La fórmula del éxito

Tomamos un tema de actualidad y de interés general, añadimos el nombre de un autor reconocido, montones de contenido útil y un formato fácil para el lector y a la vez divertido, y ahí tenemos un libro clásico de la serie ...para Dummies.

Millones de lectores satisfechos en todo el mundo coinciden en afirmar que la serie ...para Dummies ha revolucionado la forma de aproximarse al conocimiento mediante libros que ofrecen contenido serio y profundo con un toque de informalidad y en lenguaje sencillo.

Los libros de la serie ...para Dummies están dirigidos a los lectores de todas las edades y niveles del conocimiento interesados en encontrar una manera profesional, directa y a la vez entretenida de aproximarse a la información que necesitan.

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El sitio web de la colección …para Dummies está pensado para que tengas a mano toda la información que puedas necesitar sobre los libros publicados. Además, te permite conocer las últimas novedades antes de que se publiquen.

Desde nuestra página web, también puedes ponerte en contacto con nosotros para comentarnos todo lo que te apetezca, así como resolver las dudas o consultas que te surjan.

En la página web encontrarás, asimismo, muchos contenidos extra, por ejemplo los audios de los libros de idiomas.

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Las autoras

Jamie Combs es artista y profesora. Creció y vivió en el Medio Oeste estadounidense y recientemente se ha trasladado a la costa Este. Se graduó en Bellas Artes con la especialidad de pintura, en la Escuela de Arte y Diseño Kendall de Grand Rapids (Michigan) y obtuvo un Master en Pintura en la Universidad de Indiana, en Bloomington. Durante años ha enseñado dibujo, pintura, teoría del color y diseño en varios centros, entre ellos, la Escuela de Arte y Diseño Herron de Indianápolis (Indiana), la Universidad DePauw de Greencastle (Indiana) y la Escuela Técnica Ivy, de Bloomington. La obra de Jamie como artista y su trabajo como profesora se basan tanto en su formación en dibujo como en su devoción y pasión por él.

Brenda Hoddinott es una artista visual, artista forense e ilustradora autodidacta. Su tema de dibujo preferido es la gente y, entre sus estilos, destacan el hiperrealismo, el surrealismo y la fantasía.

Dedicatoria

A mi madre.

Jamie Combs

Agradecimientos de las autoras

Quisiera dar las gracias a Michael Lewis, Sarah Faulkner y Amanda Langferman, de Wiley Publishing, tanto por su ayuda como por su disposición para hacer posible este proyecto. A Mick Gow de www.ratemydrawings.com; su pericia ha supuesto un gran valor añadido a este libro.

Mi agradecimiento también a las autoras de Pastels for Dummies y Painting for Dummies, que son mis amigas y colegas de la Escuela de Arte y Diseño, Herron Anita Giddings y Sherry Stone por la oportunidad que me brindaron, sus consejos y su amable y constante apoyo.

Asimismo, quiero dar las gracias a todos mis profesores, especialmente a Perin Mahler, Deborah Rockman, Barry Gealt, Tim Kennedy y Bonnie Sklarski. Y cómo no, mi agradecimiento eterno a mis alumnos, que me han enseñado tantas cosas sorprendentes sobre el proceso de aprender a dibujar.

Finalmente, a mis amigos y familia: gracias por estar ahí. No me puedo imaginar tratando de hacer este libro sin vosotros.

Jamie Combs

Introducción

Bienvenido a Dibujo para Dummies, un libro que se centra en los fundamentos del dibujo para principiantes pero que también incluye numerosos retos para artistas experimentados.

La mayoría de la gente comienza a dibujar de pequeña, en cuanto aprende a sujetar un lápiz, y siguen dibujando con entusiasmo a lo largo de la infancia. Algunos continúan con el dibujo hasta la edad adulta, mientras que otros se dedican a otros intereses durante un tiempo y redescubren el dibujo más adelante. Este libro te servirá en cualquiera de las etapas en la que te encuentres porque lo hemos diseñado para que sea una guía fácil de usar, que te ayude y que no presuponga nada sobre tu nivel.

Nuestra propuesta es sencilla: si sabes cómo mirar y comparar, tienes lo necesario para dibujar. A lo largo de este libro te mostraremos una aproximación al dibujo sólida y manejable que funciona en cualquier situación, sin importar el tema escogido. A medida que avances te sorprenderás al descubrir que, cuando sabes cómo dibujar un motivo, puedes aplicar esos conceptos para dibujar casi cualquier cosa.

Acerca de este libro

A lo largo de este libro descubrirás todo lo que necesitas para comenzar a dibujar, desde el material hasta las técnicas y procesos para crear diferentes tipos de dibujo. Las partes más valiosas de este manual son los numerosos ejercicios y proyectos que te proponemos, así que ¡asegúrate de tener a mano tu material de dibujo cuando leas! En cada ejercicio y modelo encontrarás ideas, consejos y estrategias que te ayudarán a completarlos.

Abarcamos una gran variedad de temas para reforzar la idea de que el buen dibujo parte de una buena observación y para ayudarte a desarrollar tus habilidades de manera divertida y eficaz. Sin embargo, no te sientas obligado a leer el libro de cabo a rabo. Puedes hojear y escoger lo que quieras consultar puntualmente, sin perderte las ideas principales que presentamos. En la mayoría de capítulos encontrarás temas de los que se habla en profundidad en otros capítulos pero, no te asustes, te ofrecemos suficientes referencias cruzadas que te llevarán a la página donde aparece la información.

Los cientos de ilustraciones que encontrarás en este libro intentan mostrarte soluciones a los conceptos y ejercicios. El objetivo es inspirarte y ofrecerte ideas, no que tus dibujos sean copias de los modelos; por eso, cuando practiques con los ejercicios y los proyectos que te proponemos, no te preocupes si tus dibujos no se parecen a los de las ilustraciones. Céntrate en dominar los conceptos, no en adoptar un estilo de dibujo concreto. Tus dibujos serán creaciones únicas, incluso aunque sigas las instrucciones con precisión.

El desarrollo artístico es personal, por lo que puedes esperar que el tuyo sea diferente a cualquier estilo que hayas visto o conocido hasta ahora. Pero no hace falta que navegues por aquí tú solo. Este manual te ayudará a entender las claves del dibujo y a dominar técnicas y habilidades importantes que los artistas han ido descubriendo y redescubriendo a lo largo de la historia. Todo lo que necesitas es una mente abierta y curiosa junto con un poco de paciencia y tenacidad.

Cómo utilizar este libro

Hemos establecido las siguientes normas para facilitar la consulta de este libro:

   Los términos nuevos están en cursiva y los acompaña su definición.

   Las palabras clave de una lista se resaltan en negrita, así como los procesos ordenados numéricamente.

   El código monotype se usa para las direcciones web. Cuando quieras consultar alguna de estas páginas, teclea el texto que veas en el libro ignorando cualquier cambio de línea.

   Antes de cada proyecto o ejercicio se recomienda una serie de materiales. Si no tienes exactamente lo que se te pide, no te preocupes, puedes realizar todos los ejercicios del libro con los materiales que tengas. Los resultados pueden variar un poco, pero el hecho de no disponer de los materiales exactos no debe impedirte que te pongas a dibujar.

Lo que puedes dejar de leer

No todos los días te proponen saltarte partes de un libro y, sinceramente, nos parecería estupendo que leyeras todas las páginas. Pero si vas justo de tiempo o quieres ir al grano, puedes saltarte lo siguiente:

   Textos marcados con el icono de “Información técnica”: Estos párrafos son interesantes y te pueden ayudar a comprender mejor el mundo del dibujo, pero no son esenciales para tu crecimiento como artista.

   Cuadros de texto: Estas cajas de texto de fondo gris contienen información divertida e interesante (¡al menos para nosotros!), pero se sale un poco del tema central.

Si te tomas en serio el aprendizaje del dibujo, no te saltes las partes que parecen más trabajo que diversión. Aunque las obvies al principio, recupéralas más adelante, ya que las secciones enfocadas a la práctica contienen mucha información sobre la habilidad que debes adquirir para darle un buen empujón a tu desarrollo artístico. El arte es trabajo pero, como seguramente ya sabes, el trabajo merece la pena y, en ocasiones, es la parte más entretenida.

Algunas suposiciones previas sobre ti

Al escribir este libro hemos dado por supuestas algunas cosas sobre ti:

   Has dibujado un poco pero no en serio y te gustaría aprender a dibujar bien.

   Tal vez creas que dibujar bien dependa de una capacidad innata.

   Puede que pienses que dibujar bien significa hacer un dibujo realista partiendo de la imaginación.

   Probablemente piensas que dibujar sólo está bien si el resultado es bueno.

Hemos aprovechado estas suposiciones como ayuda para explicar un enfoque del dibujo completamente nuevo. A medida que avances por el libro, verás que nuestra filosofía del dibujo considera que dibujar es más que obtener un buen producto, que el acto de dibujar es una experiencia saludable y gratificante por sí misma, que sólo con el talento no se logran buenos dibujos y que puedes aprender a ser un excelente dibujante independientemente del punto de partida.

Cómo se organiza este libro

Para empezar, intenta sentirte cómodo con el dibujo. Después descubrirás lo esencial, desde la compra de materiales hasta cómo sujetar el lápiz, desde dibujar líneas hasta aplicar sombras. El resto del libro contiene diversos temas de dibujo que puedes ir mirando sin un orden concreto. Intercala la lectura con la práctica y después vuelve a leer y a dibujar un poco más.

Parte I. Descubre si el dibujo es lo tuyo

El título de esta parte lo dice todo. Si no estás convencido de que el dibujo sea lo tuyo, lee esta parte, capítulo por capítulo, y no dejes de hacer los ejercicios y proyectos que se incluyen. Cuando termines, quizá te sorprenda darte cuenta de que la mayoría de tus temores respecto al dibujo han desaparecido.

Aquí encontrarás información sobre lo que necesitas para comenzar a dibujar, la lista de material, diferentes maneras de encontrar inspiración o una guía rápida de los pasos para realizar un dibujo. También descubrirás lo que significa observar el mundo que te rodea desde la mirada de un artista.

Además, hallarás todo lo que debes saber sobre el mundo del dibujo digital (dibujo con ordenador y otras técnicas), por si te pica la curiosidad por comparar este tipo de dibujo con el lápiz y papel tradicionales.

El dibujo es una habilidad totalmente natural. Como con cualquier novedad, el primer paso es el más difícil. Pero una vez que comiences a trabajar a lo largo de esta primera parte, seguramente descubrirás una actividad nueva, emocionante, entretenida y productiva.

Parte II. Desarrollar las técnicas básicas

Si eres principiante en el mundo del dibujo, no te pierdas los seis capítulos de esta parte. Las técnicas básicas que se presentan ofrecen respuesta a las numerosas y desconcertantes preguntas que te has podido plantear, como por dónde empezar un dibujo, cómo crear la sensación de volumen sobre un papel plano y muchas más. Incluso aunque tengas experiencia dibujando, te interesa esta parte porque puede que encuentres enfoques nuevos para técnicas conocidas.

Descubrirás las estrategias que puedes emplear para transformar objetos tridimensionales en ilusiones bidimensionales creíbles. Aprenderás a aplicar el sombreado para reflejar luces y sombras sobre los objetos y el espacio. Entenderás cómo colocar y dibujar los modelos del natural para crear dibujos bien equilibrados y con una convincente sensación de profundidad.

Da igual que acabes las prácticas de esta parte del libro en unos días o en unos meses. Persevera y regálate una base sólida de dibujo. Si te tomas el tiempo necesario para desarrollar las técnicas fundamentales para dibujar, te ahorrarás mucha frustración por el camino.

Parte III. Experimentar con diferentes temas de dibujo

En esta parte, los capítulos se centran en los cuatro principales motivos de dibujo: bodegones, paisajes, animales y personas. Cada uno presenta los problemas que surgen al dibujar ese tema. Descubrirás cómo empezar los dibujos de manera sencilla para lograr el máximo control y la mayor flexibilidad, y tendrás varias oportunidades de practicar creando dibujos de cada temática.

Al recorrer estos capítulos, o al menos dos o tres de la tercera parte, verás que ya tienes las herramientas necesarias para dibujar cualquier motivo, porque el acto de dibujar es el mismo, independientemente del tema.

Parte IV. Los decálogos

Esta parte del libro incluye una serie de consejos para facilitarte el proceso de aprendizaje, así como algunas ideas para dibujar viñetas de cómic. Si nunca se te ha ocurrido dibujar historietas, tal vez esta parte te inspire.

Por si acabas todos los ejemplos de este libro y te quedas con ganas de más, incluimos diez maneras de crecer como artista. Finalmente, se contestan algunas preguntas sobre derechos de autor que te ayudarán a proteger tu trabajo y te evitarán infringir los derechos de propiedad de otros artistas.

Iconos utilizados en este libro

En los márgenes de la mayoría de páginas encontrarás unos dibujos enmarcados en un círculo llamados iconos. Su función es destacar diferentes tipos de información. Por ejemplo:

Con este icono te mostramos un método para resolver algo que te ayudará a ahorrar tiempo y energía.

Aquí aparece información importante que debes tener en cuenta a la hora de dibujar. A veces es un recordatorio de un tema que se explica en otra parte del libro y otras te avisa de cuestiones que deberás recordar más adelante.

Este icono señala posibles problemas y soluciones constructivas. Préstales atención para no cometer los mismos errores por los que ya hemos pasado nosotras.

Siéntete libre de saltarte la información técnica que señala este icono, y también de volver a ella cuando te interese. Imaginamos que será relevante sobre todo para los lectores avanzados que quieran saber más sobre los aspectos técnicos del dibujo.

Cuando veas este icono, prepara el material de dibujo, abre el cuaderno de bocetos, saca al gato, ponle comida al perro y prepárate para pasar tiempo dibujando. Harás muchos ejercicios y proyectos señalados con este icono, ya que la habilidad para dibujar mejora con la práctica.

Por dónde empezar

No tienes que seguir el orden propuesto. Puedes echarle un ojo al sumario y sumergirte directamente en los temas que te atraigan. Hay muchas referencias al material para que siempre puedas encontrar lo que necesites y no pierdas información importante mientras picoteas aquí y allá. Por ejemplo, en muchas ocasiones tendrás que aplicar sombreado en el dibujo. Sería aburridísimo extenderse sobre todas las técnicas de sombreado cada vez que apareciera en un ejercicio, por lo que no se repite, sino que te indicamos que te dirijas al capítulo 9 (el capítulo sobre el sombreado) para encontrar lo que necesitas saber.

Si eres principiante, tal vez prefieras comenzar por la parte I e ir avanzando capítulo tras capítulo, por orden. Cuando acabes la parte I, te recomendamos que sigas leyendo y realices todos los proyectos y ejercicios de la parte II.

Cuando tengas controlados los rudimentos del dibujo, puedes empezar a recorrer el libro de manera aleatoria y leer y disfrutar de los capítulos y secciones que prefieras. Aunque este libro es un manual de referencia, también está diseñado para los que les gusta trabajar de principio a fin. Al ir avanzando, descubrirás que el nivel de dificultad aumenta a medida que te acercas al final del libro.

Si ya dibujas bien, asómate a este libro como prefieras. Hojea las páginas rápidamente, mira qué ilustraciones te llaman la atención y comienza a leer por donde te sientas inspirado. Lee algunas secciones, dibuja un poco, lee un poco más y haz más dibujos.

En esta parte...

Considera los primeros cinco capítulos del libro como la versión artística de la cabina telefónica de Clark Kent. Imagínate, tímido y curioso, entrando en la parte I y, después, saliendo con todo lo que necesitas para comenzar a dibujar.

Los capítulos de esta parte describen los utensilios, la actitud y los procesos que debes conocer antes de coger lápiz y papel. Aquí encontrarás una visión de conjunto de los diferentes temas en los que profundizarás a lo largo del libro, así como un capítulo completo dedicado a consejos y trucos que debes recordar a la hora de escoger los materiales. En otro capítulo se resumen los pasos comunes de cualquier proceso de dibujo para que te hagas una idea de tu futura trayectoria como dibujante. Y, como estamos en la era digital, no podía faltar un capítulo especializado en los materiales de dibujo de última tecnología, como el ordenador. Finalmente, descubrirás lo que significa ver el mundo y sus habitantes desde la mirada del artista.

Capítulo 1

Prepárate para empezar a dibujar

En este capítulo

   Sumérgete para averiguar si el dibujo es lo tuyo

   Descubre qué significa dibujar

   Encuentra la motivación, materiales y estilo que necesitas para dibujar

   Desarrolla hábitos de dibujo con los que salvar los obstáculos que se presenten

El dibujo es algo primario, universal y profundamente personal. Primario, porque la tendencia a dibujar es innata (en otras palabras, seguramente dibujabas antes de empezar a hablar). Universal y personal, porque tanto si dibujas un árbol como una espiral, al hacer marcas sobre un papel, conectas los mecanismos internos de tu mente con el mundo exterior.

Así que, ¿estás listo para poner a punto tus habilidades de dibujo? Bien, ¡estás en el sitio adecuado! Este capítulo es una introducción al dibujo como materia de estudio. Junto con una guía rápida de los materiales y técnicas que necesitas para comenzar, enfoca el dibujo desde diferentes perspectivas, históricas y contemporáneas, que te resultarán útiles. Si quieres saber más sobre cualquiera de los temas que se tocan aquí, este capítulo está sazonado con referencias a otros capítulos donde se tratan en profundidad. Y como extra, incluimos un apartado al principio para que descubras si el dibujo es lo tuyo o no. (Te desvelamos la respuesta: ¡Sí lo es!)

Comprobemos el terreno: ¿tienes madera de dibujante?

A muchos artistas principiantes les pica el gusanillo de saber si el dibujo es lo suyo, pero ponerse a prueba supone un riesgo considerable. Después de todo, si fracasan, sus sueños artísticos desaparecerán. Si temes despertar de tu sueño de convertirte en artista, ¡deja de preocuparte! Adelante, ¡arriésgate! Puede que te sorprenda descubrir que no existe tal riesgo por una sencilla razón: quien quiera aprender a dibujar, puede lograrlo.

Hay que desmantelar el mito del talento

En todos los colegios de primaria hay al menos un niño que dibuja asombrosos unicornios (o algún otro animal u objeto con detalle) sin apoyarse en libros o en fotos de los que copiar. Los profesores y alumnos le miran y dicen: “Este niño tiene talento”. Tal vez tú fueras ese niño en tu colegio, o quizá sólo querías dibujar como él. Sea como fuere, ahora puedes aprender a dibujar bien, siempre y cuando estés preparado para poner toda la carne en el asador.

En dibujo, lo que llamamos talento es en realidad una sensibilidad especial para lo visual, y eso es algo que cualquiera puede desarrollar, ¡tienes suerte! Para dibujar bien, debes ser capaz de ver los detalles físicos de los objetos, como tamaño, forma, interés, textura y color, y de hacer comparaciones entre ellos. Los objetos familiares suelen ser más difíciles de dibujar porque, cuando los miras y sabes lo que son, el cerebro no se molesta en analizar con detalle su aspecto. Para ver los objetos tal como son, hay que practicar prestando más atención a los datos de la apariencia que a los de la esencia del objeto como tal. Cuando realmente te centras en la información que obtienes del aspecto de algo, ese algo se dibuja más fácilmente. (En los capítulos 5 y 7, encontrarás consejos sobre cómo cambiar la forma de observar.)

Por sí mismo, el talento no hace al artista. Es cierto que la mirada de artista y la capacidad de realizar comparaciones visuales son condiciones necesarias para dibujar bien, pero no sirven de nada si no se siente pasión por el dibujo. Aunque te parezca que no tienes ni pizca de talento, si corre por tus venas el deseo de dibujar, podrás dominar la técnica con un poco de práctica y fuerza de voluntad. En realidad, la mayor parte de la excelencia en dibujo se logra con trabajo, no con talento. Por mucho talento que tengas, no crecerás como artista a menos que practiques para perfeccionar tu habilidad y sólo la pasión te dará la fuerza y la motivación necesarias.

Acepta tu personalidad

Una de las características que definen al artista es su personalidad o estilo. Pero no pienses que debes tener estilo propio desde el principio. Con frecuencia, incluso los artistas más conocidos y respetados se ven influidos por la obra de otros a los que admiran. Por ejemplo, se pueden apreciar rasgos de Cézanne en Picasso, aunque la personalidad de Picasso está fuera de toda duda.

Seguramente tienes algunos referentes artísticos propios. Tal vez has hecho alguna copia de sus obras o has imitado su estilo. Si no lo has hecho, prueba: copiar la obra de otros es una fantástica manera de practicar y desarrollar la destreza. Pero recuerda que no puedes reivindicar una copia como propia. (Los capítulos 2, 6 y 17 hablan de cómo desarrollarse como artista aprovechando la obra de otros como inspiración, y dirígete al capítulo 18 para encontrar información detallada sobre los derechos de autor.)

Incluso cuando copies la obra y el estilo de tus héroes, no dejes de aceptar tu personalidad como artista y no intentes eliminar los elementos que diferencian tu estilo del de tus mentores. Ellos ya han definido quiénes son en tanto que artistas, ahora ¡te toca a ti! Esas diferencias son las primeras pistas para distinguirte.

¿Qué es dibujar?

Dibujar es, en esencia, el acto de realizar marcas sobre una superficie. Un dibujo suele componerse de líneas y tonalidades sobre un papel, pero no siempre ha sido así y, de hecho, no siempre es así hoy en día. (Encontrarás más detalles en las siguientes secciones.)

Independientemente de cómo se defina, es importante recordar que dibujar es un verbo, una acción. Da igual los útiles que se empleen, el acto de dibujar no varía: se mueve la mano, el brazo, el cuerpo entero, mientras se sostiene una herramienta que, siguiendo el movimiento, hace marcas sobre un soporte de dibujo.

Un vistazo a los primeros dibujos

Los primeros dibujos que se conocen son las pinturas primitivas de animales y figuras hechas con pigmentos naturales sobre las paredes de roca de las cavernas. Estos dibujos prehistóricos son uno de los registros más antiguos de la vida humana, de hace treinta mil años. Los egipcios emplearon dibujos para crear pictogramas que más adelante se convirtieron en uno de los primeros sistemas de escritura (llamados jeroglíficos).

Durante cientos de años, el dibujo fue una artesanía funcional. Se usaba para comunicarse, contar historias, abocetar pinturas y diseñar edificios, entre otras cosas. Los dibujos podían ser preciosos, pero su objetivo era preparatorio y funcional, nunca artístico.

Una visión general de las tendencias actuales

Hoy en día, el dibujo adopta muchas formas. Los artistas siguen empleándolo como manera de comunicar ideas y estudiar proyectos. Por ejemplo, los arquitectos dibujan el diseño de los edificios y otras grandes estructuras, pero la diferencia radica en que la mayor parte de este dibujo se hace por ordenador en vez de sobre las paredes de una cueva o un papiro.

Aunque algunos aún lo consideran un medio de organizar los futuros elementos artísticos de una pintura, el dibujo se ha convertido en una forma de arte por sí mismo. Después de todo, para muchos artistas el dibujo es su modo de expresión principal. Siempre curiosos y dispuestos a experimentar, estos artistas emplean una asombrosa variedad de materiales y estilos en sus creaciones. Como resultado, no hay duda: hallarás tu sitio en el dibujo sin importar lo que te interese más. Ya sean dibujos realistas a lápiz más tradicionales o novelas gráficas a tinta, seguro que hoy encuentras lo que necesitas en el campo del dibujo. Si todavía no sabes qué quieres dibujar, ¡no te preocupes! Es un mundo que está por explorar... (El capítulo 5 profundiza en cómo mirar el mundo como artista y la parte III incluye información detallada sobre diferentes motivos de dibujo.)

Averigua qué te impulsa a dibujar

El deseo de dibujar es innato. Los niños son dibujantes incansables y, aunque la mayoría lo dejamos después de la infancia, volvemos a toparnos con el dibujo cuando garabateamos en los márgenes de un cuaderno durante una larga conferencia o planificamos la colocación de unos muebles en casa. La conexión entre la mano y el cerebro para realizar marcas sobre un soporte es instintiva. Añade una pequeña dosis de motivación a ese instinto y ya tienes todo lo que necesitas para convertirte en un fantástico dibujante. Pero ¿dónde encontrar la motivación? Las siguientes secciones te muestran algunas maneras de emplear el dibujo y los considerables beneficios que se pueden extraer de él.

Los usos del dibujo

Como probablemente sabes, el dibujo es muy adecuado para planificar, pero también se puede emplear para realizar retratos, paisajes, historietas y bodegones. Independientemente de lo que decidas crear a través de él, recuerda que no hace falta que sea un proceso terriblemente serio que genere un producto digno de aparecer en los libros de historia del arte. Hay algo en el acto de dibujar que sienta bien, incluso aunque el resultado sea caprichoso, temporal o tirando a tonto.

Cuando te sientas abrumado por la intensidad de tu trabajo, concédete un respiro y haz dibujos divertidos. Aquí te proponemos una lista de usos alternativos y un poco traviesos, por si necesitas inspirarte:

   Dibuja retratos de tus amigos o compañeros de trabajo con glaseado para decorar tartas y galletas. (¡Recuerda que el realismo no es tan importante como la creatividad!)

   Usa hilo para dibujar sobre fundas de almohada (sí, nos referimos a bordar).

   Dibuja con los pies. (¡Atención! Esto puede manchar bastante. Protege el suelo y coloca una hoja de papel grande. Impregna los pies con carboncillo en polvo y camina por el papel para dejar las huellas. Trata de hacer un dibujo realista. En los capítulos 12-15 encontrarás ideas de dibujos realistas con diferentes temáticas.)

   Dibuja sobre la arena o la nieve.

   Coloca rocas, piedras o plantas en el jardín creando un dibujo.

Considera los beneficios de dibujar

El dibujo satisface a muchos niveles: mental, psicológico, emocional y social. Después de todo, cuando dibujas, tu mente establece un contacto directo con el mundo a través de la mano. Cuando lo haces del natural, observando, recreas físicamente lo que ves, como si tocaras el objeto con el lápiz y exploraras su sutileza. No importa el resultado, al acabar de dibujar algo, tendrás la sensación de conocerlo mejor que antes.

El dibujo ayuda a pensar y a procesar pensamientos. La imaginación puede ser bastante fluida y fragmentaria, se mueve de una idea incompleta a otra, y así una y otra vez. Al dibujar las ideas, se les da una forma tangible y cierto nivel de permanencia. Aunque esa forma final no llegue a ser exactamente lo que habías imaginado, el hecho de concretarla en un dibujo te ofrece un punto de apoyo material con el que trabajar.

El dibujo es una experiencia corporal completa. La mano es la ejecutora principal, pero presta atención la próxima vez que dibujes. Observa cómo se mueven los brazos y hombros y cómo se curva la columna vertebral y responde al movimiento. Cuando estás ante el caballete, en pleno proceso de dibujo, verás que caes en una especie de danza rítmica, dibujas, das un paso atrás para revisar el trabajo, después un paso adelante para volver a la acción, y así sucesivamente. Incluso sentado, se desarrolla un ritmo corporal. Independientemente de la postura, el dibujo implica trabajo físico, lo que explica por qué uno a veces se siente agotado al final de una sesión de dibujo. No se puede decir que dibujar equivalga a salir a correr por un parque pero, desde luego, ¡sentirás que has hecho algo después de dibujar!

Desde un punto de vista emocional, en el dibujo hay un poco de todo. A veces te dejará disgustado e incluso consternado, pero en general el bienestar anímico supera con creces los malos ratos. Piensa lo siguiente:

   Los beneficios físicos son una parte de las ventajas emocionales. El movimiento rítmico y la tensión-relajación de los músculos mejora el ánimo.

   El aprendizaje potencia la autoestima. La confianza en uno mismo crece mientras se mejora la técnica del dibujo y esta seguridad hace que los días en que el dibujo se resiste sean más llevaderos.

   La sensación de realizar un trazo en respuesta a algo que ves, con la certeza de que está justo donde tiene que estar, da sentido al esfuerzo empleado. La curva de un jarrón lograda puede llegar a producir una impresión enormemente estimulante.

Como el dibujo es una actividad solitaria, puede parecer una fuente poco probable de ventajas sociales. Sin embargo, precisamente por ser íntima y generar tantas preguntas y emociones, estarás deseando comentar tus dibujos tanto mientras los creas como cuando los hayas terminado. ¡Y el entusiasmo es contagioso!

En muchas ciudades hay grupos de dibujo que suelen reunirse para abocetar y compartir impresiones. Puedes localizar uno que te resulte cercano mirando en el periódico local o tecleando grupo de arte junto con el nombre de tu ciudad en un buscador de Internet. En el capítulo 4 encontrarás consejos para encontrar grupos donde conocer a gente que comparta tus ideas y charlar sobre dibujo y el arte en general.

Equípate para la tarea

Si alguna vez te has encontrado ante una estantería de metro y medio con diecisiete tipos distintos de gomas de borrar, ya sabes que elegir material de bellas artes puede ser una tarea titánica. Para simplificar la compra y hacerla más llevadera, te sugerimos que hagas una lista con lo que necesitas antes de acudir a la tienda y así irás a tiro fijo. (Te ayudará la información específica sobre materiales de dibujo del capítulo 12, en el que también encontrarás una lista de los diferentes tipos de lápices y ejemplos de lo que se puede hacer con cada uno.)

Al principio es mejor tratar de comprar los materiales en una tienda de bellas artes. Aunque algunos utensilios se pueden encontrar en la zona de papelería de una gran superficie, es mejor que te atiendan especialistas hasta que domines las propiedades y utilidades de cada cosa. En una tienda especializada responderán a las posibles dudas que te surjan en torno a los distintos materiales.

Verás que no mencionamos marcas en el capítulo 2 o en ninguna otra parte del libro. La verdad es que la marca del material no es tan importante como el uso que se hace de él. Además, muchas marcas ofrecen buenos materiales y sería injusto señalar una o dos. Si puedes probar los lápices, carboncillos y demás materiales antes de comprarlos, hazlo. De todas formas, puede que, al principio, no sepas cuál es la sensación que se espera de un “buen” lápiz. El método que mejor funciona es el de ensayo-error. Compra lápices distintos y pruébalos en casa para averiguar cuáles te gustan más. Siempre que puedas, añade nuevos materiales a tu caja de dibujo y, en poco tiempo, sabrás cuáles te funcionan mejor y van con tu estilo de dibujo.

Si no puedes probar los materiales antes de comprarlos y aún no tienes preferencias, compra por precio. En la mayoría de casos, el precio se relaciona con la calidad. Los materiales de alta calidad son caros pero, si no quieres hipotecarte, opta por los de calidad media. Con los materiales más baratos a veces es difícil apreciar las posibilidades, así que intenta evitarlos. Por ejemplo, la calidad de los lápices de colores varía enormemente. Los que son extravagantemente caros tal vez no son necesarios al principio, pero si te enamoras de alguno, añádelo a tu lista.

El dibujo se amolda a todos los bolsillos. Al elegir materiales, busca el equilibrio entre la calidad que deseas y el gasto que te puedas permitir. Si el presupuesto es ajustado, tranquilo, no hace falta gastar mucho dinero para dibujar. Con un sencillo lápiz del 2 y un papel se puede lograr un dibujo precioso. Si no puedes gastar nada en materiales, utiliza los recursos de los que dispongas. ¡Hemos visto dibujos de gran belleza hechos con café!

Descubre tu estilo artístico

El estilo es el conjunto de características peculiares de la obra de un artista. No tienes que preocuparte por encontrar un estilo propio, ya que es algo que llega solo. A menos que te empeñes en no ser tú mismo, tus dibujos irán adoptando algunos rasgos característicos que serán la semilla de tu estilo personal.

El estilo viene de tu propia esencia. Tus dibujos serán únicos debido a factores que escapan a tu control, como el grado de presión que ejerces con el lápiz, los movimientos rítmicos que efectúas al dibujar o la tendencia natural a realizar ciertos trazos. También tus mentores influyen en tu estilo. Es inevitable tomar algunos rasgos de los artistas a los que se admira.

Busca el valor artístico de los garabatos contemporáneos

Seguro que alguna vez has estado en un museo o una galería de arte y has oído que alguien decía: “Mi hijo podría pintar ese cuadro”. Ya sabes a qué se refiere: esos garabatos y manchurrones de pintura que parecen aleatorios y que tanto los críticos como los artistas proclaman que son arte de un valor extraordinario. ¿Cómo logran esas obras de arte menos tradicionales la etiqueta de extraordinarias? Para responder a esta pregunta, hay que viajar hacia atrás en la historia del arte.

Antes de que surgiera la fotografía, el objetivo del arte estaba claro: registrar la realidad. Aunque los artistas y métodos fueron cambiando a lo largo de los años, el concepto general de arte se mantuvo en la senda del realismo hasta finales del siglo XIX, cuando nació la fotografía. Los fotógrafos representaban tan bien la vida y la realidad que tanto la pintura como el dibujo sufrieron una grave crisis de identidad. De qué sirve tener artistas que pintan y dibujan cuando ya lo hacen los fotógrafos...

Afortunadamente, los artistas pronto descubrieron todo lo que podían hacer al sentirse libres para abandonar el realismo. Se plantearon preguntas acerca del significado de términos como arte o belleza y comenzaron a crear un arte que iba más allá de lo que se ve a simple vista. Artistas como Henri Matisse y Pablo Picasso retorcieron y aplanaron la forma humana hasta dar con algo apenas reconocible. Jackson Pollock lanzaba pintura por todas partes. Estas obras aparentemente extrañas dieron lugar a experimentos artísticos y de pensamiento que se convirtieron en el arte contemporáneo que vemos hoy día en las exposiciones.

¡Protege tu personalidad! Es tentador adoptar el estilo de un artista que se admira como si así uno entrara en un club selecto. Sin embargo, si quieres crecer como artista, deja que se oiga tu voz artística a través de tu obra.

Mientras te sigas desarrollando como artista, tu obra cambiará y tu estilo evolucionará continuamente. Sin embargo, debes saber que algunos aspectos de tu trabajo se mantendrán. Acepta aquellas partes de tu estilo que van variando y también las que permanecen, ya que ambas te definen como artista.

Practica hábitos de dibujo sostenibles

El dibujo es un proceso enriquecedor y estimulante. Los beneficios que se mencionan en la sección “Considera los beneficios de dibujar” son sólo algunas de las razones por las que puedes engancharte al dibujo. Seguramente también experimentarás momentos de temor y dificultad y llegarás a dudar de tu capacidad. ¡No te rindas! Estas sensaciones son pasajeras. Aquí te mostramos algunos consejos para levantarte el ánimo cuando el camino del dibujo se haga cuesta arriba.

Adquiere las técnicas básicas

Independientemente del tipo de dibujo que quieras hacer, todo será más fácil si dominas las nociones básicas sobre el funcionamiento de la percepción y si sabes cómo crear una sensación de volumen sobre el papel. Los capítulos 6-11 están diseñados para ofrecerte una base sólida de técnicas fundamentales que debes desarrollar con el objetivo de conseguir dibujos realistas. El capítulo 6 te muestra cómo llevar el dibujo desde la planificación hasta la finalización y los capítulos 7-11 tratan de cómo conseguir la ilusión de volumen real. Cuando domines las técnicas básicas, dispondrás de las herramientas que necesitas para dibujar cualquier tema.

Planificación previa

Si alguna vez, tras mucho rato trabajando con una parte de un dibujo, te das cuenta de que es excesivamente grande para encajar con el conjunto, sabrás lo frustrante que puede ser el proceso de dibujar. Por suerte, este contratiempo se puede evitar con planificación.

La manera más eficiente de abordar un dibujo consiste en comenzar por lo más general e ir trabajando gradualmente los aspectos más específicos, sin llegar a los detalles más sutiles hasta el final. Por ejemplo, si dibujas una manzana, empieza por el tamaño y la forma y después pasa al pedúnculo y a los detalles de la piel.

Al comenzar cada dibujo abocetando el tamaño, la forma básica y la colocación de los elementos que quieras incluir, asegúrate de encajarlos en el espacio deseado. Por ejemplo, si decides incluir una casa y un árbol alto en un dibujo, debes determinar primero dónde irá el árbol y cuánto espacio necesitará. Así garantizas que la casa también quepa. Para ver cómo funciona esta secuencia en la práctica, fíjate en las instrucciones de cualquiera de los ejercicios y proyectos de este libro. Las hemos diseñado para que siempre se siga este orden. También puedes dirigirte al capítulo 6 para obtener más información sobre el proceso de dibujo.

Siguiendo esta secuencia de acciones en cada dibujo, te ahorrarás mucho tiempo y frustración a lo largo del camino. Como al principio todo es genérico y muy suelto, puedes hacer grandes cambios sin tener la sensación de tirar a la basura el trabajo minucioso. Cuando encajes el conjunto con su tamaño y posición, podrás dedicarte a los detalles que dan singularidad a los objetos, libre de la preocupación de tener que moverlos o de corregir el tamaño.

Lo más difícil de avanzar de lo general a lo específico es tener que esperar para llegar a la parte más entretenida, cuando se dibujan los detalles que dan sensación de realidad al motivo. Pero haz todo lo que puedas para posponer esa diversión hasta que encajes el conjunto general del dibujo. ¡Te alegrarás de haberlo hecho cuando veas el resultado final!

Acostúmbrate a la incertidumbre

Parte de lo emocionante del dibujo es lo impredecible de sus resultados. Sin embargo, por alguna razón, el hecho de saber que no se puede controlar el proceso completo te hace desear intentarlo. Cuando comienzas a dibujar, las dudas te pueden parecer fracasos, pero ¡no lo son! Sé paciente contigo mismo, céntrate en mirar como un artista y no dejes de repetirte que tienes lo que hace falta para sacar adelante el dibujo, aunque no lo veas. Cuanto más practiques, más seguridad adquirirás, así que ¡sigue leyendo y comienza a dibujar!

Capítulo 2

Reunir lo necesario para comenzar

En este capítulo

   Identifica tus preferencias estéticas

   Busca la inspiración en otros y en ti mismo

   Crea un espacio para dibujar

   Usa un cuaderno de bocetos y escoge los materiales de dibujo

   Un proyecto sencillo para que te acostumbres a los materiales de dibujo

Cuando admiras las obras maestras del mundo del arte, puede que pienses que la habilidad de dibujar es un regalo concedido sólo a unos pocos privilegiados, pero eso no es cierto. Todo el mundo puede aprender a dibujar y aquí es donde entra en escena este libro, como habrás adivinado.

En realidad dibujar es tan básico como respirar. Los seres humanos comienzan a dibujar de pequeños y hacen sus primeros trazos incluso antes de empezar a hablar. Al igual que el habla, el dibujo es una prolongación física del pensamiento. Las ideas y sensaciones se mueven del cerebro a la mano a través del brazo y se plasman sobre el papel con tanta libertad como los pensamientos llegan a la boca. Lograr dibujar de manera realista es cuestión de adquirir control sobre la tendencia innata de realizar trazos. Para ello, en primer lugar hay que ser capaz de ver el mundo que te rodea y sostener un lápiz. Si puedes hacerlo, tu único obstáculo al aprendizaje del dibujo será el nivel de compromiso que quieras alcanzar.

En este capítulo te mostramos cómo sentirte cómodo con el dibujo, incorporando a tu trabajo tus preferencias artísticas, y enumeramos lo que necesitas para empezar: inspiración, tiempo, espacio y materiales adecuados.

Cuando comiences a dibujar, no seas muy crítico contigo mismo. Es cierto que se aprende más de los errores que de los éxitos, pero tampoco pases por alto el avance que observarás en tu habilidad. Con mucha práctica y un poco de paciencia, lograrás dibujar como un profesional antes de darte cuenta.

Explora tus preferencias artísticas

Como cada uno de nosotros es un ser único, es decir, no hay nadie idéntico a otra persona, no te sorprenderá saber que nadie en el mundo dibujará exactamente como tú y, lo que es más importante, que tú no dibujas igual que los demás. Muchos factores influyen en cómo y qué dibujas:

   El medio que eliges para dibujar.

   La forma en que, con naturalidad, sujetas el lápiz u otras herramientas de dibujo.

   Tus vivencias, filosofía de vida y percepciones.

   Tu conocimiento del arte y de su historia.

   El tipo de arte que admiras.

Las siguientes secciones te ayudarán a identificar algunas de tus preferencias en esta disciplina mientras te guían por las diversas formas de manejar los materiales de dibujo, y te mostrarán el abanico de trazos que puedes realizar con los distintos instrumentos y las técnicas básicas para abordar los dibujos.

Cómo manejar el material de dibujo

Tu forma de sujetar las herramientas de dibujo influyen en éste y, consecuentemente, en el resultado final. La sujeción y la presión que ejerces sobre ellas afectan a tus trazos. Algunas personas dibujan, de forma natural, con suavidad, independientemente de lo blando que sea el lápiz que estén usando. (Dirígete a la sección “Lápices” más adelante en este capítulo para obtener información sobre sus diferentes grados de dureza.) Los hay también más enérgicos, que tienden a hacer trazos más intensos sin importar el material utilizado. No puedes cambiar tu personalidad, pero estar atento a lo que haces puede ayudarte a tomar decisiones sobre tu forma de dibujar.

Para entender cómo la forma de sujetar el lápiz influye en el dibujo, echa un vistazo a las tres formas más comunes de hacerlo:

   Sujeta el lápiz como sujetas el bolígrafo cuando escribes: La figura 2-1 muestra cómo lo hace la mayor parte de la gente la primera vez que dibuja. Cuando coges el lápiz así, lo manejas moviendo sólo la muñeca y los dedos, lo que te aporta un mejor control de los movimientos finos en las zonas pequeñas o intrincadas del dibujo. Esta forma de sujetar el lápiz es mejor cuando la superficie sobre la que dibujas es horizontal o inclinada y el tamaño del dibujo es pequeño —20 × 25 centímetros o menor— o cuando haces los detalles finos de un dibujo mayor. (Si la superficie está vertical o trabajas en un papel grande, te recomendamos que intentes usar una de las otras dos formas de coger el lápiz que mostramos a continuación.)

La parte negativa de sujetar el lápiz como un bolígrafo es que te facilita un control tan fino que puedes encontrarte haciendo pequeños movimientos demasiado pronto. Si haces trazos pequeños muy controlados en un papel grande —22 × 30 centímetros o más— es fácil que te centres sólo en una área olvidando su relación con el resto del dibujo, y seguramente tendrás que borrar y reordenar esa zona después de haber empleado un montón de tiempo en hacerla. Por el contrario, si sujetas el lápiz de forma que permita trazos largos y sueltos (como los métodos que se explican en los dos puntos siguientes), puedes encajar las formas básicas y las proporciones del objeto, obteniendo un claro sentido del dibujo como un todo, para añadir después formas y tonos específicos y, finalmente, finos detalles que completen la obra de arte. (Ve al capítulo 3 para obtener más información sobre la secuencia de acciones adecuada para dibujar.)

   Sujeta el lápiz como sujetas una tiza cuando escribes en la pizarra: La figura 2-2 muestra esta opción. Esta forma de sujetar el lápiz es cómoda, independientemente de la inclinación de la superficie de dibujo —horizontal, inclinada o vertical—, y es perfecta para dibujar sobre superficies grandes (más de 22 × 30 centímetros). Al coger así el lápiz, el movimiento se hace con todo el brazo y no sólo con la muñeca y los dedos. Desde el brazo se tiende a hacer movimientos más amplios y sueltos que influyen en los trazos. Este tipo de trazos ayuda a poner los cimientos del dibujo creando las formas básicas y las proporciones del objeto y te evita comenzar demasiado pronto con los detalles.

Figura 2-1:

Sujeción del lápiz de la forma más familiar y tradicional

Figura 2-2:

Sujeción del lápiz como si fuera una tiza

Cuando en una parte del dibujo necesites mayor control del lápiz, como cuando vas a hacer una figura compleja o pequeños detalles, puedes cambiar la forma de sujetar el lápiz y hacerlo como si fuera un bolígrafo para escribir (en el punto anterior encontrarás más detalles).

   Lleva el lápiz suelto: Puedes sujetarlo así para hacer un dibujo de cualquier tamaño sobre una superficie con cualquier inclinación, pero esta técnica es ideal para trabajar en grandes composiciones (90 × 60 centímetros) en soportes verticales, como paredes. Sostener el lápiz suelto en la mano te permite la máxima movilidad de ésta, lo que es ventajoso cuando dibujas del natural y necesitas girar el cuerpo, y/o separarte del papel para mirar el modelo. (En el capítulo 7 encontrarás información sobre cómo mantener la mirada sobre el modelo mientras trabajas.)

Para practicar la técnica de sujeción mostrada en la figura 2-3, intenta coger el lápiz situado en una superficie horizontal; automáticamente quedará en el lugar adecuado de la mano. Cuanto más lejos de la punta lo cojas, más suelto será el trazo.

Al principio, algunos de estos métodos pueden parecer un poco incómodos, pero con la práctica los usarás con facilidad. Elegir cualquiera de ellos te ayudará en las diferentes etapas de creación. Dependiendo del día o de la composición, puedes ir de una posición a otra. Por ejemplo, si empiezas sujetando el lápiz como en la figura 2-2, puedes pasar a la posición de la figura 2-1 cuando llegues a un punto en el que necesites más control. Si lo sujetas como en la figura 2-2 y de pronto necesitas girar la muñeca para llegar cómodamente a otra parte de la composición, puedes cambiar a la posición que se muestra en la figura 2-3.

Figura 2-3:

Lápiz suelto para permitir la máxima flexibilidad en la mano

Ten en cuenta lo siguiente para decidir cómo sujetar el lápiz:

   Cuál es el tamaño del papel.

   Si estás al principio o al final del trabajo.

   Si la superficie de trabajo es horizontal, inclinada o vertical.

Dibuja con tu material preferido

Hacer trazos en una superficie es la esencia del dibujo. Diversas técnicas y distintos materiales conducen a diferentes maneras de dibujar, como se muestra en la variedad de enfoques que encontrarás en este libro.

Puedes elegir entre un enorme surtido de materiales, y aunque muchos se parecen, algunos son únicos. Por ejemplo, el carboncillo es completamente diferente del lápiz de grafito, pero posiblemente no podrías detectar la diferencia entre un dibujo hecho con carboncillo y otro hecho con lápiz conté negro. Además de la tradicional gama de grises, puedes usar lápices de colores, lápices conté de colores y pasteles para colorear tus dibujos. (En la sección “Cómo escoger el material de dibujo” encontrarás más detalles sobre estos útiles.)

Cada material tiene su rango de expresividad en el trazo, es decir, la textura y la intensidad, suave o fuerte, influye en si los trazos son limpios o confusos, lisos o rugosos. Adicionalmente, cada útil tiene su propio grado máximo de luminosidad o de sombra. Por ejemplo, el grafito es relativamente suave y claro (incluso si es el más oscuro) comparado con el carboncillo compacto, que proporciona un efecto rugoso, y es muy oscuro incluso cuando se aplica con suavidad.

El tipo de trazos dependerá, además de los diferentes útiles que emplees, de tu estilo. Como hemos expuesto en la sección anterior, cada uno ejerce una presión sobre sus útiles de dibujo. Asimismo, cada uno tiene una inclinación natural hacia cierto tipo de trazos. Los tuyos pueden ser enfáticos y angulosos o curvos y líricos. Las posibilidades son infinitas, pero ten en cuenta que, en tus trazos, tu combinación de hábitos es completamente propia y única.

Que conozcas tu estilo de dibujo no significa que te debas atener estrictamente a él. En efecto, es muy conveniente que trates de trabajar con formas que no son corrientes o fáciles y que experimentes con diferentes materiales o trazos, uno cada vez. Alguno puede sorprenderte y llegar a formar parte de tu estilo artístico. Pero aunque experimentes con nuevos trazos y materiales mantén claras tus preferencias y hábitos; esto te permitirá saber quién eres como artista.

Decidir cuándo dejar tu dibujo sólo abocetado o más acabado

Cada artista tiene su estilo. A algunos les gustan los dibujos grandes, valientes, sueltos. Otros prefieren dibujos pequeños, llenos de intrincados detalles. Antes de decidir cuál de las dos aproximaciones prefieres, practica los dos estilos (y todos los intermedios) y experimenta. Nunca sabes cuándo cambiarán tus preferencias e incorporarás nuevos enfoques que nunca habías considerado. Por ejemplo, puedes estar convencido de que sólo te gustan los dibujos esquemáticos, muy elaborados o realistas hasta que un día te descubres maravillado por la belleza de la mágica ilusión de las Manos dibujando de M. C. Escher. O quizá estás centrado en temas imaginarios hasta que de pronto te traspasa el poderoso aguafuerte de Käthe Kollwitz Mujer con niño muerto. (Puedes ver estos dos cuadros escribiendo el nombre del artista en tu buscador de Internet.)

No hay un camino correcto o incorrecto para dibujar. El tratamiento y estilo que uses dependerá de tus percepciones y lógica. Por ejemplo, si quieres dibujar un puente y lo que más te gusta de él es su complejidad, lo más adecuado es hacer un dibujo abigarrado, lleno de detalles que subrayen su complejidad (observa como ejemplo la figura 2-4a). Si, por el contrario, lo que más te impresiona del puente es cómo se enfrenta al viento, puedes elegir un estilo más suelto, que destaque la solidez del puente frente a las turbulencias (figura 2-4b). Por tanto, antes de comenzar a dibujar cualquier objeto, pregúntate qué te atrae de él y su entorno y trata de averiguar el porqué.

Figura 2-4:

Realización de un dibujo suelto de un puente frente a otro dibujo abigarrado

Inspírate

Sabes que quieres dibujar y has elegido este libro para que te ayude a comenzar... y ahora ¿qué? Debes averiguar qué quieres dibujar, ¡por supuesto! Puede haber algunos objetos a tu alrededor fáciles de dibujar, pero estamos seguros de que estás listo para progresar. Si buscas nuevos temas sin tener una idea concreta, has venido al lugar adecuado. En esta sección encontrarás todo lo necesario para hallar inspiración.

Define tus preferencias

Quizá lo más impactante acerca de encontrar inspiración para tu próxima obra es que justamente cualquier cosa puede ser un buen modelo. No importa qué tipo de dibujo quieras hacer, puedes tomar cualquier objeto del mundo, real o imaginario. Con tantas posibilidades ¿cómo elegir? Ésta es la clave: elige un objeto que te atraiga. La atracción por el objeto es fundamental, ya que te sostiene cuando las cosas se ponen difíciles. Además, te desarrollarás más y más de prisa como artista si el asunto de tu obra te interesa. Por tanto, antes de comenzar tu primer dibujo, dedica un tiempo a pensar qué te interesa.

Para ayudarte a descubrir qué temas de dibujo te pueden interesar, haz una lista de lo que te gusta. Escribe cualquier idea que te venga a la mente y resiste la tentación de llevarla a la práctica de inmediato. Reserva en tu casa un espacio o área de trabajo como “panel” de inspiración. Pega y cuelga todo lo que te guste, incluyendo fotos, poemas y postales. Con el tiempo descubrirás patrones comunes en todo lo que has colgado en el panel; esos patrones pueden ayudarte a descubrir tus gustos de una forma nueva y global. Por ejemplo, quizá te des cuenta de que tiendes a guardar poemas y postales relacionados con el agua. Tras conocer esa tendencia, tómate un tiempo para explorarla en una serie de dibujos.

Capta ideas de los trabajos de otros artistas (y de los tuyos)

La gente ha dibujado desde hace mucho tiempo. A través de la historia, se ha usado el arte para comunicarse e inmortalizar sucesos y objetos. Por ejemplo, los dibujos en las cuevas prehistóricas proporcionan a los historiadores una visión del estilo de vida de aquellos seres inteligentes. Los antiguos egipcios decoraron con dibujos muchas de sus obras, incluso tumbas. Los pueblos primitivos de todo el mundo han usado materiales naturales, como la arcilla, para hacer dibujos que representaran sus vidas. Y los dibujos de artistas tan relevantes como Miguel Ángel o Leonardo da Vinci exploraban la ciencia, la anatomía humana y la perspectiva.

Busca en Internet o en la biblioteca pública más información acerca de la historia del arte y de los artistas que la hicieron posible. Asegúrate de explorar todos los tipos de arte. Si no sabes por dónde empezar, pide al bibliotecario que te ayude a localizar algunos libros, así podrás valorar los diversos movimientos artísticos que se han producido en el mundo. Estudiando el trabajo del pasado, descubrirás infinidad de técnicas, estilos y objetos que puedes usar como ayuda para desarrollar tus habilidades de dibujante.

Copiar obras de arte magníficas es un estupendo método para aprender con detalle lo referente al dibujo, pero no tienes que reproducirlo todo para obtener los beneficios de copiar. Si un fragmento de la obra te resulta interesante, adelante, copia sólo esa parte. Trata de determinar qué llama tu atención y cópialo en tu dibujo.

Copiar el trabajo de otro, incluso un fragmento, sólo puede hacerse legalmente si tienes el permiso del autor o si es para tu propia investigación. Aunque no puedes presentar tus copias como trabajo propio, copiar es un estupendo método para desarrollar tus cualidades y para practicar técnicas nuevas. En el capítulo 18 encontrarás más información sobre las leyes de derechos de autor.

Para inspirarte también puedes mirar tus primeros trabajos. Es decir, puedes usar un dibujo que has hecho anteriormente como trampolín para elaborar uno nuevo. Elige uno que te guste, toma de él algún elemento y comienza el nuevo dibujo recreando ese elemento. Entonces, con imaginación, lleva el dibujo en una dirección totalmente nueva. Echa un vistazo a la figura 2-5a, que es la fuente de inspiración de la figura 2-5b. La artista que hizo ambos dibujos tomó prestada la composición y los perfiles básicos de la primera como inspiración de la segunda. Los dos nadadores de la figura 2-5a se transforman en dos pájaros en la figura 2-5b, mientras que la piscina en el jardín se transforma en una tarta en una repisa.

Figura 2-5:

Inspírate en tus propios trabajos

Dibujar de memoria

Tu memoria puede ser un fértil campo de ideas para dibujar. Después de todo, nada es más personal que tus propios recuerdos. Pero antes de comenzar a dibujar de memoria, recuerda que ésta no es perfecta. Para obtener el mayor rendimiento, permítete dibujar imperfectamente, siempre que dibujes basándote en ella.

Antes de comenzar cualquier dibujo de memoria, pregúntate qué quieres llevar a cabo. Si tu objetivo es hacer una imagen muy realista basada en la rememoración, busca alguna fuente material, como fotografías o modelos tangibles, para que te ayuden a crear la interpretación más real de tu recuerdo. Si, al contrario, tu objetivo es reconstruir el marco emocional o psicológico del recuerdo, no pongas mucho énfasis en el realismo del dibujo. En lugar de eso, céntrate en representar las emociones y pensamientos que tuviste entonces.

A veces dibujar de memoria es una solución práctica cuando ves algo que te gustaría dibujar pero no puedes hacerlo en ese momento. El truco para recordar el tema y sus alrededores es tratar de absorber tantos detalles visuales como puedas para recrearlos luego en el papel. Como con cualquier técnica, puedes agudizar y mejorar la tuya para memorizar los detalles visuales con la práctica. Comienza a practicar ahora y entrena la mano con el siguiente ejercicio, que dará algo que hacer a tu memoria visual.

Para este ejercicio, necesitas un cronómetro o algo similar para controlar tu tiempo, el cuaderno de bocetos, un papel adicional, una regla y un lápiz del 2B. (Ve a la siguiente sección, “Lo necesario”, donde encontrarás detalles sobre esas herramientas.) Cuando tengas los materiales, sigue estos pasos:

1.   Con la regla y el lápiz 2B, dibuja un cuadrado de 10 × 10 centímetros en el cuaderno.

2.   Mira cuidadosamente el dibujo de la figura 2-6 durante 30 segundos y trata de recordar tantos detalles como puedas.

3.   Después de 30 segundos, tapa la figura 2-6 con el papel.

4.   En el recuadro que has dibujado en el primer paso, dibuja todo lo que puedas recordar de la figura 2-6.

5.   Destapa la figura 2-6 y compárala con lo que has hecho en el paso anterior.

Puedes repetir este ejercicio con infinitas variaciones. Ensáyalo con fotos o dibujos de una revista. Ensáyalo en la vida real; mira algo durante un tiempo y después dale la espalda. Añade variedad y dificultades extra mirando primero durante dos minutos, luego uno y por último ¡durante diez segundos! Ejercitando tu mente en esta forma, te entrenas para observar tu entorno con más atención. Con un poco de práctica, puedes mejorar tu capacidad mental para retener lo que ves.

Figura 2-6:

Dibuja de memoria

Disponer de espacio y tiempo para dibujar

Si dispones de una habitación libre en tu casa, puedes convertirla en tu estudio de dibujo, dedicado exclusivamente a tu arte. Pero no es necesario utilizar toda una habitación para crear un espacio de dibujo eficaz y confortable. Puedes crear tu ambiente en una vivienda pequeña, concurrida, compartiendo una área con otros o convirtiendo un rincón en el sitio de pasar tiempo dibujando, incluso cuando la vida es más activa.

Preparar un lugar cómodo y apropiado para dibujar

Tanto si tienes tu propio estudio como si es un rincón en una habitación, debe estar libre de distracciones y contar con los muebles y elementos necesarios para dibujar cómodamente. Si otros usan ese espacio, planifica con cuidado y establece algunos compromisos para asegurarte de que dispondrás de tiempo para dibujar sin incomodar a los demás.

Independientemente de dónde instales tu estudio, asegúrate de incluir los siguientes elementos para hacerlo tan cómodo y utilitario como sea posible:

   Mesa de dibujo ajustable o caballete: Se llaman así porque puedes ajustar la altura y la inclinación del tablero para dibujar con comodidad. Busca en almacenes y tiendas de segunda mano para encontrar uno a buen precio. Mucha gente vende material de segunda mano en Internet. Teclea mesa de dibujo de segunda mano en cualquier buscador.

Si no quieres comprarte un caballete, puedes transformar la mesa de la cocina, del comedor o del ordenador en un espacio ideal para dibujar llevándola a tu lugar de dibujo. Puedes incluso crear un tablero inclinado portátil usando libros para elevar un extremo del tablero.

   Tablón de anuncios: Un tablón de anuncios te permite exponer en tu estudio algunos de tus dibujos favoritos, imágenes inspiradoras, fotos y artículos. Puedes encontrar tablones de anuncios relativamente económicos y listos para su uso en cualquier almacén de bricolaje.

   Silla cómoda y ajustable: Debes tener una silla cómoda, ya que vas a pasar varias horas a la semana dibujando. Seguro que no quieres que la espalda se canse o te duela mientras trabajas. Una silla ajustable te permite regular su altura al nivel justo, adecuado para ti, y una silla con ruedas te facilita los desplazamientos.

   Fuente de luz: Una ventana en tu espacio de dibujo es la mejor opción de iluminación, pero incluso si tienes una, necesitas un flexo que puedas sujetar al tablero de dibujo para los días nublados o las horas de menos luz.

   Música ambiental: Si vas a estar mucho tiempo concentrado en tus proyectos, en el estudio (especialmente si lo compartes con más gente) usa unos cascos para escuchar tu música favorita, evitar los ruidos que puedan distraerte y centrarte en los dibujos. Si tienes tu propio estudio, usa un equipo estéreo con altavoces, pues es mejor que los cascos.

   Cajas para organizar el material: Guarda los materiales organizados y fuera del alcance de niños y mascotas en cajas con tapa, que pueden ser grandes, cajas de zapatos o pequeñas cajas de chinchetas. Así puedes ordenarlos bajo la cama o en un armario cuando no los uses. Si tienes un cajón vacío o un estante cerca del sitio para dibujar, coloca los utensilios ahí.

Quizá también quieras una mesita o un carrito de almacenamiento (preferiblemente con ruedas) para tener a mano los materiales mientras trabajas. Si tienes espacio para una estantería, podrías poner una para colocar los libros de arte, los materiales de dibujo y las carpetas.

No te limites a estas sugerencias. Visita una tienda de muebles, o de material de bellas artes y busca en libros y revistas de decoración para tener más ideas sobre lo que puedes añadir al espacio para que te facilite el trabajo.

Mantén los colores ambientales tan claros como sea posible para garantizar que el espacio de dibujo es luminoso, acogedor y que te permite disfrutar.

Encuentra tiempo para dibujar

Si conviertes el dibujo en un hábito, verás que incluso cuando estás más ocupado, encuentras tiempo para dibujar. Los siguientes consejos pueden ayudarte a encontrar ese tiempo, a pesar de que tengas un horario apretado:

   Lleva un pequeño cuaderno de bocetos en el bolso, monedero o mochila. Así, siempre estás preparado para cuando te llegue la inspiración.

   Si trabajas fuera de casa y te mueves en transporte público, dibuja durante los desplazamientos y en el almuerzo. Aprovecha la oportunidad de hacer bocetos de los otros pasajeros o de tus colegas.

   No olvides las tardes y los fines de semana. Puedes encontrar un montón de oportunidades para dibujar durante las pausas de los eventos sociales. Por ejemplo, si estás en una reunión de amigos con juegos de mesa, ¿por qué no dibujarlos? Incluso puedes llevar tu caja de dibujo cuando vayas a visitar a la familia o a los amigos los fines de semana.

   Implica a la familia y amigos. Reúne a un grupo de familiares o amigos, organiza una reunión una noche a la semana o crea un club de dibujo. Haced turnos llevando refrescos, motivaos los unos a los otros y compartid ideas mientras dibujáis.

Usar el cuaderno de bocetos

El cuaderno de bocetos es un diario y un buen amigo. Úsalo como laboratorio de pruebas donde ensayar ideas nuevas y donde documentar diferentes experiencias. Sobre todo, el cuaderno de bocetos es el lugar desde el que puedes revivir la emoción que sentiste al dibujar cuando eras joven y no te preocupabas por si alguien miraba.

Hay a quien le gusta llevar un único cuaderno de bocetos para todo, mientras que otras personas prefieren tener uno para cada tema. Independientemente de tu organización, acostumbra a llevar siempre uno vayas a donde vayas. Así estarás preparado para abocetar si surge la oportunidad. Las siguientes secciones explican cómo dibujar en el exterior, y cómo usar el cuaderno de bocetos para ensayar nuevas ideas.

Hacer bocetos lejos de casa

Los apuntes son un magnífico medio de guardar una experiencia que has vivido lejos de casa. Todo lo que necesitas es tu cuaderno, los utensilios de dibujo y un lugar para dibujar. El encanto del boceto es que puedes hacerlo en cualquier sitio, incluso en lugares en los que están prohibidas las cámaras.

Cuando dibujes en el exterior, sea donde sea, ponte cómodo para concentrarte en tu trabajo un tiempo suficientemente largo como para completar tu cuadro. Si prevés que vas a estar fuera de casa un buen rato, asegúrate de llevar crema de protección solar, un sombrero, una botella de agua o un abrigo (si hace frío) y cualquier cosa que puedas necesitar para estar a gusto. Localiza servicios y sitios donde refugiarte cerca de donde quieres ir por si el tiempo cambia de improviso. Considera si prefieres sentarte o estar de pie. Si te gusta sentarte, quizá quieras comprar una silla plegable ligera.

Tanto si estás en el estudio como en el exterior, sigue el mismo proceso. Plantéate cómo realizar tu dibujo. Como en un mapa general, comienza colocando las diferentes piezas en el lugar que ocuparán. A continuación, descompón el objeto en formas simples. Finalmente, retoca el objeto u objetos para hacerlos más realistas. Añade sombras y texturas si eso te ayuda a alcanzar el aspecto que buscabas y si tienes tiempo para hacerlo. Si no es así, puedes añadir las sombras y matices después; escribe una nota al margen acerca del tipo de luz y trata de recordar la escena para saber qué tipo de sombreado añadir. (En el capítulo 3 hay más detalles sobre el proceso de dibujo.)

A veces, cuando dibujas en el exterior, te gustaría añadir gente a la escena. La incorporación de personas anima el espacio, pero también da un poco de miedo. Después de todo, la gente se mueve mucho, haciendo difícil plasmar todos los detalles de su cuerpo y de su cara en el dibujo.

Para ayudarte en tus sesiones de dibujo del exterior, toma apuntes de la gente, como un ejercicio para mejorar tus habilidades de dibujante más que para completar la escena. Concéntrate en captar rápidamente si la persona está de pie, sentada, o caminando, más que en si lleva sandalias de tiras o si tiene una nariz aguileña. Toma un apunte rápido de los perfiles que describe su ropa, las piernas, los brazos y las cabezas de la gente. Cuando tengas tiempo, ya pensarás en las sandalias de tiras, la camisa y la longitud del pelo. La figura 2-7 muestra un apunte rápido que incluye gente.

Tomar apuntes de cómo cambia la gente a lo largo de los días es un buen método para practicar tu capacidad de dibujar los gestos. (Consulta el capítulo 15 para obtener más información sobre el dibujo de los gestos.) No añadas más detalles a la gente que colocas al fondo. Si aparece con muchos detalles, no se integrará con el fondo del dibujo.

Figura 2-7:

Apuntes rápidos de gente

Para practicar los bocetos al aire libre, coge el cuaderno de bocetos, un lápiz 2B, una goma de borrar y vete a algún lugar lejos de casa, a algún sitio en el que creas que encontrarás algo interesante para dibujar. Sigue estos pasos:

1.   Con el lápiz 2B, traza suavemente líneas para indicar el emplazamiento, tamaño y dirección de las principales formas del objeto que vas a dibujar y sus alrededores.

2.   Descompón los objetos en formas lo más simples posibles y dibújalas en el papel (figura 2-8a).

Figura 2-8:

Boceto realizado al aire libre

3.   Compara tu dibujo con la realidad para asegurarte de que los objetos guardan una proporción correcta y que no hay nada demasiado grande o alejado; haz las correcciones necesarias.

4.   Perfila lo necesario para sombrear.

5.   Redefine las formas perfilándolas con precisión (figura 2-8b).

Las más simples, como cuadrados o rectángulos, son estupendas para fijar las dimensiones de la mayor parte de los elementos arquitectónicos, pero para hacerlas más realistas, busca sitios donde las características arquitectónicas del objeto se parezcan a simples cajas. Por ejemplo, los bordes de los tejados de la figura 2-8b son básicamente rectángulos. Pero, para ser más precisos, el artista les da la calidad de tres dimensiones dibujando rectángulos estrechos a lo largo de los bordes de los laterales de los tejados. Después de dibujar los rectángulos, el autor puede cambiar el dibujo para reflejar las tres dimensiones de los tejados porque ya ha fijado su emplazamiento y dimensión.

6.   Añade pequeños trazos para indicar ventanas, puertas y otros detalles del modelo y sus alrededores (figura 2-8c).

7.   Retoca las luces y las sombras de los trazos para hacerlos más realistas.

Juega con tus ideas

Uno de los usos más liberadores del cuaderno de bocetos es como campo de pruebas. No se lo tienes que enseñar a nadie si no te apetece, así que siéntete libre de probar tus ideas, incluso las más locas. Si tienes una idea pero te sientes inseguro y temes expresarla en voz alta, cuéntasela a tu cuaderno. No te preocupes por la precisión o por las reglas tradicionales del dibujo cuando trabajes en el cuaderno de bocetos. Sé tú mismo y deja que vuelen tanto tu imaginación como tu lápiz.

Si no se te ocurren ideas que probar en el cuaderno de bocetos, te proponemos lo siguiente para poner en marcha tu creatividad:

   Lleva un diario en el que realices un dibujo cada día para recordar alguna anécdota. Si el día ha sido aburrido, dibuja algo que refleje un pensamiento de ese día.

   Lleva un diario de curiosidades. Busca hechos extraños y estrambóticos en Internet o en una biblioteca y haz una lista de los que te resulten más interesantes. Imagina lo que pasaría si los combinaras en un dibujo.

   Deja el cuaderno de bocetos en tu mesilla de noche. Así, al despertar, podrás hacer dibujos de los sueños interesantes que hayas tenido.

   Pide a tus amigos que te cuenten algo que hayan aprendido ese día y aprovecha sus explicaciones para hacer un dibujo.

   Ve a algún sitio que te dé miedo y dibújalo. Tal vez sea un sótano húmedo o una pendiente pronunciada donde los niños se tiran con el trineo, pero asegúrate de que no sea un lugar donde estés en peligro.

Cómo escoger el material de dibujo

La calidad de los materiales de bellas artes suele ir pareja al precio. Por ejemplo, algunos lápices baratos rascan en vez de deslizarse suavemente y resulta muy frustrante dibujar con ellos. Lo mejor es comprar material de dibujo de buena calidad en una tienda de bellas artes de confianza, pero puedes ahorrar dinero de otras maneras. Compara: a veces la misma marca de productos de muy buena calidad la encuentras en diferentes tiendas a distinto precio. Otra forma de ahorrar consiste en adquirir sólo los materiales que indicamos en la sección “Lo necesario”. Compra lo imprescindible para comenzar a dibujar y, más adelante, cuando mejoren tu destreza y tu presupuesto, podrás invertir en artículos más divertidos pero no tan esenciales, que te presentamos en la sección “Los más deseados”.

Lo necesario

Los siguientes apartados describen los materiales básicos que necesitas para comenzar a dibujar y para realizar los proyectos que proponemos en este libro. La figura 2-9 te muestra algunos de los útiles más necesarios.

Figura 2-9:

Materiales de dibujo

Cuaderno de bocetos

Los blocs de dibujo se encuentran en todo tipo de tamaños y calidades. Como principiante, equilibra la calidad que te puedas permitir con la cantidad de hojas que necesitas. En general, un cuaderno de cincuenta a cien páginas de papel reciclado para abocetar es una buena elección. En este momento de tu carrera como dibujante te interesa hacer muchos dibujos sin preocuparte de malgastar dinero en papel de altísima calidad. Escoge un tamaño que se ajuste a tus necesidades. Un DIN-A4 (21 × 29,7 centímetros) o el tamaño folio (21,5 × 31,5 centímetros) suelen ir bien, pero tal vez prefieras comprarte un cuaderno más pequeño, que quepa en un bolso o cartera, y así tenerlo a mano en cualquier momento.

Lápices

Los lápices más importantes para un principiante son el H2, el HB, el B2, el B4 y el B6. El H2 es el más claro (el más duro) y el B6 es el más oscuro (el más blando). En la figura 2-10 puedes ver la gama completa de tonos que se logra con cuatro de esos lápices. Normalmente utilizarás el HB, el B2 y el B4.

Figura 2-10:

Gama de tonos realizada con los cuatro lápices de grafito más empleados

Si te molesta tener que parar a medio dibujo para sacar punta a los lápices, te puede interesar comprarte lápices portaminas. Recomendamos los de 0,5 milímetros (muy fáciles de encontrar) para todo tipo de dibujos y los de 0,3 milímetros (disponibles en la mayoría de tiendas de bellas artes) para los pequeños detalles. Cuando estés abocetando de manera muy suelta o sobre un soporte de gran tamaño (o ambos), prueba con un portaminas de 0,7 milímetros.

Gomas de borrar

Necesitarás dos tipos de gomas, una de caucho o vinílica y otra moldeable o “de miga de pan”. He aquí la diferencia entre ellas:

   Goma vinílica: Suele ser blanca, alargada y rectangular. Estas gomas se etiquetan a veces como suaves o extra suaves. Ambos tipos van bien, pero es una buena idea adquirir una de cada para valorar la que te va mejor. No te preocupes si encuentras gomas de caucho sin etiquetar, en cuanto a su suavidad, todas borran más o menos igual.

   Goma moldeable: Esta goma es gris y suele ir empaquetada en un plástico con el nombre bien identificado. Si tienes la posibilidad, escoge la más grande que encuentres. No hay gran diferencia de precio y la superficie de borrar adicional vale con creces su coste. Te puede interesar disponer de dos gomas moldeables, una para borrar grafito y otra para el carboncillo.

Si no estás familiarizado con ninguna de estas gomas, pide al dependiente que te ayude a elegir la mejor marca. Y no te preocupes si no sabes qué hacer con ellas después de comprarlas; a lo largo de este libro te explicaremos varios usos posibles.

Procura no usar las típicas gomas de colores, ya que a veces dejan rastros rosa o gris sobre el papel.

Sacapuntas

Necesitarás sacapuntas, incluso aunque uses portaminas para los dibujos a grafito, por lo que asegúrate de tener uno en la caja de materiales. Los más complicados no funcionan mejor que los sencillos, sin decoración. Ahorra dinero y escoge un sacapuntas metálico básico, que se pueda coger con la mano y con dos aperturas: una para los lápices normales y otra para los gruesos. Estos sacapuntas duran mucho y se pueden comprar cuchillas de repuesto cuando se desgasten las originales.

También se puede usar papel de lija, en hojas aisladas o en tacos.

Reglas

Hay reglas de metal, plástico y madera. Sugerimos comprar una de metal porque dura más y es más fácil de usar y de limpiar que las de madera y las de plástico. La regla de 30 centímetros va bien para casi todos los proyectos, pero una de 45 centímetros puede ser práctica a la hora de realizar trabajos de gran formato.

Carboncillos

Los lápices de carboncillo y los carboncillos se encuentran graduados según su dureza, que va de dura, pasando por media, a blanda. Aunque hay menos grados que en el caso de los lápices de grafito, muchos se etiquetan igual: B2, B4, etc. (observa la figura 2-10 en cuanto a la denominación de los lápices) y el significado es el mismo (dirígete al apartado “Lápices” para obtener más detalles). A veces encontrarás carboncillos etiquetados como duro, medio, blando y extra blando. Por ahora, compra algunos lápices de carboncillo medio (B2) y blando (B4), junto con un par de carboncillos blandos (B4). En el capítulo 13 te mostramos cómo probar los carboncillos en un proyecto divertido.

Fijador

El fijador o espray fijador es un aerosol que se aplica sobre el dibujo a modo de capa protectora. Es un elemento importante que se debe tener a mano a la hora de dibujar con carboncillo, pero también ayuda cuando se trabaja con grafito. Fija el carboncillo o el grafito al papel, evitando que se emborrone el dibujo. El fijador viene en dos versiones, de preparación y de acabado final. El primero ayuda al papel a retener la textura del lápiz de modo que se puede seguir trabajando en el dibujo, después de aplicar el fijador, tan fácilmente como antes. Por esta razón, este espray no es tan protector como el fijador final. Ambos se pueden encontrar con varios acabados, mate, satinado y brillo. Pide ayuda al dependiente de la tienda de bellas artes para encontrar la marca adecuada y asegúrate de usar el fijador al aire libre o en un lugar con buena ventilación para proteger tu salud.

Carpeta

Todos los artistas necesitan una carpeta, que es básicamente un portafolio plano y robusto que se usa para almacenar y/o transportar los dibujos. Puedes guardar en la carpeta el papel de dibujo y las obras acabadas para que no se arruguen ni se dañen.

Las carpetas se encuentran en las tiendas de bellas artes. Hay un amplio abanico de tamaños, materiales y precios. Te puedes apañar con una carpeta de cartón ligero, pero si te decides por éstas, busca una no tratada con ácidos o que tenga pH neutro para evitar que se amarilleen los papeles y dibujos (pide ayuda a un dependiente para escoger). Si pretendes transportar los trabajos en condiciones de lluvia o nieve necesitarás una carpeta impermeable. En este caso, la lona, el vinilo y el cuero ofrecen protección frente a los elementos.

Si de entrada prefieres no comprarte una carpeta, puedes fabricártela fácilmente con cartón ondulado o grueso y hacer la bisagra con cinta de embalar.

Los más deseados

En algún momento de tu carrera de dibujante puede que quieras experimentar con otros materiales más allá del grafito y el carboncillo y con papeles de mayor calidad que los del cuaderno de bocetos. Aquí te proponemos algunos que puedes incorporar a tu caja de dibujo cuando estés preparado y los materiales del apartado anterior se te queden cortos:

   Lápices de colores: Si quieres añadir un toque de color a los dibujos, compra un juego de lápices de colores. Pero asegúrate de no elegir los baratos, ya que tienen demasiada cera y no se funden bien, además de que se desvanecen con el tiempo. Pide consejo en la tienda y que te recomienden un juego de lápices de buena calidad para principiantes.

   Contés y pasteles: Elige barras o lápices. Un juego básico de contés tiene negro, un par de grises, un marrón sepia, un marrón rojizo (sanguina) y blanco. Existe una enorme gama de colores de pasteles, pero lo mejor es empezar con un juego de colores variados para principiantes.

Si eliges los contés o pasteles tipo lápiz, debes comprarte un afilalápices o un bloque de lija para sacarles punta. Ambos los encontrarás en tiendas de bellas artes.

   Grafito y/o carboncillo en polvo: Puedes comprarlo en tarros en la mayoría de tiendas de manualidades, y usarlos para dar fondo al papel en dibujos sustractivos. (En el capítulo 9 te hablaré sobre los dibujos sustractivos.) Puedes usar un cepillo, algodón u otro sistema para aplicar estos polvos al dibujo.

   Lápices no habituales: Existe una enorme variedad en el mundo de los lápices de grafito. En muchas marcas, los lápices van desde el H8 súper duro (que pinta tan pálido que casi no se ve) hasta el B9 negro, extra blando. Te recomendamos que, poco a poco, te acostumbres a añadir a tu colección uno o dos lápices cada vez.

Deberías probar cuanto antes las minas de lápiz sin funda de madera. En ellos, la mina de grafito está envuelta por una fina capa de plástico. La escala de blandos y duros es igual que la de los lápices corrientes, pero el trazo suele ser más suave y aterciopelado. Hay que tener cuidado con las minas porque tienden a romperse cuando se caen. Son especialmente buenas para la técnica de sombreado continuo, porque la punta es todo grafito así que no hay que parar de dibujar para afilarlas. (En el capítulo 9 encontrarás los detalles de esta técnica.)

   Papel especial de dibujo: Los papeles especiales te pueden resultar muy divertidos. Los hay en cientos de colores, texturas y tipos, así que deja volar tu imaginación. Lo mejor para ver los resultados de un papel es probarlo. Un papel de dibujo muy bueno es el papel de acuarela prensado en caliente de mucho gramaje. Su superficie es suave, pero su agarre es adecuado para la mayoría de los materiales de dibujo y resiste bien la goma de borrar (hay que tener en cuenta que algunos papeles delicados o esponjosos se pelan o se rasgan si borras muy fuerte).

Proyecto. La pupila y el iris

En este proyecto experimentarás con todos los materiales de dibujo de la lista de “Lo necesario”. Así que reúne las herramientas y sigue estos pasos para dibujar un ojo:

1.   Ayudándote con la regla, dibuja un cuadrado de cualquier tamaño en el cuaderno de bocetos.

Este cuadrado es tu espacio de dibujo, por lo que debes decidir si prefieres dibujar objetos grandes o pequeños antes de escoger el tamaño del cuadrado.

2.   Con el lápiz de carboncillo, dibuja una circunferencia pequeña centrada en el cuadrado, dejando una pequeña sección con la forma de una letra C invertida en la parte superior izquierda; después rellénala, convirtiéndola en un círculo lo más oscuro posible con el lápiz (figura 2-11).

Debe parecer que alguien le ha dado un mordisco al círculo. No olvides dejar blanca la pequeña sección en forma de C, ya que será el punto de luz del ojo.

3.   Con un lápiz B6 dibuja una circunferencia grande alrededor del primer círculo (figura 2-12).

Lo puedes hacer a mano alzada o usar un compás que te ayude a dibujar la circunferencia.

4.   Emplea un HB para trazar el contorno de la C invertida que realizaste en el paso 2.

Mira de cerca esta pequeña sección, que se llama punto de luz. Hace que el iris del ojo parezca real. Este punto de luz queda del color del papel en que dibujas.

Figura 2-11:

Dibuja la pupila y deja un espacio, el punto de luz del ojo

Figura 2-12:

Dibuja un círculo alrededor de la pupila, que representará el iris

5.   Sigue con el HB para rellenar el espacio del círculo grande, a excepción del punto de luz (figura 2-13).

6.   Amasa la goma moldeable hasta que quede blanda y dale forma de cono. Da unos toquecitos con la punta sobre el sombreado del círculo en el lado opuesto al punto de luz (figura 2-14).

Da toques suaves hasta que esta pequeña zona quede levemente más clara que el resto del sombreado. Esta técnica hace que el ojo resulte más realista.

7.   Limpia con la goma vinílica los borrones o huellas de los dedos que puedan haber quedado en el papel.

Figura 2-13:

Crea el punto de luz del ojo dejando el blanco del papel

Figura 2-14:

Con la goma moldeable, aclara el sombreado del iris en la zona opuesta al punto de luz

Capítulo 3

Las etapas de desarrollo del dibujo

En este capítulo

   Analiza las cinco etapas de desarrollo del dibujo

   Revisa un proyecto sencillo para ver cómo se desarrollan estas etapas

“Un viaje de mil millas comienza con un paso.”

Antiguo proverbio chino

El dominio de los diferentes componentes del dibujo llega con el tiempo y la práctica. Recuerda que, al principio, tu trabajo no siempre dará resultados “perfectos”. En vez de buscar la perfección, prepárate para un viaje largo pero también gratificante en el que irás descubriendo y practicando las habilidades que necesitas para crear dibujos personales y satisfactorios.

En este capítulo recorremos las cinco etapas básicas que la mayoría de los artistas siguen en cada dibujo. Organizamos estos pasos cronológicamente, desde el trazado de líneas hasta la valoración de la composición, para que obtengas la noción de un orden eficaz y multiuso de las operaciones a la hora de dibujar. Sólo te damos la información necesaria para que sepas cómo afrontar cada momento de la creación del dibujo, pero encontrarás más detalles sobre cada etapa en capítulos posteriores.

Guarda todos tus dibujos, aunque al principio no te gusten. Cuando los termines, escribe la fecha detrás. Al repasarlos puedes valorar lo que has avanzado artísticamente. Dibujar es una investigación infinita y, de la misma manera que en un viaje de placer, el destino no es lo más importante. Lo mejor y más divertido del dibujo está en su proceso, en el viaje en sí.

Primera etapa. Buscar líneas

La línea es indiscutiblemente el componente esencial del dibujo. De hecho, la mayoría de la gente comienza a dibujar haciendo garabatos con ceras infantiles. Aunque es posible realizar dibujos bonitos sin líneas visibles, casi todos comienzan con una línea. La consideramos la primera etapa en el orden de las operaciones porque un dibujo se empieza con líneas. Sin embargo, no olvides que algunos comienzan y acaban también con líneas. Tenemos un buen ejemplo en Leda y el cisne de Cy Twombly (copia el título y el autor en un buscador de Internet para verlo), este dibujo es una maraña de energía que no llega a ser más que una masa de líneas; aun así, es un dibujo completo.

Aunque los objetos reales no están bordeados por contornos visibles, las líneas son un modo práctico de definir los límites de todo lo que veas. A veces, para dibujar los bordes de un objeto complejo, hay que dividirlo en partes más simples y centrarse en sus contornos. Con un poco de práctica en la búsqueda de líneas, puedes obviar los detalles complicados de un objeto complejo y ver sólo sus líneas.

Para entender lo que queremos decir, coge una taza o algo similar con asa. Colócalo delante de ti y míralo con detenimiento. Centra la mirada en sus bordes. Intenta simplificar el objeto visualmente con líneas como las de un dibujo de cualquier cuaderno de colorear (tienes un ejemplo en la figura 3-1).

Figura 3-1:

Dibuja los bordes del objeto con líneas sencillas

La mayoría de artistas empiezan su carrera dibujando con líneas, incluso cuando los motivos son complicados, como personas o animales. La figura 3-2 muestra un par de ejemplos de los dibujos iniciales de una artista antes de resolver el sombreado.

Figura 3-2:

Se emplean líneas para dibujar temas complejos

Segunda etapa. Paso de líneas a formas

Los niños tienen una sorprendente habilidad para ver formas sencillas en objetos complejos y tridimensionales. Por ejemplo, para ellos, una casa es un cuadrado y el tejado, un triángulo. Un árbol es un triángulo o un rectángulo estrecho y largo con un círculo encima. Simplificar los objetos en formas sencillas es más que un modo simbólico de representar el mundo; es una habilidad útil para construir un dibujo. Si comienzas por las formas simples que constituyen el modelo, podrás usar esas formas como esbozo para hacer una representación precisa y detallada del objeto.

Aunque todo objeto puede dividirse en formas sencillas, a veces hay que ser un poco flexible para ver las que lo constituyen. Por ejemplo, la taza de café de la figura 3-1 está formada por un rectángulo con un círculo que asoma. Aunque el dibujo no quedaría exactamente como la taza si dibujaras un rectángulo y un círculo con compás, escuadra y cartabón, sus formas básicas te servirían como punto de partida del que podrías hacer un dibujo acabado de la taza.

Al empezar a reducir objetos a líneas (en la sección anterior encontrarás más información), busca las formas sencillas que los constituyen, como círculos, cuadrados y triángulos. Si tienes dificultades para ver las formas básicas en los objetos, intenta ser más flexible en tu modo de pensar; en otras palabras, trata de ver el mundo como lo hacías de niño.

La figura 3-3a muestra una fotografía de una calle en Bloomington, Indiana. En la figura 3-3b se ven las formas básicas que componen esta escena. Para determinarlas, la artista se imaginó a qué estructura geométrica se parecía cada objeto. Algunas de las formas del sencillo esquema de la figura 3-3b no son geométricamente exactas, pero conservan su esencia. Por ejemplo, la ventana panorámica del lateral del edificio es básicamente un cuadrado, la calle se puede representar como un trapecio y el árbol es prácticamente un círculo.

Como los objetos en las fotografías son planos, es fácil ver las estructuras que los componen. Para descubrir las formas sencillas de un motivo sólo tienes que trazar su contorno en una foto. Por el contrario, determinar las estructuras básicas de objetos reales es un poco más difícil, ya que los detalles y el volumen de los modelos tridimensionales pueden distraerte. Para reducir un objeto tridimensional a sus formas sencillas, debes ser capaz de verlo como si fuera plano. Acostúmbrate a prestar atención a las formas esenciales que constituyen cualquier cosa que dibujes. Con la práctica, entrenarás la vista para detectarlas automáticamente. (Si te cuesta acostumbrarte, coge algunas fotos y busca las formas sencillas de los objetos que aparecen en ellas. Esto te servirá como entrenamiento de la mirada necesaria para reducir objetos tridimensionales a formas planas.)

Comienza dibujando las formas sencillas que componen el motivo con trazos suaves. Así, podrás corregir o borrar las líneas al añadir una tercera dimensión mediante el sombreado; lee la siguiente sección para obtener más detalles.

Figura 3-3:

Reduce los objetos complejos a formas sencillas

Algunos objetos parecen fáciles de dibujar pero acaban siendo complicados. Por otro lado, algunos temas son realmente difíciles a primera vista pero luego descubres que no lo son. Independientemente de la complejidad de cada motivo, la clave para representarlo con éxito reside en ser capaz de reducirlo a formas sencillas. Si te sientes frustrado al dibujar un objeto, recuerda: simplifica, simplifica, simplifica y después, ¡subdivide! Por ejemplo, al dibujar una serie de casas en hilera, céntrate en el rectángulo horizontal que contiene todas las fachadas. Dibuja ese rectángulo primero y después divídelo en otros menores que representen cada casa. Subdivide de nuevo para crear las puertas y ventanas. Cuando domines esta sencilla secuencia de dibujo, podrás afrontar cualquier temática. (Lee el capítulo 7 para obtener instrucciones detalladas de la reducción de objetos a formas sencillas.)

Tercera etapa. Añadir la tercera dimensión con el volumen

Muchos motivos de dibujo quedan completos empleando sólo líneas y formas (en el apartado anterior se pueden ver los detalles). Sin embargo, si quieres lograr un aspecto realista y simular la tercera dimensión, necesitas dar volumen a tus dibujos.

En términos de dibujo, el volumen es la ilusión de la tercera dimensión. Es lo que convierte un círculo en una esfera, un triángulo en un cono y un cuadrado en un cubo. Para lograr volumen hay que usar la perspectiva y el sombreado. En los siguientes apartados describimos estas dos estrategias de dibujo.

Cuando se dibuja un objeto con perspectiva y sombreado se logra representar su estructura tridimensional sobre el papel. Por ejemplo, al dibujar modelos teniendo en cuenta la perspectiva, puedes colocarlos en un segundo o tercer plano de manera creíble. La correcta aplicación de luces, sombras y luz reflejada aporta un efecto más realista. (Para crear volumen, en el capítulo 8 se muestra cómo aplicar el sombreado; y en el capítulo 11 descubrirás el uso de la perspectiva.)

Emplear la perspectiva para crear profundidad

La perspectiva se puede definir como el modo en que aparecen los objetos observados desde un determinado punto de vista. De ahí que el dibujo de la perspectiva sea la representación creíble de un objeto o espacio tridimensional sobre un soporte plano. Lograr esa sensación de profundidad requiere mucha atención y precisión a la hora de aplicar la perspectiva. Cuando se entiende, los dibujos se vuelven más realistas y correctos visualmente.

En la figura 3-4 se ve cómo la artista emplea técnicas de perspectiva para crear un efecto de profundidad. Este dibujo retoma el proceso donde lo dejó la figura 3-3b y emplea formas simples que perfeccionan y añaden profundidad al boceto original. Por ejemplo, las diagonales dibujadas a ambos lados de la ventana panorámica nos indican que la ventana sobresale del muro.

La figura 3-4 también incorpora una técnica de perspectiva llamada perspectiva atmosférica, una manera de representar el hecho de que los objetos se perciben menos nítidos cuanto más alejados están. Observa cómo el poste telefónico se ve mucho más marcado y definido que los coches que quedan a lo lejos, en la parte izquierda del dibujo. (En el capítulo 11 encontrarás más información sobre la perspectiva atmosférica.)

Figura 3-4:

Uso de la perspectiva para dar profundidad a un dibujo

Crear luces y volumen a través del sombreado

Con el sombreado se plasman las diferentes gamas de gris de un dibujo. Para mostrar un objeto con cierto realismo en blanco y negro y para darle volumen, hay que traducir los colores, luces y sombras a tonos de gris.

Antes de empezar a dibujar, debes localizar las luces y sombras propias del objeto y también las proyectadas, que determinarán dónde tienes que aplicar el sombreado más claro y el más oscuro hasta crear el contraste (la diferencia entre los tonos claros y oscuros) adecuado. El contraste es el ingrediente primordial del sombreado con el que obtener dibujos de aspecto tridimensional (más detalles en el capítulo 9).

La figura 3-5 muestra una representación realista de un tema más bien complicado, un pie humano. Observa cómo la artista empleó una gama de grises en el sombreado del relieve del pie para que pareciera tridimensional y real.

El sombreado es un modo estupendo de reflejar la topografía de cualquier objeto. Por ejemplo, las suaves depresiones que hay entre los dedos suelen quedar en sombra mientras el empeine acapara la luz. Se pueden traducir las zonas de luz y de sombra del objeto en manchas de sombreado en el dibujo, con diferentes tonos de gris. Si logras aplicar las manchas de sombras y luces en los lugares correctos y con las intensidades adecuadas, tus dibujos tendrán las mismas calidades que la realidad, y los volúmenes serán creíbles.

Figura 3-5:

Con la gradación del tono se crea volumen

Cuarta etapa. Representar las texturas

Para muchos artistas, el día que descubren las texturas es un hito importante en su recorrido artístico. Las texturas añaden el grado definitivo de realismo y, además, ¡son divertidas de dibujar! Piensa en el tronco de un árbol, la superficie de un espejo, el pelaje de un perro o la lana de un jersey. Sigue los siguientes pasos cuando quieras representar texturas:

1.   Busca las sombras del objeto y las que lo rodean.

Por ejemplo, imagina un tronco de surcos profundos y muchos nudos, con la corteza pelada en varias zonas. Observa la gran cantidad de sombras que se generan entre los pliegues de la corteza.

2.   Escoge la técnica de sombreado apropiada.

La técnica adecuada será la que te permita reflejar con precisión la textura del objeto que estás dibujando. En el caso del ejemplo del árbol del punto 1, tiene sentido escoger un tipo de sombreado que permita resaltar las irregularidades de la superficie de la corteza. Tanto el sombreado en paralelo como el cruzado (dos técnicas detalladas en el capítulo 9) sirven para representar la textura rugosa de un tronco.

3.   Emplea la técnica escogida en el punto 2 para dibujar las sombras del objeto.

La mitad del logro de una textura convincente reside en representar con exactitud las formas y tonos de las sombras y la otra mitad se logra seleccionando una técnica de sombreado apropiada. (Visita los capítulos 9 y 10, en los que encontrarás toda la información necesaria para escoger la técnica de sombreado adecuada y emplearla con éxito en la representación de texturas.)

La figura 3-6 muestra una vista de cerca de la textura de un cabello largo y ligeramente ondulado. Se pueden adivinar las ondas del pelo gracias a las sombras que se han aplicado con la técnica del sombreado. (En el capítulo 9 encontrarás más detalles.) Cuando un mechón se aleja de la cabeza, capta la luz y, a su vez, la parte baja de la onda queda en sombra. Observa que, aunque da la sensación de estar viendo una masa de pelo, la dibujante no ha trazado pelo a pelo para lograr un efecto de realidad, sino que se ha centrado en las luces y sombras que caen sobre diferentes secciones del cabello y ha empleado la línea para representar las sombras que aparecen cuando un mechón se superpone a otro. (Más detalles en el capítulo 10.)

Figura 3-6:

Cómo dibujar la textura para que el cabello resulte creíble

Quinta etapa. Colocar los distintos elementos de la composición

La composición es la distribución equilibrada y concordante de los motivos del dibujo y del espacio que los rodea formando un conjunto. Juega un papel fundamental en la impresión final del dibujo.

Al comenzar a dibujar, puede que te centres por completo en la representación del objeto sobre el papel. La búsqueda de líneas y formas y la aplicación del volumen y textura pueden consumir tanto tu energía artística que acabes colocando los objetos al azar.

Desgraciadamente, los dibujos no parecerán terminados hasta que logres un aprovechamiento correcto de toda la superficie. Dicho de otro modo, tendrás que valorar cómo emplear la forma y espacio del soporte de dibujo para resaltar las cualidades del motivo. Echa un vistazo a la figura 3-7. Ambos dibujos versan sobre el mismo tema, pero el impacto que generan es diferente.

Figura 3-7:

La composición influye en la impresión general del dibujo

En la figura 3-7a, el espacio que rodea al objeto enmarca el tema de un modo equilibrado. El modelo es más ancho que alto, así que la colocación en un rectángulo horizontal es una buena elección para destacarlo. Se ve que el dibujante pensó con detenimiento en el formato de papel a la hora de encajar la forma general del motivo. Sin embargo, en la figura 3-7b, se aprecia lo que pasa cuando el dibujante no reflexiona sobre la composición y coloca el objeto al azar en el papel. Comenzó dibujando el televisor sin tener en cuenta que, si lo posicionaba excesivamente a un lado, no le cabría en el dibujo. En consecuencia, el televisor aparece cortado en un lateral y, al ser un objeto importante del dibujo, resulta torpe y extraño.

La diferencia entre estos dos dibujos es sencilla pero fundamental. Cuando sepas cómo trazar líneas, formas, volumen y textura, no dejes de dedicar un tiempo a pensar seriamente sobre la composición.

Las palabras clave en la definición de una composición son equilibrada y concordante. Estas palabras tienen distinto significado para cada artista, según lo que cada uno considere armonioso y atractivo visualmente. Pero, para comenzar, quizá te interese seguir algunas reglas básicas que te ayuden a conseguir una composición equilibrada y agradable. En el capítulo 6 se explican estas fórmulas con detalle y se muestra cómo componer dibujos para lograr la mejor impresión. Empléalas desde el principio y verás cómo descubres el significado de conseguir impacto visual y armonía, lo que te proporcionará una base sólida desde la que seguir desarrollándote como artista.

Proyecto. Analiza un dibujo para ver cómo funcionan juntas las cinco etapas

En este proyecto te mostramos qué supone separar las capas de un dibujo etapa a etapa para ver las diferentes partes por separado y su funcionamiento en conjunto.

A diferencia de la mayoría de proyectos de este libro, aquí sólo necesitas observar los dibujos que te mostramos y desgranar cada una de las cinco etapas que se describen a lo largo del capítulo. Sin embargo, si te apetece, puedes transformarlo en un proyecto más práctico. Sólo necesitas un par de lápices afilados (por ejemplo un 2B y un 4B), papel cebolla, una regla, una goma y uno o dos dibujos acabados.

Cuando busques un dibujo acabado para emplear con este proyecto, echa un vistazo a libros con dibujos de Chris Van Allsburg, Antonio López García, Norman Rockwell y otros artistas similares. Haz una fotocopia del dibujo para emplearla en lugar del libro en el momento de calcar, según se pide en el ejercicio. De todas formas, ten el libro a mano, ya que las fotocopias suelen quedar menos nítidas que el original y te conviene trabajar guiándote por él.

Tanto si sigues los dibujos que te presentamos aquí como si trabajas con los tuyos, el proceso es el mismo. Sigue estos pasos:

1.   Observa el dibujo acabado.

De momento, distánciate del contenido (o historia) del dibujo. Trata de analizar el dibujo acabado de la figura 3-8 (o el tuyo) basándote en lo que ves. Observa que es una composición (o una distribución intencionada) que consta de líneas, formas, tonos y texturas.

Figura 3-8:

Observa el dibujo acabado

2.   Imagina el aspecto de la composición de la figura 3-8 sin el volumen, el sombreado o la textura, es decir, reduciéndola a simples líneas y formas (figura 3-9).

En este punto, los objetos quedan apenas sugeridos por las líneas y las formas básicas que los componen.

Figura 3-9:

Reduce la composición a las líneas y formas elementales

Si estás realizando una versión más práctica de este proyecto, coloca una hoja de papel cebolla sobre la fotocopia de la obra escogida. Con la regla y el lápiz 2B, traza el marco del dibujo. Después, sigue con el 2B dibujando las formas básicas que componen los diferentes elementos y las líneas esenciales que no forman parte de las formas (las líneas esenciales son las que tienen una función importante en el dibujo. Por ejemplo, son esenciales las líneas de horizonte o los tendidos eléctricos porque suelen ocupar un gran espacio visual). Otras líneas, como las que definen las arrugas en un rostro, son líneas de detalle y en este momento se deben dejar fuera del proceso.

3.   Imagina cómo sería el aspecto de la composición de la figura 3-8 si fuera un dibujo de línea sencilla, sin tonos ni textura (figura 3-10).

Comparado con las formas y líneas elementales de la figura 3-9, el trabajo se ha vuelto más refinado y detallado con el dibujo preciso de los objetos a través de las líneas. La composición es básica pero todo está en su sitio.

Si quieres realizar la práctica de este proyecto, coloca una hoja de papel cebolla sobre la fotocopia del original, realiza el marco del dibujo con la regla y el lápiz 2B y después continúa con el 2B para trazar las formas exactas de los objetos (si tienes un día ambicioso, trata de refinar las formas elementales del punto 2 y convertirlas en dibujos de línea).

Figura 3-10:

Reduce la composición acabada a un dibujo de línea

4.   Imagina el aspecto de la composición de la figura 3-8 si se compusiera exclusivamente de tonos y texturas, sin una sola línea o forma dibujada (figura 3-11).

Los tonos y las texturas de esta versión todavía estructuran formas pero no hay líneas que separen unas de otras. Aun así, sin una sola línea, se puede percibir el conjunto de la composición.

Para llevar a cabo la práctica, coloca una hoja de papel cebolla sobre la fotocopia del dibujo acabado y, con la regla y el lápiz 2B, traza los bordes. Emplea un 2B para dibujar los distintos valores de grises y las texturas que puedas apreciar. Cambia a un lápiz 4B cuando necesites realizar manchas más oscuras. Presta atención a las líneas que conforman las texturas y cópialas con la máxima precisión posible. (En el capítulo 10 encontrarás más información sobre la forma de recrear texturas con precisión.)

Figura 3-11:

Reduce la composición final a tonos y texturas

Todas las etapas del dibujo, analizadas en este proyecto, funcionan conjuntamente para conformar una composición acabada. La próxima vez que dibujes, tenlas en cuenta. Presta atención a cómo construyes el dibujo, síguelas y recuerda que todas son valiosas y necesarias.

Capítulo 4

Dibujar con el ordenador

En este capítulo

   Descubre los beneficios de dibujar con el ordenador

   Comprueba que tienes el hardware y el software necesarios para dibujar digitalmente

   Aprende a dibujar digitalmente y a compartir tu trabajo con los demás

   Haz un proyecto de dibujo con el ordenador

Independientemente de la experiencia que tengas (o no) con el dibujo digital, si sientes curiosidad por dibujar con el ordenador, este capítulo es para ti. No te preocupes, no hay que ser experto en informática para destacar en el dibujo digital. Todo lo que necesitas es un poco de práctica, paciencia y pasión por el dibujo, ¡por supuesto!

Para tener éxito con el dibujo digital es más importante el gusto por el dibujo que el conocimiento en informática. De hecho, un artista apasionado por el dibujo dominará el arte de dibujar con el ordenador más rápido que un experto informático que no esté interesado en el dibujo. Después de todo, la tecnología está avanzando mucho, los programas de ilustración para ordenador son ahora más fáciles de usar y los programas de dibujo están mejorando en reproducir la sensación natural de dibujar o pintar. Algunos periféricos para el ordenador te permiten sujetar un lápiz digital y dibujar como si lo hicieras sobre papel.

En este capítulo encontrarás consejos sobre todo lo que necesitas para iniciarte en esta modalidad, incluyendo cómo elegir el equipo, localizar software, usarlo para dibujar y unirte a una comunidad artística online. Después de aclarar tus dudas, dominar las nociones básicas y darte algunos trucos prácticos, descubrirás que dibujar con el ordenador es igual de divertido que hacerlo con un lápiz.

Los beneficios de dibujar digitalmente

Se supone que los ordenadores y la tecnología deben hacer nuestra vida más fácil, ¿no? Pues los ordenadores también facilitan el arte de muchas maneras. Por ejemplo, te permiten guardar diferentes versiones de un mismo proyecto, compartir tu trabajo artístico con infinitos visitantes de tu página web y ser más flexible en el proceso de dibujo. (En las siguientes secciones detallamos estas ventajas.)

Seas novato o un experto en el arte digital, seguramente apreciarás las siguientes ventajas de añadir un ordenador a tu equipo de dibujo:

   Si tu ordenador está conectado a Internet, instantáneamente puedes compartir tu trabajo artístico con tus amigos y el resto del mundo.

   Puedes compartir tus trabajos con numerosas comunidades artísticas online, formadas por artistas como tú y que pueden hacer comentarios críticos sobre tu trabajo.

   Puedes ver vídeos de artistas trabajando en su proceso creativo en páginas web como www.youtube.com.

   Si el ordenador está conectado a una impresora, puedes realizar un dibujo e imprimir cientos de copias al instante.

   Te permite corregir varios pasos de tu creación artística para deshacer cualquier error que hayas cometido (pulsando la tecla “Deshacer”). Es más rápido y fácil que usar una goma de borrar.

   También es posible conectar periféricos, como un lápiz digital o una pantalla táctil, para que la sensación de dibujar en el ordenador sea natural y fácil. (Por si no queda claro, los periféricos son herramientas para dibujar con el ordenador.)

Para obtener el máximo beneficio del dibujo digital, asegúrate de dedicar tiempo al dibujo manual tradicional. Dibujar con el ordenador está muy bien porque te concede la libertad de cambiar de opinión en cualquier momento y deshacer todo lo que no te guste. Pero pasar tiempo soñando despierto con el lápiz y el cuaderno de dibujo enriquece tu experiencia con el dibujo digital, ya que el proceso de dibujar a mano permite explorar cada una de tus ideas. Después puedes coger esas ideas y utilizar el ordenador para darles forma.

Lo que convierte en divertido el dibujo digital es lo fácil que resulta dar color a las ilustraciones. Después de todo, con el software del dibujo digital, en uno o dos clics consigues dar vida a tus obras con el color. Si cambias de idea sobre la combinación de colores, puedes probar otra con algunos clics más. Pero ten en cuenta que pasar de blanco y negro a color presenta nuevos retos, especialmente si quieres hacer dibujos digitales realistas. Por ejemplo, es fácil usar color para crear un cielo azul, pero no es tan fácil pintar una puesta de sol que va pasando gradualmente de azul a rosa y dorado. Los ejercicios de este capítulo están enfocados a ayudarte a usar las herramientas del dibujo digital. Las dominarás antes si comienzas limitándote al blanco y negro. Cuando cojas confianza con las nuevas herramientas, podrás empezar a explorar el amplio ámbito del color.

Trabajar con un lienzo digital

El mundo cada vez depende menos del papel. Más y más gente lee libros en soporte digital, y los negocios en todo tipo de sectores tratan de ser ecológicos reduciendo la necesidad de impresoras en sus oficinas. El mundo del arte, a través del dibujo digital y de otros procesos contemporáneos, también está introduciéndose en esta tendencia.

Aunque suponemos que las galerías de arte nunca desaparecerán, cada vez más artistas se entusiasman con las posibilidades que les ofrece el dibujo digital. Dibujar con el ordenador puede cambiar tu modo de pensar sobre cómo hacer arte, ya que ofrece la oportunidad de probar muchas técnicas muy rápido y moverse en varias direcciones a la vez. Como ventaja adicional, te muestra una manera nueva de compartir tu trabajo con los demás.

Aprecia el poder de “Deshacer”

En el mundo de los ordenadores, es fácil subestimar la función “Deshacer”, ya que siempre está ahí. Esta función llega a cambiar las reglas del juego cuando se trata de crear dibujos con ordenador. De repente, nada es permanente. En un instante puedes deshacer tu último trazo (y el anterior y el otro...) en el momento exacto en el que te das cuenta de que te has equivocado. De hecho, muchos programas de ilustración te permiten dar marcha atrás en tu dibujo hasta el inicio del mismo.

Gracias a esta posibilidad, hacer correcciones es mucho más fácil si dibujas con el ordenador que si lo haces con papel y lápiz. Como consecuencia, es más fácil ser un artista arriesgado porque esta función elimina el miedo a tomar grandes decisiones. En esencia, al dibujar digitalmente puedes crear todo lo que imagines usando las técnicas o efectos que quieras, porque si no te gusta, ¡sólo tienes que deshacerlo!

Guarda versiones de tus dibujos

La flexibilidad de trabajar con el ordenador es una de las mayores ventajas del dibujo digital; sin embargo, es fácil enredarse y olvidar dónde se empezó. Para ayudarte a hacer un seguimiento de los diversos estadios por los que pasan tus dibujos al hacer cambios, te recomendamos que te acostumbres a guardar múltiples versiones de tu trabajo. De este modo, si cuando ya está avanzado el proceso de creación te das cuenta de que te gustaba el dibujo de cuatro o cinco pasos atrás, simplemente abre el archivo que guardaste en ese momento y empieza a trabajar a partir de él. Si cambias otra vez de opinión, puedes volver al último dibujo y seguir donde lo dejaste.

Guarda cada versión del dibujo como un archivo nuevo, para que puedas experimentar con diferentes formas de avanzar en el proceso sin perder tu trabajo original. Volver atrás revisando las versiones guardadas una vez terminado un proyecto también es divertido, porque tendrás la oportunidad de ver las diversas ideas que tuviste mientras dibujabas.

Compartir tu creación artística

La mayoría de artistas dibujan por el placer de crear algo, pero muchos lo hacen para compartir sus creaciones con los demás. Otra de las ventajas de los dibujos digitales es que puedes compartirlos inmediatamente gracias a Internet. Y no pienses que compartir se limita a mandar tus dibujos por correo electrónico a tu familia y amigos, se puede ir mucho más allá.

Muchos artistas han llegado a ser entusiastas miembros de páginas web de comunidades de arte online, ya que esto les da acceso a un nuevo público con el que disfrutar sus obras de arte. Algunas de las páginas web más conocidas (de las que hablaremos en la sección “Únete al mundo del dibujo en red”) están formadas por millones de miembros que esperan ver tus obras de arte y compartir impresiones. Cuando te unes a grupos de arte online, tu lienzo deja de ser una hoja de papel atrapada en casa; es una obra de arte viva expuesta simultáneamente en todo el mundo.

Lograr flexibilidad en el proceso de dibujar

Introducir ordenadores en tu mundo de creación artística es algo más que añadir una nueva herramienta al equipo de dibujo. El arte digital puede cambiar tu forma de pensar cómo abordar un dibujo.

Por un lado, los ordenadores lo aceleran todo. Por ejemplo, no tienes que esperar a que se seque la tinta. Algunos programas de arte te permiten grabar una serie de tareas tediosas y luego acceder a ellas pulsando un botón. Cuando aprovechas este tipo de atajos, tu agilidad para moverte por tu proceso de dibujo es aún mayor. Puedes probar cientos de ideas en una hora, en vez de una o dos que podrías hacer sobre papel.

Los ordenadores también te permiten ser más flexible e intuitivo en tu trabajo. No te sorprendas si estás más abierto a experimentar cuando dibujas de forma digital. Después de todo, puedes borrar rápidamente o deshacer cualquier cambio que no te guste. Si te sientes valiente al dibujar, tu arte cosechará los frutos. Puedes probar lo que se te ocurra en cuanto se te pase por la cabeza sin preocuparte de gastar papel, tinta o tiempo.

Para aumentar tu habilidad a medida que elabores el dibujo, intenta hacer lo siguiente al crear tu próxima obra digital:

   Cuando colorees un elemento, detente, selecciona el área que acabas de colorear y usa el programa de dibujo para ajustar el color o colores. Si no te gusta el ajuste, vuelve atrás (¡con tinta o pintura no podrías hacerlo!).

   Crea tu colección con las texturas o elementos de dibujo que usas habitualmente, guardando archivos de cualquier programa de arte cada vez que dibujes diferentes objetos. Con el tiempo, habrás elaborado una biblioteca de diversos elementos, como ojos, formas de cabezas o árboles, que podrás recuperar cuando los necesites. Esto te ahorrará tiempo y te permitirá recurrir a tus ensayos previos para ser más productivo dibujando. Tener a mano texturas complejas u otros elementos puede eliminar dudas sobre si hacer algo que, en otras circunstancias, llevaría mucho tiempo.

   Si te encuentras falto de inspiración, pon la mente en piloto automático y déjate llevar dibujando cualquier forma, línea y color que te venga a la cabeza sin intentar crear nada en particular. En otras palabras, dedica tiempo a dibujar con las emociones en vez de depender del pensamiento racional.

   Cuando termines una ilustración y pienses que está totalmente acabada, guárdala como una nueva versión y luego usa las preferencias de ajuste de color de tu programa de arte para cambiar el balance del color, el brillo o el contraste del dibujo. A veces, hacer este tipo de alteraciones en un dibujo terminado crea algo fresco y divertido a partir de una imagen plana o sosa.

   Escanea algunos de tus dibujos a lápiz y practica manipulándolos con el ordenador. Prueba a convertir un boceto en blanco y negro en una obra de arte digital a todo color.

Comprueba el hardware que necesitas para dibujar digitalmente

La mayoría de los ordenadores modernos e incluso muchos de los antiguos tienen capacidad más que suficiente para realizar dibujo digital. Puedes experimentar siempre y cuando tu ordenador tenga lo básico —monitor, teclado y ratón— y sea posible instalar el software de dibujo que elijas. Sin embargo, para aprovechar la última versión del software y dibujar con comodidad, tu hardware debería cumplir estos requisitos:

   Monitor: El modo en que visualizas el trabajo en la pantalla es muy importante para conocer su resultado final. Después de todo, si no puedes ver claramente los detalles y colores que vas añadiendo durante el proceso, ¿cómo esperas que peguen en el dibujo acabado? Como estarás horas delante del monitor mientras dibujas, la pantalla no debe ser demasiado pequeña ni borrosa, como mínimo de 20 pulgadas, pero 24 pulgadas o más es aún mejor. Cualquiera de estos tamaños debería tener una resolución suficientemente buena para mostrar tu obra y todos los pinceles y paletas al mismo tiempo. Un alto contraste proporciona un mejor rango de colores entre el blanco más brillante y el negro más oscuro.

   Tarjeta gráfica: Todos los ordenadores vienen con una tarjeta gráfica o de vídeo, la pieza de dentro del ordenador que envía las imágenes al monitor. Una buena tarjeta gráfica es esencial, ya que es la parte del ordenador que te permite trabajar con ilustraciones de alta resolución y el sistema responde cuando te acercas o te alejas con el zoom, o cuando mueves el lienzo con frecuencia. Para que tu ordenador funcione lo mejor posible, asegúrate de que tiene una tarjeta de vídeo dedicada, con su propio procesador y memoria. Garantizan un mejor rendimiento que los ordenadores que llevan una tarjeta integrada (tarjeta en la placa base del ordenador). Cuando elijas una tarjeta gráfica dedicada, busca una con la mayor memoria posible. Te recomendamos instalar una con 512 MB de RAM o superior.

   Velocidad (CPU) y memoria (RAM): Un ordenador rápido siempre es preferible, pero para el arte digital puedes obtener mejores resultados si utilizas una CPU de gama media e inviertes el dinero que te ahorras en aumentar la memoria. En cuanto a ésta, busca la más alta, dentro de tu presupuesto. Te recomendamos al menos 4 GB, pero cuanto más RAM, mejor. No olvides que, si la necesitas, puedes añadir memoria RAM más adelante.

   Espacio del disco duro: El disco duro es donde almacenas todos tus programas y archivos de dibujo. La creación de obras de arte digitales puede ocupar mucho espacio de almacenaje, especialmente si pretendes elaborar dibujos que puedas imprimir a gran tamaño. Busca un disco duro de gran capacidad, pero recuerda que siempre puedes adquirir discos duros externos para añadir a tu ordenador más adelante, a medida que necesites más espacio.

Si tienes un lector de DVD, puedes guardar tus trabajos en DVD en vez de en el disco duro del ordenador. También puedes encontrar muchas aplicaciones en Internet que te permiten almacenar archivos online, lo cual no sólo es más económico, sino que también funciona como copia de seguridad de tus archivos, por si el hardware de tu ordenador llegase a fallar.

   Escáner: Un escáner puede facilitar la iniciación al dibujo digital. Si eres nuevo en el arte digital o te resulta más fácil abocetar sobre papel, puedes escanear alguno de tus bocetos rápidos y usar el software de dibujo digital para acabarlo con el ordenador. ¡Incluso puedes darle color! Empezar con tus bosquejos a lápiz es una gran forma de familiarizarte con nuevos programas de dibujo. Cuando elijas un escáner, busca uno con la resolución alta de escaneado y una profundidad de color alta (el número de colores que el escáner puede registrar).

Cómo elegir un ordenador nuevo para dibujar

Puedes utilizar un ordenador viejo o más lento si ya lo tienes, pero si dispones de presupuesto para uno nuevo, podrías comprártelo. Un ordenador comprado pensando en el dibujo digital te permite trabajar más rápido y con menos limitaciones. Antes de comprarlo, decide qué programas de arte quieres utilizar, verifica que podrás usarlos en el aparato elegido y asegúrate de que cumple los requisitos de hardware que tratamos en la sección “Comprueba el hardware que necesitas para dibujar digitalmente”.

Elegir un buen ordenador para el dibujo digital consiste menos en la marca y más en lo que lleva dentro. La primera decisión que debes tomar es qué plataforma quieres utilizar —un Mac (Apple) o un PC (la mayoría de marcas, como Dell, HP, Sony, etc.)—. Para decidir cuál es adecuado para ti, hazte las siguientes preguntas:

   ¿Qué utilizan tu familia y amigos? Si crees que necesitarás ayuda para arrancar o progresar con el dibujo digital, quieres compartir archivos con otros o quieres usar lo mismo que tus amigos dibujantes, opta por la plataforma que ellos emplean. Confía en nosotros, te hará la vida más fácil.

   ¿Es compatible con tu hardware actual? Si ya tienes otro hardware, como cámara digital, impresora o escáner, averigua con qué ordenadores funcionan mejor tus periféricos. La mayoría de los aparatos son compatibles tanto con Mac como con PC, pero siempre es buena idea comprobarlo. No querrás encontrarte con que la cámara digital no funciona con tu nuevo ordenador.

   ¿Qué software tienes a tu disposición? La mayoría del software de arte está disponible tanto para PC como para Mac. Sin embargo, algunos programas son sólo para una plataforma. Si conoces algún programa extraordinario que te gustaría utilizar, asegúrate de que funciona con el ordenador que quieres comprar.

   ¿Cuál te gusta más? Aunque PC y Mac desempeñan muchas funciones de forma similar, la mayoría de la gente prefiere uno u otro. Si puedes, prueba ambas plataformas antes de decidirte. Pide prestado un Mac a un amigo y a otro pídele un PC, y así verás con cuál te resulta más fácil trabajar.

   ¿Cuánto cuesta? Cuando evalúes el precio, asegúrate de que tienes en cuenta todos los programas y aparatos que te gustaría comprar para formarte como artista digital. Al final, el ordenador es sólo una pequeña parte del conjunto.

Explora el software del dibujo digital

Cuando se trata de programas de arte para ordenador, tienes infinitas opciones entre las que elegir. Saber qué programas son mejores para ti depende de tu estilo y de tus objetivos en el dibujo digital. Recuerda que la mayoría de artistas usan varios programas para alcanzar los resultados deseados.

A la hora de elegir el software, ten en cuenta lo siguiente:

   Precio: Aunque algunos de los programas más conocidos y versátiles son caros, puedes lograr resultados muy buenos con software asequible e incluso gratuito. No tengas miedo a probar programas gratis o económicos para ayudarte a determinar qué características del dibujo son más importantes para ti. Después de llegar a entender mejor qué quieres alcanzar con el software de dibujo y qué elementos en particular te gustan más, podrás invertir en las opciones más potentes y profesionales.

   Guías prácticas: Los programas de arte más conocidos tienden a tener más tutoriales y otros recursos similares que te ayudan a entender cómo utilizarlos. Aunque el software más famoso puede ser más caro, quizá te resulte más fácil aprender una amplia selección de técnicas con la ayuda de los recursos y libros gratis disponibles online sobre ese software. Algunas comunidades de arte online están consagradas a un programa específico; normalmente ofrecen foros donde los artistas pueden compartir consejos y técnicas sobre cómo usar ese programa.

   Fama duradera: Piensa cuánto tiempo ha estado disponible el software. No tiene ninguna gracia pasarse años empleando un programa de arte gratuito y luego enterarse de que la empresa que lo creó ya no existe y que esos archivos no son compatibles con otro software.

   Programas de mapa de bits o vectoriales: Los programas de arte suelen basarse en mapas de bits o en vectores. El software de mapa de bits es más adecuado para estilos de dibujo fotorrealistas, o que parecen bocetos o pinturas, mientras que el software vectorial se adapta mejor a viñetas planas o a ilustraciones. Los programas de las siguientes secciones son todos de mapa de bits. Cuando te sientas seguro utilizando este software, podría gustarte experimentar con los programas vectoriales. Algunos de los más conocidos son Adobe Illustrator, Corel Draw y Xara Xtreme.

Herramientas de dibujo de descarga gratuita

Internet está lleno de incontables programas de arte gratuitos que ofrecen aplicaciones similares a las alternativas caras, y que puedes bajar e instalar en tu ordenador. Estas alternativas gratuitas son una buena introducción a las aplicaciones de dibujo para los nuevos artistas digitales. A continuación mencionamos algunas herramientas de dibujo gratuitas que no se alejan mucho en calidad de las que cuestan cientos de euros:

   Paint.NET (www.getpaint.net): Esta aplicación puede compararse con cualquier otra de edición de imagen y se considera avanzada. Ofrece características muy similares al conocido Adobe Photoshop, pero sólo está disponible para PC.

   Gimp (www.gimp.org): Esta aplicación fue creada originalmente para ordenadores de entorno UNIX como una alternativa a Adobe Photoshop e incluye muchas características similares. Ahora está disponible para PC y para Mac.

   Artweaver (www.artweaver.de): Esta aplicación se parece a muchas otras de edición de imagen, pero pone más atención a la hora de introducir pinceles y efectos relacionados específicamente con el arte.

   TwistedBrush (www.pixarra.com): Ofrece la versión del software de pago y la gratuita. Esta última cuenta con una pequeña selección de pinceles, pero la de pago contiene más de 5.000 pinceles digitales.

   Seashore (seashore.sourceforge.net): Este conocido editor de imagen para Mac es una aplicación de arte ampliada que incluye prestaciones convencionales, como capas y pinceles.

Software básico asequible

Los programas básicos están dirigidos a artistas principiantes y habitualmente son más fáciles de utilizar y de aprender que los avanzados. Además, son muy económicos, ya que cuestan entre 20 y unos pocos cientos de euros, dependiendo de cada programa. Aquí tienes algunas opciones de nivel básico:

   ArtRage: Este programa es uno de los pocos que hace una clara distinción entre herramientas utilizadas para el dibujo digital y para la edición de imagen. Presenta formas interesantes de mezclar colores y emplear pinceles, tal como los artistas tradicionales mezclan los colores y usan pinceles sobre papel o lienzo.

   Corel Painter Essentials: No se debe confundir con Corel Painter. La versión Essentials del conocido software de pintura de Corel es una introducción más asequible y de nivel básico a la versión completa de Corel Painter. Corel Painter Essentials simula muy bien la sensación de trabajar con herramientas tradicionales de pintura y dibujo.

   OpenCanvas: Este programa fue desarrollado en Japón y es conocido entre artistas de anime o de manga. Ofrece la posibilidad única de grabar el proceso de dibujo para que puedas crear reproducciones.

   Corel PaintShop Pro: Este conocido programa de edición de imagen funciona como un buen programa de arte o dibujo. Si necesitas software de edición de imagen para editar tus fotos y también quieres tener a tu alcance una buena herramienta de dibujo, prueba este programa.

   Pixelmator: Este polifacético programa para Mac cuenta con un paquete de herramientas, menús y paletas muy atractivo. Es una alternativa asequible al Adobe Photoshop para los usuarios de Mac.

Trabaja más rápido y mejor con un lápiz digital

Las tabletas gráficas son dispositivos digitales económicos que puedes utilizar junto con el ordenador para ayudarte a dominar el arte de dibujar digitalmente. En pocas palabras, te permiten usar un lápiz especial, dibujar sobre una base (o tableta) y simular la sensación de dibujar sobre papel. El lápiz inalámbrico es como un bolígrafo ordinario pero tiene la punta de plástico y no contiene tinta. Cuando entra en contacto con la superficie de la tableta, ésta manda información al ordenador del mismo modo que el ratón. La mayoría de tabletas tienen sensibilidad a la presión, por lo que cuanto más aprietas el lápiz digital, más oscuro o ancho aparece el trazo, igual que un lápiz real sobre papel.

La primera vez que utilices un lápiz digital, tu instinto podría indicarte que la sensación es distinta a la dibujar en papel. El motivo es que, aunque dibujas exactamente igual que con un lápiz, tu obra aparece en la pantalla, no en la tableta sobre la que dibujas. Es como dibujar sobre un papel y que la imagen aparezca en otro papel delante de ti.

Igual que la primera vez que usaste un ratón con un ordenador, acostumbrarse a un lápiz digital lleva algunas semanas, así que no te des por vencido. Con el tiempo, quizá se convierta en tu mejor amigo.

Algunos complejos ordenadores de pantalla táctil te permiten dibujar directamente sobre una pantalla para hacer el proceso de dibujo más fácil y natural. Estas versiones son caras pero les encantan a muchos artistas digitales profesionales.

Software profesional

No hace falta que seas un artista profesional o un diseñador para utilizar programas de profesional. El software de alto nivel es caro comparado con el de iniciación de bajo coste o gratuito del que hablábamos en las dos secciones anteriores. Sin embargo, usar programas profesionales ofrece algunas ventajas que quizá te gustaría tener en cuenta aunque seas un principiante. Por ejemplo, si empleas Adobe Photoshop cuando empiezas a dibujar digitalmente, estarás trabajando con un programa diseñado para una máxima facilidad de manejo, y dispondrás de abundantes guías prácticas muy útiles para cuando las necesites. Aquí tienes algunas opciones profesionales:

   Adobe Photoshop: Photoshop es el programa más generalizado que los artistas manejan tanto para proyectos personales como profesionales. Quizá ha alcanzado su fama porque es una herramienta profesional para edición avanzada de foto y una herramienta común para diseñadores gráficos. Algunos artistas opinan que tiene muchas funciones que nunca utilizan como artistas. Por este motivo, este programa puede ser abrumador para el principiante; sin embargo, esta gran cantidad de funciones va acompañada de mucha flexibilidad.

   Corel Painter: Muchos artistas digitales consideran este programa su favorito, quizá porque fue uno de los primeros diseñados teniendo en mente a los artistas. Simula sorprendentemente bien la sensación de usar diversos pinceles, tipos de lienzos, lápices, tintas y pintura.

   Autodesk SketchBook Pro: Podríamos haber mencionado este programa en la lista de opciones asequibles de la sección anterior, pero tiene suficiente reputación y seguimiento (que aumenta día a día) entre artistas profesionales como para citarlo aquí. Por un precio muy económico, este programa ofrece innumerables herramientas muy útiles para los artistas tradicionales. Lo usan profesionales y aficionados por igual.

Únete al mundo del dibujo en red

Tanto si utilizas herramientas de dibujo de descarga gratuita, software de nivel básico o programas de alta calidad de nivel profesional, dibujar con el ordenador es sólo el primer paso para crear arte digital. Están generalizándose nuevas tendencias en el arte en red y cada vez más artistas se embarcan en el mundo del dibujo digital. Gracias a los avances tecnológicos, muchas páginas web ofrecen gratis herramientas online de dibujo que puedes usar directamente en tu navegador. Utilizar estas herramientas es tan sencillo como entrar en una web; la mayoría de ellas se cargan en tu navegador requiriendo muy poca o ninguna instalación. La ventaja de emplear estas herramientas es que tu trabajo suele enviarse automáticamente a las galerías de la comunidad de arte de la web, donde otros artistas pueden verlo y hacerte comentarios al instante.

A continuación indicamos una lista de herramientas gratuitas de dibujo en red; podría interesarte analizarlas a medida que desarrolles tu habilidad en el dibujo digital:

   RateMyDrawings (www.ratemydrawings.com): Ofrece dos versiones de sus herramientas de dibujo en red, la sencilla y la avanzada. La versión sencilla graba mientras dibujas, reproduciendo tus dibujos trazo a trazo. Los dibujos entregados se envían a la web de la comunidad, que es muy activa. Según habrás podido adivinar por el nombre de la página, después otros miembros de la web evalúan (y comentan) los dibujos que se han mandado.

   Sumo Paint (www.sumopaint.com): Sumo Paint es una de las herramientas en red más avanzadas; es tanto una herramienta de dibujo como de edición de imagen. Además la herramienta de dibujo te permite importar fotos, lo cual puede ser útil cuando estás empezando.

   Queeky (www.queeky.com): Como muchas otras, esta herramienta online está conectada con una comunidad activa. Una característica interesante de Queeky es que te permite enviar dibujos e invitar a otros artistas a que hagan variaciones en ellos.

   Aviary (www.aviary.com): Esta web tiene un juego completo de herramientas en red. Su editor de imagen y vectorial son dos aplicaciones que vale la pena probar y manejar.

Las siguientes secciones ofrecen algunas sugerencias de cómo construir tu presencia artística en red a través de galerías comunitarias, portafolios personales y colaboración interactiva. La última sección explica cómo usar Internet como recurso para desarrollar tus habilidades de dibujo.

Construir una galería en páginas web de comunidades de arte

Otra de las ventajas del arte digital es la facilidad con la que lo puedes compartir. Si buscas un lugar donde hablar con otros sobre este tema, compartir ideas de arte y recibir comentarios sobre tu trabajo, las comunidades de arte en red son el lugar perfecto para ti. Después de todo, una comunidad artística online es básicamente una área de juego para crear arte colaborativo.

Para formar parte de una comunidad de arte en red, lo primero que debes hacer es ser miembro. La mayoría de estas comunidades te dan un perfil donde puedes compartir información sobre ti y una galería donde puedes subir tus dibujos. Normalmente cuelgas tus creaciones en una categoría temática; posteriormente otros artistas pueden navegar por los trabajos que se han enviado a esa categoría, dejar comentarios sobre ellos y también pueden evaluarlos.

Algunas de las comunidades artísticas más conocidas que ofrecen este tipo de galerías son las siguientes:

   deviantART (www.deviantart.com): Esta comunidad de arte es una de las mayores y más antiguas de Internet, con millones de miembros. Con una historia tan larga, buena reputación y tantos miembros, es una comunidad a la que deberías unirte, aunque sólo sea por ver de dónde le viene tanta fama.

   Redbubble (www.redbubble.com): Esta reciente incorporación a la escena artística destaca porque su comunidad es fácil de manejar. Una conocida característica suya es la habilidad para vender impresiones o camisetas con tu obra.

   Artician (www.artician.com): Esta comunidad ofrece muchas de las posibilidades disponibles en deviantART, pero se centra en que puedas personalizar tu galería en red.

   GFXartist (www.gfxartist.com): Lleva mucho tiempo en el mercado. No sólo ofrece la posibilidad de subir tus creaciones artísticas, sino que intenta extender la comunidad digital suministrando tutoriales y noticias de la industria.

Cómo crear un portafolio personal en red

Las comunidades de arte online están muy bien para conectarte con otros artistas y compartir tus creaciones en la web, pero puede que quieras algo más personal que los perfiles públicos y las galerías básicas. Crear tu propia página web dedicada a tu trabajo es una firme declaración de que te tomas en serio el hecho de ser artista.

Si tienes experiencia diseñando páginas web, será fácil crear tu portafolio artístico en red. Pero no te preocupes, si no eres un experto en tecnología, puedes establecer tu portafolio personal online con una de estas dos opciones:

   Crea un blog de arte. Muchos de los blogs gratuitos funcionan bien como un modo sencillo de subir imágenes de tu trabajo. Estos servicios de blog te permiten personalizar el diseño, incluir la información que quieras, comentar tu trabajo e invitar a otros a que lo hagan. También son un buen inicio para mantener una web personalizada. Prueba a teclear “blog de arte” en tu buscador favorito para ver todas las opciones de blog de las que dispones.

   Utiliza una plantilla básica en una web de portafolios artísticos. Puedes encontrar muchas webs asequibles que alojan tu portafolio gratis. Para empezar, sólo tienes que pagar la cuota y elegir la plantilla diseñada de la web desde la que construir tu portafolio. Después puedes empezar a subir imágenes y añadir comentarios sobre ti como artista y sobre tu trabajo.

Experimentar con el dibujo interactivo en red

Las páginas web dedicadas específicamente al dibujo en red utilizan tecnología punta para facilitarte numerosas oportunidades con el fin de desarrollar tus habilidades de dibujo digital a través del dibujo online interactivo. Algunas de las fascinantes posibilidades que ofrecen estas páginas son las siguientes:

   Herramientas de dibujo que graban: Estas herramientas registran tu proceder según dibujas, para que, cuando esté terminado, los espectadores puedan verlo como una película animada (y tú también). No sólo puedes desarrollar tus habilidades viendo cómo dibujas, sino que puedes llegar a comprender a otros artistas viendo sus dibujos grabados.

   Salas de chat en directo sobre dibujo: Estas aplicaciones te permiten entrar en un chat y compartir un dibujo sobre lienzo con otros artistas en tiempo real. Estas sesiones de dibujo de colaboración pueden ser muy divertidas tanto para artistas ocasionales como habituales, incluso pueden generar resultados sorprendentes.

   Compartir archivos: Si dibujar en tiempo real con otros artistas te resulta demasiado apabullante, puedes utilizar una página web de dibujo que te permita intercambiar archivos. De este modo, puedes apoyarte en el trabajo de otros (y ellos en el tuyo) sin el estrés adicional de tener a otros viéndote mientras trabajas.

Adquirir conocimientos a través de Internet

Internet es el sueño de todo artista por lo que se refiere a recursos listos para usar. Si quieres aprender sobre un tema específico o una técnica de dibujo, es probable que en Internet alguien haya creado un tutorial o un asistente de aplicación para ese tema. Sólo tienes que encontrarlo.

Las siguientes secciones te ofrecen una visión general de diversos recursos en red relacionados con el dibujo que pueden resultarte útiles.

Si quieres dibujar pero no sabes qué, usa Internet como fuente de inspiración. Echa un vistazo a varias imágenes de diferentes páginas artísticas e intenta desatar tu imaginación. Ver una imagen de algo llamativo puede animarte a dibujar algo similar. Para desafiarte a no copiar la imagen, mírala durante cinco minutos, mira hacia otro lado y empieza a dibujar de memoria. Mientras trabajas, intenta cambiar la imagen ligeramente, a propósito.

No olvides que el beneficio que sacas de ver cómo alguien afronta una técnica de dibujo en un tutorial o en un vídeo de guía práctica es puramente inspirativo. Leer sobre técnicas o ver su aplicación online no aseguran el éxito como artista, y no son el único modo correcto de dibujar.

Los tutoriales tradicionales paso a paso

Si intentas encontrar cómo realizar una técnica de dibujo en concreto o cómo desarrollar una habilidad, Internet es un gran lugar donde buscar. Muchas páginas web están dedicadas a crear y publicar tutoriales de dibujo como las listas tradicionales detalladas que puedes encontrar en este libro. Son fáciles de seguir, y como puedes echar un vistazo a lo que viene después para ver el proceso, son un buen modo de desarrollar la técnica y ganar confianza.

Algunas páginas web conocidas, con tutoriales de dibujo tradicionales, son:

   Drawspace (www.drawspace.com)

   Duey’s Drawings (www.dueysdrawings.com)

   Drawing Tutorials Online (www.drawing-tutorials-online.com)

Analizar vídeos de dibujo

Muchas páginas web de dibujo online te permiten ver vídeos secuenciales de miembros de las webs dibujando. Al estudiar cómo otra gente aborda una composición desde el principio hasta el final aprenderás a desarrollar tus habilidades y te hará reflexionar sobre cómo dibujas.

La figura 4-1 muestra la reproducción secuencial de un dibujo de principio a fin. Viendo cada paso del vídeo puedes apreciar cómo lo ha elaborado el artista. En este caso, empezó por el cielo y el agua, luego dibujó el muelle y acabó añadiendo detalles y textura a la playa y al primer plano.

Figura 4-1:

Capturas de pantalla de una reproducción online de un dibujo

Vídeos de artistas en Internet

En Internet se alojan muchas webs de vídeos generadas por los usuarios, como YouTube, que dan a conocer a los artistas los estudios de otros. Muchos crean un vídeo de ellos mismos dibujando y luego lo publican en red para que lo vean otros ilustradores. Al igual que las reproducciones que explicábamos en la sección anterior, estos vídeos ofrecen una gran oportunidad para desarrollar y evaluar habilidades.

Muchos artistas crean vídeos secuenciales de dibujo utilizando software de grabación de pantalla, en los que aparecen dibujando con el ordenador. Después los suben a páginas web de compartir vídeos. Si quieres ver cómo funciona este proceso de creación de vídeo, teclea “speed painting” en el cuadro de búsqueda de www.youtube.com. Luego haz clic en un dibujo que te parezca interesante y ve el vídeo de cómo lo creó el artista.

Primeros pasos en el dibujo digital

Igual que el dibujo sobre papel, el dibujo digital es mucho más fácil cuando entiendes las herramientas y las técnicas o métodos que puedes utilizar para crear tus ilustraciones. Y como en todo, la práctica hace al maestro. Márcate expectativas realistas cuando empieces a dibujar digitalmente y no te desanimes si tardas meses en sentir que dibujar con el ordenador es fácil y natural. Cuando te familiarices con tu ordenador como herramienta de arte, verás que lo enciendes más a menudo de lo que usas papel y lápiz.

En las siguientes secciones te enseñamos cómo usar algunas herramientas de dibujo digital habituales y cómo planificar tus dibujos empleando bocetos y capas.

Familiarízate con las herramientas digitales

Abre cualquier programa de dibujo y encontrarás un montón de herramientas. ¡No te asustes! Sólo necesitas una o dos para dar los primeros pasos. Cuando te sientas cómodo con las herramientas básicas de iniciación, prueba otra, a ver qué hace. Al principio es bueno dedicar tiempo a conocer las funciones de las herramientas. Las captarás en muy poco tiempo.

La figura 4-2 muestra ejemplos de algunas de las herramientas más habituales que se encuentran en la mayoría de programas de arte. La columna de la esquina superior izquierda y el cuadro de la esquina inferior izquierda de la figura 4-2 muestran diversos juegos de herramientas disponibles en varios programas; en el lado derecho de abajo se pueden ver distintos tipos de efectos de pincel. Aunque cada programa presenta sus herramientas y pinceles de diferente manera, muchos contienen el mismo lápiz, pincel, forma, zoom y herramientas de edición básicas. Pero recuerda que los iconos (los símbolos que representan visualmente las herramientas) difieren de un programa a otro.

Figura 4-2:

Los programas de arte digital suelen tener el mismo tipo de herramientas

Crear bocetos

Al empezar un dibujo digital (o cualquier ilustración), tu primer instinto puede ser empezar a dibujar o pintar sin pensar hacia dónde quieres dirigir tu creación. Haznos caso, te ahorrarás muchas frustraciones si primero haces un boceto rápido con papel y lápiz para planificar tu dibujo. (Consulta el capítulo 6 para obtener detalles sobre cómo planificar tus dibujos.)

Puedes comenzar un dibujo usando herramientas tradicionales como papel y lápiz y luego transferir estos trabajos al ordenador para ayudarte a confiar en la tecnología digital. Sólo tienes que usar un escáner para importar tu boceto al programa de dibujo que estés empleando (como se muestra en la figura 4-3). Quizá te sorprenda descubrir que los resultados son aún mejores que si sólo utilizases el ordenador. (Lee las instrucciones del software y/o del escáner para importar tu ilustración en papel al programa de dibujo.)

Figura 4-3:

Escanear el boceto en papel y abrirlo en el programa de dibujo

Si te cuesta tener ideas para tu dibujo digital, puedes utilizar una imagen de referencia, como una foto o un boceto que ya hayas hecho en papel, los cuales te ayudarán a estructurar tu dibujo. Mantén la imagen de referencia a la vista para que puedas consultarla a medida que dibujas.

Cómo funcionan las capas

En el mundo del dibujo digital, la mayoría de programas de arte te permiten trabajar en capas. A diferencia de una hoja de papel que sólo tiene una capa, aquí puedes crear muchas y dibujar distintos elementos de tu ilustración en cada una de ellas.

Como herramienta de dibujo, trabajar con capas es como tener una lámina transparente de cristal o acetato que superpones en cualquier etapa del dibujo para añadir algo sin cambiar lo que ya tienes. Puedes desplazarte por la ilustración, borrar y agregar algo a lo que dibujas en cada capa sin afectar a las otras. Como puedes ver las capas de debajo a través de la de arriba (en la que estás dibujando), instantáneamente verás el efecto de cualquier cambio que hagas en el dibujo.

Pensar en capas cuando planificas el dibujo te ofrece una enorme flexibilidad mientras lo realizas. Antes de empezar a trabajar en tu dibujo digital, tómate tiempo para reflexionar sobre las capas que quieres crear y cómo encajarán para formar el trabajo final.

La figura 4-4 muestra todas las capas que componen el dibujo digital que ves en la esquina inferior derecha. Cada una está dedicada a un aspecto diferente, pero como las capas son transparentes, cuando se acoplan, se combinan para dar la impresión de un dibujo completo.

Figura 4-4:

Utilización de las capas para estructurar la composición de un paisaje

Para entender mejor la flexibilidad y el control que ganas empleando capas en tus dibujos digitales, imagínate que planificas la elaboración de un retrato. Puedes abordarlo con las capas que se indican a continuación:

1.   Crea una primera capa donde dibujar el fondo de detrás de la cara.

2.   Elabora otra para la cabeza y un rostro sin detalles.

3.   Haz capas para cada elemento del retrato que puedas querer editar individualmente, como la boca, la nariz, o cada ojo, por ejemplo.

4.   Genera una capa para el pelo, que normalmente se superpone a las otras partes de la cara.

Crear el fondo del retrato en una capa independiente te permite cambiar el color y cualquier otra característica en todo momento del proceso, sin afectar al resto del dibujo. Por ejemplo, puedes empezar dibujando a la persona delante de un cielo, una pared con textura o cualquier fondo; si cambias de idea según avanzas en la obra, no hay problema en modificar el fondo de nuevo. Con la cabeza del retrato en una capa distinta, es posible moverla o desplazarla hacia diversas zonas de la ilustración. Teniendo los ojos, la boca y la nariz en capas diferentes, puedes mover estos elementos por el rostro y ajustar el retrato con facilidad sin afectar al fondo o a otras capas del dibujo. Finalmente, la capa independiente del pelo te permite jugar con distintos peinados.

Aunque las capas ofrecen muchas ventajas, también presentan algunos inconvenientes particulares. Por ejemplo, quizá cuando tengas un dibujo empezado te des cuenta de que poner cierto elemento en una capa dificulta la combinación de colores y texturas entre una capa y la siguiente. Para reducir este tipo de problemas, practica con el programa de dibujo y acostúmbrate a utilizar capas para crear proyectos bien integrados.

Proyecto. Crea tu primer dibujo digital

En este proyecto recorremos el proceso básico de crear un dibujo digital. En concreto, te enseñamos cómo utilizar la herramienta “Capas” para elaborar una ilustración de un paisaje sencillo. Recuerda que puedes usar muchas técnicas y enfoques al dibujar con el ordenador; este proyecto sólo incorpora algunos de ellos.

Mientras tengas un ordenador y conexión a Internet, puedes hacer este proyecto con nosotros; utilizamos las herramientas avanzadas de dibujo online gratuitas de www.ratemydrawings.com. No dudes en usar otro programa de arte, si lo prefieres, pero ten en cuenta que los pasos que des y las capturas de pantalla mostradas aquí pueden diferir de lo que hagas y veas en tu programa. Si empleas uno diferente, asegúrate de que tenga la posibilidad de crear capas.

1.   Empieza con un lienzo nuevo en formato horizontal descargado de www.ratemydrawings.com y utiliza la herramienta de dibujo avanzada para trazar las formas básicas de la ilustración.

Una vez cargado el programa, crea una nueva capa haciendo clic en el icono + (más) en el panel “Capas” (Layers, en figura 4-5). Haz doble clic en esta capa y llámala Boceto (Sketch, en la imagen). Selecciona la herramienta “Lápiz” y utiliza el ratón o el lápiz digital para dibujar las formas básicas. Esta capa es sólo una guía para el resto del dibujo, así que no hace falta que sea perfecta.

2.   Crea distintas capas para cada componente principal de tu dibujo.

Pulsa el icono + (más) en el panel “Capas” para generar siete capas más. Haz doble clic en cada una para nombrarlas, como se muestra en la figura 4-6: Detail (detalle), Leaves (hojas), Trees (árboles), Ground (suelo), Mountains (montañas), Water (agua) y Sky (cielo). Comprueba que cada capa está en el orden exacto que indica la figura 4-6.

Figura 4-5:

El panel “Capas” (en la esquina inferior derecha) muestra en cuál trabajas en cada momento

Figura 4-6:

Orden que necesitas establecer para tus capas

3.   Dibuja el cielo en la capa Cielo (Sky) utilizando la capa Boceto (Sketch) como guía.

Pulsa la capa Cielo (Sky) para seleccionarla. Con la herramienta “Aerógrafo” y el panel de color, elige los tonos de gris que quieres usar, y llena el cielo tal como te gustaría que quedase (mira el ejemplo de un cielo acabado en la figura 4-7). Puedes cambiar el tamaño del pincel, dependiendo del efecto que quieras dar.

Haz clic en el botón “Deshacer” cuando quieras deshacer rápidamente cualquier error que hayas cometido al dibujar.

4.   Dibuja el agua, las montañas y el primer plano (o suelo) del paisaje en las capas correspondientes.

Selecciona las capas de una en una para seguir dibujando cada elemento de tu composición; asegúrate de que trabajas empezando por las capas inferiores hasta las superiores.

Elige la capa Agua (Water, en el ejemplo) y completa el agua del lago utilizando la herramienta “Acuarela” o “Aerógrafo”. Después selecciona la capa Montañas (Mountains) y pinta las montañas a lo lejos. Pasa de visualizar a ocultar la capa Boceto (Sketch) para que veas los contornos de las montañas (para ocultar la capa Boceto haz clic en el círculo de la izquierda. Haciendo clic de nuevo se hace visible). Finalmente escoge la capa Suelo (Ground) y usa la herramienta “Lápiz” o “Pluma” para ilustrar el primer plano de tu dibujo. Ajusta el tamaño del pincel según lo que necesites para rellenar zonas de color grandes. La figura 4-8 muestra un ejemplo de cómo podría quedar tu dibujo con el agua, las montañas y el suelo terminados; fíjate que la capa Boceto está oculta.

Figura 4-7:

Ilustra el cielo en la capa Cielo (Sky) manteniendo la capa Boceto (Sketch) como guía

Figura 4-8:

Aspecto del dibujo con el agua, las montañas y el suelo

5.   Selecciona la capa Árboles (Trees) y dibuja el tronco y las ramas.

Utiliza la herramienta “Lápiz” para dibujar el tronco y las ramas del primer árbol. Una vez acabado, emplea la herramienta “Mover” para hacer clic y arrastrar ese árbol para ver cómo queda en diferentes ubicaciones. Cuando estés satisfecho con él, continúa dibujando los demás árboles o matorrales que quieras incluir en tu paisaje. La figura 4-9 muestra un ejemplo de la capa Árboles (Trees) terminada con tres árboles. Si quieres más flexibilidad, puedes dibujar cada árbol en capas separadas de modo que puedas moverlos a un punto distinto en cualquier momento.

6.   Elige la capa Hojas (Leaves) y añade las hojas a los árboles.

Usa un tamaño pequeño de pincel en la herramienta “Lápiz” y fija la calidad de difuminado al 800 % aproximadamente para que puedas pintar grupos de hojas muy rápido. Utiliza varios tonos de gris del panel de color para pintarlas por encima de las ramas de los árboles. Comprobarás que puedes dar más valor a las hojas sin afectar a las ramas que dibujaste en la capa inferior. Incluso puedes emplear la herramienta “Borrar” para eliminar algunas hojas, de nuevo sin influir en las ramas. La figura 4-10 muestra un ejemplo de cómo pueden quedarte los árboles después de añadir las hojas en la capa Hojas.

Figura 4-9:

Dibujo de los árboles en la capa Trees

Figura 4-10:

Realce de los árboles con la añadidura las hojas en la capa

7.   Selecciona la capa Detalle (Detail) del dibujo y añade los detalles de acabado a tu creación.

Como la capa Detalle se superpone a todas las demás, puedes utilizarla para incluir los detalles finales, como sombras, luces y reflejos, que quedarían por encima del resto del dibujo. Es posible crear todas las capas de detalle que quieras y usarlas para experimentar con diversos efectos. La figura 4-11 muestra el resultado de añadir reflejos al lago en la capa Detalle, pero también se pueden dibujar unos pájaros en el aire o flores en el césped, dependiendo del paisaje que quieras crear. Además podrías añadir una segunda capa Detalle para niebla o lluvia brumosa y así generar una versión alternativa.

Cuando termines el dibujo digital, dedica un tiempo a reflexionar sobre el proceso como un todo y a admirar el producto final. No esperes que sea perfecto. Te llevará tiempo acostumbrarte a todas las nuevas herramientas, pero ya has empezado a hacerlo. Prueba a elaborar distintos tipos de dibujos digitales siguiendo los pasos básicos tratados en este proyecto.

Figura 4-11:

El dibujo acabado

Capítulo 5

Una nueva forma de mirar: familiarizarse con el encuadre del artista

En este capítulo

   Conoce la función de los hemisferios derecho e izquierdo del cerebro respecto al dibujo

   Identifica temas de interés para dibujar en lugares cotidianos

   Desarrolla tu visión artística practicando con bocetos

   Crea tus propios garabatos

Como probablemente ya sepas, el mundo parece diferente cuando se mira con ojos de artista. Partiendo de un punto de vista artístico, objetos cotidianos que has visto cientos de veces, de pronto surgen con nuevos aspectos, líneas e importancia. Cuando acostumbras los ojos (y el cerebro) a ver tu entorno de esa forma, descubres que incluso lo más corriente está lleno de temas esperando que los dibujes.

En este capítulo, te ofrecemos la ocasión de explorar y aumentar tu capacidad visual, comenzando a ver tu mundo como un artista. ¡Ten los útiles de dibujo a mano y disponte a ejercitar el cerebro y los ojos por un camino completamente nuevo!

Qué hemisferio del cerebro influye en el dibujo

Muchas partes del cerebro trabajan junto con la vista durante el proceso de dibujo. Aunque no es necesario que conozcas todos los detalles de cómo funciona el cerebro cuando dibujas, ser consciente de sus diferentes capacidades puede ayudarte a reconocer algunas de tus características personales más importantes y, como consecuencia, ese conocimiento puede influir en tu desarrollo como artista. (Si te interesa especialmente este tema, puedes echar un vistazo al libro Cómo funciona tu cerebro para Dummies, del experto en neuromárketing Néstor Braidot.)

El cerebro tiene dos partes: el hemisferio derecho o cerebro derecho y el hemisferio izquierdo o cerebro izquierdo. Ambas partes juegan un papel igualmente importante en el dibujo.

El pensamiento del hemisferio derecho es visual, perceptivo, intuitivo, perspicaz y creativo. El lado derecho se ocupa de lo siguiente:

   Ve la relación y semejanza entre formas y espacios.

   Combina varios elementos visuales para formar una imagen total.

   Percibe la armonía y el equilibrio de forma instintiva.

Aunque puede parecer que sobre el cerebro derecho descansa todo el peso del trabajo de dibujar, el cerebro izquierdo, analítico, lo impulsa y:

   Usa la lógica matemática para establecer las proporciones.

   Planifica el dibujo según las reglas de composición. (En el capítulo 6 tienes más información sobre esas reglas.)

   Analiza paso a paso los procedimientos de la composición de un dibujo.

Como puedes ver, debes activar ambas partes del cerebro, la creativa y la analítica, para dibujar bien.

Despierta el hemisferio derecho de tu cerebro

La mayor parte de la gente ejercita continuamente el cerebro izquierdo durante el día, cuando toma las decisiones rutinarias como qué hacer para cenar, sumar facturas o atender en clase; todo esto enfatiza la importancia de las funciones del cerebro izquierdo. Como consecuencia, muchas personas terminan siendo hemisferio-izquierdo dominantes por defecto; esto es, la parte analítica de su cerebro actúa de forma preferente y silencia así la parte más creativa.

Si eres de los hemisferio-izquierdo dominantes, ¡prepárate para activar tu hemisferio derecho! Éste procesa muchas de las capacidades perceptivas que usas cuando dibujas, así que necesitas ejercitar sus habilidades durmientes si quieres progresar como dibujante. ¡Esta sección está para ayudarte a hacerlo!

Alterna ambos hemisferios de tu cerebro

En general, el lado derecho tiene mayor capacidad para percibir las formas y los espacios, mientras que el lado izquierdo procesa la información visual por tipos y la clasifica. Para tener ambos lados despiertos y funcionando, echa un vistazo a la figura 5-1. ¿Qué ves?

Figura 5-1:

Usa ambos lados del cerebro para ver una imagen en este dibujo

Para ver ambas partes de la ilusión óptica de la figura 5-1, el cerebro debe usar los dos lados. Mientras el derecho registra una serie de líneas, formas y espacios, el lado izquierdo comienza a ver tanto un florero como dos caras (figura 5-2). Satisfecho por haber captado la parte importante de la escena, el cerebro izquierdo ignora los aparentemente insignificantes espacios vacíos alrededor del florero o de las caras.

Figura 5-2:

Vuelve a mirar para ver dos imágenes separadas en la ilustración 5-1

Cuando ves una ilusión óptica por primera vez, como la de la figura 5-1, es posible que no te des cuenta de que hay otra forma de mirarla hasta que alguien te diga cómo hacerlo. Después de observar la segunda imagen, el cerebro derecho puede trabajar enfocando los ojos en el mal llamado espacio vacío, haciendo que el cerebro izquierdo se dé cuenta de que lo que pensaba que era un espacio vacío es, en realidad, un segundo objeto.

Cuando vas a dibujar un objeto como un jarrón, te es más útil ver su forma que saber su nombre o su función, porque dibujar implica representar su forma en el papel. Por tanto, quieres que tu cerebro derecho —el lado más involucrado en el reconocimiento de formas— esté al cargo siempre que dibujas. Mira la sección “Controlar el paso de izquierdo a derecho” para obtener más detalles sobre cómo controlar qué lado del cerebro usas cuando dibujas.

Alcanzar el equilibrio con la simetría

La simetría es la organización equilibrada de líneas y formas a ambos lados de una línea central imaginaria. Muchos de los objetos dibujados, incluyendo jarrones, visión frontal de caras, copas y formas geométricas como esferas, conos y cilindros son simétricos.

El ser humano está condicionado para buscar y detectar las apariencias de equilibrio. La simetría es la máxima condición de equilibrio, es como el reflejo en un espejo.

Ambos lados del cerebro trabajan juntos para reconocer la simetría:

   El derecho reconoce la similitud de la forma de cada lado de un objeto simétrico.

   El izquierdo reconoce que dicha similitud está simétricamente equilibrada.

Para probar la habilidad del cerebro reconociendo la simetría en un dibujo, vuelve a mirar la figura 5-1. Imagina una línea vertical en el centro de la imagen. Cada lado es la imagen especular del otro. En otras palabras, la imagen es simétrica.

Controlar el paso de izquierdo a derecho

No tienes que mirar la figura 5-1 para cambiar del cerebro izquierdo al derecho; concentra tu atención. El cerebro izquierdo, de forma natural, se centra en cosas concretas (llamadas, a menudo, formas positivas), mientras que el derecho lo hace en abstractas, como la forma y los espacios que rodean al objeto, llamados, frecuentemente, formas negativas. Si cambias tu atención de las formas positivas a las negativas de forma consciente, puedes sentir tu cerebro haciendo un cambio de marcha, como en un coche.

Vuelve a mirar la figura 5-1. Una de las razones por las que la figura 5-1 funciona como una inteligente ilusión óptica, es porque el jarrón y las caras pueden actuar como imagen positiva y/o negativa, dependiendo de en cuál centres la atención. Si lo haces en las dos caras, éstas son la representación positiva, y el espacio entre ellas (el jarrón), es el negativo. Si te fijas en el jarrón, los espacios alrededor del mismo (las caras) son la forma negativa.

El siguiente es otro método para visualizar la diferencia entre formas positivas y negativas: mira las patas de la silla del comedor. Las patas constituyen la forma positiva, mientras que el espacio entre ellas es la negativa. Cuando centras la atención en la forma positiva, principalmente usas el hemisferio izquierdo, pero cuando te fijas en el espacio entre ellas, la forma negativa, empleas el derecho.

También puedes cambiar del hemisferio izquierdo al derecho describiendo lo que te rodea en términos abstractos: formas, líneas, sentimientos y colores. Al izquierdo le gusta dar nombre a las cosas. Por ejemplo, una uva es una uva. El lado derecho, por el contrario, está más interesado en nociones abstractas como la forma, así una uva es una esfera pequeña.

Para practicar el paso del uno al otro, mira a tu alrededor y describe lo que ves usando sólo palabras referentes a su forma. Usa figuras geométricas como cuadrado o círculo más que referencias simbólicas como ahuevado. Si no puedes nombrar la forma de algo con una sola palabra, determina qué formas lo componen. Por ejemplo, si ves una jaula de pájaros, puedes ejercitar el cerebro derecho para nombrarla: “cubo con una pirámide encima”. (Este hábito se explica de manera práctica en el capítulo 7, échale un vistazo si quieres mejorar tu definición de objetos según las formas que los componen.)

Dale vacaciones a tu hemisferio izquierdo

Los objetos familiares suelen parecer muy raros cuando los miras boca abajo. Después de todo, la información visual que aplica el cerebro izquierdo a ciertos objetos de forma automática, ya no está disponible cuando los miras desde otra perspectiva. Cuando el cerebro izquierdo no puede nombrar las diferentes partes de un objeto concreto, se siente confuso y al final deja de intentarlo —entonces se conecta el cerebro derecho y toma el mando—. Observa las líneas del objeto dibujado de forma diferente a como lo hace el lado izquierdo. Se centra en cómo se curvan las líneas y en cómo crean formas y espacios dentro de los límites del papel en lugar de tratar de clasificarlos como pertenecientes a un objeto concreto.

Coge papel y lápiz, porque es el momento de engañar a tu cerebro izquierdo para que el cerebro derecho se ponga al mando. Conforme sigues los pasos que se explican a continuación, resiste la tentación de echar una miradita al objeto que estás dibujando hasta que termines el proceso. ¡No hagas trampas! A medida que avances a través de este sencillo ejercicio, mantén la idea de que ambos lados del dibujo son simétricos.

1.   Dibuja un rectángulo de 10 centímetros de largo por 5 centímetros de ancho.

Si prefieres una superficie de dibujo mayor, haz el rectángulo de 20 × 10 centímetros.

2.   Suavemente, dibuja una línea de puntos vertical en el centro del rectángulo que lo divida en dos cuadrados de 5 centímetros de lado (o de 10 centímetros, si usas el formato grande).

Esta línea representa visualmente la línea imaginaria de simetría del dibujo. Dibújala con suavidad para borrarla fácilmente después.

3.   Dibuja el primer grupo de tres líneas que ves en la figura 5-3.

Coloca este primer grupo de curvas en la zona media del rectángulo. La línea del centro parece una pequeña sección de la parte alta de una circunferencia. Las otras dos curvas tocan la línea del centro, curvándose hacia fuera y hacia arriba.

Asegúrate de que la línea de simetría, que dibujaste en el paso 2, corta verticalmente el boceto de las tres líneas justo por el medio, y así una mitad es la imagen especular de la otra.

Figura 5-3:

Dibuja las tres primeras líneas

4.   Dibuja el segundo grupo de líneas, como ves en la figura 5-4.

Dibuja una línea ligeramente curvada exactamente por encima de la primera. Observa que esta nueva línea está casi en el borde superior del dibujo. Después traza una segunda línea curvada hacia arriba y luego hacia abajo, por debajo de la primera, cerca del borde inferior del dibujo.

Figura 5-4:

Dibuja el segundo grupo de líneas

5.   Pon el lápiz en un extremo de la línea superior y dibuja una segunda línea que se curve hacia fuera y hacia abajo y que conecte con el extremo final de la línea central en ese lado.

6.   Haz lo mismo en el otro extremo de la línea superior completando la forma.

7.   Sitúa el lápiz en un extremo de la línea central y dibuja otra que se curve hacia fuera y hacia abajo y que termine en la línea inferior.

8.   Haz lo mismo en el otro extremo de la línea central, completando la forma de la parte inferior del papel (figura 5-5).

Figura 5-5:

Completa la forma

9.   Borra la línea vertical central.

Gira el cuaderno de bocetos hacia arriba y deja que el hemisferio izquierdo vuelva de sus cortas vacaciones. Ahora puedes identificar el objeto que acabas de hacer, ¡unos bonitos labios!

El hemisferio izquierdo no es capaz de identificar los objetos cuando están boca abajo, por lo que, pasado un tiempo, deja de intentarlo. Como el hemisferio derecho ignora los nombres de las cosas a favor de sus características, formas y líneas que las componen, has sido capaz de crear unos labios realistas sin saber qué estabas dibujando. Esa situación de creatividad e inspiración —en la que el lado izquierdo está callado y el derecho está al mando— es la que necesitas cuando dibujas, porque todo es más fácil de representar cuando te olvidas de lo que es y te fijas sólo en lo que ves.

Explora el mundo como artista

Como artista, siempre estás buscando algo nuevo e inspirador para dibujar, y el mejor sitio para encontrar el siguiente objetivo es, bueno..., cualquiera. Piensa en el mundo que te rodea como en tu bufet personal de todo-cuanto-puedes-ver. Todo lo que ves es un objetivo potencial de dibujo. En las siguientes secciones te ofrecemos alimento para el pensamiento —literal y filosóficamente— sobre todo lo que puede llegar a ser un gran motivo de dibujo, así que puedes apartar temporalmente los materiales de dibujo y prepararte para abrir la mente. Estamos a punto de desafiar tus conceptos actuales sobre qué convierte un objeto en algo ideal para ser dibujado.

Cuando busques temas, dedica un tiempo a indagar qué te interesa realmente. Sube a la terraza, baja al garaje o enciende una luz en la esquina más profunda del trastero hasta que encuentres un objeto, una escena que te atraiga. El estar interesado en el motivo te aleja de caer en el aburrimiento o en el desánimo cuando los primeros trazos no resulten como esperabas.

Diviértete dibujando lo que tienes delante

A veces el mejor tema para dibujar está justo frente a ti. Busca a tu alrededor formas, líneas, patrones y texturas convincentes. Presta atención a las partes extrañas de los objetos familiares. Puedes convertir casi cualquier cosa en un motivo digno de tu lápiz.

La cocina y el baño están llenos de cosas que ves cada día pero que probablemente nunca has mirado. Por ejemplo, observa con detenimiento el grifo de la cocina o del lavabo. Trata de dibujarlos. ¿Ves cómo un simple grifo se transforma en algo mucho más fascinante cuando lo conviertes en el objetivo de tu dibujo?

Las plantas domésticas proporcionan maravillosos temas cuando tratas de dar un descanso a la mente y dejas que el lápiz haga el trabajo. La complejidad de las plantas se puede manejar después de haberte liberado de la necesidad de controlar cada aspecto del dibujo.

Cuando te sientas preparado para recolectar más temas en sitios corrientes, busca en el caos del trastero (el tuyo o el de cualquier otro). De un vistazo, probablemente encontrarás muchos objetos corrientes que pueden llegar a ser estupendos temas para dibujar. Bicicletas y triciclos, por ejemplo, son idóneos, porque son complejos y simples a la vez. Si piensas que ya tienes una imagen visual, intenta dibujar uno de memoria. Deja ese dibujo aparte y haz otro con la bicicleta delante. Ahora compara ambos dibujos. Observa los detalles que olvidaste cuando dibujaste de memoria.

Cuando inspecciones los alrededores buscando temas de dibujo, no olvides los objetos que más te gustan. La figura 5-6 es un dibujo de un puzle de mil piezas a medio hacer. Es un tema interesante por muchas razones, pero lo que captó la atención de la artista fue la alternancia de las convexidades y concavidades de las piezas del puzle.

Cuando te des cuenta de que te atrae el aspecto de un objeto concreto, no le quites encanto con un simple, “me gusta esto”. Trata de descifrar por qué has encontrado visualmente atractivo ese motivo. (En el capítulo 17 te mostramos más formas de crecer como artista.)

Figura 5-6:

Valora las posibilidades estéticas de los objetos cotidianos

Mira tu casa desde una perspectiva nueva

Después de dibujar algunos objetos corrientes, intenta fijarte en algo ligeramente más complejo. Para ayudarte a empezar, da un paseo por tu casa. Procura mirar más allá de los motivos sencillos habituales.

Si mirar una habitación es demasiado agobiante, fíjate en una pequeña zona que te intrigue. Puedes usar el visor que te enseñamos a hacer en el capítulo 6 para ayudarte a reducir el ámbito de dibujo a algo más manejable.

La figura 5-7 muestra una vista parcial de una escalera, de la casa de una artista, tomada desde la mesa de su estudio. El cuadro de la pared, del fondo del comedor, más allá de la cocina, captó su atención cuando se sentó a dibujar, y así creó la imagen que ves en la ilustración. Como único objeto tratado con matices, el cuadro contrasta con los trazos simples del resto del dibujo. Con las líneas del dibujo, la autora consigue crear una escena dinámica, dentro de un espacio cotidiano que recorría diariamente.

Figura 5-7:

Encuentra temas expresivos de dibujo en tu propia casa

De la nevera al dibujo

Los alimentos han sido siempre un tema de dibujo para los artistas por el simbolismo de muchos aspectos positivos de la vida, como la abundancia, la comodidad, los recuerdos y el estilo de vida. El significado de tus obras inspiradas en las viandas depende del tipo de alimentos que hayas elegido y de las vivencias personales que despierten en el espectador. Desde la fruta hasta las hortalizas y desde el pan hasta el pescado, un ecléctico menú de temas espera tu apetito de dibujante. Todo lo que tienes que hacer es decidir cuál te parece más apetitoso, tanto a ti como a tu lápiz.

Busca en el aparador, en la nevera y en otros sitios relacionados con la comida nuevos motivos de dibujo. La figura 5-8 muestra un clásico ejemplo de un huevo, pero vale la pena intentarlo con cualquier alimento. ¡Además, siempre puedes comerte el modelo una vez terminado el dibujo! No te conocemos, pero pensamos que los pasteles pueden ser un tema estupendo.

Figura 5-8:

Encuentra un tema divertido en un simple huevo

Dar un paseo por el barrio y más allá

No importa dónde vivas, el paisaje que te rodea está lleno de potencial estético. La línea de postes eléctricos de una calle puede parecer menos romántica e impactante que un desfiladero salpicado de árboles pero, según lo que elijas como foco de atención, puede acabar resultando incluso más bonita.

Tómate un momento para apreciar tu barrio y el paisaje que te rodea con ojos de artista. Trata de ver más allá de tus percepciones habituales. Repara en cómo una flor lucha por crecer en una grieta de la acera. Mira cómo un simple banco del parque se convierte en un escritorio de oficina para alguien trabajando en el tiempo del almuerzo o en una tarde soleada. Observa el llamativo contraste cuando la luz del sol ilumina los edificios en un cielo oscuro y con nubarrones. Capta alguna de esas imágenes en el cuaderno de bocetos. ¡Prepárate para explicar a tu vecino qué haces parado delante de su casa!

La figura 5-9 muestra lo que una artista ve en una excursión campestre de domingo. A primera vista, puedes pensar que es una típica vista de algunos árboles y hierba, pero, si miras atentamente, te percatas de la belleza del paralelismo que crean las líneas de los troncos de los árboles. No importa lo que te rodee, tómate tu tiempo para apreciar su infinito potencial estético, ¡coge los lápices y el cuaderno de bocetos y comienza a dibujar!

Figura 5-9:

Aprovecha las posibilidades artísticas de tu vecindario

Descubrir el ojo interno del artista

Tu ojo interno (llamado a veces ojo mental o tercer ojo) ofrece infinitas imágenes del mundo imaginario y del recuerdo. Para ver qué significa esto, cierra los ojos y visualiza un cielo azul con nubes blancas, algodonosas. Ahora trata de visualizar la cara de alguien a quien conoces bien. Mientras lo haces, la memoria y la imaginación trabajan juntas para crear mundos similares al que habitas pero marcados por las impresiones personales. Esas vivencias se plasman en tus dibujos tanto si trabajas de memoria como si lo haces al natural. Los resultados suelen ser imperfectos, pero eso es bueno. Lo importante es captar el espíritu de la idea.

Incluso con los ojos abiertos, la memoria y la imaginación participan activamente en la percepción del mundo. Como las experiencias subjetivas enmarcan lo que ves, tus impresiones de lo que te rodea son diferentes de las de cualquier otra persona. Las siguientes secciones explican cómo tu tercer ojo juega con los hechos de la percepción. Descubrirás cómo usar el garabateo para aprovechar el funcionamiento de este ojo mental y cómo aplicar lo que descubras para crecer como artista.

Comparar las percepciones del hemisferio derecho con las del izquierdo

Tu ojo interior filtra lo que ves a través de tu experiencia. A dondequiera que mires, percibes simultáneamente la objetividad del tema o de la escena y tus impresiones subjetivas sobre dicha escena. (En el libro Cómo funciona tu cerebro para Dummies, el experto en neuromárketing Néstor Braidot profundiza en este tema.) Aunque el ojo interior es una función del hemisferio derecho, ambos lados cerebrales trabajan juntos cuando observas objetos o escenas del entorno. El izquierdo, más lógico, usa hechos para clasificar lo que ve, mientras que el derecho, más intuitivo y coordinador, registra impresiones de la apariencia de lo que estés viendo en relación con todo lo que lo rodea.

Para ayudarte a entender cómo impactan las percepciones del hemisferio derecho e izquierdo en tus dibujos, te ofrecemos un par de ejercicios sencillos para que practiques:

   Examina las nubes del cielo la próxima vez que salgas. El hemisferio izquierdo registra nubes, pero el derecho mira esas nubes y ve formas y objetos completamente diferentes, como ovejas o dinosaurios.

   Busca tejidos, tierras, rocas, piezas de madera y cualquier cosa que tenga patrones o texturas. ¿Qué ves? El lógico hemisferio izquierdo entiende la diferencia entre texturas como, por ejemplo, entre serrín y el pelaje a rayas de un tigre. Por otra parte, el derecho percibe imágenes en los patrones o texturas cotidianos, como una cara oculta en el tejido de la alfombra.

   Después de permitir que ambos lados de tu cerebro perciban el patrón y la textura de un objeto, tómate un tiempo para plasmar esas percepciones sobre el papel. La figura 5-10 muestra qué puede pasar cuando tú y tu lápiz permitís que surja una forma concreta a partir de una textura. Si miras cuidadosamente la textura de la corteza de árbol de la figura 5-10, puedes ver el bosquejo del grupo de figuras que la artista vio y reflejó en el dibujo de la derecha. Dejando que el cerebro derecho tome el mando, puedes crear dibujos que ni imaginabas cuando empezaste, pero que encuentras a lo largo del camino. ¡Qué emocionante!

Figura 5-10:

Una textura se transforma en algo más si damos rienda suelta al hemisferio derecho

Juguetear con garabatos

Aunque el acto de garabatear siempre ha tenido mala reputación (como una forma de perder el tiempo durante aburridas reuniones o clases...), es un estupendo modo de ejercitar el cerebro derecho. Te permite dejarte ir, sin control sobre el lápiz, y activar el cerebro y la creatividad.

Los surrealistas, un grupo de artistas comprometidos con la idea de que el arte debe penetrar hasta el fondo del subconsciente del artista, se presentaron con un estilo de dibujo que es en esencia un garabato y haciendo dibujos sin una intención preconcebida. Creen que este tipo de dibujo puede mostrar la psique del artista. Muchos dibujos surrealistas comienzan sin imágenes, pero terminan llenos de éstas, parcialmente ocultas en una nube de garabatos.

Igual que es improbable que dos personas perciban dos hechos exactamente del mismo modo, también lo es que vean las mismas imágenes surgiendo de patrones o texturas. Te puede sorprender lo que percibes, pero las imágenes que ves son tuyas. Independientemente de si los surrealistas estaban en lo cierto al afirmar que te sumerges en tu psique cuando garabateas, hay algo indudablemente tuyo en el modo en que toman forma tus garabatos. De hecho, los garabatos pueden ser el lugar perfecto para buscar las claves de tus inclinaciones naturales, que ayudan a aumentar tu autoestima como artista. Por ejemplo, si tus garabatos incluyen lazos, puedes tener una preferencia innata por las curvas y movimientos continuos más que por las rectas o patrones lineales. Presta atención a la clase de imágenes que surgen de tus garabatos. Cuanto más sepas sobre tus intereses e inclinaciones, más fácil te será tomar buenas decisiones sobre el dibujo por lo que respecta a ideas, temas, técnicas y materiales.

Para ver cómo un simple garabato puede conducir a toda clase de imágenes, analiza el de la figura 5-11.

La artista de la figura 5-11 hizo este garabato con una línea continua. Empezó sin una idea preconcebida excepto que quería cubrir toda la superficie del rectángulo con un garabato. Cambiaba la forma de mover el lápiz (espiral, lánguido, angular) cuando le apetecía. Gira el libro en todas las direcciones y mira el dibujo desde cada punto de vista. Quizá veas algo que te resulte familiar cuando des rienda suelta al hemisferio derecho.

Figura 5-11:

Un garabato

La figura 5-12 muestra algunas formas, objetos y otras imágenes que puedes ver en el garabato de la figura 5-11. ¿Cuántas has visto? Gira el libro en diferentes sentidos y encuentra otras.

Figura 5-12:

Encontrar formas en los garabatos

Mira atentamente la figura 5-13 para ver qué pasa con las imágenes de la figura 5-12 cuando se convierten en líneas de dibujo.

Figura 5-13:

Transformar las formas simples del garabato en un dibujo de línea

Proyecto. Haz tu propio garabato

Cada vez que dibujas, tus habilidades artísticas visuales mejoran. Este proyecto, dividido en tres partes (cada una con sus instrucciones), te ayudará a entrenar el hemisferio derecho a través de los garabatos. No tienes ilustraciones que te guíen, sólo los dos hemisferios de tu cerebro, derecho e izquierdo, así que toma los lápices, los rotuladores y el cuaderno de bocetos y ¡disponte a pasar un rato divertido!

Traza rayas

Esta parte del proyecto funciona mejor si comienzas sin ideas preconcebidas, por tanto no pienses en lo que vas a dibujar. Lánzate siguiendo estos pasos:

1.   Elige un punto del papel para empezar.

2.   Haz un punto.

Es el punto inicial del garabato y también será donde lo termines.

3.   Con un rotulador de punta fina o un lápiz, dibuja un garabato continuo, sin interrupciones, que cubra todo el papel y que termine en el punto que señalaste en el paso 2.

Déjate llevar, incluye rectas, ángulos y líneas curvas. Que el trazo se entrecruce en varios sitios, y que cambie de dirección con frecuencia.

Si accidentalmente rompes la línea, no te preocupes, retómala en el punto donde se interrumpió. ¡Más garabato no le hará daño!

Mira más allá de las líneas

Después de dibujar el garabato, aclara la mente tomándote un breve descanso. Siéntate cómodamente en tu silla con la obra frente a ti. Como el papel del dibujo tiene cuatro lados, cuando giras el papel, cada lado se transforma en el borde inferior. Sigue estos pasos para ver las posibilidades del garabato:

1.   Gira el papel hacia la derecha, relájate y observa el garabato desde esa perspectiva.

Busca algo que te recuerde a una cara o un objeto. Si lo encuentras, usa un rotulador o un lápiz para remarcar las líneas que forman la imagen que has visto. Hasta ahora, sólo diriges tu atención hacia cualquier cosa que veas, así que no te preocupes por crear una imagen completa.

No te decepciones si no ves nada los primeros minutos. Toma otro pequeño descanso y vuelve con una mirada nueva. Prueba a cerrar los ojos unos segundos y ábrelos de nuevo. Puedes incluso desenfocar los ojos unos segundos y volver a enfocarlos. A veces las cosas que ves cuando no tratas de verlas son casi imposibles de reconocer cuando te esfuerzas en hacerlo.

2.   Gira el papel a la derecha otra vez y mira qué puedes encontrar siguiendo de nuevo el paso 1.

3.   Repite los pasos 1 y 2 para los otros lados del papel.

No te preocupes si algunas formas se solapan con otras a medida que giras el papel. ¡Cuantas más imágenes veas, mejor! Si las imágenes son demasiado confusas, procura sombrear alguna de ellas con un rotulador o un lápiz 6B.

Crear dibujos con los garabatos

¿Cuántas formas y objetos has encontrado en tu garabato? Selecciona las que prefieras y añádeles líneas y detalles para transformarlas en dibujos. ¡No intentes conseguir grandes obras de arte! Usa tu imaginación y diviértete con estos dibujos inspirados en garabatos.

En esta parte...

¿Te has visto alguna vez ante un dibujo impresionante, rascándote la cabeza y preguntándote cómo logró hacer eso el artista? Pues prepárate, ¡estás a punto de descubrirlo!

En esta parte te presentamos las capacidades y técnicas básicas que debes conocer para empezar a dibujar. Te mostramos cómo plasmar líneas y formas sobre el papel y cómo añadir volumen, sombreado, textura y perspectiva. Con estos conocimientos, estarás dibujando en un santiamén. Después de todo, la diferencia entre ser un artista y no serlo no radica en el talento, sino en las ganas y en el trabajo. Tendrás oportunidad de practicar ambos aspectos a medida que avances por los capítulos de esta parte.

Si ya llevas un tiempo dibujando y quieres mejorar tu habilidad, la parte II será perfecta para ti. Independientemente de tu nivel, este curso de repaso dará nueva vida a tu habilidad artística.

Capítulo 6

Planificar los dibujos

En este capítulo

   Descubre las bases de la composición

   Identifica y aplica algunas estrategias de composición valoradas

   Planifica y compón usando varias herramientas de dibujo

   Practica la composición con un proyecto sencillo

La idea de planificar el dibujo antes de lanzarse con el lápiz sobre el papel parece oponerse a la imagen romántica del artista sensible que vierte el alma en sus obras pero, confía en nosotros, si no estás acostumbrado a planificar tus dibujos, quizá cambies de opinión después de leer este capítulo. ¿Has tenido alguna vez un fracaso artístico al dibujar un objeto precioso y descubrir después que no sabes qué hacer con el resto del papel? ¡Pues has llegado al lugar indicado! No te preocupes, una breve planificación antes de empezar a dibujar no arruinará la diversión.

La planificación del dibujo comienza con el impulso de dibujar. Si esta sensación se inspira en un motivo concreto, ¡tienes suerte! (Si no, revisa el capítulo 2, donde se comentan ideas para encontrar inspiración.) Cuando sepas qué quieres dibujar, intenta centrar el foco de interés. Es importante concretar qué te llama la atención y así tener una historia que contar. Pero tal vez no te sientes un buen narrador... No hay problema. La historia no tiene por qué estar muy elaborada. Por ejemplo, la historia sobre el girasol del jardín puede ser simplemente que te gusta cómo capta la luz.

Este capítulo se centra en la fase de planificación llamada composición, la cual consiste en determinar los pasos que debes dar para transformar la historia en algo visual sobre el papel. No te preocupes si la idea de componer los dibujos te parece un poco intimidante: ¡te ayudamos paso a paso!

El término composición, referido al dibujo, se refiere la distribución intencionada de líneas, formas, tonos, texturas y, a veces, colores, dentro del espacio de dibujo. La buena composición es uno de los aspectos más importantes, aunque también esquivo, de la creación artística. Cuando una composición funciona, capta la atención de quien la mira y ayuda a entender la obra de arte. En este capítulo encontrarás algunas estrategias sencillas y eficaces para comenzar a hacer composiciones bien asentadas.

Concéntrate en los factores de la composición

Para componer bien, primero tienes que conocer sus aspectos, pasos y su empleo; después te podrás centrar en aplicarlos en los dibujos para lograr el máximo efecto.

Estos elementos son como las palabras que forman una frase. Cada una significa algo por sí misma, pero el sentido completo reside en la combinación de todas ellas. Echemos un vistazo rápido a los principales factores de una composición:

   Foco de atención: Zona que capta el máximo interés de un dibujo.

   Superposición: Ilusión visual de profundidad que se obtiene cuando una forma se superpone a otra.

   Espacio negativo (o forma negativa): Forma o espacio que rodea al motivo principal, siendo éste la forma positiva.

   Líneas: Líneas, reales o implícitas, que guían al espectador a través de las diferentes partes de la obra.

   Equilibrio: Distribución armoniosa del peso visual en una composición.

   Contraste: Diferencia entre los tonos claros y los oscuros, que crea formas y patrones en la composición.

   Proporción: Cantidad de espacio asignada a los diferentes componentes del dibujo.

En los siguientes apartados explicamos estos aspectos con más detalle y ofrecemos ejemplos de cómo puedes emplearlos en tus composiciones.

Destaca el foco de atención

Un dibujo se vuelve mucho más interesante cuando tiene un foco de atención, una zona determinada donde se busca que el espectador fije la mirada cuando observe la obra. Por ejemplo, el foco de atención de un retrato puede estar en los ojos del retratado y, en un paisaje, podría ser un árbol concreto o una flor.

Los dibujos muestran los objetos desde una única perspectiva. Primero piensa qué quieres que diga el dibujo y escoge un foco de atención que te ayude a expresar el mensaje. Ten presente que se puede tener más de un foco de atención si contribuye al sentido del dibujo y de la historia que intenta explicar. En ese caso, obtendrías un foco de atención principal y uno o varios secundarios.

Después de escoger el punto o los puntos principales de interés, puedes emplear muchas técnicas y recursos artísticos para resaltarlos. Sigue estos consejos para enfatizarlos (como puedes observar en la figura 6-1):

   Coloca siempre el foco de atención de la composición descentrado. Aléjate de la diana que supondría el centro del dibujo. Situarlo en el centro del papel sería un gran error, a menos que se tenga una razón artística muy específica para hacerlo. El motivo es que cualquier objeto que se coloque totalmente centrado atrapará la atención del espectador, mientras que se ignoran los demás elementos importantes de la obra. En consecuencia, el dibujo pierde impacto. En la figura 6-1, el foco de atención principal (la niña pedaleando en el triciclo) está en la parte inferior y hacia la derecha. Automáticamente, el ojo se dirige primero a él, pero no deja de registrar el resto de elementos del dibujo.

   Emplea bien los puntos de atención secundarios. Son como actores de reparto, importantes para la historia pero no fundamentales. Empléalos como apoyo, que te ayuden a equilibrar la composición, especialmente si el foco de atención principal sólo requiere un espacio pequeño dentro del dibujo. En la figura 6-1, el coche es el foco de atención secundario, mientras que la niña del triciclo es el principal. El coche equilibra el dibujo porque su presencia induce a recorrerlo entero. En otras palabras, evita que el ojo vaya directo al foco de atención principal y se quede allí. (Más adelante, en el apartado “Equilibrar los elementos de una composición”, explicamos cómo te pueden ayudar los focos de atención secundarios a equilibrar el dibujo.)

   Organiza los objetos dentro del espacio de dibujo, de modo que apunten al foco de atención. Puedes guiar la mirada del espectador hacia él distribuyendo los elementos para que funcionen como flechas. Por ejemplo, si el foco de atención es un árbol concreto en el campo, puedes organizar el dibujo para que una línea de árboles menos importantes forme un sendero que guíe la mirada del espectador hasta ese árbol principal. En la figura 6-1, la diagonal del coche lleva el ojo hacia el foco de atención (la niña del triciclo). (Encontrarás más información sobre cómo destacar el foco de atención gracias a otros objetos en el apartado “Crear un camino visual útil”, en este capítulo.)

Figura 6-1:

Jerarquía de los focos de atención

   Define el foco de atención con más detalle y con un contraste más pronunciado respecto al resto de elementos del dibujo. Es una parte que consideras importante y a la que quieres que se preste la máxima atención. Para atraer la mirada del espectador, debes resaltar el interés visual del foco de atención comparado con el resto del dibujo. Por ejemplo, cuando un aspecto de la obra tiene una tonalidad muy contrastada o está realizado con gran detalle, suele captar la mirada con más fuerza que un elemento menos resaltado o sin detalle. En la figura 6-1, el foco de atención está a lo lejos, sin embargo, es también la parte más detallada y claramente visible. (Puedes completar la información sobre cómo el interés visual equivale a peso visual, en el apartado “Equilibrar los elementos de una composición”.)

Superpón para lograr unidad y profundidad

La superposición es el recurso más sencillo para otorgar a los dibujos la sensación de profundidad. El simple hecho de que una cosa aparezca delante de otra es suficiente para que el espectador crea que realmente lo está. Imagina la profundidad que puedes sugerir alineando una fila de árboles, cada uno un poco superpuesto al siguiente.

Este factor también contribuye a dar unidad a las diferentes partes de un dibujo. Cuando los objetos se superponen, la conexión física que se establece en el papel los une ante los ojos del espectador, como los eslabones de una cadena que la mirada sigue por la obra.

En la figura 6-2, se crea una sensación de profundidad disponiendo los globos claros delante de los oscuros y eso los vincula dentro de la composición.

Aprovecha las formas negativas

En el campo de la composición, la expresión forma positiva se refiere a la forma del objeto mismo, mientras que la forma negativa es aquella que conforma el espacio que rodea a éste. La apariencia de un elemento depende de la forma negativa que lo rodea. De hecho, si alteras el aspecto de ésta, variará también el del objeto. Visualiza un sencillo peine. Sin las formas negativas que se ven entre las púas, el peine no parecería un peine ni serviría para desenredar el pelo. (En el capítulo 7 encontrarás más detalles sobre cómo utilizar las formas negativas de los objetos para dibujar las formas positivas de los mismos.)

Figura 6-2:

Crear una sensación de profundidad y de unidad al superponer objetos

Además de definir las formas de los objetos, en composición puedes emplear las formas negativas para aportar información sobre el motivo del dibujo. Aquí te presentamos algunos ejemplos de las historias que se pueden explicar:

   Puedes usarlas para definir las relaciones entre los objetos. Cuando apenas hay formas negativas entre dos objetos (personas, jarrones, frutas, etc.), el espectador suele percibirlos como un conjunto agrupado. Por el contrario, si hay muchas formas negativas entre dos o más objetos, tenderá a no considerarlos como grupo.

   Emplea las formas negativas para destacar las similitudes entre las figuras. Por ejemplo, si dos objetos de formas complementarias están cerca en el dibujo, las formas negativas que haya entre ellos llamarán la atención respecto a la relación entre los objetos. Las formas complementarias parecen encajar como las piezas de un puzle. Imagina que colocas una naranja junto a un plátano de modo que la curva de la naranja descanse dentro de la del plátano. Al mover una cualquiera, para dejar un espacio entre ellas, las formas negativas destacarán las curvas de ambas. En la figura 6-3, la curva del lado derecho de la copa es complementaria a la de la cacerola. Parece como si ésta fuera a encajar en la copa. La forma negativa que existe entre ambos elementos llama la atención por su similitud.

   Puedes aprovecharlas como marco para destacar la estructura y orientación de un objeto o de un conjunto de objetos. Por ejemplo, si uno de forma vertical alargada lo enmarcas con una forma negativa de igual estructura, el espectador será más consciente de la altura del objeto. Ten en cuenta lo siguiente: un árbol alto y delgado parecerá más alto si diseñas el dibujo de manera que la forma negativa (la que lo rodea) sea también alta y estrecha. Para ello, puedes emplear un papel mucho más alto que ancho o, simplemente, dibujar un rectángulo estrecho y alto que sirva como marco del dibujo.

   La forma negativa de un objeto grande situado en primer plano se puede utilizar como ventana desde la que ver otros objetos. Por ejemplo, la creada por las ramas de un árbol es una especie de portal desde el que mirar una escena que estuviera sucediendo tras él.

Figura 6-3:

La distribución de las formas positivas hecha por la artista, crea el aspecto de las negativas

Sácales partido a las líneas

Las líneas son herramientas multiusos. Puedes emplearlas para describir objetos, tonos y texturas que dibujes. Parecidas, pero no iguales, son las líneas de composición, unas guías para moverse por el dibujo. Estos senderos inducen al ojo del espectador a recorrer el dibujo a una velocidad concreta y en una dirección específica. Puede ser una línea real o una serie de ellas, como las de una carretera que serpentea por un paisaje, o puede ser una línea implícita, como la línea imaginaria que discurre entre un grupo de gente que hace cola delante de la parada del autobús. El carácter de la línea, sea curva o recta, horizontal o diagonal, etc., provoca una respuesta emocional por parte del espectador y esta respuesta conforma, junto con otros elementos, el significado general de la obra de arte.

Crear un camino visual útil

Cuando se consigue crear un camino visual en una composición, se controla la dirección y la velocidad con las que el espectador se mueve por el dibujo. Si las líneas de este sendero serpentean por el espacio con giros suaves y largos, el espectador seguirá el dibujo del mismo modo (serpenteando suavemente por el camino visual). Sin embargo, si se emplean diagonales afiladas, la mirada del espectador se moverá rápido, siguiéndolas. Puedes crear estos caminos visuales y muchos más con el objetivo de guiar la mirada del espectador como a ti te convenga.

Tal vez no sepas el aspecto que debería tener el camino visual. Piensa en lo que quieres que experimente el espectador cuando observe tu dibujo. ¿Quieres que se sienta relajado? Emplea líneas que cambien de dirección con suavidad y de manera gradual para que los ojos se dejen llevar despacio por el dibujo. Si quieres conseguir una sensación de urgencia, traza líneas que cambien de dirección bruscamente y, a menudo, esto provocará que la mirada avance con rapidez por el dibujo.

Considera el camino visual como una herramienta que ayuda al espectador a circular por el dibujo. Para asegurarse de que nadie queda atascado en alguna parte de la composición, intenta crear un camino que guíe el ojo hacia un objeto y luego proporcione una vía de salida hacia otras zonas. La figura 6-4 muestra el ejemplo de un claro camino visual que guía al espectador por el dibujo.

Figura 6-4:

Las líneas de composición permiten crear un camino visual

Asegúrate de que el camino visual no guía al espectador fuera del dibujo. En las culturas occidentales, se suelen leer las imágenes tal como se lee un texto, de izquierda a derecha. Si el camino visual lleva hacia la derecha del papel, puede apuntar directamente hacia fuera con tanta eficiencia como un cartel luminoso de SALIDA. Para asegurarte de que el espectador no se sale del dibujo antes de tiempo, puedes variar la dirección de la línea, lo que atraerá la mirada de nuevo hacia dentro. Por ejemplo, si el camino visual lleva hacia la derecha del dibujo, coloca un objeto o grupo de objetos en ese lado para que el ojo gire siguiendo el ángulo y vaya a donde está la acción.

Descomponer las líneas en estáticas y dinámicas

En realidad, todas las composiciones que se pueden crear con líneas se reducen a dos categorías: estáticas y dinámicas. Tu forma de organizarlas determinará si la composición es estática o dinámica. En general, las líneas verticales y horizontales predominan en las composiciones estáticas y las curvas y diagonales generan composiciones dinámicas.

El carácter de las líneas de composición ayuda a intensificar las emociones que sienten los espectadores al mirar el dibujo. Aquí te mostramos algunos ejemplos de diferentes tipos de líneas y las sensaciones que se suelen asociar con ellas:

   Las curvas suaves suelen reflejar belleza, delicadeza y serenidad. En concreto, la curva en forma de “S” denota equilibrio y gracia.

   Las curvas pronunciadas o en una maraña pueden transmitir energía frenética y agitación.

   Las horizontales denotan estabilidad, paz y serenidad.

   Las verticales tienden a dar sensación de fuerza, esplendor y dignidad.

   Las oblicuas suelen significar cambio, movimiento y poder.

En una composición estática, el espectador tiene una sensación general de orden y estabilidad. Para expresar fuerza, equilibrio y permanencia, debes enfatizar los aspectos verticales y horizontales del motivo. Las diagonales, dentro de una composición estática, encuentran soporte firme y quedan ancladas en su sitio: imagina un tejado inclinado en lo alto de una casa. Las oblicuas que definen el tejado presionan buscando estabilidad y se apoyan firmemente en los cimientos que forman las verticales y horizontales de la casa. Los artistas suelen emplear las composiciones estáticas para crear retratos de familia. La figura 6-5a muestra un ejemplo de composición estática en la que las verticales y las horizontales contribuyen a producir esa sensación de orden.

En una composición dinámica, el espectador percibe un efecto general de movimiento y cambio. Tanto las líneas curvas como las oblicuas comienzan en una zona y se mueven hacia fuera, arriba o abajo, alejándose de sus puntos de origen horizontales y verticales. Este tipo de composición puede reflejar cualquier grado de movimiento, desde suave hasta frenético. Las composiciones dinámicas se emplean para enfatizar el movimiento. Por ejemplo, puedes apoyarte en líneas oblicuas muy marcadas con las que obtener una imagen real de aviones volando por el cielo. En la figura 6-5b encontrarás un ejemplo de composición dinámica.

La mayoría de composiciones no son completamente dinámicas o estáticas. Cuando intentes decidir dónde te quieres situar dentro del espectro, sopesa el motivo del dibujo y los valores que quieres destacar. Si aún no lo ves claro, realiza pequeñas pruebas abocetando varias modalidades de composición diferentes antes de empezar el dibujo definitivo.

Escoger el formato del dibujo

Antes de comenzar lápiz en mano, hay que valorar la orientación y la forma del espacio de dibujo, el formato. Si tu objetivo es lograr el resultado más efectista posible, puedes marcar la diferencia con el modo en que el papel enmarca la composición. Por ejemplo, si hablamos de un retrato, un rectángulo vertical sería una buena elección porque, en general, así se encuadra mejor a las personas. Sin embargo, si el motivo es apaisado, como un paisaje, una presentación horizontal sería mejor opción, ya que un rectángulo horizontal resalta cómo se extiende ante ti todo el panorama. En general, los rectángulos funcionan muy bien como espacios de dibujo y la mayoría de papeles tienen ese formato, pero mantente abierto a otras formas. Para un retrato o un paisaje urbano, por ejemplo, un formato redondo o irregular puede ser divertido.

Figura 6-5:

Puedes emplear líneas para generar composiciones dinámicas o estáticas

Una planificación cuidadosa de la composición antes de empezar a dibujar te puede ahorrar mucho tiempo y frustración. Con una composición sólida desde el principio, evitarás volver a empezar un dibujo de cero. Por eso, antes de lanzarte al papel que hayas escogido, haz muchos bocetos en el cuaderno y prueba las posibles composiciones. Los bocetos te ayudarán a descubrir el mejor modo de plasmar lo que quieres sobre el motivo. Por ejemplo, te ayudan a responder preguntas sobre dónde colocar los elementos, de qué tamaño son y qué tipo de líneas te conviene usar para representar la realidad tal como la ves. El número de bocetos que necesitarás es irrelevante: aboceta hasta que consideres que has encontrado la composición que buscas, equilibrada, completa e interesante para ti. Serán unos cinco o seis, pero, para algunos dibujos, tal vez necesites más. Incluso aunque intuyas que el primer boceto es el bueno, explora algunas posibilidades adicionales para asegurarte.

Equilibrar los elementos de una composición

Un dibujo equilibrado suele ser más estético, agradable y armonioso que uno desequilibrado, por lo que, antes de ponerte manos a la obra, tómate tiempo para planificar la composición y pensar dónde quieres colocar el peso visual del dibujo. El peso visual es una fuerza de gravedad imaginaria que te lleva a fijarte en una zona concreta. Cuando un objeto llama la atención, tiene mucho peso visual, mientras que algo en lo que apenas nos detenemos tiene poco peso visual.

El mayor problema con el que nos topamos a la hora de dibujar objetos de mucho peso visual consiste en evitar que capten la mirada del espectador de manera desproporcionada, desequilibrando el dibujo. Por ejemplo, las personas tienen, automáticamente, mucho peso visual, por lo que hay que tener cuidado al dibujarlas para no generar zonas desequilibradas. Cuando no hay armonía en un dibujo, el ojo humano trata de resolver el problema, pero, claro, no te interesa tener a los espectadores centrados en el conflicto de equilibrio, en lugar de disfrutando del significado que querías dar a la obra.

Para lograr equilibrio, extiende el peso visual para que todas las partes del dibujo atraigan la mirada. Por ejemplo, si observas que no estás deteniéndote en el tercio superior, crea una razón por la que mirar esa zona. Podrías añadir algo como un avión o un globo aerostático, o podrías usar otros elementos del dibujo para trazar un camino visual que lleve al espectador hacia allí. Algo tan sencillo como un campanario apuntando hacia la masa del cielo le aportaría el peso visual que necesita. (Revisa el apartado anterior, “Sácales partido a las líneas” para obtener detalles sobre la creación de caminos visuales en el dibujo.) No te preocupes si un objeto concreto tiene más peso visual que el resto, siempre y cuando lo equilibres con otros objetos lo suficientemente interesantes como para atraer la mirada del espectador. Hagas lo que hagas, ¡no te líes! Un exceso de elementos en un dibujo da sensación de aglomeración y disonancia.

Imagina que los objetos del dibujo están en un balancín. Si tienen el mismo tamaño, los puedes equilibrar poniéndolos equidistantes del centro (en la figura 6-6a tienes un ejemplo). Por otro lado, si son de distinta medida, distribúyelos de modo asimétrico. Por ejemplo, puedes equilibrar uno minúsculo con otro muy grande si colocas el primero suficientemente lejos del segundo como para que la mirada fluya de manera natural hacia ambos.

Para comprobar si funciona la distribución de dos objetos de distinto tamaño, observa si te da la sensación de que tu mirada se estanca en el mayor. Si es así, separa ambos objetos en el papel. La figura 6-6b muestra una mujer a la derecha cuyo punto de equilibrio es un pequeño bolso alejado a la izquierda. Al estar los dos elementos suficientemente distantes, la mirada va de uno a otro por igual.

Sin equilibrio, los dibujos pueden acabar torcidos y sin armonía visual, por lo que no te saltes este factor de la composición cuando planees tu próximo dibujo.

Figura 6-6:

Equilibrar el peso visual

El contraste: equilibrio de tonos y formas

Los objetos no son los únicos elementos que pesan en la composición. Para equilibrar un dibujo hay que tener en cuenta los tonos (las zonas claras y las oscuras), que también tienen peso visual. Por ejemplo, una mancha oscura grande puede desequilibrar por completo el dibujo si no se compensa con algo que también tenga un peso visual considerable. En la figura 6-7, la forma oscura del extremo izquierdo del dibujo se compensa con la forma oscura de la botella de vino de la derecha, de peso visual similar.

Independientemente de su tamaño, una forma oscura puede atraer con fuerza la mirada cuando es el tono más oscuro de la composición. Asimismo, una filigrana intrincada de claro y oscuro llamará la atención si es la parte del dibujo con mayor contraste.

Para conseguir el equilibrio perfecto, distribuye los valores oscuros y claros por el espacio de dibujo de modo similar a como haces con los objetos. En otras palabras, no agrupes todos los elementos oscuros o claros en un lado. Si lo haces, la composición quedará visualmente desequilibrada. Para compensar los pesos visuales, intenta mover un poco algunos objetos hacia la derecha o la izquierda del espacio, o procura oscurecerlos o aclararlos respecto a su tono inicial. Esto permite corregir el contraste del dibujo creando un conjunto más equilibrado.

Figura 6-7:

La distribución del peso visual por todo el dibujo aporta equilibrio

Los tonos claros y oscuros de la figura 6-7 están distribuidos de manera ordenada. La sombra del pan conecta las formas oscuras que hay a la izquierda y a la derecha. El tono claro de la parte superior de la bolsa de harina se compensa con la parte inferior del dibujo, donde se observa que la mesa tiene un tono luminoso similar.

Una de las trampas del equilibrio es que, si se exagera, puede resultar de una monotonía espantosa. Imagina un tablero de ajedrez. No hay nada más equilibrado, pero ese patrón crearía un dibujo muy aburrido. Para ayudarte a no exagerar el equilibrio, trata de emplear números impares de objetos en lugar de pares. Un dibujo con tres elementos a un lado y cuatro a otro suele ser más agradable a la vista que una distribución de cuatro a cada lado. Recuerda, sin embargo, que este consejo es sólo una guía. No lo sigas si no va con tu idea. Por ejemplo, si intentas crear un dibujo simétrico, te interesará más emplear un número par de objetos.

Asignar diferentes proporciones a los objetos

Al planificar un dibujo, decide el tamaño de cada objeto dentro de la composición. La proporción de cada elemento respecto al resto depende de lo que quieras enfatizar.

Mientras te planteas el tamaño de los diferentes objetos de tu obra, pregúntate:

   ¿Cuál es el motivo más importante de la composición? La respuesta a esta pregunta condiciona la ubicación del foco de atención. Por ejemplo, si estás dibujando un paisaje de manzanos, puedes decidir que el manzano más cercano a ti es el más importante y, por tanto, ese árbol se convierte en el foco de atención.

   ¿Dónde debo colocar el foco de atención y cuánto espacio del dibujo debería ocupar? Lo puedes colocar alto o bajo, a la izquierda, a la derecha o hacia el centro (especialmente si es un retrato). Pero asegúrate de que el foco de atención no está alineado con el centro del papel. Si estás haciendo un retrato, coloca el motivo principal de modo que la vertical del cuerpo esté ligeramente descentrada hacia la derecha o hacia la izquierda.

La cantidad de espacio que asignes al foco de atención dependerá de lo que quieras expresar. Si el foco de atención es el motivo principal entre muchos otros dentro del dibujo, te interesa que el tamaño sea reducido para encajar el resto de elementos. Muchos principiantes optan por colocar el foco de atención en el mayor objeto del dibujo, pero no siempre hay que hacerlo así. Te puede apetecer experimentar con otros recursos para atraer la atención sobre el foco, como, por ejemplo, rodearlo con un “marco” de elementos menos importantes.

   ¿Cuánto debería ocupar el fondo? El espacio positivo y el negativo se deben combinar correctamente en un dibujo para que éste resulte equilibrado. La forma negativa suele ser el marco que rodea el elemento principal. La cantidad de fondo que necesitas depende de lo que intentes hacer. A menos que quieras que el motivo quede apretado o incluso cortado, deja suficiente fondo alrededor del objeto principal a modo de marco holgado. Para crear una composición que resulte abarrotada o, al contrario, vacía, sólo tienes que ajustar la proporción de forma negativa y positiva correspondiente. Observa la figura 6-8 con dos propuestas de proporción entre las formas positiva y negativa.

Figura 6-8:

El cambio en la cantidad de forma negativa influye en la percepción de la forma positiva

Algunas fórmulas básicas de composición

El ojo humano suele preferir unas composiciones a otras. Por ejemplo, nos solemos detener más en aquellas en que el artista logra el equilibrio a través de la colocación cuidadosa de formas y tonos distintos pero compatibles que en aquellas en las que se llega al equilibrio por la distribución simétrica de los objetos. Aunque parece que los seres humanos encontramos la belleza en la simetría, cuando se trata del dibujo, habitualmente favorecemos un tipo de equilibrio asimétrico, relativamente complejo, por encima del equilibrio simétrico, más sencillo. Esta preferencia por la asimetría en el arte tal vez explique por qué los espectadores suelen responder más favorablemente a los dibujos con relaciones proporcionales basadas en tercios que a los que se dividen en medios o en cuartos.

A lo largo de los años, los artistas han desarrollado algunos protocolos de composición en respuesta a esas preferencias. Por ejemplo, en la mayoría de paisajes se ve la línea del horizonte a un tercio o a dos tercios desde la parte superior del papel. Casi nunca encontrarás el horizonte situado en el centro de la composición.

En esta sección te presentamos algunas fórmulas tradicionales de composición que te pueden servir como guía cuando realices tus primeros dibujos. No pienses en ellas como reglas estrictas que debas seguir en todos ellos. En vez de eso, tómatelas como pautas que te pueden ayudar a combinar y organizar los recursos básicos de la composición que explicamos en el apartado previo, “Concéntrate en los factores de la composición”.

La regla de los tercios

La regla de los tercios es una fórmula de composición que puedes aplicar dividiendo el espacio de dibujo en tercios tanto vertical como horizontalmente (emplea líneas reales o imaginarias). Tu composición será equilibrada si distribuyes los objetos de la escena a lo largo de esas líneas, especialmente en los puntos de intersección. La regla de los tercios no es una ley inquebrantable que debas respetar siempre pero es una estupenda herramienta fiable que te puede ayudar a lograr dibujos equilibrados.

Para comenzar a planificar una composición empleando la regla de los tercios, debes dividir la superficie de dibujo en tercios. Entenderás lo que queremos decir si, con el cuaderno de bocetos, un lápiz HB y una regla, sigues estos pasos:

1.   Con la regla y el lápiz HB, dibuja un rectángulo horizontal sobre el papel.

El rectángulo puede ser de cualquier tamaño, representa el espacio de dibujo.

2.   Usa la regla para dividir el rectángulo en tres secciones verticales iguales.

3.   Usa la regla para dividir el rectángulo en tres secciones horizontales iguales.

Observa los cuatro puntos de intersección de las líneas que has dibujado en los pasos 2 y 3 en la figura 6-9 (están marcados con círculos). Cualquiera de esos puntos es un lugar excelente para situar un foco de atención, pero los mejores son los dos de la derecha, pues la mayoría de la gente lee de izquierda a derecha y la mirada suele llegar al dibujo desde la parte baja de la izquierda. Al colocar un foco de atención en la zona de la derecha, el espectador entra por el cuadrante inferior izquierdo y continúa de manera fácil y natural hasta el punto de mayor interés en la franja derecha.

Figura 6-9:

Éstas son las mejores zonas para situar focos de atención

El uso de la cuadrícula de la regla de los tercios para tomar decisiones de colocación de focos de atención es una manera eficaz de lograr obras equilibradas. Funciona muy bien en composiciones estáticas en las que las líneas de composición verticales y horizontales dominan el motivo de dibujo.

También puedes emplearla para equilibrar composiciones más dinámicas (aquellas en las que dominan las líneas oblicuas). En lugar de apoyarte en líneas verticales y horizontales, traza diagonales que dividan la superficie de dibujo en tres triángulos rectángulos (triángulos que tienen un ángulo de 90o). El punto donde confluyen los tres triángulos es el lugar perfecto para situar el foco de atención.

Para practicar la regla de los tercios en composiciones dinámicas, abre el cuaderno de bocetos, coge un lápiz HB y una regla y sigue estos pasos:

1.   Usa la regla y el lápiz HB para dibujar un rectángulo horizontal en el papel.

2.   Traza una diagonal de una esquina a la opuesta (figura 6-10a).

En realidad no importa qué conjunto de vértices escojas. Esta línea divide el rectángulo en dos triángulos rectángulos equivalentes.

3.   Desde una de las otras dos esquinas, dibuja una segunda línea que se cruce con la primera formando un ángulo recto o de 90o (figura 6-10b).

La zona de intersección de estas dos líneas es perfecta como foco de atención. Observa que el punto de intersección está situado a un tercio hacia arriba de la base del rectángulo y a un tercio hacia dentro desde la vertical derecha del rectángulo.

Figura 6-10:

Con triángulos rectángulos y la regla de los tercios encontrarás un buen foco de atención para composiciones dinámicas

Como habrás observado, al dividir el espacio de dibujo en tres triángulos siguiendo la regla de los tercios para composiciones dinámicas, sólo se obtiene un buen lugar para el foco de atención. Eso no significa que debas limitarte a una única zona de interés en el dibujo, sino que ese punto es el mejor para el foco de atención principal. Puedes sacar otro foco de atención con una línea que divida el triángulo grande de la figura 6-10b en dos triángulos rectángulos. El punto de intersección de la línea con la diagonal que une las esquinas opuestas del rectángulo es el lugar perfecto para un foco de atención secundario.

Composiciones con S-O-U-L

Cuatro de las fórmulas de composición más populares tienen nombre de letras del alfabeto. Cada una de ellas sigue la forma del camino visual que es su rasgo distintivo. Por ejemplo, las composiciones en “S” muestran un camino visual con la forma de la letra S, mientras que el de las composiciones en “O” tiene la forma de dicha letra. Cada fórmula conforma una composición completa y equilibrada y cada una tiene un conjunto único de cualidades que puedes emplear para expresar mejor la historia de tu dibujo.

Las buenas composiciones cuentan una historia sobre el motivo de dibujo. Independientemente de la sencillez de la historia, trata de realizar elecciones de composición (como los tonos, la colocación de los focos de atención, la forma negativa o el camino visual) que expresen mejor esa historia.

Composición en “S”

En una composición en “S”, los elementos se distribuyen de forma similar a la letra S. Esta fórmula de composición refleja suavidad, elegancia y un movimiento fluido. Las curvas de los senderos, los ríos o las hileras de árboles funcionan bien en esta composición. La figura 6-11 muestra un ejemplo de composición en “S”. Observa cómo parece invitar al espectador a entrar en el dibujo.

Figura 6-11:

Las composiciones en forma de “S” son elegantes y fluidas

Composición en “O”

En una composición en “O”, los objetos forman una especie de O sobre el papel (como puedes ver en la figura 6-12). El movimiento circular de la O mantiene la mirada del espectador dentro del dibujo.

El hueco interior de la composición en “O” es un buen lugar para situar los focos de atención. Para encontrar la colocación idónea, dibuja varios objetos, valora las masas y líneas y forma la O. Después distribuye los focos de interés dentro del círculo. En la figura 6-12, la mujer es el foco de atención principal y el vehículo, el secundario.

Figura 6-12:

Las composiciones en “O” mantienen la mirada del espectador dentro del dibujo

Composición en “U”

La dinámica composición en “U” suele tener objetos o masas verticales a ambos lados del espacio y una línea horizontal que conforma la base (como se puede observar en la figura 6-13). El área dentro de la U puede ser un nido tranquilo sobre el que reposan los ojos del espectador o un fuerte contraste con la actividad de la U. En cualquier caso, el espacio dentro de la U es ideal para ubicar el foco de atención.

La figura 6-13 muestra cómo se puede transformar un objeto en foco de interés al colocarlo dentro de la U. Aunque la persona en pie tras la valla es pequeña y poco nítida debido a la distancia, la mirada se ve arrastrada hacia ella. Las sombras oscuras de los troncos cercanos y la tierra forman una U que enmarca la ilustración y la presenta como foco de atención.

Figura 6-13:

Las composiciones en “U” conforman un espacio ideal para el foco de atención

Composición en “L”

Puedes crear una composición en “L” al colocar una masa vertical a un lado del dibujo y equilibrarla con una zona abierta hacia la distancia al otro, y una base horizontal en la parte inferior (como se ve en la figura 6-14). Esta dramática y sólida composición ancla los objetos al espacio de dibujo, lo que llama la atención del espectador tanto en la horizontal como en la vertical.

La zona abierta de esta composición aporta un marco estupendo para el foco de atención. También puedes hacer que éste se dirija a la masa vertical de la L, que es lo que ha hecho el artista en la figura 6-14.

Figura 6-14:

Las composiciones en “L” llaman la atención vertical y horizontalmente

Recursos que te ayudan a planificar tus composiciones

Cuando planificas los dibujos, tienes la opción de reflejar los motivos tal como los ves o de emplear tu licencia artística para representarlos de modo diferente a la realidad. Aunque decidas dibujarlos de esta última manera, deberás dedicar un tiempo a planificar la composición. Considera los aspectos que se explican en el apartado previo, “Concéntrate en los factores de la composición”, y emplea algunas de las herramientas de dibujo que describimos a continuación. Así lograrás composiciones poderosas en todos tus dibujos.

A veces, cuando buscas inspiración para el siguiente dibujo, descubres motivos perfectos con composiciones imperfectas. En vez de descartar esos motivos, aprovecha la libertad que te da la licencia artística y adapta la composición a lo que quieres. Por ejemplo, si ves un muelle que te gustaría dibujar y algunos barcos frente a él, a una distancia que desearías que fuera menor, puedes emplear la licencia artística para combinar ambos elementos y dibujar los barcos donde te interese. Al fin y al cabo, es tu dibujo, y tienes todo el derecho a plasmarlo como te parezca.

En la figura 6-15 puedes ver un dibujo en el que la artista empleó su licencia artística para que una escena de la vida real pareciera algo más caprichosa. Al mirar el paisaje de nubes de la figura 6-15a, pensó que la nube de la izquierda parecía un perro. Para mostrar su percepción (figura 6-15b), modificó la composición y sustituyó la forma original de la nube por la de un perro.

Figura 6-15:

La licencia artística te permite hacer más interesantes los objetos de la vida cotidiana

Enmarca el motivo de la composición

Un visor es una sencilla herramienta que puedes emplear para ayudarte a centrar temas y así encontrar y planificar fácilmente composiciones impactantes. Además, al ser un marco, te permite probar cientos de composiciones sin tener que coger el lápiz: observa la escena a través de él y muévelo como harías con el visor de una cámara, hasta que encuentres la composición ideal.

Puedes construir tu propio visor. Coge un poco de cartón o una cartulina dura, tijeras o un cúter y dos clips grandes y, después, sigue estos pasos:

1.   Corta dos piezas de cartón iguales con forma de L, del ancho que quieras (figura 6-16a).

Cuanto más anchas sean las piezas en forma de L, menos objetos indeseados y distracciones llegarán a tu vista.

2.   Con los dos clips grandes, une las piezas de cartón formando un marco (figura 6-16b).

Puedes ajustar fácilmente el tamaño del marco para que sea proporcional al papel de dibujo que luego emplearás.

Cuando tengas el visor, observa el motivo a través del marco para escoger la mejor composición (consulta la figura 6-16b).

Figura 6-16:

El visor te ayuda a planificar la composición perfecta

Planifica una composición partiendo de una fotografía

La fotografía te permite captar una composición que te interesa, llevarla al espacio de dibujo y trabajar con ella durante horas o días hasta obtener exactamente lo que estás buscando. El truco para crear dibujos fantásticos partiendo de fotos reside en saber planificar composiciones firmes a partir de ellas.

Cuando quieras basar un dibujo en una fotografía (o en cualquier otra imagen), puedes emplear una sencilla cuadrícula que te ayude a planificar la composición. Sólo tienes que coger el cuaderno de bocetos, la foto, un bolígrafo, un lápiz HB y una regla, y seguir estos pasos:

1.   Con un bolígrafo y la regla, dibuja una cuadrícula sobre la foto.

Si el motivo y la foto son bastante simples, haz cuadrados amplios. Si hay mucho detalle en la foto, te irá mejor una cuadrícula pequeña.

Dibuja la cuadrícula sobre la foto (o una copia, si no quieres estropear el original) con un bolígrafo normal y corriente. No se emborrona tanto como un rotulador y se ve mejor que un lápiz. Usa la regla para que quede recto y ordenado.

2.   En un lateral, identifica con letras las filas horizontales y, con números, en la parte superior de la foto, las columnas verticales.

De ese modo, te será fácil controlar en qué cuadrado estás trabajando cuando transfieras la información visual de la foto al dibujo.

3.   Con la regla y el lápiz HB, traza la cuadrícula en la superficie de dibujo.

Dibuja las líneas con suavidad y así más tarde podrás borrar la cuadrícula sin estropear el papel.

Cuando quieras que el dibujo tenga un formato mayor que el de la foto, aumenta la cuadrícula de manera proporcional en el papel. Al revés, si la foto es grande y quieres realizar un diseño más pequeño, emplea una cuadrícula proporcionalmente menor. Para decidir el tamaño final del dibujo, mide el ancho y el alto de la fotografía y después multiplica (para agrandarlo) o divide (para reducirlo). Por ejemplo, con una foto de 10 × 15 centímetros, puedes multiplicar ambos lados por 2 y obtener un formato de dibujo que duplique el tamaño de la foto pero que sea proporcionalmente equivalente. Mientras multipliques ambas dimensiones fotográficas (ancho y alto) por el mismo número, las proporciones no se verán modificadas.

4.   Fuera del perímetro del espacio de dibujo, identifica las filas y columnas para que se correspondan con las que indicaste en la foto siguiendo el paso 2.

Al identificar del mismo modo tanto la foto como el espacio de dibujo, la transferencia de la información visual de uno a otro es más sencilla.

5.   Dibuja lo que ves en cada cuadrado de la foto en el correspondiente de la superficie de dibujo.

6.   Revisa la posición de todo lo que has dibujado en cada cuadrado para asegurarte de que el dibujo coincide con la foto. Después, borra las líneas de la cuadrícula.

Proyecto. Planifica una composición

En este proyecto te acompañamos en el proceso de planificar una composición, desde la primera idea, partiendo de dos fotos, hasta la finalización como dibujo original. Echa un vistazo a la figura 6-17 y considera los siguientes problemas, que esperamos resolver a lo largo del proyecto:

   Tenemos dos fotos que nos gustan pero no nos convence la composición de ninguna de ellas. Buscamos una alternativa equilibrada, serena y fluida.

   Cada foto contiene demasiados focos de interés, y queremos eliminar un poco de ruido

   La nasa para langostas, rota y abandonada, en la esquina inferior derecha de la figura 6-17a, es un objeto interesante y divertido, y queremos convertirla en el foco de atención principal.

Figura 6-17:

Combina las mejores partes de dos imágenes en una composición armoniosa

Para hacer este proyecto, toma la foto que quieras dibujar tal cual o encuentra dos fotos con idea de combinarlas en un solo dibujo (como hacemos aquí). Después, con el cuaderno de bocetos, lápices 2H, 2B, 4B y 6B, la regla, una goma moldeable y una vinílica, sigue estos pasos:

Nota: Emplea la fórmula de composición que mejor funcione con las fotos. En este caso, nosotros usamos la composición en “S” para la combinación de la figura 6-17. (Revisa el apartado anterior, “Algunas fórmulas básicas de composición”.)

1.   Con el lápiz 2H, aboceta la composición básica que quieres emplear en el dibujo.

Para la figura 6-18, la artista ha escogido una composición en “S”. Una forma de S suelta y que se va estrechando en la distancia es la base del camino visual y representa el agua de las fotos de la figura 6-17.

Figura 6-18:

Aboceta la composición básica

2.   Con el lápiz 2H y la regla, traza las líneas que dividen el espacio de dibujo en tercios. Hazlo tanto horizontal como verticalmente (figura 6-19).

Los cuatro puntos de intersección entre las líneas son lugares ideales en los que ubicar los focos de atención primario y secundarios. La artista de la figura 6-19 ha escogido la horizontal superior como línea de horizonte.

Figura 6-19:

Divide el espacio de dibujo en tercios tanto horizontal como verticalmente

3.   Decide qué elementos de las fotos quieres incluir en el dibujo, cuáles dejarás fuera y dónde lo colocarás todo.

Un collage fotográfico a modo de plan de composición te puede ayudar a decidir qué elementos quieres usar y dónde ubicarlos. Escanea e imprime la foto (o fotocópiala) en dos o tres tamaños distintos. Usa la regla y el lápiz 2H para dibujar un rectángulo en una hoja de papel aparte. Debe tener el mismo formato que quieras que tenga el dibujo final. Recorta las partes que te gustan de las fotocopias en los tamaños que mejor encajen en tu diseño artístico. Elige una buena ubicación para los focos de atención en el rectángulo que acabas de dibujar y después distribuye los otros fragmentos a su alrededor hasta que encajen equilibradamente en la composición. Ve pegando las piezas sobre el rectángulo según decidas su colocación.

Tienes un ejemplo de línea de composición “corta y pega” en la figura 6-20. El foco de atención está en el punto de intersección inferior derecho, una vez aplicada la regla de los tercios. Se han adelantado algunas de las rocas grandes de las fotos, a la altura de la nasa, lo que da profundidad al conjunto. Esta composición preliminar no está mal, pero el barco estropea la forma de S y hay que eliminarlo. Eso hizo la artista en su plan de dibujo.

Figura 6-20:

Con un collage fotográfico se traza el plan de composición

4.   Con el lápiz 2H, aboceta suavemente en el bloc de dibujo el contorno del foco de atención principal y los focos secundarios, así como el primer plano, el segundo plano y el fondo.

En la figura 6-20, la nasa es el foco de atención, siendo los focos secundarios las rocas que la rodean, la esquina inferior derecha el primer plano, las barracas de pescadores y el muelle de la izquierda el segundo plano, y la tierra y los edificios a lo lejos son el fondo.

Encuentra los puntos de fuga en la línea de horizonte y emplea la perspectiva geométrica para dibujar correctamente los edificios. (En el capítulo 11 aprenderás a dibujar puntos de fuga con perspectiva cónica.)

5.   Examina la armonía de la composición y asegúrate de que el conjunto tiene el aspecto que quieres.

En la figura 6-21, la nasa (#1) es el foco de atención. La mirada del espectador entra de manera natural en la composición en “S” desde la parte inferior izquierda y se dirige directamente a la nasa gracias a esa especie de flechas que forman las rocas situadas justo delante. La esquina superior derecha de la nasa funciona como una penetrante punta de lanza, que dirige claramente al espectador hacia arriba y a la derecha, donde se encuentra el extremo de un edificio.

Figura 6-21:

Boceto de la composición

El lateral del edificio (#2) funciona como tope, es un parapeto que impide que la mirada siga avanzando hacia la derecha y se pueda salir de la composición. Gracias a otro tope, una tabla horizontal que sobresale del extremo del edificio (y que se añadirá más adelante), el espectador vuelve a encontrarse con un freno y no se sale de la composición al moverse hacia arriba.

El final del trozo de tierra (#3) que hay a la izquierda del edificio, al fondo, es, una vez más, una flecha que apunta directamente a las barracas de pescadores de la zona de la derecha en la composición.

Las casas de pescadores (#4) tienen suficiente detalle como para ofrecer al espectador un lugar donde detener la mirada durante un instante. Para que ésta no se salga de la composición por la izquierda, la artista enfatiza las ondas y reflejos del agua, lo que le lleva suavemente río abajo y de nuevo hacia la nasa, completando un recorrido circular.

6.   Cuando consideres que la composición tiene el aspecto que buscas, utiliza la goma moldeable para aclarar las líneas del boceto. Después cambia al lápiz 2B y perfecciona los contornos de los objetos del dibujo (figura 6-22).

Figura 6-22:

Se añaden más detalles que dirigen la mirada del espectador por la composición

7.   Con los lápices 2B, 4B y 6B, aplica el sombreado al dibujo (figura 6-23).

Escoge cualquier técnica de sombreado que te vaya bien. Observa que los valores más oscuros se encuentran en el foco de atención primario (la nasa de la figura 6-23) y a su alrededor. Los otros tonos, desde los claros hasta los oscuros, se localizan a ambos lados del dibujo, para distribuir su peso de manera equitativa y crear un equilibrio tonal por toda la composición.

Figura 6-23:

El dibujo acabado

Capítulo 7

Cómo ver y dibujar líneas y formas

En este capítulo

   Transforma objetos complejos en dibujos gestuales de contorno

   Valora la versatilidad de la línea en el dibujo

   Descompón objetos en formas básicas y proporcionadas para simplificar el proceso de dibujo

   Pon a prueba tu capacidad de dibujo de líneas y formas con un proyecto sencillo

Para ver el mundo con ojos de artista, debes olvidarte de todas las ideas preconcebidas sobre cómo funcionan las cosas. En otras palabras, debes mirar los objetos y las personas que quieres dibujar como si nunca los hubieras visto. Trata de describirlos empleando palabras como redondo, rectangular, claro u oscuro en lugar de con sus nombres reales. Los conocimientos previos sobre el sujeto pueden entorpecer la capacidad de percibirlo desde un nivel puramente visual, por lo que hay que superar esos frenos mentales antes de empezar a dibujar. Por suerte, este capítulo te ayudará... ¡justamente a eso!

Te enseñaremos a realizar dibujos precisos usando sólo líneas y la capacidad innata de mirar y comparar. Te acompañaremos a través del proceso de construcción de cualquier objeto, desde cero, y te mostramos cómo revisar sus proporciones y las del entorno para garantizar la precisión de tu dibujo. Los ejercicios que te proponemos te retarán primero a examinar hasta el último recoveco del modelo y, luego, a descomponerlo en sus formas más básicas para facilitar el proceso de dibujo en la medida de lo posible.

Siéntete cómodo con las líneas

Aunque mucha gente considera los dibujos a línea una forma de arte menor respecto a los dibujos con sombreado, los primeros pueden ser tan bellos y tan completos como los segundos. De hecho, la mayoría de dibujos, incluso los que llevan mucho sombreado y texturas, comienzan con líneas.

En realidad, ya conoces todo lo que necesitas para trazar líneas. Después de todo, puedes usar los movimientos que te salen automáticamente al hacer garabatos, pero ahora para crear líneas con el objetivo de describir el mundo visible o imaginario. Cuando dibujas, mueves el brazo y la mano y realizas marcas que señalan los límites y detalles de los objetos. Para entenderlo mejor, imagina que dibujas un rascacielos. El brazo se mueve de arriba abajo, siguiendo los lados del edificio, y hacia los lados, al describir la parte superior e inferior de las ventanas.

Sentirse cómodo dibujando líneas significa familiarizarse con la idea de que dibujar es una manera de aprender sobre el mundo. Dicho de otra forma, hay que olvidar la noción de que el dibujo debe ser una representación perfecta, permitirse la observación del motivo de dibujo y dejar que el lápiz recree sobre el papel lo que el ojo ve.

El dibujo de contorno ciego es un método en el cual se dibuja sin mirar el papel. Dicho de otro modo, sólo se puede mirar el modelo. Para ello, hay que sincronizar los movimientos de la mano con los de los ojos. La coordinación de la vista con la mano es un aspecto fundamental para dibujar con precisión, y hacerlo completamente centrado en el modelo te permite descubrir sus contornos, sus bordes interiores y exteriores, de un modo excepcional.

El siguiente ejercicio te permitirá practicar el dibujo de contorno ciego. Cuando localices el punto de partida sobre el papel, no podrás volver a mirarlo hasta que acabes el dibujo. No te preocupes por hacer una obra perfecta porque con este método no es posible. Escoge un momento y un lugar en que puedas trabajar sin interrupciones y disponte a centrar la atención en el contorno del modelo. Prepara el cuaderno de bocetos, un poco de cinta adhesiva, cualquier lápiz, y sigue estos pasos:

1.   Pega una hoja de papel de dibujo sobre el soporte para que el papel no se mueva cuando dibujes.

2.   Encuentra un objeto simple que dibujar y colócalo delante de ti.

Puedes usar cualquier objeto, incluso tu propia mano.

Si eres diestro, sitúa el objeto delante de ti hacia la izquierda y, si eres zurdo, mejor hacia la derecha.

3.   Mira el objeto, siéntate en una posición cómoda con el soporte de dibujo por debajo de la altura de los ojos y apoya sobre la mesa el brazo con el que dibujarás.

4.   Escoge un punto de partida, el que sea, en el objeto, sitúa la punta del lápiz en el lugar correspondiente de la superficie de dibujo y vuelve a mirar el modelo.

A partir de ahora y hasta el final del ejercicio, resiste el impulso de mirar el progreso del dibujo. ¡No hagas trampas!

5.   Ve recorriendo lentamente con la mirada el contorno del objeto. Al mismo tiempo, desplaza el lápiz muy despacio, siguiendo el movimiento de los ojos.

Trata de olvidarte del papel. Imagina que el lápiz dibuja sobre el modelo. Mantén la mirada y el lápiz moviéndose a la par, al mismo ritmo lento y constante. No levantes el lápiz del papel mientras dibujas. Si lo haces, ¡puede que te pierdas!

Sé consciente de cada vez que la línea del borde del objeto cambia de dirección. Sin asomarte al papel, permite que el lápiz registre cada detalle de la línea (o líneas) que ves en el modelo.

6.   Sigue dibujando y mirando el modelo hasta que tu mirada vuelva al punto de partida donde comenzaste el dibujo.

Tal vez quieras repetir este ejercicio varias veces con el mismo objeto u otros. No te preocupes si, sin querer, miras el papel al dibujar. Simplemente, redirige la atención al modelo y sigue dibujando. Aunque te sientas incómodo sin mirar al papel, cuanta más práctica adquieras con esta técnica, más cómoda te resultará.

La sincronización de la mano con el movimiento de la vista te permite experimentar un auténtico dibujo de contorno con el hemisferio derecho del cerebro (que es el responsable de la comprensión espacial. En el capítulo 5 encontrarás más información sobre la estimulación de ese lado del cerebro). Cuando ya no pongas nombre a las partes individuales del modelo y, en su lugar, te centres en los contornos, sabrás que estás dibujando con el lado derecho del cerebro.

Es más importante el proceso que se sigue para crear dibujos de contorno ciego que el aspecto que tengan los dibujos al final. Sobre todo, esta práctica te servirá para tener más confianza en dibujar lo que ves frente a dibujar con la idea preconcebida de lo que debe ser el objeto. Tal vez no te gusten los dibujos que hagas con este método, pero te darás cuenta de que tu capacidad visual se está desarrollando, así que mejorarás tu técnica de forma general.

La figura 7-1 muestra tres dibujos creados con la técnica de dibujo de contorno ciego.

Figura 7-1:

Estos tres objetos sencillos se han bosquejado con la técnica de contorno ciego

El valor de la diversidad en las líneas

Las características de las líneas en los dibujos son tan variadas como los artistas que las realizan y pueden alterar profundamente el significado de un dibujo. Por ejemplo, imagina que te preparas para dibujar el televisor de tu casa. El resultado sería muy distinto si decidieras usar sólo líneas curvas que si optaras por líneas gruesas y oscuras.

Las líneas son básicamente curvas o rectas, pero también pueden ser toscas o finas, oscuras o claras, seguras o vacilantes y toda la gama intermedia entre esos extremos. La variedad de líneas hace que se pueda representar cualquier cosa, tanto visible como imaginaria, y que, en un mismo dibujo, se empleen distintos tipos de ellas. Al fin y al cabo, aunque la línea se usa primordialmente para describir los contornos de los objetos, también se puede utilizar para hacer patrones, texturas y tonos. (En los capítulos 8, 9 y 10 encontrarás más información sobre el dibujo de patrones, texturas y tonos.)

El peso o grosor de las líneas lo determina el grado de oscuridad que se aplica al trazarlas. Las puedes hacer más claras aflojando la presión del lápiz hasta que apenas roces el papel. Por el contrario, se les da más peso cuando se repasan una y otra vez.

Las líneas también tienen un valor emocional. Puedes emplearlas para comunicar algo más allá de la pura descripción visual del motivo de dibujo. Algunos tipos de líneas producen efectos expresivos por sí mismos. Las curvas, por ejemplo, evocan emociones diferentes a las que despiertan las rectas.

Cuando estés ante un dibujo, observa las líneas que se han empleado al hacerlo. Cataloga los diferentes tipos mentalmente, registra las que te produzcan una sensación más intensa y valora si es positiva o negativa. Intenta incorporar en tus dibujos tipos de línea nuevos, que producirán diferentes efectos visuales y emocionales.

La elección que realices unas veces será intuitiva y otras calculada, buscando efectos concretos. En esta sección te explicamos el carácter y la función de las líneas rectas, angulares y curvas, para que puedas escoger las que te resulten mejores y más efectivas en cada dibujo. La figura 7-2 muestra un surtido aleatorio de diferentes tipos que te pueden ser útiles. Recuerda que sólo son algunas de las que puedes emplear, seguro que al ir dibujando encuentras más.

Cuando finalices la lectura de este apartado sobre los diferentes tipos de líneas, detente a mirar a tu alrededor. Observa cuánta diversidad puedes encontrar en lo que te rodea. Trata de combinar varias en el dibujo de un objeto o en un garabato. No te preocupes por el acabado, experimenta combinando distintos tipos de líneas.

Figura 7-2:

Un surtido de líneas rectas, angulares y curvas

Alineación de líneas rectas

Las líneas rectas pueden ser gruesas o finas, largas o cortas, y se pueden trazar en cualquier dirección. Los diferentes tipos de rectas ilustran distintos conceptos y emociones y se pueden dividir en:

   Horizontales: Líneas paralelas a los bordes superior e inferior del papel rectangular y perpendiculares (en ángulo recto) a las líneas verticales. Reflejan estabilidad, paz y serenidad.

   Verticales: Corren paralelas a los márgenes izquierdo y derecho del papel rectangular y son perpendiculares a las líneas horizontales. Denotan fuerza, esplendor y dignidad.

   Oblicuas: No son verticales ni horizontales sino que se inclinan en diferentes grados. Las oblicuas transmiten sensación de movimiento y cambio.

En la etapa inicial de un dibujo, es práctico trazar líneas relativamente rectas a mano alzada (después de todo, es más divertido abocetar sin depender de la regla). Aunque trazar rectas a mano alzada no es fácil, con la práctica puedes dominar esta técnica. Para ayudarte a comenzar con el dibujo a pulso, coge cualquier lápiz y el cuaderno de bocetos y sigue estos tres sencillos pasos:

1.   Dibuja un punto en el papel donde quieras que comience la línea y otro donde quieras que termine.

2.   Imagina una línea recta que conecta ambos puntos.

3.   Une los puntos con un trazo de lápiz.

No muevas la muñeca y dibuja desde el hombro.

Puedes dibujar la línea recta entre los puntos con un movimiento continuo o a trazos. Practica ambos métodos varias veces hasta descubrir el que te sea más cómodo.

Utilizar la regla para dibujar líneas rectas

Si te cuesta dibujarlas a mano alzada, para comenzar puedes usar la regla. Pero recuerda que es importante tener en cuenta la perspectiva, incluso cuando se dibujan rectas. Por ejemplo, a veces vemos oblicua una línea, aunque sepamos que en realidad es vertical, lo que significa que tendremos que dibujarla oblicua para que parezca vertical.

Para entender lo que queremos decir, imagina que miras una casa. Dependiendo de factores como lo vertical que esté tu cabeza o si los cimientos están realmente nivelados, puede parecer que los laterales de la casa se encuentran ligeramente inclinados. Como tu cerebro sabe que los edificios son verticales, puede que empieces a dibujar la casa haciendo unas líneas verticales que definan los laterales. Pero si la casa no te parece vertical y la dibujas como tal, te resultará muy difícil acoplar la perspectiva de los demás elementos en el dibujo. En esos casos, confía en lo que ven tus ojos y no en lo que piensa tu cerebro. (En el capítulo 11 encontrarás más información sobre la perspectiva.)

Si la regla no tiene un borde biselado, puede que te emborrone las rectas que dibujes. Para evitar las manchas, prueba pegando una moneda por debajo en cada extremo de la regla y así la elevarás de la superficie de dibujo.

Usa rectas para crear dibujos de línea

Aunque las líneas rectas sólo pueden ir en tres direcciones sobre una hoja de papel (vertical, horizontal y oblicua), ¡albergan un gran potencial! Antes de que empieces a pensar que las rectas son aburridas, te mostraremos cómo emplearlas para crear dibujos de línea.

La figura 7-3 muestra un dibujo de una caja de pañuelos de papel realizado en tres etapas y empleando sólo líneas rectas. (Se usaron algunas curvas para dibujar el pañuelo. Más adelante puedes consultar el apartado “Sigue la onda de las curvas”.)

   La primera etapa: La figura 7-3a es un boceto a mano alzada, para el que se ha empleado un lápiz 2H sin apretar demasiado. El objetivo era establecer el tamaño y la estructura en el dibujo.

   La segunda etapa: En la figura 7-3b, la artista perfeccionó el dibujo y añadió más detalles. De todas formas, siguió usando el 2H con poca presión porque sabía que más adelante necesitaría hacer cambios en estas líneas.

Las primeras líneas se aclararon dando golpecitos con la goma moldeable. Después la artista dibujó nuevas líneas rectas a mano alzada.

   La etapa final: En la figura 7-3c, la artista ha aclarado el segundo conjunto de líneas del boceto con la goma moldeable, hasta que apenas se veían. Después, con un lápiz 2B y la regla, trazó un dibujo más preciso.

Figura 7-3:

Emplea líneas rectas para dibujar objetos

Doblar esquinas con líneas en ángulo

Las líneas anguladas en el fondo son rectas oblicuas. Puedes usarlas para construir formas redondeadas sin usar líneas curvas. (En el siguiente apartado encontrarás toda la información sobre ellas.) Las líneas en ángulo aportan una sensación de estabilidad mecánica a esas construcciones de formas redondas.

La figura 7-4 te muestra cómo combinar varias líneas en ángulo para dar forma al tema del dibujo. Observa que el modo en que la artista ha distribuido las diversas longitudes es muy importante para crear la forma curva. Aboceta primero suavemente la curva que quieres lograr. Eso te ayudará a colocar las líneas en ángulo de modo efectista, ya que el boceto te servirá de guía.

Figura 7-4:

Dibujar curvas con líneas en ángulo

Cuando dibujes una estructura con líneas inclinadas, puedes medir sus ángulos con cualquier útil, como una regla o algo alargado y recto (una aguja de tejer o una brocheta de barbacoa). Simplemente, sostenla en la mano delante de tu cara (en otras palabras, no la apuntes hacia el objeto). Gira la muñeca para alinear la herramienta con el contorno que quieras dibujar. Apoya el lápiz en el papel sobre el lugar donde quieras que vaya la línea y copia el ángulo.

Sigue la onda de las curvas

Las líneas curvas son, en esencia, rectas que se doblan o curvan. Suelen reflejar belleza, suavidad y calma. Pueden ser gruesas o finas, e incluso cambiar de dirección a medio camino, creando una forma de S o de lazo, que se llama curva compuesta. Algunos ejemplos de este tipo de curvas los encontramos en las letras C, U y S.

Una línea curva se convierte en una forma circular cuando se unen los extremos. Por esta razón, puedes emplear curvas para dibujar objetos redondos muy creíbles, especialmente si dibujas las líneas prestando atención a su peso o grosor. (Más adelante, en el apartado “Descomponer los objetos en formas sencillas”, y en el capítulo 3, encontrarás todos los detalles sobre cómo dibujar volúmenes redondos y otras formas.)

Cuando ves el dibujo de un objeto redondo, de línea convincente, el volumen parece real porque se muestra la incidencia de la luz en el objeto. Una forma que se abomba hacia ti capta la luz de maneras distintas según la zona y no necesitas emplear el sombreado para mostrar este juego de luz. En su lugar, puedes modular el peso de la línea y reflejar así el efecto de la luz sobre el objeto.

Así que, ¿cómo saber cuándo la línea debe ser pesada o ligera? El modelo te lo muestra. Para verlo en la práctica, coge cualquier objeto redondeado (si estás falto de ideas, te puede servir un cuenco boca abajo, como en la figura 7-5). Examina su contorno. Algunos bordes son más claros y otros, más oscuros. Observa la línea entre la base del objeto y la superficie en la que se apoya. Verás que hay un trazo muy oscuro que se interrumpe en el punto en que el objeto se despega de la superficie.

Cuando dibujes un objeto redondeado con líneas curvas, presta atención a las partes más claras y más oscuras. Ajusta el peso de las líneas en función de esas áreas de claridad y de oscuridad.

La figura 7-5 muestra un ejemplo de cómo las curvas se pueden combinar con variaciones del peso de las líneas para crear no sólo formas, sino también dibujos de objetos con contornos creíbles.

Figura 7-5:

Al combinar la modulación y el peso de las curvas se representa, de manera creíble, un cuenco boca abajo

Capturar el gesto

La palabra gesto en el contexto del dibujo se refiere al modo en que algo ocupa el espacio. Todos los objetos, animados o inanimados, tienen gesto, así que es importante saber representarlo. Puedes hacerlo a través de sencillos dibujos gestuales, que son bocetos de trazo rápido donde interesa captar la pose, el impacto del conjunto y no tanto el detalle. Comenzar cualquier trabajo con un dibujo gestual ayuda muchísimo, pues es como un esqueleto sobre el que construir el resto de la obra.

Para realizar un dibujo gestual, sigue estos pasos:

1.   Coloca el papel de tal modo que puedas ver el objeto con comodidad.

2.   Programa un cronómetro o reloj uno o dos minutos.

Cuando te sientas más cómodo con este ejercicio, reduce el tiempo a 30 segundos e incluso a 15.

3.   Apunta con la mirada al objeto e imagina una línea o eje que atraviesa por el centro el lado más largo del mismo. Dibújala en el papel mientras tus ojos no se desvían del modelo (figura 7-6).

¡No mires al papel mientras dibujas! Imagina que dibujas sobre el objeto.

Figura 7-6:

Busca y dibuja el eje imaginario de la dimensión más larga del modelo de dibujo

4.   Repite el paso 3 con el lado más corto del objeto.

5.   Repite el paso 3 con el resto de líneas que atraviesan el modelo hasta construir una representación esquemática de su esqueleto (figura 7-7).

Estas líneas adicionales pueden ser oblicuas, horizontales o verticales.

Figura 7-7:

Construye una representación esquemática del esqueleto del objeto

6.   Ahora hay que cambiar de dirección: busca y dibuja los ejes imaginarios que corren perpendiculares al que trazaste en el paso 3; en este caso, son las partes que sobresalen del eje central.

7.   Con movimientos rápidos circulares, dibuja los volúmenes redondos del objeto (figura 7-8).

¡Mantén la mirada en el modelo al dibujar! Aunque quizá se forme un poco de caos por no mirar al papel, entenderás el modelo con más profundidad si sigues centrándote en él todo el tiempo que dura el dibujo. Con la práctica, conseguirás entrenar el movimiento de la mano al ritmo de los ojos.

Figura 7-8:

Dibuja los volúmenes redondos que forman el objeto

8.   Por último, sigue buscando y dibujando los ejes imaginarios que forman la estructura del objeto a modo de esqueleto.

El dibujo gestual sirve para saber cuál es la posición espacial del objeto. Hay que mirar rápidamente hacia arriba, hacia abajo, de un lado a otro y alrededor para asimilar la postura esencial del modelo, al mismo tiempo que se dibuja rápido, sincronizando los movimientos de la mano con los de los ojos.

Cuando realices dibujos gestuales, ten presentes los siguientes consejos:

   Realiza los dibujos gestuales con rapidez y mantén la mirada en el objeto. Todo lo que necesitas saber sobre el modelo está en el modelo, no en el papel. Por muy fuerte que sea la tentación de mirar al papel, resiste. Si te descubres mirándolo más que al objeto, redirige el foco de atención al modelo y vuelve a empezar.

   Trata de mantener todo el tiempo el lápiz, o la herramienta de dibujo que uses, en contacto con el papel. Al levantar el lápiz para pensar dónde ponerlo después, se interrumpe el flujo del dibujo y es más difícil retomarlo luego. La mayor dificultad aparecerá cuando necesites moverte de una zona a otra. Por ejemplo, estás realizando el dibujo gestual de una persona y llegas al pie, con lo que parece que deberías levantar el útil de dibujo para dirigirte al siguiente punto. ¡Resiste! Cuando llegues al final de una forma, mantén los ojos en el modelo y traza una línea hasta la siguiente. Concédete la tranquilidad de cambiar de zona sin pararte a revisar y a mirar dónde estás. De hecho, tu capacidad para juzgar relaciones espaciales mejorará cuanto más consigas sincronizar el movimiento de la mano con el de los ojos.

   Recuerda que un dibujo gestual sólo es un boceto preliminar. Los artistas realizan dibujos gestuales que les ayudan a conocer en profundidad el motivo de dibujo antes de ponerse a representarlo. Concédete cierta dosis de salvajismo desenfadado en el trabajo preparatorio. Más adelante ya te dedicarás a conseguir un dibujo final limpio y preciso.

   No temas el desorden en el dibujo. Cuando se mira con intensidad el objeto y se responde enérgicamente con la mano y el brazo, se produce cierto caos. El dibujo gestual intenta entender la naturaleza esencial de una pose y se realiza con todo el cuerpo. Simplemente, el desorden forma parte del proceso.

Fíjate en proporciones y formas

Uno de los retos a la hora de crear dibujos realistas es conseguir la proporción exacta entre un elemento y otro. La proporción se refiere al tamaño relativo de un elemento comparado con otro. A menudo, cuando una área del dibujo está mal, el resto cae, zona a zona, en una especie de efecto dominó, que puede ser muy descorazonador, especialmente cuando eres principiante.

No te preocupes, lograrás la precisión en las proporciones cuando te familiarices con algunas técnicas sencillas. En esta sección te mostramos cómo dibujar las proporciones exactas, tanto de un solo objeto como las de diferentes objetos entre sí, usando unas estrategias básicas.

Descomponer los objetos en formas sencillas

Si alguna vez has tratado de dibujar un objeto más complejo que un cuadrado, sabes lo frustrante que puede ser cuando las diferentes partes no acaban de encajar. La forma más sencilla de eliminar esa decepción es reducir los objetos a un conjunto de formas geométricas sencillas. En esencia, todos los objetos están formados por una combinación de esferas, cubos y conos (formas con volumen derivadas de los simples círculos, cuadrados y triángulos).

La figura 7-9 muestra cómo puedes dibujar una pera con apariencia realista descomponiéndola primero en formas simples. Observa los círculos que el artista usa para dibujar las redondeces de la pera. No son círculos perfectos porque las partes redondas de la fruta tampoco lo son, pero ambas se basan en la forma sencilla del círculo. Comprueba también que en lo alto de la parte redonda está el rabito de la pera que el autor representa con la forma de un rectángulo. Es mucho más fácil percibir las proporciones correctas cuando descompones un objeto en sus formas básicas en lugar de dibujarlo completo de un trazo.

Si un objeto parece compuesto por dos o más volúmenes separados, no tengas miedo de dibujarlo superando los límites de su forma sólida, simplificando el proceso. Pero antes de terminar el dibujo asegúrate de borrar o suavizar las líneas específicas (llamadas líneas de construcción) que hayas trazado para describir las formas simples.

Figura 7-9:

Reducción de una pera a sus formas simples

Este ejercicio te enseña paso a paso el proceso de usar formas simples como base para crear un dibujo de línea de un objeto. Hemos elegido una lámpara de pie como motivo, pero puedes escoger cualquiera que te guste. Coge el cuaderno de bocetos, lápices 2H y 2B, una goma moldeable, elige un objeto y sigue estos pasos:

1.   Determina las formas simples que forman el objeto.

Ten presente que algunas partes del objeto pueden estar compuestas por más de una forma sencilla, mientras que otras parecen una única forma concreta, aunque no exacta. Trata de imaginar el ancho y alto de cada una de las formas simples de tu objeto. Por ejemplo, una parte redonda puede ser como un círculo un poco aplastado.

2.   Usa el lápiz 2H para dibujar las figuras que has identificado en el paso 1 para lograr un primer borrador (figura 7-10a).

Presta atención al tamaño de las figuras. Si una de las partes es el doble que la otra, refleja esa diferencia de tamaño. No te preocupes si el objeto parece incompleto cuando termines este paso. Por ahora sólo queremos diseñar los cimientos sobre los que podrás construir un contorno proporcionado y exacto.

Figura 7-10:

Mediante formas simples se ha modulado el peso de la línea para dibujar una lámpara que parezca real

3.   Borra un poco las líneas que has dibujado en el paso 2 para que apenas puedas verlas.

4.   Con el lápiz 2B, traza los contornos del objeto (figura 7-10b).

5.   Adapta el grosor de la línea como convenga según las partes claras u oscuras del contorno del objeto (figura 7-10c).

En algunos casos está bien que el grosor de la línea sea tan fino que el trazo desaparezca. Si una parte de la forma que estás dibujando aparece muy iluminada o si uno de sus bordes se confunde con el fondo, puedes borrar la línea en esa zona. No te preocupes, el objeto seguirá viéndose completo mientras haya líneas visibles en los extremos de la línea “perdida”. Este tipo de modulación del grosor del trazo suele llamarse bordes perdidos y encontrados. Añaden realismo al dibujo porque reflejan lo que sucede cuando la iluminación del objeto difumina la percepción de los contornos.

Cómo solucionar problemas de proporciones

Quizá después de descomponer los objetos en formas simples y dibujar sus contornos con las líneas adecuadas, el dibujo parezca desproporcionado. ¡No te preocupes! En esta sección te enseñamos a revisar en tus dibujos algunos de los problemas de proporciones más frecuentes (¡y cómo solucionarlos, por supuesto!).

Comparar formas positivas y negativas

Un método para detectar los problemas de proporciones es comparar las formas positivas y negativas del dibujo con las del objeto. Las formas positivas son las más importantes. Las negativas son los espacios entre las positivas. Para ayudarte a visualizar estos dos tipos de formas, imagina que estás colgado del techo por los pies y miras el salón de tu casa. El sofá, las sillas y las mesas son las formas positivas, mientras que las partes del suelo que ves entre ellas son las formas negativas.

Las formas negativas de cualquier dibujo tienen una estructura concreta que sigue la organización de las positivas. Si reordenas las formas positivas, las negativas también cambian. Pero aunque las negativas dependen de las positivas, son tan importantes como éstas.

Para ayudarte a identificar las formas negativas en tus dibujos, tómate tiempo para buscarlas en tu entorno. La próxima vez que veas dos objetos uno junto al otro, céntrate en el espacio que haya entre ellos. Por ejemplo, presta atención a las imágenes que se producen entre los árboles del parque o entre la gente que hace cola delante de la parada del autobús. Con un poco de práctica, verás formas negativas por todas partes. (En el capítulo 5 encontrarás más detalles sobre cómo ver formas positivas y negativas en los temas de dibujo.)

Cuando dibujes del natural, puedes usar las formas negativas para comprobar la exactitud de las positivas. Por ejemplo, si se genera una forma negativa entre dos troncos de árbol, puedes comparar la del dibujo con la de la realidad para ver si los árboles guardan la relación correcta en cuanto a su forma y posición. Si las formas negativas del dibujo no concuerdan con las del modelo, inmediatamente sabrás que algo está mal. Usa las formas del natural para determinar qué necesitas cambiar en el dibujo. Volviendo al ejemplo de los dos árboles, si la forma negativa que has dibujado es más ancha que la real, los árboles que has plasmado están demasiado separados. Puedes corregir el dibujo moviéndolos para que estén más juntos.

Practica el empleo de las formas negativas para comprobar las proporciones del dibujo con la figura 7-11, en la que se muestra una fotografía de un objeto y dos dibujos realizados a partir de ella. El de la figura 7-11b es muy aproximado, pero tiene algunos problemas de desproporciones. La fotografía de la figura 7-11a muestra una manzana sobre una mesa en la que la sombra proyectada avanza con un leve ángulo a la derecha. Si comparas la forma negativa de la figura 7-11b (el espacio en blanco alrededor de la sombra y la manzana), con la forma negativa de la foto de la figura 7-11a, puedes ver que no concuerdan. En el dibujo, en la esquina inferior derecha, la forma negativa se alarga demasiado hacia la izquierda, lo que significa que la sombra proyectada no es correcta. En la figura 7-11c, el artista ha ajustado la sombra, por lo que ambas formas negativas, del dibujo y de la foto, se corresponden.

Figura 7-11:

Usa las formas positivas y negativas para comprobar las proporciones

Comparar una dimensión con otra

Otro método para resolver problemas de proporciones en los dibujos consiste en medir una dimensión comparándola con otra. Por ejemplo, en la figura 7-12, la altura de la naranja es aproximadamente igual a su anchura. Comparaciones como la anterior se denominan relaciones de proporción. Puedes emplearlas en los motivos del natural para comprobar la exactitud de las proporciones reflejadas en tu dibujo.

Puedes tomar las relaciones proporcionales a ojo, pero, para ser exacto, es mejor usar una herramienta de medida (como el lápiz que muestra la figura 7-12) para estar seguro de que las dimensiones del dibujo casan con las del modelo. Para hacer comparaciones entre el ancho y el largo, un buen utensilio de medida es un objeto largo, estrecho y recto, como una aguja de tejer, un pincel fino o un lápiz. Es importante que sea fino porque necesitas ver el objeto por detrás para comprobar las proporciones. Para comparar la altura con la anchura, y ver cómo son las proporciones del dibujo en relación con las del modelo, sigue estos pasos:

1.   Elige una unidad de medida en el modelo.

La unidad de medida puede ser cualquier dimensión de alguno de los objetos. Por ejemplo, si estás dibujando un bodegón con manzanas y naranjas, puedes elegir la altura de una naranja como unidad de medida. Cuando la tengas, úsala para acotar las dimensiones de los otros objetos del dibujo. Incluimos otro ejemplo en el capítulo 15, donde te mostramos cómo utilizar la cabeza humana para determinar las proporciones del resto del cuerpo. También puedes emplear una herramienta de medida convencional para encontrar la longitud de cualquier elemento del dibujo tal como usas los centímetros para hacer medidas numéricas.

2.   Utiliza la unidad de medida para determinar una relación proporcional en el modelo.

Si has elegido la altura de la naranja como unidad de medida en el paso 1, compara la altura de la naranja con su anchura (como se muestra en la figura 7-12).

Figura 7-12:

Usa una herramienta de medida para comparar la altura con la anchura de un objeto

3.   Usa la herramienta de medida para comparar las dos dimensiones del dibujo que has elegido en el paso 2.

Si has comparado la altura con la anchura de la naranja en el paso 2, compara ahora las dimensiones de la naranja que has dibujado (mira la figura 7-13). La relación proporcional que has encontrado en el objeto en el paso 2 se debe reflejar en el dibujo. Si las proporciones no son las mismas, ajusta alguna de las dimensiones hasta que la relación proporcional sea correcta.

Como las relaciones proporcionales se expresan en términos de “un tercio de la longitud” o “la mitad de alto”, las proporciones de un objeto comparado con otro serán las mismas tanto si la primera mide 2 centímetros como si mide 3 metros. En la figura 7-13, la altura de la naranja es aproximadamente igual a su anchura. Por tanto, si decides hacer una naranja de 10 centímetros de ancho, dale 10 centímetros de alto.

Figura 7-13:

Comprueba las relaciones proporcionales del dibujo

Al principio, usar una herramienta de medida para comparar el dibujo con el modelo puede parecer una tarea aburrida que estropea la diversión de dibujar. Sin embargo, cuando domines el proceso básico, descubrirás que esta forma de medir es enormemente útil. Por tanto, trata de incorporarla desde los primeros proyectos. A la larga, el cuidado que pongas en planificar los dibujos te conducirá a experiencias más satisfactorias como dibujante.

Es importante que mantengas la misma unidad de medida a lo largo de cada dibujo que hagas. Si has empezado usando la altura de la cabeza humana, por ejemplo, es más probable que logres mantener medidas coherentes en todo el dibujo si sigues usándola como unidad en el resto de esa obra.

Los objetos no son los únicos elementos que puedes medir en un dibujo. También puedes medir los espacios entre los objetos. Cuando sabes usar una herramienta de medida para hacer comparaciones razonablemente exactas, puedes usar esta estrategia para medir las formas negativas. (Consulta la sección anterior, “Comparar formas positivas y negativas”, para obtener más información sobre formas negativas.)

Proyecto. El uso de líneas y formas como herramientas de investigación

Como los científicos, los artistas aprenden acerca de las cosas del mundo a través de la exploración y la observación. Del mismo modo que los científicos usan microscopios para examinar sus especímenes, los artistas emplean dibujos para observar sus modelos desde una mirada completamente nueva. Aunque sea un objeto cotidiano, al dibujarlo, te descubres percibiéndolo como si lo vieras por primera vez. Cuando dibujas, incluso el dorso de tu mano se convierte en un terreno desconocido.

En este proyecto realizarás una investigación (con un dibujo de contorno ciego) que emplearás para hacer un dibujo de línea de un objeto sencillo. A medida que avances a través de los siguientes pasos, podrás copiar las ilustraciones que se muestran aquí, pero aprenderás más si dibujas un objeto real de tres dimensiones. Elige un objeto sencillo con alguna variación en la forma, como una botella, una lámpara o una bombilla y coge el cuaderno de bocetos, lápices 2H, 2B y 4B, una goma plástica, una goma moldeable y una herramienta de medida larga, recta y fina (como una aguja de tejer, una brocheta de barbacoa o un pincel fino). A continuación, sigue estos pasos:

1.   Coloca el objeto de modo que puedas verlo con comodidad sin tener que moverte y pon el cuaderno de bocetos o la hoja de papel de dibujo delante de ti pero por debajo del nivel de tus ojos.

La figura 7-14 muestra el objeto que se va a usar en este proyecto.

2.   Utiliza cualquier lápiz para realizar el dibujo de contorno ciego del objeto.

Elige un punto del objeto por donde empezar y apoya el lápiz en el lugar correspondiente del papel. Despacio, mueve los ojos a lo largo del contorno del modelo. Sin mirar al papel ni levantar el lápiz, sincroniza mano y ojos y dibújalo. Detente cuando llegues al punto de inicio (figura 7-15). Revisa la sección “Siéntete cómodo con las líneas”, donde encontrarás información sobre el dibujo de contorno ciego.

Figura 7-14:

Coloca el objeto que vas a dibujar delante de ti

Figura 7-15:

Realiza un dibujo de contorno ciego

3.   En otra hoja del cuaderno de bocetos, dibuja las formas simples que componen el objeto con un lápiz 2H (figura 7-16).

Descompón visualmente el objeto en formas sencillas. Para ayudarte a descifrar cómo descomponer el objeto, fíjate en las diferencias de tamaño o de dirección. Por ejemplo, aunque ambas están conectadas, la pantalla de la lámpara es una estructura diferente de la de la base de la bombilla, ya que tienen tamaños diferentes.

Figura 7-16:

Descompón el objeto en formas sencillas

4.   Con la herramienta de medida, comprueba las proporciones de las formas simples que has dibujado en el paso 3.

Primero elige una dimensión del objeto real para usarla como unidad de referencia, mídela y compara su longitud con la altura o la anchura de cualquier otra parte del modelo. A continuación, con la herramienta de medida, haz la misma comparación en el dibujo. Si la unidad de medida del objeto real es la mitad de la longitud de la dimensión que has medido, la unidad de medida del dibujo también debe ser la mitad de esa dimensión. Si las proporciones son diferentes, haz ajustes y vuelve a comprobarlo. (Ve a la sección “Comparar una dimensión con otra” si buscas más detalles acerca de la elección y el uso de la unidad de medida para comprobar proporciones.)

5.   Usa la goma de borrar moldeable para rebajar todas las líneas del dibujo de formas sencillas.

6.   Encima del dibujo de formas sencillas, traza el contorno del objeto con el lápiz 2B.

Considera el peso de las líneas que usas para dibujar el contorno. Busca las zonas en las que el objeto capta la luz y las sombras. Cambia el grosor de las líneas imitando el efecto de la luz, y valora los lugares en los que no necesitas trazo alguno (sigue la figura 7-17).

Figura 7-17:

Modula el grosor de la línea del dibujo del contorno

7.   Con la goma moldeable, aligera o borra cualquier línea innecesaria y, con la goma de vinilo, borra las marcas persistentes.

Si es necesario, ajusta la luminosidad de las partes iluminadas de la línea del contorno con la goma moldeable.

Para no alterar las líneas que no quieres borrar cuando borras las innecesarias, usa un escudo de borrado. Es una pieza fina y flexible de metal con diferentes aperturas que te permite cubrir las líneas del dibujo mientras borras las marcas indeseadas. Puedes encontrar un escudo de borrado barato en la sección de dibujo de cualquier tienda de bellas artes. Si no tienes o no puedes encontrarlo, trata de usar la esquina de la goma para borrar las líneas. Si la goma es roma, rebana el borde con una cuchilla, dejándole nuevas esquinas afiladas.

8.   Con el lápiz 4B, añade los toques finales al dibujo.

Repasa la línea del contorno para poner énfasis donde necesite más intensidad. Algunos de los lugares que requieren un trazo más oscuro son la línea entre el objeto y la superficie en la que se apoya y cualquier zona en la que una sección se solape con otra. La figura 7-18 muestra el dibujo de la lámpara terminado.

Figura 7-18:

Añade los retoques finales

Capítulo 8

Explorar la tercera dimensión

En este capítulo

   Entrena la mirada para ver las luces y sombras como tonos

   Transforma formas básicas en dibujos tridimensionales

   Intenta dibujar una esfera

El dibujo de imágenes verosímiles implica crear la ilusión de un espacio tridimensional en una superficie bidimensional. A la hora de percibir las formas tridimensionales (que también se llaman volúmenes), uno de los factores más significativos tanto para el artista como para el espectador es el modo en que la luz y la sombra interactúan sobre ellas. Antes de que puedas plasmar la sensación de profundidad, debes entender cómo intervienen las luces y sombras para crear esa ilusión. En este capítulo descubrirás cómo las miran los artistas, y tú aprenderás a hacerlo igual. Examinarás cómo actúan en los objetos tridimensionales y explorarás maneras de usar los valores tonales para aplicar luces y sombras en tus propios dibujos.

Cómo mirar luces y sombras y usar valores tonales para representarlas

Las luces y sombras definen los objetos visualmente. Para recrear modelos tridimensionales sobre el papel, debes dibujar ambos elementos. Pero antes de comenzar con las luces y sombras que ves (y los objetos que definen), debes entrenar los ojos para observarlas desde la mirada de un artista.

¿Qué ven los artistas? La respuesta es sencilla: tonos. El tono o valor tonal es la diferencia de intensidad entre la luz y la ausencia de ésta. Abarca del blanco al negro, pasando por toda la escala intermedia de grises. Los artistas emplean la valoración tonal para traducir las luces y sombras que ven en sombreado, el cual genera la sensación de profundidad y de tercera dimensión (en el capítulo 9 hablaremos sobre el sombreado). Pero antes de ponerse manos a la obra con el claroscuro y crear esa ilusión tridimensional, hay que ser capaz de distinguir y generar una escala completa de valores. Los siguientes apartados te muestran cómo conseguirlo.

Luces y sombras de cerca

En general, es más fácil representar los tonos de las zonas iluminadas que los de las zonas en sombra. De hecho, a menudo puedes crear los valores claros en el dibujo dejando el papel en blanco. Las áreas de sombra suponen un reto mayor, porque suelen requerir varios tonos y, a veces, algunos cambios sutiles hacen posible distinguir un valor del siguiente en una zona de sombra concreta.

Para que la sensación parezca real, debes incorporar al dibujo todos los tonos que puedas percibir en el modelo. Y para aplicar las luces y sombras con precisión necesitas saber exactamente qué estás viendo (qué es luz y qué es sombra, por ejemplo). En la figura 8-1 puedes ver el sistema de valoración de las diferentes partes de luz y sombra. Definiremos cada una:

Figura 8-1:

Las diferentes luces y sombras en un dibujo

   Fuente de luz: Dirección por donde llega la luz dominante. La fuente de luz indica dónde situar los tonos claros y las sombras. Su posición influye enormemente en el ambiente y en el “sentimiento” del dibujo. (En el capítulo 9 encontrarás más detalles sobre el dibujo tonal.)

No siempre podrás determinar cuál es la fuente de luz pero sí que puedes saber dónde está. Por ejemplo, en la figura 8-1, la luz procede de la parte superior derecha.

   Luz directa (o zona de iluminación clara): Masa de valores claros. Identifica la parte bañada por la luz de forma directa.

   Punto de luz: Tono más claro, una intensa mota de luz que suele aparecer sobre superficies reflectantes como el cristal o el metal brillante.

   Medio tono: Masa intermedia entre la zona clara y la oscura. Abarca toda la gama de grises.

   Sombra propia: Masa de valores oscuros de las zonas privadas de luz. En los objetos esféricos o cilíndricos aparece una banda de sombra muy oscura que replica esas formas y que es muy importante para lograr la sensación de volumen.

   Luz refleja (o zona de reflejo): Zona de sombra que recibe la luz que reflejan otros cuerpos. Se caracteriza por medios tonos luminosos, nunca tan claros como los de la luz directa.

   Sombra de contacto: Sombra fina y muy oscura que hay entre el objeto y una superficie de contacto, por ejemplo, sobre la que se apoya. Suele representarse como una línea negra bajo el objeto o entre dos objetos en contacto.

   Sombra proyectada: Sombra que se produce sobre una superficie cuando el objeto, interpuesto, bloquea la luz.

No siempre se pueden ver todos los tonos posibles de luz y de sombra, como la banda de sombra muy oscura, que sólo aparece en los volúmenes redondos. Sin embargo, en general, la mayoría se perciben.

Observa la figura 8-2 para practicar la localización de la fuente de luz, las sombras propias y las sombras proyectadas. Al comparar ambos dibujos, plantéate estas preguntas:

Figura 8-2:

Busca los diferentes valores, claros y oscuros, y las sombras proyectadas

   ¿Dónde se encuentran los valores claros? Busca las zonas más claras del objeto y localiza los puntos más luminosos o puntos de luz. En la figura 8-2a, los valores más claros están en la superficie cortada del aguacate, hacia la derecha, por encima de la cavidad del hueso. En la figura 8-2b, se encuentran de nuevo en la zona de corte del aguacate pero, esta vez, hacia la izquierda.

   ¿Dónde están los valores oscuros? Busca los valores oscuros, tanto sobre el objeto como a su alrededor. Suelen revelar las zonas en sombra. En la figura 8-2a, las sombras se localizan en la parte derecha e inferior izquierda de la mitad volcada del aguacate y en la zona superior de la cavidad del hueso. En la figura 8-2b se pueden ver las sombras en la zona derecha del aguacate volcado y a la izquierda del hueco del hueso.

   ¿Dónde está la sombra proyectada? La sección de sombra proyectada más cercana al objeto suele corresponder al valor más oscuro de un dibujo. En la figura 8-2a, hay sombras proyectadas a la izquierda de las dos mitades del aguacate y en la zona inferior derecha de la mitad que mira al frente. En la figura 8-2b, las sombras proyectadas están en la parte inferior derecha de ambas mitades.

   ¿Dónde se localiza la fuente de luz? Al situar las sombras, en especial la sombra proyectada, se suele descubrir la fuente de luz, o al menos su dirección. En la figura 8-2a, podemos determinar que la luz viene de la parte superior, levemente de la derecha, y queda alineada con la sombra proyectada. En la figura 8-2b pasa lo mismo, pero en este caso la luz viene de la parte superior izquierda del aguacate.

Determinar la influencia de la fuente de luz sobre un objeto es un gran reto, más difícil que examinar luces y sombras en un dibujo, pero es fundamental para lograr un efecto de realidad tridimensional. Si quieres entrenar la mirada artística en este campo, coloca un objeto sobre una mesa en una habitación poco iluminada. Crea tu fuente de luz: apunta con una linterna potente o con una lámpara al objeto, y muévela para observar sus efectos desde diferentes ángulos. Pon la lámpara a la derecha, a la izquierda, encima y debajo, delante y detrás del objeto. Cada vez que muevas la fuente de luz, identifica:

   Las sombras del objeto (los valores oscuros).

   Las zonas de máxima luminosidad (los puntos de luz).

   Los tonos claros (las zonas bañadas por la fuente de luz, o que no están en sombra).

   La sombra proyectada (el valor más oscuro).

Analizar el contraste en el dibujo

El contraste tonal es la diferencia relativa entre los claros y los oscuros en un dibujo. Como puedes imaginar, el contraste tonal adecuado es importante para lograr la sensación de volumen y de profundidad, pero también es una herramienta poderosa para transmitir emoción. Como en una obra de teatro o en una película, la iluminación ayuda a crear cierto ambiente y emoción en el dibujo. Los tres tipos principales de contraste son:

   Bajo: Los dibujos poco contrastados corresponden a tonos próximos entre sí. Los días de niebla o de llovizna son buenos ejemplos de situaciones de bajo contraste tonal.

   Alto: Los dibujos muy contrastados emplean valores extremos, muy claros y muy oscuros. Un circo con sus focos o una escena nocturna alumbrada por farolas son ejemplos de situaciones de alto contraste tonal.

   Completo: Los dibujos de gradación tonal completa incluyen los valores extremos de claro y oscuro, así como toda la gama de grises intermedia. La luz diurna o la iluminación artificial de un interior generan situaciones que requieren el espectro completo de tonos.

Entonces, responde a esta pregunta: ¿qué contraste produce el efecto más realista? La respuesta es sencilla: los tres. La clave está en plasmar en el dibujo la misma diferencia relativa entre valores que se percibe en el mundo real. Si ves sombras al lado de luces en el objeto, dibújalo así en el papel. Mientras lo haces, compara el dibujo y el modelo para verificar que el contraste es el adecuado. Si no lo es, realiza los ajustes necesarios.

La figura 8-3 muestra un tema de dibujo realizado con tres niveles de contraste. Observa cómo el ambiente y el sentimiento cambian a la par que el contraste. El dibujo poco contrastado de la figura 8-3a parece un día luminoso y cálido, el aire está lleno de luz. En el dibujo tan contrastado de la figura 8-3b, la sensación es algo más fría y las sombras generan la impresión de que el día está más avanzado. En el dibujo de gradación tonal completa de la figura 8-3c, se percibe que las sombras juegan con una luz brillante representando así una tarde soleada.

Figura 8-3:

Bajo contraste tonal, alto contraste tonal y gradación tonal completa

Entorna los ojos para ver los valores tonales

Lo primero que debes hacer para plasmar la tercera dimensión es distinguir los valores tonales (la gama de grises). Sin embargo, te puedes sentir abrumado ante la idea de tratar de dibujar la gran variedad de tonos de cualquier motivo de dibujo. Casi cada objeto tiene más de un valor. En general, tiene zonas muy claras y otras bastante oscuras. Por ejemplo, si miras de cerca un montículo de tierra, verás que tiene varios tonos, pero es que, si una capa de nieve blanca y brillante cubriera la tierra, aún detectarías muchos valores distintos. Así que ¿cómo representar todos esos valores en un papel?

Para facilitar el proceso de captar la gama completa de tonos en un dibujo, puedes descomponer el motivo en las formas tonales simples que lo constituyen. Una forma tonal es una zona concreta con un determinado valor tonal. Por ejemplo, imagina un campo de hierba de un solo tono a excepción de algunas sombras alargadas proyectadas por unos postes telefónicos. Cada sombra rectangular es una forma tonal. Las formas claras de la hierba que rodean a las sombras también son formas tonales. Una estrategia para reducir los tonos a formas, que suena extraña pero funciona, consiste en entornar los ojos. Sigue leyendo para descubrir cómo emplear esta técnica.

Cómo ver las formas tonales simples

Entornar los ojos te ayuda a cribar detalles para distinguir fácilmente las formas tonales básicas o simples (las grandes manchas que forman el grueso del dibujo). Para entender el concepto de las formas tonales básicas y compararlas con las menores, más pequeñas, que describen los detalles del objeto, piensa en una luna en cuarto creciente. La luna es una esfera, aunque a veces no la vemos entera. Las formas tonales simples de una luna creciente son la zona iluminada de la C invertida y la de la sombra del resto de la esfera. Son las dos únicas formas que vemos cuando miramos la luna con los ojos entornados. Los detalles de la superficie que pueden llegar a observarse son las formas tonales menores, los cráteres, que parecen el rostro de una persona.

Cuando dibujes, intenta simplificar el motivo tanto como puedas. Entornando la vista, puedes trabajar las formas tonales simples antes de abordar las formas menores. Por ejemplo, es más fácil dibujar una nariz cuando se han abocetado las sombras grandes y generales, como las que suele haber debajo de ella y a lo largo de uno o ambos de sus lados, y después pasar a las sombras de detalle, como las que forman las fosas nasales. Cuando acabes de plasmar las formas tonales básicas y de detalle, tendrás un dibujo de gradación tonal completo. (Puedes ver cómo dibujar una nariz en el capítulo 15.)

La figura 8-4 muestra tres etapas de un dibujo creado con la técnica de entornar los ojos. En una primera fase (figura 8-4a) se definen las formas tonales básicas del motivo. En la segunda etapa (figura 8-4b), la artista ha añadido un grado más de oscuridad. En la tercera (figura 8-4c) se muestra el dibujo final. Entorna los ojos y compara el tercer dibujo con los otros dos. Observa la diferencia en el nivel de detalle y de gradación tonal entre los tres.

Convertir colores en valores tonales

Muchos instrumentos de dibujo, como el grafito o el carboncillo, están diseñados para trabajar en blanco y negro. Sin embargo, casi todo lo que existe tiene color. Para crear dibujos lo más reales posibles debes ajustar tu percepción visual para ver los colores como tonos de gris.

Figura 8-4:

Entorna los ojos para ver manchas de grises

Estaría muy bien que pudieras pulsar un botón de la frente y transformar el mundo, por arte de magia, de colores a grises, ¿verdad? Un botón así facilitaría el dibujo, pero no es probable que llegue al mercado. No te preocupes, puedes desarrollar la habilidad para pasar del color al gris entornando los ojos.

Mira los diversos objetos que tienes a tu alrededor. Intenta darte cuenta de si un objeto es claro u oscuro, en vez de mirar su color. Concéntrate en las luces y las sombras; luego entrecierra los ojos hasta que veas los distintos valores tonales. Plantéate dónde están los claros y los oscuros y cómo podrías dibujarlos con el instrumento que hayas elegido. Si no puedes distinguir el tono de algo, compáralo con el gris más claro y el más oscuro que observes. No te desanimes si no ves los objetos en claroscuro desde el principio. Con la práctica, mejorarás.

A veces convertir colores en valores de grises es fácil. Por ejemplo, si el objeto tiene rayas rosa claro y rojo oscuro, puedes dibujar el rojo oscuro como un tono oscuro, y el rosa como uno claro. Sin embargo otras veces es más difícil. Por ejemplo, si el sujeto tiene rayas verde oscuro y rojo oscuro, debes elegir un valor más claro para uno de ellos. Si no, acabarás dibujando un tono macizo en vez de rayas.

Para ayudarte a representar valores creíbles, identifica el tono más claro y el más oscuro del objeto antes de empezar a sombrear un dibujo. Puedes usar ambos como puntos de referencia para medir el resto de los valores.

Trasladar formas a la tercera dimensión

Cualquier cosa que puedas imaginar tiene una forma, y muchas también tienen volumen. ¿Cuál es la diferencia? La forma es la calidad bidimensional, o plana, que ves en el contorno de un objeto, mientras que el volumen es la calidad tridimensional que aprecias en todo objeto físico. En el dibujo, la diferencia entre una forma bidimensional y un objeto tridimensional es la ilusión de volumen. Así que cuando dibujas el contorno de un plátano en una hoja de papel, sólo estás trazando su forma. Cuando lo dibujas de modo que se ve su cuerpo saliéndose del papel, dibujas su volumen.

Para conseguir que las formas planas de tus motivos sobresalgan como volúmenes tridimensionales, puedes dibujar en perspectiva, aplicar sombreado o ambas cosas.

   El dibujo en perspectiva es una forma de dibujar en la que utilizas un punto de vista para determinar cómo deben aparecer los objetos y espacios. Por ejemplo, puedes usar los principios de dibujo en perspectiva para transformar un cuadrado plano en un cubo que parezca tener seis lados. (En el capítulo 11 encontrarás todo lo que necesitas saber sobre el dibujo en perspectiva.)

   El sombreado consiste en añadir tonos de gris y de negro a un dibujo. Puedes utilizarlo para imitar el aspecto de las sombras cuando la luz incide sobre objetos tridimensionales. (Tratamos el sombreado y las técnicas que puedes usar para crearlo en el capítulo 9.)

En las siguientes secciones descubrirás cómo convertir formas planas en volúmenes tridimensionales. Los cuadrados se transforman en cubos, los rectángulos en cilindros, los triángulos en conos y los círculos en esferas. Por suerte, los cubos, prismas, cilindros, esferas y conos son los bloques de construcción para todas las formas tridimensionales, así que cuando sepas dibujarlos con precisión, podrás crear ilusiones de volumen de cualquier objeto.

De cuadrados a cubos

Quizá recuerdes de la asignatura de geometría del colegio que un cuadrado es una forma bidimensional con cuatro lados iguales y cuatro ángulos rectos, y un cubo es una versión tridimensional de un cuadrado con seis superficies cuadradas del mismo tamaño. Para transformar un cuadrado en un cubo realista, debes añadir luces, sombras, contraste de valores y perspectiva. (Lee el capítulo 9 para encontrar más detalles sobre el sombreado, y el capítulo 11 para informarte más a fondo sobre la perspectiva.)

La figura 8-5 muestra la conversión de cuadrado a cubo. Primero se ve un cuadrado. En el segundo paso hay un cubo con su cara superior y dos lados hacia ti que se alejan en el espacio. Para lograr esta sensación, la artista lo dibujó según los principios de la perspectiva de dos puntos de fuga, lo cual le permite hacer visibles para el espectador sólo dos lados del cubo. (En el capítulo 11 encontrarás más detalles.) Sabes que cada uno de los lados es cuadrado porque forman parte de un cubo, pero esos cuadrados aparecen distorsionados respecto a su forma geométrica pura. Esta distorsión refleja lo que les pasaría a los lados de un cubo si se observara desde el punto de vista de la artista. En último lugar, el sombreado contribuye a que el cubo básico de la segunda posición sea más realista y tridimensional. Fíjate en la luz, las sombras, la luz reflejada y la sombra proyectada en el cubo sombreado. (Ve a la sección “Cómo mirar luces y sombras y usar valores tonales para representarlas” para obtener más información sobre estos elementos.)

Figura 8-5:

Al añadir perspectiva y sombreado convertimos un cuadrado en un cubo

De rectángulos y triángulos a cajas, cilindros y conos

Debes familiarizarte con otras formas básicas, además del cuadrado, antes de transformar con éxito cualquier objeto en un volumen tridimensional sobre papel. Si no recuerdas con cariño tu clase de geometría (¡o no la recuerdas para nada!), te resumimos aquí lo que necesitas saber:

   Un rectángulo es una forma de cuatro lados en la que todas sus esquinas tienen ángulos de 90o. Es cierto que un cuadrado es un tipo de rectángulo, pero a diferencia de aquél, los lados de un rectángulo no tienen que ser de la misma longitud. Al igual que un cuadrado, cualquier rectángulo puede llegar a ser un volumen tridimensional mediante el dibujo adecuado en perspectiva y/o sombreado.

Cuando los lados del rectángulo que estás dibujando no son todos iguales, el volumen creado se puede llamar simplemente caja. Si sustituyes las líneas rectas por elipses en la pareja de lados opuestos, lo convertirás en un cilindro (por si te lo preguntas, una elipse es un círculo que se estira en el espacio).

   Un triángulo es una forma de tres lados. Puede convertirse en un volumen tridimensional llamado cono si dibujas una elipse que vaya de una esquina del triángulo a otra.

La figura 8-6 muestra rectángulos y triángulos básicos transformados en cajas, cilindros y conos tridimensionales al añadir un poco de sombreado y perspectiva. (Consulta el capítulo 9 para informarte sobre el sombreado, y el capítulo 11 para aprender más sobre la perspectiva.) Toma nota de cómo las luces y sombras juntas añaden una tercera dimensión a estas formas simples (encontrarás más detalles en la sección anterior, “Luces y sombras de cerca”):

   Caja: Mira la caja de la parte superior central de la figura 8-6. El contraste de valores muestra qué ocurre cuando la luz incide con fuerza sobre un lado (fíjate en los valores especialmente brillantes del lado izquierdo). El tono oscuro de la base indica que la luz queda bloqueada y se forma una sombra intensa. El lado frontal de la caja tiene un valor intermedio, lo que significa que este lado no está completamente aislado de la luz, pero no recibe luz directa.

   Cilindro: Observa el cilindro estrecho de la zona izquierda de la ilustración. Una larga sombra recorre su lado izquierdo, y muestra lo que ocurre cuando el volumen curvo del cilindro se aleja de la luz directa que incide sobre su parte frontal.

   Cono: Examina el cono de la parte superior izquierda de la ilustración. Incluso aunque tapases la elipse de la base, se notaría que este objeto no es un triángulo plano. El sombreado en ambos lados de la parte triangular genera una sensación de alejamiento de la zona de luz directa y hacia la parte trasera del cono. Este sombreado curvo indica que es un objeto redondeado tridimensional.

Figura 8-6:

Aplicación del sombreado para convertir formas en 2D en objetos en 3D

De círculos a esferas

Dicho de manera sencilla, una esfera es una versión tridimensional de un círculo. Algunos ejemplos son los planetas, el globo terráqueo o una pelota. Para crear la ilusión de volumen en las esferas que dibujes, utiliza una combinación de luces y sombras.

La forma más fácil de dibujar luz en una esfera es dejar que las zonas más claras sean el blanco del papel (como se muestra en la figura 8-7). Para crear las otras áreas claras y oscuras, usa el sombreado. Cuando lo hagas para construir volúmenes redondos, ten en cuenta las siguientes indicaciones (lee el capítulo 9 para obtener más detalles sobre el sombreado):

   La sombra propia contribuye a crear la ilusión de redondez en el volumen. (Vuelve a la sección anterior, “Luces y sombras de cerca”, en la que se habla sobre sombras propias.)

   Los volúmenes redondos (como las esferas) quedan más realistas si haces el sombreado siguiendo los contornos del volumen. En otras palabras, haz los trazos como si quisieras esculpir la forma con ellos. Como ejemplo tienes la figura 8-7, en la que las líneas de la sombra siguen la curvatura de la esfera.

   La palabra contorno se confunde frecuentemente con perfil. Un perfil es una línea que traza una forma. Un contorno es la superficie exterior entera. El contorno de una naranja, por ejemplo, es toda la piel, y no sólo la forma circular que ves cuando tienes la fruta delante.

Figura 8-7:

Luces y sombras transforman un círculo en una esfera

Para entender mejor cómo las sombras y los cambios tonales (que se crean mediante el sombreado) pueden sugerir el volumen en los dibujos, echa un vistazo a la figura 8-8; fíjate en lo siguiente:

   La manera en que se dan los cambios tonales describe lo que le pasa a la luz cuando se topa con un volumen determinado. Por ejemplo, estos cambios se producen gradualmente y con suavidad sobre la esfera de la figura 8-7. Las superficies de volúmenes redondos como esferas, conos y cilindros cambian de dirección suave y paulatinamente, moviéndose hacia la luz o alejándose poco a poco de ella. En cambio, la modulación tonal de las superficies de los cubos y cajas de las ilustraciones 8-5 y 8-6 se da bruscamente, indicando que un fuerte cambio de dirección tiene lugar a medida que te mueves de un lado a otro.

   Una sombra propia tipo cinturón envuelve la parte inferior de la esfera.

   Justo debajo de la sombra propia, la luz reflejada ilumina la base de la esfera. Consulta la sección anterior, “Luces y sombras de cerca”, para obtener más detalles sobre la luz refleja.

   La sombra proyectada es más oscura cerca de la esfera y se va aclarando a medida que se aleja de ella. Con frecuencia, los bordes de esta sombra son algo irregulares y la propia sombra suele estar creada por dos o más valores. Lo habitual es que el borde de la sombra proyectada sea más impreciso y tenue al alejarse del objeto; sin embargo, no te pases. Si dibujas a partir de tu imaginación, intenta mantener las sombras proyectadas bastante tenues, y sólo permite que se oscurezcan cerca del objeto; haciendo esto, queda más realista.

Figura 8-8:

Fíjate en los cambios tonales y en las sombras de una esfera

Si consideras que ya has entendido cómo dibujar sombras, pero tus esferas aún no tienen un aspecto muy tridimensional, probablemente necesitas practicar el dibujo de la luz. Coge una esfera (una pelota u otro objeto redondo) y colócala sobre una superficie de color claro. Pon un foco de luz encima de la esfera y examina con detenimiento los bordes que quedan en contacto con la superficie sobre la que se apoya. Fíjate en la luz reflejada a lo largo de esos bordes; es más clara que las sombras de la esfera, pero más oscura que la zona de ésta bañada por la fuente de luz. Si un objeto se encuentra sobre una superficie de color, a menudo puedes ver ese color en la luz refleja.

Observa la figura 8-9 para ver cómo dibujar la luz refleja en una esfera. Para que quede realista, la mejor forma de representarla es usar valores claros que se van oscureciendo paulatinamente hasta que se topan con el sombreado oscuro.

Figura 8-9:

Luz refleja en el lado en sombra de una esfera

Proyecto. Dibuja una esfera

Convertir formas bidimensionales en objetos tridimensionales sobre el papel puede parecer un poco complicado pero no es muy difícil. En este proyecto transformarás un círculo básico en una esfera realista con luces, sombras y mucho contraste tonal.

Antes de empezar, prepara tu cuaderno, las gomas y los lápices 2H (o HB), 2B y 6B; luego, sigue estos pasos:

1.   Con el lápiz 2H, dibuja con suavidad un círculo situado ligeramente hacia la derecha en el espacio de dibujo (figura 8-10).

Si no se te da bien dibujar círculos a mano alzada, usa un compás. Pero asegúrate de que mantienes el trazo muy suave porque más tarde tendrás que borrar alguna línea.

2.   Dibuja una forma ovalada (una elipse) para representar la sombra proyectada de tu esfera (figura 8-10).

Figura 8-10:

Descomposición de un objeto en sus formas simples

Fíjate en que la forma ovalada de la ilustración parece un círculo parcialmente aplanado y se extiende más allá del círculo, hacia la izquierda. Se encuentra en la mitad inferior del espacio y es verticalmente más corta y horizontalmente más larga que el círculo.

No te preocupes si tu óvalo tiene una forma algo diferente del que ves aquí. Incluso el más ligero cambio de posición de la fuente de luz modifica la forma de una sombra proyectada.

3.   Usa la goma moldeable o de miga de pan para borrar poco a poco las líneas del círculo y de la elipse hasta que apenas se vean; borra la parte de la elipse que queda dentro del perímetro del círculo.

4.   Utiliza un lápiz 2H o HB para dibujar los valores claros sobre la esfera (figura 8-11).

La fuente de luz en la figura 8-11 procede de arriba, ligeramente de la derecha, y un poco por delante de la esfera.

No olvides identificar la ubicación del punto de luz y dejar ese espacio en blanco. También deja una sección más clara a lo largo del borde inferior de la esfera para representar la luz refleja. (Vuelve a la sección “Luces y sombras de cerca”, donde se define la fuente de luz, el punto de luz y la luz refleja.)

Figura 8-11:

Añade las formas tonales básicas en las zonas claras del objeto

Emplea la técnica de sombreado con la que te sientas más cómodo para añadir los valores claros a la esfera (en el capítulo 9 se describen las diversas técnicas). Independientemente de la técnica que escojas, asegúrate de que tus líneas siguen el contorno de la esfera. Imagina que estás usando el lápiz para esculpir una esfera a partir de arcilla. Siente cómo se realza la superficie curva y luego desaparece bajo tu lápiz.

5.   Con un lápiz 2B, añade los valores medios y, con uno 6B, las sombras oscuras (figura 8-12).

Figura 8-12:

Construye los valores tonales paulatinamente

Es importante que mantengas la misma técnica de sombreado con la que empezaste en los valores claros del paso 4.

6.   Usa los lápices 2B y 6B para dibujar la sombra proyectada (figura 8-13).

Primero sombrea toda la zona suavemente con el lápiz 2B. Luego continúa con el mismo lápiz y añade capas de valores en las zonas donde la sombra debe ser más oscura. Asegúrate de que el sombreado se oscurece al acercarse a la esfera y se aclara hacia los bordes exteriores de la elipse. Por último, utiliza el lápiz 6B para los tonos más oscuros. Quizá sólo lo necesites para la sombra de contacto.

Figura 8-13:

Dibuja la sombra proyectada siguiendo la misma secuencia de pasos que has usado para sombrear el resto del objeto

Capítulo 9

Dar vida a los dibujos con el sombreado

En este capítulo

   Usa técnicas de dibujo aditivas y sustractivas para construir una gama tonal completa

   Aplica las técnicas de sombreado en tus dibujos

   Combina las técnicas aditivas y sustractivas para crear el dibujo realista de un huevo

En dibujo, el valor tonal se refiere al nivel de claridad u oscuridad. Se puede decir que los distintos tonos representan las luces y sombras que percibimos en el mundo natural. Cuando trabajes en tus propios dibujos, puedes realizar una valoración tonal para mostrar cómo avanza la luz por un espacio concreto y generar la sensación de tercera dimensión.

¿Cómo se plasma el tono en los dibujos? Se emplea un proceso llamado sombreado, que permite tanto construir como ajustar los valores tonales del trabajo artístico. Puedes escoger entre dos métodos, dependiendo de si quieres crear el tono añadiendo o restando capas al dibujo. Nos referimos a ellos, respectivamente, como aditivos o sustractivos. En general, el dibujo aditivo es más eficiente cuando se crea una obra muy precisa, mientras que la técnica sustractiva funciona mejor en dibujos de ejecución suelta.

En la práctica, aplicarás ambos métodos para conseguir imágenes convincentes. Por ejemplo, será difícil que acabes un dibujo sustractivo sin emplear alguna técnica aditiva. Imagina que usas la goma para sacar las luces a un fondo entonado con una capa de grafito o de carboncillo. Lo más probable es que tengas que insistir con el lápiz o el carboncillo para ajustar los valores oscuros del fondo. También puede que debas añadir luces en un dibujo sustractivo, por ejemplo, con un lápiz blanco que enfatizaría la claridad de los valores que habías creado con la goma.

En este capítulo, aprenderás varias técnicas que te ayudarán a construir los valores tonales y te mostramos un proceso sencillo para emplearlas en tus propios dibujos. Con un poco de práctica, comprobarás que el sombreado no sólo es posible sino incluso bastante divertido.

Utilizar técnicas aditivas para dominar el tono

El dibujo aditivo es exactamente lo que describe su nombre: un proceso por el cual se van añadiendo marcas sobre el papel. En concreto, se aplican capas de diferentes sombras oscuras, con grafito u otro medio de dibujo, sobre los valores claros del papel blanco. Cuando se emplean técnicas de dibujo aditivas, el blanco del papel adquiere mucha relevancia porque aporta los valores más claros dentro del dibujo.

En este apartado descubrirás tres técnicas aditivas (tono continuo, sombreado y sombreado cruzado) y tendrás la oportunidad de practicarlas para crear valores tonales muy variados. Piensa en ellas como herramientas de tu caja de dibujo con las que plasmar los tonos, empleando las que te interesen en cada momento.

Crear un tono continuo

Cuando construyes un tono no quieres que parezca fragmentado e inconexo. Buscas que parezca una capa infinita de valor tonal que se modula de manera natural, como ocurre con la luz en el mundo real. Una forma de conseguir esta cohesión consiste en aplicar una técnica llamada tono continuo, mediante la cual se crea un tono de fondo por toda la superficie, claro y uniforme, y después se añaden los valores más y más oscuros, a capas. Si lo haces correctamente, los tonos surgirán con naturalidad, cada uno partiendo del anterior.

La técnica del tono continuo tiene una peculiaridad de la que carecen los otros tipos de sombreado: la regularidad con la que se mueve la herramienta de dibujo. Para generar tonos con una transición suave y uniforme, hay que mover el lápiz constantemente, sin cambiar la presión que se le aplica. Por ese motivo los lápices de grafito son los más adecuados para esta técnica. Pero si varías la presión sobre el lápiz, provocarás algunas marcas más oscuras que otras, lo que genera unas vetas donde se superponen las diferentes marcas.

La forma más sencilla de mantener una presión constante al trabajar el tono es averiguar tu propio trazo natural y ceñirte a él. El trazo natural es el tipo de trazo que haces mecánicamente durante diez minutos sin cambiar el tamaño de la marca ni la presión del lápiz. Encontrar tu trazo natural requiere práctica (y, como tantas cosas, paciencia), pero cuando lo consigas tus dibujos tendrán el aspecto uniforme y suave que buscabas y, además, te resultará relajante.

Con la técnica del trazo natural se necesita una buena dosis de perseverancia. Cuando comiences a practicar, quizá te sientas algo reticente por la lentitud con que avanza el dibujo. Pero si tratas de acelerar el proceso haciendo trazos más rápidos o largos de lo que te sale de manera automática, tarde o temprano tu cerebro y tu mano se relajarán y volverán al trazo natural, lo que generará una irregularidad en el tono. Tómatelo con calma y abandónate al proceso. Confía en nosotras; cuando veas los resultados finales, te alegrarás de haberlo hecho.

Para ver cómo funciona el tono continuo, prepara los lápices 2H, 2B y 6B y el cuaderno de bocetos y sigue los pasos que enumeramos:

1.   Con la regla y un lápiz cualquiera dibuja tres cuadrados de 5 × 5 centímetros en una página del cuaderno de bocetos.

2.   En el primer cuadrado, mueve el lápiz 2H con un ritmo regular y continuo para crear una capa de tono claro y uniforme (figura 9-1a).

3.   Repite el paso 2 para los otros dos cuadrados, de modo que los tres parezcan iguales.

4.   Salta el primer cuadrado y, con el lápiz 2B, añade una segunda capa de tono uniforme a los otros dos cuadrados (figura 9-1b).

Asegúrate de emplear la misma presión constante para esta segunda capa, igual que en el paso 2.

5.   Con el lápiz 6B, aplica la capa final de tono sobre el tercer cuadrado (figura 9-1c).

De nuevo, presta atención a la presión que ejerces con el lápiz, que debe ser constante.

Figura 9-1:

Tres valores diferentes con el tono continuo

Prueba el sombreado y el sombreado cruzado

Tal vez ya te sientes preparado para comenzar a aplicar tonos pero antes te gustaría probar alguna otra técnica. Estás de suerte: vamos a hablar del sombreado y del sombreado cruzado, dos opciones más de tipo aditivo. La primera técnica, el sombreado, es el proceso de dibujar series de líneas paralelas en forma de mancha para crear una sensación de tono uniforme. Con este método tan sencillo se puede generar un rango completo de valores en los dibujos.

La segunda técnica, llamada sombreado cruzado, es en realidad una variación del sombreado. Como la primera, también produce una gama tonal muy amplia, pero la diferencia en este caso es que implica el trazado de líneas en dos o más direcciones que se cruzan (de ahí el nombre).

Los siguientes tres factores afectan a la oscuridad o claridad de los valores generados tanto con el sombreado como con el sombreado cruzado:

   La distancia entre las líneas: En general, cuanto más juntas estén, más oscuro resultará el tono.

   La forma de sujetar el medio de dibujo: Cuanta más presión se ejerza sobre el lápiz, más oscuro será el tono. Para conseguir un valor más claro, sólo hay que aflojar la presión y sujetar el medio de dibujo con más suavidad.

   El tipo de instrumento de dibujo: Algunos lápices se prestan a hacer marcas más claras. Por ejemplo, el 2H es estupendo para los trazos claros. Por otro lado, el 2B es el instrumento natural de los valores medios y el 6B consigue profundos tonos oscuros. Revisa el capítulo 2 para ver la gama completa de colores que se obtiene con los distintos lápices.

Los siguientes apartados muestran cómo emplear las técnicas del sombreado y del sombreado cruzado para conseguir el valor exacto y preciso en cada dibujo.

Dibuja líneas de sombreado

Practicar la técnica del sombreado es tan fácil como dibujar un conjunto de líneas. Para ponerte manos a la obra, coge el cuaderno de bocetos y los lápices 2H, 2B y 6B y sigue los pasos que te presentamos a continuación para crear tres modelos de líneas de sombreado, cada uno de un tono distinto:

1.   Con la regla y un lápiz cualquiera, dibuja tres cuadrados de 5 × 5 centímetros en una página del cuaderno de bocetos.

2.   En el primer cuadrado, con el lápiz 2H y una presión suave y continua, dibuja un conjunto de líneas paralelas equidistantes unas de otras (figura 9-2a).

La expresión “pocos pero bien avenidos” identifica muy bien a estos trazos: deben estar distantes unos de otros y ser pocos.

3.   En el segundo cuadrado, usa el lápiz 2B y la misma presión suave y constante que ejercías en el paso 2, esta vez para dibujar un conjunto de líneas paralelas más cercanas entre sí que las del paso 2 (figura 9-2b).

Observa que este segundo conjunto tiene más número de líneas que el primero y que el valor resultante es más oscuro y tiene más peso.

4.   En el tercer cuadrado, usa un lápiz 6B afilado y ejerce una presión suave y constante para trazar líneas de sombreado todavía más cercanas unas a otras que las del paso 3 (figura 9-2c).

Al dibujar cada conjunto de líneas de este ejercicio, asegúrate de ejercer la misma presión suave y constante. De ese modo, detectarás la gama de valores tonales que puedes obtener variando la dureza del lápiz.

Observa que el tercer cuadrado tiene más líneas y que éstas están más juntas que las del segundo cuadrado, lo que produce un valor muy oscuro.

Figura 9-2:

Cómo crear tres valores tonales distintos con sombreados

Cuando empieces con el sombreado, prueba diferentes formas de mover el lápiz o de cambiar el ángulo de las líneas hasta que encuentres los gestos que te resulten más naturales. Por ejemplo, tal vez decidas dibujar la primera línea en la esquina superior izquierda e ir avanzando hasta la esquina inferior derecha. Experimenta con diferentes direcciones y ángulos hasta que te sientas cómodo.

Recuerda que los trazos de sombreado no tienen por qué ser líneas completamente rectas. Los diferentes tipos de trazo aportan personalidad a los dibujos. En la figura 9-3 te presentamos una pequeña muestra de seis estilos de sombreado en la que se incluyen tanto líneas curvas como rectas. Se pueden hacer trazos largos, cortos e incluso combinaciones de varias longitudes. En algunos estilos se pueden ver los espacios entre las líneas mientras que en otros las líneas están muy juntas. (En el capítulo 7 se explica el tema de las líneas.)

En la figura 9-3, observa las texturas que puedes crear usando diferentes estilos de sombreado. Algunas son aterciopeladas o peludas, mientras que otras son dentadas o bastas. (En el capítulo 10 encontrarás más información sobre texturas.) Imagina cómo podrías aplicar cada uno de estos estilos de sombreado a los objetos de un dibujo.

Figura 9-3:

Diferentes trazos de sombreado

Tómate unos minutos para trazar diferentes líneas de sombreado en el cuaderno de bocetos. Para inspirarte, observa algunos de los dibujos de este libro y comprueba cómo utilizan el sombreado los artistas (una pista: acércate para observar atentamente dibujos de pelo de animales).

Las líneas del sombreado cruzado

Para entrenar la mano a dibujar líneas de sombreado cruzado, coge el cuaderno de bocetos, los lápices 2H, 2B y 6B y sigue estos pasos con los que crearás tres conjuntos de líneas con diferente valor:

1.   Usa una regla y cualquier lápiz para dibujar tres cuadrados de 5 × 5 centímetros en el cuaderno de bocetos.

2.   En el primer cuadrado, presionando suavemente con el lápiz 2H, traza un grupo de líneas paralelas muy separadas unas de otras; a continuación dibuja un segundo conjunto de líneas paralelas que crucen sobre las primeras (figura 9-4a).

Observa que, en este paso, los dos conjuntos de líneas forman ya un sombreado cruzado.

Figura 9-4:

Crea tres valores tonales distintos con sombreado cruzado

3.   En el segundo cuadrado, dibuja, presionando más fuerte con el lápiz 2B, un conjunto de líneas paralelas más juntas que las del dibujo del paso 2; dibuja luego un segundo grupo de líneas paralelas que crucen sobre las primeras (figura 9-4b).

Verás que las líneas de este cuadrado son más oscuras que las del primero.

4.   En el tercer cuadrado, con el lápiz 6B y presionando aún más fuerte, dibuja dos grupos de líneas paralelas que se crucen y que estén más próximas entre sí que las del paso 3 (figura 9-4c).

Intenta no presionar tanto con el lápiz que perfores el papel.

En el sombreado cruzado, los grupos de líneas pueden cruzarse unas sobre otras con cualquier ángulo. De hecho, es perfecto usar líneas que se cruzan con ángulos diferentes dentro de un mismo dibujo.

El mejor ángulo para hacer el sombreado cruzado es siempre el que te resulte más cómodo. Experimenta dibujando diferentes estilos de líneas de sombreado cruzado hasta que descubras qué ángulos prefieres. La figura 9-5 muestra diez ejemplos de diferentes maneras de usar el sombreado cruzado, pero estamos seguros de que eres capaz de crear diez más.

Uno de los mejores usos del sombreado cruzado es el de crear la ilusión de volumen. Puedes generar una especie de estructura a modo de rejilla de sombras que suba y baje siguiendo los relieves del contorno del modelo. La figura que parece un huevo de la fila inferior de la figura 9-5 muestra lo que queremos decir. Cuando necesitas formar linealmente los contornos de una forma curva compleja, lo mejor es permitir que la propia forma dicte los ángulos con los que las líneas deben cruzarse unas sobre otras.

Figura 9-5:

Diferentes estilos de sombreado cruzado

A menudo los artistas utilizan dos técnicas de sombreado en un mismo dibujo para obtener el tono exacto. Como maravilloso ejemplo de la historia del arte, escribe Dibujo de elefante, de Rembrandt, en un buscador de Internet y observa cómo el artista emplea diferentes trazos de sombreado y sombreado cruzado para representar los pliegues de la piel del elefante con gran belleza y realismo.

Escala de claro a oscuro

La clave de un dibujo realista reside en lograr una gama completa de valores (en otras palabras, una escala total del claro al oscuro). Para crearla en cada uno de tus dibujos, debes ser capaz de controlar el material de dibujo. Por suerte, estamos aquí para ayudarte. El sombreado, el sombreado cruzado y el tono continuo son técnicas estupendas para crear un amplio rango de valores.

Nota: En esta sección te mostramos un ejemplo de cómo usar el sombreado cruzado para crear una escala completa de valores tonales del claro al oscuro. Después de seguir los pasos que describimos, puedes practicar usando las otras técnicas, el sombreado y el tono continuo, para conseguir el mismo efecto.

Si te cuesta visualizar lo que queremos decir con escala completa de valores, mira con detenimiento una imagen en blanco y negro (como una fotografía). Busca la sombra más oscura y la luz más clara. ¿Cuántas variaciones de claro y oscuro puedes ver? ¿Te sorprende la cantidad de grises sutiles que existen realmente entre el blanco y el negro? Todos esos tonos, combinados con las luces más claras y las sombras más oscuras, constituyen la escala completa de valores de la imagen.

Para practicar la consecución de un rango completo de valores usando la técnica del sombreado cruzado, coge tu cuaderno de bocetos, una regla y los lápices 2H, 2B, y 6B, y sigue estos pasos:

1.   Con la regla y cualquier lápiz, dibuja dos rectángulos horizontales de 5 × 12 centímetros. Divide cada rectángulo en cinco cajas iguales (figura 9-6).

2.   En la primera caja, usa el lápiz 2H y, con una presión suave y constante, haz unos trazos de sombreado cruzado.

3.   Cambia al lápiz 2B y, con la misma presión suave, realiza el mismo tipo de sombreado cruzado del paso 2 en la segunda caja, pero ahora sitúa los trazos un poco más juntos.

4.   Usa el lápiz 2B y aplica idéntica presión constante para hacer el mismo sombreado cruzado de los pasos 2 y 3, tanto en la tercera como en la cuarta caja. En cada ocasión, coloca los trazos un poco más juntos (figura 9-6).

5.   Haz algo más de presión con el lápiz 2B al dibujar los trazos del sombreado cruzado en los rectángulos quinto y sexto y junta más las líneas, cada vez más oscuras.

6.   Usa el lápiz 6B para hacer los trazos del sombreado cruzado en los rectángulos del séptimo al décimo. En cada uno, aumenta la presión sobre el lápiz y la densidad de los trazos.

Figura 9-6:

Diez tonos de gris con sombreado cruzado

Representación de valores graduales

En el dibujo, la gradación es la continua progresión de los valores; ese progreso suele llamarse valores graduales. Puedes usar cualquier técnica aditiva descrita en este capítulo para crear valores graduales.

Para entender mejor qué es la gradación, imagina que todos los valores de la figura 9-6 estuvieran fundidos en un fluir continuo en el que los valores cambiaran gradualmente de uno al siguiente sin interrupción alguna. La transición de valores en una gradación puede ser tanto del oscuro al claro como del claro al oscuro.

El objetivo es mantener la transición entre los valores tan continua como sea posible. Para conseguirlo, debes realizar cambios graduales en el trabajo a medida que progresa el dibujo.

¿Suena complicado? Bueno, no te alarmes. En este ejercicio te vamos a enseñar cómo representar valores graduales. Coge los lápices 2H, 2B y 6B, el cuaderno de bocetos y sigue estos pasos:

1.   Dibuja un rectángulo alargado de aproximadamente 4 centímetros de ancho por 15 centímetros de largo en el cuaderno.

2.   En el lado izquierdo del rectángulo, presionando suavemente con el lápiz 2H, dibuja las líneas más claras de la gradación.

Realiza los trazos en cualquier dirección que te resulte cómoda. Si eres zurdo, quizá encuentres más fácil trabajar de derecha a izquierda. De todas formas, no te preocupes, puedes comenzar con los trazos más claros y trabajar hacia los más oscuros.

3.   Mueve el lápiz hacia el lado opuesto, presionando más fuerte poco a poco y haciendo las líneas de sombra cada vez más densas (figura 9-7).

Figura 9-7:

Inicio de un sombreado gradual

4.   Cuando alcanzas el límite del lápiz y los trazos ya no se oscurecen, cambia al 2B y añade los valores medios presionando cada vez más fuerte y juntando los trazos del sombreado a medida que te mueves hacia el otro extremo (figura 9-8).

Recuerda: mantén la presión suave al principio y auméntala gradualmente a medida que avanzas.

5.   Cuando los trazos medios no parecen ganar oscuridad, cambia al lápiz 6B y comienza a hacer trazos que se solapen ligeramente sobre los anteriores. Poco a poco, presiona más fuerte hasta que, al final de la gradación, el tono sea muy oscuro (figura 9-9).

En este proceso, asegúrate de que el lápiz está bien afilado. Recuerda usar una presión suave al principio e ir incrementándola hasta que los trazos sean notoriamente oscuros.

Figura 9-8:

Añadir los valores medios a la gradación

Figura 9-9:

Añadir los valores más oscuros de la gradación de la sombra

Si ves que la transición entre tus valores no es tan suave como te gustaría, puedes mejorarla. Intenta añadir algunas líneas de sombreado entre las anteriores. Elige el lápiz según el lugar de la gradación en el que vas a trabajar de nuevo. Por ejemplo, si necesitas añadir líneas para suavizar la transición del principio de la gradación, usa el lápiz 2H (si utilizas el lápiz 6B, ¡la transición será incluso más brusca que antes de tratar de mejorarla!).

Resiste la tentación de usar los dedos para difuminar los tonos. Difuminar con los dedos al principio parece satisfactorio porque borra la textura, pero cuando lo pruebas, te das cuenta de que, aunque el resultado es aceptable, no es tan gradual como te gustaría. El problema es que, cuando difuminas así, no puedes controlar cómo se extiende el grafito. El grafito se deposita de forma irregular entre tus dedos, y terminas con borrones indeseados en vez de una transición tonal suave.

Usar la goma de borrar para construir tonos

Cuando piensas en dibujar algo, los métodos aditivos, como los descritos en las secciones previas, probablemente son los primeros que te vienen a la mente. Pero vamos a hablarte de otra técnica interesante, de tipo sustractivo. El dibujo sustractivo es literalmente dibujar retirando materia del papel. Esencialmente, este proceso consiste en emplear una goma de borrar en una hoja de papel ennegrecida antes con grafito o carboncillo, para “dibujar” los tonos claros de la composición. De esta forma construyes los valores por sustracción.

Antes de ensayar el dibujo sustractivo, es necesario ennegrecer el papel. Esto significa aplicar una capa de material de dibujo que luego puedas retirar (lo que funciona mejor es el polvo de grafito o de carboncillo) en todo el espacio del dibujo. Para hacerlo, cubre el papel con el material en polvo y alísalo cuidadosamente frotándolo con un pañuelo de papel o de tela. No te preocupes por conseguir que el tono sea completamente liso. De todas formas, después, retocarás toda la superficie en el proceso. Pero asegúrate de que no se ve el blanco del papel.

Si no puedes encontrar polvo fino de grafito o de carboncillo en la tienda de bellas artes o no quieres gastar dinero en él, puedes hacerlo tú. Frota lápices o barras de carboncillo sobre una lija y deja caer el polvo sobre el papel que quieres ennegrecer. Si esto te parece muy pesado, también puedes usar grafito blando en barra o en lápiz (6B o más blando), carboncillo blando de sarmiento o barras de carboncillo compactas. (En el capítulo 2 encontrarás más detalles sobre diferentes materiales de dibujo.)

Cuando estés listo para ensayar el dibujo sustractivo y hacer que afloren las luces del papel ennegrecido, necesitarás una o las dos gomas siguientes:

   Goma de vinilo: Es muy útil para sacar grandes áreas de claridad. Si el borde de la goma se ensucia demasiado, frota la goma contra un papel limpio o corta una fina rebanada del borde con una cuchilla afilada o un cúter.

   Goma moldeable: Es estupenda para retirar el grafito de superficies pequeñas. Para hacerlo, puedes tanto golpear como frotar suavemente la superficie del papel. Para dibujar un detalle fino, no tienes más que moldear la punta. Cuando quieras limpiarla, estírala y dale forma varias veces hasta que aparezca limpia (este proceso se llama amasar).

Para este ejercicio necesitas una barra de grafito blando o un lápiz 6B, pañuelos o toallitas de papel, el cuaderno de bocetos y las gomas moldeable y de vinilo. Cuando lo tengas todo preparado, sigue estos pasos:

1.   Dibuja un cuadrado de 15 × 15 centímetros en el cuaderno de bocetos y presiona suavemente con la barra de grafito o el lápiz para ennegrecer el cuadrado.

2.   Usa un pañuelo o servilleta de papel para frotar el grafito hasta que no se vea el blanco del papel (figura 9-10a).

No es necesario que el grafito esté uniformemente repartido.

3.   Retira grafito del dibujo con la goma de vinilo (figura 9-10b).

Sujeta la goma como si fueras a borrar una equivocación y frota suavemente el papel con ella.

Ensaya usando diferentes bordes y ángulos de la goma para ver los distintos tipos de marcas que puedes hacer. Varía la presión que ejerces sobre ella. Comienza borrando suavemente y luego mira a ver qué pasa cuando aumentas la presión.

4.   Con la goma moldeable, arrastra el grafito y embadúrnalo en el papel (figura 9-10c).

Trata de hacer distintas marcas con la goma moldeable. Mira cómo queda cuando das golpecitos en el papel comparado con un frotado. Experimenta con diferentes grados de presión.

A menudo, cuando ajustes los tonos claros de un dibujo, percibirás valores oscuros que también habrá que corregir. Para lograrlo, usa una o varias de las técnicas aditivas que cubrimos en la sección anterior “Utilizar técnicas aditivas para dominar el tono”. El dibujo sustractivo es único, porque te obliga a pensar globalmente en el proceso del dibujo.

Figura 9-10:

Usa gomas de borrar para sacar luces en un papel ennegrecido

Cómo aplicar el sombreado

Después de abocetar las formas básicas del dibujo, ha llegado el momento de aplicar el sombreado necesario para darle tridimensionalidad. (En el capítulo 7 encontrarás información sobre el bosquejo de formas y líneas en el dibujo.) Puedes usar cualquiera de las técnicas que describimos en este capítulo para sombrear. Cuando quieras añadir trazos de grafito o carboncillo, prueba las técnicas del tono continuo, el sombreado y el sombreado cruzado. Si quieres suprimir algún trazo, trabaja con la goma.

Las secciones siguientes te enseñan a usar las técnicas aditiva y sustractiva para crear un dibujo realista con un amplio rango de valores tonales.

Definir los tonos básicos

Quieres obtener un rango completo de valores tonales en tu dibujo. El mejor modo de lograrlo es comenzar por descomponer los valores del objeto en zonas generales de claridad y de oscuridad.

Tanto si dibujas del natural como si lo haces de memoria, una buena idea consiste en simplificar los tonos en dos tipos básicos: claros y oscuros. El modo preciso en que determinarás los diferentes valores tonales del dibujo dependerá de lo que te sugiera el tema. Por tanto, antes de comenzar a matizar, haz lo siguiente:

   Si dibujas del natural, mira durante un rato el objeto que vas a dibujar para analizar sus valores tonales. Observa el motivo e imagina que sólo puedes elegir entre dos valores: claro y oscuro. Mentalmente, da un paseo alrededor del objeto y clasifica cada parte dentro de la luz o la sombra. Si tienes problemas para distinguir los tonos, entorna los ojos. Esto ayuda a minimizar cualquier reflejo, lo que te facilitará ver los valores básicos de un objeto. (En el capítulo 8 incluimos información sobre la práctica de entornar los ojos al dibujar.) Cuando ya hayas determinado qué es claro y qué es oscuro, estarás listo para comenzar el sombreado.

   Si dibujas de memoria, dedica tiempo a planificar dónde deben ir los valores claros y oscuros para recrear la visión que tienes en mente. Reflexiona sobre la fuente de luz imaginaria. Pregúntate: ¿de dónde viene la luz? ¿Qué objetos se iluminarán con ella? ¿Cuáles quedarán en sombra? Cuando tengas respuestas para todas estas cuestiones, podrás comenzar con el sombreado.

Como en el mundo natural existe un rango infinito de valores tonales entre el blanco y el negro, debes incluir un amplio espectro de tonos para que el dibujo resulte realista. Aunque puede parecer abrumador contar con infinitas posibilidades, si comienzas usando un tono gris medio para separar en un bloque todos los valores de sombra y dejar las áreas de luz sin tocar (es decir, del blanco del papel), puedes obtener el sentido de todo el dibujo en términos de claro y oscuro rápidamente y con eficacia. En ese punto, puedes comenzar a oscurecer o aclarar las zonas grises o blancas, según convenga.

Afinar los tonos

Después de abocetar la distribución básica de claros y oscuros, observarás que el dibujo parece bastante plano. Para realzarlo, necesitas añadir volumen, la ilusión de las tres dimensiones. (En el capítulo 8 se explica cómo la luz genera la impresión tridimensional.) Puedes hacerlo ajustando los valores tonales.

Cuando comiences a afinar los tonos, piensa en hacer cambios sencillos y graduales y ten presentes las siguientes orientaciones:

   Trabaja del claro al oscuro. Al dibujar primero los tonos claros, puedes colocar una capa de tonos medios sobre la tonalidad luminosa, creando una transición suave y agradable entre los diferentes valores.

   Cuando trabajes en las áreas claras, localiza las luces más intensas. Se debe percibir una variación tonal en el sombreado de las áreas luminosas que no sean las más brillantes.

   Trabaja desde los valores medios de sombra y oscurécelos gradualmente. Espera hasta el último momento para aplicar los tonos más oscuros. Entonces puedes realizarlos en capas sobre los valores medios.

No aprietes mucho el lápiz cuando redefinas los valores. No sólo hace que esas áreas sean imposibles de retocar, sino que además deja marcas en el papel. Cuando tratas de dibujar sobre los surcos del papel con un lápiz blando, como el 2B o 6B, las huellas se ven como líneas claras, y estropean la apariencia del dibujo. Si crees que aprietas demasiado, cambia a un lápiz más oscuro, quizá un 4B o un 6B.

Si trabajas con un objeto real, obsérvalo de cerca para ver qué áreas debes oscurecer o aclarar. Localiza su sombra más oscura y su claridad más luminosa y compáralas con tu dibujo. Si ves una zona especialmente oscura en él, comprueba otra vez su equivalente en el modelo y pregúntate: “¿Este tono se parece al de la sombra más intensa?”. Si no estás seguro de cuánto sombreado debes añadir al dibujo, es mejor equivocarse hacia la claridad, ya que siempre puedes oscurecer más adelante. Cuanto mejor reflejes los valores tonales del objeto, más creíble resultará el dibujo al acabarlo.

Si trabajas de memoria, afinar tonos es más difícil. Vuelve al capítulo 8, donde te aconsejamos cómo construir volúmenes realistas.

Proyecto. Dibuja un huevo

Lo creas o no, los huevos no son tan fáciles de dibujar como parece. Es difícil darles vida en el papel. En este proyecto te enseñaremos cómo usar el sombreado para dar volumen a esta forma tan familiar. Aquí usamos tono continuo para añadir sombreado, pero puedes emplear cualquiera de las técnicas aditivas que hemos descrito en la sección “Utilizar técnicas aditivas para dominar el tono”. De hecho, quizá quieras ensayar las tres.

Antes de comenzar, coge un huevo y colócalo frente a ti de forma que puedas verlo fácilmente. Ponlo bajo una luz intensa. Puede ser la luz del sol entrando por la ventana, una lámpara de escritorio, o cualquier otra fuente de luz que tengas a mano. (En el capítulo 12 encontrarás más ideas sobre cómo iluminar bodegones.) Toma el cuaderno de bocetos, gomas de borrar y los lápices 2H, 2B y 6B, y sigue estos pasos:

1.   Con el lápiz 2H, dibuja una línea simple y tenue que perfile la forma del huevo (figura 9-11).

Figura 9-11:

Dibuja la forma básica del huevo

2.   Mira al objeto y clasifica mentalmente los valores en oscuros y claros.

No olvides los tonos de la superficie en la que se apoya el huevo.

3.   Con el lápiz 2H, aboceta los valores oscuros (figura 9-12).

La figura 9-12 muestra el aspecto de los valores oscuros con el tono continuo pero también puedes usar sombreado o sombreado cruzado. Si te decantas por el tono continuo, recuerda encontrar tu trazo natural y emplear una presión suave y constante para entonar la parte oscura del huevo y las sombras de debajo. (Dirígete a la sección “Crear un tono continuo” para más detalles.)

Revisa el apartado anterior, “Definir los tonos básicos”, donde encontrarás información sobre cómo bosquejar los valores en el dibujo.

Figura 9-12:

Aboceta los valores oscuros

4.   Con la goma moldeable, atenúa la línea de contorno del huevo.

La línea debe quedar apenas visible.

5.   Presionando ligeramente con el lápiz 2H, elabora el tono de las partes claras del huevo y de la superficie en la que se apoya.

6.   Cambia al lápiz 2B y haz otra capa homogénea de sombreado sobre los valores oscuros del dibujo (figura 9-13).

Figura 9-13:

Trabaja el tono de las partes luminosas del huevo

7.   Analiza los tonos del objeto y afínalos en el dibujo. Usa el lápiz 2H para ajustar los claros y el 2B para los oscuros.

Por ejemplo, mira las sombras de la figura 9-13. Todas las áreas de sombra son oscuras, pero algunas lo son más que otras. Con el lápiz 6B, perfecciona los valores de esas sombras construyendo una capa homogénea de sombreado en las zonas más oscuras (como muestra la figura 9-14).

Figura 9-14:

Aumenta la gama tonal del dibujo

8.   Si la parte más clara del dibujo ha quedado cubierta de grafito, usa la goma moldeable para quitarlo (figura 9-14).

9.   Con el lápiz 6B, añade el tono más oscuro del dibujo (figura 9-15).

Un buen lugar para buscar el tono más oscuro es la sombra de contacto, la línea entre el objeto y cualquier superficie en la que se apoya o con la que entra en contacto. En la figura 9-15, la sombra de contacto está debajo del huevo.

Figura 9-15:

El huevo terminado. Los valores más oscuros aparecen en la sombra de contacto

Capítulo 10

Cómo identificar y representar texturas

En este capítulo

   Diferencia entre texturas y patrones

   Identifica diferentes texturas

   Planifica y representa texturas en tus dibujos y en dos proyectos prácticos

Las texturas aportan mucha información fundamental sobre el motivo de dibujo, por ejemplo si su superficie es suave, brillante, tosca o rugosa. Hay que dibujarlas con tanta verosimilitud como sea posible para transmitir la sensación del pelo de un animal, un rostro suave o el brillo de un ojo. Incluso puedes dejar volar la imaginación y divertirte con ellas dibujando algo inesperado, como una serpiente de peluche.

En este capítulo descubrirás varios ejemplos de texturas que tal vez quieras incorporar a tus trabajos, y te acompañamos en el proceso de planificarlas para dibujarlas después. Terminaremos con dos proyectos inspirados en texturas que te ayudarán a practicar esta faceta del dibujo.

Reconoce la diferencia entre textura y patrón

A veces, cuando se describe la superficie de un objeto, las palabras textura y patrón se confunden y se usan como si fueran sinónimas. Sin embargo, en dibujo, estos términos tienen dos significados distintos:

   Textura: Detalle de la superficie que indica visualmente la sensación que produciría un objeto si se tocara (rugosa, suave, abollada o peluda, por ejemplo).

   Patrón: Conjunto de formas o imágenes que se repite (a franjas, reticulado como la piel de una jirafa, a cuadros como un tablero de ajedrez o a lunares serían algunos ejemplos).

Ten presente que un objeto puede tener (y a menudo es así) tanto patrón como textura. Por ejemplo, una taza de porcelana esmaltada quizá tenga un patrón de rayas de colores, pero su textura es lisa, no estriada. Un jersey de lana también puede tener un patrón de franjas, pero su textura es desigual, con bultos. En la figura 10-1 se ven dos ejemplos de texturas diferentes con un mismo patrón a rayas: la figura 10-1a es peluda, mientras que la figura 10-1b parece lisa.

Figura 10-1:

Observa un mismo patrón de franjas con dos texturas diferentes

Cuando te enfrentes a una textura con un patrón, ten en cuenta tanto la primera como el segundo antes de decidir cómo realizar el sombreado. Por ejemplo, al dibujar una cebra, piensa que el patrón del pelaje es rayado, mientras que la textura es peluda (como en la figura 10-1a). Para crear el diseño a rayas hay que dibujar las franjas oscuras con tonos oscuros y las claras con claros. Para generar la sensación de pelaje, hay que texturizar las bandas con la técnica de sombreado que se describe en el capítulo 9 (el sombreado consiste en dibujar una serie de líneas curvas o rectas muy juntas entre sí para crear el tono y/o la textura).

Al dibujar una tela de seda a franjas, como la de la figura 10-1b, piensa que el patrón es rayado, pero la textura es lisa. Para el estampado, hay que emplear las mismas variaciones de tono oscuro y claro que en la piel de cebra de la figura 10-1a, pero, en lugar de aplicar la técnica del sombreado que le iba bien a la textura del pelaje, es mejor usar el sombreado cruzado, el cual transmitirá la textura del fino tejido de la tela. (El sombreado cruzado es como el sombreado simple pero se aplican las líneas en dos direcciones, cruzada una sobre la otra. En el capítulo 9 encontrarás toda la información que necesitas sobre el sombreado cruzado y otras técnicas de sombreado.)

Cómo identificar texturas

En la naturaleza hay muchas y diversas texturas, desde la superficie lisa y plácida de un estanque en calma hasta los bordes abruptos de un acantilado rocoso. Como artista, debes ser capaz de reflejar esas diferencias si quieres dibujar de manera realista. Por ejemplo, si representas la textura de un pelaje en un dibujo, estarás definiendo la fuente de luz y la forma de un animal. Emplea diferentes texturas para el pelaje según sea rizado, liso o encrespado. Crea un punto brillante para los ojos del animal, lo que contrastará fuertemente con el pelo esponjoso. Puedes diferenciar el aspecto de las personas dibujando la piel arrugada, como un trozo de cuero viejo, o lisa como porcelana.

Los objetos manufacturados aportan retos aún más emocionantes al dibujo de texturas. Piensa en un cristal pulido o en la irregularidad de algunas piezas de ropa, como los jerséis tejidos. El mundo está lleno de diferentes texturas que dibujar, pero la mayoría de ellas entran en alguna de las siguientes categorías:

   Lisa: Cuando pasas la mano por una superficie lisa, no notas irregularidades ni asperezas. De hecho, la sensación apenas se puede caracterizar. Las texturas lisas pueden corresponder a superficies apagadas y mates (como una piedra plana), húmedas y relucientes (como los delicados pétalos de una rosa después de la lluvia) o brillantes y suaves (como una falda de seda fina).

   Rugosa: Las características de una superficie rugosa se ven y se tocan, son irregulares, ásperas o dentadas. Piensa en las texturas rugosas de una corteza de árbol, una hoja de papel de lija o un rallador de queso.

   Mate: Las superficies mates son apagadas, sin lustre y suelen emparejarse con otras características, como las lisas o rugosas. Muchos tejidos, las piedras lisas y la madera sin tratar tienen textura mate.

   Brillante: Las superficies brillantes parecen pulidas y lustrosas y tienen toques de luz que se reflejan en ellas. (En el capítulo 8 encontrarás más información sobre las luces.) Algunos ejemplos son la superficie de piedras pulidas, el latón, la porcelana o las monedas nuevas.

   Reluciente: Las superficies relucientes se reconocen por sus marcados reflejos que parecen centelleantes y, a veces, húmedos. Piensa en un fulgurante sol brillando sobre aguas tranquilas, unos ojos a punto de romper a llorar o un coche recién lavado y encerado en el que se refleja la luz del sol.

   Peluda, encrespada, rizada o esponjosa: En las superficies con pelo, ya sea pelo humano o pelaje animal, éste puede ser suave o áspero, largo o corto, grueso o fino, liso o rizado. La piel de un melocotón y el pelo de un bebé son suaves y producen una sensación aterciopelada. La cáscara de un coco y una barba incipiente son ásperas y crespas. Un jersey, una moqueta o una manta pueden ser esponjosas y tener rizo.

   Herbácea: Las texturas de hierba se parecen a las de pieles y pelo. Puede ser larga o corta, ondulante o recta, densa o rala, fina o basta. También puede parecer suave o áspera. Tanto la paja del establo de un caballo como un jardín o un prado florido tienen una textura herbácea.

No te agobies con la identificación y representación de las texturas. Tómate cada motivo de dibujo como una oportunidad de resolver un problema divertido. Si ves y plasmas formas tonales, podrás dibujar texturas. (En el capítulo 9 encontrarás más información sobre los valores tonales.) Tendrás que experimentar con diversas técnicas hasta lograr las texturas que desees, pero verás que, con un poco de tiempo y algo de paciencia, descubrirás los métodos de sombreado que se convertirán en tus favoritos y que te permitirán representar con precisión cualquier textura que veas o imagines.

En los siguientes apartados encontrarás más detalles así como ilustraciones de cada uno de los tipos de texturas que hemos descrito. Intenta copiar algunas de ellas en el cuaderno de bocetos con ayuda del sombreado. Ten a mano y bien afilados algunos lápices (el 2H, el 2B y el 6B son una buena elección), coge unas buenas gomas y prepárate para comenzar a añadir textura a tus dibujos. (En el capítulo 9 encontrarás información detallada sobre el sombreado.)

Si te preocupa que el dibujo quede bien, tómate la licencia de usar papel de calco para copiar las líneas principales de las ilustraciones de este capítulo. No te preocupes, calcar no es hacer trampas si lo que pretendes es practicar la representación de texturas.

Texturas lisas, mates, brillantes y relucientes

Analiza las texturas contrastadas de las prendas en los dos dibujos de la figura 10-2. La textura suave y mate del delicado tejido de la figura 10-2a se ha sombreado con trazos regulares y finos junto con transiciones tonales graduales. El contraste tonal es bajo, y dominan los valores medios y claros. Se ve una buena parte del papel blanco para mostrar la luz. Debido al leve contrastado, aunque el dibujo tiene tonos muy claros, da la sensación de estar iluminado de modo suave y difuso. Observa la costura de la manga: ese sutil fruncido se percibe gracias a la precisión en las formas y los valores de las sombras.

En cambio, la textura brillante del cuero de una chaqueta de la figura 10-2b se representa con valores contrastados y pronunciados toques de luz.

Figura 10-2:

Compara un tejido suave y mate con el cuero brillante

Analiza otro ejemplo, compara las texturas de dos secciones de esferas (sí, el globo ocular es una esfera) de la figura 10-3. La superficie de la esfera de la figura 10-3a parece seca porque su textura es lisa y mate, mientras que el ojo de gato de la figura 10-3b parece húmedo porque tiene una textura lisa y reluciente. Observa que, en la figura 10-3a, la transición entre los distintos valores tonales es gradual y que el contraste entre los tonos más claros y los más oscuros es menor. En la figura 10-3b, la transición tonal es algo más brusca y el contraste, entre claros y oscuros, más intenso. La línea que separa el globo ocular del párpado llega al negro. El fuerte contraste entre esta sombra negra y los relucientes toques de luz en el ojo sugiere una superficie húmeda y centelleante.

Figura 10-3:

Compara la superficie lisa y mate de una esfera con la textura lisa pero reluciente del ojo de un gato

Texturas esponjosas y encrespadas

Si entras en unos grandes almacenes puedes detenerte unos instantes a mirar la infinidad de tejidos que empleamos para vestirnos y para vestir nuestras casas. Los tejidos son muy divertidos como motivo de dibujo por su enorme variedad de texturas y patrones.

En la figura 10-4a puedes ver la textura suave y esponjosa de las fibras que componen cada hebra de lana. Las líneas curvas de sombreado generan la ilusión de que las hebras son circulares. Observa las líneas y formas de los tonos más oscuros. Colocadas en los lugares adecuados, funcionan como sombras que separan las hebras entre sí. Sin ellas, la lana sería una masa informe. La figura 10-4b muestra cómo la suave y esponjosa lana se convierte en una textura encrespada y llena de bultos cuando está tejida en un jersey. Las tonalidades oscuras, entre cada uno de los nudos y también por fuera, crean el trenzado del jersey. Observa el patrón a franjas claras y oscuras y fíjate en cómo los valores más oscuros del dibujo no se reservan para el estampado sino para las sombras que forman la textura del jersey. Aunque no es necesario saber tejer para representar esta textura rizada, tendrás que armarte con un lápiz afilado y mucha paciencia.

Figura 10-4:

Examina las texturas esponjosas y crespas de unas hebras de lana y un jersey

Texturas de pelo

Este truco deberás recordarlo cuando te pongas a practicar con las texturas: a veces, si no se te ocurre cómo dibujar lo que tienes delante de ti, lo mejor es dibujar lo que no está, es decir, los espacios entre los elementos que son objeto de dibujo.

Este consejo resulta especialmente práctico para dibujar las diversas texturas del pelo humano y animal. La mayoría de veces, las sombras forman los espacios entre las secciones de pelo, por lo que, si dibujas los espacios en sombra con las formas y tonalidades adecuados, el pelo surgirá de ellos. Si éste no recibe luz directa o es de un color oscuro, emplea la técnica de sombreado que prefieras para representar su masa, pero después dibuja las sombras entre las secciones de pelo para que cobre sentido. (En el capítulo 9 tienes toda la información necesaria sobre el sombreado.)

Para entender mejor este concepto, compara el pelo largo de un perro de la figura 10-5a con el pelo corto de un gato que aparece en la figura 10-5b. Observa que, en ambos dibujos, la parte del pelaje que imaginas suave y mullida está bañada por la luz. En situaciones así, ¡sólo puedes dibujar las sombras! Pero aunque sean simples sombras, no dejes de plantearte cómo mover el lápiz, ya que deberás decidir si las sombras son onduladas o rectas, largas o cortas. También tendrás que asegurarte de que la cantidad relativa de oscuridad entre las sombras está en la proporción correcta.

Mira con detenimiento la figura 10-5a. Se adivina que la oreja del perro se superpone a parte de la cabeza gracias a los tonos oscuros que aparecen bajo la oreja. En esas zonas de superposición se puede ver una sombra proyectada (la sombra que un cuerpo produce sobre otro al bloquear la luz). El valor de la sombra proyectada es más oscuro que cualquier otro. Algunos de los tonos claros del pelo acaban en la sombra proyectada, mientras que otros se le superponen, fragmentando la sombra. (En el capítulo 8 hay más información sobre sombras proyectadas.)

Figura 10-5:

Compara la textura del pelo largo de un perro con la del pelo corto de un gato

Para cualquier artista es muy importante ser capaz de dibujar la textura del pelo humano, ya que el cabello tiene un papel fundamental en los retratos: enmarca el rostro, define la forma del cráneo y crea un contraste marcado con la textura de la piel y de los ojos.

Entonces ¿cómo plasmar la textura adecuada a los diferentes tipos de cabello? Compara los dos dibujos de la figura 10-6 para detectar las diferencias entre las texturas de un pelo claro y otro oscuro. Observa que el contraste general es menor en la figura 10-6a que en la figura 10-6b, por lo cual en la primera ilustración se percibe un pelo más claro. Sin embargo, independientemente del nivel de contraste, en ambos dibujos los valores más oscuros se concentran en las sombras que hay entre las secciones de pelo, no en el pelo en sí.

La clave para dibujar un cabello verosímil es pensar en él como en una masa. En lugar de tratar de dibujar pelo a pelo, usa el lápiz para trazar la forma tonal que describe las direcciones cambiantes de las ondulaciones del conjunto. (En los capítulos 14 y 15 te ofrecemos más información sobre el dibujo del pelo, animal y humano, respectivamente.)

Figura 10-6:

Compara las diferentes intensidades tonales empleadas para representar texturas de pelo

Texturas rugosas y herbáceas

Desde la corteza rugosa de los troncos de los árboles hasta los diversos terrenos accidentados y rocas, la representación de las texturas es fundamental en el dibujo de paisajes.

La figura 10-7 es un perfecto ejemplo de cómo el empleo de diferentes técnicas de sombreado te puede ayudar a crear texturas. En la figura 10-7a, los trazos de sombreado de diferente ancho, largo y tono generan el aspecto rugoso del tronco del árbol. Compárala con las suaves texturas de hierba del follaje del suelo de la figura 10-7b. Verás que la combinación de trazos texturados (como los del sombreado, pero con el objetivo de describir la textura de la hierba) crea diversos matices en el césped y el follaje del suelo. En ambos dibujos, las sombras que hay entre las matas de hierba evitan que parezcan masas informes de líneas.

Figura 10-7:

Examina el sombreado de algunas texturas rugosas y de hierba

Convertir texturas en dibujos

Cuando se empieza, la clave para convertir las texturas en dibujos es no complicarse la vida. Trata de emplear técnicas de sombreado sencillas con las que captar la esencia de la textura sin dejarte atrapar por los detalles intrincados.

Pero antes de empezar a sombrear, identifica las calidades que necesitas dibujar y planifica su representación. Para ello, mira atentamente el motivo de dibujo y piensa en las diferentes texturas que se describen en el apartado anterior, “Cómo identificar texturas”. Usa los sentidos de la vista y del tacto y los conocimientos generales que tengas sobre el motivo a dibujar, con el propósito de identificar las propiedades de las diferentes texturas. Después sigue leyendo para descubrir cómo representar esas texturas en el dibujo.

Si eres de los que se atascan con los detalles, entorna los ojos levemente cuando observes el modelo. Con este sistema se filtra la imagen y se bloquea el detalle más fino, y así te puedes centrar en detectar la textura general.

Planificar el dibujo texturado

Tras identificar la textura del modelo, obsérvalo con detenimiento y juzga qué técnicas de sombreado le irán mejor. Por ejemplo, para crear la ilusión de un objeto liso, puedes dibujar los trazos muy juntos. (En el capítulo 9 encontrarás más detalles.)

Estos consejos te ayudarán a preparar y matizar el dibujo:

   Busca líneas en la textura del modelo. Si tiene textura de pelo, busca las líneas que lo componen, su longitud, y si son rectas, onduladas o rizadas, lo que determinará qué trazos te servirán para representarla. Si el objeto de dibujo es un tejido, busca las líneas de su retícula, las cuales te ayudarán a plasmar la textura.

Por ejemplo, el pelo animal de los dibujos de la figura 10-5 se presta a líneas de sombreado curvas. Pero también se puede captar la textura de pelo con una combinación de técnicas aditivas y sustractivas. (En el capítulo 9 encontrarás más información sobre el sombreado.)

   Examina las luces y sombras, lo que te dará pistas sobre cómo el dibujo tonal puede ayudar a definir la textura. Por ejemplo, mira los dos dibujos de la figura 10-2. Observa cómo las variaciones del tono sugieren los pliegues de cada tejido. Son suaves y sutiles en la tela mate de la figura 10-2a, mientras que son más drásticos en el cuero brillante de la figura 10-2b. (Vuelve al capítulo 9 si quieres ampliar el tema del dibujo tonal.)

A menos que trabajes con lápices claros sobre un fondo oscuro, la parte más importante del dibujo de texturas consiste en acertar con las sombras (en el lugar adecuado, con la forma correcta y el nivel justo de oscuridad).

   Busca las formas que generan los tonos claros y oscuros sobre el modelo. La textura rugosa del tronco del árbol de la figura 10-7a es un buen ejemplo del empleo de las formas claras y oscuras para definir la textura. (En el capítulo 8 encontrarás más información sobre la identificación de estas formas.)

No olvides que estos consejos sólo son sugerencias. La elección de la técnica para dibujar cada textura específica es cuestión de preferencia personal, así que trabájalas con las técnicas con las que te sientas más cómodo.

Cómo representar la textura en el papel

Si quieres probar el sombreado de texturas, busca un objeto sencillo con una textura interesante, como una hoja o una roca. (Nota: Para potenciar el beneficio de esta práctica, dibuja del natural en vez de partir de una fotografía o de otro dibujo.) Examina el objeto con minuciosidad e intenta trasladar visualmente todo lo que ves empleando una técnica de sombreado apropiada (en el apartado anterior te guiamos en esta parte del proceso). Después de decidir cómo vas a representar la textura, comienza a dibujar siguiendo estos pasos:

1.   Dibuja la forma básica del objeto.

2.   Esboza los tonos principales, claros y oscuros.

En el capítulo 9 encontrarás más detalles sobre el dibujo tonal.

3.   Sombrea las zonas claras del objeto con tonos claros utilizando la técnica que consideres que se ajusta mejor a la textura.

Ten presente que, debido a la perspectiva, la textura se ve más pequeña cuanto más distante quede la superficie del objeto. (En el capítulo 11 encontrarás todo lo que necesitas saber sobre perspectiva.)

4.   Traza un sombreado texturado más oscuro en las zonas en sombra.

Observa cómo la luz y la sombra definen la forma del objeto.

Combinar la tercera dimensión con los patrones y texturas

Si eres principiante, pensar en texturas y patrones puede resultarte abrumador, especialmente si tienes la sensación de que todavía te cuesta conseguir que los objetos parezcan tridimensionales y los tonos, verosímiles. Pero no es necesario que domines estas técnicas para dibujar texturas y patrones.

Emplea el cuaderno de bocetos para jugar con muestras de texturas y patrones. ¿Dónde está escrito que se tenga que hacer un dibujo completo cada vez? Coge un objeto que tenga un patrón y una textura divertidos y dedica un cuadrado de 5 × 5 centímetros (o más) del cuaderno a dibujar sólo la textura. Después, en otro cuadrado similar, practica el del patrón. Con un poco de práctica, estarás preparado para juntarlo todo, es decir, la forma tridimensional, el tono, el patrón y la textura, y será mucho más fácil si has practicado todo el tiempo.

Cuando no tengas claro cómo dibujar una textura estampada concreta, descomponla en partes y céntrate en una o dos de ellas. Por ejemplo, imagina una bella serpiente, brillante y multicolor. Seguramente podrás dibujarla con cierto realismo si escoges entre textura y patrón, pero si tratas de representar ambos elementos, procura no incluir demasiados detalles de textura. Cuando perfecciones tu habilidad con el dibujo, podrás abordarlo de manera más compleja, como sería matizar el patrón y representar la textura brillante de las escamas, además de dibujar la forma tridimensional de la serpiente.

Prueba este ejercicio rápido, que te aportará práctica en la combinación de formas, patrones y texturas. Encuentra un objeto con un patrón sencillo (un paño de cocina a bandas o a cuadros puede servirte) y colócalo delante de ti. Usa los lápices que prefieras y sigue estos pasos:

1.   Dibuja la forma del objeto.

2.   Esboza el patrón.

3.   Sombrea el objeto y el patrón con la técnica que mejor se ajuste a la textura.

Al sombrear, presta mucha atención a los diferentes valores que definen el patrón. Observa que algunas zonas son más oscuras que otras y cómo cambia de forma y dirección con la forma tridimensional del objeto.

Proyecto. Crea dos texturas divertidas

Este proyecto tiene dos partes. La primera te reta a descubrir y dibujar una textura versátil con un acercamiento intuitivo a la realización de los trazos. La segunda te guía paso a paso por el dibujo de la textura y patrón de un pelaje moteado.

Aboceta con trazos de textura

Los trazos de textura corresponden a una técnica de sombreado bastante sencilla. Hay que realizar el tipo de trazo que se desee e incrementar su densidad hasta ajustar la tonalidad.

El ejemplo de este apartado emplea un puñado de líneas serpenteantes, rizadas y curvas que se entrecruzan en muchas direcciones, generando así el tono y la textura (como un garabato controlado). Cuantas más líneas dibujes, más se oscurece el valor.

Como con cualquier técnica de sombreado, puedes representar cambios de forma, luz y sombra en un dibujo incorporando gradaciones tonales a los trazos de textura. (En el capítulo 9 puedes repasar el dibujo en gradación.)

Para practicar la realización de trazos de textura, coge el cuaderno de bocetos y sigue los pasos que indicamos a continuación para crear la textura de la figura 10-8. La artista empleó un lápiz 2B en los primeros dos pasos y después cambió a un 6B para el tercero, pero puedes usar los que prefieras. En la figura 10-8 tienes el dibujo acabado.

1.   Por toda la superficie de dibujo, dibuja trazos ondulados claros como los que hay en la zona izquierda de la figura 10-8.

2.   A un tercio del espacio desde la izquierda, comienza a añadir otra capa de trazos rizados. Aumenta la densidad de los trazos según avances hacia la derecha.

3.   A dos tercios desde la izquierda, dibuja otra capa de trazos curvos, y aumenta la densidad hasta que, en el extremo derecho de la superficie de dibujo, el valor resultante sea realmente oscuro.

Figura 10-8:

Practica el trazo texturizado

Dibuja un pelaje moteado

Para dibujar un pelaje moteado, debes crear el patrón y la textura a la vez. Por suerte, la tarea se facilita si escoges la técnica de sombreado apropiada para ese tipo de pelo concreto y si te centras en acertar con la forma y los valores tonales. En este proyecto, crearás el dibujo de un pelaje moteado visto de cerca y practicarás la representación de la textura y el patrón simultáneamente.

Cuando estés listo para comenzar, coge el cuaderno de bocetos, la goma moldeable y algunos lápices (HB, 2H, 2B, 4B y 6B) y sigue estos pasos:

1.   Con el lápiz HB dibuja un rectángulo de 5 × 7,5 centímetros.

2.   Con el mismo HB, aboceta con suavidad el moteado del pelaje (figura 10-9).

Diseña las manchas de diferentes formas y tamaños (no hace falta que las dibujes tal como aparecen en la ilustración). Intenta realizar algunas que queden cortadas por el borde del espacio de dibujo.

Figura 10-9:

Dibuja las formas simples que conforman el patrón del pelo

3.   Borra las líneas del boceto con la goma moldeable hasta que apenas se vean.

4.   Con el lápiz 2H, dibuja trazos de sombreado de diferentes longitudes en toda la superficie que no sea manchas (figura 10-10).

En el capítulo 9 tienes toda la información necesaria sobre las distintas técnicas de sombreado.

Aunque este dibujo se basa en tu imaginación, te recomendamos que definas una fuente de luz. Imagina que la luz llega de la izquierda, donde los trazos serán más claros y se oscurecerán gradualmente al avanzar hacia la derecha (como se muestra en la figura 10-10). En el capítulo 8 puedes ver más detalles sobre fuentes de luz.

Figura 10-10:

Dibuja trazos de sombreado para representar una primera capa tonal y de textura

5.   Con el lápiz 2B, dibuja trazos de sombreado de diferentes longitudes por todas las manchas (figura 10-11).

Aumenta la densidad de los trazos gradualmente para ir oscureciendo el tono. Cambia al lápiz 4B si necesitas representar tonos más oscuros que los que consigues con el 2B y al 6B para los tonos aún más oscuros.

En la figura 10-11, los trazos que forman la textura de las manchas se entrelazan con los trazos del resto del pelaje. Este tipo de texturas resultan más creíbles si los trazos de las diferentes zonas del patrón se mezclan un poco entre sí en las zonas de intersección.

Si la fuente de luz imaginaria viene de la izquierda, oscurece el sombreado gradualmente al avanzar hacia la derecha (figura 10-11).

Figura 10-11:

Emplea trazos de sombreado para dibujar las distintas longitudes del pelaje y la gama de tonos

Capítulo 11

Profundizar en el dibujo de la perspectiva

En este capítulo

   Identifica la perspectiva con el punto de fuga y la línea de horizonte

   Usa puntos de fuga y líneas de horizonte para generar profundidad tridimensional

   Explora los efectos de la perspectiva atmosférica y del escorzo

   Practica tres tipos de perspectiva

La idea de generar una ilusión tridimensional en una superficie plana parece casi mágica. Por ejemplo, algunos paisajes urbanos resultan tan dinámicos que tienes la sensación de estar en la calle, mirando hacia arriba para ver los edificios más altos. Igualmente, algunos bodegones son tan creíbles que apetece alargar la mano para tocar los objetos.

Con la perspectiva puedes conseguir dibujos más realistas, en los que los elementos que los forman se comportan como en la vida real. En este capítulo te mostramos cómo emplear las herramientas de la perspectiva para crear una sensación tridimensional. Explicaremos también algunas directrices básicas para representar diferentes tipos de perspectiva, que te enseñaremos a aplicar en los dibujos.

La perspectiva geométrica

Dicho de manera sencilla, la perspectiva geométrica es el punto de vista. También se la llama perspectiva lineal. Cuando se emplean sus herramientas, se crea un dibujo que le explica al observador cómo se vería una escena desde un punto de vista concreto, desde arriba o desde abajo, de lejos o de cerca. Una de sus propiedades es hacer que los objetos parezcan retroceder en el espacio de modo natural. Con ella, se consiguen dibujos de aspecto tridimensional y realista, en lugar de planos.

Antes de comenzar a emplear la perspectiva lineal en tus dibujos, tómate tiempo para familiarizarte con estos elementos (incluimos ejemplos en la figura 11-1):

Figura 11-1:

Algunos elementos relacionados con la perspectiva

   Línea de horizonte: También llamada nivel del punto de vista, es una línea horizontal imaginaria que separa la tierra del cielo. Se encuentra exactamente a la altura de los ojos cuando se mira de frente. Los objetos que se sitúan en la parte inferior quedan por debajo del nivel de la mirada y los que aparecen en la sección superior están por encima del nivel del punto de vista.

   Convergencia: Se da cuando dos o más líneas paralelas que se alejan parecen juntarse en la lejanía. Imagina que estás frente a unas vías del tren. Sabes que son paralelas; sin embargo, los raíles parecen acercarse cuanto más se alejan en la distancia

   Líneas de perspectiva: Líneas rectas que convergen en un punto en la línea de horizonte. Ayudan a establecer guías a la hora de dibujar objetos con la perspectiva adecuada.

   Punto de fuga: Punto del horizonte donde convergen las líneas de perspectiva.

Los objetos parecen más y más pequeños cuanto más se acercan al punto de fuga y, al llegar a él, parecen desaparecer por completo. Algunos temas se representan con más de un punto de fuga. (En este capítulo te explicamos perspectivas con uno, dos y tres puntos de fuga.)

Las líneas paralelas o perpendiculares (en ángulo recto) a la línea de horizonte no se alejan en el espacio y, por tanto, no convergen en el punto de fuga. (Por ejemplo, la parte superior, la base y los bordes laterales de un edificio en una vista frontal no retroceden visualmente, sino que mantienen su posición en el dibujo.)

Los siguientes apartados analizan a fondo los elementos de la perspectiva geométrica y te muestran cómo usarlos para hacer dibujos verosímiles.

Observar la línea de horizonte

Cuando realizas un dibujo en perspectiva, determinas la altura desde la que se observa la escena, dependiendo de dónde dispongas la línea de horizonte. Puedes controlar si el espectador ve los objetos desde arriba, desde abajo o a su nivel. Por esta razón, siempre debes comenzar por dibujar suavemente la línea de horizonte. Asegúrate de que quede paralela a los bordes superior e inferior del espacio de dibujo (si es cuadrado o rectangular). Después puedes colocar los objetos alrededor del horizonte según la perspectiva que quieras crear.

Si quieres que el espectador sienta que:

   Mira hacia abajo: Dibuja los objetos por debajo de la línea de horizonte.

   Mira hacia arriba: Dibuja los objetos por encima de la línea de horizonte.

   Mira de frente: Dibuja los objetos de modo que toquen o crucen la línea de horizonte.

Ten cuidado cuando, con la idea de generar una perspectiva muy espectacular, sitúes la línea de horizonte extremadamente alta o baja. Antes de cambiar la perspectiva de los objetos en el dibujo, asegúrate de observarlos desde todos los lados para representar con precisión las partes que el espectador verá desde ese punto de vista tan drástico.

En la figura 11-2a, la línea de horizonte está cerca del borde superior del espacio de dibujo y más alta que los cubos. Esto significa que el punto de vista está muy alto y que el espectador mira hacia abajo. Incluso aunque no pudiera verse el horizonte, podríamos deducir el punto de vista al observar que son visibles las caras superiores de todos los cubos, lo que implica que la mirada tiene que estar por encima.

En la figura 11-2b, la línea de horizonte está cerca del borde inferior del espacio de dibujo y por debajo de los cubos. Esto significa que el nivel del punto de vista está muy bajo. Tampoco es imprescindible la línea de horizonte para detectar la perspectiva porque, al poder ver las caras inferiores de los cubos, sabemos que la mirada tiene que estar por debajo.

Figura 11-2:

Observa unos cubos desde dos perspectivas, por debajo y por encima de la línea de horizonte

En la figura 11-3, la línea de horizonte está levemente por encima de la mitad del espacio de dibujo (por si dudas, es la línea horizontal más alta). Los objetos que se superponen al horizonte se encuentran a la misma altura de la mirada y no puedes ver las caras superiores e inferiores. Sí puedes ver, sin embargo, las caras laterales que se alejan. Síguelas visualmente hasta el punto de fuga en la línea de horizonte. Presta atención a lo siguiente:

   Las líneas de perspectiva de objetos que se encuentran al nivel de la mirada (los que tocan la línea de horizonte) convergen hacia abajo y hacia arriba hacia el horizonte.

   Las líneas de perspectiva de motivos que están por encima del nivel de la vista (los que se colocan sobre la línea de horizonte) convergen hacia abajo.

   Las líneas de perspectiva de objetos situados por debajo del nivel de la mirada (es decir, bajo la línea de horizonte) convergen hacia arriba.

Figura 11-3:

Una perspectiva al nivel de la vista con un único punto de fuga

La perspectiva modifica la percepción

El dibujo en perspectiva obliga al cerebro a reaprender parte de sus conocimientos sobre percepción y a reajustarla con un nuevo conjunto de reglas. Para empezar, hay que olvidar lo que uno piensa que parecen las cosas y confiar en lo que se ve. ¿Has observado que las caras superiores e inferiores de los cubos en las ilustraciones 11-2 y 11-3 no son cuadrados? (Vuelve a mirarlas si no te habías fijado.)

La perspectiva distorsiona la apariencia de los elementos cuando éstos se alejan en el espacio. Sabes que la cara superior de un cubo es un cuadrado pero, si dibujaras un cuadrado, no daría sensación de profundidad.

Imagina que intentas dibujar una mesa rectangular. A menos que estés suspendido por encima de ella y mirando directamente hacia abajo, no la ves realmente como un rectángulo. Ve al apartado “Cómo hacer escorzos”, donde encontrarás más información sobre el motivo de esta distorsión.

Tal vez todo esto de la perspectiva te resulte un poco abrumador pero no te preocupes: la perspectiva es uno de los aspectos más complejos del dibujo. No esperes dominarla inmediatamente. Ten paciencia, sólo necesitas un poco de tiempo y práctica para mejorar tu habilidad.

Encontrar puntos de fuga

Cuando las líneas de perspectiva de un objeto convergen en un punto de fuga correcto, el dibujo resulta tridimensional, realista y visualmente creíble. Así que, ¿cómo encontrar el lugar preciso para el punto de fuga en un dibujo?

Encontrar el punto de fuga en una fotografía u otra imagen

Buscar puntos de fuga en fotos es una buena manera de practicar los principios básicos de la perspectiva. Cuando te acostumbras a identificarlos en imágenes, puedes aplicar esos criterios en la vida real (y en tus dibujos).

Para practicar la localización de puntos de fuga en fotografías, busca una imagen (como la de la figura 11-4a) que muestre al menos un objeto que esté nivelado en la realidad y que tenga líneas horizontales que se alejen en la distancia. Son buenos ejemplos las barandillas, la cubierta de un barco, un muelle, las vías del tren, escaleras y tejados. Después, sigue estos pasos:

1.   Toma un objeto de la imagen que sepas que está a nivel y que tenga al menos un conjunto de líneas paralelas que se alejan en la distancia.

En la figura 11-4a, observa las líneas paralelas que delimitan la barandilla por arriba y por abajo y los tablones de madera de la cubierta.

2.   Coloca un papel cebolla sobre la imagen.

Figura 11-4

Calca el contorno de una barandilla y los tablones de la cubierta para localizar el punto de fuga

3.   Con un lápiz HB y la regla, calca los bordes superior e inferior del objeto que has identificado en el paso 1, así como cualquier otra línea que sepas que es paralela a ellos (figura 11-4b).

En la ilustración, la artista ha trazado los contornos de la barandilla por arriba y por abajo y las separaciones entre los tablones de madera de la cubierta.

4.   Pega el papel cebolla sobre una hoja de papel de dibujo más grande que te permita prolongar las líneas paralelas que has dibujado en el paso 3.

Comprueba si puedes identificar visualmente las líneas que acabarán convergiendo.

5.   Con la regla y un lápiz, prolonga todas las paralelas hasta que se encuentren.

Dibuja siempre líneas finas, por si después quieres borrarlas. Observa el punto donde converge la mayoría de las líneas: ése es el punto de fuga, que, además, estará situado en la línea de horizonte.

Cuando un objeto sólo tiene un punto de fuga, la perspectiva se denomina central.

6.   Traza una horizontal paralela a los bordes superior e inferior del papel y que pase por el punto de fuga.

Esta recta es la línea de horizonte. La figura 11-5 muestra la situación del punto de fuga (indicado como PF) y de la línea de horizonte (señalada con AB).

Figura 11-5:

Prolonga las líneas paralelas hasta que converjan en el punto de fuga

A veces en una imagen se puede ver más de un lado de un objeto. Por ejemplo, imagina una foto que muestra la esquina de un edificio. Si el ángulo (la esquina) está más cerca de ti que alguno de los lados, necesitarás usar el método que se explica en los pasos anteriores para localizar el segundo punto de fuga (se denomina perspectiva con dos puntos de fuga). Las líneas horizontales del otro lado visible del edificio también convergen en un punto de fuga situado a lo largo de la línea de horizonte. (Encontrarás más detalles sobre la perspectiva con dos puntos de fuga en el apartado “Proyecto. Dibuja una perspectiva con dos puntos de fuga”.)

Cómo encontrar la línea de horizonte y el punto de fuga en la realidad

Para identificar la línea de horizonte en una escena real, mira de frente, hacia adelante: estará alineada con el punto más lejano que puedas ver (recuerda que el nivel de la vista y la línea de horizonte son lo mismo). Observa que no tienes que estar en el exterior para encontrar líneas de horizonte. Si el punto más lejano que puedes ver al mirar hacia adelante está en la pared, ahí está tu línea de horizonte.

Después de identificar la línea de horizonte en una escena real, hay que buscar el punto de fuga. Para ello, céntrate en uno de los objetos del conjunto que tenga lados que se alejen en el espacio (un edificio, por ejemplo). Coge el cuaderno de bocetos, una regla y algunos lápices, y sigue estos pasos:

1.   Determina la posición del objeto en relación con la línea de horizonte.

A menudo, al dibujar del natural, la línea de horizonte se ve mal o no se ve, pero no te preocupes. Recuerda que se puede equiparar con el nivel de la vista y que, para encontrar este último, sólo tienes que mirar de frente. Cualquier punto que quede alineado con la mirada se encuentra en la línea de horizonte o de nivel de la vista.

Si el objeto cruza la línea de horizonte, toma nota de qué parte queda por encima y cuál por debajo de ella. La figura 11-6a muestra un ejemplo de una escena real con un objeto con lados que se alejan en la lejanía y que llevan a una línea de horizonte que no se ve. El nivel de la vista se sitúa hacia un tercio de la altura de la casa.

2.   En una hoja nueva del cuaderno de bocetos, dibuja una línea de horizonte con la regla y el lápiz 2H (figura 11-6b).

Para determinar dónde situar la línea de horizonte, decide la altura a la que quieres colocar el motivo de dibujo. Después aplica lo aprendido en el paso 1 sobre la relación entre la posición del objeto y la línea de horizonte. Observa que la línea de horizonte de la figura 11-6b está a un tercio de la altura de la casa.

3.   Con la regla y el lápiz 2H, dibuja una línea que represente la esquina principal o frontal de la estructura.

El artista de la figura 11-6 ha considerado que la esquina de ladrillo de la casa era la parte principal, ya que esta zona es más alta que la estructura de madera que tiene delante.

En cuanto hayas trazado la línea de horizonte, coloca primero las estructuras más altas. Así te aseguras de que te quepan todos los elementos en el dibujo.

Figura 11-6:

Emplea paralelas que converjan en la distancia en una escena real para determinar el punto de fuga

4.   Calcula visualmente los ángulos de las líneas de perspectiva que definen los lados que se alejan.

Para ello, sujeta con la mano no dominante algún utensilio largo, fino y recto (como una aguja de tejer, un pincel o un lápiz) y alinéalo con cualquiera de los bordes del lado del objeto que se aleja. No lo dirijas apuntando al objeto, sino en vertical y gira la muñeca hasta que quede alineado con el ángulo que quieres medir. Es importante mantenerlo paralelo a los ojos durante todo el proceso.

5.   Mientras sostienes la aguja de tejer o el pincel ante el motivo de dibujo, usa un lápiz para trazar la línea con el ángulo que calculas en el cuaderno de bocetos (figura 11-6b).

Aquí, el artista ha calculado el ángulo del tejado del porche (una línea que sabe que es horizontal pero que parece oblicua desde su punto de vista o perspectiva).

6.   Con la regla, alarga la línea de perspectiva hasta la línea de horizonte.

La figura 11-6c muestra cómo la línea de perspectiva del tejado del porche convergerá en algún momento con la línea de horizonte. Como puedes ver, quizá necesites prolongar la línea de horizonte más allá de los límites del papel para obtener los ángulos correctos de líneas de perspectiva como ésta.

El lugar donde la línea de perspectiva corta la línea de horizonte es el punto de fuga.

7.   Dibuja las verticales que indicarán la colocación de los elementos verticales del motivo.

En la figura 11-6d, el artista ha dibujado líneas verticales que concretan la posición de los elementos verticales de la casa, como las ventanas, las puertas y las esquinas.

8.   Usa las líneas que has trazado como guías que te orienten a la hora de dibujar los detalles del objeto.

En la figura 11-6e, el artista ha usado el ángulo que forma la línea de horizonte junto con la de perspectiva para colocar otros detalles horizontales, como el revestimiento, el ladrillo y la moldura. La primera línea vertical ha servido de guía para determinar el ángulo de los elementos verticales del dibujo, como los pilares de la barandilla.

Si la escena que quieres dibujar no tiene un edificio o algo similar, puedes emplear las dos paralelas de una carretera recta, una vía de tren o una valla para localizar el punto de fuga.

La ilusión de profundidad gracias a la perspectiva

Para conseguir una sensación de profundidad creíble en los dibujos, existen varias estrategias de perspectiva entre las que escoger. Además de la perspectiva geométrica, ten en cuenta los siguientes recursos que añadirán profundidad a tu obra (en la figura 11-7 hay ejemplos de todos ellos):

   Escala: Cuanto más lejos se encuentra un objeto, más pequeño parece. Cuanto más cerca, mayor hay que representarlo.

   Superposición: Algunos objetos se superponen a otros que están detrás, lo que produce la clara sensación de que algunos elementos están delante de otros.

   Localización vertical: Se puede adivinar lo alejado que está un objeto mirando su posición vertical en relación con la línea de horizonte. Cuanto más cerca se encuentre de ella, más lejos está del observador. Cuanto más alejado de la línea de horizonte, más cerca lo tendrá el espectador.

Figura 11-7:

La combinación de muchas estrategias y recursos de perspectiva crea una ilusión de profundidad

Como cualquier otro objeto, las personas también parecen más pequeñas al acercarse a la línea de horizonte. En la figura 11-8 se muestra un ejemplo. Observa que, al ir alejándose en la distancia y reducirse la figura en tamaño, parece que los pies se apoyan cada vez en un plano más alto en el papel. Al llegar al punto de fuga, las figuras parecen desaparecer por completo.

Vuelve a mirar la figura 11-7. Imagina una persona que anduviera por la acera hacia la línea de horizonte. ¿Puedes ver que el propio paseo avanza en diagonal hasta desvanecerse en el punto de fuga? Al mirar la ilustración, observa cómo las siguientes pistas ayudan a generar una ilusión de perspectiva y de profundidad:

   Todos los objetos parecen desaparecer de la vista en el mismo punto (el punto de fuga).

   Los árboles, las casas y los barcos parecen más pequeños cuanto más lejos se encuentran.

   La acera, la carretera, la valla y la playa se estrechan al alejarse.

   Los árboles grandes se superponen a algunas casas, lo que produce la sensación de que están más cerca que las casas que quedan detrás.

   Los arbolillos que se superponen a las entradas de coche generan la ilusión de que están delante de las mismas.

   Los objetos más grandes y los espacios más amplios están cerca de la parte inferior del dibujo y da la sensación de que están más cerca del espectador.

   La posición de la línea de horizonte (donde la tierra toca con el cielo) está en la zona superior del dibujo, lo que genera la ilusión de mirar de arriba hacia abajo.

Figura 11-8:

Los sujetos se hacen más pequeños hasta que parecen desaparecer en el punto de fuga

Los elementos de la perspectiva detallados

Para crear una ilusión verosímil de profundidad espacial en el dibujo, se requiere algo más que comprender la perspectiva lineal. Hay dos elementos que necesitas conocer:

   La perspectiva atmosférica: También llamada perspectiva aérea. Al alejarse un objeto en la lejanía, va perdiendo saturación del tono (tiende al gris) y definición en las formas y contornos y sus detalles se difuminan.

   El escorzo: Cuando el ángulo de visión es extremo, la distorsión visual es más pronunciada.

Incorpora la perspectiva aérea a tus dibujos

En un día claro, la posibilidad de ver objetos distantes se ve afectada por ciertos componentes de la atmósfera, como minúsculas partículas de polvo y polen o la presencia de vapor de agua. El efecto es más acusado los días en que el aire está saturado de niebla, humo, lluvia o nieve. Como la atmósfera influye en nuestra forma de percibir el mundo natural, hay que incorporar esta sensación a los dibujos mediante la perspectiva aérea.

En la figura 11-9, la combinación de las perspectivas atmosférica y geométrica genera un paisaje de bosque más creíble que si la artista sólo hubiera empleado la perspectiva geométrica. Mira de cerca la ilustración y observa lo siguiente:

   Los árboles situados en el primer plano tienen valores más contrastados que los que aparecen en la distancia. En otras palabras, sus sombras son más oscuras y sus luces, más brillantes.

   Los árboles de delante tienen más detalle de dibujo que los del fondo.

   Los árboles del primer plano son más grandes que los demás.

   Las bases de los árboles comienzan progresivamente más arriba en el papel según se van alejando en la distancia.

Cómo hacer escorzos

El escorzo da la sensación de que las dimensiones de un objeto encogen cuando su posición lo aleja de la mirada (observa, por ejemplo, la figura 11-10). Además, las características de los objetos en escorzo se evidencian cuando se ven objetos alargados desde un extremo, como sucede con las tablas de la figura 11-10.

Figura 11-9:

La perspectiva aérea hace que los árboles que están a lo lejos parezcan más grises y pierdan detalle y definición en comparación con los del primer plano

Dibujar empleando una perspectiva geométrica correcta en lugar de confiar sólo en la percepción visual te ayudará a hacer buenos escorzos y a producir dibujos realistas. Además, si practicas las técnicas de la perspectiva geométrica ahora, entrenarás la mirada para percibir los efectos del escorzo con mayor claridad. Después de un tiempo podrás prescindir de este método mecánico y serás capaz de dibujar con precisión de forma más libre.

Para ver cómo funciona el escorzo, observa la figura 11-10. Debes dar por supuesto que todas las tablas son de la misma longitud, aunque las más cercanas a la izquierda aparentan ser más largas que las de la derecha. Observa que la que está justo debajo del punto de fuga parece la más corta de todas porque el extremo da la sensación de que apunta directamente al espectador.

Figura 11-10:

El escorzo produce la ilusión de que un objeto encoge cuando su posición lo aleja de la mirada

Un ejemplo clásico del efecto del escorzo es la nariz humana. De perfil, la nariz tiene una forma básicamente triangular. Sin embargo, vista de frente, es muy complicada de dibujar debido a la distorsión del escorzo.

Observa la figura 11-11 y compara la nariz de perfil (figura 11-11a) con la nariz de frente (figura 11-11b). La primera forma un triángulo con un vértice que sale hacia fuera de la cara. Sin embargo, cuando la nariz gira hasta colocarse frente al espectador, se genera un escorzo. La figura 11-11b muestra un volumen redondo, la punta de la nariz, que representa esa parte que antes sobresalía. Unas curvas suaves, dibujadas sin apretar, definen los contornos a derecha e izquierda. Nota: Es importante que los trazos siempre sean flojos, ya que no existen líneas reales que separen la punta de los laterales en una nariz real.

Figura 11-11:

Cómo hacer el escorzo en el dibujo de una nariz vista de perfil y de frente

Proyecto. Dibuja una perspectiva central

La perspectiva central o con un punto de fuga se da cuando la cara frontal de un objeto (como un cubo) está más cerca del espectador y los lados se alejan en la distancia hasta converger en un único punto de fuga.

El objetivo de este proyecto es representar con precisión un prisma rectangular con una perspectiva central. Coge el cuaderno de bocetos, una regla y lápices 2H y 2B, y sigue estos sencillos pasos:

1.   Con la regla y el lápiz 2H, dibuja la línea de horizonte paralela a los bordes superior e inferior del papel.

2.   Sitúa un pequeño punto en el centro de la línea de horizonte que será el punto de fuga.

En la figura 11-12, se señala el punto de fuga como PF.

Figura 11-12:

Dibuja un cuadrado por debajo de la línea de horizonte

3.   Con el lápiz 2B, dibuja un cuadrado o rectángulo en el centro del espacio de dibujo, por debajo de la línea de horizonte (figura 11-12).

Las líneas superior e inferior del objeto deben ser paralelas a la línea de horizonte, mientras que los lados verticales deben quedar perpendiculares (en un ángulo de 90o) a la misma.

4.   Con la regla y un lápiz 2B, dibuja líneas que unan las dos esquinas superiores del cuadrado con el punto de fuga (figura 11-13).

Figura 11-13:

Dibuja rectas desde el cuadrado hasta el punto de fuga

5.   Completa la forma tridimensional añadiendo una línea que conecte las dos oblicuas que has dibujado en el paso 4 (figura 11-14).

Esta línea debe ser paralela al lado superior del cuadrado y a la línea de horizonte.

Figura 11-14:

Completa la forma conectando las líneas oblicuas

Proyecto. Dibuja una perspectiva con dos puntos de fuga

La perspectiva con dos puntos de fuga se consigue cuando la esquina de un objeto (generada al unirse dos caras de un volumen, como el de un cubo) está más cerca del espectador que cualquiera de los lados. Estos lados se alejan en el espacio hacia dos puntos de fuga sobre una misma línea de horizonte.

Para tener un ejemplo real, imagina un edificio. Cuando la esquina del edificio (u otra forma vertical) está más cerca de ti que cualquiera de los lados, ninguno de ellos queda paralelo a la línea de horizonte. Por eso se necesita emplear la perspectiva con dos puntos de fuga para representarlo con precisión.

Practica la perspectiva con dos puntos de fuga. Coge el cuaderno de bocetos, la regla y lápices 2H y 2B, y después sigue estos pasos:

1.   Con la regla y el lápiz 2H, traza una línea de horizonte paralela a los bordes superior e inferior del espacio de dibujo y marca dos puntos de fuga sobre esa línea (figura 11-15).

Para recordar cuál es cada punto de fuga, puedes señalarlos como PF-1 y PF-2.

Figura 11-15

Prepara el dibujo de perspectiva con dos puntos de fuga

2.   Con la regla y el lápiz 2B, dibuja una línea vertical que representará la esquina principal del edificio o del prisma rectangular.

En la figura 11-15 esta línea se denomina AB.

3.   Con la regla y el lápiz 2B, conecta los dos extremos de la línea vertical con cada punto de fuga (figura 11-15).

4.   Usa la regla y el lápiz 2B para trazar dos paralelas a la vertical que has dibujado en el paso 2. Asegúrate de que los extremos de estas rectas quedan sobre las líneas de perspectiva oblicuas que has dibujado en el paso 3 (figura 11-16).

Puedes trazar esas líneas (llamadas CD y EF en la ilustración) tan cerca o lejos de la primera vertical como quieras. No han de ser equidistantes.

5.   Con la regla y el lápiz 2B, conecta los extremos de la primera línea que has dibujado en el paso 4 con el punto de fuga del lado opuesto del papel. Une también los extremos de la segunda vertical dibujada en el paso 4 con el punto de fuga del lado opuesto (figura 11-16).

En la ilustración, los puntos C y D conectan con el PF-2 y los puntos E y F enlazan con el PF-1. Ahora todos los lados del prisma rectangular están en su lugar.

Figura 11-16:

Acabado del dibujo de perspectiva con dos puntos de fuga

Proyecto. Dibuja una perspectiva con tres puntos de fuga

La perspectiva con tres puntos de fuga se logra cuando una estructura que normalmente se representaría con dos puntos de fuga es tan alta o profunda que las verticales que antes eran paralelas parecen converger en un punto muy por encima o por debajo de la línea de horizonte. En la figura 11-17 encontrarás un ejemplo. Este dibujo de un rascacielos tiene mucho en común con una perspectiva de dos puntos de fuga. Sin embargo, se diferencia en que las líneas que deberían ser verticales parecen inclinarse levemente en una suave pendiente. Esta leve inclinación es en la realidad mucho más correcta de lo que lo serían las estrictas líneas verticales.

La perspectiva geométrica tiene algunas limitaciones como sistema de dibujo y puede resultar problemática en perspectivas con tres puntos de fuga cuando se sitúan inadecuadamente en el espacio de dibujo, lo que genera enormes distorsiones. Para minimizar el posible error, coloca los puntos de fuga tan separados como te sea posible. Puedes incluso pegar el papel sobre una tabla de dibujo o una mesa y dibujar los puntos de fuga en la superficie, fuera del papel.

Figura 11-17:

Un rascacielos dibujado con perspectiva de tres puntos de fuga

Para practicar la perspectiva con tres puntos de fuga, coge el cuaderno de bocetos, la regla y lápices 2H y 2B. Después prepárate para probar con una estructura del estilo de una caja y sigue estos pasos:

1.   Con la regla y el lápiz 2H, dibuja una línea de horizonte paralela a los bordes superior e inferior del espacio de dibujo y señala dos puntos de fuga sobre ella.

Identifica los puntos PF-1 y PF-2.

2.   Añade un tercer punto de fuga alto en el papel en medio de los dos anteriores (figura 11-18).

Puedes llamarlo PFE, como punto de fuga especial.

Figura 11-18:

Sitúa tres puntos de fuga en el dibujo

3.   Con la regla y el lápiz 2B, traza una línea que comience debajo de la línea de horizonte y siga hacia arriba, hasta el tercer punto de fuga.

4.   Usa la regla y el lápiz 2B para dibujar las líneas de perspectiva desde el extremo inferior de la recta que has dibujado en el paso 3 hasta los puntos de fuga situados en la línea de horizonte (figura 11-19).

5.   Decide la altura que quieres que tenga la estructura y realiza una marca sobre la línea principal que funciona de esquina para señalar el punto más alto.

6.   Con la regla y el lápiz 2B, traza las líneas de perspectiva desde este punto hasta el primer y segundo puntos de fuga (figura 11-19).

7.   Decide la anchura de la base de la estructura y realiza una marca en cada una de las líneas de perspectiva para indicarla tanto en el lado derecho como en el izquierdo.

8.   Usa la regla y el lápiz 2B para dibujar dos líneas que conecten las marcas que has realizado en el paso 7 con el tercer punto de fuga.

Esto completa la estructura a modo de caja. Si quieres convertirla en algo como un rascacielos, borra la línea del nivel de la vista y los segmentos sobrantes de las líneas de perspectiva.

Figura 11-19:

Dibuja una perspectiva con tres puntos de fuga por encima del nivel de la vista

9.   Repite el paso 1 en un papel aparte.

10. Añade un tercer punto de fuga por debajo de la línea de horizonte y a medio camino entre los dos anteriores (figura 11-20).

Puedes identificarlo como PFE, siglas de punto de fuga especial.

11. Con la regla y el lápiz 2B, traza una recta que comience a la altura que desees por debajo del nivel de la vista y que llegue hasta el tercer punto de fuga.

Figura 11-20:

Dibuja una perspectiva con tres puntos de fuga por debajo del nivel de la vista

12. Con la regla y el lápiz 2B, dibuja las líneas de perspectiva desde el extremo superior de la recta dibujada en el paso 11 hasta los dos puntos de fuga de la línea de horizonte (figura 11-20).

13. Decide qué longitud tendrá la caja y realiza una marca en la recta principal que funciona como esquina para señalar el punto más bajo.

14. Decide la anchura de la base de la caja y realiza una marca en cada línea de perspectiva que hayas dibujado en el paso 12 para indicar el ancho tanto en el lado derecho como en el izquierdo.

15. Con la regla y el lápiz 2B, traza líneas de perspectiva desde las marcas que has realizado en el paso 14 hasta los puntos de fuga de la línea de horizonte (figura 11-20).

16. Usa la regla y el lápiz 2B para dibujar dos rectas que conecten las marcas del paso 14 con la del paso 13.

La figura 11-20 te muestra el aspecto de un dibujo de perspectiva con tres puntos de fuga cuando el objeto está situado por debajo del nivel de la vista.

La perspectiva con tres puntos de fuga puede ser muy natural, pero los artistas la suelen emplear para crear sensación de dinamismo (una distribución enérgica o contundente de los objetos en el espacio de dibujo), por ejemplo, en novelas gráficas o en animación. La distancia entre el punto de fuga especial y los que están sobre la línea de horizonte influye sobre el dinamismo del dibujo con este tipo de perspectiva. Cuanto más se acerca el tercer punto de fuga a los otros dos, más se enfatizan los ángulos del edificio o de la estructura que estés dibujando. Sin embargo, si el punto de fuga especial se sitúa demasiado cerca de la línea de horizonte, el resultado puede quedar distorsionado. Puedes probar con varios emplazamientos para lograr diferentes niveles de dinamismo en las estructuras.

Proyecto. Araña el cielo con un dibujo de perspectiva dinámica

La perspectiva con tres puntos de fuga es una herramienta fantástica para generar dibujos realistas precisos, pero es aún más emocionante aplicarla en creaciones imaginativas y dinámicas, como la ciudad de ficción que te proponemos en esta sección.

Para este proyecto de perspectiva con tres puntos de fuga, debes coger el cuaderno de bocetos, lápices 2H y 2B, una goma vinílica y la regla. Cuando tengas las herramientas a mano, sigue estos pasos:

1.   Con el lápiz 2H y la regla, traza una línea de horizonte paralela a los márgenes superior e inferior del papel, señala dos puntos de fuga sobre ella e identifícalos como PF-1 y PF-2.

2.   Añade un tercer punto de fuga, llamado PFE, bastante alto en el espacio de dibujo y entre los otros puntos de fuga.

3.   Sigue los pasos 3 a 8 de la sección anterior, “Proyecto. Dibuja una perspectiva con tres puntos de fuga”, para dibujar la primera caja, o edificio, del paisaje urbano (figura 11-21).

Figura 11-21:

Comienza el paisaje urbano con una caja única que representará el primer edificio

4.   Añade más cajas o edificios al paisaje urbano (figura 11-22).

Para dibujar la segunda caja, escoge un punto a lo largo de cualquiera de las líneas de perspectiva que has trazado desde la arista inferior de la primera caja y los puntos de fuga derecho e izquierdo. Con la regla y el lápiz 2B, dibuja una línea entre ese punto y cada uno de los puntos de fuga de la línea de horizonte. Repite los pasos del 5 al 8 de la sección anterior, “Proyecto. Dibuja una perspectiva con tres puntos de fuga”.

Repite este proceso hasta que hayas dibujado tantos edificios como desees incluir en el paisaje urbano. Si varías la altura de los edificios, lograrás un dibujo más vibrante y realista.

5.   Usa la goma vinílica para aclarar y borrar las líneas innecesarias.

Figura 11-22:

Usa las líneas de perspectiva para dibujar los otros edificios que se alinean en la calle

6.   Añade ventanas, puertas y otros detalles de los edificios que has dibujado en el paso 4 (figura 11-23).

Las puertas y ventanas también son rectángulos que hay que mantener en perspectiva empleando los puntos de fuga para dibujarlos tal como has hecho en los edificios. Cuando una puerta está en un muro que se aleja, el punto de fuga con el que has dibujado la pared te sirve para el umbral y el dintel de la puerta.

Figura 11-23:

Emplea los puntos de fuga para dibujar las puertas y ventanas

7.   Borra las líneas adicionales y añade toques finales, como el sombreado, para aportar una sensación más realista al dibujo (figura 11-24).

Usa el lápiz 2B para oscurecer las líneas importantes.

Figura 11-24:

Ciudad imaginaria con una perspectiva de tres puntos de fuga

En esta parte...

Cuando ya sabes lo que quieres dibujar, debes escoger el tema. Cualquier cosa que puedas pensar o imaginar puede convertirse en motivo de dibujo. Al tener tantas opciones, al principio te puedes sentir un poco abrumado, pero ¡no te preocupes! No tienes que limitarte a una. La parte III te enseñará cómo experimentar con diferentes temas de dibujo. Cada capítulo explora una categoría principal, desde bodegones y paisajes hasta animales y personas.

Al principio lo mejor es probar muchos temas, y así, con cada motivo, descubrirás nuevas formas de enfocar el dibujo. Si ya llevas un tiempo dibujando, la parte III te aportará nuevas perspectivas sobre temas que ya conoces, o te introducirá en otros que no has tratado hasta ahora. En cualquier caso, puedes trabajar todos los capítulos de esta parte o seleccionar uno o dos.

Capítulo 12

Realizar bodegones cargados de sentido

En este capítulo

   Escoge elementos para crear un bodegón

   Planifica e ilumina el bodegón

   Dibuja una naturaleza muerta

Los bodegones o naturalezas muertas son uno de los motivos de dibujo más comunes en la historia del arte, ya que ofrecen muchas ventajas sobre cualquier otro tema. Una de las más importantes es el tiempo. A diferencia de los modelos humanos, que en algún momento tienen que dejar el estudio para comer, dormir, etc., si tú estás disponible, el bodegón también. Puedes dedicarte a él un rato, tomarte un descanso y volver a retomarlo cuando estés listo. Además, a diferencia de los paisajes, no tendrás que preocuparte de las cambiantes condiciones atmosféricas.

Cuando se piensa en naturalezas muertas, la imagen recurrente es la de un frutero lleno o un jarrón con flores. En realidad, cualquier objeto estable puede servir para un bodegón. La gracia está en escoger elementos que tengan algún significado para ti, de modo que no pierdas interés antes de acabar el dibujo.

Los bodegones, como te ofrecen una enorme libertad de horario a la hora de trabajar, son una estupenda forma de practicar el dibujo sin presión. En este capítulo te mostraremos cómo seleccionar los elementos para una naturaleza muerta, cómo distribuirlos e iluminarlos y, finalmente, cómo dibujarlos con precisión.

Seleccionar elementos para un bodegón

Casi cualquier combinación de objetos puede ser un buen motivo de naturaleza muerta. Por ejemplo, puedes escoger un conjunto que parezca encajar porque los elementos tengan entre ellos alguna relación funcional, como los ingredientes y la vajilla del desayuno. También se pueden buscar similitudes visuales, como un grupo de cosas redondas o a cuadros.

Independientemente de cómo escojas los objetos, intenta que tengan sentido para ti. Así, te entusiasmará dibujarlos, lo cual es una estupenda fuente de motivación.

El número de objetos depende de ti. Por ejemplo, puedes hacer un bonito bodegón con un sencillo espárrago o, por el contrario, emplear un gran número de elementos a modo de exposición de provisiones sobre una mesa. (En el capítulo 6 encontrarás más información sobre cómo crear una composición potente.) Las siguientes secciones te muestran cómo seleccionar los objetos adecuados para un bodegón, cómo agruparlos por sus características funcionales y visuales y cómo lograr el máximo impacto con objetos transparentes.

Agrupar un gran número de objetos en un bodegón puede resultar muy estimulante a nivel visual, pero se necesita mucha paciencia para completar un dibujo con tantos elementos. Sin embargo, que eso no te disuada. Si te gustan los retos, ¡adelante!

Escoge motivos de bodegón significativos para ti

Muchas naturalezas muertas incluyen elementos clásicos, como fruta, vajilla, utensilios, objetos ornamentales y flores, pero cualquier cosa que te interese es susceptible de formar un conjunto atractivo. (Encontrarás más información sobre el dibujo floral en el capítulo 13.) Si escoges objetos que sean significativos para ti, te divertirás más dibujándolos. Sin embargo, ten presente que no hace falta que sean reliquias familiares ni que te vuelvas loco buscándolos.

Mira a tu alrededor, a los objetos que usas cada día. Escoge los que te resulten únicos e importantes y dibújalos. Por ejemplo, la artista de la figura 12-1 tomó como modelo el lavabo en la figura 12-1a porque le pareció curioso su ángulo desajustado. En la figura 12-1b dibujó unas plantas y una lámpara porque le gustó cómo la lámpara parecía crecer desde su base redonda, igual que las plantas crecen en las macetas.

Dibujar objetos (y cualquier otro motivo, en realidad) es una poderosa forma de llegar a conocerlos. Así que, antes de comenzar a dibujar un bodegón, prepárate para mirar los objetos cotidianos desde una perspectiva completamente nueva.

Si estás falto de ideas sobre los objetos con los que componer el bodegón, busca en mercadillos, tiendas o páginas web de segunda mano y anticuarios. Lo antiguo, envejecido o usado tiene personalidad y significado, se reconoce y los puedes incorporar al dibujo. Incluso de la fiambrera de la comida se pueden sacar temas divertidos. Por ejemplo, coge una apetitosa manzana, colócala delante de ti y abocétala. Pégale un mordisco y dibújala de nuevo. Continúa haciendo una serie completa de dibujos, ¡hasta que llegues al corazón!

Figura 12-1:

Busca por tu casa elementos interesantes para un bodegón

Distribuir los objetos del bodegón

En el momento de reunir objetos para un bodegón, tienes dos opciones: puedes agruparlos pensando en los elementos visuales (similitud formal) o en los usos o significados (relaciones funcionales). Independientemente de cómo escojas los objetos del bodegón, ten presente que deben encajar para crear una sensación de unidad (conjunto) en la composición.

Si decides agrupar los objetos basándote en la similitud formal, pondrás juntos objetos que tienen dos o más elementos visuales en común (líneas, formas, espacios, tonos, patrones, texturas y todo lo que compone la obra de arte). En arte, estas características visuales se combinan para crear la ilusión de realidad. Por ejemplo, el dibujo de una silla es una combinación de líneas que construyen formas, espacios entre las formas y tonos.

Los objetos similares desde el punto de vista formal no forman parte de un conjunto más allá de sus características visuales. Por ejemplo, podrías hacer un bodegón de objetos redondos y colocar una pelota, una naranja y una bola de chicle. Con la similitud formal, ¡las posibilidades son infinitas!

Un subgrupo importante de los conjuntos basados en la similitud formal es el que se basa en la combinación de parecidos y diferencias. En este tipo de naturaleza muerta puedes incluir dos o más grupos de objetos que contrasten. Un ejemplo sería un bodegón de elementos negros, blancos y a franjas blancas y negras.

También hay que pensar en el contraste a la hora de montar un bodegón basado en relaciones funcionales. Por ejemplo, al reunir materiales de bellas artes para formar un conjunto, puedes crear un contraste interesante incluyendo algunos elementos que no sean de arte. En la figura 12-2a, los tarros donde están los pinceles y los bolígrafos son un contrapunto agradable respecto a los objetos pequeños. Los tarros ayudan a organizar los materiales a modo de ramo.

En la figura 12-2 puedes ver ejemplos de la diferencia entre los bodegones basados en similitudes formales y los que tienen las relaciones funcionales como común denominador. Ambos dibujos se parecen de entrada, pero las ideas que se esconden detrás son muy distintas. La figura 12-2a es un dibujo de objetos que parecen un conjunto por su relación funcional (todos se usan para la creación artística). La figura 12-2b muestra objetos que se relacionan entre sí por sus similitudes formales (todos son rectangulares).

Figura 12-2:

Agrupaciones de objetos basadas en relaciones funcionales y en similitudes formales

Puedes dar unidad a una naturaleza muerta escogiendo objetos relacionados por su temática. Piensa en temas protagonizados por objetos físicos como herramientas de jardinería y plantas, utensilios de cocina y comida, vajilla, y temas que se basen en ideas como la historia, la familia, la identidad, la política, la música, personajes ficticios, cuentos, etc. Por ejemplo, si quieres crear un bodegón sobre una historia, distribuye los objetos que imaginas que podrían encontrarse en la mesa de café de Sherlock Holmes.

Disfrutar el reto de los objetos transparentes

Desde hace mucho tiempo, los objetos de vidrio y cristal son los preferidos por los artistas, tal vez por los juegos de transparencias que generan. Se ve a través de ellos, pero, al mismo tiempo, se es consciente del volumen del objeto. Sus texturas brillantes requieren intensos toques de luz y una gama tonal completa (incluyendo valores muy oscuros). Observa los dibujos de la figura 12-3 para entender lo que queremos decir. (En el capítulo 10 encontrarás más información sobre el dibujo de texturas.)

En la figura 12-3a, las cualidades transparentes del vidrio determinan los valores que la artista ha empleado para el sombreado de esta original botella.

   Los tonos más oscuros del fondo se traducen en sombras en la mitad superior de ésta.

   Los valores claros de la superficie en la que se apoya la botella se ven en su mitad inferior.

   Los tonos oscuros de la sombra que produce la botella se aprecian en la base.

   En algunos momentos, los bordes parecen desaparecer. Cuando la luz destella a través de un vidrio tridimensional, ilumina parte de la superficie y proyecta algunas zonas en sombra. Sin embargo, otras partes se representan con el mismo tono que el fondo y parece que desaparecen.

   Los tonos oscuros ayudan a definir los bordes duros, y los claros identifican bordes suaves. Los rebordes duros alertan de un cambio brusco en la dirección de la superficie del objeto, mientras que los blandos informan de una transición suave. Por ejemplo, la artista empleó una línea oscura para dibujar el lateral izquierdo de la botella con la que marcar, con contundencia, el abrupto cambio de dirección del canto.

El ángel de cristal de la figura 12-3b muestra un intrincado estudio de una figura transparente muy detallada. Muchos de los valores medios aparecían en el fondo, pero la artista decidió dejarlo en blanco para acentuar la compleja textura de este objeto tan particular.

Figura 12-3:

El tono y la textura ayudan a dibujar objetos transparentes en un bodegón

Identifica la forma de la sombra proyectada

Una sombra proyectada se produce cuando un objeto bloquea la luz e impide que ésta llegue a otro objeto. Por ejemplo, una persona en una acera al amanecer o al atardecer produce una sombra alargada porque el cuerpo bloquea la luz del Sol, la cual no llega a la acera.

Tanto la forma de un objeto como la superficie sobre la que se apoya determinan la forma de la sombra proyectada. Por ejemplo, si miras la sombra de una manzana sobre una mesa plana, comprobarás que se parece a la propia manzana. Pero si está sobre una tela arrugada, la forma de la sombra seguirá los contornos de los pliegues del tejido.

El origen de la fuente de luz también influye sobre la forma y el tamaño de la sombra proyectada. Por ejemplo, en las horas centrales del día, cuando el Sol brilla casi verticalmente, la sombra, si la hay, es pequeña y apenas destaca del objeto. Más adelante, al caer la tarde, el Sol está más bajo en el cielo y los rayos llegan más inclinados, generando una sombra alargada que se estira más y más con el atardecer.

Encuentra objetos de distintas formas, colócalos de uno en uno bajo una luz potente y observa sus sombras. Mueve la luz a su alrededor (o los objetos) y analiza los cambios en la forma de las sombras. Sitúa los modelos sobre una tela y mira cómo la sombra sigue los pliegues del tejido. (En el capítulo 6 encontrarás más información sobre las sombras.)

Aunque el dibujo de objetos transparentes es todo un reto técnico, te sentirás muy bien cuando consigas representar exactamente las texturas y tonos que buscas para generar la ilusión de volumen y transparencia, así que ¡no te rindas! En el capítulo 9 encontrarás más información sobre la construcción de tonos y en el 10 hablamos sobre la representación de texturas.

Distribuir el bodegón

Cuando estés preparado para montar el bodegón, imagina que eres el director de una obra y que tienes que situar a tus “actores” en el escenario. La distribución que escojas establecerá los ritmos básicos del dibujo y generará un impacto sobre el espectador. Si puedes, intenta colocar los objetos de manera que se acentúen las cualidades por las que los escogiste en su momento. Por ejemplo, si rodeas un jarrón alto de otros jarrones altos, el primero no llamará la atención, parecerá uno más, mientras que si lo rodeas de jarrones bajos, destacará y parecerá más alto. (Encontrarás información detallada sobre composición en el capítulo 6.)

Si no lo has hecho antes, montar un bodegón te puede parecer un poco intimidante. ¡Que no cunda el pánico! Los siguientes consejos te ayudarán:

   Escoge objetos que se complementen entre ellos. Ya sea un conjunto funcional o una agrupación formal, selecciona objetos que combinen. Intenta evitar los extremos de la escala dentro de un mismo bodegón. Puedes emplear elementos de varias alturas pero comprueba que todos tengan la suficiente entidad como para que no se pierdan en la masa. Por ejemplo, si colocas un pequeño candelabro de cristal al lado de un gran florero metálico, el segundo se “comerá” al primero y quizá los espectadores ni siquiera se den cuenta de que allí hay un candelabro.

   No lo compliques. Tres objetos es un buen número para empezar. Si cada objeto tiene una altura levemente diferente al resto, puedes distribuirlos casi de cualquier manera y quedará bien.

   Decide dónde instalar el bodegón. Si no tienes un estudio de dibujo, busca un sitio donde puedas dejar el bodegón montado hasta que acabes de dibujarlo.

   Pon algún tipo de fondo detrás del bodegón. No dejes esta decisión para el último momento. Después de todo, el fondo será parte del dibujo acabado. Puedes colocar el bodegón contra una pared o una ventana, colgar una tela o pegar papel de color sobre una tabla para darle un poco de vida.

   Decide qué usar como base. Si no quieres dibujar la superficie de la mesa en la que se apoyan los objetos, cúbrela con algo, como, por ejemplo, un tejido liso o estampado, que puede dar un toque muy bonito a una naturaleza muerta. Sin embargo, los pliegues de la tela pueden ser difíciles de dibujar. Si eres principiante, te recomendamos que sustituyas la tela por un papel blanco o de color.

   Experimenta con la distribución. Prueba distintas distribuciones antes de decidirte por una. Aquí tienes algunos ejemplos:

•    Disemina los objetos.

•    Amontónalos juntos.

•    Agrupa dos objetos y aleja el tercero. Prueba cuáles juntar y cuánto alejar el que queda solo.

•    Alinéalos por altura.

•    Alinea los objetos poniendo el más alto en el centro.

   Elige el formato del papel: vertical, apaisado, cuadrado o redondeado. La mayoría de bodegones son apaisados o verticales, pero ¿cómo elegir el que te vaya mejor? Guíate por la orientación general del motivo de dibujo. Si se trata de un conjunto de fruta extendida sobre una manta, un formato horizontal sería una buena elección. Por otro lado, si es un bodegón estrecho y dominado por un jarrón alto, le irá mejor un formato vertical.

   Asegúrate de tener un lugar cómodo para sentarte o quedarte de pie al dibujar. Cuando hayas comenzado el dibujo, no puedes cambiar de posición de sentado a de pie sin alterar drásticamente la perspectiva desde la que ves los objetos del bodegón. Por ejemplo, imagina que comienzas de pie y mirando hacia abajo a los objetos pero, en un momento dado, decides sentarte. En cuanto tu cabeza está más baja, dejas de ver las caras superiores de los objetos como lo hacías antes. Si tratas de seguir dibujando, la perspectiva no encajará. (En el capítulo 11 tienes más información sobre la perspectiva.)

Cuando ya lleves un tiempo dibujando, quizá quieras probar distribuciones más estimulantes. Puedes seguir usando cualquier objeto porque incluso los más comunes ofrecen nuevos retos si experimentas con la colocación. Una manera estupenda de incrementar la complejidad consiste en situarte en una perspectiva inusual para generar una vista atípica. Prueba lo siguiente: siéntate en el suelo y levanta la vista hacia la parte superior de una estantería. Dibuja los libros y los objetos decorativos desde abajo. En la figura 12-4 puedes ver un ejemplo del aspecto que podría tener este bodegón.

Figura 12-4:

Dibuja objetos cotidianos desde perspectivas inusuales

La iluminación del bodegón

Si alguna vez has estado en una habitación a oscuras y has visto las caras de tus amigos iluminadas con una linterna desde la barbilla, ¡sabrás que la iluminación tiene un fuerte impacto! (Si no lo has probado, ¡hazlo!)

La iluminación define la escena y el ambiente del dibujo. Informa al espectador de si es de día, de noche, si hay calma, agitación o de cualquier otra sensación. Como director del dibujo, eres el responsable de escoger la luz para crear la escena y el ambiente que deseas. Si no sabes qué quieres, experimenta. Trata de colocar los objetos bajo diferentes iluminaciones para descubrir la que funciona mejor.

En el tema de la iluminación, lo primero que debes decidir es si quieres usar luz natural o artificial. Si te decantas por la segunda opción, puedes comprar flexos baratos y bombillas de gran intensidad en cualquier ferretería. Estas lámparas son muy prácticas como fuente de luz para los bodegones.

Si quieres usar luz natural, debes ser consciente de que de tanto en tanto la luz cambiará si el Sol se esconde tras unas nubes o cuando empiece a oscurecer al caer la tarde. De todas formas, no dejes que este detalle te disuada de aprovechar la luz natural, porque produce sombras preciosas y seguro que aporta ambiente al dibujo. Por ejemplo, la luz invernal genera una sensación diferente a la luz estival, y la luz matutina es muy distinta de la del atardecer.

Para abordar el problema del constante cambio de luz natural, te proponemos lo siguiente:

   Ten varias hojas de papel a mano para que puedas empezar una nueva versión del dibujo cada vez que cambie la luz. De esta manera, puedes retomar los dibujos a medias al día siguiente y trabajar en cada uno de ellos cuando la luz coincida. Hacer varios dibujos al mismo tiempo puede ser una experiencia emocionante. El inconveniente es que si llueve el día que comienzas a dibujar, tienes que esperar hasta que llueva de nuevo para continuar esa serie.

   Acompaña los cambios. No es necesario que rehagas constantemente las luces y sombras del dibujo para acompañar los cambios de luz. Puedes limitarte a emplear los tonos que tengas en cada momento. Al final, el dibujo reflejará un compendio de la diferente iluminación a lo largo del día.

   Haz una foto antes de empezar y úsala como referencia mientras trabajas. Perderás algo de la complejidad de las luces y sombras porque la fotografía condensa los tonos, pero tendrás un registro de cómo estaban cuando comenzaste.

Después de escoger el tipo de luz, decide dónde situarla con relación al bodegón. Ten presente que la posición de la fuente de luz influye en la apariencia del volumen de los objetos. La figura 12-5 muestra cómo, al cambiar la posición de la luz, el aspecto del jarrón también se modifica. Observa las distintas sensaciones que te produce el jarrón según la iluminación.

Para que te hagas una idea más clara de cómo influye la luz sobre una naturaleza muerta, lo mejor es que consigas un objeto, una superficie plana blanca y una fuente de luz portátil (puedes emplear cualquier fuente de luz, como un flexo, una lámpara, una linterna o el brillo del ordenador). Sitúa el objeto sobre la superficie plana, monta cada una de las siguientes opciones de iluminación y comprueba cuál te gusta más:

   Luz desde arriba y ligeramente a la derecha del objeto (figura 12-5a): Esta iluminación clásica enfatiza las sombras, luces y formas tridimensionales del jarrón.

   Luz a la derecha y levemente por debajo del objeto (figura 12-5b): Esta opción genera un fuerte contraste entre zonas de luz y de sombra y resalta las cualidades tridimensionales del jarrón. Busca la luz refleja en el borde de la cara en sombra (la luz que ilumina una sombra tras rebotar desde un punto cercano, con frecuencia la superficie sobre la que se apoya el objeto). Revisa el capítulo 8, donde encontrarás más información sobre luces, sombras y luz refleja.

   Luz desde detrás del objeto (figura 12-5c): La presentación a modo de silueta que produce esta iluminación genera una imagen menos detallada porque sólo se ve el lado en sombra del jarrón. Al dibujar un bodegón así, hay que sombrear casi todo el objeto con tonos oscuros.

   Luz desde delante del objeto (figura 12-5d): La ausencia de sombras visibles, que quedan fuera de la mirada del espectador (por detrás del objeto), hace que el jarrón parezca blando y plano. La iluminación frontal es muy frecuente en las fotos con flash.

Figura 12-5:

El mismo objeto iluminado de cuatro maneras diferentes

Usa las fotografías como herramientas de referencia e intenta dibujar del natural siempre que sea posible. Si no, el dibujo no llegará a ser un retrato fiel del objeto. Por ejemplo, la fotografía de la figura 12-5b no ha captado la fina franja de luz refleja que se veía en la zona en sombra del jarrón real.

Si tienes una razón por la que quieres que los elementos del bodegón resulten planos en lugar de tridimensionales, prueba con la iluminación frontal o trasera. Lograrás un contraste dramático entre la tonalidad del objeto y la del fondo. Este contraste tonal tan acentuado puede realzar las sensaciones emotivas o psicológicas del dibujo. Grandes artistas del siglo XX, como Picasso o Matisse, realizaron naturalezas muertas que ponían el acento en las formas planas. Si te interesa hacer la prueba de trabajar como ellos, la iluminación que aplana puede ayudarte a distinguir fácilmente los contornos exteriores de los objetos.

Proyecto. Dibuja un bodegón

La clave para dibujar cualquier tema es descomponerlo en sus formas más sencillas y genéricas, y después trabajar aumentando gradualmente el nivel de detalle. Antes de comenzar a dibujar un objeto del bodegón, dedícate a observarlo. Trata de olvidar que sabes lo que es y examínalo como si nunca lo hubieras visto. Observa las figuras básicas (cilindros, esferas, cajas y conos) que lo forman. Cuando eres capaz de ver las formas simples que componen un objeto, ya estás preparado para dibujarlo con precisión.

Para este proyecto puedes usar el medio de dibujo que prefieras. La artista de las ilustraciones que te mostramos empleó un lápiz de grafito 2B para empezar y después cambió a un 4B. También necesitarás papel y una goma. Para ponerte en marcha, escoge un objeto que quieras dibujar, y sigue estos pasos:

1.   Coloca el objeto sobre una superficie plana de modo tal que puedas verlo completamente sin tener que moverte.

La figura 12-6 muestra la taza de café que se emplea en este dibujo.

2.   Observa el objeto, sostén el lápiz 2B cerca de la parte superior del papel y visualiza un eje que recorra el objeto por el centro. Mirando el objeto, traza esa línea imaginaria de arriba abajo.

Esta línea es el eje del objeto (la línea que recorre el objeto por el centro). En la figura 12-7 puedes ver el eje imaginario de la taza.

3.   Vuelve a mirar el objeto para determinar las formas que lo componen. Aboceta con suavidad y velocidad las formas básicas del objeto, empleando el eje dibujado en el paso 2 a modo de guía.

La taza de café de la figura 12-6 se descompone en una caja con media esfera asomando por un lateral (observa la figura 12-8).

Seguramente no aciertes a la perfección con las formas en un único trazo. Pero no pierdas tiempo borrando cada fallo; si lo haces, rompes el ritmo. Además, al borrar el error, puede que olvides dónde estaba y vuelvas a caer en él. Al principio, no seas excesivamente meticuloso con el dibujo. Tendrás tiempo para borrar todas las líneas sobrantes al final.

Figura 12-6:

El motivo de un bodegón situado sobre una superficie plana

Figura 12-7:

Dibuja el eje imaginario de la taza de café en el papel

4.   Usa las líneas dibujadas en el paso 3 como esbozo que te ayude a conectar y suavizar los contornos del objeto (figura 12-9).

La boca de la taza es especialmente difícil de dibujar. Tu cerebro sabe que la parte superior de la taza es un círculo, pero, si trataras de dibujar un círculo, no parecería real. Cuando un círculo ”se vuelca” en el espacio, como es el caso de la taza, se aplana en una forma oval llamada elipse (en la figura 12-9 tienes un ejemplo). Para dibujar una elipse, mantén la mirada en el objeto y mueve la mano, imaginando que dibujas sobre la taza. Trata de olvidarte del papel y limítate a sentir el lápiz bordeando la elipse.

Figura 12-8:

Descompón el objeto en formas básicas

Figura 12-9:

Usa las formas básicas como guía de trabajo mientras pules los contornos del objeto

5.   Observa cuidadosamente las curvas y los ángulos del objeto y ajusta las líneas del dibujo que no coincidan con las del modelo.

Te darás cuenta de que no todas las líneas que delimitan los contornos de la taza tienen el mismo grosor. Un aspecto importante del dibujo de objetos tridimensionales es la modulación del grosor de las líneas (una técnica llamada modulación del peso del trazo). Te recomendamos que durante las primeras etapas dibujes con trazos suaves pero, en el momento de afinar el dibujo, deberás enfatizar ciertas líneas de contorno. Para averiguar qué líneas necesitan reforzarse, observa los bordes del objeto. Selecciona las partes más oscuras y las más claras. En las más oscuras, repasa las líneas con el lápiz 2B. Hazlo con delicadeza para lograr transiciones suaves entre los segmentos más claros y los más oscuros de las líneas.

6.   Borra las líneas que no aparezcan en el objeto (figura 12-10).

Figura 12-10:

Borra las líneas que ya no necesites

7.   Emplea la técnica de sombreado que prefieras para matizar el objeto (figura 12-11).

En este paso, la artista cambió a un lápiz 4B y se decantó por el tono continuo. (Encontrarás más información sobre sombreado en el capítulo 9.)

No olvides añadir la línea que representa la mesa sobre la que se apoya el bodegón.

Figura 12-11:

Dale vida y matiza con un sombreado

Capítulo 13

Dibujar el mundo natural

En este capítulo

   Capta los diversos estados del cielo

   Dibuja árboles y flores realistas

   Pon a prueba tu dibujo de la naturaleza en dos proyectos

Pocos temas de dibujo tienen más capacidad de cautivar al espectador que la naturaleza. Está viva, y sus frecuentes cambios de feroz e implacable a amable y acogedora son estimulantes. Todos los lugares del mundo, incluido en el que tú vives, ofrecen un motivo exótico por el que vale la pena tener a mano las herramientas de dibujo cada vez que salgas.

Dibujar fenómenos naturales como el cielo, los árboles y las flores es muy gratificante, pero también supone un reto. Por ejemplo, ¿cómo dibujar el cielo si cambia constantemente? ¿Cómo representar algo efímero como las nubes? ¿Cómo lograr un dibujo creíble de un árbol si su laberinto de ramas está prácticamente tapado por un millón de minúsculas hojas?

En este capítulo encontrarás las respuestas a estas preguntas y mucho más. Te mostraremos cómo abordar la naturaleza recreándola con el lápiz y el cuaderno.

Por suerte, antes que tú, incontables artistas, a lo largo de la historia, se han esforzado por superar los problemas que provoca el dibujar un cielo cambiante o el conglomerado de hojas y ramas de un árbol, así que puedes estudiar su trabajo. Desde las ilustraciones florales y paisajísticas chinas hasta las pinturas botánicas modernas, encontrarás numerosas técnicas y soluciones para trasladar la bella complejidad de la naturaleza a un dibujo atractivo. Visita tu biblioteca para buscar libros sobre la naturaleza en el arte, o teclea dibujos de la naturaleza en tu buscador favorito de Internet para ver cómo la representan otros artistas.

Explora el cielo y la tierra

Cuando dibujas un paisaje, la manera de representar el cielo debe complementarse con la tierra, ya que el suelo está sujeto a los cambios que se producen en el cielo. Por ejemplo, al atardecer, la tierra se oscurece. Cuando estalla una tormenta, el terreno se empapa con la lluvia. En un despejado cielo azul, si pasa una nube proyecta su sombra sobre una colina que, en caso contrario, estaría vivamente iluminada.

La clave para dibujar paisajes realistas es recordar que el cielo y la tierra son igual de importantes. Aunque el cielo no suele tener tanta actividad como la tierra, lo que ocurre en el primero da forma a todo lo que sucede en la segunda. Observa la figura 13-1. Cada zona de luz y sombra del dibujo contribuye a crear la sensación de una cálida tarde. El sol es potente y brillante, como se puede apreciar a través de las definidas sombras que hay sobre el césped debajo de la silla.

Figura 13-1:

El cielo y la tierra juntos muestran cómo es el día

Nota: Muchos artistas deciden incluir alguna referencia a la existencia de personas en sus dibujos de paisajes para representar las diversas relaciones que la gente establece con la naturaleza. Para unos, añadir estas referencias es una oportunidad para documentar sus propias experiencias con ella. Para otros, les abre la puerta para representarla como un hábitat para el ser humano. Y aún hay otros que lo utilizan como una vía para criticar cómo, a veces, las personas maltratan la naturaleza. Estas referencias pueden ser sutiles, como una senda erosionada a través de una zona boscosa o pisadas en la nieve, o más obvias, como un bebedero para pájaros, una silla de jardín, edificios o una canoa.

Las siguientes secciones muestran cómo combinar elementos tanto del cielo como de la tierra para crear paisajes bien elaborados, y así expresar visualmente tu propia experiencia con la naturaleza.

Reflejar cielos y nubes sobre el papel

Cada vez que salgas o mires por la ventana de tu casa, tómate unos minutos para observar las formaciones de nubes en el cielo. Analiza sus formas y date cuenta del rango de valores tonales que ves en ellas y en el cielo que está más allá de las nubes. Luego imagina cómo lo dibujarías.

Las nubes son básicamente objetos tridimensionales. No son sólidas en el sentido convencional de la palabra, pero tienen forma y volumen. Aunque cambian rápidamente, en especial los días de viento, no deberías desistir de dibujarlas en directo. No te limites a trabajar a partir de fotos. Después de todo, la sutil belleza de las nubes, que hace que valga la pena dibujarlas, se suele perder en las fotografías.

Cuando te prepares para dibujar tus primeros paisajes, ten en cuenta que es más importante entender cómo son las nubes en general, que hacer un retrato de una o dos nubes concretas. Antes de empezar a dibujar, observa su aspecto y movimiento, y hazte las siguientes preguntas para tener una idea más clara sobre cómo representarlas en el papel:

   ¿Las nubes parecen más claras o más oscuras que el cielo? Centra tus esfuerzos en dibujar el elemento más oscuro. Si lo es el cielo, deja que el blanco del papel sea la parte blanca de las nubes y utiliza tus lápices para sombrear el cielo alrededor de ellas. Si las nubes son el elemento más oscuro, representa sus valores, y deja que el cielo sea el blanco del papel o sombréalo ligeramente, asegurándote de que sus tonos sean más claros que los de las nubes. (Consulta el capítulo 9, que incluye información sobre el sombreado.)

   ¿Los bordes de las nubes están definidos o son vaporosos? Aunque las nubes tienen un aspecto concreto, nunca deberían llevar una línea de contorno negra. Para que queden lo más realistas posible, dibuja suavemente líneas de referencia para su contorno que luego puedas borrar. Si los bordes de las nubes son vaporosos, haz transiciones tonales suaves y paulatinas para diferenciarlos gradualmente del cielo. Si las nubes están definidas, recuerda que no son de plástico, así que no aprietes mucho con el lápiz, aunque marques la separación entre ellas y el cielo.

   Si ves una sombra en la nube, ¿qué parte de la nube ocupa? ¿La sombra tiene un único valor tonal o hay zonas más oscuras? Realiza el sombreado inicial más claro de lo que parezca. Siempre podrás añadir valores más oscuros encima de los primeros.

Cuando dibujes nubes, recuerda que la perspectiva afecta a sus formas del mismo modo que lo hace con objetos sólidos tridimensionales. En otras palabras, puedes crear la sensación de que las nubes cercanas a la línea del horizonte están más lejos que las del primer término dibujándolas más pequeñas, más juntas y con menos contraste. (Aprende más sobre la perspectiva en el capítulo 11.)

La figura 13-2 muestra tres cielos diferentes. Fíjate en cómo la artista ha representado cada uno de ellos.

   Despejado y en calma: La artista de la figura 13-2a crea la sensación de distancia en un cielo despejado utilizando la perspectiva atmosférica. Según los principios de ésta, en tus dibujos puedes crear una ilusión de profundidad realista imitando los efectos de la atmósfera sobre los objetos. Así, se reduce la claridad y el contraste entre ellos según se alejan. (Lee el capítulo 11, donde encontrarás más detalles.) En esta ilustración, el sombreado pasa gradualmente desde oscuro en lo alto del cielo hasta muy claro por encima de la línea del horizonte, con lo que crea la sensación de profundidad en esta cálida y tranquila escena.

   Borrascoso y enfurecido: En la figura 13-2b, la artista representa el poder del cielo para retratar emociones ominosas o de enfado a través de un drástico contraste de valores. El cielo está oscuro y lo atraviesan rayos blancos que surgen de las nubes y se reflejan en la superficie del agua. Una pequeña porción de una nube oscura alcanza la tierra con el destructivo poder de un tornado.

   Nublado y pintoresco: La artista de la figura 13-2c hace que las nubes parezcan blandas y delicadas con un contraste tonal poco marcado, dibujando bordes suaves y vaporosos. También sugiere una vasta profundidad. Se sirve de la perspectiva atmosférica para representar la paulatina reducción de contraste y claridad en las montañas y las nubes que se alejan hacia el fondo.

Figura 13-2:

Representación de tres cielos diferentes sobre el papel

Este ejercicio te permite practicar el dibujo de nubes, así que sal en un día nublado, total o parcialmente y elige una zona del cielo que te gustaría dibujar. Prepara el cuaderno, los lápices HB, 2B y 4B y la goma moldeable, y sigue estos pasos:

1.   Con el lápiz HB, esboza suavemente la forma de las nubes.

Si estás mirando al cielo mientras dibujas, verás que tanto la forma como la posición de las nubes pueden cambiar a lo largo de tu trabajo. No te preocupes; cambia la forma si te apetece o sigue dibujando.

2.   Determina qué tiene el valor tonal más oscuro, el cielo o las nubes, y usa el lápiz 2B para comenzar a sombrear ligeramente el elemento más oscuro.

Si el cielo está más oscuro que las nubes, como en la figura 13-3, pero las nubes tienen sombras, matiza levemente ambos elementos. Deja las zonas más claras de las nubes en blanco (con el color del papel).

Puedes emplear la técnica de sombreado que prefieras. (Ve al capítulo 9 para ver descripciones de diversas técnicas.) En la figura 13-3, la artista usó el sombreado lineal para matizar el cielo y las nubes.

3.   Añade valores más oscuros con el lápiz 4B donde hagan falta.

Mantén un trazo suave aunque apliques los valores más oscuros. Elabóralos a base de capas de sombreado en vez de incrementar la presión con el lápiz. Si aprietas mucho, será difícil borrarlos bien si llegan a ser demasiado oscuros.

Figura 13-3:

Crear nubes realistas

Analizar y dibujar árboles

De pequeño, probablemente pensabas que sabías dibujar árboles --un rectángulo para el tronco y una mancha redondeada para la copa de los de hoja caduca, o una masa triangular de líneas retorcidas encima de un tocón corto y rectangular para los de hoja perenne--. El recuerdo de este modo simbólico de dibujarlos puede bloquearte a la hora de hacer realistas tus paisajes con árboles. Después de todo, los símbolos básicos que empleabas de pequeño no se corresponden con lo que ves cuando miras un árbol.

Al mismo tiempo, esas estructuras básicas pueden proporcionar una pequeña guía al comenzar el dibujo de un árbol. Como se explica en el capítulo 7, es muy útil descomponer los sujetos en sus formas más básicas al comenzar a dibujarlos, y las figuras básicas rectangulares y circulares que utilizabas de niño pueden ayudarte a simplificar los árboles ahora.

Si tu cabeza intenta agarrarse al símbolo básico de un árbol, impidiéndote representarlo de forma realista, examina un árbol del natural como si nunca lo hubieras visto. Olvida lo que sabes sobre él y limítate a mirarlo y a sentir cómo es. Después, sigue leyendo para descubrir cómo dibujarlo.

En esta sección ofrecemos algunos consejos para despejar misterios sobre el dibujo de árboles. También te mostramos cómo representar una arboleda que se pierde a lo lejos, así como árboles individuales situados en primer plano.

Dibujar árboles lejanos

La mayoría de los árboles en la distancia se parecen a los árboles simbólicos de tu niñez, pero para dibujarlos de manera realista debes recurrir a algo más que formas sencillas, como comprobarás en esta sección.

Los árboles distantes casi siempre parecen formar parte de una masa. Así que, para dibujarlos, debes empezar por pensar en ellos como un bloque en vez de dibujarlos de forma individual. Si puedes ver los troncos desde donde estás, comienza por el conjunto de copas y luego añade los troncos uno a uno.

Para practicar el dibujo de una masa lejana de árboles, coge tu cuaderno, los lápices HB, 2B y 4B, y gomas, moldeable y vinílica, y sigue estos pasos:

1.   Con el lápiz HB, dibuja una gran forma única que combine todas las copas de los árboles en un bloque (figura 13-4a).

2.   Dibuja las formas básicas de los troncos y cualquier otro objeto que haya alrededor de los árboles y que quieras incluir en el paisaje (figura 13-4b).

De momento representa los troncos y demás objetos de manera sencilla. Céntrate en encajar las formas básicas lo más rápido posible y ya te ocuparás de los detalles más adelante.

Figura 13-4:

Dibuja las formas básicas de las copas y después los troncos

3.   Con el lápiz 2B, añade un sombreado ligero a los árboles, troncos y demás objetos para que queden realistas (figura 13-5a).

Consulta el capítulo 9 para obtener más detalles acerca del sombreado.

4.   Con el lápiz 4B, aplica un sombreado más oscuro en las zonas en las que las sombras de los árboles y de los otros objetos lo requieran (figura 13-5b).

Para dar sensación de profundidad, incorpora la perspectiva atmosférica a tu dibujo. Según este principio, cuanto más alejado esté un objeto, más pequeño y menos nítido será. Por consiguiente, añade los tonos más oscuros a los árboles del primer plano, y pasa progresivamente a una valoración menos oscura para los árboles que se encuentran al fondo. (En el capítulo 11 encontrarás más detalles sobre la perspectiva atmosférica.)

Figura 13-5:

Perfecciona una masa de árboles distantes mediante el sombreado

Abocetar árboles individuales cercanos

Dibujar árboles con aspecto realista es más fácil de lo que te imaginas. Después de todo, es como dibujar cualquier otro objeto; sólo debes descomponer el proceso global en pasos más pequeños y manejables. Esta sección te muestra cómo hacerlo.

Para este ejercicio necesitas el cuaderno, lápices 2B, 4B y 6B, y las gomas vinílica y moldeable. Cuando hayas reunido estas herramientas, busca un árbol que te gustaría dibujar y sigue estos pasos:

1.   Dedica tiempo a observar el árbol y utiliza el lápiz 2B para realizar algunos dibujos gestuales.

Ve al capítulo 7 para recordar las instrucciones sobre este tipo de dibujo. La figura 13-6 muestra un ejemplo del dibujo gestual de un árbol.

Figura 13-6:

Dibujo gestual de un árbol

2.   Elige un dibujo gestual para usarlo como esqueleto a partir del cual desarrollar el dibujo del árbol. Con el lápiz 2B, dibuja las formas simples que componen el tronco y la copa (figura 13-7).

Si la copa tiene tantos huecos en el follaje o las ramas están tan desnudas que no puedes verla como una forma única, imagina que la rodeas con una cuerda para que salve las distancias entre el follaje y las ramas. Utiliza el dibujo gestual como referencia para la colocación de las formas, que puedes dibujar sobre el mismo. Ya atenuarás las líneas gestuales y las de las formas simples más adelante.

3.   Utiliza el lápiz 2B para perfeccionar las formas del árbol de modo que quede más realista (figura 13-8).

Dos elementos importantes que debes depurar en este paso son los contornos del follaje y la zona donde el tronco se une a la copa.

Figura 13-7:

Las formas simples que componen un árbol

Figura 13-8:

Perfecciona las formas simples para que su aspecto sea más realista

4.   Borra cualquier línea que no necesites y usa el lápiz 2B para aplicar un sombreado ligero en las zonas en sombra, del tronco y de la copa, y para añadir texturas sencillas (figura 13-9).

Figura 13-9:

Aplica el sombreado para añadir valores y texturas

Elige la técnica de sombreado que te permita imitar la textura de un árbol frondoso, pero no intentes copiar su textura. El truco es mirar las hojas mientras trabajas y mover el lápiz como si sintieses las hojas. Ve al capítulo 9 para obtener más información sobre las técnicas de sombreado que existen.

5.   Emplea los lápices 4B y 6B para perfeccionar el sombreado y completar el dibujo (figura 13-10).

Tras establecer los tonos básicos, usa el lápiz 4B con una presión ligera pero constante para crear valores más oscuros donde sean necesarios. Finalmente, cambia al lápiz 6B y añade los negros más intensos.

Figura 13-10:

Dibujo acabado de un árbol

Dibujar flores convincentes

Tanto si estás en un jardín como en un campo de amapolas, las flores son un buen motivo de dibujo. Por suerte, son más fáciles de dibujar de lo que imaginas. Después de todo, no es necesario que reproduzcas cada uno de los pétalos para que el dibujo de la flor resulte convincente.

Para adquirir un poco de práctica dibujando flores, busca algunos modelos y represéntalos desde distintas perspectivas. Intenta captar el esplendor de un gran girasol, la delicadeza de una sencilla margarita o los complejos detalles de una rosa. Dibuja de cerca y detalladamente las texturas y formas de los pétalos y hojas por separado, y fíjate en cómo sus cualidades únicas afectan al aspecto general de la flor. Después sigue leyendo para descubrir cómo realizar ilustraciones completas y realistas, tanto de flores individuales como en ramo.

Dibujar grupos de flores

La clave para que un dibujo de un conjunto de flores sea convincente sobre el papel es simplificar la escena lo máximo posible y dedicar la mayor parte del tiempo a conseguir unos contrastes tonales correctos. En otras palabras, trata las flores rodeadas de verde como masas de valores contrapuestas a otras masas, en vez de como flores individuales rodeadas por vegetación.

Para dibujar un grupo de diferentes tipos de flores como las que se encuentran en un jardín, coge tu cuaderno, los lápices HB y 2B y la goma moldeable, y sigue estos pasos:

1.   Con el lápiz HB, dibuja suavemente las formas básicas redondeadas que supone cada flor del conjunto (figura 13-11).

Figura 13-11:

Dibuja las formas básicas de un conjunto de flores

¡No intentes dibujar los pétalos de uno en uno! De todos modos, si miras las flores desde cierta distancia, tampoco los distinguirás claramente. Además, el objetivo es descomponer las flores en formas básicas para situarlas. Luego podrás centrarte en los detalles.

2.   Dibuja los tallos de las flores, como muestra la figura 13-12.

Figura 13-12:

Continúa el dibujo completando los tallos

3.   Añade sombreado y construye el tono con el lápiz 2B para representar la vegetación que rodea la masa de flores (figura 13-13).

Consulta el capítulo 10 para coger ideas acerca de crear texturas y valores mediante el sombreado.

Figura 13-13:

Emplea el sombreado para añadir textura a tu dibujo

4.   Utiliza el lápiz 2B para aumentar el sombreado y diferenciar los diversos tipos de flores dentro de la masa (figura 13-14).

Por ejemplo, las petunias moradas suelen ser más oscuras que las peonías, así que añade valores más oscuros a las petunias (u otras flores oscuras) que veas en el conjunto. En la figura 13-14, el artista quiso destacar las flores más claras. En este caso, sombrear los tallos del fondo hace que las flores de colores claros sobresalgan entre los numerosos detalles.

Figura 13-14:

Matiza los diferentes tipos de flores

5.   Perfecciona el rango de valores con el lápiz 4B para que las flores y la vegetación queden más realistas (figura 13-15).

Presta atención a las flores, el verdor y otros elementos del primer plano. Aumenta el rango de valores poco a poco a medida que te acerques a la parte delantera del dibujo, creando oscuros profundos que realcen las sombras de los objetos más cercanos al espectador. Delimita claramente las formas de las flores del primer término comparadas con las que están detrás. Finalmente, añade tono y sombreado de detalle para conseguir unas flores más realistas.

El objetivo es perfeccionar lo suficiente la masa de flores para que parezca terminada, pero no demasiado, para que no pierda su cohesión como grupo.

Céntrate en flores individuales

Si quieres dibujar una flor en vez de los ramilletes que tratamos en la sección anterior, prepárate para ser más minucioso. Aunque no tienes que dibujar cada pétalo tal como lo ves para que la flor quede realista, necesitas ser preciso en cuanto al carácter de la flor para que los espectadores puedan identificarla con facilidad.

Figura 13-15:

Perfecciona la masa de flores sin sacrificar la unidad

Antes de empezar a dibujar flores individuales, dedica tiempo a observar un modelo floral. Analiza cómo los pétalos crecen desde el centro y cómo se superponen entre sí. Examina la parte inferior de la flor para ver cómo se une al tallo. Luego puedes comenzar a dibujar.

Igual que al dibujar cualquier otro objeto, primero descompón la flor en sus formas sencillas (puedes utilizar un dibujo gestual; en el capítulo 7 encontrarás los detalles). Después podrás perfeccionar el dibujo poco a poco añadiendo sombras y tonos que den un aspecto realista a la flor.

La figura 13-16 muestra un ejemplo de un dibujo acabado de una flor. Fíjate en cómo la artista ha incorporado los siguientes aspectos florales para que parezca tener vida y resulte convincente:

   Los pétalos son formas triangulares imperfectas que se ondulan suavemente a partir del centro de la flor. La flexibilidad e irregularidad de los pétalos contribuyen a que la flor parezca real.

   Los pétalos interactúan entre sí y con el centro de la flor de donde nacen. Cada uno parece solaparse con el centro por debajo gracias a las sombras proyectadas por éste. Cuando uno tapa a otro, el pétalo de encima proyecta una sombra sobre el de debajo.

Es importante dibujar flores del natural en vez de imaginarlas, ya que esto logra que los dibujos resulten más realistas. Cuando dibujes, presta atención a la idiosincrasia de una flor concreta para saber qué aspecto tiene en lugar de la imagen genérica que podrías representar si intentases hacerlo de memoria. Los dibujos del natural te ofrecen la oportunidad de percibir el mundo que te rodea. Cuando eliminas las ideas preconcebidas y te esfuerzas por dibujar algo tal como es, descubres aspectos que no habrías visto de otro modo.

Figura 13-16:

Fíjate en cómo interactúan las partes de una flor

Proyecto. Utiliza la goma para crear un invierno blanco

En este proyecto dibujarás un paisaje usando una combinación de técnicas de dibujo aditivo y sustractivo. En otras palabras, lograrás los valores claros con las gomas y los oscuros con el carboncillo. (Revisa el capítulo 9 para obtener más detalles sobre el dibujo aditivo y sustractivo.)

Para empezar, prepara tu cuaderno, tus gomas vinílica y moldeable, una barra de carboncillo del 2B, un pañuelo o servilleta de papel y lápices de carboncillo 4B o 6B. Sigue estos pasos para crear el paisaje que muestra la figura 13-17:

1.   Dibuja un rectángulo que mida aproximadamente 25 × 12,5 centímetros.

2.   Sombrea el rectángulo entero con la barra de carboncillo.

Usa el lado del carboncillo en vez de la punta; así es mucho más fácil. Intenta mantener un tono de oscuridad media por todo el rectángulo; más adelante podrás aclarar este sombreado inicial.

3.   Con un trozo de servilleta o de pañuelo, frota suavemente la superficie hasta que consigas un tono homogéneo.

4.   Utiliza la goma moldeable para empezar a borrar o a obtener zonas claras en el paisaje.

Cuando dibujes con una goma, imagina que realmente estás dibujando los valores claros que forman los objetos. Por ejemplo, observa los cinco árboles de la figura 13-17. Básicamente, la artista dibujó borrando los valores claros de los árboles para hacerlos aparecer. El fondo gris se convierte en el valor medio de todos los objetos, así como del cielo y el suelo, mientras que las dos zonas claras que añadió en los extremos inferiores izquierdo y derecho representan la nieve blanca.

Figura 13-17:

Usa la goma moldeable para dibujar los valores claros en los árboles y la nieve

5.   Con la goma moldeable, da ligeros toques en el papel para dibujar más nieve en el suelo (figura 13-18).

Asegúrate de no añadir demasiados valores claros. Fíjate en que el agua y muchas zonas sombrías de la ilustración mantienen el mismo tono medio del sombreado inicial del carboncillo.

6.   Emplea la goma moldeable para aclarar el cielo del paisaje.

Observa cómo la artista de la figura 13-18 delineó algunos árboles oscuros del fondo al aclarar el cielo. Al dejar estas zonas oscuras, los árboles del fondo quedan bien definidos por contraste con los valores más claros del cielo.

7.   Cambia a la goma vinílica y utiliza un borde afilado para obtener zonas más blancas y brillantes, como las orillas del riachuelo que muestra la figura 13-18.

8.   Aclara un poco más el lado izquierdo de los árboles con el borde de la goma vinílica.

Al aclarar el lado izquierdo de todos los árboles, estableces la fuente de luz para tu paisaje, y así le añades profundidad y vida.

9.   Utiliza la goma vinílica para aclarar las zonas de nieve que no están a la sombra en el suelo y sobre los abetos.

10. Añade un tronco de árbol delgado en el lado izquierdo del paisaje (figura 13-18).

11. Dibuja más ramas en los árboles de hoja caduca con el borde de la goma vinílica (figura 13-19).

12. Aprieta con fuerza con la goma vinílica para obtener tonos realmente claros en el lado izquierdo de los árboles de hoja caduca y para definir con nitidez el borde de los troncos.

Figura 13-18:

Utiliza la goma moldeable para dibujar el cielo e iluminar las zonas más claras del paisaje

13. Apretando firmemente la goma vinílica, añade unos toques de luz en la nieve del suelo y en las ramas de los árboles de hoja caduca.

14. Emplea una esquina puntiaguda de la goma vinílica para dibujar unas finas líneas blancas en el riachuelo para que parezcan hielo (figura 13-19).

Figura 13-19:

Aprieta con el borde de la goma vinílica para obtener las luces más claras del paisaje

15. Usa el carboncillo para añadir detalles oscuros y sombras (figura 13-20).

Fíjate en que las marcas más oscuras están en zonas donde esperas encontrar sombras proyectadas, como debajo de las ramas de hoja perenne y en los puntos donde nacen del tronco las largas ramas de los árboles de hoja caduca.

16. Comprueba que los valores claros y oscuros tengan el contraste adecuado. Retoca cualquier zona que no te convenza añadiendo o quitando tono.

Figura 13-20:

Añade los valores más claros y más oscuros para completar el paisaje

Proyecto. Un bonito lirio

En este proyecto te enseñamos cómo simplificar visualmente los intrincados detalles de una flor compleja, para que puedas dibujar sus elementos más importantes. Aunque este proyecto se basa en dibujar un lirio de principio a fin, puedes usar estos pasos para dibujar cualquier flor.

Cuando estés listo para dibujar una flor, coge el cuaderno, los lápices HB, 2B y 4B, y las gomas vinílica y moldeable. Luego, sigue estos pasos:

1.   Utiliza el lápiz HB para dibujar una forma redondeada y grande que represente la parte principal de la flor (figura 13-21).

Puedes dibujar la mayoría de las flores reduciéndolas a formas circulares sencillas dispuestas en varios ángulos. Para hacer bien el ángulo de la forma de la flor, no dejes de mirarla mientras dibujas la parte principal. Encuentra un punto de partida en el papel y colócate sobre él con el lápiz. Sin mirar el papel, mueve el brazo con un movimiento circular para buscar la forma correcta. Imagina que estás dibujando sobre la flor e intenta sentir la línea de su perímetro. Haz líneas de más hasta que encuentres la forma adecuada, pero no te preocupes, más tarde las podrás borrar.

2.   Añade un círculo pequeño dentro del grande para crear el centro de la flor.

3.   Traza una línea que represente el eje central del tallo (figura 13-21).

Es mucho más fácil captar la curvatura de un objeto alargado (como un tallo) si te imaginas una línea central que lo recorre a lo largo. Dibuja primero ese eje; luego podrás dibujar el tallo a su alrededor.

Figura 13-21:

Dibuja la forma básica de la flor

4.   Dibuja las formas simples y planas que forman las hojas y pétalos de la flor, asegurándote de que cada pétalo surge del centro (figura 13-22).

En la realidad, tanto los pétalos como las hojas son levemente distintos unos de otros. Algunos se curvan, otros son lánguidos, otros son alegres, y, dependiendo de la perspectiva, unos son más cortos, otros más delgados, etc. El objetivo es mirar cada pétalo como si estuviera tras un cristal y trazar una línea siguiendo su contorno.

5.   Dibuja una única línea para representar el eje central de cada estambre, y termínalos con una masa redondeada (figura 13-23).

Los estambres de la flor son los filamentos cortos que sobresalen del centro.

Figura 13-22:

Dibuja las formas simples en que se basan los pétalos y las hojas

6.   Utiliza la goma moldeable para aclarar las líneas del boceto hasta que apenas puedan verse.

7.   Pasa al lápiz 2B y perfecciona la forma de cada pétalo (figura 13-24).

Mira al pétalo sobre el que trabajas y ajusta el contorno de la forma simple que trazaste para que refleje mejor lo que se ve en la flor.

Figura 13-23:

Dibuja las líneas centrales de los estambres de la flor

Figura 13-24:

Perfecciona la forma de cada pétalo para que el dibujo sea más preciso

8.   Con las líneas centrales que dibujaste en los pasos 3 y 5 como guía, perfecciona el contorno del tallo de la flor y de los estambres (figura 13-25).

Echa un vistazo al tallo y busca zonas del borde donde esté oscuro o claro. Usa el lápiz 2B para repasar la parte del tallo que se ve oscura.

Figura 13-25:

Perfecciona el contorno del tallo de la flor y de los estambres

9.   Perfecciona los contornos de las hojas de la flor.

10. Emplea el lápiz 2B para oscurecer suavemente las zonas en sombra de la flor y del tallo (figura 13-26).

En el capítulo 9 encontrarás todo lo que necesitas saber para sombrear tus dibujos.

Figura 13-26:

Aplica un sombreado suave a las zonas sombrías de la flor y del tallo

11. Usa el lápiz 4B para oscurecer las sombras que deban ser más intensas que el sombreado que añadiste en el paso 10 (figura 13-27).

Presta especial atención a las zonas en las que se superponen las hojas o los pétalos.

Figura 13-27:

Añade los valores más oscuros para completar el dibujo

Capítulo 14

Dar vida a animales en el papel

En este capítulo

   Aplica el sombreado para representar texturas realistas

   Dibuja retratos de animales

   Pon a prueba las técnicas de dibujo de animales con un proyecto divertido

Los artistas han dibujado animales desde que la humanidad registraba historias en los muros de las cavernas. Sorprende que las técnicas que se usaban entonces sobre la roca no difieran demasiado de las que actualmente se emplean en el papel. Independientemente de si quieres dibujar interpretaciones llenas de vida de tus mascotas o captar la esencia de los animales que ves en el parque o en el zoo, has llegado al lugar indicado.

En este capítulo descubrirás estrategias para dibujarlos llenos de vida. Aprenderás a captar su esencia a través de la postura del cuerpo y a crear texturas realistas de su pelaje y plumas. Finalmente, podrás practicar con el dibujo de un animal completo. Aunque hablaremos de algunos animales concretos, puedes emplear estas técnicas y estrategias para dibujar cualquier otro.

Conseguir que un animal se esté quieto mientras intentas hacer un boceto rápido de él es muy difícil, así que te recomendamos que, cuando busques motivos animales, tengas la cámara de fotos a mano. Fotografía lo que te gustaría dibujar, pero asegúrate también de hacer algunos bocetos. De esa manera obtendrás tanto la percepción de primera mano como la copia bidimensional de la escena a través de la cámara. Más adelante podrás sintetizar los bocetos y las fotos para crear un dibujo completo (en la última parte del capítulo te enseñamos cómo hacerlo).

Representar texturas de pelo y pluma

La inmensa variedad de pelajes con los que están cubiertos los animales puede volverte loco. Pelo, plumas, escamas, franjas, manchas... Su textura: brillante, encrespado, sedoso... Podríamos llenar la página (probablemente varias) con todas las texturas que lucen los animales. Por suerte, con un par de trucos puedes dibujarlas todas.

No importa el animal que dibujes, puedes representarlo usando líneas, formas y tonos. Sólo tienes que conseguir que las formas y tonos funcionen como en la realidad. Con un poco de práctica y de paciencia, por supuesto, cuando domines esta técnica podrás dibujar prácticamente cualquier animal.

Estas pistas te ayudarán a la hora de dibujar pelo o plumas:

   Observa la dirección de crecimiento y dibuja las líneas de sombreado siguiéndola.

   En general, usa preferentemente curvas en lugar de rectas cuando apliques el sombreado en dibujos de animales.

   Presta especial atención a las luces y sombras al matizar los pelajes y plumajes, porque la apariencia de la textura depende sobre todo de la interacción entre los tonos.

Las siguientes secciones profundizan en cómo representar texturas de pelo y plumas en los dibujos de animales para llenarlos de vida.

Identificar la longitud del pelo

Sea largo o corto, el pelo revela la estructura del cuerpo del animal. Como el pelo corto sigue de cerca los contornos, se puede intuir fácilmente la estructura ósea y los músculos superficiales. Por otro lado, el pelo largo oculta los aspectos más sutiles del animal, pero las formas prominentes y redondas también resaltan y crean ondulaciones visibles aunque el pelo sea largo y esponjoso.

Independientemente de la longitud del pelo del animal, sigue estos pasos:

   Emplea trazos de sombreado para representar la textura de la mayoría de pelajes (en el capítulo 9 encontrarás más detalles). Para que el pelo parezca corto, dibuja trazos cortos, más bien curvos. Para el pelo largo, haz líneas largas pero también curvas.

   Con una esquina de la goma de vinilo, saca luces entre los mechones o las secciones de pelaje, y después insiste con el lápiz para dibujar sombras intercaladas.

   Realiza trazos gruesos y vigorosos cuando dibujes pelo áspero, y trazos finos y delicados para representar pelo suave.

Representar texturas requiere una gran tenacidad. Al trabajar en algo como la peluda oreja de un perro, no te distraigas o el dibujo te quedará plano. Para conseguir dibujos creíbles, céntrate en los cambios más sutiles de las formas. Si te desvías del tema, tómate un descanso y vuelve al dibujo más tarde, cuando recuperes la concentración. Confía en este consejo, ¡te alegrarás de haberlo hecho!

Dibujar pelaje corto

Cuando se dibuja el pelaje de un animal, se genera una ilusión de volumen o forma a medida que se representa la textura del pelo. Este concepto es especialmente válido a la hora de dibujar pelo corto, el cual marca la forma del animal muy de cerca. En estos casos, para conseguir el efecto más realista posible, al trabajar el pelaje debes ser muy preciso con el tono. (En el capítulo 8 encontrarás más información sobre la ilusión de volumen y en el capítulo 10 podrás profundizar en la combinación de textura y forma tridimensional.)

Para mejorar la precisión tonal, realiza trazos claros y suaves al principio. Si aprietas demasiado u oscureces los trazos demasiado pronto, el dibujo puede quedarte plano. En lugar de aumentar la presión sobre el lápiz para llegar a tonos más oscuros, intenta realizarlos a base de capas superpuestas de sombreado. Después de construir la base de pelo, cambia a lápices más blandos, más oscuros, como el 4B y el 6B, para añadir los tonos de máxima oscuridad.

Presta atención a la dirección de crecimiento del pelo. Busca que acompañe las elevaciones, las depresiones y todos aquellos puntos donde los músculos tensan la piel. Al dibujar, mantén la mirada sobre el cuerpo del modelo y procura mirar el papel sólo de tanto en tanto para revisar tus progresos. Para facilitarte el dibujo de los trazos en la dirección del pelo, imagina que estás cepillando el manto del animal con el lápiz. El objetivo es representar una capa de pelo corto que parezca envolver su cuerpo.

Mira la figura 14-1a. Observa cómo el pelo corto del perro sigue las curvas de las cejas, el hocico y el cuello. Fíjate después a la figura 14-1b, que representa el detalle de la oreja. Al centrarte en las motas blancas, verás que no son formas perfectamente definidas, sino que los mechones oscuros que las bordean lo hacen de forma dentada, a picos. Observa también cómo el pelo se curva hacia fuera, hacia abajo y hacia arriba en ondas suaves. Si estuvieras dibujando esta oreja de perro, tendrías que realizar los trazos en la dirección que marca su forma anatómica, y cambiarlos en cuanto ésta cambiara. En la figura 14-1c puedes ver los diferentes tonos, del blanco al gris medio, que empleó la artista para representar el pelo claro del hocico perruno. La gama de tonos desde el gris medio hasta el negro se reserva para el pelo oscuro.

Figura 14-1:

El dibujo del pelo corto y moteado requiere una buena dosis de sombreado y una gama tonal completa

Representar pelo largo

El pelo largo supone un reto distinto al del pelo corto porque los mechones largos suelen curvarse en distintas direcciones y se superponen. Para que te resulte más fácil dibujarlo, intenta asumir este principio: la esencia es más importante que la exactitud. Es decir, puedes representar el aspecto y la sensación del pelo largo sin tener que dibujarlo pelo a pelo.

Para conseguirlo, mira las imágenes de detalle del pelo en las ilustraciones 14-2a y 14-2b. Observa que no hay pelos individuales, sino mechones curvos. En cada uno se puede ver una franja clara que se curva hacia un final más oscuro con sombras por detrás o por debajo. Imagina que empleas el lápiz para construir la masa de trazos largos y curvos que se aprecia en la figura 14-2c. Fíjate en la dirección de crecimiento del pelo y trata de seguirla con los trazos del lápiz. Después, usa la goma de vinilo para sacar luces en la mancha de pelaje que acabas de crear. ¿Puedes ver cómo surge el pelo de los trazos de lápiz y goma? Para acabar el dibujo, imagina que vuelves a retocar con el lápiz para oscurecer las sombras que se generan entre los mechones.

El pelo largo no define la estructura ósea del animal tan bien como el corto. Sin embargo, al mirar el perro de pelo largo de la figura 14-2c puedes percibir la forma del hocico. Las zonas redondas del morro empujan el pelo, haciendo que éste caiga alrededor y hacia abajo, hacia la barbilla. El contraste de luz y sombra en el pelo da la sensación de que el morro sobresale hacia adelante y el punto de luz sobre el hocico indica la procedencia cenital de la luz. Al mismo tiempo, el pelo en sombra a ambos lados del hocico señala la curva hacia abajo, fuera del alcance de la luz.

Figura 14-2:

Dibujo del pelo largo y suave de un animal

Revelar la forma subyacente a través del pelo

Puedes realizar un dibujo en el que el pelo que cubre la estructura del animal deje entrever la forma del cuerpo siempre que prestes atención a la dirección en la que crece el pelo y a cómo la luz incide sobre él.

Los siguientes pasos te ayudarán a dibujar una vaca escocesa de pelo largo, la Highland. Antes de empezar, prepara el cuaderno, los lápices HB, 2B y 4B y gomas de vinilo y moldeables. Para este ejercicio, puedes copiar el dibujo que proponemos aquí o buscar en internet una Imagen de una vaca Highland y usar estas instrucciones para dibujarla.

1.   Con el lápiz HB, dibuja suavemente las formas básicas que componen el cuerpo del animal (figura 14-3a).

Aunque la Highland tiene un manto largo y áspero, adivinarás sus formas si te fijas en algunos puntos de referencia del cuerpo. Por ejemplo, el cráneo da forma a la cabeza, mientras que el espinazo y la pelvis construyen la parte trasera de la vaca.

2.   Con el lápiz HB, realiza un dibujo de contorno más preciso. Después, usa la goma moldeable para aclarar las líneas.

3.   Con el lápiz HB, empieza a sombrear los tonos. Emplea trazos curvos para representar el pelo largo y ondulado (figura 14-3b).

Presta atención a la dirección de crecimiento del pelo y dirígete al capítulo 9, donde encontrarás más detalles sobre los trazos de sombreado.

4.   Con el lápiz 2B, oscurece las zonas en sombra (figura 14-3c).

5.   Usa la goma de vinilo para sacar brillos en las partes del pelo que captan la luz.

6.   Con el lápiz 4B, insiste en las zonas en que veas separaciones oscuras entre mechones y en cualquier otro lugar que necesite tonos oscuros (figura 14-3d).

Algunas de esas separaciones oscuras se generan cuando se superponen varios mechones.

Figura 14-3:

Aprovecha el pelo para representar la estructura del animal bajo la piel

Dibujar alas y plumas

En cuanto a formas y tamaños, hay alas de todo tipo. Algunas están diseñadas para extenderse y contraerse como un acordeón mientras que otras son bastante planas y, simplemente, se abren y cierran como una puerta o una ventana. Para realizar una representación precisa de una ala, primero tienes que dibujar la estructura y, después, crear la textura de plumas.

Si quieres practicar el dibujo de unas alas verosímiles, coge el cuaderno, lápices HB, 2B y 4B y la goma de vinilo. Después, sigue estos pasos:

1.   Encuentra una foto de un pájaro o de una ala, en Internet o en un libro de naturaleza. Observa el ala del pájaro y céntrate en las formas básicas que la componen.

2.   Con el lápiz HB, dibuja las formas simples del ala.

La figura 14-4a muestra un ejemplo del dibujo de las formas básicas de una ala. En el capítulo 7 encontrarás todos los detalles sobre la descomposición de objetos en formas simples.

Figura 14-4:

Dibujar alas empleando formas básicas y técnicas de sombreado sencillas

3.   Usa el lápiz HB para aplicar un sombreado suave a las partes del ala que aparecen en sombra.

Asegúrate de acompañar con los trazos la dirección de las barbas de las plumas.

Puedes usar una combinación de trazos curvos de sombreado para que las plumas largas resulten realistas, y de tono continuo para representar el plumón. En el capítulo 9 se explica cómo sombrear usando estas técnicas.

4.   Usa la goma para sacar luces en cualquier parte del ala que sea más clara.

5.   Con el lápiz 2B, oscurece los tonos que lo necesiten.

6.   Cambia al lápiz 4B para añadir los pequeños toques de máxima oscuridad en algunas zonas bajo las plumas y entre ellas. Así conseguirás que el dibujo quede nítido (figura 14-4b).

Para dibujar con precisión las plumas de una ala, deberás entender la forma básica y la constitución de una pluma individual. Observa el dibujo de una pluma de la figura 14-5 y céntrate en lo siguiente:

   Las barbas de la pluma irradian del raquis (el eje central, largo y fino).

   Nacen de éste a intervalos regulares. La artista ha empleado tonos muy oscuros para representar esa característica. Con un lápiz blando y un poco de presión sobre el papel, crea zonas de mucha oscuridad en los puntos de unión, para conseguir que las barbas de la pluma parezcan crecer de manera natural del raquis.

   Las líneas más oscuras entre ellas se generan en los espacios que dejan los conjuntos de barbas. Para que la pluma parezca natural, dibújalas en conjunto en lugar de individualmente.

   La zona de máxima claridad de la pluma es desigual. El punto de luz se da cuando una superficie se encuentra bañada por la luz, pero en el caso de la pluma, como su superficie está llena de ondulaciones, ésta incide de manera irregular.

Estate atento a las zonas desiguales de luz. Si lo que ves contradice lo que piensas, confía en tus ojos. Ellos saben más de dibujo.

Figura 14-5:

Vista de cerca de una pluma

Captar la vida en retratos de animales

Crear un retrato de un animal va más allá de la simple representación de sus formas básicas y texturas. Abarca tanto el misterioso ser interior como la apariencia externa. Algunas representaciones incluyen también su hábitat. El gesto (o postura) revela mucha información acerca del estado emocional en el que se halla. Recuerda alguna vez en la que hayas visto dos o más animales en una situación de comunicación no verbal. Quizá tu gato estuvo mirando fijamente a tu nuevo perro el día que lo llevaste a casa. O recuerdas haber visto en televisión cómo dos leones saltan atrás y adelante cuando se acercan el uno al otro. Los animales adoptan posturas llenas de significado para dejar claras sus intenciones a otros animales. Probablemente, con una mirada rápida puedes reconocer el significado de los gestos y saber si un animal está tranquilo, feliz, asustado, aburrido o es peligroso.

Para representar el carácter de un animal como lo expresa su lenguaje corporal, puedes empezar haciendo un dibujo gestual. Después, usa ese boceto como marco de referencia con el que construir el dibujo definitivo. Un dibujo gestual es un esbozo rápido que resume la pose básica del cuerpo. En el siguiente grupo de ilustraciones, el dibujo gestual te indica la dirección de la parte alta y de la parte baja de un gato, la relación entre el cuerpo y la cabeza, y las ondas trazadas por la cola. Consulta el capítulo 7, donde encontrarás más información sobre el dibujo gestual.

En los siguientes pasos te acompañamos en el proceso de dibujar un animal de forma realista. Aunque en esta sección trabajamos con un gato, puedes aprovechar estas instrucciones para dibujar cualquier otro. Antes de comenzar, toma una foto del animal que quieres dibujar. Así tendrás algo con lo que terminar el dibujo si el modelo se mueve (la fotografía será especialmente útil en los pasos 4-7). Para este ejercicio, necesitarás el cuaderno de bocetos, los lápices HB, 2B, y 4B y las gomas de borrar vinílica y moldeable.

1.   Usa el lápiz HB para hacer un dibujo gestual del animal que te interesa.

Coloca el lápiz sobre el papel e intenta olvidarte de éste. Mantén la vista centrada en el animal e imagina que en realidad estás dibujando sobre él. Dibuja un círculo para la cabeza y una línea que recorra el eje imaginario del cuerpo (figura 14-6a). Traza líneas que sigan los contornos del cuerpo, asegurándote de cambiar la dirección del lápiz cuando lo hace la de éste (figura 14-6b). Dibuja una línea que recorra el eje imaginario de la cola y de cualquier miembro que veas (figura 14-6c).

Después de establecer las líneas de los ejes del cuerpo, comienza a dibujar las formas simples que lo componen. Los círculos funcionan mejor en la mayoría de los animales (como muestra la figura 14-6d). De nuevo, mantén la mirada en el sujeto mientras dibujas e imagina que con tus líneas, envuelves las secciones redondeadas del cuerpo del animal.

2.   Con el lápiz HB, conecta y suaviza los contornos del cuerpo que las formas simples han insinuado (figura 14-7).

Utiliza siempre líneas suaves, así luego las borrarás con facilidad. Puedes mirar al dibujo para asegurarte de que el lápiz está en el lugar correcto, pero después de ese vistazo rápido, sigue mirando el modelo y “siente” tu lápiz sobre él.

3.   Usa la goma moldeable para aligerar las líneas del dibujo (figura 14-7).

4.   Con el lápiz 2B, añade textura al cuerpo del animal con un sombreado ligero de tonos oscuros y sombras (figura 14-8a).

El sombreado es una técnica apropiada para animales de pelo, ya que te permite construir valores y texturas al mismo tiempo. Simplemente, asegúrate de sombrear en la misma dirección en la que crece el pelo. (En el capítulo 9 y la sección anterior, “Identificar la longitud del pelo”, puedes obtener más detalles sobre su representación.)

Figura 14-6:

Plasmar la esencia del gesto de un gato doméstico

Figura 14-7:

Usa el lápiz y la goma moldeable para suavizar las formas del gato

5.   Con el lápiz 2B, aplica tantas capas como necesites para representar los valores más oscuros del cuerpo del animal, allí donde los veas (figura 14-8b).

6.   Mira atentamente el dibujo para comparar sus tonos con los del modelo: usa la goma moldeable y el lápiz 2B para hacer cualquier cambio.

7.   Con el lápiz 4B, dibuja los valores más oscuros (figura 14-9).

Busca los valores más oscuros donde se junten algunas partes del cuerpo del animal o se solapen mechones de pelo.

Figura 14-8:

Construye la apariencia de la textura con el sombreado

Figura 14-9:

Añade los valores más oscuros para completar el dibujo

Proyecto. Alas en el agua

Este proyecto muestra cómo combinar diferentes fuentes de imágenes (fotos y bocetos) para crear un retrato realista de un animal. Aunque los dibujos de este ejercicio representan flamencos, puedes seguir estos pasos para dibujar cualquier ave.

Como la mayor parte de las aves se mueven constantemente a menos que estén durmiendo, tendrás que hacer algunas fotografías en el parque o en el zoo para dibujarlas con exactitud. Donde encuentres tu modelo, tras tomar algunas fotos, haz un par de dibujos gestuales del pájaro y de los movimientos que hace. Así podrás combinar la información de los bocetos con la que proporcionan las fotos para crear un dibujo que tenga sentido de movimiento y volumen, así como una representación realista de las texturas del pájaro.

Después, aún tendrás que hacer un poco de trabajo preparatorio para tener lista la composición. Por ejemplo, debes decidir si dibujarás el ave de lejos o de cerca y si tu dibujo tendrá un solo foco de atención o varios. También hay que planificar el camino visual que conducirá al espectador a través de la obra. La artista de las ilustraciones de este proyecto ha querido representar varios flamencos en su hábitat natural, por lo que eligió colocarlos a distancia. Como ha decidido que cada flamenco sea un foco de atención, los ha distribuido uniformemente por todo el dibujo. Para crear un camino visual, ha trazado una línea imaginaria con los cuerpos de los flamencos, que conduce los ojos del espectador a través del dibujo empezando desde la izquierda. (En el capítulo 6 encontrarás los detalles sobre todas estas técnicas preparatorias.)

Cuando prepares todo lo anterior, coge el cuaderno de bocetos, los lápices HB, 2B y 4B, la goma de borrar de vinilo y la de miga de pan, y sigue estos pasos:

1.   Dibuja un rectángulo para enmarcar el espacio del dibujo.

Haz el rectángulo igual o proporcionalmente equivalente a las dimensiones de la fotografía que uses como apoyo para el dibujo.

2.   Haz una marca suave en el espacio de dibujo que indique dónde estará la parte más alta del ave (seguramente, la cabeza).

3.   Haz una marca suave para indicar dónde estará la parte más baja.

4.   Usa la fotografía para hacer un dibujo gestual rápido que se ajuste al espacio entre las marcas trazadas en los pasos 2 y 3.

5.   Compara los dibujos gestuales que hiciste cuando observabas el pájaro al natural con el que has hecho en el paso 4.

Si el dibujo gestual derivado de la foto parece un poco plano, aprovecha las cualidades del dibujo gestual realizado del natural.

6.   Dibuja las formas simples del modelo (figura 14-10).

Figura 14-10:

Dibuja las formas simples que componen el sujeto del dibujo

7.   Completa la composición con la información de la fotografía (figura 14-11).

No pretendas incluir todo lo que sale en la foto. Céntrate en dibujar las formas simples que componen los elementos principales del fondo de la foto. En el capítulo 6 encontrarás más detalles sobre la composición.

Figura 14-11:

Añade elementos a la composición del dibujo

8.   Usa la goma blanda para aligerar los trazos que has hecho hasta ahora.

9.   Con el lápiz HB, dibuja con más detalle las líneas de contorno de todos los elementos, haciendo de la composición un dibujo de línea (figura 14-12).

Figura 14-12:

Traza las líneas de contorno de la composición

10. Usa el lápiz 2B para aplicar un sombreado ligero a todo el dibujo (figura 14-13).

En el capítulo 9 encontrarás información sobre las diferentes técnicas de sombreado que puedes usar en este paso.

Figura 14-13:

Aplica un sombreado al dibujo

11. Añade capas de sombreado donde sea necesario para conseguir las texturas y los valores correctos (figura 14-14).

Asegúrate de aumentar la intensidad del sombreado donde se necesiten tonos más oscuros.

Figura 14-14:

Añade más capas oscuras al dibujo

12. Compara los valores del dibujo con los de la fotografía y haz los ajustes necesarios para aclarar u oscurecer los tonos del dibujo.

13. Con el lápiz 4B, añade los valores oscuros (figura 14-15).

Observa los espacios que hay bajo las alas y picos de los flamencos. Estos espacios requieren valores más oscuros. Aunque los tonos más oscuros suelen ser manchas pequeñas, su importancia es enorme en el impacto de conjunto del dibujo. Hacen que destaquen los demás valores.

Figura 14-15:

Añade los valores más oscuros al dibujo

Capítulo 15

Dibujar personas

En este capítulo

   Considera la proporción, gesto y formas básicas al dibujar el cuerpo

   Céntrate en la cara y en la cabeza

   Plasma sobre el papel grupos lejanos de figuras y figuras en movimiento

   Pon a prueba tus habilidades a la hora de dibujar personas con un proyecto práctico

Sin duda, la figura humana es el tema más reverenciado del dibujo, y no hace falta mencionar que es también el que resulta más intimidatorio. Mentalmente, el proceso de dibujar personas de manera realista puede parecer un trabajo propio de artistas-magos. En la práctica, sin embargo, dibujar personas no es tan diferente a dibujar tazas de café o renacuajos: se empieza adquiriendo una impresión general de la forma y la posición y, a continuación, se trabaja en etapas sucesivas hasta alcanzar un mayor detalle.

Este capítulo te introducirá en las técnicas básicas necesarias para dibujar personas. Comenzaremos mostrándote cómo dibujar las formas básicas y los rasgos del cuerpo humano y, a continuación, nos centraremos en rasgos específicos como la nariz, los ojos, la boca, las orejas y el cabello. Además, trataremos las técnicas básicas para dibujarlas en la distancia y en movimiento. Finalmente, te ayudaremos a comprobar tus habilidades a través de un sencillo proyecto.

Dibujar el cuerpo

A primera vista, quizá pienses que el cuerpo humano es un tema de dibujo complejo. No obstante, cuando lo examines con detenimiento, te darás cuenta de que se compone de formas básicas que lo convierten en algo tan fácil de dibujar como la mayoría de temas. El secreto para dibujar a las personas consiste en ver más allá del conjunto para fijarse en cómo se combinan las formas básicas para formar un cuerpo.

En las siguientes secciones te guiaremos a través del proceso de dibujar un cuerpo. Te ofreceremos una idea básica acerca de las estructuras del cuerpo humano —en otras palabras, de los huesos y los músculos— y te enseñaremos un sistema de proporciones que te servirá cuando intentes decidir el tamaño de la cabeza con relación a los brazos y las piernas. También te enseñaremos el procedimiento que puedes seguir cuando dibujes a alguien. Comenzaremos con un dibujo gestual y, a continuación, emplearemos formas básicas que servirán para construir las diferentes partes del cuerpo sobre el boceto. Finalmente, utilizaremos líneas de contorno y completaremos el dibujo.

La anatomía superficial del ser humano

No es necesario conocer los nombres de todas las partes del cuerpo para dibujarlas. Sin embargo, teniendo en cuenta que muchos de los músculos y huesos del cuerpo son superficiales —es decir, que pueden notarse bajo la piel—, deberás tener un conocimiento básico de todo aquello que hay bajo la superficie del cuerpo si quieres recrearlo con exactitud sobre el papel.

Echa un vistazo a las dos imágenes del esqueleto de la figura 15-1. En el centro del cuerpo encontramos la columna vertebral. Ésta conecta con la base del cráneo, atraviesa la caja torácica y, a continuación, se curva ligeramente hacia adelante para volver después hacia atrás (creando la curvatura de la parte inferior de la espalda) y conectar con la parte posterior de la pelvis. Las extremidades no son más que extensiones unidas a la parte central del cuerpo.

Ahora observa las vistas frontal y posterior de los músculos superficiales representados en la figura 15-2. Están fijados a los huesos y los envuelven. Los diferentes grupos de músculos ejercen tensión en direcciones opuestas para que todo esté en su sitio y el cuerpo se mantenga erguido. Los músculos se contraen y estiran individualmente para facilitar el movimiento de los huesos. Cuando un grupo de músculos envuelve un hueso determinado crea un bulto que moldea esa parte del cuerpo. Por ejemplo, compara la cabeza y la parte superior del torso de la figura 15-1 con las mismas partes de la figura 15-2. Los músculos de la segunda imagen juegan un importante papel en la forma visible de esas partes.

Identificar las formas básicas de los diferentes huesos y músculos no sólo ayuda a entender de dónde provienen los diferentes bultos y depresiones, sino que también hacen que los identifiquemos mientras los dibujamos. Fíjate, por ejemplo, en la figura 15-2. Si tenemos una idea básica del aspecto del cuello bajo la piel será más fácil identificar su forma y así será más sencillo dibujarlo.

Figura 15-1:

Vistas frontal y dorsal del esqueleto humano

Figura 15-2:

Vistas frontal y dorsal de los músculos superficiales

Medir las proporciones

Independientemente de la talla de la persona, el cuerpo de un adulto suele guardar una proporción en altura de ocho cabezas (observa la figura 15-3 para obtener una representación gráfica). A pesar de que encontrarás excepciones a esta regla, puedes utilizar este sistema de proporciones como punto de partida y como mecanismo de corrección cuando empieces a dibujar personas. Pero recuerda que sólo funciona si la persona está de pie y no hay escorzos (consulta la sección “Construir el cuerpo a partir de formas simples” para obtener una definición de escorzo). Aun así, y sin importar lo que haga la figura, siempre podrás utilizar la cabeza como unidad de medida para comprobar las proporciones del resto del dibujo. (Para más información de cómo escoger y utilizar una determinada unidad de medida para comprobar las proporciones del dibujo, consulta el capítulo 7.)

Cuando escojas una unidad de medida, utiliza siempre la misma para medir cualquier elemento del dibujo, sin importar lo grande o pequeño que sea. Podrás, por ejemplo, comparar la altura de la cabeza con la longitud de la parte superior de la pierna, tal y como se muestra en la sección “Construir el cuerpo a partir de formas simples”, o utilizarla para medir la anchura del torso (o cualquier otra parte del dibujo).

Figura 15-3:

Sistema de proporción de ocho cabezas

Captar el gesto

El gesto de una figura representa su posición general en el espacio. Tal vez esté sentada con las piernas hacia la izquierda e inclinada, de manera que la parte inferior de las piernas se muestre oblicua al suelo. Esta posición representa el gesto. Para captarlo en un dibujo, primero deberás observar la figura atentamente y, a continuación, dibujarla con suavidad y movimientos ágiles, manteniendo los ojos sobre el sujeto durante el proceso para recrear la esencia de la postura sobre el papel.

La figura 15-4 muestra un ejemplo de un dibujo gestual. Observa que el artista no ha tratado de captar los detalles de la figura (ni de otro elemento de la escena). Simplemente, ha intentado representar la posición básica de ésta en el espacio. Cuando acabes el dibujo gestual, podrás utilizarlo como armazón para el resto del trabajo. No obstante, recuerda que quizá acabes borrando los trazos de este boceto, así que no te obsesiones intentando que quede perfecto. (Encontrarás más información sobre el dibujo gestual en los capítulos 7 y 14.)

Figura 15-4:

Ejemplo de dibujo gestual

Construir el cuerpo a partir de formas simples

Cuando hayas establecido el gesto de la figura, podrás comenzar a construir los volúmenes del cuerpo reduciéndolos a formas simples (observa la figura 15-5 para ver a qué nos referimos). Por ejemplo, la cabeza tiene la forma de un huevo, algo más redonda en la parte posterior y más estrecha en la zona de la barbilla.

Figura 15-5:

Simplifica el cuerpo en sus formas básicas

Mientras descompones el cuerpo en sus formas simples, no dejes de tener en cuenta sus proporciones. Para escoger el tamaño de todas las partes del cuerpo, acota el que tendrá la cabeza en el dibujo; a continuación utiliza esta medida para determinar el tamaño de las demás partes por comparación. Por ejemplo, si la cabeza que dibujes mide 1 centímetro, la parte superior de la pierna deberá medir 2 centímetros de alto, ya que su tamaño equivale a dos cabezas. (Consulta la sección previa “Medir las proporciones” para obtener más detalles.)

Cuando la figura esté sentada (como en la figura 15-6), deberás tener en cuenta el escorzo para ver las formas simples. El escorzo es, básicamente, la ilusión óptica de que la longitud de un objeto —como la pierna de tu dibujo— se encoge cuando apunta hacia ti; en el capítulo 11 encontrarás más información al respecto.

Lo primero que debes hacer al dibujar la forma simple de un objeto en escorzo es imaginar qué aspecto tendría dicha forma si no estuviese en esta posición. Si, por ejemplo, intentas dibujar la parte superior de una pierna doblada, imagina que la miras desde detrás de un vidrio y utiliza un lápiz imaginario para trazar el contorno. Cuando te hagas una idea de su forma, dibújala donde debería estar. Después, comprueba las proporciones de la forma para asegurarte de que son las correctas.

Figura 15-6:

Descompón un cuerpo sentado en sus formas simples

El escorzo hace que sea imposible usar el sistema de proporciones de las ocho cabezas para comprobar las medidas de la parte superior de la pierna doblada, pero no te preocupes; podrás utilizar la cabeza como unidad de medida para determinar la altura y anchura de esa parte de la pierna. Cuando usas la cabeza como unidad de medida para comprobar proporciones, comparas su altura real con las dimensiones del modelo (como, en este caso, la parte superior de la pierna) y, a continuación, utilizas dicha comparación para determinar las dimensiones del objeto dibujado. Si el modelo que estás midiendo tiene un tamaño igual a la mitad de la altura de la cabeza, el dibujo del objeto debe tener la mitad del tamaño de la cabeza dibujada. (Consulta el capítulo 7 para obtener más información acerca de cómo emplear una unidad de medida para comprobar las proporciones.)

Si te resulta difícil distinguir la forma simple en un escorzo, cierra un ojo. Haciéndolo, eliminarás la visión doble que se produce cuando los dos ojos intentan converger la mirada en un punto que se acerca a ellos. Para comprobar cómo el hecho de cerrar un ojo mejora tu capacidad para ver un volumen que apunta hacia ti, acerca un dedo a tu nariz y, a continuación, guiña un ojo. Advertirás que ves mucho mejor con un ojo cerrado que con los dos abiertos.

Utiliza líneas de contorno para perfeccionar el dibujo

Cuando hayas dibujado las formas simples sobre el dibujo gestual y hayas borrado la mayoría de los trazos de éste, podrás utilizar las líneas de contorno (líneas moduladas que siguen los bordes exteriores e interiores del sujeto) para perfeccionar el dibujo y hacer que parezca real. Para ello, usa la goma moldeable, aclara los trazos y, a continuación, comienza a emplear líneas para construir un contorno más preciso sobre las formas que acabas de aclarar. La figura 15-7 muestra el aspecto que tendría la figura 15-6 después de aclarar sus formas simples y añadirle líneas de contorno. (Consulta la siguiente sección para ver cómo añadir cabello y rasgos faciales a la figura.)

Figura 15-7:

Utiliza líneas de contorno para perfeccionar el dibujo de la figura 15-6

Comienza dibujando las líneas de contorno con un lápiz medio, como un HB o 2B, para que puedas borrar fácilmente cualquier error que cometas. Cuando termines de dibujar las líneas de contorno, utiliza un lápiz más blando, como un 4B, para volver a trazar cualquiera de las líneas que exija un peso mayor.

Cuando añadas líneas de contorno al dibujo, no las confundas con las que representan los bordes de las formas planas. Estas líneas de los bordes tienen el mismo grosor en todo el dibujo (piensa en los objetos de los cuadernos de colorear para niños). Las líneas de contorno son líneas que representan los bordes exteriores e interiores de una forma con volumen. Su grosor varía mucho en un mismo dibujo para mostrar cómo la luz incide de manera diferente sobre las distintas zonas de una forma tridimensional. Los artistas utilizan líneas de contorno (y no las de los bordes) para lograr dibujos de línea realistas de personas. Cuando dibujes una área más oscura (como la que separa el brazo del torso), emplea un trazo más grueso y oscuro; cuando dibujes una zona más iluminada (como la curva de un hombro que reciba la luz), traza una línea más ligera. (Consulta el capítulo 7 para obtener más información acerca del dibujo de contorno y la variación del peso de la línea.)

El arte del retrato

Al hablar del retrato, el principal problema consiste en que la mayoría de las personas piensan que sólo se trata del rostro. Los artistas noveles suelen olvidarse de la cabeza o piensan que podrán dibujar su forma después de plasmar los demás rasgos faciales pero, por desgracia, trabajar siguiendo este procedimiento casi nunca conduce a un retrato realista de la persona. Los ojos terminan demasiado separados o juntos mientras la nariz acaba siendo un poco más larga o corta de lo normal. En cambio, si primero dibujas la cabeza, tendrás más posibilidades de que los rasgos faciales sean correctos, ya que habrás definido un espacio en el que ponerlos.

Las siguientes secciones muestran cómo dibujar primero la cabeza para, después, saber colocar y dibujar los demás rasgos faciales con respecto a la posición y tamaño de ésta.

Las proporciones de la cabeza y el rostro

Cuando dibujes la cabeza y el rostro de una persona, es más práctico comenzar con algunas proporciones básicas. En la mayoría de rostros de las personas, por ejemplo, los ojos se encuentran a medio camino entre la barbilla y la coronilla (la parte visible más elevada de la cabeza). En los retratos de los principiantes, los ojos casi siempre aparecen demasiado elevados.

Cada vez que comiences un retrato, empieza dibujando la forma de la cabeza. A continuación, localiza la posición de los rasgos faciales subdividiendo la cabeza según estas proporciones básicas (consulta la figura 15-8 para obtener una guía visual):

   Dibuja una línea en mitad de la cabeza para los ojos.

   Dibuja una línea a un tercio de camino desde la parte superior de la cabeza para la frente.

   Dibuja una línea a dos tercios desde la parte superior de la cabeza para la base de la nariz.

   Dibuja una línea a un tercio de la distancia entre la base de la nariz y la barbilla para la línea de los labios.

   Dibuja marcas para las orejas a ambos lados de la cabeza entre las líneas de la frente y la base de la nariz.

Nota: La parte superior de la cabeza es el punto visible situado a mayor altura y puede quedar bastante lejos.

Figura 15-8:

Marca las proporciones de la cabeza y el rostro

Para comprobar la posición de tus ojos en la cabeza, coge una regla y busca un espejo. Mantén la regla en posición vertical, de manera que puedas verla al lado de tu cabeza mientras te miras en el espejo. Alinea la base de la regla con tu barbilla y observa cuántos centímetros la separan de la línea de tus ojos. A continuación, alinea la base de la regla con la línea media de tus ojos y fíjate en cuántos centímetros la separan de la parte superior de tu cabeza.

No olvides que la cabeza es, básicamente, un volumen redondeado con forma de huevo que se agranda por arriba y se estrecha en la zona de la barbilla. (La mandíbula rompe esta forma ovalada en el punto de encuentro entre ésta y la parte posterior del cráneo, pero representar la cabeza como un huevo es un punto de partida útil.) Los rasgos (ojos, nariz, boca, etc.) están dentro de este volumen redondeado, de manera que, cuando la cabeza se gira o inclina, los rasgos se mueven con ella. Los ojos, por ejemplo, están paralelos a la frente. No importa cuánto se incline la cabeza, los ojos siempre estarán paralelos a la frente (aunque nuestro cerebro tiende a considerar que los ojos discurren paralelos al suelo).

Cuando dibujes una cabeza girada o inclinada, cerciórate de que te fijas en lo que ven tus ojos y no en lo que tu cerebro cree que conoce acerca del rostro. Observa, por ejemplo, que los ojos de las dos caras de la figura 15-9 están en paralelo con sus respectivas frentes y no con el suelo. Fíjate también en el espacio que ocupan los rasgos faciales en comparación con la anchura y altura de las cabezas, girada e inclinada, de la ilustración. No dejes que las ideas preconcebidas de tu cerebro acerca del ángulo de los rasgos faciales interfieran con lo que ves realmente; si lo haces, quizá dibujes una cabeza inclinada con los rasgos desplazados, pues tu cerebro cree que deben mostrarse en posición horizontal. De igual modo, como tu cerebro está acostumbrado a pensar en un retrato como en el dibujo de una cara, quizá tengas la tentación de colocar los rasgos en la parte frontal del dibujo aunque la cabeza esté girada.

Figura 15-9:

La apariencia de los rasgos faciales cambia acompañando al ángulo de la cabeza

Dibujar los rasgos faciales

Es probable que de niño aprendieses a dibujar rostros con rasgos simbólicos, como un gran círculo para la cabeza, dos puntos o pequeños círculos para los ojos y una amplia U para la boca (una U invertida muestra una cara enfadada o triste). Aunque estos rasgos te sirviesen de niño para representar y visualizar diferentes emociones, de adulto pueden interferir en la práctica del retrato realista. Así, para dibujar rasgos faciales, centra la mirada en el modelo, analiza lo que ves y olvida todo lo que aprendiste entonces sobre dibujar caras.

Las próximas cuatro secciones te permitirán practicar la precisión en el dibujo de una nariz, un ojo, una boca y un par de orejas. La primera vez que sigas los pasos de estas secciones, copia los ejemplos del ejercicio o busca una fotografía de una persona que se muestre de frente. A continuación, coge un espejo y sigue los diferentes pasos para dibujar tu nariz, ojos, boca y orejas. Para cada ejercicio, necesitarás el cuaderno de bocetos, los lápices 2H, 2B y 4B, y la goma moldeable.

La nariz no conoce fronteras

Los principiantes suelen pensar que la nariz es difícil de dibujar, ya que, cuando observas un rostro de frente, la ves en escorzo. (Consulta el capítulo 11, donde encontrarás más detalles acerca del escorzo.) Para dibujar con éxito la nariz, deberás generar la sensación de que apunta hacia el observador. El secreto para crear esta ilusión consiste en confiar en tus ojos y no en tu cerebro; si lo haces así, podrás representar fielmente las formas que veas.

Sigue estos pasos para dibujar dos narices, una de perfil y otra de frente:

1.   Utiliza el lápiz 2H para dibujar las formas simples de la nariz de perfil y de frente (figura 15-10a).

Observa que, en ambos casos, la forma básica de la nariz es un triángulo. La parte más gruesa de ésta es una estructura en forma de tienda de campaña con una cresta ósea flanqueada por dos márgenes triangulares. En el extremo de la nariz encontramos una forma esférica en forma de bola, más o menos pronunciada, según el modelo. A izquierda y derecha de esta bola encontramos dos formas redondeadas, algo más pequeñas: los orificios nasales.

2.   Aclara las líneas de las diferentes formas con la goma moldeable y utiliza el lápiz 2B para dibujar líneas de contorno sobre las formas aclaradas (figura 15-10b).

Cuando dibujes la nariz de frente, quizá quieras añadir ligeras líneas de contorno para indicar los márgenes de la cresta ósea. Un consejo: asegúrate de no dibujarlas demasiado oscuras. Mientras haces estas líneas de contorno, mantén los ojos sobre el sujeto. En cuanto mires el papel, empezarás a dibujar de memoria, y eso te complicará hacer una representación realista porque los sutiles cambios que definen las curvas de la nariz son difíciles de memorizar. Por eso es más fácil dibujar cualquier línea que varíe en grosor y en dirección mientras observamos la nariz del sujeto. Simplemente, escoge un punto de partida en el papel, coloca el lápiz sobre él y, a continuación, muévelo mientras observas la nariz. Olvida el papel e imagina que estás dibujando sobre la nariz. Hacerlo requiere paciencia pero, a la larga, permite ahorrar mucho tiempo.

3.   Con el lápiz 2B, dibuja los orificios nasales (figura 15-10c).

Mientras dibujas los orificios nasales, céntrate en el aspecto que tienen en el sujeto. En otras palabras, intenta que la percepción que tu cerebro tiene de ellos, como puntos o círculos, no interfiera en el dibujo. Aunque sean aberturas, no son círculos redondos; más bien tienen forma de alubia.

4.   Utiliza la goma moldeable para borrar las líneas superfluas, y el lápiz 4B para añadir énfasis sobre las que requieran peso adicional (figura 15-10d).

Consulta el capítulo 7 para saber más acerca de la modulación del peso de las líneas.

Figura 15-10:

Dibuja la nariz en cuatro pasos

Ojos que hablan

Los ojos están formados por los párpados y los globos oculares. Estos últimos se encuentran dentro de las órbitas (las aberturas situadas entre la frente y pómulos). Los párpados (cada ojo tiene un párpado superior y otro inferior) se estiran como toldos que cubren el globo ocular: el parpado superior suele tener un pliegue en su zona central. Tanto los párpados superiores como los inferiores tienen un borde con pestañas. La ceja es un mechón de pelo que crece a lo largo de una cresta ósea situada encima del ojo.

Sigue estos pasos para dibujar un ojo:

1.   Con el lápiz 2H, dibuja un óvalo que indique la posición y el tamaño de uno de los globos oculares.

2.   Utiliza el lápiz 2H para dibujar la forma del párpado superior sobre el óvalo dibujado en el primer paso (figura 15-11a).

3.   Con el lápiz 2H, dibuja las formas, a izquierda y derecha del párpado, que alcanzan los extremos del ojo (figura 15-11b).

4.   Usa el lápiz 2H para dibujar el párpado inferior (figura 15-11b).

El párpado inferior se muestra más horizontal en la parte central debido a que la curvatura del globo lo empuja hacia adelante. A izquierda y derecha, el párpado se angula hacia los extremos del ojo. Para dibujarlo, traza la línea que lo separa del globo ocular. Asegúrate de mirar con atención al sujeto mientras dibujas, ya que la curvatura de la línea es diferente en cada persona. Este procedimiento resulta más sencillo si se comienza por la parte central y después se sigue hacia los lados.

5.   Con el lápiz 2H, dibuja el pliegue del párpado superior (figura 15-11c).

Mientras miras al sujeto, fíjate en la distancia entre el comienzo del párpado y el pliegue. Coloca el lápiz en el lugar que deba ocupar el pliegue y, a continuación, obsérvalo en el modelo y dibuja la línea.

Figura 15-11:

Dibuja las líneas simples que forman el globo ocular y los párpados

6.   Usa el lápiz 2H para dibujar la forma básica del iris (figura 15-12a).

Mientras miras al sujeto, fíjate en la parte que ocupa el iris, si alcanza el párpado inferior, si no lo alcanza o si se solapa con él.

Figura 15-12:

Dibuja el iris, las pestañas y las cejas

7.   Cambia al lápiz 2B para dibujar las pestañas (figura 15-12b).

No intentes dibujar todas las pestañas. En su lugar, refleja el conjunto que puedas apreciar en el sujeto. En el párpado superior, por ejemplo, advertirás que el borde de las pestañas parece una forma oscura que se alinea de manera aproximada con la curvatura del párpado. En el inferior, quizá veas pequeños mechones de pestañas.

Observa que, en ambos párpados, las pestañas no se extienden hasta el ángulo interno del ojo. Céntrate en el sujeto mientras las dibujas y asegúrate de que comienzan y acaban en el lugar correcto.

8.   Con el lápiz 2B, dibuja las cejas (figura 15-12c).

Fíjate en que los extremos superior e inferior de las cejas no están definidos por líneas. Sin embargo, nos da esa impresión gracias a la disposición de sus pelos. Las cejas son más realistas si se realizan mediante trazos de sombreado que imiten cómo crece el pelo. (Consulta el capítulo 9 para repasar la información acerca del sombreado.) Si dibujas la forma de la ceja y después la rellenas, su aspecto no resultará natural.

Bocas expresivas

Para dibujar una boca realista, deberás tener en cuenta los siguientes puntos:

   La boca está formada por un par de labios que se sitúan a lo ancho de la cara.

   Los labios son una modificación de la piel de la cara.

   El aspecto más importante para dibujar una boca de manera realista consiste en dibujar con exactitud la línea que separa los labios.

Sigue estos pasos para practicar el dibujo de la boca:

1.   Con el lápiz 2H, dibuja tres pequeñas marcas que indiquen el centro y los dos extremos de la línea que separa los labios (figura 15-13a).

Este centro suele estar a un tercio entre la base de la nariz y la barbilla. Para encontrar los extremos de la línea, localiza la posición de cada uno de ellos entre la nariz y los márgenes de la cara. Observa que los extremos de la línea que separa los dos labios suelen quedar ligeramente debajo de su centro.

2.   Con el lápiz 2H, dibuja una pequeña línea de contorno en el centro de la línea que separa los labios (figura 15-13b).

Es más fácil ver la línea entre los labios cuando se separan y más difícil cuando se juntan.

3.   Utiliza el lápiz 2H para dibujar los lados izquierdo y derecho de la línea que separa los labios (figura 15-13c).

Comienza cada lado de la línea desde el centro, dibujando hacia los extremos. Mantén los ojos fijos en el sujeto mientras dibujas.

4.   Emplea el lápiz 2B y la técnica de sombreado que prefieras para construir sombras en el labio superior y bajo el labio inferior (figura 15-14a).

Consulta el capítulo 9 para obtener información acerca de las diferentes técnicas de sombreado que pueden utilizarse.

5.   Continúa con el lápiz 2B para construir sombras sobre las áreas de los labios que requieran un color más oscuro (figura 15-14b).

Figura 15-13:

Dibuja la línea de los labios en tres etapas

Figura 15-14:

Emplea el sombreado para definir los labios

Cuando los labios del sujeto estén separados, podrás seguir los mismos pasos que has utilizado para los labios cerrados, pero deberás tener en cuenta la abertura de la boca. Para que ésta resulte realista, dibuja la línea interior del labio superior tal como hiciste la línea que separaba los labios, comenzando por el centro para ir después hacia los extremos. A continuación, traza la línea que define el interior del labio inferior. Utiliza el lápiz 2B para sombrear ligeramente la abertura (figura 15-15a). Aunque parezca oscura, mantén un tono suave, de modo que se aprecie una abertura. Si la sombra es demasiado intensa, parecerá una forma sólida en vez de una cavidad. Finalmente, fíjate en los contornos interiores de cada labio. Si ves una área en la que el contorno parece más oscuro que en otras, cambia al lápiz 4B para repasarlo (figura 15-15b).

Figura 15-15:

Dibuja los labios separados

Si puedes ver los dientes del sujeto a través de la boca, fíjate en cuánto espacio ocupan dentro de ésta. A continuación, sigue las mismas indicaciones que para dibujar la boca abierta, pero, antes de sombrear la abertura, emplea el lápiz 2H para definir las formas básicas de los dientes visibles (figura 15-16a). Con la goma moldeable, aclara las líneas alrededor de los dientes y, con el lápiz 2B, matiza la abertura de la boca. A continuación, aplica un sombreado para definir los bordes de los dientes. Finalmente, utiliza un lápiz 2B muy afilado para destacar marcas entre los dientes en las zonas donde veas espacios oscuros (figura 15-16b).

Figura 15-16:

Dibuja dientes realistas

Todo oídos

Las orejas están formadas por intrincados laberintos de cartílago con tejido blando en los extremos. Igual que sucede con los ojos, narices y bocas, cada oreja posee sus características propias. A menos que dibujes un retrato de perfil, las orejas siempre se mostrarán en escorzo, si es que logras verlas. Por lo general, están situadas entre la frente y la base de la nariz. Sin embargo, no olvides mirar atentamente al sujeto, ya que las orejas de cada persona son diferentes.

A no ser que dibujes específicamente unas orejas, represéntalas de manera esquemática. Es posible sugerir unas orejas realistas sin entrar en demasiado detalle. Como son pequeñas, a una distancia normal no es posible ver mucho detalle en ellas.

Sigue los pasos que hay a continuación para dibujar orejas:

1.   Con el lápiz 2H, dibuja la forma básica de cada oreja en el lugar en que aparezcan en el sujeto.

La mayoría de veces, su forma es semicircular u oval.

2.   Divide la forma de cada oreja en dos o tres secciones basándote en las divisiones que veas.

Busca las sombras formadas por las secciones solapadas de cartílago y utiliza cualquier combinación de líneas y sombreado para representar las sombras. Normalmente, puede verse una división cerca de la parte superior de la oreja, donde ésta se curva hacia el interior. La segunda división suele verse donde una gran porción de cartílago se extiende hacia abajo desde la mitad superior del interior de la oreja.

3.   Cambia al lápiz 2B para añadir líneas de contorno.

4.   Utiliza la goma moldeable para eliminar las líneas superfluas y perfeccionar las sombras, para acabar el dibujo (figura 15-13c).

Un cabello natural

El cabello dibujado sólo resulta realista cuando parece que crece en la cabeza y muestra el aspecto de una masa fluida de textura suave. (Puedes obtener información detallada acerca de la representación de texturas capilares en los capítulos 10 y 14.)

Para dibujar un cabello que parezca que crece en la cabeza, deberás imitar toda su caída, desde la raíz hasta la punta. Las figuras 15-17a y 15-17b muestran lo que sucede cuando utilizamos una goma de borrar para romper la continuidad en diferentes puntos y permitir que asome el cuero cabelludo tal como sucede en la vida real. Observa que el cabello de la figura 15-17b es mucho más convincente.

Figura 15-17:

Compara dos ejecuciones de una vista frontal del cabello

Las figuras 15-18a y 15-18b muestran ejemplos similares, a excepción de que en éstas el cabello se ve desde atrás y el artista ha utilizado una goma de borrar para crear la crencha. ¿Verdad que la figura 15-18b es mucho más realista?

Figura 15-18:

Compara dos ejecuciones de una vista posterior del cabello

Para dibujar un cabello realista, prepara el cuaderno de bocetos, la goma moldeable y los lápices 2H, 2B y 4H, y sigue estos pasos. La primera vez que emplees este procedimiento, copia los dibujos de este ejercicio; después busca a un amigo o modelo, o usa un espejo para dibujar tu propio cabello.

1.   Utiliza el lápiz 2H para dibujar trazos de sombreado que describan la dirección general y la forma del cabello (figura 15-19a).

Consulta el capítulo 9 para obtener más información acerca de las diferentes técnicas de sombreado que pueden usarse para añadir textura y volumen a los dibujos.

2.   Utiliza la goma moldeable para sacar luces en las zonas más claras del cabello y el lápiz 2B para dibujar las zonas más oscuras (figura 15-19b).

3.   Con un lápiz blando como el 4H, añade marcas oscuras que separen las diferentes secciones del cabello (figura 15-19c).

Estos trazos representan la sombra que se crea cuando una sección de cabello se solapa con otra.

Figura 15-19:

Dibuja un cabello realista en tres etapas

Dibujar personas en la distancia y en movimiento

Tanto para dibujar personas a lo lejos como en movimiento, deberás fijarte en la esencia más que en el detalle. En ambos casos, el realismo se consigue añadiendo menos detalles. Después de todo, el único momento en que puedes apreciar los detalles de las personas en la vida real es cuando están quietas y se hallan a poca distancia de ti. Cuanto más lejos estén menos detalles percibirás. De manera similar, el movimiento emborrona los detalles, así que, cuanto más se mueva una persona, menor será la nitidez. Independientemente de si el sujeto se encuentra lejos o en movimiento, advertirás su gesto, forma y tamaño, así como los tonos claros y oscuros, más que sus detalles específicos.

En esta sección encontrarás trucos para representar distancia y movimiento en tus dibujos. Practicarás realizando un dibujo que incorpora tanto a gente en la distancia como en movimiento.

Dibujar personas y multitudes en la distancia

Para dibujar figuras que parezcan estar a lo lejos, deberás incorporar efectos de perspectiva atmosférica. Eso significa que, cuanto más se aleje un objeto de nosotros, más pequeño y menos definido nos parecerá. En otras palabras, las figuras que dibujes en la distancia deberán parecer formas sugeridas más que personas detalladas. La figura 15-20 muestra un ejemplo de lo que entendemos por formas sugeridas. (Consulta el capítulo 11 para obtener más información acerca de la perspectiva atmosférica.)

Cuando las personas están en grupos y/o multitudes, el efecto de la perspectiva atmosférica consiste en que la gente más cercana aparece más definida que la que está a lo lejos. No obstante, si todo el grupo está en la distancia, ninguno se mostrará definido.

Para dibujar con facilidad grupos de personas, piensa en la multitud que estés dibujando como si fuese una masa en lugar de personas individuales. Primero, dibuja la forma general de la masa. A continuación, añade los detalles de las personas más cercanas y las formas básicas de las más lejanas.

Para ver cómo influye la perspectiva atmosférica cuando dibujas multitudes o grupos de manera realista, coge el cuaderno de bocetos, la goma moldeable y los lápices 2H, 2B y 4B, y sigue estos pasos. Cuando utilices este procedimiento, copia los dibujos de esta sección o, si tienes una fotografía de una multitud, haz tu dibujo basándote en ella.

Figura 15-20:

Dibuja personas en la distancia de forma realista sugiriendo ciertos rasgos en lugar de añadir detalles específicos

1.   Utiliza el lápiz 2H para dibujar formas redondeadas que sugieran las cabezas de la multitud (figura 15-21a).

Dibuja las cabezas de las personas situadas en primer término más grandes que las de las personas situadas en la distancia.

2.   Con el lápiz 2H, dibuja los cuerpos de las figuras de la multitud (figura 15-21b).

Comienza con las personas que estén más cerca y no te compliques dibujando su vestimenta.

3.   Aclara todas las líneas con la goma moldeable.

Figura 15-21:

Dibujar una multitud

4.   Cambia al lápiz 2B y perfecciona los contornos de las cabezas y la ropa de las figuras situadas delante de la multitud.

Aunque estés añadiendo líneas de contorno, asegúrate de que sean ligeras, y no añadas detalles complejos.

5.   Con el lápiz 4B, traza las sombras que arrojarían las diferentes frentes, narices y bocas, pero no dibujes esas facciones (figura 15-21c).

Dibujar personas en movimiento

El dibujo gestual es una buena manera de captar la actividad de las personas en movimiento. De hecho, el único modo de dibujar estas figuras con cierto realismo consiste en trabajar de forma rápida y fluida, centrando la atención en la esencia del movimiento. Una vez que hayas realizado el dibujo gestual, podrás preocuparte de añadir detalles sobre el sujeto y lo que le rodea. (Consulta la sección “Captar el gesto” para obtener más detalles acerca de cómo realizar dibujos gestuales.)

Tu habilidad para dibujar un movimiento que resulte creíble dependerá de tu comprensión de su naturaleza. Para practicar la representación del movimiento sobre el papel, llévate el cuaderno de bocetos a un lugar donde haya mucha actividad, por ejemplo a un parque o a una calle concurrida. Recuerda que tu tema es el movimiento y tómate la libertad de hacer algo que pueda parecer un caos tumultuoso y alocado. Mientras te mantengas ocupado con lo que intentas plasmar, lo harás bien. La figura 15-22 muestra algunos ejemplos de dibujos gestuales de personas de pie, caminando y sentadas. Fíjate en que los detalles de las personas no aparecen, pero se percibe la sensación de lo que están haciendo e, incluso, de cómo deben de sentirse. Por ejemplo, las de la figura 15-22a están de espaldas al observador, pero la postura de la de la izquierda transmite seguridad, mientras que la de la derecha parece más tímida.

Otra manera de dibujar figuras en movimiento consiste en utilizar una fotografía como referencia. Este sistema tiene la ventaja de que permite ver el movimiento congelado y así tenemos tiempo para representarlo sobre el papel. Su inconveniente radica en que copiar un movimiento congelado puede llevar a un dibujo en el que la acción parezca forzada. Para prevenir esta rigidez, comienza realizando dibujos gestuales de los objetos de la fotografía. Los movimientos rápidos y libres que realices para captar la esencia de las figuras de la foto dotarán al dibujo de fundamentos enérgicos. La figura 15-23 muestra una figura saltando y otra flotando en el aire.

Figura 15-22:

Emplea el gesto para captar figuras en movimiento

Figura 15-23:

Comienza con dibujos gestuales aunque utilices una fotografía como referencia

Cuando dibujes figuras en movimiento, representa los pies y manos de manera esquemática. Si inviertes tiempo representándolos en detalle, la figura parecerá estática, aunque el cuerpo no lo esté. Puedes simplificar las manos dibujando una forma que se abre desde la muñeca en la dirección del movimiento del brazo. Para abocetar los pies, dibuja unos trazos que representen las plantas o las líneas que los separan del suelo. La figura 15-24 muestra algunos ejemplos de bocetos inspirados en pies y manos en movimiento.

Figura 15-24:

Simplifica pies y manos para sugerir movimiento

Proyecto. Multitud en la línea de meta

Este proyecto combina una multitud en la distancia con figuras en movimiento. Para realizarlo, podrás copiar las ilustraciones de esta sección o buscar una fotografía de la línea de meta de una carrera que te sirva como modelo. Independientemente del método que escojas, prepara el cuaderno de bocetos, los lápices 2H, 2B y 4B, gomas vinílicas y moldeables, y sigue estos pasos:

1.   Con el lápiz 2H, dibuja las formas en las que se descomponen la multitud, los corredores y el fondo (figura 15-25).

Comienza con un rápido dibujo gestual para situar las figuras y elementos en el dibujo. A continuación, dibuja a las personas y los objetos utilizando formas básicas.

Figura 15-25:

Utiliza el dibujo gestual para obtener la colocación y postura y, después, usa formas básicas para construir personas y objetos

2.   Emplea la goma moldeable para aclarar las líneas del primer paso.

3.   Cambia al lápiz 2B y utiliza las técnicas de sombreado que prefieras para elaborar suavemente las formas tonales simples de las personas y el fondo (figura 15-26).

Figura 15-26:

Utiliza un tono único para esbozar todas las sombras que veas

En este paso, las formas tonales simples se pueden representar con un único tono medio. Consulta el capítulo 9 para obtener más información sobre cómo utilizar las técnicas de sombreado para matizar el dibujo.

4.   Utiliza la goma moldeable para aclarar cualquiera de los tonos oscuros que lo necesite. A continuación, con el lápiz 2B, resalta valores más intensos en las zonas donde las sombras parezcan más oscuras (figura 15-27).

Añade rasgos faciales de manera esquemática.

Figura 15-27:

Utiliza la goma de borrar para aclarar tonos y un lápiz más blando para oscurecerlos donde sea necesario

5.   Con el lápiz 2B, define ligeramente los rasgos faciales, las manos y los pies de las figuras más cercanas (figura 15-28).

En lugar de añadir muchos detalles a todas las figuras del dibujo de una escena distante como ésta, es preferible aumentar la definición de las personas y objetos más cercanos. Así enfatizarás el efecto de la perspectiva atmosférica, haciendo que las más lejanas parezcan distantes a causa de su falta de nitidez. Aunque aumentes la definición de las facciones de las más cercanas, intenta no añadir demasiados detalles. En su lugar, sugiere sus facciones. En la figura 15-28, por ejemplo, los detalles de los rostros de las figuras cercanas no cambian mucho respecto a los de la figura 15-27, pero son más oscuros y están realizados con líneas más precisas.

6.   Con el lápiz 4B, añade los tonos más oscuros donde sea necesario (figura 15-29).

Figura 15-28:

Usa un lápiz blando para aportar mayor nitidez a las personas situadas en primer plano

Figura 15-29:

Dibujo terminado una vez aplicados los tonos más oscuros

En esta parte...

La parte IV es un tanto ecléctica. Los capítulos de esta sección están repletos de ideas útiles que no encajan demasiado con el resto del libro.

Aquí encontrarás buenas ideas para dibujar viñetas de cómic, claves para evolucionar como artista y algunas cosas que debes saber para proteger tus dibujos.

Capítulo 16

Diez trucos para dibujar viñetas de cómic

En este capítulo

   Cómo hacer que fluya la creatividad

   Crea el boceto inicial y desarrolla los detalles

   Transforma el boceto en un dibujo terminado

Dibujar viñetas de cómic es una forma divertida y creativa de utilizar tus habilidades de dibujo. Al fin y al cabo, una viñeta es básicamente un dibujo de la realidad al que le puedes aplicar tu propio punto de vista. Con el cómic, tienes vía libre para dar forma a cualquier cosa que se te ocurra. Si quieres dibujar un árbol charlando con una piedra, ¡adelante! Tus viñetas pueden ser absurdas, dulces, serias o ni una cosa ni otra. Puedes utilizarlas para contar chistes, historias o usarlas para que cobren vida tus increíbles ideas. No hay límites establecidos cuando se trata de dibujar viñetas de cómic, y este capítulo te será de gran ayuda para guiarte a lo largo del proceso que comienza en la idea, pasa por el boceto y llega hasta la viñeta terminada.

Encuentra una idea

Quizá no sepas qué quieres dibujar cada vez que sientes la necesidad de coger el lápiz y el cuaderno de bocetos. A veces las ideas surgen una detrás de otra, con la misma facilidad con la que un payaso se saca pañuelos de colores del bolsillo. Pero otras quizá se te resistan, así que, cada vez que des con una idea, asegúrate de anotarla en una libreta y no la juzgues cuando surja. Nunca sabes de dónde llegará tu próxima obra maestra.

Si te enfrentas a un período de sequía, sin inspiración, prueba alguna de las siguientes ideas para estimular la creatividad:

   Piensa en un objeto e imagínate una característica que normalmente no esperarías que tuviera ese objeto. Dibújalo.

   Piensa en dos objetos que no tengan relación entre sí y crea un dibujo que muestre qué sucedería si los combinaras.

   Recuerda a alguien que conozcas (o sobre el que hayas oído hablar) y escoge un rasgo característico de esa persona. Imagina cómo dibujarla de manera que el rasgo en el que estás pensando destaque más que el parecido físico con ella.

   Pregunta a tus amigos y a tus colegas de trabajo cuáles son sus alimentos favoritos; luego, transforma a estas personas en versiones de esos alimentos que hablan y caminan.

   Imagina que puedes hacer algo que no has sido capaz de hacer jamás. Piensa en cómo reaccionaría la gente ante tu nueva habilidad o poder. Dibuja una viñeta de cómic que muestre esa situación hipotética.

   Supón que tienes una mascota muy cariñosa, pero inmensa. ¿Cómo reaccionarías al tener una mascota gigante? Dibuja una viñeta que muestre cómo cambiaría tu vida.

   ¿Qué harías si te levantaras una mañana con seis piernas? Haz una viñeta con la pinta que tendrías y lo que harías con tantas extremidades.

   ¿Qué pasaría si el gobierno se pusiera en contacto contigo y te pidiera que realizaras un trabajo muy peligroso que sólo tú pudieras llevar a cabo? Dibuja una viñeta que mostrara en qué consistiría el trabajo y cómo responderías.

   ¿Qué sucedería si la única manera en la que pudieras moverte fuera en zancos, con una pértiga o con patines? Dibuja una viñeta de esta situación hipotética.

   Piensa adónde y a qué época irías si tú y tu familia os pudierais transportar en el tiempo. Crea una viñeta que muestre qué llevaríais puesto, adónde iríais y con quién os encontraríais.

Acepta influencias sin perder tu estilo

Cuando eras pequeño, descubrías cómo realizar la mayor parte de las cosas copiando las acciones de las personas que tenías a tu alrededor. Finalmente, acabaste dominando algunas habilidades básicas para la vida y entonces, probablemente cuando ya eras adolescente, empezaste a desarrollar tu propia forma de hacer las cosas. Con el dibujo sucede lo mismo.

Si te encanta la idea de dibujar cómics, es probable que te hayas sentido inspirado por las viñetas de otros artistas, y puede que quieras adoptar el estilo de tus dibujantes preferidos y utilizarlo para realizar tus propias historietas. Adoptar el estilo de un artista no sólo es útil para orientarte a medida que dibujas tus primeras viñetas, sino que también es una estupenda forma de desarrollar tus propias habilidades de dibujo. Además, resulta muy reconfortante crear obras que se parezcan a los cómics que te gustan, porque te da la sensación de que estás encontrando tu estilo. Sin embargo, si quieres evolucionar e ir más allá de copiar a tus ídolos y convertirte en el artista único que estás destinado a ser, el verdadero trabajo empezará en cuanto seas capaz de imitar el estilo de otro dibujante: habrá llegado el momento de que comiences a trabajar por tu cuenta y de desarrollar tu propio estilo.

Durante toda la historia, los artistas han adoptado influencias. Es una práctica apropiada y saludable; casi siempre. Sin embargo, tomar prestado se convierte en un problema cuando es excesivo y tu trabajo es prácticamente indistinguible del de otra persona. Un buen ejemplo de qué es tomar prestado en exceso son los fan fics, abreviatura de fan fictions (que viene a ser “ficción de fans”). La expresión fanfic se refiere a las historias escritas por los admiradores acérrimos de una determinada trama, con la intención de crear episodios alternativos de la misma historia. Si tus dibujos parecen episodios alternativos de los cómics de otro artista, quizá te estés pasando a la hora de adoptar influencias.

A pesar de que a veces resulta complicado saber si te estás pasando, una manera evidente de averiguarlo es lo que dices cuando alguien te pide que describas tu trabajo. Si la primera palabra que acude a tu boca es el nombre del estilo de otro artista, estás clasificando tu trabajo como parte del trabajo de otra persona en lugar del tuyo, lo que significa que tomas prestado en exceso.

Si sientes que estás copiando el trabajo de otro artista demasiado literalmente, sigue estos trucos que te ayudarán a convertirte en un artista único:

   Deja de definirte como dibujante de un estilo particular. Tu estilo, o la manera en la que haces las cosas, está en constante evolución; cambia a medida que desarrolles tus habilidades y que cambien tus intereses. La clave para adoptar influencias con éxito es descubrir qué te gusta del trabajo de otra persona y tomar prestado algo de ese estilo (pero no todo) para llevar a cabo tus propios dibujos. Puedes contar a la gente quiénes te han influido, pero hazles saber que posees tu propio estilo.

   De vez en cuando, dibuja del natural en vez de partir de tu imaginación. Se supone que las viñetas de cómic son imaginativas y, cuando las dibujas, indudablemente es buena idea trabajar a partir de la imaginación. Sin embargo, incluso los dibujantes de cómic más creativos se ven beneficiados si perfeccionan sus habilidades de observación.

Aunque creas que dibujar del natural no tiene nada que ver con el artista que quieres ser, pruébalo. Dibujar del natural mejora las habilidades de dibujo y la percepción de cómo funciona el mundo. También es una manera estupenda de descubrir las peculiaridades que hacen que tus dibujos sean únicos porque, cuando te centras en cómo es realmente algo, no tienes que pensar en tu estilo (o en el estilo de otra persona, ni nada parecido). Si te sientes cómodo dibujando, los elementos que hacen que seas quien eres se abrirán camino en tus dibujos.

Si no sabes cómo empezar a dibujar del natural, tómate unos minutos para hojear la parte III de este libro. Está llena de información sobre cómo dibujar motivos del natural, incluyendo objetos, paisajes, animales y personas.

   Concédete unas “vacaciones de influencias”. Consisten en tomarte un día o dos para dibujar sin permitir que ninguna característica de tus influencias favoritas formen parte de tus dibujos. Por ejemplo, si siempre dibujas personajes con peinados que tomas prestados de otro artista, tómate unas vacaciones de influencias y no dibujes el pelo así. Descubre qué pasa cuando tienes que dibujar el pelo de otra manera.

Intenta no juzgar tu trabajo mientras dibujas. A veces se necesitan unos días para averiguar cómo te sientes al cambiar de técnica y estilo. Cuanto más pienses en ti como un artista con un estilo único y en desarrollo, más consciente serás a la hora de recurrir al estilo de otros artistas, y más cerca estarás de encontrar tu propia voz en el dibujo.

Toma decisiones con tu idea en mente

¿Tienes una idea para una viñeta de cómic...? ¡Estupendo! Ha llegado el momento de pensar cómo puedes plasmar la idea en un dibujo. Independientemente del tema, todos los dibujos, incluidas las viñetas de cómic, están formados por cinco elementos compositivos: líneas, formas, espacios, tonos y texturas. La manera de dibujar estos elementos transmite tu idea al espectador. Por ejemplo, imagina dos dibujos del salón, uno realizado con líneas finas y curvas y otro hecho con líneas irregulares y angulosas. A pesar de que ambos representan la misma escena, su apariencia es muy distinta debido a las diferentes decisiones que se han tomado sobre las líneas y las texturas.

Piensa en tu idea y en la historia que quieres que cuente la viñeta de cómic y asegúrate de que tus decisiones compositivas la respaldan. Por ejemplo, en el marco del dibujo, puedes disponer los objetos como quieras, dependiendo del sentido del espacio que pretendas representar. Puedes agrupar personajes o colocarlos alejados para establecer una dinámica de relaciones entre ellos. Puedes utilizar herramientas de composición como el camino visual o el foco de atención para dirigir el ojo del espectador hacia el personaje o la acción más importante de la viñeta. (Consulta la parte II para obtener más información sobre cómo incorporar diferentes líneas, formas, espacios, tonos y texturas a tus dibujos, y sobre cómo utilizar caminos visuales y otras herramientas para transmitir tus ideas.)

Si no estás seguro de qué líneas, formas, espacios, tonos y texturas incorporar al dibujo, retoma tu idea original y reflexiona sobre las elecciones que tienen más sentido para esta idea en concreto.

Escoge los materiales adecuados

Para lograr una buena viñeta, puedes utilizar prácticamente cualquier material de dibujo. Sin embargo, sería buena idea decidir por adelantado con qué materiales trabajarás al principio del proceso de dibujo y cuáles emplearás para acabar la viñeta. Los mejores materiales para utilizar al principio son los que te permiten la máxima flexibilidad, de manera que puedas hacer cambios fácilmente, mientras que los mejores materiales para aplicar durante las últimas etapas son los que actúan de manera fiable cuando los usas y consiguen el máximo impacto. (Consulta el capítulo 2 para obtener más información sobre las herramientas que necesitas para realizar cualquier dibujo.)

Aquí están los mejores materiales que puedes usar al empezar tu viñeta:

   Lápiz: Los portaminas generan líneas limpias y son fáciles de borrar. Si piensas entintar el dibujo más adelante, necesitas un lápiz 2H.

   Goma de borrar de vinilo y goma de borrar moldeable: Cuando se trata de eliminar marcas, las gomas vinílicas son más eficaces que las moldeables. Son estupendas para borrar cualquier línea de grafito que quieras eliminar por completo, tanto si tienes que borrar una zona grande del dibujo como si sólo quieres borrar unas marcas sueltas. Las gomas moldeables son más suaves y versátiles. Son perfectas para aclarar líneas que quieras mantener. Puedes utilizar una goma moldeable frotándola por encima del papel para eliminar marcas o presionándola contra el papel y levantándola para aclarar trazos.

   Regla y escuadra o cartabón: Una regla es una herramienta ideal para dibujar líneas rectas y se puede combinar con una escuadra o un cartabón para dibujar ángulos de 90o. Simplemente, coloca un lado de la escuadra o el cartabón contra un lado de la regla y, donde se encuentran, se formará un ángulo recto. Este dúo te será muy útil para dibujar edificios, ventanas, puertas y demás.

   Papel cebolla y papel de dibujo liso: Te sugerimos que, para tus viñetas, utilices papel especial para rotuladores porque la superficie es muy lisa y evita que se corran los colores, pero también puedes probar con papel Illustration y con cartulina Bristol. El papel Illustration es una cartulina lisa y ligera, mientras que la cartulina Bristol es básicamente un papel texturizado de doble cara, disponible en una gran variedad de grosores. La mayoría de tiendas especializadas dispone de un buen surtido de estos dos tipos de papeles. Son un poco más caros que el papel de dibujo estándar, pero vale la pena pagar la diferencia.

Aquí están los mejores materiales para utilizar en los acabados:

   Plumas: Hay que sumergir las plumas en tinta para trazar marcas sobre el papel. Puedes comprar uno o más plumines intercambiables de diferentes formas y tamaños que encajen en tus portaplumas para crear interesantes variaciones de líneas.

   Rotuladores pincel: Estos rotuladores con la punta de fieltro tienen plumines en forma de pincel que te permitirán trazar líneas caligráficas (líneas fluidas con transiciones graduales como las de los pinceles, de grueso a fino). Como las plumas, los rotuladores pincel son útiles para entintar dibujos de cualquier tipo en los que se requiera una gran variedad de grosores de línea, como los de personas, animales y árboles.

   Rotuladores calibrados: Facilitan el trazado de líneas de grosores precisos. Te será útil tener a mano algunos de diferentes calibres (de 0,05 milímetros a 0,8 milímetros), para que puedas controlar el grosor de las líneas, y además podrás realizar líneas con una gran variedad de anchuras.

   Lápices de colores de buena calidad: Pide en la tienda de bellas artes que te recomienden una buena marca de lápices de colores. Los baratos, como los que usabas para pintar mapas en el colegio, no se pueden comparar con los de buena calidad. Los más buenos pueden comprarse por unidades, y así no tendrás que pagar una gran cantidad de golpe.

Prepara un lugar para dibujar

Busca un lugar en tu casa donde puedas sentarte cómodamente y tengas fácil acceso a todos tus útiles de dibujo. Pega el papel de dibujo sobre la superficie donde trabajes con cinta adhesiva para que no se mueva. Te sugerimos que utilices un soporte portátil como superficie de dibujo, en lugar de una mesa normal, para que puedas rotarlo mientras trabajas. (Consulta el capítulo 2 para obtener más información sobre cómo preparar un espacio de trabajo para dibujar.)

Asegúrate de que dispones de la iluminación adecuada a tu alrededor para que puedas ver bien lo que estás dibujando. Da igual la fuente de luz que utilices, una lámpara de escritorio, una luz de techo o cualquier otra, sólo debes cerciorarte de que es lo suficientemente luminosa como para que no tengas que forzar la vista, pero no tan brillante como para que te deslumbre.

Aboceta la idea

Cuando tengas una idea y te hayas planteado el tipo de líneas y tonos que quieres utilizar, ya puedes empezar a bosquejarla. Empieza con bocetos del tamaño del pulgar. Los pequeños te permitirán trabajar en varias ideas con mucha rapidez para que puedas seleccionar la que representa tu historia de la manera más efectiva. Además de proporcionarte diferentes opciones entre las que escoger, los bocetos en miniatura te permitirán solventar los problemas de composición antes de comenzar un dibujo más grande y elaborado.

Proponte realizar cinco o seis composiciones posibles para cualquier dibujo que quieras hacer (el número es indicativo; si crees que necesitas más de seis bocetos, ¡adelante, dibújalos!). En cada miniatura, experimenta con la disposición de los objetos y decide qué composición prefieres. Si haces uno que te gusta pero te das cuenta de que te gustaría más si lo cambiaras, haz otro para probar esta idea. (Consulta el capítulo 6 para obtener más información sobre cómo realizar bocetos en miniatura y cómo crear diferentes composiciones.)

Tras escoger el que crees que funcionará mejor, utiliza un lápiz 2H para desarrollar un boceto a tamaño completo en el papel de dibujo liso.

Analiza el boceto

Para analizar el boceto terminado, sopesa la idea original. Trata de decidir si otras personas serán capaces de comprender tu intención a partir de él. Muéstraselo a un amigo de confianza para que te dé su opinión. Luego, haz los cambios que creas que ayudarán a que la idea quede más clara y que tu dibujo sea más efectivo.

Planifica los tonos

Si piensas matizar el dibujo, utiliza papel cebolla para planificar los tonos antes de ponerte manos a la obra. Prueba algunas variaciones para disponer de diferentes opciones. Trata de crear diferentes escenarios para el dibujo. Por ejemplo, utiliza tonos oscuros en un papel cebolla para sugerir que es de noche y tonos claros para sugerir la luz del día en otro papel. Luego decide cuál crees que funciona mejor. (Consulta el capítulo 9, donde encontrarás todo lo que quieras saber sobre cómo matizar y añadir tonos a los dibujos.)

Puedes emplear todo tipo de trazos para conseguir una amplia gama tonal del claro al oscuro. Por ejemplo, puedes crear valores a base de puntos, rayas, garabatos, signos de exclamación y cualquier cosa que se te ocurra. La acumulación de marcas oscurece los tonos.

Limpia el dibujo

Antes de añadir tonos, colores y/o tintas finales a la viñeta, dedica tiempo a limpiar el dibujo. Utiliza una goma vinílica para eliminar cualquier línea que no necesites y cualquier borrón. Con un lápiz 2H, repasa cualquier línea que tenga un aspecto demasiado indefinido. Después, aplica la goma moldeable a golpecitos sobre el resto de líneas para eliminar el exceso de grafito.

Entinta tu trabajo

Antes de entintar, asegúrate de que estás satisfecho con el boceto y de que son los tonos que quieres crear. Espera a estar relajado para aplicar tinta al trabajo. Si lo haces justo después de tomarte un termo entero de café quizá cometas errores debidos al nerviosismo, ¡y luego no los podrás corregir! Practica realizando trazos con tinta en un trozo de papel aparte para hacerte una idea de la anchura de las marcas que hacen tus rotuladores y qué sucede cuando levantas el rotulador del papel. Cuando termines de practicar, coge el rotulador y dibuja suavemente y con confianza. No te preocupes si cometes errores; todo el mundo comete alguno de vez en cuando. Siempre puedes volver a empezar. A pesar de lo frustrante que puede resultar empezar de nuevo, cada dibujo aumentará tus habilidades y tu confianza.

Si utilizas tinta para matizar un dibujo, puedes usar varias técnicas distintas, como el sombreado y el sombreado cruzado, para que parezca que el dibujo tiene diferentes tonos de gris, a pesar de que la tinta sea de un único color. (Consulta el capítulo 9 para saber más sobre las diferentes técnicas de sombreado. A pesar de que las describimos e ilustramos para utilizarlas con lápices, para la tinta el concepto es el mismo.)

Plantéate seriamente si quieres añadir color a tu trabajo. Si lo haces, decide si quieres utilizar lápices o tintas de colores, acuarelas u otro tipo de material. Algunos materiales, como las acuarelas y las tintas de colores, funcionan bien con la tinta negra. Sin embargo, recuerda experimentar la combinación de diferentes materiales de dibujo en un papel aparte antes de añadirlos al dibujo final.

Capítulo 17

Diez maneras de progresar como artista

En este capítulo

   Aprende a apreciar los diferentes estilos de dibujo y materiales

   Desarrolla tu individualidad creativa como artista

   Expande tu trayectoria artística y comparte tu trabajo

El siglo XXI es una época estupenda para ser artista, porque todos los caminos estéticos se abren ante ti. Tanto si quieres que tu arte sea divertido como serio, impactante o cualquier cosa intermedia, encontrarás tu nicho en la comunidad artística de hoy en día. No te presiones para decidir qué tipo de autor quieres ser. A medida que empieces a desarrollar tus preferencias y a ser consciente de tus tendencias, tu yo artístico empezará a surgir. Sólo tienes que ser fiel a ti mismo, confiar en tu instinto y aceptar el cambio y la evolución cuando se crucen en tu camino. Sencillo, ¿verdad?

No importa el éxito que tengas, intenta siempre encontrar nuevas maneras de desafiarte. Al dibujar, los retos a los que te enfrentas son uno de los motivos principales por los cuales sigues volviendo a sentarte a tu mesa de dibujo.

Este capítulo te ofrece consejos estupendos sobre cómo encontrar tu camino en el mundo artístico y seguir evolucionando como artista cuando lo consigas.

Adéntrate en la apreciación del arte

Si estás listo para comenzar a progresar como artista, te recomendamos que empieces admirando el arte de otros. Sí, has oído bien. Deja tu lápiz de dibujo sobre la mesa y coge un lápiz para tomar notas. Puedes aprender muchísimo sobre ti mismo como artista al estudiar el trabajo de otros. Gracias a museos, galerías, libros de arte e Internet no tendrás que ir muy lejos para encontrar un montón de arte que estudiar. Así que tómate tu tiempo para observar y apreciar una amplia gama de arte y artistas. No te preocupes si no te gusta todo lo que ves; apreciar el arte significa descubrir de qué trata, no adorar cualquier obra que contemples.

Aquí tienes algunas maneras para empezar a apreciar el arte:

   Visita museos y galerías de arte para contemplar el arte en persona. Contemplarlo de cerca es distinto a verlo en libros o por Internet. Al contemplar un trabajo artístico en persona, puedes detectar los defectos que esconden las fotografías. Estas imperfecciones son la prueba de que el trabajo que estás contemplando ha sido creado por una mano humana y no por una cámara o un artilugio electrónico. Cada vez que visites un museo lleva un cuaderno de bocetos y un lápiz para anotar los nombres de los artistas que te gusten y sobre los que quieras buscar más información.

   Echa un vistazo a los periódicos y medios de comunicación locales para enterarte de las próximas exposiciones y visita todas las que puedas. Tendrás la oportunidad de conocer y charlar con los artistas locales si asistes a las inauguraciones de sus exposiciones. Que no te intimide su éxito. Aprovecha la oportunidad para preguntar a tus colegas artistas qué les inspira o cómo se les ocurren las ideas para sus obras. Te sorprenderá lo mucho que puedes aprender sobre ti mismo charlando con tus colegas.

   Apúntate a una asociación artística local. Puedes aprender lo mismo participando en un debate que contemplando arte. Recuerda mantener la mente abierta y disfrutar de la diversidad de conceptos creativos explorados por los artistas contemporáneos. No te preocupes si las primeras veces que asistas te da la sensación de que el grupo habla otro idioma; te acostumbrarás y te beneficiarás aunque te limites a escuchar lo que dicen los demás.

Experimenta con los materiales de dibujo

Cuando te adentres en el dibujo por primera vez, quizá te sientas abrumado por las nuevas habilidades que intentas dominar como para pensar en el tipo de material de dibujo que estás utilizando. Sin embargo, diversifica desde el principio y prueba otros útiles, aparte de los lápices. Quizá adores los lápices y eso está muy bien, pero puedes aprender mucho sobre el dibujo y sobre ti mismo si pruebas nuevos materiales. Con el tiempo, averiguarás cuáles son tus favoritos, pero incluso entonces intenta mantener la mente abierta. Apártate de vez en cuando de lo que te resulta cómodo, en especial si te atrapa la rutina.

Aquí tienes una lista de materiales de dibujo con los que resulta muy divertido trabajar, pero que no tenemos tiempo de tratar detenidamente en este libro:

   Pasteles: Los pasteles están disponibles en una gran gama de colores que puedes extender y mezclar para crear calidades tonales y matices parecidos a la pintura.

   Carboncillo: Este medio funciona muy bien para hacer bocetos porque crea negros muy ricos e intensos. Gracias a su textura blanda, se mezcla bien y se borra con facilidad. Pero como el carboncillo es un poco sucio (se emborrona) y ligeramente áspero (en otras palabras, no es tan fino como el grafito), tendrás que esforzarte para mantener limpios los dibujos.

Principalmente, el carboncillo está disponible en cuatro formatos:

•    Carboncillo comprimido: Rectangular o redondo, deja una marca muy oscura y es el formato más difícil de controlar.

•    Lápiz de carboncillo: Se le puede sacar punta con un sacapuntas para lápices normales, deja marcas muy oscuras y es el formato más fácil de manejar.

•    Carboncillo de sarmiento: Tiene forma de rama, se desmenuza mucho. Con él se consiguen grises suaves y es el formato más fácil de borrar.

•    Carboncillo en polvo: Polvo fino que se puede aplicar con un pincel, un bastoncillo o con los dedos. Es estupendo para ennegrecer la superficie que sirve de base a un dibujo sustractivo.

Puedes utilizar agua y un pincel para hacer dibujos de aguadas de carboncillo. Si quieres probar esta técnica, asegúrate de utilizar un papel que se pueda humedecer. El de acuarela es una estupenda opción.

   Lápices de colores: Están disponibles en una gran variedad de colores y se pueden comprar individualmente o en cajas en las tiendas de bellas artes. Permiten mezclar en seco diferentes colores, aplicándolos unos sobre otros. No se emborronan con facilidad y son un material muy limpio con el que trabajar, pero también son muy difíciles de borrar.

Para lograr efectos inusuales con los lápices de colores, puedes utilizar un pincel y aguarrás inodoro. Si quieres probar esta técnica, lee detenidamente las advertencias sanitarias del aguarrás y asegúrate de que estás en una zona bien ventilada.

   Conté: El conté (también llamado crayón conté) comparte muchas de las características del carboncillo, pero a diferencia de éste, está disponible en una maravillosa gama de tonos tierra. Un set básico de contés incluye un negro y un blanco, un par de grises, una sanguina, un sepia y un creta.

   Tinta: Las tintas de hoy en día están disponibles en una amplia gama de colores. Para aplicar tinta sobre papel puedes utilizar varios útiles, incluyendo pinceles y rotuladores calibrados. Sin embargo, los rotuladores y las plumas desechables se han popularizado mucho en las últimas décadas y son más prácticos de usar. Una fina aguada a la tinta proporcionará unos preciosos fondos abstractos a los dibujos.

   Hilo: El bordado se ha utilizado durante mucho tiempo para adornar con preciosismo objetos del hogar y prendas de vestir. Actualmente muchos artistas han adoptado el hilo como material de dibujo. Puedes utilizar un lápiz para esbozar tus ideas sobre tela y luego emplear una aguja para dibujar esas ideas con los bonitos hilos de colores que encontrarás en cualquier mercería.

Descubre quién eres como artista

Averiguar quién eres como artista es algo en lo que trabajarás durante toda tu carrera artística. Tu identidad como persona está en constante evolución, y lo mismo sucede con tu concepto de ti mismo como artista. Preguntarte constantemente quién eres como autor tiene el valor añadido de que la respuesta te ayudará a responder a otra pregunta que también está siempre presente: “¿Qué tipo de obra debería hacer?”.

A continuación encontrarás algunas formas de descubrir quién eres como artista (consulta el capítulo 5 para obtener más información sobre cómo puedes empezar a mirar el mundo como artista):

   Presta atención a tus respuestas ante la vida. Estas respuestas son la clave para averiguar qué es realmente lo que te interesa.

   Empieza a coleccionar cosas que te llamen la atención. Los recortes de periódico, postales y fotografías son buenos objetos por los que empezar. Coloca un corcho o panel en el que puedas exponer estos artículos en el espacio donde realizas tu trabajo creativo. Al principio, este proceso puede parecerte autocomplaciente, pero es una buena costumbre. Con el tiempo, puede que descubras patrones en todo lo que coleccionas, lo que te ayudará a darte cuenta de quién eres (o quién quieres ser) como artista.

   Lleva un diario para anotar tus pensamientos sobre arte. Presta atención a cualquier cambio en tu forma de pensar; estos cambios te ayudarán a descubrir hacia dónde quieres dirigir tu carrera artística.

   Cuelga imágenes del arte que te gusta en un blog y trata de mantener discusiones intelectualmente estimulantes entre tus amigos. Crear un foro online relacionado con el arte es una estupenda manera de compartir tus pensamientos con otros y, a la vez, de escuchar lo que otros tienen que decir. Anota mentalmente tus respuestas en cualquier debate en el que participes; es posible que te sorprenda lo que descubras de ti mismo como persona y como artista.

Examina diferentes estilos de dibujo

A veces se intenta que todo el arte encaje en categorías claramente identificadas como las que tienes a continuación:

   El arte abstracto (a veces se dice que es arte no representativo) se centra en la forma, en lugar de en referencias visuales específicas. En otras palabras, se centra en los elementos del arte, como las líneas, formas, colores, tonos y texturas, y en su disposición en la superficie de dibujo. Apreciar el arte abstracto requiere comprensión y paciencia, puesto que puede que no aparezcan objetos reconocibles.

   El impresionismo pretende proporcionar una impresión de un objeto en lugar de una representación de la apariencia real del mismo. Los dibujos impresionistas suelen ser llamativos y brillantes y, por lo general, carecen de detalle.

   El realismo (también conocido como arte representativo) es una aproximación al arte en la que el artista intenta representar el objeto de la obra tal como es.

   El fotorrealismo es un estilo en el que los dibujos parecen más fotografías que dibujos. Como las cámaras sólo poseen una lente para observar el mundo (en comparación con los dos ojos que tienen los seres humanos), todas las fotografías muestran distorsiones, por muy realistas que parezcan. Los artistas fotorrealistas recrean fielmente los efectos de esas distorsiones en sus dibujos y pinturas.

   El surrealismo es un estilo en el que los artistas dejan que su imaginación influya en los objetos realistas. Por lo general, los objetos en los dibujos surrealistas son reconocibles, pero han sido transformados por una imaginería creativa. Algunos artistas surrealistas sostienen que sus imágenes surgen de su subconsciente.

A pesar de que probablemente uno o más de estos estilos de dibujo sintonicen mejor que otros con tu trabajo, al igual que pasa con la ropa, los estilos artísticos tienden a ponerse y a pasar de moda. En lugar de tratar de encajar en una de estas etiquetas, dibuja lo que quieras como quieras; trata de ser fiel a ti mismo, no a una etiqueta artística.

Para serte fiel a ti mismo, lleva a cabo cierta introspección para obtener una visión general de tus fortalezas artísticas y de tus preferencias. A pesar de que tú (y tu trabajo) estés en cambio constante, tu identidad artística personal surge a partir de lo siguiente:

   De los temas que encuentras más atractivos y que más te gusta dibujar.

   De tu manera única de ver el mundo que te rodea.

   De los estilos de dibujo que prefieres.

   De las técnicas de dibujo que te gustan y los materiales que utilizas.

   De aceptar el reto de desviarte de la “norma” y de ser fiel a ti mismo.

   De tus necesidades personales de comunicarte a través del arte.

   De tu almacén personal de experiencias vitales y de tus valores personales.

Tu estilo evolucionará y cambiará mientras dibujes. Lleva un cuaderno de bocetos y guarda algunos de tus dibujos, pues reflexionar sobre tu trayectoria personal es una parte importante del progreso continuo como artista.

Trabaja del natural y a partir de fotografías

Dibujar lo que ves en la vida real es una experiencia que no tiene precio. Es la mejor manera de estudiar (y de averiguar cómo representar) cómo la luz y las sombras inciden sobre las formas tridimensionales. Sin embargo, trabajar del natural no siempre es una opción viable. Por ejemplo, imagina que quieres dibujar un circo. A pesar de que no puedas dibujar del natural en un circo, ¡no cejes en tu empeño! En vez de eso, recurre a lo que más se aproxima a la vida real: la fotografía. Utiliza una fotografía (o una serie de fotografías) de un circo y dibuja a partir de lo que ves en ella.

Siempre que acudas a un lugar donde te encantaría dibujar, pero en el que sabes que no resultaría práctico, mete una cámara en la bolsa. De este modo, ¡siempre estarás preparado cuando veas algo que te gustaría dibujar!

A pesar de que las fotografías ofrecen una alternativa estupenda a la vida real, tienes que ser consciente de algunos de los problemas asociados a ellas:

   La cámara observa el mundo con una única lente; no puede reproducir la profundidad que observas con los ojos. Si eres totalmente fiel a una fotografía, tu imagen será, en cierto modo, plana.

   El uso de fotografías puede conllevar problemas de copyright. Por ejemplo, si encuentras una fotografía estupenda en una revista y haces un dibujo a partir de ella, puede que, inconscientemente, estés cometiendo plagio. (Consulta el capítulo 18 para obtener más información sobre problemas con el copyright y cómo evitarlos.)

No tendrás problemas si usas tus propias fotos, las que te hayan dado amigos y parientes o fotografías antiguas. Sin duda, puedes dibujar a partir de fotos famosas publicadas en revistas y otras fuentes, siempre y cuando lo hagas para desarrollar tus habilidades de dibujo y no pretendas atribuirte la autoría de la imagen.

Asiste a clases de arte, lecciones magistrales y talleres

Asistir a clases de dibujo y a talleres te ayudará a crecer como artista. No sólo tendrás la oportunidad de conocer a otros que, como tú, intentan mejorar sus habilidades de dibujo, sino que también descubrirás diferentes técnicas y estilos de dibujo. Estos descubrimientos te pueden ayudar a desarrollar tu propio estilo e incluso puede que te conduzcan a algo completamente nuevo.

Si puedes, asiste a una clase de dibujo del natural. Este tipo de clases te ofrece la gratificante oportunidad de dibujar con modelos reales, lo cual te puede ayudar a desarrollar tus habilidades de dibujo. Antes de acudir a una clase de este tipo, echa un vistazo al capítulo 15 para averiguar todo lo que debes saber sobre cómo dibujar personas.

A medida que descubras los recursos locales, tendrás la oportunidad de conocer a otros artistas y entrar en grupos de arte. Muchos grupos organizan sesiones de dibujo anatómico económicas, talleres e incluso debates informales. Busca los programas de arte de tu zona.

Puedes encontrar información sobre dibujo en Internet. En el capítulo 4 te ofrecemos estupendas sugerencias sobre cómo localizar tutoriales online.

Prueba la pintura

Si te planteas iniciarte en la pintura, ¡deja de pensar y hazlo! A pesar de que poseer habilidades de dibujante te puede ayudar a desarrollar tus destrezas como pintor, no necesitas dibujar bien para empezar a pintar. Como la pintura refuerza el hábito de comparar relaciones de forma, tamaño y tono, probablemente te darás cuenta de que iniciarte en la pintura mejora tus habilidades en el dibujo.

Como para pintar necesitarás un montón de utensilios especializados y, además, es más fácil aprender con la orientación de un profesor experimentado, busca un curso en alguna academia o centro cívico o un taller de verano.

Enciende la chispa de tu creatividad

Confía en el valor de tus ideas. Nadie ve el mundo como tú lo ves. Lleva un cuaderno de bocetos para anotar ideas en cuanto se te ocurran.

Rellena tu fuente de creatividad. Cuando no se te ocurran ideas, no trates de forzarlas, pues sólo conseguirás frustrarte. En lugar de centrarte en ti, recurre a libros, películas, música, paseos y charlas con amigos. ¡Te sorprenderá la cantidad de inspiración espontánea que lograrás si no intentas forzarla!

Cuelga tus dibujos en Internet

Si estás listo para empezar a compartir tus habilidades de dibujo con amigos, familiares y otras personas (y a recibir sus comentarios), tienes varias opciones gratuitas o muy económicas entre las que elegir. Muchas páginas web para compartir fotos te permiten asociarte de forma gratuita, así que cualquier persona puede rellenar su perfil y colgar un número ilimitado de imágenes. Por lo general, puedes compartirlas de manera privada o pública, según prefieras.

Aquí tienes algunas páginas web para compartir fotos que te pueden servir:

   www.picasa.google.com

   www.flickr.com

   www.photobucket.com

A pesar de que compartir tu trabajo con otros pueda darte vergüenza, es un aspecto importante y muy emocionante de tu crecimiento como artista. Todas las opiniones que recibas, incluso las negativas, te serán de gran ayuda si te las tomas adecuadamente. A menudo, otras personas pueden señalar detalles que tal vez tú hayas pasado por alto porque estás demasiado obcecado con tu punto de vista. No tienes por qué estar de acuerdo con todo lo que el público diga, pero conocer la respuesta de la gente ante tu trabajo es muy importante para tu evolución como artista.

Si prefieres crear tu propia página web donde puedas mostrar tu trabajo, teclea “páginas web personales gratis” en un buscador de Internet y escoge un sitio donde alojar tu página. En ellas encontrarás instrucciones sencillas sobre cómo crear y colgar una página web.

¿Te interesa dibujar con el ordenador? www.ratemydrawings.com y otras páginas similares te permiten utilizar herramientas digitales para crear dibujos online y luego compartirlos con los visitantes de la web. Estas páginas guardan opiniones sobre tu trabajo y con ellas podrás encontrar una comunidad con personalidad artística con la que compartir ideas. (Consulta el capítulo 4 para obtener más información sobre el dibujo asistido por ordenador.)

Otras maneras de dar a conocer tu trabajo

Ya llevas un tiempo dibujando y ahora te gustaría hacer algo con la pila de trabajos artísticos que se están acumulando sobre tu mesa, ¿no es así? Pues bien, puede que haya llegado el momento de mostrar tu obra en una exposición. Al exponer tu obra, tendrás la oportunidad de ver la respuesta de la gente ante tu trabajo.

Al principio, las galerías locales te pueden parecer demasiado, pero no te preocupes. No son el único sitio en el que mostrar tu trabajo. Hay restaurantes y cafeterías donde les encanta exponer la obra de artistas locales. Busca en tu ciudad locales en los que se exponga arte original. Recurre al personal de estos locales para averiguar cuál es su política de exposiciones.

Muchas ciudades poseen cooperativas de arte que suelen estar dirigidas por miembros que pagan cuotas regulares. A cambio de eso, y posiblemente de trabajo voluntario, sus miembros tienen el privilegio de mostrar su trabajo artístico. En algunas cooperativas de arte puedes mostrar tu obra de forma perenne. En otras, en cambio, quizá te inviten periódicamente a formar parte de una exposición colectiva o individual. Investiga en las galerías de tu ciudad para averiguar si alguna de ellas es una cooperativa de arte.

Capítulo 18

Diez preguntas frecuentes sobre derechos de autor

En este capítulo

   Aprende qué son los derechos de autor y qué implican para ti como artista

   Averigua cómo se determina que una obra es original y, por tanto, está sujeta a derechos de autor

   Descubre cómo reivindicar los derechos de autor de tu obra y averigua cuándo puedes hacerlo

Todos los artistas (y sí, tú también estás incluido) necesitan comprender y respetar los derechos de autor, pues forman parte del mundo de la creación. Para ayudarte a entender qué son los derechos de autor y qué implican para ti, dedicamos este capítulo a responder a las diez preguntas más frecuentes relacionadas con los derechos de autor.

Nota: Estas respuestas son una orientación, puesto que cada país tiene su legislación particular. En España, los derechos de autor se regulan por el Texto Refundido de la Ley de la Propiedad Intelectual y el organismo que vela por el respeto de los derechos de autor y asesora a los artistas plásticos es la Visual Entidad de Gestión de Artistas Plásticos, más conocido por sus siglas VEGAP. Si quieres saber cómo proteger tu obra o tienes alguna duda sobre los derechos de los artistas, dirígete al VEGAP o consulta a un abogado especializado en propiedad intelectual.

¿Qué son los derechos de autor?

Los derechos de autor forman parte de los derechos de propiedad intelectual y son un modo de protección que otorgan al autor los derechos morales y de explotación sobre sus obras (tales como, por ejemplo, dibujos originales u otras obras creativas).

Los derechos de propiedad intelectual son muy importantes para ti como artista porque te otorgan el control de lo que sucede con tus dibujos o con otras obras creativas en cuanto las terminas. Por ejemplo, si cuelgas en Internet la imagen de un dibujo, los derechos de propiedad convierten en ilegal el que otra persona utilice tu dibujo como diseño para una camiseta, una tarjeta de felicitación o cualquier otra cosa sin pedirte y obtener tu permiso.

¿Qué obras son susceptibles de estar protegidas por los derechos de autor?

Cualquier creación artística, literaria o científica original es susceptible de estar protegida por los derechos de autor. En este contexto, original significa que debe presentar suficientes elementos que la diferencien de otras obras anteriores y que reflejen la personalidad del autor. Si copias el trabajo de otro, ya sea en su totalidad o sólo en parte, la obra que crees no se considerará original, por mucho que cambies o añadas a la obra copiada, así que no podrás adjudicarte su autoría. Ser autor es haber creado algo. Una obra de autor es cualquier producto original y creativo, ya sea un libro, un programa de ordenador, una escultura, un dibujo o cualquier otro tipo de obra creativa. Cuando creas un dibujo original, te conviertes en el autor de ese dibujo según la Ley de Propiedad Intelectual.

Los derechos de autor no protegen ideas, pero sí que pueden proteger cómo se expresan esas ideas. Por ejemplo, las ideas como el amor, la pérdida o el crecimiento no son propiedad de nadie, pero cómo se expresan estas ideas (la forma artística a través de la cual el artista representa las ideas) puede ser original y, por tanto, está sujeta a derechos de autor.

¿Cuándo una obra no es original?

Una obra artística no es original cuando procede de la copia de otra obra que pertenece a otra persona. Si basas tus dibujos en personajes de cómic o en obras artísticas de otros artistas, en ilustraciones de libros o de Internet o en fotografías tomadas por otra persona, no puedes adjudicarte los derechos de autor de tus trabajos porque no se considerarán originales, a menos que pueda ampararse en alguno de los límites expresamente previstos en la Ley (por ejemplo, la parodia).

Puedes copiar obras cuyos derechos de autor correspondan a otros artistas siempre y cuando obtengas permiso del autor original o lo hagas amparado por algún límite legal (derecho de cita, parodia, etc.). A pesar de que jamás puedes atribuirte la autoría de las reproducciones que hagas de las obras de otros artistas como si fueran tuyas, copiar a un artista como simple ejercicio para practicar es una estupenda manera de mejorar tus habilidades de dibujo. (Consulta la siguiente sección para obtener más información sobre cómo dibujar a partir de imágenes sujetas a derechos de autor.)

¿Puedo dibujar a partir de imágenes sujetas a derechos de autor?

Aunque los derechos de autor protegen el trabajo de los creadores y prohíben el uso de las obras por parte de otras personas, existen algunas limitaciones. Por ejemplo, puedes dibujar a partir de una imagen protegida con copyright si tienes el permiso de la persona que posee los derechos de autor (en la mayoría de casos se trata de quien conceptualizó y creó la obra original). Por otro lado, la propia Ley de Propiedad Intelectual reconoce que los derechos fundamentales de las personas (por ejemplo, el derecho a la información, el derecho a la intimidad o el derecho a la educación) están por encima de los derechos de un individuo, en este caso, del autor. En este sentido, está permitida, en determinados supuestos, la reproducción de obras en medios de comunicación, incluso si son parodias (derecho a la información); las copias privadas o su uso en bibliotecas, escuelas o centros de investigación (derecho a la educación). Eso sí, en ninguno de estos supuestos la entidad que utiliza o muestra esa obra puede obtener un beneficio de ella, es decir, son fines sin ánimo de lucro.

Si quieres copiar una obra sujeta a derechos de autor con propósito de investigación, no trates de presentar tu trabajo como una obra original o utilizarla para otro propósito: hacerlo sería ilegal. Si tienes cualquier duda sobre si tu intención de copiar una obra original está incluida o no en la doctrina del uso legítimo, consulta a un abogado especializado en propiedad intelectual.

Si hago cambios en una obra sujeta a derechos de autor, ¿puedo atribuirme la autoría?

Realizar modificaciones a una imagen sujeta a derechos de autor no te convertirá en el propietario de esa obra, pues la Ley de Propiedad Intelectual también protege este tipo de creaciones, llamadas obras derivadas.

¿Puedo dibujar a partir de las ilustraciones de este libro?

Este libro se ha diseñado para ayudarte a utilizar las ilustraciones que aparecen en él como herramientas que te permitan desarrollar tus habilidades de dibujo. ¡Si hasta nosotras te decimos que copies nuestras ilustraciones como ejercicio para que puedas poner en práctica lo que explicamos! Sin embargo, no puedes adjudicarte la autoría de los dibujos que crees a partir de las ilustraciones o imágenes de este libro, pues se consideraría plagio.

El plagio consiste en atribuirse la autoría de la obra artística original o de cualquier obra de otra persona. Si alguien plagia una obra artística cuyos derechos de autor corresponden a otra persona, el titular de dichos derechos podrá emprender acciones legales por daños y perjuicios. Afortunadamente, ¡es muy fácil evitar el plagio! Para ello, asegúrate de no presentar como si fueran tuyas las reproducciones de obras artísticas cuyos derechos de autor correspondan a otra persona.

¿Cómo me atribuyo la autoría de mi obra original?

Si vives en un país que ha firmado el Convenio de Berna para la Protección de las Obras Literarias y Artísticas (a menudo llamado Convenio de Berna), reclamar la propiedad intelectual de una obra es sencillo. Cuando tu obra esté terminada, automáticamente te conviertes en el titular de su propiedad intelectual. Algunos de los países que han firmado el Convenio de Berna son España, Argentina, México, Australia, Canadá, China, Francia, Alemania, la India, Italia, Rusia, Reino Unido o Estados Unidos.

Que puedas atribuirte la autoría no significa que puedas demostrar legalmente que eres el titular de los derechos de autor. Para averiguar cómo demostrar legalmente que eres el propietario de los derechos de autor, consulta la siguiente sección.

¿Cómo puedo demostrar que soy el titular de los derechos de autor?

Por el mero hecho de haber creado una obra, ya te corresponde su propiedad intelectual, es decir, tienes los derechos de autor sobre ella. Ahora bien, si llegara a surgir una disputa, deberás poder demostrar que realmente es una obra tuya y de nadie más y el mejor modo de hacerlo constar es inscribirla en el Registro General de la Propiedad Intelectual. Registrar una obra no es gratis, así que la mayoría de artistas sólo lo hacen con aquellas que creen que tienen más riesgo de ser copiadas.

Para averiguar cómo registrar tu obra, consulta la web del Ministerio de Cultura (www.mcu.es/propiedadInt).

¿Puedo poner el símbolo de copyright (©) en mi obra original?

Si eres el creador original de una obra artística, tienes el derecho de ponerle el símbolo de copyright. Tu obra no tiene que estar registrada oficialmente para utilizar el símbolo del copyright.

¿Cómo se utiliza el símbolo de copyright (©)?

Una declaración de titularidad legítima sobre una obra requiere estos tres elementos:

   El símbolo de copyright.

   El año de creación de la obra.

   El nombre del artista.

Aquí tienes un ejemplo: Copyright © 2013, José Artista. Puedes poner esta información en cualquier parte de tu dibujo, pero lo mejor es que lo pongas en un lugar bien visible pero que no distraiga al espectador mientras contempla la obra artística.

Dibujo para Dummies

Jamie Combs y Brenda Hoddinott

ISBN edición en papel: 978-84-329-0164-5

No se permite la reproducción total o parcial de este libro,

ni su incorporación a un sistema informático, ni su transmisión

en cualquier forma o por cualquier medio, sea éste electrónico,

mecánico, por fotocopia, por grabación u otros métodos,

sin el permiso previo y por escrito del editor. La infracción

de los derechos mencionados puede ser constitutiva de delito

contra la propiedad intelectual (Art. 270 y siguientes

del Código Penal)

Título original: Drawing for Dummies, 2rd edition

© Imagen de la cubierta: Shutterstock

© de la traducción, Leticia González López, 2013

© Centro Libros PAPF, S. L. U., 2013

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Edición publicada mediante acuerdo con Wiley Publishing, Inc.

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bajo licencia exclusiva de Wiley Publishing, Inc. Todas las otras marcas que aparecen

en este libro pertenecen a sus respectivos propietarios. John Wiley & Sons y el Grupo

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obra.

Primera edición en libro electrónico (epub): octubre 2013

ISBN: 978-84-329-0198-0

Conversión a libro electrónico: Victor Igual, S. L.

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