101 PELÍCULAS, series y programas disponibles en línea que

¡Usted debe ver…!

Ramsés Ancira

Texto de Ramsés Ancira 2015

Todos los derechos reservados. Se permite la cita con crédito a la obra y al autor, basado en los principios de Creative Commons y en homenaje a sueño de Aaron Shuartz

Dedicatorias:

A Emilio García Riera/

Porque me leí completa su obra documental antes de los 10 años y por enseñarme que el Cine no es cosa seria, sino divertida.

A Gene Roddenberry/

Por enseñarnos a soñar más allá de las estrellas

A Julio Verne/

Primer autor de ciencia que inspiró películas argumentales de ficción

A George Melies/

Por enseñarnos a jugar con nuestras fantasías y colorear el blanco y negro

A James T Kirk/

Por besar a una negra ante las cámaras mientras En Nueva Orleans prevalecía la discriminación

A William Shatner/

phttps://www.cinepolisklic.com/or filmar en Esperanto

A Barbara Streisand en Hello Dolly

Por mi primera clase de economía: si el dinero o se esparce como el estiércol, se pudre y no abona

A Dustin Hoffman y Robin Williams/

Por quitarme la aversión a quienes visten de mujer

Al cine

Que demostró antes que la física, que los universos paralelos si existen

A mis futuros historiadores y consultores/

Porque tengo la impresión de que por ahí habrá una persona así de amable o despistada.

A los ilusos que esperan una segunda Edición u otras 101 películas/ Nunca se sabe

Presentación

¿Cuántas veces nos ocurre qué nos disponemos a ver una buena película y no sabemos que elegir?

Hay ocasiones en las que francamente nos sentimos agobiados y necesitamos algo que nos cambie la perspectiva ¿qué tal un musical? Sí, pero cuál.

Bueno, pero a mí, quizá reflexione el lector, los musicales me aburren. Me gustaría algo optimista, que inspire, pero que no se suelten a cantar tonterías con cualquier pretexto.

O tal vez hoy se sienta sentimental e inspirado y quiera ver algo cuyos valores estéticos de fotografía, música o edición le eleven el espíritu.

No, pero espere, quizá se sienta apesadumbrado por un pequeño problema y entonces lo que le conviene es ver un drama realmente intenso, para que se convenza de que lo que a usted le pasa es cosa de nada.

No es eso, me dirá usted. Lo que pasa es que necesito saber sobre la biografía de un famoso; consultar alguna referencia sobre la II Guerra Mundial; ver imágenes de un país exótico; recordar esa película que no sé cómo se llama pero donde aparece mi actor favorito… y no tengo tiempo ni ganas de ir a la biblioteca. Bueno, si ese es el caso tal vez aquí encuentre el documental o la película biográfica que requiere.

Cualquiera que sea su estado de ánimo, esperamos que encuentre en estas líneas la referencia que usted necesita.

A los lectores suscriptores de Amazon, tal vez no quieran comprar el libro, sino sólo consultar una rápida referencia. En ustedes estamos pensando. Sólo tomenlo prestado del estante virtual.

O quizá solo quiera tenerlo en su dispositivo lector de libros electrónicos. Bueno, si es así, nos comprometemos a que el precio de este nunca exceda un precio razonable para una obra de consulta

Hay algo que tratamos de evitar al máximo y esto es contarle la película. No queremos estropearle la sorpresa.

Otra línea editorial que nos hemos fijado es asegurarnos que estas películas son fáciles de ver en línea, ya sea porque formen parte de catálogos de las  empresas cuyo negocio es precisamente el de la transmisión de películas a través de Internet, o porque sus creadores no han puesto objeción a que se les incluya en los sistemas de televisión de la supercarretera de la información. En este caso deberá bastar que escriba el nombre de la película en su navegador favorito para encontrarla.

Procuramos entonces que siempre se escriba el título en el idioma que se habla en el país que produce la película y luego en español, que es el idioma que hablan los lectores a los que está destinado este libro.

El orden en que están presentadas aquí las películas no establece ninguna jerarquía, es más bien probable que sea por la fecha en la que se subieron a plataformas digitales. También es posible que para conservar el número 100, entre las películas que usted distinguidamente ver debe sustituyamos algunos títulos por otros que nos pidan los lectores. Tómelo usted como una promesa o una advertencia, pero esperamos que más para bien, que para mal, esta sea una obra en constante transformación.

Si existe el cine experimental, este es un libro que también pudiera ser considerado así, dado su carácter digital. Si estamos en el Siglo XXI, experimentemos las oportunidades que esto nos brinda.

La industria del cine está cambiando. Para muchos creadores la necesidad principal es difundir un mensaje y están produciendo obras que desde un principio están destinadas a plataformas cibernéticas. Esto nos obligara a actualizar periódicamente la información que aparece en los apéndices, de manera que si este es un libro digital debemos aprovechar la tecnología para realizar los cambios con la nueva información relevante que los lectores nos permitan, tanto como los errores que podamos haber cometido.

Las utilidades que este libro pudiera generar, es un compromiso, serán empleadas para producir cine documental. Tenemos en proyecto las producciones ¡Halconazo!; Genaro y Revolución Cubana, apuesta en un Casino. Gracias por su solidaridad si este fuera el caso.

Finalmente para concluir esta presentación y vaya usted a la película que decida, queremos dar lo que nos parece un mensaje muy importante para nuestros lectores para dar valor agregado a su compra y es esta: Pretendemos que esto no sea un libro estático, sino en constante actualización y mejora, incluso interactivo por lo que si usted lo guarda en su archivo digital, pueda actualizarlo frecuentemente.

Advertencia a manera de prólogo y como compensación

No me disculpo por haber mencionado tantas veces en forma a veces involuntaria, pero otras no, la plataforma Netflix. He citado las referencias que tienen que ver con México y esto ha sido un acierto si se toma en cuenta que cuando hablo de películas producidas en otros países, generalmente alcanzan solo unas decenas de vistas, mientras que las películas mexicanas generalmente reciben a cientos de lectores.

Esto me hace pensar sin duda alguna que hay un público ávido de información sobre películas mexicanas. Con esto seguro abro la competencia para que muchos divulgadores de la historia quieran temar el cine como temas de sus trabajos universitarios o de divulgación

No sé en qué año de principios del Siglo XXI recibí una encuesta en línea donde me preguntaban que me parecería ver películas almacenadas en un servidor lejano, sin necesidad de tener una conexión en Internet. Bastaba, me decían, un aparato de videojuegos como WIX.

Por entonces Internet era una herramienta para el trabajo, no se me había ocurrido esclavizarme haciendo investigaciones en línea. Probé Netflix y me fascinó. Cuando por algún motivo quedaba sin fondos en la cuenta y no podía lidiar con los sistemas de televisión de cuota, vivía una verdadera pesadilla, no sólo llamaban para cobrarme la cuenta, sino que generalmente lo hacían con insultos y amenazas. No excluían ironías como que para qué me comprometía con algo que no podía pagar.

Había unos más amables que otros, debo decir que nunca recibí queja de Multivisión, entre otras cosas porque, supongo, no tenían un sistema suficiente de pago, y de todas maneras teníamos que soportar una tanda de comerciales que hacía que el servicio se pagara por sí mismo.

La peor pesadilla fue Total Play. Ya de por sí tenía prejuicios porque durante 45 días trabajé en Televisión Azteca, en lo que ellos llamaban Proyecto 40, y me representó una tortura sicológica sin precedentes en toda mi historia de reportero.

Para empezar, si querías cobrar tenías que comprometerte con una especie de tienda de raya. Si querías cobrar tu quincena tenías que inscribirte a una empresa de nómina de Salinas Pliego en Monterrey.

El transporte público al Ajusco,  generalmente produce nauseas. El estacionamiento es muy limitado y cuando algún empleado cae de la gracia, primero le sacan el auto a la calle y luego le anuncian que está despedido.

Si hay una lista de los mejores lugares para trabajar en México, sé que Televisión Azteca debe ser una de los peores, quizá con excepción de algunos puestos ejecutivos. En cualquier país civilizado bastaría con exigir que se cancele la suscripción a Total Play. Aquí no es el caso, primero le pedirán cosas tan absurdas como preguntar el último color de calzones que usó su abuelita, que recogerle el equipo, y mientras tanto el precio metro sigue subiendo.

Netflix, hay que reconocerlo, representó en su momento un oasis. Pagaba la quinta parte que en Total Play, cuando se me acababa el prepago, me mandaban un gracioso mensaje “Houston tenemos un problema” y si meses después reanudaba el servicio me daban las gracias y me hacían sentir como parte de una familia.

Esto no es un comercial, quiere ser un aviso oportuno para todos aquellos que están recibiendo llamadas desde las 7 de la mañana hasta las 11 de la noche, en su domicilio y sus teléfonos celulares, exigiéndoles pagos de un servicio que no solo ya no quieren, sino que aborrecen.

El que pega primero pega dos veces, hoy la plataforma de transmisión en línea lleva una larga ventaja en precio y calidad de transmisiones, pero sin embargo ya es insuficiente para dar cabida a tanto talento y propuestas en el mundo entero.

Documentales, obras de arte, series extranjeras, cortometrajes, animaciones…incluso grandes película afamadas se pueden ver en plataformas como You Tube sin que nadie las objete. Los creadores amamos y necesitamos recibir dinero por nuestro trabajo como cualquiera; pero también es cierto que nuestras producciones tienen una vigencia comercial limitada.

Todos los días se suben a las redes sociales miles de nuevas producciones. Competir con ellas es casi imposible, sobre todo cuando ya hay cámaras y programas de edición que caben en el espacio de un teléfono móvil

Este libro puede herir susceptibilidades a personas sensibles

Cuenta una de las leyendas del Cine que Emilio “El Indio Fernández” huyó en busca de trabajo a Hollywood, pero enterado de la necesidad de Adolfo de la Huerta de tener gente de confianza, quiso regresar, sin embargo el expresidente le reviró: México no quiere ni necesita más revoluciones, Emilio. Tú estás en la meca del cine, y el cine es la herramienta más efectiva que los humanos hemos inventado para expresarnos. Aprende a hacer películas y regresa a nuestra patria con el conocimiento. Haz nuestras películas y así podrás expresar tus ideas de manera que lleguen a miles de personas». La cita es de Wikipedia y está tomada de este enlace, consultado el 7 de febrero de 2016 http://www.rebeldemule.org/foro/monograf/tema4442.html

El autor de este libro, como muchas de las personas ligadas al arte y la cultura entra dentro de la categoría de los progres. No es una persona unidimensional, y en una de estas de sus múltiples dimensiones dejó un trozo de su piel y de su sangre para pertenecer a la comunidad judía. Una de las razones que le dieron para convencerse es que los musulmanes practicaban el mismo rito siendo ya adolescentes.

De manera que si la circuición lo hacía igual a judíos y árabes, nada tenía de objetable volverse parte de etas comunidades altamente discriminadas, por el contrario el cine es para hermanar a los hombres. A lo que quiero llegar es que aunque he procurado eliminar al máximo los estropeos, los spoylers que les llaman en la jerga, no he querido en cambio dejar de plasmar mis convicciones políticas, las más notables mi convicción de que el Partido Revolucionario Institucional es un eufemismo para referirse a una organización de crimen organizado que con el apoyo del Partido Verde intenta expoliarnos de minerales y metales preciosos en Chiapas, y que el sionismo, una palabra santa que alguna vez significó amor a la tierra y libertades iguales para todos, se ha transformado en otra cosa a la que podríamos llamar SioNazismo.

Creo que esto bastará para perder desde ahora al 90 por ciento de mis lectores potenciales, pero si hay un 10 por ciento que permanezca, bienvenidos a este peqeño club de cinéfilos que aman y comparten ideas de cine.

Si han tenido la paciencia de seguirme hasta aquí: una pequeña selección e plataformas de cine en línea. La razón para transcribir el enlace completo es para que pueda transcribirla, cuando esté en línea

https://www.cinepolisklic.com/

https://www.filminlatino.mx/

https://mubi.com/about

https://www.netflix.com/mx/

Pero cuidado, hay plataformas que a pesar de ofrecer servicios gratuitos; pueden estar relacionadas con sitios para robar información, personal. Si a alguien admiramos en este afán de compartir la cultura en línea es a Aaron Swhwartz, víctima de la justicia de Estados Unidos por combatir la ley SOPA y el sistema Creative Commons, pero no debemos ignorar los riesgos y tratar de elegir plataformas que compartan a precios razonables su trabajo de infraestructura.

Dicho lo anterior van nuestras reseñas:

Contenido

Dedicatorias:

Presentación

Advertencia a manera de prólogo y como compensación

1 El Knack... y cómo lograrlo. The Knack and how to get it

2 Una Última y nos Vamos

3 Una vez, un hombre

4 Orgasm.Inc El negocio del orgasmo

5 Cartels Land. Tierra de Cárteles

6 Game of Thrones Juego de Tronos ¿Tiene secretos su éxito? Para empezar, el cambio de modelo.

7 Mad Men,

8 Halt and Catch Fire, dos décadas, dos alocadas profesiones

9 Pacino, cantante en Dany Collins

10 Él

https://youtu.be/_wy2rL6e_Ao

11 Inside Out Intensa Mente, en 5 párrafos y un epílogo

12 Spare Parts/Los inventores

13 Che strano chiamarsi Federico Qué extraño llamarse Federico

14 Kill the Messenger Los cabos sueltos de la película Maten al Mensajero

Gary Webb

15 Tomorrowland 16 Cosmos, un atisbo al futuro

17 Little Boy/El gran pequeño

18 5 to 7. Amantes de 5 a 7

19 Xenia

20 Las horas contigo 21 Jupiter Ascendente

22 FOXCATCHER, 23 MOMMY

Mommy

24 Fury, Corazones de Hierro,

25 Una Noche en el Museo 3

26 Huérfanos

27 Cuéntame cómo pasó, la primera serie para ver por teléfono

28 Ocho apellidos vascos

29 The Railway Man Pasado Imborrable

30 Mammoth. Mamut

31 Una Sota y un Caballo

32 Watchmen, Los Vigilantes

33 García Márquez y sus películas

34 The last Temptation of Christ La última Tentación de Cristo

35 Divergente Reseña de Gerardo Ocampo

36 Mad Men, Sexta Temporada: La Soledad de los creativos

37 Dr. No y la zaga Bond

38 Machete

39 Intermedio Cinco Cámaras Rotas

O cordial invitación a proponer una reseña de cine

Esta película es una contribución de cineastas israelíes y palestinos a la paz. Nos encantará que la veas, la compartas y la comentes.

40 House of Cards, Castillo de naipes ¿ficción o realidad?

41 Woody Allen por Woody Allen

Función doble de Cine Mexicano 42 Heli. 43 La Jaula de Oro

Axel Ancira: Festival de Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana Cuba.

44 Boccaccerías habaneras

45 Pelo Malo*

46 La LV Muestra Internacional de Cine (casi) completa pero abreviada

47 The Fifth Estate. El Quinto Poder

48 Gravedad Gravity

49 Guerra Mundial Z, Wold War Z

50: 7 días en La Habana

51 Man of Steel El Hombre de Acero

52 Una Aventura en Globo

53 Star Trek In to Darkness Viaje a las Estrellas, en la Oscuridad

54 Metal y Hueso. De rouille et d'os

55 La Invención de Hugo

56 Gimme the Power

57 Érase una vez en Anatolia, Bir zamanlar Anadolu'da

58 Hitchcock

59 Life of Pi, Una Aventura Extraodinaria

60 Astucia

61 Django, de Quentin Tarantino

62 Cloud Atlas El Atlas de las Nubes

63 Rosauro Castro, retrato cinematográfico del PRI

64 Men in Black 3 Hombres de Negro 3. Fantasía y Carcajadas

65 Melody

66 Saturday Night Fever Fiebre de Sábado por la Noche

67 Documentales sobre Palestina

68 Memorias del 68. En Busca del Tiempo

69 Préstame tu Cuerpo

70 Star Trek Viaje a las Estrellas, la Serie Original de principio a fin

71 Holocausto

72 The Weather Underground

73: Utopía en 4 movimientos

74 V de Venganza V for Vendetta

75 Filmografía de los Armendariz. Padre e hijo víctimas de extraño Cáncer

76 Star Trek, The Next Generation Viaje a las Estrellas, La Nueva Generación

77 The End of the Affaire El Ocaso de un Amor

78 ENTREVISTA AL PAPA FRANCISCO 79J.EDGAR

80 María Gracia, La Pedro Infante infantil del Cine Mexicano

A MEXICAN FILM

82 La Sonrisa de la Virgen

83: Killing Me Softly

85 Les Miserables Los Miserables

Meryl Streep, Rubia y castaña en Programa Doble

86 Hearthburn, o el Dificil Arte de Amar

87 Falling in Love

88 Una Vida Mejor A Better Life

89 W O Dios bendiga a Oliver Stone

90 The descendants Los Descendientes

91 Mother

92 Dan en la Vida Real

93 El Sustituto Changeling

94 Funny Face Cenicienta en París

94 Ahí está el detalle

95 La Vuelta al Mundo en 80 días

96 Caballero a la Medida y

97 Su Excelencia

98 Annie Hall Dos Extraños Amantes

99: Smoke

100 The Truman Show

El Show de Truman

102 Julio Verne en el cine o El Planeta de las Apps fue previsto por Julio Verne

103 Happy Accidents, Una muy, muy inteligente comedia de amor

104 La leyenda del Tesoro y 105 El Mural (de Siqueiros)

Películas de Tavernier 106 Un domingo en el Campo 107 La Hora de la Verdad

108 Películas de y sobre Ingmar Bergman

109 X Men, First class Hombres X, Primera Generación

110 Del Brazo y por la calle

111 Así se quiere en Jalisco

ANEXO Y EPÍLOGO DONDE VOLVEMOS AL PRINCIPIO

Plataformas de Cine en Línea

A)Mexicanos al Grito de Guerra

Esta película es patrimonio de los mexicanos. En su realización se conjuntaron tres grandes talentos representativos de nuestra cultura: Pedro Infante, Lázaro Cárdenas e Ismael Rodríguez. La dirección corrió a cargo de un personaje menos famoso pero igualmente trascendente, Álvaro Gálvez y Fuentes, responsable de la calidad de la televisión mexicana en sus primeros años, creador de la telesecundaria y primer director audiovisual de la Secretaría de Educación Pública.

Puedes localizarla en este enlace http://www.youtube.com/watch?v=pTSEYIqsS74

B) Presunto culpable, una bofetada a la censura

C)Calabacitas Tiernas

D)La condición humana

E) Los Tres García y Vuelven los García

F) Validation Validación

G) La Panchita

h) Día de los Enamorados, Valentine's Day

I)Una bella a comentar sin falta Meryl Strepp

J) 500 Días con ella 500 days of Summer

Programa Doble: K 5 Días Sin Nora y L Morirse está en Hebreo

LL) El Brindis

M) La Familia de Mi Esposo, Meet the Fockers o Conoce a los Fornicadores

N) EL Pantera

M) Diabólica tentación, Jenniffer's Body

P) victor/Victoria

L) Un Puente Demasiado Lejos, A Bridge too Far, o de cuando al US ARMY le quedaba un poco de honor

LL) Amadeus, La Revancha de Salieri

N) Dicen Por Ahí...Rumor Has It y El Graduado

O)Los lunes al Sol

Q) Mission Impossible. Misión Imposible, nación de truhanes

S) 2010 El año en que que hicimos contacto

T) BREAK POINT

1 El Knack... y cómo lograrlo. The Knack and how to get it

Si hablamos de una película experimental es muy probable que lo primero que nos venga a la mente sea una obra de autor en la que sólo el director sepa lo que quiso decir y abuse de nuestro tiempo sólo para satisfacer el morbo de habernos atrapado, por el contrario en El Knack... y como lograrlo no serán pocas las carcajadas que se le arranquen al cinéfilo.

Si alguna vez el lector participa en una tribia y le preguntan sobre el mejor director británico que conozca, seguramente le llegará a la mente Alfred Hitchcock, pero si contesta Richard Lester, no estará equivocado.

Si nuestro lector no lo recuerda; pero nació en el Siglo XX, seguramente sí algunas de sus películas: A Hard Days Night, La Noche de un Día Difícil, con John, Paul, George y Ringo, Supermán II, Supermán III, Robin y Marian, y Help.

Entre las dos películas protagonizadas por los Beatles, Richard Lester filmó, en 1965, El Knack...y como lograrlo lo que definió sus dos características como cineasta, el humor y la música.

Sin ser una película musical, esta, que da título a nuestra reseña, es fundamentalmente recordada por su música, compuesta por John Barry, el de las partituras de varias películas de James Bond: Desde Rusia con Amor, Goldfinger, Operación Trueno y Sólo se Vive dos veces.

Pero para empezar que es eso de "el knack", si lo tradujéramos a la expresión francesa podría ser el Savoir faire, el saber hacer y en este caso se refiere a las habilidades de un hombre para seducir mujeres, y la necesidad de otro, un profesor de secundaria, por aprenderle.

Mientras tanto vemos a la sociedad británica, la conservadora, la que padeció la II Guerra Mundial, juzgando críticamente a esa juventud de melenudos con ansia de vivir y rompiendo toda esa tradición que tomó siglos formar de flemáticos ingleses.

¿Le llamamos farsa o comedia delirante a esta que protagonizan Rita Tushingham, Ray Brooks y Michael Crawford? Si los adjetivos farsa o comedia pueden resultar ambiguos para clasificarla, hay otra palabra que no le sobra: clásica.

Tribia, Michael Crawford fue uno de los protagonistas, cuatro años más tarde, de otra de las películas favoritas en la historia del cine, Hello Dolly, donde realiza el papel de Cornelius Hackl.

Ganadora del festival de Cannes, una publicación estadounidense la califico como la película más loca que se había hecho hasta ese momento.

2 Una Última y nos Vamos

La película dirigida por un debutante, con una sola estrella del cine nacional, Héctor Bonilla, y dos jóvenes y bellas actrices de la generación emergente en la segunda década del Siglo XXI, Martha Higareda y Mariana Treviño, no son suficientes para que Una última y nos Vamos obtuviera el éxito de taquilla que merece; sin embargo tiene todos los valores para ser un clásico que perdure.

Una última y nos Vamos revela desde el inicio su intención de ser un clásico. ¿Recuerda usted Los tres Mosqueteros de Dios, con Javier Solís, Joaquín Cordero y Resortes? ¿O esas otras películas de Rocío Durcal, Libertad Lamarque, Hilda Aguirre o Cesar Costa, donde era vital ganar un concurso de música?

Fueron películas de humorismo blanco que formaron la educación sentimental de los nacidos en la década de los sesentas. La música era un atractivo adicional.

En el Siglo XXI, México es una tierra de grandes talentos musicales. Nuestro mariachi es una institución mundial, forma parte de nuestros más altos valores culturales y sin embargo hacía décadas que no era tema o inspiración de una película mexicana.

Con escenas en Jalisco y el Teatro del Pueblo de la Ciudad de México, los talentosos y eficaces productores de Una última y nos vamos visualizaron una película que rescata lo mejor de nuestros más estimados valores: el trabajo en equipo, la solidaridad, la familia y la música mexicana.

Enormes aplausos nos debe merecer el hecho de que la ley de estímulos fiscales para el cine haya incorporado esta leyenda:

Se otorga un estímulo fiscal, a quien contrate adulto mayor, consistente en el equivalente al 25 % del salario efectivamente pagado a las personas de 65 años y más.

El filme le da rostro a Gabriel Chávez como maestro de ceremonias. Se trata de alguien que nos es familiar por su doblaje del Señor Burns, en Los Simpsons, El Fumador de Los Expedientes Secretos X o el abuelo de la serie animada ¡Hey Arnold!, pero cuya figura es prácticamente desconocida para la mayoría de los cinéfilos.

José Alfredo Jiménez y Maria Elena Leal, hijos de dos leyendas de la música mexicana, José Alfredo y Lola Beltrán, junto con Jaime Almeida, son personajes incidentales de Una Última y nos Vamos, con lo que se reafirma la vocación de la película de rendirle homenaje a personajes trascendentales de nuestra historia musical, si ya no es posible en forma directa, a través de sus herederos.

Aunque en el promedio de votos de Internet Movies Database, al realizar esta reseña, la película no alcanzaba el 7 de calificación promedio, disculpe usted si nos desborda el entusiasmo al recomendarla; pero es que en realidad hay que rescatar un filme que se preocupa por rendir un homenaje a nuestros valores, rescatar nuestra música, escenarios por muchos desconocidos como el Teatro del Pueblo, y revalorar a actores como Héctor Bonilla (que incluso canta) cuando ya es más fácil verle en el teatro, que en espectáculos para las masas como es el cine.

Bien por el director debutante Noé Santillán López. Bien por Época Films por esa dirección de arte que nos remite a las películas clásicas, desde las escenas iniciales, hasta la forma en que se coloca la palabra FIN.

La despiadada competencia por la cartelera cinematográfica seguramente no le dio a Una Última y nos Vamos los ingresos que merece. Salvo rarísimas excepciones, en México el cine solo se hace para darle un destino racional y perdurable al Impuesto sobre la Renta que deducen las grandes empresas a través de EFICINE.

Afortunadamente existen empresas como Netflix, para prolongar el valor y las oportunidades de ver películas como esta.

3 Una vez, un hombre

Durante los primeros cinco años de existencia del blog Carteleradvd una de las entradas que ha tenido más visitas es la que se refiere a María Gracia, una actriz infantil que participó en películas de los Hermanos Rodríguez. Este estudio realizó varias películas a las que se califica frecuentemente como delirantes, ver http://carteleradvd.blogspot.mx/2011/12/nota-del-editor-estos-espanoles-no.html. Es el mismo calificativo que podemos aplicar a Una Vez, Un Hombre, de don Guillermo Murray.

Es frecuente encontrarse a don Guillermo, a quien las nuevas generaciones quizá solo conozcan como padre de Rodrigo Murray, en la Cineteca Nacional. Es oportuno decir esto porque demuestra que el delirio de Una Vez, Un Hombre, no es un asunto de locura temporal del novio de Rocío Durcal en La Novicia Soñadora, sino una película experimental, visionaria, romántica, fantástica y de ciencia ficción, como pocas o ninguna en la historia del cine mexicano.

Es además un trabajo documental porque nos muestra la Ciudad de México en 1971, en un filme con las últimas actuaciones de una generación de artistas procedentes de otros países y la primera de artistas icónicos de la cinematografía nacional, representada por la guapa Helena Rojo y el galán Héctor Bonilla.

Veamos, el valenciano Enrique Rambal, como el fabuloso Doctor Noviembre; la madrileña Amparo Rivelles, la bonaerense Lucy Gallardo y la defeña Gloria Marín, como las arpías.

No le vamos a estropear con "espoilers" el disfrute de la película si le adelantamos que en este caso las arpías son personas que cortan la vida de las personas con el auxilio de una moviola en la que proyectan películas que contienen precisamente la vida de las personas.

Un guión de Hugo Iriart, adaptado y dirigido por Murray, donde veremos escenas realmente de antología como la de cientos de niños caminando por las calles de México y a Héctor Bonilla, preparándose tal cual lo hacían los astronautas en la Nasa.

4 Orgasm.Inc El negocio del orgasmo

- Ahí doctor, ahí

- ¿Qué pasa, le duele?

- No doctor, al contrario. No se que me está haciendo, pero siento delicioso.

Más o menos con esas palabras inicié hace años un artículo sobre un aparato inventado por el médico cirujano Stuart Meloy. Le llamó Orgasmatrón.

Se trataba de un invento que se colocaba en la parte baja de la espina dorsal, a la que se mandaban pulsos eléctricos con un control remoto.

Entusiasmado por su invento empezó a hacer pruebas clínicas, para saber si se repetía la experiencia de su primera paciente. Una de las personas que se prestó al expeerimento, Charlotta, quien se sentía infeliz porque no podía tener orgasmos en sus relaciones maritales se colocó el aparato y permitió a la documentalista Liz Canner filmar la experiencia.

El Orgasmatrón no le funcionó a Charlotta, en lugar de sensaciones placenteras. tenía la de que le pateaban la espina dorsal mandando un impulso eléctrico a una de sus piernas.

La operación, informa la documentalista en un gráfico, tenía el riesgo de provocar una fuga del fluído cerebro espinal, hemorragia epidural y esto llevar a la parálisis ¿A cambio de qué? de placer.

Todo empezó con el éxito del Viagra. Por X, Y o Z los hombres perdemos la capacidad de tener erecciones. Nuestra cultura sexual nos dice que sólo con la penetración a nuestra pareja podemos darnos y darles satisfacción sexual.

El Sildenafil fue el primer medicamento que favoreció una mejor irrigación sanguínea al pene, e inhibir que se perdiera la erección. Médicamente se sabe que la irrigación sanguínea de los genitales favorece su lubricación y sin lubricación no hay orgasmo femenino.

De manera que si las mujeres no lograban lubricarse tenían disfunción sexual femenina, en consecuencia se debiá tratar el tema como una enfermedad y las enfermedades se tratan con drogas.

El inglés resulta bastante pobre en ocasiones, utiliza la misma palabra "drugs" para referirse a las sustancias que alteran la conciencia y a las que tratan de resolver una enfermedad.

A lo largo de 80 minutos el documental de Liz Canner recoge los esfuerzos de las compañías farmacéuticas no sólo porque se reconozca que la anorgasmia es una disfunción sexual femenina, sino porque se aprueben drogas para tratarla.

Drogas legales y muy caras por supuesto porque en su precio deben incluirse la inversión publicitaria de los laboratorios para que los médicos las receten.

Es popularmente sabido que el consumo de mariguana provoca un estado de relajación en muchas mujeres que las hace ponerse de buen humor y reírse. Entonces pueden proceder a tener relaciones sexuales por el solo gusto del coito, sin preocuparse por el resultado y al no preocuparse, el orgasmo llega solo.

Y es que al contrario de lo que sucede a los hombres, que requieren determinada presión y fuerza para llenar las cavidades del pene y lograr una erección, las mujeres necesitan más de una estimulación mental.

Si equiparamos el clítoris al pene, el espacio de las terminaciones nerviosas para el placer es mucho menor. El documental de Canner establece que esto ya lo sabían los médicos del Siglo XIX y por eso en vez de pensar en drogas, encontraron en la electricidad un maravilloso auxiliar para la histeria, esta sí una enfermedad, atribuida a la falta de desahogo sexual de las mujeres.

Orgasm.inc tiene una escena muy interesante relacionada con la evolución de estos aparatos en el Siglo XX, los vulgarmente llamados consoladores.

La angustia por la falta de orgasmos femeninos, dice la película, ha resultado un negocio de miles de millones de dólares para muchas personas. Cita el caso de las hermanas Berman, cuya exposición en televisión les permite cobrar 1,500 dólares por una consulta (casi 25 mil pesos al tipo de cambio de enero de 2016).

Por supuesto la industria farmacéutica gasta millones de pesos en consentir a los médicos con convenciones en centros turísticos para que aprueben su producto.

Hasta aquí por lo que se refiere al documental que podrán ver los suscriptores de Netflix.

La pregunta que subyace es ¿la anorgasmia es o no una enfermedad?

Para empezar ¿a qué definimos como una enfermedad? A la ausencia de bienestar físico o mental. En ese sentido, pues si. Si la ausencia de orgasmos nos provoca estar fuera de la zona de bienestar, pues sí, es una enfermedad.

Pero desde otro punto de vista, el del desaparecido doctor Alberto Rish, uno de los primeros médicos en estudiar integralmente la sexualidad humana en México, la anorgasmia no es en sí misma una enfermedad, sino síntoma de otras enfermedades.

¿De cuáles? De las más diversas, desde traumas mentales a consecuencia de un abuso sexual, hasta infecciones, parásitos, diabetes o problemas neuronales.

Esta es una de las tesis que desarrolla el documental , aunque no concluya. La anorgasmia femenina es un problema, sí, pero en muchos casos requiere de multidisciplinaria atención médica para tratarla. No siempre bastará con una pastilla que aumente la irrigación sanguínea para tratarla.

En Orgasm.Inc se trata también el tema de las operaciones vaginales. Una cuestión estética para aparentar lo que no existe, una vagina virgen, o al menos adolescente; pero cuyos riesgos de hemorragias incontrolables son mortales.

Dice Peter Greenaway que sólo hay dos temas imprescindibles en el cine, el sexo y la muerte. Orgasm.inc es una película a ver sin falta para quien tenga relaciones sexuales y para quien no haya podido y quiera conocer el placer de un orgasmo antes de morir.

5 Cartels Land. Tierra de Cárteles

- ¿Qué harías tú si a los vecinos de enfrente los decapitaran por no pagar cuotas? Los templarios les mocharon las cabezas por ser de aquí de Tepalcatepec. Tenemos muchas tragedias por culpa de los criminales. Seguíamos nosotros.

- Necesitamos prácticar para que cuando vengan los enfrentamientos de a deveras no nos tiemble la mano

- ¿Qué harías tu, esperar que vinieran por tí, o comprar una de estas pa' defenderte. ¿Qué harías tú?

Son algunas de las sentencias de la película documental Tierra de Cárteles, pronunciadas por José Manuel Mireles, el médico que empezó el movimiento de autodefensa en Michoacán y que fue encarcelado por el miedo del gobierno a que del mismo Estado surgiera un dirigente con más autoridad moral que las autoridades federales y estatales. .

Al mismo tiempo que Mireles se hacía autodefensa, una familia de 14 personas, la más pequeña de 3 meses, fue asesinada porque el patrón, el propietario de una huerta de limones, no pagó la cuota a los caballeros templarios. Para acabar con la vida de los niños, los azotaron contra árboles de pie. De los responsables no se sabe que estén en la cárcel, Mireles sí.

El gobierno está trabajando junto con los criminales dice Mireles en el documental. En otros espacios y en otros tiempos, la noticia de que el hijo del entonces gobernador Fausto Vallejo, elegido bajo las siglas del Partido Revolucionario Institucional se reunía periódicamente con otro de los grupos delictivos, denominado La Familia Michoacana, confirmaría sus palabras.

Una de las escenas más impactantes de Tierra de Cárteles es la llegada del Ejército al poblado de Apo, Municipio de Tancítaro, en Michoacán. Luego de desarmar a los autodefensas, la gente se arma de machetes y palas para exigir la devolución de las metralletas. Resalta el coraje de las mujeres, reclamando a los uniformados, que si ellos hubieran padecido lo mismo que la gente, estarían de su parte. Los soldados se retiran.

En el documental se hace un paralelismo entre los "vigilantes" armados en Estados Unidos con rifles de alto poder y el doctor Mireles, también con arma larga en muchas escenas, pero armado con un estetoscopio en otra. Aún es posible que muchos lo ignoren, pero Jose Manuel Mireles Valverde tenía plaza como médico en clínicas rurales.

En Tierra de Cárteles (un documental que podría ser decisivo para lograr la excarcelación del preso político si obtiene el Oscar) el doctor Mireles explica que primero llegaron los Zetas; y luego La Familia Michoacana los expulsó; sólo para dividirse y crear un nuevo cártel, Los Caballeros Templarios, que primero se comprometió a no atacar a los civiles;pero que acabó cometiendo raptos, violaciones y torturas a niños.

Aunque el documental muestra a Mireles como el dirigente de un movimiento ciudadano que parecía indispensable, no omite escenas donde se le ve capaz de encabezar también juicios sumarios contra presuntos caballeros templarios.

Tierra de Cárteles presume que cuando Mireles estuvo ausente por un accidente aéreo, la situación se salió de control en Michoacán.

Otra escena en la que se oye la voz de Enrique Peña Nieto hablando sobre el reclamo de inseguridad, tiene como colofón el comentario desaprobatorio al presidente, del dirigente Estanislao Beltrán Torres, conocido como "Papá Pitufo".Este que en algun momento fue vocero del movimiento de autodefensa en ausencia de Mireles, fue luego su enemigo.

Pero los líderes no se improvisan, Papá Pitufo es increpado en otra escena donde el pueblo le reclama que haya sustituído a las instituciones. Más adelante le veremos institucionálizandose y en el contexto de esa nueva escena de la película documental se da a entender que no hay problema en ser al mismo tiempo policía a sueldo, usar una USI y pertenecer a un cártel delictivo

Mireles, padre e hijo, en otra escena del documental con fotografía de Matthew Heinemany Matt Porwoll

En febrero de 2014 se celebró el primer aniversario de la creación del movimiento de Autodefensas, una parte de la película registra la conmemoración. En la siguiente, José Manuel Mireles cuestiona a "Papá Pitufo" acerca de las invasiones de casas y le advierte no nos vayamos a convertir en lo mismos delincuentes que combatimos. Después vemos como capturan a una persona por el sólo hecho de viajar en una camioneta blanca. Se dice que minutos antes les dispararon desde un automóvil jetta del mismo color. Los autodefensas no tienen ningún pudor de que los filmen mientras torturan sicológicamente a un detenido. En el fondo se oyen los gritos desgarradores de otras personas que son físicamente desgarradas.

Entre escenas michoacanas Matthew Heineman nos muestra a un grupo de parias gringos, ex adictos algunos de ellos, que buscan dar sentido a su vida persiguiendo migrantes, con el auto engaño de que son traficantes de drogas. Estos, que no hace falta ninguna inteligencia para pensar que son los que votarían por Donald Trump, son del tipo que aparece en la película de Jonás Cuarón, Desierto, aún sin estrenar mientras escribimos estas líneas.

Tras una referencia de la película al cártel de Los Viagras, Mireles dice ante una cámara de teléfono celular que teme por su vida. Habla de Los Arrepentidos, ex miembros de los Caballeros Templarios que vistieron la camiseta de los autodefensas y que ahora empoderados, se han reorganizado como criminales.

Después vemos a Papá Pitufo cambiar su camiseta por un uniforme azúl policiaco y abrazar a Alfredo Castillo, entonces comisionado especial en Michoacán. Es ya el mes de mayo de 2014. Faltaban ocho meses para que el documental fuera presentado por primera vez en el Festival de Sundance donde gana el premio al mejor director y a la mejor cinematografía.

- Se quitaron las camisetas de autodefensas para ponerse las camisetas de Gobierno

Dice Mireles cuando faltan 14 minutos para que termine el documental.

- ...Pero siguen siendo mafia, siguen siendo criminales

La mañana del jueves 14 de enero de 2016, Mientras Mireles permanecía en la cárcel, se dio a conocer que Tierra de Cárteles estaba nominada al óscar por mejor documental.

Por la forma en que fue capturado el narcotraficante Joaquín Guzmán Loera, cabe preguntarse si lo atraparon por sus delitos, o por querer producir una película con su historia.

Por lo que respecta a Mireles, si la película obtiene un Oscar, es muy probable que al fin obtenga su libertad.

Las últimas escenas del documental presentan a un grupo de personas con el uniforme policiaco del que los dotó Alfredo Castillo, mientras cocinan anfetaminas; en tanto que Mireles, detrás de las rejas, sin su cabello y bigote característicos mira detrás de las rejas.

6 Game of Thrones Juego de Tronos ¿Tiene secretos su éxito? Para empezar, el cambio de modelo.

Hace ya algunos años que para producir programas de televisión no se necesita de patrocinadores comerciales. Con su pago, los televidentes deciden qué quieren ver, cuándo lo quieren ver y no permiten que les censuren si hay desnudos, violencia extrema, coitos heterosexuales, homosexuales o fantasías extremas, incluyendo dragones, caminantes blancos (zombis) y transmigración de almas a distintos cuerpos.

Ya no hay intermediarios entre el espectador y el productor: ni para venderle lo que no desea comprar, ni para disponer de su tiempo para algo que no desea ver, ni gobierno o liga de la decencia que decida si el espectáculo es o no apto para su consumo.

Juego de Tronos es una versión novelada y fotografiada de la traducción más malvada de la palabra Maquiavélico, donde para ser respetado se debe ser amado y temido, pero preferentemente esto último. Traduce un poco de las versiones que sobre La República dio Platón al mencionar sistemas de gobierno como la Monarquía, la Oligarquía, la Tiranía y la Timocracia. Como Hobbes en Leviatán, también hace una amplia exposición del papel de la religión, la magia y la superchería en el comportamiento humano.

Están también los grandes problemas filosóficos históricos: el incesto, bien o mal visto según la época y la geografía; el amor y el odio filial, lo inevitable de la muerte.

Durante muchos años, en las películas, el mal siempre tenía pronto castigo, en Juego de Tronos pueden pasar años y los malvados siguen haciendo las peores crueldades, mientras que los buenos mueren uno tras otro. Si acaso hay un patrón a lo largo de los primeros cinco años de las primeras cinco temporadas, es el castigo para los maltratadores de niños. Ese generalmente se presenta pronto y expedito.

No es un secreto, pero si una razón existe para él éxito, es que los productores no han escatimado gastos para filmar en Croacia, España, Irlanda, Islandia, Marruecos y Malta. Seis países reales para 7 reinos imaginarios.

Las historias, pueden transcurrir años sin que se crucen, y son tantos los personajes protagónicos, más de 70, que se mantiene el interés por ver lo que sigue, aunque en momentos puede resultar asfixiante presenciar tanta miseria humana.

Aún así hay algo que también nos mantiene cautivos, y es que los personajes no son maniqueos, salvo un par de excepciones. Los más malos siempre tienen alguna justificación para portarse como se portan, la familia, generalmente. Ya dependerá de cada espectador si les compra o no su inocencia. Eso es lo bueno de la serie, cada quien lo interpreta como quiere.

El éxito de Juego de Tronos se puede medir por las parodias que se le han hecho, lo mismo en Los Simpsons que en Plaza Sésamo, pero sobre todo por la calificación de 9.5 que le han concedido en promedio los seguidores de Internet Movies data Base

También por la cantidad de estrellas, muchas de ellas provenientes de compañías de teatro clásico, que no han tenido temor en mostrarse vestidas o desnudas (en opinión del autor de esta reseña la mayoría debe sentir orgullo, más que pena, por lucir sus cuerpos a diversas edades) y por la cantidad de premios y nominaciones

Si líneas arriba hablábamos de 70 actores en roles protagónicos, es porque hay más de 700 personajes que fueron dirigidos por 18 directores en cinco temporadas. Si transcribiéramos además la lista de maquillistas, escenógrafos, entrenadores de esgrima, coreógrafos, personas encargadas de cuidar a los animales, 30 productores, 15 fotógrafos y y seis directores de edición, necesitaríamos más de 100 cuartillas a 12 puntos para mencionar los nombres de los gerentes de producción, asistentes de dirección y administradores. Más de cuatro mil empleos pagados no por partidos políticos, no por vendedores de jabón o de champús, quizá por los promotores de turismo de los seis países mencionados, pero sobre todo y mayoritariamente por los propios espectadores.

Y estamos hablando sólo de los empleos directos, habría cientos de miles más si consideramos las campañas para las que son contratados los actores, o los que subtitulan en docenas de idiomas. Juego de Tronos, por su morbo, porque nos hace vivir fantasías olvidadas, sea infantiles, sea de sueños eróticos o... por lo que sea, es hasta ahora la serie de televisión más ambiciosa de todos los tiempos.

La televisión es el gran negocio para iniciar el Siglo XXI, pero ya no para quien no sabe otra cosa que revolcar telenovelas como Simplemente María o La Mentira, para ellos ya solo quedan anunciantes con clientes muy pobres, económica, intelectual y culturalmente.

7 Mad Men,

8 Halt and Catch Fire, dos décadas, dos alocadas profesiones

Hombre locos al extremo, locos de atar, locos furiosos. Esas serían algunas de las traducciones posibles para Mad Men. Si fuera sólo Crazy Men, serían más bien hombres alocados, chiflados, ocurrentes. Cualquiera que sea la traducción se ajusta muy bien para describir a los creativos, pero sobre todo a los originales, a los inventores de la publicidad en medios electrónicos, a los máximos innovadores de la mercadotecnia impresa, justamente de los que trata esta magnífica serie ganadora de cuatro globos de oro, ambientada en la séxta década del Siglo XX y hasta 1971.

Halt and Catch Fire, sería algo así como ¡Alto y Atrapa el Fuego! En el lenguaje de la computación los "muros de fuego" son las barreras que atrapan los virus, o las intromisiones del exterior. Esta serie es pues, acerca de los desarrolladores de las computadoras. Lo que en ambas se cuenta nos toca muy cercanamente a quienes pasamos de los 50 años en la segunda década del Siglo XXI.

Entre 2007 y 2015, Mad Men revivió para la pantalla la contienda por la presidencia entre Nixon y Kennedy; el asesinato del Presidente Católico; la llegada del Hombre a la luna; la fascinación por las drogas y la sicodelia; la atracción de algunos jóvenes por la guerra de Vietnam y el rechazo de otros. Lo hizo al mismo tiempo que nos explicó que Nabisco, la famosa marca de galletas, significa National Biscuit Company, nos mostró que antes de los videos en cartuchos, la fascinación era el Carrusel fotográfico de Kodak y como, casi nadie, en cualquier actividad creativa, podía prescindir de docenas de cigarros.

Por su parte Halt and Catch Fire también nos habla de marcas, pero todas tecnológicas: Compaq, Xerox, Nintendo, Apple, IBM y las calculadoras de Texas Instruments; sin embargo, mientras que en una época todo era glamour, bellísimas damas y autos carísimos para aparentar cosas que no siempre existían, dos décadas más tarde los que iban a ser creadores de empresas multimillonarias hacían las cosas por si mismos, desde soldar chips, hasta programar videojuegos o crear lenguajes y sistemas de arranque. Eran los "nerds", los incapaces de socializar, farmacodependientes, comedores de pizza y bebedores de enormes cantidades de soda con mucho, mucho gas carbónico.

Tanto en Mad Men como en Halt and Catch Fire, hay un fuerte contraste entre la vida profesional y la personal de los personajes; en la primera se lograron programas que son una verdadera obra de arte, guiones con una belleza literaria de la calidad de Shakespeare, mujeres esculturales y una fotografía con claroscuros de fantasía...y melancolía; el diseño de producción, soberbio, mostrándonos oficinas y departamentos amplísimos, haciéndonos añorar épocas sin hacinamientos.

La música ¡ah, la música! merece un capítulo aparte. No solo nos sumerge completamente en la década de los sesentas, también nos da contrapuntos emocionales fantásticos. Un ejemplo: cuando la suegra de Quebec vacía el departamento de su yerno en Nueva York y este regresa y ve desolado lo que ha sido su hábitat por varios años, empieza a sonar la pegajosa canción

C'est si bon,

De partir n'importe où..

El capítulo 92, que cuenta la crisis de un hombre millonario y exitoso al que nada le sale bien en el amor, termina con una sonrisa y un comercial. Es el final menos explícito y el más hermoso que haya existido para una serie de televisión ¿Por qué? porque depende fundamentalmente de la inteligencia y la sensibilidad del espectador.

Mientras tanto Halt and Catch Fire, mucho menos estética, en favor del realismo, nos recuerda que no están nada lejos en nuestro pasado los discos magnéticos flexibles, los monitores monocromáticos y los "chatsrooms" que antecedieron a Facebook en la creación de comunidades virtuales.

El retrato de los monitores desde antes que existieran las "Windows", ventanas a múltiples accesos, y el peso de los armatostes que todavía no acababan de sustituir a las máquinas de escribir eléctricas, serán también nuestro recuerdo de como fuimos haciéndos dependientes de la tecnología antes de convertirnos en esclavos de ella, como ocurre ahora con los adictos a las selfies y los teléfonos celulares que cuentan cada uno de nuestros pasos, saben que páginas abrimos y el contenido exacto de las palabras que dirigimos a las personas que amamos. Todo esto también porque debemos instalar antivirus gratuitos para evitar que estropeen nuestros aparatos, creyendo que no nos cuestan nada...nada más que la entrega a desconocidos de nuestros deseos más oscuros y sentimientos.

Halt and Catch Fire nos cuenta también como creamos un muro de fuego para sentirnos protegidos, ignorando que nos estábamos quedando adentro.

9 Pacino, cantante en Dany Collins

Alfredo James Pacino, el actor de la que está considerada una de las más grandes películas de la historia, El Padrino, regresa a confirmar por qué es uno de los mejores artistas de su generación con una película en la que no sólo canta, sino que está acompañada de las mejores canciones de John Lennon, puestas como fondo justo en el lugar en que debe estar cada una.

Love, Héroe de la Clase Obrera, Beautiful Boy e Imagina son algunas de las canciones que amenizan y sirven de hilo conductor en esta película. Confieso que llevó dos días recordando que el amor es real, la realidad es amor, amor es tocar, y estar en contacto es amar,todo esto antes de decidir que traducir la canción de Lennon es imposible porque la métrica de sus versos solo tiene ritmo en inglés, lo que no obsta para que, en el fondo, sea un gran poema en cualquier idioma.

A diferencia de casi todas las películas del género Dany Collins no cuenta la historia de ascenso y éxito de un personaje motivacional, sino lo que pasa cuando ya eres tan rico y famoso que casi se ha perdido toda emoción y objeto de vivir.

Lo que aquí hace Pacino es contarnos la historia de un hombre que no ha perdido el sentido del humor y está dispuesto a encontrar nuevamente el sentido de la vida. De lo que esta película trata, en la vida real tiene muchos desenlaces posibles; el suicidio por sobredosis de drogas podría ser un ejemplo en cantantes y actores mucho más jóvenes de lo que es Pacino al filmar esta historia: Elvis Presley, Philip Seymour Hoffman, Whitney Houston, Michael Jackson y Heath Ledger (el guasón de Batman) son solo algunos ejemplos.

Pero Dany Collins, el personaje de esta película, también podría ser Enrique Guzmán, Alberto Vázquez, Manolo Muñoz, u otros artistas latinos, sobrevivientes a las adicciones o no, algunos de los cuales continuaron proyectan esa imagen jovial y optimista de la década de los sesentas del siglo pasado, aunque al no ser parte de la industria de Hollywood no tengan aviones propios o den propinas de 100 dólares a los porteros de hoteles.

Sin dejar de ser una comedia, Dany Collins es una película muy profunda que tiene que ver con volver a empezar, atreverse a reinventarse y disfrutar de la compañía ideal sin tener que comprarla. Con muy buen humor resume la vida de muchos músicos en una historia que nos hará identificarnos con otras biografías que conocemos, sobre todo si pasamos de los 50 años.

Completan el reparto, Annete Benning (Belleza Americana), la belleza serena y joven de Jennifer Garner (Juno) y Christopher Plummer el galán de muchas historias anteriores aún anteriores a Pacino (La Novicia Rebelde)

Dirige el joven Dan Fogelman, en cuya biografía figuran películas de caricaturas como Enredados y Cars, lo que también nos dice que Dany Collins es una película optimista y si, le insistimos, le agregamos las canciones de Lennon, bueno, pues para muchos de nosotros, espectadores, realmente entrañable.

Postadata: Al Pacino no necesitó de doble ni para cantar ni para bailar con gracia en el escenario, sin contar que esta vez no tuvo las limitaciones que le exigía Perfume de Mujer

10 Él

https://youtu.be/_wy2rL6e_Ao

Entre las filias y fobias que puede provocarnos el cine de Luis Buñuel, seguramente los cinéfilos encontraremos coincidencia en que Él no solo está entre las mejores películas en la historia del cine mexicano, sino que además contiene la más mesurada crítica al pensamiento conservador, la generación desgraciada por el fin de la casta divina, que era propietaria de vidas y haciendas, y la burla más fina del clero y sus malformaciones.

Casi 60 años antes de que Spike Jonze creara Ella, la historia de amor entre un hombre y su interface, Luis Buñuel y su tocayo Luis Alcoriza realizaron el guion de Él, basado en la novela de Mercedes Pinto. Juntos lograron una historia que al mismo tiempo que reflejaba la ideología de Buñuel, y su desprecio por el equivalente al franquismo a la mexicana, nos provee de una muy interesante película de suspenso, muy poco frecuente en el cine nacional. Cómo será de efectiva que la escena en el campanario de la Catedral, inspiró a Hitchcock para una de las imágenes más célebres de Vértigo, filmada 5 años después.

Él, no resistió mucho ante los espectadores de cine de medio siglo en México: apenas tres semanas; sin embargo, cuatro décadas después, la revista Somos realizó una encuesta que la colocó como una de las 100 películas mexicanas de mayor calidad.

Un dato curioso y prácticamente inédito hasta ahora es que la española Mercedes Pinto escribió otra novela, también sobre los celos, a la que tituló Ella y se convirtió también en película, pero esta vez francesa y filmada en Bulgaria en 1996, 20 años después de la muerte de la escritora.

Sí, Él es una película sobre los celos patológicos, pero también muchas otras cosas, como los efectos secundarios de una educación conservadora y los traumas que puede causar en un matrimonio la falta de experiencia sexual, de la que se va a derivar inseguridad y miedo a las comparaciones.

La relación de Él con su mayordomo, es una de las sub tramas que seguramente serían objeto de interesantes debates en cine clubes de sicólogos y siquiatras.

El retrato del personaje, - dónde se incluye la frase distintiva de Arturo de Córdova "No tiene la menor importancia"- no está exento de compasión de Buñuel, aunque al final, que por supuesto no le vamos a revelar aquí, hay un duro castigo.

Él. Para cinéfilos de todo el mundo, un ejemplo de que México también tiene películas de valor universal, pero imprescindible para quienes aman o estudian el cine de nuestro país.

Como clásico que es, esta vez integramos la ficha por si especialistas desean hacer más consultas

El, (1953), dirigida por Luis Buñuel, basado en la novela de Mercedes Pinto, con guion de él mismo y Luis Alcoriza. Fotografía, Gabriel Figueroa; Edición (sobresaliente), Carlos Savage; Música, Luis Hernández Bretón; Diseño de Producción, Edward FitzGerald.

Reparto: Arturo de Córdova (Francisco Galván de Montemayor) Delia Garcés (Gloria Villalta) Aurora Walker (Madre de Gloria) Carlos Martínez Baena (Sacerdote) Manuel Dondé (Pablo) Rafael Banquells (Hombre golpeado en el hotel de Guanajuato) Fernando Casanova (Lic. Beltrán)

11 Inside Out Intensa Mente, en 5 párrafos y un epílogo

El temor es algo más que la precaución, la alegría puede conducir a la euforia y esta al peligro; el coraje a defender nuestras vidas; la tristeza, hacer unirnos y los sueños tienen efectos medicinales.

A nuestros pequeños, deseando que nunca crezcan, es la dedicatoria que muy pocos espectadores alcanzarán a leer si abandonan la sala antes de que termine la función.

La música es grandiosa para acompañar al cine en la provocación de sensaciones, pocas veces se ha conseguido una simbiosis tan perfecta entre dibujos animados y música, como en esta película. A diferencia de otras de Disney, en esta seguramente no habrá una canción que identifique a una generación, pero la pista sonora debería ocupar uno de los 10 mejores lugares en la historia del Cine.

Cada personaje de la película está inspirado en una forma de la naturaleza, Alegría es una estrella, Tristeza tiene morfología de lágrima, Ira es un ladrillo saliendo del horno de cocido, Precaución es un nervio y Desagrado un brócoli. Lamentable esto último, si se considera que el vegetal es uno de los mejores para prevenir los cánceres de próstata; pero bueno, representa bien buena parte de las mentalidades infantiles, sin perder de vista que Desagrado es la más bonita de la película, aunque un poco presumida. Cinco personajes para una producción de 5 *****

Pixar ha realizado el mejor viaje de la historia del cine al país de las maravillas que representa la mente humana. Lo hace en un personaje que está en transición a la pubertad y que va a perder en el camino la inocencia que representan las boberías y muchas cosas más porque, una ciudad se va a destruir para que pueda nacer otra mucho más compleja. De alguna manera Pixar vuelve a los orígenes que representó Toy Story porque habla del crecimiento y porque fascina de igual a los niños, a los adolescentes y a los adultos. A estos últimos incluso les puede parecer mentalmente fatigosa si se preocupan por desglosar todos los mensajes intrínsecos de la cinta: El viaje por el subconsciente, los neurotransmisores que nos provocan las emociones... Junto con Psicosis, Vértigo, Él y La solución del 7 por ciento, Intensa Mente es una de las grandes películas de la historia sobre la mente humana, pero es la primera que nos lleva en un viaje, mágico y misterioso, para toda la familia. Diez puntos y 5 estrellas. Sin duda alguna.

Epílogo: Disney tiene a las mentes más brillantes en su estudio. Esta película, como antes Tomorrowland, representan esperanza en la humanidad, en el trabajo en equipo y en la familia, eso por si mismo es grandioso y nos hace mucha falta a los latinos, y a la humanidad entera.

12 Spare Parts/Los inventores

Si alguien le hubiese creído a Donald Trump cuando dijo que lo peor de México es lo que llega a los Estados Unidos, sería una razón más por la que no se debe perder esta película. Una historia de la vida real es la de Rosario Marín, egresada de una secundaria técnica de una de las zonas marginadas de la Ciudad de México, Iztapalapa, quien llegó a ser Secretaria del Tesoro de la Casa Blanca; esta de Los Inventores, también es una historia real. No sólo eso, sino que inspiró el programa Dreamers que mitigó el hostigamiento a los jóvenes indocumentados que estudian en Estados Unidos.

Muchas lecturas pueden darse de esta película, políticas y cinematográficas, pero para no quitar algo al espectador, que pudiera alterar las emociones que le cause la proyección, quisiéramos anticipar aquí que la historia confirma sin exageraciones el talento de los mexicanos para resolver complicados problemas, con ingenio, cuando no se tienen recursos. Es también una película sobre el oficio y el arte de enseñar, sobre la obligación que tenemos todos los adultos de ser padres adoptivos de todo joven que nos necesite.

George López, interpreta a Fredy Cameron un maestro que se parece mucho, en lo físico y en su conducta a maestros que imparten diversos talleres en escuelas activas de Iztapalapa. Escuelas en las que precisamente se aprende a través de proyectos específicos: física, elaborando helados; literatura, representando papeles de obras teatrales; los elementos químicos con composiciones literarias; inglés, con situaciones que se pueden presentar en la vida real y civismo con simulacros de voto (por cierto, en este último ganan Morena y el PRD)

Jamie Lee Curtis, actriz adorable, representa a Karen Lowry quien como muchos maestros mexicanos se desprende de parte de su sueldo para solventar necesidades de las que no provee el Estado. Aquí en México, y me consta porque lo he atestiguado personalmente, para ponerle suelas al zapato de un niño o para comprar papel higiénico para los baños.

En Los Inventores como en la vida real en México, uno de los mayores problemas que tienen los maestros son los padres. Aquí y en Estados Unidos los maestros necesitan decirle a los padres los enormes potenciales de sus hijos, cómo resolver carencias mínimas, y de qué manera pueden complementar en casa lo que se da en la escuela.

Pero resulta que estamos demasiado cansados, demasiado ocupados con el pago de la renta, o de la hipoteca, o de la luz o de llenar la despensa (que los adolescentes agotan con rapidez inaudita) como para todavía tener que lidiar con quejas o cooperaciones adicionales que nos piden los maestros.

La historia de Los Inventores está basada en el artículo La Vida Robot, así, en español, publicada en Wired Magazine, así, en inglés. La dirige Sean Mc Namara, quien se ha especializado en cintas de corte familiar. Es interesante como gracias a una publicación tecnológica, algunos políticos de Estados Unidos se dieron cuenta de la estupidez que representaba expulsar a jóvenes que son precisamente lo que mantiene el sueño americano.

El senador Dick Durbin se encargó de que uno de los inventores de los que habla esta película, honrado por el propio presidente Barack Obama, pudiera regresar a Estados Unidos luego de que lo expulsaron 11 meses a México.

Por supuesto este muchacho, que debió ser acogido con los brazos abiertos por el gobierno mexicano y las autoridades educativas, no fue reconocido y todavía tuvo que perder varios meses de su vida en Afganistán antes de que le otorgaran la ciudadanía, no por su talento como inventor, sino por vestir el uniforme de soldado

Entre las peculiaridades de la historia se halla el hecho de que los jóvenes se proponen construir un robot submarino, cuando ni conocen el mar ni tienen acceso siquiera a una alberca. El ingenio de los mexicanos nos es recordado frecuentemente por los buenos lugares que ocupan en los certámenes internacionales de robótica; pero hay otras fuentes para que "nos la creamos".

Horas antes de ver la película y escribir esta reseña leí este texto: hoy en día decir en Reino Unido ‘soy mexicano’ es sinónimo de gente talentosa, trabajadora y perseverante. Quien sabe si será por orgullo pero los mexicanos nunca decimos ‘no sé’; si no lo sabemos, lo investigamos y aprendemos, pero no nos rajamos”.

Se trata de la historia de Teresa Alonso Rasgado, una mexicana que fue becada por el Conacyt para estudiar en la Universidad de Manchester. Ella se juró que sólo permanecería 3 años en el Reino Unido pero después de 20 no la dejan regresar a México. No sólo fue porque les caigan muy bien los mexicanos, sino que su trabajo le interesó a la industria y la industria le hace importantes donativos a la Universidad de Manchester.

La Mexicana que enamoró a Manchester

Una historia que Donald Trump no conoce, y de verdad, ojalá la conociera y la reconociera, quizá así habría más esperanzas de que no repitiera un Bush en la presidencia de Estados Unidos.

13 Che strano chiamarsi Federico Qué extraño llamarse Federico

Si hay una película que considero piedra angular de mi amor al cine es "Y nos amábamos tanto" que debo haber visto a principios de los ochentas en el cine Kubrick, de Gustavo Alatriste, en la avenida presidente Mazarik.

Ettore Scola se convirtió desde entonces en mi director favorito, aún antes que Woody Allen me encantara con Dos extraños amantes y Steven Spielberg con Duelo, película que luego supe era para televisión; pero en México se proyectó en cine. No lo se, tal vez la vi en función doble en el Estadio, de la calle de Jalapa, donde también recibí mi primer beso, intenté mi primer faje y estuve a punto de ser expulsado de la sala por un policía. Bueno, eso ocurrió aún antes de conocer a Scola y la verdad ya no estoy seguro si me iban a expulsar a mi o a un compañero de palomilla. De lo que si estoy seguro es que fue en ese mismo cine cuando en una escena de El Padrino supe que dos seres humanos podían tener sexo de pie.

(Ahora que lo escribo me parece recordar que la razón para expulsarnos del cine no era el faje, sino que alguno de nosotros estaba fumando)

Lo que sí es seguro es que fue mucho antes de internet cuando vi una magnífica obra de teatro que se llamaba De película, (o eso creo porque no encuentro la referencia en internet) que trataba de un cine de barrio y a mi me evocaba al cine Estadio. Aún recuerdo con extraña viveza la escena (teatral) de un hombre cansado de su madre enferma y senil. Harto de llevarla al baño, ahí mismo la asesina, al mismo tiempo que en la pantalla del imaginario cine suena la música de Sicosis, de Alfred Hitcock.

Por esa obra de Julio Castillo (¡gracias wikipedia nunca me fallas!) soy casi tan apasionado del teatro como lo soy del cine

En Y nos amábamos tanto había un personaje cinéfilo que sabía de todo y hubiera ganado el premio de las 64 millones de liras si no fuera porque se entusiasmó tanto... que se le acabó el tiempo antes de poder responder la pregunta concreta que le hacían.

Muchos años después cambié de película favorita y esta fue El Baile, también de Ettore Scola, donde no se pronuncia una sola palabra, no es muda y la película es completamente inteligible gracias a la música.

Esa es para mí la definición de una película perfecta, una donde respetas tanto la inteligencia del espectador que no le dices nada. El cine es ojo que mira y no pensamiento que artícula. (No voy a buscar en la wikipedia quien lo dijo, pero me encanta)

En la 58 Muestra Internacional de Cine exhibieron Qué Extraño llamarse Federico. No la pude ver hasta una exhibición posterior. No de todo lo que veo escribo, pero de esta me prometí hacerlo, simplemente porque es parte de mi vida. Creo que quise decir que Ettore Scola es parte importante de mi vida, pero pensándolo aún más, Que extraño llamarse Federico es también una forma de describir muchos momentos de mi vida.

(Fellini, Scola y yo empezamos nuestra vida profesional como periodistas y amamos el cine y la música del cine, la música en el cine y la música para cine)

Que extraño llamarse Federico es un documental con diálogos argumentales, con música y escenarios poéticos. La película no está suficientemente valorada; pero en mi opinión Scola, a los 83 años experimenta y realiza una historia de género incalificable que es a su vez cine de arte, biopic, documental, cine de autor... y para acabarla de componer se mete en los zapatos de Fellini, para hacer una película en la que muchas escenas podrían haber sido rodadas por Federico.

Uno de los momentos de epifanía que he tenido en 40 años de cinefilia fue al final de E la Nave Va. Una voz en off reclama y se conduele ¿Pero cómo así? sin siquiera un rayo de esperanza. La cámara retrocede y nos enseña el engaño del barco. Retrocede más y nos muestra la gigantesca puerta del estudio de cine y un filo delgadísimo pero profundo de luz.

Scola nos muestra escenas del funeral de Fellini. Todo parece haber acabado.

Pero no es así. Scola echa a correr y se va por los escenarios de Cine Cita.

Esto no es un spoiler, no quiero verlo así. El cine es una herramienta que inventó el hombre para poner en una sola las siete bellas artes clásicas, y las nuevas, que van surgiendo, como es el caso de la historieta.

A los 83 años, repito, Ettore Scola reune todas las artes conocidas + el periodismo+ el documental y hace una película que no por experimental es aburrida o incomprensible. Todo lo contrario: evoca, muerde la nostalgia y nos hace recordar la increíble promesa que es un ser humano. Un creador, un dios, capaz de producir una película que todo cinéfilo debe poner en su lista de cosas que debe ver antes de morir.

14 Kill the Messenger Los cabos sueltos de la película Maten al Mensajero

En la película Maten al Mensajero vemos como Gary Webb fue el periodista que encontró los nexos entre la distribución de droga en Estados Unidos, y un hombre que le da una entrevista en prisión, lo que no queda claro es que esta cárcel estaba en Venezuela y que el hombre que le habría dado la información es el agente de la CIA, Luis Posada Carriles.

Sobre Posada la Wikipedia nos informa: A mediados de los años 80 forma parte de las redes de suministro de armas a los Contras que combatían, con el apoyo de la CIA, al gobierno sandinista nicaragüense. Esta operación, que involucraba al gobierno salvadoreño de esa época, se descubre por la caída de un avión sobre las montañas de Nicaragua y la posterior captura del piloto Eugene Hasenfus. Este último declara e informa de la situación y se descubre el montaje de toda la operación, comandada por el coronel estadounidense Oliver North. Estos hechos detonaron el escándalo conocido como Irán-Contras.

Posada Carriles quien también fue asesor militar de Augusto Pinochet, es responsabilizado de diversas acciones terroristas, entre estas, el estallido de un avión cubano con 76 personas a bordo. Este suceso ocurrió el 6 de julio de 1976, justo a la mitad del periodo en que George H.W. Bush era director de la CIA; cargo que dejó en enero de 1977.

Lo que la película narra en ningún momento alude a México, pero sí hay vasos comunicantes con otro periodista, Manuel Buendía, quien publicó La CIA en México en 1983. Lo asesinaron el 30 de mayo de 1984. La operación de venta de drogas en Estados Unidos para financiar a la Contra Nicaragüense tuvo lugar a partir de 1985. El asesinato del agente de la Drug Enforcement Agency, DEA, Enrique Camarena Salazar y del piloto mexicano que le acompañaba ocurrió en Guadalajara el 5 de febrero de 1985 ¿Sabía que la CIA era la encargada de proteger a los mayores distribuidores de heroína en Estados Unidos? ¿No era mucho más fácil importar la goma de opio desde las montañas de Guerrero que desde Irán? Del asesinato de Camarena culparon a Rafael Caro Quintero, pero él era marihuanero, no traficante de heroína. La amapola no se cultiva en Jalisco.

La especialización de piloto aviador no es una de las más comunes en la década de los ochenta. Alfredo Zavala Avelar pudo haber conocido a otros pilotos que transportaban la droga, desde Sudamérica a Estados Unidos, con la protección de la CIA. Justo es la captura en Nicaragua del piloto Eugene Hassenfus lo que abrió la información sobre el escándalo Irán-Contras. Zavala Avelar fue asesinado junto con Camarena.

Judicialmente hablando, fue Caro Quintero el asesino de Camarena y Zavala, pero información publicada en la Revista Proceso (http://www.proceso.com.mx/?p=355283) y El País, que también recoge la Wikipedia, indica que el verdadero responsable "fue el agente de la CIA Felix Ismael Rodriguez porque éste había descubierto los vínculos que Washington tenía con Caro Quintero y que usaba el dinero de las ganancias del narcotráfico para financiar a los Contras durante la Revolución Sandinista".

Gary Webb

Gary Webb "se suicidó" con dos balazos en la cabeza de un arma calibre 38. ¿Para qué necesitaba la segunda si una sola era fatal? La policía de California nunca respondió la pregunta, como tampoco la mexicana del porque asesinaron a Manuel Buendía, aunque un funcionario de la Secretaría de Gobernación, José Antonio Zorrilla, fue responsabilizado por ello.

15 Tomorrowland 16 Cosmos, un atisbo al futuro

Esta vez Cartelera DVD le presenta un programa doble. Una es serie de televisión por cable y es muy difícil que se transmita por la televisión abierta mexicana, como sí sucedió con su predecesora del mismo nombre: Cosmos. La otra, es una película de Disney, pero no es para niños cualquiera, sino para esa generación de la que se ha dicho hasta el hartazgo que "parece tener un chip integrado" porque se las entiende de maravilla con la tecnología.

Si ve Cosmos en Netflix, la compra en el autoservicio o en copias pirata ¡Cómo sea! No se la debe perder. Es más, si es la única serie que ve en su vida, aunque no le entienda por completo, de todas maneras véala. Después su vida no será igual, entenderá como funcionan los motores ¡Todos los motores!, repudiará a los políticos y a muchos industriales por su completa incapacidad para producir sin contaminar; entenderá mejor las noticias sobre ciencia y tecnología; repudiará la ignorancia; admirará la valentía; sabrá que de grandes fracasos, como el de Michael Faraday para producir cristales de gran pureza, pueden salir| éxitos definitivos para el estudio de la astronomía; entenderá que la riqueza no siempre hace el progreso, pero sí la interacción de gente que vive en cosmos distintos, como el propio Faraday y Maxell, que juntos cambiaron la física, uno experimentalmente, el otro interpretándolo en ecuaciones..

Cosmos, conducida por Neil deGrasse Tyson (posiblemente pariente del boxeador y negro como él) es una serie de National Geographic, es una colaboración de personas negras y de origen judío, una fusión de documental y de Viaje a las Estrellas; con mucho talento en común Es un atisbo a la muy próxima autodestrucción de la humanidad gracias a la ambición por el lucro, o a la concienzuda destrucción del conocimiento por parte del Ejército Islámico (para que en caso de que haya sobrevivientes estos sean completamente manipulables, como los de los personajes creados por George Miller para Mad Max, como nos imaginamos a los déspotas que eran cristianos señores feudales y algunos califas árabes, cegados por Jeohová, Mahoma, o el profeta de turno)

Cosmos nos recuerda quien fue Giordano Bruno y nos presenta a personajes árabes que hoy serían quemados vivos por los fundamentalistas, ya que, a diferencia de estos pugnaban por el conocimiento y no por su destrucción oscurantista. Nos hace una síntesis de 4 mil 500 millones de años de historia para que podamos entender, en 13 capítulos, que el Universo conocido es 96 por ciento materia oscura; razón por lo que la velocidad de translación va en aumento; nos presenta al ritmo del Bolero de Ravel la danza de la Via Lactea con la Galaxia de Andrómeda y nos hace tener una idea de la gravedad y del porque no chocan los sistemas planetarios o del porque no podemos como lo quiso Verne viajar al centro de la tierra. También, al ritmo de la Rapsodia en Azul, de Gershwin nos ilustra y le da sonido a la propagación de ondas sonoras y lumínicas

En contraparte, Tomorrowland, de los estudios Disney, nos cuenta porque estamos condenados a destruirnos, irremediablemente. En una historia no tan fantástica y con el auxilio de dos actores tremendamente apreciados, George Clooney y el misántropo Doctor House, también conocido como Hugh Laurie, nos muestra el apocalípsis que viene.

En Cosmos nos dan una idea de los universos paralelos y nos lo explican (si es posible explicar la física cuántica). En Tomorrowland nos los muestran. Hay dos futuros, el más probable, el que no existiremos para ver; el menos, el que pueden crear los que tienen fe cuando dan una clase, investigan una propiedad de la naturaleza, siembran un árbol o protege a una criatura, vegetal o animal, en peligro de extinción.

Si no cree tener tiempo para vivir el futuro, dele al menos una mirada fugaz, un atisbo, en Cosmos y Tomorrowland. Hay además un mensaje adicional en La Tierra del Mañana, la contraposición del pesimismo de los viejos, con el optimismo de algunos niños y adolescentes que no han sido dañados por la deformación de la vida que se da en las casas donde ven el patético programa de "la señorita Laura".

Postdata de Reality Show

Por cierto, los espectáculos de violencia doméstica, con personas que actúan de miserables, como los caracterizó Victor Hugo, usan a gente normal para actuar de lo que no son, les comprometen a no revelar que todo se trata de ganar rating, aunque esos puntos signifiquen un paso hacia el abismo de la especie humana, la primatización del sapiens sapiens, el regreso al canibalismo. Todo para que el Partido Verde tenga donde anunciarse, y algunos primates les crean que la salud, la educación y el desempleo se combaten con vales que tengan pintado un tucán.

17 Little Boy/El gran pequeño

Emilio Azcárraga Jean, principal accionista de Televisa, es el productor de El Gran Pequeño, película mexicana completamente hollywoodense. Dirige el tampiqueño Alejandro Monteverde con un guion de José Portillo, pero la ambientación está totalmente basada en la obra de Norman Rockwell, un pintor de la vida costumbrista de Estados Unidos, sobre todo en la época de la II Guerra Mundial.

A pesar del dinero mexicano la totalidad del reparto estelar es gringa: Emily Watson, quien repite el papel de madre sufrida que ya había hecho en Caballo de Guerra, Ben Chaplin, como el héroe de las películas de episodios, e historietas Ben Eagle; y Jakob Salvati, el "pequeño" que interpreta a un niño de ocho años forzado a convivir con niños más altos y abusivos.

No faltaran los críticos serios que consideren que la historia se pasa de cursi porque parece un cuento de hadas sin personajes fantásticos sino, por el contrario, muy realistas, uno de estos, la propia bomba atómica, a la que se puso precisamente el apodo de "Little boy" en rasgo de enorme cinismo del belicismo estadunidense que, sólo por ensayar, violó normas de guerra, atacando a las poblaciones civiles de Hiroshima y Nagasaki. Claro que los nazis también bombardearon Inglaterra y antes Guernica, pero esa es otra historia y otros bestias.

A pesar de esa similitud entre el apodo de la mortífera bomba y el inocente personaje central de esta historia, hay que reconocerle un candor encantador, incluso similar al de otra película que se estrenó simultáneamente en México The Age of Adaline o Secreto de Adaline en español. En esta última las explicaciones seudo científicas para explicar porque la protagonista no envejece, son tan ingeniosas como las obras piadosas que tiene que realizar el pequeño niño para que la fe mueva montañas.

El racismo estadounidense es una de las subtramas. No es nuevo, ya se ha relatado en películas sobre la Segunda Guerra Mundial y otras como Gran Torino, de Clint Eastwood. Lo que si es novedoso es que esta vez los mexicanos no aborden el tema del racismo a los mexicanos, sino a los japoneses.

Un mexicanismo muy humorístico es que el nombre de dos personajes sea el de Takeshi y Koyi, alusión a la serie Señorita Cometa que muchos espectadores reconocimos.

Si de fantasía desbordada se trata es más loable esta película que Los Vengadores en la Era de Ultron, por lo menos el guión supera en calidad a los efectos especiales y hay una historia en la cual engancharse; mucho más atrayente que 45 minutos de golpes y estallidos, como se ha vuelto moda en este segundo y tercer lustro del Siglo XXI . Little Boy es tan hollywoodense como esas, pero tiene más sentido y seguramente sensibiliza más a los espectadores, deja un mensaje positivo, es una de esas historias que cambian historias y ese es también un don del cine que no está demás apreciar.

De hecho lo hace mucha gente. En la función que presenciamos en el Cinépolis de Plaza Universidad el 90 por ciento del público estaba integrado por jóvenes adultos y la mayoría lucía encantada al fin de la proyección. Si ellos estaban felices, ¿quién es un reseñador de películas para atreverse a contradecirlos?

18 5 to 7. Amantes de 5 a 7

El director y escritor es Victor Levin, mejor conocido por su trabajo como director de series de televisión entre las que destaca Mad Men; el actor es Anton Yelchin, Chekov en la nueva generación de películas de Star Trek judío de origen ruso cuyos padres son patinadores y entrenadores, ella es la francesa Berenice Marlohe, quien según su propio dicho adora las películas independientes. Todos ellos crearon la película llamada en México Amantes de 5 a 7, a quien este reseñador ya considera una de las favoritas de su vida en el género chico conoce chica.

Es la vida la que nos hace conocer a la persona perfecta cuando ya tiene un compromiso sentimental, pero ¿qué tanta de esa perfección se debe precisamente a su pareja original?

Puede ser que una persona nos llene emocionalmente, otra intelectualmente y una diferente nos complemente sexualmente. Alguna puede ser la pareja ideal para ver una película; otra para ver una obra de teatro; y alguna que no tiene ninguna de esas características puede ser ideal simplemente porque no considera perversión esa práctica sexual que tanto nos atrae.

¿Qué pasa si encontramos a alguien que tiene una sola de esas virtudes? Alguien que puede ver una película sin comer palomitas, u otra que nos considera un amante nato? Debemos perderle porque tiene el detalle de tener a alguien más.

De 5 a 7 tiene mucho en común con esas películas de Woody Allen que formaron parte de nuestra educación sentimental como cinéfilos. Como los personajes del director judeeoneoyorquino estos también son intelectuales, ricos y sibaritas, hacen bromas y tienen muchas preocupaciones sobre los no judíos. Además, no ocultan detalles autobiográficos en sus películas.

Victor Levin es hijo de un dentista de Nueva York. En la película, su padre es representado por Frank Langela, que no es judío sino italiano, y tiene quizá los diálogos más divertidos de la película a pesar de su aspecto serio y conservador.

El parlamento más memorable es, sin embargo, pronunciado por Arlene, protagonizada por Glenn Close; una clásica madre judía que sin embargo tiene el sentido común suficiente para reconocer: Hay dos fuerzas a las que es inútil oponerse, la de la naturaleza y la del amor.

Si no cree tener tiempo para vivir el futuro, dele al menos una mirada fugaz, un atisbo, en Cosmos y Tomorrowland. Hay además un mensaje adicional en La Tierra del Mañana, la contraposición del pesimismo de los viejos, con el optimismo de algunos niños y adolescentes que no han sido dañados por la deformación de la vida que se da en las casas donde ven el patético programa de "la señorita Laura".

19 Xenia

Es una constante en la Muestra Internacional de Cine que las películas que vienen de Grecia, traten sobre homosexualidad. Excepciones fueron algunas de las poéticas cintas del trágicamente muerto Theo Angelopulos quien nos regaló joyas como Viaje a Citheria, Pasaje en la Niebla o la Mirada de Ulises. Xenia, la película que ahora representa a ese valeroso país que ha desafiado al Fondo Monetario Internacional, también tiene poesía visual, humor y una profunda compasión por sus personajes, por todos ellos, las víctimas y los victimarios.

Es también la visión Siglo XXI de la Odisea de Homero con xenofobia remarcada.

¿Cuántos de nosotros hemos visto en la Glorieta Insurgentes y sus alrededores a jovencitos afeminados que con una "jotería" exagerada y remarcada tratan de llamar la atención? No se tu, gentil lector pero yo me imagino que estos adolescentes, que legalmente no pueden entrar a los bares de la zona rosa, más que ostentar su orientación sexual, lo que pretenden es gritar su falta de afecto y de figura paterna. De esto trata Xenia, que quizá como Xanadu, la película con Olivia Newton John y Gene Kelly, quiera reflejar ese mundo aislado en el que podemos ser quienes somos, sin importar las consecuencias.

El ansia de azúcar del personaje de Danny no deja nada a la interpretación del espectador.

Tenemos pues la historia de un viaje de búsqueda, con sueños, conejos, festivales, divas y canciones.

En la función que yo presencié sólo tres personas se retiraron de la sala en la Cineteca Nacional. Entonces hay que advertirlo a espectadores sensibles o pre juiciosos. En la película hay escenas de homosexualidad y desnudos masculinos. No es este el tema central de la cinta y no es como para que se le coloque en festivales especializados de cine gay. Tiene otros asuntos importantes aún, la adolescencia, el abandono, la paternidad, la diferencia de clases, la ternura, la compasión, el viaje, la fraternidad, el amor filial...

Kostas Nikouli y Nikos Gelia son los excelentes jóvenes actores que nos llevan por este viaje, con apenas una breve presencia femenina, la de Rommana Lobats, que se parece a la Geoconda de Da Vinci, y Paty Pravo.

Completa el reparto un conejo de cuyo nombre no me acuerdo, pero que me hace recordar otros dos clásicos, Harvey, con James Stewart y la aún más oscura Donnie Darko.

No vamos a hacer aquí un análisis psicológico de lo que significan los conejos, pero es interesante recordar que han estado presentes en algunas películas legendarias (sin contar con Bugs Bunnie) Xenia, de Panos H.. Koutras, una película de viaje, ganadora del premio Hugo al cine fantástico, es una de ellas.

Como podrán apreciar no se trata sólo de una más de cine gay. La clasificaría en atención a cinéfilos auténticos y no villamelones, como una de las imperdibles de la 58 Muestra Internacional de Cine.

20 Las horas contigo 21 Jupiter Ascendente

Me encantó el elenco de Las Horas Contigo.

Me enamoré de Isela Vega en "La Choca" (creo que fue la primera vez que vi un cuerpo desnudo) de @MariaRojo2015 en Danzón y me caen muy bien Isabel Camil y Julio Bracho. Cuando era adolescente compraba Ovaciones por leer a Ángeles Mastretta; ahora que su hija dirige esta película siento que es como una familia a la que había dejado de ver tantos años, y ahora la reencuentro.

Pero no es casual, esta familia nos ha embelesado a todos con sus historias íntimas, Ángeles Mastretta con Arráncame la Vida, Héctor Aguilar Camín en Adiós a los Padres y ahora su hija que no se sale del ámbito de Puebla.

Una curiosidad es que la voz cantante de la película no es la de María Rojo, sino la de Ángeles Mastretta, quien sin ser actriz no canta mal las rancheras.

Después de años de no leer a Ángeles Mastreta la última vez que lo hice fue por una historia familiar publicada en Nexos. A esta familia de intelectuales no les hace falta mucho para involucrarnos: nos cuentan su vida, que puede parecerse un poco o mucho a las nuestras.

Las familias en el mundo del espectáculo están ganando espacios, la de los hermanos Wachowsky nos acaba de entretener muchísimo con Júpiter Creciente, como antes lo hizo con Cloud Atlas.

Esta vez los hermanos de apellido polaco contaron con una compañía importante, la Warner, para traernos una versión de La Cenicienta en la que hermanastras y padrastro sí se quieren. Cloud Atlas no tuvo tanta suerte de taquilla y aunque era muy buena no tuvo el éxito de taquilla que merecía.

Júpiter Creciente mezcla licántropos, viajes espaciales y una crítica nada sutil pero si muy justa a las transnacionales, en este caso trans planetarias chupa sangre como las que describió Cortázar.

Otra familia que se junta para hacer películas es la de Guita Shifter y Hugo Iriart, quienes hace poco nos contaron la historia del ahora descontinuado por el Registro Civil, Melchor Ocampo, en una cinta llamada Huérfanos.

Al pobre de Melchor Ocampo el tiempo lo rebasó y ahora no le gusta a nuestra sociedad que las mujeres deban ser sumisas y abnegadas para reconfortar a los machos enojones. En la pareja Wachowsky, por ejemplo, uno de los hermanos se volvió transexual para poder alcanzar los favores sexuales de la lesbiana que ama.

La joven Aguilar Mastretta no está mal como debutante. Nos entretiene con su historia, nos hace reflexionar sobre la familia y hasta nos receta con cierta elegancia los comerciales de Ciel y Liverpool, aliviándonos de la torcedura de estómago que nos provocan los comerciales ilegales del Partido Verde que antecedieron las funciones de estreno en las salas comerciales.

Para ver Las Horas Contigo recomendamos la plataforma Filmin Latino, aunque también forma parte del catálogo de Netflix, en México.

22 FOXCATCHER, 23 MOMMY

En Foxcatcher Steve Carrell vuelve a interpretar a un hombre con problemas sexuales, pero no con la simpatía de Virgen a los 40, sino a otro que los tiene por exceso de dinero y problemas de reconocimiento, se trata además de un personaje de la vida real, el prototipo de los republicanos, John Dupont.

Carrell, considerado uno de los más versátiles comediantes de los Estados Unidos representa aquí a un villano que quiere darle a su país una nueva generación de héroes para ser admirados. Foxcatcher es el nombre de su gimnasio, por el cual paga medio millón de dólares al año para que le otorgue la franquicia a la Asociación de lucha grecorromana de su país.

La historia podría ser comparada con un Karate Kid en versión 3 X. Es oscura, no hay música de fondo hasta el final, muy teatral, los diálogos son importantes. La atmósfera es más terrorífica que la de una película de terror, porque sabemos que es real y porque como en El Resplandor la opulencia puede ser más terrible que sólo conformarse con comer sopa de fideos chinos.

Las cinco nominaciones al Oscar las encabezan Steve Carrell y Mark Rufallo, interpretando respectivamente al dueño del imperio EI Dupont de Nemours, un tipo con demasiado dinero y relaciones políticas pero sin nada real de que ocuparse, y al luchador David Shultz, aunque quien realmente merecía esta nominación es Channing Tatum quien lleva el peso protagónico al menos durante la primera hora.

Foxcatcher es una película poco previsible, obscura, en la antítesis de Rocky o Karate Kid y donde los “patriotas” y exageradamente ricos no son como el millonario de Anita la Huerfanita sino todo lo contrario.

Vanessa Redgrave y la excelente dirección de actores de Bennet Miller, el guion de Max Frye y Dan Futterrman, también nominado al Oscar, son otras razones para elegir esta entretenida, pero nada divertida película que tiene mucho de tragedia griega. Quizá por eso está basada en una historia de lucha grecorromana.

Mommy

Una interesante película en la que destacan el argumento y la concepción cinematográfica. En casi toda ella vemos un formato vertical, no el tradicional apaisado. Es la forma en que interpreta en esta cinta al mundo a través de las obsesiones o las enfermedades mentales.

Es también una película de actores estupendamente dirigidos por el francocanadiense Xavier Dolan, conocido por los cinéfilos por la película Tom en el Granero que fue una de las más famosas en la edición 2014 de la Muestra Internacional de Cine.

Bastará decir que trata de una mujer viuda que tiene que lidiar con un hijo adolescente que además de problemas de hiperactividad puede reaccionar con exceso de violencia al acoso. El centro de la historia radica en la decisión que deberá tomar la madre entre procurar ayudar a su hijo por sí misma o acogerse a los programas de salud mental que le ofrece el Estado. Hiperrealista y casi documental, ganó el premio del Jurado en el Festival de Cannes, junto a Adiós al Lenguaje de Jean Luc Godard.

24 Fury, Corazones de Hierro,

En inglés se llama Fury, la tradujeron en español como Corazones de Hierro y tiene como cartas de presentación a Brad Pitt y Shia la Beouf, este último en un papel muy poco reconocible pues no es el galán joven de Transformers, sino un hombre de bigote que se sabe la biblia de memoria y forma parte de un grupo de asesinos seriales que no pueden ser llamados como tales porque llevan el uniforme del ejército de Estados Unidos.

Es quizá una de las mejores películas sobre la Segunda Guerra Mundial que se ha filmado en las últimas décadas y a diferencia de la mayoría no toca el tema del antisemitismo, en esta las víctimas de la SS no son judíos, homosexuales o gitanos, sino los niños y ancianos que se niegan a matar.

Recuerda Corazones de Hierro a Combate! (Así, con un solo signo de admiración al final) la excelente serie de televisión en blanco y negro de la sexta década del siglo pasado. También a una historieta que publicaba La Prensa llamada Sargento Furia y sus Comandos Aulladores. Es de ahí de donde sale el jefe de Los Vengadores en el universo de Marvel.

Pero en Corazones de Hierro no hay poderes sobrenaturales, sí batallas emocionantes y muchas descripciones de como la guerra convierte a los hombres en bestias. En medio de la acción trepidante hay una pieza teatral que tiene vida propia, es la escena donde los protagonistas, cuyos cerebros están puestos en modo de máquinas de matar, se enfrentan a una situación de paz en una casa ocupada por dos sensuales alemanas.

Para los cinéfilos, Furia, como mejor hubiera quedado la traducción en español, es una película que se debe ver. Aquí Brad Pitt está casi tan loco como en el papel que desempeñó en Bastardos sin Gloria, pero a diferencia de esta no hay el tono tarantinesco de humor negrom ni nazis perversamente inteligentes;, solo seres transformados en máquinas de destrucción del contrario.

Y una sola, gran lección: hay que hacer el amor sólo por el hecho de que somos jóvenes tanto tiempo como estemos vivos.

25 Una Noche en el Museo 3

Si no tenemos hijos pequeños, sobrinos o algún niño que nos acompañe al cine, de todas maneras hay una razón para que Una Noche en el Museo 3 se convierta en una película “Debe de... “: los cameos, apariciones no siempre fugaces de estrellas legendarias del cine

Y aunque la fantasía y la acción delirante son el tono de la película, más de un espectador se pone al borde de las lágrimas cuandoTeddy Rooselvet se despide, porque sabe que son las últimas líneas que diría en el cine el apreciado actor Robin Williams.

La aparición de Mickey Rooney es mucho más corta, también es su última película; pero bastan esos segundos en pantalla para que nos haga sonreír con esos ojos brillantes y alegres. Parece que para entonces el legendario actor ya no podía aprenderse las líneas, pero eso no obsta para que refleje su pasión por el cine hasta el último momento de sus 94 años de vida.

Con 89 años de edad, Dick Van Dicke, el espigado acompañante de Julie Andrews en la sesentera Mary Poppins, tiene un papel crucial en Una Noche en el Museo, película que desde el título rinde homenaje a las leyendas. Si para algunos amargados la cinta puede resultar muy boba, no habrá cinéfilo que no aprecie el sentido del humor en la aparición de Hugh Jackman, actuando como Arturo en el musical Camelot, pero intentando representar a Wolverine para ahuyentar del escenario a un grupo de invasores.

Jackman ni siquiera aparece en los créditos, lo que parecía un regalo sorpresa para los primeros que vieron la película en la temporada navideña. Quien se despoje de prejuicios y se disponga a ver la película con los ojos de un niño, disfrutará Una Noche en el Museo y estará de acuerdo en que es una película que “se debe de...”

26 Huérfanos

Dos familias, una mexicana y otra judeo-mexicana son venturosamente responsables de haber reconstruido para México un capítulo esencial de nuestra historia, en una película que en adelante debería ser de proyección obligatoria en escuelas preparatorias y universidades, no porque sea una obra maestra, que por varios aspectos lo es, sino porque es indispensable para conocer que país tenemos y porque es lo que es, para bien y para mal.

El ex-gobernador de Michoacan, Melchor Ocampo, es conocido por la mayoría de los mexicanos por una epístola un tanto pasada de moda y criticada por feministas ignorantes de su contexto que no saben que fue profundamente revolucionaria, que marcó la independencia de todas las iglesias a la institución del matrimonio para convertirla en una obligación de estado.

José C. Valadez fue un periodista de Mazatlán, que como Pedro Infante o Enrique Alonso, otros oriundos de esa tierra, tenía el don de la empatía, de comunicar fácil.

Además de ser un hombre bien parecido, en palabras de uno de sus admiradores y alumnos, Álvaro Cepeda Neri: "Fue opositor a la derechización del presidencialismo de Miguel Alemán Valdés (quien ordenó agredir a balazos el periódico que Valadés publicaba en su natal Mazatlán, Sinaloa). Su obra mantiene la frescura de quien vivió entregado a concientizar a sus lectores".

Don José Valadez es padre de Diego Valadez: un priista atípico, si es que todavía milita en ese partido, pues es un destacado intelectual a diferencia de la mayor parte de los actuales miembros de ese instituto político, neoconservadores ávidos de ganarse gubernaturas y bonos con la fácil fórmula de no discutir nada, no pensar nada y de aprobar las leyes que les manda la presidencia de la república, las mismas que se redactan por plumas e intereses extranjeros.

Pues da la casualidad que este priista atípico es esposo de Patricia Galeana, una de las mejores historiadoras mexicanas del Siglo XXI quien ha rescatado las investigaciones de su suegro Don José Valadez y las ha puesto en conocimiento de Hugo Iriart, esposo de Guita Shyfter, quien a su vez le ha encomendado a su hijo Sebastián Hiriart la cinematografía de Huérfanos, y todos ellos juntos han confeccionado esta película histórica con uno de los mejores elencos de la historia del cine mexicano, ninguno de ellos estrella de televisión, pero todos magníficos actores y actrices.

Una de las lecciones de esta cinta discreta y magnífica es que a veces las tragedias pueden cambiar la historia, no le voy a adelantar demasiado si le digo que si la hija mayor de Melchor Ocampo no se empeña en acompañarlo a su calabozo en San Juan de Ulúa, enfermándose de tal gravedad que lo obliga a aceptar el destierro en Nueva Orleans, tal vez nunca hubiera conocido al ex gobernador de Oaxaca, Benito Juárez y la guerra de Reforma no hubiera existido. Entonces no tendríamos un estado laico, como el que ahora defendemos y seríamos como Israel, masacrando palestinos nada más porque su religión les impide arrodillarse ante dioses y potencias extranjeras.

Guita Shyfter, un hermoso ser humano nacido en Costa Rica, de origen judío, ha hecho algunas de las películas sobre memorias más destacadas en el cine mexicano: una de ellas se llama Novia que te Vea con Claudette Maille, que esta vez, en Huérfanos hace el papel de la típica mujer del Siglo XIX e incluso del principios del XX que no puede reconocer una maternidad fuera de matrimonio, de tal manera que retoma la historia de la cesta que desciende sobre un río con un niño que cual Moisés va a estar destinado a ser el padre de una nueva nación independiente, no, no Israel, México.

Por favor, no se espante ni adelante prejuicios que resultan muy perjudiciales, vea Huérfanos y ya nos comentará si a Melchor Ocampo le ha hecho justicia la revolución y se le ha dado el honor que merece por haber ofrendado su vida para que México sufriera menos por su orfandad.

Melchor Ocampo no solo era un político nacionalista, también estudiaba la ciencia de la vida, la botánica y el aprovechamiento del agua de los ríos porque "interesarse sólo por la vida personal, es una vulgaridad"

Destacan también en Huérfanos la sobria actuación de Rafael Sánchez Navarro, la escenografía en alguno o de los rincones menos conocidos en Palacio Nacional, la recreación de Nuevo Orleans y las casonas señoriales del Siglo XIX.

Y si quiere un interés extra para ver la versión completa de esta película (si dura menos de dos horas es como una versión pirata, esfuércese por verla en Cineteca Nacional o completa) le recomendamos que piense en el conflicto en Palestina.

¿Por qué Palestina está huérfana de la solidaridad internacional? No solo por la cobardía de muchos gobernantes y políticos de ser tildados de antisemitas sino, peor aún, de perder comisiones de relacionados con balas de goma, contratos de seguridad o compra de armamentos negociados con el estado de Israel y su ejército de ocupación.

Como en Israel hoy, en el Siglo XIX había muchos hombres de bien incapaces de reconocer la injusticia, no fuera que los llamaran indios, traidores de la "santa madre iglesia" o de cualquier otra forma de fundamentalismo.

Para ellos era preferible la traición a los principios humanos, que la soberanía nacional; defender la acumulación injusta de la riqueza sobre el derecho de un indio a un pedazo de tierra donde ser enterrado.

Hoy se caracteriza erróneamente a los fundamentalistas de Israel como sionistas; a los conservadores del Siglo XIX, por esta frase pronunciada por un sacerdote católico y cuya veracidad ha sido constatada por varias fuentes: cuando una pareja de indígenas pregunto qué harían con su hijo si no les daban espacio en el cementerio para enterrarlo, les contestó: échenle sal y cómanselo.

Melchor Ocampo no solo es promotor del matrimonio civil, sino también del panteón civil, que quitó a la iglesia el monopolio de los entierros

27 Cuéntame cómo pasó, la primera serie para ver por teléfono

Fue la serie que hizo que por primera vez un público significativo sintonizara el Canal 22; es un melodrama y es tragicomedia, pero mucho más cercano al cine que a la televisión, por lo tanto es también la película seriada más grande en la historia con 267 mediometrajes hasta el verano de 2014, y por si fuera poco ha innovado la industria y la ciencia de la comunicación masiva al promover el "filmbook" y la aplicación que permite ver el último capítulo, por teléfono, antes incluso que en el Internet tradicional, es el fenómeno llamado Cuéntame cómo Pasó.

Mientras la política española se degradaba en forma impresionante, mientras el Partido Socialista Obrero Español se convertía en una versión muy parecida al Partido Popular, mientras que grandes inversionistas se cobijaban en congregaciones de la iglesia católica para hacerse accionistas de los bancos que desalojaban ancianos y enfermos de sus casas, Cuéntame como pasó creció en calidad, mantuvo una crítica nada discreta de la derecha y de los herederos del franquismo y sobre todo se ha convertido en una acérrima defensora de la familia como la única institución capaz de enfrentarse a la corrupción y al Estado.

De la familia, pero no como la idealiza cierto sector del Partido Acción Nacional, Cuéntame como pasó no se escandaliza ni de los homosexuales ni de los adictos a las drogas, denuncia la doble moral y la corrupción de cierta burguesía y socializa su producción por múltiples medios sin otra recompensa que el breve patrocinio, de acaso un minuto, de un anunciante que aparece al principio y al final de un programa espectacular que dura en promedio 72 minutos.

Como suele decir el mayor experto en divulgación de la televisión en México, Álvaro Cueva, hay que luchar para ver aunque sea alguno de los más de 250 capítulos de Cuéntame como Pasó que están disponibles en la internet y ahora en una aplicación que se descarga gratuita y fácilmente en la tienda de Google Play.

Cuídese por favor, si este es el caso, de tener desactivada su conexión de datos y estar conectado a una red Wi Fi, porque de lo contrario este regalo que nos da la televisión española se puede convertir en un cobro impagable que ni siquiera va a ser para los productores, sino para las inagotables bóvedas de dinero de Telcel.

Al terminar la décima quinta emisión, en el verano de 2014, la cual narra hechos ocurridos, y ficticios, de marzo de 1983, la serie completa ya estaba disponible en la aplicación para teléfonos inteligentes.

Una de las particularidades que hace de Cuéntame cómo Pasó un suceso, es que los personajes reflejan la vida de casi todo el universo de clase media, el hombre de 57 años que pese a tener libertad y su economía resuelta ha perdido el interés por la vida; el de 30, abogado y periodista, que por denunciar una injusticia y la corrupción de la policía heredera del franquismo pone en riesgo su vida; la de la mujer que nunca deja de trabajar en lo que puede para ayudar al marido y el conflicto que se presenta cuando ella logra una carrera universitaria y él no; la anciana que ha dejado la vida al cuidado de sus nietos y sin cuyo apoyo la familia jamás hubiera podido emerger del proletariado a la clase media, con al menos un hijo universitario.

Pero más allá del argumento y la recreación de la historia, que tiene muchos puntos en común con la de México, sobre todo en lo que se refiere a la lucha por la democracia y la represión a los que piensan diferente, Cuéntame cómo Pasó ha revolucionado la tecnología multimedia.

No sólo por haberse adelantado a los industria de la comunicación de los Estados Unidos en la difusión de una serie completa a través de teléfonos "inteligentes", además, ha producido algo que llaman "filmbooks" que son un pequeños libros multimedia, con información escrita y videos, donde se pueden leer detalles.

Aún más, los productores permiten que quien desee pueda colocar programas completos en sus propios sitios de Internet, con lo que de continuar así, permitirían compartir ganancias con los editores de otras publicaciones.

Aquí le ofrecemos ambas opciones:

http://www.rtve.es/drmn/embed/video/2585716"

28 Ocho apellidos vascos

OCHO APELLIDOS VASCOS es al cine español lo que Nosotros los Nobles ha sido al cine mexicano: un suceso en taquilla de tal magnitud que muy pronto empezaron a escribir la segunda parte.

Pocas referencias tiene el gran público mexicano para elegir esta opción entre las muchas comedias estadounidenses que por la fuerza de la costumbre nos hemos acostumbrado a ver, aunque muestren cosas chocantes que para nada nos son graciosas, como es el caso de gente atascándose de cocaína en despedidas de solteros y solteras.

Y es precisamente una despedida de soltera la que da inicio a esta comedia romántica.

Distribuida por Universal la cinta cuenta con atinados subtítulos para ayudarnos a comprender algunos modismos vascos; y como para muchos es conocido el desprecio que se tiene en muchas partes de México por los "chilangos", no será imposible entender la trama.

Una mediana cultura general nos es suficiente para conocer la lucha independentista de los vascos, pero si no fuera así la histórica tragedia de Romeo y Julieta nos da suficientes elementos para entender y disfrutar de este romance entre opuestos.

Así que una vez superado el trámite de elegir esta película y no las acostumbradas lunas de miel para nerds y familias disfuncionales o intoxicadas, Ocho apellidos Vascos representará la oportunidad de disfrutar de una comedia diferente y hermosos paisajes sevillanos.

¡Cuánto nos hace falta cine mexicano que nos muestre también la riqueza y variedad de nuestra gente, nuestra cultura y sus paisajes! Un ejemplo a seguir.

29 The Railway Man Pasado Imborrable

Acudimos a ver la película Pasado Imborrable, The Railway Man, literalmente El Hombre del Riel, sin ninguna referencia previa. ¡Que bueno!

Cuando se ve una película que tiene un fondo documental es mejor no conocer nada de ella, y como en este caso ir descubriendo referencias como la de El Puente sobre el Rio Kwai, pero sin su música pegajosa.

Las historias sobre la Segunda Guerra Mundial no pueden dejar de inspirar a los cineastas europeos, pero al menos en esta no se trata de las grandes batallas, sobre el desembarco en Normandía o el Día D, no es sobre niños o adultos judíos en un campo de concentración, ni sobre batallas navales o grandes escapes.

Tiene más que ver con La Muerte y la Doncella de Polansky (1994) y es una muy original historia sobre la redención del amor, con un gran reparto.

El ganador del Oscar 2010, Colin Firth, comparte escenas fundamentales pero no demasiadas con la ganadora del Oscar 2003 Nicole Kidman (Las Horas, Moulin Rouge)

Pasado imborrable no es una película propiamente para divertirse sino para ver buen cine, buena dirección, excelentes actrores y un guión que se puede apreciar a plenitud, sobre todo si no se ha visto el trayler.

Si, hay que verla con el ánimo sereno y sin padecer depresión porque tiene escenas violentas aunque plenamente justificadas.

Ahora sí podemos introducirlo en la historia, había una vez un hombre maduro al que le gustaban mucho los trenes. Ahí conoce a una atractiva señora madura...

Dirige Jonathan Teplitzky

Actores: Colin Firth, Nicole Kidman, Stellan Skarsgård, Hiroyuki Sanada

Director: Jonathan Teplitzky

30 Mammoth. Mamut

No creo que pueda haber mejor película para el día de las Madres.

Es la historia de una cirujana neoyorquina que está tratando a un niño apuñalado por su madre, mientras su propia hija es atendida por una sirvienta filipina que ha dejado a sus dos niños en su país para poder mantenerlos y que no tengan que vivir de recolectar basura. Uno de sus colegas, para serenarse en el quirófano escucha el canto de las ballenas. El mensaje es que todo tiene que ver con todo.

Filmada en Nueva York, Filipinas y Tailandia, protagonizada por un mexicano, Gael García Bernal, dirigida por un sueco, financiada por la compañía danesa Memfis, la película que traducida al español lleva el nombre de Mamut, es un poema sobre la globalización y sus consecuencias más extremas, desde la prostitución que lleva el turismo sexual, a la riqueza que produce la fusión de las culturas.

Mamut es una película que tiene mucho parecido con Babel (2006) de Alejandro Gonzáles Iñarritu y habría quien pudiera jurar que el argumento es de Guillermo Arriaga, pero no, es del mismo Moodysson.

Estuvo nominada al Oso de Oro del festival de Berlín en 2009, pero ese año la suerte estaba más cerca de latinoamerica y lo obtuvo la peruana Claudia Llosa por La Teta asustada, que es mucho menos compleja e interesante que Mamut.

Michelle Williams, quien interpreta a la esposa de Gael, es mejor conocida en México por haber caracterizado a Marilyn Monroe, en Mi Semana con Marilyn, pero quien centra la atención en la cinta es la filipina Marifer Necesito, en el papel de Gloria.

Para reforzar la poética de la película, uno de los personajes es un cirujano de color, que gusta de intervenir en el quirófano mientras escucha el canto de las sirenas, bueno no de las sirenas, en realidad de las ballenas

El primero y el tercer mundo, sin críticas, sin villanos, con un mensaje ecologista y con un tono nostálgico sobre como se puede lograr el mal, aún con las mejores intenciones.

El promedio de calificación que le han dado a Mamut, los usuarios de Internet Movies Database era de 6.9 a seis años de su realización. En esta reseña nos gustó tanto que invertiríamos esa cifra. Le damos 9.6.

Y aunque son varios los países que intervienieron para la realización de esta película, hay una conclusión que le podemos revelar sin descomponerle la sorpresa, filipina, gringa o tailandesa, madre, solo hay una.

31 Una Sota y un Caballo

La copia que tiene Netflix es mala, pero ver la última película de la pareja de actores de comedia Rafael Baledón y Lilia Michel, así como del famoso actor radiofónico Pedro de Aguillón y conocer como galán el prometedor inicio de Fernando de la Mora, quien contra todos sus predecesores encontró más fama como cantante de ópera, son curiosidades que hacen de Una Sota y un Caballo (Rancho Avándaro) una cinta notable.

Si mi vida y Había una vez un Marido, fueron películas de los primeros años 50s del Siglo XX, donde Rafael Baledón y Lilia Michel mostraron una química para la comedia, que debió ser tan fuerte como en la vida real pues permanecieron casados hasta la muerte de él, en mayo de 1994.

Una de las características de esas comedias era su relación con el deporte y con alguna fórmula que daba poderes extraodinarios a quien la consumía. Baledón era muy convincente en su papel de maestro porque esa fue su primera carrera cuando no pudo estudiar para doctor, por problemas económicos, y la tabasqueña Michel tenía mucha gracia para hacerse la boba, si es que esto fuera posible en las bravías mujeres del sur mexicano.

El Fernando de la Mora que mejor conocemos en México

El ínsólito caso de un cantante galán que no tuvo carrera en el cine

La fórmula se repitió de alguna manera en esta cinta de 1982 con la diferencia de que esta vez el papel de dama boba lo interpretó la bella jovencita Victoria Ruffo y el galán fue De la Mora con un guión dirigido por el propio autor, el mismo Rafael Baledón.

La historia es sencilla y una de las últimas que se realizaron en el Siglo XX con el género de comedia rural, quizá porque después de Carlos Salinas ya no hubo casi ninguna felicidad en el campo mexicano con el creciente dominio del narcopoder y el uso de las drogas para financiar las operaciones extranjeras de la CIA.

La Sota, era Victoria Ruffo, muy parecida a la carta de la baraja española que lleva ese nombre, y el Caballo un sorprendente equino que al ganar la carrera, arruinaba la fiesta al dueño del Rancho Avandaro.

Dentro de la bobada, la película tenía sus momentos serios, como la negativa del dueño del rancho a vivir en la capital una vida ociosa, lo que también perjudicaba a su hija quinceañera quien ni estudiaba ni encontraba un galán adecuado.

Mientras tanto a la señora, interpretada por Lilia Michel, no le quedaba más remedio que intentar encajar en la burguesía provinciana, desentendiéndose de la hija cuyo unico contacto con el mundo real era la nana.

Quizá fueron las casi todas olvidables canciones cantadas por Fernando de la Mora las que le no permitieron convertirse en una estrella del cine; pero también hay que ver que fue una temporada de franco declive para las cintas mexicanas que cada vez se hacían más amargadas.

Así fue como Fernando de la Mora NO se convirtió en el sucesor de Pedro Infante, sin faltarle ni voz ni simpatía, y como Rafael Baledón y Lilia Michel terminaron en 1981, con un género de comedia mexicana que iniciaron 30 años antes.

32 Watchmen, Los Vigilantes

Para impulsar las ventas del video Watchmen, se dice de Zack Snyder que es el visionario director de 300. Lo cierto es que la primera aquí mencionada, filmada en 2009, es mucho mejor que la segunda, datada en 2006. Como sea el director es famoso por sus adaptaciones de novelas gráficas al cine y en su registro figuran también Sucker Punch y Superman, el Hombre de Acero. Ninguna tan buena para nuestro gusto, como la que le da título a esta reseña.

En abril de 2014, cuando son escritas estas líneas, no creeemos que haya ninguna novela gráfica tan perfectamente llevada al cine como esta de Watchmen, y aunque hace referencia también a uno de los más repugnantes grupos sobre la faz de la tierra, los Minutemen que se dedican a disparar sobre migrantes que cruzan la frontera, algunos de estos antihéroes también son facistas, pero matan vietnamitas, al servicio de Kissinger y Nixon.

Para quienes no somos conocedores de la novela gráfica de DC Comics, la forma en que van siendo presentados los "vigilantes" o nos aburre o nos intriga de tal manera que no nos dejará desprender la vista de la pantalla durante las casi tres horas que dura la película.

Pero hay una razón especial para nuestra generación, la presencia de Carla Gugino, a quienes muchos no habíamos visto desde Los Años Maravillosos, la serie de televisión con la que seguramente muchos decidieron su preferencia heterosexual atrapados por la seda de su cabellera.

Carla Gugino, ahora con el peso y edad reglamentaria, nos puede volver a activar las hormonas con ese vestido de heroína y esa historia donde no falta el triángulo amoroso.

Watchmen ocurre en un alternativo 1985 e imagina lo que hubiera pasado si Estados Unidos le hubiera ganado la guerra a Vietnam. Simplemente el poder de los yanquis se hubiera vuelto tan grande que habrían acabado con la raza humana, hinchados de su soberbia.

Entonces el doctor Manhatan, Rorshach, El Comediante, Halcón Nocturno, Espectro de Seda y Osimandias se ven envueltos en una trama en el que unos juegan el papel de fascistas y otros de antihéroes porque la única forma de acabar en ese mundo ficticio contra los hombres que en la vida real asesinaron a Salvador Allende, es que bombas nucleares destruyan parte de los Estados Unidos.

¿Le parece ya bastante compleja y digna de llamar su atención? o más bien tan complicada que ya decidió que no resistirá esas tres horas. Si se encuentra en el primer grupo, a verla sin falta ya sea que la consiga en DVD, Blue Ray o en su suscripción a Netflix.

33 García Márquez y sus películas

No mucho antes de su muerte, la realización de la película Memoria de Mis putas tristes fue objeto de una controversia en México, principalmente por iniciativa de la periodista Lydia Cacho quien objetaba el uso de dinero público para producir una película sobre un tema que lacera a la sociedad del Siglo XXI, la prostitución de menores.

Toda una discusión sobre si la literatura y un relato de ficción, incluso el cine, pueden dañar la ética social. La cinta, pese a lo estrambótico del título no tuvo tanta repercusión y más que nada volvió a traer el planteamiento de las dificultades que tiene llevar al cine una obra literaria.

Pero como sucede prácticamente en cualquier vida famosa, la de García Márquez no siempre lo fue y si recibió regalías que le permitieron vivir en el Pedregal de San Ángel, una zona de la Ciudad de México reservada a quienes han podido reunir una fortuna, su relación profesional con el cine empezó de una manera mucho más modesta, como redactor de noticiarios cinematográficos, compartiendo la nómina con don Fernando Marcos y Carlos Fuentes.

Quizá estos noticiarios serán los que mas importante huella vayan a dejar de la presencia de García Márquez en el celuloide, toda vez que son los que mejor documentan, incluso con humor, los usos y costumbres de la vida en México a mediados del Siglo XX.

A la Memoria de Mis Putas Tristes, del 2011, le antecedió, como gran producción de Hollywood El Amor en los Tiempos del Cólera, de 2007. A la muerte de García Márquez, en la Semana Mayor de 2014, los usuarios de la Internet Movies Data Base le daban a esta película protagonizada por Javier Bardem, apenas un poco arriba de la calificación aprobatoria, 6.4

Como película mexicana, la última que se filmó en vida de su autor, Gabriel García Márquez fue El Coronel no tiene quien le escriba, con el protagónico de Fernando Luján, en 1999, dirigida por un especialista en películas deprimentes y depresivas, Arturo Ripstein.

Como este artículo no pretende ser un catálogo exhaustivo de la obra de García Márquez en el cine, para lo cual es preferible consultar la IMdB, tomaremos como su primera contribución destacada el guión de El Gallo de Oro donde volvió a trabajar con Carlos Fuentes después de los guiones de noticieros de cine; esta vez sobre un argumento de Juan Rulfo, dirigido por Roberto Gavaldón (uno de los más notables, aunque dicen malhumorados directores mexicanos, autor de La Rosa Blanca, Macario y las Cenizas del Diputado), Este acontecimiento cinematográfico está datado en 1964.

El año siguiente, con Emilio García Riera, participa en el guión de En Este Pueblo no hay Ladrones, de Alberto Isaac, una película que, por cierto, está mejor valorada por los aficionados al cine, que otras de más presupuesto. También de 1965 es el cuento Lola de Mi Vida, dirigido por Manuel Barbachano Ponce como parte de Amor, Amor, Amor.

Asómbrese, en esta cinta también participó el filósofo y escritor Luis Villoro...como actor. Los créditos incluyen a Carlos Fuentes, también frente a la cámara, y a Inés Arredondo y Juan de la Cabada como guionistas y adaptadores.

De 1969 es la historia Patsi, Mi Amor, una tierna historia con Ofelia Medina como la adorada hija de un diplomático, interpretado por Joaquin Cordero, que se enamora de un hombre casado, cuyo papel representa Julio Alemán.

La trama de García Márquez no condena, nadie se "azota" por los amores "ilícitos". Muestra una historia de algo que pasa periódicamente en la vida y ya.

En este rápido repaso destacamos La Viuda de Montiel, por la actuación de la hija de Charles Chaplin, Geraldine y por la coautoría en el guión de José Agustín (1979). De ese mismo año es María de mi Corazón que nos regala e introduce al cine a una de las más queridas actrices mexicanas, María Rojo.

En total hay por el momento 51 contribuciones literarias de García Márquez al séptimo arte, pero hay una indirecta que vale mucho la pena destacar, ser el padre de Rodrigo García, uno de los directores que más nos han hecho conmover con la cotidianidad de la vida y de la tragicomedia del día a día.

Rodrigo es, dicho sea de paso, el director de En Terapia, una hermosa serie de televisión sobre un sicólogo y sus pacientes. Nueve Vidas y Madres e Hijas, esta última que sigue explorando el camino que sembró Ingmar Bergman en Sonata de Otoño, son otras de sus películas relevantes.

A la muerte de Gabriel García Márquez nos queda afortunadamente Rodrigo, representante de una nueva generación latina, que ha dado al cine y la televisión de Estados Unidos un rostro más sensible y compasivo.

34 The last Temptation of Christ La última Tentación de Cristo

Si usted está cansado de ver la misma historia de la crucifixión y ya leyó todos los evangelios, a lo mejor como a nosotros se le había pasado La última Tentación de Cristo, la película de Martin Scorsece que nunca fue estrenada en los cines mexicanos y que durante mucho tiempo fue casi clandestina, pero que ahora se puede ver en Netflix o encontrarla con mayor facilidad en puestos dedicados a la venta del DVD.

La música de Peter Gabriel; la actuación de David Bowie, en una de las más originales recreaciones del personaje de Poncio Pilatos y el atrevimiento de haber llevado al cine, la novela de Nikos Kazantzaki, quien se inspiró en los Evangelios, pero imaginó el destino que hubiera tenido un Jesús más humano, hacen de La última Tentación de Cristo una de las mejores películas para reflexionar sobre el personaje histórico, su filosofía y probablemente la de otros personajes como el converso Saulo/Paulo y el controversial Judas, quien, en esta versión, se asemeja mucho más al personaje de Jesucristo Superestrella, que al traidor de la iconografía católica.

No le vamos a traicionar la historia si le decimos que en esta versión Jesús alcanza a ver la destrucción de Jerusalen, poco después del año 73, cuando el imperio romano ya no pudo con los sentimientos nacionalistas del pueblo judío y ordenó su dispersión por el mundo.

Quienes se apegan fanáticamente a los evangelios, más que a la historia real y comprobable, podrán sentirse molestos con esta cinta. Evítenla. Quienes como Nikos Kazantzaki estén tan preocupados tanto por la parte espiritual como la humana del personaje de Jesús, los que hayan creído en los evangelios gnósticos, se hayan enterado del evangelio de Judas y sepan de la tumba familiar de la familia del nazareno, adorarán esta historia.

Filmada en Marruecos.

Si nos pide una calificación para normar su decisión le pondríamos 90 sobre 100. Ahora bien recuerde que es Scorsese quien dirige, así que es una película para adultos y la violencia no se escatima, como bien podrá apreciar nada más con el tamaño de la corona de espinas empleada en el filme. Resalta también que pocas veces se traduce el título original de una película filmada en inglés, con tanta literalidad como se hizo en esta. ¡Qué bueno!

35 Divergente Reseña de Gerardo Ocampo

La historia se desarrolla en un mundo distópico (o antiutopía) es una sociedad ficticia indeseable en sí misma.

Esta sociedad distópica suele ser introducida mediante una novela, ensayo, cómic o cine) en el que la sociedad está dividida en cinco facciones. Cada una de ellas se dedica a cultivar una determinada virtud: Verdad (los sinceros), Abnegación (los altruistas), Osadía (los valientes), Cordialidad (los pacíficos) y Erudición (los inteligentes).

Dado que ya ha cumplido los dieciséis años, Beatrice Prior tiene que elegir a qué facción pertenecerá. Al tiempo que se enamora de un joven, la muchacha se ve obligada a guardar un secreto para evitar que la maten por no coincidir completamente con alguno de los cinco grupos sociales "aprobados" por la sociedad del futuro. Beatrice Prior busca su destino sin apegarse a los criterios de normalidad impuestos para "un mundo feliz".

36 Mad Men, Sexta Temporada: La Soledad de los creativos

El enorme busto de Christina Hendriks (Joan Harris, varias veces clasificada como una de las mujeres más sexis del mundo) es sin duda uno de las razones que nos mantienen como hipnotizados en cada uno de los capítulos de Mad Men, pero no es la única, para quienes nos dedicamos a la comunicación seguir el proceso creativo de quienes literalmente metieron a la historia algunas de las principales marcas comerciales y para las mujeres la galanura de hombres de distintas edades, hacen de la serie una de las más atractivas de la televisión en estos inicios del Siglo XXI.

Pero hay muchas cosas más que nos atrapan en esta serie de locos rabiosos que son los publicistas, si nos atenemos a una traducción de Mad Men, una de ellas es la transformación de Don Drapper (Jon Hamm) de huérfano creado en burdel a un elegante, sofisticado, engominado y aparentemente auto suficiente empresario que; sin embargo, no puede borrar de su mente un pasado de miseria, aunque haya sido aparentemente exitoso para ocultarlo no solo a sus colegas, sino a sus seres más queridos.

Don Drapper representa a una especie poco valorada aunque antiguamente bien pagada en la sociedad, la de los creativos, y en Mad Men no es el único que lo sufre, prácticamente todos los personajes masculinos son divorciados y los femeninos o son madres solteras, Joan Harris, o incapaces de encontrar una pareja duradera Peggi Olson (Elisabeth Moss) En particular ellas, en una época, los sesentas, que marca la liberación femenina.

La sexta temporada de Mad Men, con 12 capítulos, disponible para verse en dos o tres sentadas en Netflix va a a tener como telón de fondo el asesinato de Martin Luther King, el de Robert Kennedy y las golpizas a los jóvenes que se oponían a la estupidez de la guerra de Vietnam.

A pesar de que se mencionan muchas marcas, no se hace apología de ellas: algunos industriales del automóvil de Detroit no dejan de ser unos palurdos y no se puede soslayar que General Motors es uno de los contratistas beneficiados con la guerra por el gobierno de los Estados Unidos.

Junto con el glamour inherente a la publicidad, vemos en el personaje protagonista que Estados Unidos es uno de los países con mayor desigualdad social del planeta, no solo por su extensa geografía, sino por la vida polarizada en Nueva York, con un Bronks en proceso de convertirse en un barrio elegante, pero que mientras tanto trae muchos problemas a los colonizadores de la clase media.

De diversas maneras, prácticamente todos los personajes ejecutivos de la serie, están inmensamente solos, incomprendidos por sus esposas, desesperados por encajar en un ambiente de simulaciones en el que algunos se hacen pasar por creativos certificados, cuando toda su experiencia se limita a ser mayordomos de familias de prosapia como Bob Benson (James Wolk)

Mad Men, en su sexta temporada, también trata extensamente de los problemas de incomunicación con los hijos. No, no importa cuanto techo, comida y escuelas particulares les pongan los personajes de Don Drapper, Pete Campbell o Roger Sterling, nada sustituirá su presencia.

La sexta temporada de Mad Men, vale mucho la pena por su contexto social e histórico y parece que la séptima se va a poner mejor, cuando los genios de la publicidad se asocien con los creativos de Hollywood. Si ve varios capítulos de un tirón, como puede hacerse en Netflix, es una terapia garantizada para olvidar por un rato los problemas reales e involucrarse con los ¿ficticios?

Felicidades al creador Matthew Weiner y a la compañía American Movie Classics por su invención que ha dado tanta calidad a la televisión abierta.

37 Dr. No y la zaga Bond

La primera de las seis películas de James Bond filmadas en la década del sesenta y por supuesto de las más de 15 que se habían rodado antes de 2007, es Doctor No, en donde se definieron algunas de las características que habrían de acompañar al personaje durante los primeros cuarenta años: La entrevista con “M”, el jefe de los espías; los coqueteos con Moneypenny; la seducción de exóticas, extrañas pero monumentales mujeres y el caos precedente a la escena final, con todos los asistentes de los malos tratando de escapar en medio de explosiones más estruendosas que el estallido de un volcán.

Cuando acudimos al videoclub y no podemos decidirnos por algo, una buena opción son las películas de Bond, donde con la precisión de una franquicia podemos encontrar a no dudarlo mujeres espectaculares y al menos un galán (el protagonista), artefactos tecnológicos, una espectacular aunque no siempre creíble persecución y una sugerente y casi siempre satisfactoria escena de amor.

En Dr. No están presentes casi todos esos elementos, aunque le falta la visita a “Q” el responsable del desarrollo tecnológico encargado de los artefactos que habrá de usar única y exclusivamente en una película, porque en la siguiente de la serie ya serán obsoletos.

Incluso hay algunos detalles que superan el guión de Dr. No, en comparación con el de otras películas de la zaga, por ejemplo, la larga introducción en Jamaica antes de que conozcamos al 007.

Otros dos módulos fundamentales son la música y animación de los créditos de apertura, elementos coordinados en una armoniosa edición, que representan un reto cada vez más interesante para los creativos de esta secuencia clásica de la identidad de los filmes Bond.

De manera que si la película de su interés no está en el anaquel, en la sección de clásicos, aventura o espías, es muy probable que encuentre Dr. No, o en su defecto Operación Trueno, Desde Rusia con Amor, Goldfinger y Los Diamantes son Eternos, si usted cree que Sean Connery es el mejor 007. Algo más difícil es hallar Al Servicio Secreto de su Majestad, con el australiano George Lazemby.

Si prefiere un BOND con mejor sentido del humor, Moore es la elección preferida en La Espía que Me Amó, Octopussy y Moon Raker. El prototipo de galán cambia con Timothy Dalton en Licencia para Matar, vuelve el humor con Pierce Brosnan en la década del 90 Licencia Para Matar y El Mundo No Basta y otra vez se pone oscuro en Casino Royale.

No están todas pero seguramente sí las más representativas. Así que ya tiene para elegir.

38 Machete

Si usted no ha visto Machete porque detesta el cine violento y sanguinolento, como ocurre con el estilo del cómic llevado al cine, respetamos su decisión, pero déjeme advertirle que al mismo tiempo se pierde de una pequeña obra maestra de un género aún sin clasificar del todo al que podríamos llamar, migrante o de fronteras.

Hay un elenco de estrellas latinoamericanas que representan a nuestra comunidad en forma notable, pero antes de mencionarlas hay que destacar a Robert de Niro, porque quizá ninguno arriesgue tanto como él, al protagonizar a un corrupto legislador republicano en proceso de reelección y dispuesto a todo lo que sea necesario para recibir financiamiento para su campaña, venga de donde venga. Una elección obvia es... de los narcotraficantes fronterizos.

Y es que grandes periodistas, ganadores de premios Pulitzer, han hablado del involucramiento de políticos mexicanos en el narcotráfico, -- el asesinato de Luis Donaldo Colosio en Tijuana, tiene a los responsables del trasiego fronterizo como principales sospechosos-- pero de los "muros inteligentes", esos que se construyen con el patrocinio de políticos texanos para detener a los trabajadores, dejando pasar armas en un sentido y drogas en otro, de eso casi, por no decir nunca, tratan los periodistas en ningún lado de la frontera. No importa, con un recurso mucho más eficaz y convincente, lo hace Robert Rodríguez en Machete.

En la vida real la actriz Sofía Vergara y un grupo de importantes creativos hispanos en Estados Unidos han fundado la organización Latin World Entertainment, mejor conocida como Latin WE, o nosotros latinos. En Machete, Robert Rodríguez plantea en la ficción una idea revolucionaria, una red de resistencia latina para defenderse de los Minutemen, este sí , un grupo completamente verídico de civiles armados que disparan a mujeres y niños desarmados, incluso cuando estos se encuentran en territorio mexicano, sin intención alguna de cruzar la frontera.

Danny Trejo interpreta a un personaje tan superdotado como Rambo; pero fuera de esa frialdad que también caracteriza a James Bond (capaz de ver morir a un compañero de trabajo sin aparentemente sentir culpa o remordimiento) Machete es un policía mexicano que no nos parece imposible que existiera, un hombre que no se ha dejado corromper ni por la Policía Federal, ni por la DEA, ni por la CIA, instituciones que como es públicamente conocido, por razones de justicia o no, se toman atribuciones, para infringir las leyes federales e internacionales, con el argumento de que así pueden capturar a capos.

No hace falta comprobar esto a ningún lector que tenga en la mente operativos como Rápido y Furioso, que permitieron introducir armas a México, de las que se perdió el control y de las que alguna fue utilizada para asesinar en México a algún policía federal de los Estados Unidos. (http://eleconomista.com.mx/internacional/2011/07/26/rapido-furioso-plan-que-resulto-fatal)

Pero esta vez, en la ficción de Robert Rodríguez, Danny Trejo hace un personaje "estúpido", tanto que ve morir a su esposa y a su pareja de trabajo por querer llevar una misión hasta las últimas consecuencias. Es estúpido pero no tan corrupto ni tan inocente como es el caso de sus homólogos en Estados Unidos, al menos como los presentan en esta película.

Jessica Alba interpreta a Sartana, una latina que desempeña diversos oficios generalmente relacionados con sacar la basura y que quiere convertirse en un símbolo de eficiencia investigando una red de resistencia ahora que ha logrado trabajo como policía de migración.

Robert Rodríguez nos hace saber que no hay nadie en que se pueda confiar, ni en la DEA, ni en los políticos, ni en los gobernadores de ninguno de los dos países porque todos tienen intereses comunes: el más común de todos contar con políticos bien colocados para poder controlar el negocio del narcotráfico. Pero hace una excepción, Robert Rodríguez confía en los periodistas y su personaje, Sartana va a tomar la única decisión que puede salvarlos a todos al darle a conocer las pruebas a un medio de comunicación y no a sus jefes.

En este cómic filmado, Machete va a crecer, a tal grado que en algún momento la vida del presidente de Estados Unidos, (en manos de políticos corruptos como se puede apreciar en House of Cards esta, una serie producida por Netflix) no va a depender ni de la CIA, ni del FBI, ni de ninguna otra agencia de seguridad, sino de este controvertido policía mexicano.

La batalla casi final entre los minutemen y la resistencia mexicana, muy parecida al grupo de Bastardos sin Gloria creado por Tarantino, va a darnos a muchos espectadores la emoción de recordar que el cine sería muchas veces mejor que la vida, si no fuera porque el Cine ya es es Parte de la Vida y nos permite ser protagonistas de un mundo mucho mejor. En este caso, de un mundo en que los latinos somos irremediablemente feos, pero buenos, con mujeres buenas, guerreras y en todos los sentidos, buenísimas.

Seguro que a muchos fundamentalistas no les va a gustar una película que como esta, presenta a los mexicanos como más fuertes, más inteligentes y más humanos que a los sajones, pero para ellos tenemos un consuelo, la solidaridad de estrellas como Robert de Niro, Lindsay Lohan y Steven Seagal, además de una frase incontrovertible. Nosotros no cruzamos la frontera, fue la frontera la que nos cruzó a nosotros

39 Intermedio Cinco Cámaras Rotas

O cordial invitación a proponer una reseña de cine

Esta película es una contribución de cineastas israelíes y palestinos a la paz. Nos encantará que la veas, la compartas y la comentes.

Vamos a hacer una pausa. Es justo que el lector de una publicación virtual tenga un espacio para oír ver o hacer sentir su propia voz.

Casi deliberadamente he tenido que dejar fuera muchas películas de mis favoritos como Steven Spielberg, Federico Fellini y a los hombres que me llevaron al éxtasis cinematográfico, a olvidarme que estaba en el cine y llevarme a una abstracción total. Ellos son Theo Angelopulos, Emir Kusturica y Steven Spielberg, a quienes omití ya fuera porque no es fácil encontrar sus películas en línea o porque

He decidido usar el título de este documental que se puede hallar con relativa facilidad, para que realices tu propia reseña. No necesariamente tiene que ser sobre esta película, te voy a dar algunos títulos más de mi filmografía favorita para ver si alguno te inspira, pero puede ser cualquiera.

Si me has hecho favor de elegir este libro de un estante virtual es muy probable que tengamos algo en común y sea bueno conocernos. Sólo como guía te doy algunas películas, si decides compartir esta página conmigo me ayudarás a demostrar que el nuevo juego del editor en línea es la interactividad.

Si no deseas escribir una reseña, podemos jugar de otra manera: Yo te digo una lista de 10 cintas de las que no he hablado en este libro, pero que han marcado mi vida para bien o para mal, tu me mandas la tuya y cotejamos.

La dirección electrónica para que compartamos este juego es editorialparadigma@gmail.com. Si hay una segunda versión de este libro publicaremos tu reseña y si no, espero conocer a los lectores que por el solo hecho de seleccionar esta obra, ya quiero como amigos.

Va mi lista en forma aleatoria; 1.- Vals con Bashir, 2.-Cantando bajo la lluvia, 3.-La Lista de Shindler, 4.- La Novicia Rebelde, 5.- Victor, Victoria, 6.- The Internet Owns Boy (La historia de Aaron Shwartz), 7.- Karate Kid, 8.- Rocki.9 Manhattan, 10.- Todos Dicen te amo, ET

Repetiré esta selección en la última página para que la recuerdes si quieres seleccionar tu propia lista. Eso si quisiera preferentemente que este espacio lo use quien no haya tenido antes la oportunidad de publicar una reseña y quiera hacerlo. Si lo que te apasiona es la televisión, usa la siguiente entrada como posible.

Y cuál es la recompensa puedes preguntarte. Bueno, publicar en línea es como mandar un mensaje en una botella arrojada al espacio sideral. No hay garantías. Como menciona El Camino del Guerrero, la recompensa casi nunca se halla en la meta, sino en el camino.

40 House of Cards, Castillo de naipes ¿ficción o realidad?

41 Woody Allen por Woody Allen

Notas introductoria de la nota: Son más de 50 largometrajes escritos, actuados, dirigidos o todo a la vez, por este, uno de los 10 hombres favoritos de este reseñador. Una forma de abordarlo podría ser elegir mis favoritas personales: Dos extraños amantes, Manhatan, Poderosa Afrodita, Magia a la luz de la luna.

En lugar de eso, me voy a permitir presentarle a usted una lista de las películas que se pueden ver en línea (muchas de ellas han sido adquiridas por Netflix) con el título con el que fueron estrenadas en México, y la traducción de un artículo escrito por el propio Woody Allen que me parece de interés permanente porque en él se explican muchos de los personajes, tramas y obsesiones ligadas a la obra del autor.

2013 Jazmin Azul

Magia a la luz de la luna

2012 De Roma con amor

2011 Medianoche en París

2010 Conocerás al hombre de tus sueños

2009 Así pasa cuando sucede

2008 Vicky Cristina Barcelona

2007 Los inquebrantables

2006 Amor y muerte

2005 La provocación

2004 Melinda y Melinda

2003 Muero por ti

2002 El ciego

2001 El beso del escorpión

2000 Pícaros ladrones

1999 El gran amante

1998 El precio del éxito

1997 Los enredos de Harry

1996 Todos dicen que te amo

1995 Poderosa Afrodita

1994 Balas sobre Nueva York

1993 Un misterioso asesinato en Manhattan

1992 Maridos y esposas

1991 Sombras y niebla

1990 Alice

1989 Crímenes y pecados

1989 Historias de Nueva York (segmento "Oedipus Wrecks")

1988 La otra mujer

1987 Septiembre

1987 Días de radio

1986 Hannah y sus hermanas

1985 La rosa púrpura del Cairo

1984 Broadway Danny Rose

1983 Zelig

1982 Comedia sexual de una noche de verano

1980 Recuerdos

1979 Manhattan

1978 Interiores

1977 Dos extraños amantes

1975 Amor y muerte: La última noche de Boris Grushenko

1973 El dormilón

1972 Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo, pero temía preguntar

1971 La locura está de moda

1969 Robó, huyó y lo pescaron

1967 Casino Royale

Traducción de Ramsés Ancira a partir de la publicación del New York Times el 9 de febrero de 2014:

Hace 21 años cuando escuché por primera vez que Mía Farrow me había acusado de abuso sexual a menores, encontré la idea tan ridícula que ni siquiera me detuve a reflexionarlo. Habíamos estado inmersos en una ruptura terriblemente llena de mordacidad, con gran enemistad entre nosotros y en una batalla por la custodia que estaba desgastando lentamente toda energía. La obvia transparencia de su maldad parecía tan evidente que ni siquiera consideré la necesidad de un abogado que me defendiera. Fue mi representante legal en materia de espectáculos quien me dijo que estaban llevando la acusación a la policía y yo necesitaría un penalista.

Ingenuamente pensé que la acusación se le escurriría entre las manos porque, por supuesto, yo no había abusado de Dylan y cualquier persona racional vería para que era una estratagema. El sentido común debería prevalecer. Después de todo yo era un hombre de 56 años que nunca antes (o después) había sido acusado de abuso a menores. Yo había estado saliendo con Mía durante 12 años y nunca en ese tiempo hice algo que sugiriera parecerse a una mala conducta. Ahora, de repente, cuando había conducido hasta su casa en Conecticut para visitar a los niños por unas horas, encontrándome en el terreno de una adversaria furiosa, con media docena de personas presentes, cuando estaba en la dichosa primera etapa de una nueva relación con la mujer con la que iba a casarme, me involucraban en una conducta de abuso infantil. Hasta para la mente más escéptica esto resultaría muy improbable. La falta de lógica me parecía absoluta.

No obstante Mia inistió en que había abusado de Dylan y la llevó de inmediato a un médico para ser examinada. Dylan le dijo al doctor que no había sido molestada. Entonces Mia la llevó a tomar un helado y cuando regresó con su hija había cambiado la historia. La policía comenzó su investigación, la probabilidad de una acusación pendía de un hilo. Yo de muy buena gana hice la prueba del detector de mentiras, la que por supuesto pasé porque no tenía nada que ocultar. Yo le pedí a Mia que se la hiciera y dijo que no quería. La semana pasada una mujer llamada Stacey Nelkin, con quien yo había salido hacía muchos años dio a conocer a la prensa que cuando Mia y yo tuvimos la primera batalla por la custodia, hace 21 años, Mia había querido que diera testimonio de que (Stacey) era menor de edad cuando salía con ella, a pesar de que esto era falso. Stacey se negó. Incluyo esta anécdota para que todos sepamos del tipo de personaje que nos ocupa aquí. Cualquiera puede entender por qué ella no habría de aceptar la prueba del detector de mentiras.

Mientras tanto la policía de Connecticut pidió ayuda a un equipo especial de investigación. la Clínica de Abuso Sexual Infantil del Hospital Yale-New Haven. Este grupo de profesionistas imparciales, y mujeres a quienes el fiscal de distrito buscó para orientarse sobre la viabilidad del proceso, pasó meses haciendo una minuciosa investigación, entrevistando a todos los interesados, y revisando cada una de las pruebas. Por último escribieron sus conclusiones que cito aquí: "Es nuestra opinión de expertos que Dylan no fue abusada sexualmente por el Sr. Allen. Además, creemos que las declaraciones de Dylan en cinta de vídeo y sus declaraciones a nosotros, durante nuestra evaluación, no se refieren a hechos reales que ocurrieron con ella el 4 de agosto de 1992 ... En el desarrollo de nuestra opinión hemos considerado tres hipótesis para explicar las declaraciones de Dylan. En primer lugar, que las declaraciones de Dylan fueran ciertas y que el Sr. Allen le hubiera abusado sexualmente; en segundo lugar , que las declaraciones de Dylan no eran ciertas, pero fueron hechas por una niña emocionalmente vulnerable que estaba en una familia perturbada y respondiendo a las tensiones en la familia;, y tercero, que Dylan fue entrenada o influenciada por su madre, la Sra. Farrow. Si bien podemos concluir que Dylan no fue víctima de abuso sexual, no podemos determinar si la la segunda o tercera hipótesis es la verdadera. Nosotros creemos que lo más probable es la combinación de estas dos últimas para explicar los alegatos de abuso sexual"

¿Podría esto ser más claro? "El Sr. Allen no abusó de Dylan" ; más probablemente, una vulnerable, estresada, menor de 7 años de edad, fue guiada por Mia Farrow. Esta conclusión decepcionó a un buen número de personas. El fiscal del distrito estaba impaciente para procesar a una celebridad y Justice Elliott Wilk , el juez que debía decidir sobre la custodia, escribió una opinión muy irresponsable al decir que cuando se trata del cargo de abuso, " es probable que nunca sepamos lo que ocurrió. "

Pero nosotros sabíamos, porque había sido determinante y no había equivocación acerca del hecho de que el abuso no había tenido lugar. Justice Wilk había sido bastante rudo conmigo y nunca aprobó mi relación con Soon-Yi, la hija adoptada por Mia quien se encontraba en sus primeros 20s. Él pensaba sobre mi como un hombre viejo explotando a una mujer mucho más joven, lo cual indignaba a a Mia, sin considerar que ella había salido con un hombre mucho mayor como lo era Frank Sinatra cuando ella solo tenía 19. Para ser justos con Justice Wilk, el público sintió la misma preocupación por Soon Yi y por mí, pero a pesar de lo que parecía, nuestros sentimientos eran auténticos y hemos estado felizmente casados por 16 años, con dos hijos maravillosos, ambos adoptados (Por cierto a pesar del circo mediático que se armó por las acusaciones en los medios, las solicitudes fueron extremadamente escrutadas, tanto por las agencias como por los tribunales y la corte de adopción, y cada una de ellas bendijo nuestras adopciones)

Mia tomó la custodia de los hijos y nos fuimos por caminos separados .

Yo tenía el corazón partido. Moses estaba furioso conmigo. Ronan no sabía porque Mia nunca me dejó acercarme a él desde el día en que nació, y Dylan, a quien yo adoraba porque era la más cercana desde que Mia llamó a mi hermana, rabiosa, y le dijo "El tomó a mi hija, ahora yo tomaré al suyo". Nunca la volví a ver ni fui capaz de hablar con ella no importando cuanto lo intentara. Yo aún la amaba profundamente y sentía culpa de que al haberme enamorado de Soon Yi había puesto (a Dylan) en la posición de ser un peón en un juego de venganza. Soon-Yi y yo hicimos un sinnúmero de intentos para ver a Dylan; pero Mia los bloqueó todos ellos, totalmente indiferente al dolor y el daño que le estaba causando a la niña simplemente para apaciguar su propia venganza.

Aquí cito a Moses Farrow, de 14 años en ese entonces: " Mi madre martillaba en mí para odiar a mi padre por destrozar la familia y abusar sexualmente de mi hermana. " Moses tiene ahora 36 años y su profesión es la de terapeuta familiar . "Por supuesto que Woody no molestó a mi hermana ", dijo . " Ella lo amaba y esperaba verle cuando el pudiera visitarla. Ella nunca se escondió de él hasta que nuestra madre tuvo éxito en la creación de la atmósfera de miedo y odio hacia él. " Dylan tenía 7 años, Ronan 4 , y esta fue , de acuerdo con Moses, la narrativa de los años posteriores

Hago una pausa aquí para unas breves palabras sobre la situación de Ronan. ¿Él es mi hijo o como sugiere Mia lo es de Frank Sinatra. Por supuesto el se parece mucho a Frank por sus ojos azules y sus características faciales, pero, si esto es así ¿qué significa? ¿Durante todo el tiempo (del juicio por la custodia) Mia mintió bajo juramento presentando a Ronan como nuestro hijo? Incluso si él no es de Frank, se incrementa la posibilidad de que ellos intimaran secretamente durante los años en que fuimos pareja. Sin mencionar todo el dinero, yo pagué por el pensión del niño. Entonces ¿yo estuve pagando la pensión alimenticia del hijo de Frank? De cualquier manera lo que quiero es llamar la atención sobre la integridad de una persona que se conduce así en la vida.

Ahora, 21 años más tarde, Dylan ha vuelto con las acusaciones que los expertos investigadores de Yale investigaron y encontraron falsas. Además unas pocas adiciones creativas que aparecieron mágicamente durante nuestros 21 años como extraños.

No es que yo dude de que Dylan haya llegado a creer que ha sido molestada; pero si desde los 7 años de edad una vulnerable niña es instruida por su madre para odiar a su padre ¿se puede concebir que muchos años de este adoctrinamiento con la imagen que Mia sembró, haya tomado raíz? ¿Es posible preguntarnos sobre el dato que seleccionaron los expertos de Yale acerca del aspecto de la instrucción maternal que tuvo lugar hace 21 años?

Incluso la invención donde se supone tuvo lugar el abuso sexual estuvo mal elegida, pero es interesante. Mia eligió el ático de su casa de casa de campo: un lugar que ella debió darse cuenta que yo jamás iría porque es pequeño, estrecho, cerrado y donde casi no es posible ponerse de pie, padeciendo yo de una severa claustrofobia. Una o dos veces que ella me pidió darle una mirada o buscar algo, lo hice, pero rápidamente, y corrí fuera. Indudablemente la idea del ático le vino de la canción de Dory Previn “With My Daddy in the Attic” "Con mi Papi en el Ático" .

Función doble de Cine Mexicano 42 Heli. 43 La Jaula de Oro

Axel Ancira: Festival de Nuevo Cine Latinoamericano, La Habana Cuba.

17 de diciembre de 2013, Santa Clara, Cuba.

El Festival de Nuevo Cine Latinoamericano ha llegado a su fin con un saldo extraordinario para el cine mexicano: el premio a mejor largometraje para Heli, de Amat Escalante, y el premio de mejor ópera prima para La jaula de oro (Diego Quemada Díez). En un festival monumental, en donde como ocurre a menudo en otros festivales, es imposible verlo todo; y en este caso particular, combinarlo con la tarea de ser un ciudadano de a pie en Cuba, alejado de las recepciones en hoteles cinco estrellas y de los taxis de precios exorbitantes, cruel símbolo de la doble economía del sistema cubano, que constituye no solo una afrenta para la vida cotidiana de las y los ciudadanos cubanos, sino también para los viajeros del tercer mundo, de quienes se exige un poder adquisitivo similar al de los visitantes de los países más desarrollados. Por suerte, la amistad es un valor comunista más grande que las segregaciones que puede producir cualquier reino del dinero.

El Festival de Nuevo Cine Latinoamericano, en su edición 35, resulta muy desigual en la calidad de las cintas exhibidas. Muy lejos de las cintas galardonadas, quedan otros filmes de la competencia que destacan por una sensiblería manejada como fórmula (Azul y no tan rosa), y por un efectismo dramático, llevado al paroxismo, en una versión shakespeare-bananera de un Otelo, referenciado involuntariamente (Piedra, papel y tijeras).

El cine Yara fue el espacio escogido para ver la última función del festival. El paciente público habanero que durante los diez días del festival ha derrochado tiempo, ha hecho filas bajo sol y lluvia, y ha visto recortar una y otra vez los pasaportes -unos sencillos boletos de papel cuché- hace un silencio atípico ante los primeros planos de La jaula de oro. En pantalla, una niña se corta el cabello y se faja los senos, para aparentar ser un hombre; un joven, casi un niño, se cose unos billetes dentro de la costura de un pantalón. Así empieza está aventura de lo que podríamos considerar una road movie, y que lo es en sentido estricto, salvo que en este caso la aventura de un viaje de transformación, es también el viaje por la propia sobrevivencia, en lo que es, quizá, el corredor de muerte más grande del mundo: la ruta migrante de México hacia los Estados Unidos.

El silencio se mantuvo en la sala, algo completamente previsible e insignificante en los cines de casi cualquier lugar del mundo, pero que en Cuba, es completamente atípico. Durante el festival y en cualquier película, bastaba una tenue música para que el público saltara de sus asientos y se hiciera un murmullo en crescendo: --Ñó, un machete. – Caballero, pero porque golpea al niño... Ahora sí está empinga’o... expresiones similares, se escuchan decenas de veces. Pero durante la proyección de La jaula de oro, no se oía ni el tímido mascar de las rositas de maíz (palomitas) o los discretos tragos de la cerveza Bucanero, que consumen gustosamente en plena función los extranjeros que van a Cuba al festival y los cubanos que regresan en diciembre a ver a sus familias y llegan desde principios del mes, para entregarse apasionadamente al Festival. Era un silencio que borra las fronteras de la pantalla y nos colocó como testigos privilegiados de ese pequeño grupo de amigos, cuyo destino y aventuras de viaje podrían ser otras. Cuántas maneras hay de contar la historia de un triángulo amoroso, donde dos hombres compiten por los favores de una joven mujer, quien, como hemos dicho más arriba, ha borrado las marcas de su femineidad. El público del cine mexicano, podrá recordar Y tu mamá también, e incluso filmes como Por la libre, en donde el viaje emprendido lleva a descubrimientos internos, a la lucha contra la enfermedad incurable o al descubrimiento de la familia secreta de un abuelo recientemente muerto. La Jaula de oro no necesita, no puede llevarnos a esas intrigas, pues el viaje es una prueba intensa de sobrevivencia que no puede más que recordarnos filmes bélicos, donde la muerte está dentro del estado de excepción de una guerra. La Jaula de Oro es un filme de guerra, más no la declarada por los sueños magnánimos de un político de baja estatura, quien pensó que el traje militar le aportaría centímetros, es la guerra de un sistema que expulsa, y deja que los hombres y mujeres, fuerza de trabajo hiperexplotada, busque por sí misma su reubicación espacial, su libre contratación... las vidas que quedan por el camino, son solo defectos en el transporte de esa materia prima excedente: la fuerza de trabajo. Policías, criminales, sicarios, extorsionadores y narcotraficantes son los ayudantes y opositores, más allá de todo sesgo moral, pues en el espacio de la búsqueda por el sueño del lugar de destino, los principios morales parecen quedar borrados por el de la sobrevivencia propia... hasta que La jaula de oro, nos lleva a la comprobación de que puede ocurrir justo lo opuesto: la amistad silenciosa, entre aquellos que no pueden entender lo que dice el otro, pero cuya amistad puede llegar al ofrecimiento de la vida propia.

---Cómo puede ser tan cruel el ser humano. Dice una voz entrecortada a mi lado izquierdo. En un país acosado y acusado internacionalmente como violador de los derechos humanos, estos hechos cobran un sentido distinto, pues qué podemos decir los mexicanos sobre los derechos de cientos de miles de migrantes centroamericanos y connacionales que día con día pierden la vida, quedan mutilados, las mujeres violadas, ante el conocimiento de un Estado mexicano que voltea hacia otra parte, y que hipócritamente exige una ley migratoria por los derechos humanos de los mexicanos en los Estados Unidos.

El público quedó en un largo silencio cuando los créditos bajaron en la pantalla. Los aplausos aparecieron entre la mayor parte de los asistentes, pero el estado de ánimo no permitía ninguna expresión de alegría, más que la de la fortuna de haber podido contemplar una pieza llamada a ser un clásico instantáneo del cine latinoamericano, y quizá la única del festival que merece el epíteto de Nuevo Cine Latinoamericano. Tal vez los asistentes habaneros pensaran que Cuba y la zona de Mesoamérica, dos regiones con importantes diferencias y producto de procesos históricos diferenciados adolecen de igual manera, y tal como los protagonistas de la Jaula de oro, de un nivel de vida satisfactorio que impida apreciar al vecino norteño como una esperanza por una vida mejor. Las últimas imágenes de La jaula de oro, en donde vemos la concreción del sueño americano, parecen dejarnos una misma pregunta: dónde sobrevivir si las posibilidades están canceladas en el lugar de origen, y en el destino la vida está llamada a ser miserable, aunque por otras razones: el pueblo mexicano, condenado a una eterna vida de segunda, los cubanos, en su mayoría con un alto grado de preparación, condenados a ocupar plazas miserables en labores ajenas a su verdadera vocación.

La jaula de oro cobra un significado distinto vista desde la isla, y es que ante la caída del Muro y del bloque socialista, ha quedado un país encerrado, en donde sus habitantes tienden a ver el mundo exterior como un infinito número de posibilidades, por la simple comparación de los salarios, el precio de un ordenador o de un automóvil... Y es que el resto del mundo, para muchos cubanos, es sinónimo de extranjeros millonarios que llegan a vacacionar a la isla, y para quienes un dólar vale tanto como un guijarro. La jaula de oro permite trascender esta imaginería ingenua, compararse y comprender el sentimiento de miles de seres humanos, en lo que el padre Solalinde ha denominado de con fina ironía, el Triángulo de las Bermudas mexicano.

44 Boccaccerías habaneras

Axel Ancira

Más allá de los pretendidos minimalismos, en que se ancla gran parte del cine posmoderno, que pretende borrar el relato o al menos reducirlo a su mínima expresión, emerge en Cuba el filme Boccaccerías habaneras, como constatación de que si bien no existe nada nuevo bajo el sol, en la Habana del siglo XXI ésta es una verdad a medias, pues bajo el cobijo del sol cubano, las historias clásicas brillan de manera distinta.

Boccaccerías habaneras no esconde el proceso de narración, y está articulada de tal manera que el espectador pueda reconocer desde un principio que todo relato es un proceso de creación. El destinatario de las imágenes es un escritor maduro, quien paga a los habaneros por que le cuenten historias, y de esta manera los reta a confesarles sus oscuros secretos (y a ceder los derechos de sus historias) a cambio de un pago. Los habitantes de La Habana se convierten así en sherezadas, ante un peculiar sultán: un escritor apático, quien al parecer se ha quedado sin historias que contar.

Más allá de la adaptación de estos relatos clásicos de la literatura universal, destaca el marco cubano. No se trata de una vulgar localización y actualización de las historias, sino de trascender la realidad de La Habana contemporánea para dar espacio a la imaginería y la fantasía que poco tiene que ver con la verosimilitud histórica.

No estamos ante La Habana representada en una paleta de colores reducida, y que sujeta la cubanía a elementos folclóricos o a una nostalgia esclerótica. Boccaccerías habaneras, por su multiplicidad de historias, puede leerse como una obra coral que termina por hablar de una ciudad como totalidad, sin embargo, no recurre a monumentos o elementos clisés de la ciudad. Los colores en pantalla aparecen vibrantes, tanto como los vestuarios de algunos personajes, lo que articula perfectamente el filme con el momento histórico de Cuba, en donde se respira un aire de libertad quizá único en el continente, y un sostenido impulso antiimperialista, que contrasta con una crónica crisis económica y rasgos indudables de desigualdades económicas. Y esto se nota en este filme, pues la Cuba de Boccaccerías Habaneras se distancia del discurso del cine cubano post Unión Soviética, siempre preocupado de mantener un nivel de autocrítica que permitiera mantener vivo el impulso creativo en Revolución (Fresa y Chocolate, Guantanamera, El Elefante y la bicicleta, etc.), para poner ante nosotros una entrega que busca, en cambio, mirar desde la ciudad existente, y con personajes que dan cuenta de una Cuba diversa y harta de ser caricaturizada por turistas de izquierda y panfletarios de derecha.

Las tres historias principales de Boccaccerías Habaneras (una boda arreglada, el robo de un baúl, y la trampa seductora a un joven ingeniero) transitan de lo paródico a lo mordaz, del erotismo, al cinismo. Si bien en un principio se monta en un ritmo frenético y en un humor de fórmula, el filme de pequeños cortos nos lleva del lugar común a una picaresca sagaz, y culmina en un episodio agridulce. Es una película que piensa en un público cubano, acostumbrado por eventos como el Festival de Nuevo Cine Latinoamericano a escapar del colonialismo cultural, y sin embargo permite verse por un público mayor que disfrutara de una pieza bien construida, y que da muestra de cómo hacer un cine buscando puentes entre lo local y lo universal sin caer en complejos. Una alternativa, sin duda, para los que estamos hartos de ver filmes de quienes, como el protagonista de esta historia, parece no tener nada que contar.

45 Pelo Malo*

Directora: Mariana Rondón

(Venezuela, Perú, Alemania)

93’

Venezuela 2013

Por Axel Ancira

¿Qué es América Latina? ¿Quiénes somos los que la habitamos? Preguntas de macrorrelatos que difícilmente pueden encontrar respuestas en un filme, incluso en una corriente o vanguardia, y que más que eso, se han abandonado. Sin embargo, Pelo Malo no renuncia a contestarla, desde la pequeña escala de personajes en búsqueda contante de sí mismos. La infancia, edad terrible de definiciones, es tomada como un pretexto para señalarnos las dificultades de definir una personalidad en un mundo que tiene formatos ya definidos para existir, y en donde se estipula que lo mejor es estar arropado por un modelo para no sufrir el terrible acoso de ser diferente.

El pelo de Junior, un niño llamado a ser hombre: ese es el centro de un conflicto que pasará de ser un tema insignificante, hasta convertirse en un símbolo de disputa en donde se evaluará la identidad sexual. Un pelo malo, indómito, que no puede ser peinado, y por lo tanto se convierte en el impedimento para ser un verdadero cantante. El primer paso para el pequeño de nueve años, es tomarse unas fotografías. Nuevamente el tema de la identidad pasa por la posibilidad de construir una imagen, aun sea ante el fotógrafo oportunista del barrio, que les vende (a Junior y a su pequeña amiga) el sueño de convertirlos en un ramplón fotomontaje en miss universo o en un cantante.

Es la Venezuela contemporánea, antes de la muerte de Hugo Chávez. Los trayectos de Junior, junto a su madre, por las avenidas de la ciudad, nos permiten ver una importante campaña política, con lo que el filme nos muestra de manera sutil, pero efectiva, las intricadas fricciones de una sociedad divida. Nada de esto es parte del mundo de Junior, en la intensa pelea con su cabello, maldiciendo el reflejo en el espejo que lo muestra con su pelo rebelde, aunque él demostrará serlo más.

La madre de junior ha perdido dos trabajos consecutivamente, así que su principal interés es recuperar su antiguo trabajo de vigilante. Nuevamente, la elección de la actividad de esta mujer, no es una casualidad, en un país que junto a México, cuenta con las ciudades más violentas del mundo. Junior, quiere ser cantante, pues siente intensamente la música, y tal vez porque se ha construido una fantasía desde la soledad; espacio para imaginar la vida de miles de vecinos y sus pequeñas viviendas que él puede ver, desde los andadores del edificio. El abandono de su madre es por una parte, producto de los efectos de la explotación laboral: el desempleo, el hambre y la carencia, ese actante tan naturalizado por creadores y espectadores, hasta el punto de casi olvidar que existe, es operante y debe ser siempre expuesto y nunca naturalizado; pero el abandono de junior es también el abandono por el desprecio. Ante la ausencia de su padre, de quien sabemos ha sido asesinado, la madre endurece su trato y se convierte en una macha-mujer: adquiere todos los símbolos de fortaleza física, dominio posesivo en sus relaciones sexuales (emotivas parece no tener), la crueldad en el trato con su hijo, que terminará en la duda de si lo mejor que puede hacer es vendérselo a la abuela. La madre es, pues, la introyección de un macho, hecho mujer, que teme que sus hijos varones, adquieran las características para ella femeninas: debilidad y sensibilidad.

Pelo Malo es un filme que supera las carencias de sus personajes: si para la madre, sobrevivir en un mundo violento y de trabajo precario es solo posible, a condición de adquirir las características más terribles del macho, el filme, por el contrario, maneja de manera inteligente la ambigüedad, y no cae en la simpleza argumentativa de proponer una respuesta que solucione los conflictos. Es la violencia que Junior ejerce contra sí mismo, para recordarle a los espectadores todas las violencias necesarias para transitar de la infancia a la adultez, y la justa indefinición sobre la verdadera identidad sexual de Junior, lo que manifiesta la tensión entre el mundo del filme y los espectadores; y es que por encima de las particularidades de las condiciones de vida de un niño en la Venezuela contemporánea, el tema es la eterna lucha generacional, donde los hijos constantemente son mucho más complejos que los limitados márgenes de los formatos con que los padres miran a sus hijos.

*La película "Pelo Malo", dirigida por la cineasta venezolana Mariana Rondón ha ganado el Premio "Concha de Oro 2013", galardón otorgado a la mejor película en el Festival de San Sebastián.

46 La LV Muestra Internacional de Cine (casi) completa pero abreviada

La Muestra Internacional de Cine ha sido una tradición de casi medio siglo en México. Generalmente son seleccionadas las películas que han obtenido premios en algunos de los principales festivales del mundo.

Considero que en un prontuario de cine, aún breve, es bueno mencionar una de las grandes fiestas del cine en México. Una muestra al azar ¿Y por qué no?

Paraíso, Esperanza. Termina la trilogía. La obesidad envejece incluso a 1 adolescente, pero el corazón no entiende de exteriores

Piedad. "Si Solo Dios Perdona", así dice otra película oriental de la Muestra, una madre no. Estética violenta. Tarantinesca

Amor índigo. Barroco fílmico. Efectos especiales magistrales. La historia es una delicia tipo Amélie pero se sale de cauce

Sólo Dios Perdona. Los gringos no quedan impunes en Asia, un policía cantante. Ideal para proyectarse en panteones. "Gore" fino

Gloria. Santiago de Chile, el fin de las ideologías. Todo es mercado; pero la crisis de la edad madura no es exclusiva de un país. Optimista.

De tal Padre tal hijo: Un japonés le dice a otro, pero usted trabajó mucho. -Eran otros tiempos. 2 padres, 2 maneras de vivir

La postura del hijo. Una manera distinta de contar como se forma un junior. La historia de la sobreprotección materna hablada en rumano.

Distinto Amanecer: Retrato del PRI de mediados del Siglo XX y algo del PRD y PAN del Siglo XXI. Clásica. Nostalgia de la Ciudad.

Somos lo Mejor No es Hollywood, Juguemos a Cantar o High School Musical, pero la mayoría sale feliz. Premiada por la audiencia.

Liv& Bergman. Maestría documental, belleza, historia del cine. Imperdible

Perros Perdidos, la película con mas deserciones, no de esta, sino de 55 ediciones. Un abuso de confianza a los espectadores.

Berberian Sound Studio. El verdadero horror, un hombre tímido en un ambiente laboral hostil. Lo que no se ve del cine: el sonido

Las Horas Muertas. Cine para ir, relajarse y mirar. Se deja ver. Como de Reygadas pero con humor. Gente, no actores y brisa fresca

47 The Fifth Estate. El Quinto Poder

Personalmente odio leer reseñas de películas antes de verlas. Me descomponen la sorpresa. Confío en que si usted ha decidido leer esta crónica le ayudará a disfrutar mucho más la experiencia de una película compleja como lo es El Quinto Poder sin que le revelemos el contenido. Dicho esto, le invitamos a continuar leyendo.

Como las grandes historias periodísticas The Fifth Estate, El Quinto Poder, tiene una entrada magnífica y un desenlace que no deja que la historia concluya cuando se termina… va a continuar en la cabeza del espectador provocando preguntas y buscando respuestas.

No en balde el director, Bill Condon, es egresado de una escuela jesuita y de una carrera donde el estudio de los problemas filosóficos era la constante, por cierto, y para más datos, en la universidad de Columbia.

La posición de los judíos liberales ante el dilema de la libertad de información, es más que una sutil referencia en la película. En principio porque la cinta no se inspira en las memorias de Julian Assange, sino en las de Daniel Domsheit-Berg; pero también porque los derechos fueron adquiridos por Dreamworks, de Steven Spielberg. Por si hubiera alguna duda, las pinturas de Marx y Einstein en la misma escena representando a la política de izquierda y la ciencia más avanzada, no deberían dejar ninguna.

Marx y Einstein

La política y la ciencia pueden ser el resumen de la esencia de Wikileaks: El ideal de una política transparente, la prohibición de los secretos de estado en tanto que los servidores públicos son empleados de la sociedad, no sus amos.

La ciencia al servicio de la información: un sistema de encriptación de datos para que cualquiera pueda remitir al gran público la forma en que los grandes corporativos evaden impuestos depositando en bancos de Suiza; datos como la información de la manera en la que los drones de (¿blackwater?, ¿Carlyle?, ¿Hallyburton?)asesinan a periodistas, porque para los fines del colonialismo una cámara de video es más peligrosa que un arma de destrucción masiva.

Difícilmente El Quinto Poder va a pasar a la lista de las mejores películas de la historia. Su frenética introducción, que incluye sin decirlas, las preguntas sobre quien mató a Kennedy, y la inmediata respuesta con la cara de Lyndon B Johnson (en representación de los texanos, George Bush y la CIA) así como el parlamento final de Benedict Cumberbatch, (interpretando a Julián Assange y preguntándose qué tanto hay de cierto en esta película sobre Wikileaks) no serán suficientes, por lo menos durante varios lustros, para que la película alcance los niveles de reconocimiento que merece.

Entre la introducción y el epílogo, las imágenes en Nairobi, Islandia y varias ciudades europeas podrían ser insuficientes para que los grandes públicos consideren a esta, una película clave y fundamental, aunque no faltarán espectadores que creerán necesario verla una segunda vez para entenderla mejor. Si un periodista, sobre todo de la era digital, no se interesa en su visión y análisis, creo que debería seriamente re considerar su vocación.

¿Por qué esta reseña de El Quinto Poder forma parte del diario de este reportero? Lo mencionaré brevemente y si usted desea continuar con la película por favor sáltese los tres párrafos a continuación.

En diciembre de 2010, invitado, instigado y provocado, las tres cosas juntas, por mi colega y estimado amigo Federico Campbell Peña, participé en varios actos con el objetivo de reconocer lo que consideraba un invaluable papel de Julián Assange en favor de la democracia. Junto con el australiano considero que las violaciones a los derechos humanos son como los fantasmas porque desaparecen cuando se hace la luz.

El invento de los delitos sexuales inventados a Assange, me pareció aun más burdo que los que le fincaron a Sócrates o a Jesus de Nazareth para condenarlos a muerte, en los tres casos por buscar la verdad. Para mi sorpresa las fotos de los eventos en los que participé fueron reproducidas docenas de miles de veces en el mundo, incluían textos en idiomas que ni siquiera reconocí en principio, como fue el caso del rumano.

No se si estas imágenes contribuyeron o no a que después me contrataran para Hispan TV. El hecho es que para esta cadena internacional de televisión realicé dos reportajes que habrían de destacarse entre alrededor de doscientos: uno de ellos mostraba la enorme diferencia en la intención de voto por Enrique Peña Nieto, entre los que manejaban internet y los que no lo hacían. Parecían dos países totalmente distintos. Luego un reportaje en el que mostraba las relaciones entre OHL, los ingresos a través de Monex a la campaña presidencial mexicana y la corrupción en el Partido Popular de España. Entre ambos reportajes, difundidos por internet alcanzamos más de un cuarto de millón de descargas, no solo en Hispan TV, sino en otros canales de You Tube donde lo replicaron personas temerosas de que alguien los censurara de la fuente original. Los sitios espejo que se mencionan en la película sobre Wikileaks.

Retornamos pues a la reseña de El Quinto Poder.Decíamos al principio que Bill Condon, estudió filosofía y en este trabajo fílmico suyo se abordan varios problemas filosóficos a los que nos enfrentamos cotidianamente los comunicadores. La película tiene como tema central un debate sobre la protección de las fuentes de información. Un tema que también es fundamental en el trabajo de uno de los padres del periodismo moderno Ryszard Kapuściński.

En la cinta el personaje de Assange afirma, y no hay prueba en contrario, que nadie ha resultado personalmente afectado por publicar sin edición los informes que el gobierno de Estados Unidos consideró confidenciales. Expresa también que todos los esfuerzos por proteger la confidencialidad de las fuentes son inútiles, si estas no se protegen a su mismas, como es el caso de Richard Manning.

La cinta no hace apología de Assange. Como ha ocurrido históricamente con los creadores de paradigmas, no hay genio sin sombras. Los defectos atribuidos al australiano coinciden en varias fuentes: cierto misticismo, vocación de martirio, egocentrismo, ira y hasta insomnio permanente, esto último una característica frecuentemente atribuida a los nativos del signo cáncer, regidos por la luna, como es el caso de Assange, nacido un 3 de julio.

Al final la película puede dejar una impresión equivocada pues se puede pensar que Wikileaks quedó liquidada. No es cierto, al menos a esta fecha de octubre de 2013, como podría verificarse en este enlace http://wikileaks.org/

Mención especial merece la actuación de Benedict Cumberbatch, quien antes de Assange ha interpretado a famosos personajes como Khan en la versión Siglo XXI de Viaje a las Estrellas, a Sherlock Holmes en la serie de la BBC y al científico cuadrapléjico Sthepen Hawking

A la prensa se le llamó El Cuarto Poder. El Quinto Estado al que hace referencia el título original de la película de Condon no es por esto. El Estado al que se alude es uno en donde la sociedad será más poderosa que el Gobierno.

El Estado, está integrado primero por su territorio, luego por la sociedad y hasta el final por el gobierno, pero en la vida práctica, en todo el planeta, el poder se ha invertido.

Después de Wikileaks la sociedad ya cuenta con la información necesaria para cambiar el estado de las cosas, pero la información no basta. Hay que interpretarla.

Ya sabemos que la CIA mató a Manuel Buendía y al agente de la DEA Eduardo Camarena Salazar. Sabemos que la CIA fue dirigida por Bush y que Bush, estima mucho a Carlos Salinas, cuyo hermano depositó en un banco de Suiza como el que dio origen a las investigaciones y fama de wikileaks

Sabemos que el asesinato de Arellano Félix fue como de película de espías: Un hombre disfrazado de payaso que huye en motocicleta y luego en una lancha. ¿Técnica de la CIA? ¿O a lo mejor o el guión lo escribió alguno de los involucrados en Leones contra Corderos, La Supremacía Bourne u otra de esas películas de ficción que denuncian a los egresados de La Granja de Langley*.

Ahora lo que hacen falta son periodistas que descifren la información como lo hacen en la película y la vida real los de Der Spiegel y The Independent. El Quinto Estado está naciendo y no ha muerto como lo sugiere la película, sólo no hay que perderse en anécdotas como la del espionaje a los correos electrónicos de los presidentes. La nota no está ahí. Lo que han dicho después de Assange jóvenes transformadores e inconformes como Eduard Snowden es solo la pista. A los periodistas nos corresponde seguirlas

The Fifth Estate, más que una película, es el anunció de una era de poder para la gente como la que anunció John Lennon. El Quinto Estado es "Power to the people right Now"

* La Granja es un terreno de 3,750 hectáreas creado por George Tenet en el gobierno de George Bush padre, para entrenar paramilitares que reciben órdenes de la Agencia Central de Inteligencia. Ha sido citada en varias películas de Hollywood. El narcotráfico, al que combate otra agencia de Estados Unidos, la DEA, es una de sus fuentes de financiamiento. Esta es una de las bases que sustenta la información de que agentes de la CIA, asesinaron al agente de la DEA, Enrique Camarena Salazar ¿y también a uno de los miembros del clan Arellano Félix?

48 Gravedad Gravity

Una obra maestra.

Puede que no todos los espectadores la consideren así y habrá quien se canse de tanta acción ininterrumpida o se maree con los 91 minutos de movimiento continuo, pero el argumento, la fotografía y las actuaciones han disparado "de golpe y porrazo" a Gravedad al lugar 41 entre las mejores películas de la historia, y sin duda alguna al puesto número uno de todas las películas mexicanas en la lista de la prestigiada Internet Movies Data Base.

Enormes son los valores de Gravedad y para este reportero marcan un hito en la historia del cine.

Uno de ellos el valor de la familia. Alfonso Cuarón pone todo su prestigio al servicio del arquitecto, y egresado de la carrera de letras inglesas Jonás Cuarón, su hijo, para una película de ciencia ficción en la que de paso se habla de las constelaciones familiares y de la fuerza de gravedad que nos acerca y aleja de otros seres humanos.

La fotografía de Emmanuel Lubezky no solo es de una enorme belleza estética, sino que aporta una enorme contribución tecnológica para un cine en el que no hay un momento estático, no al menos en los primeros 88 minutos.

Este es uno de los aspectos fundamentales de la película de los Cuarón-Lubezky: el cine es fundamentalmente movimiento, no fotografía y en Gravedad no hay tiempos muertos, todo es acción continua.

Una obra maestra no se produce por generación espontánea. Lubezky y Cuarón han trabajado juntos desde 1991 cuando realizaron la innovadora Sólo con tu Pareja, que vino a revitalizar el cine mexicano.

Casi de inmediato Cuarón se internacionalizó al dirigir capítulos de la serie de televisión "Fallen Angels". Ángeles Caídos, donde compartió créditos con Tom Cruise y Steven Soderbergh (antes había hecho en México Hora Marcada, una escuela de la que también proviene Guillermo del Toro).

Cuaron y Lubezky hacen nuevamente mancuerna en La Princesita y obtienen dos nominaciones al Oscar en 1995; en 1998 vuelven a trabajar juntos en Grandes Esperanzas, basada en la novela de Charles Dickens con la cual Cuarón es nominado por su sorprendente aportación al cine de Hollywood, como director latino.

Al llegar 2001, Cuarón y Lubezky hacen en México Y tu Mamá También, con lo que impulsan al firmamento cinematográfico a Diego Luna y Gael García Bernal, quienes no solo habrían de convertirse en actores internacionales, sino promotores del cine mexicano y del documental, género que antes de ellos estaba relegado a los cineclubes y no tenía espacios en el cine comercial

Con estas credenciales, Cuarón ya tiene todos los méritos para que le den la dirección de una película de enorme presupuesto, invertido sobre todo en cientos de profesionales del diseño de arte: Harry Potter y el Prisionero de Azkaban, donde no cuenta con la fotografía de Lubezky, pero donde confirma a la Warner Bross que es un director al que se le puede confiar el más alto presupuesto y no va a defraudar.

Así llega 2006, cuando Cuarón dirige una de las historias de París Je te Aime y la historia de ficción futurista Hijos de los Hombres, con la fotografía de Lubezky, y donde al igual que en sus películas anteriores los lazos de la amistad y la familia son tema de fondo.

Entre 2006 y 2013, no hay una gran producción para Alfonso Cuarón, pero estos siete años de relativa ausencia van a quedar plenamente justificados con Gravedad, insistimos, una obra maestra.

Desde la selección del reparto: George Clooney y Sandra Bullock son personas conocidas más allá de la actuación como buenos seres humanos. Una gran parte de la película ni siquiera vamos a ver su rostro, pero esto no impide que hagan personalmente su trabajo, tendidos de cables para simular las condiciones de ingravidez.

Si hay alguien que merezca los premios de este año a la mejor actriz es Bullock cuyo trabajo físico es impresionante, además que nos ha regalado el strip tease más impresionante de la historia del Cine desde que Jamie Lee Curtis se desnudó para Cámeron en Mentiras Verdaderas (Tru Lies), o al menos desde que Jane Fonda se desnudó en Barbarella

Por estos días se ha hablado mucho de que la selección de fútbol de Estados Unidos ha salvado a México para que no quede fuera del Mundial, pero no se ha dicho que la película del mexicano Cuarón se había mantenido las tres primeras semanas como la más vista en Estados Unidos, a pesar de que no se estrenó en temporada vacacional

Gravedad, hay que decirlo también, es una película que justifica el 3 D. Hay una escena verdaderamente de antología cuando vemos el rostro de Sandra Bullock deformado como un lente de cámara de pescado, que no es otra cosa que una lágrima de impotencia.

No faltarán los críticos que digan que Gravedad es una cinta llena de lugares comunes. A ellos este reportero les respondería que para eso es también el cine, para darnos grandes esperanzas, para convertirnos en príncipes de nuestras vidas, sin importar la adversidad, y para recordarnos que todo lo bueno y lo malo es porque somos hijos del hombre.

No puedo recordar ni encontrar un cuento, casi seguro estoy que era de Asimov, que tiene la misma premisa de Gravedad, una nave espacial golpeada por un fragmento de cometa. El tanque de combustible se ha perdido, pero uno de los astronautas tiene una idea cuando todos se dan por muertos, dejar escapar el agua potable y usarla como propulsor.

Quede entonces este lapsus como pretexto para que si alguno de nuestros lectores nos puede recordar de que historia se trata, lo comparta con nosotros. El sentido de citar este cuento es que Asimov también usa fundamentos científicos para hacernos sentir que sólo cuando se pierde la esperanza, cuando se deja de luchar, el hombre perece.

¿Esto es usar lugares comunes? Si la literatura, el arte o el cine no tienen como fin último hacer que la vida sea mejor, para siempre, o aunque sea por los 91 minutos que dura la obra maestra Gravedad, de Emmanuel Lubezky, Alfonso y Jonás Cuarón, entonces el cine, el arte o la literatura en realidad no sirven para nada.

49 Guerra Mundial Z, Wold War Z

Uno de los mejores estrenos del verano de 2013, incluso por encima de Hombre de Acero y probablemente de Después de la Tierra, es Guerra Mundial Z, una película que no es necesario ver en 3 D, porque lo mejor no está en los efectos especiales sino en la trama, estupendamente construida, con investigación y suspenso que mantienen el interés permanente en los espectadores, a diferencia del Supermán de Zack Nolan en el que tanto brinco hace por perder los momentos climáticos.

Y es que a diferencia de Supermán, Guerra Mundial Z, antes que un cómic es una novela hecha y derecha escrita por quien además es un guionista de cine, Max Brooks, heredero del talento de Mel Brooks (Los Productores, El Super Agente 86, El joven Frankenstein) y de Ann Bancroft (la guapa Mrs Robinson de (El Graduado)

Cartel promocional del libro en que se inspiró la película. Por eso se destaca a Brooks y no a Pitt

Max Brooks escribió en 2002 Zombi, Una Guía de Supervivencia, al que le ha seguido esta Guerra Mundial Z, cuyos derechos han sido adquiridos por el Plan B, de Brad Pitt, la compañía productora que ha realizado esta película.

Independientemente de la resurrección del género zombi que tanta fuerza ha tomado en cine y televisión, en esta segunda década del Siglo XXI, la película tiene otro interés, que es el de las pandemias, a las cuales nos hemos ido acostumbrando después de noticias como la gripe aviar.

La Organización Mundial de la Salud, una dependencia de la Organización de las Naciones Unidas ha tenido éxito en sus programas para la detección temprana de brotes de virus como la poliomielitis y la viruela, pero los estados-nación son lentos y los epidemiólogos los han superado en agilidad creando redes independientes en internet, para mantenerse conectados, en caso de que se descubran brotes, pues mientras más pronto se detecte su origen, más pronto se controla una pandemia.

Es esto lo interesante de Guerra Mundial Z, a diferencia del patriotismo y patrioterismo que sustenta el argumento de Día de la Independencia, no son los estados ni agencias de gobierno como la CIA, las que van a resolver los grandes problemas de la sociedad cuando se presenten, sino precisamente las personas más destacadas de la sociedad civil.

¿Cómo resolvería Israel el problema si todos los perros y gatos atacaran a la gente por un virus de rabia, probablemente construyendo muros? ¿Como lo haría Estados Unidos? De la misma manera, solo que el contrato se lo darían a Hallyburton o algunas de esas empresas de vampiros transnacionales que se financian con el odio. ¿Y corea del Norte? Si no quisieran erradicar a la población canina y felina, lo más probable es que les arrancaran los dientes.

Bueno, es más o menos lo que plantea Guerra Mundial Z, aunque eso sí, pese al talento israelí, ninguna escena de la película está filmada en el país que se niega hasta ahora a reconocer al estado palestino.

Entretenida, informativa, bien actuada, bien escrita, de moda y con un actor que goza de merecida fama porque además es una buena persona, Brad Pitt. Vale la pena. Le daríamos unos 93 puntos sobre 100.

Más información y videos en http://www.guerramundialz.com.mx/

50: 7 días en La Habana

Si usted cree que ver a Emir Kusturika como actor, interpretándose a si mismo; tarareando en un taxi; sobreponiéndose a una cruda espantosa es una escena divertida, 7 días en La Habana es una película para usted. Si es un turista más interesado en la idiosincrasia de un pueblo que en sus edificios, simplemente no se la debe perder, y si no sabe quien es Kusturika o prefiere los "tours" en lugar de aventurarse por su propio pie por las calles de una ciudad en las que no se ven policías, tal vez no sea la película que usted disfrutará

Ni en Paris, yo te amo, ni en su equivalente de Nueva York, los directores habían tenido tanto éxito en capturar el espíritu de una ciudad como los siete creadores de 7 días en La Habana, encabezados por Benicio del Toro.

Bueno, hasta los patrocinadores comerciales son bien recibidos por los espectadores, pues no es lo mismo el ron Habana Club que se ve con toda naturalidad en las escenas de esta película, que los enfoques de las cervezas en el colofón de Rápido y Furioso 6.

Para este espectador y su acompañante, los mejores cuentos son los correspondientes a los directores de lunes, martes y miércoles, pero puede ser que esto se deba a que uno está fresco y las historias correspondientes son las más ligeras y amenas, - como no lo vuelven a ser hasta el domingo- pero aún las más densas, como la totalmente carente de diálogos, Ritual que pertenece al 5 día, Viernes, o El Diario de un Principiante, al Jueves, son pequeñas obras maestras dentro de todo un filme de grandes historias.

7 días en La Habana es una película sobresaliente particularmente por que cuenta historias entretenidas en las que la ficción parece no existir. Son cuentos dirigidos por un elenco internacional que ama su trabajo, ama a La Habana y nos cuenta la ciudad prácticamente sin sentimientos personales, más como documentalistas que como relatores de cuentos. Nos cuentan historias reales, muchas de ellas con la estructura literaria del cuento, esto es, con finales sorpresivos, reflexivos o que de cualquier manera nos dejan con el espíritu en alto, expectantes de lo que vendrá a continuación.

Y a veces los personajes no se despiden para siempre, regresan en otro contexto, interactuando con otros protagonistas, en otras situaciones, pero siempre entrañables.

Benicio del Toro, un actor cubano.estadounidense que no pertenece a la derecha de Miami y que antes interpretó a El Che, es el director de Yuma y nos deja la tarea de resolver si esto significa "u may friend" o algo más insultante para los yanquis. Es desde aqui cuando sus sumergimos en una cultura latina y guapachosa.

Pablo Trapero, de Argentina y recientemente conocido por Elefante Blanco nos regala una historia que nos recuerda a Buena Vista Social Club, quizá por su contenido musical, quizá por su protagonista, el más internacional de los directores y músicos servios desde que era yugoslavo, Emir Kusturika. Este cuento es un regalo para los cinéfilos, sobre todo a los seguidores de festivales internacionales y muestras de cine.

Julio Médem. Lucía y el Sexo, Los Amantes del Círculo Polar, Habitación en Roma tenía que ser el encargado de contar la historia sobre uno de los estereotipos más atribuidos a los cubanos, la cachondería, y lo hace sin falsos prejuicios y con una grandioso ritmo melódico en La Tentación de Cecilia.

Elia Suleiman, director nacido en Nazareth, en 1960 nos cuenta una preciosa historia estática: ¿que puede hacer un palestino abstemio de alcohol y sexo en una Ciudad como La Habana?. Sin diálogos y sin más que una cara de tonto, cuando no simplemente inexpresiva,.su participación en El Diario de un Principiante es una de las propuestas estéticas más interesantes de la película, aunque nos cambia completamente el ritmo para exigir nuestra absoluta atención como observadores en el siguiente cuento Ritual.

Prácticamente el único que habla en el cortometraje El Diario de un Principiante es Fidel Castro convertido en actor involuntario que arranca sonrisas más que bostezos con su interminable oratorio

El cubano Juan Carlos Tabío justifica literalmente el título de su historia Dulce Amargo y el francés Laurent Cantent cierra con un poco de realismo mágico en La Fuente.

Leonardo Padura, es el actor que más trabaja en esta cinta al participar como escritor de tres cuentos, los mismos en que aparece como actor Vladimir Cruz en el papel del ingeniero venido a taxista Angelito.

No se pierda los créditos si quiere ver algunos finales alternativos. Mi calificación para esta cinta 9.5 de 10.

Si quiere ver más detalles de la empresa productora o de los directores le sugerimos seguir este enlace

http://www.7diasenlahabana.es/la-pelicula-benicio-del-toro/

51 Man of Steel El Hombre de Acero

¿Es El Hombre de Acero de Zack Snyder una película DVD en el sentido que tiene el título de este cuaderno electrónico? ¿Es una película de "debe verse"?.

Las mismas razones para decir que sí, operarían para decir que no. Es una película tan llena de efectos especiales, que nunca llega el momento climático y acaba convirtiéndose en aburrida.

La serie de televisión de 1952 (que terminó con la muerte por arma de fuego del actor protagonista George Reeves) y las películas de Richard Donner estelarizadas por Christopher Reeve, a partir de 1978, tenían el sentido del humor en común denominador; Iron Man El Hombre de Hierro de Marvel que estelariza Robert Downey junior es mucho más divertido y disfrutable que el hombre de acero que le encomiendan a Henry Cavill

Una película tan falta de luces como su cartel promocional pues en este Hombre de Acero el tono pesimista es lo que predomina y acaba por quitarle diversión cuando lo que se espera es precisamente eso de una película de ficción fantástica. Por la similitud de nombres cabe decir que el hombre de hierro es mucho mejor que el de acero

Como ha ocurrido en la franquicia de la Warner para llevar a la pantalla chica y a la grande las aventuras de Supermán, los padres biológicos y adoptivos tienen un papel importante y se encomiendan a actores taquilleros. En la séptima década del Siglo XX la misión de encarnar a Jor El fue para Marlon Brando y en esta segunda película de Supermán en el Siglo XXI para Rusell Crowe. El ya legendario actor Kevin Kostner es el señor Kent, quien tiene la desgracia de no poseer el más mínimo y natural sentido de la supervivencia para preservar el secreto de su hijo adoptivo.

En 1993 la serie de televisión Luisa y Clark, las Nuevas Aventuras de Supermán, y a partir de 2001 la extraordinaria Smallville, dieron a Supermán una nueva vida. Esta última tenía una eficiente estructura, con un prólogo que introducía a la historia, un cuerpo sólido y un largo epílogo que nos daba tiempo de regresar de las alturas, recuperar el aliento y ponernos tiernos compartiendo los dilemas existenciales de Clark Kent capaz de resolver los problemas de la humanidad pero no los sentimentales suyos propios.

Esto que se logró durante varias temporadas en televisión y en 217 capítulos, no lo consigue El Hombre de Acero en 140 minutos de proyección.

Snyder, quien se hizo famoso por su hábil adaptación de la novela ilustrada Los 300, hace un muy buen cómic animado con El Hombre de Acero, pero el cine es el séptimo arte y la historieta, cuando mucho, el octavo.

El regreso de Supermán fracasó en 2006 en el intento de reanudar la serie de películas, quizá porque no pudo superar la calidad y la empatía que estaba produciendo todavía entre los espectadores la serie Smallville.

El Supermán creado por Jerry Siegel y el Batman de Bob Kane, tienen la diferencia de que el primero siempre ha tenido esperanza en los seres vivos, mientras que el segundo cree que la locura humana solo puede ser terminada con el asesinato de los psicópatas. Este Hombre de Acero es demasiado oscuro y aunque su traje entretejido es mucho más interesante que los de lycra usados por sus antecesores, al final no le aporta nada al mito. Para colmo, además, trabaja en combinación con el nefasto U.S. Army, salvo por el hecho de que no le permite entrometerse en su intimidad con el uso de drones.

Lo que funcionó con Christopher Nolan para resucitar a Batman es lo que hace fracasar a El Hombre de Acero a quien lo oscuro no le va tan bien como los colores pastel. Por eso los pocos chistes, como que el señor White sea negro, son de lo más entretenido de la cinta.

Las naves espaciales y la dirección artística para ambientar Krypton, son valores estéticos que junto con la música, son de lo mejor de la película.

La cinefilia puede hacernos esclavos de la franquicia, ni modo, pero de eso a que El Hombre de Acero sea una película que nos conmueva o nos emocione, pues no, para nada. Si la ve procure que sea en 3D en un cine no demasiado costoso, como Cinemark si tiene la tarjeta de descuento, o en alguna promoción.. o de plano espere a verla en DVD o la programen en televisión por cable

52 Una Aventura en Globo

De 44 capítulos consta la novela de Julio Verne Cinco Semanas en Globo que fue co - adaptada por el director René Cardona junior, para una de las escasas películas de aventuras exóticas que produjo el cine mexicano durante el Siglo XX. Casi todas ellas protagonizadas por Hugo Stiglitz, lo que se resalta por el hecho de que su nombre haya sido retomado por Tarantino para uno de los personajes de Bastardos Sin Gloria.

Una Aventura en Globo contó con la participación de Jeff Cooper, actor canadiense de escasa fama a no ser por haber interpretado la mitad del imaginariamente guapo Kalimán, la otra mitad fue Luis Manuel Pelayo, quien le prestó su voz, y ambos nos dejaron satisfechos a los seguidores de la historieta y la radionovela.

Complementaron el reparto Jorge Zamora, Zamorita, en lo que quizá fue el único papel protagónico de su carrera y que resultó ideal para dar vida al personaje gracioso que fue clave en las novelas científicas y de exploración de Verne; así como Carmen Vicarte, cuya belleza solo le alcanzó para filmar tres películas, todas ellas en 1975, dos en un personaje también salido de las historietas, Lupita, la novia de El Payo.

Fue gracias al también actor Antonio Orellana (http://escritores.cinemexicano.unam.mx/biografias/O/ORELLANA_gallego_antonio/filmografia.html) que Cinq semaines en ballon fue adaptada al cine mexicano en esta muy digna producción filmada en Kenia y en el Museo de Mineralogía de la UNAM, ubicado frente al parque de Santa María la Rivera, y que ha permanecido igual en las cuatro décadas que siguieron a la filmación de la película, donde fue elegido como sede argumental de la Sociedad Geográfica de Londres.

Jeff Cooper con la imagen que lucía en la época de filmación de Una Aventura en Globo

Con mucho ingenio y sin los presupuestos del cine de Estados Unidos, Una Aventura en Globo, entretiene, fascina y por momentos incluso emociona, sobre todo a quienes no conocen al aventurero Ferguson directamente de la pluma de Julio Verne.

Los paisajes originales y el vestuario superan notablemente a las escenografías empleadas en las películas de Tin Tan dos décadas antes como pretexto para desvestir a las bailarinas exóticas de la época. Carmen Vicarte también luce con poca ropa y mucho ayuda a la audiencia masculina a no querer despejar los ojos de la pantalla, independientemente de otros méritos de la cinta,. como la extraordinaria música de Raúl Lavista que hubiera merecido por mucho un disco soundtrack si México tuviera la parafernalia de las producciones gringas de la época.

Por una u otra razón (nostálgica, visual, querer conocer la obra de Julio Verne) hay motivos suficientes para pasar un buen rato presenciando esta película mexicana que seguramente podrá encontrar en cualquier momento en la programación de los canales especializados de cable.

Zamorita dice la última línea al responder porque quiere regresar al Africa para volver por el oro del que tuvieron que prescindir arrojando lastre del globo. Ya le concedieron una medalla de bronce por las contribuciones de su personaje, Joe, a la exploración geográfica, pero ahora quiere tener un criado blanco.

53 Star Trek In to Darkness Viaje a las Estrellas, en la Oscuridad

Cualquiera que haya visto un capítulo de la serie de televisión Viaje a las Estrellas en 1966 podrá atestiguar que los modelos de teléfono celular con pantalla retráctil y marcación por voz ya eran de uso cotidiano por el capitán Kirk e incluso por su predecesor Cristopher Pike.

Este prototipo del teléfono móvil o celular fue filmado en 1964 y no se comercializó sino hasta inicios del Siglo XXI. No es casualidad, Martin Cooper, el inventor, se inspiró en la tecnología empleada en la serie de televisión Star Trek

Mas que una serie de culto, Viaje a las Estrellas es muy probablemente una de las fórmulas más exitosas de divulgación científica a las que hayamos podido tener acceso, no solamente en materia de tele comunicaciones, sino de física, medicina y otras ciencias.

A medio siglo de la creación de la serie y con el personaje de Spock interpretado por Leonard Nimoy a la edad de 82 años, ver el decimosegundo largometraje del proyecto que nos lleva a donde nadie ha ido jamás es más que un asunto de culto, un reencuentro con nosotros mismos y con los personajes que nos han acompañado a lo largo de toda nuestra vida consciente, si como es el caso de este reseñista, superamos los 50 años de vida.

Leonard Nimoy, por cierto, apareció en Star Trek, antes que William Shatner, pues si bien este es el protagonista desde el primer capítulo, no lo fue del programa piloto como lo podrá apreciar quien siga este enlace http://www.disclose.tv/action/viewvideo/104239/Star_Trek_the_Cage/. El script original puede ser leído aquí para quienes no entiendan el inglés hablado http://www.chakoteya.net/startrek/1.htm.

Por cierto, el programa de muestra de Star Trek fue rechazado por los ejecutivos de la televisora porque lo consideraron demasiado intelectual. Otra tribia, el primer parlamento lo dijo Leonard Nimoy y es "Circuitos revisados" o en el idioma original Check the circuit

Star Trek, desde su primera directiva No intervenir jamás en el desarrollo de otras culturas nos hizo saber en que consistía la democracia; lección que por cierto no aprendieron hasta el momento los políticos de Estados Unidos e Israel, patrocinando guerras civiles en Siria y alimentando a grupos de fanáticos que se pueden comer el corazón de soldados de un ejército regular, (http://www.hispantv.mx/detail/2013/05/13/224698/terrorista-sirio-arranca-come-corazon-soldado) como no lo haría el más salvaje de los klingons o de los romulanos, ya no se diga Kkan, el villano que vuelve desde el año 2285, según la fecha estelar, y desde 1982 si se toma en cuenta la fecha de la producción de La Ira de Khan, película protagonizada por el legendario actor mexicano Ricardo Montalban.

Khan Noonien Sang, es el nombre original de este personaje. Es un villano genéticamente creado en la India y participante de la III guerra mundial, (según sus creadores originales Harve Benett y Jack B. Sowards) que es retomado para la película de 2013 por el guionista mexicano Roberto Orci.

Los escritores de esta película de 2013 no estuvieron solos, su trabajo fue producto de una investigación por internet en la que se preguntó a fanáticos de la serie y aficionados al cine que tipo de elementos apreciarían más en una nueva entrega de la serie cinematográfica.

Y tal parece que una de los principales exigencias del respetable público era que no se diera una historia previsible porque la trama de Viaje a las Estrellas, En la Oscuridad, da frecuentes giros, lo que permite un interés permanente durante las poco más de dos horas que lleva contar la historia.

Quizá uno de los méritos es la estructura clásica de la narrativa: Una introducción, un desarrollo y un epílogo que termina justamente donde empieza la serie de 1966, con un viaje de cinco años para descubrir nuevos mundos a donde nadie ha ido jamás.

Benedict Cumberbatch, el espigado actor británico que se pasó persiguiendo a un Caballo de Guerra en la película de Steven Spielberg y el Sherlock de la serie televisiva de la BBC, es el encargado de darle vida al personaje de Khan.

Si el lector es aficionado a las películas de ciencia ficción esta es una cinta DVD: Debe Verla Decisivamente y si es un seguidor de Viaje a las Estrellas, bueno, ni que decir, por más fallas o defectos que pudiéramos contarle nada lo hará desistirse de ir a normar su propio criterio. Disfrútela. Solo le diremos que, en nuestra opinión, esta segunda parte de las dos dirigidas por JJ Abrams es mejor que la primera.

54 Metal y Hueso. De rouille et d'os

Con afecto para Maricela, coespectadora cómplice

Marion Cotillard fué la segunda actriz en ganar el otrora (1) prestigiado Óscar de la Academia de Artes Cinematográficas por una película no hablada en inglés. La primera había sido Sofía Loren en 1961. Madame Cotillard repitió la hazaña 46 años más tarde por La Vida en Rosa, donde caracterizó a Edith Piaff.

Ese éxito, y por supuesto su dominio del inglés, le abrieron nuevas oportunidades en otras destacadas películas estadounideneses como El Origen (Incepttion) Batman, El Caballero de la Noche Asciende y Media Noche en París.

Si en todas ellas logra un papel destacado como heroína, villana o dama romántica, aún más notable es su rol protagónico en la película francesa De rouille et d'os que mejor debe traducirse como De herrumbre y de hueso y no Metal y Hueso como incorrectamente se le puso en español traicionando el título original.

Y es que no es lo mismo el metal, que la corrosión, la oxidación que envejece, desgasta y aniquila.

La vida de los personajes de esta película está notablemente oxidada. Él es un tipo rudo e insensible, pero no tanto como para no hacerse cargo del hijo que tuvo con alguna traficante de drogas; ella es una chica del coro en un espectáculo de orcas atrapada en la sensación de lo fácil que es acostarse con cualquier tipo sin conseguir ni amor, ni aprecio, ni agradecimiento.

Pero no se piense que con estos datos estamos traicionando el estilo de no contar la trama de ninguna de las películas que reseñamos. No, estos personajes son demasiado complejos como para traicionarlos por describirlos en cuatro líneas.

La película no es francesa, como podría ser pensado por el idioma original de su título, sino belga. Parte del drama es por el origen árabe del protagonista, uno de los millones de Pigs, como se ha dado en llamar en Europa a los trabajadores que hacen las tareas que la población local no quisiera desempeñar, como es el caso de sacar borrachos de los antros.

Un piig, segun se describe en forma categórica en este programa de Hispan TV Fort Apache - PIIGS: ¿Quiénes son los cerdos de Europa? es un trabajador de bajo sueldo, sin derechos laborales y sin expectativa de futuro.

Portugal, Italia, Irlanda, Grecia y España, (Spain en lenguaje colonialista) aportan con sus primeras letras la sigla PIIGS.

Aunque Bélgica no forma parte de este acrónimo, ha sido este uno de los países que mayores aportes cinematográficos ha dado para conocer el fenómeno de las reformas laborales europeas, que no tienen otro fin que producir más riqueza para unos y pobreza para otros.

Ali, el personaje masculino que acompaña a la protagonista, es un sujeto tan simple y rudo que incluso se llegó a pensar que no era necesario un actor profesional para interpretarlo y que podía ser reclutado en cualquier gimnasio.

Finalmente la elección recayó en Matthias Schoenaerts, un actor belga que pese a los pocos diálogos soporta literalmente en sus hombros a Marion Cotillard para hacerla lucir grandiosa.

Muchas cosas descubrirá el espectador en esta película y muchas reflexiones habrán de surgir entre los que no se molestan porque el cine les de en que pensar. Hay una que les dejamos para motivar su interés. La peor tragedia humana puede ser tolerable con una sola condición, tener a alguien con quien ejercer la sexualidad en pareja y si ese alguien nos ama, mucho, pero mucho mejor.

El escritor canadiense Craig Davidson, con su libro de relatos cortos sobre la herrumbre y los huesos, nos ha dejado un producto cinematográfico notable, memorable y sobresalientemente dirigido por Jackes Audiard

55 La Invención de Hugo

Maybe that's why a broken machine always makes me a little sad, because it isn't able to do what it was meant to do... Maybe it's the same with people. If you lose your purpose... it's like you're broken.

Quizá es por eso que una máquina rota me hace poner un poco triste, no sirve para lo que se supone que debería...Quizá es lo mismo con las personas. Si pierdes tu propósito...es como si estuvieras roto.

No voy a agregar mucho más. Estoy consciente de que la mayoría de los profesionales no van a estar de acuerdo, pero para mí, tras verla quedé con la sensación de que se trataba de una de las 10 mejores películas en la historia del cine: por su argumento, su dirección artística, su edición y porque como Cinema Paradiso, nos habla de porque el cine es tan importante en nuestras vidas... porque para encontrar un sueño, basta con que miremos alrededor

56 Gimme the Power

Lo underground está en la superficie, dijo Carlos Monsivais, para describir a la banda de rock Molotov.

La película Gimme the Power está en plena consonancia con lo que pretende este cuaderno electrónico::Darle poder a la gente a través de una TV Alternativa.

Ni siquiera la piratería es suficiente para darle a conocer a todos los interesados este tipo de documentales, así que darle unas ventanas más, no está demás.

Que la gente tenga poder es un asunto subversivo para quienes quieren detentarlo. Compartir la información es la más radical de las revoluciones.

Powet to the people, power to the people Right Now.

Poder para la gente, poder para la gente justo ahora.

Para adquirirlo no tienes más que pagar la electricidad y la conexión a Internet en su caso.

Pero si quieres ayudar a contribuir con el pago del recibo de la luz y el tiempo invertido por los realizadores no estaría de más si visitas a los patrocinadores, dándoles un click. Pero por favor no apoyes a los defraudadores que te piden suscribirte y en el momento menos pensado ya te tienen pagando una cuota de 40 pesos semanales con cargo a tu celular. Esos si que son parásitos que te cobran mucho a cambio de nada

Ahora que la película ya es también, por su misma, un comercialote de Molotov, pero es notable por otra parte el trabajo de narrador y guionista.

57 Érase una vez en Anatolia, Bir zamanlar Anadolu'da

Ven y Mira del Elen Klimov es el título de una película en especial, pero para este autor las palabras que lo integran podrían ser un género cinematográfico en si mismo.

El cine, decía otro autor cuyo nombre no puedo encontrar, esencialmente es un ojo que mira y no un pensamiento que articula.

Hay coincidencia en que los primeros 50 minutos de esta película turca ganadora de los grandes premios de jurado, tanto en Cannes, como en el festival cinematográfico Asia-Pacífico, pueden ser desesperantemente lentos. El País, por ejemplo, la consideró innecesariamente cansada y pedante.

No es el caso de este reseñador. Nury Bilge Ceylan, desde el título mismo de la cinta parece hacernos una invitación. Oye ven, siéntate tranquilo porque te voy a contar una historia. ¿Sabes? en la vida real no hay principios ni finales. ¡Claro! todos nacemos y morimos algún día, eso es cierto, pero ni entonces se acaba todo porque siempre tocamos, para bien o para mal, las vidas de otros y nuestra existencia. marcará la forma en que otros se han de comportar. Mira, por ejemplo, si un médico encuentra tierra en los pulmones de un muerto. ¿Tiene caso reportarlo? Se puede cambiar algo cuando ya las cosas no tienen remedio?

La melancolía es el tono general de la película. Es esencialmente una historia contada por un fotógrafo. El quiere que la historia esté resuelta con imágenes. La cámara solo ve lo que le ponen enfrente. No le van a resolver al espectador sus dudas, quizá le presenten algunas claves, pero cada quien será responsable de sus propias conclusiones.

Un crimen, salvo en México donde se ha convertido en un deporte ante la ineficacia y ausencia de gobierno, siempre tiene un origen pasional.

Cherchez la femme es la norma básica de la investigación policiaca. Donde encuentres una lata de gusanos - dice uno de los personajes protagónicos de Erase una vez en Anatolia- siempre vas a hallar a

Las mujeres en esta cinta, son personajes anecdóticos. Rigen la vida del médico divorciado, del fiscal de distrito, del comisario que se esfuerza por dejar de fumar. Su ausencia es presencia.

En este microcosmos donde también participan militares obsesionados por el orden y las medidas, la observación del reglamento y la disciplina en todo momento hay un vacío tangible, el ocasionado por la ausencia femenina. Su breve aparición, así sea solo como una mención o una imagen lejana es el oasis en el desierto del hombre solo. Es el calor y el olor del pan, irresistible aun para el que ya está saciado, como nos lo revela el personaje de el Árabe

Entre tanta melancolía y paisajes bucólicos se asoma el humor negro. ¿De que otra manera puede resolverse la tensión en una escena del crimen?

Erase una Vez en Anatolia se ha presentado en México gracias a la Muestra Internacional de Cine y se ha recuperado en funciones de las salas estelares de la Cineteca Nacional.

Recomendable para espectadores que gusten por ejemplo del cine plástico en escenarios abiertos de Theo Angelopolus.

Nominada a un total de 11 premios, de los cuales ganó ocho, entre ellos el de mejor director, concedido por la Asociación de Críticos de Dublin, y otro especial por "su misterio visual y la exploración de la oscuridad en el alma humana" Erase una vez en Anatolia de Nuri Bilge Ceylan, es sin duda una película altamente recomendable.

Muhammet Urzunet, Yilmaz Erdogan y Taner Birsel, quienes interpretan al doctor, el fiscal y el comisario, en esta cinta de viaje, misterio, humor negro y exploración del alma humana (por cierto muy al estilo de Chejov, cuyas frases son mencionadas constantemente) son tres actores conmovedores, extraodinariamente dirigidos. Sus nombres serán poco recordados por los espectadores occidentales, pero al menos que en este espacio queden plasmados, como modesto reconocimiento por su participación en una historia que quedará indeleble en el alma de los espectadores que tuvimos la suerte de saber lo que pasó una vez en Anatolia.

58 Hitchcock

Las películas biográficas no suelen ser obras de arte, pero como dice Alberto Cortez en su irónica canción Los Americanos, si conocen historia no es por haber leído, sino por haberla visto en grandes escenarios y música fastuosa con el sutil estilo de Los Americanos.

Helen Mirren y Anthony Hopkins, protagonizan esta cinta cuya idea central es la necesidad del creador de innovar, sin importar los riesgos, el que dirán, o poner en peligro una franquicia que garantiza ingresos sin problemas.

Llega un momento en que el rigor y el trabajo duro, la disciplina o el conocimiento, factores del éxito, no son suficientes. Cuando ganar dinero no es la meta, es posible que no se logre lo que el sentido común llama éxito, pero si se ve el genio. La filmografía de Alfred Hitchcock, incluidos los programas de televisión, es una de las más sólidas, desde que filmaba en blanco y negro en Inglaterra, hasta Family Plot de 1976; sin embargo el éxito comercial no siempre va de la mano de la voluntad personal. Psicosis, de 1966, y previa a Topaz (1969) Marnie (1964) y Los Pájaros (1963) marca la diferencia entre la película de éxito y la película de culto.

Ni el trabajo de maquillaje ni Anthony Hopkins permiten que veamos a Hitchcock, seguimos viendo a Hopkins todo el tiempo. Lo que si logra la película es adentrarnos a la historia de un creador, que igual que un director de orquesta sabe en que momento preciso entran las risas nerviosas, las carcajadas o los gritos de sorpresa. Por cierto, esta será una de las escenas mejor logradas de la película y el autor de estas líneas ya la incluye en su antología personal de grandes momentos del cine.

No es la primera vez que Hopkins interpreta a un personaje histórico, ya lo ha hecho en Titus, Sobreviviendo a Picaso y en Nixon pero esta vez no nos convence, quizá porque lo conocemos demasiado, quizá porque HBO acababa de producir The Girl y Toby Jones si tiene un parecido notable con el creador de Rebeca, El Hombre que Sabía Demasiado, Vértigo y La Ventana Indiscreta.

Quien está estupenda es Hellen Mirren, como Alma Reville, tal vez porque la mayoría ignorábamos la importancia que tuvo la esposa del obeso director en el éxito de su filmografía, o tal vez porque rostros como el de Janet Leigh, deliciosamente caracterizada por Scarlet Johanson o Vera Miles (Jessica Biel) o James D' Arcy (Anthony Perkins) son caras un poco menos frescas en la memoria de los cinéfilos, que la del propio Hithcock, quien al menos un segundo aparecía a cuadro en las cintas que dirigía.

Hitchcok, la película, podrá no estar nunca calificada entre las mejores historias en la historia del Cine, pero para los cinéfilos y aficionados al género del cine dentro del cine, es una película importante, aunque para apreciar el séptimo arte este no tenga que ser filmado en grandes escenarios o contar con música fastuosa, como dicen los cánones del sutil estilo de los America aaa nos...

59 Life of Pi, Una Aventura Extraodinaria

Aun para quienes se hayan sentido decepcionados o poco entusiasmados con otras películas del cineasta taiwanés Ang Lee, como Hulk (2003) o Brokeback Mountain (2005), hay que reconocerle que es un director versátil y eficiente, como se puede apreciar en películas de acción del estilo de El Tigre y el Dragón (2000) o tramas románticas, Sensatéz y Sentimientos (1995), o la menos exhibida a no ser por la Muestra Internacional de Cine Bienvenido a Woodstock (2009). En su última película, titulada en español Una Aventura Extraordinaria, ha logrado contar alguna de las más emocionantes historias sobre un naufragio y consiguió el más bello uso visual de la tercera dimensión y la animación digital en los 127 minutos que dura la película, desde el momento mismo de los créditos.

Las cada vez más grandes, planas y baratas pantallas de televisión, obligan al cine a ofrecer mejores experiencias a los espectadores. Para ello, la tercera dimensión es el recurso más empleado desde Avatar (James Cameron 2009) pero La Vida de Pi, según el título original traducido al español, la ha superado de inmediato al colocarse en el lugar 189 de las 250 películas más bellas de la historia del cine, según el rol dado por los espectadores de la Internet Movies data Base al mes de febrero de 2013.

Nada más cinematográfico que los animales, precisamente el movimiento de un caballo fue uno de los primeros temas de los kinetoscopios desarrollados por el laboratorio de Edison en las postrimerias del Siglo XIX.

Los créditos al principio de las películas son cada vez más extraños. Desde el prólogo mismo de esta extraordinaria aventura, Ang Lee nos regala con bellísimas imágenes de animales. No necesita efectos de animación computarizada ¿para que? animal viene precisamente de "animae" lo que tiene movimiento. Los dibujos animados son los que tienen movimiento, del latin animae, es decir alma.

Y a continuación y mucho antes de entrar al nudo de la historia viene precisamente una disertación, no discursiva, sino argumental, sobre el alma y la religión.

Y esto en el contexto de un país donde el Siglo XXI no ha desterrado el concepto de castas, la India, donde se originó el más sangriento parto para dar a luz a un nuevo país, Pakistán, basado en la más estúpida pero efectiva forma de dominación y control en la historia de la humanidad, la imposición de la religión verdadera.

Es hasta los últimos minutos de la película cuando hemos de dudar donde termina la realidad y empiezan las alucinaciones del naufrago. Ese mar de suricatas no existe porque no conocemos una isla así, o existe y tanto que lo vimos en la película de Lee.

Y entonces podemos ir hasta Descartes y su duda sobre si existe Dios, o el Diablo y llegamos a la conclusión de que sí, porque no puede ser de otra forma y sin no porque estamos hablando de ello. ¿Podemos hablar de lo que no existe?

¿Y es Gerard Depardieu una hiena? O ¿solo un Miserable? Consideraciones cinematográficas aparte, la pregunta biene muy bien no solo por el detestable cocinero que interpreta en La Vida de PI, sino por sus gestos de orinarse en el pasillo de los aviones y adoptar una nacionalidad diferente para que no le quiten en Francia el 85 por ciento de impuestos.

Para el mexicano Sergio Jaubert, fanático de la comparación de los seres humanos con animales esta película debería ser imprescindible y tal vez nos pudiera a ayudar a comprender mejor en enigmático personaje.

Sobre las consideraciones matemáticas y lo que significa el valor de Pi (3.14.16....) en el viaje de Piscine Patel o sus implicaciones kabalísticas seguramente habrá muchos esotéricos que tendrán buenas historias que narrar, pero escapan a un ensayo cinematográfico.

¿La verdad es el bien supremo? No es mejor revestirla de características humanas como la emoción, la solidaridad y la más importante de todas, la fantasía.

Hermosas imágenes de ballenas, peces voladores, animales fosforecentes y rugientes y malencarados tigres, nos van a acompañar a lo largo de estas reflexiones. Como dicen algunos críticos clásicos A VER SIN FALTA.

PD: Me enamoré del personaje racional, sensitivo, científico y nada dogmático de Gita Patel, interpretado por Tabú. Si una lectora responde a estos atributos, que por favor no dude en hacernos saber de su existencia en el mundo tangible dejando un comentario en este enlace

60 Astucia

A medio camino entre la época de oro del cine mexicano y su re valoración en la novena década del siglo XX, se produjo Astucia, una película insuficientemente conocida, basada en la novela de Luis G. Inclán, del mismo nombre, y quizá la única de aventuras de charros en la historia de la literatura mexicana.

De hecho el nombre alternativo de la novela, Los Charros Contrabandistas de la Rama, nos da alguna información sobre el contenido del argumento. Y es que en tiempos de Antonio López de Santa Ana se concedió el monopolio del tabaco en rama a unos consentidos del gobierno en turno, llamados estanqueros, y como a toda ley que privatiza en unos cuantos las utilidades del mercado, se le corresponde con una actividad ilícita, los jinetes mexicanos del Siglo XIX también le vieron oportunidades para un negocio libre, sin horarios de oficina ni jefes antipáticos, además de bien redituado.

Dirigida por Mario Hernández, director de cabecera de Antonio Aguilar, y un buen artífice para películas que no se realizan en la comodidad de un estudio cerrado, la película sigue un guión de Xavier Robles, justa y oportunamente premiado, pues son notablemente escasas las oportunidades que nos da el cine mexicano ya no solo de atisbar pasajes de nuestra historia, sino siquiera del campo, y de otras culturas en nuestro propio país.

Antonio Aguilar a cuyas producciones cinematográficas también le debemos un poco del conocimiento de la historia que nos han aportado algunas películas mexicanas, solo tiene una breve participación y se limita a darle la alternativa a su junior del mismo nombre.

Ignacio López Tarso y Jorge Martínez de Hoyos dieron el soporte a un reparto mayoritariamente integrado por jóvenes, entre los cuales destacó posteriormente Demian Bichir.

Aguilar Jr no desarrolló el carisma que tanta falta nos hace en el cine mexicano para conocer historias campiranas que permitan conocer la vida rural del país, y es una lástima, porque las pocas incursiones que hacen los cineastas a los estados generalmente son para contar historias de narotráfico.

Escribió el investigador cinematógráfico Rafael Aviña: Aguilar se convirtió en uno de los actores que más personajes históricos y populares ha representado y ha dado al cine algunos verdaderos clásicos como Los hermanos del Hierro o Emiliano Zapata.

Ese amor por lo mexicano, es notable en Astucia, donde Aguilar solo aparece unos segundos a cuadro. Luego le escucharemos decir en off una frase que va a ser esencial en el desarrollo de la trama de folletin, precursora de la historieta "Con astucia y reflexión se aprovecha la ocasión" y cantar un corrido de época.

No hay pues en este filme de 1986 ni canciones populares ni actores o actrices jóvenes que hayan logrado mucha popularidad lo que es una lástima porque bien podría estar en una lista de los 50 mejores filmes mexicanos de la historia tanto por la importancia de la novela en la que se basó el guión de Xavier Robles, como por la recreación de época y el aprovechamiento de paisajes naturales.

Es también notable porque desarrolla una historia a partir de un héroe ficticio de la independencia, Don Juan Cabello que nos puede dar idea de como se desarrolló la clase media del país a partir de la economía, la constancia y asiduo trabajo que "le proporcionaban lo suficiente con que medianamente mantener a su familia, siendo muy querido y respetado por los vecinos"

Aunque el guión es estupendo, sería imposible recoger todos los detalles de la novela, pero hay un dato interesante y es que don Juan Cabello se vuelve incapaz de darle una buena educación a su hijo Lorenzo, a quien ya apodan Lencho el Perverso así que se lo confía a un jesuita al que le llega a tener tal afecto como a un segundo padre.

Como buena novela histórica, este alzado nos puede dar pistas sobre acontecimientos más recientes, como Marcos y el levantamiento zapatista,

Pero como este es un cuaderno cinematográfico y no literario, deseamos a los cinéfilos que puedan ver la cinta cuando tenga a bien Televisa transmitirla en su canal de Cine Mexicano ya que fácil de encontrar no es.

Mario Hernández, el director, tal vez haya sido opacado por la carrera cinematográfica de Antonio Aguilar, uno de sus patrocinadores y hombres de más confianza pero ver su filmografía, entre la que destaca Zapata en Chinameca, puede ser importante para quienes deseen conocer de lo poco digno que se ha hecho en el cine nacional fuera de los escenarios urbanos.

Más cine como Astucia, podría ser indispensable para entusiasmarnos más con nuestra historia e integrarnos mejor entre mexicanos, sin importar que dos millones de kilómetros cuadrados puedan mantenernos separados de extremo a extremo en nuestro país

61 Django, de Quentin Tarantino

Caballeros, ustedes tenían mi curiosidad, pero ahora tienen mi atención: Calvin Candie en Django sin Cadenas

Para Alicia, porque llevar cadenas es una decisión personal

No es Jamie Foxx, ni Leonardo Di Caprio o el justamente premiado Christoph Waltz quien tiene el mejor papel en Django, versión libre 2012 del personaje creado en 1966 para un spaguetti wenstern dirigido por Sergio Corbucci y actuado por Franco Nero.

En una película que se basa en el aparente maniqueismo y los estereotipos, así como en la búsqueda tarantinesca de la justicia a cualquier precio, aunque en el camino se cometan más excesos, incluso de los que se pretende castigar, el personaje central es el recreado por Samuel L. Jackson; el de un hombre con el alma rota, un simio domesticado que confirma las seudocientíficas teorías frenológicas de Calvin Candie, el dueño de un campo algodonero que con extrema tranquilidad puede pedir que le hundan los ojos a un ser humano, seguro de que su dominio es tan absoluto que no corre ningún riesgo de que la violencia se torne en su contra.

Jackson tiene el papel de Stephen, caracterización de los burócratas, los legisladores del PRI, los Peñabots, los pejezombies o cualquier estereotipo que la idiosincracia de nuestros lectores sienta identificable con la sumisión más absoluta.

Vaya valor y carácter que debe reconocersele a Jackson para interpretar a personaje mas despreciable, al colaboracionista, el traidor a su clase. Es el mejor bastardo sin gloria creado por Tarantino, un personaje digno del peor lugar en el infierno de Dante y del primer sitio en Los Miserables de Victor Hugo. Maravilloso en el contexto que el propio Tarantino nos propone al recordar que Alejandro Dumas era negro.

Tarantino pudo hacer de Django un Espartaco del Siglo XVIII, pero en su lugar prefirió un macho omnipotente, capaz de resolver por si mismo una batalla contra todo un ejército de caporales o de aprendices de ku kux klanes.

A pesar de su globo de oro a mejor guión original, el "script" de Tarantino que apuntaba más alto, acaba por convertirse en la escaleta de una historieta que en momentos esta por debajo inclusive de las historias de Marcial Lafuente en Stefanía y más cercano a las fallidas historias del Libro Vaquero.

Tarantino es la máxima autoridad en cine de acción. Es un fanático que ha visto desde las clasicas con John Ford hasta los intentos de cine hollywodesco de René Cardona. No cualquiera hubiera nombrado a un personaje, Hugo Stiglitz, como él lo hizo con uno de los miembros de la Resistencia en Bastardo sin Gloria.

Hay momentos en los que la historia de Tarantino pareciera querer dar una lección moral, burlarse de los republicanos y el tea party, que parecen perfectamente encarnados en la inmoralidad del personaje de Di Caprio, pero luego parece recular al dejarse asesinar sin ninguna culpa aparente por su propio personaje.

En efecto, Django mata a Tarantino, pero no se preocupe, esta es una escena que no le va anticipar la sorpresa de la película.

Y ese si es otro mérito, como en Paris, Texas de Wim Wenders, el viaje de Django inicia de la manera más imprevista y termina con un giro imprevisto para el espectador. Tal vez porque Tarantino no sigue una idea fija al escribir, sino que se deja asesorar por los amigos a los que consulta como ven la historia.

Bella y simbólica escena la del negro montando un caballo blanco, sin necesidad de bridas ni silla. La simbiosis entre el jinete y su corcel que van en la misma dirección sin necesidad de fierros en la boca, ni espuelas en los hijares.

La historia siempre está en movimiento. El sentido del humor y el ingenio en la batalla contra los ku kux klanes es mucho más agradecible que el inverosimil enfrentamiento en el casco de la hacienda, donde hubiera sido muy apreciado que Tarantino hubiese visto también Barroco de Paul Leduc (1989) para darse cuenta de que el trabajo en equipo es un mejor recurso contra la esclavitud.

62 Cloud Atlas El Atlas de las Nubes

Prólogo prescindible

En 30 años de aficionado al cine no me había ocurrido algo parecido: que la película que me interesaba estuviera desaparecida de casi todos los cines de la Ciudad de México y que el único en el que se exhibía tuviera un sola función, a veces muy temprano y otras demasiado tarde como para encontrar transporte público a la salida.

Entonces ver Cloud Atlas requería de esfuerzos particulares para no quedarse con el apetito cinematográfico. Una vez vencidos los obstáculos pudimos elegir los mejores asientos en una sala vacía, creíamos que íbamos a ser los únicos espectadores; nos equivocamos, pronto la sala del complejo de avenida Cuauhtemoc estaba casi llena.

Si nos ponemos un poco paranoicos y conspiracionistas podríamos pensar que la película se proyectaba solo "por no dejar". ¿Por qué no encabeza las listas de los principales premios de cine? "Los miembros de la academia de artes y ciencias cinematográficas de Hollywood se volvieron todos estúpidos a la vez", "¿la CIA los compró a todos para reivindicar que no solo tiene matones, sino también inteligencia como intentan comprobarlo en Argo?". Fueron algunas reflexiones y palabras escuchadas en el cine al final de la película. Literalmente al final porque el efecto de la cinta fue tan fuerte que la mayoría de los espectadores quedaron con interés de ver los créditos.

Introducción

En la historia de la humanidad hay una clara definición Darwinista: Los fuertes se alimentan de los débiles y esto no puede ser de otra manera. Esta es la definición de la derecha

En el otro extremo: Todas las reglas deben ser rotas. La inteligencia es la única manera de romper la homogeneidad. La fuerza para someter es un talento de la derecha, la capacidad para terminar con todo sometimiento es la máxima virtud de la izquierda.

Estas líneas de pensamiento podrían ser los dos ejes de las historias que ocurren en el sur del océano pacífico en 1849; en Cambridge, Inglaterra en 1936; en San Francisco, California en 1973; en algun lugar de Inglaterra, en Nuevo Seúl, Corea en el 2144 y en algun lugar de Hawai, en el año 2321, 106 años después de un apocalipsis en el que los terrestres quedaron aun más desprotegidos que en la tierra aun motorizada de Mad Max (George Miller, 1979, protagonizada por Mel Gibson).

Génesis

Para la trivia: la actriz de orígen judío Natalie Portman filmaba V una de las películas más provocadoras y luego símbolo de los movimientos en resistencia en gran parte del planeta, cuando decidió regalarle a uno de sus directores, los hermanos Wachowsky, la novela de David Mitchell, un escritor inglés casado con una japonesa.

Laurence Wachowsky adaptó la novela al cine. Es interesante que un atentado cometido dentro de la trama de una de las historias (El primer misterio de Luisa Rey) sea explicado al público por las compañías petroleras como un acto de la Organización para la Liberación de Palestina cuando en realidad lo que se busca es que no se pierda el negocio de las petroleras, temerosas de ser desplazadas por la energía nuclear bien aprovechada.

Y es interesante porque no deja de tener su justicia poética el que sea una bella y aclamada actriz judía la que con un gesto de amistad dio origen a esta película en la que tangencialmente se ataca a quienes desde la paranoia, cada vez que son señalados de practicar el aparheid se defienden con el doloroso grito de antisemitas.

Nudo y desenlace

Y con esto podemos, sin contarla resumir la experiencia que deja Cloud Atlas en 170 minutos de desarrollo en pantalla, la sensación de que como en el Efecto Mariposa (Eric Bress 2004) todo acto bueno o malo tiene consecuencias. La diferencia con Efecto Mariposa o Quantum Leap es que según esta película, ese acto de bondad no solo va a repercutir por tanto tiempo como dure la vida de una persona sino a lo largo de 572 años, que es la diferencia en el tiempo transcurrido desde que empieza la historia en el oceano pacífico sur y el inicio de la que empieza en Hawai y termina en algun planeta donde solo el color azul distingue a la tierra del resto de los astros.

Cloud Atlas tiene dos referencias concretas a Cuando el Destino nos Alcance (Soylent Green, de Richard Fleischer. 1973) pero también a un cuento de Isaac Asimov sobre un restaurante donde se vende comida rápida atendido por autómatas. Concepto que tiene referentes en la vida real actual en restaurantes japoneses.

Japonesa es también la esposa del escritor David Mitchell, pero no lo es Xun Zhow, otra de las protagonistas junto con Tom Hanks, Halle Berry, Hugo Weaving, Susan Sarandon y Hugh Grant. No Xun, ella es nacida en china, aunque la historia de los clones se desarrolle en Nueva Seúl, Korea.

Mitchell conoció a su esposa en Hiroshima, la ciudad marcada por el primer bombardeo atómico en el que los civiles fueron usados como blanco sin necesidad de excusas sobre víctimas colaterales.

Mitchell no había recibido el premio Nóbel cuando se presentó esta película basada en su obra. Lo merece

"Que bonito final" escucho decir a uno de los espectadores al final de la proyección. Cloud Atlas puede no haberse estrenado en el mejor momento para competir por los globos de oro, los oscares y los principales premios de las asociaciones de los críticos. Eso es la vida real.

Pero si una película nos divierte, nos hace pensar, nos emociona, nos hermana y además tiene un final feliz, debemos congratularnos. Desde Chaplin y El Gran Dictador ese es el cine que nos honra, nos conviene y que persiste en la historia. Cloud Atlas es ese tipo de cine. Los 100 millones de dólares que costó realizarla como una película independiente, rendirán mucho mejor fruto que el que pudieran haber producido en cualquier banco transnacional.

63 Rosauro Castro, retrato cinematográfico del PRI

Pedro Armendariz (Actor) y Roberto Gavaldón (Director) sumaron no solo talentos artísticos sino recursos económicos para producir esta película que es la más fiel caracterización del Partido Revolucionario Institucional que se haya hecho en la historia. Caracterización que solo podría competir con la de ogro filantrópico como describió Octavo Paz a uno de los partidos más nefastos y de poder más prolongado en la historia política del planeta.

Pedro Armendariz tenía tanto interés en demostrar los mecanismos de agandalle del Partido en el Poder, que no dudó en autodestinarse el papel de un sujeto despreciable pero para nada maniqueo, capaz de amar a su hijo casi tanto como al poder absoluto.

Considerada en el sitio 63 de las 100 mejores películas en la historia del Cine Mexicano, Rosauro Castro fue dirigida por Roberto Gavaldón, quien también es el autor de otro de los grandes clásicos La Rosa Blanca, donde describió los abusos de las compañías petroleras extranjeras y tocó tangencialmente las razones de la expropiación.

Macario, también de 1960, nominada al Oscar como mejor película no hablada en inglés, es otro referente mejor conocido para dar una idea de la importancia de Rosauro Castro, cinta con influencias del neorealismo italiano y el expresionismo Alemán.

La escenografía de Gunther Gerszo y la fotografía de Raúl Martínez Solares, con cámaras operadas por Manuel Gómez Urquiza y Cirilo Rodríguez, también son de acreditación obligatoria.

Obsérvense las siluetas de los jinetes recortando el horizonte y la escena de la madre cuyo hijo fue asesinado por postularse a la presidencia municipal encarando al presunto asesino mientras retrocede con su caballo y seguramente habrá consenso en que estamos ante una de las grandes imágenes en movimiento de la cinematografía universal y que solo en México pudo haberse ideado algo así.

Una voz en off al principio de la historia nos revela que es el mismo pueblo el que cuenta su historia y que este puede estar ubicado en cualquier parte de la geografía mexicana. Cualquiera gobernado por el PRI, o lo que lo mismo, todo punto a lo largo y ancho de los dos millones de kilómetros cuadrados puesto que no había otro gobierno posible en México en 1950.

La debilidad gubernamental para enfrentar los cacicazgos, a pesar de los esfuerzos de algún abogado comprometido con el derecho, obligan a José Revueltas, uno de los guionistas de Rosauro Castro a plantear la historia como drama griego. La maldad será la única posibilidad de castigo para el villano, solo tiene que transitar en la dirección correcta.

Hay imágenes que son un editorial en si mismas: El cartel del hombre que aspira a convertirse en presidente municipal que es cubierto por el de una compañía de títeres, ni mas o menos que la famosísima de Rosete Aranda, para luego presentarnos al auténtico presidente municipal interpretado por Carlos López Moctezuma que también es un títere multiusos, entre cuyas funciones figura la de alguacil que hace rondines por el pueblo.

Rosauro Castro es una película de visión obligada para los estudiosos del cine, la política, la sociología y la antropología del poder, pero podrá ser disfrutada por cualquier aficionado a las buenas historias.

La empresa Netflix ha logrado rescatarla y se encuentra en su catálogo de películas clásicas, junto con filmes como Cleopatra

64 Men in Black 3 Hombres de Negro 3. Fantasía y Carcajadas

Los viajes en el tiempo y las parejas de opuestos, son ingredientes de algunas películas trascendentales. En la Ciencia ficción, en 1969, un capítulo de Viaje a las Estrellas contaba como se tenían que apersonar Kirk y Spock para evitar que se pusiera en el aire un artefacto que destruiría el planeta.

En más de 50 años con pantallas planas, teléfonos celulares y la comunicación trasatlántica inmediata a través de internet, todavía no se ha producido ningún hito que nos haya causado un asombro colectivo tan grande como el viaje a la luna.

Este es tan solo uno de los elementos que hacen de Hombres de Negro 3 un producto de excelencia: combina acción, efectos especiales, argumento, dirección, actuaciones memorables e incluso la tercera dimensión, que sin embargo no es imprescindible para disfrutar la película, tal vez incluso estorbe para apreciar sus otros valores, sin duda, el sentido del humor inteligente, el más valioso de ellos.

Una conjunción de talentos judíos en la producción y el guión de la película es notable por el trabajo de equipo: El ariano (signo de fuego) Barry Sonnenfeld, es producido por el Sagitariano (otro signo de fuego) Steven Speelberg, para llevar a la pantalla un guión del joven Etan Cohen, escritor de Madagascar 2 y que en una carrera muy corta ya ha obtenido premios importantes como escritor de cortometrajes sobre todo.

Willl Smith, Sonnenfeld, Josh Brolin y Tommy Lee Jones. Ases de Hombres de Negro 3

Los directores son los menos recordados en las películas de acción. Démosle al menos este espacio a Sonnenfeld por el gran papel que logro que dieran Smith y Brolin

Muchos son los méritos de Hombres de Negro 3, pero explicar las personalidades de los protagonistas y el sentido del humor, con alusiones como el producto que quieren presentar los habitantes del planeta viagrano o la verdadera personalidad de Andy Warhol son dos de las principales.

Hay mucho más bromas visuales que las que seguramente podemos comprender quienes no vivimos en Nueva York, y por eso esta película es tan buena, porque los realizadores no se quedaron con las ganas de contar un buen chiste, pensando que a lo mejor no lo iba a disfrutar la audiencia en Madagascar o en Alaska. Incluso prescindiendo de ellos, la película tiene otros méritos.

Las bromas raciales Mami, el presidente se está tomando mi chocolate, aludiendo al color de la piel de Obama o Sólo porque soy negro cree que me robe este auto, bueno si me lo robé pero... son uno de los elementos que además refuerzan la esperanza del progreso de la humanidad y el tema del viaje en el tiempo.

Sorprendidos agradablemente con Lee Jones, que al filmar esta película contaba con 65 años, pero que luce mayor. Con Josh Brolin que lo interpreta de 29, pero que en realidad tiene 45 y con Michael Sthulbarg que conmueve con su caracterización del mentalista Griffin. Las actuaciones de los personajes de reparto son otro de los pilares de Hombres de Negro 3 como una de las grandes películas de la segunda década del Siglo XXI.

La capacidad de caracterización de Brolin ya nos había sorprendido en W, la película de Stone sobre el presidente más tonto en la historia de los Estados Unidos, que sin embargo nunca cayó en la caricaturización ni en lo grotesco. En esta no nos cuesta casi ningún esfuerzo dejarnos convencer de que es el verdadero agente K en 1969, y si, aunque luce un poco mayor para tener 29, la grasa que se usaba en el cabello por esa época lo hace más convincente.

Emma Thompson, la actriz británica que fuera musa de Kennett Branagh en películas basadas en Shakespeare, es otra de las presencias que nos cautiva aunque no tenga ya la melena cautivadora de Much Ado About Nothing Mucho Ruido y Pocas Nueces (1993) o la fragilidad de la profesora Sybil de Harry Potter y el Prisionero de Azkaban 2004, o las repugnantes verrugas de la niñera Nany McPhee 2005.

Emma Thompson es una gran interprete y junto con Meryl Streep es seguramente una de las mujeres más encantadoras, cualquiera que sea el papel que represente.

Por cierto, Emma ya había trabajado en una película con el carismático Will Smith: Soy Leyenda y hace la voz en otra cinta que está ahora (primavera de 2012) en postproducción Viaje en el Tiempo.

Si usted es cinéfilo y ha seguido la zaga de los Hombres de Negro la película le gustará y si no lo es y no tiene expectativas, incluso puede que le fascine.

Al autor de esta reseña hace tiempo que nada le merecía un 10 tan rotundo y es que más allá de sus valores cinematográficos, Hombres de Negro resalta otros valores humanos como la solidaridad, la camaradería, la esperanza y el triunfo del bien sobre el mal; la convivencia de los diferentes, el no tomarse la vida a tragedia, el sentido del humor en la tragedia.

Cuando el cine no solo es entretenimiento, cuando nos atrapa de tal manera que nos sorprende la carcajada o nos despierta emociones, no solo es cine, es una obra de arte. Hombres de Negro 3, lo es.

65 Melody

Es la película más vista en la vida por el autor de esta cartelera. Recuerdo haber contabilizado 11 proyecciones en el cine, cuando todavía no existían ni el VHS ni el DVD.

Con la muerte de Robin Gibb, la he encontrado y sin afán de lucro quiero compartirla con los lectores de esta cartelera con el cine que debemos ver definitivamente. Ahora entiendo, 30 años después, porque Alan Parker ha sido uno de mis guionistas favoritos.

66 Saturday Night Fever Fiebre de Sábado por la Noche

Nuevos ritos tribales de la noche del sábado fue el título del artículo de Nik Cohn en el que se basó la película Fiebre de Sábado por la Noche un clásico no sólo porque tiene lo mejor de la música de las "discoteques"sino porque es reflejo de una época definitiva de la segunda mitad del siglo XX y porque a diferencia de las películas para adolescentes, es una historia sobre el crecimiento, el autodescubrimiento y la madurez.

Los seguidores de la base de datos IMdB no le han dado una calificación promedia que supere el 7, pero para los editores de esta cartelera DVD, merece el 10 y a continuación verá nuestras razones.

Por supuesto, la música: Fiebre Nocturna y Manteniéndose Vivo, Staying Alive, Más que una mujer, More than a Woman de Bee Gees; la Quinta de Bethoven en versión de Walter Murphy, Disco Inferno de The Trammps. Nos parece que noy hay ninguna otra película en la que prácticamente todos y cada uno de los discos de la pista sonora sean tan imprescindibles y soporten tan bien el argumento.

Luego los personajes: Una mujer (Stephanie) de la parte pobre de Nueva York que ha tenido que agradecer con su cuerpo al hombre que la sacó de la mediocridad de la vida que le esperaba en Brooklyn y Tony Manero, a su manera un joven responsable y exitoso, sin estudios, pero con empleo, símbolo y objeto sexual de buena parte de su vecindario.

Los escenarios: Todos naturales, con el puente de Brooklyn como símbolo de los dos mundos aledaños pero completamente diferentes, el del exitoso Manhatan y el de las calles 221 y 79 de Nueva York.

El mensaje: Un anuncio de condones Trojan n una época en la que el SIDA todavía no aparecía como amenaza, pero advertía a los jóvenes que la falta de uso podría cambiar para mal su vida para siempre. Eso hará al final la diferencia entre el éxito de Manero y el suicidio de uno de los jóvenes de su pandilla. Otro punto muy importante es el de la decisión de quedarse a cumplir un destino manifiesto o salirse de la zona de comodidad para buscar otros horizontes

El Baile: Bueno, el más torpe de los jóvenes de esa generación intentó emular los pasos de Travolta.

El Final: Es verdaderamente poética la escena a contraluz donde el actor Travolta abraza a la actriz Karen Lynn Gorney. Es un desenlace abierto a muchos finales que deja a los espectadores imaginando lo que vendrá despues.

La tribu a la que se refiere el artículo que inspiró la película es la de los italoamericanos. En esa época tener un miembro de la familia dedicada al sacerdocio representaba para muchas mujeres la salvación del alma de todos los integrantes del clan, la renuncia a la vida clerical una tragedia de proporciones dantescas.

Re visitar este clásico es lo más parecido a un viaje en el tiempo para quienes vivimos esa generación y verlo por primera vez será una experiencia fascinante para los nuevos cinéfilos quienes seguro encontrarán las claves del mundo que vivieron sus padres y sus abuelos; aprendiendo que hay cosas que en el fondo nunca cambian.

Una reflexión final: Aunque las drogas aparecen entre los ritos tribales retratados en la película, los nuevos espectadores también podrán apreciar que había otras muchas cosas más entretenidas en las que podían ocuparse los jóvenes, ganar un concurso artístico por ejemplo. Posiblemente trabajar en una tienda de pinturas no garantizaba un mejor futuro, pero comparado con las enfermedades mentales que provoca la desocupación, el ni trabajar, ni estudiar que viven docenas de millones de jóvenes en México y cientos de millones en el mundo entero, demuestra que al menos en ese sentido, ese tiempo pasado sí fue mejor.

La película fue dirigida por John Badham, que también es responsable de otro clásico, este anti bélico Juegos de Guerra.}

Letra de Que tan grande es tu amor:

Traducción de Ramsés Ancira

Conozco tus ojos en el sol de la mañana

Siento que me tocas en la lluvia

Y en el momento que vagas lejos de mí

quiero sentirte en mis brazos otra vez

Y tú vienes a mí en una brisa de verano

Mantenme tibio en el amor

y luego déjate venir suave

Es lo que te quiero demostrar

¿Qué tan profundo es tu amor?

Realmente necesito aprender

Porque estamos viviendo en un mundo de locos

Acabarían con nosotros

cuando deberíamos estar perteneciéndonos

yo en tí, tu en mí

Yo creo en ti

Tú sabes la puerta de mi alma

Sois la luz de mi hora más oscura

Tú eres mi salvación cuando me caigo

Y podrías no saber

cuando se sabe por dentro

Que realmente yo necesito mostrarte...

(que tan profundo es mi amor por tí)

67 Documentales sobre Palestina

Lo que pase en Palestina atañe al mundo entero. La falta de solución a este conflicto está creando grupos extremistas y revoluciones radicales. Israel e Irán tienen los mismos enemigos, los musulmanes más ignorantes del Corán y sus enseñanzas, pero en vez de unirse para combatir el fanatismo se hermanan en la intolerancia.

Mientras que judíos en todo el mundo, destacadamente los cineastas, se esfuerzan en tender puentes, en el gobierno de Israel se empeñan en querer equiparar a los palestinos de hoy, con los que tenían ideologías extremistas hace medio siglo, como si el ideal de paz no fuera cuestión de todos, como si invadir tierras por la fuerza fuera garantía de otra cosa que no sea la zozobra permanente.

La censura que ejerce la liga antidifamación, que no quiere que se escuche la voz del otro, puede hacer que estos documentales no aparezcan en las ligas que ofrecemos, pero es importante que conozca los nombres de estos documentales, para que si le interesa el tema, tenga la referencia.

Lo que los medios tradicionales no te dicen sobre lo que ocurre en Palestina, pruebas de que rescatistas y médicos han sido objetivos prioritarios durante el gobierno de Benjamin Netanyahu, la visión mexicana de las atrocidades contra el pueblo palestino

Aquí encontrarás enlaces a algunos de los principales trabajos que se han hecho para demostrar los intentos de que los Palestinos abandonen su tierra y su gesta por la independencia. Hay documentales completos y cortos representativos.

EL COLOR DE LOS OLIVOS

http://youtu.be/fucvt0ByHkA

LOS OLVIDADOS

http://youtu.be/vZZr9In239Y

NABLUS CIUDAD FANTASMA

http://youtu.be/Q7bTohgVaJ0?list=PL48B9011BC917932F

5 CÁMARAS ROTAS

http://youtu.be/ezWvXAwgqJc

LA AGENDA SETTING (Palestina ocultada en los Medios)

http://youtu.be/HFyxK6pIYEE

DISPARAR A UN ELEFANTE

Sobre los rescatistas como blanco prioritario del Ejército Israelí

http://youtu.be/6r3ugN3TIsU

GUERRA, MENTIRAS Y TELEVISIÓN

http://youtu.be/zJBgBP4F9ts

LÁGRIMAS DE GAZA

http://youtu.be/r5-mhBWBfDg

FUEGO SOBRE EL MÁRMARA

http://youtu.be/I37EkKzhtwU

CHECKPOINT ROCK

http://youtu.be/MaAEgF1cn_g

68 Memorias del 68. En Busca del Tiempo

¿Nos da permiso, gentil lector de introducir una obra propia en esta lista? Ni siquiera vamos a argumentar en favor de este atrevimiento, pero si podríamos asentar que cuatro ex presidentes mexicanos aparecen en este video.

Si es valiosa o no, si merece ser considerada imprescindible como dice el título de este libro, juzgue usted. Aquí está el enlace

Personajes tan disímbolos como Diego Fernández de Cevallos, Cuauhtémoc Cárdenas y Vicente Fox tienen algo en común, a todos ellos los marcó 1968 y todos ellos hablaron para la serie México en su Memoria de Ramsés Ancira. Conocer este video no solo es para compartir una evocación colectiva de nuestra historia, sino una vacuna para evitar que el crimen organizado vuelva a reagruparse bajo las siglas del PRI. https://youtu.be/XYB4XGBvn2Q

69 Préstame tu Cuerpo

De las joyas que ha rescatado Netflix, una de las más deliciosas es Préstame tu Cuerpo, filmada en 1957, y en donde entre otras trivias destaca que se prevé la muerte de la protagonista Leonor Rivas Conde / Regina Salsamendi en 1997, mientras que la actriz que las interpreta, Silvia Pinal, seguía vivita y coleando bien entrado el siglo XXI.

Con un argumento de Alfredo Varela, el líder de la comedia ligera mexicana, las actuaciones de Prudencia Grifell, Manolo Fábregas -y una pequeña de Mauricio Garcés - producida por Emilio Tuero y dirigida por Tulio de Micheli Préstame tu Cuerpo es una de las más divertidas películas exóticas del cine mexicano

¿Por que exóticas? Nada más imagínese cantando a Silvia Pinal, con uno de los más hermosos pares de piernas en la historia del cine nacional, cantando una versión en español de la canción de Elvis Presley Dont be cruel como estrofa de un popurrí, engarzado por música de mariachis, en una película con música de Gonzalo Curiel

Préstame tu cuerpo fue filmada 14 años después de Heaven can Wait, con Gene Tierney y Don Ameche pero 21 años antes de la cinta del mismo nombre protagonizada por Warren Beaty y James Mason. La mexicana, por cierto, mucho más provocadora de sonrisas y carcajadas, se lo aseguramos sin temor a equivocarnos.

Como hay poca información al respecto, le transcribimos la sinopsis de Pablo, un blogero texano mexicano

Esta es una comedia muy ligera, parecida a Heaven can wait, donde el personaje de la Sra Pinal, Leonor, es vedette, y perece en un accidente en altamar en su viaje de regreso a México por un error de Simplicia, su ángel de la guarda (Prudencia Grifell) quien para no verla sufrir siendo comida por los tiburones, le quita la vida, y resulta que Pinal no moriría en esa ocasión, sino hasta 1997! Como alma en pena número 10137 debe regresar y recuperar su cuerpo para vivir los 40 años que aún le quedan pero hay un problema: ese cuerpo ya no existe, se lo comieron los tiburones!

Ella exige que para compensar el error de Simplicia, le den ahora otro cuerpo con el que pueda bailar, porque si ya de por sí no canta bien, con un cuerpo gordo o mal formado, perderá todos sus contratos y por lo mismo su sustento.

Desde ahí hay una serie de enredos, nadamás que acá sí se consigue un cuerpo de alguien que es idéntica a ella, una científica que muere en una explosión de químicos.

José Gálvez, Manolo Fábregas, Lupe Carriles, Mauricio Garcés... todos están exquisitos en esta comedia que en cada escena se torna más y más loca y divertida!

No hay mucho más que podamos agregar. Todavía estamos conmovidos por la entonces fresquísima belleza de Silvia Pinal, convertida en una hermosísima bailarina, convicente comediante y delicioso espíritu chocarrero capaz de provocarle una golpiza a Mauricio Garcés, por andar presumiendo en la Habana de haber conquistado a la virginal Leonor.

Si los adjetivos están en superlativo, no se tome como un abuso del lenguaje, sino como una recomendación sine qua non, para todo mexicano que se precie de cinéfilo.

70 Star Trek Viaje a las Estrellas, la Serie Original de principio a fin

Producida por Desilu y transmitida originalmente entre los años de 1966 y 1969, la serie Viaje a las Estrellas no fue comprendida en toda su grandeza sino hasta varios años después. No se trataba sólo de un programa entretenido sino que planteaba problemas filosóficos históricos.

El primer capítulo The Man Trap, traducido al español como La Trampa Humana, encontró a los espectadores sin explicaciones ni contexto. En este, Kirk habla ya de una humanidad completamente integrada y hasta se permite hacer bromas sobre un oficial mexicano que ha pedido le envíen comida picosa de su país natal hasta la base espacial donde presta sus servicios.

La extinción de las especies es el tema de profundidad, en este primer capítulo donde un ser inteligente adopta diversas formas para aislar a los hombres y extraerles la sal, con la que se alimenta.

Charlie X, escrito personalmente por Gene (Eugene) Roddenberry, creador de la serie, plantea el problema de la rebeldía de los adolescentes; tema que se continúa con otro problema filosófico en el capítulo 3 de la serie original Where no man has gone before, Donde Nadie ha ido Jamás.

Esta vez el conflicto que se expone es ¿que pasaría si un ser humano tuviera un poder absoluto?. Lo que se va descubriendo a lo largo del programa es que mientras más adquiriera conciencia de ese poder, esa persona se convertiría en un mayor peligro para sus congéneres pues los despreciaría a tal grado que al considerarlos inferiores les destruiría.

El punto lo volvieron a abordar en la primera película de la Paramount.

El final de la primera temporada fue Assignement: Earth, Misión la Tierra

El tema era por demás interesante: La misión asignada consistía en facilitarle el trabajo a un equipo de extraterrestres ¡para boicotear al gobierno de los Estados Unidos! pues en su necedad por lograr el equilibrio nuclear estaban a punto de cancelar el futuro de la humanidad.

El episodio, escrito por Rodenberry, quien fue un destacado piloto en la II Guerra Mundial, se sustentaba en que dos de los agentes extraterrestres, habían muerto en un vulgar accidente vial. Esto obligaba a los trupulantes del Enterprise a facilitarle las cosas al señor Seven, supervisor de la misión de paz interplanetaria.

El problema es que para no alterar el curso de la historia, ellos no podían decirle al agente seven que lo estaban ayudando. En este capítulo se presentan los teléfonos celulares, con un tamaño y forma que no serían conocidos en la vida real sino hasta 40 años más tarde.

De la misma manera se visualiza en este capítulo, lo que sería en nuestra vida real la videoconferencia por internet del Siglo XXI, lo que tampoco debería sorprendernos mucho, porque ya había hablado de ella Julio Verne en La Jornada de un Diarista en el Siglo XXVIII.

El 6 de marzo de 1969 se transmitió el último capítulo de la serie original http://www.startrek.com/database_article/turnabout-intruder con un tema no menos complejo, la transexualidad, la envidia del pene, de la que hablo Freud y sobre todo el gran odio en el que pueden transformarse los grandes amores.

Luego vendrían Viaje a las Estrellas, la serie animada, la Nueva Generación; Voyager; y Enterprise (que se ha convertido en la palabra en inglés favorita de este redactor) además de una docena de películas en la última década del Siglo XX y primera del XXI.

A lo largo de este artículo hemos transcrito los enlaces a la base de datos oficial de Viaje a las Estrellas. Si usted es un "treekie" o se considera geek, seguramente le encantará explorarla; pero si no entiende el inglés y solo es un fanático de los años sesentas confiamos en haberle proporcionado información interesante sobre esta serie que es un icono de los movimientos pacifistas y del espíritu de una época en la que todavía se perseguían utopías.

71 Holocausto

72 The Weather Underground

73: Utopía en 4 movimientos

Gerald Greenbeg, mejor conocido por su apellido recortado, Green, era un periodista que escribió una frase para la posteridad. Sólo merece triunfar quien no deja de luchar. Este es uno de los parlamentos de una de las series de televisión más impactantes de la historia, Holocausto, de donde surgió una de las actrices más estimadas del siglo XX, Meryl Streep.

Gerald Green participó en la II guerra mundial sirviendo en el ejército de Estados Unidos, luego de lo cual estudió periodismo y se hizo escritor, destacándose en televisión por las series Wallenberg: A Hero's Story (1985) y El Último hombre furioso, además de la ya mencionada Holocausto, de 1978.

El neoyorkino Gerald Green murió de neumonía en el 2006, a los 86 años de edad.

Samuel Green (sospecho que también es un Greenberg recortado) es un periodista titulado por la Universidad de California, especializado en documentales.

Estuvo nominado al Oscar en 2002 por The Weather Underground que se podría traducir como El clima debajo del piso. Tal vez por eso una de las frases que cita repetidamente en otro de sus documentales: Utopía en cuatro movimientos, es la siguiente, Debajo de Este Cemento, está la playa.

Utopía en cuatro movimientos fue concebido como un documental en vivo y es que personas al lado de una pantalla, van narrando esos cuatro movimientos, a saber Revolución; El Mall más grande del Mundo; Esperanto, un lenguaje inventado y la propia narración que va haciendo Samuel Green.

Como Utopía en cuatro movimientos fue concebido como un documental en vivo tal vez no sea posible encontrarlo en línea, pero usted podrá darse una idea clara en este avance https://youtu.be/7eGOqzs6Nr8

No tengo ninguna referencia que compruebe el parentesco de Samuel Green con Gerald Green. Lo que tengo por seguro es que ambos tienen mucho en común, además del apellido, ambos consideran a los medios como una herramienta de la democracia y la justicia.

Sam Green es el personaje opuesto a J Edgar Hoover. Este último consideraba a los socialistas como una maldición, en cambio Sam los considera la mayor esperanza para la humanidad, sobre todo si, con la única excepción de Mao Tse Tung, son judíos.

Green se inspira en el creador del concepto del mall; en Lenin, en William Shatner, en Marx y en el inventor del esperanto, como hombres fundamentales del Siglo XX que mantuvieron el concepto de utopía. Todos ellos son descendientes de judíos.

Recoge a Eduardo Galiano: La utopía es un lugar que si avanzas dos pasos, se aleja dos, si avanzas 10, se aleja otros 10 ¿Entonces para que nos sirve la utopía? Justo para eso, para mantenernos avanzando.

O parafraseando a su predecesor, Gerald. Solo merece triunfar, quien no deja de avanzar.

74 V de Venganza V for Vendetta

Una película trascendental y casi podríamos decir que tan inspiradora como subversiva. La produjeron Warner y DC Comics, sí los mismos de Supermán y Batman. Es tan importante que de aquí salió el arte detrás de Anonimous, la organización de hackers justicieros que revela secretos de estado y actos de corrupción.

Para saber lo que hay detrás de esta película, nos permitimos retomar material compartido por la BBC en este enlace pero en caso de que usted no esté en línea, esto es lo que explica con sus propias palabras Alan Moore, creador del personaje

Sin ánimo de exagerar mi caso, todo en el universo observable tiene, sin duda, sus orígenes en Northamptonshire, y la adopción de la máscara de V de Vendetta como un ícono de usos múltiples de los movimientos globales de protesta emergentes no es una excepción.

Rushton Triangular Lodge aparece en la novela Voice of the Fire, de Moore.

En el siglo XVII, el Rushton Triangular Lodge era una extraña composición arquitectónica que representaba a la Santísima Trinidad construida por el cada vez más excéntrico Sir Thomas Tresham, quien padecía décadas de arresto domiciliario producto de su franco catolicismo.

Fue también uno de los dos lugares, ambos de propiedad de Tresham y ambos en Northamptonshire, donde un grupo de católicos disidentes que incluían al hijo de Tresham, Francis, formuló la Conspiración de la pólvora de 1605.

Parece probable que el tratamiento dado al más viejo de los Treshman haya jugado algún papel en la mezcla de quejas de donde surgió la temeraria confabulación.

Genio

A principios del siglo XVII, las tradicionales hogueras que se prendían en los primeros días de noviembre se habían convertido en una suerte de día nacional anticatólico en el que se quemaban las imágenes del Papa.

¿Qué fue la Conspiración de la pólvora?

La Conspiración de la pólvora, en 1605, fue un intento fallido de asesinar al rey Jacobo I de Inglaterra y a la élite protestante que estaba en el gobierno.

Estuvo a cargo de un grupo de católicos ingleses, un hecho que manchó el nombre de los ingleses católicos por varios siglos.

Entre los conspiradores estaba Guy Fawkes. Originalmente de la ciudad de York, fue reclutado en Flandes, donde había estado sirviendo en el ejército español.

En Inglaterra, en la noche del 5 de noviembre de cada año, se conmemora la captura de Fawkes con una hoguera en la que se incinera su efigie.

Como el ideólogo del atentado terrorista del día, el líder de la disidencia católica Guy Fawkes reemplazó con rapidez al Papa como el símbolo de las celebraciones anticatólicas.

Pero si uno se adelanta 300 años y piensa en la Inglaterra de la posguerra en los años 1950, verá que las insurrecciones saturninas fueron adquiriendo connotaciones más ambiguas.

Cuando los padres les explicaban a sus hijos la historia de Guy Fawkes y su intento de volar el Parlamento, siempre se sentía un matiz de admiración en sus voces, o al menos así era en Northampton.

Si bien los niños de esa época tal vez no veían a Fawkes como un héroe, tampoco lo veían como el malvado chivo expiatorio por el que originalmente se le tenía.

Revolucionario

Al inicio de la década de 1980, cuando las ideas de V de Vendetta se empezaron a fraguar en medio de las revueltas veraniegas en contra de Thatcher en Reino Unido y el preocupante surgimiento del Frente Nacional de extrema derecha, el status de Guy Fawkes como un potencial héroe revolucionario parecía confirmarse extrañamente por las circunstancias que rodearon la creación de la tira: fue el artista del cómic, David Lloyd, quien sugirió inicialmente utilizar la máscara de Guy Fawkes como emblema para nuestro héroe antifascista.

Cuando la idea fue recibida con entusiasmo, David compró una de las típicas máscaras de Guy Fawkes, de esas que siempre estuvieron disponibles desde mediados de otoño, sólo para usarla como una conveniente referencia.

Para nuestra sorpresa, resultó que ese fue el año (comprensiblemente, quizás después de un verano tan violento) en que la máscara de Guy Fawkes pasó de moda y fue remplazada por las máscaras de plástico verde de Frankenstein como la parafernalia principal del venidero Halloween estadounidense.

La serie se publicó como una novela gráfica en 1988.

También fue el año en que el término "Guy Fawkes Night" ("La noche de Guy Fawkes") desapareció del uso común y se sustituyó por el menos instigador "bonfire night" ("Noche de las hogueras").

En ese momento, los dos notamos lo interesante que era haber pensado en la imagen justo en el punto en el que al parecer estaba siendo purgada de los anales de la iconografía inglesa. Parecía como que no se podía acabar con los símbolos valiosos.

Si de verdad había alguna inquietud del gobierno sobre la máscara y sus asociaciones en la década de 1980, estas preocupaciones se habían evaporado evidentemente en la primera década del siglo XXI, cuando la industria del cine decidió volver a imaginar el relato original como una especie de parábola sobre los sentimientos neoconservadores estadounidenses que surgieron después del 11 de septiembre, donde las palabras "fascismo" o "anarquía" no se mencionaron.

Anarquía y romance

Cuando se hizo la película durante el auge de la legislación antiterrorista, el toque maestro de Hollywood era, al parecer, suficientemente persuasivo para las autoridades como para permitir que una masiva horda de extras vestidos como el terrorista más famoso de la nación protestara de manera vehemente en la Plaza del Parlamento.

Uno no necesita subscribir ninguna teoria casi mística sobre como el mundo de la ideas puede afectar el mundo de la existencia cotidiana para estar de acuerdo con que, visto en retrospectiva, era como si practicamente estuvieran pidiendo que eso sucediera.

El hombre tras la máscara

Alan Moore nació en Northampton, Inglaterra, el 18 de noviembre de 1953.

Comenzó su carrera en las tiras cómicas en los últimos años de la década de 1970 en 2000AD y Doctor Who Weekly.

Saltó a la fama en la década siguiente cuando sus historias de superhéroes imperfectos ayudaron a redefinir el género.

V de Vendetta se publicó por primera vez en 1982 y le siguió Watchmen, Saga of the Swamp Thing, y Batman: The Killing Joke (considerda por muchos la mejor historia que se ha contado del Guasón).

Dejó la editorial DC después de que propuso un sistema de puntuación para sus cómics y pasó a escribir la serie From Hell sobre Jack el Destripador y The League of Extraordinary Gentlemen (La Liga Extraordinaria), en los años 90 y 2000.

Recientemente trabajó en la revista clandestina Dodgem Logic.

Después de eso, no pasó mucho tiempo para que el enigmático personaje de Time-Warner apareciera cubriendo las caras de manifestantes de Anonymous que abuchearon a cientólogos en la calle Tottenham Court.

Poco después empezó a aparecer en manifestaciones antiglobalización, protestas anticapitalismo, ataques concertados de hackers contra quienes se pensaba podían estar facilitando la opresión estatal, y finalmente en los escalones al frente de la Catedral de San Pablo, en Londres.

Pareciera que los profundos colapsos tectónicos de las estructuras de nuestros sistemas políticos y económicos hubieran disparado olas de energía cinética que han atravesado poblaciones humanas en vez de atravesar su usual medio, el agua de mar.

También pareciera que la carismática sonrisa de nuestro personaje les dio una premeditada identidad a estos motivados militantes. Una que encarnaba resonancias de anarquía, romance y teatro que claramente encajan en el activismo contemporáneo, desde los indignados de Madrid hasta el movimiento Occupy Wall Street.

Negligencia

Nuestro actual etos financiero ya no tiene nada que ver con el capitalismo convencional, que al menos implica un brutal sentimiento darwiniano de libertad para todos, a pesar de ser parcial e injusto. Al contrario, tenemos una situación donde los bancos parecen ser una monarquía intocable que está más allá del alcance de la ley, muy por el estilo de las despilfarradoras cortes de Carlos I.

Entonces, una depravada negligencia de los pobres y de las clases medias ha llevado, de manera inexorable, a una reacción imprevista en la espantosa forma de Oliver Cromwell y la guerra civil inglesa que, como resulta, concluyó de manera sangrienta en Northamptonshire.

Hubo varias máscaras de V en una protesta reciente contra ACTA en Polonia.

La respuesta de hoy a opresiones similares parece ser una inteligente, que constantemente evoluciona y es considerablemente más humana, y sin embargo la cara prestada del catolicismo de nuestro revolucionario personaje y su incongruente parafernalia puritana son tal vez un recuerdo de que instituciones injustas siempre pueden terminar atormentadas por volátiles espectros del siglo XVII, incluso si las revueltas de hoy están alentadas más por redes sociales que por pólvora.

Algunos fantasmas se resisten a irse.

Si se trata de ideas tentativamente propuestas en una fantasía apocalíptica hace 30 años, estaría mintiendo si no admito que cualquiera que sea la utilidad que le proporcionan a radicalismos modernos es muy satisfactorio.

Para una predicción totalmente desinformada de nuestro futuro político, se siente como una V de validación.

75 Filmografía de los Armendariz. Padre e hijo víctimas de extraño Cáncer

Pedro Armendariz Hastings, ingeniero civil de carrera, recitaba un parlamento de Hamlet a una turista de Estados Unidos, cuando pasaba por ahí el director de cine Miguel Zacarías, le simpatizó y lo volvió actor a los 22 años de edad, en que filma su primera película.

Ochenta y un películas y 19 años después, Pedro Armendariz filmó en Utah, El Conquistador de Mongolia. Necesitaban un desierto para las locaciones. El productor Howard Hughes eligió un sitio cercano a donde el gobierno de Estados Unidos había realizado ensayos nucleares. No fue intencional, pero si fatal.

De las más de 200 personas que participaron en la película, 91 enfermaron. Les diagnosticaron cáncer y 46 de estas murieron a consecuencia de esta enfermedad. Entre las más famosas, Agnes Moorehead (la suegra de la serie televisiva Hechizada) el director Dick Powell, la actriz Susan Hayward y el más famoso de todos: John Wayne.

El polvo radiactivo aspirado les provocó diversos tipos de cánceres, la mayoría en pulmones, cerebro y glándulas linfáticas. En varios casos los síntomas aparecieron 15 años después y los afectados murieron mayoritariamente en la década del 60.

Pedro Armendariz Hastings no soportó el dolor y prefirió darse un balazo en el pecho en 1963, después de filmar un clásico en el que compartió créditos con Sean Connery, Desde Rusia con Amor.

Pedro Armendariz Jr, tenía 14 años cuando su padre aspiró el polvo radiactivo. Murió en el 2011, a los 71 años de edad; pero de un cáncer muy extraño que inició en el ojo, igual que Susan Hayward, coprotagonista de su Padre en El Conquistador.

¿Habrá alguna relación con las pruebas nucleares del gobierno de los Estados Unidis? ¿Estas pruebas fueron antes o después de Hiroshima? Y si fueron después ¿para qué?.

El Otro Armendariz

Pedro Armendariz Jr, estudió arquitectura en la Universidad Iberoamericana, colaboró con Pedro Ramirez Vazquez en una de las obras más públicas de la arquitectura mexicana, El Museo de Antropología e Historia, enclavado en Chapultepec.

El dinero que ganaba no le alcanzaba para mantener su ritmo de vida, así que se probó como actor. Lo que vio de si mismo no le gustó y se puso a estudiar con el maesto Seki Sano.

Se convirtió en un hombre de Cine, como lo describió el director Felipe Cazals.

Entre las películas más famosas de Pedro Armendariz Bohr figura una secuela de El Mariachi, de Robert Rodríguez (Erase una vez en México) y otra que se considera histórica por haber influido en la derrota del PRI en el año 2000, La Ley de Herodes

Ambos Pedros Armendariz murieron en Estados Unidos, el hijo en Manhatan, donde ya era muy tarde para sanarlo del cáncer.

Esta es la filmografía de los Armendariz recopilada en Wikipedia

Desde Dentro (2012 -).... Domingo Altamirano

Mamitas (2012 -....Ramón "Tata" Donicio

Casa de mi Padre (2012)....Miguel Ernesto Álvarez

El Cartel de los Sapos (2011)....Modesto

Despertar (2011)....como él mismo (Pedro Armendáriz)

El Baile de San Juan (2010).... Marqués de la Villa

Hilos y Cables (2010)...(cortometraje)

Sin Memoria (2010).... Benítez

Nikté (2009) villano Ka'as

Divina Confusión (2008) ....

Navidad S. A. (2008) .... Santa Claus

Purgatorio (2008)....Don Julio

Buscando a Palladín (2008)....Jefe de Policía (producción estadounidense)

El Último Justo (2007)....Padre del Toro

Una Larga Noche (2007)....Don Ricardo

Guadalupe (2006)....Simón

Un Mundo Maravilloso (2006)....Director del Periódico

La Leyenda del Zorro (2005).... Gobernador Don Pedro (producción estadounidense)

Después de la Muerte (2005)....Don Julio

Matando cabos (2004)....Oscar Cabos

El Segundo (2004)....El Mayor

La casa de Los Babys (2003).... Ernesto (coproducción con los Estados Unidos)

Once Upon a Time in Mexico (2003) .... el presidente (producción estadounidense)

El crimen del padre Amaro (2002) .... presidente municipal (coproducción con España, Argentina y Francia)

Entre los dioses del desprecio (2001) .... (producción argentino-puertorriqueña)

Original Sin (Pecado original) (2001) .... Jorge Cortés (producción estadounidense)

The Mexican (La mexicana) (2001) .... policía mexicano (producción estadounidense)

Asesinato en el meneo (2001) .... Manuel Sáenz (producción costarricense)

El grito (2000) .... Duarte (coproducción con los Estados Unidos)

Su alteza serenísima (2000) ....

Before Night Falls (Antes de que anochezca) (2000) .... abuelo de Reinaldo (producción estadounidense)

A propósito de Buñuel (2000) .... él mismo (documental) (coproducción con España, Francia y los Estados Unidos)

La ley de Herodes (1999) .... licenciado López

On the Border (La frontera) (1998) .... Herman (producción estadounidense)

The Mask of Zorro (La máscara del Zorro) (1998) .... don Pedro (producción estadounidense)

Amistad (Amistad) (1997) .... general Espartero (producción estadounidense)

De noche vienes, Esmeralda (1997) .... Antonio Rossellini

Et hjørne af paradis (Un rincón del paraíso) (1997) .... ministro (producción sueco-danesa-costarricense)

Death and the Compass (La muerte y la brújula) (1996) .... Blot (producción británica)

Reclusorio (Reclusorio I) (1995) .... abogado defensor (episodio "Sangre entre mujeres")

Dos crímenes (1995) .... Alfonso

Ámbar (1994) .... comisionado

The Cisco Kid [TV] (1994) .... Montano (producción estadounidense)

Guerrero negro (1993) ....

Extraños caminos (1993) ....

Una luz en la escalera (1993) ....

Nurses on the Line: The Crash of Flight 7 [TV] (1993) .... (producción estadounidense)

Tombstone (Tombstone) (1993) .... el sacerdote (producción estadounidense)

Los años de Greta (1992) .... Gustavo

El patrullero (Highway Patrolman) (1992) .... sargento Barrera (coproducción con los Estados Unidos)

Sweating Bullets/Tropical Heat [TV] (1991) .... Lt. Carrillo (producción estadounidense)

Corrupción y placer (1991) .... Augusto Alarcón

Diplomatic Immunity (Inmunidad diplomática) (1991) .... Oswaldo Delgado (producción canadiense)

Bandidos (1990) .... sacerdote (coproducción con España)

Camino largo a Tijuana (1989) .... Juan

La leyenda de una máscara (1989) ....

Días de humo (1989) .... (producción española)

Maten al Chinto (1989) .... don Chinto

Old Gringo (Gringo viejo) (1989) .... Pancho Villa (producción estadounidense)

Licence to Kill (Con licencia para matar) (1989) .... presidente Héctor López (producción estadounidense)

Camino largo a Tijuana (1988) .... Juan

El secreto de Romelia (1988) .... señor Román

Diana, René y el Tíbiri (1988) ....

Les pyramides bleues (1988) .... (coproducción con Francia)

Mariana, Mariana (1987) .... Carlos (1986)

A Walk in the Moon (1987) .... doctor (producción estadounidense)

Walker (1987) .... Muñoz (coproducción hispano-estadounidense)

Persecución en Las Vegas (1987) .... Pagano

El placer de la venganza (1986) ....

El tres de copas (1986) .... Cipriano Melquisidor

Murder in Three Acts (Muerte en tres actos) [TV] (1986) .... coronel Mateo (producción estadounidense)

On Wings of Eagles [TV] (1986) .... Mr. Dobuti (producción estadounidense)

Maine-Océan (1986) .... Pedro de la Moccorra (producción francesa)

Treasure Island (La isla del tesoro) (1985) .... Mendoza (coproducción franco-británica-estadounidense)

El tesoro del Amazonas (1985) .... Zapata

Historias violentas (1984) ....

Matar o morir (1984) .... Tony Collins

Sangre en el Caribe (1984) ....

El billetero (1984) ....

Extraño matrimonio (1984) ....

El sexo de los ricos (1984) ....

El corazón de la noche (1983) ....

En el país de los pies ligeros (1983) ....

Los dos carnales (1983) ....

Chile picante (1983) .... (segmento "Los compadres")

El día que murió Pedro Infante (1982) ....

Huevos rancheros (1982) ....

La mujer del ministro (1981) ....

Las musiqueras (1981) ....

La silla vacía (1981) ....

La chévre (Más locos que una cabra) (1981) .... (coproducción con Francia)

Rastro de muerte (1981) .... Alberto Villamosa

Novia, esposa y amante (1981) .... Esteban Ampudia

Días de combate (1981) ....

The Dogs of War (Los perros de la guerra) (1980) .... alcalde (producción estadounidense)

Mamá solita (1980) ....

Ni solteros ni casados (1980) ....

Evita Perón [TV] (1980) .... Cipriano Reyes (producción estadounidense)

Survival Run (1980) .... Paco (producción estadounidense)

La ilegal (1979) .... Felipe Leyva

El vuelo de la cigüeña (1979) ....

Cadena perpetua (1978) .... Javier "el Tarzán" Lira

El complot mongol (1978) ....

Estas ruinas que ves (1978) .... Raymundo Rocafuerte

El hijo es mío (1978) ....

Los pequeños privilegios (1978) ....

La plaza de Puerto Santo (1978) ....

La casta divina (1977) ....

The Rhinemann Exchange [TV] (1977) .... teniente Fuentes (producción estadounidense)

Crónica íntima (1976) ....

Mina, viento de libertad (1976) .... Pedro Moreno

El pacto (1976) .... doctor Raúl Mateos

Columbo: A Matter of Honor [TV] (1976) .... detective Sánchez (producción estadounidense)

México de mis amores (1976) .... él mismo (documental)

La pasión según Berenice (1975) .... Rodrigo Robles

Longitud de guerra (1975) .... Manuel Chávez

Carroña (1975) .... el Rengo

A Home of Our Own [TV] (1975) .... capitán de la policía (producción estadounidense)

The Log of the Black Pearl [TV] (1975) .... Archie Hector (producción estadounidense)

Chosen Survivors (Los sobrevivientes escogidos) (1974) .... Luis Cabral (coproducción con los Estados Unidos)

Más negro que la noche (1974) .... Roberto

Earthquake (Terremoto) (1974) .... oficial Emilio Chávez (producción estadounidense)

Los caciques (1973) ....

The Deadly Trackers (1973) .... Herrero (producción estadounidense)

The Soul of Nigger Charley (1973) .... Sandoval (producción estadounidense)

Don't Be Afraid of the Dark [TV] (1973) .... Francisco Pérez (producción estadounidense)

Cinco mil dólares de recompensa (1972) .... William Law

Tráiganlos vivos o muertos (1972) .... Dan

The Magnificent Seven Ride! (1972) .... Pepe Carral (producción estadounidense)

Hardcase [TV] (1972) .... Simon Fuegus (producción estadounidense)

Killer by Night [TV] (1972) .... doctor Carlos Madera (producción estadounidense)

Indio (1971) .... Jesse James

Los indomables (1971) .... Big Bill

River of Gold [TV] (1971) .... Angel (producción estadounidense)

La belleza (1970) .... el marido (cortometraje)

Un mulato llamado Martín (1970) .... (coproducción con Perú)

Primero el dólar (1970) .... Tony

Sucedió en Jalisco (1970) .... Gustavo Muñoz

Siete muertes para El Texano (1970) .... gambusino

Macho Callahan (1970) .... Juan (producción estadounidense)

Chisum (1970) .... Ben (producción estadounidense)

Su precio... unos dólares (1969) .... Sam

Los juniors (1969) .... Rafael Segura, Jr.

El golfo (1968) ....

Las posadas (1968) .... (cortometraje)

Las impuras (1968) .... Rodolfo

Todo por nada (1968) .... Pedro "El Pinto"

Vuelo 701 (1968) .... Máximo

La marcha de Zacatecas (1968) .... mayor González

Super Colt 38 (1968) .... Frank Morton

Cuatro contra el crimen (1967) .... Gustavo

Las vampiras (1967) .... Carl Mayer

Los asesinos (1967) .... Talbot

No hay cruces en el mar (1967) .... Sergio

Amor perdóname (1967) .... Arturo Solano

La bataille de San Sebastián (Los cañones de San Sebastián) (1967) .... padre Lucas (coproducción con Francia e Italia)

Cómo enfriar a mi marido (1967) .... Juan

La soldadera (1966) .... Isidro

Los tres mosqueteros de Dios (1966) .... Manuel

Matar es fácil (1966) .... arquitecto Gustavo de la Rosa

Los bandidos (The Bandits) (1966) .... Pedro (coproducción con los Estados Unidos)

Los gavilanes negros (1965) ....

Filmografía de Pedro Armendariz hasta aspirar polvo radiactivo

The Conqueror (El conquistador de Mongolia) (1954)

La rebelión de los colgados (1954)

Dos mundos y un amor (1954)

Border River (Trampa en la frontera) (1953)

The Littlest Outlaw (El pequeño proscrito) (1953)

Mulata (1953)

Reto a la vida (1953)

Lucrèce Borgia (Lucrecia Borgia) (1952)

Les amants de Tolède (El tirano de Toledo) (1952)

El bruto (1952)

El rebozo de Soledad (1952)

Los tres alegres compadres (1951)

Carne de presidio (1951)

La noche avanza (1951)

Ella y yo (1951)

Por querer a una mujer (1951)

Camino del infierno (1950)

Por la puerta falsa (1950)

La loca de la casa (1950)

Tierra baja (1950)

Rosauro Castro (1950)

Tulsa (1949)

We Were Strangers (Éramos desconocidos o Rompiendo las cadenas) (1949)

Bodas de fuego (1949)

The Torch (Del odio nace el amor) (1949)

El charro y la dama (1949)

El abandonado (1949)

Pancho Villa vuelve (1949)

La Malquerida (1949)

3 Godfathers (Los tres hijos del Diablo) (1948)

Al caer la tarde (1948)

En la hacienda de La Flor (El hijo de Juan Charrasqueado) (1948)

Maclovia (1948)

Fort Apache (Fuerte Apache o Sangre de héroes) (1947)

Juan Charrasqueado (1947)

La casa colorada (1947)

Albur de amor (1947)

The Fugitive (El fugitivo) (1947)

Enamorada (1946)

La perla (1945)

Rayando el sol (1945)

Bugambilia (película de 1945) (1945)

Entre hermanos (1944)

El capitán Malacara (1944)

Las Abandonadas (1944)

Alma de bronce (1944)

El corsario negro (1944)

La guerra de los pasteles (1943)

María Candelaria (Xochimilco) (1943)

Distinto amanecer (1943)

Konga roja (1943)

Flor Silvestre (1942)

Calaveras del terror (1943)

Tierra de pasiones (1942)

Soy puro mexicano (1942)

La isla de la pasión (Clipperton) (1941)

Allá en el Bajío (1941)

Del rancho a la capital (1941)

Simón Bolívar (Libertador de América) (1941)

La epopeya del camino (1941)

Ni sangre ni arena (1941)

El secreto del sacerdote (1940)

El Zorro de Jalisco (1940)

El jefe máximo (1940)

Mala yerba (1940)

Pobre diablo (1940)

El Charro Negro (1940)

Los olvidados de Dios (1939)

Con los Dorados de Villa (1939)

Una luz en mi camino (1938)

La china Hilaria (1938)

La reina del río (1938)

El indio (1938)

Canto a mi tierra (México canta) (1938)

Los millones de Chaflán (1938)

Mi candidato (1937)

La Adelita (1937)

Amapola del camino (1937)

Jalisco nunca pierde (1937)

Las cuatro milpas (1937)

Rosario (1935)

María Elena (1935)

76 Star Trek, The Next Generation Viaje a las Estrellas, La Nueva Generación

Aunque la sangrienta dinastía Bush pareciera indicar lo contrario, Texas sí ha dado un personaje digno de la historia y de su nombre Eugene (el bien nacido) Roddenberry, creador de la más grande leyenda en la historia de la televisión, uno de los precursores de las videollamadas (ya Dick Tracy las había mostrado 30 años antes) de la telefonía celular y del primer beso inter- racial en la historia de la todavía racista Unión Americana.. Señoras y señores hay que ponerse de pie cuando se habla de Viaje a las Estrellas en todas sus generaciones.

Piloto condecorado en la II Guerra Mundial, policía y guionista de televisión en sus tiempos libres, Gene Roddemberry, como el Cid siguió ganando batallas después de su muerte y sus cenizas mortales estuvieron entre las primeras en ser dispersadas por la estratósfera a su muerte a mediados de los años sesenta.

Su trabajo alguna vez fue rechazado por que lo consideraban demasiado intelectual. La primera temporada de Viaje a las Estrellas apenas alcanzó unos cuatro años en pantalla; pero luego los dibujos animados, La Nueva Generación, Voyager, Estación Espacial 9 y Enterprise, con Scott Bakkula, como el capitán, sumaron más de cuatro décadas al aire, sin contar más de 10 películas protagonizadas por Williiam Shatner, Leonard Nimoy y los personajes Jean Luc Picard, la Consejera Deeana Troy, el comandante androide Data y el doctor Mac Coy, sólo por mencionar a algunos de los más memorables.

Star Trek se identificaba por el anhelo de llegar donde nadie había estado jamás, una mezcla de ciencia y personajes shakespereanos. Sus aficionados se han encargado de que muchas de las primeras páginas que se escribieron en internet las dedicaran a ellos, por lo que en esta ocasión solo le daremos a los seguidores de los videos que deben verse de verdad, alguna guía sobre la serie La Nueva Generación, y de la primera película que unió a los personajes de las dos primeras series de televisión Generations.

En los últimos años de la octava década del Siglo XX inició la primera de siete temporadas de La Nueva Generación. Sin hacer mayor referencia a la serie original, en esta nueva, todavía escrita por Gene Roddenberry, todavía se adoleció, al menos en su inicio, de escenarios creíbles que distinguieran la piedra-cartón de la primera temporada; sin embargo los problemas filosóficos que se planteaban, las dudas existenciales que han perseguido a la humanidad desde el principio de los tiempos, sí que estaban ahí.

La Nueva Generacion inició y terminó con un personaje extraordinario Q una especie de Dios del Olimpo, que como los personajes de La Iliada, de Homero la mayor parte del tiempo jugaba con los hombres aunque también, a su manera los protegía.

El primer capítulo es sobre un juicio a la humanidad, representada por la tripulación del Enterprise maravillosa palabra que se ha convertido en sinónimo de una empresa que va más allá de los límites de lo racional, incomprensible para quienes siempre quieren tener, literalmente, "los pies sobre la tierra".

En el último capítulo de La Nueva Generación, allá por 1994, vuelve Q, esta vez para presenciar el fin de la humanidad debido a un error del capitán Picard al intentar resolver su presencia simultánea en el presente, siete años atrás y 25 años en el futuro.

Este capítulo final, dividido en dos capítulos, con una continuidad verdaderamente asombrosa y que bien podría ser empleado como muestra en una clase de edición de video, tiene como tema central la construcción de relaciones humanas, la lealtad, lo que podemos esperar en el futuro de nuestro buen o mal comportamiento, el liderazgo, la camaradería y el honor.

Casi al mismo tiempo que terminaba la segunda serie de Viaje a las Estrellas se filmaba la primera película en la que se cedía la estafeta fílmica del capitán Kirk al Capitán Picard.

La película inicia con el sentido del humor que distinguió siempre a James Tiberius Kirk, nombre completo del personaje de Shatner. Invitado a la inauguración de la nueva nave de clase galáctica Enterprise y en medio de una nube de reporteros que ya no tienen que cargar con una cámara de video porque la traen adosada a la cabeza, como una reina a su tiara, Kirk se ve obligado a participar en una misión de rescate.

El problema es que el vuelo solo era de relaciones públicas, llegaría únicamente hasta Neptuno y no estaba completamente listo para adentrarse a otras galaxias, lo que ya resultaba una cosa frecuente en el imaginario de Rodenberry para el Siglo XXIV.

Para desgracia de los fans que fueron educados por Viaje a las Estrellas, la televisión estupefaciente y estupidizante fue mucho más fuerte que aquella a la que nos acostumbró Roddenberry, el guionista que obtuvo tres doctorados universitarios.

La serie mantuvo su calidad argumental pero ya para la primera mitad de la primera década del Siglo XXI, no había suficiente gente para ver Enterprise, que con grandes dificultades llegó a su cuarta temporada. Incluso los aficionados a la ciencia hicieron una colecta para juntar 30 mil dólares y que la serie siguiera produciéndose pero fue inútil. Su sentencia de muerte estuvo clara cuando la pasaron de la noche del miércoles a la del viernes, igual que sucedió con la temporada de los años sesentas.

La incultura de los Bush, su justificación de la guerra y el odio habían hecho que el sueño de Roddenberry de una humanidad unificada y con miras más allá de nuestra galaxia, pasara a considerarse otra vez utópico.

Guionistas de origen mexicano participaron en la nueva película. No lo hicieron tan mal, solo que se quedaron con la parte de las extraterrestres buenonas, los efectos espaciales y los combates, nada que ver con el ser o no ser y el deber ser que planteaban los argumentos originales.

Para continuar con la franquicia en la segunda década del Siglo XXI, los productores decidieron hacer una gran encuesta que contemplara todos los aspectos de las nuevas condiciones del cine. Incluso la de la tercera dimensión. Se aseguraron que fueran expertos treekies los que participaran en el diseño de la película por lo que hay esperanzas de que la mayor zaga de ciencia ficción hasta la fecha no estuviera muerta.

Las nuevas generaciones de televidentes mexicanos no pueden esperar que Televisa o TV Azteca reprogramen esta serie en un horario decente. Afortunadamente la televisión por internet tiene cada vez más presencia y Netflix, tiene todas las siete temporadas de la Nueva Generación.

Una buena oportunidad de quitarnos del maniqueismo y darle a Texas la fortuna de reivindicarse pues no todos los nacidos en esa tierra son vaqueros de cabeza vacía, como bien lo demostró Gene Roddenberry, el creador de la utopía de llegar a donde nadie ha estado jamás.

77 The End of the Affaire El Ocaso de un Amor

La base de datos de películas en Internet, IMdB por sus siglas en inglés, dice de Graham Greene que es uno de los más soberbios escritores del Siglo XX y cuyo estilo literario es uno de los que más influyó en el cine y en el teatro. El Ocaso de un Amor, con una extraordinaria dirección del británico Neil Jordan y las actuaciones de Ralph Phienes y Julian Moore, nos confirman sin decepción alguna esta percepción.

La historia de ficción es algo que ocurre en la vida real con mayor frecuencia de lo que parece y es la de un hombre que ama a su esposa, no puede vivir sin ella, pero tampoco tiene relaciones sexuales. Yacemos en la misma cama, como cadáveres en una tumba dice una de las frases clave de la película que a pesar de su sobriedad británica está llena de emociones inexpresadas, de giros inesperados y al final de una hermosa reflexión teológica que seguramente dejará pensando a creyentes y agnósticos.

Ama y haz lo que quieras, la frase de San Agustín, está de fondo sin mencionarse en esta película sobre un triángulo amoroso, celos, pasión, sexo y romance.

Producida en 1999, El Ocaso de un Amor es una de las piezas fuertes del catálogo de Netflix, la alquiladora de películas por Internet que nos ha regalado la independencia de la horrible televisión abierta que se produce en México.

End of the affaire, según su título en inglés, es una película que merece premio por su adaptación de la literatura al cine, mucho antes de que revisemos sus galardones.

Una consulta a la base de datos nos demuestra que si bien no ganó el Oscar, al que estuvo nominada Julian Moore como mejor actriz, si le dio el BAFTA a Neil Jordan por mejor guión adaptado. El BAFTA, recordemos, es el máximo galardón de la academia cinematográfica británica.

En la película destaca también la partitura de Michal Nyman. Neil Jordan obtuvo el premio David Lean, por la mejor dirección.

Una película reflexiva, con el trasfondo de la II Guerra Mundial y que hace de la aparente vulgaridad de un triángulo amoroso, una reflexión sobre la divinidad y los milagros.

Una verdadera muestra del cine que Debe Verse, Definitivamente.

78 ENTREVISTA AL PAPA FRANCISCO 79J.EDGAR

Notas del autor: En raras ocasiones encontramos una información de cine que nos proporciona buena información sobre una película, sin contarnos la trama.

Al escribir esta nota en febrero del 2016, nos hemos congratulado en el periodismo mexicano por una excelente producción realizada por Notimex, al entrevistar al Papa Francisco.

Excelente porque como corresponde a un estado laico, al jefe del estado vaticano se le llama Papa y no Santo Padre; porque es un ejercicio de cómo debe hacerse el periodismo, saliendo a las calles, respondiendo a las inquietudes y opiniones de la gente.

Pero lo que más quisiéramos destacar es que por primera vez en la historia de la televisión mexicana, el jefe del vaticano deja de ser empleado de las televisoras privadas, que en el caso de Televisión Azteca, escondieron hechos delictivos relacionados con la pederastia de los Legionarios de Cristo.

Personalmente fui testigo, como trabajador efímero en Proyecto, 40 de como le robaron días de sueldo a un redactor, haciéndolo trabajar sin paga por haberse atrevido a poner un “súper” con la noticia de que Juan Pablo II había reconocido actos pederastas del fundador de los legionarios.

¡Por un fin un video que no es una venta exclusiva de Valentina Alazraki!, carente de toda laicidad o ética periodística, pese a ser parte de una familia judía

Este es el enlace que Notimex ha compartido sin fines de lucro:

https://youtu.be/OW1n6Yma-hg

Tanto Francisco, como J. Edgar son personajes históricos y en esta entrada da la casualidad de que ambos son trabajos producidos por la agencia mexicana de noticias. Esperamos que el lector sea indulgente con nuestras razones para unir ambas entradas.

México, 22 Dic. (Notimex).- El actor estadunidense Leonardo DiCaprio destaca en el filme "J. Edgar" como el temido y admirado John Edgar Hoover (1895-1972), primer director de la Oficina Federal de Investigación (FBI) que sobrevivió a la gestión de siete presidentes que no pudieron destituirlo por el costo político que les implicaba.

Aunque hubiera preferido aumentar de peso para hacer más natural su interpretación, el también productor tuvo que recurrir al uso de una botarga, la cual le provocaba cierta claustrofobia.

"Me hubiera gustado haber ganado algo de peso para no tener que llevar ese traje. Lo intenté, pero no había bastantes pastelitos alrededor para conseguirlo", comentó DiCaprio, quien encarna a esta "figura trágica" de la que se ha dicho, era homosexual y travesti.

Durante su vida, J. Edgar Hoover se elevaría a ser el hombre más poderoso de América. Como jefe de la Oficina Federal de Investigaciones durante casi 50 años, que no se detendría ante nada para proteger a su país.

Tras el paso de ocho presidentes y tres guerras, Hoover libró la batalla contra las amenazas reales. Sus métodos eran a la vez implacables y heroicos, que le ganaron la admiración del mundo.

Fue un hombre que colocó un gran valor a los secretos, especialmente de los demás, y no tenía miedo a usar esa información para ejercer su autoridad sobre las principales figuras de la nación.

Sobre el entendido que el conocimiento es poder y el miedo representa la oportunidad, utilizó ambos tanto para ganar influencia sin precedentes, como para construir una reputación que era a la vez formidable e intocable.

Fue protegido afuera como en su vida privada, ya que guardó secretos que podrían haber destruido su imagen, su carrera y su vida. Su compañero más cercano fue Clyde Tolson. Su secretaria, Helen Gandy, se mantuvo fiel hasta el final y más allá.

"J. Edgar" explora la vida personal y pública de esta personalidad que podría distorsionar la verdad tan fácilmente como lo confirmó durante una vida dedicada a su propia idea de justicia, a menudo influenciado por el lado más oscuro del poder.

El nominado al Premio de la Academia, Leonardo Di Caprio (El Origen, Diamante de Sangre) protagoniza este papel, bajo la dirección del ganador del Oscar, Clint Eastwood (Gran Torino, Million Dollar Baby, Unforgiven), con guión de Dustin Lance.

También participan Naomi Watts (21 Gramos), Armie Hammer, Josh Lucas y Judi Dench, entre otros.

"Hoover era un alto mando, un G-Man, como se les llamaba entonces a los agentes especiales, pero no se sabía mucho sobre él. Era muy notorio, se le veía con actores de cine y escritores famosos en funciones sociales y otras cosas, pero era un enigma en muchos sentidos", explicó Clint Eastwood.

Entonces, cuando el guión del filme pasó por su escritorio le surgió una curiosidad por saber cómo Dustin Lance Black, el guionista, lo había abordado.

"Lance escribió un guión increíble que nos atrajo a mí y a Clint al instante. Hoover siempre ha sido una figura mítica, un icono, en la historia estadunidense, pero rodeada de misterio tanto en su vida política como en su vida personal.

"Abordar la historia de su vida parecía una tarea de enormes proporciones y logró hacerlo de una manera muy conmovedora", platicó DiCaprio, según las notas de producción.

Es una historia sobre relaciones, interacciones íntimas entre Hoover y quienes lo rodeaban, desde los más cercanos (Clyde Tolson, Helen Gandy, su madre), hasta Robert Kennedy y otros políticos importantes, inclusive presidentes.

"Si hubiera sido tan sólo una película biográfica, creo que no habría querido filmarla. Me gustan los casos sobre relaciones. Me gusta explorar por qué la gente hace o ha hecho ciertas cosas en sus vidas", añadió el director.

Expresó su anhelo de trabajar por primera vez con Leonardo, pues lo considera un actor inteligente al que le gusta interpretar papeles poco convencionales que expandan su imaginación:

"Sabía que le sería difícil, tanto física como mentalmente, pero se esforzó mucho y creo que eso se nota en su actuación".

"J. Edgar" comienza a mediados de la década de los 70, cuando Hoover se acerca al final de su vida y de su tiempo al mando del FBI. En un esfuerzo por preservar lo que ha construido, comienza a dictar sus memorias, reflexionando sobre sus comienzos como un veinteañero que trabajaba con lo que era entonces simplemente el Buró de Investigación.

80 María Gracia, La Pedro Infante infantil del Cine Mexicano

Otra nota del Autor: Esta es la entrada más veces leída en el blog CarteleraDVD, casi 10 mil entradas al momento de publicar este libro. Como todo, empezó por curiosidad ¿Qué habrá sido de María Gracia? Y buscando, buscando, encontré el texto que aparece aquí mismo?

Como en el español de España se utilizan muchas palabras que en el español de México se consideran ofensivas, sentí la necesidad de hacer una introducción con un poco de humor. Esto es lo que salió.

Nota del editor: Estos %$&; españoles no pueden escribir nada sin leperadas (equivalente español de nuestros alvaradeños).

Cartelera de lo que DVDverse no pudo resistir sin embargo la tentación de fusilarse completo este artículo con mucho humor voluntario e involuntario. Resulta que estábamos buscando información sobre María Gracia, niña prodigio del cine mexicano quien desapareció de la vista pública luego de embarazase de un hijo de Plácido Domingo, de la cual nació una bella modelo a la que no le informaron quien era su padre, hasta que cumplió los 15 años.

Bueno pues María Gracia hizo una película bien sensiblera cuando andaba por los cinco años de edad "La Sonrisa de la Virgen", dirigida por Roberto Rodríguez, hermano de Ismael, quien hizo de la infanta, la Pedro Infante de los niños. La desaparición de María Gracia, (madre de Ivonne Armant, que a su vez es nieta de Plácido Domingo y ganadora del Big Brother español) probablemente se debe a que se fue a radicar a Estados Unidos}

El caso es que la niña de ojos verdes era realmente encantadora y sabemos tan poco de ella, que bien vale la pena enriquecer Internet con esta información, aunque el lenguaje de este cutre autor, - que quien sabe que significa cutre pero le sienta bizarro- no se corresponda al estilo habitual de esta cartelera. Bajo advertencia no hay engaño así que ahí les va. Por cierto el escritor ibérico no firmó su reseña, así que nos disculpamos por no darle el crédito. Incluiremos más adelante alguna de las películas acreditadas a María Gracia

81

Caperucita y Pulgarcito contra los monstruos" (1962) Director: Roberto Rodríguez. País: México Actores: María Gracia, Cesáreo Quezada y demás gente disfrazada y sin sentido del ridículo

Año:1962 Duración:82'

Autor anónimo: Publicado originalmente en http://www.cinecutre.com/movie-review/caperucita-y-pulgarcito-contra-los-monstruos-1962/

AVISO PREVIO.

Los siguientes hechos son una posible aproximación a la realidad. Hace mucho tiempo, en el maravilloso México de los años 60, existía un estudio cinematográfico sin escrúpulos, llamado Películas Rodríguez S.L., de donde surgieron legendarios largometrajes. Este estudio estaba habitado por el desvergonzado Roberto Rodríguez, un magnate del cine capaz de rodar cualquier cosa imaginable por delirante que fuera, si eso le permitía reutilizar una y otra vez los mismos sets y el mismo atrezzo en innumerables filmes, para así ahorrar costes y multiplicar los beneficios.

Para la concepción del filme que nos ocupa, el señor Rodríguez mandó a sus sirvientes empleados que metieran en una hormigonera varias latas de distintas películas de su propiedad y sacaran 3 o 4 al azar. De este modo, la diosa Fortuna se decantó por las versiones que previamente hizo el estudio de los cuentos de Caperucita y de Pulgarcito, así como de La Momia Azteca contra el Robot Humano, además de otras tantas obras maestras.

Así, nació este largometraje de terrorífico y desproporcionado título, que supone el capítulo final de una saga iniciada, si no me equivoco, en 1957 con Pulgarcito de René Cardona y detrás del cual se esconde un inabarcable maremagnum de gilipolleces, WTF´s, costrosidades, delirios y, por qué no, genialidades varias, que dio lugar al crossover mexicano chatarrero definitivo.

Una vez concebida la idea, era necesario escribir la historia, lo que tampoco llevó mucho tiempo. Al guionista le obligaron, bajo amenaza de 50 latigazos, a escribir sin borrador previo y sin poner trabas a sus delirios esquizoides (esa semana le retiraron la medicación), hasta llenar 90 páginas, que sentaron las bases de un filme infantil sin tapujos, donde todo es posible, cualquier personaje que uno imagine puede aparecer y donde la palabra vergüenza ha sido desatomizada del diccionario. Y como era un filme para niños, los autores no se preocuparon de la dificultad que entrañaba plasmar ciertas cosas del, a partes iguales, apabullante y fascinante guión, ya que, según su más que probable opinión, a los críos les daría igual.

Permitid un inciso a vuestro humilde narrador, pero ¡así se hacen las cosas, joder! La escasez de medios no debería poner jamás ningún límite a la imaginación, ya que luego, las alucinantes mentes de los niños se encargarán de rellenar las lagunas presupuestarias y técnicas; como han hecho toda la vida cuando juegan con sus muñecos. Qué bien sabían esto en México hace 50 años y qué pena que ese modo de entender el cine se haya perdido por culpa, entre otras cosas, de malvadas webs como esta en la que escribo, tan obsesionadas en resaltar los fallos de los filmes y sacarle puntilla todo. Putos friquis...

EL CROSSOVER MEXICANO DEFINITIVO

En cuanto a la elaboración de la historia, lo primero que había que fijar era al villano. No fue muy difícil, ya que diréctamente se decantaron por fusilar a la reina mala del Blancanieves de Disney, en un descaradísimo cosplay. El resultado es sorprendente, gracias, sobre todo, al acento mexicano de la actriz, que retrotrae a los espectadores españoles al doblaje original en mexicano del filme de la Disney.

La historia comienza con una reunión de todos los monstruos de los cuentos, que están celebrando un juicio sumarísimo orquestado por un fiscal Vampiro y donde desfila toda la colección primera-verano-invierno 2010 de caretas de la Plaza Mayor, y en el que son juzgados el Lobo Feroz y el Ogro por crímenes contra la monstruosidad, ya que han dejado de ser malos y se dedican a comer palomitas y helados de fresa. Por ello, ambos criminales son condenados a morir con “la peor de las muertes, partidos en dos con una sierra” (¿ya dije que esto es una película para niños?). En su defensa, el Lobo acusará a la bruja de casquivana, asegurando que ella “se chupó a todos y el Vampiro ya no tiene a quien chuparse”. Me abstengo de hacer comentarios.

En cuanto al resto de monstruos que aparecen en la cinta, su elección tampoco supuso complicaciones. En lugar de decantarse por los clásicos Hombres Lobo, Drácula o La Momia, como hubiera hecho cualquiera, se cogieron los primeros disfraces y caretas chungas que había tiradas por los garajes y almacenes del estudio, dando como resultado un apoteósico carnaval de monstruos que incluye, entre otros muchos, auténticos hitos del terror pop mexicano como el abominable hombre teta (también llamado Cocoliso), el pederasta del saco, “Frankonstino” (la versión latina del monstruo de Mary Shelley, creada, imagino, por un sosias de Nick Riviera o algún doctor similar), y otras terroríficas abominaciones que desvelaré más adelante.

Las terribles consecuencias de abusar de las alitas de pollo Sobre los protagonistas, como indica el título, tenemos a Caperucita y a Pulgarcito. Me detendré en la actriz de Caperucita, cuya biografía merece la pena resaltar. Tras ganar el Concurso Nacional de niña mexicana más repelente jamás concebida, María Gracia se introdujo en el mundo del cine para deleitarnos con su voz, que es lo más parecido a fusionar los gallos de Wendy Sulca con el sonido de un micrófono cuando se acopla a otro; algo que, ya en su edad adulta, le permitió obtener un puesto de trabajo como “organizadora de karaokes” en Guantánamo.

Para evitar una masacre a gran escala, es imprescindible visionar esta película en un lugar que carezca de ventanas y objetos de cristal. Pancho Villa Begins Pero el héroe indiscutible de esta película es el perro de Caperucita, un cánido que vaga a su puta bola por la película sin rumbo fijo, hasta el punto de que se advierte en varias ocasiones CÓMO LE EMPUJAN FUERA DE PLANO PARA QUE NO SE SALGA DE LA IMAGEN. Se ve que el perro era el único miembro del reparto consciente del bochornoso ridículo que estaban haciendo e intentó en varias ocasiones huir sin éxito.

A pesar de la pasiva actitud del animal, Pulgarcito no tendrá vergüenza alguna en resaltar las increíbles habilidades rastreadoras del chucho, en una escena en la que vemos que el perro no se ha esforzado lo más mínimo en localizar a su presa, la cual directamente se la han colocado delante del morro. El plan de la malvada bruja que quiere MATAR (sí, matar, ¿ya he dicho que esto es una película infantil?) a Caperucita y Pulgarcito es muy sencillo pero acojona solo de oírlo: Pretende convertir a toda la población en CHANGOS.

Ni putea idea de lo que es hasta que lo ves, pero suena creepy y chungo, y cuando por un instante piensas que va a convertirles en algo similar a esto, la decepción te golpea duramente en la cara al comprobar que chango es algo así como un mono tercermundista made in México. Rebelión en el planeta de los changos Superada esta decepción (que tampoco es tanta porque al final le coges cariño a los changos esos), nos sobreviene otra, ya que la malvada bruja pone en marcha otro plan que consiste en acercarse a la chimenea y...

www.youtube.com/watch?v=yXWcZZ7zy0E&amp;amp;amp;

Invocar al mismísimo Satanás!!! ¡Ahí, con dos cojones y dejándose de mariconadas y monstruos de mierda! Lamentablemente, de Satanás no se vuelve a saber nada en todo el metraje; lo que causa auténtica pena y frustración. Imagino que rodaron esta escena (que, vista la peli en su conjunto, NO VIENE A CUENTO) y después recularon, no fuera a ser que los niños mexicanos, a pesar de criarse entre tequila y chucherías picantes, se acojonaran demasiado. Pero tanta mala leche por parte de la Bruja resulta excesiva, así que los autores decidieron rebajar su nivel de hijoputismo con unos hechizos que quedarían mejor en boca de las Witchz, Nicky la aprendiz de bruja o incluso Hello Kitty: Lo que ha hecho la bruja en el vídeo que acabáis de ver, es un ejercicio de bioterrorismo, cambiando el agua del río por un líquido marrón, que, a pesar de su sospechoso color, no levanta suspicacias entre los mejicanos del pueblo afectado, tan acostumbrados a beber tequila tostado (en especial el cura de la aldea), que ya se han olvidado de que el agua de verdad es incolora. Si ya lo decía Woody Allen, "nada como un buen vaso de agua marrón para comenzar el día"

Para contrarrestar la terrible maldición de la Bruja, Caperucita y sus amigos pedirán ayuda al hada de la aurora, un ser bondadoso cuyo increíble e inmenso poder se lo otorgan 5 bengalas de feria que se van consumiendo plano tras plano. Sin embargo, a pesar de sus poderosas bengalas, el Hada poca cosa puede realizar y lo único que hace es envíar directamente a Caperucita y Pulgarcito a una muerte segura, diciéndoles que han de conseguir nosequé objeto mágico que la malvada bruja esconde en su castillo. Para esto mejor que se hubieran quedado en casa jugando con los changos.

Nuestros héroes también recibirán la ayuda de un híbrido punki entre humano y mapache (que bien podría haber ingresado en las filas de El Despedazador) y así, plan malvado tras plan malvado y lucha tras lucha contra todo tipo de monstruos acartonados, Caperucita y Pulgarcito irán haciendo frente a las hordas de la Bruja hasta enfrentarse a ella en un colosal combate final, que podéis ver a continuación.

http://www.youtube.com/watch?v=ExuSTbGBVBg&amp;amp;amp; No creo que haga falta que cuente mucho más sobre esta increíble historia; así que vayamos directamente a comentar lo que interesa, ¡la galería de monstruos, que lo estáis deseando!

FREAK CIRCUS

Ya hemos hablado de la bruja malvada, de Cocoliso y de Frankonstino, pero hay muchos más, como: El Vampiro: Este vampiro sí que acojona, lo mismo te chupa la sangre que se saca un conejo de la chistera Florentino Fernández: Este sí que da pavor, aunque, afortunadamente, no va acompañado del imitador soplagaitas ese que no tiene ni puta gracia, porque la cosa ya hubiera adquirido tintes traumáticos... Blanka?: Caperucita y Pulgarcito contra los monstruos se destapa como una de las películas más influyentes del siglo XX; no sólo traspasó el Atlántico inspirando a Ana María Matute (hay un personaje llamado Tontina, en el que claramente se basa la princesa de mismo nombre de la novela Olvidado Rey Gudú), sino que además, también llegó hasta las oficinas de Capcom en Japón, quienes luego en los 90 crearían la saga de videojuegos Street Fighter a partir de la imagen previa.

EL ROBOT: Sí, lectores, aquí también hay sitio para un ROBOT, así, con mayúsculas. No hay palabras para describir el gozo y la perplejidad mental que uno siente cuando ve a Caperucita y Pulgarcito ¡enfrentándose a un robot! http://www.youtube.com/watch?v=oTU3tS0xExY&amp;amp;amp; ¡Y qué robot, amigos! Ni más ni menos que el mismo robot cutrongo y chatarrero del que pudimos disfrutar en la entrega final de la saga de LA MOMIA AZTECA, aunque levemente mejorado y esta vez sin un señor en camisa interior moviéndolo desde dentro. Y como ya nos enseñaron los autores de La Nave de Los Monstruos en la secuencia final de aquella película, los tirachinas, en manos de un niño mejicano pueden convertirse en armas de destrucción masiva. El robot de mierda, que ya viene abollado de casa (reutilizarlo en tantos infrafilmes tiene sus consecuencias), se limita a agitar los brazos en el aire como un oligofrénico y la cara de Caperucita ante tanto horror encarnado en hojalata lo dice todo. Al final, la bestia cibernética se acaba desplomando cutremente, como el robot de Supersonic Man, del que es un claro pariente.

A MEXICAN FILM

Caperucita y Pulgarcito contra los monstruos también destaca por sus brutales y perturbadoras escenas, que en un infante amariconado como los de ahora causarían traumas irreversibles, pero que los niños de antes aguantaban con tesón y hasta degustaban con placer. El hijoputismo y mala ostia que caracterizan a la Bruja Malvada, cual mejicano en busca de trabajo, no conoce fronteras, y si no creéis lo que digo observad este vídeo: Caperucita y Pulgarcito contra los monstruos proporcionará a tus hijos dulces y felices noches repletas de entrañables y nada perjudiciales pesadillas. Hay que joderse... Pero el malrollismo de esta película, escrita por el profesor de autoescuela Custillos, no acaba aquí, ya que el pederasta del saco recibe un BRUTAL castigo capaz de levantar un debate nacional sobre el sistema educativo. ¡Kevin, grábalo con el móvil que hay que subirlo a Youtube! He aquí un ejemplo más de lo influyente que ha sido esta película en la historia del cine y que Chicho Ibañez Serrador no inventó nada para su Quién puede matar a un niño. Y como colofón a tan grotesco espectáculo, también tenemos la siguiente escena: http://www.youtube.com/watch?v=1ZSrEXmBTKM&amp;amp;amp;

INSTRUCCIONES PARA SU VISIONADO Si llegados hasta aquí, la cinta os ha despertado curiosidad y estáis deseando verla, dejadme que os dé un consejo previo: PASAD HACIA DELANTE TODAS LAS ESCENAS DONDE SALGAN EL LOBO FEROZ Y EL OGRO ENCERRADOS EN SU CELDA. Estas irritantes escenas sobran totalmente y el filme se entiende (y se disfruta más) prescindiendo de ellas. Antes de concluir, quiero decir que más que por la fascinante combinación de elementos aparentemente incompatibles (caperucita, Drácula, ROBOTS), yo recomiendo esta entretenidísima película, sobre todo, por las mil y un cutradas que se derivan de su pésima realización y producción.

A cada instante, se sobreviene un nuevo y más grave despropósito, en un no parar de sinvergonzonería y desfachatez sin límites. Así que ya sabéis, si queréis que vuestro hijo/a crezca sano y fuerte y como un macho hecho y derecho, ponedle The Human Centipede y A Serbian Film y dejaros de porquerías como ésta.

82 La Sonrisa de la Virgen

Por lo visto para muchos aficionados al Cine lo que fue de María Gracia es un misterio. En Internet Movies Data Base, nos dicen que quien fue apodada

De tanto en tanto la iglesia también ha producido películas para propagar la fe. Este manual no estaría completo sin incluir al menos una película de este género y dada la popularidad de María Gracia, que mejor que una cinta protagonizada por ella. Compartimos el enlace con el que la encontramos, esperando que los productores no decidan retirarla

https://youtu.be/8yiud569I0I

En 2015 se produjo un documental llamado La Vida de María Gracia, donde ella se interpreta a sí misma y la describe como actriz, empresaria y activista social; sin embargo Internet Movies Data Base nos informa en otra entrada que su verdadero nombre es Margarita Aldecoa.

Tal vez cuando usted lea estas líneas ya se haya difundido más información, pero hasta el momento este es un misterio del cine mexicano.

83: Killing Me Softly

Una razón para no verla es que no tiene nada que ver con la preciosa canción que interpretaba Roberta Flack y una para sí verla es la belleza de las dos protagonistas, la hermosa rubia de Wiscoinsin, Heather Graham y la bella británica, muy parecida a la joven Meryl Streep (al menos en esta película) Natasha Mc Elhone, que lamentablemente no se desnuda, como si lo hace Joseph Fiennes. Un trio de bellezas para todos los gustos y orientaciones eróticas.

La película es del tipo para que le buscas tres pies al gato sabiendo que tiene cuatro, o este sexo es demasiado perfecto para ser cierto, lo que, es cierto, tiene mucho que ver con la naturaleza humana.

Sin ser demasiado buena, la película está bien, entretiene y permite atisbar las intimidades de celebridades desnudas, lo que suele ser una afición bastante generalizada.

En la bitácora electrónica Los Ladrones de Palomitas la describieron así

Killing Me Softly no pasaría de ser un thriller más ó menos entretenido, sino fuera por la incontestable carga sensual que traslada al espectador. Un guión eficiente esgrimido por Kara Lindstrom faculta al realizador chino Chen Kaige (autor de la magnífica Adiós a mi concubina) para materializar en imágenes la novela homónima del escritor de Bristol, Sean French.

De acuerdo con la descripción y no teniendo más que decir le dejamos una imagen y dejamos a su criterio verla en casa preferentemente si tiene una pareja alivianada y no se fija demasiado en que la estrella tiene un seno más grande que el otro.

(Otras películas notables de Fiennes son Shakespeare enamorado, Lutero y Elízabeth, la Reyna Virgen: a Heather Graham la puede ver, vestida, en Austin Power y ¿Que paso ayer?, mientras que Natasha es la inspiración del protagonista en The Truman Show, donde no se la parece tanto a Meryl Streep joven pero le da un aire) Varias de estas películas, figuran en el catálogo de Netflix.

84

Danzón número 2 y Leyenda de Miliano, de Arturo Márquez

Si mi gentil lector virtual quiere saber cómo suena México…

El sonido del México moderno se identifica con este danzón del que sin duda es el más rerlevante compositor mexicano del inicio del Siglo XXI, Arturo Márquez.

https://www.youtube.com/watch?v=wuy1iS1qhA8&feature=player_embedded

¿Y qué me dicen de esta obra? Leyenda de Miliano

https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=4Vlhuy0cn4k

85 Les Miserables Los Miserables

Cossete, Fantine y Jean Valjean, también un poco Eponine, las víctimas; Javert, y los Thernadier, el más acabado prototipo de los miserables. Los seres más ruines fueron concebidos por Victor Hugo. Con estos extremos de los malos más malos y los buenos que son víctimas de las más injustificables ruindades, el escritor francés nos presentó una historia moral imprescindible para ver en otros la naturaleza humana y quizá un espejo para que los lectores y espectadores no caigamos en ninguno de esos extremos.

La Miseria de la Codicia

Desde el año de 1909 hasta el 2012, en que la obra de Broadway fue llevada al cine, habría por lo menos 25 adaptaciones de la obra de Victor Hugo, para películas y series de televisión, quizá no todas con el nombre de Los Miserables, pero si de algunos de sus personajes más entrañables, como Gavroche, el niño insurgente.

Los Miserables fue escrita por Victor Hugo en 1862 y es una de sus novelas más conocidas entre las 50 que figuran en su biografía, la otra, llevada al cine varias veces, inclusive en dibujos animados, sería El Jorobado de Notredame. Victor Hugo hizo una novela, pero también un tratado sobre la democracia.

La adaptación al cine del musical de Broadway, con Hugh Jackman, Russel Crowe (¡como se parece a Ciro Gómez Leyva en más de un sentido, sobre todo por su caracterización de villano gratuito!) Anne Hathaway y sobre todo Sacha Baron Cohen y Elena Bonham Carter, tan patéticos que mueven a risa, tiene una atinadísima selección de reparto, con la curiosidad de que casi ninguno es cantante. Si lo es Amanda Seified, quien ya nos había dado pruebas de ello en Mamma Mia. Este es un asunto notable. La profesión actoral tiene uno de los retos más grandes: ser quien no se es. Ninguno de estos histriones es cantante y sin embargo están más que soportables a lo largo de dos horas y media. La selección del reparto es uno de los mayores aciertos de esta película, por cierto, digitalizada, para darle mayor elocuencia a los escenarios parisienses de esta novela histórica.

La Miseria del Poder Absoluto. La obra de teatro no nos da pistas de porque tantas miseria gratuita. La impotencia sexual podría ser una de las claves ¿o será la represión de la homosexualidad?

Hay muchas personas que consideran ridículos los musicales. Habemos quienes pensamos que están bien para la comedia, pero no para el drama. En este caso, son tan representativos los personajes de lo peor de la miseria humana, que un poco de música no le viene mal para hacer más soportables a seres tan patéticos y despreciables. Esta es una de las obras clásicas de Broadway, pasan las décadas y casi siempre está en la cartelera de esta calle neoyorquina.

Musicalmente es, sin embargo, una de las obras con melodías menos memorables. Casi todos podemos recordar algo de supercalifragilisticoespialidoso, el sonido de la música, Jesucristo Super Estrella, o El Fantasma de la Europa, pero difícilmente tararearemos algo de Los Miserables. Sí, es un musical para la grandielocuencia, si, cuenta con voces y contrapuntos y el canon que permite escuchar voces que se plantean y se contestan, pero de cualquier manera, más que un buen musical es una forma alterna de contar una obra clásica de la literatura francesa.

Funciona. Si es así como alguien puede acercarse a la obra de Victor Hugo, es encomiable. Si de esta manera le quitamos espectadores a la glorificación de un asesinato cobarde - que no es otro el sentido de la película de Katherin Bigelow sobre la operación para dar muerte a Osama Bin Laden - bienvenida; pero esa es otra película y un tipo más sofisticado de miserables.

Meryl Streep, Rubia y castaña en Programa Doble

86 Hearthburn, o el Dificil Arte de Amar

87 Falling in Love

Esta vez queremos hacer hacer la reseña de dos de sus películas románticas filmadas en una época en que, al menos para el editor de esta cartelera, tenía una cara que resulta un verdadero poema (aunque su hermana le haya sugerido operarse la nariz) de acuerdo al guion de Hearthburn.

Y es precisamente esta una de las dos películas que consideramos deben ver los cinéfilos, y más si son admiradores de esta multipremiada actriz. Hearthburn, o el Dificil Arte de Amar, o se Acabó el Pastel, como se les intituló en Estados Unidos, España y México respectivamente, es una comedia triste sobre las segundas oportunidades, el amor entre periodistas, el proyecto de vida y las diferencias impuestas entre la vida personal y la profesional.

Nora Ephron, autora de la novela y del precioso guión de la película, empieza a contarnos la historia con el arribo de Meryl Streep al vestíbulo de una iglesia, seguida por Jack Nicholson. Desde el momento mismo en que vemos su llegada y aparecen los créditos de los protagonistas, sabemos que estamos ante un producto hecho para el lucimiento de dos grandes estrellas cinematográficas del Siglo XX.

La historia tiene pocas escenas a lo largo de sus 108 minutos de proyección. No juzga a los personajes a pesar de que es ella, la narradora, la que tiene el control del punto de vista.

Una razón más para ver Hearth Burn es la de conocer a Milos Forman, el genial director de Amadeus, como actor.

La cinta es dirigida por Mike Nichols, también conocido por El Graduado y Closer llevados por el Deseo según su título en español.

La segunda película que compone este programa doble se llama Falling in Love y y su traducción literal al español no puede ser más exacta para describirla Cayendo en el Amor. La historia de dos profesionistas, casados, que no pueden resistir la sensación de que están hechos el uno para el otro.

Sus respectivos cónyuges, son tan buenas personas como puede serlo cualquier ser humano, solo tienen un problema. No están hechos para ellos.

Como debe ocurrir en toda película romántica, los trenes son uno de los elementos centrales de la película y la estación de Nueva York es uno de los escenarios más frecuentes. Una película obligada para los cinéfilos, los admiradores de Meryl Streep, de Robert de Niro y para todas aquellas personas que creen en el amor, o que han dejado de creer que existe.

88 Una Vida Mejor A Better Life

Ganadora del premio a la mejor película, concedido por ALMA, la asociación para reconocer a lo mejor del talento latino en el cine y la televisión de los Estados Unidos; premiada como la mejor película independiente de la National Board of Review; por la asociación de críticos de Phoenix y con el de la mejor pista sonora del mundo, Una Vida Mejor hizo que todo el planeta conociera a Demian Bichir, aunque pocos hubieran visto la película.

Para muchos espectadores queda la sensación de que no están viendo una película, sino un documental dramatizado, y puede que la percepción tenga mucho de cierto pues Demian Bichir, quien debutó como actor infantil en la telenovela Rina, viajo a Estados Unidos para aprender inglés y sobrevivió en California preparando guacamole en un restaurante.

No es MGM, United Artists, Paramount o Pixar, la productora de esta gran película, sino la empresa independiente Summit Entertainment.

El documental dramatizado fue dirigido por el director Chris Weitz, nieto de la actriz mexicana Lupe Tovar, quien protagonizó una de las primeras películas sonoras mexicanas, Santa, en 1932.

Weitz está casado con una mujer cuyo nombre no deja dudas también de su origen mexicano, Mercedes Martínez. Ambos son reconocidos como director y actriz respectivamente de La Brújula Dorada.

Demian Bichir no ganó el oscar y Weitz ni siquiera fue nominado por Una Vida Mejor, sin embargo si tiene un rconocimiento importante por otra de sus películas A Sigle Man que le valió el premio del instituto americano del film.

Con George Clooney y Brad Pitt dos de los actores más queridos del planeta, fue nominado al Oscar 2012 el mexicano Demian Bichir por Una Vida Mejor. Ninguno de los tres ganó, tampoco Gary Oldman, sino el menos conocido de la quinteta, el francés Jean Dujardin.

No vamos a decir mucho sobre Una Vida Mejor, ni más sobre la actuación de Demian Bichir, no en este artículo, pero para recomendarla y que usted no deje de verla, bastarán estas palabras, no es buena, es lo que le sigue hacia arriba, excelente.

En esta ocasión le dejamos el cortometraje promocional https://youtu.be/uaLSBdL-zCY

89 W O Dios bendiga a Oliver Stone

Hay quien la ha calificado como parodia. Podría serlo por la musicalización con la bellísima melodía A Wonderful World, o las escenas en un campo de béisbol, deporte tan apreciado en el cine y el sutil gusto "de los americanos", como les cantó Alberto Cortés.

Pero la personificación de Condoleeza Rice, Tony Blair los Bush, padre e hijos, George y Jeb, el militar Colin Powell y otros actores de la peor ralea, del fanatismo y la sumisión al dinero y al poder de la clase política republicana de los Estados Unidos, hacen que las pinceladas de humor solo maticen un poco el intenso drama que se desarrolla en pantalla y que no es sino un pálido reflejo de más de un millón de muertos y mutilados en una guerra que todo un planeta quiso evitar, sin éxito alguno.

(Alguien que no alcanzó a ser personificado fue el enano José María Aznar, quizá porque Stone no alcanzó a conocer los daños que le ha causado a México como gestor de las empresas que construyen macrovías en lugar de trenes elevados u otras soluciones socialmente responsables. No es una anotación gratuita, si lo tenemos aquí es porque sus juegos de guerra no le sirvieron siquiera para obtener los contratos de reconstrucción que pretendía, luego de avalar los bombardeos sobre Irak)

Como en JFK, Oliver Stone (además de renovar su gusto por los nombres sintéticos) hace una dramatización de hechos reales para documentar uno de los pasajes más dramáticos del Siglo XXI. Para hacernos mostrar su repudio a uno de los peores presidentes en la historia del planeta, lo más que hace es mostrarlo comiendo con gran ansiedad y hablando con la boca llena, lo que de paso justifica la anécdota rigurosamente cierta del desmayo que sufrió George W cuando se le atoró un pretzel por gritar durante un encuentro deportivo que presenciaba por televisión.

Los actores que personificaron al verdadero y original Eje del Mal, por cierto uno de los títulos que sirvió para documentar el guión de W

Uno de los carteles que definen incomparablemente el argumento de una de las películas con nombre más breve de la historia

Excelentemente caracterizada por Josh Brolin, quien solo ganó un modesto premio en Hollywood, la película fue terriblemente subestimada, está pésimamente calificada por los usuarios de la base de datos de Internet Movies, donde apenas superaba el seis a dos años de su estreno.

Con todo, ante la repetición de las estrategias propagandísticas republicanas, ahora con el pretexto del peligro nuclear iraní, la película W se vuelve de revisión obligada no solo para los cinéfilos, sino para los políticos, los analistas, los pacifistas, los estudiantes de sicología, los dirigentes de alcohólicos anónimos, los internacionalistas y en fin, para todo ser humano interesado en que un puñado de imbéciles que hablan inglés, hebreo o parsi decidan por toda la humanidad.

La discriminación que sufrió W por la Academia, por los críticos y por los propios cinéfilos, los premios que se le negaron no deben hacernos prescindir de una re- visión crítica e incluso como arma de contra-propaganda ante los juegos de guerra que al iniciar 2012 se han estado intensificando.

Un tratado de desarme nuclear en el oriente, cuna del paraíso, según los estudios rabínicos que lo colocan entre dos ríos, el Tigris y el Eufrates puede ser una solución, escalar las tensiones, el inicio de la tercera y última guerra mundial.

Con el 5 por ciento de la población mundial, Estados Unidos consume el 25 por ciento del petróleo. En Asia se concentra el 85 por ciento de la producción mundial. Un argumento de Oliver Stone en W. Jeffrey Wright caracteriza a Colin Powell

Por eso, más alla de su calidad cinematográfica o de los recursos dramáticos que haya empleado Oliver Stone para tratar de explicarse porque la inútil guerra con Irak, como el de W, tratando de superar lo que el padre no se atrevió a hacer en la guerra del golfo, es una cinta imprescindible.

Ni por sus premios, ni por la calificación de los cinéfilos, W pasará a la historia cinematográfica, pero por el hecho de haberla realizado, Oliver Stone merece el mejor de los galardones: Que Dios lo bendiga

90 The descendants Los Descendientes

Mejor película del año 2011 para el American Film Institute y ganadora a la mejor adaptación de guión para un libro previamente escrito Los Descendientes representa para el cine de Estados Unidos, lo que el de Ettore Scola para los latinos, una reflexión sobre la soledad en compañía.

La familia, dice uno de los mejores textos de la película, está integrada como los archipiélagos, pero cada miembro es una isla distinta.

George Clonney a la cabeza del reparto de una película sobre la soledad en compañía

Una de las grandes aportaciones del guion es como la trama se construye a partir de un personaje ausente, al que sólo nos presentan unos cuantos segundos y que en un pestañeo del espectador puede incluso pasar desapercibido. La fotografía y la música cien por ciento de las islas Hawai.

Como en Dan en la Vida Real en Los Descendientes una parte importante de la trama es sobre la relación de un padre con sus hijas; pero en esta hay otra subtrama, la relación de un hombre con su suegro, que a la vez tiene muchos reclamos para el yerno que le ha dado todo el dinero, pero ninguna atención, a la mujer que es el nexo entre ellos.

Alexander Payne, director de Entre Copas y Confesiones del Señor Shmidt (Sideways, About Shmidt) vuelve a contar una historia de personas para las que el dinero no es un problema, salvo que los ha hecho olvidarse de vivir.

En el extremo del prominente abogado y el insolente adolescente hay mucho en común, la soledad del hombre, no la del hombre en genérico, sino la del hombre como género de lo masculino, incomprendido y sin comprender del todo a las mujeres, uno a punto de la desesperación por ello y el otro, tomando las cosas con serenidad, incluso con un sentido del humor que llega al extremo de lo insultante.

Soledad retratada en el ejercicio matutino tanto del protagonista, como la de su antagonista, como la de Woody Allen, cuando corre por Nueva York para recuperar a Mariel Heminway en Manhattan

En el trasfondo un asunto sobre la pertenencia, en este caso a Hawai, a sus islas, al dilema moral de la renuncia en favor de los grandes corporativos, un Club de Golf, un "ressort" para multimillonarios, una marina, lo que sea va a sustituir a un trozo de paraíso abierto hasta el momento a la naturaleza, al ganado y a campamentos estudiantiles, y el único consuelo, literalmente hablando es que no lo quiera comprar Wall Mart.

Un tema idéntico al tratado por la BBC en su serie documental sobre el Trópico de Cáncer, clubes vacacionales de 8 mil dólares la noche, junto a barracas construidas en el lecho de un río en los Cabos, o en otro comparativo, las residencias para millonarios en La Mexicana, predio de Cuajimalpa, mientras en el viejo pueblo de Santa Fe, los fundadores no tienen un sólo premio deportivo relevante y si en cambio pululan los jóvenes inhalando solventes para nublarse la vista y no contemplar los corporativos a donde ni siquiera les darían permiso para entrar al baño.

George Clooney, el paradigma del hombre guapo y activista de Hollywood, lleva todo el peso de la cámara durante los 115 minutos de la versión final. Como el mexicano Bichir, tampoco ganó el oscar al mejor actor del 2011. aunque sí el globo de oro y otros premios de la crítica especializada.

Los Descendientes es una película que entra a la categoría de lo que los cinéfilos, Definitivamente Ver Deben y por eso la incluimos en nuestra lista de Cartelera DVD.

Otra función doble

91 Mother

92 Dan en la Vida Real

Los protagonistas de las dos películas son escritores, ambos conocen a una mujer atractiva rumbo a, o de regreso de la casa materna. Las dos películas están en el género de las comedias melancólicas.

Mother es una película de autor, escrita, actuada y dirigida por Albert Brooks, quien protagoniza junto con Debbie Reynolds, una actriz a quien conocemos poco en los países hispanoparlantes debido a que se ha especializado en el doblaje de películas de caricaturas, pero que es legendaria por su actuación en Cantando Bajo la Lluvia.

El mérito de la película es que está centrada no en la melodramática relación madre-hijo de mujeres abnegadas que sacrifican todo por el bienestar de sus vástagos, sino justamente en lo contrario, en las diferencias.

El punto de partida está en el nuevo divorcio del escritor John Henderson, quien decide buscar en la relación con su madre la causa de sus fracasos sentimentales.

La aún hermosa viuda otoñal Beatrice Henderson está lejos de agradecer la visita de John. Está más dispuesta a lidiar con Jeff su inmaduro hijo menor, que casado y con hijos no puede acabar de desprenderse el cordón umbilical.

El hijo menor no puede vivir sin su madre, pero tiene una profesión que le permite ingresos estables y un matrimonio aparentemente feliz, en cambio el mayor, quien está alejado del seno maternal vive en un permanente desastre sentimental que él atribuye a que ninguna mujer lo valora, empezando por su propia madre. ¿Conoce a alguien así? Nosotros sí, pero no lo habíamos visto en película

La comedia se refuerza con una parodia de la canción Mrs Robinson, de la película El Graduado, esa en la que Dustin Hofman es seducido por su suegra.

Hay en Mother bromas sobre el incesto, pero de una manera realmente fina, tan es así que el guion, escrito en combinación con Mónica Mcgowan ganó el premio de la asociación de críticos de Nueva York y obtuvo varias nominaciones.

Si le gustan los programas dobles puede verla junto a Dan en la Vida Real donde se presenta una pareja de intérpretes que hace una excelente química Steve Carrel (Vírgen a los 40, El Super Agente 86, Pequeña Miss Sunshine y la hermosísima Juliette Binoche (Tres Colores: Azul, El Paciente Inglés)

Aquí la infelicidad sentimental se debe a la viudez del personaje principal, Dan quien desquita sus frustraciones amargando la vida sentimental de su hija adolescente.

Dan in real life, su título en inglés, es otra fina comedia sentimental dirigida por Peter Hedges. Complementan el reparto John Mahoney, el padre del sicólogo de la serie Frasier y Dianne Wiest, la sicóloga del sicólogo de la serie En Terapia...asi que no se sorprenda si ve una comedia que tiene mucho que ver con la sicología humana.

No se asuste, solo dispóngase a divertirse y a una doble función con sonrisas constantes, serenas y probablemente melancólicas y esperanzadoras sobre que el amor puede irse por un tiempo, pero es la fuerza más devastadora del planeta tierra y siempre acaba por hacerse camino.

93 El Sustituto Changeling

Para el gran público Clint Eastwood era un detective rudo que encarnaba nuestros deseos de venganza contra los sicóticos porque era Harry, el Sucio; para los cinéfilos es un compositor de música y películas, uno de los mejores.

La compañía que identifica sus películas se llama Mal Paso, así, en español y sus películas tienen en común algunas cosas: personajes patéticos, la búsqueda de la justicia, despiertan en el espectador el odio por el que maltrata a un niño y emoción por la justicia, pero sin maniqueismos.

Además tiene otra cualidad, como director de cine y melómano crea atmósferas sensacionales e inolvidables. Ahora piense en Clint Eastwood con una de las actrices más apreciadas de nuestra generación porque no solo es hermosa, interpreta roles de heroina de historieta, sino que además es una mujer buena preocupada por los niños, incluso los que no son suyos, Angelina Jolie.

Esta es la mancuerna que junta las piezas de El Sustituto, película de 2008 y una de las más recientes en el catálogo para México de Netflix, aunque con un problema grave según nuestra experiencia. Si la ve en inglés los subtítulos no están sincronizados, así que es mejor de plano el doblaje en español.

Fieles a nuestra tradición de no contarle la película, podemos sin embargo potenciar su admiración por ella si le contamos que Eastwood logró una extraodinaria recreación de los hechos reales y la caracterización que hace tanto del villano Gordon Northcott como del niño desaparecido Walther Collins es excelente.

Podemos, quizá debamos incluso decirle algo que no se muestra en la película. Gordon era un sujeto al que o su madre desconoció o fue creado por su abuela. En todo caso desarrolló una misantropía que descargaba contra menores de quienes abusaba sexualmente y asesinaba.

La película se centra también en la corrupción de la policía de Estados Unidos, históricamente mucho peor que la de la policía mexicana, a despecho de lo que los anglófilos piensen.

En la década de los 30 una madre soltera en Estados Unidos era tan despreciada como en cualquier país latino. Si su palabra podía ser cuestionada con facilidad por ser mujer ¿que podía ocurrir si además contradecía la de la autoridad?

El Sustituto tiene también un elemento que hay que tener en cuenta: la connivencia entre la corrupción policiaca y la médica. En el sur de Estados Unidos hay casos documentados, ya en el siglo XXI de médicos que han drogado a presuntos delincuentes para ablandarlos en interrogatorios policíacos o matarlos para que no delaten a policías corruptos.

La recreación de época que hace Eastwood es notable, como la mejor del cine de Hollywood, pero esta vez al servicio de una historia para hacernos pensar. Si no lo ha hecho, El Sustituto es una película que DVDverse.

94 Funny Face Cenicienta en París

Cuando vi en el catálogo de Netflix la película Cenicienta en París no fue Audrey Hepburn, de la que había descargado recientemente Desayuno en Tiffanys y Charada, lo que más me motivó; tampoco mi afición por los musicales, sino el nombre del director, Stanley Donen, porque es el mismo de la película más feliz de la historia Cantando Bajo la Lluvia.

Funny Face, esta vez nos referiremos a ella por su titulo original, que es el más afortunado, es una hermosa película cuadro por cuadro.

En el índice de películas más valoradas por los usuarios de Internet Movies Database, no aparece Funny Face a la cabeza de las dirigidas por Donen, están antes las ya mencionadas Charada y Cantando Bajo la Lluvia, junto con Siete novias Para Siete Hermanos; y antes de Un Día en Nueva York, Échale la Culpa a Río y Arabesque.

No la objetamos, pero Funny Face, -la chica de la cara de sol “sunny face”; de acuerdo a la composición de imagen que le hace Dick Avery (Fred Astaire) - por su fotografía, música, actuaciones y canciones es quizá una de las mejores películas, cuadro por cuadro.

Desde la obertura de este musical, en la oficina de la directora de un magazine de modas, incluida la onírica imagen de la revista con movimiento en rosa, pasando por las sucesivas sesiones de Hepburn posando como pescadora o novia, y una secuencia de los protagonistas, paseando por París, hasta encontrarse en la Torre Eiffel; otra de la delgadísima Hepburn con un entallado traje negro, o el baile sobre una balsa, es difícil encontrar una película con tantas secuencias tan bien logradas y tan bien engarzadas para una película perfecta.

Las escenas de baile, siempre perfectamente justificadas en la trama, están justamente distribuidas entre Astaire, Hepburn y Kay Thompson, por cierto esta última, mucho mayor que Audrey, que por esa época no llegaba a los 29 años de edad, falleció en 1998, a la edad de 88 años; en tanto que Audrey murió en 1993, cuando sólo tenía 63 de edad.

El encanto que demuestra Kay Thompson en la película de Donen tuvo pocas oportunidades en su carrera cinematográfica, apenas filmó nueve cintas para la pantalla grande y precisamente Funny Face de 1957, fue la última.

Astaire tiene un solo perfectamente justificado cuando convierte su abrigo en capote, volteándolo por el forro cuando atraviesa una vaca por una calle rural de París; Thompson hace una bella coreografía como directora de la revista con un coro de incondicionales diseñadoras, redactoras y modelos, mientras que Hepburn hace una loca danza en en café existencialista. La película pudo no haberse filmado por la justificada reacción de Astaire, quien no veía como pudiera ser creíble el enamoramiento de una muchacha de 28 con un galán 30 años mayor, pero todo se resuelve dignamente cuando hace mutis para dejar que Jo Stockton (Audrey Hepburn) viva su historia de amor con el filósofo francés.

La gracia de Donen para mezclar edades, bailarines profesionales con aficionados y personajes tan heterogéneos como la vendedora de libros con la editora de una revista de modas, hace que la película se vuelva no solo lógica, dentro de la fantasiosa, sino además de una enorme belleza plástica.Funny Face no ganó los oscares para las que fue nominada, ese año 1958, lo obtuvo El Puente sobre el Río Kwai. Tal vez por eso despues se pensó que no era correcto nominar por igual a las comedias y a los dramas

Pero dentro del argumento hay una sub trama que por ese sólo hecho la haría una de las grandes películas de la historia, la que habla sobre las diferencias entre la simpatía y la empatía que se puede lograr entre personas muy diferentes. Quizá, nada más por esa subtrama, la película sobre el rostro que ilumina como el sol -"sunny face"- la de la bibliotecaria de cara graciosa, "Funny Face", que le da el título, es una de las infaltables en la visión de cualquier cinéfilo que se respete.

Una de las que DVD verse...y por si fuera poco, un argumento más. París es otro de los personajes de la cinta.

Con el apoyo de Wikipedia pero basados en nuestros gustos personales, elegimos…

94 Ahí está el detalle

95 La Vuelta al Mundo en 80 días

96 Caballero a la Medida y

97 Su Excelencia

Como las cuatro mejores películas de Mario Moreno "Cantinflas" de entre la siguiente filmografía integrada por 52 películas y series de televisión filmadas durante 45 años, entre 1936 y 1981:

Cantinflas y sus amigos (1981), Cantinflas (Voz) (serie de animación en color)

El barrendero (1981) — Napoleón Pérez García, barrendero (última película)

El patrullero 777 (1977) — Diógenes Bravo, policía

El ministro y yo (1975) — Mateo Melgarejo, burócrata y evangelista

Conserje en condominio (1973) — Úrsulo, conserje

Cantinflas Show (1972), Cantinflas (Voz) (serie de animación en color)

Don Quijote cabalga de nuevo (1972) — Sancho Panza (coproducción con España)

El profe (1971) — Sócrates García, profesor

Un Quijote sin mancha (1969) — Justo Leal y Aventado, abogado

Por mis pistolas (1968) — Fidencio Barrenillo, boticario

Su Excelencia (1966) — López o Lopitos, diplomático (canciller y embajador)

El señor Doctor (1965) — doctor Salvador Medina (Chava de cariño), médico

El padrecito (1964) — padre Sebastián o Sebas, sacerdote

El extra (1962) — Rogaciano

El analfabeto (1960) — Inocencio Prieto y Calvo

Pepe (1960) — Pepe (Hablada en inglés, coproducción con los Estados Unidos)

Sube y baja (El ascensorista) (1958) — Cantinflas

La vuelta al mundo en ochenta días (1956) — Paspartout (Hablada en inglés, producción estadounidense)

El bolero de Raquel (1956) — Cantinflas, bolero

Películas en blanco y negro

Entrega inmediata (1963) — Feliciano Calloso, cartero y Agente Secreto

Ama a tu prójimo (1958) — Luis

Abajo el telón (1954) — Cantinflas, limpiaventanas

Caballero a la medida (1953) — Cantinflas, sastre

El señor fotógrafo (1952) — Cantinflas, fotógrafo

Lluvia de estrellas (1951) — participación

Si Yo fuera diputado... (1951) — Cantinflas, peluquero

El bombero atómico (1950) — El bombero atómico, el 777, bombero y policía

El Siete Machos (1950) — Margarito/El Siete Machos

Puerta, joven (El portero) (1949) — Cantinflas, portero

El mago (1948) — Cantinflas

El supersabio (1948) — Cantinflas, asistente del científico

¡A volar joven! (1947) — Cantinflas, piloto

Soy un prófugo (1946) — Cantinflas

Un día con el diablo (1945) — el voceador, soldado

Gran Hotel (1944) — Cantinflas, Bell Boy

Romeo y Julieta (1943) — ruletero/Abelardo del Monte-Romeo Montesco

El circo (1942) — el zapatero

Los tres mosqueteros (1942) — Cantinflas/D'Artagnan

Carnaval en el trópico (Fiesta en Veracruz) (1941) — participación involuntaria

El gendarme desconocido (1941) — Cantinflas, el 777

Ni sangre ni arena (1941) — El Chato &amp; Manuel Márquez "Manolete"

Ahí está el detalle (1940) — Cantinflas/"Leonardo del Paso"

Cantinflas y su prima (La prima de Cantinflas) (1940) — Cantinflas (cortometraje)

Cantinflas ruletero (1940) — Baldomero (cortometraje publicitario)

Cantinflas boxeador (1940) — Cantinflas (cortometraje publicitario)

Cantinflas en los censos (1940) — Cantinflas (cortometraje publicitario)

Jengibre contra dinamita (1939) — Bala Fría (cortometraje publicitario)

Siempre listo en las tinieblas (1939) — Chencho Albondigón (cortometraje publicitario)

El signo de la muerte (1939) — Cantinflas

Águila o sol (Cara o cruz) (1937) — Polito Sol

¡Así es mi tierra! (1937) — El Tejón

No te engañes corazón (1936) — "Canti"

La selección de nuestros cuatro ases en la carrera de Cantinflas no es exahustiva porque hay algunas que no hemos podido ver, como es el caso de Pepe, pero procuraremos dar algunas razones.

Al cumplirse en 2011, cien años del nacimiento de Mario Moreno, una de las críticas más frecuentes que se le hicieron es la de haber perdido la esencia de su personaje con las películas a color. Al autor de estas líneas le parece una consideración absurda de críticos snob, pues salta a la vista que por mucho que se hayan conservado las condiciones de pobreza mientras el PRI gobernó a México, era imposible que hubiera la menor credibilidad si el personaje siguiera llevando al hombro un pedazo de jerga a la que le llamara "gabardina", 20 años despues de la llegada del hombre a la luna

Si el gentil lector o la amable lectora de estas líneas quiere convertirse en televidente, podrá ver en el siguiente espacio que el atuendo del Cantinflas original no era nada original, sino la encarnación de Chupamirto, una tira que aparecía en los periódicos. Aquí le proponemos un viaje en el tiempo de 10 minutos y ahorita nos volvemos a encontrar en el Siglo XXI

¿Les gustó? bueno, pues si tienen tiempo les invitamos a hacer otro viaje al Siglo XX, este dura 13 minutos y seguimos dialogando sobre Cantinflas. Si no, sáltense el video y seguimos platicando sobre nuestras favoritas de Cantinflas. Si no tienes descargado el programa te pasamos el enlace para que lo veas directo http://www.youtube.com/watch?v=lvvMNSmkOi8

Si Ahí Está el Detalle, de 1940 nos parece de risa loca, gracias al apoyo de Joaquín Pardavé y Sara García, la siguiente Ni Sangre ni Arena de 1941 francamente es de lo más aburrida. Posiblemente mejoraría con una re edición pero los jaloneos al falso Manolete para que se plante en la plaza, son tan largos y repetitivos que en lugar de risa dan sueño.

Ahí está el detalle tiene su principal clave de humor en los juicios orales, que en la vida real mexicana no se empezaron a instrumentar hasta el 2011. La confesión de un asesinato, que no es el que todos creeen, provoca hilaridad a más de 70 años de distancia.

Trece años después y sin menospreciar las 16 películas que protagonizó entre tanto, nos encontramos Caballero a la Medida, que desde el título tiene un interesante juego de palabras, pues se trata de un hombre cuya ropa sólo sirve para anunciar una sastrería.

El propio Cantinflas intenta complementar sus ingresos haciéndola de sastre, pero sólo cose desastres y estas partes no son precisamente las que causan más risas.

Mucho mejores son las escenas en las que participa con su patiño más constante, el actor español Ángel Garasa, quien representa a un pobre millonario que se encierra a jugar con trenes pues ningun entusiasmo le provoca el papel de proovedor de caprichos de su ñoña esposa y no menos frívolas hijas.

Tres años y cuatro películas después, llega La Vuelta al Mundo en 80 días, con el británico David Niven; y aunque seguramente en nada se parece el mexicano Cantinflas al francés Paspartout, la cinta es testimonial de que el humor latino alcanzaba reconocimiento transcontinental. Solo por este hecho merece incluirse.

Finalmente nuestra quinta seleccionada Su Excelencia, ya lo hemos dicho en este espacio, representa a un Cantinflas contestatario que ya hubiera querido el presidente Felipe Calderón para una representación digna de la política exterior mexicana.

Lopitos, un funcionario que solo puede trabajar media hora al día porque el resto del tiempo la hace de chofer y mensajero del secretario de relaciones exteriores de la República de los Cocos, por

Los colorados, como se nombra a los representantes de los países comunistas, le mandan una "Mata Hari" para intentar convencerlo de que vote en su favor en la asamblea de naciones, en tanto que los capitalistas ni siquiera intentan sobornarlo, porque creen que les basta el chantaje para salirse con la suya.

Cualquier parecido con la abstención de México para que Palestina fuera reconocida en la ONU, desgraciadamente no es pura coincidencia.

Afortunadamente en la ficción, Cantinflas, que cantinflea menos que nunca, habla por igual, mal, de las potencias occidentales y orientales, mientras que los tercer mundistas hacen burla de si mismos ante los países ricos, confesando falsos canibalismos.

Si ni Chaplin escapó de la censura de los críticos snob que le achacaron hablar demasiado en El Gran Dictador, Cantinflas menos, en su Excelencia.

Sin embargo es una película muy equilibrada, incluso hay escenas en las que apenas aparece como ocurre durante el discurso del embajador de Salchichonia, que advierte lo caro que le ha resultado a su país la política de la guerra.

Muchas de estas buenas y malas películas de Cantinflas están en el catálogo de Netflix, por lo que es una buena oportunidad para revisarlas, en el C aniversario (cien) del cómico mexicano, o cuando a usted se le antoje.

98 Annie Hall Dos Extraños Amantes

Para mi amiga Alessandra

Escribimos esta nota más de 25 años después del estreno de Annie Hall, película autobiográfica de Woody Allen ¿y qué creen? sigue tan vigente como nunca.

Es una película de culto, ente otras cosas por la aparición de alguien poco relacionado con el cine, el teórico de la comunicación Marshall Mc Luhanquien aparece detrás de un anuncio en el vestíbulo de un cine para contradecir a un catedrático pedante; escena que culmina con Allen, triunfante, rompiendo la barrera de la pantalla para conversar con el público como si fuera un teatro y diciéndole algo como ojalá que en la vida real las cosas fueran así.

Esa es una de las múltiples líneas sobre las que se puede abordar la película Dos Extraños Amantes como se le tituló en español, la transposición de realidad y ficción, de lo que se piensa y lo que se dice.

Poca gente sabe que el verdadero apellido de la protagonista es Hall, Diane Hall, así es claro que Diane Hall y Diane Keaton son la misma persona, dentro y fuera del escenario. La relación sentimental entre Hall y Woody Allen es conocida por todos los cinéfilos.

En la película, Dianne acaba por enamorarse de un hombre de su tamaño, alto y apuesto. En la vida real se involucró con un galán cinematográfico de esas características, Warren Beaty.

En 1972 Diane había tenido su primer papel inmortal como la novia de Al Pacino en El Padrino, dos años después trabaja con Allen en Play it Again, Sam, que en México fue conocida como Sueños de un Seductor y más tarde colaboran en El Dormilón, La Ultima Noche de Boris Grushenko y finalmente en Annie Hall, de 1975.

Algunos dramas notables después -Buscando a Mr Goodbar y Reds-, Keaton vuelve a trabajar con Allen en otra de sus más prodigiosas y nostálgicas películas Manhatan, de 1979 y más tarde en 1987 en otra de las grandes, Radio Days, Días de radio, aunque en esta solo canta, pues la protagonista era la nueva pareja de Allen, Mia Farrow.

Y para que se vea como cine y realidad se translapan, en Annie Hall, Diane Keaton sueña con Frank Sinatra, con algo relacionado a su miedo a cantar, siente que Sinatra la ahoga, en la vida real Mia Farrow decidió separarse de Sinatra porque este no le permitía actuar.

Para la trivia, Diane Hall, adoptó el apellido de su madre, Keaton, porque ya existía otra Diane Hall, registrada en la Asociación para la Equidad de Actores a la que se unió a principios de la década del 70.

Otra tribia, el American Film Institute tiene una lista con las 100 mejores películas de la historia, Diane Keaton, aparece en más de estas que ninguna otra actriz.

Al final de Dos Extraños Amantes los créditos aparecen sin música, hay una idea que se queda flotando en el ambiente. Un hombre va al siquiatra y le dice "mi hermano tiene un problema grave, se cree foco". Entonces el terapeuta le dice, bueno y por qué no lo trae a mi consulta, yo puedo ayudarle. - Es que entonces no tendría con que iluminarme.

Las relaciones amorosas son una locura, -concluye Allen- pero las tenemos, porque todos necesitamos de alguien que nos ilumine.

99: Smoke

Paul Auster es uno de los mejores escritores del mundo. Uno de sus galardones es el Príncipe de Asturias. Esto se refleja en Smoke (humo) película llena de palabras, co-dirigida por el que retrata la vida cotidiana, llena de pasajes amargos, pero que los protagonistas resuelven sin amargura, exactamente al contrario, con solidaridad, buena voluntad y optimismo.

Waine Wang es el director chino de Hong Kong que aporta la cinematografía a este película esencialmente dialogada basada en las historias de Paul Auster, de quien lo más que se dice es que el azar es la constante de sus argumentos.

Smoke, la película, es tan ligera, volatil, sinuosa y fina como el humo. Como es impredecible la disfrutamos porque no sabemos lo que sigue, vaamos descubriendo a cada personaje en particular después de ver a parte del elenco en su conjunto.

Una escena de Smoke

Junto con las historias en torno a un establecimiento de Nueva York donde se venden cigarros, van apareciendo otras, sábiamente dosificadas, como la de Sir Walter Raleigh quien pudo pesar el humo.

Para ello y esto si se lo podemos contar sin alterarle para nada el descubrimiento de Smoke, si es que no la ha visto, Raleigh se fumó un tabaco y depositó cuidadosamente las cenizas en una balanza, luego hizo la resta del peso de los desechos al cigarro original y pudo entonces calcular el peso del humo con el gramaje que se había perdido.

Smoke es una película llena de charlas y con ellas vamos conociendo historias que no son para nada aburridas, por el contrario, nos embelesan como un cuento. Cinematográficamente uno de los mejores momentos llegará al final cuando el alter ego de Auster, Paul Benjamin, interpetado por William Hurt, recibe el encargo de escribir un cuento de navidad para uno de los mejores diarios de los Estados Unidos.

Paul (Hurt) y August (Keitel)

No tiene idea, pero lo saca del apuro el ex-veterano de guerra "Auggie" Wren (Harvey Keitel) quien le cuenta una historia que termina aproximadamente 11 minutos antes del fin de Smoke. Luego, mientras vemos los créditos nos presentan una escenificación de la historia, a la que Paul ha tomado como una sensacional y cuentística mentira, sólo porque a veces la verdad es demasiado interesante como para darle credibilidad.

Complementan el reparto Stockard Channing, Ashley Judd, Harold Perrineau junior, y Forrest Whitaker en los papeles de Ruby, Felicity, Thomas/Rashid y Cyrus.

Smoke se traduce como humo, o fumar, pero no exactamente, porque le faltaría el prefijo To, que le de el infinitivo en inglés , así que también lo podríamos interpretar como fumada. No le queda mal si consideramos que una fumada suele interpretarse como una fantasía, un sueño de opio o una marihuanada.

Hay en Smoke, un halo de fantasía, historias que nos seducen y nos hipnotizan, por lo que no está mal para describirla así. Smoke es una buena fumada.

100 The Truman Show

El Show de Truman

Situada entre las 250 mejores películas en la Historia del Cine, de acuerdo a Internet Movies Database, The Truman Show debe este mérito, en nuestra opinión, primero al guión de Andrew Nicol, en segundo lugar a la dirección de Peter Weir y luego a las estupendas actuaciones de Jim Carrey y Ed Harris.

A Nicol, guionista neozelandés le debemos otros clásicos del cine como La Terminal (Steven Spielberg, con Tom Hanks en 2004) Gattaca, (dirigida por el mismo, con Uma Thuman e Ethan Hauke) y Lord of War (Un hombre peligroso, con Nicolas Cage, en 2005)

Por su parte Peter Weir, director austaliano, fue conocido en México a partir de Gallipoli (1979) cinta en la que dio a conocer a Mel Gibson y en la que cual hizo una crítica inteligente a la estupidez de la guerra. Weir continuó reflexionando sobre el autoritarismo en La Sociedad de los Poetas Muertos (1989) pero antes ya nos había regalado otra joya sobre la búsqueda de la libertad en El Año en que vivimos en Peligro, de 1983, otra vez con Mel Gibson, acompañado por Linda Hunt y Sigurney Weaver,

The Truman Show anticipó la televisión livestream o de tiempo real que empieza a tomar fuerza en la segunda década del siglo XXI. La película inicia y termina como un falso documental y le da al espectador el placer de ir adentrándose en la trama sin nada previsible.

The Truman Show, es crítica inteligente y todas las escenas ayudan a reforzar el interés. El voyeurismo es algo que compartimos con el señor que ve la televisión desde la tina donde toma un baño, la pareja de policias obligada a monitorear las pantallas en un centro comercial o las meseras de un restaurante.

Todos ellos también están de alguna manera presos y comparten con nosotros, los espectadores de la película, quienes también somos protagonistas, el deseo de libertad. Esto enriquecerá la experiencia de ver The Truman Show, porque de lo que suceda con el personaje interpretado por Carrey podría depender la decisión que los televidentes o teleinternautas tomemos sobre nuestras propias vidas.

Interactividad es la clave de su éxito cinematográfico.

Es sobre todo una reflexión sobre el ser alineados o buscar un camino de libertad y seguramente muchos nos sentiremos identificados y nos hará pensar como en muchos momentos de nuestras vidas parecemos seguir el guión que nos traza el destino, aunque no seamos protagonistas de un espectáculo de televisión.

De hecho la trama que plantean Ed Harris y Jim Carrey es común en varias películas de este último que plantean dilemas filosóficos como la necesidad de mentir, Liar, Liar o Mentiroso Mentiroso, de 1997 o la posibilidad de ser todo poderoso ¡Si Señor! 2008

El rol de Christof interpretado por Ed Harris es realmente uno de los más memorables y la luna artificial que es el centro de operaciones desde donde se dirigue el show de Truman, una de las escenografías más interesantes de las que tengamos memoria como cinéfilos.

Una nostálgica función triple de 1967

101

20 mil leguas de Viaje Submarino

102

The Naked Jungle

Marabunta

103

The Naked Prey

La Prueba del León

Tengo que dedicar al menos unas líneas a esta película de los estudios Disney porque al verla cuando tenía unos seis o siete años inició mi romance con el cine por el resto de mi vida.

Puedo confundir las fechas, pero casi estoy seguro que la vi en el cine Edén, de la calle de Claudio Bernard, en un programa triple, junto con Marabunta, (The Naked Jungle) con Charlton Heston y otra que no había podido encontrar pero que en México se llamó La Prueba del León y trataba de unos cazadores blancos, colonialistas prepotentes que insultaban a un cacique africano. En venganza este les condenaba a morir de forma infame, con excepción de uno al que le daba la misma oportunidad que a un león para que corriera a escaparse.

No sé quién era el programador de ese cine de barrio, el Edén, pero ahora me entero que tanto 20 mil leguas,… como Marabunta habían sido filmadas en 1954. La Prueba del León, The Naked Prey es de 1967, de tal manera que esa debió ser la película de estreno en ese programa triple.

Y es posible que en efecto, la memoria de ese niño de 7 años no me haya traicionado medio siglo después porque sería mucha casualidad que dos películas llevaran la palabra naked. Bien pudo ser ese el criterio del programador para exhibirlas en la misma función.

Una función triple es posible hoy para un cinéfilo en línea, pero completamente ajena la mayoría de los espectadores nacidos después de 1980.

Deseo agregar algo que podría ser interesante para posibles lectores que hayan leído este libro desde el principio y no sólo hayan consultado los artículos sueltos. Había pasado años buscando información sobre La Prueba del León y no la había encontrado, pero cuando lo hice en 2016, no sólo lo logré, sino que el buscador se me anticipo y me ofreció varias opciones de entrada.

Eso me confirma la idea de que hay interés sobre el cine en línea y que este libro que está llegando a su fin puede ser de utilidad para otras personas que traten de recordar una película que marcó y cambió sus vidas, como ocurrió con la mía esa día que llegué con sol y salí de noche del cine Edén. Ya mi papá nos esperaba en el coche a mi mamá y a mí para llevarnos de regreso a casa tras una jornada como espectador infantil que nunca se ha borrado de mi memoria.

102 Julio Verne en el cine o El Planeta de las Apps fue previsto por Julio Verne

En los años 90s cuando por primera vez tuve la oportunidad de escribir profesionalmente reseñas de cine, quise intitular a mi columna en la revista Vanidades, El Castillo de los Cárpatos. La razón es que estaba convencido de que el cine a color, con sonido estereofónico, en tercera dimensión y proyección holográfica, ya había sido descrito por Julio Verne.

Sin mayores detalles, ya que el Castillo de los Cárpatos tiene mucho que ver con el suspenso de lo que ocurre en Transilvania, si el lector tiene a bien conocer hasta el final esta, que no es una de las novelas más conocidas de Verne, podrá comprobar estas palabras.

Les invito a ver como es y será la vida digital en siete años más. ¿Estamos preparados?

Para dar contexto tomo las palabras de Ariel Pérez en su introducción a En el siglo XXIX: La jornada de un periodista americano en el 2889 de Julio Verne

La historia en cuestión, titulada En el siglo XXIX: La jornada de un periodista americano en el 2889, es indiscutiblemente profética, tanto en su contenido como en su tono. A través de la historia se describe el transcurso de un día en la ocupada vida del dueño del periódico más grande del mundo, el Earth Herald, cuyas oficinas radican en una ciudad a la cual se le bautiza como Universal City. Con este argumento inicial Verne es capaz de brindarnos una detallada descripción de este mundo futuro, sus avances tecnológicos, sus relaciones internacionales y sus interioridades sociales.

En este mundo dibujado por Verne podemos conocer los medios de transporte de las futuras generaciones que se auxilian de máquinas tales como: los aerocoches, los aeroómnibus y los aerotrenes, los cuales han sustituido todo tipo de transporte terrestre. Las residencias de los hombres de la época son descritas de la siguiente manera: "...modernas ciudades con calles de cien metros de ancho, con casas de trescientos metros de altura, a una temperatura siempre igual...". Otra de las grandes invenciones que se nos describe está localizada en la existencia de grandes tubos neumáticos instalados a través de los océanos y por los cuales los hombres pueden transportarse a una velocidad de ¡1,500 kilómetros por hora!

Ahora, para visualizar lo que Verne escribió en palabras en 1889, les invito a ver esta producción de Microsoft, el escritor francés sólo tuvo un error, se atrasó por 800 años a lo predicho por él. En la escena inicial vemos a niños de distintos países compartiendo juegos a través de un videomural. En la novela corta de Julio Verne, el editor del Earth Herald se reune a compartir alimentos con su esposa que se encuentra en París, mientras que él se ubica en el equivalente de Nueva York. Ahora observen los lectores que estén leyendo a través de un dispositivo conectado a Internet y si no procuren hacerlo en algún momento

https://youtu.be/Zp-_oUwdSeY

Es tiempo ahora de hacer mención al menos de quien según este redactor cinéfilo pronosticó la videocasetera, el cine a color, estereofónico y holográfico, sin contar con las conversaciones en red a través de teléfonos y televisiones con tamaño natural. Damas, Caballeros y niños, con ustedes las películas basadas en la obra de Julio Verne.

Hasta el 2016, Internet Movies data Base tenía registradas 167 producciones, entre películas, programas de televisión y series, basadas en la obra de Julio Verne

La primera obra fue Viaje a la Luna, de George Melies, estrenada en 1902. Es una de las películas más importantes de la historia. Con ella nacieron los efectos especiales.

Dos años más tarde otro director francés Gaston Velle rinde homenaje a Verne con Un drame dans les airs, Un drama en los aires. Julio Verne aún vivió para ver estas películas, pero hay que rescatar que El Castillo de los Cárpatos fue escrita 10 años antes de la película de Melies, 35 años antes de las películas sonoras; 80 años antes de que el físico húngaro Dennis Gabor recibiera el premio nobel de física por la invención del holograma; y 70 años antes de que Star Trek mostrara lo que iban a ser los teléfonos móviles.

Desde la película de Melies hasta el momento en que se escribe esta nota en febrero de 2016, se ha producido una media de 1.47 obras audiovisuales sobre Julio Verne.

Quizá el único que lo haya superado como autor que inspiró cortometrajes, series de televisión y películas sea William Shakespeare con un total de 1121 créditos, según la base de IMdB, lo que equivale a 9.5 obras al año desde que se realizó el cortometraje Macbeth en 1898.

103 Happy Accidents, Una muy, muy inteligente comedia de amor

Fieles a nuestra costumbre de no contarles la trama, hay sin embargo una frase que puede sintetizar nuestra impresión sobre esta película escrita y dirigida en el año 2000 por Brad Anderson: Una muestra de la estupidez humana empeñada en buscarle tres pies al gato, sabiendo que tiene cuatro.

¿Qué haría usted si una persona le gusta mucho, pero además tiene un sexo estupendo, le hace reír, olvidarse de sus problemas y no sólo le dice que le ama como nunca amó antes sino que además se lo demuestra?.

Pues lo que hará Ruby Weaver (Marisa Tomei) es contarle sus dudas a todo mundo, creerle más a su psicóloga que a su amado, buscar todas las excusas posibles de porque no puede ser feliz, arriesgar su vida, dejar de lado todos los consejos prudentes; eludir las opiniones de quien realmente quiere que ella y su pareja sean felices, preferir las pruebas circunstanciales a las evidencias tangibles y todo porque...porque así somos los seres humanos, genéticamente inadaptados para creer en la felicidad perfecta.

No le vamos a decir si hay o no razones para la duda, eso es parte de la historia que usted debe descubrir. Y no importa si el final es coherente o no con la historia, aun así al final muchas personas que desconfían de la fantasía van a tener una interpretación que puede ir de acuerdo a la desconfianza de la protagonista en la historia que le contaron.

104 La leyenda del Tesoro y 105 El Mural (de Siqueiros)

México está pasando por un momento de leyenda en el Cine.

Solo asi se puede explicar el estreno simultáneo de dos cintas de géneros casi inexplorados por la industria nacional, una de aventuras infantiles y la otra que retrata a uno de los personajes más interesantes del arte mexicano, en este caso David Alfaro Siqueiros.

La primera es mexicana con un un actor protagonista extranjero, John Rish Davies, la segunda es más argentina que mexicana; pero el protagonista es uno de los actores mexicanos más conocidos de los últimos 20 años, Bruno Bichir.

En la infantil, también hay un Bichir, pero este es José Ángel e interpreta al Deik, un malandro que hace negocio asaltando a niños de una escuela pública.

Pero vayamos por partes.

Lo único que le reprocharíamos a La Leyenda del Tesoro es que haga pasar el Museo Interactivo de Economía ubicado en la calle de Tacuba de la Ciudad de México, como el Museo de la Independencia, en Guanajuato. Fuera de eso es una perfecta película infantil, con niños que son verdaderos protagonistas y verdaderos actores, no como los de Televisa y su espectáculo de "pequeños gigantes".

Es una película de acción constante y creible, que rescata elementos reales de la historia de México, con persecuciones entretenidas, luchadores enmascarados, fantasmas, amor adolescente y un niño sabiondo que se ha aprehendido las lecciones más útiles de la wikipedia, sin descuidar la tecnología.

Es una película que retrata la fotogenia del centro histórico de la Ciudad de México y el de Guanajuato, los problemas reales de los niños descuidados por padres que trabajan, con la frescura que en su momento tuvo Temporada de Patos, pero mucho más movida.

Hay también mensajes sobre el crímen que no paga, sobre el valor de la solidaridad y de la familia y muchas cosas más. Claro que es muy difícil que una sola película cambie los valores de las rosas de guadalupe, shows seudoreligiosos y seudoconflictos familiares que tanto le gustan a los productores del duopolio; pero por algo se empieza.

La Leyenda del Tesoro no le tuvo miedo al nombre que ya uso Disney para La Leyenda del Tesoro Perdido, pero es igualmente entretenida con la ventaja de que en la mexicana los actores son de la misma edad que los espectadores para los que está pensada.

La Leyenda del Tesoro es una película de calidad exportación. Idónea para el mercado latinoamericano y que podría gustar también a los estadounidenses pues no palidece ante produciones ochenteras como Los Goonies.

Mejor que muchas de las cintas estadunidenses con adolescentes bobas que cantan con cualquier pretexto, La Leyenda del Tesoro está dirigida a un público no solo de adolescentes, sino de niños desde los 7 años, a quienes se las recomendamos ampliamente, igual que a sus papás o a sus tíos.

En esta época de linternas verdes y capitanes américa, cargadas de ideología sobre el super hombre estadounidense y ajenas a quienes no son fanáticos de las historietas de Marvel o DC COMICS, si tiene la oportuinidad de elegir, ya sea como padre o como tío, no dude por optar por la mexicana. No será cuestión solo de economía, nacionalismo o de apoyar lo que el país produce, es porque artística y humanísticamente es la que mejor conviene.

La leyenda del Tesoro

Entre tanto el tono de político de los setentas que adopta Bruno Bichir para interpretar a David Alfaro Siqueiros, podría parecer exagerado si no supiéramos que de verdad el muralista mexicano era un ser intenso, tanto como para haber atentado contra León Trotsky o pelear con los republicanos en la Guerra Civil Española.

El Mural (de Siqueiros en la promoción mexicana) es una producción con la que Argentina celebra el bicentenario de su independencia. Es el retrato de una época completa y no solo la que corresponde en modo y circunstancia a la sociedad sudamericana.

Natalio Botana, como Hearst en Estados Unidos, era un hombre tremendamente rico pero de convicciones sociales razón por la cual llegó a vender un períódico por cada 10 habitantes de la Argentina.

Por su parte Siqueiros, como Diego Rivera para Rockefeller, decidieron pintar para hombres extemadamente ricos, contradiciendo el espiritu de los muralistas comunisras, pues sendas obras fueron condenadas a no ser vistas.

Es además un filme que acompaña el verdadero rescate del mural, manera en la que la doctora Cristina Fernández de Kishner, presidenta de Argentina, celebró sus fiestas patrias y no con una estúpida estela construida con materiales importados, como ocurrió en México.

El Mural dirigida por Héctor Oliveira es una película musical y fotográficamente hiperestética, con personajes bien complejos, entre los que figuran el mujeriego de Pablo Neruda y una periodista llamada Salvadora.

En ambas películas hay que rescatar el trabajo musical grabado y encomendado a estudios mexicanos.

Estamos de plácemenes, en este país en el que hay muy pocas cosas que celebrar, dos películas con géneros casi inéditos para el cine mexicano, fueron puestas en cartelera, casi en forma simultánea, en la segunda semana de agosto de 2011 (Ramsés Ancira)

Películas de Tavernier 106 Un domingo en el Campo 107 La Hora de la Verdad

Una de las películas más felices que recuerdo es Un domingo en el Campo, 1984, de Bertrand Tavernier.

La sencillez, extrema, no tiene más argumento que el de un hombre ya muy mayor que va a morir, pero antes recibirá la visita de una hija adorable.

Tavernier está ahora recopilando las mejores películas francesas que han caído en el olvido, sobre todo del género llamado Film Noir, de espías y antihéroes

Una de estas, con guión de Edgar Morin

En el Cine el filósofo francés, consultor de la UNESCO es también una leyenda por haber escrito el argumento de La Hora de la Verdad, basada en la historia real de un nazi que se hizo pasar por judío para salvarse de los Juicios de Nuremberg. En esta película como en ninguna otra se da a entender como cambia el punto de vista cuando estás en los zapatos de otro. ¿Es el hombre producto de su circunstancia?. El filme, de 1962, no se estrenó en París porque el productor quebró, sin embargo los que lo conocen lo consideran uno de los 100 mejores de la historia.

Tavernier es también uno de los mejores directores franceses, por lo que esta vez nos permitimos reproducir su filmografía para los seguidores de Cartelera DVD

En el centro de la tormenta (2011) Director

La pequeña Lola (2005) Director, Guionista

Mi padre (2002) Guionista

Salvoconducto (2002) Director, Guionista

La Fille De D'artagnan (2000) Director

Hoy empieza todo (1999) Director, Guionista

Capitán Conan (1996) Director

La hija de D'Artagnan (1994) Director

Ley 627 (1992) Director

Daddy nostalgie (1990) Director, Guionista

La Vida y Nada Mas (1989) Director, Guionista

Alrededor de la medianoche (1986) Director, Guionista

Un domingo en el campo (1984) Director, Guionista

Corrupción-1280 almas (1981) Director, Guionista

Una semana de vacaciones (1980) Director

El juez y el asesino (1975) Director

El relojero de San Paul (1974) Director

El relojero de Saint-Paul (1974) Director, Guionista

La princesse de Montpensier Director, Guionista

El estado de Florida contra J.J. Martínez Director, Guionista

108 Películas de y sobre Ingmar Bergman

La lista a continuación corresponde a la fundación Ingmar Bergman. Conservamos los nombres en su idioma original, a fin de que el lector pueda encontrar más referencias si las desea en esta página http://ingmarbergman.se/

Images from the Playground (2009)

Saraband (2003) Video

Faithless (2000) Video

In the Presence of a Clown (1997) Video

Private Confessions (1996) Video

Harald & Harald (1996)

Sunday's Children (1992)

The Best Intentions (1991)

Gotska Sandön (1987)

Karin's Face (1986)

The Blessed Ones (1986)

Document Fanny and Alexander (1986) Video

After the Rehearsal (1984)

School for Wives (1983)

Fanny and Alexander (1982) Video

Sally and Freedom (1981)

From the Life of the Marionettes (1980)

Fårö Document 1979 (1979)

My Beloved (1979)

Autumn Sonata (1978) Video

The Serpent's Egg (1977)

Paradise Square (1977)

The Dance of the Damned Women (1976)

Face to Face (1976)

The Magic Flute (1975)

Scenes from a Marriage (1973) Video

Cries and Whispers (1973) Video

The Touch (1971)

The Lie (1970)

Fårö Document (1970)

A Passion (1969)

The Ritual (1969)

Shame (1968)

Hour of the Wolf (1968)

Stimulantia (Episode "Daniel") (1967)

Persona (1966) Video

All These Women (1964)

The Silence (1963)

A Dream Play (1963)

Wood Painting (1963)

Winter Light (1963) Video

Pleasure Garden (1961)

Through a Glass Darkly (1961) Video

The Devil's Eye (1960) Video

The Virgin Spring (1960) Video

Storm (1960)

The Magician (1958) Video

Rabies (1958)

Brink of Life (1958)

The Venetian (1958)

The Minister of Uddarbo (1957)

Wild Strawberries (1957) Video

Night Light (1957)

Mr Sleeman Is Coming (1957)

The Seventh Seal (1957) Video

Last Couple Out (1956)

Smiles of a Summer Night (1955) Video

Dreams (1955)

A Lesson in Love (1954) Video

Sawdust and Tinsel (1953)

Summer with Monika (1953) Video

Waiting Women (1952)

Bris Soap Commercials (1951)

Divorced (1951)

Summer Interlude (1951) Video

High Tension (1950)

While the City Sleeps (1950)

To Joy (1950)

Thirst (1949)

Prison (1949)

Eve (1948)

Harbour City (1948)

Music in Darkness (1948)

Ship to India (1947)

Woman Without a Face (1947)

It Rains on Our Love (1946)

Crisis (1946)

Torment (1944

109 X Men, First class Hombres X, Primera Generación

Con tantas películas que está sacando Marvel en la II década del Siglo XXI, no cabe duda que ya hay de primera y segunda categoría, entre las primeras figura sin duda Iron Man debido a la excelente actuación de Robert Downey JR, y la precuela de la serie Hombres X, Primera Generación, donde con una muy bien construida historia sabremos los orígenes de Magneto y el Profesor X.

Hollywood, lo sabemos, es la principal industria de Estados Unidos y si su economía está en pésimos momentos, con un presidente Barack Obama luchando contra la autodestrucción que promueven los republicanos para hacer que los ricos sean cada vez más ricos y la gente común tenga menos beneficios, la industria del cine tiene que echar mano de todos sus recursos para salvar al país, esos recursos incluyen a los super héroes de ficción.

Gente como uno ¿o no?

Tan válida es la tesis que incluso uno de los personajes importantes de Los Hombres X, Primera Generación, es ni más ni menos que el presidente John F Kennedy, y el telón de fondo la crisis de los misiles en Cuba, cuya primera víctima va a ser ni más ni menos que el profesor Charles Xavier

Los antecedentes son, de tal manera importantes, que incluyen médicos nazis, como explicación del comportamiento del jefe de los villanos. Magneto, que es uno de los villanos de la serie, está fuertemente inspirado en el Capitán Nemo, protagonista de 20 Mil leguas de Viaje Submarino, de Julio Verne.

Esta cinta incluye uno de los asesinatos de venganza más originales del cine. No le diremos más que tiene que ver con el dinero nazi. También una frase muy aplicable a los soldados israelíes que torturan a los palestinos con la justificación "sólo cumplen órdenes"

Hombres X, Primera Generación, es una película que combina acción, efectos especiales y excelentes actuaciones dirigidas por Matthew Vaughn, tanto de Michael Fassbender como de James McAvoy, que son precisamente quienes encarnan al niño judío, tatuado en un campo de concentración, que más tarde se convertirá en Magneto. y al profesor que ha de liderar a los mutantes, todavía con pelo y caminando.

Héroes y villanos son personajes multidimensionales, así que entre linterna y flecha verde, el Capitán América, Hulk y otros héroes encarnados desde el cómic, los personajes sustraidos de Hombres X, Primera Generación, parecen estar a la cabeza de todos, incluidos los de películas de la misma serie.

110 Del Brazo y por la calle

Como un brazo gangrenado que me mata pero que no puedo apartar de mí

Esa es la frase que describe la magnitud del drama Del Brazo y por la Calle, teatro filmado con la dirección de Juan Bustillo Oro, la participación de solo un actor, una actriz, un narrador y otra protagonista muda a la que se le da un crédito inusual: la Ciudad de México.

Teatro filmado que dice tanto por los diálogos como por los silencios. Las escenas filmadas en Tlatelolco no tienen nada que envidiarle a los grandes suspensos de Hithcock y la cámara subjetiva con el tren que que se acerca a Marga López es seguramente la mejor empleada desde que los hermanos Lumiere exhibieron los primeros tranvías filmados al auditorio de un café parisino.

Edificios sobresalientes de Polanco y la residencia de las calles de Puebla y Orizaba, en la Colonia Roma, son imágenes reconocibles para los espectadores, medio siglo después de su filmación, en una época en la que Manolo Fábregas y Marga López rondaban los 35 y los 32 años respectivamente, estaban en la plenitud de sus carreras actorales y protagonizaban una película que tiene mucho del neorrealismo italiano; un tono azuloso de las películas de Alain Resnais y un suspenso visual completamente Hitchcock.

Drama clásico con una anti heroína estilo Madame Bovary, a la que muchos, sobre todo espectadores masculinos, pueden odíar, pero que por fortuna no fue ese el sentir de su autor, Bustillo Oro, quien no cayó en el romanticismo idealista, pero si remató su filme con una luz de esperanza en una calle abierta.

Están ahí todos los elementos de los grandes dramas románticos, la diferencia de clases, el cuestionamiento sobre la dignidad y la sobrevivencia, el orgullo del macho herido, el hembrismo de la mujer que pide que su destino sea decidido por el hombre al que traicionó; la celestina que sabe por dónde está el camino para vulnerar las defensas del cuerpo que ella quiere comercializar.

Del Brazo y por la Calle, tal como Cuando los Hijos se van, del mismo director, son dramas intensos y sobresalientes porque el director no juzga, retrata. La tortura que viven sus personajes es tan intensa como la del Raskolnikov de Crimen y Castigo, pero afortunadamente Bustillo Oro es mexicano y su compasiónes mucho más profunda que la de los autores rusos o franceses. Basta decir que Marga López no ha de terminar con la lengua azul por el arsénico, como si ocurre con su homóloga francesa, la señora Bovarí.

111 Así se quiere en Jalisco

Así se quiere en Jalisco

sin recelo ni doblez

se quiere como es debido

como manda la honradez.

¡Ay de aquel que busca ruido

porque lo halla sí señor!

Los amores de Jalisco

nada más los rompe Dios.

Que no mire a sus mujeres

con miradas atrevidas,

porque entonces

¡ay señor! ellas tienen

quien las cuide

quien por ellas de la vida

sin alardes ni rencor.

Por acá en Guadalajara

el amor no es cosa rara

pues para eso es el amor

pero una hembra cuesta cara

y las de Guadalajara

siempre tienen un fiador.

Así se quiere en Jalisco

sin recelo ni doblez

se quiere como es debido

como manda la honradez.

La letra de la canción pocas veces está tan relacionada a la trama de una película como en el caso de ¡Asi se quiere en Jalisco! dirigida en 1942 por Fernando de Fuentes y estelarizada por Jorge Negrete, Maria Elena Marqués y Carlos López Moctezuma. aunqe a este último se le niega el crédito en varias de las fichas técnicas que aparecieron en Internet, previa a la que tiene ante sus ojos.

Al ver esta película a casi 70 años de su producción, no puede dejar de pensarse en el deterioro que tuvo el país en ese tiempo. Y no es que todo tiempo pasado fuera mejor, pero mientras en la cinta se ve a un Jalisco en el que los protagonistas hombres y mujeres son "de una pieza", incapaces de doble moral y a los que las condiciones económicas no limitan para cumplir con un código de honor, para la primera década del Siglo XXI 0, muchos jalisciences, incluso empresarios tequileros, tenían que pagar cuotas al crimen organizado.

En esta ficción de 1942, y no tenemos que dudar de su equivalencia en la vida real, un hacendado (López Moctezuma) recibe amenazas del rival en amores (Jorge Negrete) quien dice que le va a quemar el rancho. En pocos minutos un destacamento militar es enviado a detener al presunto incendiario con una eficiencia que es casi imposible de lograr en el México del 2011.

Más allá de las coyunturas históricas, la historia narrada por De Fuentes representa un caracter medieval con juglar incluido. El poderoso utiliza su fuerza para seducir a una mujer (María Elena Marques) pero hasta cierto límite, pues parte del orgullo masculino consiste en reconocer la derrota.

De Fuentes hace un prototipo del jaliciense que perduraría décadas en la imagen asociada a los mexicanos en el cine, ella y él serán personas cabales; el no se rendirá ante el poderoso cualquiera que sean las consecuencias y ella no se dejará seducir por el dinero.

No faltan sin embargo el sevillano pícaro, convenenciero, tendero y tramposo (Florencio Castelló, más conocido por la voz del felino en el doblaje de Jinks para la caricatura Pixie y Dixie y el cuervo de Dumbo) la cocinera solterona (Dolores Camarillo) dispuesta a cualquier truco para pescar marido y un personaje extraodinario que hace magistral a la película De Fuentes un trovador que hace las veces de periodista y enlaza escenas de la historia.

Fieles al estilo de esta cartelera de no contar la historia, no podemos sin embargo dejar de anotar la escena en la que el personaje del trovador decide que de ninguna manera va a dejar de decir la verdad aunque le cueste el exilio, mientras que el patrón tendrá que aceptar que es menos deshonroso para él dejarle criticarlo, que dejar sin tierra a un anciano.

Es entonces que el también guionista Fernando de Fuentes nos hace sentir su gran diseño de personajes, excentos del maniqueismo de otras películas del cine latinoamericano.

Es por estos prototipos que es fácil entender porque nuestras películas mexicanas eran tan apreciadas desde América Latina hasta la antigua Yugoslavia, nación esta ultima donde las filas formadas por compradores de boletos daban vuelta a la esquina de los cines, desde las películas de Jorge Negrete en los 50s, hasta las de El Santo en los 70s, segun narraba el periodista Djuka DjuLius.

No es pues solo cinefilia lo que debe conducirnos a ver ¡Así se Quiere en Jalisco! Es también un acercamiento al retrato del ser mexicano, con virtudes y defectos. El padre de la muchacha guapa es un hombre que poco se va a fijar en los riesgos que ella tome, si así paga la hipoteca de la casa sin tener que volver a trabajar; el hacendado se refugiará en el dinero como arma de conquista; el poder judicial simulará un juicio justo, aunque bien saben que deben sus puestos a los oficios del rico del pueblo y no van a dejar de mamar del presupuesto público por bien que les caiga el mariachi.

La apoteosis de la cinta no ha de producirse al final, sino apenas a la mitad. No veremos cumplir el sueño de la muchacha de salir de su casa vestida de blanco mientras repican las campanas de la iglesia. De hecho no tenía necesidad de haber pasado por toda esa historia a punto de tragedia, solo que la protagonista estaba atada a una idea de "cómo deben ser las cosas" y por forzar a la realidad, un homicidio está a punto de cometerse, un homicidio que solo puede ser evitado con un suicidio.

La tragedia griega no ha de consumarse porque De Fuentes ha decidido hacer una comedia y porque al igual que en otras de sus cintas, El Compadre Mendoza, El Prisionero 13, por mencionar dos de ellas tiene compasión por sus personajes. Para acabarla de alegrar, ha ´sustraido a Jorge Negrete del reducido público de la opera, para traerlo a cantar, no mucho pero suficiente, en esta cinta que fortalece un género clasico mexicano, la comedia ranchera

La película se puede ver en este enlace: http://www.mexicoencanarias.com/cineteca/cine.php?a1=23

ANEXO Y EPÍLOGO DONDE VOLVEMOS AL PRINCIPIO

Plataformas de Cine en Línea

Como la intención de este libro no ha sido que se lea de principio a fin, sino como la rayuela de Cortazar, que cada quien fuera eligiendo lo que le fuera conveniente, repito en esta conclusión lo que escribí al principio, no solo por lo bien que quedan para mi gusto las historias que concluyen por donde empiezan, sino por cortesía para todas aquellas gentiles lectoras y galantes lectores que se hayan saltado el principio.

No me disculpo por haber mencionado tantas veces en forma a veces involuntaria, pero otras no, la plataforma Netflix. He citado las referencias que tienen que ver con México y esto ha sido un acierto si se toma en cuenta que cuando hablo de películas producidas en otros países, generalmente alcanzan solo unas decenas de vistas, mientras que las películas mexicanas generalmente reciben a cientos de lectores.

Esto me hace pensar sin duda alguna que hay un público ávido de información sobre películas mexicanas. Con esto seguro abro la competencia para que muchos divulgadores de la historia quieran temar el cine como temas de sus trabajos universitarios o de divulgación

No sé en qué año de principios del Siglo XXI recibí una encuesta en línea donde me preguntaban que me parecería ver películas almacenadas en un servidor lejano, sin necesidad de tener una conexión en Internet. Bastaba, me decían, un aparato de videojuegos como WIX.

Por entonces Internet era una herramienta para el trabajo, no se me había ocurrido esclavizarme haciendo investigaciones en línea. Probé Netflix y me fascinó. Cuando por algún motivo quedaba sin fondos en la cuenta y no podía lidiar con los sistemas de televisión de cuota, vivía una verdadera pesadilla, no sólo llamaban para cobrarme la cuenta, sino que generalmente lo hacían con insultos y amenazas. No excluían ironías como que para qué me comprometía con algo que no podía pagar.

Había unos más amables que otros, debo decir que nunca recibí queja de Multivisión, entre otras cosas porque, supongo, no tenían un sistema suficiente de pago, y de todas maneras teníamos que soportar una tanda de comerciales que hacía que el servicio se pagara por sí mismo.

La peor pesadilla fue Total Play. Ya de por sí tenía prejuicios porque durante 45 días trabajé en Televisión Azteca, en lo que ellos llamaban Proyecto 40, y me representó una tortura sicológica sin precedentes en toda mi historia de reportero.

Para empezar, si querías cobrar tenías que comprometerte con una especie de tienda de raya. Si querías cobrar tu quincena tenías que inscribirte a una empresa de nómina de Salinas Pliego en Monterrey.

El transporte público al Ajusco, generalmente produce nauseas. El estacionamiento es muy limitado y cuando algún empleado cae de la gracia, primero le sacan el auto a la calle y luego le anuncian que está despedido.

Si hay una lista de los mejores lugares para trabajar en México, sé que Televisión Azteca debe ser una de los peores, quizá con excepción de algunos puestos ejecutivos. En cualquier país civilizado bastaría con exigir que se cancele la suscripción a Total Play. Aquí no es el caso, primero le pedirán cosas tan absurdas como preguntar el último color de calzones que usó su abuelita, que recogerle el equipo, y mientras tanto el precio metro sigue subiendo.

Netflix, hay que reconocerlo, representó en su momento un oasis. Pagaba la quinta parte que en Total Play, cuando se me acababa el prepago, me mandaban un gracioso mensaje “Houston tenemos un problema” y si meses después reanudaba el servicio me daban las gracias y me hacían sentir como parte de una familia.

Esto no es un comercial, quiere ser un aviso oportuno para todos aquellos que están recibiendo llamadas desde las 7 de la mañana hasta las 11 de la noche, en su domicilio y sus teléfonos celulares, exigiéndoles pagos de un servicio que no solo ya no quieren, sino que aborrecen.

El que pega primero pega dos veces, hoy la plataforma de transmisión en línea lleva una larga ventaja en precio y calidad de transmisiones, pero sin embargo ya es insuficiente para dar cabida a tanto talento y propuestas en el mundo entero.

Documentales, obras de arte, series extranjeras, cortometrajes, animaciones…incluso grandes película afamadas se pueden ver en plataformas como You Tube sin que nadie las objete. Los creadores amamos y necesitamos recibir dinero por nuestro trabajo como cualquiera; pero también es cierto que nuestras producciones tienen una vigencia comercial limitada.

Todos los días se suben a las redes sociales miles de nuevas producciones. Competir con ellas es casi imposible, sobre todo cuando ya hay cámaras y programas de edición que caben en el espacio de un teléfono móvil

Este libro puede herir susceptibilidades a personas sensibles

Cuenta una de las leyendas del Cine que Emilio “El Indio Fernández” huyó en busca de trabajo a Hollywood, pero enterado de la necesidad de Adolfo de la Huerta de tener gente de confianza, quiso regresar, sin embargo el expresidente le reviró: México no quiere ni necesita más revoluciones, Emilio. Tú estás en la meca del cine, y el cine es la herramienta más efectiva que los humanos hemos inventado para expresarnos. Aprende a hacer películas y regresa a nuestra patria con el conocimiento. Haz nuestras películas y así podrás expresar tus ideas de manera que lleguen a miles de personas». La cita es de Wikipedia y está tomada de este enlace, consultado el 7 de febrero de 2016 http://www.rebeldemule.org/foro/monograf/tema4442.html

El autor de este libro, como muchas de las personas ligadas al arte y la cultura entra dentro de la categoría de los progres. No es una persona unidimensional, y en una de estas de sus múltiples dimensiones dejó un trozo de su piel y de su sangre para pertenecer a la comunidad judía. Una de las razones que le dieron para convencerse es que los musulmanes practicaban el mismo rito siendo ya adolescentes.

De manera que si la circuición lo hacía igual a judíos y árabes, nada tenía de objetable volverse parte de etas comunidades altamente discriminadas, por el contrario el cine es para hermanar a los hombres. A lo que quiero llegar es que aunque he procurado eliminar al máximo los estropeos, los spoylers que les llaman en la jerga, no he querido en cambio dejar de plasmar mis convicciones políticas, las más notables mi convicción de que el Partido Revolucionario Institucional es un eufemismo para referirse a una organización de crimen organizado que con el apoyo del Partido Verde intenta expoliarnos de minerales y metales preciosos en Chiapas, y que el sionismo, una palabra santa que alguna vez significó amor a la tierra y libertades iguales para todos, se ha transformado en otra cosa a la que podríamos llamar SioNazismo.

Creo que esto bastará para perder desde ahora al 90 por ciento de mis lectores potenciales, pero si hay un 10 por ciento que permanezca, bienvenidos a este peqeño club de cinéfilos que aman y comparten ideas de cine.

Si han tenido la paciencia de seguirme hasta aquí: una pequeña selección e plataformas de cine en línea. La razón para transcribir el enlace completo es para que pueda transcribirla, cuando esté en línea

https://www.cinepolisklic.com/

https://www.filminlatino.mx/ http://shop.myfrenchfilmfestival.com/customer/account/login

https://mubi.com/about

https://www.netflix.com/mx/

Como ejemplo le presentamos este enlace que no hemos podidido desvincular Pero cuidado, hay plataformas que a pesar de ofrecer servicios gratuitos; pueden estar relacionadas con sitios para robar información, personal. Si a alguien admiramos en este afán de compartir la cultura en línea es a Aaron Swhwartz, víctima de la justicia de Estados Unidos por combatir la ley SOPA y el sistema Creative Commons, pero no debemos ignorar los riesgos y tratar de elegir plataformas que compartan a precios razonables su trabajo de infraestructura.

Un pilón de películas

Bueno, seamos sinceros, hay películas que jamás podremos ver en casa, ya sea porque necesitamos de un grupo que se ría con nosotros, o porque son tan extensas que no verlas en una sala de proyección, para las que fueron concebidas, les hace perder su esencia. Como sea son películas de culto a las que deseamos dedicarle una sección especial en este anexo.

Por sus imprecisiones históricas, propensión a poner canciones en cualquier momento aunque no vengan al caso, o sus francas licencias poéticas, vamos a enlistar aparte estas películas que si bien no son imprescindibles, merecen estar, por divertidas en esta selección.

Algunas están aquí por inverosímiles, otras por bizarras o por desvergonzadas. Una de ellas, la Condición Humana, sin duda es una obra maestra pero dura más de 10 horas, lo menos que se puede decir es que es una película fuera de serie y por lo mismo tal vez sea muy difícil encontrarla en línea; otras por desapegarse por completo a la verdad histórica, lo que no les quita lo divertidas. Otras alientan la opinión, películas no tan comunes que alientan la controversia y la discusión entre cinéfilos.

O considérenlas películas que no son imprescindibles pero si bizarras o muy entretenidas. No aptas para snobs, bajo su propio riesgo. Por ejemplo no nos hacemos responsables si le parece bizarro ver al “chicote” levantándose sin piernas para entonar al himno nacional.

En México hay una vieja tradición de regalar siempre un extra a quien nos favorece con su compra.

Va pues nuestro pilón.

A) Mexicanos al Grito de Guerra

Esta película es patrimonio de los mexicanos. En su realización se conjuntaron tres grandes talentos representativos de nuestra cultura: Pedro Infante, Lázaro Cárdenas e Ismael Rodríguez. La dirección corrió a cargo de un personaje menos famoso pero igualmente trascendente, Álvaro Gálvez y Fuentes, responsable de la calidad de la televisión mexicana en sus primeros años, creador de la telesecundaria y primer director audiovisual de la Secretaría de Educación Pública.

Puedes localizarla en este enlace http://www.youtube.com/watch?v=pTSEYIqsS74

B) Presunto culpable, una bofetada a la censura

No recomendaríamos verlo en línea, a menos que sea imposible recompensar con nuestro pago en taquilla a los creadores. Finalmente los verdaderos activistas sociales están más interesados en la denuncia que en la ganancia. Aquí está una opción para demostrar que la censura es imposible;

http://alt1040.com/2011/03/presunto-culpable-completo

Con este recurso pretendemos darle una bofetada virtual a quien quiera que le haya pagado a un muchacho analfabeta para intentar censurar el encueramiento del poder judicial corrupto en México

C) Calabacitas Tiernas

Aunque este es el nombre más popular de la película, el título que se le puso en pantalla es el de ¡Ay que bonitas piernas!, y aunque no son precisamente espectaculares ni las de la cubana ni las de la brasileña que participaron en la película, el rostro angelical de la argentina avecindada en México, Rosita Quintana dio para que se le considere una de las 50 mejores películas en la historia del cine mexicano.le puso en pantalla es el de ¡Ay que bonitas piernas!, y aunque no son precisamente espectaculares ni las de la cubana ni las de la brasileña que participaron en la película, el rostro angelical de la argentina avecindada en México, Rosita Quintana dio para que se le considere una de las 50 mejores películas en la historia del cine mexicano.

Trompudo, bocón (varias veces enseña las muelas en sus muecas) delgado y de ojos verdes, Germán Valdés , entonces de 43 años, representa a un hombre de 25, según se informa cuando lo busca la policía. Rosita Quintana tenía 23 años en la vida real. Ella tiene el papel de una simpatiquísima sirvienta, nunca enseña las piernas, ni hace falta.

Las películas musicales, que mucha gente detesta y otros adoran, están dignamente representadas en esta joya del cine mexicano, donde hay un número de samba que es una verdadera oda a la alegría con sabor latinoamericano.

Una de las características de Germán Valdés es que siempre que pudo ayudó y fue ayudado por sus hermanos: Paco Miller, medio hermano mayor fue quien lo impulsó como actor en las compañías que recorrían en país. Ramón Valdés, quien posteriormente aparecería como Don Ramón en la serie de El Chavo del Ocho y Manuel Valdés, tienen papeles secundarios en esta película, aunque hay que ponerse muy listos para identificar a El loco , pues aparece brevemente, con todo el pelo, como cobrador, en una de las escenas finales.

D) La condición humana

Decir que La Condición Humana es una de las películas más grandes de todos los tiempos no es sólo por su duración, cercana a las 10 horas divididas en seis capítulos de casi una hora y media. Es una gran película por su feroz crítica a los ejércitos de todo el mundo; pero en particular al japonés; por su mensaje pacifista; por su retrato de la condición humana en toda su grandeza y toda su miseria, porque es al mundo oriental, lo que Los Miserables (Víctor Hugo) o La Comedia Humana (Balzac) al occidental.

Como muchas de las grandes películas de la historia mundial. esta también está basada en una obra literaria: los guionistas son Masaki Kobayashi -quien también la dirige magistralmente- y Zenzo Matsuyama, inspirados en la novela homónima de Jumpei Gomikawa, la que podemos asegurarle sin temor ni recato que nada tiene que pedirle a La Guerra y La Paz (León Tolstoy).

Esta cinta, presentada sin cortes los sábados de octubre de 2010 en la Cineteca Nacional, de las 11 de la mañana a las 20:30 horas, es realmente muy difícil de conseguir, pero no podemos dejar de consignarla en una antología del cine de culto como la que se ha formado en esta cartelera DVD.

Es necesario resaltar la convicción antifascista e incluso pro-socialista de sus autores, lo que resulta poco relacionado con la cultura japonesa, sobre todo tratándose de un imperio. Aunque solo los "cinéfagos" podrían aguantar una proyección de esta naturaleza en forma continua, no está de más, si es posible, recomendar verla en días consecutivos.

En tiempos en los que había más tiempo para el cine, y que podemos recordar los que vivimos la primera mitad del Siglo XX, algunos presenciamos funciones de hasta tres películas y los programas dobles no nos eran extraños.

Por eso no debe extrañarnos que en 1959 se haya logrado una película de casi 600 minutos, que ahora sólo se puede ver en formato digital.

No es parte del estilo de este cuaderno de cine detallar los créditos técnicos, pero en esta ocasión por supuesto que vale la pena para que el cinéfilo cuente con el mínimo de referencias indispensables si decide buscar esta película, a la que calificamos como verdaderamente extraordinaria, ya que el 10 o las cinco estrellas apenas le harían justicia.

Año: 1959.

Guión: Masaki Kobayashi y Zenzo Matsuyama, inspirados en la novela homónima de Jumpei Gomikawa.

Fotografía en B N.: Yoshio Miyajima.

Música: Chuji Kinoshita.

Edición: Keiichi Uraoka.

Con:

Tatsuya Nakadai (Kaji), Michiyo Aratama (Machiko), Minoru Chiaki (Onodera), Izumi Hara (Sawamura, jefa de enfermeras), Kaneko Iwasaki (enfermera Tokunaga), Kokinji Katsura (Sasa), Yusuke Kawazu (Terada) (Ningen no joken)

E) Los Tres García y Vuelven los García

En un ejercicio de la revista Somos, esta película obtuvo el lugar 83 entre las cien mejores películas en la historia del cine mexicano.

Ismael Rodríguez, su director y productor, escribió una historia tan larga que le hizo comprender que no bastaba un largometraje para aprovechar todo el material; sin embargo, como podía financiarse su propio trabajo no dudó en hacer una segunda parte, Vuelven los García, prácticamente con el mismo elenco, salvo por la notable inclusión de Blanca Estela Pavón.

Las aportaciones cinematográficas de Ismael Rodríguez demuestran que un mexicano talentoso no se detiene ante nada. Si en la trilogía que inició con Nosotros los Pobres utilizaba letreros en los camiones para romper con una escena particularmente trágica, en Los Tres García emplea los títulos de los libros que lee Jose Luís García (Abel Salazar) para hacernos conocer mejor la sicología del personaje.

Otros elementos geniales son el marco de la ventana, con disolvencia a las cruces que marcan las tumbas de los López (enemigos mortales de los García) ; el emplazamiento de la cámara desde el punto de vista del sepulcro, sobre el que caen los puños y las paladas de tierra de un sepelio, y la lectura simultánea de las tres cartas de sus enamorados, cuando Lupita Smith García, interpretada por Marga López, protagoniza una escena de verdadero Realismo Mágico, muchas décadas antes de que se acuñara el término.

En esta primera entrega de Cartelera DVD, en ocasión del 50 aniversario del fallecimiento de el más grande ídolo del cine mexicano, vale la pena recomendar estas películas mexicanas que nada tienen que pedir a los más grandes clásicos de la cinematografía internacional.

A pesar de que Los Tres García y Vuelven los García son películas que las generaciones de mexicanos nacidos en las décadas de los sesentas, setentas y ochentas vimos hasta el cansancio en la televisión, muchos menores de 30 años encontrarán que son joyas imprescindibles cuya visión les aportará muchos conocimientos sobre la idiosincracia y valores de sus antepasados, sin perjuicio de una enorme diversión.

Ambas películas deben encontrarse en la sección de cine mexicano de los videoclubes, aunque sean transnacionales, o a precio de oferta en algunas de las principales tiendas especializadas.

Los tres García (1946)

México Blanco y Negro

Una producción de: Rodríguez Hermanos

Género: Comedia ranchera

Duración: 118 min.

Sonido: Monoaural

Dirección: Ismael Rodríguez

Asistente de Dirección: Jorge López Portillo; anotador: Manuel Alcayde

Producción: Ismael Rodríguez; gerente de producción: Antonio de Salazar; jefe de producción: Jorge Cardeña

Guión: Ismael Rodríguez, Carlos Orellana y Fernando Méndez ; adaptación: Rogelio A. González , Pedro de Urdimalas (Jesús Camacho) e Ismael Rodríguez con la colaboración de Elvira de la Mora

Fotografía: Ross Fisher; operador de cámara: Manuel Santaella; alumbradores: Luis González y Mariano García

Escenografía: Carlos Toussaint

Maquillaje: Carmen Palomino

Edición: Rafael Portillo

Sonido: Manuel Topete

Música: Manuel Esperón; canciones: "Dicen que soy mujeriego" y otras de Manuel Esperón (música) y Pedro de Urdimalas (Jesús Camacho) (letra); además, el "Ave María" de Gounod y "Cielito lindo"

Reparto: Sara García, Pedro Infante, Abel Salazar, Victor Manuel Mendoza, Marga López, Carlos Orellana (cura) Fernando Soto Mantequilla, Clifford Carr (Padre de Lupita y un personaje extraodinario al que la matriarca le deja como herencia la comprensión de un país tan cercano y a la vez tan extraño para él mismo)

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F) Validation Validación

Hola: Esta vez nos limitamos a sugerirle que siga este enlace sobre un cortometraje que habla sobre la felicidad que puede dar una simple sonrisa. Vealo si está deprimido o sólo quiere pasar 15 minutos de sonrisa en sonrisa: Al momento de producir esta nota el video llevaba más de un millón de descargas.

http://vimeo.com/9330175

G) La Panchita

Creo que la primera recomendación de La Panchita, es para quienes hayan visto Los 3 Garcìa, pues tres años después de trabajar para Ismael Rodrìguez, volvieron a reunirse Víctor Manuel Mendoza, Abel Salazar, Marga López y el músico Manuel Esperón, esta vez bajo la dirección de Emilio Gómez Muriel.

La Panchita, una canción de Joaquín Pardavé, fue llevada con el mismo título al cine por los estudios Clasa, con la ventaja de que el propio actor de Los Hijos de Don Venancio, El Ropavejero, El baisano Jalil y Ahí Está el Detalle, -por supuesto me refiero al mismo Pardavé- se encargó de la adaptación cinematográfica de su musical personaje de los ojos grandes y boca chiquita.

Marga López, la más mexicanizada de las actrices argentinas, estuvo ideal en su papel de la angelical mujer que le robaba la calma al ranchero Benjamín, (Víctor Manuel Mendoza), al ferrocarrilero Hipólito Daniel Herrera y al industrial ranchero Don Fernando (Domingo Soler).

La re condenada Panchita que se ríe y se carcajea, paradójicamente no hace mella en el estudiante socialista Benito Bravo, quien está más preocupado por poner en práctica las teorías filosóficas, que en las personas de "cabellos largos e ideas cortas que nacieron para embaucar a los hombres haciendo que pierdan sus derechos y dupliquen sus obligaciones".

En cambio, hasta el anciano boticario don Ladislao, aunque ya no tiene mamita del alma a la que contarle, sí tiene una hermana a la que confiarle que no sabe como hacerle pa' que lo quera esa panchita que lo tiene loco con su vacilón.

En la adaptación cinematográfica, la dama que entre los rancheros parece pila del agua bendita es menos responsable de coquetería que en la canción, y su belleza, aunque no se pierda el tono de comedia ranchera, le es más causa de tragedia que de alegrías... aunque nunca le faltan los compañeros de baile, como se pude apreciar en una de las escenas más logradas de la cinta.

Una curiosidad, el productor ejecutivo fue el famoso locutor deportivo y cronista de noticieros cinematográficos, Fernando Marcos.

Película difìcil de conseguir, los derechos de la misma los tiene Televisa, se puede ver sin embargo gratuitamente en el canal tvolucion, sin más requisito, al menos al momento de escribir estas líneas, que ver un breve comercial. Esta es la liga

http://www.tvolucion.com/cine/comedia/030151/la-panchita

h) Día de los Enamorados, Valentine's Day

Para mi amiga Aída Luna que acude al cine mucho menos de lo que debiera

Una película con el estilo de aquellas en las que se mezclan muchas historias y aparecen los actores y actrices favoritos sentimentales de algunos espectadores, es la síntesis de Día de los Enamorados.

Garry Marshal y Julia Roberts, director y actriz de Mujer Bonita, vuelven a trabajar juntos en Día de los Enamorados, aunque esta vez ella no es la protagonista sino parte de un elenco con estrellas de varias generaciones de Hollywood: Shirley Mc Laine, Jessica Alba, Kathy Bates, Jennifer Garner, Ann Hathaway y Queen Latifah, son algunas de ellas; mientras que los galanes están representados por Jamie Foxx, Héctor Elizondo, Bradley Cooper y Eric Dane.

El punto en común de las historias será una florería; pero también un periodista de televisión al que le encargan contra toda su voluntad hacer una historia romántica para el noticiario de la noche de San Valentín, lo que él considera una afrenta ya que quiere brillar como cronista deportivo.

Y como es previsible sabremos que las historias de amor no son exclusivas de una etapa de la vida sino que tienen muchas variaciones, pero al fin y al cabo lo mismo se presenta entre escolares de primaria que entre sexagenarios y mayores.

Pocas sensaciones son tan poderosas como la gran excitación que provocan los primeros sentimientos de amor, decía y decía bien uno de los publicistas que hizo promociones relacionadas con esta película.

Bueno pues de eso trata esta cinta y poco más hay que decir. Realmente no es una película inolvidable ni mucho menos, pero sí entretiene y puede ser una buena opción para disfrutar en casa si no quiere una trama complicada.

I)Una bella a comentar sin falta Meryl Strepp

Aunque parezca una contradicción Meryl Streep no actúa, en el sentido de que no parece interpretar a un personaje. Más que eso vive los roles y lo hace con tal fuerza que transmite a plenitud cualquier sensación, la de estar bajo los efectos de la marihuana, sentirse maternal, enamorada, orgásmica, deprimida y hasta hambrienta.

En 2009 participó en tres películas: Enamorándome de mi Ex, Julie and Julia y Mr. Fox, por la primera fue nominada al Globo de Oro y si no lo ganó fue porque ella competía contra sí misma, por la segunda cinta mencionada, como mejor actriz de comedia. La tercera, una película animada, también estuvo nominada al Óscar en su categoría

De su excelencia da cuenta el hecho de que en 1979, mientras ganaba el premio de la Asociación de Críticos de los Ángeles por Krammer Vs Krammer, también competía contra si misma por sus actuaciones en Manhatan y La Seducción de Joe Tynan. Cómo será de jovial que compartió el premio a la Selección del Cine Adolescente, en 2006 con Ann Hathaway, a quien le lleva más de 30 años.

Tomemos como muestra una sola película, Duda, del 2006, que le hizo ganar el premio de la Asociación de Críticos de Washington, el de los críticos de Kansas, el de los Críticos de Phoenix, y el de la Asociación de Actores de la Pantalla (Screen Actors Guild Award), además de la nominación al Oscar, al Bafta, al Broacast Film Critic Asociation Awards al de la Asociación de Críticos de Chicago, al Globo de Oro. el del círculo de críticos de Londres, el de la Sociedad de Críticos "On Line" y el Satélite Award, por mencionar sólo los más importantes. ¿Por que únicamente la nominación y no ganó más premios? Otra vez porque estaba cosechando sonrisas y reconocimientos con otra película del mismo año Mamma Mia.

Otras películas inolvidables ¿quiere drama?: Los Puentes de Madisson, Música del Corazón, Las Horas, Africa Mía, Leones por Corderos, El Cazador de Venados, La Mujer del Teniente Francés y la Decisión de Sofía, sin contar la serie de televisión Holocausto. ¿Prefiere la comedia? No dude si entre sus seleccionadas para ver cine en casa aparece Enamorándome de mi Ex, el Diablo viste a la Moda, o la Muerte le Sienta Bien.

Sin el afán de hacer una filmografía completa, que siempre será insuficiente, pretendemos darle una manera diferente de elegir la película en DVD, blue ray o de televisión por cable, prácticamente no importa el título, si estelariza Meryl Streep, es una historia que estará bien contada y siempre inmejorablemente actuada.

J) 500 Días con ella 500 days of Summer

Podríamos decir en principio que 500 días con ella tiene uno de los mejores guiones de la historia para una película de amor, pero seremos más exactos y no le quitaremos interés a la trama -porque el conflicto se plantea desde el primer minuto de proyección- si le contamos que es uno de los guiones más perfectos para contar una historia de desamor.

El enamoramiento, la ilusión, la idealización que hacemos de la persona amada, la selección de nuestra mente sólo de las partes positivas de una relación, la diferencia del daño emocional entre el que corta una relación y el que la sufre, la depresión, el duelo y el reencuentro con la vida, son algunas escenas contenidas en una trama contada en forma de crónica no lineal, que avanza y retrocede entre el día 500 y el 1 sin que los espectadores perdamos la coherencia de la historia.

Como bien lo define la frase promocional de esta película independiente que superó en taquilla y permanencia en las salas a muchas de las promovidas por los estudios más poderosos, no es una historia de amor, sino una historia sobre el amor.

Scott Neudstater y Michael H. Weber, son los dos escritores debutantes que gracias a esta película ascenderán de inmediato a las grandes ligas del guionismo, pues su trabajo es la base del éxito de una cinta bien dirigida por el treintañero Mark Webb y actuada por Joseph Gordon Levitt y Zooey Deschanel.

También resulta muy relevante la actuación de Chloe Moretz, quien tenía 12 años cuando interpretó a la consejera sentimental Rachel Hansen, en un papel que demuestra que el sentido común puede ser gran auxiliar a falta de terapeuta. "Sólo porque a ella le guste la misma mierda que a ti no significa que sean almas gemelas", le advierte al obnubilado novio.

Aunque la historia está contada desde la versión masculina, los espectadores tendrán la oportunidad de comprender muy bien la visión femenina.

500 Días con Ella es también el retrato de mujeres del siglo XXI, que quizá como nunca en la historia de la civilización se dan el lujo de probar, de compartir su cuerpo con el espécimen más agraciado del entorno, aunque sepan que es solo temporal porque no perciben que el amor exista en realidad.

¿Podrá haber un final feliz cuando el chico que conoció a la chica empieza por considerarla una perra? ¿ Summer permanecerá con la idea de que el amor es sólo una fantasía no más tangible que Santa Claus?.

Si quiere conocer la respuesta, cuando vea anunciada la cinta en un vídeo club, elíjala. Indispensable para toda persona que haya amado y la hayan votado porque le permitirá comprender que por más solitario que alguien se sienta en la desgracia, la verdad es que los seres humanos reaccionamos con mucha similitud ante los mismos desencantos. El ser judío fuera de Israel, viviendo en un país con tradiciones e historia completamente ajena a la propia, para empezar porque México es una nación entre cuyos orgullos figura el de ser laica, es un tema que ha sido abordado con enorme sentido del humor por directores judeo-mexicanos.

Programa Doble: K 5 Días Sin Nora y L Morirse está en Hebreo

Para empezar Novia que te Vea (1994) de Guita Shifter, con guión de Hugo Iriart, basada en la novela de Rosa Nissan. Luego podríamos añadir varios títulos, pero para mencionar sólo aquellos que mezclan magistralmente comedia y drama habrá que ir 13 años después, a Morirse está en Hebreo (2007) de Alejandro Springall y en 2009, Cinco Días Sin Nora de la debutante Mariana Chenillo.

Estas dos últimas tienen mucho en común, pero principalmente el hecho de que ambas abordan el tema de la muerte de dos personas que por distintas razones dejarán muchos problemas para decidir el rito funerario que le corresponde.

A pesar de los intentos del conservadurismo y la visión parcial de quienes quieren a México como una tierra católica y guadalupana, lo cierto es que en el Siglo XX prevaleció el concepto de estado laico y esto permitió entre otras cosas que se desarrollara paralelamente la historia de judíos ortodoxos que pudieron apegarse a su religión con mayor seguridad y respeto que si vivieran en Israel y liberales otros, la mayoría intelectuales, científicos y artistas que aportaron su talento sin las barreras que imponen las creencias religiosas particulares.

Nada es tan seguro en la vida como la muerte. ¿Qué va a pasar entonces con los ritos funerarios de una persona judía que no fue religiosa? O peor aún, cuando su destino final depende de un tercero que cree que todas las religiones son exactamente iguales, un mecanismo para sacarle dinero a la gente.

Tanto en Morirse está en Hebreo como en Cinco días sin Nora se aplica la cuestión de esa palabra dominguera que es el sincretismo, entendiéndolo como el lugar en el que confluyen doctrinas diferentes. En ambas es el personal de servicio, que a pesar de conocer completamente las tradiciones de sus patrones no pueden abstenerse ya sea de poner una veladora, o de maquillar a la muerta, profanando el rito judío.

En ambas películas la mezcla de humor y melancolía es magistral; pero en la de Chenillo la actuación de Fernando Luján dejará un recuerdo imborrable del personaje de José, un hombre amargado por 30 años de matrimonio con una mujer depresiva que todo el tiempo amenazó con quitarse la vida y que se desquita pidiendo pizza (pan con levadura) con carne de cerdo en plenas fiestas religiosas de Pesaj (que conmemora la huida de los judíos de Egipto, cuando no hubo tiempo de que esponjara el pan).

Este José, tan contento de amargarle la vida a los rabinos, es en contraste un tiernísimo abuelo, un hombre perdidamente enamorado después de 20 años de divorcio y al final de cuentas el único que encuentra una solución al dilema que enfrenta su familia.

En contrapunto, Enrique Arreola interpreta a Moisés un joven mexicano adoptado por la comunidad judía, que hace todo lo posible por merecerse esto que el considera un privilegio y una forma de agradececer las atenciones.

Ambos tendrán un punto de encuentro cuando tienen que cubrirse con sendos abrigos de mujer, ya que para que el cuerpo de Nora no se descomponga en los cinco días que tienen que esperar para el entierro, habrán de poner al máximo el clima artificial. Los varones con abrigos de mujer son una muestra del humor discreto de la cinta.

En Morirse está en Hebreo, Springall hizo un extraodinario esfuerzo por conjuntar un equipo de creativos y actores de origen judío. Algunos de ellos como Raquel Pankowsky (quien adquirió fama por su interpretación de Martha Sahagun) declaró que fue una emoción enorme el confrontarse de nuevo con sus raíces.

Mariana Chenillo no se esforzó en ello, muy pocos de sus actores tienen esos antecedentes étnicos, pero al tener en su reparto a Fernando Luján, el mejor actor mexicano del momento según se reconoció en la entrega de los arieles, y a otras de la categoría de Marina de Tavira, la situación queda completamente compensada-

Marina, cuyo papel en realidad es muy breve, nos habla de su talento en este resumen que hace de la película: "toca el punto de que la religión es mucho más que la fe: también tiene que ver con la familia, con la comunidad, con las relaciones sociales y uno se relaciona a través de los ritos...."

Mariana Chenillo dice y dice bien que eligió el tono de comedia, porque la comedia permite hablar de cosas profundas.

Uno de sus aciertos es que no recrea el ambiente donde viven los judíos de clase media en la Ciudad de México. Simplemente lo retrata. Esto queda claro al final, donde sin peligro alguno de darle a conocer a usted el desenlace, podemos ver en sucesivas tomas los edificios de Polanco donde moran estas personas. Sus mismos muebles, hechos para perdurar y para recibir a comensales numerosos, sus mismas decoraciones e incluso las marcas comerciales que consumen.

Por esto podemos concluir que 5 días sin Nora, es mucho más que entretenimiento, un cuadro del múltiple mosaico cultural del México del Siglo XXI.

LL) El Brindis

Aunque filmada en Chile y en México, con una bella actriz y una emotiva frase promocional "Amar no es lo que queremos sentir, es lo que sentimos sin querer" , la película El Brindis no tuvo el éxito que merecía ni ganó premios en los festivales internacionales, pero aún así es cinta muy recomendable para disfrutar en casa.

La tradición dicta que una persona adquiere el derecho de sangre judía, solo a través de la madre, no del padre.

Por eso los hijos de decenas de miles de migrantes en todo el continente pasan la vida en busca de una identidad, una parte se integra plenamente a las tradiciones de sus ancestros, otra vive una doble vida, para no herir a los padres y usa la kipah (el gorrito redondo tan parecido al que emplean los papas) pero con sus amigos gentiles, llamados goy en hebreo se asimilan a las costumbres alimentarias de su país de nacimiento.

En El Brindis escritores y director son judíos. Ellos nos permiten vislumbar un mundo al que los profanos tienen poco acceso, como el de las sinagogas, pero lo hacen con actores argentinos, chilenos y mexicanos poco relacionados con el judaismo.

Para los espectadores sin antecedentes sobre el judaismo, poco puede representar una ceremonia como el Bar Mitvah, que se celebra tradicionalmente cuando los jóvenes cumplen 13 años y tal vez por eso no entiendan porque es tan importante para un personaje como Isidoro cumplir con este rito cuando ya pasa de los 80.

A los espectadores ortodoxos muy probablemente les moleste el mero planteamiento de un rabino en crisis existencial capaz de enamorarse de una goy. Tal vez por eso la numerosa comunidad judía en México tampoco acudió a ver la película aunque el argumento la tocaba muy de cerca.

Pero al margen o no de pertenencias o conocimientos de una comunidad, la historia del encuentro de un padre con su hija, alejados por cuestiones geográficas y culturales, por tradiciones y costumbres, merece ser conocida.

El Brindis presenta una historia sencilla, pero digna, una fotografía del mexicano Ignacio Prieto que nos muestra paisajes agradables y tomas aéreas desde helicópteros y enormes grúas, que aunque no resultaban indispensabales para la historia, merecen ser agradecidas a los productores por no escatimar en gastos. La música es sensible y enriquece notablemente la película.

Pero es también un buen ejemplo de colaboración entre la productora mexicana Goliath (Ocho Candelas, Morirse está en Hebreo) y la debutante productora chilena Agosin Aunque filmada en Chile y en México, con una bella actriz y una emotiva frase promocional "Amar no es lo que queremos sentir, es lo que sentimos sin querer" , la película El Brindis no tuvo el éxito que merecía ni ganó premios en los festivales internacionales, pero aún así es cinta muy recomendable para disfrutar en casa.

La tradición dicta que una persona adquiere el derecho de sangre judía, solo a través de la madre, no del padre.

Por eso los hijos de decenas de miles de migrantes en todo el continente pasan la vida en busca de una identidad, una parte se integra plenamente a las tradiciones de sus ancestros, otra vive una doble vida, para no herir a los padres y usa la kipah (el gorrito redondo tan parecido al que emplean los papas) pero con sus amigos gentiles, llamados goy en hebreo se asimilan a las costumbres alimentarias de su país de nacimiento.

En El Brindis escritores y director son judíos. Ellos nos permiten vislumbar un mundo al que los profanos tienen poco acceso, como el de las sinagogas, pero lo hacen con actores argentinos, chilenos y mexicanos poco relacionados con el judaismo.

Para los espectadores sin antecedentes sobre el judaismo, poco puede representar una ceremonia como el Bar Mitvah, que se celebra tradicionalmente cuando los jóvenes cumplen 13 años y tal vez por eso no entiendan porque es tan importante para un personaje como Isidoro cumplir con este rito cuando ya pasa de los 80.

A los espectadores ortodoxos muy probablemente les moleste el mero planteamiento de un rabino en crisis existencial capaz de enamorarse de una goy. Tal vez por eso la numerosa comunidad judía en México tampoco acudió a ver la película aunque el argumento la tocaba muy de cerca.

Pero al margen o no de pertenencias o conocimientos de una comunidad, la historia del encuentro de un padre con su hija, alejados por cuestiones geográficas y culturales, por tradiciones y costumbres, merece ser conocida.

El Brindis presenta una historia sencilla, pero digna, una fotografía del mexicano Ignacio Prieto que nos muestra paisajes agradables y tomas aéreas desde helicópteros y enormes grúas, que aunque no resultaban indispensabales para la historia, merecen ser agradecidas a los productores por no escatimar en gastos. La música es sensible y enriquece notablemente la película.

Pero es también un buen ejemplo de colaboración entre la productora mexicana Goliath (Ocho Candelas, Morirse está en Hebreo) y la debutante productora chilena Agosin Films.

Asi que si usted se encuentra frente al anaquel, encuentra El Brindis y desea ver una película sencilla, romántica y bien contada, con una actriz hermosa e interesantes actuaciones. no dudamos en recomendarsela.

Asi que si usted se encuentra frente al anaquel, encuentra El Brindis y desea ver una película sencilla, romántica y bien contada, con una actriz hermosa e interesantes actuaciones. no dudamos en recomendarsela.

M) La Familia de Mi Esposo, Meet the Fockers o Conoce a los Fornicadores

La escatología es uno de los problemas de Meet the Fockers, pero hay que hacer algunas concesiones para poder apreciar esta ácida sátira de la paranoia gringa. En la imagen Dustin Hoffman y Robert de Niro.

Barbara Steisand y Ben Stiller, dos generaciones de actores para captar a diversos públicos

A primera vista, más de uno, ante los anaqueles de los videoclubes habrá de pensar que se trata de otra absurda película gringa del estilo de Locos por Mary o una de las peores cintas de James Carrey; pero al ver los créditos de Barbara Streisand, Dustin Hoffman y Robert de Niro, tres de los más grandes actores de la segunda década del Siglo XX, habrá que pensarlo de nuevo.

Si como director Robert de Niro habría de hacer una inteligente crítica a la paranoia norteamericana en El Buen Pastor (Ver carteleradf.blogspot.com) En Conoce a los Fockers nos regala, en su papel de ex agente de la CIA, una de las claves para entender las razones de que los gringos se hayan dejado conducir mansamente a un sinnúmero de conflictos bélicos, la enorme represión sexual de gran parte de sus habitantes.

Si George W. Bush hubiera tenido cinco minutos a solas con una Mónica Lewinsky en el Salón Oval de la casa blanca, seguramente se hubieran evitado muchas miles de muertes, hambre y miseria en Irak y otras naciones del mundo.

Barbara Streisand, en su papel de terapeuta sexual para personas de la tercera edad y Dustin Hoffman, (el hombre que logró deshacer a los republicanos, en su papel de periodista en Todos los Hombres del Presidente) interpretan a Bernie y Rozalin Focker, una pareja que piensa que los abrazos, la ternura y el conmoverse con las cosas simples evitarían el comportamiento delincuencial de personajes como Jack Byrnes, el hombre al que la CIA jubiló pero que sigue usando pentotal sódico y otras herencias de los nazis.

Para agravar las diferencias entre La Familia de Mi Novia, título de la película del 2000, y la Familia de Mi Esposo, título de la secuela del 2004, en esta última son judíos (como los actores en la vida real) mientras que los padres de la novia tienen toda la esencia de anglicanos puritanos.

Los retratos de familia han dado origen a múltiples películas que retratan fielmente épocas y circunstancias: El Padre de la Novia, El Padre es Abuelo, Una Familia de Tantas, Los Fernandez de Peralvillo, Cuando los Hijos se Van, solo por mencionar algunas producciones hollywoodenses y mexicanas.

Meet the Fockers, es también un retrato de la sociedad americana de nuestros días, dividida entre los perros de la guerra y los que tienen cosas más divertidas que hacer.

Jay Roach

Greg Glienna y Mary Ruth Clarke

Fotografía John SchwarztmanLa Familia de Mi Esposo, Meet the Fockers o Conoce a los Fornicadores

N) EL Pantera

El reciente asesinato de un investigador policíaco de la Procuraduría General de la República especializado en el comercio de mujeres extranjeras dedicadas a la prostitución, pone de relevancia que las cosas que se cuentan en historietas no son un cuento. Al menos no lo son en la adaptación para la televisión de El Pantera, muy probablemente la mejor de las series en la nueva programación de Canal 5.

La historieta original, ideada por Daniel Muñóz, a quien no se le da el crédito merecido, se editaba en colores sepia en las últimas décadas del siglo XX. En su versión para televisión predomina el blanco y negro aunque con algunas pinceladas de color, sobre todo para retratar a personajes femeninos, lo que permite una muy adecuada reinterpretación del film noir, con sus antihéroes e investigadores solitarios.

NOTA: Debido a que esta serie aun no está disponible para renta en dvd te sugerimos ver la nota completa en carteleradf.blogspot.com

M) Diabólica tentación, Jenniffer's Body

Porque es esta una película fuera de se serie. Buen poque es de las que superaron los 10 mil comentarios en Carteleradvd ¿es por el sexo? ¿por el cuerpo hermoso de laa protagonista? Déjelo usted a considerscióm de lo que le puedenm revelar las siguientes líneas?

Ahora que se puede conseguir en DVD, ya reposados de la parafernalia publicitaria que acompañó su estreno en las vacaciones invernales del 2006, podemos recomendarla como una excelente opción si lo que busca es una película de aventuras realmente diversa y divertida.

Si en su momento se le consideró la cinta más costosa de la historia, esta versión de King Kong justificó ampliamente el presupuesto, por sus escenas sucesivamente emocionantes; incluso más que El Hombre Araña 3, pues el gigantesco simio tiene escenas de amor mucho más excitantes con Naomi Watts, que las conseguidas por el delgaducho Adrien Brody en su papel del guionista cinematográfico Jack Driscoll.

Y es que, escena por escena, las situaciones en las que se ven inmersos estos aventureros y el gorila de buen corazón nos mantienen atentos a lo largo de las tres horas con 17 minutos que dura la proyección completa.

Corriendo en medio de Velocirraptors (Parque Jurásico dixit) y tiranosauros carnívoros, o esquivando aviones del tamaño de murciélagos prehistóricos o luchando con avispas y sanguijuelas, siempre existen atractivos dramáticos que nos mantienen pendientes, a la manera de los episodios seriales de Flash Gordon.

Tampoco es un atractivo menor el partido que le saca Jackson a la belleza de la actriz británica Naomi Watts, por mucho que nos parezca increíble que conserve los zapatos de tacón alto en la antena del Empire State. Este no es el único error relacionado con la belleza rubia: en otra escena, Denham, el productor interpretado por Jack Black, le pregunta si es talla 4, cuando se sabe que las tallas de mujer se empezaron a utilizar en Estados Unidos 1957 y el argumento transcurre en 1933.

Otro detalle es que en las primeras escenas de la noche en Nueva York, la nieve permite a Kong estrenarse como patinador, pero cuando sube al Empire State hay un amanecer veraniego.

Por supuesto estos detalles resultan nimios para quien desea ver una película fantástica y en todo caso más inverosímil resultaría la delicadeza con la que King trata a su muñeca rubia.

Recuerde: si se decide por esta película para ver en su hogar, trate de garantizar la disponibilidad de tiempo pues si no cuenta con más de tres horas, es muy probable que tenga que devolverla al videoclub sin haberla disfrutado completa.

Dirección: Peter Jackson

Guionistas: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson

A partir de la historia original de Merian C. Cooper y Edgar Wallace

Musica Original: James Newton Howard

Fotografía: Andrew Lesnie

Edición: Jamie Selkirk

P) victor/Victoria

Es una coincidencia verdaderamente notable, pero como ocurrió con nuestra recomendación próxima King-Kong, la historia original de Víctor/Victoria también data de 1933. Ésta última fue escrita por Hans Hoemburg y Reinhold Shunzel.

Poco sabemos del argumento original, intitulado en su idioma primigenio Víktor Und Viktoria; pero lo que si se puede aportar sobre el contexto es que en la Alemania pre-nazi existía una libertad para las expresiones culturales homosexuales como en ningún otro país europeo en la primera mitad del Siglo XX.

Los espectáculos de cabaret y los salones de baile exclusivos para homosexuales de ambos géneros (como al que acude la pareja integrada por Julie Andrews, en su caracterización del conde Victor Grezhinski y su amante, el comerciante con disfraz de gángster King Marchand, James Garner) son genuinamente retratados en la película de Blake Edwards de 1982, aunque ambientada en 1933.

Un crítico entusiasmado dijo de Victor/Victoria que si alguna película merecía el calificativo de grandiosa, era precisamente esta.

Y es que, como en raras ocasiones, la trama de esta película permite una gozosa revisión de los estereotipos de las relaciones sentimentales homo y heterosexuales, al mismo tiempo que nos introduce en el mundo del cabaret y los espectáculos travestis mediante canciones divertidas y pegajosas en las que luce la reina de otras películas musicales de antología como lo son Mary Poppins y La Novicia Rebelde

Víctor/Victoria fue también la consagración de otro actor extraordinario, Robert Preston, cuya interpretación de un homosexual sibarita está en el límite exacto para provocar en los espectadores simpatía, pero no burla. Un hombre maduro pero lo suficientemente atractivo para que Lesley Ann Warren, caracterizada como la chica del coro Norma Cassidy, considere una aventura con él.

Preston, para quien se pregunte si era un gay auténtico o un auténtico actor, estuvo casado 47 años, hasta su muerte, con la actriz Catherine Craige. Su fama no es sólo por su carrera cinematográfica sino por la teatral, que le permitió ganar algunos premios Tonys

El personaje de Preston, Carroll “Tody” Todd, es precisamente quien cierra la película en una parodia de la parodia sevillana que hace el conde Víctor Grezhinski, en su consagración como cantante travesti.

En fin, una comedia de enredos, música y equivocaciones, en la cual Julie Andrews fue dirigida por su marido, Blake Edwards y en la que el elenco parece divertirse tanto que a nosotros, como espectadores, s nos queda una sensación de agradecimiento por ser cómplices de su broma.

Víctor/Victoria es una película clásica porque les agrada incluso a muchos que no son afectos al género de los musicales. Por algo fue también un clásico en Broadway y en México se le repone periódicamrente en los escenarios teatrales cuando se encuentra una actriz con capacidad para la comedia y el canto, como sucedió en el 2007 con Daniela Romo.

Dirigida por: Blake Edwards

Escritores en orden alfabético: Blake Edwards, Hans Hoemburg a partir de una idea de Reinhold Schunzel en un script de 1933.

Musica Original: Henry Mancini Fotografía: Dick Bush

L) Un Puente Demasiado Lejos, A Bridge too Far, o de cuando al US ARMY le quedaba un poco de honor

Se imagina una película? en la que converjan actores como Michel Caine (Alfie, Hanna y sus Hermanas) Ryan O Neale (Barry Lindon, Love Story) Sean Connery (Varias veces agente 007, Indiana Jones, Los Intocables, El Nombre de la Rosa) Anthony Hopkins (Hannibal, en El Silencio de los Inocentes) Lawrence Olivier (Hamlet) Dirk Bogarde (Muerte en Venecia) Robert Redford (Una Propuesta Indecorosa) Gene Hackman (Contacto en Francia) Elliot Gould (Mash) James Caan (El Padrino, Roller Ball) y Liv Ullman (El Huevo de la Serpiente)

Si usted cree que este equipo ha ganado algunos de los principales premios cinematográficos del Siglo XX, aquí se lo confirmamos. Ahora imagínelos dirigidos por Sir Richard Attenborough cinco años antes de producir y dirigir Gandhi y 15 años antes de Chaplin.

Pero además imagine una película dirigida por un inglés en la que los aliados no son precisamente los más listos, ni los nazis los más sanguinarios.

Sin llegar a los extremos de impudicia, sadismo, rapiña y deshonor a la que habrían de llegar en las guerras de Irak y Afganistan, Un Puente Demasiado Lejos (A Bridge Too Far) también nos hace ver lo que sucede cuando en dos ejercitos aliados menosprecian la capacidad de los contrarios y como el heroismo suele ser producto de la desesperación.

En A Bridge Too Far, existen médicos que se niegan a revisar heridos, imbéciles que le entregan a los enemigos todos los detalles de los planes de combate, estrategas que en plena Guerra Mundial dotan a sus soldados de lanchas con tecnología equivalente a la de la Guerra de Independencia de Estados Unidos en el Siglo XVIII.

Y esto ocurría cuando los ejércitos extranjeros todavía eran considerados como "de Liberación" y no mercenarios al servicio de corporativos que hacen de la guerra un negocio de sangre.

A finales de la década del setenta, todavía era fácil encontrarse con largometrajes de más de tres horas de duración en los que el intermedio estaba plenamente justificado.

Un Puente Demasiado Lejos es una película que tal vez no sea fácil de encontrar en la sección de clásicos de los videoclubes, pero si la haya encontrará una buena razón para justificar estos negocios que cada vez tienen más dificultades para sobrevivir a la piratería.

Una superproducción de esta magnitud, vista en casa, le representará una inversión de poco más de tres horas de su tiempo libre, de manera que la disfrutará mejor si cuenta con un equipo avanzado y no hay parientes pequeños o visitas inesperadas en casa.

Director: Richard Attenborough

Escritores: Cornelius Ryan (Libro)William Goldman (Guión)

Música Original: John Addison

Fotografía:Geoffrey Unsworth

Estreno Original: Junio de 1977

LL) Amadeus, La Revancha de Salieri

Para acabar de complicar la mala fama que le dieron escritores rusos y el director checo Milos Forman, la única imagen conocida del maestro de Mozart, Antonio Salieri, es bastante desfavorable.

La revancha de Salieri

SALIERI vs. MOZART

Nota del editor: Aunque estrictamente esta hoja no está dedicada a la película Amadeus, un clásico de los videoclubes, no quisimos desperdiciar este envío de monografías.com para tratar de hacerle justicia al calumniado Salieri. También para recordar que en Azul, película de la trilogía de Kiezlowski que complementan Blanco y Rojo hay una impactante obra sinfónica para conmemorar la unificación europea. Ahora resulta que ya hace más de 200 años este "enemigo" de Mozart había homenajeado musicalmente al viejo continente.

Si algo faltaba para convertir al gran compositor italiano Antonio Salieri en el rival mediocre de Mozart, fue la película Amadeus, dirigida por Milos Forman a partir de un guión del dramaturgo Meter Schaffer, que apareció en 1984 y cosechó la mayoría de los Oscar de 1985. Autor de éxitos como Atrapado sin salida (1975) y Harry Flynt, el nombre del escándalo (1996), el cineasta checo Milos Forman- radicado en los Estados Unidos desde 1968, cuando los tanques soviéticos arrasaron con la Primavera en Praga-, traza en Amadeus un perfil de Mozart según la mirada despiadada de Salieri, un voluntarioso y mediocre músico de corte, que despreciaba tanto al más precoz de los compositores como veneraba su música. Sin mostrar al verdadero Salieri- nacido en Verona en 1750 y autor de más de 40 óperas, conciertos y música de cámara y sacra – la película recrea la hipótesis de una relación de una relación patológica que unió al joven Mozart y a un Salieri atormentado, sobrio y sombrío- interpretado por Murray Abrahams-, dispuesto a quitarse la vida bajo el peso de la culpa de haber asesinado al rival que lo eclipsaba en la corte.

El 7 de diciembre se vivirá un gran acontecimiento para la cultura musical con la reapertura del teatro La Scala de Milán tras más de dos años de obras de restauración.

El máximo templo de la lírica mundial volverá a sus antiguos esplendores con la ópera La Europa reconocida, con la que el teatro fue inaugurado en 1778. El maestro Ricardo Muti, quien dirigirá la ópera en cuya preparación está trabajando un verdadero ejército de artistas y artesanos, dijo que la ocasión era propicia para rendir un homenaje a Antonio Salieri, uno de los más grandes músicos europeos.

"Salieri merece todo nuestro homenaje no sólo porque su Europa reconocida inauguró La Scala hace 236 años, sino porque su repertorio es extraordinario", Muti agregó que el talento fuera de lo común de Salieri se revela "en sus armonías y la complejidad orquestal que en nada tienen que envidiar a Mozart."

Pocos músicos han recibido tamaño elogio. Para la gente común es algo insólito, porque Antonio Salieri es conocido en nuestra época sobre todo por una leyenda negra que recibió su último impulso con el filme Amadeus, de Milos Forman. Filmado en 1983 y difundido el año siguiente, Amadeus era un retrato de Mozart que fue considerado un capolavoro cinematográfico.

En la trama de la película, es precisamente un viejo y decrépito Antonio Salieri – muy bien interpretado por el actor Murray Abraham el narrador de la historia, que revela un terrible secreto: Salieri - Abraham confiesa que fue él, envidioso del talento del joven austriaco, considerado el más grande genio musical de todos los tiempos, quien lo asesinó envenenándolo lentamente. Esta es una versión falsa, por lo que Antonio Salieri puede ser considerado también uno de los artistas más difamados de los últimos siglos.

Pero es cierto que su vida estuvo intimamente ligada a la de Wolfang Amadeus Mozart, de quien fue maestro de canto y composición. En la Europa del siglo XVIII, el llamado siglo de las luces, se vivió un momento mágico de extraordinaria creatividad musical, cuyo centro de gravedad fue la Viena de los Habsburgo. La historia de Salieri, de su talento pero también de la leyenda negra que lo ha perseguido tras su muerte obliga a trazar un cuadro de aquella época apasionante.

No hay que olvidar que en el último cuadro del 1700 se reprodujeron dos de las grandes revoluciones que modelaron nuestra vida contemporánea: las de EE.UU. (1776) y Francia (1789), que cambiaron la historia para siempre.

Salieri nació el 18 de agosto de 1750 en Legnago, una pequeña ciudad fortificada que estaba bajo dominio de La Sereníssima República de Venecia, hijo de un comerciante de granos y hermano de Francesco, un afirmado violinista que también tocaba el clavicémbalo, pariente del piano, y que seguramente fue su primer maestro.

A los 16 años Salieri fue a continuar su educación a Venecia, en la residencia del noble Giovanni Mocenigo, amigo de su padre, donde respiró un ambiente cultural pleno de estímulos e importantes oportunidades.

Aquella era una época de notables fermentos culturales y políticos, en la que se vivía el ocaso de las monarquías absolutas fundadas en el derecho divino. Florecían formas de monarquía iluminada donde los gobernantes se inspiraban en los nuevos ideales de su tiempo. Una buena parte de Italia pertenecía entonces al imperio de Austria.

La emperatriz Maria Teresa recibe hasta hoy homenajes en la península por su buen gobierno. La sucedió su hijo Josef II de Habsburgo, quien prefería un absolutismo moderado. Josef redujo los poderes de la aristocracia y el clero, fue un gran mecenas de las artes y promovió reformas inspirándose en el iluminadísimo que alcanzó la cumbre con la Enciclopaedya que hacía bullir las mentes de la Francia pre-revolucionaria.

Estas agitaciones sociales golpearon en pleno también la imaginación de los músicos que se estaban formando y que acudían a Viena porque la sentían con razón como la capital de Europa. Los Habsburgo promovieron la ópera italiana y echaron las bases para el nacimiento del teatro nacional alemán.

En la corte trabajaban los mejores poetas y músicos. Italia es una patria de la música, que hasta hoy habla básicamente en italiano. De Italia vino la escala musical, inventada por un monje. O la invención del pianoforte, que conocemos como piano. En el siglo XVIII de Antonio Salieri y Mozart se fabricaban también en Italia los instrumentos de cuerdas de la escuela de Cremona. Al respecto bastan los nombres de dos supremos artesanos: Stradivari (que firmaba Stradivarius) y Guarnieri del Ges, que fabricaron los mejores violines, violas y violoncellos, hasta hoy considerados inigualables.

A los músicos italianos, como a los arquitectos, se los disputaban en toda Europa.

Venecia era una verdadera usina de cultura. En la ciudad de los canales, que vivía una gran prosperidad, Salieri pasó un momento muy intenso de su juventud. Allí conoció al músico de Bohemia Florin Gassmann, influyente compositor de la corte de Viena, que quedó impresionado con su talento y lo invitó a trasladarse a la capital austríaca. Antonio aceptó. Gassmann lo sometió a un duro aprendizaje metodológico.

Durante los ensayos de música de cámara conoció al emperador Josef II, que era hermano de Maria Antonieta, la reina de Francia que terminaría decapitada por la guillotina revolucionaria, compartiendo el destino trágico de su marido Luis XVI.

Otros dos encuentros fundamentales para Salieri fueron el principal compositor de la época, Gluck, y el poeta Metastasio, con quien Salieri tomó clases de declamación. En 1770 Salieri compuso su primera ópera, Las mujeres literatas, a la que siguieron numerosas composiciones.

La consagración llegó con La feria de Venecia, representada en toda Europa, que Antonio realizó bajo la inspiración del estilo de Goldoni con un retrato de las clases sociales venecianas y en el marco ópera buffa o cómica.

En 1774 murió Florian Gassmann y el emperador nombró compositor de corte a Salieri, a quien confirió el título ambicionado de Kapellmeister, maestro de capilla, de la ópera italiana.

Antonio componía febrilmente.

A las óperas siguieron, entre 1770 y 1778, la mayor parte de los conciertos, sinfonías y composiciones de cámara.

Salieri no se limitaba a componer y tocar música. Fue también un gran docente, profesor de Mozart, de Beethoven, de Liszt y Schubert, entre otros grandes músicos. Beethoven, agradecido, le dedicó tres sonatas. La vida de Salieri se cruzó muchas veces con el niño prodigio de Salzburgo, hijo del famoso maestro de música de corte Leopold Mozart.

Con una precocidad que muchos consideraban de origen divino, Amadeus había compuesto ya a los 20 años óperas, sonatas, conciertos y misas solemnes. En 1784 a los 28, entró en la masonería.

Compuso para la Logia a la que pertenecía algunas de sus obras más legendarias. Joseph Hadyn le dijo un año después a Leopold, en una reunión masónica

: "Delante de Dios y como caballero, le aseguro que no hay en el mundo un músico mejor que su hijo": Salieri admiraba a Mozart y dirigía sus obras, aunque maestro y alumno chocaron algunas veces.

Salieri era considerado el músico más prestigioso de la Corte. Pese que tras la muerte del emperador Josef II, su hermano Leopold que lo sucedió en el trono de Austria mostraba menos sensibilidad musical y lógicas preocupaciones por las guerras y el deterioro de la situación económica, Salieri continúo con su actividad frenética. En 1791 se estrenó La flauta mágica y Amadeus escribió su concierto para clarinete. La ópera se convirtió en la más amada de las del género teatral y Salieri no le escatimó elogios. Mozart le escribió en una carta a su mujer, Constanza (con la que tuvo 6 hijos) que agradecido estaba hacia el maestro italiano. Pero ya en un viaje a Praga Mozart se había sentido mal. Estaba muy enfermo de los riñones, padecía unas fiebres reumáticas. En noviembre compuso y presentó una cantata masónica y trabajó cotidianamente en el Réquiem que no pudo terminar porque el 5 de diciembre de1971, cinco minutos antes de la una de la mañana, murió.

La carrera de Salieri en la corte de Viena prosiguió muchos años más.

En 1804 era la personalidad más reconocida del campo musical europeo. Su mujer Teresa le dio 8 hijos, la mitad de los cuales sobrevivieron. En 1824 fue jubilado e internado en un hospital donde pasó el último año de su vida, paralizado, sin poder moverse ni hablar: Murió el 7 de mayo de 1825 y recibió los grandes funerales y el reconocimiento que merecía.

La leyenda negra de Salieri existía desde la muerte de Mozart, pese a que numerosos personajes de entonces demostraban que era falso. Cinco años después de la muerte del maestro italiano, el célebre escritor ruso Aleksandr Pushkin publicó un libro que alcanzó gran difusión, Mozart y Salieri, que avalaba la hipótesis de un Salieri envidioso del talento de Mozart. Años después, otro ruso famoso, el compositor Nikolai Rymski Korzakov, se basó en el libro de Pushkin en la ópera del mismo título: Mozart y Salieri, que contribuyó también a la campaña de difamación del italiano.

Un siglo después, el filme Amadeus de Milos Forman reavivó la leyenda negra de Salieri, aunque las investigaciones demostraron que nunca fue envidioso de Mozart y mucho menos contribuyó a su muerte. Por eso la decisión del teatro La Scala de Milán de reabrir sus puertas con la Europa reconocida el 7 de diciembre, suena como una justa reivindicación de la memoria y el honor del maestro de Legnago.

M)

Fllomena Marturano

Matrimonio a la Italiana

Original de Eduardo de Filippo, dirigida en cine por Vittorio de Sica, protagonizada por Sofía Loren y Marcello Mastroianni, es una de las películas más entrañables por la belleza de sus personajes y de sus actores.

La obra de teatrPFllomena Marturano, Matrimonio a la Italianao es de 1946, aunque la mayoría la conoce por la versión cinematográfica de 1964. En México en el 2011 fue protagonizada por dos grandes Rebeca Jones y Juan Ferrara.

Aparece en el catálogo de Netflix.

Es una película muy recomendable que sigue la vida de una pareja integrada por una mujer a la que la II Guerrra Mundial ha llevado a la prostitución y aunque por décadas ha sido la compañera sentimental de un solo hombre, no puede aspirar al matrimonio.

Usada como sirvienta y amante, Filomena tiene que lidiar sola para hacerse cargo de una familia a la que sostiene en secreto.

Dramaturgia, neo-realismo italiano, belleza y algunas de las actuaciones más memorables de la historia coexisten en este clásico del siglo XX.

N) Dicen Por Ahí...Rumor Has It y El Graduado

Para Ivonne, siempre enamorada de Kevin Costner

Existen varias razones para hacer de esta película una cinta peculiar: No es precisamente una secuela de El Graduado ya que fue filmada 38 años más tarde, lo que le da una continuidad muy diferente a Harrry Potter, El Hombre Araña, Shreck y todas esas series ahora tan de moda.

Aunque Anne Bancroft todavía andaba por ahí, su papel fue interpretado en la cinta de 2005 por Shirley Mac Lane y seguramente muchas adultas contemporaneas, como mi amiga Ivonne, considerarán que Costner a sus poco más de 50 años, resultaba más galan, aunque tal vez no mejor actor que Dustin Hoffman.

El atractivo visual es otra de las características de "Dicen por ahí" dirigida por el polifacético actor, productor y compositor de música de películas Rob Reiner, quien también tiene entre sus éxitos las comedias el Club de las Divorciadas (Goldie Hawn, Diane Keaton, Bette Midler) donde actúa y Harry y Sally, donde dirigió a Billy Criystal y Meg Rian.

Pero estabamos en el atractivo visual porque tanto Costner hace suspirar y hacer creible que una mujer mucho menor lo encuentre irresistible, como la flacucha Jennifer Aniston, ex esposa del también ícono sexual Bradd Pitt hace trabajar las hormonas con sugerentes semidesnudos y entallados vestidos que hacen olvidarse de sus piernas flacuchas ante su bien redondeado trasero y atractivos escotes.

Anniston y Costner, por cierto, también satisfacen las preferencias del público gay, sobre todo porque la segunda se convirtió en un icono por los besos lésbicos que dio o sugirió en la serie Friends y alguna otra muy popular en Estados Unidos.

Solo restaría comentar para los amplios públicos que no vieron la película de 1967, dirigida por Mike Nichols, quien por cierto ganó un Oscar, que en El Graduado, Benjamin Bradock (Hofmann) está muy enamorado de Elaine Robinson (Katharine Ross), pero su alcohólica madre (la famosa señora Robinson que da título a emblemática canción de Simon &amp; Garfunkel) lo seduce y destruye la posibilidad de un gran amor.

Como El Graduado es una película clásica, seguramente no tendra dificultad de conseguirla en un videoclub o de comprarla por poco precio en alguna cadena.

En Rumor Has It, además del atractivo de los protagonistas, hay escenarios de lujo y oportunidad de simpatizar con personajes políticamente correctos. Entretenimiento de buen gusto está garantizado.

Director:Rob Reiner

Escritor:Ted Griffin

Reparto:

Kevin Costner: Beau Burroughs

Jennifer Aniston: Sarah Huttinger

Shirley MacLaine: Katharine Richelieu

Mark Ruffalo:Novio

O)Los lunes al Sol

...Un juez obliga a Santa a pagar una indemnización de 10 mil pesetas por la farola rota. Santa la paga, para después detenerse en frente de la fábrica, aún llena de pintas de protesta, y romperla otra vez. En la imagen Javier Bardem.

Por Axel Ancira

En esta película de Fernando de León Aranoa se cuentan una serie de mini historias al rededor de la vida de unos amigos desempleados como consecuencia del cierre de una astillero, ubicado al norte de España.

En un ritmo lento y entre escenas que se muestran con una unidad propia bastante acentuada, la historia se mueve al rededor de disertaciones filosóficas sobre el valor del dinero, el significado de un movimiento obrero, o la repartición de los salarios; pero sin la pedantería de quien lo hace desde un aula atrapado en el idealismo universitario.

stas pláticas se van deshilachando mientras el grupo de amigos observa un partido de futbol desde las alturas de un edificio en construcción, aunque solo se vea la mitad de la cancha pues la otra parte es tapada por la propia obra; o al sabor de unas copas en un bar.Sin embargo cada uno de los personajes parece retratar un aspecto distinto sobre la vida de un desempleado.

Paulino (José Ángel Egido) vive en la angustiosa espera de ser llamado, y entre oficinas de espera, transcurren sus días, sin que le den empleo por ser muy viejo, o no estar capacitado. La vida se reduce entonces a una larga lista de espera, a una fila, a la espera.

José (Luis Tosar) vive la amargura de ser mantenido por su esposa quien trabaja en una empacadora de atún. Ana se la vive entre desodorantes que le quiten el olor a pescado, mientras que José sufre su impotencia siempre temiendo que Ana lo deje.

El argumento no va mucho más lejos, las escenas en el bar se suceden una tras otra, sin que grandes dramas acontezcan, mas que la desolación de una vida que se planea y se busca pero que no encuentra fuentes de subsistencia. Es Santa quien dentro de su desazón encuentra algunas respuestas y plasma todo su análisis ante la incredulidad del cuento de La Hormiga y la Cigarra. --La hormiga es una hija de puta y una especuladora, mientras que la cigarra nace cigarra y nunca tuvo muchas oportunidades-- dice enojado, cuestionando la clásica fábula de Esopo.

Más allá de esta metáfora es donde se encuentra el valor de esta obra sincera y profunda. El cuestionamiento a un modelo de desarrollo, a la imposición de empresas transnacionales, la reducción de la calidad de vida, de los propios esclavos del capitalismo. Un inmigrante ruso, que a menudo los acompaña llega a la conclusión de que: "Todo lo que nos decían del comunismo no era verdad, pero lo peor es que todo lo que nos decían del capitalismo resultó cierto"

Q) Mission Impossible. Misión Imposible, nación de truhanes

Una vez periodísticamente comprobada y publicada la participación de la CIA en el terrorismo y el negocio mundial de las drogas para obtener financiamiento con el cual inmiscuirse en naciones extranjeras, en favor de empresas transnacionales de los Estados Unidos, el cine de Hollywwod ha procurado ganarle el desprecio de los ciudadanos en favor de otras organizaciones, ficticias, pero con mejores valores éticos. Es el caso de Mission Impossible Force, cuya franquicia tiene el galán Tom Cruise.

Si el espectador logra abstraerse de sus problemas y la película logra emocionarlo, el cine está cumpliendo una de sus funciones existenciales. Si además le permite atisbar lo último de la tecnología en cámaras, micrófonos y equipos de seguridad, en una ficción divertida se logra un producto que convence al público y a la crítica.

Tom Cruise no sólo actúa. Vive el papel de Ethan Hunt. Pasados ya los 50 años, tiene todo el atractivo que puede ser posible para una persona que supera el medio siglo, corre como un atleta y hace él mismo las escenas de acción. Esto hace que muchos después de haber filmado la escena transmita la energía y haga que suba la adrenalina en las butacas.

Ser un actor nacido en Estados Unidos y pertenecer al establecimiento de la industria del dinero sobre todas las cosas, no le quita simpatía en la izquierda. Luego de Top Gun, donde satisfizo el patrioterismo, hizo Nacido el 4 de Julio y Leones contra Corderos, favoritas de los cinéfilos progresistas, aún dentro de la Unión Americana.

Una traducción más exacta de Mission Impossible V, Rogue Nations, sería Nación de Truhanes y no nación secreta como se le denominó en México.

Espías asesinos de Rusia, Israel, Inglaterra y Estados Unidos, principalmente, forman un sindicato del terror. Esta vez ya no quieren trabajar para las empresas que se intuye están detrás de la CIA, el Mossad o el MI6. En la propaganda y avances de Mision Imposible se ha utilizado mucho el improbable abordaje de un avión. Alguien podría pensar que con esto se ha estropeado el argumento de la película. No es así, esto ocurre apenas en el primer minuto de proyección, en uno de los "teassers" o introducciones más efectivos en la historia del cine.

Jeremy Renner (Ojo de Halcón en los Vengadores) Simon Pegg (Scotty, en la zaga Siglo XXI de Star Trek.

Aún películas clásicas como en la serie de James Bond y en varias de Avengers, ya no digamos en Transformer, llegan a tener tal abundancia de golpes, persecuciones y efectos visuales que acaban por volverse aburridas.

No es el caso de Misión Imposible. Esta es una montaña rusa muy bien construida, con largos segmentos para reponerse antes de la siguiente, vertiginosa y emocionante caída.

Buena ventaja es que el escritor de la historia sea el mismo que hace el guión y la dirección Christopher Mc Quarrie, unos años más jóven que Cruise, tiene una muy buena química con el protagonista. Se nota que ambos dejan hacer lo que el otro tiene que hacer y el resultado es bueno.

La sueca Rebeca Ferguson, es más que los hermosos muslos de una mujer de 1.70 de estatura, tiene una personalidad avasalladora, y el papel de Ilsa Faust le viene de maravilla con y sin bikini, con y sin la fantasía erótica que despierta su largo vestido amarillo de gala, con tan prácticas aberturas para subir tramoyas. Como en El Padrino III, la opera es un elemento importante de la apoteosis. Lo magnífico es que no es el desenlace. Ving Rhames (Pulp Fiction) Simon Pegg (Scotti en la zaga Siglo XXI de Star Trek y Jeremy Renner (Ojo de Halcón en Avengers) completan el equipo de Misión Imposible, una película a ver sin falta como tratamiento para la depresión, para ver de forma amable y sin moralismos.

Una vez periodísticamente comprobada y publicada la participación de la CIA en el terrorismo y el negocio mundial de las drogas para obtener financiamiento con el cual inmiscuirse en naciones extranjeras, en favor de empresas transnacionales de los Estados Unidos, el cine de Hollywwod ha procurado ganarle el desprecio de los ciudadanos en favor de otras organizaciones, ficticias, pero con mejores valores éticos. Es el caso de Mission Impossible Force, cuya franquicia tiene el galán Tom Cruise.

Si el espectador logra abstraerse de sus problemas y la película logra emocionarlo, el cine está cumpliendo una de sus funciones existenciales. Si además le permite atisbar lo último de la tecnología en cámaras, micrófonos y equipos de seguridad, en una ficción divertida se logra un producto que convence al público y a la crítica.

Tom Cruise no sólo actúa. Vive el papel de Ethan Hunt. Pasados ya los 50 años, tiene todo el atractivo que puede ser posible para una persona que supera el medio siglo, corre como un atleta y hace él mismo las escenas de acción. Esto hace que muchos después de haber filmado la escena transmita la energía y haga que suba la adrenalina en las butacas.

Ser un actor nacido en Estados Unidos y pertenecer al establecimiento de la industria del dinero sobre todas las cosas, no le quita simpatía en la izquierda. Luego de Top Gun, donde satisfizo el patrioterismo, hizo Nacido el 4 de Julio y Leones contra Corderos, favoritas de los cinéfilos progresistas, aún dentro de la Unión Americana.

Una traducción más exacta de Mission Impossible V, Rogue Nations, sería Nación de Truhanes y no nación secreta como se le denominó en México.

Espías asesinos de Rusia, Israel, Inglaterra y Estados Unidos, principalmente, forman un sindicato del terror. Esta vez ya no quieren trabajar para las empresas que se intuye están detrás de la CIA, el Mossad o el MI6. En la propaganda y avances de Mision Imposible se ha utilizado mucho el improbable abordaje de un avión. Alguien podría pensar que con esto se ha estropeado el argumento de la película. No es así, esto ocurre apenas en el primer minuto de proyección, en uno de los "teassers" o introducciones más efectivos en la historia del cine.

Jeremy Renner (Ojo de Halcón en los Vengadores) Simon Pegg (Scotty, en la zaga Siglo XXI de Star Trek) Aún películas clásicas como en la serie de James Bond y en varias de Avengers, ya no digamos en Transformer, llegan a tener tal abundancia de golpes, persecuciones y efectos visuales que acaban por volverse aburridas.

No es el caso de Misión Imposible. Esta es una montaña rusa muy bien construida, con largos segmentos para reponerse antes de la siguiente, vertiginosa y emocionante caída.

Buena ventaja es que el escritor de la historia sea el mismo que hace el guión y la dirección Christopher Mc Quarrie, unos años más jóven que Cruise, tiene una muy buena química con el protagonista. Se nota que ambos dejan hacer lo que el otro tiene que hacer y el resultado es bueno.

La sueca Rebeca Ferguson, es más que los hermosos muslos de una mujer de 1.70 de estatura, tiene una personalidad avasalladora, y el papel de Ilsa Faust le viene de maravilla con y sin bikini, con y sin la fantasía erótica que despierta su largo vestido amarillo de gala, con tan prácticas aberturas para subir tramoyas.Como en El Padrino III, la opera es un elemento importante de la apoteosis. Lo magnífico es que no es el desenlace.

Ving Rhames (Pulp Fiction) Simon Pegg (Scotti en la zaga Siglo XXI de Star Trek y Jeremy Renner (Ojo de Halcón en Avengers) completan el equipo de Misión Imposible, una película a ver sin falta como tratamiento para la depresión, para ver de forma amable y sin moralismos el crudo.

R) King Kong

Después de las versiones de 1933 y 1976 a muchos cinéfilos no nos dio la gana ver la del 2005, por mucho que Peter Jackson estuviera precedido por la fama que le otorgó la trilogía de El Señor de los Anillos.

De cualquier manera ahora que se puede conseguir en DVD, ya reposados de la parafernalia publicitaria que acompañó su estreno en las vacaciones invernales del 2006, podemos recomendarla como una excelente opción si lo que busca es una película de aventuras realmente diversa y divertida.

Si en su momento se le consideró la cinta más costosa de la historia, esta versión de King Kong justificó ampliamente el presupuesto, por sus escenas sucesivamente emocionantes; incluso más que El Hombre Araña 3, pues el gigantesco simio tiene escenas de amor mucho más excitantes con Naomi Watts, que las conseguidas por el delgaducho Adrien Brody en su papel del guionista cinematográfico Jack Driscoll.

Y es que, escena por escena, las situaciones en las que se ven inmersos estos aventureros y el gorila de buen corazón nos mantienen atentos a lo largo de las tres horas con 17 minutos que dura la proyección completa.

Corriendo en medio de Velocirraptors (Parque Jurásico dixit) y tiranosauros carnívoros, o esquivando aviones del tamaño de murciélagos prehistóricos o luchando con avispas y sanguijuelas, siempre existen atractivos dramáticos que nos mantienen pendientes, a la manera de los episodios seriales de Flash Gordon.

Tampoco es un atractivo menor el partido que le saca Jackson a la belleza de la actriz británica Naomi Watts, por mucho que nos parezca increíble que conserve los zapatos de tacón alto en la antena del Empire State. Este no es el único error relacionado con la belleza rubia: en otra escena, Denham, el productor interpretado por Jack Black, le pregunta si es talla 4, cuando se sabe que las tallas de mujer se empezaron a utilizar en Estados Unidos 1957 y el argumento transcurre en 1933.

Otro detalle es que en las primeras escenas de la noche en Nueva York, la nieve permite a Kong estrenarse como patinador, pero cuando sube al Empire State hay un amanecer veraniego.

Por supuesto estos detalles resultan nimios para quien desea ver una película fantástica y en todo caso más inverosímil resultaría la delicadeza con la que King trata a su muñeca rubia.

Recuerde: si se decide por esta película para ver en su hogar, trate de garantizar la disponibilidad de tiempo pues si no cuenta con más de tres horas, es muy probable que tenga que devolverla al videoclub sin haberla disfrutado completa.

Dirección: Peter Jackson

Guionistas: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson

A partir de la historia original de Merian C. Cooper y Edgar Wallace

Musica Original: James Newton Howard

Fotografía: Andrew Lesnie

Edición: Jamie Selkirk

S) 2010 El año en que que hicimos contacto

Aunque Stanley Kubrick destruyó todos los escenarios de 2001, Odisea en el Espacio, para fortuna de quienes nos quedamos con muchas dudas sobre los significados de esta película preciosista, gracias a 2010, El Año que hicimos Contacto, nos enteramos de que HAL 9000 no era un computador neurótico, suicida, sicótico ni homicida, pero sí los habitantes de la Casa Blanca…¿obviamente?

En la cinta, producida, fotografiada, escrita y dirigida por Peter Hyams, la acción transcurre durante una misión conjunta de científicos y astronautas estadounidenses y soviéticos, quienes tienen que luchar por sobrevivir en su viaje a Europa, mientras en Estados Unidos vuelven a jugar a la guerrita, esta vez disputando Centroamérica.

Las cosas se complican porque esta Europa no es el viejo continente terrestre, sino el satélite planetario de Jupiter en donde según la trama se encuentra un monolito que puede dar la clave de la evolución del hombre sobre la Tierra.

Para mejorar las cosas - y la historia- en "2010..." tendremos la oportunidad de volver a encontrarnos con Dave Bowman, el astronauta de 2001, Odisea en el Espacio, quien vuelve a ser al mismo tiempo el nonato y el anciano aislado, interpretado por Keir Dullea.

2010,El Año que Hicimos Contacto, fue filmada en 1984, 16 años después de la película de Kubrick y 22 años antes de que Helen Mirren, (quien tiene aquí el rol de una comandante soviética) ganara el Oscar a mejor actriz por La Reina.

Encabeza el reparto Roy Sheider, el actor de Tiburón, quien también fue comandante en una serie de submarinos llamada Sea Quest y coreógrafo en All that Jazz.

En 2010 lo encontramos en el papel del doctor Heywood Floyd, un hombre que apenas empieza a encontrar la felicidad en segundas nupcias con una bióloga marina quien, por cierto, tiene un delfín como mascota, y sin embargo debe viajar al espacio porque es la única forma de encontrar la verdad sobre el fracaso de la expedición espacial de 2001.

A diferencia de la visual y musicalmente encantadora 2001..., en 2010... nos encontramos con una historia más comprensible y profundamente optimista, con una fotografía virtuosa, aunque no preciosista como las de la películas de Stanley Kubrick.

Además en 2010, a diferencia de 2001, el Gobierno de Estados Unidos es mejor retratado como en verdad es, codicioso, bélico y oportunista, más que como mecenas de la ciencia y la aeronáutica.

¿Ciencia ficción, con humor y esperanza? ¿Harto de los estereotipos de soviéticos malosos y gringos heróicos? Entonces esta es nuestra recomendación para usted.

T) BREAK POINT

En la lista de películas de Woody Allen que no están inscritas en la categoría de Comedia, favor de anotar con letras mayúsculas Match Point, cuya síntesis argumental podría inscribirse con la frase latina "Mas pierde el pobre cuando empobrece que el rico cuando enriquece". Y es que la historia nos cuenta la anécdota de un instructor de tenis que por azares de su profesión se encuentra con la posibilidad de entrar al círculo de los poderosos.

Como ya ha ocurrido con otras películas estadounidenses de Allen, los personajes principales son de esos que no tienen problemas para comer o pagar la renta, ricos y políticamente correctos, liberales y dispuestos más allá de la mera coexistencia pacífica a incluir en sus familias a personas que no son de su clase social.

Hasta aquí, la trama podría coincidir con las de otras películas de Allen como Hannah y sus Hermanas, Crímenes y Pecados o Todos Dicen te Amo, solamente que esta vez la historia está más cerca del drama que de la broma, como sucede en Interiores, Manhatan y Septiembre que son la minoría de sus más 58 obras.

Como en los tiempos de Annie Hall (Dos Extraños Amantes) y Todos Dicen te Amo los personajes gustan del deporte blanco, aunque su conciencia sea lo suficientemente negra para usar y tirar, aborto de por medio, a la gringa sureña que quiere ser actriz.

En Break Point la anécdota gira en torno a la suerte, a esa fracción de segundo en el que la pelota de tenis rebota en la red y puede caer de un lado u otro de la cancha.

Lo interesante es que aquí la buena suerte depende de que el objeto arrojado caiga del lado del jugador que tiene el saque.

La duración de esta, que sería más o menos la cuadragésima película de Allen desde que actuó y dirigió en 1965 "Que hay de nuevo Pussycat", también es atípica, pues supera las dos horas, cuando la mayoría de sus producciones no alcanza la hora y media.

Otra referencia es que Break Point, es una producción mayoritariamente británica. Finalmente Allen logró superar los complejos que lo ataban a Nueva York y esta película inglesa vino a demostrar que nunca es tarde para cambiar de estilo y no es verdad ese dicho de que los perros viejos nunca aprenden trucos nuevos.

Después de todo Allen nació en 1935 (el primero de diciembre) y fue hasta el 2005 cuando se internacionalizó con Break Point, decidiéndose a filmar en Europa, donde sus películas son mucho más apreciadas que en America.