Aquí encontrará instrucciones sistemáticas, ejercicios fáciles de realizar, una explicación clara de los principios básicos de la escritura de guiones y los consejos de un experto a cada paso: toda la ayuda continuada, línea a línea, que necesita para transformar su idea inicial en un guión profesional con la marca definitiva del éxito. Aquí tiene su propio taller práctico; el libro que le permite tomar parte en los procesos que han hecho que los talleres de Syd Field resulten de un valor inapreciable tanto para los principiantes como para los profesionales. Aprenda a: definir la idea en la que estará basado su guión; crear el modelo que utilizan los profesionales; dar vida a sus personajes; conseguir que sus diálogos realmente funcionen; utilizar técnicas como el flashback, la voz en off, los subtítulos y el flashforward (escena de anticipación) de manera eficaz; y estructurar su guión para obtener buenos resultados desde las críticas primeras páginas hasta el acto final.

Syd Field

El manual del guionista

Ejercicios e instrucciones para escribir un buen guión paso a paso

ePub r1.0

Titivillus 14.07.2024

Título original: The Screenwriter’s Workbook

Syd Field, 1984

Traducción: Marta Heras

Editor digital: Titivillus

ePub base r2.1

Lo más difícil de escribir
es saber qué escribir

Introducción

Desde la publicación de «El libro del guión» viajé mucho por los Estados Unidos, Canadá y Europa impartiendo talleres y seminarios de escritura de guiones a diferentes profesionales de la industria cinematográfica, guionistas profesionales, estudiantes y personas de toda condición.

Todos tenían una cosa en común: querían escribir guiones.

Yo les digo que lo primero que tienen que hacer es olvidarse de la idea de que voy a enseñarles cómo se escribe un guión. Yo no puedo enseñar a nadie a hacer nada; si quieren escribir un guión, les advierto que van a tener que enseñarse a sí mismos a hacerlo.

«El Manual del Guionista» no es uno de esos libros de «cómo hacer»; es un libro de «qué» hacer. Si usted tiene una idea para un guión y no sabe qué hacer con ella, este libro le dirá qué tiene que hacer para escribir un buen guión.

«Cómo» lo haga es asunto suyo.

«El Manual del Guionista» está basado en los talleres de escritura de guiones que llevo en Los Ángeles. Planifico y estructuro los talleres de ocho semanas de manera que los alumnos se pasen las cuatro primera semanas preparándose para escribir su material y las cuatro semanas restantes escribiéndolo. El objetivo del curso (y yo siempre insisto mucho en eso de los objetivos) es escribir y completar las primeras treinta páginas, o Acto I del guión.

Los alumnos llegan a la primera clase con una idea corta para un guión, expresada en tres frases. Por ejemplo: «Mi historia trata de una ejecutiva de vacaciones en Hawai; allí conoce a un joven con el que tiene una aventura y regresa con él a Los Ángeles, donde se da cuenta de que la relación no funciona».

Así de simple.

En esta primera clase hablamos de la estructura dramática y explicamos el paradigma; la primera tarea de los alumnos es estructurar la línea argumental (story Une) haciendo un tratamiento de cuatro páginas en el que se concentran en el final, el principio y los dos primeros plot points o puntos arguméntales. Yo lo llamo «el ejercicio de la patada en el culo», porque probablemente sea lo más difícil que tendrá que escribir el alumno. Durante la segunda semana hablamos del personaje, y la tarea consiste en escribir las biografías de los dos o tres personajes principales. Durante la tercera semana estructuramos el Acto I utilizando fichas de 9 × 15cm. y redactamos la historia previa, lo que ocurre un día, una semana o una hora antes del principio de la historia. En la cuarta semana escribimos las diez primera páginas, y el resto del taller está dedicado a la escritura de diez páginas a la semana. Al final de este curso de ocho semanas, los alumnos han terminado las primeras treinta páginas, o Acto I, de su guión.

Nos tomamos un pequeño descanso y luego pasamos al Taller del Acto II; el objetivo de este curso de ocho semanas es escribir y terminar el Acto II. En el tercer taller se completa el Acto III y la reescritura.

Este libro está planeado y estructurado exactamente igual que los talleres de escritura de guiones. El material funciona. Lea un capítulo, luego haga el ejercicio propuesto al final del capítulo y cuando termine el libro habrá escrito un guión. «El Manual» le propone un plan de trabajo que puede usted seguir desde el principio hasta el final; es como un mapa, una guía que lo orientará durante el proceso de escritura del guión.

Los ejercicios con los que se cierra cada capítulo le darán la oportunidad de desarrollar las técnicas de escritura de guiones. Espero que considere sus progresos en la experiencia de escribir un guión desde este punto de vista. No aprenderá nada si no se permite a sí mismo cometer algunos errores, intentar cosas que no dan resultado y escribir pura y simplemente muy mal.

¿Está dispuesto a hacerlo?

¿Está dispuesto a intentar hacer cosas que no dan resultado? ¿Está dispuesto a sentirse perdido en un mar de dudas y confusión, enfadado y preocupado, sin saber si su trabajo es bueno o no?

Este libro es una experiencia de aprendizaje.

Es una propuesta empírica. Cuánto más haga, mejor lo hará; es como nadar o andar en bicicleta.

Lea primero el libro; cuando esté dispuesto a empezar a trabajar en su guión, vaya leyendo capítulo por capítulo. Es un proceso escalonado; es posible que dedique una semana o un mes a un solo capítulo. Tómese todo el tiempo que necesite para completar el material de cada ejercicio.

El propósito de «El Manual del Guionista» es aclarar, desarrollar y ampliar los conocimientos, la comprensión y las técnicas del guión y del arte y oficio de la escritura de guiones.

«El Manual del Guionista» le ofrecerá la oportunidad de enseñarse a sí mismo las técnicas y aptitudes necesarias para escribir un guión.

Por eso es un libro de qué hacer. Nadie va a enseñarle cómo se escribe nada; usted se enseñará a sí mismo a hacerlo.

De eso se trata en cualquier caso.

«Las aspiraciones de un hombre», escribió Robert Browning, «deberían exceder a su comprensión».

Primera Parte

La preparación

1

Por dónde empieza el guionista

En dónde respondemos a la cuestión de por dónde empezar

¿Por dónde empieza el guionista?

Cuando usted se sienta con la intención de escribir un guión, ¿por dónde empieza? ¿Por un plano de un automóvil corriendo por una carretera en mitad del desierto? ¿En un circuito de carreras, en medio del frenesí de la multitud? ¿Por un silencio en el que se oye el sonoro tictac de un reloj?

¿Por dónde empieza el guionista? Es una pregunta que oigo continuamente. En los talleres y seminarios que imparto aquí y en el extranjero, la gente me dice que tiene una idea estupenda para un guión, pero que no sabe por dónde empezar. ¿Tienen que escribir un resumen, esbozar las líneas generales o hacer anotaciones? ¿Empiezan por una persona, por un artículo de diario o por el título?

Escribir un guión es un proceso, un periodo de desarrollo orgánico que cambia y avanza continuamente; es un oficio que de vez en cuando se eleva hasta la categoría de arte. El autor pasa por una serie de etapas concretas al dar cuerpo y dramatizar una idea; el proceso creativo es el mismo para todos los tipos de escritura; sólo cambia la forma.

Cuando se sienta para escribir un guión, está dando comienzo a un proceso que dará por terminado meses o quizás años más tarde con unas ciento veinte páginas llenas de palabras, diálogos y descripciones; es lo que llamamos un guión.

Si sabe por dónde empieza el guionista, puede elaborar un plan que lo guiará paso a paso a lo largo de todo el proceso de escritura del guión. Este es el propósito de este libro.

Así que… ¿por dónde empieza el guionista?

¿Por una hoja de papel en blanco? Sí. Pero tiene que llenar ciento veinte hojas de papel en blanco con su guión. Y un guión se define como una historia contada en imágenes por medio del diálogo y la descripción y situada en el contexto de la estructura dramática.

¿Y si empezáramos por el personaje? Sí. Sin duda alguna. En todo guión resulta esencial la presencia de un personaje fuerte y atractivo. Un personaje bien desarrollado y con profundidad hará avanzar la historia con fluidez y claridad; se trata de un punto de partida sólido y fiable, pero no es por ahí por donde empieza el guionista.

¿Y si empezáramos por algún incidente o experiencia que le haya ocurrido a usted o a algún conocido? En ocasiones podrá utilizar una experiencia determinada como punto de partida de su historia, pero muchas veces se encontrará con que se está aferrando a la «realidad» de esa experiencia, porque quiere transmitir «fielmente» esa situación o incidente. Y tiene que desentenderse de la «realidad» para poder dramatizarla eficazmente. «Quién hizo qué» y «dónde ocurrió» por lo general sólo lo conducirán a una historia poco consistente con muy poco o ningún valor dramático.

¿Con una idea? Sí, desde luego, pero una idea no es más que una idea: tiene que dramatizarla, desarrollarla, darle cuerpo, hacerla decir lo que usted quiere decir. La idea no le proporciona la suficiente información. Tiene que dramatizarla.

¿Y si utilizara un lugar o locación y empezara por ahí? Puede hacerlo. Empiece por un lugar determinado, una locación; pero sigue sin ser suficiente; tiene que crear un personaje y una situación para construir la historia.

¿Con la trama? ¿Una trama de qué? La trama es lo que ocurre, y dado que está sentado delante de una hoja de papel en blanco, tendría que ser lo último que se le pasara por la cabeza. Olvídese de la trama en este momento. Ya nos ocuparemos de ella cuando llegue la ocasión.

¿Y la investigación? ¿Qué es lo que va a investigar? Hay que tener un tema de investigación.

Y ése es el punto de partida. El tema.

¿Por dónde empieza el guionista?

Por un tema y la estructura.

Antes de poder prepararse siquiera para escribir el guión, tiene que tener un tema definido, una acción y un personaje.

El tema puede ser tan simple como el de un visitante del espacio exterior que no llega a tiempo a su nave espacial y es encontrado por unos niños que se hacen sus amigos y lo ayudan a escapar (E.T., el extraterrestre). O el tema puede ser que el campeón del mundo de los pesos pesados pierde su título y luego lo vuelve a recuperar (Rocky III). O puede ser que un arqueólogo recupera un documento o artefacto famoso que ha estado perdido durante siglos (Indiana Jones y los cazadores del arca perdida [Riders of the Lost Ark]).

Lo primero que les pido que hagan a los alumnos de mis talleres de escritura de guiones es decirme de qué trata su historia. Antes de poder empezar un guión es necesario conocer el tema —es decir, de qué trata el guión— en términos de un personaje que desarrolla una determinada línea de acción dramática o cómica.

Escribir un guión es un proceso que se realiza paso a paso. Primero se busca el tema; luego se estructura la idea, luego se elaboran las biografías de los personajes, luego se realizan las investigaciones necesarias, luego se estructura el Acto I en fichas de 9 × 15; luego se escribe el guión, día a día, primero el Acto I, luego el Acto II y el Acto III. Cuando se termina el primer borrador de «palabras sobre el papel» (la primera versión en forma de guión), se hacen las revisiones y cambios básicos para reducirlo a la extensión adecuada, y luego se retoca hasta que está listo para ser enseñado. Debe tener claro cada uno de estos paso, y saber a dónde va y qué es lo que está haciendo. Resulta muy fácil perderse en las palabras y la acción del guión en desarrollo.

¿De qué trata su historia? Defínala. Articúlela.

¿Está escribiendo una historia de amor con un fuerte componente de acción y aventura, o está escribiendo una historia de acción y aventuras con un fuerte interés romántico? Si usted no lo sabe, ¿quién va a saberlo?

¿Quién es su protagonista y cuál es la acción de su historia? ¿Qué ocurre?

¿Cuál es el tema de su guión? Reduzca su idea a un personaje y una acción expresados en unas cuantas frases, no más de tres o cuatro. Recuerde que esto no tiene nada que ver con su guión o con la precisión de su historia; se trata simplemente de una guía a seguir durante el proceso de escribir el guión.

Tiene que saber sobre qué está escribiendo.

Un guión sigue una línea de acción narrativa determinada, concisa y ajustada, una línea de desarrollo. Un guión siempre se mueve hacia delante, siguiendo una dirección, hacia la resolución. Hay que mantener el rumbo a cada paso del camino; cada escena, cada fragmento tiene que llevarlo a alguna parte, haciéndolo avanzar en términos de desarrollo argumental. Resulta muy fácil perderse en el laberinto del proceso de escribir día a día.

Lo único que puede verse es la página que se está escribiendo y las páginas ya escritas. No puede verse nada más allá de ellas. Tiene que saber qué historia está escribiendo. Tiene que tomar una decisión creativa sobre qué historia está escribiendo o va a escribir. Antes de poder empezar a escribir tiene que plantearse la idea desde el principio para encontrar el centro de atención y la dirección de su historia.

¿Cuál es el tema de su guión? ¿De qué trata su historia, en términos de acción y personaje? Escríbalo en unas cuantas frases. Como por ejemplo:

Mi historia trata de un abogado poco escrupuloso que conoce a una mujer casada de la que se enamora y mata a su marido para poder estar con ella. Pero fue inducido por ella a cometer el crimen y termina en la cárcel, mientras que ella termina con una fortuna en un paraíso tropical. Ese es el tema de Cuerpos ardientes (Body Heat), escrito por Lawrence Kasdan.

O: mi historia trata de un hombre de negocios americano (el protagonista) que viaja a un país latinoamericano para averiguar qué le ocurrió a su hijo durante un golpe militar y se entera de que fue asesinado (la acción). Ese es el tema de Missing, escrito por Costa-Gavras.

O: mi historia trata de un ladrón profesional, un solitario, que consiente en realizar un trabajo para un sindicato del crimen y es traicionado; termina matando a todo el mundo y recuperando lo que es suyo. Ése es el tema de Ladrón (Thief), escrito por Michael Mann.

¿Sobre qué está escribiendo? Anótelo; es posible que al principio tenga que llenar varias páginas. Redúzcalas a unas cuantas frases concentrándose en el tema, la acción y el personaje. Es posible que necesite varios días de reflexión antes de poder separar siquiera los elementos principales de su historia. No se preocupe por el tiempo que tarde. Limítese a hacerlo.

El tema es la línea directriz que tiene que seguir al estructurar la acción y el personaje dentro de una línea argumental dramática.

¿Por dónde empieza el guionista?

Por el tema y estructura.

Y eso nos lleva a la estructura.

Ejercicio

Escriba su idea en tres frases concentrándose en la acción y el personaje. Decidir quién es el protagonista no le costará mucho esfuerzo, pero es posible que le resulte más difícil definir la línea de acción. Puede que lo ayude realizar asociaciones libres sobre su línea argumental en términos de la acción. No sea concreto; evite los detalles. Generalice cuanto le sea posible.

Es posible que necesite escribir tres o cuatro páginas para definir la acción y decidir qué historia va a contar. Reduzca luego la idea a unos cuantos párrafos. Luego reduzca estos a unas cuantas frases. Dígalas en voz alta. Léalas en voz alta. Retóquelas un poco más. Hágalo hasta que tenga perfectamente claro su tema y pueda expresarlo con claridad y concisión en tres o cuatro frases.

Este es el primer paso en el proceso de escribir un guión.

2

Sobre la estructura

En donde estudiamos la relación entre la estructura y el guión

La estructura es el elemento más importante del guión. Es la fuerza que lo mantiene todo unido; es el esqueleto, la columna vertebral, la base. Sin estructura no hay historia, y sin historia no hay guión.

La buena estructura en un guión tiene que estar tan integrada en la historia, tan estrechamente relacionada con ella que no sea posible verla. Todas las buenas películas tienen una base estructural fuerte y sólida.

¿Qué es la estructura? Siempre planteo esta pregunta en mis talleres y seminarios de escritura de guiones, porque creo que un conocimiento y comprensión profundos de la estructura son indispensables para escribir un guión.

Un guión sin estructura no tiene línea argumenta!; vaga de un lado a otro, buscándose a sí mismo, y resulta monótono y apagado. No funciona. No tiene dirección ni línea de desarrollo.

Un buen guión tiene siempre una sólida línea de acción dramática; va hacia algún lugar, avanza paso a paso hacia la resolución. Cuando queremos hacer un viaje, no tomamos un avión o un tren y luego decidimos a dónde vamos, ¿verdad? Tenemos que ir a alguna parte. Tenemos un lugar de destino. Partimos de aquí y terminamos allí.

En eso consiste la estructura. Es una herramienta que le permite moldear y dar forma al guión con un máximo de valor dramático. La estructura mantiene todo unido; toda la acción, los personajes, la trama, los incidentes, episodios y acontecimientos que constituyen el guión.

¿Qué diría usted si le pidieran que definiera la estructura? ¿Cómo la describiría? ¿Qué es lo que hace? ¿Qué es la estructura?

La raíz estruc significa «combinar». En términos simples, la estructura es la relación entre las partes y el todo.

Las partes y el todo. Eso es la estructura, la relación entre las partes y el todo. «Un guión es estructura», dice William Goldman. «Es la columna vertebral que sostiene toda la historia». Cuando se siente a escribir un guión, tiene que plantearse la historia como un todo. Una historia está formada por distintas partes: los personajes, la trama, la acción, el diálogo, las escenas, las secuencias, los incidentes, los acontecimientos; y su tarea como guionista es comprender un «todo» a partir de estas «partes», una forma y figura bien delimitadas, con su principio, medio y final.

La estructura es la relación entre las partes y el todo. ¿Cuál es entonces la relación entre la estructura y el guión? ¿Y qué es un guión?

Un guión es una historia contada en imágenes, diálogos y descripciones, dentro del contexto de la estructura dramática.

* * *

Un guión es una historia contada en imágenes: un guión trabaja con imágenes visuales, con detalles externos, con un hombre que cruza una calle concurrida, un coche que dobla la esquina, la puerta de un ascensor que se abre, una mujer que se abre paso a empujones entre la multitud. En un guión usted cuenta su historia en imágenes.

… en el diálogo y la descripción: Un guión es una historia contada en palabras e imágenes; los personajes comunican determinados hechos e información al espectador; el diálogo comenta la acción, en ocasiones es la acción, y siempre hace avanzar la historia.

Cuando escribe una escena o secuencia, está describiendo lo que dice y hace el personaje, los incidentes y acontecimientos que componen la historia. Cuando escribe un guión, está describiendo lo que ocurre; ésa es la razón de que los guiones se escriban en presente. El espectador ve lo que ve la cámara, una descripción de la acción situada…

… en el contexto de la estructura dramática: Su guión tiene una estructura bien definida: un principio, un medio y un fin, aunque esté narrada en «flashback», como Dos extraños amantes (Annie Hall). Su historia empieza aquí y termina allí; va del punto A al punto Z.

La estructura es un contexto porque «sostiene» todo. Recuerde que el contexto puede compararse a un vaso. Si toma un vaso vacío y mira en su interior, verá un espacio. Ese espacio acoge el contenido: leche, agua, cerveza, limonada, jugo de manzana o lo que sea. El contexto siempre sostiene el contenido, del mismo modo que la estructura sustenta su historia.

Y la estructura dramática se define como «una progresión lineal de incidentes, episodios y acontecimientos relacionados entre sí que conducen a una resolución dramática».

¿Por qué es tan importante la estructura? Porque es una herramienta que lo ayuda a dar a su historia una forma dramática. Es un punto de partida en el proceso de la escritura.

Ejercicio

Este libro es un manual que le proporciona la oportunidad de mejorar su capacidad de escribir guiones. Para ello, es importante que evalúe sus cualidades y puntos débiles como guionista. Este ejercicio es un inventario personal.

Tome una hoja de papel y evalúe y defina en unos cuantos párrafos sus cualidades como guionista. ¿Cuáles diría que son sus puntos fuertes en la escritura de guiones u otro tipo de escritura? ¿Y sus puntos débiles? (Si nunca escribió nada, ¿por qué cree que puede escribir un guión?) Sea sincero consigo mismo. ¿Qué es lo que le gustaría mejorar? ¿Le gustaría escribir mejores diálogos? ¿Crear personajes más profundos y complejos? ¿Quiere captar y comprender mejor la estructura? ¿O la trama?

¿En qué le gustaría mejorar? Limítese a anotarlo. Ponga por escrito sus ideas y sentimientos sobre sus capacidades como guionista. No se preocupe por la gramática, la ortografía o la puntuación. Usted es el único que ve a ver esto, así que sea tan sincero como le sea posible sobre las técnicas que le gustaría mejorar. Hágalo y luego guárdelo y olvídese de ello.

«El Manual» es un libro empírico; cuanto mayor sea su aporte, más obtendrá a cambio.

3

El paradigma

En donde definimos el paradigma

El paradigma es la estructura dramática. Es una herramienta, una guía, un mapa para encontrar el camino en el proceso de escritura del guión. Tal y como lo definía en «El libro del guión», un paradigma es un «modelo, un ejemplo, un esquema conceptual».

Cuanto más aprendo sobre el paradigma y su función en el proceso de escribir un guión, más me sorprende la importancia que realmente tiene.

Un guión es un sistema abierto. Usted proyecta lo que va a escribir: «Bill sale del departamento de Grace y da un largo paseo por la ciudad», pero es posible que las cosas no salgan así. Es posible que Bill «le diga» que no quiere irse a dar un paseo por la ciudad: quiere música, baile, drogas, mujeres. Cuando eso ocurre, más le vale escuchar.

Escribir un guión es una aventura, y nunca se está seguro de qué es lo que va a ocurrir. Es un sistema abierto.

Cuanto más explico y describo el paradigma en los talleres de escritura de guiones, más aprendo sobre lo realmente valioso y eficaz e importante que es para el proceso de escribir un guión. El paradigma es un modelo, un ejemplo, un esquema conceptual.

Es un modelo. Tenemos que ver el trabajo antes de poder tomar cualquier tipo de decisión.

El paradigma es un modelo, un ejemplo, un esquema conceptual del aspecto que tiene un guión. Es un todo que está formado por partes:

Sabemos que un guión es «una historia contada en imágenes, en diálogos y descripciones, y situada en un contexto de la estructura dramática»; pero ¿qué es una historia? ¿Y qué es lo que tienen todas las historias en común?

Un principio, un medio y un final. El principio corresponde al Acto I, el medio al Acto II y el final al Acto III.

Una película tiene unas dos horas de duración media, o ciento veinte minutos. Algunas son más largas, otras más cortas, pero siempre duran alrededor de dos horas. Una página escrita del guión equivale a un minuto de tiempo en pantalla.

(Es posible que quiera comprobarlo. ¡Lea un guión, luego vaya a ver la película y verá si es cierto o no! Si está seriamente interesado en escribir un guión, tendría que estar leyendo todos los guiones que caigan en sus manos y viendo todas las películas que pueda permitirse.)

El Acto I, el principio, es una mitad o bloque de acción dramática (o cómica), de treinta páginas de extensión. Comienza en la página uno y se prolonga hasta el plot point del final del Acto I. Se enmarca en el contexto dramático conocido como el planteamiento. El Acto II es una unidad o bloque de acción dramática (o cómica), que va desde la página treinta hasta la noventa, desde el plot point del final del Acto I hasta el plot point del final del Acto II Tiene sesenta páginas de extensión y se enmarca en el contexto dramático conocido como confrontación. El Acto III es también una unidad de acción dramática (o cómica); va desde la página noventa hasta la ciento veinte, o desde el plot point del final del Acto II hasta el final del guión. Es una unidad de treinta páginas de extensión, que se enmarca en el contexto dramático conocido como resolución.

Puede haber variaciones, por supuesto. En Barrio Chino (Chinatown) y Dos extraños amantes, el Acto I ocupa 23 ó 24 páginas, y a veces el Acto II ocupa más de sesenta páginas, y en ocasiones el Acto III tienen veinte o veinticinco páginas.

¿Y qué? El paradigma sigue funcionando. Cada acto es una unidad o bloque de acción dramática.

El Acto I es una unidad de acción dramática en la que se plantea su historia. Tiene que plantear la historia en las primeras treinta páginas: presentar a los personajes principales, establecer la premisa dramática, crear la situación y disponer escenas y secuencias que elaboren y desarrollen la información sobre la historia.

Todo en el Acto I contribuye a planear la historia. No hay tiempo para trucos baratos ni escenas ni diálogos efectistas o ingeniosos; tiene que plantear su historia de inmediato, desde la primera página. Por eso el contexto dramático del Acto I es el planteamiento. (Recuerde que el contexto acoge al contenido, con todas las escenas, diálogos, descripciones, planos y efectos especiales que forman el guión.) En esta unidad de acción todo contribuye a plantear todo lo que vendrá a continuación.

Un ejemplo perfecto es Cuerpos ardientes, escrita y dirigida por Lawrence Kasdan, uno de los mejores autores-directores de Hollywod. El Acto I se ocupa de presentarnos a Ned Racine (William Hurt). Las primeras palabras del guión, «llamas sobre un cielo nocturno», marcan el tono apasionado del personaje y la historia, y efectivamente, la primera vez que vemos a Ned Racine es después de una noche de amor con una chica de la oficina local de alquiler de autos Avis. Luego lo vemos en la sala del tribunal como abogado en ejercicio, simpático pero improvisado y presentando su caso de cualquier manera, un farsante a la espera de marcarse un tanto fácil.

Cuando ve a Matty Walker (Kathleen Turner) por primera vez, en un concierto, se siente inmediatamente atraído por ella («se deja llevar por su pija», como dice más adelante su mejor amigo), y pronto la pasión y la lujuria lo arrastran tras ella hasta que no es capaz de ver nada más. De este modo se prepara el terreno para el asesinato del marido de Matty con la esperanza de ganarse «una chica imponente» y una buena cantidad de dinero. Es la «jugada fácil» que ha estado buscando, y todo ello queda planteado en el Acto I.

Alrededor de la página 25 aparece un plot point; un plot point es un incidente, episodio o acontecimiento que se «engancha» a la acción y la hace tomar otra dirección, entendiendo por «dirección» una «línea de desarrollo».

Un plot point puede ser cualquier cosa: un plano, unas palabras, una escena, una secuencia una acción, cualquier cosa que haga avanzar la historia. (Véase el capítulo 9 («El Plot Point») de «El libro del guión»)

El Acto II es una unidad o bloque de acción dramática o cómica de sesenta páginas de extensión, que se enmarca en el contexto dramático conocido como confrontación. Se extiende desde el primer plot point hasta el segundo plot point. En esta parte de su guión, su protagonista hará frente a obstáculos y conflictos que deben ser resueltos y superados para que él o ella satisfaga su necesidad dramática.

El drama es conflicto; sin conflicto no hay acción; sin acción no hay personaje; sin personaje no hay historia, y sin historia no hay guión.

El Acto II es la unidad de acción en la que su personaje se enfrenta y supera (o no supera) todos los obstáculos para satisfacer su necesidad dramática. Si sabe lo que su protagonista quiere ganar, obtener, conseguir o alcanzar a lo largo de su guión (la necesidad dramática), su historia pasa a ser la de cómo supera su personaje todos los obstáculos para cumplir su necesidad dramática.

Todo lo que haga, cada escena que escriba, cada plano que describa, cada secuencia que imagine, está enmarcado en el contexto dramático de la confrontación.

El Acto II es el más difícil de escribir porque es la unidad más larga de acción dramática. (Con el nuevo material que presento en este manual, el Acto II es desglosado en unidades de acción operativas. Encontrará más sobre este el particular en el capítulo 11, «El nuevo paradigma».)

En Cuerpos ardientes, el plot point del final del Acto II aparece a los ochenta y cinco minutos de película, cuando el mejor amigo de Racine, Lowenstein, le dice que alguien está intentando implicarlo en el asesinato.

—Alguien te quiere meter en un buen lío, hombre. Entre las 3:30 y las 5 de la noche del homicidio alguien te estuvo llamando a la habitación de tu hotel… El teléfono sonaba y sonaba pero tú no lo atendiste… Ahora hay alguien que quiere darnos los lentes de Edmund.

Nos enteramos al mismo tiempo que Ned Racine de que Matty falsificó el testamento de su marido y quiere engañar a Racine para que éste pague el pato. El plot point hace «girar» la historia, llevándola al Acto III, y seguimos los movimientos de Racine paso a paso hasta que se consuma la traición. El termina entre rejas, condenado a muerte por homicidio, y ella en un paraíso tropical.

En el paradigma se vería así:

Ella lo utilizó.

El plot point del final del Acto II «hace girar la historia» hacia el Acto III.

La función y el propósito de un plot point es sencillamente hacer avanzar la historia. Es un incidente, episodio o acontecimiento que se engancha a la acción y le hace tomar otra dirección.

¿Tienen todas las películas plot points? Todas las películas que «funcionan» presentan una estructura sólida e integrada con plot ploints claramente definidos.

Su guión puede tener hasta 15 ó 20 plot points distintos: podría haber dos en el Acto I, diez en el Acto II y uno en el Acto III Sin embargo, cuando empiece a preparar su historia para el guión, tiene que tener claras cuatro cosas para poder estructurar la idea: el final, el principio, el primer plot point y el segundo plot point. Una vez que tenga claros estos cuatro componentes básicos, puede comenzar a construir y desarrollar su línea argumental.

El Acto III es una unidad de acción dramática de treinta páginas de extensión; se extiende desde el plot point del final del Acto II hasta el final. El Acto III se centra en el contexto dramático de la resolución. En el Acto III se resuelve su historia, entendiendo como resolución «la solución».

¿Cuál es la solución a su historia? ¿Su personaje vive o muere, triunfa o fracasa, se va de viaje o no, consigue el ascenso o no, se casa o se divorcia o no, sobrevive a la prueba o no, se pone a salvo o no? Tiene que resolver su historia; tiene que saber cómo termina. ¿Cuál es la resolución de su historia? Si no lo sabe usted, ¿quién va a saberlo?

El paradigma es un modelo, un ejemplo, un todo:

Es estructura, y establece las relaciones dramáticas entre el todo y sus partes. La estructura dramática es «una disposición lineal de incidentes, episodios y acontecimientos relacionados entre sí que conducen a la resolución dramática».

Es el fundamento de su guión.

Ejercicio

Antes de poder dar forma dramática a su historia, tiene que saber cuatro cosas: el final, el principio, el primer plot point y el segundo plot point. Estos cuatro elementos son la base estructural de su guión. Toda su historia está «pendiendo» de estos cuatro elementos.

Supongamos que tiene una idea:

Una JOVEN pintora cuyo matrimonio no marcha bien se anota a unas clases de arte y tiene una aventura con su profesor. Se enamora contra su voluntad y luego se da cuenta de que está embarazada. Dividida entre su marido y su amante, decide abandonarlos a ambos y criar sola su niño.

Lo primero que tiene que hacer con su tema -la acción y el personaje- es estructurarlo: ¿por dónde empieza?

Por el paradigma:

¿Cuál es el final de su historia? El momento en el que la joven se marcha para tener sola a su hijo, abandonando tanto al marido como al amante, como la Nora de Casa de muñecas de Ibsen. Ese es el final.

¿Y el principio? Queremos que el público sepa que la joven no es feliz en su matrimonio, de manera que tenemos que mostrarlo. ¿Qué clase de escena o secuencia pondría en evidencia que el matrimonio es desgraciado? ¿Qué clase de escena podría comunicar esto directamente al público?

Decídase a comenzar con una escena que ilustre o revele su premisa básica.

Piense en ello. Pruebe varias opciones. Compruebe que, lo que usted quiere que funcione, efectivamente funciona. ¿Ocurre durante el día o por la noche? ¿Por la mañana o por la tarde? ¿En el trabajo o en el tiempo libre?

¿Y el primer plot point? Si el Acto I presenta el matrimonio desgraciado, el plot point del final del Acto I es el momento en el que la mujer se inscribe en el curso de arte. Este incidente desemboca en la relación con su profesor de arte: hace «girar» la historia en otra dirección.

¿Y el segundo plot point? El primer plot point, al final del Acto I, desencadena la relación con su profesor, que desembocará en último término en su embarazo. El segundo plot point, al final del Acto II, es el descubrimiento de que está embarazada; este descubrimiento precipita la acción que conduce a la resolución, la «solución» a su historia: abandona tanto al marido como al amante.

Una vez que conoce estos cuatro elementos, final, principio, primer plot point y segundo plot point, dibuje el siguiente paradigma:

Ese es el «aspecto» que debe tener su idea una vez estructurada. Recuerde que el paradigma es una herramienta conceptual; le permite «ver» claramente su línea argumenta!.

Haga el ejercicio de la página siguiente; estructure la historia en una línea argumental dramática.

Comience por el final. Escríbalo sobre el esquema del paradigma. Después, ¿cómo va a abrir la historia? ¿Dónde? ¿En casa del botánico? ¿En la universidad? ¿Durante los preparativos del viaje? Anótelo. No se preocupe de si es o no el principio «perfecto». Limítese a hacerlo.

¿Y el primer plot point? ¿Es el momento en el que el protagonista llega al río y comienza el viaje? ¿O cuando vuelca la balsa? ¿Usted decide. Estructure la idea en el paradigma. Juegue con ella.

No sea demasiado concreto; limítese a presentarlo a grandes rasgos. Más adelante podrá completar los detalles.

Este ejercicio está pensado para ayudarlo a estructurar su propia idea, de manera que pueda pasar a la siguiente etapa del proceso de escribir un guión.

4

Cuatro páginas

En dónde estructuramos el tema dentro de una línea argumental

Antes de ponerse a escribir algo, debe conocer cuatro cosas: el final, el principio, el primer Plot Point, y el segundo Plot Point.

Una vez que estructuró el tema en estos cuatro elementos, puede contar su historia de forma narrativamente dramática. De hecho, narrar significa contar una historia, e implica un sentido de la dirección, un desplazamiento, una línea de movimiento desde el principio hasta el fin.

En esta etapa, es esencial volcar su historia al papel; genera un proceso creativo que es parte de la evolución de su guión, una etapa necesaria en el desarrollo amplio de su idea. Qué tan fiel será al guión final de acá a cinco o seis meses, o qué tan bueno o malo es, resulta irrelevante.

¿Por qué es tan importante escribir un tratamiento? «Si no conoce su historia, ¿quién la conoce?».

¿Escuchó decir a alguien tener una «gran idea» para un guión?

—¿De qué trata? —podría preguntar.

—Bien —dicen—, trata de un tipo en el desierto del Sahara. Abre con un plano de la arena del desierto levantándose. Luego vemos un jeep corriendo a toda prisa a través del desierto. De repente, el motor renquea, tose y lentamente muere. Dos personas en los asientos delanteros: un hombre y una mujer. El hombre se trepa al jeep, mira a su alrededor. ¿No es una gran idea?

Usted asiente con la cabeza.

—¿Qué ocurre después? —pregunta.

—El resto de la historia surge de la trama. Todavía no la pude resolver.

Seguro. ¿Cuántas veces lo escuchó antes? ¿Qué trama?

Lo escuché por años, de profesionales y aficionados por igual. No pueden contarle nada más acerca de la historia, porque no saben nada más acerca de ella; no la definieron todavía. Antes de comenzar con su guión, tiene que definir su historia.

¿De qué trata? Brevemente. ¿Cuál es el tema? ¿Puede establecer de qué trata en algunas frases?

Es por eso que es necesario redactar un breve tratamiento (treatment) de cuatro páginas —una sinopsis narrativa de la historia contada en 4 o 20 páginas y con algo de diálogo. El tratamiento le permite ver su historia en un sentido de amplitud y claridad que no tendrá en los muchos meses por venir.

Lo más difícil de escribir es saber qué escribir.

En mis talleres y seminarios enfatizo esto: «Si no conoce su historia, ¿quién la conoce?». Y lo ilustro con una experiencia sacada de mi propia carrera como guionista.

Fui guionista freelance durante siete años, tiempo en el cual escribí nueve guiones, la mayoría de ellos originales. (Dos fueron producidos. Cuatro obtuvieron exclusividad para producción futura —un productor me pagó una cierta cantidad de dinero para obtener los derechos, por un año, para filmar el guión, tiempo después del cual los derechos volvieron a mi propiedad. Nada ocurrió con los otros tres.)

La forma en la que trabajé fue simple: tenía una idea y la investigaba; consultaba libros en bibliotecas y hablaba con gente acerca de ella hasta que quedaba satisfecho con el material. Luego comenzaba a trabajar los personajes, escribía sus biografías, hablaba con más gente, miraba fotografías. Luego me sentaba y comenzaba a escribir. Solía llamarlo «dándome de cabezazos contra la máquina de escribir». Siempre surgía un guión, pero el costo, física y emocionalmente, era muy alto. Era un proceso lento y doloroso, y, después de años de trabajar de esta manera, comencé a ver a la escritura de guiones como algo que debía hacer en vez de algo que quería hacer. Hay una gran diferencia entre ambas; la primera es una experiencia negativa, la segunda es una positiva. Aunque es importante ver los dos lados, escribir representa un trabajo ya de por sí demasiado duro y demandante como para agregarle una experiencia negativa o dolorosa.

Escribir debería ser una aventura, rodeada de misterio e incertidumbre, bendecida con sorprendente dicha.

En teoría, por supuesto.

Lo más difícil de escribir es saber qué escribir.

En los talleres y seminarios de escritura de guiones que impartí en Estados Unidos, Canadá y Europa, siempre insisto en que hay que conocer la historia antes de poder escribir nada; para ello hay que conocer los cuatro componentes estructurales básicos que «sostienen» la historia: final, principio, primer plot point y segundo plot point. Cuando conozca estos cuatro elementos, podrá desarrollar la idea en una línea argumental dramática en cuatro páginas.

¿Por qué cuatro páginas y no diez o veinte?

Porque en esta etapa aún no sabe mucho sobre su historia; sólo tiene el tema: una acción y un personaje. Es imposible que pueda empezar escribiendo un buen tratamiento de diez o veinte páginas.

Es posible que crea que cuanto más sepa ahora sobre su historia, mejor le irá más adelante. Eso es cierto más adelante, no ahora. En este momento no sabe demasiado sobre su historia. Cuando empiece a escribir, añadirá o modificará muchos detalles: ¿De dónde viene su personaje en esta escena? ¿Por qué está aquí? ¿Qué día va su personaje al banco? ¿Por qué hace esto y no aquello?

Está muy bien saber algo de esto, pero no se entusiasme demasiado con los detalles. En este momento un exceso de detalles no es lo que más le conviene. Siempre puede añadir los detalles más adelante. No hace falta que sepa todo ahora mismo. Más adelante, sí.

Por eso, un tratamiento de cuatro páginas es la extensión perfecta para esta etapa; produce el efecto de una historia con un sentido de dirección. Después de todo, es simplemente un punto de partida en el proceso de escritura del guión. Así que olvídese de sus expectativas, apártelas de su vista y limítese a sentarse a escribir la historia.

Ejercicio

Dibuje el paradigma. Vea al final del ejercicio cómo debería verse.

Luego tome el tema de su historia —la acción y el personaje— y llévelo a la estructura dramática; primero elija el final, luego el principio, luego el primer plot point y el segundo plot point. Hágalo de la misma manera en que realizó el ejercicio de estructura del capítulo anterior.

Examine su línea argumental. ¿Cuál es su apertura? ¿Dónde tiene lugar? ¿En un auto, en una ruta desierta, en un pueblo, en un país remoto, en una calle transitada de la ciudad, en un ascensor vacío? No se muestre demasiado preciso o específico; no lo tiene que saber todo aún. Sólo trate su línea argumental en términos generales.

Si su apertura tiene lugar en una oficina, ¿qué está haciendo su personaje? ¿Llegando al trabajo el lunes por la mañana? ¿Yéndose el viernes por la tarde? Resúmalo, sabiendo que lo podrá cambiar más tarde. Recuerde que el propósito de este ejercicio es dramatizar y definir su línea argumental en cuatro páginas. A doble espacio.

No cinco u ocho páginas. Cuatro páginas.

Una vez que resolvió su apertura, siéntese y escriba la acción narrativa que abre la historia en media página. Por ejemplo: «Noche. Un auto se traslada lentamente por la calle. Dobla en una esquina, las luces se apagan y, aproximándose con el motor en punto muerto, estaciona frente a un gran edificio de oficinas. Silencio. A lo lejos un perro ladra. JOE sentado silenciosamente detrás del volante, un radiotransmisor en el asiento del acompañante. Se coloca un par de audífonos, lentamente gira el dial hasta sintonizar la banda policial. Luego se sienta. Y espera.».

Y eso fue sólo el primer párrafo. Aún no hemos alcanzado la apertura; sólo la hemos planteado.

Continúe escribiendo la secuencia de apertura (relea el capítulo 8 de «El libro del guión» («La secuencia»)), dramatizando la acción a grandes rasgos, en términos generales. Recuerde, escribir una sinopsis narrativa significa contar su historia; implica un sentido de dirección, un desplazamiento, o movimiento, desde principio a fin.

Utilice algunas líneas de diálogo si le parece necesario.

En primer lugar está contando una historia, y en segundo escribiendo un guión.

Escriba la secuencia de apertura en alrededor de media página. En la media página siguiente, el resto de la primera página, escriba un par de párrafos para describir la acción que lo lleva al plot point al final del Acto I.

Cuando complete la acción que lo lleva al primer plot point, habrá terminado la primera página de su tratamiento de cuatro páginas, que dramatiza la acción del Acto I.

En la segunda página escriba el plot point del final del Acto I, exactamente del mismo modo en que escribió la apertura. ¿Dónde tiene lugar? Descríbalo. Escríbalo, concentrándose en el primer plot point y describiendo la acción en alrededor de media página.

Una vez más, no se muestre demasiado específico; no introduzca demasiados detalles, limítese a describir la acción —es decir, lo que ocurre— a grandes rasgos.

Ahora está listo para pasar al Acto II El Acto II es una unidad de acción dramática de unas sesenta páginas de extensión. Comienza en el plot point del final del Acto II. Se enmarca en el contexto dramático conocido como confrontación. En la acción que se desarrolla a lo largo del Acto II, su protagonista superará los obstáculos que le impiden satisfacer su necesidad dramática. Si conoce la necesidad de su personaje, lo que él o ella quiere ganar, obtener, conseguir o lograr a lo largo de su guión, puede interponer obstáculos entre él (o ella) y esa necesidad. Su historia se convierte en su personaje superando todos los obstáculos (o no) para satisfacer su necesidad dramática.

Piense un poco en su Acto II. ¿A dónde va su historia? ¿Qué les ocurre a su protagonista o personajes principales entre el primer plot point y el segundo plot point? Elija luego dos o tres obstáculos principales que generen conflicto dentro de la progresión de su historia. Elija estos incidentes asegurándose de que hagan avanzar la historia hacia el plot point al final del Acto II.

Escriba la acción del Acto II de manera que ocupe una página aproximadamente, concentrándose en cómo su protagonista hace frente a estos obstáculos; hágalo en líneas generales, evitando el exceso de detalles.

Cuando termine tendrá escritas unas dos páginas y media y estará listo para pasar al plot point del final del Acto II. ¿Cuál es su plot point para este punto? Descríbalo; dramatícelo. La extensión debe ser de aproximadamente media página. Utilice algunas líneas de diálogo si le parece necesario. ¿Cómo hace «girar» la acción este plot point, llevándola hacia el Acto III? Haga avanzar la historia sin interrupciones y sin preocuparse de los datos concretos. Se sentirá tentado de añadir detalles, así que tenga cuidado con esto y no se entretenga con los pormenores. Sabrá cuándo le está ocurriendo porque se encontrará dedicando mucho tiempo a decidir exactamente cómo ocurre «eso», cuál es el motivo o qué clase de coche, trabajo, lugar, excusa o error utilizar. Simplemente olvídese. Para este ejercicio no necesita demasiados motivos. Escriba el plot point del final del Acto II en media página.

Esto lo lleva al Acto III, la resolución. En este momento tiene unas tres páginas escritas. ¿Qué ocurre en el Acto III? ¿Qué le ocurre a su protagonista que lleva a la resolución de la historia? ¿Cuál es la solución? ¿Cómo termina? No los detalles, sólo las líneas generales. ¿Su personaje vive o muere? ¿Triunfa o fracasa? ¿Se casa o se divorcia?

Escríbalo. Describa la resolución en términos simples. Podrá hacerlo en menos de media página.

Cuando termine con esto, habrá redactado y dramatizado su línea argumental en cuatro páginas:

media página describiendo la escena o secuencia de apertura;

media página describiendo la acción general del Acto I;

media página que describe el plot point al final del Acto I;

media página para la acción del Acto II;

media página para el plot point al final del Acto II; y

de tres cuartos a una página para el Acto III, la resolución.

Esto es un tratamiento de cuatro páginas. Puede tomarle una o dos veces escribirlo en cuatro páginas. En su primer intento pueden ser ocho páginas, las cuales reducirá a cinco, luego córtelas a cuatro.

Es posible que estas cuatro páginas sean lo más difícil que escriba durante todo el guión. Lo llamo «el ejercicio de la patada en el culo» porque está tomando una idea indefinida y sin forma, y estructurándola en términos de principio, medio y final. Es posible que experimente toda clase de resistencia al escribirlo, puede que se enoje y se aburra, y probablemente se hará toda clase de cuestionamientos sobre lo que está escribiendo. Cuestionamientos tales como: «¡Esta es una de las historia más aburridas del mundo!», o «¡La odio! ¡Es simple y estúpida!», o «Ya la escuché antes».

Talvez esté en lo cierto. Quizá su historia es terrible.

¿Y qué? Este es un tratamiento de cuatro páginas. No tiene nada que ver con su guión final. Es una idea, no el producto terminado. La historia cambiará y crecerá durante la escritura, así que no piense que estas páginas deben ser perfectas. Olvídese de sus expectativas. Apóyese a sí mismo ahora y no se haga demasiadas críticas. (¡Ahórreselas para después!). Escribir es un proceso empírico; cuanto más se hace, más fácil resulta.

Este es un ejercicio de escritura, de «palabras sobre el papel», nada más. En mis talleres y seminarios, les digo a mis estudiantes que escriban cuatro páginas terribles. Está bien escribir estas páginas y que no resulten perfectas: no tienen que estar esculpidas en piedra.

Haga lo mejor que pueda. Pero haga el ejercicio. Escriba su línea argumental en cuatro páginas. Es el punto de partida del proceso de escritura del guión.

5

¿Cuál es el secreto de un buen personaje?

En donde identificamos y definimos las cualidades que intervienen en la creación de un personaje

¿Cuál es el secreto de un buen personaje?

¿La motivación? ¿El diálogo? ¿La verosimilitud? Sí; desde luego.

Pero esto no son más que partes o aspectos del personaje; no el todo o contexto del personaje.

Piense en ello. ¿Cuál es el verdadero secreto de un buen personaje?

Un buen personaje es el corazón, el alma y el sistema nervioso de un guión. Los espectadores experimentan las emociones a través de los personajes, se sienten conmovidos a través de ellos.

La creación de un buen personaje resulta esencial para el éxito de su guión; sin personaje no hay acción; sin acción no hay conflicto; sin conflicto no hay historia; sin historia no hay guión.

Nosotros los escritores estamos unidos de manera esencial a nuestros personajes. «Cuando se crean los personajes», escribe Harold Pinter, «ellos te observan, observan al escritor con cautela. Puede que parezca absurdo, pero mis personaje me hacen experimentar dos tipos de sufrimiento. He sido testigo de su dolor cuando me dedico a distorsionarlos o falsearlos, y he sufrido dolor cuando he sido incapaz de llegar a lo más profundo de su carácter, cuando me evitan deliberadamente, cuando se esconden entre las sombras».

Cuando cree a sus personajes tiene que llegar a conocerlos como la palma de su mano, saber cuáles son sus esperanzas, sueños y temores, lo que les gusta y lo que no les gusta, sus antecedentes y peculiaridades.

¿Cuál es la mejor manera de abordar la creación de un personaje? Hay muchas maneras. Empecemos por el principio.

Cuando hablamos de crear un personaje, ¿de qué estamos hablando?

«La vida consiste en la acción», decía Aristóteles, «y su fin es un modo de acción, no una cualidad».

¿Qué es un personaje?

La acción es el personaje, una persona es lo que hace, no lo que dice.

Ladrón, escrita y dirigida por Michael Mann, trata de un ladrón, Frank (James Caan), que está orgulloso de su oficio y vive de acuerdo a un código de conducta que elaboró mientras cumplía una condena de once años de cárcel. Accede a dar un golpe para otra persona, pero es traicionado y está decidido a recuperar lo que es suyo. Esa es su acción.

La acción es el personaje; una persona es lo que hace, no lo que dice.

Así que ¿cuál es el secreto de un buen personaje? ¿El conflicto? Por supuesto. ¿Sus antecedentes? Por supuesto. ¿Su personalidad? Por supuesto.

Pero estas cualidades son sólo partes del todo. Para poder crear un personaje es necesario establecer primero un contexto para ese personaje; de ese modo, más adelante podremos colorear y matizar las diferentes características y peculiaridades.

¿Cuál es el secreto de un buen personaje? Cuatro elementos: la necesidad dramática, el punto de vista, el cambio y la actitud.

La necesidad dramática se define como lo que su personaje quiere ganar, adquirir, obtener o lograr en el transcurso de su guión.

¿Cuál es la necesidad dramática de su personaje? En Tootsie, Michael Dorsey (Dustin Hoffman) es un actor de talento que lucha por abrirse camino haciéndose pasar por mujer para conseguir un papel muy bien pagado en una telenovela diurna. Esa es su necesidad dramática. Cuando se enamora de una actriz, Julie Nichols, su necesidad es dejar el papel para poder conquistar a su amor.

En El audaz (The Hustler) de Robert Rossen, la necesidad dramática de Eddie ‘Fast’ Felson (Paul Newman) es vencer a Minnesota Fats (Jackie Gleason) y ganar diez mil dólares en una noche.

Una vez que estableció la necesidad dramática de su personaje puede crear obstáculos que se interpongan entre él y esa necesidad, y entonces su historia pasa a ser la de su personaje superando (o no) todos los obstáculos para satisfacer su necesidad dramática.

Al enfrentarse a los obstáculos que se interponen entre él y su necesidad dramática, su personaje genera conflicto, y el conflicto resulta esencial para su línea argumental. El drama es conflicto.

El conocer la necesidad dramática de su personaje le ayuda a «situar» sus elementos constituyentes.

El punto de vista; cómo ve el mundo un personaje. Un buen personaje siempre expresará un punto de vista bien definido.

Todo el mundo tiene un punto de vista individual.

Un punto de vista es la expresión de la manera de ver el mundo de una persona. «No se puede luchar contra el municipio» es otro punto de vista. Una persona que cree que puede luchar contra el municipio podría encamar a un personaje como Mi chale Colin Gallagher (Paul Newman) en Ausencia de malicia (Absence of Malice). Podría crear un personaje que creyera que todo lo que ocurre es por voluntad de Dios; ése es otro punto de vista.

Todo el mundo tiene un punto de vista.

Cuando puede comprender y definir el punto de vista de su personaje, tiene una herramienta que podrá utilizar para crear el personaje. Los puntos de vista divergentes de dos personajes presentan un conflicto evidente con buenos elementos visuales que pueden introducirse en el guión. Eso quiere decir que puede desarrollarlo, haciéndolo más cinematográfico.

Todo buen personaje es la dramatización de un punto de vista sólido y bien definido. Un personaje así es activo, «actúa» a partir de su punto de vista y no se limita a reaccionar.

El cambio. ¿Experimenta su personaje algún cambio a lo largo del guión? Si es así, ¿cuál es? En El audaz, Fast Eddie pasa de ser un perdedor a convertirse en un ganador. En Ladrón, Frank no confia en nadie al principio; luego quiere empezar una nueva vida con Jessie (Tuesday Weld) y da un golpe para un hombre que lo traiciona; entonces vuelve a su antiguo modo de vida en la cárcel, donde «nada importa nada».

La actitud. El conocer la actitud de su personaje le permite darle más profundidad. La actitud de un personaje puede ser positiva o negativa, de superioridad o de inferioridad, crítica o ingenua. El comentario de Jack Gittes (Jack Nicholson) en Barrio Chino de que Evelyn Cross (Faye Dunaway) es una «farsante, igual que todos los demás» expresa su actitud.

Reflexione sobre la actitud de su personaje. ¿Es alegre o triste? ¿Fuerte o débil? ¿Duro o temeroso? ¿Pesimista u optimista? Describa a su personaje en términos de actitud.

¿Cuál cree usted que es su propia actitud?

Si conoce y es capaz de definir estos cuatro elementos del personaje —necesidad dramática, punto de vista, cambio y actitud— cuenta con las herramientas necesarias para crear un buen personaje. En ocasiones se superpondrán, una actitud se manifestará como un punto de vista, la necesidad dramática provocará un cambio y el cambio afectará a la actitud del personaje. Si eso ocurre, no se preocupe. A veces es necesario desarmar algo para poder volver a armarlo después.

Ejercicio

Determine quién es su protagonista. ¿Cuál es su necesidad dramática? ¿Qué es lo que quiere ganar, adquirir, obtener o lograr en el transcurso del guión? ¿Qué es lo que lo impulsa desde el principio al final? Escríbalo; defínalo.

Haga lo mismo con el punto de vista de su personaje. ¿Cómo ve el mundo su personaje? ¿A través de un cristal color de rosa, como un soñador o un idealista? ¿O con una mirada hastiada y cínica, como Alvy Singer (Woody Allen) en Dos extraños amantes? Conozca el punto de vista de su personaje. Escríbalo; defínalo.

¿Y el cambio? ¿Experimenta su personaje algún cambio en el transcurso del guión? ¿Cuál es? Escríbalo; defínalo.

Haga lo mismo con la actitud de su personaje. Escríbala y defínala.

Reflexione sobre esas cualidades. Son herramientas que lo ayudarán a crear un buen personaje.

Repase el capítulo 3 de «El libro del guión» («El personaje»).

6

Las herramientas del personaje

En donde estudiamos las herramientas necesarias para la creación del personaje

Cuando crea a su protagonista, está dando comienzo a un proceso que lo acompañará desde el principio hasta el fin. Es un proceso de evolución, una experiencia educativa que no deja de desarrollarse. Es un proceso formative y progresivo.

Hay muchas maneras de plantearse la creación de un personaje. Algunos guionistas piensan en sus personajes durante largo tiempo y luego se lanzan y empiezan a escribir. Otros confeccionan una detallada lista de caracterizaciones; algunos apuntan las circunstancias más importantes de la vida de un personaje en fichas de 9 × 15, y otros preparan detallados perfiles o dibujan diagramas de comportamiento. Algunos utilizan fotos de revistas y diarios como ayuda para ver el aspecto que tienen sus personajes.

Una buena herramienta es cualquier cosa que le facilite la tarea de crear un personaje. Elija a su gusto. Puede usted utilizar algunas, todas o ninguna de las herramientas mencionadas aquí. No tiene importancia; lo que importa es si funcionan o no. Si funciona, úsela; si no, no lo haga. Encuentre su propio estilo de creación de los personajes. Tiene que funcionar para usted.

La biografía del personaje: una biografía del personaje sigue la historia de su vida desde su nacimiento hasta el momento en el que empieza su historia. El escribirla lo ayudará a formar al personaje.

¿Cuál es el nombre de su personaje? ¿Dónde nació? ¿Qué edad tiene cuando comienza la historia? ¿Cómo se gana la vida su padre? ¿Cómo es su relación con su madre? ¿Tiene hermanos o hermanas? ¿Es hijo o hija única? ¿Es hijo «predilecto» o «segundón»? ¿Cómo son los primeros años de su vida? ¿Es un personaje atlético, malicioso, serio, extrovertido, introvertido?

Profundice la vida de su personaje: infancia, niñez, escuela primaria, escuela secundaria, universidad, después de la universidad. Si el personaje no tuvo estudios formales, estudie sus experiencias «educativas» alternativas. Defina las relaciones que fue estableciendo a lo largo de los años antes del principio de la historia; estas relaciones influirán en las acciones de su personaje a lo largo del guión y pueden proporcionarle «incidentes» que pueden utilizar en flashbacks o en diálogos para revelar su personaje.

Si tiene problemas para llegar a profundizar en su personaje, intente escribir su biografía en primera persona. Por ejemplo: «Me llamo David Hollister. Nací en Boston un cinco de julio. Mi padre era viajante de comercio y casi siempre estaba fuera. Yo no comprendía por qué, pero creía que yo tenía algo que ver con ello».

Algunas biografías salen mejor cuando se escriben en tercera persona, otras en primera. Haga lo que le resulte de más ayuda. Las «herramientas» están ahí para que usted las utilice.

Defina los aspectos profesional, personal y privado de su personaje. ¿Cómo se gana la vida su protagonista? ¿Cómo son las relaciones con su jefe? ¿Buenas? ¿Malas? ¿Le parece que lo hacen a un lado? ¿Cree que se aprovechan de él? ¿Que le pagan poco? ¿Cuánto tiempo lleva trabajando su personaje en su actual empleo? ¿Cómo son sus relaciones con sus compañeros de trabajo? ¿Alterna con ellos? ¿Cómo empezó su carrera? ¿Repartiendo el correo? ¿En un curso para formación de ejecutivos?

Si no lo sabe usted, ¿quién va a saberlo?

Haga lo mismo con la vida personal de su personaje. ¿Es una persona soltera, casada, viuda, divorciada o separada? Si está casada, ¿cuánto tiempo hace y con quién? ¿Cómo se conocieron? ¿En una cita a ciegas? ¿Por casualidad? ¿En una reunión de negocios? ¿Es un buen matrimonio? ¿Un matrimonio que agoniza? Descríbalo en una o dos páginas.

La vida privada es lo que hace su personaje cuando él o ella está a solas. ¿Qué aficiones o intereses tiene? ¿Sale a correr? ¿Va a clases de gimnasia? ¿A cursos introductorios universitarios? ¿Le gusta la cocina, la talla en madera, el bricolage, la pintura, la literatura? En una de las películas de John Frankenheimer el protagonista, un detective, asiste a una clase de cocina francesa para gourmets una vez a la semana. Es un toque genial.

Describa la vida profesional, personal y privada de su personaje en una o dos páginas. Defínala. Es un proceso que revela al personaje.

La investigación es otra herramienta que puede utilizar para desarrollar su capacidad de crear personajes. Hay dos tipos de investigación, la investigación en vivo y la investigación documental.

En la investigación en vivo se entrevista a personas para conseguir ideas, pensamientos, sentimientos, experiencias y material base. Prepare una lista de preguntas que quiere hacer.

La investigación es una herramienta maravillosa para la creación de un personaje.

La investigación documental consiste en obtener información de la biblioteca, un museo o una institución. Una vez que haya decidido su tema, ya sea una persona, un lugar, un acontecimiento o un período histórico, vaya a la biblioteca y busque libros que traten sobre la materia.

Utilice también las revistas y diarios. Revise también la bibliografía al final de cada libro que utilice. Yo empiezo así todos mis proyectos, ya se trate de un guión original o de un documental.

La investigación es una herramienta maravillosa.

También lo es el diálogo. El diálogo es algo empírico. Cuanto más se hace, más fácil resulta. Cuando empieza a escribir por primera vez, lo más probable es que escriban cuarenta o sesenta páginas de diálogos malísimos. ¡Y qué! ¡Deje que lo sean! En esta etapa no tiene importancia. Más adelante los reescribirá, así que muéstrese dispuesto a escribir algunos diálogos horribles. La mayor parte de los borradores de «palabras sobre el papel» van a ser así.

«Escribir es reescribir», como reza el dicho.

Muchas personas quedan atascadas en los diálogos porque no comprenden lo que son ni cuál es su función. Conceden demasiada importancia al diálogo. Dicen que un buen diálogo lo es «todo» en un guión, y cuando empiezan a escribir y sus diálogos no se ajustan a sus expectativas empiezan a preocuparse. Muy pronto se encuentran censurando su propio trabajo, juzgando y valorando, volviéndose hipercríticos. Si continúan así probablemente dejen de escribir. Todo porque les pareció que sus diálogos no eran lo bastante buenos.

En un disparate.

Si está dispuesto a escribir cuarenta o sesenta páginas de diálogos malísimos, éstos se irán aclarando por sí solos durante el propio proceso de la escritura. Cuando llegue al final del primer borrador preliminar se asombrará del cambio que se ha producido. Cuando reescriba esas páginas, sus diálogos habrán mejorado enormemente.

El diálogo está en función del personaje.

Hay herramientas que lo ayudarán a escribir diálogos más eficaces. Una es utilizar un grabador para grabar conversaciones. Grabe una conversación con un amigo o conocido. Rebobine la cinta y escúchela. Observe lo fragmentaria que es., lo rápidamente que van y viene las ideas. Si quiere ver qué aspecto tienen los diálogos «de verdad», pásela a máquina dándole forma de guión. Esté atento a las peculiaridades e inflexiones, encuentre el estilo del discurso, la fraseología. Luego piense en su personaje hablando con esos «ritmos» o en ese «lenguaje».

Escribir buenos diálogos es un proceso empírico; cuanto más se hace, más fácil resulta. No se preocupe en un primer momento por lo buenos o malos que sean; deje que la capacidad creativa se manifieste. Confíe en el proceso; es más grande que usted. Permita a sus personajes hablar con su propia voz; limítese a seguir escribiendo. Sea consciente de cualquier juicio o valoración que haga, y no permita que lo influyan. Es más fácil decirlo que hacerlo, por supuesto. ¡Déjese llevar! ¡Escriba diálogos horribles! No se quede bloqueado en el intento de escribir diálogos perfectos desde la primera página.

La gente no habla con una prosa clara y elegante. Hablamos de manera fragmentaria, sin terminar las frases, con pensamientos incompletos, cambiando de humor y de tema en un abrir y cerrar de ojos. Limítese a escuchar a la gente. Lo oirá todo; conseguirá una percepción totalmente nueva de cómo habla la gente. El secreto de los diálogos no está en una hermosa prosa o en los pentámetros yámbicos.

Unos diálogos buenos y eficaces hacen avanzar la historia y obligan al lector a seguir pasando las páginas. Y ésa es la tarea del guionista: un guión es una experiencia de lectura antes de convertirse en una experiencia visual.

¿Qué es lo que hace el diálogo? ¿Cuál es su función?

En primer lugar, el diálogo hace avanzar la historia.

En segundo lugar, el diálogo comunica hechos e información al público.

En tercer lugar, el diálogo revela al personaje. Un personaje habla sobre sí mismo, o son otros personajes los que hablan de él. Cada vez que un personaje interactúa con el protagonista, él o ella «ilumina» aspectos del protagonista, como cuando se enciende una lámpara en una habitación a oscuras. El diálogo ilumina; revela algo sobre el personaje.

La exposición (información, dentro de la historia principal, que el espectador necesita para entender plenamente) de los hechos se consigue generalmente a través del diálogo; los personajes hablan de lo que ocurrió con el fin de establecer la línea argumental. Un exceso de exposición resulta trivial e inútil. En realidad no es necesaria demasiada exposición; sólo la suficiente para plantear la historia; probablemente baste con una escena, como en Indiana Jones y los cazadores del arca perdida. O visualmente, como en Gente como uno (Ordinary People).

Hay otras formas de hacerlo: una fotografía fija con una narración en off «ex. pone» algo sobre el personaje.

En cuarto lugar, el diálogo establece relaciones entre los personajes. Una vez definido el punto de vista de su protagonista, puede utilizar el diálogo para crear un punto de vista igual y opuesto que genere conflicto y haga avanzar la historia.

El diálogo también comenta la acción.

El diálogo también relaciona escenas entre sí. Puede terminar una escena con un personaje diciendo algo, para cortar a una nueva escena con otro personaje que continúa el diálogo. Por ejemplo, puede que quiera escribir una secuencia de montaje —una serie de planos diferentes— haciendo hablar a su protagonista mientras va de compras, habla con su abogado, holgazanea junto a la piscina, se maquilla, se sube a un taxi y llega a la ópera, donde se encuentra con su marido, amante, amigo o conocido, y el diálogo continúa como si fuera una sola escena.

El diálogo proporciona cohesión al guión y resulta una herramienta cinematográfica muy eficaz. Es solamente una de las muchas herramientas que puede usted utilizar para desarrollar y ampliar el personaje.

Para crear personajes hay que aprender a conocerlos, y este proceso de familiarizarse con ellos es lento y doloroso.

Ejercicio

Escriba las biografías de dos o tres de sus personajes principales. Concéntrense primero en los primeros años. ¿Dónde y cuándo nació cada personaje? ¿Cómo se ganaban la vida sus padres? ¿Cómo es su relación con sus padres? ¿Tiene hermanos o hermanas? ¿Cómo es la relación entre ellos; amistosa y solidaria o iracunda y combativa?

Defina las otras relaciones que estableció el personaje. Recuerde la teoría de la iluminación: cada personaje arroja luz sobre algún aspecto de su protagonista.

¿Cómo era el personaje en la escuela primaria? ¿Buen estudiante? ¿Qué es lo que él o ella quería ser de mayor? ¿Tenía muchos amigos? ¿En introvertido o extrovertido?

Profundice en los años de la escuela secundaria. ¿Pertenecía el personaje a algún club? ¿Tenía muchos amigos y novios o novias? ¿Pertenecía a alguna banda o club social? ¿Era un buen deportista? ¿Quién fue su primer novio o novia? Algunas personas llegan al «momento cumbre» de sus vidas en la escuela secundaria; ¿le ocurrió esto a su personaje?

¿El personaje fue a la universidad? ¿Y después de la universidad? Si el personaje no fue a la universidad, ¿qué hizo?

Elabore una biografía de los personaje que cubra la vida de cada uno de ellos hasta el momento en que empieza su historia.

Escriba entre tres y cinco páginas sobre su protagonista, y el mismo número de páginas para dos de los otros personajes principales. Piense en el personaje durante algunos días y reserve después algún momento en el que pueda trabajar dos o tres horas sin interrupciones. Puede que le sirva de ayuda trabajar con luz tenue o escuchar música suave. Cuando se haya puesto cómodo, empiece a «lanzar» sus pensamientos, ideas y sentimientos sobre el personaje. Limítese a dejarlo salir. No se preocupe de la gramática, la puntuación, la ortografía o el mal estilo. Simplemente ponga sus ideas sobre el papel, sin preocuparse de nada más. No va a enseñarle estas páginas a nadie; sólo es una herramienta a utilizar en el proceso de descubrir a sus personajes, de «llegar a conocerlos». Es posible que más adelante quiera incluir en su guión una parte de la biografía del personaje; estupendo. Pero, por ahora, limítese a poner a su personaje sobre el papel. Haga asociaciones libres. Déjese llevar; permita que su personaje se descubra a sí mismo.

La biografía del personaje es un proceso que revela al personaje. A través de él podrá «encontrar la voz de su personaje».

Lo que escriba ahora prepara el terreno para lo que vendrá más adelante. Simplemente empiece a escribir, sin parar ni interferir en el proceso. Si escribe diez páginas, no las reescriba para reducirlas a cinco, porque perderá la espontaneidad.

Cuando preparo la biografía de un personaje, generalmente escribo alrededor de veinte páginas. Empiezo por los abuelos, luego paso a los padres y luego al personaje. Puedo incluso utilizar vidas pasadas o información astrológica.

Siga el mismo procedimiento para la vida profesional., personal y privada de su personaje. Escriba una o dos páginas sobre la manera de ganarse la vida de su personaje. ¿Qué relación mantiene con las personas con las que trabaja? Defínala.

Haga lo mismo con el aspecto personal de su vida. Defina las relaciones. Lo mismo con el aspecto privado, las aficiones, intereses y deseos. Profundice en la vida de su personaje y escriba «un día en su vida»; lo que él o ella hace desde el momento en que se levanta de la cama hasta que se va a dormir por la noche. Escríbalo en una o dos páginas. Si necesita escribir más, escriba más. Si puede hacerlo en menos, hágalo en menos.

Si descubre alguno de los aspectos de la vida de un personaje sobre los que se siente un tanto inseguro o indeciso, escríbalos en una o dos páginas. Limítese a hacer asociaciones libres. La relación entre usted y sus personajes es como la relación que existe entre buenos amigos. Usted decide qué es lo que necesita y luego lo define.

Si no sabe si debería escribirlo o no, ¡escríbalo! Es su guión, su historia, sus personajes, sus elecciones dramáticas.

Cuando haya terminado su tarea, conocerá a sus personajes como si «llevaran viviendo un mes en el mismo hotel».

Y de eso se trata, precisamente.

7

La dinámica visual del personaje

En donde ilustramos los modos de revelar visualmente al personaje

En la película inglesa El largo Viernes Santo (The Long Good Friday), dirigida por John MacKenzie y escrita por Barrie Keeffe, Bob Hoskins interpreta a Harold Shand, un gángster inglés que intenta construir un centro internacional de juego de dimensiones gigantescas en una zona en ruinas de los muelles de Londres. Cuando está esperando conseguir ayuda financiera de unos gángsters americanos, Shand se entera repentinamente que alguien quiere detener la operación. Un ayudante de importancia vital para la empresa es asesinado en la ducha; otro muere en una explosión cuando salía de la misa del domingo, y momentos antes de la reunión decisiva con los americanos el restaurante es volado en pedacitos.

Shand se siente aturdido. ¿Quién está haciendo esto? Y lo que es más importante, ¿por qué?

Se pone hecho una furia y peina todo el mundo del hampa para averiguar las razones de lo que está ocurriendo y encontrar a los responsables. Se entera de que su ayudante de confianza está directamente implicado en la conspiración, y en un ataque de rabia lo mata a bordo de su yate. Cuando se marcha está totalmente cubierto de salpicaduras de sangre.

Regresa a su lujoso departamento y lo primero que hace es darse una ducha. Es un momento revelador. Lo vemos de pie bajo la ducha, dejándose empapar por el agua caliente. La cámara se detiene sobre él, y lo vemos desnudo y solitario, intentando «lavar» su furia y su rabia por la traición que sufrió. La ducha es una metáfora visual.

Al observar a Shand cobramos conciencia de la tristeza y aislamiento del personaje; ¿quién odia tanto a este hombrecito como para hacerle esto? El agua que se derrama sobre él es un presagio de la purificación que se producirá más tarde, esa misma noche, en preparación de su muerte.

Esta ducha es un momento maravilloso desde el punto de vista cinematográfico. Funciona a todos los niveles y expande visualmente nuestro conocimiento y comprensión del protagonista. Son este tipo de escenas las que constituyen la dinámica visual del personaje.

El cine es un medio visual —imágenes en movimiento— y un guión es una historia contada en imágenes. En un buen guión, la historia está escrita en imágenes de manera que puede verse la historia sobre la página.

Hay una gran diferencia entre el cine y la televisión. Cuando se escribe para la televisión, hay que tener en cuenta que la emisión se interrumpe para la publicidad cada diez o doce minutos, y es necesario estructurar la historia en consecuencia. (En una película para televisión hay, por lo general, entre siete y nueve interrupciones para publicidad; cada acto no se corresponde con una pausa para publicidad.)

Como miramos la televisión (es decir, la «contemplamos»), la televisión en un «medio hablado». Cabezas parlantes. Describen sus sentimientos con palabras; no los revelan en imágenes.

En el cine se «enseña» la historia, se cuenta en imágenes. El conocimiento de los recursos visuales a su disposición aumenta su capacidad para percibir la relación entre la historia y la imagen. La dinámica del cine es visual. La acción visual revela al personaje.

Piense en ello. La acción es el personaje. Una persona es lo que hace, no lo que dice.

Ladrón, escrita y dirigida por Michael Mann, nos proporciona un ejemplo excelente. En el robo con que abre la película —una secuencia de diez minutos sin ningún diálogo— nos enteramos de varias cosas sobre Frank, el protagonista. En primer lugar, es un genio absoluto de su oficio. Se abre paso a través de las gruesas paredes de la bóveda de un banco con un soplete diseñado especialmente para ello, luego vacía los cajones llenos de diamantes para llevarse sólo las piedras de mejor calidad y sin tallar y tira las demás al suelo.

Cuando termina el trabajo, se reúne con su compañero, salen del banco, se suben al coche que tiene preparado para escapar y conduce lentamente por las calles vacías. Se detiene frente a un garaje vacío, entra con el coche, cierra la puerta y tira la llave; los dos hombres se suben a dos coches distintos y se pierden en la noche. Es una secuencia magistral, que expone la maestría de las cosas bien hechas.

Cuando Frank le dice a Jessie quién es y lo que hace, sabemos todo lo que nos hace falta saber sobre él.

FRANK

¿Qué crees que hago? Llevo pantalones de ciento cincuenta dólares, camisas de seda, trajes de ochocientos dólares, un reloj de oro y un anillo con un diamante perfecto de tres quilates, sin un solo defecto…

(pausa)

Cambio de coche como otros tipos cambian de zapatos.

(Jessie lo mira)

Eh, cariño -- soy un ladrón. Estuve en la cárcel.

La película tiene que comunicar cosas sobre el personaje. Esa es la razón de que la dinámica visual sea tan importante. Frank es un «solitario», un ex-convicto que quiere llevar una vida «normal»: mujer, familia, casa, dos coches en el garaje. Le enseña a Jessie un «collage» que siempre lleva consigo. Las fotos del collage revelan su necesidad dramática, la fuerza que lo impulsa a lo largo de toda la película. Y el robo revela a su personaje.

¿Cuáles son los recursos visuales que pueden utilizarse para revelar al personaje?

En primer lugar, la descripción física: puede describir brevemente a su personaje (rechoncho, fuma un cigarrillo tras otro, de cuarenta y tantos años); describir la casa (grande y ostentosa); el coche (un modelo reciente y lujoso) o el atuendo (elegante) de su personaje. No se pare demasiado en detalles; generalice. No necesita más de cuatro frases para describir a su personaje: vive en «un departamento lleno de cromados y cristales con pinturas modernas en las paredes». Con eso sabemos todo lo que nos hace falta saber sobre el personaje visualmente. Una buena descripción de un personaje es breve, lúcida y pertinente.

El escenario también puede revelar al personaje. En El audaz, cuando Eddie Felson pierde frente a Minnesota Fats, abandona a su socio y se dirige al único sitio que está abierto a esas horas de la noche: la terminal de autobuses. Una terminal de autobuses es un lugar en el que la gente viene y va, llega y se marcha; un lugar de transición. Fast Eddie, que no tiene a donde ir, sin meta ni propósito, sin dinero, se encuentra en un estado de transición.

En la misma película, el personaje Sarah Packard tiene un defecto físico (cojea al andar). El defecto representa su estado de ánimo: está emocionalmente lisiada. Una condición física resulta un buen recurso visual para revelar al personaje.

Sam Peckinpah y Walon Green, autores de La pandilla salvaje (The Wild Bunch), describen a Pike Bishop como un hombre «que cojea al caminar, siempre ligeramente dolorido». Es un lisiado, un «hombre que no cambió viviendo en una época de cambios».

En Little Fauss and Big Halsy, escrita por Charles Eastman y dirigida por Sidney J. Furie, Halsy Knox, interpretado por Paul Newman, tiene una larga cicatriz que recorre el centro de su espalda, y en el transcurso de la película nos enteramos de que «no tiene agallas». La cicatriz se convierte en una manifestación física de un estado emocional.

Muestre aspectos de su personaje. En la obra maestra de Renoir, La Grande Illusion, el Capitán von Rauffenstein es un aristócrata, oficial del ejército alemán durante la Segunda Guerra Mundial, que está al mando de un campo de prisioneros. En una escena memorable, von Rauffenstein cuida de una única flor que tiene en el alféizar de la ventana, mientras explica que es la única nota de color en ese entorno deprimente.

Otra clave para escribir un buen guión es la interacción dinámica entre el sonido y la imagen. Son dos sistemas que van por separado en el proceso de realización de una película. Cuando se filma un guión, las pistas de imágenes y de diálogos se editan en secuencia y luego se edita una primera copia que después se perfecciona hasta tener una copia definitiva, que se «sella»: ya no es posible alterar la película. Luego las diversas pistas de sonido, efectos musicales, etc., unas quince o veinte pistas distintas, se cortan, se editan y por último se «sellan». En el estudio de grabación se «doblan» las pistas de imágenes y sonido, uniéndolas en una sola banda de película. Esta es una «primera copia». Todavía tiene que pasar por muchas más etapas entes de llegar al estreno[1].

Cuando yo escribía y producía documentales televisivos para David L. Wolper, teníamos una «regla» para nuestros programas; era muy simple: «no le cuentes nunca a la gente lo que está viendo».

«No digas lo que enseñas» era un lema simple, pero eficaz, que nos permitía extender las dimensiones de nuestro tema. Lo que se decía no tenía nada que ver con lo que se mostraba. De ese modo ampliábamos el conocimiento del personaje por parte del espectador.

La pista de sonido y la pista de imagen pueden utilizarse para complementarse mutuamente y ampliar la percepción de la historia y el personaje. Es un recurso visual.

La voz en off es un mecanismo cinematográfico muy eficaz. Un buen ejemplo es el principio de Apocalypse Now, escrita por John Milius y Francis Ford Coppola. Cuando empieza la película oímos el sonido de helicópteros en la distancia y vemos la deslumbrante llamarada del napalm que explota en la jungla; en la pista de sonido oímos a Jim Morrison y The Doors cantando «The End». Lentamente descendemos hasta la pesadilla de Benjamin Willard. Oímos su voz en off contándonos que está «en Saigón, buscando una misión. Cuando volvía a casa de permiso quería estar de vuelta en Saigón. Cuando estoy en Saigón, quiero volver a casa de permiso». ¡Eso es cine! El sonido y la imagen fusionados para crear una experiencia fuera de lo común.

En El año que vivimos en peligro (The Year of Living Dangerously), Billy Kwan tiene expedientes de sus amigos y socios, y mientras lo vemos escribiendo a máquina en su pequeño «bungalow», oímos sus pensamientos, sentimientos y observaciones acerca de la persona sobre la que está escribiendo y vemos una foto fija de esa persona. Conocemos al personaje visualmente.

Las fotos fijas, los álbumes de recortes y de fotos, los titulares de diarios y otros recuerdos pueden crear esta clase de dinámica visual. Mostrar una cosa y hablar de otra.

En Mi vida es mi vida (Five Easy Pieces), escrita por Adrien Joyce, Robert Eroica Dupea es un palurdo que trabaja en los campos de petróleo, se entera de que su padre sufrió una apoplejía y decide que tiene que volver a su casa de Seattle. Damos por supuesto que procede de una familia trabajadora.

Cuando llega a su hogar nos enteramos de que procede de una familia de clase media-alta, lo que choca visualmente con lo que vimos en el Acto I. Esto dice mucho sobre el personaje: no le gusta ser quien es.

El director Bob Rafelson nos muestra a Robert mirando un grupo de fotografías de familia colgadas en la pared y vemos varias fotos de él de pequeño. Mientras él examina las fotos, nosotros podemos examinar su rostro, tenso y endurecido, en violento contraste entre lo que era y lo que es.

Si quiere escribir una escena o secuencia que muestre una serie de escenas o fotos fijas con un diálogo en off escriba primero el diálogo sin preocuparse de la parte visual. Asegúrese de condensar el diálogo cuanto pueda.

Luego indique en otra página las fotos fijas o escenas en el orden en que quiere utilizarlas (Series de planos, montaje/perdigonada, montaje). Si sólo está utilizando fotos fijas, describa cada una de ellas en una ficha de 9 × 15 cm y luego juegue con la progresión visual. Elija con cuidado. No utilice más de cuatro o cinco fotos fijas en la secuencia.

Cuando haya escrito el diálogo y la progresión de imágenes, tome un tercer papel e intercálelos. Luego dé los últimos toques a la escena, entretejiendo las palabras y las imágenes de manera que queden bien ajustadas. Si no funciona bien, busque otras imágenes que funcionen mejor y suavice las transiciones hasta que la secuencia fluya con facilidades.

Robert Towne comentaba en una entrevista que la televisión nos enseña a escribir mal porque hay que escribir sobre lo que se está viendo: hay que escribir sobre «el problema». No hay oportunidad alguna de crear algún tipo de subtexto para una escena. El subtexto es lo que ocurre por debajo de la superficie de la escena: pensamientos, sentimientos, juicios… lo que no está dicho, en lugar de lo que se dice.

En Dos extraños amantes hay un ejemplo maravilloso de esta situación.

ALVY

(señala con un gesto las fotos de la pared)

Son… son… son estupendas, sabes.

Tienen… tienen, aah… algo… algo especial.

Subtítulo: Eres una chica muy atractiva.

ANNIE

… Me… me… me gustaría inscribirme en algún curso serio de fotografía dentro de poco.

Subtítulo: Seguramente piensa que soy una tarada.

ALVY

La fotografía es interesante, porque, sabes, es… es una forma de arte nueva, y aah… eeh… todavía no se ha establecido un conjunto de criterios estéticos.

Subtítulo: ¿Me pregunto qué tal estará desnuda?

El flasback es un recurso visual consistente en intercalar una escena del presente con una escena del pasado, como la secuencia del ahogado en Gente como uno o la secuencia de la violación en Perdidos en la noche (Midnight Cowboy). Los flasbacks (escenas retrospectivas) pueden ocupar un fragmento de una escena, una escena completa o la mayor parte de la película. Pequeño gran hombre (Little Big Man) abre con Jack Crabb concediendo una entrevista a un periodista cuando cumple 102 años, y luego vemos la historia que está contando.

Los guionistas principiantes tienen tendencia a utilizar los flashbacks cuando no son necesarios, con lo que se ha convertido en un recurso súperexplotado. Un flashback puede contribuir a desarrollar la historia si usted es creativo (como en Los sospechosos de siempre [Usual Suspect]), pero a veces puede interponerse en su camino.

Si decide utilizar flashbacks, hágalo con cuidado. No siempre la manera más fácil de mostrar algo es la mejor. La película se ocupa del momento presente, al menos que necesite revelar algo que resulte esencial; no entorpezca el curso de la acción.

Si va a utilizar un flasback, estructúrelo cuidadosamente, como hizo Alvin Sargent en Gente como uno. Si utiliza esta herramienta, proyecte cuidadosamente cómo va a hacerlo y estructúrela, intercalándola en la acción de manera que se convierta en parte integral del guión, como un cubito de hielo en el agua.

Hay otros métodos visuales para desarrollar el personaje. Puede hacer que su personaje escriba en una agenda o diario; también puede utilizarse flashforwards (escenas de anticipación) y efectos especiales, como en La guerra de las galaxias (Star Wars). Los efectos de silencio y de sonido pueden emplearse para realzar y aclarar la acción.

¿Se le ocurre cualquier otra cosa que podría serle útil? Anótela. Utilícela.

Está contando su historia en imágenes, así que encuentre el mejor modo de presentar visualmente a su personaje.

Ejercicio

Reflexione sobre la dinámica visual del personaje. ¿Qué es lo que se lo ve «hacer» a su personaje en el transcurso de su guión? ¿Se lo ve escribir en una agenda o diario? ¿Puede utilizar un narrador para su historia, como hace Terrence Malick en Days of Heaven? Si este recurso no funciona para su historia, busque otra manera de hacerlo.

¿Y los flashbacks? ¿Son necesarios? ¿Puede utilizar noticieros o películas caseras, como hace Sydney Pollack en Ausencia de malicia? Abre la película con la «película» del FBI de Michael Gallagher asistiendo al funeral de su padre. El resultado es conciso y escueto, y funciona.

Vea cómo su historia se presta a cualquier tipo de recurso visual. Piense en términos de imágenes sobre cómo puede desarrollar visualmente la acción de su personaje.

La acción es el personaje.

Deje que su historia le diga lo que puede utilizar o no.

Segunda parte

La ejecución

8

La estructura del Acto I

En donde «empezamos» a poner palabras sobre el papel

Ya hemos hecho nuestra preparación: hemos partido de una idea expresada en tres frases y la hemos desarrollado en un treatment de cuatro páginas centrándonos en la estructura dramática, el final, el principio, el primer plot point y el segundo plot point. Hemos preparado las biografías de nuestros personajes, definiendo las necesidades y puntos de vista dramáticos, y hemos llevado a cabo las investigaciones que hemos considerado necesarias.

¿Y ahora qué? ¿Cuál es el paso siguiente en el proceso de escribir un guión?

Estructurar el Acto I.

El Acto I es una unidad o bloque de acción dramática. Comienza en la página uno y termina en el plot point al final del Acto I. Tiene treinta páginas de extensión y se enmarca en el contexto dramático conocido como planteamiento.

En esta primera unidad de treinta páginas tiene que presentar la historia, los personajes y la situación. Todo en el Acto I está relacionado con el planteamiento.

Su historia tiene que plantearse de inmediato, en las primeras diez páginas. Es el contexto dramático que mantiene todo en su lugar, que encuadra el contenido o acción.

El principio de Cuerpos ardientes es un ejemplo excelente. Las primeras palabras de la primera página describen toda la película. «Llamas sobre un cielo nocturno». Ned Racine se nos presenta como un abogado descuidado, chapucero e incompetente en busca de un tanto fácil.

En las segundas diez páginas, después de su encuentro con Matty Walker, vemos cómo la busca; y en las últimas diez páginas, cómo la encuentra. Se toman una copa y ella consciente en dejarlo volver con ella a casa (ella insiste en que no va a pasar nada) para ver «su colección de campanas de viento». Cuando llega el momento de marcharse, él se detiene un momento, sin terminar de decidirse. La desea. Se dirige a su coche y se queda mirando a Matty a través de los grandes ventanales a cada lado de la puerta principal. La música llega a un «crescendo», se siente abrumado por el deseo y se dirige hacia ella, incapaz de detenerse. Carga directamente contra los cristales, la toma entre sus brazos y le hace el amor apasionadamente en el suelo.

Ese es el Acto I, una unidad de acción dramática de treinta páginas de extensión.

Lawrence Kasdan, el guionista y director de Cuerpos ardientes, planteó la historia desde el principio, desde las primeras palabras del guión, «llamas sobre un cielo nocturno». Cuerpos ardientes es una historia de deseo, pasión y traición, y en las primeras treinta páginas todo cumple la función de plantear o presentar al personaje de Ned Racine.

El Acto I es la presentación de su historia, y por lo tanto tiene que «diseñarlo» cuidadosamente. Lo primero que tiene que establecer es el contexto dramático. ¿Qué es lo que da unidad al acto? ¿Qué es lo que necesita para plantear su historia? ¿Se trata de plantear que E.T. perdió la nave de vuelta a casa y lo dejaron «plantado» en un planeta extraño? ¿Está presentando a un individuo de fuerte voluntad como Gandhi? ¿Está presentando y planteando el personaje del periodista novato que llega a un país extranjero, como Guy Hamilton en El año que vivimos en peligro?

Decida lo que quiere mostrar. Defínalo. Descríbalo.

Ahora está listo para estructurar el Acto I. Agarre unas cuantas fichas de 9 × 15 y empiece a exponer su historia, utilizando una ficha por escena. ¿Dónde se inicia la historia?

Escriba la escena inicial en fichas de 9 × 15; no toda la escena, simplemente la idea para la escena. Utilice sólo unas cuantas palabras por ficha, no más de cinco o diez. Escriba luego la siguiente escena en otra ficha, limitándose siempre a unas cuantas palabras. Por ejemplo, si su historia trata de un periodista americano enviado a cubrir una información a París, que conoce a una joven francesa y se enamora, sus fichas podrían decir:

Ficha #1: Llega a París.

Ficha #2: Se aloja en un hotel. Llama a su mujer.

Ficha #3: Encuentro con el director del diario.

Ficha #4: Recibe instrucciones sobre su hombre y su tarea.

Ficha #5: Ve a su hombre en una recepción oficial. No habla con él.

Ficha #6: Llega al Ministerio de Cultura.

Ficha #7: Entrevista al sujeto.

Y así sucesivamente, escena por escena, ficha por ficha, hasta llegar al plot point al final del Acto I, cuando «conoce a la joven» de la que se enamora.

Puede hacerlo todo en catorce fichas. Prepare las fichas de una en una, desde la primera escena hasta el plot point al final del Acto I. Haga asociaciones libres. ¿Qué ocurre? ¿Qué ocurre a continuación? Puede que quiera añadir algunas palabras de diálogo en las fichas para ayudarlo a suavizar el discurrir de la línea argumental. No sea demasiado concreto; muéstrese impreciso y generalice, presentando la acción a grandes rasgos.

Si quiere una secuencia de acción, escriba simplemente «secuencia de persecución» o «secuencia del robo» o «secuencia de pelea» o «secuencia de carrera»; en esta etapa de basta con eso.

Hay personas que llenan las dos caras de la ficha de 9 × 15 con detalladas descripciones y diálogos. Cuando empiezan a escribir su guión, se limitan a pasar al papel lo que escribieron en las fichas. Esto no da resultado. Cuando esté haciendo las fichas, haga las fichas. Cuando esté escribiendo el guión, escriba el guión.

La escritura de un guión es un proceso; cambia continuamente; no puede definirse o reestructurarse demasiado. Tiene que dejarse libre y abierto, sin limitaciones.

Haga las fichas para el Acto I. Realice asociaciones libres. Anote rápidamente sus ideas; siempre podrá cambiarlas más tarde. Cuando termine (normalmente tardará unas cuantas horas), lea las fichas una y otra vez, puliendo el lenguaje para que se lea fácilmente. Cambie las fichas que quiera; barájelas si es necesario para que la trama argumental se lea con más fluidez. Cada ficha hace avanzar la historia, paso a paso, escena a escena.

Cuando haya terminado de estructurar el Acto I, estará preparado para definir la historia previa (backstory) o historia preliminar.

La historia previa es lo que le ocurre a su protagonista un día, una semana o una hora antes del comienzo de su historia.

¿Qué ocurre? ¿Cuál es la primera escena que va a escribir? ¿Dónde tiene lugar? ¿Cuándo sucede? Y lo más importante: ¿de dónde viene su personaje?

Muchas veces, la gente empieza a escribir un guión y no sabe a dónde va. Dedican diez o doce páginas solamente a buscar la historia, sin saber qué es lo que falla, sólo que resulta «aburrida y trivial». Así es como se abren paso a través de las primeras escenas.

Como guionista, tiene que conectar con el espectador de inmediato, desde la primera página, igual que en Cuerpos ardientes. No tiene tiempo de averiguar de qué trata su primera escena. Usted tiene que saber de qué trata.

Si no lo sabe usted, ¿quién va a saberlo?

La historia previa lo ayuda a entrar en el guión generando una fuerte tensión dramática de inmediato. ¿Qué le ocurre a su personaje un día, una semana o una hora antes de que comience la historia?

Supongamos que su guión abre con el protagonista llegando al trabajo un lunes por la mañana. La historia previa podría ser que el viernes por la tarde su personaje fue a hablar con su jefe o jefa y le pidió un aumento de sueldo que le fue negado.

El personaje se va a su casa y sufre durante todo un largo fin de semana. Usted abre su guión el lunes por la mañana, en el momento en el que su personaje llega al trabajo. Imagíneselo saliendo del ascensor: ¿está ceñudo y con los labios apretados, o se muestra alegre y despreocupado?

¿Ve cuál es el efecto de la historia previa? Le permite entrar en la acción desde la primera página y la primera palabra. Conoce inmediatamente el objetivo de la escena inicial, no tiene que «buscarlo» o intentar imaginarse lo que va a ocurrir en ella. Esa escena es siempre más difícil de escribir. Con la historia previa puede conseguir el máximo valor dramático desde la primera página.

La historia previa permite iniciar su guión con una fuerte tensión dramática: «saltar» al interior de su historia con un principio lleno de movimiento. No tiene que dedicarse a buscar su historia en las primeras páginas.

Puede pasar de no saber cómo empieza su historia a saber lo que tiene que hacer exactamente para iniciarla de una manera dramática, eficaz y visual. Recuerde que sólo dispone de diez páginas para enganchar al lector.

Si su guión tiene una «obra dentro de la obra», como, por ejemplo, un programa de radio, una serie de televisión, una obra de teatro o una película, tiene que ser capaz de exponer en unas cuantas frases de qué trata la historia. De ese modo puede estructurar una progresión de la historia dentro de la historia para influir emocionalmente en la necesidad dramática del protagonista.

¿Conoce la historia previa de su guión?

¿Qué le ocurre a su protagonista un día, una semana o una hora antes del principio de su historia?

Escríbalo en unas cuantas páginas.

A veces hay gente que me dice que su historia previa les gusta tanto que van a iniciar su guión con ella.

Estupendo.

Si eso ocurre, simplemente escriba otra historia previa; tiene que saber siempre de dónde viene su personaje, lo muestre o no. Los actores lo hacen continuamente; antes de entrar en una escena, el actor tiene que saber de dónde viene, cuál es el propósito de la escena y dónde va a ir cuando ésta termine. Se trata sencillamente de estar bien preparado.

Haga lo mismo con la historia previa.

A veces la historia previa pasará a ser parte del guión, y otras veces no. Depende de cada guión.

Ejercicio

Defina el contexto dramático del Acto I.

Luego estructure la acción del Acto I en catorce fichas de 9 × 15 cm Recuerde que el Acto I es una unidad de acción dramática, de treinta páginas de extensión, que se enmarca en el contexto dramático conocido como planteamiento.

Exponga la historia en fichas, con una escena por ficha, sin utilizar más que unas pocas palabras en cada ficha. Empiece por el principio de su historia y vaya avanzando con la acción que conduce al plot point del final del Acto I. Haga asociaciones libres. Usted sabe a dónde va, lo único que tiene que hacer es llegar allí. Cuando haya terminado las fichas, léalas una y otra vez. No cambie nada hasta que no sienta el «impulso» de hacerlo. Cambie luego una palabra aquí y otra allá para que las fichas se lean con fluidez y sin problemas. Describa la trama argumental a grandes rasgos.

Cuando haya hecho las fichas, escriba la historia previa. Recuerde que influirá en la acción de las diez primeras páginas. Observe su escena de apertura. ¿Dónde tiene lugar? Descríbala. Defínala.

Cuando se inicia el guión, ¿de dónde viene su protagonista?

Limítese a hacer asociaciones libres. Escríbala sin preocuparse de la gramática o la puntuación o los huecos que pueda tener la historia. ¿Puede presentar la historia previa en términos de principio, medio y fin? La historia previa generalmente puede escribirse en un par de páginas, pero utilice más si las necesita. No importa lo larga o corta que sea. Se trata simplemente de una herramienta de trabajo en el proceso de escritura del guión, uno de los muchos secretos de un principio dinámico y cinematográfico.

9

Las diez primeras páginas

En donde consideramos la importancia de las diez primeras páginas

Durante los dos años en los que fui director del departamento de guiones de Cinemobile Systems, leí más de 2000 guiones y casi cien novelas. Si me gustaban la trama argumental o la situación y la forma en que estaba escrito, lo leía; si no, no lo leía.

Entre todo el material sólo encontré cuarenta guiones que merecieran ser presentados a nuestros socios para su posible producción. De esos cuarenta se hicieron unas treinta y siete películas, entre ella Jeremiah Johnson, Alicia ya no vive aquí (Alice Doesn’t Live Here Anymore), El viento y el león (The Wind and the Lion) y Taxi Driver. Cuando empecé a examinar esos guiones, empecé a desarrollar mi comprensión sobre el arte de escribir guiones.

Empecé por preguntarme qué hacía que esos cuarenta guiones fueran mejores que los otros 1960 que había leído, y durante mucho tiempo no encontré ninguna respuesta. Cuando se me ofreció la oportunidad de impartir un curso de escritura de guiones, me vi obligado a recurrir a mi propia experiencia como guionista y lector para preparar el material lectivo. Al principio no sabía demasiado; mis alumnos me lo enseñaron todo.

Aprendí que lo primero en lo que se fija un lector es el modo en el que el autor pone las palabras sobre el papel; el estilo de la escritura. Lo segundo es de qué y de quién trata la historia. Lo tercero si la acción y los personajes son «presentados» en un contexto dramático fuerte.

Tomaba la mayor parte de las decisiones en las diez primeras páginas. ¿Tenía que seguir leyendo? ¿Quería seguir leyendo? ¿Cuál es la historia? ¿Quién es el protagonista? ¿Cuál es la premisa dramática? ¿De qué trata? Descubrí que podía darme cuenta de si un guión funcionaba o no en las diez primeras páginas.

Sólo tiene diez páginas para enganchar al espectador. Más le vale asegurarse de que esas diez páginas son concisas, claras y ajustadas.

En mis talleres de escritura de guiones de ocho semanas, nos pasamos las cuatro primeras semanas preparando el material y la segunda mitad del curso escribiéndolo. Yo insisto en el hecho de que las diez primeras páginas del guión son las más importantes. Cuando se siente a escribir las primeras páginas, tiene que pensar en términos de escribir una unidad separada de acción dramática o cómica. Tiene que diseñar esas diez primeras páginas con habilidad, economía e imaginación.

Tiene que atrapar la atención del espectador de inmediato. No tiene tiempo para desviarse en busca de su historia. Si no logra centrar el interés del espectador en su historia en las diez primeras páginas, lo pierde. Tiene que presentar tres elementos principales en esas diez primeras páginas.

¿Quién es el protagonista? ¿De quién habla su historia?

¿Cuál es la premisa dramática? ¿De qué trata su historia?

¿Cuál es la situación dramática? ¿Cuáles son las circunstancias que enmarcan la acción?

Estas tres cosas tienen que aparecer en las diez primeras páginas. Una vez que haya decidido cómo va a incorporar estos tres elementos, puede diseñar y estructurar las diez primeras páginas como una unidad o bloque de acción dramática.

¿Cuál es su escena inicial? ¿Dónde tienen lugar? ¿Es una escena de diálogo o una serie de planos? ¿Quiere que su guión empiece evocando un estado de ánimo? ¿O presentando el ambiente de un tiempo y un lugar determinados? Quizás quiera que empiece con una secuencia de acción emocionante. ¿Quiere que el principio sea estridente y ruidoso, o tenso y lleno de suspense? ¿Un coche que recorre las calles desiertas por la noche, o un hombre paseando por un parque muy concurrido un domingo por la tarde?

¿Qué está haciendo su protagonista? ¿De dónde viene? ¿A dónde va? Piense en ello. Articúlelo. Estructúrelo.

¿Va a poder establecer la premisa dramática en la primera escena? ¿O va a hacerlo en la quinta escena? ¿Tiene la escena lo bastante clara en la mente como para darle forma dramática? Si empieza con una secuencia de acción, estructure la acción en principio, medio y final. Elija luego la parte más emocionante y empiece por ahí. Consiga la atención del espectador. ¿Ve la primera escena en primeros planos o en plano general (el que abarca el campo de visión más amplio)? Busque impresiones visuales que hagan funcionar la escena.

Tiene diez páginas para enganchar al espectador, así que más le vale prepararlas con cuidado, con habilidad y precisión. Más le vale saber sobre qué está escribiendo.

Porque si no lo sabe usted, ¿quién va a saberlo?

Presente a su protagonista, establezca la premisa dramática y cree la situación dramática.

Tiene que plantear su trama argumental de inmediato. Puede que le interese releer el capítulo 6 («Finales y principios») y el capítulo 7 («El planteamiento») de «El libro del guión».

La escena inicial de Ladrón es un buen ejemplo: una tensa escena de acción, en la que Frank lleva a cabo un sofisticado robo de joyas. Nos damos cuenta inmediatamente de que él es el protagonista y un maestro en su oficio. Cuando el encargado de esconder las joyas es asesinado en la página seis, él quiere recuperar sus diamantes, pero sólo lo que es suyo, ni más ni menos. Esa es la premisa dramática de la película.

El protagonista y la premisa dramática quedan definidos de inmediato. Vemos que Frank es propietario de un negocio de venta de autos de segunda mano, y más adelante nos enteraremos de que pasó once años de su vida en la cárcel (la situación dramática) y de que quiere casarse con Jesse.

Cuerpos ardientes abre con Ned Racine mirando por la ventana a un fuego lejano mientras Ángela, la chica que sedujo la noche anterior, se pone la ropa. Racine dice que «probablemente fue uno de mis clientes» el que prendió el fuego, y más adelante nos enteraremos de que uno de sus clientes es un pirómano. En la página tres está en la sala del tribunal con su amigo Lowenstein, el ayudante del fiscal del condado. Nos enteramos de que Racine es un abogado «incompetente». «El juez está irritado» porque Racine ha «sido incapaz de presentar una defensa plausible», y le dice: «la próxima vez que comparezca ante este tribunal espero que tenga una defensa mejor o un mejor cliente». En la página cuatro está comiendo con Lowenstein y nos enteramos de que Racine es un hombre que está «buscando un golpe de suerte». Esto nos dice mucho sobre el personaje.

Lo vemos en su despacho profesional en la página seis, con la anciana Mrs. Singer. Racine la envió a un médico que no está dispuesto a testificar a su favor, así que le dice que buscará a otro médico «más comprensivo». «Demandaremos a esos bastardos desconsiderados hasta dejarlos secos», añade.

En la página siete es de noche y está aburrido. Se bebe una copa en un bar y luego se pasea hasta el quiosco de música frente a la playa. Escucha la música y luego ve a Matty Walker, «esta mujer hermosa y extraordinaria» caminando hacia él. «Pasa a unos cuantos centímetros de él… el cuerpo de Racine se tambalea un instante mientras ella sigue adelante, como arrastrada por alguna fuerza».

El la sigue, y en el curso de su conversación ella le dice que es una mujer casada. El responde que tendría que haber dicho «soy una mujer felizmente casada». Ella le dirige una mirada apreciativa y dice: «No es usted demasiado elegante, ¿verdad?». Luego, como si se le hubiera ocurrido de repente: «Me gustan los hombres así».

El comenta que ella parece «bien cuidada» y luego añade: «Yo necesito que me cuiden, pero sólo por esta noche». Racine es el tipo de persona, como dice Lowenstein más adelante, que «se mete en líos por culpa de su verga». Cuando Matty derrama su Sno-Kone de cereza sobre su blusa, él va a buscarle unas servilletas de papel; pero, cuando regresa, ella se fue, perdida en la noche.

Esas son las diez primeras páginas de Cuerpos ardientes, un ejemplo perfecto de un principio bien diseñado.

Las diez primera páginas de Cuerpos ardientes

FADE IN:

EXT. NIGHT SKY

Flames in the night sky. Distant SIRENS. PULLING BACK, we see that the burning building is mostly hidden by dense, black shapes that define the oceanside skyline of Miranda Beach, Florida. We’re watching from across town. The sound of a bathroom SHOWER comes to a dripping stop at about the same time we see the naked back and head of NED RACINE. We continue to PULL BACK INTO --

RACINE’S APARTMENT - NIGHT

Racine, dressed in undershorts, is standing on the small porch off his apartment on the upper floor of an old house. Racine lights a cigarette and continues to stare off at the fire.

We’ve passed him now, into the bedroom of the apartment, and the shape of a young woman, ANGELA, flashes by, drying her body with a towel.

ANGELA (O.S.)

My God, it’s hot. I stepped out of the shower and stared sweating again.

… It’s still burning? Jesus, it’s bigger! And I thought you were making me hear those sirens.

(she giggles)

What is it?

RACINE

The Seawater Inn. My family used to eat dinner there twenty-five years ago. Now somebody’s torched it to clear the lot.

Angela reappears briefly, gathering her clothes. She sits on an unseen bed to get dressed.

ANGELA (O.S.) That’s a shame.

RACINE

Probably one of my clients.

ANGELA (O.S.)

I'm leaving.

RACINE

(back still turned)

It’s four a.m.

On the bed, Angela snaps on her bra.

ANGELA

I go on duty at Miami Airport at seven.

I wouldn’t mind having breakfast… What do you care? You’re watching the fire. You’re done with me. I’m just getting into my uniform here…

She is, in fact, slipping on the blouse of her Avis Rent-a-Car uniform. There’s a smile on her lips as she buttons up, watching Racine.

ANGELA

You’ve had your fun. You’re spent.

(trying for a straight face)

I'll just slip into my uniform here and slip away.

RACINE

My history’s burning up out here.

ANGELA

Hey, I don’t mind. I’m leaving. Why do they make these damn skirts so hard to zip…

Now, for the first time, Racine turns to look at her. She is sitting on the edge of the bed, half into her uniform. Racine smiles broadly at the sight and moves into the room. He pushes her back and they both disappear from sight, fabric rustling.

RACINE

Where’s your hat?

ANGELA (O.S.)

Hey… hey…

(giggling)

… don’t wrinkle it!

RACINE (O.S.)

'You're spent.' Where'd you hear that?

We are left looking out over the porch at the night. And we go back there, across the rooftops, to the flames.

INT. COURTROOM - DAY

An Assistant County Prosecutor named PETER LOWENSTEIN has been conferring at the bench with JUDGE COSTANZA and now they both wait as Racine comes into view to join them. The Judge is irritated.

JUDGE COSTANZA

Mr. Racine, I do no longer care whether these alleged toilets were ever actually en route from Indiana or not. I think we’re wasting our time here. It’s pretty clear your client has attempted to defraud the county in a not very ingenious manner.

(he nods at Lowenstein)

The Assistant Prosecutor has made what I consider a generous offer. And given that you’ve failed to generate even the semblance of a defense --

RACINE

Judge Costanza, perhaps when I’ve presented all --

JUDGE COSTANZA

Yeah, yeah. If I were you, I’d recommend to your client that held quickly do as Mr. Lowenstein here has suggested -- plead nolo contendré, file Chapter Eleven and agree never to do business with Okeelanta County again.

Racine is surprised and pleased.

RACINE

You would look favorably on that?

JUDGE COSTANZA

(nods)

He can walk. But don’t test my patience for even five more minutes. If he hesitates, I’ll nail him.

RACINE

I'll talk to him.

Racine starts to turn.

JUDGE COSTANZA

Mr. Racine. Next time you come into my courtroom I hope you’ve got either a better defense or a better class of client.

Lowenstein smiles.

RACINE

Thank you, Your Honor.

Racine goes back to his client, a Businessman of enormous confidence and extravagantly untrustworthy appearance.

INT. STELLA’S COFFEE SHOP - FIRST STREET - DAY

Racine and Lowenstein are seated at the counter. Racine drinks beer while Lowenstein drinks a tall iced tea very rapidly and signals for another. This place is across the street from the courthouse/police station and there are plenty of lawyers and cops around, several of whom acknowledge Lowenstein and Racine with pats or nods.

A single unit air conditioner is blowing away above the door, but it can’t compete with the blasts of hot air that come in with each new patron. All of these people, like the pedestrians outside the window, have stripped down to essentials In the infernal heat. The lawyers all carry their Jackets, but even so their shirtsleeves are sweaty. The town is sizzling.

LOWENSTEIN

—- I think I’ve underestimated you, Ned.

I don’t know why it took me so long. You’ve started using your incompetence as a weapon.

RACINE

(smiles)

My defense was evolving. You guys got scared. Costanza doesn’t like me. What’d I do to him?

LOWENSTEIN

He’s an unhappy man. Thinks he should be Circuit Court by now. Here he is in a state with really top-notch corruption and he’s stuck with the county toilets.

(he drinks)

I'm surprised you weren't in on that toilet caper. Could have been that quick score you’ve always been searching for.

RACINE

Maybe Costanza was in on it. That’s why he was mad.

STELLA, the owner of the coffee shop, writes and places separate checks in front of the two men.

STELLA

What’s the word from the hallowed halls of justice? Anything juicy?

LOWENSTEIN

Maybe Stella was in on it.

(finished his tea)

Stella, when you gonna get a real air conditioner in here.

STELLA

You don’t like it there’s lots of other places.

LOWENSTEIN

They don’t have you. Gotta go.

He stands fishing for change, but Racine takes his check and places it with his own. Lowenstein nods and moves for the door.

LOWENSTEIN

You can’t buy me. No sirree, I don’t come cheap.

Just before he reaches the door he does a strange thing --he takes several graceful dance steps in the Astaire manner.

A VOICE

Lowenstein, you’re a fag.

Lowenstein spins out the door, where he is blasted by the heavy air. His body droops as he disappears.

STELLA

Why does he do that?

RACINE

He’s pretty good, that’s the weird part.

STELLA

Did you hear about Dr. Block?

RACINE

No. Do I want to?

STELLA

(leans toward him, confidential)

Agnes Marshal1.

RACINE

(the thought disgusts him)

That must have been Mrs. Block’s idea, some kind of punishment.

STELLA

It was! How’d you know? Christ, you’re plugged in better than me. So you must know about Mrs. Block’s friend in Ocean Grove.

Racine winces, gets up, and puts money on the counter. He lights a cigarette.

RACINE

Stella, this is beneath even you. Things must be slow.

Stella agrees with a shrug as Racine heads for the door.

STELLA

It’s the heat.

EXT. FIRST STREET AND MAIN STREET - DAY

Racine makes his way up First to the corner of Main and crosses diagonally to his building on Main. He is well-known here, greeted through glass by many of the shop owners. The heat dominates much of the pantomimed conversation. Racine goes in a doorway and heads up the stairs to his office.

INT. RACINE’S OFFICE - DAY

Racine’s secretary, BEVERLY, is behind the desk in the modest reception room. She’s a pretty girl barely past twenty. She pushes some phone message slips toward Racine and nods toward the sofa. A middle-aged woman client, MRS. SINGER, sits there clutching a walking stick. Her face suddenly is contorted in pain. Racine glances meaningfully at Beverly then turns his full solicitous charm on Mrs. Singer.

RACINE

Mrs. Singer, I would have gladly come to the house.

He helps her up and leads her slowly to his office.

MRS. SINGER

No. no, the doctor says I should walk and I had some shopping. Not that that quack knows what he’s talking about. I tell you, Mr. Racine, I’m not sure his testimony is going to be very useful.

RACINE

Don’t worry about it. I’ll find you a doctor who’s more understanding. Is it bad today?

MRS. SINGER

Oooh, you can’t imagine. Nothing can make up for the pain they’ve caused me.

RACINE

How well I know. We’ll sue those reckless bastards dry. Excuse my language.

As Mrs. Singer disappears into the office, Racine flashes a grin at Beverly.

MRS. SINGER

Don’t apologize. That’s the kind of attitude you’ve got to have these days…

EXT. THE BEACHFRONT - NIGHT

The hottest January in fifty years has brought the crowds to the beach in search of relief. But they’ve been disappointed. Even the breeze off the ocean seems blown from a hair dryer. Still, the nights are a trifle better and the Beachfront, the penny arcades, the ice cream stands and bars are busy, even now in the middle of the week. Racine comes out of a bar and lights a cigarette, idly watching the passing parade. There is a free band concert in progress at the band shell. Racine wanders in that direction.

EXT. THE BAND SHELL - NIGHT

The Miranda Beach High School Orchestra is playing to a full, sweating house; the audience is a sea of orange programs fluttering away as fans. People come and go frequently.

The atmosphere is as innocent and informal as the music the band is playing now.

Racine leans against the back rail, smoking, his eyes playing over the scene with no expectations.

Then, down near the center aisle, a WOMAN rises. As the band plays on, this extraordinary, beautiful woman, in a simple white dress, moves down the aisle. She moves wonderfully. The dress clings to her body in the heat. Racine watches, mesmerized, as she walks directly toward him. She passes within a few inches of him, her eyes lowered. Racine’s body sways a moment as she goes by, as though buffeted by some force. But they do not touch. She goes out onto the Beachfront walkway.

EXT. THE BEACHFRONT WALKWAY - NIGHT

The Woman, MATTY, has walked to the rail. She stands there now lighting a cigarette. She presents her face to the ocean, hoping for a breeze. We move in on her, with Racine.

Racine lights a new cigarette and smiles at her. She looks at him and, for an instant, her eyes race over his body, then she looks back at the ocean.

RACINE

You can stand here with me if you want, but you’ll have to agree not to talk about the heat.

She looks at him, and there is something startling about the directness of her gaze. When she speaks, she is cool without being hostile.

MATTY

I'm a married woman.

RACINE

Meaning what?

MATTY

Meaning I’m not looking for company.

She turns back toward the ocean.

RACINE

Then you should have said -- 'I'm a happily married woman.'

MATTY

That’s my business.

RACINE

What?

MATTY

How happy I am.

RACINE

And how, happy is that?

She looks at him curiously. She begins walking slowly along the rail. He walks too.

MATTY

You’re not too smart, are you?

Racine shakes his head «no.»

MATTY

I like that in a man.

RACINE

What else you like -- Ugly? Lazy? Horny?

I got 'em all.

MATTY

You don’t look lazy.

Racine smiles.

MATTY

Tell me, does chat like that work with most women?

RACINE

Some. If they haven’t been around much.

MATTY

I wondered. Thought maybe I was out of touch.

She stops again at the rail as a small breeze blows in from the ocean. She turns her back to it and, with her cigarette dangling from her lips, she uses both hands to lift her hair up off her nape. She closes her eyes as the air hits her. Racine watches very closely.

RACINE

How 'bout I buy you a drink?

MATTY

I told you. I’ve got a husband.

RACINE

I'll buy him one too.

MATTY

He’s out of town.

RACINE

My favorite kind. We’ll drink to him.

MATTY

He only comes up on the weekends.

Matty lets her hair fall and again begins moving down walkway. She drops her cigarette and steps on it.

RACINE

I'm liking him better all the time. You better take me up on this quick. In another forty-five minutes I’m going to give up and walk away.

MATTY

You want to buy me something? I’ll take one of these.

They have come upon a Vendor selling snow cones.

RACINE

What kind?

MATTY

Cherry.

RACINE

(to Vendor)

Make i t two.

The Vendor scoops and pours as Racine lays some change on the cart.

RACINE

(to Matty)

You’re not staying in Miranda Beach.

(she shakes her head «no»)

I would have noticed you.

MATTY

Is this town that small?

Racine hands her a snow cone. They walk over to the rail. Racine watches her eat the snow cone with enormous interest.

RACINE

Pinehaven. You’re staying up in Pinehaven, on the waterway.

(she gives him a look, surprised)

You have a house

MATTY

How’d you know?

RACINE

You look like Pinehaven.

MATTY

How does Pinehaven look?

RACINE

Well tended.

She looks out at the ocean.

MATTY

Yes, I’m well tended, all right. Well tended. What about you?

RACINE

Me? I need tending. I need someone to take care of me. Rub my tired muscles. Smooth out my sheets.

MATTY

Get married.

RACINE

I just need it for tonight.

For the first time, Matty laughs. A moment later, she spills the snow cone over the front of her dress. It makes a bright red stain against the white. The thin material clings to the line of her breast.

MATTY

Good. Nice move, Matty.

RACINE

Matty. I like it. Right over your heart.

MATTY

At least it’s cool. I’m burning up.

RACINE

I asked you not to talk about the heat.

MATTY

Would you get me a paper towel or something? Dip it in some cold water.

Racine starts toward the restroom nearby.

RACINE

Right away. I’ll even wipe it off for you.

MATTY

You don’t want to lick it?

This causes a momentary hitch in Racine’s retreat, but then he hurries off.

INT. MEN’S ROOM

Racine comes in, snaps some paper towels from the rack and turns on the water. The room is full of smoke. A fifteen-year-old Boy is leaning against the wall. After looking Racine over a second, he brings the smoking joint he’s been holding behind his back into view and takes a toke. He nods at Racine, who nods back and stands up with his wet towels. As he walks out, Racine takes a deep breath.

EXT. THE BEACHFRONT - NIGHT

Racine comes out of the structure. And stops. Matty is gone. Racine looks around without much hope. Finally, he puts a wet paper towel to the back of his neck. We begin to HEAR a strange, measured thumping, and then --

EXT. THE BOARDWALK (82ND STREET) - DAWN

Racine is running. The THUMPING is the sound of Racine’s battered running shoes hitting the weathered wooden planks of the Boardwalk.

Ejercicio

Ya hizo su preparación. Aclaró su trama argumenta!, consiguió que su personaje funcione, estructuró el Acto I en fichas de 9 × 15, escribió la historia previa, diseñó las diez primeras páginas. Está listo para empezar a escribir.

Las diez primeras páginas van a ser las más difíciles. Probablemente se sienta confuso, lleno de dudas e inseguro. No se preocupe. Simplemente siéntese y hágalo.

No piense en ello, simplemente hágalo. Métase de lleno. Confíe en el proceso; es más grande que usted, una experiencia creativa verdaderamente maravillosa y misteriosa.

Lo peor que puede ocurrir es que escriba un guión terrible. ¿Y qué? ¡Si es tan malo, simplemente tírelo! No está obligado a enseñárselo a nadie.

No se preocupe de juicios y valoraciones. Ya llegarán. No sabrá lo bueno o lo malo que es su guión hasta que lo haya escrito. Esto supone tres borradores de la «primera versión» del guión: el borrador de palabras sobre el papel, el borrador de los cambios y de ajuste de la extensión del guión, y el borrador de los toques finales, en el que puede reescribir cada escena diez veces. Es importante recordar que su guión va a cambiar a lo largo de estos tres borradores.

Déjelo cambiar.

Limítese a contar la historia.

El juicio es parte del proceso de escribir un guión. Esté preparado para recibirlo. No permita que interfiera en la experiencia de la escritura. Relea el capítulo 13 de «El libro del guión» («La forma del guión») y el capítulo 12 («La escritura del guión»). La forma no debería ser nunca un estorbo para la escritura del guión.

Es muy sencillo (entre paréntesis está el equivalente en pulgadas, que es la medida que utilizan los softwares para escritura de guiones):

Descripciones: 3,81 cm (1.5") del margen izquierdo y 2,54 cm (1.0") del margen derecho, desde los bordes de la página. Van a un solo espacio. Deje mucho espacio en la página, no la llene nunca.

Encabezados de escenas: 3,81 cm (1.5") del margen izquierdo y 2,54 cm (1.0") del margen derecho, desde los bordes de la página. Indican dónde y cuándo se desarrolla la acción. Van siempre en mayúsculas.

Diálogo: 6,096 cm (2.4") del margen izquierdo y 6,35 cm (2.5") del margen derecho, desde los bordes de la página.

Paréntesis: 7,874 cm (3.1") del margen izquierdo y 7,366 cm (2.9") del margen izquierdo, desde los bordes de la página.

Nombre del personaje: 9,144 cm (3.6") del margen izquierdo y 4,826 cm (1.9") del margen derecho, desde los bordes de la página. Y se escribe con mayúsculas.

Transiciones: 13,97 cm (5.5") del margen izquierdo y 3,81 cm (1.5") del margen derecho, desde los bordes de la página. Alineado a la derecha.

El margen superior e inferior: 2,54 cm (1.0") desde los bordes de la página.

Los números de página: 19,558 cm (7.7") desde el margen izquierdo y 1,27 cm (0.5") desde el margen superior, desde los bordes de la página.

El tipo de fuente que se debe utilizar es Courier 12 puntos o Dark Courier 12 puntos.

Cuando empiece a escribir, limítese a exponer la trama argumental escena por escena y plano por plano. Puede que le resulte más sencillo escribirlo todo en planos generales: INT. RESTAURANTE o EXT. ESTACIONAMIENTO. Esté dispuesto a cometer algunos errores. No va a escribir perfectamente desde la primera página.

Limítese a contar su historia.

Dese la oportunidad de escribir algunas páginas malísimas. Muéstrese dispuesto a probar cosas que puede que no den resultado, a escribir diálogos torpes, afectados o aburridos. No tiene importancia en esta fase del proceso.

Siéntese y escriba las diez primeras páginas de su guión, concentrándose en su protagonista, la premisa dramática y la situación dramática.

10

Las diez segundas y las diez terceras páginas

En las que seguimos el centro de atención y definimos la historia

El Acto I es una unidad de acción dramática de treinta páginas de extensión que va desde la primera página hasta el plot point al final del Acto I. Se enmarca en el contexto dramático conocido como planteamiento. Presenta al protagonista, la premisa dramática y la situación dramática. Tiene una dirección, es decir, sigue una línea de desarrollo determinada.

En las diez segundas páginas tiene que seguir el centro de atención de su protagonista.

En Barrio Chino todo queda planteado en las diez primeras páginas. En las diez segundas páginas, Jake Gittes empieza el trabajo para el que fue contratado: averiguar con quién «tiene una aventura» Mulwray.

Las diez segundas páginas de Barrio Chino son acción y reacción. Gittes es contratado en las diez primeras páginas y hace su trabajo en las diez segundas. El hilo de la historia se entrelaza en la acción, concentrándose en los acontecimientos que llevarán a Gittes a desvelar un importante escándalo relacionado con el agua.

La «regla» de las diez segundas páginas es seguir el centro de atención de su protagonista.

Prepare las diez segundas páginas con tanto cuidado y eficacia como preparó el Acto I. Extienda sus fichas. ¿Siguen siendo válidas? ¿Necesita alguna escena nueva, alguna escena en la que no había pensado antes? Si es así, utilícela. ¿Aparece su protagonista en todas las escenas? Debería de hacerlo. ¿Es activo su personaje: es él o ella quien toma la iniciativa de la acción y responde a la premisa y situación de las diez primeras páginas? Recuerde la tercera ley de la dinámica de Newton: «A cada acción le corresponde una reacción igual de sentido contrario».

Su protagonista tiene que ser activo: él o ella debería tomar todas las decisiones sobre qué hacer o a dónde ir. Las diez primeras páginas presentan a su personaje, la premisa y la situación. Las diez segundas páginas se concentran en su personaje y en la premisa dramática. Su historia está siempre avanzando con una dirección, una línea de desarrollo.

Si quiere hacer algún cambio, hágalo, vea lo que ocurre; puede que dé resultado y puede que no. Lo peor que puede ocurrir es que cometa un error; simplemente tendrá que retroceder y hacerlo de otro modo, puede que incluso del modo en que lo proyectó originalmente. Dentro de unas pocas páginas sabrá si el cambio funciona.

Añada cualquier cosa que necesite. Haga cualquier cosa que tenga que hacer para que la línea argumental sea clara y concisa.

No se sienta «obligado» a permanecer «fiel» a la realidad. Si está escribiendo una historia basada en un acontecimiento real, mostrará tendencia a transmitir fielmente cómo ocurrieron las cosas en realidad. Eso no da resultado. La «realidad» del incidente interferirá con las necesidades dramáticas de su historia.

Yo tengo que estar diciéndoles continuamente a mis alumnos que se «desentiendan» del material original y que simplemente escriban lo que es necesario para la historia.

Lo más difícil de escribir es saber qué escribir.

Olvídese de la realidad de la persona, incidente o acontecimiento. Busque lo irreal, lo teatral. Recuerde que esto es una película. Tiene que comunicar de manera dramática cómo son los personajes, la historia y los acontecimientos.

La realidad sólo sirve de estorbo. Desentiéndase de ella. Invente sus propias escenas basadas en las personas, incidentes y experiencias.

En las diez terceras páginas avanzamos hacia el plot point al final del Acto I, «un incidente, episodio o acontecimiento que se ‘engancha’ a la acción y le hace tomar otra dirección». Tiene lugar alrededor de la página 25 ó 27 y nos conduce al Acto II (Relea el capítulo 9 del «El libro del guión» («El Plot Point») en el que se estudia con detalle el plot point).

Gente como uno nos proporciona un buen ejemplo de cómo se plantea la premisa dramática en las diez primeras páginas, se sigue el centro de atención del protagonista en las diez segundas páginas y se prepara el camino para el plot point del final del Acto I en las diez terceras páginas.

En las diez primeras páginas vemos que hay un problema, las diez siguientes definen el problema y en las diez últimas páginas comprendemos cuál es el problema. Esas son las treinta primeras páginas de Gente como uno. En ellas queda planteada toda la historia. Podemos mostrarlo en un diagrama:

Ese es el Acto I: una unidad o bloque de acción dramática. Se extiende desde la primera página hasta el plot point al final del Acto I. Tiene una extensión aproximada de treinta páginas, y se enmarca en el contexto dramático conocido como planteamiento.

Ejercicio

Extienda ante sí las tres o cuatro fichas que componen las diez segundas páginas de su guión.

Concéntrese en su protagonista. ¿Aparece él o ella en todas las escenas? Piense en la acción antes de empezar a escribir. Vea hacia dónde se dirige.

Cuente su historia. Muestre lo que es indispensable y necesario. Si está escribiendo una escena y ocurre algo verdaderamente «bueno», vaya por ello y escríbalo. No se interponga, simplemente deje que ocurra. No lo guarde para más adelante o para otra escena. Escríbalo. Probablemente olvidará lo que se «guarde» ahora. ¡Confíe en el proceso! Cuando necesite algo, se le ocurrirá en el momento preciso. Esa es la ley natural. Confíe en ella.

¡No se preocupe de no tener bastantes cosas que decir! Si está trabajando full-time y escribiendo «aparte», cada unidad de diez páginas representa una buena semana de trabajo. Piense en la acción durante un par de días y luego siéntese a escribirla. Escribirá unas diez páginas por semana. Plantéese la escritura del guión en secciones, en términos de unidades de acción, y se sentirá muy cómodo con su trabajo.

Escribir es un trabajo que se hace día a día, escena por escena, plano por plano, secuencia por secuencia, acto por acto.

Escriba las diez segundas páginas. No se pase demasiado tiempo puliéndolas y «perfeccionándolas». Lo importante es no dejar de avanzar, desde el principio hasta el fin. La gente que se pasa demasiado tiempo haciéndolo «bien», por lo general se queda sin fuelle cuando lleva unas 50 ó 60 páginas y da carpetazo al material escrito.

Si hace algún juicio o toma alguna decisión sobre lo que escribió, probablemente sean negativos. No le gustará nada. De todos modos, el primer borrador de palabras sobre el papel es generalmente terrible, así que no se preocupe. Una vez que tenga algo anotado, siempre puede revisarlo y cambiarlo, pulirlo y mejorarlo.

Las terceras diez páginas nos llevan directamente al plot point al final del Acto I. ¿Proyectó su «incidente o acontecimiento que se engancha a la acción y la hace tomar otra dirección» (en este caso el Acto II)?

Descríbalo. Diséñelo. Escríbalo. ¿Necesita alguna escena de transición para facilitar el paso al primer plot point? ¿Está contando su historia toda en diálogos, o está utilizando recursos visuales para acompañarlos? Recuerde que un guión es una historia contada en imágenes, así que piense en términos de iniciar visualmente su historia. No le conviene que su historia vaya de una escena INT. a otra escena INT. y a otra escena INT. ¡Abrala! ¡Sáquela a la calle!

Mantenga la numeración de sus páginas. Si alguna vez necesita remitirse a una página o insertar una escena, tiene que saber dónde está. Es posible que el Acto I termine teniendo 36 páginas. ¿Y qué? Ya lo pulirá. Siga avanzando.

Limítese a contar la historia. No intente contarla demasiado rápidamente. Algunas personas escriben todo su guión en las diez primeras páginas y después no les queda nada más que decir. Utilice el primer borrador de palabras sobre el papel como ejercicio para encontrar su voz, para encontrar su estilo.

En cualquier caso, va a reescribir entre el 70 y el 80 por ciento de lo que escribió. Cuando haya terminado el Acto II y el Acto III, sabrá lo que tiene que hacer exactamente cuando empiece la reescritura. No se preocupe por ello ahora. Limítese a escribir sus páginas. Cuando termine las diez terceras páginas estará listo para pasar al Acto II.

11

El nuevo paradigma

En donde echamos otro vistazo al Acto II

Cuando empecé a impartir por primera vez mis talleres de escritura de guiones, estructuraba cada curso en sesiones de ocho semanas. La primera parte del curso estaba dedicada al Acto I. Nos pasábamos cuatro semanas preparándonos para escribir el guión y las cuatro semanas restantes escribiéndolo. El objetivo del curso era escribir las treinta primeras páginas, o Acto I del guión.

Cuando terminábamos la primera sesión de ocho semanas, nos tomábamos un descanso y luego pasábamos a la siguiente parte del curso. El objetivo en esta parte era estructurar, diseñar y completar el Acto II.

En mi experiencia como guionista, el Acto II era siempre el material más difícil de elaborar, ya estuviera utilizando una máquina de escribir, un cuaderno de notas o una computadora. Sesenta hojas de papel en blanco son una amenaza, lo mismo que una pantalla de computadora en blanco. Es fácil sentirse abrumado y decidir «largarse» u olvidarse del asunto.

Eso es lo que les ocurría a mis alumnos cuando empezaban a escribir el Acto II. Perdían la visión de conjunto y no se concentraban en contar su historia.

El Acto II es una unidad de acción dramática que empieza en el plot point al final del Acto I y llega hasta el plot point al final del Acto II. Tiene sesenta páginas de extensión y se enmarca en el contexto dramático conocido como confrontación.

Este es el esquema:

Cuando esté escribiendo el Acto II, tiene que saber en todo momento dónde está y hacia dónde se dirige. De otro modo resulta fácil perderse en el laberinto de su propia creación. Cuando era un guionista principiante, simplemente me «daba con la cabeza contra la máquina de escribir», pero era una experiencia muy dolorosa. Cuando empecé a dar clases, no sabía qué hacer. Quería encontrar un modo de facilitar a la gente la escritura del Acto II Estuve pensando en ello mucho tiempo antes de encontrar alguna respuesta. Así que empecé por el paradigma.

Empecé a definir el Acto II en términos del Acto I y el Acto III El Acto II ocupa el doble que el Acto I y el Acto III. Es una unidad de acción de sesenta páginas de extensión que se enmarca en el contexto dramático conocido como confrontación. Cada vez que iba a ver una película o que leía un guión o daba una clase, pensaba en la función del Acto II.

Escribir es un proceso consistente en hacerse las preguntas adecuadas y esperar las respuestas adecuadas. Así que esperé, y un día, mientras estaba haciendo jogging, me acordé de una conversación que había tenido con Paul Schrader. Paul dijo que cuando está escribiendo un guión, «algo ocurre» alrededor de la página 60.

La página sesenta. No le había dado demasiada importancia en ese momento, pero ahora me di cuenta de que la página sesenta está exactamente a mitad de camino del Acto II.

Interesante. Me pregunté si resultaría cierto también para otros guiones. Así que me puse a leer unos cuantos guiones.

Empecé con Una mujer descasada (An Unmarried Woman). El Acto I, el planteamiento, presenta el matrimonio de Erica. Tiene una buena vida.

Luego, en la página 25, su marido se derrumba repentinamente le dice de una: «Estoy enamorado de otra mujer».

Primer plot point. Erica pasa de ser una mujer casada, en el Acto I, a ser una mujer descasada en el Acto II Prácticamente de la noche a la mañana se ve obligada a adaptarse a un nuevo estilo de vida, a otro principio. No resulta fácil. Le resulta difícil estar sola. Tiene problemas con su hija y odia a los hombres. Recurre a la terapia.

En la escena con la psicoanalista, ésta le dice que tiene que dejar de sentirse furiosa con los hombres. Debería experimentar un poco y correr algún riesgo. «Por supuesto, no puedo decirle lo que tiene que hacer», continúa la terapeuta, «pero sé lo que yo haría en su caso».

—¿Qué haría? —pregunta Erica.

—Saldría por ahí y me echaría un polvo.

Eso ocurre en la página sesenta.

La escena de la página sesenta con la terapeuta tiende un puente entre la acción de la primera parte del Acto II y la segunda parte del mismo acto. Desde la página treinta hasta la sesenta la protagonista es «anti-hombres». Desde la página sesenta hasta la noventa —después de «Saldría por ahí y me echaría un polvo»— «explora su sexualidad».

Interesante.

Lo incluí en el paradigma.

El Acto II queda ahora desglosado en dos unidades o bloques de acción dramática. La escena con la terapeuta lo divide en dos.

Así es cómo encaja Manhattan en el esquema del paradigma:

¿Ocurre siempre algo en la página 60 que enlaza la primera y la segunda parte del Acto II? ¿Algún tipo de incidente, episodio o acontecimiento que desvía la acción en otra dirección?

No lo sabía. Pero tenía un presentimiento.

Releí Cuerpos ardientes. El plot point al final del Acto I es el encuentro sexual de Ned Racine y Matty Walker al pie de la escalera. En el Acto II están continuamente haciendo el amor, hasta la página 43, cuando ella le menciona como de pasada que le gustaría que su marido muriera. «Es lo que más deseo».

El se muestra de acuerdo. «Sería estupendo para nosotros que él no estuviera… Pero no hay ninguna razón para pensar que vaya a morir, así que más nos vale olvidarnos del asunto. No va a ocurrir».

Racine ya fue presentado como un hombre que está buscando un golpe de suerte, y la idea de que Matty Walker herede de repente una gran cantidad de dinero resulta muy atractiva, muy tentadora.

Piensa en ello, lo considera, lo verifica, lo analiza y, por último, lo sabe y lo acepta. «Vamos a matarlo. Este hombre va a morir por la simple razón de que queremos que muera».

Planea y ejecuta el crimen. Una noche entra en la casa a las dos de la madrugada y, después de un forcejeo, mata al marido de Matty. El asesinato se produce en la página sesenta. (La película se alteró de manera drástica en la sala de edición).

Una vez más, «algo ocurre» alrededor de la página sesenta que sirve de puente entre las dos mitades del Acto II Puede ser un plot point, una secuencia, una escena, una línea de diálogo, una decisión, algún tipo de incidente o acontecimiento que tiende un puente en la acción del Acto II de manera que continúe avanzando con una línea de desarrollo concreta. Tres guiones, tres guiones muy buenos, me convencieron de que estaba en la pista de algo.

En Cuerpos ardientes, el asesinato lleva directamente al plot point del final del Acto II Racine es convocado por el abogado del asesinado y éste le dice que cometió un error al alterar el testamento. El testamento queda anulado y sin valor. «En el estado de Florida, cuando una persona muere sin hacer testamento, el cónyuge lo hereda todo».

—¿Quiere decir que… es todo para mí? —pregunta Matty Walker.

Resulta duro. Al principio, Racine piensa que es estupendo, pero da la casualidad de que él no cambió el testamento, lo hizo ella. «Espero que no nos hayas metido en un lío», dice.

Esto nos lleva directamente al segundo plot point, cuando Lowenstein, su mejor amigo, le dice que alguien anda tras él. «No dejes que tu verga te meta en un buen lío. Esa dama puede perfectamente haber matado a su marido…».

Las cosas van para peor. El pirómano, Teddy, el hombre que dio a Racine el dispositivo incendiario, le dice que su amiga quiere otra bomba incendiaria. Le enseñó cómo hacerla funcionar. Racine está conmocionado; no puede creer lo que está ocurriendo, y se pasa el resto del guión tambaleándose como un boxeador a punto de caer. Por supuesto, al final termina en prisión por homicidio, mientras ella está en un paraíso tropical hablando del «calor que hace» con un atractivo holgazán.

Así es como encaja Cuerpos ardientes en el paradigma:

En los tres ejemplos, está bien claro que algo ocurre en la página sesenta que contribuye a diseñar y estructurar la acción del Acto II Ese «incidente, episodio o acontecimiento» que se produce en la página sesenta es el que llamo el punto medio, porque ocurre a mitad de camino del Acto II.

Una vez establecido el punto medio, el Acto II se convierte en una unidad de sesenta páginas que se descompone en dos unidades básicas de acción dramática de treinta páginas de extensión cada una. La primera mitad del Acto II se extiende desde el plot point al final del Acto I hasta el punto medio. La segunda mitad del Acto II se extiende desde el punto medio hasta el plot point al final del Acto II.

El nuevo paradigma presenta este aspecto. Ahora todo son unidades de acción dramática de treinta páginas de extensión. ¡Funciona!

De repente mis alumnos comprendían perfectamente el Acto II. Podían controlarlo, ya no los controlaba a ellos. No se sentían perdidos. Sabían a dónde iban y cómo llegar allí.

El punto medio lo ayuda a diseñar, estructurar y escribir el Acto II de su guión.

Cuando está en el paradigma, no es posible ver el paradigma.

Ejercicio

Vaya a ver un par de películas que le gusten. Véalas dos o tres veces. Cuando vea una película por primera vez, limítese a disfrutar y déjese empapar por ella.

Cuando la vea por segunda vez, estudíela. Lleve consigo un cuaderno para tomar notas. Aísle y defina el primer plot point y el segundo plot point. Vea si puede descubrir la estructura del Acto II Empiece por el primer plot point. Se presenta cuando transcurrieron unos veinticinco minutos de película (página 25). Consulte su reloj si es necesario.

Después del primer plot point, siga la acción del protagonista. Cuando han transcurrido 50 ó 60 minutos de película, vea si puede localizar el punto medio. Consulte su reloj. Cuando termine la película, vea si su definición del punto medio es exacta.

¿Por qué es el punto medio? ¿Es un eslabón en la cadena de la acción dramática que conecta la primera y la segunda mitad del Acto II?

Luego vea otra vez la película de principio a fin. Compruébelo. Puede incluso dibujar su esquema sobre el paradigma.

12

El punto medio

En donde profundizamos en la definición de la naturaleza, función e importancia del punto medio

Cuando está escribiendo el Acto II, tiene que saber siempre hacia dónde se dirige. Tiene que tener un punto de llegada, una meta, un destino. Tiene que planear la línea de acción de su personaje. ¿Qué le ocurre a su protagonista desde el primer plot point hasta el segundo plot point?

El conocimiento del punto medio es una herramienta. Con ella tiene una manera de centrar la línea argumental en una línea de acción determinada. Tiene una dirección, una línea de desarrollo. Puede trabajar en una unidad de acción dramática de treinta páginas con la confianza y la seguridad que le da el conocimiento de su historia, sabiendo a dónde va y lo que está haciendo.

¿Cuál es el punto medio de su historia? ¿Cuál es el incidente, episodio, acontecimiento, línea de diálogo o decisión que enlaza la primera parte del Acto II con la segunda parte del Acto II? Defínalo. Siga el rastro de su personaje hasta allí y a partir de allí. Repáselo mentalmente varias veces. Póngalo a prueba. ¿Funciona?

A veces puede señalar arbitrariamente un incidente como punto medio para darse cuenta al ponerse a escribir de que el punto medio está en otra parte. Si ocurre eso, esté preparado para cambiarlo.

Cuando esté trabajando tiene que optar por lo que funciona, «ahora mismo». Si alguna vez se encuentra atascado en un dilema creativo y no sabe qué hacer, o qué elemento es «correcto», opte siempre por el momento presente. Confíe en el proceso de escritura del guión. Es más grande que usted. Haga lo que le parezca correcto. No se preocupe por lo que decidió hace mucho tiempo.

Las cosas ocurren. La gente cambia. Las cosas cambian.

La única cuestión que importa es: ¿funciona? Si funciona, úselo. Si no, no lo haga. Cuando esté escribiendo y se le ocurra una idea nueva, algo que no había planeado o en lo que no había pensado, escríbala. Pruébela.

Siempre que dude, escriba.

Es más fácil eliminar que añadir. Si quiere puede escribir un borrador de «palabras sobre el papel» de 175 páginas. Lo peor que puede ocurrir es que cometa un error. Tendrá que retroceder y reescribir algunas páginas. ¿Y qué? En mis talleres acordamos siempre que el taller va a constituir una oportunidad educativa. Eso supone estar dispuesto a cometer errores. Pruebe cosas que quizás no funcionen. Es la única manera de crecer y evolucionar, de desarrollar sus capacidades.

El punto medio es una transición crucial, un destino, un faro que lo guía y lo ayuda a mantener el rumbo en la ejecución de su trama argumental.

Así es cómo encaja Barrio Chino en el paradigma:

La relación entre Evelyn Mulwray, Noah Cross y Hollis Mulwray enlaza la acción entre la primera y la segunda mitad del Acto II En la primera mitad, Gittes averigua qué está pasando. En la segunda, descubre quién está detrás de ello.

Una vez que vi esa relación, todas las piezas del Acto II encajaron en su sitio. Cuando lo estudié, todo se interrelacionaba. Esa información, esa conexión, ese eslabón en la cadena de la acción dramática, hace avanzar la historia, paso a paso, escena a escena, plot point a plot point.

Así es cómo encaja E. T. en el paradigma:

La necesidad dramática de E.T. de llamar a su casa le produce una mayor añoranza de su hogar, que desemboca en una enfermedad física, la muerte y su milagroso renacimiento. El punto medio lo enlaza todo.

El tema de su historia determina los elementos estructurales de la acción dramática.

El punto medio es un eslabón en la cadena de la acción dramática. Conecta las dos mitades del Acto II En E.T. es una escena muy simple entre Elliot y E.T. En Barrio Chino es una tranquila escena en un despacho: unas fotografías colgadas de la pared proporcionan una clave importante para la historia. En Ausencia de malicia es una escena en un bar.

Los tres días del cóndor (Three Days of the Condor), escrito por Lorenzo Semple, Jr. y David Eayfiel, y dirigido por Sydney Pollack, es una película que se mueve a la velocidad del relámpago. Es concisa, clara, ajustada y rápida, y obliga al espectador a esforzarse por seguir la línea argumental. Es un ejemplo del más espléndido cine americano.

En un guión bien escrito: una escena proporciona visualmente al público la información necesaria sobre el personaje, la premisa y la situación.

Eso es lo que hace el punto medio: es un eslabón en la cadena de la acción dramática. Una vez establecido, conecta estructuralmente la primera y la segunda mitades del Acto II. Establece un sentido de la dirección claro para el Acto II, permitiéndole concentrarse en los datos concretos de su historia. Es un faro, una meta, un punto de referencia, un punto de llegada, una guía para abrirse paso entre las complejidades del Acto II.

Ejercicio

Mire el paradigma de la página siguiente. Lea la trama argumental. Estructúrela en una entidad dramática. Decida el final. Luego, la escena inicial. Después, el primer y segundo plot point.

Ahora está listo para encontrar el punto medio.

Relea la línea argumental. Sitúela sobre el paradigma. Si es necesario, repase el capítulo cuatro, «Cuatro páginas». Ahora que ya conoce el final, el principio y el primer y segundo plot point, determine su punto medio. ¿Cuál es el incidente, episodio o acontecimiento que conecta la acción de las dos mitades del Acto II?

Escríbalo.

Cuando haya determinado el punto medio, estará listo para planear el contexto dramático del Acto II.

13

Primera mitad, segunda mitad

En donde definimos el contexto dramático y presentamos la pinza

Veamos el paradigma:

El Acto II en una unidad de acción dramática de sesenta páginas de extensión que se enmarca en el contexto dramático conocido como confrontación. Empieza en el primer plot point y se prolonga hasta el segundo plot point.

Es una unidad de acción dramática que se divide en dos unidades básicas de treinta páginas cada una, la primera mitad del Acto II y la segunda mitad del Acto II, conectadas por el punto medio. Por lo tanto, en el Acto II tenemos puntos de partida y de llegada.

Es un mapa, una guía. Nos da una dirección.

En este punto de nuestro proceso de escritura del guión empezamos a trabajar en unidades de acción, la primera mitad y la segunda mitad. La primera mitad del Acto II empieza en el primer plot point y llega hasta el punto medio. La segunda mitad del Acto II va desde el punto medio hasta el segundo plot point.

Dos unidades de acción dramática de treinta páginas de extensión.

¿Qué ocurre en la primera mitad del Acto II? ¿Qué hace su protagonista? ¿A dónde va? ¿Cuáles son los obstáculos que se interponen entre él o ella y su necesidad dramática? ¿Qué ocurre desde el primer plot point hasta el punto medio?

¿Qué es lo que lo enmarca todo? Eso es lo primero que tiene que saber. Una vez que haya determinado el contexto dramático de la primera mitad, puede darle contenido, las escena individuales necesarias para que funcione.

Recuerde que el contexto es el espacio dentro del vaso vacío. Mantiene el líquido en su lugar. El contexto es el espacio que mantiene al contenido en su lugar.

¿Cuál es el contexto dramático de la primera mitad del Acto II?

¿Qué idea o principio enmarca la acción? ¿Puede describirla en unas cuantas palabras? ¿Es una relación? ¿Un viaje? ¿El principio de unas vacaciones? ¿Alguien pierde repentinamente su empleo o encuentra uno? ¿Los primeros tiempos de un matrimonio?

Defínalo. Articúlelo. Dibújelo en el paradigma.

En Cuerpos ardientes se llega al primer plot point cuando Racine y Matty mantienen relaciones sexuales por primera vez. La primera mitad del Acto II trata de su relación, asada exclusivamente en el sexo. Después de todo, Cuerpos ardientes es una historia de pasión, deseo, homicidio y traición. Es caliente, apasionada y sensual. Si quisiéramos contarle a alguien de qué trata la primera mitad del Acto II en pocas palabras, podríamos describirla como una relación sexual en la que los miembros de la pareja están «unidos» en su calidad de cómplices de un homicidio.

Así encaja en el paradigma:

Durante la mayor parte de la primera mitad del Acto II, Racine y Matty están en la cama. Es verdad que vemos correr a Racine, hay algunos planos de él a solas, probablemente pensando en Matty, y una escena en su despacho, pero la mayor parte del tiempo están haciendo el amor. Después, en la página cuarenta y cinco, Matty dice que sería estupendo que su marido estuviera muerto. Esta pequeña escena «sujeta» la acción y la mantiene en su curso.

A partir de ese momento, el contexto dramático ya no es solamente el sexo, ahora la acción gira alrededor del sexo y las conversaciones sobre el homicidio. Racine y Matty hablan más y más del asesinato de su marido; con el pretexto del amor, el compromiso y su relación, desde luego.

Eso es lo que ocurre en la primera mitad del Acto II: ése es el contexto dramático. La idea, expresada en unas pocas palabras, que «sustenta» la acción.

En la segunda mitad, el contexto podría describirse como las «repercusiones del homicidio». Toda la unidad de acción de treinta páginas trata de los detalles: cómo deshacerse del cuerpo, la instalación del dispositivo incendiario para quemar el Breakers Hotel, la preparación de una coartada, todo en susurros frenéticos y sigilosas citas hasta el descubrimiento del cuerpo, que lleva al segundo plot point, la escena en la que Lowenstein le dice a Racine que alguien quiere meterlo en un lío.

Amor y muerte, conectados por el punto medio, el asesinato.

Una vez que haya decidido el contexto dramático de una de las dos mitades, puede trazar una línea de acción que lleve al cumplimiento de la trama argumental de la manera más dramática. Eso es lo que hace el contexto dramático: «sostiene» la acción, el contenido.

El contexto dramático enmarca la acción. Sesenta páginas de acción, reducidas a unas cuantas palabras.

Ese es el poder del contexto dramático. Una vez establecido, ya tiene algo a lo que referirse: una línea de acción dramática que va desde el primer plot point hasta el punto medio, y desde el punto medio hasta el segundo plot point.

La definición del contexto dramático le permite ejercer su capacidad de elección, le da una base para planear la acción que necesita para contar su historia. Esa es la única función y la importancia del contexto dramático. Mantiene todo en su sitio. Es la estructura.

Piense en su línea argumental. ¿Qué ocurre en la primera mitad del Acto II? ¿Y en la segunda mitad? Piense en ello. Defínalo.

Una vez que haya definido el contexto, puede determinar el marco temporal.

Aristóteles consideraba que el tiempo, el lugar y la acción son las tres unidades estructurales de la tragedia dramática. En su Poética expresaba la opinión de que el tiempo de la acción tiene que estar en correspondencia con la longitud de la obra. Una obra de dos horas de duración sólo podía cubrir dos horas de la vida del héroe. El tiempo de la obra era el tiempo de la acción. El autor dramático se veía limitado a una sola acción.

Así estaban las cosas hasta el siglo XVI, cuando Shakespeare y sus contemporáneos salvaron el obstáculo de la unidad de tiempo representando años de vida de un personaje, mientras que «este pobre cómico pasa sus hora pavoneándose y lamentándose sobre el escenario y después no es vuelto a oír». Dramatizando una escena aquí y otra allá se salvaban las brechas temporales, el tiempo se condensaba y se enmarcaba en el vasto espectáculo de la acción.

El método de Shekespeare era cinematográfico.

Si está escribiendo un guión que cubre un período de varios años, ¿qué incidentes decide mostrar? ¿Cuáles no enseña? ¿Qué es lo que hace que «este» incidente sea importante que «ese» incidente?

La planificación, la preparación y la persistencia son las claves para escribir un buen guión. Decida cuál es el marco temporal de su historia. ¿Qué período de tiempo abarca?

Piense en ello.

Si su acción se desarrolla en un período de tres días, tres semanas o tres meses, puede concentrar la acción para realizar una presentación visual estilizada. La novela «Los seis días del cóndor», de James Grady, pasó a ser la película Los tres días del cóndor para hacer una presentación visual más ajustada y concisa que generara mayor tensión y dramatismo.

Puede que decida que el Acto II se desarrolla en un período de dos meses. La primera mitad podrían ser dos semanas y la segunda mitad seis semanas. El paso del tiempo puede marcarse de varios modos: por el cambio de ropa estacional con el paso del verano al otoño, el invierno o la primavera; por alusiones en el diálogo a días determinados como el Día de los Caídos, el Día del Trabajo, Navidad o Halloween, o por el uso de un acontecimiento como unas elecciones, un nacimiento, una boda o un funeral.

¿Cuál es el marco temporal del Acto II? (No se preocupe por el Acto I, volveremos a ese tema en el capítulo dieciséis, «La reescritura».) Piense en la primera mitad del Acto II: ¿Cuál es el marco temporal de la acción? Decida lo largo o corto que es. Encuentre un marco temporal viable en el que actuar. Confíe en su historia. Ella le dirá cuál es el período de tiempo. No dependa demasiado de ello. No lo haga demasiado significativo o importante.

El marco temporal mantiene en movimiento su historia. Sostiene el contexto. Nadie, excepto usted, tiene por qué saber cuál es el contexto o el marco temporal de su historia.

Cuando empieza a esbozar la acción de la primera parte del Acto II, cuenta con el contexto dramático y el marco temporal para unificar la acción. Tiene una dirección, una línea de desarrollo que determinará la acción que conduce hasta el punto medio y, desde ahí, al segundo plot point.

El contexto y el marco temporal son importantes porque le proporcionan un mayor soporte estructural e incrementan la tensión dramática al determinar los obstáculos que tiene que superar su personaje para satisfacer su necesidad dramática.

Cuando haya hecho esto para la primera mitad del Acto II, haga lo mismo para la segunda mitad. Las dos unidades de acción están separadas y son independientes a pesar de formar parte de una unidad superior, el Acto II.

Esto nos lleva a la pinza.

En una de las sesiones de mis talleres en Bruselas, yo estaba explicando cómo el contexto dramático «mantiene» la historia en su lugar al mismo tiempo que la «mueve» hacia delante. Y, sin saber lo que estaba haciendo, me oí decir: «Lo único que hace falta es una escena clave que sirva de enganche para toda la primera mitad del Acto II».

No estoy seguro de porqué lo dije o de dónde me vino. Simplemente salió así. Me «sonó» bien cuando lo dije.

Observe el paradigma.

Si observa la primera mitad del Acto I, verá que todo lo que necesita es una escena o secuencia importante alrededor de la página 45 para mantener en su sitio toda la unidad de acción dramática de treinta páginas. Eso es todo lo que necesita para «sujetar» quince páginas.

En Barrio Chino, el asesinato de Mulwray en la página 45 basta para hacer avanzar la historia hasta el punto medio, que a su vez hace avanzar la historia hasta el punto en el que Gittes descubre que los terrenos del Northeast Valley han sido vendidos a personas muertas o retiradas en asilos de ancianos. Eso hace avanzar la historia.

Esa escena o secuencia es simplemente una pequeña «pinza» que mantiene la historia en su cauce.

Una escena en la página 45 y otra en la 75 mantendrán encauzada la historia.

Sam Shepard comentó una vez, en un taller de escritura de guiones, que cuando tenía una idea para una obra, se sentaba y empezaba a escribir, dijo que necesitaba alrededor de quince páginas para saber si era buena o no. Explicó que cuando «encontraba» algo que podía utilizar: un personaje, una historia previa o un incidente, sabía que tenía una obra y seguía adelante. Si no lo encontraba, lo que ocurría en la mayoría de los casos, sabía que la idea no funcionaba y la archivaba, si no era lo bastante fuerte o lo bastante dramática o lo que sea para proporcionar una presentación escénica atractiva. Dijo que tenía un montón de estas ideas de quince páginas tiradas por ahí.

Y es un prolífico autor de teatro.

Quince páginas. Se puede hacer mucho en ese espacio.

En mis talleres confirmé que, cuando se considera una unidad de acción dramática de treinta páginas, lo único que hace falta es una escena o secuencia importante para mantener la unidad del conjunto. Se prepara el terreno para esa escena o secuencia de la página 45, de ahí se pasa al punto medio de la página 60, luego a la escena de la página 75 y luego al segundo plot point.

Mis alumnos me enseñaron esto. Ellos me hicieron ver que es el elemento más importante a la hora de escribir el Acto II. El término pinza aparecía una y otra vez, y pensé que era la designación adecuada porque esta escena o secuencia «sujeta» por sí sola la trama argumental: une y mantiene encauzada la historia.

Así que quedó como la pinza. El objetivo principal es mantener encauzada la historia.

La primera pinza aparece alrededor de la página 45 de la primera mitad, y la segunda, alrededor de la página 75. Una pinza puede ser una escena, una secuencia o un plot point.En Barrio Chino, el asesinato de Mulwray es la primera pinza. Es una secuencia, además de un plot point.

En Cuerpos ardientes, la primera pinza está en la página 45, cuando Matty Walker le dice a Racine que le gustaría que su marido estuviese muerto. De este modo empieza el relato de deseo, intriga y homicidio. La segunda pinza está en la página 75, cuando se descubre que faltan los anteojos de su marido, alguien quiere entregarlas y la policía redobla sus investigaciones, lo que lleva al segundo plot point.

Este es el esquema:

En El regreso del Jedi (Return of the Jedi), el Acto I trata del rescate de Han Solo de las garras de Jabba the Hutt. Todo el acto trata de la evasión de Solo. El primer plot point es el momento en el que por fin abandonan Tatooine.

Cuando vuelven a casa, Luke Skywalker busca al anciano y venerable jedi, Yoda. En una escena emotiva y conmovedora, el anciano sabio le dice a Luke que antes de poder llegar a ser un verdadero Caballero Jedi tiene que buscar y hacer frente al «lado oscuro de la Fuerza»: su padre, Darth Vader. Y el viejo Jedi muere.

Esa es la primera pinza. Mantiene encauzada la historia, aparece en la página 45, y éste es el esquema:

El punto medio es el momento en que se pone en marcha la misión para destruir la «nueva» Death Star, y la segunda pinza es el momento en el que Luke se entrega para poder enfrentarse a su padre. El segundo plot point es el principio del duelo, alternando con imágenes de Solo y Leia entrando en el corredor para desconectar el escudo.

Generalmente existe una relación entre la primera y la segunda pinza, algún tipo de conexión en la historia. En El regreso del Jedi, la primera pinza es el Jedi moribundo diciéndole a Luke que tiene que hacer frente a su padre, y en la segunda pinza Luke se entrega para poder hacerlo.

Todo se enlaza para «asegurar» que la historia sigue su curso. Esa es la razón de que las pinzas primera y segunda sean lo último que se decide antes de ponerse a escribir.

Su historia siempre se «revela» de manera que el personaje y el público se enteren al mismo tiempo de lo que está ocurriendo. En Barrio Chino nos enteramos de lo que Jake Gittes va averiguando.

Si se prepara para escribir el Acto II estableciendo el punto medio para determinar después el contexto dramático y el marco temporal, cuando esté listo para añadir la primera y la segunda pinza tendrá una visión general del Acto II que le asegurará un avance fácil y seguro a lo largo de su trama argumental.

Tiene que saber dónde está y hacia dónde se dirige. Si se pierde mientras está escribiendo el Acto II, se pasará varios día, o quizás semanas, sintiendo la frustración de intentar encontrar el camino en el laberinto de su propia creación.

Cuando está escribiendo el Acto II, no puede ser objetivo en absoluto, y si duda de su material, empezará a censurar todo lo que haga y no será capaz de escribir nada. No permita que le ocurra. Siga escribiendo sea cual sea su opinión, buena, mala o indiferente. Los juicios y valoraciones de su trabajo se presentarán con una persistente regularidad. Limítese a escribir su historia, página por página, escena por escena, plano por plano.

La división del Acto II en dos mitades, seguida del establecimiento del contexto dramático y el marco temporal y, por último, las pinzas primera y segunda, le permiten adquirir una visión general de la estructura que fija el curso de su historia y que le servirá de guía a través de la carrera de obstáculos del Acto II.

Ejercicio

Vamos a hacer este ejercicio de «puesta a punto».

Mire el paradigma al final del ejercicio: la historia, sobre una joven cuyo matrimonio no marcha bien y que se inscribe unas clases de arte y tiene una aventura con su profesor, está en la parte superior de la página.

Está dividido y estructurado de la misma manera que estructuramos todos nuestros ejercicios: primero el final, luego el principio, luego los dos plot points, luego el punto medio, luego el contexto dramático de la primera mitad, la segunda mitad, el marco temporal y la pinza.

En el Acto I planteamos la historia. Vamos a plantear y mostrar el matrimonio problemático de nuestra protagonista en el Acto I. El primer plot point es el momento en el que se inscribe en las clases de arte.

Como tiene una aventura con su profesor y queda embarazada en el segundo plot point, el punto medio debería de ser el momento en el que se acuesta con él por primera vez. El contexto dramático establece la relación con el profesor, así que nos concentramos en ese aspecto de la historia en la primera mitad del Acto II La segunda mitad trata de cómo se enamora del profesor.

Mírelo en el paradigma, primera mitad y segunda mitad.

Repase la acción. ¿Cuál cree que es la primera pinza?

Puede ser el momento en el que la joven y el profesor tienen por primera vez la oportunidad de profundizar en su relación a solas. Puede que ella quiera que él le dé una opinión sobre su trabajo, y salen a tomar un café después de la clase. O su coche no arranca en el estacionamiento y él la ayuda a arrancarlo. O él la lleva a casa y se dan cuenta de que se gustan. O se encuentran en una fiesta. Cualquier situación de este tipo serviría como primera pinza.

Nuestra protagonista no va a acostarse sin más con su profesor, por muy desgraciada que sea con su marido. Es prudente y sus acciones serán las adecuadas a las circunstancias. De otro modo no sentiríamos ninguna simpatía por ella, y su protagonista siempre tiene que despertar simpatía.

La alumna y el profesor pasan tiempo juntos y luego, en el punto medio, hacen el amor. Página sesenta. Eso le da quince páginas de guión, o quince minutos de tiempo de pantalla, para revelar visualmente su relación.

A lo largo de la segunda mitad del Acto II la alumna se enamora de su profesor, lo que lleva al segundo plot point, en el que se entera que está embarazada. Podría ser una escena en el consultorio de un médico o el resultado de una prueba de embarazo. Si tienen una escena de amor intensa y apasionada, ése será el momento en el que ella se embaraza.

¿Cuál cree usted que es la segunda pinza? Piense en ello. Estudie el paradigma. Anote algunas ideas.

va al consultorio del médico

una pelea con su marido

una pelea con el profesor

abandona a su marido

le declara su amor al profesor

se entera que el profesor está casado

un viaje de un fin de semana en el que hace el amor y ella queda embarazada

Cualquiera de ellos puede funcionar. Usted decide.

Yo sé lo que haría: la segunda pinza es el momento en el que se da cuenta de que tiene un atraso. Ese incidente plantea una serie de alternativas: abortar, contárselo a su marido, abandonar a su marido, abandonar al marido y al amante y tener al bebé ella sola y empezar de nuevo su vida como una persona soltera, madre y pintora.

No tiene que utilizar mi final. Puede que tenga otro distinto. Todas las alternativas dramáticas enumeradas más arriba son eficaces. La opción correcta es la que funcione mejor para usted.

Si funciona, utilícelo. Si no funciona, no lo utilice. Esa es la regla. Cometa algunos errores. Pruébelo. Cuando escriba un guión, tiene que estar abierto y ser receptivo a esos pequeños «accidentes» que ocurren misteriosamente en la hoja de papel en blanco.

No se obstine demasiado en lo que quiere que ocurra. Deje que ocurra. La escritura de un guión es un proceso. Cambia continuamente y sigue adelante.

Ese es el verdadero placer de escribir.

14

La escritura del Acto II

En donde ponemos las palabras sobre el papel

Está listo para empezar a escribir el Acto II.

Prepare su material. Dibuje su línea argumenta! sobre el paradigma. Divida el Acto II en primera mitad y segunda mitad. Decida cuál es el punto medio.

Determine el contexto dramático de la primera mitad del Acto II.

Establezca el marco temporal.

Luego, la primera pinza.

Ahora presente la primera mitad del Acto II en catorce fichas de 9 × 15, igual que hizo con el Acto I.

Empiece por el primer plot point y vaya hasta el punto medio. Prepare las fichas una por una. Haga asociaciones libres. No ponga más de unas cuantas palabras en cada ficha. «Michelle en el trabajo», «Comida con Randy», «En el entrenamiento de natación», «Entrevista con el periodista deportivo», «En casa», «Discusión con la madre», «Corre a casa de Randy», y así sucesivamente. Frases cortas, breves, simples y concisas que contribuya a hacer avanzar su historia hacia el punto medio. Concéntrese en las escenas que «rellenan» el contexto de la primera mitad.

Encuentre los elementos o componentes de la acción basados en el contexto dramático. Si su contexto es una joven cuyo matrimonio es desgraciado, una artista, dramatice y revele el contexto a través de la relación con su marido, con su pintura, con sus amigos y con ella misma. Estos cuatro elementos pueden llenar una unidad completa de acción en treinta páginas.

Cuando haya terminado, repase las fichas varias veces, si es necesario cambie algunas palabras aquí y allá, puede que incluso una o dos escenas. Haga la línea argumental clara y simple, no la abarrote con demasiados detalles, vueltas y giros de la trama. Vaya de lo general a lo específico.

Una vez que conozca la acción de la primera mitad, está listo para escribir.

Escriba las diez primeras páginas.

En este momento, después del primer plot point, empieza a sentirse cómodo con la forma del guión. Cometerá algunos errores y hará algunos cambios.

Prepare sus escenas. Relea el capítulo 10 de «El libro del guión» («La escena»). Si se le ocurre una nueva escena, escríbala. Si deja la trama argumental tal y como la escribió en las fichas de 9 × 15, no se preocupe. Simplemente siga escribiendo. Las fichas son las fichas y el guión es el guión. Si empieza a escribir escenas nuevas, adelante. Siempre puede volver a las fichas de 9 × 15 cuando lo necesite.

También puede olvidarse de la acción que escribió en las fichas y partir en una dirección totalmente nueva. Antes que se dé cuenta, estará escribiendo una de las escenas de las fichas. No sé por qué ocurre ni cómo ocurre. Lo único que sé es que ocurre. Es el proceso de la escritura: es más grande que nosotros.

Es posible que las diez primeras páginas sean afectadas y torpes. No tiene importancia, está pasando de un modo de escritura a otro, así que concédase tiempo para ajustarse a las primeras páginas de palabras sobre el papel.

Sea claro y escueto. No entorpezca la acción con muchas descripciones o diálogos, o menos giros y sorpresa en la trama. El contexto es la confrontación. Su personaje se enfrenta a obstáculos que le impiden satisfacer su necesidad dramática.

Pase a las diez páginas siguientes. Está conduciendo la acción hacia la primera pinza, así que prepare con cuidado estas diez páginas. ¿Qué escena tiene que escribir antes de llegar a la pinza?

Descríbalas. Defínalas. Escríbalas. Siga su línea argumental.

Escriba la primera pinza.

Si es demasiado largo, con demasiadas escenas o páginas, no se preocupe. Si tiene dudas sobre si escribir o no una escena, escríbala. Siempre es más fácil eliminar escenas que escribir otras nuevas.

Tenga presente la dinámica visual. Abra su historia, visual y cinematográficamente. ¿Pasan sus escenas de un INT. a otro INT., y a otro INT. y a otro INT. sin ninguna escena EXT.? Piense en sus transiciones, en esas líneas de descripción o de diálogo que lo llevan de una escena a la siguiente. ¿Puede mostrar a su personaje saliendo de un edificio? ¿Tomando un taxi? ¿En medio de un denso tráfico? ¿Entrando en un edificio? ¿Subiendo en un ascensor? Muéstrelo. Piense visualmente. Abra su historia. Vaya de INT. a EXT., a INT. y a EXT. (por ejemplo). Sea consciente de las transiciones visuales.

No describa o explique demasiado, y no redacte párrafos «densos». Deje amplios márgenes a la izquierda y a la derecha, arriba y abajo. Necesita mucho espacio en la página. Sea conciso y simple en las descripciones. No utilice más de cinco o seis frases para cada una. Lea un guión, un buen guión.

Puede que a veces tenga que escribir una escena completa, con principio, medio y final, antes de darse cuenta que puede reducirla a una parte del principio y unas pocas líneas del final.

Olvídese de las posiciones de la cámara y la información técnica. No le muestre al espectador todo lo que sabe. Limítese a escribir en escenas en plano general o escenas maestras (master scenes), INT. DESPACHO - DÍA, y trabaje a partir de ahí.

Pase a las diez terceras páginas de la primera mitad. Está preparándose para escribir su punto medio, así que prepare sus escenas teniéndolo en cuenta. Siga avanzando. Olvídese de las páginas perfectas. Reserve todos los cambios para la reescritura. Es entonces cuando integrará todos esos cambios que realizó durante el proceso de escritura real.

En esta etapa se sentirá a gusto con su estilo y sus personajes le hablarán, diciéndole lo que ellos quieren hacer y dónde quieren ir. Déjese llevar por el proceso. No se muestre demasiado dogmático intentando mantener siempre el control.

Siga el centro de atención de su protagonista. Haga que los personajes inicien cosas y provoquen acontecimientos. Su protagonista es activo, no pasivo. La acción es el personaje. Una persona es lo que hace, no lo que dice.

Escriba el punto medio. Asegúrese de que es un «eslabón en la cadena de la acción dramática» que relaciona entre sí las dos mitades del Acto II.

Ahora estamos trabajando con unidades de treinta páginas, de manera que, una vez que haya escrito la primera mitad del Acto II, prepare la segunda mitad y luego escríbala. Determine el contexto dramático, luego el marco temporal, y luego la segunda pinza.

Haga las fichas de 9 × 15, catorce, igual que para la primera mitad. Indique la segunda pinza y luego repase una y otra vez las fichas hasta que la línea de acción discurra con fluidez.

Escriba las diez primera páginas de la segunda mitad. Limítese a contar su historia. No se preocupe de trucos y adornos. Asegúrese de tener claros el contexto dramático y el marco temporal.

Una vez más, trabaje en unidades de diez páginas, haciendo avanzar la acción, pasando por la segunda pinza en dirección al plot point al final del Acto II. Si quiere ordenar sus secciones de diez páginas, hágalo. Luego siga adelante. Avance siempre del principio al fin, del principio al fin. No dedique tiempo a reescribir ahora. Ya lo hará más adelante.

Limítese a seguir escribiendo, avanzando página a página, escena a escena, desde el punto medio hasta la segunda pinza y de ahí al segundo plot point. Recuerde que escribir es un proceso que se realiza día a día, tres páginas al día, cinco días a la semana. O si tiene un trabajo de tiempo completo, piense en las diez páginas que va a escribir, luego siéntese y escríbalas en dos sesiones. Pude hacer fácilmente diez páginas a la semana.

Mientras escribe cobrará conciencia de juicios, decisiones y valoraciones que van a surgir con persistente regularidad. De repente se dará cuenta que una línea de diálogo suena falsa, que está forzándolo. Usted sabe, en su fuero interno, que lo que está escribiendo no funciona. Sabrá que no es demasiado bueno.

Puede que se diga: si estas páginas son malas, ¿cómo serán las que escribí antes? Es posible que retroceda y lea algunas de las páginas que escribió. Y sabe que son horribles. Espantosas.

El temor, el pánico y la inseguridad le oprimen el corazón. Su mente empieza a marchar a toda velocidad. ¿Qué estoy haciendo? Esta historia no funciona en absoluto. Intenta calmarse, pero es imposible.

Puede que piense que necesita ayuda, una «valoración». Va a ver a un amigo para leerle lo que escribió. Es posible que espere lo peor, pero, en el fondo de su corazón, usted sabe muy bien lo que le gustaría oír.

Su amigo le dirá probablemente que lo que escribió no es lo bastante fuerte. «Demasiada verborrea», o el centro de atención tendría que ser otro personaje, y lo que tendría que hacer es lo siguiente, y le explica con todo lujo de detalles lo que él cree que es el tema de su historia. Por supuesto, él no lo sabe porque usted no lo sabe.

En este punto, se encuentra al borde de la paranoia y no sabe nada.

Muchas personas simplemente abandonan en este momento. Creen en sus propios juicios, en sus propias valoraciones y sus propias opiniones. Se convierten en sus propias víctimas. Lo cierto es que ahora mismo no puede ver nada. No tiene ninguna objetividad ni visión general.

Es posible que lo que escribió no fuera demasiado bueno. La mayor parte de la primera mitad del Acto II será más o menos igual que escribir el Acto I, excepto que la forma es más simple y en este momento ya acumuló la bastante disciplina como para poder sentarse unas cuantas horas al día a trabajar en su guión. Pero ahora está realizando más cambios que en el Acto I. Y eso provoca problemas en ocasiones. Resulta fácil perderse o sentirse confuso en el laberinto de la propia creación.

Esta inseguridad actúa como un disparador que saca a la superficie juicios y opiniones. Sólo tiene que recordar una cosa acerca de sus juicios y valoraciones: ¿quién los hace?

Responda usted mismo.

Puede permitir que sus juicios y valoraciones interfieran en su experiencia de escribir el guión o no. Depende de usted. Tiene elección, algo que decir al respecto. Utilícela.

Si se da cuenta que su mente se está acelerando, criticando lo que escribe, hay un ejercicio que puede hacer para acallarla. Simplemente deje expresarse a su crítico.

Cuando está escribiendo sus páginas, el «crítico» que habita en el fondo de su mente se mostrará despiadado e implacable. Lo acosará, hostigará y provocará. Va a tener que hacerle frente en algún momento. Bien puede ser ahora.

Permita expresarse a su crítico. Tome una hoja de papel en blanco. Póngala cerca de las páginas que está escribiendo. Ahora tiene dos hojas de papel frente a usted: una para el guión y otra para «el crítico». Titúlela «La Página del Crítico».

Empiece a escribir. Pronto notará que le vienen a la mente pensamientos y juicios familiares. Escriba estos pensamientos y juicios negativos (por desgracia, nunca son positivos) en «La Página del Crítico».

Continúe escribiendo su guión. Cuando surja otro pensamiento o juicio negativo, limítese a apuntarlo. Puede que quiera numerarlos.

Deje expresarse a su crítico. Cuando haya llenado una página, utilice otra. Su usted es como yo, es probable que escriba más en «La Página del Crítico» que en su guión, pero dentro de algunos días las cosas se habrán igualado. Cuando dé por terminada la jornada de trabajo, ponga las Páginas del Crítico en un cajón y olvídese de ellas.

Dentro de podo tiempo, quizá una o dos semanas, no necesitará siquiera «La Página del Crítico». Después de todo, sus pensamientos negativos sólo son juicios, opiniones y valoraciones. En un orden más amplio de las cosas, no tienen demasiada importancia.

Todo el mundo los tiene. O bien permitimos que se interpongan en el camino de lo que queremos hacer, o los dejamos a un lado. Si reaccionamos con demasiada intensidad o demasiada seriedad, podemos convertirnos fácilmente en nuestras propias víctimas.

Y hablo por experiencia.

«La perfección», solía decirme Jean Renoir, «es un ideal. Sólo existe en la mente, no en la realidad».

Eso es algo que da que pensar.

Alrededor de la página 45 ó 50, alrededor de la primera pinza, es posible que se dé cuenta que su estructura necesita algunas alteraciones. Si necesita reestructurar su historia, hágalo. La estructura es flexible. Las escenas y los fragmentos de diálogo pueden trasladarse o situarse en otro lugar.

La estructura puede plegarse a las necesidades de su historia. Por eso el paradigma no es una fórmula. Es una forma que se ajusta a las necesidades de su historia. Lo único que tiene que hacer es mover la estructura para ajustarse a las necesidades de la historia.

La estructura «sostiene» la historia, pero puede plegarse y moverse para incluir los elementos nuevos que sea necesario añadir.

Cuando esté escribiendo el Acto II, su historia irá cambiando. Puede que escriba una escena y luego se dé cuenta que necesita añadir otra para dramatizar un aspecto de su historia en el que no había pensado cuando hizo las fichas. Déjese llevar. Permita que cambie. En este momento está encontrando el centro de atención de su historia, y éste cambia de lugar porque no puede «ver» lo que escribió. No tiene un punto de vista objetivo ni una visión general. Está simplemente escalando la montaña.

La estructura del paradigma es un mapa de rutas de su guión. Puede desviarse de la ruta principal y dedicarse a explorar un poco. Escribir es una aventura. Si se pierde o se siente confuso y no sabe dónde está o hacia dónde se dirige, vuelva al paradigma. Elija un plot point, una pinza o el punto medio, y empiece desde allí. Es sólo temporal. Limítese a contar su historia.

Cuando está en el paradigma, no puede ver el paradigma.

Su historia le enseña cómo tiene que adaptarse. Después de todo, aprender es descubrir la relación entre las cosas.

«Intentar hacer funcionar algo que no funciona» es algo que me ocurría a menudo cuando estaba escribiendo un guión. Cuando me sentía perdido y confuso con la historia, empezaba a deambular de un lado a otro intentando volver a encontrar el camino, sin saber dónde estaba o a dónde iba. Lo que estaba haciendo no funcionaba. Creía que si me mostraba lo bastante persistente y seguía trabajando y trabajando y trabajando, «dándome con la cabeza contra la máquina de escribir», terminaría por encontrar un camino para salir de la confusión.

Nunca dio resultado.

Si se da cuenta que su material no funciona, simplemente deténgase y vuelva a pensárselo. Si funciona, funciona. Si no funciona, no funciona. Las cosas que pone a prueba y no funcionan le enseñarán cuáles son las que sí lo hacen. Tiene que cometer estos errores creativos para mantener el interés de su trama argumental.

La moraleja de esta historia es sencilla: si se pierde o se siente confuso, si está intentando hacer funcionar algo que no funciona, limítese a detenerse y mirar a su alrededor. Vea si se está dando de golpes contra el panel de una ventana, sin darse cuenta que está abierta.

Vuelva a pensárselo. Está trabajando con segmentos de diez páginas de una unidad de acción dramática de treinta páginas. Puede saber dónde se encuentra en todo momento. Le basta con retroceder y observar su historia en el paradigma, posiblemente cambiar de sitio los componentes estructurales o alterar el contexto dramático. Pregúnteles a sus personajes qué es lo que tiene que hacer. Ellos le dirán lo que necesita saber.

Por la misma razón, puede darse una palmadita en la espalma si algo funciona del modo en que había proyectado.

Esté dispuesto a cambiar algunos de los elementos para hacer funcionar su trama argumental.

La confusión es el primer paso hacia la claridad.

Ejercicio

Llegó el momento de sentarse a «hacerlo».

Preparó bien su material.

Empiece por el primer plot point y vaya hasta el punto medio. Trabaje en unidades de diez páginas, teniendo siempre bien presente la primera pinza. Concéntrese en el conflicto. Recuerde que si conoce la necesidad dramática de su personaje, podrá crear obstáculos para la consecución de esa necesidad, de manera que su historia pase a ser la de su personaje salvando todos los obstáculos para alcanzar su necesidad dramática. Cree el punto de vista de su personaje en una escena, luego cree el punto de vista opuesto.

Así es como se crea conflicto sobre el papel y se evita durante el proceso de escribirlo.

Lo más difícil de escribir es saber qué escribir.

15

El Acto III: la resolución

En donde resolvemos la historia

El Acto III es una unidad de acción dramática de treinta páginas que empieza en el segundo plot point y se prolonga hasta el final del guión. Se enmarca en el contexto dramático conocido como resolución.

Resolver significa «encontrar una solución. Explicar o aclarar. Descomponer en elementos o partes». No es el final de su historia, es la solución del guión.

¿Qué le pasa a su protagonista? ¿Vive o muere? ¿Triunfa o fracasa? ¿Hace volar por los aires a la nueva Death Star o no? ¿Recupera su mercancía robada o no? ¿Cuál es la resolución de su historia?

En El regreso del Jedi hay dos corrientes principales de la historia, sin resolver en el segundo plot point, una, la Alianza Rebelde tiene que romper el «escudo protector» que rodea a la nueva Death Star, de manera que el ataque dirigido por Lando Calrissian pueda destruir el arma. Para conseguirlo, Han Solo y la princesa Leia parten con la misión de poner fuera de combate la fuente de energía del escudo.

Ese es uno de los centros de la historia. El otro es la resolución del clásico enfrentamiento entre el bien y el mal, en este caso Luke Skywalker y Darth Vader, padre e hijo. ¿Sucumbirá Luke? ¿Tiene la fuerza y el valor suficiente para vencer a Darth Vader? ¿Podrá sobrevivir al último ritual del «juicio del fuego» y convertirse en el último Caballero Jedi?

«Resolver» significa «descomponer en elementos separados» y «explicar o aclarar». Estos dos centros de la historia están planteados desde el principio del Acto II y ahora tienen que ser resueltos. Vader muere, pero no antes de arrepentirse y sacarse la máscara. El emperador es asesinado y el «lado bueno de la fuerza» sale victorioso.

La historia queda resuelta en el Acto III El final de la película es la celebración de la victoria, cuando Luke le confia a Leia que son hermanos. Los griegos y los romanos terminaban así sus obras de teatro.

Es posible que a algunos les parezca una resolución trillada, pero si observa las películas clásicas de género americanas de las últimas décadas, desde La pandilla salvaje (en la que todos mueren) hasta Hud (en la que al final el «héroe» sigue siendo el mismo hijo de puta que era al principio), o Contacto en Francia (The French Connection) y Apocalypse Now, verá que reflejan los cambios en las actitudes americanas frente a la apatía, la protesta y la guerra en los años cincuenta, sesenta y setenta.

En los ochenta hay otra fuerza en acción: la supervivencia. Si cree que un final alegre, feliz o positivo es simplista o banal, eche un vistazo a los cuentos de hadas, mitos, epopeyas y aventuras que constituyeron la base de la literatura desde los comienzos de la palabra escrita. Las tragedias griegas ennoblecen a los personajes y al género humano. Las tragedias clásicas «enriquecen» la condición humana. Merece la pena recordarlo.

Si está dudando entre escribir un final «alegre» o «triste», puede elegir. Lo importante es que sea la historia quien le dicte si gana el bien o gana el mal. Confíe en el proceso. Mi consejo, sin embargo, es piense «positivo» y «siéntase bien».

¿Cuál es la resolución de su historia? Cuando lo haya decidido podrá decidir el final con más detalle. Usted conoce su final desde el primer momento. Ahora puede llevarlo al papel. Pero, en primer lugar, ¿sigue funcionando ese final? ¿Sigue siendo eficaz? ¿Tiene que cambiar el final a causa de los cambios que realizó en los dos primeros actos? ¿Se le ocurrió otro final, uno nuevo, más dinámico o más visual que el primero?

No piense demasiado en ello. Limítese a hacerlo. Si intenta encontrar el final «correcto», el «adecuado», nunca lo escribirá. Elija un final que funcione, que sea adecuado para la historia. Mientras lo escribe se dará cuenta de si es eficaz o no.

Confíe en el proceso. Es más grande que usted. Como «la Fuerza», estará con usted si se deja llevar por ella. No luche contra él y no se interponga intentando hacer funcionar algo que no funciona.

Mucha gente pregunta si hay alguna pinza o plot point en el Acto III A veces los hay, dependiendo de las necesidades de su historia. Es posible que necesite una escena clave que «conecte» la resolución con el resto de la trama argumenta!.

Resuelva el personaje y la historia. ¿Cambia su personaje a lo largo del guión? Si es así, saque partido de ello en el Acto III. Muéstrelo visualmente, de manera dramática, para resolver la historia. En Dos extraños amantes se resuelve un personaje; en Ausencia de malicia, una historia.

En Dos extraños amantes, Alvy Singer no cambia, al final del guión sigue siendo el mismo que al principio. Alvy Singer es un personaje que se resiste al cambio personal a lo largo de todo el guión, y es un elemento clave para el éxito de la película. Annie cambia y él no. El personaje de Alvy Singer es coherente. Al final está solo, tan cínico y rebelde y maniático como siempre. Su falta de disposición para cambiar, desarrollarse y crecer lo llevó a esta situación. Resulta triste y, al mismo tiempo, conmovedor. Es un agudo comentario universal sobre la «condición humana».

El Acto III de Ausencia de malicia es un ejemplo excelente de una confrontación dramática, y es todo lo que una escena de confrontación final tiene que ser: tiene fuerza dramática y resuelve la historia. El conjunto se mantiene unido al aislar los dos elementos dramáticos necesarios para resolver la historia.

Cuando aparece el Acto III, lo primero que tiene que hacer es definir los elementos de la historia. Aíslelos. Intente encontrar una escena clave que sostenga todo. Luego, organice el Acto III en fichas de 9 × 15.

Repase las fichas hasta que se sienta a gusto con la progresión de la historia. Luego empiece a escribir. Se dará cuenta de que conecta automáticamente, sintiéndose cómodo con la escritura, la disciplina y la línea argumental. Seguirá sin saber si está funcionando o no, porque no podrá ver nada, pero la sensación es buena. En esta etapa las cosas estarán funcionando a pesar de sus dudas e inseguridades. Limítese a seguir escribiendo. Confíe en el proceso. Póngalo por escrito, escena a escena, página a página.

Lo único que tiene que hacer para terminar el Acto III es dedicarle tiempo frente al cuaderno, la máquina de escribir o la computadora.

Es posible, incluso, que empiece a pensar en su próximo guión.

Las cosas se desarrollarán con fluidez y facilidad hasta llegar a las últimas páginas del guión. Entonces es posible que se sienta raro, se quede «en blanco», sin saber qué excribir y sin ningún deseo real de terminar el guión. Buscará y encontrará cualquier escusa para no escribir.

Verdaderamente es muy gracioso. Después de semanas y meses de preparación, investigación, dedicación, dolor, esfuerzos y problemas, después de semanas de dudas, miedos e inseguridades, después de semanas de trabajar como un burro, es posible que de repente quiera mandarlo al carajo, cuando sólo le quedan unas cuantas páginas que escribir.

Es absurdo. Realmente no se puede tomar demasiado en serio.

¿Qué puede hacer?

Lo que está ocurriendo es una experiencia común entre los guionistas, su origen es inconsciente. Emocionalmente no quiere terminar el guión. Quiere continuar, aferrarse a él. Es como una relación de pareja desastrosa. Por mala que sea, una relación desastrosa es mejor que ninguna.

El mismo principio es aplicable a la escritura de su guión. Es difícil darlo por terminado. Consumió una gran parte de su vida. Piensa en ello todos los días, sus personajes son como amigos, habla de su historia siempre que se le presenta la oportunidad. Escribir lo mantuvo despierto por las noches, le causó dolor y sufrimiento y le proporcionó grandes satisfacciones. ¡Claro que no quiere renuncia a ello!

¿A cambio de qué?

Es natural que se «resista».

Siento mucho decepcionarlo, pero todavía le queda mucho trabajo por hacer para este guión. Cuando termine este borrador de palabras sobre el papel, sólo habrá recorrido la tercera parte del proceso de escritura del guión. No terminó con nada. El final de una cosa es siempre el principio de otra. Todavía le quedan dos borradores más por delante antes de completar esta primera versión del guión.

Limítese a terminar su guión. Resuélvalo. Y cuando haya escrito «fin», dese una palmadita en la espalda y celébrelo con un vaso de vino o de champaña, o de cualquier otra cosa que sea de su gusto.

Ponga su guión en la mesa frente a usted y vea cuántas páginas escribió. Tómelo entre las manos. Sopéselo.

Lo hizo usted.

Luego tómese una semana libre.

Terminó la parte más difícil de la experiencia de escribir un guión. Ahora empieza el trabajo de verdad.

Ejercicio

Separe los dos o tres elementos dramáticos del Acto III que resolverán su historia. Luego estructure el Acto III en catorce fichas de 9 × 15, igual que hizo para el Acto I y la primera y segunda mitad del Acto II.

Cuando se sienta cómodo con su material, empiece a escribir. Si se le ocurre una nueva idea para otro guión, limítese a anotarla.

Si experimenta alguna resistencia, dudas o realiza juicios, limítese a «plegarse ante ellos», reconózcalos y siga escribiendo.

Si quiere cambiar los detalles de su final, hágalo. Si su final resulta distinto del que había planeado, escríbalo de una manera, guárdelo en algún cajón y luego vuelva a escribirlo. Esta vez será como quiere. Si está escribiendo una comedia y lo que escribe resulta serio y dramático escríbalo, métalo en un cajón y luego escríbalo en forma de comedia. Haga lo mismo si es una tragedia. Si resulta gracioso, escríbalo, métalo en algún cajón y olvídese de ello. Vuelva luego a escribirlo de la manera que había pensado.

16

La reescritura

En donde tomamos lo que hemos hecho y lo mejoramos

La experiencia de escribir un guión de cine, está formada por muchas etapas y todas son distintas. Es posible tener un arranque de inspiración para un guión, pero llevarlo al papel ya es otra historia. En un proceso minucioso, paso a paso, en el que se atraviesan diferentes etapas, mejorándolo y completándolo a cada paso.

Escribir un guión es un proceso. Muchas personas que están escribiendo su primer guión creen que todo lo que tienen que hacer es escribirlo y luego enviarlo.

Nada más lejos de la realidad. Escribir es un trabajo que se hace día a día, de tres a cinco horas al día, cinco días a la semana. Reescribir el guión es necesario. Con ello corrige los cambios que realizó durante el primer borrador de palabras sobre el papel, y luego aclara y define su historia y da mayor profundidad a los personajes y situaciones.

La escritura del primer borrador de un guión se realiza en tres etapas.

El borrador de palabras sobre el papel que acaba de terminar.

La etapa «mecánica» en la que corrige los cambios realizados durante la escritura.

La etapa de «pulido».

Cuando termina el primer borrador de palabras sobre el papel, está listo para la segunda etapa, la etapa «mecánica». En ella corrige los cambios que realizó durante la primera etapa, le da la extensión adecuada al guión, aumenta la tensión dramática y define mejor el interés del protagonista.

En esta etapa del proceso de escritura del guión va a cambiar cosas, muchas cosas. Reescribirá el ochenta por ciento del Acto I, alrededor del sesenta por ciento de la primera mitad del Acto II, alrededor del veinticinco por ciento de la segunda mitad del Acto II, y alrededor del diez o quince por ciento del Acto III.

Luego pasará a la tercera etapa del primer borrador, puliendo, acentuando y dando textura a cada escena, cambiando una palabra aquí y otra allá, una frase aquí, una escena allá, reescribiendo a menudo la misma escena quince o veinte veces hasta que esté bien.

Cuando haya terminado el primer borrador de palabras sobre el papel y se haya tomado una semana o diez días de vacaciones, habrá llegado el momento de volver al trabajo y de empezar la segunda etapa de su guión. Esta reescritura del primer borrador de palabras sobre el papel es el borrador «mecánico».

Y nada más que eso. No espere que la inspiración creativa le sirva de guía, porque va a corregir todos los cambios que realizó en el Acto I y el Acto II, de manera que su línea argumental progrese desde el principio hasta el final. Tiene que plantearlo correctamente, añadir escenas nuevas que lo hagan funcionar y quitar las que no aporten nada.

Lo primero que tiene que hacer es ver lo que tiene. Probablemente no sepa o no recuerde lo que hizo en el Acto I. Cuando se está en el paradigma, no se puede ver el paradigma. No tiene visión general ni perspectiva objetiva de lo que hizo o no.

Lo primero que tiene que hacer es conseguir un panorama general. La manera de hacerlo es leer todo el primer borrador de una vez, desde el principio hasta el final. No tome notas ni escriba en los márgenes los cambios que quiere realizar.

Es posible experimentar diversos altibajos emocionales: «Es lo peor que leí en mi vida» es la reacción más común. «Es simplemente espantoso, horrible». A veces leer lo que se escribió puede ser una experiencia devastadora. Si ocurre así, simplemente capee el temporal. Su actitud tendría que ser simple: usted sabe que su guión necesita trabajo, así que no hace falta que nadie le diga lo que ya sabe. Lo bueno o malo que sea en esta etapa no tiene ninguna importancia en absoluto. Lo que ocurre durante la mayor parte del tiempo es que está como en una montaña rusa. Algunas cosas le gustarán y otras le parecerán horribles.

Es esencial una reescritura para mejorar lo ya escrito. Acéptelo, no lo discuta y no luche contra ello. Simplemente es así. Nadie le dijo que escribir un guión de cine iba a ser pan comido.

Cuando termine de leer el borrador de palabras sobre el papel, reflexione sobre ello. Tome notas mentales, nada más. Observe lo que tiene que hacer para planear los cambios realizados a lo largo del Acto II y cualquier otra cosa necesaria para que el guión funcione. Piense en ello durante algunas horas, o mejor aún, consúltelo con la almohada. No necesita tomar ninguna decisión tajante ni muy definida en este punto.

Va a trabajar en unidades de acción de treinta páginas. Reescribirá el Acto I, luego la primera mitad del Acto II, luego la segunda mitad del Acto II y luego el Acto III.

Hará la mayor parte del trabajo en el Acto I. Va a reescribir alrededor del ochenta por ciento de este material.

Ahora lea el Acto I y tome notas detalladas, ya sea en el margen o en un cuaderno. Cualquier cambio en los diálogos, cambios de escena o alteraciones en la acción, la trama o los personajes tendrán que ser integrados en el guión entendido como un todo.

Cuando sepa qué cambios quiere hacer, prepare nuevas fichas para las escenas del Acto I. Algunas escenas estarán bien tal y como son y otras no. Agarre las fichas de 9 × 15 y prepárelas para el nuevo Acto I. Probablemente tenga que escribir unas cinco o seis escenas nuevas, cambiar algo del diálogo en varias escenas y luego pulir, recortar y ajustar la extensión del guión. Este proceso le ocupará unas dos semanas. Por lo general, el Acto I es el que más se tarda en reescribir.

Reescribir el Acto I le resultará más fácil de lo que creía. Ya estableció una disciplina de trabajo y conoce su historia, así que la realización de estos cambios le tiene que resultar fácil y natural. Es posible que a veces tenga dificultades para decidir qué hacer, sobre todo si el Acto I es demasiado largo. Si le ocurre esto, quizá tenga que pasar algunas escenas del Acto I al Acto II.

Simplemente haga la reescritura del Acto I. Trabaje en unidades de diez páginas y busque la claridad y simplicidad de la imagen visual. Cuente su historia, escena a escena y página a página.

Concéntrese en abrir visualmente la historia. Se dará cuenta que en el Acto I tenía tendencia a contar la mayor parte de su historia con diálogos: «narraba» la historia. Esta vez muéstrelo.

Muestre a su personaje paseando por el parque, haciendo jogging en la calle. Piense visualmente. Sea consciente de las transiciones cinematográficas, cómo se pasa de una escena a la siguiente (relea el capítulo trece, «La forma del guión»). Vigile sus entradas y salidas de las escenas.

Cuando termine el Acto I, vuelva al principio y limpíelo un poco. Pula una escena, elimine algunas líneas de diálogo para hacerlo más claro y conciso. No le dedique demasiado tiempo. Es importante avanzar a lo largo del guión. Trabaje siempre del principio al final, del principio al final.

Pase a la primera mitad del Acto II. Léalo y tome notas sobre lo que tiene que hacer para que funcione. Se dará cuenta que cambia alrededor del sesenta por ciento de la primera mitad. Decida qué cambios quiere hacer y luego prepare esta sección en fichas de 9 × 15, igual que para el Acto I.

Conozca su contexto dramático. Asegúrese que la primera pinza es ajustada y concisa, y el punto medio, claro y bien definido. Si necesita hacer algo para que su historia funcione, hágalo.

Cuente su historia visualmente. Intente acortar las escenas de diálogo, concentrándose en la dinámica visual. Deje que la primera pinza mantenga la historia en su curso.

¿Sigue funcionando con eficacia el punto medio? ¿Es demasiado largo o demasiado corto?

¿Necesita redefinirlo visualmente?

Escriba el punto medio.

Se pasará una o dos semanas en esta sección.

Pase luego a la segunda mitad del Acto II Léala rápidamente. Tome notas sobre lo que tiene que hacer para corregir los cambios. Estructure la segunda mitad en catorce fichas de 9 × 15. Una vez que sepa lo que tiene que hacer, hágalo de manera simple, teniendo claramente presentes el contexto dramático y el marco temporal. Probablemente no tenga que cambiar más del veinticinco o treinta por ciento de la segunda mitad del Acto II. Mantenga su historia encausada. Siga a su protagonista a lo largo del desarrollo de la historia. Vaya avanzando, pasando por la segunda pinza y el segundo plot point.

Cuando haya terminado, no dedique demasiado tiempo a pulir esta sección, porque se pasará mucho tiempo sintiéndose inseguro y confuso y el impulso creativo podría desaparecer. Sólo tardará alrededor de una semana en corregir esta sección.

En el Acto III sólo tendrá que reescribir entre el diez y el quince por ciento del borrador original. Esto le llevará alrededor de una semana. Puede que le interese aclarar y definir mejor su final, replantear la resolución. El proceso mismo de escribir, en este momento, resulta claro y fácil de manejar. Sabe exactamente qué tiene que hacer para terminarlo.

Si tiene una larga secuencia de acción para el final, como, por ejemplo, la destrucción de la nueva Death Star en El regreso del Jedi, puede que le interese hacer dibujos o un «storyboard» de lo que ocurrirá.

Cuando estaba escribiendo mi primer guión, una historia de acción y aventuras, tenía una complicada escena de acción para el final. Tenía problemas para escribir la secuencia, así que hice un dibujo de la locación y luego dibujé la secuencia de la fuga. Encontré la manera de entrar en la secuencia y la manera de salir de ella. Una vez que supe claramente qué aspecto quería que tuviera, guardé el dibujo y escribí la secuencia.

Un guión de cine es una historia contada en imágenes, diálogos y descripciones. No importaba que me estuviera inventando una locación. Si se hacía la película, se cambiaría el guión para ajustarlo a los nuevos exteriores. No se preocupe de si existe o no la locación «exacta». Simplemente tenga claro lo que quiere escribir y luego escríbalo. Podrá terminar este borrador «mecánico» de su guión en unas cuatro o cinco semanas, y tendría que terminar teniendo entre ciento diez y ciento veinte páginas, no más. Su línea argumental tiene que ser clara, con todos los cambios necesarios fundidos en una línea argumental integrada desde el principio hasta el final.

Puede que quiera tomarse algunos días o una semana de descanso, o puede que no. Haga lo que quiera. Está listo para pasar a la tercera etapa de pulido de la primera versión de su guión.

Es aquí donde realmente va a escribir el guión. Pasará tres líneas de una escena del Acto I a otra escena de la primera mitad del Acto II. Enlazará una escena con otra eliminando la transición. Abreviará escenas; es decir, puede tomar, por ejemplo, una escena del Acto I, combinarla con una escena del Acto II, y acabar teniendo una escena más corta que cualquiera de las otras dos.

Acentuará, pulirá, afilará, ajustará y dará textura al guión. Es la etapa más importante de la experiencia de escribir un guión de cine. Advertirá el ritmo de la acción, verá lugares en los que una «pausa» o un «compás de espera» pueden reforzar el suspense de una escena. Volverá a redactar cosas. Intensificará las imágenes visuales, añadiendo adjetivos, ajustará y condensará los diálogos eliminando palabras de las conversaciones, a veces frases enteras, de vez en cuando trozos enteros de diálogo.

Una vez más, trabaje en unidades de acción de treinta páginas. Haga el Acto I, luego la primera mitad del Acto II, luego la segunda mitad del Acto II y luego el Acto III. Trabajar en unidades así le permite controlar su historia y avanzar paso a paso hacia la resolución.

Recuerde que una buena estructura es la relación entre las partes y el todo. Mientas está retocando su guión, limará las asperezas de los elementos estructurales hasta que formen parte tocando su guión, limará las asperezas de los elementos estructurales hasta que formen parte integral de la historia.

Retoque el Acto I. Léalo y limpíelo mientras van pasando las escenas y las páginas. Tache una frase aquí, añada unas cuantas palabras allá, enlace este párrafo con esta línea de diálogo, y así sucesivamente.

Ajuste, recorte, condense, pula, corte, corte y corte un poco más. A la mayoría de los guionistas noveles no les gusta eliminar palabras —o párrafos—, pero tiene que ser implacable en esta etapa. Si está dudando sobre la conveniencia de conservar este diálogo, párrafo, descripción o escena, lo más probable es que tenga que eliminarlo.

El objetivo de la etapa de pulido es hacer el mejor guión posible.

¿Cómo sabrá cuándo terminó la reescritura? ¿Cuándo puede dejar las páginas a un lado y decir: «Terminé la primera versión de mi guión»? Es una pregunta difícil. Nunca se está completamente seguro, pero hay determinadas señales a las que hay que prestar atención. En primer lugar, comprenda que su guión nunca será perfecto. Siempre habrá unas cuantas escenas que no funcionan. Por muchas veces que las escriba y reescriba, nunca estarán bien. Tendrá que desentenderse de esas escenas. Nadie se dará nunca cuenta de que no funcionan o que no están a la altura de sus expectativas. Será más fácil dejarlas como están si se da cuenta de ello.

Puede que se dé cuenta que está dedicando mucho tiempo a pequeños cambios. (Por ejemplo, cambiará «pero hay signos» por «y hay signos».) Es una señal de que está listo para parar.

Luego déjelo ir. Va a tenerse de pie o caer por sí solo. No va a ser «perfecto».

«La perfección es un ideal. Existe sólo en la mente, no en la realidad», decía Renoir.

Ejercicio

Lea el borrador de palabras sobre el papel. No tome notas, simplemente siéntese y léaselo entero. Hará cambios mentales mientras lee. Ya se ocupará del resto de los cambios cuando pase a escribir.

Empiece por el Acto I. Léalo como una unidad de acción dramática y tome notas, ya sea en el margen o en una hoja de papel aparte. Estructure y ponga en correlación cualquier escena nueva con las antiguas escenas ya escritas, y luego estructure el Acto I en catorce fichas de 9 × 15. Cuando haya terminado, repase las fichas hasta que se sienta cómodo con ellas, y luego empiece a escribir. Las primeras páginas pueden resultar afectadas y torpes, está bien, no se preocupe por ello.

Trabaje en unidades de treinta páginas, diez páginas cada vez. Hará entre diez y quince páginas por semana. Tardará unas dos semanas en completar el Acto I.

Pase luego a la primera mitad del Acto II Léala, tome notas y luego estructúrela en fichas de 9 × 15.

Empiece a reescribir, escena a escena, página a página, pasando por la primera pinza hasta llegar al punto medio. Sea claro en su contexto dramático.

Escriba el punto medio y asegúrese de que el centro de atención de su historia es claro y definido. Pase luego a la segunda mitad del Acto II. Siga el mismo proceso. Lea la unidad, tome notas, estructúrela en fichas de 9 × 15 y luego empiece a escribir.

Lo mismo con el Acto III. Ajústelo a la extensión adecuada y haga todos los cambios necesarios para conseguir una trama argumental coherente.

Cuando haya completado la etapa «mecánica» de la primera versión del guión, pase a la etapa de «pulido». Una vez más, trabaje en unidades de acción dramática de treinta páginas. Pula, afile, limpie, abrevie, acentúe, elimine y matice su material.

Su nombre está en la primera página, así que haga el mejor trabajo que le sea posible.

Recuerde, un guión es una experiencia de lectura antes de convertirse en una experiencia visual.

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La «buena lectura»

En donde hablamos de la búsqueda de la «buena lectura»

A lo largo de los dos años en los que trabajé como director del departamento de guiones de Cinemobile Systems y Cine Artists, leí más de dos mil guiones y por lo menos cien novelas buscando material. Estaba siempre buscando la «buena lectura».

¿Qué es una «buena lectura»? Nunca sabía cómo definirla exactamente. Sólo podía decir que tenía un «aspecto» determinado y que «se leía» de una manera determinada y producía una «sensación» determinada. Un buen guión funciona desde la primera página, el primer párrafo y la primera palabra. Barrio Chino era una buena lectura, igual que Cuerpos ardientes, Ausencia de malicia, Dos extraños amantes y Los tres días del cóndor.

Hay mucho espacio libre en la página, los párrafos descriptivos son breves y pertinentes, y el diálogo se mueve de una escena a otra manteniendo el interés y la intriga. El lector no deja de pasar las páginas.

Esa es la tarea del escritor: hacer que el lector no deje de pasar las páginas.

¿Qué es lo que busca el lector?

Una historia, un personaje y, ante todo, el estilo. Lo primero que me atrae es el estilo de escritura, la manera en que las palabras están puestas sobre el papel: escueta, concisa, vigorosa y visual. Luego, la premisa. ¿Consigue mantener mi atención? ¿Es interesante? ¿Cómo está planteado el guión en términos de historia y dinámica visual? ¿Tienen cuerpo y profundidad los personajes? ¿Las diez primeras páginas presentan la información suficiente para hacerme desear seguir leyendo?

Cuando encuentra una «buena lectura», lo sabe. La primera página desprende una cierta emoción y energía.

Pensé que sería interesante incluir una hoja de valoración de un lector de unos estudios importantes. Le ayudará a comprender de dónde viene el lector.

En primer lugar, en la esquina superior izquierda de la página está el género, una descripción en una palabra del tipo de historia: acción, aventuras, historias de amor, westerns, comedia, comedia romántica, farsa, romance, final triste o feliz, ciencia-ficción, animación o futurista. En este caso, el género es romance con final triste.

En segundo lugar hay un breve resumen de la historia, una descripción de cuatro o cinco líneas del tema de la historia. En este ejemplo, el resumen dice: «Una hermosa y ambiciosa joven abogada intriga para subir puestos en una firma de abogados con base en Chicago. Su jefe, casado y con tres hijos, se enamora de ella. Ella consigue con sutiles maniobras ser nombrada socia de pleno derecho, lo que arruina políticamente a su amante. Su matrimonio también está arruinado, y él decide poner su propia compañía haciéndola su única socia. Unas pocas semanas más tarde, está suplicándole a su mujer que lo perdone. Nuestra heroína sigue adelante».

De eso trata la historia. El tema de su guión. (Si quiere leer buenas sinopsis, lea cualquier descripción de una película en una guía de televisión. Así es como tiene que contar su historia antes de empezar a escribir siquiera.)

En tercer lugar, después de este breve resumen, hay una página y media en la que se resume detalladamente la historia, en profundidad y con detalle, que omití.

En cuarto lugar hay un análisis del lector, con especial atención a la estructura y al personaje. En esta valoración en particular, el análisis se divide de la siguiente manera (a veces incluye un diagrama con cajas en las que se puede marcar excelente, bueno, pasable o mediocre para evaluar el personaje, el diálogo y la estructura):

I — Personaje

A) Diseño:

Una joven profesional sin escrúpulos se aprovecha de un marido y padre de edad mediana, y él abandona a su familia por ella.

B) Desarrollo:

Casi bueno. El autor debe de tener algo contra las mujeres. Retrata a una de las heroínas más malévolas desde Darling o Petulia. Los personajes no resultan creíbles; no son lo bastante complejos.

II — Dialogo

Pasable. Estamos en Chicago, pero es un espacio de tiempo muy reducido. Aquí el diálogo comete el imperdonable pecado de hacerlo todo evidente. La historia está contada en los diálogos.

III — Estructura

A) Diseño:

Una Lolita con cerebro se abre camino para escalar puestos en el mundo legal manipulando a su jefe, un hombre con familia, para luego dejarlo tirado una vez conseguido sus objetivos principales.

B) Desarrollo:

Pasable, ya que todo es tan evidente y al estilo de las series televisivas. La protagonista carece de profundidad, es un personaje demasiado antipático.

C) Ritmo:

Bueno. Aunque no cabe ninguna duda sobre lo que va a ocurrir a continuación y hay muy poca tensión dramática. Pero tampoco se arrastra.

D) Resolución:

Mediocre. El guión se termina de repente. Nos quedamos en el aire. El pobre marido se arrastra de vuelta al hogar y no volvemos a ver a la protagonista.

Ese es el análisis y el desglose de la estructura y el personaje. Luego hay una Recomendación del lector, en la que el lector hace constar sus impresiones en unas pocas frases. «No lo recomiendo. Un mediocre drama romántico en todos los sentidos. Es el retrato poco compasivo de una profesional agresiva del medio oeste. El sentido final de toda la historia sigue siendo un misterio. El tono es pesimista, pero totalmente desprovisto de las calidades de la comedia negra que asociamos con Nabokov u otros del mismo género. Una serie televisiva de la América del cinturón del maíz, no una película para la gran pantalla».

Esa es la sinopsis de un guión de un lector de Hollywood. Y con ser tan breve y lacónica, es lo que todos los ejecutivos de los estudios, agentes y productores de películas leen.

¿Qué es lo que va a decir el lector de su guión?

Como ejercicio, puede que le interese familiarizarse con esta valoración. De aquí viene el lector. Desde su punto de vista, siempre hay otro guión que leer.

Mucha gente me dice que quiere escribir guiones. Me llaman, me escriben, me importunan, por último se inscriben en un taller, y dos o tres semanas más tarde lo dejan sin decir una palabra. Su compromiso con ellos mismos y con la escritura era nulo. La acción es el personaje. Una persona es lo que hace, no lo que dice.

Si va a hacerlo, hágalo.

De eso se trata este libro. Es una guía, una herramienta. Puede leerlo cien veces, pero hasta que no lo deje a un lado y haga los ejercicios, sólo va a estar pensando en escribir un guión de cine y no escribiéndolo.

Escribir un guión de cine exige tiempo, paciencia, esfuerzo y compromiso. ¿Está dispuesto a comprometerse consigo mismo para hacerlo? ¿Está dispuesto a aprender y a cometer errores? ¿Está dispuesto a hacer el mejor trabajo que le sea posible?

Lo realmente importante de escribir un guión de cine es hacerlo. Se fija una meta, una tarea, y luego la alcanza. En eso consiste todo.

Cuando en mis talleres la gente termina la primer versión de su guión, todo el mundo aplaude. Es nuestro reconocimiento por el tiempo y el trabajo y el esfuerzo y la lucha y el dolor y la alegría que forman parte del proceso de escritura.

«El Manual del Guionista» lo guiará a través del proceso de escribir un guión de cine. Cuanto más ponga en ello, más sacará. Es simplemente una ley natural.

«El verdadero arte», me dijo Jean Renoir, «está en el hacer».

Escribir es una responsabilidad personal. O lo hace, o no lo hace.

Hágalo.

SYD FIELD. (Hollywood, California, 19 de diciembre de 1935 − Beverly Hills, California, 17 de noviembre de 2013)1 fue un guionista estadounidense. Publicó varios libros sobre la creación de guiones y condujo talleres y seminarios sobre cómo redactar libretos rentables. Los productores de Hollywood han utilizado sus ideas sobre la estructura para potenciales guiones.

Field también enseñó a escribir guiones en el Programa Maestro de Escritura Profesional de la Universidad del Sur de California. Además, escribió y produjo series televisivas como Men in Crisis, Hollywood and the Stars, National Geographics y Jacque Cousteau Specials entre 1963 y 1965 para David L. Wolper Productions.

Falleció en Beverly Hills el 17 de noviembre de 2013 a los setenta y siete años producto de una anemia hemolítica.

Notas

[1] Cuando fue redactado «El Manual», no se filmaba en digital. <<