilla, de los instrumentos musicales, de acuerdo con su tipo, data de fines del siglo XVIII. La sección instrumental más importante de la orquesta sinfónica son los instrumentos de cuerdas (violines, violas, violonchelos y contrabajos). Le siguen en orden de importancia los aerófonos (trompas y trompetas, etc.) y los de percusión (timbal).

Orquesta (arquitectura teatral):

Espacio destinado a la instalación de los músicos, que se ubica junto al proscenio, entre la escena y el patio de butacas.

Orquesta sinfónica: Dedicada a la interpretación de óperas, es particularmente rica en recursos sonoros y está dotada de un gran colorido porque su función más importante es expresar sentimientos y situaciones muy diversas a través de la música. Una de sus características es la descentralización de los instrumentos con el propósito de obtener la mejor combinación de sonoridades de acuerdo con las distintas escenas y otras circunstancias de la obra indicadas en el libreto.

Orquestación: Organización y coordinación de todos los instrumentos y recursos sonoros de una orquesta con el objeto de combinar acertadamente la actuación de los mismos. El resultado de la orquestación es el logro de una obra de conjunto eufónica y dotada de perfecta armonía. En la orquestación, como ocurre en la instrumentación, se tienen en cuenta el timbre y el registro de cada instrumento en particular y también la relación sonora que debe existir entre todos en el momento de la interpretación de una obra.

Orquestal: Adjetivo de uso general. Se emplea para definir todo lo relativo a la organización y el funcionamiento de la orquesta (cuadro de ejecutantes, series de instrumentos, partituras, estudios, giras organización, ubicación por timbres, jerarquías sonoras, etc.).

Orquestar:

Verbo transitivo. Realizar la instrumentación de una composición musical, con partituras especiales para cada instrumento o grupo de instrumentos.

Orquestina:

Conjunto orquestal reducido. Integrado por un número variable y limitado de instrumentos, se suele emplear en la ejecución de música bailable.

Oscuro: Adjetivo referido al sonido. Es un vocablo que en música recuerda algo lóbrego. Viene a ser lo contrario de la música brillante. Los sonidos oscuros son poco nítidos, el aire carece de vigor y el movimiento tiende a ser más bien lento. También se dice sonido fosco.

Ottavino: En italiano (flautín u octavín). Es un aerófono similar a la flauta corriente, pero más pequeño. Su sonido es bastante agudo. La música se escribe en clave de sol, aunque una octava más baja que el sonido real.

Ottu: Instrumento de viento tradicional de la India. Es un tipo de oboe primitivo, cuyos orígenes se remontan a la época de los brahmanes (siglos XVI al V a.C.). El pensamiento metafísico, moral y religioso de la doctrina brahmánica estaba profundamente relacionado con la influencia de la música en el éxtasis de los sentidos. Los instrumentos melódicos tuvieron, desde tiempos remotos, un lugar destacado en el desarrollo de las culturas orientales. El Rig-Veda, el Sama-Veda y el Yajur-Veda eran colecciones de himnos religiosos y canciones litúrgicas, dedicados a la adoración de los dioses, que tenían como instrumentos de acompañamiento a distintos aerófonos, como el ottu. Los ejemplares actuales no difieren mucho de aquellos que se utilizaban en la antigüedad y su sonido es similar al del oboe moderno. Aunque es menos frecuente, también aparece escrito el nombre otou.

Outi: Variedad griega del laúd. Como éste, proviene de la cultura musical arábiga (al'ûd=madera). Ya se conocía en el siglo XII. El mango de este instrumento es corto, con el clavijero inclinado y tiene el diapasón dividido en trastes. Igual que su correspondiente europeo, el outi levantino posee una caja de resonancia de madera de sándalo, convexa por abajo, con la tapa plana y un orificio redondo en el centro. Las cuerdas se tañen con la ayuda de un plectro. Pertenece al grupo de instrumentos tradicionales, cuyo uso se extendió durante la Edad Media por todo el sector oriental la Mediterranía.

Ouverture: En francés. Equivale a la forma italiana (obertura) y las españolas (apertura/abertura) Cualquiera de ellas se emplea para señalar la introducción de un concierto o drama lírico.

Overblow: Vocablo inglés referido a la técnica de ejecución de la armónica (over=sobre/blow=soplar). Son términos que en inglés tienen numerosas acepciones y cuyo sentido puede variar según sea su posición en el contexto de la frase. La palabra over contiene veintidós acepciones distintas y aunque muchas de ellas están relacionadas entere sí, siempre existe un matiz que permite discernir el exacto sentido dentro de la frase. En este caso, se refiere a una forma especial en el soplado de la armónica, con el objeto de lograr una mayor incidencia del viento a través de los conductos aéreos.

Overdraw: En la técnica de ejecución de la armónica es la variante inversa de overblow En este caso se refiere a la extracción o aspiración del aire, con el objeto de obtener sonidos diferentes (over=sobre/draw=sacar). De las veintitrés acepciones del vocablo draw, el sentido exacto es el que está relacionado con la manera de aspirar el aire. En algunas partituras y tratados musicales en inglés sobre la armónica y sus diferentes formas de ejecución, pueden aparecer los gerundios overdrawing (sobreaspirando) y overblowing (sobresoplando)⁸⁸.

Oxipicno: Nota aguda del picnon. Esta figura es un centro tonal, o serie conjunta de tres notas, que forman una especie de haz tritónico. Esos tres sonidos muy breves constituían un compás en el sistema enarmónico de los antiguos griegos. Según una tradición helena del siglo VII a.C., se trataría de un procedimiento rudimentario de notación musical, creado por el legendario poeta y flautista llamado Olimpo de Frigia⁸⁹. El picnon tenía por objeto determinar los sonidos de la lira y ajustarlos a la modulación del canto. En la actualidad sólo se trata de una referencia para el estudio de la música antigua.

Oxítono: En griego (elevación de la voz). Uno de los tres acentos literarios empleados en la poesía de la Grecia clásica. Con el transcurso del tiempo pasó a formar parte de la terminología musical empleada en la notación por neumas. Su sonoridad sirvió para destacar las diferentes modulaciones del acento melódico.

⁸⁸ No se emplean en castellano como vocablos compuestos.

⁸⁹ La existencia real del músico griego Olimpo es improbable, debido a la carencia de documentos fehacientes que permitan confirmar sus referencias con seguridad. Es posible que se trate de un apelativo simbólico, empleado en aquella época para designar en forma global a todos los líricos y poetas que contribuyeron de alguna manera al estudio y perfeccionamiento de la música. Al legendario Olimpo se le adjudica la invención del ritmo, la técnica del canto, de la flauta, etc. En su célebre enciclopedia, el historiador y moralista Plutarco (46-120 d.C.) también le atribuye el descubrimiento del sistema enarmónico.

-P-

P: Señal de ejecución abreviada que corresponde a un tiempo lento, indicado con el término piano. En el pentagrama se escribe la letra p bastardilla sobre el comienzo del compás.

Pabellón:

También llamado "campana". Es la parte del tubo de los instrumentos de viento opuesta a la boquilla y por donde sale el aire. Puede tener forma cónica o cilíndrica.

Paila criolla: Membranófono doble, muy similar al timbal. Se usa en la región del Caribe. La batería de pailas suele estar compuesta por un par de cajas de resonancia de metal, de unos 60 cm de diámetro, con forma semiesférica y cubiertas con membranas de piel de cabra, que se templan mediante un sistema de tornillos tensores. Ambas cajas se asientan sobre un soporte metálico. La paila se percute con macillos o baquetas que llevan las puntas forradas. El nombre proviene de unas antiguas ollas de cobre que se usaban en las haciendas para cocinar el rancho de los esclavos.

Palheta: En portugués (lengüeta). Es un instrumento aerófono tradicional en Portugal. Puede considerarse dentro de la categoría de los oboes folclóricos. Tallado en una sola pieza de madera de olivo, consta de un pico con doble lengüeta, tubo cilíndrico, cinco orificios de digitación y el pabellón, en forma de campana. Su sonido, dulce y bien modulado, es usual en las zonas rurales, durante las celebraciones religiosas y fiestas populares.

Palillos:

Varillas de madera dura, de unos 30 cm de largo, con la punta redondeada, que se utilizan para batir el parche del tambor.

Palmero/palmera:

Comparsa que suele acompañar con palmoteos y voces a las distintas variantes del cante flamenco y algunas formas del baile popular de Andalucía.

Palmotear:

Dar golpes con la palma de las manos acompañando el ritmo de la música. Es un recurso sonoro muy natural en el acompañamiento del cante y el baile flamencos.

Paleografía musical: Voz derivada del griego (palaiós=antiguo y gráphein=escritura). Rama de la musicología general dedicada a la investigación y el estudio comparativo de los signos, letras y otras formas de notación utilizadas desde la antigüedad hasta la Edad Media.

Palo flamenco: Cada uno de estilos del cante folclórico de Andalucía. Las características individuales de estas formas musicales se deben al sonido de las maderas (guitarra, cajón, palillos). Las soleares, bulerías y seguiriyas son algunos de los ejemplos más puntuales en la integración de sus distintas sonoridades. Dentro de ese ámbito la sensibilidad melódica del artista flamenco, desempeña un papel preponderante en el equilibrio armónico y eufónico de la música. Esa base fundamental del ritmo, se corresponde admirablemente con la constante improvisación creativa. El sonido rige la trayectoria de las manos, domina su sensibilidad sobre el efecto acústico del cante. Su ductilidad permite obtener notas sensibles que acompañan la copla, con una profunda significación poética. Pambiche: Baile caribeño. Es una variedad del merengue dominicano, pero con el paso más lento. El nombre es de origen criollo. El ritmo melódico muestra cierta influencia del folclore musical norteamericano, posiblemente producida, a principios del siglo XX, durante la intervención militar de los Estados Unidos en la República Dominicana. Según otras versiones, el pambiche fue cobrando forma propia a partir del jaleo del merengue.

Pandereta: Instrumento rítmico de origen popular, compuesto por un marco redondo de madera, al cual va ajustado un parche de piel por un solo lado. El marco lleva unas incisiones de forma variada, donde se insertan unos pequeños platillos de metal que suenan como cascabeles al agitar el instrumento o percutir la membrana con las manos. El sonido alegre de la pandereta aparece en distintas composiciones orquestales en clave de sol. En la ópera "Carmen", de Georges Bizet, es un elemento conductor de la idea que representa la figura femenina.

Pandero: Es lo mismo que pandereta. Puede existir una pequeña diferencia en cuanto al tamaño del instrumento o la cantidad de platillos o sonajas. Forma parte del romancero gitano. También se le suele llamar tamborín, aunque difiere mucho del típico tamborín o tamborí de las islas Baleares.

Pandora griega: Nombre de un antiquísimo instrumento musical, provisto de tres cuerdas extendidas sobre una caja armónica simple, del tipo de la cítara. El nombre pandora podría ser la transcripción fonética de su denominación griega (pandoura). Según la opinión de gramáticos e historiadores de la antigüedad, como Pólux y Ateneo, la pandora era conocida en Grecia desde el siglo V a. C..

Pandora moderna: Instrumento de la familia de las guitarras. Fue bastante usual en Nápoles, entre los siglos XVI y XVII. Por su sistema armónico, tiene un cierto parecido con la citola o el cistro medieval. Suele tener entre ocho y dieciocho cuerdas de latón que se apoyan sobre un puente oblicuo y se pueden puntear con el auxilio de un plectro. La caja de resonancia de escotaduras.

Pandorga: Este (panorganon=conjunto de instrumentos). La acepción etimológica -generalmente aceptadanos remite a la reunión sin concierto de distintos instrumentos. En el siglo XVII, este vocablo se empleaba para designar a un tipo de conjunto popular que solía realizar el acompañamiento instrumental de las mascaradas callejeras, llamadas fuga de danza. la pandora, de forma abombada, presenta

nombre podría tratarse de una voz numerosas curvas y

derivada del griego

Pandorga murciana: Nombre popular de una variedad de zambomba, típica del folclore de la provincia de Murcia. Se conoce la existencia de varias formas de idiófonos de este tipo, fabricados unos con el cuerpo de cerámica y otros con calabazas ahuecadas.

Pandorina: También llamado laúd francés o mandorina. Es un laúd, más pequeño que la pandora común, afinado a la altura de tiple, provisto de cuatro órdenes de cuerdas de latón, al que los ingleses conocen con el nombre de biguga-cither. Algunos modelos ingleses tienen seis cuerdas. Es un instrumento típico del periodo barroco.

Pangora: Ritmo propio del folclore tradicional en el occidente colombiano. También llamado pango, es un tipo de tonada popular mestiza, similar al currulao. De su forma alegre y acento marcado, han derivado numerosos ejemplos musicales, hoy típicos de aquella región (andarele o andarete, saporrondó, tiguarandó, etc.). El movimiento rítmico de pangora es rápido y sincopado, con un sonoro compás de percusión. Los instrumentos más usuales en esta variedad son las maracas guasás; los tambores cununos (macho y hembra); un xilófono rústico, llamado marimba de chontas, el bombo y el redoblante.

Pantomima: Género teatral de carácter burlesco en el que interviene esencialmente la mímica. En determinadas circunstancias se le han agregado pasajes bailados. El pantomimo era un bufón independiente, que en la Edad Media actuaba en los mercados remedando los gestos o la manera de caminar de las personas que pasaban por el lugar, con el objeto de provocar la hilaridad de los presentes y ganar con ello unas monedas. Era sólo un entretenimiento callejero y no se lo consideró propiamente una forma de arte hasta su integración como variedad en el teatro inglés. A comienzos del siglo XX la antigua forma de la pantomima fue recuperada por el teatro y la danza como un detalle expresivo más dentro el contexto coreográfico de numerosas obras contemporáneas y de vanguardia. El compositor húngaro Béla Bartok (1881-1945) utilizó con acierto sus características visuales en el ballet-pantomima "El mandarín maravilloso" estrenado en 1926. Bartok fue el artífice de una rara y novedosa conjunción de la música y el lenguaje corporal, incluyendo antiguas tradiciones del folclore centroeuropeo, entre las que figuran la pantomima y los bailes eslavos.

Pantomima inglesa: Subgénero de la pantomima tradicional itálica que floreció en el siglo XVIII. Su argumento contenía voces de coro, diálogos humorísticos y partes cantadas por solistas.

Pantomima germana: A principios del siglo XIX, el compositor alemán Karl Marie Weber (1786-1826) obtuvo un celebrado triunfo teatral con su pantomima "Oberon". El éxito de esta obra posiblemente se debió a que incluye pasajes melodramáticos, circunstancia desconocida hasta entonces en las representaciones pantomímicas.

Pantonalidad: Término utilizado con preferencia por el compositor Arnold Schoenberg para describir el concepto de la atonalidad. Schoenberg -uno de los grandes maestros del atonalismoconsideraba que esta palabra -debido a su prefijo de negaciónpodría interpretarse como ausencia total de tonalidad, cosa que es incorrecta. Por ello eligió la denominación pantonalidad, que por cierto es más apropiada porque describe una amplia gama de tonos iguales sin diferencias jerárquicas. En la practica han prevalecido los términos atonalidad y atonalismo.

Papai-Benta: Instrumento popular originario de la república de Surinam, (América del Sur). Pertenece al tipo de los idiófonos de varillas planas que hacen las veces de lengüetas de punteo. Existen de diversas formas, algunas parecidas al kede-benta del grupo cultural africano "saramaka".

Papel de comparsa: Se llama así al actor en escena que no habla ni canta, solo pone su figura como un componente más del conjunto. En la ópera, donde todos y cada unos de los elementos escenográficos adquiere un valor preponderante, es raro este tipo de personajes. Por lo general, los actores secundarios forman parte de los distintos coros que desempeñan un papel importante en el aspecto sonoro de la obra.

Parabolismo: Del griego parabolé=comparación). Este vocablo hace referencia a uno de los géneros literarios que intervienen en la concepción argumental de la ópera. Es la narración de una historia fingida que alude a un hecho real mediante una semejanza o comparación. Es probable que su origen provenga de la idea del oratorio. Por lo general, se refiere a los temas inspirados en las experiencias de la vida humana. El tono suele ser grave o admonitorio y el motivo, profundo, debe dejar una enseñanza moral.

Paracumbé: Antigua danza colombiana, dotada de una bella coreografía. La música se interpreta con instrumentos autóctonos de zona (gaitas indias, maracas caribeñas, tamboras, etc.). Era muy popular entre los campesinos de raza negra desde el siglo XVIII. Durante el siglo XX fue cayendo en el olvido, aunque algunas asociaciones folclóricas procuran recuperar y preservar la rica variedad de danzas de este tipo, pertenecientes al rico patrimonio cultural afroamericano.

Parado: Nombre de un baile típico mallorquín, originario de la región de Valldemossa, considerado por musicólogos y estudiosos del folclore regional como una forma de bolero. Data, según parece, del siglo XVIII. La coreografía se lleva a cabo con un hombre y dos mujeres que parecen cortejarlo y rivalizar entre ellas por ganar sus amores. Esa rivalidad se transforma en una secuencia de figuras donosas, Los giros se embellecen con el vuelo de las amplias faldas y los pasos insinuantes al compás de la música. La denominación de parado proviene del final brusco de la melodía, cuyo efecto sonoro y visual tiende a resaltar el contraste existente con los compases moderados que se observan en toda la composición. Aunque de manera menos usual, también se le solía llamar bolero viejo.

Parafonista: Término derivado del canto gregoriano. (Significa cantante complementario o secundario). Es el nombre que se daba a cada uno de los integrantes del grupo de tres voces que secundaban al archiparafonista, en el contrapunto con los solistas principales. Fue un estilo vocal creado en el ámbito musical de la célebre Schola Cantorum de Roma (siglo VI d. C.).

Paráfrasis: En lírica se llama así a la traducción en verso de una obra en la que se intenta imitar la modulación musical y el acento musical del trabajo original, pero sin atenerse a la exactitud de la transcripción literal. Se trata de una práctica usual en la traducción libretos de ópera, cuyos textos están escritos en otros idiomas cuya sintaxis y extensión de las palabras es bien diferente, como ocurre con el alemán respecto al castellano y viceversa. Una segunda acepción de este vocablo se refiere a la explicación extensa de un texto con el objeto de lograr su mejor comprensión. Si el escrito es claro y está redactado en el mismo idioma, la paráfrasis resulta inútil, siendo más una complicación que una ayuda para la comprensión del texto original.
Parámetro: Del griego (para=junto y metro=medida). En la terminología musical moderna es un vocablo que se emplea para señalar las medidas y efectuar las comparaciones entre los distintos elementos del sonido (intensidad, duración, altura, timbre, etc.).

Parciales:

En armonía se llama así a los sonidos complementarios que determinan el timbre de un sonido fundamental.

Parche de bordones: Membrana que cubre la parte inferior de algunos instrumentos de percusión. (caja clara, redoblante) Junto a la parte interna de este parche se colocan unas cuerdas llamadas bordones que producen un sonido chirriante, agregado a la vibración propia de los parches del tambor.

Parche de redoble: Membrana superior que tienen los instrumentos de percusión, sobre la que golpean los mazos o palillos para producir el sonido. Es más gruesa la de bordones. Existen modelos de tambores que tienen un solo parche en la parte superior de la caja de resonancia, como los timbales, bongós, congas, etc., mientras que otros emplean dos membranas iguales, bien ajustadas entre sí y afirmadas con marcos que las mantienen tensas, a la manera de los bombos tradicionales, bombos legüeros, etc.

Parlamento de ópera: Manera de interpretar un pasaje en el que los textos se declaman estirando las vocales con un movimiento rítmico musical intermedio entre la palabra hablada y el canto.

Parodia: Voz derivada del griego (paraeidos=cantar imitando). En la actualidad se entiende como el remedo cómico de una obra literaria o musical seria. En el siglo XVI se empleaba este término para denominar un género musical ligero, cuyo carácter, a pesar de ser imitativo, no tenía en absoluto intención peyorativa o burlesca.

Parraleña: Variedad de composición folclórica del siglo XIX, típica de la región norte de México (Hidalgo del Parral, Estado de Chihuahua). Se cantaba con acompañamiento de guitarras sobre una suerte de estribillos inspirados en dichos y tradiciones populares. También llamado son parraleño, se parece a la seguidilla de Murcia.

Parranda de aguinalderos: Folclore tradicional de Venezuela. Es un conjunto de músicos y cantantes que recorren las calles entonando sus aguinaldos durante las fiestas navideñas. Tienen composiciones propias y un estilo parecido al de la tuna española.

Parte: Cada una de las unidades de ejecución -vocal o instrumental- que en su conjunto componen los distintos elementos concertantes en la partitura general de una obra. Su significado es el mismo que particella.

Partes dobladas:

Voces secundarias o de conjunto, entonadas al unísono o a la octava, que se oponen a la parte real en la ejecución del

contrapunto

.

Parte real: Voz que cumple una función personal y determinada dentro del contrapunto. Es la que canta en respuesta a las voces entonadas al unísono o a la octava. Estas últimas se llaman partes dobladas, en oposición a la parte real.

Particella: En italiano (pequeña parte). Técnicamente se refiere a una partitura parcial. Es la forma individual que corresponde a un determinado instrumento musical, o una voz en particular. Su texto equivale exactamente a la fracción que debe interpretar cada instrumentista o cantante durante el desarrollo completo de una obra. El conjunto de particellas forma parte de la partitura general.

Partita : Voz itálica derivada del verbo partire (repartir o distribuir). En Italia -a comienzos del siglo XVII- se llamaba así a las obras instrumentales que se componían en varios movimientos, sobre melodías y canciones típicas de la región norte y central de la península (Piamonte, Liguria, Valle de Aosta, Lombardía, Toscana, Umbría, etc.). La manera usual en el acompañamiento de la partita italiana era mediante instrumentos de teclado: (órgano, clavicémbalo, clavicordio). Destacan entre ellas las composiciones del compositor y organista italiano Girolamo Frescobaldi (1583-1643). Existen otras acepciones para este vocablo.

Partita (sonata): Se acostumbraba denominar de esta forma a una sonata para violín, clave u órgano. Este tipo de composición alcanzó cierta popularidad en Alemania durante el siglo XVIII. Pueden servir como ejemplo ilustrativo los ciclos de variaciones sobre corales para órgano BMW 766-771 de Johann Sebastian Bach. Otras muestras brillantes de este tipo de composición, pertenecientes al mismo autor, son: "Partita en la menor para flauta travesera sin acompañamiento" BWV 1013 y "3 Sonatas y 3 Partitas para violín sin acompañamiento", BWV 1001-1006, ambas escritas alrededor del año 1720.

Partita (suite): En Alemania -a mediados del siglo XVII- era el nombre de una suite de danzas o conjunto de bailes tradicionales, en los que sobresalían el compás marcado y lo pintoresco de la coreografía. Las melodías podían ser de procedencia religiosa o popular.

Partita (variación): También se llamaba así a un conjunto de variaciones ligeras, en el estilo de las glosas populares, sobre diversos temas musicales que usaban los cantantes y cómicos ambulantes en el siglo XVII. El carácter libre y variado de la partita se ha mantenido hasta la actualidad sirviendo incluso como punto de inspiración para diversas creaciones de autores contemporáneos, tradicionales y de vanguardia. De esta época cabe citar, entre otros, a los compositores italianos Alfredo Casella (1883-1947) y Luigi Dallapicola (1904-1975).

Partitura: Todas las partes de una obra musical (línea melódica, tiempos, instrumentos, etc.) quedan representadas en el plano del papel con la exactitud que permiten el sistema universal de notación y sus codificaciones accesorias. El uso de la partitura general permite la perfecta coordinación de cada una de las actuaciones de las voces e instrumentos que intervienen de manera simultánea en un concierto sinfónico. Esto vale también para la lectura de las partituras individuales y las que corresponden a los solistas, también llamada particella. El orden y las indicaciones registrado sobre el pentagrama permite que una determinada partitura pueda ser perfectamente interpretada en cualquier idioma y ejecutada sin inconvenientes por músicos y cantantes de cualquier lugar del mundo.

Partitura de texto: También llamada partitura textual, es un guión con explicaciones escritas, sobre las cuales debe realizarse una improvisación musical. No se trata exactamente de una partitura tradicional ya que carece de pentagrama y signos musicales convencionales. En realidad se trata de notas escritas que constituyen un argumento descriptivo en el que se consignan todas las indicaciones de ejecución. Esas advertencias sirven a modo de orientación para que los músicos puedan interpretar obras de ese tipo en las que prevalece un amplio margen para la improvisación. Entre los creadores contemporáneos que más han incursionado en esta nueva forma de escritura se encuentra el melodista alemán Karlheinz Stockhausen, a quien se considera el principal creador de las técnicas electrónicas aplicadas a la composición musical de vanguardia. Muchas de sus obras constituyen ejemplos claves sobre las distintas experiencias aleatorias ("Kontacte", "Kontra-punkte", "Karree", "Zyklus").

Partitura gráfica: Su sentido es prácticamente el mismo que la anterior y en muchos casos se suelen confundir, debido a que su función es similar. La única variante consiste en que las partituras de texto suelen carecer de las señales mnemotécnicas y grafismos descriptivos que caracterizan a las partituras gráficas.

Pasacalle: Estilo de danza, en compás ternario, derivada del passacaglia italiano. Algunos investigadores y estudiosos del pasado de la música popular europea creen, con cierto fundamento, que el pasacalle es realmente originario de España. La melodía del pasacalle se mueve en tiempo moderado, con el acompañamiento de un bajo obstinado sujeto a variaciones.
Pasaje: En música es el paso de un tono a otro. En la ópera designa especialmente a un efecto ornamental. Se suele poner en práctica cuando el compositor permite tales improvisaciones intercalando en el pentagrama una figura llamada "calderón".

Pasaje modulado: En la sucesión de los acordes de una melodía, se llama pasaje modulado al deslizamiento de un tono a otro, sin que llegue a alterarse la marcha diatónica de la composición.

Pas de Bourrée:

Paso de danza clásica que a pesar de su título, sólo presenta un lejano parecido con la danza francesa del mismo nombre.

Pasión: Canto litúrgico inspirado en el padecimiento de Cristo en la cruz. Pertenece a los oficios solemnes de Semana Santa y su práctica data del siglo X. Una de las características particulares de esta expresión musical religiosa consistía en el empleo de timbres de recitado diferentes a los que se solían emplear de manera ordinaria en la representación de los Evangelios. Durante la alta Edad Media y el periodo que precedió al Renacimiento, la pasión adquirió una serie de características musicales que eran propias de las primitivas "Rappresentazione Sacra" y posteriormente de la ópera. Cantadas por religiosos en los papeles de Cristo y el Evangelista, durante el siglo XV la parte de la turba se confiaba a las voces de un coro que hacía las veces del bajo, entonando fabordones y otras composiciones polifónicas simples.

Pasión (forma cantata): Llegó a su mayor esplendor eufónico y estético tras la reforma luterana, con las traducciones al idioma alemán y el agregado de coros espectaculares de introducción, arias o cánticos intermedios y formidables conclusiones a tutti. En el siglo XVIII la pasión se transformó en cantata, enmarcada el sermón de vísperas. Johann Sebastian Bach compuso varias pasiones de las que son bien conocidas la "Pasión según San Juan", escrita en 1724 y la "Pasión según San Mateo", de 1727. La "Pasión según San Marcos", de 1731, recopilada por Picander ⁹⁰ forma parte del conjunto de obras claves del barroco. Existe también una "Pasión según San Lucas", atribuida a Bach, cuya autenticidad presenta dudas. De Georg Friedrich Haendel existe una magnífica "Pasión de San Juan" estrenada en 1704.

Pasión (responsorial): Desde principios del siglo XVI la Pasión medieval fue evolucionando hacia otras formas polifónicas más complejas, incluyendo en esta práctica todas las partes recitadas. Durante aquella época, el texto solía escribirse en forma de rapsodia o centón (centone) con sentencias y retazos de otras obras menores, adaptadas a la idea general del tema pasionario. En algunos tratados aparece con la denominación ciertamente adecuada de "pasión motete". Destacan en este periodo los "Oficios de Semana Santa" de Tomás Luis de Victoria (1548-1611) Entre las pasiones en forma de motete escritas por los maestros italianos del Renacimiento, que se ajustan al texto del recitado escritas por los maestros italianos del Renacimiento, que se ajustan al texto del recitado 1725). A partir del siglo XX la forma clásica de la pasión dejó de interpretarse como género musical, transformándose desde entonces en oratorio de concierto. Dentro de este estilo puede citarse como ejemplo descriptivo a la "Pasión y muerte de nuestro Señor Jesucristo según San Lucas", obra del compositor polaco Krzystof Penderecki (1933), compuesta y estrena entre 1962 y 1965.

⁹⁰ Christian Friedrich Henrici (1700-1760). Poeta y dramaturgo alemán, más conocido por el seudónimo de Picander. Compuso, varios dramas históricos, cánticos religiosos y letras para las pasiones de Johann Sebastian Bach.

Paso de voz: También llamado "pasaje", del italiano (passaggio). Es la transición sonora entre dos registros vocales intermedios. Suele ocurrir cuando el cantante realiza el pasaje de voz entre dos notas contiguas, descendiendo de agudo a grave para poder dosificar mejor el aire y llegar con resto hasta el final de la frase.

Paso de vuelta: Estilo coreográfico de varias danzas populares españolas entre las que se encuentra particularmente la ronda. Es una figura procedente de la chorea medieval que participa como elemento principal en la mayoría de las danzas de conjunto

Pasodoble: Danza española en compás de 2/4 ó 6/8, con aire de marcha. Su movimiento se ajusta al ritmo binario de 120 pasos por minuto. La secuencia de la composición está formada por una breve introducción y dos tramos melódicos: el principal y el trío. La parte principal es marcial y brillante, sin obligado de cornetas. El trío es más suave. En él se elimina el refuerzo rítmico de la batería, otorgando la preponderancia a los metales dulces y el tono cantable.

Pasodoble con cornetas: Es el tipo de composición apropiada para desfiles y marchas que interpretan las bandas de música de los regimientos. En la parte del comienzo (principal) se ejecutan los toques en obligado de cornetas y tambores, siempre en armonía con un marcado acento militar. En la segunda parte (trío) desaparecen los redobles, dando lugar al tramo bailable más melódica de la obra.

Pasodoble gallego: Variedad inspirada en el colorido local de la música galega por los singulares acentos rítmicos que recuerdan a los típicos alalás y alboradas de la región de Pontevedra. La primera pieza de este tipo, titulada “Ponteareas”, perteneciente al compositor español Reveriano Soutullo Otero (1884-1932), es una de las obras clásicas de este género, considerada como un himno popular de Galicia. Escrito en 1929, la difusión del pasodoble gallego pronto alcanzó dimensiones internacionales. En ocasiones, llegó a formar parte del repertorio interpretado por la Real Banda de Gran Bretaña en sus ceremonias de cambio de guardia.

Pasodoble torero: Directamente relacionados con el desarrollo de la llamada “Fiesta de los Toros”, estos pasodobles se interpretan para amenizar los instantes previos al “paseíllo” y los tiempos intermedios entre lances, así como para adornar con su exultante sonido el éxito y la faena bien realizada. La música de la tauromaquia tiene un acento particular que adquiere su máximo brillo con el desfile de las cuadrillas o en el instante del homenaje popular a la perfección del “remate”. Muchas de sus composiciones tradicionales reconocen su fuente de inspiración en las antiguas canciones flamencas, o tonadas de autor anónimo, que desde el siglo XIX se cantaban en las plazas de los pueblos para alentar a los diestros que salían al ruedo. En la región del Levante español es corriente la interpretación de la “Marcha de la manolería”, tomada del repertorio de la célebre zarzuela “Pan y Toros”“Pan y Toros” 1894). Con este mismo efecto descriptivo y elocuente, las bandas de las plazas francesas también suelen ejecutar celebrados pasajes de inspiración torera, como el “cuplé de Escamillo” o la “Habanera en modo mayor”, ambas piezas pertenecientes a la célebre opéra“Carmen” de Georges Bizet (1838-1975).

Paso traspié: Paso de baile de salón, originario del ámbito musical rioplatense (Argentina y Uruguay). Está directamente relacionado con la milonga traspié. Su forma compleja, marcada por una gran belleza plástica, surgió como evolución estilística del tradicional tango canyengue. El estilo demuestra también una profunda influencia de las maneras propias de la milonga porteña. Los movimientos coreográficos del paso traspié están basados en la cadencia natural del compás en 2/4. Debido a sus características rítmicas y cadenciosas, es un paso adecuado para el lucimiento de la pareja en el transcurso del baile. El paso traspié goza de una gran popularidad en las academias de danzas, tanto de Europa como de los Estados Unidos.

Paspié: Voz derivada del francés (passepied). Nombre de una antigua danza bretona de origen popular, bastante alegre y movida, cuyas características se conocen con certeza desde finales de la Edad Media. Aunque en aquella época aún tenía un compás binario, durante el transcurso del siglo XVII se fue transformando en la diversión musical favorita de la burguesía. Su ritmo fue entonces cambiando hasta transformarse en una brillante danza cortesana, llegando a ser un elemento indispensable en los concert royaux y en representaciones teatrales. El paspié tradicional se divide en dos partes: una tono mayor y otra en tono menor. Aunque posee una serie mayor de mudanzas que el minué, se considera a este último como un antecedente directo de aquella danza. En España el paspié adquirió popularidad a partir del siglo XVIII.

Passacaglia: Denominación italiana del pasacalle. Aparece asiduamente en versiones grabadas, procedentes de Italia y ocasionalmente también en las inglesas. Johann Sebastian Bach luce su característica emotividad creativa en el conocido "Passacaglia en do menor" BWV 592 596, compuesto en el año 1752.

Passaggio: Voz itálica que significa lo mismo que pasaje. La cadencia de una o varias notas constituye en realidad una ornamentación personal del cantante, quien demuestra así su virtuosismo.

Passamezzo: Palabra itálica (pasa al medio). Es un baile típico, similar por su ritmo y coreografía a la pavana, pero con más movimiento. Forma parte del folclore musical italiano de los siglos XVI y XVII.

Passepied:

Voz francesa (pasapié). Nombre de una danza popular de Bretaña, en compás ternario y movimientos vivos.

Passus duriusculus: Expresión común, derivada del latín, con el sentido de "momento difícil". Se refiere a la figura del bajo lamentoso o bajo de lamento, un instante crítico en la vocalización del canto operístico.

Pasticcio: Voz italiana que en la ópera se usa para describir distintas formas de incompatibilidad estética. Por ejemplo: un decorado demasiado barroco o recargado, donde se mezclan formas o estilos disímiles. Por extensión, este término también se emplea en música, cuando se reúnen bajo el mismo título obras de diferentes autores. También se usa en francés pastiche.

Pastosidad:

Se dice vulgarmente de la voz de timbre suave y agradable. También del tono dulzón propio de las arias románticas.

Pastoral: Obra musical del siglo XVIII, de carácter romántico o bucólico compuesta para coro y orquesta de cuerdas. Por su estilo y su configuración, en forma de cuadros atenidos a un tema argumental, constituye uno de los antecedentes más antiguos de la ópera actual. Pastorela (canción): Voz derivada del provenzal (pastorella/pastourelle). Forma musical cantable, muy apreciada en el sur de Francia e Italia por los troveros del siglo XIII. Su género integra hermosas colecciones de canciones medievales. El argumento de esas canciones solía ser de carácter amoroso.

Pastorela (pieza teatral): Adaptación escénica de la canción popular del mismo nombre. Su argumento era más extenso y se acompañaba con interpretaciones polifónicas. En el siglo XIV adquirió un carácter religioso, pasando desde entonces a describir escenas bíblicas, como el anuncio a los pastores en el retablo de Belén, el nacimiento de Jesús, etc.

Pasucáis: Voz bable derivada del castellano (pasacalle). Variedad de composición para gaita, típica de Asturias y regiones vecinas. Antiguamente se interpretaba en las fiestas y romerías, recorriendo las calles de los pueblos o como acompañamiento de canciones típicas en forma de copla. Existen diversos ejemplos tradicionales que se entonan en tales acontecimientos. ("Pasucáis de Uvieu", Pasucáis del Xarreru", Pasucáis de Peruyes", etc.).

Patacoré: Variante musical del currulao, una tonada con estribillo, típica de la costa oeste de Colombia. El término es de procedencia indígena (patakora=plátano o banana). Existen indicios de que el patacoré fue originariamente un canto de cosecha de los aborígenes “ernbera”, que habitaban las estribaciones occidentales de la Cordillera de los Andes. Los folcloristas colombianos suelen combinar sus sonidos con otra danza -similar pero algo más lenta- denominada berejú.

Patches: Derivado del inglés (patch=parcela). En música electrónica se emplea para denominar los diferentes grupos o parcelas de sonidos generados por sintetizadores y equipos MIDI (voces, timbres, etc.). Por extensión, también se llama así a los programas informáticos que se utilizan para este propósito.

Pathétique: Voz francesa que describe un estado de tristeza y melancolía. En música, se aplica a un estilo melódico y argumental de carácter apasionado. La palabra procede del griego (pathetikós=sufrimiento) surge en la época del romanticismo como un carácter capaz de agitar el ánimo y la sensibilidad con recursos vehementes.

Pausa: Instante de silencio en la interpretación de música de cámara. Cuando la pausa se extiende más de dos o tres compases, se llama "gran pausa" o "pausa general". Comprende todos los instrumentos de la orquesta. En la partitura se abrevia con las letras "G.p.".

Pausa estrófica: Uno de los tres tipos de pausa considerados en los modernos estudios de métrica: pausa estrófica, pausa versual y cesura. Por su condición de silencio mayor, la pausa estrófica separa los componentes fónicos de una frase, delimitando las grandes unidades orales (expresiones de largo aliento).

Pausa versual: En música es el intervalo que se produce al finalizar un verso. Tiene especial importancia en la interpretación del canto lírico. En lingüística corresponde al silencio -breve o prolongado- que tiene lugar al finalizar la emisión de una oración. Cada grupo fónico tiene una extensión determinada a la que se denomina cadena oral. En el libreto de ópera, como en cualquier otra forma literaria, la extensión de estos silencios se indica mediante los signos diacríticos (punto, punto y coma, coma). El cambio de línea tonal se indica mediante otros signos (barra, paréntesis, guión).
Pauta: Sistema de notación basado en la agrupación de líneas paralelas, que permite determinar la altura de las notas con ayuda de las claves. La pauta de uso normal -aceptada en todo el mundo en la actualidad- es el método de cinco líneas básicas denominado pentagrama.

Pavana: Danza cortesana de origen italiano. El nombre deriva de padovana (natural de Padua). Fue popular en España entre los siglos XVI y XVII. Su estilo, pausado y grave, desarrollada usualmente en compás binario, tiene un cierto parecido con la xáquera vella valenciana. El compositor francés Maurice Ravel (1875-1937) compuso en 1899 la pieza para piano "Pavana para una infante difunta", que una década más tarde transformó en obra orquestal. Otra versión magnífica es la "Pavana Nº 50", de su compatriota, Gabriel Fauré (1845-1925), grabada por la Orquesta Nacional de Francia, bajo la dirección del director británico Thomas Beecham

Pavana-gallarda: Binomio melódico perteneciente a la sucesión de piezas instrumentales dobles, como la estampida-rota y la pavana-saltarello. Entre otras formas tentativas, dieron origen a la serie que luego se denominó suite. El uso de esta forma doble se prolongó hasta fines del siglo XVII. Este conjunto -integrado por dos temas de danzasiempre respondía a una temática común. Con el advenimiento del periodo renacentista, la suite fue evolucionando y al incrementarse la cantidad de danzas, la fórmula doble cayó lentamente en el olvido.

Pavana-saltarello:

De la misma forma que la

pavana-gallarda,

formó parte del conjunto de composiciones musicales pertenecientes a las primeras formas de la suite.

Payada: Voz criolla, perteneciente al folclore musical sudamericano (Argentina, Uruguay y Chile). Es una suerte de contrapunto poético y musical, improvisado entre dos o más payadores o guitarristas.

Payador: Tipo gauchesco de guitarrista, poeta y cantor, que interpreta una melodía espontánea con letra improvisada en contrapunto con otro, que le va replicando en forma similar. Ambos intérpretes entablan una especie de torneo musical donde desempeña un papel esencial el ingenio poético y el dominio de la guitarra.

Pean (compositor):

Nombre genérico que se acostumbraba dar en la antigua Grecia a los autores de himnos y cantos militares destinados a exaltar el valor y la gloria de los héroes.

Pean (canto fúnebre):

En la antigua Grecia, se entonaba después de las batallas en homenaje a los muertos habidos en ella.

Pean (himno guerrero): Loa o canto heroico que se interpretaba en la antigüedad en honor de Apolo. Una versión mitológica cuenta que el término proviene de uno de los sobrenombres de aquel dios. El historiador Diodoro de Sicilia narra en una de sus obras que el pean era un himno de guerra de los iberos. Jenofonte (IV a. C.) agrega que existían dos clases de pean: el canto fúnebre que solía entonarse durante la celebración de la victoria sobre el enemigo y otro dedicado a Marte, que se cantaba antes de comenzar las batallas⁹¹. Agrega el polígrafo y estratega ateniense que las mujeres griegas seguían a las falanges cantando al par de los hombres y dándoles fuerza moral en el combate.

⁹¹ "La retirada de los Diez Mil" Libro IV.

Pedagogía instrumental: También llamada Fisiología de la ejecución instrumental. Toma como patrón de investigación a los principios básicos de la ergonomía. Es una rama de la musicología dedicada al estudio de aspectos prácticos relacionados con los movimientos corporales del intérprete y la forma de ejecución de los diferentes instrumentos.

Pedagogía musical: Enseñanza de la música en todos sus aspectos. Aunque difiere de la descripción anterior en la amplitud del concepto, es una materia didáctica que en su fase teórica, también corresponde al ámbito de la musicología. Se trata de una variante etimológica que procede del griego (paidos agogia=arte de enseñar a los niños). En la antigüedad, la música, junto con la pintura y la escultura, fue considerada una de las ciencias primordiales de la paz, razón por la que su enseñanza, en todos los niveles, tuvo una especial importancia. Como materia esencial, orienta su acción didáctica especialmente a los problemas de la educación musical. La forma o guía pedagógica se ocupa de los diferentes métodos de practicarla. Los objetivos fundamentales de este tipo de enseñanza -tanto en el aspecto personal del individuo, como en cualquiera de los distintos medios donde ésta se desarrolla- se extienden desde los años de la escolaridad básica hasta los ciclos superiores del conservatorio.

Pedal (mecanismo): Sistema de palanca que permite modificar con los pies el sonido de ciertos instrumentos, sin interferir en los movimientos de las manos (digitación, en las teclas; pulsación o punteo en las cuerdas). Existen diferentes formas de pedales:

-Pedal de intensidad sonora (

piano

)

-Pedal de afinación (

arpa

)

Pedal (sonido): En armonía, se llama sonido pedal al que se mantiene prolongado en el aire, mientras se van modulando otros sonidos simultáneos en forma de acordes o combinaciones sonoras.

Pedal de sostén: Pequeño pedal de algunas arpas diatónicas que se emplea pasa sostener los sonidos. Se ubica en el centro de la caja de pedales entre los siete pedales básicos (redo-si-pedal de sostén-mi-fa-sol-la).

Pedalera: En el arpa moderna se llama así a la base hueca, de madera que une la columna con la caja de resonancia. En la parte posterior se encuentra un sistema de siete pedales que permiten la modificación cromática de la altura de los sonidos.

Pedalero (carillón): Sistema de pedales del mecanismo de acciona las distintas campanas de un carillón. Permite formar melodías sencillas. Generalmente tomadas de piezas tradicionales del canto litúrgico.

Pedalero (órgano): Es el mecanismo de pedales que permite regular la altura de los grandes tubos graves, de do a sol (dos octavas y media). El organista los pone en acción usando la punta y el talón de ambos pies, destacando o ligando las notas de manera similar al teclado manual. El sistema tradicional en estos instrumentos se conoce también con el nombre de pedalero "a la alemana". Este modelo -equivalente a un plano sonoro independiente- es el que empleó Johann Sebastian Bach en la mayoría de sus obras para órgano. Consiste en una batería de piezas de madera, dispuestas en línea, como las piezas del teclado manual. Antiguamente se acoplaban a los teclados a través de un pedal de acoplamiento especialmente dispuesto para cumplir esa función con rapidez y exactitud. En algunos ejemplares el sistema de pedales adopta una forma ligeramente curvada, similar a un abanico. Fue uno de los modelos que tuvieron mayor difusión, debido a su facilidad operativa, más apropiada para las ejecuciones virtuosas.

Pedales acopladores: Mecanismo acoplable, similar al pedalero del órgano clásico que antiguamente se adaptaba a otros instrumentos de teclado como el armonio o el clavecín. Su cometido era facilitar los estudios de digitación a los aspirantes a organistas.

Pedalier: En francés (pedalero). Mecanismo también llamado "a la francesa" consistente en una tarima donde se instalan unas clavijas correspondientes a las notas. Es una denominación corriente en castellano, derivada de la terminología usada en los manuales de los órganos fabricados en Francia. Tiene el mismo cometido que el pedalero corriente. Las dos piezas para órgano del célebre compositor e instrumentista François Couperin (1668-1733) están pensadas para este sistema de pedalero⁹².

Pedal-steel: En inglés (mecanismo de pedal) Se suele emplear como accesorio de la guitarra hawaiana eléctrica conocida con el nombre de lap-steel. Permite variar con el pie la frecuencia de una o varias cuerdas. Gozó de bastante popularidad a partir de la década de 1960. Su empleo era corriente en la interpretación de la música country norteamericana.

Pedal-sustain: En inglés (pedal mantenedor). Sistema electrónico del piano acústico o del controlador MIDI, que permite mantener sonando las notas aún después de haber soltado la tecla.

Pedes musici: Forma latina que se empleaba en los siglos XVII y XVIII para indicar el pie musical, es decir, cada uno de los compases que forman la línea melódica de una composición.

Pelittoni: Nombre que se dio en Italia, a mediados el siglo XIX a una serie de instrumentos musicales, novedosos para la época. Su creador fue el inventor milanés Giuseppe Pelitti ⁹³. El pelittiferro inventado en 1843, era un aerófono de viento-madera, parecido a un gran oboe, compuesto por tres tubos de cedro, forrados con badana. Tenía un sonido profundo y alcanzaba una escala bastante amplia. El pelittone, de 1848 era un contrabajón de grandes dimensiones, que tenía tres cilindros y estaba afinado en do. Hoy, estos instrumentos son piezas de museo que suenan sólo ocasionalmente, aunque algunos musicólogos e investigadores, entusiastas de los sonidos extraños, los han intentado actualizar. Las ideas de Pelitti, dieron lugar al rediseño y perfeccionamiento de nuevos instrumentos para banda, de cobre y latón.

Pensamiento triádico: Es una de las bases de la armonía occidental. En el siglo XV, la tercera nota de la escala, que es el cuarto armónico, fue combinada con la quinta, integrándola totalmente hasta formar una tríada.

Pentacordio (cordófono): Voz procedente de griego (penta=cinco y chordé=cuerda). Lira antigua, de madera de olivo, provista de cinco cuerdas de tripa, que se usaba ya en el siglo VI a.C. en las comarcas ribereñas del mar Egeo (Tesalia, Macedonia Tracia, isla de Lemnos), desde donde más tarde pasó a los dominios de Roma, divulgándose entre los

⁹² François Couperin, le Grand: "Pièces d'orgue". Consistentes en dos misas, una para uso en las parroquias y otras para los conventos (Saint Gervais, 1690).
⁹³Meucci, Renato: “The Pelitti Firm: Makers of Brass Instruments in 19th-Century”.

pueblos latinos del sur de Italia. Los poetas y cantores populares de Sicilia y Calabria la conocían en el siglo XIV con el nombre de

lira mandola

o

mandoletta

.

Pentacordio (solfeo): En la teoría musical de la Edad Media -derivada de la que se usaba en la antigua Grecia- se llamaba pentacordio a la porción de una escala determinada por la serie diatónica de cinco sonidos o notas consecutivas. Normalmente se compone de dos pentacordios:
Primero (de la tónica a la dominante): do-re-mi-fa-sol
Segundo de la subdominante a la tónica: fa-sol-la-si-do
Algunas teorías de la música se refieren al pentacordio con el nombre de diapente. También puede aparecer el término pentacordo, aunque a este último no lo registra el diccionario de la RAE.

Pentagrama: Del mismo origen que la anterior (penta=cinco y grammé=escrito/línea). Pauta de cinco líneas paralelas donde se escriben o dibujan las notas musicales con el propósito de poder determinar su altura. También se puede escribir pentágrama, aunque esta forma es menos usual. En las partituras normales, la distancia media entre líneas es de unos 2 mm (pautado estrecho). En los libros para coro, de gran tamaño y que se apoyan sobre atriles, la distancia media entre líneas es de 1,5 cm Sus características básicas se fueron estableciendo a partir del siglo XV. De acuerdo con la ubicación de las notas en el pentagrama se puede conocer exactamente el sonido que éstas representan.

Pentatónico: Método musical que utiliza solamente cinco sonidos de la escala básica. En realidad se trata de un sistema primitivo, cuyo empleo en la actualidad se ciñe a la interpretación de la denominada música étnica y para el uso escénico de instrumentos regionales que en realidad tiene una función más decorativa que práctica. La puesta en escena de algunos dramas líricos -con inspiración indoamericana- recurre al mensaje sentimental que transmite la dulce melodía pentatónica de la quena incaica para lograr el efecto de introducción del espectador en el particular ambiente andino. Un ejemplo de esa íntima combinación entre la poesía y la música, se siente en los sonoros versos del drama lírico "Ollantay", obra del poeta argentino Ricardo Rojas (1882-1957).

Percusión (instrumentos de): Se llaman de membrana los que están formados por una caja de resonancia cubierta por una piel tensa y el sonido se obtiene percutiendo con mazos o palillos sobre dicha superficie, por ejemplo: tambor, timbal, bombo, caja, etc. Dentro de este apartado se incluyen otros instrumentos de distinta forma o material de construcción, pero que también se percuten, como los platillos y el triángulo. En la actualidad, se incluyen en las grandes orquestas debido a la gran variedad de efectos que se logran en determinados pasajes, especialmente en la música de ópera. Al ejecutante de esta variedad instrumental se le llama percusionista.

Percusión (piano): Mecanismo interno de este instrumento. Corresponde a la palanca de la tecla que percute la cuerda respectiva mediante un pequeño martillo. Desde la invención del pianoforte existieron dos sistemas básicos que dieron lugar a una gran cantidad de variantes, entre ellas el antiguo mecanismo de percusión inglés o el sistema utilizados en los modernos pianos de cola. También se llama así al mecanismo de los bombos y timbales que funciona mediante un pedal que acciona el ejecutante con el pie.

Percusionista: Músico que ejecuta cualquiera de los numerosos instrumentos de este tipo (batería, bombo, timbal, tambor, caja, etc.). En Hispanoamérica, al ejecutante del bombo legüero se le suele llamar bombisto.
Perdendosi: Voz italiana. Significa que un sonido se va perdiendo o extinguiendo. Es una acotación de matiz que sirve para indicar la disminución lenta y progresiva de un sonido dentro de la escala.

Pericón: Es la gran danza tradicional argentina, también llamada "Pericón Nacional". Se baila en grupos de cuatro, seis, ocho o doce parejas. La coreografía -rica por la variedad y amplitud de sus cuadros- se desarrolla en dos filas, tomando los hombres la mano izquierda de las mujeres y viceversa. Luego bailan en círculo intercambiando las parejas hasta llegar nuevamente al punto inicial. Algunas figuras se repiten durante la danza. Los giros y pasos se realizan siempre en conjunto y al compás de las órdenes que da un bastonero. La melodía tradicional del pericón, presente con su singular belleza en todas las manifestaciones artísticas y folclóricas, ha sido el baile obligado en todos los salones y fiestas argentinas desde el siglo XIX. La letra, dotada de una bella modulación, naturalmente eufónica y con un sentido romántico o picaresco- suele contener una secuencia equilibrada de estrofas compuestas por seis y siete versos libres cada una. Junto con el Cielito y la Media Caña, forma la trilogía de las contradanzas en el folclore de aquel país.

Pericote: Danza tradicional de Asturias, muy antigua, que se bailaba en las romerías y otras fiestas populares. Es típica de Llanes, municipio costero, cercano al límite con Cantabria. Parece ser que esta forma musical procede del periodo céltico y tenía un expresivo carácter prenupcial. En su coreografía intervienen dos mujeres y un hombre, realizando pasos, mudanzas y evoluciones, cuyo sentido obedece a un complejo argumento amoroso. Esta forma -junto con el corri-corri de Cabrales- pertenece al grupo de danzas autóctonas del principado.

Periodo (acústica): Término musical derivado de la forma prefijal griega (peri=cerca/en torno/alrededor) y (hodos=camino). Es el espacio de tiempo que comprende la duración de un sonido íntegro. En el desarrollo de una composición melódica es el espacio comprendido por cada reiteración de un elemento sonoro individual.

Periodo (análisis musical): En la composición melódica se denomina secuencia periódica a la serie de frases separadas, una de otra, por una pausa para la respiración, de tal manera que cada frase constituye un periodo organizado. Por el mismo principio, también se puede denominar secuencia periódica a cualquiera de los elementos armónicos o compases que configuran dicha frase.

Perispómeno: Término utilizado en la notación neumática. Su origen es griego (significa oscilación de la voz). Corresponde a uno de los tres acentos literarios, empleados en la poesía de la Grecia clásica, que luego derivaron en acentos musicales. Se indicaba mediante un signo circunflejo (^).

Perlindango: Danza asturiana, en compás 2/4 o binario, que se baila en forma de círculo como la sardana de Cataluña. Por su coreografía, es similar a la giraldilla, otra antigua danza del norte de España.

Percepción armónica: Sensación interior que reciben los sentidos como resultado de un fenómeno acústico. Normalmente se refiere al efecto de percibir el potencial descriptivo de la música a través de las distintas formas ordenadas por medio de la armonía. Su aplicación práctica dentro del complejo de la composición musical comenzó a difundirse a partir del siglo XVI.

Percepción melódica: Forma de percepción sonora que recibe la influencia directa de las modulaciones propias de la frase musical. Su estudio se aplica a la musicoterapia y otras disciplinas relacionadas con las ondas sonoras. El conocimiento de sus efectos es anterior al siglo XV.

Personaje: Es el ser, simbólico o ficticio, creado por el autor, que toma parte en la acción de una obra dramatizada. En las representaciones escénicas, como la ópera, el teatro o el cine, es el símbolo del tipo humano que encarna la idea dada por el argumento. Por ejemplo: Otello, en la ópera del mismo nombre. El perfil del personaje se va formando con la descripción de los rasgos de su carácter, el aspecto físico, etc. La figura va cobrando vida a través de los diálogos que se van desarrollando en cada escena. La voz del personaje y la música de fondo también tienen importancia en la concepción del tipo humano y la descripción de su condición individual.

Personaje plano:

Es la figura que se caracteriza por un solo rasgo sencillo y su participación en el

argumento

de una obra dramatizada es secundaria o circunstancial.

Personaje de carácter: Esta denominación corresponde a la figura cuya actuación es determinante en el desarrollo del argumento. Generalmente corresponde a los primeros actores o comprimarios importantes.

Perspectiva: Punto de vista que adopta el libretista frente al desarrollo de su narración. La perspectiva del argumento puede apelar a los más diversos recursos de la técnica narrativa, como el monólogo interior de los personajes, el diálogo recitativo, dúos, tríos, cuartetos, las partes en concertato, etc. A diferencia del método empleado en el desarrollo de la novela y otras variantes literarias, en el libreto de ópera es rara la narración en tercera persona.

Pes: Voz antigua, derivada del latín (pedis, genitivo de pes=pie). Nombre de un neuma o unidad rítmica del verso lírico. Se empleaba en el canto religioso y también en los himnos marciales. Corresponde a uno de los sistemas de notación musical de la Edad Media..

Petenera:

Canción popular del grupo de danzas y cantos flamencos, que pertenecen al folclore regional de Andalucía.

Petit bugle: Nombre francés del pequeño instrumento transpositor, también pequeño fiscorno o sopranino en mi bemol. Es uno de los equivalentes de la trompeta en do, usual en las bandas de música.

Petit saxhorn: Otra variante francesa en la denominación del instrumento anterior. Los músicos británicos lo conocen con el nombre de bugle piccolo in E flat. En la actualidad se utiliza poco.

Phorbeia: Arnés o soporte de cuero que se colocaban sobre el maxilar los flautistas griegos para sostener ciertos aerófonos, como la flauta doble de tubos separados. Se conoce su existencia por la figura de un ejecutante, pintada sobre un antiguo vaso griego, que representa este tipo de accesorio musical.
Photinx: Flauta oblicua con sonido bastante agudo, formada por dos tubos cónicos, de uso tradicional en la antigua Grecia (c. siglo V a C.). Los conductos de esta flauta convergen en ángulo obtuso hacia un vértice único, donde soplaba el ejecutante orientando el viento hacia uno u otro orificio de salida. El photinx era un tipo de flauta femenina, cuyo uso estaba vetado a los hombres.

Pianissimo:

Como la denominación anterior (

diminuendo

). La melodía debe salir mucho más suave. Abreviatura: (

pp

).

Piano (instrumento): Abreviatura del nombre pianoforte. El piano moderno, nacido de la evolución de aquél, a partir de 1790, es el instrumento más dúctil y perfecto de todos los que integran el plantel de la orquesta sinfónica. Su mecanismo permite golpear, una a una, las teclas que accionan sobre un complejo sistema de cuerdas adaptadas al marco interior de la caja de resonancia. La característica más saliente reside en el sistema de pedales, que permite regular la intensidad sonora variando la intensidad del golpe o modificando la presión ejercida sobre las cuerdas. El antecesor más antiguo del piano era el salterio del siglo XVII, instrumento al que un siglo después Bartolomeo Cristofori agregó sucesivos perfeccionamientos técnicos. En el siglo XIX los técnicos Camille Pleyel y Sébastien Erard, le incorporaron los apagadores de pedal, un invento que revolucionó la historia del piano. El piano no es un instrumento transpositor, por lo tanto, al ejecutarlo sus cuerdas dan los sonidos que figuran en el pentagrama.

Piano (matiz de ejecución): Del italiano (sin estridencias). Denominación de intensidad sonora de una melodía que indica un nivel suave y dulce del sonido. En la interpretación instrumental, el sentido cabal de piano corresponde a un grado normal en el diálogo musical. Una de las normas esenciales en la coordinación orquestal es que cada ejecutante debe escuchar los sonidos de todos los demás intérpretes que actúan en el conjunto del cual forma parte. Si uno de ellos elevara demasiado el volumen, sólo oiría a su propio instrumento, corriendo entonces el riesgo de perder la perfecta coordinación que debe existir entre todos los miembros de la orquesta. Abreviatura: (p).

Piano chanteur: En francés (piano cantor). Instrumento del siglo XIX, perteneciente a la categoría de los idiófonos soplados. Fue inventado en París en 1878. Consiste en una serie de varilla de acero y recipientes de cristal, cuyo fondo entra en vibración mediante el soplo a través de las varillas. Aunque el sonido producido por estos instrumentos es agradable y bien modulado, por su poca amplitud cromática y escaso volumen, sólo constituye una curiosidad de salón.

Piano de macillos: Del alemán (hammerklavier). También llamado forte-piano. Era una versión perfeccionada del clave. La difusión de este instrumento, que permitió nuevos alcances expresivos, tuvo sus comienzos a fines del siglo XVIII, con el estilo galante y sentimental del clasicismo germano. Aunque sólo alcanzó una amplia popularidad a partir de las primeras décadas del siglo XIX, con el advenimiento del virtuosismo pianístico, que entonces llegó a superar la grandiosidad barroca del órgano.

Piano de manivela: También llamado piano de manubrio o piano Débain. Instrumento musical de teclado y mecanismo de planchas metálicas, fabricado en Maguncia en 1786. Podía funcionar como un piano normal o mediante una manivela lateral, que hacía girar un cilindro con pequeñas plaquetas perforadas. Su creador fue el músico, mecánico e inventor alemán, Philippe Milchmeyer (1750-1813). Más tarde fue perfeccionado en Francia por el fabricante de instrumentos musicales Alexandre François Débain. La idea de Milchmeyer fue crear un instrumento de fácil ejecución y que además, permitiera a los estudiantes identificar las notas musicales de una manera automática, haciendo funcionar una manivela.

Piano Enharmonic: Instrumento experimental, diseñado en 1931 en París, por el artista plástico y músico futurista Luigi Russolo (1885-1947). Consistía en un conjunto de secuencias de piano, templadas de tal forma, que al ser ejecutadas producían vibraciones simpáticas. Fue creado como complemento del intonarumori de 1914 y el rumorarmonio de 1922, otros instrumentos futuristas del mismo creador.

Pianoforte: También forte-piano. En italiano ambas formas tienen igual significado (lento-fuerte). Fue un antecesor del piano moderno, que destacó en la música, plena de vivacidad y contrastes, de los salones románticos del siglo XIX. Es el mismo cordófono que los alemanes llamaban hammerklavier. En su época llegó a ser uno de los instrumentos más avanzados, capaz de reproducir los elaborados matices dinámicos que exigían las composiciones del barroco y el clasicismo.

Piano mecánico: En la actualidad el piano mecánico sólo reviste la calidad de curiosidad histórica, semejante a los autómatas de relojería que tuvieron tanto éxito en el siglo XVIII. El término "Pianola" que también suele usarse para denominar a estos ingenios, en realidad es un nombre registrado, de carácter comercial, que pasó a la categoría de sustantivo debido a su amplia difusión como instrumento musical de acción mecánica, donde el ejecutante tenía muy poco margen de creatividad. Existen varios tipos de aparatos que llevan esta denominación. Algunos son parecidos al piano de estudio. Se ejecutan de manera mecánica, mediante una serie de pedales, o a través de impulsos eléctricos. La mayoría de estos ejemplares fueron desarrollados o inventados durante la primera mitad del siglo XIX. Otra versión designa a un curioso aparato -llamado "Trimphola"- que se instala dentro de la caja armónica de un piano corriente y sirve para accionar mecánicamente los martillos, ejecutando melodías previamente dispuestas con ese objeto en la cinta metrostílica⁹⁴. Existen pianos mecánicos de 65 notas y pianos automáticos, verticales o de media cola, con 88 notas.

Piano preparado: Se llama así al piano que ha sufrido un cambio o modificación en el régimen de los armónicos. Es el instrumento cuyo mecanismo de cuerdas ha sido modificado o adaptado con el propósito de lograr sonoridades distintas de las que se pueden obtener con un piano normal.

Piatto: En italiano (plato). Voz musical referida al efecto de redoble de los platillos. Suele emplearse como un recurso ornamental junto a las interpretaciones corales a bocca chiusa. En el acompañamiento instrumental, la percusión vibrante y aguda del piatto combina bien con los sonidos graves del gong, el tam-tam y los timbales.

Pib-gorn (aerófono): En inglés arcaico (flauta-cuerno). Instrumento de viento muy antiguo. Es una variedad de corno, provista de una doble lengüeta de cobre o latón. El extremo de salida del aire, en forma del pabellón cónico, tiene el aspecto de un cuerno. Posee un pico o bocal de hueso, por donde debe soplar el ejecutante, manteniendo los labios en ángulo sobre el borde exterior. El tubo aéreo, puede ser de caña o madera tallada y pulida. Presenta seis orificios de digitación en la parte frontal y uno en la posterior. Su origen es la isla galesa de Auglesey.

⁹⁴ Cinta perforada contenida dentro de un cilindro de bronce que se introducía en el mecanismo de algunos pianos automáticos -del tipo "Pianola"- y que permitía seguir las notas de una melodía predeterminada a través de una línea de modulación.

Pib-gorn (danza):

Baile popular, de origen celta, cuyas melodías se interpretan con el aerófono del mismo nombre. En algunos tratados, también aparece escrito

pibghorn

.

Pibole : Vocablo francés de origen incierto. Se refiere a un aerófono de fuelle, tradicional en la región bretona. Su origen se remonta a los antiguos celtas. Esta denominación también se utilizaba para citar a otros tipos de cornamusas. Se trata de un sistema mixto, formado por un odre, forrado con tela, en el que van insertados varios de tubos de madera tallada. Podría ser un derivado del inglés pibrock o pibroch, nombre local de la gaita escocesa.

Pica (cordófonos): Soporte graduable en forma de pica, que se coloca en la faja inferior del violonchelo y el contrabajo para que al apoyar los instrumentos sobre el suelo, estos queden a la altura requerida por el ejecutante. La base donde se afirma el pie retráctil está ubicada detrás del botón donde se engancha la trascoda que estira el cordal. Este práctico implemento fue inventado a principios del siglo XIX.

Pica (figura musical): En la forma de notación occidental, se llama así a la pequeña línea vertical o ligeramente oblicua que sirve para unir la cabeza de la figura de las notas con el extremo opuesto, denominado corchete. La pica y el corchete pueden escribirse hacia abajo o hacia arriba. Si la pica se dibuja hacia abajo debe coincidir con el lado izquierdo de la cabeza. Si es a la inversa, debe partir desde el lado derecho.

Picado: Pequeños toques o golpecitos que se deben aplicar con el arco sobre las cuerdas de ciertos instrumentos, como el violín, la viola, el violonchelo o el contrabajo. El resultado es una serie de notas separadas por breves silencios. Se indica con un punto redondo sobre la nota. Esta técnica tiene un efecto importante en la música descriptiva. Algunos compositores ponen el punto debajo de la nota, pero el significado es el mismo. Su equivalencia como indicación de ejecución es saltillo. En francés sautiller.

Picado (destacado): Del italiano (staccato). Es una antigua manera de acentuación musical, consistente en pasar en silencio algunas partes del pentagrama, donde aparece indicada la señal correspondiente. Normalmente, el símbolo de picado destacado era una pequeña vírgula inclinada, con forma de acento agudo. El símbolo de ligado permitía abrazar a todas las notas afectadas por esta indicación de ejecución.

Picado (ligado): Esta forma señala cuando se debe pasar en silencio la última parte de la duración de una o varias notas. El símbolo del picado ligado es un punto redondo, igual que en el picado normal. Para señalar el efecto de ligado, se agrega una línea curva que abarca todas las notas afectadas.

Picadura: También se dice notas picadas. Forma de interpretación musical usual en el compás binario en la que se interrumpe muy brevemente el sonido entre nota y nota. Al ejecutar un acorde de esta forma, separando de manera ostensible las notas musicales, ocurre el fenómeno opuesto a la ligadura. Un ejemplo clásico de esta variante interpretativa se da en los compases iniciales del tango "La cumparsita", de Gerardo Matos Rodríguez.
Piccolo (aerófono): En italiano (pequeño). Corresponde a una flauta travesera de tamaño reducido, a la que también se suele denominar flautín u ottavino. Su sonido es tan agudo que destaca notoriamente entre la masa orquestal.

Piccolo (cordófono): Pequeño violín equivale el modelo tiple o alto de la viola. Es de menor tamaño que el violín normal. Los músicos franceses lo llaman violon-petit. En tratados escritos o publicados hasta fines del siglo XIX, puede aparecer la denominación violino piccolo alla francese.

Piccolo (órgano): Nombre del registro más agudo de estos pequeños instrumentos. El tubo más grande de esta serie -llamado de un pie- sólo mide unos 30 cm de altura y su diámetro no supera los 7 mm

Piccolo in Es : Nombre alemán del pequeño instrumento transpositor, también fiscorno o sopranino. Es uno de los equivalentes de la trompeta en do, usual en las bandas de música. En la actualidad se utiliza poco.

Picnon: Serie de tres notas que constituyen un compás en el sistema enarmónico de los antiguos griegos. Se aplicaba con el objeto de determinar los sonidos de la lira y ajustarlos a la modulación del canto. El picnon se divide en tres tiempos muy breves, que equivalen a la altura de la nota emitida. La nota grave se llama baripicno, la media mesopicno, y la aguda oxipicno. De acuerdo con una vieja tradición helénica, su descubrimiento o invención se debe al flautista y poeta frigio llamado Olimpo (siglo VII a. C.). En la actual sólo tiene un valor referencial para el estudio de la música. y sus orígenes

Pico: Embocadura de algunos instrumentos de viento. Técnicamente es un silbato corto de bisel que utiliza normalmente en la flauta dulce, también llamada flauta de pico. Suelen fabricarse de ebonita o plástico moldeado. En los instrumentos de lengüeta simple, como los saxofones y los clarinetes se emplea preferentemente el término boquilla.

Picchettato: Como el francés "louré". Se dice cuando en la melodía emitida por un instrumento de cuerdas las notas van surgiendo destacadas unas de otras Es un recurso musical que se obtiene mediante unos pequeños golpes de arco sobre las cuerdas.

Pie (clavecín): Unidad de medida que se aplica a los registros de este cordófono por analogía con las tesituras del órgano. En el clavecín sólo se emplean las denominaciones análogas que corresponden a los registros de órgano de 4, 8 y 16 pies. Algunos manuales la consideran una forma arbitraria.

Pie (órgano): Se emplea esta medida para calificar las tesituras de los diferentes registros de órgano, cuya medida se toma en pies, considerando la altura del tubo respectivo. Esa cifra puede experimentar una variación moderada, de acuerdo con la procedencia del instrumento. En España, hasta el siglo XIX, se utilizaba normalmente el pie de Castilla (27,86 cm) cuya extensión corresponde a la tercera parte de la vara (83,59 cm). Posteriormente se utilizó un pie normalizado de mayor tamaño (32,4 cm) para acercarlo al pie empleado en los tubos de órgano franceses (33 cm). Los registros de los órganos ingleses utilizan el pie británico (30,5 cm). Las alturas y categorías de los tubos de órgano abiertos forman una escala en progresión geométrica (1, 2, 4, 8, 16 y 32 pies), cuyas respectivas tesituras suenan, distanciadas unas de otras, una octava más aguda. En los tubos cerrados ocurre a la inversa, dado que suenan una octava más grave. Pie (pieza musical): Variedad de composición, cantable en forma de copla o estribillo, que suele acompañar la interpretación de la danza chilena llamada zamacueca.

Pie (poética): Término aplicable a la letra de algunas canciones populares. Es el conjunto de sílabas que componen un verso, cuya medida sirve para definirlo técnicamente. Antiguamente se utilizaba esta palabra para denominar el metro de la poesía castellana. Esta costumbre se apoyaba en el estudio de las lenguas clásicas y las normas que se usaban para considerar la cantidad silábica empleada en la versificación.

Pie compuesto: En poesía lírica griega, corresponde esta denominación a la serie de pies que dan lugar a una combinación diferente de sílabas y tiempos dentro del verso. El espacio que ocupa cada tiempo dentro de la medida del pie poético puede formar distintas combinaciones entre sílabas fuertes y débiles o largas y breves. El pie compuesto de dos sílabas, presenta dos tiempos y da lugar a distintas formas sonoras o combinaciones silábicas. Por ejemplo: el "pie yambo" está compuesto por una sílaba débil y una fuerte; el "pie tróqueo" (también llamado "pie coreo") por una sílaba fuerte y una débil. Otros pies compuestos son más extensos, como el "pie dáctilo" compuesto por una sílaba fuerte y dos débiles; el "pie baquio" por una sílaba débil y dos fuertes; el "pie dispondeo", por cuatro sílabas fuertes, etc. En la letra de ópera, como ocurre frecuentemente en el recitado poético, se suelen dar este tipo de combinaciones de manera natural, muchas veces motivadas por la necesidad o la obligación de adaptar los parlamentos a una determinada melodía, como puede ser el motivo central de una obra o de un personaje.

Pie forzado: Rima final de los estribillos de una composición musical. Técnicamente se refiere a cada una de las terminaciones asonantes o consonantes que se emplean para acentuar la parte final de una estrofa.

Pie quebrado:

Verso compuesto con cuatro o cinco sílabas intercaladas con otros más extensos. Suele utilizarse en la llamada de

copla de pie quebrado

.

Piedi: Parte intermedia de la danza italiana denominada ballata. Suele estar compuesta por dos frases cantadas sobre la misma melodía. Fue muy popular en Florencia durante el siglo XIV.

Piedras sonoras: Primitivo instrumento litófono, originario de China. Consiste en una serie armónica de finas lajas, pendientes con cuerdas de fibra de una estructura de madera. Resuenan en forma ordenada, configurando una escala ascendente o descendente. Se conocen sus características por antiguas descripciones y con distintos nombres, según la región asiática de donde proceden (yu, nicouyeu, hiang, etc.). También sabe de la existencia de litófonos similares en África. Los ejemplares más conocidos, también llamados fonolitos, proceden del sur de Etiopía y la costa de Togo, sobre el golfo de Guinea.

Pie forzado: Situación escénica en la que un actor debe poner en práctica recursos de apoyo como el monólogo, el soliloquio, la gestualidad, los movimientos corporales, etc. Siempre se trata de efectos destinados a lograr la mejor comprensión de un argumento, cuando éste lo requiere por su complejidad psicológica o para manifestar circunstancias individuales de un determinado personaje, que no pueden figurar explícitamente en el diálogo que entablan los actores. En la ópera, el pie forzado da lugar a una actuación accesoria del libreto, en la que el actor, narra recuerdos y expone una serie de sentimientos relacionados con hechos anteriores u ocurridos fuera de la escena. De esta manera, el autor pone en evidencia ciertos puntos de referencia que de otra manera hubieran resultado difíciles de explicar. Estas actuaciones, anexas al desarrollo escénico -que pueden ser cómicas o dramáticas- a veces sólo tienen por objeto resaltar las condiciones específicas de un actor o actriz para lograr el éxito de una obra. Esas habilidades pueden ser la declamación, el canto, la gestualidad, etc.

Pie musical:

Término que en la ejecución del órgano se emplea para indicar la altura relativa de los sonidos dentro de la escala tonal.

Pien-tchong: Conjunto de campanas de bronce cilíndricas, de origen chino, profusamente decoradas con símbolos y figuras en relieve. Integraban una serie de carillones de nueve elementos sonoros, afinados a diferentes alturas, que se emplazaban junto a los templos y otros sitios ceremoniales. El ejemplo más antiguo que se conoce, de estos curiosos instrumentos musicales de bronce, data del siglo V de nuestra era y procede del enterramiento, llamado del "Marqués de Ts'ai", en Cheou-hien (Nganhouei) China.

Pie rítmico: Los poetas de la Grecia clásica dividían el ritmo de los versos en una secuencia regular de tiempos. Los diferentes tiempos de una frase o melodía determinada se denominan pies rítmicos. Cada pie coincide con una sílaba, que puede ser fuerte o débil, según la intensidad sonora de la palabra y su ubicación dentro de la frase. En la poética griega, el tiempo débil se llamaba "arsis y el fuerte "tesis". Estas denominaciones provenían de la música -forma expresiva íntimamente relacionada con la poesía- debido a la manera como el corega o maestro de coro marcaba los tiempos melódicos subiendo y bajando los pies alternativamente. Esto lograba marcar de una forma práctica, la medida básica del ritmo "uno-dos". A esta medida perfeccionamiento del ritmo y sus diferentes combinaciones de pies, por consiguiente, se pudo identificar a muchos ritmos distintos. La extensión de un pie rítmico dentro del verso está determinada por su duración. La base para determinar esta medida y lograr que el sonido poético sea eufónico está dada por la sílaba como medida básica. Las numerosas combinaciones posibles de sílabas básicas y sus respectivos instantes rítmicos, dan lugar al pie compuesto.
se le dio el nombre de pie. Con el medidas, se fueron creando distintas

Piesni: Cantos tradicionales del pueblo ruso. Poseen un estilo simple y original, aunque dotado de un elaborado lirismo cuya inspiración se nutre en el rico venero del folclore musical eslavo. Las letras de piesni suelen reflejar escenas de amor o episodios de la vida campesina. En el siglo XIX se hicieron populares las canciones de cuna (nanas) inspiradas en sus melodías. Se suele interpretar en forma individual, con el acompañamiento de balalaika.

Pieu-tchong: Instrumento musical originario de la China, conocido en el siglo V a. C., en tiempos de Confucio. Era un carillón formado por varias series de campanas de bronce, suspendidas de pequeñas cadenas, que se solían tañer con palillos de madera dura. Su función era religiosa, tenían relación con el culto de la fertilidad y se las empleaba en las ceremonias de los templos para marcar la época de las cosechas y las estaciones del año. Cada campana tenía un tamaño y sonido diferente de las demás. El origen de estos instrumentos idiófonos y de percusión se remonta a épocas muy antiguas. Actualmente se conoce un modelo llamado po-chung, que presumiblemente tenga el mismo origen.

Pieza de carácter: Composición instrumental, casi siempre para piano, a veces breve y con forma de preludio o de lied, aunque dentro de esta calidad existen también obras más complejas, de tipo coral. Las piezas de carácter -cuyos títulos ostentan una evidente inspiración poética- suelen presentar un contenido programático casi siempre relacionado con hechos heroicos (battaglia), episodios de caza (caccia) o cantos fúnebres (tombeau, lamento, etc.). En los "Concerts Royaux" del notable clavecinista y compositor galo François Couperin, llamado "el Grande" (1668-1733) se encuentran episodios de este tipo, pensados para el estilo del conjunto instrumental barroco (violín, flauta, violonchelo).

Pieza de homenaje: Acto teatral breve, acompañado de música que se representaba con gran boato y adornos escénicos en las cortes europeas del siglo XVII. Fue otro de los antecedentes artísticos de la ópera moderna. Las composiciones instrumentales eran cantadas por solistas acompañados de coros. También podían intercalar números de danza acomodados a un sencillo argumento. Durante el siglo XVIII, esta forma se conoció en Italia con el nombre de azione teatrale.

Pieza programática: Forma de composición del drama lírico, dividida en dos partes. En la primera expresa un contexto argumental compuesto por una secuencia de imágenes relacionadas con la historia o narración, y en la segunda se aboca a explicar el carácter de los personajes y a la descripción de la trama que desemboca en la conclusión.

Pífano: Flauta travesera aguda, de madera, usada por las bandas de infantería. Su tono equivale al del flautín. Se acostumbraba tañer junto con la caja militar o tambor de redoble. Aunque en España se tiene constancia de su uso desde principios del siglo XVI, recién se le otorgó carácter oficial por las Reales Ordenanzas de 1768. El nombre proviene del alemán antiguo (pfifer=silbador). En italiano se llamaba piffero. Pasó desde Italia a España con el nombre de pífano, traído por los soldados que combatieron en las guerras de Nápoles y Barletta. Hasta el siglo XIX lo utilizaban también los cuerpos de alabarderos reales. En Francia estuvo en uso hasta la época de Napoleón III. Normalmente se fabricaban de madera de cedro, roble o laurel, pero existen ejemplares de marfil con brocales de plata u oro. También se llama pífano al ejecutante de este instrumento.

Pifia:

Tono desafinado. Sonido desagradable producido por un instrumento musical o por la voz humana.

Pifiar:

En la ejecución de la

flauta travesera

, se dice así cuando por error o descuido se deja oír demasiado el sonido del soplo.

Piffaro: Aerófono popular de la región de Abruzzi, litoral central de la península itálica, sobre el mar Adriático. Es una voz derivada del alemán antiguo (pfifer=silbar, emitir sonidos agudos).Es un tipo de oboe montañes de factura rudimentaria. Algunos ejemplares están provistos de nueve agujeros y templados en tono de sol. En la república de Macedonia existe un instrumento similar, al que llaman surla. También en la cercana Croacia, donde recibe el nombre de sopele. Aunque es diferente, se lo suele confundir con el piffero siciliano.

Piffero: Instrumento típico de la isla de Sicilia, distinto del anterior, a pesar de a la similitud del nombre. El piffero siciliano es una flauta travesera afinada en tono agudo. El término italiano equivale a pífano. En catalán derivó en la palabra pifre. Antiguamente existían ejemplares de esta flauta travesera algo más graves, que acostumbran acompañar en contrapunto a los modelos corrientes. El ejecutante de este instrumento lleva el mismo nombre
Pifilca: Instrumento autóctono de origen araucano. Pertenece a la familia de los aerófonos. Los indios mapuches de la Patagonia, lo fabrican con madera de araucaria, un árbol para ellos sagrado. El sonido es agudo y se puede modular de acuerdo con la inclinación de los labios al soplar por su único orificio, ubicado en la parte superior de la pieza. Algunos modelos de pifilca, finamente decorados con ornamentos geométricos, se emplean en las fiestas populares y ceremonias religiosas, acompañando al tambor kultrun, una variedad de caja primitiva, y a la trutruca, otro aerófono con forma de corneta. Todos corresponden al mismo medio cultural.

Pifre:

Denominación en catalán de la flauta travesera aguda conocida con el nombre castellano de

pífano

.

Pinkullo: Flauta de pico autóctona de la región noroeste de Argentina (provincias de Salta, Jujuy, Catamarca). Se suele fabricar en madera de sauce, tallada y horadada a mano, o bien, con un segmento de caña de unos 40 cm de largo, siendo esta última forma la más corriente. El pinkullo común tiene seis orificios de digitación, colocados de manera equidistante en la parte superior del tubo. La embocadura presenta un pequeño conducto de insuflación y un orificio para la salida del aire de corte cuadrangular. Existen versiones provistas de un séptimo orificio, ubicado en la parte inferior del tubo, que se puede obturar con la yema del dedo pulgar. El sonido de esta flauta indígena es agudo. Su uso en la actualidad es bastante raro. Suele formar parte del instrumental de los conjuntos dedicados a la música tradicionalista. En las regiones altas de Ecuador (Tungurahua, Cotopaxi) se conoce una flauta de origen incaico, similar al pinkullo, a la que llaman chimbuzo.

Pinâka: Primitivo y sencillo instrumento musical, consistente en un arco de madera flexible, provisto de una sola cuerda, a la que tensaba fuertemente la propia curvatura del listón. Carecía de caja de resonancia, puente o clavijero. Es originario del valle del Ganges, en el norte de la India. Para tañerlo el ejecutante pulsaba la única cuerda con el dedo índice logrando un sonido suave, apenas perceptible por él mismo y con el que acompañaba sus plegarias al dios Shiva. De allí su condición de instrumento místico y personal, al que se consideraba el origen de todos los demás cordófonos.

Pinnosa:

Indicación del primitivo sistema de notación por neumas. Como el strophicus, consiste en una ligadura que une varias notas sobre una sola sílaba.

Pimporro: Nombre vulgar de un aerófono sencillo, original del área cultural andina, que se emplea en la animación de las fiestas populares. Es un recipiente de cerámica decorada, con el cuello angosto y el cuerpo redondo, que tiene un orificio para soplar ubicado en la parte superior. El sonido grave e inquietante de este instrumento primitivo se puede oír a gran distancia, especialmente en los valles rodeados de montañas. Los grupos folclóricos regionales lo emplean como bajo continuo para acompañar el sonido de la quena, el charango y la zampoña. Se considera a esta pieza como un instrumento de la familia de las flautas de vasija. En Cuba y otras islas del Caribe tienen un modelo similar al que llaman botija.

Pipa (aerófono): Nombre que se daba antiguamente al pito de pastor y también a la flautilla rústica, provista con lengüeta simple de caña. El nombre procede del latín vulgar (pipa) y éste del latín culto (pipio=vagido/sonido agudo).

Pipa (lengüeta):

En la

dulzaina

castellana se denomina así a la lengüeta doble o

bilengüeta

.

Piquée: En francés (picada). Se refiere a una nota acentuada y breve, que suena aislada de las demás y por lo tanto resulta bien destacada. Suele producirse en los instrumentos idiófonos, como el triángulo o la campanilla, cuya única nota aguda se obtiene mediante el ataque rápido de la varilla percutora. También se usa el vocablo italiano spiccato.

Pisantir: Nombre de una variedad de salterio usada antiguamente por los árabes. Existen diversos modelos, templados en una amplia variedad de tonalidades. Se conoce la existencia de este instrumento desde el siglo XIII. Para la caja armónica del antiguo pisantir, de forma plana y oblonga, se utilizaba la madera de sándalo. Las cuerdas podían ser metálicas y de tripa. En los ejemplares actuales aparecen unidas de tres en tres, un grupo para cada nota y se tensan con unas clavijas de madera o marfil. Algunos cordófonos de este tipo tienen un aspecto similar a la cítara, mientras que otros -de mayor tamañoadoptan la apariencia de un arpa. Según el tamaño de su estructura y la forma de la caja de resonancia, este delicado y sonoro instrumento se puede ejecutar de distintas maneras, con las yemas de los dedos o mediante el auxilio de un plectro de hueso. El pisantir clásico tiene entre 20 y 25 grupos de cuerdas de tripa. La disposición de las mismas puede variar según la época y la procedencia del ejemplar. Existen diferentes modelos, algunos originarios de Egipto.

Pisar: Técnica de ejecución de los instrumentos cordófonos. Consiste en ejercer una cierta presión sobre una cuerda a determinada altura y con la punta de los dedos, con el objeto de modificar u alterar su timbre. Se aplica a los instrumentos con mástil y trastes (guitarras clásicas, eléctricas, electroacústicas, guitarrillos, requintos, etc.) y también a los de arco y cuerdas (violines, violas, violonchelos y contrabajos).

Pistón (aerófono):

Sinónimo de la corneta de llaves. Es una denominación abreviada que se utiliza en algunos países de Hispanoamérica.

Pistón (mecanismo): Llave con forma de émbolo que tienen diversos aerófonos de metal modernos. Permite regular la tesitura del instrumento con el objeto de completar toda la escala cromática. Existen varios sistemas que emplean este medio, destinado a facilitar la ejecución. El mecanismo básico, compuesto por tres pistones, fue ideado a principios del siglo XIX por los constructores alemanes Stölzel y Blühmel. Posteriormente las fábricas de Sax, Périnet y Oates fueron aplicando sucesivos perfeccionamientos al sistema original, dando lugar al desarrollo de la moderna trompeta de pistones. Entre los instrumentos de viento que emplean el sistema, puede citarse al bugle, el bombardino, la trompeta, etc. El sistema de Périnet se usa normalmente en la trompeta de jazz.

Pita: Nombre del sistema de lengüeta vibradora doble de algunos aerófonos como la gaita de boto aragonesa. Es una pieza que va ajustada en el extremo del tubo ronquete, junto al cepo de unión con el odre. Este tubo, también llamado bordoneta sirve para dar la nota pedal.

Pito (silbato): Antiquísimo instrumento de señales y eventualmente de acompañamiento musical que sólo produce un sonido agudo. Existen pitos de formas variadas y materiales más diversos, así como su procedencia que comprende distintas culturas y épocas.

Pito (aerófono): Instrumento musical simple, de pequeño tamaño y sonido también agudo pero con distintas escalas, que se encuadra en la familia de las flautas. Existen modelos antiguos, de distinta procedencia, fabricados con caña u otros materiales y con uno, dos y hasta tres orificios armónicos que permiten modular una limitada variedad de tonos. Algunos ejemplares se suelen tañer en compañía del tamboril o la caja.

Pito (ejecutante):

También se llama así a la persona que ejecuta este instrumento en las murgas y comparsas callejeras. En algunas regiones de España le dicen

pitorro

.

Pito de caña:

Instrumento tradicional ibérico de tamaño variable y la embocadura de bisel. Podía tener entre cuatro y ocho orificios. Los dulzaineros lo empleaban para practicar.

Pito de cencerrada: Nombre vulgar de una pequeña flauta recta, de uso pastoril, con el tubo de caña borde, de unos 20 a 25 cm de largo, tres orificios de digitación y el pico biselado. Hasta mediados del siglo XX era un instrumento de viento común en los pueblos y caseríos de la región montañosa de la Sierra de Gata y Las Hurdes, al norte de Extremadura, donde también se la conoce con el nombre de flauta de ojariza. Su sonido, dulce y agradable, solía emplearse en las faenas rurales, para llamar a los menestrales o reunir los rebaños. Durante las últimas décadas su uso se fue perdiendo paulatinamente hasta casi desaparecer. En la actualidad sólo se la ve ocasionalmente durante las fiestas patronales de los pueblos comarcanos.

Pito maragato: Otra variedad de flauta folclórica con el tubo de caña borde. Es típica de la provincia de León. Por la forma y el sonido es similar al pito de cencerrada extremeño, aunque difiere algo en la forma de la embocadura y la disposición de los tres orificios de digitación. Suele ejecutarse en forma simultánea con el tamboril. Existen diferentes versiones y procedencias para este popular instrumento, tradicional tanto en España como en Iberoamérica.

Pitorro:

Tañedor del

pito

u

ocarina

de barro cocido en las comparsas callejeras. Solía acompañarse simultáneamente con una pequeña caja o tamboril.

Pizzicato: Del italiano (pellizco). Efecto sonoro logrado mediante el punteado con los dedos sobre las cuerdas de un instrumento de arco, como el violín, o el contrabajo. Su indicación técnica, que data del siglo XVIII, puede estar consignada gráficamente en las partituras. En las interpretaciones de violín de Paganini se realizaba con la mano izquierda, mientras que el arco era ejecutado en forma simultánea con la derecha. El pizzicato forma parte de la serie de métodos correspondientes a la música descriptiva y suele señalar un momento divertido de la composición. Los recursos estilísticos de este tipo fueron utilizados con notable acierto por compositores como Peter-Ilicht Chaikowski (1840-1893) "Concierto para violín en re mayor Op. 35" y "Pezzo capriccioso en si menor para violonchelo, Op. 62". También destacaron compositores contemporáneos como Bela Bartók (1881-1945) en "Cuarteto para cuerda Nº 1, Op. 7" y "Rapsodia Nº 2 para violín y piano", o Benjamin Britten (1913-1976), en "Suite Nº 2 para violonchelo, Op.80" y "Sonata en do mayor para violonchelo y piano, Op. 65".

Pizzicato forte:

Lo mismo, pero con más vigor. En francés (

arraché

=arrancado). Se ejecuta como un pellizco fuerte en las cuerdas.

Placables: Nombre que se daba antiguamente a los modos sosegados del canto llano o gregoriano, también denominados modos plagales. Se cuenta que los llamaban placables porque aplacaban las tensiones y euforias de los modos denominados auténticos o ambrosianos.

Planctus: En latín vulgar (lamento plañidero con golpes en el pecho). Poema cantable de los siglos IX al XII, inspirado en la pasión de Cristo y la Virgen María. Aunque al principio era una expresión de carácter profano, con el tiempo fue variando hasta transformarse en una secuencia de cantos recitativos, inspirados en liturgia católica. Su contenido literario, que suele estar relacionado con los misterios medievales, aborda temas bíblicos, como el milagro de Caná, escenas narrativas de la infancia de Jesús, etc. La pieza medieval "Planctus Mariae" (lamentación de María) canta el dolor de la Virgen ante su hijo crucificado. Las secuencias de esta bella composición barroca, plena de espiritualidad, prosiguen después de la muerte del Salvador, cuando María le pregunta entonces al Arcángel Gabriel, que la declaró "Bendita entre todas las mujeres", cómo permitió el martirio de su hijo y aquél le responde recordándole la profecía de Simeón. La forma melódica del planctus, que parece haber inspirador la esencia del gospel, alcanzó su máxima difusión en Europa, como género independiente, durante el último periodo de la Edad Media ⁹⁵.

Plantilla de orquesta:

Listado que contiene la denominación, tesitura y función de los distintos instrumentos o familias de instrumentos que integran una partitura general.

Planus cantus: [Origen y desarrollo del canto llano] Esta denominación aparece por primera vez a mediados del siglo III d.C. Es presumible que el planctus (ver esta acepción) sea una apócope de estos vocablos, cuya historia tiene el mismo origen. Las referencias más antiguas respecto a las distintas formas de acompañamiento en el canto religioso cristiano, datan de esa época. Posteriormente, la diafonía fue perfeccionada por el arte más elaborado del discanto (siglo XIV). Éste, a su vez, cedió paso a la técnica llamada del falso bordón (fabordón). Fue durante los siglos XV y XVI cuando la polifonía alcanzó su más alto nivel de desarrollo.

Platillos: Instrumento idiófono de metal. Es complementario de los de percusión. Su sonido metálico y con fuerte efecto vibratorio, suele escribirse en clave de fa. Los platillos se ejecutan golpeándolos con énfasis en el momento exacto en que finaliza una línea melódica. Consiste en un par de discos laminados de bronce o latón, levemente cóncavos, sujetos con asas de cuero para poder manipularlos. Existen modelos de platillos que se acoplan mediante un eje vertical a las baterías de instrumentos de percusión y se accionan por medio de un pedal. Este aparato, común en las orquestas de jazz, se llama hit-hat. Según parece, el origen de los platillos se remonta a los primeros tiempos de la era cristiana. En el siglo XVIII reaparecen en manos de los jenízaros como un elemento imprescindible de las bandas militares otomanas.

Plectro: Inspiración y estilo en la composición del lenguaje poético. En la letra de ópera, el plectro surge de la musicalidad de las palabras cantadas o recitadas con arte escénico. También se llama plectro a la púa de madera dura o marfil que sirve para tañer ciertos instrumentos cordófonos.

Plegaria: Composición musical de carácter religioso. Es un tipo de canto espiritual dotado de un estilo elevado. La letra suele ser escrita para su acompañamiento con órgano. Carece de una ubicación especialmente asignada en la liturgia católica.

Plein-jeu: En francés (toque o ejecución plena). Registro mixto del órgano clásico, que comprende básicamente los tubos de címbalo y fourniture, con una dotación que -según el tipo de órgano- puede contar entre tres y diez tubos agudos por cada nota. También se emplea este vocablo compuesto para designar a los juegos de mixtura y de fondo. Algunos modelos de órgano tienen ambos registros reunidos en uno, especialmente diseñado para ese efecto, que lleva el nombre de plein-jeu. En algunos órganos antiguos es necesario que el ejecutante integre ambos registros mediante una operación manual.

⁹⁵ Planctus "Beate Marie", anónimo provenzal del siglo XIII.

Plunger: En inglés (émbolo o pistón). Nombre de un tipo de sordina cónica, diseñada para realizar efectos especiales con la trompeta. La suelen utilizar normalmente los conjuntos de jazz.

Pochette: Del francés (poche=bolsillo). Denominación más ususal que recibe un pequeño violín de tres cuerdas, con la caja muy estrecha, que usaban los directores de orquesta y maestros de danza del periodo barroco para marcar el compás durante los ensayos (siglos XV al XVII). El nombre proviene de la costumbre de llevar este pequeño cordófono en el bolsillo de la chaqueta. Con posterioridad, durante el siglo XVIII, se fabricaron pochetes de cuatro cuerdas como los violines más grandes. En algunas traducciones aparece con la denominación de violín de bolsillo, o también violín de maestro de baile. Se considera a este instrumento como un descendiente del antiguo rebec.

Po-chung: Instrumento idiófono muy antiguo, dedicado a la música ceremonial en los templos de China. Es parecido a una campana. Su perfil troncocónico y la delicada factura del cuerpo sonoro, realizada en bronce cincelado, le otorgan un sonido particularmente agudo y vibrante. Se sabe de la existencia de pocos ejemplares. Uno de ellos, el más conocido, forma parte de la colección de instrumentos musicales del British Museum de Londres.

Podatus: Término del canto gregoriano, derivado del latín. Es una combinación alternada de punctum a virga. Servía para indicar el movimiento o pasaje de la voz desde un tono grave hasta otro más agudo. Las Schola Cantorum de Francia (Metz, Aquitania) empleaban los dos signos juntos.

Poema sinfónico: Composición híbrida entre la ópera y el oratorio. En los dominios de la composición, requiere una consagración total del genio creador del artista. Hay dos géneros: el de cámara y el sinfónico propiamente dicho. Los poemas sinfónicos, como las "Évocations" del célebre maestro francés Albert Roussel (1869-1937), exigen un tratamiento orquestal en el que puede estar incluida la configuración de la ópera ballet. Héctor Berlioz (1803-1869) compuso "La condenación de Fausto" en forma de poemas sinfónicos. La ópera "Sadko" de Nikolai Rimsky-Korsakov, estrenada en 1898, fue elaborada a partir de un antiguo poema sinfónico del mismo autor, escrito en 1867. Estas composiciones, tan complejas y especializadas, llevan el sello personal del compositor, entrando en ello el sentimiento poético, la exquisitez del colorido y el refinamiento de la entrando en ello el sentimiento poético, la exquisitez del colorido y el refinamiento de la 1782), sirvió como argumento a la ópera "Didone abbandonata" de Tomaso Albinoni. Metastasio, cuyo verdadero nombre era Pietro Trapassi, es autor de numerosas obras teatrales y libretos de óperas. Otros poemas sinfónicos destacables son: "El aprendiz de brujo" del compositor modernista francés Paul Dukas (1865-1935), escrito con carácter de scherzzo y "Don Quijote", de Richard Strauss, inspirado en la obra de Miguel de Cervantes Saavedra y estrenado en 1895. Resumiendo, podía afirmarse que el poema sinfónico es la armonía del sonido musical y que su forma tradicional está inspirada o generada por los acentos procedentes de la declamación rapsódica.
Poesía coraica: Del griego (choreios), término derivado de chorós=coro. Corresponde a dos sílabas, una larga y otra breve. Es una forma lírica de la antigüedad, derivada de la poesía griega y latina en la que coinciden dos pies coreos.

Poesía dramática: Como la eufonía de la frase melódica, el sentimiento poético está presente en todos los órdenes de la vida. La deliciosa relación sentimental entre la música y la poesía tiene su razón de ser frente a la gratificante sensación que despiertan las más bellas manifestaciones del arte. El compositor Félix Mendelssohn dijo una vez, sobre esta relación sentimental entre la música y la poesía, que las cosas, los objetos más simples o cotidianos eran capaces de proporcionarle valiosos estímulos a su inspiración creativa. La sonrisa de un amigo, una delicada flor abriendo sus pétalos, el sutil rayo de sol iluminando su mesa de trabajo, o el rumoroso movimiento de las olas, eran motivos suficientes para que surgiera en su mente toda una gama de acentos melódicos, de tal manera que la poesía estaba siempre presente en el contexto emocional de su obra. La poesía dramática encuentra en la ópera su ámbito expresivo más importante. "El rey de Lahore", ópera del maestro francés Jules Massenet (1842-1912) fue estrenada en París en el momento cumbre del romanticismo. El libreto de Louis Gallet está inspirado en el poema hindú "Maharabhata". Massenet, compositor de música orquestal y de numerosas obras de carácter sentimental, halló en esta poesía el mismo espíritu legendario que expresan sus otras óperas "El Cid" y "Don Quijote". En Hispanoamérica el entusiasmo lírico no permaneció ajeno a la influencia de esta corriente. El "Oratorio del Sur" del poeta Horacio Espinosa Altamirano, está inspirado en la figura histórica del Libertador Simón Bolívar. Es un bello ejemplo literario editado en México en 1965. Con cuatro entradas de coro y un interludio, sus más de cien versos libres irregulares atraen por la bellas sonoridad y los acentos bien combinados.

Poesía lírica: Forma usual en el canto de ópera. Una antigua tradición atribuye la creación de la poesía lírica al vate Alcoeus (Alceo de Mitilene), rapsoda y cantante griego del siglo VII a. C.. Nacido en la isla de Lesbos, su fama se extendió a los dominios de Grecia y Roma, donde era célebre por sus himnos y cantares en honor del dios Baco. Su renombre perduró a través de los siglos, de tal manera, que los historiadores de épocas posteriores siempre lo consideraron uno de los precursores de este arte, junto con la célebre poetisa Safo. Alceo fue el creador de la estrofa alcáica, llamada así en su nombre. Sus odas, epigramas y versos escritos en lengua eólica, de una rara musicalidad, influyeron en la obra de Horacio y Teócrito.

Poética musical: Teoría fundamental del género literario, que se ocupa en particular del lenguaje poético. Es un término compuesto, aplicado a la creación lírica, que tuvo su origen en la Grecia clásica. Se refiere, de manera general, al sentimiento del autor en el instante de la creación melódica. Comprende ciertas características, como la elevación espiritual y el sentido eufónico. Su relación con el bel canto es profunda y directa. Cada ser, de acuerdo con su propia naturaleza sensitiva, es capaz de asimilar y reproducir mentalmente la esencia del fenómeno sonoro. Tanto la poesía, como la música, con sus propias combinaciones de notas, emiten sonidos armonizados que interpretamos como melodías. La naturaleza ambivalente de la expresión poética se encuadra a la perfección en la amplia y compleja cualidad del sonido. Pero, además, su condición literaria nos introduce de manera intuitiva en el sentido específico de las palabras. En la ópera, la opereta, la zarzuela o la comedia musical, se reúnen de manera perfecta estas dos cualidades. Es por ello, el libreto operístico, en su condición de texto cantable, es una parte importante de la poética musical.
Polca: Nombre de una danza alegre y movida, en compás binario, probablemente de origen bohemio. En checo pulka significa "medio". Se cree que este nombre deriva del medio paso que caracteriza a la coreografía. Durante el siglo XIX aparece difundida por toda Europa. El nombre también fue adoptado por ciertas danzas populares de Hispanoamérica, como la polca paraguaya. En la actualidad, se disputan la paternidad o el origen de la danza entre Polonia y Chequia. Del acento tradicional bohemio, original de esta danza, tomaron inspiración para los compases de sus obras los compositores checos Bedrich Smetana (1824-1884); Antonin Dvorak (1841-1904) y Leos Janacek (1854-1928). Aunque en la actualidad es menos usual, también se puede utilizar la grafía "polka".

Polca-mazurca:

Baile popular, similar a la polca tradicional, pero en el compás ternario y los movimientos más lentos.

Polichinela: Nombre de un personaje grotesco, típico de la "Commedia Italiana". Este apodo burlesco proviene de la curiosa nariz del personaje, que tiene una forma curva, parecida al pico de un pollo (pulcino) de donde deriva la forma italiana pulcinella.

Policromatismo: Elaborado sistema de composición, cuyos sonidos proceden por semitonos en escalas sucesivas. El compositor y teórico musical italiano, Nicola Vicentino, (1511-1572) fue uno de los propulsores de la técnica policromática, inspirada en la cultura musical de la Grecia clásica. Vicentino, que fue maestro de capilla de la corte de Este y profesor de la célebre Escuela Veneciana, intentó demostrar sus teorías construyendo curiosos instrumentos musicales, como el archiorgano y el archicémbalo.

Polifonía: (Definición general) Es la agrupación de varias partes melódicas diferentes, donde cada una de ellas llega a configurar un conjunto armónico con las demás. También están aceptadas, con el mismo sentido, las voces polífona y polífono.

Polifonía vocal: Composición musical cantada por varias voces que se imitan y siguen unas a otras a lo largo de una melodía. El mejor ejemplo de esta disciplina está dado en los coros polifónicos, que complementan el ritmo sonoro de las orquestas aportando un bello trabajo de conjunto al éxito del espectáculo operístico. Aunque el arte polifónico floreció en el siglo XVI, como precursor de esta notable especialidad puede citarse al músico francés Jules Binchois (1400-1460) uno de los grandes maestros renacentistas que promocionaron la polifonía vocalpolifonía vocal 1558), que dio especial importancia a la incidencia del ritmo como elemento motriz de la melodía, escribió bellas obras cantables. Dos ejemplos tradicionales de este autor, en el estilo polifónico del Renacimiento, son: "Le chant des oiseaux" (El canto de los pájaros) y "La Chasse" (la caza) ambas obras de condición profana. En el ámbito de la música espiritual, Janequin compuso ochenta y dos salmos de David entre 1555 y 1558. Lamentablemente una parte importante de su obra se ha perdido o se halla incompleta.

Polimodalidad: La modalidad es uno de los elementos melódicos relacionados con la estructura de la composición musical. La polimodalidad se produce cuando una determinada composición debe estructurarse sobre dos o más modos que evolucionan de manera coincidente y simultánea.

Polirritmia: Voz derivada del griego (poli=muchos y rritmia=ritmos). Es la superposición de varias melodías en una misma composición musical. Aunque cada melodía esté formada por un ritmo distinto de los demás, el resultado debe ser eufónico, evitando la coincidencia de los acentos. Un ejemplo clásico de maestría polirrítmica está logrado en el ballet "La consagración de la primavera", del compositor y director de orquesta ruso Igor Stravinski (1882-1971). En el momento de su estreno (1913) esta obra causó una gran polémica y no pocas discrepancias entre los amantes del ballet, que desconocían entonces las sugerentes posibilidades de la composición polirrítmica.

Polirritmo: Nombre genérico que se suele dar a una variedad de composición melódica, montada mediante una secuencia continuada de diferentes ritmos. En la interpretación de este tipo de piezas musicales puede llegar a producirse la simultaneidad o superposición de los ritmos.

Politonalismo: Técnica musical consistente en la interpretación simultánea de dos melodías diferentes. Este efecto se utiliza en la ópera para acompañar escenas de denotan un gran movimiento. Las escalas se ejecutan con distintas tonalidades, logrando así la necesaria separación entre ellas con el objeto evitar la producción de un ruido confuso y desagradable. El empleo de la técnica politonal es típico en la obra del compositor francés Darius Milhaud (1892-1974) que fue uno de sus creadores y también su más ferviente divulgador. Las creaciones de Milhaud comprenden música de cámara, obras sinfónicas y varios títulos que se podrían encuadrar dentro del drama lírico de carácter histórico. Entre ellos pueden citarse las óperas: "Bolívar", "David", "Proteus" y "Cristóbal Colón". Esta última ópera, que exige la inclusión de diversas escenas filmadas, fue estrenada en Berlín en 1930.

Pol-kekén: Nombre maya de una danza popular de México. También llamado kub-pol (entrega de la cabeza). El argumento de esta danza ceremonial data de los tiempos precolombinos. Durante las fiestas populares en el Estado de Yucatán se envía una cabeza de cerdo a los organizadores de la celebración de la fiesta, dedicada al santo patrón del poblado. La figura del santo representa a las antiguas divinidades indígenas. En el transcurso de la ceremonia suena la composición musical típica del lugar y los bailarines realizan una procesión de parejas transportando la gran cabeza sobre una bandeja adornada con cintas de colores.

Polo: Canto popular de Andalucía, en estilo flamenco, que se interpreta con acompañamiento de guitarras y castañuelas. Sus formas fueron perpetuadas por el compositor español Isaac Albéniz en el cuaderno tercero de la "Suite Iberia"⁹⁶. La característica más saliente de esta expresión folclórica son los lamentos y otras exclamaciones de pena que el cantante intercala en el desarrollo de la letra, seguido por un cortejo de palmas y taconeo. Su melodía, en modo menor y compás de 3/8, también se baila con movimientos pausados y aire exótico. Manuel de Falla también incluye el estilo del polo en su obra vocal e instrumental titulada "Siete canciones populares españolas", una serie de composiciones para mezzosoprano, barítono y piano, compuesta y estrenada entre 1914 y 1915.

Polonesa: Danza cortesana del siglo XVII. El modelo original de la polonesa era una danza lenta, configurada como una forma de procesión con la que se iniciaban los bailes de la aristocracia. Dice Franz Liszt que era como un corrillo fastuoso, donde la alta sociedad desfilaba complaciéndose con su ostentación. En su coreografía, las parejas debían seguir los movimientos ceremoniosos del conductor, que dirigía la columna de parejas de baile, munido de un largo bastón rítmico. El particular espíritu de esta danza está presente en las obras musicales del siglo XVII y XIX. Frédéric Chopín le dedicó algunas de sus más bellas y logradas composiciones. Sin embargo, entre aquella melodía apacible y la expresión descriptiva de las polonesas chopinianas, existe un largo camino de perfeccionamiento. Si bien en estas composiciones subsiste la gravedad argumental, la lentitud de los movimientos fue dejando lugar a un ritmo algo más acelerado, que contribuyó a darle su moderna configuración melódica. En realidad fue Johann Sebastian Bach quien sentó un precedente en lo que respecta al ritmo moderno de esta forma musical. Chopin compuso diez obras de este tipo, entre las cuales descuella la Polonesa opus 53, llamada "Heroica", como un ejemplo clásico de música descriptiva. Compuesta en la bemol mayor, esta obra deja sentir el idealismo y la tragedia de un hecho histórico, el tronar de los cañones, el paso de la caballería, la tristeza de un pueblo derrotado y finalmente la euforia del triunfo y la liberación. Sin embargo, es tan amplia la escala cromática de Chopin que sus polonesas comprenden desde la belleza sensible y limpia de la "berceuse" (canción de cuna) en Re mayor opus 57, hasta los tonos contundentes y marciales de la "Polonesa militar" Nº 3 en la mayor opus 40. La ópera, que recibe una variada influencia de la música, debe al nuevo ritmo de la polonesa numerosos pasajes, plenos de profunda sensibilidad, e incluso de hondo dramatismo. Encontramos aires de polonesa en los pasajes descriptivos de varias óperas, entre ellas "El barbero de Sevilla", de Gioacchino Rossini (1792-1868).

⁹⁶ Consta de cuatro partes que expresan el encanto de la música tradicional española a través de sus diferentes estilos regionales: 1) Evocación, El puerto, El Corpus en Sevilla (1906). 2) Rondeña, Almería, Triana (1906.
3) El Albaicín, El polo, Lavapiés (1907) 4) Málaga, Jerez, Eritaña (1908).

Ponto caboclo: Género musical del folclore brasileño. El término en portugués significa (música campesina). Es un conjunto abigarrado de melodías y movimientos, cuyo colorido local es muy típico del ambiente rural en el nordeste del país, donde impera la mezcla de elementos amerindios y africanos (Sergipe, Alagoas, Bahía, Pernambuco, etc.).

Pop mode: En inglés (al modo o estilo popular). Variante utilizada por algunos intérpretes y sellos discográficos para denominar un carácter determinado dentro del amplio espectro de la pop music.

Pop music: En inglés (música popular). Nombre divulgado en Estados Unidos -a partir de la década de 1950- para denominar una gran variedad de músicas comerciales que se difundían por radio y televisión. Esta calificación global comprendía desde la música ambiental, generalmente sin letra, hasta las últimas versiones de la canción ligera, interpretada por las figuras del momento las melodías caribeñas en boga e incluso las procedentes del ámbito rural. A continuación se enumeran las grandes corrientes de la música pop, desde el nacimiento oficial del Rock & Roll, a mediados de la década de 1950, hasta las últimas tendencias del siglo XX. Como puede verse, algunas formas sólo constituyen modas pasajeras, intercambio de influencias o efímeras fusiones con otros géneros. En cambio algunas corrientes tradicionales, como el Rock y el Techno, han coexistido sin problemas con otras corrientes y tras un breve periodo signado por la decadencia, parecen resurgir en sus distintas variantes y cada vez con mayor vigor.

- Rock & Roll: (1954-1959) (1967-1969) (1979 en adelante)
-High School: (1956/57-1962)
-Folk music: (1959/60-1965)
-The Beatles: (1962-1968)
-Soul: (1963-1969)
-Folk-Rock: (1964/65-1968)
-Rock sinfónico: (1966-1973)
-Withe Blues (blues blanco): (1966/67-1971)
-Psychodelic music (movimiento hippie): (1967-1969)

- Jazz-Rock: (1967-1972)
-Country rock (Southern rock): (1968-1972)
-Heavy: (1968-1973)
-Salsa: (1969/70-1973)
-Glamour rock: (1970-1972)
-Philadelphia style: (1971-1974)
-Reggae: (1973/74-1978)
-Discotheque sound (música disco): (1974-1979/80)
-Punk: (1975-1977)
-New wave (Nueva ola/Nouvelle vague): (1976-1980/81)
-Techno y variantes fusion: (desde 1980 en adelante)

Popule Meus: Del latín (pueblo mío). Piezas corales breves, de carácter religioso, que alcanzaron bastante popularidad en el siglo XVI. Formaban parte de la música litúrgica de Semana Santa, en el marco de los pequeños improperia (reproches de Dios a la ingratitud de los feligreses).

Popurrí: Del francés. (pot-pourri=olla podrida). Simbólicamente significa "un poco de todo". Tema musical de carácter ligero, compuesto por una cantidad de pasajes o fragmentos melódicos de diferentes procedencias. La sucesión de temas debe constituir una obra configurada por compases y ritmos diversos, pero coherente en su aspecto armónico.

Porrectus: En latín (porrectionis=alargamiento). Es un vocablo correspondiente al sistema de notación por neumas del canto gregoriano que servía para indicar un movimiento ascendente de tres notas consecutivas que se alargan formando un compás grave-agudograve.

Porro: Música tropical, típica de Colombia. Posee una forma alegre y sincopada, que se caracteriza por la acentuada estructura rítmica, el fino desarrollo armónico y un excelente apoyo de percusión. Resurgió definitivamente a mediados el siglo XX como una novedosa combinación de los antiguos ritmo africanos, con la evidente influencia del son caribeño y ciertos matices melódicos heredados de España, especialmente en la forma vocal y la intervención de los instrumentos de viento. Tuvo su origen en la costa atlántica colombiana, al abrigo de las grandes ciudades portuarias, donde se produjo el mayor intercambio étnico y cultural del Nuevo Mundo (Rioacha, Barranquilla, Cartagena, Santa Marta).

Porro palitiao: Variante del porro tradicional. Según la opinión de algunos musicólogos es el mismo género, con elementos melódicos procedentes de la cultura aborigen. En su coreografía se advierten caracteres propios del folclore musical de la etnia cuna. También llamado gaita en algunas zonas rurales, el porro palitiao es una de tonada folclórica bailable, típica de Colombia y Panamá. En la interpretación de las melodías que acompañan este tipo de danza campesina, se emplean flautas étnicas -parecidas a la flauta dulce- tambores o congas y maracas.

Portamento: Término musical procedente del latín (portamentum=pedestal) Complemento del fraseo musical en el que los sonidos son desplazados de una nota a otra distinta sin que existan interrupciones. Se realiza de una forma más lenta que en el glissando. Su puesta en práctica corresponde especialmente al canto. Cuando su utilización es demasiado reiterada se considera de mal gusto.
Portavoces: Nombre genérico que algunos flautistas suelen dar a la serie de orificios cromáticos de sus instrumentos. Ubicados en los tramos medio y terminal, están destinados al producción de armónicos.

Posaune: Denominación alemana del trombón de varas. Define a un instrumento no transpositor, de viento, de la serie de los metales, con el tubo cilíndrico y boquilla semiesférica. En el siglo XV se lo conocía con los nombres de tuba ductilus. Lo menciona el tratadista alemán Johannes Tinctoris en 1484. Mas tarde se le llamó también sacabuche. El nombre actual proviene del italiano (trombone). En la actualidad, los modelos más usuales, por tonalidad, son los siguientes:

B Tenorzugposaune (trombón tenor en si bemol) B Sopranzugposaune (trombón soprano en si bemol) Es Altzugposaune (trombón alto en mi bemol)

Posición: En los instrumentos de cuerdas pulsadas, se llama así a la ubicación correcta de la mano izquierda sobre el diapasón. Cada posición debe ser la adecuada para poder realizar sin esfuerzos una perfecta digitación.

Posición fundamental: Es la posición de un acorde cuando la nota fundamental es la más grave. En el espaciado de las notas de un acorde, la posición puede estar más o menos abierta. La indicación de posición permite identificar esa característica.

Postludio: Del latín post=después y ludus=diversión) Es un término musical poco utilizado y aún no reconocido totalmente como palabra concreta. En algunos tratados especializados en formas musicales se refiere a un tipo de composición breve, con aire ligero, que se interpreta a continuación de otra obra más extensa. La idea sugerida por el vocablo es que continúa la diversión melódica. En la música de órgano la palabra postludio determina a una serie de adornos improvisados que se pueden agregar al concluir una interpretación, sin existan normas predeterminadas sobre la manera de ejecución.

Postpulsación: Término musical derivado del inglés (aftertouch). Se emplea en el lenguaje MIDI para señalar una variante en la presión de las teclas, luego de haberse aplicado la máxima compresión sobre ella. El principal efecto sonoro de la postpulsación es una variación en el volumen. Además, en los controladores de algunos equipos electrónicos también permite modificar el pitch o la panorámica, e incluso modificar la intensidad del vibrato.

Postmodernismo: Movimiento artístico y literario que sucedió como una respuesta libérrima a la rigidez de los preceptos culturales difundidos por el modernismo. En las primeras décadas del siglo XX, la imagen tradicional de la ópera comenzó a experimentar una serie de ideas revolucionarias, tanto en lo que concierne a las técnicas de composición musical, como al estilo expresionista de las concepciones escenográficas y a la singularidad de las ideas argumentales. Esta nueva tendencia, que ya había sido anticipada a fines del siglo XIX por el verismo, llegó a niveles de variedad creativa realmente extraordinarios. Uno de los compositores que más se destacaron en estas nuevas propuestas fue el austríaco Ernst Krenek (1900-1991). Su ópera, titulada "Jonny spielt auf" (Jonny se la juega) es una mezcla de las diferentes tendencias artísticas que se fueron conjugando en el postmodernismo. La compleja psicología argumental llega a transformar al escenario del teatro en una vívida estación de ferrocarril y a la máquina en un personaje sonoro y pujante, cuyo motor forma parte del motivo melódico. En lo que respecta a la expresión musical, Krenek puso en práctica distintas tecnologías, entonces de vanguardia, como la música electrónica, el serialismo y la dodecafonía.

Postserialismo: Se llama así al estilo de composición musical creado en los años '50 como una idea antagónica del serialismo. En realidad, no constituye un estilo propio y bien definido. Su carácter es vago, muestra influencia de diferentes orientaciones musicales anteriores, de las cuales ha tomado algunas características inconexas. No existen muchos ejemplos de esta tendencia en la ópera contemporánea.

Postrero: Figura del folclore musical sudamericano. Suele integrar varios tipos de composición. En la danza tradicional argentina, denominada pericón, es la última parte, que concluye la serie de vueltas y movimientos coreográficos con un aire de vals.

Potencial: Idea relacionada con la capacidad dinámica y evolutiva de la música. La esencia del potencial armónico se asienta en el fenómeno de la atracción de las sonoridades. En la práctica, es sabido que esa atracción se produce a través de la resonancia y que ésta siempre se da en el semitono, es decir, en el instante más breve, particularmente en los grados de 5ª y 8ª. El estricto sentido del potencial tiene importancia en la correcta aplicación de los intervalos alterados, la clasificación de los acordes, etc. Su dominio resulta un útil complemento para las normas ordenadoras de la armonía tradicional.

Praxis interpretativa: materia práctica de la musicología. Investiga a través del ensayo y la observación, todas las relaciones existentes entre la ejecución sonora y texto escrito sobre el pentagrama. Su objeto es lograr una imagen general y a la vez puntual de la música, respecto a la evolución de las distintas formas interpretativas. Además, comprende el conocimiento y la práctica de todas las técnicas indispensables para la realización sonora de la música, en particular, aquella que fue compuesta en el transcurso de los siglos pasados, con sistemas de notación e instrumentos distintos a los actuales. La base del conocimiento que permite lograr ese objetivo reside en la comparación de las partituras originales y sus transcripciones modernas, los testimonios teóricos, las indicaciones prácticas de ejecución consignadas por los propios autores (prólogos a las ediciones contemporáneas), actas sobre músicos existentes en archivos históricos y otros repositorios especializados, etc.

Precadencia neutra: Denominación técnica del acorde de séptima dominante, compuesto por las notas segunda, cuarta, quinta y séptima de cada escala. Es un concepto poco usual, que se empleaba en los tratados musicales del siglo XIX. La explica y analiza el literato y musicógrafo español José Joaquín Virués y Spínola (1770-1840), en su obra“Geneufonía”

97.

Pregón: Variedad de composición musical de carácter folclórico, inspirada en los pregones melismáticos de los vendedores ambulantes. Fue un estilo dotado de rasgos propios que adquirió popularidad a partir de la segunda mitad del siglo XIX y que tuvo una gran difusión en América Latina y en la región del Caribe, especialmente en la isla de Cuba. Su canto posee combinaciones estróficas inspiradas en las melodías tradicionales, como el son cubano o la guaracha, cuyos ritmos -a guisa de apoyatura del pregón- aparecen marcados por los acentos propios del habla popular. Este proceso de influencia mutua ha permitido la persistencia del estilo a través del tiempo. Entre los ejemplos clásicos de este género pueden citarse obras imperecederas, como "El manisero" de Moisés Sirnons; "El botellero", de Gilberto Valdés y "Frutas del Caney", de Félix B. Caignet.

⁹⁷“La Geneuphonía ó generación de la bien-sonancia música” Madrid, 1831.

Preludio: Composición para orquesta de menor duración que la obertura. En la ópera suele preceder a modo de introito al cuerpo musical que configura el primer acto. Posiblemente, uno de los preludios más hermosos jamás escritos es el de la ópera "La traviata", de Giuseppe Verdi, estrenada en Venecia en 1853, con libreto de Francesco Piave. Otro preludio destacable, del mismo autor, es el personaje de Jacopo, cantando "¡Note! perpetua note..." en el acto segundo de la ópera "I due Foscari". Existe un tipo de composición musical independiente a la que también se llama preludio, aunque no preceda a otra obra de mayor envergadura. Los más conocidos son los "Preludios y Fugas", de Johann Sebastian Bach, y los "Preludios" de Frédéric Chopin. La composición titulada "Los preludios", de Franz Lizt (1811-1886) en realidad es un poema sinfónico.

Preludio y fuga: Forma compuesta que fue bastante usual durante el periodo barroco (siglos XVII y XVIII). Se observa en varias composiciones de Johann Sebastian Bach: "Preludio y fuga en la menor" BWV 894 (1708-1717); "Preludio y fuga en la mayor" BWV 896 (c. 1709). Otras variantes similares fueron los dípticos que agregaban al preludio la forma fughetta, de los que el compositor ofrece tres ejemplos, todos escritos hacia el año 1720: "Preludio y fugheta en mi menor" BWV 900;"Preludio y fughetta en fa mayor" BWV 901 y "Preludio y fughetta en sol mayor" BWV 902.

Preparación: (Praeparationis). Vocablo histórico poco empleado en la actualidad. En música está relacionado con la armonía. Su uso era obligatorio durante los siglos XV y XVI. Dejó de tener vigencia hacia el siglo XVII. Expresa la necesidad de preparar la introducción de las disonancias. En la actualidad forma parte del glosario de época cuyo conocimiento resulta indispensable en las investigaciones y estudios relacionados con la musicología.

Prerromanticismo temático: Corriente musical caracterizada por el desarrollo de las posibilidades armónicas de la música popular, que estuvo en auge en España e Italia durante la segunda mitad del siglo XVIII. Entre los más destacados exponentes de esta vertiente artística, cabe destacar la actuación del compositor y violoncelista toscano Luigi Boccherini (1743-1805). Radicado desde su juventud en Madrid -donde se hallaba al servicio de la familia del rey Carlos III- Boccherini dedicó parte de su esfuerzo a captar la esencia de la música tradicional española. En ese aspecto, cabe recordar el "Quinteto de la música nocturna de Madrid" Op. 30 Nº 6, en mi bemol mayor, de 1780, y la zarzuela "Clementina" G 540, con argumento del célebre sainetista español Ramón de la Cruz, estrenada en 1786.

Presión de embocadura: Es la presión que ejercen los labios contra el orificio de la embocadura de ciertos instrumentos aerófonos. De ella depende en gran medida la precisión de los sonidos, especialmente en el ataque de los armónicos. La justa presión permite determinar la velocidad de las vibraciones, y en consecuencia, la altura exacta que deben tener las notas emitidas. La medida de la presión ejercida contra los labios del ejecutante está dada por una de las manos, dedicada especialmente a sostener el cuerpo del instrumento en el lugar correcto, evitando que éste se desplace por la fuerza del aire al salir impelido desde la boca hasta el interior del tubo.
Prestante: Registro de órgano cuyo tono imita a las flautas. El sonido prestante sirve como base en la afinación de este instrumento. También se suele emplear el término flautado.

Prestissimo: Como la forma de ejecución anterior, pero aún más rápida y con mayor movimiento. Técnica en la que los ejecutantes virtuosos desarrollan el máximo de su habilidad interpretativa.

Presto: Indicación de tempo. Señala que la forma de ejecución de la melodía debe ser rápida y movida. También se emplea para denominar a un determinado pasaje musical que se ha escrito para ser interpretado totalmente en esa velocidad.

Presto agitato: Aún más acelerado que el movimiento presto. Uno de los ejemplos más bellos y esclarecedores de esta combinación temporal se puede oír en el tercer movimiento “presto agitato” de la “Sonata Claro de luna en do sostenido menor” Op. 27, de Ludwig van Behetoven. Los tres movimientos sucesivos de esta preciosa sonata, escrita en 1801, van evolucionando en un crescendo moderado hasta alcanzar la culminación con la dificilísima última parte. El primer movimiento es un adagio sostenuto y el segundo un allegretto.

Prima: Nombre usual de cualquiera de las páginas del lado derecho, en las partituras de las composiciones pianísticas escritas para ser interpretadas a cuatro manos. Corresponde al interprete que se sienta de ese lado. En algunos manuales de teoría y solfeo aparece el término castellano "primera".

Prima donna:

Primera mujer. Nombre que recibe la principal cantante femenina de una ópera. Equivale a

diva

. El apelativo aparece en la Italia durante el

barroco

.

Prima voce:

Primera voz. Su significado es igual que el anterior. La voz más importante y destacada de una obra lírica.

Primo uomo:

Es el principal cantante masculino de una ópera. Como ocurre con el término

divo

, este nombre es menos usual entre los hombres.

Principal (órgano): Nombre específico de uno de los cuatro juegos de tubos del órgano. Se acciona con las teclas correspondientes, ubicadas en los niveles superior e inferior del teclado manual. En la disposición general de la tubería, el conjunto denominado principal ocupa la parte central intermedia del instrumento.

Principal (pasodoble): Primera parte del desarrollo melódico de algunas piezas de carácter popular como el pasodoble. Todas las obras que presentan este carácter suelen estar compuestas por varios tramos o segmentos bien definidos. El segmento principal del pasodoble da comienzo a continuación de una breve introducción melódica. La composición suele demostrar un efecto brillante, con el ritmo marcial y sin el obligado de cornetas.

Principale: Nombre italiano de una variedad de trompeta de tesitura baja. Durante el siglo XV y parte del periodo barroco, los grupos compuestos por las trompetas más graves se donominaban principali. En oposición, la parte de las trompetas agudas -con boquilla estrecha y plana- se denominaban clarini.
Prix de Rome: (Premio de Roma). Importante galardón musical que el Instituto de Francia otorga desde principios del siglo XIX. Se obtiene por concurso y el candidato debe residir durante tres años en la célebre Villa Medicis de la capital italiana. La obra a presentar es una cantata, cuya perfección melódica y armónica se somete al juicio de un jurado del Conservatorio de París. A través de su larga historia esta importante institución musical ha premiado a notables artistas que luego triunfaron en el mundo de la música (Charles Gounod, Georges Bizet, Héctor Berlioz, Claude Debussy, Darius Milhaud, etc.).

Procataléptico: Término musical derivado del italiano (procatalettico). Dentro del compás, se llama así al ritmo que empieza justo en el primer tiempo fuerte. Es un vocablo poco usual en la actualidad, aunque puede aparecer en algunos tratados técnicos, especialmente hasta la primera mitad del siglo XX.

Programatismo: Presencia puntual del contenido literario dentro del contexto de una determinada composición melódica. Tiene vital importancia en el drama lírico. En la música programática, la idea del argumento debe quedar reflejada a través de la expresión sonora. Se trata de un proceso intelectual donde los sonidos, al jugar con el efecto de las relaciones, cumplen un papel determinante en el proceso descriptivo de la música.

Progresión armónica: Es un movimiento del tono y el volumen vocal. En el canto coral se llama así la marcha descendente y ascendente de las voces, siguiendo las modulaciones de la melodía. Su característica más evidente es la reproducción o sucesión del esquema musical. Debido a ello, la progresión se va repitiendo por grados cambiantes y va implicando a dos o más grados de la escala, hasta comprender a todo el conjunto armónico de la melodía.

Progresión enarmónica: Como la anterior, afecta a la armonía. En un acorde, cuando una nota pasa a otra, sin que exista una alteración marcada o inmediatamente perceptible en la entonación, se dice que existe una progresión enarmónica. De hecho, esa mudanza de notas determina también un cambio de escala.

Progresión melódica: Ocurre cuando en un tema que se está interpretando, la fórmula íntegra de los compases se va reproduciendo por grados cambiantes desde un compás hacia el siguiente, afectando a la melodía en su conjunto.

Prolación (emisión vocal): Del latín (prolatio=pronunciar). Relación de proporción existente entre las sílabas largas y las breves. El término establecía un ejemplo de belleza y equilibrio en la emisión vocal, adjudicando la perfección de la misma a la observancia de una correcta prolación.

Prolación (símbolo musical): El nombre se aplicó también a la secuencia de notas musicales que se cantaban sobre una misma sílaba, elevando o descendiendo la altura de las mismas. Es un término musical perteneciente a la antigua notación cuadrada. La misma dividía el tiempo en imperfecto y perfecto. La prolación binaria se consideraba imperfecta y la ternaria, perfecta. Sus consecuencias eran respectivamente menor y mayor. En el pentagrama solían indicarse con un círculo o semicírculo. El círculo solo indicaba prolación menor. Agregando un punto en el medio del círculo, la prolación pasaba a ser mayor. Si en un pasaje melódico la semibreve valía dos mínimas se consideraba prolación imperfecta. Cuando su valor era de tres mínimas, entonces era perfecta.
Prolepsis: Defecto frecuente en la pronunciación de los cantantes de ópera, consistente en la omisión de una letra o hasta varias sílabas en el contexto de una frase musical. Esto suele ocurrir especialmente con las adaptaciones o transcripciones de libretos de un idioma a otro. El objeto principal de este recurso es poder seguir con mayor holgura las modulaciones de la melodía. Se considera un defecto aceptable y equivalente a la licencia poética.

Prólogo (tragedia clásica): Composición vocal e instrumental que hacía las veces de introducción en la antigua tragedia griega. El estilo, y su significado explicativo del contexto total de la obra, reapareció durante el siglo XVI en las introducciones utilizadas en el dramma in música del Renacimiento italiano.

Prólogo (ópera): Agregado que algunos autores de óperas escriben especialmente para dar una nueva forma de comprensión a sus obras. El compositor italiano Ruggiero Leoncavallo (1858-1919) escribió una introducción estética sobre su ópera "Pagliacci" (payasos), a la que puso música e incorporó como componente de la obra original. Su origen nace de la necesidad del autor de explicar los sentimientos de sus personajes, de allí el subtítulo de drama en un prólogo y dos actos. "Lulú" es una ópera de Alban Berg (1885-1935) cuya explicación está presentada en el prologo. Las escenas exponen una serie de figuras y caracteres condicionados por el racionalismo cándido de fines del siglo XIX frente al realismo de las escenas posteriores. Es tal el éxito de este añadido inicial como elemento trascendental del argumento de muchas óperas de las llamadas de vanguardia, que el final no se entenderían sin la existencia de un prólogo explicativo del argumento y, a la vez, analítico del carácter de los personajes.

Prolongación: Efecto práctico de la armonía musical que consiste en mantener una nota sostenida sobre el acorde que sigue a continuación, es decir, mantener su duración más tiempo que el valor realmente escrito. Existen signos especiales para indicar la prolongación de las notas (calderones, puntillos). Otra manera de señalar el efecto de prolongación es ligando la nota a otra mediante una línea curva. De esa manera el valor de la nota inicial se suma al de la siguiente sin que se produzca un acorde distinto. La prolongación es una disonancia bastante común en la música contemporánea. Su aplicación acertada depende en gran medida de la destreza del ejecutante y las características del instrumento que ocasiona el sonido de la nota prolongada

Prolongación (con retardo): Cuando el sonido de la nota prolongada logra retardar el de la primera nota del siguiente acorde, sin llegar a interferirse entre ambas, el efecto acústico se denomina prolongación con retardo o simplemente retardo.

Prolongación (mecanismo instrumental): Sistema mecánico de un antiguo instrumento de cuerdas y teclado, llamado harmonio, que permite sostener el sonido de un acorde determinado o de una sola nota. Esa operación se puede realizar desde cualquiera de las partes del teclado (aguda, media o grave). El efecto de prolongación de la nota persiste aunque se haya liberado la presión ejercida por los dedos sobre las respectivas teclas.

Prolongación (por nota añadida): En algunos compases la nota prolongada se incorpora a las demás notas del acorde sin producir retardo, formando de esa manera un nuevo acorde por nota añadida.

Propiedad: Del latín (proprietas). Término del primitivo sistema de notación, llamado de Guido d'Arezzo (siglo XI). Se denominaba así a cada una de las tres formas de hexacordos usados en el solfeo del canto llano o gregoriano. (natural, becuadro o bemol). Se empleaban en la práctica para alterar o variar la altura de los sonidos, elevando o descendiendo medio tono.

Propiedad armónica: En el ámbito de los sonidos modulados, cada compás o grupo de notas está sometido a las leyes físicas que rigen la correcta secuencia de las frases melódicas. Cada nota debe guardar una relación de equilibrio con el resto de los sonidos que configuran la composición. Ese movimiento sonoro establece una serie de relaciones acústicas, a las que juzgamos por su coherencia. Indudablemente, esta apreciación estará subordinada a las sensaciones subjetivas del oyente. En armonía, las diversas tonalidades graves deben alcanzar la sensación auditiva con los mismos efectos y propiedades que las notas altas existentes en el conjunto de la obra. Normalmente, ciertas líneas vanguardistas, encuadradas en las corrientes musicales contemporáneas, intentan expresarse a través de sonidos incoherentes, más cercanos al ruido que la armonía musical. El perfecto equilibrio entre todas las tonalidades de la escala es lo que se conoce como propiedad armónica. Ese equilibrio debe existir, aún en las expresiones más libres, como la música techno, o la composición dodecafónica.

Proporción: En forma general, el término proporción se refiere a correspondencia entre las diferentes partes de un total con respecto a la demás y al conjunto. Sus características se aplican de manera general a todas las artes y materias técnicas (poesía, música, escultura, arquitectura, diseño, pintura, etc.) En la particularidad de la música, es un término cuyo concepto se ha empleado desde el siglo XIII con distintas acepciones o variantes. Una de ellas denominada precisamente notación proporcional establecía que un valor determinado podía dividirse por dos o por tres, formando proporciones dobles o triples, respectivamente. Las partes de esa división proporcional a través del tiempo recibían nombres relacionados (modus, tempus, prolatius). En los siglos XV y XVI se llamaba así a un procedimiento que consistía en indicar la disminución o el aumento en los valores de las notas, a través de un cambio en la unidad de compás, sin que llegue a variar la forma escrita en el pentagrama.

Proporción acústica: Relación numérica que identifica a los intervalos. Es una forma de expresar el equilibrio entre las partes de una escala. La proporción de uno a dos se llama doble, la de uno a tres, triple y así sucesivamente.

Proporción hemiola: Forma parte del cuadro de las proporciones acústicas y equivale a la relación de dos a tres. También se llama proporción sesquiáltera. Está relacionada indirectamente con las proporciones mayor y menor de la música medieval.

Proporción mayor: Tiempo utilizado en la música medieval y renacentista. Se indicaba con el símbolo 3/1 en el comienzo del pentagrama, a continuación de la figura de la clave y el carácter mayor del compás. Los números quebrados correspondían al significado proporcional del compasillo: en el ternario mayor entraban tres semibreves por compás (indicadas con el número 3), mientras compasillo sólo entra una semibreve (indicada con el número 1).

Proporción menor: Equivalente menor del tiempo anterior. Se anotaba de la misma manera con el símbolo 3/2, a continuación del carácter proporcional. El significado de los números indicaba la cantidad de mínimas que entraban en el compasillo.
Prosa: En el parlamento operístico se suele aplicar este nombre al texto de libreto escrito a semejanza del habla o el lenguaje corriente, sea coloquial o declamatorio. La prosa musical puede está sometida a las condiciones eufónicas del ritmo melódico y al equilibrio de las consonancias, pero no a las reglas estrictas de la métrica y la rima.

Proscenio: Del griego (proskenion=hacia la escena). En el espectáculo teatral de la antigua Grecia, se llamaba así al espacio ubicado entre ámbito propio de la escena y el lugar destinado a la ubicación del coro, o la orquesta, básicamente integrada por liras, flautas e idiófonos diversos. En ese espacio desfilaban también los actores durante los distintos momentos de la tragedia.

Prosodas: Serie de cantos litúrgicos de origen dorio que se entonaba en las procesiones religiosas de la antigua Grecia.. Por su forma y acento melódico parecen ser una variante del pean. Estaba relacionado con las celebraciones en honor de los dioses Apolo y Artemisa.

Prosodia ( música): Del griego (prosodía=hacia el canto). La prosodia de la frase musical posee un amplio espectro dentro del campo experimental de los sonidos modulados conformando el conjunto de elementos melódicos del lenguaje. En este caso, el fraseo verbal esta directamente relacionado con el tratamiento sonoro y rítmico de las palabras. La definición moderna de prosodia musical se aplica especialmente al contexto general de la expresión vocal y su correcta modulación. Aplicar las reglas de la prosodia tradicional en la poesía lírica significa controlar la eufonía del canto mediante la regulación de la extensión y acentuación de las sílabas.

Prosodia ( poética): Componente del análisis gramatical que entiende sobre las diferentes formas de pronunciación. En poética corresponde al artículo que trata la extensión de las sílabas en relación con los pies correspondientes a cada verso.

Protopsaltis:

Canto bizantino. Coro

a cappella

que junto con el

lampadarios

alternan sus cantos con las voces solistas en la liturgia de la iglesia ortodoxa cristiana.

Psaltika:

Solista melismático del canto bizantino, cuya interpretación interviene

a cappella

y en contrapunto con el coro llamado

asmatika

Psicología de la audición: Ciencia dedicada al estudio y la investigación de diversas materias relacionadas con los sonidos y las cuestiones psicológicas de ellos derivadas. Su práctica tiene que ver con la aptitud auditiva de los estudiantes de música y su capacidad para comprender e identificar las diferentes fuentes sonoras.

Psicología de la música: Ciencia que estudia la respuesta psicológica del oyente frente al fenómeno de la recepción melódica. También analiza la predisposición individual de las personas hacia determinados formas musicales y la actitud general del público frente al placer estético de los sonidos.

Psicología del personaje de ópera: Los personajes femeninos de Verdi en el papel de soprano son casi siempre seres angelicales y puros que llenan de luz el sombrío carácter de los hombres. En "Rigoletto", ópera en tres actos de Giuseppe Verdi, con libreto de Francesco María Piave, sobre la base literaria de un drama de Victor Hugo "Le roi s'amuse" (El rey se divierte). El duque de Mantua es un personaje cínico que no cree en el amor ni en la lealtad, por eso se burla de las mujeres y las escarnece en el aria "La dona e mobile qual piuma al vento, muta d'acento e di pensiero...". En la obra el innoble personaje transmite su propio fracaso e inseguridad a las acciones, hallando en ello la disculpa al acto vil.

Puente (cordófonos de arco): Pieza móvil de madera tallada, con aspecto de cabezal de peineta, que se coloca en los cordófonos de arco. (violín, viola, violonchelo y contrabajo). Su línea superior tiene una pronunciada curvatura, destinada a mantener una determinada distancia las cuerdas, evitando las vibraciones simpáticas. Las funciones esenciales del puente son la transmisión del sonido y el equilibrio de las tensiones que producen las cuerdas. En los instrumentos antiguos (época medieval y principios del Renacimiento) esta pieza tenía forma plana, con el consiguiente problema de las vibraciones. En la bibliografía italiana figura el término ponticello. En alemán es sattel. Los puentes de este tipo tienen dos pequeñas patas, que se apoyan en la cara externa de la caja de resonancia, una sobre el alma y la otra sobre la barra armónica.

Puente (cordófonos de teclado): Sirven para mantener separadas y tensas las cuerdas dentro de la caja armónica. Algunos instrumentos de los siglos XVII y XVIII (clavecín, clavicémbalo o espineta) tienen puentes de 4 y 8 pies que ocupan la sección longitudinal de la caja armónica. El piano de cola actual tiene un puente de graves ubicado al lado de la barra de agudos. En el clavicordio es una pieza curva y plana, que cumple el mismo efecto y está ubicada al costado de la caja de teclado.

Puente (indicación de ejecución): Forma abreviada en español, derivada de la manera italiana sul ponticello. Se usa en las partituras de violín y otros instrumentos de su tipo, para señalar al ejecutante que debe frotar el arco en la parte de las cuerdas más cercana al puente.

Puente (instrumentos de rasgueo o punteo): En los cordófonos de este tipo (guitarra de concierto, laúd, mandolina, balalaica, etc.) el puente, con varilla de madera dura o hueso, presenta menor altura, es fijo y esta adherido a la tapa de la caja de resonancia. En la guitarra de jazz el puente es regulable mediante una palanca que permite modificar a voluntad la altura de los sonidos. El banjo lleva un pequeño puente móvil apoyado directamente sobre la membrana, que sirve para transmitir las vibraciones de las cuerdas hasta la caja de resonancia.

Puente (sonata): En las composiciones instrumentales de varios movimientos, como la sonata, se denomina puente a los compases que sirven de transición entre el primero y el segundo tema. Su existencia permite modular la línea melódica desde la forma tónica del tema principal hasta la dominante del siguiente movimiento. También se suele llamar transición.

Puckering: Vocablo musical de origen inglés. Es un gerundio de pucker (fruncido/arrugado) referido a una forma de ejecución de la armónica. Se trata de una técnica difícil que sólo realizan los virtuosos de este instrumento con el propósito de obtener notas puras. Consiste en fruncir los labios de tal manera que se insufle el aire a través de un solo orificio por vez.

Pujador: Típico tambor de cuñas del folclore centroamericano (Costa Rica, Panamá, región noroeste de Colombia). Es originario de África, desde llegó a tierras americanas con los esclavos negros. Suele integrar la dotación instrumental de las orquestas tradicionalistas, junto con otros membranófonos de su tipo, como la caja y el repicador. El sonido grave del tambor pujador se emplea asiduamente en la provincia panameña de los Santos, en el acompañamiento de danzas populares como la cumbia y el tamborito.

Punctum: Del latín (punto) Palabra perteneciente al sistema de notación por neumas del canto gregoriano, que servía para indicar un movimiento descendente en el tono de la voz. No existen documentos que permitan comprender su alcance exacto. Es posible que esta indicación sirviera para señalar al cantante que debía mantenerse en esta tesitura grave. Tampoco se conoce la graduación justa de este descenso (segunda, tercera, etc.). El símbolo que se empleaba en las escuelas de canto de Francia era un punto o una raya transversal a la que llamaban tractulus.

Punta:

Extremo opuesto al talón, en el arco del violín y otros instrumentos de su clase.

Puntear: Tocar la guitarra u otros instrumentos similares, pulsando las cuerdas con la punta de los dedos. Esta forma de ejecución -que exige una técnica depurada- es válida también para otros cordófonos de la familia de los laúdes y las tiorbas (mandolina, colascione, laúd tiorbado, chitarrone, cítola o cistro, etc.).

Puntero:

Tubo melódico de la gaita. Corresponde a las denominaciones de

clarín

o

clarinete

. Es una pieza intermedia entre los tubos roncón y ronquete.

Puntillismo: Técnica de composición estrechamente ligada al serialismo integral. Adquirió popularidad durante la primera mitad del siglo XX a través de las creaciones del músico austriaco Anton von Webern (1883-1945) y sus seguidores, agrupados en lo que se dio en llamar la escuela post-weberiana. Es un estilo personal, dotado de un gran carácter, con incidencias orquestales, en las se producen sonidos dispersos, saltos tímbricos y mezclas melódicas. Su campo experimental más propicio es la música de cámara. El desarrollo técnico de la música serial le abrió las puertas a un nuevo campo de experiencias sonoras que alcanzaron su máximo nivel de exposición creativa a través de la obra del compositor italiano Luigi Nono (1924-1990). Entre las obras de este autor vanguardista fuertemente marcadas, por la intensidad de los sonidos electrónicos- pueden señalarse diferentes ejemplos que también se pueden identificar de alguna manera con los principios del puntillismo: "La fabbrica iluminata" (1964); "Musica manifestazione nº 1" "Musica manifestazione nº 1" 1969) y "Sofferte onde serene" (1976).

Puntillo: Signo musical que se pone a continuación de una nota con el objeto modificar su duración aumentando la mitad de su valor. Por ejemplo, si a cualquier figura, que normalmente vale el doble de la siguiente, se le coloca un puntillo a la derecha, pasará a tener un valor acordado del triple:

-Redonda (normal) = dos blancas
-Redonda (con pontillo) = tres blancas
-Blanca (normal) = dos negras
-Blanca (con puntillo) tres negras
-Negra (normal) = dos corcheas
-Negra (con puntillo) = tres corcheas
-Corchea (normal) = dos semicorcheas
-Corchea (con puntillo) = tres semicorcheas
-Semicorchea (normal) = dos fusas
-Semicorchea (con puntillo) = tres fusas
-Fusa (normal) = dos semifusas
-Fusa (con puntillo) = tres semifusas

Punto (signo): Se coloca sobre la cabeza de una nota musical para indicar que ésta debe tocarse en la forma staccato. Esto significa que la nota puntuada adquiere un carácter más elástico, pudiéndose aumentar o reducir el valor de la misma de acuerdo con su incidencia en el compás melódico. Cuando el bastoncillo está orientado hacia abajo el punto se coloca sobre la cabeza. Si es a la inversa, el punto debe ir debajo.

Punto (instrumental): En la ejecución de un concierto, se dice que los instrumentos están en su punto cuando alcanzan un tono determinado de consonancia en el que todos suenan de manera acorde.

Punto de adición: Denominación poco utilizada del puntillo. Se colocaba a continuación de cualquier nota con el objeto sumarle la mitad de su valor real. También llamado punto de aumentación, es una forma de indicación musical que ha dejado de tener vigencia, aunque puede aparecer en las transcripciones literales de algunos tratados que se publicaban hasta finales del siglo XIX.

Punto de alteración: En las antiguas formas de notación musical era un punto que se escribía entre los símbolos de dos notas iguales con el objeto de aumentar el valor de la segunda. El conocimiento de la función de este y otros signos antiguos o en desuso, es importante en la interpretación de partituras anteriores al siglo XVIII.

Punto de aumentación: Es un sinónimo de puntillo. Forma parte de los signos y otras señales utilizadas con anterioridad a la normalización de la escritura musical. Aunque de manera menos usual, en ocasiones puede aparecer escrita la denominación punto de adición. El símbolo era un punto escrito inmediatamente después de la nota que se utilizaba para aumentar un cincuenta por ciento la duración de la misma. De allí su nombre.

Punto de división: Figura de la notación musical antigua. Servía para indicar en qué partes de una melodía debía cambiarse el ritmo. Otra de sus utilidades consistía en indicar mediante un punto- en que casos particulares no se debía utilizar otras formas de puntuación. En la actualidad ha dejado de utilizarse por la confusión que creaba con el puntillo. Su conocimiento sólo tiene importancia en el análisis de piezas escritas con anterioridad al siglo XVII.

Punto de la Habana: Variedad del canto caribeño parecida al “Paño moruno”, con el ritmo alegre y moderadamente sincopado. Se suele interpretar con acompañamiento de conjuntos típicos (tres, bongó, maracas, raspador de bambú, etc.). Su compás regular es de 6/8 y la tonalidad menor.

Punto de órgano: Del francés (point d’orgue). Es un término musical que se utilizaba antiguamente en la composición de las partituras para estos instrumentos. En la actualidad ha dejado de emplearse, aunque aún persiste en algunos tratados musicológicos relativos al periodo barroco y particularmente en la bibliografía procedente de Francia.

Punto de origen: En la teoría musical es el instante preciso cuando el sonido empieza a ser audible. Es uno de los principios esenciales de la estereofonía. Su determinación tiene una especial importancia para conceptuar el valor de las notas. El músico francés Héctor Berlioz (1803-1869) fue el primer gran compositor que, ya en el siglo XIX, comprendió su importancia al relacionar el punto de origen de los sonidos dentro del conjunto de elementos básicos para la modulación melódica.

Punto de perfección: Concepto que se empleaba en la notación musical desde la Edad Media para señalar la nota que servía de complemento en la parte final de un compás. Esa particularidad solía podía ocurrir cuando la última nota de un pasaje no alcanzaba el valor necesario para completar perfectamente la frase melódica.

Punto guajiro: Danza popular de Cuba, que procede del medio campesino (guajiro), aunque es posible que su remoto origen provenga de España. Es derivada de otra danza similar llamada zapateo. Ambas están íntimamente relacionadas con la décima.

Punto musical:

Se llama así a la nota o signo que permite comprender el significado de un determinado pasaje melódico escrito sobre el pentagrama.

Punto instrumental: Se conoce a este término compuesto como una definición del tono exacto y necesario que debe tener un determinado instrumento de la orquesta para estar en perfecta consonancia con todos los demás. También se dice que dichos instrumentos deben estar acordes para que suenen de manera armónica.

Punto de vista: En la creación del libreto de ópera es lo mismo que la perspectiva. La posibilidad de recursos es similar en todas las obras dramatizadas. El lenguaje de la música tiene una importancia vital como elemento coordinador del desarrollo argumental.

Puntuación: Efecto sonoro que se emplea normalmente en las tareas de orquestación. Sirve para marcar los tiempos importantes con sonidos previamente determinados en la partitura. (toques de timbales, campanas, triángulos, etc.). Existen diferentes formas de puntuación. Aunque se trata de un procedimiento reservado ocasionalmente para los instrumentos idiófonos o de percusión, existen otros recursos instrumentales que también suelen emplearse, como el rasgueo del arpa, el efecto pizzicato en el contrabajo, el ataque de la trompeta en sforzando y de inmediato suavizado, etc.

Pure falsetto: Término compuesto y de carácter híbrido, referido a una técnica de ejercicios vocales conocida especialmente en Inglaterra, que contribuye al desarrollo de los músculos que sostienen la laringe. Con su práctica constante se logra una correcta emisión de la voz, junto al legato y a los bellos armónicos que constituyen los pilares fundamentales del bel canto.

Pusi-ppía: Denominación en lengua aymará, poco utilizada en la actualidad, aunque se mantiene en las tradiciones locales y suele aparecer en citas de artículos y ensayos musicológicos hasta la primera mitad del siglo XX. Es una forma de flauta tradicional, de timbre dulce y melancólico. Pertenece al grupo de instrumentos de caña, de la familia de las quenas, típicos en la altiplanicie de Bolivia. Su uso se halla difundido especialmente en las aldeas y comarcas agrícolas cercanas al lago Titicaca (Huarina, Achacachi, Sorata, etc.). El nombre (pusi-ppía=cuatro agujeros) procedente de la antigua cultura aimara o aymará, autóctona de la meseta andina, cuyos vocablos, en muchos casos onomatopéyicos, son ricos en combinaciones fonéticas. Es usual ver distintos modelos de pusi-ppías integrando la dotación instrumental de conjuntos folclóricos como los Kena-kena y las pequeñas orquestas populares de pincullos y tarkas. Este instrumento existe en tres modelos, denominados de acuerdo con su tamaño y cuyos sonidos se complementan: (kena-kallu, kena-mallta y kena-taika).

-Q-

Qâkel: Curioso elemento musical perteneciente a las culturas aborígenes de las montañas de la antigua Abisinia (Etiopía). Es un idiófono de sacudimiento cuyo principio coincide con los de sonajas de hileras. Los ejemplares existentes en los museos etnográficos muestran un aro de cuero crudo, decorado con tinturas vegetales, que se sostiene con la mano. Del contorno de esa especie de correa pende una cantidad de cascabeles, campanillas y platillos de hierro que al ser sacudidos por el maestro de danza resuenan de en forma rítmica y variada, como una pequeña orquesta de instrumentos agudos.

Qand: Llamada vulgarmente “corneta de Etiopía” o “trompa etiópica”, la difusión de este aerófono popular comprende también Somalia, Kenia, Tanzania y Sudán. Existen varios modelos, originados en diversas comunidades del oeste de África. También llamada por los italianos corneta muda (cornetti muti) -debido a su sonoridad velada- la corneta qand tiene un pico corto, de madera, y carece lengüeta. La embocadura presenta una incisión en forma de ángulo por donde se sopla. El pico es independiente del pabellón, normalmente fabricado con asta de vaca, pulida y tallada. Usaban este instrumento las tribus que habitaban los valles de la región oriental de Harer, para comunicarse entre sí, en las fiestas tribales y también los pastores, para reunir el ganado.

Qânon: Cordófono tradicional de la India. Existe en varios tamaños y con diversos estilos de encordado. Normalmente los ejemplares tienen treinta y seis cuerdas, las graves de latón y las agudas de acero. La caja armónica es plana, con forma trapezoidal y las cuerdas se percuten con baquetas o palillos de madera. En la región de Bengala existe un tipo de qanon de gran tamaño, al que los nativos llaman çata tantri vina (laúd de cien cuerdas). También puede aparecer escrito kânum o kânon. Es un vocablo árabe, equivalente a sonómetro.

Qásara: Instrumento aerófono de madera, de origen popular, perteneciente a la familia de las flautas verticales, que tiene la embocadura en forma de bisel y es conocido en la región árabe del Magreb por su armonioso tono de tiple. Es muy similar a la flauta nay, natural de la misma zona geográfica.

Qipur: Tiene el mismo significado de kippour o kipour. Se refiere a una forma musical, con tónica indeterminada, que se usa en las fiestas judías para acompañar las salmodias y recitaciones religiosas.

Qraqreb: Voz onomatopéyica que sirve para denominar a una variedad de castañuelas árabes de madera oscura y resistente -similares a las españolas- que son típicas en los bailes folclóricos del norte de África. Se tañen al son de una flauta popular, de boquilla en bisel, llamada nay o qásara. En Marruecos y Argelia las qraqreb también se conocen con el nombre francés de castagnettes.

Quadrat: Signo musical. Nombre antiguo del becuadro, derivado del latín (quadratum). Se dibujaba delante de una nota para anular una alteración anterior (sostenido o bemol). La alteración que modifica el quadrat o becuadro puede ser pasajera o formar parte de la tonalidad general de la composición.
Quadrat compositio: En la música religiosa medieval se llamaba así a la composición bien elaborada, que cumplía con todos los requisitos eufónicos, y cuya melodía cuadraba desde el primero hasta el último compás con el argumento inspirador. El amplio sentido estético de esta figura literaria se aplicaba, también en la antigüedad, a las otras artes mayores como la pintura y la escultura.

Quadrille: En francés (danza en cuadro). Nombre de una forma de contradanza, surgida en París a principios del siglo XIX. Se compone de cinco movimientos sucesivos, en los que las parejas van pasando desde el compás de 3/8, hasta el de 6/8, finalizando con un 2/4. Por su coreografía es similar a la "dance des lanciers" (danza de los lanceros) de la misma época. Algunos musicógrafos consideran que es sólo una variante de la misma.

Quadrivium: (Historia de la música) Conjunto general de las ciencias al que pertenece el dominio de la melodía, según el pensamiento de la antigüedad expresado por el célebre filósofo romano Boecio⁹⁸. Uno de sus tratados contiene pensamientos e ideas filosóficas sobre la música, las matemáticas y otras disciplinas, relacionadas en cierto modo con la lógica de Aristóteles, la armonía de las esferas y otras ideas de la Grecia clásica. También se atribuye a Boecio una de las formas más antiguas de notación musical, que de acuerdo con las investigaciones del erudito francés Alexandre Vincent⁹⁹, habría tenido una gran influencia sobre la música y la versificación durante la Edad Media.

Quartetto: Voz italiana que suele aparecer para indicar el grupo de cuatro cantantes líricos (Ver cuarteto). Un conjunto excepcional de estas características: Anthony MichaelsMoore, Roberto Scandiuzzi, Neil Shicoff y Carol Vaness, en la escena del cuarteto final "Allore che gl'anni" de la ópera "Aroldo" de Giuseppe Verdi. Fue representada en 1997 por el coro y la orquesta del Maggio Musicale Fiorentino en el teatro Verdi de Florencia. Esta obra es una modificación substancial de su ópera anterior "Stiffelio". El nuevo texto del libreto, obligado por la censura de la época, fue escrito por el poeta Francesco María Piave. Se estrenó en Rimini en 1857.

Quarraignos: Denominación francesa antigua equivalente a carillón. Se refiere a un conjunto de campanas dispuestas de tal forma que al tañerlas, en conjunto forman una melodía determinada. Se usaba en la Edad Media.

Quena: También llamada kena, es una variedad de flauta folclórica de caña, con un número variable de agujeros y abierta por ambos extremos. Procede de la región andina de Suramérica y se suele tañer en las fiestas populares del noroeste de Argentina, en compañía de la caja chayera o uancara. También es muy popular en el acompañamiento de ciertas danzas regionales como los carnavalitos, bailecitos y huayños. En Argentina y Bolivia, países donde este instrumento alcanza su mayor área de difusión, existen una gran diversidad de nombres y formas, que en definitiva solo consisten en pequeñas diferencias, como ocurre con el pinkullo, la flauta tucumana o el flautilla jujeña. La quena común tiene entre seis o siete agujeros que se obturan con la yema de los dedos para obtener las diferentes notas de una sencilla escala pentatónica. Los orificios de este instrumento están dispuestos de tal manera que uno queda en la parte inferior del tubo y el resto alineados en la parte superior de manera equidistante. El tamaño y la cantidad de orificios de los diferentes tipos de quena están relacionados al carácter de las composiciones y el estilo

⁹⁸ Anicio Manlio Severino Boecio (470-525) "De Institutione Musicae" Libri V. ⁹⁹ Alexandre Joseph Hidulfe Vincent (1797-1868) "Sur l'harmonie chez les grecs"

musical que se desee interpretar con ellas. Así, existen quenas de diferentes tipos, algunas de tono dulce y suave. Otras, en cambio, son agudas y estridentes.

Quena choquela: Este aerófono, típico de la región altiplánica de Bolivia, se fabrica con una caña fina, de 2 cm de diámetro y unos 46 de largo, con siete orificios, seis en el frente y uno en la parte de atrás. En lengua aymará, choquela significa cimarrona. Suele emplearse en las fiestas populares, donde su timbre ronco se deja oír junto al sonido seco y persistente del tamboril. Puede aparecer escrita con la grafía kena chokela.

Quena dulce: Es una de las más pequeñas dentro de la familia de las quenas y la más difundida en la zona del altiplano andino, especialmente en Jujuy (Argentina). Suele tener unos 33 a 36 cm de largo y 2 cm de diámetro, con seis orificios o puntos de digitación, ubicados de la siguiente manera: cuatro arriba, uno junto al embocadura, y el último en la parte de abajo, a la derecha. También se construyen modelos más simples que sólo tiene cuatro o cinco agujeros. Este tipo de flauta americana se conoce en Europa desde el siglo XVI 100. También llamada quena romántica por su tono dulce o melancólico. Normalmente se emplea en el acompañamiento de yaravíes, tonadas, endechas y otras composiciones de carácter amoroso.

Quenalis: Quena ligera y diminuta -de bisel- provista de un solo orificio armónico. Solo tiene 5 cm de largo. Los indígenas de Ecuador la fabricaban con un hueso de para cóndor, a veces decorada con incisiones geométricas. Su empleo pudo estar limitado al acompañamiento rítmico de las danzas rituales.

Querelle des bouffons: Episodio relacionado con la historia de la ópera francesa. Fue una famosa polémica ocurrida en París en 1752 con motivo del estreno de la ópera bufa "La serva padrona", de Giovanni-Battista Pergolese (1710-1736). Esta célebre ópera -obra maestra de su estilo- causó un gran revuelo, debido a las enconadas controversias entre los conservadores que apoyaban la ópera puramente francesa (Lully, Rameau, etc.) y los vanguardistas de la época (Diderot, Rousseau, d'Alembert, etc.) que pugnaban por imponer el modelo de ópera bufa italiana, menos erudita, pero mucho más natural que la francesa. Fue tan enconada la controversia que hasta el propio rey de Francia, Luis XV y la reina, María Leczinska, apoyaban a bandos opuestos.

Qesi: Juego de platillos sonoros originarios de la península de Malaca (Singapur, Kuala Lampur, Ipoh, etc.). El sonido -agudo y tintineante- es similar al de mayoría de los idiófonos de este tipo. Los platillos qesi configuran un efecto sonoro sumamente expresivo en el acompañamiento musical del tradicional teatro de sombras de Malasia. La denominación también puede aparecer con las transcripciones fonéticas quesi o kesi.

Quiebro (instrumental): En la técnica de ejecución de los cordófonos de arco (violín, viola, violonchelo, viola de gamba, etc.) es un intervalo largo producido por el salto del arco desde una cuerda determinada a otra que no es contigua.

Quiebro (vocal): Inflexión rápida de la voz al cantar, cuyo tono y sonoridad resulta gracioso y dulce. Consiste en una nota fuerte acompañada de otras tres o cuatro, muy ligeras. Se trata de una floritura o adorno que ya se practicaba durante la Edad Media en el canto llano.

¹⁰⁰ Garcilaso de la Vega, el Inca (1540-1615): "Comentarios Reales" Tomo II Cap. XXVI.

Quilisma: Es una forma de trémolo, propia del canto llano. Se compone de un neuma formado por tres sonidos distintos, uno de los cuales -el del medio- se entona de manera imprecisa y temblorosa, dando sensación de alargamiento del sonido, con reducción progresiva de la intensidad. Es una característica típica de la vocalización en uso durante la Edad Media

Quincena Musical Donostiarra: Festival musical que se realiza anualmente en la ciudad de San Sebastián, España, con asistencia de célebres compositores y músicos de todo el mundo, grandes espectáculos operísticos y primeras figuras de la lírica internacional.

Quinta (armonía): En la escala que procede de acuerdo con la sucesión natural de los tonos y semitonos -llamada escala diatónica- es el quinto sonido. Su ubicación debe contarse a partir de un primer sonido predeterminado.

Quinta (cuerda):

Nombre de la nota

mi

, correspondiente a la quinta cuerda del laúd. Por tener una tonalidad idéntica, también se llamaba así a la primera cuerda del violín.

Quinta (instrumento): Cordófono antiguo (siglo XVIII). Perteneciente a la familia de los violines. Por su tamaño, el tono agudo y la disposición de las cuerdas era similar a la viola moderna. También se le llama quintón.

Quinta al aire:

Término de armonía referido a un acorde perfecto cuyo intervalo de

tercera

no está expresado.

Quinta alterada: Es un intervalo que, según el caso, puede crear una cierta discordancia en el desarrollo armónico de la melodía. Se suele considerar una anomalía simple y susceptible de enmendar sin que ello modifique substancialmente el sentido del compás. Existen dos formas de alteraciones: quinta disminuida y quinta aumentada. Antiguamente se le llamaba quinta falsa.

Quinta aumentada: Es un intervalo de quinta cuya alteración consiste en cuatro tonos enteros o tres tonos y dos semitonos. Por ejemplo: (do-sol sostenido); (re-la sostenido); (mi-si sostenido). También puede aparecer referida con el nombre de quinta superflua.

Quinta disminuida: Del latín (quinta diminuta). Es el intervalo de quinta cuya alteración corresponde a dos tonos y dos semitonos. Por ejemplo: (do-sol bemol); (re-la bemol); (misi bemol). También puede aparecer citada con el nombre de quinta remisa o quinta menor.

Quinta oculta:

Se llama así cuando existe una sucesión de dos quintas consecutivas.

Quinta falsa:

Denominación que se daba antiguamente a la

quinta alterada

en cualquiera de sus variantes (aumentada o disminuida).

Quinta justa: Es el intervalo de quinta considerado con carácter absoluto. Se compone de tres tonos y medio. Corresponde al espacio existente entre dos notas, distantes cinco grados exactos, incluidos el primero y el último.

Quintanon: Nombre de un grupo de pequeños tubos de órgano y de su registro. Por lo general no emplean la primera octava de sonidos graves o bajos. También se le llama quintatons. El nombre deriva del latín quintam tenens.
Quinta y sexta: Término compuesto usado en armonía para definir los intervalos que dan nombre al acorde de séptima, especialmente en la primera inversión de la dominante. Antiguamente recibía el nombre de acorde de gran sexta.

Quinterna: Especie de mandolina de mayor tamaño, también llamada mandola, mandora o guiterna. Es un instrumento de cuerdas de la familia de la cítara. Los ejemplares primitivos tenían la caja de resonancia abultada, sin cordal, con puentecillo de madera y marfil, el clavijero curvo como el laúd, y tres órdenes de cuerdas que se puntean con plectro. El origen de la quinterna se remonta a la Edad Media (siglo XIII). Su figura aparece en miniaturas que ilustran manuscritos originales de la época. Se sabe que existieron varios modelos, uno de ellos similar a la rota. Los primeros ejemplares de quinterna fueron evolucionando con el tiempo, llegando a tener un perfil más estilizado y hasta siete órdenes de cuerdas. También aparece en algunas óperas como complemento escénico.

Quinteto (composición musical): Obra concebida para el concurso de cinco voces o instrumentos. Ejemplos: Franz Schubert (1797-1828) "Quinteto en la mayor para piano, violín, viola, violonchelo y contrabajo"violín, viola, violonchelo y contrabajo" 1827) "Quinteto en do menor para dos violines, dos violas y violonchelo" Op.104.

Quinteto (conjunto de intérpretes): Grupo de cinco cantantes o instrumentistas, coordinados con el objeto de interpretar composiciones musicales, especialmente escritas o adaptadas para esta configuración. Los quintetos clásicos están preparados para interpretar música de cámara. Entre las distintas variantes y combinaciones instrumentales puede citarse: violín, viola, violonchelo, contrabajo y piano. La composición más corriente en la música de cámara se denomina sonata y suele estar configurada por cuatro partes: allegro, andante, scherzo y presto o rondó.

Quintfagott: Término musical francés (fagot-quinta). Ejemplar de fagot más agudo que el ordinario. Se utilizaba en el acompañamiento solista de tenores y contraltos. También se conoció con el nombre italiano de fagottino. Ya no se emplea en la actualidad.

Quintil:

Verso de arte menor, cuya estrofa consta de cinco versos con dos consonancias. Se usaba en la canción popular francesa de la Edad Media.

Quinto: Membranófono parecido a la conga caribeña. Es un instrumento de percusión popular en la región de América Central. Se utiliza por pares o tríos, afinados a diferentes alturas y afirmados sobre trípodes. Cada tambor tiene un solo parche en la parte superior de la caja de resonancia. Se bate con las manos. Lo acompañan a diferente altura la conga y la tumbadora. Lo emplean los conjuntos que interpretan la rumba.

Quintón

(

aerófono):

Cornetín de pistones de origen francés. (siglo XIX). Su tono es más agudo que en el cornetín corriente.

Quintón (cordófono): Instrumento barroco del siglo XVIII, con cuatro cuerdas y tesitura aguda de soprano. La caja de resonancia era algo más reducida que en la viola moderna. La eclisa también era más fina y la voluta del clavijero solía representar la figura de una cabeza humana o un personaje mitológico.

Quintón court: En francés (quintón corto). Viola de concierto, con cinco cuerdas, fabricada en 1744 por el constructor francés Simón Gilbert. Existen pocas referencias sobre este instrumento al que algunos tratados organográficos equiparan con el cordófono de la misma época llamado quinta. Aparece su descripción en el inventario de la colección Adolphe Sax de aparatos musicales. También se le suele llamar sopranino.

Quintviola: Nombre compuesto que corresponde a un juego de registros de quinta para los órganos alemanes del siglo XIX. Tiene las características de los juegos de quinta unido a un sonido continuo equiparable al de la viola.

Quiquia: Idiófono que se usaba en los ritos paleocristianos en lugar de las campanas u otros instrumentos de llamada. Era una forma de sonajero con el sonido amortiguado. El nombre es una onomatopeya.

Quironomía: Voz griega. (cheironomia). Arte de guiar la mano en la coordinación del canto gregoriano. Este término también se refiere a una depurada técnica, que consiste en orientar los gestos y los movimientos corporales para dirigir la danza y las voces de los corifeos. Fue una forma bien conocida por los antiguos griegos y romanos. Tan importante llegó a ser en las expresiones artísticas y en las relaciones humanas de aquellos tiempos, que su estudio se aplicaba al perfeccionamiento de los gestos naturales en la oratoria. Se refirieron a ella grandes pensadores como Sócrates y Platón. Quintiliano¹⁰¹ la llamó lux gestus (gesto luminoso) incluyendo su estudio entre las ciencias preparatorias del arte y la elocuencia. El arte de la quironomía llegó hasta la actualidad, representado por los movimientos de la mano del director de orquesta marcando el compás de la música.

Quitra: Instrumento de cuerda de origen árabe, conocido en España con el apelativo de guitarra de Túnez. El nombre árabe -cuya grafía también puede aparecer consignada con el vocablo kitra- corresponde al término kithara, de amplia difusión en todas las culturas del Mediterráneo.

Quodlibet: Nombre común en alemán de un tipo de composición musical polifónica bastante usual en las regiones germanas de Nieder Sachsen (Baja Sajonia) y Altmark, durante los siglos XVII y XVIII. La parte instrumental responde a una forma melódica que parece derivada del acompañamiento en el canto llano. Aunque de carácter eminentemente local, su estilo musical y los temas de sus letras resultan muy similares a la típica ensalada española del siglo XVI.

Qussir: Instrumento de cuerdas de origen árabe. Pertenece al grupo de las arpas primitivas. Está formado por una estructura triangular de madera flexible, sin caja de resonancia, aunque algunos ejemplares incluyen un elemento resonante constituido por una calabaza o una caja oblonga de madera de factura rústica. Los modelos más usuales poseen cinco cuerdas de tripa. El sonido, aunque indefinido, en la mayoría de los casos es suave y bien modulado. Los nombres de las otras arpas árabes, conocidas con los nombres de Kuffir o Cussier, constituyen variantes fonéticas

¹⁰¹ "De institutionis rhetorica" Marco Fabio Quintiliano (35-96 d.C.).

-R-

Rabeca chuleira: Instrumento de cuerdas original de Portugal. Es una variedad de violín folclórico, de mango corto y tesitura bastante aguda, que suele estar afinado a una octava más alta que el violín clásico. Podría ser un derivado del antiguo rabel árabe. Se utiliza en las interpretaciones musicales de la chula norteña.

Rabel: Del árabe (rébeb). Cordófono antiguo, parecido al laúd por la forma inclinada del clavijero y también a la vihuela de arco, por su forma de ejecución. Consta de tres órdenes de cuerdas simples, que al frotarlas con un arco corto y curvo alcanza una extensión máxima de dos octavas. Por sus características estructurales, el diapasón sin trastes y la posición al asirlo, podría tratarse un antecesor del actual violín. Durante la Edad Media se lo conocía con los nombres de rubebe o rebec. En algunos países de Europa del este aún se conserva una variante moderna de este instrumento.

Racconto: Vocablo propio de la ópera italiana (significa narración). Dentro de la trama escénica, el racconto es un acto independiente del curso del tiempo, pero fuertemente integrado al desarrollo del argumento. En la ópera es un pasaje en el que se cuenta un hecho pasado, pero que tiene una importante incidencia en la trama del libreto. El racconto puede ser cantado por un solo intérprete, como una romanza, o ser recitado por varios personajes en forma alternativa.

Racconto anteriore: Es lo mismo que la fórmula anterior y también usual en la crítica de ópera. La antigua estructura clásica, que dividía la obra escénica en actos sucesivos, fue modificándose a partir del siglo XIX, al intercalar la narración escenificada de hechos ya ocurridos, pero que tienen una relación directa con la escena actual, es decir, narrada en el presente.

Raddolcendo:

En italiano (dulcificando). es una indicación de ejecución que se suele anotar en las partituras para señalar la necesidad de suavizar gradualmente el tono musical.

Raddopiamento:

Indicación musical del mismo tipo que la anterior. Significa "redoblamiento". Se refiere a la operación de duplicar los intervalos armónicos.

Radel: Forma germana del rondó, derivada del término latino rotundellus. Puede aparecer en las descripciones publicadas por los sellos discográficos que editan obras de autores alemanes y en la bibliografía musical procedente de aquel país.

Raga: Alegoría musical procedente del sur del continente asiático. Especialmente de la India, Sri Lanka y Bangladesh. Según su antigua tradición, los sonidos ambientales surgieron del espíritu de los dioses y semidioses transformados en bellas tonalidades melódicas para alegrar el alma de los mortales. Lo esencial de esa narración dio lugar a numerosas composiciones encuadradas dentro del concepto de la música étnica, con una gran variedad de temas argumentales inspirados en el rico folclore de aquellas regiones.

Ragiok: Caramillo tradicional de los campesinos eslavos. Tiene seis agujeros y esta provisto de lengüeta. También se lo conoce con el nombre de rojok.
Ragtime: Vocablo anglo-americano, relacionado con el mundo del jazz. Es una apócope que significa "tiempo desgarrado" (ragged time). Su estilo instrumental y de acompañamiento era natural de la ciudad de Saint Louis, Missouri. Surgió durante la segunda mitad del siglo XIX como una forma mixta que incorporaba a la música de origen europeo el novedoso empleo del banjo junto con el piano. El compositor, editor musical y libretista norteamericano¹⁰² Irving Berlin (1888-1969) incorpora elementos importantes del ragtime en sus composiciones "Alexander's ragtime band" y "Everybody's Doin'it", ambas escritas en 1911, en plena efervescencia del jazz tradicional. Impregnada de esa particularidad -muy propia de la zona sur de Estados Unidos y en especial del sentimiento melódico de la raza negra- fue una forma de interpretación en la destacaron célebres pianistas del siglo XX, como el inolvidable “Duke" Ellington (1899-1974). En algunos aspectos, el ritmo ragtime se acerca bastante al movimiento de la marcha y la polca.

Raïta: Flauta de la India. Es un aerófono con lengüeta, provisto de siete agujeros de digitación. El tubo cilíndrico culmina en un amplio pabellón. El acompañamiento rítmico de este instrumento de viento, solía llevarse a cabo con el aporte de dos pequeños timbales. Se usaba en la interpretación de melodías tradicionales.

Rallentando: Vocablo italiano (rallentare=retardar). Indica una alteración gradual del movimiento musical. Esta acción se lleva a cabo mediante una transición progresiva que va desde un tiempo vivo hasta otro más lento. En las partituras se suele escribir "rall". Por ejemplo: tempo alla breve es un tiempo de ejecución acelerado al máximo, que pasa a un tempo moderato, entendiéndose este último, más lento que el anterior. Con el mismo significado, también se puede escribir la palabra ritardando.

Ranaçringa: Curioso instrumento aerófono-idiófono de la India y Nepal. Es una trompa primitiva que imita el bramido del elefante. El tubo cónico, de 1,50 m de largo, se fabrica con latón o cobre, moldeado y labrado con temas mitológicos. En la parte externa, curvada en forma de "S", lleva unas anillas huecas y llenas de bolillas de plomo, que resuenan al sacudir el instrumento. Aunque en la actualidad cumple una función decorativa o se utiliza en espectáculos folclóricos, antiguamente tenía un fin ritual. Estaba reservado a la nobleza para el anuncio de los séquitos reales, para su uso en las fanfarrias y también para transmitir señales en las puertas de las ciudades.

Ranat: Xilófono de madera, originario del antiguo reino de Siam. Estaba formado por una caja rectangular, sobre la que se colocaban dieciséis tablillas de madera dura, afinadas en distintas alturas.

Ranchera: Auténtico ritmo criollo, en compás de 3/4, con estilo de letra tradicional. Su difusión comprende una amplia región de la América hispana, desde México hasta el Río de la Plata. El acompañamiento se lleva a acabo con instrumentos musicales folclóricos: (guitarra, guitarrón, acordeón, etc.). El tipo de composición melódica presenta una cierta afinidad sonora con el joropo venezolano y el pericón uruguayo. Entre sus diversas formas, la coreografía de esta danza incluye el zapateado. La manera tradicional de bailar la ranchera es marcando los pares del ritmo con pequeños saltos y pasajes acelerados, casi en movimiento de carrera.

¹⁰² Irving Berlin, (Israel Balin) nació en Temún, Rusia. En 1893 emigró a los Estados Unidos, donde desarrolló su extrordinaria carrera musical creando, junto con Sam Harris, el célebre Music Box Theatre. En
1918 fundó la editorial musical que lleva su nombre.

Rancheira: En Brasil, -donde también se cultiva una versión ligera y con marcado movimiento rítmico- este género alcanzó una amplia difusión popular, particularmente entre los habitantes del medio rural. En el Estado de Río Grande do Sul, se suele practicar el acompañamiento con guitarra, gaita y acordeón (cordeona).

Ranz: Melodía de los pastores suizos. Se ejecuta con el acompañamiento de un instrumento de viento de grandes proporciones, denominado trompa de los Alpes o alphorn. Cada danza de esta serie presenta un motivo musical diferente y unas peculiaridades que son propias de cada cantón (diseño de los trajes regionales, variedad de ritmos, etc.). Algunas de estas composiciones sirvieron de inspiración para importantes dramas líricos, como "Guillermo Tell", la última ópera de Gioachino Rossini (1792-1868). Esta interesante obra en cuatro actos, basada en una narración histórica de Friedrich von Schiller, fue estrenada en la Ópera de París en 1829. La característica principal del ranz como melodía popular es que está compuesto por pasajes musicales repetidos a través del eco que producen las montañas.

Ranz de Gruyères:

Una hermosa y personal versión del

ranz

, típica de los Alpes de Friburgo, bella región situada al sur de Berna y al este del lago de Ginebra.

Ranz des vaches: (Ranz de las vacas). Otra de las variedades más difundidas del conjunto de melodías suizas, compuesta con una bella colección de motivos pastoriles realzados por el ambiente montañés. Era un aire bucólico que pasó a ser casi un himno nacional que cantaban los soldados suizos al servicio de Francia porque les recordaba la patria lejana.

Rappaka: Aerófono del Japón. Existe una gran diversificación de formas y tamaños. Una de ellas era una variedad de trompa guerrera relacionada con antiguas leyendas y tradiciones. La fabricaban con la concha de un gran caracol marino.

Rappel: En francés (toque de llamada). Es un vocablo musical que se usa para designar una forma de batir el tambor. El toque de rappel suele aparecer como fondo sonoro en composiciones melódicas de carácter descriptivo.

Rappresentazione profana: Es otro antecedente de la ópera moderna. Equivalente popular de los "Laudi spirituali" de la Edad Media. Solía representarse en plazas y mercados de pueblos de la Italia meridional. Su argumento estaba inspirado en tradiciones legendarias y narraciones amorosas de las novelas de caballería. Podía intercalar pasajes recitados en la lengua vulgar del país con fragmentos de composiciones musicales anónimas, adaptadas para coro.

Rappresentazione sacra: Como la anterior es un género teatral que tuvo auge durante los siglos XI y XV. Se llevaba a cabo con las antífonas litúrgicas. Estaba compuesta por tres partes: a) los misterios; b) los milagros y c) las moralidades. Se cantaba con estrofas versificadas, aunque también podían hacerlo en prosa. Esta última modalidad estaba relacionada con las laudas dialogadas que se llevaban a cabo en el norte de Italia. En España quedan algunos documentos coetáneos, entre ellos, el auto sacramental o representación sacra, llamada de los "Reyes Magos".

Rapsoda: Vocablo proveniente del griego (rapsodhós). Se refiere a un personaje típico de la antigua Grecia, mezcla de cantante y recitador -antecesor del juglar medieval- que iba de pueblo en pueblo recitando poemas. En la actualidad se denomina rapsoda a la persona que declama poesías con ciertas condiciones para el arte escénico.
Rapsodia (recitado): Del griego (rhapsodia. Obra de un rapsoda o recitador. En la Grecia clásica se llamaba así a una
especialmente compuesta para
composición melódica -de índole épica o amorosala declamación. Esa variedad de poesía lírica era

interpretada por bardos, con el acompañamiento de algunos instrumentos musicales, como la

lira

o la

cítara

.

Rapsodia (composición musical): En la época del romanticismo (siglo XIX), comenzó a llamarse de esta manera a una variedad de composición instrumental del tipo de la fantasía, escrita sobre temas variados y de carácter popular. Entre las piezas más significativas de este género pueden citarse las siguientes obras: "Magyar rhapsodiák" (Rapsodias húngaras) de Franz Liszt (1811-1886); "Slavonic rhapsodies" (Tres rapsodias eslavas) en re mayor, sol mayor y la bemol, Op. 45, de Antonin Dvorák (1841-1904) y "Tzigane""Tzigane" 1937). Durante la primera mitad el siglo XX destaca por su carácter libre y dotado de un marcado contraste, la célebre pieza "Rhapsody in blue" (Rapsodia en azul) para orquesta de jazz y piano, de George Gershwin (1898-1937).

Raqyeh: Aerófono popular en Cercano Oriente. En algunos tratados aparece su transcripción fonética más usual (raquiej). Es un aerófono típico en algunos países árabes como Iraq, Irán, Azerbaiyán o Turkmenistán. La gama de sonidos de estos instrumentos, aunque variados, corresponden por lo general a las tesituras bajas. Tiene la forma de una dulzaina alargada, con el pico de metal o tallado en un pieza de madera de cedro. Para la construcción del cuerpo se suele utilizar caña, madera, cobre u otros materiales. Algunos ejemplares poseen una pequeña lengüeta y otros carecen de ella, valiéndose el ejecutante de la lengua para modular los sonidos.

Rascado: Característica de la ejecución con instrumentos de arco y cuerdas. El rascado consiste en el ataque rápido de un dedo sobre la totalidad de las notas de un acorde, produciendo un sonido seco. Es un efecto distinto del arpegiado en el piano y el arpa.

Rascador: Nombre genérico que sirve para nombrar a todos los idiófonos cuyo sonido se obtiene por frotación. Pertenecen a esta familia numerosas versiones, fabricadas con distintos materiales y procedentes de todos los continentes, por lo que es natural inferir que se trata de uno de los instrumentos más simples y antiguos de la humanidad (raspadores de madera y bambú, güiro, reco-reco, etc.)

Rasgueado: Técnica empleada en la ejecución de la guitarra. Es un estilo usual en el cante flamenco y en algunas formas folclóricas de Hispanoamérica. Consiste en pulsar las cuerdas rozándolas rápidamente con la punta de las uñas.

Rasguido doble : Composición folclórica bailable, típica de la cultura guaraní de América del Sur. El nombre parece proceder de las provincias del litoral fluvial de Argentina (Entre Ríos, Corrientes, Misiones). Es un americanismo derivado del rasgueo de la guitarra. Con posterioridad, el rasguido doble alcanzó también una amplia difusión popular en Paraguay y en el sur del Brasil. Su estilo está emparentado con el ritmo tradicional del chamamé, variedad folclórica con la que comparte su raíz mestiza. El estribillo expresa el sentido vibrante y musical de la composición. Las versiones actuales corresponden a un tipo de lenguaje melódico, corriente en el ámbito local, especialmente en la región comprendida entre los ríos Paraná y Uruguay. Se trata de un género bastante diversificado y su melodía puede ejecutarse de varias maneras. La más común, en tiempo relativamente acelerado, se interpreta al ritmo del acordeón y con un estilo cadencioso que recuerda a la polca paraguaya. También pueden darse acentos ondulantes que recuerdan a la guarania, dejando que la letra fluya lentamente, al compás de los acordes entonados por las cuerdas. Entre los instrumentos tradicionales de esta variedad musical indoamericana pueden citarse a la guitarra y el arpa criolla.

Raspador de bambú: Idiófono con muescas que se frotan con una varilla de madera. Produce un sonido rítmico y acompasado. Es originario de extremo oriente. En la isla de Cuba se lo conoce también con el nombre de sapo.

Re:

Segunda nota de la escala diatónica. Nota "D" en la nomenclatura germánica y anglosajona.

Realejo (instrumento): Órgano polifónico utilizado en Europa durante los siglos XVI y XVII. Su empleo era corriente en el acompañamiento el canto religioso polifónico y en otras composiciones de carácter dramático. Carecía de tubo resonador y tenía un solo registro de lengüeta batiente. En el acto 3ª de la ópera "Orfeo", Claudio Monteverdi recurrió al sonido áspero y gangoso de este pequeño órgano para describir la tortuosa psicología de los personajes del averno (Caronte, Plutón).

Realejo (registro): Nombre de un sonido de órgano que se emplea para representar la tesitura normal de la voz humana. El tubo correspondiente a este registro es relativamente corto y posee una lengüeta vibrante.

Realización sonora: Es el resultado práctico de las técnicas que permiten concretar cualquier creación musical escrita, con el auxilio del conocimiento y los medios correctos. En la práctica se entiende como el acto de llevar al plano sonoro las indicaciones escritas de un bajo continuo o un signo de adorno, etc. En la historia de la música, cada época ha tenido su propio estilo, posibilidades técnicas e instrumentos. La ejecución de obras pertenecientes a periodos pasados -como el medioevo o el barroco- en los que existían otras formas de notación escrita, requiere la aplicación de normas y conocimientos objetivos que permitan esa praxis interpretativa.

Rebec: También llamado rebecú. Es una pequeña viola de arco, provista de cuerdas de metal. Deriva del rabab de los árabes. Su difusión comprende España y gran parte de la América hispana. En la bibliografía anterior al siglo XIX suele aparecer con el nombre rubebe. El arco de algunos modelos de rebec tenía una curiosa particularidad: las cerdas estaban fijas solamente en la cabeza del arco. En el extremo correspondiente al talón quedaban unidas a una anilla de tensión graduable. De esa forma, el ejecutante tenía la posibilidad de variar el temple del arco, al modificar con el dedo índice la tensión de las cerdas.

Rebecchino:

En italiano (pequeño rabel). Diminuto instrumento de cuerdas, cuyo sonido era el tiple de la familia de las violas.

Re bemol: Nota re que desciende un semitono cromático. Símbolo: b. En la terminología musical francesa tiene el mismo significado, variando sólo en la acentuación de la letra é. (ré bémol) Equivalente de D flat en la manera inglesa y Des en la alemana.

Récit (pieza de órgano): Término musical en francés (recitado). Es el nombre de uno de los manuales del órgano correspondiente a los juegos de detalle, empleados para acompañar los diálogos recitados y la actuación individual de los solistas. Se le dio este nombre para diferenciarlo del gran manual, dedicado a los planos sonoros generales

Récit (melodía ornamental):

Estilo musical de los clásicos franceses, consistente en una colección de melodías ornamentadas para música de órgano.

Recitado:

Forma antigua del estilo de canto operístico, más conocido con el nombre de

recitativo

. Es una derivación del italiano (

recitare

).

Recitador (oratorio): Nombre que se daba antiguamente al chantre encargado de salmodiar los distintos pasajes de la "Pasión", intercalando su voz con las del coro, encargado de cantar los estribillos. Las características de aquella forma de entonación musical fueron asimiladas por los intérpretes de los oratorios medievales.

Recitador ( ópera): Hasta el siglo XIX se conocía con este nombre a los cantantes dramáticos que interpretaban papeles de solistas. Procedente del oratorio, el término ya se empleaba en las primeras óperas del siglo XVI y dio lugar a un estilo formal que luego se llamaría recitativo. Después de la primera guerra mundial, la antigua costumbre de incluir papeles hablados fue recuperada como complemento sonoro en el drama lírico por grandes compositores del siglo XX, como Arnold Schönberg, Arthur Honegger e Igor Stravinski. De este último autor puede citarse como ejemplo descriptivo a la obra "L'histoire du soldat" (La historia del soldado, 1918), un curioso ballet recitado para actores, bailarinas e instrumentos solistas. Otra de sus obras, la ópera-oratorio "Oedipus Rex" (Edipo Rey, 1927) con letra de Jean Cocteau, presenta un argumento en el que, además de la orquesta, intervienen voces masculinas cantando a coro, solistas y un narrador en escena.

Recital: Palabra procedente del ambiente poético. En música, este vocablo se refiere generalmente al concierto ejecutado por un solo instrumentista o cantante. Por extensión también se aplica a la actuación de ciertos conjuntos musicales compuestos por un número reducido de integrantes y que tiene una figura principal a la que se denomina estrella del espectáculo.

Recitalista lírico: Cantante que realiza recitales, en particular con arias y fragmentos de óperas. La soprano inglesa Maggie Teyte (1886-1976) que fue preparada por Claude Debussy, se destacó como recitalista de canciones francesas. En el campo de la lírica, actuó, entre otros, en los teatros de ópera de París, Boston, Chicago y Nueva York. En 1917 tuvo un rol señalado en "Myriame et Daphne", de Jacques Offenbach.

Recitativo: Forma musical intermedia entre el canto y la declamación. Esta particularidad del canto operístico, se ajusta a un precepto musical en el que las sílabas deben ir colocadas en consonancia con la altura de su acento. Dicha forma, permite más libertad expresiva a la regularidad de la frase musical. También se suele decir recitado. El nombre proviene del término italiano recitare (expresar o declamar en voz alta). Fue muy popular en los siglos XVI y XVII, cuando los intérpretes de la ópera italiana hacían brillar sus cualidades vocales. En la ópera seria italiana del siglo XVIII el recitativo se intercalaba con los pasajes de acción, mientras que el aria se reservaba para los cuadros románticos. Surgido en Florencia e inspirado en la tragedia griega y posteriormente en la monodia, el estilo recitativo fue divulgado a través de las actuaciones de la célebre Cameratta Fiorentina. El gran compositor Claudio Monteverdi fue quien, a fines del siglo XVI, llevó a la práctica el ideal de la Cameratta, logrando poner en escena obras en las cuales el libreto seguía las líneas generales de un argumento extenso y coherente. En él, los cantantes daban vida ese nuevo estilo intermedio entre la declamación y el canto, llamado recitativo, que hoy es la principal característica de la ópera

Recitativo acompañado: Del italiano (accompagnato). Forma casi recitada de cantar con un suave acompañamiento orquestal. Mientras que la orquesta conserva una posición de acompañamiento moderada, el solo vocal adquiere un valor preponderante. El fragmento declamado, antecede a la parte del aria, creando con ella un conjunto coherente y armonioso. Con esta variante del estilo recitativo, que permite al cantante demostrar mejor su virtuosismo, la ópera alcanza su mayor calidad lírica. En este caso, la declamación o recitado, opuesta a la forma cantabile, necesita atenerse a las reglas métricas de la poesía y el acompañamiento instrumental de fondo debe ser muy suave.

Recitativo expresivo: Se trata de una forma en la que intervienen distintas partes en perfecta combinación efectista (solos vocales, melodías orquestales de carácter descriptivo, arias, romanzas). La voz del cantante–tenor o bajo, según la circunstancia escénica- debe afectar una manera declamatoria acentuada, casi independiente del movimiento orquestal, aunque expresada con cierta flexibilidad. El recitativo expresivo se caracteriza por los elementos sonoros vigorosos e intensos, dotados de una singular coloratura.

Recitativo seco: En las óperas del siglo XVII y XVIII, se llamaba así a la parte declamada, cuando ésta era acompañada por un solo instrumento de cuerda, generalmente una viola de gamba o un violín. A principios del siglo XIX se usaba solamente el clave, a cuyos acordes se encargaba el acompañamiento en bajo cifrado. Más tarde este instrumento fue sustituido por un cuarteto de cuerdas con partes en obligado. Con el tiempo, al tornarse más compleja la partitura general, surgió como nuevo estilo el recitativo expresivo. Por razones sonoras y de ambientación escénica, lo más complejo de la trama argumental del drama lírico se suele desarrollar en el contexto vocal del recitativo seco.

Reco-reco: Voz onomatopéyica que imita el sonido de un instrumento musical conocido en Brasil, perteneciente a la familia de los idiófonos frotados. Por su forma y manera de producir los sonidos, se parece al güiro caribeño. Se conoce su existencia desde el siglo XVIII. En Mongolia existe una forma similar.

Recuesta: Forma de contrapunto entre dos cantantes o rapsodas, que puede darse bajo distintas modalidades: drama lírico, declamación en verso sujeta a rima y métrica con acompañamiento instrumental, diálogo recitativo en la ópera, etc. El estilo procede del contrasto italiano y posteriormente de la tensó del teatro provenzal. En la recuesta, las diferentes voces intervinientes -que pueden ser dos o más- tienen independencia total de movimiento, dentro de la línea melódica que debe combinarse con el contexto de la obra. En España, lo vemos tempranamente en algunos ejemplos del cantus firmus y las contramelodías.

Recurrencia: Recurso de interpretación similar al contrapunto. Ocurre cuando se ejecutan a la inversa los sonidos de una melodía, de tal manera que inicia en la última nota y termina en la primera.

Ré dièse:

Denominación del sonido

re sostenido

en la terminología musical francesa. Equivalente de

D sharp

en la manera inglesa y

Dis

en la germana.

Redoblante: También llamado caja de redoble, o simplemente caja. Es un instrumento de percusión provisto de dos membranas y un sistema de bordones. La caja acústica es similar a la del tambor, aunque un poco más alta. Tiene un sonido apagado. El tubo sonoro es cilíndrico y de madera. Las membranas se extienden mediante un doble aro, cuya tensión se obtiene con un sistema de cuerdas enhebradas en zigzag, ajustables mediante anillas de cuero. Es un tambor de origen antiguo, de uso actualmente en las bandas militares y conjuntos músicos municipales. El redoblante original ha sufrido a través del tiempo, numerosas modificaciones. La forma actual se conoce desde la primera mitad del siglo XIX. Se percute al redoble, colgado del hombro y con dos palillos. La medida básica de este instrumento es de 30 cm de altura y 37 cm de diámetro.

Redoble: Tono sostenido que se realiza batiendo vivamente los mazos o palillos sobre el parche de un instrumento de percusión como el tambor o el timbal. Este efecto, que también se llama trémolo, consiste en una sucesión rápida de notas cortas de igual valor.

Re doble bemol: Se llama así cuando la nota re desciende dos semitonos cromáticos. Símbolo: bb. En francés cambia ligeramente la grafía (ré double bémol) manteniendo el alcance de su significado. La terminología musical inglesa emplea los términos D double flat. En los países de lengua germana se escribe Deses.

Ré double bémol:

Denominación del sonido anterior en la musicografía francesa. Equivalente de

D double flat

en la manera inglesa y

Deses

en la alemana.

Re doble sostenido: Nota re que sube dos semitonos. El símbolo musical del doble sostenido (##) equivale a un tono completo. La manera inglesa tiene el equivalente D double sharp. En la francesa se escribe ré double dièse y en la terminología germana se emplea el vocablo Disis.

Redonda: Nota musical. Indica su valor temporal, que es el más alto en la actual nomenclatura de los sonidos. Gráficamente observa la forma de un óvalo levemente inclinado a la derecha. Hasta el siglo XIX se le dio el nombre de semibreve, que aún puede aparecer en algunos tratados antiguos. Una redonda equivale a 2 blancas, 4 negras, 8 corcheas, 16 semicorcheas, 32 fusas y 64 semifusas.

Ré double dièse:

Sonido

re sostenido

en francés. En la terminología musical inglesa, se escribe

D double sharp.

La forma alemana tiene el equivalente

Disis

.

Redowa: Baile tradicional checo en compás ternario. Su carácter es alegre y el movimiento bastante acelerado. En algunas regiones de Bohemia (Cechy) y Moravia (Morava) suele cantarse con acompañamiento de acordeón y guitarra o balalaika. A través del tiempo han surgido distintas variaciones inspiradas en el estilo musical de la redowa. Entre ellas puede citarse a la danza popular eslovaca conocida con el nombre de rejdovacka. También puede aparecer escrito redova.

Reducción: Es lo contrario de la orquestación. Ocurre cuando se transcribe una obra musical, compuesta para una orquesta sinfónica, reduciendo las partituras sólo para los instrumentos que han sido elegidos con el objeto de realizar la interpretación.

Reducción de valores: Sustitución de un compás o grupo de notas por otro de diferente valor, sin realizar modificaciones en el plan de ejecución de una pieza musical. La operación de reducción de valores sólo se lleva a cabo cuando es necesario eliminar un pequeño defecto de composición, o una leve discordancia en la melodía, que no afecta el contexto general de la obra.
Reducción para piano: Partitura general que ha sido reescrita o reducida, eliminando detalles de orquestación, con el objeto de que instrumento, en este caso el piano.

Reexposición: Segunda parte de la sonata, la bitemáticas, consistente en la repetición del tema melódico presentado en la primera parte o exposición. Su objetivo principal es enfatizar el sentido descriptivo de dicha melodía en el contexto general de la pieza, antes de llegar a la conclusión de la misma. Otro de sus funciones consiste en transportar al tono principal todos los temas expuestos en la primera parte, destacando su carácter de final de obra.
pueda ser interpretada por un solo

fuga

y otras formas instrumentales

Reforma: Periodo de la historia de la música coincidente con la reforma social y religiosa iniciada por Martín Lutero a comienzos del siglo XVI. Aquel movimiento significó una serie de cambios fundamentales en la liturgia religiosa, cuya incidencia comprendió también la música eclesiástica. El concilio de Trento -como la respuesta de la Iglesia católica al movimiento protestante- autorizó una serie de cambios que derivaron en un adelanto significativo en el arte vocal, no sólo en el aspecto técnico del canto litúrgico, sino también en la concepción estética de la música religiosa como elemento clave para la composición de obras de carácter secular.

Refrán:

Voz antigua de origen provenzal (

refranh

=máxima o sentencia). En música es equivalente de

estribillo

.

Regal:

Registro de órgano. Corresponde al más corto de los tubos cónicos. También puede aparecer citado con los nombres de "regalía de órgano" o

"regabellum"

.

Regala: Órgano portátil. Existen varios modelos que llevaron este nombre, todos de pequeñas dimensiones. Algunos tenían un solo juego de tubos, mientras que otros -del mismo tipo pero más perfeccionados- contaban con dos o tres juegos. Su sonido era bastante agudo y el timbre metálico resultaba poco melodioso. No obstante, estuvo en uso activo como instrumento de acompañamiento, desde el siglo XV hasta el XVIII, época en que dejó de fabricarse. Ya no existen ejemplares más que en los museos.

Regalía: Denominación antigua de un registro de órgano. Ya no se suele emplear, aunque puede aparecer en algunos tratados y partituras antiguas. También se acostumbraba indicarlo con el término realejo, por relación con un pequeño órgano de la época del Renacimiento, que tenía el mismo nombre.

Regalía de biblia: Instrumento de fuelle perteneciente al mismo grupo de aerófonos conocido con el nombre genérico de regala. En la actualidad sólo existen algunos pocos modelos protegidos en museos especializados o en instituciones dedicadas a la investigación de la música antigua. Este tipo de órgano consta de una caja plana de madera, con tubos de lengüeta. Por la escasa sonoridad, su empleo era corriente para el acompañamiento de otros instrumentos en capillas o salones.

Reggae: Combinación de ritmos caribeños y estadounidenses de origen negro. En su ambientación melódica donde desempeña un papel preponderante el juego de fusiones, se perciben influencias notables de soul music, con los acentos sincopados del ritm & blues. Regiato: Acotación complementaria de tempo. Indica la necesidad del compás de espera en una cadencia melodiosa.

Registración: Vocablo que se suele emplear en la técnica del órgano, para referirse al proceso de selección y combinación de registros. Estos deben emplearse en la interpretación de una obra musical, ejecutada en ese complejo instrumento. También se suele aplicar a la técnica de ejecución del clavicordio. Es un término, poco usual en los diccionarios corrientes, que equivale a la instrumentación de la orquesta sinfónica.

Registro: Es un término que en música comprende varios significados. Las diversas acepciones tienen el mismo sentido. Todas están relacionadas con la altura de los sonidos emitidos por un instrumento musical o por la voz humana. Básicamente, al hablar de registro, nos estamos refiriendo a la división de una determinada escala de sonidos, en tonos graves, medios y agudos. Todas esas variaciones en el registro –bien sea en forma directa, o con el auxilio de diferentes elementos- son aplicables a la mayoría de los instrumentos de la orquesta.

Registro de base: Se llama así al registro de órgano de ocho pies (8'), que está justo en el centro de la escala. Mide cerca de 2,40 m y da la nota do grave. Los registros agudos, de 4' y 2', suenan una y dos octavas más alto y su longitud es la mitad y la cuarta parte del mismo. Los registros graves, de 16' y 32', suenan una y dos octavas más bajo y tienen una longitud dos y cuatro veces mayor. El tubo que lleva este nombre corresponde a la altura media normal en la voz de los cantantes del coro. Por equivalencia del sonido se llama así al registro base del clavicordio.

Registro de clavicordio: Nombre que reciben las diferentes series de cuerdas de este antiguo instrumento del siglo XIV. Cada serie de cuerdas corresponde a un registro diferente y está colocada a una octava de distancia de la siguiente. De la misma forma que en el órgano, cada uno de estos registros se pone en funcionamiento por la acción de los pedales, o bien, mediante un sistema de tiradores. Las principales equivalencias son de cuatro, ocho y dieciséis pies.

Registro de órgano: Corresponde a cada una de las series tímbricas de su escala sonora. El sistema operativo de cada registro se ubica en una consola cerca del teclado y al manipularlo también se puede modificar también la intensidad sonora. La altura del registro correspondiente a cada uno de los tubos de órgano se mide por la longitud de los mismos indicada en pies¹⁰³.

Registro de 2 pies:

Suena en la doble octava superior del registro de base.

Registro de 4 pies:

Suena en la octava superior del registro de base.

Registro de 8 pies:

Es el denominado

registro de base

. Se llama así porque está situado en el centro del teclado, con los graves a la izquierda y los agudos a la derecha.

Registro de 16 pies:

Es dos veces más bajo que el

registro de base

y suena en la octava inferior.

Registro de 32 pies:

Suena en la doble octava inferior.

¹⁰³ Medida inglesa equivalente a 30,48 cm

Registro medio: Tesitura natural de los cantantes. Suele estar situado -con aproximación de una octava- en un punto equidistante de la amplitud de voz, situado entre los extremos grave y agudo.

Registro vocal: Existen tres características relativas a la intensidad y el color de la voz. Normalmente se denominan de cabeza, de pecho y de falsete. Son equivalentes a los registros graves, medios y agudos.

Registro vocal mixto: Algunos especialistas consideran una cuarta categoría, llamada registro vocal mixto o intermedio, que comprende un espectro sonoro equivalente a dos tipos de voz. Las voces bien entrenadas logran unificar las distintas posibilidades, reuniendo las ventajas de cada una para alcanzar una voz perfecta en toda la escala cromática.

Relaciones: Característica de algunas danzas folclóricas de Argentina, donde el hombre o la mujer realizan una declamación, consistente en un verso pareado doble o una cuarteta, generalmente de condición alegre, romántica o picaresca.

Relativo: Relación existente entre dos tonalidades que presentan las mismas alteraciones determinantes de la tonalidad. Dichas alteraciones se llaman armaduras y se colocan al principio del pentagrama, cerca del signo de clave.

Renacentista: En la historia de la música universal se llama así a la época comprendida entre los siglos XV y XVI. Fue uno de los periodos más florecientes y ricos en ideas creativas, no sólo en la actividad musical, sino en todos los niveles de la expresión artística, entre ellos la composición melódica, que suele estar íntimamente relacionada en lo atañe a escuelas, tendencias o ideas filosóficas. Respecto a la historia, en general, el arte renacentista marca un hito fundamental a partir del cual se analizan o estudian las diferentes épocas, hacia atrás para comprender su relación con los postulados del periodo clásico, y en torno al presente para comprender su profunda influencia en las ideas gestadas durante las etapas posteriores.

Reparto de matices : Procedimiento de orquestación. El conocimiento profundo del efecto reservado a los matices, permite ubicarlos individualmente en la posición de cada instrumento dentro del conjunto orquestal. Se trata de una responsabilidad que corresponde tanto al compositor como al director de orquesta. La ubicación de los instrumentos por sus respectivos grados de intensidad sonora, depende de muchos factores (fluctuaciones, variabilidad, amplitud de las vibraciones, etc.).

Repetición: Es la reiteración de figuras con variación de la altura del sonido. Cuando en el pentagrama aparece indicado el signo o abreviatura de repetición, la ejecución de una melodía debe seguir de la misma forma hasta llegar a la última nota señalada con esa característica. El signo que se utiliza en la actualidad para indicar una repetición es una breve barra inclinada a la derecha entre dos puntos, igual que el signo de dividir. Antiguamente se usaban dos barras cortas y gruesas, inclinadas a la derecha. Cuando la repetición comprende dos o más compases, se puede utilizar el término bis (dos veces).

Repetición variada: Se denomina así cuando la reiteración de un fragmento musical no se ejecuta en forma exactamente igual que la original, es decir, que no se trata una repetición textual de la melodía anterior. Aunque la diferencia puede consistir en pequeñas variaciones en el modo o el tiempo, éstas no suelen ser tan marcadas como para desfigurar totalmente la melodía original.

Repicador: Tambor de cuñas tradicional en las agrupaciones musicales de Panamá. Es de menor tamaño que su hermano, el tambor pujador y tiene el sonido más alto. Se acostumbra tañer, junto con la caja redoblante, en el acompañamiento de las danzas tradicionales del país (cumbias, tamboritos, etc.).

Reque-reque: Voz onomatopéyica que sirve para denominar a un instrumento idiófono de frotación, parecido al güiro y el raspador de bambú. Tiene un sonido grave e indefinido, que se suele emplear en el acompañamiento continuo de los instrumentos de cuerdas. El reque-reque es muy popular en las orquestas folclóricas brasileñas. También se lo conoce con este nombre en Portugal.

Requiem: Composición musical religiosa, cuya representación aparece en varias óperas con un carácter complementario y esencialmente escenográfico. En latín significa "descanse". Forma parte del texto litúrgico de la misa de difuntos (Requiem aeternam dona eis, Domine=Reposo eterno, dadles, Señor).

Requinta (membranófono): Tipo de tambor del folclore musical de Venezuela, que intervienen en las bandas u orquestas de Chimbaguele. Existen dos categorías denominadas: primera requinta y segunda requinta.

Requinto (cordófono): De pequeño tamaño y sonido agudo. Pertenece a la familia de las guitarras, subgrupo de los guitarrillos españoles. Es similar al cavaquiño portugués. Posee cuatro cuerdas de metal, que se tensan mediante clavijas de madera empotradas y que normalmente suelen estar afinadas en re, si, sol, re. El requinto se emplea en el acompañamiento de grupos vocales, punteando las cuerdas con un plectro o rasgándolas con los dedos.

Requinto boricano: Es un instrumento de cuerdas, propio de Puerto Rico, que forma un bello y equilibrado conjunto sonoro con el tiple doliente y el tiplón, cordófonos con amplia difusión y popularidad en aquellas regiones. Aunque en sus orígenes procedía de las islas Canarias, el actual requinto boricano es un instrumento considerado autóctono, y como tal, ampliamente difundido en el folclore musical del Caribe. La mayoría de los modelos poseen un mástil con doce trastes cuatro cuerdas de nailon. La caja de resonancia tiene la cintura muy estrecha y la base redondeada. Su afinación media oscila alrededor de la nota si.

Resfalosa: Danza popular peruana. Según los documentos y referencias más antiguas que se conocen, data de principios del siglo XIX y procede de las regiones montañosas de aquel país (Ayacucho, Huancavélica, Junín). El verbo "resbalar", del cual deriva el adjetivo vulgar femenino (resfalosa=que resbala) se refiere a la manera de mover los pies durante el zapateo, deslizándolos hacia ambos lados al compás de la melodía. En el Perú también se llamaba resfalosa a la mujer que al bailar lo hacía contoneando exageradamente la cintura. La influencia de esta forma musical andina llega hasta el Río de la Plata, incidiendo de manera considerable en la coreografía de otras danzas similares como la Media Caña y el Cielito. Es posible que el adjetivo zamba (mujer campesina)¹⁰⁴ tenga el mismo origen. En el Perú es usual el término vulgar compuesto "zamba resfalosa" para referirse a una mujer que baila moviendo la cintura de manera provocativa.

Resolución (reproducción sonora):

Grado de fidelidad de los sonidos grabados por cualquier método de registro, con respecto a la definición del original.

Resolución (técnica de ejecución):

Paso de un acorde consonante a otro que es disonante o viceversa.

Resonancia (física): Suma de fenómenos relacionados con la existencia de armónicos en los sonidos. Es un término relacionado con la acústica, que tiene varias acepciones puntuales, en cierto modo relacionadas entre sí:
1) Efecto producido por la transmisión de los sonidos a través del aire.
2) Timbre particular que transfiere un sonido secundario, cuando acompaña a otro principal.
3) Sonido compuesto, producido por la repercusión de dos o más notas simultáneas. Los modernos estudios prestan atención especial a la resonancia natural de los diferentes materiales y su incidencia en la música producida por los instrumentos.

Resonancia (investigación): Los estudios sistemáticos sobre la resonancia y sus efectos en la música, comienzan a fines de la Edad Media. Aquellas investigaciones se ocuparon primero de las características del canto llano, para luego aplicar esos conocimientos a la parte instrumental (maderas, metales, membranas, etc.). Así surgió la ciencia que luego se llamó acústica. En la historia de la música, desde el Renacimiento hasta la época contemporánea, se pueden escoger importantes conceptos, referidos a las características físicas de la resonancia. Entre las ideas más esclarecedoras, se hallan las investigaciones del compositor francés Jean-Philipe Rameau (1683-1764) 105.

Resonancia (vibración simpática): Los cuerpos compuestos por materiales flexibles y elásticos, como las cuerdas de los instrumentos musicales pueden vibrar de manera espontánea si se someten a la influencia de otras vibraciones suficientemente fuertes y cercanas. Las cuerdas que vibran de esta manera se denominan simpáticas, están perfectamente afinadas y el ejecutante nunca las toca, pero forman parte de la melodía interpretada. Las notas obtenidas con un mínimo de acercamiento entre las cuerdas se denominan acordes de resonancia.

Resonancia (vocalización): En el canto lírico, el tipo y las características de la voz humana desempeñan un papel preponderante. La letra del argumento es la base primordial de la ópera. Sobre ella se edifica la compleja estructura de la composición musical. La poesía es, sin duda, la base melódica, por tanto, la literatura es esencia sonora en estado latente, algo así como el germen de las resonancias eufónicas que luego dan vida a la obra. Esta característica tan importante del arte lírico se puede apreciar en la obra de Serguei Esta característica tan importante del arte lírico se puede apreciar en la obra de Serguei 1953). Y una de ellas, tal vez la más acentuada es “Romeo y Julieta”.

¹⁰⁴ En el Perú se llamaba zambo o zamba a los descendientes de negro o de cualquiera de sus mezclas (mulato, tercerón, cuarterón, quinterón) pasando luego -y por antonomasia- a designar también a los campesinos mestizos, descendientes de indios.

¹⁰⁵ "Traité de l'harmonie réduite à ses principes naturels" (1722); "Génération harmonique" (1737). En esta última obra, Rameau establece una certera relación de los distintos fenómenos físicos que configuran las bases de la armonía tradicional.

Re sostenido: Nota re precedida del signo de alteración #, que asciende su valor en un semitono cromático. En la terminología musical francesa se escribe ré dièse. Equivalente de D sharp en la manera inglesa y Dis en la alemana.

Respiración (técnica instrumental): En la ejecución de los instrumentos de viento se llama así a la habilidad para coordinar los sonidos mediante el control del aire que expelen los pulmones. Consiste en la separación y dosificación armónica de los sonidos con el objeto de posibilitar la correcta comprensión del fraseo.

Respiración (técnica vocal): Es una de las bases fundamentales en el arte del canto. La correcta aplicación de las dos fases de la respiración (inspiración-expiración) incide directamente en la formación de los sonidos, regulando su volumen y separando o uniendo las diferentes frases melódicas.

Respiración circular: Técnica de ejecución basada en el soplo continuo, utilizada en algunos instrumentos de viento, como el digeridoo de Australia, o el launeddas de Cerdeña. Consiste en una forma particular de insuflación, que permite mantener a pleno la columna de aire en el interior del tubo con el objeto de lograr un sonido constante. Se trata de un método cuya ejecución requiere gran dominio de la respiración, haciendo circular el aire desde la nariz hasta los pulmones sin interrupciones para recuperar el aliento. Ya se empleaba con notable maestría en la música culta medieval y posteriormente durante el periodo del Renacimiento.

Respondón: Tambor del folclore musical venezolano, integrante de las bandas u orquestas de chimbaguele. Junto con el mayor o arriero, el cantante y el segundo, forma parte del grupo grave de cuatro membranófonos, llamados "tambores macho".

Responsorial: En la música religiosa se denomina así al libro del canto litúrgico correspondiente al oficio nocturno. Forma un conjunto con el antifonario, que corresponde a los cantos del oficio diurno.

Responso: Canto religioso de tipo ornamental que en la liturgia cristiana sucede a la lección cantada (lectionis). Su texto contiene varios cuerpos:
1) la parte principal (corpus) que es la más importante, 2) la sucesión de uno o varios versos (versiculus) cantados por un solista.
3) la repetición de un fragmento más o menos extenso de la primera parte (reclamationis). La creación polifónica española presenta una cantidad de ejemplos sumamente interesantes. El gran compositor abulense Tomás Luis de Victoria (1545-1611), discípulo y sucesor de Palestrina, elevó a su más alto rango la música religiosa renacentista con obras inspiradas en los responsos de Semana Santa¹⁰⁶.

Responsorio: Pieza musical con forma de canto en contrapunto que sucede al antifonal. De acuerdo con la tradición litúrgica, en el desarrollo del responsorio se establece un diálogo cantado entre un solista y el coro, que debe repetir sus últimas palabras a modo de estribillo.

¹⁰⁶ "Officium Hebdomadae Sanctae" (Oficios de Semana Santa para cuatro a ocho voces, 1581); "Officium defunctorum" (Oficios de difuntos para seis voces, 1605).

Respuesta: Nombre que se da al motivo de fuga que se emplea como réplica del tema principal. Es un parte melódica configurada como imitación, donde se invierten las funciones de tónica y dominante. En ese sentido, la respuesta de un motivo de fuga que pasa de la tónica a la dominante corresponde a un tema cuyo desarrollo resulta inverso, es decir, de la dominante a la tónica. De la misma manera, el tema de fuga cuyo tono es el principal, tiene su réplica en el tono dominante.

Retardo: Se llama así al sonido de un acorde que no llega a resolverse en el tiempo correspondiente y pasa al tiempo del acorde siguiente. Es un fenómeno producido por la fuerza de atracción de las notas, donde una disonancia determinada no alcanza resolverse en el tiempo débil que le correspondería, ocupando necesariamente parte del siguiente. Cuando en una melodía determinada ocurre la particularidad del retardo se produce un efecto similar al del adorno llamado apoyatura, de allí que también responda al título de apoyatura preparada.

Retardo inferior: Ocurre cuando el efecto alcanza su resolución descendiendo un semitono en la escala. Una de las formas más usuales de retardo inferior es el de cuarta, resuelto en una tercera de la nota fundamental del acorde.

Retardo superior:

La resolución se produce ascendiendo un semitono sobre la nota fundamental del acorde. Es el caso contrario del efecto producido por el retardo inferior.

Retreta: Del francés (retraite=retirada), y éste del latín (retractus). Es el toque clarinero que se ejecuta al anochecer para que la tropa se recoja a dormir. En ocasiones especiales esta función era acompañada por bandas de tambores y cornetas. No debe confundirse con el toque de retirada, que tiene el mismo nombre, pero la melodía es distinta. Antiguamente se empleaba el añafil para estos menesteres.

Retro: Apócope de retrospectivo. Es una preposición derivada del latín (hacia atrás), que sirve para trasladar al pasado el significado normal de un término. En música se utiliza con cierta asiduidad para referirse a estilos y formas pasados de moda o pertenecientes a una época determinada. En los festivales de baile retro se tiene como ejemplos al charlestón, el bugui-bugui, etc.

Retrogradación dodecafónica: Entre los ejemplos recurrentes de esta técnica se encuentran el segundo movimiento de la "Sinfonía Sinfonía 1945) y la "Suite lírica" de Alban Berg (1885-1935)¹⁰⁷. En esta obra, los primeros cuarenta y cinco compases del "allegro misterioso" se repiten a la inversa configurando una perfecta simetría dentro del espectro sonoro de la obra.

Retrogradación serial: Una de las cuatro técnicas básicas de la música serial (retrogradación, inversión de la retrogradación, inversión de los intervalos ascendentes e inversión de los intervalos descendentes). (Ver Serialismo).

Retrógrado: Término equivalente a recurrencia. Se trata de un artificio vocal propio del canto en contrapunto. Su característica estilística es la imitación de las frases melódicas en forma invertida. Fue un método rítmico y eufónico usual en el canto medieval. Reverberación: Fenómeno acústico. Es la reflexión difusa de las ondas sonoras, que alargan o dilatan la duración de los sonidos. Ese lapso debe mantener un equilibrio. Si se extiende demasiado puede provocar la superposición o encabalgamiento de los sonidos con la consecuente falta de claridad auditiva. En cambio si resulta demasiado breve resultan secos y faltos de modulación.

¹⁰⁷ "Suite lírica para orquesta de cuerda" (1925-1926).

Reverberancia (aerófonos):

Prolongación de las notas musicales en el tiempo, motivada por la reflexión de los sonidos dentro del tubo acústico.

Reverberancia (cordófonos): Como en el vocablo anterior, la acepción del término se refiere -en los instrumentos de cuerdas- al efecto de reverberación que éstas producen, conforme al orden, la cantidad y la disposición de las mismas.

Rezado: Conjunto de composiciones populares de carácter folclórico y religioso. Es una variedad musical tradicional del sur de México y Guatemala. Las bandas de rezado suelen agrupar entre diez y veinticinco ejecutantes. La plantilla instrumental básica se acostumbra formar con un par de trompetas, un barítono o Euphonium, un trombón, un clarinete, un saxofón, un bajo, un bombo, un juego de platillos y un redoblante. Entre las melodías propias de esta antigua forma musical se encuentran los rezados denominados: "de la Recolección" y "de la Concepción", inspirados respectivamente en el trabajo campesino y en ciertas tradiciones religiosas, como el culto de la Virgen.

Rhythm and blues: Grupo de formas musicales y estilos cantables propio de la población negra norteamericana. Junto con los gospel y otros cantos espirituales de origen religioso, alcanzó una gran relevancia social a mediados del siglo XIX. En la década de 1940 reapareció, como un motivo de inspiración melódica, en el ambiente del jazz y bajo las formas más o menos elaboradas del be-bop y el hard bop.

Ricercare : Vocablo italiano (ricercare=buscar) que designa un estilo de interpretación instrumental en la que predomina la improvisación, la búsqueda incesante de la melodía perfecta. La forma ricercare suele estar presente bajo distintas formas en algunos pasajes operísticos. Estuvo en auge durante los siglos XVI y XVII. En sus orígenes -durante los periodos del Renacimiento y el Barroco era una melodía de tipo popular, improvisada para laúd.

Ricercare a modo de fuga : Algunos autores dan este nombre al ricercare integrado en un episodio único, que se desarrolla al estilo normal de la fuga. En esta forma no se observan temas o motivos diferenciados, como ocurre con el ricercare tradicional. En algunos tratados musicales aparece el nombre "ricercata" (melodía buscada). La denominación corriente en español es fuga estricta.

Rigodón: Danza folclórica francesa original del siglo XVIII. Corresponde a la variedad de las contradanzas tradicionales de la región de Provenza. Su coreografía, en compás de 2/4, se baila en grupos de cuatro parejas. Su estilo original ha tenido una amplia influencia en otras danzas europeas como la muiñeira mariñana, que se baila en tiempo de rigodón.

Ripieno: Término italiano (relleno). Indica la función de complemento en una obra musical. Es la parte orquestal en conjunto, que está destinada al acompañamiento del grupo de virtuosos que actúan como solistas en un gran concierto sinfónico. El ripieno tiene un bello efecto en los conciertos de estilo barroco, donde la orquesta en pleno -compuesta por series instrumentales bien definidas- llega a complementarse a la perfección con la parte de los solistas o concertinos.

Ripresa : Parte inicial de la ballata, una variedad de canción italiana del siglo XIII, parecida al virelai francés. La ripresa corresponde a la estructura melódica del estribillo inicial, que se repite dos veces en la composición, una en la volta y otra al finalizar la melodía.

Ritardando : Término italiano (ritardare=demorar). Indica una alteración gradual del movimiento mediante la transición desde un tiempo acelerado a otro más lento. En las partituras es usual consignar "rit" (ritenuto). Por ejemplo: tempo di ballo (tiempo de danza) que pasa a tempo commodo (tiempo despacioso, sin prisas).

Ritjik: Nombre de un instrumento idiófono, oriundo de la isla de Bali, muy popular en las actuaciones musicales del sudeste asiático, Filipinas e Indonesia. Consiste en unos sonoros platillos de latón que emplean para marcar el ritmo en las orquestas de gamelang. Los platillos base van afirmados a un bastidor de madera. Para percutirlos, se emplean otros platillo sueltos que el ejecutante sostiene con las manos. También se usan en las representaciones del Gambuh (ópera balinesa).

Rítmica: Voz procedente del griego (rythmikós). Se refiere a la teoría y la técnica del ritmo, esencial en el canto y la declamación. En literatura y especialmente en poesía suele referirse al equilibrio melódico de las palabras, los acentos, los silencios, etc. La prosa también exige un cierto movimiento rítmico, favorecido por la utilización adecuada de los signos de puntuación.

Ritmo: Del griego (rythmós). Proporción existente entre el tiempo de un movimiento y otro. Es uno de los elementos fundamentales e imprescindibles de la música, junto con el compás, el acento, las pulsaciones y la tonalidad en general. Los griegos consideraban al ritmo como una de las partes activas o esenciales en la ordenación de la duración de los sonidos y los silencios. Básicamente podría decirse que sin la aplicación práctica del ritmo
-es decir, la sucesión ordenada de diferentes figuras melódicas- no se podría configurar la musicalidad de los sonidos.

Ritmo cataléctico: Del griego (katalektikós, forma derivada de katalégein=hacer cesar). En música, como en poética, se llama así al verso carente de una sílaba (generalmente la última). En el canto, esa característica no se produce por un corte repentino en el desarrollo de la frase, sino por declinación del sonido.

Ritmo da Capoeira: En portugués. Ritmo de percusión con tambores y tamboriles, a veces con raspadores de bambú u otros Idiófonos, que suele acompañar las evoluciones de la Capoeira, una suerte de danza con alardes gimnásticos típica de San Salvador de Bahía (Brasil). También se practica en Río de Janeiro.

Ritmo de tiempo:

Proviene de la exacta combinación de los tiempos, la disposición equilibrada de los silencios y la cantidad de sonidos existentes dentro de ese lapso.

Ritmo esencial: Transcripción castellana de un término alemán perteneciente a la terminología de la ópera (hauptrhytmus). Se emplea para señalar la esencialidad de un ritmo determinado dentro del contexto general de la obra. Su sentido es similar a leit motiv. Ritmo exterior: Es la relación que existe entre una sucesión de sonidos y otra. Se aplica particularmente en el ritmo de percusión donde intervienen varios membranófonos sonando en paralelo.

Ritmo gestual: Está vinculado con la música cuando ésta se exterioriza a través del movimiento. Esta particular relación puede apreciarse en dos ejemplos clásicos, como los pasos de la bailarina de ballet o las manos del director de orquesta.

Ritmo interior:

La relación que surge del tiempo interno, es decir, la respectiva duración de cada uno de los sonidos que componen un compás.

Ritmo isócromo: También se dice ritmo de acento. Se produce cuando una combinación apropiada de pianos y fortes logra imprimir su movimiento a una determinada composición musical afectando de alguna manera a sus tonalidades.

Ritmo melódico: Cadencia, sucesión armoniosa de los sonidos. En música define la proporción de los tiempos que gobiernan cada movimiento. El ritmo melódico se produce a través de las respectivas duraciones de las notas y de los puntos de apoyo de cada una de ellas. Se dice que la poesía es musical cuando la sucesión de versos tiene el acento rítmico similar a una melodía. El significado más amplio de este vocablo comprende también la idea de armonía, cláusulas, combinación de voces y pausas. Por tanto, fluye como sinónimo de música. Rythmós en griego es un derivado del verbo fluir.

Ritmo métrico:

Es el ritmo que rige únicamente por unidades fijas de tiempo. Se mide con el

metrónomo

.

Ritmo verbal: Es el acento que surge en el momento de entonar una frase melódica. Se debe a las diferentes inflexiones procedentes de la garganta del cantante al ir modulando los sucesivos sonidos de cada una de las palabras que componen la frase.

Ritmómetro: Aparato electrónico que permite marcar la división de los compases y tiempos musicales. Un lejano antecedente mecánico, que cumplía las mismas funciones, fue inventado en París a fines del siglo XVIII.

Ritmopea: Vocablo compuesto proveniente del griego (rythmós=ritmo y poieoo=componer, hacer). Conjunto de preceptos que en música ordenan la medida y el ritmo de la melodía. Estas leyes son también aplicables a otras formas expresivas como la poesía, el teatro, la declamación y la oratoria.

Ritornelo:

Forma castellana del término italiano

ritornello

.

Ritornello (instrumental): Término musical italiano (pequeño retorno). Es un derivado del verbo retornar o volver a empezar una melodía. Se trata de una composición instrumental breve que sirve como preludio o final a una pieza cantada. Si el ritornello se produce al iniciar la composición, también cumple la función de introducción.

Ritornello (vocal): En la canción clásica es un tema o frase musical que se interpreta cuando calla la voz. En los madrigales cumple la función del estribillo. En algunas óperas esta parte se puede repetir al finalizar el canto de un aria.
Robao: También conocido como fandango de Baza. Es una danza popular de Andalucía, típica de la provincia de Granada. Su característica más saliente es la coreografía barroca y el colorido de los trajes tradicionales que se utilizan para interpretar la danza. Suele acompañarse con acordes de bandurrias y guitarras.

Rockabilly: Corriente del rock and roll original, surgida en el sur de los Estados Unidos, que sólo era interpretada por cantantes y músicos blancos. Tuvo numerosos cultores que alcanzaron la fama en forma independiente (Rickie Nelson, Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, Elvis Presley, etc.).

Rock and roll: Estilo musical norteamericano, con ritmo de 4/4, nacido de la fusión de dos corrientes musicales de honda trascendencia: la música popular de origen blanco (western, country, hillbilly, etc.) y la esencia del folclore negro (blues, thytm and blues). El nombre fue creado en 1952 por un locutor radial de Cléveland para anunciar un programa de música negra. La denominación carece de traducción literal directa. La primera corresponde a una de las siete acepciones del vocablo inglés rock (sacudimiento, convulsión), mientras que la segunda roll (movimiento, balanceo). Ambas expresiones corresponden a la idea de movimiento que transmite el rock and roll. Numerosos cultores como Bob Didley, Chuck Berry o Little Richard- crearon una forma mucho más movida que el rockabilly. A esta versión se suele llamar el rock and roll negro.

Rock inglés: Estilo musical de carácter melódico. También llamado british beat. Fue una de las tres corrientes musicales más importantes del movimiento pop internacional, durante la segunda mitad del siglo XX. El estilo adquirió un carácter propio, al quedar instaurado definitivamente con la aparición del grupo inglés “The Beatles”. Sus integrantes, poseedores de un extraordinario talento, dirigidos y coordinados por Brian Epstein, ejercieron gran influencia en la música del momento: John Lennon, vocalista, guitarrista y coautor de la mayoría de las letras del grupo; Paul McCartney, bajo, vocalista y también autor de letras exitosas; George Harrison, autor y guitarrista, y Ringo Starr (Richard Starkey), encargado de la batería y vocalista. En 1959, surgieron, en Londres y otras ciudades del Reino Unido, diferentes conjuntos que seguían una misma corriente melódica. Entre ellos, el magnífico grupo “The Quarrymen”, que sería unos de los más destacados precursores del rock inglés, y cuyo relevo sería luego tomado por formaciones de renombre mundial, como “The Rolling Stones”, que persistieron en el tiempo, a través de sucesivas renovaciones estilísticas e individuales. Las otras dos corrientes del movimiento pop internacional -equiparables al rock inglés- fueron el multitudinario rock and roll, surgido durante la década de 1950 y el movimiento disco sound, de 1970, ambos de origen norteamericano.

Rock-punk: Estilo de música pop, alineada con las grandes corrientes de vanguardia. En particular con el movimiento inconformista, surgido en Inglaterra, durante la década de 1970. Se caracteriza por la combinación de sonidos discordes y estridentes. Es una mezcla del rock tradicional norteamericano con los ritmos cacofónicos, propios de la música punk británica.

Rococó: Voz derivada del francés (rocaille=rocalla). Fue una corriente de la arquitectura y las artes decorativas, cuya denominación pasó a la música por su relación con la época y el ambiente. Fue un tiempo de transición para la composición musical, particularmente dentro del clasicismo, donde predominaba el estilo galante. En Francia, corresponde al reinado de Luis XV (1710-1774). En forma particular, destacan en este periodo la creación de obras para piano y la ópera bufa. Los decorados, trajes y otros detalles plásticos del medio operístico también respondían a esta moda.

Rodillera: Antiguo mecanismo, destinado al cambio de los registros del clavicordio. y el piano primitivo. Su utilización práctica -que data del siglo XVIII- permitía pasar de una a otra tonalidad sin quitar las manos del teclado. Lo accionaba el ejecutante con el auxilio de una correa de cuero, ajustada mediante una fíbula, a una de sus rodillas, de allí su nombre. Con el avance de la técnica, dedicada a la construcción de instrumentos de teclado, pronto se cambió el artilugio de rodillera por uno más avanzado. El nuevo sistema estaba provisto de un panel de mando con botones manuales, como en el órgano actual, Este método resultaba más rápido y preciso, aunque durante un par de segundos el intérprete debiera apartar los dedos de las teclas. Finalmente, a principios del siglo XIX, comenzó a popularizarse el uso de los pedales.

Rojok: Instrumento de viento, también llamado “trompa de los eslavos”. Es el nombre tradicional de un caramillo rústico, con sonido potente y llamativo, utilizado por los campesinos o pastores rusos. Suelen fabricarlo con madera de enebro, arce o abedul, con tres medidas básicas, que corresponden a sus respectivas tesituras:

- Rojok bajo (bassok) medidas: 70 a 80 cm
-Rojok alto (poloubassok) medidas: 40 a 50 cm
-Rojok soprano (vizgounok) medidas: 35 a 40 cm

Es un aerófono muy popular en la provincia de Vladimir (Rusia central), donde puede aparecer citado con la denominación local de ragiok. Suelen tañerlo en solitario, formando conjuntos de varios instrumentos en tesituras combinadas (rojki) o integrando la plantilla de las orquestas populares.

Rölmo: Platillos de cobre repujado o labrado a martillo, de uso corriente en los monasterios tibetanos. Existen varios tipos. Los más usuales tienen un diámetro considerable, con una protuberancia redonda en el centro y los bordes gruesos, decorados con dibujos rituales, cincelados o pintados al esmalte. El sonido natural de este idiófono es profundo y reverberante, parecido al tañido de las grandes campanas occidentales. Su propio diseño, unido a un preciso juego de golpes, más o menos acentuados, le permite combinar de manera armoniosa los sonidos de alta y baja intensidad, prolongando asimismo el tiempo de cada compás y la duración de los ecos. Existe una gran variedad de platillos de este tipo, pero de menor diámetro, que se emplean en el acompañamiento rítmico de las danzas ceremoniales. Estas versiones más reducidas se suspenden del brazo del ejecutante mediante una correa de cuero. Para efectuar los golpes se recurre al auxilio de un macillo de madera cuyo núcleo percutor va forrado en piel o seda. Otros idiófonos de la familia del rölmo también se suelen emplear en las procesiones del ritual budista.

Rollo: Instrumento litófono. Conocido en la región de las Urdes (Extremadura). Consiste en un par de piedras de río planas y largadas que el ejecutante emplea con destreza a modo de castañuelas para acompañar composiciones típicas. La correcta elección del tipo de piedra permite obtener sonidos graves o agudos y de mayor o menor intensidad.

Romance (lingüística): La lengua original de la ópera fue la toscana, que se hablaba en la ciudad de Florencia, a fines del siglo XVI. Cuando la camerata fiorentina de Vicenzo Galilei estableció por primera vez su forma lírico-dramática llevando a la escena los prodigios del bel canto, se decía que su lenguaje natural debía ser el romance. Esta voz se emplea para definir a una forma vulgar, proveniente del latín (romanicus/romanice=al modo romano). En la actualidad se denomina así a los idiomas modernos, formados con la raíz de la lengua latina, difundida en gran parte de Europa por las conquistas del imperio romano. Entre otros idiomas que reconocen este origen, se encuentran el italiano, el francés, el portugués, el catalán y el castellano. Sin embargo, en el transcurso de más de tres siglos, las grandes creaciones operísticas se han llegado a difundir en la mayoría de los idiomas cultos del mundo.

Romance (lírico): Su acento y formas expresivas han tenido una perceptible influencia en las primeras óperas italianas. Muchos romances populares han surgido y se han preservado a través de la tradición oral. El romance tradicional es una combinación métrica, compuesta por una cantidad indefinida de versos octosílabos, con los pares asonantados y los impares libres. El romance breve o sucinto debe estar formado por versos de arte menor y el heroico por endecasílabos. Se denominan romances antiguos a los escritos antes del siglo XIV, considerándose modernos a los que pertenecen al periodo posterior al año 1500. Dentro de la música popular española es de recordar el romance lírico "Capote de grana y oro", de Rafael de León, interpretado por Juanita Reina (c. 1950).

Romance (musical): Equivalente en francés del término romanza. Es un vocablo musical derivado del castellano. Se emplea para designar la melodía compuesta sobre la base original de un texto literario.

Romancero: Conjunto de romances musicalizados. Suele constituir un grupo armónico en el que interviene tanto la música como la letra, aunque el hilo conductor siempre gira en torno al tema melódico.

Romancesco: Vocablo relacionado con la clasificación de los diferentes géneros literarios que intervienen en las letras de ópera. El estilo romancesco es una forma de narración extensa -poético-novelesca- escrita con versos octosílabos, en los que se combinan los impares libres con los pares que tienen la misma asonancia en todo el texto.

Romanesca: Nombre antiguo de la gallarda, danza popular del siglo XVI. Era un estilo musical en tres tiempos, con movimiento vivo, que normalmente se interpretaba en contraste después de una pieza más grave, como la pavana.

Romanticismo: Escuela artística y literaria que surgió en Europa a mediados del siglo XIX. Su temperamento, opuesto a los preceptos del clasicismo, demuestra una gran inclinación hacia las ideas fantásticas, la grandeza del espíritu y el sentimentalismo. La ópera tiene muchos ejemplos de esta filosofía vital, llevada con éxito tanto al campo de las letras como a la experiencia lírica. Entre los grandes maestros del romanticismo pueden citarse los nombres de Franz Liszt, Robert Schumann, Fréderic Chopin, Karl Maria von Weber, Richard Wagner. Aunque algunos tratadistas consideran a Félix Mendelsshon entre los precursores del neoclasicismo, como Johannes Brahms, ambos compositores dejan entrever una importante influencia del romanticismo que influyó directamente en el contexto global de sus respectivas obras.

Romanza: Vocablo de origen italiano, que equivale a romance cantado. Se emplea generalmente para designar a una serie de composiciones musicales breves, como la balada, la serenata, la canción operística y también ciertos poemas escritos para ser entonados con acompañamiento instrumental. Una de las más bellas y armoniosas romanzas, compuestas para ópera, es la del primer acto de Aída, de Verdi, con libreto de Antonio Ghislanzoni; cuando el tenor, que interpreta a Radamés, capitán del ejército del faraón, canta: "Celeste Aida, forma divina, mistico serto di luce e fior, del mio pensiero, tu sei regina...". El musicólogo alsaciano Jean-Baptiste Weckerlin (1821-1910), autor de notables trabajos de investigación sobre la canción popular francesa, fue, además, compositor de una admirable serie de romanzas y de un interesante catálogo bibliográfico de obras e instrumentos musicales de la época.

Romanza de salón: También llamada cantar de sala, fue una variedad de composición instrumental española, típica del siglo XIX, cuya procedencia puede hallarse entre los elementos propios de la sonada del siglo XVII. Difiere de ésta en la particularidad de que también se puede acompañar con el canto. En diversos tratados de armonía se incluye este tipo de composición dentro del concepto general del lied.

Romanza para soprano: Pieza musical con poesía romántica, creada para las cuerdas femeninas de timbres mediano y agudo. Su composición es un ejemplo muy acertado de la combinación de variantes vocales y pianísticas. Este tipo de romanza se complementa admirablemente con las tesituras más puras del virtuosismo interpretativo. La voz femenina posee delicados colores, muy apropiados para las distintas condiciones del argumento operístico. Las tonalidades más usuales en la romanza para piano son soprano lírica, soprano dramática y soprano ligera.

Romanza sin palabras: Composición melódica sin letra, escrita para ser interpretada especialmente en piano. En la ópera bufa se la utiliza para acompañar con su ritmo ciertos pasajes breves, que tiene acción, pero no parlamento. Una serie de treinta y seis composiciones para piano, del compositor germano Felix Mendelssohn (1809-1847), llevan ese nombre. Este conjunto de melodías, compuesto entre 1832 y 1845 y editado en seis libros, comprende las famosas barcarolas.

Romanzo della Rosa : Poema alegórico medieval, arreglado y musicalizado en el siglo XVI, con la inclusión de distintos personajes. Su estilo y detalles constructivos se asemejan a la configuración de una ópera primitiva. La versión original de Guglielmo de Lorris y Giovanni di Meung, está comprendida en dos actos. La versión arreglada es anónima.

Romboidal:

Forma de notación proporcional de la Edad Media que fue evolucionando hasta ser sustituida en el siglo XVI por el actual sistema.

Romeras:

Cantos de romería. Grupo de danzas y cantos pertenecientes al folclore regional de Andalucía.

Roncón: Tubo de la gaita gallega. Va conectado al odre o fuelle del instrumento y cumple la función del bajo. También se le suele llamar bordón. Algunos modelos de cornamusas utilizan dos roncones que hacen resonar la fundamental y la quinta. En la gaita de boto aragonesa, el roncón está formado por dos partes: el tubo bordón, propiamente dicho, y el tubo regulador, que se acoplan encajando uno dentro del otro. El extremo del roncón, denominado copa, adopta una forma globular, con las paredes finas, que hace las veces de cámara de resonancia.

Ronda: Estilo de danza en conjunto, donde los participantes configuran un círculo cerrado, tomados de las manos o la cintura, dando vueltas y cantando al unísono. Es una de las formas de baile más antiguas y primitivas. Se encuentra como ejemplo de coreografía en la mayoría de las culturas del mundo. Durante la Edad Media ya se conocía con el nombre popular de chorea (danza acompañada por la música de un coro). El movimiento circular de la ronda se realiza mediante el paso llamado de vuelta en el cual los danzarines giran hacia uno u otro lado, siempre avanzando y retrocediendo un paso al compás de la música. Aunque la ronda es una forma de paso de vuelta, ésta no siempre responde a las características de giro cerrado. Entre los ejemplos más tradicionales -del cual han derivado muchas danzas de este tipo- está el carol, una forma de canción polifónica de origen británico, equivalente a los villancicos de Navidad. Existen distintas variantes de ronda, que puede ser individuales en grupo (masculinas, femeninas, mixtas, de carácter ritual, con número determinado de participantes, etc.).

Rondador: Instrumento musical perteneciente al folclore sudamericano (Colombia, Ecuador y norte del Perú). Corresponde a la familia de las flautas compuestas por tubos o canutos de caña, como la típica zampoña incaica, también conocida por los aborígenes aimaras con el nombre de siku. En todo el continente americano hay una gran diversidad de instrumentos pertenecientes a esta serie, cada modelo adaptado al tipo de melodía tradicional en la región de la cual provienen. Como ocurre con la serie de las antaras de Bolivia, el rondador es técnicamente medio instrumento, debido a que sólo puede alcanzar la mitad de la escala cromática. Por lo tanto, debe contar con una flauta igual, afinada en el siguiente segmento de la escala, de tal forma que dos tocadores experimentados y hábiles en su ejecución, cada uno con su media escala, se complementan alternando hábilmente los sonidos.

Rondalla (grupo instrumental): Se suele emplear en el acompañamiento de la jota, particularmente en la región de Aragón. Posee una variedad de instrumentos típicos que son usuales también en la composición de las tunas o estudiantinas (guitarra, guitarrillo o bandurria, mandolina, castañuelas y panderetas, etc.). Por antonomasia, también se llama de esta manera a la ronda musical nocturna conocida con el nombre de serenata.

Rondalla (glosador): En algunas comarcas aragonesas se llama así al intérprete, rapsoda o cantante que suele anunciar, de manera poética, la ejecución de las diferentes melodías tradicionales que integran un espectáculo musical.

Rondeau: Forma poético-musical francesa, derivada del latín (rotundus=redondo). Se emplea para definir una forma antigua de baile y canción del siglo XIII. Tuvo una amplia divulgación y numerosas variantes, todas surgidas bajo su inspiración. La versión más usual desde la Edad Media era una pieza monódica breve y destinada al acompañamiento de ciertas danzas populares. Su partitura solía estar configurada por una sola frase musical que se dividía en dos partes. La característica residía en la repetición de los estribillos, que se alternaban con estrofas de versos distintos pero con la misma rima y melodía. Entre los se alternaban con estrofas de versos distintos pero con la misma rima y melodía. Entre los 1377) y Jeannot de Lescurel.

Rondel: Estilo poético-musical de la Edad Media. Su principal característica reside en la alternancia entre la estrofa y el estribillo. El vocablo también puede aparecer escrito en versión latina (rondellus). Se empleaba antiguamente (siglos XV y XVI) como letra apropiada para algunas composiciones instrumentales breves. El rondel está directamente relacionado con la forma literaria del rondó. Algunos ejemplos proceden del francés (rondeau). Su variedad cantable presentó una gran diversidad de formas que fueron variando a través del tiempo, siendo usuales los estribillos ligeros que enfatizaban el sentido de las estrofas.

Rondeña: Composición musical, típica del folclore de Andalucía. Es originaria de la localidad malagueña de Ronda. Existen varias modalidades. Una de ellas consta de tres tiempos como el fandango. Pertenece al mismo estilo que los ritmos de danza granadina y verdiales.

Rondets de carol: Variedad antigua de villancico, cuya letra guardaba una cierta relación con la forma tradicional del rondó. Algunas versiones breves, de los siglos XVIII y XIX, son simples piezas monódicas destinadas al canto religioso. A menudo se suele confundir con la forma poético-musical del rondeau, que procede del mismo origen

Rondín: Aerófono popular de madera, similar a quena, pero con lengüeta de metal. Pertenece al folclore musical andino (Perú, Bolivia, Ecuador). Existen varios modelos con pequeñas diferencias constructivas, propias de cada región. El sonido es suave y dulce.

Rondino: En italiano (breve rondó) Es un término musical de carácter descriptivo aplicado a un tipo de composiciones eminentemente instrumentales. Existe un ejemplo típico en la obra de cámara de Ludwig van Beethoven (Rondino en mi bemol para dos oboes, dos clarinetes, dos trompas y dos fagots. Op.142).

Rondó (instrumental): Esta variante musical se emplea especialmente en la caracterización de ciertas danzas cortesanas, a las que se integra con plenitud, adaptando su propio temperamento. Se pueden citar como ejemplos clásicos de tal particularidad al minué o la gavota en rondó. En su condición de elemento singular, esta fórmula instrumental aparece en la obra de Mozart entre 1776 y 1791, como uno de sus temas preferidos, que resaltan como los más bellos ejemplos de un notable equilibrio cromático¹⁰⁸. Beethoven realizó ciertas modificaciones al primitivo rondó dándole forma de sonata. En su caso introdujo variantes en los estribillos, otorgando al último la condición de reexposición del tema. Otra manera singular, dentro de esa amplia diversidad del rondó instrumental, se puede apreciar en el poema sinfónico de Richard Strauss "Las aventuras de Till Eulenspiegel". La forma rondó -que ya se conocía desde el siglo XIIIalcanzó su mayor brillantez creativa durante el siglo XIX, con las obras de Chopin y Mendelssohn.

Rondó (lírico): Define a una variedad de composición musical dispuesta esencialmente para el canto. La forma consiste en un motivo melódico central que se va repitiendo de manera alternada con otros temas vocales secundarios de carácter más ligero. El trovador medieval francés Adam de la Halle (1240.1286) escribió catorce rondós en el estilo polifónico de la época. Su creación lírica "Les jeux de Robin et Marion", considerada como uno de los antecedentes más representativos de la ópera cómica, contiene pasajes que recuerdan la forma vocal del rondó. Por lo general, en esta variedad musical la estrofa suele adoptar la forma de un largo recitativo, en contraste con los estribillos, que muestran un estilo mucho más ágil y de inspiración popular. Siglos más tarde, esta fórmula fue empleada por los grandes compositores franceses del siglo XVII (Rameau, Lully, etc.).

Rondó (poético): Voz de imitación fonética, derivada del término francés (rondeau=letrilla). Su etimología está relacionada la poesía lírica (rondel=poème). Suele aplicarse en las letras de óperas románticas.

¹⁰⁸ "Rondó concertante en si bemol mayor" Opus K269 (fórmula alternativa para la Opus K207); "Rondó en concierto en mi bemol mayor para trompa" Opus K371; "Rondó en fa mayor" Opus K494, (movimiento empleado como parte final para Opus K533); "Rondó en do menor-mayor para armónica, flauta. oboe, viola y violonchelo" Opus K617.

Roneat-dek: Metalófono típico de Camboya. Es uno de los instrumentos tradicionales en la música jémer (khmer). Forma parte de las orquestas llamadas pinpeat. Estas formaciones instrumentales suelen acompañar las ceremonias religiosas y las danzas reales. La caja de resonancia es bastante amplia, de madera dura y parecida a una gran cuna, decorada con incrustaciones de nácar. Tiene 21 láminas de bronce ordenadas por escalas pentatónicas con sonoridades brillantes y cristalinas que se complementan a la perfección con las respectivas gamas de los otros instrumentos de su serie. El ejecutante se sienta en el suelo y percute las planchas con la ayuda de un par de martillitos del mismo metal

Roneat-ek: Xilófono agudo. El sonido brillante melódico y acompasado del roneat-ek es un elemento indispensable que marca el ritmo y dirige las melodías que ejecutan los demás componentes. Está provisto de 21 láminas de bambú o teca que se tañen con baquetas. Esas láminas están ordenadas por escalas. Su sonido relativamente alto, tiene una extensión de más de tres octavas.

Roneat-thung:

Xilófono grave, de la misma familia y procedencia que los anteriores. Tiene 17 láminas de madera con sonidos opacos y secos, de alto contraste con el

roneat-ek

.

Ronquete: Denominación común del tubo menor de la gaita. También conocido con los nombres de bordoneta o tenoreta. Normalmente suele dar la nota tónica de la escala del tubo medio o clarín. El extremo de este tubo cilíndrico tiene una cámara de resonancia de forma globular y en el lado opuesto, junto a la inserción en el cepo, está la lengüeta, que puede ser simple o doble según el tipo de instrumento.

Rosario de la aurora: Ceremonia religiosa cantable, con acompañamiento instrumental, que se lleva a cabo durante las horas del amanecer y en la que suelen intervenir ciertas expresiones típicas del cante andaluz, como las coplas de campañilleros, de estilo aflamencado, cuya letra generalmente aborda temas místicos y tradicionales de la liturgia cristiana.

Rota (arpa): Del francés (rote). Instrumento musical de origen galo, de pequeño tamaño, que se empleaba en las iglesias del medioevo para acompañar los coros. Tenía la forma de un triángulo con dos de sus lados iguales y treinta órdenes de cuerdas. Era muy similar al crouth de los pastores galeses.

Rota (cadencia): Contraste de tonos formado por una variante en el perfecto encadenamiento de las notas que integran la cadencia perfecta. En la práctica se suele sustituir el acorde de tónica por otro, variando de esa manera la sucesión armónica entre los sucesivos grados de esa figura musical. La cadencia que se rompe mediante el uso del grado superior a la dominante, produce un impacto sonoro cuyo efecto posee una gran fuerza en el desarrollo de la melodía. Se suele emplear en la composición de la música descriptiva.

Rota (forma vocal): Estilo cantable de la Edad Media, al que también se conoce con la denominación de canon. En algunos tratados antiguos puede aparecer con su denominación latina rotundellus (rondó).

Rota (salterio): Del italiano (ruota=rueda, apócope de organillo a rueda). También puede aparecer el término rotta, pero es una forma incorrecta. Se trata de uno de los instrumentos más antiguos, entre los cordófonos de mecanismo complejo. Los primeros ejemplares conocidos datan del siglo IX y corresponden a la familia del salterio. Los salterios de rota más usuales tenían siete cuerdas, que se punteaban con los dedos, o mediante la ayuda de un plectro. La primera descripción técnica data del año 868 d. C.. En el siglo XI se le aplicó una serie de mejoras, entre ellas, un sistema mecánico compuesto por una rueda que actuaba sobre las cuerdas por frotación. De allí procede el nombre con el que ahora se conoce a este raro instrumento. Es posible que el organistro del Renacimiento proceda de este instrumento medieval.

Rotundellus: Denominación latina del rondó. Aparece en varios tratados para designar el origen medieval de esta antigua forma poética y musical. La variante castellana, a su vez, es derivada del término francés del siglo XIII (rondeau).

Round:

En inglés (3ª. acepción: ronda). Nombre de una danza británica del siglo XVII, cuya coreografía se llevaba a cabo formando un círculo cerrado de bailarines.

Rubato: Denominación musical proveniente del italiano. Su significado literal es "tiempo robado". Se trata de un leve cambio o variación en el ritmo normal de una melodía, acelerando unas notas y ralentizando otras. Esto se logra con pequeños avances o retrasos en el tiempo normal de cada compás y su propósito es acentuar la capacidad expresiva del sonido instrumental o la voz humana, sin descompensar el movimiento rítmico. La difícil técnica del tempo rubato fue practicada con perfección por los grandes maestros del barroco, como el compositor y cantante italiano Giulio Caccini (1545-1618), o el flautista Johann Joachim Quantz (1697-1773), autor de más de 300 conciertos para este tipo de aerófonos. Es una indicación de ejecución bastante usual también en la técnica del bel canto.

Rubebe:

Voz de origen incierto. También llamado

rebec

o

rebecú

. Es un cordófono de pequeño tamaño, con cuerdas de metal. Procede del

rabab

de los árabes.

Rubel: Instrumento idiófono por frotación. Consiste en una tabla angosta con estrías -como los antiguos batidores de las lavanderas- que se raspa con la ayuda de un macillo de madera dura. Produce un sonido estridente y continuado, que se emplea para marcar el ritmo en algunas melodías. El rubel o roubel pertenece al folclore tradicional del pueblo ruso. Algunos ejemplares suelen decorarse con tallas y pinturas inspiradas en motivos regionales.

Rueda: Del latín (rota). Corro o círculo que se realiza de manera alternativa en la coreografía tradicional de algunas danzas folclóricas, como la sardana de Cataluña, el pericón de Argentina, la tarantela napolitana, etc.

la palabra sonido, que expresa la idea de vibración dotada de Técnicamente algunas formas vanguardistas, pertenecientes a contemporánea responden a la primera definición. Dentro del amplio espectro de la música techno, esa división resulta imprecisa o por lo menos muy relativa y por cierto, subordinada a la apreciación subjetiva del oyente.

Ruido: Vibración sonora cuya frecuencia es irregular. Es lo opuesto al sentido estricto de frecuencia regular. la llamada música

Ruidófono: También llamados autorresonadores. Son elementos susceptibles de producir un sonido determinado, aunque sin posibilidad de modulación ni variación en la altura o el timbre. Generalmente se trata de pequeñas piedras o semillas introducidas en el interior de las cajas de resonancia de instrumentos simples, como las maracas, los cascabeles o algunos idiófonos del tipo de la marímbula, tradicional en Cuba y otras islas del Caribe. También pueden llevar ruidófonos en sus cajas de resonancia el ambira, de Mozambique; el kongoma, de Sierra Leona y el deza, popular en África del Sur. El roce de los ruidófonos en el interior de las cajas de resonancia produce un sonido constante que hace las veces de bajo en la interpretación de melodías sencillas.

Rumba cubana: Danza popular de la isla de Cuba. Con mucho ritmo y efectos de percusión. Su área de difusión alcanza otros países del Caribe. Tiene una gran influencia de los ritmos africanos. Su coreografía es múltiple y compleja. En ella interviene una variedad de estilos tan variados como el guaguancó, la columbia y el yambú.

Rumorarmonio: En italiano (armonizador de ruidos). Otro de los instrumentos futuristas creado en 1922 por el músico y pintor italiano Luigi Russolo (1885-1947). Consistía en la combinación de una serie de equipos intonarumori conectados a un mecanismo de teclado. Russolo intentó coordinar, mediante un sistema único de mando, a una gran variedad de ruidos eléctricos, modulándolos a través del espacio sonoro. Los sonidos modulados se distinguen de los ruidos aislados por las vibraciones que aquellos producen, tanto en lo que respecta a la intensidad, como al timbre o a la duración. Los sonidos emitidos por el rumorarmonio -combinados con el equipo intonarumori- se distinguían por la diversidad de tonos y acordes, en los que predominaban las vibraciones irregulares. El concepto esencial de la orquesta futurista se apoyaba en la idea de que la emisión de los ruidos debían sujetarse a una forma de interpretación creativa, procurando siempre la mayor expresión emotiva a través del goce acústico en sí mismo¹⁰⁹. El rumorarmonio fue presentado al público en París, en 1929, por el célebre compositor francés Edgard Varèse.

Rumba flamenca:

Danza perteneciente al folclore regional de Andalucía. Es diferente a la de la rumba del Caribe. El estilo de la rumba flamenca es típicamente gitano.

Rusga: Conjunto instrumental típico de Portugal. La configuración de estos conjuntos le otorga una marcada personalidad dentro del panorama artístico lusitano. Los cordófonos esenciales en toda celebración de la rusga son el cavaquinho, la viola braguesa y el violón. En la percusión destacan el tambor, los ferrinhos, pequeñas barras de metal de distinto tamaño, y el reque-reque, un raspador. En Brasil existen agrupaciones musicales similares, llamadas rusgueiras; que muestran una marcada influencia portuguesa.

Rusga minhota: Grupos festivos típicos de las romerías portuguesas. Poseen pasos de danzas y melodías propias, que representan en procesiones religiosas y otras celebraciones populares.

Rusticano: Nombre de una variedad de flautín de madera de cinco agujeros que se emplea en el sur de Italia. En realidad este vocablo se refiere a la falta de pulimiento y también a un carácter rudo y carente de buenos modales. Esta forma de ser fue un modelo de la vida real para los creadores del verismo. El argumento de ópera más importante que define el estilo y lo lleva por título es "Cavalleria rusticana" de Pietro Mascagni.

¹⁰⁹ Russolo, Luigi: 1ª Edición:“L’Arte dei rumori”. Edizione Futuriste, 1916.“El Arte de los ruidos” Publicación del Centro de Creación Experimental, Cuenca, España, 1998.

-S-

Sabar: Familia de tambores africanos, típicos de la región de Cassamace, en el sur de Senegal. También se conocen en Gambia y Guinea. Existen en distintos tamaños y tesituras. Cada ejemplar puede resonar en contrapunto con los demás, formando una agradable combinación rítmica.

Sacabuche: Trombón francés. Instrumento musical de la familia de los aerófonos de metal. No se conoce con certeza la etimología de este vocablo. Algunos musicólogos y tratadistas consideran que proviene del galo "saquebute". Apareció en España en el siglo XVIII y se siguió utilizando, con ligeras variantes, hasta principios del siglo XX. Su aspecto y forma de ejecución es similar al trombón de varas. Los tubos extensibles de metal permiten variar la tesitura de acuerdo con las exigencias de la melodía. En algunos lugares Hispanoamérica se llama así a un instrumento musical autóctono, bien distinto, parecido a la zambomba.

Sac de gemecs: En catalán (saco de gemidos). Instrumento de viento de la familia de las gaitas o cornamusas. Es un nombre folclórico que comparte popularidad con otras denominaciones no menos curiosas, como catarineta (catalinita) o xeremia, variante de una voz onomatopéyica (chirimía).

Sa curta: En lengua balear (la corta). Nombre de una danza tradicional de las islas Pitiusas (Ibiza y Formentera) con ritmo alegre y vivaz. En su acompañamiento musical suelen intervenir flautas, bandurrias, tamboriles y castañuelas. Junto con la versión más extensa (sa llarga) configuran dos de los ejemplos más típicos y coloridos del folclore español. La coreografía, basada en la relación de la pareja, presenta a la mujer casi inmóvil en el centro, mientras el hombre danza en torno a ella, en un remedo simbólico del cortejo amoroso.

Sadêo: Nombre original de un instrumento monocorde tradicional del reino de Camboya. La caja de resonancia se construye con una calabaza. Es uno de los cordófonos típicos más antiguos de aquel país. Suele formar parte de los conjuntos de cuerdas y viento que acompañan la representación de danzas populares, especialmente en las provincias de Sienreap o Takeo.

Saeta: Copla que se canta a cappella durante las procesiones de Semana Santa. Es una variedad del cante flamenco, tradicional en gran parte de España, especialmente en la región de Andalucía.

Saetilla:

Copla breve de cante flamenco, escrita en versos de modo menor. Antiguamente se la llamaba

monostrofe

o

cantinela

.

Sagardantza: Baile de ronda del País Vasco, muy popular en las pedanías del valle de Caytán. Su nombre, que en lengua vascuence significa "danza de las manzanas", se debe a la particular coreografía, en la que las mujeres llevan cestas con estos frutos, cantando y moviéndose al ritmo de la composición en torno de los hombres que representan con sus gestos el símbolo de las faenas rurales. Su origen corresponde a un antiguo género musical relacionado con las fiestas religiosas dedicadas a la fecundidad de la tierra. Saika: Modo musical de origen árabe. Su base es la nota si. Es similar al modo llamado hiperlidio, forma de entonación melódica de los antiguos griegos. El saika tiene un aire de lamento, equivalente al cuarto tono del canto llano.

Sainete: Pieza dramática de carácter popular y espíritu jocoso -a veces crítico o burlesco-. Suele acompañarse con partes musicales intercaladas en el transcurso del libreto. Generalmente se desarrolla en un solo acto.

Sainete lírico:

Variante del

sainete

tradicional, cuya característica es esencialmente musical, con predominio de las partes cantadas: (arias breves, canciones coreadas, etc.).

Salacia: Nombre de una flauta que usaban los marineros del Mediterráneo oriental, para guiar sus naves entre la bruma, o durante las horas nocturnas. Su sonido era agudo y estridente, como el de un silbato de señales. Algunos vestigios arqueológicos demuestran su empleo desde la antigüedad, especialmente en el norte de la isla de Chipre y en las costas del Cercano Oriente (Iskenderun, Latakia, etc.). La cita el poeta trágico latino Marco Pacuvio (Siglo II a.C.). Cicerón llamó Salacia a una deidad del mar.

Salacil: Crótalos de bronce o cobre que usaban los árabes. Se conoce la existencia de algunos ejemplares fabricados en plata y marfil, con los bordes metálicos finamente trabajados a cincel, que eran muy apreciados por su sonido argentino. A pesar de tratarse de un idiófono, es posible que la etimología del vocablo salacil sea coincidente con el de la flauta salacia, ya que ambos instrumentos proceden del mismo ambiente marino.

Salicional:

Registro corrido de órgano. Por lo general no emplea la primera octava de sonidos graves o bajos.

Salmo:

Cántico religioso. La letra de estas composiciones forma parte de las tradiciones del canto gregoriano.

Salmo ambrosiano: También llamado salmo milanés. Según la tradición fue instituido en el siglo IV por san Ambrosio¹¹⁰. Modo o estilo del canto medieval, anterior al gregoriano, cuyas características no sólo atañen a la liturgia, también regulan detalles como la métrica y el desarrollo de las escalas.

Salmo gradual:

Se suele denominar así a cada uno de los quince salmos del

salterio

que van desde el Nº 119 hasta el 133.

Salmodia (canto grecolatino): Del griego (psallein=pulsar una cuerda y odé=cantar). Origen primitivo del recitado lírico (siglo IV a.C.). También fue empleado por los pueblos latinos del sur de Italia que recibieron la influencia cultural de Grecia.

Salmodia (canto llano o gregoriano): Adaptación musical de los salmos para ser interpretados durante el oficio litúrgico con un timbre definido. La salmodia medieval consiste en una serie de reglas establecidas
Salmodia (canto reiterativo): En el arte lírico moderno es una denominación aplicada por relación con las formas de canto salmódico tradicional en la antigua Grecia y también en la Edad Media.

¹¹⁰ San Ambrosio (340-397). Obispo de Milán y Doctor de la Iglesia. Organizó la liturgia en las iglesias del norte de Italia, instaurando el canto de himnos en la misa

Salpinx: Trompeta de los antiguos griegos. Carecía de lengüeta, el tubo era de latón, con un perfil ligeramente curvo y el pabellón amplio. Fue tradición que su sonido se podía oír a gran distancia. Figura como instrumento sagrado en varias leyendas. El poeta Homero (siglo VIII a. C.) se refiere a ella en "La Iliada".

Salsa: Música latinoamericana de carácter alegre y sensual. Formada por una combinación de diversos ritmos afrocaribeños con elementos propios de la música norteamericana, como el jazz y el rock. Adquirió una gran difusión en los Estados Unidos, Europa y el Japón. En la actualidad constituye un género establecido en un amplio sector sociocultural.

Saltarella : Palabra originaria del italiano (saltarina). Es una variedad de danza popular, en compás de 6/8, cuyos pasos ejecutan brincos al compás de la música. Wolfgang Amadeus Mozart empleó esta forma, adaptándola a la coreografía de un ballet cortesano, en una de sus óperas ligeras. En la Escuela Española se la conocía con los nombres de saltarelo o saltarén. Esta última versión con las características de una composición para el acompañamiento con guitarra. También suele escribirse saltarello.

Saltationem exercere: En latín. Ejercer la profesión de bailarín (normalmente masculina). Fue un vocablo utilizado hasta el siglo XVII, para distinguir a los bailarines que recorrían las cortes, mostrando su arte o habilidad ante reyes y príncipes. El término se aplicaba también a la creación de la coreografía y la escenografía.

Saltato:

En italiano (saltado). Técnica del golpe de arco en el violín y otros instrumentos de esta clase. Tiene el mismo significado que el término

saltillo

.

Saltatoria ars: En latín (arte de bailar). Nombre que se daba antiguamente a las danzas de carácter movido. Aparece en varios tratados sobre la danza hasta el siglo XVII. Recogen el término, diversos vocabularios español-latino de la época y, posteriormente, el Diccionario Latino Español (Valbuena Reformado) ¹¹¹.

Saltatoris: En latín (bailarín). Nombre que se daba a los artistas que desarrollaban el arte del baile en los ambientes cortesanos. La música -que era una parte importante e indispensable de su actuación- estaba a cargo de renombrados juglares, formando bellos y bien complementados conjuntos de danza melódica. Los saltatoris o saltatoricis, adquirieron un gran renombre durante la Edad Media. Se diferenciaban de los comunes saltimbanquis de pueblo, llamándose a sí mismos commodè saltans (bailarines habilidosos, de escuela).

Salterio (libro canónico): Del latín psalterium Códice religioso del Antiguo Testamento que contenía una colección de salmodias o cantos de alabanza. Según la tradición, la mayor parte de los ciento cincuenta salmos contenidos en la obra original, fueron escritos por el rey David. Por extensión se llama de esta manera a los libros de coro donde se conserva la tradición de aquellos cánticos. El salterio forma parte del mismo conjunto músico-literario al que pertenecen el Antifonario, el Himnario, etc. La distribución del salterio consta de nueve partes (Maitines, Laudes I y II, Prima, Tertia, Sexta, Nona, Visperas y Completas).

¹¹¹ Edición Bouret (París, 1866).

Salterio (cordófono): Interesante instrumento musical, antecesor del clave y también del piano. Por su origen, dedicado a la interpretación de música religiosa es posible que tal denominación provenga del latín (psalterium), nombre del libro de salmos del Antiguo Testamento. Consiste en una caja armónica plana, de madera, provista de una batería de cuerdas metálicas afinadas con clavijas, que se pueden ejecutar de distinta forma, según el modelo y la época a la que pertenece el instrumento. Existen diferentes modelos, unos parecidos al arpa y otros a la cítara. Según constancias documentales del siglo XVI, las primeras descripciones o indicaciones musicales que hacen referencia a la utilización del salterio lo señalan como procedente de Egipto. Esta forma primitiva, según parece, era diatónica, estaba compuesto por una caja oblonga y tenía 25 grupos de cuerdas de tripa, afirmadas de tres en tres, uno para cada nota, que se tocaban con un plectro. Sus muchas variedades a lo largo de la historia, hacen presumir que es el origen de los principales instrumentos de cuerdas modernos, como la guitarra y el laúd. Otros tipos antiguos de salteriun fueron el nebel de los hebreos, citado por el historiador Flavio Josefo (siglo I d.C.), el kinnor, del mismo origen, y la naula o nabla de los griegos. Ya en la civilización latina, se le llamó kanum o ganum y su uso aparece disperso por toda el área del Mediterráneo. Un antiguo modelo egipcio copto -similar por su forma al nebel pertenece a la colección del Museo del Louvre, París.

Saltillo:

Del francés (

sautiller

=brincar, dar saltitos). Golpe que se realiza con el arco sobre las cuerdas de los instrumentos de este tipo. Equivale a

picado

.

Saltiquera: Baile tradicional de Asturias, también llamado xirigüelu. Es una manifestación típica de la región, muy agitada y ligera, cuya melodía presenta un marcado carácter de improvisación.

Salto (

técnica de ejecución

):

Ascenso o descenso de un intervalo musical a un punto superior o inferior sin tocar los intervalos intermedios.

Salto (

danza

):

Paso de baile que se ejecuta elevando en un impulso los dos pies simultáneamente, mientras el cuerpo gira siguiendo el compás de la melodía.

Saltón: Como la palabra anterior, esta voz responde a una variedad de danza relacionada con las formas musicales más antiguas del principado. Es una pieza clásica en las interpretaciones donde interviene la gaita.

Salto y encaje: Mudanza de ballet que consiste en colocar el pie derecho detrás del izquierdo, dar un salto cambiando la posición de las piernas, para caer colocando otra vez el pie izquierdo delante del derecho.

Salve Regina: El canto gregoriano cuenta con esta pieza vocal del repertorio litúrgico uno de los ejemplos más bellos dentro del estilo eclesiástico. Se trata de una composición escrita sobre las palabras del Salve, perfecta en todos sus aspectos, especialmente en la forma expresiva.

Sa llarga: En lengua balear (la larga). Como su compañera, conocida con el nombre descriptivo de sa curta (la corta) esta danza también pertenece al rico folclore musical de las islas Pitiusas (Ibiza y Formentera).
Samba: Género musical típico del Brasil. La melodía, en compás binario, está vinculada a la celebración del carnaval carioca. El registro más antiguo data de 1917, cuando se grabó el primer samba -de Mario de Almeida y Donga- que lleva un título curioso: "Pelo telefone" (por teléfono). Existen distintas variantes que tuvieron más o menos divulgación e importancia a través del tiempo (samba-enredo, samba cançao, samba-de-breque, bossa nova, etc.). Entre los grandes compositores que contribuyeron de manera notable a la difusión del samba, cabe recordar a Geraldo Pereira, Dorival Caymmi, Wilson Batista, Noel Rosa, Ary Barroso, Nelson Cavaquinho, Armando Marçal, etc. El vocablo samba es masculino (en Brasil se dice o samba).

Samba-cançao:

En portugués (

samba-canción

). Es una variedad melódica del samba tradicional brasileño, estructurada en un ritmo más lento y cantable.

Sambuca rotata: Nombre italiano antiguo del instrumento de cuerdas conocido con los nombres de viella o chinfonía. Es un término que se utilizó hasta el siglo XIX, pero que en la actualidad a pasado al olvido. Puede aparecer circunstancialmente en antiguos tratados de armonía o en traducciones no muy rigurosas de origen itálico. En la actualidad sólo posee un interés puntual para los investigadores dedicados a la historia de la música europea de la Edad Media y el Renacimiento.

Sambucinae: En latín (persona que tañe el arpa). Es un término que se utilizaba en la antigüedad. Reaparece en Renacimiento italiano con el nombre de sambucistria. En la actualidad ha dejado de tener vigencia.

Sampleador: Del inglés (derivado de sample=muestra). Equipo electrónico que mediante el sistema de flujo de muestras musicales o datos MIDI, permite grabar, reproducir o modificar información de audio digital.

Samuhú: Instrumento monocorde, típico de la cultura indígena “sanapaná” (Chaco paraguayo). Es un tipo de violín rudimentario. El término samuhú proviene de la madera del árbol con la que se fabrica la caja, conocido en América del Sur con el nombre vulgar de “palo borracho”¹¹². Su única cuerda, de fibra vegetal, se tensa mediante una gruesa clavija de madera dura, empotrada en el extremo del mango. Para tañerlo se emplea un pequeño arco de madera flexible, provisto de una cinta confeccionada con cabellos de mujer. La música de los sanapaná -alegre, aunque algo reiterativa- posee una cierta diversidad de recursos instrumentales, pudiendo citarse entre ellos varios ejemplos de aerófonos e idiófonos (flautas de bambú de diversos tamaños y tonalidades, unas maracas de calabaza; sonajeros de pezuñas de pecarí, etc.)

Sanaï: Instrumento de viento originario de la India. Es una variedad del oboe, con lengüeta doble. En Irán lo llaman sharana y se utiliza en las ceremonias religiosas. Existen sanaïs simples y dobles. En algunos tratados de organología, aparece escrito sanayi.

Sanctus: Voz latina (santo). Uno de los cantos sagrados más antiguos de la misa cristiana. Es una composición musical inspirada en los libros sagrados que se cantaba en la misa junto con el Benedictus. El modo de interpretar el Sanctus ha sufrido una compleja evolución a través de los siglos. Al principio, la manera era simple y silábica, llegando con el tiempo a adornarse con múltiple neumas. Los polifonistas del siglo XVI trataron a esta melodía en forma de fuga, al estilo del Kyrie.

¹¹² Chorisia insignis/chorisia speciosa: Árbol silvestre de tronco grueso, abombado y espinoso, originario de la región oriental del continente sudamericano (Brasil, Paraguay, Argentina). Su madera es muy apreciada en tareas de artesanía, especialmente en la fabricación de instrumentos musicales de carácter folclórico. Es conocido entre los aborígenes del Gran Chaco con las denominaciones autóctonas de yuchán o samuhú.

Sándalo : También llamado "scabellum". Calzado musical, con suela de madera y provisto de crótalos o cascabeles que usaban los corifeos del teatro griego para marcar el compás de los cantos. Además de la función principal de este idiófono -señalar el ritmo de los danzantes sobre el escenariotambién servía como elemento de acompañamiento melódico.

Sankha: Primitiva trompeta de la India, fabricada con una gran concha marina que hacía las veces de resonador. Su área de difusión debió ser bastante extensa, dado que se la conoce desde las costas de Sri Lanka (Isla de Ceilán) hasta Bangla-Desh. En la remota antigüedad ya la usaban los pastores montañeses de las tierras altas de Nepal y Bután.

Sankhal: Nombre africano de un pequeño tambor con una sola membrana, perteneciente a la familia de los djembé. Tiene todas las características constructivas de aquellos, pero el diámetro del parche no supera los 16 cm Su sonido, más alto que los demás, se utiliza como acompañamiento de los otros instrumentos más graves, con los que forma una suerte de contrapunto de tonalidades.

Santouri: Instrumento musical de cuerdas, común en el folclore regional de Grecia. Se emplea en la ejecución de la música tradicional del Peloponeso y otras regiones del mar Egeo. Consiste en una caja oblonga, del tipo del salterio, provista de 72 cuerdas que se puntean con varillas o con los dedos. De allí su nombre, que proviene del griego (psallo=puntear). Los modelos antiguos o históricos empleaban cuerdas de tripa, mientras que las reproducciones contemporáneas las tiene de metal. El modelo de santouri, llamado de cabeza de cerdo, es un remoto antecedente del piano de cola moderno.

Santur: Instrumento igual que el anterior. Es una cítara de cuerdas metálicas que se percuten con baquetas, La caja de resonancia es plana, tiene dos orificios armónicos con rosetas y suele estar taraceada en madera finas, concha o nácar. El cuerpo forma una figura en punta con cinco lados. Su empleo se halla extendido particularmente en las áreas rurales de Turquía, Siria e Irán. El nombre de este instrumento también puede aparecer escrito con las grafía“zanture” o “çantr”. Sin embargo, se trata del mismo cordófono, que según algunos musicólogos, sería originario de la antigua Persia.

Sanza: Idiófono africano antiguo. Su descripción aparece en las narraciones de viajeros europeos del siglo XVI. Tiene un gran parecido con la marímbula cubana, por lo que resulta evidente la procedencia de ésta. Básicamente consiste en una caja de resonancia, plana y de madera, con una cantidad variable de lengüetas de bambú o corteza palmera, que se hacen vibrar con los dedos pulgares de ambas manos. La cantidad de estas lengüetas es variable, depende de la habilidad del ejecutante y su número puede variar desde cuatro o cinco, hasta más de treinta. En el interior de la rudimentaria caja se colocan piedrecillas que resuenan al sacudirla. Aunque le término sanza es el más corriente para este instrumento, distribuido en todo el continente, también se lo conoce con otros nombres: koné en Alto Volta; ambira en Mozambique; kongoma en Sierra Leona y deza en África del Sur. Algunos ejemplares emplean planchuelas de hojalata en lugar de las de corteza, variando substancialmente el sonido, aunque el principio acústico sea el mismo. Se emplea junto con el tambor en el acompañamiento de numerosas danzas folclóricas. Saporrondó: Danza popular del occidente de Colombia. Su ritmo es alegre y pegadizo. Suele acompañarse con sonidos de percusión: el redoblante, la típica marimba de chontas, la pareja de tambores cununos de un solo parche, el bombo criollo y los vibrantes sonajeros de guadua. Por su estilo corresponde al grupo de las piezas musicales derivadas del popular currulao. Existe una gran variedad de composiciones similares, (andarele o andarete, pangora, tiguarandó, etc.). Todas son formas melódicas típicas en aquella región litoral del Pacífico.

Sarazwati: Nombre de un pequeño laúd de cuatro cuerdas, originario de la India. En la mitología hindú, Sarazwati fue la diosa creadora de la música y el canto. Las primeras constancias escritas sobre el desarrollo de la música en la India, coinciden con el periodo de la conquista musulmana (siglo VIII). Es en esta época cuando llegan a la región los primeros instrumentos de este tipo.

Sardana: Danza de corro, la más tradicional de Cataluña, probablemente originaria de la región de Cerdaña (Pirineos orientales). También se canta en la variedad llamada sardana coral o cantada. En la actualidad, las sardanas para bailar forman parte del folclore musical de esta comunidad autónoma española. Existen dos tipos de sardana bailable: "llarga" y "curta", llamadas así por las partes más o menos complejas de su coreografía. Aunque la cantidad de bailarines -hombres y mujeres- suele ser indeterminada, todos danzan formando un círculo cogidos de las manos. La sardana aparece en varios espectáculos líricos como complemento de escena. La primera referencia conocida de esta forma bailable (citada como "cerdana") es del siglo XVI. Lope de Vega la incluye en su obra "El maestro de danzar". Una de las descripciones románticas de la sardana pertenece al célebre poeta Joan Maragall (1860-1911): "...La sardana es la danza más bella entre todas las danzas que se hacen y deshacen, es el móvil, magnífico anillo, que con pausa y con medida, anda lento, oscilando..."¹¹³. Las agrupaciones musicales dedicadas a la interpretación de la sardana se denominan cobla y utilizan una agrupación de once instrumentos, propios de este tipo de orquestas (dos trompetas, dos tenoras, un fiscorno, dos tiples o tibles, un trombón, un contrabajo, un flabiol y un pequeño tamboril). La tenora es un aerófono típico de la cobla que pertenece a la familia de los oboes. El conjunto del flabiol y el tamboril siempre es ejecutado por un solo músico llamado flabiolaire.

Sardana coral o cantada: Obra musical del mismo estilo y composición que la anterior a la que se le incorpora una letra acorde con los diferentes pasajes (conjuntos, estribillos). Las sardanas cantadas son interpretadas por coros polifónicos cuyas voces llegan a compenetrarse profundamente con el sonido particular de cada instrumento de la cobla

Sardana curta: En catalán (sardana corta). A principios del siglo XIX era una danza típica que se bailaba con el acompañamiento de la cobla en las festividades de San Jordi y cuyas características coreográficas se hallaban difundidas en ambas vertientes de la región catalano-pirenaica (Rosellón, Cerdaña, Ampurdán, etc.). Cada comarca tenía su propia tonadilla o aire popular que acompañaba la música de la sardana. Su composición responde a las siguientes partes: introito; 8 compases cortos; 16 compases largos; dos tiradas de 8 compases cortos; una tirada de 16 compases largos, primer contrapunto; 16 compases largos; segundo contrapunto y finalmente 16 compases largos.

¹¹³ "Elogi de la Sardana"

Sardana d'aplec: En catalán (aplec=reunión o romería). Suelen tratarse de obras para bailar cuya forma de ejecución es compleja y que suelen interpretarse sólo por encargo o en ocasiones muy especiales, como conciertos municipales, actos públicos, etc. En algunas localidades puntuales de Cataluña, también la suelen llamar sardana de revetlla (sardana de verbena).

Sardana de concierto: Composición musical de elevada calidad armónica y melódica -no concebida para baile- que ha sido programada expresamente para su ejecución en salas de concierto. Su ordenación suele integrar dos tiradas de curtas y dos de llargas, aunque existen otras variables, menos usuales pero igualmente brillantes.

Sardana de conjunto: Composiciones especialmente escritas o adaptadas para ser interpretadas en forma simultánea por dos o más coblas, guardando el equilibrio armónico entre cada una de ellas. Esa circunstancia aumenta el potencial sonoro de la música sin desvirtuar la nitidez o perfección del efecto final. Es lo mismo que las llamadas sardanas para varias coblas.

Sardana llarga: En catalán (sardana larga). Forma alternativa. Comenzó a difundirse durante la primera mitad del siglo XIX (1825-1826). Fue una variante motivada por la necesidad de mayor espacio para el desarrollo del contrapás. Su diferencia esencial consistía en tener el doble de compases de la sardana corriente, que a partir de entonces comenzó a llamarse corta y fue cayendo en desuso. Las características de la sardana llarga son las siguientes: introito; dos tiradas de compases cortos; dos tiradas de compases largos; dos tiradas de compases cortos, dos titadas de compases largos; contrapunto; una tirada de compases largos; contrapunto; una tirada de compases largos y toque final.

Sardana obligada: Compuesta "en obbligato". Es un tipo de sardana especialmente escrita para el lucimiento de un instrumento solista. También pueden ser dos instrumentos al unísono, como es el caso del tiple o tible. La sardana obligada es una de las formas cuya ejecución requiere mayor concentración y un ensayo riguroso. Existen interesantes variantes rítmicas y armónicas en este tipo de composiciones. La sardana "Dolç contrabaix", del compositor catalán Antoni Albors, valoriza las notas graves del contrabajo como elemento esencial en la expresión de cada uno de los compases previos a los contrapuntos. Otros ejemplos ponen en evidencia los respectivos sonidos del trombón o el fiscorno.

Sardana "revesses": En catalán (sardana difícil o enrevesada). Se llama así a las composiciones cuya ejecución resulta muy complicada por el mismo compositor. Su objeto es lograr el máximo lucimiento del conjunto íntegro. Su ejecución es usual en los concursos de sardana. Generalmente no se baila.

Sardanista:

Aplicase indistintamente al compositor, ejecutante instrumental, cantante, o simplemente bailador/a de la sardana. En catalán se escribe de la misma forma.

Sardanova: Apócope en catalán (nueva sardana). Corriente musical desarrollada en Cataluña a finales del siglo XX. Se llama así a un estilo de sardana bailable, cuya principal característica reside en una variación de la cantidad de músicos e instrumentos que habitualmente intervienen en la cobla. En la mayoría de los casos ese número se suele incrementar con el objeto de alcanzar nuevas sonoridades o variar el equilibrio establecido en la ejecución tradicional de tales conjuntos. Se trata de una más de las múltiples experiencias vanguardistas, cuyos sostenedores están en la permanente búsqueda de combinaciones originales. Dentro de esta corriente también se incluyen los intentos de fusión sardana-jazz, forma que aglutina la ritmo sincopado de la música norteamericana con la estructura armónica de la sardana.

Sargija: Como el tanbur del Mediterráneo oriental, la sargija es un laúd de mango largo y cuerdas punteadas, propio de la región balcánica (Bosnia, Croacia, Serbia, Montenegro, etc.).

Sarangi: Especie de violín tradicional de Bengala, en la India. Tiene la caja de resonancia de madera finamente trabajada con incrustaciones de nácar y hueso. El diapasón es ancho y robusto, con once clavijas laterales de madera. En total posee un conjunto de dieciséis cuerdas de orden simple, once de las cuales vibran por simpatía y las cinco restantes -con clavijas más grandes- se tañen mediante un arco sencillo sobre el gran mango desprovisto de trastes. Sus sonoridades resulta dulces y suaves. También se lo conoce con el nombre de ezrar.

Sarong: Arpa tradicional de Sierra Leona (África), provista de veinte cuerdas resistentes y sonoras, fabricadas con fibra de bejuco. En Senegal existe una versión muy similar a la que llaman kasso. Ambos instrumentos poseen el mismo cuerpo de resonancia, consistente en media calabaza recubierta con una membrana bien tirante de piel de cabra. Para tañerlos se emplean las yemas de los dedos índice, medio y anular, tanto para puntear las cuerdas como para percutir el parche de la caja al estilo del pandero.

Saxhorn: Variedad de bugle o fiscorno, patentado en París, en 1845, por el célebre fabricante de instrumentos musicales Adolphe Sax¹¹⁴. Como el Bügelhorn y el Flügelhorn, pertenece al grupo de aerófonos metálicos de la familia de las trompas.

Saxhorn basse: Denominación específica de un modelo de instrumento aerófono francés de tesitura grave, timbre pastoso y bombardino. También se lo conoce instrumentos solistas en las bandas militares. Forma un excelente equipo con los clarinetes bajos, fagotes y saxofones tenores.
amplia sonoridad, al que los italianos llaman con el nombre de tuba basse. Es uno de los

Saxofón: Nombre general de una serie de instrumentos aerófonos, compuesta por seis modelos, bastante similares en su principio técnico. En conjunto alcanzan una extensión total de cinco octavas y media. Todos poseen un tubo de sección cónica provisto de una serie de orificios que se pueden abrir o cerrar mediante un sistema de llaves que modifican la altura de los sonidos, permitiendo alcanzar los distintos niveles de la escala. El principio de la vibración del aire dentro del tubo es la lengüeta simple, similar al del clarinete. Por su amplio repertorio, el saxofón es un instrumento muy popular en el ambiente del jazz, donde apareció después de la primera guerra mundial. Posteriormente alcanzó su consagración en las innumerables variantes orquestales, dedicadas a la interpretación de la música ligera contemporánea. Existen excelentes conjuntos de cámara, integrados por una serie completa de aerófonos exclusivos de esta familia. Dentro de esa serie, pueden citarse las siguientes versiones: sopranino, soprano, contralto, tenor en dos versiones, barítono y bajo. Cada modelo tiene la extensión de dos octavas y una cuarta, o una sexta mayor. Saxofón es el nombre más conocido dentro de la completa serie ideada por Adolphe Sax. Aunque su inventor lo patentó recién en 1846, ya había hecho su presentación dos años antes en una orquesta de ópera. Richard Strauss fue el primer gran compositor que empleó las cualidades de este instrumento en una obra de carácter sinfónico. Dentro de la creación musical contemporánea, destacan las composiciones para saxofón de Darius Milhaud y Jacques Ibert. En algunos tratados puede aparecer la palabra escrita en forma esdrújula (saxófono).

¹¹⁴ Sax, Adolphe: (1814-1894) Miembro de una célebre familia de constructores de instrumentos musicales, de origen belga. En 1842 comenzó a diseñar la serie de aerófonos de metal que lleva su nombre (saxofón, saxtromba, saxhorn, saxtuba, etc.). Sus creaciones alcanzaron una gran popularidad cuando el ejército francés los eligió oficialmente para integrar la dotación de sus bandas y charangas. Publicó un sistema especial para enseñar la correcta manera de ejecución de sus propios instrumentos.

Saxofón bajo: (si bemol) Instrumento transpositor. Suena una cuarta más grave que el saxofón barítono. Se emplea en una función equivalente a la del contrabajo. Por su tono grave, suele acometer las tareas del bajo continuo en las interpretaciones de conjunto. En la actualidad, su uso está casi restringido a las bandas.

Saxofón barítono: (mi bemol). El primero de la serie de los grandes saxofones, también transpositor. Suena una quinta más bajo que el saxofón tenor y a la octava inferior del saxofón contralto. Con un tamaño considerable, cubre la parte de los efectos especiales dentro de la orquesta. Su aplicación sonora en el cuarteto se corresponde con la del violonchelo.

Saxofón contrabajo: (mi bemol). Es el que posee la tesitura más grave, entre todos los saxofones. También transpositor, equivale a la función del contrabajo en la familia de los cordófonos de arco.

Saxofón contralto: (mi bemol). Por su mayor tamaño es el primero de la serie que adopta el característico perfil curvo de los saxofones tradicionales. Es un instrumento transpositor y suena una quinta más baja que el saxofón soprano. La sección cónica se ensancha de manera proporcional y el pico se curva en un ángulo de 45º, con el objeto de facilitar la ejecución. Es el modelo más utilizado en las orquestas, donde suele interpretar los repertorios solistas.

Saxofón sopranino: (mi bemol). Es el más agudo de la familia de los saxofones, y el de menor tamaño. Instrumento transpositor, su tesitura intermedia es similar a la del requinto. Tiene el perfil recto y la sección cónica. No es común en la orquesta sinfónica, en cambio es bastante usual en las bandas.

Saxofón soprano: (si bemol). Instrumento transpositor. También tiene el perfil recto y la sección cónica. Su tubo es un poco más largo que el del saxofón sopranino y suena una octava más baja. Se emplea en los cuartetos de saxofones y en algunas piezas sinfónicas. La tesitura central es igual a la del clarinete común.

Saxofón tenor: Instrumento transpositor. Es un modelo de tamaño intermedio entre los pequeños y grandes saxofones. Suena una cuarta más grave que el saxofón contralto y tiene una tesitura central equivalente a la del clarinete bajo. Dentro de su serie, existen dos variantes (tenor en si bemol y tenor en do). El perfil es curvo, por su silueta resulta bastante parecido al saxofón contralto, aunque algo más voluminoso. El pico se inclina en un ángulo de 90º y la campana o pabellón, es más amplia.

Saz: Laúd del siglo XII, de origen turco, que aún se sigue utilizando en la música tradicional del país otomano. Tiene un mástil robusto y sin trastes, el clavijero muy curvado e inclinado hacia atrás y la caja periforme, de gran tamaño, con el orificio de resonancia cubierto por una roseta tallada en la misma madera de la tapa armónica. La mayoría de los ejemplares tienen 12 cuerdas unidas a un puente, como el de la guitarra.

Scacciapensieri: Instrumento musical de Sicilia, con un sonido similar a los tonos agudos de la zanfonia. En italiano significa “espanta pensamientos”. El sentido de este singular apelativo sugiere el hecho de no pensar, algo así como un acto de evasión a través de la música. Se trata de un idiófono tradicional en el ámbito rural de la isla mediterránea, aunque no es exclusivo de allí, porque también se encuentran ejemplos parecidos en diferentes culturas de Europa, el norte de África o el sudeste asiático. En España se lo conoce con el nombre de guimbarda. Consiste en una pequeña moldura de forma circular, forjada en hierro y provista de dos extremidades, en la que se fija una laminilla vibrante. Para tañerlo se sostiene entre los dientes, con la mano izquierda, mientras se hace vibrar esa especie de lengüeta con un dedo de la otra mano. El resultado acústico de esta técnica es un conjunto de cinco o seis de armónicos, que alcanzan para reproducir los compases básicos de ciertas melodías tradicionales. La cavidad bucal del ejecutante cumple la función de caja de resonancia, mientras que la posición de los labios y la lengua permiten modular los sonidos emitidos, variando su timbre y altura. El scacciapensieri siciliano era un elemento típico de los pastores montañeses. En la actualidad tiene allí un gran arraigo, junto con el triangolo y la mandolina suele integrar el plantel instrumental de los conjuntos dedicados a la interpretación de danzas y melodías folclóricas, donde desempeña un destacado papel solista.

Scandicus: Derivado del latín (scandere=ascender). Es un vocablo correspondiente al sistema de notación por neumas del canto gregoriano que servía para indicar un movimiento ascendente de tres notas consecutivas.

Scaramúccia: Escaramusa, en castellano. Nombre de un famoso personaje de la Commedia ItalianaCommedia Italiana 1696). Fiorelli fue quien creó la figura del personaje "Scaramoche", que también alcanzó un éxito notable en las representaciones de la Commèdie Française, entre los siglos XVII y XVIII. La imagen patética del vil Scaramuccia a servido en varias óperas u operetas como ejemplo del individuo falso y traicionero.

Scena ed aria : En italiano (escena y aria) Composición musical itálica, de carácter anecdótico, basada en la realización estelar de un aria virtuosa que da el gran final a la obra. Suele estar precedida de recitativos, partes corales y uno o varios ariosos intermedios. En ciertos aspectos equivale a la opereta.

Scordatura: En italiano (scordare=desafinar). Técnica de afinación que estuvo en boga durante los siglos XVI y XIX. Consistía en una precisa alteración en la afinación normal de los instrumentos musicales con el propósito de lograr efectos descriptivos. Era una práctica especial de afinación que se llevaba a cabo con el objeto de modificar el color sonoro. En el scherzo de la "Sinfonía Nº 4 en sol mayor/mi mayor con soprano", del compositor austríaco Gustav Mahler (1860-1911), se aprecia un interesante ejemplo de scordatura. En la mayoría de los tratados musicales germanos y anglosajones suele aparecer el término verstimmung, de origen alemán.

Scheitholt: Instrumento cordófono sencillo, también llamado cítara angosta. Es una variedad antigua, de la que existen varias versiones que provienen en su mayoría de Alemania o Dinamarca y pertenecen al periodo medieval. Este modelo de cítara está provista de tres órdenes de cuerdas que se tañen con plectro. La caja armónica tiene forma alargada y estrecha, con un orificio de resonancia en el centro. La boca redonda de este orificio suele estar cubierta por una filigrana de madera tallada a modo de rejilla. La primera cuerda, más grave, se tañe sobre un diapasón con quince trastes que ocupa sólo uno de los lados de la caja.

Scherzando: En italiano (bromeando/con alegría). Es una indicación de movimiento que expresa la necesidad de agilidad, desenvoltura y dinámica expresiva en el desarrollo de una melodía.

Scherzo: (scherzo=broma). En el siglo XVIII se le dio ese nombre a una composición musical breve y muy vigorosa, formada por tres movimientos, siendo el final igual que el primero, aunque algo más breve. A principios del siglo XIX comienza a formar parte de la sinfonía en reemplazo del minué. En esta forma son ejemplares los scherzos de Frédéric Chopin "Scherzo Nº 1" en si menor Op. 20 (aunque de factura anterior, fue publicado en 1835); "Scherzo" en si bemol menor Op. 31 (fechado en 1838, en ocasión de su viaje a Mallorca); "Scherzo" en do sostenido menor Op. 39 (1840) y "Scherzo" en mi mayor Op. 54, su última pieza de esta serie (1843).
Vocablo italiano, cuyo significado semántico es travesura o diversión

Schola Cantorum : (Escuela de cantores) Nombre de una célebre academia de canto fundada en Roma en el siglo VI, por el Papa Gregorio I (c. 540-604)¹¹⁵. Estaba compuesta por siete cantantes. Entre ellos había tres que eran esencialmente solistas, el cuarto se llamaba archiparafonista y las tres voces restantes formaban el coro de parafonistas, también llamado de cantantes secundarios. Había además, un segundo coro de voces infantiles (octavas paralelas) que realizaba la parte del acompañamiento de fondo. Esta forma llegó a perdurar en el tiempo, señalando un estilo universalmente reconocido. También existieron instituciones de esta índole en París, Metz, Tours, Saint Gall, etc. Entre los músicos contemporáneos que profundizaron en la manera contrapuntística de este estilo, se encuentra la compositora francesa Germaine Tailleferre (1892-1983), formada en las filas renovadoras del Conservatorio de París. Su música impuso un aire naif -muy a la moda de la época- en el que algunos analistas creyeron ver una cierta influencia de la Schola Cantorum Germaine Tailleferre fue la única integrante femenina de la famosa corriente musical francesa llamada Grupo de los Seis. Compuso conciertos, cantatas, suites, obras para coro y varias óperas, celebradas en su momento por la crítica especializada, entre las cuales cabe destacar: "Monsieur Petit Pois achète un château" (El señor guisante compra un castillo) y "Le bel ambitieux" (El bello ambicioso).

Schwizerfeife: Instrumento aerófono del grupo de las flautas traveseras. En alemán significa "pito de campaña". Es el antiguo pífaro o pífano militar utilizado por los ejércitos españoles en las guerras de Italia. Se acostumbraba tañer junto con el tambor de redoble. Desapareció como instrumento de campaña de la infantería a fines del siglo XVI, aunque perduró hasta el XIX en las bandas del Real Cuerpo de Alabarderos.

Sección:

En los aerófonos de metal, se llama así a la configuración del tubo, que puede ser cónica o cilíndrica.

Seco: Significa sonido seco. Proviene del latín (siccus). Se refiere a un sonido cortado y muy breve. También se suele utilizar la palabra secco en italiano o sec en francés. Este vocablo se emplea usualmente para señalar la necesidad de interrumpir las vibraciones de ciertos instrumentos musicales, como el triángulo o los platillos. El objeto de esta medida es evitar que las vibraciones residuales puedan enturbiar el sonido de los otros instrumentos de la orquesta. En el caso opuesto, se escribe laisser vibrer (dejar vibrar).

¹¹⁵ San Gregorio Magno: Antifonario del Canto Eclesiástico.

Seconda: Denominación corriente que recibe cualquiera de las páginas del lado izquierdo en las partituras de las piezas para piano compuestas con el objeto de que sean ejecutadas a cuatro manos. Corresponde al pianista que se sienta en el lado izquierdo. También se puede escribir "segunda".

Secreto: Parte del órgano donde se almacena el aire para ser distribuido a cada uno de los tubos. Cada fabricante o maestro organero tenía su propio sistema, de allí el nombre derivado del adjetivo italiano (segreto). El diseño particular de estos artefactos permitía el mantenimiento de la presión constante dentro de la cámara y la adecuada distribución del aire hasta la tubería. Los órganos de grandes dimensiones poseen varios secretos, dispuestos a regular distancia, con el objeto de asegurar una adecuada distribución del aire a todos los tubos. Los secretos secundarios, también recibían el nombre de "secretillos".

Secuencia (armonía): En una determinada melodía, se llama secuencia a la reiteración de la marcha armónica, ejecutada a la segunda o tercera, pudiendo ser dicho intervalo inferior o superior.

Secuencia (composición sacra medieval): Del francés (séquence). Música vocal religiosa del siglo IX. En sus principios, el texto de la secuencia correspondía a una nota por cada sílaba, cantada entre dos coros que se respondían en forma de eco. La secuencia también podía ser cantada por un solo coro, sin alternancias. Por sus características melódicas –que fueron evolucionando a través de los siglos- se la suele relacionar con los himnos, las vocalizaciones del “Aleluya” y otros cantos del tipo de los tropos. Debido a su estilo recitativo, en Francia la denominan prosa (prose). El nombre deriva del latín (sermo solutus).

Secuencia (en la Misa): En la actualidad, la secuencia forma parte de algunas Misas. La composición varía de acuerdo con la celebración: (“Venite sancte Spiritus”, entonada en la pascua de Pentecostés; “Lauda Sión”, en la Fiesta de Corpus; “Dies irae”, en las Misas de Difuntos;“Victimae paschali”, en la Pascua de Resurrección, etc.).

Secuenciador de ritmos: Aparato electrónico multitímbrico que repite los patrones rítmicos de los diferentes compases de cualquier composición musical. Las melodías procesadas con el auxilio de estos equipos MIDI, pueden ser editadas en tiempo real o por secuencias de compases. Permite reproducir sonidos de diferentes instrumentos de percusión, batería, etc.

Segue : Voz itálica (Sigue). Este término se emplea en las partituras para señalar que un pasaje debe ejecutarse de la misma manera que el anterior. Es decir, con la misma tonalidad, idéntico tiempo, etc.

Seguida: Nombre de una antigua danza española. En realidad se conoce muy poco de esta variante debido a la carencia de documentos escritos. Se cree que fue el antecedente de la actual seguidilla.

Seguidilla: Variedad de canción y baile al parecer derivado de la seguida. Tiene un ritmo ternario, con movimiento acelerado y la letra suele configurarse con estrofas de cuatro versos alternados entre cortos y largos. De acuerdo con ciertos documentos contemporáneos ya era conocida en España a fines de la Edad Media (siglo XV). Se cree que su origen remoto es morisco, aunque a través del tiempo fue sufriendo algunas modificaciones en el ritmo. Posteriormente la cita en Miguel de Cervantes en uno de sus escritos. De España pasó a los territorios coloniales de Hispanoamérica a través del teatro. Existen indicios que permiten suponer que sirvió de inspiración al bolero.

Seguidilla manchega: Aire popular español de carácter picaresco, originario de la región de La Mancha (antigua Castilla la Vieja). Podría ser, como las boleras, una forma regional de la tradicional seguidilla. Empezó a difundirse a principios del siglo XVIII.

Seguirilla: También derivado de seguida. Es la tradicional seguidilla con estilo flamenco. El cante también tiene coplas de cuatro versos. El tercer de ellos, casi siempre endecasílabo. En la actualidad pertenece con carácter propio al grupo de danzas y cantos del folclore gitano de Andalucía. La música, en tiempo lento y con un aire sentimental, es una de las más bellas de este grupo.

Segunda (intervalo):

Es el que existe entre una nota y su inmediata superior o inferior. La relación es de un grado de la escala diatónica.

Segundo (percusión): Tambor tradicional de Venezuela. Pertenece a un grupo de membranófonos compuesto por cuatro tambores graves. Se utiliza en el acompañamiento rítmico de las danzas folclóricas en las fiestas populares de San Benito.

Segundilla: Nombre popular de una pequeña campana de bronce -de tono alto y muy cristalino- que en la actualidad se emplea como idiófono de efecto en los conciertos de campanas. Antiguamente se utilizaba en los conventos y monasterios para anunciar las reuniones del culto u otros actos de las congregaciones.

Seis: Melodía folclórica de Puerto Rico. Junto con el aguinaldo forman el acervo musical popular de la isla caribeña. Existe una amplia variedad de composiciones de este tipo, muchas de ellas concebidas como danzas tradicionales, alegres y dotadas de una bella coreografía ("seis salinés", "seis tango", "seis con décimas", "seis milonguero", "seis del llano", etc.).

Seise:

Integrante de un coro infantil dedicado a la interpretación de la música religiosa en algunas catedrales. Su vestimenta tradicional es un traje de seda azul y blanca.

Seisillo: Término referente a los ejercicios de vocalización. Es un grupo de seis notas todas del mismo valor- que deben cantarse en el tiempo exacto que correspondería a un grupo de sólo cuatro notas iguales a las anteriores. En el pentagrama suele aparecer señalado con la cifra "6". También se puede emplear el término sextillo.

Semibreve: Término musical poco utilizado en la actualidad. A partir del siglo XX empezó a emplearse el vocablo redonda, cuya equivalencia es igual a un compasillo completo. La nota semibreve redonda apareció en el siglo XVI sustituyendo otra nota del mismo nombre, que tenía el mismo valor y pertenecía a la antigua forma de notación romboidal.

Semicadencia: Es el paso simple de una nota tónica a otra dominante. Su sentido suspensivo suele estar configurado por una pausa sobre el acorde de dicha dominante, debido a la sucesión armónica de los grados I a V. También se puede decir cadencia de dominante.

Semicorchea:

Nota musical que tiene un valor equivalente al doble de la fusa y la mitad de la semicorchea. (Figura: x )

Semidítono:

Equivale a la mitad de un

dítono

. Es el intervalo que existe entre un tono y un semitono mayor.

Semiesfera: Forma de boquilla o embocadura, propia de los aerófonos de metal, como las tubas y los bugles. De esta pequeña pieza -que es intercambiable- depende el timbre del instrumento. Existen dos tipos de semiesferas. Uno profundo y otro superficial. La semiesfera profunda -también llamada copa- permite obtener un sonido suave, sin estridencias. Es bastante usual en las cornetas. La semiesfera superficial, de sección menos amplia que la anterior, produce sonidos cristalinos y ricos en armónicos. Esta última se emplea preferentemente en los trombones y trompetas.

Semiestrofa: Introducción sumaria en forma de verso, con aspecto de estrofa breve que se solía intercalar a modo de dedicatoria entre el título de una composición musical y el resto de la letra. Tenía el carácter de introducción al asunto del argumento. En Cataluña se la denominaba endreça o endressa (dedicatoria de una obra y la fórmula utilizada con ese propósito).

Semifusa:

Nota musical que tiene un valor equivalente a la mitad de la fusa.

Semínima: Apócope de semi y mínima. Equivale a la mitad de una mínima nota que a partir del siglo XX comenzó a denominarse negra. Es un término poco usual en la actualidad.

Semiópera: Tiene el mismo significado que la denominación dramatic opera. Se trata de una variante de la ópera, de origen británico, cuyas características musicales, escénicas y argumentales se interesante de la desenfadado.
acercan bastante al estilo de las masques. La particularidad más

semiópera es la gran ambientación escenográfica y su carácter

Semiótica: Palabra derivada del griego (semeîon=signo). También llamado "semiología", este vocablo se refiere a la ciencia de los signos, cuya rama principal es la lingüística, y por relación directa, con la función del libreto, que es la parte literaria de la ópera. El lenguaje se basa en un elaborado sistema de signos, con leyes que son aplicables a la ciencia de la comunicación. El término fue acuñado a mediados del siglo XX por el eminente lingüísta francés Ferdinand de Saussure, transformándose en una de las ciencias humanas más importantes de los últimos años. Desde el aspecto teatral puede afirmarse que existen dos tipos de semiótica: la denotativa y la connotativa. Ambas variantes tiene relación directa con las diferentes maneras de expresar el arte, esto es el estudio del sistema de signos lingüísticos y gestuales que permiten, el paso de la información desde el actor (emisor) hasta el público (destinatario). La forma denotativa se refiere al aspecto específico del signo artístico con relación al signo verbal-coloquial (por ejemplo, las formas del lenguaje teatral o belcantista). La forma connotativa, en cambio, estudia el lenguaje de los signos desde un punto de vista social y costumbrista y es aplicable a la comprensión de obras de carácter folclórico.
Semitono: Denominación que recibe el intervalo más breve de la escala cromática, que normalmente consta de doce sonidos. Es la doceava parte de la octava. El intervalo de un tono se divide en dos partes desiguales. Cada una de esas partes se llama semitono.

Semitono cromático:

También llamado

semitono menor

. Es el intervalo que abarca una extensión equivalente a dos

comas

.

Semitono diatónico:

También llamado

semitono mayor

. Es el intervalo que abarca una extensión equivalente a tres

comas

.

Semitono enarmónico: Es el intervalo que abarca una extensión equivalente a una sola coma. En el semitono enarmónico, el intervalo de la coma es el espacio mínimo que existe entre dos semitonos menores, cuando estos se hallan dentro del mismo tono.

Semitono mayor:

Intervalo correspondiente a tres comas. Es lo mismo que

semitono diatónico

.

Semitono menor:

Intervalo correspondiente a dos comas. Es lo mismo que

semitono cromático

.

Sensible: También llamada nota sensible. Es la denominación específica del sonido equivalente al séptimo grado de la escala diatónica, es decir, el séptimo sonido de la serie. Está vinculado al que tiene la función de tónica dentro de la escala. También se puede indicar mediante la cifra romana que corresponde al Nº 7 (VII).

Señales auditivas: La emotividad sonora de las palabras tiene una gran importancia en el impulso interior que se traduce en la creación lírica. Es la música interior, que sienten o experimentan los poetas en el momento de la inspiración creativa. Esto se aplica al contenido melódico que encierra la letra de un libreto de ópera y su influencia en la posterior creación de la música.

Septeto: Composición musical escrita para un conjunto de siete instrumentos o un pequeño coro de siete voces. Normalmente se refiere a la música de cámara, aunque puede haber septetos pensados para otras modalidades.

Septeto instrumental:

Conjunto de siete instrumentos dedicados, según su vocación o especialidad, a la ejecución de música de cámara, jazz, tango o melódica.

Septeto vocal:

Grupo de siete cantantes que forman una agrupación vocal independiente.

Septillo:

Grupo de siete notas de igual valor que se entonan dentro del tiempo equivalente a seis notas

Séptima:

Intervalo que media entre una nota determinada y la séptima superior (ascendente) o la inferior (descendente) en la escala.

Séptima aumentada:

Es una forma de intervalo que se puede configurar mediante la suma de cinco tonos más dos semitonos.

Séptima de dominante: Este acorde de séptima debe su nombre al grado de la escala a la que pertenece. En las escalas mayores, menores, armónicas y melódicas se llama así al acorde que se forma sobre el grado correspondiente a la dominante. A continuación se indican sus grados respecto a las escalas respectivas:

Escala mayor = Grado V
Escala menor natural = Grado VII
Escala menor armónica = Grado V
Escala menor melódica = Grados IV y V

Séptima diminuta: Es otra variante de intervalo. Se encuentra en el grado séptimo (VII) de la escala menor armónica. Según el tipo de melodía, se puede producir de varias formas: Tres tonos y tres semitonos
Cuatro tonos y dos semitonos mayores
Cinco tonos y un semitono

Séptima de sensible: Debe su nombre al grado de la escala a la que pertenece. En las escalas mayores, es el acorde que tiene lugar justamente sobre el grado de la séptima nota, también llamada nota sensible. También se le llama séptima disminuida. Esta última denominación sería un derivado del inglés (disabled). Los grados que se encuentran en las respectivas escalas son:

Escala mayor = Grado VII
Escala menor natural = Grado II
Escala menor armónica = Grado II Escala menor melódica = Grados VI y VII

Séptima mayor: Acorde de séptima que tiene cinco tonos y un semitono. La tríada y la séptima son mayores. Al añadir una tercera a cualquier tríada se forma un acorde de séptima. Esta denominación -que procede del intervalo formado con respecto a la nota fundamental-debe su nombre al tipo de tríada y al intervalo que la forma. Los grados de las escalas en los que se hallan los diferentes acordes de séptima mayor son:

Escala mayor = Grados I y IV
Escala menor natural = Grados III y VI
Escala menor armónica = Grado VI

Séptima menor: Es la que consta de cuatro tonos y dos semitonos mayores. Se produce cuando la tríada o la séptima son menores. De allí su nombre. Los grados correspondientes a cada una de las escalas principales son los siguientes:

Escala mayor = Grados I, III y VI
Escala menor natural = Grados I, IV y V
Escala menor armónica = Grado IV
Escala menor melódica = Grado II

Septimino: Obra musical para orquesta de cámara compuesta por siete instrumentos. Generalmente se trata de cordófonos de arco y aerófonos (violín, viola, violonchelo, contrabajo, fagot, trompa y clarinete). Un ejemplo bien estructurado y adaptado a la armonía de los siete instrumentos es el "Septimio en mi bemol" Op. 20, pieza escrita en 1820 por Ludwig van Beethoven, cuando su sordera ya era muy avanzada.

Sequentia: Vocablo en latín (secuencia). Es el nombre que tenía en la Edad Media el melisma que sigue a continuación del canto del "Aleluya". Esta palabra se sigue utilizando entre los cultores de la música medieval.
Serenata popular: Del italiano (serenata) y éste del latín (serenum=tarde o noche). Esta acepción se refiere a la serenata tradicional y de carácter popular. Como expresión musical refleja una antigua costumbre: las canciones que se cantaban en las rondas nocturnas al aire libre, de donde surge su nombre, por ello, expresa la idea de algo que sólo ocurre durante las horas de la penumbra. La principal característica de la serenata es la improvisación. Por lo tanto, carece de reglas o estilos y su forma melódica puede ser de lo más variada. Técnicamente es un concierto instrumental, casi siempre acompañado por canciones de tipo romántico, que se ejecutan en las calles. El origen de la costumbre de dar serenatas aparece en la Edad Media y se extiende durante el Renacimiento como una forma de expresión musical. De Italia pasó a otros países de Europa configurando estilos y formas independientes. Desde España llegó a Hispanoamérica, donde cobró nueva fuerza a través de las melodías autóctonas del Nuevo Mundo. En la interpretación de las serenatas actuales se emplea una gran variedad de instrumentos típicos o regionales. En España son usuales en la formación de las tunas o estudiantinas (mandolina, guitarra, violín, guitarrillo o bandurria, etc.). Por antonomasia, también se llama de esta manera a la ronda musical nocturna conocida con el nombre de rondalla.

Serenata a tre con stromenti: Estilo de serenata dramatizada. Tuvo difusión en Italia a fines del siglo XVII. Consistía en una cantata escénica, interpretada por tres vocalistas que entonaban diversas arias relacionadas por un tema central. Cada cantante representaba su papel en calidad de solista. La parte instrumental era interpretada por dos orquestas que actuaban algunas veces en forma alternada y otras en contrapunto.

Serenata de cámara: También llamada serenata mozartiana. A pesar de su nombre, es un un tipo de composición polifónica, distinta de la popular serenata nocturna y callejera. Por su configuración armónica tiene más relación con la música de cámara. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) compuso una serie de piezas de este tipo que se incluyen entre la serie de obras orquestales. Escrita entre 1764, cuando sólo contaba 8 años de edad, hasta 1791, el mismo año de su muerte, esta colección incluye minuetos, oberturas, marchas, divertimentos, contradanzas, etc. El tipo de composición citado como serenata también presenta un espectro sumamente variado. Entre ellos, pueden citarse algunos interesantes ejemplos descriptivos de esta variedad instrumental: "Serenatas en re mayor", K 203 y K 204; "Serenata Notturna Nº 6 en re mayor para dos orquestas", K. 239; "Serenata <Haffner> Nº 7 en re mayor", K. 250 y "Serenata en mi bemol mayor para instrumentos de viento", K 375. La "Serenata en fa mayor", K 101 es una contradanza, sin fecha, que se supone fue escrita alrededor de 1776.

Serenatas del amanecer: Colección de cantos costumbristas hispánicos, en su mayoría, de autor o autores anónimos. Se entonaban en ocasión de las fiestas populares o con el objeto de amenizar agasajos, casamientos, conclusión de las faenas rurales, etc. Las letras de estas composiciones folclóricas tienen el sello tradicional de cada comarca, especialmente en algunos pueblos del norte de España (Asturias, Galicia, León, Cantabria), donde los participantes acostumbraban recibir como premio una hogaza de pan y una jarra de leche. Una variante lucence se compone de melodías típicas en ritmo de marcha y escritas para gaita. Los cantos -también conocidos con los nombres de albada o alborada- suelen llevarse a cabo en espacios abiertos y al despuntar el alba.

Serenata teatrale : (Teatro de la tarde) Denominación que se dio antiguamente a ciertas óperas breves. El nombre procede de un tipo de canción cortesana del siglo XVII, de carácter ligero, festivo o romántico, que se solía entonar junto con acompañamiento de algunos instrumentos musicales.
Sereré: Variedad de música étnica, cuyo nombre procede de un primitivo instrumento aerófono-idiófono, perteneciente al amplio espectro de la cultura guaraní (zonas sur del Brasil, nordeste de Argentina y Paraguay). El sereré es una especie de pito agudo, que al mismo tiempo se percute produciendo un sonido similar al de los crótalos. Se fabrica con madera de unos 15 a 20 cm de largo. Existen grupos tradicionalistas y conjuntos dedicados a la divulgación de la cultura musical autóctona de Sudamérica, que han hallado una rica fuente de inspiración en los sonidos rítmicos de estos primitivos instrumentos aborígenes.

Serialismo: Forma de composición musical armada mediante series, en las que se emplean especialmente las doce notas de la escala. Aunque el orden jerárquico de las mismas suele responder a un concepto bastante amplio y marcado por la personalidad del artista. Mauricio Kagel, compositor y director de orquesta argentino (1931), incursiona profundamente en su búsqueda constante de los límites sonoros del serialismo. Su obra comprende una gran diversidad de géneros, entre los cuales destacan la técnicas aleatorias y postseriales, aplicadas a la música audiovisual. El serialismo tiene aplicación práctica en los sonidos profundos y extremos para instrumentos renacentistas, en las acciones sonoras para gimnastas, cantantes y músicos, etc.

Serialismo integral: Surge a mediados del siglo XX a partir del estilo denominado puntillismo, una técnica de composición estrechamente ligada a los conceptos básicos del serialismo. Compositores destacados: Luigi Nono (1924-1990) Karlheinz Stockhausen (n.1928).

Serie: Disposición de los doce sonidos en la escala temperada, dispuestos de tal manera que permita organizar la base estructural de una obra musical. Es un término que empezó a divulgarse a partir de la segunda década del siglo XX.

Serie armónica:

En música electrónica es la serie de frecuencias de un sonido fundamental que está configurada por números enteros múltiples de la frecuencia básica.

Serie tonal: Forma parte de la teoría musical occidental y es la base del sistema armónico y tonal en el que cada octava está dividida en una serie de cinco tonos íntegros y dos semitonos. También se suele llamar sistema diatónico.

Serinoque:

Baile tradicional de las Islas Canarias. Palabra a la que algunos autores atribuyen un lejano origen

guanche¹¹⁶

.

Serpentón: Instrumento aerófono, de gran tamaño y con forma de serpiente. Inventado en Francia en el siglo XVI, pertenece a la serie de las trompas. Tiene seis agujeros divididos en dos series de tres. También llamado corneta baja y contrabaja, sus tonos son graves. Debido a la sonoridad, cálida y poderosa, fue muy apreciado por los músicos de los siglos XVII y XVII. El cuerpo del serpentón está formado por un par de tubos de perfil cónico y curvados en forma de S, que encajan uno a continuación del otro, para formar una figura alargada y sinuosa. Los modelos antiguos estaban forrados con cuero y los agujeros se obturaban simplemente con los dedos. Algunas versiones posteriores ya incluían válvulas o llaves que permitían regular el flujo del viento dentro del conducto aéreo. El serpentón dejó de utilizarse de manera definitiva en el siglo XIX. Giuseppe Verdi y Richard Wagner lo incluyeron en sus planes de orquestación. La ópera en cinco actos "Las vísperas sicilianas" de Verdi, estrenada en 1855, contiene una serie de elementos estilísticos de inspiración francesa, entre ellos un interesante pasaje concebido para el sonido suave y a la vez potente de este curioso instrumento.

¹¹⁶ Raza aborigen que habitaba el archipiélago de las Canarias, desde épocas anteriores a la conquista europea (siglo XV).

Serrana:

Variedad de canción típica de la serranía de Ronda (Andalucía). Pertenece al estilo del

cante jondo

.

S´escandalari: En lengua balear (el escandaloso). Nombre de una danza típica de las islas de Ibiza y Formentera. Inspirada en los usos y costumbres de los labradores isleños, su melodía -alegre e incitante- podría ser el origen de un nombre tan curioso. El argumento musical, la coreografía y el colorido de los trajes regionales adornan esta notable expresión folclórica de España, que tiene un evidente origen campesino y responde, como otras danzas de su clase, a los festejos populares que se realizan en los pueblos con el propósito de celebrar la recolección de la aceituna, la vendimia, el fin de las cosechas, etc.

Sexta: Sexto grado ascendente de una escala a partir de la nota tónica. Es un término musical que pertenece al ámbito de la armonía. También se utiliza esta palabra para señalar el intervalo entre una nota y la sexta inferior o superior de la misma escala (diatónica).

Sexta aumentada:

Es la que contiene cuatro tonos y dos semitonos.

Sexta diminuta:

Es la que contiene dos tonos y tres semitonos.

Sexteto: Grupo compuesto por seis voces o instrumentos de diferente tipo, organizados con el propósito de interpretar composiciones musicales especialmente escritas o adaptadas para conjuntos reducidos. Los sextetos clásicos son apropiados para la música de cámara. Siendo sus formas más brillantes la sonata, el intermezzo, etc. Existen diferentes combinaciones instrumentales. Entre las más usuales están: un primer violín solista (llamado concertino) un segundo violín, la viola, el violonchelo, el contrabajo y el piano.

Sextillo:

Grupo de notas, compuesto por seis grados iguales que suenan en el tiempo correspondiente a cuatro. También se dice

seisillo

.

Schofar: Uno de los más antiguos instrumentos de viento. Remoto antecedente del primitivo olifante y las cornetas medievales. Es una trompa simple que produce mediante el soplo directo un número limitado de notas graves y destempladas. Se fabricaba con un gran cuerno de cabra y según las tradiciones narradas en el Pentateuco sus resonancias vibraron ante las derrumbadas murallas de Jericó. Los hebreos también denominan a este tipo de trompa con los nombres de jubel o keren.

Sfogato:

Significa desahogado. Es cuando la voz de los cantantes se exhala en forma permanente con su máximo volumen.

Sforzando:

Vocablo italiano. Se emplea en las partituras para indicar un aumento progresivo de la fuerza dinámica.

Shabbaba : Voz árabe que designa una variedad de flauta folclórica de madera, con boquilla en bisel que se tañe en las fiestas regionales de Siria, Líbano y Jordania. También es conocida -aunque en menor grado- entre los campesinos de Palestina. Por su forma y sonido, es similar a las flautas conocidas respectivamente con los nombres de kawala y gasba, ambas procedentes de las zonas rurales del norte de África (Túnez, Argelia y Marruecos).

Shake:

Denominación inglesa de la técnica del

trino

. Aparece como un adorno vocal en la ejecución de la

ballad-opera

.

Shakuhachi: Flauta japonesa de caña, de regular grosor y con cuatro agujeros. Carece de lengüeta y la embocadura presenta una pequeña muesca que cumple la misma función de la escotadura de las siringas o las quenas sudamericanas. En algunos ejemplares antiguos (siglos XVIII a XIX) se observa un pabellón en forma de campana ligeramente inclinado hacia arriba.

Shamisen: Nombre de un antiguo laúd oriental. Sólo posee tres cuerdas de seda que se tañen con la ayuda de un plectro llamado bachi. El mástil, fino y alargado, de madera dura, trabajado a mano, termina en un clavijero tallado con tres enormes clavijas de forma cónica. La caja armónica, pequeña y casi cuadrangular, se suele fabricar con un marco de madera forrado con piel de cabra o gato. Se lo conoce con diferentes nombres (san-xian, shamee, etc.), pero es el mismo instrumento. Su uso está bastante difundido en el extremo oriente, tanto en las islas del Japón, como en el sur de China y en las mesetas de Mongolia. Los japoneses utilizan este instrumento en la interpretación de obras musicales y ciertas piezas tradicionales del teatro kabuki. La denominación san-xian que le dan los mongoles significa "tres cuerdas".

Shree:

Nombre de una escala musical típica en el folclore tradicional de la India. Pertenece al conjunto de escalas orientales. Está relacionada con la música religiosa.

Si:

Séptima nota de la escala diatónica occidental (

si natural

). Nota

B

en la nomenclatura inglesa y

H

en la germana.

Si bemol:

Nota

si

precedida del signo de alteración

b

, que desciende un semitono cromático. Nota

B flat

en la nomenclatura inglesa y

B

en la germana.

Si dièse:

Nota

si sostenido

en la terminología musical francesa. Equivale a

B sharp

en inglés. En la nomenclatura germana corresponde a la nota

His

.

Si doble bemol:

Nota si que desciende dos semitonos cromáticos, o un tono en el sistema temperado. Corresponde a

B double flat

en inglés y

Heses

en alemán.

Si doble sostenido: Nota si que asciende dos semitonos, equivalentes a un tono completo. En la terminología musical francesa se escribe si double dièse. La manera inglesa tiene el equivalente B double sharp y la alemana Hisis.

Si double dièse:

Denominación francesa del nombre de la nota

si doble sostenido

.

Si sostenido: Nota si precedida del signo de alteración #, que asciende su valor en un semitono cromático. En la terminología musical francesa se escribe si dièse. Corresponde a la nota B sharp en la manera inglesa e His en la germana.

Siciliana : Danza popular de la región de Ragusa, Caltagirone y Siracusa. Tiene un ritmo muy alegre, que se interpreta en el compás de 6/8. Aparece como un elemento coreográfico en algunas versiones de la ópera "Cavalleria rusticana", de Pietro Mascagni. El "brindis de Turiddu" y la "canción de Lola", cantada entre bambalinas, ofrecen un ejemplo típico de la ambientación musical mediterránea y las costumbres sicilianas a fines del siglo XIX.

Significación: Término musical de sentido amplio, que se suele utilizar especialmente en la crítica del drama lírico. Se refiere en particular a ciertas palabras de origen italiano, pero de uso universal, como allegro, allegro molto vivace, etc., que sirven para expresar sentimientos relacionados con el argumento de la obra.

Signo: Del latín (signum=figuras o caracteres que simbolizan alguna cosa). Se llama así a todos las formas visuales que sirven para escribir la música. Por ejemplo: redonda, blanca, negra, corchea, semicorchea, fusa, semifusa, etc. El signo siempre indica el tono natural de un sonido. También se consideran signos a todas las figuras diacríticas que aparecen en los libretos de ópera indicando pausas, cambios de tono o silencios que permiten al actor la correcta interpretación de los parlamentos. Entre los signos usuales en el lenguaje de la cantata, del oratorio, o de cualquier otra forma musical dramatizada, los más utilizados son: punto, punto y coma, coma, etc., no obstante también se emplean otros que sirven para indicar pausas mayores, cambios de escena o pasajes recitados (paréntesis, barras inclinadas y verticales, etc.). Las indicaciones sugeridas por los signos diacríticos cumplen una función imprescindible en la interpretación del texto y la coordinación del canto con la melodía. En los tratados musicales, cualquiera de los signos de ejecución pueden aparecer citados también con el vocablo italiano segno, su denominación más corriente.

Signos romanianos: Conjunto de rayas verticales u horizontales que se utilizaba en la Edad Media para ayudar a comprender mejor la notación neumática. Se emplearon desde el siglo VIII como alteraciones de la escritura neumática y servían para alargar los sonidos de todas o algunas de las notas. Eran símbolos de expresión que, juntamente con los signos romanianos, pertenecían a un conjunto de acotaciones musicales consignadas por primera vez en códices de las escuelas musicales de Metz y Sankt Gallen. Si bien el conjunto de signos y letras romanianas comprende casi todo el alfabeto latino y una variedad de rayas complementarias, en el canto gregoriano sólo se utilizaron unas pocas formas que ayudaban a la lectura e interpretación de las antiguas partituras.

Sihu: Variedad de violín chino, de los siglos XVIII y XIX. Cada modelo de este raro y original instrumento es una auténtica obra de arte, donde entran en juego, tanto la ancestral experiencia en la construcción de cordófonos, como el dominio de la talla en madera, el barniz, la laca y el dorado. Los pocos ejemplares coetáneos que han perdurado hasta el presente, tienen en el extremo inferior una pequeña caja de resonancia, con forma cúbica o hexagonal, decorada con motivos mitológicos relacionados con los remotos orígenes de la música. El sihu carece de diapasón, tal como se conoce en el violín corriente, el mango es largo, con el perfil cilíndrico y contiene en su extremo un sector con cuatro grandes clavijas finamente elaboradas, a guisa de pequeñas esculturas.

Siku: Voz aymará que designa la típica flauta múltiple, propia del altiplano andino, que se conoce en otras partes del mundo con el nombre de zampoña o flauta de Pan. Cabe aclarar que entre todos estos instrumentos existen ciertas variantes. El siku tradicional puede tener dos hileras de ocho tubos de caña cortadas a distinta altura, formando una media escala casi perfecta. La primera hilera de tubos es de mayor tamaño que la segunda. Algunos modelos tienen una batería progresiva compuesta por doce tubos en una sola línea. Para lograr una escala completa se necesita el complemento de otro instrumento igual, pero graduado con la parte restante de la escala, de tal forma que entre dos ejecutantes expertos, alternando bien los sonidos, puedan alcanzar todas las notas de la escala cromática. En lengua quechua siku se dice antara.

Sikuri: Bailarín del folclore indoamericano. Integrante de un cuerpo de baile o conjunto de danzas populares de Bolivia cuya coreografía es un auténtico espectáculo musical. Los sikuris se caracterizan por el colorido de sus trajes y los vistosos tocados. La conocida "Danza de los Sikuris" es un motivo tradicional que forma parte de las festividades religiosas en los pueblos del altiplano andino. Su instrumento tradicional es el siku o antara (flauta de Pan).

Sílaba musical: Sustantivo que proviene de la voz griega syllabé (de la que deriva syllabatim, cuyo significado textual es: "palabra por palabra"). En la antigua Roma syllabé -en plural- se refería al sonido de la poesía al ser declamada. La sílaba es el sonido o agrupación de sonidos que forman un núcleo fónico entre dos depresiones de la emisión de voz. Esta acepción sigue al mismo proceso lógico en el aspecto puntual del canto lírico. El término compuesto sílaba musical señala a cada una de las denominaciones que permiten ubicar los modos. Dentro de la modalidad del recitativo -como ocurre con el habla- es la expresión de uno o varios sonidos, con una sola emisión de la voz. En su aspecto técnico equivale a los nombres de las notas que se agregan a las siete primeras letras del alfabeto con el propósito de darle un nombre a los distintos modos musicales.

Silbato: Forma rudimentaria de la flauta. Es el antecedente más antiguo de los actuales aerófonos. Por lo general los silbatos emiten un solo sonido, bastante agudo e indefinido. Existen desde épocas pretéritas en diferentes culturas del mundo. Antiguamente se fabricaban con madera, caña, barro cocido, etc. Algunos modelos de silbatos de cerámica pueden emitir los primeros armónicos, además de la nota básica.

Silbote: También llamado chistu o txistu. Es una flauta de pico de los campesinos vascos. Los pastores montañeses lo empleaban desde la antigüedad para comunicarse a distancia y para reunir el ganado. Se suele emplear en el acompañamiento del canto en eusquera. En la actualidad se considera un instrumento típico del folclore musical de aquella región. Su tono es una quinta más grave que la del txistu tradicional.

Silencio: Del latín (silentium). Se refiere a una pausa en la que no existe ninguna nota en el aire. La indicación de silencio sirve para requerir al ejecutante la interrupción temporal del sonido. En la práctica, los silencios musicales suelen ser tan breves, que apenas se distinguen dentro de la melodía. Su objeto es formar uno o varios lapsos dentro del desarrollo musical, que evite la monotonía del sonido continuo. Los silencios se cuentan en la medida del compás, por lo tanto tiene duración, pero carecen de sonido. La cantidad de silencios es igual a la cantidad de notas de la escala y su valor no es absoluto, sino que depende a la duración de la nota a la que representa. Por tanto, existen silencios adecuados al desarrollo armónico de cada melodía. Existen siete clases de silencios. Cada una corresponde a una nota distinta y tiene su propia figura. La duración de cada uno de estos silencios es entonces equivalente a la nota a la que corresponde.

Silencio de redonda: (Figura: un pequeño rectángulo negro). Se aplica bajo la cuarta línea del pentagrama, sin llegar a tocar la tercera. La altura del rectángulo debe ser equivalente a la mitad del espacio entrelíneas.
Silencio de blanca: (Figura: el mismo rectángulo negro, pero colocado sobre la tercera línea del pentagrama) Tiene la misma altura que la anterior y no llega a tocar la cuarta línea.

Silencio de negra: (Figura: dos vírgulas, unidas a cada extremo de una corta barra inclinada). Se aplica en el centro del pentagrama, extendida en forma vertical desde la segunda hasta la cuarta línea. Es la ausencia total de sonido. En la escritura musical puede especificarse la duración o prescindir de ella.

Silencio de corchea: (Figura: una vírgula con una pequeña barra inclinada). Se extiende desde la segunda hasta la cuarta línea. La duración de los silencios es igual a la figura que representan, por lo tanto esta es igual al de una corchea.

Silencio de semicorchea: (Figura: doble vírgula con una pequeña barra inclinada). Se extiende desde el primero hasta el tercer espacio entrelíneas del pentagrama. Su duración es igual a la de una doble corchea.

Silencio de fusa: (Figura: triple vírgula con una barra inclinada). Se extiende desde la primera hasta la cuarta línea del pentagrama. Su valor corresponde al triple de la corchea. Por lo tanto tiene una duración equivalente a la octava parte de una negra.

Silencio de semifusa: (Figura: cuádruple vírgula con una barra inclinada). Se extiende desde el espacio ubicado bajo la primera línea del pentagrama hasta el cuarto espacio entrelíneas. Corresponde a un valor de cuatro corcheas. En consecuencia, su duración es dieciséis veces el valor de la negra.

También se le denominan pausa, reposo o compás de espera. Dice Schumann, refiriéndose a la exacta y adecuada ubicación de los silencios en las composiciones de Chopin: "...se le reconoce hasta en sus pausas y silencios... Los estudios son hermosos.
Imagínese un arpa eolia que poseyera toda la extensión de los sonidos...
Su inspiración es vigorosa y original..."

Silencio de complemento: Van colocados detrás de las figuras y se emplean para complementar al sonido redondeando la modulación del compás. Siempre se colocan de menor a mayor extensión.

Silencio de preparación: Son los que se aplican antes de la figura y tiene el mismo sentido que el anterior, crear un brevísimo lapso entre notas. Su extensión siempre va de mayor a menor.

Silnien/sil-sil: Conjunto de instrumentos idiófonos que se emplean en los monasterios y colectividades religiosas del Tibet. Esta formado por dos tipos de platillos de bronce, o plata cincelada, que se tañen durante el culto a las deidades protectoras:
-Silnien (divinidades celestes) De tamaño reducido. Se percuten suavemente y en posición vertical.
-Sil-sil (divinidades terrestres) Tienen mayor diámetro. Se percuten con fuerza y en posición horizontal.

Simbolismo musical: Concepto filosófico relacionado con el impresionismo, por el fenómeno de la transformación de unas imágenes sensoriales en otras distintas. Ese efecto se produce mediante una serie de signos convencionales (efectos sonoros, silencios o variaciones en los tempos) que generan ideas, por semejanza o asociación. El genio creador de Richard Wagner (1813-1883), indagó más allá del desarrollo de los medios técnicos necesarios para crear en clima adecuado a la composición musical. En su libro "Ópera y drama", explicó la cuestión del simbolismo argumental y propuso el concurso de diversas disciplinas afines a la lírica, con el objeto de alcanzar el más alto rango posible en la configuración del espectáculo operístico. En la teoría general del simbolismo existen tres campos para la aplicación de su concepción filosófica. La primera es la gnoseología, que describe la aplicación de la teoría a través del conocimiento, es decir, la epistemología del acto imaginativo; la segunda es la teoría de las sensaciones, como aplicación del subjetivismo creativo, y la tercera es la discusión lógica, también llamada simbolismo natural o consensual. En la creación operística, nos hallamos frente a un ejemplo directo de lo que es el simbolismo sensorial. Las modulaciones, el ritmo, las imágenes coloridas, el decorado de una ópera, etc. pueden ser objeto de esa elaboración creativa que apela a los sentidos para expresar mejor los detalles y hacer comprender profundamente el contexto general de la obra. Ese es el factor gnoseológico del que se valen el sonido y la imagen -o ambas cosas a la vez- transformándolas en su propia síntesis, con el objeto de expresar simbólicamente la idea representada en la escena.

Simile: Indicación común en la música italiana. Sirve para especificar que en un cambio de pasaje, la melodía debe seguir con el mismo modo o tiempo. En las obras francesas se escribe suivez de même (continuar de la misma forma).

Simpatía: Relación sonora entre dos o más cuerpos vibrantes. Es un fenómeno físico que ocurre cuando un elemento -por ejemplo la cuerda de un instrumento musical- emite sonidos y debido a su proximidad entran en vibración otras cuerdas que están cerca sin que sean pulsadas.

Síncopa: Del griego (sygkópein=reducir). Es un componente del ritmo que designa la articulación del sonido, sobre un tiempo débil que se dilata sobre uno fuerte. El ritmo sincopado tiene movimientos cortados, con notas que ocupan tiempos -en algunos casos muy breves- como ocurre con algunos pasajes del tango, cuando el acento correspondiente al tiempo fuerte del compás de 2/4, se desplaza hasta recaer en un tiempo débil.

Síncopación:

Efecto producido por el desplazamiento del acento, desde la parte fuerte de un compás hasta la más débil.

Sinfonía: Su origen proviene del griego symphonos, vocablo que remite a un conjunto de instrumentos musicales, o las voces de un coro, que suenan a la vez, creando una melodía de manera organizada y armoniosa. Generalmente se suele considerar a Franz-Joseph Haydn (1732-1809) como el "padre de la sinfonía". Aunque esto no es totalmente cierto, es verdad que el gran compositor austríaco fue quien creó la estructura moderna del género verdad que el gran compositor austríaco fue quien creó la estructura moderna del género 1768), es autor de más de cien sinfonías, inspiradas en esa línea melódica, muchas de las cuales han ejercido una notable influencia en la composición de obras escénicas inspiradas en el estilo clásico. Entre las más de veinte óperas escritas por Haydn, se cuentan piezas exitosas que aún siguen en vigencia en las carteleras de los grandes teatros líricos. Casi todas fueron creadas y estrenadas en su momento para la Ópera Imperial Esterházy, de Hungría. Se pueden citar, entre ellas la comedia lírica "L'isola disabitata" (1779), la ópera cómica "La fedeltà premiata" (1780), el drama cómico-heroico "Orlando paladino" (1782) y "L'anima dell filosofo ossia Orfeo ed Euridice", drama lírico escrito en 1791, que quedó incompleto y fue estrenado recién en 1951. Como es de ver, este concepto no expresa un concepto fijo de extensión, ni se refiere a la actual complejidad del tema. Tampoco podemos atenernos a un tipo fijo de sinfonía. La de Pier Francesco Cavalli (1602-1676), en "Didone" (Dido) es relativamente breve¹¹⁷. Años después aparece la gran forma sinfónica con Alessandro Scarlatti (1660-1725). En Francia, con la obra de Jean-Baptiste Lully (1632-1687) se consolida otro tipo de sinfonía breve que consta de tres partes (lento-vivolento) reunidas en una sola.

Sinfonía (instrumento):

Nombre que se da en Cantabria (Santander) a la armónica de fuelle conocida en otras regiones con el nombre de

acordeón

, o

acordeón de teclado

.

Sinfonía avanti l'opera: Composición orquestal que suele anteceder a la representación de las óperas y otras piezas teatrales. Con ella se da comienzo a la partitura. Es una forma de origen italiano que busca su estilo e inspiración en el argumento del drama lírico al que precede. Es sinónimo de obertura o introducción.

Sinfonía clásica: La sinfonía clásica tiene tres o cuatro movimientos, al menos uno en La sinfonía clásica tiene tres o cuatro movimientos, al menos uno en 1750), Ludwig van Beethoven (1770-1827), y seguido por Robert Schumann (1810-1856), Felix Mendelsshon (1809-1847), Héctor Berlioz (1803-1869), etc. Las nueve magníficas sinfonías de Anton Bruckner (1824-1896) también obedecen a esta configuración. En la Edad Media se llamaba así a todas las composiciones ejecutadas por voces o instrumentos en concertato, para diferenciarlas del cantus que era la melodía confiada a una sola voz o instrumento. Esta forma, llevada por los misioneros españoles al nuevo mundo en los siglos XVI y XVII, ha perdurado hasta nuestros días y es parte del patrimonio musical de muchos países.

Sinfonía concertante: Forma de concierto para instrumentos múltiples, que adquirió notable popularidad en Europa durante el transcurso del siglo XVIII. Mozart compuso dos obras de este tipo durante su estancia en París, en abril de 1778. Puede citarse como ejemplo curioso a la "Sinfonía concertante en mi bemol mayor para oboe, clarinete, corno, fagot y orquesta" (K. 297B), compuesta por tres movimientos (Allegro, Adagio y Andantino con variaciones). De esta obra existe una interesante reconstrucción realizada por el compositor y musicólogo Robert Levin. Durante más de medio siglo, desde el descubrimiento de la partitura original, atribuida a Mozart, nadie puso en duda su autenticidad. Notables críticos musicales y expertos en la materia, coincidieron en el hecho de que la sinfonía concertante era tan perfecta que sólo el genio de Salzburgo podía haberla escrito. Recién en 1964 -por primera vez- el Catálogo Koechel de la obra mozartiana relegó esta obra al apartado de las composiciones dudosas, dado que la partitura carece de firma o nombre del autor y fue reescrita por un presunto copista coetáneo. Desde entonces ha permanecido como una incógnita, tal vez imposible de aclarar.

Sinfonía temática: Obra que obedece a un carácter histórico o folclórico, de cuya tradición surge la misma fuerza de la composición. Camille Saint Saëns (1835-1921), Vincent d'Indy (1851-1931) y César-Auguste Franck (1822-1890), compusieron obras sinfónicas sugeridas por la fuerza arrolladora de los temas folclóricos nacionales. Son obras más o menos extensas y con diversas variantes. Los rusos Piotr Ilicht Chaikovski (1840-1893), Alexandre Scriabin (1872-1915), Alexandre Borodin (1833-1887); los checos Dvorak (1841-1904) y Bedrich Smetana (1824-1884), o Jan Sibelius (1865-1957) en Escandinavia, también escribieron sinfonías inspiradas en los modelos folclóricos de sus respectivos países. Muchos temas de este tipo han ejercido una notable influencia en la composición de obras escénicas inspiradas en el estilo clásico, razón por la que tuvieron una gran repercusión mundial, pero también se adaptaron al estilo vernáculo de sus propios países.

¹¹⁷ El verdadero nombre de Cavalli era Pier Francesco Caletti di Bruno. Así aparece en algunas biografías y tratados sobre música del siglo XVII.

Sinfonietta: Se llama así a un tipo de composición orquestal breve, que se puede ejecutar de manera individual y que también puede anteceder a la representación de las óperas u otras obras dramatizadas. Son composiciones de estilo ágil, destinadas a la orquesta de cámara. Compusieron una variedad de sinfonías cortas -o sinfoniette- los compositores Sergei Prokofiev (1891-1953), Ernesto Halffter (1905-1989), Leos Janacek (1854-1928), Albert Roussel (1869-1937), Francis Poulenc (1899-1963), etc. A partir del siglo XX, aparecen nuevas formas de sinfonías breves que coexisten con otras variantes musicales. Con ella se da comienzo a un estilo particular que nos remiten a los orígenes grecolatinos de la música occidental.

Sing:

Idiófono de metal, semejante a unos pequeños platillos de forma cóncava, más o menos pronunciada. Se emplean para marcar el ritmo de los bailes folclóricos de Laos.

Singing horns: Término perteneciente al ambiente musical del jazz, se emplea para citar a los instrumentos de viento que imitan el canto espiritual de los negros, e incluso el sonido de la voz humana. La modalidad sinsing horns aparece en función de motivo secundario de varios dramas musicales inspirados en el folclore musical afroamericano.

Singspiel : Vocablo alemán (sing=canto spiel=juego). Se llama de esta manera a la ópera breve u opereta, generalmente en uno o dos actos, de estilo e influencia germana. Surgió en el siglo XVIII bajo la inspiración de la ópera italiana. Un aspecto particular de esta variedad escénica es que alterna fragmentos hablados y partes cantadas, con un ritmo argumental similar al de la zarzuela. El prolífico genio musical de Wolgang Amadeus Mozart, que compuso óperas serias y bufas, intermedios cómicos y dramas jocosos, le prestó una especial atención a las características del singspiel, por su toque romántico y la sencillez y adaptabilidad a las exigencias de cualquier tipo de argumento. "Bastián y Bastiana" y "El rapto en el serrallo" son dos bellos y descriptivos ejemplos de singspielen nacidos del genio mozartiano.

Sintetizador: Equipo electrónico cuya función es producir y combinar modulaciones armónicas de distinta frecuencia e intensidad, con el objeto de emitir cualquier tipo de sonido e incluso reproducir perfectamente los sonidos normales de cualquier instrumento musical.

Siringa: Voz derivada del latín vulgar (syringa), y ésta del griego (syrinx=flauta). Es una variedad de zampoña fabricada con varios tubos de madera o de caña, de distinto largo y grosor, alineados en serie para formar una escala cromática elemental. Su origen parece ser griego, aunque existían formas muy similares en la América precolombina. Una antigua tradición griega, del siglo VII a. C.), atribuye la invención de la siringa al legendario dios Pan¹¹⁸. En la actualidad se construyen instrumentos de este tipo con 12 tonos bien afinados, para la práctica y el estudio de la música folclórica. Existen distintas versiones de siringas. Siringa monocálamo: Del latín vulgar (syringe monocalame). Flauta de caña, formada por un solo tubo.

¹¹⁸ Narra esa leyenda que el dios griego Pan descubrió los secretos de la siriga al mitológico poeta y músico Olimpo, con el propósito de que éste, a su vez, transmitiera ese conocimiento a los mortales.

Siringa policálamo:

Igual que el vocablo anterior (

syringe polycalame

). Flauta de caña formada por varios tubos.

Sirinoque: Canto y baile típico de la Isla de la Palma. Está relacionado con la práctica de antiguas ceremonias mágicas. Sus instrumentos musicales característicos son las castañuelas y los tambores. Los bailarines ofrecen la danza en actitud de rezo, variando las mudanzas a través de las diferentes coreografías.

Sistema: En música se denomina así al programa o fórmula que permite ordenar los distintos pasajes de una obra musical con el propósito de otorgarles coherencia y perfección armónica. Este método subjetivo de ordenación de los sonidos se aplica especialmente en la práctica del serialismo y otras variantes de la música contemporánea, en las que no se sigue la normativa tonal.

Sistema cromático: Es lo mismo que cromatismo. Se advierte en la diferencia o variación de un diapasón subiendo hacia un semitono más agudo o descendiendo en la escala hacia uno más grave.

Sistema de intervalos: Método de notación musical que se usó durante el periodo de mayor esplendor de la cultura bizantina (siglos X al XII). Para aplicar este sistema debían determinarse previamente el punto de partida de la melodía y el modo en que aquella se iba a interpretar (canto bizantino). Luego se representaba mediante una serie de símbolos convencionales cada uno de los intervalos que separaban los sonidos. El arte musical de Bizancio surgió de la fusión de tradiciones egipcias, griegas y romanas, desarrolladas a partir del siglo IV, con la formación del Bajo Imperio de Oriente, ocurrida tras la muerte del emperador romano Teodosio (395). En el transcurso de los mil cincuenta y ocho años que duró su turbulenta historia, el arte de bizancio en todos sus aspectos -incluida la música- no dejó de evolucionar, hasta llegar a ser uno de los centros de la actividad intelectual de la cristiandad. Aquella supremacía del conocimiento se prolongó prácticamente hasta la caída de Constantinopla, conquistada por los turcos en 1453. La música bizantina, como las demás expresiones artísticas, alcanzó un alto grado de desarrollo, particularmente en el canto religioso, cuya esencia nació bajo la cúpula de la catedral de Santa Sofía.

Sistema de quintas: Encadenamiento de sonidos por quintas ascendentes o descendentes, por alternancia de quintas ascendentes y cuartas descendentes en el orden ascendente y en el orden descendente.

Sistema Universal de Notación: (World Notation System) Método de escritura musical, universalmente aceptado, cuyos símbolos, términos y abreviaturas permiten reconocer en cualquier parte del mundo la línea melódica y las indicaciones de ejecución consignadas en una partitura por el o los autores de la misma. De esa manera pueden quedar registradas sobre el papel y con perfecta exactitud todas las condiciones relativas a los tiempos, instrumentos, etc. En la partitura general es el medio más importante para la coordinación de las actuaciones instrumentales y cantadas que forman parte de un concierto en forma simultánea.
Sistro: También llamado sonaja de Isis. Es un idiófono primitivo, al que ya conocían los antiguos egipcios. Consiste en un bastidor de metal o cerámica, con forma de lira invertida, y mango de madera, de cuya parte superior cuelgan unas plaquetas sonoras. El segundo nombre proviene del empleo de este instrumento en el culto a la diosa Isis. En las representaciones murales del templo erigido en honor del faraón Ramsés III, en Medinet Abú, aparece Amenartais, princesa de Tebas¹¹⁹, danzando al compás de un instrumento idiófono de este tipo. Diversos museos poseen sistros de varias formas y épocas. Entre ellos cabe destacar las características del "sistro de Iba", correspondiente al tercer periodo intermedio del Imperio Nuevo (1070-711 a.C.), y el "sistro de Naos", ya en los comienzos de la decadencia y división del imperio (711-332 a.C.). Ambos instrumentos, conocidos como sonajas de marco, aún se pueden tañer con sonidos melodiosos y afinados.

Skor-thom: Juego de tambores gemelos. Pertenecen al folclore nacional de Camboya y forman parte de la orquesta real. Para tañerlos el ejecutante se sienta en el suelo colocando los instrumentos en forma inclinada a 45 grados. Tienen la caja abombada, de madera tallada en una sola pieza, como los bombos sudamericanos, y lleva una membrana de piel en cada extremo. Su uso está muy arraigado en las fiestas populares, empleándose regularmente en el acompañamiento de las danzas tradicionales del país asiático. Para percutirlos se recurre a un par de baquetas de madera cuyo extremo va forrado en fieltro. El sonido de estos membranófonos es profundo, con una serie de tonalidades graves y medias que pueden variar de intensidad cuando el ejecutante apoya una de sus manos sobre el parche superior, a modo de apagador.

Slancio: Indicación musical en italiano. Significa "con arrojo". Es una aclaración equivalente a la voz de ejecución con fuoco. Señala la parte argumental que exige ardor. También puede aplicarse al desarrollo de una circunstancia determinada, dentro del contexto escénico, en la que el personaje principal debe mostrarse impetuoso, como ocurre en las escenas de amor o en los lances caballerescos.

Sléndro: Nombre de una escala pentatónica tradicional en la música de Indonesia, donde las cinco notas aparecen espaciadas en forma equidistante dentro de la octava. Las escalas pentatónicos son bastante usuales en la música de las culturas primitivas, de donde procede la mayoría de las expresiones folclóricas, especialmente las formas musicales propias de los países de Oriente.

Smorzandi : Significa "con gestualidad". Como la filature y la mezza voce, son recursos de los que se valen los grandes cantantes para expresar sentimientos y hacer gala de una elaborada técnica en el arte del bel canto.

Snare drum: Voz inglesa. Significa tambor de bordones. Se refiere a una variante popular del pequeño tambor militar, también llamado caja clara. Es un instrumento de percusión típico de las orquesta de jazz y música ligera, cuya membrana inferior lleva un sistema de cuerdas vibrantes, que se adhieren a la parte interna de la misma y le otorgan un sonido inconfundible, parecido al de los cascabeles. Se trata de un elemento sonoro, característico en los modernos equipos de percusionismo.

¹¹⁹ Princesa hierática, hija de Taharqa o Tirhakah, último rey de Etiopía y faraón de Egipto, citado en la Biblia (Reyes, II, XIX, 9).

Sô [koto]: Cítara de Sô. Instrumento musical del Japón. Pertenece a la familia de los cordófonos de puentecillos removibles. La caja armónica es de madera de paulonia¹²⁰. Tiene forma rectangular, alargada y ligeramente curva en la parte superior. El orificio de emisión del sonido -de unos 6 a 7 cm de diámetro- se encuentra en la parte inferior de la caja, provista de cuatro pequeños soportes de apoyo. Posee un puente fijo en uno de los extremos y trece puentecillos móviles, donde se afirma y tensa un sistema de cuerdas de tripa. Para tañerlo, se emplean unos plectros o uñas especiales, que se colocan en cada dedo. Existen pruebas documentales de que este cordófono es originario de China, desde donde pasó a las islas de Japón en tiempos antiguos. Actualmente se fabrican con cuerdas de nailon. También se lo conoce con el nombre de koto.

Sobreagudo:

Es el sonido más agudo del sistema musical. Se emplea también para indicar la nota más alta que se puede lograr con un determinado instrumento.

Sobredominante:

Sexto grado en la escala diatónica.

Sobretónica:

Segundo grado en la escala diatónica.

Société de Chansons: Asociaciones burguesas de la Edad Media que en el siglo XIII divulgaban el canto profano y protegían a los trovadores. Existieron principalmente en Francia, Suiza, Alemania y el norte de Italia. Su mérito más destacable corresponde a la gran cantidad de manuscritos de canciones que logaron reunir en archivos temáticos y otros repositorios. Anualmente celebraban una variedad de juegos florales, esencialmente líricos, y distintos certámenes poéticos que continuaron el movimiento musical y literario de la llamada "generación de los troveros".

Sociología músical: La música, como arte integrado activamente en el desarrollo de la sociedad y en el proceso de las relaciones humanas, ejerce una serie de efectos estimulantes sobre el espíritu. La sociología -término ideado por el filósofo francés Auguste Comte¹²¹- es la ciencia dedicada al estudio de las sociedades humanas, su desarrollo y los diferentes tipos de condicionamientos que pueden actuar sobre la conducta individual y grupal de sus integrantes. La sociología musical (rama de la musicología) investiga los efectos de la creación melódica y los sonidos armoniosos sobre el temperamento de las personas dentro de un determinado conjunto social. Gracias al estudio de esta disciplina es posible inferir, entre otros, los efectos de la música elemental en las primitivas sociedades tribales, la función de unidad social de la música étnica, la elevación espiritual inspirada por la música religiosa o el fervor patriótico que puede llegar a despertar la música militar en la psique del individuo.

Sochantre: Del latín (sub-cantor). Maestro de coro en los oficios religiosos de la Edad Media. Era una categoría o dignidad inmediatamente inferior a la del chantre. Le seguía o sustituía, en la dirección del canto llano.

Soggât:

Idiófono originario de Persia. Consiste en una serie de discos de madera, perforados y sujetos a un eje de hierro o latón, que al sacudirlos resuenan como

¹²⁰ Paulownia tomentosa. Árbol de madera aromática y grandes flores de color violeta, que crece en las montañas del Japón.
¹²¹ "Philosophie positive" Vol. IV, París, 1839.

castañuelas. Se emplean para acompañar las danzas tradicionales (norte de Irán, Azerbaiyán, Turkmenistán, Armenia).

Sokyoku: Música tradicional del Japón. Se interpreta con la cítara llamada koto. Antiguamente este tipo de música era compuesta e interpretada por artistas ciegos. En la actualidad se ha reconocido su importancia dentro de la cultural nacional japonesa y su práctica forma parte de la educación infantil y juvenil.

Sol:

Quinta nota de la escala diatónica. Nota

G

en la nomenclatura germánica y anglosajona.

Sol bemol: Nota sol que desciende un semitono cromático. En la terminología musical francesa tiene el mismo significado, variando sólo en la acentuación de la letra é. (sol bémol) Equivalente de G flat en la manera inglesa y Ges en la alemana.

Sol dièse:

Nombre de la nota

la sostenido

en la terminología musical francesa. Equivalente de

G sharp

en la manera inglesa y

Gis

en la alemana.

Sol doble bemol: Nota sol que desciende dos semitonos cromáticos, o un tono en la sonoridad del sistema temperado. Se escribe con ligeras variantes en la grafía francesa (sol double bémol). Equivalente de G double flat en la manera inglesa y Geses en la alemana.

Sol doble sostenido:

Nota

sol

que asciende dos semitonos, equivalentes a un tono completo. En la práctica se comprende como la suma de dos semitonos consecutivos.

Sol double dièse:

También en francés: Es la forma

doble sostenido

de la nota

sol

. En los países de lengua inglesa se escribe

G double sharp.

En alemán:

Gisis.

Sol mayor:

Denominación del tono mayor de la nota

sol

. En el pentagrama se anota mediante un sostenido junto a la

clave de sol

.

Sol menor:

Tono relativo de

si bemol mayor

. En el pentagrama se anota mediante dos bemoles junto a la

clave de sol

.

Sol sostenido: Nota sol precedida del signo de alteración #, que asciende su valor en un semitono cromático. En la terminología musical francesa se escribe sol dièse. Equivalente de G sharp en la manera inglesa y Gis en la alemana.

Soleá:

Danza y canto flamenco perteneciente al folclore regional de Andalucía. Denominación vulgar por

soledad.

Soledad: El origen de la soledad está relacionado con la copla. Su estilo melancólico se desarrolla en compás de 3/8 y movimiento moderado. Los versos de la soledad se cantan de diferentes maneras y con un gran variedad de entonaciones, quedando aquellas sujetas al recurso y la habilidad del cantaor de coplas.

Solfeo: Vocablo derivado de sol y fa. Sistema o disciplina que sirve para leer música con sus valores de altura, duración, ritmo, tiempo, etc. Es la parte fundamental de la teoría musical. Mediante su ejercicio se adquiere destreza en la lectura y comprensión de las partituras. Su técnica permite entonar el sonido básico correspondiente a cada una de las notas musicales de la escala, así como sus respectivos intervalos. La didáctica del solfeo se apoya en una serie de elementos, esenciales para alcanzar su perfecto dominio. Entre ellos, pueden citarse como esenciales a los siguientes conocimientos:

1) El valor de las notas musicales
2) La entonación correcta de dichas notas
3) La medida del tiempo de cada una de ellas
4) La relación de las notas con los compases
5) El uso de los signos complementarios
6) El conocimiento práctico de las siete claves
7) El uso de dichas claves en la transportación
8) La repentización o lectura musical a primera vista

Soliloquio: Voz derivada de una expresión latina (soliloquium) compuesta por los términos solus=solo y loquens= habla. En el libreto de ópera o en el contexto de una obra teatral es la parte en la que uno de los personajes habla solo, sin dirigirse a otro interlocutor. Generalmente se utiliza el recurso del soliloquio para expresar el pensamiento de un personaje, sus pasiones y sentimientos íntimos.

Solista: cantante o ejecutante de un instrumento musical que actúa en solitario durante un breve lapso del transcurso de un concierto. A esa actuación, que es muy significativa dentro de la obra, se la denomina solo*. En el siglo XVIII, se introdujo la costumbre de escribir partituras especialmente creadas para lucimiento de los solistas virtuosos. El gran violinista italiano Arcangelo Corelli (1653-1713), creador del concerto grosso*, fue uno de los más decididos sostenedores de la excelsitud de los solistas.

Solmisación: Término relativamente moderno, derivado del italiano (solmisatio=solfeo). Es una forma mnemotécnica que reciben las notas de la escala básica, con el objeto de insinuar su sonido y facilitar la vocalización de las sílabas del solfeo: (do; re; mi; fa; sol; la; si). En realidad, su técnica es bastante más antigua. Durante siglos los estudiantes de música este sistema para memorizar las escalas y sus intervalos. Este sistema de notación musical -con algunas ligeras variantes- fue creado en el siglo XI, por el monje italiano Guido Aretino, que sustituyó los tetracordios de los antiguos griegos por el método basado en los hexacordos (extendido entonces a sólo seis notas).

Solmisación griega: En la Grecia clásica, la solmisación se realizaba en forma silábica. Para ello adoptaron como punto de partida a un grupo de cuatro vocales que correspondían a las cuatro notas del tetracordio.

Solmizare:

Término italiano. Verbo cuyo significado es equivalente a

solfear

.

Solo: En las óperas y en otras composiciones orquestales es la interpretación de un instrumento o voz, en solitario. Entre los ejecutantes de instrumentos siempre es el primero del conjunto que aparece sentado junto al proscenio. Los solos de viola, de violín o violonchelo adquieren el carácter especial de música descriptiva, llegando a expresar, por medio de sus melodías, una gran variedad de sensaciones e ideas, como el romanticismo, la espectación o la tristeza.

Solwan: Antecedente primitivo de un texto argumental, basado en historias ficticias, desarrolladas con forma de guión dramático. Su estilo rico y variado, parecido a un libreto de ópera, era de origen oriental y estaba inspirado en antiguas fábulas teatralizadas procedentes de las culturas persa e india. Como expresión literaria escrita, el solwan data del siglo XII, cuando el dramaturgo árabe Mohammed Aben Zafer, natural de Sicilia, compuso la primera obra de este género. Su argumento general estaba basado en una secuencia de partes narrativas, sentencias morales y versos didácticos. Las características de este género gozaron de gran predicamento entre los poetas y literatos musulmanes, cuyas formas trajeron a España adaptándolas a su propia cultura. Existen numerosas versiones de esta variedad literaria en bibliotecas y archivos europeos. El monarca granadino Abu Hamu Muza II, melodista y poeta del siglo XIV, compuso una obra dramática, destinada al adoctrinamiento religioso, a la que tituló "El collar de perlas". Este interesante trabajo, integrado por una serie de apólogos, narraciones costumbristas e históricas, poesías y prosa rimada, está inspirado en las formas tradicionales del solwan.

Somma espressione: Indicación de ejecución en italiano. Utilizada particularmente en el arte lírico. Señala la necesidad de interpretar un aria o pieza instrumental con la máxima entidad expresiva.

Sommier: Vocablo musical en francés (secreto del órgano). Caja estanca donde se retiene el aire a presión que luego, mediante la acción conjunta del teclado y el sistema de distribución, es impelido en forma de viento hacia los respectivos tubos.

Son:

Voz antigua, sinónimo de

música

. Específicamente, se refiere al sonido armonioso que produce un efecto agradable al ser oído.

Sonada: Pieza instrumental española del siglo XVII, equivalente a la romanza de salón popularizada durante la segunda mitad del siglo XIX. Se la suele considerar entre los antecedentes de la sonata clásica.

Sonaglio: Instrumento idiófono primitivo, consistente en un sonajero de calabaza que empleaban antiguamente los pastores calabreses para orientar a sus rebaños. También se utilizaba en el acompañamiento rítmico de varias danzas folclóricas típicas de la Italia meridional (Sicilia, Calabria, Basilicata, Puglia). Se cree que su procedencia es árabe, con dispersión en un amplio sector de las culturas mediterráneas En la actualidad existen instrumentos muy similares –aunque con diversas denominaciones- en la isla de Cerdeña y Malta, así como en Túnez, Argelia y Marruecos.

Sonaja: Instrumento idiófono rudimentario, formado por una calabaza u otro tipo de recipiente provisto de mango. En su interior contiene pequeñas piedras o semillas que suenan al agitarlas. Es un tipo de instrumento folclórico y primitivo que responde a distintas procedencias, tanto de África, como de Asia o Hispanoamérica. Con este mismo nombre existe una variante, similar al pandero, que consiste en un aro simple de madera, provisto de pequeñas placas o discos metálicos insertados en ranuras, pero carente de membrana.

Sonajero de calabaza: Especie de maraca de los indios tobas, matacos y pilagás del noreste argentino. Es un idiófono de sacudimiento, consistente en una pequeña calabaza seca y limpia a la que se le introducen una cantidad de piedrecillas para que resuenen en su interior. El extremo más angosto de la calabaza se utiliza como mango. La forma y función de este tipo de sonajero dentro de la coreografía de las danzas rituales, es similar en distintas culturas indígenas de América del Sur.

Sonajero de pezuñas: Idiófono común en varias étnias indígenas de la Patagonia argentina y chilena. Se trata de un instrumento esencialmente masculino y destinado al acompañamiento rítmico de las danzas rituales. Los hombres lo usaban como collar sonoro, para marcar el compás de sus danzas. Otras veces los llevaban pendientes de la cintura y también de los tobillos. Las mujeres no podían tocarlos con sus manos, sólo les permitían tañer estos sonajeros, cuando estaban atados al extremo de una vara.

Sonanta:

Nombre que recibe la guitarra común en algunos países de Hispanoamérica. Es una forma vulgar, de la cual surgen otros términos derivados, como

sonantera

o

sonantear

.

Sonata: Composición musical, sin letra, para uno o varios instrumentos. Su denominación itálica proviene del efecto de "sonar" haciendo referencia al sonido instrumental, en contraste con la cantata, destinada a la interpretación vocal. A fines del siglo XIX la sonata quedó configurada en cuatro tempos: 1º) allegro, 2º) lento, 3º) minué o scherzzo y 4º) allegro, o rondó. Domenico Scarlatti (1685-1757), que llegó a componer diez óperas, además de numerosas piezas de diverso género, misas, cantatas, salves y fugas, es también el autor de más de quinientas sonatas para clave. En el siglo XVII comenzaron a popularizarse dos tipos de sonatas: la sonata da chiesa (de iglesia) y la sonata da camera (de cámara), precursora de la suite. Un magnífico ejemplo de esta última variante, es la sonata Waldestein para piano, en do, opus 53, de Ludwig Van Beethoven. La composición básica de la sonata suele aparecer como un componente importante en la compleja orquestación de la ópera. El aire musical de la Sonata para violín y piano, opus 13, del compositor francés Gabriel Fauré (1845-1924), aparece en su ópera "Salome", estrenada en 1913. Fauré, músico de un gusto refinado y exquisito, se distinguió especialmente por la perfecta estructura de sus composiciones orquestales.

Sonata de cámara: Aunque presenta una relativa libertad de composición, parece guardar relación con la forma tradicional de la antigua suite, manteniendo incluso sus títulos de danzas. Apareció por primera vez en Italia durante el siglo XVII configurada como una secuencia instrumental de movimientos de baile escénico. Su configuración definitiva se debe a los sucesivos trabajos de tres grandes compositores y violinistas: Arcangelo Corelli (1653-1713), Antonio Tommaso Vitali (1665-c.1735) y Antonio Vivaldi (1678-1741). La sonata de cámara de Corelli suele constar de cinco movimientos divididos entre dos partes de reposo (grave y allegro/vivace/largo y allegro).

Sonata de iglesia: Composición a tres partes en estilo imitativo con destino a los conjuntos instrumentales reducidos. Normalmente suele estar formada por un número irregular de movimientos (5 ó 6) con sus respectivas indicaciones de tiempo.

Sonatina:

Composición musical breve. Es una pieza de estudio, configurada al estilo de la sonata tradicional, pero con menor extensión y de interpretación más fácil.

Son caribeño: También llamado son cubano. Es una variedad musical, de carácter sincopado, procedente de la provincia de Oriente. El son es considerado por los musicólogos como el principal género integrador del arte y los estilos autóctonos de la isla. Su estructura melódica es una de las más difundidas dentro de la gran variedad de formas que integran el folclore regional del Caribe y Centroamérica. Si atendemos a ciertas tradiciones populares, el son habría nacido en la isla de Cuba, en el siglo XVI, es decir, contemporáneamente con la llegada de los conquistadores españoles, que entonces la llamaban "Isla Fernandina". De aquella época datarían las primeras composiciones tradicionales que actualmente se conocen como melodías tradicionales, provenientes de autores anónimos. Esto permite inferir que el estilo del son cubano sería el resultado de un largo proceso de transculturación entre la música europea y los ritmos autóctonos de América. En otros países del Caribe se originaron estilos y tipos de composiciones hermanadas en ciertos aspectos con el género cubano, como son de Pascua, típico de las fiestas religiosas de Guatemala, el son huaxteco, de México, el porro dominicano, el araguato de Venezuela y el tamborito, panameño.

Son de Pascua: Melodía tradicional de Guatemala y México. Forma parte del conjunto de composiciones navideñas de Centroamérica. Sería una de las numerosas variantes musicales inspiradas en el típico son caribeño.

Sonecillo (composición vocal): Estilo de canción tradicional mejicana, cuyo origen parece proceder de la península ibérica. La característica principal de esta variedad melódica reside en el sonido característico de repiqueteo que se hace con los dedos para marcar el compás y las inflexiones vocales.

Sonecillo (ritmo bailable): En algunas regiones de Hispanoamérica -especialmente en el área del Caribe- se llama así al ritmo ligero que sirve para marcar las evoluciones de algunas danzas folclóricas. Existen formas bailables similares en diversas regiones de América del Sur, donde suelen acompañar el sonido rítmico de los instrumentos con el zapateo y el zarandeo.

Soneto: Sonido breve y agradable. Término de poética comparable al sentido y efecto de la música, por su forma lírica contenida en catorce versos. Es la más bella y perfecta de las variedades literarias. Aparece como adorno del lenguaje en varias obras musicales, particularmente en el recitativo. La fórmula tradicional establece versos endecasílabos compuestos en dos cuartetos rimados y dos tercetos generalmente encadenados. El soneto con estrambote o caudato tiene el agregado de más versos siguiendo la forma de los tercetos.

Song (aerófono): Término derivado del inglés que se usaba antiguamente en la India para designar a una especie de corneta de fibra vegetal, dotada de un sonido fuerte y profundo. Aunque su cometido original era anunciar la llegada de las comitivas reales u otros acontecimientos cívicos, con el tiempo pasó a formar parte de los conjuntos músicos dedicados a la interpretación de melodías populares. Existen distintas variantes de este primitivo instrumento, todas similares, diseminadas a través de lo extensos territorios continentales e insulares del sur y el sureste asiático (India, Sri Lanka, Bangla Desh, Sumatra).

Song (cordófono): Nombre autóctono del arpa tradicional de Birmania. Tiene la caja de resonancia curvada, en forma de barca, con el mango curvo y doce cuerdas de seda. La antigüedad de este delicado instrumento es considerable, dado que su figura aparece representada en los monumentos camboyanos de Angkor Vat¹²². En la actualidad forma parte del cuadro instrumental de las grandes orquestas orientales. También puede escribirse “saung”.

Song (poema melódico):

En inglés (canción/canto). Composición lírica de carácter sentimental, cuya letra suele ser narrativa y en algunos casos dramatizada.

Son huaxteco: Baile autóctono de México, cuya zona de difusión se encuentra en el noroeste del estado de Veracruz, Tamaulipas y San Luis Potosí. El son huaxteco es similar al cubano -forma melódica con la que parece coincidir en ciertos aspectos del ritmo y la coreografía- aunque según algunos especialistas, la forma mejicana sería más antigua.

¹²² Antigua capital del reino jemer (Camboya). Primera mitad del siglo XII. Fue descubierta en 1859 por el naturalista francés Henri Mouhot (1826-1861).

Sonido: Término procedente del latín (sonitu). Es la sensación que recibe el oído por la vibración ciertos elementos a través del aire. Los sonidos musicales son producidos por vibraciones iguales y muy rápidas. Cuando el sonido es armónico, se diferencia del ruido en que este último es inarticulado y desagradable. En esto se basa el principio de la música. El oído humano puede percibir, aproximadamente, entre 30 y 15.000 vibraciones por segundo.

Sonido abierto: En la voz humana, corresponde al registro que se conoce corrientemente con el nombre de voz de pecho. También llamado Sonido A. Se decía antiguamente del tono que producen los cantantes en sus prácticas de vocalización. El sonido abierto de esta vocal reemplaza, en el solfeo, a las siete notas de la escala: A en do, A en re, A en mi, A en fa,, A en sol, A en la, A en si.

Sonido armónico: 1) Resonancia de un sonido fundamental que produce otro sonido concomitante. 2) Sonido especial que producen los instrumentos cordófonos cuando se presiona suavemente un punto determinado de una cuerda en vibración.

Sonido compuesto: También llamado sonido complejo. Es la suma de las vibraciones de un instrumento determinado, al que se agregan otras vibraciones menores a las que se conoce con la denominación de sonidos armónicos. El conjunto de ambos tipos de vibraciones -llamado timbre- permite identificar el tipo de instrumento que las emite.

Sonido de campanas: Es metálico y muy profundo. Está compuesto por una serie compleja de armónicos que en interpretación de música sinfónica y puede imitar el tañido de aquel instrumento o de un carillón completo. Este sonido se obtiene mediante una serie de barras de bronce de distinto espesor, que penden de un soporte y son percutidas por un mazo del mismo metal.

Sonido conjunto: Es una denominación que atendiendo al concepto de compás suele utilizarse en plural. Se llaman conjuntos a los sonidos que son distintos pero están unidos por las conjunciones denominadas intervalos. Por ejemplo, la conjunción de las notas do-re forma un movimiento conjunto.

Sonido diegético: Efecto sonoro puntual que se produce de forma natural sobre el escenario. Su función es esencialmente descriptiva y suele estar relacionado con algún elemento constante del tema argumental. Normalmente, al sonido diegético lo producen los mismos cantantes, actores o coristas, mediante instrumentos típicos, ejecutados sobre la misma escena, con herramientas que simbolizan el trabajo manual, etc.

Sonido disjunto: Es el sentido contrario del anterior. Son disjuntos los sonidos que no están unidos por intervalos breves. El movimiento disjunto es una progresión de dos notas que no suenan en forma modulada, debido a la existencia de intervalos más extensos que un tono completo. Ejemplos: do-la o do-sol.

Sonido enarmónico: Sonido sujeto a las características de la enarmonía. Ocurre cuando, dentro de un acorde, se pasa de una nota a otra sin modificar sensiblemente la entonación. Cuando el paso enarmónico está bien temperado no resulta disonante. Suele representarse mediante una secuencia de notas que en el contexto melódico pueden resultar equivalentes (la bemol, sol sostenido, etc.).

Sonido extradiegético: En la escena cumple la misma función descriptiva que el sonido diegético, pero a diferencia de aquel, éste se produce entre bastidores, o en la cabina de sonidos, por medio de artilugios mecánicos o electrónicos (el rugido de una tormenta, voces de multitudes en la lejanía, unos cuerpos cuando luden con otros, el crujido de una puerta al abrirse, un redoble de campanas, el tic-tac de un reloj de pared, etc.) Los sonidos extradiegéticos tienen importancia en función del argumento teatral, porque permiten relacionar el tipo de sonido con una imagen determinada.

Sonido filé: Del francés (son filé) Sonido estirado. Se aplica la técnica de interpretación del violín, en la que el sonido se va estirando progresivamente sobre una sola nota sostenida hasta finalizar en un largo pianísimo. En el canto lírico, equivale al término mezza di vocce. Infinitivo: filar.

Sonido flageolett: Variedad de hipertono. Es un tipo de armónicos obtenido en los instrumentos de cuerda, mediante la creación artificial de nodos formados por la ligera presión de los dedos sobre ciertos puntos divisorios. Se trata de una difícil técnica de ejecución, que en ocasiones puede llegar a imitar el sonido de otros instrumentos, incluso aquellos que pertenecen a una familia distinta. En el singspiel de Wolfgang Amadeus Mozart, "El rapto en el Serrallo", el sonido flageolett, similar al de un flautín, desempeña un papel determinante para sugerir situaciones y ambientes propios del lugar donde se desarrolla la escena.

Sonido mate: Se llama así cuando el sonido de un instrumento carece de brillo. En el piano se obtiene con el pedal flojo. Cuando se trata de un sonido vocal, también se dice "a bocca chiusa", empleándose esta técnica en el canto coral para imitar el sonido de ciertos instrumentos de cuerda y metales de viento.

Sonido puro: No se puede utilizar en música. En la práctica el sonido puro es el producido por un único elemento, con velocidad y frecuencia inconstante. En otras palabras, el sonido puro no pasa de ser un ruido, sin ritmo ni armonía.

Sonido resultante: Timbre o tesitura distinta al sonido natural de ciertos instrumentos musicales. Es una resonancia artificial que se puede dar, por ejemplo en el clarinete, cuando se le aplica la sordina.

Sonido resultante multifónico: Es el sonido resultante que se puede obtener de un instrumento, cuando surge junto y consubstanciado con los sonidos naturales del mismo. Sólo puede ser distinguido a través del proceso de selección y separación de tonos mediante un sintetizador.

Sonido resultante unitímbrico:

Surge de un instrumento, con su propio timbre, separado y bien diferenciado del sonido real que lo provoca.

Sonido simpático: Es lo mismo que cuerdas simpáticas. En los instrumentos cordófonos se llama así a la sonoridad que emite una cuerda por sí misma, como resultado de las vibraciones producidas por otra cuerda inmediata. Para evitar esos sonidos parásitos, existen los apagadores, que mantienen todas las cuerdas sujetas, salvo la que se está tañendo. En los instrumentos de arco -donde no es posible aplicar mecanismos apagadoresel problema se soluciona aplicando una tensión elevada a las cuerdas y separándolas mediante las guías marcadas sobre el borde del puente.

Sonido tapado: Efecto que se produce en algunos aerófonos del tipo del corno, al introducir la mano en el pabellón, con el objeto de obtener en forma intencional una serie de tonalidades apagadas. Este tipo de sonidos se emplea particularmente en la música descriptiva. La obtención manual de los sonidos tapados es imposible de lograr en aerófonos como la tompeta o el trombón, debido a que la longitud de estos instrumentos impide llegar con la mano hasta la boca de salida. Para ello se emplean otros complementos como la sordina.

Sonido trece: División de los semitonos, propuesta por el compositor y director de orquesta mejicano Julián Carrillo (1875-1965). Las obras de este notable musicólogo gozan de una gran originalidad basada en sus investigaciones vanguardistas. Carrillo intentó explicar teóricamente su innovadora teoría, llevándola también a la práctica en obras melódicas plenas de una profunda intensidad cromática.

Sonio: Unidad acústica utilizada en la medición de niveles de sonoridad. En música se emplea para graduar las escalas y calcular la capacidad sonora de los instrumentos musicales sometidos a examen.

Son istmeño: Estilo melódico popular de Juchitán, en el estado mejicano de Oaxaca. Consta de varias partes, entre ellas el valseado y el zapateado. La letra de esta variedad musical se suele cantar en lengua zapoteca¹²³ y los motivos casi siempre narran circunstancias comunes en la vida rural. Instrumentos propios del son istmeño: guitarras, tambores, caparachos de tortuga y la indígena flauta de carrizo.

Son jarocho: Aire tradicional mejicano. Muy popular entre los campesinos de la costa de Veracruz. Se suele interpretar al estilo de la ranchera. La organología de esta variedad folclórica está compuesta básicamente por instrumentos musicales típicos, o muy utilizados en la región veracruzana: arpa, jaranas (segunda y tercera), requinto y las tradicionales guitarrillas jarochas.

Sonora: Nombre que se suele dar en algunos países de Hispanoamérica al cordófono conocido usualmente con el nombre de bandurria común. Tiene seis cuerdas de metal afinadas de aguda a grave, de la misma manera que la bandola (la, mi, si, fa sostenido, do sostenido y sol sostenido). Se ejecuta punteando las cuerdas con un plectro o púa de carey.

Sopele: Aerófono popular de la región oriental de Croacia. Tiene nueve orificios y generalmente suele estar afinado en el tono de sol. Antiguamente lo utilizaban los pastores montañeses de Papuk y Sunj. Pertenece al mismo tipo de oboe rústico que el piffaro del Adriático y el surla de los Balcanes.

Soplador: Tubo corto, tallado generalmente en madera de boj, con guarniciones de latón, que se emplea para insuflar aire en el odre de las gaitas. Posee una sencilla válvula de retención -de caucho o cuero- que sólo permite pasar el aire en el sentido del soplo. En algunas regiones de España también se le da el nombre de bufador (Zaragoza, Huesca, Teruel, etc.).

¹²³ Etnia precolombina de la costa sur de México, sobre el océano Pacífico (actuales Estados de Oaxaca y Guerrero). Fue una de las más desarrolladas en la época de la conquista de América. Los actuales descendientes conservan numerosos rasgos culturales y costumbres tradicionales de sus antepasados (danzas, cantos, artesanías, etc.).

Soplete:

Es lo mismo que el anterior. Se emplea particularmente en Galicia y Asturias.

Sopranino (aerófono): Instrumento transpositor de la familia de los metales. También se lo conoce con los nombres comunes de trombino o pequeño fiscorno. Es el registro más alto (mi bemol) en la serie de los saxofones. Puede reemplazar a la trompeta en do. Su característica principal es el timbre, rico en los agudos y muy parecido al del fiscorno normal, aunque de menor intensidad. Los músicos franceses lo llaman petit bugle en mi bemol. Para la organología germana es el bugle piccolo in E flat. En la actualidad se emplea con menos frecuencia.

Sopranino (cordófonos): Variedad de viola de gamba de seis cuerdas que estuvo en uso desde el siglo XVII hasta fines del XVIII. En la misma época existió otro instrumento de similar tesitura, pero de menor tamaño, con la eclisa más fina y cinco cuerdas, al que también se suele llamar quintón.

Sopranista: Nombre con el que se designaba hasta el siglo XIX a los cantantes masculinos cuya voz lograba agudos tan potentes que podían llegar al do sostenido. En la mayoría de los casos se trataba del resultado de prácticas inmorales, como la castración del individuo antes de que llegara a la adolescencia. También se empleaba para nombrarlos el eufemismo de i musici (los músicos).

Soprano (cordófono): Viola de gamba del siglo XV, con tesitura algo más grave la de sopranino. Tenía la caja de resonancia de mayor que aquella y la eclisa era más ancha. Dejó de utilizarse a fines del siglo XVIII.

Soprano (voz femenina): Cuerda perteneciente al timbre agudo, es una tesitura adecuada para el virtuosismo interpretativo. Esta voz posee diferentes colores, ideales para las variadas circunstancias argumentales de la ópera, destacando entre ellos, las tonalidades de soprano dramática, soprano ligera y soprano lírica. La ópera "El Mesías", de Georg Friedrich Händel, requiere uno de los roles más críticos para la cuerda de soprano. Esa particularidad se da en su relación sonora con las bellas voces de contralto, contratenor, tenor y bajo. De la soprano ligera alemana Therese Caroline Tietjens (1831-1877) se cuenta que tenía una voz de tal extensión que podía encarnar papeles dotados de un gran carácter y con una gama que alcanzaba desde la tesitura aguda de su cuerda de soprano hasta la más amplia de contralto. Lamentablemente, al no existir grabaciones magnetofónicas, de aquellos portentos del pasado no han quedado recuerdos sonoros, tan sólo la viva narración de los testigos de la época. Tietjens, adquirió su mayor fama interpretando las óperas de Verdi y Meyerbeer.

Soprano (instrumentos musicales):

Es el registro superior en varias series o grupos de distinto tipo (

saxofón

en

si bemol

,

fiscorno

en

do

, etc.).

Soprano de coloratura:

Nombre descriptivo que se suele dar a la tesitura de

soprano ligera

por el gran colorido y altura de su voz.

Soprano dramática: Voz rotunda y nítida, propia de una mujer de mediana edad, con una extensión que puede alcanzar el do sostenido, dotada de agudos fuertes y registros medios y hasta graves. Sirve para caracterizar personajes vigorosos, no exentos de sufrimiento. La ópera "Aida" de Giuseppe Verdi, por su intenso dramatismo y variedad de situaciones, exige una voz de soprano con gran coloratura, además de una ductilidad especial que le además de una ductilidad especial que le 1977) fue la más reconocida entre las numerosas sopranos que interpretaron con éxito el difícil papel de la esclava etíope.

Soprano ligera: Voz aguda, muy clara y flexible, con sonoridad similar a la flauta. Su tonalidad es equiparable al registro de la tiple. También se la suele llamar soprano de coloratura. Es una de las voces más indicadas para representar papeles de mucho carácter y hondo dramatismo, como el personaje de la "Reina de la Noche" en la célebre ópera "Die Zauberflöte" (La flauta mágica), de Wolfgang Amadeus Mozart.

Soprano lírica: Voz de mediano carácter y gran tesitura, dotada de un buen registro en las notas graves. Su carácter puede ser muy variado, pudiendo representar personajes de distintas edades y de la más diversa procedencia. Se luce especialmente en los pasajes recitados. En "La bella Helena", ópera bufa de Jacques Offenbach, estrenada en 1864, el principal papel femenino es una soprano lírica, cuya suave voz, representa la gracia de Venus.

Sopranstimme: En las partituras o etiquetas de CD procedentes de Alemania suele aparecer esta palabra cuya traducción significado literal es "voz de soprano". Ejemplo: "Die geseichneter" (Los condenados), ópera en tres actos de Franz Schreker (1878-1934). El libreto en castellano de esta obra indica sopranstimme para la parte correspondiente a esa tesitura vocal.

Sordina (aerófonos): Pieza accesoria de algunos instrumentos de la serie de los metales, que al aplicarla sobre el pabellón permite reducir el régimen de los armónicos. Esta operación modifica el timbre natural permitiendo obtener una gama de sonidos mucho más suaves. Tiene forma de tapón o embudo y su objeto principal es eliminar las estridencias. El empleo de este agregado está registrado desde mediados del siglo XVIII. Cada modelo de sordina produce un efecto acústico distinto. Según la forma de colocarla, se pueden obtener distintos grados dentro de las tonalidades mate. Esos sonidos se denominan "tapados" o "abiertos". Existen implementos de este tipo fabricados en madera, plástico o metal. Antiguamente se utilizaba la mano del ejecutante para lograr el mismo propósito. Las partes de trompeta con sordina son importantes en la música de ópera como elemento sonoro insinuante o descriptivo. Las trompetas del drama "Orfeo" de Claudio Monteverdi, estrenada en Mantua, en 1607, constituye un interesante ejemplo del uso acertado de esta variante instrumental.

Sordina (cordófonos): Pieza accesoria que se coloca en el violín para impide la excesiva vibración de las cuerdas sobre el puente. Es una especie de peine con tres púas de metal, ébano o marfil, que amortigua la reverberación de las ondas sonoras en la caja de resonancia. La sordina disminuye la intensidad del sonido y modifica su timbre oscureciendo el tono.

Sordina (pianos y órganos):

Registro especial en el mecanismo de estos instrumentos que les permite lograr el mismo propósito que los dos modelos anteriores.

Sordina-Sax: Implemento para instrumentos de viento, inventado a fines del siglo XIX por el fabricante de instrumentos aerófonos Adolphe Sax. Consistía en una cámara acústica aplicable en el pabellón, que no modificaba el timbre ni la altura del sonido. Su fijación se realizaba mediante un anillo aislador de fieltro y una llave fácilmente desmontable. Gozó de una difusión puntual, debido a que el sonido surgía del instrumento con un tono velado, aunque no exento de dulzura. El compositor francés Jules Massenet (1842-1912) empleó este tipo de sordina en la brillante composición para trombones, trompas y trompetas de su ópera “Le mage” (el mago), estrenada en 1891. Con perfeccionamientos que derivaron el la moderna sordina instrumentos de viento.
el tiempo ha recibido

utilizada en los actuales

Sordino: Instrumento músico, de cuerdas frotadas por arco, similar al violín pero con un timbre distinto. Puede alterarse el sonido de estos instrumentos musicales ejecutando la técnica del vibrato (variaciones en la altura de tono). Sin embargo, la obtención de los sonidos exactos que exige una determinada melodía, depende más de la destreza del ejecutante en el manejo del arco que de otra contingencia.

Sordone: Voz italiana (sordón). Instrumento aerófono utilizado durante los siglos XVI y XVII, con lengüeta de caña y doble tobo de madera, parecido al actual fagot. Se dejó de utilizar a principios del siglo XIX. Lo describe el compositor y tratadista musical Michael Praetorius en su obra“Syntagma Musicum” (1619).

Sorog: Escala musical de Indonesia. Es una forma característica en las raíces folclóricas de la isla de Bali. Su aplicación resulta bastante usual en el tipo de composiciones que interpretan las orquestas gamelang.

Sostenido: Símbolo indicativo de la alteración de un semitono más alto que la notación del pentagrama. La diferencia entre un sonido sostenido y otro bemol se debe a que ambos tiene una cantidad diferente de vibraciones. Sin embargo, esa diferencia es tan pequeña que en la práctica suelen confundirse. De hecho en la afinación del piano, que es un instrumento de sonido fijos, tanto el sostenido como el bemol se producen mediante una misma tecla.

Souffarah: Nombre de una variedad de flauta árabe, de seis o siete orificios, también conocida en la península arábiga con el nombre de gosba. Es de caña con pico de madera. Algunos ejemplares presentan un orificio de digitación en la parte inferior del tubo que se obtura con el dedo pulgar de la mano izquierda.

Souravilia: Flauta griega, similar al flabiol de Cataluña. Es un instrumento folclórico, tradicional en ciertas regiones de Tesalia, Tracia y Macedonia. El nombre proviene de una variedad de caña que se utilizaba en la construcción de las antiguas flautas griegas, especialmente las de seis agujeros laterales, que llevaban este nombre desde la antigüedad. Las cañas se obtenían en las cercanías de un lago de Beocia llamado Copais. La souravilia se suele tocar juntamente con un pequeño tambor. Mientras ejecuta los compases básicos de la melodía, el aerófono va ejecutando un acompañamiento de redoble continuo. Existen otros modelos similares a esta flauta en la península de Peloponeso. Con el tiempo, el nombre souravilia se hizo extensivo a unas lengüetas finas y vibrantes, obtenidas con la fibra de esta variedad de caña.

Sousaphon: Variedad de tuba, de latón cromado, afinada como el helicón, en si bemol. La utilizan particularmente las charangas o bandas militares y ocasionalmente las orquestas sinfónicas. Lleva el nombre de su inventor estadounidense (de apellido Sousa). Suele llevar el tipo de boquilla semiesférica, el cuerpo enrollado en forma circular y una campana orientada hacia delante, que se proyecta como una gran bocina sobre la cabeza del músico ejecutante.

Spaced out music: Denominación en inglés del estilo melódico conocido en Europa con el nombre de música repetitiva. También llamada new music, constituye un fenómeno basado en el desarrollo constante de una idea melódica, sin ningún tipo de elaboración programática como pieza independiente. Según esta idea, el espectro sonoro debe ser un componente más del ambiente sensorial (sensitive landscape). De acuerdo con esta teoría, la space out music sería un elemento acústico equivalente a la luz, que se percibe en forma constante, no tangible pero inmersa en el ámbito visual, como podría la tonalidad del atardecer a través de los reflejos de un cristal. Luz y sonido constituyen un concepto esencial en este tipo de música, que se vale de ciertas ideas propias de las artes plásticas, para abordar su modo particular de incursionar en el espacio sonoro. Entre los destacados cultores de este género vanguardista puede citarse al compositor californiano John Cage (1912-1992). Sus obras más representativas demuestran un ingenio excepcional para elaborar nuevos conceptos dentro del expresionismo musical: "Imaginary Landscape" (1951); "Water Music" (1952); "Fontana Mix" (1960); "Atlas Eclipticalis" (1962); "Branches" (1976); "Thirty pieces for Five Orchestras" (1981).

Spianato: Término musical italiano. Significa que el canto debe extenderse. (spianatto=extendido). Se llama así a la forma cantabile en la que cada una de las notas corresponde a una determinada sílaba. Por relación, también se designa con ese término al fraseo musical en el que la melodía se va extendiendo paulatinamente.

Spiccato: En italiano (separado). Variante de la técnica del golpe de arco, común en la ejecución del violín y otros instrumentos de esta familia. Consiste en tañer las cuerdas, una a una por separado, con golpes breves y acentuados que van aislando el sonido de cada nota de los siguientes sonidos. Se percibe como el golpe de baqueta sobre el parche de un instrumento de percusión.
Es una nota acentuada, que suena aislada de las demás y por lo tanto resulta naturalmente destacada. También puede lograrse en ciertos los instrumentos idiónos o metalófonos (campana, triángulo, batintín, címbalo, vibráfono, celesta, etc.). La técnica de ataque consiste en una única nota breve y destacada por el repentino ataque de la varilla percutora. Otra forma de citar a este efecto es con el término francés piquée (picado).

Spiritual song : Musica de contenido religioso, propia de la comunidad negra del sur de los Estados Unidos. Es el mismo tipo de melodía que los negro-spiritual. Aparece a fines del siglo XIX y puede tener diferentes estructuras rítmicas, cada una con su particularidad, pero conservando el mismo estilo. La más conocida es el spiritual blues.

Spirituoso : Indicación de tempo. La manera de ejecución de la melodía debe ser alegre, chispeante, con un aire jocoso. Se emplea para el acompañamiento instrumental de los pasajes cantados en la ópera bufa.

Sprechstimme: En alemán (voz hablada). Término usual en la crítica o descripción de la ópera germana. Se refiere de manera particular a la declamación operística con un suave fondo musical. Su divulgación empieza con el drama vagneriano.

Sprezzatura: En italiano (forma expresiva). Otro término usual en la ópera italiana. Significa recitar cantando un aria, con gran variación rítmica y armónica. En la forma de interpretación, es similar al tempo rubato.
Squadra: En italiano (escuadra=brigada, conjunto de hombres dedicados a un menester determinado). Por antonomasia recibe este nombre un tipo de conjunto polivocal, de esencia folclórica, originario de la ciudad de Génova (Italia). Su repertorio comprende una colección de composiciones melódicas de carácter popular. En especial, las que proceden de la Liguria y adyacencias. La configuración de las squadre está dada por un grupo de doce cantantes masculinos (tenor, barítono, bajo, contralto, etc. Una característica singular de esta variedad de conjunto musical es la imitación del sonido de la guitarra por una de las voces, que cumple la función de acompañamiento. Las squadre se especializan en la interpretación del canto trallallero.

Stábat Mater: Frase latina (En pie estaba la Madre). Composición musical de los himnos religiosos que se entonan en homenaje a la pasión de la Virgen María, al pie de la cruz. El título -que proviene de la primera palabra del verso inicial- está asociado a las melodías tradicionales en las estaciones de la “Vía Crucis”. La“Stabat Mater dolorosa” es una secuencia habitual, que inspira un profundo sentimiento de piedad, en las celebraciones marianas. Su texto, pertenece a una conocida endecha del siglo XIII, inspirada en los dolores de la Madre de Jesucristo ¹²⁴.

Staccato: Ocurre cuando en un pasaje musical se da mayor intensidad a algunas notas respecto a las demás. Es el efecto contrario del legato (notas ligadas). En el staccato, las notas se emiten de una manera suelta, reduciendo o aumentando el valor de cada una de ellas acuerdo con su incidencia en la línea melódica.

Standchen:

En alemán significa

Nocturno

, o también

Serenata

. En algunas partituras y CD de obras procedentes de Alemania suele aparecer esta palabra como subtítulo.

Steel band: En inglés (banda de acero). Denominación popular de los conjuntos musicales de origen caribeño que utilizan viejos bidones de metal como instrumentos de percusión. Son célebres las steel bands dedicadas al acompañamiento de la danza calipso en las islas caribeñas de Trinidad y Tobago.

Sticherarion:

Canto bizantino. Forma ornamentada. Se aplica a la interpretación

a cappella

de los cantos religiosos denominados

sticheros

.

Sticheros:

Parte del

sticheration

, configurada por un conjunto de textos cantables breves, que van intercalados en medio de los versículos.

Stilo antico: En italiano (estilo antiguo). Nombre que se dio desde el siglo XVI en adelante al estilo tradicional del canto polifónico, consagrado tras el concilio de Trento como la forma vocal clásica para la liturgia de la Iglesia católica. Mantiene una línea severa y horizontal del contrapunto, inspirada por la obra del compositor religioso Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594).

¹²⁴ Atribuida al monje franciscano Jacopone de Benedetti, llamado de Todi (c.1250-1306). También se considera de su autoría la letra de la “Stabat Mater speciata”, que describe las alegrías de la Virgen en el pesebre de Belén.

Stilo rappresentativo: Estilo de canto monódico del siglo XVII. Esta forma de hablar cantando o representando de manera melódica los textos de los diálogos en la escena, nace como un modelo propio de la ópera barroca.

Stimmung: Término musical de origen alemán, cuya acepción amplia se refiere a la animación, el ambiente. Derivado de stimm/stimme=vocal/voz, la idea se aplica al efecto de afinar el oído y cantar en conjunto, creando y recreando nueva música. Esa relación tiene importancia en las circunstancias particulares de un ambiente donde prevalece la relación directa entre el público y el intérprete. Creada a finales de la década de 1960 por el compositor alemán Karlheinz Stockhausen, “Stimmung” es una obra, típica de la vanguardia innovadora en aquellos años. En ella, seis vocalistas oyen junto al público una serie de sonidos electrónicos, en principio carentes de ritmo y armonía. A partir de esa experiencia colectiva, público y cantantes intentan afinar sus propias voces, entonando una melodía en común, creada sobre la marcha y bajo la inspiración de los sonidos que han escuchado. De ese curioso proceso intelectual, sugerido por la animación del público, van surgiendo nuevas ideas, dentro de un ambiente musical que se renueva en cada actuación. Son formas melódicas subjetivas que alcanzan su desarrollo pleno de acuerdo con las distintas maneras de captar el mensaje sonoro.

Straight: En inglés (recta). Sordina para la trompeta. Tiene un perfil cónico, estrecho y alargado. Si se toca el instrumento, empleando una elevada potencia de soplo, el timbre surge áspero y metálico. En cambio, moderando el impulso, se puede suavizar el sonido, dando la sensación de que proviene de un lugar distante.

Stratocaster: Variedad de guitarra eléctrica norteamericana, de seis cuerdas, derivada de la célebre telecaster, desarrollada al principio sobre una idea del músico y compositor country Bill Carson. Como aquella, fue fabricada por la firma norteamericana Fender en 1954. Posee un sistema propio de palanca de vibración, puente y cordal unificados en un bloque único, que le brindan la posibilidad de guiar la emisión de los sonidos a través de un tono constante. Con el tiempo, aquel modelo original ha tenido una serie de mejoras estructurales, tanto en la forma y el color, como en las pastillas de bobinado y los amplificadores. Siempre gozó de una gran popularidad en el ámbito del blues y el rock.

Stretta: Parte final de la fuga en la que cada uno de los motivos de la obra va reapareciendo en rápida sucesión. Es el equivalente itálico de estrecho. Esta parte suele efectuase en cabaletta y con cierta aceleración. También se llama así a cualquier pasaje musical si es interpretado en concertante y la línea melódica va adquiriendo un tempo bastante rápido al llegar al final, aunque sin exagerar. El significado simbólico de esta palabra italiana está relacionado con la mayor velocidad que adquiere un río cualquier otro curso de agua al estrecharse sus márgenes. Es común ver ejemplos clásicos de stretta en óperas y oratorios compuestos entre los siglos XVIII y XIX (Rossini, Verdi, Donizetti).

Stride: En inglés (paso amplio, manera de andar). Se refiere a un estilo de interpretación musical, típica del sur los Estados Unidos (Louisiana, Missisipi, Alabama) contemporáneo del ragtime. Tuvo especial preponderacia en New Orleans a principios del siglo XX, y alcanzó cierta fama con la actuación de grandes pianistas e intérpretes del jazz, de la talla de James P. Jhonson.

Stringendo: Vocablo italiano (stringere=apretar). Indica una alteración gradual del movimiento, la transición desde un tiempo lento a otro más vivo o acelerado. Por esa razón, stringendo no es un matiz de sonido, sino de velocidad en la ejecución. Ejemplo: un tempo moderato (lento) que pasa a tempo alla breve (acelerado al máximo).

Strophicus: Del latín (strophium=lo que sirve para atar o unir¹²⁵). Es una palabra procedente del sistema de notación del Canto Gregoriano, que indica la existencia de un neuma ornamental en forma de trémolo, es decir, de dos o tres notas consecutivas de la misma altura, unidas a modo de gruppetto. En el siglo XVIII sirvió de base para la creación de las modernas tablas de adornos que regulan de alguna manera a los aportes personales que los intérpretes instrumentales y cantantes ponen en sus actuaciones.

Suave:

Denominación corriente del pedal derecho del piano, al que también se suele llamar

celeste

.

Subdominante: Término propio de la escala diatónica. Es el nombre correspondiente a la quinta inferior de la tónica, también llamado de grado cuarto. Su denominación es específica del sonido equivalente, al que también se puede indicar con una cifra romana (IV).

Subíndice: La escala musical, ascendente o descendente, forma una sucesión de sonidos que se pueden repetir formando distintas series denominadas gamas. Existe un número variable de gamas, de acuerdo con la extensión del instrumento o la voz humana que emite la escala. Con el propósito de identificar correctamente a las notas pertenecientes a cada gama, se colocan unas cifras identificatorias debajo de los nombres de cada una de la siguiente manera:

do₁ re₁ mi1 fa₁ sol₁ la₁ si₁ do₂ re₂ mi₂ fa₂ sol₂ la₂ si₂ do₃ - re₃ - mi₃ - fa₃ - sol₃ - la₃ - si₃ do₄ re₄ mi₄ fa4 sol₄ la4 si₄

En la primera de las gamas de una escala, -también denominada

gama fundamental

- es usual que no se indiquen los subíndices.

Subito forte:

Denominación complementaria de graduación. Indica un tono fuerte repentino.

Subito piano:

Denominación similar a la anterior. Indica un tono fuerte con un periodo de transición previo.

Sucu-sucu: Música cubana, variante del son. Es una voz onomatopéyica, propia del ritmo popular, alegre y sincopado, que se baila al compás de una agrupación de instrumentos tradicionales en el área cultural del Caribe (guitarra, tres, timbal, bongó, armónica, machete y güiro). En sus melodías se advierte la influencia del folclore tradicional de las islas de Jamaica y Caimán. La música caribeña demuestra una gran coincidencia en el conjunto de antecedentes étnicos, estilos y costumbres, que inciden profundamente en su temperamento rítmico. El sucu-sucu tiene amplia raigambre en Cuba, especialmente en la isla de la Juventud. Debido su amplia difusión en parte de América Central, Colombia y Venezuela, los conjuntos típicos también suelen combinar el sonido de otros instrumentos que intervienen en su ejecución (marímbula, acordeón, claves, maracas, etc.).

¹²⁵ Glosario Latino de Apuleius (3ª acepción).

Suite: En la ópera es una serie de piezas orquestales que se utilizan en el acompañamiento o individualización de las distintas escenas. En su origen, durante el siglo XVI, se llamaba así a un conjunto de danzas de diverso carácter, pero escritas en una misma tonalidad y adaptadas para el acompañamiento instrumental. Un bello ejemplo de esta forma es la suite orquestal titulada "Música para los Reales Juegos Artificiales", de Georg Friedrich Haendel (1685-1759) estrena en Londres en 1749.

Suite de concierto: Composición organizada como un conjunto o sucesión de números musicales independientes, aunque en su contexto respondan a una armonía general (mazurca, vals, etc.). El melodioso ballet "Coppélia", del compositor francés Léo Delibes (1836-1891), es un ejemplo de este tipo de organización en suite. Delibes, además de una reconocida labor docente en el Théâtre Lyrique y la Opéra de Paris, dejó un importante legado musical, compuesto por ballets, cantatas, operetas, música incidental, canciones y varias óperas, entre las que destaca el conocido drama "Lakmé".

Sujeto: Primer tema musical de los dos que generalmente componen la fuga. El segundo tema se denomina contrasujeto. En algunos países se dice tema y contratema. Ambas partes componen el perfecto y armonioso tejido sonoro que caracteriza a la forma de la fuga. El sujeto también es parte esencial en varias formas imitativas como los ricercare polifónicos, compuestos por varios temas tratados en contrapunto.

Sulla tastiera: Indicación de ejecución en italiano, cuyo significado es explícito (sobre el diapasón). Se suele utilizar en las partituras de los instrumentos de cuerdas frotadas, para señalar la necesidad de pasar el arco sobre la parte alta del mango, es decir, la más cercana al clavijero. Su propósito es lograr notas dotadas de una sonoridad suave y relajada. También se puede escribir sul tasto con el mismo significado. La forma opuesta se denomina sul pontichelo (sobre el puente). Su objeto es obtener notas agitadas y con fuerte temperamento.

Superdominante:

Nombre específico del sonido equivalente al sexto grado de la escala diatónica. También se puede indicar con la cifra romana que corresponde al Nº 6 (VI).

Superflu:

En francés (superfluo). Nombre antiguo que se daba en armonía a los intervalos aumentados. Es decir, aquellos que tienen un semitono más que el intervalo mayor.

Superior: Denominación correspondiente a uno de los cuatro juegos de tubos del órgano. Se acciona con las teclas correspondientes, que están ubicadas en el nivel superior del teclado manual. El conjunto denominado superior ocupa la parte central alta del instrumento.

Superius:

Denominación que recibía antiguamente la viola común de cuatro cuerdas, afinada en registro de tiple. Es un instrumento del siglo XV.

Supertónica:

Segundo grado de la escala diatónica. Este nombre específico también se puede suplantar con una cifra romana. En este caso, el Nº 2 (II).

Surla: Variedad rústica del oboe con nueve orificios obturables con los dedos. Posee un tubo de caña o madera tallada y suele ser templado en tono de sol. Es un aerófono típico de las montañas de Macedonia (Voras, Vérmion, Páikon). Por la forma y el sonido es similar al piffaro itálico, tradicional en la región del mar Adriático.
Surme: Trompeta directa, de gran tamaño, que usaban los árabes. Los hay en varias formas y extensiones. En Turquía, Oriente Medio y algunos países del norte de África, existen modelos similares, Algunas tenían una función o carácter militar, otras las utilizan los campesinos en sus bailes folclóricos, para reunir el ganado, o comunicarse en las montañas.

Suspensión:

Disonancia que se produce cuando el sonido de una nota se prolonga sobre la siguiente interfiriendo en la armonía del acorde.

Suspensión (canto llano o gregoriano): Se dice así cuando la parte final de algunas composiciones del canto religioso terminan con un corte repentino, sin emplear la forma tradicional de las cuatro notas tónicas Re, Mi, Fa y Sol. Esa variación esta relacionada con su forma monódica. Debido a ello, las melodías del canto llano deben ajustarse a la letra e incluso a los sonidos propios de las palabras empleadas en las frases finales.

Suspiratio: Vocablo derivado del latín (suspirium= suspiro). Es una técnica del recitativo, consistente en una pausa muy breve, que toma el intérprete vocal para recuperar el aliento y seguir el ritmo del texto cantabile. En el Ars Nova del siglo XIV, aparece como una notación negra o cuadrada. Se trata de una pausa, cuya duración era facultativa del cantante y su valor aparente se consideraba menor que el de una pausa breve.

Suspiro: Instrumento de viento parecido a una pequeña flauta recta o caramillo. Su sonido es agudo y penetrante. Aparece en el drama musical como un elemento circunstancial de escena. En el sur de Italia se utiliza una variedad de suspiro, con un registro muy similar, al que llaman "zufoletto picolo".

Swing: Vocablo inglés que se emplea en la música de jazz. Tuvo mucha aceptación durante casi todo el siglo XX. Su significado literal es vaivén, balanceo. El swing no se puede indicar en el pentagrama porque no existe ningún tipo de signos o símbolos musicales para ello. Es algo que surge del propio sentimiento del intérprete en el mismo instante de la ejecución. Algunos expertos lo definen como un movimiento oscilatorio del cuerpo que acompaña las ondas sonoras. En los últimos años había caído en desuso, sin embargo, sigue vigente entre los amantes del jazz.

Swing craze: En inglés (frenesí de swing). Término musical particularmente aplicado al espíritu del jazz clásico (middle-jazz, mainstream). Se refiere a una manera emocionante de interpretar el ritmo que fue el último grito en la moda del jazz de los años 30. El nombre se debería en especial al estilo de los más notables exponentes del género musical norteamericano, como la popular orquesta de Count Basie, con el saxo de Lester Young, o la simpatía del genial Benny Goodman, que llevó el eco sonoro y sensitivo del jazz hasta el mismo escenario del Carnegie Hall.

Suite para dos pianos: Característica instrumental de la suite, que se presta para una combinación armonizada sobre ritmos de distinta procedencia y dotados de una gran amplitud, dentro de ese polifacético espectro melódico. “Le bal martiniquais”, del compositor francés Darius Milhaud (1892-1974), es una obra inspirada en las danzas tradicionales de la isla Martinica en la que intervienen dos pianos, cuyas respectivas sonoridades van surgiendo tanto al unísono como en un elaborado contrapunto. En el desarrollo de estas experiencias sutiles, los instrumentos van estrechando y fundiendo las respectivas armonías del jazz, la música incidental europea y ciertos aires del folclore caribeño. Milhaud compuso en 1939 otra suite para dos pianos, sujeta a este estilo vanguardista. El argumento de la pieza, titulada“Scaramouche”, está basado en una farsa de Moliere.

Syntagma Musicum: Obra en tres volúmenes del compositor y polígrafo alemán Michael Praetorius (1571-1621), cuya teoría ha tenido una particular influencia en la música italiana del Renacimiento. Describe diversos instrumentos musicales que tuvieron un notorio efecto en el desarrollo de la música sinfónica, y por tanto, también de la ópera. Además, contiene valiosas informaciones sobre la práctica interpretativa, fantasías, capricho, fugas, apuntes sobre danzas, detalles e indicaciones sobre sinfonías, sonatas, canciones, etc. También incluye descripciones sobre la manera de notación moderna, formas instrumentales aplicadas y una variada terminología musical. La primera edición completa se publicó en 1619. A lo largo de casi cuatro siglos se hicieron diversas reediciones facsimilares y versiones crítico-analíticas de esta importante obra musicológica.

Syntonum: Instrumento de percusión que se usaba en el teatro antiguo. Era un tipo de "scabellum" o plaqueta de madera que se colocaba bajo el calzado, con el propósito de emitir un sonido acompasado al danzar. Los syntonum, provistos de refuerzos metálicos, que resonaban sobre el escenario, fueron un antecedente del claque.

Syrigma: Nombre que los antiguos griegos daban a ciertas tonalidades difíciles de obtener, si no era mediante una gran maestría en la ejecución instrumental, como el sonido armónico de la octava. Es un término, particularmente relacionado con la ejecución virtuosa de la cítara.

Syrinx: Flauta múltiple de los antiguos griegos y romanos, también conocida con el nombre de “flauta de Pan”. Los modelos clásicos estaban formados por un conjunto de nueve tubos de caña alineados y afinados a distintas alturas.

Systema maximun : En latín (sistema mayor). También llamado ratio maximum o tetracordio. Era un conjunto de cuatro notas que se entonaban en la antigüedad formando una breve escala armónica, con sonidos compuestos por tonos y semitonos.

System Common Messages : Informática musical. En inglés (mensaje común de sistema). Grupo de mensajes codificados que se utiliza en el control de equipos electrónicos informatizados. Su función principal reside en la configuración y armonía de los sonidos musicales (sintetizadores, controladores de programas, cajas de ritmo, secuenciadores, etc.). Entre los mensajes más usuales, dentro de esta serie, pueden citarse los siguientes ejemplos:

-Quarter Frame (marco para encuadrar secuencias melódicas)
-Song Select (selector de melodías)
-Song Position Pointer (marcador de posición para cada secuencia melódica)
-Tune request (requerimiento de afinación)
-End of system exclusive (fin de sistema exclusivo)

Las series de mensajes exclusivos del sistema son de uso corriente. Su denominación específica es bulk dump (transferencia masiva de datos). El conjunto forma un paquete de muestras melódicas, procedentes de otro equipo o dispositivo sincronizado, que permite grabar los datos musicales en la memoria del sintetizador.

-T-

Tabla armónica: También llamada tabla de armonía, es la pieza de madera ligera que cubre la parte superior de la caja en los instrumentos de cuerdas, como el violín, la viola da braccio, la viola da gamba, el violonchelo, etc. Su compleja estructura curva y el encaje perfecto con las demás partes, permiten aumentar la resonancia del instrumento. En el arpa diatónica la tabla armónica está integrada en la caja de resonancia y sirve de asiento para la botonadura. Esta pieza permite afirmar cada una de las cuerdas a la parte inferior del instrumento.

Tabla de adorno: Nombre que recibía en el siglo XVIII la codificación de los tiempos y tipos de adornos autorizados por los compositores en sus obras musicales. Se trataba de una medida de control que ponían los editores en las partituras, a instancia de los autores, con el objeto evitar la abundancia de adornos en la interpretación vocal o instrumental que pudieran deformar o desvirtuar a la melodía esencial.

Tablao: Voz vulgar, por tablado. Del latín (tabulatum). Escenario de carácter folclórico. Tarima montada con listones de madera dura y resistente, donde resuena mejor el zapateado de los bailaores flamencos. Por extensión, se entiende todo el local donde se desarrolla un espectáculo de cante y baile andaluz.

Tablat: Tambor egipcio. Es la denominación común y abreviada del “tablat-elmecheykh”, una especie de atabal de reducidas dimensiones, con fuste de madera y la membrana de piel curtida, de cabra. Desde épocas antiguas lo utilizan los pastores nómadas para marcar el paso de las caravanas. Se percute con una sola baqueta.

Tabulatur: En alemán (tabulatura). Código de normas estrictas que practicaban los Maestros Cantores de Nurenberg. Richard Wagner divulgó el estilo y las características de esta célebre escuela en su ópera homónima¹²⁶. Esas reglas eran aplicables tanto a la expresión del canto libre, como a las formas poéticas implícitas en toda composición lírica.

Tabulatura: Antigua forma de notación musical cuyas pautas originales datan del siglo X. Posteriormente y con el desarrollo de los instrumentos, la tablatura alcanzó su mayor popularidad durante los siglos XIV y XVI. En la actualidad se halla prácticamente en desuso y sólo cobra vigencia en los estudios musicales que investigan las épocas medieval y barroca. Su método se basa en el empleo de un código compuesto por números, letras y algunos esquemas o dibujos sencillos, destinados a indicar el lugar exacto donde debían situar sus dedos los ejecutantes de instrumentos de cuerdas, señalando la altura correcta de las notas. Los signos se escribían sobre las letras o números. Las figuras más usuales para indicar los valores rítmicos eran: breve, semibreve, mínima, semínima, fusa y semifusa. Cualquiera de estos signos, ubicados sobre una breve raya o trazo horizontal, servía para indicar el valor de los silencios. El término tabulatura procede del latín: (tabula=tabla). También son usuales los términos sinónimos tablatura y entabladura.

¹²⁶“Die Meistersinger von Nürnberg”, ópera en tres actos, estrenada en 1868 en la Ópera de la Corte de Munich.

Tabulatura (aerófonos): Se utilizó hasta comienzos del siglo XIX con plantillas de seis, siete u ocho líneas, que correspondían a los respectivos agujeros del tubo de algunos aerófonos específicos (oboe, flageolet, corneta curva, caramillo, antigua flauta de pico, flauta alemana de Böhm). Los orificios que debían obturarse durante la interpretación se indicaban con pequeños trazos.

Tabulatura alemana: Creada para instrumentos de teclado (órgano, clave). Estuvo en uso desde el siglo XV al XVII. Uno de los ejemplos más descriptivos de la utilidad práctica de esta técnica está representada en la obra del musicólogo alemán del siglo XVI, Elias Nicholas Amerbach“Orgel oder Instrument Tabulatur”, (Leipzig, 1571).

Tabulatura francesa: La más divulgada de todas. Dedicada particularmente a los instrumentos de cuerdas de la familia del laúd, estuvo en uso desde fines del siglo XVI hasta principios del XIX. Su empleo estuvo consagrado en Francia, Inglaterra, Alemania y Flandes.

Tabulatura italiana Aunque procede del mismo principio didáctico que la tablatura francesa, el sistema itálico es algo posterior y resulta técnicamente distinto. Esta forma estaba configurada sobre un esquema de seis líneas, equivalentes a cada una de las cuerdas del instrumento. Los valores de las notas y los guarismos que indicaban los trastes, se escribían sobre dichas líneas. La tabulatura italiana alcanzó amplia difusión en la península ibérica, especialmente con la variante denominada tabulatura española para guitarra. Una forma similar -sin duda, derivada de este antiguo método- se emplea todavía para la enseñaza práctica de la guitarra de concierto.

Tácet: Se llama así al silencio largo que debe mantener un instrumento cualquiera durante la interpretación de un concierto sinfónico o en la música de ópera. Ese silencio puede comprender sólo a un cierto fragmento de la melodía o bien mantenerse así desde que se indica el comienzo del tácet hasta que finaliza la obra. Esta forma se debe exclusivamente a un requisito de la composición musical que establece específicamente la ausencia de un determinado sonido. Una variante de tácet se da cuando la tesitura instrumental representa el motivo individual de un personaje o una circunstancia especial del libreto. Si esa circunstancia desaparece -o muere el personaje- la melodía que los representaba debe en adelante dejar de sonar.

Tachuela: Pieza metálica del tubo roncón de las gaitas. Se utiliza para proteger la salida de la copa o cámara de resonancia y evitar la obturación involuntaria del conducto de salida del aire.

Taiko: Especie de tambor redoblante japonés. Está presente en la historia de la música oriental desde hace más de 1500 años. Se toca con los tambores tsuzumi y la flauta travesera nôkvan, durante las representaciones del nô (drama-lírico japonés). Aunque antiguamente, su uso estaba reservado sólo a los hombres, en la actualidad hay mujeres ejecutantes de taiko. Su sonido también interviene en ciertas ceremonias religiosas y festivales como el matsuri, inspirado en los rituales tradicionales del Japón. El vocablo taiko -o daiko- tiene varias acepciones, tanto se emplea para referirse al propio instrumento, como a los temas y la música de percusión en general. Su sonido, que forma parte de leyendas ancestrales, es uno de los símbolos más destacados en las comunidades rurales del interior del país. Debido a su gran potencia, los límites de las tierras de labor asignadas a cada aldea, se marcaban antiguamente por la distancia que podía alcanzar el sonido del tambor. Con ese motivo, cada vez se construían modelos más grandes y dotados de mayor sonoridad, llegando algunos ejemplares fantásticos –como el chodo-daiko- a medir más de 1,50 m de diámetro. La ejecución del taiko, en cualquiera de sus variantes, requiere gran concentración, disciplina y preparación física.

Tajaraste: Baile de las Islas Canarias. Es una de las danzas más populares y primitivas del archipiélago. En la letra del tajaraste (también llamado tazaraste) se descubre la raíz de antiguas composiciones coincidentes en el tiempo con la época de la conquista de las islas. La temática, sumamente variada, recuerda hechos heroicos, historias milagrosas y temas románticos. El género alcanzó bastante difusión durante el transcurso del siglo XVI, cuando su popularidad llegó a las cortes europeas.

Tâli: Idiófono tradicional en el sudeste asiático. Es popular con diferentes nombres en Malasia y el archipiélago de Indonesia (Borneo, Sumatra, Java, Célebes, etc.). Consiste en un juego de platillos cóncavos cuyo sonido es agudo y cristalino. Suelen fabricarlos de bronce, con forma de copa profunda y los rebordes decorados con esmalte o cincelados en el mismo metal. Al tañerlos en conjunto producen un efecto sonoro parecido al de los campanólogos occidentales.

Talón (cordófonos): Empuñadura del arco del violín y otros de su tipo. Contiene un mecanismo de tornillos que sirve para tensar las crines. La forma primitiva del talón era la de un mango, simple y curvo, que formaba parte del mismo arco. En el siglo XVII se utilizaba una empuñadura gruesa y demasiado pesada. La forma moderna data de 1820 y se conoce con el nombre de arco de Tourte.

Talón (indicación de ejecución): Es un pequeño golpe que se realiza con el arco sobre las cuerdas del violín y otros instrumentos análogos, comenzando con la mano a la altura del batidor y siguiendo la trayectoria hacia abajo.

Tallharpa: Cordófono de arco, originario de Suecia y derivado de las primitivas liras medievales. Los campesinos de Estonia y Lituania lo usaban hasta fines del siglo XIX. En la actualidad ha caído en desuso debido a sus limitadas condiciones sonoras. Se conocen ejemplares de tres o cuatro cuerdas de tripa de reno, afirmadas al yugo mediante unas robustas clavijas. La caja armónica se tallaba en una sola pieza de madera. Para tañer este instrumento el ejecutante debía apoyarlo en forma vertical sobre la rodilla. El arco tenía el perfil bastante curvado y utilizaba cerdas de caballo. Antiguamente fue muy popular en las regiones septentrionales de Europa. Los finlandeses tienen un instrumento similar al que llaman kantelharpa.

Tambora: Especie de bombo o tambor grande, con doble membrana. A pesar de su factura rudimentaria posee un buen nivel de resonancia, aplicado especialmente en el acompañamiento bajo. Se emplea en las orquestas de cumbia integrando los grupos de percusión. Es común en las comunidades rurales de Colombia y Panamá. Tambor alegre: Membranófono característico en las orquestas dedicadas a la interpretación de la cumbia y otras danzas populares del folclore latinoamericano. Es el instrumento mediano dedicado a marcar el ritmo básico. Su uso es corriente en Colombia y Panamá, donde suele integrar los grupos de percusión, junto con la tambora y el llamador.

Tambor ashanti: Membranófono tradicional africano, originario del antiguo reino de los ashantee, en la Costa de Oro (Ghana). La caja cilíndrica de este instrumento está formada por una sola pieza de madera ahuecada, de unos 40 a 45 cm de diámetro, con forma de copa y provista de una pequeña base cilíndrica. El único parche, de piel de oveja, con aro de madera, se tensa mediante un complejo sistema de cuerdas de tendón. Para tañerlo se emplea un macillo de madera, mientras el cuerpo del tambor se sostiene a la altura de la cintura. En algunos tratados antiguos puede aparecer escrito el término axanti.

Tambor de calipso: Instrumento de percusión tradicional del carnaval venezolano en el Estado Bolívar. Junto con las máscaras de los "diablos" y el traje de la “madama” forma parte de la escenografía musical de estas fiestas populares, donde integra su redoble en el complejo entramado sonoro del dumbac, las campanas, las maracas y el cuatro. Su origen procede de las islas antillanas.

Tambor de cuñas: Nombre genérico de un grupo de tambores alargados, de origen africano, que se percuten con las palmas de ambas manos. Pertenecen al tipo de las congas, tienen el perfil ligeramente curvo y una sola membrana de piel de cabra u oveja, que se tensa mediante unas cuerdas retorcidas y ajustadas con cuñas de madera. Actualmente forman parte del folclore musical centroamericano, con un ámbito de difusión cultural que comprende amplias regiones de Panamá, Costa Rica y Nicaragua. Exiten ejemplares en distintas tonalidades: tambor pujador (grave); tambor repicador (agudo), etc.

Tambor de mano: Instrumento étnico, de pequeño tamaño, de la serie de los tamboriles, que se percute con una o ambas manos sobre la membrana superior, que sirve como elemento vibrante. Su origen es muy antiguo y pertenece al acervo musical de múltiples culturas que se desarrollaron en distintas partes del mundo, sin contacto entre sí. Existen modelos con diversas variantes, tamaños y formas. La parte inferior carece de membrana y suele quedar abierta, para la libre salida de las ondas sonoras.

Tambor de redoble: Membranófono de las bandas militares, también llamado caja. Se acostumbraba tocar junto al pífano. Como el clarín, era un instrumento de órdenes y señales militares en campaña.

Tamboril (bahiano): Tambor de perfil ligeramente convexo y alargado. Es típico del folclore brasileño. Posee una sola membrana en la parte superior de la caja de resonancia, que se bate con las manos al estilo del bongó. Su sonido tiene una tesitura intermedia y persistente. Es un instrumento muy popular, particularmente en los estados de la costa atlántica (Río de Janeiro, Bahía, Sergipe, Alagoas, Pernambuco, etc.) donde lo emplean los músicos de raza negra para acompañar las batucadas.

Tamboril (candombero): El mismo instrumento, con un tamaño un poco mayor, que se utiliza en la interpretación del candombe uruguayo. La caja se fabrica con "gajos" de madera encastrados entre sí como un tonel. El ejecutante lo lleva a un costado del cuerpo, suspendido del hombro mediante una correa, mientras lo percute con las palmas de ambas manos.
Tamboril (de cobla): Diminuto membranófono, típico del folclore regional catalán, que se utiliza en las interpretaciones musicales de la cobla. Sólo tiene 12 cm de diámetro. Su empleo es obligado en el introït y los contrapunts de la popular danza llamada sardana. La caja de este instrumento consiste en un pequeño tubo de madera, de unos 10 cm de alto. Las dos pequeñas membranas -superior e inferior- se mantienen en tensión mediante seis tornillos pasantes que se afirman a un par de marcos de forma hexagonal. El flabiolaire o ejecutante lo lleva atado al antebrazo que empuña el flabiol, mientras que con la otra mano percute la membrana superior valiéndose de una pequeña baqueta.

Tamboril (de platillos):

En algunas regiones de América del Sur se llama así al

pandero

o

pandereta

. Se distingue por la forma plana y las rodajas metálicas.

Tamboril ( francés): También es el nombre común que recibe en España el tambor provenzal francés (tambourin), cuya zona de difusión cultural comprende desde los Alpes marítimos hasta ambas vertientes del Pirineo oriental.

Tamborito: Música autóctona de Panamá, cuyo motivo sonoro se basa obviamente en el efecto rítmico de los instrumentos de percusión. Procede del mismo origen cultural que el típico son cubano. En distintas etnias aborígenes y poblaciones mestizas de Hispanoamérica se desarrollaron a través de los siglos, diferentes estilos y variedades folclóricas que responden a un mismo origen, como el merengue de Haití y el porro colombiano. Un estudio realizado en las dimensiones profundas de la música nos permitiría detectar sugerentes coincidencias entre todas ellas, aún a través del inmenso espacio geográfico americano.

Tambor hembra: Se llama así en Venezuela a cada uno de los integrantes de un grupo de tres tambores pequeños y de tono alto, que intervienen en las bandas u orquestas de Chimbaguele (media requinta, primera requinta y segunda requinta).

Tambor macho: Forman parte del mismo grupo básico de percusión que los instrumentos anteriores. Son cuatro tambores graves (mayor o arriero, respuesta o respondón, cantante y segundo).

Tambor militar (de parada): Instrumento de percusión, también llamado caja libre. Tiene una altura de 30 a 40 cm y un diámetro medio de 37 cm Es un tambor de la serie de los redoblantes que se utilizó desde al antigüedad como instrumento de banda para marcar el paso de las tropas. La membrana se estira mediante tornillos. El sonido es claro, profundo y bien definido.

Tambor militar (de guardia): También llamado caja clara. Es una versión del redoblante normal, pero con la caja más chata. Aunque el diámetro del aro que sostiene la membrana es similar al anterior, el cuerpo de esta caja menor no suele exceder los 18-20 cm de altura. El parche de este instrumento, también se puede estirar mediante un mecanismo de tornillos. Además de su uso, como instrumento de bandas militares, existe una variante llamada snare drum, que es un componente infaltable en el instrumental clásico de las baterías de jazz. En este último caso, se le suele agregar un sistema de bordones chiriantes, que le dan su sonido característico.

Tambor provenzal: Tambor de origen popular, también llamado tambourin en la región sur de Francia, de donde proviene, (Alpes marítimos, cuenca del Ródano y la llanura del bajo Languedoc). Una versión similar se utiliza en las festividades tradicionales de los pueblos de ambas vertientes del Pirineo oriental (Corbiere, Rousillon, Ripollés, Pallars). Tiene unos 70 cm de altura y puede llegar a los 36 cm de diámetro. La caja tradicional de este tambor -de madera laminada y moldeada- lleva un solo parche y carece de bordones. Se porta colgado de un tahalí o tiracuello, sobre uno de los lados del ejecutante, y se bate con una sola mano, mientras que con la otra se ejecuta una flauta de pico vertical. En España se lo conoce también con el nombre de tamboril.

Tambor tenor:

Se llama de esta manera a un cordófono similar a la caja de redoble y al tambor militar, pero sin bordones.

Tambor veleño: Tambor de aro, tradicional en el folclore musical de Venezuela. Su área de difusión cultural comprende gran parte del litoral falconiano (La Vela, Coro, Puerta Cumarebo). Procede de las islas caribeñas de Aruba y Curaçao.

Tamborí: Membranófono pequeño, también llamado tamborino. Instrumento de doble parche, típico del folclore musical de las islas Baleares. Su sonido suele escucharse en compañía del flabiol o la chirimía. Es el encargado de llevar el ritmo de la composición que ejecuta la colla (dúo). Realiza su menester valiéndose de una pequeño palillo o baqueta denominada maceta. El tamborí tradicional de la isla de Mallorca tiene la caja de resonancia de lámina de madera de lodoñero. Sus medidas son: unos 23 cm de diámetro por 23 de altura. Lleva una correa de cuero para aguantarlo con la misma mano que sostiene el flabiol.

Tamborito: Danza tradicional de Panamá, de movimiento vivo y acompasado, cuya particular melodía se basa en el redoble de instrumentos de percusión típicos en aquella región centroamericana, como el pujador (tambor de cuñas de tono grave), el repicador (tambor de cuñas de tono agudo) y la caja (redoblante).

Tambourin: Nombre francés de tambor provenzal. Su forma es cilíndrica y alta. La caja, de madera laminada, suele tener unos 35 cm de diámetro, mientras que la altura alcanza y a veces supera los 80. Los parches son de piel de cabra y los aros de madera. Se ajustan con cuerdas y tensores de cuero. También se conoce con los nombre de tambourin du Bearn o tamboril de Gascuña.

Tamburello: Instrumento de percusión originario de las comarcas rurales del centro y el sur de italia. Pertenece a la familia de los grandes panderos (tamburi a cornice) el parche de piel de cabra con un diámetro de 40 a 50 cm, que se utilizaba en el acompañamiento de las danzas campesinas. Su área de difusión cultural comprende vastas regiones, como el Lazio, Abuzzo, Campania, Puglia, Basilicatta, Calabria y la isla de Sicilia. Antiguamente era un elemento rítmico dedicado a las ceremonias rituales de las primitivas culturas del Mediterráneo. Se conoce la existencia de ejemplares similares en Egipto y la Mesopotamia durante el segundo milenio antes de Cristo. En la actualidad se puede apreciar el ritmo y colorido musical del tamburello formando conjunto con otros instrumentos típicos del folclore itálico (ciaramella, zampogna, mandolino, fidula, castagnette, flauto, doppio flauto, organetto, etc.).

Tammorra: Una variante de mayor tamaño que el tamburello. Este membranófono tradicional -el más voluminoso de su tipo- se emplea en el acompañamiento rítmico de los cantos y danzas, como el tradicional baile napolitano “ncopp ‘o tammurro”, también conocido con el nombre popular de“tammurriata”. Aunque es originario de la provincia de Nápoles (Campania), también se lo conoce en Salerno. Su diámetro puede superar los 60 cm

Tammurriata: Danza tradicional napolitana -de movimiento vivo y variada coreografíaque se bailaba al compás del tamburello y la tammorra. Esta antigua manifestación folclórica se conserva en la actualidad, en localidades como Seminara (Calabria), Nociglia, Ostumi (Puglia) y Gragnano (Campania).

Tam-Tam (membranófono): También llamado djembé. Es un tambor. Procede de la región central de África y se halla diseminado por todo el continente. Por su bella sonoridad es un instrumento tradicional dentro de un amplio espectro de la música étnica africana.

Tam-Tam (idiófono): Antiguo instrumento de origen chino perteneciente al grupo de los de placas y láminas percutidas. Consiste en un gran disco metálico -normalmente fabricado en latón o bronce forjado- de alrededor de un metro de diámetro, que pende en forma vertical de un bastidor de madera. Se diferencia del gong javanés porque el cuerpo convexo carece del clásico mamelón en el centro. Su uso en las fiestas populares es tradicional en algunas regiones de la China. También se conoce en Corea, Vietnam, Laos, Tailandia y Birmania, donde recibe distintos nombres sin dejar de ser el mismo instrumento. Su empleo eventual en la orquesta sinfónica está documentado desde el siglo XIX.

Tamunangue: Danza tradicional de Venezuela que se lleva a cabo durante las festividades de San Antonio. Se baila particularmente en los estados Lara, Portuguesa, Falcón y Yaracuy. En el acompañamiento instrumental de esta danza intervienen grupos de guitarras, cuatros y el tradicional tambor tamunango. Su compleja coreografía se divide en ocho partes, cada una con su propia composición melódica.

Tamunango: Primitivo tambor de madera, con un solo parche, que se percute con las manos. Pertenece a la cultura musical de la colectividad negra de Venezuela. Dio su nombre a la danza popular conocida antiguamente como son de negros, que desde entonces pasó a llamarse danza tamunangue.

Tanbur: Instrumento de cuerdas muy antiguo. Procede originariamente de la India. Es un antecesor del colascione y del laúd. Existe una variedad similar que llegó a tener bastante popularidad en algunos países del sector oriental del mar Mediterráneo (Chipre, Siria, Anatolia). La caja de resonancia del tanbur tiene forma convexa y abombada, con el frente plano. El mástil es largo y dividido en trastes, con el clavijero redondo. Las cuerdas de tripa se tañen con plectro. Se le conoce también con el nombre de saz en la región sur de Armenia, y tambura o tamburica en los Balcanes. Aparece en algunas obras dramáticas como complemento sonoro en la escena.

Tandava: Danza ritual de carácter macabro, originaria de la India. Esta dedicada a Rudra, deidad del viento de los vedas. Su color es el rojo que utilizan los bailarines en sus trajes y otros complementos ceremoniales. Durante el periodo brahmánico se tenía a Rudra por el dios supremo junto a Siva, cuya dupla configuraba un solo espíritu dividido en once deidades.

Tándem: Denominación que aún se utiliza en algunos países para indicar la asociación de dos óperas breves, con el objeto de montar un espectáculo musical de carácter naturalista. Uno de los ejemplos más conocidos de esta particularidad operística lo hallamos en la dupla "Cavalleria rusticana", de Pietro Mascagni, junto a "Pagliacci", de Ruggiero Leoncavallo. A partir de 1892 y durante la primera mitad del siglo XX estuvo de moda representar ambas piezas juntas, una a continuación de la otra. Ambas obras, la vigorosa ópera de Mascagni, seguida del drama naturalista de Leoncavallo, formaban un equipo de alta representatividad en el medio espectacular del verismo. Según parece, los empresarios teatrales optaron por esta variante, debido a que una obra exitosa siempre "tiraba" de la otra, es decir, de la menos conocida. La palabra tándem en aquella época servía para definir a un carruaje ligero, de ruedas altas, que era tirado por dos caballos en línea, uno atrás del otro. El primer corcel, más fuerte, impulsaba al conjunto, logrando así mayor velocidad y rendimiento. Este tándem del bel canto -como otros recursos similaressirvieron para unificar fuerzas y mejorar la oferta operística.

Tango argentino: Baile y canto popular, natural de la ciudad de Buenos Aires. Con el tiempo adquirió una gran difusión en el Río de la Plata. Nacido en las últimas décadas del siglo XIX, por la fusión de otros ritmos, populares entonces en los barrios del arrabal bonaerense. En sus comienzos era bailado por parejas de hombres, con el acompañamiento de violín, flauta y guitarra. Posteriormente la flauta fue sustituida por el bandoneón, instrumento de fuelle que llegó a ser un elemento sonoro típico del tango. Su aire tiene el sello melancólico y la nostálgia de los inmigrantes españoles e italianos que llegaron a la Argentina durante la primera mitad del siglo XX y formaron la base de la sociedad porteña. A partir de la década de 1960 –con el aporte de grandes creadores e intérpretes al estilo de Anibal Troilo y Astor Piazzola- el tango argentino fue evolucionando hacia una línea más abierta a las nuevas formas de expresión musical.

Tango congo: Variedad de melodía caribeña, de origen negro, que muestra influencias de otros géneros, como el son y la guaracha. Surgida a partir de la década de 1920, esta variedad melódica alcanzó su mayor difusión en el ámbito de la zarzuela cubana. Entre las piezas clásicas de este género popular cabe recordar a la conocida melodía "Ay, Mama Inés"Inés" 1963). Esta obra forma parte del sainete lírico "Niña Rita o La Habana en 1830", estrenado en 1927, en el Teatro Regina de la capital cubana.

Tango flamenco (canción): Variedad del cante jondo de Andalucía. En su forma antigua, pertenece a la serie de tonadas básicas o primitivas, como la siguiriya, la soleá y la toná. El nombre también se suele aplicar a las versiones comerciales modernas, cuyo estilo muestra combinaciones e influencias de otros estilos.

Tango gitano (danza): Tiene el mismo origen y desarrollo cultural que el vocablo anterior. Es una de las expresiones musicales más sonoras y pintorescas en el folclore del sur de España. Lo interpreta una bailaora, sobre el centro del tablao, mientras el resto de los integrantes del grupo la acompañan con palmas y voces. Presenta un esquema melódico similar al fandango, aunque en éste último intervienen cuatro mujeres. En el tango gitano, el acompañamiento rítmico del coro adquiere especial preponderancia.

Tango herreño: Expresión musical típica de isla de Hierro, provincia de Santa Cruz de Tenerife (Canarias). Es un baile de parejas, que se interpreta con movimientos breves y acelerados, en una suerte de cortejo del hombre hacia la mujer. Su origen, pleno de simbolismo, se remonta a la cultura de los antiguos guanches. En la ejecución de las melodías del tango herreño suelen intervenir guitarras u otros instrumentos de cuerda, acompañados por flautas de caña y pequeños tambores.
Tantum ergo: Título de la melodía y la letra del himno de la Eucaristía, denominado“Pange Lingua”, que se canta en la víspera del Corpus Christi. El texto en latín, dotado de una gran intensidad expresiva, fue escrito en el siglo XIII por santo Tomás de Aquino, a pedido del Papa Urbano IV. Corresponde a la quinta estrofa de dicha pieza religiosa, que suele entonarse durante la reserva del Santísimo Sacramento. La forma original, compuesta por tres versos, con doble cesura en cada línea, corresponde al estilo trocaico trímero cataléctico, una forma de letra cantoral bastante usual durante la alta Edad Media:

Tantum ergo, Sacramentum, veneremur cernui; Et antiqum, Documentum, novo cedat ritui; Praestet fides, Supplementum, sensuum defectui.

La música del Tantum Ergo es uno de los ejemplos más bellos del canto llano o gregoriano. Se conoce la existencia de distintas versiones orquestales, dedicadas a este himno. Franz Schubert compuso tres obras, para cuarteto vocal, orquesta y órgano. Wolgang Amadeus Mozart, también dio a luz dos creaciones no menos bellas, para cuatro voces con acompañamiento de cuerdas, un dúo de trompetas y órgano. También pueden citarse varias piezas dotadas de un notable valor eufónico, pertenecientes al espíritu innovador de grandes maestros del canto polifónico renacentista, como el compositor italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594), que fue director del coro de la Cappella Vaticana, y su discípulo, el español Tomás Luis de Victoria (1545-1611). Las obras de Palestrina y Victoria pueden considerarse entre las más puras dentro de este celebrado estilo.

Tañedor:

Persona que sabe ejecutar cualquier instrumento musical. En algunas regiones de España e Hispanoamérica se llama así al badajo de las campanas.

Tañer: Es un vocablo proveniente del latín (tangere=tocar o hacer sonar). Fue usual durante los siglos XV y XVII. En la actualidad se utiliza menos, aunque no ha dejado de tener vigencia.

Tañido: Sonido que surge de un instrumento musical. En la actualidad se suele emplear particularmente para indicar el sonido de las campanas, no obstante es aplicable a cualquier tipo de instrumento.

Tapa armónica: Nombre que se utiliza en algunos manuales musicales para señalar la parte superior externa y plana de la caja de resonancia de algunos instrumentos cordófonos (guitarra, bandurria, viola, laúd, etc.).

Tapan: Tambor típico en el folclore musical de Bulgaria, similar a un bombo rústico. También llamado en francés grosse caise (gran caja). Suele emplearse en grupos de tres tambores, en el acompañamiento de las danzas populares de aquel país y también en las celebraciones religiosas. Para percutirlo, el ejecutante se vale de una larga baqueta de madera tallada. Los otros instrumentos que suelen acompañar el sonido grave de estos membranófonos, son la flauta aguda de pastor (kaval) y una variedad de cornamusa (gaïda) que hace el tono continuo.

Tap dance: En inglés (tap=golpe/dance=baile). Baile zapateado de origen americano, conocido también con el nombre de claqué. El estilo comienza a difundirse hacia 1930. alcanzando notoriedad mundial con los espectáculos musicales previos al comienzo de la segunda guerra mundial.

Tap dancer: Bailarín o bailarina de claqué. En la actualidad los intérpretes de tap dance han logrado integrar un arte, pleno de movimiento y casi acrobático, con la música de mayor actualidad. Una de las tendencias, surgidas durante la última década del siglo XX, fue la combinación del arte del claqué con melodías de rock. El tap dancer actual, presenta un estilo moderno e innovador, que basa su espectáculo tanto en la coreografía como en la técnica del sonido.

Taquirari: Baile folclórico de Bolivia. Ciertas teorías atribuyen la procedencia de este nombre indígena a la lengua moxeña (takirikire=flecha). Existen testimonios documentales de sus características rítmicas y coreográficas desde el siglo XIX. Es una expresión musical alegre y vivaz, propia de los departamentos orientales de Santa Cruz, Beni y Pando. Su difusión popular comprende también una amplia zona del altiplano andino y los países limítrofes de Chile, Perú y Argentina. Se interpreta por medio de movimientos ondulantes y saltos acompasados, con un marcado ritmo de charango, sujeto a variaciones y dotado de tonalidades similares a las del típico carnavalito del norte argentino. Algunas versiones modernas, adaptadas a un compás menos acelerado, se han transformado en canciones románticas tradicionales. La vestimenta propia de esta danza popular corresponde al traje típico de los campesinos de la cultura “camba”, tradicional en las provincias orientales de Bolivia. El varón viste un pantalón claro, de tela rústica, camisa blanca, pañuelo al cuello y “sombrero de saó” 127, mientras que la mujer indígena se cubre con el clásico “tipoy” ¹²⁸ y un vistoso tocado elaborado con flores naturales. En algunos tratados y artículos musicales puede aparecer escrito el vocablo“takirari”, siendo aceptadas ambas formas en el uso corriente.

Taranta: Variedad de cante flamenco, típico de la provincia de Almería. Pertenece al grupo de cantes llamados "del levante español", como la cartagenera y la minera. Todas estas variedades pertenecen por definición al folclore regional de Andalucía.

Tarantela: Baile muy alegre y movido del sur de Italia. El ritmo en compás 6/8 de esta danza popular da lugar a numerosas formas y variaciones inspiradas por su particular coreografía. La música clásica se hizo eco en varias oportunidades de la melodía llamada "tarantelesca". El bailarín y coreógrafo ruso George Balanchine (1904-1938) dio vida a una forma de tarantela -tal vez un tanto estilizada- pero plena de esa singular personalidad meridional que la hace inmediatamente reconocible por su influencia en cualquier medio expresivo o creación artística. El título de esta obra es "Tarantella y Variaciones sobre Donizetti" y fue estrenada en 1965 con un éxito notable en el New York City Ballet. Radicado en Estados Unidos, donde realizó la mayor parte de su carrera artística, Balanchine compuso las coreografías de casi un centenar de bailetes, danzas, cortejos y

¹²⁷ Sombrero tropical -de copa redonda y ala mediana- generalmente fabricado con finas y delicadas fibras de palmera o paja toquilla, hábilmente entretejidas. Es un elemento típico en la indumentaria propia de los campesinos de la región oriental de Bolivia. Existen varios modelos de sombreros de saó, que se diferencian por la forma y el tipo de material empleado. Un conocido taquirari del compositor boliviano Pedro Shimose lleva el nombre de esta prenda.

¹²⁸ Vestimenta tradicional de las mujeres indígenas de Bolivia, especialmente las naturales de la región oriental del país. Consiste en una pieza de tela liviana y colorida -de algodón rústico, urdido en telar doméstico- sin mangas y larga desde los hombros hasta los tobillos.

sinfonías. Sus estupendas

"Variaciones sobre música de Stravinski"

las compuso en 1966, en homenaje a la personalidad del pensador y novelista inglés Aldous Huxley.

Tarka: Flauta de pico, de madera, con el sonido muy dulce y melodioso. Es típica del folclore andino, especialmente de Bolivia y Perú. El nombre es de origen quechua, como la anata, su equivalente de los valle jujeños (región noroeste Argentina). Las tarkas se fabrican en diferentes tesituras y tamaños, que van desde los 30 cm de largo, en las tarkas pequeñas, hasta más de un metro en las de mayor tamaño. Las melodías tradicionales de este instrumento autóctono son la tarkeada, el huayño boliviano y el carnavalito argentino. En la zona del altiplano andino son corrientes los conjuntos musicales integrados por tarkas, quenas, un bombo criollo y una caja huancara.

Tarkeada: Composición musical de carácter rítmico, típica del folclore boliviano, que se interpreta con instrumentos autóctonos de la cultura quechua como la tarka o anata. Es usual en los carnavales del altiplano, donde suele acompañar la actuación de los conjuntos denominados "Diablada de Oruro".

Tarreña: Instrumento idiófono popular. Consiste en un par de planchuelas de madera resistente, generalmente de olivo o almendro que se colocan entre los dedos haciéndolas entrechocar para producir un sonido seco e indefinido, parecido al de las castañuelas. Aunque su procedencia es incierta, se presume que podría ser de origen oriental. En la actualidad su difusión es común en el folclore musical del Mediteterráneo. Se conocen ejemplos en Andalucía, Baleares, Córcega, Cerdeña, Creta, Chipre, Túnez, etc.

Tastiera: Término musical derivado del italiano (de tasto/tasteggiare=tecla/tocar, digitar). Parte superior del mástil en los instrumentos de cuerdas pulsadas, sobre la que se asientan las yemas de los dedos del ejecutante para ejercer presión sobre las diferentes cuerdas, modificando su tesitura natural. Algunos cordófonos disponen de las separaciones denominadas trastes, cuyos espacios marcan las respectivas tonalidades (guitarras de concierto, electroacústica, de jazz, eléctrica, mandolina, banjo, balalaica, etc.)

Tasto solo (bajo cifrado): En italiano (tecla sola). Indicación que corresponde al Nº 0 del bajo cifrado, y equivalente a un silencio. Las referencias escritas del bajo cifrado suelen ser convencionales y variar según las necesidades de la obra o las opiniones de los diferentes autores.

Tasto solo (bajo continuo): Es el mismo término que la entrada anterior, Se utiliza en la técnica de ejecución del bajo continuo y sirve para indicar que sólo se deben tocar las notas del bajo que están escritas en el pentagrama, sin realizar agregados. Esa parte grave del acompañamiento musical, se ejecuta sin interrupciones durante todo, o casi todo, el desarrollo de una composición.

Tchau-ku: Tambor tradicional japonés. Forma parte del equipamiento instrumental de la ópera nipona. Tiene la forma de un reloj de arena, con doble membrana y tensores de cuero crudo. Una cuerda transversal sirve para modificar el sonido mediante los cambios producidos por las diferencias de tensiones. Se percute con las manos y también con un mazo cilíndrico de madera. Existen conjuntos de varios Tchau-kú, afinados en distintas tonalidades, que ejecutan bellas melodías de percusión.

Tchilin-tchilis: Integrantes de una danza folclórica de Bolivia, también llamada bailete o baile de santo. Se trata de un conjunto de músicos y bailarines que interpretan una parodia musical cuyos orígenes datan de la época colonial. Los bailetes son representaciones con pasos de danza que suelen intercalarse en el desarrollo de ciertas obras dramáticas. Los danzarines y actores tchilin-tchilis realizan sus representaciones en ocasión de las festividades de Todos los Santos.

Técnica de la notación:

Musicología. Estudia las diferentes maneras de anotar la música sobre el pentagrama.

Teatralidad: Factibilidad de un texto literario para ser llevado a la escena. La representación teatral u operística es ciertamente compleja si la analizamos desde el punto de vista de la semiótica. En primer lugar es de advertir que en la ópera se conjugan disciplinas tan independientes como la técnica musical, el arte escénico, la coreografía, la mímica, el canto y la poesía, por citar sólo algunos de los elementos más importantes que intervienen en el género. Por su parte la parte rapsódica comprende condiciones interpretativas como la entonación, la interpretación del lenguaje gestual y la consiguiente transcripción verbal de la idea dentro de una serie de periodos a los que denominamos cuadros escénicos.

Téâtre de foire : Versión popular del teatro cortesano francés del siglo XVIII. (teatro de ferias). El argumento estaba compuesto por una serie de pasajes recitados inspirados en motivos jocosos que eran intercalados con canciones y danzas. Se le considera una adaptación rudimentaria surgida como inspiración de la ópera bufa. Esta forma francesa de la comedia ligera italiana fue también un equivalente del vodevil.

Teatro de Ópera: Las grandes formas del género son: tragedia; comedia; drama épico y drama romántico. Dentro de la categoría general del drama se pueden distinguir variantes específicas por su carácter local, como el drama inglés de Shakespeare y el drama español del Siglo de Oro. Sin duda, la expresión máxima de la dramaturgia es la tragedia que se inspira en tradiciones reales, otorgándole la mayor magnificencia que se puede lograr en la creación teatral. Su variante opuesta es la comedia, cuyo secreto se basa en la representación de escenas corrientes dentro del argumento ligero y musical. Todas estas formas requieren un ambiente donde puedan desarrollarse con fortuna. La figura del Teatro de Ópera, propiamente dicho, nace en la ciudad de Venecia, en la primavera de 1637, con la primera representación escénica del drama lírico "Andrómeda", de Francesco Mannelli (1595-1667). Aquella sala llevaba el nombre de San Casiano, patrono de una de las parroquias de la capital véneta.

Teatro musical: Pertenece al conjunto de investigaciones músico-teatrales de vanguardia, que surgieron, especialmente en Europa y Estados Unidos, a partir de la década de 1960. Se trata de un estilo de acción musical inspirada en la representación escénica, sin que por ello se la pueda encuadrar exactamente en las características propias de la comedia musical a la europea, o el estilo music hall norteamericano.

Teatro musical experimental: Sus características se basan en el movimiento "Fluxus" (teatro del absurdo). El encuadre de este nuevo experimento musical dentro del género de la ópera fue negado por la mayor parte de la crítica especializada. Como ejemplo de esta variante, un tanto excéntrica de la ópera contemporánea, puede citarse la ópera en dos actos titulada "La vera storia" (La verdadera historia), obra del compositor italiano Luciano Berio. Creada sobre una curiosa trama argumental de Italo Calvino, se estrenó con cierto éxito en el año 1982, dentro del imponente marco del Teatro Alla Scala de Milán. De Luciano Berio -uno de los músicos más controvertidos y polifacéticos del siglo XXtambién caben destacar la misa escénica titulada "Passagio" (Pasaje), realizada sobre un libreto de Eduardo Sanguinetti y "Un re in ascolto" (Un rey que escucha) acción teatral en dos partes, estrenada en la ópera de Salzburgo, en 1984.

Tecla: Pieza del piano y otros miembros de la familia de los cordófonos de teclado (espineta, virginal, clave, etc.) y también de algunos aerófonos especiales (órgano, armonio, acordeón, melódica, concertina, bandoneón, etc.). Estrictamente, se trata de una palanca cuya función es poner en movimiento el complejo y variado mecanismo sonoro de cualquiera de estos instrumentos. Además del sistema propio de piano de cola -el más complejo y perfecto- a lo largo de la historia existieron distintos sistemas, llamados de tangente, de punteo y de percusión, cada cual con sus ventajas y limitaciones.

Te Deum: Himno de alabanza y acción de gracias que se entona en los Maitines, la parte nocturna del oficio religioso celebrada después de medianoche. Es una de las composiciones más importantes de la liturgia católica. Su texto está escrito en prosa y la música guarda el estilo y la duración acordes con la ceremonia.

Telecaster: Variedad de guitarra eléctrica de seis cuerdas, creada en 1950 por la fábrica norteamericana Fender. Se trata de un modelo sencillo y práctico, que gozó de gran popularidad en los Estados Unidos, especialmente en la interpretación del blues, el rock y el country. Fue un tipo de guitarra que se mantuvo sin modificaciones substanciales durante muchos años.

Tema argumental: Sinónimo de libreto. En la ópera clásica, y también en otras variantes del arte lírico (cantata, oratorio, zarzuela, opereta etc.) es la idea o narración sobre la cual gira la estructura musical. La proposición del tema argumental se desarrolla a través del libreto. Es un término propio de la dramaturgia que viene del griego y tiene el mismo significado desde la más remota antigüedad (théma=motivo). En otras palabras, es la historia básica que sirve de soporte para ir desarrollar la estructura de una obra intelectual. Por ejemplo, la parodia musical múltiple, titulada "Europera", del compositor estadounidense John Cage (1912-1992), está configurada sobre el esquema o patrón formado por una serie de temas argumentales que se van combinando sucesivamente con la estructura de los distintos motivos musicales desarrollados durante el transcurso de la obra.

Tema musical:

1) Sinónimo de pieza o composición melódica. 2) Fragmento en torno al cual se desarrolla el contexto total de una composición musical.

Tempano: Instrumento de percusión perteneciente al grupo de membranófonos de un solo parche. Se bate con un macillo de madera, cuya cabeza va forrada en piel de oveja. El nombre italiano tempano es una deformación fonética de la palabra latina tympanum, que a su vez procede del griego (tympanon=tambor). Es la misma denominación que recibe en algunos países el timbal o atabal.

Temperada:

Escala musical compuesta por los doce sonidos fundamentales.

Temperamento (método de afinación): Derivada del vocablo templamiento. En latín (temperamentum=acción de templar). Esta acepción se refiere a una ligera alteración de los sonidos perfectos o exactos que se produce al templar algunos instrumentos musicales. El objeto de esta práctica, que consiste en afinar todos los intervalos iguales. Tal operación permite mejorar la modulación de los sonidos haciendo que la ejecución de dichos instrumentos resulte más sencilla.
Temperamento (teoría musical): Es un sistema que en la escala cromática permite dividir la octava de tal forma que los distintos semitonos resultantes sean iguales.

Temperamento vivo:

En el arte teatral, se dice de los diálogos escénicos provistos de un espíritu especialmente animado. Es una forma de expresión típica de la

comedia ligera

.

Templar:

Acondicionar un determinado instrumento musical de tal forma que el ejecutante logre obtener sin esfuerzo los sonidos exactos de cada nota.

Temple blocks: Instrumento idiófono y de percusión, consistente en un grupo de cajas cúbicas de madera dura, talladas y ahuecadas, que se percuten con baquetas. El sonido de estas cajas -llamadas bloque- corresponde a una sucesión cromática. El temple blocks estándar suele tener cinco de estas cajas, alineadas en un soporte horizontal y éste sobre un trípode ajustable en la altura e inclinación. Se suele utilizar en las orquestas caribeñas.

Tempo : Palabra italiana, relativa al tiempo musical. Está relacionada con la agógica también llamada tempo rubato, que sirve para determinar con precisión una duración concreta en los diferentes valores de las notas musicales. Hasta fines del siglo XVII, cuando aún no se había inventado el metrónomo, la manera de señalar los cambios de tiempo en las partituras eran bastante imprecisos. A las notas se les asignaba lo que se había dado en llamar el integer valor, es decir, un alcance fijo o predeterminado para cada una de ellas. Las unidades de tiempo se medían en correspondencia con las pulsaciones y sus límites de retardo o aceleración debían calcularse de la misma manera rudimentaria. Más adelante se fueron creando una serie de indicaciones mucho más concretas para determinar el aumento o la disminución de cada periodo, a las que denominaron tiempos (tempi). Con el propósito de ilustrar el significado musical del concepto tempo, se pueden sugerir dos ejemplos bien definidos en la obra de Ludwig Van Beethoven: el tercer movimiento de la Sonata para piano Nº 14, op. 27 "Claro de luna" fue compuesto en el tempo Presto agitato (Rápido y agitado), mientras que la sinfonía Nº 6 en Fa mayor Op. 68, más suave y bucólica, sin dejar de tener una cierta dosis de movimiento es Allegro ma non tropo. La música ejerce un efecto especial sobre la imaginación, los distintos tempos indican sensaciones, ideas, estados de ánimo, etc. Ese efecto -cuya naturaleza puede ser instrumental o vocal- alcanza la sensibilidad del oyente con el maravilloso influjo de la música, creando el contacto sensitivo a través del lenguaje de los sonidos. Un ejemplo típico de larghetto es la célebre aria del rey Jerjes en la ópera en tres actos que lleva el mismo nombre (Serse). Se estrenó en Londres, con música de Georg Friedrich Haendel o Händel, y el libreto de Niccolò Minato. Existe un carácter asociativo de los tempi. Se llama así cuando las denominaciones van unidas por asociación a otras indicaciones de movimiento. Por ejemplo: tempo alla breve, que señala un movimiento acelerado al máximo o el tempo di marcia, adecuado para himnos y marchas militares. El término indicativo a tempo es una locución adverbial que señala la necesidad de retornar al movimiento inicial de una melodía cuando, por alguna razón argumental, el tiempo se ha debido precipitar demasiado.

Tempo rubato o agógico: Es una alteración en el tiempo normal que corresponde a la ejecución de los distintos sonidos. También se denomina así al acento musical cuando señala la parte esencial del ritmo, si éste no está de acuerdo con la medida de la frase. Su técnica permite alargar unas notas predeterminadas con el objeto de permitir la correcta ejecución de la melodía.
Tempus: Voz latina cuyo significado literal es tiempo. Es una denominación antigua referida al valor temporal de las sílabas. Se empleaba de la notación proporcional del siglo XVI. La valoración de las sílabas (tempora) dependía del espacio que ésta ocupaba en el acorde. Por ejemplo: se empleaba para calcular la transformación de las notas breves en semibreves.

Tenere: Término musical antiguo, en latín (retardar/detener). Denominación simbolizada por la letra t minúscula. Fue empleada en el siglo VIII por el monje Romanus para facilitar la lectura en la notación neumática del canto gregoriano.

Tenor (instrumento): Por relación con el timbre de la voz humana, también se designa con este nombre a los instrumentos musicales cuyo sonido comprende el ámbito de aquella tesitura.

Tenor (voz): Timbre masculino medianamente agudo. Acepta los papeles de mayor importancia en la ópera, donde junto con las sopranos, suelen ser los protagonistas principales. Es la menos numerosa de las voces. El célebre tenor italiano Enrico Caruso llegó a interpretar los más importantes roles de tenor que se presentaron durante décadas en el Metropolitan de Nueva York. Su registro era tan amplio y su temperamento actoral tan dúctil que también pudo interpretar papeles de barítono, e incluso de bajo.

Tenor bufo: La calidad de la voz de un tenor depende de la cantidad de los armónicos que puede lograr. Un papel destinado a un tenor bufo, de voz estridente es Pedrillo en "El rapto del serrallo" de Mozart.

Tenor dramático: También llamado tenor di forza, es una voz muy potente y expresiva, que se adapta con facilidad a las más exigentes condiciones de la interpretación operística. Como la voz es un medio interactivo capaz de oscilar, un buen tenor dramático puede aumentar mucho la intensidad de un tono. A este tipo de voz se la requiere especialmente por su condición actoral para desempeñar el carácter de los personajes trágicos y conmovedores, como ocurre con el personaje Sigfrido, de Richard Wagner y el Otello de Giuseppe Verdi.

Tenora (aerófono): Instrumento de viento, fabricado con madera y metal. Su forma se debe a un diseño creado a principios del siglo XIX por Antoine Turon, un músico de Perpignan (Francia). Años después y con algunas mejoras, fue introducido en Cataluña por el compositor José Ventura. Con el tiempo, la tenora llegó a ser un aerófono tradicional de la región de Cataluña, donde lo utilizan especialmente las coblas para la interpretación de la sardana. Este tipo de agrupación musical incluye dos tenoras en su cuadro instrumental. Aunque tienen un tamaño un poco mayor, las tenoras pertenecen a la familia del oboe, tienen lengüeta de caña, trece llaves y el pabellón bastante amplio, de cobre o de latón cromado. Normalmente se afinan en si bemol.

Tenora (tubo de gaita): Denominación corriente uno de los conductos aerófonos de la gaita, también conocido con el nombre de ronquete. se emplea para dar la nota continua o pedal. Está formado por dos espigas cilíndricas de madera, que encajan una dentro de otra. la parte final tiene un ensanchamiento globular, denominado copa, que actúa como cámara de resonancia. La vibración es producida por una lengüeta simple de caña ubicada en la parte del tubo opuesta a la copa. Algunas tenoras disponen de un sistema de lengüeta doble, llamado pita, como ocurre con la gaita de boto aragonesa.
Tenorhorn: Denominación germana del barítono en si bemol. Es un instrumento de viento de la serie de los metales que se utiliza en las bandas militares, donde resulta un excelente complemento para fiscornos y bombardinos. Los músicos alemanes lo conocen con el nombre de bassflügelhorn o tenorhorn.

Tenorino: Palabra italiana. Tenor ligero que acostumbra cantar en falsete. Es una tesitura usual en la ópera bufa, donde se emplea para representar personajes ridículos o amanerados.

Tenorlied: Forma de canción popular de Alemania, que alcanzó su apogeo durante la época del Renacimiento. Constituye uno de los ejemplos tradicionales en la música germana, que encuentra sus orígenes remotos en el canto polifónico medieval (siglo XII).

Tenor ligero: Voz con buen timbre, medianamente aguda, indicada para representar papeles juveniles y cómicos. Se la suele ver en la ópera bufa representando el papel de ciertos personajes divertidos y desenfadados.

Tenor lírico: Su sonido es dulce y muy agradable, especial para la ópera romántica. Su tesitura es la más frecuente en esta voz. Aunque no se destaca por la extensión, puede alcanzar un alto registro, que en algunos casos ha llegado a superar a la orquesta. Es una voz característica de los papeles rossinianos.

Tenor spinto: Versión itálica del tenor dueño de una voz plena de matices, resonancias y vibraciones, capaz de los más dificultosos prodigios vocales, de actuar con empuje (spingere=empujar). El ejemplo con mayor predicamento, dentro del estilo y la calidad propios de la cuerda de tenor, podríamos hallarlo en la personalidad interpretativa de Beniamino Gigli (1890-1957), al que se considera como la mejor voz en esta variedad del bel canto.

Tensión: Traducción del vocablo alemán "spannung", referida a la composición musical que acompaña al drama lírico. Indica el momento tenso del argumento en el que las circunstancias de la trama se van tornando cada vez más críticas. En el cine se emplea el término "suspense". A continuación de ese punto culminante en la narración, es cuando comienza a desarrollarse el paso final que conduce hacia el desenlace del relato. Este esquema básico, es usual tanto en los guiones cinematográficos, como en los libretos teatrales y de ópera. El argumento del drama lírico en siete cuadros "Boulevard solitude", del dramaturgo alemán Hans Werner Henze (1926) es un interesante ejemplo que pasa por una serie controlada de instantes de tensión. La curiosa fusión del naturalismo, con las formas serialistas del fondo musical ambientado en la Francia contemporánea, llega a su punto culminante con la muerte inesperada de uno de tortuosos protagonistas.

Tensó:

Versión provenzal de contrapunto, cantado o declamado. Se rige por las mismas reglas y características de ejecución valen para el

contrasto

.

Teoría del ethos: Concepto descriptivo de la música, surgido por primera vez en la Grecia clásica. Específicamente, se refiere al contenido ético y estético de los diferentes modos musicales, así como sus formas y recursos expresivos. Durante el periodo arcaico, o antiguo, era la principal guía conceptual a la que recurrían los primitivos maestros de la concepción musical y escénica. Se encuentran vestigios de su influencia en el repertorio tradicional grecorromano, y más tarde, en el resurgimiento de la polifonía, con la Escuela de Notre Dame de París. Aunque los teóricos griegos fundaron las bases conceptuales para el posterior desarrollo de la música religiosa, fue durante la alta Edad Media cuando adquirió una gran preponderancia, sobre todas las formas musicales de su tiempo, especialmente con el advenimiento del estilo Ars Nova. La monodia lírica medieval llegó a ser divulgada por trovadores y juglares a través del ethos modal. Con la llegada del Renacimiento sus premisas sirvieron de base al surgir del drama litúrgico. Las variantes modales más destacadas son:

Teoría de la música:

Ciencia que investiga la estructura de las obras en el ámbito de la armonía, el contrapunto, el ritmo, las formas musicales, etc.

Teoría de la música (historia): Ya en el siglo VI a. C., Pitágoras indagó en las proporciones interválicas, intentando demostrar los fundamentos matemáticos de la música, a través de las proporciones numéricas que rigen la armonía. Platón también teorizó en ese sentido, objetando las falta de rigor matemático y filosófico de la llamada “Nueva Música”, escuela surgida entre los siglos V y IV a. C. Durante el transcurso de la centuria siguiente (años 384-322) Aristóteles profundizó en los lineamientos de la teoría del ethos, incorporando elementos de estética a la música de entonces.

Teponaxtli (idiófono): Instrumento ritual de percusión entre los antiguos mejicanos, dotado de un sonido grave con tonalidades mate. La caja de resonancia estaba formada por un tronco de árbol de regulares dimensiones. La madera especial que se prestaba para su fabricación debía ser dura y resistente, la caja se ahuecaba hasta dejar las paredes con un espesor muy fino y resonante. Luego de ser tallado, el cuerpo idiófono adoptaba una cierta forma cilíndrica -en ocasiones oblonga- con adornos esculpidos de carácter religioso. Algunos tenían figuras grabadas en relieve, o pintados con figuras simbólicas en la parte exterior. Otros ejemplares antiguos, actualmente existentes en museos, presentan la caja con forma de puma o caimán. La parte superior y los laterales de la caja de resonancia, que hacían las veces de paneles de redoble, carecían de parche de piel y se percutían con la ayuda de un par de baquetas recubiertas de paño grueso. En uno de sus lados o caras tenía un orificio cubierto con dos láminas de madera fina que cumplían la función de lengüetas vibrantes. Cada una de esas lengüetas producía un sonido propio, con una tercera de distancia aproximada entre ambas. El nombre de este tambor también puede aparecer escrito con ciertas variantes fonéticas: "taponaztlo" o "teponastli". Su sonoridad aún persiste en el eco de los nuevos instrumentos de este tipo, actualmente en uso en México y otros países centroamericanos. Los conjuntos folclóricos que lo incluyen suelen formar eufónicas combinaciones con flautas indias, tambores de membrana y raspadores de bambú. El uso actual del teponaxtli esta dedicado a la interpretación de raras y antiguas melodías tradicionales o también al acompañamiento de danzas típicas. En algunos tratados musicales aparece su relación organológica con otro idiófono similar existente en las tradiciones folclóricas de Ecuador y Perú (tunduli) .

Teponaxtli (mito): Dios relacionada con la música entre los antiguos aztecas. De esta deidad deriva el nombre del instrumento histórico correspondiente a la descripción anterior. Su culto está relacionado en algunas colectividades indígenas de México y América Central con el del dios "Huéhuetl".

Tercera: En el lenguaje musical se llama de esta forma a un intervalo que comprende varios tonos, de tal forma que ascendiendo en la escala, es el tercer grado a partir de la tónica. Se trata de un término propio de la armonía tradicional.
Tercera mayor: Intervalo existente entre la tónica y el tercer grado de la escala, cuando ésta se halla en modo mayor.

Tercera menor:

Intervalo existente entre la tónica y el tercer grado de la escala, si está en

modo menor

.

Tercera de Picardía:

Se llama así cuando en un pasaje musical escrito en tono menor, éste finaliza con una tercera mayor.

Terceto:

En la ópera se denomina así a la intervención simultánea de tres cantantes. Cuando de un grupo de tres instrumentos musicales, se llama

trío

.

Tercio de tono: Tercera parte de una determinada frecuencia tonal. Se trata de una fórmula armónica poco utilizada, cuyo objetivo principal es lograr sonidos diferentes dentro de una misma escala, aunque esa variación sólo es perceptible por oídos expertos o a través de medios electrónicos. Es una fórmula más amplia aún que el cuarto de tono. En el ámbito de la experimentación práctica sobre este tipo de sonidos destacaron músicos e investigadores de renombre internacional, como el italiano Ferrucio Busonio o el mejicano Julián Carrillo.

Terminología musical: Musicología. Estudio que interpreta las distintas acepciones en la historia de los géneros, la composición, el estilo, etc. procurando fijar el correcto significado de los términos y la mejor comprensión de los mismos.

Ternario: Particularmente, se denomina así a todo elemento musical (ritmo, compás, etc.) que se puede dividirse por tres o también agruparse en módulos de tres partes. En los compases ternarios, la unidad de tiempo siempre es divisible por tres (6/8, 9/8, etc.)

Terpodion: Voz compuesto de origen griego. Es una conjunción de Terpsícore=musa de la música y odé= canto. Llevaron esta denominación dos tipos de clavicordio del siglo XIX. Uno de ellos, el primero, fue creado por Bushman en 1816. El otro -con estructura y sonido semejante- correspondió a una idea de Loeshmann, registrada en 1821.

Terpsícore (cordófono): Denominación griega de un primitivo instrumento de madera de ébano, con encordado de tripa, seda y latón entorchado. Existen constancias de su bella sonoridad y de que estuvo en uso hasta el siglo XIII. La caja armónica en algunos modelos tenía forma de lira. En otros ejemplares de cinco cuerdas, fabricados con posterioridad, adoptaba un perfil redondeado. Su aspecto original era similar al pentacordo de los antiguos vates helenos.

Terpsícore (ser mitológico): Nombre de una de las nueve musas, protectora del canto coral y la danza. Hija de Zeus y Mnemosine, Terpsícore era una figura legendaria que normalmente solía aparecer figurada como inspiración del drama musical. Junto con Melpómene, musa del coro de la tragedia griega, representaba la esencia original de la música.

Tesitura (registro): Sección de la escala musical correspondiente al sonido propio de una voz o instrumento especial. El estudio de las tesituras permiten calificar la consistencia y la altura de la voz o los sonidos instrumentales. Para ello se dividen básicamente en agudas, sobreagudas, centrales y graves, aunque existen distintos puntos intermedios, inclinados tanto hacia las zonas altas o bajas de la escala. Dentro de la gama de los agudos puede citarse la particularidad sonora de los castrati, que compartían tesitura con las voces femeninas, aunque superándolas en el brillo y la amplitud.

Tesitura (zona de alturas): Indicación que se escribe en las partituras generales con el objeto de aclarar las respectivas alturas en las que deben sonar las voces de los cantantes o los instrumentos de la orquesta. Se suele indicar con la cantidad de octavas, o fragmentos de octavas, que puede abarcar una composición o un fragmento determinado.

Testudo: Término latino (según el historiador Plauto derivado de testudineus=de tortuga). Era el nombre de un instrumento de cuerda (lira o cítara) de los antiguos romanos, cuya caja de resonancia tenía la forma del caparazón de quelonio. Su reproducción aparece en documentos antiguos.

Tetracordio (cordófono): Palabra derivada del latín (tetrachordos=cuatro cuerdas). Nombre que llevaron varios instrumentos de la antigüedad, entre ellos una variedad de lira de cuatro cuerdas.

Tetracordio (escala): Cuatro acordes. Graduación descendente de la música griega, que estaba formada por cuatro sonidos (mi, re, do, si). En el acorde básico del tetracordio, la sucesión de los tres sonidos iniciales estaba separada por un tono y el final, por un semitono.

Tetragrama: Antiguo sistema de pautado musical, consistente en grupos de cuatro líneas, paralelas y equidistantes. Fue inventado en el siglo XI por el célebre teórico musical italiano Guido d'Arezzo (c. 995-1050). Los signos que se usaban al principio en esta forma de escritura musical se llamaban neumas y eran más antiguos aún. En realidad los neumas no representaban un sonido único, como las notas modernas de la escala de Guido d'Arezzo, sino un conjunto de varias notas que debían ejecutarse sobre una sola sílaba. El pautado del tetragrama permitió la fijación del tono de las notas y contribuyó al perfeccionamiento del canto llano -también llamado canto gregoriano- cuya tradición manuscrita perduró hasta el siglo XII.

Texto objetivo: En el libreto de ópera es la forma narrativa en la que el autor refleja el mundo exterior en torno sus sentimientos. Es la filosofía testimonial del verismo, donde el vuelo de la espiritualidad se rinde ante la fuerza de la realidad. Los sentidos, visual y auditivo, apelan a la percepción de lo objetivo, con el propósito de plasmar el argumento en lo más profundo de creación lírica.

Texto subjetivo: A la inversa del ejemplo anterior, la concepción estética de este tipo de libreto ópera se nutre en el juego de los sentimientos y las ideas más íntimas del autor. La mente vive buscando el instante de la inspiración, del que pueden surgir la letra, la música, o ambas disciplinas consubstanciadas en una obra maestra. El subjetivismo expande las posibilidades creativas del escritor dentro de los más profundos e ignotos horizontes de su entendimiento.

Theremin: Instrumento melódico inventado en 1919 por el físico ruso Lev Termen (conocido por el seudónimo de Leon Theremin). Fue un precursor de los actuales sonidos electrónicos. Las diversas combinaciones sonoras de este curioso instrumento, amplificadas a través de altavoces, proceden de un sistema de circuitos eléctricos de alta frecuencia, conectados de un oscilador fijo y otro variable. Uno de ellos emite las ondas activado por el movimiento de la mano del ejecutante cerca de una antena, mientras que el otro produce un sonido constante, aunque modulable, similar al efecto de fondo del bajo continuo. La correcta ejecución requiere una rara habilidad y el exacto dominio de los movimientos de la mano, debido a que es el único instrumento musical que se debe tañer sin el tacto directo del intérprete. Debido a ello y a la dificultad propia del aprendizaje, su repertorio es bastante reducido. La mayor parte de las obras disponibles pertenece a grupos exclusivos de melómanos, coleccionistas y museos particulares. Entre las obras más destacadas de dicho repertorio se pueden citar las siguientes: “Music from the Ether”, conjunto de piezas para theremin, del compositor rumano Bohuslav Martinu y“The Art of the Theremin”, adaptaciones de obras de los compositores Sergei Rachmaninov, Camille Saint-Saëns y otros. Entre las más destacados ejecutantes de este instrumento puede citarse a Joshua Pierce, Nadia Reisenberg y Clara Rockmore, esta última fue discípula del creador y llegó ser considerada una de las mejores intérpretes del mundo. También es autora de un método de “digitación aérea” para la correcta ejecución del instrumento. Pensado originalmente para reemplazar la intervención de las grandes orquestas en la llamada “música del eter”, el theremin fue en cambio un instrumento ideal en la composición de melodías cinematográficas, en especial para las películas de suspenso (sonidos spooky). Entre los grandes realizadores que utilizaron la música descriptiva del theremin, cabe recordar a Bernard Herrman, John Williams y Miklas Rosza. Alcanzó su mayor difusión en los Estados Unidos, a mediados del siglo XX, para luego volver a la obscuridad. En la década de 1990 experimentó un renacimiento debido al impulso de nombres legendarios en la historia de la música, como Todd Rundgren, Brian Wilson y Robert Moog.

Thesis:

Indicación de un compás fuerte. Se usaba antiguamente en la práctica de las danzas para señalar la parte cuando el pie debe golpear el suelo para marcar el compás.

Third Stream: En inglés (tercera corriente). Variante blanca del cool jazz, surgida en la década de 1950. Tuvo especial difusión en los grandes centros musicales de la costa oeste norteamericana, especialmente en las ciudades de Los Angeles y San Francisco.

Tible: En catalán (tiple). Denominación regional de un aerófono afinado en fa. Su apariencia es similar a la tenora, aunque su sonido es más agudo y el tamaño resulta algo menor. Además, el pabellón no es de metal sino de madera o fibra plástica. Como aquella, forma parte de la cobla, donde intervienen siempre dos tibles.

Tibuh: Pequeña campana tibetana de sonido agudo y prolongado. Es un instrumento litúrgico de bronce que los monjes budistas de los monasterios del Tibet sostienen con la mano derecha mientras la tañen con la ayuda de un macillo de madera. Junto con el pequeño cetro de dos cabezas, llamado dorje, es uno de complementos simbólicos del ritual tradicional de los lamas (pujah).

Tiempo: Voz equivalente a tempo en italiano. Cada una de las partes -débiles y fuertes- en que se divide un compás. Estas indicaciones -esenciales e indispensables en la interpretación de las partituras- aparecieron a principios del siglo XVI y se escribían en la lengua propia del compositor. A partir del siglo XVII se empezó a unificar la escritura en italiano, debido al aporte de este país al desarrollo de la música. Todas las unidades de tiempo que constituyen el compás melódico tienen la misma duración. Los tiempos fuertes son acentuados y los débiles carecen de ella. Por lo general los primeros tiempos del compás son fuertes. En los compases de cuatro tiempos, los terceros son semifuertes. En las melodías de danza todos los tiempos suelen estar acentuados, con el objeto de marcar mejor el ritmo. Una de las características particulares de la música contemporánea es el uso que se da a los compases de más de cuatro tiempos, mientras que en las composiciones clásicas se emplean esencialmente los compases de dos, tres y hasta cuatro tiempos.

Tiempo binario:

Se llama así cuando en una melodía el número de tiempos de los compases se puede dividir por dos. Entonces se dice que es un

compás simple

.

Tiempo ternario:

Es cuando la cantidad de tiempos de los compases se puede dividir por tres. En este caso se trata de un

compás compuesto

.

Tiento (baile flamenco):

Pertenece al numeroso grupo de danzas y cantos existentes en el patrimonio cultural del folclore regional de Andalucía.

Tiento (técnica musical): Vocablo español equivalente al italiano ricercare. Se refiere a un estilo de interpretación instrumental que se destaca por la improvisación. La forma del tiento (tentativa) suele estar presente también, bajo distintas formas, en la música criolla de Hispanoamérica, con el nombre gauchesco de payada. En España fue bastante popular durante los siglos XVI y XVII.

Tiguarandó: Forma musical tradicional en el folclore de la República de Colombia. También se la conoce con las denominaciones populares de andarele, pangora y saporrondó. Posee un compás acelerado y bien marcado por los instrumentos de percusión (bombo, redoblante, maracas o sonajeros guasás, tambores cununos y marimba de chontas). Algunas versiones de tiguarandó se parecen a la danza maracutanga del noroeste del Brasil.

Timbal: Derivación fonética del término latino (tympanum=tambor). Instrumento de percusión compuesto por una caja de resonancia de forma semiesférica fabricada con bronce o cobre. Como el atabal y la nácara son instrumentos similares y todos tuvieron un origen militar. Algunos tratadistas consideran que, pese a proceder de distintos lugares y épocas, responden a las características de un mismo instrumento. Por lo general, en la orquesta sinfónica se suelen emplear dos o más timbales que suenan en clave de fa con notas de alta definición. Los grandes timbales se emplean para dar las notas graves, y los pequeños timbales, para las notas agudas. Se ejecutan batiendo el centro del parche o membrana con un juego de baquetas cuya cabeza va forrada en fieltro. Estando bien afinados, tienen una especial importancia en la orquesta ópera por su adaptación a los requerimientos sonoros de la música escénica, como el trémolo o redoble. La superficie de percusión del timbal está compuesta por una membrana que se puede estirar o aflojar mediante una serie de tornillos. Existen algunos modelos modernos cuya forma es ovalada y la afinación se realiza mediante un sistema de pedales. El batir de la membrana por momentos tiene un efecto sugerente, que parece imitar los sonidos de la naturaleza. Durante el barroco era costumbre combinar el sonido bajo de los timbales con las melodías interpretadas por las trompetas agudas (clarini) y las graves (principali). En el pasaje de la muerte de Sigfrido, de la ópera "El ocaso de los dioses" de Richard Wagner, los timbales arrancan con suavísimos toques. Ese efecto de percusión se va reiterando con diferente intensidad a lo largo de la composición musical, hasta llegar al último toque, que sugiere el postrer latido de su corazón. En el motivo del beso, "de Parsifal", cambia la melodía y la aplicación de los instrumentos, pero el efecto simbólico y descriptivo es el mismo. Esto explica la amplitud o variedad de ambientes y situaciones que pueden recrear los instrumentos membranófonos, como el timbal.
Timbaletas: Instrumento de percusión de la familia de los membranófonos. Se ejecutan por pares, afinadas a distinta altura y sostenidas por un trípode. Tienen un diámetro variable (31 a 35 cm). La caja, cilíndrica y baja, suele ser de madera. Las membranas de estos instrumentos se ajustan mediante tornillos. Se utilizan en los conjuntos dedicados a la interpretación de música ligera, tropical, centroamericana, jazz, etc.

Timbirimba: Voz onomatopéyica. Es un instrumento popular de percusión, típico del folclore colombiano. Se parece al tambor común. La caja de resonancia es de madera. La altura de los sonidos de estos instrumentos resulta imprecisa.

Timbre: Es el color de la música. Está definido por el espectro de las frecuencias propias del sonido, del que es uno de sus elementos esenciales. Se compone de una frecuencia fundamental y una serie de armónicos, que son múltiplos de esa frecuencia básica. Por el timbre se reconoce la fuente de los sonidos y se puede determinar si son producidos por instrumentos musicales o por la voz humana, aunque en algunos casos, la voz puede alcanzar la frecuencia del sonido instrumental. Cada timbre tiene un sello particular que permite identificar su procedencia. La música ejerce su influencia en el proceso de introducción en la ambientación escénica. En la orquestación de la ópera, el compositor puede extrapolar las diversas ideas producidas por los sonidos para luego configurar de una manera coherente el cuerpo general de la obra musical. El timbre pone su aporte sonoro en la conjunción de todos los elementos integrantes de un gran poema sinfónico. Por ello, el compositor selecciona la voz o sonido instrumental que es más adecuado para expresar un sentimiento, o poner de manifiesto un determinado ambiente en el que se desarrolla la escena. El timbre de los instrumentos musicales no depende solamente de la materia con que están construidos (madera, metal, plástico, hueso, etc.) también tienen una importante incidencia los sonidos complementarios -llamados armónicos- que siempre acompañan al sonido puro. Entre los demás componentes del sonido, relacionados con el timbre, se encuentran la duración, la altura -también llamada frecuencia- y el punto de origen de las señales audibles, cuyo principio está relacionado con la estereofonía

Tímbrico: Efecto sonoro especial que se logra con algunos instrumentos de viento, aplicándoles sobre el pabellón ciertos suplementos, como el apagador o la sordina, que limitan la sonoridad propia del artefacto y cambian su timbre natural. El efecto sordina se logra acercando una pieza de madera en forma de pera, especialmente adaptada para que permita obturar parcialmente el diámetro de la campana por donde surge el sonido. En el pentagrama, la necesidad de utilización del efecto sordina se indica con un signo + colocado sobre la nota. Otro efecto tímbrico complementario, llamado "cuivré", es el sonido contundente y metálico que se logra al apretar fuertemente los labios contra la embocadura del instrumento. Este método se emplea con la campana libre o bien cubierta por la sordina. Los diferentes grados tímbricos dependen de la intensidad con que se apliquen tales recursos. El método apagador también se emplea en los instrumentos de cuerda.

Timpanófono : Antiguo instrumento musical de la familia de los idiófonos. Está formado por una pieza cilíndrica de madera provista de una serie de muelles graduables que suenan de manera armoniosa al ser percutidos con un par de macillos. El sonido que se obtiene al tañer este curioso instrumento personal es similar al de un pequeño carillón, con la particularidad de que sólo puede ser oído por el propio ejecutante o por alguien que disponga de un audífono accesorio conectado al aparato. Vendría a ser un precursor de los actuales silent instruments (silent electric violin, silent compact cello, silent bass, etc.)

Timpanum: Es el antiguo nombre del salterio, que en algunas traducciones castellanas del inglés o el alemán puede aparecer citado con este nombre, o también como dulcimer, denominación hasta el siglo XIX en la musicología británica.

Timp:

Apócope o abreviatura del vocablo italiano

timpani

que en las partituras de la orquesta sinfónica indican la ubicación y tiempo de percusión de los timbales.

Timple: Cordófono de pequeño tamaño, parecido a la guitarra, con cuatro y cinco cuerdas de metal, según el modelo. Es popular en la región de Murcia y en las Islas Canarias. Se usaba antiguamente para acompañar las rondas y estudiantinas en las festividades populares. Afinación tradicional del timple de cinco cuerdas, de aguda a grave: (re-la-mido-sol).

Tingsya: Crótalos o platillos rituales del Tibet dotados de un sonido agudo y continuo. Son de bronce fundido y se tañen en los monasterios budistas, junto con una pequeña campana ceremonial denominada tibuh. La cara interior de los tingsya es cóncava y la exterior suele estar adornada con una serie de símbolos religiosos grabados en relieve. Los discos tradicionales pueden tener desde 6 hasta 8 cm de diámetro y estar unidos por un fino cordón de cuero o de seda trenzada. Dependiendo de la habilidad del ejecutante, se pueden hacer sonar con una o con ambas manos.

Tintinnabulum: Voz onomatopéyica de origen latino. Pequeña campana de mano, fabricada en bronce, con forma de semiesfera y provista de un asa, que se usaba antiguamente en el acompañamiento musical de himnos y otros cantos guerreros o religiosos.

Tiorba (cordófono): Es un instrumento muy peculiar, de la familia de los archilaúdes. Creado en la ciudad italiana de Padua, a fines del siglo XVI, su empleo fue bastante frecuente hasta mediados del siglo XVIII. La principal característica de estos instrumentos es el clavijero doble, también llamado clavijero suplementario, cuyo mecanismo sirve para tensar una batería de ocho cuerdas simples, que no se pisan, llamadas bordones al aire. Los ocho órdenes de cuerdas restantes -que son dobles- se afirman a otro clavijero de mayor tamaño, ubicado cerca de la caja resonancia. Estas cuerdas se pisan sobre una breve serie de cinco trastes que sólo ocupan la parte baja del mango. La tiorba se utilizó en algunas óperas del siglo XVII para ejecutar la función del bajo continuo. Otros instrumentos de esta familia son el cistro-tiorba y el laúd tiorbado, ambos pertenecientes a esa época y dedicados al mismo estilo musical. En la actualidad forman parte del conjunto instrumental empleado, con cierto simbolismo, en la escenificación y la coreografía de obras del periodo barroco.

Tiorba (registro de órgano): Corresponde a un tubo corto, compuesto por dos cilindros de diferente diámetro, uno dentro de otro. Imita la tesitura del instrumento de cuerda del mismo nombre.

Tiorba romana: También llamada chitarrone. La caja armónica tiene forma de pera con el fondo convexo y un mástil muy largo, donde se encuentran ubicados dos clavijeros. El más cercano a la caja sostiene un sistema de diez u once órdenes de cuerdas pisadas, dobles y triples. El otro -ubicado en el extremo superior del mango- sirve para tensar ocho órdenes de cuerdas adicionales simples, denominadas bordones al aire. El primer segmento del mango tiene una secuencia de seis trastes. La tiorba romana es como la tiorba tradicional, pero mucho más grande (aproximadamente 2 metros de longitud). Los bordones al aire son también más largos que los de la tiorba. La mayoría de los instrumentos de este tipo se emplearon durante los siglos XVII y XVIII para la ejecución del bajo continuo. En Italia y Austria existen orquestas especializadas en la interpretación de obras del periodo barroco, que incluyen instrumentos de época, como las tiorbas y otros instrumentos similares, de la familia de los archilaúdes

Tiple (tesitura vocal): Es una voz femenina muy aguda que puede exceder en altura a la de soprano. Antiguamente, también se usaba la forma inglesa treble. Es el mismo término en su acepción de soprano.

Tiple (aerófono): Variedad de oboe de pequeñas dimensiones, dotado de embocadura con lengüeta doble. En Cataluña se utiliza en las interpretaciones de la cobla de la sardana. Su origen es popular. Por tratarse de un instrumento muy antiguo y de factura sencilla, esta flauta tiene numerosas versiones que, con ligeras variantes, se hallan en casi todas las culturas del Mediterráneo, pudiendo citarse entre ellas al piffero de Italia, la zurla de los Balcanes, el mizmar de Egipto y la ghayta del Magreb.

Tiple (cordófono): Viola pequeña, con cuatro órdenes de cuerdas triples, con un sonido parecido al del clavecín. Su ejecución requiere un alto grado de destreza. Aunque es más antigua, por su aspecto se aproxima a la guitarra. Todas las cuerdas producen tonos brillantes y encuadrados dentro de la gama de los agudos, con la particularidad de que la cuerda media o central de cada grupo de tres, suena una octava más baja que las dos laterales. Se conoce con este nombre en España y en varios países de Hispanoamérica.

Tiple boricano : Instrumento de cuerdas similar al anterior, pero con las características propias del ambiente americano del cual procede, desde donde se ha difundido por los distintos horizontes del arte musical caribeño. Su sonido, alto y brillante, produce un marcado contraste con el tono suave y algo más grave del cuatro o la bordonúa, cordófonos complementarios, con los que comparte su honda raigambre folclórica. Existen varios modelos de tiple puertorriqueño, según la comarca donde se fabrican. Casi todos los ejemplares son productos originales -fabricados con el amor del artesano tiplista- que emplea para ello maderas apropiadas, como el cedro, el laurel, la caoba o el guarabao. Aunque distintos entre sí, -tanto en el tamaño como en el encordado, los tiples de Puerto Rico poseen la caja labrada en una sola pieza, recubierta con láminas de la dúctil madera del yagrumo ¹²⁹. Los modelos más usuales son el tiple doliente, el requinto y el tiplón, cada cual con su propia sonoridad y manera de puntear.

Tiple doliente : Variedad de tiple ampliamente difundido en el ambiente musical del Caribe y América Central. Los modelos más antiguos proceden de la región montañosa de Puerto Rico, donde ha llegado a ser un instrumento típico. Normalmente afinado sobre la nota do, el tiple doliente posee cinco cuerdas y un mástil con dieciséis trastes.

Tiplón : Existen modelos de tiple cuya apariencia es similar a la viola rioplatense, o la guitarra, aunque por su tesitura y encordado conservan la distancia con éstas y otros modelos de cordófonos. El tiplón, instrumento tradicional en el extenso litoral puertorriqueño, posee dieciocho trastes y un sistema de cinco cuerdas de tripa o nailon. Es el mayor de los tiples de la región Caribe. Afinado en mi, también responde al apelativo popular de “ tiple macho”.

¹²⁹ Árbol de unos 20 m de altura, común en los bosques de Puerto Rico, cuya madera laminada, flexible y blanda se suele utilizar en labores artesanales de taraceado, ebanistería y marquetería.

Tipótono: Denominación de una forma antigua de diapasón. Fabricado con una delgada lámina de nácar o marfil, al soplar sobre ella, se producía la vibración de una lengüeta libre, que sonaba en la letra A [actual nota la]. Este curioso instrumento de afinación fue inventado en 1829 por el músico francés Pinsonat. También aparece citado en algunos manuales como harmónica de boca.

Tityrian : Flauta griega usada en la antigüedad. Su perfil era curvo, parecido a una corneta de heraldo. Sólo se conoce por representaciones en vasos y frescos. Tenía dos o tres orificios de digitación. Parece que su función fue ceremonial o guerrera. Algunas tradiciones de Argólida y Corinto, permiten suponer que su empleo estuvo relacionado con el culto a Tyria, un ser mitológico, amante de Apolo y madre de Cicno. Otra versión, la relaciona con la legendaria Tyrins (Tirinto), ciudad amurallada, fundada por cíclopes, cuyas ruinas aún existen al sureste de Argos.

Tlantquiquitly : Instrumento de viento de origen precolombino. Lo usaban los aztecas. Era un pequeño silbato de guerra, fabricado con barro cocido y decorado con figuras alegóricas. Existen varios ejemplares en colecciones y museos arqueológicos de México.

Tnuci : Instrumento idiófono de latón. Consiste en unas pequeñas castañuelas, utilizadas por las mujeres árabes en el acompañamiento rítmico de sus danzas folclóricas. Tiene un sonido indefinido, de tono medio alto. Su empleo se caracteriza por el repiqueteo reiterativo, sólo interrumpido por gritos o expresiones de regocijo.

Tobillets: Pareja de timbales usados por los campesinos de Túnez. Aunque su origen es muy antiguo, en Europa, se conocen desde el siglo XIX. Tienen un diámetro más reducido que los ejemplares corrientes. Suenan como los redoblantes. El parche, de piel de cabra, se tensa mediante tiras de cuero. La caja sonora suele ser de cobre batido, aunque también se conocen ejemplares realizados en una sola pieza de madera tallada. Se percuten con las palmas de las manos y también con unos macillos de madera. En la actualidad, los tobillets se utilizan en los bailes folclóricos y en celebraciones populares. Puede aparecer escrito tubilatte.

Tocar:

Acto de tañer o interpretar un instrumento musical, con maestría y dominio de su técnica de ejecución.

Tocata: También toccatta. Vocablo musical derivado del italiano (toccare=tocar). En la actual terminología operística, se refiere a un tipo de composición libre, generalmente creada para su ejecución en piano, aunque admite una cierta variedad instrumental y cuya ejecución requiere virtuosismo. La introducción de la ya citada ópera "Orfeo" de Claudio Monteverdi -cuando los pastores y las ninfas se reúnen para celebrar las bodas de Orfeo y Eurídice- incluye el rasgo alegre de una toccata que se hizo célebre entre los amantes de la música. En el siglo XVI este término también se refería a una variedad de marchas populares, compuestas para la interpretación con timbales y otros instrumentos metálicos de viento.

Toccatina:

En italiano. Interpretación breve. Es diminutivo de

toccatta

. Normalmente se refiere a la ejecución en el piano.

Tofa : Corneta primitiva fabricada con una gran caracola marina a la que se le practica un orificio en el extremo más agudo, por cual se sopla con fuerza. Su origen es antiquísimo y se halla presente en las más diversas culturas del Mediterráneo, África, Oriente y América. El término tofa define a una forma tradicional del sur de Italia, que produce un sonido profundo y de timbre opaco. En la actualidad forma parte del equipamiento instrumental de algunos conjuntos folclóricos dedicados a la interpretación de melodías tradicionales.

Tombeau (motif de): Concepto musical francés referido a un tema fúnebre al estilo del lamento o el canto sepulcral. Se trata de una pieza de carácter, cuyo argumento tiene un contenido programático. Pertenece al grupo de la música religiosa propio de la Edad Media y el Renacimiento.

Tom tom: Nombre onomatopéyico de un pequeño tambor de mano, de procedencia oriental. Se conocen ejemplares tradicionales en las zonas rurales de Shangtung, Hopeh, Kiagsu, Luzón, Java, etc. La particularidad de este elaborado instrumento de percusión es que puede producir escalas completas. Algunos ejemplares tienen membrana de piel, tensa mediante unos bastidores redondos de madera que dejan libre o abierta la parte inferior de la caja. Otra variante del mismo instrumento, originaria del valle del Huang Ho (río amarillo), en el nordeste de China, sustituye a la membrana de piel por una lámina de madera flexible que produce un sonido similar. Aparece como instrumento complementario en la versión de "Turandot", escrita por el compositor y pianista italiano Ferruccio Busoni (1866-1924). Una versión de mayor tamaño de este instrumento, es utilizada por los percusionistas en el acompañamiento rítmico de una gran variedad de estilos musicales. Para tañer este modelo se lo sostiene sobre un soporte de tres patas. La altura -sin las patas- puede alcanzar los 60 cm y su diámetro alrededor de 50 cm

Tonada: Palabra derivada de la primera acepción del sustantivo latino tonus (sonido de la voz). Nombre de una forma de composición métrica especialmente destinada al canto. También se llama así a la música compuesta para ese tipo de letra.

Tonada (Asturias): De todas las regiones y provincias de la península ibérica, Asturias es una de las áreas culturales donde existe una mayor concentración de variedades musicales (canciones, danzas, composiciones instrumentales, etc.). La serie de tonadas asturianas configura una forma musical folclórica rica en ejemplos tradicionales. También llamadas asturianaes en la lengua vernácula de la región, se suelen entonar en las fiestas regionales y otras celebraciones populares, con el acompañamiento de la gaita y otros instrumentos.

Tonada (Hispanoamérica): Forma lírica emparentada con el estilo. Se practica en la región central de Chile y en Argentina, (especialmente en las provincias Neuquén Mendoza, San Juan).

Tonadilla:

Estilo de canto popular pertenecientes al folclore regional de Andalucía. Las intérpretes de este tipo de música se llaman tonadilleras.

Tonadilla escénica: Melodía popular, con varias letras, a veces románticas y otras satíricas, que se cantaba en los corrales y tablados de Madrid. Tuvo su auge a fines del siglo XVII y principios del XVIII. Fue un antecedente de la Zarzuela. En algunos aspectos, su argumento presentaba requerimientos vocales, escenográficos e instrumentales, con cierta profundidad y dramatismo, que en cierto modo la acercan también a la ópera. El compositor español y renombrado instrumentista Luis Misón, fallecido en 1776, compuso una importante colección de tonadillas escénicas que actualmente pueden verse en la Biblioteca Municipal de Madrid. El historiador Manuel García de Villanueva, dice en su obra "Origen, épocas y progresos del teatro español", publicada en 1802, que el maestro

Misón supo elevar el espíritu de esta variedad del arte teatral español hasta equipararlo a la calidad estética y la profundidad lírica de la zarzuela y la ópera. Habiendo comenzado como representación musical cantada a dúo, la tonadilla escénica fue adquiriendo con el tiempo una mayor envergadura argumental y coreográfica, llegando a fines del siglo XVIII a tener ciertas características similares a la ópera cómica.

Tonal (cualidad musical):

Se denomina así a la música que responde a las condiciones armónicas propias de la tonalidad. Es lo contrario de

música atonal

o

atonalismo

.

Tonal (fuga):

Se llama así a la

respuesta

de la fuga que se caracteriza por una serie de mutaciones en las que se mantiene la tonalidad principal del

sujeto

.

Tonalidad: También llamado tonalismo. Es el método basado en el predominio de un sonido sobre los demás de la escala, a los que está ligado por la armonía musical. También puede definirse como la relación que existe entre un grupo de varios sonidos de la escala frente a otro que permanece invariable y al que se considera el elemento prevalente. Es decir, que todas las notas gravitan sobre la principal, a la que se denomina tónica. Esta nota fija es un sonido fundamental. El concepto del término surge del valor de ese sonido básico, que se mantiene a través de las distintas modulaciones melódicas sin perder su condición. Los fundamentos de la tonalidad fueron descriptos por primera vez en el célebre "Tratado de Armonía", de Jean-Philippe Rameau (1683-1764). Durante el periodo del Renacimiento y posteriormente en el Barroco, el concepto de tonalidad fue adquiriendo su moderno carácter, relacionado con el empleo de las escalas menor y mayor.

Tonalidad esencial: También llamada tonalidad principal. Es la nota tónica que ejerce un tipo de fuerza gravitatoria sobre las demás notas de la escala. También, en su aspecto de tono central sirve como base para señalar una función determinada a cada uno de los demás tonos asociados. Cuando se crea una pieza musical utilizando una escala menor o mayor, la tónica de dicha escala pasa a ser el eje tonal sobre el cual gira todo el entramado melódico. En ese eje tonal, la obra halla su punto base, la matriz donde se configura toda la tonalidad relacionada con esa escala.. Eso es lo que se denomina tonalidad esencial. Y aunque durante el desarrollo de la obra se produzcan distintas modulaciones o cambios de tonalidad circunstanciales, la que siempre prevalece aquella en la cual fue escrita.

Tonalidades ficticias: Instrumentos transpositores. Trompeta. Desde principios del siglo XIX estuvo en uso una serie de tonalidades ficticias consignadas en una tabla de transportes donde los sonidos reales coinciden o difieren de la siguiente manera con lo escrito en el pentagrama:

Fa = Suena justo una cuarta más grave.
Mi= Suena una tercera mayor más grave.
Mi bemol= Suena una tercera menor más grave.
Re= Suena una segunda mayor más grave
Do= Suena tal como aparece escrita en el pentagrama. Si= Suena una segunda menor más aguda.
Si bemol= Suena una segunda mayor más aguda.
La= Suena una tercera menor más aguda

Tonarium : En latín (marcador del tono). En la antigüedad se llamaba así al sonido clave que permitía la afinación de los instrumentos de cuerdas. Es lo mismo que diapasón. Tone cluster: Vocablo inglés. Significa "racimo de notas". La idea del término surge a principios del siglo XX como resultado de las innumerables experiencias en torno al sonido y los acordes. La técnica -inspirada en impresionismo musical- pone en práctica una nueva forma de composición. Los acordes emergentes en una agrupación de sonidos con distinta altura adquieren entonces una forma reconocida al surgir los tone clusters como conjuntos de notas vecinas o inmediatas que suenan de manera simultánea. El sonido resultante no es propiamente armónico, ni eufónico.

Tónica (nota): Denominación específica del sonido que tiene el primer grado en la escala musical. También se puede indicar mediante la cifra romana que corresponde al Nº 1 (I). Es la nota más destacada de la tonalidad. En el régimen armónico es el sonido importante y fundamental que define el tono de una melodía.

Tonillo (accesorio instrumental): Tubo metálico, de acople, que permite modificar la tesitura fundamental de los instrumentos de viento de la familia de las trompetas. Cada tonillo equivale a un grado de la escala cromática. Se trata de la misma pieza complementaria conocida con el nombre de tono o tonillo de trompa. Dejó de utilizarse con la invención de los pistones en el siglo XIX. En la actualidad sólo se emplea en la reproducción de instrumentos de época, dedicados al estudio y difusión de la música medieval y renacentista.

Tonillo (sonido):

Melodía simple y reiterativa, compuesta por una cantidad reducida de compases, que usan los estudiantes al aprender ciertos fragmentos musicales.

Tono: Voz derivada del latín (tonus) y éste del griego (thónos). Es una de las propiedades del sonido. Su estudio permite determinar si una vibración sonora es grave, media o aguda. En música tiene varias aplicaciones. Específicamente se refiere a la altura y el timbre de un instrumento musical, o la voz de un cantante. De la misma forma, se dice que“da el tono” aquel instrumento que produce un sonido determinado para que sirva de referencia en la afinación o acorde de los demás de la orquesta.

Tono (copla): Canto fúnebre tradicional en el folclore melódico de Colombia y Venezuela. Consiste en una sucesión de coplas que acostumbraban cantar los campesinos, con invocaciones piadosas para el alma de un infante difunto. La serie de cantos plañideros solía prolongarse hasta las doce de la noche, hora en la que cambiaban la expresión vocal por la ejecución de danzas populares, como la denominada zumba que zumba, o el típico joropo. La razón de ese curioso contraste se debía a las creencias populares relativas a los niños fallecidos, a quienes se consideraba ángeles que ascendían al cielo después de medianoche. Por eso, la tristeza de la víspera se transformaba en música alegre y animada.

Tono (diapasón): Aparato de acero, generalmente afinado en la, que al golpearlo produce un sonido de larga duración. Sirve para realizar la afinación en los instrumentos musicales y las voces de los cantantes.

Tono (escala): También se denomina tono a cada una de las escalas breves, configuradas a partir de una nota básica que le da el nombre. (escala de do, escala de re, etc.). El nombre de esa nota fundamental es el que se aplica al tono. En la disposición de los sonidos dentro de la escala cromática temperada, es la distancia o intervalo de un semitono, que separa a una nota de su inmediata. Por lo tanto al ser la distancia que media entre una nota y la anterior, o la siguiente, el tono viene a ser la distancia justa entre dos semitonos. La excepción de esta regla se da únicamente en la escala diatónica de do mayor, en los intervalos que median entre la nota mi y la nota fa y entre la nota si y la nota do.

Tono (fonética): La tesitura de la voz humana depende de la cantidad de vibraciones producidas por la emisión sonora dentro de una determinada unidad de tiempo, tomándose para ello el lapso transcurrido en un segundo. La altura del sonido vocal será entonces más grave o más agudo de acuerdo con el número de sus vibraciones. En términos acústicos, el tono se divide en nueve partes iguales, llamadas comas.

Tono (organología): Nombre genérico que recibe cada uno de los tubos de bronce o latón que se emplean para subir o bajar la tesitura de ciertos instrumentos de viento, como las trompas y las trompetas. También se los suele denominar tubos de recambio.

Tono (timbre): Se refiere al timbre de los sonidos que permite distinguirlos por su altura musical (tonos agudos y tonos graves). La frecuencia del tono determina la altura de los sonidos. En el caso de los sonidos compuestos -es decir, que no son puros- la frecuencia se basa en el sonido fundamental.

Tono abierto: Cada uno de los sonidos naturales que producen instrumentos como la trompa cuando no se introduce la mano en la campana o pabellón. Esos tonos, también llamados armónicos, difieren de los tonos tapados o cerrados, por la atenuación modulada de los sonidos.

Tono cerrado: Se produce en la trompa cuando el ejecutante introduce la mano en el pabellón, con el objeto de modular y atenuar los sonidos abiertos. El efecto también puede aplicarse a los instrumentos que usan sordina, como la trompeta, pero siempre se refiere al sonido artificial que surge al obturar parcialmente la boca del instrumento, moderando la libre salida del viento

Tono de capilla: En el canto llano o gregoriano. Es la tesitura media en la que esta afinado el órgano de iglesia. A cuya altura deben acomodarse los cantantes del coro para lograr una perfecta armonía entre las tonalidades de las voces y la propia del instrumento.

Tono de orquesta:

Se dice del instrumento músico que esta afinado de acuerdo con el diapasón normal.

Tono de trompa: En la mayoría de los aerófonos de la familia de las trompas y trompetas se llama así a cada uno de los segmentos de tubo que se pueden intercalar o quitar a la extensión del recorrido aéreo, con el propósito de modificar la tesitura fundamental. (Ver tonillos)

Tono disonante:

Es un acorde que carece de consonancia con los inmediatos. También se denomina

disonancia

.

Tono generador:

Se llama así a la nota tónica que sirve de base para ajustar la altura de un tono determinado.

Tono lírico: Entonación de la voz en los cantantes de ópera, que procede de acuerdo con los requerimientos del libreto. Físicamente se refiere ala tonalidad de la emisión vocal, sin embargo, es un acto voluntario que debe estar íntimamente unido a los gestos faciales y la expresión corporal. De tal manera que el tono de la voz se traslada al carácter del argumento, sin descontar la evidente influencia del estilo cantable. De tal forma, el tono del cantante lírico puede adoptar una gran variedad de aspectos psicológicos expresados por medio de la inflexión de la voz, la velocidad de emisión del sonido, la tesitura o el volumen: (majestuoso, tierno, elevado, amoroso, grave, satírico, persuasivo, iracundo, irónico, jocoso, risueño, patético, lastimero, etc.).

Tono maestro:

En el

canto llano

o

gregoriano

se llama así a cada uno de los cuatro tonos impares.

Tono mayor: En la escala diatónica se llama así al espacio o intervalo entre dos notas consecutivas, cuando la proporción entre ellas es de 8 a 9. También se dice modo mayor o intervalo de segunda mayor

Tono menor:

Intervalo entre dos notas consecutivas, cuando la proporción entre ellas es de 9 a 10. También se dice

modo menor

.

Tono peregrino:

Del latín (

tonus peregrinus

). Forma de

salmodia

melódica, con dos cuerdas de recitación. Corresponde al antiguo

canto galicano

.

Tono principal:

Es el tono dominante en una obra musical. Su altura puede pertenecer indistintamente a la escala diatónica del

modo menor

o la del

modo mayor

.

Tono tapado:

Es lo mismo que

tono cerrado

. La denominación puede variar en algunos manuales musicales.

Tono vecino: Denominación que reciben las tonalidades más cercanas a la de origen, cuya característica principal suele ser una alteración en más o en menos respecto de la principal. En esta forma, el paso de un tono a otro transcurre suavemente, sin brusquedad, efecto que para algunos compositores representa una cierta debilidad expresiva.

Toque: Son o tonada breve, con limitado número de compases que sirve como introducción o advertencia. En la ópera se emplea como elemento de la música descriptiva. Existen toques de llamada, de atención de brigada etc.

Toque de brigada:

Sonido melódico estipulado en el reglamento del arma de caballería. Su notación, en compás de 3/4 dio origen a varios fragmentos dramáticos.

Torbellino: Danza y canto de Venezuela. Es una variedad folclórica bastante popular, cuyos instrumentos tradicionales son el tiple, el requinto, las maracas y otros idiófonos. Su área de difusión comprende las estribaciones de la cordillera de los Andes y los llanos orientales del país.

Torculus:

En el sistema de notación gregoriana, grupo de tres notas de las cuales la segunda es la más alta

Torloroto: Denominación equivalente a krummhorn o cronormo. Aerófono tradicional de los Alpes. Es un cuerno de llamada de los pastores montañeses, cuyo sonido grave y penetrante se oye a mucha distancia. Las tres formas sirven para designar al mismo instrumento Su área de difusión comprende regiones como el Trentino-Alto Adigio, los Alpes de Otztal, en el Tirol y los Alpes Réticos, en Suiza. La extensión del tubo es bastante considerable y el pabellón -generalmente de metal- adopta una forma curva similar a la de un gran cuerno.

Torre de pedales: Nombre de uno de los cuatro juegos de tubos del órgano. Este conjunto está integrado por los grandes tubos bajos, también llamados tubos graves. Se acciona con el pedalero ubicado bajo la consola del teclado manual. En la disposición general de la tubería, el conjunto denominado torre de pedales ocupa los laterales del instrumento.

Torrente: Variedad de aire musical con que se suelen acompañar algunas danzas típicas del folclore centroamericano. La forma melódica del torrente está particularmente difundida en los medios rurales de Panamá y Costa Rica. Se emplea al compás de la mejorana, un pequeño cordófono de la región.

Tosquet: En catalán (de tosca=corteza). Pieza de madera que va introducida en el tubo aéreo del flabiol con el objeto de canalizar el aire sobre la arista de la lengüeta, dividiéndolo en dos corrientes, para que aquélla pueda producir los sonidos correctamente. Este adminículo se fabricaba antiguamente con un fragmento de corteza, de allí su nombre.

Totumo: Nombre aborigen de una variedad de maraca, que en las regiones subtropicales de América del Sur se fabrica con la corteza seca de un fruto llamado así. También lleva este nombre un idiófono popular, procedente de las provincias del norte de Argentina (Chaco, Formosa, etc.). Su área de difusión alcanza hasta las frías planicies de la Patagonia y el sur de Chile, donde algunas colectividades indígenas araucanas (mapuches, huiliches, etc.) suelen utilizar un instrumento similar durante el desarrollo de sus fiestas y ceremonias religiosas o tradicionales. Aunque la maraca es un instrumento típico y muy difundido en toda el área del Caribe y Centroamérica, no caben dudas sobre su origen primitivo y que puede proceder, a la vez, de varias culturas distintas.

Torculus: Palabra perteneciente al sistema de notación por neumas del canto gregoriano que servía para indicar la existencia de tres notas agrupadas o comprimidas en un solo movimiento agudo-grave-agudo. Se trata de una forma antigua, derivada del latín (torculare=prensar/comprimir).

Trabelho: Del latín (trabecula=madera). Nombre portugués antiguo, utilizado para citar a una variedad rústica de flauta de pico, con cinco agujeros, tallada en madera de almendro. Fue un apelativo común en las comarcas del Alto Alentejo, durante los siglos XVII y XVIII, donde tenía un carácter de instrumento popular, dedicado a la diversión y el entretenimiento de los campesinos. Según algunos cantares de la época, su sonido era “dulce y embriagador”¹³⁰. El vocablo trabelho también se utilizó, en forma general, para citar a otros instrumentos aerófonos de madera.

Tractulus: Voz del canto gregoriano. Del latín. (tractus=trazo). Término perteneciente al método de notación por neumas. Era una línea transversal que se dibujaba al lado de las notas sujetas a un movimiento descendente (punctum).

Tragedia: Obra dramática de carácter moral, cuyo argumento suele ser magnífico y glorioso. Su configuración como género representativo tuvo lugar durante el primer milenio anterior a la era cristiana. Cada año se llevaban a cabo en Atenas y otras ciudades áticas las festividades religiosas en honor de Dionisos, dios de las cosechas y las vendimias. Estas actividades estaban organizadas con una serie de danzas en las que los corifeos, disfrazados de sátiros bailaban en torno al altar votivo, siempre bajo la dirección de un maestro de coro, que representaba la figura de la deidad agraria. Este fue el primer concepto de escenificación en la historia del teatro. Los personajes de la tragedia son heroicos o abnegados, tienen majestad y sus actitudes frente a las contigencias de la vida, intentan demostrar la grandeza del alma humana. Aristóteles fue el primero y el más profundo teórico de la tragedia. Su obra tipifica los distintos aspectos del drama y define cada una de sus variantes. La tragedia constituye el nivel más alto de la composición teatral. Nacida en sus mismos orígenes, la motivación esencial surge de la propia realidad, elevándola al pedestal de la gloria. El argumento tenía la condición de obra lírica, con una marcada influencia religiosa, escrita con el objeto de ser representada en ocasión de conmemorar acontecimientos trágicos. De allí su nombre. Los primitivos actores vestían largas túnicas, calzaban altos coturnos y utilizaban máscaras gestuales para dar mayor estatura y expresividad a los personajes. El poeta Esquilo (525-456 a.C.) llamado por sus contemporáneos "el padre de la tragedia", fue quien dio su forma definitiva al género. En la Edad media este arte se fue perdiendo, hasta que volvió a surgir en pleno auge del Renacimiento con la traducción, adaptación y recreación de las primitivas obras clásicas. A partir del siglo XVII comienza una nueva época para tragedia, con títulos inspirados en la riqueza espiritual de aquel periodo. Como maestros modernos del arte, entre otros, pueden citarse, en lengua castellana, al argentino Ventura de la Vega y al romántico español Francisco Martínez de la Rosa. En Francia, son mundialmente reconocidas las obras de Voltaire, Corneille o Racine. También las de Goethe, en Alemania. Es estilo representativo de la tragedia tuvo también una gran influencia en el desarrollo de la ópera clásica.

¹³⁰ Leocádio da Fonseca: “Cantares da minha Terra”, Lisboa, 1658.

Tragedia clásica: Durante el periodo barroco italiano, el argumento y la coreografía de la ópera se componen sobre el esquema básico de la teatralidad antigua. A partir del siglo XVII, intervienen los coros con una gran preponderancia, tanto auditiva como visual. Dentro de esas normas de composición y puesta en escena, en el año 1600 se produce el estreno de la ópera "Euridice" del célebre cantante lírico y compositor romano Giulio Caccini (c. 1546-1618). Entre los ejemplos más relevantes de Caccini inspirados en la tragedia clásica grecolatina, se encuentran "Combattimento d'Apolline col serpente", estrenada en la primavera de 1590, y la célebre ópera "Dafne". Esta última -realizada en honor del rey Enrique IV de Francia- es una obra tradicional -clásica del recitativo- que fue compuesta en colaboración con Jacopo Peri, sobre un libreto de Ottavio Rinunccini, y estrenada en el año 1494. De Rinunccini (1564-1621) se puede acotar que fue uno de los grandes poetas dramáticos de Italia, autor de los primeros poemas de ópera que registra la historia de este género. Escribió la letra de los dramas "Ariadna", para Monteverdi, "Andrómaca" y "Narciso", todos inspirados o sugeridos por la riqueza de caracteres individuales e historias de la tragedia clásica.

Tragedia lírica: Forma teatral francesa antecesora de la ópera. Solía responder a un argumento trágico con cierta espectacularidad en los decorados. Podía incluir cantos y danzas relacionados con el tema. A mediados del siglo XIX aparece un estilo de ópera similar en su concepción espectacular a la antigua tragedie lirique desarrollada por JeanBaptiste Lully. Es entonces cuando alcanza su consagración con el aporte del ballet y los fastuosos decorados de estilo dieciochesco. Un destacado ejemplo de este tipo de obra escénica es la ópera "Norma", pieza en dos actos de Vicenzo Bellini. Este libreto de Felice Romani, que transcurre en la Galia en tiempos del dominio imperial, está inspirado en el argumento de la tragedia homónima del dramaturgo francés Louis Alexandre Soumet. El subtítulo tragedia lírica proviene del contexto literario de la obra, que se acerca al estilo de los grandes autores clásicos. En Francia fue Charles Gounod quien logró los éxitos más resonantes en el ámbito popular.

Tragedia musical: Como la leyenda musical, es una denominación alternativa empleada por los críticos y comentaristas para distinguir la condición dramática de un libreto. Inspirada en la tragedia de Sófocles, el argumento de la ópera en cinco actos "Antígona", del maestro alemán Carl Orff (1895-1982), es un ejemplo de tragedia musical

Trallallero: Nombre de un cantar tradicional en las fiestas populares de Génova (Italia). Es una expresión musical sencilla y de origen ciudadano que data del siglo XIX. Se trata de un fenómeno cultural propio de la región ligur, que nutre su inspiración en el sonido de las melodías cantadas por el pueblo y entonadas sin el acompañamiento de una gran masa instrumental. El trallallero es entonado por las squadre, conjuntos folclóricos locales integrados por doce cantantes. Aunque breve, el texto de estas melodías es muy alegre y coreado por estribillos, donde siempre resuena el sonido onomatopéyico que le da su nombre (tralalá, tralalá).

Trama: Vocablo que en la ópera, el cine y el teatro, se refiere a la existencia de un complejo entramado argumental, donde concurre una cantidad de circunstancias que llevan al desenlace final de la historia.

Tramoya escénica:

Maquinaria destinada a la instalación rápida y a la operación de los cambios en el decorado de los escenarios teatrales y de ópera.

Tramoyista (diseñador): El arquitecto creador de las diferentes artes mecánicas o complementos de la tramoya escénica. Durante el apogeo de la ópera barroca fueron célebres los decorados y maquinarias de Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680)¹³¹.

Tramoyista (operario): También se dice del personal técnico (obreros, carpinteros, electricistas) que pone en acción y realiza el mantenimiento de los efectos o decorados utilizados en la escena.

Tranche de vie : Expresión del verismo francés, creada por los teóricos del naturalismo para señalar la cruda realidad de la vida, que según su filosofía, debía reflejar toda creación artística. Tuvo en la ópera tanta importancia como en la narrativa costumbrista del siglo XIX. La idea implícita en la interpretación de esta denominación gala -cuyo significado literal sería una rebanada de la misma vida- influyó tanto en la novela positivista de escritores de la talla de Emile Zola como en la creación lírica de los grandes maestros del verismo, Ruggiero Leoncavallo y Pietro Mascagni

Transcribir:

Modificar o arreglar una composición musical escrita para un determinado instrumento, con el objeto de que pueda ser utilizada por otro distinto.

Transcripción: Lo mismo que la anterior. Es el cambio que se efectúa en la estructura rítmica o armónica de una obra musical, dando lugar al establecimiento de una nueva partitura.

¹³¹ Bernini, el gran arquitecto del barroco, fue además, un notable escultor y pintor que otorgó a Roma el aspecto artístico que la caracteriza. Entre sus obras maestras figuran los grupos escultóricos "Apolo y Dafne" y "El rapto de Proserpina".

Transcripción abstracta: Método de notación musical, inspirado en la notación vocal griega. Se basaba en la numeración de los sonidos catalogados y transcritos en una serie de tablas convencionales. Como referencia fue desapareciendo lentamente hacia el siglo V. Aunque intentaron recuperarlo las escuelas de canto religioso de la baja Edad Media, pronto debió ceder su preponderancia en la enseñanza vocal al sistema por intervalos y posteriormente, al método de notación por neumas.

Transición (ópera): Efecto musical y descriptivo del drama lírico. Fue desarrollado y puesto en boga por los grandes maestros alemanes del siglo XIX. Consiste en la interpretación de una composición melódica cuya característica más saliente es el desplazamiento acelerado o repentino de un modo a otro y sin modulación. Se lo conoce en el ambiente operístico con la denominación germana de "tonrückung".

Transición (sonata): También llamada puente, es una característica típica de este género. La forma sonata está integrada por la exposición, el desarrollo, la reexposición y finalmente la coda. En la exposición se presentan los temas melódicos. Al primer tema (tema principal) le sigue el segundo (tema secundario) entre ambos temas existe el fragmento melódico llamado transición o puente que sirve de nexo entre ambos motivos. Su existencia suele servir para modular la línea melódica desde la forma tónica del tema principal hasta la dominante del siguiente movimiento.

Transportar:

Variar la altura de una composición musical sin realizar ningún cambio en su estructura.

Transporte (instrumento): Especie de guitarrón típico del folclore musical de Puerto Rico. Es más voluminoso y está provisto de cinco cuerdas, en lugar de las seis que llevan las guitarras tradicionales.

Transporte (técnica vocal):

También llamada

portamento

. Se emplea normalmente en el fraseo musical. Su uso es corriente en la interpretación del canto de ópera

.

Transposición (instrumental): En la interpretación de una melodía, es el paso de una tonalidad a otra, con el propósito de adaptarla a un instrumento distinto de aquel para el cual fue escrita. Se trata de un término amplio que proviene del latín (transpositum=participio pasado del vocablo transponer) Describe el acto de transferir o transportar la altura de las notas escritas en el pentagrama.

Transposición (vocal): Esta técnica la emplean los cantantes de ópera cuando la misma composición es interpretada por un bajo en mi, un barítono en fa y un tenor en sol. Se trata de un detalle técnico, bastante difícil de captar por un oído que no esté acostumbrado a reconocer las distintas alturas de los sonidos.

Transpositor: Se llama así a todos los instrumentos musicales que está afinados en una tonalidad diferente a la que suena en la realidad. Por tanto, pueden trasladar una melodía a otra tonalidad distinta a la que aparece escrita en la partitura. Por sus especiales características, el clarinete y el corno inglés y la trompeta son tres típicos ejemplos de instrumentos transpositores.

Trascoda: Pieza removible que se utiliza para afirmar el encordado de algunos instrumentos de arco, (violín, viola, contrabajo, violonchelo). Es una anilla de cuerda o de tripa que sirve para sujetar el cordal a un botón, ubicado con ese propósito en el medio de la faja inferior.

Traslación: Método de generación de acordes que se emplea en la práctica del serialismo. El método utilizado para llevar a cabo este proceso de recreación melódica es sencillo. Se trata de reproducir un acorde con leves variantes y en forma casi indefinida. La técnica consiste en desplazar sus intervalos hacia arriba o hacia abajo, siempre sobre una de sus notas, que hace las veces de eje. Puede citarse como ejemplo un acorde compuesto por seis nota: do, re bemol, la, si, do, mi. Si se lleva a acabo el procedimiento de traslación tomando como eje a la nota la, ésta siempre estará presente en los nuevos acordes.

Traste: Pequeñas barras de metal que sirven para dividir cromáticamente el mango de algunos cordófonos como la guitarra, la viola o el laúd. Van incrustadas en la madera a modo de someros resaltos, cuya ubicación permite al ejecutante apoyar los dedos en el lugar exacto para conseguir la nota deseada. En los instrumentos antiguos, especialmente aquellos fabricados por encargo para grandes concertistas, estas piezas se fabricaban con marfil o plata.

Tratripuli (danza): Baile folclórico con ritmo alegre y muy expresivo. Es un espectáculo tradicional en las fiestas populares de la región andina (Bolivia, Perú). Se interpreta al compás de un vasto repertorio de canciones populares y otras formas musicales -algunas de origen precolombino- donde las tropas de bailarines-tañedores de flauta, ejecutan curiosos movimientos rítmicos al compás de la música. Los diferentes pasos coreográficos de esta danza -que representa a una corte de ángeles- son realizados por comparsas de indígenas, ricamente ataviados con trajes coloridos, ponchos de vicuña, sandalias o ushutas de cuero, sombreros de fieltro adornados con plumas, etc. El acompañamiento musical se lleva a cabo con el sonido fascinante de las quenas y otros diversos instrumentos autóctonos.

Tratripuli (instrumento): Flauta boliviana de la familia de las quenas. El tubo, de caña fina, tiene unos 45 cm de largo y siete orificios para la digitación, seis adelante y uno en la parte de atrás, cerca de la embocadura. Su timbre, dulce y elevado, acompañado por el persistente sonido de los tamboriles, se emplea en la ejecución de la danza folclórica del mismo nombre.

Treble (cordófono): En inglés [treble guitar]. Pequeño instrumento de cuatro cuerdas, conocido en España con el nombre de guitarrillo. Aparece en algunas ediciones musicales del Caribe, Jamaica y Estados Unidos.

Treble (tesitura vocal): En inglés [treble, soprano singer]. Voces femenina y masculina, de nivel agudo. Corresponde a la categoría de tiple. En la mujer, llega a ser aún más alta que el nivel superior de soprano. Actualmente se emplea con asiduidad la forma italiana. En el hombre, las categorías de las voces son cuatro: tiple I, tiple II, alto y tenor.

Tre corde: En italiano (tres cuerdas). Indicación de ejecución para piano que consiste en soltar el pedal izquierdo. Al evitar la presión sobre este pedal las tres cuerdas de cada tecla, quedan libres y en vibración.

Trembitta: Trompeta de los Cárpatos. Instrumento de viento de unos tres a cuatro metros de largo. Consiste en un tubo cilíndrico de caña o madera acanalada y forrada en piel. El extremo opuesto a la boquilla -carente de lengüeta- está provisto de una bocina ligeramente cónica. Antiguamente lo utilizaban los pastores hutzules para comunicarse en las montañas de Rumania y Eslovaquia. En la actualidad, su profunda sonoridad es utilizada por diversos conjuntos folclóricos para el acompañamiento musical en las fiestas populares, interpretando composiciones típicas de esa región del este de Europa. Para ejecutar este instrumento a veces es necesario apoyarlo sobre un soporte con forma de horqueta. Los campesinos hutzules son músicos y poetas improvisados que saben aprovechar las características del aerófono tradicional, cantando versos melódicos, que a menudo también acompañan con los acordes de un violín. La palabra trembitta parece ser una variante lingüística del término itálico trombetta.

Tremblement:

En francés significa "temblor". Es una de las denominaciones que recibe la difícil técnica del

trino

(ver) en la ópera gala.

Tremolando:

Indicación de ejecución para los violines. Equivale a

trémolo ondulado

.

Trémolo: Del italiano. Consiste en una sucesión rápida de notas cortas iguales. Tiene el mismo significado musical que la palabra francesa tremblement. Este efecto sonoro, se logra con los instrumentos de cuerda al realizar un veloz movimiento de vaivén con el arco sobre una sola nota. En los instrumentos de percusión es una sucesión vertiginosa de notas de idéntica duración, producida por el redoble de los mazos o palillos. En la música de ópera es un efecto escénico que se logra con el redoble del timbal. La abreviatura "trem" también se emplea para el gerundio "tremolando". En resumen: las principales variantes del trémolo son: 1) alternancia rápida de dos sonidos, distanciados una tercera. 2) la ya indicada repetición de sonidos idénticos, 3) el trémolo lento, citado con la indicación de ejecución ondeggiando (ondeando) y 4) la variación a una intensidad denominada bebung.

Trémolo ondulado: Se emplea en la técnica de ejecución del violín. Se refiere al suave movimiento ondulatorio que la muñeca del ejecutante debe aplicar al roce del arco sobre las cuerdas. En el pentagrama suele indicarse con el término tremolando.

Trenisse: Figura coreográfica de la antigua contradanza francesa. Consiste en un elegante cruce de parejas en tiempo vivo, siguiendo una combinación de compases que pueden variar entre el 2/4 y el 6/8. Un conjunto de ejemplos relacionados en la colección de piezas orquestales de Wolfgang Amadeus Mozart: "Contradanza La Batalla" K 535, de 1788; "Tres contradanzas" K 535ª, del mismo año, y "Contradanza en si bemol mayor" K 607, de 1791.

Treno: Del griego (thrénos, derivado de thréomai=lamentación). Canto fúnebre, lamento melodioso. Fue una creación musical originada en el teatro de la Grecia clásica, donde figuraba, con el ditirambo y el pean, junto los géneros líricos más importantes de aquella época. La composición del treno adquirió distintas formas hasta llegar al siglo XX. Entre las piezas más representativas de esta última época cabe señalar la variante del compositor polaco Krzysztof Penderecki, titulada "Treno a la memoria de las víctimas de Hiroshima" (1959-1961). Esta curiosa obra fue orquestada para un conjunto compuesto por 52 instrumentos de cuerda. Su título original era "8 minutos y 37 segundos", lapso que duró el bombardeo sobre aquella ciudad del Japón en 1945.

Tres: Pequeña guitarra, típica del Caribe. Para tañerla se utiliza un plectro. Posee un sistema de tres cuerdas dobles de acero, que se afinan por quintas. Una variante de este instrumento -con ciertas características similares a la guitarra española- se conoce en la isla de Cuba con el nombre de armónico. Afinación corriente del tres, de aguda a grave: (mido-sol). Aunque menos difundidas, existen otras dos formas (mi-si-sol, fa-re-la, etc.). Tresillo: Figura armónica compuesta por tres notas del mismo valor que se deben cantar o ejecutar en el tiempo equivalente a dos. Es una forma irregular, que en algunos manuales de música se considera poco práctica.

Trechtchotka: Matraca del folclore musical ruso. Consiste en una veintena de tablillas de madera de roble, perforadas en uno de sus extremos y enhebradas en una cuerda a modo de collar. Es un instrumento idiófono que utilizaban las mujeres para marcar el ritmo en las danzas con su sonido seco y potente.

Tríada: Combinación vertical de tres sonidos. Las notas fundamentales que se combinan con otras ubicadas por encima a una distancia de tercera y de quinta, forman una tríada. El acorde es perfecto si la quinta es justa y la tercera menor o mayor. Por ejemplo, en la escala de do, la tríada está formada por las notas do, mi y sol. Este sistema, con sus sucesivas evoluciones y adaptaciones, predominó en la teoría musical del Renacimiento (siglo XVI) y se prolongó hasta el siglo XX. Existen cuatro tipos básicos de tríada, que se diferencias por detalles de su estructura armónica:

a) Tríada mayor (3ª mayor/5ª justa o perfecta) b) Tríada menor (3ª menor/5ª justa o perfecta)

Ambas tríadas -mayor y menor- se consideran perfectas, debido a que poseen una quinta justa. Esta quinta también se suele denominar perfecta, de la que deriva el nombre de cada una de esas formas.

c) Tríada aumentada (3ª menor/5ª aumentada/disminuida) d) Tríada disminuida (3ª mayor/5ª aumentada/disminuida)

La denominación - aumentada o disminuida -se debe al tipo de quinta existente en el acorde. La exactitud en la identificación de las respectivas tríadas constituye un elemento imprescindible en el análisis y comprensión de la música. En lo que se refiere a las escalas menores, existe una variedad de configuraciones que dependen tipo de escala menor:

-Escala menor natural,
-Escala menor armónica
-Escala menor melódica.

Tríadas (escala mayor): Se forman de la siguiente manera: Tríadas mayores (sobre los grados I, IV y V) Tríadas menores (sobre los grados II, III VI) Tríada disminuida (únicamente sobre el grado VII)

Tríadas (escala menor natural): De acuerdo con esta variedad de escala menor, la ubicación de cada una de las tríadas se produce así:
Tríadas menores (sobre los grados I, IV y V)
Tríadas mayores (sobre los grados III, VI y VII)
Tríada disminuida (únicamente sobre el grado II)

Tríadas (escala menor armónica): Es la forma que presenta cuatro posibilidades de ubicación para las respectivas tríadas:
Tríadas menores (sobre los grados I y IV)
Tríadas mayores (sobre los grados V y, VI)
Tríada disminuida (sobre los grados II y VII)
Tríada aumentada (sobre el grado III)

Tríadas (escala menor melódica): Como ocurre en la forma anterior, los puntos de formación de las tríadas son cuatro, y están ubicados conforme a sus respectivos grados dentro de la escala:

Tríadas menores (sobre los grados I y II) Tríada aumentada (sobre el grado III)
Tríadas mayores (sobre los grados IV y V) Tríadas disminuidas (sobre los grados VI y VII)

Triángulo: Del latín (triángulus=instrumento con tres ángulos). Es un idiófono de percusión. Su cuerpo consiste en una barra cilíndrica de bronce o acero, doblada en forma de triángulo equilátero y abierta en su parte superior. Se ejecuta sostenida en el aire por un cordón, mientras se percute con otra pieza del mismo metal de unos 30 cm de largo. Posee un sonido indeterminado, agudo y muy claro, similar al de las campanas y de una altura variable. La particularidad de este sencillo y antiguo instrumento es su penetrante sonoridad, que puede oírse por encima de la orquesta cuando está tocando a pleno volumen. En la partitura sus notas se escriben sobre una sola línea.

Tricca-ballacca: Instrumento del folclore musical napolitano Es una especie de xilófono que se usa en las fiestas populares como pieza de acompañamiento para las danzas y cantos típicos de la región. Se percute con macillos de madera.

Tricinia (instrumental): Del latín (tricinium). Antiguamente, se llamaba así a un tipo de composición musical breve, escrita para tres aerófonos de boquilla (generalmente cornetas de diferente tesitura, trompetas o trompas).

Tricinia (vocal): Tiene el mismo origen latino que la voz anterior. Era una composición musical de carácter religioso, escrita para tres voces masculinas, sin acompañamiento instrumental. [a capella].

Tricorde: En términos generales, se llama así a cualquier instrumento provisto de tres cuerdas. Estas pueden ser simples o estar agrupadas en tres órdenes compuestos. La mayoría de los cordófonos primitivos de África, Asia y Oceanía, respondían a este patrón. Al margen de las características del cuerpo sonoro, o el material utilizado para confeccionar el encordado, todos responden a una escala elemental de tres tonos básicos.

Tricordia: Arpa pequeña de tres cuerdas. Uno de los modelos más antiguos de este tipo de arpa, procede de Asia central. Particularmente de la región del alto Ganges (Shahjahanpur, Budaun, Bijnor, Saharampur) donde existen numerosos testimonios arqueológicos. También fue conocida en la península arábiga, en Sudán, en Egipto y en la antigua Grecia [siglos XII-VII a.C.], donde adoptó la forma de lira.

Tricordio: Variedad de kanon primitivo. En algunos tratados sobre música antigua, se cita a este instrumento como uno de los precursores de la guitarra y el laúd. Aunque las referencias paleográficas no especifican su aspecto real, se sabe que tenía tres cuerdas, tensadas mediante clavijas, empotradas en un mango. Su caja acústica debió ser rudimentaria. En cuanto al sonido, poco se conoce al respecto. Aunque se puede inferir que los timbres de sus breves notas debieron ser dulces y apropiados para acompañar alguna forma de canto elemental.
Tricoria: Del griego antiguo (tricorios o trichoreos). Danza y canto popular de Esparta 132. Algunos autores consideran que su creador fue el célebre músico y poeta griego Tirteo (siglo VII a.C.). La denominación proviene de la coreografía y su carácter descriptivo, en la intervenían tres grupos de ejecutantes: los danzarines jóvenes -llamados kouros- los hombres maduros y los ancianos. El tema expresaba, mediante un hondo simbolismo social, a la suma de los valores humanos (futuros, presentes y pasados). Se cree que aquella representación escénica fue uno de los remotos antecedentes de la ópera.

Triemiton:

Teoría musical. Nombre de un intervalo de tercera menor, que los antiguos griegos ya conocían y habían llamado

hemiditon

.

Trifonía (vocal e instrumental): Forma actual del antiguo vocablo tricinia. A partir del Renacimiento (siglos XV-XVI) se empezó a utilizar el vocablo trifonía, con el mismo significado para las voces y los instrumentos.

Trifono: Antiguo cordófono de teclado, similar al clave vertical. Tenía un sonido continuo comparable al de las flautas de pico. Par interpretar una melodía con este instrumento, el ejecutante debía colocarse unos dedales de cuero, untados con resina vegetal, pez o colofonia. Su creador, Weidner fue un fabricante de instrumentos de Franstadt (Alemania)

Trigonon: Del griego (triángulo). Instrumento musical, de cuerdas pulsadas, perteneciente a la familia de las arpas y originario de la antigua Grecia. Por su reducido tamaño y bella sonoridad era uno de los instrumentos preferidos por los bardos y cantantes. Se conoce la existencia de varias versiones con formas similares desde el siglo III a.C. Estaban provistas con tres, cinco y hasta doce órdenes de cuerdas, de tripa, -simples o dobles- afirmadas a una barra transversal de madera dura, que podía desplazarse para realizar la afinación.

Triller:

Otra de las denominaciones usuales del

trino

(ver). Esta vez, en el arte lírico alemán. Posiblemente derivada del italiano

"trillo".

Trilleras:

Grupo de danzas y cantos pertenecientes al folclore regional de Andalucía.

Trillo:

Término musical en italiano. Su significado es “trino”. Se refiere particularmente al

bel canto

y al género lírico. Los operistas italianos, también lo llaman

groppo

.

Trino: Es un adorno musical que consiste en la secuencia de dos notas cantadas en forma prolongada, con la misma vocal y distanciadas por un semitono. Puede ser la nota inmediata superior o la inmediata inferior. En partituras del siglo XVIII ya aparece indicado como señal de ejecución con una línea ondulada sobre la parte del pentagrama y también con la abreviatura "tr". Se trata de una técnica vocal difícil de realizar con perfección. Debe iniciarse con la nota superior que es disonante y se considera una apoyatura. La duración y el tempo del trino están relacionados con la duración de la nota respectiva (la que lleva arriba el signo de trino). Es usual que casi todos los trinos vayan concluyendo con una prolongada anticipación del sonido final, excepto los trinos muy breves, que no dan tiempo para la realización de tal detalle. Esta práctica es una de las características particulares del canto de ópera que no se suelen consignar explícitamente en las partituras, porque se dejan libradas a la capacidad sonora y la técnica del cantante. La condición cantabile del pasaje es importante para determinar la posibilidad de ejecución de un trino bien realizado. En lo que respecta a la voz, requiere un timbre parejo para no ser confundido con una nota común emitida con excesivo vibrato. Los trinos en cascada, acompañados de rápidos giros y escalas cromáticas, constituyen la variedad de adornos más apreciada por cantantes y público en general. Una acertada combinación de estos elementos -que cumplen una función descriptiva- puede apreciarse en la "Chanson de la cloche" (aria de las campanillas) ubicada en la mitad del acto segundo del drama lírico "Lakmé", obra del compositor francés Léo Delibes, estrenada en 1883 en el teatro de la "Opéra Comique" de París.

¹³²“Poetae Lírico Graeci” (Berg, 1843)

Trío (composición): Creación musical especialmente escrita para tres voces o instrumentos que deben complementarse entre sí, tanto en la armonía del conjunto como en sus respectivas tesituras.

Trío (instrumental): Por extensión, también se llama de esta manera al grupo integrado por tres ejecutantes que normalmente interpretan música de cámara. Aunque pueden existir variaciones, sus instrumentos tradicionales son: el violín, la viola y el violonchelo. El estilo típico de la música de cámara se denomina sonata y está compuesto por cuatro partes: allegro, andante, scherzo y presto o rondó. Un ejemplo interesante: “Divertimento en mi bemol mayor para violín, viola y violonchelo” K 563, de Wolfgang Amadeus Mozart. La otra denominación aceptada por el uso es terceto.

Trío (minué): Denominación que recibe la parte intermedia del minué. Esta danza de origen francés, que suele emplearse en la coreografía de algunas óperas, es la única que aún se mantiene como parte de un movimiento sinfónico.

Trío (pasodoble): Es la parte segunda y más suave del pasodoble. En él se elimina el refuerzo rítmico de la batería, dándole más importancia al modo cantable y al tono modulado de los aerófonos.

Trío (vocal): Grupo de tres cantantes que pueden actuar al unísono o complementando gradualmente sus respectivas tesituras. La ópera barroca se caracteriza por la introducción de grupos vocales no más numerosos que los tercetos. El periodo más brillante en las actuaciones de conjunto comenzó a desarrollarse con las óperas de Mozart. La combinación libre de tres voces complementarias también se puede denominar terceto.

Triplum: Esta palabra en latín significa triple. Refiere a una forma de vocalización del canto llano que se llevaba a cabo con el auxilio de tres voces masculinas. Corresponde a la antigua escuela polifónica de la Edad Media, llamada organum, en la que los cantantes entonaban los salmos al compás de las melodías litúrgicas. Esta forma comenzó a extenderse durante la segunda mitad del siglo IX y estuvo vigente hasta mediados del siglo XIII. En la actualidad es objeto de estudio en los principales centros europeos y americanos que se especializan en la música medieval.

Tripudium: Del latín (tripudio=bailar, brincar). Danza de los antiguos romanos, de carácter artístico y religioso. Por su coreografía parece similar a la expresión musical griega llamada Anapale. La ejecutaban los jóvenes golpeando bastones contra el suelo, formando rondas, seguidillas, pasos animados y otras figuras geométricas. El historiador romano Tito Livio (59 a.C.- 17 d.C.) dice que era una danza sagrada.

Triste: Estilo de canción monótona y melancólica que estuvo en boga desde principios del siglo XIX en una extensa región de Hispanoamérica (Ecuador, Perú, Bolivia, Argentina. Esta relacionada con el yaraví del altiplano andino. Con esta denominación se han publicado colecciones diversas de melodías americanas y de origen europeo.

Tritono: Del griego (tritonon=tres tonos). Intervalo que comprende el grupo de tres tonos consecutivos. Es una forma armónica que procede del canto coral. En la Edad Media se conocía con el curioso nombre de diavolo in musica (melodía diabólica) por la dificultad que entraña su entonación. También se le suele llamar intervalo de cuarta aumentada.

Triunfo: Baile tradicional del campo argentino. Data de mediados del siglo XVIII. Como otras danzas similares, conserva los valores tradicionales de la música española. Su coreografía consta de 9 partes, también llamadas tramos o ideas. En el desarrollo pueden intervenir una o dos parejas que van intercalando sus puestos de acuerdo con el desarrollo de la melodía. Se considera que esta bella forma de composición folclórica mantiene una estrecha relación con la décima y el estilo. Las coplas del Triunfo pueden contener entre seis y ocho versos libres, con la métrica irregular, pero dotados de un intenso sonido eufónico. Durante sus más de dos siglos de supervivencia como entidad intelectual, la esencia musical y literaria de esta danza llegó a ser algo así como un estandarte en las luchas por la independencia de Hispanoamérica.

Triumph trompet: Trompeta triunfal. Denominación inglesa de instrumentos de tubo recto y pabellón amplio, del tipo de las trompetas medievales. Aún se emplean modelos similares en las fanfarrias.

Trivanau:

Danza folclórica irlandesa, de origen céltico, muy parecida a la

muiñeira

gallega. Como ésta, es muy alegre y se acompaña con melodías de gaitas.

Trobar clus: (Cantar cerrado) Estilo trovadoresco de la Edad Media, puesto en boga por monjes eruditos cuya idea argumental, expresada en latín culto, se refería a conceptos oscuros o de difícil comprensión para el vulgo. Esta forma vocal, tanto en la canción profana como en la religiosa, constituye uno de los orígenes del canto lírico moderno. Los temas preferidos del trobar clus nutren su inspiración en la mitología, la filosofía y el simbolismo religioso. Fueron representantes de esta curiosa forma melódica, el trovador místico de origen provenzal, Folquet de Marseille y el clérigo Peire d'Alverne.

Tro-chhey: Instrumento de cuerda primitivo, perteneciente al folclore musical de Camboya. Es una variedad de vihuela con mástil sin trastes y provista de dos cuerdas de tripa que se ajustan mediante largas clavijas de madera. La caja de resonancia adopta una forma cilíndrica y suele fabricarse con un tubo de madera ahuecada, o también con un gran cuerno de buey. Se tañe en el acompañamiento de danzas típicas camboyanas, formando conjuntos orquestales con otros instrumentos tradicionales de aquella región.

Tromba: También conocida con el nombre de gran tromba o añafil es una variedad de trompeta de cuerpo recto, que se utilizó durante la Edad Media. Se fabricaba en metal (bronce o latón laminado) con el tubo cilíndrico y el pabellón cónico. La forma de la embocadura (semiesférica) permitía al ejecutante realizar con los labios una serie restringida de modulaciones. La afinación más usual de estos aerófonos era en re y en si bemol. Para lograr ese propósito, las trombas y trombetas tenían un sistema de segmentos que se podían agregar o quitar a la extensión del tubo, modificando de esa manera la altura del sonido.
Tromba da tirarsi: En italiano (trompeta de vara). Nombre de una variedad de trompeta de vara, inventada en Inglaterra en el siglo XVIII. Johann Sebastian Bach la emplea en algunas de sus obras escritas entre 1723 y 1730. (“Suite orquestal para tres trompetas, tímpanos, tres oboes, cuerdas y bajo continuo, en re mayor” BWV 1069). También incluye el magnífico sonido de este instrumento en el acompañamiento de algunas piezas de carácter religioso (“Magnificat para soprano, contralto, tenor, bajo, coro a cinco voces e instrumentos” Versión I, en re mayor BWV 243/Versión II, en mi bemol mayor, BWV 243a.

Tromba marina: Denominación italiana de un cordófono antiguo, al que se conocía en Alemania con el nombre de trummscheidt o nonnengeige. Es un instrumento de arco, dotado de un largo mástil y una sola cuerda, al que muchos tratadistas e investigadores consideran como un antecesor del violín y otros ejemplos de su tipo. Según parece, este curioso instrumento era originario de la región de Bohemia, donde llegó a adquirir una cierta popularidad. Un ejemplo interesante de la adaptación de la tromba marina al conjunto orquestal barroco es el "Concierto en do mayor RV 559" de Antonio Vivaldi (1678-1741). El instrumental de esta obra, que forma parte de sus célebres "concerti per mandolini", está integrado por dos ejemplares de tromba marina, que suenan en perfecto equilibrio armónico con un selecto conjunto de aerófonos y cordófonos (flautas, violines, tiorbas, violonchelo, clave y mandolinas).

Trombeta circular: Aerófono de metal, de la familia de las trompetas, consistente en un tubo cilíndrico de latón, con la embocadura semiesférica y la boca de salida bastante amplia, en forma de campana. Carecía de llaves. Fue empleada en los ejércitos griego y romano. Antiguamente era recta y se la llamaba buccina. Durante la Edad Media se le comenzó a dar forma circular para poder manipularla mejor y evitar que se quebrara por su propio peso. Es probable que a mediados del siglo XVI, su forma diera origen al actual trombón.

Trombetero: Palabra española antigua. Servía para designar al intérprete de la trompeta y también al artesano especializado que las fabricaba. En la actualidad se ha dejado de utilizar. Sólo aparece citada con cierta asiduidad en algunos tratados antiguos, editados hasta finales del siglo XIX.

Trombetta: Es un equivalente de menor tamaño que la tromba. Procede de Italia, donde alcanzó difusión en el orden militar, especialmente los modelos afinados en si bemol, que cumplían las llamadas de diana y retreta. Fue en la ciudad toscana de Arezzo, en el siglo XIII, donde se fabricaban las mejores trombette de roble tallado y lustrado, encargadas por reyes y emperadores a los mejores artesanos de la época. Hasta el siglo XIV todos los instrumentos de este tipo eran rectos. Recién en el siglo XV empezaron a fabricarse con el perfil curvado.

Trombetto:

Vocablo italiano. Se utilizaba antiguamente para señalar a los directores o maestros de bandas musicales constituidas por trompetas.

Trombino: Instrumento de viento, de la familia de los metales, que antiguamente formaba parte de las bandas civiles y militares. Era algo más pequeño que la tromba o añafil. Usualmente, los trombinos salían del taller del fabricante afinados en tres tesituras (do, re y mi bemol). También se conoce con el nombre de sopranino en mi bemol.
Trombón: Del italiano (trombone). Aerófono transpositor de la serie de los metales, cuyas principales características son el sonido potente, rico en cromatismos, y la sección de varas, en forma de "U", desplazables una dentro de otra. Los trombones equivalen a las trompetas, pero en registros graves. El pabellón de estos instrumentos es cónico, muy abierto, tiene la embocadora del tipo semiesférico y el tubo totalmente cilíndrico, con el objeto de permitir el movimiento de la sección de varas. La graduación de dicho tubos se puede ajustar en seis posiciones distintas, cada una con un tono más bajo. Esta particularidad -que permite alargar o reducir a voluntad la extensión total del tubomodifica gradualmente la tesitura básica hasta alcanzar toda la gama de la escala cromática. La posición más corta (también llamada posición cerrada) es la fundamental. Su extensión real puede exceder las tres octavas. La familia de los trombones está formada por una serie de modelos, casi todos adaptados a las necesidades sonoras de las grandes orquestas sinfónicas (tenor, tenor bajo, bajo natural y contrabajo). Los modelos piccolo y soprano son más pequeños pero útiles para los requerimientos de las bandas. Una variedad de esta secuencia posee llaves de pistones. Aunque no es un instrumento típicamente catalán, la cobla suele incluir uno o dos trombones de pistones rotatorios afinados en do que se ubican entre el fiscorno y la trompeta prestan un acento muy particular a la marcación de los diferentes compases de la sardana.

Trombón bajo:

Su sonido es grave, y está afinado en

fa

. Posee una válvula transpositora accionada mediante un cilindro. En la actualidad se lo suele sustituir por el trombón tenor.

Trombón contrabajo: Es el más voluminoso y grave de todos, afinado normalmente en si bemol. De tal forma que la extensión puede abarcar desde el Mi hasta el si bemol. Su función se limita a sostener las partes bajas de la armonía.

Trombón contralto:

Afinado en

mi bemol

. Su extensión va desde el

La

hasta el

mi bemol

.

Trombón de válvulas: Afinado en si bemol. Es una forma antigua. Fue desarrollado durante la primera mitad del siglo XIX, pero no ha gozado de la necesaria difusión y terminó por declinar su popularidad en favor del modelo de varas.

Trombón de varas: Ágil y virtuoso, supera al anterior como elemento armónico y de apoyo en el conjunto de los demás instrumentos. En los registros agudos, su sonido resulta potente y útil para los momentos heroicos. Brillante en los tonos medios, puede alcanzar sonidos rotundos en los graves. Por su amplitud es un complemento indispensable en la orquesta.

Trombón piccolo: Es el modelo pequeño de la familia de los trombones. Aunque su tamaño no le impide alcanzar con holgura la mayoría de las posiciones que permiten variar la tesitura.

Trombón resonancias. Junto con el trombón píccolo son los únicos instrumentos de esta familia que suelen no intervenir en la composición de la orquesta sinfónica.
soprano: Tiene una sonoridad fuerte, con timbres nobles y profundas

Trombón Tenor: Su afinación corriente es en si bemol. La extensión puede alcanzar desde el mi hasta el si bemol. Es otro instrumento no transpositor que emplea la clave de Fa. Tiene un registro medio brillante y majestuoso. Las bandas suelen tener hasta cuatro instrumentos de este tipo.
Trombone: Denominación original (siglo XV) de una variedad de trompeta baja, de latón, derivada del antiguo sacabuche o tuba ductilis. En la actualidad este nombre corresponde a las versiones francesa e italiana del trombón normal, de varas o pistones.

Trompa: Instrumento de viento transpositor, también llamado trompa cromática. Su nombre proviene de una antigua voz onomatopéyica (trump). Normalmente se fabrica con una aleación de latón. La embocadura es cónica y carente de lengüeta. Por la flexibilidad interpretativa y la suavidad de su sonido, es el que dispone de mayores opciones expresivas entre los de su tipo. El pabellón de la trompa va abierto en forma de campana. Su largo tubo, ligeramente cónico, es estrecho y va enrollando para facilitar su utilización y transporte. La intensidad y modulación de los sonidos debe ser controlada por los labios del intérprete, mediante la presión ejercida sobre la embocadura y la fuerza del soplo. Suele estar afinada en fa. Los modelos modernos de trompa de concierto o banda disponen de un complejo mecanismo de válvulas que dosifica el flojo del aire a través del tubo según las necesidades interpretativas. A este ingenioso sistema, se le agregaron tres tubos suplementarios que permiten lograr una escala cromática bastante completa. Las trompas de llaves aparecieron por primera vez en el siglo XVIII, con la invención del mecanismo que permitía obturar con mayor precisión los orificios de la trompa de agujeros.

Trompa alpina: Es una variedad de trompa natural que usaban los pastores en los valles de Alpi Venoste, Allgauer Alpen, Graübunden, etc. En la actualidad lo utilizan pequeñas orquestas y conjuntos típicos dedicados a la difusión de la música tradicional de los Alpes. Básicamente está compuesto por dos mitades de madera, delgadas y acanaladas que se unen formando un largo tubo, en cuyo extremo se coloca una bocina en forma de cuerno. El sonido de esta trompa es grave y profundo.

Trompa contralto:

(En

fa

o

mi bemo

l) Su forma es circular y normalmente se ejecuta con la campana hacia abajo, siendo esta forma indispensable en las tesituras medias.

Trompa de agujeros: Trompa primitiva, generalmente con tubo de caña o madera y pabellón amplio, algo más evolucionada que las trompas naturales sin perforaciones. Consta de tres o más orificios que permiten modificar el sonido con ciertas variaciones de altura. Existen diversos tipos de cornetas de este tipo, rectas y curvas, empleadas desde el siglo XIII en adelante. Entre los modelos curvados se encuentra el serpentón del siglo XVI.

Trompa de invención: Por su tubo enrollado en forma circular se parecía a la trompa actual, aunque tampoco tiene válvulas. Es la primera de esta serie que tiene el pabellón muy abierto.

Trompa de tritón: Nombre que daban los antiguos navegantes a la corneta rústica, fabricada con la concha de una caracola marina. Fue uno de los aerófonos precursores de las actuales trompetas y los cornos. Es posible que en épocas remotas sólo fuera un elemento de señales. Conocida en distintas partes del mundo desde la más remota antigüedad, también existen referencias sobre su empleo como instrumento musical. En el área del Mediterráneo llegó a tener una amplia difusión. Los incas de América del Sur utilizaban un aerófono muy parecido, cuyo uso ha subsistido hasta el presente recuperado por la música folclórica de la región andina. Los quechuas actuales lo llaman pututu.

Trompa de válvulas: La invención de las válvulas para instrumentos aerófonos y su aplicación en las trompas conocidas hasta entonces, permitió el desarrollo de las familias de las tubas, los bugles y las cornetas. Este grupo de aerófonos se presenta en seis formas distintas, según su aspecto exterior y forma de ejecución: trompeta común o bugle, trompa contralto, trompa tenor, tuba, helicón en si bemol y "Sousaphon" en si bemol. (Esta última es una denominación comercial que con el uso pasó a ser genérica).

Trompa gallega: Se llama así a un instrumento musical fabricado en metal y con forma de herradura. En el centro tiene una lengüeta que la pulsarla emite un sonido vibrante. También se le suele llamar birimbao o guimbarda.

Trompa monocorde: Cordófono de la temprana Edad Media, de tipo experimental. Es similar al monocordio. Constituye un grupo especial, como las liras de la antigüedad. En algunos tratados, especializados en instrumentos del pasado, aparece citado con el nombre de trompeta marina. En realidad, esto no debe inducir a confusión, porque carece de importancia práctica. Baste decir que constituye una pieza más en la numerosa variedad de instrumentos pertenecientes a la serie de los laúdes primitivos, provistos de botón de cordal En el estudio de la música antigua, la trompa monocorde sólo constituye un eslabón en el desarrollo de los cordófonos compuestos

Trompa natural: Llamadas así porque los sonidos que se obtienen de estos instrumentos no reciben ningún tipo de modificación artificial, como podrían ser orificios obturables con las yemas de los dedos, válvulas simples de muelle, pistones, boquillas especiales, apagadores, etc. Dentro de esta categoría, también llamada de las trompas de señales, se encuentran los antiquísimos lures, los olifantes, los cuernos de caza medievales y los modelos más modernos, llamados trompa de postillón.

Trompa tenor: (En do o si bemol) Tiene forma ovalada y se tañe con la campana hacia arriba. Por la forma y ubicación de la embocadura no tiene otra alternativa, salvo una leve inclinación hacia la derecha o la izquierda si el ejecutante es zurdo o diestro. La posición vertical es oportuna en las tesituras bajas e intermedias.

Trompa-tuba: También llamada “trompa de Wagner” o “Wagner-Tuben”, es una variante de la trompa tradicional, diseñada y mandada a construir en 1876, por el gran músico alemán. Debido a su sonido redondo, la agilidad del ataque y la excepcional belleza tímbrica, la trompa-tuba fue especialmente utilizada en la célebre tetralogía operística“El anillo del Nibelungo”. Con esas importantes características, también suele integrar los grupos o conjuntos independientes, formados por cuatro instrumentos, dos bajos y dos tenores. En la ejecución de los matices, se emplea la mano izquierda, como en las trompas corrientes. En el presente se fabrican ejemplares con la boquilla normal de la trompa, el diámetro del tubo más amplio, el perfil elíptico y un sistema de cuatro válvulas. El sonido descriptivo de los cuartetos de trompas-tuba, aparece de manera espectacular en el comienzo de la “Marcha fúnebre” de Wagner, (“El crepúsculo de los Dioses”), y en el adagio de la“Sinfonía Nº 7 en mi mayor, de Antón Brukner.

Trompa sarracena: Aerófono del siglo XII, de origen turco, con el sonido fuerte y estridente. En España le dieron el nombre común de añafil. El tubo -recto y bastante prolongado- era de madera acanalada, recubierta con lámina de cobre. Su amplio pabellón, generalmente de latón forjado, tenía forma de campana. Solía acompañar el redoble de los timbales.

Trompe: Es el más romántico y singular miembro de la organología folclórica araucana. Como todos los idiófonos, vibra la pieza entera y carece de tensión adicional. Los mapuches usan este instrumento para acompañar serenatas dedicadas a las jóvenes de su raza, componiendo melodías de singular belleza, aunque extrañas al oído no acostumbrado a la música aborigen. El cuerpo de este curioso instrumento está compuesto por una barra metálica en forma de "U", con una delgada lengüeta de latón en le centro, que al vibrar produce una melodía. En manos expertas el trompe puede lograr una gama tonal relativamente variada. Para ejecutarlo se aprieta la base con los dientes y soplando al mismo tiempo de pulsar la lengüeta se puede variar la nota emitida mediante el movimiento de los labios y la lengua. Los antiguos modelos eran de caña hueca, finamente trabajada y provista en el centro de una delgada lámina del mismo material.

Trompeta: Aerófono simple, utilizado desde la antigüedad como instrumento militar. El aspecto primitivo de la trompeta era el de un tubo recto y largo, dotado una pequeña campana cónica en el extremo. Algunas culturas del Cercano Oriente la empleaban también en las ceremonias religiosas. Al principio se empleaba para el tubo la caña de bambú. Más tarde, con el dominio avanzado de la metalurgia se empezaron a fabricar con un perfil más esbelto y el cuerpo totalmente de latón. Durante la Edad Media se conoció en las cortes europeas debido a las Cruzadas, que al regresar de Palestina llevaron consigo algunos ejemplares como botín de guerra. Son sus derivados la trompeta de heraldo, la fanfarria y el clarín. Los modelos actuales admiten la aplicación de la sordina. Entre las distintas formas de trompetas antiguas y medievales, que dieron lugar a la serie de instrumentos actuales, existen cinco configuraciones básicas. La versión más usual está afinada en si bemol. La boquilla tiene forma de taza. La parte cóncava donde se aplican los labios del trompetista es semiesférica. En algunos modelos el perfil es perfil curvo, alargado y con aspecto de cuna. En lo que respecta al tono, las trompetas agudas se llamaban clarini y las graves principali. Grandes compositores alemanes, como Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Haendel, compusieron partes especialmente concebidas para las tonalidades más agudas de estos instrumentos. La partitura general de la ópera "Orfeo" de Claudio Monteverdi, estrenada en Mantua en 1607, contiene una inolvidable tocata para cinco trompetas. Los instrumentos se presentan en la escena en distintas afinaciones y con las partes respectivas coordinadas de tal forma, que el conjunto sonoro resulta espectacular. La trompeta también integra en pareja el plantel de la cobla catalana. Muchos instrumentos comparten la misma tipología, diferenciándose solamente por simples detalles constructivos o la forma de afinación. No obstante, en las descripciones se incluyen los diversos nombres conocidos a efectos de poder identificarlos en la extensa bibliografía existente. Los principales miembros de la familia de las trompetas actuales son: 1) trompeta natural sin tubos de recambio; 2) trompeta natural con tubos de recambio; 3) trompeta de pistones; 4) trompeta de vara, 5) trompeta de Bach; 7) trompeta baja. Básicamente todas son trompetas naturales a las que se les ha añadido un mecanismo de válvulas que permite obtener diversas series armónicas modificando la altura en uno o varios semitonos.

Trompeta armoniosa: Denominación del trombón primitivo, al que también se identifica con el saquebute francés (sacabuche). Algunos expertos en organología consideran que proviene de Borgoña, desde donde pasó a Italia a fines el siglo XVI. En España apareció a mediados del siglo XVIII y se siguió utilizando con ligeras variantes durante varias décadas hasta que finalmente cayó en el olvido.

Trompeta en si bemol: También llamada bugle. Es una de las variantes sonoras más divulgadas en su tesitura mediana y alta. Los ejemplares actuales poseen el mecanismo de Périnet de tres pistones. Se debe sostener en forma horizontal, particularmente en las tesituras agudas.
Trompeta baja en do: Los primeros ejemplos de esta tesitura de trompeta datan del siglo XVIII. Aunque la versión moderna normalmente suele estar afinada de esta manera, pueden existir variantes especialmente creadas para otras tesituras similares (trompeta baja en si bemol). Utilizada actualmente en las orquestas, posee una tonalidad rica en matices que se aproxima al tono de tenor. Esto se debe a que en realidad suena una octava más baja que la trompeta soprano. Para los registros más graves se emplea el trombón. Un modelo trompeta baja fue ideada por Richard Wagner para integrar el plantel instrumental de su citada ópera“El anillo del Nibelungo”¹³³. Este modelo, similar a un trombón de pistones, fue empleado en la orquesta wagneriana como instrumento transpositor.

Trompeta baja en mi bemol: Utilizada por bandas militares de los ejércitos europeos y americanos desde principio del siglo XX (1912). Algo más grave que trompeta baja en si bemol.

Trompeta baja en si bemol: Con afinación similar a la anterior. Ambas tesituras son igualmente aplicadas en las bandas compuestas por instrumentos de vientos de la familia de los metales. En las fanfarrias hace un interesante juego de equilibrios sonoros con las trompetas de Bach, también llamadas trompetas triunfales.

Trompeta contralto: Usualmente afinada en fa, posee un bello registro -excepcional por su amplitud y coloratura- que acompaña con calidez y distinción la sonoridad profunda de los timbales.

Trompeta de Aída: Instrumento aerófono de metal, utilizado preferentemente en las representaciones operísticas como un elemento de impactante efecto sonoro. Fue creado en 1870 para la representación de la célebre composición de Giuseppe Verdi. Pertenece a la familia del clarín y por su forma está inspirado en el antiguo añafil del siglo XII. El tubo es recto (de 1,50 m de largo), con una pequeña vuelta en forma de empuñadura donde se ubica su única válvula. La campana es perfectamente cónica y bastante abierta. Su sonido resulta muy potente y espectacular, especialmente cuando se ejecutan varios instrumentos al mismo tiempo. Suele afinarse en do y en si bemol, como la trompeta soprano. En "Aída" el punto más excitante de la escena se logra con el majestuoso sonido de los instrumentos que acompañan la marcha triunfal del ejército egipcio. Las "trompetas de Aída" entraron en la historia de la ópera partir de esta innovación de Verdi.

Trompeta de heraldo: También se conocía antiguamente con el nombre de fanfarria. Es un instrumento aerófono, de la familia de los metales. El tubo es cilíndrico, curvado sobre sí mismo y carece de válvulas. Su extensión total -cercana a los dos metros- es un poco mayor que el de la trompeta de Aída Se afinaba en si bemol.

Trompeta de Bach: Especie de trompeta corta, afinada en re, similar al pequeño trompetín de válvulas. Su empleo data de fines del siglo XIX (1884), cuando un trompetista alemán, Julius Koesleck, diseñó este instrumento basándose en un modelo de trompeta usada en la época de Johann Sebastian Bach. El objeto de estos experimentos era hallar un instrumento de viento capaz de ejecutar, con cierta holgura, la difícil parte de la trompeta en el segundo “Concierto de Bandeburgo en fa mayor para trompeta, flauta, oboe, violín y cuerdas con bajo continuo” BWV 1053. El sonido particular de estos aerófonos resultaba ideal para acometer los pasajes muy agudos adornados, penosos de lograr con otros instrumentos similares. Hasta que en la década de 1930 el diseñador de componentes musicales Werner Menke, realizó una copia perfecta de las trompetas de la época de Bach, aunque dotada de más pistones para que se puedan afinar todos los armónicos de la misma manera. El principal escollo de este modelo era su extensión. Las trompetas rectas (triumph trumpets) aún se utilizan en las fanfarrias. Existen distintas variantes dentro de la gama de tesituras de las llamadas trompetas de Bach (en la, en re, re grave, en fa, fa grave, etc.). La mayoría de los instrumentos musicales de esta serie originalmente diseñados por Walter Morrow o Werner Menke- sufrieron numerosas modificaciones con el objeto de adaptarlos a las exigencias de las distintas composiciones y las posibilidades reales de los ejecutantes.

¹³³ Cabe acotar que el nombre “Nibelungo”, de esta célebre tetralogía wagneriana, suele aparecer traducido tanto en singular como en plural. Normalmente, se entiende que la primera forma (El anillo del Nibelungo) se refiere el contexto poético y social del pueblo donde surgió aquella tradición. En la epopeya germana, de los siglos XII al XIV, aparece con nítidos perfiles esa impronta cultural. Entre las primitivas leyendas, cuyas transcripciones poéticas sirvieron de inspiración a las más variadas composiciones musicales, se puede citar: “Das Nibelungen Lied”, de Hagen, publicada en Berlín, en 1820.

Trompeta de caña: Denominación folclórica que se aplicaba antiguamente a ciertos instrumentos mixtos similares al mirlitón. Por lo general, producen el sonido mediante una corriente de aire que atraviesa unos tubos provistos de membranas vibrantes al paso del aire. El término suele aparecer en algunos tratados técnicos publicados hasta mediados del siglo XX.

Trompeta de jazz: Es más pequeña que la trompeta corriente y utiliza el mecanismo de pistones de Périnet. Afinada en si bemol, dispone de tres válvulas, una campana de menor diámetro, bomba de afinación, llave para purgar la humedad interior y una pequeña boquilla semiesférica.

Trompeta con forma de "S": Usada en el siglo XIV. Con tubo simple y sin elementos agregados. Su largo casi triplicaba el del añafil y el sonido era mucho más grave. Aunque su perfil era más alargado y sin válvulas, ya tenía el aspecto de los instrumentos que le sucedieron en la evolución Se parecía, especialmente por la forma estilizada, a la trompeta natural sin tubos de recambio.

Trompeta curva: De perfil curvo o replegada sobre sí misma, como el lituus y la tuba romana. Los franceses la llamaban corne o porte voix. Adquirió popularidad durante el siglo XV.

Trompeta egipcia: Antiguo instrumento de viento, con tonos medio y agudo. Existen evidencias arqueológicas de su existencia en el tercer milenio antes de Cristo. Se fabricaba con astas de vacunos, bronce, estaño y metales preciosos. Su estilizado perfil aparece con frecuencia en relieves y monumentos de la época faraónica. Se conoce la extensión exacta del sonido y su elevado carácter ritual porque varios ejemplares han persistido hasta la actualidad, preservados en enterratorios reales. La forma más usual era de corta dimensión, boquilla simple y pabellón en forma de bocina.

Trompeta marina: También llamada tromba marina. Es un antiguo instrumento musical, provisto de una sola cuerda. Por sus características esenciales -similares a las del monocordio- pertenece a la serie de los cordófonos primitivos que dieron origen a la familia de las cítaras. Se conoce la existencia de varias formas parecidas, todas emparentadas con las liras y otros instrumentos de la baja Edad Media. La caja armónica era de madera, estaba provista de mango e incluía el tensor para una sola clavija. Trompeta natural (con tubos de recambio): Instrumento de viento con posibilidad de modificar su tesitura añadiendo o quitando segmentos del tubo aéreo. Se utilizó desde el siglo XVII hasta principios del XIX. Cada segmento de tubo producía un tono o un semitono más grave. Para obtener el efecto contrario -es decir, alcanzar los tonos más agudos- el ejecutante debía incorporar una sordina en el pabellón de la trompeta básica. Estos recursos, anteriores a la invención y desarrollo de las válvulas de pistones, permitían ejecutar con la misma trompeta (natural o suplementada) la mayoría de las tonalidades que se empleaban normalmente en las composiciones musicales de la época.

Trompeta natural ( sin tubos de recambio): Es el modelo más antiguo y sencillo de trompeta. Solamente puede efectuar los sonidos de la serie armónica equivalente al tono que corresponde a la longitud de su tubo. La mayor parte de las trompetas naturales del siglo XVII estaban afinadas en re. Debido a su escaso margen armónico, este instrumento ya no interviene en ninguna orquesta ni banda de la actualidad. Sin embargo, se sigue empleando como un instrumento histórico y tradicional en fiestas y ceremonias oficiales.

Trompeta tapada ( estilo): Forma de interpretación musical que floreció entre los siglos XVIII y XIX y se sigue utilizando hasta la actualidad, particularmente en la música de jazz.

Trompeta tapada ( aerófono): Variedad de trompetas que tenían la posibilidad de incorporar un apagador en la boca de salida, cubriendo prácticamente todo el pabellón, con el objeto de obtener sonidos más apagados.

Trompetería: Grupo de trompetas que actúan en las bandas y fanfarrias. Componen un conjunto armónico afinado en distintas tesituras. Combinan con la serie de los bugles, saxhorns y Oficléides, formando un bello equilibrio armónico. Los mecanismos son idénticos.

Trompeteros: Conjunto de músicos que ejecutaban largas trompetas. Se sabe de su existencia en el siglo IV antes de Cristo. Solían actuar como acompañantes en las procesiones y las entradas a los juegos olímpicos. En muchos altorrelieves y esculturas del periodo romano se pueden apreciar representaciones de trompeteros ejecutando diversas variantes de ese tipo de aerófono. Durante la Edad Media sus servicios fueron adoptados por los señores feudales para anunciar su presencia, los comienzos de torneos y la llegada de visitantes a los castillos. La historia del uso de este instrumento puede remontarse hasta la más remota antigüedad. En la tumba del faraón Tutankhamón (siglo XV a. C.) se hallaron diversos instrumentos musicales, entre ellos, la trompeta egipcia de corta extensión. También las emplearon los asirios, los caldeos y los persas. En la antigua Grecia los trompeteros anunciaban las órdenes en medio de las batallas. El Antiguo Testamento también brinda diversos testimonios de su uso, arraigado a través de las distintas épocas y culturas.

Trompetenschall: Sonido de trompeta con el que se iniciaban las ceremonias en los castillos feudales de Europa Central. Un himno marcial, inspirado en la “Guerra de los treinta años” (1618-1648) comienza con una fanfarria de trompetas que recuerdan los compases del toque trompetenschall, simbolizando la unión de los pueblos germánicos.

Trompete stopf: Variedad de trompeta curva, inventada en Alemania, cuya particularidad más saliente era la posibilidad de bajar un semitono los armónicos, introduciendo la mano en el pabellón, como ocurre con la trompa. Por su forma, los franceses la llaman trompette demilune (trompeta medialuna).

Trompetista:

Músico especializado en la ejecución de la trompeta. Antiguamente se decía también

trompetero

.

Trompette des plaisirs: En francés (trompeteros para el real placer). Nombre de una orquesta de ejecutantes de trompeta, que alcanzó gran popularidad durante el reinado de Luis XIV, debido a la variedad y la perfección de sus interpretaciones. El conjunto estaba integrado por un grupo de músicos excepcionales. Los ejecutantes eran puestos a disposición de la corona por las bandas de los mejores regimientos de Francia.

Trompette d’ordonnance: Clarín militar. En francés (trompeta de órdenes). Nombre del instrumento de viento y metal, utilizado en los regimientos para transmitir las órdenes mediante una serie de toques formados por breves melodías convencionales.

Trompette rompue: Trombón de varas. Una de las denominaciones antiguas que se daban en Francia a este instrumento de extensión variable. Aparecía escrito de esta manera en varios tratados y manuales hasta mediados del siglo XIX.

Trompettine: En francés (pequeña trompeta). Nombre de un instrumento de viento y metal, utilizado en las bandas populares. Procede, con ligeras variantes, de una antigua trompeta de postillón, que se usaba en Francia a mediados del siglo XIX. En la actualidad sólo tiene un carácter folclórico. Existe una serie de breves y alegres melodías tradicionales, compuestas para este sencillo aerófono.

Tropario: Del griego (troparion) Canto bizantino. Elemento constitutivo de la himnodia religiosa griega. Forma parte del repositorio musical de la iglesia bizantina. El texto configura una sucesión de tropos poéticos, dedicados a las festividades sagradas. Su melodía, basada en un equilibrio de acentos y sílabas, obedece a las leyes rítmicas de la homotonía y la isosilabia. En la antigua Iglesia griega, el troparion era un conjunto de oraciones piadosas y de carácter narrativo, que variaban de acuerdo con la celebración a la que estaban destinadas. Su origen parece haber surgido durante las primeras épocas del Cristianismo. Las formulaciones fueron tomadas de las Sagradas Escrituras, cuyos parágrafos se empleaban a modo de salmos, que se cantaban durante el oficio religioso. Con el tiempo, el troparion llegó a ser una de las tres modalidades del himnario bizantino, empleado en la liturgia el Imperio Romano de Oriente. Su práctica organizada comenzó a difundirse a partir del último periodo de la Edad Antigua y la temprana Edad Media. Según el Gerontikon, de san Pambo¹³⁴, los versos del tropario ya se cantaban en Alejandría (Egipto) a fines del siglo IV. En la actualidad constituye un inmenso repositorio de manuscritos, cuyo estudio y clasificación aún se halla en proceso. Las otras dos fórmulas del himnario bizantino eran el kanon y el kontakion.

Tropario (libro): Tomo de pergaminos encuadernados que contenían los tropos o piezas del canto litúrgico. En los textos antiguos y cánones sinodales suele aparecer escrito de diferentes formas latinizadas (troparius, troparium, trophonarium, etc.). La polifonía religiosa alcanzó su esplendor con los himnos y salmos, aproximadamente en el siglo V d. C. Al finalizar la etapa histórica de la iconoclasia (725-842), comenzó a utilizarse la primitiva notación de los sonidos musicales mediante signos convencionales. La fórmula de los neumas comprendía un grupo reducido de signos fundamentales, que servían para señalar la altura de la voz, aunque carecía de exactitud, respecto a la lectura de las notas.

¹³⁴ Religioso egipcio, discípulo de San Antonio. Fundó un monasterio de eremitas austeros en el valle de Nitria (Bajo Egipto), del cual llegó a ser abad. Entre los cristianos coptos de la región occidental de Siwa aún subsisten himnos religiosos, cuyo texto se atribuye a la inspiración de este santo.

Tropo (música griega antigua): Estaba relacionada con una práctica sencilla de la tonalidad. Básicamente cada tropo equivalía a un cuarto de tono, dividiendo el tono en cuatro intervalos o el semitono en dos.

Tropo (música litúrgica católica): Forma de interpretación vocal, de carácter religioso, que existía en Francia desde el siglo IX. Se practicaba en las iglesias cristianas durante la liturgia. Su característica principal consiste en la intercalación de expresiones recitadas, antes o en medio de las partes cantadas. Esa combinación eufónica del canto puro con la declamación pudo ser otro de los múltiples elementos o estilos en los que hallaron su inspiración -siglos después- los creadores del drama lírico barroco.

Troppo: En italiano (muy/demasiado). Es un adverbio que significa exceso de algo. En música se utiliza para formar términos compuestos, que sirven para indicar moderación, es decir, una medida determinada, que no se debe pasar. (ma non troppo=pero no mucho).

Trote chileno: Música popular del norte del país. Procede del carnavalito del noroeste argentino (provincias de Salta y Jujuy) y también de su equivalente, el huayño boliviano. Para su ejecución cuenta con los instrumentos típicos de la zona: guitarras, quenas, bombos y charangos. La vocalización del trote chileno se lleva a cabo con estrofas breves. Un interesante ejemplo de esta variedad folclórica, llamada "Nuevo canto de Chile" es "La Paloma", de Quilapayún.

Trova: En música se entiende este vocablo con el sentido de composición poética escrita en función de una melodía determinada, de allí que su principal acepción en los diccionarios generales es verso (palabra con ritmo). La segunda acepción -que no se aparta demasiado de la idea- es: "composición métrica escrita para canto que imita a otra en su método", pero esta definición podría valer no sólo para ésta, sino para la mayoría las composiciones musicales.

Trova medieval: Canción amorosa compuesta y cantada por los trovadores de la Edad Media. Su estructura poética y armónica responde al estilo llamada trovadoresco, que a su vez procede por la métrica y consonancia del juglaresco.

Trovador: Músico, poeta y rapsoda, de origen provenzal, que escribía y cantaba sus composiciones en la antigua lengua de Oc. El apelativo trovador, que aparece a fines del siglo XI, deriva del vocablo trobar (hallar)¹³⁵. Simbolismo del hallazgo de la inspiración creativa, un encuentro con las musas del arte. Durante los siglos XII y XIV los trovadores fundaron una importante y tradicional escuela lírica, que tuvo influencia en muchos países europeos. Aunque históricamente los juglares eran anteriores a la aparición de los trovadores, estos se diferenciaban de aquellos por pertenecer a un estrato social más elevado y se los consideraba como poetas de las clases cultas. El conjunto de las obras de origen trovadoresco -o inspiradas en su estilo musical- esta formado por un repertorio de casi trescientas canciones manuscritas entre los siglos XIII y XIV. También se dice trovista, aunque resulta menos usual.

¹³⁵ Ramón Menéndez Pidal: "Poesía juglaresca y juglares". 1ª Edición, Madrid, 1924.Trovero:

Nombre de una suerte de cantantes y poetas de la Edad Media que empleaban la antigua lengua provenzal.

Trovo:

En el estudio de la música medieval se emplea este vocablo para definir un estilo de composición métrica de carácter popular y contenido fundamentalmente amoroso.

Trutruca: Voz indígena araucana que designa a un instrumento de viento procedente de la Patagonia. Es una corneta larga, construida con una caña hueca, llamada colihue o coligüe. Por la forma y el sonido grave se parece a la corneta de los Alpes. Algunos ejemplares llegan a medir más de dos metros de largo. La forma del pico es igual a la quena, con una escotadura en forma de "v". Para la boca de salida, o bocina, se emplea un cuerno de vaca ahuecado y finamente pulido. Existe una curiosa colección de estas piezas en el Museo de Arte Popular de la Universidad de Chile.

Ttun-ttuna: Instrumento mixto, de percusión y cuerdas. Es usual en el folclore de EuskalHerria, aunque no puede asegurarse que éste sea su lugar de origen. El área de difusión del ttun-ttuna comprende una amplia extensión del país vasco, especialmente en los valles del río Lea (Zubero, Ibarrola, Arbacegui, Gerrikaiz). Suele utilizarse en el acompañamiento de las tradicionales danzas vascongadas, junto con la txirula, una variedad de flauta folclórica, algo más pequeña y aguda que el tradicional txistu. Su aspecto es similar al de un salterio corriente, por lo que suele ser considerado como una variante local de este antiguo instrumento. Las cuerdas de tripa se percuten con la ayuda de un macillo de roble.

Tuba: Instrumento de viento de la serie de los metales (cobres), de gran tamaño. Dispone de un mecanismo de pistones que le permite alcanzar la totalidad de la escala cromática. Se utiliza especialmente en las bandas militares o corporativas para las partes graves. Todas las tubas se sostienen con la campana hacia arriba. Como la trompa tenor ovalada, no ofrece otra variantes de ejecución, debido a su tamaño y a la ubicación de la embocadura.

Tuba baja: Existen varias versiones, normalmente afinadas en mi bemol y en fa. Fue diseñada en 1835, partiendo de otro instrumento similar, de origen francés, llamado oficléide. Las tubas bajas se emplean también en la orquesta moderna. El mecanismo de pistones le permite alcanzar un cromatismo de casi cuatro octavas. En algunos tratados de música, aparece citado con el nombre de bastuba.

Tuba-basse:

Denominación francesa del

bombardino

. También se lo conoce con el nombre de

saxhorn basse

.

Tuba contrabajo: Los modelos comunes, dotados con cuatro válvulas, suelen estar afinados en do y en si bemol. Su sonido resulta más grave aún que el de la tuba baja. Los músicos alemanes la suelen llamar kaiserbass (bajo imperial), aunque este segundo modelo puede contener una serie de válvulas suplementarias, instaladas en el cuerpo del instrumento, con el objeto de perfeccionar la afinación.

Tuba doble: Es una combinación de tuba baja (fa/do) y tuba contrabajo (fa/si bemol). Afinada de ambas formas con el auxilio de un sistema de válvula transpositora. Su objeto es alcanzar la amplitud en la escala cromática de los dos instrumentos anteriores.

Tuba ductilis: Nombre antiguo del sacabuche o trombón del siglo XV. Citado por el musicógrafo y compositor belga Johannes Tinctoris en su extensa obra de investigación. Caben destacar las descripciones de este tipo de instrumentos de viento en su célebre diccionario de música "Terminorum musicae diffinitorium", impreso en Nápoles en 1475 y en la parte de sus tratados que aparecieron bajo el título "De inventione usu musicae" en 1487. A partir del siglo XVI se fue generalizando la denominación de sacabuche aplicada a la trompeta baja, la misma que los músicos italianos llamaban trombone.

Tuba romana: Trompeta de latón, recta, con el pabellón amplio. Su uso era casi exclusivamente militar. Por la extensión del tubo aéreo requería mucha fuerza para hacerla sonar. Carecía de complementos que permitieran acortar o alargar la trayectoria del viento, de manera que sólo podía producir una serie limitada de tonos naturales. Se sabe de su existencia desde el siglo I antes de Cristo hasta la caída del imperio.

Tuba wagneriana: Instrumento musical, dotado de un sonido grave y solemne, más oscuro que la tuba normal. Tiene forma ovalada o elíptica y un sistema de cuatro válvulas. Por la forma de la boquilla se parece bastante a la trompa común. Fue diseñado en 1868/70 por Richard Wagner, especialmente para su tetralogía "El anillo del Nibelungo". Se emplea en grupos o conjuntos de cuatro tubas, que se complementan entre sí. También llamados tuba-trompa, estos instrumentos aparecen por primera vez en la dotación de la orquesta sinfónica, con la presentación en escena de "El oro del Rin" (1869); "La Valquiria" (1870); "Sigfrido" (1876) y "El ocaso de los dioses" (1876).

Tubal: Denominación de un registro de órgano, también conocido con el nombre de jubal. Es un vocablo antiguo. El tubal da un tono sostenido y su timbre es similar al de la flauta abierta, sin lengüeta ni orificios de digitación.

Tubante: Ejecutante de tuba. De (tubae=corneta). El plural antiguo en italiano era tubantii. En tiempos del imperio romano se llamaban buccinator [de buccina=tuba o trompeta militar]. Los tubantii ejecutaban sus instrumentos durante las ceremonias religiosas y en las fiestas cívicas. El escrito latino Claudiano dice que tocaban las tubas para sostener el ataque de los legionarios.

Tubarius: Palabra latina que se usaba para designar a los constructores de instrumentos de viento, como la tuba, la buccina y varios tipos de cornetas. Los altos funcionarios del Imperio Romano, asignaban una gran responsabilidad a los representantes de este oficio (nobilis artesans), por considerar que de ellos dependía, en gran medida, la solemnidad de la música que acompañaba los grandes acontecimientos del Estado.

Tubicen (ejecutante): Del latín (tubicinis). En la Edad Media se llamaba así a los trompeteros apostados en las entradas de los castillos y fortalezas, para anunciar la llegada o partida de los castellanos con sus cortejos. Sus melodías tenían una serie de toques diferentes para cada ocasión.

Tubicen (sacerdote): La misma etimología que el vocablo anterior (tubicinator). En la antigua Roma, se empleaba para designar a los religiosos oficiante en las ceremonias de bendición de tubas y trompetas, dedicadas al culto de los dioses. Siglos más tarde, se llamó así al ejecutante que templaba las tubas antes de un concierto.

Tubilatte: Tambor de Argelia, de un solo parche, que de tañe por pares. Es una voz de etimología incierta. Por su tamaño y sonido, los tubilatte son equivalentes a los timbales europeos. Algunos ejemplares folclóricos presentan un diámetro superior al los 60 cm y se percuten con mazos de madera. El parche es de piel de oveja o dromedario y se coloca con el pelo hacia dentro, produciendo un sonido grave y mate. La tensión se logra mediante unas tiras de cuero crudo atadas a la base de la caja.

Tubilustria: Del latín (tuba instrumento de viento y lustrum=agua lustral). Nombre de unos conciertos de tubas y trompetas que se llevaban a cabo todos los años en la antigua Roma. Las tubilustria eran ceremonias religiosas destinadas a purificar los instrumentos de viento, dedicados al culto de los dioses protectores del Imperio. El acto en sí era como un bautismo. Consistía en verter agua lustral sobre dichos instrumentos para obtener su purificación. También aparece escrito tubilustrium 136.

Tubocantius: Del latín. (también tubocantii). En la baja Edad Media, se llamaba así a los ejecutantes de tuba y cantantes, que ejercían ambas artes en forma alterna o combinada, en el caso de los dúos. Los tubocantius (siglos V y VI d.C.) fueron remotos antecesores de los trovadores y juglares del Renacimiento, aunque aquellos se dedicaban a los instrumentos de viento como la tuba, la corneta, o la trompa real.

Tubo de lengüeta (órgano): Comenzaron a difundirse en la construcción de los tubos de órgano a principios del siglo XVI. Emiten los sonidos a través de las vibraciones de una lámina batiente, que va asegurada a una garganta ubicada en la base del tubo (zoquete). Por su sonoridad aguda, se utilizan en mixturas de lleno y especialmente como solistas.

Tubo de recambio (trompeta): Segmentos de tubo de latón y otros metales que servían para alargar la extensión natural de ciertos aerófonos como la trompeta natural. Esa modificación en el recorrido del tubo permitía variar la altura en uno o varios semitonos, alcanzando de esta manera otras series de armónicos. Esas tesituras -distintas de la natural del instrumento- se llamaban tonalidades ficticias.

Tubo de resonancia (órgano):

Son los que determinan el timbre. Existen distintas variantes:

1)

Trompeta

(sonido claro). Suele colocarse en forma horizontal. También llamada “a la española”

2) Voz humana (sonido suave y aterciopelado). Es un tubo pequeño de forma cónica, con la parte más estrecha hacia abajo. Tiene un orificio de salida pequeño en la parte superior.

3)

Chirimía

(sonido nasal) tiene forma ligeramente cónica y muy estrecha.

Tubo octavador: En el órgano, se llama así a los tubos que producen notas diferentes de las fundamentales en su categoría. Se logra esa particularidad mediante un pequeño orificio, abierto en la parte media del cilindro. Esa abertura permite crear un ámbito de vibración que divide la columna de aire en dos partes, dando lugar así, a la aparición de un segundo armónico.

Tubo quintador: Es el mismo fenómeno sonoro explicado en el vocablo anterior. La diferencia de sonido, se debe a que el orificio no se encuentra exactamente en la parte media del tubo. De esa manera, el ámbito de vibración se forma en otro sector, dando lugar a un tono distinto.

¹³⁶“Diccionario latino-español” Valbuena reformado. Imp. Bouret, París, 1866.

Tubri: Del sánscrito (tiktiri). Aerófono tradicional en el folclore musical de la India. Consiste en un pequeño pico insuflador de caña, unido a una calabaza seca y ahuecada, que hace las veces de cámara de aire, como en las gaitas europeas. De la parte inferior de dicha calabaza, parten dos tubos de caña o madera tallada. Estos tubos están provistos de lengüetas y tiene unos 35 cm de largo. Uno de ellos, ligeramente cónico, con pabellón y cinco o seis orificios de digitación, permite marcar la melodía. El otro, liso y sin orificios, cumple la función del bordón o bajo continuo. Algunos ejemplares están bellamente decorados con pinturas vegetales.

Tudel: Tubo de metal que se prolonga en la embocadura de varios instrumentos de viento (saxofón, trompa, fagot, tuba, clarinete, corno inglés). Su perfil puede ser variado. Generalmente es curvo -como ocurre con los grandes saxofones (bajo, barítono, tenor y contralto) y también con el clarinete. La otra forma es casi recta, tal como se ve en el oboe y en los saxofones pequeños (soprano y sopranino). La lengüeta vibratoria va colocada a presión en el interior de esta pieza, a la que también se suele llamar bocal.

Tudelera:

Parte del tubo de algunos instrumentos de viento a la que se ajusta el tudel (

fagot, contrafagot

).

Tuena-tuena: Voz onomatopéyica. Es el nombre musical de unos platillos javaneses que se usan para marcar el ritmo de las danzas en las representaciones del gamba, un espectáculo lírico tradicional de la isla de Valí (sureste de Indonesia). El cuanto al efecto rítmico, el movimiento acompasado de los platillos tuena-tuena se apoya en los sonidos puros y cristalinos, emitidos en intervalos breves, marcados por una serie instrumentos idiófonos similares, como los platillos ritjik. La música de acompañamiento de estos espectáculos -dotados de una rica tradición en el sudeste asiático- suele estar a cargo las orquestas de gamelang. Existen idiófonos similares en Borneo, Sumatra, Malasia, Célebes.

Tumbadora: Nombre que recibe el miembro más grave de la familia de las congas, un tipo de tambor folclórico, común en varias regiones del Caribe. Es un instrumento de percusión con forma troncocónica y perfil convexo. Tiene una sola membrana que se percute con las manos y se emplea por pares afinados en tonos distintos. Existe en tres tamaños. El de menor tamaño, se puede sostener con las rodillas del ejecutante, como el bongó mejicano. El más grande -incluido el trípode que lo soporta- puede alcanzar los 80 cm de altura.

Tumbao: Voz del folclore musical cubano. Se refiere a las síncopas de la tumbadora, siempre que empiezan los campases por las partes débiles, para resolverlos en las fuertes. Por antonomasia, el término tumbao se aplica también a las síncopas del tres o el bajo.

Tun (danza): Melodía tradicional para canto y baile. Es una variedad musical, típica del folclore centroamericano. Uno de los ejemplos más conocidos es la antigua danza popular guatemalteca conocida con el nombre de"Tun Quiché".

Tun (membranófono): Tambor indígena fabricado con un tronco de madera ahuecado, provisto de lengüetas vibrantes, cuyo sonido suele acompañar los acordes melódicos de la danza guatemalteca del mismo nombre. Su procedencia es muy antigua. Una figura maya de cerámica, de origen precolombino -descubierta en 1936 por la Institución Carnegiemuestra un ídolo tañendo un instrumento musical similar al tun. La pieza empleada para percutirlo es una vara o mazo que la figura sostiene entre sus dientes.
Tuna: También llamado estudiantina. Es un conjunto juvenil de músicos -instrumentistas y cantantes- que sale de serenata por las calles de las ciudades españolas, vestidos de negro, con capa y a la usanza del siglo XVIII. La dotación de instrumentos típicos de estos grupos es similar a la que se suele emplear en las rondallas: (bandurrias, guitarras, mandolinas, panderetas, etc.).

Tuna caribeña: Ejemplo de la tradición musical del istmo centroamericano con influencia de la típica tuna española. El canto es de carácter alegre y festivo. Tiene difusión en la zona del canal de Panamá. Tanto en Colón, como en Panamá, Cristóbal, Gatún, Portobello, etc.

Tuncuna: Voz quechua. Danza tradicional de los indígenas del altiplano boliviano. Se baila con una sola pierna, alternado los pasos con saltos y giros. Los movimientos son realizados con admirable simetría por los conjuntos de bailarines que danzan al compás de las melodías interpretadas con distintos instrumentos populares de la región (zampoña, quena, caja, bombo, charango, etc.) La coreografía de esta danza parece inspirada en un juego infantil también conocido con el nombre de coxcojilla.

Tunduy: Tambor ceremonial de los indios jíbaros de Ecuador. Está formado por un tronco de grandes proporciones, ahuecado, que se percute mediante unos mazos de madera. El sonido sale al exterior a través de una ranura longitudinal dispuesta en la parte superior del instrumento. Según el lugar donde percuten los mazos puede variar la tesitura del sonido, que es básicamente grave y profundo. Su retumbo se puede oír a una gran distancia. Es un elemento rítmico tradicional en las ceremonias y danzas propias de esta etnia aborigen. Existen diversos ejemplares en museos y colecciones de Europa y América.

Tune-o-matic: Puente adaptable de las guitarras eléctricas "Les Paul creado por la fábrica norteamericana Gibson. Permite ajustar la tensión de cada cuerda en forma independiente y sobre la marcha. Los primeros modelos de estas guitarras aparecieron en Estados Unidos a principios de la década de 1950 (Les Paul Junior, Custom, etc.).

Turn: Nombre inglés de la doble cadencia, un adorno musical también conocido en el ambiente de la ópera por su forma italiana gruppetto (pequeño grupo de notas). Consistente en la emisión de varias notas seguidas, desde graves hasta agudos indistintamente.

Turuta extremeña: Aerófono folclórico, de lengüeta simple. Es típico de la provincia de Cáceres (España). Se fabrica con madera de higuera u olivo. Su forma es cónica y está provista de seis agujeros alineados para la digitación. En la embocadura lleva un pequeño tudel de caña o tubo de latón. Por el sonido y la forma, se parece a la gaita gastoreña y el alboques o albogues.

Tutta forza:

Voz italiana. Significa: con toda la fuerza posible

.

Es una indicación de ejecución aún más acentuada que

fortíssimo

.

Tutte corde:

También en italiano: con todas las cuerdas. Se utiliza para señalar, en una ejecución orquestal, el momento en el que debe intervenir la totalidad de los cordófonos.

Tutti: Lo mismo. Significa ¡todos!. Señala el conjunto de cantantes secundarios que, en la interpretación en concertante, vienen a alternar sus voces con la del solista. Tutti unisoni: Como los ejemplos anteriores, indica cuando deben intervenir todos al unísono.

Txalaparta: Instrumento de percusión típico de Euskal Herria (País Vasco). Consiste en una larga tabla de madera, normalmente de cerezo o aliso, sobre la que dos ejecutantes expertos, provistos de mazos, dan golpes combinados, formando una serie de armoniosas sonoridades. Antiguamente, la tabla solía apoyarse sobre troncos o caballetes de madera, colocados a una distancia de dos a tres metros. También utilizaban como soporte para dicha tabla unos tiestos o cestos terreros, colocados boca abajo, sobre los que se asentaban varios sacos de mijo o hatos de maíz, con el objeto de amortiguar la presión de los golpes. Los tiestos cumplían la función de cámaras de resonancia. El punto exacto de los golpes dados sobre la tabla -sea en el medio, en los extremos o sobre los nudos- permitía lograr las diversas tonalidades mate, con las cuales formaban las melodías de percusión. El txalaparta era utilizado por los campesinos vascos tanto para amenizar las danzas folclóricas, como para comunicarse entre los distintos pueblos montañeses. A mediados del siglo XX esta curiosa costumbre tradicional fue desapareciendo lentamente. No obstante las nuevas generaciones, interesadas en el folclore musical del país, lo han recuperado como un elemento cultural propio de la región vascongada, a partir de las enseñanzas de los ancianos que recordaban su existencia y la forma de ejecución.

Txistu: Flauta popular de Euskal-Herria (país vasco), similar al silbote, del que viene a ser una versión más aguda. Pertenece a la familia de las flautas de pico y tiene tres orificios, dos adelante y uno en la parte posterior del tubo. Se emplea como acompañamiento melódico en la ejecución las danzas y cantares folclóricos de la región. Su sonido es algo monótono. Se conoce la existencia de este instrumento desde épocas prehistóricas, como el ejemplar hallado en las grutas de Isturitz-Oxocelhaya (Basse Navarre, Francia)¹³⁷.

Txun txun: Nombre onomatopéyico de un baile típico la provincia de Navarra, muy popular en el valle de Roncal (Ustárroz, Urzainqui, Ochagavía, etc). Su melodía, cadenciosa y reiterativa, muestra un compás constante, impreso en el marco de una esencialidad primitiva y con breves pasos coreográficos que suelen acompañarse con los sencillos acordes del txistu y el tamboril. Para bailar el txun txun, los danzarines -hombres y mujeres- se visten con el tradicional traje roncalés.

Ty: También llamada ti-tse. Nombre popular de una variedad de flauta travesera china, cuyo cuerpo, provisto de seis agujeros, se fabrica normalmente con caña de bambú. Es un instrumento de viento tradicional, que se utiliza asiduamente en el folclore musical de aquella nación.

Tymbel-Cembal: Denominación antigua de un curioso instrumento de percusión, conocido actualmente con el nombre de campanilla chinesca o cimbalero. Consistía en una pantalla o parasol circular, de cobre o latón de unos 65 a 70 cm de diámetro, provista de un largo mango de madera. Tenía una cantidad de pequeñas campanas o cascabeles que se hacía sonar girando el mango, al compás de las procesiones y oficios de la religión budista. Se empleó hasta mediados del siglo XIX. Esta forma inglesa también aparece escrita sin guión.

¹³⁷ Uno de los más importantes sitios de interés arqueológico del periodo paleolítico, habitado desde la época musteriense (50.000 a.C.).

Typotone: Primitivo instrumento de fuelle de origen inglés. A través de distintas mejoras dio origen a otros varios de su tipo, como el acordeón con teclado y botonera, la concertina y el bandoneón. En todos estos modelos, el mecanismo productor de sonidos responde al mismo método, basado en el aire insuflado a través de un fuelle y el sistema de válvulas con lengüetas, que permite gobernar las distintas modulaciones sonoras.

-U-

Ua: Báculo de madera con forma de remo de piragua que servía para marcar el ritmo de las danzas nativas en la Isla de Pascua. Algunas manifestaciones del folclore musical de Polinesia, suelen emplear el bastón rítmico alternando su sonido con golpes de palmas y cantos a coro de una extraordinaria dulzura.

Ud medieval: Cordófono de la familia de los laúdes. Pertenece a la organología del área mediterránea. Existen varias versiones procedentes de distintas regiones. La forma europea aparece en Italia hacia el siglo XII. Por su tono, la denominación ud podría proceder de ut, antiguo nombre de la nota do. La caja de resonancia, es de forma ovalada y convexa por la parte inferior. Posee nueve cuerdas de tripa, el mástil largo y un cabezal redondo, donde se afirman las clavijas de madera. Se utilizó asiduamente durante la alta Edad Media y el Renacimiento en las representaciones populares de música y canto. Estudios modernos lo relacionan con la tesitura grave de la viola.

Ud árabe: Pertenece a la familia de los laúdes de cuerdas punteadas. Es un instrumento folclórico de carácter primario, presumiblemente derivado del ud medieval. En la actualidad, su uso está especialmente difundido en el área cultural del mashreq (Siria, Líbano, Jordania y Palestina), aunque también se conoce en la región de Anatolia occidental (Turquía) y Marruecos. Difiere del anterior en la forma del mástil, que es bastante más corto.

Ufi: Trompa africana. Es un aerófono antiguo, de carácter ceremonial, que se utilizaba para convocar a las reuniones tribales en la región montañosa de Etiopía (Seshia, Kefa, Arusi, Bale). Cada aldea tenía un toque distinto, que permitía distinguirla de las demás etnias. Los ejemplares actuales tienen unos 60 cm de longitud, con un diámetro de 2 a 3 cm, y presentan diez orificios de digitación. Esas perforaciones aparecen distribuidas a lo largo del tubo, a distancias desiguales. Ocho de esos agujeros, están colocados en la parte anterior o frontal del tubo y los dos restantes, en la posterior. El perfil es ligeramente curvo y el pabellón cónico. Fue introducida en Egipto por los traficantes árabes, procedentes del sur del país. También aparece escrito abdun-ufi o abdoon-oophi. Esta última, en una transcripción inglesa de finales del siglo XIX.

Uguale: Igualdad de interpretación. Término italiano derivado del latín (aequalis). Es un adjetivo musical que se empleaba antiguamente para señalar cuando una composición debía sostener el mismo tempo durante todo el transcurso de la ejecución. También pueden aparecer escritas las indicaciones con intera eguaglianza o tutto con egualità.

Uilacapitzly: Nombre de un aerófono precolombino que procede de la cultura azteca. Es una pequeña corneta pentatónica de barro cocido, de unos 25 cm de largo, provista de cuatro orificios y cuya boca o pabellón sonoro termina en forma de campana. El timbre, similar al de la ocarina, es suave y profundo. Las notas que produce este antiguo instrumento pentatónico en clave de sol son las siguientes: re - mi- fa # - la - do. Esto se entiende en clave de sol y comenzando debajo de la línea inferior del pentagrama. Existen varios ejemplares de parecida factura en las colecciones del Museo Arqueológico Nacional de México.

Ukelele: Voz onomatopéyica. (ukelélé). Es el nombre de un cordófono folclórico típico de Indonesia (Sumatra, Java y Borneo). Pertenece de la familia de las guitarras. Es de pequeño tamaño, posee un largo mástil con el clavijero redondo, travesaño y cuatro cuerdas simples de metal. Los nativos lo llaman ukelele-ukelele imitando el sonido del tañer de sus cuerdas metálicas. La afinación tradicional, de aguda a grave, es igual a la del banjo y la mandolina de cuatro cuerdas: (mi-si-sol-re). En su ejecución no es corriente el empleo de notación, utilizándose, en cambio, una curiosa tabla indicada a veces con puntos y otras con trazos breves. Existe otra variante menos usual (si-fa sostenido-re-la). Según otra opinión -tan cuestionable como la primera- la pequeña guitarra ukelele o ukelélé sería natural del occidente europeo, desde donde pasó a Hawai durante el periodo colonial, para luego alcanzar difusión mundial a través de la música popular de Estados Unidos. En Polinesia existe un cordófono de similar tamaño y con la misma afinación, que se llama banjolélé.

Una corda:

En italiano (una cuerda). Indicación de ejecución para piano. Se utiliza normalmente para señalar la necesidad de ejercer una presión suave sobre el pedal.

Undécima(acorde): Configurado por seis notas que se pueden escribir con la forma de terceras yuxtapuestas. El orden es variable. Claude Debussy fue uno de los primeros compositores que emplearon este acorde.

Undécima(intervalo): Puede ocurrir entre el principio y el fin de una escala diatónica, compuesta por once notas consecutivas. La undécima nota que puede ser justa o aumentada duplica el valor de la cuarta. Dentro del racimo de once notas están comprendidos los puntos de partida y de llegada del sonido.

Unidad de compás: Concepto perteneciente a la lectura musical. Es la unidad que ocupa un compás entero. Está relacionado con la unidad de tiempo. A continuación se explican algunos ejemplos característicos de la relación existente entre las unidades de tiempo, de compás y sus respectivas figuras:

- En el compás de 2/2, la unidad de tiempo es una

blanca

y la unidad de compás una

redonda

.

- En el compás de 2/4, la unidad de tiempo es una

negra

y la unidad de compás una

blanca

.

- En el compás de 2/8, la unidad de tiempo es una

corchea

y la unidad de compás una

negra

.

-En el compás de 3/2, la unidad de tiempo es una blanca y la unidad de compás una redonda con puntillo.
-En el compás de 3/4, la unidad de tiempo es una negra y la unidad de compás una blanca con puntillo.

-En el compás de 4/2, la unidad de tiempo es una

blanca

y la unidad de compás una

cuadrada

.

-En el compás de 4/4, la unidad de tiempo es una

negra

y la unidad de compás una

redonda

.

-En el compás de 3/8, la unidad de tiempo es una

corchea

y la unidad de compás una negra con

puntillo

.

Unidad de ritmo: Equipo electrónico que permite controlar el proceso sonoro a través de comandos MIDI. Se utiliza en la música techno para crear patrones de percusión. Contiene un software con muestras acústicas (ritmos de bajo, sonidos de membranófonos, etc.).

Unidad de tiempo:

Como la

unidad de compás

, es un medio de lectura musical que permite determinar la figura que ocupa un tiempo

Unimembranófono: Nombre genérico de los tambores alargados, provistos de un solo parche y abiertos por abajo, que se percuten con las manos (congas caribeñas, tambores de cuñas de Panamá, etc.).

Union pipe: Cornamusa tradicional de Irlanda, provista de doble juego de tubos. Con someras variantes mantiene su forma desde el siglo XVIII. El caramillo, de madera torneada y perfil cónico, posee cuatro llaves cromáticas (tónica). Como la highland pipe de las tierras altas escocesas, esta cornamusa irlandesa lleva tres bordones montados sobre un cepo común. A este sistema básico se agrega un conjunto de tres bordones reguladores, también de forma cónica, destinados al acompañamiento armónico. Debido a la complejidad y el volumen de este instrumento, los ejecutantes deben tocarlo en posición sentada.

Unísono (física): Dos notas que suenan al unísono producen la misma cantidad de oscilaciones en igual periodo de tiempo. La condición del sonido depende de la velocidad de las vibraciones del cuerpo sonoro que las produce. Los sonidos graves corresponden a las vibraciones más lentas, acelerando progresivamente a medida que se acercan a los agudos

Unísono (indicación de ejecución): Se llama así cuando en la interpretación vocal de una obra intervienen varios cantantes en perfecta consonancia, y también, cuando todos los instrumentos de una orquesta tocan la misma nota en el momento exacto. Puede aparecer escrito en su forma italiana all'unisono.

Upa habanera : Nombre de origen incierto. Es una antigua danza de la isla de Cuba, también conocida con los nombres de upa o urpa. Su carácter alegre y sensual, muestra una coreografía rica en sonidos y movimientos Es posible que su origen esté relacionado con el merengue dominicano, aunque ambos géneros muestran ciertas diferencias. Desde mediados del siglo XIX se conocen algunos ejemplos coincidentes en la música tradicional del Caribe. Una de las partes integrantes del cuerpo melódico de la upa habanera se llamaba justamente merengue.
Uranium: Instrumento musical de principios de siglo XIX, diseñado y fabricado en Sajonia por Buschmann. Es una variedad del melodium, cuyo mecanismo consiste en un cilindro recubierto de fieltro que frota o roza unas finas plaquetas de madera y al hacerlo suenan con un timbre similar a la flauta dulce.

Urni: Monocordio primitivo, originario de la India. Es un raro instrumento, de cuya antigüedad se tiene constancia por tallas y relieves donde aparece reproducido. Para tañerlo se emplea un arco de crines. La caja de resonancia es una calabaza, tallada y ahuecada. El mango, de bambú, puede tener hasta 1,50 m de largo. Lleva una clavija cónica, empotrada en su extremo superior, que le permite tensar la única cuerda de tripa.

Urrucungo:

Variedad de arco musical monocorde. Es originario del Brasil. Pertenece al mismo tipo que el

berimbau de Bahía

y el

tzeze

de Uganda, Ruanda y Burundi (África).

Urua : Corneta o clarinete doble, de gran tamaño y factura rústica, que acostumbran tañer los indígenas de los estados de Matto Grosso y Amazonas, en la región central y norte del Brasil. La forma del instrumento parece ser originaria de la cultura Camayura. Los tubos presentan un número variable de orificios. Aunque la mayoría están fabricados con dos tubos de caña, con los pabellones resonantes de calabaza seca y ahuecada, también se conoce la existencia de clarinetes uruas con tamaño más corto, siendo en estos casos el tubo de hueso y la corneta de cuerno de vaca. Los ejemplares más largos -que alcanzan una extensión cercana a los dos metros- se construyen con dos cañas unidas mediante ataduras de fibra vegetal y cera. Una de las cañas siempre es más corta que la otra con el objeto de obtener una distancia perceptible entre ambos tonos. Las lengüetas vibrantes se introducen dentro de los respectivos tubos, aseguradas con cera a una breve distancia de las embocaduras, que en ocasiones suelen estar casi unidas. Antiguamente los indios jíbaros de Ecuador empleaban un instrumento como este en las jornadas de caza y también para anunciar el ataque en las incursiones guerreras. En la actualidad constituyen piezas de museo o curiosidades para turistas.

Urus : Trompeta de los antiguos romanos. Tal vez el más primitivo de los instrumentos de vientos utilizados por aquella civilización. Según el historiador latino Flavio Vegecio (s. IV d. C.) se fabricaba con el cuerno del buey salvaje llamado Urus

Ut

(

notación

)

:

Primer sonido de la escala musical, en la terminología medieval de Guido d'Arezzo. Equivalente de la moderna nota

do.

Ut (organología): Instrumento musical de la familia de los cordófonos de cuerdas punteadas. Es común en la región balcánica (Croacia, Bosnia, Serbia, Montenegro). Es similar al laúd europeo, aunque el mástil es más corto. Las cuerdas se tañen con plectro.

Ut bémol:

Denominación de la nota

do bemol

en la terminología musical francesa. Equivalente de

C flat

en la manera inglesa y

Ces

en la germana.

Ut dièse:

Denominación de la nota

do sostenido

en la terminología musical francesa. Equivalente de

C sharp

en la manera inglesa y

Cis

en la germana.

Ut double bémol: Denominación de la nota do doble bemol en la terminología musical francesa. Equivalente de C double flat en la manera inglesa y Ceses en la germana. Ut double dièse: Denominación de la nota do doble sostenido en la terminología musical francesa. Equivalente de C double sharp en la manera inglesa y Cisis en la germana.

-V-

Vagans: En latín (vagabundo). Es un término musical usado en el canto litúrgico, durante la Edad Media y parte del Renacimiento. La voz del vagans solía desempeñar un papel secundario, entre las de tenor y contralto. En piezas cantables a cinco voces, como el Agnus Dei, solía ser una voz añadida. Fue una de las tesituras complementarias en los coros de capillas y otros conjuntos vocales.

Vaky soava: Cantos rítmicos tradicionales de Madagascar. Son melodías atávicas del pueblo malgache que se acompañan dando palmadas con las manos. Las interpretaciones vocales, matizadas por cadencias y pasajes sincopados, parecen moduladas en plena armonía con la naturaleza. Los temas típicos de estas composiciones nutren su inspiración en historias de amor, moralejas, cuentos folclóricos y antiguas leyendas introducidas por las corrientes migratorias procedentes de Asia o las islas del océano Índico. Madagascar, llamada“isla de las melodías”, posee un rico patrimonio cultural integrado por fuentes musicales aún poco conocidas. A través de la expresión melódica de las numerosas étnias que conviven en la gran isla índica, converge una abigarrada cultura mixta, procedente de las razas inmigrantes del África austral, del Golfo Pérsico o del Sudeste Asiático, junto a una perceptible influencia europea del periodo colonial francés.

Valiha: Instrumento idiocorde, también de Madagascar. Es una cítara tubular de bambú, cuyas cuerdas están formadas por la misma corteza de la caña. Se suelen emplear en el acompañamiento de melodías populares de la isla. La separación y afinación de las cuerdas se obtiene mediante unos diminutos puentes de madera, cuya posición puede desplazarse para modificar la tensión. Existe ejemplares fabricados en diferentes tamaños y tonalidades, con medidas que oscilan entre 20 y 80 cm de largo. Pertenece al mismo grupo de instrumentos folclóricos que el llamado “violín malgache” (lokanga voatavo) y la cítara tradicional de Mozambique (jeji).

Valor patrón: Término de referencia comparativa, utilizado en música para calibrar y afinar los instrumentos. Su medida equivale a 440 Hertz o ciclos por segundo. Corresponde
-entre otros ejemplos- a la nota la central del piano y también al sonido de la primera cuerda (altura del quinto traste) en la guitarra de concierto.

Vals (danza): Voz derivada del alemán (waltzen=girar o dar vueltas). Es una composición bailable creada en el siglo XVIII, en la corte vienesa, donde llegó a ser popular los ambientes de la nobleza y la alta burguesía. Su estructura tradicional, dotada de un aire ágil y con vivos movimientos, suele estar configurada en frases musicales con 16 compases de 3/4. Durante la etapa posterior a la segunda década del siglo XIX el vals comenzó a experimentar un importante proceso de expansión que lo elevó a la categoría de danza universal, llegando a ser una de las piezas bailables más populares de Europa. Vals (espectáculo musical): Como ocurre con otras melodías tradicionales de origen diverso, la estructura armónica del vals -con distintas variaciones- puede aparecer también como elemento coreográfico en algunas óperas y producciones teatrales contemporáneas.

Vals de concierto: Forma parte de las innovaciones posteriores a 1815, época en que comienza la etapa de expansión de esta danza en todo el mundo. Esta particularidad del vals, especialmente concebida como elemento de concierto, se debe al genio musical de Franz Schubert (1797-1828). La obra de este compositor vienés es inmensa. En su corta vida (31 años) compuso más de mil obras de todo tipo. Su catálogo cuenta con una cantidad impresionante de sinfonías, oberturas, obras de cámara, sonatas, lieders para interpretación vocal y coral, obras litúrgicas, óperas y otras creaciones para escena. Sólo en la categoría de danza, Schubert compuso 393 piezas bellísimas, muchas de ellas en tiempo de vals. Entre otras creaciones no menos inspiradas, destacan por su cromatismo y sensibilidad armónica: "20 Valses D. 146 Op. 27 (Letze Waltzer)"; "34 Valses sentimentales D. 779 Op. 50" y "12 Valses D. 924 Op. 91(Grazer Walzer)".

Vals de Lauterbach: Composición popular en el folclore musical de la Confederación Suiza. Aunque es originaria de la región de la Selva Negra en Alemania, con el tiempo llegó a ser una de las principales atracciones en los festivales de música del país helvético. Se baila por parejas con un ritmo bastante acelerado y alegres pasos coreográficos. Intervienen representantes de todos los cantones del país con sus respectivos trajes regionales.

Válvula transpositora: Pieza que permite transformar o cambiar la tesitura normal de algunos aerófonos de metal, variando la distancia del recorrido aéreo dentro del tubo. Por ejemplo, en la trompa doble se puede pasar de la tesitura de bajo en fa a la de tenor en si bemol, con sólo accionar su válvula transpositora.

Vaqueirades: Ritmo tradicional de los campesinos asturianos (vaqueiros). Es un tipo de canción popular procedente de la región occidental del principado. Existe una gran variedad de versiones, cuyas letras, cantadas en forma de coplas, pueden intercambiarse con las distintas melodías. El conocido cancionero del musicólogo asturiano Eduardo Martínez Torner recoge una interesante colección de ejemplos.

Vaquerías: Fiestas populares pertenecientes al acervo folclórico de México. Integran el conjunto de eventos musicales procedentes del medio rural, especialmente de la península de Yucatán. Junto a los ritmos modernos, en las vaquerías yucatecas alternan los espectáculos tradicionales, integrados por danzas prehispánicas que han sobrevivido hasta la actualidad, como el Torito, la Jarana, etc.

Vara: Pieza del trombón. Tienen forma de "U", pertenece del cuerpo móvil de estos instrumentos y cumple la función prolongar o reducir la extensión del tubo. Su objeto es variar el tono de afinación, permitiendo al ejecutante lograr una escala de sonidos mucho más amplia.

Vara musical:

Primitivo instrumento monocorde, sin caja de resonancia, con el cuerpo recto y de madera. Su única cuerda -generalmente de tripa- pasa tensa sobre dos puentes.

Vara musical de bambú: Algunos ejemplares, procedentes de Java Sumatra o Borneo, están fabricados con un segmento grueso de caña de bambú, al que se le desprende una fibra, sin separarla de su unión con los nudos. Esa delgada fibra, puesta en tensión mediante dos pequeños puentes de caña más fina, cumple la función de una cuerda vibrante y sonora. Desplazando ligeramente la posición de los pequeños puentes de caña se puede variar la altura del sonido emitido por la cuerda de fibra. El salterio indio de balsa está formado por un grupo de cuatro a seis varas de este tipo formando una escala rudimentaria. Aunque la intensidad del sonido es extremadamente suave, el método permite alcanzar bellas modulaciones.

Vargane: Instrumento musical difundido en el folclore ruso. Por su forma y funcionamiento pertenece a la familia de las guimbardas. Es un tipo simple de vibráfono provisto de una laminilla metálica que se tañe con el dedo, usando la cavidad bucal como caja de resonancia. Se trata de una variedad idéntica a los primitivos modelos originarios del Extremo Oriente, que se extendieron por todo el continente asiático, África y Europa. Aunque el marco de los ejemplares más comunes es de hierro forjado, también existen algunos realizados en madera dura.

Variación ornamental: Este vocablo compuesto se refiere en primer lugar a una forma rítmica con variación monódica. Es decir, que permite variar la línea melódica de una composición musical, mediante la inclusión de grupos rítmicos agregados. Estos ornamentos pueden ser arpegios, apoyaturas, adornos diversos, etc. También se puede aplicar a la expresión corporal cuando está relacionada con la música. El coreógrafo ruso Balanchine creó una serie de magníficas variaciones ornamentales aplicadas especialmente a la coreografía del ballet. Destacan entre ellas "Variaciones sobre música de Stravinski", obra que compuso en 1966 en homenaje a la original personalidad del novelista y filósofo inglés Aldous Huxley.

Variación contrapuntística: Esta forma de variación permite que el tema original permanezca inalterable, en tanto que los contrapuntos o líneas melódicas que se superponen a esa melodía básica, tienen su propia personalidad musical debido al agregado de distintas ornamentaciones, pero sin desnaturalizar la melodía ni el sentido rítmico del tema.

Varita: Denominación popular del palillo de madera dura que utiliza el cantaor flamenco sentado, al marcar el compás de la música, golpeando con ella el borde de una silla. Forma parte de los implementos tradicionales del cante, como el cajón y las castañuelas.

Vaudeville: Del francés: (voix de ville=voz de pueblo). Durante los siglos XVII y XVII era un tipo de canción picaresca y satírica, que se cantaba en los ambientes rurales de Francia. Esta nueva forma luego pasó a las tablas dando lugar a los orígenes de la célebre opéra comique francesa y otras variantes por el estilo, que fueron adquiriendo su forma definitiva a lo largo del siglo XIX. En castellano está aceptada la transcripción vodevil.

Verbunko: (del alemán: werbung=alistamiento). Música tradicional húngara -de origen militar- tal vez procedente del imperio otomano. Se empleaba para incentivar las marchas de los jenízaros cuando se alistaban para la guerra. A mediados del siglo XIX, algunas melodías inspiradas en el estilo tradicional del verbunko pasaron al acervo musical culto, especialmente el instrumental, donde tuvo particular relevancia la actuación del violín.

Verdial veleño: Baile tradicional en la provincia de Málaga, Andalucía, muy arraigado en el ámbito rural. Es una danza nocturna que se interpreta durante las festividades de la Virgen de la Victoria. En su ejecución se mezclan la alegría por la celebración popular del fin de la vendimia con la devoción religiosa propia de esas fechas. Al despuntar el día, en Vélez-Málaga, un cantante entona las gracias del alba y la culminación de la gran fiesta mariana, protagonizada por esta bella expresión musical de España:

Verismo: Escuela vero=verdadero). El estilo está directamente relacionado con la tendencia a lo natural, puesta de manifiesto en la literatura costumbrista de fines del siglo XIX, y posteriormente con el neorealismo cinematográfico de mediados del siglo XX. Suele tomar historias melodramáticas, mostrando el aspecto más sombrío de la condición humana. En la literatura costumbrista, en el teatro y especialmente en la ópera, el verismo refleja la realidad sin omitir todo aquello que resulta zoez o desagradable. Las óperas consagradas como obras maestras del verismo son "Pagliacci", de Ruggiero Leoncavallo y "Cavalleria rusticana", de Pietro Mascagni. Este tipo de realizaciones contempla la exteriorización de los sentimientos con un alto grado de realismo, donde los gritos, risas estentóreas o imprecaciones, junto a cualquier otro ruido de la escena, constituyen una parte tan importante en el desarrollo argumental como puede ser la misma música. El editor musical y empresario operístico, Edoardo Sonzogno (1836-1920), fue uno de los principales promotores de la escuela verista. Sonzogno, que era también un reconocido mecenas del arte lírico, publicó numerosas obras, destacando las de Umberto Giordano y Francesco Cilea, así como las de Leoncavallo y Mascagni, quien obtuvo el Gran Premio de 1889 de la Editorial Sonzogno por "Cavalleria rusticana". Francesco Cilea (1866-1950), creador de la escuela de Puccini, fue conocido especialmente por su ópera "Adriana Lecouvreur". Umberto Giordano (1867-1948) es considerado uno de los grandes creadores del realismo. Sus obras más destacadas son "Andrea Chenier" y "Fedora" "Fedora" 1919), figura entre los representantes más conspicuos de esta escuela realista.

"...las viñas y los parrales,

operística

la gracia de las veleñas, y baile de los verdiales..."

nacida en Italia. (La voz procede del italiano

Versículo (canto litúrgico): Del latín (versiculus=verso diminuto). En el canto litúrgico se llama así al diálogo entonado entre el solista y el coro. Las partes que deben ser cantadas por el el solista se indican mediante una letra“V/” (barrada). Las partes del conjunto coral acostumbran llevar una letra“R/” (barrada). El coral protestante denomina verso a cada una de las estrofas cantadas en los salmos. En la música religiosa los tonos de versículo (toni versicularum) son composiciones musicales breves que se cantan en las horas canónicas sobre el texto del responsorio. Existen otros tipos de versículos pertenecientes a las conmemoraciones del Santísimo Sacramento y las Antífonas Marianas (toni versicularum in conmemoratione).

Verso (composición para órgano): Pieza musical breve, escrita con el objeto de intercalarla entre las partes extensas interpretadas en el órgano y las letrillas cantadas por el coro.

Verso (elegíaco): Forma poética especialmente adaptada al ritmo del canto plañidero. En la antigüedad lo llamaban verso pentámetro y se usaba para expresar por medio de la letra ciertos argumentos de carácter amoroso o el sentimiento triste y melancólico de algunas melodías.

Verso (parte del salmo): Cada una de las divisiones del texto que configuran la estructura melódica de los salmos y otras formas parecidas de canto religioso.
Versus: En latín (canto versificado). Forma de conductus no litúrgico, que llegó a ser muy popular durante la Edad Media (siglos XI y XII). Su estilo de composición musical fue el preferido por los trovadores de Aquitania. Los motivos donde se nutrían los cantores y poetas para componer letras y melodías del versus procedían de la observación de los ambientes populares y la vida diaria. Por ello pueden encontrarse en recopilaciones de la época una gran variedad de temas místicos, amorosos, satíricos o burlescos. Otros ejemplos de carácter e inspiración religiosa, pertenecen a los repositorios de Notre Dame de París y del monasterio francés de San Marcial de Limoges.

Vertical: Término relacionado con la escritura armónica. En las pautas, la representación gráfica de los acordes se realiza en forma vertical. Esta palabra se emplea en contraposición a la que sirve para señalar el desarrollo melódico, que es horizontal.

Vessel flute: Nombre inglés de la flauta de vasija u ocarina. Aparece en algunos manuales explicativos, aunque es una traducción literal del alemán behälter flöte. La denominación procede de un modelo de ocarina de porcelana que se fabricó desde principios del siglo XVIII hasta mediados del XIX en Baviera (Landshut, Maingburg). Cuenta con ocho orificios de diferente diámetro, distribuidos a lo largo del cuerpo sonoro y otro de menor dimensión en la base del mango. El perfil de este delicado instrumento -casi siempre decorado en colores blanco y azul- es algo más estilizado que la versión moderna, aunque su sonido y posibilidades cromáticas resultan bastante similares.

Vibración simpática: En física, las resonancias o vibraciones simpáticas se producen cuando un cuerpo elástico -con capacidad para vibrar en una frecuencia determinada- entra espontáneamente en movimiento cuando en su inmediatez se produce un sonido que tiene la misma frecuencia. Ese sonido puede ser audible o no. La vibración por simpatía también puede ocurrir si la frecuencia vibratoria de ambos cuerpos elásticos corresponde a dos armónicos inmediatos. En instrumentos complejos como el piano, si un grupo de cuerdas corresponde a los armónicos de otra cuerda más grave, -estando los apagadores elevadospueden vibrar todas las demás por simpatía.

Vibración simpática involuntaria: Son los sonidos involuntarios que producen las cuerdas de los instrumentos de arco cuando éstas se hallan demasiado juntas por un desajuste en el puente o porque no están bien tensas. El adjetivo simpáticas se debe al hecho de que una cuerda puede sonar sin ser pulsada ni rozada por el arco. El problema suele estar en las vibraciones de la cuerda que se encuentra al lado. Si ésta se halla muy cerca o vibra más de lo necesario por no estar lo suficientemente tensa, su propia vibración afectará a las cuerdas inmediatas, que dejarán oír un sonido, algo agudo y desafinado, llamado vibración simpática.

Vibración simpática voluntaria: En algunos instrumentos de cuerda, convenientemente afinados, se pueden producir vibraciones voluntarias con cuerdas acondicionadas para ese efecto. Se trata de una técnica de ejecución difícil de lograr con absoluta precisión. Las cuerdas simpáticas se hallan en muchos instrumentos procedentes de diferentes épocas y culturas. Según parece, ese fenómeno físico fue observado por primera vez por los árabes, quienes lo pusieron en práctica en sus propios instrumentos musicales, pasando luego al dominio de otras culturas. Algunos tipos de cítaras, como las vinas de la India, tienen cuerdas especiales, a las que el ejecutante hace vibrar por simpatía al tañer otra cuerda grave con un plectro. La viela cretense de tres cuerdas, que se tañe con un arco de crines también puede producir raros armónicos mediante este sistema.
Vibración sinusoidal: Del latín (sinus=seno/oide=con forma de) Término referido a un fenómeno acústico generado por medios electrónicos. Es un tono puro cuyas curvas superiores son equivalentes en tiempo y altura a los senos o curvas inferiores, dentro de sus correspondientes absisas.

Vibráfono: Instrumento musical consistente en un bastidor con un sistema de barras y tubos metálicos graduados a escala, que suenan armoniosamente al golpe de las baquetas. Este idiófono se emplea asiduamente en las orquestas de jazz. La altura de las notas se puede determinar mediante la presión de un pedal. La extensión es de tres octavas. Un sencillo mecanismo de apagadores permite obturar los tubos resonadores y obtener el vibrato característico en estos instrumentos. Fue inventado en los Estados Unidos en 1907.

Vibrato: (Transitivo del latín: (vibro=vibrar, agitar). Es una forma atenuada de trémolo que emplean los cantantes y los intérpretes de cuerdas frotadas con arco. En el canto de ópera es una particularidad que se da cuando la voz emite el sonido con una fluctuación controlada de la intensidad y la altura de una nota sobre la misma sílaba. En los cordófonos de la familia del violín, es un movimiento oscilatorio del arco con el propósito de producir un sonido ondulatorio. Este efecto también se puede lograr en la ejecución de la guitarra, cuando los movimientos de los dedos hacen variar la presión ejercida sobre las cuerdas.

Vidala:

Canción argentina del siglo XIX, similar a la tradicional

vidalita

, cuya difusión alcanza ambas márgenes del Río de la Plata

Vidalita:

Composición musical de carácter melancólico y sentimental. Es típica del Río de la Plata (Argentina y Uruguay). Adquiere su configuración definitiva durante el siglo XIX.

Viela: Instrumento de cuerda muy antiguo, del que existen numerosos modelos procedentes de diferentes culturas y épocas. En razón de que se tañe con arco ha sido considerado como una forma de violín primitivo. Dentro del tipo rústico se conocen dos modelos básicos, cuyas características muestran ciertas diferencias estructurales. El primero es un tipo de viela con el mango largo y un pie afirmado a la parte inferior de la caja, que cumple la función de soporte para tañerlo en forma vertical. El otro modelo básico, más corto y robusto, pertenece al grupo de las vielas monoxilas. Entre los modelos de vielas de arco más elaboradas pueden hallarse modelos con una gran diversidad de formas, procedentes de Cercano Oriente, la India y el Sudeste Asiático. En Europa, la viela fue el instrumento de cuerda más importante durante la Edad Media.

Viela cretense: Llamada indistintamente viela o lira, este instrumento originario de la isla de Creta, pertenece al mismo tipo que la lira griega de tres cuerdas. Tiene la caja pequeña en forma de pera con dos orificios semicirculares a la altura del puente. Lo más curioso de este instrumento es el arco, de gran tamaño, con el mango profusamente decorado y una serie de cascabeles dispuestos a lo largo de la vara.

Viela monoxila: Serie de cordófonos de arco, de carácter folclórico y factura rústica. Se llaman así porque tienen el cuerpo, el mástil y el clavijero elaborados en una sola pieza de madera. Los ejemplares conocidos suelen tener dos y tres cuerdas de tripa. Proceden de Asia y África y son un remedo de otros instrumentos similares más perfeccionados. La mayoría de los modelos aparecen tallados a mano y decorados con pinturas étnicas.

Viella de rueda: También llamado rota. Complejo instrumento cordófono de teclado que se accionaba con una rueda de madera, cuya función era producir un efecto de frotamiento sobre el mecanismo de las cuerdas. Por su forma y mecanismo productor del sonido es completamente diferente de la viella común.

Vielle:

Versión francesa de la

vihuela

. Era el instrumento tradicional que acompañaba a los juglares cortesanos y trovadores populares del medioevo.

Vihuela: Instrumento de cuerdas antiguo. Originalmente debió pertenecer a la familia de las liras, evolucionando luego hacia la forma de los cordófonos con mango y caja de resonancia. Se desconoce como ocurrió el desarrollo desde su forma primitiva. A fines de la Edad Media, ya tenía un sistema parecido al de las guitarras, aunque existían dos formas: la vihuela de arco y la vihuela de brazo. El nombre de la vihuela está unido a las representaciones del romancero popular, y en consecuencia al origen del arte lírico. En la obra de Gonzalo de Berceo (1180-1247) aparece el derivado violero, aunque la variante fonética viola procede del italiano y se aplica a un tipo de instrumento distinto¹³⁸. Es probable que su forma moderna proceda del conjunto instrumental dedicado al repertorio musical arábigo. Se conocen documentos sobre este aspecto desde el siglo XIII. En una de las viñetas pertenecientes al manuscrito de las Cantigas de Alfonso X el sabio (conservado en la Biblioteca de El Escorial) aparece un ejecutante de vihuela española, junto a otro músico que sostiene entre sus manos el ud árabe. Ambos instrumentos son idénticos, tanto por su forma, como por la cantidad de cuerdas o la manera de ejecución. A partir del siglo XVI se escriben numerosas composiciones para este instrumento, en sus distintas variantes. Existen distintas maneras de afinación para vihuelas de cuatro, cinco, seis y siete órdenes de cuerdas.

Vihuela de cuatro cuerdas: Entre los primeros tratados dedicados al estudio y ejercitación de la vihuela, cabe destacar la obra de Luis de Narvaes (siglo XVI), compositor e instrumentista granadino, cuyo título más trascendente es "Los seys libros del Delphin, de musica de cifra para tañer vihuela", publicado en 1538. La afinación tradicional, de aguda a grave, es igual que la mandolina y el banjo de cuatro cuerdas: (mi-si-sol-re).

Vihuela de cinco cuerdas: En el lenguaje gauchesco del siglo XIX aparece escrito "vigüela". La afinación tradicional de este instrumento criollo, de aguda a grave, es igual a la forma de la vihuelita española de cinco cuerdas y la jarana, una pequeña guitarra mejicana: (mi-si-sol-re-la).

Vihuela de seis cuerdas: (Siglos XVIII-XIX). En algunos países de Hispanoamérica, como Argentina y Uruguay, se llama vulgarmente vihuela a la guitarra española de seis cuerdas. Afinación tradicional, de aguda a grave: (la-mi-si-sol-re-la).

Vihuela de siete cuerdas: Otros vihuelistas y compositores españoles, como Enríquez de Valderrábano (c.1500-1557) y Miguel de Fuenllana (c. 1510-1579), realizaron importantes transcripciones de obras polifónicas adaptadas a la ejecución de este instrumento por el sistema de notación cifrada. Fuenllana, que era ciego de nacimiento, hizo publicar en Sevilla, en 1554 un manual titulado "Orphenica lyra", que contiene piezas para guitarras y vihuelas de distintos tipos. Afinación tradicional de este instrumento, de aguda a grave: (sol-fa-do-sol-fa-do-sol).

Vihuela de arco: Viola medieval, de cuerdas frotadas, también llamada violón o rabel. Es similar en su forma a la viola da braccio, aunque se conocen versiones de distintos tamaños que obedecen a una misma morfología. Para tañer este instrumento se emplea un arco primitivo de crines tensas mediante un torniquete. Se la conoce desde el siglo XIV en adelante y alcanza su mayor nivel de popularidad en las orquestas durante el siglo XVII.

¹³⁸ Corominas, J.: "Diccionario Crítico Etimológico de la Lengua Castellana" Vol. IV Pág. 733.

Vihuela de brazo: La caja es de forma ovalada, como el laúd, con un orificio de resonancia en la parte central, en forma de roseta, adornada con diseños geométricos de marquetería. Existen diferentes versiones, provistas de cinco, seis y siete órdenes de cuerdas. El clavijero, de madera tallada, forma un ángulo abierto con respecto al mango y tiene un sistema simple de clavijas empotradas a ambos lados, como el violín. Citada en los siglos XVI y XVII.

Vihuela de mano: Denominación poco usual. En tratados antiguos aparece indicada como guitarra curva. Podría tratarse del mismo tipo que la vihuela de brazo. En el siglo XVII estos instrumentos se fabricaban con cuatro o cinco órdenes de cuerdas dobles. Desde el siglo XVIII en adelante, aparecen provistas de seis cuerdas simples, afinadas como la guitarra moderna. Durante el siglo XX, este último tipo alcanza una gran difusión en Alemania, donde interviene en conciertos y se la conoce con el nombre de klampfe. La caja armónica de este instrumento tiene el fondo curvo o abombado.

Vihuela de péndola: También conocida con el nombre de vihuela de péñola. Es prácticamente igual a la anterior, provista de cinco o siete cuerdas simples, con la diferencia de que se pueden tañer mediante un plectro fabricado con el cañón de una pluma de ave. De allí su nombre. La existencia de esta versión está documentada desde el siglo XIII.

Vihuelita: Vihuela cuya caja armónica tiene menor tamaño que la tradicional. Por su forma es similar a la jarana mejicana y la vihuela gauchesca de cinco cuerdas. Afinación de aguda a grave: (mi-si-sol-re-la).

Vijalo: Nombre eslavo de una viola. Es un cordófono originario de Dalmacia, que pertenece a la familia de los laúdes de arco. Tiene el mástil corto y se parece al rebab o rababe de la cultura musical magrebí. También comparte características de fabricación con el kemençe de Turquía y la lirica o lirika, de Croacia. Es posible que en todos los casos se trate del mismo instrumento, cuya apariencia y forma de ejecución se fueron divulgando a través del tiempo, debido a la influencia que ejercen unas sociedades sobre otras durante las distintas etapas de su desarrollo.

Villancico: Canto villano o de pueblo. Composición típica de las festividades navideñas, perteneciente al folclore regional de España e Hispanoamérica. Se trata de un estilo propio de la polifonía renacentista española. Aunque su origen fue profano, con el tiempo pasó a formar parte de los cantos religiosos populares. El villancico tradicional consta de tres partes bien definidas: 1) Estribillo, 2) Copla con mudanzas y 3) Vuelta. Es un tipo de composición sencilla, que tuvo mucho éxito entre los cantantes e instrumentistas de los siglos XV y XVI. A partir del 1700 comenzó un lento declive como consecuencia del auge de los oratorios y las cantatas. Su forma actual esta documentada desde principios del siglo XIX. A partir de la segunda mitad del siglo XX, el villancico adquiere en la región andina un nuevo estilo musical, fuertemente influido por las melodías tradicionales de las culturas autóctonas.

Villanelle: Tipo de canción rústica francesa, que se interpretaba en estilo polifónico. Es propia del siglo XV. Con anterioridad a esta época se la conocía con el nombre de vaudeville (voz de pueblo). Aunque esta denominación más tarde sirvió para otro tipo de expresión de carácter teatral. Era muy popular también en Italia, donde se había difundido con la adaptación villanella. Por su origen, folclórico y dotado de una cierta dosis de picaresca, dio lugar a numerosas melodías tradicionales napolitanas y genovesas.

Villanesca: Variedad ibérica de la villanelle francesa o italiana. Es una variedad musical, ligera y alegre, que presenta una estructura homófona, con los acordes consonantes y los encadenamientos armónicos en contrapunto. Su nombre (canción de pueblo) surge en oposición a las composiciones cultas, como el madrigal y a los cantos religiosos de la época. Una variedad de villanesca, que se entonaba en las celebraciones navideñas dio lugar, con el tiempo, a la evolución del villancico.

Vina: Nombre genérico de un tipo de laúd de la India, parecido a la cítara. Es de mayor tamaño que el laúd Sarazwati y se tañe punteando las cuerdas con un plectro. El origen de este instrumento es muy antiguo. Según las tradiciones populares, se atribuye su invención a la diosa hindú del mismo nombre. A pesar de su apariencia primitiva, el sistema, de cuatro cuerdas, alcanza un sonido bello y melodioso, en el orden de las notas la - do # - re sol. El cuerpo, fabricado con caña de bambú, consta de clavijero con cuatro llaves de madera, dos calabazas que producen el efecto de cajas sonoras, un caballete y 18 puentes, que el ejecutante fija con cera a la altura correspondiente de la escala tonal. La palabra vina es un prefijo que en la India se aplica a la mayoría de los cordófonos derivados de este laúd primitivo.

Viola (antigua): Grupo numeroso de instrumentos de arco que floreció durante los siglos XVII y XVIII. No debe confundirse con la viola moderna, que pertenece a la familia del violín. Ambas series de instrumentos son diferentes, incluso en la manera de interpretar. (viola de gamba, viola de braccio, etc.)

Viola (moderna): Instrumento de arco, miembro del grupo de cuatro cordófonos que integran en la actualidad la familia del violín. Su tamaño es un poco mayor que aquel. La sonoridad es más tenue y se afina una quinta más baja.

Viola amarantina: Cordófono tradicional portugués. Es una variedad de guitarra antigua, originaria de la región noroeste del país. Consta de cinco órdenes de cuerdas metálicas y dobles. El orificio de la caja armónica tiene la forma de un doble corazón. Constituye un elemento típico en las actuaciones musicales de los conjuntos chuleiros.

Viola bastarda: Instrumento de cuerdas. Es una forma mixta, elaborada a partir de las características técnicas de la viola de gamba y a la lira da braccio. El modelo más usual de esta pieza corresponde a la tesitura de tenor. Existen modelos provistos de una serie de cuerdas de resonancia. La caja presenta dos escotaduras y una roseta en la base del diapasón.

Viola beiroa: Instrumento del mismo origen, muy antiguo y profusamente ornamentado. Posee cinco órdenes de cuerdas a las que se agregan dos más, afinadas en tonos bastante agudos y sujetas a un clavijero suplementario ubicado junto a la caja armónica. Estas últimas siempre se pulsan sin pisar.

Viola braguesa: También del folclore musical de Portugal. Es del mismo tipo de la viola amarantina. El encorado es igual y el orificio de la caja armónica tiene la forma de media luna con las puntas hacia arriba. Se puede ejecutar al rasgueo, utilizando todas las cuerdas, al mismo tiempo que se perfila la línea melódica con la otra mano. Junto con el cavaquinho y el clásico violón, forma parte del instrumental de cuerdas tradicionales en las fiestas patronales y romerías, llamadas rusgas minhotas.

Viola campaniça: Se conoce la existencia de diversos modelos, que difieren ligeramente según su procedencia (Beira baixa, Alentejo, Alto douro, etc.). En los museos de Sintra y Lisboa, se pueden apreciar bellos modelos del siglo XIX, construidos con finas maderas, exquisitamente trabajadas y decoradas. Por su aspecto general, corresponde a la familia del laúd. El cuerpo es convexo y formado por gajos de madera de distintos tonos. Presenta seis grupos de cuerdas, que se tañen con púa o plectro.

Viola d'amore : En italiano (viola de amor). Instrumento de cuerdas similar a la viola moderna, que se utilizaba en Italia durante los siglos XVII y XVIII. Tiene de cinco a siete cuerdas normales, más una serie variable de cuerdas de resonancia. El clavijero -de gran tamaño- ocupa una extensión equivalente al total del mango y sostiene un mecanismo de catorce clavijas. Los orificios de la caja de resonancia tienen figura de corchetes y los múltiples aros conforman un contorno de apariencia barroca. Se empleó como efecto instrumental en la ópera en cinco actos "Los hugonotes", del gran compositor alemán Giacomo Meyerbeer (1791-1864). El Aria de Raoul, del acto primero de esta ópera, está concebida como una curiosa combinación de voces virtuosas, con el solo acompañamiento de una viola d'amore. Dentro de esta gran familia de instrumentos musicales, la viola d'amore es uno de los ejemplares con más bella sonoridad.

Viola de gamba: En italiano (viola de pierna). Tiene un registro tenor-bajo. Procede del rebec y la viola medieval. Sus características, morfológicas y de ejecución, permiten inferir que de ella derivan las violas actuales. Posee seis cuerdas afinadas por cuartas y terceras, que le dan una gama de sonidos suaves y oscuros. Las aberturas de resonancia tienen una forma semejante a dos medialunas y la caja de resonancia se caracteriza por la disposición de las escotaduras, similares a las de la guitarra. El mástil se divide en siete trastes, como el laúd. En el siglo XVIII, la función de la viola de gamba dentro del conjunto orquestal fue sustituida por otros instrumentos de la familia de los violines. Los principales instrumentos que configuran el desarrollo de la familia de la viola de gamba desde el siglo XV hasta el XVIII son:

- Viola sopranino de seis cuerdas
- Viola sopranino de cinco cuerdas (quintón)
- Viola soprano bajo de seis cuerdas
- Viola contratenor de seis cuerdas
- Lyra viol de seis cuerdas
- Bajo de viola de seis y siete cuerdas
- Contrabajo (violón) de seis cuerdas
- Gran contrabajo de viola de seis cuerdas

Varios de estos instrumentos históricos aún se emplean en conciertos de cámara. En ediciones inglesas de fines del siglo XVIII y también del XIX, puede aparecer con el nombre lyroviol.

Viola da spalla: Nombre italiano que significa: viola de espalda. Se trata de una variedad similar a la viola de braccio. Era un modelo antiguo -bastante voluminoso y pesado- que debía sostenerse mediante una cinta de cuero que pasando sobre el hombro se sujetaba en la espalda del ejecutante.
Viola de braccio: Forma italiana normalmente utilizada para citar a la viola de brazo. Los alemanes la llaman Bratsche. La manera itálica se emplea por oposición a la viola de gamba.

Viola de bordón: Cordófono de la misma familia, con tesitura de barítono, muy similar a la viola de gamba. Consta de siete cuerdas de tripa que se pulsan sobre el mástil y otras 10 o 12 diatónicas de metal, colocadas en la parte de abajo que deben ser pulsadas con el dedo pulgar de la mano izquierda. También se le daba el nombre tradicional de viola del perdón, porque se contaba que al luthier creador de este instrumento, condenado a muerte, se le había concedido el perdón en reconocimiento por su invención.

Viola de brazo: Del italiano (viola de braccio). Instrumento cordófono de arco, antecesor de la familia de los violines. Como ellos, tiene cuatro cuerdas afinadas por quintas. La mayoría de los ejemplares actuales tienen unos 45 cm de largo. Los aros de las cajas de resonancia tienen menor espesor y las aberturas de la misma, adoptan la forma de "f", como en el violín. Para ejecutar este instrumento debe sostenerse con el brazo al nivel del hombro. El mango es corto y carece de trastes. Su tono es sonoro y brillante.

Viola de fagote: Del italiano (viola di fagotto). Instrumento mixto, de cuerdas simpáticas también conocido con el nombre de barítono. En su construcción (como ocurre con la viola bastarda) intervienen elementos propios de la lira da braccio y la viola de gamba. También se la conoce con los nombres de viola di bordone o viola di paredon (viola de perdón). Existen modelos en diversas tesituras, provistos de un sistema de cuerdas de resonancia. La caja tiene dos escotaduras y una roseta tallada que se ubica en la base del diapasón. En la actualidad es un instrumento curioso y raro, que concita el interés de los investigadores especializados en la música medieval y del Renacimiento italiano.

Viola dei mori: En italiano (viola de los moros). Denominación expresiva que se solía dar durante la Edad Media a la viola introducida en Europa por los árabes. Fue el primer instrumento de cuerdas simpáticas conocido en occidente. Algunos tratadistas consideran que éste el nombre original, que más tarde derivó en la denominación viola d’amore.

Viola de Ritter: Variedad de viola alta dotada de una bella sonoridad. Fue diseñada a finales de siglo XIX para reemplazar al segundo violín en los cuartetos. Lleva el nombre de su creador, el músico alemán Hermann Ritter (1849-1926).

Viola de roda:

En catalán (viola de rueda). Nombre vulgar que se suele dar a la

zanfona

en algunas comarcas del Pirineo leridano (Cataluña).

Viola medieval: Viola de los siglos XV y XVI. La caja armónica tiene forma de pera y un sistema de siete cuerdas afinadas por quintas y cuartas. Cinco de esas cuerdas se tensan sobre el diapasón y dos más -suplementarias o al aire- se ajustan por la parte exterior del clavijero. Tiene cordal y puente, como todos los instrumentos de esta categoría (viola d'amore, viola de gamba, pochete, etc.). El clavijero tiene forma circular con las clavijas dispuestas de manera perimetral. Podría tratarse de un antecedente de la lira da braccio italiana.

Violano virtuoso: Aparato musical ideado en los Estados Unidos a fines del siglo XIX. Podía reproducir mecánicamente el sonido de uno o dos violines solistas con acompañamiento de cuatro violines secundarios. La digitación de las cuerdas se producía a través de impulsos procedentes de una batería de magnetos eléctricos.
Viola pomposa: Es una variedad de viola de brazo (viola da braccio). Se utilizaba particularmente en Italia durante del siglo XVIII.. Tiene la apariencia de un violonchelo común (tamaño y forma), pero con cinco cuerdas en lugar de cuatro. Los ejemplares conocidos, se encuentran en museos y colecciones privadas. Muchas de estas piezas muestran un fino trabajo de ebanistería, propio de la época. Fue uno de los instrumentos del barroco, empleado por Johann Sebastian Bach. En la actualidad, la viola pomposa ya no se utiliza porque el violonchelo la sustituye con ventaja.

Viola-tenor: Nombre que aparece en algunos tratados del siglo XIX para citar a la violotta del Dr. Alfred Stelzner. También se la describe como tiple de viola, referencia que parece más acertada de acuerdo con su tesitura.

Viola toeira: Instrumento de cuerdas, típico de Portugal. Consta de cinco órdenes, con doce cuerdas en total. Tres grupos de cuerdas son dobles y los dos restantes, triples. Pertenece a la familia de las violas rústicas, aunque su estructura responde a un bello diseño y el sonido es muy agradable. Durante muchos años había caído en desuso. Hacia 1980, fue recuperada como pieza histórica por varias asociaciones musicales. En la actualidad su uso ha comenzado a divulgarse entre las peñas tradicionalistas y los conjuntos folclóricos. Por la forma y las dimensiones, la viola toeira es semejante a la viola braguesa. Tiene el orificio central en forma ovalada.

Viole-clave: Aerófono antiguo, parecido al oboe, con lengüetas libres, creado en 1847 por Morin de la Guerinière. También puede aparecer escrito con el nombre violoclave. En la actualidad es raro su empleo, aunque algunos conjuntos selectos, dedicados a la interpretación de la música de cámara del siglo XIX, lo suelen emplear esporádicamente.

Viole da brazzo: En plural. Formulación italiana, propia del siglo XVII. Antiguamente se llamaba así a los conjuntos de instrumentos de cuerdas que se sostenían con el brazo, sin apoyarlos en el suelo (violines, violas, violonchelos). Durante ese brillante periodo -en el que floreció el madrigal- los instrumentos de este tipo tuvieron un papel destacado en las plantillas de las nacientes orquestas de ópera. Debido a la gran expresividad de su timbre y su profunda sonoridad, solían combinarse con otros cordófonos, cuyos sonidos eran también muy singulares o contrastados, como el arpa doppia (arpa doble), los chitaroni (grandes laúdes bajos) y los contrabaffi de viola (violas da gamba contrabajo). En la configuración instrumental de su célebre favola in música“Orfeo”, el gran compositor y orquestador italiano Claudio Monteverdi (1567-1643), incluyó un variado conjunto de instrumentos de esa categoría, agrupados bajo la denominación genérica de viole da brazzo.

Viole d'arco tastate: Viola antigua de seis cuerdas, con la caja ovalada, ligeramente alargada, y el clavijero inclinado. El mango o mástil contaba con un diapasón de siete trastes. Su utilización se extendió hasta el Barroco tardío (siglo XVII). El nombre italiano d'arco tastatesignifica “viola de arco golpeado”, por la costumbre de la época de golpear suavemente las cuerdas de estos instrumentos con el propósito de obtener notas breves y bien delimitadas (tastare/tastegiare=tocar). Existen referencias de que este instrumento también se podía tañer con una púa o plectro de marfil.

Viole divisi: Indicación de ejecución en italiano. Aparece en las partituras de orquestas del Renacimiento y sirve para señalar la disposición de las violas en dos grupos, llamados de primera y segunda cuerda.
Viole lirone: Instrumento de cuerdas del siglo XVII. También llamado viola lira. Es el nombre que recibía en Francia e Italia una variedad de viola con numerosos órdenes de cuerdas. Por el bajo rendimiento, en comparación con su gran complejidad -tanto de fabricación como en la ejecución- dejó de fabricarse en el siglo XVIII y pronto decayó su uso.

Violero (fabricante): Palabra castellana equivalente al francés luthier. Se refiere específicamente al diseñador y constructor de estos instrumentos de cuerdas. Se utilizó desde el siglo XVI hasta principios del XIX, época en que el término francés, de concepto más amplio, comenzó a ser corriente en la mayoría de los países europeos.

Violero (ejecutante): Se llama así al intérprete de la viola tradicional o de cualquiera de sus variantes. Equivale también a laudista, palabra que también tiene ambos sentidos, tanto el de fabricante de estos instrumentos como de quien lo ejecuta. En las traducciones de tratados musicales de origen italiano y en los escritos sobre música de ópera, puede aparecer el equivalente italiano liutaio.

Violet (cordófono): Nombre francés de la viola de amor. Puede aparecer citada de esa forma en algunas traducciones antiguas. Otra de sus denominaciones corrientes era “pequeña viola inglesa” (violet anglaise), debido a la gran popularidad que gozó este instrumento en aquel país durante los siglos XVI y XVII. Entre los modelos más perfectos de violet se encuentran los ejemplares de veinte cuerdas, elaborados por el célebre constructor de Praga, Johann Ulrich Eberle (c. 1740).

Violet (forma de afinación):

El término también se empleó para indicar una forma especial de afinación aplicada en el violín (

mi², la², mi ³, la³

)

Violicembalo : Instrumento de cuerdas del siglo XVII. Aunque por su forma exterior se parece al clavicordio y al clave-viola, el funcionamiento es casi totalmente mecánico. La extensión máxima de su escala es de seis octavas. Su creador fue el músico e inventor alemán Johann Hans Heyden, que lo presentó en Nuremberg en 1669. El principio que produce los sonidos se basa en la rueda de resina que ejerce una frotación sobre las cuerdas de tripa. Cada cuerda armónica se puede pulsar con una tecla independiente. Existen modelos cuya rueda es de madera de fresno y la superficie de roce presenta una pátina de colofonia. Otra versión similar fue concebida y fabricada en 1822, en Venecia, por el abate Trentin. Pese a la bella sonoridad de su sistema melódico, no tuvo suficiente divulgación, por ser un aparato con pocas posibilidades para la improvisación o la ejecución virtuosa. Existen varios modelos de estos pianos mecánicos, bastante bien conservados en museos y colecciones. En la actualidad sólo constituyen una curiosidad histórica que recuerda la época de los mecanismos autómatas.

Violín: Instrumento de la familia de los cordófonos de arco. Es el más agudo de su clase. Posee cuatro cuerdas afinadas al aire, es decir, sin contacto con ningún elemento de presión que modifique el sonido natural de las mismas. Mediante el manejo adecuado del arco -que es la principal característica del violín- se pueden ejercer distintos efectos que permiten determinar el fraseo, la articulación, la dinámica y el ritmo. Las técnicas más usuales son la velocidad del deslizamiento, el punto donde se ejerce la frotación y la presión sobre las cuerdas. Aunque la afinación normal del violín es sol-re-la-mi, grandes maestros y artífices de este instrumento emplearon otras formas de templado, adecuada a las exigencias de sus propias obras. Entre las distintas variantes -denominadas scordatura en italiano o verstimmung en alemán- pueden citarse algunas que llegaron a adquirir celebridad y fueron imitadas por varias generaciones de violinistas:

- Barbella ( la-re-fa sostenido-do sostenido)
- Pietro Nardini (do-fa-la-mi)
Uno de los más destacados violinistas del siglo XIX, distinguido por su técnica depurada y extraordinario virtuosismo, fue el español Pablo de Sarasate (1855-1908). Los grandes compositores de la época escribieron obras creadas especialmente para la calidad de compositores de la época escribieron obras creadas especialmente para la calidad de 1921) "Sonata para violín" Op. 75 y Op. 102; Édouard Lalo (1823-1892) "Sinfonía española" Op. 21 y Max Bruch (1838-1920) "Concierto para violín" Nº 1 en sol menor Op. 26.

Violino piccolo alla francese: Nombre italiano del violón-petit (pequeño violín). Es el modelo alto o tiple de la viola. En las traducciones del italiano, publicadas desde mediados del siglo XX en adelante, puede aparecer escrito de esta forma o simplemente piccolo. En España se lo conoció como alto de viola.

Violín soprano : Violín piccolo del siglo XVIII. Una de las diversas variedades que presenta este dúctil instrumento afinado una tercera menor más alta. Los músicos alemanes lo tenían en gran estima y lo llamaban Quart-geige. Por su tamaño y sonoridad era comparable al ya citado piccolo violino a la francese.

Violon: Nombre francés que corresponde al español violín. Aparece así en partituras y tratados escritos en ese idioma (Francia, Canadá, etc.). No debe confundirse con el término castellano violón (guitarrón o contrabajo).

Violón (cordófonos rasgueados):

Guitarra grande. También se le llama

guitarrón

. Es un término usual en algunos países suramericanos.

Violón (cordófonos de arco): Instrumento de seis cuerdas, perteneciente a la familia de las violas de gamba. Estuvo en uso a fines del siglo XVI. Su caja de resonancia -algo menor que la del contrabajo moderno- medía cerca de un metro de largo y la eclisa unos 20 cm de alto.

Violonaro:

Nombre italiano que tenía en el siglo XIX el

contrabajo-octava

. También llamado

octobasse

por los franceses.

Violon-basse: En francés (violín grave). Nombre antiguo del contre-basse (contrabajo). Es un galicismo en desuso. Puede aparecer en algunos tratados en castellano escritos hasta fines del siglo XIX.

Violonchelo: Del italiano violonchelo. Es un instrumento de arco, de la familia de los violines, más grande que la viola y algo más pequeño que el contrabajo. Como la mayoría de los de su clase, en la actualidad se ha normalizado con cuatro órdenes de cuerdas (Do, Sol, re y la). Su sonido resulta una octava más grave que la viola. Existen ejemplares del siglo XVII, en museos y colecciones privadas, que tienen cinco y hasta seis órdenes de cuerdas. En aquella época, el violonchelo se empleaba solamente para realizar la parte del bajo continuo. A partir del siglo XVIII empezó a destacarse en las partes solistas. También puede aparecer escrito violoncelo.
Violone: Denominación que recibe el contrabajo moderno en las partituras de obras musicales, grabaciones discográficas y bibliografía procedente de Italia.

Violone siciliano: Instrumento rústico de cuerdas. Es tradicional de Sicilia, donde aún suele aparecer como elemento folclórico en las festividades tradicionales de aquella isla. Existe un modelo más evolucionado, fabricado en madera de olivo y con cuatro cuerdas de metal, al que llaman violone de Cammarata.

Violonet: Instrumento de arco francés, del siglo XIX. Equivalente al contralto del violín. Un ejemplar de este tipo fue desarrollado por el luthier francés Jean-Baptiste Villaume, al que llamó violoneau. Alcanzó un desarrollo reducido, igual que su hermano mayor el voluminoso octobajo (contrabajo-octava). En la actualidad ha dejado de utilizarse.

Violon-petit: En francés: pequeño violín. Es un galicismo en desuso. Corresponde a la versión tiple de la viola. Se trata del mismo instrumento que los italianos llaman violino piccolo a la francese. Puede aparecer en algunos manuales franceses traducidos al castellano hasta fines del siglo XIX.

Violon-vielle: Nombre francés antiguo de la vielle común a manivela. Es un galicismo que no ha dejado de utilizarse totalmente, porque lo emplean algunos cultores de la música renacentista y medieval. Puede aparecer escrito en partituras o manuales anteriores al siglo XX.

Violotta: Tiple de viola diseñada a fines del siglo XIX por Alfred Stelzner, violonchelista, compositor y constructor de instrumentos musicales de Wiesbaden (Alemania). Un ejemplo práctico de la excelente calidad sonora de este instrumento -escasamente divulgado- se perfila con nitidez en la obra del compositor germano Felix Draeseke: “Quinteto en la mayor para dos violines, violotta y violonchelo” Op. 25 (1897).

Virelai: Nombre que tenía el rondó en Francia, durante el siglo XV. Es un término derivado del francés (virer=dar vueltas, girar). Más tarde pasó a designar un tipo de composiciones instrumentales acompañadas de canto. En algunos libretos de ópera francesa aparece la palabra virelai para indicar la interpretación de un tipo de aria con acompañamiento de instrumentos de cuerdas. El término procede de la lírica provenzal del siglo XIII (virelay).

Virga: Del latín. (barra). Voz indicativa en el sistema de notación por neumas del canto gregoriano. Equivalía al acento (acutus) y servía para señalar un movimiento ascendente de la voz hacia una nota más alta.

Virginal: Instrumento musical de cuerdas pulsadas y teclas. Es una versión similar a la espineta. Su más remoto antecedente procede de Italia, en el siglo XV. Su nombre proviene del latín (virginalis=instrumento de iglesia, dedicado al culto de la Virgen). Alcanzó bastante difusión en Inglaterra y los Países Bajos durante los siglos XVI y XVII.

Virgula: Igual que virga. Pequeñas líneas o barras verticales, colocadas en el tetragrama, para señalar la división de los compases. También se usaban para marcar el final de un canto y el comienzo de otro. Eran usuales en los libros de coro.
Virgula majoris: Barra mayor. Comprende las cuatro líneas de tetragrama, desde la superior hasta la inferior. Indica el final de cada periodo. Dos barras mayores unidas marcan al final de un canto o grupo de cantos.

Virgula minoris:

Barra menor. Sólo cruza las dos líneas superiores del tetragrama y señala los puntos de reposo.

Virtuosismo:

Calidad de bravura en la ejecución musical. Se entiende tanto para el canto como para la parte instrumental.

Virtuoso: Se dice del cantante o ejecutante de un instrumento musical cuya rara habilidad técnica y perfección en el estilo está por encima de los mejores artistas de su clase. El virtuosismo fue una calidad musical muy celebrada en todas las épocas. Johann Sebastian Bach concibió varios conciertos y sonatas, especialmente escritos para el lucimiento de los grandes virtuosos de su época.

Virtuoso di camera: En italiano (virtuoso de salón). Nombre que se daba antiguamente a los instrumentistas y cantantes cortesanos que se hallaban al exclusivo servicio de un monarca.

Vis cómica: Prefijo descriptivo. Viene del latín (vis=fuerza) carácter cómico, divertido, jocoso. Entre los grandes maestros de este género, puede citarse al basso-buffo Salvatore Baccaloni (1900-1969) célebre cantante italiano del repertorio grotesco. Su vis cómica otorgó un gran realce al papel de comprimario en las óperas de Mozart, popularizando papeles secundarios como el de Bartolo en "Le nozze di Figaro", Leporello en "Don Giovanni", o don Alfonso en "Cosí fan tutte".

Vito:

Baile de Andalucía, en compás movido, de 6 x 8. Era popular en el siglo XIX. También se llamaba así al jaleo y la música que lo acompañaba.

Vitula: Nombre antiguo de la lira y posteriormente de la viola. Vocablo procedente del latín vulgar. Es posible que se trate de un derivado de la diosa de la alegría (vitulor/aris=alegrarse). Los primeros instrumentos musicales tenían un objeto festivo y de diversión.

Vivace: Indicación de ejecución en italiano (vivaz). Señala un compás rítmico con la pulsación algo más acelerada que en el tiempo allegro. Cuando se trata de un ritmo excesivamente movido, se indica con el superlativo molto vivace.

Vocalización : Manera de solfear sin nombrar las notas musicales. En el canto operístico, es un ejercicio de preparación antes de actuar que se realiza utilizando una vocal determinada con el objeto de brindar flexibilidad y agilidad a la voz.

Vocalización A : También llamada Sonido A. Se dice así cuando los cantantes ensayan un pasaje o ejercitan la voz, emitiendo el sonido de dicha letra, con la altura de las siete notas musicales que se utilizan en el solfeo. Por su timbre, la letra A se considera la más pura y perfecta de las vocales. Su acústica es sonora y cristalina. Además, ofrece una serie de gradaciones que van variando de acuerdo con la entonación, el acento silábico y la duración del tono emitido. Por ello es elegida por los cantantes para realizar sus ejercicios de vocalización.
Voce di capo: Término compuesto de origen italiano (voz de cabeza). Se refiere a la emisión de notas agudas al realizar la vocalización. Los sonidos, que parecen vibrar en la cabeza del cantante, dieron lugar a esta curiosa definición.

Voce di petto: De la misma procedencia (voz de pecho). Designa una técnica vocal que requiere gran dominio de la respiración. Su control e intensidad provienen del diafragma, de allí su nombre.

Voce di testa:

Voz de cabeza. Es otra variante itálica procedente del

bel canto

. Es igual que

voce di capo

.

Voce umana : Voz humana. Denominación común que se daba antiguamente en Italia al oboe da caccia (oboe de caza) y a otros instrumentos de los siglos XVII y XVIII. También recibió ese nombre el aerófono de llaves, actualmente conocido con el nombre de corno inglés.

Volkslied: En alemán (canción del pueblo). Es una forma de composición folclórica muy simple y reiterativa, inspirada en sonsonetes, tonillos y melodías anónimas. Su estilo se emplea actualmente para acompañar los cantos de protesta y otras manifestaciones de masas (estadios de fútbol, protestas estudiantiles, ecológicas, etc.).

Volta: Parte final de la ballata, una popular variedad de la canción italiana del siglo XIII. La volta está formada por un retorno a la frase musical del principio de la pieza, en la que se canta un texto rimado igual al estribillo.

Volubile: Palabra italiana (voluble). Es una indicación de ejecución. Significa que la interpretación de una melodía debe tener cierto aire fluido, casi etéreo. En la ópera romántica es una expresión de sentimiento que suele estar relacionada con el espíritu del personaje femenino (fugitivo, ligero).

Volumen:

En música es la intensidad de la voz o del sonido de los instrumentos.

Voluta-clavijero: Parte superior del sistema de clavijas en algunos cordófonos de arco, como el violín, la viola, el violonchelo y el contrabajo. También puede darse en otros instrumentos que se tañen con plectro, como la espineta de los Vosgos, la cítara hummel o algunos modelos de dulcemeles. Consiste en un adorno de madera tallada, de suave diseño y forma de espiral. Este detalle cumple una doble función estética y acústica determinada por la estructura del clavijero. Además, en algunos casos también sirve de contrapeso en el perfecto equilibrio del instrumento a la hora de tañerlo. La forma tradicional de la voluta se popularizó durante el periodo del Renacimiento, coincidiendo con la paulatina desaparición de las cabecitas de madera tallada que decoraban muchos instrumentos de la Edad Media. Desde entonces ha mantenido su forma sin mayores variaciones.

Vortrage: Expresión germana que sirve para indicar cierta libertad en la interpretación de una melodía. Es una indicación de ejecución, que puede aparecer escrita en grabaciones discográficas, CD, partituras y bibliografías sobre obras musicales procedentes de Alemania y Europa del este.

Voz blanca: Se llama así a la voz pura, de tiple, bien modulada y cristalina. También recibe esta denominación la voz infantil, empleada en los coros y escolanías para interpretar pasajes religiosos. En el barroco italiano se conoce como "voce bianca" a la voz de los castrati, que unían a la tonalidad cristalina del niño, la potencia y el dominio técnico del cantante adulto.

Voz de cabeza: Del italiano voce di testa. Es un término corriente que se utiliza para definir a la voz del cantante lírico cuyos sonidos graves y medios parecen resonar dentro de la cabeza. Es lo opuesto a la voz de cabeza o falsete.

Voz de pecho: Del italiano voce di peto, ya citado. Es un término corriente que se utiliza para definir a la voz del cantante lírico cuyos sonidos graves y medios parecen resonar dentro del tórax. Es lo opuesto a la voz de cabeza o falsete.

Voz esencial: Transcripción española de un término propio de la ópera alemana (hauptstimme). En el contexto del drama lírico contemporáneo se denomina así a la voz más determinante en la escena. Generalmente corresponde al personaje que representa el papel preponderante en el desarrollo argumental. Suele configurar un juego equilibrado de altibajos con la voz secundaria, también llamada nebenstimme.

Voz humana: Nombre de un registro de órgano. Se llama así porque puede imitar la voz de los cantantes del coro. Su tubo es cónico y de altura intermedia. El término también se suele aplicar a uno de los registros del armonio.

Voz operística: Existen tres categorías básicas: los tonos nasales o agudos, las voces de registro medio y los tonos llamados de pecho, dotados de una gran intensidad dramática. Una buena voz operística, se puede desplazar por las tres categorías con gran soltura y calidad vocal. Otras cualidades de la gran voz operística son el control de intensidad; la flexibilidad para adaptarse a las más diversas exigencias del libreto y el timbre o coloratura, elemento importantísimo en la personalidad del cantante de ópera.

Voz organal: Del latín (vox organalis). Término del canto llano o gregoriano. Es la voz que canta simultáneamente la misma melodía, en movimiento paralelo con la voz principal. Ambas configuran un equilibrio acústico muy significativo en el contrapunto.

Voz principal: Del latín (vox principalis). Es la primera voz, que canta la misma melodía, en concordancia paralela con la voz organal. Igual que el anterior, también es un término propio del canto llano o gregoriano.

Voz tenida: En el drama lírico se llama así a la voz del cantante que emite una nota sostenida -o una serie de serie notas de larga duración- mientras, en torno suyo, se desarrollan contrapuntos en tempo presto o prestísimo. En la ópera, este efecto utiliza para indicar un rasgo de serenidad en medio de las adversidades del destino. Como ocurre con las notas pedales, la voz tenida también se suele emplear para señalar el preludio que anuncia el final de un acto.

Vuoto: Voz italiana (vacío). Es una indicación de ejecución que en las partituras se suele consignar mediante un cero (0). Sirve para señalar al intérprete de un determinado instrumento que debe ejecutar la melodía sin modificar el sonido natural del mismo. Esto se puede aplicar tanto a las cuerdas, que no deben ser pisadas, como a los orificios de los aerófonos, para que permanezcan abiertos, etc.

-W-

Wadjira: Pequeña campana de bronce, propia del folclore musical de la India. Se usaba en las ceremonias litúrgicas del culto budista. También aparece como elemento sonoro en las piezas melódicas inspiradas en las leyendas de la tríada compuesta por las deidades hindúes Brahma, Siva y Visnú.

Waerme:

En alemán (con calor). Indicación de ejecución para los pasajes que deben ser interpretados con carácter expresivo y mucho brío.

Waldflute:

En alemán (sonido del bosque). Registro de órgano de 8 y 4 pies. Es una variedad inspirada en las tonalidades acústicas de la naturaleza.

Walnica: Aerófono tradicional de los países eslavos. También llamada “gaita de los Urales”. Es una variedad de cornamusa, de la que existen distintas formas y tamaños. Normalmente, están provistos de un odre, pico de insuflar, tubos de bajo y un caramillo.

Wah wah:

Nombre onomatopéyico de un modelo de sordina para

trompeta

, con la cámara doble, de forma cilíndrica, que se emplea principalmente en la música

pop

y en el

jazz

.

Waldteufel: Término alemán que sirve para designar a una variedad de tambor de fricción de sonido ululante y un solo parche en la parte superior. El ruido se produce mediante la frotación de una varilla sobre la membrana. Una versión mayor de este raro y antiguo instrumento, se coloca pendiente de un travesaño, con el parche hacia abajo, y se ejecuta tirando de una cuerda gruesa que pasa por el orificio central de dicha membrana.

Waltz:

Denominación del vals en inglés.

Wambee: Instrumento indígena de América del Sur. Es un cordófono primitivo, compuesto por una caja de madera rectangular, atravesada por cinco cuerdas de finas fibras vegetales. Su difusión geográfica comprende desde las estribaciones orientales de los Andes peruanos hasta los territorios de Amazonas, Matto Grosso y norte de Paraguay. Según la región a la que pertenece, también pueden aparecer escritos los nombres valga y kissumba.

Wanngong: Cordófono tradicional del Japón. Se emplea en la música religiosa. Tiene la particularidad de que sus seis cuerdas son iguales. Las melodías, aunque monótonas, expresan una cierta dulzura.. Para tañerlo se usan plectros de marfil, con forma de uña. También aparece escrito wangong.

Wasamba: Instrumento de percusión. Es un tipo de sistro de calabaza, originario de África occidental (Gambia, Senegal, Guinea-Bisau). Consiste en una horqueta de madera dura, con ángulo agudo, en uno de cuyos brazos se inserta una ristra de pequeñas calabazas secas y cortadas por la mitad. Luego de perforarlas y colocarlas de tal forma que las partes cóncavas coinciden entre sí, producen un sonido hueco al ser sacudidas. Se trata de un primitivo elemento sonoro, ampliamente difundido en distintas culturas africanas. Dentro de esta familia existen otros ejemplares folclóricos, que presentan las mismas características, como los sistros “krindié” de Costa de Marfil y los “Wandyerma” de Malí. Wasserorgel: En alemán (órgano de agua). Denominación germana del órgano hidráulico.

Western: Término inglés que en música se refiere a un tipo de melodía, típica del oeste norteamericano, que fue popularizada por el cine a partir de la década de 1930. Se trata de una forma, predominantemente vocal, que suele acompañarse con instrumentos tradicionales de folclore regional (guitarra, armónica). El western, junto con las variedades musicales country y hillbilly, constituyó en su momento la base estilística del rock and roll.

Willow-Horn: En inglés (corneta de sauce). Antiguo instrumento de viento de la familia del oboe, dotado de una gran sonoridad y forma similar a la gralla del Rossellón. Fue un aerófono tradicional en el folclore musical de Inglaterra. Aún se suelen ver ejemplares de este tipo en las celebraciones populares de la región noroeste del país (South Shields, Sunderland, Wooler). Se fabricaba con corteza de sauce enrollada. Poseía una lengüeta doble, insertada en el extremo correspondiente al orificio de la embocadura. En unas excavaciones arqueológicas realizadas en las inmediaciones del condado de Northumberland (antigua Britannia inferior), cerca de las ruinas de Vallum Hadriani¹³⁹, se halló un instrumento similar que data del siglo II d. C. Algunos estudios organológicos estiman que este primitivo instrumento fue un antecedente de la actual cornamusa conocida con el nombre de northumbrian small-pipe.

Wirbel: Vocablo musical de origen alemán. Se llama así a la reiteración acelerada de los sonidos cromáticos en los instrumentos de percusión. Aparece con particular carácter en la ópera wagneriana. Equivale al efecto del tremolo y se produce como un recurso sonoro particularmente dramático en los membranófonos (timbales, tambores, bombos, etc.). Con menor dominio sobre los matices sonoros, también se puede lograr con los instrumentos idiófonos de placas y láminas percutidas (campanas tubulares, litófonos, platillos, etc.)

Whole consort: En inglés (conjunto íntegro). Grupo homogéneo de instrumentos, que en muchos casos pueden ser complementarios en lo que respecta a la altura y amplitud del sonido. El patrón instrumental alcanzó su apogeo como estilo durante los siglos XVI y XVII. En sentido estricto, el término consort -como equilibrio de entidades sonoras- se denomina whole (entero) cuando los instrumentos forman un conjunto integrado en la orquesta. El calificativo broken (roto o disociado) se aplica si el grupo está compuesto por instrumentos de diversa procedencia, aunque no existan disonancias a la hora de realizar las interpretaciones. Aunque el nombre es relativamente reciente, la idea que dio origen al término ya existía en la música de cámara de los siglos XVII y XVIII: Vale como ejemplo un interesante trabajo creativo, integrado con bellas combinaciones sonoras, obra del violonchelista y compositor italiano Luigi Boccherini: "Doce tríos para violín, violonchelo y viola" G. 95-100 y 107-112.

¹³⁹ Antigua muralla -llamada de Adriano- mandada a erigir para la defensa de Britannia contra el ataque los pictos o caledonios en tiempos del emperador romano Publio Elio Adriano (76-138 d. C.).

-X-

Xangó: Culto religioso afrobrasileño, cuyas ceremonias incluyen secuencias y pasajes musicales marcados por la gran sonoridad, el ritmo y el colorido, en las que intervienen un conjunto amplio de instrumentos típicos, como los tambores Ilú y los sonajeros abe.

Xáquera vella: Antigua danza española. Es originaria de la región valenciana (Valencia, Castellón, Alicante). Tiene movimientos graves y ceremoniosos como la pavana. Fue popular durante los siglos XVI al XVIII.

Xeremia: Instrumento de viento de la familia de las gaitas o cornamusas. Conocido en Europa occidental desde la antigüedad. El músico que ejecuta este instrumento se llama xeremier. Las partes componentes de la xeremía son:

1) Odre, de piel u otro material que permita mantener el aire. En catalán se llama sarró o sac (saco).
2) Bufador o pico, por donde se insufla el aire dentro del sarró.
3) Gralla o grall, tubo cónico, similar al flabiol, provisto de ocho orificios que permiten hacer sonar la melodía.
4) Nous (nueces). Son piezas talladas en madera dura que sirven para acoplar el sarró a los tubos grall y bufador.
5) Braguer, pieza destinada a transportar el viento hacia la trompa.
6) Trompa, tubo por donde sale una nota continua, llamada nota pedal. En este tubo el aire penetra directamente, reproduciendo el sonido en forma constante.
7) Canyeta, o lengüeta doble, fabricada con dos laminillas de caña fina.
8) Fillols, las xeremies corrientes no llevan bordones. En cambio tienen estos dos tubos -llamados fillols (hijuelos)- que no suenan y sólo sirven de adorno.
9) Ornaments (ornamentos), nombre que se da al conjunto de piezas complementarias que constituyen el "vestido" del instrumento, pero no forman parte del sistema sonoro (abrazaderas, virolas, cordoncillo, borlas, funda, etc.).

Existen constancias de su existencia en Cataluña desde el siglo XII, donde se la conocía con los nombres de borrega, catarineta o sac de gemecs. Junto con el tambori y el flabiol se sigue utilizando con pocas variantes hasta la actualidad. En algunos países árabes (norte de África, Magreb), existen ejemplares muy parecidos en su estructura a los existentes en las islas Baleares.

Xeremia de tres bordons:

Instrumento igual que el anterior, pero en lugar de los tres tubos de adorno, llamados

fillols

, lleva otros que sí suenan, denominados

bordons

(bordones).

Xilófono: Del griego (xylon=madera/phoné=sonido). Es un Instrumento de percusión utilizado en algunas óperas para la interpretación de ciertos pasajes cuyo argumento requiere acompañamiento de música concreta. Ya se conocía en la antigua Roma con el nombre de Ligneum Psalterium. Consiste en un conjunto de plaquetas de madera, de diferente largo y grosor. Al percutir esas plaquetas con macillos de madera, producen una serie de sonidos cromáticos y diatónicos predeterminados desde el más grave hasta un agudo medio. El xilófono es el instrumento que mejor permite obtener los sonidos puros de la madera. Las tonalidades mate producidas por este instrumento suelen tener una extensión cercana a las tres octavas en clave de sol, y se complementan muy bien los demás instrumentos de la orquesta.

Xilomarimba: Instrumento idiófono de la familia de los xilófonos. Posee una mayor sonoridad que le permite alcanzar una octava inferior. Sus láminas de percusión son de mayor tamaño. Auque en forma menos usual, también se lo suele llamar xilorimba.

Xilórgano: Especie de salterio de tablillas de madera que apareció en Europa hacia el siglo XVI. Según parece, procedía de Oriente. Tuvo escasa popularidad por que nunca más se volvió a saber de él. A principios del siglo XX algunos musicólogos e investigadores intentaron restaurar su práctica sin éxito.

Ximbomba (La): Melodía tradicional de las islas Baleares. Tiene aire de danza, con un ritmo pegadizo y muy marcado. Se supone que podría tratarse de una reminiscencia transcultural del tiempo de los honderos baleares, antiguos guerreros que habitaban el archipiélago hace unos dos mil años. El nombre de esta danza recuerda también a la zambomba, una especie de tambor rústico, de fricción, cuyo sonido es ululante como el waldteufel alemán. La caja de resonancia de la ximbomba -de uso común en los conjuntos folclóricos de Baleares- se fabrica en diferentes tamaños con un de aro de cerámica, similar a una olla sin fondo y cubierta con una membrana perforada. Se supone que en su tiempo fue un instrumento musical, destemplado e inquietante, utilizado en las acciones de guerra para atemorizar al enemigo.

Xirigüelu: Danza típica de Asturias, a la que también se suele denominar saltón o saltiquer, por los movimientos vivos y acelerados que se realizan al bailar. El xirigüelu asturiano asimila -en su contexto- antiguas composiciones tradicionales que, con el tiempo y la costumbre, han pasado a formar parte de su propia entidad. Tal como ocurre con la canción folclórica titulada "Villaviciosa hermosa".

Xirimie: En mallorquín (chirimía). Nombre que se da en las islas Baleares a un instrumento de viento parecido a la flauta con boquilla de lengüeta de caña y diez agujeros que se obturan con los dedos. Aunque también puede aparecer escrito xeremia, no es el mismo instrumento.

Xota: Baile popular asturiano. Es una modalidad autóctona de la jota tradicional, aunque dotada de ciertas características musicales propias de las comarcas rurales del norte de la península. Su contacto permanente con la rica variedad de formas existentes en la región dio por resultado una serie de estilos bien conocidos, con los nombres genéricos de bailles de pandeiru, baille pesao y baille llixeru. Entre una gran variedad de composiciones tradicionales en el ambiente folclórico de Asturias pueden citarse como ejemplos a los títulos "Xota de la rosa", "Xota de lleitariegos", "Xota pumarega", etc.

-Y-

Yaraví:

Música indígena de carácter dulce y melancólico. Es una voz quechua, típica del altiplano andino. Pertenece al acervo musical tradicional de Perú, Bolivia y Argentina.

Yambo: Pie melódico inspirado en la métrica de la antigua Grecia. Está formado por un sonido breve y otro más extenso. El sonido breve corresponde al tiempo débil y el extenso al tiempo fuerte. Solía aplicarse a la composición de piezas de carácter moderado con una delicada modulación rítmica (minueto, scherzo, algunas sinfonías). La“Sinfonía Nº 1 en do mayor”, de Ludwig van Beethoven, demuestra rasgos inspirados en esta particularidad armónica.

Yamato koto: Nombre popular de una cítara oriental melódica y armónica, derivada del k’in chino. Es la forma más primitiva de la serie de cordófonos koto y está relacionada desde la antigüedad con tradiciones legendarias que recuerdan el origen de los sonidos musicales. La caja de resonancia de este instrumento presenta una forma convexa y alargada, con dos orificios u oídos en la parte inferior y seis cuerdas de seda, tensadas sobre la tapa. Liviano y a la vez resistente, el cuerpo de este instrumento, suele tener una extensión cercana a los 2 m con unos 30 cm de ancho y 5 ó 6 cm de altura. El frente y las partes laterales presentan decoraciones y tallas en maderas nobles, con incrustaciones de concha o marfil. Cada una de las cuerdas se puede templar por separado con la ayuda de unos pequeños puentes móviles. Su forma de afinación más usual es la siguiente: re 4, la 3, re 3, si 3, sol 3, mi 3.

Yambú: Ritmo tradicional en la isla de Cuba y otras zonas del Caribe. Pertenece al complejo musical de la rumba, como la cumbia y el guaguancó. Se percute con tambores, sonajas y cajas de madera, que le brindan un sonido personal y primitivo.

Yasti-baraban: Aerófono tradicional de la antigua república soviética de Daguestán¹⁴⁰. Corresponde a la familia de los clarinetes rústicos en si bemol. Posee un timbre particular, especialmente adaptable a las formas melódicas de carácter folclórico, por ello lo suelen utilizarlos corrientemente en el acompañamiento de las danzas y cantos típicos de la región. En su fabricación se emplea la madera de un árbol de Armenia, cuya sonoridad es muy reconocida por los artesanos de aquellas regiones¹⁴¹. Presenta ocho orificios de digitación sobre la parte superior del tubo aéreo y uno de menor tamaño en la parte inferior que se obtura con el dedo pulgar.

Yhanya: Platillos de bronce de la India, también llamados jhálra. Son populares por su brillante sonoridad. Tienen la forma de disco plano con los bordes lisos y una concavidad en el centro donde se afirman las asas. Según las tradiciones religiosas tendrían un origen sagrado. En el norte de la India, Bangla Deh y Bhutan se emplean en los templos para

¹⁴⁰ Antigua república soviética, situada al suroeste de Rusia, en la frontera de Azerbaiyán, sobre el litoral del mar Caspio.
¹⁴¹ Albaricoquero (Prunus armeniaca).

acompañar los cantos ceremoniales. Existe otro instrumento idéntico en la isla de Ceilán (Sri Lanka) dedicada al acompañamiento rítmico de ciertas danzas folclóricas.

Ygdal:

Canto tradicional de los judíos. Considerada melodía no consagrada. Algunos autores le atribuyen un origen asiático. Se conoce desde el siglo XV.

Yotsudake: Especie de castañuelas japonesas, de madera de almendro. Se utilizan en las orquestas del kabuki (teatro tradicional japonés). Su efecto de suave percusión se combina con el sonido de los palillos hyôshigi en un motivo sonoro altamente expresivo. La actuación tiene lugar al comenzar cada representación y durante los cambios de escena.

Yü: Instrumento rítmico originario de la China, también llamado “tigre de madera”, que se usa en los templos del culto a Confucio. Es un artístico idiófono de frotación que también se suele utilizar en algunas orquestas folclóricas. Adopta la figura de un tigre sentado. Las rayas del lomo son ranuras que se frotan con un raspador de bambú dividido en finas varillas flexibles. El cuerpo hueco del instrumento produce un efecto sonoro similar a las escobillas de la batería. Suele emplearse junto con el tchou, un tambor de madera. El suave redoble de este último instrumento y el raspado del yü marcan el fin de las ceremonias.

YüehK’in: Cordófono chino llamado “guitarra lunar”. Es un instrumento legendario, cuyo origen se ubica en el siglo IV antes de la era cristiana. Técnicamente es un laúd de caja redonda con el mástil muy corto y el clavijero en forma de media luna, provisto de grandes clavijas laterales. Para tañerlo se emplea un plectro de bambú o marfil. La caja de resonancia - de fondo plano y poco espesor- se fabrica en madera finamente lacada, con un diámetro que no suele sobrepasar los 40 cm El breve diapasón sólo admite tres de los nueve trastes del instrumento, el resto se distribuye sobre la tapa armónica determinando una escala fija. Un sencillo puente sirve apara asegurar cuatro órdenes de cuerdas de seda, afinadas por quintas: re₂, re₂, la 2 la₂. Fue un elemento importante en las orquestas teatrales bajo la dinastía T’ang (siglo VII).

Yün-lo: Conjunto de idiófonos metálicos (bronce o latón). El afijo lo significa gong. Formado por un juego de discos sonoros consistente en una serie escalada de diez discos que van suspendidos de un bastidor múltiple. Procede del norte de China, aunque su origen sería mongol. La afinación básica de cada disco se realiza de la siguiente manera. Uno, superior, ubicado solo en el centro, en do; tres en la primera hilera: fa-la-re; otros tres en la hilera central: sol-si-si; y los tres últimos en la hilera inferior: mi-mi-fa.

Yunque: Del latín (Incudis=fuerte/constante). Es una herramienta de hierro, empleada ocasionalmente en algunas óperas por su gran registro sonoro, parecido al de las grandes campanas. El secreto de su mayor resonancia se debe a un espacio hueco situado en la base de madera maciza, que le otorga más flexibilidad al conjunto. Ya en el siglo XVI se lo consideraba como un curioso accesorio musical con mucho carácter. El compositor de la iglesia luterana, Martin Agricola, cita el "iuncus" (forma tardía) en su célebre obra de investigación titulada "Musica Instrumentalis", publicado en Wittemberg, en 1528. En el libro "Histoire Universelle de la Musique" de F. Corbiers, se atribuye el invento a Pitágoras. Richard Wagner lo utilizó en su ópera "Oro del Rhin". También recurrieron al sonido de este curioso instrumento los compositores Manuel de Falla, Héctor Berlioz y Giuseppe Verdi.

-Z-

Zaguf : Aerófono tradicional de Etiopía. Antiguamente, tenía un carácter ritual y simbólico. Su sonido, agudo y prolongado, acompañaba las rogativas por las buenas cosechas y el medrar del ganado. Existen constancias documentales de que su origen es anterior al siglo XV, cuando los portugueses se establecieron en la región. Aún subsisten en la actualidad algunos modelos de tres y seis orificios, con las mismas características que los ejemplares primitivos, existentes en museos y colecciones de instrumentos folclóricos. Los pastores de Eritrea y Somalia, emplean el zaguf para interpretar aires populares, que acompañan los cantos tribales. Por la forma del tubo y la embocadura, se parece al nay de los árabes. También se escribe zagouf.

Zamacueca:

Baile típico de la región andina de Hispanoamérica. (Ver

Cueca

). Pertenece al mismo género que el

zapateo cubano

Zamara: Conjunto de flautistas. Plural de zamir=músico. Se aplicaba a las orquestas de zambra. El vocablo era común antiguamente en el folclore regional de Andalucía. Es una voz derivada del árabe. (zamara=grupo musical).

Zamba: Danza tradicional, propia de la zona central de la República Argentina. (provincias de Santiago del Estero, Tucumán, Salta, Catamarca, etc.). Se interpreta por parejas. El hombre y la mujer, agitando sus pañuelos, simulan un cortejo, acompañado la música con movimientos sinuosos, en torno a un sector cuadrangular, que marca los límites del baile. Tiene un ritmo moderado en compás de 6 por 8. En la actualidad es una de las manifestaciones folclóricas más populares y difundidas del país.

Zambapalo : De zamba (danza) y palo (bastón). Cantar acompañado de danzas rítmicas, cuyo origen se remonta a la época anterior al Renacimiento. Algunos autores consideran que es de procedencia germánica. Durante el siglo XVIII, adquirió bastante popularidad en Andalucía, dando lugar a algunos sonidos de percusión, propios del flamenco. El ritmo de la danza zambapalo era dirigido por un maestro de ceremonias, que marcaba el compás con los golpes de un bastón. Desde el siglo XV, se conoció en España e Hispanoamérica, con diferentes nombres populares.

Zambomba: Instrumento musical de carácter folclórico, ampliamente difundido en todo el territorio español y en algunas regiones de Hispanoamérica. Es un idiófono frotado, de factura rústica y sonido destemplado. Básicamente consiste en una vasija cilíndrica, generalmente de barro cocido, provista de un parche de piel de cordero que se frota en forma insistente con la ayuda de una varilla. Existen distintas formas de producir el sonido, con la ayuda de la citada varilla o mediante una cuerda de cáñamo que roza contra la membrana de piel, al pasar a través de un orificio ubicado en el centro del parche. Por esa razón, en algunos tratados musicales aparece catalogado como membranófono. El ruido de estos instrumentos se denomina ululante. En las islas Baleares lo llaman Ximbomba.

Zambompe: Igual que el anterior. (En latín raucum tympanum). Versión originaria del sur de Italia. Val di Mazara (Sicilia), Aspromonte (Reggio di Calabria). Aunque el modo de producir el sonido es similar, el perfil de este membranófono es más estrecho y alargado, llegando el tubo de cerámica a medir hasta 50 ó 60 cm de largo. Es una pieza cilíndrica -de barro cocido y engobado¹⁴², cuyas finas paredes, de aspecto vidriado, presentan una excelente acústica. Como todos los instrumentos de su tipo, presentan una factura rústica y con sonido bastante áspero y grave. Todas las variantes de este instrumento responden a un mismo método de construcción, tradicional en el folclore mediterráneo. Se lo conoce desde la antigüedad con diferentes nombres locales. En este caso, el sonido se produce por frotación de una fina varilla de madera de olivo, untada con aceite. El roce se produce diagonalmente, a través de un simple orificio practicado en el centro de la membrana. El parche, de piel de oveja o carnero, se tensa mediante cuerdas de tripa y cintas de algodón trenzado. Los campesinos acostumbran decorar el cuerpo sonoro con paisajes y escenas típicas del medio rural. Algunos tratados del siglo XIX lo citan erróneamente con la traducción sambuca, sin embargo, este último es un instrumento de viento del tipo de la zampoña.

Zambra morisca: Voz proveniente del árabe (zamr=toque de flauta u onomatopeya de sonidos relacionados con este baile). Es una composición musical festiva y bastante ruidosa, con instrumentos propios, como las flautas de pico y las dulzainas. La vistosa coreografía pone manifiesto la antigüedad del género. Los movimientos corporales, el sonido y la mímica, que normalmente acompañan la interpretación de la danza, reflejan el carácter de los pueblos primitivos. En su estado puro, se ejecuta durante las fiestas gitanas. Pertenece a la gran familia de las danzas y cantos de origen islámico, que se han adaptado al ámbito cultural del folclore regional de Andalucía. Por extensión, también se dice de la algarabía festiva o el ruido sin concierto.

Zambra (ejecutante): Nombre antiguo. Se daba al músico que interpretaba las melodías de acompañamiento para esta danza morisca. Luis de Góngora y Argote (1561-1627) dice en uno de sus escritos “toque el zambra la xabela” (flauta árabe). El apelativo también se suele aplicar a las formaciones melódicas dedicados a esta forma musical.

Zambra granadina: Variedad moderna de la zambra morisca. En la actualidad, sólo se cultiva en el ámbito del folclore regional de Andalucía. Los ejemplos más significativos se interpretan en las tradicionales cuevas del Sacromonte. La versión granadina moderna, está constituida por tres bailes dotados de un fuerte carácter mímico: la alboreá, la cachucha y la mosca, cuyas respectivas coreografías simbolizan tres momentos de la boda gitana.

Zamir: Del árabe zamir (músico). Este vocablo tiene el mismo origen lingüístico que su plural zamara (grupo de músicos). Se decía antiguamente del intérprete dedicado a la ejecución de la zambra. Tuvo amplia difusión en el folclore regional de Andalucía.

Zampoña: Del latín y el griego (symphonia). Instrumento de viento rústico a modo de varias flautas de caña, unidas en serie, como la flauta de Pan. Cada tubo emite una nota distinta. Algunas variedades de zampoña pertenecen al conjunto de instrumento tradicionales del folclore musical andino, como el siku y la antara. Su existencia es muy antigua, tanto en Europa como en América. En el Museo Etnográfico de la Universidad de Buenos Aires existe un ejemplar de zampoña de cuatro tubos, tallada en piedra, de origen presumiblemente precolombino. Su sonido es dulce y armonioso. Procede de las ruinas de la fortaleza incaica de Tilcara, en la provincia de Jujuy.
Zampogna: Nombre itálico de la gaita o cornamusa. Pertenece a la subfamilia de los aerófonos indirectos. El odre de estos instrumentos se llena de aire mediante una boquilla o pico de madera de boj, provisto de válvula, llamado soplador. La corneta de salida del aire suele ser de madera y latón, con forma cónica y boca acampanada, a veces globular. Pertenece al grupo de instrumentos típicos en la región de los Abruzos, aunque también son conocidos en Calabria y la isla de Sicilia. Entre la variada obra del compositor boloñés Adriano Banchieri (1567-1634), se encuentra el drama lírico titulado "La zampogna musicale" publicado en 1625, donde el instrumento desempeña un papel preponderante como eje del argumento y emisor, a la vez, del sonido de fondo que surge a cada instante en torno al contexto de la obra.

¹⁴² Engobe. Técnica alfarera. Consistente en aplicación de una fina capa de arcilla, de color oscuro y uniforme sobre la pieza terminada y antes de ser cocida.

Zampognari: En italiano (gaitero). Se llamaba así al músico experto en el arte de tañer la zampogna o cornamusa. Hasta mediados del siglo XIX, existían en Italia compañías de artistas ambulantes que recorrían los pueblos interpretando melodías de corte tradicional. Generalmente, aquellos conjuntos populares estaban integrados por una zampogna y dos piffera, una grave, afinada en re, y otra más aguda, en sol.

Zamyr: Aerófono de procedencia árabe, parecido a la dulzaina. Siempre se tañe en pareja con otro instrumento similar. Ambos deben estar afinados en diferentes tonos. Mientras que uno de ellos ejecuta la melodía, el otro realiza el acompañamiento, a la amanera de bajo continuo. También se los conoce con los nombres de zurna y zamr. Son populares en el folclore musical de Persia, Arabia Saudita, y Túnez. En Egipto se los conoce con el nombre de gheteh. Los picos de estos instrumentos están provistos de lengüeta doble.

Zanfona: Antiguo cordófono de teclado, del tipo de los de rueda frotante, del que existieron distintas formas y modelos en la historia de los instrumentos musicales. . El antecedente más remoto que se conoce de la zanfona está en los organistrum del siglo XII. Las cuerdas de la zanfona eran de tripa y sonaban por roce. La cantidad de ellas no era fija, dependiendo del instrumento, aunque la mayoría contaba por lo menos con un par de cuerdas melódicas llamadas cantarelas y varios bordones. La rueda -untada con colofonia- giraba mediante una manivela que accionaba el ejecutante, al punto que accionaba las teclas para formar la melodía elegida. También puede escribirse zanfonía.

Zánganos:

Grupo de danzas y cantos pertenecientes al folclore regional de Andalucía.

Zantr: Instrumento musical de los persas. Nombre popular de una variedad de cítara folclórica de 72 cuerdas, originaria de la antigua Persia, cuyo uso se halla difundido también en Siria, Turquía y Grecia. En estos países es conocida con los nombres de santoure o santur. Se percute con baquetas. La caja de resonancia de este instrumento popular tiene la forma de una figura plana terminada en punta y con cinco lados. En algunos tratados o descripciones en francés, puede aparecer escrito çantr. La cedilla (diminutivo de zeda=zeta) es una letra poco utilizada como inicial en las lenguas románicas. Se empleaba antiguamente en la escritura española y servía para expresar un sonido intermedio entre la c y la z. Desde el punto de vista fonético toda letra es la expresión cabal de un determinado sonido implícito en el propio contexto de cada palabra. Sean vocales o consonantes, las propiedades acústicas de las letras siempre están naturalmente ligadas a los sonidos originales de cada idioma. Su inclusión en la terminología de este diccionario musical se debe a la difusión observada en algunas transcripciones, particularmente las procedentes de lenguas o dialectos originarios del este de Europa y el cercano Oriente (Rumania, Turquía, Armenia, Siria, etc.).
Zapateado: Baile tradicional de origen gitano, de estilo muy vivo y alegre. El sonido esencial de esta danza es producido por el repique de los tacos de bailarín. Las diversas melodías de acompañamiento del zapateado son de tipo popular y se interpretan en compás de 6/8.

Zapateo: Baile tradicional cubano, de origen campesino, escrito en compás de 6/8, similar a la zamacueca. Posiblemente derivado del modelo español. Data de fines del siglo XIX y principios del XX. Recuperado en la actualidad por agrupaciones folclóricas como ejemplo de la cultura musical de la isla. Solía interrumpirse durante su desarrollo melódico para entonar décimas al compás de la maraca güiro y la guitarrilla tiple.

Zarabanda: Antigua danza oriental, ruidosa y alegre, que llegó a España con los conquistadores árabes. Su nombre proviene del persa (serbend). Con el tiempo se transformó en un típico baile picaresco, acompañado de coplas, que llegó a ser muy popular durante los siglos XVI y XVII. La característica más peculiar de esta manifestación folclórica, de clara influencia morisca, es que sólo lo bailaban las mujeres acompañándose con castañuelas. Forma parte de un conjunto de bailes de época con música muy variada y similar coreografía. El escritor jesuita Juan de Andrés, dice en uno de sus ensayos que "la zarabanda es la más antigua manifestación de la poesía española con relación a la danza y el canto"¹⁴³. Fue prohibida en 1630 por el Consejo de Castilla, por considerarla perjudicial para la moral pública. En Hispanoamérica tuvo su equivalente en los zorongos de Cuba y los zarandillos mejicanos. En algunos tratados antiguos y también en catalán, aparece escrito sarabanda.

Zarandillo (americano): Baile y canción popular en México y otros países de Centroamérica. Existen allí varias formas de zarandillos, con diferentes modos, estilos y coreografías. Según la región, se ejecuta formando una ronda o por parejas. En algunas versiones el hombre danza en torno a la mujer, simulando el galanteo. En la isla de Cuba existe una variedad similar, con argumentos de carácter típicamente guajiro.

Zarandillo (europeo): Danza española del siglo XVIII, derivada de la antigua zarabanda. Se identifica por el fuerte contraste rítmico y la combinación de compases en 3/4 y 3/8 que se emplean alternativamente durante el desarrollo de la pieza.

Zarandunga: Danza, jarana. Nombre de un baile popular, originario del sur de Colombia y Ecuador. Como danza regional carece de condiciones propias, mostrando la influencia de numerosas formas musicales y estilos diversos. Sus principales características son el ritmo bullicioso y los compases reiterativos, fuertemente marcados con instrumentos de percusión. A mediados de la década de 1990 alcanzó difusión mundial a través de las compañías discográficas y el apoyo mediático. Una nueva variante, ligada al estilo flamenco, tuvo amplia aceptación, especialmente en España e Hispanoamérica.

Zarb: Tambor con forma de copa o cubilete, provisto de una sola membrana. Con ligeras variantes, es bastante popular en diversos países del mundo árabe, especialmente en los del norte de África. Aunque todos los ejemplares son muy parecidos, existen tambores zarb en una gran variedad de tamaños. Las formas pueden tener un perfil más o menos estilizado, de acuerdo con el lugar de donde procede el instrumento. La caja está formada por una sola pieza, generalmente de madera de nogal o morera. Para tañerlo, el ejecutante lo apoya en el hueco de la cintura, sosteniéndolo casi horizontal con el antebrazo mientras lo percute con las palmas de ambas manos.

¹⁴³ "Origen, progreso y estado actual de toda la literatura" Madrid, 1785.

Zarrabete: Nombre vasco de una variedad de zanfonia popular. Su construcción se debe al importante trabajo llevado a cabo por fabricantes artesanales de instrumentos musicales (musika-tresna), que realizaron reproducciones muy bien logradas de piezas antiguas, por lo general, pertenecientes a colecciones particulares. La escasa documentación o iconografía relacionada con la forma de ejecución y otras características técnicas de estos instrumentos en Euskal-Herria, permite suponer que su uso no estuvo muy difundido en épocas pasadas.

Zarzuela (antigua): Algunos estudios y tratados musicales, anteriores al siglo XIX, citan una forma de acto melódico recitativo, denominado sarsuola, atribuyendo su origen remoto a los primitivos espectáculos del teatro latino (Drama recitatione et melodía mixtum). Aunque esta definición no es exactamente cierta, cabe considerar que en los antiguos teatros romanos se representaban piezas de autores clásicos, cantadas o recitadas y con acompañamiento instrumental. [Cordófonos (lira), aerófonos (flautas, cornos, trompetas), etc.].

Zarzuela (moderna): Este popular espectáculo lírico, predilecto del público español e hispanoamericano desde el siglo XVIII, pertenece al género teatral y está relacionado en sus aspectos técnicos con la ópera ligera. También presenta una gran coincidencia con la opéra comique francesa, la opereta italiana y el musical play británico, aunque mantiene su propia fisonomía, condicionada por las costumbres y la literatura nacional.

Zeng: Especie de lira de los antiguos otomanos. Presenta la forma de un arpa triangular, pequeña, cuya base debe apoyarse sobre el regazo para tañerla. Su altura no suele exceder los 80 cm Tiene entre 18 y 20 cuerdas, que según el ejemplar, pueden alcanzar una serie aproximada de tres gamas en la escala cromática. El vocablo también puede aparecer escrito con la grafía çeng, particularmente en las ediciones francesas.

Zezé: Nombre corriente de un tipo de banjo primitivo que tenía una sola cuerda que se pulsaba con los dedos o con la ayuda de una púa de hueso. Se conocía en África occidental y algunas islas del Caribe. La caja de madera forrada en piel de cabra tenía un largo mástil adosado. El sonido podía variarse presionando la cuerda contra el mango a diferentes alturas.

Zifte: Variedad de flauta turca. Es de madera y tiene lengüeta simple. Junto con la zummara de Libia y Túnez forma un grupo de aerófonos de amplia difusión en los países pertenecientes a la cuenca oriental del mar Mediterráneo. La flauta çifte de Turquía está relacionada culturalmente con el argún de Anatolia y Armenia (Güneydogu Toroslar) y el arghul de Egipto, populares en las zonas rurales del occidente del país (Wahat el Kharga, Bulaq) y en delta del Nilo (Damanhur, Shibin el Kom). Puede aparecer escrito çifte.

Zilia massa: Instrumento metálico de percusión, tradicional en las manifestaciones folclóricas de la región balcánica (Macedonia, Tracia, Tesalia, islas del mar Egeo). Es una variedad de idiófono formado por dos o cuatro pequeños crótalos de hierro, según la procedencia del ejemplar. Se emplean para marcar el ritmo de los bailes populares, agitándolos con una o ambas manos. Los platillos son ligeramente cóncavos, miden unos 8 ó 10 cm de diámetro y su timbre depende del espesor de cada crótalo, que suele ser variable con ese objeto. Los modelos conocidos están atados con una fina cuerda de seda que pasa por un orificio ubicado en el centro de cada platillo.

Zorongo andaluz:

Composición del folclore musical gitano de Andalucía. Corresponde al numeroso grupo de danzas y cantos pertenecientes a esa etnia cultural.

Zorongo cubano:

Danza de Cuba, derivada de la forma española. Se baila con ritmo vivo, por momentos, frenético y al ritmo de tambores.

Zortzico:

Baile popular típico del país vasco. Pertenece al espectacular conjunto de coreografías y danzas folclóricas denominado

Aurresku

.

Zournas: Instrumento aerófono, propio de las culturas del Mediterráneo oriental. Se trata de una variedad de oboe, de origen popular y factura rústica. La embocadura tiene lengüeta doble. Es un instrumento habitual en los medios rurales de la Grecia continental e insular. Su área de difusión, que es bastante amplia, comprende también a Turquía, Iraq, Siria, Líbano, Jordania, Palestina y la isla de Chipre. En Egipto lo llaman mizmar.

Zukra: Ocasionalmente llamado ghayta por los campesinos árabes del Magreb, es un instrumento popular de viento, con lengüeta doble, de la familia del oboe. Se trata de otro ejemplo típico de transculturación, no sólo del modelo de instrumento y la manera de tañerlo, sino también del nombre (ghaita=gaita o chirimía). Ambas pertenecen a la misma variedad de flauta de madera. Su popularidad alcanza las zonas rurales del sur del país.

Zumba: Denominación española antigua de una danza, cuyo origen aparece datado en la baja Edad Media. Se bailaba al son de campanillas y castañuelas (Tintinnabulum ingens). La rica coreografía de esta expresión musical, caracterizada por el sonido tintineante y el movimiento corporal, giraba en torno a una serie de chanzas y bromas ligeras, cantadas o recitadas juntamente con las distintas figuras del baile.

Zumbel: [cuerda del trompo]. Serie de figuras o pasos de la danza medieval española denominada zumba. Las danzarinas giraban sobre sí mismas, enroscando los brazos sobre el torso y la cintura, para luego separarlos del cuerpo en un rápido impulso, como ocurre con el hilo que envuelve la peonza. La descripción antigua de este paso se basaba en la comparación, de allí su nombre turbinis chorda. El término zumbel aparece citado por primera vez durante el periodo islámico.

Zummara: Tipo de flauta folclórica de madera, con lengüeta simple, muy popular en las zonas rurales de Túnez, Libia y Egipto. Los turcos otomanos la llevaron desde las riberas del Nilo hasta sus dominios balcánicos En Albania se la conoce con el mismo nombre desde el siglo XVII.

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BIBLIOGRAFÍA RELACIONADA

El cometido de esta parte bibliográfica es orientar a los alumnos, investigadores o simples lectores interesados en profundizar sobre un tema determinado en la historia y el desarrollo de la música, a través del tiempo.

El DICCIONARIO UNIVERSAL DE LA MÚSICA es, por sí mismo, una fuente de consulta permanente, que permite comprender, en principio, el significado de vocablos procedentes de culturas distantes en el tiempo o el espacio geográfico.

El estudioso, habituado a la lectura de tales materias, tiene en esta obra un apoyo inestimable. El contenido del apéndice bibliográfico está estructurado para iniciarse en la tarea de profundizar, sobre la base de la información contenida en el cuerpo principal del Diccionario. La búsqueda analítica por materias generales, épocas y estilos, facilita la identificación de los textos vinculados. En ese sentido -siendo tan extensa la lista de títulos- se ha procurado seleccionar las obras que contienen referencias precisas o un material de estudio único para el investigador, por tanto, difícil de hallar en otros libros.

Muchos trabajos, relacionados con la creación melódica, proceden de publicaciones especializadas, museos y otros repositorios de distintos países y culturas. Algunas de las obras citadas en este apéndice fueron publicadas hace ya bastantes años y es obvio que deben estar agotadas, no obstante es posible conseguirlas, por títulos o autores, en las principales bibliotecas públicas de España. También se pueden hallar en los repositorios nacionales o dependientes de las comunidades autónomas, en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos y en instituciones similares, existentes en la mayoría de los países de Iberoamérica.

La razón de que figuren en este repertorio ediciones antiguas es porque nunca se han reeditado y tampoco se han escrito obras que puedan ser sustituidas con el mismo nivel de claridad. El texto y su significado son elementos primordiales que ayudan a pensar, escribir y crear sobre un tema determinado.

Muchos vocablos insertos en el cuerpo central del Diccionario merecen un estudio más detallado y profundo. La bibliografía suple esa necesidad, propia en el estudio. Los términos antiguos o poco usuales pueden ser fuente de inspiración de futuras creaciones en todos los ámbitos de la composición musical. Como ciertos géneros constituyen esa fuente constante de ideas, el glosario facilita el procedimiento, proporcionando la base del lenguaje como principio en las operaciones activas del pensamiento.

Siendo difícil realizar una selección puntual, porque muchos de los términos están directamente relacionados, se optó por clasificar las obras de acuerdo con la importancia y originalidad del tema tratado, o bien, por su aspecto más destacable dentro del contexto general de la lista bibliográfica.

FUENTES BIBLIOGRÁFICAS ESENCIALES

MÚSICA ANTIGUA
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-Gallo, F. A.:“El medioevo” Tomo III. “Historia de la música” (Segunda parte) Sociedad Italiana de Musicología. Colección Turner Música. [Edición española] Editorial Turner. Madrid, 1986.

EL ESPÍRITU DEL RENACIMIENTO
-Gallico, C.: "La época del humanismo y del Renacimiento" Tomo IV "Historia de la música". Sociedad Italiana de Musicología. Colección Turner Música. [Edición española] Editorial Turner. Madrid, 1986.
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EL BARROCO
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EL CLASICISMO
-Pestrelli, G.: "La época de Mozart y Beethoven". Tomo VII "Historia de la música". (Primera parte) Sociedad Italiana de Musicología Colección Turner Música. (Edición española) Editorial Turner. Madrid, 1987.

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