LAS ESTRELLAS DORADAS DE HOLLYWOOD

Biografía de Charles Chaplin             

Biografía de Humphrey  Bogart             

Biografía de Gary Cooper             

Biografía de Marlene Dietrich             

Biografía de Montgomery Clift             

Biografía de Greta Garbo             

Biografía de Dean Martin             

Biografía de Shirley Temple             

Biografía de Grace Kelly             

Biografía de James Dean             

Biografía de Donald Sutherland             

Biografía de Marilyn Monroe             

Biografía de Dennis Hopper             

Biografía de Elizabeth Taylor             

Biografía de Malcolm Mcdowell             

Biografía de Charles Chaplin

(1889-1977)

“Nunca te olvides de sonreír porque el día

que no sonrías será un día perdido”.

Charles Chaplin.

Sus Primeros años: la pobreza y el talento prematuro

Charles Spencer Chaplin nació en Londres en 1889 en el seno de un matrimonio de actores de music-hall, un tipo de espectáculo influenciado por el baile, la música popular y la comedia, vinculándose así desde su nacimiento a los escenarios. El barrio donde vivían, Kensington, era residencia de muchos actores del mismo género, de los cuales recibió temprana influencia.

No obstante, los primeros años de vida fueron muy difíciles para la familia. El padre, Charles, los abandonó para dedicarse al alcohol, y Hannah, su madre, se vio obligada a mantener por sí sola a sus hijos Sydney y Charles. De nombre artístico Lily Harvey, Hannah empezó a presentar serios problemas de salud. En 1894, durante una función en Aldershot, su voz se quebró en medio de una canción. El empresario envió a escena al pequeño Charles, de cinco años, que imitó la voz de Lily incluyendo el desfallecimiento final, para gran diversión del público. Se dice que tal fue el sentimiento que lo desbordó que lo sacaron a rastras del escenario. Ése fue su debut artístico y esto le permitió en pocos años hacerse con una gran capacidad interpretativa para la comedia y la mímica.

Charlie recordando estos momentos ha dicho de su madre: “De ella aprendí todo lo que sé. Era la más formidable imitadora que he visto. Podía pasarse horas enteras en la ventana,observando la calle y reproduciendo con sus manos, sus ojos, su expresión, todo lo que en ella sucedía… viéndola es como aprendí, no sólo a reproducir gestos con mis manos y mi cara, sino también a estudiar el carácter de la gente… Ella me dio todo cuanto tenía, sin pedir nada a cambio”.

La prematura muerte de su padre, el fracaso artístico y la falta de dinero los llevó a vivir casi en la miseria afectando la frágil condición de Hannah, cuya salud física y mental empeoró hasta la esquizofrenia. Los niños tuvieron que contribuir a incrementar el dinero para llevarlo a casa, para esto Charlie y su hermano se iban a cantar a la puerta de las tabernas y realizaban también imitaciones. Posteriormente Sydney y Charles asistieron por un tiempo a la escuela para niños pobres de Hanwell, sufriendo su severa disciplina y las burlas de sus compañeros.

En el año 1897, Charlie se unió a la troupe Eight Lancashire Lads (Los ocho muchachos de Lancashire), grupo de actores juveniles aficionados que hacían giras por los pueblos, teatrillos y music halls. Formó parte de otras compañías ambulantes modestas. Para cuando murió su padre, en 1898, Chaplin era ya el actor infantil más popular de Inglaterra. En 1901, con doce años, representó el rol de protagonista en Jim, un descarado vendedor de periódicos cuyas aventuras lo conducen a desafiar a un policía de Scotland Yard. Naturalmente, logró conquistar en el acto las simpatías del público y también le valió las alabanzas de la prensa. Cuatro años más tarde realizó una gira con la obra Sherlock Holmes, siempre al lado de su hermano Sydney.

Curiosamente en esta primera etapa el pequeño Charles veía con horror el papel de cómico. Las elogiosas reseñas que le dedicaron a raíz de su audaz y dramática actuación en Jim, le hicieron pensar que su camino estaba en esa dirección. Fue por ello que no quiso pedir trabajo en los music hall, donde sí actuaba su hermano.

Karno: la fama teatral, Keystone: sus inicios en Hollywood

El año 1906 fue afortunado para el joven cómico, pues firmó otro contrato con la célebre compañía de pantomimas de Fred Karno, El rey de los music hall, en la que también actuaba Stan Laurel, compañero de Oliver Hardy, dupla mejor conocida como El gordo y el flaco, protagonistas de muchas películas cómicas.

En el año 1910, el representante de una compañía norteamericana de varietés (shows teatrales con números variados) fue a Londres a fin de contratar artistas para una gira por los Estados Unidos, le compró a Karno los derechos de unos cuantos sketches, y después de haber visto representar a Sydney Chaplin quiso contratarlo. Por sugerencia de Karno se llevó consigo al joven Charles quien representaba los mismos papeles en provincias y era tan bueno como el mayor. Es así como Charles Chaplin se embarcó para América al final del verano.

Sin cumplir aún los 20 años, Charles Chaplin llegó a Estados Unidos precedido por una buena reputación de comediante. Hizo su debut en los Estados Unidos en el Teatro Colonial de Nueva York, el 3 de octubre de 1910, siendo colmado de alabanzas por la prensa gracias a su papel protagónico, que destacaba sobre todo por su desenvolvimiento natural y gran despliegue en escena. En pocas palabras, Chaplin empezó en América con el pie derecho.

A esa misma presentación quiso el destino que también asistiera Adam Kessel, uno de los jefes de la Compañía de cine Keystone Picture Corporation que, impresionado por el actor, espero hasta el final de la función y le propuso hacer películas, a lo que Charlie respondió con un rotundo “no”, pese a la insistencia de Kessel y la oferta de doblarle el sueldo. Sin embargo, la seguridad de trabajo que le brindaba el teatro lo hizo desistir. Tres años después, en el verano de 1913, regresa a Estados Unidos con la compañía Karno para repetir el éxito obtenido anteriormente, en esta ocasión con la pantomima Una noche en el London Club. Mack Sennet, fundador de Keystone, volvería a hacerle una mejor oferta que la anterior, 150 dólares semanales, el triple de lo que ganaba con Karno. Esta vez, Chaplin no la rechazó.

Charles Chaplin llegó a Hollywood en la primavera de 1913. Su primera impresión de este lugar le produjo un gran desaliento, causado por el nuevo ambiente de trabajo, con artistas y directores de distintas nacionalidades, sintiéndose al comienzo solo y desorientado, pero con sus sueños y originalidad intactas.

El vagabundo inmortal: Charlot

Mack Sennett producía cortos de situaciones hilarantes: peleas, gags improvisados que terminaban en locas persecuciones y tortazos en la cara. Sennett intuía las infinitas posibilidades cinematográficas de la mímica más refinada y compleja de Chaplin, y quiso infundirlas a su personaje, cosa que no dio resultado pues el joven cómico tenía un particular ritmo de trabajo y total renuencia a seguir esquemas ajenos. Dichos rasgos dejaban entrever su originalidad y natural vocación por la comicidad.

Por orden de Sennet, Chaplin debía presentarse a la grabación vestido de manera graciosa. El cómico que contaba con poco tiempo para acudir a la cita, rápidamente recurrió a colegas suyos para pedirles ideas. Un cómico muy gordo le dio unos pantalones anchos, otros aportaron con unos zapatos muy grandes para Charles, un sombrero de copa, pequeño para su cabeza, y una chaqueta, también estrecha para él. Hasta el momento toda la indumentaria le daba un aspecto pobre y nada proporcionado, pero faltaba algo más. Al final, se tropezó con un bastón de bambú y una brocha, con la que se hizo el pequeño bigote. Ambos elementos le darían además, un ridículo aire de dignidad y orgullo a su personaje.

Nació así Charlot, el vagabundo (The Tramp, para los de habla inglesa; Charlot, en Italia, Francia y en España; Carlitos en Argentina y Brasil): un hombre de gestos refinados y la dignidad de un caballero, vestido con estrecha chaqueta, bamboleantes pantalones, zapatos enormes, sombrero bombín, bastón y bigotillo. Su inconfundible caminar oscilante, una acentuada emotividad sentimental, y un desencanto melancólico frente a la impiedad y a la injusticia de la sociedad moderna, lo retratan como una figura idealista identificada con la clase obrera y otras menos favorecidas.

El mismo Chaplin reconoció que tuvo la idea para crear a Charlot inspirándose en Max Linder, famoso cómico francés del cual era un ferviente admirador, y cuyo paradigma de elegancia deformó para crear al pequeño vagabundo de pobre vestimenta, con bigote, bastón y sombrero de copa.

Dijeron los críticos de esta caracterización: “En su figura se funden: la del judío errante, la del pícaro enamoradizo, la del bandido generoso, la del apátrida sentimental, la del golfo enamorado, la del mendigo dandi, la del artista de la supervivencia, la del exiliado perpetuo y la confortadora gracia de esa casta de individuos que, expulsados de la colectividad porque no saben ceder a ésta un milímetro del territorio de su independencia, convierten su soledad en su pueblo”.

El 2 de febrero de 1914 se estrenaba su primera película, Ganándose la vida, también conocida como Charlot periodista. Ese mismo año rodó para la Keystone 35 films de un rollo (cortometrajes de entre 12 y 16 minutos de duración) escritos y dirigidos por Sennett, el propio Chaplin u otros directores.

En cada una de estas obras se notaba que sus caracterizaciones eran sólo esbozos del vagabundo ingenuo y sentimental que le daría fama en todo el mundo, pero como Chaplin interpretaba en cada una un oficio o situación distinta, se las bautizaría luego como Charlot bailarín, Charlot camarero, Charlot de conquista, Charlot ladrón elegante, etc.

El exitoso y disputado Chaplin

El éxito posterior fue arrollador, y en 1915, Sennet, reconociendo la mina de oro que tenía en Chaplin le ofreció un aumento de 150 a 400 dólares semanales. Inesperadamente, la productora Essanay le robó a Sennet su estrella por un contrato con la fabulosa cantidad de 1250 dólares semanales, cifra por mucho superior al sueldo de los mejores comediantes de la época, y ante la que Sennet y su oferta poco o nada pudieron hacer.

Sin embargo, el éxito no se le subió a Chaplin a la cabeza. Si acaso, empezó a pisar más fuerte y seguro hacia la consecución de sus propósitos, pensando sobre todo en las películas que quería hacer. Simultáneamente, la carrera de su hermano Sydney, que seguía afiliado a la Keystone, se opacaría con el tiempo, aunque siguió colaborando con Charles e incluso se convirtió en su representante artístico por muchos años.

Con la Essanay, Chaplin pasó (en un tiempo record de solo 3 meses después de su ingreso) a escribir y dirigir él mismo los catorce films que rodó ese año. Tenían ya una duración de dos rollos, una trama más complicada que introducía toques románticos y melancólicos en la receta humorística, y un guión meticulosamente estructurado y ensayado. Chaplin era el protagonista absoluto, y en la mayoría de ellos su acompañante era Edna Purviance, alta, rubia y de carácter plácido, el personaje femenino que hacía contraste con el físico y temperamento del cómico, ahora director. Además de descubrir a Edna, su fiel compañera y colaboradora por muchos años –con la que nunca se llegaría a casar–, también llegó a trabajar junto a Ben Turpin, cómico famoso por padecer de estrabismo (ser bizco).

Son títulos importantes de esta época: Su nuevo empleo (primera película filmada para esta compañía), Charlot va de juerga, La cama empotrable, Charlot boxeador, Charlot en el banco y Charlot marinero.

Llegó 1916 y con él, nuevamente el cambio de productora. Firmó con la Mutual Film Company un contrato de 10.000 dólares semanales (sin mencionar un adelanto estipulado de 150.000) por el que realizaría doce películas en dos años. Si durante su etapa en Essanay trabajó por mejorar el papel de Charlot, en la Mutual continuó afinando y perfeccionando a su vagabundo, introduciendo en la acción algunas pinceladas de ternura, de modo que uno sintiera lástima por el hombrecillo. Inventó muchos efectos cómicos y sentimentales que luego iría perfeccionando en cintas posteriores. Su arte genial estaba ahora a punto para dar los frutos esperados.

La primera película que Charlie realizó para la Mutual fue La escalera mecánica, a esta la siguió Charlot bombero y otras como El prestamista, La calle de la paz y, especialmente, El inmigrante fueron películas de gran éxito comercial.

A principios de 1918, la First National contrató a Charlie Chaplin por la cifra récord de un millón de dólares anuales, siempre con su respectivo adelanto, que subió a 15.000 dólares. Lo que más entusiasmó a Charlie de este nuevo contrato, fue que a partir de entonces trabajaría con el control creativo absoluto para sus producciones. Con la First National filmó doce películas entre 1918 y 1922, algunas tan clásicas en su filmografía como Vida de perro y Armas al hombro, siendo esta última la primera de sus películas con una trama bélica, una parodia acerca de la Primera Guerra Mundial (considerada el antecedente inmediato de El gran dictador) y también la que se considera su primera obra maestra, en la que cinceló su estilo tragicómico, crítico y sutilmente conmovedor: El chico, teniendo como acompañantes a Jackie Coogan, actor infantil que obtendría éxito por esta película y la infaltable Edna Purviance.

En el interín, después un fugaz y fracasado matrimonio con Mildred Harris, decide tomarse unas vacaciones en Hawai junto a su hermano Sydney. En 1921, un poco harto de su inmensa popularidad, algunos escándalos de su vida privada y con un sentimiento de vacío creativo, decide regresar a Londres. A su llegada, una multitud imponente le esperaba en la estación de Waterloo, miles de personas emocionadas por su llegada lanzaban gritos afectuosos hacia él. El propio Charlie nos describe su emoción: “Los policías bracean desesperadamente. Son unos momentos de verdadera prueba para ellos. Fuera de la estación aguardan millares de personas. Estoy realmente emocionado. Esto es mucho más de lo que yo esperaba y he de confesar que me produce una gran satisfacción”.

Asediado por sus compatriotas y tratado como un héroe que regresa a su patria, recorrió en compañía de su hermano Sydney y su madre Hannah (a quien recogió del sanatorio donde se encontraba) todos los lugares en los que transcurrió su infancia y juventud.

Chaplin, actor y director

Charlie Chaplin regresó a casa con nuevos ánimos después de haberse distraído variando de ambiente, y reanudó su trabajo culminando las películas pactadas con la compañía First National. Estas películas fueron: Día de paga y El peregrino. Luego de esto, Charlie estaba contento de que hubiese terminado su contrato con la First National, pues ya desde 1919 tenía preparados nuevos planes. En adelante, no sólo sería el realizador de sus propias películas, sino también su distribuidor.

Es así que formó su propia compañía productora, United Artist Corporation, para ello contó con el apoyo de Mary Pickford (la novia de América), Douglas Fairbanks y David Griffith, las cuatro principales figuras de la industria cinematográfica de aquel tiempo. Esta compañía se había constituido ya en 1919 integrada por los otros tres, pero Chaplin no trabajó para ésta hasta no acabar su contrato con la First National, lo cual sucedió recién en 1923.

Filmó su primera película, Una mujer de París, para esta nueva compañía en 1923, con su amiga y colega Edna Purviance como protagonista. Fue la última película que habían de realizar juntos, y aquélla era la manera con que Charlie Chaplin le decía a Edna “muchas gracias”. El filme era completamente distinto de cuanto había hecho hasta entonces, tal como lo fuera Armas al hombro. No era una cinta cómica, sino un auténtico drama, una obra intensa y sofisticada, que ejerció una enorme influencia sobre el estilo del cine posterior. Como acompañante de Edna en esta cinta aparecía Adolphe Menjou, que había actuado en pequeños papeles al lado de Mary Pickford, Douglas Fairbanks y Rodolfo Valentino. Esta cinta fue la que le consagró como astro de la pantalla especializado en papeles de galán cínico y amable.

Esta película tuvo un costo bastante alto y lamentablemente obtuvo pocas ganancias. En cambio, los críticos la calificaron de obra maestra, declarando a Chaplin “el mejor director de cine del mundo”. Alabaron su inventiva, sus pinceladas irónicas, su comprensión de la naturaleza humana. Decían de ella: “Es la vida misma”.

A partir de entonces, Charlie empezó a vivir una vida más plena. Su viaje por varios países, durante el cual conoció a mucha gente como sir James Barrie, autor de Peter Pan o el escritor inglés H. G. Wells, autor de La guerra de los mundos. Su fama, fortuna e importancia como artista no lo llevaron a inflar su ego, muy por el contrario, le hicieron sentirse un poco más comunicativo. Empezó a aceptar con más frecuencia invitaciones a cenar y a reuniones con nuevos círculos amistosos.

En 1924, escribe el guión para la que se considera su obra maestra, La quimera del oro, una vez terminado éste empezó a buscar una nueva actriz, como siempre deseaba que fuese una chica sin experiencia de actriz, una chica a la que pudiese moldear a su gusto. La búsqueda duró varias semanas hasta dar con Lita Grey, a quien aceptó de inmediato como actriz principal de la película, más por el flechazo de ella hacia él que por las escasas dotes de actriz que vio él en ella. Se casaron en noviembre de 1924, divorciándose 3 años después.

Este divorcio significó también el rehacer todas las escenas filmadas por Lita, que en algunos casos habían costado muchos meses de esfuerzo y trabajo. Esta misión fue encargada a Georgia Hale, que ya había trabajado un poco en el cine, aunque sin demostrar ningún talento excepcional como actriz. Sin embargo, Hale tenía el temperamento y la clase de personalidad que Chaplin buscaba.

Una agitada vida sentimental

Chaplin fue a lo largo de su vida víctima de una irresistible atracción por mujeres mucho menores que él. Prueba de ello son sus numerosas nupcias, separaciones, escandalosos divorcios e incontables romances a lo largo de su vida.

El 23 de octubre de 1918 contrajo matrimonio por primera vez con una joven actriz secundaria llamada Mildred Harris, esta unión duraría sólo hasta 1920 y lo que siguió fue el divorcio que le costaría una gran cantidad de dinero y sobre todo una gran intranquilidad.

Por la época en que escribía el guión de La quimera del oro, en su búsqueda de una nueva actriz, deseablemente con poca o nula experiencia conoció a Lolita McMurray, más conocida como Lita Grey, y prendado de ella la acepta de inmediato para protagonizar el filme, pese a las pocas dotes de actriz de ella. Se casaron el 24 de noviembre de 1924. Esta unión duró hasta 1927 y  como fruto de esa relación tuvo sus dos primeros hijos, Charles Spencer y Sydney Earle y pagó un millón de dólares al divorciarse de Lita.

La relación que mantuvo con un gran velo de misterio fue la que sostuvo con Paulette Goddard, actriz principal del filme Tiempos modernos y con la que convivío abiertamente, sin mencionar jamás palabra alguna sobre su boda, y si es que realmente se llegaron a casar. Recién en 1942, dos años después de su separación, se supo que habían contraído nupcias en Cantón, China, en 1936.

Poco después de este nuevo divorcio, el cineasta se vio envuelto en un proceso por la paternidad de la hija de la actriz Joan Barry (con la que había trabajado tiempo atrás), llamada Carol Ann, y aunque la negó e incluso se demostró que no era el padre biológico se ofreció a pagar algunos gastos de la niña. Este escándalo no le impidió casarse a sus 54 años con otra jovencita, Oona O’Neill, hija del famoso dramaturgo Eugene O'Neill, que al enterarse del hecho se desentendería totalmente de ella. Oona, 36 años menor que el gran cineasta, permanecería a su lado hasta el día de su muerte.

El circo y Luces en la ciudad

La siguiente película rodada por Chaplin fue El circo. Esta cinta costó a Chaplin muchísimo dinero, más que ninguna otra de las películas que había hecho hasta entonces. Se hizo construir un circo completo, sin escatimar en detalles: trapecios, tribunas y todo el material necesario, las fieras y sus domadores, artistas circenses, además de las altas plataformas para las cámaras. Charlie se ejercitó también durante un año en andar sobre la cuerda floja, hasta que adquirió una gran destreza. Su coprotagonista femenina Merna Kennedy, tuvo que realizar asimismo un intenso aprendizaje de écuyère o amazona, mujer que monta caballos en un circo.

Esta película fue unánimemente aclamada por la prensa y el público, devolviéndole a Chaplin toda su popularidad y prestigio. Recaudó en total más de 3,8 millones de dólares, siendo la séptima película muda de mayor recaudación en la historia del cine. Lo hizo merecedor al primer Oscar que recibió por parte de la Academia. Aunque en esa ocasión ganó 4 estatuillas doradas (Mejor película, director, actor y argumento) se retiraron los premios y en su lugar se le otorgó un Oscar honorífico que incluía las anteriores y destacaba toda su participación en una obra maestra del cine.

Otros artistas cómicos, como Harold Lloyd y Buster Keaton, habían comenzado a reemplazarlo en el firmamento cinematográfico y en la afición de las masas durante aquellos tres años de silencio de Chaplin. El rodaje de esta película comenzó en 1926 y finaliza en 1928. Durante ese tiempo, sobrevinieron una y otra vez catástrofes que pusieron en riesgo la cinta: los problemas legales que le imponía su ex esposa Lita Grey, amenazando al cómico con robarle la película que estaba rodando, el deterioro de la salud de su madre y el incendio de un estudio de grabación (una fotografía muestra a Chaplin detrás de los restos, devastado por la tragedia). Todas estas circunstancias hicieron que las grabaciones se paralizaran por casi ocho meses. Pese a los muchos problemas que tuvo durante su producción, fue gracias a El circo que Chaplin se impuso una vez más ante todo.

El mundo tuvo que esperar otros tres años para contemplar su siguiente película: Luces de la ciudad. Esta vez la espera fue motivada por una crisis diferente: la aparición del cine sonoro. El éxito de El cantor de jazz y El loco cantor (ambas películas de Al Jonson) demostraron que se había encontrado al fin la manera de sincronizar sonido e imágenes; y rápidamente, las principales compañías de cine empezaron a adoptar aquel sistema en sus estudios y salas de espectáculos, a la par que caían en picada muchas estrellas del cine mudo cuya fama parecía inamovible, pues estas carecían de una voz acorde a su belleza o peculiar talento artístico.

Por su parte, Chaplin optó sin vacilaciones por seguir haciendo cine mudo. A decir verdad, siempre se había mostrado contrario a las películas habladas. Por más que otros las aceptasen, él opinaba que aquello destruiría la universalidad de Charlot, el vagabundo, personaje conocido ya en muchos lugares del mundo.

La idea de Luces de la ciudad se le ocurrió a Charlie luego de un mes de haber terminado El circo. El argumento debía girar en torno al amor de un vagabundo por una muchacha ciega elegida de entre veinte historias distintas escritas por él mismo. Como protagonista escogió a Virginia Cherrill, la cual no había trabajado nunca ni en el cine ni en el teatro, pero ello no fue impedimento para actuar en la cinta, donde destaca por su aspecto sereno y gran belleza.

En los momentos al comienzo del rodaje, la salud de su madre empeoró dramáticamente. Ella, la persona más querida de Chaplin, de la cual dijo que fue la única mujer a quien de veras había amado en el mundo. Hannah Chaplin fallece en agosto de 1928 y fue enterrada junto a un estanque rodeado de lirios y sombreado por dos hermosos árboles.

El humor de Chaplin durante los siguientes meses fue silencioso y taciturno. Terminada la película, el director la calificó de “fábula cómico-sentimental en imágenes”. Pero en realidad era una tragicomedia, muchos fueron los que lloraron en la noche del estreno, y también muchos millones derramaron lágrimas por aquel vagabundo del que se habían reído durante quince años. Para esta película, Charlie decidió componer él mismo la música de fondo. Era la primera vez que lo intentaba, y fueron muchos los sorprendidos cuando se supo, que además de sus múltiples actividades en la película, también pretendía ser el autor de la música. Por lo demás, y con gran asombro de todos, resultó que la música compuesta por él era muy buena, por eso mismo su talento musical es hoy reconocido y alabado.

Para su estreno en Los Ángeles fue acompañado por Albert Einstein y su esposa. En Nueva York realizó una presentación por su cuenta, la cual le rindió mayores ganancias que cualquiera de las demás películas sonoras. Luego de esto Chaplin hizo un nuevo viaje a Londres, conociendo personalidades como Bernard Shaw y Lloyd George. Se trasladó luego a Europa, visitando Viena, Venecia, Bruselas y París, donde el primer ministro Briand lo nombró Oficial de la Legión de Honor. Siguió su recorrido por tierras tan lejanas como Egipto, Ceilán, Java y el mismo Japón, donde casi fue víctima de un complot de la Sociedad el Dragón Negro para asesinarlo, pues lo tomaron inicialmente por un americano.

Tiempos modernos y El gran dictador, el Chaplin crítico y criticado

Poco tiempo después de su regreso a Hollywood, Chaplin conoció en un paseo a Paulette Goddard, la que sería su tercera esposa y la protagonista de su siguiente película, Tiempos modernos. Esta era una ácida parábola sobre el maquinismo industrial y las miserias del capitalismo. El director la concibió como una película muda y con una banda sonora como en su película anterior, sirviéndose de ella y de sus composiciones musicales para lograr los efectos cómicos.

Algunos críticos dirigieron fuertes ataques a esta película, pues creyeron descubrir una forma encubierta de pensamiento comunista en su manera de tratar las escenas de la fábrica, en su simpatía por los trabajadores, y sobre todo en la forma graciosa de agitar la bandera roja de peligro. A los rusos no les gustó demasiado la película y contemplaron más bien en silencio las escenas del trabajo en cadena, método del cual se sentían orgullosos en su batalla por la producción. Por su parte, Chaplin declaró: “Siempre hay personas dispuestas a atribuir a mis obras un significado político. No lo tienen. Mi principal objetivo es el de divertir. Como actor, no tengo objetivos políticos de ninguna clase”.

Aunque se había empezado a rodar antes de la guerra, la película no se estrenó hasta el mes de octubre de 1940. Las críticas de antes, motivadas por los temas sociales de las películas de Chaplin, no se hicieron esperar y estallaron con más fuerza que antes con la aparición de la película. El sector puritano norteamericano lo tildó de “agitador” y “comunista”, cuando en verdad el objetivo del director era representar una sátira contra las dictaduras y una feroz parodia del nazi-fascismo, en la que Chaplin personifica caricaturescamente a Hitler.

El cine de Chaplin y sus desencuentros políticos

Mucho antes de que Inglaterra entrara en guerra, Chaplin había planeado realizar su película El gran dictador. Él quería que esta película fuese hablada, pues Hitler solía hablar bastante y quería aprovechar toda su locuacidad. Es así, como el mundo pudo escuchar por fin la voz del pequeño vagabundo. Chaplin puso gran cuidado en hacerle hablar despacio y con palabras sencillas, a fin de que pudiesen entenderle todas las personas, pero única y exclusivamente en los minutos finales de la película.

Las críticas del puritanismo norteamericano, producidas por los contenidos o trasfondos sociales de las películas de Chaplin, no se hicieron esperar y se vieron incrementadas notablemente con la aparición de esta película, que en resumen resultaba ser una sátira contra las dictaduras y una feroz parodia del nazi- fascismo, en la que Chaplin personifica caricaturescamente a Hitler.

El mismo Chaplin comentó posteriormente: “Estaba moralmente obligado a hacerla. He hecho esta película para los judíos de todo el mundo. He querido ver como volvían a triunfar la bondad y la decencia. No soy comunista, no soy más que un ser humano que desea que este país sea una democracia realmente libre de esa infernal reglamentación que se está adueñando del resto del mundo”.

De esta manera, desde el estreno de Tiempos Modernos en adelante se granjearía un sentimiento de antipatía hacia Chaplin, catalogándolo de ingrato, inoportuno y simpatizante comunista.

Monsieur Verdoux y Candilejas, el Chaplin reflexivo

Su siguiente película, Monsieur Verdoux, la realizaría recién en 1947. Luego de esto el descrédito y las críticas constantes contra Chaplin y su obra se agudizaron. Esta película –basada en un caso real– narra la historia de Henri Verdoux, un banquero desempleado, sumamente desconfiado y decepcionado de la sociedad, que conquista, desposa y asesina mujeres acaudaladas para quedarse con su dinero y mantener así a su familia.

La película marcó un cambio radical en la visión que tenía Chaplin del cine, siendo la primera cinta donde no participaba su personaje cómico Charlot y ensayando más bien un análisis psicológico de la sociedad desde la perspectiva de un atroz criminal que se justifica con la siguiente frase: “Asesinar a una persona hace de uno un canalla, asesinar a millones, un héroe. Las cantidades santifican”. Esta película sería nominada al Oscar en la categoría Mejor guión original.

El trasfondo comparativo entre los crímenes de Verdoux y los que cometieron los aliados antes y durante la Guerra Fría no gustó demasiado a las autoridades y a los patriotas americanos, siendo inmediatamente censurada y su difusión prohibida. Otra de las cosas que se criticaban mucho a Chaplin era su persistente negativa a adoptar la nacionalidad norteamericana.

La gota que derramó el vaso, fue un llamado a comparecer ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas, por su presunta afinidad comunista, sospecha que lo indignó grandemente. Finalmente, decidió exiliarse y no volver jamás a Estados Unidos. Se instaló en una lujosa residencia en Corsier-sur-Vevey, a orillas del lago suizo de Léman, frente a Ginebra. Su esposa Oona se encargó de liquidar sus asuntos económicos y profesionales en Estados Unidos.

Antes de abandonar los Estados Unidos rodó allí Candilejas, en 1952. Esta se encuentra llena de referencias autobiográficas, sobre actores y el teatro. Por aquel entonces un crítico escribió: “Es Candilejas su gran película final, la que logró la entera fusión en un solo gesto de la carcajada y la lágrima y la contiene en la terrible imagen del camerino donde Chales Chaplin y Buster Keaton, los príncipes de la comedia fundacional de Hollywood, se van despojando de los acicalamientos de sus caretas de cómicos geniales y quedan reducidos a máscaras trágicas”.

En la gran noche del estreno, al que asistió la princesa Margarita de Windsor, Chaplin fue estruendosamente ovacionado y tuvo que presentarse en el escenario para saludar al público, acompañado de Claire Bloom, coprotagonista de la película, rindiéndole así un homenaje por su actuación.

El retorno a Inglaterra y la muerte de un genio

Inglaterra ofreció a su hijo pródigo un sitio para continuar su trabajo. Su resentimiento contra Estados Unidos se reflejó en la película Un rey en Nueva York rodada en el año 1957 cuyos altibajos no ocultan el corrosivo humor presente ya en Charlot. Esta película muestra una crítica despiadada contra la sociedad norteamericana, el control de los medios publicitarios y las persecuciones de la era de la “caza de brujas” del senador Joseph McCarthy que él había sufrido en carne propia.

El gran cineasta era ya un anciano patriarcal que comenzaba a escribir sus memorias en 1959. A los setenta y ocho años fue padre de su octavo hijo con Oona, Christopher, nacido en 1962, y en 1964 se publicó en Londres su autobiografía, titulada Historia de mi vida.

Ya octogenario, Chaplin tenía todavía ánimo y energías para escribir y rodar una última película. Esta obra titulada La condesa de Hong Kong fue filmada en 1966. El filme no tuvo éxito comercial, pese a contar con dos protagonistas de lujo como Sofía Loren y Marlon Brando (que actuaron por la admiración que sentían por el director) y al propio Chaplin en el rol menor de un camarero. Su mano maestra conservaba cierta elegancia, pero el tema era trivial y el estilo claramente anacrónico.

A partir de 1970, Chaplin compone partituras e imprime música para sus anteriores películas mudas. En 1972 hizo un breve retorno triunfal a Hollywood, para recibir su segundo Oscar honorífico por la totalidad de su legado al mundo cinematográfico. En 1975, debido a sus grandes méritos fue nombrado caballero (sir Charles Chaplin) por la reina Isabel II de Inglaterra.

Charles Spencer Chaplin murió a los ochenta y ocho años, el día de Navidad de 1977, en su pequeño refugio de Vevey y acompañado de sus hijos y de inseparable compañera Oona. Dejaba un total de 79 películas filmadas en más de cincuenta años de actividad como actor y director.

Anécdota

Se dice que el humor que muestra Chaplin en sus películas es “universal”. Para comprobar esto, a finales de los años 90 se realizó un experimento consistente en proyectar varios de los cortos de Chaplin a distinto público, de distintas culturas, que nunca antes habían visto a Chaplin y, en muchos casos, ni siquiera habían tenido la oportunidad de ver televisión o cine. El experimento dio resultados concluyentes: aunque había culturas donde no entendían lo que veían (no eran capaces de entender las construcciones, vehículos, ropa, protocolos sociales, etc., de la Norteamérica de principios del siglo XX), sí que se divertían y reían con las persecuciones, caídas, tortazos, trucos, timos, etc. protagonizados por Chaplin.

Importancia de su obra

Son muy pocos los hombres a quienes el mundo ha rodeado en vida con una aureola de leyenda. Charles Chaplin es uno de ellos, y lo ha sido durante casi toda su existencia, pues su genialidad se hizo notar desde muy tierna edad.

Apenas rebasados los veinticinco años su fama era ya mundial, logrando esto con sus películas mudas, ya que no era necesario saber inglés para entender y admirar sus payasadas. A aquella edad era más conocido que ningún otro hombre o mujer lo haya sido en la historia del mundo, su nombre era mencionado por infinidad de personas en dos hemisferios diferentes y de doce idiomas distintos, aún en lugares muy lejanos sus ocurrencias eran celebradas y era valorado como el primer gran cómico de la historia del cine y su personaje de Charlot, el vagabundo genial, se convirtió en uno de los iconos culturales del siglo XX.

Muchos se sienten identificados por un lado con los fracasos, penas y alegrías que Charlot protagoniza, inmortalizado para siempre por su apariencia (bigote-vanidad/orgullo, bastón-dignidad, botines-condición terrena), el “paso de pato”, y el original movimiento de bastón (que su ex jefe Karno acreditó como idea suya). Por otro lado, la gran variedad de temas que aborda (la miseria, los conflictos sociales, la producción en serie, el absolutismo) tiene carácter universal, aportaciones que le han valido dos premios Oscar honoríficos otorgados por la Academia, numerosas críticas positivas que elevan sus largometrajes al grado de obras maestras, pero que también trajeron sinsabores, siendo condenado por algunos sectores y hasta por el mismo gobierno de los Estados Unidos.

En El chico, película por la cual saltaría a la fama el actor infantil Jackie Coogan, juega con algunas cualidades humanas presentes en los niños como la ternura, la audacia, la esperanza inocente de los que no saben dónde dormirán por la noche ni qué comerán a la mañana siguiente. De momentos agridulces, retrata la vida dura que vivió Chaplin en sus días de niño en Londres y critica a una sociedad desprovista de toda piedad, a la vez que transmite fuertes emociones y el ideal de nobleza y bondad humanas. Cabe mencionar que el pequeño Coogan actuó con el permiso casi inmediato de sus padres, pues estos eran admiradores del trabajo de Chaplin.

En La quimera de oro llega a integrar lo trágico en lo cómico. El argumento de esta cinta tenía momentos sublimes, la dirección mostraba una finísima sensibilidad, y con su brillante interpretación, Charlie daba nuevas e inesperadas muestras de su genio inigualable; quedaba entonces claro que este mago del humor podía trasformar el íntimo significado de cada escena con el leve movimiento de un hombro o de una ceja. Chaplin dijo de esta cinta: “Por esta obra es por la que desearía ser recordado en el porvenir”.

En Tiempos modernos, retrata magistralmente la desesperación de los obreros a causa del desempleo –por 1929, época de la Gran depresión– al haber optado las fábricas modernizarse y emplear máquinas para la producción en masa, recreando también las consecuencias que trajo esta crisis económica: escasez de trabajo, orfandad, prisión por robo, hasta el estrés producto del trabajo en la fábrica.

El gran dictador, pasa de hacer sátira de toda una sociedad a una crítica más individual, personalizada por El dictador, fiel imagen de su contemporáneo Adolfo Hitler, aprovechando además el parecido que tenia con este. Se dice incluso que tuvo motivos personales para desarrollar el filme, dada su supuesta ascendencia judía, mito que años más tarde el propio cómico desmentiría en una entrevista.

Ante los cambios que trajeron al séptima arte las películas sonoras, Chaplin no cedió ante la presión y nunca acepto prestar su voz los personajes de sus películas, ya que según él destruirían la ilusión del personaje cómico por excelencia. En un primer momento rechazo totalmente esta innovación, actitud que cambiaria con el paso del tiempo, sonorizando El gran dictador y dándole voz al protagonista en unas líneas al final de dicha película.

En una ocasión, Chaplin opinó: “Existe una expresión más elevada que la declamación, solía decirles a quienes trataban de convencerle. Yo soy básicamente un mimo. Soy capaz de producir en el público más emoción con un leve movimiento de cejas, que pronunciando cincuenta palabras”.

Tuvo un gran interés por la banda sonora que comenzó a componer para sus películas mudas, para estrenarlas como versiones definitivas. En total compuso la música de todas sus películas cortas de la etapa con First National (1918-1923), y también de sus largometrajes El chico y El circo. Su último trabajo fue la musicalización de su película de 1923, Una mujer de París, en 1976. Todas ellas recibidas con inesperada aceptación y buena crítica.

Algunas frases de Chaplin

“A fin de cuentas, todo es un chiste”.

“Sé tú, e intenta ser feliz, pero sobre todo, sé tú”.

“La ambición ha envenenado el corazón de los hombres”.

“Sin haber conocido la miseria es imposible valorar el lujo”.

“Todos somos aficionados. La vida es tan corta que no da para más”.

“El tiempo es el mejor autor: siempre encuentra un final perfecto”.

“Mirada de cerca, la vida es una tragedia, pero vista de lejos, parece una comedia”.

“No creo que mi voz pueda agregar nada a mis comedias. Al contrario, ella destruiría la ilusión que quiero crear: un personaje que no es una realidad, sino una idea humorística, una abstracción cómica”.

“En efecto, El dictador es el proceso de cierta clase de humanidad y el de esta pobre multitud balante que quiere un amo”.

“La vida es una obra de teatro que no permite ensayos... Por eso, canta, ríe, baila, llora y vive intensamente cada momento de tu vida... Antes que el telón baje y la obra termine sin aplausos”.

Biografía de Humphrey  Bogart

Humphrey Bogart es uno de los grandes mitos que el cine ha inmortalizado. Considerado uno de los mejores actores de los últimos tiempos, su fuerte personalidad y carácter duro eran reflejados a través de su rostro, que podía expresar diversos sentimientos y hacía que el espectador pudiera llegar a quererlo en un momento o a odiarlo en otro. Es difícil que alguien pueda llegar a igualarlo. Aunque no tenía facciones perfectas ni era el prototipo del galán sexy, su elegancia, dureza, y mirada triste y seria, lo hacían muy atractivo. Tenía además la facilidad de interpretar, tanto a la encarnación del gángster por excelencia, como al eterno enamorado que sacrifica todo por amor. Logró consolidar un estilo propio, donde sus personajes podían irradiar ironía o dulzura. Bogart era enormemente versátil, con él no funcionaba ese modelo de actor creado para representar en pantalla un determinado arquetipo.

Nació y vivió dentro de una familia acomodada y, a pesar del carácter autoritario de su padre, desde muy joven fue desarrollando ese aspecto rebelde, duro y pintoresco. Aún indeciso por su futuro, pensó estudiar Medicina en la Universidad de Yale, pero sus sueños se vieron truncados cuando fue expulsado de la escuela por su conducta indisciplinada. Amante de la aventura y el deporte, resolvió entonces alistarse en la Marina y llegó a participar en la Primera Guerra Mundial, de la cual tuvo que retirarse debido a un accidente.

Inició su carrera como actor en el teatro, trasladándose a  Hollywood, donde intervino al principio en papeles secundarios, pues su aspecto físico impedía que lo consideraran para un papel protagónico.

En los años 40 cambiaría su suerte y participaría en producciones que años después se convertirían en éxitos de taquilla. Películas como El Halcón Maltés, de John Huston, donde interpretó al popular detective San Spade, lo consolidarían como un gran icono del cine. Un año después de esta brillante producción protagonizó Casablanca, junto a la famosa actriz Ingrid Bergman, una gran película que se convertiría en un clásico del cine norteamericano y que transformaría a Bogart en un verdadero mito para todas las generaciones amantes del séptimo arte.

En esa misma época conoció a la que sería su gran amor y su compañera para toda la vida, la actriz Lauren Bacall. La diferencia de edad que había entre ellos no fue impedimento para esa unión.

Con el transcurso de los años se independizó y formó su propia productora. Bogart fue un actor sincero y comprometido en defender su punto de vista. Cuando en Hollywood se dio la famosa “Cacería de Brujas” a los actores, alzó su voz de protesta participando en todas las manifestaciones.

Bogart fue nominado más de una vez a la premiación de los Oscar y logró llevarse el premio a mejor actor por la película Reina de África, compitiendo con actores de la talla de Marlon Brando y Montgomery Clift.

Después de haber participado en varias producciones cinematográficas, un terrible cáncer lo alejaría por completo de la actuación.

Su vida

Su verdadero nombre fue Humphrey de Forest Bogart. Nació un 25 de diciembre de 1899, en el seno de una familia acomodada. Su fecha de nacimiento ha sido siempre tema de discusión, pues muchos manifestaron que sólo fue una invención de los estudios cinematográficos, asegurando que habría nacido el 23 de enero de 1900. Sin embargo esta historia fue desmentida, pese a no haberse encontrado nunca su partida de nacimiento. Su propia esposa, Lauren Bacall, siempre afirmó que nació el 25 de diciembre.

Bogart fue el mayor de los tres hijos del matrimonio formado por Belmont de Forest Bogart, un prestigioso médico, y Mude Humphrey, una famosa dibujante de la época, quien alcanzó a dibujarlo de bebé, convirtiendo así su rostro en la imagen de una campaña publicitaria de alimentos infantiles.

A pesar de haber vivido en una bonita casa, dentro de un entorno culto y elegante, la niñez de Bogart no fue muy feliz. Siempre se caracterizó por ser tímido y distante pues, si bien tenía comodidades materiales, carecía de lo más importante: la atención de sus padres. Su padre tenía un carácter autoritario, imponía el castigo físico y rara vez demostraba un gesto de cariño hacia él. Su madre tenía serios problemas con la bebida, lo cual le provocaba constantes jaquecas. Generalmente, quien se encargaba de la crianza del niño, era una enfermera irlandesa. La familia trataba siempre de superar estos problemas y cada año veraneaban en un lugar exclusivo. Es allí que nació en Bogart no sólo su afición por la pesca y la navegación, sino también su amor por el teatro al organizar con sus amigos pequeñas representaciones. Más de una vez declararía que esos días de verano fueron los más felices de su vida.

Siendo adolescente, a pesar de haberse convertido ya en un chico más desenvuelto y seguro, sus notas seguían siendo un problema, y su padre decidió cambiarlo de escuela e inscribirlo en un prestigioso colegio de instrucción tradicional. Lamentablemente, debido a su comportamiento rebelde y su bajo rendimiento fue expulsado, frustrándose así también los planes que tenía para estudiar medicina en la Universidad de Yale.

Tratando de huir del ambiente asfixiante que vivía con sus padres, se enroló como voluntario en la Marina y participó en la Primera Guerra Mundial. Fue allí donde una herida le cortaría el nervio del labio dejando su rostro medio paralizado, cicatriz que, paradoja de la vida, se convertiría en una singular seña de identidad.

Empezó su carrera teatral siendo muy joven. Si bien ya había hecho sus primeras incursiones, fue su amigo Bill Brady, hijo de un famoso empresario de Broadway, quien lo llevó a incursionar en el teatro. Debutó oficialmente en 1921, desempeñando el papel de un mayordomo japonés que sólo decía una frase. Al año siguiente empezó a realizar más obras. En 1923 consiguió un papel como periodista en la obra Meet the wife, donde obtuvo muy buenas críticas. Pese a haber empezado con buen pie en el mundo de la actuación, la vida desordenada que llevaba se veía reflejada en sus diálogos y lo mantuvo por un tiempo en la cuerda floja.

En una de las giras de la compañía de Brasil, conoció a la que sería su primera esposa, Helen Meken. Se casaron en 1926; el matrimonio duró muy poco y se divorciaron al año siguiente. En abril de 1928, Bogart se casó de nuevo con una antigua amiga, la actriz Mary Phillips.

En 1929, Estados Unidos atravesaba los efectos de la Guerra, y la Depresión tuvo un efecto muy duro en el Cine y el Teatro. Ese mismo año Bogart fue invitado por la Fox a Holllywood, y alcanzó a hacer seis películas en un primer año de prueba, tras lo cual regresó a Nueva York. La primera película que se estrenó fue Up The River, dirigida por John Ford y protagonizada por otro exiliado de Broadway, Spencer Tracy, quien se convertiría años después en un buen amigo del actor. La Columbia lo llamó también, pero siempre para papeles secundarios, y él sentía que se estaba estancando.

La penosa situación que se vivió durante la Depresión obligó a muchos actores a emplearse en otros oficios, y Bogart, al ver que no tenía suerte en Nueva York, empezó a jugar profesionalmente al ajedrez para ganar dinero.

La muerte de su padre coincidió con un momento en el que Bogart se sentía deprimido. Años después él declararía que: “Sólo en aquel momento me di cuenta de lo mucho que lo quería y necesitaba y que nunca se lo había dicho”.

Cuando parecía que las cosas se calmaban, pues estaba participando con mucho éxito en la obra teatral El Bosque Petrificado, dirigida por su amigo Arthur Hopkins, la cual tuvo buenas críticas y le permitió pagar sus deudas, la muerte de su amigo Bill Brady en un incendio lo conmovió profundamente, llevándolo a cuestionarse de nuevo si debía seguir dedicándose a la actuación.

Es en ese momento que aparece la figura decisiva en la vida de Bogart: su amigo Leslie Howard. Tras ver el potencial del actor en El Bosque Petrificado, presentó a la compañía Warner el proyecto para llevar esta pieza teatral al cine, con la condición de que el personaje protagónico lo interpretara Bogart. Al inicio la Warner no vio con buenos ojos la condición de Howard, más la insistencia de éste respecto a que Bogart desempeñara el papel principal fue determinante. Bogart nunca olvidaría este gesto de su amigo, al punto de bautizar a su hija con el nombre de Leslie en honor a él. La película se convirtió en un éxito y Bogart dejó definitivamente el teatro.

A partir de ese momento se convirtió en artista exclusivo de la Warner, aunque el camino del éxito no le fue fácil. Al principio trabajaba más de diez horas diarias y, a pesar de haber actuado en ocho películas, nunca fue considerado una estrella, ni por el público ni por la propia compañía. Bogart se sentía todavía un actor frustrado.

El actor acababa de divorciarse de su anterior esposa. Durante el rodaje de la película Marked Woman, se enamoró de la actriz Mayo Meted; la química entre ambos fue tan rápida que se casaron pocos días después de conocerse. Este matrimonio fue muy conflictivo, ya que Mayo también bebía y discutían constantemente.

El camino al éxito

La verdadera fama de Bogie, como se le llamaría tiempo después, empezó al conocer a un joven y prometedor guionista llamado John Huston. En 1941, bajo la dirección de un novato Huston, quien realizaba su primera película, Bogart interpretó al famoso detective Sam Spade en El Halcón Maltés, considerada por la crítica como una obra maestra, destacando principalmente la actuación de Bogart. Desde ese momento la Warner decidió darle importancia y vender la imagen de Bogart como un tipo duro e impactante. Tras el éxito de esta película, volvió a rodar con Huston Across the Pacífic, la continuación de El Halcón Maltés.

En 1942, la leyenda de Bogart se consolidó por siempre al protagonizar y filmar, junto a Ingrid Bergman, la película más romántica de la historia del cine: Casablanca, de Michel Curtiz. A pesar que se comentó que los actores no se llevaban bien y la filmación no fue del todo fácil, puesto que el tema que abordaba –el adulterio entre los protagonistas– resultaba polémico para la época, la película fue un gran éxito y la cotización del actor se elevó.

Posteriormente filmó dos películas más, las cuales no tendrían el mismo éxito de Casablanca. Su matrimonio atravesaba una grave crisis, y los celos de su esposa irritaban cada vez más a Bogart.

La Warner inició la realización de otra película, Tener y no tener, de Howard Hawks. Durante el rodaje, Bogart conoció a la que sería el amor de su vida, Lauren Bacall, una debutante actriz de tan sólo 19 años. La atracción entre ellos fue instantánea pese a la diferencia de edad, pues él le llevaba casi 25 años, y el romance siguió su curso aunque el actor aún seguía casado.

Tras coincidir nuevamente en la filmación de otra película, Sueño Eterno, la relación entre ellos era ya difícil de ocultar, y una vez que Bogart logró divorciarse, decidió formalizar la relación con su nuevo amor, casándose el 21 de mayo de 1945. El estreno fue todo un éxito, el público se identificó plenamente con los actores y la crítica la catalogó como la pareja más representativa de la cultura americana. Los esposos iniciaron así su nueva vida de casados, llegando a tener dos hijos: Steve Humphrey y Leslie Howard. Desde un inicio Bogart demostró ser un padre muy cariñoso, sensible y moderno; él trataba de no seguir el modelo de su padre.

Bogart sentía que ya no debía ser considerado un actor mediocre, había demostrado que valía mucho y así se lo hizo saber a la compañía Warner: ya no estaba dispuesto a trabajar en cualquier película ni aguantar malos guiones. Tras llegar a un acuerdo, la Warner mejoró su contrato y llegó a filmar otra película taquillera, El Tesoro de la Sierra Madre, donde nuevamente trabajó con su amigo John Huston. El estreno se realizó en 1948 y la propia Warner la calificó como “la mejor película que hemos hechos juntos”.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos se vio afectado por un tremendo movimiento conservador que produjo la famosa “Cacería de Brujas”, donde cientos de personas eran acusadas de comunistas y antiamericanas. Se creó un comité que investigaba a directores y actores de Hollywood, y como era de esperarse, Bogart y Bacall formaron parte de los que se opusieron a esta absurda persecución.

Bogart desde un inicio demostró su carácter independiente y fuerte, y al ver que la Warner no le daba un trato adecuado a su esposa, decidió formar, al lado de Bacall, su propia productora llamada “Santana Pictures”. Entre las películas que realizaron destaca Llamad a cualquier Puerta, de Nicholas Ray. Tras lograr quedar libre de la Warner, Bogart decidió trabajar en un nuevo proyecto de John Huston, y es así que filmaron juntos La Reina de África, que tuvo como protagonista a otra grande del cine, Katherine Hepburn. La película obtuvo el reconocimiento unánime de la crítica y el público, y permitió a Bogart ganar el único Oscar de su carrera.

En 1953 empezó el rodaje de Sabrina, bajo la dirección de Billy Wilder, en la que trabajaría al lado de William Holden y Audrey Hepburn. Siempre se dijo que la relación entre Bogart y los demás actores no fue del todo buena, no se sabe si por celos profesionales o porque su salud empezaba a deteriorarse. Una vez terminada esta filmación, inició la grabación de otra película La Condesa Descalza, al lado de Ava Gardner. Concluidas estas películas decidió vender su productora a la Columbia por un millón de dólares.

La última película que filmó fue Más Dura Será la Caída, en 1956, de Edward Dimytryk, donde la crítica resaltaría la perfecta e intensa actuación de Bogart al interpretar a un boxeador que vivía en el mundo de la corrupción.

Ese mismo año él tenía otros proyectos, como trabajar nuevamente al lado de su esposa, sin embargo los médicos le detectaron un cáncer de esófago que lo imposibilitó de continuar actuando. Aunque fue operado y pasó varios meses atendido en su casa, los médicos, al ver nuevamente su estado, le dieron muy pocas esperanzas.

El 13 de enero de 1957 Bogart entró en estado de coma y murió al día siguiente. Su entierro fue unos de los más emotivos que haya visto el mundo; todos querían estar ahí para despedirse, pese a que él hubiera preferido que sus cenizas fueran esparcidas en el mar, aunque en esa época esto era considerado ilegal.

La ceremonia del funeral se llevó a cabo el 18 de enero de 1957, en la Iglesia de Todos los Santos. En un inicio, Lauren pidió a su amigo Spencer Tracy que escribiera el discurso de despedida, Como éste se hallaba muy afectado por la muerte de su gran amigo, fue John Huston quien pronunció las emotivas palabras: “Poseía el don más grande que puede tener un hombre...El mundo entero llegó a reconocerlo...consiguió de la vida todo lo que pidió y aún más. No tenemos motivo para compadecerlo, sí a nosotros mismos por haberlo perdido. Nadie podrá reemplazarlo”.

La noticia acaparó las primeras páginas de la prensa mundial, demostrando que Bogart era ya un verdadero mito.

Filmografía

El Tesoro de Sierra Madre

La Reina de África

Sabrina

Casablanca

El Halcón Maltés

Tener y no tener

La Condesa Descalza

La Senda Tenebrosa

El Sueño Eterno

Anécdotas

Durante el rodaje de La Reina de África los

miembros del equipo del rodaje cayeron enfermos de malaria. Sólo quedaron a salvo el director John Huston y Humphrey Bogart debido, al parecer, a su particular forma de medicarse por las noches, en las que se dedicaban sistemáticamente a cambiar su sangre por whisky. Los mosquitos, al intentar picarlos, caían borrachos.

Cuentan que cuando John Huston llamó a  Bogart para ofrecerle el papel principal en la película La Reina de África, éste le comentó a su esposa Lauren: “El Monstruo quiere que vaya a rodar en plena selva africana, con cuarenta grados a la sombra, en una aldea plagada de mosquitos y rodeada de animales salvajes. Naturalmente he aceptado.” Bogart acostumbraba apodar a sus amigos de juergas. John Huston era “el Monstruo”, pues, según Bogart, el gran director era la única persona capaz de beber más whisky que él en una sola tarde.

Una vez Lauren Bacall contó que su esposo Humphrey era un hombre chapado a la antigua, un gran romántico, muy emocional, que lloraba cuando moría un perro. “Deberías haberlo visto en nuestra boda, con las lágrimas cayéndole por la cara. Me dijo que había empezado a pensar sobre el significado de las palabras. Se hacía el duro por la vida y no se comprometía, pero recuerdo que cuando fue a ver a su hijo Steve en la guardería y lo vio en su mesita, lloró."

Aunque las sanguijuelas que cubrían el torso de Bogart en una de las escenas de Casablanca eran falsas, John Huston le hizo creer que, debido a un error del encargado de efectos especiales, algunas podían ser auténticas. Bogart, horrorizado, rodó la secuencia lo más deprisa que pudo con gesto de genuina repugnancia, cosa que aprovechó Huston para dotar de realismo a la escena.

Se cuenta de él que era un gran ajedrecista y que durante algún tiempo se ganaba la vida jugando ajedrez por las calles y parques de Nueva York. Esto le sirvió para desarrollar su prodigiosa memoria, que le permitía aprender su papel leyendo tan sólo una vez el guión de una película. En Casablanca aparece jugando al ajedrez en algunas escenas. Aún después de alcanzar el éxito como actor, continuó jugando ajedrez postal contra los marines americanos en ultramar y contra los veteranos en los hospitales militares. Dichas actividades le ocasionaron la visita del F.B.I., que sospechaba que las notaciones podían ser algún tipo de código secreto.

La noche que entró en el coma del que nunca despertó, Humphrey Bogart pidió a Lauren Bacall que durmiese junto a él por encima de las sábanas. Durante aquella noche, él se despertó prácticamente cada media hora, agarrándose constantemente el pecho por la sensación de ahogo. A la mañana siguiente, un domingo, vieron juntos un musical de televisión. Luego, Frank Sinatra pasó a verlos de camino a la ciudad, y los médicos le dijeron que las dificultades que había tenido Bogart la noche anterior no eran inesperadas. Cuando Bacall salió para recoger a los niños de la escuela dominical, lo besó como de costumbre al despedirse y al volver lo encontró en coma. Murió veinticuatro horas después.

Frases Célebres

"Es cierto que perteneces a Víctor. Eres parte de su obra, eres su vida. Si ese avión despega y no estás con él lo lamentarás, tal vez no ahora, tal vez ni hoy ni mañana, pero más tarde, toda la vida. Siempre nos quedará París. No lo teníamos, lo habíamos perdido, hasta que viniste a Casablanca, pero lo recuperamos anoche. Nunca me dejarás, yo también tengo mi labor que hacer, y no puedes seguirme a donde voy, en lo que voy a hacer no puedes tomar parte... Yo no valgo mucho, pero es fácil comprender que los problemas de tres pequeños seres no cuentan nada en este loco mundo. Algún día lo comprenderás.... Ve con él, Ilsa."...(Parráfo de despedida por Bogart en Casablanca)

"Si tuviese tiempo de pensar en ti... posiblemente te despreciaría"… (En Casablanca)

“De todos los cafés del mundo, tuvo que elegir el mío"... (En Casablanca)

"Siempre nos quedará París"...(En Casablanca)

“General, tenga cuidado con su hija. Ha intentado sentarse sobre mis rodillas cuando yo estaba de pie"...(En El Sueño Eterno)

“Tranquilícese, que no abofeteo muy bien a estas horas de la noche."...(En El Sueño Eterno)

"Nací cuando ella me besó, morí el día que me abandonó, y viví el tiempo que me amó"...(En En un Lugar Solitario)

Biografía de Gary Cooper

(1901-1961)

"La vida de un hombre no vale nada

si no vive de acuerdo con su conciencia".

Palabras de Gary Cooper en la película

La gran prueba (1956)

Pocos actores de Hollywood marcaron tanto una época, como él. Coop, como cariñosamente le decían sus amigos, fue un converso, una luminaria, el pionero de una nueva forma de actuar y el ideal que motivó la aparición de una excelente generación de actores. Ahí están para confirmarlo gigantescas figuras de la actuación como James Stewart, Henry Fonda o el mismísimo Clint Eastwood, quienes admiraron desde pequeños esa combinación de hombre duro pero sofisticado, elegante, amado y admirado por miles de mujeres. Tuvo en su haber más de cien películas y cinco nominaciones al Oscar, llevándose en tres de ellas la tan ansiada estatuilla dorada. Al margen de su incomparable distinción y los muchos romances que sostuvo con hermosas actrices de Hollywood pese a estar casado, será recordado para la posteridad por su deslumbrante actuación en la mejor de sus películas western, Solo ante el peligro, que le valdría un Oscar y donde además participó la magnífica actriz Grace Kelly.

El pequeño cowboy

Frank James Cooper, el famoso Vaquero de Iowa, nació en un rancho de la localidad de Helena, Montana, Estados Unidos, el 7 de mayo de 1901. Su padre, un inmigrante venido de Inglaterra, era un abogado propietario de un enorme rancho quien además, llegó a ser juez del tribunal estatal de Montana, Decidido a darle una mejor educación a su hijo, el padre lo envía a estudiar al Dunstable College, cerca a Londres, viajando el año 1910 acompañado de su madre y su hermano mayor Arthur.

Tras concluir sus estudios primarios y luego de sufrir un grave accidente de coche que afectó su cadera y por poco termina con su vida, decide regresar a su país, urgido además por el inminente estallido de la Primera Guerra Mundial.

A su regreso a los Estados Unidos empieza a trabajar junto a su padre en el enorme rancho de la familia (coyuntura que endurecería y formaría su carácter) y una vez concluida la escuela, decide estudiar Agricultura en el Wesleyan College del estado de Montana y Arte en la Universidad de Grinnell en Iowa.

Mientras tanto, alterna estos estudios haciendo labores diversas. Desde su juventud, trabaja como guía en el célebre Parque Nacional de Yellowstone; además, dado su talento para el dibujo, llega a trabajar en el periódico de su ciudad, el Helena Independent, donde publicó tiras cómicas de temas políticos y sociales. Asimismo, trabajó en otros oficios, desde vendedor a domicilio hasta fotógrafo, hasta que , un día de 1925, se le presentó la oportunidad de probar suerte en el cine, debutando como extra en varios western, el género más famoso de la época.

Su gran oportunidad

Con el tiempo, su figura empezó a resaltar. En 1926 se le presentaría su primera oportunidad de debutar en el cine mudo con un papel secundario, pero de mucha importancia en la película Flor del desierto, un film del reconocido cineasta Henry King. Este filme obtuvo un gran éxito, proporcionándole conseguir un contrato con la poderosa productora Paramount Pictures.

En esos primeros años, comparte escena con la estrella del cine mudo, Clara Bow, en la película Ello (1927), filme que además, sería el primer largometraje en hacerse ganador del premio Oscar. Ese mismo año, en compañía de la misma actriz, participaría en un pequeño papel en el filme Alas. Bow, se convertiría en su amante, una de las muchas que tendría a lo largo de su carrera de actor.

Sin embargo, no todas eran rosas en su jardín. Al inicio de su carrera, el actor demostraba una aguda falta de experiencia interpretativa, pero aún, tenía serios problemas para memorizar sus diálogos. Es por ello que cuando los directores tenían que rodar con él, se preocupaban de su actuación. Sin embargo, el defecto que en un inicio demostró el actor sería notablemente superado por su magia personal. Cooper definitivamente nació para actuar, y mientras a otros actores les costaba realizar su actuación, él lo lograba hacer de una forma instintiva.

Durante esos años, al actor se le conoció también por sus sonados romances con las actrices del momento, A su conocido romance con Clara Bow, le seguiría el que mantuvo con la estrella latina Lupe Vélez, así como la rubia Marlene Dietrich o la vampiresa Evelyn Brent. En 1929 hizo su debut en el cine sonoro en la excelente película The Virginian de Víctor Fleming, una cinta donde demostró su inusual habilidad para cabalgar, práctica que sin duda aprendió de su vida en el rancho familiar.

En la década de los 30, Cooper se convertiría en una de las máximas estrellas de la época, y continuó interpretando a grandes héroes románticos como en la película Marruecos (1930) de Josef Von Stemberg (protagonizada por la actriz Marlene Dietrich) o en Las calles de la ciudad (1931) de Mamoulian, una historia de gansters. Probando suerte en otro género, Gary interpretó alguno de sus mejores papeles en comedias en el film Una mujer para dos (1933), de Ernest Lubitsch.

El casanova del cine western

Cooper, que gozaba ya de un amplio reconocimiento, se caracterizó también por ser un galán tanto dentro como fuera de las pantallas. Una muestra de esta ascendencia entre las féminas la constituye la larga lista de affaires que sostuvo con la mayoría de sus compañeras de reparto, entre quienes se cuentan Carole Lombard, Ingrid Bergman, Patricia Neal, Gisela Pascal, Lorraine Chanel, Grace Kelly y otras más. Lo paradójico de esto es que pese a sus sucesivas infidelidades, siempre estuvo casado con la misma mujer, Verónica “Rocky” Balfe, una mujer 12 años menor que él (cuando se casaron en 1933, ella tenía sólo 20 años y el 32), proveniente de la alta sociedad, quien, pese a sus incontables romances, lo acompañó hasta la hora de su muerte y, además, le daría una hija: María.

Para entonces, su carrera estaba casi en la cima. Era requerido por prestigiosos directores y su fama y popularidad apenas sí le permitían tiempo para su vida privada. Se dedicaría entonces con más bríos a su profesión. En 1936, filmaría la película El secreto de vivir, de Frank Capra (a decir de los críticos, su primer filme mientras perteneció a su entonces nuevo sello cinematográfico, Columbia Pictures). Su actuación fue sublime y con justicia aclamada por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas estadounidense, que le otorgaría su primera nominación al Oscar, en el rubro de Mejor Actor.

Al año siguiente, Coop protagonizó (bajo contrato con Samuel Goldwyn) The Adventures of Marco Polo, película de corte histórico donde compartió créditos con la joven actriz Sigrid Gurie, un filme que se convertiría en todo un clásico del cine.

Sin embargo, los mejores días de su carrera estaban por venir. En 1939, se rueda la película de aventuras Beau Geste de Wellman, donde filmarían las secuencias del Sahara en el desierto de Arizona. Y un año después, la fascinante cinta El Forastero (1940) de William Wyler, que impactó poderosamente entre los espectadores y definió, asimismo, su enorme leyenda como uno de los grandes del cine del Oeste. Era tal su prestigio, que según informaciones del New York Times, se convirtió en el mejor actor pagado de Hollywood, llegando a cobrar medio millón de dólares por dos películas, todo un récord para la época.

En su máximo esplendor

La década de 1940 se convertiría en la época más gloriosa del actor. El mundo, que ya lo idolatraba, quedaba atónito tras contemplar sus excelentes caracterizaciones. Daba la impresión de que todos los papeles estaban hechos a su medida, sea de vago, vaquero, citadino, en la guerra, en el desierto, sufriente o comediante, despuntó de manera exquisita y admirable.

Incluso para los directores, Cooper era un misterio. De ello se cuenta incluso que durante el rodaje de sus películas, la interpretación de Cooper parecía anodina. Solo cuando se positivaban las escenas filmadas el día anterior, el director de turno comprendía asombrado que Cooper reinaba en cada uno de los planos, con su parsimonioso modo de hablar y su económica expresividad. Todos lo decían: Él era “la verdadera diferencia” entre los demás actores de Hollywood.

En 1941, Frank Capra dirigió a Cooper en Meet John Doe, una película donde se convirtió en una estrella por excelencia. Su personaje, el de un hombre infeliz que en el momento crucial de su carrera, se llega a convertir en una especie de héroe, causó conmoción. Por esas fechas, la Segunda Guerra Mundial estaba en una etapa crítica. Estados Unidos se había planteado la posibilidad de entrar en la guerra contra Alemania y ese hecho dio la idea de hacer una película que concientizase a los americanos sobre la historia del sargento York, un pacifista que terminó convertido en héroe de la Primera Guerra Mundial y aclamado además como el soldado civil más grande de la historia.

Cuando los estudios pensaron en realizar esta película, creyeron que Cooper, que en aquel entonces contaba ya 40 años, era bastante mayor para el papel. El director Howard Hawks, confió en el y afirmó que sólo él podría interpretar al sargento.

Por esta película, Cooper sería nominado al Oscar como Mejor Actor, ganando la estatuilla en 1941. Un año después fue nominado nuevamente al premio de la Academia por la película El orgullo de los Yankees, de Sam Wood, donde interpreta la vida del astro del béisbol, Lou Gehrig. Sin embargo, no llegaría a ganar el premio en esta ocasión. Ese mismo año, filma la película cómica Bola de Fuego, donde da vida a un profesor dedicado a la elaboración de un diccionario ayudado por la amante de un gángster. Por ese papel, también obtiene un alto reconocimiento.

Su gran popularidad se basaba en su estilo sobrio y natural a la hora de actuar. Era alto y desgarbado, encarnando mejor que nadie al "americano ideal", hombre íntegro y caballeroso. Como tal, se haría miembro de la asociación anticomunista de actores Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals, varios años más tarde. A pesar de tener ideas conservadoras, antes bien evitó delatar a sus compañeros de profesión durante la famosa Caza de brujas protagonizada por el senador McCarthy contra todas aquellas personas sospechosas de ser comunistas.

Ya en la cima, Cooper hizo amigos poderosos e influyentes, entre los que se cuenta al popular escritor Ernest Hemingway, quien le confesó que si alguna vez llevaran su novela ¿Por quién doblan las campanas? al cine, le encantaría que él fuese el actor principal. Siguiendo esta idea, el actor protagoniza en 1942 la adaptación de esta novela al lado de la actriz Ingrid Bergman. La película fue un éxito y la actriz fue nominada al Oscar como Mejor Actriz.

Un incansable actor

En 1943 el actor se unió a un grupo de artistas que hacían un recorrido por las bases de tierra, mar y aire de Nueva Guinea, para llevar diversión a los soldados. El actor no cantaba bien pero llegó a aprender varias canciones. Más de dos meses recorrió los campos y bases del interior, llegando a convivir en medio de las explosiones  y bombas. Ese ambiente le dio la idea de producir sus propias películas formando en 1944 su propia productora, la Internacional Pictures, realizando la película Along Came Jones con Loretta Young como coestrella. Años después, la misma empresa Warner le ofrecería un contrato flexible para hacer seis películas. Este contrato era negociable a los cinco años, con una garantía de tres millones de dólares.

Ahora que ya podía hacer hasta sus propias películas, Cooper se sintió realizado. Inclusive su esposa, que nunca antes se había involucrado en su vida actoral, le recomendó leer la novela El Manantial de Ayn Rand, un best seller que la Warner Bros. pensaba llevar al cine. Cooper decidió producirlo. La protagonista femenina fue la novel actriz Patricia Neal, con la cual Cooper, fiel a su costumbre, viviría un fuerte romance.

La película, estrenada en 1949, fue todo un éxito de taquilla. Al poco tiempo, Cooper y Neal grabaron juntos El rey del tabaco. En esta oportunidad la esposa de Cooper, prevenida del romance y sabedora de que Neal ya estaba embarazada, empacó sus cosas y se mudó. Sin embargo, el bebe moriría víctima de un aborto y meses después, el matrimonio Cooper regresó a la normalidad.

Tras sufrir estos problemas personales, y en camino del declive de su carrera, el actor consiguió su quinta nominación al Oscar y su segunda estatuilla por Solo ante el peligro (1952), la que es considerada hasta hoy como su mejor película. Posteriormente, Cooper fue presentado a la reina Isabel II de Inglaterra en una sesión de cine celebrada en Londres. Luego, en 1956, Gary, siempre al lado de su esposa, fue recibido en audiencia privada por el Papa Pío XII; aquel encuentro coincidía con una etapa en la que el actor se inclinaba profundamente por el catolicismo, religión a la que finalmente se convirtió en 1959.

A principios de 1960, el actor tuvo que someterse a una pequeña operación de próstata y después le extrajeron el colón. Lamentablemente los exámenes que le fueron realizados determinaron cáncer, padecimiento sobre el cual no sería informado, sino únicamente su esposa.

Una vez restablecido de su operación, Coop se marchó a Londres a filmar Sombras de sospecha (1960), producción que sería su última película. Semanas después, acosada por el deber y el dolor, su esposa le comunica su mortal enfermedad. En abril de 1961, fue galardonado por la Academia con un Oscar honorífico por "sus memorables interpretaciones y por el reconocimiento internacional que ha conseguido para la industria del cine". Su íntimo amigo, el actor James Stewart, recogió el premio en aquella ocasión con lágrimas en los ojos.

Su próxima muerte despertó la piedad mundial. La propia reina Isabel de Inglaterra le envió un telegrama al actor para desearle una pronta recuperación y el mismo presidente Jhon F. Kennedy sostuvo con él una larga conversación telefónica. Poco tiempo después, y a consecuencia del cáncer, Gary Cooper fallece en Los Ángeles el 7 de mayo de 1961, a la edad de 60 años, pasando entonces al imaginario colectivo como una de las más grandes leyendas de la historia del cine.

El legado de Gary Cooper

La imborrable huella que dejó Gary Cooper se convirtió a lo largo de los años en el auténtico símbolo del estilo y la elegancia masculina más depurada. Y es que este actor de ascendencia inglesa marcó un antes y un después en los cánones del estilo clásico, su fuerte personalidad, un gusto por lo exquisito y su atuendo casi perfecto fueron los culpables de construir no sólo a un gran actor, sino también a un personaje único e irrepetible.

Con más de cien películas a sus espaldas y tres Oscar de la Academia, Gary Cooper comenzó su carrera como actor a los 24 años, dándose a conocer en pequeños cortos y posteriormente actuando como secundario en varios western. Durante esta etapa destaca en la comedia ligera típica, en la que su natural y fina ironía le permite identificarse con los personajes. Un año más tarde es contratado por la Metro-Goldwyn-Mayer y es a partir de ahí cuando comienza a hacerse un hueco entre la élite de Hollywood.

Su gran popularidad se basaba en su estilo sobrio y natural a la hora de actuar. Era alto y desgarbado, y encarnaba mejor que nadie al “americano ideal”, un hombre íntegro y caballeroso que pronto se ganó el reconocimiento de ser considerado como uno de los hombres más elegantes del mundo.

El estilo de Gary Cooper lo marcaba una fina sastrería de la época, cortes elegantes y tejidos impecables son los que vestían a este gentleman americano que con sus poses, gestos y miradas provocaban más de un suspiro entre el público femenino de aquellos años. La silueta de este actor siempre será recordada como la de un hombre trajeado al que jamás faltaban pequeños detalles como el pañuelo de bolsillo en su americana, un nudo simple en su corbata y el popular cuello largo de los años cuarenta.

Durante el rodaje de El manantial (1949), de King Vidor, una ambiciosa adaptación de la novela homónima de Ayn Rand. Ayn amenazó con suspender todo el proyecto si el guión –que ella se encargó personalmente de adaptar– sufría la más leve modificación. Tanto Gary Cooper como Ayn Rand no quedaron satisfechos con la película. Gary Cooper, quizás ya demasiado mayor para un papel que en libro corresponde a un hombre joven, pronunció el famoso discurso final sin entenderlo realmente, cosa que se nota en la entonación y el énfasis. Incluso se disculpó ante la autora y le ofreció el volver a rodar la escena, oferta que ella rechazó. Pese al pesimismo e inconformismo de Ayn, la película es muy apreciada hoy en día en círculos objetivistas.

Solo ante el peligro (1952), de Fred Zinnemann, de la cual se ha dicho que es su mejor película y gracias a la que conseguiría su segundo Oscar, cuenta la historia de un solitario sheriff que debe luchar contra un grupo de forajidos tras ser abandonado por los habitantes de un pequeño pueblo del Oeste. Cooper dio lo mejor de sí mismo en una de sus más recordadas interpretaciones, y esta cinta se convirtió en una de las más grandes de la historia del género: obtuvo un enorme éxito de público e inclusive la crítica acuñó términos como western psicológico o crepuscular para referirse a ella.

Anécdotas sobre la vida de Gary Cooper

En más de un rodaje, se comió palabras de su diálogo. Eso lo hacía repetir una y otra vez siempre la escena con el mismo resultado hasta que el director de la película, desesperado, le retiraba esas líneas de su diálogo. Cooper no se las “comía” por que no fuese capaz de decirlas. Era en realidad, una táctica. Si hubiera dicho que esas líneas del diálogo eran superfluas no le habrían hecho caso e incluso, podría haber llegado a la confrontación de ideas entre el actor y el director.

La famosa protagonista de la película cómica Ser o no ser (1942), Carole Lombard, llegó a decir de él: “En cualquier conversación, cuando Cooper comienza a abrir la boca, empieza el día siguiente”.

Tras el accidente ocurrido en su juventud, los médicos le recomendaron que montase a caballo, por ello Cooper se convierte en un consumado jinete, algo que le vendría muy bien años más tarde para la realización de sus películas de vaqueros.

La nueva residencia de los Cooper era una mansión moderna donde colgaron un Renoir y un Picasso. Ellos tenían de vecinos en Molmby Hills a Bing Crosby, Humphrey Bogart y Lauren Bacall, Judy Garland, con quienes se divertían en grande. Pero en Southhampton y Europa compartían con Aristóteles Onassis, los duques de Windsor y otros más.

Algunas frases de películas de Gary Cooper

"En los western te dejaban besar al caballo, pero nunca a la chica. Así está la censura hoy en día".

"Cuando estás con Grace da la impresión de que se va a comportar como un témpano, hasta que le bajas las bragas. Entonces es un volcán en erupción".

"Claro que necesito tu ayuda, pero no quiero comprarla, tiene que salir de ti".

(Extraída de Solo ante el peligro)

"La vida de un hombre no vale nada si no vive de acuerdo con su conciencia".

(Extraída de La gran prueba)

"Está usted al borde de un precipicio, no le aconsejo que vaya por la vida con los ojos cerrados. Pero si abre los ojos y mira, verá las cosas tal y como son en realidad".

(Extraída de El árbol del ahorcado)

"La muerte de cualquier hombre me hace sentir más pequeño, porque tengo un compromiso con la humanidad. Por eso, nunca trates de averiguar por quién doblan las campanas, están doblando por ti". (Extraída de ¿Por quién doblan las campanas?)

Biografía de Marlene Dietrich

La sensualidad hecha mujer

A cualquier mujer le gustaría ser fiel,

lo difícil es hallar el hombre con quien

Marlene Dietrich

Probablemente, la mujer más sofisticada y deslumbrante de todos los tiempos, uno de los mitos más fascinantes que ha dado el séptimo arte y una presencia que se adelantó a su época. Liberal, vehemente, seductoramente agresiva, de vientre voraz, tomaba con prepotencia cuanto le gustaba y en cuanto a los hombres, sedujo a cuantos se le antojó. Famosa por su pulcra apariencia, su polémico vestir (impuso la moda del pantalón femenino) y su imagen de femme fatale, aquella “mujer de los ojos lánguidos” fue el icono de una elegancia y glamour sencillamente irrepetibles.

Su verdadero nombre fue María Magdalene Dietrich von Losch. Hija de Louis Erich Otto Dietrich, un teniente de policía y su madre Wilhemina Elizabeth Josephine Felsing, dama de buena cuna, su belleza deslumbró siendo apenas una infanta. Nació en el seno de una rígida familia de militares el 27 de Diciembre de 1901, en el pequeño barrio berlinés de Schoneberg, Alemania. Además de Marlene, la familia Dietrich tenía otra hija mayor llamada Elizabeth, de la cual se sabe poco.  El padre de la futura sensación de Hollywood falleció cuando la niña estaba pequeña. Sin embargo, ello no impidió que la actriz creciera en un hogar donde su entorno le imponía una estricta y fría disciplina, alejada de las lágrimas y la pusilanimidad.

Desde muy niña, tal cual eran los objetivos de su madre, fue inscrita para estudiar canto y música. Ya apenas era una adolescente, tocaba perfectamente el violín y poseía (lo pensaba así) cualidades innatas para la dramatización. Con apenas 19 años, decidió entonces estudiar interpretación en la prestigiosa escuela teatral de Max Reinhardt en 1921. A su madre le disgustó sobremanera que Marlene abandonase un brillante futuro como violinista (con el vago pretexto de una lesión en la muñeca) para imbuirse en los predios inciertos de la actuación. Con todo, dos años después haría su debut en el cine con un pequeño papel en el filme “Der Kleine Napoleón”. Aunque este dato hasta ahora sigue sin confirmar, los historiadores afirman que Marlene debutó en realidad en 1919 como extra en un filme alemán.

¡Greta Garbo!

Desde siempre, el contraste de la figura de Marlene Dietrich y otras mujeres fue notable, diríase que casi abismal. Dueña de un estilo propio (que incluía pieles, boas de plumón, sombreros gigantes), irrumpía en cualquier lugar de Berlín con un suceso tal, que nadie en semanas dejaba de hablar de aquella rubia “despampanante” que más que fémina, parecía un vampiro. Subyugante, apasionada, directa, los humeantes clubes nocturnos alemanes de los años 20 asistieron embobados a la aparición de un mito, una irresistible tentación que engullía tanto a hombres y mujeres y que empezaba a destacar en la escena muda de principios de siglo.

En esa Berlín ampulosa de los nuevos teatros, los fastuosos cabarets, los cafés de artistas, las fiestas salvajes y la prostitución callejera, en esa "Babel del mundo" como dijera el escritor austriaco de la primera mitad del siglo XX Stefan Zweig, inició su carrera teatral con más obstinación que facultades. Dietrich se estrenó oficialmente en el cine alemán con una breve intervención en Tragedias del amor que dirigió Joe May, un prolífico director de los primeros tiempos del cine. Su aparición en dicha película, en el papel de la descarada amante de un juez, no hubiera pasado de la anécdota de no haber conocido en el rodaje a Rudolf Sieber, un atractivo eslovaco-alemán, ayudante de dirección de May, con quien Marlene se casaría en mayo de 1923. Sieber fue el padre de su única hija, María, y a pesar del batallón de amantes de uno y otro sexo que coleccionó Marlene a lo largo de su vida, nunca llegaron a separarse oficialmente.

La carrera de Dietrich, aunque incipientemente, ya empezaba a destacar. A más de un crítico de la época le llamó la atención la caída de sus ojos y la indiferencia hacia aquella principiante que aparecía siempre en segundo plano y en papelitos de coqueta o de mujer de vida alegre. Decidida a ser famosa, Marlene se esforzaba al máximo por lucir radiante no sólo tras los reflectores y las cámaras, sino en todos los niveles y en todos sus círculos sociales. La admiración, popularidad y el deseo de los hombres por ella creció tanto, que ya muchos la equiparaban con otra mujer irrepetible: Greta Garbo. Fue por ese tiempo cuando cundió por toda la ciudad la noticia del sonado y sensual tango que bailó con Carola Noher (la actriz de la producción La ópera de tres centavos) en el baile de gala de Eugen Robert, director del teatro Tribune. Alemania empezaba ya a prestarle atención, sin embargo, Dietrich quería más.

El inicio de una transformación

Pese a su creciente fama, sobre todo por su belleza, su carrera actoral no terminaba de despegar. Incluso, tuvo que continuar actuando en diferentes cabarets para pagar sus altos gastos personales. Pasaron meses y la oportunidad no llegaba. Mientras tanto, Marlene continuaba aceptando roles pequeños, a la espera que algún director se fijara en ella. Por ese tiempo, y pese a estar casada, vivió un tórrido romance con el popular actor  y director vienés Willi Forst mientras representaban la versión europea de Broadway donde Marlene hacía un pequeño papel de corista en un ambiente de jazz, gángsteres y locales clandestinos. El escándalo fue tal que en cuestión de horas llego a oídos de su esposo que indignado por la vergüenza, amenazó con abandonarla. Ella ni se inmutó.

Lo peor vino supuestamente después. Cuando Sieber, el marido ofendido, contraatacó amenazando con tener él también sus propios asuntos extramatrimoniales, Marlene se lo recomendó vivamente. Esa actitud la pintó de cuerpo entero. No hace falta decir que Rudi Sieber aceptó las reglas del juego y, aunque casi siempre vivieron separados, llegaron a ser muy buenos amigos, viajaban juntos con sus amantes y Marlene pasaba con él algunos días en navidad. Un año después de haberse casado participa en la película “Die Freulosse Gasse”, filme en el que estaría acompañada de actrices de la talla de Asta Nielsen o Greta Garbo. Se dice que durante la película, Dietrich intentó sin éxito intimar con Garbo por todos los medios pues era una de sus actrices favoritas. Ni ella sabía que con el tiempo, ambas serían casi tan famosas en el futuro.

Corría por aquel entonces el año 1929 y pese a ya estar instalada en el corazón de la movida cinematográfica, Dietrich aún podía considerarse sencillamente una comparsa, un elemento externo que pese a todos sus intentos (muchos nada santos) no podía ingresar a su núcleo principal. Sin embargo, algunos signos prometían prontamente un giro en el destino. El principal era sus continuas propuestas para diversos papeles provenientes de  directores como George W. Pabst (Bajo la máscara del placer, 1925), Alexander Korda (La moderna Du Barry, 1926) y Gustav Ucicky (Cuando la mujer pierde su camino, 1927). Su carrera, lo sabía bien, solo necesitaba un empujón definitivo, ese que le daría Josef Von Stemburg, su gran “mecenas”.

Stemburg, director austríaco de amplio reconocimiento en Europa, fue el verdadero creador del mito Marlene Dietrich y quien inventó para ella el arquetipo de "mujer fatal" aunque el propio Sternberg, aseguró siempre que la magia en Marlene era algo innato: "No le di nada que ella no tuviera – dijo -. Lo único que hice fue potenciar sus atributos, hacerlos más visibles para que todos los notaran". Cuando la descubrió en el Berliner Theater, en un musical titulado Dos corbatas, Sternberg buscaba una actriz- cantante para la película que estaba preparando: El ángel azul, una historia en donde una cabaretera (Lola-Lola) acaba arrastrando a la depravación a un  honrado profesor (Rath).

La inmediata fusión profesional y erótica que se produjo entre Marlene y Sternberg marcó el trabajo de ambos durante los siguientes años. Amantes y amigos a la vez, la simbiosis entre ambos marcó para siempre sus carreras. "Se comportaba como si fuera mi criada,  decía Sternberg, era la primera en darse cuenta cuándo yo buscaba un lápiz y la primera en correr en busca de una silla cuando yo quería sentarme. No oponía la más ligera resistencia a mi dominio sobre su actuación". Con él, Dietrich descubrió la actriz todos los trucos para iluminar su rostro. Aprendió a trazar una línea plateada en el centro de la nariz y a colocar un foco sobre su cabeza, que incidiera justo sobre esa línea para reducir la anchura de su nariz eslava. "Sin ti yo no soy nadie", le escribiría ella una y otra vez.

La película fue un éxito completo y es considerada uno de los mejores filmes sonoros alemanes de todos los tiempos. El papel de Diettrich como la cabaretera Lola Lola fue de tal magnitud, que la crítica la aprobó sin remilgos. El barroquismo característico de Sternberg, abundante en fetichismos y escenarios exóticos, contribuyó a fomentar la leyenda de la Dietrich que en adelante no podría pasar sin pieles, plumas, joyas y maquillajes sofisticados. Cabareteras, espías, vampiresas y mujeres aventureras con una cierta ambigüedad sexual jalonarían sus primeros títulos hasta conducirla a un callejón sin salida cuando los espectadores se cansaron de las caídas de ojos de las actrices de los años treinta.

La conquista de Hollywood

Marlene Dietrich estaba a las puertas de lo que siempre había soñado: El estrellato mundial. Viajó ilusionada a Estados Unidos ya con un contrato de la Paramount Pictures que la recibió como una diva (con conferencias de prensa, reportajes, promoción intensiva y sesiones de fotos). Estaba tan decidida a triunfar que pese a sus sentimientos de culpa, no le importó dejar a su esposo y su hija María. Y si esto no fuese poco, bajo el control de su Pigmalión Sternberg, Marlene adelgazó quince kilos, se dejó extraer las muelas del juicio -aunque ella siempre lo negó-, acentuó su palidez y depiló sus cejas como Greta Garbo. Viajaba en un Rolls-Royce descapotable de la Paramount y había decorado su apartamento con espejos y alfombras de leopardo. Se sentía en la cima.

Su primera película en ese país es “Marruecos”, un filme romántico de alto calibre en donde su coprotagonista era el gran actor y símbolo norteamericano Gary Cooper. Desde la primera escena hubo entre ellos un flechazo instantáneo, una atracción que provocó los celos inocultables del director Sternberg. Sin embargo, el éxito de la cinta acalló los problemas internos. Fue todo un suceso y la actuación de Dietrich recibiría su única nominación al Oscar, como mejor actriz. La Paramount entonces, evitando que otra productora le ofrezca un mejor contrato, le hace una nueva y mejor oferta a la que ella responde con una única condición: Que sea Sternberg el director.

Fue su período más exitoso. En su íntima colaboración con Sternberg se produjeron entre 1930 y 1935, cinco títulos memorables más: Fatalidad, El expreso de Shanghai, La Venus rubia, Capricho imperial y El diablo es una mujer. Si en cada uno de sus nuevos trabajos Sternberg supo descubrir en su actriz algún detalle diferente, el público la buscó siempre fascinado por su deslumbrante e imponente presencia y su mágica expresión, sorprendiéndose con personajes como el de la mujer fatal Shanghai Lily en El expreso de Shanghai (1932). Tras este idilio creativo, Marlene inició una nueva etapa en la que trabajó con directores como Richard Boleslawski (El jardín de Alá, 1936; trabajo por el que cobró uno de los salarios más altos del momento) y Ernst Lubitsch (Angel, 1937). A lo largo de los años cuarenta trabajó en todo tipo de producciones, especialmente en westerns como Arizona (1939), de George Marshall, o Los usurpadores (1942) de Ray Enright, junto a James Stewart y John Wayne.

Esta nueva etapa también fue exitosa para Dietrich, por entonces ya llamada “piernas perfectas”, cualidad que incluso, la llevó a asegurar su anatomía. En 1936 ella trabaja en la comedia romántica “Deseo” nuevamente junto a Gary Cooper, aunque esta vez bajo la dirección de Frank Borzage. En esta etapa la nueva Marlene encantó al público, tenía escenas de amor que no contenían las películas que había hecho con Sternberg, siempre cargadas de erotismo. Un año después le ofrecieron un contrato por 50 mil libras esterlinas para que filmara en Inglaterra la película “La Condesa Alexandra”, de Jaques Feyder. En 1939 filmaría para la Universal el filme “Arizona” junto a James Stewart. En esta película hacía el papel de la dueña de un bar y en una de las escenas muestra una nueva faceta al cantar: Mira los que van a tener los chicos en el cuarto de atrás. 

Una sed insaciable

Así como crecía su éxito y Hollywood ya se rinde a sus pies, el animal enjaulado en el interior de Marlene sale a la luz. Su extravagancia y belleza se tornan de carácter proverbial. Nunca como entonces, el reinado de Greta Garbo tuvo ante sí una mujer de una beldad sencillamente atormentante. Jamás reprimió sus conductas y a su talento para actuar y cantar, se le añadió el de conseguir amantes. Su lista es enorme. Mientras seguía con Sternberg, y su marido e hija estaban  instalados en California, nunca se impidió tener intensos romances con Gary Cooper, con Maurice Chevalier y con la guionista y escritora Mercedes de Acosta, que también había sido amante de Greta Garbo.

Después seguirían John Gilbert, Douglas Fairbanks Jr., Erich María Remarque, John Wayne, Jean Gabin, el general Patton, Richard Burton, Burt Bacharach y otros muchos como Hemingway, Noël Coward, Orson Welles, Giacometti, Edith Piaff, la cantante Marti Stevens que compartieron su amistad, su cocina, su sierra musical (un instrumento que aprenddióp a tocar antes de ir a Estados Unidos) y en alguna que otra ocasión, su cama. Su famosa réplica de El expreso de Shanghai: "Necesité muchos hombres en mi vida para llamarme Shanghai Lili", es perfectamente aplicable a Marlene, aunque ella incluía en su lista sentimental a sus amantes femeninas. Cuando alguien criticó su bisexualidad, la actriz zanjó: "En Berlín importa poco si se es hombre o mujer. Hacemos el amor con cualquiera que nos parezca atractivo."

Los 40 cambian un poco su ritmo de películas a diferencia de la década anterior y calma un poco su voraz ritmo de vida interior. Entre las películas más importantes que filmaría estaría “Siete Pecadores” al lado de John. Un año después en 1941 filmaría “La Llama de New Orleáns” de René Clair. En 1942 trabajaría para la Warner en “Manpower” de Raoul Walsh, y ese mismo años filmaría “Los Usurpadores” al lado de John Wayne y Randolph Scott. A pesar de su glamorosa presencia, en la década del 50 hasta los 70 Marlene comenzaría una exitosa gira internacional. Se presentó como cantante en los mejores cabarets y teatros del mundo. En el otoño de 1950, Marlene es contratada para actuar bajo la dirección del reconocido Alfred Hitchcock en la película “Pánico en la escena”, con un reparto de lujo que incluía a Michael Wilding y Jane Giman.

Sin embargo, el tiempo y la edad empezaron a jugar en contra. Incluso, muchos de sus compañeros de escena en su juventud habían muerto  o desaparecido o se le hizo más difícil conseguir mejores papeles. Sus apariciones posteriores dejaron la impresión agridulce pese a su empeño y calidad actoral, sus mejores años se han ido ya. Empero,  aún tiene el arresto suficiente para firmar excelente filmes como Testigo de cargo (1957), de Billy Wilder; Sed de mal (1958), de Orson Welles; y ¿Vencedores o vencidos? (1961), de Stanley Kramer. En los primeros años sesenta decidió abandonar prácticamente el mundo del cine, dedicándose con intensidad a la música (faceta que amaba y aunque no  lo hacía muy bien, resultaba competente), actuando en directo en casi todo el mundo y grabando numerosos discos tanto en Europa como en Estados Unidos.

Su ayuda humanitaria

Uno de sus principales rasgos de carácter, pese a su carácter en apariencia superficial, era su piedad y el amor por los oprimidos. Una vez estallada la Segunda Guerra Mundial, recibe infinitas noticias de su familia y compatriotas acerca de los difíciles tiempos que vive el país a causa de la guerra y las obsesiones de Hitler. Dietrich pasa de las intenciones a tomar manos a la obra. Destinó dinero para los pasajes de muchos amigos, a salvaguardar la vida de su madre y hermana, y a enviar dinero a otras personas para que puedan huir. La situación de Alemania la llevó a decir: "Cuando abandoné Alemania oí por la radio un discurso de Hitler y fui presa de un gran malestar. No, jamás podría volver a mi país mientras semejante hombre fanatice a las masas", declaró

Pese a ello, su principal muestra de su posición antinazi vendría después cuando Goebbels, principal asesor de Hitler, le ofrece regresar a su país y convertirse en la abanderada del prestigio del Tercer Reich. No sólo le ofrecía una buena cantidad de dinero, sino que además ella tendría absoluta libertad de escoger el guión, el director y el protagonista. Ella rechazó la idea con tal contundencia, que como respuesta solicita su ciudadanía americana. De todos los sectores alemanes salieron voces sobre traición a la patria e inclinaciones “pro judías”. Dietrich jamás les respondió.

Ya convertida en una portavoz esforzada contra el gobierno nazi, su activa militancia provocó la ira del gobierno de Hitler. En 1943 decide abandonar su carrera, vestirse de soldado e irse a arengar a las tropas norteamericanas a la primera línea de fuego. Viajaba por  el mundo en barcos, aviones militares, camiones, trenes con mal tiempo que muchas veces la enfermaban. Curiosamente, su canción Lilí Marlen, se convirtió en un símbolo para los soldados de ambos bandos. Convivió con los combatientes, alentó íntimamente a los generales Patton y Gavin, sufrió bombardeos, cogió una pulmonía y casi se le congelan las manos en las Ardenas. En 1947 recibió la Medalla de la Libertad, la más alta condecoración civil que se concedía en EEUU. Billy Wilder (Director de cine y productor estadounidense de origen austriaco ) dijo de ella: “Era una extraña combinación de femme fatale, de Hausfrau alemana y de Florence Nightingale".

Detrás de las cortinas

Su carrera en el espectáculo terminó en 1974 tras romperse una pierna en el escenario. Apareció brevemente en la película Gigoló (Just A Gigolo) en 1979 junto a Kim Novak y David Bowie pero de ahí, realmente muy poco. Pasó su última década principalmente en reposo en su apartamento en la avenida Montaigne de París, cerrándoles las cortinas al mundo y haciéndose muy aficionada a escribir cartas y llamar por teléfono. De 1984 proviene su última noticia oficial tras el sentido documental sobre su vida (en el que sólo se escucha su voz) que hizo Maximilian Schell. El mundo nuevamente, se pondría a sus pies.

El transcurso implacable de los años, el cansancio de su vida y la necesidad de tranquilidad, la llevaron al retiro. Dietrich murió tranquilamente el 6 de mayo de 1992, a los 90 años, en París. Su cortejo fúnebre fue realizado en la iglesia de La Madeleine de París ante 3.500 dolientes y una multitud fuera del templo. Su cuerpo, cubierto con una bandera norteamericana, fue enviado a Berlín donde fue enterrada en el cementerio municipal de Berlin-Schöneberg, su lugar de nacimiento. Marlene Dietrich dijo al amigo que le acompañaba en el dormitorio de su lujosa vivienda en París, justo antes de morir: Lo quisimos todo, y lo conseguimos, ¿no es verdad? El balance de su vida tienta a decir que si Marlene, lo quisiste todo y si, todo lo tuviste.

Anécdotas sobre la vida de Marlene Dietrich

El matrimonio de Dietrich se convirtió en una pantalla para el mundo. Cada uno estaba con quien quería no sin antes contar con la aprobación del otro. Su marido tenía a Tamara una mujer que ya no separaría de él, y la que se declaró oficialmente institutriz de María.

En el estreno de la película “El ángel azul” en Alemania, los flashes de las cámaras fotográficas la cegaban y el público no paraban de aplaudirla. Cuando se quito el abrigo un hombre le recordaría que se le había prendido un ramillete de violetas en le vestido, allí donde las mujeres nunca se ponen flores, justo donde se juntan las piernas.

En la película Arizona,  en una escena tuvo que fingir una pelea con Una Merkel y entre tirones de pelos y arañazos, la Merkel perdió la falda y ella quedó empapada con un cubo de agua. El departamento de publicidad la llamo “La mayor pelea femenina jamás filmada”.

A medida que  pasaban los años y Marlene envejecía, tenía que usar algunos trucos para parecer un poco más joven. Ella se hacía un estiramiento del rostro mediante unas trencitas en el cabello que rodeaba su rostro y lo sujetaba fuertemente con peinetas, al punto que le hacía sangrar las raíces en el cuero cabelludo. Después se cubría la cabeza con una bonita peluca.

Marlene impuso su estilo en la moda. Le gustaba vestir ropa masculina, con pantalones y chaquetas de elegante corte.

Filmografía Principal

Tragedia De Amor (1923)

Salto A La Vida (1924)

Dance Fever (1925)

The Imaginary Baron (1926)

Marruecos (1930)

El ángel azul (1930)

Fatalidad (1931)

El Expreso de Shangari (1932)

La Venus rubia (1932)

El cantar de los cantares (1933)

El diablo era mujer (1935)

Deseo (1936)

Capricho de mujer 1942

Sueños de gloria 1944

La vuelta al mundo en ochenta días 1956

Testigo de cargo 1957

Biografía de Montgomery Clift

La melancolía hecha actuación

“La fama es buena, pero perder

la tranquilidad es horrible”.

M.C.

Edward Montgomery Clift, verdadero nombre de este mítico artista, no fue una estrella cualquiera. Fue el hombre que dio una nueva categoría al cine, una nueva definición al galán de la época y también un hombre cuya vida, fue el símbolo del sufrimiento interior. Sensible, emocional y dueño de una melancólica pero llamativa belleza, Clift fue el tipo de hombre que todas las mujeres de su época querían cuidar. Su carrera, repleta de éxitos, lo convirtió en un ídolo para las masas gracias a su enorme presencia escénica y su gran atractivo físico. Han pasado más de 40 años de su muerte, pero su imagen continúa viva en el corazón de generaciones y de aquellos que aman el séptimo arte: el cine.

Cliff fue un nuevo estándar. Provocador, solitario, de una mirada profunda y de sólida base teatral, fue el único actor de la generación de los 50 capaz de hacer sombra y muchas veces superar al mítico Marlon Brando. Homosexual, inconformista, vulnerable, atormentado y rebelde, su sensibilidad y talento interpretativo influenciarían a muchísimos jóvenes actores de la época, entre ellos James Dean o Paul Newman. Clift fue también un actor antihéroe, adoptando en sus filmes el rol de hombres perdedores, inconformistas y antisociables. Para ello, al igual que Brando, Clift utilizaba el método Stanislawsky, el cual hace que el actor asimile el personaje que interpreta y lo proyecte de adentro hacia fuera de una manera pasional haciendo creíble el personaje que interpreta.  Por eso destacó entre todos. Por eso fue un grande.

Su niñez

Sus padres eran William Brooks y Ethel Foggs. William, de ascendencia escocesa e inglesa, provenía de una familia que pertenecía a la alta sociedad. Para complacer a sus padres, decidió estudiar ingeniería aunque su verdadera vocación serían siempre los negocios. Por otra parte, Ethel, una hermosa y seductora mujer, a los 18 años conoce la razón de su vida infeliz: Había sido adoptada. La atracción entre ambos jóvenes fue muy fuerte, casándose a los pocos meses de conocerse pese a la oposición de los padres de William.

Tuvieron un primer hijo llamado Brooks; y un año después, el 17 de Octubre de 1920, nacerían Montgomery y su hermana gemela Roberta en la ciudad de Omaha, estado de Nebraska. Ethel, buscaba insistentemente ser aceptada por su familia biológica, dueña de un gran linaje sureño y estrechamente ligada a la política. Queriendo fomentar un acercamiento mayor, Ethel se ocupó de criar a sus hijos como si fueran aristócratas. Ellos crecieron en un ambiente lleno de comodidades y lujos, recibiendo desde pequeños clases de natación, equitación, tenis y música. Ethel llegó al extremo de elegir a sus compañeros de juegos. También los llevó comúnmente de viaje a Europa, especialmente a París, donde los colocó en las manos de los mejores tutores recibiendo además de las asignaturas regulares, clases de francés y alemán, visitas a museos y obras de teatro.

Si bien la educación cultural de los niños era excelente, la escasa socialización con otros niños de su edad y las fuertes presiones a las que se veía sometido afectaron considerablemente a Montgomery. Los gemelos eran muy unidos, perdurando ese vínculo por toda su vida; inclusive el propio Monty declararía en su adultez que cuando tuvieron que separarse, parecía que le faltaba su otra mitad. Mientras los niños crecían en un ambiente  de confort, el padre de ellos, que viajaba constantemente, había conocido a una mujer llamada María de ascendencia italiana, la cual se convertiría en su amante para toda la vida. Después de la Gran depresión del 29, la situación económica de la familia se volvió difícil hasta que felizmente para ellos, William logró conseguir un lucrativo empleo como vendedor de seguros.

Sus comienzos

Durante las épocas difíciles, su familia se mudo a una modesta morada en la localidad de Sarasota en el estado de Florida. Montgomery tenía en esa época 13 años y decidió unirse a un pequeño club de teatro donde actuaría por primera vez en la obra “As Husbands Go”. Le gustaba leer y aprenderse las obras de Shakespeare y la seriedad con la que tomaba la actuación, sumada a la naturalidad que lucía en el escenario, fueron rápidamente advertidas por su madre quien lo impulsó a seguir adelante  fascinada con la idea de ver a su hijo convertido en actor. Mientras tanto, su familia se muda a la ciudad de Sharon en Massachussets, donde Monty audicionaría para un papel en la obra de Broadway “Fly Away Home” obteniendo un papel pequeño, el primero de su posterior fulgurante carrera. La obra fue todo un éxito durante dos temporadas y convirtió a Monty en un actor profesional a la edad de 14 años. En un comienzo, el director dudó en darle el papel por su inexperiencia, pero luego de verlo actuar, cambió de opinión.

A los 15 años, pese a trabajar en Broadway (una comedia musical de Cole Porter), su madre no le permitiría tener amigos. Ella era una mujer muy posesiva y sobreprotectora, no quería que su hijo caminara solo por la ciudad. Este excesivo control le trajo problemas con las chicas, a quienes no podía acercarse fácilmente. Sin embargo, Montgomery se las ingeniaría para salir y tener cortas relaciones con algunas admiradoras que lo esperaban fuera del teatro. Aun cuando salía con chicas, Montgomery era bisexual, condición que más adelante le traería problemas con otros actores menos tolerantes. Se dice que su madre era conciente de la ambivalente sexualidad de su hijo, quien habría descubierto sus tendencias homosexuales entre los doce y trece años. En 1938, su familia se traslada a Manhattan - Nueva York. Ese año, Montgomery Clift actúa en la  obra “Dame Nature”; su  brillante interpretación le ganaría el status de estrella de Broadway contando apenas 17 años. Su excelente manera de actuar atrajo el interés del director de cine y teatro Elia Kazan, quien en 1942 le ofrecería un papel en la obra “The skin of our teeth”.

El camino a Hollywood

Después de cosechar una exitosa carrera en el teatro, y ante la insistencia de algunos miembros de la industria cinematográfica, Monty decide mudarse a Hollywood y probar suerte en el cine. En 1948 el director Howard Hawks, quien había visto su actuación en la obra teatral “You touched me”, le ofrece un papel en una de sus películas. Es así como empieza a rodar “Río Rojo”, un magnífico western co-protagonizado con John Wayne, Walter Brennan, y la actriz Joanne Dru; las relaciones entre Wayne y Montgomery no fueron de las mejores ya que Wayne despreciaba al joven actor tanto por venir de una carrera teatral como por su bisexualidad, mientras que Monty detestaba las actitudes machistas y ultra-conservadoras de Wayne. Montgomery Clift diría tiempo después que nunca le gusto esa película ni su actuación en ella.

Ese mismo año, cuando el rodaje de la película estaba por finalizar, obtuvo un papel para la película de Fred Zinermann “The Search” (Los Ángeles Perdidos). Era un conmovedor drama post-bélico sobre un grupo de soldados norteamericanos que ayudaban a niños alemanes afectados por la Segunda Guerra Mundial. Esta película fue estrenada antes de Río Rojo debido a unos inconvenientes en el estreno del western, y su actuación en ella le valió su primera nominación al Oscar, premio que fue concedido finamente al actor  inglés Laurence Olivier. Regresa a New York para estudiar canto, ejercitarse en el gimnasio y continuar perfeccionándose en la actuación. En 1949 vuelve a Hollywood para filmar “La Heredera” junto a la actriz Olivia de Havilland.  Es así como poco a poco fue ganándose el cariño del público, quienes lo consagrarían como uno de los mejores actores de su generación, siendo considerado por la revista Life como la Nueva Estrella Masculina del Cine.

La década del 50 la inició con buen pie, trabajando en el filme “The Big Lift” (Sitiados); y un año después actuaría al lado de la joven actriz Elizabeth Taylor en la película “Un lugar en el sol”. La química entre ellos fue instantánea, llevándolos a una gran amistad que perduraría por años. Este filme marcó un nuevo estándar en la manera de concebir el romance en el cine; y de la mano de su director George Stevens, ambos pudieron enriquecer sus aptitudes histriónicas. Montgomery, con un poco más de experiencia que su co-protagonista, se encargó de guiarla y enseñarle a Liz para que se pudiera convertir en una actriz completa. Por esta película, el actor fue nuevamente nominado al Oscar por su magnífica interpretación; pero el premio, finalmente se lo llevó Humphrey Bogart por el filme La Reina de África.

Luego de finalizar las filmaciones regresa a New York donde lo esperaban muchos guiones para ser revisados; pero el interés de Montgomery estaba puesto en escribir, junto a su amigo el actor Kevin McCarthy, la versión fílmica de la obra teatral “You Touched Me”; sin embargo no lograrían encontrar un productor dispuesto a llevar su trabajo a la pantalla grande. Es en estos años cuando comienzan sus problemas con el alcohol y las drogas; consumía píldoras para dormir, llegaba muchas veces ebrio a los estudios cinematográficos y su dependencia a los fármacos le ocasionó serios problemas con los productores. Años después, se comprobaría que muchos de sus problemas con el alcohol se debían a la rabia reprimida que Clift tenía contra Ethel su madre. Con los años, lo confesó: Nunca tuvo una infancia feliz.

En 1953, la Warner Brothers le ofreció a Clift el papel protagónico de la película “I Confess”, del notable director Alfred Hitchcock, el cual Monty aceptó gustoso. El rodaje se realizó en Canadá, donde el actor tuvo que aprender a caminar con sotana y recluirse en un monasterio por varios días. Al final, su interpretación fue una de las mejores de su carrera. Luego de filmar con Hitchcock, se trasladaría a Italia con su colega Jennifer Jones para participar en el filme Estación Termini, del director italiano Vittorio De Sica; este filme se estrenaría primero en Italia y luego, al año siguiente, en Estados Unidos.

Sin embargo su gran éxito se daría ese mismo año, al trabajar nuevamente con el director Fred Zinnermann en la película “De aquí a la eternidad”. La exitosa producción contaba con un reparto de lujo que incluía a otras estrellas como Burt Lancaster, Deborah Kerr, Frank Sinatra, Donna Reed y Ernest Borgnine. Fue el propio Zinnermann quien impuso  a Clift para el personaje del soldado Prewitt como condición para dirigir este filme que logró tener 13 nominaciones al Oscar, estando una vez más nominado a mejor actor sin lograr llevarse la estatuilla. Sin duda, una de las memorables escenas de esta gran película, elogiada por la crítica de ayer y hoy, es cuando Monty interpreta con la trompeta un emotivo toque de silencio en memoria de su amigo, con una expresión cargada de  una emotividad tal, que hasta hoy no puede ser olvidada. Paradójicamente, pese a los éxitos que alcanzaba en su carrera, su vida se hundía cada vez más en un hoyo profundo. Su creciente alcoholismo y el cambio en su conducta hicieron que muchos de sus compañeros y amigos prefirieran evitarlo.

El terrible accidente

A pesar de todo, la amistad entre Clift y Elizabeth Taylor continuaba siendo muy fuerte. Cuando Liz llegaba a Nueva York acompañada de sus hijos, el propio Monty le cedía su departamento mientras que él se iba a la casa de su amiga, la cantante italiana Libby Holman, con la que había mantenido una relación sentimental por casi dos años. La oportunidad de trabajar nuevamente al lado de su amiga Liz se presentó cuando la MGM, en un intento de repetir el incomparable éxito de la recordada película “Lo que el viento se llevó”, los eligió como protagonistas de la adaptación del libro “Raintree Country” (El árbol de la vida), un drama romántico ambientado en vísperas de la guerra civil norteamericana.

La actriz decidió realizar una cena en su casa, a la cual asistirían el director del filme Edward Dmytryk y su esposa, su otro amigo Rock Hudson y Kevin McCarthy. Montgomery había prometido a la actriz que iría; sin embargo, ese día se quedo en su casa descansando y bebiendo. Ante las insistentes llamadas de Liz, decidió asistir a la velada, siendo uno de los primeros en retirarse con Kevin McCarthy. Como Monty estaba ebrio y cansado, le pidió a su amigo que condujera delante de su auto para que pudiera guiarlo hasta su casa. En el camino, Kevin había tomado la estrecha carretera que los dirigiría hacia el Sunset Boulevar, cuando de pronto oyó un ruido terrible y al voltear vio una nube de polvo. Puso su vehículo en reversa para saber que es lo que había ocurrido y cuando llegó al lugar encontró el auto de Montgomery Clift estrellado contra un poste telefónico, con el actor atrapado en su interior. Partió a la casa de Elizabeth para pedir ayuda, y en un instante llegó con Liz y Rock y entre los tres lograron socorrerlo.

El accidente le había fracturado la mandíbula, la nariz y los senos paranasales, además de sacarle dos dientes y dejarle muchas heridas en el rostro. Elizabeth se sentía culpable de lo sucedido, puesto que si ella no hubiera insistido en contar con su presencia nada de eso hubiese pasado. Liz se ocupó de mantener a la prensa alejada del actor, impidiendo que le tomaran fotografías antes de su recuperación. Tras una serie de cirugías y una aceptable recuperación, sería dado de alta tras ocho semanas de hospitalización, luego de las cuales regresaría al rodaje de la película, pudiéndose apreciar en ella los rostros del actor antes y después del accidente.

A pesar de las cirugías el rostro del actor no volvió a ser el de antes, llegando a sufrir un inmenso complejo. Esta traumática experiencia había provocado en el actor una terrible crisis; con el rostro casi desfigurado, su consumo de píldoras y alcohol fue en aumento. La parte izquierda de su rostro estaba inmóvil y su boca torcida; el actor no permitía visitas ni siquiera de su madre, a excepción de Liz. La actriz, al ver el terrible estado en que el actor se hallaba sumergido, temía que éste cometiera alguna locura. Muchos años atrás, en 1939, Montgomery Clift había sufrido de un cuadro agudo de disentería amebiana, el cual le dejó  problemas intestinales crónicos, los cuales se fueron agravando a causa de sus adicciones, deteriorando progresivamente su salud.

“El suicidio más largo de Hollywood”

En 1957, Clift actuó junto a Marlon Brando (quien había nacido en la misma ciudad que él) y junto a Dean Martín en la película “The Young Lions” (El baile de los malditos). En esa época Clift y Brando eran conocidos como “los gemelos de oro” por la manera en que estos actores rápidamente ascendieron al estrellato. Esta cinta fue dirigida por Edward Dmytryk. Antes de tomar la decisión de realizar esta película, el actor, producto de la depresión, sentía temor de enfrentarse a las cámaras con su nuevo rostro desfigurado. En 1959  comenzaría a trabajar en “De repente, el último verano”, al lado de Liz Taylor y Katharine Hepburn; el filme fue dirigido por Joseph L. Mankiewicz. Mientras el actor realizaba este filme, con la salud bastante deteriorada, continuamente llevaba al set una bolsa negra donde cargaba sus pastillas y una botella de vodka. Varios intentaron hacerlo recapacitar. Nadie, ni Liz Taylor, lo consiguieron.

La década del 60 parecía empezar para él con buen pie. Filmó al lado de Lee Remick “Río Salvaje”, dirigido y producido por Elia Kazan. Al mismo tiempo, comenzó su trabajo en “The Misfits” (Vidas Rebeldes), una cinta dirigida por John Houston, donde compartía roles con Marilyn Monroe y Clark Gable. El guión de esta película había sido escrito por el esposo de Marilyn, el dramaturgo Arthur Miller, y el director tuvo mucha paciencia a la hora de filmar esta película, ya que tanto Marilyn como Clift solían recurrir constantemente a las pastillas y el alcohol para mantenerse de pie. Esta sería la última película de Clark Gable, quien moriría de un ataque cardiaco ese mismo año; y la última película terminada de Marilyn, quien moriría dos años después.

En 1961 el director Stanley Kramer le ofreció al actor el papel de fiscal en el filme “Judgment at Nuremberg” (Vencedores o vencidos); pero él rechazaría el ofrecimiento aceptando interpretar gratuitamente a una víctima de los nazis. Pese a que sólo tenía que aparecer en una escena, Clift no era capaz de memorizar el guión, por lo que el director le dijo que simplemente improvisara los diálogos. Esto lo tranquilizó mucho, logrando una excelente actuación por la que fue nominado nuevamente a los Oscar. Un año después, volvería a trabajar con John Houston en “Freud” (Pasión Secreta). Ese mismo año fue operado de una hernia y su madre fue a visitarlo al hospital; en un principio se negó a recibirla, pero terminó recibiéndola y teniendo una larga plática con ella.

Su salud continuó deteriorándose, por lo que el actor se fue alejando poco a poco de  las pantallas. Su último trabajo fue en la cinta  El desertor, dirigido por Raúl Lévy. El actor se fue quedando cada vez más sólo, manteniendo únicamente su amistad con Elizabeth Taylor. Ella estaba muy preocupada por Clift e hizo todo lo posible por conseguirle algún papel en una película pero todos lo rechazaban debido a la condición en la que se encontraba. Cuando estaba decidido a aparecer una vez más frente a las pantallas en la película “Reflejos de un Ojo Dorado”, fue encontrado muerto en su cama por su amante Lorenzo James. Montgomery Clift falleció a causa de un ataque cardiaco el 23 de Julio de 1966 a la edad de 45 años, dejando incluso su deseo de volver a actuar y quitándole  a Hollywood una estrella menos en su amplio firmamento. La gloria sea con aquel que no muere.

Filmografía:

* Red River (1948)

* The Search (1948)

* The Heiress (1949)

* The Big Lift (1950)

* A Place in the Sun (1951)

* I Confess (1953)

* Stazione Termini (1953)

* From Here to Eternity (1953)

* Raintree County (1957)

* The Young Lions (1958)

* Lonelyhearts (1958)

* Suddenly, the last summer (1959)

* Wild River (1960)

* The Misfits (1961)

* Judgment at Nuremberg (1961)

* Freud (1962)

* The Defector (1966)

Anécdota y curiosidades sobre la vida de Montgomery Clift

En mayo de 1928 durante un viaje con su madre rumbo a Europa, mientras se bañaba en la piscina del barco, un niño hundió la cabeza de Monty que en ese entonces tenía 8 años bajo el agua por un largo tiempo. En su lucha por zafarse sufrió un trauma en el cuello que le causó una infección. Cuando el barco llegó a Alemania tenía un absceso en el oído derecho, razón por la que fue hospitalizado casi un mes en Munich, y sometido a una larga operación que le salvó la vida, pero le dejó una cicatriz que llevaría en el lado derecho de su cuello de por vida.

Cuando era adolescente y al no conseguir trabajo en el teatro, su madre decidió enrolarlo en una agencia de modelos, donde posó para varios anuncios; sin embargo, esto no le gustaba. Su madre lo motivó hacia la fotografía y acertó. A Montgomery le encantaba tomar fotos con su cámara y luego las revelaba e  imprimía en casa. Nadie en su familia podía tomarse un baño los fines de semana, porque su bañera estaba llena de negativos en el proceso del revelado.

Cuando filmó Río Salvaje al lado del actor John Wayne, la relación entre ellos nunca fue buena. Si bien trataron de sostener una relación de cordialidad, Monty odiaba la imagen de macho que Wayne intentaba proyectar en la pantalla. Por otro lado Wayne declararía a una revista que Clift le parecía un arrogante bastardillo.

Montgomery conoció a Elizabeth Taylor cuando ella tenía sólo 17 años. Los estudios decidieron unirlos antes de promocionarlos en la pantalla. Creyeron conveniente que ella lo acompañara al estreno de La Heredera. Ambos acordaron por teléfono que él iría a recogerla. Al llegar al teatro chino un grupo  de fanáticos lo esperaba y fueron fotografiados juntos como se había previsto. En medio de la película, él se sintió mal. Le dijo a Liz que necesitaba salir de ahí, llamándola siempre Bessie Mae. En el camino, ella le preguntó por qué le decía así. Él le respondió que su nombre es una combinación del final de su nombre con Bésame mucho. El mundo entero la llamaba Liz Taylor, y él en cambio la llamaría Bessie Mae.

A Clift le encantaba hacer payasadas y le gustaba arriesgarse. Una vez Marlon Brando y Monty hicieron una apuesta, se desnudaron en pleno Wall Steet y atravesaron la calle que estaba enfrente a la Bolsa de Valores de New York.

Frases célebres

“Ser famoso es como pertenecer a un exclusivo club”.

“Jamás amaré a otra mujer como a ti, pero no puedo casarme contigo, ni darte la estabilidad emocional que necesitas”

Biografía de Greta Garbo

(1905 - 1990)

“Ser una estrella de cine significa ser mirado desde todas las direcciones.

No tienes nunca verdadera paz”.

Greta Garbo

Figura atípica de Hollywood y eterno mito del cine, Greta Garbo era una mujer que, siendo bella y exitosa, nunca sucumbió al sensacionalismo mediático, prefiriendo sobre todas las cosas la soledad. Sus grandes aficiones eran cuidar su jardín, fumar, beber y relacionarse con múltiples amantes. Detestaba acudir a los suntuosos estrenos fílmicos, se negaba a firmar autógrafos y vetaba las entrevistas sin consultar a los productores.

Se la conoció con el apodo de “la Divina”, aunque también como “la mujer que no ríe” debido a la seriedad que tenía en su rostro, considerado hasta hoy como uno de los más perfectos de la pantalla grande. A diferencia de otras damas de Hollywood, Garbo supo guardar celosamente los secretos de su compleja personalidad, manteniéndose hierática ante la curiosidad de quienes la acosaban por donde iba. Prefería estar sola, como en una de las escenas de la película Gran Hotel, donde el guionista la hizo repetir: “Quiero estar sola”, una frase hecha a su medida y a su manera, que se convirtió en norma por el resto de sus días.

Primeros años

Greta Lovisa Gustafsson vio la luz del mundo el 18 de septiembre de 1905, en el barrio holmiense de Södermalm, Suecia, en el seno de una familia humilde. Era la hija menor de Anna Lovisa Karlson una campesina de sangre lapona que ejercía como empleada doméstica, y Karl Alfred Gustafsson, un barrendero municipal que sufría una mortal y extenuante tuberculosis.

En los últimos años de su vida Karl ni siquiera trabajaba, se pasaba el día borracho o metido en la cama. Un día, la pequeña Greta lo encontró en la calle tirado en la nieve e inconsciente, lo cargó sobre sus espaldas y lo llevó a casa, debiendo incluso subir varias escaleras arriba hasta el piso en que vivían. Al día siguiente, su padre apareció muerto sin haber llegado a cumplir los 50 años.

Al morir su padre, tuvo que empezar a trabajar, por lo que abandonó los estudios. Primero lo hizo, a los quince años, en una barbería, y poco después consiguió un trabajo mejor en un importante almacén. Pronto, los ejecutivos del almacén la utilizarán como modelo en sus cortos publicitarios.

Desde entonces, impulsada por la curiosidad y la pasión intuitiva por la escena, visitó los camarines y los corredores del Söder Teater (Teatro del Sur) en el rincón cultural y bohemio de Mosebacke (Estocolmo), donde experimentó por vez primera la fuerza y la magia de ese recinto donde se daban cita las estrellas del arte dramático, sin sospechar que ella misma, años después, se convertiría en una de las lumbreras más apasionantes del séptimo arte, gracias al fulgor de su belleza y su personalidad inaccesible, que le valió el sobrenombre de “la divina”.

Uno de aquellos anuncios comerciales para los que había participado atrajo poderosamente la atención del director Eric Petschler, quien luego de entrevistarla y quedar perplejo por su extraña belleza y ronca voz, la incorporó al elenco del film Pedro el Tramposo, y le aconsejó entrar en la escuela de arte dramático de su ciudad.

Greta, que se consideraba a sí misma una chica sencilla, siguió a pie juntillas el consejo. A los dieciocho años, ingresó becada a la Real Academia de Arte Dramático de Estocolmo para aprender interpretación. Allí conoció a Frans Enwall, un profesor de la academia que tuvo el privilegio de descubrir su formidable potencial como actriz y la recomendó para varios papeles.

Debut en la pantalla grande

En la Academia tampoco llegaría a finalizar sus estudios, puesto que tras dos semestres de estudios conocería al director Mauritz Stiller, quien intuyendo sus singulares dotes actorales le confió el papel de la condesa italiana Elisabeth Dohna en La expiación de Gosta Berling, película de 1924 basada en la novela de la afamada escritora sueca Selma Lagerlöf, premio Nobel de literatura en 1909. El cineasta le dijo que llegaría a ser una gran actriz internacional si le obedecía en todo: le sugirió cambiarse el apellido; también la llevó a que le arreglen la dentadura y la sometió a una estricta dieta. Greta Gustafsson sería transformada y rebautizada con el apellido artístico Garbo.

La película fue un éxito de taquilla y Greta Gustafsson, ahora Greta Garbo, se vio convertida en estrella de la noche a la mañana. En Berlín Stiller negoció con la Trianon la realización de La odalisca de Smolna que debía ser rodada en el Bósforo, mas pese al viaje realizado a Estambul, el rodaje no se realizó debido a que Stiller ya no contaba con recursos ni patrocinadores. Sumamente endeudado con la Svensk Filmindustrie, “alquiló” su estrella Garbo al director alemán Georg Wilhelm Pabst, para encarnar a la protagonista central en la película Den glädjelösa gatan (La calle sin alegría) de 1925.

En tiempo récord, Garbo ya era alguien en Europa. Por su parte, Mauritz Stiller recibió una oferta de la Metro Goldwyn Mayer para trabajar en Hollywood; él aceptó con la condición de que contrataran también a Greta. Así, en 1926, la sueca debutó en el Hollywood dorado de los años veinte con El torrente, dirigida por Monta Bell.

En 1927, Edmund Goulding la dirigió en Anna Karenina, un clásico del cine mudo que años despúes tendría una versión sonora con idéntica protagonista. Al año siguiente, el gran Victor Sjöstrom, un sueco como ella, la sitúa ya en la categoría de estrella con La mujer divina.

Hasta entonces había demostrado su valía en el cine mudo, pero la Metro temía que su incursión en el cine sonoro fuese fatal para la estrella. Sin embargo, superó con creces esta desconfianza inicial con cuatro películas rodadas a partir de 1929. Al año siguiente, la diva sueca actuó en Anna Christie, adaptación de la obra de Eugene O'Neil que ya había tenido una versión muda, y con Garbo en el papel de una mujer de tormentoso pasado que se enamora de un rudo marino. Fue su primera película hablada, anunciada al mundo con carteles publicitarios que gritaban “¡Garbo habla!”. En ella, la actriz impondría además de su indiscutible y seductora presencia, su deslumbrante “voz de contralto profundo”.

En la cúpula del estrellato

En El demonio y la carne, Greta Garbo conoció a John Gilbert, quien fue su pareja durante un tiempo, aunque se rumoreaba que esta relación era particular, bastante fría, debido a las tendencias bisexuales de la diva sueca. En efecto, la Divina tendría relaciones con diversas mujeres, entre ellas la poetisa y aventurera Mercedes de Acosta; también tuvo amoríos con Bárbara Kent, Marie Dressler, Paulette Duval. Siempre inteligente y calculadora, fue lo suficientemente discreta como para no dejar que su condición sexual hundiese su carrera.

En los años treinta rodó sus mejores filmes y alcanzó la categoría de mito que ya nunca la abandonaría. De 1932 fue Grand Hotel, dirigida por Edmund Goulding, un título trascendente en la historia del cine, pues en ella se utilizaba por primera vez la fórmula de reunir a varias estrellas en la misma película a través de un argumento coral que permitiera el lucimiento de todas ellas. Ese mismo año Garbo hizo otro de sus papeles más famosos en la cinta de George Fitzmaurice sobre la vida de la controvertida espía Mata Hari.

Al año siguiente protagoniza La Reina Cristina de Suecia, película que para muchos es el título cumbre de toda su filmografía, encarnando el papel de la reina que en el siglo XVII renunció al trono de Suecia por amor.

Garbo se tomaba su trabajo con gran profesionalidad, rigor y constante crítica a sí misma. Se preocupaba mucho, por ejemplo, de su performance visual. Trabajó siempre con el mismo director de fotografía, William Daniels, puesto que este exigía siempre una iluminación concreta para su bello rostro.

Se cuenta que cuando terminaban las jornadas de rodaje, se despedía secamente y abandonaba el plató sin más, para adentrarse en su misteriosa vida privada, a la que prácticamente nadie tenía acceso. Le preocupaba sobremanera la acogida de sus películas, y de vez en cuando se adentraba de incógnito, cubierta con unas gafas de sol, en algún cine y observaba la reacción del público.

Últimas películas

Más éxitos llegaron con Anna Karenina (1935), adaptación sonora de la inmortal tragedia amorosa imaginada por Tolstoi, dirigida por el habitual Clarence Brown y que Garbo ya había hecho en el periodo mudo del cine. Fue un nuevo triunfo de la diva sueca, acompañada de un excelente reparto.

En 1936 llegó Margarita Gautier, un filme de George Cukor adaptado a partir de la obra La dama de las camelias, de Alejandro Dumas hijo. Fue otro de los mejores papeles de Garbo, como la cortesana tuberculosa redimida por el amor del joven Armand.

Su habitual director Clarence Brown volvería a dirigirla en Maria Walewska, de 1937, cosechando un nuevo éxito. Era la historia de los amores palaciegos entre Napoleón, interpretado por Charles Boyer, y la amante polaca que luego le abandonaría.

Ninotchcka de 1939, la comedia del alemán exiliado Ernst Lubitsch, es su último gran triunfo. Si Anna Christie fuera publicitada en 1930 con el slogan “¡Garbo habla!”, en el caso de Ninotchcka se hizo un guiño de aquel escueto epígrafe con el mensaje “¡Garbo ríe!”, pues efectivamente, la actriz se echaba unas buenas carcajadas en la película, algo inusual en su filmografía.

En 1942, Garbo participó del que sería su último film, La mujer de las dos caras, una comedia ligera dirigida por George Cukor, y que ciertamente no tuvo el éxito del pasado. En La mujer de las dos caras, encarnaba “la mujer americana tipo”.

En el pináculo de la fama, Greta Garbo decidió retirarse del cine a la temprana edad de 36 años, adoptó el seudónimo de Harriet Brown y vivió el resto de su vida en un departamento en Nueva York, cerca de Central Park, en total soledad y evitando cualquier contacto con los medios informativos, quienes la acosaron hasta el último momento de su vida para fotografiarla en su vejez, motivo por el cual siempre que salía a dar una vuelta por la calle o de viaje a pasar algunas temporadas en Suiza y Francia, se le veía utilizando lentes oscuros y sombreros para ocultar su rostro.

El reconocimiento tardío

Había sido nominada al Oscar como mejor actriz en cuatro ocasiones: los años 1930, 1932, 1937 y 1939, en tres de ellas seleccionada como mejor actriz por los filmes Anna Christie, Romance y Ninotchka pero nunca conseguiría hacerse con la estatuilla. Recién varios años más tarde, en 1954, la Academia de Ciencias Cinematográficas decidió entregarle un Oscar honorífico “en reconocimiento a su interpretaciones”, mismo que ella rechazó porque según sus propias palabras “no quería verle la cara a nadie”. Además de este galardón, obtuvo en dos ocasiones (1930 y 1941) el premio de la crítica de Nueva York por sus interpretaciones en Anna Karenina y La mujer de las dos caras.

Un desplante similar ocurriría cuando el gobierno sueco le concedió una condecoración en 1983. La actriz se negó a viajar a Suecia para recogerla, exigiendo que fuera el embajador sueco en EE.UU. quien le entregara el premio en su propio apartamento, en Manhattan.

En julio de 1988, cuando el periodista sueco Sven Broman le preguntó cómo se sentía, ella contestó: “No me encuentro bien (...) Sólo puedo dar unos pocos pasos. La mayor parte del tiempo permanezco en mi casa, apenas como nada. Me siento triste. La vida que me rodea no es real. Siento la sensación de irme muriendo poco a poco”, una sensación que parecía haberla seguido desde los años de su infancia y que le vaticinaba un no muy lejano fin a su existencia.

A pesar de su temprana retirada, contó con una importante fortuna gracias a sabias inversiones inmobiliarias en la lujosa zona de Beverly Hills, en el estado de Los Ángeles. Aunque todavía trataba con celebridades como Aristóteles Onassis y el fotógrafo Cecil Beaton, supo vivir sencillamente, vestía trajes muy discretos y llevaba el pelo sin teñir, encanecido, para pasar desapercibida.

Finalmente Greta Garbo expiró el quince de abril de 1990, en Nueva York, a los ochenta y cuatro años de edad, víctima de un síndrome renal y de neumonía. En junio del 1999 sus cenizas fueron enterradas en el cementerio Skogskyrkogarden de Estocolmo y su fortuna –estimada en 20 millones de dólares– fue heredada por una pariente suya de Nueva Jersey.

La beldad más enigmática de Hollywood

De Greta Garbo no se conoce una sola fotografía que la muestre desnuda ante sus admiradores, aunque todos se la imaginan como el término medio entre la sensualidad de Marilyn Monroe y la inocencia de Ingrid Bergman. De cualquier modo, la lozanía de su rostro, cuya fascinante belleza rompía con los cánones de la estética tradicional del cine norteamericano, recorrió el mundo y fascinó a millones de espectadores.

Las 27 películas producidas en su periodo con la Metro-Goldwyn-Mayer hablan por sí solas de la trascendente presencia que imponía la actriz a su paso. Entre todas las cintas se involucraron en total quince realizadores diferentes, siendo Clarence Brown quien asumió la dirección en siete ocasiones, entre las que es digna de mencionar la cinta sonora Ana Christie de 1930, cuya original en versión muda se había estrenado 7 años atrás. La transición de Garbo al cine sonoro fue ejemplar, al contrario de muchas otras actrices que se derrumbaron al no acoplarse bien al nuevo sistema.

Aunque era una mujer recatada por naturaleza, mantenía una relación casi erótica con la cámara, pidiendo rodar sus escenas en platós cerrados, sin permitir otra presencia además de la del director, del galán y del fotógrafo. No en vano su cameraman Cecil Beaton, quien la amaba en secreto, confesó que “verla era estar presenciando las más remotas profundidades del rostro humano”.

Su ya famosa pose, tan difícil de imitar, con la cabeza echada hacia atrás y vista de perfil, es el fruto de un minucioso estudio de su figura. Según algunos aficionados al cine, Greta Garbo aprendió a estirarse el cabello hacía atrás para traslucir inteligencia y no destruir la calma de su mirada, a cerrar la boca para ocultar sus incisivos, a caminar despacio para disimular la desproporción de sus piernas, a dibujarse la boca primero con labios finos y después más carnosos; en fin, que pasó por una suerte de metamorfosis para convertirse en la estrella más codiciada de Hollywood.

Su paso por el cine fue tan enigmático como su retirada, dejando la fascinación y el misterio para asombro de generaciones venideras; algo que no ha sido eclipsado por ningún otro mito creado por el celuloide.

Es curioso destacar lo que comentó Paul Newman en una ocasión acerca de ella: “Jamás he sentido envidia por nada ni por nadie. Solamente por los actores que tuvieron la dicha de trabajar con ella. Cómo lamento no haber pertenecido a aquella época. Incluso hubiera sido su director en más de una ocasión. Bueno, si ella lo hubiese aceptado, claro”.

De cualquier modo, su decisión de cortar abruptamente los lazos con el mundo del espectáculo, en el que había transcurrido lo más deslumbrante de su carrera artística, rodeó su vida de una leyenda de impenetrable silencio y de una aureola de misterio que no ha dejado de fascinar con el correr de los años, puesto que tanto el silencio como la soledad que ella impuso en torno a su vida, hoy tienen su propio lenguaje y su propio magnetismo; más todavía, su introversión y su soledad de los últimos años contribuyeron a fomentar el enigma y a inmortalizar el mito de quien en plena juventud se negó a que el mundo supiera más de ella. 

Anécdotas

Al finalizar el contrato con la productora estadounidense MGM se retiró, en la cima de su carrera, debido a que le horrorizaba envejecer ante su público. A partir de ese instante se la llamó “La misteriosa”, por el misterio que rodeaba a su vida privada.

Se sabe que le apasionaba fumar en pipas largas y típicas de hombre.

Clarence Brown se convirtió en su director más usual y William Daniels en su director de fotografía favorito. De hecho, casi todas las películas de Garbo fueron fotografiadas exclusivamente por Daniels.

En 1925, durante el rodaje de una película, conoció a la también archiconocida actriz Marlene Dietrich, con la que empezó una relación probablemente lésbica. Mientras algunos decían que Garbo era una devoradora de hombres otros aseguraban que en realidad pertenecía a un círculo libertino donde la bisexualidad y el lesbianismo se aceptaban con total normalidad.

Cuando la actriz asistió al estreno de una película, donde, luego de la sesión, alguien le preguntó: “Parece usted cansada; sería mejor que se fuera a casa. Esto le habrá dejado a usted muerta”. Se produjo un silencio y ella replicó: “¿Muerta? Ya llevo muerta muchos años”.  

Algunas frases célebres

“La vida sería tan maravillosa si tan sólo supiéramos qué hacer con ella”.

“No hay nadie que quisiera tenerme... no sé cocinar”.

“Yo fui Greta Garbo”.

(En respuesta a un fan que le preguntó en sus últimos años si era Greta Garbo)

“Yo nunca dije ‘Quiero estar sola’. Yo solo dije ‘Quiero que me dejen en paz’. He ahí la gran diferencia”.

(Citado de la biografía de Garbo, del autor John Bainbridge)

“Lo que uno ve en otra mujer cuando está borracho, lo ven en Garbo cuando está sobrio”.

(Frase del crítico Kenneth Tynan)

“El misterio alrededor de Garbo era tan denso como la niebla de Londres”.

(Frase de Tallulah Bankhead en su libro Mi autobiografía)

Biografía de Dean Martin

(1917-1995)

“El trabajo duro de sol a sol nunca mató a nadie pero,

¿para qué vamos a arriesgarnos a ser los primeros?”.

Dean Martin

Había un grupo de amigos bohemios conocidos popularmente como “Las ratas”. Juntos eran todo un espectáculo. Su centro de operaciones era Las Vegas, y formaron parte de la escena social de Hollywood a fines de los cincuentalos cincuenta y comienzos de los sesentalos sesenta. A algunos se les vinculaba con la Mafiamafia, pero ellos no se inmutaban. El público los adoraba y se hicieron legendarios en sus presentaciones por esos años.

Uno de los integrantes de este clan era un carismático  actor y cantante con un talento renombrado para la comedia. Nos referimos al mítico cantante, actor y bebedor Dean Martin. Junto con Sinatra, Sammy Davis,, Jr., Peter Lawford y otros, Dean Martin causó sensación y se hizo de una legión de admiradores incondicionales. Participó en innumerables películas y brilló con luz propia en Hollywood. En la década de los sesenta1960 se volvió un icono de la cultura popular y se puede decir que, incluso, llegó a superar hasta a los mismos Beatles, gracias a  (con su canción “Todo el mundo ama a alguien”, en 1964).    

Orígenes, educación e influencias recibidas

Dean Martin, Scuyou verdadero nombre era Dino Paul Crocetti. Nació en el 7 de junio de 1917 en SteubenvilleSteubenville, ciudad del estado de (OhioOhio). Sus padres eran unos inmigrantes italianos. Su madre, Angela Barra de Crocetti, era ama de casa y su padre, Gaetano Crocetti, era barbero. Martin fue el menor de dos hijos; su hermano se llamaba Bill. El actor habló hablaba sólo eln italiano hasta que empezó la escuela a la edad de cinco años.

Asistió a la Escuela Elemental Grant en de Steubenville, Ohio. Mientras estuvo ahí Era fue el centro de las burlas de sus compañeros por debido a su inglés deficiente, hasta que y finalmente decide abandonar la Secundaria, porque pensaba que era más listo que sus maestros.  

Luego de abandonar la escuela, tuvo varios trabajos que incluían entre ellos el de repartidor de licor de contrabando (–en plena era la época del Prohibicionismo de la “ley seca”)–, trabajador en una fábrica de acero, empleado de gasolinera, boxeador, entre otros. Utilizando como seudónimo el nombre de Kid Crocetti, llegaría incluso a Como boxeador adquirió cierto éxito como pugilista: Utilizaba como seudónimo el nombre de Kid Crochet. Tuvo  36 encuentros que sostuvo y ganó se alzó con la victoria en 25 de ellos.

En ese tiempo empezó a cantar –en parte por hobbie, en parte por probar su suerte– con bandas locales con el seudónimo de Dino Martini. Obtiene su primer trabajo notorio para la Orquesta de Ernie McKay. Luego, a comienzos de la década del cuarenta de 1940, empieza a cantar por el líder de la orquesta Sammy Watkins, quien le sugirió que cambiara su nombre a Dean Martin.

Resueltamente enamorado, en octubre de 1941, Martin se casó decide unirse en matrimonio con Elizabeth Anne McDonald, la primera de sus esposas, con quien tendría cuatro hijos, pero Infelizmente el matrimonio acabó en divorcio en 1949, y pocos meses después se casaría con Jeanne Biegger.

Años antes, Martin fue reclutado por el Ejército de los Estados Unidos, en 1944, durante la Segunda Guerra Mundial. El actor sirvió un año, destinado en Akron, Ohio. Finalmente, fue dado de baja, posiblemente por una verse aquejado de una doble hernia.

Hacia 1946, a Dean Martin le iba relativamente bien, pero todavía era poco más que un cantante de clubes nocturnos de la Costa Este de los Estados Unidos, con un estilo común similar al del actor y cantante Bing Crosby (19041903-1977). Sin duda, atraía público a los clubes donde actuaba, pero no inspiraba la fanática admiración que provocaba Frank Sinatra, por ejemplo.  

El dúo Martin y Lewis

Las cosas permanecían iguales para Martin hasta que conoce a un cómico llamado Jerry Lewis, en el Club “Sombrero de Vidrio”, de Nueva York, donde ambos artistas se presentaban. Los dos se hicieron amigos,  después de trabar muy buena amistad, y acordaron formar un grupo cómico-musical. Así, Martin y Lewis debutaron juntos oficialmente el 24 de julio de 1946, en el Club 500, de Atlantic City. Sin embargo, aquella vez no fueron bien recibidos.

Una segunda presentación tuvo una mejor recepción del por parte del público, y el éxito contundente no se hizo esperar para los dos cómicos. El acto consistía principalmente en Lewis que interrumpía y abucheaba a Martin, quien trataba de cantar, y al final ambos persiguiéndose por el escenario, y provocando la hilaridad general.

En 1949, Martin y Lewis fueron contratados por el productor de la Paramount, Hal Wallis, para la película Mi amiga Irma.   Entre 1949 y 1956 rodaron  juntos18 películas.

A partir de 1951, la pareja de cómicos empieza a trabajar también en televisión, siendo. Los dos se volvieron invitados habituales en diversos programas como el célebre Show de Ed Sullivan, sin mencionar el formidable dúo que formaron. en la pantalla grande: entre 1949 y 1956 rodaron juntos 18 películas.

Hollywood nunca había visto nada así, una combinación semejante, y los dos se volvieron el equipo cómico más popular durante a comienzos de los años cincuenta. Los dos amigos Ambos crearon fundaron su propia empresa productora “Producciones York”. Sin embargo, los críticos subestimaron las contribuciones de Martin al equipo, y la mayoría consideró que Lewis era el verdadero talento y que podía triunfar con cualquiera. Estas opiniones generaron cabida al resentimiento y descontento en Martin, quien cada vez ponía menos entusiasmo en el trabajo. A pesar de que Lewis siempre alabó a su compañero, y siempre dijo que el acto jamás hubiera funcionado sin Martin; los dos cómicos se separaron y su gran acto sus actuaciones quedarían en el recuerdo.

El acto se disolvió finalmente en 1956, aunque hubo intensa presión del público para que los dos cómicos permanecieran juntos. Indefectiblemente, Loco por Anita, de 1956, fue la última película en la que Martin y Lewis participaron juntos.

Lewis no tuvo ningún problema de mantener su popularidad en el cine solo, pero no ocurrió lo mismo con Martin. Su primer filme en solitario, Diez mil dormitorios, de 1957, fue un fracaso comercial.

La fama en solitario: Cine y televisión

Martin encontró su gran oportunidad para regresar por todo lo alto, al actuar en la película Los jóvenes leones (conocida también como El baile de los malditos) , de 1957, protagonizada por los legendarios Marlon Brando y   Montgomery Clift, y dirigida por Edward Dmytryk   . Martin reemplazó al actor Tony Randall, quien ya tenía su parte en el filme, en uno de los mejores roles dramáticos de la década y la película representó su espectacular regreso. El éxito continuaría mientras Martin fue el protagonista, junto con Frank Sinatra por primera vez, en el aclamado drama de Vincente Minnelli (1913-1986) Alguien viene corriendo (Como un torrente), de 1958.

Martin seguía cosechando éxitos, de esta forma fue aclamado por su papel en Río Bravo, de 1959, dirigida por Howard Hawks. Esta Aquella vez compartió la escena escenarios con el emblemático actor y director John Wayne (1907-1979) y con el cantante cantante de rock and roll Ricky Nelson. En 1965, Martin vuelve actuar con Wayne en Los hijos de Katie Elder, dirigida por Henry Hathaway.

Por otro lado, Martin se tomaba estos logros de una manera tranquila y hasta burlándose de sí. Prueba de ello es que interpretó una variación satírica de su propia persona en el rol del cantante de Las Vegas, Dino, en la comedia para adultos de Billy Wilder, Bésame, tonto, de 1964.

Como cantante, Martin llegó a grabar más de 100 álbumes y 600 canciones. Su famoso canción tema “Everybody Loves Somebody” (emblemática “Todo el mundo ama a alguien”), sacó a la canción ““La noche de un día difícil”A hard days’ night” (“La noche de un día difícil”), de Los Los Beatles, del primer lugar de las listas en los Estados Unidos, en 1964. A dicho hit le siguió “The door is still open (to my hearth)” (“La puerta aún permanece abierta (para mi corazón)”, la cual llegó a la número seis sexta posición de los rankings musicales ese mismo de aquel año.

Para 1965, Martin llegó a grabar algunos discos donde predominaban las canciones de los géneros country and y western, tales como Dean “Tex” Martin, Bienvenidos a mi mundo, entre otras.

En 1965, Sin que hubiera terminado el año, Dean Martin es contratado por la NBC y se convierte en el anfitrión de su propio programa cómico de televisión que recibió el nombre de El espectáculo de The Dean Martin Show. Este programa de variedades comenzó a emitirse el 16 de septiembre de 1965. El show tuvo un éxito enorme y se emitió prolongó sus emisiones hasta 1974.

En 1966 interpretó a Matt Helm, un espía al estilo James Bond, aunque en clave de humor. Daría vida a este personaje   en una serie compuesta por cuatro películas, por orden cronológico: The Silencers y (Matt Helm, agente muy especial) (ambas de 1966), La emboscada (1967) y La mansión de los siete placeres (1969).

El clan Sinatra (Rat Pack)

Mientras la carrera de Martin crecía, él y Sinatra se hicieron grandes amigos. A fines de la década de 1950 y comienzos de los sesenta la década de 1960, Martin y Frank Sinatra, junto con Joey Bishop, Peter Lawford, y Sammy Davis, Sammy Davis, Jr. formaron el legendario grupo de “Las Ratasratas”, llamado así por el público con relación a un grupo de amigos, “El grupo de ratas de Holmby Hills” centrados donde participaron en Humphrey Bogart y   Lauren Bacall, y del cual el mismo Sinatra había sido miembro.

Martin, Sinatra y los otros se referían a sí mismos como “La cumbre” o “El clan” y nunca como “Las ratas”, aunque este sobrenombre ha quedado   perennizado en la cultura popular. Los hombres hicieron filmes juntos, formaron una parte importante de la escena social de Hollywood en aquellos años, y e incluso eran llegaron a rozarse con la políticamente: influyentes ( Peter Lawford se casó con la hermana de John F. Kennedy).

El Clan Sinatra era legendario por sus presentaciones en Las Vegas, las cuales casi nunca eran anunciadas. Por ejemplo, en la marquesina del Hotel Dunas   podía leerse: DEAN MARTIN--- TAL VEZ FRANK--- TAL VEZ SAMMY.

El conjunto Los artistas hicieron hacía las delicias del público en sus presentaciones nocturnas, donde que combinaban música, comedia y diálogos divertidos.

Últimos años

En 1976, ocurrió el real reencuentro entre Dean Martin y Jerry Lewis en la Telemaratón anual de Jerry Lewis, siendo. Frank Sinatra fue quien propició la reconciliación, llevando como invitado sorpresa a Dean Martin. Hacía 20 años que los ex-colegas y amigos no se hablaban. A consecuencia de esta reunión se juntarían por última vez. Su última película para el cine el rodaje del filme cómico fue Los Locos del Cannonball I, de 1981, y tres años después su secuela Los Locos del Cannonball II, de 1984.

En 1985, la cadena de televisión NBC lo contrató firma un contrato con Martin en 1985 para formar parte un papel de la del reparto de una nueva serie titulada “Half Nelson”. La Dicho serie programa –protagonizadoa por Joe Pesci, como en el papel de Rock Nelson,– era una comedia de situaciones, en torno, a un detective de Beverly Hills, que aprovecha su corta estatura parar resolver los casos. El papel de Martin era el de confidente del detective. Pese a contar en el reparto con tan destacada figura del cine y la televisión, dicha serie fue cancelada y sólo se emitieron saldrían al aire únicamente los primeros 6seis episodios.

El 21 de marzo de 1987, su hijo Dino, el hijo de Martin, falleció en un accidente aéreo sobre las Montañas de San Gorgonio California. La pérdida fue un duro golpe para Dean Martin, el actor, quien se sumió sumiría en una profunda depresión de la que nunca jamás llegaría a recuperarse.

Sus presentaciones finales en Las Vegas fueron en el Hotel de Bally, en 1989. La última aparición de Martin ante el público fue en diciembre de 1990, mientras felicitaba a Frank Sinatra por el 75°   cumpleaños de este.

Dean Martin murió a los 78 años, el día de navidad de 1995 en Beverly Hills, California, como consecuencia de un enfisema que le produjo su avanzado cáncer de pulmón. Las luces de la zona de Las Vegas fueron apagadas en su honor. Sus restos se encuentran enterrados en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.

Dean Martin y su huella en la cultura de masas

Dean Martin forma parte de la generación de cantantes y actores que surgieron en la posguerra, y se consolidaron cobraron fama y protagonismo en durante las décadas del cincuenta y sesenta. Frank Sinatra, Bing Crosby, entre otros, son parte de esta brillante generación.

Se convirtió en icono de la cultura popular, y su fama de bohemio y despreocupado showman ha quedado en el imaginario popular, no sólo en los Estados Unidos, sino en todo el mundo, pues llegaría incluso a los países de habla hispana.

Martin ha dejado su legado consta de memorables actuaciones en películas clásicas como El baile de los malditos, Río bravo, Suenan las campanas, entre otras, y ha el hecho de haber sido dirigido por directores importantes cineastas como Howard Hawks, Vincente Minnelli, Edward Dmytryk, Billy Wilder, entre otros realizadores imprescindibles. Sus aportes al séptimo arte no se pueden soslayar.

Asimismo sus contribuciones al mundo de la música popular son innegables. Martin inicia su carrera musical en una época en la cual la radio tenía las preferencias del público, pues eran los comienzos y aún no cobraba fuerza de la el fenómeno televisión. Luego e incluso , cuando la televisión se consolida logra captar grandes audiencias, Martin en lugar de opacarse se volvió en un auténtico fenómeno masivo, un (antecedente de la cultura de masas).

Para la década del sesenta1960, la fama de Martin va más allá de su patria trasciende fronteras, y se vuelve en un icono y su imagen de bohemio empedernido y carismático lo sigue a todas partes. Es, pues, uno de los pocos artistas que ha recibido no solo una, sino tres estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood: una por sus películas de cine, una por su carrera en televisión y otra por su carrera discográfica.

Anécdotas

A pesar de su reputación como un bebedor empedernido,   el cómico era notablemente autodisciplinado. Cuando no estaba de gira o filmando una película le gustaba ir a su casa, para ver a su esposa e hijos. En sus presentaciones con el Clan Sinatra, el trago que tomaba Martin en el escenario era en realidad jugo de manzana. La actriz   Shirley MacLaine confirmó   en su autobiografía que Martin bebía jugo de manzana la mayoría de veces en el escenario.

A Martin le gustaba California, la cual, debido a los terremotos, tenía pocas edificaciones altas. Un dato más: El actor sufría de claustrofobia, debido a ello casi nunca usaba los ascensores, y subir los pisos en los rascacielos de Manhattan no era su idea de diversión.

Dean es uno de los pocos artistas que ha recibido no una sino tres estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood: una por sus películas de cine, una por su carrera en televisión y otra por su carrera discográfica.

Martin era buen amigo del gran actor Montgomery Clift (1920-1966). Martin siempre estuvo agradecido por el apoyo que Clift le había dado mientras filmaban Los jóvenes leones, por 1958. En varias ocasiones, Martin lo acompañaba a las fiestas len las que el resto de Hollywood levitaba a Clift, debido a su creciente adicción a las drogas y el alcohol.

Algunos de los integrantes de   “Las ratas” tenían supuestos vínculos   con la mafia. Es conocido que Sinatra asistió el 22 de diciembre de 1946, a la Conferencia de La Habana, en el Hotel Nacional, donde se reunieron varios jefes del crimen organizado de Estados Unidos, entre ellos el famoso gangster Charles Lucky Luciano.   El entretenimiento en aquella célebre conferencia estuvo a cargo de   Frank Sinatra, entre otros renombrados artistas. Sinatra viajó a Cuba en compañía de sus amigos gánsteres, los hermanos Fischetti, quienes controlaban sus finanzas.  

Con relación a Martin, una biografía de él titulada Dean Martin: Rey de la pista, de Michael Freedland, asevera que el actor tuvo vínculos con la mafia a comienzos de su carrera. Martin supuestamente fue ayudado en su carrera de cantante por jefes mafiosos, dueños de bares en Chicago, Illinois. En retribución, más tarde actuó en presentaciones auspiciadas por estos jefes cuando ya era una estrella. Tony Accardo y Sam Giancana eran estos mafiosos. El autor sugiere que Martin tenía poca simpatía por la Mafia –a diferencia de Sinatra-– y sólo les hacía pequeños favores si no era inconveniente para él.

Cuando la 20th Century-Fox despidió a Marilyn Monroe, su coprotagonista en el filme Algo tiene que ceder, de 1962, y luego intentó reemplazarla con Lee Remick, él se rehusó a continuar la película sin   la actriz. Finalmente, el leal Martin persuadió a la compañía, y Monroe fue contratada de nuevo, pero la rubia actriz murió de una sobredosis de drogas antes de reanudar la película, la cual quedaría inconclusa.

Algunas frases o sentencias célebres.

“Tengo siete hijos. Las tres palabras que más se escuchan en mi casa son: “Hola”, “Adiós” y “Estoy embarazada””.

“No estás ebrio si puedes pararte en el piso sin sostenerte”.

“Cuando Jerry Lewis y yo fuimos grandes, solíamos ir a fiestas, y todo el mundo pensaba que yo era testarudo y presumido y no lo era. Lo que sucedía era que yo no sabía cómo hablar bien el inglés, así que permanecía con la boca cerrada ”.

“Si la gente quiere pensar que me emborracho y estoy afuera toda la noche, déjenlos. Esta es la forma como lo logré aquí”.

“Bebo porque mi cuerpo lo pide, necesita alcohol. Yo no bebo, mi cuerpo es el bebedor”.

“En la secundaria, Frank nunca participó en actividades extracurriculares, como estudio de la naturaleza, pintura o cerámica. El pasatiempo de Frank era uno más interesante: era un ginecólogo aficionado” (sobre su gran amigo Frank Sinatra).

“Siento lástima por la gente que no toma. Se levantan en la mañana, y eso es lo mejor que se van a sentir en todo el día”.

“En la secundaria, Frank nunca participó en actividades extracurriculares, como estudio de la naturaleza, pintura o cerámica. El pasatiempo de Frank era uno más interesante: era un ginecólogo aficionado” (sobre su gran amigo Frank Sinatra).

A manera de conclusión

Dean Martin fue parte de una generación de notables cantantes y actores norteamericanos que surgieron en la posguerra. Se convirtió en icono de la cultura popular, y su fama de bohemio y despreocupado showman ha quedado en el imaginario popular, no sólo en los Estados Unidos, sino en todo el mundo, incluso en los países de lengua española.

Se hizo legendario como parte del Clan Sinatra (The Rat Pack), junto con Sammy Davis, Jr., el mismo Sinatra, entre otros.

Biografía de Shirley Temple

“Dejé de creer en Santa Claus cuando tenía 6 años. Mi madre me llevó a verle en el departamento de una tienda y él me pidió un autógrafo”.

Shirley Temple

Considerada la actriz infantil más talentosa y famosa que ha dado el mundo del cine, esta pequeña de encantadora sonrisa y hermoso cabello logró cautivar a miles de espectadores. Hasta la actualidad, no ha habido niña que pueda superarla, pues ella no solo actuaba, sino también cantaba y bailaba. Tan completa y extraordinaria era como actriz y como ser humano. Protagonizó más de 40 películas de cine durante los años 1930, fue premiada con el Oscar juvenil en su mejor momento y hoy por hoy, es reconocida por la incomparable participación en la política de su país, sus referencias y colaboraciones en producciones televisivas que desean reconstruir sus vivencias, y sobre todo, por su abnegada labor en distintas causas humanitarias alrededor del planeta.

El sueño trunco de una madre

Shirley Jane Temple nació el 23 de abril de 1928 en Santa Mónica, en el estado norteamericano de California. Fue la tercera hija del matrimonio formado por Gertrude y George Temple. Su padre trabajaba como asistente de administración de un banco. Su madre era una mujer muy bella, alta y de una gran figura, quien desde siempre añoró formar parte del mundo del espectáculo.

Lamentablemente, el sueño de Gertrude se vio truncado cuando se casó a los 17 años con George, un joven rubio de ojos claros, un poco más bajo que ella. Por ello, cuando decidió tener a Shirley, lo hizo convencida de que su tercer hijo sería mujer y fue a través de ella que cumpliría finalmente sus anhelos de realizarse en el mundo artístico.

Es así que, al cumplir Shirley los tres años, sus padres hicieron un gran esfuerzo y la matricularon en el Meglin Dance Studios, donde recibió clases de baile. Desde un inicio, la niña demostró dotes artísticas y potencial para el canto y la danza. La academia se encontraba cerca de los estudios de Hollywood, y muchas veces los reclutadores visitaban este y otros centros similares en busca de jóvenes talentos.

Un día, el director de Educational Studios, Charles Lammont, visitó la clase de danza de Shirley. Este hombre, al ver el desenvolvimiento de la niña, la llamó días después para que se presente a una audición. Él y Jack Hays quedaron encantados con ella y la escogieron para que represente un papel en Baby Burlesk, una serie de filmes cortos interpretados por niños.

Sus primeros filmes y el apoteósico salto a la fama

El 23 de enero de 1932, los padres de Shirley firmaron el primer contrato cinematográfico de la pequeña con Jack Hays Productions. Entre las cláusulas que tenía el documento, éste tendría derecho sobre la niña, y la usaría sin ningún tipo de restricción. Además, ganaría un fuerte porcentaje por cada participación que tuviera Shirley en la televisión o en anuncios publicitarios. Sin embargo, los padres de Shirley no recibieron ninguna compensación por el trabajo de su hija.

Shirley tendría su primera ocasión de rodar ante cámaras en la cinta War babies, donde desempeñaba el papel de Charmaine, una niña francesa. Después, Glad rags to riches, y She’s only a bird in a gilded cage, donde cantó su primera canción en la pantalla grande. Asimismo, hizo una pequeña presentación radial en Dora’s Dunking Doughnuts.

Posteriormente, Hays le encontraría trabajo en la película corta Managed money, merrily yours. Cuando Shirley ya era famosa la usó para promover su futura escuela donde crearía “niños estrellas”. Sin embargo, el 23 de setiembre de 1933, Hays se declaró en bancarrota e intentó como último recurso que el contrato de Shirley pasara a otras personas, idea que los señores Temple no aceptaron. A partir de ese momento, Gertrude Temple se encargaría de manejar la carrera de su hija.

El Oscar, reconocimiento a su talento

La Fox Film Corporation le dio una pequeña participación en la película Carolina, protagonizada por Janet Gaynor y Lionel Barrymore. Pocos meses después, haría otra breve aparición en Mandalay. A finales de este año, Shirley asiste junto a sus padres al estreno de una de sus películas, donde protagoniza un número musical que la consagraría. Jay Gorney, un compositor que trabajaba para la productora Fox y que había acudido a dicho espectáculo, quedó fascinado por su gracia y belleza tras observarla. La niña no solo bailó, sino también llegó a cantar. El músico le aconsejó que la llevara a los estudios para una audición.

En esa época, la Fox, que varios años más tarde se convertiría en la prestigiosa 20th Century Fox, estaba entrevistando a niños para el musical Stand up and cheer, que en principio protagonizarían Warner Baxter y Madge Evans. Aún no habían conseguido el papel infantil, pero cuando vieron a Shirley dejaron de buscarlo. La película fue todo un éxito de taquilla, el público quedó encantado con la actuación y la simpatía de la pequeña y su popularidad creció en poco tiempo. La Fox le extendió el contrato por 7 años.

La Paramount Pictures tenía los derechos de Little Miss Marker, la historia de una niña cuyo padre la deja a merced de un jugador. Cuando los ejecutivos vieron la actuación de Shirley, se interesaron en ella para el papel, pidiéndola prestada a la Fox.

Después del éxito de Stand up and cheer, Shirley participó en películas como Now I’ll tell, junto a actores de la talla de Spencer Tracy, y Change of Herat. Trabajó luego en Now and forever, junto a Carole Lombard y Gary Cooper, el héroe americano del cine western. Pero sin duda logró la cúspide al actuar en Bright eyes, donde bailó y cantó con mucha gracia. Era tan grande su popularidad y su impacto en el público que no dudaron en comercializar juguetes y muñecas con su imagen. Además, en 1934, le fue otorgada una estatuilla especial durante la ceremonia de los Oscar, por su contribución al mundo del entretenimiento.

Fanáticos por millones

Para mantenerla en su infancia, el certificado de nacimiento de Shirley había sido alterado. Sólo en su duodécimo cumpleaños se dio cuenta de que tenía de hecho 13. Con todo, la prodigiosa Shirley continuó trabajando y filmando más películas exitosas. En 1935, trabajó al lado del experimentado actor Lionel Barrymore en La pequeña coronela, del director David Butler, con quien rodará también La pequeña rebelde. En 1936, protagonizaría Dimples, donde interpretó a una recordada huerfanita.

En 1937, filmó Wee Willie Winkie. En esta serie la cadena Fox adaptó el papel del pequeño héroe original de la novela por una heroína, para que la popular Shirley lo pudiera interpretar. También grabó la película Heidi, donde bailó una danza holandesa que se hizo muy popular entre las escuelas. Ambas películas se convirtieron en clásicos. Un año después, filmó Rebecca of Sunnybrook Farm, donde protagonizaría una de las escenas más memorables al bailar con Bill Robinson, un actor de raza negra, a quien llamaría cariñosamente “tío”.

La popularidad de Shirley se había extendido, pues, alrededor del mundo tenía un número de fans que ascendía a 4 millones. Inclusive en Indonesia, cuando a la niña le dio una fiebre muy alta, alrededor de 20 mil personas se reunieron en la isla de Bali para rezar por su recuperación.

En 1939, filmó La pequeña princesa, otro éxito en la carrera de Shirley. En ese mismo año, la Metro-Goldwyn-Mayer estaba preparando el filme El Mago de Oz, y le ofrecieron el doble de su salario para que interpretara el papel de Dorothy, pero la Fox no cedió a la joven y el papel principal fue a parar a manos de la novel actriz Judy Garland, quien también pertenecía a la Metro Goldwy Mayer.

En los zapatos de una chica común

Shirley empezaba a crecer y su éxito empezaba a desvanecerse gradualmente. Cuando en 1940, a la edad de 12 años, se estrenó su filme Young people y no alcanzó el éxito esperado, sus padres decidieron comprarle a la Fox el contrato de su hija.

Los esposos Temple, conscientes de que la niña era una gran actriz, pero sin estudios de ningún tipo, la matricularon en un centro educativo el Westlake School de Los Angeles, California. Por primera vez Shirley asistía a un colegio y compartía con niñas de su edad diversas actividades que no tenían ninguna asociación con el mundo artístico. En ese tiempo, conoce al cadete Andrew D. Hotchkinn, con quien tiene varias citas románticas por cuatro años.

Sin embargo, los contratos, aunque pocos, seguirían viniendo a sus manos. A finales de los años 40, firmó con la filmográfica Metro-Goldwyn-Mayer. Con esta cadena filmó la película Kathleen, que se estrenó en 1941. Ese mismo año trabajó para la United Artists en la cinta Miss Annie Rooney. En esta película, Shirley besaría por primera vez a un chico, el actor juvenil Dickie Moore.

En 1944, filmó Since you went Hawai y I’ll be seeing you, con Ginger Rogers. En el estreno de la segunda película, la actriz fue la más aplaudida. Después se le encargó un nuevo papel en Kiss and tell, cuyo estreno fue en 1945.

Entre 1939 y 1945, Shirley realizó muchos trabajos voluntarios, en especial durante la Segunda Guerra Mundial. Inclusive realizó giras por los Estados Unidos y Canadá, donde visitó numerosos hospitales y levantó el ánimo de los soldados heridos, muchos fanáticos de la joven actriz.

Historias de desamor y amor

Cuando Shirley tenía 16 años, y después de terminar su relación con Hotchkinn, conoció al sargento John Agar, un joven de 23 años, instructor de Educación Física en la Armada Aérea de Estados Unidos y posteriormente actor. El romance entre ellos surgió desde el primer momento. Al terminar sus estudios, Shirley aceptó la proposición de matrimonio de Jack.

La noticia causó mucha conmoción entre el público y la prensa sensacionalista de farándula de entonces. Después de su matrimonio, Shirley se reincorporó a su trabajo y filmó junto a Cary Grant y Miran Loy la película El solterón y la menor. Luego, participó en That hagen girl, junto a Ronald Reagan, actor y futuro presidente de Estados Unidos.

Sin embargo, el aspecto y el porte de su marido interesó a los productores, y le propusieron actuar al lado de su esposa en Fuerte apache, al lado de Henry Fonda y John Wayne. Esto llegó a cegar a Jack, quien pasaba más tiempo en fiestas y con otras mujeres, por lo que Shirley se divorcia de él y decide criar sola a su hija desde 1950. Meses después, en un viaje de vacaciones en Hawai, conoció a Charles Black, oficial de las fuerzas americanas, con quien se desposaría ese mismo año. Fruto de esta segunda y definitiva unión tendría otros dos hijos.

Un cambio en su vida

La vida de Shirley dio un giro inesperado. Después de más de veinte años de trabajo, su padre había despilfarrado su dinero. Sin embargo, ella lo perdonó, pues consideraba que su relación con él era más importante. Asimismo, tuvo un parto doloroso cuando nació su segundo hijo. A Shirley se le abrieron las suturas, sufrió luego una embolia pulmonar, después neumonía y finalmente una peritonitis. Esta situación puso en riesgo su vida, pero ella se llegó a recuperar.

Lamentablemente, al regresar a su hogar, se enteró que su hermano Sonny estaba parcialmente paralizado por una esclerosis múltiple. Esto la impulsó a trabajar en la Sociedad de Esclerosis Múltiple, ayudando a recaudar fondos para combatir este mal. Esta labor no le impidió seguir participando en series de televisión y apoyar la campaña presidencial del candidato Richard Nixon.

Años más tarde, en 1972, la vida la enfrentó a una nueva prueba. Le detectaron cáncer en el seno izquierdo, razón por la que fue sometida a una delicada operación. Afortunadamente, la cirugía resultó un éxito y pudo volver a tener una vida normal con sus labores humanitarias de costumbre.

Un año después, Shirley fue nombrada miembro de la Unesco por los Estados Unidos, labor que realizó con mucha dedicación. En 1974, Walt Disney la eligió como miembro de su Junta de Directores y el presidente Gerald Ford la nombró como embajadora de Los Estados Unidos en Ghana.

Dos años después, dejó el cargo para convertirse en la primera jefa de protocolo de los Estados Unidos, es decir, la encargada de cuantas ceremonias, visitas y regalos hiciese el Departamento de Estado a líderes extranjeros, además de la coordinación con todas las embajadas y consulados de Estados Unidos.

Vida de la actriz hacia el tercer milenio

En 1985, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas le otorgó el Oscar honorífico por su destacada carrera y el presidente George Bush la nombró embajadora de los Estados Unidos en Checoslovaquia, cargo cuyas labores concluyeron en 1992.

Black apareció en la portada de la revista People en 1999 con el título "Picture Perfect" y más tarde ese mismo año como parte de su informe especial, "Sobreviviendo al cáncer de mama". Apareció en los Oscar de 1997 y también en ese mismo año recibió un Premio Kennedy.

En 2001, sirvió como asesora para la producción de la red de televisión ABC Child Star: The Shirley Temple Story, basada en la primera parte de su autobiografía. En 2004, se unió con Legend Films para restaurar, colorear y publicar su primeras películas en blanco y negro, así como episodios de sus series de televisión de 1960, The Shirley Temple Storybook Collection.

Su marido murió el 4 de agosto del 2005 de una enfermedad a la médula ósea. Pasarían pocos meses tras la dolorosa pérdida, cuando el Sindicato de Actores (SAG) decidió entregarle el 12 de septiembre el honor más prestigioso del Guild, el Lifetime Achievement Award. En la actualidad vive dedicada a sus hijos y nietos, siendo su mayor logro haberse convertido en una mujer ejemplar.

Impacto fílmico y cultural de Shirley Temple

Aparte de las películas, hubo muchos productos promocionales de Shirley Temple durante los años 1930. Numerosas muñecas de Temple, vestidas con trajes de las películas, fueron muy vendidas. Otros artículos exitosos de Temple incluían una línea de vestidos de chica y lazos de pelo.

Varias canciones de las películas de Temple, incluyendo "On the Good Ship Lollipop" (de Bright Eyes, 1934), "Animal Crackers in My Soup" (de Curly Top, 1935) y "Goodnight My Love" (de Stowaway, 1936) fueron populares éxitos de radio. Frecuentemente prestó su imagen y talento para promover varias causas sociales, incluyendo la Cruz Roja.

Como Temple Black sirvió en la junta directiva de algunas grandes empresas incluyendo The Walt Disney Company (1974–75), Del Monte, Bancal Tri-State y Fireman's Fund Insurance. Sus nombramientos en las juntas de organizaciones sin ánimo de lucro incluyeron el Institute for International Studies en la Universidad de Stanford, el Council on Foreign Relations, el Council of American Ambassadors, el World Affairs Council, la Comisión de Estados Unidos para la Unesco, el National Committee on US-China Relations, la Asociación de las Naciones Unidas y el US Citizen's Space TaskForce.

Anécdotas

Los padres de Shirley la castigaban duramente cuando no hacía un buen trabajo. En varias ocasiones la encerraron en cuartos de paredes negras, llenos de hielo.

Winfield Sheehan decidió decirle a la prensa que Shirley era un año menor de lo que era, para hacerla ver más especial.

En 1935, los Temple recibieron una invitación a la casa Blanca. Minutos antes de presentarse ante el presidente Roosevelt, a Shirley se le cayó un diente de adelante. El presidente percibió que algo le ocurría, la notó muy nerviosa. Ella le contó sobre la pérdida de su diente. “Me da vergüenza. El hueco que tengo es feo”, dijo. Roosevelt se echó a reír, y le replicó: “No te preocupes, a todos nos pasa. A mí ya me faltan algunos”.

Biografía de Grace Kelly

(1929 – 1982)

“Ser el triunfo de las apariencias por sobre la realidad”.

Grace Kelly

Tal vez Grace Patricia Kelly no nació en un castillo, ni tuvo por madrina a un hada pero estaba destinada a ser princesa desde la cuna misma. Pasó de ser la actriz predilecta de uno de los más afamados directores de cine, y ganadora de un óscar a mejor actriz, a ceñirse la corona de un principado de ensueño. Tampoco era una Cenicienta, de hecho fue una de las mujeres más apasionadas, deseadas y amadas de Hollywood, y es que antes de casarse con su Príncipe Azul habría de hacerse célebre por sostener sonados romances con los galanes más célebres de su tiempo. Así pues, la musa de Alfred Hichcock iría poco a poco cosechando una fulgurante carrera, al lado de los actores más cotizados de la época, llegando a obtener un premio Óscar a una corta edad. Ya convertida en la princesa Grace de Mónaco, su estilo se transformó en todo un icono de la moda, que hasta el día de hoy perdura. Grace Kelly significó, en suma, un personaje mediático que supo reunir en su figura el glamour de Hollywood con el encanto de la realeza.

Joven y seductora

La deslumbrante y futura actriz Grace Kelly, cuyo nombre completo era Grace Patricia Kelly, llegó al mundo el 12 de noviembre de 1929 en la ciudad de Filadelfia, en el estado norteamericano de Pensilvania. Pertenecía a una familia pudiente de origen irlandés y de credo católico, viviendo por tanto desde su infancia hasta su adolescencia entre todo tipo de comodidades y privilegios.

Su padre, John  Kelly, no sólo era un próspero hombre de negocios dedicado al mundo de la construcción, sino que también había sido campeón olímpico de remo, conquistando tres veces el oro durante aquellas justas deportivas mundiales. Era, como se decía antiguamente, un verdadero “Sportman”, y no sólo en los deportes convencionales, ya que su libido le permitía contentar a una verdadera legión de amantes, como lo muestra el hecho de que durante una fiesta de navidad envío a comprar 27 bolsas de productos de belleza para enviárselos a otras tantas de sus queridas.

En tanto, su madre Margaret era una ex modelo de ascendencia alemana, de quien Grace heredó la belleza y sensualidad que tan famosa habría de hacerla. El matrimonio Kelly llegó a tener tres hijas, siendo Grace la menor de ellas. Desde pequeña, Grace soñaba convertirse en actriz, por eso fue siendo constante en su decisión a pesar de la negativa de sus padres, lo que probaría que no sólo estaba revestida de las características glamorosas, propias de una artista del celuloide, sino de una voluntad a toda prueba.

Recibió una educación estricta y católica, estudiando en el colegio religioso de Ravenhill, sería precisamente en este lugar donde debutaría como actriz a los seis años de edad, interpretando a la Virgen María en una función infantil.

En el colegio, no había actuación escolar de la que no fuera partícipe, ante el aplauso espontáneo de sus maestros y compañeros. A pesar de haberse criado en un ambiente conservador, la pequeña Grace soñaba convertirse algún día en una reconocida actriz, una meta que no estaba tan lejos de alcanzar pues el talento y la gracia ya los tenía corriendo por sus venas. Prueba de ello era que su tío había sido un exitoso escritor, ganador del premio Pulitzer.

En un inicio los padres de la niña, pensaron que conforme su hija creciera se le quitaría esa absurda idea de ser actriz, sin embargo el tiempo no les dio la razón y los planes de Grace seguían presentes.

Sin embargo, pronto decidió marcharse de su aparente hogar feliz, puesto que además de sus ambiciones actorales, su padre le había prohibido ver al que fuera su amor de juventud: Harper Davis, hijo de un vendedor de autos, por considerársele muy poca cosa para ella. En venganza, siendo aún una adolescente, ella trataría de seducir al gánster Paul Skinny D’ Amato, quien frecuentaba el exclusivo club 500 de Atlantic City.

“Mujer fatal”

Así, al terminar sus estudios secundarios, ignorando el disgusto paterno que ocasionaba su decisión de hacerse actriz, parte a Nueva York y tomó clases de actuación en la Academia Nacional de Arte Dramático, mientras trabajaba como modelo en revistas como Neiborhood playhouse.

Siendo apenas una adolescente, Grace Kelly sabía ya lo que era el arte de la seducción, se había percatado que sus encantos no pasaban desapercibidos. De ese modo, llegaría a determinarse que el propio John F. Kennedy (antes de ser presidente), quien era íntimo amigo del padre de Grace, sostuvo un romance con ella.

Otro de los amantes más célebres que tuvo en su etapa pre hollywoodense sería el Sha de Irán, Muhammad Reza Pahlevi, quien a fin de convencerla de que se convierta en una de sus esposas, no escatimó en obsequiarla con verdaderos tesoros. No obstante lo cual Grace prefirió esperar vientos mejores, se tenía tanta confianza a sí misma que se dijo que aquel no iba a ser el primero y único príncipe que haría irrupción en su vida, y ciertamente, el tiempo habría de darle la razón.

En el año de 1949, hace su debut en las tablas, nada menos que en la meca del teatro estadounidense: Broadway. Su debut se daría en Las Herederas, obra de Henry James en la que encarnaría a una de las protagonistas de modo muy convincente pese a su escasa experiencia. Desafortunadamente, la poca afluencia de público desmerecería tan buena actuación y durante algo más de dos años su carrera quedaría en suspenso.

Sin embargo, aquella esbelta y sexy mujer rubia de azulados ojos, un metro 73 centímetros y 57 kilos, no había nacido para darse por vencida y a modo de ejercicio comienza a hacer apariciones en televisión, siendo convocada para hacer pequeños papeles, lo cual habría de serle sumamente beneficioso. Todo el que la veía se preguntaba quién era aquella rubia tan guapa, alta y espigada, con expresión de mujer fatal, ya que no sabían que estaban ante un futuro portento cinematográfico.

Grace y Gary Cooper

Decidida a llegar al estrellato cinematográfico, Grace se traslada a Los Ángeles, donde logra llamar la atención de más de un director por su delicada elegancia y extraordinaria belleza. Mientras continuaba trabajando en el teatro y la televisión ella se propuso a llegar a lo más alto, “El Cine” era su principal meta. Decidida a pertenecer al mundo del glamour, se traslada a Los Ángeles. En esta ciudad logra llamar la atención de los productores por su delicada elegancia y su extraordinaria belleza.

De esta manera, en 1951, con tan sólo 21 años, se le presenta la oportunidad de hacer su debut cinematográfico con un papel secundario en la película Fourteen hours del director Henry Hathaway, en donde la actriz compartiría crédito con actores como Paul Douglas, Richard Basehart, Debra Paget y Barbara Bel Geddes, quien décadas más tarde daría vida a la matrona de la familia Ewing, en la exitosa serie televisiva Dallas.

Grace haría denodados esfuerzos en demostrar que ella no era la típica rubia tonta sin talento, sabía que su belleza era una de sus mejores cartas de presentación, pero las facultades para la interpretación también la respaldaban, logrando participar al año siguiente en un papel principal como la valiente esposa de Gary Cooper en el famoso western de Fred Zinnermann, Solo ante el peligro, film que contó también con la actuación de la actriz latina Katty Jurado.

Gracias a esta película solo ante el peligro Grace Kelly empezaría a tener fama e iniciaría una carrera colmada de éxitos, pero al mismo tiempo se harían más frecuentes los rumores acerca de sus vaivenes amorosos. Y es que Gary Cooper (28 años mayor que ella) no fue ajeno a sus encantos y cayó rendido ante ellos; otro tanto llegaría darse con el director Fred Zinnemann, quien se empeñaría en hacer registrar tal cantidad de tomas exclusivamente de Kelly que Katty Jurado montaría en cólera en más de una ocasión.

Clark Gable y Mogambo

Los tres meses, de aquel año de 1953, que duraría la filmación de Mogambo serían una verdadera prueba para la infalible Grace, ante quien todos los hombres parecían hincarse de hinojos. En esta oportunidad, sin embargo, no faltaría quien le dijera ¡No! Se trataba de la leyenda de Hollywood Clark Gable, quien rechazaba una tras otra sus insinuaciones durante casi todo el tiempo que duró la filmación, ya que él estaba más interesado en conquistar a Ava Gardner, esposa de Frank Sinatra.

Finalmente, al ver que la Gardner no daba su brazo a torcer, Gable se entregó a los brazos de la bella y fogosa Grace. Sin embargo, una vez que sintió que su orgullo estaba a buen recaudo, el actor que personificara tiempo después a Red Buttler en la sublime Lo que el viento se llevó, hizo lo posible por deshacer aquel amor, terminando por sumir en la desesperación a Grace. Contra lo que se esperaba, tal estado de ánimo le permitió hacer una actuación tan dramática que fue nominada al Óscar por mejor actriz secundaria de ese año, lo que en el fondo no la hizo muy feliz.

¡Estoy arrepentida! 

“Ella era capaz de bajarte la bragueta en un taxi cuando menos te lo esperabas”. Quien pudo haber dicho algo así de quien se convertiría con el correr del tiempo en su alteza real, la princesa Grace de Mónaco, fue nada menos que su propio mentor, el afamado director de cine y maestro de las obras de suspenso: Alfred Hitchcock, alguien de quien se decía que estaba locamente enamorado de ella.

Así es al menos como algunos intentaban explicar su impertérrita aparición en más de uno de los films más exitosos de Hitchcock pero lo cierto es que ahí estaba ella, con su belleza perturbadora y su innegable calidad escénica, tirando abajo arcaicos prejuicios de Hollywood. El encuentro de ambas leyendas del mundo del gran cine se verificaría en el año 1954 con el film “Crimen Perfecto”, donde la Kelly compartiría roles con el actor Ray Milland, un actor casado y 24 años mayor que ella, alguien a quien había admirado toda su vida.

De hecho, Grace no pudo con su genio, y nuevamente hizo de las suyas, provocando que Ray Milland se divorcie de su esposa. Sería esta la gota que terminaría por colmar el vaso: desde aquel instante todo el mundo, y en particular sus colegas actrices comenzarían a mirarla entonces de una forma despectiva, como toda una “roba hombres”.

A la blonda Grace no le quedo otra que convocar a una conferencia de prensa y confesar que estaba sumamente arrepentida. Por aquel tiempo, Grace Kelly y la actriz húngaro-americana Zsa Zsa Gabor se harían íntimas amigas; esta última escribiría años después en sus memorias: “Tenía más amantes en un mes de los que yo hubiera podido tener en toda una vida”.  

“La ventana indiscreta”

La irremediable fascinación por el glamour y el porte de dama que trasmitía la actriz americana frente a las pantallas, hicieron que el genial director inglés Alfred Hitchcock se fijara en ella; El cineasta británico que desde hace años se había establecido en Norteamérica, sentía una fascinación por las rubias del estilo de Grace, motivo por el cual no dudaría en ofrecerle el papel protagónico en su película Crimen perfecto de 1954, convirtiéndose desde ese momento  en su actriz favorita.  En este filme compartiría créditos con el actor Ray Miliand, con quien la joven sostendría un breve romance.

Con Hitchcock volvería a trabajar ese mismo año en filmes como La ventana indiscreta, filme que, para muchos críticos, fue el de mayor complejidad y profundidad técnica y narrativa de Alfred Hitchcock, su obra maestra en la cual su musa, Grace Kelly, haría nuevamente un trabajo magistral bajo su dirección junto al afamado actor James Stewart. De acuerdo al guión, ambos personificaban a una pareja: él a un invalido mirón que trata de descubrir desde su ventana al autor de un crimen y ella a su novia, arriesgándose temerariamente a fin de ayudarlo.

Cada escena estaba concebida para el lucimiento personal de la bella actriz, en cada escena importante ella cambiaba de vestido, de tal modo que el color del mismo jugaba un papel importante en el desarrollo de la secuencia. De manera similar, su belleza clásica y expresión glacial le conferían una presencia única que dejaba impactado al espectador desde el primer momento. El día del estreno, Hitchcock quedaría tan satisfecho con el resultado de la producción, que llamaría a su predilecta “la máxima expresión de la elegancia sexual”.

Fuera de los estudios, pese a que hizo lo posible para que su mala reputación aumentara, esta vez Grace Kelly fracasó. Y es que, conocedora de la turbia fama que antecedía a la promiscua actriz, la esposa de Jim Stewart no le dejó solo con ella en ningún momento.

Un año después, participó en “Atrapa a un ladrón”, película en la cual coincidió con uno de sus mejores amigos, tanto dentro y fuera de los sets donde participó también su amigo Cary Grant.

El Óscar

Grace Kelly y William Holden protagonizarían “Los puentes de Toko-Ri”, y esta vez la rutilante estrella tendría mayor suerte, ya que el actor aunque casado, no pensaba dejar escapar a aquella “perita en dulce”, él sin embargo, no contaba con que la actriz fuera a enamorarse tan perdidamente de él. Finalmente, Grace tuvo que lamentar agriamente el verse abandonada una vez más por uno de sus amantes.

Grace poseía elegancia, una sonrisa angelical y un buen cuerpo deseado, razones suficientes para poner en duda la capacidad de su talento; sin embargo, en 1954, con solo 25 años, la Academia de Hollywood, se encargó de demostrar lo contrario al premiarla con un Óscar por su actuación en la película La angustia de vivir. Más aun, no sería el único premio con el que se haría la actriz ya que durante el rodaje viviría un tórrido romance con su coprotagonista, el actor Bing Crosby.

Tiempo después se dijo que a la actriz le dieron este premio para hacerla más popular y que es premio debieron dárselo a la actriz Judy Garland, nominada en la misma categoría.

A mediados de los años 50, la carrera cinematográfica de la novel actriz seguía  en ascenso, participando en films como Fuego verde de Andrew Marton, El cisne de Charles Vidor, Al lado con sir Alec Guinness, y en el remake musical de Historias de Filadelfia, dirigido por Charles Walters, titulado Alta sociedad (1956).

Al mismo tiempo que Grace continuaba cosechando éxitos profesionales, su vida amorosa no se quedaba atrás. La gracia y belleza de la actriz, hacía que más de uno cayera rendido a sus pies, teniendo en su lista de romances; desde Ray Milland, su compañero en Crimen Perfecto, William Holden, con quien inclusive estuvo comprometida y la pasajera relación con Crosby. Pese a todo, su mejor papel tanto profesional como amoroso, recién estaría por llegar.

Esta vez se trataba de un noble ruso, hijo de una condesa exiliada de aquel país. Era Oleg Cassini, un caballero noble y refinado que cautivó al instante a Grace, quien se sentía asombrada por la gran capacidad sexual que le demostraba su nuevo amante. Y entonces decidieron comprometerse en la Costa Azul, en Francia, ya que la actriz estaba embarazada. No obstante, a último momento se enteraría de alguna irregularidad en las aparentemente prósperas finanzas de su novio y entonces decidió abortar, con lo que el noviazgo quedaba evidentemente disuelto.

¡Adiós Hollywood!

Más tarde se supo toda la verdad. En realidad Grace desistió de casarse al saber que el Príncipe Rainiero de Mónaco había mostrado interés en conocerla, y entonces valoró la situación. ¿Qué era lo más conveniente para ella: el noble representante de una nobleza decadente y de hecho extinta como la rusa o el príncipe monegasco, que vivía en la opulencia gracias a los ingentes ingresos que producía el casino Montecarlo?

Pero todo romance tiene un principio, y ese no sería la excepción. En 1955, mientras la actriz asistía al Festival de Cannes para promocionar la película La Angustia de vivir, fue llamada para participar en una sesión de fotos al lado del príncipe Rainiero de Mónaco. Al comienzo la actriz no le dio mayor importancia al asunto, llegando a dudar en presentarse al evento, mas su amigo el diseñador Oleg Cassini la convenció. Durante la sesión la atracción y la química entre ellos fue instantánea. Así pues, la vida de Grace daría un giro de 360 grados, un simple flechazo marcaría el inició de aquel idilio, un verdadero cuento de hadas.

El príncipe quedó prendado de los encantos y hermosura de la reina de Hollywood, y no dudó en conquistarla. Lo primero que haría el majestuoso y galante Rainiero Louis Henri Maxence Bertrand Grima, fue demostrarle a Grace cuan valiente era, para lo cual, en ocasión de visitar el zoológico de Mónaco, el noble hizo una peligrosa demostración de su hombría acariciando a un tigre. En adelante, la ganadora del Óscar no hizo otra cosa que pensar en su principesco pretendiente.

El idilio romántico entre los dos se manifestó mientras la actriz rodaba en la Costa Azul la película Atrapa a un ladrón de Hitchcock. Esto provocó la presencia continua de la prensa en los alrededores del set de grabación, quienes buscaban retratar cualquier escena de esta nueva historia de amor. Así pues, tras un corto tiempo de galanteo, el príncipe decide formalizar su relación, proponiéndole matrimonio a la actriz, quien acepta gustosamente.

La última película de Kelly sería Alta Sociedad,  donde se pudo apreciar el anillo de compromiso que le había entregado Rainiero. Poco después, Grace Kelly, ilusionada con el fastuoso mundo que se le prometía en adelante, anunciaba, ante la congoja de sus fans, que se retiraba del mundo del cine.

La princesa Gracia

La boda se celebró el jueves 19 de abril de 1956, en una ceremonia propia de un cuento de hadas, poco después, Grace sería ungida en la catedral de Mónaco como “Princesa Gracia”. Pese a toda la pompa y ostentación manifestada hasta en el más mínimo detalle del magno evento, se hizo notoria la ausencia de las principales casas reales europeas, muchas de las cuales consideraban la ceremonia como “una de segunda clase”.

Por un lado, aunque provenía y era miembro de una familia de la alta sociedad americana, Grace no dejaba de ser ante los ojos de la nobleza, una simple actriz, profesión no propia de damas, y más aun tratándose de ella, razón no habría de faltarles para pensar así.

Por otro lado, la propia familia Grimaldi, a la que pertenecía Rainiero, no era todo lo noble que pudiera presumirse. En siglos pasados se habían apoderado del principado a sangre y fuego, y el fundador de la dinastía no había sido más que un pirata. Con todo, eso no era lo peor, puesto que los Grimaldi eran acusados de haber ayudado a lavar dinero de los nazis, durante la Segunda Guerra Mundial. 

Sin duda la boda entre el príncipe y la actriz no sólo se convertía en una historia de amor de sueño, sino también servía para mejorar la imagen del Príncipe y de Grace.

Los cuernos de la princesa

“Quien a hierro mata a hierro muere”, reza un dicho muy famoso y eso habría de saberlo muy a costa suya la nueva princesa Gracia de Mónaco, pues pronto se enteró que el solaz favorito del príncipe Rainiero era sacar los pies del plato, y serle infiel descarada y soberbiamente cada vez que le daba la gana.

En realidad, el príncipe Rainiero tampoco parecía haberse casado muy enamorado, ya que al parecer al desposar a la rutilante estrella de Hollywood sólo había hecho uso de un ardid publicitario, conducente a hacer que el mundo se fije en el pequeño principado, y sobre todo en su mayor fuente de ingresos: El Casino Montecarlo. Ella entonces le correspondió de igual modo, y pronto habría de consolarse con Frank Sinatra, y el actor inglés David Niven, de quien se dice fue su amante toda la vida.

Sin embargo, habría de suscitarse un episodio que tomaría ribetes de escándalo, Grace tendría un romance con Malcolm Reybold, el gallardo esposo de Carolyn Reybold, una bella ex modelo quien fuera una de las mejores amigas de la actriz y dama de honor en su boda. Años más tarde, sintiendo remordimientos de conciencia, la Princesa le envió una carta confesándolo todo y pidiendo perdón a Carolyn.

A esta le afectó tanto la revelación, que perdió el control de su vida: se divorció de su marido, perdió a una hija en un accidente y sufrió una crisis depresiva tan grande, que quedó en la completa ruina en un hogar para desamparados, en las afueras de New York. Aun así, Carolyn afirmaría haber perdonado a Grace de lo ocurrido

¡Nunca más!

Siendo ya princesa, Hitchcock le ofreció a Grace Kelly el papel protagónico en el filme Marnie, la ladrona. Si bien Grace se mostró muy ilusionada con el proyecto, y con su regreso al cine, su marido no aceptó la idea y menos que encarne a una delincuente (lo que no sería bien visto por el pueblo de Mónaco).

Así, tras comprometerse consigo misma en dedicar sus energías a su familia y el principado en su papel de princesa, la actriz dejó atrás todo el mundo frívolo de Hollywood, y se concentraría en su nueva vida, gracias a lo cual Mónaco se transformó en un lugar atractivo para el turismo y la inversión extranjera. La presencia de Grace y su estilo trajo un nuevo respirar a la ciudad de Mónaco, creciendo económicamente gracias al turismo y a los inversionistas.

La felicidad seguiría dándose en el hogar de los Rainiero con la llegada de sus tres hijos: Carolina, Alberto y Estefanía. Sin embargo, la pareja real de Mónaco empezaría a tener problemas. La prensa amarilla informaría, en varias ocasiones, acerca de “las escapadas a París de la princesa”, originando rumores de una supuesta infidelidad. A estas alturas podemos decir que solo se trataba de rumores creados por la prensa amarillista, siempre implacable con las celebridades y ávida de dar la primicia a propósito de cualquier escándalo.

¡Adiós Princesa Grace!

Con los años, la figura de la actriz pasaría a segundo plano, y sería su hija mayor Carolina la atracción de los medios, por sus constantes romances. En 1977, la primogénita decide casarse con Philippe Junot, un francés con fama de playboy de quien años después se divorciaría. Las disputas de Grace con su hija tras el matrimonio de esta le causaría uno que otro trastorno y no pocos disgustos. Su segunda hija, Estefanía, también le daría muchos problemas, debido a su rebeldía y haría que ante el mundo, la laboriosa princesa apareciera como la severa madre de unas hijas rebeldes.

El 13 de septiembre de 1982, la vida de los Grimaldi Rainiero daría un giro inesperado. En la mañana de aquel fatídico lunes, Grace salió a dar una vuelta en coche con Estefanía, conduciendo por la misma carretera en la que la actriz había rodado la película Atrapa a un ladrón. Aparentemente madre e hija discutían acaloradamente y en una de las curvas el auto se salió de la autopista, sin dar tiempo de reaccionar a la piloto. Su hija Estefanía logró salir ilesa, pero lamentablemente Grace no corrió con la misma suerte, y tras llegar en estado de inconsciencia al hospital, fallecería en la sala de urgencias a los 52 años de edad.

Con su muerte no sólo acabaría uno de los personajes más famosos de los últimos tiempos, sino  que su trágica muerte cambiaría  para siempre la imagen de la familia, cuna a partir de entonces de devaneos, salpicados de escándalos, sin olvidar nuevas desgracias, como la muerte en un accidente en el mar del segundo marido de Carolina con Stefano Casiraghi, con el que tuvo tres hijos..Muchos, pero muchos llorarían su muerte. 

Trascendencia de Grace Kelly

Sin duda Grace Kelly poseía una belleza misteriosa, que, combinada con su delicada y elegante presencia, le permitió sobresalir con gran éxito en el mundo del cine americano de la década de 1950. La vida le destinaría un destino mucho más privilegiado que el de cualquier mujer plebeya: convertirse en Princesa de Mónaco. Desde muy niña creció en un ambiente  refinado y perteneció a la alta sociedad, razón por la cual tenía todas las poses de convertirse en una gran dama.

Pensar que Grace Kelly lloraba de desconsuelo tras su mal acogido debut teatral es algo poco menos que banal. Como ya hemos vislumbrado, su prestigio actoral estuvo siempre a la par de sus desenfrenos amorosos e ignorar aquella parte de la historia de su vida no le haría mayor favor, ya que es parte de su leyenda. Incluso su mentor, el director Alfred Hitchcock diría de ella: “Era una verdadera dama que se transformaba en prostituta en el dormitorio”. Y existen motivos de sobra para pensar que sus expresiones tenían asidero en experiencias propias.

La musa y actriz favorita del director Alfred Hitchcock, iría poco a poco cosechando una fulgurante carrera cinematográfica, trabajando con los actores más cotizados de la época como Gary Cooper, Clark  Gable, Cary Grant, William Holden, entre muchos otros que tarde o temprano caerían víctimas de sus singulares encantos y seducción; llegando inclusive en medio de la suspicacia de algunos críticos, a ganar uno de los premios más codiciados por los actores, el Óscar. Sin embargo su mayor papel, o mejor dicho su mejor interpretación se daría cuando conoció y se casó con un príncipe de carne y hueso.

La actriz llevaría así en la vida real uno de los romances más publicitado y soñados de los últimos tiempos, al convertirse en la esposa del príncipe Rainiero de Mónaco. Este romance logro acaparar y dar a conocer un nuevo estilo de prensa, denominada la prensa rosa, que permitió, observar y ver cristalizado a través de Grace, el sueño de cualquier jovencita, el anhelo de casarse con un príncipe.

Lamentablemente cuando el sueño parecía una hermosa realidad, el destino se encargo de oscurecerlo. La muerte de la princesa es considerada uno de los acontecimientos más importantes del Siglo XX, dejando no sólo un gran vacío entre las personas, quienes adoptaron a Grace como su princesa encantada, sino también en el príncipe quien hasta el día de su muerte, producida en el año 2005, nunca pudo recuperarse de la pérdida del amor de su vida.

Anécdotas

Grace siempre adoró a su padre, el guapo y muy fuerte de carácter Jack Kelly, quien era millonario y trabajaba tanto que siempre estaba “‘emocionalmente ausente”’ para su hija, a la que no le prestaba mucha atención. Fue quizá esta la razón por la cual la actriz insistió en tratar siempre de seducir y conquistar a hombres casados y mucho mayores que ella.

En 1953 la censura española alteró el doblaje de la película Mogambo de John Ford, quiso ocultar al público español el adulterio que Grace Kelly intentaba cometer con Clark Gable. A los sesudos censores de este país no se les ocurrió mejor solución que convertir a los hermanos de Grace Kelly y Donald Sinden (marido y mujer en la película) en hermanos, así los protagonistas no eran marido y mujer, lo cual descartaba el adulterio en la cinta. Pero no se percataron del error, ya que con el cambio el adulterio se convertía en algo mucho más morboso: un incesto.

Durante su luna de miel en el Hotel Ritz, el príncipe Rainiero y su esposa Grace Kelly comentaron como anécdota que un emir árabe que mandó tapizar todo el mobiliario del baño de terciopelo.

Cuando la Princesa de Mónaco ocultó su incipiente embarazo con un bolso Kelly de Hermés, todo el mundo aplaudió el detalle y, decidió salir en la portada de la revista Life con la famosa cartera de piel como escudo para los fotógrafos.

Un día la princesa decidió preguntar si en el exclusivo almacén de artículos de lujo Gucci vendían pañuelos de seda de flores y solo obtuvo un no por respuesta. Entonces, Gucci decidió crear uno llamado Flora para la mismísima Grace Kelly, quien se vio obligada a aceptarlo como regalo ante los fotógrafos. Por supuesto, el pañuelo fue un éxito de ventas y, Grace continuó creando leyenda.

A pesar de ser una mujer pudiente, la princesa de Mónaco guardaba la ropa de su hija Carolina, para que la usara la menor Estefanía. En Navidad, regalaba a sus empleados solamente “una caja de jabones corrientes”.

Es bien sabido que Jackie Kennedy Onassis nunca simpatizó con Grace Kelly. Un libro comenta —con el testimonio de personas amigas de ambas mujeres— que Jackie la detestaba y se burlaba continuamente de Grace, haciendo en sus cenas privadas una sarcástica imitación de la actuación de ésta en La ventana indiscreta.

El cantante contemporáneo de origen libanés Mika considera a Grace Kelly la mujer ideal. Por esto, le dedicó una canción con su propio nombre: “Grace Kelly”.

Algunas frases célebres

“Ser el triunfo de las apariencias sobre la realidad”.

“He estado esperando todo el día a que mencione usted el beso que le di anoche”.

(Frase de Grace Kelly en Atrapa a un ladrón)

Grace Kelly: “Qué prefiere, ¿muslo o pechuga?”.

Cary Grant: “Usted elige”.

(Diálogo de la película Atrapa a un Ladrón, de Alfred Hitchcock)

Biografía de James Dean

Un Mito Eterno

A un verdadero actor se le reconoce por la fuerza y realismo que pone en la interpretación de sus personajes. Los gestos, movimientos y emociones que transmite, pueden arrancar desde una simple sonrisa hasta un prolongado llanto. En la historia del cine, pocos artistas lo han logrado. Uno de ellos fue James Dean, quien con sólo tres películas realizadas consiguió convertirse en una de las más grandes estrellas del cine norteamericano. Sin embargo, un accidente automovilístico le impidió gozar plenamente el éxito logrado.

En una época donde los jóvenes sufrían las consecuencias de las guerras mundiales y los cambios ideológicos y políticos, Dean llegó a ser un ídolo para ellos. Algunos se identificaron con la imagen del muchacho rebelde capaz de enfrentarse a las autoridades, otros con la del chico rebelde ante la conducta de los padres y la mayoría, con la del joven pidiendo atención y cariño.

En la vida real, fue una persona inquieta, inestable e impaciente. Aunque vivía acomplejado por su baja estatura y su miopía, le complacía desafiar los límites y los riesgos. La niñez de Dean estuvo marcada por la temprana muerte su madre, la ausencia de su padre y la crianza por parte de sus tíos. Fumaba a escondidas y no estaba de acuerdo con las normas impuestas en la escuela. El teatro y la actuación fueron su mayor pasión. Sin embargo en el colegio se le recordaba por ser un chico huraño, tímido y torpe con las chicas.

El éxito de sus películas radicó en sus interpretaciones reales y auténticas. En Al Este del Edén, protagonizó el drama de un muchacho que rechazaba a su padre: por primera vez en la historia del cine, un galán lloraba en plena pantalla, exigiendo el amor de su progenitor. Sin duda, su máximo logro se daría cuando participó en una película que se convertiría en un éxito mundial, Rebelde sin Causa, en donde miles de jóvenes se sintieron identificados con él. En esta magnifica actuación Dean representó a un muchacho que exigía a su padre asumir su rol y no dejarse dominar por el egoísmo de la madre. Se convirtió en una especie de antihéroe que estaba constantemente al borde del abismo.

¿Qué hubiera pasado si Dean estuviera vivo? ¿Hubiera podido alcanzar igualmente el éxito que tuvo después de su muerte y lograr ser un reconocido actor? Nunca lo sabremos. Lo cierto es que la temprana pérdida de su vida, cuando tenía sólo 24 años, logró inmortalizarlo a los ojos del mundo y convertirlo en un verdadero icono de la juventud.

Su vida

James Byron Dean, nació el 8 de Febrero de 1931 en Marion, Indiana. Hijo único de Winton Dean, un técnico dental y Mildrew Winton, una ama de casa. Debido al trabajo de su padre la familia se mudó a California, estableciéndose en la ciudad de los Ángeles.

Desde muy pequeño tuvo que afrontar las vicisitudes de la vida. Cuando tenía 9 años perdió a la mujer que más amó, su madre, víctima de un cáncer que padeció durante años. Este hecho marcó el carácter de Dean, pues perdió a la persona que lo comprendía. El amor que sentía por su madre creció desde el momento en que ésta lo envío a clases de violín; cuando ella murió, James enterró el violín que le había regalado. Años más tarde, en una entrevista, declaró que cuando su madre murió, él tenía tan sólo 9 años... ¿qué podría hacer? Lo hice todo yo sólo...

Después del fallecimiento de su madre, su padre decidió enviarlo de regreso a Indiana, a la casa de unos parientes, y pasó de ser hijo único a formar parte de una familia numerosa, donde se sentía uno más del montón. Era un chico distraído, inseguro y tímido, a quien no le gustaba estudiar y fumaba a escondidas. Su gran afición era el teatro, estaba dispuesto a participar en cuanta obra escolar hubiese.

En un intento de complacer a su padre, James resolvió regresar a California para estudiar Derecho en la UCLA. Allí, el teatro continuó siendo su curso favorito, llegando a interpretar varios papeles como el de Malcom, en “Macbeth”. Tras su incursión en el mundo teatral, consiguió su primer trabajo participando en un comercial de Coca Cola, por el cual cobró un dólar más refrigerio.

Es difícil imaginar que antes de ser famoso, James era un chico huraño, introvertido con las chicas, que usaba anteojos grandes debido a su miopía y vivía acomplejado por su estatura; siendo la actuación su mayor escape.

Se inició en la televisión participando de extra en una comedia de Jerry Lewis y en una película de guerra, Bayoneta Calada. Trabajaba además como chofer de la CBS, y en sus ratos libres le encantaba leer a Henry Miller, Colette y Couteau.

Una vez que concluyó sus estudios viajó a Nueva York, donde logró trabajar en Broadway en obras como “See The Jaguar” y “The Inmoralist”, esta última basada en el libro del escritor francés Gide, donde Dean interpretó el papel de un chico árabe que seduce al protagonista. Gracias a esta actuación recibió muy buenas críticas, las cuales le sirvieron para que directores de cine de la talla de Elia Kazan, apreciaran la calidad de su trabajo.

Aprovechando su estadía en Nueva York, decidió mejorar sus estudios interpretativos ingresando al famoso Actor’s Studio, semillero de grandes actores como Marlon Brando, ídolo del propio James. En esta época empezó a trabajar como conductor de un camión, de un remolcador y hasta en un yate, donde adquirió fama de “chico problema”

Era la década de los 50, Estados Unidos enfrentaba cambios ideológicos y tecnológicos, siendo la televisión el nuevo boom. Los diversos programas acaparaban la expectativa del televidente y el cine necesitaba urgentemente renovar las pantallas con nuevos rostros para cautivar al público.

En 1953 La Warner Brothers estaba produciendo una película que se convertiría en todo un éxito de taquilla, Al Este del Edén, producida y dirigida por el director Elia Kazan. Casi todo el elenco estaba completo, sólo faltaba confirmar en quien recaería el personaje del hijo rebelde. Kazan ya había pensando en Dean para ese papel, pues lo venía observando desde el teatro, y es así que James logró su primer rol protagónico.

La historia recreaba el drama de un hijo que se rebela contra su padre, rechazándolo hasta el último momento por la manera como lo trataba. La magnífica actuación que Dean logró en la que sería su mejor obra, hizo que miles de jóvenes se sintieran identificados con él. Era la primera vez que un galán lloraba en plena pantalla, pidiendo un poco de amor a un padre que no sabía dárselo. James fue nominado al Oscar como mejor actor por esta actuación.

Durante esta etapa, Dean consumió drogas y demostró tener una personalidad inestable y depresiva. Entre sus defectos, pueden mencionarse que solía esconder su dinero en un colchón, a veces no estudiaba los libretos y acostumbraba faltar a los ensayos. A menudo, los periodistas que lo entrevistaban se sorprendían, pues respondía incoherencias o se quedaba con la mirada perdida.

Ese mismo año inició la grabación de la película de Nicholas Ray Rebelde Sin Causa, donde compartiría créditos con Natalie Wood y Sal Mineo. Su interpretación volvería a ser la de un chico rebelde quien, en su intento de integrarse a una nueva ciudad, vive al borde del abismo, reclamando a su padre que imponga autoridad y no se deje dominar por su autoritaria madre. Con este personaje, Dean consiguió convertirse en un auténtico ídolo para la juventud, pues puso en evidencia la clara visión de los adolescentes incomprendidos por sus padres, pidiendo el cariño y amor que ellos no eran capaces de darles. Fue tanto el furor desatado, que en tres meses se vendieron cuatro millones de chaquetas rojas similares a las él que usó en el filme.

Los amores juveniles no estuvieron lejos de Dean pero el amor de su vida fue la actriz italiana Pier Angeli, a quien había conocido durante el rodaje de Al Este del Edén. Aunque James estaba dispuesto a luchar por ese gran amor y casarse, la oposición de la madre de Pier, pudo más. Finalmente Pier fue obligada a casarse con el actor Vic Damone, en 1954. Años después, atormentada por no haber conseguido olvidar a James, Pier Angeli se suicidaría. Antes de morir la muchacha había declarado: “James fue el amor de mi juventud quizás mi gran amor”.

Aprovechando que James era el actor de moda, la Warner decidió incluirlo en el reparto de la película Gigante, dirigida por George Stevens, y protagonizada por Elizabeth Taylor y Rock Hudson. En ella interpretaría a un vaquero que se convierte en un poderoso magnate del petróleo. La rivalidad que existía entre Dean y Hudson, influyó decisivamente en la gran calidad de sus actuaciones.

James era aficionado a las carreras de autos y le gustaba asistir a las peligrosas competencias que se realizaban clandestinamente en las afueras de la ciudad. Los productores, al enterarse de esta afición, decidieron prohibirle asistir a dichos eventos.

La prohibición tuvo efecto mientras duró el rodaje de Gigante. Sin embargo, al poco tiempo de acabar la filmación, James ya estaba ansioso por estrenar su nuevo Porshe Spyder, al que bautizó como “The Little Bastard” (El Pequeño Bastardo).

Una muerte anunciada

El 30 de Setiembre de 1955 James, deseoso de estrenar su nuevo auto, decidió  asistir a una carrera en las afueras de la ciudad. Acompañado por su mecánico, Rulf Wuretheric, recorrió la que sería su última travesía por la carretera de Los Ángeles. La excesiva velocidad a la que conducía (150 kilómetros), ocasionó que chocara contra un Ford que se le cruzó también a gran velocidad. James trató de esquivarlo pero fue imposible. El mecánico logró salir ileso, y James quedó incrustado bajo su auto destrozado, con el cuerpo ensangrentado y prácticamente irreconocible. En la casaca de cuero rojo que usó ese día, tenía guardada una medalla de Saint Christopher que le había dado su gran amor, Pier Angeli. Dean solía aferrarse a esa medallita, pues estaba seguro que lo protegía.

Suena paradójico que, días antes del fatídico accidente, James hubiera hecho un anuncio publicitario donde advertía a los jóvenes conducir con prudencia.

¿Era homosexual?

En 1995, tras la conmemoración del aniversario de la muerte de James Dean, se publicó una polémica biografía llamada “La calle de los sueños rotos”, del autor Paul Alexander, donde se narraba aspectos escondidos y morbosos sobre la vida de James. En uno de los capítulos el escritor asegura que Dean era “masoquista y homosexual”, “sus amigos lo conocían como el cenicero humano, le gustaba quemarse los brazos con cigarrillos”. Estas afirmaciones las recogió de entrevistas que hizo a los amigos más cercanos del actor y de personas que mantuvieron una relación sexual con él. Manifestaba que, aunque al actor le gustaba estar con hombres, el contrato que tenía con la Warner le exigía mantener su fama de galán de moda y salir con mujeres.

En este mismo libro, Alexander cuenta los inicios del actor en el mundo de Hollywood, donde tuvo que relacionarse con directores homosexuales, quienes le prometían papeles en películas a cambio de encuentros sexuales. Entre los amores gay que tuvo Dean, el escritor menciona a Roger Bracket, director de radio con el cual Dean había convivido. También figura el actor Sal Mineo, su compañero de la película Rebelde sin Causa, el primer muchacho que interpretó en el cine a un homosexual.

Una de las mayores confidentes y defensoras de la vida privada de Dean, su amiga de toda la vida, Elizabeth Taylor, decía que la homosexualidad de James era algo que llevaba desde niño, no lo gritaba a los cuatros vientos ni sentía vergüenza por ello, sólo sus amigos más cercanos, con los que vivió o trabajó, lo sabían. En todo caso, la homosexualidad de James Dean es historia y a ella debe seguir perteneciendo.

El ícono

Lo cierto es que cuando James murió tenía tan sólo 24 años, había logrado en su corta edad grandes éxitos, asistido al estreno de una de sus tres películas y había sido nominado dos veces al premio más codiciado de los actores, El Oscar.

Murió sin saber que logró ser un ejemplo para la nueva generación; su rebeldía y osadía fue imitada por miles de jóvenes en una época donde la vida era de un solo color.

Elvis Presley lo admiraba, al igual que John Lenon, quien dijo una vez: “sin James Dean los Beatles nunca habrían existido”. Muchos han tratado de copiar su estilo, pero lo auténtico se aprecia por donde se mire, y el talento de James Dean lo convirtió en un mito inolvidable del cine.

Filmografía:

Al Este del Edén (1955)

Rebelde sin Causa (1955)

Gigante (1956)

Anécdotas

La muerte de su madre fue uno de los capítulos que más lo marcó en su corta vida. Cuando vivía en la granja de sus tíos, se acercaba a escondidas por las noches al cementerio donde estaba ella enterrada, para llorarle y preguntarle por qué lo había dejado cuando más la necesitaba.

El cinismo que poseía Dean era muy conocido por sus amigos. Una vez que fue reclutado por la Unidad de Servicios Selectivos de Fairmount para Corea, el actor expresó su oposición aludiendo que era homosexual. Años después, en una entrevista, le preguntaron cómo hizo para librarse de ser reclutado, a lo cual Dean respondió que le tuvo que dar un beso al médico.

Cuando se produjo el accidente que acabó con la vida del actor, éste conducía un Porshe 550 Spyder llamado “El Pequeño Bastardo”, acompañado por su mecánico. Dean colisionó contra un árbol, tratando de esquivar a otro auto que venía en dirección contraria por su mismo carril. Casualmente el conductor que chocó contra el actor, era un joven estudiante que regresaba de ver su última película, Gigante.

Días antes de su muerte, Dean había filmado un cortometraje, donde modificó el texto del libreto, cambiando la palabra “suya” por “mía”, quedando la frase así: “Conduzca con cuidado, puede que la vida que salve sea la mía”. Irónicamente murió en un accidente automovilístico por llevar las luces apagadas.

“El Pequeño Bastardo” se vendió por piezas y su motor pasó de dueño en dueño, llegándose a matar en accidentes de tráfico las personas que conducían estos vehículos. Años más tarde se reconstruiría el modelo original del Porshe para una exposición en 1960. Sorpresivamente, desapareció durante el traslado y nunca más se supo nada del auto.

Tuvo la más fiel defensora, amiga y confidente en la figura de Elizabeth Taylor. De todos es sabido la importancia que tuvo en la vida de Elizabeth esa amistad, pues pasó a ser su madre, su hermana, su amiga y la primera persona que tuvo entre sus brazos el cuerpo destrozado del actor después del trágico accidente. James confesaba a la actriz sus inquietudes, penas y preocupaciones, pero jamás siguió las pautas que le aconsejaba. Era un hombre libre, temperamental, emocionalmente inestable y con una personalidad tan variable que hubiera sido un paciente interesante para cualquier psicólogo.

Frases célebres

Aunque viviera cien años, no tendría tiempo para hacer todo lo que quiero".

"Mi madre murió cuando yo tenía nueve años....¿que podía hacer?, lo hice todo yo solo"

Un actor debe aprender todo lo que se puede saber. Experiencia; hay que experimentarlo todo, o acercarse a ello lo más posible."

"Nadie ha hecho nunca nada por mí. No le debo nada a nadie"-

"Creo que la razón primordial por la que existimos, por la que vivimos en este mundo, es el descubrimiento."-

"Desde mi punto de vista, la carrera de un actor se empieza a preparar en la misma cuna."

"No sólo quiero ser el mejor. Quiero llegar tan arriba que nadie pueda alcanzarme; y no para demostrar nada, sino para estar donde hay que estar cuando se le dedica toda la vida y todo lo que uno es a una cosa."

"No actúes...Si estás fumando un cigarrillo, fúmatelo: no actúes como si te lo estuvieras fumando"

"La gente me decía que me parecía a Brando, incluso antes de que yo supiera quién era Marlon Brando. No me ofende la comparación, porque es mi mejor amigo. No he conocido una persona como Bran, es sensible, desprendido, paciente y el mejor actor del mundo. Yo en ocasiones, cuando interpretaba a Jett en GIANT, le imité y eso solo él y yo lo sabíamos".

"Lo que dentro de mí hace que sea como soy es como una película. La película sólo funciona en la oscuridad, deja que entre la luz y la destruirás".

“La única grandeza del hombre es su inmortalidad”.

Biografía de Donald Sutherland

(nacido en 1935)

“Cuando trabajas para un buen director, te vuelves subjetivo y sumiso.

Te vuelves su concubina. Todo lo que buscas es su placer”.

Donald Sutherland

Los disimiles personajes que ha representado a lo largo de su carrera han permitido determinar la gran versatilidad actoral de Donald Sutherland, desde el orate soldado de “Los Doce del Patíbulo” hasta la singular versión de Federico Fellini sobre la vida del legendario aventurero veneciano “Casanova”. Se trata de un actor canadiense célebre por la abundante cantidad de filmes en los que ha actuado, aspecto que lo ha llevado a ser considerado uno de los profesionales de la actuación más prolíficos de Hollywood. Donald Sutherland ha actuado bajo la dirección de prestigiosos directores como Bernardo Bertolucci, Dalton Trumbo y el propio Fellini.

Conozcamos a continuación como la vida de un ingeniero se transformaría en la de una luminaria hollywoodense gracias a la simultánea revelación de su vocación actoral, y toda la cadena de acontecimientos que lo llevaron a erigirse como una de las grandes figuras cinematográficas que aún hoy sigue trabajando, sea delante o detrás de las cámaras.

Ingeniero y actor

Donald McNicol Sutherland nació el 17 de julio de 1935 en Saint John, New Brunswick, Canadá. Sus padres fueron Dorothy Isobel y Frederick McLea Sutherland, un vendedor, quien dirigía la compañía de electricidad y la gasolinera local. Obtuvo su primer empleo de medio tiempo a la edad de 14 años como corresponsal de noticias para la estación de radio local CKBW, en Bridgewater, Nova Scotia. Asimismo, fungió como disc jockey en dicha estación de radio.

Estudió ingeniería en la Universidad de Toronto, donde conoció a su primera esposa Lois Hardwick, y se graduó con una doble –y muy disímil– especialidad en ingeniería y drama. Efectivamente, mientras estudiaba ingeniería, descubrió su pasión por la actuación, optando por seguir estudios de teatro, ello se dio luego de que llevara a cabo una memorable interpretación de Ebenezer Scrooge en “Cuento de navidad”, haciendo otro tanto en “La Tempestad”.

Sin embargo, su real despegue actoral se daría como consecuencia de una favorable crítica hecha a su persona por el cronista especialista en espectáculos Herbert Whitaker del Toronto Globe and Mail, quien le vaticinó un gran éxito de dedicarse por entero a la actuación. De este modo, hacia 1958 deja Canadá y se traslada a Londres para estudiar en la Academia de Música y Arte Dramático, de la capital británica, y para el año siguiente contrae matrimonio con su novia Lois Hardwick. Tales circunstancias determinarían los comienzos de la carrera profesional de Sutherland, quien interpretó papeles del repertorio teatral inglés.

Los Doce del patíbulo

En 1964, el actor obtiene su primera gran oportunidad haciendo su debut en la pantalla en el filme italiano de terror El castillo de los muertos vivientes. Su doble papel de joven soldado y de vieja bruja fue suficiente para convencer a varios directores de castings de su versatilidad interpretativa, Sutherland no tardaría entonces en aparecer en algunos filmes de suspenso. Trabajaría entonces en el filme “La casa del horror del doctor Terror”, rodada en 1965 y protagonizada por el legendario actor Christopher Lee. Ese mismo año aparece en ¡Muere! ¡Muere! Cariño, cinta del mismo género que las anteriores, estelarizada por Tallulah Bankhead.

Igualmente sería de la partida haciendo roles secundarios en la popular serie de TV El Santo, protagonizada por Roger Moore. Sin embargo, la fama comenzaría a tocar a su puerta en 1967 al actuar en la película bélica de Robert Aldrich (1918–1983) Los doce del patíbulo. Lee Marvin y Charles Bronson fueron los coprotagonistas en este exitoso filme, en el film Sutherland encarna a un orate y medio despistado soldado, que conforma junto a otros once desadaptados un peculiar pelotón destinado a cumplir una misión detrás de las líneas enemigas en plena Segunda Guerra Mundial.

M.A.S.H.

Tales son las siglas de los hospitales de campaña estadounidense, y que inspiró al escritor Richard Hooker a escribir una novela con el mismo título, sobre las aventuras de dos cirujanos durante la Guerra de Corea. Donald Sutherland tendría oportunidad de interpretar a uno de los médicos en una película que marco época y que contribuiría a asentar su prestigio actoral. En la película compartiría roles estelares con Elliot Gould y Robert Duval.

No obstante cierta circunstancia estaría a punto de hacer que el rodaje de M.A.S.H. quedara trunco por causa del propio Sutherland, ya que tanto él como su colega Tom Skerritt pretendieron que se dejara de lado al director Robert Altman, puesto que juzgaban demasiado excéntrico su trabajo detrás de cámaras, sin embargo el pedido hecho por ambos actores a la producción del film no tendría éxito y Altman siguió adelante. Posteriormente, el éxito de M.A.S.H. sería tal que tanto Sutherland como Skerrit pidieron disculpas al director.

Los héroes de Kelly

Nuevamente un papel de guerra volvería a ser encarnado por Sutherland en Los héroes de Kelly, un filme que tenía lo mismo que los anteriores (Los Doce del Patíbulo y M.A.S.H.) una manifiesta inclinación por la parodia y nuevamente le correspondería al actor canadiense interpretar a un personaje excéntrico, el del comandante de un carro de combate Sherman, el sargento Oddball, quien por la facha –y la misma actuación de Sutherland– recuerda a un hippie fuera de época en plena Segunda Guerra Mundial, muy a tono eso sí con la movida de los años setenta.

Sus partners en la película serían los actores Clint Eastwood y Telly Savalas, con quienes Sutherland conformaría una banda sedienta del oro nazi. Pese a la temática, que convierte a aquella tropa en una banda de rufianes un tanto alejados de los ideales norteamericanos de heroísmo y ardor combativo por la patria, el filme ocupa para los entendidos un meritorio 34o. lugar entre las 100 mejores películas de guerra.

Sutherland y Jane Fonda

En 1971, Donald Sutherland encarna a un detective en el aclamado thriller Klute dirigido por Alan J. Pakula, teniendo como coprotagonista a Jane Fonda, pese a su meritoria actuación como un sabueso obsesionado con resolver la desaparición de un amigo, y pese a que el film lleva el nombre de su personaje (John Klute), el actor es opacado por la soberbia actuación de Jane Fonda, como una prostituta de la cual el detective Klute termina por enamorarse.

Con todo Sutherland ayudaría a Jane Fonda a ganar el Óscar a mejor actriz y él mismo afianzaría su prestigio histriónico, incluso llegaría a sugerirse que él y la actriz habían tenido un romance durante el rodaje de Klute. Como fuere, la relación entre ambos colegas de la actuación se haría tan estrecha que terminarían llevando a cabo un show antibelicista llamado F.T.A. Tour, es decir “Free The Army”, con el cual se recorría las ciudades en las habían soldados listos a partir hacia Vietnam, a fin de convencerlos de desertar.

Sutherland Antibelicista

El F.T.A. Tour se daría en respuesta a los USO, promovidos por el actor Bob Hope, el United Service Organizations había sido creado con el fin de brindar entretenimiento a los soldados estadounidenses que habían de partir hacia a la guerra. Irónicamente se decía que las siglas de “Free The Army” (F.T.A.) querían decir en realidad “Fuck The Army”, es decir, ¡mandemos el ejercito a la mierda! Sea cual fuere la interpretación dada, todos reconocerían en Donald Sutherland a un abierto y declarado antibelicista.

Tal punto de vista habría de acrecentarse en su rol protagónico en la cinta Johnny cogió su fusil, una cinta antibelicista que plantea la historia de un soldado que es llevado desde el frente de combate a un hospital, luego de perder los sentidos de la vista, el olfato, el gusto y el oído, convirtiéndose su existencia en un sinfín de experiencias oníricas en una de las cuales aparece Donald Sutherland encarnando nada menos que a Jesucristo, con quien el infortunado soldado juega a los naipes.

Para hacer tan controvertido papel, Sutherland sería convencido por el director Dalton Trumbo, quien estuvo exiliado en México durante tres años luego de haber sido condenado por el Comité de Actividades Antiamericanas del Senado norteamericano en la época de Joseph McCarthy. Para entonces, el actor canadiense había iniciado su segundo matrimonio con Shirley Douglas, madre de sus hijos Kiefer Sutherland y su gemela Rachel, lo cual no fue obstáculo para que iniciara, como ya hemos visto, un romance con la actriz Jane Fonda dentro y fuera del plató.

Homer Simpson

En No mires ahora, de Nicolás Roeg, rodada en 1973, Sutherland encarnaría a un sufrido padre de familia, junto a Julie Christie como su esposa, quienes luego de perder a su hija son contactados en Venecia por una médium quien pretende tener un mensaje de su hija para ellos desde el más allá. La película se haría célebre sobre todo por una controvertida escena de sexo entre los esposos, bastante fuerte para la época.

Dos años después, Donald Sutherland habría de convertirse en Homer Simpson en El Día de la Langosta, del director John Schlesinger, un personaje aparentemente pusilánime cuya furia contenida habría de convertirse en el arma asesina al final del filme. Los permanentes cambios de humor del personaje, interpretados soberbiamente por Sutherland, favorecerían en mucho la buena opinión que sobre Donald Sutherland ya tenía la crítica hollywoodense.

1900

De 1976 data el descomunal filme épico, de 311 minutos, Novecento (1900), un film épico que narra la historia de dos hombres de clases sociales antagónicas nacidos a comienzos del siglo XX. El filme explora las fuerzas políticas y sociales que dan forma a Italia antes de los inicios del fascismo, durante la época de Mussolini y a la caída de éste, con la liberación de los aliados.

Sutherland es dirigido en esta cinta por el célebre director italiano Bernardo Bertolucci, quien asume claramente una posición ideológica concreta y el filme se vuelve una especie de manifiesto de izquierda, incluso con aires de panfleto. Bertolucci profesaba abiertamente una postura ideológica definida y crítica por esos años. El filme cuenta con un elenco de grandes actores internacionales como Burt Lancaster, el mismo Donald Sutherland, Robert de Niro, y Gérard Depardieu.

Es posible apreciar la soberbia actuación del canandiense en el papel de Attila, el caudillo fascista sin escrúpulos que tiene un odio irracional contra todo el que profese la ideología comunista. Sutherland quedó tan afectado, en shock, por su propia interpretación del desalmado y sádico fascista que fue incapaz de ver el filme durante años, lo que para muchos no hacía sino hablar bien del esfuerzo interpretativo desplegado por el actor a través de sus películas.

Casanova

En 1975, Donald Sutherland es convocado por el prestigioso realizador italiano Federico Fellini, el proyecto trataba de llevar a escena una versión libre, muy surrealista, sobre la autobiografía del más célebre libertino y seductor de todos los tiempos, Giacomo Casanova. En realidad, la producción del film había pensado en otros actores para el papel protagónico: Marlon Brando, Al Pacino, Robert Redford y Jack Nicholson, por mencionar algunos de los nombres que se barajaron en su momento.

Sin embargo, el papel le sería otorgado al actor canadiense quien nunca terminó de entablar muy buenas relaciones con el genial director italiano, sin embargo, Sutherland, quien una vez se rebelara contra el director de M.A.S.H., Robert Altman, esta vez fue un ejemplo de docilidad, tanto con el director como con toda el equipo de producción de la película.

Desde muy tempranas horas de la mañana, el actor se sometía a interminables sesiones de maquillaje en la que sus cejas eran depiladas y pintadas, despejándole asimismo siete centímetros de frente, cambiándole la forma de la nariz y la barbilla hasta en trescientas ocasiones.

Finalmente, diez meses después de iniciado el rodaje –el doble de lo que se tenía calculado– el trabajo de filmación llegó a su fin y Donaldino, como era llamado por sus compañeros en el plató y por la propia prensa se fundió en un cálido abrazo con Federico Fellini, quien le agradeció el no haberlo dejado mal parado –acaso con justa razón– ante la prensa, ya que cada vez que los tendenciosos periodistas insinuaban a través de preguntas las dificultosas relaciones entre el actor y el polémico director, Sutherland respondía: “Trabajar con un genio como Fellini es un timbre de gloria para cualquier actor y quisiera que durase toda la vida”.

El día del estreno, sin embargo, la crítica no fue muy amable con el film y habría de pasar no poco tiempo para que esta obra de arte del cine fuera apreciada en su exacta dimensión.

La aguja

En aquel año de 1976, Sutherland daría vida a un miembro del Ejército Republicano Irlandés, Liam Devlin, en una película ambientada en la Segunda Guerra Mundial Ha llegado el águila. Dos años después participaría en el remake de los años cincuenta La invasión de los ladrones de cuerpos de Philip Kaufman, su papel protagónico a lo largo del film concluye en la última secuencia, cuando prorrumpe en un grito aterrador al ser presuntamente abducido por los extraterrestres, los villanos de turno.

En 1980 tuvo un rol secundario en la película ganadora del Óscar Gente común, dirigida por Robert Redford. Al año siguiente, Sutherland se ve nuevamente envuelto en un drama bélico al interpretar a un espía alemán en El ojo de la aguja, interpretando a un espía alemán (apodado como “la aguja” por su estilo de asesinar a sus víctimas con un estilete), dispuesto a sabotear la invasión a Normandía por parte de los aliados y que acaba por tener un romance con el personaje de Kate Nelligan, quien al enterarse de las reales intenciones de su amante luchará por impedir que se salga con la suya, aunque ambos hallarán un trágico fin.

El año 1981 marcó el regreso de Sutherland a los escenarios teatrales. Dicho acontecimiento tuvo lugar en Broadway y la obra elegida para aquella singular ocasión fue una adaptación de Edward Albee de la conocida novela erótica Lolita, de Vladimir Nabokov.

Oficial de la Orden de Canadá

Para diciembre de 1978, Donald Sutherland era sin duda el canadiense más famoso, motivo por el cual el gobierno de su país habría de conferirle la Orden de Canadá, siendo admitido asimismo en el Paseo de la Fama de Canadá en el año 2000. En 1989 fue premiado por su actuación en el drama A Dry White Season, ambientada durante la época del Apartheid de Sudáfrica. En la película comparte la escena con Marlon Brando y Susan Sarandon.

En 1991, el director estadounidense Oliver Stone lo incluiría en su filme sobre el asesinato del presidente estadounidense John F. Kennedy, JFK. En la cinta serían también de la partida Kevin Costner, Tommy Lee Jones, Kevin Bacon, Gary Oldman y Joe Pesci. Luego, en 1992, desempeñó el papel de Merrick en la película Buffy la cazavampiros, estelarizada por Kristy Swanson. Encarnó el papel de director de una compañía de software en la novela dramática de Barry Levinson Disclosure junto a Michael Douglas en 1994 y para el año siguiente asumiría el rol del mayor general Donald McClintock en el thriller Outbreak de Wolfgang Petersen, también con Dustin Hoffman, Morgan Freeman y Rene Russo.

Varios años más tarde, actúa en la película Vaqueros del espacio (2000), junto con otras dos lumbreras de la pantalla grande, Clint Eastwood y Tommy Lee Jones. También se lo vio muy impactante en la serie de televisión Commander in Chief (Comandante en Jefe) que comenzó su historia en el 2005 y finalizó tras emitirse dos temporadas, en el 2006. En esta oportunidad compartió la escena con Geena Davis, la recordada y bella actriz de Thelma & Louise. También en el 2006 actúa en el filme El país de los ciegos, además de trabajar en Pregúntale al polvo, al lado de Salma Hayek y Collin Farrell.

Contra todo pronóstico su carrera no se ha detenido en estos últimos tiempos, pues pese a su avanzada edad ya se ha involucrado en cinco proyectos entre el 2008 y el 2010 –entre los cuales se cuenta la película de animación en 3D Astro Boy, para la cual prestó su voz– y ya confirmó su participación en otros tres que se desarrollaran a lo largo del 2011.

Sutherland, un producto de los 60

Donald Sutherland ha dejado memorables interpretaciones y ha demostrado ser un actor versátil, cuyo legado a la cinematografía mundial es inestimable. Por citar solo uno, el rol del jerarca fascista despiadado en el filme épico 1900, de Bertolucci, es de antología. También ha trabajado, como hemos visto, en películas clásicas de fuerte contenido político (en contra de la guerra) como Johnny cogió su fusil, del guionista y director norteamericano de izquierda Dalton Trumbo (1905-1976). Asimismo, es largamente recordada su interpretación de Casanova bajo las órdenes del maestro Federico Fellini, donde demuestra su versatilidad y gran talento.

Sutherland forma parte de una muy talentosa generación de actores y directores cinematográficos. Algunos de sus compañeros de generación, como el mítico Dennis Hopper, se han vuelto figuras icónicas del séptimo arte. De alguna manera, Sutherland también es actualmente un icono, al haber dado forma a personajes inolvidables como el sádico jerarca fascista Attila Mellanchini, en 1900.

Hay que tener en cuenta que el actor canadiense aparece y se hace conocido en el mundo cinematográfico hacia la segunda mitad de la década del sesenta, cuando se había producido una auténtica renovación en él y hacían su aparición nuevos directores, tan innovadores como radicalmente creativos, los cuales cambiaron para siempre la manera de hacer cine.

Directores como Truffaut, Godard, Bertolucci, Pasolini, entre otros, hicieron en los sesenta un cine de alta calidad, con un innegable contenido ideológico-político específico, pero no exento de vuelo poético. Ciertamente, se produce también un cambio en los espectadores. “A partir del año 1960 –como solían decir los expertos en historia de la cinematografía–, un gran sector del público ya no va al cine: va a ver una película de Truffaut, Kurosawa o Resnais…”.

Sutherland trabajaría con algunos de estos brillantes directores, quienes supieron reconocer la versatilidad y el gran talento interpretativo del actor. En la actualidad, es uno de los actores más respetados e influyentes del sétimo arte, asimismo ha estado comprometido en causas políticas en contra del gobierno norteamericano (Guerra de Vietnam) y ha sabido conjugar –como muchos otros actores norteamericanos– su arte con el compromiso social.

Anécdotas

En 1979, el actor tuvo una experiencia cercana a la muerte en 1979, cuando estuvo enfermo de meningitis. Los médicos pensaron que había muerto, sin embargo lograron hacer que se recupere, con respecto a lo ocurrido, Sutherland asegura haber tenido una experiencia extra corporal, lo cual, según llegaría a decir, cambió su percepción sobre la vida y la muerte. En 1989, Donald Sutherland tendría una aparición especial en la serie de dibujos animados “Los Simpson”, con motivo de su interpretación como “Homero Simpson” en “El día de la langosta”.

En 1996 se daría un acontecimiento sumamente especial en la vida del actor canadiense, ya que tendría ocasión de actuar al lado de su hijo, el también actor Kiefer Sutherland –el célebre protagonista de la serie televisiva estadounidense “24”– en la película Tiempo de Matar. El filme en el que actuarían padre e hijo está basado en el exitoso libro del mismo nombre, del escritor John Grisham.

Su trabajo haciendo roles televisivos ha sido también reconocido, merced a galardones como el Globo de Oro por su interpretación de Tripp Darling de Manhattan en la exitosa serie Dirty Sexy Money, donde comparte roles protagónicos con Peter Krause y Jill Clayburgh. Previamente había obtenido un Globo de Oro y un premio Emmy por su interpretación en la película de televisión producida para la cadena HBO Ciudadano X. Su papel como Clark Clifford, asesor del presidente Lyndon B. Johnson, para otro largometraje de HBO de nombre Path to War, le merecería también otro Globo de Oro.

Algunas frases célebres

“Nunca he planificado nada. He estado haciendo este trabajo por más de 50 años. Me han pagado por trabajar con gente maravillosa, y ello ha sido un gran regalo para mí”.

“Me encanta actuar, es un trabajo maravilloso”.

“No creo que tenga alguna pizca de cinismo el sobreactuar”.

“Lo único que me hace sentir apasionado es mi esposa”.

“Luciría un poco tonto interpretando a Casanova ahora”.

(Declaración del actor treinta años después de haber interpretado al legendario amante veneciano)

“No demasiado, aunque existe un cierto rencor y resentimiento cuando alguien trata de dispararte”.

(Frase dicha por el actor al recordar como estuvo a punto de ser victimado por los agentes que pretendieron reprimir su protesta en contra de la guerra de Vietnam)

“Vietnam era una mentira, pero al menos había una agenda política. Irak es sobre nada, pero el ego de George Bush está enlazado a ambiciones imperialistas. Y fue apoyado por su gobierno”.

“Frank Lloyd Wright, prestigioso arquitecto, diseñó la casa donde vivo. Desde lo que conozco, él estaba teniendo un romance con la esposa del hombre para quien estaba diseñando la casa. Aquel hombre era muy alto. Así que Wright, bajo y vanidoso, diseñó la casa de tal forma que una persona alta no pudiese vivir en ella sin un severo daño craneano. Yo me golpeo la cabeza todo el tiempo”.

“No soy rico. Tuve un problema de impuestos en Inglaterra, y mi contador me dijo que el gobierno británico estaba evidentemente equivocado en el cobro, y lo estaban, pero no pudimos convencerlos y me costó todo lo que tenía”.

Biografía de Marilyn Monroe

(1926 – 1962)

La muerte y el olvido no pudieron con ella

“En Hollywood te pueden pagar 1000 dólares por solo un beso,

pero sólo 50 centavos por tu alma”.

Marilyn Monroe

Rebosante en su rampante desnudez, congelada para siempre en su inolvidable belleza, Norma Jean Baker nos sonríe desde el pasado, tentadora y lasciva, riéndose de la muerte y el olvido que finalmente no pudieron con ella, aún ahora, varias décadas después de su prematura muerte. Ahora mismo, el halo de leyenda que rodea su vida, nos incita a conocer más de una de las mujeres más deseadas de todos los tiempos: ella, Norma Jean Baker, más conocida como Marilyn Monroe. La bomba rubia, como fue denominada por la prensa de espectáculos, fue protagonista en una treintena de películas, pero sobre todo de su inestable y polémica vida: chica de portada de la primera edición de Playboy, efímera amante de un sinnúmero de hombres que tenían en común el ser acaudaladas celebridades, y coqueta intérprete del “Happy Birthday” dedicado a quien se sospecha que habría sido uno de sus tantos amores secretos, el mismísimo presidente John F. Kennedy; a raíz de este incidente se tejen diversas teorías alrededor de su misteriosa muerte, incluyendo una conspiración por parte del FBI, si bien nadie ha sido hallado culpable desde hace ya más casi medio siglo en que fuera hallado su cuerpo desnudo (como gustaba dormir) e inerte sobre su propia cama. No obstante, no es esta la imagen que de ella se ha conservado en el imaginario del séptimo arte, sino aquella inmortal, maliciosa y picaresca escena donde una ráfaga de viento salida de una tubería eleva su falda, la que la blonda actriz, en un gesto de absoluta candidez, intentaría cubrir a las miradas de los hombres para quienes ella poseía el máximo sex-appeal.

De Norma a Marilyn

La futura diva de Hollywood, Marilyn Monroe, cuyo nombre verdadero era Norma Jean Baker, nació el 1 de Junio de 1926 en Los Ángeles, California. Su madre, Gladis Monroe Baker, era una actriz frustrada, la cual pasó gran parte de su vida en instituciones mentales tras ser diagnosticada de esquizofrenia paranoide. Se barajaron muchos nombres acerca de la identidad de su padre, pero este dato no se pudo esclarecer puesto que su madre era una mujer promiscua.

Desde niña, la pequeña Norma tuvo que afrontar las dificultades que le impuso su azarosa vida. Parece ser que durante su primera infancia fue testigo de la muerte de su perro Tippy, trauma que le ocasionó una repentina pérdida del habla, misma que años más tarde desembocaría en una insuperable tartamudez.

Quedó sola a muy temprana edad, luego de que su madre fuera internada definitivamente en un sanatorio a causa de su enfermedad mental. Muy pronto habría de darse la más funesta consecuencia del abandono paterno, forjando en ella una personalidad inestable, viviendo en varios hogares, con sus abuelos de vez en cuando y con padres sustitutos, uno de los cuales terminaría por violarla a los 9 años, como consecuencia de ello aparentemente quedo estéril de por vida.

Uno de sus mayores temores era la posibilidad de haber heredado la enfermedad mental de su madre, de hecho vivía obsesionada con el tema. Tratando de buscar un mejor futuro, resolvió casarse a los 16 años con el irlandés James Dougherty. En un principio trató de cumplir su nuevo rol de ama de casa, pero cuando estalló la Segunda Guerra Mundial su esposo fue embarcado hacia Australia y la distancia impidió la consolidación de este matrimonio.

Marilyn fue fotografiada en una fábrica de aviones en la que trabajaba, como ocurría con la mayoría de mujeres que se vieron obligadas en plena guerra al faltarles el marido durante la Segunda Guerra Mundial. Así, sería descubierta en un reportaje sobre el trabajo de las mujeres durante el conflicto bélico, la revista “Yank” la cual le propuso convertirla en modelo.

Seducida por el brillo de los reflectores y las cámaras, decidió aceptar. Inició su carrera tiñéndose el cabello de rubio, y llegó a ser conocida como el sueño de los fotógrafos, saliendo en las portadas de más de 30 revistas. Ese mismo año se cambió el nombre por el de Marilyn Monroe; Marilyn en honor a la actriz Marilyn Millar, y Monroe en recuerdo de su madre.

Interés mutuo

La falta de cariño de sus padres, hizo de Marilyn una mujer necesitada de amor y protección, por lo cual se refugiaba en sus amantes de turno y su vida giró en torno a ellos. Uno de estos protectores fue el director John Hyde, quien consiguió que ella pudiera renovar contrato con la Fox, mas la muerte repentina de este hizo que Marilyn quedara nuevamente desamparada.

Marilyn había conocido a Johnny Hyde, por entonces vicepresidente de la agencia de comunicación “William Morris” en una fiesta. La relación fue de interés mutuo, pues Marilyn tenía 22 años de edad y Johnny 53. Marilyn obtuvo gracias a Johnny dinero y contactos, pero nunca quiso casarse con él, pese a que Hyde la deseaba intensamente.

La modelo decidió dar por terminada la relación cuando comprendió que nadie la tomaría en serio si la veían como a una jovencita interesada que salía con un viejo. Johnny Hyde le consiguió múltiples audiciones y un contrato de tres años con un estudio de cine. Cuando Hyde murió, Marilyn se quedó rezando ante su tumba toda la noche, hasta que los empleados del cementerio le pidieron que se marchara.

La mujer detrás del maquillaje

De hecho, Marilyn tuvo que bregar no poco para lograr consolidar su carrera cinematográfica, con el poco dinero que ganaba en un principio, pagaba el alquiler del apartamento donde vivía y las clases de interpretación, ofreciéndose sexualmente en ocasiones en Santa Mónica Boulevard para poder comer. Uno de los amigos habló con uno de sus biógrafos sobre este tema: “Marilyn nos lo contó sin vergüenza. Llegaba a un acuerdo: ella hacía lo que el cliente le pedía, y luego éste la llevaba a comer o a cenar. Marilyn no veía nada malo en ello”. Mientras se prostituyó, utilizó el nombre de Journey Evers.

En tanto se preparaba para dar el gran salto en su carrera, Marilyn trabó conocimiento con Natasha Lyess, quien sería su profesora particular de arte dramático y una de las personas que mejor llegó a conocer a Marilyn. Como profesora, se enfadaba a menudo con ella, debido a la manía que tenía la joven de pegar demasiado los labios al hablar o al poco empeño que ponía en ser expresiva, “ya que sabía que su atractivo sexual era infalible, y no creía necesitar nada más”.

Natasha era especialmente quisquillosa con la pronunciación, y obligó a Marilyn a repetir hasta la saciedad las palabras que terminaban en D o T. Según el investigador Donald Spoto, este hecho provocó que Marilyn Monroe siempre hablase con tono afectado y lento ante las cámaras. Un conocido de la actriz con quien Donald Spoto se entrevistó, le contó lo siguiente: “Marilyn conocía todos los trucos del maquillaje, cómo pintarse los ojos, qué cremas utilizar... Maquillada era una ilusión, pero sin maquillaje era una chica sencilla, común y corriente, y ella lo sabía”.

Amor en conserva

La sensualidad y belleza que poseía Marilyn permitió que, siendo ya una conocida modelo, se le abrieran las puertas de la actuación. En 1946, la productora cinematográfica Twenty Century Fox la contrató como extra para una película. Ese mismo año se casó con el fotógrafo André de Dienes; aunque este matrimonio sería de escasa duración, al parecer el hecho de que Marilyn saliera con otros hombres motivó la ruptura.

Su debut en el cine llegaría en 1947 con un papel en el que debe aparecer entre la multitud. Se trataba de la olvidada película de Frederick Herver Scudda Hoo, protagonizada por June Harver. En un momento del film, Marilyn se separaba del grupo para saludar a la actriz principal. Sin embargo esta escena sería eliminada durante la postproducción, y al respecto, ella diría algunos años después: “Una parte de mi espalda es visible en un plano, pero nadie lo supo aparte de mí y algunos amigos íntimos”.

En la película Ladies of the Chorus, película de Phil Karlson estrenada en 1948, Marilyn encarnaría a una modesta bailarina de strip-tease llamada Peggy Martin y entonaba dos canciones. Con el fin de pulir su actuación, recibe lecciones del director musical Fred Karger, con quien se cree que mantuvo relaciones íntimas.

En mayo de 1949 posó desnuda para el calendario realizado por el fotógrafo Tom Kelley, el cual se convertiría posteriormente en un gran impulso para su consagración. Un año después retornó al cine participando brevemente en Amor en Conserva (un film de la United Artists de propiedad de Charles Chaplin junto a otros reconocidos actores) que tuvo como particularidad el tener entre sus protagonistas al gran Groucho Marx. Aquel film en apariencia intrascendente le abriría las puertas del gran mundo de la pantalla grande.

De La jungla de asfalto a Niágara

En 1950 apareció en la obra maestra de John Huston, La Jungla de Asfalto. En ella, Marilyn encarna el papel de Angela, la falsa sobrina de un gángster mucho mayor que ella, pródiga en ademanes infantiles y provocativos que víctima de su propia ingenuidad terminará por traicionar a su protector. Su destacable participación empezaría a generar expectativas, por lo que ese mismo año consiguió ser parte del reparto de la película Eva al desnudo, del director Joseph Mankiewicz, cinta en la que lograría aun mayor notoriedad.

Sin duda, el público comenzaría a conocer a una mujer que trasmitía una fuerte sensualidad, contrastada al mismo tiempo con una dulce ingenuidad. Marilyn empezaría así el camino a la fama, aunque en un inicio seguiría participando como actriz de reparto, junto a actores de la talla de Mickey Rooney, Claudette Colbert, June Haver, Cary Grant y Ginger Rogers.

Su rostro se haría más conocido tras participar en dos exitosas películas que lograron reunir a las mujeres más despampanantes de la época como Jane Russell, Lauren Bacall y Betty Grable: Los Caballeros las Prefieren Rubias y Cómo Casarse con un Millonario, hecho por el cual lograría inmortalizar sus huellas en el cemento del Paseo de la Fama, a la entrada de Hollywood Boulevard. Sin embargo, fue en la película Niágara, de Henry Hathaway, donde la actriz consiguió inmortalizar su erotismo al máximo, convirtiéndose así en la gran estrella de 1953.

En Niagra encarna a una mujer fatal, ambiciosa e insatisfecha que traiciona al marido fracasado, Marilyn haría su primera aparición protagónica, enfundada en su vestido rojo, bailando lascivamente ante las oleadas de asombro por parte del público masculino se dejaban escuchar en las atestadas salas donde se estrenaba el film. La crítica diría a propósito que en la película se podían observar dos maravillas de la naturaleza: “Las cataratas del Niágara y Marilyn Monroe”.

“Sueños Dorados”

En diciembre de 1953, apareció en la portada del primer número de la que sería la revista más famosa y leída por el género masculino, Playboy, y en la que Marilyn cobraría importancia por ser la primera chica del mes de la revista con la famosa instantánea de ella desnuda sobre fondo rojo, “Sueños dorados”, obra del fotógrafo Tom Kelley, mostrando al mundo entero sus admirables proporciones femeninas.

En 1954 Marilyn se casó con el famoso jugador de béisbol Joe Di Maggio. Esta unión también duró muy poco, algo más de nueve meses, debido a que el deportista inesperadamente resultó ser un hombre en extremo celoso, dominante e incapaz de comprender las crisis constantes que sufría Marilyn.

Di Maggio, odiaba a todo aquel que pudiera acercarse a su amada, dejó incluso de hablarle a su amigo de toda la vida Frank Sinatra, por el sólo hecho de haberse mostrado, según él, excesivamente amable con ella. Con todo, siempre terminaba accediendo a los deseos de Marilyn, como cuando ella le pidió, en gesto muy patriótico que fueran de luna de miel a Tokio, a fin de hacer pasar un buen rato a los cien mil soldados acantonados para combatir en la Guerra de Corea.

La imagen de sensualidad y seguridad que transmitía era totalmente opuesta a su realidad. Su inseguridad y sus repetidas ausencias provocaban más de un dolor de cabeza a los productores y directores, quienes se exasperaban con ella puesto que casi nunca lograba memorizar su libreto. De hecho, durante aquel matrimonio que tan poco duró, ya empezaba a revelar su endeble estado de salud, algo que sería muy repetitivo a lo largo de su vida. Aparte de dos abortos naturales provocados por embarazos ectópicos, tenía la vesícula biliar inflamada, dolores crónicos en el estómago y llegó a ser operada de una colecistectomía, estando con ella Joe Di Maggio durante la intervención; tal vez fuera él, el único entre todos sus amantes quien la amo sinceramente.

Tribulaciones en el plató y en la intimidad

Ese mismo año, a fin de superar los problemas que solía tener con los directores con los que trabajaba, decidió estudiar artes escénicas con Lee Strasberg, famoso director del Actor's Studio, en Nueva York. Al mismo tiempo formó su propia productora, “Marilyn Monroe Productions”, junto al fotógrafo Milton Green. Su nueva empresa produjo “Bus Stop” (1957) y “The Prince and the Show Girl” (1957), esta última protagonizada junto a Sir Lawrence Olivier y que serviría para demostrar sus dotes para la comedia.

A propósito del trabajo que ambos llevarían a cabo en el film, se dice que el gran actor inglés llegaría a concebir verdadera antipatía por Marilyn, debido a sus limitaciones y tardanzas; ella tampoco llegaría a mostrar demasiada simpatía por Sir Lawrence, a quien llamaba “estirado”.

En el rodaje de Con faldas y a lo loco, la actriz estaba obsesionada con el hecho de que Jack Lemmon y Tony Curtis pudieran parecer más jóvenes que ella al estar vestidos de mujer, y continuamente pedía permiso para retocarse el maquillaje. Lloraba en casi todas las escenas, llegaba al estudio sin saberse el guión, y a menudo tenían que pegarle las frases en carteles. Una frase de Curtis brinda una idea acerca de lo difícil que se hacía trabajar con ella: “Besar a Marilyn era como besar a Hitler”, pues debían repetir las secuencias decenas de veces, hasta que Curtis terminaba ronco y agotado.

Los productores no estaban muy contentos con Marilyn, cuya constante indisciplina y poca puntualidad hacían muy difícil trabajar con ella, hasta tal punto que la propia Fox la demandó por incumplimiento de contrato. Nuevamente se enamoró y se casó con el laureado dramaturgo Arthur Miller, quien escribiría posteriormente el guión de la que sería su última película: The Misfits, cinta cuyo más grande mérito fue el convocar a tres grandes mitos del cine: Marilyn Monroe, Montgomery Clift y Clark Gable.

La infidelidad de Marilyn al enamorarse del actor Yves Montand, con quien compartió escenas en la película El multimillonario, hizo que se divorciara de Miller en 1961. Ese mismo año ingresó en la clínica psiquiátrica de Nueva York, por una crisis depresiva. Aparentemente recuperada, empezó la filmación de la película Something's Got to Give, de George Cukor, junto al actor Dean Martin. Sus frecuentes problemas de salud y sus constantes ausencias en la filmación, ocasionaron que la Fox rescindiera su contrato e intentara completar la película con otra actriz, pero ante la oposición de Martin, a la Fox no le quedó más remedio que admitirla nuevamente.

“Happy Birthday, Mr. President”

El año de 1962 se convertiría en un año de muchos acontecimientos que tendrían como protagonista a la propia Marilyn. Meses antes de su muerte, ante 15 mil espectadores reunidos en el Madison Square Garden de Nueva York, cantó al entonces presidente de los Estados Unidos, John F. Kennedy una inolvidable versión del tema “Cumpleaños Feliz” (imposible de igualar hasta hoy) en ocasión del 45 aniversario del mandatario. Aquella noche, a fin de causar un mayor impacto, se le cosió el vestido color piel, con 2 mil 500 cristales, el vestido le ceñía firmemente al cuerpo y Marilyn no llevaba ropa interior debajo.

Naturalmente, el presidente Kennedy quedaría sumamente impresionado y a modo de broma comentó que ahora podría morir feliz, ya que aquella mujer tan deseada no sólo por los norteamericanos, sino por casi todos los hombres del mundo, le había cantado nada menos que “feliz cumpleaños”. Para muchos, el presidente, hombre de mundo, sabía mentir e incluso disimular muy bien, pues era consabido que aquel inimputable estadista tenía una gran adicción por el sexo. Se afirma que para aquellos días Kennedy y “La diosa rubia” ya había tenido más de un encuentro sexual, cuyas consecuencias no tardarían en ser fatales para ella.

Ese mismo año Marilyn fue aclamada como la estrella más popular del mundo, “World’s Most Popular Star”, con la entrega del Globo de Oro, confirmando así su reconocimiento y fama internacional. Pero nada conseguía llenar a aquella joven y exitosa mujer ávida de afecto que, según se llegó a decir, al no lograr consolidar una relación con el presidente Kennedy, inició un amorío con el hermano de aquel, el procurador general Robert Kennedy, amorío efímero como todos sus romances anteriores.

El misterio tras su muerte

Ese mismo año aparecería en la revista “Life” la que sería su última entrevista. En ella reflejaba una supuesta felicidad; nadie llegó a sospechar cuál era su verdadero estado de ánimo. El 5 de agosto fue encontrada sin vida por su criada, tendida sobre su cama y con el teléfono descolgado, como siempre estaba desnuda, y en las sábanas había rastros de su período menstrual, ya que no tenía por costumbre usar toallas higiénicas. Marilyn tenía tan sólo 36 años.

Muchas versiones e hipótesis han surgido tras la muerte de Marilyn Monroe, desde el aparente suicidio por su ruptura con el presidente Kennedy, hasta un posible acto de conspiración de asesinato, puesto que, según se especulaba, “sabía demasiado” sobre secretos que podrían afectar la estabilidad del gobierno ya que tenía demasiados amigos comunistas.

En todo caso, un escándalo sexual que pudiera eventualmente comprometer la estabilidad de la administración Kennedy era algo que debía evitarse a toda costa y el FBI contaba con la presencia de su siniestro mandamás, J. Edgar Hoover, quien tenía experiencia deshaciendo tales entuertos. Lo cierto es que la causa de su muerte hasta ahora no ha podido ser conocida y sigue siendo uno de los grandes misterios en la historia hollywoodense.

No se puede saber qué pasó realmente con Marilyn. Tal vez la frivolidad y el engaño que predominaban en el mundo de Hollywood fueron demasiado para ella, que tanto necesitaba amor. Quizá los supuestos amigos nunca existieron y se vio obligada a enfrentarse a una triste realidad, llena de miedo e inseguridades. Sin embargo, hubo alguien que la supo corresponder, aún después de muerta: el beisbolista Joe Di Maggio, quien le organizó unas fastuosas exequias para despedirla.

Sus celos no terminarían con ella muerta, ya que prohibió —pese a no ser el viudo legalmente— que Sinatra y Dean Martin asistieran al funeral, ya que los culpaba de haber propiciado que ella y Robert Kennedy se conocieran. El desolado Joe Di Maggio decía apenado: “De no haber sido por esos amigotes que la convencieron de haberse quedado en Hollywood, ella aún estaría viva”.

El legado de la Bomba Rubia

Marilyn Monroe fue la personificación del glamour de Hollywood por excelencia, cuyo atractivo conquistó al mundo entero a inicios de los años cincuenta. Su mirada inocente y voluptuosa sensualidad convirtió su imagen en un verdadero ícono mundial del erotismo. Odiada, amada e imitada, el corto camino de su vida estuvo lleno de sufrimiento y dolor. Aunque poseedora de una belleza seductora y un cuerpo perfecto, vivió en un mundo de soledad, buscando desesperadamente el amor. Desde pequeña sufrió las consecuencias de la pobreza, la humillación y la marginación. Sin embargo no había venido al mundo para pasar desapercibida, pues casi sin desearlo se convertiría en la “bomba rubia”, objeto del deseo de millones de hombres en el mundo entero.

A lo largo de su exitosa carrera cinematográfica apareció en más de 30 filmes; su repentina muerte hizo que dejara uno de ellos inconcluso. Cuando falleció, las circunstancias de su muerte dieron pie a numerosas hipótesis. Se ha dicho que no se suicidó, sino que fue asesinada. Lo cierto es que su nombre cobró mayor fuerza desde el día de su muerte y los fotógrafos, la prensa y la industria del cine no harían sino colaborar inmortalizando su figura.

Frente a las cámaras Marilyn era la mujer perfecta que proclamaba su dicha, cada vez que contraía matrimonio o que iniciaba una nueva relación, necesitaba gritárselo a todo el mundo para que ella misma se convenciera de ello, especialmente cuando contrajo matrimonio con individuos famosos y adinerados; como el famoso beisbolista Joe Di Maggio o con el escritor Arthur Miller. Era su modo de cobrarse la revancha con la vida que tanto la había maltratado; finalmente alcanzaba el éxito y la popularidad de tener una familia, sin embargo su existencia estaba signada por la fatalidad.

Detrás de escena estaba llena de traumas, de soledad, se aferraba a amores a los que luego terminaba por ser infiel, lo que motivo sus sucesivos divorcios y que finalmente terminaría por hacerla adicta a drogas como la cocaína. La falta de cariño y atención que sufrió desde niña, la inducían a la búsqueda constante de esa persona que complementara su vida, su mundo. Nunca se fijó en la apariencia de las personas, sus amores más conocidos no tuvieron el perfil del galán simpático protagonista de una película, sino, casi siempre, todo lo contrario. En la actualidad, su espíritu sigue brillando con luz propia y el prestigio internacional que tiene ha hecho de su imagen la de una legendaria diva del mundo de Hollywood.

Anécdotas

En Niebla del alma, interesante película de Roy Baker en 1953, Marilyn realiza un rol que muchos críticos han valorado como el mejor de toda su carrera. En ella se narra la sádica y desquiciada relación entre una cruel niñera y una pequeña niña a la que supuestamente debe cuidar —aunque sea se convierta en una gran limitación para su romance con el protagonista— la actriz dio muestras de una convincente crueldad que, al tiempo que desvelaba sus excelentes dotes dramáticas, tal vez le trajo a la memoria los horrores sufridos durante su propia infancia.

En la película La tentación viene arriba, dirigida por Billy Wilder en 1955, la arrolladora naturaleza erótica de Marilyn se convierte en mito por una de sus más memorables escenas en la cual una accidental ventolera proveniente de un conducto subterráneo desnuda sus hermosas piernas y ella, con pícaro desenfado, intenta cubrirlas ante la mirada divertida del vecino, el actor Tom Ewell. Otra escena que refleja el erotismo de dicho filme es aquella en la que se descubre que la dama refresca su ropa interior en la nevera.

Marilyn fue la gran intérprete de comedias de los años cincuenta: recibía también una ráfaga de sifón en sus redondas posaderas en Me sienta rejuvenecer, cinta de Howard Hawks en 1952; y al año siguiente, esa misma parte de su anatomía quedaría atascada en el ojo de buey de un barco en Los caballeros las prefieren rubias, del mismo director.

Lo único memorable relacionado con su aparición en la gran película de Fritz Lang Clash by Nigh de 1952, al lado de la singular actriz Barbara Stanwyck, fue que la futura gran estrella se mostraba por primera vez vistiendo blue jeans.

Por la misma época en que se le fotografió para la portada de la revista masculina Playboy, Marilyn rodó varias películas totalmente desnuda, aunque estas permanecieron secretas y ocultas durante más de cuarenta años hasta su hallazgo y desentierro en 1990.

Algunas frases célebres

“El sexo forma parte de la naturaleza, y yo me llevo de maravilla con la naturaleza”.

“Los maridos nunca son amantes tan maravillosos, como cuando están traicionando a su mujer”.

“Los mejores amigos de las mujeres son los diamantes”.

“No voy a la playa para ponerme morena, me gusta ser rubia”.

“La carrera se hace en público, el talento en la vida privada”.

“Era consciente de que pertenecía al público, pero no por mi físico o por mi belleza, sino porque nunca antes había pertenecido a nadie”.

“¿No saben que un hombre que es rico es como una chica guapa? No te casarías con una chica solo porque es guapa, pero Dios, ¿acaso eso no ayuda?”

(Como Lorelei Lee en Los hombres las prefieren rubias)

“El éxito hace que mucha gente te odie, me gustaría que no fuese así. Sería maravilloso disfrutar del éxito sin ver envidia en los ojos de los que te rodean”.

“No es cierto que no tuviese nada puesto. Tenía puesta la radio”.

(Declaración sobre su desnudo en la revista Playboy)

Biografía de Dennis Hopper

(1936 – 2010)

“Debería haber muerto unas diez veces. He pensado mucho en eso.

Creo en milagros. Es un absoluto milagro que yo esté todavía en pie”.

Dennis Hopper

La “juventud rebelde” de los años 70 recuerda aún la escena inolvidable en la que aquella pareja de rebeldes cowboys motorizados discurre a través da la carretera, libres de ataduras y convencionalismos dispuestos a todo y a nada con el fondo de aquella canción que marco época “Born to be Wild” (“Nacido para ser salvaje”) tema de la película Easy Rider que consagraría al chico malo de Hollywood, Dennis Hopeer. No obstante sus excesos, Hopper supo resurgir de sus cenizas cual ave fénix, venciendo sus demonios interiores, los cuales lo atormentaron durante muchos años, llevándolo a una etapa autodestructiva y de excesos innombrables que acaso lo llevaron a su fin.

“Rebelde sin causa”

Dennis Hopper fue un mítico actor norteamericano considerado por muchos como uno de los verdaderos enfant terribles de Hollywood. En su temprana juventud fue amigo de otro actor legendario: James Dean, a cuyo lado protagonizaría la célebre película Rebelde sin causa, dirigida por Nicholas Ray, además de Gigante, de George Stevens. La influencia de Dean sobre él sería muy significativa y marcaría para siempre su vida y su propia carrera.

Fue además un artista multifacético, un actor versátil, habiendo destacado en los campos de la fotografía y la dirección cinematográfica (descollando incluso como pintor). Hacia fines de la década del sesenta dirigió y actuó en una película de bajo presupuesto que se ha vuelto representativa y en símbolo de toda una época intensa: Easy Rider, conocida bajo el título de En busca de mi destino en castellano.

El gran actor y director Dennis Hopper, destacado artista plástico también, brilló con luz propia formando parte de una generación de muy talentosos y renombrados actores de Hollywood: Warren Beatty, Jack Nicholson, Natalie Wood, James Dean y Al Pacino, entre otros, pertenecen a esta genial generación. Sin embargo, Hopper siempre supo mantener cierta distancia del imaginario hollywoodense y del mainstream, con el fin de preservar su autonomía y su gran personalidad multifacética que lo erigieron como ícono de la cultura popular de las últimas cuatro décadas.

Un chico Dodge City 

Dennis Lee Hopper nació el 17 de mayo de 1936 en la ciudad de Dodge, en Kansas, Estados Unidos, como hijo de Marjorie Mae (cuyo nombre de soltera fue Davis) y Jay Millard Hopper. Después de la Segunda Guerra Mundial, la familia se trasladó a la ciudad de Kansas, donde el joven Hopper asistió a las clases de arte de los sábados en el Instituto de Arte de dicha ciudad, teniendo como profesor al pintor realista Thomas Hart Benton, autor de célebres murales históricos.

A la edad de 13 años, Hopper y su familia se mudaron a San Diego, donde su madre trabajó de instructora de salvavidas y su padre como director de la oficina postal. Hopper fue educado en la escuela Wooster, Danbury, Connecticut.

Fue en la escuela preparatoria Helix, en La Mesa, California, un suburbio de San Diego, donde desarrolló un interés especial por la actuación. Por esos años estudia becado en el Teatro Old Globe, en San Diego, donde se compenetra con su rol encima del escenario y ahonda en obras de Shakespeare. Después de graduarse de la preparatoria, Hopper se mudó a Los Ángeles, donde empezó a trabajar en el Pasadena Playhouse.

James Dean

En Los Ángeles, el actor hizo su debut actuando de joven epiléptico, en la serie de televisión Médico, en 1955 y si bien este primer papel podría no ser positivo para sus comienzos, adquiere cierta notoriedad y la atención de directores importantes al actuar en el clásico Rebelde sin causa, de 1955, dirigido por Nicholas Ray. La película tuvo en los roles principales a un introvertido y melancólico James Dean y a la actriz de ascendencia rusa Natalie Wood.

Esta película –considerada cultural, histórica o estéticamente significativa nada menos que por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos– cuenta la historia de un adolescente rebelde (Dean), recién llegado a Los Ángeles, donde conocerá a una chica (Wood), desobedecerá a sus padres y terminará desafiando a los caciques de la preparatoria local.

Al conocer a Dean, Hopper no tardó en convertirse en una suerte de mentor para el actor llegado de Dodge City, llegando a tener una gran y significativa influencia en él. Los dos desarrollaron una fuerte relación, como maestro y alumno, respectivamente, de tal modo que no extrañó que luego Dean y Hopper volvieran a actuar juntos en “Gigante”, cinta dirigida por George Stevens, en 1955.

Cuando James Dean muere en un accidente de automóvil, en setiembre de ese mismo año, Hopper queda muy afectado, iniciando o acaso acentuando su adicción por las bebidas alcohólicas y los alucinógenos.

“Desde el infierno…”

Dennis Hopper actuó en la película Desde el infierno a Texas, en 1958, dirigida por Henry Hathaway, con el que tuvo un altercado, ocasionado por la depresión y las adicciones que había adquirido Hopper tras la muerte de su amigo y colega Dean: el veterano director lo hizo repetir nada menos que ochenta tomas de una sola escena en el curso de varias horas, quebrando el espíritu del actor para la improvisación.

Tras este desagradable impase en su ascendente carrera cinematográfica, Hopper se trasladó a Nueva York, donde fue alumno del Actors Studio –una de las más prestigiosas escuelas de actuación en los Estados Unidos– donde estudió con Lee Strasberg durante cinco años.

Posteriormente aparecería en cerca de 140 episodios de variadas series de televisión estadounidenses tales como: Bonanza, The Twilight Zone, El Show de Barbara Stanwyck, Los defensores, Los Investigadores, La leyenda de Jesse James, El gran Valle, El túnel del tiempo, The Rifleman y Combate.

Por esos años, Hopper también se volvió un consumado fotógrafo profesional y un eximio pintor, de modo que hacia 1966 fue designado para diseñar el arte de la cubierta para el álbum de la pareja de músicos Ike y Tina Turner llamado River Deep - Mountain High, el cual, dicho sea de paso, lograría posicionarse en los primeros lugares de los ranking musicales de Norteamérica y el mundo.

Actor vetado

Hopper apareció en Tarzan and Jane Regained… Sort of (Tarzán y Jane recuperados), de 1964, un filme experimental de 16mm, realizado por el polémico artista, cultor del pop art, Andy Warhol. Por esa época, Hopper actuó en algunos filmes convencionales como Los Hijos de Katie Elder, de 1965, y Verdadero Valor, de 1969. En los dos filmes actúa también John Wayne, y en ambos, el personaje de Hopper es asesinado. Sin embargo, recibe críticas favorables después de interpretar al hijo de carácter débil del villano (James Gregory), en el primer filme.

Al respecto, Hopper acreditó a John Wayne como el salvador de su carrera actoral, puesto que Hopper reconoció que debido a su comportamiento insolente, no podría encontrar trabajo en Hollywood durante largo tiempo. Hopper dijo aquello pues era el hijo político de la actriz Margaret Sullavan, amiga de John Wayne, de manera que por influencias de aquella, Wayne contrataría a Hopper para un papel en Los Hijos de Katie Elder, rol que permitió a Hopper empezar a hacer películas nuevamente.

Sobre esta época de su carrera, cabe destacar que luego de su temprano éxito como una joven estrella en el teatro, su carrera cinematográfica quedó amenazada cuando el magnate cinematográfico Louis B. Mayer lo vetó de los ambientes de la Metro Golden Mayer, después de que Hopper le respondió fuertemente cuando el magnate menospreció su deseo de interpretar roles de Shakespeare. No obstante, el espíritu indomable de Hopper se impondría a las vicisitudes y lograría obtener un gran renombre actoral.

Easy Rider

No fue sino hasta que se juntara con Peter Fonda, Terry Southern y Jack Nicholson, al filmar en 1971 Easy Rider (Buscando mi destino), que remeció por completo los cánones fílmicos de Hollywood y cambió la faz del cine norteamericano, marcando el comienzo de una nueva generación de innovadores directores. Dicha película estaba dirigida por el mismo Dennis Hopper, quien también escribió el guión al lado de sus coprotagonistas Fonda y Southern.

En la cinta, Wyatt (Fonda) y Billy (Hopper) son dos jóvenes que se embarcan en un viaje cruzando Estados Unidos con el objetivo de asistir al carnaval Mardi Gras, festividad tradicional y algo indecorosa de Nueva Orleans, para lo cual se compran sendas motocicletas y emprenden un viaje en el que conocen diversas caras de la sociedad estadounidense. En el camino se encuentran a diversos y poco habituales personajes, un ranchero y su familia, un autoestopista hippie y acaban siendo arrestados en un pueblecito por parar sin un permiso, donde conocen a un abogado borracho que los saca de la cárcel y luego decide unirse a ellos.

El filme fue propuesto para el premio Oscar al mejor guión; ocurriendo lo propio con algunas de sus estrellas como Jack Nicholson (nominación al mejor actor de reparto). La película se hizo con un presupuesto de aproximadamente 400 mil dólares, muy bajo para la época, siendo financiada por Peter Fonda, Bob Rafaelson y Bert Schneider.

Como es sabido, el filme se convirtió no sólo en un fenómeno de taquilla, sino también en un himno de la cultura juvenil contestataria de aquellos años. Cabe destacar finalmente que Easy Rider obtuvo beneficios superiores a los 50 millones de dólares, valiéndole a Hopper el premio al Mejor Director Novel del Festival de Cine de Cannes, donde fue sonoramente aclamado por la crítica europea.

Hopper versus Torn

En 1999, años después del sonado éxito de Easy Rider, el actor Rip Torn entabló una demanda legal por difamación contra Hopper, por una historia que éste narró en The Tonight Show, programa de televisión estadounidense conducido por Jay Leno. En aquella entrevista, Hopper sostuvo que en una ocasión Torn lo amenazó con un cuchillo durante la preproducción del filme, mientras que, según la versión de Torn, Hooper fue quien lo había amenazado con el arma blanca. Sea cual fuere la verdad, Torn fue finalmente reemplazado por Jack Nicholson tras el incidente, aunque la corte sentenciaría a Hooper a pagar casi medio millón de dólares en daños punitivos

De acuerdo a la demanda de Torn, fue en realidad Hopper quien lo amenazó con el cuchillo. Un juez falló a favor de Torn y a Hopper se le ordenó pagar 475 mil dólares, por daños. Hopper entonces apeló, pero el juez otra vez sentenció a favor de Torn y Hopper fue obligado a pagar una cantidad similar por daños punitivos.

La última película

Gracias a Easy Rider, Hopper se encontraba en el pináculo de su carrera. De la noche a la mañana, se convirtió en un director renombrado y fue reverenciado por la generación hippie. Sin embargo, sus problemas con las drogas duras y el alcohol lo sumergieron poco a poco en un mundo turbulento y lo encaminaron hacia la autodestrucción, siendo inclusive acusado de corrupción de menores y de alterar el orden público.

Tal vez los primeros signos del desastre llegaron con su matrimonio de ocho días con Michelle Phillips, miembro del grupo de pop The Mamas & the Papas, en 1970. Alegando abuso conyugal y las varias adicciones del actor, ella solicita el divorcio una semana después de la boda.

En 1971, Hopper dirigió su segundo filme, La última película, rodada en Perú, secuela de Easy Rider, en la que su esposa Michelle tendría una breve aparición. Hopper se enclaustró por un año entero en su residencia de Mabel Dodge Luhan en Taos, Nuevo México, la cual había adquirido en 1970. Si bien el filme obtuvo el primer lugar en el Festival de Cine de Venecia, fue rechazada por el público y la crítica durante su primera puesta en escena en la ciudad de Nueva York, terminando como un completo desastre de taquilla.

La situación pecuniaria del actor se complicaría sobremanera pues, por otro lado, su colega y compañero de equipo Peter Fonda también se puso en su contra pues decidió reclamar sus derechos a la mayoría de los beneficios residuales de Easy Rider.

¡Apocalipsis Now!

Hopper fue capaz de sostener su estilo de vida y alguna celebridad al actuar en numerosos filmes de bajo presupuesto, y en películas europeas a lo largo de la década del setenta. Así pues, actúa en 1976 en la cinta Perro loco Morgan, donde solo el título trasluce el característico y arquetípico rol de maníaco atormentado al cual daría vida por aquellos años. Es así como participa en Tracks (Huellas) en 1976 y El amigo americano en 1977, dirigida por el cineasta alemán Wim Wenders.

Empero, hacia fines de los setenta sus recurrentes problemas con las drogas, el alcohol y su conducta errática lo condenaron virtualmente al exilio, pues en esta penosa etapa su consumo de cocaína había alcanzado los tres gramos al día, además de marihuana, Cuba libres y un promedio de 30 latas de cerveza diarias.

Con la aclamada película “Apocalipsis ahora”, de 1979, dirigida por Francis Ford Coppola, Hopper regresa a la fama con la interpretación de un fotógrafo adicto a la marihuana. Según se dice el papel le caería como anillo al dedo, pues este exigía únicamente que balbuceara sus líneas, lo cual hizo a la perfección al punto de no recordar ni siquiera lo poco que tenía que decir.

También recibiría la aclamación por su trabajo de actuación y dirección de Out of the blue en 1980. Con el filme Blue Velvet (Terciopelo azul), de 1986, dirigido por David Lynch, Hopper hizo una interpretación soberbia e inolvidable del obsceno y excéntrico Frank Booth –papel que es considerado su resurrección triunfal en el séptimo arte– y dos años más tarde, Hopper dirigió Colores, un filme sobre las pandillas de Los Ángeles el cual recibiría muy buenos comentarios por parte de la crítica especializada.

Actor, fotógrafo, cocainómano

Dennis Hopper fue nominado para un Globo de Oro y un Oscar por su interpretación de un basquetbolista alcohólico en Hoosiers, filme de 1986 que coprotagonizaría al lado de Gene Hackman. Por aquellos días, el actor tendría el desparpajo de confesar que bebía seis litros de ron y que consumía además quince gramos de cocaína cada dos o tres días. Poco antes de despegar un avión en el que iba a viajar se le dio por caminar sobre el ala del mismo, en vista de lo cual se decidió su internamiento en una clínica para toxicómanos en Century City, en la ciudad de los Ángeles, California.

A lo largo de la década de los 90 y durante los primeros años del siglo XXI, Hopper desarrollaría una versátil y variada carrera en algunas series de televisión, sin por ello apartarse del mundo cinematográfico que lo había encumbrado. Así, fue nominado para un premio Emmy por los films producidos por la HBO de 1991 por las películas Paris Trout y Doublecrossed, siendo esta última donde encarnó un papel basado en la vida de Barry Seal, traficante de drogas e informante de la DEA).

Coprotagonizó la exitosa película blockbuster (de formato televisivo) Speed en 1994, junto con Keanu Reeves y Sandra Bullock, y al año siguiente, Hopper actuó como el codicioso gurú de autoayuda televisivo Dr. Luther Waxling en la cinta Search and Destroy. Ese mismo año de 1995 dio vida a Deacon, el ciclópeo enemigo de Kevin Costner en el filme Waterworld. Más tarde, en el 2003, Hopper estaba en competencia por el liderazgo en el drama de horror indie Firecracker, mas sería expulsado de ella a último momento a favor de Mike Patton. En 2005, Hopper encarnó al personaje Paul Kaufman en la taquillera cinta de George A. Romaro Tierra de Muertos.

Solo en 2007, Dennis Hopper apareció en cinco filmes, incluyendo Sleepwalking (Sonámbulo) con Charlize Theron; Hell Ride de Quentin Tarantino; Elegía, con Penélope Cruz y sir Ben Kingsley; Swing Vote de Kevin Costner, con Kelsey Grammar y Nathan Lane; y The Palermo Shooting, dirigida por Wim Wenders, la cual fue el último largometraje con actores que contaría con su actuacion, puesto que todavía tuvo fuerzas para participar en un proyecto adicional, Alpha y Omega, una película animada sobre animales la cual sería dedicada a su memoria.             

Como ya hemos dicho, además de sobresalir como actor y director, Dennis Hopper ha destacado como fotógrafo y pintor, lo que lo ha llevado a ser conocido internacionalmente, llegando a montar exposiciones retrospectivas en 2001 en el Museo Stedlejik de Amsterdam y en The MAK en Viena. Cabe destacar que Hopper llegó a ser reconocido en su momento como poseedor de una de las colecciones de arte más valiosa de los Estados Unidos.

En 2007 llevó la exposición más importante de su carrera artística al State Hermitage de San Petersburgo, Rusia, a la que siguió una exposición de fotografía en el The Manege de Moscú, Rusia. Asimismo realizó también una extensa retrospectiva de cine y arte con el Cinematheque Francais de Paris, en octubre de 2008.

Amores y adioses

Era imposible que un hombre con tanta vitalidad no tuviera una vida sentimental agitada como lo demuestran sus idilios con algunas de las mujeres más glamorosas de Hollywood: Natalie Wood, Joan Collins y Úrsula Andrews; lo mismo que sus cuatro matrimonios e igual número de divorcios con Brooke Hayward, de quién tendría una hija; con Michelle Phillips, con quien sólo estaría casado siete días; con Daria Halprin, quien le daría otra hija; el enlace con Katherine La Nasa, relación que le supondría el único hijo varón y finalmente con Victoria Duffy.

En el año 2009, el último rebelde de una generación que se había desvanecido lentamente haría un dramático anuncio a sus seguidores: se le había detectado cáncer de próstata, de hecho pidió a sus allegados que no le ocultaran la verdad respecto a su estado de salud, supo entonces que le quedaba muy poco tiempo de vida y no se lo ocultó a nadie. Entonces el gran mundo hollywoodense pareció reconciliarse con él, pues en marzo de 2010 se le concedía el honor de tener su propia estrella en el paseo de la fama.

Dos meses antes, en enero de ese año, Hopper le pidió el divorcio  su quinta esposa, Victoria Duffy. Después de citar su “escandalosa conducta” e indicando que ella era “loca”, “inhumana” y “volátil”, a Hopper se le concedió una orden de restricción contra su cónyuge el 11 de febrero de 2010 por la cual se le prohibió aproximarse a menos de 3 metros de él o contactarlo. No obstante, desde el mes de marzo Duffy se negó a abandonar la residencia de Hopper, a pesar de la orden del tribunal que la conminaba a ello.

Hasta el último momento estaría pendiente de sus proyectos, como aquel que había tenido previsto producir y dirigir: una película de animación sobre el mundo animal, como también su participación actoral al lado de Edward Furlong en una película de acción. Finalmente, en mayo de 2010, el temple de acero del gran Dennis Hopper se rendía ante la penosa enfermedad del cáncer, siendo enterrado en el cementerio Jesús Nazareno, en Ranchos de Taos.

Anécdotas

En su libro Último tren a Memphis, el historiador de la música popular estadounidense Peter Guralnick dice que en 1956, cuando Elvis Presley estaba haciendo su primera película en Hollywood, Hopper era su compañero de habitación junto Nick Adams, otro actor, haciéndose los tres muy buenos amigos y socializando en conjunto a donde fueran.

En 1991, Hopper actuó como el Rey Koopa en Super Mario Bros., un fracaso crítico y comercial emitido en los hogares estadounidenses en 1993, vagamente basado en el videojuego del mismo nombre.

Hooper manifestó su apoyo al candidato a la presidencia de los Estados Unidos Barack Obama en los comicios de 2008. Así, confirmado su aparición en el día de las elecciones ante las cámaras de un programa matutino de la cadena ABC, donde sostuvo que su razón para no votar por los republicanos fue la elección de Sarah Palin como candidata republicana a la vicepresidencia.

Algunas frases célebres

“Como todos los artistas, quiero engañar un poco a la muerte y contribuir con algo para la próxima generación”.

“He sido republicano desde Reagan. Voté por Bush y su padre. No se lo cuento a mucha gente, porque vivo en una ciudad donde alguien que votó por Bush es realmente un paria”.

“El alcohol era horrible. Yo era un alcohólico terrible. Quiero decir, la gente solía preguntar cuántas drogas consumía. Yo decía: ‘Sólo uso drogas para poder beber más’. Usaba la coca porque podía beber más. Quiero decir, no conozco ninguna otra razón. Empezaba a tomar en la mañana. Bebía durante todo el día”.

“Jimmy fue el actor más talentoso y original que jamás vi trabajar. Además era un artista de guerrilla que atacaba todas las restricciones a su sensibilidad. Una vez cogió una navaja automática y amenazó con matar a su director. Imité su estilo en al arte y en la vida. Esto me ocasionó un montón de problemas”.

(Palabras sobre James Dean)

“Hay momentos en los cuales he tenido algo de genio auténtico, ustedes saben. Pero creo que son momentos. Y a veces, en una carrera, los momentos son suficiente. Nunca sentí que interpretaba el gran papel. Nunca sentí que dirigía la gran película. Y no puedo decir que sea la culpa de alguien, salvo la mía”.

“Sólo soy un muchacho campesino de clase media, de Dodge City, y mis abuelos eran granjeros que sembraban trigo. Creí que pintar, actuar, dirigir y fotografiar formaba todo parte de ser un artista. De esa forma he ganado mi dinero. Y he tenido algo de diversión. No ha sido una mala vida”.

“Voté por Bush, padre e hijo, pero esta vez votaré por Obama. Fui la primera persona en mi familia en haber sido republicano. Durante la mayor parte de mi vida, no estuve con la izquierda. Le ruego a Dios que Barack Obama sea elegido”.

“Los primeros siete fueron bastante buenos”.

(Sobre su matrimonio de ocho días con Michelle Phillips)

Biografía de Elizabeth Taylor

Febrero 1932 -  marzo 2011)

“Las ideas mueven el mundo solo si antes se han transformado en sentimientos”.

Elizabeth Taylor

Fuerza, belleza y sensibilidad son tres adjetivos que se nos vienen a la mente al hablar de Elizabeth Taylor. Esta reconocida actriz, toda una leyenda en la industria cinematográfica, ha quedado inmortalizada en la memoria de miles de personas que han disfrutado de su talento y desenvoltura en los escenarios. Elizabeth destacó desde muy pequeña, pues a los 9 años hizo su debut cinematográfico. Su encanto y belleza le proporcionaría gran fama ya a esa corta edad y continuaría en los años siguientes, pues llegaría a la mayoría de edad convertida en una hermosa mujer. Parte de este encanto se debe a su fuerte personalidad, sus buenos sentimientos para con los suyos y, cómo olvidarlo, sus hermosos e inconfundibles ojos color violeta. Sin embargo, su gloria se vería entristecida por numerosos fracasos amorosos y su adicción al alcohol, lo cual ha opacado en algunos momentos su trayectoria mas no su fama ni el cariño de millones de personas en el mundo.

La princesa de los ojos violeta

Elizabeth Rosemond Taylor nació el 27 de febrero de 1932 en Londres. Sus padres eran emigrantes estadounidenses de clase media alta; su padre era comerciante de arte y su madre, una actriz retirada. Ambos trabajaban en un negocio dedicado al comercio de obras de arte. Sin embargo, tras estallar la Segunda Guerra Mundial, decidieron regresar a los Estados Unidos, y se establecieron en la ciudad de Los Ángeles.

Su madre siempre quiso que “Liz” –como la llamarían cariñosamente– fuera una estrella, así que desde muy pequeña la llevaba a cuantos anuncios publicitarios y cameos en películas hubiese. De ahí que Taylor siempre haya dicho que ella no quiso realizar una carrera como actriz, sino que ésta le fue impuesta.

Pese a los deseos de su madre, desde niña Elizabeth ya asombraba por su gran belleza, y ésa es la razón por la que, a la edad de 9 años, sus padres la llevan a una audición de cine y es contratada por Universal Studios para la película There's one born every minute, una comedia dirigida por Harold Young. Después de este filme, el estudio decide no renovarle el contrato, pues el jefe de producción del estudio, Edward Mulh, consideró que Taylor no tenía talento para cantar, bailar ni actuar. No obstante, antes de dejar Universal, fue convocada para interpretar a la hija de Reth y Scarlett en el éxito mundial Lo que el viento se llevó. Poco tiempo después, la Metro-Goldwyn-Mayer decidió contratarla.

En 1943, participa en La cadena invisible, película protagonizada por la perrita más famosa de la historia del cine, Lassie. Intervino en Alma rebelde y Las rocas blancas de Dover en 1944, cuando tenía apenas doce años, conseguiría saltar a la fama protagonizando National Velvet. Esta película, en la que actúa al lado de su amigo de infancia Mickey Rooney, narraba la historia de un caballo de carreras, durante el rodaje de este film tuvo una caída y pese a las recomendaciones medicas siguió adelante con la filmación, algunos dice que el golpe sufrido tan pequeña y habiendo seguido con el rodaje cuando el reposo era lo indicado, fue una de las causas para que Elizabeth tuviera lesiones de columna a lo largo de toda su vida.

Ya convertida en una estrella adolescente, a los catorce años filmó El coraje de Lassie y la famosa versión de Mujercitas. Asimismo, debutó en el género musical con Cynthia (1947), pese a que doblaron su voz en la mayoría de los números cantados. Su siguiente gran éxito sería El padre de la novia (1950), al lado de Spencer Tracy, y dirigida por Vicente Minelli.

A los 18 años, filmó su primera película de prestigio, Un lugar en el Sol, que recién se estrenaría en 1951. En este filme también participaría Montgomery Clift, quien se volvería gran amigo de ella. En 1956, participaría en un gran éxito monumental llamado Gigante, al lado de los no menos famosos Rock Hudson y James Dean. Un año después rodaría El árbol de la vida, cinta que le valió su primera nominación a los premios Oscar por su interpretación del personaje de Susana Drake.

En 1958, participó en el clásico de Tennessee Williams, La gata sobre el tejado de zinc caliente, al lado de Paul Newman. Esta película recibiría seis nominaciones de la Academia, entre ellos el de mejor actriz para Elizabeth. Luego, vuelve a interpretar un rol al lado de su fiel amigo Montgomery Clift y de Katherine Hepburn en el filme De repente el último verano. En 1960, después de varias nominaciones, lograría su primer Oscar tras su trabajo en la película Una mujer marcada.

Cleopatra y cintas posteriores

En 1963, participó en una de las películas más caras de la historia del cine de su época, Cleopatra, una nueva adaptación de la vida de la famosa y seductora reina egipcia. Por esta película, Taylor cobró inicialmente la suma de un millón de dólares, cifra record para su época, convirtiéndose en la primera persona en cobrar un millón de dólares por un rol protagónico; sin embargo, las dificultades y retrasos que se dieron en la filmación hicieron que al final de la grabación la actriz multiplicara su sueldo siete veces más. Cobro finalmente por Cleopatra 7 millones de dólares.

El rodaje fue extenuante y duró una eternidad, si a esto se le agrega el retraso de la actriz tras una operación resultante de una neumonía muy grave, los cambios de vestuario, los cambios de lugar de rodaje, los cambios de director y la demora en la búsqueda de los actores que iban a interpretar a Julio César y Marco Antonio, todo hacía indicar que cleopatra jamás llegaría a la sala de exhibición. Fue durante este rodaje que Elizabeth se enamoraría de Richard Burton, con quien viviría uno de los romances más sonados de toda la historia del cine, al iniciar su relación ambos estaban casados con otras personas lo cual desato una catarata de artículos en la prensa especializada y un inusitado seguimiento por parte del público de los pormenores rodados de la famosa película. El film costó U$S 44 millones de 1963 y recaudó inicialmente $ 26 millones, ocasionando una pérdida. Sin embargo, con los años la recaudación total llegó a sumar U$S 57.7 millones totales.

En la década del sesenta su participación en el cine no fue tan provechosa como en la década anterior; sin embargo, cosechó éxitos en Reflejos de un ojo dorado (1960) y ¿Quién teme a Virginia Wolf? (1969), considerada esta última como una de sus mejores interpretaciones y por la cual recibió su segundo Oscar de la Academia. Posteriormente, le seguirían producciones como Castillo en la arena (1965), Indomable (1967), La mujer maldita (1968), entre otros.

De igual forma, siguió participando en superproducciones que al final serían fracasos comerciales como El pájaro Azul (1976) y El espejo roto (1980).

La voz de Taylor en la lucha contra el sida

En los años 80 se dedicaría más a la televisión. Participó en Norte y Sur (1986), donde se afirma que cobró alrededor de 60 millones de dólares por una aparición de unos minutos. En 1994, retornó al cine en un cameo de la película Los picapiedras, basada en la serie homónima de dibujos animados.

Elizabeth Taylor fue siempre una ferviente luchadora de las labores humanitarias, entre las cuales destacó su apoyo a los enfermos de sida, actitud que surgió en ella a raíz de la muerte del actor y gran amigo suyo Rock Hudson, debido a sus importantes colaboraciones con las sociedades dedicadas a la lucha contra este terrible mal, Elizabeth ha sido reconocida y galardonada con el premio Príncipe de Asturias de la Concordia en 1992, año en el cual también participar en el concierto en tributo a Freddie Mercury, el emblemático vocalista de la banda de rock Queen, donde habló acerca de la prevención de esta terrible enfermedad. Además, fue galardonada con el Premio Humanitario Jean Herscholt Academia en 1992 por su trabajo en la lucha contra el SIDA.

Taylor, que en sus últimos años tuvo que usar una silla de ruedas, tuvo durante su vida una salud frágil. En octubre de 2009 fue operada con éxito de un problema en una válvula cardíaca y en los dos últimos años había ingresado varias veces en centros médicos de Los Ángeles, su lugar de residencia habitual, para someterse a revisiones.

Además de sufrir de diversas neumonías, Taylor padeció serios problemas de espalda, y tuvo que ser sometida a diversas operaciones de cadera e, incluso, tuvo un tumor benigno en el cerebro que le fue extirpado en 1997.

Una vida cargada de romances

Esta famosa actriz no solo es célebre por su talento sino también por su vida personal, a lo largo de su vida tuvo múltiples parejas. Su primer matrimonio fue a los 18 años, con el millonario Nicky Hilton Jr. Esta unión  duraría apenas un año. Tras divorciarse, en 1951, la actriz se casaría con el actor británico Michael Wilding, con el cual convivió cerca de cinco años y tuvo dos hijos.

A los 25 años, con 2 divorcios, vuelve a contraer matrimonio con el productor de cine Mike Todd, quien, un año después, moriría en un accidente aéreo. Con él tuvo a su tercera hija. Sin embargo, después de seis meses de guardar su papel de viuda, protagonizaría un escándalo mundial al enamorarse del actor Eddie Fisher, quien estaba aún casado con su mejor amiga, la actriz Debbie Reynolds. Ellos, en medio de la controversia, contrajeron nupcias. La prensa de espectáculos la llegó a llamarla “la robamaridos más famosa de la época”. A pesar de eso, Elizabeth le sería infiel a Eddie con Max Lerner, un columnista político y profesor.

Aun casada con Eddie Fisher, la voluble Elizabeth encontraría el amor de su vida, en el set de grabación de Cleopatra. Richard Burton, pues esta relación sería famosa no solo por sus constantes peleas y escándalos, sino también por la gran pasión que había entre ambos, pese a que no tuvieron un hijo en común decidieron adoptar a una niña. Empero, debido al fuerte carácter de ambos, se casaron y divorciaron en dos oportunidades. Durante su matrimonio, Richard solía regalarle diversas joyas, como la perla de La Peregrina, que perteneció a Felipe II y que fue reproducida por Velásquez. Cuando esta pieza salió a la venta, el actor trató de no seguir con la negociación.

Elizabeth y Burton marcaron historia en el cine siendo una de las parejas más sobresalientes y perseguidas por la prensa. Además, los dos estaban presos en mundo lleno de alcohol y drogas. Aunque prosiguieron su vida en direcciones distintas, no hay duda que siempre estarían conectados uno al otro, pues, cuando murió Burton, había expresado en vida su deseo de ser enterrado en el mismo lugar donde su matrimonio se disolvió, y de igual forma la actriz ha declarado que desea descansar al lado del hombre que más había amado en su vida.

A este conocido romance le seguiría el que mantuvo con el senador John W. Warner, con quien tuvo un matrimonio infeliz que la llevó a refugiarse en el alcohol. Tiempo después estuvo a punto de volver a casarse con el abogado mexicano Víctor Luna, de quien se dice que desapareció días antes de asistir al registro civil. Finalmente, se casó con Larry Fortensky, un obrero de la construcción, de quien se divorció en 1996.

Un nuevo amor en su vida

En abril de 2010, la actriz británica Elizabeth Taylor, de 78 años, anunció que volvería a pasar por el altar para contraer matrimonio con Jason Winters, representante de Janet Jackson (hermana del “Rey del Pop”, y amigo personal de Elizabeth Michael Jackson) esta sería su novena boda.

En declaraciones a Liz Smith, conocida periodista estadounidense de la prensa “rosa”, Taylor describió a Winters como “uno de los hombres más maravillosos” que había conocido y confirmó su amor por el agente del espectáculo, quien habría comprado una casa para que los dos vivieran juntos.

La gran amiga detrás de la gran actriz

A  lo largo de los años, ha sabido mantener amistades con personajes famosos del mundo del espectáculo, entre que los destacan los actores Rock Hudson y Montgomery Clift, además del “Rey del pop”, Michael Jackson. Justamente fue ella quien le puso dicho título tras una entrega de premios. El cantante le dedico una canción exclusiva para sus cumpleaños, llamada Elizabeth I Love you, y le dedicó el video del tema Liberian girl.

La amistad entre Elizabeth Taylor y el astro del pop es también muy conocida, a pesar de la notoria diferencia de edad. Ella siempre lo visitaba en su rancho de Neverland y sería un gran apoyo en los momentos difíciles, como cuando defendió públicamente a su amigo ante las acusaciones de abuso infantil y las severas críticas a su rol como padre.

Honores para una gran dama

Taylor ganó dos veces el premios de la Academia de Holywood a la mejor actriz (por su actuación en Butterfield 8 en 1960, y por ¿Quién teme a Virginia Woolf? Que protagonizo junto a Richard Burton en 1966). Así se unió a una selecta lista de doble galardonados de la Academia que incluye a Luise Rainer, Bette Davis, Olivia de Havilland, Vivien Leigh, Ingrid Bergman, Glenda Jackson, Jane Fonda, Sally Field, Jodie Foster y Hillary Swank. El 16 de mayo de 2000, en una ceremonia celebrada en el Palacio de Buckingham, Taylor fue nombrada Dame Commander of the Order of the British Empire ,  Dama Comandante de la  Orden del Imperio Británico por la reina Isabel II El 5 de diciembre de 2007, el gobernador de California Arnold Schwarzenegger y primera dama de California María Shriver Taylor  la invistieron en el Salón de la Fama de California, que se encuentra en el Museo de California para la Historia, la Mujer y las Artes.

Marzo de 2011

Dame Elizabeth Taylor, falleció el miércoles 23 de marzo de 2011 a los 79 años debido a una insuficiencia cardíaca en el hospital Cedars-Sinai de Beverly Hills. Ella había señalado recientemente su deseo de que sus restos estuvieran junto al amor de su vida, el actor Richard Burton, que fue enterrado en su tierra natal Gales.

Finalmente la actriz Elizabeth Taylor descansará en el cementerio Forest Lawn de Glendale, Los Angeles, el mismo lugar donde yacen los restos de su amigo el legendario cantante Michael Jackson.

Sin embargo, como Elizabeth se había convertido al judaísmo en la década de 1950y la tradición de esta religión señala que sus muertos deben enterrarse antes de 24 horas de fallecidos, la artista fue sepultada la tarde del 24 de marzo en una ceremonia fúnebre, reservada sólo para los familiares y amigos más cercanos de la última gran estrella del Hollywood clásico.

Mientras tanto, otro de los grandes amigos de Liz Taylor, Elton John, rindió su tributo al dedicarle la noche de su partida la canción "Don't Let The Sun Go Down On Me" durante un concierto en Pittsburgh (EE. UU.). "Liz dio un paso al frente cuando nadie estaba dispuesto a hacerlo y marcar una diferencia en la lucha contra el sida", señaló.

El dolor de John fue compartido por muchas otras celebridades, cuyas expresiones de dolor quedaron puestas de manifiesto en la enorme repercusión de primera plana que la muerte de Taylor tuvo en los principales diarios del mundo.

Del otro lado del Atlántico Pedro Almodóvar escribió para el diario “El País”, de España, una columna sobre Elizabeth Taylor. El realizador manchego, en una columna emocionada, casi una declaración de amor a la protagonista de Ambiciones que matan y Cleopatra, escribió que “la mujer que interpretó como nadie la vulgaridad hortera fue también ícono de moda, modelo de mujer independiente que no escondía sus pasiones, ingeniosa, vital, inconformista. Una mujer a la que su propia importancia no le impedía poseer algo que pocas actrices guapas poseen: sentido del humor. Ha muerto una de las actrices más hermosas de la historia del cine. El milagro de los ojos violeta. Mejor dicho, no ha muerto. El cine es eterno. Las películas nos sobrevivirán. Maggie es eterna.”

Anécdotas

Tiempo después de recibir su segundo Oscar por la propia Taylor declararía que los de la Academia le concedieron este premio porque meses antes estuvo a punto de morir de neumonía, además de que su interpretación era inferior al de sus otros trabajos.

A mediados de la década de los sesenta, el Vaticano la acuso de “vagancia erótica”, frase que inundó los titulares de todo el mundo. Era la época de Cleopatra, y Elizabeth vivía el gran romance con Richard Brooks era la época en la que estaban justamente Cleopatra, Elizabeth estaba casada vivía su gran romance con Richard Brooks               quien también estaba casado con otra persona era la estrella más popular y polémica de Hollywood por sus escándalos amorosos.

Richard Brooks, quien dirigió a la actriz en dos ocasiones, afirmó que nunca llegaba tarde a las grabaciones, y su compañera Madeleine Sherwood (con la que trabajó en La gata sobre el tejado de zinc) diría a su vez que era una grandísima profesional y que nunca los dejó plantados.

Otro director de cine, Joseph L. Mankiewicz, también sentía enorme admiración por la actriz, de quien dice que “estaba atenta a las mínimas indicaciones e interpretaba siguiendo al milímetro los deseos del director sin perder la esencia del personaje”. “Te enamoraba y emocionaba con su interpretación”, dijo en una ocasión, comentario al que añadió más tarde: “Nunca se hizo justicia a su gran talento”.

Elizabeth siempre hizo pública su afición a las joyas, escribió incluso un libro intitulado My Love affair with jewelry (2002) (mi romance con la joyería), donde cuenta anécdotas sobre su colección. Por ejemplo, menciona que Richard Burton le regaló en 1972 un diamante de 69,42 quilates, mismo que sería puesto en venta por la actriz con el fin de construir un hospital en Botsuana.

Hay muñecas Barbie con el nombre “Elizabeth Taylor”, las cuales son una semblanza inspirada en los personajes de famosos filmes suyos, como Cleopatra.

Con respecto a este film Elizabeth Taylor fue coaccionada por 20th Century FOX para que asistiera al estreno londinense de Cleopatra. Enfureció al estudio al declarar a la prensa que tener que ver el film fue un castigo y la prensa amarillista del momento dijo que al finalizar el film tuvo que ir al baño por que se había descompuesto. En la actualidad hay un intento de devolverle al film “Cleopatra” su diseño original de seis horas de duración y archivistas buscan los rollos faltantes para restaurar la cinta y poder finalmente exhibirla como había sido originalmente diseñada por su director y guionista Joseph L. Mankiewicz.

Algunas de sus frases célebres

“Para adelgazar no hay nada como comer caviar sin pan y beber champán sin burbujas”.

“Vivir con alguien que tu amas puede ser más solitario que vivir solo, especialmente cuando tu pareja no te ama”.

“Adoré a Marilyn siempre, pero creo que en cine no me llegaba ni a la suela de los zapatos”.

“No importa que esté en silla de ruedas, ni que esté más cerca de los 80 años que de los 20, pero, si me ofrecieran a mí volver a interpretar a las mujeres que di vida en el cine, no lo dudaría ni un segundo! ¡Me levantaría! ¡Cumpliría 27 años otra vez! Y con la cabeza bien alta, caminando hacia la cámara, diría robando la misma frase que Gloria Swanson dice en Sunset boulevard: ¡Sr. De Mille, estoy preparada para mi primer plano!”

Biografía de Malcolm Mcdowell

Nadie que haya visto su actuación en “La naranja mecánica”, puede dejar de asegurar que la película hoy es un clásico y un film de culto, gracias al actor principal, Alex, el líder amoral de una pandilla de jóvenes desadaptados. Sin embargo, antes del controversial film de Kubrick, el actor de dicho personaje había trabajado con Lindsay Anderson, uno de los principales representantes del Free-Cinema en otra película que hoy por hoy también es un clásico: If (Si). Luego, a fines de la década del setenta, vino otra película que también suscitó la controversia, por sus fuertes escenas casi pornográficas: Calígula. Él interpretó al amoral emperador romano famoso por nombrar cónsul a su caballo. Nos referimos al gran actor inglés Malcolm McDowell, quien ha actuado en innumerables películas, destacando en el rol de villanos y haciendo gala de una gran versatilidad para el cine y la televisión.

Orígenes, educación e influencias recibidas 

Malcolm John Taylor nació en Leeds, en el norte de Inglaterra, el 13 de junio de 1943. Proveniente de un hogar de clase trabajadora, conformado por Charles y Edna Taylor. Su padre era dueño de un pub, donde Malcolm trabajó sirviendo tragos.

Su padre estuvo dispuesto a mandar a su hijo a una escuela privada, para darle un buen comienzo en la vida. Fue así como Malcolm a los 11 años fue enviado al Internado Tunbridge y a la Cannock House School en Eltham, Kent.

En la escuela, el joven Malcolm se dio cuenta de que deseaba ser actor, y fue también por estos años que empezó su pasión por los autos de carrera. Asistió a la Academia de Música y Arte de Londres, para estudiar actuación. Mientras tanto, él trabajaba en el negocio de sus padres hasta que éste quebró, debido al apego por la bebida. Luego, Malcolm consiguió trabajo de vendedor de café (empleo que le sirvió de inspiración para la película O Lucky Man!) y también trabajo de mensajero. Tiempo después, consiguió trabajo de extra en la Compañía Real Shakespeare.

Primeras películas

Su primer rol en la pantalla grande fue en Pobre vaca, de 1967, aunque su escena de dos minutos fue eliminada a última hora de la película. Poco después, Malcolm llamó la atención del director inglés Lindsay Anderson, destacado exponente del Free Cinema (cine libre). Anderson le otorgó el papel de un estudiante rebelde en el film If, el año 1968. La película catapultó a McDowell al estrellato en Inglaterra, pero fue tomada con indiferencia en otros países tal vez por su temática extremadamente británica. Jan Harlan, productor de Kubrick, ha contado recientemente, a fines del 2009, que éste vio la interpretación de Malcolm McDowell en If y se quedó maravillado, y se decidió definitivamente por el actor inglés para darle el papel de Alex, en la película “La naranja mecánica”, de 1971.

Para  McDowell vendrían otros Films Figuras en un paisaje, de 1970, y La luna furiosa, de 1971. Ésta última película fue dirigida por Bryan Forbes. McDowell ha referido últimamente que justamente él estaba trabajando en este último film, en un estudio cercano a la casa de Kubrick –en la zona rural de Hertfordshide, Inglaterra- cuando fue llamado por el director norteamericano para una entrevista. Al final de la entrevista, Kubrick le regaló a McDowell el libro de Anthony Burgess, La naranja mecánica. El actor leyó el libro tres veces y se dio cuenta de que el papel de Alex estaba hecho para él, y que Kubrick también así lo creía. “La primera vez no me enteré de nada, la segunda vez que lo leí me pareció extraordinario, al acabar la tercera le llamé y le pregunté [a Kubrick]: ‘¿Me estás ofreciendo a Alex?’”, cuenta McDowell.

La consagración en La naranja mecánica

Kubrick hizo una adaptación intensa de la novela de Anthony Burgess, La naranja mecánica. La tesis del film es que la libertad individual se puede ver conculcada por un poder dominante y represivo –el poder del Estado-, el cual no duda en valerse de medios sofisticados y tecnología moderna cuando se trata de proteger al cuerpo social. Sin embargo, al final, el individuo –aparentemente reformado y neutralizado según los canones establecidos por la sociedad - puede reafirmar su libertad individual frente al Estado, aunque tal libertad sea el libertinaje. 

Malcolm McDowell hizo el papel principal de Alex, el líder amoral y violento de una pandilla de jóvenes desadaptados. Su interpretación fue magnífica y ha quedado en el recuerdo como una de las mejores actuaciones en la historia del sétimo arte. McDowell ganó una gran aclamación y el aplauso incluso de la crítica (ya que fue nominado a un Globo de Oro y un premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, en la categoría Mejor actor).

Críticas y repercusiones de La naranja mecánica

La película fue rodeada por la controversia después de su estreno, en 1971. Un sector de la opinión pública la consideró en extremo violenta, y que hacía una deliberada apología a la violencia. El prestigioso diario norteamericano The New York Times publicó una editorial atacando a Kubrick y criticando la película.

Estrenada en Estados Unidos 1971 y en Inglaterra en 1972, La naranja mecánica despertó una controversia nunca antes vista en el Reino Unido por un film, en torno al contenido de la misma y sus repercusiones en los espectadores, dividiendo a los críticos, generando debates públicos en la prensa escrita, la televisión y la radio. La mayoría de los críticos expresaron cómo se sintieron profundamente perturbados por el film y que definitivamente el gran publico no estaba listo para una película de este tenor.

La película sin embargo fue muy popular en Europa, especialmente en Inglaterra. Esta popularidad desencadenó una serie de actos de violencia en Inglaterra tan repudiables que el film fue prohibido por 20 años (hubo criminales que se vistieron como los personajes de la película). Fue así como se creo una sala en París que se dedicaba exclusivamente a proyectar La naranja mecánica y se organizaban tours desde Londres para ir a París tan solo para presenciar el film.   La película aborda descaradamente la violencia  y la influencia de las instituciones  tutelares y de control. El estado y la ley por antonomasia en la libertad del individuo. 

Pese a todo el revuelo de años anteriores, hoy en día la película es un clásico y un referente imprescindible del cine de Stanley Kubrick. De alguna manera, el film se adelantó a su tiempo y predijo lo que actualmente está pasando en las sociedades modernas: exacerbación de la violencia, uso indiscriminado de drogas, libertinaje sexual, amenaza de la libertad individual por el gobierno, etc. El papel de Alex creó una caracterización tan inolvidable que el público tardó un largo tiempo en desligar al actor del personaje.

La controversia sobre el capítulo final de La naranja mecánica

El libro tiene tres partes de siete capítulos cada uno, Burgess a declarado que el total de 21 capítulos fue un guiño intencionado a la edad de 21 años es reconocido con hito en la maduración humana. Este capítulo el 21 fue omitido en las publicaciones en los Estados Unidos antes de 1986, y fue en ediciones más recientes donde se incluiría dicho capítulo faltante, Burgess explica que la primera vez que le presentó el libro a una editor norteamericano, se le dijo que las audiencias de Estados Unidos nunca aceptarían el ultimo capítulo, en el que Alex ve cuan equivocado estuvo su proceder, decide que ha perdido toda la energía y la emoción provocadas por la violencia y decide cambiar su vida, un proceso lento de maduración pero un momento clásico de la metanoia: el momento en el que el protagonista se da cuenta que todo aquello que creía saber en realidad estaba equivocado.

Ante la insistencia de la editorial estadounidense, Burgess había permitido que sus editores eliminasen el último capítulo redentor en la versión estadounidense, por lo que la historia terminaría con una nota de desesperación sombría, con el joven Alex sucumbiendo a su naturaleza más oscura. Un final que el editor norteamericano insistió sería mucho mas realista y con mayor llegada a los lectores de aquel país.

En Inglaterra y en Australia los libros siguieron al film luego de su aparición. El capítulo 21 desaparece de las versiones impresas de ambas ediciones y no volverían a ser parte de las mismas hasta el año 1994 luego de la muerte de Burgess. Así fue como desde el año 1963 hasta que se cumplieron los 25 años de la novela en 1987 el famoso capítulo de la novela originalmente publicada en Gran Bretaña en 1962 no vio la luz en América, hasta que, finalmente, la revista The Rolling Stonte lo incluyó en su edición 496 en marzo de dicho año, junto a una opinión del mismo autor acerca de esta significativa omisión y la repercusión de ella en la tesis de la obra.

La adaptación cinematográfica dirigida por Stanley Kubrick se basa en esta muy defectuosa edición norteamericana del libro. Kubrick ha llamado al capítulo 21 “un capítulo adicional”, afirmó que no había leído la versión final hasta que prácticamente había terminado el guión y que no le había gustado ese final redentorio. Cuando Kubrick le presenta el film a Burgess le miente diciéndole que no sabía de la existencia del capítulo 21 aduciendo que se había basado en la versión norteamericana. No obstante, Burgess acabó por descubrir la verdad y quedó muy resentido con el cineasta por ello, ya que –en sus propias palabras el capítulo 21 es el final perfecto de la historia: “Todos debemos crecer algún día”

Calígula y otras cintas

McDowell trabajó de nuevo con Anderson en O Lucky man!, de 1973, película semiautobiográfica que estuvo basada en su propia idea.

A comienzos de 1976, McDowell pasó cerca de un año en lo que sería más tarde una de las películas más escandalosas y escabrosas de todos los tiempos, Calígula. La película fue dirigida por Tinto Brass y financiada por Bob Guccione, el fundador de la revista erótica Penthouse. McDowell hizo el papel del cruel y amoral emperador romano en un film en el cual se muestran escenas abiertamente sexuales. Su caracterización de Calígula ha quedado también en el imaginario del público, quien siempre ha asociado a McDowell con sus dos papeles más emblemáticos (Alex y Calígula). MacDowell se ha referido últimamente sobre estos dos personajes inolvidables: “Calígula es un histérico; Alex, no. Cuando me documenté sobre el personaje histórico no entendí cómo era así que me limité a hacer lo que decía el guión. Tinto Brass y yo intentamos convertirlo en algo distinto a un simple loco, en un anarquista que quería destruir Roma desde sus cimientos”.

Asimismo, en la década de 1970, McDowell apareció regularmente en producciones televisivas inglesas, en adaptaciones de clásicos del teatro. Un ejemplo lo constituye La colección, de 1976, con Laurence Olivier, como parte de la serie Laurence Olivier presenta.

Los films en Estados Unidos

Hacia fines de la década del setenta, la industria cinematográfica británica colapsó, lo cual forzó al actor a trasladarse a los Estados Unidos para seguir trabajando. La primera película de Hollywood en la que actuó fue Time after time (Una vez tras otra), de 1979.

En este popular film –donde interpretó al escritor H. G. Wells– conoció a Mary Steenburgen, quien sería luego su segunda esposa.

Luego, actúa en Britannia Hospital, de 1982, bajo la dirección de su amigo Lindsay Anderson. Esta cinta es la última parte de la trilogía sobre la clase trabajadora de Anderson, iniciada en 1968 con If y continuada con O Lucky Man!

Matrimonios

McDowell estuvo casado con la actriz Margot Bennett de 1975 a 1980. Luego, se casó con la actriz Mary Steenburgen, a quien conoció mientras filmaba Time After Time con la cual tubo dos hijos: Lily Amanda (nacida el 21 de enero de 1981), y Charles Malcolm (nacido el 10 de julio de 1983). De Mary Steenburgen, se divorció en 1990. Actualmente el actor está casado con Kelley Kuhr.

Años recientes

McDowell también es conocido en el mundo de Star Trek como "el hombre que mató al Capitán James T. Kirk" en la película Viaje a las estrellas VII: La próxima generación, en la que hizo el papel del científico loco Dr. Tolian Soran.

En 1992, McDowell trabajó con Robert Altman en el film El jugador, en el cual se interpreta a sí mismo. En el año 2003, McDowell vuelve a trabajar con Altman en el film La compañía.

En 2006 fue un invitado especial en la serie Law & Order: Criminal Intent como el magnate de radio Jonas Slaughter, que admite haber matado a uno de sus hijos y manipula al otro para confesar mientras muere, y así salvar su vida. También apareció en la popular serie Monk como un diseñador de moda arrogante que asesinó a sangre fría. En 2007 interpreta al mafioso y filántropo Linderman en la serie de televisión Héroes.

Importancia y significancia histórica

McDowell surgió en el mundo del cine en una época crucial, de innovaciones y audaces propuestas artísticas. Se había posicionado el llamado cine de autor, y habían aparecido movimientos audaces y muy creativos (aparte de críticos) como la Nueva Ola francesa (con Truffaut, Godard, Chabrol, entre otros) y el Free-Cinema británico, el cine libre ingles con directores significativos como Lindsay Anderson, precisamente.

“Han surgido así, especialmente después de la II guerra mundial, tentativas individuales o colectivas de estudiar el medio social en que los autores viven y que verdaderamente conocen. Una vertiente del neorrealismo italiano, encabezado por Rossellini, utilizó el cine como un medio para conocer la situación de la burguesía europea en los años de la posguerra y la reconstrucción (…) Asimismo, a finales de los años cincuenta, el free-cinema británico y las nuevas olas prolongaron dicha exploración y modificaron su perspectiva…”

Después de las producciones fílmicas de los cineastas de la Nueva Ola y el Free Cinema, entre otros, mucha gente va al cine expresamente para ver un film como Los cuatrocientos golpes (de Truffaut) o Pierrot el Loco (de Godard). Hay un sector claramente definido del público –conformado principalmente por intelectuales, estudiantes y jóvenes- que frecuenta o es asiduo concurrente a cineclubes y circuitos culturales no convencionales de exhibición de films (auditorios de universidades, auditorios de centros de idiomas, centros culturales auspiciados por embajadas, etc.). Es justamente este sector del público el que ha convertido a McDowell en un actor mítico, sobre todo por La naranja mecánica.

McDowell tuvo la fortuna de trabajar con brillantes directores como Stanley Kubrick y Lindsay Anderson, quienes supieron apreciar su gran versatilidad y enorme talento para la actuación. Los films dirigidos por ambos, en los cuales el actor inglés trabaja son al día de hoy auténticos clásicos y obras de culto.

Anécdotas

La primera vez que fue a entrevistarse con Stanley Kubrick, McDowell tenía muy poco conocimiento de cine y confundió al director de “Senderos de gloria” con Stanley Kramer, director de “Vencedores o vencidos”. Lindsay Anderson, le mostró a Malcolm todos los films de Kubrick, desde “Senderos de gloria”, hasta “2001: Una odisea del espacio”.

Una revista nombró a McDowell “El rey del punk”, después de su actuación en “La naranja mecánica”. Pero no todo a sido rosas para este autentico icono del cine contemporáneo.

A mediados de la década del 80, el abuso del alcohol y las drogas le ocasionó graves problemas (se gastaba $1000 a la semana en cocaína), y un deterioro muy notorio en su aspecto físico. Luciendo más viejo de lo que realmente era, nadie quería elegirlo para roles de personajes más jóvenes. Entonces, el actor tuvo que aceptar papeles en películas mediocres. 

También ha recibido amenazas de muerte de fanáticos acérrimos de la serie Star Trek (Viaje a las estrellas), después de que su personaje asesinó al capitán Kirk.

En 2005, McDowell prestó su voz al álbum Back Against the Wall, “Nuevamente contra el muro”, grabado por varios artistas como tributo al álbum The Wall (El muro) del legendario grupo británico Pink Floyd.

En la actualidad McDowell tiene 12 film en etapa de pos producción, incluyendo su rol de merlino en Vivaldi a estrenarse en el año 2011.

Citas y frases célebres

“No existen grandes guiones, sólo grandes films”.

“Lo mejor que hice fue abusar de mí mismo cuando era más joven -era aficionado a todo: cocaína, bebidas alcohólicas, mujeres- porque ahora ya no tengo que hacerlo más”.

Hablando sobre la Naranja Mecánica dijo: “Es un film extraordinario que ha permanecido como un clásico y yo sería un idiota completo si no me emocionara con eso” (hablando sobre La naranja mecánica).

Cuando le preguntaron cuál era su película favorita de Stanley Kubrick. “¡La naranja mecánica! Nunca vi ninguna de las otras”

“Nunca me planteo los personajes en términos de héroe o villano sino que me planteo lo que hace y porqué lo hace. Si estoy ante un gran personaje, no le juzgo, no me importa lo que haga, solamente disfruto interpretándolo”.

“ … Stanley era un hombre muy difícil con el que trabajar. El equipo se ponía en huelga debido a las muchas horas que trabajaban, y a mí me encantaba, yo me iba después de trabajar 18 horas y ¡él me preguntaba que dónde iba!” (sobre Stanley Kubrick).

“…Álex es uno de los mejores personajes de la historia del cine. Siempre tuve en mente a Laurence Olivier como Ricardo III a la hora de crear el personaje. En cuanto a Stanley, físicamente exigía mucho, me rompí una costilla, me dañé la córnea...pero, es un precio muy pequeño por un personaje tan bueno…” (sobre su inolvidable personaje en La naranja mecánica).

“…Siempre he pensado que esperaría a tener medio pie en la tumba para escribir mi autobiografía, por lo que tal vez el momento se está acercando…”.

“Me he dado cuenta de que, cuando se estrenó la película en 1971, hubo un gran revuelo por la violencia, y fuimos criticados desde todos los lados, especialmente en el New York Times, que sacó una editorial llamando fascista a Stanley…” (sobre el estreno de La naranja mecánica).

“Probablemente uno de los cinco más grandes directores que jamás han existido” (sobre Stanley Kubrick).

“John Carpenter es un maestro, él hizo un film extraordinario” (sobre Halloween [1978]).

“No soy un entusiasta de ellos, para ser honesto. Encuentro a la mayoría de ellos tediosos ( …) Los únicos que he visto son bastantes malos debido a que son de muy bajo presupuesto”(sobre los films de terror).

“Es un genio, pero su humor es negro como un carbón de leña. Me sorprende su humanidad” (sobre Stanley Kubrick).

“…Tinto Brass y yo intentamos convertirle en algo distinto a un simple loco, en un anarquista que quería destruir Roma desde sus cimientos” (sobre el personaje histórico de Calígula, en la película del mismo nombre donde actúa).

“Supongo que soy principalmente conocido por eso, pero de hecho sólo sería la mitad de mi carrera, si yo fuese a sumarlo todo” (sobre sus papeles de villano en el cine).

“No hay nadie que jamás se vaya a igualar a John Ford”.