La fórmula del éxito

Tomamos un tema de actualidad y de interés general, añadimos el nombre de un autor reconocido, montones de contenido útil y un formato fácil para el lector y a la vez divertido, y ahí tenemos un libro clásico de la serie ...para Dummies.

Millones de lectores satisfechos en todo el mundo coinciden en afirmar que la serie ...para Dummies ha revolucionado la forma de aproximarse al conocimiento mediante libros que ofrecen contenido serio y profundo con un toque de informalidad y en lenguaje sencillo.

Los libros de la serie ...para Dummies están dirigidos a los lectores de todas las edades y niveles del conocimiento interesados en encontrar una manera profesional, directa y a la vez entretenida de aproximarse a la información que necesitan.

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El sitio web de la colección …para Dummies está pensado para que tengas a mano toda la información que puedas necesitar sobre los libros publicados. Además, te permite conocer las últimas novedades antes de que se publiquen.

Desde nuestra página web, también puedes ponerte en contacto con nosotros para comentarnos todo lo que te apetezca, así como resolver las dudas o consultas que te surjan.

En la página web encontrarás, asimismo, muchos contenidos extra, por ejemplo los audios de los libros de idiomas.

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10. Informarte sobre promociones, descuentos, presentaciones de libros, etc.

El autor

John Steventon, conocido también como Recess, pasó de ser clubber a ser aspirante a DJ por culpa del “Ibiza Essential Mix” de BBC Radio 1 de 1996. Fascinado por lo que oyó, compró un par de giradiscos de segunda mano, la colección de discos de su mejor amigo y se puso en marcha para conseguir el sueño de convertirse en su nuevo héroe, Sasha.

Sin otros recursos disponibles cuando empezó a hacer de DJ, John tomaba notas y escribía artículos a los que recurrir por si alguna vez necesitaba ayuda. Unirse a la revolución de Internet suponía contar con 15 megabytes de espacio gratuito en la web; como ya había escrito las notas sobre cómo aprender a ser un DJ, John pensó que no estaría mal compartir la información con el resto de la World Wide Web. Creó el personaje de Recess y fue ampliando su sitio web a medida que aumentaban sus conocimientos. Partiendo originalmente de un sitio web pequeño y básico, www.recess.co.uk (en inglés), ha crecido con los años tanto en tamaño como en reputación, hasta convertirse en uno de los principales recursos en línea para aprender a ser DJ, el lugar al que recurren los DJ novatos.

Recess ha desarrollado una trayectoria simultánea como editor televisivo que ha culminado en su actual labor de jefe de posproducción en una productora de televisión, así que ha tenido que reducir el tiempo pasado en clubes, pero siempre está disponible en línea para ayudar a los nuevos DJ a superar los primeros obstáculos y aconsejar a aquellos que necesitan un pequeño apoyo extra.

John tiene treinta y un años, juega demasiado a squash y a póquer, está casado con Julie y vive con ella y su hija, gatos y una sonrisa en las afueras de Glasgow, Escocia.

Dedicatoria

Dedico este libro a mi padre, Richard Steventon, a quien seguro que le habría encantado ver a su hijo escribir un libro.

A Julie: mi mejor amiga, mi esposa, mi sonrisa; sin ella sólo sería media persona. Eres mi langosta. Y, para esta segunda edición [en inglés], un añadido: a Jaime Steventon, aún no puedo creer que hayamos creado a una persona. Me muero de ganas de conocerte.

Agradecimientos del autor

Mi lista de agradecimientos es sorprendentemente larga, pero se trata de personas sin las cuales este libro no habría sido inspirado, creado, ¡ni crecido tanto como lo ha hecho!

Gracias a Graham Joyce, que me vendió su colección de discos y me permitió iniciar este viaje, que me dio mi primera oportunidad de una forma indirecta y que me llevó al lugar donde conocí a mi maravillosa esposa. A mi hermana, Pamela Tucker, que afirma que, de no ser por ella, no me habría hecho amigo de Graham y es, por tanto, responsable de todo lo bueno que me ha pasado en la vida. A mi madre, Mary Steventon, por ser mi madre y por ayudarme a que el texto de este libro sea más preciso (aunque no tuviese ni idea de su significado). A mi tío, David Steventon, por plantar la simiente de la idea de que quizá la gente podría encontrar interesante mi escritura; a mi fantástica familia política, Jim (perdón, “señor”), Margaret (la reina de la lasaña) y Vicki Fleming, por tener a Julie entretenida mientras yo me pasaba meses escribiendo el libro; a Carol Wilson, por asegurarse de que no estaba renunciando al resto de mi vida, y a Lucky, a Ziggy y a Ozzy, por acompañarme mientras escribía.

Ian, Jason, Nichol, Al, Gus, Jonny, Dave, Gary, Tony, Iain y el resto de gente del póquer, por dejar que me relajase hasta las siete de la mañana por el procedimiento de intentar quedarme con su dinero. Toda la plantilla y DJ de lo que fue el Café Cini de Glasgow, donde debuté como DJ. Paul Crabb, por su inspiración y diversión (ya lo sé, ¡aún no puedo creer que haya escrito un libro antes que tú!) y Flora Munro, por distraerme del trabajo y por sus fantásticos cafés.

Este libro no podría contener ni la mitad de la información que contiene de no haber sido por la ayuda de las siguientes personas, que además me dieron permiso para utilizar imágenes de sus equipos: David Cross de Ableton, Adam Peck de Gemini, Stephanie Lambley por las imágenes de Vestax, Sarah Lombard de Stanton, Tara Callahan de Roland, Mike Lohman de Shure, Sarah O’Brien de PPLUK, Carole Love de Pioneer, Grover Knight de Numark, David Haughton de Allen & Heath, Wilfrid de Ortofon, Justin Nelson de NGWave, Ryan Sherr de PCDJ, Laura Johnston de Panasonic, Jeroen Backx de Freefloat, todas las personas de Etymotic, NoiseBrakers, Sony y Denon, Mark Davis de Harmonic-mixing.com, Yakov V de Mixedinkey.com, por su ayuda con la información de Harmonic Mixing, todas las personas de los foros de DJ en Internet por dejar que los fastidiase durante los últimos ocho meses, todos los visitantes de mi sitio web Recess y todas las otras personas que han tenido que ver con este libro de una forma u otra: no puedo mencionaros a todas, pero gracias.

Y, finalmente, Rachael Chilvers de Wiley, cuyo apoyo, comprensión y ánimo han hecho que la escritura de esta obra haya sido un placer, que nunca pareciese trabajo y que nunca se convirtiese en algo que yo no quería hacer (y también por reírse de mis horribles chistes y bromas).

Uff... ¡Espero no ganar nunca un Óscar!

Gracias por leer este libro. Buena suerte, y no pierdas el ritmo.

Introducción

Las personas llegan a ser DJ desde diversas situaciones y por distintas razones, pero básicamente se las puede dividir en tres tipos: las que disfrutan con la música, las que desean ganar dinero y las que piensan que ser DJ es genial y quieren ser famosas. Quizá tú pertenezcas a una de estas tres categorías, o a todas ellas, pero lo más importante es amar la música.

Si eres un buen DJ y tienes suerte, tal vez te hagas rico y famoso, pero en los inicios, si no te gusta la música puede que te aburras y te impacientes por el tiempo y la práctica que tienes que dedicar a mejorar tus habilidades, y acabes dejándolo. Aunque consigas ser un buen DJ, si no te gusta pinchar música y escucharla noche tras noche, trabajar en los clubes empezará a parecerse demasiado a trabajar. Hacer de DJ no es trabajar: es que te paguen por hacer algo que te encanta.

Cuando empecé a hacer de DJ ya me gustaba la música, pero la primera vez que experimenté la verdadera capacidad de un DJ de emocionar al público (en Sasha, Ibiza, en 1996) me enamoré de la labor del DJ y supe que eso era lo que yo quería hacer. La mecánica del asunto no se me ocurrió hasta que no me enfrenté a dos platos y una mesa de mezclas; lo único que quería era pinchar música para la gente y tener el control de una multitud.

Acerca de este libro

Este libro se basa en mi sitio web www.recess.co.uk (en inglés) que, desde 1996, ofrece a los nuevos DJ de todo el mundo el empujón inicial necesario para convertirse en grandes DJ.

Como el beatmatching (“concordancia de ritmos”, si se quiere) es una habilidad importante y complicada para los DJ que quieren pinchar música dance electrónica (house, trance, progresiva, drum and bass, breakbeat, etc.), tiene un capítulo propio (el 14) y la menciono con frecuencia. Sin embargo, el libro también contiene las habilidades de mezcla y los conocimientos de estructura musical que te permitirán mezclar música rock, indie y pop, o hacer de DJ en bodas y celebraciones; de este modo, nadie se queda fuera. Utilizo una técnica muy simple para que cualquier persona pueda iniciarse como DJ: empiezo por desarrollar los conceptos básicos de iniciar temas y ajustar ritmos, y luego paso a la habilidad de crear transiciones entre temas, algo que cualquier DJ debe dominar, ya sea de rock, música de bodas, pop o dance. Hay muchas otras formas de desarrollar tus habilidades, pero estas estrategias se saltan los pasos iniciales básicos e implican muchas horas de ensayo, error y confusión, así que este método me ha resultado mucho mejor que cualquier otro para formar a nuevos DJ.

En las partes I y II encontrarás apartados sobre equipos y cómo utilizar las diversas funciones disponibles; estas partes son relevantes para cualquier DJ. La parte III trata de las habilidades de mezcla como beatmatching, scratching, estructura musical y transiciones. No des por supuesto que, como ciertos géneros tienen asociadas distintas habilidades, los DJ de fiesta se pueden saltar la información de beatmatching y scratching o que los DJ de club se deben saltar cualquier sección en la que se hable de DJ para fiestas. Conocimiento significa habilidad, y cuanto más hábil seas como DJ, mejor DJ serás, y más trabajo conseguirás.

Convenciones usadas en este libro

Los DJ suelen describir términos musicales, como estructura rítmica, mediante frases que, para los no iniciados, pueden parecer un puro galimatías. Así que, si un cerebrito utiliza diez palabras para describir algo, yo intento expresarlo de forma que el lector lo entienda.

A la música con la que el DJ trabaja la llamo temas o pistas. He decidido no llamar canción a cualquier pista porque el término canción suele implicar voz, y no toda la música que utiliza un DJ tiene voces.

Un amigo mío leyó Parque jurásico de Michael Crichton y decidió que, en lugar de leer los distintos nombres de los dinosaurios, los leería todos como dinosaurio. En este libro he hecho lo mismo con los reproductores y software de CD/giradiscos/reproductores y software de MP3, describiéndolos como platos a menos que me esté refiriendo a cuestiones específicas. Pensé que te cansarías de leer cosas como “Ve a tu giradiscos/reproductor de CD/PC/iPod y pon en marcha el tema. Luego acércate al otro giradiscos/reproductor de CD/PC/iPod y pon un tema distinto”. La repetición no es buena. Repito, la repetición no es buena.

Desde un punto de vista práctico:

missing image file  He utilizado la cursiva para destacar y resaltar palabras nuevas o términos que yo mismo defino.

missing image file  El texto en negrita indica la parte de la acción explicada paso a paso.

missing image file  Las direcciones web se muestran en letra monotype.

missing image file  ¡Alterno entre pronombres masculinos y femeninos para ser justo con ambos géneros!

missing image file  De acuerdo con las normas gramaticales del español, se mantienen invariables las siglas aunque se refieran a un plural. Así, por ejemplo, encontrarás las formas “los DJ2 o “tus CD”, en vez de “los DJs” y “tus CDs”. Sin embargo, cuando hables, puedes decirlo como te sea más cómodo.

Suposiciones insensatas

He supuesto que vas a encontrar divertidas las líneas como la última del apartado anterior. No te preocupes, ya sé que no tengo mucha gracia, así que no lo hago demasiado a menudo. No voy a apartar tu atención del tema que nos ocupa, pero de vez en cuando me dominará cierto impulso e intentaré ser divertido y gracioso. Te pido disculpas por ello de antemano, pero, después de todo, los libros Para Dummies son famosos por su toque gracioso y humorístico.

Aparte de eso, este libro asume que tienes intención de ser DJ, que quieres invertir el tiempo que sea necesario en hacerlo bien, que te encanta la música y que no te hartarás si tardas más de diez minutos en convertirte en el próximo Tiësto, Zane Lowe, DJ Qbert o en un solicitado DJ de bodas. También doy por supuesto que careces de una gran formación en teoría musical.

Cómo está organizado este libro

Todos los libros Para Dummies están estructurados de una forma modular y sencilla para el lector. Puedes consultar el índice, elegir un tema, ir directamente a esa página y hallar la información que necesitas.

De todos modos, el libro sigue teniendo, como cualquier otro libro, una estructura global. Empieza por las posibles opciones de equipo, pasa al proceso de desarrollo de las habilidades de DJ y acaba por una sesión en vivo ante una multitud de mil personas. ¡Esta estructura significa que puedes leerlo de principio a fin, como cualquier otro libro, y el héroe o la heroína eres tú!

Parte I: Acércate a los platos

En la primera parte se describe el equipo esencial que necesitarás para ser DJ, y también las mejores formas de crear tu colección de temas. Asimismo dedico este capítulo al arte de comprar, con consejos sobre cómo comprar en la calle y como investigar en línea y comprar tus temas y tu equipo.

Parte II: Crea tu caja de herramientas de DJ

Desde la elección de formato de CD, vinilo o digital hasta el funcionamiento de los controles de la mesa de mezclas, en la segunda parte te hablo sobre cómo utilizar, elegir, conectar e instalar tu equipo para usarlo como DJ. Nunca me atrevería a decirte exactamente lo que tienes que comprar, pero sí te daré consejos sobre qué puede ser lo más adecuado para ti y para tu presupuesto.

Parte III: La mezcla

La esencia de la tarea del DJ. Desde crear transiciones entre temas, iniciarlos en el punto correcto, hacer beatmatching y los complejos movimientos de un artista del scratch, la tercera parte ofrece toda la información necesaria para desarrollar tus habilidades como DJ. Esta información es importante, de modo que deberás dedicar mucho tiempo a esta parte, porque en ella se describen las técnicas que te definen y te moldean como DJ.

Parte IV: Promoción y actuación

Una vez que ya has desarrollado tus habilidades de DJ, el paso siguiente es conseguir trabajo y demostrar lo bueno que eres. La cuarta parte contiene abundante información sobre cómo venderte, cómo crear una sesión promocional con un sonido (y un aspecto) fantástico y qué hacer cuando consigas trabajo. ¡Ser DJ no es simplemente estar plantado en la cabina del DJ, esperando que todo el mundo se muestre encantado con la música que pinchas!

Parte V: Los decálogos

En estos capítulos se incluyen los últimos consejos, trucos y recordatorios de sentido común que facilitarán tu camino para llegar a ser un DJ profesional de éxito.

Iconos usados en este libro

De vez en cuando verás en el margen del libro un pequeño símbolo «Para Dummies». Su misión es indicarte que algo es especialmente útil, que es esencial que lo recuerdes, que puede ser peligroso para tu equipo o técnica o que se trata de una jerigonza técnica.

Éste es sencillo: se usa para destacar algo que debes grabar en tu cerebro para poder avanzar y seguir el camino correcto en tu viaje hasta convertirte en un gran DJ.

Los consejos son pequeños fragmentos de información que quizá no necesites, pero que pueden ayudarte a acelerar tu aprendizaje, hacer que tu trabajo suene mejor y, en general, facilitar tu vida como DJ.

Cuando estás empezando como DJ, quizá necesites indicaciones para sortear escollos en ciertas situaciones complicadas. Algunas de ellas pueden acabar con discos, CD o agujas rotas, ordenadores colgados o tu reputación de DJ afectada. Cuando veas este icono, presta mucha atención al consejo.

Es algo inevitable: palabras que alguien ha unido y que no quieren decir absolutamente nada. Siempre que ha sido posible, he intentado traducir los términos técnicos de los DJ a un lenguaje asequible.

Por dónde empezar

Ve a la cocina, prepárate un bocadillo y un vaso de agua fresca o una buena taza de café, pon un poco de música que te guste y abre el capítulo 1... ¡o el capítulo que más te apetezca! Si quieres información sobre beatmatching, ve al capítulo 14; si quieres saber cómo conectar tu equipo, ve al capítulo 13.

Cuando te sientas inspirado, deja el libro y haz unas cuantas pruebas con las técnicas que has leído. Si quieres pasarte 20 minutos mezclando temas y escuchando la música, sin concentrarte en tus habilidades, ¡adelante, hazlo! Tu amor por la música y por la labor del DJ es tan importante como la mecánica que tengas que utilizar, o más.

También puedes conectarte y echar un vistazo a los vídeos y fragmentos de audio de apoyo a este libro, en www.recess.co.uk (en inglés). El sitio web que he utilizado para ayudar a DJ de todo el mundo es ahora un recurso para este libro, todo para ti. Allí, si quieres, puedes escribirme, y preguntarme cualquier cosa que necesites saber.

En esta parte...

Saber qué equipo necesitas y dónde encontrar la música que quieres pinchar puede ser un poco confuso cuando estás dando tus primeros pasos en el mundo del DJ. Estos capítulos iniciales te ayudarán con los aspectos esenciales necesarios para empezar a ser DJ, así como a explorar las opciones de compra de las que dispones.

Capítulo 1

La fiebre del DJ

En este capítulo:

Qué es lo que hace falta para ser un DJ.

Mecánica y creatividad en la mezcla.

El final del viaje: la pista de baile.

El viaje de un DJ —desde el primer tema que pinchas al entrar en el mundillo de los DJ hasta el último tema de tu primer set en un club lleno de gente— es emocionante, creativo y satisfactorio, pero para llegar se necesita mucha paciencia y práctica.

Cacharritos de DJ, apps para iPod y juegos de consola como DJ Hero están introduciendo e inspirando a diario a nuevas generaciones de personas para convertirse en DJ. Cientos de DJ de todo el mundo han asumido la misión de entretener y pinchar buena música. Cuando se compite con centenares de personas de mentalidad afín, todo el mundo necesita una pequeña ventaja. La tuya es el conocimiento, y ahí puedo echarte una mano.

Descubrir lo básico de la tarea del DJ

La esencia del DJ es, en primer lugar y sobre todo, la música. La ropa, los coches, el dinero y la fama están muy bien, claro, y no nos vamos a quejar; pero lo que hace un DJ es pinchar la música adecuada y ver las reacciones del público. El DJ tiene en sus manos el control de la noche de todo el mundo, así que tienes que ser profesional, hábil y conocer bien lo que el público quiere oír, y estar preparado para detectar si realmente se lo está pasando bien.

El tipo de DJ que seas quedará definido por la forma en que elijas, utilices y respetes tus herramientas y habilidades de DJ. Conviértete en un estudioso de la labor del DJ, aparte de una persona que ama la música y la pincha para un público, y tus cimientos serán sólidos como una roca.

Cómo equiparse

Para empezar tu periplo como DJ, puedes equiparte con dos cosas: conocimientos y materiales.

Los conocimientos se pueden dividir en dos partes: lo que aún no sabes y vas a aprender y lo que ya sabes. Con el tiempo, adquirirás y desarrollarás conocimientos de mezcla como el beatmatching, el scratching, crear transiciones atractivas y elegir músicas que combinen bien entre sí.

Sentido del ritmo, oído musical para saber qué temas van bien juntos y la capacidad de detectar qué es lo que hace que un tema sea bueno son aptitudes que llevas desarrollando desde el día en que naciste. De esas tres cosas, el sentido del ritmo quizá sea la mejor arma secreta que puedes emplear en tus primeros pasos para ser DJ. Yo llevo tocando la batería desde los diez años, y eso me ha dado un gran sentido del ritmo y un sexto sentido para detectar estructuras de ritmos y melodías.

No te preocupes si no distingues un ritmo de un compás, o un bombo de una caja; te lo explicaré todo en los capítulos 14 y 15. Es necesario que dediques un tiempo considerable a desarrollar tu sentido musical y a entrenar tu cerebro para que se meta en el meollo de la música y el ritmo, pero tranquilo: con tiempo y concentración, no te quedarás atrás. Lo mismo vale para desarrollar el oído musical y reconocer qué temas tienen potencial para ser grandes éxitos. Con experiencia, dedicación, determinación y, sí, más tiempo, podrás desarrollar todos los conocimientos musicales que necesitas para convertirte en un buen DJ.

El equipo que utilices en tu labor como DJ te definirá casi tanto como la música que pongas. Los componentes de equipo básicos necesarios son:

missing image file  Dispositivos de entrada para reproducir la música: puedes elegir entre reproductores de CD, reproductores de MP3, un ordenador con software de DJ o giradiscos de DJ para pinchar discos.

missing image file  Una mesa de mezclas: esta caja de trucos te permite cambiar la música, de un tema a otro. Diferentes mesas ofrecen un control distinto sobre el tratamiento del sonido al mezclar un tema con otro.

missing image file  Unos auriculares: los auriculares son esenciales para escuchar el disco siguiente mientras otro está sonando.

missing image file  Amplificación: tienen que oírte; depende de la música que pongas, tienen que oírte ¡MUCHO!

missing image file  Discos/CD/MP3: ¿qué es un DJ si no tiene música para pinchar?

Si tu cartera está lo bastante llena, optar entre CD y vinilo ya no representa dilema alguno. Las funciones esenciales de un giradiscos las puede igualar un reproductor de CD, y hacer de DJ digital (consulta el capítulo 9) significa que puedes utilizar tus giradiscos para pinchar archivos MP3 en software de ordenador, así que ni siquiera tienes el límite de la disponibilidad de la música que se ha publicado (o no publicado) en vinilo. Por tanto, la decisión acaba dependiendo de la estética, el dinero y tu personalidad. A lo mejor te gusta esa sensación retro del vinilo y te chifla ir en busca de discos por las tiendas, o quizá prefieres el aspecto moderno de los reproductores de CD o la versatilidad de los ordenadores, y te inclines por la mayor disponibilidad de los MP3 y los CD; la elección es tuya.

Hazte amigo de tu cartera

Ser DJ cuesta dinero. Tanto si compras en línea como si te vas a una calle comercial, lo primero que tienes que hacer es comprobar tu solvencia económica. Si has estado ahorrando durante el tiempo suficiente, quizá ya dispongas de un presupuesto saneado para gastar en tu equipo. Pero recuerda: los gastos no acaban ahí. Cada día se publican temas nuevos y te vas a morir de ganas de incluir lo mejor y más moderno en tus mezclas. Quizá, cuando quieras comprar otros equipos, empieces a pensar en términos de cuántos temas podrías comprar con ese dinero. Recuerdo haber dicho una vez: “¿Cincuenta libras por una camisa? ¡Eso son diez discos!”.

Aunque no tiene el mismo toque personal, comprar los equipos y la música en línea puede ser más barato. Y, si no puedes permitirte equipos de DJ nuevos, utiliza software de demostración en un ordenador y, cuando puedas, gástate el dinero en equipos de DJ o controladores para el software. Para más información sobre esto, consulta los capítulos 3 y 9.

Conoce tu música

A lo largo de los años que llevo ayudando a personas a convertirse en DJ, una de las preguntas más sorprendentes que me han hecho es la siguiente: “Quiero ser DJ. ¿Me puedes decir qué música debo pinchar?”. Esta pregunta me parece ridícula. Elegir el género (o géneros) de tu música es muy importante, porque tienes que amar y sentir pasión por pinchar esa música durante el resto de tu carrera como DJ. Para más información sobre géneros y formatos musicales, consulta los capítulos 4 y 5.

Cuando hayas encontrado tu veneno musical, empieza a escuchar toda la cantidad de él que puedas. Compra discos y CD, escucha la radio, busca información sobre el género por Internet y descubre cuanto puedas sobre él. Este trabajo preliminar te ayudará a elegir qué temas quieres pinchar y a buscar remezclas de artistas, y también a desarrollar tu propio estilo de mezcla. Un poco de investigación antes de meterte de lleno en la tarea del DJ será un apoyo fundamental para comprender las distintas facetas y los componentes básicos de la música que te gusta. Conviértete en un estudioso del trance, un académico del jungle, un investigador del rock y un maestro del pop; pero, sobre todo, asegúrate de empezar a tratar tu música como tu herramienta y a utilizarla como un verdadero artesano.

Investigar y descubrir

Ya sabes la música que quieres pinchar, has decidido el formato que te conviene y has estado ahorrando durante bastante tiempo; lo que tendrás que hacer ahora es navegar por la amplísima variedad de equipos disponibles, y asegurarte de que compras la mejor configuración de DJ para el trabajo que tienes entre manos.

La tecnología avanza más rápido que yo escribiendo este libro, así que es fácil que te pierdas en las características de los distintos lectores de CD que hay disponibles en el mercado, giradiscos, mesas de mezclas y versiones de software. Tómate todo el tiempo que puedas para decidir qué es lo que quieres comprar. Conéctate en línea, investiga un poco y haz preguntas en foros de DJ sobre sus opiniones respecto a los equipos que estés pensando comprar. Asegúrate de que lo que compras haga lo que quieres que haga, y de que los extras que nunca vas a utilizar no aumenten su precio para nada.

He aquí una breve guía de lo que debes tener en cuenta al comprar tu equipo:

missing image file  Los giradiscos para DJ han de tener un motor resistente, un control de pitch que te permita ajustar la velocidad de reproducción del disco y una buena aguja. También tienen que tener una constitución lo bastante sólida como para soportar las vibraciones y los abusos a los que los someten las sesiones de DJ. Me temo que un giradiscos doméstico no servirá. Para más información, consulta el capítulo 6.

missing image file  Lo ideal es que las mesas de mezclas tengan ecualizadores de tres bandas por cada canal de entrada, un cross-fader, controles para redireccionar a auriculares y un buen display para mostrar el nivel (volumen) al que la música sale de la mesa de mezclas, para no reventar accidentalmente los altavoces. En el capítulo 10 se abordan con mayor detalle esta y otras funciones de la mesa de mezclas.

missing image file  Los lectores de CD tienen que ser lo bastante resistentes como para no dar saltos cada vez que hay un golpe de bombo por los altavoces. Jog wheels, displays de tiempo y pista de fácil comprensión y un pitch bend son, junto con el control de pitch, características importantes de un plato de CD. El capítulo 8 está íntegramente dedicado a los CD y todo lo que les rodea.

missing image file  Hay diversas formas de utilizar ordenadores con software de DJ. Desde clics de ratón, pulsaciones de teclado y hardware específico para usar sólo tus giradiscos, lectores de CD y mesas de mezclas para controlar música que está en el ordenador; todas las opciones se explican en el capítulo 9.

missing image file  Los auriculares deben ser cómodos, tener un sonido diáfano a volúmenes altos y aislarte en buena parte del ruido externo de la pista de baile para que no te veas obligado a subir el volumen a un nivel excesivo. Tu oído es muy importante, así que trata de no tener los auriculares al máximo continuamente. En el capítulo 11 encontrarás consejos sobre auriculares y sobre cómo proteger tu oído.

missing image file  Las consignas en amplificación son volumen y control de sonido. En tu dormitorio no necesitarás un amplificador y un subwoofer enorme, pero, del mismo modo, con un aparato de alta fidelidad doméstico no se va a ningún lado en una gran sala. En el capítulo 12 se explica cómo hallar el equilibrio correcto.

Conexión de tu equipo

Cuando tengas todas las partes de tu instalación de DJ, la última tarea consiste en montar el rompecabezas. Saber cómo conectar tu equipo no es simplemente importante: es del todo esencial. Si no sabes qué se conecta a qué, y cuáles son las entradas y las salidas de tu aparato, no sabrás qué hacer cuando las cosas vayan mal. Y no lo dudes: las cosas van mal, y siempre en el peor momento.

Un día estarás presumiendo de tus habilidades de DJ y alguien te pedirá que vayas a pinchar música en una fiesta con tu equipo, un equipo que ensamblaste hace más de un año con la ayuda de tu hermanito de cuatro años. Piensa en el soldado que tiene que montar las piezas de un fusil en cuestión de minutos: así de cómodo debes sentirte al conectar las piezas de tu equipo de DJ; bueno, con la excepción de que no tienes que matar a nadie, sólo dejarlos KO en la pista de baile. En el capítulo 13 se desarrolla todo lo necesario sobre conexiones.

Para ser DJ se necesita paciencia y práctica

No importa qué clase de DJ seas —rock, dance, fiestas, indie, drum and bass o cualquier otro de los centenares de géneros que existen—, todo se reduce a elegir los temas apropiados para las personas que te escuchen, y las transiciones que utilizarás para mezclarlos.

Elegir los temas apropiados es fruto de los conocimientos, la experiencia y la habilidad para leer la reacción de las personas en la pista de baile (para más información sobre esto, consulta los capítulos 20 y 21), pero puedes descubrir, desarrollar y refinar la mecánica de cómo pasar de un tema a otro mediante práctica y dedicación.

El beatmatching (ajustar la velocidad de reproducción de dos temas de modo que los golpes de bombo que marcan el ritmo tengan el mismo tempo) es el aspecto mecánico que se considera fundamental para el DJ de house/trance. Con el tiempo, la paciencia y la práctica suficientes, cualquiera puede aprender los aspectos fundamentales que explico en el capítulo 14.

Muchos géneros musicales no están tan ligados a la habilidad de beatmatching, porque las velocidades de los diversos temas que se mezclan varían tanto que se convierte en una tarea casi imposible. Pero eso no significa que ser DJ de rock, pop o fiesta no exija habilidad; la música que se pincha es mucho más importante que la transición, pero sigue siendo necesario evitar una ruidosa cacofonía al mezclar temas.

Además de la habilidad fundamental de crear las transiciones adecuadas, lo que diferencia a un gran DJ de uno normal es su creatividad. Para desarrollar esta creatividad se necesita otro conjunto de componentes básicos. La combinación de dichos componentes desempeña un papel importante al determinar tu habilidad como DJ:

missing image file  Un buen control del sonido es el primero de los componentes de tu habilidad y tu creatividad. Se necesita buen oído para calcular si un tema está a un volumen demasiado alto en una mezcla, o si llegan demasiados graves a la pista. Esta habilidad se puede desarrollar y perfeccionar con la experiencia, pero un DJ con buen oído para la calidad de sonido ya tiene hecha la mitad del recorrido. En el capítulo 16 te hablaré del control de sonido para crear mezclas con un sonido genial, y en los capítulos 19 y 21 hay información sobre el control del sonido global de tu mezcla, tanto al pinchar en directo como en la elaboración de sesiones promocionales.

missing image file  Conocer la estructura de un tema es el segundo componente esencial en tu viaje para convertirte en un DJ creativo. Saber cuántos compases y frases componen las grandes secciones de los temas es importante para crear mezclas atractivas. Con el tiempo, los DJ desarrollan un sexto sentido para percibir la estructura de un tema y de lo que sucede en él, de modo que dejan de apoyarse en trozos de papel y notitas para elaborar sus mezclas. En el capítulo 15 se recorre esta estructura paso a paso.

missing image file  Aunque el scratching se considera más bien una habilidad independiente, si se domina esta técnica se puede añadir a la sesión un poco de emoción y capacidad de sorprender. Éste es el tercer componente esencial para ser un DJ creativo. En lugar de dejar que un CD o disco suene a velocidad normal, lo paras con la mano y haces sonar una sección breve (que se llama muestra) atrás y adelante para crear un sonido único.

missing image file  Esto también te ayudará con la mecánica de uso de tu equipo de DJ. A todos nos enseñan a tener miedo de tocar nuestros discos, o no tenemos el tacto suave necesario para trabajar correctamente con un vinilo o un controlador de CD. El scratching supera en seguida todos esos remilgos y no deja lugar a excusas. Tu destreza al manipular tus temas se multiplica por diez en cuanto aprendes incluso los movimientos de scratch más básicos, que describo en el capítulo 17.

Todo es cuestión de estilo

El estilo es realmente el camino de la creatividad, porque todo se reduce a la música. El orden en el que pinchas los temas, cambias los tonos, mezclas armónicamente, te vas de un género a otro, aumentas el tempo y creas una montaña rusa de potencia y energía son las razones que hacen que un DJ sea mejor que otro.

Trabajar como DJ

La parte más difícil de actuar es, en realidad, conseguir la oportunidad de actuar. Son cientos las personas que se pelean por cada empleo en la industria del entretenimiento; si quieres tener éxito, tienes que ser el primero. Debes diferenciarte de la competencia y asegurarte de tener las habilidades que te permitan venderte bien. Convence a los propietarios y promotores de los clubes de que vas a suponer un beneficio para su establecimiento y actúa la noche que te asignen. Esto es lo que debes hacer:

missing image file  Las sesiones promocionales son tu ventana al mundo. Representan la primera forma de informar sobre qué clase de DJ eres. Para tus amigos, tu jefe o alguien de la industria musical, la sesión es una exhibición de tus habilidades como DJ. Incluye sólo tu mejor trabajo; si no es lo bastante bueno, no valen excusas. El capítulo 19 contiene toda la información necesaria sobre sesiones promocionales.

missing image file  Véndete bien. Utiliza todos los caminos que describo en el capítulo 20, incluso para los inicios más básicos en un club, pub o noche de fiesta.

missing image file  Una vez que hayas logrado asegurar cualquier tipo de trabajo, sólo estás a medio camino en tu periplo para convertirte en DJ. Te has pasado tiempo creando una buena sesión en tu habitación, pero ahora, tanto si pinchas en la sala Cream de Liverpool como en la boda de los García en una sala de fiestas, la noche tiene que ser un éxito.

Quizá tu técnica sea un poco vacilante pero, si pinchas los temas adecuados, eso es algo perdonable (pero ¡no es una excusa para saltarte los pasos básicos!). La idea es que el conjunto de temas provoque reacciones emocionales y físicas en el público; en otras palabras, que se pasen la noche entera bailando con una sonrisa.

Ten en cuenta lo siguiente (más detalles al respecto en los capítulos 20 y 21):

missing image file  Como en cualquier situación nueva, la preparación es la clave para el éxito. No dejes nada al azar, indaga tanto como te sea posible, investiga lo desconocido, resuelve las cuestiones monetarias y asegúrate de que estás jugando en el mismo terreno musical que la dirección de la sala (o los encargados de la boda), para que así sólo tengas que preocuparte de pasarte toda la noche entreteniendo al personal.

missing image file  Leer las reacciones de la gente es la habilidad más importante que puedes desarrollar, y dominar la técnica de la manera adecuada puede costarte semanas, meses o incluso años. Las pistas que puedes obtener del lenguaje corporal en la pista de baile no son menos complejas que las que suceden en una partida de póquer. Miras hacia la pista y reaccionas instantáneamente a la forma de bailar de la gente, a sus expresiones, y a continuación actúas para compensar una reducción de su grado de diversión o te lanzas hacia un crescendo para convertir la noche en algo memorable.

missing image file  Estás en el punto de mira de todos, así que vas a tener que ser una persona sociable. Estás representando al club, por tanto deberás actuar en consecuencia. Una palabra equivocada a la persona equivocada, un tema equivocado en el momento equivocado, o incluso algo tan simple como que parezca que no te estás divirtiendo, todo eso puede transmitirse a la pista de baile y poner tu trabajo en una posición comprometida.

Por encima de todo, recuerda esto: desde tu habitación hasta un bar, desde una boda en un salón de celebraciones hasta la cabina principal de un inmenso night club en Ibiza, o pinchando temas de precalentamiento antes de que una gran banda de rock tome el escenario, si estás ahí es porque quieres ser DJ. Te encanta la música, quieres invertir el tiempo necesario, quieres divertir a las personas y quieres que se te reconozca por ello.

Capítulo 2

Empezamos por lo más básico

En este capítulo:

Descubrir el equipo básico de un DJ.

Elegir tu formato.

Conocer los controles y las funciones esenciales.

Acabar con el feedback y las vibraciones.

Utilizar los muebles adecuados.

Cuando vas a elegir y comprar tu primer equipo de DJ, tus consideraciones son muy diversas. Uno de los factores es el dinero que tengas para gastar. La decisión que tomes sobre si utilizar vinilos, CD o MP3 para pinchar tendrá, obviamente, una influencia vital en lo que vayas a comprar, y la música y el estilo de mezcla que adoptes también desempeñará un papel importante en tu primer equipo de DJ.

Considera este capítulo como una lista de la compra de los equipos que necesitas para ser DJ. En capítulos posteriores encontrarás pautas sobre cuál es el mejor equipo que puedes utilizar, y el más apropiado según tu presupuesto.

Haz una lista y compruébala dos veces

Como en toda profesión, tienes que asegurarte de que dispones de las herramientas adecuadas para realizar tu trabajo. Cualquier equipo de DJ contiene los siguientes elementos básicos, cada uno de los cuales describiré con más detalle más adelante en este mismo capítulo:

missing image file  Dispositivos de entrada: Giradiscos, lectores de CD, reproductores de MP3 y ordenadores son los dispositivos de entrada habituales de los DJ. En el caso de giradiscos y CD, en general necesitarás dos de cada.

missing image file  Una mesa de mezclas: se utiliza para cambiar la música que suena por los altavoces de un dispositivo a otro.

missing image file  Auriculares: se conectan a la mesa de mezclas para poder escuchar el siguiente tema que vas a poner sin que lo oiga nadie más por los altavoces.

missing image file  Amplificador: sin un amplificador (y altavoces), la gente de la pista de baile no podrá escuchar la genial música que has elegido pinchar para ellos.

missing image file  Algo sobre lo que colocar todo: si quieres, puedes sentarte en el suelo con las piernas cruzadas y ponerlo todo encima de la alfombra, pero probablemente preferirás montar, comprar o tomar prestado un mueble.

Añade unos cuantos metros de cable, unos vecinos comprensivos y un montón de CD, MP3 o discos y ya puedes iniciar tu viaje como DJ.

Evalúa los dispositivos de entrada

Como DJ, puedes elegir entre una amplia gama de dispositivos de entrada. Entre las habilidades más básicas de un DJ está la mezcla de un tema con otro sin pausa en la música, y esto quiere decir que necesitarás dos de ellos:

missing image file  Giradiscos: para reproducir discos, generalmente de vinilo. Si vas a utilizar sólo giradiscos en tu labor de DJ, necesitarás dos.

missing image file  Lectores de CD: los encontrarás tanto en forma de reproductores individuales como en forma de dos reproductores de CD en una única carcasa. Algunos sólo reproducen CD; otros pueden también leer archivos MP3 grabados en un CD (para más información consulta la sección “Pensar en MP3 y PC” y los capítulos 4 y 8).

missing image file  Software de DJ en un ordenador: suele tener al menos dos ventanas con un reproductor en cada una de ellas para controlar música almacenada en un disco duro.

missing image file  Reproductores y aplicaciones de MP3: lo primero que a uno le viene a la cabeza son los iPods y el Tonium Pacemaker, por ejemplo. A veces sólo hace falta uno de ellos, según la mesa de mezclas y la aplicación que utilices.

missing image file  Lo que sea que aparezca en el futuro: quién sabe, a lo mejor pronto bastará con pensar en música y ésta brotará de tus propios dedos...

Aunque la opción de qué equipos usar es técnicamente tuya, en función del género de música que quieras pinchar, quizá ya has hecho tu elección. Para más información sobre decisiones de formato, consulta el capítulo 5.

Si tienes muchos CD y muchos discos y quieres combinar formatos, parece buena idea tener un solo lector de CD y un solo giradiscos y mezclar entre ellos. Sin embargo, esto puede generar confusión, y forzarte a actuar de determinada manera en muchas situaciones. Te verás obligado a mezclar de vinilo a CD, de CD a vinilo, etc. Nunca podrás mezclar de un CD a otro, o de un disco a otro. Si crees que vas a ser principalmente un DJ de vinilo, puedes jugártela y comprar un lector de CD para complementar a dos giradiscos, con la esperanza de que nunca quieras mezclar de CD a CD, pero eso sigue siendo un riesgo. Si tienes pensado utilizar sólo CD, quizá quieras un giradiscos que se pueda incorporar a tu equipo de DJ o utilizar para transferir tus temas en vinilo a CD.

Pensar en el giradiscos

Los giradiscos son el caballo de batalla de los DJ. Han estado presentes, de una u otra forma, desde los inicios de la música grabada, y se han usado para pinchar discos en clubes y han sido parte esencial de la música de baile desde su misma concepción. Un disco es un trozo circular de vinilo, duro pero flexible, con un único surco en espiral grabado en cada una de las caras, que empieza en el borde externo y termina cerca del centro del disco. Este surco contiene millones de minúsculas irregularidades y variaciones que contienen, a su vez, la información musical.

La aguja (con punta de diamante) recorre el surco para convertir estas irregularidades de nuevo en música. El disco se sitúa en una superficie giratoria (el plato propiamente dicho), de modo que la aguja empiece su trayectoria desde cualquier punto del surco y recorra lentamente su camino hacia el centro. Las irregularidades en el surco hacen que la aguja vibre; estas vibraciones se convierten en una señal eléctrica que (en un equipo de DJ) se envía a una mesa de mezclas que convierte la señal en música.

Se debe utilizar el tipo de giradiscos correcto. El que incorpora el equipo de alta fidelidad de tus padres probablemente no sea adecuado para la tarea de DJ (a menos que tu padre sea Fatboy Slim, claro). Los tocadiscos de los equipos de alta fidelidad domésticos están hechos para leer discos en una dirección, a una velocidad normal, no para enfrentarse a los golpes y vibraciones que debe soportar un giradiscos de DJ.

Los requisitos mínimos para un giradiscos de DJ son:

missing image file  Un control de pitch (de velocidad) variable para ajustar la velocidad del disco (generalmente con un intervalo del 8 al 12 por ciento más rápido o más lento de lo normal). Los giradiscos más avanzados dan la opción de cambio de velocidad de hasta un 100 por ciento, pero, si éste es tu primer giradiscos, esa opción aún no es esencial.

missing image file  Una cápsula desmontable para poder utilizar distintos tipos de agujas y cartuchos para DJ (más información al respecto en el capítulo 7).

missing image file  Una superficie suave en el plato para que gire bajo el deslizador (un trozo de fieltro circular que se coloca entre el disco y el plato; más información en el capítulo 7).

missing image file  Potencia de motor suficiente para que el giradiscos siga girando bajo el deslizador si tienes el disco parado con la mano.

Por su calidad de construcción y su solidez, las series Technics 1200 y 1210 de giradiscos se han convertido en el estándar del sector en las cabinas de DJ, aunque los giradiscos de gama alta Vestax se han llevado una parte considerable del anterior monopolio de Technics. Sin embargo, incluso los Technics y Vestax de segunda mano son componentes caros, así que, por fortuna para los DJ con un presupuesto limitado, hay giradiscos para DJ de otros fabricantes que imitan este diseño clásico, como el Gemini TT02 que se muestra en la Figura 2-1.

Las ventajas de este conocido diseño son la disposición de los controles y la posición y el tamaño del control de pitch. El control de pitch es largo y está situado en el lado derecho del giradiscos, lo que permite al DJ una precisión mucho mayor para definir la velocidad de reproducción del disco. Algunos giradiscos muy baratos que hay en el mercado tienen controles de pitch mucho más cortos, o mandos giratorios, lo que dificulta cambiar el pitch en las minúsculas cantidades que son, a veces, necesarias.

Figura 2-1:

Giradiscos Gemini TT02.

Aunque los fabricantes han añadido funciones, redondeado las esquinas y mejorado los diseños, este diseño básico de la Figura 2-1 es el que verás con más frecuencia cuando elijas tu giradiscos, en todo el mundo (en el capítulo 6 se habla con mucho más detalle de los giradiscos y sus diversas características, incluidos los diversos estilos de motor, y cómo su par motor —potencia— puede servir de ayuda o de estorbo en el momento de hacer las mezclas).

Decidir qué lector de CD

Hubo un tiempo en el que sólo podía reproducirse un CD a la velocidad normal, y en que los lectores de CD tenían que ponerse sobre un lecho de algodón en flor para impedir que las vibraciones hiciesen saltar el CD. ¿Y en cuanto a lo de poner un CD en marcha en el momento y en la posición correctos? Una frase habitual poco después de que apareciesen los CD era “hit and hope” (algo así como “pincha y reza”).

Por suerte para todos, el diseño y la tecnología de los lectores de CD han mejorado enormemente con los años.

Como en el caso de los giradiscos (lee la sección anterior), cuando vayas a elegir tu lector de CD, evita los lectores de CD domésticos estándar que se utilizan con un sistema de alta fidelidad y los lectores portátiles. Aunque seas un DJ de rock, indie o fiestas que no tiene pensado hacer beatmatching, cuando se necesita cambiar la velocidad de la música con un control de pitch (consulta el capítulo 14 para más información sobre beatmatching), los lectores de CD para DJ son mucho más fáciles de controlar y pueden soportar muchos más malos tratos y vibraciones que un lector de CD doméstico típico.

Los lectores de CD pensados para DJ deberían tener las siguientes funciones esenciales:

missing image file  Control de pitch (igual que en los giradiscos, con un intervalo de al menos un 8 por ciento más rápido o más lento de lo normal).

missing image file  Un conjunto de controles que te permita encontrar con facilidad la canción o parte de canción que quieres pinchar. Estos controles son botones que te facilitan saltar dentro del CD, o una jog wheel, que puedes girar en sentido de las agujas del reloj o contrario a ellas para avanzar o retroceder en el CD con mayor precisión.

missing image file  Un display de tiempo que sea fácil de ver (¡sobre todo en la oscuridad!).

Los controles básicos opcionales que yo, francamente, recomiendo son:

missing image file  Pitch bend (para acelerar o ralentizar temporalmente el CD sin utilizar el control de pitch).

missing image file  Una función antisaltos incorporada en el lector de CD, para impedir que el CD salte por las vibraciones de baja frecuencia en un entorno muy ruidoso.

missing image file  Capacidad de leer discos CD-RW (CD regrabables, que pueden grabarse y borrarse varias veces) y discos MP3 (consulta la sección siguiente).

La función de pitch bend no es realmente vital en lectores de CD para principiantes, pero sin ella te resultará mucho más difícil hacer beatmatching. Y sin la función antisaltos, deberás tener cuidado de no dar golpes a tus platos o poner demasiados graves porque lo más probable es que el CD salte. Cuando un disco salta, el sonido del salto puede dar un toque retro atractivo, pero si salta un CD, ¡lo único que uno quiere hacer es darle un martillazo al lector!

Aunque la mayor parte de los CD domésticos pueden leer discos CD-R (grabables una sola vez) y CD-RW, es posible que los lectores de CD para DJ más básicos no tengan esa función. En Internet tienes acceso a mucha música difícil de encontrar, así que te conviene que tus lectores de CD puedan leer CD grabados sin dar saltos.

En el capítulo 8 encontrarás descripciones detalladas de las funciones de los lectores de CD y cómo utilizarlas.

Pensar en MP3 y PC

Los MP3 son archivos de música para ordenador que han sido comprimidos (su tamaño ha sido reducido), pero que aún conservan la mayor parte de la calidad de sonido original. Esto hace que sean fáciles de descargar y de enviar por Internet, y ocupan muy poco espacio de almacenamiento en los discos de los ordenadores y los lectores de MP3 personales, como los iPods (uno de los reproductores de MP3 más famosos).

Para obtener una idea de lo que es capaz de hacer esa compresión, mi iPod tiene un tamaño de sólo 60 gigabytes, pero ¡contiene tanta música como para no escuchar un tema repetido durante seis semanas! Para contener el mismo volumen de música necesitaría más de ochocientos CD. Como los MP3 son archivos de ordenador, puedes utilizarlos de diversas formas:

missing image file  Crear CD tradicionales. Puedes grabar MP3 en un CD y leerlo igual que un CD tradicional en un lector de CD cualquiera. Con este método, sólo podrás grabar 74 minutos de música en un CD. La mayor parte del software de grabación de CD tiene una función para convertir MP3 automáticamente para poder grabarlos como CD tradicionales.

missing image file  Grabar CD en formato MP3. Si mantienes la música comprimida en formato MP3, podrás encajar muchos más temas en un solo CD. En función de la duración y del bit rate de cada uno de los temas, probablemente podrás meter más de cien temas en un solo CD. Los CD en formato MP3 tienen, además, una característica adicional: te permiten ordenar la música en carpetas, cosa que puede resultar útil para buscar un tema entre un centenar.

Sin embargo, estos CD de MP3 no pueden leerse en todos los reproductores o lectores de CD para DJ. Cuando compres tu equipo, compruébalo si tienes pensado utilizar CD en formato MP3. Los lectores de CD para DJ que pueden leer MP3 suelen ser idénticos en diseño y aspecto a los lectores que no pueden leerlos; sólo que tendrás que pagar un poco más por ellos.

missing image file  Utilizar discos duros. Hay muchos lectores de CD, como el Denon DNHS5500 o los Pioneer CDJ400 y CDJ2000, que te permiten saltarte la necesidad de grabar CD y también conectar discos duros externos con todos tus archivos de música a través de USB (Universal Serial Bus). Algunos disponen incluso de discos duros internos, pero conectar unidades externas es una forma más versátil de gestionar tus temas y trabajar con ellos. Estos lectores suelen disponer de exhaustivos sistemas de menús para ayudarte a localizar con rapidez la pista adecuada.

missing image file  Utilizar software. La comunidad de DJ se ha visto invadida por la tecnología digital, que permite a los DJ almacenar miles de archivos de música en ordenadores y utilizar diversos métodos para controlar el software de DJ con objeto de reproducir y mezclar música. La ventaja de usar un ordenador para mezclar es que el software suele contener todo el paquete de mezcla del DJ. En una serie de ventanas, o en una sola ventana bien diseñada, el software ofrece al usuario al menos dos reproductores de entrada en pantalla y una mesa de mezclas. Así que sólo te hace falta un montón de archivos de música y conectar la tarjeta de sonido de tu PC a un amplificador, ¡y ya eres DJ! Pero ser un DJ digital puede ser mucho más complicado; en el capítulo 9 se tratan las diversas opciones.

missing image file  Probar juguetitos y aparatitos para DJ. Hay muchos aparatitos para DJ que apartan la tarea del DJ de la cabina y la ponen en la palma de tu mano. Productos como el Tonium Pacemaker, el Nextbeat e incluso una app para tu iPhone te permiten mezclar música estés donde estés. Estos aparatos suelen usar MP3 por el tamaño de los archivos, pero en los productos con disco duro interno más grande puedes mezclar temas no comprimidos, con la calidad de un CD, si es lo que quieres. En el capítulo 9 se describen estos aparatitos con más detalle.

Mézclate con las mesas de mezclas

La mesa de mezclas es el pegamento que hace que la noche marche sin problemas y los bailarines bailen sin descanso. La finalidad de la mesa de mezclas es cambiar la música que se oye por los altavoces de una entrada a otra sin que haya pausas. El capítulo 10 contiene más información sobre todo lo relacionado con las mesas de mezclas.

Las características más básicas de las que debe disponer una mesa de mezclas para DJ son:

missing image file  Un cross-fader: en la mayor parte de mesas de mezclas, el importante control que te ayuda a cambiar el sonido de una entrada a otra es el cross-fader. Al mover el cross-fader de izquierda a derecha (o a la inversa), el sonido que se escucha por los altavoces cambia gradualmente de una entrada a la otra. Si dejas el cross-fader a mitad del recorrido, oirás ambas canciones sonando al mismo tiempo. La forma de cambiar la música de una canción a la otra es un aspecto fundamental de cómo se te valorará como DJ.

missing image file  Al menos dos canales de entrada: cada uno de ellos debería tener un conmutador para seleccionar una entrada phono (para giradiscos) o una entrada de línea (para todo lo demás).

missing image file  Monitorización por auriculares con Pre Fade Listen (PFL): la función PFL (o cue, redireccionamiento) te permite escuchar la música sin tener que pasarla por los altavoces. Esto es importante para encontrar el punto de inicio adecuado para el tema siguiente, y es vital para hacer beatmatching.

missing image file  Indicadores LED: en ellos se muestra el nivel del sonido que entra y sale de la mesa de mezclas.

missing image file  Controles de ganancia: se utilizan junto con los indicadores LED de entrada. Son importantísimos para mantener la unidad del volumen global de la sesión, creando así un sonido profesional.

missing image file  EQ (ecualizadores) para frecuencias de sonido graves, medias y agudas: estos tres controles simples te permiten agregar creatividad y mejorar la calidad de sonido de la sesión, transformando una transición mediocre de un tema a otro en una perfecta, con un sonido magnífico.

Las mesas de mezclas más económicas (alrededor 65 euros, en verano de 2012) no suelen llevar controles EQ. Si eres un DJ de fiestas que no crea largas sesiones con mucha superposición, estos controles no son totalmente necesarios, pero por unos 40 euros más, puedes encontrar una mesa de mezclas con todo lo que recomiendo por un precio razonable, de fabricantes como Numark, Stanton y Behringer.

Estas funciones te darán un gran control sobre tus sesiones y te ayudarán en gran medida a adquirir un sonido profesional. Existe una amplia gama de características y funciones que te permitirán ajustar y mejorar tus sesiones, pero no son tan esenciales como las seis que he descrito en la lista anterior.

Sigue tu música con los auriculares

No subestimes la importancia de unos auriculares de buena calidad. Cuando te encuentres en una ruidosa cabina de DJ, tus auriculares son la única forma de garantizar una sesión tan suave como tu peinado.

Aunque no son un factor clave cuando estás practicando en tu habitación, en una actuación en directo es extremadamente importante utilizar auriculares con un sonido nítido que no distorsionen al poner el volumen muy alto. Si no puedes oír el disco que estás pinchando y el que vas a pinchar a continuación con limpieza y claridad, tu sesión tiene muchos números para ir francamente mal, ¡y en un tiempo récord!

Al elegir unos buenos auriculares de DJ para empezar, fíjate sobre todo en la comodidad y en el sonido. Asegúrate de que sean blandos y fáciles de llevar, y que oigas con claridad los golpes de bombo y las frecuencias altas. Si tienes oportunidad de probarlos a un volumen lo bastante alto, hazlo (pero con cuidado, no sea que estropees los auriculares o dañes tus oídos) para asegurarte de que no distorsionan o de que las frecuencias medias no ahogan los tiempos del bombo.

Si optas por comprarte unos auriculares económicos para poderte permitir unos giradiscos mejores, te recomiendo seriamente que te gastes tu primera paga de DJ en un buen par de auriculares específicos para DJ; los auriculares baratos no te darán más que problemas, ¡y quizá no vuelvas a tener más pagas que gastar! Consulta el capítulo 11 para obtener mucha más información sobre auriculares.

Potencia a tope con los amplificadores

La señal de sonido que sale de la mesa de mezclas apenas basta para alimentar tus auriculares, así que necesitarás algo con que aumentar (amplificar) esta señal para que haga funcionar los altavoces. Puedes amplificar tu música de cuatro formas distintas (en el capítulo 12 se dan más detalles sobre estas opciones):

missing image file  Comprar un amplificador y unos altavoces independientes. Esta opción puede resultar algo cara, pero es la ideal.

missing image file  Conectar el cable de salida de la mesa de mezclas a la entrada CD o AUX de tu equipo estéreo doméstico (si es que lo tienes). Yo prefiero este método doméstico para empezar, porque reduce la cantidad de equipos que necesitas —y de dinero que tienes que gastarte— y significa que ya tienes una grabadora de cintas o MiniDisc para grabar tus sesiones.

missing image file  Utilizar altavoces autoamplificados, es decir, altavoces que incorporan un amplificador. Si son lo bastante potentes como para poder escuchar la música a un buen volumen, bastarán.

Para uso profesional, yo prefiero un buen monitor de JBL (que los DJ utilizan con mucha frecuencia en cabina).

missing image file  Usar los altavoces de tu Mac o PC, que suelen ser autoamplificados, como la opción anterior. En lugar de conectar los altavoces directamente a la mesa de mezclas, puedes conectar primero la mesa de mezclas a la tarjeta de sonido del ordenador. Este método tiene la ventaja adicional de permitirte grabar en tu ordenador en cualquier momento, lo que facilita subir tus sesiones a Internet.

Elegir los muebles

Probablemente, los muebles sean el aspecto en el que menos se piensa y que más se pasa por alto del equipo del DJ. Algunas personas dedican semanas a investigar los mejores platos, lectores y mesas de mezclas y se olvidan por completo de que necesitan algún lugar en donde ponerlos.

Dos son los muebles que debes tener en cuenta:

missing image file  Algo sobre lo que poner los platos, lectores y mesa de mezclas.

missing image file  Algo donde guardar tus discos.

Ergonomía y estabilidad

Al buscar una mesa para DJ, necesitarás un mueble que sea lo bastante robusto como para que la aguja o el CD no salten con un suspiro. Aún más importante es la altura a la que se encuentren los platos y la mesa.

Si tienes que inclinarte para utilizar tus equipos, acabarás como el jorobado de Nôtre Dame al cabo de unas cuantas horas de práctica, así que asegúrate de que tu equipo esté a una altura que te permita practicar con el cuerpo erguido y los hombros hacia atrás, alineados con tu columna vertebral. ¡Mi quiropráctico, el doctor Dan, y yo somos grandes amigos por culpa de años de no seguir mis propios consejos!

Una ergonomía correcta para cualquier mesa (incluidas las “mesas” de DJ) significa que no tengas que alcanzar, estirarte o agacharte para utilizar el equipo. Lo ideal es estar de pie y erguido, con los hombros hacia atrás y los codos a 90 grados mientras pinchas. También deberás tener cuidado con tu cuello: ¡debe bastarte con mirar hacia abajo para ver los controles, sin estirar el cuello como si fueses un pato!

Aunque cada uno tiene una altura distinta, estos principios ergonómicos significan que, si utilizas algo como una mesa para ordenador, probablemente necesitarás unos ladrillos o unas cuantas baldosas para elevar los platos hasta una altura cómoda.

Selección de mesas comerciales

Existen mesas diseñadas especialmente para DJ, con altura ajustable, una superficie plana para tus platos y tu mesa de mezclas y unos cuantos armarios debajo para guardar los discos. Lo que me preocupa de guardarlo todo en el mismo sitio es que, si estás moviendo todos tus discos en el armario intentando encontrar un tema concreto, mover 50 discos de izquierda a derecha supone dar un golpe importante, y lo más probable es que la aguja dé un salto.

Consulta cualquier tienda en línea para DJ (y eBay) y encontrarás una amplia variedad de mesas y soportes para DJ. Casi todos ellos vienen en paquetes planos que tendrás que montar tú mismo; ¡te convendrá tener un poco de paciencia con el destornillador!

El rey de los muebles para montar uno mismo, IKEA, fabrica una buena unidad (en la línea “Billy”, visita www.ikea.es) sobre la que puedes poner tus platos; el único problema es que los estantes no son capaces de soportar el peso de dos mil temas. Puedes utilizar estantes de plástico duro, que encontrarás en tiendas de bricolaje, para poner tus CD y discos, pero asegúrate de que permanezcan estables y de que la abertura quede contra una pared. Una vez tuve un terrible accidente con Ubik, de Timo Maas, porque se deslizó de su funda por culpa de una estantería que se bamboleaba; digamos que ahora sólo es la mitad del disco que solía ser...

Yo mismo he pasado por varias configuraciones. La primera fue tenerlo todo en una tabla de planchar, ¡algo bastante precario! Luego utilicé un gran estante que mi padre había construido en los años setenta, pero ahora uso una mesa que yo mismo construí a medida. Mis platos y mi mesa de mezclas están “empotrados” en la parte superior, y mis lectores de CD y mi ordenador portátil están sujetos mediante soportes específicos que compré en eBay (en mi sitio web, www.recess.co.uk [en inglés], veréis fotos y consejos sobre cómo construir una mesa así).

Acabar con la vibración con ladrillos y aire

Otra cuestión que se debe tener en cuenta con los muebles es minimizar las vibraciones. Los lectores de CD que no tengan una buena función antisaltos pueden dejar de leer correctamente si chocan contra algo, o si los altavoces transmiten demasiada vibración de graves a la mesa y luego al lector. Pero si eres un DJ de vinilo, aunque es muy probable que las agujas salten si le das un golpe a la mesa, el principal problema con las vibraciones de los altavoces es la realimentación, o “acople”.

La finalidad de la aguja es traducir las vibraciones del surco del disco en sonidos. La realimentación tiene lugar cuando el sonido de los altavoces llega al giradiscos (en forma de vibraciones sónicas) y es reamplificada, llega de nuevo al giradiscos y de nuevo es reamplificada. Esta reamplificación crea un efecto de pescadilla que se muerde la cola (una re-re-re-re-re-amplificación), lo que se transforma en un pitido que en seguida se hace mucho más fuerte; es lo que se conoce como “acoplarse”. Este pitido daña tus oídos y los altavoces, así que debes tratar de evitarlo.

Tanto si utilizas CD como si utilizas vinilos, evita colocar los altavoces en el mismo soporte que tus platos o lectores. Si no puedes evitarlo, intenta minimizar las vibraciones poniendo los lectores sobre algún material que absorba la vibración. Como hacen muchos DJ de todo el mundo en sus habitaciones, yo solía poner los míos sobre ladrillos para solucionarlo.

Si buscas un método con más “clase”, puedes utilizar “patas” especialmente diseñadas para tus giradiscos. Estas patas, fabricadas de metal, sustituyen a las patas de caucho normales de las esquinas del giradiscos y absorben las vibraciones de forma más eficaz que un ladrillo. Las patas aislantes pueden ser bastante caras (unos 115 euros el juego de 4). Una alternativa genial, si puedes permitir gastarte unos 40 euros, es el cojín Freefloat, sobre el que sitúas los platos (en la Figura 2-2 se muestra el cojín estabilizador Freefloat). Este cojín no sólo estabiliza los platos, sino que tiene la ventaja adicional de ser mucho más bonito que unos cuantos ladrillos que puedas “tomar prestados” de una obra.

Figura 2-2:

Estabilizador de platos Freefloat.

Colocación de tu equipo de DJ

La posición de tus platos en tu habitación probablemente ya haya sido determinada por la posición actual de tu cama y de tu ordenador; pero, si tienes mucho espacio con el que jugar y puedes situarte donde te apetezca, el factor principal es estar cerca de los altavoces. El capítulo 12 contiene un apartado sobre la colocación de tus monitores, pero, mientras estés a pocos metros de los altavoces, no tienes por qué preocuparte por retrasos de sonido u otros problemas acústicos.

Algo que siempre me sorprende es que algunos DJ sienten la necesidad de situarse de cara a una pared. Intenta dar la vuelta a todo para mirar a través de la habitación. Esta situación te ayudará a visualizar, si te imaginas pinchando discos en un gran club, pero también es mucho más impresionante cuando tus amigos vienen a ver cómo te luces con tus habilidades de DJ. Deberás mantener los cables ordenados de modo que no cuelguen por la parte de atrás de la mesa, pero esta posición te dará realmente la sensación de hallarte en la cabina del DJ.

Capítulo 3

La compra del equipo

En este capítulo:

Buscar el equipo adecuado y ajustarse al presupuesto.

Elegir entre comprar en tiendas o en Internet.

Elegir entre un equipo nuevo y uno de segunda mano.

Comprobar que tu equipo funciona correctamente.

Has meditado con cuidado, has leído muchas revistas (¡y libros también, espero!) y consultado una montaña de sitios web sobre el tema, así que ya estás listo para lanzarte a comprar tu equipo.

La compra del equipo solía ser una cuestión sencilla. Tus opciones se limitaban a una tienda especializada, más bien en las afueras, donde vendían material para DJ. El encargado de la tienda tenía un aspecto algo sospechoso, y al salir te sentías estafado.

La situación ha cambiado por completo. Ahora hay muchísima competencia en el mercado de los equipos para DJ, así que las tiendas no se pueden permitir desanimar al comprador; además, con envíos gratis y atractivas promociones, los días del vendedor quisquilloso y distante han pasado a la historia.

Evaluar antes de comprar

Según mi experiencia, las personas que tienen un sueño no quieren ni oír hablar de consejos de otras personas que les dicen que se lo piensen dos veces antes de gastar su dinero. Y, si estás tan emocionado como yo cuando conseguí mi primer equipo de DJ, quizá no sea capaz de convencerte de hacer algo tan importante... pero lo intentaré de todos modos. Antes de tomar un martillo y romper tu hucha, investiga un poco más.

Probar antes de comprar

Lo primero que tienes que tener en cuenta es: ¿estás preparado para gastar dinero en tu sueño? Lo más probable es que vayas a invertir mucho dinero en algo que no sabes si se te va a dar bien (aunque, cuando hayas acabado este libro, serás un DJ fabuloso). Así que, antes de pensar en abrir la cartera para comprarte el equipo de tus sueños, intenta averiguar si puedes ir primero a alguna parte donde probar algunos equipos de DJ, o descárgate una versión demo de un software de DJ y juega un poco con él para acostumbrarte a los aspectos básicos de este arte.

Lo ideal sería que pudieras utilizar el equipo de un amigo que tenga un par de giradiscos y lectores de CD, un montaje de DJ digital y muchos discos, CD y MP3 listos para que puedas rebuscarlos y divertirte con ellos. Te podrás hacer una idea del equipo que necesitas y de cómo funciona, pero lo más importante es que probablemente desarrolles una afinidad por uno u otro soporte, que te ayudará mucho a elegir entre CD y vinilo o a decidirte por la opción digital. Pero quizá tu amigo no disponga de esta instalación perfecta, así que pregunta por ahí para ver si algún DJ que conozcas te deja hacer pruebas con su equipo.

En las tiendas para DJ más agradables te dejarán probar algunos de sus equipos si tienes pinta de ir a comprarlos, pero la mayoría de ellas no disponen de una habitación en la trastienda con un equipo completo de DJ donde puedas probar tus habilidades. No te cortes y pide en la tienda una demostración completa, pero no esperes que siempre sea posible.

Una de las grandes ventajas de utilizar equipos de otras personas o una demo de treinta días de un software de DJ es que dispondrás de un poco más de tiempo para ahorrar y comprar el mencionado equipo de tus sueños. Cuando estés satisfecho, creas que ya sabes todo lo que necesitas y estés ansioso por tener tu propio equipo, es el momento de sacarle el polvo a tu cartera o monedero y salir de compras.

Elaborar un presupuesto

El dinero del que dispongas y la forma en que quieras gastarlo influye radicalmente en los equipos que te puedas comprar, y también si optas por equipos nuevos o de segunda mano.

Intenta que tu presupuesto sea realista. No vas a conseguir un buen equipo de DJ por unos 60 euros a menos que conozcas a alguien que tenga la necesidad de vender el suyo con rapidez. Ser un DJ no es una afición barata para practicar en el sótano de tu casa; ahorra todo lo que puedas y evita comprar lo más barato que veas. Recuerda el proverbio: “Comprar barato es comprar dos veces”; si te haces con un equipo realmente barato pero inadecuado, deberás comprar un equipo mejor al cabo de pocos meses, cuando hayas mejorado tus habilidades como DJ. Ahorrarás dinero si sólo tienes que comprar tu equipo de DJ una vez.

Si tu presupuesto es realmente pequeño, lo mejor que puedes hacer es dividirlo en dos partes: una grande para los giradiscos o lectores de CD (dependiendo de tu decisión de formato) y otra más pequeña para tu mesa de mezclas. Es más sensato gastar todo lo que puedas en los dispositivos de entrada, porque ni la mejor mesa de mezclas del mundo es capaz de resolver el problema de un lector de CD que salta, o un giradiscos que no mantiene una velocidad de reproducción constante. Una mesa de mezclas sencilla puede ser muy básica, pero suficiente para desarrollar tus habilidades iniciales como DJ, y aunque tengas que comprar dos veces, es mucho más barato actualizar tu mesa de mezclas que hacer lo mismo con dos giradiscos o lectores de CD de mala calidad.

En el mercado encontrarás una gran variedad de equipos; en esta sección resaltaré algunos de los fabricantes más conocidos, pero no son los únicos que hay, por supuesto. Con cada nivel de presupuesto dispones de diversas opciones para comprar giradiscos o lectores de CD nuevos. Recuerda que también necesitarás una mesa de mezclas, por básica que sea.

missing image file  Unos 250 euros: con este presupuesto podrás adquirir una mesa de mezclas y un juego de giradiscos o lectores de CD muy básicos. Si sólo dispones de unos 250 euros, creo que tu mejor opción es elegir giradiscos de tracción directa básicos Numark, Stanton o Gemini o lectores de CD de segunda mano. En estos lectores puedes aprender a mezclar, pero, si son muy básicos y han sido muy utilizados, quizá no sean demasiado fiables, y eso significa que acabarán por obstaculizar tu avance.

missing image file  Unos 500 euros: por unos 500 euros puedes conseguir giradiscos o lectores de CD nuevos de nivel medio. Los lectores de CD de esta gama de precios incorporan una mayor variedad de funciones que los modelos básicos; en el caso de los giradiscos, el motor es más fiable y potente. Sin embargo, una vez adquiridos los lectores o giradiscos no te quedará mucho dinero, así que probablemente tendrás que comprar una mesa de mezclas muy básica.

missing image file  Unos 1.000 euros: ¡si puedes gastarte unos 1.000 euros en tu equipo de DJ, espero que hayas seguido mi consejo de probar antes a hacer de DJ con el equipo de otro! Dicho esto, por unos 1.000 euros puedes conseguir giradiscos o lectores de CD de nivel intermedio y una buena mesa de mezclas, o alguno de mis lectores y giradiscos de calidad favoritos, como los giradiscos Technics 1210 o los Numark de gama alta, o lectores de CD Pioneer, Stanton o Vestax de calidad. También te podrás permitir una mesa de mezclas un poco superior a los modelos más básicos.

missing image file  Unos 1.900 euros o más: con un presupuesto que llegue a los 1.900 euros, el mundo se abre para ti. Yo prefiero los giradiscos o lectores de CD de gama alta de Vestax, Pioneer y Denon, que pueden costar entre 870 y 3.800 euros la pareja. Y mis mesas de mezclas preferidas son las Pioneer, Rane y Allen & Heath, que cuestan entre 630 y 1.900 euros, respectivamente.

Si te vas a gastar en tu equipo seis meses de dinero ahorrado con mucho esfuerzo, asegúrate de que te quede algo para gastar en los discos y CD que quieres pinchar en él. Cuando empecé a hacer de DJ me gastaba unos 50 euros al mes, pero esto pronto aumentó hasta los centenares de libras, así que ten en cuenta que este nuevo hobby puede afectar al resto de tu estilo de vida.

El paso a DJ digital

Si estás pensando en optar por un equipo digital en el que utilices un controlador hardware o giradiscos, lectores de CD y una mesa de mezclas para pinchar y mezclar música en un ordenador, las consideraciones presupuestarias que he mencionado son igualmente importantes.

Sin tener en cuenta el presupuesto para un ordenador de sobremesa o portátil, si es que no tienes uno ya, deberás asignar una buena parte de tu presupuesto a la adquisición del software que elijas. Esto puede variar entre 90 y 250 euros para el software, entre 250 y 650 euros si tu lista de la compra contiene interfaces de audio y controladores para vinilo y CD, y miles de euros si estás pensando en controladores como el Allen & Heath Xone 4D.

En el capítulo 9 encontrarás más información sobre el DJ digital y algunas de las distintas soluciones para mezclar música con un ordenador.

Comprar equipos nuevos

Comprar tus lectores, platos y mesa de mezclas nuevos tiene muchas ventajas. Aparte de poder elegir entre los materiales mejores y más modernos, tu equipo te llega intacto y en perfecto estado de funcionamiento. Si surge algún problema, las tiendas sustituirán cualquier equipo defectuoso; si el material falla después del período de devolución de la tienda, dispones de la garantía del fabricante para resolver cualquier cosa que funcione mal. Aunque siempre va todo perfecto, claro...

El inconveniente obvio de comprar tu equipo de DJ nuevo es el precio. Pero, con la competencia entre las tiendas físicas y las tiendas en línea, lo que se traduce en una reducción cada vez mayor de los precios, encontrarás buenas ofertas si buscas bien y tienes paciencia.

El valor de segunda mano es el otro inconveniente de comprar equipos nuevos. Pensemos, por ejemplo, en un par de giradiscos Technics 1210 MkII. Su precio, nuevos, es de unas unos 1.200 euros, pero de segunda mano los puedes encontrar por unos 500 euros o menos, lo cual representa una pérdida de valor considerable (pero ¡una ganga si eres el comprador!).

Recorrer las tiendas

A medida que la afición de DJ se ha hecho más popular, las tiendas de material para DJ han ido modificando sus ofertas y sus estilos de venta. En la mayor parte de las ciudades se puede encontrar al menos un sitio que vende equipos para DJ; en las grandes ciudades hallarás más de uno, y todos ellos compiten por tenerlo como cliente.

Probar antes de comprar y llorar

Yo aprendí una dura lección sobre esto de no probar antes de comprar, y no prestar suficiente atención a una crítica de una revista. Estaba intentando elegir entre dos mesas de mezclas bastante conocidas, y había leído que, aunque una de ellas tenía mejores funciones, la disposición de los controles no era muy buena y esto dificultaba su uso (sobre todo en la oscuridad), porque estaban demasiado juntos. Me quedé de pie en la tienda, mirando las dos mesas de mezclas, y no tuve el buen criterio (ni este libro) de pensar en pedir que me las dejasen probar (aunque sólo fuese juguetear con los mandos). Compré la más cara de las dos, la que tenía mejores funciones, desde luego, pensando que el tipo de la revista probablemente tenía las manos demasiado grandes.

¡La primera vez que accioné por error el botón equivocado me acordé inmediatamente de la crítica de la revista! No hay nada como el silencio de cambiar accidentalmente a la entrada de línea para hacer que te arrepientas de verdad de algunas de tus elecciones.

Una tienda física te ofrece tres cosas que no obtendrás en ninguna otra parte:

missing image file  La posibilidad de utilizar una variedad de equipos distintos. El poder probar, aunque sea durante un rato, los equipos en la tienda es lo que diferencia realmente las tiendas físicas de las tiendas en línea, y te permite comparar diversas piezas del equipo.

Quizá hayas leído en revistas y libros que un determinado tipo de giradiscos es mejor que otro, o que los lectores de CD individuales son mejores que las unidades dobles, pero, mientras no puedas ponerte delante de ellos, tocarlos y usarlos, no estarás completamente seguro. Cuestionar tu opción después de gastarte un montón de dinero en tu equipo basándote únicamente en una simple crítica no es lo ideal.

missing image file  El toque personal de poder hacer preguntas a un dependiente. No cabe la menor duda: un consejo personal inmediato, y la posibilidad de mantener una conversación sobre lo que quieres es algo de gran ayuda en la compra de tu equipo. Las personas con las que vas a tratar en tu tienda local de material para DJ han vendido un montón de equipos, y generalmente saben muy bien de qué están hablando.

missing image file  Gratificación instantánea. No sé si tú consideras importante la gratificación instantánea, pero yo sí, te lo aseguro. Si compro algo tan caro como un equipo de DJ, lo quiero ahora mismo. Quiero llevármelo puesto a casa y empezar a utilizarlo nada más llegar. Si la pieza que quiero sólo vale un poco más en una tienda física y estoy realmente emocionado con ella, prefiero con mucho ir a la tienda, comprarla y llevármela a casa en ese mismo momento que esperar sentado pacientemente hasta el día siguiente, creyendo que cada uno de los coches que pasa por delante de casa es el que viene a traer el paquete.

Optar por la compra en línea

Tanto si utilizas una tienda física que también vende en línea como un distribuidor en línea que no dispone de existencias reales, puedes esperar reducciones de precio espectaculares en la red. La cantidad de sitios web que esperan que seas su cliente es inmensa, así que un poco de paciencia y de comparación te ahorrará dinero.

La mayor parte de los sitios web tienen un excelente servicio de asistencia al cliente y se les da muy bien responder a las preguntas de los clientes por correo electrónico. Sin embargo, la desventaja de comprar en línea es que no puedes tener una conversación cara a cara y obtener respuestas inmediatas a tus centenares de preguntas. Aunque algunos sitios web ofrecen asistencia por chat o telefónica para intentar salvar este obstáculo, no pueden competir con la posibilidad de pasearte por una tienda con un dependiente.

Irónicamente, aunque una tienda por Internet puede parecer impersonal y anónima, su servicio posventa suele ser tan bueno, si no mejor, que el de las tiendas físicas. Una tienda en línea depende por completo de su reputación; cuando los clientes empiezan a escribir mal de ella, otras personas los leen. La comunidad de DJ está muy unida, y las tiendas en línea tienen que evitar provocar resentimiento, que se extiende como un reguero de pólvora.

Aparte de un gran servicio al cliente y unos precios atractivos, las tiendas por Internet te permiten crear tus propios paquetes, una forma de mantenerte alejado de las tiendas físicas. Un paquete es una oferta para adquirir juntos los giradiscos (o lectores de CD) y una mesa de mezclas a un precio rebajado. En las tiendas físicas no es muy habitual que puedas crear un paquete personalizado, debido a las limitaciones de existencias. Pueden hacer pedidos de otros equipos, pero si vas a tener que esperar de todos modos, ¡a lo mejor te sale más a cuenta comprar en línea directamente y hacerlo más barato!

Tanto si disponen físicamente de existencias como si no, las tiendas por Internet tienen acceso a cualquier pieza de equipo que esté disponible, lo que abre la posibilidad de conseguir cualquier combinación de giradiscos o lectores de CD y mesa de mezclas que se te ocurra. Con el acceso a una gama igualmente amplia de auriculares, amplificadores, cables, agujas, etc., la variedad y el precio que puedes conseguir en línea, si es que ya sabes lo que quieres, son realmente atractivos.

Hay fabricantes que venden sus propias combinaciones de giradiscos/lectores y mesa de mezclas, dirigidas a los DJ principiantes. Ésa puede ser una forma práctica de conseguir un kit básico con un presupuesto reducido, pero estos paquetes tienen el inconveniente de que los equipos muy básicos se te pueden quedar pequeños en cuanto tus habilidades como DJ exijan más funciones para trabajar con la música. La opción más segura es hacer una buena investigación y construir tu propia combinación.

Muchas personas entran en una tienda física para DJ, hacen las preguntas necesarias, averiguan cuál es el mejor equipo para el uso que van a hacer de él y luego lo compran en línea en una tienda más barata. No hay nada que impida hacer esto, salvo la moral de cada uno y una pequeña disminución del karma. Y, si tu tienda local cierra sus puertas, ¿a quién vas a preguntar entonces?

Comprar material de segunda mano

La ventaja de comprar material de DJ de segunda mano es que puedes conseguir mejores equipos por el mismo dinero. En lugar de comprar una pareja de platos o lectores sencillos y una mesa de mezclas básica nuevos, puedes acceder a un material mejor de segunda mano. El inconveniente es que no sabes si la persona que te lo vende lo ha tratado bien. En una sección posterior, “Asegúrate de que tu equipo funciona”, encontrarás consejos claves para comprar equipos de segunda mano, porque nunca puedes asegurarte lo bastante de que los giradiscos no se hayan pasado los diez últimos años sumergidos en cerveza y ceniza de tabaco.

Tienes a tu alcance tres lugares distintos para conseguir tu material de segunda mano:

missing image file  Páginas web de subastas.

missing image file  Anuncios clasificados en periódicos, en tablones de anuncios de tiendas y en línea.

missing image file  Tiendas de empeño y de segunda mano.

Pujar en páginas de subastas

Los sitios de subastas como eBay son una forma magnífica de encontrar gangas, y el sistema de puntuación de vendedores y compradores ofrece una forma relativamente segura de comprar (o vender) tu equipo. Necesitarás un poco de paciencia, pero, si sabes lo que quieres antes de empezar a buscar, encontrarás ofertas muy jugosas.

Al comprar en un sitio de subastas por Internet, es razonable que te preocupes por un par de cuestiones básicas:

missing image file  Que el vendedor no envíe el material después de que lo hayas pagado.

missing image file  Que el vendedor no haya descrito los artículos con exactitud.

Si consultas los comentarios que otros usuarios han hecho sobre un vendedor te puedes hacer una idea de si tienes que preocuparte por no recibir el material después de haber pagado. Tómate el tiempo necesario para leer lo que otros compradores han escrito y, si no estás convencido de que el vendedor haya hecho suficientes ventas como para que te dé confianza tratar con él, ¡sé extremadamente prudente antes de enviarle un montón de dinero!

No te sientas mal por tener que formular por correo electrónico al vendedor cualquier pregunta sobre cuestiones que no aparezcan en la descripción del artículo. Pídele que te confirme el estado de funcionamiento del equipo, su estado general y si se hacen responsables de los artículos que no funcionan correctamente cuando los has recibido. En el improbable caso de que el vendedor “fuerce los hechos” en la descripción del artículo, los mensajes de correo electrónico te resultarán muy valiosos para efectuar una queja oficial sobre el vendedor en la página de subastas.

Lo último que debes tener en cuenta al adquirir algo en un sitio de subastas en línea son los gastos de envío y manipulación. Dos platos y una mesa de mezclas necesitan mucha protección para sobrevivir a un viaje en la parte trasera de una furgoneta, dentro de una caja de cartón. Quizá opines que los gastos de envío son demasiado altos, pero tal vez el montón de plástico de burbujas y espuma necesarios hagan aumentar el coste del transporte. Algunos vendedores tratan de sacarse un dinero extra inflando el precio del envío; si sospechas que alguien te está intentando hacer algo así, envíale un correo electrónico breve pidiéndole un recibo por el coste del envío.

Buscar en los periódicos

Las secciones de anuncios clasificados de los periódicos se han visto muy afectadas en los últimos años con la aparición de los sitios web de subastas, y cada vez hay menos artículos a la venta. Por fortuna, debido precisamente a que ya hay poca gente que mire las secciones de segunda mano de los periódicos, es más improbable que alguien descubra y compre el equipo de DJ de tus sueños antes que tú. Además, como los artículos en los periódicos se suelen vender a precio fijo o a “oferta más próxima”, puedes asegurarte el producto de inmediato, en lugar de entrar en una guerra de pujas.

Los artículos que se venden en la sección de clasificados de un periódico o en el tablón de anuncios de una tienda probablemente estén cerca de ti. Puedes ahorrar un poco de dinero si recoges personalmente lo que has comprado en lugar de pagar gastos de envío, y también puedes echar una ojeada al equipo y verlo en funcionamiento antes de entregar tu dinero.

Ahora me voy a poner un poco adulto contigo sobre los peligros de entrar en casas de extraños: ten cuidado. Informa siempre a alguien de adónde vas, e intenta que te acompañe una persona por si el vendedor empieza a elevar el precio, lo que puede convertir la situación en algo polémico e incluso agresivo.

Los sitios web de anuncios clasificados, como Craigslist y Gumtree, ofrecen una combinación del precio fijo de un anuncio clasificado de periódico y la capacidad de buscar en todo el país (o el mundo) a alguien que venda un equipo específico. Cuando compres algo a través de estos sitios web, tu consigna sigue siendo precaución. ¡Asegúrate de que lo que pagas es lo que recibes!

Curiosear en tiendas de segunda mano y de empeño

Saca provecho de las personas (de hecho, DJ, tristemente) que han pasado por una mala época y ve a echar un ojo en tiendas de segunda mano y casas de empeño. A lo largo de los últimos diez años ha hecho acto de presencia una nueva ola de tiendas de segunda mano que han convertido la tétrica casa de empeños tradicional en una tienda moderna que rivaliza con muchas tiendas de las calles comerciales. Con frecuencia tienen mejores escaparates, una amplia oferta en la que elegir y algunas de ellas tienen incluso vendedores expertos que pueden responder a cualquiera de tus preguntas.

Algunas tiendas de segunda mano no están preparadas para que puedas probar el equipo antes de comprar, pero te sugiero encarecidamente que pidas que te muestren todo el material en funcionamiento, siempre que sea posible. Una vez fui a comprar una mesa de mezclas a una casa de empeños, y pedí verla funcionar antes de pagar por ella. La enchufaron, la pusieron en marcha y una voluta de humo salió de la parte trasera. Así que me fui rápidamente a otra parte.

Asegúrate de que tu equipo funciona

Si tienes la oportunidad de probar el equipo de segunda mano antes de comprarlo, intenta ser tan sistemático como puedas: prueba y comprueba todas las partes móviles y los controles que sepas que son vulnerables a averías.

Escucha esa voz dentro de tu cabeza, la primera impresión es casi siempre correcta. Si observas el equipo y ves que ha sido bien conservado, en un entorno limpio, lo más probable es que no tengas ningún problema. Si está sucio, con marcas y rasguños, y se ha guardado en el húmedo sótano de un adolescente descuidado, pruébalo cuidadosamente, como he descrito en las secciones anteriores, antes de entregar tu dinero (los guantes de goma son opcionales...).

Comprobar los cables

Mueve todos los cables y comprueba todas las conexiones. En los giradiscos, las mesas de mezclas y los auriculares, asegúrate de mover los cables de un lado a otro y escuchar por si hay problemas de conexión. Sabrás si hay problemas porque oirás un sonido de chisporroteo o la música desaparecerá por completo durante unos instantes.

Comprobar los giradiscos

Ésta es la forma de comprobar un giradiscos:

1.   Lo primero que debes comprobar en un giradiscos es la precisión del motor (el capítulo 6 trata de todo lo que debes saber sobre el funcionamiento de los giradiscos). La luz roja que ilumina los puntos en el lateral del plato es una luz estroboscópica, y te ayuda a comprobar si la velocidad del motor fluctúa durante la reproducción (consulta la Figura 3-1). Para hacer una comprobación de esto, pon el control de pitch a 0 y mira cómo se mueven los puntos en el lateral del plato.

Figura 3-1:

Interruptor de puesta en marcha de un giradiscos, con la luz estrobos-cópica iluminando los puntos de calibración situados en el plato.

En los giradiscos Technics, por ejemplo, a pitch 0 la segunda hilera de puntos desde abajo debería aparecer totalmente estacionaria; a +6 por ciento, la fila superior debería aparecer estacionaria. Si los puntos se mueven un poco, quizá puedas ajustar el motor para arreglarlo. Si los puntos se mueven de forma errática, acelerándose, luego ralentizándose y después moviéndose en dirección contraria, el motor tiene algún problema serio.

2.   Suponiendo que estés a gusto con el motor a las cuatro velocidades de calibración (que se muestran en la Figura 3-1, junto al control: –3,3, 0, +3,3 y +6 por ciento), empieza a mover el control de pitch suavemente de 0 hacia la zona + (más rápido). Al incrementar el pitch, la segunda hilera de puntos del lateral del plato empezará a moverse de derecha a izquierda; a medida que desplaces más el fader del pitch, los puntos empezarán a moverse cada vez más rápido. Este cambio en los puntos debería indicar un incremento suave de la velocidad; si el incremento es errático, algo va mal con el control de pitch o con el motor. Repite este método para la zona de pitch más lento (–).

3.   Mientras compruebas cómo afecta el control de pitch a la velocidad del giradiscos, intenta percibir qué sensación te da el fader cuando lo mueves. Si se queda enganchado y cuesta moverlo (aparte del pitch 0, donde hace un clic), es probable que el fader esté sucio de verdad. Se puede comprar aerosol desengrasante para limpiar un fader sucio, pero será mejor que preguntes cómo ha conservado el giradiscos su antiguo propietario y por qué está en tan mal estado.

4.   Lo último que debes comprobar acerca del motor es que los botones de 45 y 33 hacen lo que se supone que deben hacer. Algunas personas que se olvidan de comprobarlo llegan a casa con su giradiscos y descubren que sólo gira a 45 por mucho que den martillazos al botón de 33.

5.   Si tienes tiempo, levanta el plato propiamente dicho (la parte que gira con el disco encima) y echa una ojeada debajo. Si esa zona está muy sucia, probablemente el motor también lo esté. Si es el caso, pide si puedes desatornillar la tapa y examinar el motor; aunque ten en cuenta que esta petición es bastante invasiva y puede que molestes al vendedor del giradiscos.

6.   Échale una ojeada al plato mientras lo tienes en tus manos y asegúrate de que no esté doblado o torcido. Ponlo en una superficie plana para comprobar que esté en contacto con ella por todos los puntos. Si (Dios no lo quiera) estás examinando un giradiscos con tracción por correa, examina también la correa, que se encuentra debajo del plato. Comprueba detenidamente si hay signos de estiramiento o deterioro. Las correas son fáciles de sustituir y no cuestan mucho dinero, pero el deterioro y el desgaste indican que el giradiscos ha sido muy utilizado.

7.   Por último, examina el brazo (la pieza que sostiene la aguja sobre el disco). El mayor problema que puedes encontrarte es que el brazo se bambolee. Si el vendedor es muy hablador, quizá ya te habrá dicho cómo utilizaba sus platos. Si los usaba en clubes y los llevaba de un lado a otro en maletas, ten un cuidado especial al comprobar el brazo. Aunque una maleta para giradiscos acostumbra a ser sólida y robusta, no suele ofrecer demasiada protección para los brazos, que es la pieza más delicada del giradiscos.

Hay dos formas básicas de comprobar si el brazo está dañado. En ambos casos, si el brazo tiene un control de ajuste de altura, comprueba que esté fijo (consulta el capítulo 6 para saber más sobre la función de ajuste de altura):

• Moverlo un poco. Intenta mover la pieza del brazo con suavidad. ¿Se balancea cuando lo haces? Si es así, es probable que esté dañado.

• Hacer flotar el brazo. Este método es la forma más precisa de comprobar si hay daños en los cojinetes de la unidad del brazo. Quizá convenga que quites la aguja del cartucho para hacer esta prueba, por si sale mal; o mejor, pídele a la persona que vende el giradiscos que haga la prueba ella misma.

Con el control antideslizamiento (que se utiliza para compensar el empuje del brazo hacia el centro del disco) a 0, gira el contrapeso (el peso en el extremo de atrás del brazo) de modo que el brazo quede flotando en el aire (para más información sobre cómo hacer esta prueba, consulta el capítulo 6).

Mueve el brazo hacia el centro del disco y, luego, empieza a aumentar el nivel del control antideslizamiento. Al aumentar este nivel, el brazo debería empezar a moverse de nuevo hacia su posición de reposo. Si no se mueve, o se queda trabado en una posición, es probable que la pieza del brazo tenga problemas graves y caros.

Si el brazo del giradiscos falla al realizar alguna de estas pruebas, sal huyendo. La reparación de este problema es muy cara y problemática, y nunca debes intentar hacerla tú mismo.

8.   Mientras examinas el brazo, dedica una mirada a la aguja y al cartucho. Las agujas se pueden cambiar, pero no querrás pagar por una nueva tan pronto; si está doblada o aplastada, pide una pequeña rebaja en el precio. En el cartucho, examina los cables que se conectan a la cápsula. Comprueba si hay señales de corrosión o conexiones sueltas.

Si estás dispuesto a comprar giradiscos que han sido muy utilizados, quizá sea conveniente que los lleves a que les hagan una revisión y mantenimiento. En general, un buen técnico podrá devolverlo todo a la normalidad, pero esto tiene un precio. ¡Ten en cuenta que, quizá, el coste de la reparación sumado al coste del giradiscos sea el mismo que el de un giradiscos nuevo!

Examinar lectores de CD

Comprobar cómo afecta el control de pitch a la velocidad de reproducción en un lector de CD es más difícil que en un giradiscos, porque no dispone de una referencia visual, como la luz estroboscópica. Sin embargo, los lectores de CD no suelen sufrir el mismo tipo de problemas de motor que los giradiscos, así que, en realidad, sólo hace falta comprobar que las funciones de control de pitch y de pitch bend sean correctas y que los faders no estén sucios.

Unos cuantos consejos para comprobar lectores de CD:

missing image file  Comprueba que el control de pitch aumenta y reduce la velocidad del tema de una forma suave y constante, y que los botones de pitch bend cambian temporalmente la velocidad al pulsarlos, y que la velocidad vuelve en seguida a la establecida al soltarlos.

missing image file  Intenta utilizar todas las funciones del lector de CD. Si has investigado bien el lector antes de optar por comprarlo, probablemente ya sabes qué funciones te encontrarás. Por si acaso, lleva una lista de comprobación para ese modelo en particular y asegúrate de que todas funcionen correctamente.

missing image file  Inspecciona el sistema de carga de CD. Si el lector de CD se carga mediante una bandeja, comprueba que no esté torcida, que no le falte ninguna pieza y que entre y salga con suavidad. Si el CD se introduce directamente en el lector por una ranura, intenta insertar un CD unas cuantas veces y asegúrate de que la unidad no te lo devuelve directamente (aunque puede que no le guste la música que pones...). Si el lector de CD es de carga superior, asegúrate de que se cierra correctamente y, como en los otros métodos de carga, ¡comprueba que el CD se reproduce correctamente una vez dentro!

missing image file  Si el lector de CD tiene una buena función antisaltos (que impide que el CD salte en caso de que haya muchas vibraciones), pide una demostración de que funciona correctamente. Pídele al vendedor que la haga él, en lugar de dar tú mismo un par de puñetazos al lector o tirarlo al otro lado de la habitación. Asegúrate de que estás satisfecho con la función antisaltos y que realmente impide que los CD salten al recibir vibraciones.

Supervisar las mesas de mezclas

Asegúrate de que tienes la oportunidad de ver la mesa de mezclas en marcha y en acción; ¡seguro que no quieres llegar a casa y ver que le sale humo! (Para más información sobre mesas de mezclas, consulta el capítulo 10).

Antes de pasar ninguna señal a través de la mesa de mezclas, conecta los giradiscos/lectores de CD y escucha con atención. Si oyes algún zumbido eléctrico procedente del equipo o de los altavoces, apaga los platos dejando sólo la mesa en marcha; si se sigue oyendo un zumbido, comprueba las conexiones (sobre todo la conexión a tierra) por si hay algún problema. Puede que el ruido sea un zumbido inofensivo de la mesa mientras funciona; pero ¡si no estás convencido de que debe hacerlo, probablemente no sea inofensivo!

Después de haber escuchado la mesa de mezclas sin pasar música a través de ella, pon un disco o CD y comprueba que todos los controles hagan lo que tienen que hacer. El nivel maestro, el control de ganancia, los ecualizadores, los faders de canal, el cross fader, la sección de controles y efectos de cabina; debes comprobarlo absolutamente todo para cada uno de los canales de la mesa. Fíjate en cualquier caída de la señal (sonido) o ruido de chisporroteo al girar los mandos o mover los faders.

Al comprobar los faders, presta una atención especial al cross-fader. El cross-fader debe moverse de forma suave y fluida de un lado al otro, y también debes comprobar si provoca algún problema en el audio.

Lo primero a lo que debes estar atento es a cualquier posible ruido de chisporroteo o crujido al mover el fader de un lado al otro; y aún más importante, debes comprobar que no se oiga música del otro canal. Si estás reproduciendo música en el canal 1 y no hay nada en el canal 2, mueve el cross-fader del todo al canal 2, donde no debería oírse nada. Si aún puedes oír débilmente el canal 1 cuando debería haber silencio, el cross-fader tiene algún problema.

Según de qué mesa de mezclas estemos hablando, quizá aún te convenga comprarla si se puede sustituir el cross-fader. Pídele al vendedor que te haga una pequeña rebaja para cubrir los gastos de esa compra. Un cross-fader deteriorado puede ser señal de que la mesa de mezclas ha sufrido mucho desgaste, pero también puede tratarse simplemente de que el cross fader se haya desgastado después de unos meses de uso por un scratch DJ. Sigue tu instinto.

Si tienes a mano unos auriculares y un micrófono, pruébalos con la mesa de mezclas. Mueve los cables de los auriculares y del micrófono mientras están conectados y escucha con atención por si hay conexiones sueltas que hacen que la señal quede interrumpida.

Utiliza todos los controles de cue de los auriculares y comprueba que todos los canales ofrecen un sonido claro y de calidad; si la sección de auriculares ofrece funciones de mezcla o de split cue, pruébalas para asegurarte de que la señal tampoco se corta en este caso. Enchufa el micrófono y comprueba que los controles y las entradas no dejan oír chisporroteos; si la mesa de mezclas tiene una función talk-over, que reduce el nivel (volumen) de la música para que se te oiga cuando hablas sobre ella, comprueba que funciona correctamente.

En el caso de las salidas de la mesa, probablemente tendrás una Master Out, una Record Out y, en el caso de las buenas mesas de mezclas, una Booth Out o Zone Out. Prueba las tres salidas a través del amplificador, y asegúrate de que la señal no se interrumpa al mover los cables.

Cuando pruebes una mesa de segunda mano, no pases por alto los conmutadores Line/Phono (línea/phono). Comprueba que el conmutador de línea a phono de cada canal funciona sin crujidos ni chisporroteos, y también que se obtiene silencio al cambiar de línea a phono y viceversa si no hay nada en la entrada. Por ejemplo, si tienes giradiscos conectados a la mesa de mezclas, comprueba que, al cambiar a línea, dejas de oír la música del giradiscos.

Si la mesa de mezclas tiene alguna de las otras funciones que menciono en el capítulo 10, como contadores de BPM (beats por minuto), ajustes de la curva del cross-fader, botones punch o interruptores hamster, asegúrate también de que todos funcionen.

Evaluar los auriculares

Si el equipo que vas a comprar incluye auriculares, escucha con ellos detenidamente a diversos volúmenes. Mueve el cable para asegurarte de que no se interrumpe la señal y comprueba la conexión del cable a la mesa de mezclas para verificar que quede bien ajustada y que, si eres de los que se mueven mucho, no pierdas el sonido.

Sube el volumen de los auriculares durante unos segundos. Ten cuidado de no poner la música tan alta que te dañe el oído, pero intenta subir el volumen lo bastante como para comprobar si se oye alguna distorsión en la música. La distorsión puede ser un fenómeno natural si se escucha la música demasiado alta, pero los auriculares deben poder aguantar un volumen muy alto antes de empezar a sonar raro.

Un vistazo a los amplificadores y los altavoces

Examina el amplificador y los altavoces (si se incluyen) igual que lo hiciste con la mesa de mezclas y los auriculares en la sección anterior. Comprueba que no se oiga un zumbido por los altavoces, que todos los controles del amplificador funcionen correctamente y que los altavoces no distorsionen a niveles de sonido moderados. Como siempre, mueve un poco los cables y asegúrate de que las conexiones no crujan ni se corte la señal.

Si los altavoces están en un armario abierto que te permite ver los drivers (los altavoces en sí), examínalos por si tienen marcas, abolladuras, roturas o incluso manchas. Si el cono de los altavoces está roto o muy abollado, esto puede hacer que la música empiece en seguida a distorsionar, y que los altavoces dejen de funcionar del todo al poner la música demasiado alta, así que ni te plantees comprarlos. Si ves manchas, quizá haya entrado líquido en el altavoz, lo cual, además de debilitar el cono, puede corroer los cables y las placas de circuito que contiene.

Capítulo 4

¿Retro o tecnodigital? Comprar discos, CD y MP3

En este capítulo:

Comprar temas utilizando la cabeza.

Tener en cuenta los aspectos legales del MP3.

Cuidado de tus CD y discos.

Si tus platos, mesa de mezclas y auriculares son tus herramientas de DJ, puedes considerar tus discos, CD y MP3 como los clavos, tornillos y cola necesarios para llevar a cabo tu mejor trabajo.

En este capítulo hablo de lo que debes tener en cuenta al comprar tus temas, cómo asegurarte de que tus raros discos y CD se mantengan en la mejor de las condiciones durante el máximo tiempo posible y de cómo mantenerte del lado de la ley en el caso de los MP3.

Evaluar discos, CD y MP3

La música es cara, así que debes asegurarte de comprar los temas correctos, de las personas adecuadas, en el lugar apropiado. Por tanto, debes tener en cuenta todas las opciones cuando estás a punto de gastarte ese dinero que tanto te ha costado ganar.

A vueltas con los formatos de vinilo

missing image file  Los discos (trozos de vinilo de forma circular) vienen en unos cuantos formatos distintos:

missing image file  Singles de 17,5 centímetros: aunque no son tan habituales como lo fueron hace unos años, siguen manteniéndose. Los singles de 17,5 centímetros suelen contener el tema principal en una cara (la cara A) y un tema distinto en la otra, la cara B. La cara A puede ser una edición especial del tema original para la radio (que se denomina radio-edit), cortada a una duración y un contenido mínimos; este proceso puede eliminar partes del tema que te gustaría que el público oyese en tus sesiones. La cara B puede contener un tema que no te guste o que no quieras pinchar.

Los singles de 17,5 centímetros son pequeños, así que puede ser complicado trabajar con ellos, y la versión cortada del tema principal de la cara A, combinada con la falta de remezclas del tema, hace que los DJ de club no utilicen habitualmente este formato. No obstante, muchos DJ que pinchan northern soul, ska y reggae siguen opinando que el 17,5 centímetros es el formato rey para su tipo de música.

missing image file  LP: un LP (long play) es un disco de mayor tamaño (30 centímetros de diámetro) que contiene un álbum completo de un artista. Los DJ de bodas y fiestas que siguen prefiriendo el vinilo pueden utilizar LP, porque la versión de álbum de un determinado tema es, probablemente, aquella con la que la mayoría de las personas están familiarizadas, y es posible que el LP contenga varias pistas que el DJ quiera pinchar. La desventaja de utilizar LP es que son bastante difíciles de usar para hacer beatmatching o scratch, debido a la cantidad de espacio dedicado a cada tema. Con sólo 2,54 o 5,08 centímetros de vinilo disponible para toda la pista, quizá encuentres un poco difícil de ver el mapa del tema (ver capítulo 14), creado por los diferentes tonos de los anillos negros, y el hecho de que el surco esté dispuesto de forma más compacta hace que el LP sea más propenso a rayas, saltos y crujidos.

missing image file  Singles de 12 centímetros (o maxisingles): estos singles están pensados y producidos para el DJ. Normalmente, un disco contiene dos o tres remezclas del mismo tema, lo que te ofrece muchas más opciones y versatilidad para pincharlo. A veces, la cara B contendrá un tema distinto, pero no es lo habitual.

Las remezclas (o remixes) son variaciones del mismo tema, en ocasiones creadas por el productor original del tema y, en otras, por otros productores que cambian por completo el sonido del tema original (como hizo Tiesto con Silence, de Sarah McLachlan). La distribución cambia de un disco a otro, pero con frecuencia la mezcla principal que la discográfica piensa que será la más popular ocupa una cara entera del single de 30 centímetros, y las remezclas ocupan la cara B.

Perfeccionar las opciones de CD

Los CD pueden tener también diversos tamaños; el más común tiene un diámetro de 12 centímetros, pero existe una versión más pequeña (comercializada originalmente como CD single) de sólo 8 centímetros. Los CD de este tamaño se suelen utilizar como tarjetas de visita en CD-ROM y regalos promocionales de empresa. El CD de tamaño normal, de 12 centímetros de diámetro, tiene diversas variantes:

El DJ de fiestas: me quedo con lo más conocido

Lo mejor de ser DJ de fiestas o bodas es que no tienes más que pinchar los temas (y mezclas de temas) que todo el mundo conoce. Si pinchas una remezcla deep house de Brown Eyed Girl, lo más probable es que todo el mundo se largue de la pista de baile, así que no es necesario que te pases mucho tiempo buscando mezclas raras de temas, como hacen los DJ de club. Ve a una tienda de discos, compra unos cuantos CD recopilatorios, redondea tu colección con temas que no puedas encontrar en CD de recopilación y tendrás una buena lista para hacer pasar una noche fantástica.

missing image file  CD singles: los CD singles están a medio camino entre un single de 17,5 y uno de 30 centímetros. Los CD singles suelen contener la versión principal de un tema (generalmente, la edición para radio), la mezcla completa del tema (si procede) y la cara B que normalmente estaría en el single de 17,5 centímetros; pero lo más importante es que los CD singles suelen contener una o dos de las remezclas que acostumbran a encontrarse en las versiones de 17,5 centímetros.

missing image file  Álbumes en CD: los álbumes en CD son similares a los LP en el sentido de que contienen más temas del artista, pero sólo una mezcla (la original) del tema que quieres pinchar. A diferencia de los álbumes en vinilo, sin embargo, los CD no tienen problemas de tamaño ni de fiabilidad, así que, si te parece bien utilizar un álbum de un artista, nada te impide que lo hagas en CD.

missing image file  CD recopilatorios: los álbumes recopilatorios con veinte o más temas individuales de diferentes artistas pueden ayudar a los DJ de fiestas o bodas a conseguir una gran colección de música por poco dinero.

Un CD recopilatorio puede contener todas las pistas necesarias para una noche. Si compras dos copias del mismo CD podrás mezclar del uno al otro, y tendrás una colección de discos por unos 25 euros, mientras que los temas individuales te costarían probablemente unos 125 euros.

Un aviso sobre la compra de CD recopilatorios: es posible que las pistas que contienen sean las temidas versiones editadas para radio, no los temas completos que quieres pinchar.

missing image file  CD recopilatorios mezclados: tanto si estás buscando temas de música como música de baile comercial o rock, probablemente encontrarás un montón de álbumes en CD combinados que contienen muchas de las pistas que te apetece tener.

El problema de los CD ya mezclados es que es difícil extraer sólo un tema de la mezcla original para utilizarla en tu propia sesión, debido a la superposición entre la intro y la outro de los temas. Si, por ejemplo, un CD mezclado contiene Jump de Van Halen y el DJ ha mezclado con ella Everlong de los Foo Fighters, el final de Jump y la intro de Everlong estarán mezclados. Si decides pinchar Everlong en una de tus sesiones y quieres empezarla desde el principio, aún podrás escuchar a Van Halen. Necesitas una versión limpia de Everlong (sólo el tema, sin nada más) para que tu sesión suene bien, algo que no podrás conseguir con un CD recopilatorio mezclado.

Atrévete con el MP3

Internet desempeña un papel importante en tu vida y ha cambiado la forma de acceder a la música, las películas y la televisión. El formato MP3 se ha asentado firmemente como forma de escuchar y comprar música. Los MP3 están disponibles a través de Internet en páginas de pago (y, por desgracia, en páginas ilegales), y representan una forma rápida y asequible de obtener música; además, con los iPods y iPhones convertidos en iconos de estilo, el MP3 es la forma de moda de escuchar música.

Ten en cuenta la compresión

En un CD típico caben 74 minutos de música en calidad CD. Si grabas tus MP3 en un CD en estéreo a 192 kilobits por segundo, que es la mejor relación entre la calidad de sonido y tamaño de archivo (aunque yo prefiero 320 kilobits por segundo), puedes almacenar en un CD más de 500 minutos de música de buena calidad. ¡Si llevar a un club un estuche de CD en lugar de una pesada caja llena de discos ya es una revelación (y un alivio de peso para los hombros) para los DJ de vinilo, imagínate lo que suponen los CD de MP3! ¡Puedes entrar en un club a hacer de DJ con sólo unos auriculares y un par de CD con cientos de MP3!

La reducción de tamaño en los MP3 se consigue mediante compresión, eliminando las frecuencias que no representan demasiado en términos de calidad de sonido de la música. Este método es perfectamente aceptable para muchas personas y, con unos buenos auriculares en tu iPod, pronto te acostumbras al descenso de la calidad de sonido y tu cerebro se ajusta a aceptar este nivel como sonido estándar para la música.

Pero la compresión de los MP3 puede tener un efecto muy importante en el sonido de la música en un club. Las frecuencias más bajas, subgraves, y las más altas son las principales afectadas en la codificación MP3. Las frecuencias más altas influyen en la claridad de la música, pero lo más importante es que los subgraves son los que hacen que todo tu cuerpo se estremezca con cada golpe de bombo.

Los amplificadores de subwoofer y una atención especial a la configuración de los ecualizadores son capaces de emular la información de sus graves a partir de la información que queda en el tema comprimido, pero la clave para que los MP3 sigan sonando bien en una pista de baile son los parámetros de compresión. Son preferibles los MP3 comprimidos a 320 kilobits por segundo, pero intenta no bajar de los 192 kilobits por segundo y no deberías tener ningún problema.

Mantente del lado de la ley

Explicar las condiciones legales de la descarga y uso de temas en MP3 es muy sencillo. Si vas a sitios como iTunes o Beatport para comprar y descargar tus MP3, lo estás haciendo legalmente. Si utilizas software peer-to-peer para compartir MP3, descargar unos cuantos gigabytes de música sin pagar ningún dinero que llegue al artista, lo que estás haciendo es ilegal.

Desde un punto de vista moral, como DJ tú también eres un artista, y es necesario que compartas responsabilidad con tus compañeros artistas. Imaginemos, por ejemplo, a un nuevo creador, DJ Steve, que acaba de lanzar su primer single. De pronto, el single se convierte en un gran éxito y decenas de miles de DJ de todo el mundo descargan la pista para pincharla en los clubes, pero Steve no goza de una gran base económica que le permita soportar esa pérdida de ingresos. Todo este tiempo te están pagando por pinchar su música, que no has pagado, mientras él se muere de hambre... Vale, quizá me he pasado un poco, pero como DJ a quien pagan por pinchar música, estás entrando en terreno pantanoso, tanto legal como moralmente, si pinchas música robada.

Según en qué país vivas o actúes, quizá te convenga averiguar algo sobre licencias para DJ digitales. Comprueba si necesitas una licencia para trabajar legalmente e investiga lo que necesitas hacer como DJ y asegúrate de que el bar, club u otro local en el que pinches posea las licencias necesarias. En Gran Bretaña se encarga de esto una organización llamada PPL (Phonographic Performance Limited); para más información, consulta su página web www.ppluk.com (en inglés). Busca “licencia DJ digital” en Internet para averiguar si en tu país la necesitas.

Buscar y comprar tus temas

En muchos casos, el lugar donde buscas qué temas quieres comprar y el lugar donde los compras son exactamente el mismo. Puedes encontrar gran cantidad de información sobre la música disponible en los sitios de descarga en línea y en las tiendas físicas.

Comprar MP3

Los MP3 han triunfado como formato musical para los DJ y también para la inmensa mayoría de la población, por la sencilla razón de que, como normalmente se compran en línea, son baratos, instantáneos y fáciles de comprar. Descargar el software iTunes de www.apple.com/es/itunes y acceder a la tienda iTunes es una forma fantástica de comprar y descargar una amplia variedad de música, tanto de los géneros más conocidos como de otros más singulares. La gran ventaja es que puedes comprar pistas individuales de un álbum, en lugar de comprar el álbum entero. Gastarse 79 céntimos de euro en una pista en lugar de 20 euros en un álbum entero supone un gran ahorro de dinero a largo plazo.

Evita los vacíos musicales

Si te basas en una crítica o recomendación para elegir un tema que no has oído, o del que sólo has oído una muestra en línea, intenta encontrar la forma de escucharlo entero para asegurarte de que no haya un “vacío musical” en mitad del tema (los programas de radio, los clubes y las tiendas en línea te pueden ayudar en este sentido).

A lo que me refiero con “vacío musical” es que un tema puede ser precioso durante los primeros 2 minutos, pero luego convertirse en un empalago musical al llegar a la mitad. Por algún motivo infame, el artista decidió cargárselo todo y poner 20 segundos del ruido de una alarma de coche. Esta cuestión tiene mayores consecuencias si estás comprando temas para pinchar esa noche en un club o una fiesta. A menos que confíes realmente en la persona que recomienda el disco, asegúrate de escucharlo de principio a fin, aunque sólo sea para comprobar que no va a empezar a sonar un villancico en mitad del asunto. Y no estoy exagerando: una vez pinché un disco en el que pasaba eso. Fue durante un verano. Me quería encoger en posición fetal y echarme a llorar...

Para un punto de vista similar pero más dirigido a los DJ de música dance electrónica, los sitios de descarga como Audiojelly (www.audiojelly.com [en inglés]), DJ Download (www.djdownload.com), DJTunes (www.djtunes.es), y Beatport (www.beatport.com [en inglés]) funcionan de forma similar a iTunes y disponen de una gran variedad de temas dance.

La mayor parte de los sitios de descarga de música en línea te permiten escuchar una muestra de la pista antes de comprarla, sólo para asegurarte de que es realmente el tema o la mezcla que quieres comprar ¡y que te gusta! Estas vistas previas suelen ser pequeños fragmentos del tema, así que, si no lo has oído entero, ten cuidado: ¡corres el riesgo de que se convierta en alguna cosa extraña! Un poco de investigación (consulta la sección “Elegir qué quieres comprar”, en este mismo capítulo) te será de gran ayuda.

Comprar CD y discos

Si lo que quieres es comprar discos y CD originales, tienes tres posibilidades:

missing image file  Tiendas de música físicas.

missing image file  Tiendas de música en línea.

missing image file  Páginas web de subastas.

El protocolo de las tiendas de discos

Por desgracia, hay personas que no tratan muy bien los discos en las tiendas. Ésta es mi guía sobre el protocolo que se debe seguir en una tienda de discos:

missing image file  Utiliza el disco o CD que tengan disponible para escuchar en la cabina o puesto de audición, si lo hay, en lugar de abrir una copia precintada y nueva.

missing image file  Vuelve a poner los discos y CD donde los has encontrado.

missing image file  Devuelve los discos o CD en el mismo estado en que los has encontrado (no los pongas todos juntos en la misma funda, y límpialos si los ensucias).

missing image file  Maneja los vinilos con cuidado; recuerda: aún no son tuyos. Éste es el momento de manipular los discos como siempre te decía tu madre: por los bordes. Nada de huellas.

missing image file  Tómate todo el tiempo que necesites para escuchar los temas, pero no te lleves cincuenta discos y monopolices el único puesto de audición de la tienda.

missing image file  Aunque el giradiscos o lector de CD del puesto de audición sea de los baratos, no creas que romperlo o tratarlo mal no importa.

missing image file  Ten cuidado con las agujas de los giradiscos; la mayor parte de las tiendas preferirán quitar el puesto de audición antes que cambiar una aguja.

missing image file  Maneja los auriculares con cuidado. Quizá la tienda sólo ofrezca auriculares sencillos, pero no los rompas únicamente porque sean baratos. Ten cuidado con la banda de sujeción de los auriculares a la cabeza: si la maltratas puede romperse.

Visitar tiendas de música físicas

Las tiendas de música físicas han sufrido una decadencia en los últimos años debido al gran número de tiendas en línea que ofrecen la misma música por menos dinero, pero aún las puedes encontrar en los centros comerciales grandes y en la zona comercial de las ciudades. Es habitual que el DJ de CD encuentre las novedades en las tiendas más fácilmente que el DJ de vinilo. Si buscas novedades en vinilo deberás buscar, cerca de donde vivas, determinadas tiendas especializadas dirigidas a DJ como tú.

Las buenas tiendas de discos disponen de una cabina o puesto de audición (un lugar en la tienda con un giradiscos o lector de CD y un par de auriculares para que puedas escuchar discos o CD antes de comprarlos), o bien un lector en la trastienda, en el que, si lo pides con amabilidad y das la impresión de ir a comprar algo, podrás revisar la música que hayas elegido.

No sientas que debes darte prisa para oír el disco sólo porque alguien está allí de pie, esperando para escuchar sus CD o discos. Estás a punto de gastarte mucho dinero, así que tómate tu tiempo para asegurarte de que lo gastas con prudencia. Escucha todo lo que puedas del disco y comprueba si hay rayas o suciedad en las superficies de CD o vinilo; ten en cuenta que muchas personas no saben tratar los discos correctamente, en especial los que aún no han comprado.

Navegar por las tiendas en línea

Internet es algo maravilloso. En ella he encontrado de todo, desde fichas de póquer hasta una casa. Para los DJ en busca de novedades en vinilo y CD, o en caso de que no dispongas de una tienda de discos cercana, Internet es como una cueva del tesoro. En los años anteriores a Internet, los pobres DJ se veían obligados a peregrinar de tienda en tienda y escudriñar en las Páginas Amarillas para pescar unos cuantos CD y discos escurridizos. ¡Ahora no tienes más que arrancar el ordenador, iniciar la sesión y ponerte a navegar!

Utilizar Internet como escaparate es una forma excepcionalmente cómoda de recorrer las existencias de música de una tienda; en consecuencia, cientos de tiendas físicas están también en la red.

Los precios suelen ser inferiores a los que se ofrecen en las tiendas físicas, porque los gastos generales de los detallistas en línea son más bajos. Quizá eches de menos el toque personal si comparas comprar en línea con entrar en tu tienda especializada local, pero puedes consolarte de esta desventaja si te aseguras de investigar un poco antes.

Los sitios web especializados, como Hard to Find Records (www.htfr.com [en inglés]) y Juno Records (www.juno.co.uk [en inglés]) disponen de inmensos catálogos de títulos antiguos, aparte de los temas más recientes. Si también buscas las pistas más comerciales y populares, no dejes de lado sitios como Amazon (www.amazon.es), Play (www.play.com [en inglés]) o HMV (www.hmv.co.uk [en inglés]). La mayor parte de estos sitios web tienen opciones que te permiten escuchar los temas antes de comprarlos, y muchos de ellos son también sitios de descarga de MP3.

En cualquier tienda en línea, ya sea de zapatos, muebles de jardín, mochilas o accesorios para iPod, el aspecto más importante de la tienda es un servicio al cliente fiable para la compra y la recepción de los artículos. Si opinas que te resulta difícil comprar un tema porque es difícil navegar por el sitio, no volverás a él ni comprarás nada. Si la entrega tarda mucho, es demasiado cara o —Dios no lo quiera— la tienda te envía un artículo equivocado, lo pensarás dos veces antes de volver.

En el caso de muchas tiendas en la red, si haces un pedido lo bastante grande, el envío es gratuito. Aunque tengas que pagar el precio del correo, el coste global de lo que compres en línea puede ascender de todos modos a lo que te habrías gastado si hubieses ido a la tienda física. Y, si sumas el dinero de la gasolina y el aparcamiento o el billete de tren, y tienes en cuenta el tiempo invertido en buscar el tema en una tienda, probablemente preferirás esperar un día o dos y recibirlo en casa. La mayor parte de las tiendas en línea hacen envíos a cualquier lugar del mundo, así que sólo tendrás que esperar unos pocos días para que lleguen tus artículos. Pero ¡asegúrate de que tienes claras las conversiones de divisas!

Utilizar sitios de subastas

Los sitios como eBay (www.ebay.es) son un recurso magnífico para encontrar temas que pensabas que ya no había manera de localizar. Sin embargo, como en cualquier compra en línea, intenta asegurarte de que los discos (y CD) estén en un estado correcto y se puedan escuchar. Comprueba que:

missing image file  No te estafan con los gastos de envío.

missing image file  El vendedor ha recibido buenos comentarios.

missing image file  El CD es un original, no una copia en un CD grabable.

missing image file  Obtienes algún tipo de garantía de que el CD realmente posee el disco o CD (por desgracia, a mí me tomaron el pelo de esta manera al comprar un raro disco de oferta).

Consulta eBay For Dummies (ed. Wiley) de Jane Hoskyn, Steve Hill y Marsha Collier, para obtener abundante información sobre el uso de eBay.

Elegir qué quieres comprar

En el mercado puedes encontrar muchísima música, así que tendrás que aprender a distinguir lo bueno de lo malo. Empieza a leer revistas de música y para DJ, y presta especial atención a las críticas de discos. Quizá cometas algún error y pierdas el tiempo un par de veces, pero lo más probable es que acabes por encontrar un crítico que tenga tus mismos gustos. Puedes confiar en lo que diga acerca de un nuevo disco y prestar especial atención a ese tema la próxima vez que vayas de compras. Tampoco es necesario que sigas al pie de la letra todo lo que dice un crítico, pero las reseñas son un buen sitio para empezar.

Intenta escuchar con mente abierta programas de radio especializados, como los de Pete Tong, Judge Jules y Zane Lowe en Radio 1 de la BBC (www.bbc.co.uk/radio1 [en inglés]); en Internet podrás volver a escuchar los programas y acceder a la lista de pistas que han pinchado. Escuchar el programa de nuevo es una buena idea, porque la primera vez puede que te distraigas y te pierdas ese pequeño fragmento de un tema que marca la diferencia entre “no está mal” y “¡es genial!”. Y, admitámoslo, a veces el DJ dice el título o el artista demasiado rápido y no lo puedes pillar, así que tienes que volver a escucharlo o recurrir a la lista de pistas en línea.

Las lista de DJ en línea (como las de www.dmcworld.com/charts [en inglés]) te pueden dar mucha información sobre lo más popular en diversos géneros. Las páginas personales de DJ, foros en línea y sitios de descarga de MP3 como Beatport contienen también tablas elaboradas por DJ conocidos, para que sepas qué es lo que está pinchando tu DJ favorito y puedas elegir alguno de los temas que te gustaría pinchar.

Para complementar las recomendaciones que obtengas en los programas de radio, revistas y sitios web, podrías acabar de pie delante de una inmensa estantería de discos o CD, o navegando por la discoteca de una tienda de MP3 en línea, leyendo los comentarios que la tienda ha escrito sobre un tema e intentando decidir si te gusta o no.

Puedes completar lo que la tienda escribe sobre el tema teniendo en cuenta el sello y el artista. Cuando hayas comprado mucha música, escuchado muchos programas de radio y leído muchas revistas, empezarás a sentir cierta afinidad por determinados sellos y artistas. Si la mayor parte de los discos que te gustan los publican unos sellos discográficos determinados, concéntrate primero en ellos. Incluso las grandes productoras contratan a veces artistas que son un bodrio, pero volver a un sello conocido es una buena forma de evitar mucha de la basura que se publica.

Si te han gustado los últimos cinco o seis temas de un artista, lo más probable es que también te guste la novedad que tienes delante de ti, en un estante. Pero, aparte del trabajo propio de tu artista favorito, comprueba también quién ha hecho las remezclas de sus temas. Si buscas otras pistas remezcladas por los mismos productores, quizá descubras que, aunque nunca has oído hablar del artista principal, el tema te gusta de verdad, ya se trate del original o de la remezcla.

Con el tiempo, tu selección de artistas, sellos discográficos y productores de remezclas acaban creando enlaces con otros sellos, remezcladores y artistas que se extienden como una telaraña de conocimientos y te ayudan a elegir temas que en circunstancias normales ni siquiera mirarías.

La guía de una persona con conocimientos detrás de un mostrador puede resultar inestimable para conseguir los mejores y más modernos temas, y, cuando gastas mucho dinero (y tiempo) en una tienda de discos especializada, el personal aprende a conocer tus gustos, te recomienda pistas y empieza a pasarte los temas que reservan a sus clientes favoritos.

Sopesar entre clásicos y actuales

El género de la música que pinches tendrá una gran influencia en la confección de tu discoteca. Los DJ de bodas y fiestas deben pinchar una combinación de música nueva y muchos temas antiguos, para mantener el interés de la amplia variedad de invitados. Es útil asistir a unas cuantas fiestas y bodas, y tomar nota de qué tipo de música se pincha, o consultar catálogos en línea para obtener inspiración al reunir tu arsenal de temas. Los DJ de rock, indie y pop pinchan muchos temas actuales, pero los combinan con pistas antiguas para darle marcha a la pista de baile.

Los DJ de house y trance pueden encontrarse con problemas para construir su discoteca. Si has crecido con determinados temas, posiblemente los que te han decidido a querer ser DJ, querrás tenerlos para pincharlos y mezclarlos, y eso es genial. Si eres un principiante, tener discos que conoces bien, que te encanta escuchar y que son muy significativos para ti es algo positivo. Si tus progresos en beatmatching se han estancado, el hecho de que te siga gustando escuchar la música que pinchas puede representar un revulsivo para mejorar.

Sin embargo, debes pensar en lo que sucederá cuando intentes encontrar trabajo como DJ; ¿en cuántos sitios les va a parecer bien que pinches sólo temas antiguos? Según el club o pub donde acabes pinchando, quizá quieran que las sesiones se compongan únicamente de música actual, y acabarás poniendo los temas clásicos sólo en tu casa, para tu propio entretenimiento.

Yo tuve suerte. Mi primer trabajo como DJ se llamaba “A Decade of Anthems”, y eso quería decir que podía pinchar lo que quisiera, antiguo o moderno. Pero, si tienes la vista puesta en los grandes clubes en los que sólo se pinchan los temas más modernos, puedes acabar gastando mucho dinero en música antigua que nunca pondrás en directo.

Si tienes la oportunidad de meter un tema clásico de vez en cuando durante una sesión, puede ser algo muy efectivo. Mira al público para evaluar su reacción a lo que estás pinchando (consulta el capítulo 21 para más información sobre cómo leer la reacción de la gente), y pregúntate si parecen personas enteradas que responderán a un tema clásico. Si la respuesta es sí, prueba a pinchar un tema antiguo de los buenos, pero ten cuidado: ¡si has evaluado mal al público, la pista de baile se vaciará antes que un autobús a final de trayecto!

Si aún no tienes un trabajo de DJ remunerado, piensa bien qué temas te compras; no te compres algo sólo porque es la ultimísima novedad y el número uno de las listas, o porque sea el tema más famoso del momento. Quizá lo pongas una o dos veces en casa, lo incluyas en un par de sesiones promocionales y acabes por dejarlo debajo del montón porque su atractivo inicial se ha desvanecido del todo.

No importa si eres DJ de rock, de fiestas, de pop o de trance; cuando empieces a tener más trabajo, tendrás que comprar y pinchar los temas más populares o que se pinchan con más frecuencia en los clubes. Sin embargo, si antes de que hayas empezado a actuar fuera de tu habitación piensas que nunca pincharás una determinada pista, no la compres únicamente porque es muy conocida.

Desde luego, ni tú ni nadie puede saber cuáles son los temas que aguantarán mejor el paso del tiempo. Algunas pistas pueden sorprenderte y durar bastante, pero, si crees que pones en peligro tu integridad musical al comprar un tema, puedes apostar a que, pasados uno o dos meses, ya no lo estarás pinchando.

Proteger tus discos y CD

No importa que tengas el mejor equipo de DJ del mundo, los mejores giradiscos, agujas, amplificador, mesa de mezclas, unidades de efectos y lectores de CD que se han fabricado, si tus discos y CD están rayados y sucios, sonarán igual de mal en un equipo de máxima calidad que en uno básico.

Almacenamiento de discos

La forma de almacenar tus discos mientras no los estás pinchando es extremadamente importante de cara a mantenerlos limpios y protegerlos de las rayas. Devuelve los discos a sus fundas interior y exterior y, si es posible, guárdalos de forma que la parte abierta no quede hacia arriba, porque el polvo y la suciedad que flotan en el aire se irán directos al disco (por la electricidad estática y la gravedad).

Si tienes paciencia, ve un paso más allá y gira 90 grados la funda interior dentro de la funda principal, de modo que, aunque el polvo y la suciedad entren en la cubierta principal, la abertura de la cubierta interior esté en el otro lado y el disco no se ensucie.

Limpieza de CD, discos y agujas

Piensa en tus discos y CD como en tus dientes. Si puedes impedir que se deterioren limpiándolos antes y después de usarlos, durarán mucho más y no tendrás esa sensación de fatalidad cuando las cosas empiecen a ir mal (he de reconocer que soy un hipócrita: siempre aplazo todo lo que puedo mis visitas al dentista, y espero a que un dolor de muelas haga que la visita sea inevitable...).

missing image file  CD: los CD son fáciles de limpiar. Pasa un trapo suave y sin pelusa en línea recta desde el centro hacia el exterior para quitar el polvo del disco. Si se ha derramado algo en el CD, quizá convenga que lo limpies frotándolo (en la misma dirección) con agua ligeramente jabonosa. Luego frótalo con agua limpia para aclararlo y sécalo dando golpecitos con un paño suave.

Intenta no utilizar máquinas de limpieza de CD, que los limpian con un movimiento circular. Te recomiendo que no los limpies así: frota siempre desde el centro hacia el exterior en línea recta.

Prevenir es la mejor forma de curar, así que vuelve a poner tus CD en su estuche o funda después de usarlos. No seas vago y no dejes los CD que has pinchado tirados por la cabina del DJ, donde alguien puede derramar cerveza sobre esa música que tanto te ha costado encontrar.

missing image file  Discos: existen diversas soluciones de limpieza para mantener tus discos relucientes, y algunas de ellas prometen que, después de limpiarlos una vez con ellas, ya nunca necesitarás limpiarlos de nuevo. Algunas personas aseguran que la gasolina de mechero es mano de santo, otros que el alcohol o el agua jabonosa (bien aclarada después) hacen maravillas.

Yo creo que un cepillo de fibra de carbono (diseñado especialmente para este propósito) en un movimiento circular alrededor del disco antes y después de pincharlo es más que suficiente. ¡Aunque, en realidad, en medio de una oscura cabina de DJ, una pasada rápida con la camiseta es lo más a lo que puede aspirar tu disco!

missing image file  Aguja: el motivo por el que hay que tener tanto cuidado de mantener los discos limpios es por la fricción que provoca la aguja al recorrer el surco del disco, que crea mucho calor (hasta 150 grados centígrados). Este calor ablanda el vinilo, y la suciedad del surco queda soldada a la aguja y se abre camino a las paredes del surco. Esta cadena de eventos es la principal causa de los ruidos y chisporroteos que pueden aparecer en tus estimados discos. Bueno, eso y tirar los discos sobre la cama después de ponerlos...

Reparar el vinilo

Si uno de tus temas tiene una raya que hace que la aguja salte, lo mejor será que busques una copia nueva. Pero si realmente quieres recuperar el disco, puedes probar una técnica con una aguja de coser antes de tirar el disco a la basura. Esto me lo enseñó hace unos dieciocho años un amigo que me rayó mi álbum de Van Halen, y me ha acompañado desde entonces (el amigo no ha sido tan afortunado...). Sólo necesitas una aguja de coser pequeña, una lupa y mucho cuidado y paciencia para hacer esto si no quieres arruinar aún más el disco. Esto es lo que puedes hacer como último recurso:

1.   Pincha el disco para localizar la posición exacta de la raya y fíjate con atención si la aguja salta hacia atrás o hacia adelante. Si salta hacia una parte anterior del disco, la raya va de derecha a izquierda. Si salta a una parte que aún no has oído, entonces la raya cruza el disco de izquierda a derecha.

2.   Retira el disco del giradiscos y ponlo sobre un paño suave en una superficie plana. En una habitación bien iluminada, mira por la lupa para localizar con precisión la raya en el disco. Toma ahora la aguja de coser (puedes poner cinta adhesiva a su alrededor para poder sostenerla con más seguridad).

3.   Pasa la aguja de coser por el surco desde 1 o 2 centímetros antes de la raya hasta 1 o 2 centímetros después de ella. Pásala en sentido opuesto a la raya. Si la aguja salta hacia atrás cuando pones el disco, tienes que pasar la aguja de coser en sentido contrario a las agujas del reloj (y si salta a un punto posterior del tema, pasa la aguja en sentido de las agujas del reloj).

Mientras pasas la aguja de coser por el surco, aplica un poco de presión al empezar, auméntala a una presión moderada al llegar a la raya y afloja la presión durante los siguientes 2 centímetros. Cualquier reducción de la calidad de sonido es menos perceptible si hay un cambio de presión gradual. Quizá tengas que pasar por cinco o seis sectores del surco para cubrir toda la raya.

Nota: si eres un poco torpe, este método no es para ti.

En lugar de pasar cuidadosamente una aguja por el surco, lo que hacen simplemente algunos DJ es presionar sobre el cartucho del brazo del giradiscos mientras el disco pasa lentamente por la raya para lograr un efecto similar. Si la raya no es muy profunda, esta técnica puede repararla. ¡Sin embargo, si es demasiado profunda, puede que las cosas empeoren, así que en realidad es una lotería!

Reparar discos y CD deformados

Los discos y CD pueden ablandarse por culpa del calor, lo que quizá haga que se deformen. El vinilo puede también deformarse por una simple presión, así que es probable que tus discos se deformen si los dejas en un ángulo extraño con un peso encima. Algunos compuestos del vinilo y los CD no se ven afectados por el calor, lo que dificulta la reparación, pero si no puedes pincharlos de todos modos, quizá quieras probar el método siguiente, que primero fue adoptado para el vinilo pero que funciona igual para los CD que se ablandan con el calor.

1.   Limpia el disco/CD.

2.   Ponlo entre dos láminas de vidrio limpias. ¡Comprueba que todo esté bien limpio antes de utilizar esta técnica o podrías descubrir que has arreglado la deformación, pero has rayado el disco!

3.   Calienta el disco o CD dentro del bocadillo de cristal mediante un secador de pelo o dejándolo al sol. El secador es mejor, porque puedes averiguar durante cuánto rato y a qué temperatura tienes que calentar el vidrio para que esta técnica funcione. En el caso del sol, no puedes estar seguro del calor que proporciona (¡yo vivo en Escocia, y el sol aquí no es muy cálido!), así que no puedes garantizar que logres replicar la misma temperatura al intentar reparar otros discos deformados.

4. Lo hagas como lo hagas, una vez esté caliente deberás aplicar un peso uniforme en el vidrio sobre el disco o CD y dejarlo unos cuantos días.

5. Al cabo de este tiempo, examina el disco o CD y comprueba si vuelve a estar plano.

Hay otro método similar que implica meter el disco en el horno para generar el calor necesario. Lo probé una vez, y el resultado no fue agradable... Ten cuidado con la cantidad de calor aplicada; si te pasas, parecerá que el disco lo hubiera hecho Salvador Dalí.

Si quieres hacer una prueba con lo de arreglar discos deformados antes de aplicarlo a tus estimados discos, ve a una tienda de segunda mano y busca (o pide) un par de discos o CD deformados que puedas utilizar para hacer ensayos. Cuando hayas perfeccionado la técnica con ésos, ya puedes reparar los tuyos.

Reparar CD rayados o rajados

En las tiendas de discos podrás encontrar muchos productos para proteger tus CD contra las rayas, o repararlos si ya han sido rayados. Pero no te pases de listo e intentes limpiar el CD con limpiametales, como hice yo. Esa idea no fue muy acertada...

A algunas personas les encantan los líquidos o cacharros que eliminan parte de la superficie protectora del CD para suavizar las rayas. Yo tendría mucho cuidado con esta estrategia: corres el riesgo de eliminar una capa demasiado gruesa de la superficie, y puede que a tu lector de CD no le apetezca reproducir CD demasiado delgados.

Si has rajado accidentalmente uno de tus CD y no quieres comprar otra copia (o no puedes encontrarla), quizá aún puedas leer el CD. Lo más probable es que no puedas leer las partes que están rajadas (y recuerda, un CD se lee de dentro hacia afuera), pero puede que el resto del disco esté bien. Ten cuidado: si hay demasiadas rajas, el CD podría desintegrarse en el lector.

Hay software de extracción de audio que incorpora corrección avanzada de errores, lo que podría permitirte guardar los discos estropeados antes de tirarlos a la basura, pero quizá acabes opinando que es más fácil comprar una copia nueva del CD; o bien, si no eres capaz de dar con el CD, quizá puedas encontrar los temas en MP3 y grabar un CD.

Copia de seguridad de las discotecas digitales

No importa si eres usuario de PC o de Mac: no te creas las promesas de los sistemas operativos de que ellos cuidan de tus MP3 y de tu música digital por ti. Cada semana, o después de que hayas importado una cantidad de música significativa, haz una copia de seguridad de tus temas y de la base de datos de tu discoteca en un disco duro externo y guárdalo en lugar seguro. Si es posible, guarda la copia en una habitación (¡o edificio!) distinto de donde guardas tu equipo y tu discoteca, por si tu habitación se incendia o se inunda.

Mi discoteca la tengo en un iPod, que es lo que utilizo para escuchar mis temas. Esto tiene el valor añadido de actuar como copia de seguridad de todos mis temas, y me envío a mí mismo por correo electrónico mi base de datos una vez a la semana, de modo que tengo una copia en línea por si algo va mal. Para más información sobre cómo ser DJ digital, consulta el capítulo 9.

En esta parte...

Necesitas tomar una decisión informada sobre qué equipo es el mejor para ti y tu estilo de DJ, y lo que es más importante, ¡cómo funciona todo cuando llegues a tu casa! La segunda parte hace una incursión en consideraciones de formato, trata de las características y funciones de giradiscos, mesas de mezclas, lectores de CD, auriculares y amplificadores, y también explica la diferencia entre los distintos diseños de agujas y cartuchos para giradiscos, las maravillas de los deslizadores y opciones para ser un DJ digital.

Para concluir con esta parte del libro, el capítulo 13 está dedicado a la instalación y conexión del equipo, y cómo resolver los problemas de conexión si algo no funciona bien.

Capítulo 5

Mantente al día de la tecnorrevolución: opciones de formato

En este capítulo:

Examinar la línea borrosa entre CD y vinilo.

Difuminar el debate con híbridos y ordenadores.

Caín y Abel, los Capuleto y los Montesco, Apple y Microsoft, Britney y Christina; a lo largo del tiempo, la historia y la literatura han narrado las batallas entre dos facciones similares; guerras que existen precisamente por lo que ambas facciones tienen en común, no por lo distintas que son. Cuando los lectores de CD aparecieron en escena por primera vez, los puristas del vinilo de todo el mundo pusieron el grito en el cielo. Los CD se percibían como una terrible amenaza para el DJ de vinilo, y los DJ empezaron a tomar partido entre el método de vinilo estándar y el advenedizo CD.

Si no estás seguro del formato que quieres usar como DJ, en este capítulo se tratan las principales diferencias entre la labor del DJ con CD y con vinilo, e incluye sugerencias sobre cómo utilizar tu ordenador para acabar con esas diferencias.

El choque de CD contra vinilo

Los argumentos para usar giradiscos o lectores de CD se reducen a dos aspectos distintos: la funcionalidad del equipo y la disponibilidad de la música que quieres pinchar.

En busca de tu formato

Quizá hayas soñado con ser un DJ de vinilo, con dos giradiscos, una mesa de mezclas y una caja de discos para crear tus sesiones, pero es posible que, por desgracia, el género que quieras pinchar no te lo permita. Durante las décadas de 1970 y 1980 este problema no existía, porque la música se publicaba en todos los formatos: vinilo, cinta y, más adelante, CD. Pero, a medida que los discos perdían popularidad, los CD y las descargas de MP3 se convirtieron en la principal forma de adquirir música, y la disponibilidad de los discos se redujo considerablemente.

Reflexiones sobre el vinilo

A medida que las ventas en el mercado del consumo doméstico han ido cayendo con los años, el vinilo ha quedado reducido casi en exclusiva al mercado de la música para clubes, ya que ambos han estado asociados históricamente. En los géneros musicales como el house, el trance, el drum and bass, el hiphop y el tecno se siguen publicando la mayoría de los temas en vinilo.

Una parte de música rock, clásica, folk y country se sigue publicando en vinilo, y en la escena indie/alternativa de Gran Bretaña se está viviendo un cierto resurgimiento de los singles de 17,78 centímetros, pero, si tenemos en cuenta toda la variedad de música que ofrece en los distintos géneros, sólo un porcentaje minúsculo está disponible en vinilo.

La música no publicada era uno de los sectores en los que el vinilo reinaba con autoridad. Las discográficas enviaban grabaciones promocionales (o promos) a los DJ con la esperanza de que las diesen a conocer y se hiciesen populares en los lugares donde pinchaban. Sin embargo, últimamente, los CD y los MP3 se han convertido en los formatos más habituales para promos, porque son más baratos y cómodos de enviar que imprimir un millar de discos. Las discográficas siguen regalando vinilos a algunas personas selectas y, de hecho, sabes que te encuentras en una posición de privilegio como DJ en activo si recibes promos en vinilo.

Al día con los CD

Hoy en día, las compañías discográficas apenas editan música que no esté disponible en CD. Todos los géneros musicales —rock, folk, clásica, country, pop— te esperan en un reluciente disco de 12 centímetros. Aunque no esté disponible para comprarla en un CD en una tienda, puedes comprar un MP3 en línea, grabarlo en un CD y reproducirlo inmediatamente.

Como DJ de CD, si recibes promos en vinilo, o si un sello pequeño sólo ha publicado una edición de prueba de un tema en vinilo, puedes transferirlos a CD con facilidad. Lo único que necesitas es un giradiscos de tracción directa de buena calidad que lea con precisión a pitch cero (consulta el capítulo 6), un buen juego de agujas y un ordenador con tarjeta de sonido y grabadora de CD, y podrás pasar a CD todos tus discos. ¡Quizá hasta puedas incorporar el giradiscos a tu equipo de DJ para introducir un poco de variación!

Si tienes muchos discos de vinilo para transferir a CD y haces beatmatching, utiliza un contador de BPM (beats [tiempos] por minuto) para definir los BPM de cada tema del mismo género al mismo número de BPM al tiempo que los transfieres (125 para house, 135 para trance, etc.). Así, cuando pinches temas de un género similar en CD, la tarea de beatmatching será mucho más sencilla, ya que no tendrás que cambiar demasiado (o en absoluto) la velocidad de los temas para ajustar los ritmos (para más información sobre beatmatching, consulta el capítulo 15).

Por desgracia para el DJ de vinilo, grabar de CD a vinilo no es demasiado asequible. Si, por ejemplo, eres DJ de rock, te darás cuenta de que la mayor parte de los temas que quieres pinchar no están disponibles en vinilo; así que, si quieres ser DJ de rock y usar vinilo, necesitarás un procedimiento para pasar la música que quieras pinchar a vinilo. La marca Vinylium fabrica el Kingston Dub Cutter, que se puede agregar a un giradiscos Technics estándar, o quizá puedas encontrar el Vestax VRX-2000; ambos aparatos graban música en discos vírgenes de 30,48 centímetros. Pero ¡por los 7.000 euros que tendrás que pagar por el Dub Cutter, y aún más por el Vestax, será mejor que grabes muchos discos para amortizarlos!

La elección entre analógico y digital

El audio analógico (que, en tu labor de DJ, es el que utilizas cuando pinchas discos en un giradiscos) escuchado a través de un equipo de sonido adecuado puede sonar más cálido (más agradable, con una sensación de profundidad) que un CD original escuchado en el mismo equipo de sonido. Pero la fragilidad del vinilo, que con el tiempo sufre rayas, crujidos y saltos, es un defecto que (en mi opinión) da a la música editada digitalmente en CD cierta ventaja sobre el audio analógico.

Una edición en CD sólo suena distinta si se utiliza un equipo de sonido distinto para reproducirla. Un CD nunca se desgasta, nunca se degrada y, mientras tengas cuidado de no dejar que la superficie se raye demasiado, no tienes por qué preocuparte de que salte.

Los MP3 grabados en CD son otro asunto. Para que el tamaño de los archivos digitales no crezca demasiado, los MP3 están muy comprimidos, mediante la eliminación de las frecuencias más bajas y las más altas que, de entrada, tampoco eran audibles.

Del nivel de compresión depende cómo de bien acabe por sonar la música. Si ésta se comprime mucho y se eliminan demasiadas frecuencias de audio para que el archivo sea pequeño, la música puede sonar como si se hubiese grabado bajo el agua. Sin embargo, con un ajuste de compresión adecuado (yo recomiendo 192 kilobits por segundo estéreo como mínimo, pero 320 kilobits estéreo es preferible) y un buen equipo de sonido, puede ser casi imposible notar la diferencia.

Se puede grabar un MP3 en CD en formato MP3, lo que hace que quepa mucha más música en el disco (pero comprueba antes si tu lector de CD puede leer MP3), o se pueden “reconvertir” los MP3 y grabarlos en un CD convencional. No obstante, esta “reconversión” no transforma un MP3 en música de calidad CD. Lo único que hace es que se pueda leer el MP3 en un lector de CD normal; si sonaba mal antes, seguirá sonando mal...

Funcionalidad: ¡mi manera es la mejor!

Si tienes la oportunidad de comparar un disco y un CD (un CD original de tienda, no un MP3 grabado en un CD-R) en un entorno de club, es muy difícil elegir entre uno o el otro, y puede ser difícil diferenciarlos al escuchar grabaciones de sesiones. Así que, si tienes suficiente dinero como para comprar cualquier equipo del mercado, quedan pocos argumentos sensatos para optar por uno u otro formato.

Los giradiscos son pesados y voluminosos

Los giradiscos son macizos y pesados por una buena razón: si no lo fuesen, la aguja saltaría a cada golpe de bombo que sonase por el sistema de sonido del club.

Después de haber acarreado arriba y abajo un par de bolsas y cajas llenas de discos de vinilo a los clubes, debo admitir que una funda con cien CD es mucho más ligera que la misma cantidad de temas en vinilo, pero de todos modos tampoco me vendría mal perder unos pocos kilos, y puedo tomarme el “entrenamiento con pesas en el night club” como un suplemento a mis visitas al gimnasio.

También podría pecar de presumido y decir que me sentía genial entrando en un club con dos grandes cajas llenas de discos. Todas las personas que pasaban a mi lado sabían que yo era el DJ (y, si no se daban cuenta, ya procuraba darles un par de golpes en las rodillas con las cajas de discos). ¡Si entras en un club con una pequeña funda con cien CD, la gente puede pensar que vienes a hacer la lectura del contador!

Por cierto, lo de las cajas y las rodillas era broma. Yo nunca haría una cosa así...

Las arenas movedizas del tiempo y el desarrollo

Los primeros lectores de CD estaban basados en los reproductores de CD domésticos y, aunque incluían un control de pitch control y una jog wheel para hacer búsquedas en los temas, no eran ni de lejos tan versátiles y funcionales como los giradiscos. Desde aquellos primeros modelos, la tecnología ha mejorado mucho; los lectores de CD no sólo compiten con los giradiscos en todos los campos, sino que han tomado la delantera en cuanto a funcionalidad y creatividad. Las funciones como pitch bend, master tempo, scratching, seamless looping, marcadores de inicio, efectos y mezcla entre dos temas dentro del mismo CD han desplazado la línea divisoria histórica entre vinilo y CD. Los DJ de CD forman ya parte de la corriente dominante. En 2007, Judge Jules (uno de los mejores DJ británicos) dijo que únicamente utilizaría lectores de CD al pinchar en clubes, porque los efectos y los controles le ofrecían inmensas posibilidades de creatividad en la cabina. Si a esto le añadimos la capacidad de remezclar un tema en un ordenador portátil de camino a una actuación, grabarlo en CD y pincharlo esa misma noche, cada sesión puede ser increíble, divertida y única.

Los giradiscos no tienen efectos incorporados

Hasta que los lectores de CD empezaron a incorporar efectos, esta cuestión ni siquiera se planteaba. Si uno quería efectos, compraba un procesador de efectos independiente como el Pioneer EFX-1000, o una mesa de mezclas con efectos incorporados. Personalmente, prefiero tener los efectos en un aparato externo o en la mesa de mezclas antes que en el giradiscos o en el lector de CD, pero si dejamos aparte mis opiniones, los efectos, los controles de loop y los marcadores de inicio (lugares desde donde se empieza a reproducir la música) múltiples hacen que los lectores de CD sean mucho más versátiles que un giradiscos individual. Para más información sobre estas funciones, consulta el capítulo 8.

En el CD no se puede ver la música

Una gran ventaja de los vinilos es que los distintos tonos de gris y negro en los anillos del disco te permiten saber en qué parte del tema estás. Si te fijas con cuidado en los cambios del grado de oscuridad de los anillos del disco, puedes averiguar cuánto tiempo falta para el break, el estribillo, etc., y así saber cuándo iniciar tu mezcla.

Como un CD (que es un disco brillante sin información en forma de tonos de gris) se limita a dar vueltas dentro del lector, tienes que tomarte tu tiempo para descubrir la estructura de los temas, recordar cuándo suceden los cambios y fijarte en el tiempo en la pantalla para ubicar perfectamente las mezclas. A menos que tengas un lector de CD con una pantalla en la que se muestra la forma de onda, claro.

Los fabricantes se han dado cuenta de que este problema era importante para los DJ que hacían beatmatching, y han empezado a mostrar en las pantallas de los lectores de CD una representación de la forma de onda de la música (mira la Figura 5-1). La forma de onda es más grande en las partes más ruidosas y más pequeña en las más silenciosas, así que las crestas y los valles de la onda te ayudan a saber cuándo el tema está a punto de cambiar a una parte de volumen más alto o más bajo. Aún tienes que conocer la estructura del tema, y la forma de onda es más una referencia aproximada que una guía precisa; pero ha convertido la mezcla en CD de un ejercicio de memoria ciega de la estructura de un tema a un activador visual de tu memoria.

Figura 5-1:

Las crestas y los valles muestran las partes de más y de menos volumen del tema.

El uso de CD no ofrece la misma impresión estética

En lectores de CD profesionales y caros, como los que fabrican Pioneer y Denon, con grandes platos y emulación de vinilo, éste ya no es el caso. Para aquellos a quienes les gusta ver al DJ hacer algo más que pulsar un par de botones en un lector de CD barato, estos lectores profesionales ofrecen al DJ flexibilidad creativa y un montón de estilo visual en el manejo de los controles.

Personalmente, ver a un DJ sacar un disco de vinilo de su funda, limpiarlo en su camiseta, poner la aguja en el surco y maltratarlo para ajustar los ritmos me sigue pareciendo lo más. Pero, con la evolución del diseño, el control y la versatilidad de los lectores de CD, el argumento de la falta de estética ya no tiene tanto fundamento; siempre que te gastes el dinero necesario, claro.

En los bares ya no hay giradiscos para los DJ

A medida que la popularidad del vinilo ha ido bajando y cada vez más DJ se han pasado al CD, muchos bares se dan cuenta, tristemente, de que pueden recuperar el espacio de los voluminosos giradiscos si los sustituyen por unidades de CD dobles. Si eres DJ de vinilo, no hay mucho que puedas hacer al respecto, a menos que te dejen llevar tus propios giradiscos. Una opción es transferir toda tu colección a CD para este tipo de ocasiones, pero eso puede llevarte un montón de tiempo.

En general, que los clubes tengan o no giradiscos depende en gran parte de los géneros que pinchan. Los clubes de house/trance deberían seguir teniendo un par de giradiscos, pero si eres DJ de rock, pop o indie, quizá no tengas tanta suerte.

Los giradiscos son más caros que los lectores de CD

Eso depende de qué vayas a comprar. Uno de los giradiscos sólo de vinilo más caros que he encontrado es el Technics SL-1210M5G, que cuesta aproximadamente 900 euros; pero uno de los lectores de CD más caros del mercado es el Pioneer CDJ2000, ¡que cuesta 1.882 euros! Incluso el lector más estándar, el Pioneer CDJ1000 MkIII, cuesta unos 990 euros. Pero si comparamos coste con funciones, los giradiscos pueden ser mucho más caros que los lectores de CD.

Un par de giradiscos de unos 125 euros probablemente serán de tracción por correa, sus motores no mantendrán demasiado bien la velocidad, puede que se acoplen al ponerlos a un volumen demasiado alto debido a su estructura de plástico fino y lo más probable es que te canses de ellos al cabo de un año y quieras comprarte unos giradiscos distintos. Por otra parte, si tienes 125 euros para gastar en un lector de CD, busca uno que te ofrezca un control de pitch fiable y una función de pitch bend y, posiblemente, también de loop. El antisaltos quizá no sea el mejor que hay, pero estas funciones básicas en un lector de CD barato te darán más control y confianza al mezclar música de la que nunca podría darte un giradiscos barato de tracción por correa.

Si puedes gastarte más de 300 euros, verás que las funciones de las características de los lectores de CD que te puedes permitir aventajan las de un giradiscos del mismo precio. Aunque el giradiscos que ahora te puedes permitir tiene un alto par motor (potencia), motor de tracción directa como el del Numark TT500 y quizá ofrezca la función de pitch bend y un amplio intervalo de variación de pitch (a veces de más del 50 por ciento más rápido o más lento), sigo pensando que un giradiscos no puede competir con un lector de CD de la misma gama de precio.

Para empezar, por unos 250 euros puedes permitirte un lector de CD doble, con lo que, por el mismo precio, puedes tener los dos dispositivos de entrada, en lugar de pagar unos 500 euros por dos giradiscos. O bien, te recomiendo que te hagas con un lector similar al Numark AXIS 9, con un montón de efectos incorporados, marcadores de inicio múltiples, contador de tiempos, seamless looping ¡e incluso la posibilidad de hacer un poco de scratching en CD!

Si comparas el giradiscos de 1.190 euros Technics SL-1210-Mk5G que mencionaba antes con un lector de CD de una gama de precio similar, verás que el lector de CD sigue superando de largo al giradiscos en cuanto a funcionalidad y características. Por unos 875 euros puedes hacerte con el Denon DNHS5500CD, y eso sí que mola. Tiene un plato motorizado, de modo que la sensación puede ser similar a la de usar un giradiscos, efectos incorporados, capacidad para conectar discos duros e iPods para pinchar MP3 e, incluso, puede hacer mezclas consigo mismo con la función de dos lectores en uno.

Así que, si quieres comparar el material más caro, los lectores de CD cuestan más, pero dan mucho más por cada euro que te gastas. Para más información sobre la compra de equipo y la elaboración de un presupuesto, consulta el capítulo 3.

Vamos a llevarnos todos bien, ¿vale?

Hay dos factores que liquidan por completo la polémica entre CD y vinilo.

Con los giradiscos híbridos puedes tenerlo todo

Los giradiscos híbridos, que leen tanto CD como discos en la misma unidad, han privado de sentido la batalla entre CD y vinilo.

Estos giradiscos no son precisamente baratos entre 650 y 900 euros aproximadamente, pero tanto Numark como Gemini disponen de giradiscos híbridos que permiten utilizar el plato como una jog wheel gigante para controlar CD como si fuesen vinilos, y, si quieres pinchar un disco, puedes hacerlo en el mismo equipo.

Si estás pensando en optar por este camino, ten en cuenta que no es habitual encontrar lectores híbridos en un pub o club. Eso no es un gran problema para los DJ de vinilo, porque su habilidad es fácilmente transferible de un modelo de giradiscos a otro; lo único que cambia es la sensación y la respuesta del plato y del control de pitch. Pero los controles de CD de estos lectores híbridos pueden ser muy distintos a los de los lectores que hay habitualmente en un pub o club, ¡así que asegúrate de investigar un poco antes de encontrarte de pie en mitad de la cabina del DJ, con cara de terror!

Esto puede pasar con otros lectores de CD, pero las diferencias entre los controles pueden ser mayores en el caso de los lectores híbridos. En los capítulos 20 y 21 verás algunas pautas sobre qué es lo que debes buscar en la cabina del DJ.

El chico nuevo: el DJ digital

La más explosiva de las características del DJ digital es que, mediante software especial para DJ, puedes usar los giradiscos o los lectores de CD para controlar música almacenada en un disco duro. Con esta tecnología, los dos factores que separan el CD y el vinilo que he mencionado al principio del capítulo (la disponibilidad de la música y la funcionalidad de los lectores) pasan a ser irrelevantes.

Si almacenas música en el disco duro de tu ordenador y la controlas con tus giradiscos o lectores de CD (¡o ambos!), desaparecen los límites sobre la música que puedes pinchar con el formato elegido. Si quieres utilizar giradiscos, pero la música que quieres pinchar no está disponible en vinilo, busca la música en línea en un sitio de descarga de MP3, cárgala en el software de DJ y utiliza tus giradiscos para pinchar la música como si estuviese delante de ti en forma de disco. ¡Genial!

Desde el punto de vista de la funcionalidad, la mayor parte de las características especiales de los lectores de CD que los giradiscos no tienen, como efectos, contadores de beats por minuto y controles de loop, se encuentran en los programas de software para DJ. Esto te permite acceder exactamente a las mismas herramientas de creatividad con tus giradiscos que las que tienen los DJ de CD, y significa que, con el software correcto y la habilidad adecuada, los giradiscos y los lectores de CD pueden jugar en la misma liga.

En mi peregrinación por los distintos formatos empecé como DJ de vinilo, pero me pasé al CD cuando empezó a ser difícil encontrar en vinilo la música que quería pinchar. Ahora, no obstante, utilizo un equipo de DJ digital; empleo mis giradiscos y mi mesa de mezclas para controlar el software Traktor de Native Instruments, y pincho música almacenada en un ordenador portátil. En consecuencia, hace más de un año que ni siquiera he puesto en marcha los lectores de CD que tengo en casa...

El capítulo 9 trata en profundidad cómo es el trabajo del DJ digital.

Capítulo 6

Vestido de gala con los giradiscos

En este capítulo:

Información sobre las partes básicas de un giradiscos.

Al día con las últimas innovaciones.

Cuidado de tus giradiscos.

Todos los giradiscos son iguales en el sentido de que todos leen discos, pero, como en la mayor parte de cosas de la vida, unos son mejores que otros. Tanto si utilizas los giradiscos para pinchar un montón de discos distintos, como si quieres usarlos para controlar MP3 con un software y poner los mismos dos discos una y otra vez (consulta el capítulo 9), necesitarás un giradiscos que sea capaz de soportar las exigencias físicas de un DJ. En este capítulo repaso las funciones que debes buscar al comprar, instalar y mantener giradiscos.

Evitar los giradiscos baratos

La decisión de qué giradiscos comprar y utilizar depende, en gran medida, de tu presupuesto. Cuando vayas de compras, no te decidas por la opción más barata con tal de ahorrar un poco de dinero. Invertir en un giradiscos de mejor calidad es el camino directo para convertirte en un DJ de calidad. De hecho, es posible que quede más claro si lo digo al revés: cuanto peor sea tu giradiscos, más te costará convertirte en un buen DJ. Y este consejo no va únicamente dirigido a los DJ que hacen beatmatching. Si eres DJ de rock, indie o fiestas y tienes pensado emplear giradiscos, es igualmente importante que compres giradiscos de calidad, que no salten ni se acoplen en entornos muy ruidosos.

Los principales aspectos que se deben tener en cuenta en los giradiscos baratos es que suelen tener motores de tracción por correa, en lugar de tracción directa (consulta la sección siguiente), y que suelen escatimar funciones esenciales para el DJ, como cápsulas desmontables, brazos con contrapesos ajustables y controles de pitch largos.

Gasta todo el dinero que puedas en el giradiscos, y luego ya puedes pensar en comprar el resto de tu equipo. Los buenos giradiscos siguen siendo buenos sea cual sea la mesa de mezclas o los auriculares que uses, pero ni la mejor mesa de mezclas ni los auriculares más nítidos son capaces de mejorar un giradiscos barato de tracción por correa.

Avanzar en la dirección correcta

Los giradiscos de correa parecen una opción atractiva cuando aspiras a convertirte en DJ, porque son mucho más baratos que sus hermanos mayores de tracción directa. Desde luego, hay quien dice que su giradiscos de tracción por correa va perfecto para mezclar, hacer scratch, etc., y no dudo de que piensan que es así. Pero la primera vez que estas personas utilizan un buen giradiscos de tracción directa, cambian de opinión, y (de mala gana) aceptan que estaban pensando únicamente con su cartera y que se engañaban a sí mismos (algunas personas siguen defendiendo sus giradiscos de tracción por correa, pero, o bien son más testarudos que una mula o tienen superpoderes de capacidad de adaptación sobrehumanos).

Giradiscos de tracción por correa

Un giradiscos de tracción por correa contiene un pequeño motor con una banda de caucho que lo conecta a la parte inferior del plato (el lugar sobre el que pones el disco). Es similar a la forma en que, cuando giras el plato delantero con los pedales de tu bicicleta, la rueda trasera gira. Este método de impulsar el giradiscos tiene como consecuencia un par motor (potencia) bajo, lo que significa que el plato tiende a pararse si mantienes el disco parado.

El otro inconveniente es que la velocidad de giro del giradiscos puede fluctuar, acelerándose y ralentizándose. Si estás intentando ajustar los tiempos de bombo de dos discos distintos (consulta el capítulo 14), la fluctuación de velocidad hace que sea extremadamente difícil mantener los tiempos de bombo sonando al mismo tiempo durante más de diez segundos. Puede incluso que culpes a tus propias habilidades de beatmatching antes de darte cuenta de que la culpa es del giradiscos.

Giradiscos de tracción directa

Si los giradiscos de tracción por correa tienen una banda de caucho que transfiere la potencia del motor al plato, que a su vez gira alrededor del eje central, en el caso de los giradiscos de tracción directa, el eje central está conectado directamente al motor.

La mejora en el par motor tiene como resultado tiempos de arranque de menos de medio segundo, y la potencia del motor es más que suficiente para mantener el giradiscos girando bajo el deslizador mientras lo sujetas, preparado para iniciar un tema o para realizar un complicado scratch.

En un giradiscos de tracción directa, la velocidad es constante y fiable. Aunque puede que, cerca de cero pitch, la velocidad sea vacilante (consulta el cuadro “La zona de pitch de las Bermudas existe”), puedes estar tranquilo: todos los errores de beatmatching serán errores tuyos, no problemas de transferencia defectuosa de potencia a través de una banda de caucho. Quizá consideres que esto es una arma de doble filo, pero en el momento en que te des cuenta de que no tienes excusas para echarles la culpa a los giradiscos por una mala actuación, tus habilidades de DJ empezarán a mejorar.

Cuidado con el diseño del control de pitch

Ten cuidado con los giradiscos baratos que tienen un fader de pitch demasiado corto (2 pulgadas/5 centímetros) o un mando giratorio para ajustar el pitch del disco. Raramente encontrarás uno u otro en los giradiscos de tracción directa, pero a veces los giradiscos más baratos los usan.

Figura 6-1:

Giradiscos para DJ Technics 1210.

Estos faders de pitch son demasiado pequeños para permitirte hacer los ajustes finos necesarios para que los tiempos de tus discos suenen cuando deben, y pueden hacer que el beatmatching sea tremendamente difícil.

Fíjate en el diseño estándar de un giradiscos (el Technics 1210 de la Figura 6-1) y observa el gran control de pitch en el lateral del giradiscos que te permite hacer ajustes minúsculos. Asegúrate de que el giradiscos que compres tenga un diseño básico similar.

Ganancias a corto plazo, pérdidas a largo plazo

Si te gusta complicarte la vida, quizá encontrarás algo positivo en aprender a ser DJ con un giradiscos de tracción por correa. A corto plazo, te convertirás en un DJ extremadamente preciso y atento al hacer beatmatching.

Según mi experiencia, los DJ que empiezan utilizando los mejores giradiscos de Technics, Vestax y Numark pueden tenerlo muy fácil. El motor es tan potente y fiable que no tienen que preocuparse por fluctuaciones de velocidad que afecten a sus habilidades de beatmatching. Cuando estos DJ se ven obligados a utilizar giradiscos peores en una fiesta, por ejemplo, quizá se den cuenta de que sus niveles de concentración y atención son peores que los de los DJ que hayan tenido que desarrollarlos en giradiscos de baja calidad, y pueden tener dificultades para practicar el beatmatching al no estar acostumbrados a los problemas de un mal giradiscos.

Sin embargo, debo hacer hincapié en que, al final, los buenos DJ desarrollan la atención y la precisión por el tiempo que pasan practicando y perfeccionando sus propias habilidades, independientemente del giradiscos que usen, así que ésa no es una buena excusa para comprar un giradiscos de tracción por correa barato.

Un club en el que trabajé tuvo un problema con sus giradiscos porque un cliente derramó cerveza sobre ellos. Mientras los reparaban, el propietario del club decidió alquilar un par de giradiscos de tracción por correa. Debido al calor que hacía en el club, las correas empezaron a destensarse, con lo que los giradiscos aún mantenían peor la velocidad y hacían del beatmatching una tarea extremadamente complicada.

Por suerte, yo estaba acostumbrado a los giradiscos que se comportaban así, porque los de uno de los pubs en los que trabajaba tenían problemas de motor; funcionaban como giradiscos cutres de tracción por correa y eso me ponía de muy mal humor. Con el uso frecuente de esos giradiscos desarrollé la intuición y concentración para oír cuándo los tiempos se iban desincronizando antes de que nadie lo notase en la pista de baile, así que no me inmuté cuando tuve ese problema en el club aquella noche.

El otro DJ no tuvo tanta suerte...

Identificar las características claves de un giradiscos

Un giradiscos de DJ tiene muchas funciones esenciales. Algunas de ellas son similares a las de un tocadiscos de un equipo de alta fidelidad doméstico, pero lo que realmente diferencia un tocadiscos doméstico de un giradiscos de DJ son las funciones adicionales de los controles. En este apartado se habla de lo que hacen esas funciones, para que no sólo puedas comprar el giradiscos correcto sino que también sepas cómo hacer uso de él.

Marcha/Paro (Start/Stop)

Los tocadiscos automáticos para equipos de alta fidelidad se ponen en marcha al poner la aguja en el disco, y sólo dejan de girar al levantar la aguja y volver a poner el brazo en la posición de reposo, o cuando la aguja llega al final del disco y vuelve automáticamente a la posición de reposo.

A un DJ esto no le sirve de nada: necesita control manual para poner en marcha y parar el motor. A veces es necesario detener el giradiscos pero dejar la aguja en un lugar específico del disco; por ejemplo, cuando te has tomado la molestia de buscar el punto desde donde quieres poner en marcha el disco (el punto de cue), pero no quieres iniciar el tema hasta al cabo de un par de minutos. El botón de Marcha/Paro ofrece control total sobre cómo y cuándo arranca y se detiene el giradiscos. Pulsar el botón de Paro mientras el disco está sonando puede ser también una buena técnica de DJ (consulta el capítulo 16).

Encender/Apagar (On/Off)

El interruptor On/Off de un giradiscos de DJ suele estar en la esquina inferior izquierda, junto al botón de Marcha/Paro. El interruptor está elevado por encima del plato, y debajo hay una luz estroboscópica (consulta las últimas secciones del capítulo para más información sobre el plato y la luz estroboscópica). Aunque casi siempre se utiliza para la prosaica tarea de encender y apagar el giradiscos, el interruptor también se puede emplear creativamente en la mezcla (consulta el capítulo 16).

33/45/78 RPM

No hay nada especial acerca del botón RPM (revoluciones por minuto) de tu giradiscos de DJ: si pulsas 33 y el control de pitch está a cero, el disco da 33 vueltas en 1 minuto; si pulsas 45, el disco da 45 vueltas en 1 minuto. Si no sabes a qué velocidad debes poner tu giradiscos, examina la etiqueta o la funda del disco, donde está indicado si el disco va a 33 o a 45 revoluciones por minuto. También puedes simplemente escuchar el disco. Si pinchas Barry White y suena como los Pitufos, has puesto el disco demasiado rápido; ¡prueba a pulsar el botón de 33!

Si tienes algún disco antiguo que debe reproducirse a 78 revoluciones por minuto, algunos giradiscos tienen un ajuste oculto: al pulsar los botones de 33 y 45 al mismo tiempo, el giradiscos gira a 78 revoluciones por minuto. Si necesitas esa función, comprueba que el giradiscos que estás pensando en comprar la tenga antes de desprenderte de tu dinero.

Luz estroboscópica

La luz estroboscópica es la luz roja débil que está junto al plato (generalmente en la esquina inferior izquierda, integrada en el interruptor On/Off). No es sólo una bonita luz roja: se trata de una luz estroboscópica que se emplea para calibrar y comprobar la precisión del motor del giradiscos, como describo en detalle en el capítulo 3.

Platos

El plato es la parte del giradiscos que gira, y es donde se colocan el deslizador y el disco. Los giradiscos de los equipos domésticos tienen una base de goma firmemente pegada al plato, que no le sirve de nada a un DJ, porque el plato tiene que estar hecho de un metal suave que deje deslizarse al deslizador (consulta el capítulo 7 para saber qué es un deslizador y cómo hacer que se deslice mejor).

Si compras un giradiscos Technics verás que incorpora un grueso disco de goma encima del plato, que afortunadamente no está pegado. Si tus giradiscos llevaban también una alfombrilla de goma similar sobre el plato metálico, simplemente quítalo, dejando el plato al descubierto, y guárdalo en lugar seguro. Yo creo que la parte de atrás del armario guardarropa es un sitio bastante seguro.

Target light

La target light (que se muestra en la Figura 6-2) se encuentra en el borde del plato e ilumina los surcos del disco por donde pasa la aguja, lo que te permite verlos con más claridad. ¿Que para qué la quieres? Aparte de permitir que veas dónde está la aguja (o dónde quieres ponerla), la target light te ayuda a localizar las distintas partes de un tema. Si examinas un disco con buena iluminación, verás grupos de anillos con distintas tonalidades. Estos anillos son como un mapa del tema: los más oscuros son las partes más silenciosas, los más claros son las más ruidosas. Ser capaz de ver dónde se encuentra la aguja en el disco te puede ayudar a averiguar cuándo está a punto de entrar una determinada parte y lograr así una perfecta localización en la mezcla (consulta el capítulo 16).

Igual que pasa con la salud, uno no piensa demasiado en esta pequeña luz retráctil hasta que no la tiene. Si se avería, o si el giradiscos no la incorporaba, puede ser complicado ver esos anillos en una habitación bien iluminada, y aún peor en una oscura cabina de DJ.

Control de pitch

El control de pitch sirve para ajustar la velocidad a la que gira el giradiscos. Si mueves el control de pitch hacia el + (hacia ti, en un giradiscos de DJ estándar), el disco girará más rápido; si lo mueves hacia el – (alejándolo de ti), el disco girará más lento. Cada giradiscos tiene su intervalo de control, pero lo más habitual es un intervalo de ajuste de pitch de entre el 8 y el 12 por ciento en cada dirección.

Figura 6-2:

Target light de un Technics 1210. Un chisme práctico.

Aunque el disco gira más rápido cuanto más aumentes el control de pitch, se llama control de pitch (tono), no control de velocidad; así que, cuanto más aumentes la velocidad, más alto será el tono de la música. Por tanto, puede ser que empieces a hacer beatmatching con dos temas que crees que sonarán genial juntos, pero, al aumentar el pitch de uno de ellos, puede que suenen desafinados, como cuando tu padre canta en la ducha la canción que suena en la radio. En la sección “Master Tempo/Key Lock”, en este mismo capítulo, encontrarás una forma de prevenir este problema (y quita las pilas de la radio para que tu padre deje de cantar en la ducha).

Los números

Los números del control de pitch pueden ser algo confusos. Estos números no hace referencia a beats por minuto, la forma habitual de medir el tempo de la música que está sonando, sino más bien una diferencia porcentual de la velocidad del giradiscos. El único momento en que los números se correlacionan exactamente con los beats por minuto es si el tema que estás pinchando tiene un beats por minuto de 100. Si mueves el control al +1, aumentas el pitch un 1 por ciento de 100, esto es, 1 beat por minuto; lo mismo es válido para los otros números (5 por ciento serían 5 beats por minuto, etc.).

Si estás pinchando un tema de 150 beats por minuto y reduces el pitch a –1 por ciento, el tema sonará ahora a 148,5 beats por minuto (el 1 por ciento de 150 es 1,5). Un tema de 130 beats por minuto con el pitch a +5,5 por ciento aumenta en 7,15 beats por minuto, así que puedes suponer que el tema suena ahora a, aproximadamente, 137 beats por minuto, y ajustar el pitch de otros temas para que suenen a la misma velocidad.

La zona de pitch de las Bermudas existe

En los giradiscos en los que yo aprendí, el pitch cambiaba en el sentido equivocado durante el primer 1 por ciento: si movía el pitch fader al +1 por ciento, la música se ralentizaba, y se aceleraba si movía el pitch fader hacia la zona–. Por suerte, pasada la zona del +/–1 por ciento, el control de pitch volvía a la normalidad, ¡lo cual me ayudó a mantener la cordura!

Incluso mis Technics 1210 tienen este problema, aunque no es tan pronunciado como lo que sucedía con los giradiscos con los que aprendí. Los 1210 rondan alrededor del pitch cero entre el +0,5 y el –0,5 por ciento, y luego vuelven a la normalidad.

Afortunadamente, los fabricantes de giradiscos han detectado el defecto y lo han rectificado; primero Vestax y luego Technics, con su 1210 MkIII, han incorporado un pitch fader totalmente regular, sin clic al pasar por el pitch cero que cause este problema.

Se puede hacer un arreglo casero en los giradiscos para inhabilitar la función de quartz lock que causa el problema, pero deberás buscar estos arreglos por Internet; ¡no quiero que este libro genere una epidemia de giradiscos averiados!

Por desgracia, el control de pitch no es una ciencia exacta. La diferencia de 1 milímetro de cambio de posición en la velocidad del disco puede bastar para arruinar tu beatmatching. Aunque el fader se encuentre en la zona del 2 por ciento, puede que la música esté sonando al 2,2 por ciento, y ese 0,2 por ciento puede afectar en mucho a tus habilidades de beatmatching. Así que utiliza tus oídos para escuchar el ritmo, no te fíes únicamente de los números del control de pitch.

Para más información sobre cómo el cálculo de los beats por minuto puede ayudarte en el beatmatching, consulta el capítulo 14. La chuleta que encontrarás en la ficha de este libro en www.paradummies.es contiene el cálculo matemático necesario para calcular los cambios porcentuales de beats por minuto.

Precisión

El otro problema del control de pitch es que su precisión se deteriora con el paso del tiempo, así que, si pones el pitch al 4,5 por ciento, en realidad el giradiscos sólo gira al 4 por ciento. Pero es aún peor la zona próxima a la marca de pitch cero del giradiscos (¡a la que suelo llamar “la zona de pitch de las Bermudas”, por lo fácil que es perderse en ella durante días!). En los giradiscos conflictivos, al poner el control de pitch a cero, el control hace un clic. Al desplazar el control de ese punto de clic de pitch cero, a veces el motor tiene problemas para identificar hacia dónde estás moviendo el control de pitch, y puede acabar haciendo lo contrario de la posición a la que lo mueves, o mantenerse tercamente en pitch cero durante un corto intervalo cercano al punto de clic.

Ajuste de peso/altura del contrapeso

El contrapeso es un peso de metal giratorio en la parte posterior del brazo que, al girarlo en sentido antihorario para agregar peso, aumenta la presión hacia debajo de la aguja sobre el disco, lo que reduce la probabilidad de que salte al mover el disco atrás y adelante, ya sea para encontrar el punto de inicio de un tema o al hacer scratching. Encontrarás información detallada sobre la calibración y el uso correctos del contrapeso en la sección “Contrapeso”.

Cuanto más alto pongas el brazo, más pronunciado será el ángulo en el que la aguja entra en el surco, ejerciendo más fuerza hacia abajo y haciendo que sea menos probable que salte. Muchos DJ que hacen scratch adoptan esta configuración para dar más estabilidad a la aguja. Pero ten cuidado: si pones el brazo en la posición de máxima altura y el contrapeso a máxima presión, desgastarás tus discos y tus agujas muy rápido.

Quizá hayas leído u oído hablar de DJ a los que les gusta poner el contrapeso de la parte posterior del brazo en la parte anterior, para dar un poco más de presión a la aguja; esta práctica es muy perjudicial para la aguja y para los discos, ya que los daña y los desgasta muy rápidamente. Para los DJ de scratch que aceptan el desgaste acelerado como una de las consecuencias del scratching, no hay problema. Pero si eres un DJ de beatmatching y mezclas, nunca pongas más peso del que recomienda el fabricante de la aguja. Si necesitas poner esa cantidad de peso, lo más probable es que tu técnica sea equivocada, tus agujas estén dañadas o sucias o estés utilizando una aguja incorrecta (en el capítulo 7 se habla de estas cuestiones).

Antideslizamiento

Cuando un disco gira, una fuerza centrípeta tira de la aguja que está en el surco hacia el centro del disco. La función de antideslizamiento contrarresta este tirón agregando una fuerza igual que tira de la aguja hacia el borde exterior del disco, manteniendo la aguja en el centro del surco, sin que las fuerzas laterales desgasten las paredes del surco.

Aunque la función de antideslizamiento ayuda a mantener las copias de vinilo de Mozart del melómano doméstico en un estado impoluto, la función puede resultar redundante para el DJ, porque no sólo pones el disco hacia adelante; entre el scratching y buscar los puntos de inicio, muchas veces el tema va hacia atrás. Al poner un disco hacia atrás, la fuerza que normalmente tira de la aguja hacia el centro del disco al ir hacia adelante tira ahora hacia el borde del disco (se ha convertido en una fuerza centrífuga). Si la función de antideslizamiento ya está tirando hacia el borde del disco, sobre la aguja actúa una fuerza superior a la normal, lo que hace que sea aún más probable que salte fuera del surco. Todo esto se traduce en que la mayoría de los DJ ponen la graduación del antideslizante a cero.

Cápsula/cartucho extraíble

La aguja que utilices es muy importante y depende de tu estilo de DJ. Los DJ que quieren hacer scratch tienen que poner sus agujas a máxima estabilidad, y los DJ de beatmatching deben asegurarse de que obtienen el mejor sonido y versatilidad de sus agujas y cartuchos. La posibilidad de ajustar el ángulo al que la aguja apunta dentro del surco o cambiar toda la cápsula de un diseño Technics estándar a un diseño Concorde todo en uno son factores importantes a la hora de lograr los requisitos necesarios que diferencian un giradiscos de DJ del tocadiscos de un equipo de alta fidelidad doméstico, que generalmente no permite llevar a cabo este tipo de personalizaciones.

Desde el punto de vista práctico, las cápsulas extraíbles te pueden salvar la vida si dañas una aguja durante una sesión en un club. Si hay algún problema con la aguja del giradiscos y tienes una cápsula de repuesto a mano, en lugar de toquetear a ciegas intentando sustituir la aguja del cartucho en el oscuro y ruidoso ambiente de la cabina del DJ, con la presión de tener a punto el siguiente tema para la mezcla, puedes quitar la cápsula con la aguja dañada y poner una cápsula nueva en cinco segundos. Para más información sobre agujas y cartuchos, ve al capítulo 7.

Adaptador de 45 RPM

En los tiempos anteriores al CD y a las máquinas de discos con disco duro, las máquinas de discos contenían un montón de singles de 17,78 centímetros. Los fabricantes producían estos discos con un agujero especialmente grande en el centro (25 milímetros, en contraste con los 5 milímetros de los LP de 33 RPM [revoluciones por minuto]) para que un mecanismo pudiese pasarlos con seguridad del soporte que los sostenía al tocadiscos de la máquina de discos. Como los singles de las máquinas de discos eran iguales que los que se vendían al público, un adaptador de 25 milímetros servía para aumentar el diámetro del eje central de los tocadiscos domésticos, de 5 milímetros, para poder poner en ellos un single.

Relegado ahora a un hueco en la esquina inferior izquierda del giradiscos, este brillante trozo de metal se ha convertido en algo (casi) obsoleto debido a la desaparición de las máquinas de discos tradicionales. Sin embargo, si pinchas discos antiguos (sobre todo ska o northern soul), o singles de reggae/ragga de 17,78 centímetros más modernos, verás que sigues necesitando el adaptador para algunos de ellos.

Personalización de tu sonido con las funciones avanzadas del giradiscos

Las funciones básicas de un giradiscos te permiten pinchar un disco y cambiar la velocidad de lectura. Para la mayoría de DJ, con esto basta y sobra. Pero para algunos DJ, los aparatitos, botones e interruptores van de la mano de la creatividad, la individualidad y el estilo personal, así que prefieren giradiscos con funciones mejoradas.

Cuando examines los controles de tus giradiscos, no pierdas de vista una cosa: ¿dónde vas a hacer de DJ? Si tu única intención es grabar CD de mezclas y montarte tus propias fiestas con tu propio equipo, adelante, no te cortes; pero si estás pensando en actuar en clubes, plantéate si utilizas mucho estas características adicionales y si es muy probable que los equipos de los clubes las incorporen.

Este argumento es similar al de confiar en los contadores de tiempos para desarrollar tus habilidades de beatmatching (consulta el capítulo 10). Las funciones avanzadas como inversión del giro, quartz lock, indicadores digitales y controles de pitch/bend con una variación del 50 por ciento pueden ser útiles y agregar una nueva dimensión a tus mezclas si estás en casa; pero el 97 por ciento de los clubes usan giradiscos Technics 1210 (que no incluyen nada más que un control de pitch un poco inestable en la zona de pitch cero, y un motor superestable en cualquier otro caso), plantéate si podrás emplear tus habilidades de DJ avanzadas en estos clubes. Si sólo eres capaz de mezclar bien en giradiscos avanzados, lo vas a pasar mal si no puedes disponer de ellos.

No estoy diciendo que no compres giradiscos que incluyan funciones avanzadas. Ni siquiera voy a mentir y decirte que nunca vas a trabajar en un club que tenga giradiscos con esas funciones; pero, igual que con los contadores de tiempos, no te apoyes en esas funciones avanzadas para convertirte en un buen DJ.

Opciones de intervalo de pitch

En los viejos tiempos, las opciones de intervalo de pitch se reducían a un 8 por ciento más rápido o más lento (a menos que le abrieses las tripas a tu giradiscos y empezases a manipularlo); eso era cuando los Technics 1200/1210 dirigían el cotarro. Pero las cosas han cambiado. Ahora, una variación de pitch del 12 por ciento se ha convertido en estándar en muchos giradiscos, pero los avances en el control de pitch han hecho que el DJ ahora pueda jugar con variaciones del 50 por ciento o más.

Simplicidad es fiabilidad

Creo que el motivo de que los giradiscos Technics 1200 y 1210 MkII hayan ganado popularidad con los años es debido, en gran parte, a que son extremadamente fiables. Son fiables porque contienen muy pocas cosas que puedan averiarse: sólo un motor, un poco de electrónica para el control de la potencia y velocidad del motor, y la salida de audio.

Añadir funciones extra a los giradiscos aumenta las probabilidades de que algo se averíe o funcione mal. Sin embargo, opino que, los fabricantes como Gemini, Vestax y Numark han elevado los giradiscos a otro nivel de funcionalidad y ofrecen al DJ una mayor creatividad (a cambio de un precio, claro), garantizando también una larga duración del equipo y aumentando la fiabilidad y la calidad de construcción.

No es muy probable que pinches un tema al 50 por ciento con mucha frecuencia, pero seguro que querrás ponerlo más rápido que un 8 por ciento. A algunos DJ de scratch, funk y drum-and-bass les gusta excederse con el pitch de sus temas y hacer que suenen totalmente distintos (¡cuando hagas algo así, no obstante, intenta no utilizar temas con voces, porque el vocalista sonará como si hubiese inhalado helio!).

Mover el control de pitch arriba o abajo un 50 por ciento al final de un tema es una buena técnica para pasar de un tema a otro (mejor que no lo hagas demasiado), pero las opciones de pitch ampliadas tienen más que ver con ofrecer otro nivel de creatividad al DJ que con el uso cotidiano.

Pitch bend y control con joystick

El pitch bend se introdujo por primera vez en los lectores de CD. Al hacer beatmatching, si los tiempos empiezan a desincronizarse, en lugar de acelerar o ralentizar temporalmente el giradiscos presionando el disco, girando el eje, tocando el lateral del plato o moviendo un momento el pitch fader un 4 o 5 por ciento, el giradiscos incorpora dos botones, o un joystick, que controlan pequeñas ráfagas de velocidad. Al utilizar los botones o controles + o – del pitch bend, el giradiscos acelera o frena ligeramente. Al soltar los botones, vuelve a la velocidad original.

Los DJ de CD, que están acostumbrados a utilizar botones en lugar de sus manos para controlar los cambios de velocidad de sus temas, agradecen estos controles la primera vez que utilizan vinilos. Sigue siendo necesario usar el control de pitch e iniciar el disco en el momento correcto, pero si estás más acostumbrado a utilizar botones para corregir la velocidad de los CD, el concepto y la técnica de uso del pitch bend del giradiscos son los mismos, lo que hace el paso de CD a vinilo más fácil, en ese sentido, para el DJ de CD.

Previsibilidad

El truco de ajustar la velocidad de un disco con las manos es algo que se pilla al cabo de unas horas, pero a veces te encuentras con un disco que es más duro de mover, o que se mueve con demasiada facilidad y gira más de prisa de lo que pensabas, y casi pierdes el control cuando intentas acelerarlo. El cambio constante, fijo, que obtienes siempre al pulsar los botones del control de pitch bend, independientemente del disco que uses, se traduce en que tu labor de mezcla es más fácil, más rápida y suena mucho mejor.

Discos más limpios

El pitch bend es también una buena alternativa a acelerar o frenar el tema con los dedos, ya que protege los discos de un exceso de huellas y suciedad. Como DJ, se espera de ti que toques mucho tus discos, pero un método para mantenerlos lo más limpios posible siempre es una buena cosa.

Si te planteas la compra de giradiscos con pitch bend, intenta verlo antes en funcionamiento. Algunos giradiscos tienen un control realmente tosco del movimiento del fader y la aceleración, y pueden acelerar demasiado, y demasiado rápido, la velocidad del tema, lo que hace a veces que el control sea inútil, porque no es posible efectuar ajustes lo bastante minuciosos para conseguir que los golpes de bombo vuelvan a sonar en tempo.

Tempo Reset/Quartz Lock

En este capítulo he descrito la “zona de pitch de las Bermudas”, que es la zona en la que el control de pitch vacila un poco en el entorno del intervalo de pitch cero, en los giradiscos que tienen un clic en ese punto. Para solventar este problema, los fabricantes de giradiscos empezaron a hacer equipos con pitch faders sin clic, que se deslizan suavemente por todo el intervalo de pitch y, específicamente, por la zona de pitch cero. El problema de los faders sin clic es que ya no puedes estar seguro de cuándo estás en el punto de pitch cero. Algunos giradiscos encienden una luz verde al pasar por el cero, pero una opción mejor es el botón de Quartz Lock o Tempo Reset, que restablece el pitch a cero, esté donde esté el control de pitch.

Algunas personas utilizan este Quartz Lock como si fuese un pitch bend cuando el disco suena demasiado rápido. Si pulsas el botón una vez, el tema se ralentizará temporalmente; al pulsar de nuevo, volverá a la velocidad a la que lo habías puesto. Esta técnica es un poco del estilo ensayo y error, y no es tan precisa como utilizar el pitch bend o tus propias manos. A mí me gusta usarla para ralentizar un disco un 50 por ciento (o más) para que el último par de tiempos de un break suenen realmente lentos, y luego pulso Quartz Lock para volver instantáneamente al pitch cero en lugar de acelerar moviendo el control. La desventaja de esto es que, si el tema estaba sonando al 5 por ciento antes de ralentizarlo al –50 por ciento, el tema sonará ahora al cero por ciento, un 5 por ciento más lento que antes.

Master Tempo/Key Lock

El control Master Tempo estuvo disponible por primera vez en forma de complemento para giradiscos fabricado por una empresa llamada Vinyl Touch; luego se incorporó a los lectores de CD Pioneer y ahora es una opción en diversos giradiscos digitales avanzados. El control te permite cambiar la velocidad de un tema sin cambiar su pitch, su tono.

El control de pitch no es sólo un control de velocidad. Al aumentar o disminuir el control de pitch, el tono de la música sube o baja como consecuencia de que el tema suena más rápido o más lento. Pulsar el botón Master Tempo se traduce en que se puede tocar únicamente la velocidad de la música y dejar el tono tal como se grabó.

Algunos giradiscos van un paso más allá, como el Key Lock de los giradiscos Numark TTX1. Puedes utilizar el control de pitch para seleccionar el tono al que quieres que suene la música, pulsar luego el botón Key Lock y entonces ajustar el tempo conservando al mismo tiempo el pitch que ha definido originalmente. Para más información al respecto, lee sobre la mezcla armónica en el capítulo 16.

Pero cuidado: estos controles pueden ser bastante caprichosos, no sólo en los giradiscos sino también en los lectores de CD y en el software. Si el valor de pitch es de más del 4 o 5 por ciento y activas Master Tempo o Key Lock, puede que se agregue ruido digital a la música y que la pista suene como si estuviese debajo del agua. Los temas con muchas voces tienden a sufrir más este problema, mientras que las pistas instrumentales simples son capaces de soportar cambios bastante grandes.

No hay normas firmes establecidas sobre el uso de las funciones de Master Tempo y Key Lock, así que tendrás que ir experimentando para averiguar hasta dónde puedes llegar con cada tema.

Presentación digital del pitch

El control de pitch es una herramienta clave en un giradiscos, pero su naturaleza analógica hace que no sea posible estar del todo seguro de que, si pones el pitch al 3,5 por ciento, cambia realmente un 3,5 por ciento. A veces no hace falta más que un pequeñísimo cambio de pitch para que los tiempos de dos temas suenen a la vez; con un pitch fader sin pantalla, lo único que puedes hacer es probar de adivinar si el pitch cambia en absoluto al mover el fader 1 milímetro.

Una pantalla digital en el giradiscos muestra exactamente en qué valor has configurado el pitch y si lo has ajustado en una cantidad lo bastante pequeña como para que los tiempos vayan acompasados. Esta información te ayuda a hacer las mezclas con confianza, eliminando parte del trabajo de conjetura que suponen los controles de pitch analógicos.

Freno ajustable para Marcha/Paro

Tradicionalmente, al pulsar Paro en el giradiscos, el disco se detiene en alrededor medio segundo. Algunos equipos te permiten ajustar el freno, cambiando así el tiempo que el disco tarda en frenar, lo que te dará un mayor control si decides utilizar el mando de Marcha/Paro como técnica de mezcla (consulta el capítulo 16).

El tiempo de paro de medio segundo es muy adecuado, pero prolongarlo a un compás de la música (que es igual a cuatro tiempos) puede agregar una nueva dimensión a la mezcla; también puedes ajustar un tiempo de frenada muy largo y emular el power-off, como describo en el capítulo 16.

¡En algunos casos, puedes tensar el freno hasta el punto de que, al pulsar Paro, el disco vaya hacia atrás!

Reproducción inversa

En lugar de ajustar el freno para hacer que el giradiscos gire hacia atrás, a veces los giradiscos disponen de un práctico botón (que suele estar situado junto al control de pitch) que hace precisamente eso. Pulsa el botón Reverse (Invertir) y el giradiscos girará hacia atrás. Esta operación introduce cierta demora en la operación de frenar-parar-arrancar, pero, si pulsas el botón en el momento preciso, suena genial.

Algunos lectores de CD te ofrecen la opción de invertir instantáneamente la dirección de la música, lo que te evita tener que considerar este retraso mientras el disco cambia de dirección. Para más información sobre el trabajo con CD, consulta el capítulo 8.

Brazos de formas distintas

Durante años, la forma estándar del brazo de un giradiscos era de S. La forma de S crea una variedad de fuerzas sobre la aguja al guiarla hacia el centro del disco —una fuerza de seguimiento, una fuerza hacia adentro y una fuerza vertical— que, no sólo contribuyen al desgaste del disco, sino que, como comprenderás, son las responsables de que la aguja pueda saltar del surco al hacer scratching. A finales de la década de 1990, Vestax fue pionera como el brazo recto ASTS para DJ, con el que la aguja sólo se ve afectada por una fuerza “de seguimiento”. Al cancelar algunas de las fuerzas laterales, el giradiscos adquiere una estabilidad máxima y es menos probable que la aguja salte del surco en mitad de un movimiento de scratch realmente loco y complicado.

Pero el brazo recto no es sólo para los DJ. La reducción de las fuerzas que actúan sobre la aguja en el surco se traduce en un desgaste mucho menor del vinilo, los discos duran más y suenan mejor durante más tiempo y es menos probable que la aguja salte del surco mientras intentas localizar un punto de inicio en el disco.

Muchos giradiscos incorporan únicamente un brazo, ya sea en forma de S o recto, pero algunas empresas como Numark incluyen ahora ambos estilos en un formato intercambiable, así que puedes cambiar de estilo de brazo con la misma facilidad con que te cambias de calcetines.

Algunas empresas de modificación de giradiscos pueden crear un aparato similar a la articulación de la cápsula que te permite cambiar fácilmente de un diseño a otro, según tu humor (o el estilo de mezcla de ese día en particular).

Cableado desmontable

Durante años, los cables RCA (quizá tú los llames cables phono) de los giradiscos estaban soldados a sus tripas electrónicas, dentro de la caja. Esta configuración suponía que, si los cables se dañaban, había que abrir la caja y volver a soldar las conexiones (si era posible) o enviar tu preciado giradiscos al servicio técnico.

Cuando los fabricantes se dieron cuenta de que esto era un problema para los DJ, empezaron a hacer giradiscos con conectores RCA en la parte trasera, como las entradas de la mesa de mezclas. Ahora, estos giradiscos tienen cables desmontables que puedes conectar del giradiscos a la mesa de mezclas y, en caso de que se estropeen los cables, son fáciles de reemplazar. El nuevo diseño puede también evitar daños al giradiscos, ya que, si algo cae sobre el cable, en lugar de tirar al suelo el giradiscos, los conectores RCA pueden actuar de amortiguadores del golpe, desenchufarse con el tirón del cable e impedir que el giradiscos se caiga.

Salidas digitales

Aparte de prestar atención a la mecánica del cableado en la parte posterior del giradiscos, los fabricantes también han examinado la gama y la calidad de las conexiones de salida que pueden ofrecer a los DJ preocupados por la tecnología. Además de enviar la señal analógica a través de las salidas RCA, ahora se incluyen también salidas digitales como USB y S/PDIF (que describo con más detalle en el capítulo 13) para poder conectar los giradiscos a mesas de mezclas o PC con entradas similares.

Diseño de batalla o diseño de club

Si nos fijamos en la historia del DJ veremos que los DJ de club colocan los giradiscos como los fabricantes esperan, mientras que los DJ de scratch los giran 90 grados en sentido contrario a las agujas del reloj. El motivo de que los DJ de scratch giren los giradiscos es quitar las agujas del medio cuando se mueven como un rayo del giradiscos a la mesa de mezclas, luego al otro giradiscos y vuelta a empezar, en un abrir y cerrar de ojos.

El inconveniente de esta orientación es que la nueva posición del mando de encendido, del control de pitch y del botón de Marcha/Paro (controles que a los DJ de scratch les encanta utilizar) es poco práctica. Las empresas como Numark y Vestax vieron que había un nicho en el mercado de los giradiscos y diseñaron equipos con mandos de Marcha/Paro en ambas esquinas, y pitch faders que pueden trasladarse de un lado del giradiscos al otro, lo que hace que el DJ de scratch pueda utilizar los equipos con más comodidad.

Si eres un DJ de beatmatching y no tienes ningún interés en hacer scratching, llegar a un club que tenga situados los giradiscos en esta “alineación vertical” puede ser realmente molesto. No es tan fácil acceder al control de pitch, es un poco más difícil poner y quitar la aguja del disco y, en resumen, es incómodo hacer beatmatching con los giradiscos en esa posición. Si pasas un tiempo utilizando los giradiscos en esa orientación pronto te acostumbras a los inconvenientes, así que, cuando investigues el montaje que tienen en un sitio en el que vas a tocar, asegúrate de fijarte en la posición de los giradiscos y, si es necesario, practica en casa.

Mesa de mezclas incorporada

Muy bien, voy a lanzar una idea aventurada: creo que el Vestax QFO (mira la Figura 6-3) es el equipo definitivo si hablamos de giradiscos avanzados para scratch. Sugerido, probado y modificado por DJ QBert (un famoso DJ de scratch), este giradiscos es un equipo monoplato con multitud de funciones dirigidas a los DJ de scratch, con una mesa de mezclas incorporada para realizar scratches, giro invertido, Quartz Lock y brazo recto. Pero ¡lo mejor de todo es que puedes quitarle dos de las patas de goma, poner una correa a las dos restantes y llevarlo como si fuese una guitarra!

Es cuestionable si el QFO es un giradiscos práctico para uso cotidiano (sobre todo a un precio de unos 950 euros, pero, si lo que buscas es el giradiscos-juguetito definitivo, lo has encontrado.

Figura 6-3:

Giradiscos Vestax QFO.

Instalación de los giradiscos

Las diversas características que he descrito en este capítulo pueden hacer que los giradiscos parezcan bichos muy complicados si uno no sabe nada de ellos. Tanto si utilizas tus giradiscos para poner muchos discos distintos como si pones siempre los mismos dos discos una y otra vez cuando controlas la música por software (consulta el capítulo 9), tienes que instalar tres elementos distintos antes de poder utilizarlos:

missing image file  Plato.

missing image file  Brazo.

missing image file  Periféricos.

Plato

Si utilizas giradiscos de tracción directa, no tienes más que asegurarte de que has quitado la base de goma gruesa que suele ir con el giradiscos y has colocado el deslizador directamente sobre el plato, y que el disco está encima del deslizador.

Si acabas de comprarte un giradiscos de tracción por correa nuevo, puede que no hayan puesto la correa entre el motor y el plato. Levanta con cuidado el plato y mira debajo; si la correa no está unida al motor, probablemente esté pegada con cinta adhesiva debajo del plato. Coloca la correa entre el cabrestante del motor (la parte del motor que da vueltas) y la parte inferior del plato. ¡Si tienes dudas sobre cómo hacerlo, consulta el manual de instrucciones!

Brazo

El brazo sostiene la aguja. Si instalas mal el brazo, es posible que la aguja salte del surco cuando intentes encontrar el punto de inicio (consulta el capítulo 14). O lo que es peor: un brazo mal instalado puede dañar permanentemente la aguja y tus discos.

Aparte de dejar el control antideslizamiento a cero para utilizar el giradiscos como DJ, puede que el brazo requiera un par de ajustes:

missing image file  Contrapeso

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Contrapeso

El contrapeso es un peso situado en la parte posterior del brazo que controla la fuerza descendente que el brazo aplica a la aguja para mantenerla dentro del surco. Este valor lo sugiere el fabricante de la aguja y cartucho que estés utilizando (en el capítulo 7 se habla más en profundidad de agujas y cartuchos, y contiene también una tabla de valores habituales de contrapeso).

La clave para lograr la configuración deseada empieza por una técnica que se conoce como “hacer flotar el brazo” (en la Figura 6-4 se muestra la posición flotante correcta; observa cómo el brazo está totalmente paralelo al plato, sin apuntar hacia arriba ni hacia abajo).

Para hacer flotar el brazo, sigue estos pasos:

1.   Quita el disco del giradiscos, si lo hay.

2.   Empezando por uno de los giradiscos, eleva cuidadosamente el brazo de su punto de reposo y llévalo hacia el centro del plato.

3.   Mientras sostienes la cápsula para evitar que la aguja caiga sobre el deslizador, gira el contrapeso en sentido de las agujas del reloj con la otra mano de forma que empiece a moverse hacia el extremo posterior del brazo.

4.   A medida que mueves el peso hacia atrás, ve comprobando si el desplazamiento del peso ha hecho que el brazo apunte hacia arriba en lugar de hacia abajo.

Figura 6-4:

Brazo perfecta- mente equilibrado, con la aguja fuera del cartucho para evitar dañarla.

5.   Cuando el brazo empiece a apuntar hacia arriba, gira ligeramente el contrapeso en sentido contrario a las agujas del reloj para encontrar el punto en el que la aguja queda flotando en el aire, sin apuntar ni hacia arriba ni hacia abajo, como se muestra en la Figura 6-4.

6.   Cuando hayas encontrado este punto flotante, devuelve el brazo a su posición de reposo y déjalo fijo con la pinza.

7.   Ahora sostén la parte plateada del contrapeso y toma con dos dedos el anillo negro de la parte frontal. El anillo, que está numerado, gira de manera independiente al resto del contrapeso.

8.   Gira sólo el anillo negro hasta que la línea que señala hacia abajo desde el número cero se alinee con la línea del brazo debajo de ella. En la Figura 6-5 se muestra la forma de controlar el anillo negro.

El brazo está ahora configurado en la posición flotante y se ha puesto a cero. Si el fabricante de la aguja sugiere añadir 3 gramos de contrapeso al brazo, gira el contrapeso entero (de modo que el anillo negro gire también) en sentido contrario a las agujas del reloj hasta que el número 3 del anillo negro se alinee con la marca del brazo.

Figura 6-5:

Con una mano se sostiene la parte posterior del contrapeso mientras que con la otra se gira únicamente el anillo numerado.

Altura

En la mayor parte de giradiscos, el ajuste de altura es un anillo en la parte inferior de la montura del brazo que eleva o baja el brazo al girarla en sentido da las agujas del reloj o contrario a ellas. Una pequeña marca en la montura muestra cuánta altura has agregado; a menos que seas DJ de scratch, que utiliza un brazo a mayor altura para poder poner más fuerza descendente sobre la aguja, lo mejor es que sigas la sugerencia de los fabricantes de la aguja y el cartucho que utilizas.

Mientras modificas la altura del brazo, déjalo quieto en el punto de reposo, con la pinza puesta para que quede fijo en su posición. Si no lo haces, un movimiento brusco puede enviar la aguja a rebotar contra el disco, el deslizador o el plato.

Fíjate en el conmutador de bloqueo del brazo; si no lo liberas, no podrás cambiar la altura y, si intentas forzar el anillo, pensando que está atascado, puedes dañar la montura del brazo de forma permanente. Ten también presente que, cuando dejas el brazo en posición desbloqueada, se mueve ligeramente y puedes creer —por error— que está dañado.

Periféricos

Los últimos elementos a los que debes prestar atención son las patas y las tapas. Tener las tapas unidas a los giradiscos durante una sesión es una mala idea; obstaculizan tus movimientos y puede que les des un golpe y hagas saltar la aguja. No seas vago: quítalas y vuélvelas a poner cada vez que uses tus giradiscos.

Las patas de goma de tus giradiscos no actúan simplemente como amortiguadores de vibración. Como van atornilladas al equipo, puedes atornillarlas más o menos apretadas para modificar la altura de cada una de las cuatro esquinas del giradiscos, lo cual es ideal para compensar las carencias de los muebles de bricolaje mal hechos sobre los que puede estar tu equipo. Si quieres verdadera precisión, hazte con un nivel de burbuja y ajusta las patas para asegurarte de que los giradiscos están bien nivelados. Si no lo están, es posible que la aguja salte.

Mantenimiento de tus giradiscos

Haz durar tus giradiscos el máximo tiempo posible dedicándoles de vez en cuando un poco de cuidado y atención. En Internet encontrarás información abundante sobre cómo reparar las diversas partes del equipo, pero un poco de limpieza y lubricación te servirá para mantener las cosas en su sitio.

Como regla general para todos tus equipos: si no los usas, cúbrelos. Si tus giradiscos tienen tapas de plástico, ponlas mientras no los estés usando. Si tienes los giradiscos en cajas de transporte, pon las tapas en las cajas. Si ninguno de éstos es tu caso, cubre los giradiscos con una sábana limpia (o con un trozo de tela suave, limpio y sin pelusa) cuando no los utilices, para que el polvo no tenga oportunidad de meterse en los faders, el motor y el brazo.

missing image file  Motor: si mantienes el motor bien lubricado, puede funcionar perfectamente durante años. Lo único que debes hacer es quitar el plato y poner una pequeña gota de aceite lubricante de máquina de coser en el eje central. ¡Es mejor utilizar este aceite lubricante que cubrir todo el interior del giradiscos con una capa pegajosa de lubricante en aerosol!

Una vez lubricado el motor, vuelve a poner el plato y hazlo girar con la mano. Puedes utilizar el giradiscos inmediatamente, mientras no hayas volcado media lata de aceite en los mecanismos internos.

missing image file  Brazo: necesitarás una lata de aire comprimido y una lata de lubricante desengrasante para limpiar a conciencia la montura del brazo (el desengrasante disolverá toda la suciedad que no puedas limpiar a mano o con el aire). No te preocupes si crees que esos aerosoles son caros; vas a necesitarlos también para tu mesa de mezclas (consulta el capítulo 10).

Cubre el resto de tu equipo con una sábana que no te importe que se ensucie y rocía la montura del brazo con el aerosol de aire comprimido para quitar el polvo superficial (la sábana es para que no te limites a mover el polvo de un giradiscos al otro). Rocía el disolvente de grasa en los rodamientos del brazo para quitar la suciedad muy pegada y mantenerlos lubricados.

missing image file  Pitch fader: utiliza el aire comprimido para soplar la suciedad del pitch fader. Utiliza el lubricante limpiador para disolver cualquier residuo de suciedad del fader si crees que tienes un problema con esto, pero el aire comprimido suele bastar para limpiarlo.

missing image file  Cápsula: si alguna vez tienes problemas de caída de señal del cartucho (cuando la música empieza a interrumpirse y cortarse), utiliza un lápiz o una aguja para limpiar la suciedad de los contactos. He oído hablar de DJ que chupan los contactos de la cápsula y del cartucho para limpiar la suciedad, pero esto, aparte de asqueroso, hace que tu saliva (mezclada con la cerveza que te acabas de tomar) acabe a largo plazo por deteriorar los contactos.

Comprueba que los tornillos que sostienen el cartucho estén apretados, que la aguja no haya acumulado suciedad y que esté segura dentro del cartucho.

missing image file  Bajo el plato: si tu giradiscos tiene plato desmontable, levántalo y limpia la parte de debajo con un paño sin pelusa, y asegúrate de limpiar la suciedad que pueda haber bajo el plato. Utilizar el aire comprimido para esto puede ser una mala idea, porque es posible que soples el polvo más hacia adentro del chasis del giradiscos. Aunque un poco de suciedad puede no ser un problema para la electrónica, no es una buena idea ir metiendo cada vez más polvo dentro del giradiscos.

Capítulo 7

Perfeccionar tus giradiscos: deslizadores y agujas

En este capítulo:

Comprender para qué sirve un deslizador.

Asegurarte de que tus deslizadores se deslizan.

Conocer los distintos diseños de agujas.

Elegir la aguja y el cartucho adecuados para tu estilo de DJ.

Alargar la vida de tus agujas (y de tus discos).

Al elegir un giradiscos para utilizar como DJ, el capítulo 6 te anima a buscar uno que tenga un buen control de pitch, brazo ajustable, motor potente y diseño robusto, cualidades que diferencian un giradiscos de DJ de un tocadiscos doméstico.

Sin embargo, hay un par de factores más que debes considerar para que tu giradiscos sea una verdadera herramienta de DJ: los deslizadores y el tipo de agujas y cartuchos que vas a utilizar.

Deslízate con los deslizadores

Aparte de su función antiestática, el deslizador es un elemento clave para convertir tus nuevos giradiscos de un simple buen par de tocadiscos en instrumentos de DJ totalmente funcionales.

El deslizador tiene la misma forma y tamaño que un disco de 30 centímetros, y se coloca entre el disco y el plato (la parte del giradiscos que da vueltas para que el disco gire). Los deslizadores suelen estar hechos de fieltro y, si has seguido mi consejo del capítulo 6 sobre asegurarse de que el plato de tu giradiscos sea suave y metálico, comprobarás que la baja fricción entre el fieltro y el plato hace que el plato siga girando bajo el disco mientras sostienes el disco para que esté parado. Esta simple función del deslizador es extremadamente importante si quieres que un disco empiece a sonar en un momento, y es esencial para que el beatmatching salga bien.

Si el plato deja de girar debajo del disco, al soltar el disco para que empiece a sonar de nuevo puede pasar casi un segundo hasta que toma velocidad, lo que significa que el disco empieza más tarde de lo que tenías previsto. El deslizador ayuda a que el plato siga girando bajo el disco parado, así que el disco tarda muy poco tiempo en adquirir la velocidad máxima, y empieza a sonar exactamente en el momento que tú quieres que lo haga.

Este deslizamiento sin fricción es también esencial para el DJ de scratch, para que pueda mover el disco atrás y adelante con facilidad, sin la resistencia y la inercia de mover todo el peso del plato junto con el disco. Ésta es la forma de situar el deslizador:

missing image file  El plato (la parte que gira y tiene bultos en el lateral) está debajo de todo.

missing image file  El deslizador va encima del plato.

missing image file  El disco se sitúa directamente encima del deslizador.

Cuando compres tus giradiscos, probablemente lleven un pesado disco de goma sobre el plato, y el deslizador encima. Quita este disco de goma y tendrás la misma configuración que he indicado en la lista anterior. Si dejas puesto el disco de goma, el deslizador no se deslizará sobre él, y el plato se quedará parado cuando quieras detener el deslizador.

Elección del deslizador apropiado

Los dos conceptos de diseño que afectan al deslizamiento de tu deslizador son su grosor y peso, y el tipo de dibujo que hay impreso en él.

Un buen deslizador está hecho de fieltro suave y compacto, y es delgado y ligero. Si el deslizador es demasiado grueso y pesado, y el fieltro demasiado áspero (o demasiado sedoso), la fricción adicional afecta al plato, haciendo que gire mucho más lento bajo un disco parado, o haciendo que se pare del todo.

Puedes usar la imagen impresa en el deslizador como expresión de tu personalidad. Busca cualquier tienda de discos en línea y encontrarás una gran variedad de deslizadores con distintos logotipos, dibujos, fotos y colores. Estos deslizadores pueden ser muy bonitos de aspecto, pero intenta evitar las versiones baratas e impresas en toda su superficie, porque, según la técnica de impresión, es posible que el deslizador se adhiera al disco y cause problemas de resistencia, o el dibujo puede desgastarse y quedar feo, e incluso dañar tus discos.

Mi primer juego de deslizadores era de segunda mano (como los giradiscos), y el dibujo había empezado a borrarse y a ponerse un poco quebradizo, lo que acabó por rayar algunos de mis preciados temas. Para resolver este problema me limité a darle la vuelta al deslizador, con lo que el logo quedaba en contacto con el plato y el fieltro, con el disco. Este método, además, reducía aún más la fricción, y el deslizador era mucho más... deslizante.

Ganar la guerra de la fricción

Cuando mantienes el disco parado, la potencia del motor (denominada par motor) afecta directamente a la facilidad con la que el plato sigue girando debajo. Si tu motor es poco potente, u (¡horror!) has elegido giradiscos de tracción por correa (en el capítulo 6 se trata más la cuestión de la elección de giradiscos), el motor puede pasarlo mal para girar, por mucho que tus deslizadores acaben con el máximo de fricción posible.

Si ves que tus giradiscos se quedan parados cuando sostienes el disco sin dejar que se mueva, antes de echarles la culpa a los giradiscos, examina tu técnica. No hace falta que aprietes mucho el disco hacia abajo para tenerlo parado: debería bastar con apoyar uno o dos dedos cerca del borde exterior. Un exceso de presión añade resistencia, y eso puede hacer que el plato deje de girar.

Si estás convencido de que se trata de un problema de fricción entre el deslizador y el plato y necesitas reducir la fricción, existen productos comerciales para ello, como Flying Carpets, que puedes poner entre el deslizador y el plato. Sin embargo, antes de gastar aún más dinero, prueba el remedio casero de utilizar papel encerado.

Corta un trozo circular de papel encerado del mismo tamaño que el deslizador y ponlo entre el deslizador y el plato; es una forma perfecta de reducir la fricción y la resistencia. Si no quieres ir expresamente a comprar papel encerado para esto, mira las fundas interiores de protección de tus discos. Es posible que encuentres alguna hecha de papel encerado. Pero recuerda proteger el disco con otra cosa si le quitas su funda interior.

Ésta es la forma de hacer un antifricción:

1.   Pon el papel encerado o funda interior de disco en una superficie plana donde puedas cortar. Una alfombra, una mesa de comedor y el capó de tu coche son superficies que te sugiero que no utilices.

2.   Utiliza tu deslizador como plantilla y una herramienta de corte afilada para cortar un círculo de 12 pulgadas (30 centímetros) de papel encerado.

3.   Marca el centro del papel pasando un bolígrafo por el centro del deslizador y haz un pequeño agujero en ese punto para pasar el eje central del giradiscos.

4.   Pon este trozo de papel encerado entre el plato y el deslizador y pruébalo. Comprobarás que ahora el disco se desliza más fácilmente.

Siéntete genial con agujas y cartuchos

La aguja es la parte del giradiscos que recorre el surco del disco. Mientras el disco gira, las crestas y los valles del surco causan vibraciones en la aguja que el cartucho traduce a señales eléctricas, que a su vez se envían del giradiscos a la mesa de mezclas, y se oye la música. Y así es como surcas la música con el surco.

Tienes que conocer los distintos tipos de agujas y cartuchos que hay y cómo elegir los correctos para tu estilo de DJ. Las agujas que utiliza un DJ son mucho más robustas que las de los giradiscos domésticos, porque tienen que soportar cierta cantidad de abuso. Back cueing (poner el disco hacia atrás para encontrar el punto de inicio), scratching, los inevitables chirridos al pasar la aguja sobre el disco y levantar la aguja del disco y ponerla en otro punto con un golpe, repetido muchas veces, acaba por pasar factura a cualquier aguja, por muy resistente que sea.

Lo bueno es que cualquier aguja y cartucho diseñados para DJ se adaptan a cualquier giradiscos. No es necesario utilizar agujas y cartuchos Stanton si tienes un giradiscos Stanton; tampoco necesitas la cápsula Technics que viene con los giradiscos Technics. Los fabricantes de giradiscos para DJ han sido lo bastante listos como para diseñar una conexión universal del cartucho al brazo, así que puedes utilizar cualquier cartucho con cualquier giradiscos. Esta flexibilidad se mantiene mientras no hayas optado por un giradiscos básico y barato de equipo de alta fidelidad con un brazo y cartucho fijos y todo en uno, o bien hayas elegido un diseño de alta gama que utiliza conexiones distintas. En la Figura 7-1 se muestra la parte posterior de algunos cartuchos con la misma conexión.

Figura 7-1:

La misma conexión en la parte posterior de distintos cartuchos.

Tus reflexiones sobre cartuchos y agujas van de dos en dos (lo cual es bastante adecuado, porque normalmente se compran en parejas). En primer lugar, hay dos diseños principales de unión del cartucho con el brazo, y luego también deberás elegir entre dos tipos de aguja distintos:

missing image file  Cápsulas con el cartucho y la aguja atornillados: este diseño es el que casi siempre suelen llevar los giradiscos al comprarlos. Eso no significa que sea un mal diseño; es sólo un diseño que sirve para todo. Uno de los montajes de aguja más habituales y resistentes para el DJ de scratch es una aguja y cartucho Shure M44-7 unidos a esta cápsula, y el Stanton 500AL (mira la Figura 7-2) se encuentra en clubes y en habitaciones privadas de todo el mundo.

La parte superior del cartucho está atornillada a la cápsula, y la aguja se inserta dentro del cartucho (la aguja es la pieza blanca de delante en la Figura 7-3). Cuatro cables de colores sirven para conectar el cartucho a la cápsula, que a su vez se enchufa al brazo para la última conexión.

Figura 7-2:

Cápsula Technics con Stanton 500AL conectada.

Figura 7-3:

Aguja y cartucho desmontados con una cápsula Technics.

missing image file  Cápsula incorporada: este diseño prescinde de la cápsula independiente; en vez de eso, el cartucho, que es la parte principal de esta unidad, se conecta directamente al brazo. La aguja sigue siendo independiente, y fácil de quitar y reemplazar, pero el elegante diseño todo-en-uno hace que este cartucho sea una parte muy atractiva de tu giradiscos.

Este estilo de aguja y cartuchos es muy popular en los clubes para los DJ de beatmatching, pero es igualmente apropiado para los de scratch. Por mencionar sólo un par de ellos, el Numark CC-1, que se muestra en la Figura 7-4, es el modelo que identifica a los Scratch Perverts, y el Ortofon Concorde QBert fue desarrollado con la colaboración de DJ Qbert (todos ellos DJ de scratch de fama mundial).

Figura 7-4:

Aguja y cartucho Numark Carl Cox.

Cuando te hayas decidido por el diseño de tus agujas y cartuchos, lo siguiente que debes plantearte es si vas a comprar agujas elípticas o esféricas. Muchos fabricantes incluyen ambas formas en el mismo cartucho, y se pueden conseguir para los dos diseños que he mencionado en la lista anterior, así que la opción tiene más que ver con tus preferencias que con la disponibilidad.

missing image file  Esférica: una aguja esférica tiene una punta redondeada que sólo hace contacto con los lados rectos del surco, de modo que el contacto entre la aguja y el surco es extremadamente reducido (mira la Figura 7-5).

Figura 7-5:

Reducido espacio de contacto con el surco al utilizar una aguja esférica.

La reducida área de contacto crea una fuerza de seguimiento (la fuerza creada entre la aguja y las paredes del surco) muy intensa, de modo que la aguja se opone a saltar fuera del surco, lo que hace que las agujas esféricas sean una opción excelente para los DJ de scratch. No obstante, la concentración de la fuerza de seguimiento supone que el disco se desgasta con mayor rapidez, y la reducida área de contacto con el surco significa que las vibraciones de la aguja las causa una parte más pequeña de él, lo que resulta en una menor calidad de sonido.

missing image file  Elíptica: las agujas elípticas hacen más contacto con las paredes del surco debido a su forma cónica (que puedes ver en la Figura 7-6), lo que se traduce en una calidad de sonido mucho mayor, porque recogen más información del surco. Sin embargo, esta mejora de la calidad de sonido se compensa por el hecho de que la fuerza de tracción está ahora esparcida en una mayor superficie, lo que facilita que la aguja se salga del surco. Esto hace que las agujas elípticas sean menos adecuadas para los movimientos de scratch más vigorosos (consulta el capítulo 17), pero son perfectas para el DJ de beatmatching que exige mayor calidad de sonido.

Figura 7-6:

Mayor espacio de contacto con el surco al utilizar una aguja elíptica.

Los DJ digitales que utilizan vinilos con codificación temporal para controlar la música reproducida en ordenadores (consulta el capítulo 9) suelen sentirse más seguros con agujas elípticas. Aunque la calidad de sonido no es un problema, porque las agujas sólo tienen que transmitir una señal de código de tiempo de tono muy alto, las agujas esféricas causarían un exceso de desgaste en el surco y eso sí podría ser problemático, porque estos DJ pinchan los mismos dos discos de control una y otra vez durante toda la sesión.

Si vas a comprarte giradiscos nuevos, averigua si llevan ya agujas y cartuchos. La mayor parte de tiendas incluyen con sus giradiscos el conjunto básico de cartucho y aguja Stanton 500AL, pero no lo des por descontado: compruébalo. Imagínate esta escena: estás esperando emocionado que te traigan tus giradiscos y, cuando llegan, te das cuenta de que no incluyen agujas y cartuchos, así que tienes que esperar para poder utilizarlos; y todo porque, cuando hiciste el pedido, no comprobaste este dato.

Sentir la fuerza con la configuración del contrapeso

El contrapeso afecta a la fuerza de seguimiento de la aguja en el surco. Cuanto más pese el contrapeso, mayor será la fuerza, así que más segura está la aguja dentro del surco... pero tus discos se desgastarán más rápidamente.

En el capítulo 6 describo la forma de configurar adecuadamente el brazo para utilizarlo como DJ, y cómo añadir la cantidad correcta de fuerza de seguimiento con el contrapeso. En primer lugar, los fabricantes de agujas indican cuánto contrapeso debe añadirse en el brazo. La documentación incluida con las agujas y los cartuchos indica la fuerza de seguimiento y la altura de brazo sugeridas para las agujas adquiridas. No obstante, algunas de estas cifras no van dirigidas al tipo de uso de un DJ, que necesita estabilidad; a veces están calculadas para maximizar la longevidad de los discos.

Como breve guía, éstos son los valores de contrapeso más habituales para las agujas de DJ más comunes:

Aguja

Contrapeso (en gramos)

Stanton 500AL II, Stanton Discmaster II, Stanton 605SK

2-5

Shure M44-7, Shure Whitelabel

1,5-3

Numark CC-1

3-6

Ortofon Concorde DJ S

2-4

Ortofon Concorde Night-Club S

2-5

Si ves que la aguja sigue saltando cuando haces scratching o intentas localizar el punto de inicio en el disco, comprueba antes tu técnica. Si eres más bien brusco al mover el disco con las manos, a lo mejor eres tú el que hace saltar la aguja del surco. No tienes que utilizar la fuerza para mover el disco; puedes moverlo atrás y adelante tanto con un movimiento ligero y fluido como con uno brusco, enérgico y entrecortado. Al presionar y tirar del disco, sigue la propia curvatura del disco, en lugar de hacerlo en línea recta. Esta fuerza aplicada en línea recta es una de las causas habituales de que la aguja salte fuera del surco.

Si crees que la aguja salta porque el contrapeso no es suficiente, intenta aumentarlo gradualmente hasta que la aguja deje de saltar. Tómate tu tiempo e incrementa el contrapeso en una cantidad pequeña cada vez. Cuando la aguja se quede firmemente en el surco, intenta quitar un poco de peso de nuevo, y probablemente verás que no hay problema.

Aunque los vinilos están diseñados para ser duraderos y no desgastarse demasiado de prisa, si resulta que tienes que utilizar todo el contrapeso en la aguja para hacer que no salte del surco, la fuerza de seguimiento adicional desgastará el disco y la aguja más rápido de lo normal.

Cuidar tus agujas

Saber cuándo es necesario cambiar la aguja requiere una combinación de ayuda profesional y conocimientos generales. La única forma de saber realmente si tus agujas están desgastadas y necesitan un recambio es observándolas a través de un microscopio. La mayor parte de personas no tienen un microscopio al lado de sus giradiscos, así que será mejor que investigues un poco y te pongas en contacto con alguna de las tiendas especializadas de tu zona para saber si pueden ayudarte a comprobar tus agujas.

No obstante, tú mismo puedes llevar a cabo estas simples comprobaciones:

missing image file  ¿Acumulan las agujas mucha suciedad de los discos?

missing image file  Si pones una parte silenciosa de un disco, la siguiente vez que pones ese disco, ¿suenan crujidos por el daño causado por una aguja desgastada?

missing image file  ¿Las frecuencias altas (sobre todo los sonidos del charles que suelen oírse entre los golpes de bombo) suenan confusas?

missing image file  ¿Hace más de un año que tienes las agujas, y las has usado durante un par de horas casi cada día?

missing image file  ¿Tienes la sensación de que tus agujas necesitan ser sustituidas?

Si respondes que sí a la mitad de estas preguntas, sobre todo a la última, lo más probable es que necesites cambiar las agujas. Si utilizas agujas relativamente baratas, como las Stanton 500AL, confía en tu instinto y compra agujas nuevas. Pero si utilizas algo como el Ortofon Night-Club E, que cuesta unos 60 euros, haz que un profesional las compruebe primero, antes de gastarte 120 euros en un par de agujas nuevas.

Como tienes pensado hacer de DJ con estas agujas, su duración será inevitablemente más corta, pero puedes hacer un par de cosas para alargar su vida útil:

missing image file  Mantén limpios tus discos. Uno puede pensar que si el señor Diamante y el señor Polvo se pelean, el que sale ganando es el señor Diamante. Por desgracia, ése no es el caso con tu aguja de punta de diamante y el polvo en el surco de tus discos. Si tienes en cuenta que, cuando has puesto tres o cuatro discos, la aguja ha recorrido cerca de 3 kilómetros de surco, si un fragmento de suciedad está continuamente rascando la punta de diamante, la aguja se va a desgastar mucho más rápido que si estuviese pasando por un disco limpio.

missing image file  Mantén el peso bajo. Cuanto más contrapeso añadas, más rápido se desgastará la aguja. Así de simple.

Tus agujas y tus cartuchos son, literalmente, el primer punto de contacto para la música que pinchas. Cuida de tus agujas y no dejes de sustituirlas cuando se desgasten. No importa lo bueno que sea el resto de tu equipo: si tus agujas no recogen bien toda la información que deben extraer del disco, la música no sonará todo lo bien que podría.

Si partes de basura, lo único que obtienes es basura. Mal sonido de entrada significa mal sonido de salida. Y no hay más que decir.

Capítulo 8

Girar con los CD

En este capítulo:

Evaluar diseños de lectores de CD.

Encontrar el tema y el cue (punto de inicio) correctos utilizando distintos controles de CD.

Poner en marcha el CD y hacer correcciones de pitch.

Probar las funciones adicionales del lector de CD.

Lo mejor de mezclar con CD cuando haces beatmatching es que la única forma de que los tiempos de dos temas se desincronicen es que no hayas definido correctamente el pitch. Si el pitch es correcto y los tiempos están sincronizados, sólo tienes que preocuparte de la mezcla, no de que te la juegue el motor de un giradiscos barato.

En este capítulo se habla de los diversos controles de los lectores de CD y de cómo los usan los DJ de CD para hacer lo mismo que los DJ de vinilo y para elevar el arte de mezclar a otro nivel de creatividad.

Requisitos de un lector de CD para DJ

Un lector de CD pensado para que lo use un DJ es distinto del que uno encuentra apilado en un equipo de alta fidelidad doméstico. Las principales diferencias son:

missing image file  El diseño del lector

missing image file  Controles y pantallas que te ayudan a buscar puntos de inicio exactos en los temas

missing image file  Controles de pitch que te permiten alterar la velocidad de reproducción del CD

missing image file  Diseños robustos para impedir que el CD salte

Los lectores de CD incluyen muchas más mejoras (consulta el apartado “Sacar provecho de las funciones especiales”, en este mismo capítulo), características de diseño que los diferencian de los lectores domésticos.

Desplegar el diseño

Los lectores de CD se presentan en distintos diseños y, aunque las funciones y la facilidad de uso varían de uno a otro, estos diversos diseños te permiten mezclar música sea cual sea el género que pinches. Los DJ de rock, pop, indie, house o música para bodas pueden utilizar cualquiera de los lectores de CD que menciono en esta sección. Los únicos que pueden tener necesidades específicas son los DJ de scratch.

Lectores de CD dobles

Los lectores de CD dobles (como el de la Figura 8-1) se dividen en dos mitades. La parte superior es un panel de control, con dos juegos de pantallas de tiempo, controles de reproducción y cue, controles de pitch y pitch bend y una jog wheel para cada lector para facilitar la búsqueda de música en el CD. Con todos estos controles, el DJ puede buscar el lugar preciso de la pista, empezar a pincharlo, usar los controles de pitch para ajustar los tiempos si hace beatmatching, volver al cue, poner en marcha el tema pulsando un botón y ajustar brevemente la velocidad con el pitch bend si los tiempos no están bien ajustados.

Figura 8-1:

Lector de CD doble Numark CDN22.

El panel de control está conectado mediante un cable a la otra mitad de la unidad: dos lectores de CD con un sistema de “bandeja” (como el de un lector de CD doméstico) para introducir los CD y expulsarlos cuando acabes.

Lector de CD doble con mesa de mezclas incorporada

Los lectores de CD dobles como la serie Numark CD MIX (que se muestra en la Figura 8-2) llevan el diseño de doble CD un paso más allá; en lugar de una unidad doble de CD y una mesa de mezclas, lo incorporan todo en un único equipo. Sobre el papel, éste es un buen diseño pero, como la mesa de mezclas que se incluye en este tipo de configuración es más bien básica (sobre todo en el caso del CD MIX), optar por este camino limita tu creatividad.

Es un buen diseño para DJ de fiestas y bodas, que sólo utilizan la mesa de mezclas para definir los volúmenes de ambos lectores de CD y realizan una mezcla muy simple y rápida de un lector al otro. Pero, como la mesa de mezclas es muy básica (y, sobre todo, porque carece de controles EQ) no te ofrece un control total sobre el sonido de la mezcla.

Esta combinación de CD y mesa de mezclas es económicamente atractiva cuando uno empieza como DJ, pero los DJ que hagan beatmatching pronto

Figura 8-2:

CDMIX 1 de Numark; un buen aparato por su precio, a menos que quieras algo más.

desearán intensamente una nueva mesa de mezclas, y esto es un problema, porque, a pesar de que puedes enviar las salidas de los lectores de CD de esta unidad combinada a una mesa de mezclas independiente, sigues estando atado a la mesa de mezclas original, que está metida, junto con los lectores, en una gran caja de plástico y metal. La mesa de mezclas será parte de tu equipo, tanto si la usas como si no.

Lectores de CD individuales

Los lectores de CD individuales no suelen utilizar el diseño de bandejas de las unidades dobles. Los lectores más antiguos usaban un diseño de carga superior, en el que la parte de arriba del lector se abría con una bisagra para poder insertar el CD, pero los lectores más modernos utilizan una ranura en la parte frontal de la unidad, que automáticamente inserta y expulsa el CD mediante motores (de forma similar al reproductor de CD del equipo de música de tu coche).

Los controles que ofrecen los lectores de CD individuales son similares a los de las unidades dobles, salvo que el control de pitch puede ser mucho más largo (lo cual te permite un control más fino) y la jog wheel es mayor, lo que te ayuda a encontrar los puntos de cue (puntos de inicio) en el CD con facilidad. Los lectores de CD individuales pueden también incluir un montón de otros controles para ayudarte en la mezcla, como loops, reproducción invertida o hot-cues (consulta “Sacar provecho de las funciones especiales”, en este mismo capítulo).

DJ de scratch y lectores de CD

Las innovaciones en tecnología de CD han abierto un camino para que los DJ de scratch puedan utilizar CD, pero no es fácil: tiene su precio.

Lo primero que determinará lo bien que puedas practicar el scratch en el lector de CD es el tamaño de la jog wheel que utilices. Los DJ de scratch necesitan jog wheels de gran tamaño con las que poder hacer scratch como si fuesen discos normales. Eso significa que las jog wheels de los lectores de CD dobles, que tienen un resorte para volver a la posición central y sólo giran 90 grados a la derecha o a la izquierda, no son adecuadas para el DJ de scratch.

De igual modo, he llegado a la conclusión de que los lectores de CD individuales con jog wheels relativamente pequeñas, aunque son utilizados por algunos DJ de scratch, dificultan los movimientos de scratch más complicados.

El factor más importante de un lector de CD para el DJ de scratch es que el CD suene como un disco al hacer scratch. Los lectores de CD inadecuados se limitan a hacer una especie de tartamudeo cuando el DJ gira la jog wheel, mientras que los apropiados para el DJ de scratch suenan idénticos a un giradiscos cuando haces avanzar y retroceder la música con la jog wheel.

Muchos DJ de scratch prefieren los lectores de CD de nivel profesional con grandes jog wheels, como el asequible Stanton C.304 o los más caros Pioneer CDJ-1000 MkIII (que se muestra en la Figura 8-3) y Denon DN-S3500.

Figura 8-3:

Lector de CD individual Pionner CDJ-1000 MkIII.

Navegar por el CD

La mayor diferencia entre el vinilo y el CD para un DJ es cómo encontrar el punto de inicio de un tema, y cómo hacer que el tema empiece a sonar. Con el vinilo, hallar el cue es fácil: elige la cara correcta del disco que contiene el tema, fíjate en el surco, pon la aguja cerca del punto donde quieras empezar, mueve el disco atrás y adelante para escuchar el cue preciso y mantén el disco parado en ese punto. La parte más difícil al hacer de DJ con vinilo, sobre todo para hacer beatmatching, es poner en marcha el disco en el momento preciso, para que los tiempos suenen sincronizados instantáneamente con los del otro tema.

Para el DJ de CD, el problema es totalmente opuesto. Después de encontrar el cue correcto, poner en marcha el tema a tiempo es extremadamente fácil; no hay más que pulsar el botón start y, si haces beatmatching, púlsalo a tempo con los otros beats. En cambio, localizar el cue exacto puede ser un poco más difícil. Buscar el cue en un CD significa localizar la pista correcta del CD, hacer scanning (avanzar rápido hacia atrás o hacia adelante) por la pista tratando de encontrar la zona general donde quieres iniciar y luego hacer búsqueda fina haciendo sonar el CD hacia atrás o hacia adelante tiempos muy breves.

Aunque esto no suena especialmente difícil, los lectores de CD no tienen otra referencia visual que la pantalla de tiempo para ayudarte a saber dónde (o cuándo) estás dentro del tema para definir el cue. Las visualizaciones de ondas, que muestran, mediante una serie de crestas y valles, las partes de volumen más alto y más bajo del tema, pueden ayudar a resolver este problema, pero sólo se incluyen en los lectores de CD más caros, como el Pioneer CDJ1000 MkIII que se muestra en la Figura 8-4.

Figura 8-4:

Pantalla de visualización de ondas del CDJ1000 MkIII.

Conserva las cubiertas interiores o las listas de temas de tus CD para ayudarte a encontrar el número de pista de un tema determinado. Pero no te limites a escribirlo sobre el CD: ¡leer lo que está escrito en el CD con el CD girando dentro del lector no es muy sencillo que digamos! Poner todos tus CD juntos en una funda con las listas de pistas facilita la lectura de los nombres de las pistas y te ahorrará tiempo y frustración al intentar encontrar el siguiente tema que quieras pinchar en la mezcla.

Cada lector de CD tiene su propio conjunto de controles para encontrar el cue, y utilizan uno o (más habitualmente) una combinación de los diseños siguientes:

missing image file  Botones

missing image file  Jog dials

missing image file  Platos

Botones

Los lectores de CD con controles muy básicos utilizan botones para desplazarse por el CD. Se utilizan dos botones marcados + y – para recorrer los números de pista del CD y encontrar el tema correcto para pinchar, y un segundo par de botones para buscar dentro del CD y localizar con precisión el cue.

Cuanto más tiempo tengas pulsados los botones de búsqueda, más rápido sonará el CD en una u otra dirección. Si simplemente tocas el botón de búsqueda, el CD suena “paso a paso” (la unidad de tiempo más pequeña que puede distinguir el lector de CD, análoga a un fotograma), lo que te permite localizar el cue exacto.

Si tocas repetidamente el botón de búsqueda, la música suena a cámara lenta, pero, como el lector repite cada paso en el que te detienes una y otra vez hasta que continúas, el sonido que se escucha es como el de un CD estropeado. Este ruido digital puede hacer que sea difícil oír si estás en el tema, y complicar así la labor de fijar un cue preciso. Presta atención a un cambio en el sonido que escuchas; cuando notes que tiene más graves, lo más probable es que estés en un golpe de bombo (y seguramente el cue que quieras definir sea uno de los golpes de bombo del tema; consulta el capítulo 14).

Utilizar botones para dar con el cue es bastante laborioso, y se necesita paciencia y buena memoria para recordar bien el tema y poder encontrarlo con rapidez. Sin embargo, desarrollar la habilidad para encontrar el cue de esta forma no lleva demasiado tiempo, y aunque los lectores de CD más económicos suelen utilizar únicamente botones, mientras seas capaz de hallar el punto de inicio adecuado cuando lo necesites, este diseño básico no tiene nada de malo.

Jog dials

El jog dial de un lector de CD doble mide entre 7 y 12 centímetros de diámetro, y suele constar de dos partes: un anillo exterior y un disco interior (mira la Figura 8-5).

Los lectores de CD jog dials tienden aún a usar botones para encontrar la pista del CD que quieres pinchar, pero un anillo exterior con resorte sustituye al botón de búsqueda de los lectores más económicos para buscar la zona general del tema en la que quieres iniciar. La cantidad de giro que le des al anillo a derecha o a izquierda cambia la velocidad de búsqueda adelante o atrás dentro del tema. Al soltarlo, el anillo vuelve a la posición central y reproduce la música a la velocidad establecida con el control de pitch.

Figura 8-5:

Jog dial de un lector de CD doble.

Un disco interior dentro del anillo exterior con resorte facilita en gran medida la búsqueda fina del cue. La mayor parte de estos lectores de CD están construidos de forma que el disco interior haga unos suaves clics al girar; cada uno de ellos representa un paso en la música. Si giras el disco rápido adelante o atrás, puedes reproducir la música a cámara lenta, y luego girar el disco más lentamente para ralentizar aún más la velocidad y encontrar el paso exacto. Al buscar en la pista paso a paso, sigues oyendo una repetición digital del punto en el que estás, así que seguirás necesitando concentración, buen oído y práctica para escuchar correctamente lo que suena, pero es mucho más fácil que hacer lo mismo sólo con botones.

El jog dial de un lector de CD doble es pequeño y más bien complicado de usar, pero los lectores de CD individuales con un jog dial con resorte similar suelen ser mucho mayores, porque hay más espacio en la parte superior del lector, y esto facilita la búsqueda fina del cue.

Platos

Los lectores de CD solían tratar de emular los giradiscos y mantenerse a su nivel, pero con la introducción de los grandes platos de control, los lectores de CD han igualado y superado la funcionalidad de los giradiscos de vinilo, revolucionando el mundo del DJ.

Los platos giratorios motorizados (como los del Denon DNS3500; mira la Figura 8-6) o los platos manuales que sólo giran y afectan a la música cuando se tocan (como los del Pioneer CDJ1000 MkIII que yo utilizo) ayudan a los DJ de CD a encontrar el cue de la misma forma que los DJ de vinilo, controlando el CD igual que un disco en un giradiscos, girando el plato atrás y adelante para hallar la zona general del tema. Pero lo más importante es que, al localizar el cue, estos lectores emulan exactamente el sonido del vinilo, en lugar del sonido entrecortado de tartamudeo digital de CD que se obtiene en otros lectores de CD.

Aún puedes utilizar los botones de Skip y Search para localizar el área general en un tema específico, y luego usar el plato para la búsqueda precisa del cue como harías con un disco en un giradiscos, pasándolo adelante y atrás hasta encontrar el punto exacto.

Figura 8-6:

Plato del Denon DNS3500.

Ajuste del pitch

Como en el caso de los DJ de vinilo, localizar los puntos de inicio y poner en marcha el tema es sólo una parte de la tarea de beatmatching. La otra parte importante es utilizar el control de pitch para ajustar la velocidad y hacer que los golpes de bombo del nuevo tema de la mezcla suenen al mismo tiempo que los del tema que ya está sonando por los altavoces.

Lo bueno es que el control de pitch de los lectores de CD actúa exactamente igual que el de un giradiscos (consulta el capítulo 6). Los controles de pitch tienen mejoras, como el ajuste del intervalo del 4 por ciento al 100 por cien o más, pero el principio es el mismo: al mover el slider hacia ti (hacia el +), el tema se reproduce más rápido; al moverlo en dirección contraria (hacia el –), el tema se reproduce más lento (para más información sobre los principios básicos de uso del control de pitch al mezclar, consulta el capítulo 14).

Sin embargo, si pones el control de pitch un poco demasiado rápido o demasiado lento y los tiempos empiezan a derivar, no puedes tocar el CD como harías con un disco (y si pudieras hacerlo, el CD daría un salto). Así que dispones de los controles de pitch bend a mano para volver a poner la pista a tempo. Estos controles pueden diferir en función del lector de CD que utilices:

missing image file  Botones: suelen incorporarlos los lectores de CD dobles, aunque también se encuentran en los individuales; son dos botones (marcados + y –) que aceleran o ralentizan temporalmente el tema al pulsarlos. Cuanto más tiempo (y a veces, cuanto más fuerte) pulses el botón, mayor será el pitch bend que consigas. Cuando sueltas el botón, el CD vuelve a la velocidad originalmente establecida con el control de pitch.

missing image file  Pequeño jog ring: se encuentra en algunos lectores de CD dobles, que suelen tener un botón o interruptor que cambia la función del anillo exterior con resorte de la jog wheel de “buscar” a “pitch bend”. Si giras el jog ring hacia la derecha, el CD irá más rápido; hacia la izquierda, más lento. En qué medida lo gires a la derecha o a la izquierda afectará la cuantía del pitch bend. Al volver el anillo a la posición central, el CD vuelve de nuevo al pitch definido.

missing image file  Jog wheel grande: en función del lector de CD que tengas, puede que la jog wheel grande funcione exactamente igual que el pequeño jog ring. En el caso de los lectores de CD más caros, con controles de plato, puedes ajustar temporalmente la velocidad de reproducción del tema igual que si se tratase de un vinilo.

Con el vinilo, si necesitas que el disco vaya más rápido puedes moverlo para que lo haga; si necesitas que vaya más lento puedes añadir un poco de resistencia al borde del plato. Con lectores de CD como el Denon DNS3500, con platos motorizados, las cosas funcionan exactamente igual: empuja el plato para que vaya más rápido o pon el dedo en el borde para ralentizarlo.

El Pioneer CDJ1000 utiliza como pitch bend un anillo alrededor del borde del plato. Si lo giras en el sentido de las agujas del reloj, el tema se acelera; en sentido contrario, se ralentiza. Lo importante es que sólo hay cambios en el CD si mueves el anillo, y la velocidad con que lo mueves afecta directamente a la cantidad de pitch bend. Así, si giras el anillo atrás o adelante con rapidez unos 5 centímetros suele bastar para volver a sincronizar los tiempos.

No importa qué método utilices para ajustar el error de sincronía: recuerda cambiar el control de pitch para que refleje tu ajuste. Si has necesitado ralentizar brevemente el tema y los tiempos se iban separando cada vez más, reduce ligeramente el control de pitch, y auméntalo si necesitabas acelerarlo. En caso contrario, como no has establecido la velocidad de los temas exactamente a tempo, necesitarás seguir utilizando el pitch bend para volver a sincronizar los tiempos. Si se trataba únicamente de un error inicial que tenías que resolver, limítate a utilizar el pitch bend y no te preocupes de alterar el control de pitch a menos que notes que los tiempos empiezan a desincronizarse.

Suavizar las vibraciones

Buenas noticias: en cuanto a las vibraciones causadas por sonidos graves muy intensos o golpes, no hace falta que te preocupes demasiado.

Cuando compres tus lectores de CD, investiga previamente y asegúrate de que los que eliges tienen una buena función antisaltos. Casi todos los lectores de CD pensados para DJ tienen algún tipo de protección antisaltos; hay lectores que puedes golpear o tirar al suelo sin que el CD salte; otros se defienden bien de las vibraciones sonoras, pero, si los maltratas demasiado, el CD tiembla y salta.

Una vez elegidos tus lectores de CD, ten en cuenta dónde vas a ponerlos. Lo primero que debes considerar es sobre qué estarán colocados cuando los utilices. Elige algo pesado y sólido que no transfiera vibraciones sonoras al chasis del lector que puedan hacer que salte. Intenta también situar los lectores en algún lugar donde no sea fácil chocar contra ellos (ponerlos de forma que sobresalgan de tu escritorio a la altura de la cintura es llamar a los problemas).

Por último, ten en cuenta la ubicación de los altavoces. Evita situar tus altavoces en el mismo mueble que tus lectores de CD, porque las vibraciones de los graves pueden viajar por las superficies macizas y hacer que los CD salten.

Trabajar con el cue

No importa el formato que utilices como DJ —CD, vinilo, software en tu ordenador o una app en tu iPhone—, los conceptos básicos de DJ y beatmatching siguen siendo los mismos: buscar un punto de inicio preciso (el cue); si haces beatmatching, configurar el control de pitch de forma que los tiempos de tus temas suenen a la misma velocidad; poner en marcha el tema y comprobar que los tiempos se sincronicen, si haces beatmatching. Tu opción de formato afecta únicamente a la mecánica de cada una de estas etapas.

En el capítulo 14 describo cómo utilizar el control de pitch y la función de pitch bend para hacer beatmatch en lectores de CD, pero encontrar el cue, poner en marcha el tema desde él y volver a él en un CD requiere una explicación propia.

Los cuatro pasos para trabajar correctamente con el cue son:

1.   Localizar el cue.

2.   Guardar el cue.

3.   Comprobar el cue.

4.   Iniciar el tema desde el cue.

Localizar el cue

No importa los controles que tenga tu lector de CD (consulta “Navegar por el CD”, en este mismo capítulo), necesitas localizar el cue exacto. Si empiezas con frecuencia desde partes similares de la pista, toma nota de la lectura en la pantalla de tiempo junto al título de la pista en la cubierta interior.

Algunos lectores de CD (como el CDJ1000 y el CDJ2000) tienen tarjetas de memoria que te permiten guardar los puntos de cue definidos en tus CD. Esto significa que puedes recuperar un cue guardado nada más insertar el CD en el lector.

Si aún no has tomado nota de un cue ni lo has almacenado, he aquí cómo utilizar los controles para encontrarlo:

1.   Utiliza los controles de búsqueda para acercarte al punto donde quieres definir el cue; si el tema no empieza a sonar automáticamente al soltar el control de búsqueda, pulsa Play para escuchar la música.

2.   Cuando te acerques al cue, pulsa Play de nuevo para hacer una pausa en la música y utiliza los controles de jog (botones, jog wheels o platos) para avanzar poco a poco en el tema y encontrar el punto de inicio exacto del primer bombo de un compás o frase, o el fragmento de música desde el que quieras empezar.

Al hacer la búsqueda fina del cue, si quieres empezar con un golpe de bombo, verás que el sonido cambia y aumentan las frecuencias graves al golpear el bombo. Experimenta definiendo el cue antes o después de este sonido para ver cómo afecta a tu tiempo al pulsar Play. Quizá una diferencia de una centésima de segundo sea toda la diferencia que hace falta para iniciar los tiempos sincronizados o desincronizados.

Guardar el cue

Cuando hayas encontrado el punto de cue, tendrás que guardar esa posición en el lector de CD. En algunos lectores de CD, cuando el CD está en pausa y has localizado el cue exacto, basta con pulsar Play para definir el punto de cue y, si alguna vez necesitas volver a él, pulsar de nuevo el botón Cue. Los lectores de CD Pioneer se diferencian en que se pulsa el botón Cue para guardar el cue una vez encontrado. El lector de CD Denon DNS3500 tiene un botón que te permite elegir uno de estos métodos, así que puedes definir el cue de la forma que te resulte más familiar. Lee el manual de tus lectores de CD para saber qué método debes utilizar para guardar el cue.

Comprobar el cue

Inicia el tema y, si crees que no has definido el cue con la precisión suficiente, vuelve al punto de cue, utiliza los controles de jog para afinar la posición y guarda este nuevo cue actualizado.

Una vez que hayas encontrado y almacenado satisfactoriamente el cue, necesitarás hacer que el CD vuelva a ese punto, preparado para poner en marcha el tema en la mezcla. Puede que sea suficiente con pulsar el botón Cue, pero, algunas veces, el estado en que estaba el lector de CD antes de pulsar Cue afecta a lo que sucede después. En algunos lectores de CD, si estás en modo de reproducción cuando pulsas Cue, el CD vuelve al cue y empieza a sonar desde ese punto; si estás en modo de pausa al pulsar Cue, vuelves al punto de cue y el CD sigue en pausa. Sin embargo, en los lectores de CD Pioneer, si pulsas Cue en modo de pausa el cue se restablece y cambia al punto en el que te encuentres en ese momento.

Por ello es extremadamente importante que aprendas cómo funcionan tus lectores de CD. ¡Lee los manuales que los acompañaban cuando los compraste, no sea que acabes pulsando el botón equivocado en el momento menos oportuno!

Iniciar el tema

Iniciar una pista en CD es mucho más fácil que en vinilo. Cuando el tema que suena en los altavoces llega a la parte en la que quieres iniciar el nuevo tema, pulsa Play en este último y utiliza la mesa de mezclas para mezclarlos.

Si haces beatmatching, escucha los tiempos de bombo de otro tema. Intenta bloquear el resto de la música y concéntrate en el boom del bombo, como si fuese una sesión de meditación; esto te ayudará a iniciar el nuevo tema con el mismo tempo que el que está sonando. Pulsar el botón exactamente a ritmo es algo que lleva práctica, pero no es ni de lejos tan complicado como iniciar temas en un giradiscos.

Si prefieres el desafío y quieres iniciar los temas como en vinilo, los lectores de CD con platos motorizados te permiten hacerlo. Busca el cue, sostén el plato quieto y luego suéltalo o dale un poco de impulso para iniciar el tema.

Sacar provecho de las funciones especiales

Los lectores de CD para DJ son mejores que los lectores domésticos, ya que incluyen controles de pitch, diseños robustos y mejores mandos de navegación; pero la cosa no acaba ahí.

Reproducción de MP3

Como cada vez es más fácil comprar y descargar música en línea, es razonable pensar que buena parte de la música que adquieras como DJ esté en forma de archivos descargados de iTunes u otras tiendas en línea como Beatport o Audiojelly (en el capítulo 4 encontrarás consejos para comprar en línea).

Los lectores de CD que te permiten leer CD grabables (CD-R o CD-RW) en los que has grabado música descargada no son exclusivos del mundo del DJ; ya hace mucho tiempo que los equipos domésticos y de coche permiten hacerlo. Sin embargo, una función que omita la necesidad de un CD y lea la música directamente desde discos duros USB, iPods y tarjetas de memoria flash es una gran adición a los lectores de CD para DJ.

Los lectores de CD como el Pioneer CDJ2000 (que se muestra en la Figura 8-7) y el Denon DNHS5500-CD sí permiten reproducir tanto CD como CD-R, pero la posibilidad de conectar discos duros externos te da acceso a miles de temas, sin que tengas que preocuparte de poner, quitar y guardar CD individuales.

Figura 8-7:

El CDJ2000 tiene montones de funciones, como la reproducción de MP3.

Cuando se evalúa este tipo de lector de CD, lo más importante que hay que tener en cuenta es con qué facilidad los controles y la pantalla te permiten navegar por la gran discoteca que vas a utilizar. Si tienes un CD con ocho pistas grabadas, es difícil perderse demasiado como para no encontrar una pista; si no estás seguro de cuál es la que quieres pinchar, sólo tienes que pasar por ocho pistas para encontrarla. Si acabas de conectar un iPod que contiene seis mil temas, quizá tardes un poco más en recorrerlos todos uno por uno...

La mayor parte de los lectores de CD que permiten conectar discos duros externos tienen esto en cuenta, y disponen de grandes pantallas que te permiten filtrar tu biblioteca incluso en la más oscura y sombría cabina de DJ.

Master Tempo

La función Master Tempo no es exclusiva de los lectores de CD: también está disponible en muchos giradiscos. Esta función te permite acelerar o ralentizar un tema sin cambiar el tono en el que se grabó la música. Así que, si pinchas Barry White y le subes el pitch (aceleras el tema) un 16 por ciento, seguirá sonando como Barry White; en cambio, en los lectores que no tengan la función Master Tempo sonará como una ardilla de dibujos animados.

Esta función es mejor en unos lectores de CD que en otros. Cuanto más aceleres la pista, más difícil es para ciertos lectores mantener el tono, y algunos pueden sufrir terribles problemas de ruido digital si intentas hacer scratching con Master Tempo activado. Si crees que vas a utilizar mucho esta función, procura que te hagan una demostración en el lector de CD que te vas a comprar.

Hot cues

Los hot cues, normalmente etiquetados como 1, 2, 3 o A, B, C, son puntos de cue adicionales que se pueden definir sobre la marcha, lo que significa que no es necesario parar o hacer pausa en el CD para definirlos. Definir estos puntos requiere de una cierta combinación mano/oído, pero, una vez definidos, volver a ellos es muy simple.

Puedes utilizar estos hot cues para dar saltos en el CD, pinchando instantáneamente distintas partes de un tema, ¡o incluso saltar a un hot cue definido en otra pista del CD! Si pulsas repetidamente el mismo botón de hot cue volverás a ese punto de cue cada vez que pulses el botón, reproduciendo la misma parte una y otra vez.

Loop

La función de loop (bucle) reproduce una parte de un tema desde un punto de entrada o in (que se puede definir en cualquier punto del tema) hasta un punto de salida o out (que debe también definirse). Al pulsar el botón Loop, se reproduce la música desde el punto in hasta el punto out, y de nuevo de in a out una y otra vez, hasta que pares el loop.

Hacer looping en las intros y las outros o en otras secciones de un tema puede utilizarse para alargar la mezcla y para remezclar sutilmente el tema y obtener algo distinto; hacer un loop con una parte de un clímax musical para alargarlo añade variedad a la mezcla. Si este clímax es un redoble, defínelo como loop y edita la longitud del loop haciéndolo cada vez más breve; cuanto más breve sea el loop, más frenético suena el break, lo que te permite exaltar al público antes de interrumpirlo o de pulsar un botón de Hot Cue y regresar a los tiempos potentes del tema.

En función de los controles de loop de que dispongas, la operación te resultará más simple o más complicada. Si has definido un bucle con un compás de tiempos y no has definido los puntos de in y out exactamente en el tiempo, oirás una especie de tartamudeo o salto cada vez que el loop se reinicie. Algunos lectores de CD ajustan automáticamente el loop; otros te permiten modificar los puntos in y out del loop y resolver así los posibles problemas; finalmente, con algunos lectores no tienes más remedio que hacerlo siempre bien a la primera.

Puedes utilizar los loops de forma creativa para repetir una parte del tema, o usarlos como red de seguridad. Si no has tenido tiempo para preparar la pista siguiente de la mezcla y te estás acercando al final de un tema, puedes repetir una sección del final del tema, lo que te da tiempo a preparar y mezclar el nuevo tema (esto no debería suceder nunca, pero quizá te hayas pasado demasiado tiempo hablando con la persona equivocada y se te ha ido el santo al cielo).

Si eres de esas personas a las que siempre se les acaban los temas, intenta almacenar un Hot Cue en la pista y actívalo para saltar hacia atrás y repetir el último minuto. Esto puede resultar más fácil que utilizar controles de loop, porque, si está a punto de acabarse el tema, es fácil aturullarse y ponerse nervioso, lo cual puede complicar la definición de puntos in y out precisos en el loop; pero tendrás que prevenirlo con antelación.

Bancos de samples

De forma similar a la función de loop, en lugar de definir puntos in y out puedes grabar una sección de la música en un banco de samples (memoria contenida en el lector de CD) para reproducirla en el momento y de la forma que quieras.

Puedes utilizar estos samples (o muestras) de tantas maneras como se te ocurra. Puedes convertirlos en loops o hacerlos sonar solos; en algunos lectores de CD puedes incluso reproducirlos sobre el CD del que los tomaste, lo que te permite remezclar una pista o mezclarla con otra en el mismo lector de CD. Las posibilidades creativas son infinitas.

Reproducción inversa

Reproducir hacia atrás es posible, y un truco divertido, con vinilos, pero los lectores de CD te ofrecen mucho más control. Para empezar, algunos lectores de CD te permiten elegir si quieres que el CD vaya hacia atrás como un giradiscos o instantáneamente. Si un disco está a pitch cero a 33 revoluciones por minuto (RPM), necesita frenar de 33 revoluciones por minuto a cero y luego acelerar de cero a 33 revoluciones por minuto en sentido inverso. Algunos lectores de CD ofrecen el mismo sonido de deceleración y aceleración, pero también la opción de invertir el tema instantáneamente, sin retraso alguno. El Denon DNS3500 ofrece un nivel de control increíble sobre la reproducción inversa.

Contadores de BPM

En lugar de tener que comprar un contador de BPM (beats por minuto) externo o una mesa de mezclas con contadores de tiempos incorporados, muchos lectores de CD calculan los BPM del tema que está sonando y los muestran en la pantalla.

Como en cualquier contador de beats por minuto, es fácil fiarse de este cálculo en lugar de utilizar tus oídos a la hora de hacer beatmatching. Intenta evitar caer en esta trampa, o la primera vez que utilices un equipo que no tenga contador de beats por minuto no podrás hacer un buen beatmatching en él.

Control por software de DJ digital

Denon, Numark, American DJ, Pioneer y otros muchos fabricantes de lectores de CD para DJ disponen de modelos que pueden controlar la reproducción de la música mediante software compatible con MIDI (Musical Instrument Digital Interface [interfaz digital para instrumentos musicales]) y con conexiones USB, en lugar de basarse en discos de control con códigos de tiempo. Comprueba si el software de DJ digital que utilizas tiene estas características antes de comprar tus lectores de CD.

Diviértete experimentando

Los lectores de CD incorporan muchas otras funciones, y año tras año la comunidad de DJ da la bienvenida a algún nuevo equipo con una innovación más, así que es fácil perder el hilo de qué es lo que tú lector de CD puede realmente hacer.

Si no estás seguro de las características de tus lectores de CD o de cómo sacar el máximo provecho de sus funciones, lee el manual, ve a clubes para verlos en acción y mira videoclips en páginas web. Entre las reseñas incluidas por los fabricantes en sus sitios web y las críticas personales en páginas de revistas y en YouTube, seguro que podrás ver el lector que más te gusta haciendo cosas que no sabías que podías hacer con él.

También puedes tirar el manual debajo de la cama y experimentar. Luego, cuando estés muy confuso, intenta volver a encontrar el manual...

Capítulo 9

Bits y PC: el DJ digital

En este capítulo:

Descubrir diversos montajes de DJ digital.

Elegir y controlar el software que más te conviene.

DJ móvil.

En mi opinión, la tecnología de DJ digital —utilizar software de ordenador para reproducir música almacenada en un disco duro— es una revolución tan grande para el mundo del DJ como el momento en que alguien se dio cuenta de que, si usaba dos giradiscos y una mesa de mezclas, la música podía sonar toda la noche sin interrupciones.

Para el DJ digital, el equipo ya no supone una limitación para la música disponible para pinchar. Los DJ de vinilo que antes no tenían más remedio que andar a la caza de la música disponible en vinilo pueden ahora descargar los temas en sus discos duros y utilizar sus giradiscos para controlar el software de DJ. Los DJ de CD pueden tomar el control de sus discotecas, tirar a la papelera los innumerables CD-R que tienen desparramados por la cabina y guardar toda su música en un único disco duro.

Aparte de un mejor acceso y control de la música, la creatividad y accesibilidad que ofrece la tecnología de DJ digital es extraordinaria. Tanto por el inmenso número de efectos, loops y samples incorporados, que permiten a un DJ creativo realzar el sonido de la mezcla, o la función de beatmatch automático, con la que los DJ novatos pueden seguir inspirados aunque se tropiecen con obstáculos mientras aprenden a hacer beatmatching correctamente, la tecnología de DJ digital está ayudando a crear y motivar a una nueva generación de DJ.

Diseño de tu instalación de DJ digital

Son tres los elementos que tienes que tener en cuenta para montar una instalación de DJ digital:

missing image file  Un ordenador.

missing image file  Un hardware externo para controlar software en el ordenador.

missing image file  El software para DJ.

Procesar el hardware del ordenador

El ordenador es el núcleo de tu instalación de DJ digital; como tal, es esencial que te asegures de que es todo lo potente, estable y capaz que sea posible.

¿Mac o PC?

Si eres afortunado y puedes adquirir un ordenador nuevo para instalar tu software de DJ digital, la decisión de utilizar Mac o PC probablemente se reduce a aquello con lo que estás más familiarizado y a tus preferencias. Yo he utilizado un portátil con Windows y un Macbook Pro, pero finalmente me he quedado con el Mac.

Las marcas de software más populares y líderes del mercado de las que hablaré en este capítulo, como Traktor, Serato y Ableton Live, se editan tanto para el sistema operativo Windows como para Mac. Sin embargo, algunos programas para DJ (como PCDJ y BPM Studio) sólo funcionan en ordenadores con el sistema operativo Windows, de modo que, si te has decido por el software que quieres utilizar como DJ antes de pensar en qué ordenador lo utilizarás, investiga para comprobar si te vas a ver forzado a utilizar Mac o PC por culpa de las especificaciones del software.

Son escasos los programas para DJ que no funcionan en Windows, así que esta advertencia va dirigida sobre todo al usuario de Mac, pero los usuarios de Windows siguen teniendo que comprobar que el software funciona con el sistema operativo que tienen instalado. Algunos títulos han sido lentos en adoptar Vista y Windows 7; otros necesitan al menos Windows XP Service Pack 3 o posterior; y, si aún conservas ese viejo PC con Windows 95, podría ser el momento de sacarle el polvo a la cartera y hacerte con uno nuevo.

¿Sobremesa o portátil?

El tipo de ordenador más común en las instalaciones de DJ digital es un portátil o Macbook, debido a que son máquinas compactas que se pueden transportar. Las estaciones de trabajo de gran tamaño, PC y Mac Pro, funcionan igual de bien que los portátiles —a veces incluso mejor, por su mayor pantalla, más memoria y mayor velocidad de procesador—, pero no son muy transportables para ir con ellos de club en club, y encontrar espacio para un teclado, un ratón y un monitor puede ser complicado en una cabina de DJ o en tu mismo dormitorio.

Consideraciones de memoria y procesador

Si tu ordenador es viejo, comprueba que tenga suficiente capacidad de proceso y memoria RAM, aparte de un hardware adecuado (como una tarjeta de sonido compatible y puertos USB) para ejecutar el software que quieras utilizar.

Para los DJ de PC, la mayoría del software recomienda un procesado de al menos 1,5 GHz (la velocidad a la que el ordenador “piensa” y ejecuta lo que quieres que haga se mide en hercios [Hz]) y 1 GB (gigabyte) de memoria RAM (puedes imaginarte la RAM como un aparcamiento: cuanto más espacios, o RAM, tenga tu aparcamiento, más coches pueden arreglárselas en él; cuanto menos espacios haya, menos coches pueden aparcar, o menos aplicaciones pueden ejecutarse cómodamente en tu ordenador, y se puede generar un cuello de botella que ralentice el tráfico y tu ordenador).

El software de DJ para PC suele necesitar Windows XP Service Pack 3 o posterior para ejecutarse correctamente. Para la mayor parte de los programas de DJ, los usuarios de Mac necesitan un Mac Intel, con un procesador y requisitos de RAM similares a los del DJ de PC. Es probable que el sistema operativo OSX más reciente funcione sin problemas, pero comprueba los requisitos de software para asegurarte de que no haya problemas de compatibilidad.

Si puedes optar por un ordenador que tenga características superiores al mínimo recomendado del software, tu tarea de DJ será más fluida. Quizá quieras grabar tu sesión mientras actúas, o tengas la ventana de un navegador de Internet abierta en tu tienda de MP3 favorita, por si quieres comprar un tema para pincharlo en esa misma sesión. Con una mayor cantidad de memoria y potencia de procesador podrás hacer todo esto sin correr riesgos de interrupciones o problemas de sonido en el software de DJ. Es como agregar pisos al aparcamiento de coches, y hacer que los coches se muevan más rápido.

Estabilidad

La estabilidad depende sobre todo de la velocidad de tu ordenador, del mantenimiento que le hagas y de qué otros programas y procesos se están ejecutando en segundo plano. Pero, tanto si compras únicamente el software de DJ como si vas a comprarte también un ordenador nuevo, investiga un poco en los foros de Internet (y en los sitios web de los fabricantes del software de DJ específico) para asegurarte de que el software funcionará bien en conjunción con tu hardware.

Yo mismo tuve problemas con mi portátil HP: si la tarjeta Wi-Fi estaba conectada, la música se cortaba de forma intermitente, ¡cosa muy poco conveniente en mitad de una sesión en un club! Normalmente no me conecto por Wi-Fi durante una sesión para descargar música (ni actualizo mi estado de Facebook, como hacen algunos DJ que conozco), así que no me representa problema alguno. Pero a muchos DJ (sobre todo los de fiestas y bodas, a los que les hacen solicitudes muy dispares) les encanta tener la opción de descargar cualquier música y pincharla al instante, así que el acceso a Wi-Fi puede ser un complemento importante a su discoteca.

Los Macs no son tampoco inmunes a los problemas de hardware. Los primeros Macbook Pro exigían conectar las tarjetas de sonido USB a la base USB más próxima a la fuente de alimentación a fin de que recibiesen potencia suficiente para que la música no se cortase.

Investiga un poco antes y después de comprar tus equipos para evitar un silencio sepulcral en mitad de tu sesión de DJ. Los sitios web de los fabricantes de software suelen dar buenos consejos de instalación y de solución de problemas. En el sitio web de Native Instruments hay una lista exhaustiva de trucos para los sistemas operativos Vista y XP; dirígete a www.native-instruments.com/support (en inglés) y busca “tuning tips” (consejos de configuración), o busca en su foro y base de datos de conocimientos. Incluso aunque no utilices su software Traktor, las ideas para solucionar problemas que encontrarás en su sitio web pueden resolver problemas que tengas con el software de DJ que hayas adquirido.

Controlar los dígitos

La tarea de DJ digital se basa en un software que se ejecuta en un ordenador, y la pantalla del software es similar a lo que verías en una cabina de DJ: al menos dos lectores para reproducir la música, una mesa de mezclas entre ellos y una discoteca con tus temas en la parte inferior (mira la Figura 9-1). Sin embargo, lo que hace tan fascinante la tecnología de DJ digital es que no estás limitado al teclado y al ratón para controlar el software.

Los clics de ratón y las pulsaciones de teclado son las formas más básicas de navegar y ajustar los diversos controles y opciones del software de DJ. No obstante, con algo de hardware externo, la experiencia del DJ digital se convierte en una verdadera interpretación, tanto para tu percepción como DJ como para la de las personas en la pista de baile.

Figura 9-1:

Interfaz del Traktor Scratch Pro: dos lectores, una mesa de mezclas entre ellos y la discoteca de temas en la parte inferior.

Entre las opciones disponibles para el DJ digital se encuentran:

missing image file  Utilizar sólo un portátil (o un ordenador con teclado, ratón y monitor) con software de DJ y controlarlo todo con el teclado y el ratón.

missing image file  Agregar al portátil una tarjeta de sonido mejor y una mesa de mezclas de DJ, dejando el ratón y el teclado únicamente para controlar la reproducción de la música.

missing image file  Utilizar un DVS (Digital Vinyl System, sistema de vinilo digital) para controlar la reproducción de la música usando cualquier giradiscos o lector de CD, con la opción de agregar también una mesa de mezclas externa.

missing image file  Combinar el control de reproducción de la música y una mesa de mezclas en un equipo de hardware polivalente.

missing image file  Conectar lectores de CD por USB o MIDI (Musical Instrument Digital Interface) para controlar la reproducción de la música. Agregar una mesa de mezclas externa minimiza el uso del teclado y el ratón.

Sólo portátil/ordenador

Ésta es, con diferencia, la configuración más simple, y se muestra en la Figura 9-2. Instala el software, conecta la salida de la tarjeta de sonido de tu ordenador a un amplificador y navega por la discoteca, ajustando la reproducción de la música y controlando la mesa de mezclas únicamente con el ratón y el teclado.

Figura 9-2:

Una configuración simple entre tu portátil y tu amplificador.

Esta opción no tiene nada de malo —puedes hacer todo lo que puede hacer cualquier DJ digital—. Eso sí, quizá necesites más tiempo para navegar por los menús, hacer clic y arrastrar cues adelante y atrás, encontrar la tecla correcta para activar un efecto y luego mover el ratón lo bastante lento para controlar el cross-fader y los controles del ecualizador de la mesa de mezclas interna del software de modo que el sonido de la mezcla sea bueno. Y, en mi opinión, un DJ que únicamente utiliza un ratón y un teclado en sus sesiones ofrece una actuación un poco deslucida. ¡Desde mi punto de vista, puede ser un administrativo consultando su correo electrónico, en lugar de un DJ en pleno frenesí de mezcla!

Las conexiones y los requisitos para esta configuración son relativamente simples. Lo único que necesitas es:

missing image file  Un ordenador portátil (o un ordenador de sobremesa con monitor, ratón y teclado) con una tarjeta de sonido con una salida que pueda conectarse a un amplificador.

missing image file  Software de DJ.

missing image file  Archivos de música.

missing image file  Amplificador y altavoces.

missing image file  Un cable para conectar la salida de la tarjeta de sonido al amplificador (comprueba las conexiones de tu configuración).

Uno de los inconvenientes de esta opción es que, probablemente, la salida del portátil no sea más que un conector para auriculares. Es posible que el nivel de esta salida sea bajo y sea necesario amplificarla más que en el caso de una salida de línea normal, lo que puede tener como consecuencia que se amplifiquen también muchas interferencias y ruidos.

Pero el mayor de los inconvenientes es que, como DJ, no sólo quieres enviar el sonido de la mezcla principal a un amplificador, sino que también quieres poder escuchar en tus auriculares el siguiente tema que vas a pinchar (sin enviarlo también al amplificador; consulta el capítulo 12 si necesitas más información sobre por qué esto es importante). Es difícil que una configuración con sólo un portátil te permita hacerlo, porque seguramente sólo tiene una salida (la de auriculares), e incluso si tiene una salida de línea, lo más probable es que el software no te permita escuchar un tema distinto por cada salida. Para poder hacer algo así, necesitarás algo más de hardware.

Más hardware para mejorar la configuración básica

Puedes adquirir una nueva tarjeta de sonido (que probablemente será externa, conectada por USB) capaz de dividir dos señales distintas enviadas desde el software de DJ y que disponga de al menos dos salidas, una de ellas un conector para auriculares. Con esta tarjeta de sonido más avanzada podrás enviar la mezcla principal al amplificador y escuchar el siguiente tema con los auriculares, tal como se muestra en la Figura 9-3.

Figura 9-3:

Ordenador portátil con una tarjeta de sonido externa. Se puede conectar una salida al amplificador y otra a los auriculares, o las dos a una mesa de mezclas.

Al agregar este tipo de tarjeta de sonido a tu configuración de ordenador portátil puedes también añadir una mesa de mezclas de DJ. Eso significa que puedes mezclar temas con hardware tradicional de DJ, con mayor control (y vistosidad interpretativa) que si sólo utilizas el teclado y el ratón.

El uso de una tarjeta de sonido que admita dos señales de entrada del software de DJ y que disponga de dos salidas te permite enviar el Deck (lector/giradiscos) 1 del software al canal 1 de la mesa de mezclas, y el Deck 2 al canal 2. Puedes utilizar la mesa de mezclas para mezclar la música de los dos decks, como haría un DJ convencional, ¡y la salida de la mesa de mezclas se envía al amplificador para hacer que la pista de baile se estremezca!

Es atípico encontrar un software de DJ que no permita enviar dos señales de salida a una tarjeta de sonido, pero, si no estás seguro de la funcionalidad del software que has elegido, investiga un poco en el sitio web del programa o en foros de Internet.

DVS con discos y CD

DVS (Digital Vinyl System, sistema de vinilo digital) es la forma en la que la tecnología de DJ digital se ha introducido y explotado en clubes y dormitorios de todo el mundo.

Las configuraciones de DVS son similares a lo que he explicado en las secciones anteriores, salvo que, en lugar de utilizar un teclado y un ratón para controlar y ajustar la reproducción de la música en el software, se pueden utilizar giradiscos (o lectores de CD) tradicionales para hacer eso mismo, como se muestra en la Figura 9-4. Si añades una mesa de mezclas a la configuración, el único momento en el que tendrás que acercarte al teclado o al ratón del portátil es para seleccionar el tema siguiente o para activar algún efecto. Incluso en ese caso, los controladores hardware como el Kontrol (consulta la sección posterior “Agregar controladores hardware”) hacen que ni siquiera eso sea necesario.

Figura 9-4:

Configuración de DVS con control por codificación de tiempo. Aquí se muestra con giradiscos, pero funciona igualmente con lectores de CD.

La opción DVS de la Figura 9-4 se basa en discos o CD que tienen grabados datos especiales de codificación de tiempo para usar con una tarjeta de sonido especial. El software de DJ lee los datos de codificación de tiempo y los ajusta a la música que quieras pinchar. Así, si mueves la aguja en el disco un minuto adelante y lo pones en marcha, la pista cargada en el deck correspondiente del software empieza a sonar a partir del punto de 1 minuto. Si detienes el giro del disco, la música se para también; si haces girar el disco hacia atrás, la música que sale del ordenador suena también hacia atrás.

Casi todo el software que se puede utilizar en una instalación DVS emula fantásticamente bien el sonido del vinilo (tanto si usas CD como vinilo), así que no sólo la música se detiene o suena hacia atrás, sino que suena exactamente igual que si lo estuviese haciendo desde un disco, no desde un ordenador. Esto permite a los DJ hacer scratch con el software de DJ, y suena igual que si estuviesen haciendo scratch con un disco con música grabada, en lugar del chirrido de la codificación de tiempo.

En una configuración DVS de DJ digital, no es esencial disponer de una mesa de mezclas independiente, porque puedes utilizar la mesa de mezclas incorporada en el software (si la tiene) para mezclar la música. Sin embargo, la mayor parte de los DJ que utilizan una configuración de DVS no se conforman con usar únicamente lectores de CD y giradiscos: agregan también una mesa de mezclas a la configuración, para que ésta emule fielmente una instalación tradicional de DJ.

Conexiones y requisitos

Casi todo el software de DJ que se puede adquirir para una configuración DVS utiliza una tarjeta de sonido específica diseñada por el fabricante del software. Por ejemplo, yo utilizo la interfaz de hardware Audio-8 (lo que ellos llaman la tarjeta de sonido externa) cuando hago de DJ con el software Traktor de Native Instruments, y la tengo que desconectar y usar la Serato SL fabricada por Rane cuando utilizo el software Serato (consulta la sección “Elegir el software”, en este mismo capítulo, para más información sobre las opciones de software para DJ).

Por desgracia, en la mayor parte de casos, no podrás limitarte a comprar el software, una tarjeta de sonido barata y unos cuantos cables y luego utilizar tus propios giradiscos para pinchar MP3 en tu portátil. Pero con la amplia variedad de precios entre distintas configuraciones DVS para DJ, no tendrás dificultad en encontrar una dentro de tu gama de precios, así que es de esperar que las rígidas especificaciones de hardware no representen un problema.

Las conexiones son importantes, pero pueden parecer complicadas, con la tarjeta de sonido externa haciendo de conexión entre giradiscos, lectores de CD, la mesa de mezclas y el ordenador. Las salidas de los giradiscos (o lectores de CD) se conectan a la tarjeta de sonido (mediante cables con conectores RCA en ambos extremos) y la tarjeta de sonido se conecta al ordenador por USB, transfiriendo los datos de código de tiempo del CD o disco para el control de la reproducción de la música en el ordenador. La música se envía de vuelta a la tarjeta de sonido, y las salidas de la tarjeta de sonido se conectan a la mesa de mezclas, cuya salida se envía al amplificador. Puede parecer confuso, pero, una vez que sigues el hilo de lo que está pasando y las instrucciones impresas en la tarjeta de sonido, no es tan complicado.

Algunas tarjetas de sonido (como la Serato SL) tienen dos entradas y dos salidas que sólo permiten controlar y enviar dos temas del ordenador a la mesa de mezclas a través de estas conexiones (como si hubieses conectado dos giradiscos o dos lectores de CD directamente a la mesa de mezclas para pinchar discos o CD normales).

La Audio-8, utilizada con Traktor, dispone de cuatro entradas y cuatro salidas, que en mi caso significa que puedo utilizar simultáneamente mis dos giradiscos y mis dos lectores de CD, controlando cuatro temas y mezclándolos con mi mesa de mezclas de cuatro canales; ¡no es que lo haga con mucha frecuencia, pero está bien tener la opción!

Los fabricantes de software para DJ saben que tu archivo de CD y discos normales puede ser muy grande, así que suelen incluir una función que te permite pasar por encima del software y enviar música de discos y CD directamente a la mesa de mezclas para utilizarla en la mezcla. Si quieres utilizar discos y CD en tus sesiones de DJ, comprueba que el software, el hardware y los cables te permitan hacerlo antes de gastarte un montón de dinero y darte luego cuenta de que tu antigua discoteca no te sirve para nada.

Añadir controladores hardware

Aunque el DVS ha ampliado las fronteras de la tecnología del DJ digital, los controladores externos son probablemente el aspecto más emocionante y que más rápido cambia en este mundillo en la actualidad.

Controladores hardware todo en uno

Con el objetivo de simplificar las conexiones y las necesidades de equipo, los controladores hardware de empresas como Behringer y Hercules (y muchas más) te liberan de la necesidad de confiar en un teclado y un ratón para controlar el software, de un modo análogo al DVS, con la salvedad de que sólo necesitarás un portátil, software y el controlador.

Estos controladores combinan control de reproducción, una mesa de mezclas, efectos y una interfaz de audio, y representan una forma extremadamente cómoda y asequible de llevar a cabo la tarea de DJ. Las distintas marcas y modelos ofrecen diferentes niveles de funcionalidad. Los productos más asequibles de Behringer o la consola de DJ Hercules ofrecen un nivel de control económico, pero muy completo, y las mesas de mezclas más caras, como la Allen & Heath Xone:4D, que controla funciones similares a las de las alternativas más baratas, te dan una mayor flexibilidad y opciones creativas.

La mayor parte de estos controladores hardware te permiten agregar también otros dispositivos de entrada, de modo que, no sólo puedes pinchar la música almacenada en el ordenador, sino que, si alguien te pasa un CD con música que quiere que pinches, puedes ponerlo en un lector de CD (si tienes uno en tu instalación) y mezclarlo con la música que suena desde el ordenador.

Control y efectos

Un controlador hardware como el Kontrol (que se muestra en la Figura 9-5), pensado para funcionar con Traktor, te ofrece un control total de los efectos del software, pero también incluye una sección para controlar la reproducción de la música. Los DJ con instalaciones de DVS que quieren controlar los efectos con hardware, en lugar de con clics de ratón, pueden sacar mucho partido a este tipo de controladores, como también los DJ de ordenador portátil que aspiran a ampliar su control sobre el software pero no quieren cargar con el estorbo de un controlador todo en uno.

Figura 9-5:

Traktor Kontrol.

Control con lectores de CD y mesas de mezclas

En lugar de utilizar discos o CD con códigos de tiempo para el control de la reproducción de música en el software, existen lectores de CD especiales, como los Pioneer CDJ400, 900 y 2000, y determinados modelos de Denon y Numark, capaces de conectar con el software de DJ directamente a través de MIDI o USB para controlar la reproducción de la música. Sin un CD o disco que reproducir, la fiabilidad de estos equipos es del cien por cien; son los propios lectores de CD los que contienen circuitos que se encargan de todo el control.

Sigue siendo decisión tuya el uso de la mesa de mezclas interna del software o una mesa externa (yo te sugiero que utilices una externa), pero tienes que asegurarte de que tus lectores de CD funcionan con el software que quieres utilizar.

Este método resta mucha confusión a la hora de conectar los equipos. Las conexiones USB al ordenador controlan la música en el software, y las salidas de audio estándar de los lectores de CD se envían a la mesa de mezclas por si te apetece pinchar un CD real. Sigues necesitando una tarjeta de sonido para conectar la música del software a la mesa de mezclas, pero en general las conexiones no son, ni de lejos, tan complicadas como en el método DVS.

Tu forma es la mejor forma... para ti

La decisión de añadir hardware a tu instalación de DJ depende únicamente de ti. Si eres capaz de crear una mezcla con un sonido magnífico con tu montaje favorito, y te sigue gustando utilizarlo, entonces ésa es la configuración correcta para ti.

El tipo de DJ que elijas ser puede afectar al tamaño de tu instalación. A los DJ de fiesta les puede bastar un simple ordenador portátil; los DJ que trabajan en un bar y prefieren un poco más de control, pero siguen queriendo mantener el montaje compacto pueden quizá agregar una mesa de mezclas. Es probable que los DJ de club prefieran utilizar las opciones más avanzadas, y emplear controladores hardware o instalaciones DVS para un control total y una mayor espectacularidad.

Elegir el software

Elige el software adecuado en función del dinero del que dispongas y del control que quieras tener sobre el software.

Simplicidad con software de jukebox

Aunque la mayor parte de los DJ prefieren utilizar software específico para DJ, si realmente no lo necesitas o prefieres no complicarte con la mecánica de la mezcla, puedes configurar fácilmente programas de jukebox (“máquina de discos”) como iTunes, Windows Media Player o SilverJuke, que ofrecen distintos niveles de control.

Desde el punto de vista del hardware, ésta es la configuración más básica para un DJ digital: un portátil conectado a un amplificador. Carga todos tus temas en el programa de jukebox, crea una lista de reproducción con la música que quieras pinchar, activa las opciones de cross-fade de que dispongas para poder superponer un poco las canciones (en iTunes, selecciona “Encadenar canciones”, en Edición → Preferencias → Reproducción), y ya te puedes ir. iTunes se encarga de todo, reproduce los temas en orden aleatorio, los mezcla entre sí e, incluso, mantiene el volumen de salida global al mismo nivel si activas la opción “Ajuste de volumen”.

Si quieres un poco más de control sobre la lista de reproducción, hazte con la última versión de iTunes y, en “Listas de reproducción”, selecciona la opción iTunes DJ. Esta opción te permite agregar temas y cambiar el orden de reproducción mientras la música suena. No tienes que preocuparte tampoco del control de sonido ni de mezclar los temas entre sí; simplemente tienes un mayor control sobre qué música suena y en qué orden.

Pero, por buena que sea, la estrategia de iTunes corre el peligro de quitar el trabajo a muchos DJ, ya que los bares pueden decidir que es más barato y fiable poner un ordenador con música precargada en el fondo del bar, reproduciendo una lista de temas, que un DJ con opiniones propias. ¡Deja boquiabiertos a esos propietarios de bar siendo el mejor de los DJ!

Software diseñado para DJ

Desde títulos gratuitos como Mixx y Zulu hasta opciones estándar, pero caras, como Traktor y Serato, la mayor parte de los títulos de software para el DJ digital suelen tener diseños de interfaces similares a la configuración básica de la Figura 9-1, en este mismo capítulo.

Lo que diferencia a unos títulos de software son los elementos adicionales a este diseño fundamental. El software más básico sólo tiene los elementos de reproducción (con controles de pitch y sección de cue), una mesa de mezclas y la discoteca, sin efectos, ni visualización de onda para ayudarte a encontrar los tiempos de la música, y sin opciones para la conexión de hardware externo para el control del software.

Sin embargo, las versiones más recientes del software solventan estos problemas e incorporan numerosas funciones para ayudarte a crear mezclas con un sonido excepcional. Incluso Mixx y la versión gratuita de Zulu incluyen efectos, sincronización de tiempos automática y una visualización de onda para ayudarte a encontrar los puntos de cue y a hacer beatmatching.

Sincronización de tiempos automática

La sincronización de tiempos automática es una función muy atractiva. Se encarga automáticamente del beatmatching, y a veces incluso es capaz de hallar puntos de cue para ajustar a la perfección los compases y las frases, así que es muy fácil dejar simplemente que el software se encargue del asunto y limitarse a mover el cross-fader para mezclar los temas (¡y casi todo el software puede también tomar el control de esta función!).

Si estás ocupado añadiendo efectos, insertando samples y haciendo scratching como un loco y quieres darte más tiempo para ser creativo eliminando los aspectos más mecánicos del beatmatching, la sincronización de tiempos automática es una herramienta muy útil. Si no vas a hacer nada de eso y tienes todo el tiempo del mundo para hacer beatmatching correctamente, pero te apoyas tanto en la sincronización de tiempos automática que no haces más que mover el cross-fader de un lado al otro cada cuatro minutos, dejando que el ordenador se encargue del beatmatching y de la colocación de los temas, te estás negando la oportunidad de aprender una estupenda habilidad. Sí que eres un DJ, pero sólo a medias.

Pídeles ayuda a las ondas

Una forma de onda (como la que se muestra en la Figura 9-6) es una representación visual de la música. Cuando la música es fuerte y potente, la forma de onda es mayor; cuando es más silenciosa y tranquila, es menor. Así, los tiempos del bombo (que son fuertes y potentes) aparecen en la forma de onda como picos muy marcados. Mirando la forma de onda e identificando la posición de esos picos puedes averiguar dónde van a sonar los tiempos del bombo. Por ejemplo, en la Figura 9-6, una sección de música no tiene tiempos de bombo durante un período breve; éstos empiezan a sonar cuando empiezan a aparecer los picos.

Las visualizaciones de forma de onda no sólo te indican lo que va a suceder en los próximos segundos. Si alejas el zoom para ver toda la forma de onda de un tema, puedes saber cuándo la música pasa por las distintas partes de su estructura (para más información sobre la estructura de la música consulta el capítulo 15).

De esta forma puedes asegurarte de que el tema siguiente que vas a mezclar empiece en el lugar correcto y conseguir así un posicionamiento perfecto (consulta el capítulo 16).

Figura 9-6:

Forma de onda de un tema en Traktor Scratch Pro; los picos son tiempos de bombo.

Serato ayuda en la tarea de beatmatching al mostrar las formas de onda de dos temas lado a lado. Los picos de frecuencia distinta de la música son de colores distintos en la forma de onda, lo que significa que se puede distinguir entre un tiempo de bombo y uno combinado de bombo y caja. Examinar cómo suenan juntos los colores similares de la forma de onda cuando ajustas el pitch del tema en espera (el siguiente tema que quieres agregar a la mezcla) puede ayudarte a comprender el misterio de qué tema suena más rápido que el otro. Y, cuando picos de colores similares estén situados lado a lado, oirás que los tiempos se ajustan, y los golpes de bombo se sincronizan. Cuesta un poco acostumbrarse, pero, con algo de práctica, no es difícil.

La colocación perfecta y el ajuste de compases y frases musicales exige más atención, y sigue siendo necesario que escuches las partes de los temas que mejor se adaptan entre sí, pero las dos formas de onda en pantalla, lado a lado, pueden suponer una gran ayuda para el DJ que aún está peleándose con esto del beatmatching.

La forma de onda no es sólo para los DJ de beatmatching; los DJ de scratch también pueden sacar partido de ella. Mirando la forma de onda puedes localizar el sample con el que quieres hacer scratching. Si miras cómo la forma de onda se mueve atrás y adelante al hacer scratching, puedes asegurarte de que vuelves a las secciones correctas de ese sample (encontrarás más información sobre scratching en el capítulo 17).

Tomar el control

El factor que puede hacer que te inclines hacia un software u otro es la forma de controlarlo. Un software que sólo admite control mediante ratón y teclado puede ser difícil de usar con rapidez y creatividad, pero un software que te permite utilizar controladores externos, o incluso tus propios giradiscos o lectores de CD para pinchar la música te ofrece un montón de opciones, tanto creativas como interpretativas, ante un grupo de personas.

La mayor parte del software funciona con controladores hardware con conexión USB de empresas como Behringer, Hercules, Vestax, Denon, Pioneer, Numark y muchas más, pero asegúrate antes de comprar tanto el software como el hardware.

También hay cada vez más opciones para el control de configuraciones DVS (consulta “DVS con discos y CD”, en este mismo capítulo), y esto es lo que la mayoría de los DJ aspiran a utilizar. En mi opinión, los dos líderes son Serato y Traktor. Ambas marcas dominan el mundo de los clubes, y cada vez más clubes instalan el hardware necesario para utilizarlas adecuadamente en sus cabinas de DJ.

Yo tengo tanto Serato como Traktor, simplemente porque así no me tengo que preocupar de si un club usa uno o el otro, pero en casa utilizo Traktor, por su mayor funcionalidad. Sin el enlace a Live (consulta la sección siguiente), Serato está pensado para ser un programa de reproducción y mezcla de música fiable y fácil de usar, y no incorpora mucho valor añadido —como efectos—, mientras que Traktor tiene efectos incorporados e infinitas posibilidades de personalización para ayudarte a configurarlo y crear la mejor mezcla posible.

Animar tu opción de software

Las soluciones de DJ que emulan una configuración de doble lector de CD son geniales para los DJ tradicionales que pretenden mezclar un tema con otro, poner samples, hacer scratching y agregar efectos a la música, pero Live de Ableton (para Mac OS o PC) emplea una estrategia similar a la de un secuenciador para crear la mezcla, llevando la mezcla en el ordenador un paso más allá al permitirte remezclar cualquiera de los temas en directo durante la sesión.

Puedes utilizar Live en todas las fases del proceso musical, de modo que puedes crear la música y luego, como DJ, pinchar esa creación para el público. El software es tan versátil que te permite remezclar temas sobre la marcha, en directo ante el público, e incorporar instrumentos con control MIDI para crear una remezcla totalmente única y una sesión de DJ que nunca nadie haya oído ni, quizá, vuelva a oír jamás.

Antes de hacer beatmatching con Live se necesita cierta preparación, lo cual es un argumento que algunos DJ esgrimen para no utilizarlo. En lugar de tener un control de pitch para modificar la velocidad de las pistas, Live utiliza una función warp que te ayuda a cambiar el tempo del tema. Las canciones con warp en Live se vinculan al reloj interno de beats por minuto (beats [tiempo] por minuto) del programa, así que cambiar los beats por minuto de un tema de 135 a 138 beats por minuto no cuesta nada, y es instantáneo durante una actuación. Sin embargo, para que esta técnica no suponga esfuerzo alguno, es necesario dar puntos de referencia al software para que sepa ajustar los beats por minuto con rapidez. En Live, estos puntos de referencia se denominan marcadores de warp (warp markers), y se agregan a la visualización de forma de onda de Live.

El proceso de configuración suena algo complicado, pero no lo es. Si has pasado toda tu colección de CD a Live para una sesión, sólo necesitas un poco de tiempo para analizar las pistas y preparar cada canción con marcadores de warp para que Live pueda cambiar los beats por minuto cuando estés haciendo beatmatching.

En el pasado, algunas personas acusaban a los DJ que usaban Live de hacer trampas y de ser incapaces de hacer beatmatching, y decían que las sesiones de Live estaban preconcebidas y que no eran más que cintas de mezclas pasadas por el equipo de sonido. Sin embargo, los DJ Sasha, John Digweed y Gabriel & Dresden están entre los que utilizan Live: ya han demostrado que son unos maestros de su profesión, y emplean Live para ampliar su creatividad, no para hacer trampas con sus habilidades como DJ. Como del beatmatching se encarga esencialmente Live, los DJ pueden concentrarse en qué temas les apetece mezclar y cómo mezclarlos, y en crear los efectos y la superposición de pistas que construyen una mezcla con un sonido único.

Hay disponible una gran variedad de controladores y opciones para cualquier etapa del proceso musical en la que utilices Live, así que no vas a acabar viendo a un DJ observando un iMac y haciendo clic en un ratón. Con los interfaces y controladores de audio para hacer música, e interfaces de mesa de mezclas y de salida para el control de Live durante las actuaciones, no se puede acusar a nadie de falta de sentido estético por utilizar un ordenador con Live y unos cuantos controladores conectados. Para más información, consulta la página www.ableton.com (en inglés).

Crear puentes

Uno de los acontecimientos más emocionantes de los últimos tiempos para Live ha sido su asociación con Serato. Mediante un software de Serato llamado The Bridge, se puede utilizar Serato para mezclar temas con una configuración DVS (consulta la sección “DVS con discos y CD”), pero también utilizar las capacidades de remezcla de Live para convertir la mezcla en algo realmente increíble. Esta unión de Serato y Live mediante The Bridge transforma Serato de un robusto software de reproducción a un título imprescindible para los DJ creativos.

Explorar alternativas

Las grandes instalaciones de DJ digital con dos lectores de CD, dos giradiscos y una mesa de mezclas pueden ser apropiadas para sesiones grandes y complicadas, pero hay otras opciones disponibles, desde la muy sencilla función de DJ de iTunes hasta mezclar con iPods, iPhones y dispositivos MP3. Por desgracia, jugar a DJ Hero para Xbox o PlayStation no es realmente hacer de DJ...

DJ con iPods y unidades USB

Si quieres mantener el contacto con el mundo del DJ digital, pero no quieres llegar al punto de llevar siempre encima un ordenador, prueba las siguientes alternativas.

DJ con discos duros

Puedes utilizar discos duros con conexión USB, capaces de contener miles de archivos musicales, de diversas formas.

Si utilizas software en un ordenador durante tu labor como DJ, puedes hacerlo con un disco duro externo para ampliar tu espacio de almacenamiento. Si tu disco duro interno es sólo de 50 gigabytes, puedes almacenar en él unos diez mil temas. ¡Si añades un disco duro externo de 1 Tb (1 terabyte = 1.000 gigabytes), tienes ahora la capacidad de almacenar unos doscientos mil temas!

No sólo los DJ utilizan software de DJ para sacar provecho de esta ampliación de espacio. Los lectores de CD como el Pioneer CDJ2000, el Denon DNS1200 y muchos más de fabricantes como Numark, Gemini y Citronic permiten conectar una unidad de disco duro USB y reproducir, controlar y (si procede) agregar efectos a la música de la unidad igual que si se hubiera insertado un disco en el lector.

iBooth

Esencialmente, un iPod no es más que un disco duro externo. Sin embargo, la base de datos que contiene para la gestión de la discoteca hace que sea mucho mejor que una simple unidad USB con doscientas mil pistas en una carpeta.

Existen unas cuantas soluciones para iPod, la más básica de las cuales consiste simplemente en conectar dos iPods a una mesa de mezclas, pero esta solución no te permite cambiar el pitch de la música (que es imprescindible para hacer beatmatching), así que no es la opción ideal.

Los fabricantes de equipos para DJ han desarrollado unos cuantos recursos para que los DJ puedan utilizar iPods, desde una simple conexión que permite utilizar el iPod exactamente como si fuera una unidad de disco duro USB externa hasta conectar el iPod a un lector de CD o a una mesa de mezclas y poder acceder a la discoteca, pero con capacidad de reproducción limitada.

No obstante, si comparamos funcionalidad y coste, iDJ2 de Numark (que se muestra en la Figura 9-7) es, en mi opinión, el producto líder en el uso de iPods para DJ.

Figura 9-7:

El Numark iDJ2 ofrece una solución digital para DJ con iPod o DJ en general.

Nos espera un brillante futuro...

Imagino que el diseño definitivo para una instalación de hardware de DJ digital será uno que cubra todas las necesidades: una especie de navaja suiza de mesas de mezclas y controladores para DJ que le permita seguir con la tecnología digital o, si lo desea, utilizar giradiscos y lectores de CD. A pesar de que las combinaciones de funcionalidad ya existen, la mesa de mezclas definitiva para un DJ digital debería ser algo que le ofreciese un control total del software de DJ, la capacidad de reproducir, gestionar y tener un control total sobre la música almacenada en discos duros e iPods, una sección de mezcla comparable a la mesa más cara de Pioneer o Allen & Heath, y todo ello conectado entre sí mediante conexiones sencillas de un solo cable, en lugar de complicados cables múltiples.

Aunque algo como la Numark MixDeck se le acerca bastante, la mesa de mezclas definitiva aún no se ha comercializado. Pero ten presentes mis palabras: ¡no tardará mucho!

La función más impresionante del iDJ2 es la capacidad de reproducir dos pistas del mismo iPod al mismo tiempo. Con una pantalla LCD que facilita la navegación y gestión de la discoteca del iPod, una completa mesa de mezclas con controles de ecualización, controles de cue, medición (para garantizar que la salida de sonido es la mejor posible) y ajuste de la curva del cross-fader, este dispositivo ayuda al DJ de iPod a crear mezclas espectaculares.

La capacidad de conectar al iDJ2 giradiscos y lectores de CD, aparte de unidades de disco duro USB, lo hace ideal para los DJ que quieren tener a su disposición gran cantidad de música y opciones de formato con las que trabajar. Para más información sobre el iDJ2, visita la página www.numark.com/idj2 (en inglés).

Aunque sigue siendo funcional para muchos DJ, ten en cuenta que el modelo anterior, el iDJ, no permitía alterar el pitch de la música, algo esencial si quieres hacer beatmatch de tus temas. Así que, si tienes pensado hacer beatmatching y comprar una de estas soluciones para iPod, asegúrate de hacerte con el iDJ2, no el iDJ.

Mezclar sobre la marcha

Los DJ ya no necesitan estar encadenados a la cabina para mezclar sesiones magníficas. Los dispositivos portátiles y aplicaciones (apps) para smartphones no pueden sustituir una cabina tradicional de DJ, pero para sesiones breves y de pura diversión, han abierto la puerta de cristal para dejar que el DJ interprete desde fuera de la cabina.

Existen unos cuantos cacharros para DJ, pero en mi opinión, la Tonium Pacemaker es una de las consolas de mezcla portátiles más divertidas y eficaces que hay. Incluye todo lo necesario para hacer beatmatching, mezclar, añadir efectos y grabar tus mezclas, en un dispositivo de mano con espacio para almacenar más de quince mil pistas. Su uso es increíblemente intuitivo y creativo, y los resultados finales son, creo yo, asombrosos.

Para algo un poco más robusto, pero igualmente portátil, el Nextbeat de Wacom se puede montar como un aparato de sobremesa, para que el DJ lo utilice en la cabina, o bien, si quieres darle un toque de espectáculo a tu actuación como DJ, dispone de un control desmontable que te permite salir a un escenario, mezclarte con el público o irte hasta la barra, y mezclar una sesión fantástica mientras te pides algo de beber.

Las apps para iPhone pueden ayudarte a elegir un restaurante, ampliar el menú, reservar un taxi para volver a casa ¡y luego planificar una ruta en bicicleta para quemar el exceso de calorías al día siguiente! Pero mejor aún: si buscas en la App Store (necesitarás descargar iTunes de www.apple.com/es/itunes para acceder a ella), encontrarás aplicaciones que te permiten emular la cabina del DJ con tu iPhone.

Las apps como Quixpin DJ (mira la Figura 9-8) incluyen un montón de funciones, con dos decks de entrada, una completa mesa de mezclas con ajuste de la curva del cross-fader y los fundamentales controles de pitch para beatmatching. Un exhaustivo conjunto de modos de salida a través de los auriculares te permiten escuchar el tema siguiente antes de añadirlo a la mezcla (consulta el capítulo 12) y, si utilizas un divisor de audio en el conector de auriculares, puedes conectar tu iPhone a una mesa de mezclas de DJ y utilizarlo como dos decks independientes.

Figura 9-8:

App Quixpin DJ para iPhone.

Las apps de iPhone no sólo cubren el aspecto de mezcla. Apps que actúan como contadores de beats por minuto, giradiscos virtuales (para que puedas incorporar un tercer dispositivo y hacer con él un poco de scratching), apps de producción musical e incluso controladores para software como Serato y Traktor han contribuido a convertir el iPhone en la tercera mano que a veces necesitas durante tus sesiones.

Y estas apps no sólo existen para iPhone: los teléfonos Windows Mobile y Android disponen también de unas cuantas apps que puedes utilizar en tus labores de DJ. Busca por Internet las aplicaciones disponibles para tu teléfono.

Como sucede con las instalaciones de DJ más grandes, las conexiones de audio son muy importantes en el uso de dispositivos portátiles. Antes de desprenderte de tu dinero, comprueba que vas a poder conectar tu dispositivo a un amplificador, pero también que podrás conectar unos auriculares y escuchar el tema siguiente sin que el público lo oiga por los altavoces.

Otros aspectos que debes tener presentes es que tu dispositivo portátil esté totalmente cargado —si lo estás usando con la batería— y, si necesita conexiones Bluetooth o Wi-Fi para funcionar o enviar y recibir música, prueba todas las conexiones antes de intentar mezclar con público. En caso contrario, acabarás siendo esa persona de pie en un escenario frente a una multitud, con un teléfono en la mano y cara de espanto.

Aunque, bueno, ya que tienes el teléfono, siempre puedes aprovechar para llamar a un amigo...

Capítulo 10

Mézclate con las mesas de mezclas

En este capítulo:

Más información sobre las características más habituales de la mesa de mezclas.

Una mirada a las opciones avanzadas.

Elegir la mesa de mezclas apropiada para tu estilo de DJ.

Mantener tu mesa de mezclas en perfecto estado de revista.

Las mesas de mezclas son un tipo de bicho muy exigente. Incorporan montones de funciones y características, y te permiten manipular la música de muchas formas. Pero, en última instancia, las mesas de mezclas sólo hacen lo que tú les dices que hagan.

En este capítulo se explica cómo funcionan los principales controles de una mesa de mezclas y cómo se relacionan con tu estilo de DJ. Si entiendes estos conceptos, estás en el buen camino para adquirir la mesa de mezclas apropiada.

Familiarízate con los controles de la mesa de mezclas

En tu camino como DJ te cruzarás con una amplísima gama de mesas de mezclas. Puede que algunas ya las conozcas, pero habrá otras que no habrás visto en la vida. Si conoces las características de una mesa de mezclas y cómo utilizarlas, lo más probable es que nunca pulses por accidente el botón equivocado y cortes el sonido.

Bueno, a lo mejor “nunca” es demasiado radical...

Entradas

Una mesa de mezclas habitual de DJ acepta tres métodos de entrada distintos:

missing image file  Entradas Phono para giradiscos.

missing image file  Entradas MIC para micrófonos.

missing image file  Entradas Line para todo lo demás.

Las mesas de mezclas digitales profesionales también incluyen entradas S/PDIF, USB y Firewire para conectar soportes digitales (como CD, MiniDisc y PC) y suministrar música con la máxima calidad posible. Para más información sobre cómo conectar estas entradas y las entradas estándar de la lista, consulta el capítulo 13.

Entradas Phono

A fin de que quepa toda la información en el vinilo, los discos están grabados de una forma especial. La mesa de mezclas necesita convertir la señal recibida del giradiscos de una manera completamente distinta a lo que hace con un lector de CD o con cualquier otro dispositivo, y para esa conversión se emplea la entrada Phono.

Entradas de línea

El resto de los equipos (lectores de CD, reproductores de MP3, reproductores de MiniDisc, la salida de audio de tu ordenador o de tu lector de DVD, etc.) envían a la mesa de mezclas una señal de línea. Si quieres utilizar cualquiera de ellos, debes usar la entrada Line de la mesa de mezclas.

En una mesa de mezclas de dos canales, ambos disponen de una conexión de entrada Line y una Phono. Eso significa que puedes conectar dos giradiscos y dos lectores de CD a una mesa de mezclas de dos canales, y usar el conmutador Line/Phono para seleccionar como entrada, para cualquiera de los dos canales, el lector de CD o el giradiscos.

Entradas de micro

Aparte de admitir dispositivos de reproducción como giradiscos y lectores de CD, la mayor parte de las mesas de mezclas tienen también entradas XLR (cannon) o de jack de 6,35 milímetros para conectar un micrófono. Generalmente incluyen un control de volumen y un ecualizador independientes para regular las frecuencias graves, medias y agudas de tu voz con el fin de que ésta suene fantástica cuando hables al público.

Salidas

Las mesas de mezclas básicas suelen tener dos salidas; las mesas de mejor calidad tienen al menos tres.

missing image file  Master Out se conecta a un amplificador. En la pantalla LED de la mesa de mezclas se muestra la potencia de la señal musical que se envía por la salida Master Out al amplificador. Cuanto más potente sea la señal, menos tendrás que subir el volumen del amplificador. Pero si la señal es demasiado potente, puede causar distorsión en el sonido, porque el amplificador no es capaz de procesarla correctamente.

missing image file  Record Out es la salida para enviar la música a un dispositivo de grabación, como un grabador de CD, una grabadora digital o un ordenador. Los LED de salida de la mesa de mezclas no tienen nada que ver con la potencia de la señal que se envía al dispositivo de grabación a través de esta conexión. Sólo los faders de canal (los faders verticales) y el control de ganancia (que modifica la potencia de entrada de la señal desde los giradiscos o lectores de CD) afectan a la potencia de la señal que se envía a un dispositivo de grabación.

missing image file  Booth Out envía una señal a un altavoz independiente situado en la cabina del DJ para que tú también puedas oír la música. Esto es esencial en un club grande, en el que los altavoces principales pueden estar lejos. El retraso del sonido entre esos altavoces y tus oídos puede dificultar mucho la labor de beatmatching.

Para más información sobre cada una de estas salidas y la forma de conectarlas a sus destinos previstos, consulta el capítulo 13.

Múltiples canales

Aunque puedes tener dos giradiscos y dos lectores de CD conectados a una mesa de mezclas de dos canales y pasar de Línea a Phono, es mucho más cómodo tener un canal específico para cada entrada. También necesitarás más de dos canales en la mesa de mezclas si quieres utilizar tres lectores de CD o tres giradiscos, porque no puedes conectar un giradiscos a la entrada de línea, ni un lector de CD a la entrada de Phono de la mesa.

Una mesa de mezclas con tres o cuatro entradas puede satisfacer la mayor parte de las necesidades de un DJ; ¡y, si necesitas más de cuatro canales para utilizar todos tus equipos, a mí me preocuparía más la factura de la electricidad que tener un lugar donde conectarlo todo!

Cross-faders

El cross-fader (Figura 10-1) es un simple slider horizontal que te permite cambiar la música que sale de la mesa de mezclas de un dispositivo de entrada a otro. El cross-fader se parece bastante al mando de la ducha que hace posible ajustar la cantidad de agua fría y caliente. Puedes obtener sólo fría, sólo caliente y un montón de combinaciones intermedias.

Figura 10-1:

Cross-fader en una mesa de mezclas.

Cuando te hayas secado bien, acércate a tu equipo de DJ. El tema A entra por el canal 1 en una mesa de mezclas de dos canales (y suele ser el giradiscos o el lector de CD situado en el lado izquierdo de la mesa) y el tema B entra por el canal 2 (en el lado derecho de la mesa de mezclas).

Con el cross-fader en el extremo izquierdo, sólo se oye el tema A. Cuando el cross-fader está totalmente hacia la derecha, no se oye más que el tema B.

No obstante, el cross-fader adquiere protagonismo cuando se encuentra en cualquiera de las posiciones intermedias. Si el cross-fader está en el centro, la salida de la mesa de mezclas es tanto el tema A como el tema B, y si se encuentra hacia la izquierda del centro, se oirá más el tema A que el B (y viceversa).

Figura 10-2:

Curva de cross-fader simple.

Lo que se llama curva del cross-fader dicta cuánto más fuerte se oye el tema A que el tema B. La curva del cross-fader controla con qué rapidez un tema reduce su volumen y el otro lo aumenta al mover el cross-fader de un lado al otro. Las Figuras 10-2, 10-3 y 10-4 muestran algunas curvas de cross-fader habituales. La primera reproduce una curva de cross-fader simple.

missing image file  En la posición 1 marcada en el cross-fader, el canal 1 está al máximo y el canal 2, en silencio.

missing image file  En la posición 2, ambos temas suenan a alrededor del 90 por ciento de su volumen máximo.

missing image file  En la posición 3, el canal 2 está al máximo y el canal 1 está en silencio.

La curva de cross-fader de la Figura 10-3 ayuda a impedir que ambos temas atruenen los altavoces simultáneamente casi al máximo volumen.

missing image file  En la posición 1, el canal 1 está al máximo y el canal 2, apagado.

missing image file  En la posición A, el canal 1 sigue al máximo, el canal 2 está empezando a entrar (sonando aproximadamente al 10 por ciento de su volumen máximo en esta fase).

missing image file  En la posición 2, ambos temas suenan al 80 por ciento de su volumen normal.

missing image file  En la posición B, el canal 2 suena ahora a volumen máximo y el canal 1 suena al 10 por ciento del volumen.

missing image file  Y, en la posición 3, el canal 2 suena a volumen máximo, mientras que el canal 2 está en silencio.

Figura 10-3:

Corte de entrada más rápido en la curva del cross-fader.

Aunque esta curva es similar al primer ejemplo, la línea recta de esta “curva” hace entrar gradualmente un tema al tiempo que elimina el otro, mientras que la curva de descenso del primer ejemplo mantenía los temas sonando juntos durante más tiempo a un nivel de volumen superior.

En la Figura 10-4 se muestra la curva de cross-fader preferida para muchos DJ de scratch, debido a la velocidad con la que se puede hacer entrar (hacer audible) el segundo tema a volumen máximo.

missing image file  En la posición 1 se muestra el canal 1 al máximo y el canal 2, apagado.

missing image file  En la posición A, ambos canales suenan a máximo volumen, y ha bastado un pequeño movimiento del cross-fader para llegar ahí.

missing image file  Esa situación permanece constante hasta la posición B.

missing image file  En la posición 3, el canal 2 está al máximo y el canal 1 ha sido eliminado.

Figura 10-4:

Una curva más inmediata, “de scratch”, para el cross-fader.

También puedes obtener una curva en forma de X recta, que va apagando un tema al tiempo que introduce el otro exactamente en la misma proporción a lo largo del movimiento. Si el tema A suena al 10 por ciento, el tema B suena al 90 por ciento; si el tema A suena al 73 por ciento, el tema B suena al 27 por ciento, etcétera (lo más probable es que el control de tu ducha también tenga esta curva de cross-fader).

Hay mesas de mezclas que incorporan un único tipo de curva de cross-fader, pero la mayor parte de las mesas de gama media-alta incluyen un procedimiento para cambiar la curva del cross-fader seleccionando curvas predefinidas con un conmutador o bien un control que te permite crear la curva que quieras.

Faders de canal

Los faders de canal son los faders que van de arriba abajo y controlan el volumen al que la música sale de la mesa de mezclas cuando el cross-fader está en uno de los extremos, dando paso a toda la potencia de uno de los canales.

Podemos volver a visitar el cuarto de baño y pensar en los faders de canal como los grifos de la ducha. Aunque el mezclador de agua (el cross-fader) esté regulado para dejar pasar sólo agua fría, si no abres el grifo del agua fría, no sale nada. Así que, aunque el cross-fader te deja mezclar agua fría y caliente para que por la ducha salga agua a la temperatura apropiada, los faders de canal controlan cuánta agua fría y cuánta agua caliente hay disponible para mezclar.

Volviendo a la cabina del DJ, la capacidad para variar el volumen de los dos canales, así como mezclar con el cross-fader, ofrece un control sobre la mezcla extremadamente preciso. Si utilizas los faders de canal en combinación con el cross-fader moviéndolos hasta los extremos, obtendrás el tipo de curva que se muestra en la Figura 10-5.

Figura 10-5:

Las curvas de cross-fader carecen de límite cuando se utilizan tanto los faders de canal como el cross-fader.

El capítulo 16 habla sobre el uso de los faders de canal para que tus mezclas suenen realmente profesionales.

Monitorizar con auriculares

La sección de auriculares de la mesa de mezclas es simple, pero excepcionalmente importante. Conecta tus auriculares al conector de jack de 6,35 milímetros (si utilizas minijack, como el de los auriculares de tu iPod, necesitarás un conversor de minijack a jack para ello). Utiliza el control de volumen de los auriculares (que, por cierto, no es necesario que pongas al máximo) junto con los controles de cue para escuchar los canales individuales de tu mesa de mezclas (o varios juntos al mismo tiempo).

Los controles de cue de los auriculares están divididos en dos funciones:

missing image file  Elegir qué suena en los auriculares

missing image file  Controlar cómo suena la música en los auriculares

Cada uno de los canales de la mesa de mezclas tiene asignado un botón Cue o PFL (pre-fade listen, escucha pre-fade). Al pulsarlo, se puede escuchar la música de ese canal sin necesidad de que suene a través de los altavoces principales. Esta función te permite escuchar cualquier combinación de canales de la mesa de mezclas en cualquier momento. Puedes escuchar el canal 1 solo o al mismo tiempo que el canal 2, o hacer que los canales 1, 2, 3 y 4 suenen en los auriculares. Aunque puede que esto último no suene muy bien...

Los auriculares se utilizan para buscar el punto de inicio (llamado cue) del siguiente tema que quieras pinchar, pero los DJ de beatmatching también los emplean para comprobar que los tiempos de ambos temas se sincronicen. Esto es lo que se conoce como beatmatching, y es el concepto fundamental para el DJ de house/trance. Consulta el capítulo 14 para descubrir cómo los DJ utilizan los auriculares para ajustar los tiempos, y cómo las siguientes formas de escuchar música en los auriculares pueden darte más control sobre el proceso de beatmatching:

missing image file  La función headphone mix (mezcla de auriculares) te permite escuchar los dos temas en estéreo en tus auriculares, y un minicross-fader o mando giratorio te permite controlar el volumen relativo de ambos temas (exactamente como un cross-fader, pero para tus auriculares). La mezcla de auriculares es especialmente útil porque te permite comprobar cómo suenan los dos temas juntos antes de que se oigan en la pista de baile y que los tiempos de ambos temas se sincronicen sin que lo oiga nadie más.

missing image file  Split cue (dividir) envía el canal seleccionado al auricular izquierdo y el otro al auricular derecho (como si escuchases un tema por los auriculares mientras mantienes un oído atento a la pista de baile). Split cue es un salvavidas si no dispones de un monitor (altavoz) en la cabina de DJ y el retraso de los altavoces de la pista dificulta comprobar si los tiempos están o no sonando simultáneamente.

Ecualizadores y kills

Los controles EQ o ecualizadores de una mesa de mezclas te permiten aumentar o reducir la potencia en tres amplias bandas de frecuencia musical: altos, medios y bajos. Ese cambio se mide en decibelios (abreviado como dB) y, aunque las mesas de mezclas te permiten incrementar las bandas de ecualización en +12 decibelios o más, lo más importante para el DJ es en qué cantidad las reducen.

Un ajuste de corte en un pote (jerga profesional para potenciómetro, un mando rotatorio) elimina completamente del tema la banda de frecuencia ecualizada. Así que, cuando cortas los graves de un tema, lo único que oyes son los metálicos golpes del charles (el sonido tchsss-tchsss de la batería) y las frecuencias medias (las voces y la melodía principal del tema).

La diferencia entre un pote de ecualizador y un botón de kill (“matar” en inglés) es que el ecualizador permite al DJ variar qué parte de la frecuencia quiere cortar, desde un poco hasta la banda entera, mientras que un botón de kill elimina instantáneamente la frecuencia de graves al pulsarlo, y la vuelve a incluir al pulsarlo de nuevo. ¡Blanco o negro, nada de grises!

Los ecualizadores de una mesa de mezclas cumplen dos objetivos. En primer lugar, permiten que el tema que estés pinchando suene estupendamente; si los bajos (graves) suenan demasiado fuertes por los altavoces, puedes reducirlos con el ecualizador de bajos, y si la música suena demasiado estridente, reducir los controles de altos y medios puede resolver el problema.

Pero, aparte del proceso de sonido, los ecualizadores son esenciales para el DJ que quiere que la transición (mezcla) entre temas sea lo más suave posible. Si tienes la oportunidad de estudiar en detalle el trabajo de DJ como Paul Oakenfold, Tiesto y Sasha, verás lo mucho que utilizan los ecualizadores en sus mezclas. El capítulo 16 contiene una sección entera dedicada al uso de los ecualizadores para crear mezclas suaves y perfectas, y el capítulo 21, una sección sobre proceso de sonido con ecualizadores.

Monitorización de VU de entrada

Tu mesa de mezclas incluye un visualizador de VU (volume unit, unidad de volumen) para mostrar la intensidad de la señal que sale de la mesa, y una importante mejora de esta función es la opción de comprobar la potencia de la señal que entra en la mesa de mezclas.

La visualización normal de salida de una mesa de mezclas consiste en dos líneas de LED, una en la que se muestra la potencia del lado derecho del estéreo, la otra la del lado izquierdo. Algunas mesas ofrecen al DJ la opción de cambiar la visualización, de forma que la línea izquierda de LED muestra la potencia de entrada del canal 1 y la derecha, la del canal 2. O bien, en el caso de mesas de mezclas como la Pioneer DJM-600, una línea independiente de LED junto a los controles de ecualización de cada canal muestra la potencia de la señal de entrada, y la visualización Master Output muestra siempre la potencia de la señal que sale de la mesa.

Controles de ganancia

Los controles de ganancia no son simplemente otro control de volumen. No hay que considerarlos como una forma de afectar al volumen que sale de la mesa de mezclas, sino puramente como una forma de afectar a la música que entra en la mesa.

Si los LED de nivel de entrada del canal 1 están a cero decibelios, iluminándose ocasionalmente hacia la zona roja de +3 decibelios, y los LED del canal 2 muestran que la señal de entrada está claramente por debajo de los cero decibelios, puedes utilizar el control de ganancia para incrementar el nivel de entrada del canal 2 con el fin de ajustarlo al canal 1. Si mezclas del canal 1 al canal 2 sin ajustar los niveles de entrada, notarás una caída del volumen, aunque ambos faders de canal estén al máximo. Los controles de ganancia (y los LED de nivel de entrada) te permiten obtener este nivel directamente en la fase de entrada, para que no te entre el pánico en la fase de salida, cuando ya es demasiado tarde.

Si tu ecualizador de bajos está ajustado para cortar o matar (kill) la banda en el momento en que compruebas el nivel de entrada del canal, puede parecer que este nivel es mucho más débil de lo que realmente es. Si luego vuelves a incluir las frecuencias bajas en la música, tus altavoces no estarán muy contentos contigo, porque el volumen será excesivo y es posible que estropees los altavoces (¡o, al menos, tu reputación de DJ!). Para más información sobre el uso de niveles de entrada para que la mezcla tenga un volumen uniforme, ve al capítulo 13.

Controles de balance y pan

El control de balance dicta de qué altavoz viene el sonido. Cuando el control está a la izquierda, la música sólo sale del altavoz izquierdo, y a la inversa si está a la derecha; cuando el control está centrado, la música sale de ambos altavoces; como ves, funciona como el control de balance de tu equipo de alta fidelidad doméstico. Sin embargo, algunas mesas de mezclas tienen controles de balance (llamados a veces controles de pan) en cada canal, en lugar de tener un control único que afecte a la Master Output de la mesa. ¿Y para qué quiero controles de balance en cada canal? A veces, por ejemplo, si tienes el control de pan de un canal desplazado totalmente a la izquierda y otro totalmente a la derecha y pones el cross-fader centrado, el efecto de tener un tema en un oído y otro en el otro puede sonar muy bien (si has elegido los temas apropiados y los golpes de bombo de ambos suenan a tempo). Esta función suena bien con tiempos simples, sobre todo si cambias constantemente el balance durante la mezcla.

Interruptor hamster

Las mesas de mezclas que utilizan los DJ de scratch suelen incorporar un interruptor hamster, que simplemente invierte el control del cross-fader (pero los faders de canal se quedan igual). Así, en lugar de oír el canal 1 cuando el cross-fader está en el extremo izquierdo, ahora se oye el canal 2, y viceversa. Consulta el capítulo 17 para más información sobre scratching y por qué existe el interruptor hamster (y por qué tiene un nombre tan extraño).

Controles punch y transform

Si tienes el cross-fader completamente desplazado al canal 2 (lo que yo llamo cerrado en el canal 2), al pulsar el botón Punch la salida cambia al canal 1 hasta que lo sueltes. Advierte, sin embargo, que algunas mesas de mezclas no tienen en cuenta dónde dejas los faders de canal, sino únicamente dónde ajustas los controles de ganancia, así que comprueba que los ajustas correctamente si no quieres experimentar una inmensa caída (o pico) de volumen al pinchar el otro canal.

Los controles de transform se pensaron como mejora de la técnica de meter y sacar por completo de la mezcla (oírlo y dejarlo de oír) uno de los canales de la mesa mediante el uso del conmutador Line/Phono. Cuando se utilizan giradiscos, al accionar este conmutador y ponerlo en Línea, la música se corta (si empleas un lector de CD, lo mismo pasa al ponerlo en Phono). El problema es que con frecuencia se oye un ruido de clic o pop al hacer el cambio, así que los controles de transform se pensaron para hacer lo mismo pero sin ruidos al utilizarlos (el botón Punch hace lo mismo que los controles de transform si no hay nada sonando por el otro canal).

Efectos incorporados

Aunque algunas mesas de mezclas ofrecen efectos de sonido como sirenas y bocinas, en realidad no me estoy refiriendo a este tipo de efectos. En lugar de tener que utilizar un procesador de efectos externos, las mesas de mezclas como la Pioneer DJM-600 tienen efectos incorporados, como flanger, echo, delay, transform, pitch, loop y reverb que puedes asignar a cada canal o a la salida Master Output. Estos efectos son una forma espléndida de modificar el sonido de la música, o de la transición entre temas.

Los efectos más comunes en las mesas de mezclas son los siguientes:

missing image file  Delay (retraso) repite una parte del tema mientras el resto sigue sonando. Especialmente útil para repetir frases musicales en partes más tranquilas de las pistas, o para doblar tiempos de bombo y poner tres tiempos cuando sólo sonarían dos.

missing image file  Echo (eco) es similar a la función de delay, salvo que la música se va apagando al repetirse para crear un efecto de eco. Útil también en las partes más tranquilas del tema (o para rematar la sesión).

missing image file  Auto pan (autodesplazamiento) cambia la música del altavoz izquierdo al derecho (y de vuelta).

missing image file  Transformer (transformador) corta por completo el sonido a la velocidad configurada. Es una buena forma de crear un efecto de “tartamudeo” con el crescendo de la música o durante un scratch (consulta el capítulo 17 para saber cómo llevar a cabo un transform manualmente).

missing image file  Filter (filtro) manipula las frecuencias de sonido de la música para alterar su cualidad tonal eliminando y luego reemplazando un intervalo de frecuencias. Utilizar el filtro no es lo mismo que utilizar los ecualizadores de la mesa de mezclas para eliminar y volver a poner frecuencias, porque además se agrega un sonido específico.

Si alguna vez has estado en la playa y apoyado una concha marina en la oreja, el sonido resonante que se oye en la concha es similar al efecto de barrido del filtro eliminando y volviendo a poner frecuencias en la música, como si dentro de la concha hubiese un minúsculo DJ cangrejo...

El efecto de filtro no siempre suena con esa especie de barrido. Ciertos filtros te permiten seleccionar un intervalo de frecuencias, agregar el efecto de filtro con resonancia y mantener la música en ese mismo estado hasta que se desactiva o modifica el filtro.

missing image file  Flanger (reborde) agrega un sonido de “swoosh”, como si la música sonara a través de un motor de reacción al subir y bajar, conservando toda la gama de frecuencias (y, generalmente, potenciando las frecuencias bajas) de la música. Es el efecto más sobreutilizado de la historia (pero ¡es genial la primera vez que lo usas!).

missing image file  Reverb (reverberación) agrega reverberación a la música, de modo que suena como si estuvieses en una sala inmensa. Si lo pones al máximo, es como escuchar la música desde los lavabos de un club.

missing image file  Pitch shifter (desplazamiento de tono) puede cambiar el tono de la música. Es útil para intentar adaptarse al tono de otro tema, pero no todas las mesas de mezclas son capaces de hacerlo bien.

También puedes encontrar, desde luego, otros efectos. Esta lista la saqué de la Pioneer DJM-600 que yo utilizo.

Send and Return de efectos

La función Send and Return (Envío y Retorno) de efectos permite enviar sólo un canal de la mesa de mezclas para procesarlo en un procesador de efectos externo (como el Pioneer EFX- 1000, por ejemplo), añadir el efecto más vistoso que te apetezca y luego devolverlo en un abrir y cerrar de ojos para utilizarlo en la mezcla. Mientras, el resto de los canales de la mesa de mezclas no quedan afectados. En el capítulo 13 se da una descripción detallada de las conexiones Send and Return con un procesador de efectos.

Samplers incorporados

Los samplers (“muestras”, en inglés) son geniales, porque te permiten tomar un fragmento de voz breve o unos cuantos compases de tiempos de un tema y extenderlos, o presentar una mezcla haciendo sonar estos samples. Las mesas de mezclas para DJ que incorporan samplers pueden grabar samples de corta duración; para algo más largo necesitarás adquirir un sampler independiente.

Un ejemplo de uso de un sampler es la canción de la década de 1990 Nighttrain, de Kadoc. Al principio del disco, James Brown dice “All aboard, the Nighttrain”. Si se graba este sample de voz en el sampler y se hace sonar un poco antes de iniciar la mezcla, se crea la expectativa de lo que está por venir. Yo solía hacer esto como scratch (en el capítulo 17 explico cómo), pero el sampler simplificó en gran medida el proceso.

Los mejores samplers disponen de controles de loop (“bucle” en inglés), con los que el sample se convierte en un loop que se repite una y otra vez de forma uniforme, lo que significa que puedes extender la mezcla casi tanto como quieras. Un buen uso de esta técnica es grabar cuatro compases de tiempos en el sampler y hacer un loop con ellos para extender la outro de un tema, o agregar tiempos encima de un break para seguir suministrando energía a la pista de baile.

Contadores de tiempos incorporados

Los contadores de tiempos ofrecen una visualización de los tiempos (beats) por minuto (BPM) del tema que estás pinchando. Las mesas de mezclas de dos canales con contadores de tiempos incorporados tienen a veces un contador por canal. Las mesas de mezclas de múltiples canales pueden tener un contador por canal, o dos contadores que puedes asignar al canal que prefieras, algo que puede ser muy útil para los DJ de beatmatching. Al poder comparar visualmente los beats por minuto de dos temas puedes saber cuánto tienes que acelerar o ralentizar el tema siguiente para ajustarte a los beats por minuto del que está sonando en ese momento.

Un contador de tiempos que muestre los beats por minuto hasta el primer decimal (por ejemplo, 132,7) es más preciso que uno que sólo muestre números enteros. Si uno de los temas suena a 131,6 beats, y el otro a 132,4, y el contador se limita a redondear las cifras y mostrar ambas como 132, se equivoca de 0,8 beats por minuto, lo que representa una gran diferencia a la hora de hacer beatmatching.

Los contadores de tiempos pueden ser muy valiosos para el principiante para ayudarle a entender lo que sucede con los tiempos y a ajustar el oído para medir cuándo un tema va demasiado rápido o demasiado lento, pero también pueden ser un verdadero estorbo. Si vas a recurrir a un contador de tiempos durante el desarrollo de tus habilidades de beatmatching, necesitarás también disciplina para no confiar en él. En caso contrario, la primera vez que estés ante una mesa de mezclas que no disponga de contador de tiempos (lo cual sucederá con bastante frecuencia en los clubes) y se espere de ti que hagas beatmatching sólo con tus oídos, verás que te resulta muy difícil y posiblemente te metas en un problema...

Indicadores de tiempos luminosos

Los indicadores de tiempos luminosos son pequeñas luces LED que se encienden a tempo con el ritmo del tema. Mirando si las luces de los dos temas se encienden en sincronía, podrás decir si los tiempos están sincronizados.

Los indicadores de tiempos luminosos son bonitos de ver en la oscuridad, pero opino que son prácticamente inútiles en comparación con tus oídos.

Controles MIDI

Aunque la interfaz MIDI (Musical Instrument Digital Interface) puede conectar una mesa de mezclas con un procesador de efectos, lo que permite un control sobre cómo activar estos efectos, la principal aplicación del control MIDI se ha convertido en el control de diversos aspectos del software en un ordenador directamente desde la mesa de mezclas del DJ.

Mediante conexiones MIDI se pueden disparar samples, controlar efectos y localizar y poner en marcha cues desde la mesa de mezclas, en lugar de tener que utilizar el teclado y el ratón (u otro hardware independiente). Las capacidades del MIDI en una mesa de mezclas de DJ se incrementan a medida que aparecen equipos nuevos, y han quedado limitadas únicamente por el alcance del software.

Elegir la mesa de mezclas adecuada

Distintas mesas de mezclas son adecuadas para distintos tipos de DJ. Si tienes previsto gastarte mucho dinero en tu mesa de mezclas, asegúrate de que la que compras incluye las características adecuadas en función de tu estilo de mezcla:

missing image file  El DJ de mezcla continua necesita una mesa de mezclas que haga que todas las mezclas suenen perfectas controlando los niveles y las frecuencias del sonido de cada tema durante la mezcla.

missing image file  El DJ de scratch necesita recortar y cambiar de pista a pista con un elegante cross-fader en la mesa de mezclas.

missing image file  Al DJ de efectos no le basta el sonido de los temas tal como los crearon los productores originales, y quiere tener la opción de incorporar distintos sonidos y efectos a la música, convirtiéndola en única en cada actuación.

missing image file  El DJ de bodas utiliza la mesa de mezclas como herramienta para cambiar entre una amplia variedad de estilos de música.

El DJ de mezcla continua

La mesa de mezclas de club o house es la que utilizan los DJ de house, trance o drum-and-bass, o cualquiera que necesite un control total sobre el sonido de la música cuando está mezclando para crear la mejor transición de un tema a otro. Así, otra de las formas como se denomina a este tipo de DJ es “DJ de mezcla continua”.

Si eres un DJ de mezcla continua, las características importantes que necesitas en tu mesa de mezclas son:

missing image file  Ecualizadores para controlar totalmente el sonido de cada tema, con la habilidad para cortar o matar las frecuencias con el fin de ayudarte a pulir la mezcla.

missing image file  Múltiples canales, para poder utilizar más de dos lectores de CD, reproductores de MP3 o giradiscos al mismo tiempo.

missing image file  Monitorización con auriculares lo más completa posible, con mezcla de auriculares y, a ser posible, split cue para los casos en que no dispongas de un monitor en la cabina del DJ.

missing image file  Medidores fáciles de usar (y de ver) que muestren el nivel de entrada, así como el nivel de salida de la mesa de mezclas.

missing image file  Los contadores de tiempos y efectos incorporados, aun no siendo esenciales, son una gran herramienta para el DJ de mezcla continua.

La mesa de mezclas de house puede ser bastante grande, y los controles están bastante espaciados para evitar el riesgo de pulsar algo por accidente, lo que podría suceder si los controles estuvieran apretados.

El DJ de scratch

Aunque los DJ de scratch pueden utilizar las mismas mesas de mezclas que los DJ de mezcla continua, las mesas de mezclas de batalla están pensadas especialmente para scratching. Con sólo dos canales, aprovechan bien el espacio para que el DJ pueda disponer de un control sin obstáculos de los faders de canal y de un cross-fader robusto y de movimiento fluido.

Aunque no son en absoluto esenciales, los controles adicionales como botones Punch y Transform, así como interruptores hamster y controles de la curva del cross-fader se están convirtiendo en herramientas estándares para el DJ de scratch. Muchas mesas de mezclas de scratch incorporan efectos y contadores de beats por minuto, ¡aunque yo creo que acabaría mareándome si tuviese que usar todo eso y hacer scratch al mismo tiempo!

El diseño de la mesa de mezclas de batalla es tan importante como las funciones que ofrece (mira la Figura 10-6). Como los controles más importantes en una mesa de mezclas de scratch son el cross-fader y los faders de canal, estos tres controles ocupan mucho espacio y están despejados de posibles obstáculos. A tal fin, el conector de auriculares se encuentra en la parte frontal de la mesa (con frecuencia junto al ajuste de la curva del cross-fader) para que no sobresalga de la mesa de mezclas, donde acabarás por darle un golpe.

La parte más importante de cualquier mesa de mezclas de batalla es el cross-fader y su funcionamiento. Como durante el scratching se hacen muchos movimientos rápidos con el fader, no es bueno que presente la más mínima resistencia, así que necesitas tener un cross-fader con un movimiento lo más fluido posible.

El scratching es increíblemente exigente con el cross-fader, y tiene que ser resistente y reemplazable (o, al menos, que puedas limpiarlo hasta que te puedas permitir comprarte otro). Los nuevos diseños de cross-faders sin contacto, ópticos y magnéticos, de fabricantes como Rane y Stanton están incrementando la vida útil, la durabilidad y la facilidad de uso de este elemento. Pero no te preocupes: el cross-fader estándar de una mesa de mezclas de batalla es lo bastante bueno para desarrollar las técnicas básicas.

Figura 10-6:

Vestax VMX-002XL. Observa el conector de auriculares en la parte frontal (abajo a la derecha).

El DJ de efectos

Los ecualizadores y el diseño de la mesa de mezclas de club para el DJ de mezcla continua son perfectos para el DJ de efectos, aunque, con frecuencia, éste exige algo más que los efectos incorporados disponibles en una mesa de club.

En este caso, la función Send and Return de la mesa de mezclas puede ser especialmente importante, porque es la que te permite enviar canales individuales a un procesador de efectos y agregar los efectos que quieras, sin tener que afectar a la salida entera de la mesa de mezclas.

Sin embargo, cada vez es más habitual que el DJ de efectos se quede con el proceso de efectos del software en una instalación de DJ digital, en lugar de utilizar un procesador de sonido externo. En este caso, una mesa de mezclas con una buena función de MIDI representará una gran ventaja creativa, ya que dará acceso instantáneo a los efectos del software y un control mejorado de la reproducción de la música.

El DJ de rock/fiestas/bodas

La música que pinchan estos DJ es más importante que la forma en que la mezclan. Muchos DJ creativos pinchan este tipo de música, que exige características similares a las que necesita el DJ de mezcla continua y el DJ de efectos, pero a una gran parte de ellos lo que realmente les preocupa es la música, y sólo quieren poder pasar de un tema a otro con un fader. Así, la mayor parte de DJ de fiestas no necesitan una mesa de mezclas muy cara y llena de funciones. Los múltiples canales pueden ser útiles si vas a utilizar más de dos lectores de CD, reproductores de MP3 o giradiscos, pero normalmente basta un montaje simple con dos o tres canales de entrada como máximo.

El control del sonido con ecualizadores al mezclar de un tema a otro para que el cambio parezca uniforme no es una característica muy importante para el DJ de fiestas, a diferencia del DJ de mezcla continua, por ejemplo. No obstante, los ecualizadores pueden ayudar a eliminar algunas frecuencias bajas o agregar algunas altas para intentar compensar el mal sonido en distintos tipos de entornos. Un ecualizador general en el amplificador, que afecte únicamente a la salida de sonido entera, probablemente es suficiente, pero si estás considerando la opción de cambiar el sonido de cada tema que pinches, necesitarás ecualizadores para cada uno de los canales de la mesa de mezclas.

Los controles de ecualización del micrófono son importantes para que tu voz suene viva por encima de la música y puedas controlar la noche con claridad.

Por descontado, el micrófono que utilices debe ser de buena calidad. Uno de los caballos de batalla en el mundo de los micrófonos, con el que (en mi opinión) nunca te irá mal es el Shure SM58; su sonido es genial, es simple de conectar y es casi indestructible (pero, por favor, no intentes demostrar que me equivoco).

Los contadores de tiempos incorporados son más bien superfluos, porque la música para fiestas tiene beats por minuto muy variados. Desde Delilah de Tom Jones, con 64 beats por minuto, a Livin’ La Vida Loca de Ricky Martin, con 178 beats por minuto, la variación es tan amplia que es prácticamente imposible hacer beatmatching. Sin embargo, consulta el capítulo 16, donde hablo de un buen truco que te permitirá hacerlo.

En cuanto a los efectos incorporados, aparte de utilizar reverb en tu voz cuando hables a la gente que está en la pista de baile, no serán demasiado útiles para la mayor parte de los DJ de fiesta. Aunque me encantaría oír cómo suena un efecto de flanger sobre Build Me Up, Buttercup...

Mantenimiento de tu mesa de mezclas

Aunque tu giradiscos o lector de CD es la parte de tu equipo con más piezas mecánicas móviles, la parte que tiene más probabilidades de tener problemas antes —si no la mantienes limpia y la tratas bien— es la mesa de mezclas. Para mantener la mesa en perfecto estado de funcionamiento debes prestar atención a dos cosas: limpiar el polvo de los mandos giratorios, y limpiar y lubricar los faders.

Para limpiar correctamente tu mesa de mezclas necesitarás las siguientes herramientas:

missing image file  Un bote de aire comprimido.

missing image file  Lubricante.

missing image file  Un destornillador.

Para limpiar la mesa de mezclas, sigue estos pasos:

1.   Si puedes, quita los botones de los mandos giratorios de la mesa. Quítalos todos al mismo tiempo y déjalos cerca de la mesa de mezclas en el orden en que los has quitado, para poder volverlos a poner en el mando del que proceden.

2.   Pulveriza aire comprimido alrededor de los mandos para quitar todo el polvo que puede haberse quedado dentro. También es conveniente que limpies la mesa de mezclas cuidadosamente con un paño que no deje pelusa para quitar las partículas de polvo más persistentes.

3.   Si tu mesa de mezclas te permite quitar los faders de canal y crossfaders, utiliza un destornillador para retirarlos de uno en uno (para que no te hagas un lío al volver a ponerlos). La posible suciedad que haya entrado en los faders puede causar chisporroteos y bleeding del sonido (que la música se oiga muy flojo cuando no debería oírse en absoluto). Para limpiar la suciedad y el polvo, sopla con el aire comprimido en todos los rincones del fader. A continuación, rocía el fader con un lubricante y vuelve a ponerlo en la mesa de mezclas. No obstante, a veces los faders siguen haciendo ruido de chisporroteo, van demasiado duros o empiezan a funcionar mal; en ese caso, muchas mesas de mezclas están pensadas para que puedas adquirir faders de recambio en tu tienda para DJ favorita.

4.   Si tu mesa de mezclas no tiene faders de canal reemplazables y suenan con ruido de crujido, intenta pulverizar aire comprimido y luego lubricante limpiador en la ranura de la mesa de mezclas por la que asoma el fader de canal. Sin embargo, quizá ya sea demasiado tarde y no puedas revertir el daño tú mismo; eso significa que deberás enviar la mesa de mezclas a reparar; o, lo más probable, comprarte una nueva.

Para que este mantenimiento no sea necesario con demasiada frecuencia, mantén la mesa de mezclas limpia, cúbrela cuando no la uses y lubrica ligeramente los faders cada dos meses.

Capítulo 11

Ensordecedor consejo para no quedarte sordo: auriculares

En este capítulo:

Saber qué hace que unos auriculares sean de buena calidad.

Pararte a pensar en los volúmenes del amplificador y de los auriculares.

Proteger tus oídos cuando se enfrentan a un volumen excesivo.

Lo más curioso de los auriculares es que probablemente sean la parte más importante de tu equipo de DJ, porque sin ellos no podrás mezclar en condiciones; sin embargo, y es extraño, muchos DJ sólo piensan en ellos en el último momento.

La única vez que me ha dado un ataque de pánico en la cabina del DJ fue una ocasión en que no podía oír claramente con los auriculares baratos que utilizaba. No podía oír las frecuencias bajas, no podía oír cómo sonaban juntos los tiempos y, de hecho, mezclaba “a ciegas” (¿o se dice “a sordas”?). Si has seguido el mismo camino de racanería que yo seguí, cuando empieces a exigir algo más y quieras unos auriculares más adecuados, piensa un poco en lo que necesitas y no te dejes llevar por tendencias de moda.

Y no, los miniauriculares de tu iPod no te servirán...

Elegir unos buenos auriculares

A medida que progreses en tus habilidades como DJ, empezarás a darte cuenta de todo lo que ha obstaculizado tu progreso. Los lectores de CD baratos y la mesa de mezclas básica son casi siempre las primeras cosas que se actualizan, pero piensa en cómo suenan los auriculares que tienes. ¿Oyes un buen golpe de bombo, bien firme? ¿O las frecuencias medias ahogan el resto de la música, de manera que no encuentras los puntos de cue en tus temas de rock? Unos auriculares más buenos mejorarán tus habilidades de mezcla y beatmatching mucho más rápido que una mesa de mezclas nueva.

Los siguientes seis factores te pueden ayudar a decidir qué necesitas comprar:

missing image file  Peso/comodidad: lo ideal es que te hagas con unos auriculares ligeros, para que no te hagan daño en las orejas después de llevarlos sobre la cabeza un par de horas. Pero con esto no estoy diciendo que, cuanto más ligeros, mejor. Si los auriculares son demasiado ligeros, podrían caerse cuando te inclinas a mirar la mesa de mezclas, o quizá no se ajusten bien a tus orejas y, por tanto, dejen entrar mucho ruido del exterior.

Como es posible que los acabes llevando cuatro horas seguidas, los cojines de las orejas tienen que ser blandos y adaptarse cómodamente a ellas. La banda que une las dos piezas que van a las orejas tiene que ser cómoda cuando se lleva en la cabeza en posición normal, pero debe seguir siéndolo si se tuerce hacia atrás para liberar uno de tus oídos y así poder oír el monitor (altavoz) de la cabina del DJ.

missing image file  Closed-back: los auriculares closed-back, como los que se muestran en la Figura 11-1, tienen cerrada la parte que va sobre tus orejas, de modo que apenas dejan pasar sonido externo. En la cabina del DJ, esto te permite escuchar con claridad en los auriculares el siguiente tema que quieras pinchar, a pesar del ruido procedente de la pista de baile.

El mejor tipo de auriculares son los closed-back que se ajustan bien a tus orejas; ¡como orejeras, pero con altavoces dentro!

Figura 11-1:

Auriculares Technics RPDH1200 con el diseño closed-back en la parte de las orejas.

missing image file  Amplia respuesta de frecuencias: en el colegio probablemente te enseñaron que tu oído podía captar entre 20 hercios (los sonidos graves más profundos) y 20.000 hercios (sonidos muy agudos y sibilantes). En realidad, la variación es más bien entre 20 y 16.000 hercios, aunque los niños y los perros pueden oír hasta 20.000 hercios.

Los auriculares de DJ de calidad cubren frecuencias desde 5 hasta 30.000 hercios, de manera que abarcan desde los graves y subgraves hasta sonidos que sólo pueden oír los perros y los ingenieros de sonido.

missing image file  Baja impedancia: si no tienes ni idea de lo que es la impedancia, no pasa nada, en realidad no es necesario, pero tiene mucho que ver con la resistencia eléctrica. Lo único que debes hacer es intentar que la impedancia de tus auriculares sea lo más parecida posible a la de la mesa de mezclas que utilices. Una discordancia grande puede provocar distorsión, ruidos no deseados y, a veces, una reducción del volumen máximo que son capaces de reproducir tus auriculares (cosas todas ellas indeseables cuando estás haciendo de DJ).

Por suerte, no es necesario que pierdas el sueño por esto: la mayor parte de los fabricantes de equipos de DJ tienen en cuenta esta cuestión y diseñan sus equipos dentro del mismo rango de impedancias.

missing image file  Alto nivel de presión sonora: el nivel de presión sonora es sólo una forma de describir hasta qué volumen pueden llegar los auriculares (y los altavoces en general). Te conviene que tus auriculares puedan sonar muy fuerte para poder enfrentarte a cabinas de DJ muy ruidosas, pero ten en cuenta que no debes poner los auriculares demasiado altos (consulta la sección “Recordar que el volumen no tiene que llegar hasta el 11”, en este mismo capítulo).

Cuando actualices tus auriculares, plantéate un presupuesto realista. Si los que tienes ahora sólo te costaron unos 13 euros, no mejorarás mucho si te gastas unos 38 euros. Ahorra más dinero y empieza a plantearte gastarte alrededor de unos 126 euros en unos auriculares Sony, Sennheiser, Technics o Pioneer, que son, si no me equivoco, los líderes del mercado. No te dejes llevar por la moda. A muy pocas personas (aparte de otros DJ) les importa que tengas los auriculares más bonitos y modernos; ¡lo único que les importa es la música!

A nadie le importan los auriculares

Recuerdo una noche, cuando Alex P estaba de invitado en un club en el que yo era DJ residente, y el otro DJ (Dave Armstrong) y yo nos quedamos paseando por el club, un poco aburridos mientras esperábamos que terminase (porque, recuerda, los DJ no bailan). En aquel tiempo acababan de salir los nuevos auriculares para DJ Sony MDR-V700, y eran la opción de moda para los DJ con criterio, como nosotros dos.

Pensando que estábamos geniales y divertidos, nos pusimos los auriculares y nos dimos una vuelta por el club, hablando con la gente y divirtiéndonos un rato. Ahora me muero de vergüenza recordando la imagen de dos sujetos con auriculares a juego en la cabeza en mitad de un nightclub, y Dave intentando charlar con todas las chicas. Y a pesar de ello, creo que Dave se llevó unos cuantos números de teléfono...

Estas reflexiones desempeñan un papel esencial para decidir qué auriculares te acabas comprando, pero hay otras características que pueden inclinar tu decisión hacia unos u otros.

Cables enrollados en un lado

Los cables enrollados son los rizados que a veces utilizan los guitarras (Brian May de Queen utiliza un cable de guitarra enrollado). Al enrollar el cable, los fabricantes pueden ofrecer una longitud mucho mayor al DJ sin los peligros de un cable muy largo que va colgando y que se puede enredar en el suelo y hacerte tropezar. Los cables de un solo lado van a parar a una de las earpieces (cada una de las piezas laterales de los auriculares, que encajan en tus orejas), y pasan a la otra a través de la banda de la cabeza.

Sólo después de pasar una noche en una cabina de DJ con un par de auriculares cuyo cable no sea de un solo lado podrás darte cuenta de por qué este diseño simple es tan importante. Al final de la noche, acabada la sesión, después de haberte puesto y quitado los auriculares, dejado en la mesa, recogido, tirado debajo de los platos, etc., les habrás dado suficientes vueltas a los cables como para estrangularte tú solo con los dos cables liados alrededor de tu cuello. Un cable en un solo lado no tiene nada alrededor de donde liarse, y permanece fuera del paso, dejándote respirar tranquilamente durante el resto de la noche.

Un cable enrollado de un solo lado, como el de los auriculares Technics RPDJ1210 que yo utilizo, es perfecto porque te ofrece un cable realmente largo, que te permite moverte en la cabina del DJ, ¡y el diseño de un solo lado implica que no te acabas ahorcando al final de la noche!

Earpieces basculantes

A veces la banda de los auriculares puede notarse un poco incómoda si tiras de una de las earpieces hacia atrás y te la colocas detrás de la oreja para escuchar el sonido en directo. Con las earpieces basculantes, puedes quitarte una y ponértela detrás de la oreja, pero la banda sigue inmóvil, pasando por el medio de la cabeza.

Esta estrategia no sólo tiene la ventaja de la comodidad, sino que reduce las tensiones en la banda. Los auriculares baratos de plástico (como los que yo usaba cuando empecé) pueden partirse después de torcerlos hacia atrás demasiadas veces.

Piezas de repuesto reemplazables por el usuario

Los auriculares Sennheiser HD25 y HD25SP están pensados de una forma completamente modular, y todas las piezas son reemplazables por el usuario. Este diseño significa que no es necesario pasar nervios por si los auriculares se rompen o se averían. Siempre que tengas las piezas de repuesto en tu bolsa de DJ, lo único que tienes que hacer es sustituir la pieza rota y seguir mezclando.

Habiendo pasado por el mal trago de ver a alguien una noche pisar mis auriculares y arrancar el cable (culpa mía por dejarlos en el suelo), la oportunidad de sustituir el cable inmediatamente hubiese sido fantástica. Pero, como no tenía auriculares con piezas sustituibles por el usuario, tuve que mezclar el resto de la noche con sólo una oreja funcional.

Pegado a las orejas

En la Figura 11-2 se muestra un ejemplo de auriculares de “stick” con una sola earpiece. Si apoyas esa earpiece entre tu hombro y tu oreja, puedes cortar más sonido externo y oír la música más claramente a través de esa única earpiece. Sin embargo, yo prefiero los auriculares tradicionales, que te permiten hacer exactamente lo mismo y te siguen dando la opción de escuchar la música en estéreo; y no acabarás con una contractura en el cuello por torcerlo hacia el lado. DJ como Fatboy Slim y David Morales han utilizado este tipo de auriculares con gran éxito, y sus cabezas no cuelgan hacia un lado, así que este diseño no tiene absolutamente nada de malo.

Figura 11-2:

Auriculares de “stick” Stanton DJ Pro 3000 STK.

Recordar que el volumen no tiene que llegar hasta el 11

Perdóname la cita de Spinal Tap (¡si no entiendes la referencia “hasta el 11”, tienes que ver la película This is Spinal Tap!), pero la única persona que sabe que estás poniendo los auriculares a todo volumen eres tú; no puedes alardear de ello, porque nadie más lo puede oír. No es necesario que la música esté muy alta para disfrutarla y, por supuesto, no tienes por qué desear ponerte un sonotone en el futuro.

Yo empecé a tocar la batería a los diez años, solía ir a conciertos de rock muy ruidosos, iba a clubes al menos cuatro veces por semana (¡y bailaba junto a los altavoces, porque podías dejar las bebidas encima!) y soy DJ desde los veintiuno hasta la actualidad, así que siempre he estado rodeado de música muy alta. El precio que pago por ello ahora es un pitido constante en mis oídos (algo llamado tinnitus o acúfenos). Aunque no afecta a lo que oigo, te aseguro que no es agradable despertarse en mitad de la noche y no oír más que un pitido en los oídos. Haz todo lo que puedas para proteger tus oídos. No eres invencible.

Aparte de causar daños irreversibles al oído, si pones la música demasiado fuerte en tus auriculares, es mucho más difícil mezclar. Hacer beatmatching y buscar cues (ver el capítulo 14) son labores más fáciles si encuentras el nivel perfecto para escuchar los auriculares mientras el amplificador está aún atronando a 130 decibelios.

Al hacer beatmatching tienes que escuchar dos temas al mismo tiempo para averiguar si los golpes del bombo están sonando al unísono. La técnica más habitual (monitorizar con un oído) implica escuchar un tema en un oído con los auriculares y el otro tema por el otro oído mediante los altavoces o el monitor en la cabina del DJ. Subir el volumen de un tema para que suene más que el otro hace que sea más difícil concentrarse en los bombos de ambos temas.

Para más información sobre la técnica de monitorizar con un oído y para ver directrices sobre cómo comprobar que has establecido correctamente los niveles (volúmenes) del amplificador y de los auriculares, ve al capítulo 14.

Utilizar tapones de oídos

Los tapones de oídos pueden representar una diferencia abismal para tu futuro oído y para la calidad de tu mezcla. Te recomiendo que utilices tapones cuando practiques en tu dormitorio, y así estarás acostumbrado a utilizarlos cuando tengas que hacer de DJ en un club. Yo sólo llevo un tapón durante las sesiones, para proteger el oído que escucha la música del monitor, mientras que el otro tiene la protección del auricular que lo cubre.

El nivel de decibelios en un club puede estar por encima de 100 (los decibelios, cuya abreviatura es dB, son una forma de calcular el volumen del sonido), y, si eres un DJ que trabaja cuatro o cinco veces por semana (si tienes suerte), estás expuesto a este nivel con más frecuencia que nadie del público. Así, aunque te recomiendo utilizar un tapón en el oído abierto al monitor cuando estés mezclando, te sugiero también que te tapes el otro cuando te quites los auriculares para protegerlo también.

Incluso aunque no lleve un tapón en el oído que utilizo para monitorizar con los auriculares, ese oído se beneficia de la protección del otro. Como el tapón reduce el volumen de la música que entra en el oído abierto al monitor, puedes reducir el volumen al que pones los auriculares. Si no lo hicieses, te sería más difícil concentrarte en la música del monitor y tendrías problemas para hacer beatmatching.

Los niveles de ruido y sonido acústico dentro de un club pueden hacer bastante difícil oír partes específicas de un tema, por buena que sea la calidad del monitor de la cabina del DJ. Quizá quieras oír un cambio sutil en la melodía, o los cambios en los golpes de charles, o quizá simplemente quieras oír los golpes de bombo por encima del resto del tema. A veces puede que tengas dificultades para reconocer esas partes con la combinación del sonido de la pista de baile y del monitor, y quizá pienses (erróneamente) en subir el volumen del monitor de la cabina para intentar escuchar mejor la música.

Esta dificultad se debe a que las ondas de sonido de la pista de baile y del monitor se combinan, y hacen más difícil concentrarse y distinguir las partes del tema necesarias. Si utilizas un tapón, las ondas sonoras tienen que atravesar la espuma o la goma antes de llegar a tu canal auditivo, de manera que la música suena con mucha más claridad. Llevar un tapón de oídos es como pasar un cepillo por una cabellera enredada. Es mucho más fácil separar los pelos si han sido cepillados (o filtrados, en el caso del tapón) y seleccionar únicamente las partes en las que quieres concentrarte (pero ¡asegúrate de que la persona a la que le cepillas el pelo le parece bien que lo hagas!).

Los tapones de oído básicos de espuma se compran en una farmacia y cuestan alrededor de 1,25 euros los tres pares, y no están especialmente diseñados para escuchar música, sino más bien para poder dormir si la persona que duerme a tu lado ronca como una locomotora. Se les da muy bien reducir volúmenes muy altos, pero no son buenos manteniendo la calidad de la música (no dejan pasar bien las frecuencias altas, así que es como enviar a la persona con el pelo enredado a que se corte el pelo para resolver el problema).

Si crees que los tapones baratos no te dejan oír lo que necesitas oír de la música, tienes dos opciones: comprar tapones estándares más caros o hacer que un profesional haga unos especiales para ti:

missing image file  Estándares: encontrarás muchos buenos diseños de tapones para los oídos que intentan mantener la calidad del sonido que entra en tus oídos, como los Elacin Er-20s (que son los que yo uso) o los Hocks Noise Brakers (que se muestran en la Figura 11-3). Los Noise Brakers adoptan las leyes de la física y rebotan hacia afuera el sonido que atraviesa el tapón; esto tiene el efecto de que nada que pase de los 80 decibelios entre en tu oído, sin sacrificar la calidad de lo que escuchas. Cuestan aproximadamente unos 19 euros, un escalón por encima de los tapones básicos de espuma, pero funcionan muy bien, y protegen tus oídos al tiempo que facilitan la tarea de mezclar.

Figura 11-3:

Tapones de oídos Hocks Noise Brakers.

missing image file  A medida: los tapones de oídos a medida de empresas como Etymotic y Advanced Communication Solutions (ACS) son caros (los ACS ER-15 cuestan unos 210 euros), pero tienen una capacidad superior para mantener la calidad del sonido al tiempo que reducen el nivel de volumen (mira la Figura 11-4 de la página anterior). La empresa utiliza un molde de tu cavidad auditiva para fabricar un tapón que se adapta perfectamente a tus oídos, y sólo a los tuyos.

Figura 11-4:

Tapones de oídos a medida ACS ER-15.

Si quieres tener más información sobre tapones de oídos, consulta www.earplugstore.com (en inglés), y para más información sobre el tinnitus y cómo cuidar tus oídos, consulta www.deafnessresearch.org.uk (en inglés).

Capítulo 12

Que tus vecinos se enteren de que eres DJ: amplificadores

En este capítulo:

Elegir la amplificación adecuada para tu presupuesto y para el entorno.

Cómo conectarlo todo.

Mantener el nivel de sonido bajo para conservar tu oído y la cordura de tus vecinos.

Cada una de las partes del equipo del DJ es vital. Sin el amplificador y los altavoces, tú serás la única persona que podrá enterarse de lo buen DJ que eres. En este capítulo hablo de los diversos métodos de Ia amplificación, de la mejor forma de conectar y situar los altavoces, y de cómo poner la música a un volumen que no haga que te expulsen del barrio.

Elegir la amplificación adecuada

Tienes que elegir un método de amplificación que sea adecuado para el tamaño de la habitación en la que pones la música, y también para el de tu cartera; ambos factores son igualmente importantes. La palabra clave es adecuado. Si sólo estás en tu dormitorio, practicando a volumen moderado, no tendrás mucha necesidad de un sistema de amplificador y altavoces de 1.000 vatios y un coste de unos 3.800 euros, así que ahorra tu dinero. Las distintas formas de amplificar la señal de la mesa de mezclas para poderla oír por los altavoces son:

missing image file  Tu equipo estéreo doméstico: para el DJ de dormitorio que tiene un equipo estéreo de buena calidad con una entrada extra en la que poder conectar la mesa de mezclas.

missing image file  Altavoces autoamplificados (cada altavoz incorpora un amplificador): si no tienes un equipo de alta fidelidad doméstico, o el que tienes no dispone de una entrada adicional, los altavoces autoamplificados son perfectos como estudio todo-en-uno.

missing image file  Un amplificador y unos altavoces independientes: esta combinación es la mejor opción si dispones de una habitación/sala/club de gran tamaño que tienes que llenar de música.

Conformarte con tu equipo estéreo doméstico

Tu equipo estéreo (o de alta fidelidad) doméstico es probablemente el método más fácil y barato si sólo pinchas en tu habitación para practicar, porque es muy posible que ya dispongas de él. Mientras tengas un canal de entrada extra en tu equipo y puedas situar los altavoces lo bastante cerca de tu instalación de DJ como para obtener un buen sonido, tu equipo estéreo doméstico representa una muy buena opción. Aunque un equipo de alta fidelidad probablemente no pueda ofrecer tanto volumen como un amplificador independiente, si estás pinchando en una habitación de un tamaño modesto, probablemente sea un volumen de sobra.

No desdeñes la idea de utilizar un equipo de alta fidelidad doméstico. La calidad de sonido puede ser espléndida, pueden alcanzar volúmenes realmente altos e incluso incorporar un medio para grabar tus sesiones.

Si tienes la oportunidad de comprar un equipo de alta fidelidad nuevo para utilizarlo en este contexto, busca uno que tenga ecualizador gráfico manual, en lugar de tonterías preconfiguradas como Salón, Gran salón, Estadio o Cajón del pan para aproximar los distintos sonidos que se obtendrían en esos lugares. Con un ecualizador manual podrás ajustar el sonido a tu gusto, mediante el control individual de una gama de frecuencias distintas. Si tienes pensado utilizar el equipo de alta fidelidad para grabar la mezcla, un control total del sonido es especialmente importante (en el capítulo 19 encontrarás consejos para grabar tus mezclas con un sonido espléndido). Aunque suponga un pequeño coste adicional, no te arrepentirás de ello. Los equipos de alta fidelidad domésticos con configuraciones de ecualización preestablecidas son perfectos para escuchar música en casa; pero tú eres DJ: ¡no estás en absoluto domesticado!

El equipo de alta fidelidad necesita también una entrada adicional para poder conectar tu mesa de mezclas. Si sólo dispones de entradas CD y Phono en la parte posterior, tendrás que utilizar la entrada CD (las entradas Phono son sólo para conectar directamente un giradiscos). Si ya tienes un lector de CD conectado al equipo de alta fidelidad, tendrás que desconectarlo y conectar tu mesa de mezclas cada vez que quieras usarlo para hacer de DJ, y eso puede resultar un poco pesado, así que, si vas a adquirir un equipo de alta fidelidad nuevo, elige uno que tenga una entrada AUX (auxiliar) independiente en la que conectar la mesa de mezclas.

La longitud del cable entre el equipo en sí y los altavoces puede también afectar a lo que decidas comprarte. Por ejemplo, yo tengo un equipo de alta fidelidad Sony con menos de 1 metro de cable entre la unidad base y cada uno de los altavoces. No tengo previsto utilizarlo con mis platos, pero la longitud de cable incluida hace imposible emplearlo para uso de DJ, porque la única forma de poner los altavoces a ambos lados de mis platos es si pongo la unidad base encima de mi mesa de mezclas.

Comprar altavoces autoamplificados

Si no tienes un amplificador o no quieres perder una de las entradas de tu equipo de alta fidelidad conectando tu mesa de mezclas, los altavoces autoamplificados (también denominados monitores activos) son una buena alternativa. Los altavoces autoamplificados son como los altavoces normales, pero no utilizan un amplificador independiente; cada altavoz tiene su propio amplificador incorporado, así que puedes conectar la salida de la mesa de mezclas directamente a los altavoces.

Si utilizas este tipo de amplificación, debes tener en cuenta el consumo de potencia. Quizá necesites conectar cada altavoz a su propia fuente de alimentación, o alimentar ambos altavoces desde una única fuente. Asegúrate de tener una base eléctrica cerca del lugar donde tengas pensado colocar los altavoces.

Si es posible, para mantener la calidad del sonido, no pases el cable de alimentación por encima de los cables de audio, ya que podría causar interferencias eléctricas. Si lo haces, probablemente no tengas problema, pero si te acostumbras ahora a disponer correctamente los cables entre las dos partes del equipo, sabrás mantener alejados los cables de los altavoces de los de alimentación si alguna vez tienes que conectar un montón de altavoces y amplificadores para una fiesta o una velada en un club. Los volúmenes necesarios en esos eventos pueden poner de manifiesto la interferencia eléctrica.

Los altavoces autoamplificados son una opción muy habitual para utilizar como monitores en la cabina del DJ. El control de volumen de estos monitores suele estar situado en un lugar accesible, en el lateral o en la parte posterior de la caja, lo cual es perfecto, porque te permite subir y bajar el volumen siempre que sea necesario (sobre todo si la mesa de mezclas no tiene un control de volumen de cabina independiente). Además, los monitores autoalimentados en la cabina del DJ no ocupan todo un amplificador para un solo altavoz, con lo que también tiene sentido usarlos desde el punto de vista económico. Para más información sobre los monitores de cabina, consulta “Trabajar con monitores”, en este mismo capítulo.

Para utilizarlos en tu habitación, los altavoces autoamplificados pueden variar en calidad (y precio) desde modelos económicos como los de Numark, que cuestan unos 50 euros la pareja y tienen un sonido aceptable (aunque les falta un poco de potencia de graves para mi gusto), hasta modelos con un sonido magnífico como los fabricados por KRK, Alesis, JBL y RCF, que pueden costar ¡entre 380 y 7.600 euros la pareja!

Altavoces autoamplificados de buena calidad y sonido surround de los que se suelen emplear en ordenadores pueden también ser una buena opción.

Optar por independientes

Un amplificador potente, con grandes altavoces independientes, puede ser excesivo para una habitación. 500 vatios de música puede ser más de lo necesario, incluso para una sala grande, de modo que, si te compras un amplificador de alta potencia y altavoces a juego y pones el volumen al máximo, ¡no te sorprendas si tus vecinos llaman a la puerta!

Tanto el amplificador como el altavoz tienen una clasificación de potencia que se mide en vatios (abreviados como W). Cuantos más vatios, mayor puede ser el volumen de la música. En general, la clasificación en la parte trasera de tu ampli (forma abreviada de llamar al amplificador) indica la máxima salida que el amplificador puede generar de forma permanente. En los altavoces, en cambio, pueden aparecer dos cifras, la clasificación de potencia media (average) y la de potencia de pico (peak). La potencia media (denominada también RMS, del inglés root mean square, media cuadrática) hace referencia a la salida máxima permanente que los altavoces son capaces de aguantar. La potencia de pico hace referencia a la potencia que pueden aguantar momentáneamente sin riesgo de daños.

Para dejarnos de jergas técnicas, piensa en un trampolín. La distancia de la palanca del trampolín al suelo cuando estás sobre ella sería la clasificación de potencia media: en este nivel, el trampolín está perfectamente estable, y no tiene problema alguno. Si empiezas a saltar sobre el trampolín, en el momento de caer, la palanca se acerca momentáneamente mucho más al suelo. La distancia a la que se puede acercar al suelo sin sufrir daños sería la clasificación de potencia de pico de tu trampolín.

El valor de pico es siempre mayor que el valor medio, y por eso a los fabricantes les gusta incluir el pico en su documentación: hace que el altavoz parezca más potente.

Cuando elijas un amplificador para utilizarlo con tus altavoces, lo mejor es asegurarte de que la potencia del amplificador sea menor que la clasificación media de los altavoces. De este modo, no importa lo alto que pongas el amplificador: no podrá dañar los altavoces. Si quieres optar por un amplificador más potente que la salida media de los altavoces, asegúrate de que no sea más potente que su clasificación de potencia pico. Aunque te prometas firmemente no poner nunca el amplificador al diez, no puedes decir lo mismo de tus amigos, o de tu gato (al que le encanta el drum-and-bass).

Dejar un margen de error en la potencia

Elegir la clasificación de potencia del amplificador y los altavoces, especialmente si estás considerando una potencia alta para una sala o un club, precisa de un poco de reflexión y margen de error.

Si estás pensando en comprar un equipo que te proporcione 200 vatios de potencia, la mejor opción no es comprar un amplificador de 200 vatios, ni dos amplificadores de 100 vatios que hagan un total de 200 vatios de sonido.

La forma más conveniente de lograr esta cantidad de potencia es comprar tres amplificadores de 100 vatios y tres juegos de altavoces de 100 vatios, y utilizarlos todos a dos tercios de su nivel de salida. Si haces funcionar dos amplificadores a todo volumen durante demasiado tiempo corres el riesgo de que uno de ellos, o los dos, se averíen; en cambio, tres amplificadores a dos tercios de su potencia pueden funcionar sin problemas durante mucho tiempo. Incluso aunque uno de ellos se averiase, sólo perderías un tercio de la potencia, en lugar de toda ella o la mitad, como en los otros dos ejemplos.

La Tabla 12-1 es una guía general con el tamaño de la sala, la ocupación y la potencia para distintas situaciones. Esta guía no es una ley grabada en piedra; quizá quieras ir un poco más allá de las recomendaciones de potencia para darte algo de margen, en el caso de que quieras subir un poco más el volumen.

Habrás notado que el número de personas que haya en la habitación afecta a la potencia necesaria. Las personas son muy codiciosas. No sólo asaltan tu nevera para llevarse la cerveza y la comida, sino que sus cuerpos absorben las ondas de sonido, reduciendo parte del volumen en la habitación. ¡Cuanta más gente aparezca, más alta tendrás que poner la música para que se oiga al mismo volumen! Lo mejor es que, aunque tengas que subir un poco el nivel, la absorción de las ondas de sonido “perdidas” por parte del público puede, de hecho, mejorar el sonido en la pista de baile.

Cuando elijas la cantidad de amplificación para un evento, aparte de contar cuánta gente hay en la pista de baile, echa una ojeada a los elementos que te rodean; la decoración y el suelo son igual de importantes que el tamaño y la capacidad de la sala. Una sala con suelo de madera y con paredes de madera y espejo hace rebotar las ondas sonoras, lo que a su vez hace que la música suene mucho más alta. Una habitación con suelo enmoquetado y cortinas grandes y tupidas hace exactamente lo contrario, absorbiendo buena parte de las ondas sonoras, así que quizá necesites un poco más de potencia.

Si quieres saber cómo conectar varios juegos de altavoces a tus amplificadores (un conocimiento esencial para sistemas de sonido de clubes y para DJ móviles), consulta www.recess.co.uk (en inglés).

Trabajar con monitores

El monitor de la cabina es tu vínculo con lo que está realmente sucediendo en la pista de baile, y puede suponer la diferencia entre que la noche vaya bien o se tuerza. Si no puedes oír exactamente el sonido que sale de la mesa de mezclas en el momento exacto en el que sale de ella, lo pasarás mal si quieres hacer beatmatching. En tu habitación, el sonido de la “pista de baile” y la música que oyes en el monitor son lo mismo (generalmente porque, en verdad, son lo mismo), pero en un club, los dos sonidos pueden ser un poco distintos.

El monitor de la cabina es como tu salud: no te das cuenta de que la tenías hasta que dejas de tenerla. El monitor no sólo te permite controlar cómo suena la música en la pista de baile, sino que también contribuye a la precisión de tu beatmatching.

Trabajar con la velocidad del sonido

Aquí es donde entra el monitor de la cabina del DJ. El monitor suele consistir en un par de altavoces a ambos lados del DJ, pero en algunas ocasiones se trata simplemente de un altavoz situado en uno de los lados del DJ. Un monitor justo al lado de la oreja reduce el retraso de audio de 1/16 de segundo a 1/256 de segundo (si está a 1 metro de distancia, una cifra más que aceptable).

Colocación del monitor

A menos que vivas en una mansión, no es muy probable que tengas que enfrentarte a problemas de retraso por la distancia entre tus altavoces y tus platos. Si efectivamente tienes una habitación inmensa, con retrasos similares a los que puedes encontrarte trabajando en un club, pídele a tu mayordomo que te acerque uno de los altavoces. Ironías aparte, si no tienes la opción de acercar más un altavoz, siempre puedes conectar un monitor de cabina independiente (quizá un altavoz autoamplificado) para que suene a tu lado cerca de tu equipo de DJ, o añadir otra pareja de altavoces a tu instalación actual y situarlos cerca de tu cabina de DJ doméstica.

El monitor debe estar lo bastante cerca para contrarrestar cualquier retraso de la pista de baile, pero también dominar sobre la música de la pista que puedas oír en la cabina. La máxima claridad se consigue si el altavoz está cerca y encarado en tu dirección. Si está demasiado lejos, te costará distinguir los golpes de bombo o el charles y la caja que utilizas como referencia al hacer beatmatching (consulta el capítulo 14).

La posición perfecta para un monitor en la cabina del DJ es de 1 a 2 metros de la mesa de mezclas, aproximadamente frente a ti, a la altura de la cabeza y con el altavoz encarado a ti directamente. Suponiendo que tu monitor tenga el altavoz de graves (el más grande) en la parte inferior y el tweeter (que reproduce las frecuencias altas) en la parte de arriba, esta posición es perfecta para obtener la mejor calidad de sonido de tu monitor.

Si el monitor está demasiado alto, el altavoz de graves dominará sobre el tweeter, ahogando buena parte de las frecuencias altas de la música. Si el monitor está demasiado bajo, apuntando a tu cintura, los graves se pierden, dejando un sonido estridente y confuso, dominado por las altas frecuencias del tweeter, que se encuentra a la altura de la cabeza. Una forma de prevenir ambas eventualidades es tumbar el monitor de lado, dejando el tweeter y el altavoz de graves a la misma altura.

En el caso de la instalación de tu habitación, quizá no tengas tanto espacio ni control sobre la posición de los altavoces. Los dos aspectos que deben ser iguales que en la cabina del DJ del club es que los altavoces estén frente a ti y encarados hacia tus orejas y que intentes no ponerlos en el mismo mueble donde estén tus platos. Si las vibraciones del altavoz hacen vibrar los giradiscos, provocarás acoplamiento. Si utilizas CD, puedes hacer que el lector salte con las vibraciones graves.

Contaminación: presta atención a los niveles de sonido

Son muchos los motivos que se me ocurren por los que no debes hacer sonar tu música a un volumen alto todo el tiempo, pero los daños auditivos (de los que hablo en el capítulo 11), las relaciones con los vecinos y la calidad de tus mezclas son los principales.

Proteger tus oídos

Mantener el volumen de tu monitor al mínimo funcional protege tu oído y reduce el riesgo de distorsión de los auriculares o del monitor.

Una de las formas más habituales de hacer cue up (preparar) del siguiente tema y hacer concordar los tiempos de ambos es usar una técnica denominada monitorizar con un oído. Esta técnica consiste en tener un oído abierto a la música del monitor, donde se reproduce el sonido directo del amplificador, y la otra con uno de los earcups de los auriculares puesto, escuchando el tema en espera que quieres pinchar a continuación (para más información sobre esto, consulta el capítulo 14).

El volumen de la música que oyes en el monitor debe coincidir con el volumen al que los auriculares suenan en tu oído. Debido a la proximidad del altavoz de los auriculares a tu oído, estamos hablando del volumen percibido, no de hacerlo coincidir con el nivel de decibelios real que viene del monitor de la cabina del DJ; a menos que quieras quedarte sordo, claro.

Sólo tienes que poner el monitor lo bastante alto como para ahogar la música de la pista de baile, cosa que te ayudará en la precisión de tu beatmatching. Te sorprenderá lo poco que hace falta. Cuando hayas alcanzado ese nivel, intenta no aumentar el volumen, ¡por mucho que te guste la música!

Vigilancia vecinal

Mantener la música en un nivel sensato como para no ensordecer ni afectar a tus habilidades de mezcla es importante, pero también tienes que pensar en tu responsabilidad social. No es sólo que el resto de las personas de tu piso, casa o edificio se irriten cada vez que pones esos tiempos de bombo a todo volumen durante horas, sino que las personas de los edificios circundantes pueden tardar poco en hartarse del ruido sordo que sale de tu casa.

¡Baja los graves o te asusto!

Cuando vivía en casa de mi madre, tenía un montaje inmenso, con seis altavoces de 100 vatios dispersos por mi habitación, que estaba en la planta baja de la casa (por supuesto; ¡con todo ese ruido!). Solía pasarme horas poniendo música, haciendo nuevas mezclas, divirtiéndome y puliendo mis habilidades. No siempre ponía la música muy alta, y casi nunca la ponía a todo volumen, pero tenía un gigantesco subwoofer que daba unos golpes increíbles cada vez que sonaba el bombo.

Comprensiblemente, mi vecino de al lado se hartó de notar las vibraciones de los tiempos a través del suelo de su casa ¡a 10 metros de distancia! Como las casas estaban unidas por un garaje para dos coches, las vibraciones viajaban por los cimientos de mi casa hasta llegar a la suya. Todas esas molestias hicieron que, un día, mi vecino se pasara 10 minutos golpeando la ventana de mi habitación, cada vez más frustrado mientras esperaba que yo me volviese y me diese cuenta de que estaba allí. Cuando finalmente me di la vuelta y vi un rostro (no muy contento) mirando a través de la ventana, ¡me di un susto de muerte! Pensé que estaba viendo un fantasma por la ventana. Después de ese susto, bajé el volumen de los graves.

Darte cuenta de que sólo necesitas un altavoz

Cuando estás practicando en casa, en realidad sólo necesitas un altavoz, que es el que utilizas para el “oído directo” cuando utilizas la técnica de monitorizar con un oído para hacer beatmatching (sería el equivalente a un monitor de cabina de DJ).

Cuando un vecino señaló lo irritantes que eran los graves de mi subwoofer, puse interruptores en todos mis altavoces para poder dejar en marcha sólo el monitor. Eso quería decir que podía poner la música tan alta como antes, pero, como sólo sonaba un altavoz, el volumen que podían oír los demás era muy inferior; en cambio, el volumen que yo percibía del monitor seguía siendo el mismo. ¡Apagar el innecesario subwoofer también ayudó bastante!

Si sólo tienes dos altavoces, quizá no necesites agregar interruptores para aislar uno de ellos. Si tu amplificador (o equipo de alta fidelidad) tiene control de balance, desplaza la música de modo que se oiga sólo a través del altavoz que prefieras (aunque, si utilizas un equipo de alta fidelidad para grabar tus mezclas, esto puede significar que la grabación sólo suene a través de un altavoz).

Si te estás planteando usar interruptores para aislar tus altavoces, entérate antes de cuáles son tus mejores opciones. Admito que yo utilizo interruptores de los de la luz, pero no están pensados para señales de audio y pueden añadir demasiada resistencia a la señal que va del amplificador al altavoz, aunque sólo esté pasando por el circuito. Esta resistencia puede simplemente provocar un descenso de la calidad sonora o del volumen, pero, en el peor de los casos, puede averiar tu amplificador. Algo tan simple como el Hama LSP 204 (que se muestra en la Figura 12-1) puede ser mucho más conveniente para potencias de hasta 100 vatios de sonido.

Figura 12-1:

El Hama LSP204 es una forma espléndida de controlar cuatro altavoces distintos.

Capítulo 13

Enchufar y poner en marcha: instalación y conexiones

En este capítulo:

Instalar y conectar correctamente tus giradiscos para utilizarlos como DJ.

Conectarlo todo a tu mesa de mezclas, y tu mesa de mezclas a todo.

Qué hacer si no oyes lo que deberías estar oyendo.

Te has gastado un montón de dinero en tus nuevos giradiscos, lectores de CD y mesa de mezclas, te has comprado un amplificador lo bastante potente como para dejar sorda a la última fila de un estadio y todo está en marcha y a punto... aunque, bueno, no se oye nada.

Tienes que conocer la cadena de entradas y salidas para comprobar que hayas conectado todo el equipo en los lugares correctos. Este capítulo asume que vas a conectar giradiscos, lectores de CD o reproductores de MP3 directamente a la mesa de mezclas; las instalaciones de los DJ digitales son un poco más complicadas; no dejes de leer el capítulo 9 para obtener información sobre estas conexiones.

Familiarízate con los conectores

Antes de conectar tus equipos entre sí, es una buena idea que te familiarices con las conexiones que vas a utilizar. Los tipos de conector más comunes con los que te cruzarás son los RCA (también llamados Phono), los XLR (también llamados Cannon) y los jacks de 6,35 milímetros (también llamados TRS). Para que la música suene en estéreo, sueles encontrarte con dos de cada uno de ellos para conectar tu equipo. Un cable y conector lleva la señal que se oye por el altavoz izquierdo; el otro lleva la que se oye por el altavoz derecho. Los conectores jack de 6,35 milímetros están también disponibles en forma de un solo conector estéreo (como el del extremo de tus auriculares de DJ).

Algunos giradiscos, lectores de CD y mesas de mezclas utilizan conexiones digitales para maximizar la calidad de sonido. Para poder utilizarlas, tu mesa de mezclas debe incorporar también una entrada digital. USB (Universal Serial Bus, Bus serie universal) y Firewire son conexiones habituales en ordenadores, y, junto con S/PDIF (Sony/Philips Digital Interface Format, Formato de interfaz digital Sony/Philips), estas conexiones digitales combinan ambos lados del sonido estéreo y los envían por un solo cable. La mesa de mezclas separa luego el sonido estéreo y lo reproduce con gran nitidez y calidad.

Conexiones RCA/Phono

Las conexiones RCA son también conocidas como conexiones Phono, pero yo las voy a llamar RCA para evitar cualquier confusión con la terminología Phono/Line para las entradas en la parte posterior de la mesa de mezclas.

Las RCA son las conexiones más comunes para utilizar como entradas y salidas en tu mesa de mezclas de DJ. Vienen por parejas, una para cada uno de los lados de la señal estéreo, y cada lado es de un color distinto. El cable de la señal izquierda suele ser blanco, aunque puede ser amarillo o negro, pero el lado derecho de la señal de audio es siempre rojo. Las dos “R” facilitan recordar dónde se conecta cada cable; no tienes más que recordar Rojo = Right (derecha, en inglés).

Las conexiones digitales S/PDIF de equipos de DJ suelen utilizar el mismo tipo de conector RCA. Estas conexiones acostumbran a ser amarillas (¡para poner un poco más de confusión!).

XLR

Los XLR o Cannon, que se utilizan para conexiones de amplificador y micrófonos, son el tipo de conector favorito en equipos de audio profesionales, porque son capaces de reducir las interferencias debidas al uso de cables muy largos y porque quedan fijos al conectarse y no pueden desconectarse accidentalmente si un cliente borracho choca contra ellos.

Las conexiones XLR (Figura 13-1) pueden ser de dos tipos distintos:

missing image file  No balanceadas: son las conexiones SLR semiprofesionales más habituales. Una XLR no balanceada se limita a enviar la señal de audio por el cable, y cualquier interferencia eléctrica o de radio que recoja un cable muy largo se transporta también junto con la música hasta los altavoces o el dispositivo de grabación.

missing image file  Balanceadas: las XLR balanceadas se utilizan en equipos de audio profesionales, y se conectan a los cables de forma tal que cancelan las interferencias no deseadas.

Las entradas XLR de micrófono (mic) y las salidas maestras de las mesas de mezclas de DJ suelen trabajar con cables y conectores tanto balanceados como no balanceados, pero, cuando adquieras un micrófono nuevo, lo mejor es que compruebes las especificaciones del equipo que utilizas si no estás seguro de las conexiones.

Figura 13-1:

Dos conectores XLR; uno para el izquierdo, otro para el derecho.

Jack de 6,35 milímetros

Los jacks de 6,35 milímetros (también llamados jacks TRS) son como los que hay en el extremo de tus auriculares de DJ (pero no como el de tus auriculares del iPod; eso es un jack de 3,5 milímetros). Los jacks de 6,35 milímetros también tienen las variedades balanceada y no balanceada. Los conectores balanceados son mono, así que necesitarás dos de ellos, pero un conector no balanceado puede llevar una señal estéreo, así que sólo se necesita un cable y una base de jack. Si quieres saber si el jack que tienes en la mano es mono o estéreo, fíjate en las bandas negras de la punta; una banda significa mono, dos bandas significa estéreo, como se muestra en la Figura 13-2.

Figura 13-2:

Izquierda: conector jack de 6 milímetros de pulgada (TRS) mono. Derecha: conector jack de ¼ de pulgada estéreo.

No siempre es culpa del cliente

Echar la culpa de un accidente a los clientes del club en el que pinchas es muy fácil, pero, como DJ, tú también debes tener cuidado de no hacer nada que pueda interrumpir una conexión. Recuerdo que una noche, mientras pinchaba en un bar, la tapa de la caja de discos estaba apoyada en la cabina del DJ. Le di un golpe con la mano y cayó hacia atrás, rebotó sobre los cables que salían de la mesa de mezclas, arrancó el cable de la Master Output (salida maestra) y sumió el lugar en el silencio durante unos 3 minutos, mientras intentaba averiguar qué había hecho. Por suerte, trabajaba allí de camarero; ¡si no, seguro que me habrían echado a patadas por ser tan descuidado! Poco después, el bar empezó a utilizar conectores XLR, que quedaban bloqueados al conectar.

Conectar con la mesa de mezclas

La primera vez que echas una mirada a la parte posterior de una mesa de mezclas puede resultar un poco sobrecogedor, con todas esas entradas y salidas distintas; pero, una vez que hayas conectado un par de piezas de tu equipo, te darás cuenta de que, en realidad, es muy simple. Para más información sobre mesas de mezclas y sobre algunas de las funciones que menciono en esta sección y que no te hayan quedado claras, consulta el capítulo 10.

Conectar giradiscos a una mesa de mezclas

La conexión de los giradiscos es especial, ya que son el único elemento del equipo del DJ que se conecta a la entrada Phono de la mesa de mezclas, y tienen un fino cable de masa (llamado también toma de tierra) que debes conectar para impedir un zumbido eléctrico y la acumulación de electricidad estática.

La conexión es simple:

1.   Toma los dos cables RCA que salen de la parte posterior del giradiscos y conéctalos a la entrada Phono de la mesa de mezclas. El conector RCA rojo es el lado derecho de la señal musical, y el blanco, el izquierdo (consulta la sección “Conexiones RCA/Phono”, en este mismo capítulo). Si tu giradiscos utiliza cables desmontables, conecta los cables RCA a las salidas del giradiscos de los colores correctos, así como a las entradas de la mesa de mezclas.

2.   Cuando hayas conectado correctamente los cables, pon en Phono el conmutador Line/Phono del canal correspondiente de la mesa de mezclas.

3.   Conecta el cable de toma de tierra. Suele ser un cable delgado con un trozo del interior metálico descubierto al final, o una pieza metálica con forma de U.

Figura 13-3:

Dos cables de toma asegurados a la parte posterior de la mesa de mezclas.

Tu mesa de mezclas de DJ tendrá algo similar a un tornillo de mano en la parte posterior, en el que conectar el cable de toma de tierra. Asegura las tomas de tierra de ambos giradiscos entre la arandela del tornillo de mano y el cuerpo de la mesa de mezclas (como se muestra en la Figura 13-3).

Comprueba que la conexión de ambos giradiscos a esta toma de tierra sea segura comprobando que los extremos metálicos de ambos cables hagan conexión con la arandela o el tornillo de la conexión. Sabrás si no has conectado correctamente a tierra los giradiscos porque oirás un crujido de estática o un desagradable y fuerte zumbido por los altavoces.

Conectar lectores de CD a una mesa de mezclas

Los lectores de CD suelen utilizar dos salidas RCA para conectar con las entradas de línea RCA analógicas de la mesa de mezclas.

No obstante, si tus lectores de CD tienen salidas digitales y tu mesa de mezclas una entrada digital (ambos suelen llevar conectores RCA), utiliza un único cable RCA para conectar el lector de CD a la mesa de mezclas y mantener la música digital.

Al conectar los lectores de CD a la mesa de mezclas mediante las entradas y salidas analógicas (un par de cables RCA rojos y blancos), asegúrate de no conectar uno de ellos a la conexión digital por accidente. Si sólo oyes uno de los lados del estéreo y tienes una entrada o una salida digital, el problema puede estar en este error de conexión.

Conectar iPods y reproductores de MP3 personales a la mesa de mezclas

A menos que utilices una mesa de mezclas Numark iDJ u otra mesa especialmente diseñada para mezclar con iPod, tendrás que hacer uso de un cable que convierta la salida de tu iPod (o de cualquier otro reproductor de MP3) a dos conectores RCA. Puedes conseguir un cable que se enchufe al conector de dock del iPod y se divida en dos conectores RCA (que es lo que hacen muchas personas para escuchar su iPod a través del equipo de alta fidelidad doméstico), pero, a falta de ese cable y para la mayor parte de los otros reproductores de MP3, necesitas un cable que divida la salida de auriculares en dos conectores RCA.

Puedes comprar un cable así en la mayoría de las tiendas de suministros electrónicos, o simplemente escribe “jack estéreo 3,5 mm a RCA” en cualquier motor de búsqueda o en eBay (www.ebay.es), y encontrarás uno por unos 6,50 euros. De todos modos, asegúrate de que el jack en el extremo del cable que adquieras sea estéreo (tendrá dos bandas negras en la punta) y es un jack de 3,5 milímetros, o no encajará en la salida de auriculares del reproductor de MP3.

Como en el caso de los lectores de CD, simplemente conecta los RCA de este cable en una entrada Line de la parte posterior de la mesa de mezclas, y comprueba que el canal que utilices para esta entrada en la mesa está configurado para Line.

Las salidas de auriculares suelen ser más débiles que una salida de línea típica, así que probablemente tendrás que poner el reproductor MP3 a un volumen alto o subir el control de ganancia de la mesa de mezclas más de lo normal para enviar a la mesa una señal potente, a fin de poder mantener el volumen de la música del MP3 a un nivel similar al de la música procedente de los CD o de los giradiscos.

Conectar un ordenador como dispositivo de entrada

Para conectar las salidas de audio de un ordenador a la mesa de mezclas y poder mezclar la música del ordenador con la de tus lectores de CD y giradiscos, deberás utilizar la salida de la tarjeta de sonido del ordenador. La tarjeta de sonido procesa los datos de música digital y los convierte a una señal de línea para enviarla a la mesa de mezclas (también sucede a la inversa; consulta “Conectar una mesa de mezclas a tu PC o Mac”, en este mismo capítulo).

Si tienes una tarjeta de sonido con salidas RCA analógicas, utiliza un cable con dos conectores RCA en cada extremo y conecta las salidas RCA de la tarjeta a las entradas de línea RCA de la mesa de mezclas. Si tienes salidas S/PDIF de tipo RCA en la tarjeta de sonido y una entrada correspondiente en la mesa de mezclas, utiliza un cable RCA para conectarlas entre sí. Si la tarjeta de sonido tiene una salida de jack de 3,5 milímetros marcada “Line”, necesitarás el cable estéreo de 3,5 milímetros a RCA que mencionaba en la sección “Conectar iPods y reproductores de MP3 personales a la mesa de mezclas”.

Si utilizas un portátil o la tarjeta de sonido de tu ordenador es muy básica, quizá las únicas conexiones de audio de que dispongas sean una salida de auriculares y una entrada de micrófono. Si tienes el cable para pasar de RCA a 3,5 milímetros puedes utilizar la salida de auriculares, pero, como en el caso de la salida de auriculares de un reproductor de MP3, tendrás que ajustar la ganancia en la mesa de mezclas para conseguir una señal lo bastante potente.

También existe una amplia gama de conversores comerciales de analógico a digital USB y Firewire. Edirol (que se muestra en la Figura 13-4), Alesis, Behringer y muchas otras marcas tienen productos de diversos precios (y calidades) en el caso de que la tarjeta de sonido de tu ordenador no sea de suficiente calidad.

Figura 13-4:

Edirol audio a USB de Roland, con entradas analógicas y salidas conectadas a un puerto USB.

Si quieres conectar tu ordenador directamente a un amplificador, la conexión es idéntica a la de una mesa de mezclas. Conecta la salida de la tarjeta de sonido a una entrada disponible del amplificador.

Comprueba siempre si el software y el hardware que utilizas tienen alguna indicación especial para la conexión de entradas y salidas para uso de DJ. Los manuales no existen porque sí: ¡no empieces a desconectar los cables y a insultarlos, para luego descubrir que sólo tenías que hacer clic en “Out” en el software!

Elegir las entradas de la mesa de mezclas

Si no utilizas más que dos giradiscos, lectores de CD o reproductores de MP3 y tienes una mesa de mezclas de dos canales, la conexión es simple. Conecta el lector de CD, MP3 o giradiscos de tu izquierda al canal 1 y el de la derecha al canal 2.

Si tienes una mesa de mezclas de más de dos canales, mira si alguno de ellos es específico para un determinado dispositivo de entrada. Los canales 1 y 2 de una mesa de mezclas Pioneer DJM600, de cuatro canales, tienen conexiones específicas para lectores de CD Pioneer, aparte de entradas estándares Line/Phono. Tienen la conexión para los controles fader start de Pioneer que hacen que el CD se ponga en marcha cuando mueves el fader. Así que, si quieres utilizar esa función en tus lectores de CD Pioneer, deberás conectarlos a los canales 1 y 2. El Pioneer DJM800 tiene conexiones fader start en los cuatro canales, pero los giradiscos sólo se pueden conectar a los canales 2, 3 y 4.

Si tu mesa de mezclas no tiene requisitos o funciones de canal específicas, puedes hacer la conexión a dos canales cualesquiera de la mesa, pero sigue siendo una buena idea conectar el plato izquierdo a un número de canal más bajo y el derecho a uno más alto (por ejemplo, utiliza 1+2, 2+3, 3+4, 1+3, 1+4 o 2+4). Si usas dos lectores de CD y dos giradiscos y tienes una mesa de cuatro canales, es bueno conectarlos tal como los tienes situados frente a ti. Supongamos que tienes el equipo situado en este orden:

Giradiscos 1 - CD 1 - Mesa de mezclas - CD 2 - Giradiscos 2

Una configuración simple sería conectar Giradiscos 1 al canal 1, CD 1 al canal 2, CD 2 al canal 3 y Giradiscos 2 al canal 4 de la mesa de mezclas, para no confundirte sobre qué canal controla qué equipo. Eso sí, asegúrate de poner el conmutador Line/Phono en Line para los lectores de CD y en Phono para los giradiscos.

¡Puede que la mesa de mezclas que utilizas tenga ideas propias! Por ejemplo, con las entradas de control especiales para CD del Pioneer DJM600, si quieres utilizar los controles fader start tendrás que conectar los lectores de CD a los canales 1 y 2 y los giradiscos a los canales 3 y 4.

Aunque tengas una mesa de mezclas de sólo dos canales, puedes utilizar dos giradiscos y dos lectores de CD. Conecta el Giradiscos 1 a la entrada Phono del canal 1 y el CD 1 a la entrada Line del canal 1. Conecta luego el Giradiscos 2 a la entrada Phono del canal 2, y el CD 2 a la entrada Line del canal 2. Únicamente tendrás que conmutar los canales de Phono a Line (o viceversa) para utilizar el equipo correcto. No obstante, es importante recordar que no podrás mezclar de Giradiscos 1 a CD 1, ni de Giradiscos 2 a CD 2, porque, aunque sean máquinas distintas, ambas están utilizando el mismo canal de la mesa de mezclas.

El jack de tus auriculares no sirve para colgarlos

Por favor, no te acostumbres a colgar tus auriculares del jack cuando no los utilices. En un club en el que trabajé, la mesa de mezclas estaba montada en ángulo y había muy poco espacio en la cabina del DJ, con lo que apenas había sitio donde dejar algo. Así que, cuando no utilizaba los auriculares, los colgaba del jack, cosa que me parecía bastante razonable. Bueno, hasta el día en que apunté mal y toqué el interruptor de encendido con la banda de los auriculares, sumiendo al club en el silencio, y casi reventé un altavoz cuando volví a poner en marcha la mesa de mezclas sin bajar el volumen... Ejem. Además, el peso que tiene que soportar la conexión del jack al colgar los auriculares en ella puede dañar tanto la mesa de mezclas como los auriculares, y provocar problemas de sonido (el cable de los auriculares puede cortarse y dejarlos en silencio).

Conectar tus auriculares

Conectar tus auriculares es tan simple como encontrar el orificio marcado “Headphones” en la mesa de mezclas y enchufarlos, pero lo quiero mencionar para poder hablar del uso de los adaptadores de 3,5 milímetros. Con estos adaptadores puedes convertir auriculares con un jack pequeño de 3,5 milímetros a tamaño grande, de 6,35 milímetros que necesita tu mesa de mezclas.

Un jack de 3,5 milímetros es el que llevan los miniauriculares de tu iPod. Aunque puedes tener la tentación de utilizar estos miniauriculares como auriculares de DJ, no son adecuados para ello, porque no suenan muy bien cuando los pones muy fuertes y dejan entrar mucho ruido externo de la pista de baile y de la cabina del DJ. Para más información sobre cómo elegir unos auriculares apropiados para DJ, consulta el capítulo 11.

Algunas mesas de mezclas tienen la conexión para auriculares en la parte superior de la mesa, otras en el lateral más próximo a ti, y otras aun tienen ambas. Elige tu conexión y enchúfate. Así de simple.

Conectar unidades de efectos a una mesa de mezclas

Hay dos modos de conectar unidades de efectos a la mesa de mezclas:

missing image file  Entre la mesa de mezclas y el amplificador: la conexión directa es la forma más básica y fácil de conectar la unidad de efectos. Toma la Master Output (salida maestra) de tu mesa de mezclas (dos conectores RCA) y conéctala a la entrada Line de la unidad de efectos. Toma ahora la salida de la unidad de efectos (también dos RCA) y conéctala a la entrada del amplificador.

El inconveniente de este método de conexión es que toda la señal de audio quedará afectada por la unidad de efectos; no podrás reproducir un canal de la mesa de mezclas limpio (sin efectos) y aplicar al otro un montón de efectos estrafalarios.

missing image file  Con conexiones Send and Return (envío y retorno): puedes enviar música de un canal individual de la mesa de mezclas a una unidad de efectos mediante la opción Send and Return. De este modo puedes aplicar un efecto únicamente a un canal, dejando que los otros canales suenen por los altavoces sin ser afectados.

Puedes enviar la señal de la mesa de mezclas al procesador de efectos (y retornarla) de dos formas distintas:

•    Si el procesador de efectos dispone de varias entradas, puedes utilizar una mesa de mezclas con un Send and Return para cada uno de los canales. El procesador de efectos (y, a veces, la mesa de mezclas) dispone de controles que te permiten elegir a qué canal de la mesa se debe aplicar el efecto. Con los controles correctos, puedes aplicar efectos a cualquier número de canales y también no aplicarlos a los canales que desees. Este método es, con diferencia, la estrategia más versátil para el uso de un procesador de efectos, pero suele exigir una mesa de mezclas de gran tamaño, en lugar de una mesa compacta de DJ.

•    Algunas mesas de mezclas específicas de DJ con múltiples canales pueden no tener más que un par de conexiones Send and Return, pero incorporan un control que asigna los canales que se envían. La DJM-600 que yo utilizo te permite enviar cualquiera de los cuatro canales o toda la Master Output a una unidad de efectos, de forma que, aun no siendo tan versátil como la opción de incluir o excluir cualquier número de canales, sí puedes obtener un audio limpio de un canal al tiempo que aplicas efectos a otro, lo cual es suficiente para mí.

Las conexiones de Send and Return varían, pero en la DJM600 son un par de jacks mono de 6,35 milímetros para cada dirección. Uno de los pares se conecta de Send, en la mesa de mezclas, a la entrada de la unidad de efectos; el otro par se conecta de la unidad de efectos a Return en la mesa de mezclas. Quizá encuentres unidades que utilizan para estas conexiones clavijas RCA o jacks estéreos de 6,35 milímetros, así que fíjate bien en tu mesa de mezclas y en tu unidad de efectos para saber qué cables necesitas.

Conectar salidas de la mesa de mezclas

Una vez que ya has conectado todas las entradas a la mesa de mezclas, deberás prestar atención a la conexión de la mesa a un amplificador para poder escuchar la música, y quizá también conectarla a un dispositivo de grabación (cinta, MiniDisc, CD, PC, etc.) para poder captar los momentos de esplendor de tu mezcla.

Tu mesa de mezclas incorpora dos (a veces tres) salidas:

missing image file  Master Out (salida maestra o principal) es la que debe utilizar para conectarla con un amplificador. Mediante un cable RCA estéreo, conecta un extremo a Master Out de la mesa de mezclas y el otro a una entrada del amplificador. Si el amplificador tiene más de un canal de entrada y también vas a enviarle elementos como un televisor, una PlayStation u otro lector de CD, quizá sea buena idea poner etiquetas adhesivas para cambiar las etiquetas habituales de “Input 1”, “Input 2” del amplificador y así ayudarte a recordar qué suena por cada canal.

Las mesas de mezclas más caras y profesionales pueden incluir una segunda Master Output con conectores XLR en lugar de RCA.

La Master Out se ve afectada por el Master Level Control (control de nivel principal) de la mesa de mezclas; si bajas ese volumen, el volumen de la música procedente de la mesa de mezclas se reduce.

missing image file  Record Out (salida de grabación) está reservada para conectar a dispositivos de grabación. Los motivos para utilizar esta salida en lugar de Master Out son:

•    Probablemente vas a conectar Master Out a un amplificador.

•    Record Out evita el Master Level Control, así que, si bajas el volumen de Master Output (para atender al teléfono, por ejemplo), el nivel de música que se envía al dispositivo de grabación no cambiará.

Como la Master Output, conecta la Record Output a las entradas del dispositivo de grabación con un cable RCA estéreo, asegurándote de conectar la salida RCA roja a la entrada RCA roja y la salida blanca a la entrada blanca (para más información sobre cómo establecer los niveles de grabación en el dispositivo de grabación, consulta el capítulo 19).

missing image file  Booth Output (salida de cabina) es donde se conecta la mesa de mezclas a un amplificador y altavoz independientes —denominado monitor de cabina— en la cabina del DJ. El capítulo 14 contiene información importante acerca de la configuración del volumen del monitor de cabina y de los auriculares para poder mezclar en condiciones.

La conexión es la misma que Record Out y Master Out: conecta un extremo de un cable RCA estéreo a Booth Output en la mesa de mezclas y el otro, a la entrada del monitor de cabina.

Conectar una mesa de mezclas a tu equipo de alta fidelidad doméstico

La conexión con tu equipo estéreo (de alta fidelidad) doméstico es similar a la conexión con un amplificador. La conexión se lleva a cabo con un cable RCA estéreo desde Master Output de la mesa de mezclas hasta el equipo de alta fidelidad; pero tienes que tener cuidado con la entrada del equipo de alta fidelidad que utilizas. En la parte posterior de este equipo verás probablemente algunas de estas entradas: Line, CD, TV, DVD, Aux y, si tienes un equipo antiguo (o de muy buena calidad), también una entrada Phono.

Si ya tienes un CD o un lector de MP3 conectado al equipo de alta fidelidad, un televisor conectado a la entrada TV y la entrada de DVD también está ocupada, te quedan Aux (Auxiliar) o Phono (que es sólo para giradiscos). Por tanto, deberás utilizar la entrada Aux para conectar la mesa de mezclas. Aunque la música venga de los giradiscos, una vez que ha pasado por la mesa de mezclas y salido de ella, la señal se ha transformado en una señal de nivel línea.

Desde luego, si no tienes conectado un lector de CD o un televisor al equipo de alta fidelidad, también puedes utilizar las entradas de TV y CD. Pero no te acerques a la entrada Phono a menos que vayas a conectar giradiscos directamente al equipo.

Conectar una mesa de mezclas a altavoces autoamplificados

A veces, los altavoces autoamplificados sólo tienen una entrada de jack (como la salida de auriculares de tu mesa de mezclas), así que comprueba si vas a necesitar un cable conversor de RCA (la salida de la mesa de mezclas) a jack para cada uno de los altavoces (izquierdo y derecho).

En el capítulo 12 encontrarás más información sobre el uso de amplificadores, altavoces autoamplificados y equipos de alta fidelidad domésticos para reproducir la música.

Conectar una mesa de mezclas a tu PC o Mac

Tanto si utilizas el ordenador como amplificador como si tienes pensado grabar la mezcla para editarla o subirla a Internet, la conexión entre tu ordenador y tu mesa de mezclas es similar a la del resto del equipo. Conecta la salida de la mesa de mezclas a la entrada de la tarjeta de sonido del ordenador (consulta “Conectar un ordenador como dispositivo de entrada”, en este mismo capítulo, para obtener información detallada sobre las conexiones y los usos de una tarjeta de sonido). Utiliza Record Output si sólo usas el ordenador para grabar, y Master Output si lo utilizas como amplificador (esto libera Record Output para un dispositivo de grabación).

Si tu tarjeta de sonido traía instrucciones y software para configurar el ordenador para aceptar una entrada Line, lee el manual con atención. Si se trata de una tarjeta de sonido controlada por Windows, puedes activar la entrada Line mediante las ventanas Control de volumen o Dispositivos de grabación (que puedes abrir haciendo doble clic en el icono del altavoz de la barra de tareas o mediante las propiedades de Hardware y sonido del Panel de control). Los usuarios de Mac pueden acceder a los controles de entrada de audio a través de la sección Sonido de Preferencias del sistema.

Deberás desactivar otras entradas de grabación (deseleccionarlas en el Control de grabación) o silenciar otros dispositivos de reproducción en la ventana Control de volumen (seleccionando Silenciar) para asegurarte de que los sonidos de sistema de Windows o los sonidos de otros programas no se combinen por accidente con el sonido de tu mesa de mezclas. No hay nada peor que, a mitad de una mezcla fantástica, escuchar a Homer Simpson decir “¡Oh!” sobre la música porque has recibido un mensaje de correo electrónico. Aunque, ahora que lo pienso, igual quedaría bien...

Solución de problemas de instalación y conexiones

A veces puedes estar convencido de que todo está conectado en el lugar correcto, has puesto todo en marcha y la música se está reproduciendo, pero no se oye nada de nada. Para concluir con la segunda parte de este libro y con la información sobre el equipo en conjunto, he aquí una lista de problemas y soluciones que pueden ayudarte a responder a las posibles eventualidades que surjan con las conexiones y la instalación de los giradiscos.

Todo está conectado, hay un disco (o CD) reproduciéndose, pero no oigo música a través del amplificador

Hazte las siguientes preguntas:

missing image file  ¿Se encienden los LED de la mesa de mezclas, mostrando que la mesa está recibiendo música? Si no es así, no hay señal.

missing image file  ¿Has utilizado las entradas correctas de la mesa de mezclas para tus reproductores de MP3 y lectores de CD o giradiscos y has puesto los conmutadores Line/Phono como corresponde? (Line para CD y MP3, Phono para giradiscos.)

missing image file  Si estás poniendo música por un canal, ¿has comprobado que el cross-fader esté en ese lado y que el fader de canal esté al menos al 75 por ciento? Y, si el cross-fader tiene una función de asignación para controlar cualquiera de los canales, ¿está controlando el canal correcto?

missing image file  Si los LED de la mesa de mezclas se encienden, ¿has comprobado que has conectado la Master Output de la mesa de mezclas a una entrada Line del amplificador?

missing image file  Si el amplificador admite múltiples entradas, ¿te has asegurado de que has puesto el conmutador o botón de entrada en la entrada correcta?

missing image file  ¿Están los niveles Master Level e Input Level del amplificador en un punto en el que deberías oír la música?

missing image file  ¿Están conectados los altavoces?

missing image file  ¿Has intentado conectar otra cosa al amplificador para comprobar que no se trata de un problema del amplificador o del canal de entrada que estás utilizando?

Ya puedo oír la música del amplificador, pero no oigo nada por los auriculares

Prueba los pasos siguientes:

missing image file  En primer lugar, comprueba que los auriculares estén conectados, con el volumen subido y monitorizando el canal correcto.

missing image file  Intenta activar todos los conmutadores de cue de auriculares. Si ahora puedes oír música, estabas pulsando el botón de cue equivocado o has conectado tu equipo a un canal que no tenías intención de utilizar.

missing image file  Conecta los auriculares a otro elemento del equipo que tenga una base de auriculares (como el amplificador) para comprobar que no se trata de una avería de los auriculares.

Uno de los giradiscos suena fatal: distorsiona, y las frecuencias altas suenan confusas

Lo primero que tienes que mirar son las agujas. ¿Han acumulado suciedad? (Quita cuidadosamente la acumulación de suciedad.) ¿Son muy viejas? (Sustitúyelas.) ¿Están bien insertadas en el cartucho? (Compruébalo y reinsértalas.)

Si crees que se trata de una avería, prueba a cambiar la cápsula por la del otro giradiscos, o cambia la aguja de una cápsula a la otra. Si tienes un problema de conexión y no de aguja o cápsula, intenta cambiar las conexiones del giradiscos con la mesa de mezclas.

¿Por qué mis agujas siempre saltan al hacer cueing?

Si tienes el problema de que tus agujas saltan, intenta aplicar por orden estas posibles soluciones:

missing image file  Consulta las directrices del fabricante sobre cómo establecer la altura y el contrapeso del brazo. Si se indica un intervalo de cifras para establecer el contrapeso (entre 3 y 5 gramos, por ejemplo), ponlo primero en la cifra más baja e incrementa gradualmente el peso hasta que la aguja deje de saltar.

missing image file  Comprueba las cifras especificadas para la aguja y el cartucho en lo que se refiere a la altura del brazo y asegúrate de que esté totalmente paralelo al disco. Si necesitas establecer el peso o la altura en una cifra mayor que la recomendada, es posible que tu técnica sea errónea, o quizá haya un problema con la aguja:

•    Asegúrate de que, al hacer cueing, mueves el disco atrás y adelante en la dirección curvada del surco. Si lo haces horizontalmente y no en curva, tu acción puede hacer que la aguja salte.

•    Las agujas viejas y desgastadas saltan con más facilidad.

Oigo un zumbido muy raro procedente de los giradiscos

Quizá no has conectado el cable de toma de tierra. Comprueba que esté correctamente asegurado al conector de tierra/masa de la parte posterior de la mesa de mezclas.

¿Por qué se oye esta tremenda distorsión cuando pongo un CD?

Comprueba que no hayas insertado las salidas de los lectores de CD a las entradas de Phono de la mesa de mezclas por accidente. Esto provoca distorsión. Conéctalas a las entradas Line.

¿Por qué está todo tan silencioso cuando utilizo mis giradiscos, aunque todos los mandos estén al máximo?

Asegúrate de que has enchufado los giradiscos a la entrada Phono. Si los has conectado a la entrada Line, se quedarán muy callados.

Todo suena bien en la mesa de mezclas, pero distorsiona al pasar por el amplificador

Hazte las siguientes preguntas:

missing image file  ¿Has puesto demasiado alto el nivel de entrada en el amplificador? Bájalo un poco, a ver si se arreglan las cosas.

missing image file  ¿Qué nivel estás enviando desde la mesa de mezclas? Mira hasta dónde se iluminan los LED de la mesa de mezclas; intenta no poner la música por encima de + 5 decibelios en la escala si no quieres sufrir una fea distorsión.

missing image file  ¿Has conectado por accidente a las entradas Phono del amplificador? Cambia las conexiones y conecta a una de las entradas Line.

La música está pasando por la mesa de mezclas, pero no llega al PC

Prueba los pasos siguientes:

missing image file  Asegúrate de que los altavoces de tu ordenador estén encendidos y que los controles de volumen (incluido el del ordenador) estén subidos.

missing image file  Comprueba las conexiones y asegúrate de que has conectado la salida de la mesa de mezclas a la entrada Line de la tarjeta de sonido. Quizá haya una entrada Mic junto a la entrada Line, así que comprueba de nuevo que no hayas hecho la conexión a la entrada incorrecta mientras revolvías a ciegas detrás del PC.

missing image file  Comprueba los medidores en el software de grabación. Si están recibiendo señal, verás que se mueven arriba y abajo.

missing image file  Comprueba el Control de grabación (al que puedes acceder a través del icono de Control de volumen en la barra de tareas). Asegúrate cuidadosamente de que has seleccionado la entrada Line y que el nivel de entrada sea al menos del 75 por ciento.

missing image file  Lee por encima el manual del software y el de la tarjeta de sonido para ver si necesitas hacer algo especial.

Los medidores se mueven como locos en el software, puedo grabar la señal que entra, pero del PC no sale nada

Comprueba que has hecho la conexión a Line Out (Salida de línea) de la tarjeta de sonido y no a Mic o Line In por accidente.

Comprueba el Control de volumen de la barra de tareas. Asegúrate de no haber seleccionado por accidente la casilla de silencio, pensando que era la casilla de selección del Control de grabación (a mí me pasa siempre).

¿Por qué mi dispositivo de grabación no parece grabar nada cuando lo conecto directamente a la mesa de mezclas?

Echa una ojeada a la conexión. Es bastante probable que no hayas conectado Record Output (Salida de grabación) a la entrada Line In del dispositivo de grabación.

Hazte las siguientes tres preguntas:

missing image file  ¿Has utilizado accidentalmente Booth Output (Salida de cabina) para enviar la señal al dispositivo de grabación, pero has quitado el volumen de Booth Output? En tal caso, cambia los cables a la salida Record Out, que es mejor que subir el nivel de Booth Output.

missing image file  ¿Está el control de nivel de entrada del dispositivo de grabación en la posición de aceptar la entrada de línea, y en un nivel apropiado?

missing image file  Tu dispositivo de grabación, ¿tiene que estar en modo de grabación para registrar cualquier entrada? Este caso no es común en el caso de grabadoras de cinta y MiniDisc domésticas, pero en muchos equipos profesionales, después de poner en el equipo un CD/DAT/MiniDisc, tienes que pulsar el botón Record (Grabar) para poner el dispositivo en modo de grabación (la máquina sólo empieza a grabar si pulsas Record y Play al mismo tiempo). Esto le dice a los circuitos que acepten una señal, en lugar de limitarse a reproducirla.

En esta parte...

Las habilidades de un DJ son dobles. El beatmatching es la habilidad esencial para el DJ de música electrónica y dance; todos los DJ que pinchan este género de música la necesitan. El capítulo 15 de esta parte contiene todo lo que debes saber sobre beatmatching. El capítulo 16 trata de otras habilidades de mezcla, como la mezcla de música de otros géneros.

La segunda parte de tus habilidades de DJ es la más importante, y se aplica a todos los géneros de música: elegir los temas que vas a pinchar, en qué orden y cómo mezclarlos.

Si quieres añadir una nueva capa de creatividad e interpretación a la sesión, el capítulo 17 habla del scratching, con directrices sobre cómo iniciar tu camino como DJ creativo o como entregado scratcher.

Capítulo 14

Los aspectos básicos de la mezcla

En este capítulo:

Descubrir la esencia del arte del DJ de club.

Trabajar con el tempo de los temas; tiempos [beats por minuto].

Localizar el primer tiempo de un tema con confianza.

Iniciar los temas de manera que los tiempos estén sincronizados.

Usar el control de pitch para ajustar los tempos.

Dominar las técnicas de cueing con auriculares.

Los DJ pinchan música. Pinchan la música con la que el público quiere bailar, y pinchan música que mantiene al público pegado a la pista de baile. Como DJ, si no eres capaz de hacer esta tarea tan simple, el público no se lo va a pasar muy bien contigo.

Los DJ de house y trance emplean una técnica llamada beatmatching, que hace que los golpes de bombo de dos discos distintos suenen al mismo tiempo. De esa forma, cuando cambian de un disco al otro, las personas que están en la pista de baile no tienen que ajustar el ritmo.

En este capítulo descubrirás todas las herramientas y habilidades necesarias para hacer beatmatching. El secreto de un buen beatmatching es simple: buena concentración y mucha práctica; no se necesitan trucos especiales. Lo mejor de todo es que, después de haber decidido dedicar tu tiempo y tu concentración al dominio del beatmatching, ya nunca más te olvidas de cómo hacerlo; es como ir en bicicleta.

¿De qué va esto del beatmatching?

Coordinar tiempos es un concepto muy simple, pero es una habilidad esencial. Aunque cierto tipo de música no se presta demasiado al beatmatching (el DJ de rock, por ejemplo, tiende a utilizar el beatmatching sólo de vez en cuando, como truco especial), si quieres pinchar en un club en el que se espera que el DJ haga beatmatching de los discos al mezclarlos, ¡será mejor que desarrolles esta habilidad!

El motivo por el que el beatmatching es tan esencial para el DJ de trance y house no es sólo lograr transiciones uniformes y suaves de un tema al otro, sino también por el efecto físico sobre las personas que están en la pista de baile.

A medida que estos DJ avanzan en la sesión, pinchando temas y estilos distintos, la música se va haciendo gradualmente más rápida hasta que alcanza lo que yo llamo el sweet spot, el “momento dulce”. Este momento ocurre cuando el ritmo de los tiempos de la música se ajusta al ritmo de los latidos del corazón de las personas que están bailando. Esta velocidad puede estar entre 130 y 145 tiempos (beats) por minuto (BPM) para la mayor parte de la música, pero puede ser más rápida según el género de la música.

Cuando las velocidades de los tiempos del bombo y los latidos del corazón se van aproximando, la combinación de la pulsación rítmica empieza a provocar fenómenos extraños en el cuerpo de las personas que bailan en la pista. Al cabo de un rato, este momento de euforia se acaba expresando con las personas de la pista levantando las manos en el aire. A mí me hace sudar un poco, pero bueno, yo soy así...

Lo que es importante que entiendas, aunque consideres que este fenómeno es alguna especie de control mental vudú, es que debes pinchar la música con un tempo que haga que las personas se lo pasen bien y estén cómodas bailando en la pista.

Otros géneros de música pueden afectar también a las personas de la pista de baile, pero generalmente sólo canción por canción. El tema de rock adecuado a la velocidad correcta puede hacer volar el techo del club, pero no es lo mismo que los tiempos pulsantes de una serie de grandes temas trance que suman al público de la pista en un estado eufórico, como de trance.

Descubrir cómo hacer beatmatching

El formato que hayas elegido —CD, vinilo, MP3 o cualquier otra cosa— no es importante; la mecánica del beatmatching es la misma. Sólo cambian los controles.

En este capítulo describo la forma de llevar a cabo beatmatching con vinilo y CD. Sin embargo, consulta el capítulo 6 si necesitas más información sobre el uso de los controles de los giradiscos, y el capítulo 8 si quieres más detalles sobre el uso de lectores de CD. Los DJ digitales pueden hallar controles en pantalla muy similares a los de un lector de CD, pero consulta el capítulo 9 para más información sobre instalaciones de DJ digital, con el fin de asegurarte de que sabes qué hacer en función del equipo que utilices.

Habilidades, no trucos

A medida que la tecnología avanza, especialmente en el caso de los DJ digitales, cada vez es más fácil dejar que la tecnología se encargue del beatmatching en vez de hacerlo uno mismo, y puede ser también muy tentador.

Hay una escuela de pensamiento que predica que, si dejamos que la tecnología se haga cargo de lo difícil, podemos concentrarnos en la música que pinchamos, pero confía en mi criterio: el beatmatching sólo es difícil al principio. Cuando lo domines, podrás hacer beatmatching de dos temas en 20 segundos o menos.

Preparar tu equipo

Unas cuantas preparaciones y requisitos básicos te ayudarán a dominar cómodamente los aspectos fundamentales de la mezcla (si no estás seguro del funcionamiento de algunos de los controles de la mesa de mezclas, repasa el capítulo 10):

missing image file  Comprueba que tu equipo de DJ esté en marcha y conectado a un amplificador (para más información sobre conexiones, consulta el capítulo 12). No te preocupes de los auriculares de momento; luego iremos a ello.

missing image file  Utiliza dos copias del mismo tema (mejor que sea algo que tenga un ritmo simple y constante desde el principio). El motivo para utilizar dos copias del mismo tema es que, cuando los controles de pitch de ambos giradiscos están a cero (lo que se llama zona de luz verde), ambos temas suenan exactamente a la misma velocidad. Eso significa que no tienes que preocuparte de si un tema suena más rápido que el otro, y hace que sea mucho más fácil aprender a poner en marcha los temas y mantenerlos sincronizados.

missing image file  Regula la mesa de mezclas de modo que puedas oír los dos discos al mismo tiempo y al mismo volumen (esto se suele lograr moviendo el cross-fader a la posición central y poniendo ambos faders de canal al máximo, con los controles de ganancia y ecualización iguales para ambos canales). La razón para regular la mesa de mezclas de modo que puedas oír ambos discos al mismo tiempo es que así sólo tienes que preocuparte de trabajar con los temas, sin perder tiempo ni concentración intentando ajustar los controles de la mesa. Este método puede sonar un poco confuso al principio, y quizá tu perro se vaya de la habitación en señal de protesta, pero no te preocupes: pronto empezarás a mezclar de verdad y, de todos modos, el perro necesitaba hacer un poco de ejercicio.

Si utilizas dos copias del mismo tema puede que experimentes un fenómeno denominado phasing. Cuando dos sonidos idénticos suenan uno sobre el otro, sus ondas sonoras se combinan y se cancelan entre sí y es como si la música sonase a través de un motor de reacción. Al principio esto puede despistar, pero cuando empiezas a escuchar este sonido de phasing, los golpes del bombo están cada vez más cerca de sonar al mismo tiempo, así que acabas por darte cuenta de que este fenómeno es de gran ayuda cuando aprendes a hacer beatmatching. Cuando avances en el aprendizaje y pases a utilizar dos temas distintos, ya no tendrás que preocuparte más por el phasing, a menos que quieras emplearlo en lugar de un efecto de phaser o de flanger en la mesa de mezclas (consulta el capítulo 10 para obtener información sobre efectos en la mesa de mezclas).

Localizar el primer tiempo de bombo

Todos los viajes empiezan por un paso, y todos los beatmatch empiezan por un tiempo. Para empezar, elige un tema con un bombo bien claro desde el principio (en un mundo perfecto, todos los discos empezarían con un tiempo de bombo constante, lo que facilitaría mucho la labor de beatmatching).

For an angel: para un nuevo DJ

Durante años he utilizado el mismo disco para ayudar a las personas a desarrollar sus habilidades de DJ: For an Angel, de Paul Van Dyk. Es un tema un poco viejo, y mis dos copias se estaban gastando bastante (sobre todo al principio del disco) antes de que me pasase al digital. La razón por la que encanta esta pista es que toda ella tiene bombos muy claros y contundentes, que empiezan a sonar desde el mismo principio.

Tanto si has elegido un disco con el tiempo al principio como uno que tiene el primer tiempo al cabo de 45 segundos, los siguientes consejos te ayudarán a localizar el primer tiempo de bombo de forma que la aguja quede en espera (lista para empezar) o el CD a la espera en el instante mismo en el que el primer tiempo está a punto de sonar:

missing image file  Escuchar para oír el tiempo: la primera opción consiste simplemente en poner en marcha el tema desde el principio y esperar hasta que oigas el primer tiempo. Cuando lo oigas, pon el dedo en el disco para pararlo y pásalo lentamente hacia atrás con la mano. Al pasar el disco hacia atrás, oirás la parte del disco que acabas de oír, al revés (no te preocupes demasiado por los mensajes satánicos que puedan surgir al hacer esto, la música de baile no tiene de eso). Si utilizas un tema que empieza con un tiempo desde el principio, lo último que oirás pasándolo hacia atrás es ese tiempo. El instante en el que el tiempo queda en silencio es donde debes parar la aguja.

DJ de CD: haz pausa del CD cuando oigas el primer tiempo y reproduce el tema hacia atrás (tu lector de CD dispondrá de algún método para hacerlo; para más información, consulta el capítulo 8) hasta que llegues al principio del tiempo de bombo. Guarda entonces ese punto como cue (inicio); normalmente se hace pulsando el botón Cue, pero comprueba qué tienes que pulsar en tu CD para hacerlo.

missing image file  Avanzar hasta el tiempo: si eres impaciente o tienes prisa, puedes girar el disco muy rápido con tu dedo hasta que oigas el ruido de brrrrrrrrrrrp de los tiempos sonando muy rápido, y luego pasar el disco hacia atrás hasta que encuentres el primero de ellos.

DJ de CD: si tienes un lector de CD con un plato rotatorio grande que emula el sonido de un giradiscos, puedes hacer lo mismo que los DJ de vinilo. Si sólo dispones de botones para moverte en el tema, mantén pulsado el botón Search hasta que oigas que empiezan a sonar los tiempos de bombo muy rápido; reproduce entonces el tema hacia atrás hasta que encuentres el primero de ellos.

missing image file  Buscar el tiempo: observa con atención un disco y podrás ver muchos tonos de gris distintos y anillos negros (la luz target del giradiscos te ayudará a ver estos tonos). Las partes más oscuras del disco indican que no hay mucha información en el disco, y lo más probable es que no contengan un tiempo. Observa el principio del disco, donde los anillos cambian de oscuro a claro; la zona de tono más claro contiene más información de sonido y probablemente sea donde empieza el tiempo. Sitúa la aguja en el lugar donde se juntan los anillos oscuros y claros. Si puedes oír el tiempo, gira el disco hacia atrás hasta que los tiempos se detengan, o, si aún oyes la introducción, pon el disco hacia adelante hasta que encuentres el primer tiempo.

DJ de CD: si tienes una pantalla con visualización de ondas en el lector de CD o en el software, que muestra una serie de crestas y valles que indican las partes más ruidosas y las más silenciosas del tema, fíjate en esta visualización de ondas para encontrar los picos más pronunciados; es probable que ahí sea donde empiezan los tiempos.

Iniciar los temas a tempo

Cuando ya estés satisfecho con tu habilidad para encontrar el primer tiempo de un tema, elige un giradiscos o lector y prepárate para empezar (como yo soy zurdo, suelo empezar casi siempre por la izquierda).

DJ de vinilo:

1.   Apoya el dedo en la parte más exterior del vinilo. Ten en cuenta que he dicho que lo apoyes, no que lo aprietes: basta con un poco de presión.

2.   Pulsa el botón Start. Debido a las maravillas de los deslizadores, el plato del giradiscos girará bajo el disco mientras tú lo sigues sosteniendo (si no es así, la culpa es tuya, por comprar equipos baratos).

Ahora viene lo fácil.

3.   Levanta el dedo del disco. Unos gloriosos golpes de bombo sonarán por tus altavoces.

DJ de CD: tú no necesitas estos tres pasos: ¡pulsa Play y ya está!

Descifrar los patrones de batería

Aunque la mayor parte de la música house/club sigue un simple martilleo de bombo, no toda la música dance tiene ritmos tan sencillos y básicos. Los patrones de batería son tan variados como la música a la que acompañan, y van desde un beat simple bombo/caja a los complejos patrones del dubstep, el drum and bass y el jungle. A menudo se pueden distinguir los distintos géneros musicales por los patrones de batería, aparte de por la música en sí. El patrón de batería basta por sí solo para reconocer el breakbeat, el rhythm and blues o el two-step garage.

Si te interesa saber más acerca de baterías y patrones rítmicos, te recomiendo encarecidamente Batería para Dummies, de Jeff Strong.

4.   Mientras está sonando el tema, escúchalo. No te limites a oírlo y ya está; tómate un momento para escuchar realmente lo que está sucediendo (es lo que se llama escuchar con oído activo). Concéntrate de verdad en escuchar los bombos.

Reconocerás que el bombo tiene dos sonidos distintos. Uno de ellos es el bombo sonando solo, y el otro suele ser el bombo combinado con otro sonido (a veces unas palmas, o un tambor que suena como un chasquido, llamado caja). Escucha bien; percibe la diferencia de énfasis entre el primer tiempo del bombo (que represento con B en la notación de tiempos de DJ a continuación) y el segundo tiempo del bombo (que represento por BBC, para mostrar que se trata de B combinado con otro sonido):

B    BBC    B    BBC    B    BBC    B    BBC

5.   Cuando te sientas cómodo con los sonidos del tiempo, pasa al otro plato y comprueba que el pitch esté a cero. DJ de vinilo: vuelve a los pasos 1 y 2 anteriores. El primer tiempo que has localizado en el tema y desde donde estás preparado para empezar suele ser el bombo solo. Lo que estás a punto de intentar es empezar desde este primer beat al mismo tiempo que el golpe de bombo solo en el tema que está sonando ahora por los altavoces.

Vuelve a escuchar. Asegúrate de que sabes en qué sonido del bombo quieres empezar. En esta fase inicial, probablemente te sea útil contar los tiempos mentalmente: “1 – 2, 1 – 2, 1 – 2” o “bombo – caja, bombo – caja, bombo – caja”.

El disco está preparado, a punto para sonar; el plato sigue girando debajo de él; estás seguro de que sabes el sonido del tiempo donde quieres empezar.

6.   Suelta el disco (CD DJ: pulsa Play).

Lo normal es que pase una de estas tres cosas.

missing image file  Sale bien a la primera: ambos tiempos están sincronizados. ¡Enhorabuena! Pruébalo unas cuantas veces más para asegurarte de que realmente le has pillado el truco.

missing image file  Con las prisas, sueltas el disco/pulsas Start demasiado pronto y los dos golpes de bombo parecen un galope de caballo cuando suenan al mismo tiempo. No te preocupes; se arregla fácilmente. Levanta la aguja (DJ de CD: vuelve al punto de cue; consulta el capítulo 8 si no estás seguro de cómo hacerlo), vuelve al paso 1 e inténtalo de nuevo.

missing image file  Te pasas de precavido, esperas demasiado, pones en marcha el tema demasiado tarde y los tiempos suenan juntos como si fuese un choque de trenes. De nuevo, tiene fácil solución. Vuelve al paso 1 e inténtalo de nuevo.

Pero tengo una buena noticia: si hay un pequeño error de sincronización, puede que no sea culpa tuya. Antes de que te frustres demasiado por no conseguir sincronizar tus temas, comprueba un par de factores externos:

missing image file  Dale un poco de impulso. Cuando utilices vinilo, quizá te des cuenta de que lo más habitual es que tardes demasiado; eso es algo común y les pasa a los mejores DJ. Lo bueno es que el retraso puede no tener nada que ver con el momento en que suelta el disco, sino más bien con el motor del giradiscos.

Cuando intentas iniciar los tiempos acompasados, aunque el deslizador cumpla con su función y el plato siga girando bajo el disco, si te limitas a levantar el dedo del disco para que empiece a sonar, el motor puede tardar una fracción de segundo en llevar el giradiscos a la velocidad de funcionamiento (este retraso se denomina lag).

Cuanto más potente sea el motor del giradiscos, más rápido llega a su velocidad, pero hasta el mejor equipo puede introducir un pequeño retraso (los DJ de CD podéis ahora poner una sonrisita de suficiencia).

Para resolver el problema del lag del motor, no te limites a soltar el disco: dale también un suave impulso. La cantidad de impulso que debes dar al disco tiene cierto truco, como poner en marcha el disco en el momento apropiado, pero, igual que en el resto de los aspectos de beatmatching, el truco lo aprenderás con la práctica.

missing image file  ¡Asegúrate de que realmente tienes el tiempo! La otra causa habitual para no iniciar el tiempo sincronizado es que no tengas la aguja o el cue del CD justo al principio del primer tiempo.

Para los DJ de CD, la cosa se reduce a escuchar bien los sonidos de los tiempos para encontrar el principio exacto del tiempo de bombo. Para los DJ de vinilo y los de CD que utilizan platos con emulación de vinilo, para acostumbrarse a encontrar exactamente dónde está el tiempo, pasad atrás y adelante un fragmento de 1 o 2 segundos del tema, como si hicieseis scratching lento. El tiempo sonará parecido a bum - wump - bum - wump al pasarlo en un sentido y en el otro.

Para medir mejor el momento en que acabas soltando el disco, haz este movimiento de balanceo (o scratching) al mismo tiempo que suenan los tiempos de bombo del otro tema. Haz scratch hacia adelante cuando en el otro tema suene sólo el tiempo de bombo, y hacia atrás cuando suene el de bombo y caja/palmas. Cuando quieras iniciar el tema, suelta el disco en lugar de seguir haciendo scratch al ritmo.

Con la cantidad de ruido que hay en una cabina de DJ, puede que tengas dificultades para oír el primer tiempo de bombo si no se trata de un golpe contundente. Al pasar la aguja atrás y adelante por el disco, lo que haces es darle a tu cerebro más información para ayudarle a distinguir el sonido del bombo de otros ruidos.

Prueba esta técnica de vaivén unas cuantas veces para practicar la puesta en marcha del disco a tiempo. Te sorprenderás de lo rápido que te acostumbras a trabajar el vinilo (que es la forma enrollada de decir “usar y tocar el disco”).

Puede que tus padres te hayan dicho que no toques nunca los discos y que los trates con cuidado, y eso es correcto para sus LP de Beethoven, pero no para un DJ. Poner y quitar la aguja del disco o localizar el primer tiempo y hacerlo sonar en el momento adecuado son habilidades que te harán sentirte más cómodo con tus herramientas de DJ. Mantén tus manos limpias y ten un poco de cuidado (no dejes caer la aguja desde demasiada altura ni la cruces por encima del disco) y tus temas te acompañarán durante mucho tiempo.

Compensar errores

Si cometes un error de sincronización al iniciar los tiempos, volver a empezar es lo ideal cuando estás desarrollando tus habilidades, pero no es lo que hacen los DJ experimentados para corregir estos errores.

Intenta volver a iniciar el tiempo; pero, de ahora en adelante, si cometes un error de sincronización, utiliza los métodos siguientes para volver a poner a tempo (hacer que suenen al mismo tiempo) los golpes de bombo:

missing image file  Empiezan demasiado pronto: si has puesto en marcha el nuevo tema demasiado pronto, sus tiempos de bombo sonarán antes que los del tema con el que estás intentando sincronizarlos. Así que lo que necesitas es ralentizar un poco el nuevo tema para ponerlo a tempo.

Los DJ de CD tendrán controles de pitch bend en sus lectores de CD para hacer precisamente eso. Si tienes botones de pitch bend, mantén pulsado el botón de pitch bend, hasta que los tiempos se sincronicen; suelta entonces el botón para volver a la velocidad correcta. Si utilizas, como yo, un equipo como el Pioneer CDJ-1000 con un anillo exterior que puedes girar para que el tema suene más rápido o más lento en breves golpes de velocidad, gíralo hacia atrás para ralentizar el tema.

Los DJ de vinilo pueden poner un dedo en el anillo con hoyuelos que hay alrededor del plato en rotación para añadir un poco de fricción. Esta fricción adicional reduce la velocidad de giro del giradiscos y finalmente ralentiza el disco lo suficiente como para que los tiempos se sincronicen. Cuando los tiempos estén sincronizados, quita el dedo del anillo para que el disco vuelva a su velocidad normal. Cuesta un poco acostumbrarse a saber qué presión se debe aplicar en los hoyuelos; y, si te hace cosquillas, intenta no reírte: ¡no queda nada profesional!

missing image file  Empiezan demasiado tarde: cuando pones en marcha el tema demasiado tarde y los tiempos del nuevo tema suenan después de los del tema con el que estás intentando hacer beatmatching, los DJ de vinilo pueden probar un par de métodos para acelerar el disco:

•    Coge el eje central del giradiscos que sale por el centro del disco con el pulgar y el índice y gíralo para que el giradiscos vaya más rápido de lo normal.

•    Mi método preferido es apoyar ligeramente el dedo en la etiqueta, más o menos en la posición de las seis en punto, y darle un impulso para hacer que el disco gire más rápido.

DJ de CD: Utiliza los controles de pitch bend para acelerar temporalmente el tema.

Una técnica que utilizan algunos DJ para solucionar los errores de inicio en giradiscos o lectores de CD es emplear el control de pitch como pitch bend. Acelerar o frenar brevemente la velocidad con el control de pitch funciona bien en esta fase, porque sólo tienes que volver a ponerlo a cero para que el tema vuelva a sonar a la misma velocidad, pero, si empiezas a utilizar el control de pitch para acelerar o ralentizar tus temas (consulta “Usar el control de pitch”, en este mismo capítulo), te será mucho más difícil volver a situar el control en el punto en que lo tenías.

No es bueno mezclar nervios y descuido

Recuerdo mi primera noche actuando con público en directo (¡aaaaah!). Estaba tan nervioso que al intentar acelerar el disco dando un impulso a la etiqueta, me resbaló la mano y crucé todo el disco con la aguja (y por eso ahora empiezo en la posición de las seis en punto, lejos de la aguja).

Por suerte, este tipo de cosas sólo suelen suceder una vez... ¡Es increíble lo rápido que te ayuda a aprender la vergüenza que te provoca un error como ése!

Experimenta con todos los métodos y averigua cuál te resulta más cómodo. Es importante que decidas cuál es el método de ajuste de errores que mejor te funciona, el que te da resultados positivos de forma regular.

No importa qué método utilices: cuando hagas estos ajustes de sincronización, intenta hacerlos con suavidad. ¡Si presionas demasiado el lateral del giradiscos, lo pararás del todo! O, si das demasiado impulso a la etiqueta, puedes hacer saltar la aguja del surco o hacer avanzar el tema 20 segundos. En algunos lectores de CD, el pitch bend es más pronunciado cuanta más presión apliques al botón, así que averigua cuánto tienes que apretar.

Saber cuál es el disco que tienes que ajustar

Cuando se tiene que modificar la velocidad de un tema para que los tiempos se sincronicen, casi siempre se ajusta el tema que aún no está sonando por los altavoces, la pista en espera, que sueles escuchar por los auriculares. Si acelerases o frenases la pista en vivo que el público está oyendo, empezarían a gritar “¡Que echen al DJ!” (una frase que mete el miedo en el cuerpo a cualquier DJ). Si ambos temas están sonando por los altavoces porque estás en mitad de la mezcla de un tema con el otro, ajusta el menos ruidoso de los dos.

Hay casos (generalmente, temas en los que suena una nota constante) en los que acelerar o frenar el tema más tranquilo suena fatal, debido al salto de tono de las notas que se oyen, pero la práctica y la experiencia te indicarán qué tema debes modificar.

Usar el control de pitch

Cuando te encuentres cómodo con la tarea de iniciar los temas a tempo (consulta la sección “Iniciar los temas a tempo”), el paso siguiente en beatmatching es seguir el mismo proceso también con dos temas iguales, pero esta vez uno de ellos empieza a sonar a una velocidad distinta a la del otro, para que te acostumbres a trabajar con el control de pitch.

En esta fase de familiarización con el beatmatching, la ventaja de utilizar el mismo tema como ejercicio inicial es que puedes comparar los controles de pitch de ambos platos para ayudarte a ajustar las velocidades. El inconveniente es que sigues pinchando el mismo tema una y otra vez. Pero no te preocupes, pronto podrás pinchar otros temas.

Entender los BPM

Para poder utilizar correctamente el control de pitch, es útil saber cómo afecta a la velocidad de la música y cómo calcular estos cambios de velocidad.

Los tiempos (beats) por minuto (BPM) son una forma de describir lo rápido que suena un tema (lo que se denomina tempo). El propio nombre lo dice: los BPM son el número de tiempos que suenan en un minuto.

Generalizando mucho, la música house está grabada a entre 110 y 130 beats por minuto, la música trance varía sobre todo entre 130 y 145, y el hardhouse/happy hardcore puede superar en mucho estas cifras. Otros géneros de música, como el rock, el pop, el jazz, etc., tienen mayores intervalos de variación de beats por minuto. Fijándonos únicamente en un solo intérprete, como la banda Aerosmith, Crazy es una balada a 54 beats por minuto, ¡mientras que Young Lust llega a los 189 beats por minuto!

Calcular BPM

Cuando intentas hacer beatmatching de dos temas distintos, conocer los BPM (beats por minuto) de cada uno de ellos te puede ayudar a hacer una conjetura fundamentada de cuánto necesitas ajustar el control de pitch.

Puedes adoptar principalmente dos estrategias para el cálculo de los beats:

missing image file  Usar un contador de tiempos. Un contador de tiempos es una herramienta de apoyo útil para un DJ, que calcula automáticamente los beats por minuto de un tema y los muestra en una pantalla. Los contadores de tiempos independientes pueden costar entre 90 y 250 euros, aproximadamente. Si estás considerando adquirir un contador de beats por minuto y aún no has elegido tu mesa de mezclas, es económicamente razonable buscar una mesa que tenga contadores de beats por minuto incorporados. En lugar de comprar una mesa de mezclas básica y un caro contador de beats por minuto independiente, combina el dinero para poderte permitir una buena mesa con contadores de beats por minuto incorporados.

missing image file  Calcular tú mismo los BPM. Es la estrategia gratuita. No se tarda mucho en hacerlo, y no es complicado. Pon el tema a pitch cero y prepara un cronómetro. Pon en marcha el tema y cuenta el número de tiempos de bombo que oyes durante 30 segundos. Si has contado un tiempo en el momento de poner en marcha el cronómetro, resta uno y duplica la cifra, y obtendrás los tiempos por minuto de esa pista.

Por ejemplo, si has contado 67 tiempos en 30 segundos y has contado un tiempo al pulsar Start, la cifra de beats por minuto será 66 × 2 = 132 BPM. Si has contado 60,5 tiempos en 30 segundos y has empezado a contar después de poner en marcha el cronómetro, los beats por minuto serán 60,5 × 2 = 121 BPM.

Puedes contar los tiempos durante todo un minuto, desde luego, pero probablemente te darás cuenta de que la diferencia entre contar durante 30 segundos y hacerlo durante 60 no es lo bastante perceptible como para que valga la pena.

Si adquieres la costumbre de calcular los beats por minuto de tus discos cuando los compras, siempre tendrás los cálculos actualizados.

Después de hacer de DJ durante unos meses y de haber desarrollado tus habilidades, notarás que ya no tienes que preocuparte por la cifra exacta de beats por minuto. No tardarás en desarrollar, no sólo la habilidad de saber instantáneamente si un tema es más rápido o más lento que el que está sonando, sino que verás que también tienes una memoria increíble del tempo general de tus discos antes de pincharlos, y no tendrás que recurrir a los cálculos.

Ajustar el pitch

Los números del control de pitch no muestran, de hecho, cuántos beats por minuto puedes sumar o restar. El control de pitch de un giradiscos está numerado para indicar el aumento/reducción porcentual de la rotación del giradiscos y, por tanto, el cambio porcentual respecto de los beats por minuto originales del tema. En los giradiscos Technics 1210 MKII, el control de pitch está a cero en la posición central, +8 si lo mueves hacia ti al máximo y –8 en el otro extremo (siempre que no tengas los giradiscos de lado; consulta el capítulo 17).

Si pinchas un tema de 130 beats por minuto y pones el control de pitch a +4, no estás sumando 4 beats por minuto, sino el 4 por ciento de los beats por minuto originales. El 4 por ciento de 130 es 5,2, lo que significa que el tema a 130 beats por minuto suena ahora a 135,2 beats por minuto.

No te pases la vida contando

Yo solía pasarme un minuto entero calculando los beats por minuto, porque quería estar seguro de ser lo más exacto posible. Finalmente, acabé dándome cuenta de que, si contaba 120 discos, ¡había consumido una hora de mi vida sin una verdadera razón! Habría preferido pasarme esa hora mezclando.

He aquí un ejemplo de cómo calcular dónde tienes que poner el control de pitch en la pista en espera (la pista que quieres pinchar a continuación) para ajustarla a la pista en vivo que actualmente está sonando por los altavoces:

missing image file  La pista en vivo es una pista de 130 beats por minuto con el pitch al +2 por ciento. Esto significa que el disco está sonando a unos 132,5 beats por minuto (el 2 por ciento de 130 beats por minuto es 2,6, que redondeo a 2,5 beats por minuto).

missing image file  La pista en espera es de 138 beats por minuto. Por tanto, tienes que ralentizar este tema alrededor de 5,5 beats por minuto para ajustar sus beats por minuto a los de la pista en vivo. Como es mejor hacer estimaciones con el primer ajuste del control de pitch (consulta “Apartar la vista del control de pitch”, en este mismo capítulo), eso significa que debes bajar el control de pitch más o menos al –4 por ciento para ralentizar lo suficiente el tema, y luego hacer un poco de ajuste fino.

¡Todos a los platos (otra vez)!

Ya basta de teoría; vuelve a tus platos y prueba el método siguiente, utilizando aún dos copias del mismo tema:

1.   Pon el control de pitch de la pista en vivo aproximadamente en el +3 por ciento. (Las cifras en los giradiscos Technics suben de dos en dos, así que, si tienes uno de éstos, mueve el control de pitch entre el 2 y el 4.)

2.   Deja el pitch de la pista en espera a cero y pon en marcha su primer golpe de bombo al mismo tiempo que el golpe de bombo de la pista en vivo. Notarás que los golpes empiezan a separarse y sonar fuera de tempo en seguida.

3.   Cambia el pitch al +3 por ciento. Por fortuna, de momento puedes hacer trampas. Como puedes ver que la pista en vivo está al +3 por ciento, sabes que tienes que poner el pitch de la idéntica pista en espera al +3 por ciento para que los tiempos se pongan a la misma velocidad.

4.   Prueba de nuevo a sincronizar los tiempos, pero esta vez no pares la pista en espera si suena demasiado lenta. Trátala como si fuese un error de puesta en marcha. Sabes (de momento) que tienes que poner el control de pitch al +3 por ciento, así que hazlo, y utiliza tu técnica de corrección de errores favorita (lee “Compensar errores”, en este mismo capítulo) para que los tiempos vuelvan a sonar sincronizados.

Puede que tengas suerte y pongas el pitch exacto la primera vez, pero lo más probable es que notes que los tiempos empiezan a separarse al cabo de 10 segundos o así, porque, aunque hayas movido el control de pitch a la marca del +3 por ciento, puede que el control no sea totalmente preciso.

Todo esto, desde luego, es sólo para practicar; cuando utilices dos temas distintos con beats por minuto diferentes no tendrás la opción de hacer trampas mirando el control de pitch del otro giradiscos para saber si tienes que acelerar o ralentizar el nuevo tema. Así que las cosas empiezan a ponerse un poco más complicadas. Tendrás que ser capaz de saber si la pista en espera está sonando demasiado rápido o demasiado lento —a fin de volver a sincronizar los tiempos—, utilizando tus oídos, no tus ojos. Para ello, escucha el sonido de los dos bombos juntos.

Demasiado lento o demasiado rápido

Si eres capaz de oír que un disco se está desincronizando antes que nadie y puedes reaccionar y solucionar el problema antes de que nadie lo oiga, serás tan bueno en beatmatching como cualquier DJ de primera categoría. Sin embargo, saber si un tema está sonando demasiado rápido o demasiado lento es, con diferencia, la parte más complicada para un DJ. Es la pregunta que me hacen con más frecuencia, y lo más difícil de averiguar para un montón de DJ novatos.

El motivo por el que los recién llegados al mundo del DJ tienen problemas para juzgar esto es que no han dedicado tiempo a entrenar sus oídos para escuchar las pistas de audio que proporcionan la respuesta. Practica el método siguiente durante un tiempo, y escucha y concéntrate en el sonido de un tema que suena demasiado rápido o demasiado lento.

Para poder saber si la pista en espera suena demasiado lenta o demasiado rápida, tienes que cambiar los ajustes en la mesa de mezclas para que el fader de canal de la pista en vivo esté a un volumen de unas tres cuartas partes del volumen del canal de la pista en espera. Este cambio se debe a que necesitas poder identificar los tiempos de bombo de la pista en espera mientras ambas pistas están sonando por los altavoces. Si haces sonar ambas pistas al volumen total, no sabrías distinguir cuál es el tiempo que suena primero (¡sobre todo porque, de momento, ambos temas son el mismo!). Si uno de los temas suena más alto que el otro, podrás distinguirlos.

El motivo por el que sugiero este método es porque es parecido a lo que yo hago con mis auriculares al hacer beatmatching. Tengo la pista en espera sonando a volumen alto, y, suponiendo que la mesa de mezclas tenga mezcla de auriculares, lo que me permite escuchar también la pista en vivo por los auriculares, pongo la pista en vivo al mismo tiempo, pero a un volumen muy inferior. Consulta “Introducir tus auriculares”, en este mismo capítulo, si quieres saber por qué se trata de mi método preferido.

He descubierto que la mejor forma de describir a qué hay que estar atento es utilizar onomatopeyas (palabras que puedes asociar con sonidos): l’Bum y B’lum (préstame atención un momento, de verdad que no me he vuelto loco).

Simplemente, cuando el cross-fader está en el centro, el tema en espera está sonando a todo volumen: Bum Bum Bum Bum... El tema en vivo suena menos que el tema en espera; en lugar de sonar como un potente Bum, es más bien un sonido lum más suave: lum lum lum lum (de verdad, hazme caso un rato más; cuando lo pones en práctica, te prometo que todo esto tiene sentido).

Esto significa que los dos sonidos que oirás y que te indicarán si tienes que acelerar o ralentizar la pista en espera son:

missing image file  B’lum: cuando el tema con más volumen, el tema “Bum” (en este caso, el tema en espera) va demasiado rápido, se oye su tiempo primero, y el sonido que se oye es B’lum, B’lum, B’lum, B’lum.

missing image file  l’Bum: cuando el tema en espera va demasiado lento y suena después de la pista en vivo, el sonido es similar a l’Bum, l’Bum, l’Bum, l’Bum.

Ser capaz de oír los sonidos de ambos tiempos de bombo mientras suena el resto de la música precisa de cierta concentración, pero si pasas un tiempo practicando te darás cuenta de que no estoy tan loco como parece. Cuando utilizas dos temas distintos la cosa es un poco más fácil, porque los bombos probablemente suenen distinto de todos modos, pero independientemente de eso, B’lum y l’Bum son tus amigos a la hora del beatmatching.

Vuelve al paso anterior de poner la pista en vivo al +3 por ciento y, empezando en el cero por ciento, ajusta el pitch de la pista en espera de modo que las velocidades sean similares. Escucha bien el sonido que hacen los bombos cuando los tiempos están casi ajustados. Presta especial atención a l’Bum o B’lum e intenta averiguar si la pista “Bum” en espera está yendo demasiado rápido o demasiado lento. Si te has equivocado y has ralentizado una pista que ya estaba sonando demasiado lenta, no pasa nada. Recuerda sólo el sonido que has oído y que te ha hecho pensar que la pista iba demasiado rápida y cambia la asociación mental a “demasiado lenta”.

Esta técnica requiere práctica y concentración, y quizá te convenga adoptar, de momento, una estrategia de ensayo y error. Vuelve al pitch cero en ambos temas, ralentiza uno de ellos y escucha el sonido de los tiempos de bombo; luego acelera el otro, escucha el sonido y percibe la diferencia.

Apartar la vista del control de pitch

Cuando estás acostumbrado a escuchar los distintos sonidos de los tiempos cuando suenan demasiado rápido o demasiado lento, el paso siguiente es coordinarlos mediante el ajuste del control de pitch sin mirar dónde está el control de pitch del otro plato, sólo con tus oídos como guía.

Usando temas idénticos, sube el control de pitch en el tema en vivo pero, esta vez, cubre con algo las cifras del control, de modo que sepas que ha aumentado, pero no puedas hacer trampas mirando en qué cifra está. Ya sé que es un poco infantil, pero, a partir de ahora, se acabó lo de hacer trampas.

Para ajustar el control de pitch en el tema en espera a este nuevo valor, yo tengo en cuenta cuatro intervalos de ajuste:

missing image file  Ajustes grandes y bastos, para acercarse.

missing image file  Ajustes medios (aproximadamente del 1-2 por ciento en el control de pitch) para acercarse un poco más.

missing image file  Ajustes pequeños (de alrededor de un cuarto del 1 por ciento) para finalizar.

missing image file  Ajustes minúsculos (milímetros) para el ajuste fino durante la mezcla.

Por ejemplo:

missing image file  Si el tema en espera empieza de inmediato a sonar demasiado lento, sube el control de pitch un 4 por ciento aproximadamente y utiliza tu método de corrección de errores favorito para sincronizar los tiempos (mira “Compensar errores”, en este mismo capítulo).

missing image file  Si, después de la corrección de errores, oyes B’lum (lo que significa que has acelerado demasiado, pero los tiempos no se están separando tan rápido como en el último paso), reduce un poco el pitch, aproximadamente un 1 por ciento.

missing image file  Si ahora los tiempos tardan unos diez segundos en sonar demasiado lento de forma que se note, y esta vez empiezas a oír el sonido l’Bum, aumenta el pitch un cuarto de un 1 por ciento, aproximadamente.

Practicar feliz

Piensa siempre que, si estás pasando el rato practicando es porque quieres ser DJ, y quieres ser DJ porque, aparte de muchas otras cosas, ser DJ es algo muy divertido.

Si empiezas a frustrarte durante el desarrollo de tus habilidades de beatmatching, para. Tómate 5 minutos de descanso lejos de los platos. Tómate un vaso de agua (¡algo más fuerte podría inflamar la situación!) y vuelve con un pensamiento en la mente: divertirte. No te preocupes por las habilidades o el aprendizaje. No te grabes, no trates de ser algo que no eres, no te impacientes. ¡Limítate a pinchar un poco de música y sonreír! De hecho, diría que éste es el único caso en el que te vendría bien una sesión de autobeatmatching en tus platos, para poder fingir que eres tú realmente el que lo está haciendo todo, recuperar el buen rollo y librarte de toda la negatividad.

missing image file  Si ya casi lo has logrado, pero, al cabo de 20 segundos, empiezas a oír B’lum de nuevo (el tema que oyes más alto, el tema a la espera, va demasiado rápido), corrige el error y reduce el pitch sólo una pizca. A veces no hace falta más que un movimiento mínimo, 1 milímetro.

Introducir tus auriculares

Cuando empiezas a desarrollar tus habilidades de beatmatching (mira la sección anterior), poner los dos temas por los altavoces al mismo tiempo hace que sea mucho más sencillo oír de forma clara e instantánea si has logrado sincronizar los tiempos del bombo. Lamentablemente, no dispones de esa opción si estás mezclando para el público o grabando un CD con una sesión, porque, como ya sabes, suena fatal. Así que creo que es hora de quitar las ruedecitas de la bici y empezar a averiguar si los tiempos están sincronizados con los auriculares a partir de ahora. Tus vecinos y tu perro te lo agradecerán.

Pasar el control a los auriculares

Para empezar a sacar el máximo provecho de los auriculares, deberás configurar tu mesa de mezclas de manera que sólo oigas la pista en vivo a través de los altavoces del amplificador, y sólo empieces a oír la pista en espera por los auriculares al mover el cross-fader hacia el canal de la pista en espera.

Configura así tu mesa de mezclas:

missing image file  Cross-fader en el extremo del lado de la pista en vivo.

missing image file  Botones de cue de los auriculares configurados para oír en ellos la pista en espera.

missing image file  Controles de ganancia y ecualizadores de ambos canales con idéntica configuración (para que los dos discos suenen al mismo volumen y con la misma cantidad de frecuencias bajas/medias/altas).

missing image file  Los faders de ambos canales al máximo.

Esta última regulación es para simplificar el proceso durante el desarrollo de tus habilidades, porque de esta forma —aparte de la configuración de los controles de ecualización y ganancia— se logra un volumen de reproducción idéntico para ambos discos (que también son idénticos). Sin embargo, cuando mejores como DJ notarás que poner los faders de canal al máximo puede provocar problemas de volumen en lugar de impedirlos (para más información, consulta el capítulo 16).

Si no estás seguro de cómo alguna de estas configuraciones afecta al sonido que pasa por la mesa de mezclas, o para obtener explicaciones detalladas de las distintas opciones de cueing, consulta el capítulo 10.

Cueing en tus auriculares

Hacer los ajustes de pitch en la pista en espera con los auriculares mientras escuchas la pista en vivo por los altavoces no es fácil al principio. Hacer cueing (buscar en qué punto de un pista quieres iniciar su reproducción y también configurar el control de pitch durante el proceso de beatmatching) es otra de las habilidades esenciales que, una vez adquieres, nunca olvidas. Al principio puede parecer algo tan complicado como frotarte la tripa y darte golpes en la cabeza al mismo tiempo, o hacer juegos malabares con cuatro sierras mecánicas al tiempo que cantas (aunque algo menos peligroso).

Cueing monitorizando con un oído

La forma más popular de hacer cueing con los auriculares se denomina monitorizar con un oído. Para describirlo de forma simple, te cubres sólo un oído con los auriculares mientras suena en ellos la pista en espera, dejando el otro oído destapado para oír la pista en vivo por los altavoces. De esta forma, puedes oír las dos pistas y compararlas en tu cabeza.

Cueing con mezcla de auriculares

Puedes utilizar una mezcla de auriculares para ayudarte a oír los sonidos B’lum, l’Bum (mira la sección “Demasiado lento o demasiado rápido”) al hacer monitorización con un oído, o cubrirte los dos oídos con los auriculares para comprobar que los tiempos suenen sincronizados.

Al hacer monitorización con un oído con la pista en espera sonando a buen volumen en tus auriculares, la mezcla de auriculares te permite reproducir la pista en vivo a bajo volumen encima de ella (lo que yo llamo bleeding in) para poder oír los sonidos combinados de los tiempos de bombo B’lum, l’Bum en tus auriculares. Si oyes B’lum, la pista en espera va demasiado rápido; si oyes l’Bum, va demasiado lento. Consulta la sección “Demasiado lento o demasiado rápido”, para repasar esta técnica.

Cuando llegues a la mitad de la mezcla, y la pista en espera sea ahora también la que suena más alto por los altavoces, quizá te convenga cambiar los controles de cue de los auriculares para que la pista en espera se convierta ahora en la pista en vivo y sea la que se oye más bajo, y el tema que era la pista en vivo suene ahora más fuerte en los auriculares y se convierta en la pista en espera. Esto significa que ahora, cuando oigas B’lum, el tema que está saliendo de la mezcla (que es ahora el tema en espera) está sonando demasiado rápido; y, cuando oigas l’Bum, está sonando demasiado lento.

Aparte de ayudarte a localizar los indicadores l’Bum y B’lum, otra de las ventajas de la mezcla de auriculares es que te permite hacer una mezcla de prueba con los auriculares puestos en ambos oídos, antes de que nadie pueda oírla. Algunos discos no suenan bien combinados con otros, y escuchar la mezcla antes en los auriculares puede actuar de red de seguridad para evitar una mala elección.

Quizá incluso te parezca más fácil escuchar los indicadores B’lum y l’Bum por ambos oídos, en lugar de hacer monitorización con un oído, y es mejor tener los dos oídos en los auriculares para comprobar si los tiempos suenan sincronizados.

Si vas a comprobar los tiempos y quizá incluso llevar a cabo la mezcla con ambos oídos en los auriculares, recuerda quitártelos de vez en cuando para poder oír cómo suena la música en la pista de baile. A lo mejor piensas que te está saliendo la mejor sesión del mundo, cuando en realidad las personas de la pista no están oyendo más que distorsión y ruido.

La mezcla de auriculares no es una opción fundamental de la mesa de mezclas, pero siempre ayuda, ¡sobre todo al principio del desarrollo de tus habilidades de beatmatching!

Cueing con split cue

Otra de las opciones de motorización con auriculares es split cue, en la que un lado de los auriculares reproduce la señal en espera, mientras que el otro reproduce la señal en vivo.

Esta técnica es casi idéntica a la de monitorización con un oído, en la que un oído está cubierto por los auriculares y el otro abierto al sonido en vivo, salvo que el sonido en vivo es mucho más claro si lo oyes por los auriculares que por los altavoces de la pista de baile.

No hay un único método correcto para hacer cueing con los auriculares. La sección de cueing con auriculares de tu mesa de mezclas puede tener un gran efecto sobre tu estilo de cueing, como puede tenerlo tu habitación o el club en el que pinchas. Te sugiero que practiques antes cómo hacer beatmatching mediante monitorización con un oído, porque es la técnica más común, pero elige el método que prefieras y asegúrate de estar totalmente satisfecho con él.

Si sabes utilizar los tres métodos de cueing con auriculares serás un DJ completo. Si sólo eres capaz de mezclar con monitorización con un oído, por ejemplo, la primera vez que actúes en un club que no tenga monitor en la cabina del DJ y haya retraso por la distancia entre los altavoces principales y la cabina, vas a pasarlo mal. Si te encuentras con ese problema y la mesa de mezclas dispone de la opción, estarás preparado para salir del aprieto si sabes mezclar con split cue en los auriculares.

Centrar tu cabeza con la imagen estéreo

Escuchar dos temas al mismo tiempo y comparar sus golpes de bombo para saber si suenan al mismo tiempo exige mucha concentración. Normalmente, tu cerebro no se encuentra en situaciones en las que deba escuchar y reaccionar a dos cosas al mismo tiempo, así que lo primero que hace es intentar cancelar una de ellas; eso significa que escuchar dos temas al mismo tiempo exige un poco de práctica. El truco para dominar este método es regular correctamente el volumen de los auriculares.

Cuando te pones los auriculares en ambos oídos para escuchar música, notarás que la música parece sonar en el centro de tu cabeza. Esta sensación se denomina imagen estéreo, y es la magia que hace posible el sonido estéreo.

Si monitorizas las pistas en vivo y en espera mediante monitorización con un oído, el volumen perfecto en tus auriculares es cuando creas en tu cabeza una imagen estéreo entre los altavoces en vivo y los auriculares, como se muestra en la Figura 14-1.

Figura 14-1:

La magia del estéreo: al equilibrar los volúmenes de los auriculares y del altavoz logras una imagen estéreo perfecta, como si llevases puestas ambas earcups de los auriculares.

Los DJ que utilizan split cue pueden usar el control de ganancia para adaptar los volúmenes de la pista en espera en un oído y la pista en vivo en el otro. Para más información sobre los controles de ganancia, consulta el capítulo 10.

Si los auriculares están más altos que el altavoz, o viceversa, el sonido dominante arruina el equilibrio de la imagen estéreo, y para tu cerebro es más difícil concentrarse en los tiempos de bombo de ambos discos. En la Figura 14-2 se ilustra esta idea de desequilibrio.

Figura 14-2:

Cuando el altavoz está más alto, la música queda descentrada. Si son los auriculares los que están más altos, la imagen estéreo estará descentrada en la dirección contraria.

Puedes adoptar esta técnica al revés, que es el motivo por el que subes el volumen de la tele cuando te están molestando en casa; ¡con la tele alta, es más difícil oír a la persona que te molesta!

Si escuchas dos copias del mismo disco, tendrás la oportunidad de descubrir a qué me refiero cuando hablo de imagen estéreo. Pon ambos discos a pitch cero, ponlos en marcha al mismo tiempo (espero que ya seas un experto en eso) y ajusta el volumen de los auriculares, primero más alto y luego más bajo. Cierra los ojos y escucha dónde aparece el sonido en tu cabeza. Cuando está equilibrado el volumen entre el altavoz en vivo y los auriculares, la música crea una imagen estéreo casi perfecta en el centro de tu cabeza.

Sin embargo, no es habitual que tengas que mezclar un tema consigo mismo, y, cuando pinchas temas distintos, el sonido estéreo creado en tu cabeza no será el mismo sonido perfecto. Pero la clave es el golpe del bombo, y en eso es en lo que debes concentrarte. Aunque el resto del tema sea distinto, lo único que necesitas para crear una imagen estéreo en tu cabeza es el golpe del bombo.

Si tienes dificultades para concentrarte en los tiempos, o si el tema que estás pinchando no tiene un tiempo de bombo Bum Bum Bum Bum potente, presta atención al tiempo combinado de bombo y caja/palmas (consulta “Iniciar los temas a tempo”, en este mismo capítulo). La caja o la palmada añaden un sonido más agudo y claro que para algunas personas es más fácil de distinguir del resto del tema.

Practicar con tus auriculares

Para acostumbrarte a utilizar tus auriculares para monitorizar los temas, ve a tu instalación de DJ y, si no lo has hecho aún, regula la mesa de mezclas para poder escuchar la pista en vivo a través de los altavoces y la pista en espera por los auriculares.

Vuelve al principio de este capítulo y practica con los aspectos básicos de los tiempos iniciales y del ajuste de pitch, desde cómo localizar el golpe de bombo hasta cómo iniciarlo en el momento correcto, averiguar si tienes que acelerar o ralentizar un tema para ajustar el pitch y escuchar los indicadores l’Bum y B’lum, todo esto mientras escuchas la pista en espera por los auriculares y la pista en vivo por los altavoces.

Cuando adquieras confianza haciendo cueing con los auriculares y sepas decidir cómodamente si los tiempos están sincronizados, podrás empezar a crear largas mezclas sin que los tiempos de los temas se desincronicen, y esto te dará más tiempo para poder crear mezclas impresionantes y con un sonido profesional.

Utilizar nuevos temas

Por fin. La confianza que has adquirido sincronizando los tiempos de dos temas iguales con tus auriculares significa que puedes pasar sin problemas a hacer beatmatching con dos temas diferentes.

Quizá te vaya bien utilizar uno de los temas con los que has estado practicando, pero pon un tema nuevo en el otro plato. Lo bueno es que ya has desarrollado las habilidades y el oído para poder sincronizar los tiempos de este nuevo tema con los del viejo. En lo único que tienes que pensar es en el sonido de los tiempos de bombo de este nuevo tema, y si sus beats por minuto se traducen en que vas a tener que acelerarlo o ralentizarlo para sincronizar los tiempos de bombo de ambos temas.

A la perfección por la práctica

La práctica supone una inmensa diferencia cuando estás desarrollando tus habilidades de beatmatching. Si practicas dos horas cada noche, al cabo de una semana probablemente seas el 75 por ciento de bueno en beatmatching que cualquier otra persona; es el último 25 por ciento, el perfeccionamiento, lo que tarda más en desarrollarse.

Como escala temporal genérica, cuando estés más cómodo con tu música y con el formato de DJ que hayas elegido, ya sea CD, vinilo o digital, al cabo de un mes de practicar beatmatching verás que ya eres capaz de ajustar con rapidez los tiempos sin tener que recurrir a prisas o conjeturas para iniciar la mezcla antes de que el otro tema se acabe.

Puedes tardar meses, incluso años, en perfeccionar el beatmatching y tener la confianza de que el 99 por ciento de las veces has ajustado los tiempos con precisión y que seguirán sincronizados mientras dure la mezcla. Recuerda simplemente que, durante todo el tiempo que pases practicando, estarás escuchando música que te gusta y que quieres oír.

Si tardas un poco en llevar a cabo el beatmatching, no pasa nada. Intentar concentrarse en dos temas completamente distintos es un poco más difícil, pero tómate algo de tiempo para practicar y concéntrate en lo que estás haciendo, y en seguida todo acabará por encajar.

Beatmatching rápido

He dejado esta técnica para el final del capítulo porque es un método de emergencia, de última hora, para hacer beatmatching cuando no tienes la información de beats por minuto que normalmente te ayudaría a ajustar el control de pitch, ni tienes tiempo para averiguarla.

Puedes utilizar este método ya al principio de tu aprendizaje de beatmatching, con ambos temas sonando por los altavoces al mismo tiempo o, en una situación más de DJ, monitorizando con los auriculares. Los resultados son igualmente eficaces.

1.   Con el tema en vivo sonando por los altavoces, pon el control de pitch del tema en espera (el siguiente tema que quieres pinchar) al máximo. Esto elimina la labor de conjeturar si tienes que acelerar o ralentizar el tema para sincronizar los tiempos. Como vas a iniciar el nuevo tema demasiado rápido, ya sabes que tendrás que ralentizarlo.

2.   Con el tema en espera sonando mucho más rápido que el tema en vivo, pon en práctica tu método de corrección de errores favorito para ralentizar el tema en espera lo suficiente para que los tiempos estén sincronizados (o lo más próximo que puedas). Al mismo tiempo que efectúas esta corrección de errores, reduce el control de pitch. Al reducir el control de pitch, verás que no tienes que presionar tanto en el borde del giradiscos o pulsar el botón de pitch bend con tanta presión durante tanto tiempo en los lectores de CD para que el tema siga sonando lo bastante lento como para mantener los tiempos sincronizados.

3.   Cuanto más te acerques al valor de pitch correcto, más leve tiene que ser tu corrección de errores.

4.   Cuando creas que ya no necesitas corregir más, deja de hacerlo, y deja también de ajustar el control de pitch.

5.   Efectúa pequeñas correcciones de errores y ajustes en el control de pitch a fin de mantener los tiempos sincronizados. Cuando dejes de oír B’lum y l’Bum, sonidos que te permiten saber si los tiempos están desincronizados, será porque estarán sincronizados.

Con este método deberías ir del paso 1 al paso 4 en unos 10 segundos. El paso 5 podría llevarte aún un poco de tiempo, pero si tienes prisa o no conoces los temas lo bastante, ésta es una forma increíblemente rápida de hacer beatmatching.

Algunas personas utilizan este método en todas sus mezclas, y no pasa nada por ello. Sin embargo, con el tiempo aumentará tu experiencia en beatmatching y podrás recordar fácilmente más información sobre la velocidad de tus temas, así que ya no necesitarás una estrategia tan apremiante para el beatmatching.

Capítulo 15

Pillarle el ritmo: la estructura de las canciones

En este capítulo:

Comprender cómo están construidas las canciones.

Introducir los tiempos, los compases y los versos... y una determinada oveja.

Averiguar en qué punto del tema estás.

Confiar en tu memoria y en tus instintos.

Probar tus habilidades en una estructura de ejemplo.

Los buenos DJ son gente de personalidad dividida. La mitad de ti pincha grandes temas en el orden perfecto, y la otra mitad crea la mezcla perfecta de tema a tema.

Necesitas algo más que puro beatmatching para crear la mezcla perfecta, especialmente si estás mezclando temas rock, indie o de fiesta, que no se prestan al beatmatching. El ajuste de los ecualizadores y del nivel de sonido global cambia la dinámica de una mezcla (para más información, consulta el capítulo 16), pero el factor más importante es elegir qué partes de los temas vas a mezclar, y escuchar con atención para saber cuándo tus temas progresan de las introducciones a las estrofas, estribillos y outros.

Es aquí donde entra en juego tu conocimiento de las estructuras rítmicas. Empezando por el simple compás, que se convierte en frase, que se transforma en estrofa, el esquema de las canciones está establecido de la forma más extraordinariamente ordinaria.

Una vez que has descifrado el código de construcción de una canción, tus instintos toman el relevo; ya no tienes que pensar y puedes crear sin esfuerzo transiciones suaves durante toda la sesión que te granjearán elogios por tus habilidades.

Por qué los DJ necesitan estructura

La más simple de las mezclas implica pinchar la introducción (intro) de un nuevo tema sobre la última parte (la outro) del tema del que quieres salir. Para iniciar la mezcla a tempo, el DJ tiene que saber cuándo está a punto de empezar la outro. Si analizas cómo se combinan los tiempos y los compases para constituir estrofas, estribillos, intros y outros (que describo en detalle en la sección “Estudiar la estructura de las canciones”) no perderás el ritmo.

El conocimiento de la estructura rítmica es vital para todo tipo de DJ. Tanto si tu estilo es crear transiciones continuas de 1 minuto de duración de un tema al siguiente como si te limitas a poner un tema cuando se acaba el otro, comprender cómo se estructura un tema te permitirá mezclar sin riesgo de intervalos vacíos de bombo, caídas en la diversión y en la energía de la noche o —lo peor de todo— silencios.

Para más información sobre cómo se superponen distintas partes de un tema para modificar el sonido y la energía de la mezcla, consulta el capítulo 16.

Multiplicación de tiempos, compases y versos

Igual que un albañil construye un muro a partir de centenares de ladrillos colocados en hileras una encima de otra, y luego une el muro a otros muros para construir una casa, un autor de canciones agrupa los tiempos de un tema y los combina con otros grupos, y luego une estos grupos para crear estructuras mayores, todas ellas parte de un todo aún mayor: la canción. Pero, antes de empezar a examinar cómo se combinan los muros para construir una casa (o cómo se combinan las estrofas y los estribillos para construir un tema), tienes que saber cómo construir un muro —o crear un estribillo— a partir de tiempos y compases. Si eres capaz de contar hasta cuatro, podrás enfrentarte con facilidad a la estructura rítmica, porque los bloques de construcción de casi todos los temas con los que te encontrarás van en grupos de cuatro:

missing image file  Cuatro tiempos en un compás

missing image file  Cuatro compases en un verso

missing image file  Cuatro versos en una estrofa (normalmente)

Aunque suelen componerse de cuatro versos, la longitud de un verso puede cambiar en función de las decisiones del autor.

La forma más fácil de explicar cómo cuatro tiempos se convierten en un compás y cuatro compases en un verso es utilizando letras de canciones. Por desgracia, si quisiera utilizar la letra de una canción famosa reciente tendría que pagar mucho dinero, así que utilizaré una canción infantil inglesa, Baa, Baa, Black Sheep (Be, be, oveja negra) (si no la conoces, la encontrarás fácilmente en YouTube) para mostrar cómo el número mágico cuatro multiplica los tiempos para convertirse en compases y estrofas.

Para demostrar el principio de los cuatro tiempos en un compás, fíjate en la primera línea de la canción, Baa, baa, black sheep, que tiene un compás de duración. Cada una de estas palabras se corresponde con uno de los tiempos del compás, y la primera palabra tiene más énfasis que las otras tres. Un ritmo de tambor simple para acompañar este compás tendrá la estructura básica “bombo” – “bombo/caja” (si necesitas más información sobre patrones rítmicos de batería, consulta el capítulo 14), como se puede ver a continuación:

Tiempo 1 – Baa (bombo)

Tiempo 2 – Baa (bombo y caja)

Tiempo 3 – black (bombo)

Tiempo 4 – sheep (bombo y caja)

Avanzando en la canción, este compás es el primero de los cuatro compases que componen la primera estrofa:

Compás 1: Baa, baa, black sheep,

Compás 2: Have you any wool?

Compás 3: Yes sir, yes sir,

Compás 4: Three bags full.

La primera estrofa se agrupa con otras tres para crear dieciséis líneas (es decir, dieciséis compases), una sección entera.

Baa, baa, black sheep,

Have you any wool?

Yes sir, yes sir,

Three bags full. (Final de la estrofa 1: cuatro líneas/compases de duración.)

One for the master,

One for the dame,

And one for the little boy

Who lives down the lane. (Final de la estrofa 2: la canción dura ocho compases hasta aquí.)

Baa, baa, black sheep,

Have you any wool?

Yes sir, yes sir,

Three bags full. (Final de la estrofa 3: la canción dura doce compases hasta aquí.)

One to mend the jerseys

One to mend the socks

And one to mend the holes in

The little girls’ frocks. (Final de la estrofa 4: la duración total de la canción es de dieciséis compases.)

Observa de nuevo las dieciséis líneas de la canción. Aunque la canción tiene cuatro estrofas distintas, se pueden agrupar las dos primeras y las dos últimas como dos partes distintas de la canción. Ambas mitades empiezan con la misma estrofa, “Baa, baa, black sheep, have you any wool, yes sir, yes sir, three bags full”, pero la siguiente estrofa es diferente.

En música nos encontramos con el mismo principio: la segunda mitad de una estrofa puede sonar muy parecida a la primera, pero en el cuarto y último verso, los sonidos, tambores y energía de las voces o instrumentos aumentan para indicar que nos acercamos al final de la estrofa y no sólo al final de la primera mitad.

El plato es un símbolo

No todas las letras de las canciones te indican en qué parte del tema estás. Aunque la música sin letra tiene a veces cambios de melodía a través de los distintos versos, quizá necesites un poco más de orientación para ayudarte a encontrar tu posición. Si acabas de colocar la aguja, o de poner en marcha el CD, en un lugar aleatorio con vistas a iniciar una mezcla, tienes que saber en qué parte de un patrón de cuatro versos (dieciséis compases) te encuentras.

Por suerte para los DJ, los productores de discos son muy amables y dejan marcas de fin de verso (generalmente golpes de plato) al final de los versos o justo después. Los cuatro versos del ejemplo de Baa, Baa, Black Sheep tienen tres tipos de finales distintos:

missing image file  El final del primer verso y del tercer verso (probablemente idénticos)

missing image file  El final del segundo verso (el punto central)

missing image file  El final del segundo verso (el punto final y más potente)

Los finales de los versos primero y tercero probablemente tienen un golpe de plato para destacar (generalmente en el cuarto tiempo del cuarto compás), pero nada muy especial.

El final del segundo verso, el punto central, está un poco más resaltado, porque la primera mitad es una parte propia de la historia. Este final puede tener un pequeño cambio en los tambores, como un breve redoble, y terminar con un golpe de plato en el último tiempo del último compás o el primero del siguiente (el noveno).

El final del cuarto verso sí es importante. Este marcador de final de verso indica que la canción va a pasar a una sección nueva, de una estrofa a un estribillo, de un estribillo a un break o de un break a una estrofa, etc. Es similar al marcador del punto central, pero más pronunciado y potente. El redoble de tambor dura más, las voces son más profundas y la energía es muy superior, creciendo para pasar a la sección siguiente.

Todo cambia

Las marcas de fin de verso son habituales en algunos géneros musicales, pero no te fíes de ello; no siempre los autores de canciones incluyen marcas al final de los versos 1 y 3. En esta fase te será de mucha ayuda conocer los temas del derecho y del revés.

Si el tema tiene letra, es relativamente fácil —si has escuchado el tema las suficientes veces— reconocer señales que te indican finales de verso.

Para un tema sin letra, escucha cómo cambia de verso a verso, aun sin esas marcas de fin de verso. Puede que el gancho o motivo principal empiece de nuevo, quizá la melodía cambie de tonalidad, se introduzca otro instrumento, pueda agregarse otro sonido de tambor o sonido sintético o quizá te des cuenta de un cambio general en el volumen o la potencia de la música debido a la adición de filtros/compresores, se trata más de una sensación, que algo que pueda realmente definirse.

Los productores inteligentes intentan evitar las normas y jugar con tus expectativas, pero en la mayoría de temas algo cambia o se añade cada cuatro compases.

Contar para saber dónde estás

Empieza a reproducir uno de tus temas, escúchalo e intenta oír cómo los tiempos se convierten en compases, los compases en versos, los versos en semiestrofas, como la canción infantil, y luego cómo la estrofa pasa a la parte siguiente. Para ayudarte a aprender esto, empieza por el primer tiempo de bombo y, a medida que la música suena, cuenta los tiempos, como se muestra en la Figura 15-1.

Figura 15-1:

Contar el tiempo de los tiempos.

Cuenta el número del compás como el primer tiempo del compás. El sentido de contar de esta forma es simplemente saber en qué compás estás.

El primer tiempo del compás tiene más énfasis, así que, cuando cuentes los tiempos, pon más energía al decir el primer número: “UN dos tres cuatro - DOS dos tres cuatro”, etcétera.

Escucha lo que sucede al final del primer verso (cuatro compases) del tema. En el tiempo 4 del cuarto compás, o en el tiempo 1 del siguiente, lo más probable es que oigas un golpe de plato o algún tipo de sonido que actúa como remate del verso. Es posible que el sonido que marca este primer verso sea el mismo para todos los primeros versos de una sección durante el resto del tema.

Sigue contando y escuchando cómo acaba cada verso, y presta una atención especial a comparar cómo finaliza cada uno de los versos y cómo esto indica tu posición en los dieciséis compases.

Acaba de escuchar el tema entero porque puede que la sección inicial (la intro) tenga sólo ocho compases de duración. Mientras escuchas el resto del tema, usa lo que sabes sobre duraciones de versos y recuerda los distintos estilos de marcas de fin de verso para ayudarte a decidir cómo están compuestos la intro, la estrofa y el estribillo, que describo en detalle en la posterior sección “Estudiar la estructura de las canciones”.

Escuchar los temas de forma activa

Escucha de forma activa; presta atención a lo que está sonando. En vez de limitarte a relajarte y disfrutar de la música, concéntrate en los sonidos que estás oyendo: batería, fragmentos de voz (¡un “Oh yeah” al final de un compás es un buen indicador!), cambios en las melodías o en la línea de bajo, un extraño whoosh u otros ruidos electrónicos; cualesquiera de estos sonidos pueden ser marcas que el autor ha dejado para indicarte en qué parte del tema estás. ¡Incluso la ausencia de una marca al final de los versos 1 y 3 puede ser la marca que estés buscando! Escucha con atención y descubrirás los secretos de las marcas.

Una vez que hayas descifrado la fórmula de tiempos/compases/versos de la estructura de un tema, cuando ya sepas identificar las distintas marcas de fin de verso y cuando hayas desarrollado el instinto que te indique que la música está a punto de cambiar, verás que ya no necesitas contar tiempos y compases.

Esto es algo que quiero resaltar: tienes que procurar dejar de contar tiempos lo antes posible. Desarrollar una dependencia del conteo de tiempos para poder mezclar puede ahogar tu creatividad y tener consecuencias desastrosas. No sólo te arriesgas a parecerte a Rain Man mientras cuentas tiempos y compases a medida que suenan, sino que, si sucede algo que te quita la concentración y no sabes en qué punto del tema estás, la probabilidad de que la mezcla se convierta en una pesadilla es demasiado grande. Dedica el tiempo y la concentración necesarios para desarrollar la memoria y la destreza que te permitan escuchar un tema desde la mitad y saber dónde estás con un error de uno o dos versos.

Estudiar la estructura de las canciones

En realidad, las personas que se encuentran en la pista de baile no están interesadas en cómo están creadas las canciones, aunque sí esperan y responden a las distintas partes de la música, igual que tú necesitas hacerlo. Como DJ, tienes que saber cuándo está sonando una estrofa, un estribillo o un break —aunque la canción no tenga letra— para poder crear mezclas uniformes, sin errores y de sonido profesional.

Intros, estrofas, estribillos, breaks y outros son los distintos grupos de compases y versos que se combinan para crear el tema:

missing image file  Introducción (o intro): la parte del principio del tema, antes de que entre la melodía principal. Puede ser tan larga o tan corta como un trozo de cuerda, pero suele tener una duración de un múltiplo de ocho compases, y normalmente hay un cambio o una adición de instrumento o sonido cada cuatro compases. Al final de la intro, la canción incluye una marca de fin de verso (un desarrollo o build-up, un redoble o el sonido de un plato crash) que indica que está a punto de terminar. Las intros más sencillas para que un DJ pueda hacer beatmatching duran al menos dieciséis compases, y constan únicamente de golpes de batería durante los ocho primeros. El segundo grupo de ocho compases puede empezar a introducir música, como la línea de bajo del tema. En el capítulo 14 explico por qué esto es tan útil para los DJ de beatmatching, y también describo la forma de abordar distintos tipos de intro.

missing image file  Estrofa: en temas con letra, cada estrofa suele tener una letra distinta. Si el tema no tiene letra, es más difícil distinguir la estrofa; y, a pesar de que puede contener el gancho musical principal (la parte pegadiza del tema que se tararea en la ducha), no será muy potente y enérgica. En la mayor parte de casos, la estrofa dura dieciséis compases (cuatro versos), y se divide en dos grupos de ocho compases en los que la melodía se repite pero se desarrolla para llegar a una conclusión al final del compás dieciséis.

missing image file  Estribillo: la parte del tema que normalmente tiene la misma letra cada vez que suena. El estribillo suele estar basado en el gancho de la melodía y es la parte más energética, pegadiza y potente del tema. Es más breve —a veces dura sólo ocho compases (dos versos)— e intenso que la estrofa, y eleva la energía de la pista (de la de baile también). Quizá notes que el tema incluye un golpe de plato crash entre los dos versos y un build-up después de la segunda frase. Incluso la música sin letra tiene estrofa y estribillo. Lo que puede identificarse como gancho principal que se repite durante todo el tema es contenido en una parte y potente, y energético y obvio en otra. La sección más tenue es la estrofa del tema, y la más potente y directa, el estribillo.

missing image file  Break: la parte en la que puedes tomarte un ligero descanso. Se trata de una transición/puente del final del estribillo al principio de la siguiente parte.

A fin de crear un bonito puente para salir del estribillo y entrar en la estrofa siguiente, los breaks suelen ser menos potentes. Los bombos desaparecen, y suenan las melodías de bajo y una versión reducida del gancho del tema. El último compás es un build-up, como el final de un estribillo o de una estrofa, y quizá oigas un indicador en el último tiempo del compás o en el primero del compás siguiente, para indicar el cambio a una nueva parte.

Si la pista incluye un break muy al principio, es probable que sea más bien corto, de cuatro u ocho compases, y se denomina minibreak.

El break principal suele aparecer cerca de la mitad del tema, y probablemente dure el doble que cualquier posible minibreak que haya sonado. Suele tener dieciséis compases de duración y sigue el mismo diseño de sonido que el minibreak, pero tarda más en entrar y salir, probablemente contiene menos sonidos e instrumentos para empezar e incluye un crescendo (un build-up, como un redoble durante el que los instrumentos suenan más fuerte y más rápido) durante los dos últimos compases o todo el último verso.

En música indie/rock/de fiesta, un break en mitad del tema se suele llamar “middle 8”. Puede seguir el mismo principio que he descrito en el párrafo anterior, disminuyendo la potencia sólo para volver a entrar en el tema. Pero, con frecuencia, el middle 8 es una variación sobre el tema, que dura ocho compases (de ahí el nombre) y que, cuando termina, vuelve de nuevo al tema principal ya conocido. El efecto es el mismo, hacer una pausa del sonido principal del tema, pero el método puede ser distinto en comparación con la música trance/house.

missing image file  Outro: la última parte del tema. Lo más probable es que el último elemento importante antes de la outro sea un estribillo. Este estribillo puede repetirse hasta el final (lo que se denomina un fade out, que no es nada cómodo para el DJ), o bien puede haber una outro más agradecida para el DJ.

El mejor tipo de outro es, en realidad, una versión invertida de la intro. La intro empieza solamente con golpes de batería, introduce la línea de bajo y luego inicia el tema. Si, después del último estribillo, la música disminuye hasta quedar sólo la batería, la melodía de bajo y una versión reducida de la melodía principal durante ocho compases, y en los siguientes ocho compases está sólo la batería y quizá la melodía de bajo, tienes dieciséis compases disponibles para mezclar con facilidad el tema siguiente (para más información, consulta el capítulo 16).

Las outros, sin embargo, pueden durar mucho tiempo; ¡minutos, incluso! Cada ocho compases, el tema puede perder otro elemento, hasta que no queda nada más que el charles y la caja. Más que un desperdicio de vinilo (o de bytes), esta outro resulta extremadamente útil si te gusta crear mezclas largas y con mucha superposición.

Repetir la fórmula

Los bloques principales que forman una canción están unidos entre sí por repeticiones y más repeticiones, pero con cambios sutiles a lo largo del tema:

missing image file  Después de las dos primeras estrofas y estribillos, la siguiente estrofa y estribillo tiende a ser muy similar. Si la canción tiene letra, cada estrofa tendrá letra distinta, pero lo más probable es que el estribillo no cambie.

missing image file  Aunque la estructura, melodía y patrones se mantengan, la música puede introducir nuevos sonidos o un proceso de efectos en la estrofa o estribillo originales a fin de añadir profundidad al tema (un cambio ligero en el sonido proporciona al oyente una sensación de progreso a lo largo del tema).

missing image file  Como el break o el middle 8 reducen al mínimo la energía del tema, a muchos compositores les gusta poner a continuación un estribillo, la parte más energética del tema. De nuevo, la canción puede introducir más instrumentos y sonidos para darle una sensación ligeramente distinta al estribillo.

missing image file  En función de la duración del tema, el break principal puede ir seguido por más estrofas, estribillos y minibreaks.

Aceptémoslo: cada tema es distinto

Si todos los temas tuvieran la misma estructura, aunque la música fuese distinta, pronto nos cansaríamos. En producción musical, alterar la duración de una intro, agregar estrofas, estribillos, breaks y minibreaks, cambiar su duración y extender las outros son métodos para hacer un tema único y, a un tiempo, seguir con la estructura básica de cuatro tiempos en un compás, cuatro compases en una estructura de verso.

El cerebro es un órgano increíble. Al escuchar una pista con oído activo, al cabo de tres o cuatro veces, tu cerebro recuerda la estructura básica del tema, y luego se apoya en activadores (como marcas de final de verso, voces o simplemente las diferentes tonalidades de los anillos en el disco) que te ayudan a recordar la estructura de la pista, junto con la de las otras mil de tu colección.

El truco para hacer que tu cerebro trabaje para ti es escuchar tu música muchas veces. No puedes esperar saber la estructura de un tema inmediatamente; tienes que escucharlo unas cuantas veces. La práctica de tus habilidades de mezcla te ofrece también la oportunidad de conocer bien tus temas, pero yo te recomiendo que los copies en un iPod/cinta/MiniDisc/CD para poder escucharlos en cualquier momento.

Escucha siempre con un oído activo la estructura, la melodía, el gancho y la letra. Tu cerebro guarda toda esta información en el subconsciente, y accede a estos recuerdos y a tus conocimientos sobre cómo un tema se estructura en compases y versos, garantizando que nunca te equivoques durante la mezcla.

Desarrollar tus instintos básicos

Tu memoria y tus instintos para la música se desarrollan igual que tu habilidad para conducir un coche. Cuando conduces, no estás siempre pensando “Acelerar... levantar un poco el pie... girar... enderezar... frenar... embragar... mirar retrovisor... cambiar a tercera... embragar... cambiar a segunda... acelerar...”, etc. Te limitas a hacerlo, y ya está. Tus instintos de conductor los desarrollas a base de práctica y experiencia. Con el DJ ocurre exactamente lo mismo.

Sabes que el primer tiempo del compás tiene énfasis, sabes que la melodía o la línea de la letra es probable que empiece en el primer tiempo de un compás y, después de escucharlo, sabes qué tipo de marcadores de final de verso utiliza cierto tema, a mitad del verso y cuando está a punto de cambiar a otro elemento como una estrofa o un estribillo.

En el ejemplo de Baa, Baa, Black Sheep de la sección anterior “Multiplicación de tiempos, compases y versos”, al oír “Have you any wool?” tu instinto te indica que estás en el segundo compás de la estrofa 1 o de la 3, porque te sabes la letra.

La letra del verso siguiente te indica en qué parte te encuentras; si el verso siguiente empieza con “One for the master”, sabes que estás sólo en la estrofa 2, pero si oyes “One to mend the jerseys”, sabes que se trata de la estrofa 4.

Sin embargo, intenta prestar atención a la marca de final de verso distinto, que te indicará si estás a mitad de estrofa o a punto de entrar en una nueva parte del tema, de manera que no sea necesario que recuerdes una gran cantidad de letras. Las canciones sin letra también tienen estructura; pero, en lugar de prestar atención a los cambios en la letra, deberás prestarla a los cambios en la música y en los instrumentos.

Escuchar una estructura de ejemplo

Cuando ya sabes cómo los tiempos forman compases, y cómo los compases se multiplican como conejos para convertirse en estrofas y estribillos, lo mejor que puedes hacer es repasar toda la estructura de un tema y describir cada parte con un poco más de detalle.

En mi sitio web (www.recess.co.uk [en inglés]), que complementa a este libro, encontrarás una sección que contiene algunos ejemplos de audio. Cuando acabes de leer este capítulo, te recomiendo que descargues alguno de los temas de www.recess.co.uk/html/beats_bars.html (en inglés). Escúchalos e intenta oír no sólo lo que marca los cambios entre las partes más significativas del tema, sino también lo que sucede cada cuatro y cada ocho compases.

Quizá la siguiente estructura te ayude a discernir la estructura del tema de ejemplo:

missing image file  Intro: dieciséis compases

missing image file  Estrofa 1: dieciséis compases (cuatro versos)

missing image file  Estribillo 1: ocho compases (dos versos)

missing image file  Minibreak: ocho compases

missing image file  Estrofa 2: dieciséis compases (cuatro versos)

missing image file  Estribillo 2: ocho compases (dos versos)

missing image file  Break: dieciséis compases

missing image file  Estribillo 3: ocho compases (dos versos)

missing image file  Estrofa 3: dieciséis compases (cuatro versos)

missing image file  Estribillo 4: ocho compases (dos versos)

missing image file  Estribillo 5: ocho compases (dos versos)

missing image file  Outro: dieciséis compases

Y recuerda: intenta desarrollar la habilidad para distinguir la estructura rítmica de forma intuitiva; es cuestión de tiempo y experiencia. ¡No cuentes compases!

Capítulo 16

Mezclar como un profesional

En este capítulo:

Seleccionar las mejores partes de tus temas.

Utilizar el máximo potencial de los controles de tu mesa de mezclas.

Alcanzar el siguiente nivel de beatmatching.

Consejos de mezcla para distintos géneros.

En este capítulo avanzarás en tus habilidades de beatmatching (las explico en el capítulo 14) para poder mezclar los temas en los puntos correctos y utilizarás los controles de la mesa de mezclas para que la transición de un tema a otro sea lo más suave y diestra posible. Utilizar correctamente las técnicas de mezcla que se exponen en este capítulo lleva tiempo, experimentación y práctica antes de poder utilizarlas de forma creativa. Debes comprender los conceptos esenciales, pero no sentirte atado por ellos, y descubrir los momentos en que es bueno romper las reglas.

Puede resultar útil grabar las sesiones de práctica cuando experimentes con las siguientes técnicas. En la intensidad del momento, quizá pienses que algo no ha funcionado; ¡sin embargo, al volverlo a escuchar, resulta que ha quedado genial! Pruébalo todo; si a ti te suena bien, quizá también les guste a otras personas.

Como todas las técnicas de este libro, no importa el formato que utilices (CD, giradiscos, equipos de DJ digital o incluso dispositivos para DJ de MP3, como el Pacemaker, el Nextbeat o un iPhone). Lo importante no es lo que utilizas, sino cómo lo haces. Los controles de estos distintos equipos pueden ser diferentes, pero la estructura rítmica y la necesidad de una colocación perfecta en la mezcla siguen siendo las mismas. Consulta mi sitio web (www.recess.co.uk [en inglés]) para ver ejemplos de las técnicas mencionadas a lo largo del capítulo.

El punto perfecto

De Van Halen a Van Morrison, de Silicon Soul a Soul to Soul, la mayor parte de los temas que pinches siguen los bloques de construcción básicos que menciono en el capítulo 15: cuatro tiempos en un compás, ocho compases en un verso y múltiplos de ocho compases en una sección (una sección es una intro, una estrofa, un estribillo, etc., y suele durar ocho o dieciséis compases). Un tema puede contener más estribillos que otro, o una intro más larga, breaks extralargos u outros extendidas, pero este conocimiento de la estructura te facilita la creación de la mezcla perfecta.

La mezcla perfecta empieza por elegir el punto perfecto, es decir, selecciona qué partes de los temas se mezclarán entre sí. La mezcla perfecta tiene lugar cuando ambos temas empiezan o acaban una sección al mismo tiempo; no sólo coinciden los tiempos de ambos temas, sino que también lo hacen sus cambios estructurales. Si el tema del que quieres salir (tema A) está a punto de cambiar de un estribillo a la outro, un ejemplo de superposición perfecta sería iniciar el nuevo tema (tema B) de modo que su cambio de estribillo a estrofa tenga lugar en el tiempo exacto en el que el tema A cambia de estribillo a outro.

Intros y outros

Si el tema A tiene una outro de dieciséis compases y el tema B, una intro de dieciséis compases, una opción es simplemente superponer la intro y la outro, pero con frecuencia las intros y las outros no tienen melodía y son únicamente un simple bombo y charles (el sonido tchsss-tchsss de plato). Dieciséis compases de eso, sin embargo, pueden sonar aburridos y poco profesionales. En la Figura 16-1 se muestra un ejemplo de transición que suena mejor, en la que el tema A tiene dos estribillos de ocho compases antes de la outro. Puedes crear una superposición con la intro de dieciséis compases del tema B sonando sobre los dos estribillos (indicados como Estribillo 1 y Estribillo 2) del tema A. A continuación, la outro del tema A suena sobre la estrofa del tema B.

En todas las cifras de este capítulo, la cursiva significa que el tema se oye a un volumen menor, y las cifras cambian de tamaño a medida que el tema entra o sale (suena gradualmente más fuerte o menos). Las cifras en negrita indican volumen normal.

Figura 16-1:

Intro de dieciséis compases del tema B sonando sobre los dos últimos estribillos del tema A.

En el caso de que ambos temas tengan letra en el estribillo y en la estrofa, si los mezclas de modo que la voz del tema B empiece justo después de que acabe la del tema A, puede dar la sensación de ser demasiado rápido. En este caso, crea una pequeña pausa, o una anticipación de lo que está por venir. Para introducir esta pausa, inicia el tema B al final del estribillo 1, mientras empieza el estribillo 2. Este punto inicial más tardío crea una pausa de ocho compases mientras la outro del tema A se mezcla con la intro del tema B, y entonces empieza la estrofa del tema B (mira la Figura 16-2).

Figura 16-2:

La outro del tema A se mezcla con la intro del tema B.

Lo ideal sería que la outro del tema A o la intro del tema B fuesen algo más que simples ritmos de batería. Una melodía de bajo o un sutil ruido de fondo bastan para mantener el interés de la mezcla durante ocho compases. Si sólo hay ritmo de batería, es mejor que la pausa dure sólo cuatro compases. Como en todas estas técnicas, experimenta para lograr los mejores resultados.

Outro melódica

No todos los temas tienen contundentes bombos de principio a fin. Algunos tienen temperamentales y melódicas outros sin batería que suenan genial sobre una intro con un ritmo potente.

En la Figura 16-2, la intro se introducía lentamente en la mezcla (lo que se denomina un fade up). Sin embargo, si pretendes mantener un ritmo constante mezclando diecisés compases de intro con ritmo sobre dieciséis compases de outro melódica sin ritmo, tendrás que iniciar el tema B de modo que suene instantáneamente a pleno volumen.

Si el tema B tiene una buena subida al salir de la intro y entrar en la estrofa, puedes mantener la outro del tema A sonando casi a pleno volumen hasta que termine y quitarla con el fader (lo que se llama un fade out) en el último tiempo antes de que empiece la estrofa del tema B (consulta la Figura 16-3).

Figura 16-3:

Intro de dieciséis compases del tema B sonando sobre los dos últimos estribillos del tema A.

Mezclar intros rítmicas con outros melódicas sin golpes rítmicos significa que no puedes permitirte un error de inicio; tienes que empezar el compás exactamente a tempo. Si utilizas giradiscos, pasa mucho tiempo practicando para poner en marcha un disco y oírlo instantáneamente, y así desarrollarás la confianza necesaria para iniciar siempre los compases a tempo, sin necesidad de corregir errores (si tienes que repasar los aspectos básicos de cómo iniciar temas, consulta el capítulo 14). Si esperas uno o dos tiempos para comprobar que estás a tempo y luego mueves rápidamente el cross-fader hacia el centro (o peor, mueves el fader durante los golpes rítmicos), suena fatal, es poco profesional y suele arruinar una mezcla (y tu reputación con ella). Esta técnica es mucho más simple para los DJ de CD, que no se tienen que preocupar de tiempos de arranque de motores, como los DJ de vinilo. No tienen más que pulsar un botón a tempo con el beat para acertar.

Si no tienes confianza en el inicio instantáneo o no quieres mezclar los dieciséis compases de la intro sobre la outro, inicia el tema B al principio del estribillo 2 (ocho compases antes de que empiece la outro del tema A) para asegurarte de que la sincronización sea perfecta. Mueve entonces el cross-fader hacia el centro después de ocho compases, al tiempo que entra la outro del tema A (consulta la Figura 16-4).

Figura 16-4:

Utilización del cross-fader para salir (fade out) de la outro del tema A sobre la estrofa del tema B.

Los timoratos que necesiten una red de seguridad pueden mezclar lentamente los golpes rítmicos de la intro del tema B sobre los del estribillo 2 del tema A, utilizando los ecualizadores para suavizar la transición (consulta “Equilibrar con los ecualizadores”, en este mismo capítulo), que es mucho mejor que hacer un fade up de los golpes rítmicos sobre una outro sin ellos.

Intro melódica

El inverso de las outros melódicas es un poco más complicado, porque mezclar una intro que no tiene golpes rítmicos significa que, si no hay batería para percibir el tempo cuando haces beatmatching, cuando se inician los golpes rítmicos del tema B te arriesgas a que suenen a un tempo totalmente distinto de los del tema A.

Si la intro tiene una melodía sobre un ritmo muy suave, concéntrate en él. Si mantienes el ritmo con el pie, te ayudará a mantener la concentración. Practica esta mezcla tanto como puedas, porque, cuando la hagas en directo, todo el ruido y las distracciones de la cabina del DJ pueden hacer que acabes estropeando por completo la mezcla.

Mezclar breaks

No es necesario que pinches los temas enteros, de principio a fin. Mezclar dos breaks entre sí, o una intro sobre un break, puede sonar genial, y te permite acortar un tema demasiado largo (el capítulo 15 incluye más información sobre breaks y minibreaks). Puedes probar estas combinaciones:

missing image file  Break sobre break: no importa si tus breaks son de ocho o de dieciséis compases de duración; si ambos duran lo mismo, inicia el break del tema B al iniciarse el break del tema A, y gradualmente haz un fade out y desecualiza el tema A para que sólo quede el break del tema B, en el que están a punto de entrar los golpes rítmicos de nuevo (Figura 16-5).

Figura 16-5:

Mezcla de dos breaks entre sí para introducir hábilmente un nuevo tema.

missing image file  Minibreaks: como los breaks suelen aparecer al menos a partir de la mitad de un tema, quizá no quieras iniciar el tema B en ese punto porque cortas una parte muy importante del tema. Si tienes suerte, tal vez haya un minibreak de ocho compases en la primera mitad del tema B, probablemente después del primer estribillo, o quizá justo después de la intro, y se utiliza para resaltar el inicio del tema principal; en ese caso, prueba lo que sugiero en la Figura 16-6.

Figura 16-6:

Un minibreak introduce un nuevo tema bastante al principio, en lugar de a mitad del tema.

missing image file  Acelerar el paso: si inicias el tema B ocho compases antes de modo que sales del tema A a mitad del break, aportas una sensación de urgencia y “aceleración” a la mezcla (consulta la Figura 16-7).

Figura 16-7:

Al no dejar que acabe el break del tema A antes de mezclar totalmente al tema B, se logra una sensación de urgencia.

missing image file  Intro rítmica sobre break: este método, que se muestra en la Figura 16-8, es idéntico a iniciar una intro rítmica sobre una outro melódica (Figura 16-3). Necesitas la confianza de iniciar el tema B con el cross-fader abierto para que los golpes rítmicos suenen a lo largo del break. Sin embargo, como se trata de un break natural en el tema A, no de una outro, puedes hacer fade in de los golpes rítmicos del tema B si utilizas el ecualizador para eliminar los graves antes de iniciar el fade (mira “Controlar el sonido de la mezcla”, en este mismo capítulo). Los charles del tema B mantienen un ritmo, y tú puedes meter rápidamente los graves a mitad del break. Este método funcionará y sonará bien en función, sobre todo, de los temas que utilices.

En este ejemplo, si aún no tienes suficiente confianza para iniciar los golpes rítmicos con un cross-fader abierto, inicia el tema B en el mismo punto, espera hasta el final del octavo compás y entonces mueve rápidamente el cross-fader al centro. Si esta repentina introducción de los golpes rítmicos suena un poco discordante, intenta eliminar los graves y hacer un fade in gradual del tema B sobre los ocho primeros compases del break del tema A.

Figura 16-8:

Los golpes rítmicos del tema 8 empiezan instantá-neamente cuando el tema A entra en su break.

Estos ejemplos son los principios más simples y básicos de colocación que debes tener en cuenta cuando hagas mezclas. Puedes mezclar los temas de mil maneras distintas, según desde qué punto inicies el tema B y en qué punto del tema A te encuentres al empezar la mezcla. Cambia el punto de inicio del tema B atrás o adelante ocho o dieciséis compases y experimenta el momento de salir del tema A.

Escucha tus temas con oído activo para identificar las claves y marcas de audio (consulta el capítulo 15) que te ayudarán a hallar los mejores puntos para entrar y salir de los temas. Dos temas pueden mezclarse de forma perfecta; ¡lo único que tienes que hacer es encontrar esa forma!

Controlar el sonido de la mezcla

Una vez que ya dominas la mecánica del beatmatching y conoces los mejores puntos para mezclar tus temas, tu verdadero arte se manifiesta con el control del sonido de la mezcla. El cross-fader, los faders de canal y los controles del ecualizador de tu mesa de mezclas son como la sal y el limón para el tequila, las velas de tu cena o el chocolate de tu chile; todos ellos añaden un punto de sazón y refinamiento a la mezcla (y no lo digo en broma: si añades un poco de chocolate al chile, el resultado es fantástico).

El cross-fader entra en juego

Lo rápido que muevas el cross-fader de un tema a otro puede modificar de forma espectacular la potencia de la mezcla. Moverlo suavemente de un tema al otro a lo largo de dieciséis compases puede añadir sutileza si estás haciendo beatmatching, pero puede sonar extraordinariamente sucio si estás mezclando los temas de rock equivocados. Ir cortando de un tema a otro y de vuelta aporta una sensación de inmediatez que, en el momento adecuado, puede ser muy potente. Estos métodos funcionan con determinados temas, y pueden ser los métodos de mezcla principales para muchos temas pop, rock, indie y de fiesta. Pero como DJ de beatmatching, si lo único que haces es pasar de un golpe el fader de un tema al otro en cada mezcla, parecerá que no eres capaz de mantener los golpes rítmicos coordinados durante mucho tiempo y tienes que mezclar rápido.

Cada mezcla tiene dos partes. Por rápido que muevas el cross-fader, no sólo estás introduciendo un tema nuevo, sino que también tienes que quitar el tema anterior. Aplica el mismo cuidado y atención cuando muevas el cross-fader para sacar una pista de la mezcla que el que aplicas cuando introduces la pista nueva.

Es difícil fallar un movimiento de cross-fader que dure cuatro tiempos o menos; sólo tienes que medir el movimiento de un lado al otro para que dure cuatro tiempos (estarás a medio camino en el segundo tiempo). Los movimientos que duran más de cuatro tiempos, si estás haciendo beatmatching, necesitan un poco más de control.

La estrategia para hacer mezclas más largas es mover el cross-fader de forma que los desplazamientos tengan lugar cuando suena el tchsss del charles, entre los golpes de bombo. Este método te ayudará a ocultar el aumento de volumen de la pista nueva, y hace que la desaparición de la pista antigua se note menos.

Los golpes de plato y los build-ups son lugares ideales para ocultar grandes movimientos del cross-fader. Cuando uno de éstos suene en cualquiera de los temas para añadir impacto, mueve el cross-fader una distancia mayor que en el movimiento anterior. Pero presta atención para darte cuenta de que la mezcla empieza a sonar sucia. Si mueves el cross-fader demasiado rápido, muévelo hacia atrás un poco y deja que la música suene durante un compás sin moverlo (siempre que los temas te den tiempo a hacerlo).

También puedes utilizar crescendos y ausencias temporales del tiempo de bombo para disfrazar los movimientos del cross-fader. Crescendo es otra forma de decir build-up. Un crescendo de cuatro compases pasa bastante rápido, así que conviene empezar a mezclar antes los dos temas durante un par de versos con el cross-fader, con el tema A (el tema que sale) aún predominando. Entonces, durante los cuatro tiempos del crescendo, mueve el cross-fader de modo que el tema nuevo pase a ser el dominante al final de los cuatro tiempos, con el tema antiguo aún sonando de fondo. Finalizar la mezcla depende de ti, pero lo más probable es que se trate de una mezcla rápida.

Lo contrario es igualmente apropiado. En lugar de un build-up, quizá los últimos cuatro tiempos de un verso del tema A no tengan bombo (pero el resto de la música sigue sonando igual de fuerte). En lugar de mezclar ligeramente el tema B de fondo, mantenlo en silencio y, justo cuando suene el último tiempo del build-up opuesto del tema A (al final del verso), mueve con rapidez el cross-fader al tema nuevo. Mover todo el recorrido del cross-fader en un solo tiempo puede crear una mezcla increíblemente potente; también puedes mover el cross-fader de modo que domine el tema nuevo (unas tres cuartas partes del recorrido) y eliminar los graves del tema A para que siga sonando sutilmente de fondo (para más información sobre control del ecualizador, mira la sección “Equilibrar con los ecualizadores”).

Desatar el poder de los faders de canal

Los faders de canal son tipos solitarios. Muchos DJ los ponen a tope y los dejan siempre ahí. Pero estos faders verticales tienen un papel secreto, oculto, al que muchos DJ no sacan provecho.

La principal función del fader de canal es trabajar en combinación con el control de ganancia para controlar el volumen de un canal al salir de la mesa de mezclas (si no estás seguro de cómo llevar a cabo este ajuste, consulta el capítulo 10). Con los niveles de entrada ajustados para ambos canales, tienes que decidir dónde poner los faders de canal cuando quieres que los temas suenen al máximo volumen.

Los DJ suelen regular su mesa de mezclas de forma que los faders de canal tengan que estar en el extremo (que a veces está marcado como 10) para este volumen de reproducción óptimo. Para los DJ de beatmatching que intentan mantener un volumen de la mezcla uniforme de principio a fin, ésta no es la mejor configuración. Para los DJ de scratch, esta posición en el punto máximo es correcta, y muy importante para que puedan limitarse a mover el fader para ponerse a volumen máximo.

Algunos DJ aconsejan poner los faders de canal al máximo para no correr el riesgo de darles un golpe y aumentar el volumen accidentalmente. Yo opino que es mejor tener cuidado de no tocar los faders de canal, igual que lo tienes de no expulsar el CD o de quitar un disco mientras está sonando. Quizá te pase una vez, pero aprendes en seguida a tener más cuidado.

La mejor forma de regular la mesa de mezclas es con los faders de canal a tres cuartas partes del recorrido al máximo (más o menos en el 7, si tu fader está marcado del 0 al 10). Con esta técnica, al mezclar el tema siguiente, si su volumen es demasiado bajo a pesar de que los niveles parecían correctos, puedes subir rápidamente el fader de canal para compensar la bajada de volumen.

¿Quieres saber un secreto muy grande y muy curvilíneo?

Las curvas del cross-fader afectan a qué proporción del tema sube de volumen y cuánta baja al mover el cross-fader de un lado al otro (encontrarás ejemplos de curvas de cross-fader en el capítulo 10). A veces, sin embargo, la curva carece de sutileza para lograr una mezcla suave y uniforme, y puede hacer que los dos temas se monten uno sobre el otro a un volumen excesivo, lo que suena sucio y poco profesional. Así que tienes que encontrar la forma de obtener un mayor control sobre la salida de cada tema durante la mezcla. Los faders de canal te liberan de las estrictas restricciones de la curva del cross-fader.

Para lograr una mezcla simple que te ofrezca un control preciso del volumen de cada tema, prueba lo siguiente:

1.   Pon el fader de canal del nuevo tema (tema B) a un cuarto del punto de volumen máximo.

2.   Cuando estés listo para empezar a mezclar el nuevo tema, mueve el cross-fader al centro, siguiendo las técnicas que explico en la sección “El cross-fader entra en juego”, en este mismo capítulo.

3.   Empieza a subir el fader de canal del tema B, y ve subiéndolo a tempo con los golpes de charles (el cross-fader sigue en el centro).

4.   Presta atención a los medidores de salida y al sonido de la mezcla y, a medida que sube el volumen del tema B, baja lentamente el fader de canal del tema saliente (tema A) hasta que el tema B domine y el tema A suene a un volumen más adecuado para ese momento de la mezcla (que probablemente será similar al punto en el que estaba el fader de canal del tema B al iniciarla).

5.   Cuando quieras sacar completamente de la mezcla el tema A, mueve el cross-fader hasta el extremo del lado del tema B.

La forma en que cambies las posiciones de los faders de canal y el tiempo que tardes en hacerlo depende de ti. Puedes limitarte a subir un fader al tiempo que bajas el otro, o esperar a que el fader de canal del tema B esté a medio camino antes de empezar a bajar el del tema A. Efectúa los ajustes en función de tu estilo personal, de los niveles de salida y de lo que suene mejor para los dos temas que estás utilizando.

Si lo prefieres, puedes dejar el cross-fader en el centro (o hacer lo que yo hago y apagarlo, si dispones de esa función) para anular totalmente la función de cross-fader. Esta opción te ofrece el máximo control sobre los volúmenes individuales de tus temas durante la mezcla. La única diferencia con el método anterior es que empiezas con el fader de canal a cero para el tema entrante (tema B) y acabas con el fader de canal a cero para el tema saliente (tema A).

Equilibrar con los ecualizadores

Como sucede con los faders de canal, los ecualizadores tienen múltiples funciones. La primera es el control del sonido: afectar a cómo suena la música en el CD o en la pista de baile. También puedes utilizar los ecualizadores para agregar un poco de variación y “sabor” a un tema (consulta la sección “Cutting in”, en este mismo capítulo). Pero la función más útil de todas es suavizar el sonido de la mezcla.

Un buen control de ecualizadores no puede arreglar una mala elección de temas para mezclar, pero un control de primera categoría puede convertir una mezcla pasable en una increíble.

Suavizar una transición con el ecualizador de graves

El ecualizador de graves es el que más se utiliza para crear un sonido uniforme durante la mezcla. Cuando ambos temas suenan con los graves a tope, aunque uno de los temas suene a menos volumen que el otro, los bombos son demasiado potentes y las melodías de bajo se combinan y suenan sucias.

La técnica más simple y efectiva es matar los graves (reducirlos hasta el punto mínimo, o casi) del tema entrante al iniciar la mezcla; cuando quieras convertirlo en el tema dominante, sube su ecualizador de graves al tiempo que bajas el del tema saliente. Con esta maniobra, la cantidad de graves a través de los altavoces se mantiene estable, pero procede de temas distintos.

Si utilizas los temas adecuados y te tomas tu tiempo para el cambio, obtendrás una mezcla sutil y uniforme. Si cambias los ecualizadores en un tiempo puedes provocar un movimiento de alzar los brazos en el aire al introducir la línea de bajo de un tema que sabes que va a gustar al público, resaltar un cambio de tonalidad, cambiar la potencia de la mezcla o forzar un cambio de género de la música.

Suavizar con los medios y los agudos

A pesar de que las frecuencias altas no son tan ruidosas y obvias como las bajas, son igualmente importantes en el control del sonido de la mezcla. Dos charles sonando uno sobre otro a un volumen alto pueden sonar tan mal como dos bombos o dos melodías de bajo. La técnica es exactamente la misma que con el ecualizador de graves, con la excepción de que no es necesario cortar tanto el ecualizador alto. Por ejemplo, en mi mesa de mezclas Pioneer DJM-600 opino que la posición de las 12 en punto es generalmente la mejor para dejar el ecualizador alto durante la reproducción normal.

Cuando quiero cortar las frecuencias altas para mejorar el sonido de la mezcla, sólo tengo que mover el mando más o menos a la posición de las diez en punto (en lugar de las siete en punto para el ecualizador de graves).

Como el ecualizador de medios cubre un mayor intervalo de frecuencias, la cantidad de uso que le des con esta técnica depende de los temas que pinches. Quizá no necesites hacer un cambio en los ecualizadores medios si no notas que los sonidos chocan, o tal vez opines que, mejor que cortar las frecuencias medias, lo que quieres es aumentarlas. A veces, cuando el tema saliente suena a un volumen más bajo, subo el ecualizador medio para que esas frecuencias suenen más alto de lo normal. Si hay una melodía o sonido que se repite de fondo en el tema, este énfasis puede alargar y dar más potencia a la mezcla, y aún más si añades efectos a la música (consulta el capítulo 10).

Presta siempre atención a los medidores y al sonido de la mezcla mientras cambias los ecualizadores. Intenta mantener un sonido uniforme mientras los dos temas suenan superpuestos. Si uno de los temas está demasiado alto, o ambos tienen demasiadas frecuencias altas o bajas, el resultado puede ser una ruidosa cacofonía.

Usar trucos y artificios para mezclar

Los trucos son geniales de vez en cuando, porque añaden sorpresa y un poco de dinamismo a la mezcla. Pero debes evitar utilizarlos en exceso, porque la persona que escucha puede pensar que los usas porque eres incapaz de hacer una mezcla en condiciones. Utilízalos como transiciones para aumentar la energía, cambiar de género musical o de tonalidad o, incluso, para ayudarte a cambiar el tempo.

Con cada una de las técnicas siguientes, experimenta cuánto tardas en mover el cross-fader y dónde lo sitúas cuando inicias el truco. Empieza por poner el cross-fader de forma que no puedas oír el tema siguiente hasta el principio del movimiento, y luego averigua cómo suena si tienes el cross-fader en el centro cuando inicias el movimiento. Ten en cuenta también el control del volumen, porque algunos de estos trucos no funcionan bien si el fader de canal está al máximo; ¡podrías dejar sorda a la pista de baile o reventar un altavoz!

Spinbacks y dead-stops

Prueba una técnica llamada spinback: haz beatmatch e inicia una mezcla entre dos temas con colocación perfecta (consulta la sección “El punto perfecto”, al principio del capítulo) de manera que el tema del que quieres salir (tema A) finalice una sección (probablemente un estribillo o una outro potente) al tiempo que el tema B (el nuevo) empieza el primer verso de una sección. En el último tiempo antes de este cambio, pon el dedo en el tema A y mueve el disco hacia atrás en un movimiento brusco. Con el tema girando hacia atrás, pasa el cross-fader totalmente al tema B en un tiempo, como se muestra en la Figura 16-9 (SB significa spinback).

Figura 16-9:

El spinback se lleva a cabo en el cuarto tiempo del cuarto compás e instantá- neamente se mezcla al tema B.

El spinback no es exclusivo de giradiscos, pero necesitarás un lector de CD con modo vinilo para hacer que esto suene bien. Los lectores de CD que no tienen este modo se limitan a trepidar y a tartamudear si intentas impulsarlos hacia atrás. Un lector de CD con el modo vinilo activado sonará igual que un disco impulsado hacia atrás (spin back).

Para llevar a cabo un dead-stop (parada en seco), en lugar de impulsar el disco hacia atrás como en el ejemplo de la Figura 16-9, pulsa el botón Start/Stop en el tema A (el que sale de la mezcla). Esta acción hace que el tema deje de sonar en aproximadamente un tiempo (a menos que tus platos tengan una función para cambiar la velocidad de frenada y la hayas regulado para que dure más). Como en el spinback, mueve el cross-fader al tema B cuando suene el primer tiempo de la nueva sección (de modo que el movimiento sólo dura un tiempo).

Como en el caso del spinback, el lector de CD que utilices afectará al funcionamiento del dead-stop. Un lector de CD con modo vinilo funciona perfectamente si regulas correctamente el freno, pero uno que no tenga este modo se limita a pararse instantáneamente al pulsar Stop.

Power off

Un power off consiste en apagar el giradiscos (que suele estar en la parte inferior izquierda, bajo a la luz estroboscópica). Al apagar el giradiscos, éste gira cada vez más lento hasta que se detiene.

Si tienes un lector de CD con modo vinilo y puedes ajustar la velocidad de frenada, ponla al máximo y lograrás el mismo efecto. Si no tienes modo de vinilo, no intentes apagar el lector: se apagará todo y ya está.

Power off es un truco genial en la cabina del DJ si tienes buenas luces y alguien que sepa cómo utilizarlas. Pídele a tu compañero de fechorías que apague lentamente las luces al mismo tiempo que tú haces el power off. Lo normal es que todo el mundo piense “¡Vaya, se ha ido la luz!”. Al cabo de unos segundos, golpéales con el tema siguiente en su punto más potente, a todo volumen, al tiempo que el encargado de las luces (o DJ de luces) inunda la pista de baile con la máxima iluminación posible. Es un truco efectista y un poco tosco, pero puede sorprender totalmente a la pista de baile y —esperemos— darle marcha de verdad. Es muy estereotipado, pero, en el momento oportuno, funciona a las mil maravillas.

A cappella

Si tienes una pista instrumental que crees que sonaría mejor con algo combinado sobre ella, busca un a cappella, una pista vocal independiente que no contenga ningún instrumento.

El problema de utilizar voces es que necesitas que estén en el mismo tono que la pista instrumental sobre la que quieras ponerlas, o sonará desafinado. Por eso, los discursos o las palabras habladas son una gran alternativa. Yo tengo una copia del discurso de toma de posesión de JFK que me encanta mezclar sobre largos temas instrumentales. La frase “Ask not what your country can do for you...” es una introducción increíble para las partes más potentes de un tema.

Pero no te enfrasques demasiado en tu nueva creación y te olvides de mezclar la pista siguiente. Tu combinación de una lección de Italiano para Dummies con un gran tema instrumental puede funcionar muy bien, pero si se te acaba el tiempo para hacer beatmatching y mezclar el tema siguiente, es una pérdida de tiempo.

Si dispones de un tercer dispositivo de entrada, como un lector de CD o un giradiscos adicionales, un reproductor de MP3 o un ordenador portátil, puedes superponer el a cappella sobre el tema instrumental, hacer beatmatching del tema siguiente e iniciar la mezcla sin que deje de sonar el a cappella. También puedes utilizar software de audio para premezclar tu creación en el ordenador y luego grabarla en CD para pincharla más adelante, pero de esta forma pierdes el aspecto espontáneo de la interpretación de la nueva mezcla en directo, que a menudo es lo que hace que sea tan especial y efectiva.

Cutting in

Cutting in (“cortar y meter”) tiempos de otro tema es una técnica heredera del beatjuggling (lee el capítulo 17). La idea consiste en hacer beatmatching de dos temas y mover el cross-fader entre ellos para insertar temporalmente tiempos de un tema sobre el otro. En buenas manos, este método puede ser increíblemente rápido y complicado. En la Figura 16-10 se muestra un patrón lento básico (los números subrayados son los tiempos que se oyen).

No es necesario mover el cross-fader hasta el extremo para hacer cutting in; basta con desplazarlo tres cuartas partes del recorrido, de manera que aún puedas oír el tema original. Para hacerlo, yo encuentro útil poner un dedo en el punto de los tres cuartos, porque puedes limitarte a mover el cross-fader hasta el dedo; impide que llegue más allá de los tres cuartos de recorrido, por rápido o brusco que hagas el cutting in del otro tema.

Figura 16-10:

Diversos tiempos del tema B se insertan (“cut in”) en el tema para añadir potencia y una sensación nueva al tema.

Una variación de hacer cutting in de tiempos es cortar frecuencias del tema. Quitar toda la potencia de los graves en el último compás de un verso antes de que cambie a un nuevo elemento puede ser extremadamente efectivo, y hacerlo cuando el público está en pleno subidón energético puede hacer reventar el techo del club (¡cosa que no está mal, si estás en un sótano!).

Efectos en la transición

No sólo se utilizan efectos en la parte principal de un tema para hacer que suene diferente: también puedes utilizarlos para ayudarte a hacer la transición de un tema al siguiente. Un posible ejemplo es cuando estás llevando a cabo una larga mezcla entre dos temas, tienes problemas para cambiar el equilibrio de potencia al nuevo tema y quieres que el cambio tenga lugar al empezar la primera estrofa del nuevo tema.

En tal caso, añadir un efecto de flanger, filtro, reverb, beatmasher o transform al último compás de la música antes de que se produzca el cambio puede dar un sonido nuevo a la mezcla y ayudar en la transferencia de potencia entre los temas:

missing image file  Pon efectos de flanger o filtro de modo que duren dos compases, y, en lugar de que la música baje con un whoosh y vuelva a subir al usarlo sólo en un compás, sólo bajará, quitando potencia al tema saliente y ayudándote a concluir la mezcla, con el tema nuevo sonando más fuerte.

missing image file  Utiliza el reverb al máximo para, de hecho, quitarle toda la potencia al tema saliente. Para que esto funcione, el volumen del tema entrante tiene que estar bastante alto en la mezcla, y tienes que hacer entrar el efecto (aumentar su potencia gradualmente) para que no suene demasiado brusco. El sonido metálico que proporciona al tema saliente es un efecto bonito y estrafalario.

missing image file  Un efecto rápido de transform sobre los dos últimos tiempos de este compás (que divide el sonido en ocho sonidos tartamudeantes) puede también ayudar en la transición.

missing image file  Los efectos de beatmasher pueden crear redobles de tambor de la nada. Combinando los sonidos de los tiempos puedes convertir los cuatro últimos tiempos de un compás en un redoble rápido para introducir el tema siguiente.

Experimenta con:

missing image file  Durante cuánto tiempo utilizas el efecto.

missing image file  Qué potencia o qué duración le asignas.

missing image file  Si haces un sweep in o un sweep out del efecto.

missing image file  Cuál es el volumen de cada tema de la mezcla.

missing image file  Si afectas a ambos temas o sólo a uno de ellos.

missing image file  Si mantienes el tema saliente en la mezcla después del cambio en el balance de potencia.

Las ideas de esta sección no se pueden aplicar a todos los efectos o técnicas disponibles. Experimenta con todos tus efectos; dónde, cuándo, cómo o qué utilizas sólo depende de ti. Si suena bien, hazlo.

Mezclar distintos estilos musicales

Algunos géneros musicales no se basan en reglas como el beatmatching o la colocación perfecta: para pasar de un tema a otro, es mucho más importante la música que el DJ elige pinchar que la mezcla en sí. Hacer la transición de un tema a otro sin beatmatching exige una habilidad especial, y como DJ de beatmatching seguirás necesitando esas técnicas: para cambiar de género, para tomarle el relevo a otro DJ o para cambiar la sensación de la mezcla.

Eso no quiere decir que no puedas intentar hacer beatmatching con música rock o con algunos temas de fiesta. Hay temas que funcionan bien juntos, pero el problema reside en el hecho de que el rock, por ejemplo, no está pensado para ser mezclado en la forma en que lo está la música electrónica dance. Las cajas de ritmos, los tempos similares e incluso la estructura rítmica de la música dance se presta bien al beatmatching, pero las baterías en directo, los tempos muy variados y los inicios súbitos significan que otros géneros son mucho más complicados, y que lo mejor es que busques otras estrategias para las transiciones.

La mezcla de boda/fiesta/rock/pop

En muchos aspectos, la transición de un tema a otro es mucho más complicada para el DJ de bodas/fiestas/rock/pop. Un DJ de beatmatching puede contar con la red de seguridad de limitarse a hacer coincidir los tiempos y hacer un fading de un tema al otro, sin fade out, sin inicios súbitos, sin cambios de tempo y sin cambios de género drásticos. El DJ de bodas/fiestas necesita trabajar con todos esos problemas.

La parte más importante de esta mezcla es en qué punto del nuevo tema vas a empezar. Es genial trabajar con temas como Brown Eyed Girl de Van Morrison (una de las favoritas en bodas), que tienen un inicio potente, instantáneo y reconocible.

De todos modos, sigue siendo necesario que tengas en cuenta la estructura rítmica para elegir cuándo iniciar un tema como Brown Eyed Girl. Si lo inicias aleatoriamente, no sonará bien. Cuando el tema A (el que sale de la mezcla) hace fade out, o cuando tú empiezas a hacer fade out del tema, espera hasta oír el final de un compás (con suerte, al final de un verso) e inicia Brown Eyed Girl cuando en el tema A vaya a sonar el primer tiempo de un nuevo compás, pero haz un fade out total antes de que lo haga.

Si quieres mezclar un tema house con contundentes golpes de bombo con un tema del que no puedes salir con beatmatching (para seguir con el ejemplo, Brown Eyed Girl), la técnica es la misma. Sin embargo, como las pistas house suelen tener intros largas y únicamente rítmicas, quizá sea conveniente que las inicies más tarde, cuando entra el tema principal.

Examinando la técnica con mayor atención, tienes que averiguar cuánto fade out tienes que hacer de un tema antes de iniciar el siguiente, y cuándo empezar éste. Algunos temas suenan bien al iniciarlos al principio del compás del tema saliente; otros suenan mejor en el tercer o cuarto tiempo del compás. La práctica y la experiencia en escuchar y pinchar tus temas te permitirá desarrollar la habilidad y el instinto para saber la forma de mezclarlos mejor.

Desde luego, no todos los temas tienen un punto potente desde el que te gustaría iniciarlos. Por ejemplo, quizá quieras poner una pista lenta para que el público pueda besuquearse y bailar pegados (y tú puedas ir al baño o al bar). Sacar de la mezcla el último tema es igual que para meter en la mezcla Brown Eyed Girl, pero, en lugar de un inicio inmediato, a todo volumen, de la nueva pista, puede sonar mejor si te tomas un compás entero (cuatro tiempos) para ir del silencio al volumen total, y crear así un fade-up creciente y suave de Wonderful Tonight, por ejemplo.

Otra opción es hablar durante la mezcla. Para cubrir una mezcla puedes hablar sobre el bufet, las promociones de bebidas o las chicas roqueras guapas, o comentar algo sobre la forma poco apropiada de bailar de la madre de la novia.

El truco consiste en controlar el volumen de la música mientras hablas por el micrófono: mantén el volumen de la música lo bastante bajo como para que se te oiga, pero lo bastante alto como para que no parezca que estés dando un discurso. Escucha cómo hablan los DJ de radio sobre el principio de las canciones que pinchan. Saben cuándo cambia el tema de la intro a la parte principal y sincronizan sus palabras para que coincidan; conoce bien tus temas y podrás hacer lo mismo. Haz un simple cross-fade entre los dos temas, hablando sobre la mezcla para ocultar la transición, y deja de parlotear en cuanto empiece el tema principal.

La mezcla de R&B (rhythm & blues)

Los temas R&B no suelen tener las largas y lujuriosas intros de la música house y trance, pero suelen tener un buen compás de apertura que puedes utilizar para mezclar sobre el último tema, de forma parecida a como hacen los DJ de fiesta. Además, los temas R&B suelen eliminar los golpes de bombo en el último compás de un verso, lo que hace que éste sea un punto perfecto para mezclar el nuevo tema; en caso contrario, los complicados ritmos de tambores bajos podrían acabar peleándose entre sí.

El R&B sí da ocasión para hacer beatmatching si dispones de temas con patrones rítmicos similares, pero funciona mejor cuando la mezcla de beatmatching es lo más breve posible. Utilizando el nuevo tema, un breve baby scratch (ver capítulo 17) sincronizado con los tiempos del tema saliente y luego iniciar el nuevo tema desde un punto potente es una forma excelente de mezclar cuando no puedes hacer beatmatching.

Drum and bass y breakbeat

El drum and bass y el breakbeat son géneros que tienden a seguir la estructura de cuatro tiempos por compás del house/trance, así que, en general, se pueden seguir los principios básicos de superposición que he mencionado en la sección anterior “El punto perfecto”. Sin embargo, los tiempos son mucho más complicados, así que, si estás teniendo problemas con el beatmatching de temas breakbeat o drum and bass, consulta primero el capítulo 14 para más información sobre beatmatching y luego, en lugar de concentrarte en los sonidos de bombo, concéntrate en los de caja, más claros.

En los últimos años ha sido un fenómeno en los círculos del drum and bass el double drop, una extensión de la mezcla en break. Esta técnica se puede aplicar a todos los géneros. Haz beatmatching e inicia una mezcla de modo que dos temas estén a punto de llegar a un break (también llamado drop) al mismo tiempo; el drop de cualquiera de los temas puede ser el break principal o uno más breve que suceda antes o después de él. La clave es mezclar los temas de modo que ambos salgan de sus drops al mismo tiempo, y después mantenerlos ambos audibles, sonando por los altavoces. Así que, si vas a mezclar un drop de ocho compases con uno de dieciséis, asegúrate de que inicias el drop de ocho compases a mitad del más largo.

La selección de temas es vital para crear un double drop que suene bien. No lo hagas con cualquier pareja de temas: deben tener un ritmo y un tono complementarios, y debes prestar una atención especial al volumen y al control de ecualizador en ambos temas para evitar que el sonido se ensucie. Experimenta con los temas y los drops que quieras usar en el double drop. Si se hace bien, esta remezcla en directo en que dos temas suenan uno sobre el otro puede ser realmente potente.

Beatmatching de temas con tempos radicalmente distintos

El beatmatching de temas con tempos distintos funciona para todos los géneros —dance, rock, R&B y muchos más—, pero funciona mejor con temas que tienen una outro y una intro intensas, pero no excesivamente complicadas. Si estás practicando con música rock, indie, fiesta/boda e incluso drum and bass o jungle, mezclar temas con tempos distintos es una forma extravagante de mezclar, que puede ser eficaz en diversos momentos de la noche (mientras no te excedas con ella).

Al hacer de DJ en clubes de house/trance, te conviene mantener un tempo alto para que la energía siga fluyendo y el público no deje de bailar, así que un cambio muy grande en los beats por minuto podría no sentar bien en la pista. Sin embargo, si un tema se ralentiza durante su outro, es una buena forma de volver de nuevo a un tempo rápido, o un modo creativo de cambiar de género musical. Esta mezcla es buena para hacerla una vez por noche en la mayoría de las sesiones house/trance, más que una técnica que puedes ir practicando de vez en cuando durante la noche.

Hacer beatmatching de temas con tempos distintos suele requerir equipos especiales para que salga bien:

missing image file  Un lector o giradiscos con control Master Tempo, que mantiene el tono del tema independientemente de la velocidad de reproducción.

missing image file  Un intervalo de pitch amplio (necesitarás al menos +/–20 por ciento).

missing image file  En este caso, un contador de tiempos te será de mucha ayuda.

Si tienes un tema rock atronando con una potente outro a 125 beats por minuto y quieres mezclar un tema a 100 beats por minuto, pasa dos o cuatro compases para bajar el control de pitch hasta que suene a 100 beats por minuto. Cuando estés al final de estos compases, inicia el tema siguiente y haz fade out del tema saliente (para consejos sobre el control del ecualizador, consulta las secciones anteriores de este capítulo).

El tiempo que tardes en ralentizar el tema depende de ti, pero lo más probable es que venga forzado por los temas que estás tratando de mezclar. Piensa en las veces en que quizá querrías hacerlo al revés, para añadir emoción y energía a la mezcla. Es, desde luego, una técnica que funciona mejor cuando se ralentiza un tema para ajustarlo al nuevo, pero, con la pareja de canciones adecuadas, también puede funcionar bien a la inversa, sobre todo si desactivas Master Tempo para que suban tanto el tono como la velocidad.

Capítulo 17

La lírica del scratching

En este capítulo:

Comprobar que tu equipo está a la altura para hacer scratching.

Marcar correctamente tus discos.

Scratching en vinilo, CD, MP3 y ordenador.

Una pequeña ayuda con las técnicas básicas del scratching.

El scratching es una habilidad especializada que exige mucha práctica y paciencia para dominarla. Cuando te has tomado el tiempo para desarrollar esta habilidad, la mitad de la gente a la que conoces se quedará con la boca abierta de asombro; la otra mitad también abrirá mucho la boca, pero sólo para bostezar.

Si luego quieres continuar para dominar el crab, el flare o el twiddle ya depende de ti, pero si puede dominar el baby scratch, el forward scratch y el cut, aunque te consideres únicamente un DJ de beatmatching y mezcla, dispondrás de una nueva arma en tu arsenal de conocimientos.

Las habilidades de scratching te ayudan a desarrollar una técnica suave y rápida al utilizar tu equipo, especialmente los vinilos. Cuando hayas adquirido lo básico, desarrollarás la habilidad para sentir cuánta presión necesitas aplicar (muy poca) para mantener un disco inmóvil mientras el plato sigue girando, podrás girar el disco atrás y adelante sin que la aguja salga volando y adquirirás unas manos hábiles y firmes para sostener el disco parado y a punto para ponerlo en marcha.

El sitio web que complementa este libro contiene clips de audio y vídeo como apoyo a la información contenida en este capítulo, porque, en el caso de la mayor parte de las técnicas, es más fácil mostrarlas que describirlas. No dejes de conectarte para comprobar que, lo que estás haciendo, lo estás haciendo bien (www.recess.co.uk [en inglés]).

Configurar correctamente el equipo

Cualquiera que haya utilizado equipos mal configurados o inadecuados para scratching puede mostrar sus cicatrices emocionales como prueba viva de que no puedes permitirte configurar mal los equipos.

Si utilizas CD para scratching no necesitas ajustar demasiadas cosas, aparte quizá de regular la resistencia del plato (lee el capítulo 8) y de poner el lector de CD en modo vinilo a fin de crear los sonidos de scratch correctos.

Para DJ de scratching de giradiscos, en el capítulo 6 menciono algunos de los requisitos básicos, pero esenciales, de tus giradiscos para que puedas utilizarlos como DJ. Los giradiscos pensados para mezclar comparten muchas de las características de los que se utilizan para scratching: los motores potentes y de tracción directa son esenciales, y también son cruciales un brazo ajustable, cápsulas desmontables y un diseño sólido.

Sin embargo, la regulación de las agujas, la orientación del giradiscos y la conexión con la mesa de mezclas son también tan importantes como la marca y el modelo del dispositivo que utilices.

Un factor importante para los DJ de scratching es la posición de los platos. En lugar de orientarlos como pretendía el fabricante (brazo y pitch fader en el lado derecho), los DJ de scratching desplazan el giradiscos entero 90 grados en sentido contrario a las agujas del reloj, de modo que el brazo y el pitch fader quedan en el lado más alejado del DJ.

La posición tradicional sólo ofrece al DJ unos 100 grados de la circunferencia del disco para trabajar (como se muestra en la parte superior de la Figura 17-1), así que el DJ sólo puede hacer girar el disco hacia atrás un ángulo limitado sin golpear la aguja y sacarla del surco. Al desplazar el giradiscos 90 grados, el DJ dispone de mucho más vinilo con el que trabajar (como se muestra en la parte inferior de la Figura 17-1), lo que facilita el scratching.

Sopesar las agujas

No importa lo que utilices, el ajuste de la aguja y del contrapeso puede afectar drásticamente a la estabilidad de la aguja. No te conviene que la aguja salte del surco en mitad de un scratch complicado. En el capítulo 7 encontrarás información sobre lo que hace que una aguja sea buena para scratching; la aguja y el cartucho Shure M44-7 (que se muestran en la Figura 17-2) han demostrado ser los más habituales para este uso a lo largo de los años.

Las dos formas de controlar la estabilidad de la aguja son la fuerza descendente que actúa sobre la aguja y el ángulo en el que incide en el surco. Simplemente, ajusta la aguja de modo que forme un ángulo de 10 grados con el surco y se pegará a él como pegamento. El inconveniente de esto es que la aguja desgasta el surco como un cuchillo caliente en un bloque de mantequilla.

Figura 17-1:

Modificar la posición de los giradiscos te ofrece 250 grados de vinilo.

Si ajustas la fuerza descendente de la aguja para controlar la estabilidad, no pongas automáticamente el contrapeso más pesado disponible. Intenta seguir antes los consejos del fabricante y luego añade peso de manera gradual. Aunque quizá te quedes sólo a un par de miligramos del máximo, esos miligramos pueden sumar meses a la vida de tu aguja y de tus discos.

Figura 17-2:

Aguja y cartucho Shure M44-7.

En el peor de los casos, si la aguja sigue saliendo despedida cada vez que intentas hacer scratching, incluso con el contrapeso al máximo, puedes probar con un par de opciones más drásticas:

missing image file  Pon el contrapeso hacia atrás de modo que el anillo negro (el que tiene los números) apunte hacia afuera del brazo. Como el otro lado del contrapeso no se estrecha, abulta más y, por tanto, tiene más peso.

missing image file  Eleva la altura del brazo de modo que el ángulo más agudo haga que la aguja apunte hacia abajo en el surco, creando una mayor fuerza descendente. Pero no lo pongas demasiado alto o la parte frontal del cartucho podría rozar el disco.

missing image file  La última opción, y la más destructiva, es crear fuerza descendente adicional pegando un peso, como una moneda o un poco de Blutack, a la cápsula. Esto puede ayudar a mantener la aguja en el surco, pero ¡desgastará tus discos y agujas más rápido de lo que tu cartera es capaz de comprarlos!

Desgaste de tus discos

Entre el incremento de fuerza descendente hacia el surco y la repetición del paso de la aguja adelante y atrás por la misma parte del disco al hacer scratching, es inevitable que el disco sufra desgaste.

Sin embargo, como la fidelidad de audio no es un factor esencial al hacer scratching, el desgaste del disco sólo se convierte en un problema si el disco queda dañado y empieza a saltar, o si el sample empieza a sonar demasiado sucio. Mantén limpias las agujas y los discos para reducir la posibilidad de que la suciedad abra orificios en el disco o haga que la aguja sea menos estable, y no añadas a la aguja más contrapeso del necesario, y tu colección de vinilos durará mucho tiempo.

A deslizar los deslizadores

Como DJ de scratching de vinilo, tus deslizadores deben ser lo bastante deslizantes como para no añadir resistencia durante el scratching, pero tener también la adherencia suficiente como para no resbalar durante un scratch o en el momento en que sueltas un disco para que suene (en el capítulo 7 encontrarás todo lo que necesitas saber sobre deslizadores).

Manosear las mesas de mezclas

En el capítulo 10 se tratan las funciones esenciales necesarias para una mesa de mezclas de scratching, pero tú mismo puedes hacer un par de mejoras. En primer lugar, echa una ojeada a tu cross-fader. Asegúrate de mantenerlo bien lubricado para que se mueva con suavidad, sin resistencia no deseada.

En segundo lugar, asegura los faders y cross-faders. La parte que tocas para mover el fader tiene tendencia a salir volando si la tratas con demasiada brusquedad. Quita el mando, pon un trozo de papel sobre la parte metálica que sobresale, haciendo que sea un poco más gruesa, y vuelve a poner el mando. El mando está ahora “calzado” y es más difícil que se despegue, ¡resolviendo así cualquier problema de mandos volantes!

Hacerle un hamster a la mesa de mezclas

A muchos DJ de scratching les resulta bastante más cómodo hacer scratch si invierten la función normal del cross-fader. Eso significa que, en lugar de mover el cross-fader hacia la izquierda para oír el canal 1 y a la derecha para oír el canal 2, se mueve a la derecha para oír el canal 1 y a la izquierda para oír el canal 2.

Esto se puede hacer mediante un interruptor hamster —en determinadas mesas— o conectando los giradiscos al revés: se conecta el plato izquierdo, que normalmente se conectaría al canal 1, al canal 2, y el derecho se conecta al canal 1 en lugar de al 2.

Esto resulta útil desde el punto de vista de la mecánica del cuerpo. Puedes llevar a cabo algunos de los movimientos de scratch (como el crab y el twiddle, que describiré más adelante en este capítulo) más rápido si haces “rebotar” el cross-fader con el pulgar (situado a un cuarto del recorrido de la ranura del cross-fader) hasta el extremo de la ranura del cross-fader para meter y sacar la música muy rápido. Algunos movimientos son bastante incómodos para muchos DJ, porque la configuración estándar de la mesa de mezclas implica retorcer sus muñecas para poder hacer esto, así que el interruptor hamster ajusta la mesa para hacer que estos movimientos sean mucho más simples y cómodos.

En caso de que te lo estés preguntando, el nombre de este interruptor no viene de que un hámster royese los cables para invertir el control (cosa que me había pasado por la cabeza). El nombre viene de The Bullet Proof Scratch Hamsters, que solían conectar los platos a la mesa de mezclas al revés para invertir la configuración normal de canales y cross-fader.

Prepararse para el Gran Impulso

No puedes hacer scratching si no tienes nada con lo que hacerlo. Necesitas encontrar una sección de un tema (llamada sample) que será la que utilices cuando hagas scratching. Para la mayor parte de scratches, este sample no es muy largo; unos cuantos segundos de duración como máximo, y con frecuencia sólo un segundo. No hay ninguna norma que dicte lo que se debe utilizar como sample, pero los samples de voces, batería, pitidos e instrumentos de metal pueden sonar genial en buenas manos.

No hay tampoco restricción alguna sobre qué disco puedes utilizar para conseguir tu sample. Aunque puedes utilizar singles de 17,5 centímetros y LP de 30 centímetros para scratching, sus surcos son un poco demasiado compactos para hacerlo de forma apropiada, y es más fácil que la aguja salte del surco, más difícil marcar el inicio de un sample y mucho más difícil encontrar un sample con prisas. Eso quiere decir que los DJ suelen utilizar singles de 30 centímetros, pero si encuentras en un LP o un 17,5 centímetros, puedes marcar el disco correctamente y tienes la técnica para hacer scratch correctamente con él, nadie podrá decirte que te estás equivocando.

Ni siquiera tienes por qué elegir discos dance. Temas clásicos, discos con palabras habladas, rock, folk y country, todos ellos tienen el potencial de contener un sample que suene genial como scratch. Yo tenía un disco de “Aprenda español” que utilicé un par de veces porque contenía unos sonidos vocales muy extraños.

Pero los mejores discos para scratching son discos de batalla especialmente diseñados con samples que se prestan al scratching. Aunque estos discos pueden contener sólo diez samples en toda una cara, cada sample se repite en el mismo punto de la circunferencia del vinilo. Este diseño significa que, si la aguja salta de un surco y va a parar al surco de al lado, seguirás estando exactamente en el mismo punto del sample, y nadie se enterará de nada (a menos que la aguja salga volando del surco y se meta en otro de los samples).

Marcar samples

Los DJ de scratching necesitan localizar un sample en un tema con rapidez, y poder volver a él con precisión una y otra vez. Los DJ de scratching que utilizan CD pueden utilizar puntos de cue para volver instantáneamente al inicio de un sample (lee el capítulo 8), pero para los DJ de vinilo es un poco más complicado. Sin embargo, con una combinación de marcadores en el vinilo localizando el surco exacto en el que empieza el sample, y marcas en la etiqueta para poder volver con facilidad al principio de ese sample, la cosa se facilita bastante.

Lo primero que tienes que hacer es localizar el punto específico de un surco específico de un disco que contiene el sample con el que vas a hacer scratching y marcarlo para poder volver a él con rapidez.

Uno de los métodos más habituales para marcar el inicio del sample es emplear un pequeño adhesivo en el vinilo. Yo utilizo etiquetas numeradas de las que solían venir en las cintas de vídeo, porque son pequeñas y los números te ayudan a recordar cuál es el siguiente sample (consulta la

Figura 17-3:

Disco con varias etiquetas adhesivas numeradas para marcar samples.

Figura 17-3). A cada DJ le gusta un tipo de etiqueta distinto; busca el que te guste a ti y... quédate con él.

Marca el surco a la izquierda del sample para que la etiqueta no se interponga cuando estés haciendo el scratch. Ésta es la manera de hacerlo:

1.   Busca el sample en el disco y pulsa Stop en el giradiscos con la aguja en el principio mismo del sample.

2.   Pega muy ligeramente (que no se quede pegada del todo) una etiqueta directamente delante de la aguja. Gira con lentitud el disco con la mano en dirección hacia adelante. Al girar el disco apartarás la etiqueta hacia el surco de la izquierda del sample (si se va hacia la derecha, inténtalo de nuevo; pero esta vez, cuando pongas la etiqueta frente a la aguja, desplázala ligeramente a la izquierda).

3.   Comprueba que estás en el lugar adecuado desplazando el disco con suavidad adelante y atrás; si es el sitio correcto, presiona la etiqueta para que se quede pegada al surco junto al inicio del sample.

El inconveniente de marcar el disco de esta forma es que, si quieres pinchar toda la pista, ¡te encontrarás con una etiqueta en mitad del camino!

Si crees que vas a querer pinchar todo el disco, intenta utilizar un lápiz graso blanco para dibujar suavemente una línea (o una flecha, si lo prefieres) directamente en el vinilo. Ten cuidado de no presionar demasiado, o la cera del lápiz se meterá en los surcos y te dará tantos problemas como una etiqueta. Las marcas hechas con rotuladores ultravioleta (necesitarás una luz ultravioleta para poder verlas) son una buena alternativa, como los rotuladores plateados (pero debes seguir teniendo cuidado de que la tinta no llene el surco). Con el tiempo, estas marcas se borran, pero mientras te des cuenta del desgaste antes de que sea demasiado tarde y vuelvas a aplicar el rotulador, no deberías preocuparte.

Seguir una alineación

Marcar el inicio de un sample es una forma genial de encontrarlo al principio, pero es difícil volver a una pequeña marca de rotulador en mitad de un movimiento endiablado de scratch. Para ayudarte a encontrar rápidamente el principio de un sample, dibuja una línea gruesa en la etiqueta del disco (mira la Figura 17-4).

Piensa en el disco como en una esfera de reloj. La idea es dibujar una línea en la etiqueta de manera que, cuando esté señalando en una dirección en particular (las 12 en punto y las 9 en punto son las mejores) sabes que estás al principio del sample. Ésta es la manera de hacerlo:

1.   Busca el principio exacto del sample y para el disco.

2.   Sin mover el disco (manos firmes), utiliza una funda de CD (o algo que sea pequeño o recto) para dibujar una línea desde el eje central hasta el borde exterior del disco señalando al número del reloj que prefieras (yo recomiendo las 12 en punto: recto hacia arriba).

3.   Saca el disco del plato para marcar mejor la línea con un rotulador indeleble grueso.

En lugar de dibujar una línea, también puedes pegar una etiqueta delgada y larga en el disco. Si el sample está muy hacia el interior del disco, pon el adhesivo en el borde exterior, apuntando hacia el disco. O bien, ponlo en la parte interior del disco de modo que sobresalga sobre los surcos vacíos de la parte suave y muda junto a la etiqueta.

Figura 17-4:

Dibujar una línea en la etiqueta del disco.

Reparar el orificio central

Es fácil echarle la culpa de una aguja que salta a una falta de contrapeso, pero a veces el salto es debido a que el orificio central del disco es demasiado grande. Un orificio grande puede hacer que el disco quede tan suelto que el eje central choque con los bordes del orificio y haga que la aguja rebote fuera del surco. La forma más fácil de reparar este problema es pasar un trozo de cinta adhesiva de 2,5 centímetros de longitud por el agujero y pegar mitades iguales de ella a ambos lados de la etiqueta. Una vez que has pegado suficientes trozos de cinta en distintas posiciones del agujero, el diámetro se reduce y el problema queda resuelto.

A veces el orificio es demasiado pequeño y el disco no encaja bien en el eje central (puede que no encaje en absoluto o que quede demasiado ajustado y haga que el giradiscos se ralentice al intentar parar el disco). Una forma fácil de solucionar este problema es enrollar en forma de cilindro un trozo pequeño de papel de lija, pasarlo por el orificio y luego, sosteniendo el papel de lija, hacer girar el disco a su alrededor. Hazlo un par de veces y el orificio se abrirá ligeramente.

Si haces girar el disco durante demasiado tiempo, es posible que agrandes demasiado el orificio y tengas que ponerle cinta. Si tienes mala suerte y unas manos un poco torpes, puedes incluso hacer pequeñas grietas en el disco.

Scratching en CD, MP3 y ordenador

Con los lectores de CD con jog wheels de gran tamaño (como el Pioneer CDJ1000) o los que tienen platos motorizados (como el Denon DNS3500), los DJ de scratching pueden llevar a cabo su labor igual de bien (a veces mejor) que con giradiscos (consulta el capítulo para una descripción más detallada de las jog wheels y de los platos).

Aparte de emular con precisión el sonido de scratching con un disco, estos lectores tienen otros atributos que les permiten competir con el vinilo. Los bancos de memoria para almacenar múltiples puntos de cue (puntos de inicio; de samples, en este caso), efectos incorporados, inversión de reproducción instantánea y mucho más convierten a los lectores de CD en dispositivos increíblemente versátiles para scratching en comparación con el tradicional vinilo.

Estos efectos y controles han eliminado una parte del arte y la habilidad del scratching que se suele asociar con el vinilo, pero han hecho evolucionar el proceso creativo del scratching a un nivel totalmente nuevo, impulsado por la tecnología. A pesar de que los fundamentos más básicos del scratching son los mismos en un giradiscos de vinilo que en un lector de CD, las habilidades son algo distintas para cada formato (para empezar, con los lectores de CD puedes ser más brusco, porque no tienes que preocuparte de que una aguja salte del surco), así que la comparación y la competencia entre ambos cada vez tiene menos importancia.

Marcar CD

Como no se puede marcar el propio CD, los displays del jog dial o los displays independientes en lectores de CD para scratching tienen marcadores que se pueden utilizar para señalar el inicio del sample. Parece que han pensado en todo...

Scratching en PC

Con aplicaciones como Serato Scratch Live y Traktor Scratch Pro han aunado lo mejor de ambos mundos, el scratching con CD y con vinilo. Los DJ siguen pudiendo utilizar sus giradiscos, así que la interpretación y la habilidad del scratching se conserva, pero el software ha añadido creatividad, estabilidad y velocidad al juego, situando el scratching en un nivel completamente nuevo.

Los displays de forma de onda en el monitor del ordenador reducen la necesidad de etiquetas adhesivas y rotuladores. También hay un ajuste que permite reproducir cualquier sample como si se tratase de un disco de batalla (lee la sección “Prepararse para el Gran Impulso”). El scratching con ordenador evita también los problemas de saltos de aguja, y los efectos, loops y puntos de cue múltiples sacan partido de las opciones para crear nuevos sonidos durante el scratching. Si a esto le sumamos la capacidad de acceder rápidamente a una inmensa biblioteca de samples mucho más rápido de lo que un DJ de scratching tradicional puede cambiar de disco, no es sorprendente que los DJ de scratching se estén enamorando de esta forma de trabajar.

Para más información sobre instalaciones digitales, consulta el capítulo 9: cómo utilizar giradiscos para reproducir música en un ordenador y cómo los displays de forma de onda permiten a los DJ visualizar la música que están pinchando y ayudan a los DJ de scratching a encontrar siempre el principio de un sample.

Dominar la técnica

Al hacer scratching con vinilo, la técnica lo es todo. Si eres capaz de desarrollar una acción suave, fluida y, aun así, ultrarrápida, es mucho más probable que la aguja se quede pegada al surco. En lectores de CD también necesitas un movimiento fluido para crear un gran scratch, pero no tienes que preocuparte de que la aguja salte del surco.

Practica con ambas manos. Si te tomas el tiempo necesario para desarrollar la destreza y coordinación necesarias para hacer scratching con una u otra mano en cualquiera de los platos y mover el cross-fader de forma independiente, estarás ya a medio camino de convertirte en un DJ de scratching de primera categoría.

Manos a la obra

El vinilo es realmente sensible, e incluso con la presión de contrapeso adicional, las agujas nuevas, el orificio del tamaño correcto y los deslizadores, si tu mano es como la de un cachorro de elefante, la aguja va a salir volando.

Tienes que desarrollar la técnica manual correcta. Ten presente que, aunque te enfrentas a un montón de cambios rápidos de dirección, debes intentar ser suave; no des tirones al disco atrás y adelante. Cuando los haces uno detrás de otro, demasiados movimientos bruscos provocarán que la aguja salte del surco.

Al hacer scratching, intenta mover el disco atrás y adelante siguiendo la curva del mismo. Si intentas moverlo atrás y adelante en línea recta, estás añadiendo mucha presión lateral, que combinada puede bastar para hacer saltar la aguja del surco.

Cambiar el sonido de los samples

Al empezar a hacer scratching necesitas desarrollar el conocimiento de qué es lo que hace que cambie el sonido del sample que estás usando en tu scratching. Los cinco factores básicos para hacer que un sample suene distinto al hacer scratching son:

missing image file  Selección: quizá hayas encontrado un bonito sample en un disco, pero sigues teniendo control total sobre qué parte del sample vas a poner. Sólo porque en el sample salga alguien diciendo scratch no significa que tengas que poner esa palabra entera. Puedes optar por hacer el scratching sólo con la parte sc de la palabra, o quizá un scribble scratch con la parte tch que suene especial y se ajuste perfectamente con lo que quieres hacer.

Cambiar qué parte del sample usas para el scratch sólo en un par de milímetros (o una décima de segundo) puede marcar la diferencia entre un buen sonido y un sonido fantástico.

missing image file  Dirección: casi todos los samples suenan increíblemente distintos al pasarlos hacia atrás en vez de hacia adelante; si no estás muy seguro del sonido de tu scratch, quizá encuentres que hacer el scratching en la otra dirección mejora enormemente el sonido.

missing image file  Velocidad: la velocidad de movimiento de cualquier sample puede alterar tu scratch de un sonido grave, estruendoso y gutural a un sonido agudo, alegre y estridente. Así que no caigas en la trampa de hacer scratching siempre a la misma velocidad. Cambia a mitad de scratch de un movimiento de avance rápido a un movimiento lento hacia atrás, mezcla la velocidad durante un movimiento (lee la sección dedicada al scratch “El tear” en este mismo capítulo) y estate atento a cómo la velocidad con la que llevas a cabo el scratching del disco puede modificar la potencia y el sonido del scratch.

missing image file  Audibilidad: es muy importante el volumen al que se oye el sample o, simplemente, si se puede oír. Aunque el cross-fader es el principal responsable de que se oiga o no el sample, no te olvides del fader de canal.

Puedes hacer scratching utilizando el fader de canal en lugar del cross-fader, y también utilizar el fader de canal para regular el volumen del scratch, lo que añade una dimensión adicional al scratch. Un fader out gradual del scratch sólo con el cross-fader es difícil, pero cuando lo utilizas solo o en combinación con el cross-fader, el fader de canal te puede ofrecer un nivel extra de control de audio.

missing image file  Ecualizador: utilizar el ecualizador para ajustar la cantidad de graves, medios y agudos puede transformar un scratch estridente en uno turbio y oscuro; si quieres, incluso en mitad de un scratch.

A menos que tengas cuatro manos, hacer scratching con el cross-fader, el fader de canal y el ecualizador al mismo tiempo es complicado, pero con práctica y paciencia te quedarás asombrado de lo rápido que puedes pasar de un control a otro.

Los procesadores de efectos también pueden echarte una mano. Los efectos como filtros, flanger, distorsión, eco, reverb y delay pueden cambiar el sonido del sample que estás usando. Como en todos los demás aspectos del DJ, la clave es la experimentación. Piensa en la técnica de scratching que estás practicando y si un efecto la mejorará, la entorpecerá o acabará siendo redundante. Pruébalo y sopesa si el efecto ha hecho que el scratch mejorase o empeorase.

Empezar de cero una y otra vez

Las técnicas de scratch siguientes funcionan con cualquier formato, tanto si utilizas vinilos como CD o software. Prueba primero los scratches siguientes por sí solos, sin poner nada en el otro plato. Cuando ya estés satisfecho, elige un tema con un ritmo lento para poner en el otro plato y haz el scratch sincronizado con ese ritmo. No es necesario que utilices un tema sólo con ritmo, pero hacer scratching sobre melodías y voces puede sonar sucio y confuso al principio.

Consulta mi sitio web www.recess.co.uk (en inglés), donde encontrarás archivos de audio y clips de vídeo del scratch si no estás seguro de cómo debe sonar o de qué aspecto debe tener. También puedes buscar tutoriales en vídeo por Internet, como el de DJ QBert.

Para todos estos scratches te daré consejos sobre la dirección en la que debes hacer el scratch y lo que quizá debas hacer con el cross-fader, pero cuando te acostumbres a cada scratch podrás ajustar la velocidad a la que lo haces, la parte del sample que utilizas y qué parte de él pones.

Scratching sin el cross-fader

Los tres scratches que trato en esta sección te ayudarán a desarrollar el control manual para trabajar correctamente con el vinilo (o plato o jog wheel del lector de CD). Además, son los bloques básicos con los que se construyen todos los scratches de la sección “Fiebre del cross-fader noche”. A pesar de que se trata de movimientos simples, es muy importante dominarlos. Para estos tres scratches no es necesario emplear el cross-fader, así que déjalo en la posición central, con el fader de canal al máximo.

El baby scratch

El baby scratch es el primer scratch que vas a intentar, y es, con diferencia, el más simple y fácil de todos. Es el que puede probar cualquiera que llegue a tu casa y te pregunte “¿Puedo?”. También puede ser la forma en que te cargaste la aguja del giradiscos de tu padre cuando tenías nueve años...

El baby scratch no es más que un movimiento hacia adelante seguido de un movimiento hacia atrás.

Ambas direcciones son audibles durante el scratch (por eso no necesitas tocar el cross-fader en este scratch). Si el sample que utilizas es el de alguien que canta “¡Hey!”, el sonido será parecido a este:

Hey (hacia adelante) — yeH (hacia atrás) — Hey... yeH... Hey... yeH...

Cuando estés satisfecho y quieras empezar a hacer scratching al ritmo de un tema que suena en el otro plato, haz el movimiento hacia atrás en el primer tiempo del compás y el movimiento hacia atrás en el segundo tiempo:

Tiempos:

1

2

3

4

1

2

3

4

Scratch:

Hey

yeH

Hey

yeH

Hey

yeH

Hey

yeH

Cuando te encuentres cómodo ajustando los tiempos 1, 2, 3, 4 del compás a “Hey, yeH, Hey, yeH” (dos baby scratches completos), acelera el scratch para ir hacia adelante y hacia atrás en cada tiempo (lo que hace cuatro baby scratches completos):

Tiempos:

1

2

3

4

1

2

3

4

Scratch:

Hey-yeH

Hey-yeH

Hey-yeH

Hey-yeH

Hey-yeH

Hey-yeH

Hey-yeH

Hey-yeH

El scribble scratch

El scribble scratch es similar al baby scratch, salvo que la cantidad de movimiento del disco atrás y adelante es minúscula (¡solo la “H” de hey, o menos!), y se consiguen muchos más scratches por tiempo, ¡por no hablar del compás!

Si tensas la muñeca y el antebrazo mientras presionas el disco con un dedo, los músculos que van hacia tu dedo vibran, haciendo que el disco se mueva atrás y adelante muy rápido. Si crees que puedes generar suficiente velocidad sin necesidad de tensar los músculos, limítate a mover el disco atrás y adelante tan rápido como puedas.

No importa cuál sea tu técnica, lo que tienes que lograr es que la cantidad de vinilo que pase por debajo de la aguja sea la mínima posible (lo mejor es que sea de menos de 1 centímetro).

El tear

El tear es similar al baby scratch, pero, en lugar de dos sonidos, el scratch se divide en tres. Dejas el cross-fader abierto (puedes oír el sonido) durante toda la duración del scratch, pero introduces un cambio en la velocidad hacia atrás que crea la tercera parte del scratch.

El golpe (movimiento) o stroke hacia adelante es el mismo que en el baby scratch, pero la primera mitad del golpe hacia atrás es rápida, y la segunda es a la mitad de velocidad.

Practica primero modificando la velocidad sólo del golpe hacia atrás para acostumbrarte mejor al cambio de tempo. Cuando estés satisfecho con el resultado, intenta añadir el golpe hacia adelante al golpe hacia atrás en dos partes que ya dominas.

Fiebre del cross-fader noche

Los scratches que voy a describir en esta sección implican el uso del cross-fader. Antes de avanzar más, averigua dónde se encuentra el punto de corte del cross-fader. El punto de corte es el lugar al que tienes que mover el cross-fader para poder oír el canal apropiado. En función de la curva del cross-fader, encontrarás este punto con sólo unos milímetros de movimiento o quizá necesites mover el cross-fader hasta el centro antes de poder oír el scratch a todo volumen (el capítulo 10 contiene más información sobre curvas de cross-fader y puntos de corte).

El forward scratch

El forward scratch te ofrece el inicio perfecto para practicar el uso del cross-fader. Exactamente con el mismo movimiento que en el caso del baby scratch, empieza con el cross-fader más allá del punto de corte, para poder oír el movimiento hacia adelante, y entonces, antes de mover el disco hacia atrás, cierra el cross-fader para que no se oiga el golpe hacia atrás.

Cuando estés satisfecho con tu técnica de corte del golpe hacia atrás, empieza a hacer scratching al ritmo. Con el ejemplo del “¡Hey!”, ajusta el tiempo 1, 2, 3, 4 del compás a Hey, Hey, Hey, Hey:

Tiempos:

1

2

3

4

1

2

3

4

Scratch:

Hey

Hey

Hey

Hey

Hey

Hey

Hey

Hey

Si al principio te resulta demasiado rápido, date un poco más de tiempo y ralentiza el scratch de modo que sólo oigas “Hey” en los tiempos impares:

Tiempos:

1

2

3

4

1

2

3

4

Scratch:

Hey

Hey

Hey

Hey

El backward scratch

Como habrás adivinado, el backward scratch es exactamente lo mismo que el forward scratch, salvo que esta vez sólo oyes el golpe hacia atrás de baby scratch. Así que lo que escuchas es “yeH, yeH, yeH, yeH” al hacer el scratch en los cuatro tiempos del compás:

Tiempos:

1

2

3

4

1

2

3

4

Scratch:

yeH

yeH

yeH

yeH

yeH

yeH

yeH

yeH

Quizá encuentres más fácil al principio utilizar el backward scratch en el tiempo débil, que es donde estaría de forma natural si estuvieses haciendo un baby scratch:

Tiempos:

1

2

3

4

1

2

3

4

Scratch:

yeH   yeH   yeH   yeH   yeH   yeH   yeH

El cut

El cut es cuando pones el sample con la velocidad y dirección normales, pero sólo partes de él. A mí me encantaba hacer este scratch con el sample de James Brown All Aboard al principio de Nighttrain de Kadoc. Podría sonar más o menos “All (pausa) All All A All-Aboard”:

Tiempos:

1

2

3

4

1

2

3

4

Scratch:

All

(pausa)

All

All

A

All aboard

(pausa)

(pausa)

Después de haber hecho scratching con él sobre otro tema durante un rato, dejaba sonar el sample, entraba el tema y ya estaba hecha la mezcla, lo que viene a demostrar que hacer scratching y mezclar no son excluyentes: se pueden simultanear.

Para llevar a cabo este scratch, sitúa el sample justo detrás de la aguja. En un punto determinado del otro tema (al principio de un compás, en mi ejemplo de Kadoc), mueve el cross-fader y deja sonar el disco. Cuando quieras parar el sample, cierra el cross-fader, pon el disco hacia atrás al principio del sample y deja que suene otra vez.

El truco es asegurarte de que rebobinas el sample al punto temporal correcto. Éste es el momento perfecto para marcar una línea en la etiqueta del disco, de modo que, cuando la línea señale las 12 en punto, sabrás que estás al principio del sample (mira la sección “Marcar samples”).

El chop

El chop es muy similar al cut, salvo que, en lugar de poner el disco a la velocidad normal, controlas la velocidad de reproducción del sample. Variando la velocidad de distintas partes del sample puedes crear algunas melodías extrañas para acompañar al tema sobre el que haces el scratch.

Y, por supuesto, el chop inverso (y el cut inverso) es cuando el fader está abierto para el golpe hacia atrás, en lugar del golpe hacia adelante.

El chirp

En el chirp, la coordinación de las manos empieza a ser esencial. Pon el sample con el cross-fader abierto, pero, en cuanto empieces a oírlo sonar, cierra con suavidad (pero con rapidez) el cross-fader. Para el golpe hacia atrás, haz exactamente lo contrario: mientras mueves el disco hacia atrás, abre el cross-fader. Será más fácil poner el sample a velocidad normal al principio, pero lo más probable es que opines que los mejores resultados es cuando haces scratch del sample rápido atrás y adelante.

Con el sample, velocidad de scratch y movimiento del cross-fader adecuados, esta técnica crea un sonido de silbido o gorjeo, como el de un pájaro.

El transformer

El transformer es otro scratch simple que ayuda a sincronizar los movimientos de cross-fader y desarrolla la coordinación entre tus manos.

Para acostumbrarte al transformer, pon el sample hacia adelante de forma que dure un compás (probablemente un par de segundos, lo que significa ponerlo muy lento) y luego hacia atrás durante un compás. Si lo quieres puedes ponerlo más tiempo o menos, pero al mantener el movimiento en un compás tienes unos límites para trabajar de momento que puedes ampliar cuando consigas dominar el scratch.

Mientras pones el sample, abre y cierra el cross-fader en cada uno de los tiempos del compás. Al hacerlo, oirás el sample dividido en cuatro partes reproduciéndose hacia adelante y otras cuatro hacia atrás. Cuando estés satisfecho, duplica la velocidad con la que cortas la música. Luego, si crees que eres capaz de mover lo bastante rápido el cross-fader, vuelve a duplicarla, de modo que abras y cierres el cross-fader dieciséis veces por compás.

Tu pulgar no sólo sirve para hacer autostop

Abrir y cerrar el cross-fader es cada vez más difícil a medida que intentas moverlo más de prisa. Cuando te sientas limitado, utiliza el pulgar como un muelle para devolver el cross-fader a la posición cerrada.

Si tienes una distancia muy corta que recorrer hasta el punto de corte del cross-fader, deja descansar el pulgar en ese punto, pero ponlo en ángulo hacia la posición cerrada. Con tus dedos medio o anular, da un golpecito al cross-fader para que rebote en tu pulgar y vuelva a la posición cerrada, que es mucho más rápido. Esto es más fácil de hacer si tienes la mesa de mezclas configurada al estilo hamster (ver la sección “Hacerle un hamster a la mesa de mezclas”).

Flares

El flare scratch toma el sample y lo corta en dos cerrando y volviendo a abrir el cross-fader muy rápido. El scratch empieza con el cross-fader abierto, que se cierra a mitad del sample y luego se abre de nuevo. Si el sample con el que estás haciendo el scratching es simplemente alguien diciendo la palabra scratch, con el flare oirías scr tch.

Al cerrar el cross-fader rápido, suena una especie de clic. En el ejemplo anterior de scr tch, cortar el sample en dos precisa un movimiento, un clic, y se llama one click forward flare.

Crab scratch

Para acostumbrarte a la acción del cross-fader en un crab scratch, chasquea los dedos. Ahora, en lugar de usar sólo el dedo medio y el pulgar para chasquear, chasquea contra el pulgar los otros cuatro dedos, empezando por el meñique. Ésta es la acción del crab: ahora pon un mando de cross-fader entre tus dedos y el pulgar.

Pon el pulgar como si fuera un muelle del cross-fader, tal como lo usarías para el transformer scratch. Cuando tus dedos hacen rebotar el cross-fader contra tu pulgar, lo que consigues es cortar el sample en cuatro, muy rápido.

Éste es otro de los scratches que puede ser más fácil si la mesa de mezclas está configurada estilo hamster, porque puedes hacer rebotar el fader contra el lateral de la ranura del fader y tu pulgar.

Twiddle scratch

El twiddle scratch es el precursor del crab scratch. En lugar de utilizar los cuatro dedos para realizar el crab scratch, utilizas sólo dos para juguetear con el cross-fader, lo que genera un ritmo ligeramente más constante en el scratch que en el caso del crab.

Combinar scratches

Una vez familiarizado con estos movimientos fundamentales, empieza a combinarlos para crear series de scratches distintos sobre el ritmo. Empieza con algo simple, cambiando de un scratch a otro, como cambiar de un baby scratch a un forward scratch, o de un forward scratch a un reverse scratch.

Aquí tienes algunas ideas:

missing image file  Transformar con transformers: superponer un transform a cualquiera de tus scratches es una forma estupenda de alterar el sonido de los movimientos básicos. Añade un transform a un forward scratch para transformar el movimiento hacia adelante pero seguir sin escuchar el golpe hacia atrás. ¡O agrega un transform a un tear scratch para poner a prueba tu coordinación!

missing image file  Incorporar flare: agrega un flare o un crab a mi ejemplo de cut scratch All Aboard para darle un efecto de tartamudeo a parte de él.

missing image file  Incluir un salto de velocidad: al hacer scratching con el disco hacia atrás, da un ligero toque al vinilo con la otra mano, añadiendo un “bote” al sonido. Si quieres ir un poco más allá, puedes intentar un hydroplane (literalmente, hidroavión), donde, en vez de dar un toque al vinilo con la otra mano, lo que haces es dejar descansar un dedo ligeramente sobre el vinilo. El ligero contacto se traduce en que la fricción causada al tocar el disco hará rebotar/vibrar un poco tu dedo al mover el disco hacia atrás, agregando un tartamudeo sordo al scratch pero sin cortes del sonido.

missing image file  Prueba con drop-ons para crear tu propio tema: se trata de coger la aguja y dar rápidos toques al disco con ella en distintas partes del tema. Cada vez que toques el disco, oirás una nota musical. Encadénalas para formar una canción (como, por extraño que parezca, la Marcha imperial de La guerra de las galaxias, que acabo de ver en YouTube...).

Los fundamentos que menciono aquí no son más que los bloques básicos necesarios para iniciar el camino hacia una amplísima gama de scratches distintos. Existen múltiples combinaciones de movimiento del disco, movimiento del cross-fader y velocidad para hacerlo todo. Visita mi sitio web (www.recess.co.uk [en inglés]) y www.youtube.com para obtener más ideas sobre cómo combinar los fundamentos.

Malabarismos con los ritmos

El beatjuggling es una habilidad fantástica que, si se domina, genera mucho respeto por parte de tus iguales. Utilizando dos discos (no tienen por qué ser idénticos, pero al principio ayuda) con sólo un ritmo de batería, creas un nuevo ritmo utilizando una combinación de todos los fundamentos de scratch.

La precisión al volver al principio del sample en el disco (o CD) es esencial, y una verdadera demostración de tus habilidades. Aunque en la guía siguiente te explico la mecánica de cómo hacer esto con dos discos, quizá encuentres que es más fácil con CD o con software que te permita guardar puntos de inicio en memoria y acceder a ellos instantáneamente con sólo pulsar un botón.

Marcar correctamente tus discos es aquí todavía más importante, porque no vas a tener tiempo de escuchar en los auriculares cómo has situado el tema para iniciarlo de nuevo. Tienes que depositar tu confianza en la línea que has marcado a las 12 en punto y tener fe en que te encuentras en el principio del sample.

Igual que si estuvieses haciendo malabarismos con pelotas, empieza por algo fácil:

1.   Con dos discos idénticos, sitúalos de modo que estén listos para empezar a sonar exactamente desde el mismo punto. Entonces pon sólo uno de ellos a sonar.

2.   Pon un compás del ritmo de batería de ese disco y entonces pon en marcha el otro tema mientras mueves el cross-fader al otro lado, para que suene otro compás de ritmo.

3.   Mientras suena ese segundo compás, haz retroceder el primer disco hasta el principio del compás. Cuando el segundo disco haya terminado su primer compás, pon en marcha el primer disco al tiempo que mueves el cross-fader para poder oírlo.

Con este método, estás reproduciendo una y otra vez el mismo compás de batería; puede sonar fácil, pero créeme, ¡no lo es! Es habitual que te aturulles, que no sincronices bien el principio del compás y que algo que suena tan sencillo se acabe convirtiendo en un desastre. ¡También puede ser que tengas un talento innato y te salga bien a la primera! Si al principio lo encuentras un poco lioso, en lugar de repetir un compás, inténtalo con cuatro compases para tener mucho más tiempo para volver al principio del otro tema. Cuando lo hayas conseguido, prueba con tres, luego con dos y finalmente con uno. Empieza por lo sencillo y ve complicándolo. Si practicas lo suficiente, acabarás consiguiéndolo.

Si intentas hacer esto con CD o software de DJ, en lugar de rebobinar el sample hasta el principio cada vez, pulsa simplemente el botón Cue para volver al principio del sample, y Play de nuevo al principio del compás. Tus lectores de CD pueden diferir en cómo vuelven al punto de inicio (cue point) y qué botón debes pulsar para volver a poner en marcha el tema, pero, mientras puedas llegar al punto a tiempo, e iniciar el tema en el momento correcto, no pasa nada.

Cuando estés satisfecho repitiendo todo el compás, corta por la mitad el tiempo que suena un disco antes de pasar al otro (dos tiempos en lugar de cuatro). Cuando ya tengas mucha confianza, pon el primer tiempo del primer disco y el segundo tiempo del segundo disco, y ve rebobinando de manera que oigas solamente los dos primeros tiempos del compás una y otra vez.

Offsetting

Cuando ya sepas cambiar cómodamente de un tiempo a otro, querrás crear ritmos de batería más complejos. El offsetting (desplazamiento) es una forma estupenda de comenzar, y bastante simple. Empieza por poner en marcha uno de los temas medio tiempo tarde, de modo que en vez de un simple Bombo Caja Bombo Caja para los cuatro tiempos del compás, oigas BomboBombo CajaCaja BomboBombo CajaCaja exactamente en el mismo tiempo. El primer bombo es del primer tema; el segundo, del segundo tema.

Si dejas el cross-fader en el centro crearás esa serie de ritmos; si lo cierras hacia algunos de los ritmos conseguirás muchos más cortes.

Tiempos:

1

2

3

4

1

2

3

4

Sonidos:

B1 B2

C1

B1

C1 C2

B2

C1 C2

B1 B2

C1

(donde B es Bombo, C es Caja y el 1 o el 2 significan plato 1 o plato 2).

Si tus lectores de CD o tu software disponen de la función Hot Cue, es como si estuvieras en el paraíso del beatjuggling, porque puedes guardar tiempos individuales en un botón disparador Hot Cue. Si utilizas Pioneer CDJ1000, en lugar de girar discos como un loco atrás y adelante, puedes guardar el bombo de un tema en Hot Cue A de uno de los lectores y la caja del otro tema en Hot Cue A del otro lector. Deja el cross-fader en el centro y dispáralos con el tempo adecuado para crear tu propio nuevo ritmo de batería. Y, con tres Hot Cues en cada lector, puedes guardar una selección de sonidos de batería que te facilitan una increíble creatividad. ¡Ni siquiera necesitas dos lectores! Basta con que guardes el bombo en Hot Cue A y la caja en Hot Cue B en el mismo lector de CD y crees tu propio ritmo con un solo lector. Para más información sobre hot cues, consulta el capítulo 8.

Si vas a crear un ritmo de batería completo a partir de golpes individuales, es esencial que tengas mucho sentido del ritmo. Si no estás seguro con lo de la creación de ritmos de batería, empieza por consultar Batería para Dummies, de Jeff Strong.

Estos métodos no son más que la punta del iceberg para cortar y crear ritmos de batería. Puedes combinar la velocidad con la que cortes entre pistas, el desplazamiento de los golpes y el uso de golpes de dos temas distintos para crear un ritmo realmente complicado. ¡Y todo sin siquiera pensar en poner platillos, charles y redobles!

Práctica, dedicación y paciencia

“Práctica, dedicación y paciencia” debe convertirse en tu mantra personal para el beatjuggling (y para el scratching en general). El conocimiento de los discos y la destreza manual son extremadamente importantes, pero necesitas fluidez y precisión con los ritmos. Tus movimientos de scratching deben ser suaves y al ritmo del tema sobre el que estás haciendo el scratch, y en el caso del beatjuggling, el ritmo que crees debe sonar tan fluido como si un batería lo estuviese tocando; sólo así lograrás respeto por tus habilidades.

Siempre es bueno inspirarse en el trabajo de otros y marcarse un objetivo. No te pierdas a Kid Koala haciendo scratching de Moon River (en www.recess.co.uk [en inglés]); cuando seas capaz de hacer juggling y scratching como él, estarás entre los mejores.

En esta parte...

Una mañana te despertarás y te darás cuenta de que has nacido para algo más que para hacer de DJ para tu gato (y molestar a los vecinos). Quizá suenes genial a través del equipo de alta fidelidad doméstico o de un iPod, pero no desplegarás realmente las alas como DJ mientras no actúes en un club o un salón repletos de gente con gustos parecidos a los tuyos.

Esta parte del libro te guiará para que puedas crear una sesión promocional perfecta, y sepas qué hacer cuando te encuentres de pie en una cabina de DJ frente a un millar de personas que pretenden que les hagas pasar la mejor noche de sus vidas.

Eso es ser DJ.

Capítulo 18

Sesiones a prueba de tontos

En este capítulo:

Imprimir el ritmo.

Seleccionar el tono adecuado para una mezcla armónica.

Desarrollar un estilo propio.

Una vez que ya has echado una ojeada a las distintas formas de mezclar tus temas (lee los capítulos 14, 16 y 17), tienes que empezar a prestar atención a los temas que vas a utilizar en la mezcla.

Además de examinar con más atención las razones por las que un tema se puede mezclar bien con uno y no con otro, este capítulo habla del desarrollo de tu propio estilo de DJ, en vez de limitarte a repetir lo que han hecho otros antes que tú. No estoy diciendo que seguir los mismos principios que otros DJ esté mal, pero, si te planteas lo que intentas conseguir con el orden de los temas en tu sesión, serás mucho mejor DJ que uno que se limite a mezclar el tema A con el tema B simplemente porque suenan bien juntos.

Elegir temas para mezclar entre sí

Los temas que selecciones y el orden en el que los pinches son tan importantes como el método que utilices para pasar de un tema a otro. La mejor —desde el punto de vista técnico— mezcla del mundo puede sonar fatal si los temas no se adaptan bien entre sí, y el aburrimiento puede hacer acto de presencia si te limitas toda la noche a un mismo sonido, género y nivel de energía (ritmo y potencia de la música).

Para percibir qué tipo de temas se mezclan bien entre sí debes tener en cuenta los aspectos fundamentales que diferencian un tema de otro (aparte de la melodía, la letra, los instrumentos empleados, etc.). Las diferencias clave son el ritmo principal, el tono en el que están grabados los temas y el tempo original de cada uno.

Beatmatching, la nueva generación

Ajustar los martilleos de bombo de tus temas es una cosa; una vez le pilles el truco, coordinar bombos es algo relativamente simple y que suena bien. Sin embargo, el verdadero ritmo principal es otro ritmo que hay que tener en cuenta y saber detectar en los temas, y no está sólo ligado a la música dance. Toda la música está hecha de combinaciones de ritmos principales.

Una pista se compone de la pista de fondo (la batería, la línea de bajo y posibles sonidos rítmicos electrónicos) y la melodía y/o voces principales. La pista de fondo es la fuerza impulsora del tema, contiene un ritmo propio que es independiente de los golpes de bombo, pero que armoniza con ellos. Un gran ejemplo de lo que digo es el ritmo principal “duggadugga duggadugga duggadugga duggadugga” de I Feel Love, de Donna Summer.

Si lo que voy a decir ahora suena un poco infantil, es porque lo es. Lo recuerdo del colegio, ¡así que doy las gracias a Mr. Galbraith por grabarme este concepto en la cabeza!

Al hacer beatmatching de golpes de bombo, sólo tienes que tener en cuenta el contundente sonido thump thump thump de los bombos sonando unos sobre otros. Ahora tienes que empezar a prestar atención a uno de los cuatro ritmos principales: ta, ta-ti, ta-ti-ta y ta-fi-ti-ti. La mayor parte de la música popular tiene cuatro tiempos por compás, y cada uno de los cuatro ritmos principales fundamentales suena en el tiempo, así que obtienes cuatro por compás:

Ta es un sonido individual en cada tiempo del compás (suena como “baa” de la canción Baa, Baa, Black Sheep):

Tiempo

1

2

3

4

1

2

3

4

Ritmo

Ta

Ta

Ta

Ta

Ta

Ta

Ta

Ta

Palabra

Baa

Baa

Baa

Baa

Baa

Baa

Baa

Baa

Ta-ti son dos sonidos de la misma duración en cada tiempo, aunque uno suele tener énfasis, lo que lo hace más potente que el otro (suena como Have you en el verso “Have you any wool” de Baa, Baa, Black Sheep):

Tiempo

1

2

3

4

1

2

3

4

Ritmo

Ta-ti

Ta-ti

Ta-ti

Ta-ti

Ta-ti

Ta-ti

Ta-ti

Ta-ti

Palabra

Have you

Have you

Have you

Have you

Have you

Have you

Have you

Have you

A veces no se oye la parte ta (Have) del ritmo, y sólo se oye la segunda parte, ti (you), que se denomina tiempo débil u offbeat. Este offbeat simple es un favorito de los productores que quieren dar a un tema un sonido potente y sin adornos. Ta-ti ta es como decir lemonade en cada tiempo. Es muy similar a ta-ti, salvo que, en lugar de dos sonidos iguales se oyen dos sonidos rápidos (que duran lo mismo que ta en el ritmo ta-ti), seguidos de un sonido que dura lo mismo que la parte ti de ta-ti. Al dividir el ritmo ta-ti ta en dos, las mitades son ta-ti y ta (Lemon y ade). Dices lemon muy rápido y dura lo mismo que ade:

Tiempo

1

2

3

4

1

2

3

4

Ritmo

Ta-ti ta

Ta-ti ta

Ta-ti ta

Ta-ti ta

Ta-ti ta

Ta-ti ta

Ta-ti ta

Ta-ti ta

Palabra

Lemonade

Lemonade

Lemonade

Lemonade

Lemonade

Lemonade

Lemonade

Lemonade

Ta-fi-ti-ti es como decir Mississippi en cada tiempo del compás; cuatro sonidos iguales en cada tiempo que le dan al tema un ritmo hipnótico y potente. Este sonido es el ritmo duggadugga de I Feel Love del que hablaba antes. Añade mucha energía a la melodía de bajo y, si se agrega un filtro o un efecto de flanger a este ritmo (ver capítulo 10), la pista de baile entra en trance.

Tiempo

1

2

3

4

1

2

3

4

Ritmo

Ta-ti

Ta-ti

Ta-ti

Ta-ti

Ta-ti

Ta-ti

Ta-ti

Ta-ti

Palabra

Mississippi

Mississippi

Mississippi

Mississippi

Mississippi

Mississippi

Mississippi

Mississippi

Cuando componen un tema, los productores combinan estos ritmos base fundamentales entre sí para crear ritmos más complicados. Por ejemplo, pueden crear un compás con tres ta-ti ta seguidos de un ta-fi-ti-ti, o complicarlo más aún y crear compases con los ritmos principales ta, ta-ti, ta, ta-ti-ta. Las opciones son infinitas, pero cuando tengas en cuenta los temas que vas a usar en la mezcla, escucha si estos ritmos principales se adaptan bien unos a otros.

Consulta mi sitio web, www.recess.co.uk (en inglés), donde encontrarás diferentes clips de vídeo y de audio en los que se hace una demostración de diversos ritmos principales en los temas.

Mezclar con cuidado

Mezclar ritmos principales similares puede ser peliagudo. En las manos adecuadas, ta-fi-ti-ti se mezcla perfectamente con otro ta-fi-ti-ti y, con frecuencia, es este ritmo principal constante el que da a la mezcla una sensación de potencia y energía. Pero si no haces el beatmatching de los temas con precisión, los cuatro sonidos se intercalan con los otros cuatro, y el resultado es un sonido sucio. Lo mismo vale para ta-ti ta: necesitas buena habilidad de beatmatching para mezclar dos de estos sonidos entre sí (o para mezclar ta-ti ta con ta-fi-ti-ti).

La mezcla de ritmos más simples, como ta o ta-ti (incluida la parte a tiempo débil de ta-ti, en la que sólo se oye el segundo sonido ti), entre sí, o con alguno de los ritmos más complicados (ta-ti ta y ta-fi-ti-ti) es una solución a este problema. Sin embargo, este método acabará por sofocar tu creatividad (y, a menudo, la energía de la mezcla). Si necesitas pasar de un ritmo principal complicado a uno simple y de vuelta a uno complicado para progresar en una mezcla, romperás la fluidez de la sesión. Por eso es importante que pases tiempo refinando tus habilidades de beatmatching: para que seas capaz de mezclar ritmos principales complicados.

Aunque ta y ta-ti son más simples y fáciles de ajustar, suelen tener potentes líneas de bajo, y esta potencia hace que no siempre se mezclen bien. Si el ritmo de un tema es ta, y el otro es el ti del tiempo débil (no se oye el ta de ta-ti), a menos que la nota ta de un tema y el ti de tiempo débil del otro sean muy similares, la mezcla puede sonar extraña y desafinada (para ver algunos consejos sobre esto, consulta “Afinar con la mezcla armónica”, en este mismo capítulo).

Estos mismos principios de ritmo principal se aplican al patrón del charles (los platos que suenan tchssss). Aunque la mayor parte de los temas suelen utilizar un sonido de charles abierto entre cada golpe de bombo (igual que el ti del tiempo débil), ten cuidado cuando los patrones se hacen más complicados. Si intentas mezclar dos patrones de charles ta-fi-ti-ti, y no aciertas bien con el beatmatching, el resultado sonará espantoso.

Cambiar de marchas

Mezclar de un ritmo principal a otro es tremendamente importante en lo que respecta a la potencia de la sesión. Ir de un ritmo ta a uno ta-ti ta puede hacer que la mezcla suene más rápida e intensa, aunque los beats por minuto (BPM) sigan siendo los mismos. Cambiar de ta-fi-ti-ti a la versión de tiempo débil de ta-ti (sólo la parte de ti) es un método increíblemente eficaz de hacer que la mezcla suene más oscura, al simplificar y concentrar el sonido de un ritmo frenético, de cuatro sonidos, a un ritmo básico y simple, de un solo sonido. Combinado con un cambio de tono (lee “Cambiar la tonalidad”, en este mismo capítulo), ¡el efecto puede ser explosivo!

Afinar con la mezcla armónica

Quizá tu beatmatching sea perfecto (lee el capítulo 14), tu control de volumen sea ultrapreciso (lee el capítulo 16) y hayas elegido dos temas con ritmos principales complementarios, pero a veces los dos temas suenan desafinados entre sí. En este punto entra la mezcla armónica, y se trata de la etapa final en la creación de mezclas realmente suaves y uniformes. La mezcla armónica no es en absoluto un paso esencial en el aprendizaje de la mezcla, y quizá un DJ de fiesta o de rock no la tenga jamás en cuenta, pero, como DJ de música dance electrónica, si aspiras a crear mezclas largas, fluidas y uniformes, la mezcla armónica desempeña un papel realmente importante.

Cualquier canción con una melodía tiene una tonalidad musical, y las notas que emiten los instrumentos y las voces se basan en esta tonalidad (quizá habrás oído decir a alguien “voy a cantar esto en Do menor, por ejemplo). DJ como Sasha, Oakenfold, John Digweed y muchos otros dominan perfectamente la mezcla armónica para crear mezclas suaves y controladas que añaden a su estilo un nivel adicional de profundidad y habilidad.

Para casi todos los DJ, el primer contacto con la mezcla armónica es accidental, y luego intentan mejorar en este campo por ensayo y error. La técnica de ensayo y error es en extremo importante. Seguir a pie juntillas las reglas que se indican en esta sección sobre qué tonalidad mezcla con cuál no es una buena idea. Es importante saber cómo afecta la tonalidad a la mezcla de dos temas, pero aún lo es más el desarrollar oído para saber qué sonidos suenan bien al mezclarlos, en lugar de apoyarte en un trozo de papel o regla que hayas leído en un libro increíblemente informativo.

Sin embargo, necesitas algún lugar desde donde empezar y algo a lo que recurrir si no estás seguro de qué hacer a continuación; ahí es donde entra el principio de las notaciones de tonalidad, y dispones de dos sistemas para ayudarte a comprender.

Ahora, prepárate. La terminología para las notaciones de tonalidades puede parecer un idioma extranjero, pero no te preocupes; en realidad, no hay nada de que asustarse.

Notación tradicional

En el mundo occidental, la música tiene venticuatro tonalidades distintas, doce mayores y doce menores. Esto es lo que se denomina sistema tradicional de notación de tonalidad. Que una tonalidad sea mayor o menor depende de las notas que componen la tonalidad. Cada tonalidad se mezcla perfectamente con otras cuatro, y a un nivel aceptable con otras dos, como se muestra en la Tabla 18-1. Si la Tabla 18-1 no tiene sentido para ti, no te preocupes; ¡al final se explica qué significa todo!

No pasa nada, no tienes que empezar a preocuparte: calcular qué tonalidades combinan mejor entre sí es, de hecho, muy simple. En la Tabla 18-1, busca Do mayor y mira las tonalidades escritas junto a ella. Obviamente, se puede mezclar con un tema en su misma tonalidad (que se denomina tónica), pero también se deja mezclar muy bien con las tres tonalidades que aparecen al lado: Fa mayor, Sol mayor y La menor. Sin embargo, como Do mayor funciona realmente bien combinada con La menor, también se pueden incorporar las tonalidades con las que La menor combina bien. Estas combinaciones de tonalidades de La menor son aceptables, no perfectas. Tienes que ser tú mismo quien juzgue si se adaptan lo bastante bien para lo que pretendes hacer.

De todos modos, este gráfico es bastante alucinante, y no es fácil de leer. Esto de menor/mayor es un poco confuso si no tienes experiencia musical, y averiguar qué se puede mezclar con qué puede exigir un poco de tiempo. Por fortuna, Mark Davis de www.harmonic-mixing.com (en inglés) ha desarrollado el Camelot Sound Easymix System, que elimina la confusión en la tarea de averiguar qué se puede mezclar con qué.

El Camelot Sound Easymix System

El Camelot Sound Easymix System es un punto de vista alternativo de encarar el confuso diseño y nombres de etiquetas del sistema tradicional de notación de tonalidad (mira la Tabla 18-1). Con el sistema Camelot, cada tonalidad tiene un código: un número del 1 al 12 y una letra (A para menor y B para mayor). Las tonalidades se organizan entonces en forma de esfera de reloj, como se muestra en la Figura 18-1.

Figura 18-1:

El Camelot Sound Easymix System.

Las tonalidades que se mezclan son idénticas a las de la notación tradicional, pero en vez de tener el aspecto de una confusa tabla, no hay más que mirar el código de la tonalidad que está sonando y luego mirar a la izquierda y a la derecha justo encima o debajo, según si la tonalidad a la que te estás refiriendo está en el anillo interior o exterior del diagrama.

De modo que, si tu tonalidad es 12B (Mi mayor), puedes mezclarla con un tema de la misma tonalidad, con 11B y 1B de la misma familia mayor, pero también puedes mezclarla perfectamente con 12A del anillo menor y obtener también un buen resultado mezclándola con temas en 11A y 1A.

Esto funciona perfectamente si calculas cada una de las tonalidades de tu tema y las haces sonar a pitch cero, sin cambiar nunca la velocidad. Sin embargo, al hacer beatmatching, necesitas modificar la velocidad de los temas, y en los lectores de CD y giradiscos normales, el tono del tema cambia al alterar la velocidad, y la tonalidad original cambia a una nueva. Por tanto, al utilizar el Camelot Sound Easymix System, por cada 6 por ciento de cambio de tono, tienes que cambiar el código de la tonalidad en 7 números, de acuerdo con su sistema.

Por ejemplo, si tienes un tema 3B y aumentas el pitch en un 6 por ciento, deja de ser un tema 3B y pasa a ser un tema 10B. Si lo reduces en un 6 por ciento, se convierte en un tema 8B. Muévete siete segmentos en el círculo para comprobarlo. Un cambio de pitch del 6 por ciento significa que el tema 3B ya no se adapta bien a 4B, 2B, 3A, 4A y 2A. Para una buena mezcla armónica, debes elegir temas que, una vez ajustado el pitch para poder hacer beatmatching, suenen con un código de tonalidad de 11B, 9B, 10A, 11A o 9A.

Si utilizas giradiscos, este ajuste del 6 por ciento puede depender totalmente de la precisión de tu equipo. Utiliza los puntos de calibración del lateral del giradiscos para ver si en realidad se trata de un 6 por ciento (consulta el capítulo 6).

Algunos lectores de CD, giradiscos y aplicaciones de software disponen de controles Master Tempo que mantienen el tono de la música aunque cambies la velocidad de reproducción, o un control independiente que te permite alterar el pitch sin modificar la velocidad. Esto puede resultar de gran ayuda cuando intentes hacer coincidir las tonalidades de tus temas, pero no todos los platos y las cabinas de DJ tienen esta función; así que es mejor no acostumbrarse a ella.

La mezcla armónica es un concepto muy amplio que se puede torcer, deformar o simplemente ignorar a voluntad, y los conceptos más extremos podrían ocupar una decena de libros como éste. Si quieres profundizar más en la teoría de la mezcla armónica, visita el sitio web de DJ Prince, que está dedicado precisamente a este tema. Cuando te apetezca, ve a www.djprince.no (en inglés) y salúdale de mi parte.

Averiguar la tonalidad de los temas

Tanto el sistema de notación tradicional como el Camelot pueden resultar útiles y, lo creas o no, son muy simples y fáciles de entender; pero aún nos falta algo: ¿cómo se determina la tonalidad del tema que está sonando? Éstos son los tres procedimientos para averiguar la tonalidad de un tema:

missing image file  Consultar bases de datos en línea: los foros y sitios web de DJ de toda Internet contienen inmensas bases de datos de tonalidades de canciones. Las personas que crearon el Camelot Sound Easymix System tienen una base de datos a la que te puedes suscribir en www.harmonic-mixing.com, y podrás comprobar que los foros como www.tranceaddict.com/forums (en inglés) contienen multitud de mensajes dedicados a las tonalidades de temas, antiguos y modernos.

missing image file  Utiliza tu oído: averiguar la tonalidad de oído es, sin duda, el procedimiento más laborioso; requiere paciencia, buen oído musical y bastantes conocimientos de teoría musical.

1.   Pincha el tema con pitch cero en el giradiscos o lector de CD.

2.   Utiliza un piano/teclado o un tono generado por ordenador para recorrer las doce notas de la escala que se muestran en la Figura 18-2.

Figura 18-2:

Las doce notas de la escala del piano.

3.   La nota que suene mejor y se combine en la música es la nota fundamental (el Do en Do mayor, por ejemplo).

Averiguar si una tonalidad es mayor o menor es un nuevo nivel de complicación, y si quieres entrar ahí en detalle tendrás que empezar a consultar libros de teoría musical. Consulta libros como Teoría musical para Dummies, de Michael Pilhoter y Holly Day, Guitarra para Dummies, de Mark Phillips y John Chappell y Piano para Dummies, de Blake Neely, en los que se explica esta teoría de un modo inteligible.

En el fondo de mi corazón, yo soy batería, y mis conocimientos de teoría musical son nulos, así que la forma en la que me enseñaron a distinguir mayor y menor de oído es que, si la música suena llamativa, atrevida y viva, lo más probable es que esté en una tonalidad mayor. Si la música evoca emociones y pulsa las cuerdas del corazón, es probable (aunque no seguro) que esté en una tonalidad menor.

Si no quieres profundizar demasiado en la teoría musical, puedes averiguar la nota fundamental de la tonalidad y contentarte con eso, y utilizar simplemente la técnica de ensayo y error para encontrar los temas que mejor se mezclan. Esto no es mucho mejor que ensayo y error sin conocimiento alguno de la teoría, pero está un paso más cerca de la mezcla armónica; y a veces basta con un paso. Aunque es mucho trabajo y se necesitan un montón de conocimientos musicales, averiguar la tonalidad (o simplemente la nota fundamental) uno mismo es útil porque, al escuchar los temas y averiguar la tonalidad, se desarrolla una capacidad para reconocer a qué se debe prestar atención y, con el tiempo, se desarrolla un oído para juzgar qué temas se adaptan bien sin necesidad de recurrir a una lista de temas apropiados o a una notación como el Camelot Easymix Sound System.

missing image file  Software: existen programas de ordenador que averiguan la tonalidad por ti. Uno de estos programas, Mixed in Key, analiza tus archivos.wav y MP3 y calcula en qué tonalidad están grabados de acuerdo con el sistema Camelot (consulta la sección anterior, “El Camelot Sound Easymix System”). El programa es asombrosamente preciso, muy eficaz y está disponible en www.MixedInKey.com (en inglés).

Una vez que hayas averiguado en qué tonalidad está el tema, escribe una pequeña nota en la funda del disco o junto al nombre de la pista en el folleto del CD o en la biblioteca digital.

Saber qué hacer con el pitch

Tus platos pueden ofrecer una gama de pitch del 8 por ciento, o quizá te permitan ir hasta un cien por cien más rápido o más lento, pero, a menos que tengas alguna idea especial para ir mucho más rápido o mucho más lento, si te pasas mucho del 5 por ciento de cambio de pitch, la mayor parte de la música puede empezar a sonar extraña a la mayoría de la gente que ocupa la pista de baile. Si tienes un control Master Tempo en tus platos, puedes poner la música todo lo rápida o lenta que quieras sin que el pitch cambie, sino únicamente la velocidad, pero te sugiero que no vayas mucho más allá de la marca del 10 por ciento a menos que estés intentando ser creativo.

El cerebro puede asumir una diferencia de pitch de aproximadamente el 5 por ciento con el original y seguir considerando la música normal. Sin embargo, a medida que te alejas de esa cifra de referencia, te arriesgas a que el oyente piense que hay algo que no va bien.

Hasta dónde puedes cambiar el pitch de un tema (sin Master Tempo) depende por completo del tema en sí, y del género de música que pinches. Cuando estoy pinchando rock, es raro que vaya más allá de un 3 por ciento más rápido o más lento; pero tengo montones de temas house instrumentales en los que aumento el pitch alegremente un 12 por ciento y nadie se da ni cuenta. No obstante, en la mayor parte de temas vocales, nunca pasaría del 5 por ciento.

Puedes transformar muchos géneros en algo nuevo con un aumento del pitch. Un DJ que conozco solía pinchar un disco de house de 33 revoluciones por minuto a 45 revoluciones por minuto porque se convertía en un genial tema drum and bass (aunque creo que esa pista no tenía voces).

Como en todo el resto de los aspectos del DJ, no existe ninguna norma rígida, pero si vas a ir mucho más allá del 5 por ciento, es importante que te preguntes si el tema sigue sonando bien. El motivo por el que necesitas aumentar (o disminuir) tanto el pitch puede ser que estás cambiando de género, intentando mezclar una suave pista house con una pista trance, por ejemplo. Aunque la estructura, la tonalidad, el ritmo principal y el pitch del tema puedan sonar bien, desde el punto de vista del género tienes que decidir si estos temas realmente suenan bien juntos. Como el matón y el niño raro del cole, el hecho de que dos temas se adapten uno al otro en muchos aspectos como piezas de un rompecabezas no significa que estén hechos para estar juntos. ¡Quizá sean de rompecabezas distintos!

Desarrollar un estilo

Los temas que elijas para pinchar y la forma en que los mezcles se unen para definir tu estilo de DJ. Tu estilo puede ser flexible, y es bueno que lo sea, en función del club en el que pinches y del tipo de música que se espera de ti.

Si, igual que yo, llegaste al mundo del DJ porque te inspiró otro DJ o un género musical en su conjunto, ya tendrás un estilo básico antes siquiera de que empieces a planteártelo. Pero no te limites simplemente a copiar a tu DJ favorito. Escucha a tantos DJ como puedas para obtener inspiración, mete todo lo que has recogido aquí y allá en un gran caldero, revuélvelo, añade tus propias ideas creativas que han surgido a partir de escuchar a esos DJ y, con suerte, quizá le des a tu estilo ese pequeño toque que te diferencie del resto de los DJ.

Tu estilo puede también cambiar entre lo que pinchas en tu habitación para grabar en CD y regalarlo y lo que pinchas en un club. Quizá seas un fanático del trance en tu dormitorio, pero si el club en el que trabajas te pide música dance comercial, tendrás que moderarte con la música que pinchas. Esto no tiene por qué encasillarte como DJ de dance comercial; más bien al contrario. De hecho, eres un DJ completo: puedes pinchar el mejor trance en los mejores clubes del mundo, o pinchar temas comerciales y adaptar tus sesiones para un público corriente.

Pero el género de música que pinches no define cómo va a sonar. Entre cambios de tonalidad, cambios de tempo y cambios de energía y de género, puedes definir un estilo propio y único, pero que siga de todos modos dirigido a las personas para las que estás actuando: el público que tienes frente a ti.

Controlar la energía

Tanto si se trata de rock como de música dance, si no haces más que poner siempre música a todo ritmo y a toda potencia, lo único que puedes hacer es ralentizar o reducir la energía. Pero si estás pinchando casi a tope de energía, a la espera de darle un empujón en el momento adecuado, serás un DJ con el control del público en tus manos.

Si ya estás al cien por cien, ¿adónde puedes ir?

A menudo me acuerdo de un tipo llamado Martin Woods, mi antiguo entrenador de squash. Una cosa que me enseñó es que, si siempre lo golpeo todo lo más fuerte posible, nunca podré cambiar mi juego salvo para ralentizarlo, lo que me convertirá en un jugador predecible y aburrido. Así que me aconsejó golpear la bola aproximadamente al 90 por ciento de potencia la mayor parte de las veces, para poder inyectar ritmo y energía cuando supiera que había llegado el momento de presionar, o ralentizar y cambiar mi juego para descolocar al rival. Y esto, al hacer de DJ, se traduce perfectamente en potencia y tempo.

Al actuar en vivo, intenta que el público pase por distintos niveles de emociones. Llévalos de animar y sonreír a algo un poco más intenso, ojos cerrados y brazos arriba, y de nuevo a animar y dar botes en la pista de baile. Si eres capaz de construir una experiencia musical en lugar de elegir veinte temas sólo porque se mezclan bien entre sí, serás más creativo, influirás sobre tu público y quizá hasta se te considere un gran DJ.

Si haces de DJ en fiestas o en veladas de rock, a menudo la potencia y el tempo no ocupan el primer lugar; lo más importante suele ser si los temas son conocidos. Piensa en los grandes temas que pinchas en fiestas; los energéticos, que hacen que la mayoría de la gente se lance a la pista de baile. ¡Si los pones uno detrás de otro, durante dos horas, todo el mundo acabará exhausto! En este caso, es recomendable tener también en cuenta temas más lentos que den un respiro al público (y a algunos, la oportunidad de enamorarse).

Seguro que quieres estar al cien por cien de potencia muchas veces durante la sesión, pero no te estanques en ese nivel hasta agotarte. Procura hacer subir y bajar al menos la potencia de los temas, si no el propio tempo, de principio a fin. El cambio del ritmo principal (lee la sección “Beatmatching, la nueva generación”, en este mismo capítulo) es una forma fantástica de alterar la potencia.

Cambiar la tonalidad

La mezcla armónica (lee “Afinar con la mezcla armónica”, en este mismo capítulo) no es sólo una forma de mezclar el tema siguiente de forma uniforme; puedes usar cambios de tonalidad para incrementar la potencia de la noche, o llevar la sesión a un nivel más intenso y dramático.

Si estás intentando ponerte un poco más taciturno y serio, bajar la tonalidad de la mezcla con una simple melodía de bajo offbeat, o utilizar un ritmo principal ta-fi-ti-ti de sonido tosco (lee la sección “Beatmatching, la nueva generación” para una explicación al respecto) puede llevar la sesión a un estado realmente profundo e intenso que es como decirle al público “Venid conmigo... Durante los próximos 20 minutos voy a llevaros a otro lugar”.

Cuando quieras salir a tomar aire desde un sitio profundo, yo opino que subir de tonalidad de modo que las notas tengan un tono ligeramente más alto hace que la sesión suene más brillante, más alegre y llena de energías renovadas. Si te has pasado un rato en la sesión pinchando temas trance o hard house oscuros y complicados, un simple ritmo principal offbeat que haga subir la tonalidad de la mezcla puede ser como un espresso bien cargado por la mañana: da a la sesión y al público un impulso de energía y te guía hacia otra parte de la mezcla.

Aumentar el tempo

Para los DJ de dance: si el primer tema de una mezcla estaba puesto a 130 beats —tiempos— por minuto y has hecho un beatmatching exacto de todos los temas siguientes, toda la sesión acabará sonando a 130 beats por minuto y aburriendo mortalmente a toda la pista de baile.

La progresión normal de una sesión es una tendencia ascendente en beats por minuto del principio al final, con pequeñas variaciones de velocidad para ralentizar el ritmo en 1 o 2 beats por minuto durante un par de temas y luego acelerarlo de nuevo, algo que funciona realmente bien. Ralentizar de manera ligera la sesión puede, de hecho, sumar energía en vez de restarla.

Si tienes un contador de beats por minuto en tu mesa de mezclas (consulta el capítulo 10), pon un CD premezclado de alguno de tus DJ favoritos, observa cómo el contador sube gradualmente a lo largo de la sesión y fíjate en esas variaciones de tempo.

Un elogio envenenado

Una vez perdí el espacio en la sesión grande, la del sábado noche, en un club porque el propietario dijo “Seguro que intentarías llevar al público a algún estado especial. Nosotros no queremos más que un DJ que ponga temas aleatorios y deje que sea el público quien decida lo feliz que es”. En ese momento me enfureció perderme la sesión más grande, pero reflexionando a posteriori, la verdad es que fue un elogio brutal. Significaba que el club se estaba percatando de todo lo que yo intentaba hacer, aunque no tuvieran la sensatez de aprovecharlo.

La forma más fácil de aumentar el ritmo es subir gradualmente el pitch fader a lo largo de una serie de temas. Si tienes la paciencia (y la longitud del tema te lo permite), mueve el pitch fader cada dos compases una distancia pequeña (unos 2 o 3 milímetros). Si lo repartes a lo largo de suficientes temas, puedes llegar a los beats por minuto perfectos que quieras alcanzar sin que nadie lo note.

Ten cuidado al mover el control de pitch porque, si lo haces demasiado rápido, la gente que esté bailando notará que la música sube de tono (recuerda que no es sólo un control de velocidad: también cambia el tono de la música). Si tu equipo tiene la función Master Tempo activada, que conserva el mismo pitch sea cual sea la velocidad a la que pongas el tema, puedes hacer este cambio de tempo un poco más rápido (unos 15 segundos por beats por minuto).

Saltos

Si no tienes la paciencia para andar vigilando un tema y mover el control de pitch en pequeños intervalos, puedes utilizar los breaks y otros cambios en el tema para incrementar, o hacer saltar, el pitch en aproximadamente un 0,5 por ciento. Utiliza el primer tiempo del compás del nuevo verso para hacer saltar hacia arriba el control de pitch. La cantidad que puedas incrementarlo y si puedes extender este movimiento a lo largo de un par de compases, en lugar de durante toda la pista, depende del tema que estés pinchando.

O bien, si tienes previsto hacer saltar de golpe el pitch cuando el tema llegue al break, hazlo entre el último tiempo del verso y el primero del break. Es mejor que hagas esto con temas que no tengan una melodía intensa en el break, y piensa que hace falta práctica para hacerlo bien.

Cambios de género

Pasar de house a rhythm and blues o de trance a breakbeat (y luego de vuelta) puede ser una forma de acelerar la sesión extremadamente eficaz y difícil de advertir, porque el cambio de la estructura rítmica puede ocultar los cambios de tempo.

Usa tu cerebro

Hace unos cuantos años escuché un tema breakbeat genial llamado Symmetry C, de Brainchild, que Oakenfold utilizaba para dar un impulso a la energía, aunque no al tempo. Así que me pregunté si funcionaría igual de bien como herramienta para cambiar el tempo. Una noche había incrementado los beats por minuto a unos 133 por el método gradual, y la pista estaba repleta y feliz, porque había pinchado un montón de música que todos conocían y les gustaba. Pero quería hacer escalar la mezcla un poquito más.

En lugar de poner música más rápida y más heavy del mismo género, cosa que acabaría aburriendo, utilicé Symmetry C como puente. Como tenía una intro exuberante y sin ritmos, ni siquiera necesité hacer beatmatching para ponerla; me limité a hacer un fade up sobre la outro del tema anterior. No la pinché durante mucho tiempo, pero me permitió saltar de 133 a unos 138 beats por minuto en un solo paso. ¡Durante los dos o tres temas siguientes, todo el mundo se volvió loco sin saber por qué!

Evitar el estancamiento

Cuando piensas lo suficiente en la música que pinchas y el orden y estilo con que lo haces, empiezas a enamorarte de unas pocas mezclas. Yo he caído en esta trampa unas cuantas veces, y he repetido la misma serie de mezclas semana tras semana, o noche tras noche (esto es especialmente habitual en sesiones de warm-up, donde es posible que asumas —erróneamente— que a la gente le da igual lo que mezcles o cómo lo hagas).

Los inconvenientes de repetir mezclas son:

missing image file  Una mezcla que funciona bien en un club para un determinado público no tiene por qué funcionar bien automáticamente la noche siguiente para otro público distinto.

missing image file  Los habituales del club reconocerán la mezcla, y darás la sensación de ser poco creativo.

missing image file  Te limitas a moverte de forma mecánica; la diversión y la emoción han desaparecido.

Debido al tiempo pasado practicando, deberías desarrollar un sexto sentido de las opciones de mezcla de un tema a otro. Por el bien de tu desarrollo, del público de la pista de baile y de los temas de tu colección que nunca ven la luz del día, no te quedes atascado siempre en las mismas transiciones.

Respetar al público

Desarrollar tu propio estilo es muy importante, pero siempre tienes que respetar al público para el que pinchas, sobre todo si pretendes encontrar trabajo. Es una de esas situaciones sin salida que no hay manera de evitar: ¿cómo vas a conseguir experiencia si necesitas experiencia para conseguir un trabajo que te dé experiencia? Si eres un DJ famoso, tu estilo puede ser el que a ti te apetezca. Como en el cuento “El vestido nuevo del emperador”, a mucha gente le va a encantar todo lo que hagas, hagas lo que hagas o pinches lo que pinches.

Pero si estás intentando ganarte una reputación o estás en los inicios de tu carrera, debes tener cuidado de no hacer que el público deje de sentirse cómodo. Si estás pinchando en un club de rock donde están acostumbrados a mucho scratching, samples en mitad de la música todo el tiempo y una elección de temas más bien rara, estás de suerte: al público le gustará lo que haces y, si eres bueno, alguien se dará cuenta y subirás al siguiente escalón.

Sin embargo, si trabajas en un club más comercial e intentas hacer exactamente los mismos movimientos extraños y de sonido extravagante desde la cabina del DJ, puede que observes la pista de baile y te encuentres a doscientas personas mirándote con cara de no entender nada, esperando que pase el momento raro. En ese caso, modera tu estilo y dale al público lo que probablemente esté esperando: unos cuantos temas roqueros y contundentes con un ritmo suave y constante para que puedan bailar, sin demasiados temas o técnicas de mezcla complicados.

Con esta reacción te puede parecer que te estás vendiendo, pero plantéate si prefieres ser un artista pobre o un DJ pagado que puede permitirse el tiempo y el dinero para evolucionar en los lugares y momentos apropiados, y que tiene la ambición de hacerlo.

Demostrar tu estilo

Cuando grabes un CD con una sesión promocional para demostrar tus habilidades, tu estilo dependerá de ti por completo (ve al capítulo 19 para obtener más información sobre cómo grabar una sesión promocional —o demo—). Tu demo es un reflejo de lo que eres y de lo que quieres. Dale caña, exhibe lo bien que se te da el scratching, utiliza tus seis giradiscos más allá de su potencial y crea la mezcla más asombrosa que nadie haya oído jamás.

Eso sí, cuando enseñes esta muestra de tu estilo, debes tener un plan de trabajo. Si la envías a clubes y lo que te dicen es que es un poco demasiado excesiva, envíales otra en la que te hayas moderado un poco. Pero no dejes de pasarles a tus amigos demos mezcladas tal como a ti te gusta hacerlo. Adáptate para conseguir trabajo y luego empieza a dejar caer tu propio estilo gota a gota en tus sesiones si tienes la oportunidad, pero nunca dejes de lado lo que realmente te inspira y hace que quieras emplear tu propio tiempo en hacer de DJ. ¡Si transiges demasiado en una dirección, quizá nunca regreses!

Capítulo 19

Crear una sesión promocional genial

En este capítulo:

Reunir una lista de temas de la que sentirte orgulloso.

Asegurarte de que la mezcla tiene sentido.

Establecer los niveles y configurar los ecualizadores para un sonido perfecto.

No perder la concentración y ser perfeccionista.

Grabar en ordenador y luego en CD.

Hacerte notar.

Te has pasado mucho tiempo desarrollando tus habilidades de DJ. Ahora tienes que mostrar a los demás lo bueno que eres mediante una sesión promocional (o demo) de tu mejor mezcla.

Tu demo es un reflejo de ti, en todos los sentidos. No vas a tener la ocasión de explicarle al propietario del club que, a los 15 minutos y 20 segundos de la mezcla, el gato saltó sobre los platos, hizo saltar la aguja y se cargó tu concentración, y es por eso que la mezcla suena fatal.

No puedes enviar un CD de aspecto (y sonido) descuidado y esperar que el propietario de un club piense que eres profesional. Esta muestra de tu trabajo debe ser lo mejor de él. Tu demo es lo que te marca como buen o mal DJ, así que haz que tenga un sonido excepcional.

Prepararte para grabar la demo

Los aspectos más importantes de tu demo son que el sonido esté bien grabado, que la música esté bien mezclada y que no parezca que te has limitado a juntar veinte temas sin pensar demasiado. Tu demo debe dejar ver que tienes una visión de cómo entretener y de cómo hacer avanzar una sesión de principio a fin.

Probablemente, grabes tu primera demo en tu habitación, pero con el tiempo puede que estés lo bastante cómodo con tus habilidades como para grabar una sesión en vivo y pasársela a algunas personas.

Programar tu sesión

Los temas que pongas en una demo y la forma en que progreses de principio a fin dependen de ti y de tu estilo de DJ. A algunos DJ les gusta que sus demos imiten los CD de mezclas profesionales; empezar con un sample de una película o unos cuantos efectos de sonido de ambiente, mezclar el primer tema —que también tiene una introducción tranquila— e ir construyendo la mezcla durante los próximos 90 minutos. Otros prefieren limitarse a poner un primer tema con un ritmo machacón, pulsar Start y seguir a partir de ahí; ¡estos DJ no necesitan una introducción suave!

Los DJ de progressive y trance son los que suelen utilizar la introducción gradual en la mezcla porque establece la atmósfera de lo que está por venir. A los DJ de house lo que les interesa es el ritmo y la musicalidad de lo que pinchan, así que empezar con el ritmo de bombo y la melodía de bajo, o unas voces potentes con el ritmo entrando dieciséis compases más tarde (vuelve al capítulo 15) es una forma realmente potente de arrancar para los DJ de este estilo.

La calidad y el estilo de tu demo son un reflejo de tu personalidad como DJ. Si te limitas a repetir una sesión de Zane Lowe de principio a fin, ¿qué harás el primer día en que te encuentres de pie en la cabina del DJ y tengas que crear algo partiendo de cero? ¡Al cabo de cinco semanas seguidas de poner la misma sesión, el club se dará cuenta de que eres incapaz de mezclar si no plagias!

Lo último que debes tener en cuenta antes de ponerte a revolver en tu biblioteca de temas es mostrar qué tipo de música puedes pinchar. Si tienes pensado enviar una demo a un club de rock, no es muy pertinente poner en la mezcla un poco de epic trance. Y, si vas a enviar una mezcla a un club house o comercial con vistas a ser el DJ de principio a fin, probablemente te convenga crear una sesión que empiece con un poco de música house tranquila, suba de tempo y energía y acabe con temas que sabes que harán que el público se vuelva loco en la pista.

Elegir y ordenar los temas

En los meses (o semanas, si es que tienes un talento natural) que te has pasado dominando las técnicas del DJ, probablemente habrás desarrollado unas cuantas mezclas para pasar de un tema a otro que te ponen la piel de gallina cuando las interpretas (no debes avergonzarte de sentirte orgulloso de lo que haces; ¡si tu mezcla te hace sonreír, es probable que también haga sonreír a todos los demás!). Si tienes seis o siete de estas mezclas individuales entre dos temas, eso te ofrece doce o catorce temas con los que trabajar para tu demo. Suponiendo que cada pista dure unos 4 minutos, tienes algo menos de 1 hora de música para pinchar.

Según la variedad de música que tengas en tu biblioteca de DJ, sin duda algunas de estas pistas tendrán estilos ligeramente distintos y no se mezclarán bien con ninguna de las otras. No obstante, sigues teniendo una biblioteca repleta de temas que te encanta pinchar, así que ten en cuenta algunos de ellos como temas de transición que te ayuden a mantener la cohesión de tu mezcla.

A partir de los catorce temas que sabes que quieres utilizar en tu demo puedes crear un mapa de la mezcla si los colocas en orden. Si, por ejemplo, tu lista de reproducción actual contiene dos pistas house tranquilas, dos pistas dance ligeras de las listas de éxitos, cuatro temas house con voces, dos animadas pistas de uplifting house americano y cuatro pistas de trance, el siguiente es un orden bastante bueno:

missing image file  House suave

missing image file  House vocal

missing image file  Uplifting house americano

missing image file  Temas de lista de éxitos (pop, mainstream)

missing image file  Trance

El orden da a la mezcla una progresión de potencia de principio a fin. La estructura de esta lista de reproducción es muy simple y básica, y desde luego no es apropiada para muchos estilos musicales, DJ y clubes en los que quieras pedir trabajo, pero la idea de progresar a lo largo de una mezcla, en lugar de limitarte a poner canciones en la mezcla porque crees que pueden mezclar bien, es crucial para mostrar tus habilidades globales como DJ, y no simplemente tus habilidades para mezclar y hacer beatmatching.

El capítulo 18 contiene más información sobre cómo crear una lista de temas variada para la sesión, así que, antes de grabar tu primera demo, trata de entender bien lo que significa progresar en la mezcla; luego puedes empezar a experimentar con el orden en el que pincharás tus temas, variando la energía de la mezcla arriba y abajo como una montaña rusa.

Cubrir los huecos

Repasa tu biblioteca de música en busca de temas de transición que te ayuden a progresar de un nivel de energía o género al siguiente. A veces encontrarás uno de estos temas de transición que se mezclará estupendamente, será del género perfecto e incrementará la energía lo bastante como para ser la opción ideal para pasar al tema siguiente. En ocasiones, los dos temas que estás intentando unir no se dejan unir bien porque el salto de ritmo y estilo es tan grande que sería imprudente tratar de forzar la mezcla (lo que yo llamo empotrar un tema).

No incluyas temas para cubrir los huecos entre tus temas originales sólo porque son “pegamento musical”. Utilízalos únicamente si quieres pincharlos y quieres de verdad incluirlos en la mezcla. No incluyas nunca un tema en la mezcla únicamente con la finalidad de pasar de un tema a otro. Tanto si se trata de un sample de voz como de un clip de una película o de otro de los temas de tu colección, tienes que sentirte satisfecho de que ese tema refleje tu personalidad como DJ, porque lo has elegido y lo has incluido en la mezcla.

Ten cuidado si tienes pensado utilizar técnicas de mezcla como spinbacks, dead stops o incluso fade outs (consulta el capítulo 16) para resolver los posibles problemas de mezcla entre tus temas. Pueden ser increíblemente eficaces y agregar un nivel de emoción (y energía) a la mezcla, pero, si la ejecución es mediocre o a destiempo (o demasiadas veces), pueden sonar como si los utilizases porque eres incapaz de mezclar de un tema a otro. En tu demo estás demostrando tus habilidades como DJ, así que estas técnicas pueden, de hecho, volverse en tu contra.

Con un poco de suerte, al añadir estos temas de transición a los que elegiste originalmente, la mezcla no dura más de los 74 minutos que caben en un CD (suponiendo que sea lo que tienes previsto enviar). Si la mezcla dura más de 74 minutos, vuelve a examinar tu lista de temas y quita alguno de los menos potentes.

Practicar tu sesión

Una vez elegidos todos tus temas y decidido el orden en el que crees que sonarán mejor, ha llegado el momento de practicar tu sesión por fases antes de interpretarlo todo de una vez.

Graba tus sesiones de práctica para poder volver a escucharlas. Es gracioso cómo las mezclas pueden sonar bien mientras las ejecutas, pero al volverlas a escuchar suenan apresuradas y amateur. Claro que también pueden sonar mejor de lo que creías.

En esta etapa, no dejes de experimentar con la forma de mezclar tus temas. Si crees que una mezcla entre dos temas específicos puede ser ligeramente mejor, confía en tu instinto y busca formas de mejorar lo que estás intentando hacer.

Hazte las siguientes preguntas sobre tu mezcla:

missing image file  Si cambias la transición entre los temas en cuatro, ocho o dieciséis compases, ¿se nota la diferencia?

missing image file  Si inicias el nuevo tema dieciséis compases más tarde, ¿encaja todo?

missing image file  ¿Utilizas el ecualizador y los faders con la sutileza suficiente para crear la mezcla uniforme que pretendes?

missing image file  Por última vez: ¿estás seguro de que el orden de tus temas es el mejor posible?

Da respuesta a cada una de las cuestiones y crea la mejor mezcla que seas capaz de crear.

Con la práctica se llega más allá de la perfección

Si tardas mucho tiempo en montar y ejecutar toda la mezcla, no te preocupes. Cuando empezaste a crear la mezcla, lo más probable es que fueses incapaz de interpretarla en directo ante un público. Por tanto, una mezcla perfecta probablemente no era un reflejo exacto de tus capacidades en ese momento, y practicar la sesión ofrece unas cuantas ventajas fundamentales:

missing image file  Cuando practicas la sesión hasta lograr la perfección, pones en juego tu mejor trabajo para que otros lo oigan.

missing image file  Practicar la sesión una y otra vez, y analizar cómo mejorarla es la mejor forma de desarrollar las habilidades que necesitas para distinguir una mala mezcla y saber cómo mejorarla o arreglarla. Ésta es una habilidad que podrás utilizar en todas tus mezclas en el futuro.

missing image file  Cada vez que practicas la sesión, la repetición hace aumentar de forma increíble las habilidades de beatmatching y el conocimiento de la estructura rítmica.

missing image file  Crear una sesión que te haga sentir entusiasmo, una sesión con una finalidad más allá de la mera práctica y que utiliza temas que te encanta escuchar elimina por completo el factor aburrimiento ¡y tus habilidades se desarrollan sin que te des cuenta!

Practica la sesión hasta que te encuentres totalmente cómodo interpretándola. Es importante llegar a la fase en que conoces los puntos de mezcla y los puntos de inicio como la palma de tu mano, y también que estés satisfecho con la configuración del ecualizador y las extrañas anomalías de volumen que puedan ocurrir (lea la sección que hay más adelante “Cuidar el proceso de sonido”).

Prepararte para grabar

Antes de poder empezar a grabar tu demo, necesitas configurar tu equipo para asegurarte de lograr la mejor calidad de sonido posible. Hay dos factores que pueden afectar a tu calidad de sonido:

missing image file  Necesitas una grabadora de buena calidad que sepas manejar, que sea capaz de grabar fielmente tu mezcla sin fallos, sin bloqueos y sin cortar la mezcla a mitad.

missing image file  Necesitas estar familiarizado con tu mesa de mezclas y saber controlar su salida de sonido.

Evitar grabaciones de baja calidad

Lo único peor que una demo con una mezcla mal hecha y una elección pésima de música es una demo mal grabada. Ten siempre en cuenta que no importa a quién le envíes la demo (tu mejor amigo, tu madre o Paul Oakenfold), esta mezcla es un escaparate de tus habilidades de DJ. ¡Si está mal grabada, perderás puntos al instante y serás tachado de poco profesional!

Demos en cinta o en CD

Desde un punto de vista puramente funcional, a estas alturas deberías grabar un CD de demo de tu mezcla, no una cinta. Aparte del hecho de que las cintas ya casi están obsoletas, la calidad de sonido en CD es mucho mejor, y la posibilidad de saltar pistas hasta la mezcla siguiente en el CD, en lugar de pelearte con el botón de avance rápido de una platina de casete, hace que el CD sea el formato preferible.

Si tienes tiempo (y dinero para afrontar el coste superior), graba en ambos formatos. Quizá sea una pérdida de tiempo grabar una cinta, pero ¿por qué vas a reducir las opciones de audición de tu mezcla? Cuando envías ambos formatos estás transmitiendo consideración y preocupación por las personas que intentas que te den trabajo, porque es posible que no dispongan de un reproductor de cintas o de CD en el lugar donde van a escuchar la demo (en el coche, por ejemplo).

Si vas a grabar en cinta, es esencial que lo hagas correctamente. Distintas marcas de cinta tienen diferentes tolerancias a la potencia de señal que son capaces de manejar (esto es, el volumen al que la música va de la mesa de mezclas a la grabadora de cintas). El embalaje de la cinta te indica el intervalo perfecto (en decibelios). Si la música está demasiado alta, el sonido distorsiona y se oye un fuerte silbido, lo que afecta a la claridad y al brillo de la música.

A pesar de que un CD grabado a bajo volumen suena bajo en un equipo estéreo, no deberías tener ningún problema con la calidad de sonido en grabaciones de nivel bajo. En cambio, si pones los niveles de grabación en el CD (o el ordenador) demasiado altos, tendrás graves problemas de recorte (clipping) digital, y la música sufrirá cortes, aparecerá y desaparecerá, un tipo de sonido espantoso que hay que evitar a toda costa.

No repartas demos malas a sabiendas

La primera vez que probé a hacer de DJ tenía un equipo de alta fidelidad que a ratos perdía las altas frecuencias de la música mientras grababa. Estaba entusiasmado con lo de ser DJ y quería que todos mis amigos tuviesen cintas mías. Todo el mundo aceptaba educadamente mis cintas, pero un día que fui a casa de un amigo vi mi cinta de mezclas Recession junto al equipo de alta fidelidad, con cinta cubriendo los orificios de protección antigrabación. Cuando le pregunté por ello, me dijo que, aunque le gustaba la mezcla, después de escucharla una vez se había hartado de los problemas de sonido y había decidido que prefería grabar a Pete Tong de la radio. Eso me dolió bastante, pero me enseñó una valiosa lección.

Dominar el MiniDisc y el DAT para demos

Quizá tienes en casa un grabador de MiniDisc o un grabador profesional de DAT (Digital Audio Tape, cinta de audio digital), y puede que te sientas tentado de enviar demos en estos formatos. Sin embargo, ten en cuenta que son muy pocas las personas que poseen el equipo para reproducir estos formatos.

Tu mejor opción, si es que realmente quieres utilizar estos equipos para grabar, es utilizarlos para grabar “masters” de tu mezcla, que luego puedes usar para hacer todas las copias en CD o cinta que quieras enviar.

Corregir los niveles de grabación

Para asegurarte de que las mezclas que grabas estén equilibradas y tengan volumen suficiente para impedir que se oiga el silbido de la cinta pero sin riesgo de distorsión del CD, tu grabadora necesita algún tipo de indicador de nivel de grabación.

Este indicador suele ser similar al visualizador de VU de tu mesa de mezclas, dos líneas de LED de distintos colores (verde, amarillo y, finalmente, rojo) en función de la potencia de la señal. El medidor debe ser tal que la música que sobrepase cierto nivel (a veces, cuando llegue a +3 decibelios) haga que se empiecen a encender los LED rojos.

Si tu grabadora puede aceptar hasta +8 decibelios de potencia de entrada antes de empezar a distorsionar y pones el nivel de grabación al máximo normal de +3 decibelios, si la música tiene un pico de 2 decibelios en una parte del tema inesperadamente alta, sigues estando dentro de los límites de grabación de tu equipo (porque la señal es de sólo +5 decibelios, que está aún a 3 decibelios por debajo del límite de grabación). Si pones el nivel de grabación muy cerca de la marca de los +8 decibelios para la reproducción normal de tus discos, cuando se presente este pico musical de 2 decibelios, el nivel será de +10 decibelios, y la grabación quedará distorsionada.

Limitadores

Los limitadores se utilizan para recortar los picos de nivel y así impedir la distorsión. Si tienes un limitador en tu grabadora doméstica, probablemente tendrá un ataque muy duro, de modo que, en caso de que haya un pico en la música, el limitador reducirá inmediatamente el nivel global de la música en 2 o 3 decibelios. Este descenso puede ser muy notable en la grabación, y sonar como si hubieses dado, por accidente, una bajada brusca del nivel de salida de tu mesa de mezclas.

Algunos limitadores profesionales son de una calidad realmente buena, y los puedes utilizar como red de seguridad para picos inesperados de la señal musical. Pero sigo recomendando que te concentres en establecer correctamente los niveles de grabación para empezar, y así no perderás calidad y claridad cuando se active el limitador.

Adaptar los niveles

La mejor forma de controlar los niveles de audio que se graban es asegurarse de que, cuando la música está sonando en su punto más alto, el medidor de nivel de salida de la mesa de mezclas muestre lo mismo que el medidor del nivel de entrada de la grabadora. De esta forma, puedes ver que los LED de salida de la mesa de mezclas muestran +3 decibelios y quedarte tranquilo de que la grabadora también está grabando la música a +3 decibelios.

Alinear tu equipo

Configurar tu equipo de manera que todo lo que mires muestre el mismo valor se denomina alinear el equipo. Esta alineación se lleva a cabo reproduciendo un tono de referencia a través de la mesa de mezclas. Un tono de referencia habitual es una onda sinusoidal constante de 1 kilohercio.

Es mejor utilizar un tono constante, porque de este modo puedes estar seguro de que mides un nivel de señal exacto. Si utilizas música para alinear, los LED se iluminan de forma errática y parpadean arriba y abajo para mostrar los diferentes cambios en el nivel de la señal. Un tono constante es, precisamente, eso: constante. El nivel (y los LED) sólo cambian si mueves los faders de la mesa de mezclas o el control de entrada de la grabadora.

El proceso de alinear el equipo mediante un tono funciona de la siguiente manera:

1.   Si no dispones de tu propio tono de referencia, descarga uno de www.recess.co.uk (en inglés) y pásalo a CD o MP3. No importa que uses giradiscos: basta con que te hagas con un reproductor de CD o MP3 para conectarlo a tu mesa de mezclas y hagas sonar este tono en uno de los canales.

2.   Si necesitas pulsar un interruptor o botón para ver el nivel de entrada que viene de la mesa, hazlo ahora (consulta el capítulo 10 para más información sobre los controles del nivel de entrada).

3.   Ajusta la ganancia en la mesa de mezclas (mediante los controles de ganancia) de modo que los LED de nivel de entrada de la mesa de mezclas muestren +3 decibelios. Este ajuste puede implicar aumentar o reducir el control de ganancia. Si estás reproduciendo el tono de referencia por los auriculares de un reproductor MP3, la señal puede ser más débil de lo normal; en tal caso, sube el volumen del reproductor, aparte del control de ganancia, para asegurarte de que el nivel de entrada sea de +3 decibelios.

4.   Pon el fader correspondiente a este canal en la posición máxima en la que lo pondrías si estuvieses reproduciendo un tema normalmente. Para los DJ de scratch, suele ser directamente en el extremo. Para los DJ de mezclas, de fiesta y de rock, siempre recomiendo poner el máximo a tres cuartos del recorrido (en la sección “Mantener un volumen uniforme”, en este mismo capítulo, explico por qué).

5.   Si necesitas cambiar de nuevo los LED del display para que muestren el nivel de la Master Output (salida maestra), hazlo ahora.

6.   Utiliza el fader del control de nivel maestro para que los LED de la salida de la mesa de mezclas muestren +3 decibelios. Una vez hecho este ajuste, los cambios que hagas en el control de ganancia del canal de entrada se reflejarán en la lectura del display de la mesa de mezclas. Si reduces la ganancia del tono de referencia a sólo cero decibelios, notarás que los LED de nivel de la Master Output también caen a cero decibelios.

(Si acabas de intentar configurar la ganancia a cero decibelios, vuelve a poner la ganancia —y, por tanto, el nivel maestro— a +3 decibelios antes de continuar.)

7.   Ajusta el nivel de grabación en la grabadora de cinta. Para establecer este nivel, simplemente sube (o baja) el control de entrada para que los LED muestren +3 decibelios en la grabadora.

El nivel de +3 decibelios se utiliza únicamente para alinear los equipos y hacer que los LED muestren lo mismo. Si quieres enviar una salida de +6 decibelios al dispositivo de grabación, sube el control de ganancia en la entrada del canal a +6 decibelios, y verás que en el display de nivel de la Master Output y en el del equipo de grabación se muestran +6 decibelios.

Por desgracia, esta precisa guía sobre cómo alinear tu equipo sólo funciona bien si tu equipo de grabación dispone de control del nivel de grabación. Si envías la música a un equipo de alta fidelidad doméstico con un nivel de grabación preestablecido, deberás pasar mucho tiempo intentando averiguar —por ensayo y error— el nivel de salida adecuado para tu mesa de mezclas a fin de crear grabaciones de buena calidad.

Cuidar el proceso de sonido

Para cuidar el sonido de tu mezcla, debes considerar dos factores principales: mantener un volumen uniforme entre temas, y los ajustes del ecualizador.

Mantener un volumen uniforme

Mantener un volumen uniforme en tu mezcla es casi tan importante como mantener el tempo de los golpes de bombo o hacer una transición suave entre temas. Las partes más tranquilas de los temas pueden ser aún más tranquilas, pero el objetivo es mantener uniforme el volumen global de la mezcla (cuando los temas estén al máximo volumen). Si alineas correctamente el equipo (lee la sección anterior), el control de volumen es un proceso simple.

Tienes que utilizar los controles de ganancia y los medidores de nivel de entrada de tu mesa de mezclas para ajustarlos a los niveles de entrada de tus temas.

Si tu mesa de mezclas no tiene medidores de nivel de entrada, te resultará mucho más difícil mantener uniforme el volumen de los temas de tu mezcla. Lo que sí puedes hacer es ponerte los auriculares en ambos oídos y escuchar los temas a través de ellos, cambiando de un tema a otro rápidamente. Si oyes una caída de volumen de un tema al siguiente, utiliza los controles de ganancia para aumentar o reducir el nivel del tema entrante (el tema que estás a punto de meter en la mezcla) hasta que ambos suenen más o menos igual.

Si tu mesa de mezclas no tiene controles de ganancia, te recomiendo que ahorres y te compres una nueva, ¡y rápido! En el capítulo 16 y en la sección anterior he hablado de la importancia de situar los faders de canal a tres cuartas partes de su recorrido, en lugar de en la posición extrema. Esto es extremadamente útil en el caso de que no tengas controles de ganancia, porque, si un tema que acabas de mezclar no suena tan alto como el que acabas de sacar de la mezcla, aún tienes un poco de juego (el otro cuarto de recorrido del fader de canal) para aumentar el volumen del nuevo tema. Con práctica y paciencia, terminarás por pillar el truco de notar estos cambios antes de que nadie más los oiga.

De nuevo, los DJ digitales salen ganando en este aspecto, porque los programas suelen tener un ajuste de ganancia automática (auto-gain) que adapta automáticamente el nivel de entrada de los temas de la mezcla.

Suponiendo que no dispongas del lujo de la ganancia automática, pero sí de una mesa de mezclas con controles de ganancia y medidores de nivel de entrada, es muy simple garantizar que todos los temas suenen a un volumen similar a lo largo de la mezcla. Ésta es la manera de hacerlo:

1.   Antes de pulsar el botón de grabación, con los controles del ecualizador correspondientes a las frecuencias bajas, medias y altas en la posición adecuada para un sonido perfecto a la salida de la mesa de mezclas (lee la sección siguiente, “Configurar los ecualizadores”), pon un tema y observa los LED del display de nivel de entrada de la mesa de mezclas (quizá debas pulsar un botón o interruptor para hacerlo).

2.   Utiliza el control de ganancia para establecer el nivel de entrada que prefieras. Normalmente yo sugiero que el medidor se encienda hasta el primer LED rojo (suele ser el punto de +3 decibelios), y quizá que el siguiente LED se encienda de vez en cuando, pero no de forma constante. Tus ajustes dependen por completo de la mesa de mezclas que utilices y de dónde estés grabando.

3.   Elige el tema siguiente y ponlo en los auriculares, con los ecualizadores en la posición de reproducción óptima.

4.   Utiliza el control de ganancia para ajustar los LED del nivel de entrada del nuevo tema de forma que estén lo más cercanos posible al ajuste de nivel de entrada del tema actual sonando a través de los altavoces (lee el Paso 2).

Al poner ambos faders de canal al mismo nivel, los dos temas deberían salir de la mesa de mezclas al mismo volumen. A menos que:

missing image file  Te olvides de poner los ecualizadores al nivel de reproducción óptimo antes de comprobar los LED de nivel de entrada, lo que te daría una lectura artificial. Si has matado los graves (al salir del último tema, por ejemplo) y no los vuelves a poner a nivel neutro (que esperemos que sea cero), al comprobar el nivel de entrada del nuevo tema, los graves reducidos harán que la potencia de señal sea muy inferior a la que debería ser. Si, por ejemplo, has ajustado el control de ganancia para que los LED de entrada se ajusten a los +3 decibelios del otro tema, cuando finalmente te des cuenta de que has cortado los graves y los vuelvas a incluir, el tema puede estar reproduciéndose a una potencia de señal de +8 decibelios. Acostúmbrate de forma rutinaria a reiniciar los controles del ecualizador después de cada mezcla para no caer en esta trampa.

missing image file  Tus temas tienen un bombo y un ritmo que, aunque no suenan mal, dominan sobre el resto del tema, dando una lectura “alta” falsa. Así, aunque los LED muestran una potencia de entrada de +3 decibelios, en realidad el tema suena débil (bajo volumen y potencia) comparado con el resto de los temas de la mezcla.

La única forma de resolver este problema es conociendo los temas. Si este problema sucede mientras estás practicando, toma nota de él (o anótalo en la funda del disco) para recordarte que debes matar el nivel de graves para poder aumentar la ganancia de forma que el volumen se ajuste al resto de la mezcla.

Las curvas del cross-fader desempeñan también su papel en el volumen de una mezcla. Consulta el capítulo 10 para obtener información sobre cómo afecta la curva del cross-fader al volumen durante una mezcla entre dos temas, pero si la curva permite que los dos temas suenen al máximo volumen al mismo tiempo, el nivel de salida global aumentará y puede hacer que el sonido se distorsione (mira la Figura 19-1).

Las dos posibles soluciones a este problema son utilizar una curva de cross-fader con una ligera bajada en el centro para compensar el aumento de la combinación de los dos temas a todo volumen (para más información sobre curvas de cross-fader mira las Figuras 10-2 y 10-3 del capítulo 10) o utilizar los faders de canal para reducir el nivel de un tema durante la mezcla y volver a ponerlo a tope cuando la mezcla casi haya acabado. En el capítulo 16 hay más información sobre el uso de los faders de canal para mejorar la mezcla.

Figura 19-1:

Dos temas sonando a un nivel similar se combinan para hacer que la salida de la mesa de mezclas sea mucho más alta.

Configurar los ecualizadores

La mejor forma de asegurarte de que seleccionas la mejor configuración de ecualizador para tu grabación es empezar de cero. Lo primero que debes hacer es poner todos los controles de ecualizador de la mesa de mezclas en el punto neutro. Este punto suele estar marcado con un cero, o es el punto medio del control (en mandos giratorios, esto significa ajustar el ecualizador de modo que los mandos apunten hacia las 12 en punto). De esta forma, los controles del ecualizador no afectan a la música que sale de la mesa de mezclas.

Sin embargo, cada mesa procesa el sonido de manera distinta. En algunas mesas de mezclas baratas es necesario subir ligeramente las frecuencias bajas y altas, y reducir el rango medio para que el tema suene bien. Si tienes un buen par de auriculares, utilízalos para evaluar la calidad de audio de la mesa y utiliza los ecualizadores para ajustar la música de modo que suene bien desde tu punto de vista.

Obviamente, cada tema necesitará ajustes del ecualizador independientes para hacer que las frecuencias altas o bajas resalten un poco más en la mezcla. Distintos temas tienen también bombos que suenan distinto, y puedes utilizar los controles de ecualizador de bajos y medios para ajustar la potencia del ritmo de bombo a lo largo de la mezcla.

Probando, probando

Al grabar en CD (o en un ordenador), haz una grabación de prueba para asegurarte de que no hay grandes subidas o cortes en la cantidad de frecuencias bajas, medias o altas durante la grabación. Esto es más común al grabar en cinta, pero algunas tarjetas de sonido y grabadoras de CD pueden resultar problemáticas.

Aparte de los problemas causados por el equipo de grabación, debes tener en cuenta también los ajustes del ecualizador de tu amplificador. Si tienes los graves en un nivel muy alto en tu amplificador (o equipo de alta fidelidad), probablemente los controles del ecualizador de la mesa de mezclas tienen las frecuencias bajas ajustadas por debajo de lo normal. Con esta configuración, las grabaciones pueden sonar como si les faltasen graves.

Escucha la grabación en un equipo distinto del que has empleado para grabarla. En mi opinión, los equipos de música de los coches reproducen con mucha fidelidad. Si la música suena bien en el coche (especialmente si la comparas con los CD pregrabados que sueles poner), puedes estar seguro al 95 por ciento de que has configurado bien los ecualizadores y los niveles de tu mesa de mezclas (y tu grabadora) para poder grabar la mezcla correctamente.

Si la grabación no suena bien y necesitas poner un poco más de graves, fíjate en la grabadora antes de ajustar la mesa de mezclas. Si tu grabadora tiene un ecualizador que puedas ajustar, sube ligeramente los graves y haz otra grabación de prueba. Si tu grabadora no dispone de controles de ecualizador, deberás ajustar el ecualizador de la mesa de mezclas para que la música suene lo mejor posible.

El motivo para modificar en primer lugar la ecualización en la grabadora es que, como DJ, utilizas más los ecualizadores como herramienta de mezcla que como herramienta de proceso de sonido. Consulta el capítulo 16 para ver más información sobre el uso de los ecualizadores para mejorar tus mezclas, pero la clave en este caso es que, si tienes que incrementar los graves en 6 decibelios (la mayor parte de los controles suelen llegar a 12 decibelios) para que la música suene bien en la grabación, al mezclar otro tema con muchas frecuencias bajas te arriesgas a que tu mesa de mezclas no sea capaz de procesar bien la combinación de señales, y la calidad de tu mezcla se resentirá.

Los ingenieros de sonido se toman tiempo para ecualizar con precisión los instrumentos y las voces, pero, una vez ajustados, apenas mueven los controles del ecualizador. Como DJ, estarás constantemente moviendo los ecualizadores durante una mezcla, así que saber que basta con poner todos los controles a cero para que el tema suene normal es una gran ventaja para el proceso de sonido y la velocidad de tus mezclas.

Quizá tardes un poco en ajustar bien los ecualizadores de la grabadora o de la mesa de mezclas, pero te ayudará a grabar una mezcla con el mejor sonido posible.

Ajustar el amplificador

En función de las circunstancias puedes cambiar el ajuste del ecualizador de tu amplificador. Quizá vayas a grabar la música a través de tu equipo de alta fidelidad doméstico, que también hace las veces de amplificador, así que los ajustes del ecualizador para mejorar la grabación afectan también al sonido del equipo de alta fidelidad (amplificador).

Sin embargo, si utilizas una grabadora independiente del amplificador, es más importante que te fijes en el sonido que va de la mesa de mezclas a la grabadora que en el ajuste del amplificador. Una vez que hayas ajustado el sonido para que la grabación sea perfecta, ve al amplificador y modifica las frecuencias para oír el mejor sonido a través de los altavoces.

Si ajustas los ecualizadores del amplificador antes y luego tienes que aumentar los graves en la mesa de mezclas para conseguir una grabación perfecta, los graves del amplificador estarán ahora probablemente demasiado altos y tendrás que volver a ajustarlos, y lo más seguro es que también debas hacerlo con las frecuencias medias y altas. Quizá seas reacio a modificar el fantástico sonido que has creado a través del amplificador y prefieras sacrificar la calidad de sonido de la grabación.

Sólo tú sabes cómo te gusta escuchar la música a través del amplificador, pero la pauta básica es que el sonido tenga un ritmo de bombo claro y sólido (pero no tanto como para que las frecuencias graves dominen sobre el resto del tema, lo que haría que sonase sucio), y las frecuencias medias no deben estar tan altas como para dominar sobre las bajas. Para que las voces, las guitarras y las melodías sigan sonando nítidas, debes regular las altas frecuencias de modo que puedas oír el sonido del charles sobre las frecuencias bajas y medias.

Ejecutar una demo

Ya has elegido un buen orden para los temas que componen la demo, has ajustado todos los controles de grabación para lograr el mejor sonido posible y has practicado la sesión hasta el punto de que ya sueñas con la mezcla de los temas. Ahora falta el paso final: grabar la demo.

Pulsa el botón de grabación en el CD/cinta/MiniDisc/DAT/ordenador (en el caso de las cintas, deja pasar 5 segundos para asegurarte de que has dejado pasar la cinta blanca del principio), respira hondo —es la hora de la verdad— y da comienzo a la mezcla. Aproximadamente 1 hora después, tu dispositivo de grabación contendrá oro en paño o estiércol.

Si es estiércol, bébete un vaso de agua (o similar), serénate y hazlo otra vez, y otra, y otra, hasta que salga bien. No tienes por qué irritarte contigo mismo si estropeas la demo (aunque hay que reconocer que arruinarla justo al final es especialmente frustrante). Recuerda que los DJ profesionales que mezclan sus propios CD comerciales (en lugar de utilizar un software de ordenador que lo haga por ellos) llevan con esta historia de hacer de DJ mucho más tiempo que tú, y son (de momento) simplemente mejores que tú.

Los profesionales también tienen la opción de parar cuando cometen un error y volver a empezar desde el lugar donde se quedaron, y luego montarlo todo en el estudio de grabación. Si grabas directamente en CD, deberás ejecutar toda la sesión de principio a final sin equivocarte nunca. Si grabas antes la mezcla en un ordenador, puedes editarla, eliminar las partes malas y arreglar los errores parando y empezando de nuevo.

Cuando estás empezando en el camino de aprender a ser un DJ, si utilizas un ordenador para limpiar tus mezclas, te estás engañando a ti mismo y perdiendo la oportunidad de mejorar tus habilidades de DJ. Cada vez que ejecutes la sesión, tanto si la completas como si no, estás incrementando tus habilidades y te estás acercando un poco más a tus ídolos. Si te limitas a parar y reiniciar la mezcla entre dos temas después de un error cuando grabas en ordenador, no es nada más y nada menos que tomar atajos.

Pero si te gusta tomar el camino fácil y hacer trampas, ve a la sección “Grabar un CD de demo en el ordenador”, en este mismo capítulo, para obtener más información sobre cómo editar tu mezcla en el ordenador.

No perder la concentración

Si tienes que repetir la sesión entera tres o cuatro veces (o más) antes de llegar a una grabación con la que te sientas satisfecho, mantén la calma, no pierdas la concentración sobre lo que estás intentando hacer y procura no frustrarte ni enfadarte por los errores que cometas.

Hay unas cuantas cosas que puedes hacer para mantener la mente fría y centrada:

missing image file  Organiza tus temas en el orden en que tienes previsto pincharlos, para que no tengas que ponerte a revolver en una caja de discos, una funda de CD o una biblioteca digital para encontrar el siguiente, te quedes sin tiempo y arruines la mezcla.

missing image file  Limpia el polvo de los discos, comprueba si en las agujas se ha acumulado suciedad o pelusa, limpia los CD y reinicia el ordenador antes de empezar a mezclar.

missing image file  Come alguna cosa antes de empezar a grabar. En mi cabina de DJ, un nivel bajo de azúcar en sangre es la causa número uno de rotura de discos. Cuando tengo hambre estoy gruñón y frustrado, y admito (a mi pesar) que, con el estómago vacío, he tirado uno o dos discos contra la pared después de una mala mezcla.

missing image file  Ten un poco de agua a mano. El hambre puede ser a veces sed disfrazada. Mantente hidratado para no empezar a sentirte cansado y harto.

missing image file  Si fastidias una mezcla cuando ya llevas 1 hora con ella y notas cómo sube la frustración, tómate un descanso de 10 minutos, vete a dar un paseo, despéjate la cabeza y vuelve a la mezcla para intentarlo de nuevo. Esta pausa no sólo acaba con el posible aburrimiento, que puede generar impaciencia, sino que también da a tus oídos un descanso de la música que suena a través del amplificador.

missing image file  Ve al lavabo antes de empezar. Tener la necesidad de ir a descargar en mitad de una sesión no sólo hace que te apresures con ella para poder salir corriendo hacia el baño, sino que es posible que estés un rato en él y te pierdas la mezcla siguiente. Sé prudente y ve antes de iniciar la mezcla. Pero recuerda lavarte las manos después, por favor.

Hacer de DJ me ha hecho engordar

Yo pensaba que sería lo bastante listo para que no me diera hambre mientras grababa mezclas. Mientras hacía de DJ, en casa o en clubes, solía llevar una bolsa de gominolas, por si me daba una bajada en el nivel de azúcar y necesitaba un subidón rápido. Una bolsa de gominolas cada noche implica que tu cintura crece a un ritmo increíblemente rápido. Si a esto le unes que pasaba más tiempo haciendo de DJ que en la pista de squash, ¡no es ninguna sorpresa que engordase!

Convertirte en un perfeccionista

No importa cuánto tiempo tardes en hacer que la mezcla sea correcta: tómate todo el que necesites. Ten en cuenta que tu demo puede caer en manos de cualquiera. Nunca sabes quién puede oír tu trabajo e influir en tu carrera.

A tus ojos, la demo debe ser perfecta. Nunca, jamás, pronuncies las palabras “bah, así ya está bien”. Si quieres ser un DJ de dormitorio durante el resto de tu vida, entonces de acuerdo, probablemente así ya esté bien. Pero si tienes la más mínima ambición, empieza de nuevo. Aunque sólo te hayas saltado un tiempo, o tengas un problema inapreciable con los niveles, repite la mezcla. Cometer un error es aceptable; no utilizar tus errores para mejorar, o no repararlos, es totalmente inaceptable. Debes llegar a una fase en la que, cuando oigas las demos de otros DJ que no se toman tantas molestias como tú, te sientas orgulloso de ser más profesional que ellos.

Si la demo es para enviarla a un concurso o a un trabajo, recuerda que te vas a enfrentar a miles de otros DJ en ciernes; tu perfeccionismo puede ser la causa de que te contraten a ti en lugar de a otro.

Escuchar con la mente abierta

Cuando vuelvas a escuchar tu mezcla para evaluar cómo suena tu interpretación, hazlo con una mente abierta. Debes prestar atención especial a:

missing image file  Caídas de volumen perceptibles durante las transiciones de temas.

missing image file  Distorsión en la cinta.

missing image file  Golpes de bombo que suenan como galopes de caballo al hacer beatmatching de música dance.

missing image file  Pitch bends perceptibles al acelerar (o ralentizar) temporalmente un tema para resincronizarlo.

missing image file  Control de ecualización deficiente.

missing image file  Mala elección del momento para mezclar un tema con otro.

Sin embargo, saber exactamente cuándo se produce una mezcla y exactamente a qué tienes que prestar atención puede hacer que no le hagas caso al sonido global de la mezcla, y asumas automáticamente que, como has oído la transición, la mezcla es mala. Te recomiendo encarecidamente que escuches la mezcla con oído crítico, pero que lo hagas también con el oído de un oyente pasivo.

Si has ejecutado bien la mezcla y el sonido es fantástico, ¿está realmente mal eso que has oído o has caído en la trampa del exceso de crítica porque conoces la mezcla demasiado bien? Vuelve a escuchar esa misma mezcla pasados un par de meses, cuando no la tengas cada instante fresca en la cabeza, y estoy seguro de que te gustará más de lo que te gusta ahora.

Aunque existe la posibilidad de que tu opinión cambie con el paso del tiempo, no utilices eso como excusa para que una mezcla con un beatmatching deficiente o, simplemente, poco adecuada, permanezca en tu demo. Debes estar cien por cien satisfecho con el producto terminado.

Grabar un CD de demo en el ordenador

Grabar en el ordenador puede hacer que tu demo sea mucho más versátil. Puedes incluir marcadores de pista de CD adicionales donde prefieras antes de grabar en disco y, al tener la grabación en el ordenador, puedes (aunque no lo recomiendo) editar tus errores.

Una vez que hayas conectado la mesa de mezclas al ordenador (consulta el capítulo 13) y configurado el software para procesar la música entrante al nivel de grabación correcto (consulta el manual que acompaña a tu software), tienes que definir la calidad de la grabación.

El sonido de calidad CD es de 44,1 kilohercios (o 44.100 hercios), 16 bits (notación binaria), estéreo (sonido múltiple), y debes cambiar la calidad de grabación de audio a estos ajustes en tu software de grabación (aunque utilices un sistema básico como la Grabadora de sonidos de Windows). Esta configuración ocupa 100 megabytes por cada 10 minutos de grabación, así que comprueba que tu disco duro dispone al menos del doble del espacio que necesites. Algunos programas graban primero en una memoria caché virtual, lo que ocupa menos espacio en el disco duro, pero necesitarás de nuevo el mismo espacio para guardar el archivo.

Con los niveles de grabación correctos (consulta el manual de tu software) y las tasas de muestreo configuradas, sólo tienes que pulsar Record (Grabar) en el software, iniciar tu mezcla, pulsar Stop (Parar) cuando acabes y guardarla en el disco duro.

Editar tu mezcla

Para editar tu mezcla necesitas un software un poco más sofisticado que la Grabadora de sonidos de Windows. En PC, yo utilizo Adobe Audition, NGWave o Pro Tools. En Mac, utilizo Apple Soundtrack, Pro Tools y Audacity para editar, añadir efectos y guardar las mezclas en distintos formatos. Hay disponibles centenares de programas para edición de audio. Puede incluso que tengas uno instalado junto con tu software de grabación de CD. Echa una ojeada en la carpeta de programas de tu PC/Mac antes de gastar dinero en algún software caro.

Éste es el método para arreglar los errores que hayas podido cometer mientras ejecutabas la mezcla:

1.   Si estás grabando la mezcla en tu ordenador y cometes un error, pulsa Stop en el software y guarda el archivo.

2.   Asigna un nombre reconocible al archivo, como “Mezcla-Parte 1”, y guárdala en una carpeta nueva, para que tu trabajo quede bien organizado.

3.   Si se trata de un error de beatmatching, determina si fue debido a que has ajustado incorrectamente el pitch del tema entrante y, en tal caso, ajusta bien el pitch. Cambia únicamente el pitch del tema entrante. Si cambias el pitch del tema del que estabas saliendo, los tiempos (y el pitch del tema) no coincidirán con los del tema guardado en el momento en que lo dejaste.

4.   Mueve la aguja o retrocede en el CD unos 30 segundos antes de iniciar la mezcla. Pulsa Record en el PC, pulsa Start en el lector de CD/giradiscos y continúa con la mezcla como si no te hubieses detenido.

Si cometes algún otro error, guarda el archivo cada vez que pares con un nombre que incluya un número secuencial (Mezcla-Parte 2, Mezcla-Parte 3, etc.). Una vez completada la mezcla, aunque dividida en tres o cuatro archivos distintos, tienes que empezar a ensamblarla de nuevo.

El software, o incluso el propio ordenador, que utilices pueden ser distintos de lo que voy a describir, pero el principio sigue siendo el mismo:

1.   Abre el archivo Mezcla-Parte 1 (el primero) y reprodúcelo. Una representación visual de la música (un grupo simétrico de crestas y valles denominado forma de onda; mira la Figura 19-2) aparece en pantalla para ayudarte a desplazarte por el archivo. Normalmente hay una barra indicadora de tiempo que se mueve junto con la forma de onda a medida que suena la música, para indicar qué parte de ella se está reproduciendo en ese momento.

2.   Busca un lugar apropiado en Mezcla-Parte 1 para detenerte. Este punto está probablemente antes de empezar a mezclar el tema siguiente, y es mejor detener la reproducción al principio de un verso (consulta el capítulo 15 si no estás seguro de lo que es un verso). Amplía la forma de onda lo bastante como para que puedas ver los distintos picos cuando golpea un ritmo de bombo. Después de ampliar, probablemente te sea fácil situar el indicador de tiempo en el lugar exacto en el que suena el primer bombo del primer compás de un verso.

Figura 19-2:

La forma de onda, tal como se muestra en NGWave.

3.   Abre el archivo Mezcla-Parte 2 en otra ventana.

4.   Busca un lugar apropiado en Mezcla-Parte 2 para detenerte. Como has puesto en marcha Mezcla-Parte 2 antes del error en Mezcla-Parte 1, esta superposición implica que puedes encontrar en Mezcla-Parte 2 el punto exacto en el que detuviste Mezcla- Parte 1. Si conoces bien los temas y has detenido Mezcla-Parte 1 al principio de un verso, esta operación será bastante rápida. Tienes que ampliar la forma de onda de Mezcla-Parte 2 para llevar al indicador de tiempo exactamente a la misma posición en la música en la que has dejado Mezcla-Parte 1.

5.   Selecciona la forma de onda de Mezcla-Parte 2 desde la posición en la que has situado el indicador de tiempo hasta el final de la forma de onda. (En Adobe Audition, haz clic y arrastra desde el indicador hasta el extremo derecho de la forma de onda.)

6.   Copia esta selección de la forma de onda al portapapeles. Normalmente basta con pulsar Ctrl+C (o Cmd+C en un Mac) o elegir Edición → Copiar en la barra de menú.

7.   Vuelve a cambiar la ventana a la forma de onda de Mezcla-Parte 1 y anota el tiempo en donde está actualmente el indicador de tiempo, de modo que puedas comprobar fácilmente el punto de edición.

8.   Sin mover el indicador de tiempo de Mezcla- Parte 1, pega el contenido del portapapeles en la forma de onda. Elige Edición → Pegar o pulsa Ctrl+V (o Cmd+V para usuarios de Mac).

Esta fase puede variar en función del software que utilices, pero la esencia es que estás pegando Mezcla-Parte 2 sobre Mezcla-Parte 1 desde el punto en el que dejaste el indicador de tiempo. Así que no debería haber ninguna repetición perceptible ni cortes en la música, que tendría que continuar como si nada hubiera pasado.

9.   Pon el indicador de tiempo en el punto que habías anotado y escucha la unión entre ambas partes de la mezcla. La unión debería sonar totalmente normal. Si no es así, deshaz la operación de pegar Mezcla-Parte 2 (Ctrl Z, Cmd+Z o Edición → Deshacer), comprueba los indicadores de tiempo e inténtalo de nuevo.

10. Repite este proceso para todas las partes de la mezcla que tengas hasta llegar al final de la mezcla sin errores, y guarda el archivo como Mezcla maestra.

Ahora tienes un archivo que incluye todos los cambios y que suena como si no hubieses cometido ningún error.

Al guardar el archivo, hazlo como archivo WAV (o como archivo AIFF en Mac) y asegúrate de comprobar que la configuración de guardado es la misma que la del estéreo (44,1 kilohercios, 16 bits, estéreo). También puedes guardar el archivo en formato MP3 o en otros formatos de audio. Los MP3 son perfectos para subirlos a Internet y que otras personas puedan oírlos. Yo prefiero crear mis MP3 a una tasa de 320 kilobits por segundo, pero 192 kilobits por segundo suena igualmente fantástico y el tamaño es inmensamente menor que el de los archivos WAV o AIFF de calidad CD.

Grabar un CD

Una vez guardada la mezcla definitiva como archivo WAV o AIFF, puedes grabarla en CD. Según tu sistema operativo, probablemente basta con que insertes un CD vacío en tu grabadora de CD, arrastres el archivo WAV o AIFF al icono del CD y sigas las instrucciones en pantalla para grabar un CD de audio (no un CD de datos, que no se reproducirá en un lector de CD normal).

Si tienes un software específico para controlar tu grabadora de CD (como Toast en Mac o Nero en PC), puedes personalizar la información que se graba con el CD. Esto incluye poder dividir un archivo de música de gran tamaño de modo que, en lugar de una pista muy larga, se grabe en el CD una pista distinta para cada uno de los temas utilizados en la mezcla, sin pausas de audio entre ellos.

Crear un CD con división de pistas

Este método no sólo hace que tu mezcla parezca mucho más profesional, sino que una demo dividida en las mezclas que la componen hace que las personas a las que envías el CD puedan recorrerlo con facilidad para escuchar simplemente las transiciones entre temas, en lugar de escuchar el CD entero o explorar en una sola pista de 74 minutos para encontrar los puntos de mezcla. Esto significa que pueden saltarse las artimañas que has introducido en la mezcla, como scratching o efectos que hayas incluido durante los temas individuales, pero, por desgracia, muchas personas no disponen de tiempo para escuchar la mezcla entera al principio y sólo prestan atención a las transiciones. No te preocupes: si les gusta lo que oyen, acabarán escuchándolo todo.

Hay dos formas de dividir un CD:

missing image file  La difícil: puedes crear un CD con múltiples pistas mediante tu software de edición de audio (consulta la sección “Editar tu mezcla”). El software te ofrece un código temporal para la música, y este código es fundamental para ejecutar este método correctamente. El código temporal es una medida precisa para definir en qué punto del tema te encuentras. La medida suele darse en horas, minutos, segundos y décimas de segundo (HH:MM:SS:DDD). Ésta es la forma difícil de hacerlo:

1.   Si tu primer tema empieza en 0:00:00:000 y quieres que la segunda pista del CD empiece en 0:04:15:150, guarda la mezcla de 00:00:00:000 a 00:04:15:150 como archivo individual.

2.   Si la pista dos termina en 0:09:35:223, guarda la mezcla de 0:04:15:151 (observa que es una milésima de segundo más tarde del último punto de corte) a 0:09:35:223 como otro archivo independiente.

3.   Efectúa este proceso para toda la mezcla, de forma que dispongas finalmente de archivos WAV individuales para cada uno de los temas que la componen. Asigna números a los archivos al guardarlos, no títulos; eso te facilitará las cosas a la hora de mantenerlos en el orden correcto.

4.   Una vez tengas todos los archivos guardados secuencialmente (1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, etc.), utiliza tu software de grabación de CD para agregar cada uno de ellos a la lista de archivos que se deben grabar en el CD (en orden numérico).

5.   Configura la separación entre pistas a cero segundos. Consulta el manual si no sabes cómo configurar este ajuste. Si no defines la separación en cero segundos, es posible que se grabe un breve silencio entre tus pistas, lo que hará que el resultado no suene como una mezcla de DJ correcta y el club, sin duda, archivará tu demo... ¡en la papelera!

6.   Una vez yuxtapuestas todas las pistas y configurada una separación de cero segundos entre pistas, graba el CD y reprodúcelo para asegurarte de que has dividido correctamente las pistas individuales, sin irregularidades de sonido provocadas por problemas en los códigos temporales de división.

missing image file  La simple: crea un CD con separación de pistas mediante las funciones de división de pistas incorporadas en programas como Nero Burning Rom o Sonic Foundry. Cada software tiene su propio método de marcar dónde quieres insertar puntos de división, sin tener que dividir el propio archivo de onda.

El proceso es prácticamente el mismo que para dividir el archivo en archivos independientes. El software suele mostrar una forma de onda de la música (mira la Figura 19-2), que tú reproduces de principio a final, añadiendo marcadores a la forma de onda a medida que la repasas. No es necesario que reproduzcas la pista en tiempo real de principio a fin; puedes dar saltos atrás y adelante, ralentizarla, etc., a fin de ayudarte a encontrar el punto exacto en el que quieras poner el marcador de división de pista.

Mientras recuerdes establecer la separación entre pistas en cero segundos, el CD acabado quedará limpiamente dividido en las pistas elegidas, sin el riesgo de anomalías de sonido del método anterior. Comprueba el manual de tu software para obtener instrucciones más detalladas sobre cómo grabar CD con pistas divididas individualmente.

Los CD de mezclas que se venden en tiendas suelen poner las divisiones de pista al final de las mezclas o a mitad de ellas, pero así, si el propietario del club pulsa Next en el lector de CD, se saltará tus habilidades de DJ. Por tanto, en el caso de una demo, es recomendable dividir las pistas del CD antes de que empiecen las mezclas, de modo que el propietario del club puede saltar adelante para oír cómo ejecutas cada una de las transiciones.

Enviar la mezcla

Una vez creada tu demo, la fase final es crear un paquete que te sirva para presentarte adecuadamente y asegurarte de que, sea quien sea el que la reciba, sepa de dónde ha venido, aunque se separe del resto de los elementos que envíes (consulta el capítulo 20 para más información sobre adónde enviar tu demo).

Al crear un paquete de presentación, es conveniente que incluyas un pequeño currículum, en el que hables de tu experiencia como DJ, los estilos de música que mezclas, si tienes carnet de conducir, tu edad, dónde vives, si eres DJ de vinilo, CD o MP3 en un portátil y si te sientes cómodo hablando por un micrófono. Incluye también un breve párrafo explicando por qué solicitas trabajo en el club, y por qué convertirte en su DJ sería un trato mutuamente beneficioso.

Si crees que tienes buen aspecto físico, es también una buena idea incluir una foto en los paquetes. Si puedes mostrar que eres una persona muy presentable, quizá el club te tenga más en cuenta, y si realmente eres una belleza, ¡a lo mejor ni siquiera escuchen la mezcla y te contraten sólo por los piropos que van a echarte los hombres y las mujeres!

Decide si vas a enviar la mezcla en varios formatos. Desde luego, una cinta, un CD y un iPod que sólo contenga tu mezcla cubre la mayor parte de las posibilidades, pero puede ser muy caro si tienes previsto enviar muchas demos. Si puedes, envía un CD y una cinta. Si no, envía sólo un CD (enviar un iPod cuenta como soborno...).

Incluye una lista de las pistas de tu mezcla e indica los momentos claves de la demo si es que no la has dividido en pistas independientes.

Debo insistir mucho en que sigas este consejo: escribe con claridad tu nombre, tu número de teléfono y tu dirección de correo electrónico en todos los papeles y plásticos —cubiertas, CD, cinta, fotografía y carátula— y en la carta que incluyas con tu demo.

Si puedes imprimir una etiqueta en tu CD, crea un diseño bonito, pero sobre todo, que tus datos se lean claramente. Pon adhesivos en las cintas, escribe tu CV en ordenador y mantenlo todo limpio y ordenado.

Y recuerda: ten mucho cuidado con los detalles: ¡no te equivoques en tu número de teléfono ni en tu dirección de correo electrónico!

Capítulo 20

Manos a la obra: trabajar como DJ

En este capítulo:

Venderte de una forma inteligente.

Tratar con las agencias de DJ.

Abrirte camino hasta la cabina del DJ.

Cuando se empieza en el mundo del DJ, lo más difícil es aprender a hacer beatmatching. Ahora que ya eres un gran DJ, el obstáculo siguiente que debes superar es conseguir tu primer trabajo como DJ.

Has creado una demo fantástica; a ti te encanta, le encanta a tu gato, le encanta a tu madre, es un superéxito en Internet e incluso tu mejor amigo es incapaz de encontrarle defectos. Así que ahora es el momento de sacarle provecho: úsala para presentarte como DJ.

Este capítulo te ofrece consejos y orientación sobre cómo ponerte en contacto con bares y clubes para buscar trabajo y te anima a ser persistente. A pesar de que no te puedo garantizar que vayas a conseguir trabajo, este capítulo debería imbuirte entusiasmo e ideas para ponerte en marcha.

Hay tres formas principales de avanzar y conseguir trabajo:

missing image file  Promocionarte tú mismo.

missing image file  Inscribirte en una agencia.

missing image file  Utilizar tu red de contactos.

Promocionarte tú mismo

La autopromoción es la clave del éxito. Nadie hace el trabajo por ti. Desde luego que, cuando consigues convertirte en un DJ famoso, puedes delegar las tareas fastidiosas en otras personas, pero cuando estás empezando, necesitas promocionarte a ti mismo con diligencia y determinación. La misma perseverancia y determinación inquebrantables que te han permitido superar todas las dificultades durante el desarrollo de tus habilidades de DJ son exactamente lo que necesitas para promocionarte con eficacia.

Inundar el mundo con tu demo

Ya debes de tener un montón de CD bien etiquetados con tu nombre y una lista de pistas, además de un CV (y foto), empaquetados y listos para entregar en los clubes y pubs en los que quieres trabajar. Si aún no has llegado a ese punto, consulta el capítulo 19, donde encontrarás consejos para crear una buena demo.

Saber adónde enviar tu demo

Investiga un poco las zonas en las que tienes previsto repartir tu demo para saber cuáles son los mejores lugares a donde enviarla. No te limites sólo a los sitios a los que vas el viernes por la noche: echa una mirada a la zona en la que buscas trabajo y haz una lista de todos los pubs y clubes apropiados que puedan tener interés en tus habilidades.

Si estás en una ciudad con un ambiente efervescente y una gran variedad de bares, no cabe duda de que querrán DJ con las mismas cualidades que en un club. Pero esto es una gran noticia para ti, porque ya eres un DJ de sonido profesional y preparado para trabajar en clubes.

Incluye una nota de presentación en cada uno de tus paquetes de demo especialmente redactada para el bar o club en el que solicitas trabajo. Investiga a fondo; si se trata de un club en el que cada noche se pincha un género musical distinto, menciona en qué noche crees que encajarías mejor. Demuéstrales que conoces su establecimiento y propón qué puedes aportar a su éxito en el caso de que te contraten, destacando el hecho de que eres un DJ profesional y centrado y que tienes el objetivo de trabajar en su club.

Si tus gustos y tu colección de música son adecuados para varias de sus noches, informa a los propietarios de que eres un DJ muy versátil que puede pinchar cualquier cosa, de dance a rock, pasando por indie, rhythm and blues o bhangra. Sé todo lo específico que puedas; no hay nada peor que recibir una carta vaga y confusa que diga simplemente “Quiero ser DJ; éste es mi CD”.

Si no pinchas una variedad de géneros musicales, será mejor que sólo tomes en consideración los establecimientos que ponen la música que tú quieres pinchar. Esto reduce tus posibilidades de encontrar trabajo, pero enviar una demo con los últimos temas rock a un club de rhythm and blues probablemente sea un desperdicio de CD y de tiempo, el tuyo y el del club.

Ofrecer a los propietarios lo que quieren oír

Si has estado en un club en el que vas a solicitar trabajo, ya sea para investigar o una noche de fiesta, ya debes de tener una idea de qué música hace que la noche se anime y cuál la adormila.

En la carta de presentación que acompaña tu demo, menciona todos los puntos fuertes del club, y sugiere qué puedes hacer para mejorarlo aún más. Pero ¡no te pongas a criticar el club y a decirles qué es lo que hacen mal! Utiliza un lenguaje positivo y haz que el club sienta que elegirte es algo bueno para ellos.

Y diles que vas a hacerles ganar mucho dinero. Eso les encanta a los propietarios de los clubes...

Entregar tu demo en mano

La mejor estrategia, con diferencia, para presentar tu demo es entregarla en mano personalmente. Los bares son fáciles, porque están abiertos la mayor parte del día y de la noche, así que pregunta por el dueño o el encargado y entrégale tu demo. Pregúntale al encargado si le importaría escucharla, y que volverás al cabo de unos cuantos días para ver si le ha gustado. Sé cortés y amable cuando hables con el encargado, independientemente de lo que dure la conversación y de si el encargado es a su vez cortés y amable.

Si no hay disponible nadie de la dirección, no pienses en dejarle la demo al personal del bar; vuelve otro día, cuando puedas tener la ocasión de ver a alguien que te pueda ser de ayuda.

Sin embargo, acceder a alguien con un cargo de responsabilidad en un club puede ser un poco más difícil. Cuando el club está abierto, estas personas se están ocupando de los mil problemas inherentes a su gestión, y será complicado que paren y se tomen el tiempo de hablar contigo. Aunque tengas que volver varias veces al club, inicia conversaciones con el personal del bar o los camareros para averiguar cuál es la mejor hora para que lleves tu demo. Mientras seas amable y no les tomes demasiado tiempo, tu demo no acabará en la papelera.

Si vives en una localidad pequeña, sin bares ni clubes que pinchen la música que a ti te gusta, tendrás que desarrollar tus ansias de conocer mundo. En la ciudad o pueblo grande más cercanos al sitio donde vives, busca clubes que pongan el tipo de música que quieres pinchar. No intentes forzar tu música a personas que no quieren escucharla. Sin embargo, tampoco debes rendirte. No te sientas como si te hubieses topado con una pared de ladrillos imposible de rodear. Sólo tienes que ir a las ciudades y localidades vecinas y pasar mucho tiempo en ellas.

Geografía de un club: ¿cómo de lejos es “demasiado lejos”?

A lo mejor tienes la intención de dominar el país o el mundo, pero, si no puedes llegar al club, ¿qué sentido tiene? Si vives a 800 kilómetros de un club al que has enviado tu demo, piensa en cómo vas a viajar hasta él y en si te resulta económicamente viable recorrer esa distancia. Si sólo vas a cobrar 100 euros por una noche de trabajo, evalúa cuánto estás dispuesto a pagar para llegar allí en tren o avión y quedarte por la noche en un hotel, si no puedes volver esa misma noche.

A lo mejor has reservado unas vacaciones de dos semanas en Ibiza con la esperanza de conseguir un puesto en un pub o en un club locales durante una o dos noches. Antes de viajar, envía un montón de demos a los lugares en los que crees que te dejarían pinchar durante unas semanas (o meses), y mantente en contacto con ellos por correo electrónico. Y, cuando inicies el viaje, llévate unos cuantos temas y haz un seguimiento personal de tu envío. Si, de todos modos, vas a gastarte dinero para hacer el viaje, ¿por qué no intentarlo?

En esta etapa inicial de tu carrera, es poco probable que sufras el problema de conseguir trabajo a 800 kilómetros de distancia, pero intenta tener en cuenta cualquier eventualidad para que no te sorprenda si sucede.

Hacer un seguimiento

Cuando ya estés seguro de que los bares y clubes tienen tu demo, haz un seguimiento llamándoles por teléfono unos días después de enviarla. Si alguien tiene la amabilidad de responder a tu llamada, pregúntale cortésmente si ha pensado en lo que dijiste, y escucha atentamente cada palabra de crítica de tu interpretación. Agradécele su tiempo y su honestidad y, si no te quiere contratar, pregúntale si puedes enviarle otra demo en la que tengas en cuenta sus comentarios.

Si el club no la ha recibido, envía otra por correo lo antes posible (o déjales una personalmente). Modifica tu carta de presentación e incluye el nombre de la persona con la que has hablado, así como una sugerencia para hablar con ella por teléfono.

Si sufres de telefonofobia, supérala. No tengas miedo de llamar a clubes y bares. Con una llamada, no tienes nada que perder y mucho que ganar.

Qué hacer si te rechazan

No te puedes permitir tener miedo del rechazo. Tienes que exponerte y esperar que guste lo que haces. Los distintos propietarios de clubes y promotores pueden responder de formas diversas: algunos se toman el tiempo de decir no; otros se limitan a no volver a ponerse en contacto contigo. ¡Los mejores dicen que sí!

Si los clubes no responden, sigue enviándoles demos hasta que se pongan en contacto contigo; recuerda, la persistencia es la clave. Si el propietario de un club responde, pero no quiere contratarte, quizá te diga por qué no le ha gustado la demo. Si hace un comentario sobre algo de lo que no te habías dado cuenta y estás de acuerdo, arregla el problema y envíale una nueva. Quizá te diga “En realidad, antes sólo estaba siendo amable”, pero quizá el tiempo que hayas invertido en hacer otra demo reflejando sus comentarios le muestre que realmente quieres trabajar para él.

El truco consiste en seguir intentándolo hasta que el propietario del club te contrate o te diga que dejes de enviarle demos porque no le gusta lo que haces. Debes tener muy claro lo que quieres, porque puedes encontrarte con un aluvión de cartas de rechazo y muchas de ellas no serán muy amables; pero, si tienes las habilidades necesarias, acabarás encontrando a alguien, en algún momento y lugar, que te dé una oportunidad y te contrate.

Cada vez que empieces a preguntarte si ésa es una forma eficaz de venderte, piensa en John Digweed. Su gran oportunidad vino después de enviar una demo a Renaissance, y ahora es uno de los DJ más conocidos del mundo.

Actuar gratis

“Actuar gratis” son dos palabras que pueden hacerte llegar muy lejos. Hazte la siguiente pregunta: ¿prefieres actuar gratis, o no actuar en absoluto? Cuando tratas de conseguir trabajo, lograr entrar en la rueda puede ser más importante que recibir un pago.

Si crees que un club o pub puede tener interés en que trabajes para ellos, pero el propietario no parece muy seguro, ofrécele pinchar gratis una o dos noches (como warm-up DJ, lo más probable) para que pueda oír lo bueno que eres en el entorno del club. Esta “sesión de degustación” es una forma genial de conseguir tu primer trabajo; el club podrá oír de primera mano si eres un buen DJ en directo y si puedes pinchar música adecuada para una sesión de warm-up o una sesión principal. En el capítulo 21 encontrarás consejos para elegir música para sesiones de warm-up o sesiones principales.

Inscribirte en una agencia

Inscribirte en una agencia de DJ puede ser una buena forma de hacer correr la voz acerca de tus habilidades. El papel que desempeñe la agencia depende sobre todo de lo bueno y lo famoso que seas como DJ.

Puedes optar por diferentes tipos de agencia:

missing image file  Representación de artistas: están dirigidas a DJ famosos, establecidos y profesionales con mucha demanda, más que a novatos que intentan que les den una oportunidad o DJ regulares de clubes pequeños. La finalidad de estas agencias no es tanto guiar y aconsejar como asegurarse de que las noches transcurran con fluidez, los clubes paguen a tiempo y que los DJ famosos a los que representan reciban buena publicidad y contratos constantes. Como gestores, estas agencias se encargan de la publicidad, los contratos, los viajes, el alojamiento, etc., de modo que lo único de lo que tenga que preocuparse el DJ sea de la música.

Los honorarios que recibe el DJ se le pagan a su agencia de gestión, que se queda con un porcentaje (suele ser de entre el 10 y el 15 por ciento) antes de pasarle el resto al DJ. Cuanto menos contratos tenga el DJ, menos dinero gana la agencia, así que a la propia agencia le interesa asegurarse de que los DJ de su lista son fiables, encadenan un contrato tras otro y reciben sus honorarios.

missing image file  Agencias locales: las grandes ciudades tienen agencias de DJ que ofrecen sus servicios a los clubes, bares, salas de fiestas, celebraciones de boda y cualquier otra ocasión en la que se necesite un DJ. Aunque la fama no será un factor tan importante, un historial de muchas actuaciones es una necesidad para poder inscribirte en estas agencias.

Las agencias locales se quedan con un porcentaje de los honorarios similar al de las agencias de representación artística. Como la mayoría de los DJ disponibles en sus archivos no pueden ofrecer fama para venderse mejor, estas agencias trabajan duro por su porcentaje.

missing image file  Agencias por Internet: las agencias de DJ por Internet te ayudan más bien a promocionarte, no a encontrar trabajo. En la mayoría de los casos, no buscan activamente trabajo en tu nombre, pero los clubes y los bares acuden a ellas para solicitar un DJ y la agencia les transmite tus datos al club. Las agencias por Internet serias tienen un gran archivo de clubes que solicitan DJ de su lista, y pueden probar un alto porcentaje de éxito de sus DJ que trabajan en clubes.

En muchos casos se paga una tarifa anual de suscripción a la agencia por Internet, en lugar de entregar un porcentaje de tus ganancias. Este concepto es extraordinariamente polémico, y las opiniones son vehementes en ambos lados del debate de si se debe pagar por anticipado para intentar encontrar trabajo.

Pagar por anticipado: a favor y en contra

Pagar o no pagar por anticipado antes de que una agencia te consiga trabajo es causa de acalorado debate. Uno de los bandos de la discusión es que sólo se debería pagar si la agencia te consigue trabajo, y la agencia debería quedarse con un porcentaje de los honorarios. La mayor parte de las agencias con sede física, que disponen de una plantilla de representantes que visitan los clubes, utilizan la estrategia del porcentaje. El promotor del club paga directamente a la agencia, que a continuación te pasa a ti el dinero (descontando su porcentaje).

Como la mayor parte de las agencias por Internet son, en realidad, nada más que intermediarios, no tienen forma de saber si te han contratado o te han pagado. Confiar en que tú mismo declares todas las noches que has trabajado a través de contactos de la agencia se convierte en una propuesta impracticable; de ahí la solicitud de pagar sus servicios por anticipado.

El riesgo evidente de pagar de antemano es que tú pagues el dinero a la agencia y ellos no te consigan ningún trabajo. Mientras las agencias por Internet no logren hacerse con un historial más sólido, te sugiero que agotes todas las posibilidades de obtener trabajo por tus propios medios antes de acercarte a una agencia por Internet. Si sigue costándote mucho encontrar trabajo y estás seguro de que el problema no son tus habilidades, investiga un poco sobre unas cuantas agencias por Internet y lo que ofrecen, y ándate con mucho ojo antes de elegir una de ellas y entregarle tu dinero.

Investigar una agencia

Antes de inscribirte en cualquier agencia (sea o no de Internet), examina los testimonios en su sitio web y, si tienes la oportunidad, ponte en contacto con DJ y clubes para comprobar que la agencia sea genuina. Algunas personas sin escrúpulos inventan información para intentar parecer más profesionales, así que investiga tanto como puedas y haz algunas preguntas en foros de DJ (comunidades en las que los DJ hablan de su trabajo; en el capítulo 22 encontrarás una lista con algunos de ellos).

Presta atención a estas señales de alarma: si el sitio web de la agencia no tiene testimonios recientes de DJ, si los DJ mencionados no responden a tus mensajes de correo electrónico, si la agencia pretende imponerte un contrato de más de un año o si descubres cargos monetarios ocultos.

Ponte en contacto con las personas que gestionan la agencia. Aunque en su página web te recomienden enérgicamente que no intentes ponerte en contacto con ellos, deben prestarte atención y tratarte con amabilidad. Debes asegurarte de que obtendrás un servicio a cambio del dinero que vas a invertir en su asistencia. Si no son corteses, amables y profesionales al principio de vuestra relación, ¡sal corriendo!

Si la agencia que estás considerando se queda con una parte de tus honorarios, recuerda que la cantidad puede variar de una agencia a otra. Si la parte es mayor del 10-15 por ciento, averigua si obtienes mejores servicios a cambio de ese dinero adicional. Si no es así, piensa seriamente si estás dispuesto a pagar a cambio de nada.

Finalmente, cuando estés satisfecho y quieras firmar un contrato con una agencia, enséñaselo antes a un abogado, no sea que hayas pasado algo por alto.

Cumplir los criterios para inscribirse

Las agencias profesionales para DJ famosos suelen tener cazatalentos. Cuando alguien se gana la reputación de atraer multitudes y se convierte en un DJ conocido, estas agencias hacen acto de presencia y se ofrecen para añadir al DJ a su lista de representados.

Pero las agencias de DJ locales tienen una reputación que mantener, así que suelen tener criterios muy estrictos para poder inscribirse en ellas. Muchas agencias no te incluirán en su lista de DJ con sólo un CD de demo. No pueden correr el riesgo de que el DJ se haya pasado meses para perfeccionar esa mezcla, o que haya utilizado un programa de ordenador para retocar una actuación descuidada. Pero lo más importante es que hay una enorme diferencia entre actuar en tu habitación, sin presión alguna, y hacerlo en un club, frente a un millar de clubbers, en una sala con un sistema de sonido deficiente. Los nervios y la comodidad no son factores que intervengan en tu habitación, pero la primera vez que actúes en vivo en un club estarás nervioso, y en un entorno extraño. Si cometes un error por falta de experiencia, te desacreditará a ti y también a la agencia que te promociona.

Las agencias pueden tener una lista de restricciones, como límites de edad y lugares de residencia, pero la constante es siempre que necesitas experiencia antes de que estas agencias te añadan a sus archivos. Si has adquirido experiencia por tu cuenta, has hecho tus propios contactos y los has desarrollado para lograr trabajo como DJ, eso demuestra que posees el talento necesario para obtener trabajo y la determinación y la actitud necesarias para ser un profesional en el mundo del DJ.

Mantener a las agencias informadas de tu música

La música que pinches como DJ puede cambiar el tipo de agencias con las que entres en contacto. Algunas agencias sólo trabajan con DJ de bodas y fiestas, y otras únicamente representan a DJ de club y no aceptan en sus archivos a un DJ de bodas.

Cuando contactes con una agencia que represente una amplia variedad de estilos de DJ, infórmales de entrada del tipo de música que se te da mejor pinchar. Incluso aunque toques una amplia variedad de estilos, de rhythm and blues a hard house, debes informar a la agencia de si posees la música (o las ganas) de pasarte una velada pinchando pistas de Frank Sinatra y Neil Diamond en una fiesta de jubilados.

Si tienes paciencia para ser un DJ de trinchera, que pincha cualquier cosa con tal de ir tirando, informa a la agencia de que puedes pinchar cualquier cosa en cualquier parte; con el tiempo, quizá te ganes su confianza y empiecen a ponerte en clubes en los que puedas pinchar la música que realmente quieras. El inconveniente de la estrategia DJ de trinchera es la cantidad de boleras en las que puede que tengas que pinchar pistas de Britney Spears.

Cortar las pérdidas

Intentar meterse en la lista de una agencia cuesta trabajo. Sé persistente, pero también consciente para no jugar mal tus cartas. Yo me pasé mucho tiempo intentando meterme en una agencia de mi zona. Cuando finalmente localicé al tipo que la dirigía, no nos caímos bien, y cuando él averiguó que yo tenía un trabajo y no tenía voluntad de dejarlo para unirme a su agencia, todo acabó con una breve llamada telefónica.

En función de la red de contactos que construyas (mira la sección siguiente) y del tipo de lugares y el tamaño de los clubes en los que quieras actuar, quizá nunca necesites los servicios de una agencia. Yo nunca he estado en la lista de una agencia. Y no es porque no quiera (o porque no lo haya intentado); es simplemente porque mi red de contactos me ha ayudado a conseguir trabajo.

Contactos, el camino al éxito

Grábate bien esta frase “Lo que importa no es cuánto sabes, sino a quién conoces”. Todas las personas con las que te cruces en tu misión de encontrar trabajo acabarán diciéndola.

Crear una red de contactos puede variar, desde el simple saludo con un propietario de club o de bar al entregarle tu demo, a conocer a personas que te presentan a otras personas y, finalmente, conseguir trabajo de estas conexiones.

Venderse uno mismo

En este ramo, la actitud y la presentación pueden ser factores fundamentales. Si eres capaz de convencer al propietario de un club o bar de que es bueno tenerte allí, ya sea porque pareces una persona de fiar y formal o porque vas bien vestido y eres lo bastante atractivo como para que el público vaya sólo para mirarte, entonces ya has ascendido un escalón. A algunos géneros musicales les sienta bien, y fomentan, el estilo de DJ “demasiado guay para ti”, pero yo no lo recomendaría.

Hacer amigos

Dirigirse directamente al propietario del club para pedirle trabajo es una jugada atrevida. Si el propietario dice que no, quizá hayas liquidado del todo tus posibilidades de trabajar para dicho club. Sin embargo, si te haces amigo del personal del bar y del DJ, que a su vez pueden recomendarte para un pequeño trabajo como DJ, quizá tengas mucha más suerte.

El desarrollo de tu relación con las personas depende de tu personalidad. Si crees que eres capaz de entablar amistad con un DJ en un pub, y utilizar esa amistad para llegar a algún lado, adelante, no te cortes. Pero ten en cuenta que el DJ te etiquetará como aspirante a DJ desde el momento en que eches una mirada por su cabina. No finjas que estás ahí por otra cosa, pero, a menos que creas que vale la pena, tómatelo con calma y no empieces a presionar a las primeras de cambio.

Conocer al personal del bar, sobre todo a los veteranos, puede también ser un buen camino para meterse en el club, incluso como warm-up DJ. De nuevo, tienes que tomarte tu tiempo, convertirte en un habitual, conocer bien el club y a las personas y, cuando creas que puedes empezar a tentar tu suerte, pasarles una demo y esperar a ver si sale alguna cosa.

El inicio de mi viaje

Mi viaje empezó como camarero en un pub de Glasgow llamado Café Cini. Antes de que llegasen los DJ, una cinta sonaba a bajo volumen por el equipo de sonido. Al cabo de un par de meses de trabajar tras la barra, colé una de mis cintas en la máquina. Por suerte, a Pauline, la encargada, le gustó la cinta y me preguntó quién había hecho el cambio. Cuando descubrió que había sido cosa mía, me ofreció una sesión de warm-up de una hora (pagada en Irn Bru,una bebida gaseosa típica de Escocia) antes de que llegase el DJ. Este puesto dio paso a una hora durante la parte principal de la noche (más Irn Bru) y finalmente se convirtió en una noche para mí, pagada con dinero (que me gastaba en Irn Bru), que luego se fue ampliando (¡igual que mi cintura, por culpa del Irn Bru!).

Uno de los otros DJ, que acababa de abrir su propio club, me ofreció un puesto de warm up y, con él, mi primera experiencia en un club. A partir de ahí, conocí a otro DJ que iba a dejar su residencia de viernes noche en un club y que me recomendó que me pusiera en contacto con los propietarios para tomarle el relevo.

Así que mi carrera se inició desde un simple trabajo en la barra de un bar. Para ti también puede ser así de fácil.

Investigar en secreto

¡Cuando ya estás dentro, poner el pie en la puerta es fácil! El conocimiento desde el interior es tu mejor ventaja. Un trabajo en la barra de un club o pub en el que quieras pinchar es una forma excelente de venderte a ti mismo de una forma discreta. Puedes hacer correr sutilmente la voz sobre tus habilidades y pinchar tu demo unas cuantas veces hasta que la gente se dé cuenta de que les gustas y de que quieren meterte en la cabina. Cuando se percaten de tus verdaderas intenciones, será demasiado tarde: ¡estarán satisfechos de haberte contratado como DJ!

Publicitarte por Internet

La mejor página web del mundo no te proporcionará trabajo por sí misma, pero un sitio web que te apoye como DJ profesional será muy eficaz para impresionar a los que vayan a visitarlo.

Además de contener tu última mezcla y tu currículum de DJ para futuros empleadores, también puedes utilizar tu sitio para promocionar las noches que trabajas. Si te haces con un buen número de seguidores a los que mantener al día a través del sitio web, y prácticamente garantizas a un club que acudirá cierto número de personas, tus argumentos para trabajar en el club quedan fortalecidos por la recaudación segura que obtendrán.

Con la creación de redes sociales como Twitter y Facebook, ni siquiera necesitas tu propio sitio web, y puedes ponerte instantáneamente en contacto con todos tus “amigos” para decirles dónde y cuándo vas a tocar.

En sitios web como MySpace y Bebo puedes crear una página más a medida para mostrar a tus visitantes, sin necesidad de conocimientos sobre diseño web. Los editores WYSIWYG (what you see is what you get, lo que ves es lo que obtienes) te permiten crear perfiles atractivos y bien diseñados que sirven para presentarte tanto como un sitio web personal.

El único inconveniente de utilizar este tipo de sitios, en comparación con tu propio sitio web, es simplemente la profesionalidad de la URL (dirección web). En mi opinión, una URL como www.recess.co.uk (en inglés) tiene un aspecto más profesional que www.myspace.com/dj_recess (en inglés).

Para un punto de vista más propiamente de DJ acerca de los sitios web en los que muestras tu perfil, consulta sitios como www.djpassion.co.uk (en inglés), www.djpromoter.com (en inglés) y www.mydjspace.net (en inglés).

Algunos sitios de perfiles de DJ contienen enlaces a establecimientos que emplean a los DJ que envían perfiles. Otros recursos de Internet son los foros mejorados y las emisoras de radio por Internet. Pero, mientras sea gratis, inscríbete y promociónate todo lo que puedas mediante todas las posibilidades.

Los foros de Internet son un método fantástico para promocionarte y para enterarse de qué se cuece en el mundo de la música. El capítulo 22 incluye una lista de los mejores foros de Internet. También encontrarás el foro de debate de este libro en www.djrecess.co.uk/php (en inglés).[*]

Capítulo 21

Enfrentarse a la música: actuar en directo

En este capítulo:

Saber qué puedes esperar de un establecimiento.

Estar preparado para cualquier eventualidad.

“Leer” al público y reaccionar a sus acciones.

Tratar con tacto el asunto de las solicitudes.

Acabar la noche con un buen final.

Ya estás a punto. Has practicado durante meses, tus amigos ya saben lo bueno que eres, has enviado tu demo a bares y clubes para que sepan lo bueno que eres y ahora es tu oportunidad para mostrar ante cientos de personas en la pista de baile lo bueno que eres. Salir de tu habitación y meterte en la cabina del DJ de un club es un salto importante, así que debes tener en cuenta unas cuantas cosas.

Yo siempre digo que este salto es como conducir un coche. Te pasas una eternidad con tu profesor de la autoescuela, que te enseña a aprobar el examen, pero es sólo al encontrarte en el mundo real, tomando decisiones propias, cuando aprendes realmente a conducir. Como nuevo DJ, te pasas un año o más en tu habitación perfeccionando tu técnica y acumulando conocimientos sobre tu música, pero es sólo al salir al mundo real y encuentras trabajo cuando desarrollas las habilidades para convertirte en un verdadero DJ.

La diferencia entre practicar como DJ en tu habitación o en un club es el control del público, saber qué es lo que la gente quiere escuchar y ser capaz de adaptarte a la forma en que reaccionan a la música que estás pinchando. Saber cuándo pasar de un género a otro o cuándo aumentar la energía de la mezcla es algo que viene únicamente con la experiencia y la práctica, pero la habilidad más importante que vas a desarrollar es la habilidad de dejarte ir y amar lo que estás haciendo, al tiempo que lees la reacción del público a la música que pinchas.

Investigar el establecimiento

Nada da tanto miedo como lo desconocido. Investiga con antelación el club o la sala donde te han contratado para actuar. Si va a ser tu propia noche en un club, sólo tienes que preocuparte de hacer que vaya público. Si te han contratado para una fiesta o una boda en el ayuntamiento local, tienes que averiguar qué esperan que pinches y qué equipo vas a necesitar, ¡y memorizar los nombres de los novios!

Evaluar un club

No importa si ésta es tu primera sesión en un club o si ya eres un DJ con experiencia: tienes que hacer los deberes. Concierta una reunión con el propietario, director o promotor del club para comentar unas cuantas cosas. Si no puedes concertar una reunión, intenta ir al club una noche similar a aquella para la que te han contratado (la misma noche, una semana antes, sería perfecto), escucha la música que pincha el DJ y observa la reacción del público (consulta “Leer al público”, en este mismo capítulo).

Cuando estés investigando el club, intenta entablar conversación con el personal del bar o del guardarropa. Esta gente oye todo lo que se dice y todo lo que se pincha en una noche, así que pueden resultar una mejor fuente de conocimientos que el promotor del club en lo que se refiere a la música que mejor funciona, el tipo de gente que va al club y el ambiente y las costumbres generales de los habituales.

Cuando eres el warm-up DJ

Si te han pedido que hagas la sesión previa o de warm-up antes de que actúe el DJ principal, pídele al promotor o director si tiene alguna limitación en lo que respecta al tipo de música que puedes pinchar. Tanto si es un club de house/trance como un club de rock/indie, el promotor puede tener pensado que pinches temas más ligeros y conocidos para poner en forma al público, de modo que el DJ principal pueda pasar a los temas más intensos cuando pase a encargarse de la sesión principal de la noche.

La sesión de warm-up es extremadamente importante para el club y para tu carrera. Si tratas este bolo como una hora y media de tiempo perdido en la que no importa lo que pinches, los clientes del club no experimentarán precalentamiento alguno y el club no te pedirá que vuelvas. Aunque la música puede ser más suave de la que normalmente pinchas en casa, olvídate de tu esnobismo musical y comprende que pinchar lo que el club te pide es muy importante; de este modo puedes mantener la puerta abierta con la esperanza de que, al final, te permitan actuar en la sesión principal, en la que podrás demostrar de lo que eres capaz.

Cuando pinchas la sesión principal

Como DJ de sesión principal, tienes pocas limitaciones, pero aun así es necesario que averigües si el club tiene alguna política en cuanto a música. Quizá tengan un límite sobre la velocidad del tempo que puedes poner, y un límite a ciertos géneros (quizá prefieren que no pongas material hardcore en clubes de trance, o death metal en clubes de rock).

Quizá creas que estás allí para pinchar los mejores y más recientes temas underground, pero a lo mejor el tipo al que te han contratado para sustituir se pasaba el tiempo poniendo música dura a todo volumen y lo que el club quiere es un cambio. Así que, si te han fichado en un club que solía poner música hard dance y ahora están intentando apartarse de esa tendencia, quizá te pidan que pongas música que sea más ligera, comercial y popular —es posible que incluso temas antiguos— en la parte principal de la sesión.

Cualquier sesión puede representar tu gran oportunidad. Así que trágate el orgullo y comprende que, por cada cinco temas comerciales que pinches, puede que puedas poner uno o dos que el público aún no conoce pero que sabes que les encantarán. Pero ¡no fuerces la suerte! Investiga la escena musical, lee revistas, escucha mezclas de otros DJ y programas de radio y desarrollarás un oído para elegir temas que acabarán por convertirse en populares. No tendrás que jugártela con lo que pinches: cuando estés poniendo lo que será el próximo éxito, lo sabrás.

Si la dirección no se enfada por ello, cuando elijas los temas adecuados para pasar de underground a mainstream, el propietario y el promotor del club reconocerán que sabes lo que te traes entre manos y, con suerte, empezarán a respetar tus conocimientos musicales y a darte un poco más de libertad musical.

Cuando ocupas el puesto de otro DJ

Si ocupas el puesto de otro DJ, es importante averiguar si fue el club el que le pidió que lo dejase y por qué, ya que no es bueno que cometas el mismo tipo de errores que él. Pregúntale al promotor qué fue lo que provocó el despido del DJ y si estaba haciendo algo mal.

Yo tuve suerte: me invitaron a ver actuar al DJ a quien iba a sustituir la semana antes de que se fuese, así que pude oír por mí mismo qué era lo que andaba mal. Sin embargo, como prueba de mis habilidades, tuve que decirle al promotor en qué pensaba que el DJ se equivocaba, y qué haría yo para mejorarlo; ¡por fortuna, pasé el examen!

Quizá opines que el DJ lo está haciendo todo perfecto y que su despido o renuncia tienen más que ver con un choque de personalidades; en ese caso, sonríe y recuerda qué era lo que funcionaba de lo que hacía el DJ.

Un poco de reconocimiento

Si te las has arreglado para concertar una reunión con el encargado cuando el club está cerrado, intenta echar una ojeada en la cabina del DJ y toma nota de los equipos y de la posición de todo. Lo más importante que debes comprobar es:

missing image file  Qué mesa de mezclas, giradiscos y lectores de CD utilizan.

missing image file  Si hay monitor de cabina.

missing image file  Dónde podrás poner tus discos o CD.

missing image file  Dónde están los amplificadores.

missing image file  Si tienen instalación de DJ digital.

Si el club no tiene monitor, puedes pedirles que adquieran uno; pero, si no eres un DJ famoso que va a hacer que ganen un montón de dinero, probablemente denegarán tu solicitud. Si no tienes monitor, tendrás que resolver de la mejor forma posible el problema del retraso del audio (consulta el capítulo 14 para conocer las distintas opciones de monitorización con auriculares).

Si no estás seguro de cómo utilizar alguno de los controles de la cabina de DJ del club, investiga un poco antes de presentarte la noche de tu sesión. Si la mesa de mezclas dispone de funciones que te gustaría utilizar, pero no sabes hacerlo, es importante enterarte de cómo funcionan. La primera vez que utilicé una mesa DJM-500 no tenía ni idea de cómo usar los efectos incorporados, y estuve golpeando el botón amarillo sin resultado alguno. No me enteré bien de cómo funcionaba la mesa hasta que llegué a casa y leí información acerca de ella. La mayor parte de los clubes de house/trance todavía prefieren DJ de vinilo, y tienden a utilizar los giradiscos estándares Technics 1210, pero si son innovadores y usan giradiscos con características adicionales como las gamas Vestax, Gemini y Numark, una lectura rápida del manual en línea te dotará de todos los conocimientos necesarios para utilizarlos correctamente. Si eres un DJ de indie/rock que trabaja con vinilo quizá no tengas tanta suerte, porque no son muchos los clubes de ese género que sigan teniendo material para DJ de vinilo. Esto hace que sea especialmente importante que compruebes la cabina del DJ antes de actuar.

Si en casa utilizas lectores de CD dobles de gama baja y en el club tienes que vértelas con lectores de CD individuales de alta gama, búscalos en línea o consulta con alguien que los tenga, para asegurarte de que no tendrás problema cuando los utilices en tu noche.

A todos los DJ les encantaría usar sus propios giradiscos, mesas de mezclas y lectores de CD, pero no son muchos los clubes que te permiten llevar tu propio equipo. Si tienes suerte, en el club adecuado, con un encargado amable, quizá puedas llevar tu propia mesa de mezclas si vas a trabajar toda la noche, pero los lectores de CD y los giradiscos suelen estar fuera de toda discusión.

Reventar altavoces por poderes

Sé por experiencia que hay que tener mucho cuidado cuando cambias equipos. Yo solía llevarme mi propia mesa de mezclas a un club porque la suya era muy básica. Por desgracia, los cables no estaban bien marcados y, cuando volví a conectar su mesa de mezclas al final de la noche, no lo hice bien. La noche siguiente el DJ, sin saberlo, puso en marcha todos los amplificadores y casi reventó los altavoces debido al chasquido eléctrico provocado por mis conexiones incorrectas.

Los DJ digitales necesitan un nivel de precaución totalmente diferente en la cabina del DJ. No sólo tienen que asegurarse de que su ordenador cabe en ella (es mucho más fácil si se utiliza un portátil, ya sea PC o Mac), sino que también tienen que pelearse con la forma de conectarlo al sistema de sonido del club.

El capítulo 9 contiene información sobre las distintas formas de conectar los equipos de DJ digital a una cabina de DJ, pero básicamente se distinguen dos variantes:

missing image file  Toda la mezcla se lleva a cabo por software en el portátil (a veces, con un controlador externo), y la salida de la mezcla se envía a una de las entradas de la mesa de mezclas de la cabina del DJ y se reproduce a través de los amplificadores y altavoces del club.

missing image file  Las salidas de los giradiscos o lectores de CD de la cabina del DJ se redirigen a una interfaz de entrada/salida de audio (una tarjeta de sonido externa especialmente diseñada) para controlar la reproducción de música en el software del ordenador. Esta música se envía luego de vuelta a canales individuales de la mesa de mezclas del DJ para mezclarla como si se tratase de un disco o CD y reproducirla a través del sistema de sonido del club.

La primera opción es más simple. Suele implicar la conexión de una salida de audio del ordenador a una entrada libre de la mesa de mezclas, mediante un par de cables phono (también llamados RCA), y el ajuste de los controles de la mesa de mezclas para ese canal de modo que la música suene fuerte y clara (generalmente, poner el fader de canal entre el 75 por ciento y el máximo, y los controles del ecualizador en posición central, pero esto varía en función de la configuración del sistema de sonido del club).

La segunda opción puede resultar mucho más complicada. Si un club no está preparado para un DJ digital, puede ser necesario desconectar los lectores de CD y giradiscos de la mesa de mezclas para volverlos a conectar a la interfaz de entrada/salida de audio. Si vas a hacer de DJ toda la noche, puedes hacer esto cuando llegues al club y desconectarlos al final de la noche, pero si el club te ha fichado sólo para un par de horas en mitad de una noche de ocho horas, ¡será mucho más complicado ponerse a toquetear la parte posterior de la mesa de mezclas mientras alguien la está utilizando!

A medida que cada vez más DJ se pasan al digital, los clubes compran interfaces de entrada/salida de audio para instalarlas permanentemente en su cabina de DJ y se encargan ellos mismos de todas las conexiones, de manera que lo único que tiene que hacer el DJ es conectar el ordenador a este hardware con un cable USB. Sin embargo, comprueba que el software con el que funciona la interfaz de audio de un club sea el que tú utilizas. Si un club tiene instalada una interfaz de audio Serato Scratch y tú utilizas Traktor, tendrás que mover algunos cables, porque el software y los discos/CD de control Traktor no funcionan con el hardware Serato Scratch.

Cuestión de dinero

El último elemento del que debes hablar con la dirección antes de ir a pinchar tu sesión es el dinero. Lo que puedes cobrar varía en los distintos clubes, noches y lugares. Cuando consigues tus primeros bolos, haces de DJ por amor a la música y por la oportunidad que se te ofrece, no por el beneficio financiero, pero ¡no está de más dejar por escrito cuánto vas a cobrar, y cuándo te va a pagar el club!

Prepararte para la fiesta

Las casas y los salones de los ayuntamientos no están pensados para convertirse en clubes improvisados, así que necesitarás un poco más de investigación para asegurarte de que estás bien preparado para tocar en esos lugares.

Si decides celebrar una fiesta en tu casa para impresionar a tus amigos con tus habilidades, lo único que debe preocuparte son los vecinos, tener hielo suficiente en el congelador y el lugar en el que colocar los equipos. Pero si alquilas una sala para actuar en ella, tienes que pensar en una amplificación adecuada (consulta el capítulo 12), luces y un soporte en el que poner los equipos un poco más sólidos que una mesa de cocina. Si has invitado a doscientas personas, piensa en la seguridad; quizá necesites a unos cuantos tipos grandotes, por si las cosas se desmadran.

Tanto si la fiesta que vas a celebrar es en tu casa como si es en una sala alquilada, la política musical no es un factor que importe, porque eres tú quien decide lo que vas a pinchar. Pero sí tienes que estar a punto para reaccionar a la respuesta de los asistentes a la fiesta. No seas testarudo: no perseveres con música que no le gusta a la gente sólo porque a ti te apetece pincharla.

Si te han contratado para actuar en la fiesta de otra persona —ya sea de cumpleaños, de despedida o de boda—, el cliente puede darte indicaciones previas sobre lo que espera que pinches. Si se trata de alguien que sabe que eres DJ, pero no sabe que estás especializado en drum and bass, quizá sea bueno que se lo digas para que no espere Britney Spears y Beyoncé, sino más bien viejas pistas de Roni Size y Goldie.

A menos que te digan lo contrario, no esperes que el cliente te proporcione nada de equipo. Tendrás suerte si encuentras una mesa sobre la que instalarlo. Así que la organización de una amplificación e iluminación adecuadas depende de ti, y deberás utilizar tus propios equipos de DJ. Visita el local donde te han contratado para actuar con una buena antelación. Alguien que trabaje en él te podrá indicar el lugar más habitual para montar tu cabina de DJ provisional, y cuando veas la sala podrás calcular cuánta amplificación necesitarás.

Prepararte para actuar

Baden Powell tenía razón sobre el valor de la preparación. Cuando sólo falten unas horas para tu sesión, intenta pensar en todo antes de empezar para no encontrarte con grandes sorpresas.

Seleccionar los temas

Después de comentar la política musical del propietario del club o del organizador de la fiesta, te habrás hecho una idea de qué música podrás pinchar en tu sesión. Teniendo esto presente, puedes repasar tu colección o biblioteca y seleccionar los temas que es más probable que pinches esa noche.

Bien; ahora, vuelve a tu colección y selecciona otra vez la misma cantidad de temas. No pasa nada por llevar un montón de música contigo. Si dispones del espacio, úsalo. Echar de menos un tema que no has incluido en tu selección es malo, pero alargar la mano para alcanzar ese tema —que, de otro modo, habrías dejado en casa— y utilizarlo para ganarte a un público difícil sólo puede ser bueno.

Listas de temas predeterminados

Intentar determinar toda la sesión, de principio a fin, antes de llegar al club no es una buena idea. Aunque el propietario del club te haya indicado una política musical que seguir, es necesario que adaptes la música al público de la pista de baile.

Si decides de antemano poner música house ligera durante las dos primeras horas, pero el club está repleto al cabo de una hora, y exige música más energética, tienes la opción de poner otra hora de house (que puede hacer que la gente se aburra y se vaya) o saltar directamente a la música que quieren oír (y empezar a preocuparte por la hora adicional de música que tienes que llenar al final de la noche).

Es una buena idea que medites bien los temas de apertura si estás tomando el relevo a otro DJ. No te obsesiones y pienses sólo en uno o dos temas iniciales. Ten disponibles los temas suficientes para cubrir posibles eventualidades; un tema si la pista está tranquila, otro si la pista está en plena efervescencia y otro si está en una extraña fase intermedia de transición.

Temas de control

Si no te seduce la idea de una sesión totalmente improvisada, pero no quieres fijar una lista establecida de principio a fin, utiliza algunos temas clave en la sesión que puedas utilizar como puntos de control para incrementar la energía y el tempo de la noche. Si los puntos de control son temas que al público le encanta escuchar, puedes utilizarlos como marcadores para ayudarte a planificar tu sesión de principio a fin.

Siempre que practiques lo bastante con tu colección, deberías poder elegir entre un montón de temas para mezclar al entrar y al salir de los temas de control, que a su vez se pueden mezclar con muchos otros buenos temas. No apartes la vista de la pista de baile, intenta calcular cuándo crees que vas a volver a cambiar la energía o el ritmo y avanza hacia el objetivo de poner el siguiente tema clave para llevar la mezcla a otro nivel.

Pero recuerda, en cualquier viaje a veces tienes que tomar un desvío. Incluso con una estructura básica de temas para enlazar tu mezcla, debes seguir siendo flexible y reaccionar al público (consulta la sección “‘Leer’ al público”, en este mismo capítulo).

Organizar tu maleta

No tienes por qué organizar tus temas alfabéticamente o por género si no quieres hacerlo, pero poner un poco de orden en el caos de tu maleta de discos o funda de CD hará que te sea mucho más fácil encontrar esa escurridiza pista cuando más la necesites. Tienes un par de opciones de ordenación:

missing image file  Por género: si vas a ejecutar una sesión que requiere pinchar múltiples géneros musicales, o múltiples subgéneros, agrupar cada uno de ellos en la maleta de discos o en la funda de CD es bastante razonable. Como la mayor parte de estos géneros están ligados a un momento específico de la noche (por ejemplo, rhythm and blues al principio, luego house vocal, luego dance comercial, después trance y finalmente house progresivo), agruparlos hace que sea más manejable ir avanzando en la sesión.

missing image file  Varias maletas/bolsas: si sueles llevar contigo varias maletas o bolsas, asigna una a cada género o nivel de potencia de la noche, dividiéndolas de forma que todos los temas del principio de la noche estén en una caja y los temas de la sesión principal, en otra. De esta forma, no tendrás que revolver dos cajas abarrotadas con ciento veinte discos (o fundas de CD con miles de temas) para buscar una pista específica.

La pereza tiene su valor... ¡por fin!

En lo que se refiere a organizar los temas, soy un DJ bastante perezoso. Los saque de donde los saque, siempre los vuelvo a poner en la parte de delante de la maleta. Pero este método significa que los temas que pincho con más frecuencia están siempre en la parte de delante. Sin embargo, antes de salir para una noche de trabajo, cuando miro qué temas es posible que pinche, pongo los que estoy casi seguro que voy a pinchar en la parte de delante de la caja, después van los que pincharé sólo si creo que el público va a responder a ellos y, detrás de todo, los que únicamente pincharé en caso de emergencia o si la noche está yendo tan bien que puedo pinchar cualquier cosa.

El software de DJ (o incluso tu iPod, si lo utilizas) se toma un montón de trabajo para organizar tus temas. Aparte de que la mayoría del software incluye un práctico cuadro de búsqueda, que te permite acceder instantá neamente a un tema que quieras pinchar, también puedes ordenar tu biblioteca de temas de forma fácil y rápida por artista, género, beats, tiempo por minuto o cualquier otra definición que les hayas asignado.

A mí me gusta asignar una clasificación de potencia a los temas de mi biblioteca digital. Así puedo, por ejemplo, buscar temas de house progresivo que creo que golpearán la pista de baile a toda potencia, o buscar un buen tema trance con un efecto menos notable en la pista para dar un “respiro” a la sesión.

Saber qué esperar en el club

Si llegas pronto al club, podrás planificar adecuadamente la noche y tendrás tiempo para acostumbrarte al equipo, charlar con el personal del bar y el promotor sobre qué clase de noche piensan que será y calmar los nervios que puedan haberte atrapado.

Enfrentarte a los nervios

A menos que seas una piedra, estarás nervioso en tu primera noche de actuación. Si tienes suerte, los nervios pasarán con el tiempo y serán sustituidos por una sensación mágica de emoción. Creo que el momento en que dejas de sentir esa emoción en el estómago antes de actuar, debes reflexionar y preguntarte si te sigue gustando lo que haces o te limitas a hacerlo de forma mecánica.

Puede que sientas la tentación, pero intenta no recurrir al alcohol para superar tus nervios, aunque sea gratis. Es mejor que estés lo más despejado posible mientras actúas. El valor que sacas del alcohol no es valor, sino una simple máscara. Tus nervios se reducirán de todos modos después de unas cuantas buenas mezclas, pero debes ser consciente de la sensación y utilizarla para recordar que lo que haces es importante y que tu miedo de arruinar la noche surge de tu deseo de ser un gran DJ.

Acostumbrarte a tus herramientas

Si puedes, aprovecha para presentarte pronto en el club y pinchar un par de temas para acostumbrarte al equipo. Ya deberías haber investigado la instalación del club (consulta la sección “Evaluar un club”, en este mismo capítulo), pero si acabas de leer en un manual cómo se utiliza determinado equipo de la cabina que nunca habías visto antes, este rato te vendrá genial para resolver las posibles dudas.

Establecer los niveles y la ecualización

Aparte de familiarizarte con el equipo, podrás escuchar qué tal es el sonido en el club y quizá, incluso, cambiarlo a tu gusto. Tienes una larga noche por delante. ¡Si no te gusta el sonido, se te hará muy larga!

Pon un tema que conozcas realmente bien, con todos los controles del ecualizador a las 12 en punto (es lo que se llama la posición plana, en la que no has ampliado ni cortado ninguna parte de ninguna frecuencia). Pon la música alta y sitúate en diversos lugares de la pista de baile. No te limites a quedarte de pie delante de los inmensos altavoces de graves, donde las vibraciones te harán temblar entero; muévete, desde la periferia de la pista hasta el centro y frente a la cabina.

Durante tu recorrido de la pista, escucha el sonido en cada posición. Si las distintas áreas del club están cubiertas por diferentes amplificadores y ecualizadores, pregunta si puedes cambiar los ajustes para lograr el sonido que prefieres. Si sólo hay un amplificador y ecualizador disponible para toda la pista de baile, sitúate en el centro y ajústalos para obtener el mejor sonido en esa posición.

Por desgracia, es probable que el club no te permita hacer ajustes en el sistema de sonido, así que deberás utilizar los ecualizadores de la mesa de mezclas. Esta opción no es la mejor, pero supera a la de que la música suene estridente y sin graves. El tema que utilices para comprobar el sonido debe ser un patrón de referencia. Utilízalo para ajustar los ecualizadores y luego ajusta todo lo demás a esta referencia.

No te olvides de que las personas absorben vibraciones. Las ropas, la piel y los huesos larguiruchos absorben frecuencias de sonido a medida que el club se va llenando. Eso significa que deberás regular la mesa de mezclas para sonar más fuerte a medida que se llene el club, y también que verás que gran parte de las bajas frecuencias desaparecen contra las codiciosas barrigas de la gente.

De vez en cuando (quizá cuando tengas que ir al baño), salta a la pista y escucha durante unos momentos cómo suena la música. Si puedes oír muchas conversaciones en lugar de música, o si te empiezan a pitar los oídos por la sobrecarga de frecuencias medias, da media vuelta y ajusta los ecualizadores o el nivel de salida para que la música suene mejor... y ve al baño durante la siguiente pista.

Ajustar el monitor

Si tienes un monitor en la cabina del DJ, tómate un tiempo para ajustarlo y crear una imagen estéreo virtual entre la música de tus auriculares y la que suena en el monitor (si no tienes ni idea de qué estoy diciendo, consulta el capítulo 14).

Ponte un tapón para el oído (de verdad, te recomiendo encarecidamente que utilices un tapón en el oído del directo —consulta el capítulo 11—) y ajusta el nivel de modo que puedas oírlo todo con claridad pero la música no haga temblar tus tímpanos. He oído hablar de personas que hablan de cansancio de oído; para mí, eso significa que, si pones la música demasiado alta durante demasiado tiempo, descubrirás que concentrarse en la música que te está atronando los oídos es difícil, y corres el riesgo de acabar con daños auditivos permanentes.

Si el club no dispone de monitor, espero que lo descubrieses cuando visitaste el club, y hayas pasado un tiempo aprendiendo a mezclar con la función split cue (si la mesa de mezclas del club la tiene; mira el capítulo 14) o hayas estado practicando mezclar con ambos temas en los dos lados de los auriculares.

Trabajar en un entorno ruidoso

Este trabajo puede ser la primera ocasión en la que pones música a un nivel más alto que el de tu equipo de alta fidelidad doméstico, así que aprovecha la oportunidad de llegar con antelación para acostumbrarte a todas las diferencias que el alto volumen de un club puede ocasionar.

Nada te puede preparar para la sensación de los golpes de ritmo que agitan tu cuerpo al hacer de DJ. Cuando estás en un club como cliente o en la pista de baile, la sensación es genial, pero como DJ, si el ritmo tiene un ligero retraso respecto de lo que oyes a través del monitor o de los auriculares, puede ser que, al principio, esta desincronización te parezca desconcertante.

Pero el directo no sólo tiene inconvenientes. El sistema de sonido de un club puede ser muy indulgente en lo que se refiere a los pequeños errores de beatmatching. Los subgraves más pesados pueden ser tan contundentes que un ligero l’Bum o B’lum (si no sabes de qué estoy hablando, consulta el capítulo 14) queda fácilmente oculto. Con unos buenos auriculares podrás oír este pequeño error de sincronía antes de que nadie de la pista lo oiga.

La música también suena diferente. El sistema de sonido de un club no tiene la alta fidelidad de tus auriculares: los subgraves dominan a veces sobre los graves y las melodías de frecuencias medias, así que notarás que algunas mezclas que no funcionan demasiado bien en CD suenan bien en directo, con la ecualización adecuada o minimizando las discordancias de tonalidad o de melodía; para ver diversos ejemplos, consulta el capítulo 16.

Pinchar tu música

Has investigado, has descubierto y te has preparado hasta que ya te empieza a doler la cabeza. Has sido un DJ educado y has llegado lo más pronto posible (aunque sea sólo para tener la oportunidad de sentarte cómodamente en el baño). Tu noche está a punto de empezar.

“Leer” al público

Si ésta es tu primera noche pinchando para un público al que no conoces, la principal diferencia que percibirás es que tienes que pensar mucho qué temas utilizas para que la gente se quede en la pista de baile.

Con el tiempo te convertirás en un experto en lenguaje corporal, y “leerás” las reacciones del público en la pista de baile cuando alzan los brazos y bailan como si no hubiese mañana, o cuando alzan los brazos porque están hartos...

En primer lugar, piensa en cómo reaccionas tú cuando estás en un club. ¿Qué haces cuando te lo estás pasando bien? Si eres de los que sonríe de oreja a oreja y levanta los brazos con la música dance, o hace headbanging con la música rock, y estás pinchando el tipo de música que ayuda a que quieras hacer precisamente eso, busca ese tipo de respuesta en el público de la pista de baile. Cuando estás aburrido y apático, ¿cómo reaccionas? Mira a los ojos de la gente. Si miran a lo lejos o al suelo, o si bailan sin intención o energía, se han retirado a algún lugar interior en el que son felices y están esperando que algo cambie. Y ese cambio depende de ti.

No bases tus lecturas únicamente en las personas que están frente a ti: mira a la multitud. Si tienes la oportunidad de darte una vuelta, paséate y mira cómo responde la gente a la música. No es bueno ver un rostro apagado. Quince caras apagadas son una patada en el trasero que debería hacer que pasases a pinchar algo mejor.

Pregunta... si te atreves

La relación que has desarrollado con el personal del bar y del guardarropa puede serte muy útil. Son una gran fuente de información sobre cómo lo estás haciendo y qué tal está yendo la noche.

En un club en el que trabajé, el asistente de los aseos sabía todo lo que sucedía. Si las personas que entraban a utilizar las instalaciones se lo estaban pasando bien, en seguida me pasaba esa información, y si oía decir que algo no iba bien con la música, yo lo sabía antes de que fuese demasiado tarde. Nunca antes ni después ha sido tan esclarecedora una visita a los aseos.

Si quieres, puedes simplemente preguntarle al público si están disfrutando de la noche, ya sea personal o colectivamente, por el micrófono. Si lo que recibes es un gruñido colectivo o, peor, un silencio, cambia la música de inmediato. Si consigues ovaciones, gritos y manos en el aire, sigue así: lo estás haciendo bien.

Hacer progresar la sesión

Si los DJ pinchasen el mismo estilo de música toda la noche, las cosas resultarían muy aburridas. Los DJ de dance pueden empezar con música house y acabar poniendo un trance denso y macizo al final de la noche; los DJ de rock pueden empezar con una mezcla de temas antiguos y rock ligero para acabar pinchando música más moderna y dura de bandas con un sonido más heavy.

Hacer de DJ no es participar en una carrera. No vas a ganar nada si pinchas todos los temas más modernos y famosos durante los primeros 30 minutos; se vaciará la pista. Agotarás a la gente, se aburrirán de oír siempre el mismo sonido y, como ya no te queda ningún gran tema, el resto de la sesión les parecerá una sosez. Si recurres a la repetición de temas, ya los habrán oído, así que no estarán tan entusiasmados. Tu luz ha brillado con intensidad, pero su brillo ha sido demasiado breve.

Utiliza los temas de control (consulta la sección “Temas de control”, en este mismo capítulo) para salpicar la sesión de buenos temas y hacerla avanzar en energía y tempo. Pero no decidas cambiar las cosas arbitrariamente y ya está. Estate atento siempre a la reacción de las personas de la pista de baile a la música que pones. Si la pista de baile aún no está muy llena, o el nivel de alcohol aún es bajo, y pones música un poco más heavy, puedes vaciar la pista. O quizá se esté llenando y ya hace un rato que estás pinchando el mismo estilo de música; si no cambias el ritmo pronto, tu sesión puede empezar a sonar tediosa y monótona, y el público puede comenzar a abandonar paulatinamente la pista.

Evalúa el ambiente. Si la reacción de la pista no te basta para saber qué es lo que quiere la gente, pincha poco a poco música más dura o más rápida para ver cómo responden. También puedes reducir el ritmo de vez en cuando o pinchar una pista más antigua para ver a qué tipo de material responde el público, y mantenerte en ese nivel hasta que tus habilidades para “leer” a la gente te revelen que ha llegado el momento de subir (o bajar) de marcha.

Atender las solicitudes

Yo me ocupo de las solicitudes teniendo en cuenta lo siguiente:

missing image file  ¿Iba a pinchar de todos modos el tema que me han pedido? Si es así, no tengo problema en decir que sí cuando alguien me lo pide, y en decir cuándo lo pincharé.

missing image file  La persona que ha hecho la solicitud, ¿ha sido amable y educada? Los modales pueden llevarte lejos. No estoy diciendo que pincharía cualquier cosa mientras me lo pidiesen con la amabilidad suficiente, pero la mala educación hace que sea menos probable que pinche algo. “Por favor” y “gracias” son palabras que cuesta muy poco decir, y pueden hacerte llegar muy lejos en este mundo.

No importa lo que tengas en cuenta cuando una persona te pida un tema (y eso incluye si esa persona es guapa), recuerda que ha gastado dinero para entrar en el club y espera que la diviertan, así que, al menos, si la defraudas, hazlo con delicadeza.

Si no quieres pinchar el tema que alguien te ha pedido, bien porque no lo tienes o porque no es el momento adecuado para ese tema, dile lo siguiente, según si quieres que la persona siga guardando esperanzas o no:

missing image file  “Me lo he dejado en casa... Lo siento”.

missing image file  “Voy a echar una mirada, pero creo que me lo he dejado en casa... Lo siento”.

Solicitudes cuando eres el warm-up DJ

La sesión de warm-up puede ser un momento difícil para las solicitudes. El propietario/promotor te ha dicho que pongas temas ligeros conocidos por todo el mundo, no demasiado duros y tampoco las pistas más recientes y famosas. En mitad de la sesión, un par de personas te piden que pongas los temas más famosos del momento, o, como una vez me “pidió” alguien: “Pincha algo más duro para que pueda bailar; esto es una basura”.

Esto comporta un par de problemas. El sitio no está lleno ni de lejos y el promotor te ha advertido que no pongas esos temas, pero se trata de un cliente y ha pagado para que le diviertas. Esta situación es el motivo por el que destaco la importancia de hablar con el propietario o promotor cuando te ofrecen el trabajo: allanar estos posibles conflictos (consulta la sección “Cuando eres el warm-up DJ”). Quizá es por eso exactamente por lo que el club tiene una política musical: para librarse del tipo de gente que lo único que quieren es bailar y dar botes a toda marcha en una pista de baile vacía.

Solicitudes cuando eres el DJ principal

Si pinchas la sesión principal en un club, no sufres restricción alguna sobre lo que puedes poner. Las solicitudes se convierten en un problema cuando te piden un tema que no te gusta, que no tienes o que no es apropiado para ese momento de la noche.

Esta situación puede surgir cuando alguien no se ha enterado del tipo de club en el que se ha metido. Me alucina la cantidad de veces que me han pedido un tema rhythm and blues en un club de trance, aunque generalmente la solicitud viene precedida por “Han sido mis amigos los que me han hecho venir aquí y no me gusta esta música, así que...”.

A veces, los porteros y los encargados de la iluminación intervienen y asumen el papel de mediadores para pasar solicitudes. Esta opción te ahorra meterte en una discusión de 3 minutos con alguien acerca de un tema que no quieres poner y perderte así la mezcla siguiente.

Solicitudes como DJ de fiesta

Como DJ de club, dispones de cierta licencia para decir que no a las personas que te piden temas: si has conseguido el trabajo es porque tienes mayores conocimientos musicales. Pero, como DJ de fiesta, tienes que dar la imagen de estar a disposición de las personas para las que actúas, tanto si aceptas sus solicitudes como si no.

Sin embargo, puede haber determinadas ocasiones en las que tendrás que decir que no a una solicitud si no tienes esa canción en particular o si no funcionaría bien en absoluto.

Si estás trabajando en una boda y la pista está llena de abuelos, pinchar el último gangsta rap o tema de nu metal puede ser un error. O bien, si eres DJ de rock y a todo el mundo le está encantando la sesión de los ochenta de Bon Jovi y Van Halen que estás poniendo, aceptar una solicitud para pinchar White Zombie podría no ser la mejor decisión de la noche.

No te castigues demasiado

Como DJ, tienes en las manos el control de la noche, y eso significa un montón de presión. Esta presión puede hacer que te pongas nervioso, y esto puede convertirse en pánico si las cosas empiezan a ir mal. En tu habitación no importa que cometas un error, porque puedes volver a iniciar la mezcla y nadie se enterará. En un club, en cambio, un error significa mucho más.

Si tu última mezcla ha sido un desastre, no está mal que te juzgues con dureza, porque eres un perfeccionista y deberías haberlo hecho mejor, pero no dejes que un error arruine el resto de la sesión. No todo el mundo oye los errores, por graves que sean. La mayor parte de gente no está tan conectada a la música como tú, o se lo están pasando tan bien que les da igual. Observa las reacciones: si la gente de la pista empieza a cantar “¡Que echen al DJ!”, sabrás que la has pifiado, pero si siguen sonriendo y bailando, no te vayas a deprimir por algo que, finalmente, no ha tenido importancia.

Tomarle el relevo a alguien

La vida de los warm-up DJ es dura: llegan, actúan 90 minutos para que el público se ponga a tono y el siguiente DJ los aparta y termina lo que ellos han empezado. Cuando seas tú el que aparta, haz una pausa y presta atención a lo que estaba pasando antes de que entrases en la cabina del DJ.

Procura llegar al club al menos 15 minutos antes de empezar para poder escuchar el final de la sesión del warm-up DJ. Este rato te ofrece la oportunidad de evaluar la respuesta del público a la música, y también evita el riesgo de que repitas un tema que acaba de sonar. Pregúntale al warm-up DJ acerca de la reacción del público a la música que ha pinchado y cómo cree que va la noche, según su experiencia hasta ese momento.

Comprobar los equipos

Comprobar los equipos es algo extremadamente importante. Observa lo que está utilizando el DJ. Si sólo pone CD y tú estás a punto de usar los giradiscos, compruébalos rápidamente, así como los ajustes de la mesa de mezclas, para asegurarte de que el DJ anterior no haya desconectado, averiado o apagado algún equipo que acabe por causarte problemas.

Observa también cómo está mezclando el DJ. Si sólo utiliza los faders de canal, fíjate en el cross-fader. Si la mesa de mezclas tiene interruptores configurables, quizá el DJ haya apagado el cross-fader para que no controle la mezcla.

Una cacofonía de sonido

La primera vez que actué en directo, el warm-up DJ que me precedía había desconectado el cross-fader y había utilizado únicamente los faders de canal. El problema fue que me olvidé de volver a conectar el cross-fader y, como tenía que mezclar con los auriculares en ambas orejas porque no había monitor en la cabina del DJ, la cosa acabó en desastre. Me puse los auriculares, ajusté el nivel de entrada para ambos canales, pulse los interruptores de cue para que ambos temas sonasen en mis auriculares y luego subí el fader de canal al máximo y moví lentamente el cross-fader de izquierda a derecha.

Como tenía las dos orejas cubiertas por los auriculares, no me di cuenta de que, al subir el fader de canal, el tema nuevo se solapó a todo volumen encima del otro y, cuando moví el cross-fader de izquierda a derecha, no pasó nada; ambos temas siguieron sonando uno sobre el otro a todo volumen.

Me quité los auriculares y, tras un breve momento de pánico por el terrible ruido que salía de los altavoces, me resultó obvio lo que había sucedido. Di un golpe al fader de canal del tema saliente para ponerlo a cero y bajé la mirada, avergonzado. Pero he aquí la lección: ¡nadie más lo había notado! No podía creerlo.

Evaluar el ambiente

Utiliza tus habilidades con el lenguaje corporal para juzgar el humor del público antes de decidir cómo dar comienzo a tu sesión. Si el club está lleno, cargado de energía acumulada y el warm-up DJ ha recibido un montón de solicitudes de temas más animados, aprovecha la situación y cambia en seguida la música ligera, de precalentamiento, por algo mucho más nuevo, duro y rápido. Ese cambio dará un impulso instantáneo al público. Pero debes tener cuidado de no consumir toda tu sesión intentando que el público se anime, no vaya a ser que te quedes sin temas que pinchar.

Si la gente aún se acerca a la pista tímidamente, haz el cambio de música de una forma algo más gradual. Puedes empezar a ir más allá de lo que ha pinchado el DJ anterior, para dar una sensación de energía y entusiasmo inminentes, pero hazlo gradualmente para que el público se quede en la pista.

Jugar con la inercia

Si le tomas el relevo a alguien que ya ha pinchado temas rápidos y potentes, tienes la opción de salir del último tema del DJ con una mezcla suave y uniforme, anunciar tu llegada con un cambio de tempo/género/tonalidad/volumen o probar con algo como un dead stop, spinback o power off si estás realmente empeñado en que la gente se entere de que has tomado el relevo (para más información sobre estas técnicas, consulta los capítulos 16 y 17).

Pinchar demasiado, demasiado pronto

Aunque no siempre es un error, pinchar un tema realmente contundente con sólo 20 personas en la pista de baile, es una jugada peligrosa. Oí hablar de un DJ que cometió un terrible error cuando el warm-up DJ estaba aún poniendo house vocal ligero mientras la pista de baile se iba llenando poco a poco. En lugar de persuadir suavemente a más personas para acercarse a la pista con un aumento suave de la velocidad y la energía, el nuevo DJ probó con un cambio instantáneo con un tema clásico: Born Slippy, de Underworld. Es un gran tema en el momento oportuno, pero justo después de un house ligero y musical, el cambio fue excesivo, y las veinte personas que había en la pista de baile la abandonaron rápidamente, dejando una pista vacía y desolada para que el DJ tuviese un buen ataque de pánico.

Lo que yo prefiero hacer es poner una pista básica, de sonido simple. Algo con sólo batería y una potente melodía offbeat de bajo en un tema de ritmo frenético puede ser una buena forma de cambiar la potencia sin cambiar el tempo (como se describe en el capítulo 16, de un ta-ti solo offbeat en un ta-fi-ti-ti). Después, durante mi propio tiempo, puedo hacer que la sesión vuelva a ser más sólida sin tener que seguir con el sonido del otro DJ, del que el público pronto se cansará.

También puedes ser un poco más descarado y gradualmente, durante los dos últimos minutos de la última pista del warm-up DJ, bajar ligeramente el volumen. Entonces, cuando pinches tu potente tema inicial al mismo volumen al que estaba sonando la sesión de warm-up, parecerá de hecho como si realmente le hubieses dado un buen impulso al sistema de sonido al principio de tu sesión.

Cambiar la música

Una de las cosas más interesantes que he hecho nunca es tomarle el relevo a un DJ de heavy metal. ¡Cambiar de Iron Maiden a David Morales no es algo que salga de forma natural! Utilicé un simple fade out e inicié instantáneamente el tema siguiente, una mezcla que no es especialmente difícil, pero es importante elegir el tema adecuado para empezar. El tema que yo elegí, Needin’ U, de David Morales, era un tema sencillo y reconocible, con la línea de bajo offbeat de la que he hablado en la sección anterior, y la cosa funcionó muy bien.

Rematar la noche

Después de una buena noche en la cabina del DJ, poner el último tema y dejar que se termine puede ser duro; lo que quieres es seguir pinchando toda la noche. Reflexiona un poco sobre cómo quieres terminar tu sesión como una hora antes de terminarla.

El remate de la sesión lo determina cómo de lleno está el club. Si el club sigue abarrotado, sigue poniendo grandes temas hasta el final, e intenta terminar con el mejor tema que se te ocurra. A mí me solía encantar terminar con Believer, de BT, porque es una pista muy musical y enérgica que acaba con el verso “I’m a believer...” fundiéndose con el silencio. Esto es mucho mejor que un simple fade out de batería, o un tema que va gimoteando hasta que deja de oírse.

Algunos clubes te pedirán que, hacia el final de la noche o cuando la pista de baile empiece a vaciarse, vayas reduciendo la energía y el ritmo de la música, para que el público no salga del club en un estado de hiperactividad. Yo creo que eso quita valor al club y a los clientes; a las personas que están allí de principio a fin se les debe dar la mejor música posible.

Respeta los permisos del club en el que actúas; no querrás que pierdan su licencia porque te has empeñado en pinchar una pista más. Por mucho que el público te pida a gritos una más, no tomes la ley por tu cuenta y pongas otro tema. ¡Ésa es la forma segura de que el club no te diga que vuelvas la próxima semana! De todos modos, el propietario o promotor probablemente se te acerque al final de la noche para asegurarse de que te pares, así que no fuerces tu suerte.

Lo último que tendrás que hacer al terminar la noche es recoger todos tus temas (y los equipos que hayas traído), desconectar lo que hayas usado para grabar la sesión —en su caso—, guardarlo todo en lugar seguro ¡y buscar a la persona que tiene tu dinero!

Si trabajas a través de una agencia, ellos son los que se encargan de tus honorarios, así que no tienes más que despedirte y marcharte sabiendo que has completado otra noche de éxito. En caso contrario, tendrás que jugar a lo que yo llamo seguir la pista al hombre del dinero. Quizá tengas que buscarlo en lugares extraños, pero acabarás encontrando a la persona que paga. A menos que tengas algo mejor que hacer, que no te pierdan de vista hasta que no te paguen. Por completo.

Mientras estás aún en el club, cambia unas palabras con el personal del bar y el del guardarropa para averiguar cómo creen que ha ido la noche. Escucha siempre las opiniones de los demás. Si dicen algo con lo que no estás de acuerdo, no pasa nada, pero recuérdalo y ten cuidado con ello la próxima vez, en el improbable caso de que sepan más que tú.

En esta parte...

Los decálogos son una parte habitual de todos los libros Para Dummies. ¡Estos capítulos, breves y vivaces, son los más divertidos!

Desde cómo ir al baño en mitad de una sesión hasta cómo encontrar más información sobre DJ, las perlas de información de los últimos capítulos de este libro no son la guinda del pastel, ¡sino más bien el cuchillo con el que cortarlo!

Capítulo 22

Diez recursos para incrementar tus habilidades y tus fans

En este capítulo:

Saber adónde dirigirte para obtener más información.

Descubrir a qué tipo de clases de formación puedes acceder.

Exponerte a ti mismo (musicalmente).

Las habilidades que estás desarrollando son las sólidas bases que te permitirán convertirte en un buen DJ. Por desgracia, no puedes dormirte en los laureles. Tus habilidades y tu reputación necesitan un refuerzo constante, y los diez recursos siguientes te mantendrán en primera línea y ampliarán tu reputación, de manera que la gente sabrá quién eres cuando actúes y te buscarán.

Tu sed de conocimientos no debe saciarse nunca. En el momento en que crees que ya lo sabes todo, empiezas a avanzar hacia atrás. Mantente al día de los nuevos equipos y tecnologías, presta atención a la escena de la música para enterarte de los cambios en los gustos musicales y comparte tanta información como puedas con otros DJ.

Mantenerte al día con los medios de comunicación

La televisión, la radio, los DVD, las revistas e Internet son recursos increíbles para tu desarrollo como DJ.

Las revistas (y sus sitios web correspondientes) dedicadas a la cultura, equipos y música de DJ te mantendrán siempre a la última. Las críticas musicales y las listas de éxitos de DJ de las revistas charts pueden ofrecerte una información muy valiosa, si confías en la opinión del DJ o del crítico, y te mantienen por delante de los DJ que creen que basta con pasarse por un club una vez al mes.

Yo estoy en la lista de correo de una revista dedicada a noticias sobre la apertura de nuevos clubes, nuevas instalaciones de sonido y toda la información jugosa que sólo llega a tus oídos dos meses más tarde. Si te enteras de que se prevé abrir un nuevo club en tu zona antes que los otros DJ, puedes aprovechar la ventaja y enviar una demo a los promotores antes de que el resto de DJ lo sepan.

Los programas de radio son una forma genial de oír música nueva. La mayor parte de ellos anuncian regularmente las pistas que emiten (o tienen un sitio web con una lista de temas que se va actualizando). BBC Radio 1 es un recurso increíble de nueva música. Si vives fuera de Gran Bretaña, puedes acceder a www.bbc.co.uk/radio1 (en inglés); casi todas las noches ponen la mejor música nueva de diversos géneros.

Los programas de televisión en los que se entrevista a DJ que pinchan la música que te gusta presentan equipos, acontecimientos culturales y críticas sobre los clubes que pinchan la música que te gusta, y pueden ofrecerte pistas sobre cómo progresar en un mercado ultracompetitivo.

Los DVD y vídeos que te enseñan técnicas de DJ pueden ser de gran ayuda. A veces necesitas ver una técnica para entenderla del todo (por eso mi sitio web, www.recess.co.uk [en inglés], contiene clips de vídeo para la mayoría de las técnicas). Los vídeos inspiradores en línea de tus DJ favoritos (puedes hacer una búsqueda en www.youtube.com) pueden darte alas y alentar tu decisión de convertirte en DJ, aparte de mostrarte gran cantidad de habilidades nuevas.

Visitar sitios web de asesoramiento a DJ

Hace diez años, Internet contenía escasa información sobre DJ, con sólo un par de sitios web que trataban de dar pistas sobre cómo llegar a serlo.

Desde entonces han surgido numerosos sitios con distintas formas de explicar la labor del DJ. Aparte de mi propio sitio web (www.recess.co.uk [en inglés]), los mejores sitios de Internet para mezclas de club son www.djmandrick.com (en inglés), un gran sitio sobre técnicas de beatmatching, www.djprince.no (en inglés), para hallar información increíblemente detallada sobre mezcla armónica, y www.i-dj.co.uk (en inglés), el sitio web de la revista International DJ, que te mantiene al día de la escena musical y de los nuevos equipos.

Obtener respuestas en los foros de DJ

Los foros de DJ son un lugar ideal para formular preguntas que te inquietan, aparte de una forma fantástica de introducirte en una comunidad que escuche tus mezclas y opine sobre ellas —a veces a lo bestia— para ayudarte en tu desarrollo. Invéntate un alias o nickname (mejor que sea anónimo, para poder plantear preguntas embarazosas sin temer al ridículo) y visita foros como:

missing image file  www.djforums.com/forums (en inglés): una inmensa comunidad con recomendaciones sobre técnica, una sección de anuncios clasificados, envío de mezclas, consejos para DJ móviles, etc.

missing image file  www.i-dj.co.uk/discussion (en inglés): éste es el foro de la revista I-DJ, que contiene montones de subsecciones y muchísimos miembros que te pueden echar una mano. Casi todas las revistas tienen su propio foro, así que consulta la página de tu revista favorita para ver si tiene una comunidad a la que te gustaría unirte.

missing image file  www.tranceaddict.com/forums (en inglés): una comunidad amable y divertida, no sólo para fans del trance, con un gran hilo al que los DJ pueden enviar imágenes de sus propios equipos. Humor, consejos y asesoramiento se unen en este sitio.

missing image file  www.djchat.com/boards (en inglés): los foros que he mencionado antes son sobre todo para el DJ de música de club/dance electrónica. DJChat.com tiene decenas de miles de miembros, pero lo más importante es que trata con DJ de todo tipo, desde country hasta rock cristiano, pasando por karaoke y música latina.

La mayor parte de los usuarios de los foros son amables y están dispuestos a ayudar, pero para minimizar el flaming (abuso), intenta enviar tus mensajes a la sección correcta y sé educado; haz también una búsqueda rápida por si alguien ya ha formulado tu pregunta.

Me encontrarás en cualquiera de los foros anteriores como Recess o DJ Recess, o en el foro de mi propio sitio web (www.djrecess.co.uk/php [en inglés]).

Otros foros que puedes consultar en español son:

missing image file  www.djsmusic.es/foro

missing image file  www.forodjs.com

missing image file  www.foro-dj.foroactivo.com

missing image file  www.sonidodance.com

missing image file  www.lacasadelosdjs.com/foro.html

Leer otros libros

Me duele en el alma que pienses siquiera en leer otros libros sobre DJ después de éste...

Ahora en serio, de los otros libros sobre el tema de DJ que hay en el mercado, el mejor con diferencia, en mi opinión, es How to Be a DJ de Chuck Fresh (editado en inglés por Premier Press). El libro trata todos los aspectos de cómo convertirse en DJ, y está dirigido a todo tipo de DJ, desde el DJ de bodas hasta el de club, pasando por el de radio. Pero lo mejor es cómo está escrito: Chuck es muy cordial, no te trata con condescendencia y no se pasa el rato soltando tacos y tratando de ser guay.

Ten cuidado con algunos de los libros electrónicos y guías que encontrarás en las contraportadas de las revistas de DJ o en línea. Aunque muchos de ellos son genuinos y muy útiles, otros son una pérdida total de tiempo y dinero o, como he visto alguna vez, ¡son plagios de mi sitio web! Para asegurarte sobre alguna guía en particular, envía un mensaje en un foro de DJ (la sección anterior contiene ideas sobre adónde dirigirte).

Obtener consejos prácticos

Si tienes el dinero suficiente y quieres consejos prácticos sobre todos los aspectos del mundo del DJ, las academias con sitios web en inglés como DJ Academy (www.djacademy.org.uk), SubBass DJ Academy (www.subbassdj.com) y Point Blank Music College (www.pointblanklon don.com) en el Reino Unido, o Norcal DJMPA (www.norcaldjmpa.com) y Scratch DJ (www.scratch.com) en Estados Unidos, son las más populares. Como los cursos cuestan dinero (que sale de tu propio bolsillo), investiga un poco un curso antes de inscribirte en él, para asegurarte de que el dinero que te gastes será bien empleado y no un derroche inútil.

La universidad y los centros de educación superior se han dado cuenta también de que hay un camino abierto para formar DJ, con la creación del curso National Certificate in Music Technology, DJ & Mixing en el Reino Unido. Con temas como beatmatching, scratching, producción en estudio, tecnología informática, creación de sonido y muchos más, estos cursos, como las academias de DJ privadas, pueden enseñarte mucho acerca del mundo del DJ y las industrias relacionadas, pero tienen el valor añadido de hacer que tu madre tenga que callarse, porque puedes decirle que estás en la universidad, formándote.

La ventaja de la instrucción formal es que dispones de forma continua de alguien que te corrige cuando haces algo mal, que te obliga a practicar (en vez de dejarlo todo para irte a jugar con la Xbox) y, lo principal, alguien a quien puedes consultar cuando no estés seguro de qué hacer.

Comprueba también los recursos en tu zona. Quizá un DJ local experimentado quiera compartir sus conocimientos con otras personas. Esto es algo que yo mismo hago ocasionalmente, porque es siempre genial conocer y ayudar a nuevos DJ.

Los cursos pueden enseñarte la mecánica de la mezcla, y ofrecerte información sobre otros aspectos del trabajo del DJ (producción de sonido, contabilidad, promoción, etc.), pero lo que no te pueden enseñar es a ser DJ, en un sentido más esotérico. ¿Que qué quiero decir con esotérico? Que, en parte, desarrollas y absorbes tus conocimientos de DJ no por el proceso de que alguien te diga qué hacer, sino pasando tiempo practicando; mediante experiencia, confianza, fracaso, prueba y error; y, simplemente, escuchando tus temas. Aunque sigas un curso, seguirás necesitando la misma cantidad de tiempo de práctica y desarrollo para hacer florecer tu talento y convertirte en un gran DJ.

Escuchar las mezclas de otros

Cuando escuchas distintos géneros y diferentes DJ por la radio, por Internet o en un club, abres los ojos a diversas técnicas. No importa lo buena o mala que sea la actuación, siempre se saca algo de escuchar cualquier tipo de mezcla, como por ejemplo música que nunca habías oído.

Escuchar una mala mezcla es igual de útil que escuchar una buena. Si eres capaz de reconocer lo que hace que una mala mezcla sea mala, podrás estar atento a los mismos detalles en tus propias mezclas (mala selección de temas, beatmatching deficiente y control descuidado del volumen o del ecualizador) e impedir esos problemas en ellas.

Participar en competiciones

Puedes entregar todas las demos que quieras, pero a veces necesitarás algún recurso adicional para hacer correr la voz de tu destreza como DJ. Presta atención a las revistas, a Internet y a lo que se organiza en tu área local para ver si hay concursos o campeonatos de DJ, que te ofrecen la oportunidad perfecta para exhibir tus habilidades.

Debido a su misma naturaleza, es bastante complicado hacer una competición decente de DJ de club que no se convierta en una competición de cuántos temas eres capaz de pinchar en el plazo de 15 minutos. Sin embargo, las competiciones de Bedroom DJ (DJ de dormitorio) invitan a DJ desconocidos a que envíen una mezcla de larga duración, y son una vía potente para impulsar la carrera de un DJ.

Para los DJ de scratching, la mejor oportunidad para exhibir tus fantásticas habilidades son los DMC Scratching Championships. Te enfrentarás a una competencia realmente difícil, pero lo más probable es que la experiencia y la oportunidad de conocer a DJ de alto nivel mejore tus perspectivas profesionales.

Si no te ves capaz de enfrentarte a una competición o al rechazo de no llegar a la fase final de un concurso de una revista, busca clubes y bares que tengan una noche de cabina abierta, en la que los DJ disponen de períodos de media hora para pinchar música e impresionar al público de la pista. Si eres bueno, te harás notar.

Ser el anfitrión de tu propia noche

Si no puedes encontrar a nadie que te deje trabajar un viernes por la noche en su club, la solución es simple: organiza tu propia noche. Quizá debas conformarte con una sala de actos municipal en alguna parte, o con un martes por la noche en un club de mala muerte, pero si puedes conseguir que acudan suficientes personas a una noche organizada por ti, si la organizas bien y se convierte en un éxito total (¡es decir, que viene un montón de gente y nadie se hace daño!), la voz correrá y es posible que un cazatalentos te “cace” (en el buen sentido). Incluso aunque la noche no genere el interés directo del propietario o el promotor de un club, dispondrás de un sólido apartado en tu currículum de DJ para mostrar que eres una persona motivada y que tus intenciones de convertirte en DJ son serias.

La clave está en la promoción. Intenta que vayan el máximo número de amigos, y de amigos de amigos. Si puedes repartirte la noche con otro DJ, mucho mejor: eso quiere decir que irán al club dos grupos de amigos. Reparte flyers (sin ensuciar el suelo y sin que te multen), pásate por unos cuantos pubs para decirles a más personas que vayan, abre una página en Internet para promocionar el evento y, en general, haz todo lo que puedas para intentar que acuda el máximo de gente posible.

Asegúrate de que todo el mundo sepa qué tipo de música pueden esperar oír, intenta invitar a un grupo de personas que se queden bailando en la pista pinches lo que pinches y, sobre todo, no te olvides de “leer” al público y poner la música que quieren escuchar. Si te limitas a pinchar tu sesión toda la noche y no haces lo posible por entretener a las personas que han venido a verte y a oírte, la próxima vez que actúes la cifra de asistentes se hundirá espectacularmente.

Las discotecas para menores de edad o las fiestas en salas de actos de Boy Scouts o municipales son una buena idea, pero pueden suponer montones de problemas logísticos. Con mucha frecuencia, esos problemas tienen que ver con el alcohol y la seguridad, así que ten cuidado si tienes pensado organizar una noche sin el apoyo de profesionales; asegúrate de que estás del lado de la ley.

Subir a Internet podcasts o mezclas

A medida que el espacio de disco y el ancho de banda se abaratan, cada vez más sitios web (como www.djpassion.co.uk, www.djmixtape.net y www.mydjspace.net [todos en inglés], por mencionar sólo tres de los centenares disponibles) te ofrecen la oportunidad de subir y promocionar tu sesión para que cualquier persona del mundo la pueda descargar (y, a veces, juzgar).

Encontrarás muchos directorios de podcasts en la red, desde iTunes hasta www.podcast.com.es. Cada uno de ellos tiene requisitos ligeramente distintos para subir y configurar el podcast, así que te recomiendo que visites el sitio web del directorio que quieras utilizar y sigas sus tutoriales para poner a punto tu podcast.

Sumergirte en lo que realmente te gusta

El recurso más obvio para tu desarrollo es visitar los clubes que más te gustan. De la misma forma que escuchar todas las mezclas que puedas te ayudará en tu aprendizaje, también lo hará acudir al máximo de clubes posible. Los clubes con música de géneros que no sean el que tú pinchas pueden enseñarte mucho, pero tu mejor opción es ir a establecimientos en los que se pone la música que te gusta.

Divídete en dos. Como DJ, absorbe lo que está sucediendo, reconoce el trabajo (bueno o malo) del DJ con el público y saca todo el provecho que puedas de un buen DJ, incorporando lo bueno en tus propias habilidades. Pero no olvides pasar tiempo en la pista de baile, como cualquier otro clubber. Baila como loco, siente la música, deja que los bajos fluyan por tu cuerpo y no dejes de sonreír ni un momento.

Es lo que quieres provocar en tu público; experimenta y reconoce una buena noche estando en la pista de baile, y luego identifícate con el público en tu próxima actuación en directo.

Capítulo 23

Diez respuestas a preguntas sobre DJ que no te atreves a preguntar

En este capítulo:

Dejar tu puesto y mantener la calma.

Modificar el ambiente personalizando la música y la iluminación.

Causar una buena impresión: elegir tu nombre de DJ y vestirte para el éxito.

En este capítulo se tratan diversas preguntas frecuentes. Las diez preguntas siguientes son las que me han formulado con vergüenza más veces en la última década; aunque en este libro doy respuesta a muchas preguntas, este puñado no tiene cabida en ningún otro lugar, y son perfectas para uno de los capítulos de los Decálogos.

Según qué clase de DJ seas y dónde actúes, las preguntas siguientes pueden tener diferentes respuestas. Si es posible, divido la respuesta entre DJ de club y DJ de fiestas (que abarca bodas, fiestas, boleras o cualquier lugar donde lo que importe sea la diversión y el entretenimiento).

¿Es necesario que hable?

¿Tienes que dirigirte a tu público mientras haces de DJ? Ésa es una muy buena pregunta. Generalmente aquellos que se hacen DJ es porque les gusta la música y les encanta mezclarla, pero muchos de ellos no se imaginan que en algún momento tendrán que usar un micrófono y dirigirse al público. En resumen: sí, es necesario que hables.

La mecánica del uso de un micrófono es bastante simple. Sitúalo muy cerca de tu boca y baja el fader de canal de la música que esté sonando en ese momento para que se te oiga. Cuando no estés hablando, aparta el micrófono de la boca (para que el público no te oiga respirar a 100 decibelios) y sube el fader de canal a su posición normal. En una frase quizá subas y bajes el fader muchas veces, pero si lo haces con rapidez y confianza, no pasa nada.

Puede que tu mesa de mezclas incluya un botón de talk-over que hace la misma función. Pero la caída de volumen de la música puede ser un poco brusca, de manera que, si el sonido no es bueno, olvídate del botón y utiliza los faders de canal.

Si quieres que una noche de fiesta o una celebración de boda salgan bien, acostúmbrate a hablar a las personas de la pista de baile. Quizá te pidan que presentes a los novios, o que anuncies que el bufet está abierto, así que, cuando hables por el micrófono, tienes que hacerlo con comodidad, claridad y confianza. Si eres una persona tímida, actúa y pon tu mejor voz de DJ. Si crees que tu voz es un poco sosa, añádele una cierta inflexión de DJ radiofónico cuando hables a los asistentes. Quizá esto te suene un poco forzado, pero a ellos les dará igual (y, seamos sinceros, probablemente no te prestarán mucha atención). A nadie le gustará que anuncies el bufet con una voz nerviosa, ¡o se preguntarán si has hecho algo con la ensalada de patata!

¿Qué ropa debo llevar?

Si eres un DJ de club, la cuestión de la indumentaria tiene fácil respuesta: guíate por el código de vestido del club en el que actúas, pero elige la versión cómoda de ese código. Cuando actúo como DJ, yo suelo llevar una camiseta negra, pantalones vaqueros beige y zapatos Timberland. Con la camiseta estoy fresco y cómodo en una cabina de DJ en la que hace calor, y el color de los vaqueros suele ajustarse a las restricciones de la mayoría de los clubes. Si vas a encargarte de toda la sesión y necesitas estar seis horas de pie, elige unos zapatos cómodos.

Los DJ famosos pueden llevar lo que les apetezca. Sin embargo, al convertirse en iconos, su sentido de la moda puede ser sometido al escrutinio público, así que es de esperar que sus camisetas negras sean de alguna marca prestigiosa.

Si eres DJ de bodas, recuerda que todas las demás personas de la boda se han esmerado con su aspecto. No estoy diciendo que te presentes con traje, esmoquin o kilt (aunque esto último probablemente causaría sensación), pero ve elegante, con una camisa y unos pantalones bien planchados.

Probablemente estés cobrando mucho dinero por tus servicios, y el motivo por el que puedes hacerlo es porque eres un DJ profesional. Sé profesional y vístete con elegancia y una sonrisa.

¿Cómo lo hago para ir al baño?

Rápido.

Si puedes, intenta ir con antelación. Si estás nervioso, quizá no hagas más que ir y volver del baño de todos modos, pero intenta que tus visitas sean rápidas y no te estés demasiado tiempo sentado (ya sabes a lo que me refiero).

Si eres un DJ de club y tienes una necesidad perentoria, pon un disco largo, pídele a un amigo de confianza o a un portero que se quede junto a los platos y ve y vuelve lo más de prisa que puedas. Cuando digo “de confianza”, me refiero a alguien que no piense que puede sustituirte mientras no estás.

Sin embargo, si eres DJ de bodas, lo más probable es que estés solo. Si la presión aumenta, por así decirlo, intenta aguantar hasta la pausa del bufet (si es que la hay). Si no puedes, hazte amigo rápidamente de un camarero o de un chico/chica de quien creas que puedes fiarte para que cuide de tus platos, o simplemente sal corriendo y vuelve tan de prisa como puedas.

Pero recuerda: ¡siempre hay tiempo suficiente para lavarse las manos!

No importa qué tipo de DJ seas: el tema que pongas para cubrir tu necesaria pausa es importante. Tiene que ser lo bastante largo para cubrir tu ausencia, con poca probabilidad de ponerse a saltar mientras no estás y no ser demasiado repetitivo (para que el público no se aburra).

El peor de los casos, para los chicos, implica mear en una botella de cerveza. No es agradable.

¿Puedo invitar a mis amigos a la cabina del DJ?

Invitar a tus amigos a la cabina del DJ depende en gran medida del lugar en el que estés trabajando. Si te llevas a tu chico/chica a una fiesta como ayudante de DJ para facilitarte la vida yendo a buscar bebidas y tomando nota de las solicitudes, probablemente sea una buena idea. Si estás en un club y tu media naranja se sienta detrás de ti en la cabina, con cara de pocos amigos, ocupando espacio y obstaculizando el paso, puede que el encargado del club acabe por decirle que salga de la cabina.

Tus amigos querrán únicamente divertirse en la cabina, y es probable que acaben haciendo saltar la aguja del disco o pulsando Stop en el lector de CD, sólo por hacer la bromita. Si has conseguido que tus amigos entren en el club gratis, hazles pagar su entrada manteniéndolos en la pista la mayor parte del tiempo, pasándoselo bien y haciendo que la noche parezca un éxito absoluto.

¿Cómo puedo quitar el ritmo, o la voz, de un tema?

Eliminar por completo el ritmo o las voces de una pista es una cuestión peliaguda. Actualmente, para un tema entero, no se puede. A veces se pueden eliminar suficientes frecuencias de un sample (un fragmento pequeño) de música de forma que suene lo bastante limpio como para superponerlo a otra cosa.

Un amigo mío, de una banda llamada Pacifica, hizo esto con el gancho vocal “Ooo ooo – aa aa” de Heart of Glass, de Blondie. Por desgracia, incluso la parte con el sonido más limpio de Heart of Glass tiene superpuesta una batería y una melodía de bajo. Con tiempo, paciencia y un buen ingeniero que utilizó compresores, expansores, filtros, ecualizadores y un poco de magia negra, mi amigo logró limpiar el sample para utilizarlo en la canción.

Otro método consiste en utilizar software de ordenador para aprovechar las características estéreo de la música para aislar las voces, y luego eliminar únicamente las frecuencias innecesarias para “limpiar” el sonido. Aún no es una ciencia perfecta, pero va mejorando.

Cuando se graba música, el procedimiento estándar es que los instrumentos se desplazan a la izquierda y a la derecha para crear una señal estéreo, pero las voces permanecen centradas. El software de ordenador es capaz de separar una cosa de otra y eliminar todo lo que esté en posición central (las voces), dejando sólo la información estéreo de la música, o viceversa.

Este método funciona mejor en algunos temas que en otros y, como todo lo demás en el mundo del DJ, se requiere mucho tiempo y práctica para hacerlo correctamente.

Los peligros de estos dos métodos es que los sonidos estéreo y mono y las frecuencias de audio están mezclados entre sí en toda la duración del tema. Por ejemplo, algunas de las frecuencias que componen los sonidos de batería y la música forman también parte del sample de voz. Así que, cuando cortas las frecuencias altas para eliminar el charles, también eliminas los sonidos sibilantes (los que suenan ssssss) de la voz. Lo mismo se puede decir del bajo y las frecuencias medias, y el resultado es un empeoramiento del sonido.

Además, la imagen estéreo nunca está tan definida como “toda la música en la izquierda y en la derecha, la voz en el centro”. Aunque las voces estarán básicamente centradas, los ingenieros de sonido mezclan hábilmente las voces en el campo estéreo para crear un mejor paisaje sonoro, lo que significa que, incluso después de eliminar el sonido centrado, seguirás oyendo algo de las voces.

Si alguna vez escuchas una versión limpia únicamente con voces de un tema, lo más probable es que sea un a cappella (voces sin acompañamiento musical) editado por el artista, o quizá alguien ha grabado una muy buena imitación de las voces y la ha utilizado, con la esperanza de que nadie note la diferencia.

¿Cómo elijo mi nombre de DJ?

Puedes decidir que tu propio nombre no tiene la potencia suficiente para aparecer en una lista de éxitos (no pierdas la esperanza), o quizá es que prefieres el anonimato y te mueres de ganas de tener un nombre de DJ. En ese caso, puedes crear un seudónimo que sea un nombre completo (como Bob Sinclar, cuyo nombre real es Christophe LeFriant) o inventarte un nombre de DJ, con el formato DJ “Alguna cosa”, o simplemente un nombre. Por eso se me ocurrió Recess: John Steventon no quedaría demasiado bien en la trasera de un autobús.

Cuando elijas un nombre, piensa en lo que haces, en quién eres, qué música pinchas y cómo, cuáles son tus otros intereses y cuál es tu nombre real (para ver si puedes transformarlo en un buen nombre de DJ).

Si eres demasiado perezoso o necesitas inspiración, visita un sitio web llamado Quiz Meme (www.quizmeme.com [en inglés]), donde escribes y te devuelve un nombre de DJ para ti. Yo escribí John Steventon y obtuve DJ Flowing Cranny (DJ Ranura fluida). Escribí Recess y obtuve DJ Vinyl Artist (DJ Artista del vinilo); ¡así que debe de tener razón!

Otra forma de inventar un nombre es transformar palabras. Piensa en diez palabras que usarías para describirte a ti mismo o a tu música, y considera si te irían bien (las palabras en sí o derivadas de ellas). Por ejemplo, si eres un DJ de deep house al que le gusta pescar, se te podría ocurrir DJ Deep Lure (lure es “cebo” en inglés), que a continuación podrías mutar en DJ D’Allure. O no...

Sin embargo, el nombre con el que todo el mundo te conoce es aún una de las formas más personales de crear tu nombre de DJ. Los apodos son un buen comienzo, pero si, como es mi caso, en la escuela te llamaban alguna estupidez como “Butter” (“mantequilla” en inglés), quizá prefieras optar por otras vías. Alexander Coe hizo el cambio de nombre más fácil del mundo, y ahora es uno de los DJ más famosos del mundo; podría haber elegido Xander, Zander, Alex Coe u otra cosa como nombre de DJ, pero se le ocurrió elegir Sasha (que es un derivado ruso de un nombre similar, Aleksandr), ¡y eso le ha funcionado genial!

En mi caso, Recess es un poco de ambos. Mis iniciales son J. R. C. S.; quité la J y lo dejé en RCS, que se transformó en Recess (JRCS se parece demasiado a jerks, que viene a ser “gilipollas” en inglés...).

¿Tengo bebidas gratis? (¿Y cómo lo hago para conseguir bebidas del bar?)

Si eres DJ de club, intenta negociar si vas a tener bebidas gratis la primera vez que hables con el propietario o promotor sobre tu trabajo en el club. Lo peor que te puede decir el promotor es no, y eso te ahorra posteriores situaciones embarazosas.

Si eres lo bastante conocido como DJ, puedes poner como condición que en la cabina te estén esperando una caja de cervezas Budweiser, una botella de Jack Daniels y una bolsa de gominolas verdes. Pero, para los clubes locales y si no eres muy conocido probablemente sólo conseguirás una bebida gratis si el encargado entra a charlar en la cabina.

Si eres DJ de fiestas y tienes suerte, el padre de la novia, o la persona que esté celebrando el cumpleaños, puede ofrecerte bebidas a lo largo de la noche —si los asistentes se lo están pasando muy bien— o en el momento álgido de la fiesta, pero no cuentes con ello.

En los clubes, salir de la cabina del DJ para ir a por una bebida está generalmente muy mal visto. Si el club no te ofrece bebidas gratis y no hay nadie disponible para ir al bar en tu lugar, tendrás que seguir sediento hasta que un recogedor de vasos o alguien del personal del bar se pase por allí y puedas pedirle que te traiga una bebida. Pero llévate una botella de agua (o de lo que pienses que te irá mejor) por si nadie tiene la amabilidad de ofrecerse.

En los pubs, fiestas y bodas, aparecer por el bar para comprar una bebida está, en general, bien visto, y si el personal sabe que eres el DJ (créeme, hay quien no lo sabe) probablemente te sirvan muy rápido.

¿Quién se encarga de la iluminación?

Acerca de la iluminación, los DJ de fiestas y bodas suelen llevar sus propias luces, así como amplificadores y equipos de DJ, y son ellos los que controlan las luces. Al elegir las luces, conviene que las escojas con sensores para que se muevan y se enciendan y apaguen en función del sonido de la música. Si las tienes, lo único que debes hacer es montarlo todo y las luces se encargan de sí mismas. La otra opción es hacerse con una unidad de control compacta con diversas pautas preestablecidas para que las luces se muevan y hagan intermitencias de diversas formas (generalmente, también a tempo con la música).

En lo que se refiere a los clubes, he trabajado en algunos con una iluminación preestablecida similar a la que he descrito anteriormente, salvo por el hecho de que suelen tener más luces que en una instalación para una boda o una fiesta. Sin embargo, en la mayor parte de los lugares en los que he trabajado (y en los que he estado como clubber) tenían un DJ de luces distinto para el control de la iluminación.

La diferencia que puede suponer tener un buen DJ de luces o uno malo es casi tan importante como la música que pinchas. El uso creativo de las luces estroboscópicas, los gobos (las luces intermitentes giratorias) y los complicados shows de láser, además de los VJ (video jockeys), que utilizan máquinas como el Pioneer DVJ-1000 para crear increíbles espectáculos con imágenes de vídeo, pueden sin duda mejorar las experiencias del público.

Si consigues llevarte bien con el DJ de luces y le explicas cualquier peculiaridad sobre los temas que vas a pinchar que pueda ayudarle a trabajar de forma armónica con tu mezcla, entre los dos podéis crear un show increíble que dará la sensación de estar preparado de antemano. Claro, que también puedes limitarte a pedirle que te lleve bebidas... La opción es tuya.

¿Debo volver a poner el pitch a cero después de hacer beatmatching?

¿Devuelves el pitch a la posición 0 después de hacer beatmatching de un tema con otro? La respuesta es no.

Los dos motivos principales por los que haces beatmatching al mezclar son:

missing image file  Mantener un ritmo de bombo sólido y constante para que los clubbers bailen.

missing image file  Imprimir a la música un ritmo que coincida con los latidos del corazón de los clubbers.

Si decides que 135 beats (tiempos) por minuto es el ritmo perfecto para tu música, y pinchas un tema de 130 beats por minuto a pitch 0, tendrás que subir el control de pitch alrededor de un 4 por ciento para que el tema suene a 135 beats por minuto, y luego dejarlo ahí para que la música siga sonando a 135 beats por minuto.

Volver a poner el control de pitch a cero después de hacer beatmatching y mezclar los dos temas suena fatal durante la reducción del pitch de la música (a menos que utilices lectores con la función master tempo, que mantiene el mismo pitch con independencia de la velocidad a la que pongas el tema). Y ahora, el tema suena a una velocidad muy inferior al latido del corazón de los clubbers, así que se ven obligados a bailar más lento y arruinas la energía de la noche.

El resultado es aún peor en el caso inverso. Imagina que has tenido que reducir el tempo de un tema de 140 beats por minuto en un –4 por ciento. El tema se acelera al volver a poner el pitch a cero, así que al final del tema todo el mundo está cansado, ¡porque está sonando a 140 beats por minuto en una pista de baile que está acostumbrada a mover el esqueleto a 135 beats por minuto!

Las fluctuaciones en los beats por minuto a medida que avanzas en una sesión de 2 horas pueden resultar útiles (consulta el capítulo 18), pero cuando estás haciendo beatmatching descubrirás que es raro que pinches cualquier tema a pitch 0.

¿Qué hago si el disco o el CD saltan (están rayados) o si el software se bloquea?

Eres un DJ profesional. Resuelve con profesionalidad el problema de qué hacer si el disco o el CD saltan. Un salto en un disco no es algo muy terrible, ya que al menos no es más que una repetición de 1 o 2 segundos de la música que suena por los altavoces, pero un salto en un CD suena fatal, y tienes que hacer algo al instante.

Si no puedes simplemente pasar a la pista siguiente del CD, pulsa el botón de búsqueda del lector de CD para avanzar cinco o diez segundos más allá de la parte que está saltando (baja al mismo tiempo el fader de canal para ocultar lo que haces).

En el caso de un disco, lo mejor que puedes hacer es bajar rápidamente el fader de canal a aproximadamente el 25 por ciento del volumen de reproducción normal y darle un toque a la aguja que la desplace medio centímetro o así. En efecto, este método no sonará muy bien, y sí, puedes dañar el disco, ¡pero si el disco salta, ya está dañado, y ya no suena bien porque se está repitiendo!

Puedes evitar que esto suceda si limpias tus discos o CD antes de ponerlos (consulta los capítulos 4 y 7 para ver más consejos sobre cómo cuidar tu colección de música).

Es por esta razón por lo que a mí siempre me gusta preparar la pista siguiente casi inmediatamente después de haber mezclado un tema: porque tengo el tema que va a continuación de la espera, listo para mezclarlo en seguida si hay alguna cosa que no va bien. Claro que una mezcla de emergencia no sonará muy bien, pero ¿y si la comparas con el sonido actual de la música?

En caso de que seas un DJ digital y el software se bloquea, puede darte la sensación de que el mundo entero se desploma encima de ti. En muchos casos, si no tienes otro CD, o los CD o giradiscos no pueden sonar sin el software, lo único que puedes hacer es reiniciar —rápido— y luego volver a la mezcla.

Si tienes acceso a un CD y un lector de CD que suene sin necesidad de pasarlo a través del ordenador, pon rápidamente el CD y pulsa Play. Quizá incluso sea una buena idea tener un lector de CD con un “CD de seguridad”, o un iPod o reproductor de MP3 conectados a la mesa de mezclas para este tipo de eventualidad, sólo para darte tiempo a reiniciar tu sistema y ponerte de nuevo en marcha.

El éxito en lo que te propongas, tanto en ser DJ como en cualquier otra cosa, implica habilidad y conocimientos, pero también cómo reacciones a la presión. Si eres capaz de superar una catástrofe como un CD dañado y que salta con calma y profesionalidad, los que te rodean perciben que tienes el control y que mereces estar donde estás: en la cabina del DJ como DJ profesional.

Capítulo 24

Diez grandes influencias para mí

En este capítulo:

Reconocer lo que me ha influido a lo largo de los años.

Aceptar qué me ha hecho mejor DJ.

Perder la fe y volverla a recuperar.

Tus influencias son muy personales: la música que escuchas, las personas a las que conoces y los lugares que frecuentas son aspectos esenciales de tu carrera. Con estas influencias, deberías poder trazar un mapa de tu evolución como DJ. En este capítulo describo mi recorrido.

Renaissance: Disco 1

Renaissance-Disco 1 fue mi primer contacto con la verdadera música dance. Hasta el momento en que oí esta mezcla de Sasha y Digweed, pensaba que la música dance era la escena acid y bandas pop como Snap, cuya música era repetitiva y obvia. Hasta oír ese disco, lo único que escuchaba eran bandas de rock como Van Halen y Mr. Big.

Por separado, los temas de la mezcla son trabajos potentes y bien elaborados, pero la forma en la que Sasha y Digweed los mezclaron para crear un viaje de 74 minutos siempre me ha impresionado. Creo que la habilidad que se oculta detrás es la razón que siempre me ha impulsado a intentar crear una mezcla uniforme con un principio, un centro y un final, en lugar de veinte temas unidos simplemente porque suenan bien.

Desde el día en que la oí por primera vez, siempre he tenido a mano una copia de esta mezcla. La tenía en cinta en mi walkman mientras segaba césped, en un CD en el coche mientras conducía hacia la universidad, en un miniDisc en mi bolsillo mientras buscaba trabajo y ahora en un iPod sujeto a mi brazo mientras voy camino al gimnasio antes del trabajo.

Amigdalitis

Una elección extraña como influencia, estoy de acuerdo, pero la semana que me pasé enfermo, en cama, más o menos consciente, sólo con Radio 1 para impedir que cayese en un delirio febril, escuché música que no había oído nunca.

Nunca había oído hablar de un tío llamado Pete Tong; a las 6 en punto del viernes tarde empezaba su programa, y mis ojos se abrieron a multitud de géneros distintos de la música dance. De trance a drum and bass, pasando por American house, yo luchaba por mantenerme despierto en la cama. Nunca había escuchado Radio 1 durante el fin de semana, de modo que Essential Selection, Trevor Nelson, Dave Pearce y Essential Mix me abrieron los ojos a algo más allá del CD de Renaissance que había estado escuchando una y otra vez.

Lo que empezó de forma accidental, porque me encontraba demasiado enfermo para ponerme de pie y cambiar de emisora (o encender el televisor) acabó como ritual de viernes noche; yo, Pete Tong, una hoja de papel y una grabadora de cinta para tomar nota de los mejores temas.

La Luna: To the Beat of the Drum

No sabía bailar, tenía el cabello largo y no iba muy bien vestido. Me pasaba casi toda la noche un poco perdido, sentado en la escalera mientras todo el mundo se lo pasaba de miedo, pero lo que sí recuerdo es el primer tema musical que oí la primera vez que entré en un club dance: To the Beat of the Drum, de La Luna.

El tema era realmente sencillo, pero ver la reacción de las personas del club, sentir mi cuerpo vibrar con el bombo y escuchar la música dance a ese volumen, en ese ambiente, abrió por primera vez alguna puerta en mí que hizo que no volviese a poner mis CD de Van Halen y Mr. Big ¡en los siguientes siete u ocho años!

(Poco después me corté el pelo y me compré una ropa mejor.)

Ibiza 1996, Radio 1 Weekend

BBC Radio 1 ha creado la tradición de emitir desde Ibiza desde 1995. Este evento se convirtió en parte fija de la programación de Radio 1, pero en mi opinión nunca han hecho nada mejor que la franja de las 2 a las 4 de la madrugada en Amnesia en julio de 1996. Puedo decir, en honor a la verdad, que el motivo por el que me hice DJ fueron los 90 minutos de la mezcla de Sasha que pude meter en una cinta. ¡Así que, si tienes que echarle la culpa a alguien, échasela a él!

En lo que respecta a las sesiones de DJ, la sesión de Sasha iba un paso más allá de la mezcla de Renaissance que tantas veces había escuchado. La situación era una actuación en directo, de modo que la lista de temas de la sesión estaba orientada a satisfacer al público de la pista, más que a un oyente con un CD en su casa, y a mí me descubrió la magia de ser DJ: me convenció de que hacer de DJ iba más allá de pinchar discos de otros artistas.

Lo que me encantó de esta mezcla, y aún me pone la piel de gallina cuando la escucho (que es lo que estoy haciendo en este momento, si quieres saberlo), fue que, más o menos a la mitad, después de poner unos cuantos temas intensos, enérgicos y con un ritmo contundente, pinchó Inner City Life, de Goldie. A pesar de que mantenía un nivel similar de energía y tempo en la mezcla, Sasha fue capaz de cambiar por completo la dinámica de la mezcla con sólo un tema. Era algo así como hacer una pausa, ¡pero sin hacerla!

Recuperar la potencia de la mezcla con los golpes de caja de un tema llamado Yummy, de Agh, supuso el punto de inflexión para la fase realmente enérgica de la mezcla. La multitud enloqueció, y creo que puedo decir que nunca he oído otra mezcla que me haya impactado tanto.

The Tunnel Club, Glasgow

The Tunnel Club, en Glasgow, fue mi segunda casa durante seis o siete años. Aún sigue existiendo, en una versión un poco más light, pero aún evoca en mí recuerdos increíbles.

Las tres cosas que tengo presentes de ese club son el olor de hielo seco y Red Bull que te golpeaba en la cara nada más entrar, el nivel de calidad constante de los DJ y de la música que pinchaban cada fin de semana y, lo más importante, que allí conocí a mi mujer Julie, mientras bailaba con unos amigos en el otro extremo de la pista de baile.

Su apoyo, sus consejos y su capacidad para sonreír educadamente cuando la aburro con nueva música y nuevas formas de mezclar temas han hecho que mantenga el afán por mejorar desde mediados de los noventa. Como nos conocimos por culpa del Tunnel, es justo que atribuya al club la responsabilidad de mi actual nivel de felicidad y de hallarme en la situación de escribir este libro.

Jamiroquai: Space Cowboy

Space Cowboy, de Jamiroquai, fue la primera remezcla que oí que, según mi criterio, era mejor que el original.

No sabía mucho sobre Jamiroquai, pero sí conocía Space Cowboy de cuando se editó como single, y pensaba que no estaba mal, pero no era nada especial. Entonces, David Morales le hizo una puesta a punto. Su remezcla de Space Cowboy está siempre en mi maleta de discos (por desgracia, no la pincho demasiado) y ocupa siempre un lugar en mi top ten de temas favoritos.

Cuando escuché esta pista fue la primera vez que pude comparar el original con una remezcla y comprender los elementos necesarios para transformar una canción de un buen original a una remezcla de baile, con la estructura y los sonidos necesarios para que funcione bien en la pista.

DJ digital

Después de que el CD se afianzase en el mercado del CD, yo, como otros miles de DJ, me pasé a este formato y empecé a utilizar los giradiscos para dejar las fundas. Este paso fue, para mí, hecho a regañadientes. Me encantaban las posibilidades de los lectores de CD, y también me encantaba la facilidad para buscar y remezclar nueva música, grabarla en CD y dejarla lista para utilizarla aquella misma noche, pero abandonar los giradiscos me dolió en el alma.

Todo esto cambió la primera vez que utilicé los giradiscos para controlar software de DJ. Ahora tenía lo mejor de ambos mundos: la flexibilidad de la música disponible a un clic de ratón, pero la sensación táctil y la teatralidad de utilizar giradiscos para controlar la música, en lugar de limitarme a pulsar botones y abrir y cerrar bandejas de CD.

Volví a sentirme DJ de verdad. Cada vez que entraba en una cabina de DJ, en vez de hacerlo con actitud de disculpa por usar CD, me sentía poderoso y en sintonía con la música que pinchaba. La combinación de la sólida base histórica de los giradiscos con la versatilidad, estabilidad y creatividad del software de DJ hacía que me encontrase como en casa, allá donde estuviera la cabina de DJ.

Alice Deejay: Better Off Alone

No todas mis influencias han sido positivas.

Me tropecé con este tema cuando era sólo una pista instrumental de DJ Jurgen. Tiene un gancho precioso, y suena genial. La pinché muchas veces, y en los pubs y clubes obtenía una buena respuesta cada vez que lo hacía.

El problema fue que alguien cogió el tema y superpuso una voz, cambiando la dinámica de la pista, que pasó de ser una pieza musical interesante a un temilla comercial. Como prefería el tema original, la versión vocal me desagradó automáticamente, porque conseguía convertir una buena pista que me gustaba pinchar en una mala que odiaba.

Por desgracia, a todo el mundo le encantaba, así que tenía que pincharla de todos modos. Los lugares en los que trabajaba me pedían que mi lista contuviese una gran proporción de temas comerciales para compensar las pistas más desconocidas y de sonido underground (irónicamente, esta pista era clasificada como underground antes de añadirle la voz).

Esta pista, y otras que vinieron después, me enseñó que a veces tienes que pinchar lo que quieren el club y los clubbers. Mientras no te conviertas en un DJ de renombre como Tiesto, Sasha u Oakenfold, estás obligado a seguir las pautas del club. En el fondo, la misión del DJ es que la gente esté contenta y ganar el dinero suficiente para comer. Si me negaba a pinchar esta pista, no me habrían pedido que volviese a hacer de DJ, y sabía que lo que debía hacer era seguir poniendo el tema hasta que su atractivo se agotase.

Delirium: Silence

En el capítulo 4 mencionaba mi enamoramiento del tema Silence, de Delirium, que pinchaba tanto como podía y que aún significa mucho para mí cuando lo escucho. Pero este tema es una arma de doble filo. Veo este tema como un punto de inflexión de mi carrera, cuando empezó a tener un sabor agridulce. Este tema no fue el responsable directo, pero después del éxito de Silence, el mercado se inundó de discos con melodías simples, obvias y blandas con una voz femenina superpuesta.

Por supuesto, habían aparecido discos de este tipo durante años antes de Silence, pero el éxito de este tema abrió las puertas a las personas codiciosas que pensaron que podían lanzar un disco tonto con voces y ganar dinero. Y eso fue lo que sucedió. No todos ellos eran malos; de esta tendencia salieron algunos temas vocales realmente buenos. Pero muchos productores no se dieron cuenta de que el gran éxito de Silence se debía a que la música era muy buena por sí misma, pero aún más importante, que la evocadora voz de Sarah McLachlan se adaptaba perfectamente a la música y a un ambiente de club.

En última instancia, esta comercialización de la escena dance consiguió que la buena música se alejase. Las personas que compraban estos discos empezaron a ir a los clubes que solían poner música menos comercial, y comenzaron a exigir que pinchasen la música que ellos conocían. Los propietarios de los clubes, reaccionando a las nuevas voces y viendo el aumento de sus beneficios provocado por esta nueva oleada de clubbers, aceptaron encantados la situación. Esta estrategia hizo que la música que me gustaba pinchar se hiciese cada vez más underground, hasta el punto de que era difícil encontrar un trabajo en el que pudiera pincharla.

El problema de las tendencias comerciales es que, por su propia naturaleza, van de moda pasajera en moda pasajera. Al final, cuando cada nuevo tema empezaba a sonar cada vez más como el antiguo, los clubbers se pasaron al rhythm and blues y el nu metal. Eso supuso que los clubes que habían dejado de lado sus directrices sobre música antigua tuvieron que reajustarse.

Algunos clubes empezaron a poner música cada vez más heavy, a dejar entrar a personas a las que antes no hubiesen dejado entrar o a cambiar su escena musical por completo. Esta situación dejó a la música (y a la escena de clubes en general, desde mi punto de vista) en un estado de cambio, que me hizo temer por mi futuro como DJ y por la música que me gustaba pinchar.

Sasha and Digweed, Miami 2002

Mi última influencia fundamental en este capítulo es el Radio 1 Essential Mix que Sasha y Digweed grabaron en abril de 2002 en el Winter Music Conference de Miami, Estados Unidos.

Cuando escuché esta mezcla, a finales de 2003, me pasaba más tiempo dando clases de DJ que actuando, porque ya no me gustaba la música como antes. Pero mi corazón seguía guardando un rinconcito para Sasha y Digweed: seguía agradeciéndoles el haberme dado motivos para empezar a escuchar música dance. Un amigo tenía esta mezcla en su iPod, y le pedí si podía hacerme una copia, sólo por saber qué tal estaba.

Dos horas después, me di cuenta de que mis prejuicios y suposiciones sobre música y sobre cómo la escena dance estaba acabada después de su hipercomercialización eran erróneas desde un punto de vista más global. Me sentí como si hubiese renacido musicalmente.

La mezcla estaba increíblemente meditada, y algunos de los temas eran fantásticos (¡la mezcla de Headfirst, de Adam Dived, a Janeiro, de Solid Sessions, casi reventó los altavoces de mi coche de lo alto que puse el volumen!). Esta mezcla fue el factor que marcó mi regreso a esta música y al mundo del DJ, y es la razón por la que estoy aquí, escribiendo este libro.

Capítulo 25

Diez errores que un DJ debe evitar

En este capítulo:

Evitar errores que te hacen parecer, y sonar, poco profesional.

Terminar la noche con todo tu equipo, tus temas y el dinero de tus honorarios.

Los diez errores habituales que describo en este capítulo son, precisamente, eso: habituales. Puede que un par de ellos nunca te pasen, pero, por desgracia, algunos pueden sucederte con frecuencia. Yo no he cometido todos los errores de este capítulo. La mayoría, sí. Pero no todos.

Lo importante de los errores que cometas (no sólo como DJ, sino en la vida en general) es que aprendas de ellos. Asegúrate de no volverlos a cometer o, como mínimo, de que sabes cómo enfrentarte a las consecuencias... como el sonido del silencio en un club.

Olvidarte los deslizadores o los auriculares

Olvidarte de los deslizadores (que es algo bastante común) no es un gran problema, porque la mayor parte de clubes tienen los suyos, pero si te olvidas de los auriculares, es poco probable que el club tenga un par de auriculares de calidad adicionales para uso de DJ olvidadizos.

El capítulo 26 contiene una lista de las diez cosas que debes llevar contigo para hacer de DJ.

Quitar la aguja del disco equivocado

Quitar la aguja del disco equivocado es exactamente igual a pulsar Stop o Eject en el lector de CD equivocado. Te garantizo que, en algún momento de tu trayectoria de DJ, cometerás este error. Es de esperar que te suceda en la zona segura de tu propia habitación, donde sólo el gato puede juzgarte por ello.

Si tienes mala suerte y esto te pasa mientras estás actuando en un club, vuelve a poner la aguja en su sitio (con cuidado, no la tires sobre el disco en mitad de un ataque de pánico) o pulsa rápidamente Play en el lector de CD. Si has expulsado el CD, pulsa Play en el otro lector y pasa rápidamente el cross-fader a ese canal.

A continuación, desvía las culpas como un verdadero profesional. Probablemente, lo más fácil sea culpar al sistema de sonido. Nunca se sabe, ¡quizá entre el público haya alguien lo bastante crédulo como para tragárselo! A continuación, agáchate y escóndete en la cabina durante un par de minutos hasta que pasen los abucheos.

Problemas con ajustes de la mesa de mezclas

Las mesas de mezclas disponen en la actualidad de un número de funciones creciente, lo que, por desgracia, aumenta también la posibilidad de que te olvides de modificar estos ajustes.

No es raro dejar los controles asignables en el canal equivocado, de modo que, al mover el cross-fader, cambias a silencio (o al tema que no toca). También puedes dejarte activada la cancelación de frecuencias bajas durante una mezcla, y sólo darte cuenta a mitad del tema de que le faltan los graves. También es fácil dejarse activados efectos como flanger o echo, porque estás centrando tu atención en el tema siguiente (o en una chica/chico de la pista de baile). Basta con un descuido para arruinar una buena mezcla (y, a veces, toda la noche), así que ¡concéntrate!

Emborracharte mientras actúas

Es necesario que mantengas un control total de tu equipo, pero no podrás hacerlo si te has tomado demasiadas cervezas o copas de Jack Daniels en la cabina del DJ. No hay ningún problema con tomarse un par de copas para que te den un poco de valor, pero nadie pensará que estés actuando profesionalmente si has tomado tanto alcohol que eres incapaz de ver la mesa de mezclas que tienes enfrente y, por tanto, de hacer una mezcla en condiciones.

He oído hablar de DJ que se liquidaban una caja de cervezas antes de ponerse a los platos, pero, a menos que tengas un hígado del tamaño de un chalet, si tienes que beber, déjalo en un par de copas y luego limítate al agua.

Navegar por Internet mientras mezclas

Un error nuevo para el DJ digital: tienes un ordenador delante y estás conectado a la wi-fi del club; bueno, no pasa nada si compruebo mi correo electrónico o actualizo mi estado de Facebook, ¿verdad? Créeme: pasarás demasiado tiempo apartado de la mezcla, y tendrás que darte prisa en la transición siguiente o, directamente, te perderás la mezcla siguiente, dejando en la pista de baile el sonido del silencio y de arbustos rodantes de película del Oeste.

Copiar (mal) el estilo

En la revista DJ vi una gran foto hace unos años en la que Sasha se inclinaba por encima de los platos para que alguien de la pista de baile pudiese darle fuego (de hecho, tengo un póster de esa foto sobre mi equipo de casa). En la época en que fumaba (está pasado, es una tontería y te matará) pensaba que aquello quedaba genial, así que intenté hacer lo mismo.

El tipo de las luces se metió conmigo (de forma amable) mientras esperaba que alguien me encendiese el pitillo, pero es que, además, al inclinarme sobre los platos, mi camiseta se enganchó en la aguja y la arrancó (la aguja, no la camiseta). Por suerte, se trataba del disco en espera, no el que estaba sonando en la pista de baile, pero la cosa se complicó cuando se me cayó el cigarrillo encendido sobre el giradiscos porque me puse nervioso por lo que acababa de hacer.

Inclinarte sobre los platos

Como DJ, eres el anfitrión de la velada, y se te permite mostrar o recibir cierto reconocimiento (lo mejor es estrechar la mano y dar besos en las mejillas). Pero asegúrate de recibir las muestras de reconocimiento un poco a la izquierda de los platos para no chocar contra ellos o tocar alguna cosa en la mesa de mezclas.

Evitar problemas con la indumentaria

Evitar un problema con la indumentaria es más difícil de lo que crees. Desde vaqueros de cintura demasiado baja (que hacen que, cuando te agachas para coger un disco, todo el mundo te vea la raya del trasero) hasta chicas que llevan un sujetador blanco con un top negro, con lo que la luz ultravioleta destaca sus refulgentes pechos, es muy sorprendente la cantidad de cosas que pueden ir mal.

Los sombreros, las bufandas, los ponchos y las barbas postizas acabarán enredándose en tu equipo, o se caerán sobre tus platos. Llevar un disfraz (ya sea de Elvis, de gorila o de Tarzán) puede parecer una buena idea al principio, pero intenta practicar un poco llevándolos un rato antes de empezar a mezclar: quizá tus zarpas peludas o tus gemelos de bisutería hagan que la mezcla sea una pesadilla.

Pasar demasiado tiempo hablando con alguien

Sé profesional: no te pases tanto tiempo hablando —con un amigo, con un posible empleador o con un miembro del sexo opuesto— que no tengas tiempo de poner la pista siguiente en espera y mezclarla como es debido. Aunque tengas tiempo suficiente para poner el tema en espera, no te apresures en la mezcla para ponerte a charlar. Y hagas lo que hagas, no te enfrasques hablando con alguien y dejes que el disco se acabe por completo; a menos, claro está, que tengas intención de que te despidan.

Dejarte puesto tu último tema

Si sólo actúas una parte de la noche y alguien te releva después, es probable que acabes tu sesión con algún tema realmente bueno, así que será mejor que no te lo olvides. Espera hasta que el siguiente DJ haya salido de tu último tema, recoge tu disco o CD, carga tus bolsas y sal de la cabina. Si alguien te saca de la cabina “a tirones”, pídele al DJ que ponga tu tema aparte y dile que vendrás a recogerlo más tarde; de este modo, al menos, el DJ no se irá con tu tema por accidente.

Y si eres un DJ digital: recuerda no olvidarte tu portátil...

No recoger tus honorarios antes de irte

Después de una noche de dar marcha a la gente, no salgas del club a menos que te hayan pagado lo acordado. No te dejes engañar con excusas como “No tengo aquí mi talonario de cheques” o “No lo tengo todo aquí; ¿te puedo dar la mitad ahora y la otra mitad la próxima vez?”. A mí me han pasado ambas cosas (las dos veces, con promotores en quienes creía poder confiar; aún me duele la ironía de que me estafasen así en un club llamado Pravda, que significa verdad en ruso).

Cada caso es distinto, y tú mismo sabrás hasta qué punto puedes presionar y ponerte firme con el promotor o propietario del club, o con el novio o la novia, al reclamar tu pago. Lo mejor que puedes hacer, en cuanto a seguridad, es acordar una cantidad antes de pisar siquiera la cabina del DJ (preferiblemente en papel, firmado tanto por ti como por el cliente). Esto te permitirá ser tan persistente como quieras en cuanto a recibir todo el dinero que se te adeuda.

Si no te pones de acuerdo en una cantidad antes de actuar, bueno, te deseo mucha suerte...

Capítulo 26

Diez cosas que debes llevar contigo cuando actúas como DJ

En este capítulo:

Prepararte para una noche de DJ.

Recordar cosas que te ayudarán a seguir en marcha durante la noche.

Llegar a casa sin tener aún la cabeza en las nubes.

Desde las cosas más obvias, como tus CD, discos y auriculares, hasta las no tan obvias, como llevarte algo de beber y quizá algo con lo que grabar tu mezcla, los diez elementos de los que hablo en este capítulo son todo lo que necesitas para una gran noche en los platos.

Conserva esta lista en la parte de atrás de la puerta, o junto a las llaves de tu coche, para poder comprobarla antes de salir de casa (¡y llévatela contigo, para acordarte de volver a traerlo todo!).

Los temas correctos

Quizá tengas una colección de miles de discos o CD. Asegúrate de llevarte los correctos. Comprueba por última vez que has seleccionado la caja o la funda de CD correcta; ¡nunca está de más! Llévate también un cepillo de fibra de carbono para limpiar tus discos, y un paño suave para los CD.

Si eres un DJ digital, necesitarás tu ordenador (generalmente, un portátil) o una unidad de disco externa que contenga toda tu música, si es que utilizas los equipos del club (pero recuerda comprobar que utilizan el mismo software que tú!).

Si te llevas tu portátil, enciéndelo antes de salir de casa y asegúrate de que funciona y de que toda tu música está en él (no en una unidad externa). No te olvides de los cables de alimentación, las interfaces de audio y los controladores o vinilos de control, si los utilizas.

Auriculares y deslizadores: un asunto personal

Haz una última comprobación para asegurarte de que tus auriculares siguen funcionando y de que llevas los adaptadores necesarios para poderlos utilizar. Si usas auriculares que puedes reparar con piezas de recambio (como los Sennheiser HD25s), llévate tu bolsa de herramientas y recambios.

Pon los deslizadores entre los discos de tu maleta para que se mantengan lisos y no sufran daños. Pero ¡recuerda llevártelos al final de la noche!

Utilizar tus propios deslizadores impide problemas con pelusas o suciedad, o deslizadores demasiado gruesos, que puedes encontrar en un club. Te habrás acostumbrado a la sensación deslizante de tus propios deslizadores en un Technics 1210. Los deslizadores básicos de los giradiscos de un club pueden sufrir de exceso de fricción y, aún peor, dañar tus discos por la suciedad y los restos de cerveza incrustados.

¡Eres una estrella! Llévate una grabadora digital o un CD virgen

Saca el máximo partido de todas las oportunidades grabando tu mezcla, algo especialmente útil al principio de tu carrera. Esto te permitirá estudiar tu actuación y mejorarla, cosa que te resultará muy beneficiosa. Si un club no dispone de medios para grabar tu mezcla (compruébalo de antemano), llévate algo que puedas utilizar para grabarla y conservar pruebas de la marcha que has dado a la gente durante toda la noche.

Llevar tus herramientas para salvar la situación

Todo el mundo sabe que las únicas herramientas que se necesitan son lubricante en aerosol y cinta aislante. Pero, si quieres ponerte extravagante, pon también en la bolsa de herramientas unos cuantos destornilladores de diversas formas y tamaños, porque nunca se sabe cuándo se puede necesitar un destornillador de cabeza Phillips para salvar la situación.

Siempre a punto: papel y bolígrafo

El papel y bolígrafo no sirven únicamente para anotar números de teléfono de gente guapa; también los necesitarás para apuntar solicitudes, pedir bebidas al bar e intercambiar teléfonos con personas que podrían contratarte.

Combustible en forma de comida y bebida

Por desgracia, no estás en la cabina para celebrar una merienda campestre: tienes un trabajo que hacer. Pero llévate algo de alimento para mantenerte en marcha si tu cuerpo necesita combustible.

Contrariamente a la creencia popular, no es necesario poner vodka en el Red Bull o Irn-Bru 32. Ten a mano una o dos latas de tu bebida energética preferida y, si empiezas a desfallecer en mitad de la noche, bébete una para darte un impulso con la cafeína.

Pero ten cuidado: hay personas a las que no les sienta bien el impacto súbito de la cafeína. ¡Así que, durante una sesión, delante de mil personas, no es el mejor momento para probar cómo te sienta una bebida energética y averiguar si a tu cuerpo le gustan la cafeína y el guaraná!

Aparte de una bebida energética, también necesitarás algo de comer por si te da hambre. El hambre provoca mal humor, y eso puede hacer que pierdas la concentración, y no estarás tan atento como el público te exige. Las gominolas y golosinas similares te ofrecen azúcar rápido, sin apenas grasas. Una barra energética te proporciona una gama más amplia de nutrientes y te llena durante más tiempo, pero el contenido de grasa es superior y corres el riesgo de que sepa a cartón.

Hace correr la voz de tu música con demos

No hay nada mejor que ver que alguien te pide una copia de tu trabajo después de oírte actuar en un club. No hay nada peor que no tener esa copia. Llévate unos cuantos CD de tu última mezcla (en el capítulo 19 doy consejos para crear CD con el mejor de los sonidos y el mejor de los aspectos) y regálalas con la mejor de tus sonrisas.

Unos cuantos ejemplos de tu mejor trabajo son realmente útiles si alguien quiere contratarte para una sesión. Si regalas una gran mezcla, las personas no se olvidarán de ti; pero ¡recuerda incluir tu número de teléfono!

En marcha con las llaves de tu coche

Si no tienes las llaves de tu coche, no llegarás muy lejos. Yo me he pasado más de una noche de pie junto al maletero de un coche, mesándome los cabellos, ¡sin poderme creer que me había vuelto a olvidar las llaves! No pasa nada si acabas de salir de casa, pero sí pasa si te las has olvidado en el bolsillo de tu chaqueta, dentro del club en el que has actuado, que acaba de cerrar.

Tengo la cartera, estoy listo para viajar

Nunca se sabe cuándo vas a necesitar un poco de dinero en efectivo, ya sea para coger un taxi a casa (porque te has olvidado las llaves) o para comprar algo de comer después de la sesión.

Si tienes tarjetas de visita, lleva unas cuantas en tu cartera o en tu bolso, a mano para entregarlas cuando tengas que promocionarte un poco.

Relajarte: mezcla tranquila para la vuelta a casa

A veces acabo mi sesión a las 4 de la mañana y no tengo ganas de seguir con la caña y escuchar más temas de ritmo retumbante de camino a casa. Así que, para tales ocasiones, tengo en el coche un ejemplar de la banda sonora de la película The Big Blue. Contiene algunos de los momentos musicales más fantásticos que he oído en mucho tiempo. A mi mujer, Julie, le preocupa que me duerma con esta música de camino a casa, pero lo único que hace la música es quitarme un poco de la tensión natural de una noche de energía y éxtasis musical (pero ¡no consigue resolver el problema del exceso de cafeína por haber tomado demasiadas bebidas energéticas!).

También os recomiendo la película...

Nota

[*] Esta dirección ya no funciona; de hecho, el autor menciona en la página principal que ya no opera este foro y que utiliza http://www.tranceaddict.com/forums/. (N. del T.)