Introducción

En este libro continuaremos con la historia del rock mexicano a partir de 1980, siguiendo la narración del anterior que comprendió el periodo entre 1956 y 1979.

Recapitulando lo descrito en el volumen 1, recordemos que el rock and roll llegó a México en 1956, como un baile de moda interpretado por adultos en grandes orquestas que, si bien era imitado en la forma, poco tuvo que ver con los orígenes contraculturales de los jóvenes estadounidenses. Fue en los siguientes años cuando se adoptó por la juventud mexicana, al principio de manera amateur y poco a poco profesionalizándose hasta llegar a las primeras grabaciones que salieron al comienzo de los años sesenta.

El rock and roll gozó de gran popularidad en esos días, provocando un boom en el nacimiento de bandas que pronto fueron contratadas por las discográficas nacionales y transnacionales, forzándolas a tocar covers en español de temas exitosos en Estados Unidos y separando a los cantantes de sus grupos para convertirlos en estrellas juveniles, a partir de criterios mercadotécnicos.

Como los grupos de rock and roll mexicanos nacieron desfasados en el tiempo con respecto a los estadounidenses, también presentaron cierta divergencia, aunque menor, en la incorporación de nuevas modas, como el twist, el surf e incluso el ska. Al principio, aunque aparecieron bandas en diversas partes de la República mexicana, la difusión masiva del rock and roll nacional se dio principalmente en la capital del país. Al llegar a la Ciudad de México músicos del norte con influencias frescas, como el soul, el blues eléctrico y la denominada Ola Inglesa, en la mitad de la década, los grupos continuaron en la lógica de la manufactura de covers, aunque ahora ya se le llamaba «rock» a secas.

Por otra parte, los medios de comunicación masivos comenzaron a difundir el rock anglosajón, por lo que el público dejó de oír las versiones mexicanizadas para mejor escuchar los temas originales. Llegaron los tiempos del hippismo y la psicodelia. En este panorama de globalización de la cultura pop y por deseo de los grupos mexicanos de crear música propia, comenzaron a componer temas originales, pero en inglés, sin desprenderse del todo de la imitación. Intentaron competir e integrarse a un mainstream internacional, objetivo que no lograron, salvo en un par de excepciones. A estas bandas se les denominó Onda Chicana, y en su mayoría provenían de ciudades como Tijuana, Monterrey, Ciudad Juárez, Nogales, Matamoros, Reynosa, Durango, y del centro del país, como Guadalajara y la Ciudad de México.

El rock y las expresiones de los jóvenes, en general, fueron vistos con cierta desconfianza por parte de los sectores conservadores de la sociedad y las autoridades. Sus sitios naturales de reunión, como en el caso de los cafés cantantes durante el comienzo de los años sesenta, sufrieron cierres hasta prácticamente desaparecer al final de la década, bajo el acoso policiaco. Aun así, las bandas y su público se reunían en frontones o pistas de hielo y comenzaron a aparecer los «salones», antecedentes de los hoyos fonqui.

El año de 1968 es recordado por sus lamentables acontecimientos. Como sabemos, el gobierno de Gustavo Díaz Ordaz asesinó impunemente a estudiantes en la Plaza de las Tres Culturas de Tlatelolco. Sin embargo, el rock se mantuvo, en términos generales, apolítico y poco vinculado en lo creativo respecto a este acontecimiento, aun cuando afectó su desarrollo. Años después se dio un violento choque entre la ilusión jipiteca y la realidad, cuando se realizó el Festival de Avándaro, en 1971, a tan sólo unas semanas de la matanza de Corpus Christi, cuando agentes del Estado mataron nuevamente a estudiantes en un episodio conocido también como el Halconazo. Sin un plan previo, pero sí actuando rápidamente, el gobierno de Luis Echeverría Álvarez aprovechó un concierto mal organizado para asestar un duro golpe al rock nacional y a la juventud mexicana cuando constataron su gran e incómodo poder de convocatoria. También era un buen chivo expiatorio para sacarle raja política a la lucha interna del PRI y así poder desprestigiar al gobernador del Estado de México en turno, por lo que fue presentado como un evento en el que se permitieron la inmoralidad y el libertinaje, que requería de la aplicación de la mano dura ante la ineficacia de la autoridad local.

El rock se estigmatizó y se proscribió en México durante los siguientes tres lustros, en un acto autoritario sólo comparable con los de los regímenes más represores del planeta. Los medios de comunicación masiva, y particularmente la televisión, participaron en ese engranaje del gobierno para sabotear al rock y a sus hacedores. Los conciertos se prohibieron y las compañías discográficas dejaron de grabar a los grupos. Muchos músicos se quedaron sin trabajo de la noche a la mañana. El rock mexicano tuvo que sobrevivir de manera subterránea el resto de la década. Tocar en los hoyos fonqui, en conciertos clandestinos, en las zonas marginales de las ciudades fue la opción para algunas bandas, mas no para todas. Para sobrevivir, algunos cambiaron de género o se convirtieron en grupos versátiles para fiestas; otros, salieron del país esperando que las cosas cambiaran, sólo para descubrir, tras su regreso, que la situación era peor. Otros se refugiaron en foros universitarios, en obras de teatro y museos, en ocasiones presentándose como grupos de jazz (sin serlo), para así poder ser contratados. Y hubo los que se refugiaron en organizaciones de artistas de izquierda y tocaron en peñas junto a folcloristas e intérpretes de canto nuevo, lo cual permeó su música y criterios para componer.

El rock mexicano sobrevivió en el olvido de los grandes públicos para realizar la búsqueda de un sonido propio. Dejó de ser un género de intérpretes e imitadores para ser uno de creadores de su propia expresión. En esos tiempos difíciles se sembraron las semillas de lo que germinaría a partir de 1980.

Advierto que, al igual que en el primer volumen, en éste seguiré narrando el gran cúmulo de acontecimientos desde mi perspectiva de músico (por ende, desde mi subjetiva parcialidad), donde muestro al rock como la posibilidad del mestizaje, ya que esta cualidad es parte de su origen, evitando caer en puritanismos formales en los que suelen incurrir muchos fanáticos pero, eso sí, reconociendo en esta música su espíritu adolescente, cuestionador, rebelde, es decir, su esencia contracultural y su asimilación en la cultura pop local. Por tal motivo, en este libro, como en el primero, se integran grupos o solistas que han creado su obra desde diferentes géneros emparentados entre sí, como el blues, la música electrónica, el reggae, el folk, el punk, el new wave, el world music, el grunge, el ska, el surf, el hip hop, el soul, el funky, el trip hop, el big beat, el rock progresivo, el rock en oposición, el rock pop, el hard rock, el metal, el jazz fusión, la psicodelia y el rock latino, a los cuales se incorporan géneros de manufactura nacional, como el etno rock, el Movimiento Rupestre, el rock mestizo, la música electrónica mexicana y el rock bandoso (también denominado «urbano»).

Reitero mi sugerencia de buscar, por los medios que tengan al alcance, la música a la cual aquí se hace referencia, ya que será mucho más rico el acercamiento a los proyectos descritos. Además, la música se escucha, y no hay texto que pueda describir con plenitud la experiencia auditiva. En este sentido, internet puede ser una buena ventana al trabajo de estos artistas.

Bienvenidos al volumen 2 de 60 años de rock mexicano, el segundo de tres libros de esta serie que continuará esta peculiar narración, aquí comprendida entre 1980 y 1989.

1980-1989

Esta década comenzó con una proliferación explosiva de nuevas bandas en la escena roquera nacional, que si bien fue tomando conciencia de su identidad mexicana, también se encontraba fraccionada e inconexa. En esos años hablar de una industria del rock en México era algo aún lejano. Ante la prohibición de conciertos y la abierta censura por parte de las autoridades, en alianza con los medios de comunicación masiva, el rock comenzó a salir poco a poco de su ambiente subterráneo y las periferias de las ciudades. Comenzó a verse en lugares con un contexto distinto, menos rudo y con cierto nivel de organización. Aparecieron foros a los que comenzaron a asistir jóvenes no necesariamente marginales, que hasta entonces no habían tenido opciones para disfrutar de tocadas más allá del hoyo fonqui o la fiesta privada.

Ya al final de los años setenta, en la Ciudad de México se había dado cierta apertura para la organización de conciertos de rock en foros universitarios, como el teatro de Arquitectura en la UNAM. Un poco después sucedió lo mismo en el Museo Universitario del Chopo, en tiempos de la administración de la escritora y periodista Ángeles Mastretta, quien abrió su foro a las bandas y organizó concursos, mismos que ayudaron a generar un nuevo foco de atención hacia el rock hecho en casa. Tras un par de años en el interior del museo, y después de trasladarse a la banqueta de enfrente, nació, por iniciativa de Jorge Pantoja, el Tianguis Cultural del Chopo, que posteriormente tuvo una vida errante hasta llegar a donde se ubica en la actualidad: la calle Aldama, en la colonia Guerrero. El tianguis se convirtió desde el principio en el centro generador de espacios contraculturales donde los jóvenes podían reunirse para intercambiar, comprar y conocer más sobre lo que acontecía en el rock en general. Otros lugares ligados ala Universidad que abrieron sus puertas para la realización de conciertos fueron la Carpa Geodésica, en la avenida Insurgentes Sur, y el Foro Isabelino, también conocido como el Foro El Tecolote, en la calle Sullivan.

Al sur de la ciudad estaba el Foro Tlalpan, dirigido por el cineasta Sergio García Michel, donde tuvo carta abierta una serie de cantautores para organizar presentaciones y ciclos. Muchos de ellos se habían conocido previamente en eventos y talleres del Museo del Chopo. Luego conformaron el Colectivo Rupestre en torno a Rockdrigo González. Por su lado, las librerías Gandhi y El Ágora también abrieron sus pequeños escenarios para la presentación de conciertos. La tienda de discos Hip 70, en Insurgentes Sur, ofreció en su segundo piso un foro donde tocaron bandas como Dangerous Rhythm, Kenny and the Electrics, Size y el Three Souls in my Mind. En la Plaza de la Conchita, en Coyoacán, se ubicaba un pequeño lugar llamado El Cuervo, donde solía tocar la primera formación de Cristal y Acero, así como Anchorage, entre otros. En una cochera de la avenida Miguel Ángel de Quevedo, teniendo como antecedente un lugar llamado El Oriente, se inventó un foro administrado por el grupo Kerigma, llamado La Rockola, un pequeño lugar donde el público se sentaba en mesas cerveceras de metal a escuchar, entre otras agrupaciones, a la banda de casa, Kerigma, así como a Botellita de Jerez, Cecilia Toussaint y Arpía, Chac Mool, Jaime López, Rockdrigo, Las Insólitas Imágenes de Aurora y varios más, todos con nuevas propuestas y material original cantado en español. La particularidad de estos sitios, durante esa primera etapa de los ochenta, fue que la gran mayoría se ubicaban al sur de la Ciudad de México, alejados del público del norte.

Mientras tanto en Guadalajara, otro foco importante del movimiento roquero en el país, también existía una escena dividida, física y socialmente, por la calzada Independencia: la escena occidental —de donde provenían las bandas de colonias de clase media y acomodada— y la oriental —donde se encontraban los barrios populares—. En el occidente de la ciudad, bandas como Green Hat Show, Prólogo, Mask, Exxus y Trax tocaban en fuentes de sodas y fiestas particulares organizadas como pequeñas empresas. En el oriente, la mayor parte de los foros se localizaban en San Andrés, Polanco, Zapopan, La Tuzania y calles cercanas a la calzada Independencia, donde era común ver tocar a bandas como Fongus, Toncho Pilatos y La Solemnidad; esta última, una agrupación que interpretaba covers, había logrado un gran número de seguidores. Cada escena tenía sus propios públicos, bien diferenciados. Paralelamente a estos nuevos foros surgidos en diferentes partes de la República mexicana, la vigencia de los hoyos fonqui, sus mafiosas organizaciones y la ya acostumbrada persecución policiaca a los asistentes se mantuvo durante la primera mitad de la década.

Mientras tanto, en otras partes del planeta, los grupos de new wave dominaban las listas de popularidad, mostrando sus distintas caras con grupos como Talking Heads o The B-52’s (en Estados Unidos), o The Police o U2 (en Europa). Apareció The Cure, que junto a Siouxie and the Banshees encabezaron la cara comercial del gótico. Por su cuenta, The Human League, Devo o The Thompson Twins proyectaban el techno pop. ABC, Duran Duran o Spandau Ballet abanderaban el new romantic. El rock mexicano no fue ajeno a estas tendencias que comenzaron a permear la escena de nuevas y viejas bandas, hasta ese momento enfrascadas en el blues eléctrico, el hard rock y el rock progresivo.

Si bien en las décadas pasadas el rock encajaba sin problema en el concepto de pop, como en los casos de The Beatles, en los sesenta, y Elton John, en los primeros años de los setenta, desde el nacimiento de la música disco, a mediados de esa década, comenzó una nítida barrera entre el rock y la música con influencias del soul, el funky y el rhythm & blues (que en su transformación se simplificó al término R&B). Fue así como, al comenzar los años ochenta, se perfilaron Michael Jackson y Madonna como los nuevos reyes del pop, convirtiéndose en los enemigos naturales (o inducidos, según se vea) del rock, el cual prefería las guitarras distorsionadas y un sonido más pesado. La era del canal de videos MTV comenzó por esos años. Desde entonces, la música comercial estableció un lazo indestructible con la imagen.

En México, durante la década anterior, el pop había sido creado por la televisión, teniendo como fuente la balada romántica y ranchera, con el padrinazgo de Raúl Velasco. Luis de Llano, quien siendo roquero se había desarrollado profesionalmente dentro de Televisa, fue el artífice del nuevo y superficial pop mexicano de los años ochenta, con prefabricaciones como Garibaldi, Fresas con Crema y su creación más exitosa en términos comerciales: Timbiriche. Las escenas roqueras iberoamericanas, particularmente en España y Argentina, crecían y se popularizaban a nivel regional. Allá no se cuestionaron si tenían que cantar en español, simplemente lo hicieron como algo natural. La Movida Madrileña, tras la dictadura de Franco, ofrecía grupos como Radio Futura, Golpes Bajos, La Orquesta Mondragón, Danza Invisible o Nacha Pop, mientras las películas de Almodóvar eran su cara en el cine. Desde el Cono Sur surgían grandes músicos y compositores a la par de las crueles dictaduras militares, mismas que inspiraron, como contrapeso, temas con contenidos poéticos que provocaron el surgimiento de maravillosos compositores y ejecutantes como Charly García, Alberto Spineta, León Gieco o, un poco más adelante, Andrés Calamaro y Soda Stereo, quienes también hicieron presente su influencia en tierras aztecas.

En México armar conciertos de bandas extranjeras en esos días era un acto intrépido. Son conocidos los casos de cancelaciones días o, incluso, horas antes de los eventos programados, haciendo que los organizadores quebraran y el público creara una cultura de desconfianza en cuanto a la veracidad de lo que éstos anunciaban. Durante noviembre de 1980, unos arriesgados empresarios lograron, de forma mañosa, ya que lo presentaron como una cena, un concierto del grupo británico The Police, en el entonces Hotel de México (hoy World Trade Center) de la capital del país. El boleto fue caro, lo que restringió el acceso sólo a jóvenes pudientes. Esto no garantizó que se realizara en condiciones óptimas, ya que fue un milagro que no se viniera abajo la endeble tarima sobre la que tocaron los británicos. Independientemente de la experiencia que vivieron los que asistieron ese día, las notas periodísticas posteriores buscaron escandalizar con el evento, calificándolo como el típico concierto de rock en el cual imperó el libertinaje, e ilustraron sus textos con fotos de jóvenes bailando sobre las mesas. «Tocamos en un lugar extraño. Era en una especie de hotel nuevo y tocamos en el piso 20. Era muy costoso entrar. Tocamos en una especie de escenario peligroso. Se estaba cayendo a pedazos. Jugamos. Todo el mundo se volvió loco. Pensamos que todo el escenario se derrumbaría. Fue muy divertido.» (Declaraciones de Andy Summers en WFM, diciembre de 1980, obtenidas en <http://www.cybercomm.nl/~gugten/s19801115.htm>).

En aquel entonces buena parte del público roquero nacional tenía como única cultura, en lo que respecta a la asistencia a conciertos, el anárquico ritual del hoyo fonqui, mismo que las autoridades utilizaban como argumento en contra para no permitir las tocadas. Había portazos, consumo de drogas, desorden y agresiones a los músicos, en buena medida como consecuencia de una mala organización. En 1981 sucedió lo impensable: las autoridades permitieron un par de presentaciones del grupo británico Queen, ambas fuera de la Ciudad de México, pues no llegaba a tanto la flexibilidad del gobierno. Una fue en la ciudad de Puebla y, aunque hubo desmanes, terminó sin mayores incidentes. La otra fue en Monterrey, en circunstancias más civilizadas.

Al principio de esta década, muchas bandas mexicanas aún cantaban en inglés. Fue un grupo de músicos y compositores el que centró su interés en el contenido de sus letras, pues venían de una tradición más apegada a la canción popular, que con sus textos en español pusieron el dedo en la llaga al cuestionar la inclinación, tan común en la mayoría de los roqueros de entonces, a expresarse en un idioma que no era el suyo. Algunos de esos músicos surgieron del ámbito de las peñas y el folclorismo. El disco Roberto y Jaime: sesiones con Emilia, de Jaime López, Roberto González y Emilia Almazán, marcó la pauta para que muchos de estos músicos tomaran ese nuevo camino formal y conceptual, que implicaba la mezcla de folk anglosajón y canto nuevo, con una dotación instrumental roquera, es decir, la inclusión de batería y bajo a las guitarras acústicas. La aparición de los tamaulipecos Rockdrigo González y Jaime López en la escena capitalina ayudó también a darle peso e identidad a un nuevo discurso letrístico que, en términos generales, fue bastante escaso en las propuestas de las décadas anteriores. Como indiqué antes, en el Foro Tlalpan compositores, músicos e intérpretes, como José Cruz, Jaime López, Rockdrigo, Rafael Catana, Cecilia Toussaint, Roberto González, Emilia Almazán, Jorge Velasco y Maru Enríquez, dieron rienda suelta a la poesía y la música. De este caldo de cultivo nació el Colectivo Rupestre, al que se afiliaron algunos y se deslindaron otros. Paralelamente, venían desde los años sesenta y setenta artistas como León Chávez Teixeiro y Guillermo Briseño, explorando distintos terrenos estilísticos y argumentales en sus letras, siempre de la mano de una expresiva ejecución que no se limitaba a tocar rock como un hecho meramente formal.

Mientras que en el extranjero el rock progresivo se encontraba en plena decadencia ante la aparición del punk y su derivación, el new wave, en México el género comenzó a vivir un periodo de esplendor, siendo Chac Mool la punta de lanza de una serie de bandas progresivas. Editaron los discos Nadie en especial y Sueños de metal, con una propuesta alejada del pop y cantada en español que rompió con los estándares de producción a los que hubiera podido aspirar en ese momento cualquier banda de rock mexicano. Por otra parte, el grupo MCC abanderaba al movimiento gay desde su propuesta, también progresiva.

Influenciados por la nueva música generada principalmente en el Reino Unido, durante esos años en México surgieron propuestas independientes de tecno pop y new wave. Grupos como Syntoma, Size, Silueta Pálida y Casino Shanghái fueron ejemplo de esta escena de tintes glamorosos. Chac Mool fue el primero que, en un viraje estilístico hacia el new wave, marcó el posible regreso del rock mexicano a una visión pop apoyada por una compañía discográfica, cuando sacó el disco Caricia digital, en 1984. Sin embargo, la banda se disolvió poco después. Para entonces, la música electrónica tuvo en proyectos como los de Capitán Pijama, los grupos Dr. Fanatik y María Bonita, de los hermanos Mateo y Mario Lafontaine, la cara subterránea de la música mexicana hecha con sintetizadores.

En 1980, Luis Pérez comenzó la experimentación con instrumentos de origen prehispánico en combinación con sintetizadores, cosa que después perfeccionaría Jorge Reyes tras su salida de Chac Mool, definiendo un nuevo género que se comenzó a conocer como etno rock, una mezcla de sonidos de origen prehispánico, guturales, procesadores, rock y música electrónica.

En el blues despuntaba Betsy Pecanins y sus músicos formaron de forma alterna el grupo Real de Catorce. Este último tuvo su primer concierto en 1983, en una fiesta junto a la banda, también primeriza, Botellita de Jerez, grupo antisolemne que mezcló el humor, la cultura popular mexicana y el rock. Sus integrantes tenían como antecedentes la caricatura, la parodia política y el folclor. Esto propició la generación de un rock mestizo que inspiró a muchos. También apareció el grupo ¡Qué Payasos!, que dirigió su trabajo al público infantil y fue pionero del concepto en este resurgimiento del rock nacional.

Tras el inicio del punk, con agrupaciones formadas por jóvenes de clase media, el género se fue arraigando en sectores populares y al margen de la comercialización. Surgieron bandas como Rebel D’ Punk y, años más tarde, Masacre 68. Por otra parte, el rock bandoso y duro que sobrevivía en los hoyos fonqui de los años setenta, con bandas como Three Souls in my Mind, Enigma, los Dug Dug’s o Nuevo México, también sufrió transformaciones evidentes. Conforme transcurrió la década, grupos como Trolebús, Liran’ Roll, Haragán y Cía., Vago, Mara (de donde se separó Charlie Monttana), Heavy Nopal (de donde se desprendió Rodrigo Levario), la Banda Bostik y Tex Tex conformaron, entre otros, un tipo de rock and roll y rhythm & blues a la mexicana, con arraigo en el público de la periferia de las ciudades, al que se le comenzó a llamar rock urbano. El sello independiente que se encargó de grabar y difundir a muchos de estos grupos fue Discos Denver.

Las bandas que aún tenían nombres en inglés, gradualmente comenzaron a castellanizarlos e incorporar letras en español. Fue así como Dangerous Rhythm se transformó en Ritmo Peligroso; Kenny and the Electrics, en Kenny y los Eléctricos, y Green Hat Show, en Sombrero Verde. También estaba el caso de Three Souls in my Mind que, tras la separación de sus fundadores, en 1984, tuvo como consecuencia el nacimiento del grupo El Tri. El rock mexicano vivía su nacionalización.

En esta década, la revista Sonido todavía vivió sus últimos años. Publicaciones nacidas en los años setenta, como Conecte, dirigida por José Luis Pluma, y la posterior Banda Rockera, dirigida por Vladimir Hernández†, se convirtieron en fuentes de información fresca para los jóvenes roqueros.

En 1985, el productor Ricardo Ochoa, guitarrista de Kenny and the Electrics, convocó en su casa a algunos músicos de las bandas Dangerous Rhythm, Punto y Aparte, Clips y Mask para proponerles hacer un disco acoplado y buscar la autopromoción. Ricardo acudió a Chela Braniff y su esposo, el español Juan Navarro, para financiar el proyecto. Este último se entusiasmó pensando que se podía repetir la situación de la escena española y su Movida Madrileña. Fue así como nació Comrock, compañía discográfica independiente que fue distribuida por WEA. Su primer lanzamiento fue un acoplado que contenía dos temas de cada banda, seis en inglés y cuatro en español. Después se editó otro acoplado y los discos de larga duración de esos grupos, ahora ya con nombres en español. También sacaron los álbumes The Fox, de Mask; Metal caído del cielo, de Luzbel, y Simplemente, del Tri. Luego de tres años de actividad la compañía quebró, ya que las condiciones del mercado aún no eran idóneas para llevar a buen fin ese proyecto.

Bandas como Manchuria, Bon y los Enemigos del Silencio, Neón, Crista Galli, Fratta, Mama-Z, Isis y Las Insólitas Imágenes de Aurora son sólo algunas otras que fueron dando forma al rock de los años ochenta. Pronto se encontraron literalmente sacudidos por el terremoto de 1985 en la Ciudad de México. Durante los días posteriores a éste, la sociedad respondió unificada ante la evidente falta de acción y liderazgo por parte de las autoridades. Entonces nació lo que Carlos Monsiváis llamó «la sociedad civil», en su libro No sin nosotros, es decir, la gente descubrió su capacidad de organización al margen del gobierno. En un extracto del libro Después del terremoto: donde aparece la sociedad civil, Monsiváis menciona: «El miedo, el terror por lo acontecido a los seres queridos y las propiedades, la pérdida de familias y amigos, los rumores, la desinformación y los sentimientos de impotencia, todo —al parecer de manera súbita— da paso a la mentalidad que hace creíble (compartible) una idea hasta ese momento distante o desconocida: la sociedad civil, que encabeza, convoca y distribuye la solidaridad». En muchos sectores de la sociedad, pero particularmente en los jóvenes, se tomó conciencia de esto y se aplicó el principio de «hágalo usted mismo». El divorcio con los gobernantes era muy evidente. Esto favoreció la conformación de una nueva escena con bandas comprometidas con su tiempo y su entorno. Aparecieron grupos como Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, Trolebús o colectivos punks que tocaron en eventos apoyando a los damnificados. Tras la muerte de Rockdrigo en el terremoto, el Movimiento Rupestre, más que desaparecer, se consolidó. Artistas como Quál, Armando Rosas y su Camerata Rupestre, Carlos Arellano (Puebla), Arturo Meza (Michoacán) y Gerardo Enciso (Guadalajara) fueron parte de sus nuevas voces.

Inspirados en la desaparecida Rockola, de Miguel Ángel de Quevedo, surgió Rockotitlán, unos días antes del terremoto, en la calle de Pennsylvania, en la colonia Nápoles, en el lugar que alguna vez albergó al legendario Terraza Casino. Pocos días después reabrieron para convertirse en el foro obligado para cualquier grupo que deseara trascender. Tenía un esquema de funcionamiento interesante, en el cual las bandas nuevas tocaban los primeros días de la semana y, según la respuesta de sus seguidores, se programaban los viernes y sábados, cuando tocaban agrupaciones más populares. Estaba prohibido cantar en inglés y tenían que ejecutar mayoritariamente material original. En este foro los grupos recibían, por lo menos, un pago mínimo por presentación, que en el caso de los nuevos servía para financiar el transporte de sus instrumentos. Rockotitlán fue creado por los tres integrantes de Botellita de Jerez, además de Fernando Arau, Eduardo A. Gamboa y Salvador Arias. Su sociedad se denominó Tragafuegos y Asociados.

Comenzaron a abrirse otros foros exclusivos para el rock, como Tutti Frutti, High Tower, Rock Stock, La Diabla, el LUCC, el Bar 9 y, en Guadalajara, el Roxy, el Ciro’s, el bar Arizona y la peña Cuicacali, la casa del grupo El Personal, que alternaba junto a troveros y folcloristas. En la Ciudad de México los lugares se extendieron hacia el norte y, en Guadalajara, el Roxy recibía público de ambos lados de la ciudad. El fenómeno crecía y se democratizaba. Pero esta transición no fue sencilla, ya que no desapareció del todo esa frontera entre el rock hecho en la periferia y el generado por jóvenes de estratos sociales más altos. Grupos como El Tri o Tex Tex comenzaron a cruzar exitosamente esas líneas divisorias.

La escena metalera tuvo su efervescencia a partir de la segunda mitad de los años ochenta. Encontró su espacio natural en el Foro Isabelino, en la calle Sullivan. En ese lugar se podía escuchar a bandas como Luzbel, Gehenna, Khafra (Guadalajara), Ramsés, Abbadon (con Brenda Marín) y La Divina Comedia. Hubo otros lugares en los que se daban conciertos de metal, como el Centro Cívico de Ecatepec y el teatro Antonio Caso, en Tlatelolco. Surgió un sello independiente enfocado en el metal mexicano llamado Escuadrón Metálico. Las bandas de este género encontraron difusión en el programa Heavy metal subterráneo, de la estación de radio capitalina Rock 101, que contó con su propia revista, del mismo nombre. En 1986 se dio un fenómeno peculiar, cuando el grupo Ultimátum ganó el concurso Valores Juveniles Bacardí, en el que se hicieron merecedores de la grabación de un disco con una compañía de Televisa, y el metal comenzó a producir exponentes en diferentes partes de la República mexicana. Fue así como, desde Guadalajara, surgieron Fongus y Megatón; desde Tijuana, La Cruz; en Tampico, el grupo Z, y en Querétaro, Six Beer. Hacia el final de la década, el metal evolucionó al trash y el speed. En 1987 y 1988, el sello independiente Avanzada Metálica lanzó los discos de Next, Transmetal e Inquisidor, que solían alternar con bandas punk y harcore, como Atoxxxico, Anarchus y Masacre 68. Los flyers y fanzines eran la forma tradicional para difundir su trabajo.

En cuanto a la realización de conciertos masivos, la prohibición se fue relajando conforme avanzaba la década. En 1986, el gobierno del estado de Guerrero buscó a Armando Molina, el mismo que organizó el Festival de Avándaro, para armar el Festival de la Amistad, en Acapulco. Tocaron los extranjeros King Kobra, Quiet Riot y La Toya Jackson. Los mexicanos fueron El Tri y Taxi. Estaba programado el grupo Carros Usados, pero no tocó. Fue un evento con muchos problemas de organización. En el último momento tuvo que ser reubicado en una playa lejana, con todos los inconvenientes que esto implicó. Por si fuera poco, el público vivió momentos de pavor cuando la policía montada los pastoreó, como si fueran ovejas.

México siempre representó un trampolín para los artistas iberoamericanos, pero no así en el caso de los roqueros de otros países de habla hispana, ya que hasta ese momento el rock mexicano, y cualquiera que se produjera en español, seguía literalmente proscrito por los medios de comunicación masiva y por las compañías transnacionales. No se atrevían a contravenir a un gobierno enemigo de este tipo de expresión. Sin embargo, cuando el dinero está de por medio, se pueden mover montañas (dice el dicho). Mientras en España y Argentina se consolidaban movimientos de rock propios, éstos no podían ser exportados a México, a menos que las condiciones cambiaran. ¿Por qué quedarse con una rebanada, si se puede tener la sandía completa?, dirían los británicos, refiriéndose al mercado estadounidense.

Teniendo como antecedente el intento fallido de la discográfica independiente Comrock, entre 1987 y 1988 el director de la compañía BMG Ariola, el español Jesús López, encargó a su director de la línea de rock, Herbe Pompeyo†, la creación de una empresa para introducir los productos argentinos y españoles, generando a su vez una nueva escena para el rock mexicano que fuera explotable en términos comerciales. Al principio, los grupos que venían despuntando en México fueron ignorados en este plan. La idea era generar una moda que resultara altamente rentable. Fue así como se concibió la campaña Rock en tu Idioma. Para esto se creó un concurso en el cual las bandas inscritas tocarían un par de temas propios y otro de alguna de las bandas extranjeras que se comenzaron a introducir al mercado mexicano. Paralelamente al certamen, apostaron por algunas de las bandas nuevas, como Caifanes, Neón, Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, Alquimia, Fobia y Asha. Ganaron Los Amantes de Lola, y el premio fue firmar con la transnacional. La campaña fue un éxito y pronto las demás compañías comenzaron a firmar a otros grupos; por ejemplo, WEA contrató a Café Tacvba; PolyGram, a los exSombrero Verde, convertidos en Maná; Discos Melody, a Ritmo Peligroso, y CBS, a Bon y los Enemigos del Silencio. Las bandas fueron enviadas a grabar en estudios en el extranjero y contaban con presupuestos importantes para ser promovidos. Los medios comenzaron a abrirse y las autoridades, bastante criticadas por la opinión pública tras los sismos, tuvieron que ceder poco a poco los espacios arrebatados durante más de 15 años a los roqueros.

Para entonces, los españoles Radio Futura y el argentino Miguel Mateos se habían presentado en distintas fechas en un espacio acondicionado en el entonces Hotel de México, donde era muy notoria y estresante la flexibilidad del piso. Por fortuna nunca hubo desgracias que lamentar. En estos conciertos llegaron a tocar como abridores los grupos Botellita de Jerez, Kenny y los Eléctricos, Neón y Caifanes. Durante 1988 se realizaron tres recitales relevantes: uno en el Estadio Nou Camp, de León, Guanajuato, donde se presentaron el guitarrista méxico-estadounidense Carlos Santana, Kenny y los Eléctricos y Ritmo Peligroso. El segundo fue en la Plaza de Toros México, en el que el español Miguel Ríos dio un primer concierto; poco después, y en el mismo lugar, se presentaron sus paisanos Danza Invisible y Nacha Pop, junto a los mexicanos Kerigma. Para 1989 vino Rod Stewart al Estadio Corregidora, de Querétaro, teniendo a los grupos Neón y Bon y los Enemigos del Silencio como abridores, en una tocada con portazo, para no variar. Sin embargo, los eventos masivos se fueron convirtiendo, por fin, en sucesos cotidianos y cada vez mejor organizados. Por esas fechas nació la organizadora de espectáculos Ocesa, que comenzó produciendo recitales en el Palacio de los Deportes.

Conforme se acercaban los años 90, el rock mexicano fue regresando paulatinamente a otras poblaciones del país, donde las bandas tocaban principalmente covers en bares. El género recuperaba poco a poco su lugar dentro de la música popular mexicana. Los grupos con propuestas propias comenzaron a presentarse en los teatros del pueblo de las ferias, en escuelas y universidades, en los bares, gimnasios y discotecas, en los canales de televisión y radio de municipios cada vez más alejados.

De algunas poblaciones en las cuales no existían previas referencias llegaron nuevas propuestas. Desde Cancún, Quintana Roo, se comenzó a hablar del grupo Splash, pionero del reggae en México, que influiría a todo un movimiento nacional dentro de este género. Al final de la década también nacieron diversas bandas que destacarían durante los siguientes años, como Santa Sabina, Víctimas del Dr. Cerebro o Flor de Metal, grupo conformado sólo por mujeres, en una escena dominada por hombres. Hasta ese momento El Tri había sido la banda de rock mexicano más popular del país, pero como consecuencia de la apertura mediática se perfilaron las que serían las nuevas bandas exitosas en términos comerciales: Caifanes, Café Tacvba y Maná.

Regresando al comienzo de la década, se apreciaba que la situación de la radio comercial capitalina durante esos primeros años pasó de programar rock anglo en estaciones de AM, a hacerlo de manera muy exitosa en FM. Al principio, estaciones como Radio 590 La Pantera, Radio Éxitos 790 (que se transformaría posteriormente en Radio Universal) y Radio Capital complacían la necesidad de los radioescuchas deseosos por saber lo que se hacía en el rock del mundo. La radio pública también tenía espacios para el género, como fue el caso del programa de Juan Villoro y Emilio Ebergenyi, El lado oscuro de la luna, en Radio Educación, especializado en rock progresivo y que venía sonando desde 1978. Posteriormente, en esa misma sintonía, el programador Rodrigo de Oyarzabal fue un gran promotor del Movimiento Rupestre y otras expresiones de esos primeros años. Radio Universidad también dio algunos espacios al rock. Pero fue a partir de la mitad de la década cuando dos estaciones comerciales de FM compitieron por el gusto juvenil. Fueron WFM, dirigida por Alejandro González Iñárritu, con un perfil de rock pop y comercial, y Rock 101, comandada por Luis Gerardo Salas. Ambas programaban rock para conocedores, difundido por conocedores. Las dos con un concepto de imagen auditiva que revolucionó la radio, hasta ese momento llena de locutores gritones. Los eslogan de cada estación fueron: «WFM, magia digital» y «Rock 101, puro, total y absoluto rock and roll». No es exagerado decir que estas estaciones educaron el gusto musical de buena parte de la juventud capitalina y crearon una contraparte cultural a la manipulación mediática de la televisión.

Sin embargo, esta apertura siguió ignorando al rock local. Aun cuando la cartelera de Rockotitlán se anunciaba en Rock 101, sólo se daba espacio a las bandas nacionales en emisiones especializadas y no en la programación continua. Las estaciones de España y Argentina nunca tuvieron inconveniente en transmitir de manera mixta el rock anglo junto al que se hacía en castellano, pero en México eso seguía siendo un tabú. Cuando comenzó la campaña Rock en tu Idioma, estas frecuencias se resistieron a incluir en su programación habitual el rock en español. Rock 101 encontró una salida en 1987, al convertir la estación hermana, Radio 590 La Pantera, de AM, en Espacio 59, la primera post Avándaro con programación de rock en es-pañol. De ahí surgieron voces como las de Fernanda Tapia, Cristina Stivalet y Joaquín Jaubert. Le siguió por poco tiempo, durante 1988, una estación de FM llamada Radio Hits, que mezcló en su rotación de canciones en inglés con las bandas españolas, argentinas y mexicanas, pero pronto la convirtieron en Stereo 97.7, con su programación de pop latino convencional. En 1989, también la estación estatal Estereo Joven cambió su perfil, incluyendo rock en español y del mundo en general. Espacio 59 duró hasta 1990, dando paso a otras opciones radiales durante la siguiente década. La semilla se había sembrado. De pronto se llegó a soñar con la creación de una verdadera industria del rock en México.

1. Iconoclasta

1980, Ciudad de México

Integrantes l

Ricardo Moreno - Guitarra y teclados

Rosa Flora Moreno - Teclados (1980-1988)

Nohemí D’Rubín - Bajo (1980-1988) (1991-2001)

Víctor Baldovinos - Batería

Ricardo Ortegón - Guitarra

Héctor Hernández - Guitarra (1988-1991)

Alfredo Raigoza - Bajo (1988-1991)

Salvador Govea - Bajo (2001-2004)

Alma Castillo - Voz (2004-2008)

Greta Silva - Voz y bajo (2004 - hasta hoy)

Género ù

Rock progresivo, jazz, música electrónica, música mexicana, blues, música clásica, rock clásico, metal y bossa nova; con influencia de Jethro Tull, Yes, Genesis, Emerson Lake & Palmer, King Crimson, Flower Kings, Led Zeppelin, Sting, Gentle Giant y Pink Floyd.

Historia h

El tecladista y compositor Ricardo Moreno y el guitarrista Ricardo Ortegón solían tocar covers de Deep Purple, Led Zeppelin, Grand Funk y The Who, durante la segunda mitad de los años setenta, pero inspirados en el rock progresivo británico e italiano decidieron dar un giro a su estilo, al final de 1979, y crear música propia. Comenzaron a trabajar con el baterista Víctor Baldovinos, quien había estudiado percusión en la Escuela Nacional de Música. Las últimas personas en integrarse fueron la bajista Nohemí D’Rubín y la hermana de Ricardo, Rosa Flora Moreno. Su hermano pasó a tocar la guitarra. El grupo nació oficialmente en 1980 y su primer concierto fue el 13 de diciembre. Su nombre fue tomado de una canción del disco Tarkus, del grupo británico Emerson, Lake & Palmer; al investigar su significado les gustó. Los iconoclastas de la Antigüedad no respetaban el culto religioso cristiano, ni sus imágenes sagradas. Buscaron un sonido propio y comprometido artísticamente, a partir de fusionar géneros como el rock, el jazz, la música de concierto y, posteriormente, la música tradicional mexicana.

Durante esos primeros años compartieron escenarios con otras bandas del género como Chac Mool, MCC, The High Fidelity Orchestra, Delirium, Nobilis Factum, La Banda Elástica y Flught, por mencionar sólo algunos, tocando en centros universitarios, librerías y foros culturales.

En 1983, junto a Alex Eisenring y los hermanos José Luis y Juan Manuel Velázquez Gómez, crearon el sello independiente Discos Rosenbach, con el que editaron su primer disco homónimo. Fue grabado y lanzado en la segunda mitad del año. El arte gráfico estuvo a cargo de Héctor Fuentes Tovar.

Iconoclasta logró cierta proyección en el extranjero, como sucedió con muchos trabajos de rock progresivo mexicano, gracias a que, en el Tianguis del Chopo, se amarchantaron con intermediarios que hacían llegar los discos a un nicho internacional de fanáticos del género. Esta dinámica continuó con sus siguientes discos, aumentando el prestigio del grupo en el exterior.

En 1985 comenzaron a grabar su segundo material. Se les atravesó el terremoto, por lo que tuvieron que esperar para su lanzamiento. En 1986 salió Reminiscencias, disco conceptual de temática humanista y pacifista, durante uno de los momentos más álgidos de la Guerra Fría. En esta obra también tuvieron su primer acercamiento a la fusión con la música mexicana, desde su interpretación del mundo prehispánico hasta el movimiento sinfónico nacionalista del siglo XX. La portada estuvo a cargo de Carlos T. Nielsen y Héctor Fuentes Tovar. Es considerado un álbum emblemático en el libro 100 Discos esenciales del rock mexicano, coordinado por David Cortés y Alejandro González Castillo.

En 1987 lanzaron dos producciones, el larga duración Soliloquio y el EP Suite mexicana, que fue grabado en medio de la producción del primero. La idea del EP era que funcionara como un disco promocional, por lo que no salió a la venta y se repartió sólo a los medios especializados. Salió en acetato de vinilo de 7 pulgadas, para reproducirse en 33 RPM. En dicho trabajo profundizan su acercamiento a la música mexicana. Fue grabado en los Estudios Área por Alejandro González. Nuevamente, Héctor Fuentes Tovar se encargó de la portada. Antes de acabar el año salió Soliloquio, con una tendencia totalmente distinta a la del EP, aun cuando los grabaron de manera simultánea. Contaron con la participación de los músicos invitados Alejandro González en la flauta, Arturo Huízar y Laura Vázquez en la voz y José Luis Romero en el sax.

En 1988 apareció la recopilación Siete años, en la cual se incluyó un tema de cada disco. «Su primer concierto lo dieron en 1980 con una base de rock, jazz y música clásica, que luego se amplió a otras, incluyendo las vernáculas: percusión prehispánica, huapango, son jalisciense» (Rodrigo Farías Bárcenas en el libro Ilusiones y destellos, retratos del rock mexicano, de Fernando Aceves).

Para entonces, Iconoclasta tenía presentaciones en diferentes partes de la República mexicana, en un circuito que tenía que ver más con la cultura que con los foros donde tocaron las bandas ligadas al movimiento Rock en tu Idioma, en pleno apogeo, y que eran de un perfil comercial. Ellos se asumieron entonces como un grupo que hacía guerrilla cultural.

Vino una etapa de cambios y ajustes en la alineación, ya que salió Nohemí y entró en su lugar el bajista Alfredo Raigosa. También salió Rosa Flora, así que su hermano Ricardo se encargó de los teclados, y se incorporó Héctor Hernández como nuevo guitarrista. En ese año, y con esa formación, grabaron Adolescencia crónica, disco conceptual que salió hasta 1989 con distribución de Discos Phoenix. En este material también participó como invitado Alejandro González en la flauta. Con el tema «El alivio del clímax» se presentaron en Exposure, concurso internacional de rock progresivo que se realizó con participantes de Inglaterra, Holanda y España. Para entonces, Iconoclasta se había convertido en uno de los grupos más populares del género en Latinoamérica, teniendo apariciones en los medios de comunicación masiva y dando conciertos en todo el país. En ese año, la discográfica estadounidense Art Sublime reeditó, en un solo CD, los dos primeros discos de Iconoclasta, lo que permitió que fueran vendidos en tiendas importantes del mundo.

En septiembre de ese mismo año lanzaron el disco En busca de sentido, distribuido por Discos Phoenix. El tema «La historia supera a cualquier ideología» es una composición dedicada a las matanzas de la Plaza de Tiananmén, en China, y la del 2 de octubre de 1968 en la Plaza de las Tres Culturas, en Tlatelolco, México. Una semana después de la salida de este disco viajaron a España para responder a una invitación que recibieron meses atrás, aprovechando para promover su nueva obra. Tras una encuesta organizada por la revista española Arístilus, Iconoclasta fue considerado el mejor artista extranjero en vivo de 1989.

Tras su regreso a la Ciudad de México se presentaron de manera ininterrumpida en los habituales foros culturales hasta abril de 1990, cuando cerraron con una presentación en el Teatro de la Ciudad, de la capital mexicana. Este concierto fue registrado en el disco en vivo Iconoclasta en concierto en el Teatro de la Ciudad, siendo su primer trabajo hecho en CD en México. En ese terminó con dos importantes recitales: uno en la Sala Ollin Yoliztli, un recinto hasta entonces exclusivo para música clásica, y el otro, un concierto masivo gratuito en la Plaza de las Tres Culturas, en Tlatelolco, donde festejaron sus 10 años de existencia.

Para 1991 la discográfica estadounidense Art Sublime reeditó en un solo CD los discos Suite mexicana y Soliloquio, haciendo más fuerte la proyección de Iconoclasta hacia el extranjero.

En ese año también lanzaron La reencarnación de Maquiavelo, haciendo referencia a los cambios acontecidos en el mundo, como la caída del Muro de Berlín, el nuevo orden mundial y la guerra santa en Medio Oriente. Este disco marcó el regreso de Nohemí como bajista, después de las salidas de Alfredo y Héctor, así que Ricardo Moreno volvió a la guitarra, sin dejar los teclados. El disco fue producido con la discográfica independiente Avanzada Metálica y fue distribuido por Discos Phoenix.

Fue hasta 1994 cuando vinieron nuevos lanzamientos discográficos. Por un lado, salió la recopilación Trece años. Por otro, lanzaron un nuevo disco de estudio al que llamaron De todos uno, editado de forma simultánea por la discográfica francesa Musea y por Discos Spectrum.

La situación económica del país empeoró, lo que hizo muy difícil la producción independiente de discos que, en el caso de Iconoclasta, era de suma importancia. Así que durante los siguientes años aprovecharon sus tratos con las discográficas extranjeras para reeditar sus primeros trabajos y aumentar su presencia por esa vía. Así se mantuvieron hasta el final de la década. La revista Nuestro Rock los nominó como el Mejor Grupo de Rock Progresivo en 1994, 1998, 1999 y 2000. En marzo de 1999 participaron en el Tercer Festival Internacional Baja Prog, en Mexicali, compartiendo el escenario con grupos de Venezuela, Francia, Estados Unidos, Inglaterra, Hungría y Polonia. En junio fueron invitados al 1er Festival Internacional de Rock Progresivo de la Ciudad de México, en el cual tocaron junto a las legendarias bandas galas Magma y Gong.

La discográfica francesa Musea reeditó en Europa Adolescencia crónica y En busca de sentido, logrando que los discos de Iconoclasta comenzaran a ser reseñados en revistas especializadas de todo el mundo.

En agosto de 2000, gracias al apoyo del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), de México, y la alcaldía de Royan, Francia, participaron en el Segundo Festival Internacional de Rock Progresivo Crescendo, en Saint Palais, Francia, representando al continente americano y alternando con los grupos Aentheos, de Francia, y Mostly Autumn, de Inglaterra.

En octubre de ese año lanzaron el disco La granja humana, producción independiente que salió de manera simultánea en México y España, editada por el sello Hilargui Records. En diciembre alternaron con el grupo sueco The Flower Kings, cuando se presentaron en la Ciudad de México.

Nohemí volvió a salir del grupo y en su lugar entró el bajista Salvador Govea, durante la incursión de Iconoclasta en Europa. Muestra de su consolidación fue su invitación al Festival Crescendo, en 2001, esta vez alternando en un concierto masivo con el grupo polaco Quidam. Y en una segunda presentación, durante la clausura del festival, lo hicieron con Eclat, de Francia, así como con Jano Varga’s Project y Alter Crying, de Hungría. De esta visita hicieron grabaciones de sus presentaciones del 17 de agosto de 2001 en Esplanade du Concié, Saint-Palais-sur-mer, Poitou-Charentes, que se plasmaron en el disco Iconoclasta. Live in France, de 2002, producido por el guitarrista del grupo Ecalt, Alain Chirrazzo.

En mayo de 2003 asistierton al Festival Prog Sud, celebrado en Marsella, Francia, alternando con Minimum Vital, Eclat, Flamborough Head, Odessa y otros. Repitieron su participación en el Crescendo, en su quinta edición.

Con el apoyo del programa Artes por Todas Partes, de la entonces Secretaría de Cultura del DF, en 2004 se presentaron en diversos espacios, como preparatorias, el Faro de Oriente y estaciones del Metro. También se presentaron en el XIV Festival Internacional Quimera, de Metepec, Estado de México, y en el IV Festival del Municipio de Nicolás Romero.

En ese año apareció el disco acoplado dedicado a la presencia femenina en el rock mexicano: Sirenas al ataque, en el cual se incluyó el tema «La era de los metabolismos tecnológicos», de Iconoclasta.

En 2005, la discográfica rusa Mals, haciendo eco de lo que Musea hizo años antes, reeditó los discos Adolescencia crónica y En busca de sentido.

En el camino hubo nuevos cambios de formación al salir Salvador Govea y entrar Greta Silva, cuñada de Ricardo Moreno, en el bajo y la voz. También se incorporó Alma Castillo en la voz. Con esta formación grabaron, en su propio estudio, el disco Resurrección durante 2008, que se presentó hasta el final de 2009. Fue lanzado por el sello Luna Negra, en México y Francia, simultáneamente. Fue el primer disco de Iconoclasta que se comenzó a vender por la red, y posteriormente se le unieron los discos editados por Musea y Hilargui Records.

Asimismo, inauguraron su canal de videos en las redes al que denominan Súper Progre, donde se encuentran alrededor de 60 clips del grupo, con lo que abrieron una nueva vía de difusión y comunicación con su público.

El grupo se ha mantenido activo, aunque su ritmo de presentaciones ha bajado. Su disco más reciente salió en 2013 y se llamó Movilidad. En éste ya no aparece Alma Castillo y vuelven a la formación de cuarteto, con Ricardo Moreno, Ricardo Ortegón, Víctor Baldovinos y Greta Silva. Fue editado en México de manera independiente, y en Francia, por Musea.

En ese año viajaron nuevamente a Francia para presentar Movilidad, en la edición 2013 del Festival Crescendo. Durante 2014, Iconoclasta promovió su disco en diversos sitios culturales, como el Foro Audiorama, el Parque Hundido de la Ciudad de México y el plantel Lerma de la Universidad Autónoma Metropolitana del Estado de México. También se ha presentado en Radio UNAM y estaciones de internet.

Iconoclasta ha roto todas las reglas en el rock mexicano. Desde sus inicios en 1980, ha logrado mantenerse fiel a su concepto original. Ellos son los herederos y los únicos sobrevivientes de la escena sinfónica que existió al abrir la década y de la cual se esperaba mucho; son también quienes, contra viento y marea, han persistido en transitar por el progresivo sin dejarse tentar por otras corrientes de moda. Son, en suma, el grupo progresivo por antonomasia y uno de los nombres que, a su sola mención en el extranjero, inmediatamente remite a México. [David Cortés en su libro El otro rock mexicano: experiencias progresivas, psicodélicas de fusión y experimentales, editado por Time Editores en 1999.]

Discografía £

Iconoclasta (1983)

Reminiscencias (1986)

Suite mexicana (1987), EP

Soliloquio (1987)

Adolescencia crónica (1989)

En busca de sentido (1989)

La reencarnación de Maquiavelo (1991)

De todos uno (1994)

La granja humana (2000)

Resurrección (2009)

Movilidad (2013)

En vivo

Iconoclasta en concierto en el Teatro de la Ciudad (1990)

Iconoclasta. Live in France (2002)

Otras grabaciones

Siete años (1988), recopilación

Trece años (1994), recopilación

Sirenas al ataque (2004), recopilación, con el tema «La era de los metabolismos tecnológicos»

Otros o

Ricardo Moreno constituyó, en 1987, el grupo Práxis, de forma paralela a Iconoclasta. Con éste grabó el disco La eternidad de lo efímero.

Víctor Baldovinos colaboró en proyectos ligados al heavy metal, como Luzbel y Ultratumba. Llegó a producir a algunos grupos de Avanzada Metálica.

Ricardo y Víctor formaron parte del grupo Puente de Alvarado, en 1996, junto con Carlos Alvarado y Armando Manzur. Con ellos sacaron el disco Conquista y destrucción de México Tenochtitlan.

2. Ramsés (antes Ramsess)

1980-1996 y 2013, Ciudad de México

Integrantes l

Primera alineación (1980-1985)

Gustavo Solís Gómez - Guitarra

Himber Ocampo - Guitarra (1980-1981)

Omar Hasso - Teclados (1980-1981)

Ricardo Burton - Voz (1980-1981)

Javier Tapia - Bajo (1980-1983)

Thelma Noriega - Voz (1981)

Javier Corona - Batería (1982-1983)

Rafael Pujol - Guitarra (1982-1983)

Alberto Ávalos Monraz - Voz (1983-1986)

Salvador García Zenteno - Guitarra y armónica (1983-1986)

José Luis Zúñiga Hernández - Bajo (1983-1986)

Víctor Vicke Enrile - Batería (1983-1986)

Segunda alineación (1986-1991)

Gustavo Solís Gómez - Guitarra

Julio Márquez - Guitarra

Sergio Bustamante - Voz

Francisco Gatica - Bajo y teclados

Jesús Esquivel - Batería (1987-1990)

Michel Grimaldi - Batería (1990)

Tercera alineación (1991-1996)

Julio Márquez - Guitarra

Francisco Gatica - Bajo y teclados

Miguel Ángel Núñez - Voz

Enrique Ibarra - Guitarra

Jorge Laffarga - Batería

Género ù

Hard rock, hard blues, heavy metal, doom metal, speed metal y trash; con influencia de Judas Priest, Iron Maiden, Black Sabbath, Kiss, Helloween y Metallica.

Historia h

El origen del grupo se remonta a 1980, cuando los guitarristas Gustavo Solís e Himber Ocampo, el cantante Ricardo Burton, el bajista Javier Tapia y el tecladista Omar Jasso, haciéndose llamar Ramsess, quedaron entre los finalistas del concurso Rock en Debate, con la canción «Sin cara». Esto les dio el derecho de grabar su tema y aparecer en el disco Rock nacional 1981. Himber y Ricardo dejaron el grupo para formar Himber Ocampo y Grupo. También salió Omar, por lo que Gustavo siguió con una banda inestable por la que pasó la cantante Thelma Noriega. Para 1982 Ramsess estaba conformado por Gustavo y Javier Tapia, además de Javier Corona en la batería y Rafael Pujol en la guitarra.

Fue en 1983 cuando la banda tuvo, por fin, una formación estable con Gustavo Solís como único integrante original, Alberto Ávalos Monraz en la voz, Salvador Garcia Zenteno en la guitarra, Jose Luis Zúñiga Hernández en el bajo y Víctor Vicke Enrile en la batería. En 1984 su nombre perdió una «s» y ganó una tilde. Tocaban temas originales en español y hacían rock y blues pesados.

Para 1985 lanzaron el disco Apocalipsis, que editó la discográfica independiente Comrock, dirigida por Ricardo Ochoa, y cuya distribución era de Warner México. Como parte de la promoción se presentaron en el programa de televisión Súper rock en concierto, de Televisa, en el que interpretaron el tema «Triste».

En 1986 hubo cambios en la alineación, quedando sólo Gustavo Solís. Luego entraron Julio Márquez (exGog) en la guitarra, Sergio Bustamante (exGog) en la voz, Francisco Gatica en el bajo y los teclados y Jesús Esquivel en la batería. El grupo dio un giro estilístico hacia el heavy metal, teniendo como referencia la música de Judas Priest, Iron Maiden, Black Sabbath y Kiss.

En ese año, Ramsés formó parte, junto a grupos como Khafra, Genna, Z y Aspid, de los fundadores del llamado Escuadrón Metálico, que funcionaba como una cooperativa de bandas que generaban oportunidades a partir de trabajar unidos, y que hicieron del Foro El Tecolote su lugar emblemático. Grabaron el acoplado Escuadrón metálico (Proyecto uno) en 1986 con los temas «Guerreros del metal» y «La batalla final». El trabajo con Escuadrón Metálico hizo posible que se pudieran grabar los primeros discos de muchas bandas nacionales del género. Ramsés participó en este impulso de la escena metalera mexicana. Fueron de los primeros en emprender giras por la República mexicana. Otro lugar donde se les podía ver con frecuencia era la Arena López Mateos.

Fueron pioneros en tocar dos guitarras en cánon, rompiendo con el concepto tradicional de primera y segunda guitarras. También implementaron el uso del doble bombo en la batería. En sus letras defendían su forma de ser y sus gustos por sobre cualquier otra cosa. Crearon un club de fans que intercambiaba información por correo postal, fanzines y casetes, y que llegó a tener presencia fuera de México en países como Alemania, Perú y Venezuela.

En 1988 lanzaron Guerreros del metal con el sello Avanzada Metálica. Este disco es considerado por muchos como uno de los trabajos fundamentales del metal mexicano. «Larga vida al metal» se convirtió en su tema más popular. Como parte de la promoción aparecieron en el programa de la madrugada Música sin fronteras, que conducía Alfonso Teja, como uno de los segmentos de programación de la cadena ECO, dando entrada a más grupos de metal en esos espacios mediáticos.

Sin embargo, las circunstancias comenzaron a cambiar, y no de manera favorable, para Ramsés. Por un lado, el Escuadrón Metálico comenzaba a dar muestras de agotamiento y varias bandas desertaron de sus filas. Por otro lado, el desarrollo del rock mexicano, en términos comerciales, se estaba dando en otros géneros, y no en el metal, por lo que la condición subterránea se agudizó.

Además, Jesús y Alberto decidieron dejar la banda en 1990. Entró el baterista Michel Grimaldi, para ser sustituido al poco tiempo por Jorge Laffarga. Julio y Gustavo se encargaron de las voces. Francisco continuó en el bajo y los teclados. Con esa formación grabaron un demo que contuvo los temas «Predicador sin fe», «Libertad», «Clamando justicia» y «Al filo de la locura».

El grupo vivió un nuevo cambio importante de integrantes. Quedaron Julio, Francisco y Jorge, pero salió el único integrante que permanecía desde 1980: Gustavo Solís. Se integraron también Miguel Ángel Núñez en la voz y Enrique Ibarra en la guitarra.

Buscando crecer, esta formación optó por otra compañía para la edición de su siguiente disco. En 1991 se lanzó, por medio de Discos Denver, Pon tu cerebro a remojar. El parámetro marcado con su disco anterior fue difícil de superar, por lo que este trabajo no satisfizo ciertas expectativas de un sector de su público. Aun así, tuvieron legendarias presentaciones en la Escuela Vocacional 10, en San Juan de Aragón, y en la Carpa Astros.

Al siguiente año salió Delirio de desastre, con Discos Denver. Ramsés continuó presentándose durante algunos años, pero no pudo remontar su mala racha y se separó en 1996. Quedó en el recuerdo de la gente como uno de los mejores grupos de la primera generación de bandas metaleras mexicanas.

En el año 2000, Discos Denver reeditó, en un solo trabajo, los discos Delirio de desastre y Pon tu cerebro a remojar. En 2009 se reeditaron, en una serie de acetatos de vinilo, cuatro discos de Comrock, siendo uno de ellos Apocalipsis, de Ramsés.

El 5 de octubre de 2013 estos viejos compañeros de mil batallas se volvieron a reunir en el Centro de Convenciones de Tlanepantla, Estado de México, para presentarse en el Festival Monstruos del Metal Mexicano. La puerta quedó abierta para volverlos a ver en cualquier momento.

Discografía £

Apocalipsis (1985)

Escuadrón metálico (1986), acoplado, con los temas «Guerreros del metal» y «La batalla final»

Guerreros del metal (1988)

Pon tu cerebro a remojar (1991)

Delirio de desastre (1992)

Otras grabaciones

Delirio de desastre y Pon tu cerebro a remojar (2006), recopilación

Comrock (2009), compilación en dos CD, con el disco Apocalipsis

Otros o

Gustavo Solís se mudó a Tehuacán, Puebla, y trabaja en una cementera.

3. Newspaper

1980-1984, Ciudad de México

Integrantes l

Tenoch Ramos - Voz y armónica

Alberto Basurto - Guitarra

Julio Mendoza - Guitarra

Arturo Iturbide - Bajo

Alberto Reynoso - Batería

Género ù

Hard rock y blues; con influencia de The Rolling Stones, Black Sabbath, AC-DC, Led Zeppelin y Three Souls in my Mind.

Historia h

Unos jóvenes preparatorianos y patinetos del sur de la Ciudad de México decidieron hacer un grupo de rock para participar en un concurso que se haría en el Colegio Franco Español en 1980. Ellos eran Tenoch Ramos (del Colegio Madrid e hijo de un abogado) en la voz y armónica, Alberto Basurto y Julio Mendoza en las guitarras, Arturo Iturbide en el bajo y Alberto Reynoso en la batería. Aun siendo caros los instrumentos y difíciles de conseguir, lograron hacerse de un equipo elemental y montaron un tema de Chuck Berry. Compitieron junto a grupos como Mistus y Anchorage, que cantaban en inglés.

Decidieron seguir y hacer sus propios temas. Eran tiempos en los que existía mucha confusión sobre cantar en inglés o en español. Tenoch, que era fanático de Three Souls in my Mind, quería hacerlo en español y ponerle al grupo el nombre de algo común y cotidiano como «periódico» o «ministerio público». Al final optaron por un nombre en inglés: Newspaper. Aunque, eso sí, cantarían en español. Su sonido se tornó pesado y Tenoch comenzó a crear letras que narraban historias de adolescentes, con una gran dosis de desmadre y testosterona.

Su primer concierto lo dieron en el parque de patinetas Doc Town, del señor Manolo Santos, que se encontraba en el cruce de las avenidas División del Norte y Zapata, mismo lugar que antes se inaugurara con un concierto de Javier Bátiz. Pronto se integraron a los foros de entonces, como las librerías El Ágora y Gandhi, la Carpa Geodésica, el auditorio Che Guevara de la UNAM, el auditorio del IMSS, el Museo del Chopo y el gimnasio Coyoacán; y llegaron a hacer giras por diferentes partes del país junto a Dangerous Rhythm, Real de Catorce y Rockdrigo.

Al final de un concierto, en 1983, el baterista del grupo de rock progresivo Manchuria, Gerardo Pardo, invitó a Tenoch a actuar en su ópera prima: la película Deveras me atrapaste. La propuesta fue que actuara de sí mismo; es más, su personaje se llamaría Tenoch y sería la pareja de Laura, interpretada por Anette Fradera. También fue el caso de Armando Martín el Pecas y Sergio Jalife el Tribi, este último integrante de Anchorage. Su personaje hizo pintas, salió haciendo piruetas en patineta y cantó una canción de Three Souls in my Mind.

El mayor sueño de Newspaper, como el de muchas bandas de entonces, era hacer un disco. Esto era sumamente difícil y caro en esos días, pero sus amigos de Mistus lo habían logrado y eso los motivaba. Tuvieron la suerte de dar con Javier Garza, exintegrante de Los Locos del Ritmo, quien los apoyó. En esos días, él trabajaba en un estudio de Cuernavaca, Morelos, en lo que había sido la casa del Sha de Irán, cuando vivió en México como exilado político, derrocado por el Ayatola Jomeini. El asistente de Garza era el joven Felipe Souza, quien años después sería guitarrista de El Tri. Grabaron durante las noches, en los tiempos muertos del estudio, y regresaron a la Ciudad de México para mezclarlo en los Golden Estudios.

Fue así como, en 1984, Newspaper lanzó Rock. Si era difícil lograr sacar un disco, también lo era comercializarlo. Ellos mismos se encargaron de distribuirlo en el Tianguis del Chopo y lo vendían en sus tocadas. En la actualidad es un material codiciado por coleccionistas.

En ese año tocaron en el Foro Tlalpan, un lugar dirigido por el cineasta Sergio García Michel, quien invitó a Tenoch a una de sus obras, la película hecha en Súper 8, Un toke de roc, junto a otros roqueros como Botellita de Jerez, El Tri, Chac Mool, Jaime López, Rockdrigo, Cecilia Toussaint y Nina Galindo. Esta cinta fue estrenada hasta 1988.

Aun teniendo dos películas en su haber, Tenoch nunca se consideró a sí mismo un actor. Es más, comenzó a tener dudas sobre su capacidad como artista en general.

Las circunstancias comenzaron a cambiar hacia el final de 1984. Por un lado, Arturo y Alberto habían entrado a la universidad y ya no se dedicaban al grupo de la misma forma. Tenoch, como salida de ciertos problemas ocasionados por el consumo de alcohol, decidió viajar a Londres, Inglaterra, para aprender a tocar la trompeta. Una lesión en el labio y la falta de dinero lo desmotivaron a tal grado que regresó a México en 1989, retirándose definitivamente de la música. La idea latente de retomar Newspaper se esfumó entonces.

«Tenoch Ramos tenía carisma, a mi juicio, pudo llegar a ser un Álex Lora evolucionado y con mucho mejor propuesta. Hicimos muchos conciertos juntos […] y la verdad metíamos mucha gente». (Antonio Sánchez, cantante del grupo Alfil, contemporáneo de Newspaper.)

Discografía £

Rock (1984)

Otras grabaciones

El gran show de Los Carrión (1961), acoplado

Otros o

Julio Mendoza se fue a vivir a Guadalajara, Jalisco. Da clases de guitarra y es afinador de pianos.

Tenoch Ramos actualmente renta equipo de audio para foros en diversas partes de la Ciudad de México.

4. The High Fidelity Orchestra

1980-1985, Los Ángeles, California /
Guadalajara, Jalisco

Integrantes l

Jesús González Martín «Chato» - Guitarra, bajo, percusión, teclados y voz

René Romero - Guitarra (1980-1983)

Raymundo Barajas «Lefty» - Batería

Gilberto González - Bajo

Ernesto Ramírez - Marimba (1984-1985)

Salvador Pérez - Teclados (1984-1985)

Alfredo Flores - Violín (1984-1985)

Género ù

Rock progresivo, rock en oposición, krautrock, art rock, post punk, experimental y jazz fusión; con influencia de King Crimson, Pink Floyd, Charlie Parker, Gong y Frank Zappa.

Historia h

El tapatío Jesús González Martín fue uno de los bajistas más destacados de El Queso Sagrado. Tras su salida de esa agrupación quiso conformar una nueva banda. Junto al guitarrista René Romero intentó darle vida a La Maldita Panela Putrefacta, que después derivó en el grupo La Fábrica, pero ambos fueron proyectos fallidos. Viajó entonces a Tijuana, para después trasladarse a la isla Catalina, frente a la costa de California, en Estados Unidos, con la intención de no regresar ya a su país. Estando ahí se compró una guitarra y un par de sintetizadores con los que comenzó a experimentar. Se conectaba al equipo de alta fidelidad de su casa, por lo que se le ocurrió manejar el concepto de The High Fidelity Orchestra para darle nombre a lo que estaba creando. Después de un tiempo en la isla se mudó a Los Ángeles, donde comenzó a ensayar con amigos de forma amateur durante 1978. Junto al baterista Raymundo Barajas y el bajista Gilberto González, regresó a México en 1980 y se instalaron en Guadalajara, Jalisco, para tratar de insertarse en lo que, en apariencia al menos, era un boom de bandas progresivas en el país. A su llegada se les incorporó su excompañero René Romeroen otra guitarra y nació oficialmente The High Fidelity Orchestra.

Durante septiembre de 1982 grabaron lo que sería su disco debut homónimo, que salió en 1983 de manera independiente, un EP de 12 pulgadas. Es interesante la inclusión de la marimba, ejecutada por Lefty, en el tema «Piel morena».

Se presentaron en lugares como el Centro de Convenciones de Guadalajara, donde alternaron con Chac Mool. También visitaron la Ciudad de México, presentándose en los pocos foros disponibles, como el Bar 9.

Fue como un espejismo, un momento en el que mucha gente nos juntamos (Novilis Factum, MCC, Flüght, Iconoclasta, Delirium) e hicimos un movimiento y parecía que iba a tomar rumbo, pero de pronto todo se empezó a derrumbar. No había lugares suficientes para tocar, era muy difícil grabar, los estudios eran caros. En realidad nunca llegó a consolidarse. Esa música siempre ha estado en el subterráneo absoluto. [Jesús González Martín en entrevista con David Cortés el 18 de diciembre de 1996, en su libro El otro rock mexicano: experiencias progresivas, sicodélicas, de fusión y experimentales.]

El derrumbe al cual se refería Jesús fue con respecto a la tendencia de varios de sus excompañeros, que al principio solían tocar rock progresivo, pero que posteriormente fueron seducidos por las nuevas tendencias post punk.

Decidieron instalarse en la Ciudad de México y René se separó para buscar nuevos caminos, por lo que se incorporaron el marimbista Ernesto Ramírez, el tecladista Salvador Pérez y el violinista Alfredo Flores.

Con esta formación grabaron, entre diciembre de 1983 y enero de 1984, el EP My girl, su segunda producción, también independiente. En la grabación estuvieron invitados Alex Eisenring (teclados y guitarra), Miguel Samperio (sax), Bernardo Diz Fraz (percusión) y músicos del grupo Nazca: Cuauhtémoc Novelo (percusión), Carlo Nicolau (violín), Jorge «Cox» Gaitán (viola) y Juan Carlos Ruiz (fagot).

El segundo disco provocó el alejamiento de quienes gustaron del primer disco. A la distancia, es un álbum que trataba de adaptarse a los cambios estilísticos del momento y su propuesta fue una búsqueda interesante, aunque no comprendida en ese momento.

«Me atrapó ese círculo, ese movimiento techno que había aquí en México y empecé a colaborar con Syntoma, con Casino Shangái y con infinidad de gente, pero no era lo que yo quería hacer y me quedé en medio: ni hice techno, ni progresivo» (Jesús González Martín en entrevista con David Cortés, el 18 de diciembre de 1996, en su libro El otro rock mexicano: experiencias progresivas, sicodélicas, de fusión y experimentales).

En vivo también solían a apoyarse en sus amigos del grupo Nazca. En noviembre de 1984 emprendieron una gira por 10 planteles del Instituto Politécnico Nacional, que incluyeron el auditorio Ing. Alejo Peralta, el CECYT Cuauhtémoc, la Escuela Superior de Comercio y Administración, en Tepepan, y la Escuela Superior de Ingeniería Mecánica y Eléctrica, de Xocongo, entre otras. Aun así, la escena techno los fue dejando fuera de la jugada y tuvieron su último concierto en junio de 1985, presentándose solamente como el trío que había comenzado en Los Ángeles. Se despidieron en el Bar 9, teniendo a Miguel Samperio como invitado especial.

Sus dos producciones se editaron juntas en el disco recopilatorio The high fidelity orchestra, de 1999. El trabajo del grupo ha logrado reconocimiento de especialistas y coleccionistas en el extranjero.

Discografía £

The high fidelity orchestra (1983), EP de 12 pulgadas

My girl (1984), EP

Otras grabaciones

The High Fidelity Orchestra (1999), recopilación

Otros o

Jesús González Martín siguió tocando con otros grupos durante la segunda mitad de los años ochenta. Tocó con Dr. Fanatik en varias de sus agrupaciones y creó, con Carlos Alvarado, el grupo Tony Rayola, con el que sacó un disco homónimo en 1987. Después montó un estudio y se dedicó a la producción de discos en su sello discográfico Magog. Ha producido discos para los grupos Alebrije, Axel Durán, entre otros. Recientemente ha colaborado con el grupo de jazz The Tacits y sigue componiendo.

5. Jaime López

1980, Matamoros, Tamaulipas

Género ù

Rock and roll, blues, rock, folk, música norteña, tex-mex y música caribeña; con influencia de Elmor James, Muddy Waters, Los Ángeles de Terán, Los Broncos de Reynosa, Ray Charles, James Brown, Leonard Cohen, Chuck Berry, Richi Valens, Sam Deschamps, Los Faraones, Bob Dylan, Santana y Mike Laure.

Historia h

Jaime López Camacho nació en Matamoros, Tamaulipas, el 21 de enero de 1954. Fue hijo del mayor de caballería Juan López Tlahuizo y la enfermera Ángela Camacho Águila. Como hijo de un militar, le tocó una infancia viajera. Entre 1954 y 1969 recorrió el país con su familia y terminó en la Ciudad de México. Pasaron por Ciudad Juárez, Chihuahua; San Andrés Tuxtla, Veracruz; Nogales, Sonora; Loreto, Zacatecas, y Cerro Azul, Veracruz; en esta localidad comenzó a tocar la guitarra a los 14 años, siendo su maestro el sargento Vicente Chanona, quien le enseñó a tocar boleros, valses peruanos, corridos, rancheras y guaracha. Hizo su primera composición en 1968, un bolero al que llamó «El canto del mulato».

Tras el fallecimiento de su padre, se mudó a la capital, donde terminó su educación media en la Preparatoria 5 José Vasconcelos. Llegó a vivir a la Unidad Plateros, por los rumbos de Mixcoac, y después se mudó a la colonia El Vergel, en Iztapalapa. Durante su adaptación a la gran ciudad conoció la música de Paul McCartney y, en general, de The Beatles. «La caminata cerebral del pájaro Alberto», del grupo Love Army, y los conciertos suburbanos también le dieron la bienvenida. Fue uno de los tantos jóvenes asistentes al Festival de Rock y Ruedas de Avándaro, que marcó la prohibición de los conciertos de rock durante los siguientes años. Pero antes de que el rock fuera perseguido, ser joven ya era de por sí motivo de hostigamiento por parte de la policía. Llevara el pelo largo o no, Jaime fue detenido en más de una ocasión como parte de la represión de bajo impacto que el gobierno de Echeverría ejercía sobre los jóvenes de entonces. Le costó 20 pesos el boleto que compró en la estación de radio XEW para asistir a dicho festival. Lo acompañó Javier, su hermano.

Solía pasar largos ratos en el auditorio de la escuela interesado por el arte dramático. También llegó a tocar con grupos que se hacían con la misma facilidad con la que se deshacían. Sin embargo, al momento de decidirse por una profesión lo hizo por literatura inglesa, en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, de la cual desertó a los seis meses. Lo que siguió fue comenzar a tocar. «Eso lo empieza uno por vagancia, pensando que es el camino fácil, y resulta el difícil.» (Jaime López en entrevista para <FaustoPonce.com>, 3 de enero de 2008).

A raíz de los golpes militares en Sudamérica comenzaron a llegar exiliados a México. Esto facilitó la aparición de las peñas, lugares en los cuales se tocaba música folclórica del sur del continente. Su gusto por hacer canciones lo llevó a esos escenarios. Su primera presentación fue durante 1973 en La Peña del Nahual, en la calle de Francisco Sosa, Coyoacán. Ahí solía tocar junto con un amigo que conoció en la Preparatoria 5 llamado Roberto González, y fueron adoptados por lo que entonces se conocía como el Colectivo de la Nueva Canción, cantautores que combinaban la llamada nueva trova con otras influencias. En este lugar convivió con otros músicos, como Marcial Alejandro, Maru Enríquez, el Negro Ojeda, Emilia Almazán, Arturo Cipriano, Cecilia Toussaint y Jesús Echavarría. Era divertido y la paga no era mala.

Aquí me he subdesarrollado. Aquí mi gusto por hacer canciones se convirtió en trabajo. Aquí, pese al postsesentaiochero toque de queda tácito que hizo de la noche una especie en extinción, me he encontrado mejor en la lucha por el placer que por la del poder. Aquí he llevado la ocurrencia a sus últimas consecuencias. Aquí, dando la cara (y lo demás) por los platos rotos por otros, en los setenta llegué a comprobar que de la consigna «la imaginación al poder», no había más que intentar el poder de la imaginación. Y semen aquí, feliz de la viuda que aún no me llora. He conocido a un bonche de gente con aficiones varias que ha dado forma a mi educación: poetas, músicos, pintores, arquitectos, bailarines, biólogos, vagos, homosexuales, lesbianas, bugas, travestis, incluso una que otra maestra de exudación física. [Jaime López en su artículo «Nexo opuesto» para la revista Nexos, 1 de enero de 2008.]

Ingenioso, inteligente y desinhibido, en sus composiciones comenzó a describir lo cotidiano, el amor y el desamor, y se fue apropiando el lenguaje chilango. Varios fueron los duetos y alianzas con otros músicos, que hizo entre 1973 y 1978, hasta que con Roberto González, Emilia Almazán y Guadalupe Sánchez formó el grupo Un Viejo Amor. Ahí encontraron una nueva forma de abordar la canción, con armonías e instrumentaciones más ligadas al rock y al folk. Jaime se separó del grupo por tener desacuerdos con Guadalupe.

Sin embargo, al final de la década, Jaime se juntó con Roberto y Emilia para, entre los tres, aportar composiciones para un disco. «Roberto González y yo saldamos cuentas con los 70. Fue el cerrojazo. Éramos tres solistas acompañándonos» (Jaime López en entrevista para <FaustoPonce.com>, 3 de enero de 2008).

Roberto y Jaime: sesiones con Emilia fue lanzado por Fotón en 1980. Contuvo temas de la autoría de los tres. Tanto Jaime como Roberto tocaron guitarra y bajo, respectivamente, Emilia, en la guitarra, y los tres cantaron. También participó Marco Antonio Silva tocando la batería en tres temas. Este disco después fue reeditado en CD por Ediciones Pentagrama, antes Fotón, en 1990.

Después de esto, Jaime se transformó en lo que él mismo ha definido como un «solista involuntario».

Comenzó a preparar el que sería un disco-objeto, a partir de un texto y unos temas creados en la década anterior. Al final del año se grabaron dos temas y Alberto Leñero comenzó a hacer las ilustraciones que acompañarían al cuento El general Constante y la bella Féferes. En 1981 se editaron mil copias de El general Constante, disco-objeto que salió con Discos Roquefón, en el que lo acompañaron Roberto, Emilia y Marco Antonio, además de Ricardo Pérez Montfort (La Peña Móvil) en el bebefón y Bill Valedor en los silbidos. Todo esto acompañando a un texto de 29 páginas con ilustraciones. El general Constante inspiró un programa radiofónico producido por Alain Derbez en Radio Universidad.

Tras el deslinde de las peñas, Jaime se acercó a un lugar comandado por Sergio García Michel†, el Foro Tlalpan, donde se conjuntaron los talentos de varios jóvenes artistas politizados, como los músicos Rockdrigo, Rafael Catana, Roberto Ponce, Jorge Luis «Cox» Gaitán, Eblén Macari, José Cruz y Nina Galindo, entre otros. Coincidían en crear canciones sin censura, a través de vivencias íntimas que daban cuenta del entorno social. Algunos de ellos venían deslindándose de la Liga Independiente de Músicos y Artistas Revolucionarios (LIMAR), en la cual llegaban a enfrascarse en discusiones bizantinas sobre la finalidad política de las canciones. Jaime se caracterizaba por su crítica a lo establecido y, por supuesto, a no hacer de las canciones un panfleto.

En 1982 salió el sencillo de 45 RPM con «Bonzo»/«Mi amor no sirve de nada», de Discos Lunatic. Aquí, Jaime se acompañó de Cox Gaitán en el violín. La portada estuvo a cargo de Manuel López Ahumada. Se presentó en el Foro Tlalpan.

En ese año Jaime organizó, junto a Alain Derbez, las Jornadas de la Creación Rupestre, en el Centro Cultural Ollin Yoliztli, en el cual participaron algunos de sus compañeros del Foro Tlalpan. Al siguiente año presentó unos sketchs con algunos textos de Alejandro de la Garza Cholibrí titulados El poeta rupestre. El término «rupestre» se usó entonces en tono de broma y, como tal, un grupo de cantautores comprendido en un inicio por Rafael Catana, Nina Galindo, Eblén Macari, Roberto Ponce, Roberto González, Fausto Arrellín y Rockdrigo González lo adoptaron para crear el Colectivo Rupestre, en 1984. Jaime, aún teniendo un nexo amistoso y laboral con ellos, se deslindó desde el comienzo. «Me siguen colgando el santito de rupestre; qué culpa tengo de haber conocido a Rockdrigo y haber alternado con él, pero yo nunca firmé ningún manifiesto rupestre y soy todo lo contrario, ¡soy un fresa!» (Jaime López en entrevista con Álex Carranco para la Edición Especial de Colección Rock Latino 80’s de la revista Rolling Stone México, 2015.)

En 1983 volvió al estudio y sacó, al comienzo de 1984, con el sello independiente Unicornio/Penélope, el disco de 45 RPM que contiene el tema «Cenzontle», el cual por un lado era cantado, y por el otro, leído. Para la realización de ambas versiones Jaime se hizo acompañar por Antinea, en los efectos y cuchicheos; Roberto Villamil en guitarras, bajo, batería y percusión; y Jorge «Coco» Bueno en pianos y percusión. La versión cantada estuvo a cargo de Jaime, y la leída, por Pablo Urich. Fue un trabajo experimental que reunió sonido, gráfica y poesía en torno a un texto de Urich, escrito en 1982. Una vez más, Jaime recurrió al trabajo colectivo, ya que tanto los arreglos como la musicalización del lado leído corrieron a cargo de los músicos participantes. Con este disco cerró una etapa de materiales artesanales.

Montó, junto a Cecilia Toussaint, el espectáculo a una guitarra y dos voces Corazón de silicón y lo presentaron durante los siguientes dos años. También colaboró con el grupo Chac Mool, con el que hizo el tema «Piel de hielo», en coautoría con Jorge Reyes para su disco Caricia digital. Con Eblén Macari compuso el tema «Navegabas», de la producción Glaciares/4 Canciones.

Aparte de sus discos oficiales, en este periodo existieron varias grabaciones hechas por Rodrigo de Oyarzabal, programador de Radio Educación, que forman parte del acervo fonográfico de esa estación.

A mediados de 1984, gracias al apoyo de Álvaro Dávila y Eduardo Salas, Jaime comenzó a grabar el disco La primera calle de la soledad, mismo que salió a comienzos de 1985, con distribución de RCA Victor. Un trabajo en el que exploró y mezcló ritmos tropicales. Participaron Netz Calderón en la guitarra, Agustín Sánchez en el bajo, Héctor Infanzón en el piano, Mauricio Enríquez en los teclados, Fernando Toussaint† en la batería, Jorge Peña en la percusión, Alberto Delgado y Willy Gutiérrez en los saxos y las flautas, la sección de metales de Los Anónimos Venusinos y los coros de Las de Azul Celeste. La portada es una ilustración de Rafael Barajas el Fisgón y la contraportada es de Ahumada. Después fue reeditado en CD por Ilusiones Puerto Bagdad, en 1993.

Este disco les permitió un mejor acceso a los grandes medios de comunicación. Fue acogido por Televisa y apareció en los programas En Vivo, con Ricardo Rocha, y Siempre en domingo, con Raúl Velasco, donde interpretó la cumbia «Ella empacó su bistec», lo que generó el reclamo de algunos de sus seguidores, pero sin duda logrando una proyección que hasta el momento no había alcanzado. Como consecuencia, fue invitado a participar en el Festival OTI, el 16 de agosto de 1985, en el que cantó «Blue Demon blues». Fue el intérprete más extraño que jamás hubiera participado en dicho evento. Acompañado de una orquesta y con arreglos de Eduardo Magallanes, tuvo la osadía de decir a la mitad de su canción: «No hay peor lucha que Lucha Villa». La ocurrencia le valió la última posición del certamen, mientras la canción de su amigo Marcial Alejandro, en la voz de Eugenia León, «El fandango aquí», ganaba el primero. El tema era un homenaje al luchador Blue Demon, al cual Jaime invitó y al que no dejaron entrar al recinto. De esos días data una pinta en Coyoacán que decía: «López cambia a Pepsi». Para rematar y, por si fuera poco, tan sólo unas semanas después del concurso aconteció el trágico terremoto en la Ciudad de México. Tras un tiempo, el luchador lo buscó para agradecerle su homenaje y el tema «Blue Demon blues» comenzó a sonar en la radio con bastante éxito, ya que RCA Victor lanzó ese sencillo, hasta ese momento inédito. Al final, esto lo ayudó a borrar el mal sabor de boca por la mala experiencia en el festival.

También en ese año salió otro sencillo de 45 RPM desprendido de La primera calle de la soledad, con los temas «El mequetrefe» y «1940».

En ese año también se lanzó el primer disco de Cecilia Toussaint y el grupo Arpía, con el que popularizó los temas «Me siento bien, pero me siento mal» y «La primera calle de la soledad», de Jaime, convirtiéndose en su principal intérprete.

Lo cierto es que Jaime estaba abriendo espacios que hasta ese momento permanecían cerrados al rock. Tras un aparente fracaso en el OTI se comenzaron a abrir otros caminos en la trayectoria de Jaime. Mientras la campaña de Rock en tu Idioma tomaba fuerza en el país, Jaime decidió una vez más jugar unas cartas diferentes.

Después de incursionar en los ritmos tropicales con temas como «El mequetrefe» y «Ella empacó su bistec», Jaime hizo un disco completo de cumbias al que llamó Qué onda, ése?!, editado por IM en 1987. «Es un disco hecho para que la letra entre por la cadera», solía decir. En este material estuvieron involucrados Álvaro Dávila en la producción, el pianista Enrique Nery†, el guitarrista Fernando Gutiérrez, el bajista Rafael Gutiérrez, el baterista Salvador Rabo Agüeros, el percusionista Julio Vera, los metales de Adolfo Díaz, César Gómez, Memo Espinosa, Enrique Sida y Víctor Guzmán, así como los coros de Simone Brook, Liliana Abaroa, Álvaro Dávila y los hermanos Feni y Willy Gutiérrez.

Para 1989 logró un buen trato con BMG Ariola, antes RCA Victor, y viajó a Nueva York, donde grabó el disco Jaime López, que contó con la producción de Daniel Freidberg y Óscar López. En esta ocasión contó con la participación de músicos de diversas nacionalidades como Eddie Monteiro en el acordeón, Chris Bishop y Jorge Alfano en los bajos, Graham Hawthorne e Ignacio Berroa en las baterías, Elliot Randal y Steve Bill en las guitarras, Rafael Cruz en la percusión y Gustavo Santaolalla en la guitarra acústica y el charango.

Terminó el idilio con la discográfica transnacional y fue momento de volver a la independencia. En 1991 hizo, junto a José Elorza, el soundtrack de la película Ciudad de ciegos, de Alberto Cortés, lanzado por Ediciones Pentagrama. Al siguiente año sacó Oficio sin beneficio. De 1980 a 1985, un casete recopilatorio de aquellas grabaciones realizadas en Radio Educación por Rodrigo de Oyarzabal.

Ya entrado en sacar del cajón viejas grabaciones caseras, Jaime lanzó, en 1992, 15 Demos del 88 al 91, un nuevo casete que conformó con algunos temas de las maquetas que hizo para BMG, cuando grabó el disco en Nueva York, y que quedaron fuera de esa producción. Los músicos que lo acompañaron no eran los mismos que grabaron este material. Ellos fueron Roberto Villamil en la guitarra, Jorge Bueno en los teclados y Arturo Guzmán en la batería. El segundo lado estaba comprendido prácticamente con temas que Jaime grabó sólo con su guitarra.

Ambos casetes independientes salieron bajo el sello Ilusiones Puerto Bagdad, inspirado en el nombre de su natal Matamoros, que en el siglo XIX se llamaba Puerto Bagdad.

En 1993 Jaime comenzó a trabajar con José Manuel Aguilera en lo que, al principio, iba a ser un espectáculo conceptual. Admiraba el trabajo del grupo Sangre Asteka y, de hecho, ya había intentado trabajar en el pasado con el acordeonista Humberto Álvarez, sin lograr nada concreto. Cuando ese grupo se deshizo, López se dio la oportunidad de trabajar en un nuevo proyecto, ahora con su guitarrista. Al principio, Jaime invitó a José Manuel a una presentación en la cual la banda estaba conformada por mujeres, a la que llamó Las Luzbelas. Sólo fue una tocada, pero dio pie para hacer más cosas. «De hecho el primer rocanrolero con el que trabajé formalmente fue José Manuel Aguilera, y no es un rocanrolero muy ortodoxo, podría decir que es casi jazzista, porque curiosamente todos mis discos de solista los he hecho con jazzistas». (Jaime López en el libro La vida en La barranca, de David Cortés.)

Al principio se juntaron para componer y plasmar, en una grabadora de cuatro canales y con una caja de ritmos, una idea que les sirviera como maqueta para después montar un espectáculo con un baterista y un bajista. Después, estos temas comenzaron a organizarse más como un espectáculo teatral, como comedia musical. En cierto momento Jaime convenció a José Manuel de que lo que tenían entre manos era un buen disco y que podrían mostrarlo en esencia: grabado de manera rudimentaria. Lo llevaron con Edmundo Navas, de la discográfica independiente Opción Sónica, quien alentó la idea y, tras incluir el sax de Steven Brown y los teclados de Rosaura Cadena, lanzaron en 1994 Odio fonky, tomas de buró. Entre otros temas, contuvo «Chilanga banda», que fuera popularizada por el grupo Café Tacvba en su disco Avalancha de éxitos, de 1996. «Era el año 89. La hice mientras caminaba. Sólo agarré el ritmo y salió la canción. Yo tenía varias técnicas. Cuando no tenía papel y lápiz hablaba a la casa de un cuate y le decía: “No borres esto”, y ahí, en su contestadora, dejaba el bosquejo y ya después iba a su casa y con una grabadora lo fusilaba. Cuando cargaba la grabadora no se me ocurría nada…» (Jaime López hablando para la revista La Mosca en la Pared, núm. 86, acerca de cómo concibió «Chilanga banda».)

El espectáculo no se presentó en vivo como se concibió. Sólo lo tocaron en una ocasión, en la librería El Péndulo, de la Condesa, donde salieron los dos solos con sus guitarras. En 1995, durante el primer concierto de La Barranca, Jaime subió a interpretar «Malafacha». Se repitió la ocasión cuando José Manuel presentó su disco Yendo al cine solo, en el que interpretaron «Nuestro amor es ese gato muerto en el baldío». En 2005, de manera un poco apresurada, presentaron Odio fonky en el Vive Latino, acompañados por Chema Arreola y Poncho Figueroa en la batería y el bajo, respectivamente. El disco fue reeditado en CD en 2006 por Fonarte Latino.

En 1995 participó junto a Cecilia Toussaint y Óscar Chávez en el soundtrack de la película infantil de Paul Leduc Los animales.

Aprovechando la tendencia de los conciertos desenchufados que tan de moda se pusieron por esos años, Jaime grabó su nuevo disco con un concepto que le resultaba muy familiar y temas en su mayoría inéditos. Así que lo hizo prácticamente él solo con su guitarra, su armónica y el apoyo de uno que otro músico. Desenchufado salió en 1988 con Discos Spartakus. Para esto, acudió a la producción de Leoncio «Bon» Lara y los ingenieros de grabación y mezcla Marcelo Aramburu y Jaime Pavón. Tocaron el contrabajista Roberto Ávila y el acordeonista David Corral, además de contar con el apoyo de Bon en la guitarra y la batería y Marcelo en la guitarra. En 2007 se extrajo de este disco el tema «Bordando la frontera», que fue parte del soundtrack de la película La misma luna, protagonizada por Eugenio Derbez y Kate del Castillo.

Con el mismo equipo de trabajo, en 1999 sacó Nordaka, editado por Prodisc, en el cual dirigió sus composiciones hacia los arreglos norteños. Contó con la participación especial de Eulalio González Piporro en los temas «Por cigarros a Hong Kong» y «Ay, mesa de Otay».

Piporro fue a verme a un concierto que daba allá en el norte y ahí lo invité a que colaboráramos […] Era un intelectual en toda la extensión de la palabra. Su cerebro iba rapidísimo y era tres veces mejor que su personaje: sabía distinguir bien quién era Eulalio González y quién era Piporro†. Tenía un sentido del humor agudísimo y estaba en ese punto exacto de hilaridad y solemnidad. Gran persona. [Jaime López en entrevista con Héctor Cruz, para la revista Chilango, 2 de octubre de 2015.]

En Nordaka combinó temas nuevos con otros ya conocidos.

En 1999 se presentó en el Auditorio Nacional con el espectáculo La lengua es redonda, alternando con Luis Eduardo Aute y Amaury Pérez.

En 2000 Jaime arrancó el milenio acudiendo a la que fue su primera intérprete, por allá de los setenta, Maru Enríquez, y la animó para que saliera de su retiro. Él tenía en mente hacer un espectáculo teatral basado en los poemas del escritor mexicano de principios del siglo XX, Xavier Villaurrutia. Junto al actor Sergio Zurita, la voz de Maru y los versos de Villaurrutia, que Jaime transformó en canciones, creó la puesta en escena Villaurrutiana, un cantautor profano, que se presentó en el Café de Nadie, de la colonia Roma, por un par de años.

Esto derivó en la producción del disco de Maru, Y mi voz que madura, lanzado en 2002 por Discos Pueblo. Ya encarrilados, Maru se siguió con el disco Gran quinqué, en el cual interpretó temas de Jaime. Ambos continuaron presentándose juntos en un espectáculo de guitarra y voces hasta 2005.

Tras una racha sin producciones discográficas, Jaime lanzó varios títulos de corrido, producciones enlatadas que estaban esperando el momento de ver la luz.

Creó el grupo Hotel Garage junto al exguitarrista de Cecilia Toussaint, José Luis Domínguez†, y el baterista Iván García, en el que él sería la voz cantante y el bajo. Con ellos grabó el disco Jaime López y su Hotel Garage. Grandes Sexi Tos, lanzado en 2006, de manera independiente. Contuvo temas nuevos y reciclados, pero ahora con el sonido de una banda de rock macizo. Se presentó con este material en el Festival del Centro Histórico.

En ese mismo año volvió a trabajar, 12 años después de Odio fonky, con el guitarrista José Manuel Aguilera y sacaron No más héroes por favor, el panteón ya se llenó: tomas de laptop, grabado en el estudio de Alfonso André, Submarino del Aire, y bajo el sello de Discos Intolerancia. Un material de sonido fresco que no decepciona, en el que se hicieron acompañar por Agustín Bernal en el contrabajo, Doc Ordorika en la percusión y Luisiana en la voz.

Jaime fue invitado a participar en el disco Rigo es amor, tributo a su paisano Rigo Tovar, al que aportó su versión de «El testamento». Participaron artistas como Volován, Plastilina Mosh, Nortec Collective, Pepe Aguilar, La Lupita, Austin TV, Los de Abajo, entre otros. También interpretó el tema «Órale Gutiérrez», del disco Fuego en el alma, de Betsy Pecanins†.

Siguiendo la racha creativa, en 2007 salió un disco prácticamente acústico y con la mayoría de los temas nuevos llamado Arando al aire, de producción independiente.

Ese mismo año, Alonso Arreola lo invitó a grabar en su disco LabA, en el cual participó en los temas «Caballero de los leones», «… 0:15», «Zizou» y «Clarosolelpino».

Tras dos años de trabajo, en 2008 salió Por los arrabales, editado por Fonarte Latino. En cierta ocasión, Carlos Avilés, de Cuca, conversó con Jaime sobre la posibilidad de hacer un disco arrabalero, con ritmos norteños y tropicales, como lo que se oye en los pueblos, pero con base roquera y de tex-mex. Carlos juntó una banda de músicos de Guadalajara y comenzaron a trabajar. Tomaron algunos temas conocidos de Jaime y otros nuevos. Participaron el guitarrista Caeto Quintana, el acordeonista Mario Garibay, el baterista Nacho González, el saxofonista Sheik López, el tecladista Óscar Fuentes y en el bajo, el bajo sexto y la guitarra Carlos Avilés.

Gracias a la inercia generada tras el lanzamiento de estos materiales, se le comenzó a ver en la cartelera de importantes eventos a lo largo de la República mexicana. Jaime fue invitado a presentarse en el Bocafest, en Boca del Río, Veracruz. En 2009 también lo hizo en el Auditorio Nacional junto a Óscar Chávez, con el espectáculo Dos tipos descuidados. En ese año se presentó también en el Festival Saltillo Rock, en Coahuila.

Como parte de los festejos del Bicentenario de México en 2010 fue invitado para crear, junto a Aleks Syntek, un tema que sería usado en el segmento de la cultura popular en el desfile del 15 de septiembre. Así surgió «El futuro es milenario», con la producción de Felipe Fernández del Paso y con siete arreglos diferentes para distintos intérpretes. El tema creó polémica en las redes sociales, lo que llevó a Aleks a un pleito con los internautas. Sin embargo, Jaime, curtido ante reclamos y censuras de corte purista, apenas se inmutó y dijo: «A mí me parece una buena canción».

En 2011 lanzó Mujer y ego, distribuido por Fonarte Latino. En éste, Jaime volvió a grabar temas acompañados principalmente con su guitarra. Contó de nuevo con la producción y colaboración de Leoncio «Bon» Lara, quien también estuvo a cargo de los arreglos de cuerdas.

En ese año, Joselo Rangel aprovechó el periodo sabático de Café Tacvba para proponer a la Primera Feria Internacional de la Música, que se realizaría en Guadalajara, su idea de crear un grupo que acompañara a Jaime López, al que llamaría La Chilanga Banda. «Le escribí a Jaime un correo para hacerle la propuesta, con los nombres de los músicos que pensaba invitar, junto con las canciones que quería que presentáramos. Jaime aceptó todas mis ideas y nos pusimos a trabajar para llegar bien ensayaditos al teatro Diana el 18 de junio». (Joselo Rangel en su columna «Crócknicas Marcianas», Excélsior, 11 de julio de 2011.) Los músicos convocados fueron Café Tacvba en pleno, acompañados del guitarrista Ramiro del Real (La Última y nos Vamos) y la tecladista y acordeonista Andrea Balency (Torreblanca). Tras la presentación en la capital jalisciense, en la cual se subió a palomear el Javis, de La Revolución de Emiliano Zapata, Joselo me platicó del proyecto mientras tomábamos un café en la Ciudad de México y me invitó a participar como percusionista. Así que el Sr. González se integró a La Chilanga Banda y pude acompañarlos en el Teatro de la Ciudad el 21 de octubre, durante el evento radiofónico 5º Festival Rock por la Vida en Guadalajara, el 13 de noviembre, y en el Vive Latino 2012, el 25 de marzo. Existe una grabación inédita del concierto en el Teatro de la Ciudad.

En ese 2012 sacó con su banda, Hotel Garage, el disco En vivo y en Domínguez, grabado en parte en el auditorio de la Escuela de Música DIM, y parte rescatada de unas grabaciones de 2005. También en ese año fue invitado por el músico tamaulipeco Salev Setra a participar en su disco Aterrizaje forzoso, en el cual interpretó el tema «Muerto y olvidado».

En 2013 fue reconocido como Hijo Predilecto de su natal Matamoros, Tamaulipas, donde se presentó con su Hotel Garage en el Teatro de la Reforma.

Al final de ese año presentó, junto al actor Diego Luna, y con la dirección de Sergio Zurita, la lectura de Aullido, adaptación para teatro de la obra de Allen Ginsberg, en el 2º Festival de la Palabra Enrique Ochoa, en Torreón, Coahuila. Unos días después, se tocó en el Festival Rockoahuila.

Una vez más, con el solo acompañamiento de su guitarra, en 2014 sacó el disco Palabras necias, distribuido por Fonarte Latino y grabado en una sola sesión. A la par de este álbum, Jaime volvió a reunir a Hotel Garage para grabar el disco Di no a la yoga, también distribuido por Fonarte Latino.

En ese año, Salev Setra hizo el disco-homenaje a Jaime llamado Luna diurna, en el que musicalizó sus letras de una manera distinta a las versiones originales. Tuvo la producción artística de José Luis Domínguez y salió a la venta el siguiente año.

Jaime comenzó 2015 participando, junto a Damián Cordero y Mónica Gómez, en la obra de teatro Sangre en la comisura de tus labios, dirigida por Arturo Honorio.

En mayo se presentó con su espectáculo A solas on the rocks, en la Feria Nacional de San Marcos, en Aguascalientes. Poco después, dejó en pausa a Hotel Garage, debido a los problemas de salud de José Luis Domínguez, y creó una nueva banda con un sonido más pesado a la que llamó Flashbax, integrada por los argentinos Federico Robledo en la batería y Jorge Lang en el bajo, con quienes tocó en pequeños cafés y bares de la ciudad. En septiembre se presentó con ellos en el Lunario del Auditorio Nacional, en un espectáculo al que nombró En divo y enchufado. Contó esa noche con la participación de Cecilia Toussaint, Lino Nava, Fernando Rivera Calderón, Alonso Arreola, René «Bluesboy» García y Sr. González (servidor) como invitados especiales. En octubre de ese año tocó acompañado de René García en la XVI Feria Internacional del Libro Zócalo, de la Ciudad de México.

El deseo de volver a juntar a Hotel Garaje se vio truncado cuando en marzo de 2016 falleció José Luis Domínguez, su compañero en numerosas batallas.

A lo largo de su larga carrera, Jaime López ha tocado en todo tipo de escenarios, desde pequeños foros hasta eventos de la talla del Festival Reggae Sunsplash, en Montego Bay, Jamaica y el Festival Internacional Cervantino; en el Teatro de la Ciudad; el Teatro Blanquita o el FAOT, en Álamos, Sonora.

Frases como «Yo sólo sé que no sé náhuatl», «¡México, creo en mí!», «Por ahí ya no te vengas que en Hungría Buda apesta», «Si el amor es pasajero, yo soy el autobús», «Todos tenemos dos complejos, el de Edipo y el de Dylan, el primero me lo he ido quitando, el otro jamás», o la clásica: «No hay peor lucha que Lucha Villa», nos remitirán siempre al señor Jaime López, quien en múltiples ocasiones ha manifestado que la mayor satisfacción que le ha dado su carrera ha sido la de conocer cada vez más a fondo la naturaleza de las mujeres.

Discografía £

El general Constante y la bella Féferes (1981), disco-objeto

Bonzo/Mi amor no sirve de nada (1982), sencillo, 45 RPM

Cenzontle (1983), sencillo, 45 RPM

La primera calle de la soledad (1985)

Blue Demon blues (1985), sencillo, 45 RPM

Qué onda, ése?! (1987)

Jaime López (1989)

Oficio sin beneficio. De 1980 a 1985 (1992), casete

15 Demos del 88 al 91 (1992), casete

Desenchufado (1998)

Nordaka (1999)

Jaime López y su Hotel Garage. Grandes Sexi Tos (2006)

Arando al aire (2007)

Por los arrabales (2008)

Mujer y ego (2011)

Palabras necias (2014)

Jaime López y su Hotel Garage. Di no a la yoga (2014)

Otras colaboraciones

Roberto y Jaime, sesiones con Emilia (1980), con Roberto González y Emilia Almazán

Ciudad de ciegos (1991), soundtrack, con José Elorza

Odio fonky, tomas de buró (1994), con José Manuel Aguilera

Los animales (1995), soundtrack, con Cecilia Toussaint y Óscar Chávez

Y mi voz que madura (2002), con Maru Enríquez

Gran quinqué (2003), con Maru Enríquez

No más héroes por favor, el panteón ya se llenó: tomas de laptop (2006), con José Manuel Aguilera

Aterrizaje forzoso (2012), con Salev Setra

Luna diurna (2014), con Salev Setra

Otras grabaciones

El gran show de Los Carrión (1961), acoplado

Otros o

Algunos artistas que han interpretado sus composiciones son Tania Libertad, Ángela Molina, Astrid Hadad, Amparo Ochoa, Óscar Chávez, Eugenia León, Betsy Pecanins, Margie Bermejo, Eblén Macari, Nina Galindo, Maru Enríquez, Cecilia Toussaint, Botellita de Jerez, Tiaré Scanda y Café Tacvba.

Tiene obras en coautoría con David Gudiño, Roberto González, Emilia Almazán, Cox Gaitán, Eduardo Salas, Álvaro Dávila, Omar Guzmán, Jorge Reyes y Roberto Villamil, entre otros.

Ha hecho el doblaje a Benicio del Toro en las películas Guardianes de la galaxia y Thor, un mundo oscuro, y a Mickey Rourke en La ciudad del pecado; así como las voces de las animaciones del Maestro Raya de Buscando a Nemo y Buscando a Dory; Alameda Slim de Vacas vaqueras y voces adicionales en Tierra de osos y Herbie: a toda marcha. También ha hecho la adaptación al español de canciones en las películas La princesa y el sapo, Las locuras de Kronk, Buscando a Dory, Chicken little y Lava.

Ha escrito los libros Rolando trokas, el Trailero intergaláctico (con ilustraciones de Felipe Ehrenberg), Lírica y El diario de un López.

Ha dirigido las obras de teatro Lírica en escena, Villaurrutiana, un cantautor profano y La desgracia del castigador.

Ha incursionado también en el periodismo, la actuación y la danza. Ha trabajado en proyectos para el Festival Internacional Cervantino, Radio UNAM, Radio Educación, Televisa, Disney, Canal Once y Canal 22. Ha tenido colaboraciones en publicaciones como El Nacional, Nexos, Soho y Etcétera.

Además de viajar, le gustan el beisbol, basquetbol, futbol, voleibol y la caminata. También le gusta bailar y escuchar música.

6. Chac Mool

1980-1985, Ciudad de México

Integrantes l

Jorge Reyes† - Flauta y guitarra (voz de 1984-1985)

Mauricio Bieletto - Voz, violoncello y guitarra electroacústica (1980-1984)

Carlos Alvarado - Teclados

Armando Suárez - Bajo

Carlos Castro - Batería (1980-1984)

Eduardo Medina - Batería (1984-1985)

Género ù

Primera etapa: progresivo con influencias de elementos prehispánicos, jazz, electrónica, hard rock y bandas como King Crimson, Pink Floyd y escritores como Aldous Huxley. Segunda etapa: new wave con influencia de las bandas techno pop de la época.

Historia h

Desfasados con respecto a los acontecimientos internacionales, cuando el rock progresivo se encontraba en clara decadencia, Chac Mool apareció en la escena nacional como uno de los principales exponentes de este género en México. Logrando contratos con compañías transnacionales y rodeándose de un equipo de trabajo profesional, marcaría una pauta en cómo se comenzarían a manejar las bandas de la década que comenzaba. La edición de sus discos cumplía con características de presentación nunca antes vistas en nuestro país. Son clásicos sus discos con vinilos transparentes o de color. La mancuerna con el ingeniero de grabación Paco Rosas y el manejo de José Xavier Navar fueron determinantes en su éxito. Su primer disco tuvo muy buenas e inesperadas ventas, lo que les permitió contar con buenos presupuestos para los que siguieron.

Mauricio Bieletto narra lo que fue esa primera etapa del grupo:

Durante ese tiempo, me comunicaba continuamente con Jorge Reyes, que vivió en Alemania, también en la India y algunas ciudades de Medio Oriente. En las cartas hablábamos de la posibilidad de crear un nuevo grupo a su regreso. A finales de 1979 regresó a México y lo invité a tocar a Monterrey, con una banda que formamos solamente para dar tres conciertos. La banda tomó el efímero nombre de Espectro. Tocamos rolas de Al Universo, algunas de él, otras mías y algunas más de un buen guitarrista regiomontano apodado Pedro Hendrix. A principios de 1980, regresé a vivir a México y fue entonces cuando se integró el grupo Chac Mool con Carlos Castro en la batería, Armando Suárez en el bajo, Carlos Alvarado en los teclados, Jorge en la guitarra y la flauta y yo en el chelo y la voz. Los ensayos eran en la casa de Jorge. Fue muy interesante comenzar a hacer música con esta nueva tendencia. La combinación de instrumentos y el género musical resultó algo y novedoso, que nos daba la oportunidad de desarrollar nuestra creatividad. Y yo tuve la ocasión de seguir desarrollando el canto junto a la ejecución del violonchelo; esto, mezclado con los teclados, la flauta y los demás instrumentos, era algo que llegó a sonar bastante original. El primer concierto fue en el teatro de Arquitectura de la UNAM, donde se llevaba a cabo un ciclo de rock. La respuesta del público fue muy positiva. La gran mayoría eran estudiantes. Alvarado conocía a Pepe Návar y lo invitó al concierto. Al final platicamos con él y se interesó en promover al grupo. A partir de ese momento, las tocadas comenzaron a salir. Lo mejor fue cuando iniciamos una temporada en la Carpa Geodésica, misma que se extendió por casi dos años. Nos caracterizábamos por instalar el sonido y hacer una prueba detallada antes de cada concierto, algo que en ese tiempo casi nadie hacía. Tocábamos en universidades, hoyos, teatros, antros, etc. Alternando algunas veces con los grupos más reconocidos: Javier Bátiz, Enigma, Iconoclasta, Mara, La Caja de Pandora, El Queso Sagrado, Decibel, Nuevo México, Dangerous Rhythm, El Tri, etc. Ahora salíamos con más frecuencia en los diarios y en las revistas especializadas de rock. A mediados de ese 1980 ya estábamos preparando el material para la grabación del primer disco que fue Nadie en especial, para discos Polygram. Con una excelente producción de Pepe Návar y Paco Rosas, que fue el ingeniero de grabación. Logramos hacer un disco de gran calidad, de los mejores de ese tiempo a nivel mundial. Y a finales de ese año, lo presentamos con un concierto en el Teatro de la Ciudadela. Las notas de la prensa sobre el disco comenzaron a salir. En general eran positivas; sin embargo, siempre se habló de que la voz no estaba a la altura de la música. Yo, como cantante, siempre reconocí esta deficiencia y creo que la razón es que, en el estudio de grabación, nunca tuve una acertada dirección, ni mía, ni de mis compañeros, ni de los productores. Todos querían que en ese momento yo cantara de una forma distinta a la que acostumbraba en los conciertos y eso resultó muy desconcertante. Yo sentía una presión que no esperaba; siempre me sentí capaz de hacer un buen papel, pero el resultado no fue satisfactorio. Con el segundo disco, que fue Sueños de metal, contamos con una producción mucho más costosa, ya que grabamos en los estudios Golden, que en ese momento eran, sin exagerar, los mejores de México, y en tres piezas contamos con una orquesta de cuerdas, coristas y los arreglos de Roberto Prais. Realmente habíamos alcanzado un gran nivel. En los conciertos estábamos muy cerca de igualar el sonido del disco. Éstos siempre fueron muy prendidos y obteníamos muy buenos comentarios de la gente. Muchas veces se acercaron a mí para felicitarme personalmente. En forma paralela a la grabación de este disco, hicimos uno con temas tomados en conjunto, de una sola toma, de piezas que teníamos en el tintero. Y éste se llamó Cintas en directo. Las críticas con respecto a la voz seguían siendo negativas. Obviamente eso a mí no me gustaba, pero lo reconocí. Entonces en el grupo ocurrió gradualmente algo que nos fue dividiendo. Jorge intentaba arreglar esa deficiencia, cantando encima de mi voz, cosa que me sacaba mucho de onda. Así que, conforme pasaba el tiempo, nos sentíamos más desunidos y eso se notaba. Chac Mool fue un gran grupo, tuvimos grandes experiencias, con teatros enormes completamente llenos, con filas de gente muy muy largas; algunas veces con ambulancias y bomberos a las afueras. Con entrevistas de radio y TV, antes, durante y después de los conciertos. Después de una gira muy pesada por Chihuahua, tocamos en Xalapa sin hacer prueba de sonido. La vibra ya era muy pesada y a la mitad de la tercera o cuarta rola un chavo se encueró y otros bailaban y le aplaudían alrededor. Jorge los regañó, botó la guitarra y se bajó del escenario. Al día siguiente, de regreso a México en mi auto, Alvarado nos dijo a mí y a Charly que Jorge estaba hasta la madre de nosotros y que ya tenía a otro cantante y a otro baterista. Debo decir que a Carlos Castro le hicieron muy pesada su estancia en el grupo desde meses atrás. Pero él era un gran baterista desde antes y ya estaba tocando con el grupo de Jazz 07 20.

Suplieron a Bieletto y, por una corta temporada, se integraron diferentes cantantes, entre ellos Moisés Palacios, pero al final se quedó Jorge en la voz.

Al terminar su contrato con Polygram, firmaron con la compañía Warner para lanzar el disco Caricia digital y decidieron dar un giro estilístico respondiendo a las presiones de la nueva compañía. Convertirse en una banda de new wave les acarreó críticas en todos sentidos. Como suele suceder en estos casos, los viejos seguidores se sintieron decepcionados, pero los nuevos descubrieron a un grupo que marcaría una clara dirección para muchas de las nuevas propuestas nacionales.

Jorge Reyes y Carlos Alvarado entraron en conflicto con Armando Suárez al querer tomar direcciones distintas para el grupo. A raíz de esto, Jorge se salió del grupo en 1985, provocando la disolución.

En 2000, dos miembros originales de Chac Mool, Armando Suárez y Carlos Castro, grabaron con músicos invitados el disco El mensajero de los dioses, con el deseo de mantener viva a la agrupación. Carlos Alvarado se mostró inconforme públicamente por el uso del nombre Chac Mool.

En 2006 salió la caja remasterizada 25 Aniversario, con réplicas en CD de los vinilos originales, además de un DVD con la historia del grupo. No contuvo El mensajero de los dioses.

Discografía £

Nadie en especial (1980)

Sueños de metal (1981)

Cintas en directo (1982)

Caricia digital (1984)

Otras grabaciones

25 Aniversario (2006)

Otros o

Jorge Reyes comenzó, a partir de 1985, una exitosa carrera solista que dio forma a un nuevo género conocido como etno rock. Murió en su casa debido a un paro cardiaco a principios de 2009.

En 1977 Carlos Alvarado creó, junto a Miguel Ángel Nava, un proyecto electro/ambiental al que denominó Vía Láctea, con el que editó un disco homónimo en 1982, reeditado en 2012. Tras este material, Alvarado sólo colaboró con otros músicos como Arturo Meza y Jorge Reyes. En 1997 editó una recopilación de trabajos realizados en casete entre 1977 y 1997. En 2016 lanzó el disco Daath, con su propio sello, Discos Momia.

7. Nazca

1980-1988, Ciudad de México

Integrantes l

Alejandro Sánchez - Violín y viola

Carlo Nicolau - Piano y violín

Cuauhtémoc Novelo - Batería y percusión

Juan Carlos Ruiz - Fagot (1983-1988)

Jorge «Cox» Gaitán - Bajo y viola (1983-1988)

Género ù

Rock progresivo, experimental, rock en oposición, música de cámara y jazz; con influencias de Henry Cow, Stromy Six, Univers Zero, Art Zoyd.

Historia h

Tras la disolución del grupo Decibel, el violinista Alejandro Sánchez se integró a la Orquesta de Cámara de la Ciudad de México. El cambio fue drástico y Alejandro no se sentía del todo a gusto. Había invertido cinco años de su vida improvisando, tocando su violín eléctrico, y la nueva circunstancia le provocó una crisis existencial. Así que al final de los años setenta se juntó con amigos con el fin de dar el primer paso para lo que posteriormente se convertiría en un nuevo proyecto musical. Ellos fueron Fabián Reyes en el clarinete y la guitarra, José Luis Romero en el sax y Cuauhtémoc Novelo en la batería y la percusión.

Al comenzar la nueva década nació Nazca, como trío, con Alejandro, Cuauhtémoc y Carlo Nicolau al piano, quien estaba recién llegado de Francia. El resultado de su experimentación fueron piezas instrumentales en las que combinaron música de cámara con rock. Sus primeros foros fueron escuelas y un concurso de jazz.

En 1983 el grupo se benefició sonoramente con la inclusión de Juan Carlos Ruiz en el fagot y Jorge «Cox» Gaitán en la viola. Juan Carlos, cuyos inicios en la música se remontan a su participación en la Orquesta de Música Nueva, al comienzo de los años setenta, acababa de abandonar al grupo Herejía, en el cual tocaba junto a Fabián Reyes y Tizoc Briseño. Por su parte, Jorge había colaborado previamente en los discos de León Chávez Teixeiro, en el grupo Un Viejo Amor y, poco antes de ingresar a Nazca, en el malogrado grupo La Broma Bolchevique.

El grupo hizo uso de la libre improvisación, surgiendo así las ideas que terminarían en sus temas. Eran composiciones colectivas que combinaban la espontaneidad con ideas escritas por Juan Carlos y Carlo.

Al final del año entraron al estudio para grabar su primer disco homónimo con su propio sello independiente, Discos Naja. Por cuestiones económicas, éste vio la luz hasta 1985. Resultó una búsqueda bastante intrépida y propositiva, pero si observamos que en México, de no ser por Decibel, no existían referencias para este tipo de trabajos, el disco fue recibido con entusiasmo por el reducido público del rock progresivo nacional. A su vez, lograron cruzar fronteras al conseguir la distribución de la discográfica británica Recommended Records, lo que les generó proyección internacional entre un público especializado.

Entre 1984 y 1985, mientras salía su disco debut, los integrantes de Nazca, con excepción de Alejandro, estuvieron colaborando con el grupo The High Fidelity Orchestra, de Jesús González Martín, tanto en vivo como en estudio.

Además, junto al grupo Herejía, Nazca fue impulsor de las Jornadas de Búsqueda, en la Escuela Nacional de Música, una serie de recitales hechos por una veintena de intérpretes interesados en el rock en oposición.

En 1986, Recommended Records incluyó en su disco compilatorio Re Records Quarterly Vol. 1, No. 3, el tema «Nadja». Ese mismo año entraron a grabar su siguiente álbum, al que llamaron Estación de sombra, que salió hasta 1987, editado también por Discos Naja. El resultado fue menos oscuro que el primer disco, pero igualmente propositivo y experimental.

Como un «garbanzo de a libra» ante las pocas oportunidades de presentarse más allá de foros universitarios, fueron invitados para participar en el Festival Internacional Cervantino de ese año, pero al final la falta de oportunidades terminó por minar la inercia creativa de Nazca y en 1988 Carlo y Cuauhtémoc decidieron mudarse a la ciudad de Nueva York, provocando así la desintegración de la banda.

Durante el año de su separación se editó el disco En vivo, grabado en un concierto de la Facultad de Medicina de la UNAM, que dejaba registro de lo que Nazca podía hacer en sus presentaciones.

En 2000 y 2001 Discos Naja reeditó en CD sus tres discos, todos con temas adicionales.

Discografía £

Nazca (1985)

Estación de sombra (1986)

En vivo (1988)

Otras grabaciones

Re records quarterly Vol. 1, No. 3 (1986), compilación con el tema «Nadja»

Estación de sombra (2000), recopilación, es el disco de 1986 más el tema «Nadja»

Otros o

Alejandro Sánchez se unió posteriormente a grupos de cuerdas para amenizar fiestas.

Carlo Nicolau y Juan Carlos Ruiz después formarían parte del efímero grupo Cicuta. Luego, Juan Carlos y Jorge «Cox» Gaitán crearon, junto a Tizoc Briseño, el grupo Fosa Común. Después, Juan Carlos creó la agrupación Culto sin Nombre, que editó el disco Hallazgos nerviosos.

Durante la década de los años noventa, Cox formó parte del grupo La Barranca y participó en los conciertos acústicos de Botellita de Jerez.

8. Rockdrigo González†

1980, Tampico, Tamaulipas

Género ù

Rock rupestre, folk, rock, blues, bolero, trova y son huasteco; con influencia de Dylan, Tom Waits, Bruce Springsteen, Chava Flores y Donovan.

Historia h

Rodrigo Eduardo González Guzmán nació en la colonia Altavista, de Tampico, Tamaulipas, el 25 de diciembre de 1950. Fue el segundo hijo del ingeniero naval Manuel González Sámano y Angelina Guzmán. Estudió en los colegios Federico Froebel y Félix de Jesús Rougier. Solía viajar con su papá por toda la Huasteca, teniendo sus sones como música de fondo. Comenzó a tocar la guitarra con sus amigos. Con Sergio Rodríguez aprendió a tocar blues. Al terminar la preparatoria, sus inclinaciones artísticas lo llevaron a participar en varios grupos de rock e incursionó en la actuación y la literatura.

Entró a estudiar psicología en la Universidad Veracruzana, en Xalapa, pero abandonó. En 1975 se trasladó a la Ciudad de México para buscar fortuna como artista. «Mira, cabrón —tendió la mano como para saludarte, pero en realidad era para despedirse y te ofreció un sobre que a querer o no ibas a tomar—, no puedes vivir hueco. Ahí tienes un boleto de autobús para México. Y 500 pesos. Que te bendiga Dios y vete a mercatear allá solo. Cuando seas hombre de bien, regresas.» (Palabras de Manuel González Sámano a su hijo, en el texto de César Güemes, en <www.rockdrigo.com.mx>.)

Quedó impactado al llegar a la ciudad y pronto se integró a la energía que ésta generaba, a su gente y su dinámica imparable, algo muy distinto a lo que estaba acostumbrado en Tampico. Vivió en un departamento de mala muerte en la calle de Río Tíber, en la colonia Cuauhtémoc. Al comienzo se ganó la vida como músico callejero y tocando boleros en cantinas. En 1976, junto a su paisano Gonzalo Rodríguez†, comenzó a tocar temas de canto nuevo; incluso llegaron a presentarse en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, con algunos temas originales. La coincidencia en la simetría de sus nombres no dejó de ser motivo de bromas, mismas que los hermanaron. De los temas que solían tocar, existen unas grabaciones caseras inéditas hechas entre 1976 y 1977 y que actualmente están en posesión de la viuda de Gonzalo.

Tras un breve regreso a Tampico, Rodrigo trabajó con su padre en un astillero y conoció a Mireya Escalante†, con quien tuvo una hija en 1979, a la que llamaron Amanda Lalena. Rodrigo regresó a la capital y comenzó una relación con Françoise Bardinet, poniendo distancia con Mireya y su hija. Después de un tiempo, se acercó a su pequeña. En la actualidad, ella ha manifestado recordarlo como un padre dulce y amoroso.

Rodrigo viajó a la tierra de su nueva pareja, Normandía, Francia, donde pasó seis meses. Durante su paso por París, Rodrigo tuvo la oportunidad de ver a su ídolo Bob Dylan, quedando fascinado. «Yo soy él», manifestó entonces. Asiduo lector de Foucault, Molière, Fromm, Goethe, Quevedo, Freud, Espronceda y otros, se convenció de que tenía que crear a «Rockdrigo».

A partir de 1980 comenzó a interpretar sus canciones armado de su guitarra y un arnés para su armónica, al estilo de Dylan, convirtiéndose así en un trovador urbano, un cronista de la ciudad. La poesía de sus letras involucraba elementos de picardía, realidad, humanidad y crítica al sistema establecido. Sus canciones también implicaban una búsqueda espiritual como una forma de abordar la soledad colectiva del hombre contemporáneo.

Comenzó a trabajar en el Wendy‘s Pub de la glorieta de Insurgentes, alternando con Javier Bátiz. Ahí conoció al grupo Dama, que con el tiempo se convirtió en Heavy Nopal y con quienes estableció una gran amistad. En ese lugar lo escuchó el escritor de La Onda, José Agustín, quien escribió sobre él en el periódico Unomásuno. Rockdrigo comenzaba a captar la atención a partir de su trabajo, que en la definición de Agustín era: «Un rock más complejo, crítico e inteligente…» (Contra la corriente, de José Agustín, 1991.)

Para 1981 había surgido una serie de cantautores con influencias de folk y rock que daban gran importancia al contenido de sus líricas. Quitando algunas pocas excepciones, el rock mexicano carecía hasta entonces de buenas letras. Fue alrededor de una serie de actividades artísticas multidisciplinarias realizadas en el Foro Tlalpan, lugar fundado y dirigido por Sergio García Michel†, que músicos como Fausto Arrellín, Rafael Catana, Jaime López, Eblén Macari, Jorge Luis «Cox» Gaitán, Cecilia Toussaint, Maru Enríquez, Roberto Ponce, Nina Galindo, José Cruz y Roberto González comenzaron a organizar ciclos, como el llamado Sólo los Viernes, a los cuales Rockdrigo se integró. Ellos se rebelaban ante la idea de separar la canción roquera de otro tipo de canciones populares. ¿Por qué negar a Violeta Parra si también les gustaba Tom Waits? Ahí se comenzó a crear un discurso contracultural propio.

Ya en 1982 Jaime López, junto al saxofonista Alain Derbez, habían organizado las llamadas Jornadas de la Creación Rupestre en el Centro Cultural Ollin Yoliztli y, en 1983, el mismo Jaime presentó unos sketchs con algunos textos de Alejandro de la Garza titulados El poeta rupestre. En cierta ocasión, Jaime me contó personalmente que bromeaba con Rockdrigo diciéndole que era un músico rupestre. Más allá de bromas, a Rockdrigo le gustó el término. Así que en 1984 se organizó con Roberto González, Nina Galindo, Eblén Macari, Rafael Catana, Fausto Arrellín y Roberto Ponce para formar el Colectivo Rupestre, para el que escribió un manifiesto:

No es que los rupestres se hayan escapado del antiguo Museo de Ciencias Naturales ni mucho menos del de Antropología, o que hayan llegado de los cerros escondidos en un camión lleno de gallinas y frijoles. Se trata solamente de un membrete que se cuelgan todos aquellos que no están muy guapos ni tienen voz de tenor ni componen como las grandes cimas de la sabiduría estética, o (lo peor) no tienen un equipo electrónico sofisticado lleno de sintes y efectos muy locos que apantallen al primer despistado que se les ponga enfrente. Han tenido que encuevarse en sus propias alcantarillas de concreto y en muchas ocasiones quedarse como el chinito ante la cultura: nomás milando. Los rupestres por lo general son sencillos, no la hacen mucho de tos con tanto chango y faramalla como acostumbran los no rupestres, pero tienen tanto que proponer con sus guitarras de palo y sus voces acabadas de salir del ron… son poetas y locochones, rocanroleros y trovadores, simples y elaborados. Gustan de la fantasía, le mientan la madre a lo cotidiano, tocan como carpinteros venusinos y cantan como becerros en un examen final del conservatorio.

Ya organizados, hicieron el 2º Festival de la Canción Rupestre, en 1984, realizado en el Museo del Chopo, entonces dirigido por Ángeles Mastretta. Fue así como el colectivo tomó fuerza, sumándose unos y deslindándose otros.

Paralelamente, en ese año Javier Bátiz invitó a Rockdrigo a cantar el tema «Blowin’ in The Wind», de Bob Dylan, en su disco Radiocomplacencias.

Rockdrigo, El Profeta del Nopal, como también se le decía, comenzó a ser un artista muy querido por un público conformado por jóvenes marginales, por «la banda», ese público que había mantenido vivo el rock en la periferia, que ahora también se identificaba con unas letras que hablaban de su propia realidad.

En 1984, por intermediación de Roberto Ponce, Rockdrigo conoció a Jorge Pantoja, nuevo director del Museo del Chopo. Poco después, le propuso que lo representara y aceptó. Le organizó un par de conciertos en el museo, alternando con Botellita de Jerez y Álex Lora. Crearon el grupo Quál, junto a Fausto Arellín, Francisco Acevedo y Adrián Gasca. El nombre era el mismo del gato que Rockdrigo dejó en Tampico. A partir de ahí alternó sus presentaciones con el grupo con las que hacía él con su guitarra. Fue invitado al programa Dos hasta la media noche, de Radio Mexiquense. Existe en la actualidad una grabación de dicha sesión que circula como bootleg (grabación no oficial) en las redes.

En 1985 editó un casete de manera independiente con el título Hurbanistorias, que contuvo los temas «Perro en el Periférico», «Balada del asalariado», «Distante instante», «Estación del metro Balderas», «No tengo tiempo de cambiar mi vida» y «Rock del Ete», entre otras.

Para entonces, Jorge Pantoja había dejado la dirección del Museo del Chopo y le consiguió una serie de presentaciones en diversos foros, bajo el patrocinio del Consejo Nacional de Recursos para la Atención de la Juventud (CREA), y en el Festival del Partido Socialista Unificado de México (PSUM), en el Palacio de los Deportes.

Álex Lora tomó la canción de «Estación del metro Balderas» para incluirla en el primer disco de El Tri, conocido como Simplemente, modificando el título y la letra sin consentimiento de Rockdrigo. Por esta razón los créditos del tema mutilado, «Metro Balderas», de El Tri, aparecieron como coautoría de Rodrigo González y Alejandro Lora. En las entrevistas que ambos dieron posteriormente fueron ambiguos en cuanto a si había una disputa o no por lo sucedido.

Ese 1985 Rockdrigo estableció negociaciones con la discográfica WEA, por la intermediación de Pepe Návar, representante de Chac Mool. Rafa Salgado, armoniquista de El Tri, los presentó en cierta ocasión. Tras algunos encuentros en el Tianguis del Chopo y durante una plática en un restaurante de la colonia Tabacalera, acordaron llevar a la discográfica un demo con 67 canciones, entre temas inéditos y rarezas.

Sin embargo, la grabación del disco no se concretó. Un terremoto sorprendió a la Ciudad de México el jueves 19 de septiembre a las 7:19 de la mañana. El edificio donde vivían Rockdrigo y su pareja, Françoise Bardinet, en Bruselas 8, colonia Juárez, se derrumbó, quitándoles la vida. Tres días antes, tocó en un baile en el Salón Colonia, alternando con Javier Bátiz, con motivo del primer aniversario del periódico La Jornada. El fotógrafo Fabricio León le hizo entonces, sin saber, su último estudio fotográfico.

Su paisano y amigo Gonzalo Rodríguez acudió al lugar del derrumbe y fue quien rescató y reconoció los cuerpos de Rockdrigo y Françoise. Návar, al ver que no le contestaba sus llamadas, fue en bicicleta a la calle de Bruselas y se enteró entonces del terrible desenlace. Pudo platicar con el padre de Rockdrigo, mismo que le exigió le entregara las grabaciones que le había dado su hijo para explotarlas él. Návar se negó, alegando que mientras no hubiera certeza jurídica de quién podía reclamar los derechos de esas canciones, no podía entregárselas. Desde ese momento, hasta hoy, han quedado en su resguardo. Rockdrigo fue velado y enterrado en su natal Tampico.

Tras la muerte de Rockdrigo, Mireya Escalante organizó, en los siguientes años, homenajes cada 19 de septiembre en el sitio donde se derrumbó su edificio.

Sus compañeros rupestres crearon la asociación civil Rancho Electrónico, con la finalidad de juntar y editar su obra, así como recaudar sus regalías para un fideicomiso que serviría para contribuir a la educación de su hija Amanda Lalena, escritora y compositora, conocida como Amandititita. Sin embargo, según declaraciones recientes de Amanda, quien recibe los beneficios de la obra de Rockdrigo es su tía Genoveva González.

Todavía durante 1985 se editó, postmortem, El Profeta del Nopal, en Discos Pentagrama, que incluye temas inéditos a partir de grabaciones caseras. El criterio para elegir las canciones de este disco fue que contuvieran la temática de la fusión del campo y la ciudad y el desgarramiento cotidiano. El disco Hurbanistorias se reeditó en 1986, también por Discos Pentagrama.

Le siguió Aventuras en el DeFe, de 1989, con temas inéditos, provenientes de dos grabaciones rudimentarias, una en vivo en el Café Arte-Sanos, de la ciudad de Aguascalientes en 1984, y otra hecha en su casa, en 1982. La selección y remasterización de éstas estuvieron a cargo de Fausto Arrellín. También existe un bootleg de la grabación del concierto completo en Aguascalientes en el café Arte-Sanos que circula en la red.

En 1992 Pentagrama editó el cuarto disco de Rockdrigo, No estoy loco, a partir de grabaciones hechas entre 1984 y 1985, remasterizado por Fausto.

En 2011 se develó en el metro Balderas una placa conmemorativa y una estatua de Rockdrigo.

Al tener un talento genuino y morir joven, Rockdrigo se convirtió en un punto de referencia y un parteaguas para el rock nacional. Desde entonces ha crecido el mito alrededor de su figura. Sus temas han sido interpretados por diversos artistas, como Quál, Dama-Heavy Nopal, Nina Galindo, Botellita de Jerez, Follaje, El Tri y El Gran Silencio, entre muchos otros.

Discografía £

Hurbanistorias (1984), casete, reedición en 1986

El Profeta del Nopal (1985)

Aventuras en el DeFe (1989)

No estoy loco (1992)

Otras grabaciones

Radiocomplacencias de Javier Bátiz (1983), cantó en la canción «Blowin’ in The Wind»

Lo más prendido de Rockdrigo González (1986), homenaje de Discos Denver

Ofrenda a Rockdrigo (2003), homenaje producido por Alfonso Figueroa

A ver cuándo vas…! Los rupestres a Rockdrigo (2006), homenaje

Rockdrigo a la tampiqueña (2008), homenaje

Otros o

Rockdrigo salió en las películas Un toke de roc (1984), de Sergio García Michel, y ¿Cómo ves? (1985), de Paul Leduc. Se han hecho los documentales Rockdrigo a diez años/¿Por qué no me las prestas? (1985), de Sergio García Michel; Rockdrigo, la ciudad del recuerdo, de Alejandro Ramírez, y No tuvo tiempo, la hurbanoistoria de Rockdrigo (2004), de Rafael Montero.

Entre las muchas publicaciones que hacen referencia a Rodrigo está: Rockdrigo González. Tiempo de Híbridos/El Sacerdote Rupestre (2015), que incluye textos de Nora de la Cruz, Alejandro Arteaga, Silvia Aguilar Zéleny, Jesús Vicente García, Brenda Ríos, Armando Vega-Gil y Amanda Lalena González.

José Xavier Návar no ha sacado las grabaciones que le dio Rockdrigo por considerar que implican un riesgo al editarlas, mientras los familiares del músico aleguen ser los albaceas de ese material. Návar considera que la heredera de esos demos tiene que ser Amanda Lalena.

9. Cristal y Acero

1980, Ciudad de México

Integrantes l

Samuel Shapiro - Batería

Luis Zepeda - Teclados y voz (1980-1983)

Icar Smith - Guitarra y voz (1980-1989)

Rafael «Katz» - Bajo

César Cal - Guitarra (1983)

Carlos Ortega - Bajo (1983-1985)

Rubén Fuentes - Bajo (1985-1986)

Aarón Montalvo - Voz (1987-1988)

Raúl Leaños - Bajo (1987-1988)

Héctor Carrión - Voz y guitarra (1989-1994)

Héctor Page - Guitarra (1989-1992)

Luis Octavio Castillo - Bajo (1989-1993)

Martín Ocherán - Guitarra (1992-1993)

Juan José Cobarrubias «Johnny Pous» - Bajo (1994)

Denys - Guitarra (1994)

Hugo Wolf - Voz (1998-2007)

Francisco Palomo - Teclados (1998-2007)

Pefy Castillo - Guitarra (1998-hasta hoy)

Rashid Rahal - Guitarra (1998-hasta hoy)

Mauricio Cuevas - Bajo (1999-2003)

Armando Azcona - Guitarra (2003)

Israel Díaz - Bajo (2003-2005)

Alex Andrade - Bajo (2005-2008)

Manuel Ruiz - Teclados (2008-hasta hoy)

Mauricio Cuevas - Bajo (2008-hasta hoy)

Mike de la Rosa - Voz (2008-hasta hoy)

Milton Díaz - Violín y voz (2008-hasta hoy)

Otros participantes

Alejandro Camacho - Bajo

Charly Alcántara - Voz

Género ù

Rock progresivo, jazz fusión, metal, hard rock, rock sinfónico y ópera rock; con influencia de Europe, Mötley Crüe, Judas Priest, Guns‘n Roses, Def Leppard, Poison, Van Halen, Iron Maiden, Bon Jovi, Quiet Riot, Cheap Trick, Twisted Sister, Pat Benatar, Scorpions, entre otros.

Historia h

Cristal y Acero nació en marzo de 1980, cuando el joven baterista Samuel Shapiro se juntó con el tecladista y cantante de jazz Luis Zepeda y el bajista Rafael Katz, para crear una banda de jazz fusión. Pusieron un anuncio en el Sindicato de Músicos convocando a un guitarrista, y el méxico-estadounidense Icar Smith fue quien respondió al llamado. En su nombre querían incluir fuerza y fragilidad, y pensaron en el vidrio y el acero. Fue Icar quien sugirió usar la palabra «cristal». Su primer concierto lo dieron el 3 de julio en la Carpa Geodésica, al sur de la Ciudad de México, y siguieron tocando en foros como el Aramís, en División del Norte, y El Cuervo, en la Plaza de la Conchita, ambos en Coyoacán, así como en la librería El Ágora, en Insurgentes. Poco a poco fueron sofisticando sus presentaciones. Fuera del circuito de pequeños foros, se presentaron en lugares más grandes, en los que incluían escenografías, luces y proyecciones a cargo de su amigo Javier Guillén. Llegaron a tener, detrás de la batería, una gran serpiente a la que se le iluminaban los ojos y luces que alumbraban al público. Tal fue el caso de sus conciertos en el Teatro de la Ciudadela, en el cinema Las Torres o el entonces Hotel de México.

Consiguieron hacer una pequeña gira por algunos foros de Nueva York, por lo que aprovecharon para grabar un demo en un estudio local. Sin embargo, vinieron cambios que llevarían al grupo por otros caminos estilísticos.

Hacia 1983 ingresó por un tiempo el guitarrista César Cal (exCiruela y Árbol) con lo que el sonido se tornó más pesado. Poco después Luis dejó el grupo, por lo que los miembros restantes abandonaron el jazz fusión y optaron por el heavy metal melódico. Ya sin César y Katz, quedaron Samuel, Icar y el bajista Carlos Ortega como un power trío, en el cual Icar cantaba además de tocar la guitarra. Sus canciones combinaron inglés y español. Al final del año firmaron un contrato con Discos Gas, con quienes grabaron su primer disco homónimo, de larga duración, que salió a la venta hasta 1984. Contuvo una mezcla de covers y temas propios, algunos de los cuales formaron parte de otro proyecto. Paralelamente, la escritora y productora Irene Sabido, tía de Samuel, inspirada en la historia de Tarzán, montó la ópera rock Kumán, acudiendo a Cristal y Acero para que crearan la música. Los actores fueron la joven actriz y cantante Tatiana, Carmen Delgado y Aarón Montalvo. Hicieron más de mil representaciones. El material de Kumán salió en simultáneo a su disco debut, y fue la primera grabación que realizó Tatiana en su carrera artística. En ese año ganaron el Premio Manuel M. Ponce a la Mejor Música para Teatro. Icar se reveló como uno de los mejores guitarristas del rock al comienzo de la década.

Desde entonces el grupo involucró su quehacer como banda con espectáculos de diversos tipos, principalmente teatrales. Fue su estrategia para sobrevivir en una época en la cual la apertura al rock por parte de los medios seguía sin ser la norma. En 1985 estrenaron el espectáculo Astertrón. En ese año salió el disco Espadas de cristal, que recibió el reconocimiento a Disco del Mes de la revista Metal Forces. Para entonces los acompañaba Rubén Fuentes en el bajo.

Buscando insertarse en la ola creada por la campaña Rock en tu Idioma, en 1987 salió América, un material más enfocado al hard rock melódico, en el cual perdieron la fuerza metalera que los había caracterizado, teniendo como vocalista a Aarón Montalvo, con quien habían trabajado Kumán, y a Raúl Leaños en el bajo. Con este álbum cerraron su ciclo con Discos Gas.

En 1989 Icar Smith y Samuel Shapiro decidieron separarse y deshacer Cristal y Acero. Sin embargo, a los pocos meses Samuel reintegró una banda con el mismo nombre, comenzando a tocar covers de las bandas de metal y hard rock de esos días. Desde entonces han circulado diversos músicos por sus filas, teniendo a Samuel como único integrante original. Fue cuando entraron Héctor Page en la guitarra, Héctor Carrión en la voz y Luis Octavio Castillo en el bajo. Héctor Carrión cuestionó a Samuel acerca de interpretar covers, lo que derivó en que esta nueva formación comenzara a crear temas propios.

En 1990 firmaron un contrato con la discográfica Peerless y sacaron Solo sin tu amor, volviendo a un sonido pesado. Con esta producción hicieron promoción prácticamente en todos los medios eléctrónicos. El grupo salió en la mayoría de los espacios del sistema de noticias ECO.

En 1992 fueron invitados a musicalizar la puesta en escena de La Bella y la Bestia, de la cual también realizaron un disco. En la obra aparecía Ana Ciocchetti. Para entonces entró el guitarrista Martín Ocherán en sustitución de Héctor Page. En ese mismo año se lanzó Hechizo, enfocado a un estilo hard rock.

Solían tocar en bares de la Zona Rosa, como el Sixtie’s, Las Tortugas, Chez Agnes y los foros habituales de la ciudad, como el Rock Stock, Rockotitlán y La Diabla, entre otros. A Samuel y Héctor los acompañaron Juan José Cobarrubias, alias «Johnny Pous», en el bajo, y Denys, guitarrista de origen chileno. Le siguió el disco Ángel, en 1994, que marcó la salida de Héctor Carrión.

Mientras Samuel reorganizaba a Cristal y Acero, en 1996 grabó con el sello D’Quality un disco de covers para el mercado estadounidense, al que llamaron Un segundo antes.

Samuel rearmó la banda completa con Rashid Rahal y Peffy Castillo en las guitarras, Paco Palomo en los teclados y Hugo Wolf en la voz. Con ellos, en 1998 volvió a participar en una ópera rock inspirada en el personaje de terror Drácula, de la cual surgió el disco Drácula: rock ópera gótica de terror, siendo el último de su contrato con Peerless. Este trabajo los llevó a los terrenos del rock sinfónico.

La obra como tal fue premiada en su momento. En 1999 se presentó en el Wiltern, de Los Ángeles, siendo la primera obra mexicana de este tipo en presentarse en el exterior. Contaron con Mauricio Cuevas en el bajo.

Dentro del Foro Cultural Miguel Sabido, Samuel creó, en 1999, el Comic’s Rock Show, lugar enfocado a la cultura del cómic en México, que además de un tianguis cuenta con un foro en el cual Cristal y Acero comenzó a presentarse regularmente.

En el año 2000 grabaron el disco Destino, con el sello D’Latinworld Music. Comenzaron el siglo presentando el espectáculo Guerra de clanes, con una gran producción en la cual intervienen hasta 80 bailarines en escena.

Después fueron invitados a participar en la temporada 2003-2004 del Circo Atayde Hermanos, en el cual el grupo musicalizó los diversos actos. De esta experiencia salió el disco Circo Atayde. Edición especial, en 2003, con Bakita Records. Se unieron a la banda el guitarrista Armando Azcona y, por un breve tiempo, el bajista Israel Díaz. En esos años se editó también el cómic Cristal y Acero, el sonido de los súper héroes.

En 2005 salió de manera independiente el disco Light of power y se presentó en el Centro Nacional de las Artes, en un espectáculo que incluyó caballeros medievales. De ahí surgió la idea de la puesta en escena del show La misteriosa historia de los caballeros del rey Arturo en busca del Santo Grial.

Después del Monterrey Metal Fest, el grupo sufrió un descalabro en su formación, misma que se había estabilizado desde 1998, al surgir una confrontación entre el tecladista Paco Palomo y el cantante Hugo Wolf, lo que provocó una nueva desintegración.

Lo que siguió fue otra reinvención de Samuel, ahora con una nueva formación y el espectáculo Eighties Rock Show Alive, en el cual revivieron los clásicos del metal de la década de los años ochenta. En 2008 salió el disco doble de dicho espectáculo, editado por el sello Urtext Digital. Éste fue su primer disco en vivo grabado en el Hard Rock Live, de la Ciudad de México, en el marco de un coctel privado para el evento Miss Universo, celebrado en México ese año. La banda estuvo conformada por Manuel Ruiz en los teclados, Mauricio Cuevas en el bajo y Mike de la Rosa junto a Milton Díaz en las voces. Milton además tocó el violín.

En 2014 lanzaron el disco de hard rock melódico El amor es para siempre, producido por Gustavo Santana, exguitarrista del grupo español Ángeles del Infierno, también editado de manera independiente en colaboración con SMS Producciones.

Cristal y Acero ahora se vende ofreciendo cuatro espectáculos al gusto del cliente. Éstos son: 1. The Eighties Rock Show Alive: tributo a las grandes bandas pesadas de los ochenta; 2. La misteriosa historia de los caballeros del Santo Grial. Light of power: rock sinfónico y power metal original en inglés, un espectáculo épico medieval con el primer actor Alejandro Villeli como caballero narrador de una historia heroica, que incluye recreación de combates, ambientaciones y bailarinas que crean una atmósfera oriental, con Christopher Carmona como el guerrero de fuego, todos bajo la dirección de Luis Cárdenas; 3. El amor es para siempre, en el cual presentan su más reciente disco, y 4. Híbrido, una combinación de los tres anteriores.

Discografía £

Cristal y Acero (1984)

Kumán (1984)

Espadas de cristal (1985)

América (1987)

Solo y sin tu amor (1990)

La Bella y la Bestia (1992)

Hechizo (1992)

Ángel (1994)

Un segundo antes (1996)

Drácula: rock ópera gótica de terror (1998)

Destino (2000)

Circo Atayde. Edición especial (2003)

Light of power (2005)

El amor es para siempre (2014)

En vivo

Eighties Rock Show Alive (2008), CD doble

Otros trabajos

Icar Smith ha sido músico de Betsy Pecanins, Transfusión, Sergio Arau, Los Humanos, Enanitos Verdes y Christian Death, entre otros. Fue productor musical de los Premios Eres durante tres años consecutivos. Ha diseñado guitarras para las marcas Smithfire y Mars. Ha escrito en las revistas Musico Pro, Sound: Check y EQ en Español. Ha sido el conductor del programa de televisión Porque amamos la música.

Héctor Page ha sido músico de Casino, Fratta, Aleks Sintec y Moenia, entre otros.

Al salir de Cristal y Acero, Héctor Carrión tomó su motocicleta y se fue a recorrer carreteras. Llegó a trabajar como bartender hasta que se instaló en la ciudad de Querétaro, donde ha sido dueño de bares como el Black Dog. En el año 2000 fundó la banda Mandril.

10. Oxomaxoma

1980, Ciudad de México

Integrantes l

José Álvarez - Voz, percusión y trompeta

Arturo Romo - Trombatrón, yeloguerlizet, vidrios, guitarra, mandolina y voz

Otros integrantes

Víctor Rodríguez Gómez - Clarinete, detefram 1927, instrumentos de viento y violín

Víctor Rodríguez Vargas - Percusión

Miguel A. Pérez Becerra - Percusión, instrumentos de viento y voz

Arturo Meza - Percusión, teclados, yeloguerlizet y voz

Juan Wolfgang Cruz - Violoncello

Alquimia - Voz y teclados

Víctor Méndez - Guitarra

Malena Durán - Voz

José Manuel Aguilera - Guitarra

José Luis Fernández Ledezma - Teclados y percusión

Rolando Chía - Guitarra

Armando Velasco - Teclados

Prosumer - Teclados y programación

RabDoll - Drumoxoide

Género ù

Música concreta, rock en oposición, rock, electrónica, industrial, etno música y free jazz; con influencia de John Cage, Decibel, Einsturzende Neubaten, Popol Vuh, Gong, Van Der Graff, Henry Cow, Magma y Plastic People.

Historia h

En 1976 Arturo Romo creó la banda Hilozoísmo junto a Miguel Ángel Pérez Becerra y Víctor Gutiérrez, interesado en hacer música con objetos, experimental, aleatoria y no necesariamente con instrumentos musicales. Eran compañeros de la primera generación del Colegio de Bachilleres. Ensayaban en la casa de Arturo, en la colonia Estrella, y pasaban horas intentando transmitir emociones a partir de hacer ruidos. Al final de 1978 Arturo conoció a José Álvarez y lo invitó a Hilozoísmo para que cantara. Sin embargo, José y Arturo invirtieron mayor tiempo en sus experimentos y comenzaron a trabajar más intensamente que los demás, por lo que José sugirió diferenciar su trabajo como dúo, usando otro nombre. Propuso entonces Oxomaxoma que, según él, se le reveló en un sueño. Los cierto es que así se llama un tema del grupo estadounidense Grateful Dead. Y fue así como los dos proyectos se desarrollaron paralelamente. Arturo y José ya habían colaborado con Arturo Meza en la provocativa presentación, en CU, del performance Oratorio para los presos políticos, con su grupo Krol Voldarepet, en 1979. La primera presentación oficial de Oxomaxoma fue el 19 de febrero de 1980 en la UAM Azcapotzalco. Holozoísmo lo hizo hasta 1981.

La actividad del grupo en esos primeros días consistió en reunirse a ensayar y grabar de una manera rudimentaria. Después de un tiempo de experimentar, al colaborar diferentes personas, comenzaron a estructurar sus improvisaciones, por lo que ya podían identificarse con temas específicos. Por sugerencia de Arturo Meza, grabaron en un estudio al comienzo de 1981, para aportar el tema «En el nombre sea de Dios» (como Hilozoísmo) para un compilado que se haría entre varios grupos experimentales y emergentes, como Los Tacos en Oposición, Rolando Chía y Nirgal Vallis, que solían juntarse en el Chopo para intercambiar música e ideas. Este colectivo se conoció como Gente de México. El compilado nunca salió, al menos no como se planeó originalmente, así que esta grabación apareció años después en el primer disco de Oxomaxoma.

A partir del deseo de proyectar emociones y sentimientos, José y Arturo lograron una gran conexión en el escenario. Arturo usaba instrumentos de su invención y otros creados por Arturo Meza. José no cantaba en ningún idioma; sólo usaba la voz como un generador de sonidos y lenguajes inventados. Partían de sus sueños para recrearlos con sonidos.

Junto a Meza trabajaron para la inauguración de una exposición del pintor Alejandro Montoya, en la Academia de San Carlos, que se llamó Tasajos, haciéndose llamar como uno de los instrumentos de Meza: Yeloguerlizet.

Al final de 1981, Carlos Alvarado, del grupo Chac Mool, los conectó con el estadounidense Archie Patterson, de la revista especializada en rock progresivo Eurock. Le enviaron un casete con la grabación de su primer concierto, mismo que le pareció muy interesante. Después les pidió 10 copias, que ofrecería en su revista. A raíz de esto, en 1982 recibieron la invitación del sello italiano Trax de Vittore Baroni para participar en el compilado Trax 0983-Anthems, con grupos de todo el mundo, en el que cada uno tendría que hacer una versión de sus respectivos himnos nacionales. Oxomaxoma lo hizo con una amalgama de grabaciones y audios de vendedores, fragmentos de películas, grabaciones personales, el grito de José López Portillo nacionalizando la banca, etcétera, a la que llamaron «Si es que así se le puede llamar». El disco salió hasta 1984.

La «Conjuración de los cuatro arcángeles» fue la siguiente grabación que hicieron para otro disco compilatorio producido por el italiano Simon Balestrazzi (Tomografia Assiale Computerizzata) que nunca salió por falta de presupuesto. Se iba a llamar «La cacería de las brujas a través de los tiempos». El tema en cuestión tendría que esperar antes de ver la luz. Balestrazzi acudió a ellos en un par de ocasiones con ofrecimientos para otros proyectos. Ninguno fructificó.

En 1986 participaron en el disco compilatorio Los valses de Alejandra, que salió hasta 1988, al que aportaron el tema «Vals para yeloguerlizet a seis manos y cinta». Es a seis manos, porque Víctor Rodríguez entonces era parte del grupo.

Casi toda la década de los ochenta Oxomaxoma atravesó por el rock mexicano como un fantasma; pocas son las presentaciones que efectuó en esos años y siempre al tenor de la improvisación y de ejercer su dominio sobre los objetos para extraer de ellos cualquier sonido. Incluso el trombatrón (antigua caja de luz con fondo de madera que a su vez sostiene una base de metal con resortes que pueden percutirse con baquetas, mangos de martillo y otros objetos) debutó en la sociedad en 1988. (David Cortés, en su libro El otro rock mexicano: experiencias progresivas, psicodélicas de fusión y experimentales.)

En 1989 aparecieron en el programa de televisión Música sin fronteras, conducido por Alfonso Teja para la cadena de noticias ECO, que se emitía en la madrugada. En él tocaron «El unicornio 13», exponiéndose a un público más numeroso y aumentando el interés hacia lo que hacían. A raíz de esto, Arturo Meza los convenció de formalizar su trabajo en un disco. En 1990 se editó En el nombre sea de Dios, en el cual se recopilaron viejas grabaciones que incluían la de su aparición en la televisión y un tema capturado en la presentación que hicieron en Casa del Lago, en 1988, más algunos inéditos. Participaron en este material Víctor Rodríguez Gómez, Víctor Rodríguez Vargas, Miguel A. Pérez Becerra, Arturo Meza y Juan Wolfgang Cruz.

Una de las cosas que llevó al rompimiento del grupo original fue que llegó un momento en que se empezaron a desarrollar ideas más musicales sin dejar la improvisación, pero los demás (Miguel Ángel Pérez y Víctor Rodríguez) sólo querían improvisar. En nosotros la improvisación se dio como una terapia musical; pero luego tuvimos una experiencia musical desastrosa en El Ágora y jamás me dieron ganas de volver a improvisar con esos músicos. (Arturo Romo en entrevista con David Cortés en su libro El otro rock mexicano: experiencias progresivas, psicodélicas de fusión y experimentales.)

Alrededor de 1991, Alquimia los buscó para experimentar fusionando música étnica con música concreta y hacer algunas presentaciones, que resultaron muy satisfactorias. Esto permitió una serie de colaboraciones futuras, como la de Arturo y José en la grabación de su disco Coatlicue, godess of the earth, que se lanzó en Londres en 1992, entre otras. En el terreno de las asistencias también trabajaron con Alex Eienring y Carlos Alvarado en el proyecto Vector Escoplo.

Con una gran intuición al momento de improvisar, Arturo y José grabaron el casete Las pesadillas de Eustaquio Rahan, en 1991.

Dejaron atrás a viejos colaboradores y comenzó una etapa de trabajo con el guitarrista Víctor Méndez. En 1993 sacaron el casete La sombra de un difunto, grabado en vivo en el Instituto Goethe, el cual no los dejó muy satisfechos. Surgió la oportunidad de grabar con el sello independiente Opción Sónica y sacaron otro casete, prácticamente con el mismo material, pero grabado en mejores condiciones, al que llamaron Un difunto lleno de vida, de 1993. Tuvieron como músicos invitados a Blu en el sax, Rubén Moreno en el bajo y Armando Velasco en la percusión y el bajo.

En 1994 editaron otro casete al que llamaron Live at MAM, grabación de dos conciertos que dieron, por un lado, en el Museo de Arte Moderno, en el marco de la clausura de una exposición de dibujos de Alejandro Montoya, el 19 de abril de 1990, así como en el Festival Expresiones Sonoras realizado en la Escuela Nacional de Música, el 2 de marzo de 1991.

Su relación con Opción Sónica les abrió nuevos caminos. Por invitación de Jorge Reyes y Edmundo Navas, director de la discográfica, participaron en el IV Encuentro de Músicas Visuales, en la Universidad del Claustro de Sor Juana, en la Ciudad de México, en noviembre de ese año. Por otro lado, se planteó la grabación de un larga duración, por lo que a partir de 1996 comenzaron a trabajar con Armando Velasco como productor de lo que sería su debut en CD. Vino una transformación en el sonido de Oxomaxoma con un disco con temas que se acercan a lo musical convencional, pero sin perder su esencia experimental. Sin boca con los ojos negros salió al mercado en 1997 y contó con la colaboración de la cantante Malena Durán, el guitarrista José Manuel Aguilera (exSangre Asteka y La Barranca), el tecladista José Luis Fernández Ledezma (Nirgal Vallis), el guitarrista Rolando Chía y el tecladista Armando Velasco. Con este álbum por primera vez captaron la atención de diferentes medios electrónicos (MTV Latinomaerica, por ejemplo), así como de publicaciones de todo tipo.

Siguió el disco Espíritus en rojo y negro, de 2002, editado por la discográfica de Querétaro Luna Negra, cuya portada es una foto de aquella presentación de Krol Voldarepet con Arturo Meza en 1979, en la cual José y Arturo actuaron en su performance Oratorio para los presos políticos. Los acompañaron Armando Velasco y Víctor Méndez. Este disco marcó el fin de un ciclo de trabajo entre Arturo y José, dándose su separación después de 24 años de colaboración ininterrumpida.

En 2009 José le manifestó a su excompañero su inquietud de continuar con Oxomaxoma después de haber ensayado con Prosumer y ver que congeniaban musicalmente. Este interés por regresar implicaba también la inclusión de Arturo, quien prefirió continuar con su propio proyecto, Reax, y entre ellos acordaron que José continuara usando el nombre.

José (ahora conocido como Android Mayor) y Prosumer produjeron un nuevo disco de Oxomaxoma, que explora los terrenos de la música electrónica postindustrial, al que titularon Con ojos de fuego, y salió en 2014 bajo su propio sello: PI-E Sounds (Post Industrial Entropy Sounds), producido por Luis Alberto Murillo Ruiz Bishop en Grabaciones del Cuarto Blanco. Al poco tiempo invitaron a RabDoll para tocar en vivo el drumoxoide.

En 2016 Oxomaxoma comenzó a diseñar su nuevo concepto musical: patamúsica, inspirados en la literatura del francés Alfred Jarry y la ciencia patafísica.

Discografía £

En el nombre sea de Dios (1990)

Las pesadillas de Eustaquio Rahan (1991)

La sombra de un difunto (1992)

Un difunto lleno de vida (1993)

Live at mam (1994)

Sin boca con los ojos negros (1997)

Espíritus en rojo y negro (2002)

Con ojos de fuego (2014)

Otras grabaciones

Anthems 2 (1984), compilado con el tema «Si es que así se le puede llamar»

11. Roberto González

1980, Alvarado, Veracruz

Género ù

Trova urbana, rock rupestre, folk rock, canto nuevo, blues, la música tradicional mexicana y el son veracruzano; con influencia de Jaime López, Sting, Talking Heads, León Chávez Teixeiro, Rockdrigo, Eblén Macari, José Cruz, Agustín Lara y las lecturas de Kafka.

Historia h

Nació el 24 de septiembre de 1952. Su abuelo y bisabuelo materno fueron músicos. Tuvo una niñez llena de juegos junto a sus amigos, sobre calles de tierra, entre tres aguas: las del Golfo, las de la laguna de Alvarado y las del río Papaloapan. A los nueve años, tras un breve periodo en casa de sus tías abuelas en Córdoba, se mudó con su familia a la Ciudad de México. Su papá tenía una farmacia en la colonia Country Club, y Roberto atendía tras la caja. Fue su padre, el señor Manuel González, quien le regaló una guitarra de Paracho, quizá sin saber que con eso definiría la vocación de su hijo. Y así, tras esa caja en la que pasaba las horas, compuso el tema «El huerto». «Es una canción afortunada y hermosa que yo quiero. Nunca he podido hacer otra cosa como esa y sigo haciendo canciones por esa canción. Es una necedad.» (Roberto González en entrevista con Roberto Ponce para Proceso, 11 de marzo de 1989.)

En cierta ocasión, Roberto visitó la Preparatoria 5 José Vasconcelos, donde conoció al tamaulipeco Jaime López, con quien compartió el gusto por hacer canciones.

En una de sus andanzas por el sur de la ciudad, cayó en la Prepa 5 y se detuvo en un aula donde un grupo de teatro ensayaba. Uno de ellos tenía una guitarra y cantaba y actuaba. Me llamó mucho la atención; me pareció un personaje muy especial. Yo no era intérprete ni nunca lo he sido; entonces hacía cositas para poder cantarlas y decir. Así me encontré a Jaime López y me acerqué a él. De verlo se me hizo fácil lo que hacía y pues no, a la vuelta de los años, resultó que no era tan sencillo; él lo hacía, parecer muy fácil. Verlo por primera vez en un escenario teatral, que es el elemento de Jaime, el elemento del ritual musical, el rito, fue clave. [Roberto González en el texto de Liliana García Sánchez para el libro Rupestre, el libro, coordinado por Jorge Pantoja, 2013.]

Al comienzo de los años setenta, Roberto asistió a un concierto en apoyo a Chile, país que vivía momentos de cambio tras el derrocamiento y asesinato de Salvador Allende, que algunos grupos musicales de filiación izquierdista y perfil folclorista organizaron en la Arena México. Atraído por el grupo folclórico/jipiteca La Peña Móvil, los fue a ver posteriormente en La Peña del Nahual, en la calle Francisco Sosa, en Coyoacán. Aprovechando la renuncia de un artista de su elenco, Roberto ofreció presentarse ahí junto a su amigo Jaime. Así comenzaron ambos, en un terreno de nadie, ya que ni eran reconocidos por el gremio roquero, que los veían como baladistas troveros que cantaban en español, ni por el gremio folclorista, que los escuchaba muy influenciados por el imperialismo yanqui. Con todo y esto, fueron cobijados por el Colectivo de la Nueva Canción. Durante los siguientes años hicieron alianzas con otros músicos. Al final de la década, Roberto formó, junto a Emilia Almazán, Guadalupe Sánchez y Jaime, la agrupación Un Viejo Amor. Este grupo se separaba y se volvía a reunir innumerables veces, llegando a involucrar a otros músicos como Jorge «Cox» Gaitán, Germán García y Beto Delgado. Este conjunto fue determinante en la búsqueda de un sonido propio, no sólo para Roberto, sino para muchos jóvenes cuyo origen estuvo en las peñas. Un Viejo Amor era un grupo de solistas acompañados por sus colegas compositores. Comenzaron a mezclar géneros musicales, y con este híbrido crearon otra manera de hacer canciones. Roberto llamó a Jaime y a Emilia para una última presentación en la peña Quinto Sol, que derivó en la grabación de un disco en 1980.

El disco Roberto y Jaime: sesiones con Emilia salió con Discos Fotón, del argentino Modesto López, producido por Elvira Bórquez. El baterista Marco Antonio López los acompañó en tres de las 12 canciones y se convirtió en un material revelador para muchos jóvenes compositores que venían del ámbito folclorista y mostró que las letras en español podían tener un peso específico en el medio roquero, en el que solían mostrar más interés en cantar en inglés. Estuvieron promoviendo este álbum alrededor de un año y luego cada cual tomó diferentes caminos. Roberto reclamó entonces que nunca les pagaron las regalías.

Para 1981 Sergio García Michel invitó a varios jóvenes creadores de diferentes disciplinas artísticas para que aprovecharan el espacio que tenía a su cargo, conocido como el Foro Tlalpan, al sur de la ciudad. Por ahí circularon muchos personajes, pero podría decirse que Jaime López, José Cruz, Emilia Almazán, Jorge «Cox» Gaitán y Roberto González eran de planta. Se presentaron por un par de años en los ciclos La Respuesta Está en el Viernes y Cada Quien sus Rolas, durante los viernes por la noche, en los cuales participaron muchos otros músicos.

Este sitio fue el campo de cultivo de lo que en 1984 se terminó denominando Colectivo Rupestre. Inicialmente lo conformaron Rafael Catana, Nina Galindo, Eblén Macari, Roberto Ponce, Fausto Arrellín y Rockdrigo González, quien escribió el Manifiesto Rupestre, y ahí estuvo Roberto González. Partían de la idea de interpretar su música de la manera más sencilla y directa, sin parafernalias, ni faramallas. Una guitarra de palo y una voz aguardientosa serían suficientes para para cantar sobre lo cotidiano.

En 1982 salió su disco debut como solista, Lentejuelas, con la discográfica transnacional PolyGram, en el subsello Tecolote, producido por Óscar Chávez. Tuvo como invitados a Emilia Almazán, José Cruz, Maru Enríquez, Rodrigo Morales, Daniel Tushman y Ricardo Gallardo. Pero este álbum sufrió de mala suerte cuando Óscar Chávez rompió la relación que mantenía con la discográfica. A raíz de este incidente, su disco terminó prácticamente enlatado y sin distribución. Sería hasta 1989 cuando Discos Pentagrama lo editó y distribuyó realmente. En esa edición las canciones tienen otro orden y el tema «Lentejuelas» aparece en dos versiones.

Tras la decepción causada por esta situación, Roberto siguió adelante con sus compañeros rupestres y entabló una buena amistad con Rockdrigo. El miércoles 18 de septiembre de 1985 tocaron juntos en el foro de la Librería Bolívar, en Insurgentes Sur. Se despidieron sin saber que sería la última vez que se verían, ya que al día siguiente Rockdrigo falleció al derrumbarse el edificio donde vivía.

En 1986 comenzó a circular un casete con temas grabados en Radio Educación por Rodrigo de Oyarzabal y Álvaro Mejía. En éste también aparece el tema «Ánimas», compuesto para Rockdrigo.

Fue hasta 1988 cuando Roberto se animó a plasmar nuevamente sus canciones en un álbum. La discográfica independiente Pentagrama se encargó de lanzar Aquí, con la producción de Roberto y Modesto López. Participaron César «Perico» Calderón, Eric Cárdenas, Raúl San Germán, Gerardo Aguilar, Lucrecia Infante, Armando Rosas, Nina Galindo, José Iglesias, Daniel Tushman, José Cruz, Pablo Romero, Severo Viñas, Beto Delgado Sivila de Villa, Pato Lucas y Mario Mota. «Han sido años difíciles, de cuestionamiento. He vivido en un mundo adverso y sentido rechazos en el medio hasta este aliviane de otro disco. Deseo hacer mi trabajo y vivir de él, quiero hacer, y no que me digan qué debo cantar. Las grabaciones son importantes, porque si no suenan hoy, ya mañana lo harán.» (Roberto González en entrevista con Roberto Ponce para Proceso, 11 de marzo de 1989.)

En ese año montó, junto a Lucrecia Infante, el espectáculo de canciones y danza Amores contra hechos.

Poco después Discos Pentagrama hizo el relanzamiento de Lentejuelas. Rodrigo de Oyarzabal comentó el 5 de marzo de 2011, en la reseña de este disco en el blog <rupestreando.blogspot.mx>:

Roberto González graba en 1982 Lentejuelas para la disquera Tecolote, con el número de catálogo LPR 16428, que era un sello de Óscar Chávez distribuido por PolyGram. Todas las piezas fueron editadas por Tecolote. En la versión de la magnífica rola «Pasando por intruso» que contiene el disco original aludido, destaca la línea: «He visto a radicales refugiarse/a un modesto argentino oportunista». Para 1989 Discos Pentagrama reedita el disco con nuevos arreglos y un cambio sustancial en la letra; en la que cambia la línea: «Un modesto argentino oportunista» por «a un maestro en el arte de hacer tacos». Modesto López en 1980 aparece como productor para Discos Fotón del clásico Roberto y Jaime: sesiones con Emilia como parte de las grabaciones que la disquera hacía con los músicos comprometidos socialmente con la izquierda en aquella época (y que también reeditara en Pentagrama años después). Me quedo con la versión original.

En 1991 lanzó Flor de poder con Discos Pentagrama. Contó con la ejecución y arreglos del grupo Vía Corta, integrado por Jorge García y Mauricio González en las guitarras, Elena Sánchez en el bajo y César «Perico» Calderón en la batería. Además, tuvieron como invitados a Jorge Gaitán en el violín y a Armando Montiel en la percusión.

Tras la muerte de Rockdrigo, varios cantautores que solían identificarse como rupestres sintieron que su denominación había perdido sentido y hubo divisiones entre los que seguían usando el término y los que no. Así que Roberto, sin dejar de reconocer su participación inicial y sin negar igualmente su simpatía por el colectivo, fue deslindándose de ellos, mas no de la idea del quehacer rupestre. Vino así una etapa de nuevas búsquedas.

Para el año 2000 editó de manera independiente Madre Mesoamérica, disco que explora diferentes vertientes del folclor mexicano y aborda el tema de la mujer en México y el diálogo entre géneros. Después se acercó a lo masculino y al son jarocho, con toda la autoridad que le da ser de Alvarado, y sacó los discos Alvaraderías, en 2004, y Por ahora, en 2011, siempre mezclando influencias. En el periodo comprendido entre estos dos discos, Roberto se fue a vivir unos años al puerto de Veracruz, donde llegó a vender pescado y camarón. Reconciliado con su oficio de compositor, regresó a la capital.

En la promoción de su más reciente material, cantó y tocó su guitarra, escoltado por la voz de Julia González Larson, su hija. También se ha hecho acompañar recientemente por músicos más jóvenes que él, como Zindu Kano, Kevin García, Porfirio Almazán, Leticia Servín, Josué Vergara y Mauricio Díaz el Hueso.

En 2004 salió el disco homenaje A ver cuándo vas…! Los rupestres a Rockdrigo, en el que Roberto aportó su tema «Ánimas». Un año después participó en el disco La chava de la Martín Carrera, con el tema de León Chávez Teixeiro, «Cipriano Hernández Martínez».

«González es un creador ecléctico. Sabe que las formas musicales que maneja no están reñidas entre sí. Es decir, un son puede contener la misma hondura y simpleza de un blues, ya que sólo son expresiones de diversas geografías o tiempos, pero emanan de un mismo origen: la lírica ancestral. La lírica es rupestre, asegura quien se considera una pluma en el viento.» (Juan José Olivares para la nota «Con “Por ahora” vuelvo al origen, al lenguaje simple y profundo», La Jornada, 14 de junio de 2011).

«Seguiré siempre cantando lo prohibido/y gozando de los frutos de este huerto», fragmento de «El huerto», de Roberto González.

Discografía £

Como solista

Lentejuelas (1982), reeditado en 1989

Aquí (1988)

Flor de poder (1991)

Madre Mesoamérica (2000)

Alvaraderías (2004)

Por ahora (2011)

Roberto y Jaime: sesiones con Emilia (1980), en colaboración

Otras grabaciones

A ver cuándo vas…! Los rupestres a Rockdrigo (2005), compilado, con el tema «Ánimas»

La chava de la Martín Carrera (2010), compilado tributo a León Chávez Teixeiro, con el tema «Cipriano Hernández Martínez»

12. Vago

1980-1986 y 1990-1994, Ciudad de México

Integrantes l

Rodolfo León Sosa «León Vago» - Guitarra

Carlos César Sánchez «Charlie Monttana» - Voz (1983-1986) (1991-1994)

Bombín - Batería (1980)

Gabriel Briseño «el Caballo» - Bajo (1980-1986)

Randy Alderete - Bajo (1991-1994)

Héctor Prado - Batería (1991-1994)

Otros colaboradores

Francisco Gatica - Bajo y piano

Sergio López† - Batería

Género ù

Rock, heavy metal, hard rock, blues, rock & roll, glam rock y rock urbano; con influencia de Iron Maiden, Quiet Riot, AC/DC, Scorpions, Mötley Crüe, The Rolling Stones, Rod Stewart, Chuck Berry, Dug Dugs, Enigma! y Three Souls in my Mind.

Historia h

Al final de 1979 el joven bajista Gabriel Briseño tocaba junto al baterista Bombín. Habían formado una banda de covers, por los rumbos de la colonia Nueva Atzacoalco, a la que nombraron Vago. Por su lado, el guitarrista Rodolfo León Sosa se acababa de mudar por esos rumbos. También tocaba en una banda y coincidieron en una ocasión. León se enteró de que necesitaban un guitarrista y de que por el momento los estaba acompañando Everardo Mujica, quien más tarde sería conocido como Lalo Tex. Así que fue a un ensayo con ellos y al terminar Lalo les dijo: «Bien, ahí se los dejo».

Desde entonces comenzó la historia de Vago. Aunque tenían montadas piezas de Iron Maiden y Quiet Riot, León insistió en tener canciones propias. De esa primera etapa son sus temas «León, ciudad del rock» y «Nadando». El grupo se conformó como un trío, aunque desfiló un sinfín de bateristas.

En esos primeros años, Carlos César Sánchez cantaba en una banda llamada Perro Muerto, que interpretaba covers de AC/DC y Scorpions. Vago alternó con ellos en un lugar de la avenida Reforma y les llamó la atención su cantante. Carlos se acercó al baterista en turno de Vago y le preguntó si necesitaba un «secre» (técnico de escenario o «staff»; el término era una especie de broma en el rock nacional de los ochenta, así como «sánchez», para el encargado del sound check). Éste no lo tomó en cuenta, pero posteriormente se encontró a Gabriel en la esquina de las calles República del Salvador y Bolívar, en el centro de la Ciudad de México, y le dijo que querían hacerle una audición. Lo citaron en el metro Moctezuma para de ahí llevarlo a su primer ensayo con ellos. León comentó sobre ese encuentro: «Le dije a Charlie: Te voy a hacer estrella de rock. Y creo que sí se lo creyó (risas)». (Entrevista a León Vago con Ulises Ozaeta para <Rockmex.com>, 9 de octubre de 2015.) Debutaron con él en un lugar llamado Las Láminas, en la colonia Gabriel Hernández, contratados por el baterista de Tex Tex, Pedro Martínez, una tarde lluviosa del verano de 1983. Solían tocar en hoyos fonqui y similares.

León insistía en componer material propio, así que cuando Carlos llegó con la letra de «Cayendo», el guitarrista le puso música. Fue como comenzó su mancuerna en la composición de las canciones de Vago. Hicieron un demo en una grabadora portaestudio de cuatro canales, en el estudio de Dangerous Rhythm, ubicado por los rumbos de Polanco. Gastaron más en chelas que en la grabación misma.

Esta experiencia sirvió para tener un poco más de conocimiento en cuanto a la producción, así que cuando llegó la invitación de Álex Lora para grabar formalmente un disco, aceptaron. El pago por dicho trabajo fue la compra anticipada de 500 casetes. Así debutaron fonográficamente en 1983 con Vagabundo, grabado en el mismo lugar donde Lora hizo Renovación moral.

Surgieron tensiones internas que involucraban egos e inexperiencia. Hubo un conflicto con Gabriel que, para entonces, además de ser el bajista, fungía como representante. El grupo se separó en 1987. Hubo todavía un intento de León y Carlos para seguir, teniendo a Francisco Gatica como bajista, pero no fructificó. Después León presentó a Carlos con el grupo Mara, que entonces estaba buscando cantante, y terminó integrándose a su banda. A partir de ese momento, Carlos adoptó el nombre de «Charlie Monttana». León, por su lado, después de un fugaz paso por Luzbel, hizo algunas colaboraciones con otras bandas hasta que decidió reagrupar a Vago en 1990.

La nueva formación sería con Randy Alderete en el bajo, Héctor Prado en la batería, León Vago en la guitarra y Charlie Monttana en la voz. Firmaron con la compañía Discos Denver y sacaron el disco Suicida, en 1992.

Discos Denver aprovechó para editar, ese año, ahora en formato de casete y CD, el disco Vagabundo. Simultáneamente, Charlie comenzó a editar discos como solista en la misma compañía.

Dadas las buenas ventas de Suicida, Discos Denver les propuso grabar un disco en vivo: En vivo en la Prepa Popular Fresno se lanzó en 1993.

La historia se repitió y la banda repuntó en el gusto del público. Existía la posibilidad de ascender un nuevo peldaño dentro del rock denominado urbano o bandoso, pero los conflictos volvieron a aparecer. El grupo tuvo que viajar a Estados Unidos sin el vocalista, ya que le negaron la visa, lo que resultó en una gira problemática. Mientras tanto, Charlie se fue a Cuba. De regreso a México, las tensiones internas relucieron agravadas por ciertos desacuerdos en el registro de las canciones, provocando la separación entre golpes, en 1994. Por ahí se cuenta que el tema «Bastardo», de León Vago, está dedicado a Charlie.

León se integró a Haragán y Compañía, para después hacer colaboraciones con otros músicos, de manera paralela a una carrera solista. Charlie, por su lado, volvió a Mara y después desarrolló una exitosa carrera como solista. En la actualidad, León y Charlie han limado asperezas y han tocado juntos de manera esporádica.

Discografía £

Vagabundo (1983)

Suicida (1992)

Vagabundo (1992), + dos temas

En vivo

En vivo en la Prepa Popular Fresno (1993)

Otros o

Charlie Monttana ha sido patrocinado por el whisky Jack Daniel’s, del cual es un asiduo consumidor, al grado de llevar un tatuaje de su etiqueta en el brazo. En 1990 comenzó su proyecto como solista.

León ha producido durante 15 años a Caneza, Condena, Ricardo Luna, Ironía, Peregrino y al grupo femenil Loba. Produce en su propio estudio, León Digital. En 1995 comenzó su proyecto como solista.

13. Manchuria

1980-1986, 1988 - hasta hoy, con intermitencias,
Ciudad de México

Integrantes l

Gerardo Pardo - Batería y percusión

Antonio Pardo - Sax, flauta, guitarra y voz

Guillermo Torres - Bajo y voz

Juan José Parera - Teclados (1980-1986) (1990-1991)

Bosho Bonopel - Guitarra (1980-1986)

Julio Chargoy - Guitarra (1985-1986)

Francisco Osio† - Guitarra (1988-1990)

Leobardo Arias - Teclados (1988-1990)

Uri Gómez - Guitarra (1991)

Rebeka Montesinos - Voz (1991)

Género ù

Rock progresivo, jazz, hard rock, rock latino y rock pop; con influencia de King Crimson, Pink Floyd, Yes, Marillion y Genesis.

Historia h

Durante los últimos años de los setenta, un grupo de jóvenes de clase media de la Ciudad de México creó una banda en la cual interpretaban covers. Tuvo una formación variable, siendo el baterista Gerardo Pardo, su hermano el saxofonista Antonio Pardo y el bajista Guillermo Torres los únicos miembros permanentes del grupo. En cierta ocasión, Gerardo soñó la palabra «Manchuria» y, sin más razón que la afinidad que sintió por ésta, la propuso a los demás como nombre de la banda. A sus compañeros les pareció bien. Nació la necesidad de componer e hicieron un casete que vendían en sus tocadas con el nombre de Umbrales oníricos, inspirados por el libro Los mitos de Cthulhu, de H. P. Lovecraft. Sin embargo, el grupo logró una formación estable al unirse, en 1980, el tecladista Juan José Parera y el guitarrista Bosho Bonopel.

A partir de ese momento, Manchuria comenzó a tener actividad regular, principalmente ligada al séptimo arte. Esta circunstancia se dio gracias a que Gerardo Pardo estudiaba cine en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Presentó, como trabajo final, su película Max Dómino y acudió a sus compañeros de banda para crear el soundtrack. Este material tuvo la suerte de ser reconocido por la Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas cuando el grupo Manchuria fue nominado para un Premio Ariel de Plata en 1980, por Mejor Música Especialmente Escrita para Cine, mientras que Gerardo Pardo lo ganó por la Mejor Ópera Prima.

Para entonces, el grupo solía presentarse en los pocos foros del sur de la ciudad, como El Oriente (antecedente de La Rockola) en la avenida Miguel Ángel de Quevedo, así como en hoyos fonqui y algunas ciudades del país. Esto les permitió ser parte de una aún incipiente escena rockera.

Su nexo con el cine se fortaleció cuando, con un guión de los hermanos Pardo, decidieron rodar en 1983 una nueva película a la que llamaron Deveras me atrapaste, con Producciones Manchuria y Clasa Films Mundiales. Nuevamente la música corrió a cargo del grupo. La película retrató el ambiente rockero de unos jóvenes de clase media del sur de la Ciudad de México, con una historia que mostró una realidad alejada del recurrente tono paternalista del cine y la televisión mexicana de entonces, cuya inspiración fue un texto del escritor René Avilés Fabila. Aparecieron en ésta varios personajes del rock capitalino, como el Pecas (Las Insólitas Imágenes de Aurora), el Tribi (Ancorage), Tenoch Ramos (Newspaper), así como los miembros de Manchuria. También el escritor José Agustín tuvo el papel de teporocho y contaron con la participación de un actor reconocido, como Claudio Brook. Sin ser muy conscientes del retrato social que hicieron, la película se convirtió con el tiempo en un importante documento fílmico del rock nacional en una etapa de transición entre el hoyo fonqui y el auge del rock en español. Yo recuerdo varias bardas de la ciudad pintadas con el grafiti: «Manchuria, Deveras me atrapaste», circunstancia que ayudó a posicionar la película y el grupo dentro de la contracultura urbana capitalina. Por este trabajo el grupo fue nuevamente nominado a un Ariel de Plata y la película recibió las nominaciones a Mejor Actriz, Mejor Dirección y Mejor Película del Año.

El soundtrack de Deveras me atrapaste salió al mercado en un disco editado por EMI Capitol, en 1985. Para entonces se incorporó el guitarrista Julio Chargoy.

Manchuria siguió presentándose en universidades, teatros y foros de diversos tipos por todo el país, mientras continuaron musicalizando otras películas como Vampirada, de Antonio Pardo; Aterión, de Hugo Rodríguez; Maniquí, de Édgar Valenzuela, y Titanes de la Lacandonia, de Gerardo Pardo, entre otras.

Para 1986 el grupo entró en crisis y salieron José Juan, Julio y Bosho, provocando la desintegración de Manchuria. Aunque Guillermo Torres y los hermanos Pardo trataron de darle continuidad al grupo, éste continuó de manera intermitente a partir ese momento y hasta hoy.

En 1988 volvieron a los escenarios integrando a Francisco Osio en la guitarra y a Leobardo Arias en los teclados. Estaba tomando fuerza la campaña Rock en tu Idioma y trataron de integrarse grabando nuevo material. Sin embargo, no lograron conjuntar suficientes temas, ya que Francisco y Leobardo salieron de Manchuria en 1990.

Volvieron a intentarlo en 1991, entrando al estudio tras el regreso de Juan José Parera en los teclados, la inclusión de Uri Gómez en la guitarra y Rebeka Montesinos en la voz. Ese año lanzaron, con la producción de José Juan y Antonio, el disco Canciones de inocentes, que manejaba un perfil más pop. Volvió a ser lanzado al mercado en 2011 por el sello NKO, con una nueva masterización. Esto propició su presentación en el marco del Festival Vive Latino de ese año, en el que Manchuria estuvo acompañado por Tenoch Ramos, de Newspaper.

Por el momento, el grupo tiene planes de sacar varios proyectos pendientes.

Discografía £

Deveras me atrapaste (1985)

Canciones de inocencia (1991), relanzado en 2011

14. Capitán Pijama†

1980, Ciudad de México

Integrantes l

Pijamas a Go Go (1980-1981)

Jesús Bojalil Gutiérrez «Capitán Pijama»† - Teclados, caja de ritmos y programación

Guillermo Santamarina «Tin Larín» - Voz

Jaime Herranz «Apodaca» - Percusión y teclados

El Escuadrón del Ritmo (1982-1984)

Jesús Bojalil Gutiérrez «Capitán Pijama»† - Teclados, caja de ritmos, programación y voz

Jaime Herranz «Apodaca» - Voz (1982)

Alex Eisenring «Ice and Drinks» - Teclados y voz

Groovy People and the Love Freaks (1989)

Jesús Bojalil Gutiérrez «Capitán Pijama»† - Teclados, caja de ritmos y programación

Dr. Fanatik - Voz

Género ù

Música electrónica, post punk, kraut rock, rock psicodélico experimental, tecno pop, electro dune y tecno dada; con influencia de Kraftwerk, Neu, Silver Apples, Tangerine Dream, Brian Eno, Suicide, Faust, Klaus Shulze, Cabaret Valtaire y Esquivel.

Historia h

Considerado por muchos como el precursor de la música electrónica en México, Jesús Bojalil fue hijo del cantante y autor de boleros Jesús Martínez Gil y sobrino del productor y requintista de Los Panchos, Alfredo «el Güero» Gil. Durante la década de los sesenta estudió la primaria en el Colegio Simón Bolívar. Desde pequeño comenzó a escribir e hizo su primera novela de ciencia ficción a los 13 años. Con el tiempo, haría de la escritura y la música los motores de su vida.

En la preparatoria descubrió a The Beatles, pero pronto los cambiaría por Led Zeppelin, Pink Floyd y Frank Zappa, al descubrirlos en tiendas de discos como Yoko y Hip 70. Se convirtió en un gran coleccionista de acetatos de vinilo. En su apetito por conocer nuevos sonidos y estilos se encontró con la música electrónica alemana y el kraunt rock, que lo marcó para siempre.

Entre 1974 y 1978 estudió psicología en la Universidad Iberoamericana. Fue en esa época cuando se dio su primer acercamiento a los sintetizadores. Siendo un creador de conceptos, se le ocurrió convocar a los miembros del grupo Decibel, al Dr. Fanatik y a Alex Eisenring, entre otros, para congregarlos en una banda que tenía como finalidad improvisar, hacer música concreta y sólo tocar los días 16 de septiembre. La llamó Como México no Hay Dos, inspirado en el estilo nacionalista del presidente Luis Echeverría. Además de leer textos y tocar diversas percusiones, como la marimba, Jesús «ejecutaba» cualquier instrumento a la mano. Carlos Robledo, tecladista de Decibel, compró un sintetizador Roland (que probablemente fue el primero en la escena musical de México), mismo que Jesús comenzó a tocar en los encuentros de Como México no Hay Dos. El grupo hizo cinco conciertos entre 1973 y 1979. En este experimento lúdico/sonoro los integrantes se identificaban con nombres extraños, tipo El Hada Cochinada (sax), El Rayo de Plata (guitarra), Súper Chata (sintetizador), El Terror del Cofre de Perote (violín), Riky Nadir (bajo), Rufus (batería), Dr. Fanatik (voz) y Jesús Bojalil como el Capitán Luxuria.

En 1978 comenzó a trabajar en la revista Interviú, en la que conoció a Guillermo Santamarina, con quien después colaboraría en proyectos musicales. Por lo pronto, el rock en México empezó a nutrir-se de nuevas influencias. Comenzaron a aparecer los primeros intentos de punk y Jesús llegó a ser, por muy poco tiempo, guitarrista de Plastic Cocks, con Illy Breeding en la voz. También participó con Los Debrayados, con quienes cantó en Tlatelolco, en 1979. En esos días, la música electrónica convivía con el punk. Tenía un espíritu transgresor. Los que habían conocido los sintetizadores por el rock progresivo, pronto fueron atraídos por las nuevas corrientes post punk y tecno pop. Los teclados no eran nada baratos, pero Jesús se las arregló para conseguir poco a poco teclados con tecnología analógica, que ya iba de salida ante los nuevos sintetizadores digitales.

Para 1980 Jesús decidió hacer una banda formal a la que llamó Los Pijamas a Go Go, junto a Guillermo Santamarina Tin Larín en la voz y Jaime Herranz Apodaca en la percusión y los teclados. Desde entonces, dejó de ser el Capitán Luxuria para ser el Capitán Pijama, líder de una banda que manejaría un particular sentido del humor, inspirado en el dadaísmo y el absurdo. «El humor es algo que se ha dado desde por lo menos mi adolescencia. Casi siempre con un sentido irónico y de parodia, nunca usando majaderías ni burla. No es que sea importante para mí en mi trabajo, es algo inherente en él, inseparable, se da automático. Me gusta el humor que surge a partir de las ideas.» (Jesús Bojalil en entrevista con Míriam Canales para la sección «QRR» de Milenio Diario, 9 de octubre de 2014.)

Tocaban temas como «Literatura barata», «La montaña rusa», «Si yo fuera negro», «Clorhidrato», «Separemos las camas», «Las barbas del ayatola» y «Pildoritas milagrosas». Se presentaron alternando con bandas como Size, Chac Mool o Dangerous Rhythm, en la Carpa Geodésica, en Hip 70, en la librería Gandhi, en el auditorio Che Guevara de la UNAM, en el Tec de Monterrey del Estado de México y en la tienda de discos Yoko.

Pijamas a Go Go se separó en 1982 y el Capitán Pijama creó después El Escuadrón del Ritmo. Haría música exclusivamente con sintetizadores y cajas de ritmo. Comenzó tocando solo y con voces incidentales de Jaime Herranz. Después salió Jaime e incorporó a Alex Eisenring (El Queso Sagrado y Syntoma) en los teclados y la voz. El nombre de la banda proviene de la orquesta de Luis Alcaraz, en la que su padre era el cantante. En vivo tenían como parte del performance a un pollo crudo que compraban en el mercado previamente, al que bautizaron El Pollo Elviro. Este grupo se desintegró en 1984.

Por otro lado, los teclados evolucionaron. Pasaron de ser analógicos a digitales, y a usar la tecnología MIDI. Por esos años era común ver al Capitán Pijama en el Tianguis Cultural del Chopo vendiendo los discos de rock progresivo y experimental de su gran colección para poder financiar sus nuevos teclados. Comenzaba la era digital. Los tecladistas de entonces se enfrentaron con las absurdas políticas, retrógradas y proteccionistas, del Sindicato Único de Trabajadores de la Música, que veían en los nuevos teclados digitales una competencia para las fuentes de trabajo de sus agremiados, por lo que cobraban «multas por desplazamiento» en estudios de grabación y foros. Tocar música electrónica en el México de esos tiempos, más allá de ser un estilo poco comprendido, se tornó complicado por este tipo de situaciones.

Para sortear tiempos difíciles para su música, enfocó su energía en su faceta de escritor y entró a trabajar como editor de las revistas Playboy México y Lord Jones Magazine.

Cuando tomó auge la campaña de Rock en tu Idioma, promovida por la discográfica BMG y a la cual se montaron otras, el Capitán Pijama ya era un personaje un poco conocido. Su elección fue mantenerse al margen de lo comercial. Hacer grabaciones durante esa década fue muy complicado, por lo que no se han podido rescatar cintas decentes del periodo ochentero.

Para 1989 creó, junto a Dr. Fanatik, un espectáculo provocador, aunque más visual que musical, al que llamaron Groovy People and the Love Freaks. Tenían temas como «La niña del VW verde».

Tras esta corta experiencia, decidió trabajar como solista. Acababan de salir al mercado las Work Stations que le permitieron combinar la programación de algunos teclados con la ejecución en vivo. Sus composiciones incorporaron grabaciones de situaciones citadinas mezcladas con influencias diversas, para así crear lo que muchos consideramos verdaderas piezas de arte sonoro. Asumiéndose como un creador independiente y autogestivo, comenzó a producir sus discos, mismos que vendía en sus presentaciones y en el Tianguis Cultural del Chopo. Sacó los discos En el purgatorio no sirven ravioles, de 1991, y Nunca por idiota, de 1992. Para entonces, la música electrónica se había convertido en un terreno para los DJ y no tanto para ejecutantes en vivo, como él.

Entre 1992 y 1995 se fue a vivir a Santa Bárbara, California, donde hizo varias producciones junto a Adam Schewell, en la voz, en una serie que llamó Ultra Violet Ball y The Awkward Voices of Boredom, que consta de un cúmulo de discos entre los que están No seas pinche payaso-A Chair in a Corner, Intriga en Acapulco, Mounstrosidades-Music for Monsters, Bienvenido a California-Welcome to California, Nada por aquí, nada por allá-Unnecesary Laughter, La neta de la corneta, Mientras más gastas, más ahorras (sesión en vivo) y Sar-Chico-Mula. Al final de los noventa regresó a la Ciudad de México y comenzó a escribir en la revista La Mosca en la Pared, volviéndose uno de los colaboradores más leídos.

Llegó el nuevo milenio y, con esto, la posibilidad de autopromoverse por la red a partir de las nacientes redes sociales. El Capitán Pijama fue muy prolífico, y aunque siguió editando discos físicos para venderlos en sus conciertos, también comenzó a hacerlo por las redes. Con el tiempo, su producción musical se fue dirigiendo hacia la venta virtual.

Para 2005 sacó el disco Música para cazar mariposas. Entre ese año y 2007 comenzó a subir música en Myspace. Ésta fue escuchada por Andrey Dostilev, dueño de la discográfica ucraniana Turbinacarpus Records, quien hizo un trato con el Capitán Pijama para sacar una caja de cinco discos. La serie se llamó Los detectives fluorescentes. Música programada en computadora que no se llegó a tocar en vivo. De ahí en adelante sacó docenas de discos.

En cuanto a apariciones, durante 2008 presentó en la UAM Xochimilco la obra Himnos y baladas de la gran aventura espacial mexicana. También se mostró en foros como el ExTeresa en 2010, el Museo Experimental el Eco o en fiestas clandestinas en la Plaza de las Vizcaínas. A finales de 2010, rompiendo el esquema de tocar poco y principalmente en la Ciudad de México, el Capitán Pijama armó una corta gira, a la cual llamó Chipotle sin sangre, tocando en Maravatío, Monterrey, Oaxaca y la Ciudad de México. En 2013 tuvo un par de presentaciones en el Foro El Dinosaurio del Museo del Chopo. En la primera, subió al escenario Alex Eisenring, evocando los tiempos del Escuadrón del Ritmo. Unos meses después, por instancias de Carlos Alvarado (Chac Mool), revivió a Como México no Hay Dos, y tuvo un gran número de invitados. Hizo espectáculos con nombres como Sinfonía Diabólica-Císcale Císcale Diablo Panzón, en 2010, y Se Chingó la Licuadora y el Molcajete me saca Ampollas, en 2014, sin dejar de interpretar su música en tiempo real.

«Siempre ha sido difícil para mí decir a qué me dedico. Creo que no me ha sido conveniente tener gusto por escribir y componer música; ha sido conflictivo. Respecto a la música, soy más compositor que músico. También diseñador de sonidos, por eso mi gusto por los sintetizadores. No soy buen músico porque nunca me discipliné a aprender a tocar bien los instrumentos “clásicos”, y en cuanto a los sintes, tuve que ser autodidacta.» (Jesús Bojalil «Capitán Pijama» en entrevista con Rafael Mejía para la revista Music: Life, 16 de diciembre de 2014.)

En la noche del 6 de octubre de 2014, Jesús Bojalil falleció al lado de sus teclados y computadora, en su departamento de Tepepan, Xochimilco. A sus 60 años el Capi, como le decían cariñosamente sus amigos, vivía en soledad con sus adorados perros. La noticia nos sorprendió en las redes a los muchos amigos virtuales que cultivó en sus últimos años. Nos dejó su música, sus disparatadas historias y los ingeniosos títulos de sus discos y canciones.

Discografía £

En el purgatorio no sirven ravioles (1991)

Nunca por idiota (1992)

Entre 92 y 95, su periodo en Estados Unidos

No seas pinche payaso-A chair in a corner

Intriga en Acapulco

Mounstrosidades-Music for Monsters

Bienvenido a California-Welcome to California

Nada por aquí, nada por allá-Unnecesary laughter

La neta de la corneta (1994)

Mientras más gastas, más ahorras (1994), en vivo

Sar-Chico-Mula

Música para cazar mariposas (2005)

Los Detectives Fluorescentes (2008)
caja de cinco CD que contiene los discos

Música para agentes secretos inoxidables (2005)

Música de ambiente para fantoches (2005)

Las grises aventuras del licenciado Parangón y Paty Feromona (2006)

Música para sentirse a toda madre (2006)

Yo sí creo en los ovnis (2007)

El Capitán Pijama y su Orquesta Roja (2008)

Chifladuras (2009)

Pijamas atrevidos (2009)

Los viajes de ida sin vuelta (2009)

Se me subió el muerto (2010)

Tributo a la música prohibida (2010)

Pijama de noche (2010)

Pijamas rudas (2010)

Luna de miel en las dunas (2011)

La sonrisa de la gárgola (2011)

Espacios (2012)

Espejismos (2012)

Espectros (2012)

Viajes (2012)

Todo se lo debo a mi hada (2012)

Música para robots desvencijados (2012)

El Capitán Pijama y su Orquesta Roja-red Dances (2012)

En busca del átomo relleno de chocolate (2013), serie con los discos

La inquietud

Bájale tantito

El arriesgue

Corto circuito

El Big Bang fue un martes

A cada quien lo suyo

El Capitán Pijama y los Churumbeles-Gozando y Bailando (2014)

Sinfonía Sideral 2

El Mexicanomicrón2

Otros o

Capitán Pijama tuvo una carrera como escritor, editor y periodista en revistas como Interviú, La Mosca en la Pared, Playboy y Lord Jones Magazine.

Guillermo Santamarina Tin Larín es un prestigioso curador de galerías de arte. Entre otros centros culturales, fue director del ExTeresa.

Alex Eisenring ha participado en los grupos El Queso Sagrado, Syntoma y Decibel, entre otros.

15. Rebel’D Punk

1980, Ciudad de México

Integrantes l

Javier Baviera «el Rebelde» - Voz (1980-1982)

Arturo Beristain «el Soldado» - Batería y voz

Roberto Ortiz Ruiz «Betoxerox» - Guitarra (1980-1988)

Víctor Beristain « el Loco Olivetti» - Bajo (1980-1982)

Héctor Maldonado - Guitarra (1990-1992)

Julio Favela - Guitarra (1990- 1992)

Fernando Pérez - Bajo (1990-1992)

George Moon Wallace Manríquez del Villar y del Monte «el Triturador del Punk» - Guitarra (2000-hasta hoy)

También participaron

Pepe «la Púa»† - Bajo

El Poncho - Bajo

Jorge Rodríguez «el Perro» - Bajo

Jaime «la Lacra» - Bajo

Fernando Palafox - Bajo

«Joe Ray» Juárez - Bajo

Porfirio «el Rosty» - Bajo

Javier Ruido - Bajo

«El Gato» Arce - Batería

Dank - Bajo y voz

Paco Muñoz - Bajo

Isra «Bam Bam» - Batería

«El Perro» - Bajo

El Fly - Batería

Género ù

Punk; con influencias de Ramones, Sex Pistols, Frank Zappa, Polla Récords, The Kinks, La Polla, Los X, Patti Smith, Lou Reed y Exploited.

Historia h

El baterista Arturo Beristain, alias «el Soldado», nació en el barrio de Peralvillo, de la Ciudad de México. Al poco tiempo, su familia se mudó por los rumbos de La Villa y después se instalaron en el barrio de San Felipe de Jesús, donde realmente pasó su temprana infancia. Como buen adolescente escuchaba los discos de sus hermanos mayores y así descubrió a grupos ingleses como The Beatles y The Kinks. Fue tal su deseo de tocar, que comenzó a golpear botes y latas a manera de batería. Con el tiempo conoció al guitarrista Roberto Ortiz Ruiz, el Betoxerox, y junto con su hermano Víctor, el Loco Olivetti, crearon su primera banda a la que llamaron Sangre Nueva. Tocaban covers de Black Sabbath y The Rolling Stones.

Por otro lado, desde el sur de la ciudad, el exintegrante del grupo experimental Decibel, el saxofonista Javier Baviera, se acercó a los integrantes de Sangre Nueva en 1980. Después de verlos tocar, los fue a buscar a su colonia para proponerles formar una banda en la que él sería el cantante, en un evento organizado por Paco Gruexxo en Tlatelolco. Al principio el grupo se mostró reacio ante tal petición, pero se convencieron cuando Javier les ofreció un bajo como pago.

Este grupo, que aún no tenía nombre y que prácticamente no había tenido ensayos previos, debutó teniendo al Zar de Tlatelolco como padrino. A partir de esto, decidieron tomarse en serio el tocar juntos. Javier estaba al tanto de las corrientes anglosajonas no comerciales y comenzaron a escuchar punk de la vieja escuela, género que adoptarían desde ese momento de manera purista. Asumieron el concepto de anarquía, pero no de una forma filosófico-política, sino más bien como una manifestación de enojo y desmadre. Como a Javier le decían «el Rebelde», le pusieron al grupo Rebel’D Punk. El encargado de hacer las letras fue el Soldado.

En ese año se inscribieron en el concurso Un Rock al Chopo, quedando entre los finalistas. Esto les permitió ser parte del álbum compilatorio de tres discos: Rock Nacional 1981, que editó Discos Prisma, con los temas «Museo del Chopo» y «Plástico».

Éstas fueron las únicas grabaciones hechas con la formación original, ya que después el grupo sufrió la deserción de Javier, tras una pelea en un toquín de la colonia Romero Rubio. Así que decidió dejar el grupo e irse a vivir en Nueva York en 1982. Rebel’D Punk quedó entonces como trío, y el Soldado ahora fungía como cantante, además de tocar la batería. También salió su hermano Víctor para integrarse al grupo Síndrome del Punk (representado por Francisco Amaya), entrando en su lugar el bajista Pepe la Púa. Pero éste falleció, y así comenzó un largo peregrinar de bajistas por el grupo.

Grabaron en 1984 el sencillo Pirata 1 para Discos Cobra, teniendo para entonces a Fernando Palafox en el bajo. Tuvo los temas «Mi nueva nación» y su versión de «Aviéntense todos» («Reviéntense todos»).

Editadas por Discos Cobra, las grabaciones de esa etapa aparecieron principalmente en acoplados, en los que ellos aportaban algunos temas junto a otras bandas. El primero fue Lo mejor del rock nacional, que además fue producido por el Soldado.

Solían tocar en sitios que no tenían nada que ver entre sí, como el Teatro Antonio Caso, el hoyo fonqui Salón Brasil, la librería El Ágora, el Reclusorio Norte, el Museo de Antropología, la cárcel de Santa Martha Acatitla, el Campo Marte, el Club de Golf México, el Templo Mayor y el teatro del SUTIN. Para entonces el público punk ya se dejaba ver en los conciertos y se introdujo el SLAM como una nueva forma de bailar. Las peleas también eran comunes y en muchas ocasiones acababan sobre el escenario, mientras el grupo tocaba, sin inmutarse.

Por muchos es conocido que el músico Rodrigo González, Rockdrigo, murió en su departamento de la colonia Juárez durante el terremoto del 19 de septiembre de 1985. En el mismo edificio vivía el dueño de Discos Cobra, quien también falleció en ese lugar. La relación con la discográfica se vio afectada tras la muerte de su director. Aun así, participaron en el disco Sólo para punks, que salió en 1987, con los temas «Hero 1», «Babatranquilla» y «Religión». En su presentación en el Museo del Chopo el público derribó las puertas.

Para entonces también se presentaron en foros como el Teatro Mario Moreno y hoyos fonquis como el Cosmos 2000 y el Cinema San Agustín. El Soldado instituyó desde 1985 el Día del Punk, que se festejó hasta 2005, los últimos domingos de cada año con conciertos.

También en 1987 sacaron por su cuenta un casete con la grabación de un concierto que dieron en el Salón Cosmos 2000, al que llama-ron Rebel’D Punk. Además de los temas que habían grabado con anterioridad, ahí aparecieron otros que formaban su repertorio.

Ese año también salieron un par de canciones que habían grabado durante 1986 para Discos Gas. Éstas fueron «Susy la peleonera» y «Mi nueva nación», que formaron parte del acoplado Gas Rockers Vol. 1. Gracias a esto, fueron invitados a participar en el programa de televisión Súper Rock, de Televisa. Hicieron varias tocadas memorables, como la de la Calle 12 en Tlane. Al respecto del ambiente en estos conciertos el Soldado recuerda:

Tocamos al ras del suelo, pero cuando empezamos, los chavos se comenzaron a golpear ellos mismos hasta sangrarse, y así bailaban SLAM, se daban cabezazos; digamos que en buena onda, pero se sangraban, era como un rito sangriento; después de cinco rolas seguidas paré un poco y que se me acercan bien encabronados para decirme: «¿Quieres más sangre?», y me empezaron a bañar con su sangre; entonces antes de cada rola les decía: «¿Quieren más sangre?», y contestaban que sí. [Arturo Beristain entrevistado por Chava Rock para La Jornada, 4 de enero de 2004].

Al final de 1988 el grupo se dispersó cuando su bajista en turno, Jaime la Lacra, se fue para hacer una carrera de solista, y Roberto «Betoxerox» Ortiz Ruiz se mudó a Texas, Estados Unidos. Al quedarse solo, el Soldado tuvo que tocar en bandas de covers mientras reorganizaba a Rebel’D Punk. Desde ese momento, y como único integrante original, se hizo acompañar de diferentes músicos hasta que logró una banda más o menos estable en la cual participaron Daniel Beristain (otro hermano) en la voz, Joe Ray Juárez en el bajo y Héctor Maldonado en la guitarra. Para entonces nacía una nueva escena punk en México. Rebel’D Punk se estableció así como una de las bandas más importantes del movimiento, junto a Massacre 68 y Atoxxxico.

Con el nuevo Rebel’D Punk comenzaron a trabajar con Discos Denver en 1990 y sacaron su primer disco de larga duración al que llamaron Rebel’D, en el que se escuchan algunos de sus temas anteriores, combinados con otros nuevos. Al siguiente año sacaron Rebel’D Punk II.

En 1991 salió Delincuencia, teniendo a Álex Lora como padrino. Este disco en realidad es la compilación de los dos anteriores, que ahora se presentaban en una sola obra gracias al nuevo formato conocido como CD, que permitía que entraran más canciones en un solo soporte físico. En una encuesta realizada por la revista Nuestro Rock, fueron elegidos como el Mejor Grupo de Punk Mexicano, y su portada, como la Mejor del Año.

En 1992 sacaron En vivo en la Prepa Popular, grabado en la Preparatoria Mártires de Tlatelolco, en el cual se puede apreciar su dinámica en concierto.

Comenzaron a venir a México grupos de punk extranjeros y Rebel’D Punk alternó en más de una ocasión con ellos. Tocaron en 1991 con los Ramones en el Balneario Olímpico de Pantitlán, gracias al enlace que les hizo José Luis Pluma de la revista Conecte.

Para la filmación del video del tema «Chica banda», de Café Tacvba, en el Polyforum Cultural Siqueiros, los integrantes de Rebel’D Punk fueron invitados a aparecer por unos instantes en la parte de la canción en la que son mencionados.

En 1993 Discos Denver lanzó tres casetes con el título El punk no está muerto, ¡no! Vols. 1, 2 y 3, en el cual Rebel’D Punk aportó los temas «Slam» y «Chamarras negras». En este acoplado también participan bandas como Polo Pepo, Ley Rota, Trincheras, Síndrome, Vómito Nuclear, Q.V.7, Colectivo Caótico, Desviados, Demenciales y Asociación Delictuosa.

Para entonces, el Soldado estaba acompañado por el Mongol en el bajo y Dank Karies en la guitarra y la voz. Héctor Maldonado siguió colaborando con Rebel’D Punk ocasionalmente.

En 1995 lanzaron el disco Punk history in Mexico City, en el cual interpretan temas de diferentes grupos mexicanos, así como sus propias composiciones. Al siguiente año salió Músika rebelde, distribuido por Discos Denver.

Con el tiempo, el Soldado desarrolló la habilidad de tocar diferentes instrumentos en el grupo y se movía al frente a cantar o a tocar el bajo, según los músicos que lo estuvieran acompañando.

Discos Denver sacó en 1997 otro acoplado de tres CD, llamado Radikal radio Vols. 1, 2 y 3.

Siguieron ganando premios por varios años consecutivos en las revistas Nuestro Rock y Banda Rockera. En ese año viajaron a Esta-dos Unidos. Visitaron ciudades de la Costa Este y Texas. Por aquellos días estaban el Perro en el bajo y el Fly en la guitarra.

Cerraron el milenio con el disco Punk story II, de 1999, en una especie de continuación del disco Punk history in Mexico City, en el cual mezclan temas propios y otros como tributos a bandas que han sido influencia para ellos.

Desde entonces, y hasta la fecha, se incorporó el exguitarrista del grupo Inconsciente Colectivo, George Moon Wallace Manríquez del Billar y del Monte, mejor conocido como el Triturador del Punk. Llegó a coincidir con el Fly en un par de tocadas antes de que éste saliera del grupo. Al quedarse ya como un miembro permanente, George Moon se convirtió en el brazo derecho del Soldado.

Comenzaron el nuevo milenio con varios proyectos. Por lo pronto, George Moon y el Soldado fueron invitados a participar en el disco de León Vago, Los pulquetas. En 2000 también salió a la venta otro disco en vivo, acompañado de video llamado Ecatepunk fiesta, que fue grabado en el Centro Cívico de Ecatepec. Contiene versiones en vivo de sus temas más conocidos.

Desde 2000 hasta 2005 participaron en los Bikers Fantasy Fest, realizados en el Estado de México.

En 2001 hicieron un disco de 27 canciones, tributo a los Ramones, al que llamaron Ramomex, en el que hicieron covers en español a varios temas emblemáticos de esa banda. Dejaron de ser por un rato Rebel’D Punk y promovieron este material con el nombre de Ramomex.

En 2003 sacaron un disco para festejar los 25 años del punk, al que llamaron Jubileo punk 25 años, editado por Discos Denver. Contuvo una mezcla de temas viejos y nuevos.

En ese año fueron invitados a tocar en el Sports Arena de Los Ángeles y en San José, California, Estados Unidos.

Otras bandas con las que se presentaron fueron Misfits y los Dead Kennedys, en el No Order Fest de 2004. A partir de ese año han estado visitando continuamente el área de Nueva York, donde cuentan con un buen grupo de seguidores. El Soldado y George Moon han seguido tocando con diferentes colaboradores. Recientemente han tenido como invitado al Gato Arce, exbaterista del grupo Ritmo Peligroso.

Pasaron nueve años antes de poder escuchar un nuevo lanzamiento discográfico de Rebel’D Punk. Éste se llamó Redegeneración. Más cabrón que bonito, de 2012.

Cuando empezamos con el Rebel’D visitamos todos los hoyos. Yo sigo viendo al rock y al punk en el hoyo, hay otros niveles en estadios y salas más chipocludas, pero nosotros seguimos en el hoyo. Nosotros, afortunadamente, hemos alternado con un chingo de grupos, desde Ramones hasta El Tri; tocamos con Café Tacvba […] en el Polyforum Cultural Siqueiros; también con Pérez Prado. Hemos ido al gabacho; recientemente tocamos en Los Ángeles, en el Sports Arena. Hay chavos que nos invitan a sus bodas, a los 15 años de sus hijas. [Arturo Beristain entrevistado por Chava Rock para La Jornada, 4 de enero de 2004.]

Discografía £

Pirata 1 (1984), sencillo

Rebel’D (1990)

Rebel’D Punk II (1991)

Delincuencia (1991)

Punk history in Mexico City (1995)

Músika rebelde (1996)

Punk Story II (1999)

Ramomex (2001)

Jubileo punk 25 años (2003)

Redegeneración. Más cabrón que bonito (2012)

En vivo

Rebel’D Punk (1987), casete

En vivo en la Prepa Popular (1992)

Ecatepunk fiesta (2000)

Otras grabaciones

Rock nacional 1981 (1981), acoplado

Lo mejor del rock nacional (1985), acoplado

Sólo para punks (1987), acoplado

Gas rockers Vol. 1 (1987), acoplado

El punk no está muerto, ¡no! (1993), acoplado, en tres casetes

Radikal radio (1997), acoplado triple

Los pulquetas (2000)

Otros o

El grupo ha participado en las películas Pastorela, de Emilio Portes (2010), y Estrellas solitarias, de Fernando Urdapilleta (2014).

El Soldado aparece en Ilusiones y destellos, retratos del rock mexicano, libro de fotografías de Fernando Aceves.

Roberto «Betoxerox» Ortiz Ruiz vive actualmente en Matamoros, Tamaulipas.

16. Flüght

1980-1990, Ciudad de México

Integrantes l

Sergio de Labra - Teclados

Víctor Ruiz - Guitarra (1980-1988)

Juan Carlos López - Batería y percusión (1988-1990)

Sergio Galván - Sax y guitarra (1988-1990)

Mauricio Green - Bajo y guitarra (1988-1990)

Género ù

Rock progresivo, experimental, art rock, rock sinfónico y jazz rock; con influencia de Banco del Mutuo Soccorso, LeOrme, Il Balleto di Bronzo, Área, Il Rovescio Della Medaglia, Manhheim Steamroller y Silvio Rodríguez.

Historia h

El tecladista Sergio de Labra y el guitarrista Víctor Ruiz se conocieron en un taller de composición en el cual los participantes buscaban acercarse al jazz y al rock a partir de una formación académica clásica. En 1980 Víctor, un estudiante del Conservatorio Nacional de Música, fue invitado a un ensayo por el contrabajista Jorge Preza y el baterista Pablo Prieto, que ya tocaban con Sergio, quien provenía de la Escuela Nacional de Música. «Durante un descanso empecé a pulsar algunas notas en mi guitarra acústica, y mientras esto sucedía, Sergio se sentó al piano y empezamos a crear el primer borrador de lo que más tarde sería “En un viejo castillo medieval”.» (Víctor Ruiz entrevistado por Marín Hernández para Manticordio, 2002.) Este dueto se dio a conocer desde entonces como Flüght.

Comenzaron a crear y a pulir sus composiciones con tal detalle que, aunque intentaron integrar a otros músicos, no terminaban por quedarse tras las prolongadas sesiones de trabajo en las que el dúo se enfrascaba experimentando.

Entre marzo y noviembre de 1981 grabaron su disco debut en los Estudios Golden, de la Ciudad de México, y Villa Records, en Modesto, California, Estados Unidos. En 1982, después de más de un año de producción, sacaron al fin su disco homónimo. Cada lado del acetato contenía un solo track, es decir, la obra estaba compuesta por dos te-mas en total. En el lado A estuvo «Transparencias», pieza instrumental de 21 minutos, interpretada exclusivamente por Sergio y Víctor. En el lado B, «En un viejo castillo medieval», otra pieza instrumental de 17 minutos, que contó con la colaboración del bajista Armando González. El disco Flüght salió bajo el sello independiente Marco Stereo e intervinieron en su grabación y mezcla los ingenieros Paco Rosas y Jeff Sanders. José Xavier Návar estuvo como coproductor. Se editaron dos mil unidades.

Tanto el disco como el grupo de pronto se convirtieron en objeto de culto. En poco tiempo se integraron a la subterránea escena progresiva de México y, como parte de esto, sus apariciones eran esporádicas. Se presentaron en escuelas y universidades, en el Foro Isabelino del Centro Libre de Experimentación Teatral (Cleta), en el Auditorio del Sindicato de Telefonistas de la República Mexicana (STRM) y los recitales Atmósferas y Texturas, en Fanágora.

En 1983 hicieron, con la participación del baterista Juan Carlos López, la música de la película Luna de sangre, de Luis López Antúnez, por lo que fueron nominados en la terna de Mejor Banda Sonora en los Arieles de 1985.

En 1984 fueron invitados al XIII Festival Internacional Cervantino (no se sabe si aún existe una grabación de su presentación en ese festival). También aparecieron en el programa televisivo de Félix Cortés Camarillo, en Televisa.

Las opiniones externas insistían en que debían comercializar su propuesta, pues no era el momento para el tipo de música que hacían. Ante tal presión, la poca proyección de su música y la dificultad para sacar más discos, el dueto terminó separándose en 1988 sin dejar registro grabado de la mayoría de su repertorio.

Sergio decidió continuar con Flüght, apoyado por Juan Carlos López en la batería y la percusión, en el sax y la guitarra Sergio Galván y Mauricio Green en el bajo y la guitarra, dando un giro estilístico hacia el jazz rock. Con esta formación comenzaron a trabajar el material para un nuevo disco.

En 1989, a seis años de Flüght, salió Saraba, con Producciones Exilio. Musicalmente fue menos elaborado que el primer disco, pero su sonido era fresco y buscaba conectar más fácilmente con el público. Sin embargo, su impacto fue menor. El grupo había cambiado para ampliar su número de seguidores, pero no funcionó.

El 28 de septiembre de 1990 se presentaron en Caracas, Venezuela, en el marco de un ciclo de jazz del Festival Clearg, en Altamira. Ahí también hicieron un videoclip del tema «La mosca» para la televisión venezolana.

Tiempo después, simplemente desaparecieron.

En el año 2000 la discográfica independiente Opción Sónica, poco antes de quebrar, reeditó el primer disco de la banda en CD.

Discografía £

Flüght (1982), reeditado en CD en 2000

Saraba (1989)

Otros o

Víctor Ruiz impartió clases de guitarra en la escuela del IMSS por más de 15 años. Fue parte del grupo folclórico Yolocamba Itá. Se mudó a Estados Unidos, donde continuó estudiando jazz en la Universidad de Duquesne, en Pittsburgh, Pensilvania.

En la actualidad, Sergio de Labra vive en Naucalpan, Estado de México, y se dedica a pintar.

17. Abril

1980, Ciudad de México

Integrantes l

Anteriores

Arturo Domínguez - Batería

Héctor Castillo Berthier - Batería

René Guadarrama - Batería

Michel Grimaldi - Batería

Carlos Marín - Batería

Armando Ortiz - Voz (Axis)

José Luis Domínguez† - Guitarra

Rafael Hernández - Guitarra

Actuales

Javier Vila Carranza - Teclados

Fernando Marín Padilla - Bajo

Víctor Manuel Trejo Galán - Teclados

Isaac Alvarado Vargas - Voz

Ricardo Silva Flores - Guitarra

Alfredo Biosca Santacruz - Batería

Asdrúbal Domínguez Ávila - Teclados

Género ù

Hard rock, metal, metal progresivo; con influencia de Camel, Pink Floyd, Deep Purple, The Beatles, Journey, Kansas, Yes y Black Sabbath.

Historia h

El nombre se inspiró en «April», un tema de Deep Purple. El grupo comenzó a finales de 1979 y su primera etapa culminó con la presentación de su primer álbum, el 8 de diciembre de 1988. Hasta ese momento, la banda había tenido como integrantes a Arturo Domínguez y Armando Ortiz en las voces, Héctor Castillo en la batería, Rafael «Quico» Hernández y José Luis Domínguez† en las guitarras, Javier Vila y Víctor Trejo en los teclados y a Fernando Marín en el bajo y la composición musical.

Estos nueve años fueron de suma importancia con presentaciones inolvidables, en las que alternaron con Chac Mool, Caja de Pandora, Grupo No, Newspaper, Manchuria y muchos otros que comenzaban a sobresalir en nuestro país.

No se puede pasar por alto que Cecilia Toussaint surgió como una importante estrella del movimiento del rock nacional gracias, en buena medida, al apoyo del grupo Abril y a los arreglos musicales de Fernando Marín. De Abril nace el grupo Arpía, de Cecilia.

A finales de 1987, Abril no contaba con vocalista, ya que Arturo Domínguez había renunciado y su puesto fue cubierto por Arman-do Ortiz, exAxis, quien se unió para grabar su primer trabajo. Este disco, titulado Abril, causó una excelente impresión en los fans del género, mismos que siguen siendo fieles. El interés demostrado por el público y la popularidad del disco en cuestión se deben, en parte, a que la portada era muy distinta a las acostumbradas, al mostrar un esqueleto con una rosa en la mano derecha y sosteniendo una guitarra eléctrica con la izquierda. Fue Portada del Año en el foro La Última Carcajada de la Cumbancha (LUCC) en 1988.

En la segunda etapa continuaron trabajando para lanzar Testamento, en 1994, editado en el nuevo formato CD. Sin embargo, Héctor Castillo, Quico Hernández y Armando Ortiz ya no estaban con Abril. Michel Grimaldi y René Guadarrama grabaron la batería, y el puesto de vocalista fue ocupado por Isaac Alvarado. La mayor parte de las letras fueron escritas nuevamente por Gastón Ramírez.

Abril ha tocado en casi todos los lugares emblemáticos de la Ciudad de México, como Rockotitlán, el Ágora, la Carpa Geodésica, Cinema las Torres, Hard Rock, Rock Stock, Bulldog, Circo Volador, Tianguis Cultural del Chopo, Teatro Isidro Favela, Teatro de la Ciudadela y otros.

Durante tres lustros el grupo sufrió muchos cambios. José Luis Domínguez fue reemplazado por el guitarrista Ricardo Silva; Carlos Marín, el hijo mayor de Fernando, ahora es el baterista, mientras que Javier Vila y Héctor Castillo regresaron como proverbiales hijos pródigos para colaborar en algunos temas.

Gracias a la constancia e ilusión de Ricardo Silva, Fernando Marín, Víctor Trejo y Gastón Ramírez, lograron grabar en 2013 un nuevo disco, luego de 15 años. Con Abril IV (título que aborda con humor el hecho de ser su tercer disco) resultó claro que la música de Abril fue ganando en potencia y sinceridad. Los miembros del grupo atribuyen lo anterior a dos cosas: la amistad que los mantiene juntos y el hecho de que, para ellos, el rock es una manera de entender la vida.

Discografía £

Abril (1988)

Testamento (1994)

Abril IV (2013)

Otras grabaciones

Dos temas con Rafael Catana en su disco Piel de ángel

Otros o

Héctor Castillo y Víctor Trejo dirigen ahora el Centro Cultural Circo Volador.

José Luis Domínguez fue guitarrista de Arpía, Nine Rain y OG3, entre otros grupos. Fue fundador y dirigió la Escuela de Música DIM. Tras padecer por muchos años de problemas cardiacos, falleció el 13 de marzo de 2016.

18. MCC (Música y Contra Cultura)

1980-1984 y 1987, Ciudad de México

Integrantes l

Humberto Álvarez - Teclados

Jorge Velasco - Bajo

Carlos Velasco - Violoncello y guitarra (1980-1981)

Mario Rivas† - Voz y guitarra

Enrique Quezadas - Teclados y guitarra (1981-1984)

Salvador Agüero† - Batería (1981-1982)

César «Perico» Calderón - Batería (1983-1984)

Sergio Ramírez - Bajo y guitarra (1987)

Género ù

Rock progresivo, canto nuevo, jazz, folclor y psicodelia; con influencia de Peter Gabriel, Genesis, Emerson Lake & Palmer, Klaus Nomi, la poesía beatnik y la sociología de Theodore Roszak.

Historia h

Ya desde 1979, el tecladista Humberto Álvarez (exArs Nova) se había juntado con los hermanos Jorge y Carlos Velasco (exLa Propuesta y Topilli), bajo y guitarra, respectivamente. Humberto y Jorge se conocieron en las reuniones de la Liga Independiente de Músicos y Artistas Revolucionarios (LIMAR). Con la integración del cantante Mario Rivas (exintegrante del grupo de Víctor Jara) en 1980 nació MCC (Música y Contra Cultura). Provenían del folclor y el canto nuevo, pero su búsqueda los acercó al rock progresivo. Tocaban sin baterista.

Su primer concierto fue el 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer, en el Auditorio Ho Chi Min de la UNAM, y después tocaron en el CCH Naucalpan. Para dichos eventos montaron el tema «Se va la vida», de León Chávez Teixeiro y, por su cuenta, ya tenían algunos temas propios con reivindicaciones al amor gay, la disidencia cultural, los derechos de género, el arte alternativo y la nueva conciencia.

Humberto Álvarez me comenta:

Yo lo formé con el propósito de hablar en las letras de temas que siempre me han parecido muy importantes y que no eran comunes en esos días […] El amor gay, el uso de sustancias, los derechos de las niñas y niños. Las reivindicaciones de género (el feminismo), los minusválidos, los ancianos y en general la otra cultura, la no oficial. No las bellas artes ni los palacios. Dos de los miembros del grupo, Mario y un servidor, participábamos en aquella época en el Movimiento de Liberación Homosexual. Yo en el grupo Lambda y Mario en FHAR. Este movimiento fue el que inició las marchas que entonces eran de carácter político y contestatario.

En un viaje a Los Ángeles, Humberto compró, con los ahorros del grupo, una guitarra electroacústica para Carlos, un bajo para Jorge y un teclado String Ensamble para él. Tiempo después incorporaron al baterista de jazz Salvador Agüero. Todo esto vino a enriquecer el sonido de la banda.

En una presentación en la peña Morelos, en Tepito, en 1981, los escuchó Enrique Quezadas (exQuetzalcóatl y Topilli) y les manifestó su deseo de integrarse como tecladista de apoyo. Los demás lo aceptaron. Al poco tiempo del ingreso de Enrique, salió Carlos.

Antes de terminar el año, Humberto tuvo la oportunidad de conocer al poeta Allen Ginsberg en el Encuentro Internacional de Poetas realizado en la Sala Ollin Yoliztli, en el marco del Festival Internacional Cervantino.

Para 1982 ingresó el baterista César «Perico» Calderón, en sustitución de Salvador. Al principio los temas eran compuestos por Humberto. Después, Mario y Enrique también aportaron canciones. Los comenzó a representar Annette Fradera, con lo que se les abrieron las oportunidades de trabajo y recibieron el apoyo de Felipe Adrián de la Fuente y Eduardo Herrera para el manejo de su imagen. «Cada tocada era una ceremonia: humo de copal, luces, las chingonas escenografías de Felipe Adrián y la energía mágica del público con nosotros.» (Humberto Álvarez en el booklet del disco Música y Contra Cultura 1980/1984.)

Durante 1983 grabaron, con el apoyo de Marcos Lizama en los Estudios Supertrack, poco más de una decena de temas que quedarían enlatados ante la imposibilidad económica de editarlos. Fueron sesiones de grabación prácticamente en vivo.

Se presentaron en sitios como el Teatro El Granero, el Museo del Chopo, el Festival del Canto Nuevo en el Auditorio Nacional, el Museo Nacional de Arte, así como el Foro Isabelino, mejor conocido como el Foro El Tecolote, donde tocaron frecuentemente con llenos totales y quedando personas afuera del recinto por falta de espacio. En cierta ocasión alternaron con Chac Mool. Para cuando éste salió al escenario, se encontró con un público que no dejaba de gritar «¡MCC! ¡MCC!».

Llegaron a hacer varios videoclips con la dirección de Juan López, en los Estudios Churubusco, entre 1983 y 1984.

En poco tiempo se convirtieron en una influencia decisiva en la escena roquera nacional. Aun teniendo el interés de un público numeroso, el grupo se separó tras un concierto en El Foro del Dinosaurio, en el Museo del Chopo, en 1984. Al respecto, en el booklet del disco Música y Contra Cultura 1980/1984 se puede leer: «El tiempo cambió, una serie de influencias oscuras, la falta de cohesión en el grupo y otros intereses desintegraron el proyecto. No pasó mucho tiempo para que en 1984 viniera la disolución de Música y Contra Cultura, un grupo considerado por el público y la prensa como pionero del “rock marginal” por su estilo y postura política».

En 1987 Enrique y Mario intentaron reactivar a MCC junto al bajista Sergio Ramírez, grabando un disco al que llamaron Sobrevivientes, y que salió como parte de la campaña Rock en tu Idioma de la discográfica BMG Ariola. Contaron con la participación de sus viejos compañeros Humberto, Javier y Perico en algunos temas, además de otros invitados: Octavio Espinoza en el sax y Carlos Tovar en la percusión. Fue una mezcla de temas nuevos y algunos compuestos en la etapa anterior. Sin embargo, este trabajo no terminó de encajar con el perfil de Rock en tu Idioma y MCC quedó fuera de la atención mediática que promovía música más comercial. Este nuevo intento duró sólo algunos meses, pronto se dispersó y MCC volvió a la inactividad.

En 1991 salió el disco Música y Contra Cultura 1980/1984, que trajo del pasado aquellos temas enlatados en 1983. El título hace alusión a la primera etapa del grupo. En 2011 Carlos Carsi hizo una reedición de este disco, remasterizado.

Discografía £

Sobrevivientes (1987)

Música y Contra Cultura 1980/1984 (1991)

Otros o

César Calderón, posteriormente, trabajó con Roberto González, en Vía Corta y Corazones Calavera; en la actualidad tiene un grupo de bajo y batería con su pareja sentimental, Elena Sánchez, conocido como La Perra. Además de ser músico, es mimo y payaso.

Jorge Velasco llegó a ser director del grupo de Betsy Pecanins† y ha tocado también con Jaime López. Ha escrito los libros Rock en salsa verde y El canto de la tribu, con el que ganó el Premio Kostakowsky.

Enrique Quezadas tocó en el grupo de Betsy Pecanins. Creó Trilce, junto a Víctor Martínez, y después continuó con una carrera de solista; escribe y es psicoterapeuta. Compuso la música de las películas Hasta morir y Cilantro y perejil.

Mario Rivas hizo música para obras de teatro como Fauna rock. Falleció víctima del sida en agosto de 1989. De manera póstuma se editó el casete Hoy por ellos, con sus temas inéditos.

Humberto Álvarez colaboró con los grupos Casino Shangái, Tribu, Broken Heart, La Reata y Los Garrobos, así como con Jorge Reyes y Arturo Meza en el disco Comala. Creó el grupo Sangre Asteka junto a José Manuel Aguilera, Los Contentos del Sangoloteyo y con Lorenzo Lagrava. También creó el grupo Humberto Álvarez y sus Astekas de Oro. Ha aportado temas para los discos Malinalxochitl, Copil y Teonanakatl. Ha sido locutor y productor en Radio Educación y Radio UNAM, entre muchas otras estaciones. Ha hecho la música de más de cien cortos, espots, documentales y programas de televisión. Actualmente vive en Malinalco y da terapias holísticas.

19. Roberto Ponce

1980, Ciudad de México

Género ù

Rock folk, rock rupestre y blues; con influencia de Joan Báez, Bob Dylan y los textos de Carlos Pellicer.

Historia h

Roberto Enrique Ponce Padilla nació en la Ciudad de México el 2 de junio de 1955. La casa familiar se ubicaba en la calle de Heriberto Frías, en la colonia Narvarte, donde vivió su primera infancia, para después mudarse a la colonia Avante. Estudió piano en casa de su tía, sitio que alguna vez fuera el hogar del poeta Ramón López Velarde. Proveniente de una familia ligada al periodismo, Roberto comenzó a escribir sobre música a los 17 años. Paralelamente, comenzó a componer canciones con su guitarra acústica. Uno de los primeros ejercicios creativos que realizó fue la musicalización de poemas de Carlos Pellicer, para ser interpretados por su compañera Clara Stella Turner, con quien actuaba y cantaba en la Preparatoria 6 José Vasconcelos, en Coyoacán. Creó el grupo Mezclilla, conformado por Raúl Carrasco en la batería, Rafael «Katz» González en la guitarra, Felipe Loria en el bajo y en los coros Clara Stella y Nina Galindo. Concursaron en el Festival Abierto de Rock realizado en el Instituto Don Bosco, en 1973. Se llevaron el primer lugar con su canción en inglés «Voces del bosque», mismo que consistió en cuatro mil pesos que se repartieron, para después desintegrar el grupo. Tras un viaje a Estados Unidos, compuso los temas «Regazo leal» y «California». Sus primeras creaciones las hacía tanto en inglés como en español.

En 1975 conoció a Carlos Pellicer. Cuando éste oyó su adaptación musical al poema «El segador», lo animó con un: «Muy bien, Ponce, siga, va muy bien; no se pierda». (En Rupestre, el libro, coordinado por Jorge Pantoja.)

En esos años siguió componiendo; sin embargo, estas canciones no conocerían otros ámbitos más allá de reuniones entre amigos y un par de concursos. Al terminar la preparatoria, en la segunda mitad de los años setenta, entró a estudiar Letras Inglesas en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Aun así, se dio tiempo para seguir interpretando sus temas. En el verano de 1978 participó en el Festival de la Juventud, realizado en La Habana, Cuba. Hasta ese momento sus incursiones en la música seguían en el terreno amateur. Su inicio profesional se dio propiamente en 1980, cuando se presentó en la Carpa Geodésica, al sur de la Ciudad de México, en un primer intento por llevar sus canciones a un foro cuyo público pagara por su boleto. Daba sus primeros pasos en el oficio de cantautor.

Entre 1981 y 1982 continuó sus estudios en la Aarhus Universitet de Dinamarca, donde interactuó con el guitarrista danés-brasileño Jenns Vigo, llegando a crear algunos temas en danés.

A su regreso conformó, junto a Héctor Cruz, el dueto acústico Julián Viernes, con el que participaron en el concurso Rock en el Chopo, en 1982, quedando en tercer lugar (el primer lugar fue para el grupo Kerigma).

A partir de esto, Roberto comenzó a frecuentar el Museo del Chopo y se integró a sus actividades culturales impartiendo un taller para niños, en el que les tocaba canciones con su guitarra. En el museo se congregarían jóvenes en busca de espacios. Fue un lugar donde pudieron expresarse artísticamente.

Ponce conoció a Rockdrigo e interactuaron juntos en varias ocasiones. Se creaba así el campo de cultivo para lo que después se conocería como el Movimiento Rupestre. «Encontrarme a Rockdrigo y formar parte del rock rupestre es de lo más extraordinario que viví. Sólo fue un año y pico juntos, periodo breve pero intenso para yo quererlo mucho, ser su fan y respetar su talento artístico. Rockdrigo y yo tuvimos problemas al final y nos distanciamos los últimos tres meses de su vida. No importa. A 27 años de los sismos, aquel cariño sincero permanece todavía en mi memoria.» (Roberto Ponce, en el texto de Felipe Cabello Zúñiga para Rupestre, el libro.)

Fue Roberto quien llevó a Rockdrigo al Museo del Chopo y lo presentó con Jorge Pantoja, subdirector del lugar. Con el tiempo, éste se convertiría en su representante.

El 22 de noviembre de 1984 Roberto participó, acompañado por el grupo de rock progresivo Cen, en el 2º Festival de la Canción Rupestre del Museo Universitario del Chopo. El grupo estaba integrado por Eduardo García en el bajo, Abelardo Culebro en la guitarra y Juan Figueroa en la batería. Interpretaron el tema «Coatzacoalcos». Al terminar su presentación, los fanáticos comenzaron a definirlo como un cantante rupestre. Lo rupestre, cualquier cosa que eso significara, ya estaba en el ambiente. Este término, en parte chusco y en parte una definición para un grupo de nuevos compositores, le pareció gracioso y lo asumió sin problema.

Por esos días compuso los temas «Calzada de Tlalpan», «La voz de la montaña» y «Éstas son mis manos».

También se dio un reencuentro con Nina Galindo e hicieron el grupo Callo y Colmillo. Juntos formaron parte del inicio del Colectivo Rupestre, cuando en un acto de carácter antisolemne Rockdrigo escribió el llamado Manifiesto Rupestre, dándole oficialidad a este grupo de cantautores organizados.

En febrero de 1985 conoció a la que sería su esposa, la pedagoga tabasqueña Marina Wade García. Se dice que gracias a que Roberto regresó a su casa para hacerle una llamada de larga distancia a Tabasco no pasó la noche en casa de Rockdrigo, donde este último estuvo esperándolo sin suerte la noche anterior a su fallecimiento a causa del derrumbe de su edificio por un terremoto, lo que le salvó la vida.

Tras la muerte de su amigo y el impacto que le causó, continuó presentándose con Callo y Colmillo. Su repertorio estaba conforma-do por temas suyos, como «Bigote azotador», «Diluvio nacional», «Brindis por un difunto», «El vaivén del cariño» y una canción que compuso junto a Nina: «Llévate lejos tu blues», además de temas de otros compositores rupestres. En 1986 se separaron cuando él decidió mudarse a Villahermosa, Tabasco, y Nina continuó como solista e intérprete principal de los compositores rupestres.

Roberto vivió en la capital tabasqueña hasta 1990. Durante esa estancia, allá compuso los temas «Susana» y «Gancho al hígado». En 1987 casi concreta la grabación de un disco con apoyo de la esposa del gobernador del estado, la escritora Julieta Campos, con arreglos del pianista de jazz Heberto Castillo hijo. Pero el intento se disolvió en trámites burocráticos y la ineptitud de la directora del Instituto de Cultura de la entidad.

Por otra parte, su excuñado y viejo amigo, Rodrigo de Oyarzabal, lo quiso apoyar en la Ciudad de México con la grabación de cuatro temas que conformarían un EP. Se seleccionaron los temas «Al sureste otra vez», «Brindis por una difunta», «El rol debe seguir» y «Tren de guanatos» (que narra el regreso en tren con Rockdrigo de un concierto que dieron juntos en Guadalajara). Teniendo a Roberto en la guitarra y la voz, Rodrigo congregó a varios talentos. Se apoyó en la producción artística y el bajo de Raúl Peñaloza, la guitarra de Eduardo Chico, la batería de Tizoc Briseño, el piano de Jaime Moreno Villarreal, el violín de Javier «el Paparrín» Guillén, los coros de Nina Galindo y Gabriela «Gabo» García. Al final, por falta de recursos económicos las cintas maestras de las sesiones de grabación se quedaron en el estudio y nunca pudieron recuperarlas. Sólo se conservaron casetes con mezclas de prueba, lo que implica que se quedó sin terminar.

Tras estos descalabros, ya en los años noventa, Roberto continuó con su labor de composición creando canciones como «La ley es dura», «Te regalo mi sombra» y «Mírame desaparecer», que hiciera popular el tapatío Gerardo Enciso. Llama la atención cómo Roberto Ponce, siendo un compositor reconocido, nunca haya podido concretar la grabación de un disco. Esto no significó que su trabajo se hubiera perdido en efímeras interpretaciones por los foros en los que se presentó en esos años. Roberto, de aparente personalidad dispersa, tuvo el cuidado de guardar en su fonoteca personal un largo catálogo de canciones registradas de manera disímbola, la mayoría en casetes con grabaciones caseras y alguna que otra de estudio.

No fue el único en preocuparse en ese sentido. Más allá de las canciones que le han grabado intérpretes como Nina Galindo, Gerardo Enciso o La Escalera de Jacob, en tiempos más recientes, existen otros registros. Gracias a la amistad que desde jóvenes mantuvieron Rodrigo de Oyarzabal y Roberto Ponce, sumada al hecho de que el primero se encargó de grabar a muchos de los cantautores rupestres en Radio Educación, fue posible que su música no se perdiera. En el festejo del cumpleaños de Roberto Ponce, en 1996, Rodrigo le dio como presente personal una antología de 38 canciones que abarcaban el periodo entre la época en que se conocieron al comienzo de los años setenta hasta ese día, tras 25 años de amistad. En estas grabaciones colaboran Nina Galindo, Clara Turner, Carlos Vázquez, Héctor Cruz, Jenns Vigo, Sara, Rafael «Katz» González, Agustín López Velarde, Rockdrigo, Zamira Bringas, Marco «Racoom» Delgado, Arturo el Sabio, Víctor Melgoza, Édgar Sosa, Eduardo Chico, Tizoc Briseño, Raúl Peñaloza, Gabo García, Javier Guillén y Jaime Moreno Villarreal.

A partir de 1997, y hasta hoy, Roberto se ha hecho cargo de la sección de espectáculos de la revista Proceso. Trabajando ahí, en 2001 conoció a Audrey Schmilcker, con quien comenzó una relación personal. Sus presentaciones han sido escasas desde entonces.

En 1999, a 14 años de la muerte de Rockdrigo, compuso la canción «Profeta del Nopal» dedicada a su memoria. En 2001 tocó en el Festival de la Miel en la Plaza Hidalgo, de Coyoacán. En 2005 aportó el tema «El tren de los locos», de Rockdrigo, al disco compilatorio homenaje a Rodrigo González, A ver cuándo vas…! Los rupestres a Rockdrigo, siendo ésta su única aparición en una grabación comercial. Como parte del lanzamiento de este material, se presentó con el grupo La Escalera de Jacob y el bajista Poncho Figueroa, de Santa Sabina, en un homenaje a Rockdrigo en el Zócalo. En 2007 tocó en un evento por los derechos humanos en el Anahuacalli. Y en 2009 tocó junto a Rafael «Katz» González y Ricardo Jacob en la presentación del libro 100 poemas mexicanos en papel Revolución, en el Museo del Estanquillo. En ese año, junto a Audrey Schmilcker, compuso el tema «Baja nena» para su amigo Poncho Varitas, dueño del bar La Varitas, en Cabo San Lucas, Baja California Sur.

Le siguieron años de pérdidas afectivas.

En 2013 salió la edición del libro Rupestre, el libro, coordinado por Jorge Pantoja, en el que se hace un reconocimiento a los protagonistas del Movimiento Rupestre y Felipe Cabello Zúñiga escribe un texto que hace referencia a su persona y su trabajo. Según él mismo narra ahí, próximamente tiene en mente la edición de un audiolibro.

Discografía £

A ver cuándo vas…! Los rupestres a Rockdrigo, compilado (2005) con el tema «El tren de los locos»

20. Tex Tex

1980, Ciudad de México

Integrantes l

Lalo Tex† - Guitarra y voz (1986-2016)

Chucho Tex - Bajo y voz

Pedro Martínez - Batería (1986-1988)

Paco Tex - Batería (1988-2009)

Lalito Tex Jr. - Guitarra (2013 - hasta hoy)

Otros colaboradores en vivo

Rafael «Sr. González» - Percusión

Liliana Ramírez - Coros

Sergio Sánchez «Sesán» - Teclados

Armando Espinoza «el Pinaca» - Percusión

Sax - Sax

Ramiro Figueroa - Acordeón

Rod Levario - Guitarra

Demex García - Batería

Dónovan - Batería y teclados

Álex Orozco - Batería

Juan Hernández «el Zorrillo» - Batería

Género ù

Rock and roll, rhythm and blues, blues, rock latino, rock agropecuario, rock ejidal y hard rock; con influencia de The Rolling Stones, ZZ Top, Creedence Clearwater Revival, The Beatles, Queen, AC-DC, Johnny Winter, Three Souls in my Mind, La Cruz, Ritmo Peligroso, Botellita de Jerez y Toncho Pilatos.

Historia h

Definir el origen de una banda conformada por hermanos puede resultar un poco difícil. ¿En qué momento se pasa de un juego de niños a una vocación de vida? Todo comenzó al principio de los años setenta, cuando cuatro hermanos procedentes de Ixtenco, Tlaxcala, pero radicados desde muy pequeños en la Ciudad de México, solían escuchar en la radio matutina La hora de los Beatles. Ellos eran Everardo «Lalo», José Luis «Chucho», Víctor y Francisco «Paco» Mujica Sánchez, jóvenes residentes de la colonia Nueva Atzacoalco, que sintonizaban religiosamente, cada día a las 8:00 a.m., su programa favorito, en el que jugaban a ser ellos mismos el Cuarteto de Liverpool.

Un día de 1975 le prestaron a Chucho, en su secundaria, un disco de Three Souls in my Mind. Lo llevó a su casa y se lo enseñó a sus hermanos. Al conocer canciones como «Yo canto el blues» e «Inyecciones de rock and roll» quedaron impactados al oír algo que les recordaba a los Rolling Stones, pero cantado en español. Por esa época también conocieron a algunas bandas nacionales que iban a tocar a la Escuela Vocacional 1, donde estudiaba Lalo. Con vecinos de su calle intercambiaron discos de bandas estadounidenses e inglesas. La colonia se caracterizaba por ser bastante rocanrolera, lo que propició que fueran con sus amigos a los salones Maya y Herradero, hoyos fonquis donde se presentaban grupos como Toncho Pilatos y Three Souls in my Mind.

Todo esto inspiró a Lalo y Chucho a formar su propio grupo en 1977. Lalo convirtió el tocadiscos de una tía en un amplificador, gracias a los conocimientos de electrónica que había adquirido en la escuela. Y con una pieza de un auricular de teléfono público hizo una pastilla para captar el sonido de su guitarra de palo y así poder amplificarla. Fue su primera guitarra electroacústica. Después a un comerciante de la zona le compraron por 12 pesos un bajo para Chucho, que pesaba tanto que tuvieron que cortarlo con un serrucho para aligerarlo. También le compraron a un carpintero el esqueleto de una guitarra eléctrica y con el tiempo le fueron adicionando pastillas y los demás elementos que le faltaban. Para tocar la batería invitaron a su amigo Pablo, un chavo que tenía un taller de arreglo de calzado, en el cual se congregaban los roqueros de la colonia, sus futuros fanáticos. Así quedó conformada su primera banda, a la que llamaron Muper, que surge de unir sus apellidos, Mujica y Pérez. El nombre se transformaría a Muper Tex, a raíz de un error de impresión en un cartel que los anunció de esa manera. Esta afortunada equivocación les daría la pauta para usar «Tex» en su nombre definitivo, varios años después. Tocaban covers de músicos como Chuck Berry y ZZ Top. También comenzaron a interpretar temas propios como «Blues del borracho» y «El rock and roll de ayer».

Para 1980 Pablo salió del grupo e invitaron a Pedro Martínez, quien venía de tocar la batería con el grupo Calle. Entonces eligieron el nombre Tex Tex y se enfocaron en interpretar canciones originales. Justificaron su nombre inventando que eran de Texcoco, Texcoco. Su primer concierto fue en un terreno baldío de la colonia Gabriel Hernández, conocido como Las Láminas, con grupos como Los Blues Boys, Juan Hernández y Madre. Después de esto, tocaron en hoyos de la periferia de la ciudad, principalmente del norte, y en fiestas. Desde entonces, la personalidad de Lalo como frontman se ganaba la simpatía del público. Los tres se autodefinieron como «los muñecos», riéndose de sí mismos al no encajar en los cánones estéticos impuestos por los medios.

Sin embargo, aún no se dedicaban de tiempo completo a la música. Chucho estudiaba medicina y Lalo ingeniería mecánica y eléctrica. Así transcurrieron los primeros años de la década, hasta que, por persuasión de Pedro, tomaron la decisión de abandonar sus profesiones para dedicarse por completo al grupo, en 1985. Para algunos, incluyendo a los Tex Tex, éste fue el momento en que el grupo nació profesionalmente, aunque ya llevaban algún tiempo sobre los escenarios. Ellos quisieron rebasar los límites de sólo tocar en hoyos fonqui, en los que ya habían logrado cierta popularidad. La situación del rock nacional vivía cambios importantes y se abría a otros estratos socioeconómicos. Con el dinero que habían ganado en sus anteriores trabajos se compraron instrumentos profesionales y fueron a Rockotitlán al final de ese año, buscando ser parte de su cartelera. Francisco Barrios, de Botellita de Jerez, que a su vez era el programador de ese foro, les pidió un demo para conocer su música. Fue así que acudieron a Mark Rodamilans para que los grabara en el estudio La Cocina, al sur de la ciudad. Ya en 1986 los comenzaron a programar de forma regular en Rockotitlán. Por esos días los conciertos de dicho lugar se promovían por la radio capitalina, lo que provocó que su nombre comenzara a asociarse al de grupos como Maldita Vecindad y Botellita de Jerez.

Con su demo fueron a Discos Gas, empresa en la que, al comienzo, no mostraron interés por su trabajo. Al enterarse de esto, José Luis Pluma, director de la revista Conecte, hizo una llamada telefónica a la discográfica y reconsideraron editarles un álbum. Para entonces Francisco Barrios les había propuesto ser su productor y así entraron al estudio en 1987. En ese momento fue cuando yo, que entonces tocaba en Baraja, conocí a Los Muñecos. Fue Francisco el Mastuerzo quien me convocó para tocar las percusiones latinas con ellos en un par de canciones. También participaron Arturo Labastida el Papayo en el sax, Alejandro Giacomán (Bon y los Enemigos del Silencio) en los teclados, y Javier de la Cueva y José Luis Rodríguez en la trompeta.

Álex Lora ya le había echado el ojo a Pedro Martínez para que se convirtiera en el baterista de El Tri, por lo que él grabó sólo parte del disco antes de irse de gira con Lora; el resto de las baterías las grabó Paco, hermano de Lalo y Chucho. Así se dio la integración del tercer hermano Mujica a Tex Tex. El disco Un toque mágico se lanzó en 1988. La portada fue diseñada por Eduardo Dyer y las fotos fueron de Ricardo Kirchner.

El tema que le dio el nombre al disco comenzó a sonar en estaciones de radio como Espacio 59 y Estéreo Joven, logrando ser escuchados en todo el país gracias a la cobertura del Instituto Mexicano de la Radio (IMER). Su área de acción se amplió a los foros del sur de la ciudad, sin dejar de tocar en hoyos, escenarios de toda la República mexicana y fiestas de todo tipo, ante públicos de diferentes clases sociales.

Fueron buscados para participar en la telenovela Luz y sombra, de Televisa, pero cambiaron de opinión al conocer en persona a Los Muñecos. Sin embargo, el productor Luis de Llano los invitó para que participaran en el programa de revista Música Futura, en el que interpretaron «Un toque mágico» y «Ahora ya no te quiero».

Cuando Sergio Arau dejó Botellita de Jerez, Francisco Barrios le pidió a Lalo que cubriera su puesto en lo que se conseguía un nuevo guitarrista. También me invitó. El grupo en que yo tocaba, Baraja, se había desintegrado e intentaba arrancar una carrera solista como Sr. González. Tras la invitación del Mastuerzo, el Sr. González se integró a esta nueva formación con Lalo. Ensayábamos amontonados en una pequeña bodega que estaba atrás de los camerinos de Rockotitlán. Los cuatro nos presentamos en el programa de televisión Hoy mismo, y así arrancó una nueva etapa de Botellita de Jerez. Siguieron un par de presentaciones en las que se unió Benjamín Alarcón: una, en el Comité de la Nueva Canción, y otra, en Querétaro, donde Lalo dobleteó tocando con Tex Tex y Botellita. Luego se integró Santiago Ojeda como nuevo guitarrista de los Botellos y Lalo se volvió a concentrar en su banda.

En cierta ocasión, Lalo se compró un sombrero vaquero y lo llevó a una prueba de sonido en Rockotitlán; al verlo uno de los socios del lugar (Fernando Arau), les hizo ver que ésa era la imagen del grupo. Desde entonces, el sombrero y las botas texanas se convirtieron en parte fundamental de su atuendo y ellos comenzaron a bromear con el concepto rock «ejidal» o «agropecuario». Les gustaba retar a su público haciéndoles creer que tocaban cualquier cosa, menos rock. Comenzó a trabajar con ellos como su ingeniero de sonido el músico Jorge Mario García, mejor conocido como Fratta.

Fue por intermediación de él que en 1989 se presentaron en la ciudad de Guatemala, Guatemala, en un festival en el Gran Teatro, junto con Caifanes, Ritmo Peligroso y Neón.

Al día siguiente del concierto, Los Muñecos salimos a caminar y nos detuvimos a ver unos bailables que presentaron en una plaza del centro. En eso llegó un grupo de soldados y nos dijeron: «¿Ustedes son Tex Tex?» Nos quedamos mirando y preguntándonos: «¿Pues qué hicimos ayer?» Al confirmarles que sí éramos, nos pidieron que los siguiéramos. Nos llevaron escoltados al palacio nacional. Dijimos: «Aquí nos van a torturar». La situación política de Guatemala era difícil por aquellos días, hasta teníamos taquicardia. Llegamos al palacio y nos llevaron al segundo piso. Y ahí estaba la primera dama, que al vernos dijo: «¡Muchachos! ¡Qué bonita actuación la que dieron ayer! ¡Todo el festival estuvo muy bonito, pero ustedes me encantaron!» Y nos regaló una canasta de frutas, mil dólares y después nos pasearon por varios sitios del país. [Chucho Tex.]

En una de sus presentaciones los vio el cineasta Juan E. García y se interesó en hacerles un documental. Esto coincidió con la grabación de su segundo disco para Gas, durante 1990, al que llamaron Perdidos. De esta manera se documentó el proceso de grabación. También les hizo el video del tema «Perdido» en el centro de la ciudad, con lo cual se consolidó su presencia como uno de los grupos de rock más importantes del país. En el tema «Un tipo guapo» tocaron el solo de guitarra de Nasty Sex, del grupo La Revolución de Emiliano Zapata. También hicieron su primera visita a Estados Unidos, presentándose en Los Ángeles, California.

Llegó el momento de grabar un tercer disco al que llamaron Tex Tex 3, que salió en 1991. «Ese disco lo grabamos totalmente borrachos —me comentó Chucho—. La interpretación de “Despedazado”, hecha por Lalo, es bajo el efecto de varios tequilas y lo fuimos acompañando hasta la madre (risas).»

El cuarto disco de Tex Tex fue grabado en el desaparecido Cinema Auditorio, de Pachuca, con apoyo del Centro Cultural Hidalguense. Para 1992 lanzaron con Gas el disco doble Tex Tex en vivo en Pachuca, en el que hacen una revisión de los temas de sus tres discos anteriores y se percibe la respuesta entusiasta de su público. Destacó la versión inédita de su cover de ZZ Top, «La granja». Con esta producción, Discos Gas les otorgó un Disco de Platino por altas ventas.

Éste fue el último disco que grabaron para Discos Gas, ya que Diego Herrera, exintegrante de Caifanes y director artístico de BMG Ariola, se interesó en firmarlos para dicha empresa. Así que, por intermediación de Jorge Mondragón, se negoció su carta de retiro y su cambio de compañía discográfica. Como parte de la negociación le compraron horas de estudio a Gas, por lo que parte de su siguiente disco se grabó ahí. Lo demás se terminó en Londres, con Robin Black como productor y apoyo de Paco Rosas, en los Jacobs Studios. Así grabaron Te vas a acordar de mí, que salió en 1995. También tuvo un track adicional con una versión en vivo de «Me dijiste», grabado en el concierto De la Raza Para la Raza, organizado por BMG. La revista Nuestro Rock les dio el Premio a Mejor Canción del Año, por el tema que le da nombre al disco.

Su nueva circunstancia requirió un manejo más profesional que el que llevaban hasta ese momento, por lo cual incorporaron a su hermano Víctor como representante del grupo. Comenzaron a tener difusión en medios de comunicación masiva e hicieron un trato con la compañía estadounidense Just Latin, con la que se presentaron en el país vecino. Sin embargo, por un descuido, les negaron las visas de ingreso a Estados Unidos y la promoción allá se vio afectada. Ellos, por su cuenta, tuvieron que aprender con los tropiezos y enfocarse en su trabajo.

En 1997 salió su segundo y último disco con BMG Ariola, Súbete al tren, con la producción de Jorge «Chiquis» Amaro y teniendo como ingeniero de grabación a León Granados†. Se realizó en el Estudio 19, de la Ciudad de México, y fue mezclado en Los Ángeles, California, por Tony Peluso.

Tras el lanzamiento de este álbum, Diego Herrera salió de la discográfica. Dado que ellos estaban ahí por él, se planteó la posibilidad de continuar en dicha compañía siguiendo nuevos criterios, como los de participar en tributos y hacer covers, o salir solidariamente con Diego. Eligieron lo segundo. Esto afectó sustancialmente la promoción de este material. El grupo entró en un letargo creativo de tres años.

En 1998 quien escribe estas líneas sacó su primer disco como solista El Sr. González y los Cuates de la Chamba, e invité a Lalo a tocar la guitarra en el tema «MAE», una canción que compuse con mi hermano Armando cuando estábamos en Baraja. No sólo tocó, sino que también dice unas palabras en medio de la canción, con su característico humor.

Tex Tex se reunió nuevamente con el cineasta Juan E. García, quien volvió a producirlos en 2000, esta vez bajo su propio sello discográfico: AMV, sacando así Acción y reacción. En este disco Los Muñecos se permitieron experimentar y el material provocó opiniones encontradas. Tuvieron como invitado a Ramiro Figueroa en los teclados.

En 2001 grabaron para el sello independiente Discos Ciudad el disco en vivo Los Muñecos Desenchufados, para el cual convocaron como músicos de apoyo a Liliana Ramírez (Matatena Royal Club) en los coros, Sergio Sánchez Sesán en los teclados, Armando Espinoza el Pinaca (exRitmo Peligroso) en la percusión, Sax (Maldita Vecindad) en el saxofón y a mí (en esos días exBotellita de Jerez) en las congas. De esta forma se registró, de forma acústica, una revisión de lo mejor de su repertorio en un concierto realizado en Comic Rock Show, a un lado de la Alameda Central, en la Ciudad de México. Junto al disco se realizó un video de dicha presentación. Este material contó con el apoyo de la estación de radio Órbita 105.7, con temas que no habían trascendido en sus versiones de estudio, pero sí en vivo. Ese año también BMG Ariola editó el disco recopilatorio Lo mejor de Tex Tex.

El siguiente año entraron de nuevo al estudio para grabar el disco doble De donde somos y a donde vamos, editado nuevamente por Discos Ciudad, en el cual combinaron versiones nuevas de algunos de sus temas ya grabados, así como material nuevo. Contaron otra vez con la participación de León Granados como ingeniero de grabación. Fuimos invitados algunos de los que participamos en la grabación y promoción del disco anterior. Tanto el Pinaca como yo colaboramos con nuestras percusiones, además de Sesán, que ya estaba participando de manera constante con Los Muñecos.

En 2003 me invitaron para que los acompañara en una pequeña temporada que hicieron en un lugar llamado Viva Zapata, en San Cristóbal de las Casas, Chiapas. Estuvimos ahí una semana. Nos fuimos músicos y staff —entre los que había otro par de hermanos Mujica— en una camioneta chocolate que tenía Paco. Ésta solía quedarse sin gasolina, ya que no le servía el medidor, y nos dejó varados en más de una ocasión. En el camino escuchamos a Queen y a AC/DC, y tras unas horas de viaje llegamos a nuestro destino. Tocábamos por las noches. En nuestros tiempos libres paseamos por el sur del estado hasta llegar a Guatemala, cruzando sólo por unos minutos al otro lado, en la llamada Laguna Internacional. Paco quería tanto a esa camioneta que donde nos deteníamos le tomaba fotos, ya fuese en las lagunas de Montebello o en la frontera. En ese viaje me comentó su preocupación con respecto a seguir tocando en Tex Tex. Él es maestro pero, a diferencia de sus hermanos, no abandonó su carrera para dedicarse absolutamente a la música. Estaban en juego sus prestaciones y su plaza. Así que sólo era cuestión de tiempo para que Paco abandonara al grupo.

En ese año Poncho Figueroa, de Santa Sabina, los invitó para participar en el disco Ofrenda, tributo a Rockdrigo González, en el que aportaron su cover al tema «El feo». Por su cuenta, Lalo se juntó con los guitarristas José Luis Domínguez† y Felipe Souza para crear el grupo Los OG3 y presentarse esporádicamente. Con ellos sacó un disco homónimo.

En 2004 y 2005 festejaron sus 18 y 19 años de existencia, respectivamente, en el Zócalo de la Ciudad de México, teniendo como invitados a Charlie Monttana, al Guadaña, de la Banda Bostik, y a un servidor que aquí les escribe, entre otros.

Ese 2005 decidieron probar con una nueva compañía y se acercaron a Prodisc para grabar su siguiente trabajo al que llamaron *86. En éste volvieron a trabajar con Jorge «Chiquis» Amaro. Contaron con la colaboración de Piro Pendas, de Ritmo Peligroso, en una versión de «Pobre rocanrolero» que aparece como track adicional; también estuvo la percusión del Pinaca, la voz de Leonardo de Lozanne (Fobia) en el tema «Extranjera» (cover de «Lodi», de Creedence Clearwater Revivial), el solo de guitarra de Felipe Souza (exTri) en «Pobre rocanrolero» y de Chiquis en guitarras, percusión y coros.

Le siguió el disco We Are a Mexican Band, producido en forma independiente por Arturo Meneses. Tuvo una combinación de nuevas versiones a temas ya conocidos, junto a piezas inéditas. En éste su sonido tiene un aspecto norteño proporcionado por el acompañamiento del acordeón en algunas canciones. El músico que lo interpretó apareció casualmente en el estudio y no se tienen mayores datos de él. Tuvieron como invitado a Hugo Bistolfi, tecladista del grupo argentino Rata Blanca. Presentaron este disco en el Hard Rock Live, de la Ciudad de México, pero una complicación con la pierna de Lalo, provocada por la diabetes, hizo que no pudiera acompañarlos a dicho evento. Para esto se apoyaron en Rod Levario (Heavy Nopal), sustituyendo al Muñeco Mayor.

Ése fue el último disco que hicieron con Paco, quien finalmente se separó del grupo tras una etapa de poco trabajo, después de una gira por Estados Unidos en 2009. A partir de ese momento, Tex Tex serían Lalo y Chucho, nada más. Por dos años los acompañó en la batería el Demex García (exTrolebús). Le siguieron distintos bateristas, aunque no de manera oficial. En ese año también participaron en el soundtrack del falso documental Naco es chido, en el cual aportaron el cover de la canción de Botellita de Jerez «Charrock and roll».

El siguiente disco fue Me haces volar, de 2011, con Discos Titanio. Fue producido por ellos mismos, con el apoyo de Sesán y León Granados, quien volvió a ser su ingeniero de sonido. Colaboraron Álex Orozco en la batería, Felipe Rojo en el acordeón, Felipe Souza en el solo de guitarra de «Vengador anónimo», Álex Otaola en la guitarra ambiental de «Algo tiene este café», Allan en la guitarra incidental de «La torera» y Diego Alcázar en el yembé en «Trabajo».

Para ese año, Sesán, quien se había vuelto un cercano colaborador de Los Muñecos, se retiró tras casarse y se fue a vivir a San Miguel de Allende, Guanajuato.

En 2013 sacaron La fiesta con Titanio. Es un disco con versiones de algunos de sus temas más conocidos, en el cual los acompañan artistas como Álex Lora, Baby Bátiz, Lilián Ramírez, Batsy Criatura, José Luis Domínguez, Felipe Souza, Gato DF, José Cruz, Rod Levario y Juan Hernández. En la batería continuaba apoyándolos Álex Orozco, además de David Cruz en la percusión, Dónovan y Fernando Zaldívar en los pianos, Arturo Labastida en el sax y Rafa Salgado (El Tri) en la armónica. A partir de ese año, y con apoyo de Discos Titanio, comenzaron a visitar regularmente Estados Unidos. En sus presentaciones en vivo incorporaron a la banda al hijo de Lalo, tocando la guitarra de apoyo. En la otra guitarra se unió Rodolfo León Sosa, mejor conocido como León Vago. Lalo hijo tiene su propia banda llamada Los Afortunados, de la cual proviene Dónovan, baterista y tecladista, que se ha vuelto un cercano colaborador de Tex Tex desde entonces.

En noviembre de 2015 Los Muñecos me invitaron a tocar en un concierto que dieron en el Centro para la Cultura y las Artes, en el marco de la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil (FILIJ), en la que también participaron en un emotivo concierto Cecilia Toussaint, Ricardo Ochoa, Alfonso André, Francisco Barrios el Mastuerzo y Rubén Albarrán. Ese día, en los camerinos tras el escenario, Lalo, Chucho y yo volvimos a hablar sobre una vieja idea que teníamos de que yo les produjera un disco. Los volví a ver en un palomazo que hicimos en un concierto de Real de Catorce, en diciembre, e intercambiamos teléfonos para comenzar a trabajar. Así que unos días antes de Navidad me reuní con Lalo en un restaurante de la calle Madero, en el centro de la ciudad, para planear la grabación. Me comentó que querían hacer una serie de actividades para festejar, durante 2016, sus 30 años de actividad, y que deseaban que yo les produjera un EP de cinco canciones. Quedé en que hablaría con él los primeros días de enero para que, junto a mi ingeniero de grabación, visitáramos el estudio en el que trabajaríamos y también le pondríamos fechas a los ensayos. Así lo hice y me coordiné con Lalo para ir a conocer el estudio el martes 12, pero me llamó el fin de semana anterior para cancelar porque tendrían la grabación de un programa de televisión con Susana Zabaleta. Así que hablaríamos el 18 para fijar una nueva fecha. Esto ya no sucedió. En la madrugada de ese día, Everardo Mujica Sánchez falleció víctima de un infarto.

Durante la noche del domingo 17 de enero de 2016 se presentó con Tex Tex en el frontón El Puente, en Chimalhuacán, Estado de México. Ya se sentía mal, pero aun así dio su presentación sentado. En la última canción se retiró del escenario al culminar la parte cantada y el grupo acabó el tema ya sin él. De ahí se fueron directo a un hospital, en el que aconteció el fatal desenlace. Muchos de nosotros, sus amigos, nos fuimos a despedir de él esa noche, en la casa de operaciones de los Tex Tex, en la colonia Nueva Atzacoalco.

Ante la adversidad, Chucho decidió cumplir con los compromisos adquiridos, apoyado por Lalito Tex en la guitarra principal, León Vago en otra guitarra y Dónovan en la batería y los teclados. Después de esto, y como único miembro fundador del grupo, Chucho ha seguido adelante con Tex Tex.

Con algunos temas, cuyas grabaciones tenían archivadas de nuevas versiones de material de otros discos, y nuevas rolas que habían comenzado a maquetar junto al baterista Juan Hernández el Zorrillo, y de una que se llegó a rescatar la voz de Lalo, durante 2016 lanzaron el disco Espíritu del rock. La tradición de Tex Tex ahora se recarga en los hombros de Chucho.

En los 30 años de trayectoria y de tocar con mi hermano Lalo, creamos una estructura. Esa estructura es el soporte todavía, hay un público y unas canciones. Ahora, cuando me subo al escenario, me acompaña la presencia de mi hermano y siento el cariño que el público le tiene. Hay ciudades donde la gente está a la expectativa. Como que quieren ver a Lalo y ven a Lalito, que toca como su papá y se parece a él. De alguna manera Lalo está ahí, está su espíritu. No se ve, pero se percibe. [Chucho Tex.]

Discografía £

Un toque mágico (1988)

Perdidos (1990)

Tex Tex 3 (1991)

Tex Tex en vivo en Pachuca (1992)

Te vas a acordar de mí (1995)

Súbete al tren (1997)

Acción y reacción (2000)

Los Muñecos Desenchufados (2001)

De donde somos y a donde vamos (2002)

*86 (2005)

We Are a Mexican Band (2007)

Me haces volar (2011)

La fiesta (2013)

Espíritu del rock (2016)

Otras grabaciones

Ofrenda a Rockdrigo González (2003), compilado

Naco es chido (2009), compilado

Momentos mágicos (2011), recopilación

21. Luis Pérez Ixoneztli

1981, Ciudad de México

Género ù

Etno rock, electrónico, música tradicional, folk, world, experimental y ambient; con influencia de Varese y Stockhausen.

Historia h

Desde la década de los años setenta hubo varios intentos de mezclar ambientes prehispánicos con rock. Sin embargo, no dejaron de ser tímidos intentos de recrear una sonoridad de la cual no existe ninguna referencia, y que más bien está en la imaginación de músicos, quienes a partir de instrumentos provenientes de viejas culturas recrean una posibilidad, mas no una certeza. Tal fue el caso de grupos y solistas como Nuevo México, Al Universo, Arturo Meza, y en particular uno prácticamente desconocido, pero que tendría una importancia crucial en lo que después se denominaría etno rock: Luis Pérez, sobrino de los toreros Silverio y Carmelo Pérez. Eso propició que creciera en un ambiente bohemio. Su acercamiento a la música se dio en esas circunstancias, ya que su gracia era cantar ante las amistades de la familia, las celebridades de entonces.

Conforme fue creciendo, mostró interés por los grupos pioneros del rock and roll mexicano. Al terminar la primaria, su padre le regaló una guitarra eléctrica. Aprendió a tocar solo, apoyado por manuales que compraba en el puesto de periódico. Sin embargo, lo que en primera instancia era una habilidad celebrada por su familia, comenzó a preocupar a su papá, ya que trató de encaminarlo hacia una vocación más convencional, para que así no se enfrentara a las vicisitudes de ser músico. Pero eso ya se había vuelto el centro de su interés. Por medio de una tía escuchó por primera vez a The Beatles y, a partir de entonces, ya no hubo retorno. Entre 1964 y 1965, mientras cursaba primero de secundaria, se integró a la banda escolar Los Spyders, como cantante.

En cierta ocasión acompañó a su padre a la casa del Chino Flores, músico danzonero, que les vendió un micrófono. Entre sus instrumentos hubo uno que captó particularmente la atención de Luis. Era un caparazón de tortuga que tenía un globo con agua en su interior. Al preguntarle qué era, «instrumento muy antiguo, de los aztecas», contestó el Chino, dejando una fuerte impresión en el joven.

Del 66 al 67 tocó la guitarra y cantó en The Sluggers, otro grupo escolar de covers de bandas inglesas. Así transcurrieron los años de educación media hasta que, en 1970, Luis decidió buscar fortuna e irse de la Ciudad de México. Atraído por el sonido de las bandas de la Onda Chicana, viajó hasta Tijuana y se integró al grupo Machos por un año. Allá comenzó a hacer sus primeras composiciones. Al regresar a la capital del país, en 1971, se integró al grupo The Humans, en el que pudo montar algunos temas originales. Sin embargo, al poco tiempo se separaron. Le siguió el grupo de hard rock La Expedición y luego El Perón Eléctrico, de los cuales saldrían los integrantes de La Verdad Desnuda, convocados por Luis al final de ese año. Desde entonces, la necesidad de incluir temas propios al repertorio de esas bandas se convirtió en algo fundamental.

Con La Verdad Desnuda grabó un EP homónimo para Polydor, con tres temas de su autoría. Tenían letras de carácter social, e incluso de protesta. En su búsqueda de un sonido original se acercó a la música barroca y su misticismo cristiano.

Vino la proscripción del rock en México a partir del malogrado Festival de Avándaro y los grupos buscaron sobrevivir en los hoyos fonqui, lo que resultó muy difícil para la mayoría. Había represión y falta de trabajo. Si bien el público les fue receptivo, el trato con los empresarios tramposos fue desgastando sus ánimos. Compartían su lugar de ensayo con Ciruela, que al quedarse sin cantante integró a Luis para cumplir varios compromisos. En esa ocasión, además de cantar, tocó flautas y birimbao, en una muestra de su interés por nuevos sonidos e instrumentos.

Luis descubrió que sus compañeros de La Verdad Desnuda estaban trabajando sin él. Lo habían sacado de su propio grupo, lo que lo desanimó y entristeció. Así que decidió volver a viajar por el país. Según cuenta Arturo Meza, entrevistado por David Cortés en 1997 para su libro El otro rock mexicano: experiencias progresivas, psicodélicas, de fusión y experimentales, Luis tuvo una revelación en 1973:

Después de su paso por Ciruela, Luis se va a Palenque y tiene un viaje con teonanacatl (hongos). Allí tiene su despertar. Tocando la flauta arriba de una pirámide se da cuenta de que está acompañado por instrumentos precolombinos, y cuando acaba su viaje musical la gente que estaba abajo y la que lo acompañaba comienza a aplaudirle. Él tuvo su despertar allí, pero fue después de Ciruela y allá, en Palenque, comenzó a colectar instrumentos y a viajar recolectando todo lo que sonara.

Visitó diversos lugares de la geografía nacional, participó incluso en el grupo Wingman, de Alfredo Díaz Ordaz, con quien grabó algunos experimentos con teponaztlis y sonidos de concheros en unas cintas que se perdieron en el tiempo. Tuvo breves participaciones con los grupos Árbol y Al Universo. A la par estudió la historia de la música prehispánica, tratando de descubrir cómo se tocaban los instrumentos antiguos y cuáles eran sus sonidos. En 1977, después de un breve paso por Estados Unidos, se estableció en San Miguel de Allende, donde formó, junto a Ismael Chaveznava, el Grupo Experimental Mexicano, un intento por fusionar música autóctona, rock y música experimental. Esto le ayudó a tener claridad para crear un concepto que implicaba un nuevo lenguaje musical. Decidió trasladarse a la Ciudad de México nuevamente, instalándose en un cuarto de vecindad en el centro. Él sabía que tenía algo diferente y estaba decidido a jugársela por ello.

En 1978-79, estuve viviendo en condiciones paupérrimas en un cuarto en la calle de Perú y allí es donde se definió exactamente En el ombligo de la luna, viviendo en medio del ruido, la miseria; en ese entonces ya no trabajaba para sobrevivir como lo hacía antes. Me iba a tocar en cafés, me llevaba la guitarra, cantaba y de esa manera me ganaba el sustento, pero cuando definí mi trabajo decidí que ya no iba a conceder más; tenía algo, una propuesta que para mí en ese entonces era diferente, era única y tenían que escucharla. [Luis Pérez entrevistado por David Cortés para Nexos, 26 de diciembre de 2013.]

Su propuesta consistía en mezclar los sonidos de sonajas, rascadores, chirimías y el huéhuetl, entre otros instrumentos antiguos, con guitarra y bajo eléctrico, sintetizadores y cámaras de ECO. Su intención, como lo explica en el periódico El Financiero del 14 de abril de 1999, era: «crear un movimiento que nos identifique musicalmente como mexicanos».

Su suerte comenzó a cambiar cuando la UNAM y la delegación Cuauhtémoc le ofrecieron foros para presentarse. En uno de sus conciertos alguien del público (integrante del grupo de artistas Xochipili) lo grabó y mostró dicho registro a José Facio Maldonado, subdirector de Acción Cultural del ISSSTE, quien le dio apoyo para sacar un disco.

Fue así como, contratando el Estudio Crystal de PolyGram, y con Francisco Miranda y Fernando Roldán como ingenieros de grabación, se editaron cinco mil unidades de En el ombligo de la luna, durante 1981. Luis grabó todos los instrumentos. En la cara A uno encuentra ambientes cargados de fantasía prehispánica, en los que se sugieren cantos de aves y paisajes selváticos. En el lado B se registra por primera vez en un disco esa propuesta que detonó el trabajo de músicos como Jorge Reyes, La Tribu, Humberto Álvarez y Antonio Zepeda, y que se comenzó a definir como etno rock o etno música. El disco nunca se distribuyó en tiendas, ya que, al ser patrocinado por una institución gubernamental, tuvo otros métodos de colocación. Se envió a embajadas y diplomáticos de México en todo el mundo. Luis contó con algunos discos que regaló entre sus amigos, pero el hecho de no estar en las tiendas lo hizo un suceso desafortunado en cuanto a su difusión masiva. Fue un trabajo que se conoció entre algunos iniciados, y ya. Luis tuvo apariciones en televisión, radio e, incluso, conferencias internacionales sobre música mexicana.

No murió de hambre gracias al apoyo de José Facio, ya que éste lo integró a la nómina hasta el final del sexenio de López Portillo. Ambos escribieron reportes sobre investigación musical en todo el país, que fueron publicados en la revista Coatlicue. Al quedarse sin trabajo, creó el grupo multidisciplinario Iztazihuatlitatlolli, con el que se presentó en tres exitosas ocasiones con la obra Los hijos del Sol. Sin embargo, después de esto el sustento volvió a escasear. Mientras, otros músicos ahondaban en los terrenos caminados por él, pero con mayor proyección hacia públicos deseosos de propuestas propias, por lo que fue quedando en el olvido.

La situación económica volvió a complicarse, y en 1987, tras una breve estancia en Puerto Vallarta, se fue a vivir a Ventura, California. Allá nacía el interés por esta nueva manera de hacer música, lo que le permitió conectarse con músicos interesados en su trabajo. Vino una etapa de colaboraciones. Grabó con el Cirque du Soleil en los discos Mystere (1994) y Mystere Live (1996). También tuvo acercamientos con músicos de la escena new age y de world music colaborando con Jon Anderson en el disco Toltec (1996), el grupo Huayucaltia en los discos Caminos (1988), Horizontes (1989) y Amazonas (1992); con Strunz and Farah en los discos Mistereo (1989), Primal Magic (1990) y América (1992); con Kitaro en el disco Gaia (1990); con Jakson Brown en el disco World in Montion (1989); con Wire Train en su disco homónimo (1990), y con Andreas Vollenweider en el disco Dancing With the Lion (1989).

En 1998 se lanzó su segundo disco, al que llamó Tales of Astral Travelers, grabado en Cuicacalli Studios, en Santa Bárbara, California, por Gary Barlough y editado por el sello DOMO. Es un material en el que muestra dominio y madurez. Desde entonces añadió a su nombre un segundo apellido: Ixoneztli.

En 2005 grabó en el disco de Michael Kaatz, Far Away and Close to Home.

En 2011 volvió a México para reeditar dos tiradas limitadas conmemorativas en CD de su primer disco. Por otro lado, sumido en múltiples colaboraciones, pero registrando cosas propias de manera esporádica, entre 1996 y 1998 realizó una serie de grabaciones que editó hasta 2012 con el nombre de Santuario de mariposas, en su propio sello: Ixoneztli.

Con grabaciones realizadas entre 2001 y 2013 lanzó el disco In Situ, editado por Discos Histeria Colectiva.

En el mismo 2013 sacó el disco La Neza, con su sello Ixoneztli. Es un álbum de canciones que se aleja de sus anteriores trabajos, más enfocados a la música instrumental y ambiental, aunque sí mestizo.

En 2015 grabó con el sello Terraza Records, en las Cuevas Vírgenes, del estado de Guerrero, el disco Suspended Spheres, en el cual lleva su concepto a la profundidad de la tierra, tocando estalactitas y estalagmitas como instrumentos de percusión.

En 2016 sacó un disco doble con el sello Terraza Records, al que llamó Mare Nostrum, con temas variados, en diferentes contextos y diversas corrientes estilísticas, que van de la canción tradicional al world music y la etno música. En el booklet se pueden leer estas líneas de Luis Pérez Ixoneztli:

Nuestro Mar del latín Mare Nostrum es una compilación de piezas que fueron compuestas para acompañar; imágenes en documentales, películas y teatro. El título del álbum hace referencia a mi periodo de tiempo viviendo cerca del mar en el estado de California de los Estados Unidos; fue durante ese tiempo que se realizaron estos trabajos. Algunas de las piezas fueron compuestas sin propósito alguno, simplemente por la necesidad de expresar mi sentir por medio del lenguaje musical o para celebrar algún momento significativo en la vida de seres amados; a través de los años esta música fue archivándose y es ahora cuando aparece aquí publicada en dos discos.

En la actualidad, su vida se rige por el vegetarianismo, el yoga y la moderación.

Discografía £

En el ombligo de la luna (1981)

Tales of Astral Travelers (1998)

Santuario de mariposas (2012)

In Situ (2013)

La Neza (2013)

Suspended Spheres (2015)

Mare Nostrum (2016)

22. Dr. Fanatik

1981, Ciudad de México

Integrantes l

Arturo Fagoaga - Voz, teclados y performance

Lorenzo «el Pollo» Lagrava - Bajo, guitarra y teclados

Género ù

Rock clásico, punk, psicodelia, kraut rock y música electrónica; con influencia de Almodóvar y McNamara, Oliver Messiaen, Karlheinz Stockhausen, Los Venturosos, Los Pistones, Iannis Xenakis, John Cage, Faust y Can.

Historia h

Arturo Fagoaga, músico, actor, productor, director y pintor, comenzó a ser conocido como Dr. Fanatik a partir de la década de los setenta cuando, siendo parte del grupo de improvisación libre al que se conoció con el nombre de Como México no Hay Dos, recitaba, actuaba y destrozaba instrumentos junto a los músicos de Decibel, El Queso Sagrado y el convocante Jesús Bojalil, alias « Capitán Luxuria,» posteriormente «Capitán Pijama». Pero más allá de esta sui géneris agrupación, misma que sólo aparecía los días 16 de septiembre, durante la segunda mitad de esa década, Arturo presentó performances en los que involucró multimedia y teatro presentándose en el Museo de Arte Moderno, el Museo de Ciencias y Arte de Ciudad Universitaria, la Universidad Iberoamericana, el Centro de Estudios Cinematográficos de la UNAM y en otros foros de la República mexicana.

En 1981 creó junto a Lorenzo «el Pollo» Lagrava el grupo Manola Elegante. Comenzó así una mancuerna creativa que adoptó diferentes nombres según la ocasión y sus invitados. Su primer tema fue «La loca», del cual hicieron un art-video en Súper 8, comenzando así una dinámica con la cual sus obras se complementarían con otras disciplinas artísticas. Se le comenzó a considerar como un desfachatado, un excéntrico sin límites que hacía música cáustica llena de un perturbador humor negro. De ahí en adelante mezclaría rock y música electrónica y las fusionaría con distintas expresiones artísticas, que comprenderían obras gráficas, performances y multimedia. La intención de sus letras no radicó en la belleza de su construcción, sino en su causticidad. Su música estaría así acompañada por otras obras creativas, como es el caso de los videos digitales que ha dirigido el Dr. Fanatik de algunas de sus canciones a partir de los noventa.

Para la mitad de los ochenta, el Bar 9 ya los había adoptado como banda de la casa, usando diferentes nombres, como Matrimonio Gay o Dos Fotos y tu Acta de Nacimiento. Arturo y Lorenzo se hicieron pasar por Gordon Pompichello y Loren Koblenz, respectivamente, acompañados por Chucho Aleluya en la guitarra, Tibu Osterizer en los teclados y La Zita. Temas como «Virgen del mal» y «Mi novia es negra» fueron coreados por un público de diversas preferencias sexuales, asiduos al mítico lugar.

Hubo otros nombres para sus grupos, como Chula Chula, con el que interpretaban los temas «La infamia» y «Calzones de oxígeno»; o los Chog Chogs, con el que tocaban el tema «Pesadilla tropical», y Groovy People and the Love Freaks, junto al Capitán Pijama durante 1989, con el que interpretaban «La niña del VW verde». Los foros en los que solían presentarse, además del Bar 9, fueron Rockotitlán, el LUCC y el Hard Rock Live, entre otros. Sus conciertos-performances incluían a músicos reconocidos, creadores artísticos, travestis, nudistas y locos. Por su cuenta, en 1987 Lorenzo colaboró en la primera formación del grupo Sangre Asteka.

Una tarde de 1990, el Dr. Fanatik recibió la llamada del bajista Federico Fong, invitándolo a tomar unas cervezas en su casa de la colonia Condesa. Ahí se encontró con él y con el baterista de Caifanes, Alfonso André. De esa reunión surgió la idea de crear un happening performance al estilo de lo que el Dr. Fanatik ya había hecho con Matrimonio Gay y sus otros grupos en el Bar 9. Alfonso se encontraba en una etapa libre de compromisos con Caifanes y quería probar tocando en otro proyecto, en el cual no estuviera con Saúl Hernández, con quien había tocado siempre. Comenzaron a ensayar en el «Cuartel General», lugar de ensayo de los Caifanes en casa de Alfonso. Poco tiempo después, el Dr. Fanatik invitó al guitarrista José Manuel Aguilera, de Sangre Asteka, conocido de Federico y del Pollo Lagrava. El último en incorporarse a este grupo, creado principalmente para echar desmadre, fue el mismísimo Saúl Hernández, quien vivía en una pequeña cabaña junto al cuarto de ensayo. Montaron varios temas de los grupos anteriores del Dr. Fanatik. Sólo crearon un tema particular para esta agrupación, con música de José Manuel y letra del Dr. Fanatik, al que llamaron «Ultraman». Inspirados en el título de la película protagonizada por Robin Williams, llamada La sociedad de los poetas muertos, y haciendo juego de palabras, decidieron llamarse La Suciedad de las Sirvientas Puercas y salir vestidos de mujeres. Federico Fong sería «La Cachetona», Alfonso André «La Lagartona», Saúl Hernández «La Susan» y José Manuel Aguilera, junto al Dr. Fanatik, personificarían a unos padrotes. Fueron las amigas y novias de sus integrantes las que desinteresadamente aportaron su ropa para dichas caracterizaciones. El grupo se presentó en público sólo tres veces. Una ocasión en el LUCC, otra en Rockotitlán y la última en el cumpleaños de Stephanie Salas, en la casa de su madre, Silvia Pasquel, en la colonia Roma. Mientras tocaban, se proyectaron diapositivas de boas, strippers y travestis. Esos tres conciertos fueron suficientes para crear toda una leyenda alrededor de este efímero grupo, pero en el cual participaron varias futuras luminarias del rock nacional.

Después vino el grupo Cabeza, en 1991, en el que continuó la colaboración entre Arturo y Lorenzo. También hicieron un filme: Muñequita del demonio, en 16 mm.

Lo que vino después fue la transmutación entre el personaje y el grupo mancuerna, entre Arturo Fagoaga y Lorenzo Lagrava. Se comenzaron a presentar juntos como Dr. Fanatik.

Hacia el final de la década vino la etapa en la cual comenzaron a lanzar discos. Desde entonces tienen ya 11 producciones en su haber, mismas que han vendido de manera directa a su público en los conciertos y recientemente por las redes. Nunca les ha preocupado agradar ni firmar con alguna compañía discográfica. Aseguran ser atemporales y mantenerse al margen de las modas.

En 1997 editaron, de manera independiente, el disco Martes hoy, martes mañana, con 15 temas rescatados de sus proyectos anteriores, junto a nuevas piezas. Con este material saldaron una cuenta pendiente al no haber grabaciones oficiales de sus anteriores proyectos.

Pero el primer disco con temas nuevos fue Ella es una santa, de 1999, lanzado por la discográfica independiente Opción Sónica. Es una integración de música electrónica con guitarras poderosas. Entre los invitados están Adriana Díaz de León, Ulalume y Eduardo Vega. Grabaron en su propio lugar, el Estudio 745.

Spirit Underground, de 2000, también lanzado por Opción Sónica, es un disco casi instrumental, que tuvo la participación de los guitarristas José Manuel Aguilera y Alejandro Marcovich. Otros invitados fueron Ulalume, Andrés Soto, Adriana Díaz de León, Steven Brown y Rafa Gaytán.

Al comienzo del nuevo milenio apareció una edición de 500 copias de una grabación supuestamente pirata del concierto de La Suciedad de las Sirvientas Puercas, en Rockotitlán, que también incluyó algunos temas de un demo del grupo Cabeza. El Dr. Fanatik alega que esto fue resultado del robo de unas cintas pertenecientes a los músicos involucrados. Otras versiones manejan con suspicacia que fue el mismo Dr. Fanatik quien liberó dichas grabaciones. A la par de la aparición de este disco, el Dr. Fanatik le dio unas fotos inéditas de una presentación de La Suciedad de las Sirvientas Puercas a Hugo García Michel, director de la revista La Mosca en la Pared. Dichas fotos pertenecían a Alfonso André, pero en un momento de descuido fueron copiadas por Fanatik. La publicación de este material en la revista, y luego replicadas por el periódico La Jornada, en un momento en el que Caifanes, Jaguares y La Barranca ya eran muy famosos, resultó un gran escándalo, y de paso aumentó la venta de los discos del Dr. Fanatik en el Tianguis del Chopo.

Metamorfosis es un disco doble que salió en 2005, editado por Fanatik Records en coproducción con el Museo ExTeresa Arte Actual. Es un material instrumental que explora los terrenos de lo abstracto, lo concreto y lo ambiental, a partir de la improvisación de temas de sus discos anteriores. Participaron José Manuel Aguilera, Steven Brown, Alejandro Sánchez, Alejandro Labandera, Edy Vega y Alejandro Marcovich.

Crearon su propio sello discográfico al que llamaron Laguna Negra Records, con el cual sacaron en 2005 el compilado Lenguas olvidadas, con la participación de Adriana Díaz de León, Elizabeth Scott, Liz Haro,

Marlena Leal, Merlina Freud, Ulalume y Zu. Los temas fueron compuestos por Lorenzo Lagrava y el Dr. Fanatik.

Es mi heroína, de 2007, incluye cinco temas nuevos, además de tres videos que vienen como bonus tracks.

Alejándose del concepto bizarro al que nos tenían acostumbrados, y enfocándose en la interpretación de una música más disciplinada, desde 2008 Arturo y Lorenzo comenzaron a musicalizar una serie de películas mudas. Tocaron en las proyecciones de El último de los hombres, Metrópolis, El infierno y El gabinete del Dr. Caligari, en lugares como el Foro del Tejedor, de la librería El Péndulo, en la colonia Roma, la Cineteca Nacional, y el Lunario, del Auditorio Nacional. Fueron apoyados por Los Warhol, Alan Bengoa en la guitarra y Carlos Monroy en la batería. En dichas presentaciones, el Dr. Fanatik usó el alter ego de Sezmer, enfocándose en hacer sonidos atmosféricos a partir de un DJ set con instrumentos electrónicos y una computadora. Se destacaron las musicalizaciones de Fausto, dirigida por Friedrich Wilhelm Murnau, basada en la obra del escritor Johann Wolfgang von Goethe, en la Feria Internacional del Libro (FIL) de Guadalajara, durante 2011, y El Infierno de Dante, en 2012, dirigida por Giuseppe de Liguoro, Francesco Bertolini y Adolfo Padovan, inspirada en la Divina comedia de Dante Alighieri, organizado por la Cineteca Nacional y el IMER.

En 2012 participaron en la Carpa Intolerante del Festival Vive Latino, en la que los volvieron a acompañar Alan Bengoa y Carlos Monroy, además de contar con la presencia en los teclados de Roxana Flores (exInterfase).

En ese año lanzaron de manera simultánea Un lugar tranquilo para vivir, con invitados como Yenny Bombo, de las Ultrasónicas, y Chuy, de Los Estrambóticos, y el disco Ciudad futura, con música instrumental. Ambos tienen en común el tema «Dr. Who». Previamente habían lanzado en video los temas «Hey tú», canción con videoarte (2009), y «Sólo Marta» (2010), que se incluiría en el disco Un lugar tranquilo para vivir.

Retomaron escenarios y fue común verlos programados en lugares como El Imperial.

En los siguientes años lanzaron por la red los discos de sus trabajos con películas mudas. Éstos fueron Faust y Mars, en 2013, y L’Infierno, en 2014.

«Creo que nadie en tantas canciones se ha atrevido a hacer tanta jotería y tanta ridiculez en su momento.» (Dr. Fanatik en entrevista para el programa Esquizofrenia, del Canal 22, 2010.)

Discografía £

Martes hoy, martes mañana (1997)

Ella es una santa (1999)

Spirit Underground (2000)

La Suciedad de las Sirvientas Puercas (posiblemente en 2000)

Metamorfosis (2005), disco doble

Es mi heroína (2007)

Un lugar tranquilo para vivir (2012)

Ciudad futura (2012)

Faust (2013)

Mars (2013)

L’Infierno (2014)

Otras grabaciones

Lenguas olvidadas (2005), compilación

23. Kerigma

1981, Ciudad de México

Integrantes l

Sergio Silva - Voz

Tony Méndez - Bajo

Ernesto Canales† - Guitarra (1981-1988)

Rodolfo Yáñez - Guitarra (1981-1987)

Merlín Cross - Guitarra (1991-2000)

William Méndez - Guitarra (1994-1998)

Alejandro Azambuya - Guitarra (1994-2000)

Juan Carlos Novelo - Batería (1981-1983)

Arturo Ramírez - Batería (1983-2000)

Gilberto Fabila - Teclados (1981-1988)

Francisco Ruiz - Teclados (1987-2000)

Michel de Quevedo Méndez - Percusión (1993)

Género ù

Rock pop, progresivo pop; con influencia de Joaquín Sabina, Marillion, del new wave, el folk y la música mexicana.

Historia h

Una tarde, a finales de 1979, un par de amigos que se conocían desde la infancia, Ernesto Canales y Tony Méndez, platicaron sobre la posibilidad de unir sus bandas para crear Kerigma. Fue así como Sergio Silva, Rodolfo Yáñez y Ernesto Canales, procedentes de Coyote, se juntaron con Juan Carlos Novelo, Gilberto Fabila y Tony Méndez, procedentes de Iconoclasta (ojo: no es la banda de Víctor Baldovinos).

Tocaban rock progresivo con raíces mexicanas, experimentando con tiempos en compases de 3/8 y 6/8. Sin embargo, sin perder el gusto por la narrativa fantástica y las estructuras elaboradas, las piezas fueron tomando un carácter más pop. De esa época fueron los temas «Ojos mágicos», «Laura» y «Pedro Azul».

Se inscribieron al Segundo Concurso de Rock en el Chopo, de la UNAM, en 1982, y ganaron el primer lugar con el tema «Tendrás que cambiar». Participaron junto a Eclipse, Ruido Blanco y otras bandas.

Entonces tocaban con frecuencia en un lugar montado en una cochera en Miguel Ángel de Quevedo, llamado El Oriente. Llegó un momento en que su dueño les ofreció el espacio; así nació La Rockola, un foro importante para la escasa escena roquera al comienzo de los años ochenta, que duró hasta el 84. Fue una opción distinta al hoyo fonqui. En La Rockola tocaron, entre otros, Cristal y Acero, Kenny and the Electrics, Sombrero Verde, Mistus, Rockdrigo, Botellita de Jerez y Clips; Kerigma era la banda de la casa.

En 1983 salió Juan Carlos Novelo e ingresó el baterista Arturo Ramírez. Posteriormente, en 1984, el productor de televisión Luis de Llano les propuso musicalizar y participar en la ópera rock Hamlet. Príncipe de la locura, basada en la obra William Shakespeare, dirigida por Salvador Gracini. Temas como «Hamlet”, «Ser o no ser”, «Locura», «Buenas noches, dulce príncipe», y los temas de Memo Méndez Guiú, «Mi espera» y «Nena», que ya tocaban desde antes, los acompañaron siempre en sus conciertos. Se pretendió sacar un disco con grabaciones de la obra con la discográfica PolyGram, pero éstas quedaron enlatadas.

Con Televisa se produjeron tres videos que trajeron mayor proyección al grupo. A partir de 1984, y por tres años consecutivos, el Canal 5 cerraba diariamente sus transmisiones con uno de los videos de Kerigma.

En 1987 musicalizaron la comedia teatral La pequeña tienda de los horrores, dirigida por Manolo Sánchez Navarro. En esa ocasión interpretaron durante seis meses los temas de Alan Menken y Howard Ashman. De esto existen pistas grabadas con las que se pretendía hacer un disco, pero tampoco se editó.

En ese mismo año firmaron con la discográfica PolyGram y lanzaron su primer disco al que llamaron Siguiendo la línea, con la producción de Peter Boher. Se editó también en Colombia y Perú.

Se incorporó Francisco Ruiz en los teclados y Yamaha les dio un patrocinio que los hizo ir de gira a Costa Rica, Uruguay y Argentina.

El 20 de febrero de 1988 se presentaron en un concierto memorable en la Plaza de Toros México, junto a los grupos españoles Nacha Pop y Danza Invisible. En ese año también salió Gilberto, que creaba, arreglaba y montaba la mayoría de lo que entonces tocaban. En esa etapa se presentaron en programas como el noticiero Hoy mismo, con Guillermo Ochoa, Súper rock en concierto, Eco, A toda música, Video éxitos, Estrellas de los 80 y Siempre en domingo.

En 1989 Tony compró Rockotitlán, donde Kerigma tocaba regularmente.

En 1991 entró a la banda Merlín Cross y editaron su segundo disco llamado Esquizofrenia, con el sello independiente recién creado Discos Rockotitlán, producido por el primo de Tony, Memo Méndez Guiú. Este disco salió en 1993 y ganó rápidamente popularidad. La canción «Tres lunares», compuesta por Sergio, les abrió expectativas increíbles.

En ese año se incorporó el guitarrista Alejandro Azambuya. También lo hizo, aunque sólo por unos meses, Michel de Quevedo Méndez, el sobrino de Tony, en la percusión. Para 1994 se sumó el cubano William Martínez, exSíntesis, en otra guitarra. Saldría cuatro años después, poco antes de la grabación del tercer disco.

En 1998 firmaron con la compañía Warner y lanzaron Morir imaginando, con la producción de Memo Gil.

Al terminar la promoción del tercer disco, Sergio decidió concentrarse en su carrera como arquitecto y la banda dejó de tocar en el año 2000, sin plantearse una separación.

Durante esas dos décadas tocaron prácticamente con todas las bandas mexicanas de la época. También con la gran mayoría de las bandas de rock en español que visitaron México. Tocaron en Argentina, Uruguay, Panamá, Costa Rica, Cuba y en el New Music Seminar, en Nueva York, junto con Café Tacvba y Sangre Asteka. Participaron en conciertos para diferentes causas, en festivales altruistas en la UNAM, en el Instituto Politécnico Nacional y en algunas preparatorias. En varias ocasiones se presentaron en el festival Música por la Tierra, Homenaje a la Madre Tierra, y lo hicieron también por causas altruistas.

En 2008 se volvieron a reunir para grabar su primer tema inédito en 15 años. Lo llamaron «Revolución (entre tus piernas)». También grabaron nuevamente «Tres lunares». Ambos son parte del soundtrack de la película Amar, de 2009.

En 2013 fueron invitados a participar en el 20 Aniversario de Telehit, en el cual tocaron cinco de sus temas clásicos.

El 4 de julio de 2015 se presentaron en un exitoso concierto en el Teatro Blanquita, junto a Los Amantes de Lola y Rostros Ocultos.

Actualmente, los miembros originales Arturo Ramírez, Gilberto Fabila, Tony Méndez y Sergio Silva se encuentran en el proceso de sacar un boxset con sus tres discos oficiales, más uno extra con rarezas.

Discografía £

Siguiendo la línea (1987)

Esquizofrenia (1991)

Morir imaginando (1998)

Otras grabaciones

«Amar» (2009), soundtrack

Kerigma Boxset (en proceso)

24. Eblén Macari

1981, Ciudad de México

Género ù

Música del mundo, rock, electrónico, ambient, etno rock, folk, folclor mexicano y latinoamericano; con influencia de The Beatles, Simon & Garfunkel, Peter Gabriel, The Chieftains y artistas del mundo, en general.

Historia h

Con antepasados de origen libanés y yucateco, Eblén nació en la Ciudad de México el 27 de octubre de 1955. Creció en un hogar en el que la música siempre estuvo presente. Junto a su hermana Jeanette se sintió atraído por los sonidos de todo el mundo. La música árabe, brasileña, jarocha y, en general, el folclor mexicano y latinoamericano, así como la música renacentista, barroca y el rock, fueron el soundtrack de su juventud durante los años sesenta y setenta. En 1970 creó el grupo amateur de rock/folk acústico Comunicación, y cantaba en español, en contra de la tendencia general de cantar en inglés. Eblén se interesó en estudiar la guitarra de manera académica. Con su hermana, que por su cuenta estudió canto en el Conservatorio Nacional, hizo el grupo que mezcló elementos de la música clásica, popular y étnica, llamado Ars Nova, con poco o nada que ver con el rock, pero de gran importancia formativa para sus posteriores trabajos.

Eblén inició su carrera solista al comenzar la década de los ochenta, creando canciones en las que integró diferentes géneros como rock folk y rock progresivo. En 1981 sacó su disco debut al que llamó Un producto de los sesentas, editado por el sello El Jabalí Trepador y la producción de Óscar Reynoso. Se grabó en Ary Estudios. En el tema «Yo no nací en la Huasteca» contó con la participación de Óscar en el violoncello, la percusión, la guitarra y los coros, así como del tecladista del grupo MCC, Humberto Álvarez. En el disco también participó su hermana Jeanette.

De «Yo no nací en la Huasteca», Eblén comenta:

Es una pieza que sale cuando estaba muy reciente el movimiento de las peñas y por lo tanto era un movimiento muy politizado, muy a favor de la izquierda de esa época […] Yo lo siento como una moda estar a la izquierda, en las peñas […] Yo vengo de otra manera de concebir la música: desde muy niño toco y escuchaba sobre todo la música de los sesenta: The Beatles, The Doors, Cream, después Simon & Garfunkel, después la música barroca; pero uno debe estar ad hoc en el momento y tenías que hacer canciones en español. Cantar en inglés ya había pasado, era parte de los jipis; no estabas en el momento. Y empecé a hacer esta canción y me vino la idea de que era medio artificial, que siendo nosotros como éramos, viniendo de clases medias de los cincuenta, de repente éramos pro-campo o pro-huastecos y, pues no: éramos otra cosa. Y es una canción que sale a partir de esa idea de ser honestos con que somos de clase media y escuchamos a los Beatles sin entenderles nada, pero así crecimos. [Eblén Macari entrevistado por Rodrigo de Oyarzabal para Rupestre, el libro, coordinado por Jorge Pantoja, 2013.]

En 1983 editó, junto al guitarrista Juan Valdés, el disco Trayectos, producción independiente bajo el sello Unicornio, grabado en mayo de ese año en los Estudios Avyspa, de Cuernavaca, por el ingeniero de audio Marcos Deli.

En este trabajo es patente la preferencia de Eblén por concebir la música como un lenguaje autosuficiente. Él afirmaba no ser poeta, y si bien lograba buenas letras, también solía musicalizar poemas de Bertolt Brecht y Jorge Manrique, como fue el caso en su primer disco. Para su tercer álbum, la búsqueda de un sonido propio continuó por los terrenos de lo introspectivo, de la precisa ejecución de la guitarra, y comenzó a distanciarse de las tendencias roqueras. Sus discos eran casi desconocidos y tocaba poco. Estaba más interesado en lograr la belleza en sus composiciones que en su proyección en el escenario, en lo que parecía tímido. Se consideraba más un compositor que un intérprete.

En su andar conoció a Jaime López. Ya en 1982 ambos habían coincidido, junto a Maru Uthoff y Alejandro de la Garza Cholibrí, en un viaje de 10 días a Jamaica para escuchar a The Wailers y otras luminarias, en el primer aniversario luctuoso de Bob Marley. Juntos solían buscar trabajo en las instituciones culturales nacionales, sin mucha suerte. Con la posibilidad que se abrió en el Foro Tlalpan, dirigido por Sergio García Michel, se congregaron con otros amigos para hacer ciclos musicales, en los cuales se comenzó a gestar un movimiento. Entre ellos estaban Roberto González, Nina Galindo, Roberto Ponce, Rafael Catana, Fausto Arrellín, Rockdrigo González y Eblén, quien de pronto se vio involucrado en la creación del Colectivo Rupestre. Buscaban tener presencia a partir de la unión de varias propuestas que tenían en común la interpretación de sus temas de manera austera y directa, muy inspirada en el rock folk. La participación de Eblén con los Rupestres fue hasta cierto punto circunstancial. Para el momento en que el colectivo tomó fuerza, él comenzaba a dirigirse hacia otros derroteros creativos que lo involucraban con el folclor internacional.

En 1984 salió el disco «Glaciares» / «Cuatro canciones», con su propio sello: Macari Intermusica. Este material fue grabado por Alejandro González y contó con la colaboración de Leonardo Sandoval en los teclados y Óscar Reynoso en la guitarra. La cara A del disco la ocupa «Glaciares», tema prácticamente instrumental. En el lado B aparecen cuatro canciones, «La vida es sueño», «Girasoles», «Tiempo de ser compañeros» y «Navegabas», de las cuales una tiene letra de Eblén, y las otras tres, letras de Ozam Yehya y Jaime López.

Tras la muerte de Rockdrigo en 1985 y las entradas y salidas en Colectivo Rupestre, Eblén terminó por deslindarse de ellos y de la canción como tal. Ante la pregunta de Rodrigo de Oyarzabal: «¿Por qué participaste en ese proyecto?», Eblén Macari responde:

Por falta de espacios. No era sencillo en México ir en solitario; no daba frutos. No es que uno quisiera ir por la sola; en los ochenta los espacios estaban cerrados y un colectivo tenía más peso. Musicalmente nunca me sentí como en la misma línea; nunca he hecho un blues, nunca me ha gustado la canción urbana como algo que yo escuchara. Era muy joven y tenía amistad con ellos; nos gustaba juntarnos, platicar, tomar cerveza. Era más una relación de amistad y de simpatía que un movimiento. [En Rupestre, el libro].

En 1987 lanzó con el sello Dakta, y distribución de EMI Capitol, el disco Música para planetarios, en el cual propone temas instrumentales con un perfil ambient y de lo que ya se conocía como etno rock. Contó con la participación de José Luis Almeida en los teclados y los arreglos, la voz de su hermana Jeanette y la percusión de Germán Herrera. Los ingenieros en estudio fueron Alejandro González y Enrique Castro.

Siguiendo la línea del disco anterior, salió Cartas de navegación, en 1989, nuevamente con Dakta. Participaron José Luis Almeida en los teclados y programación de percusión y Olga Martínez también en los teclados.

Con la aparición en México del disco compacto y las posibilidades de espacio que daba el formato, Eblén aprovechó en 1991 para hacer un disco recopilatorio al que llamó Viento solar, en el que combinó algunas piezas del disco Música para planetarios, «Glaciares», de su tercer disco, y el tema inédito «Pangea», grabado en vivo el 11 de julio de ese año en una presentación que dio frente a Los Atlantes de Tula, durante el eclipse solar sucedido a las 13:20 horas.

Para entonces, el trabajo de Eblén se concentró en el uso de sintetizadores, sin dejar a un lado las guitarras acústicas y elementos prehispánicos, con los que creó atmósferas que lo ubican en los terrenos del ambient y el new age. En 1992 lanzó, con la discográfica independiente Lejos del Paraíso, el disco Altiplano. En éste ejecuta él solo teclados, guitarra, flauta y voz. Consta de dos momentos sonoros a los que llamó «Altiplano Boreal» y «Altiplano Meridional», siendo el primero el soundtrack de la película Teotihuacan. Lugar donde nacen los dioses, dirigida por Eduardo Carrasco.

A partir de entonces, Eblén Macari se volvió a concentrar en la ejecución de su guitarra, ya fuera al natural o procesada, y desarrolló para su música un concepto abierto a las manifestaciones folclóricas del mundo. Sus siguientes discos se fueron alejando del concepto tradicional de rock o alguna de sus vertientes y evolucionaron hacia una expresión sin etiquetas.

Tientos, de 1994, es una ventana a la música del mundo, incluyendo la del Golfo de México, ejecutada sólo en la guitarra. En Ámbar, de 1997, tituló sus temas con los nombres de maderas finas, describiéndolas de manera sonora. En Aires. Jeanette & Eblén Macari, del año 2000, volvió a hacer mancuerna con su hermana y de alguna manera es una vuelta al origen, en el cual combinan canciones tradicionales con música renacentista, como cuando lo hacían en Ars Nova. En ese mismo año Eblén editó La noche en Comitán, grabación en vivo realizada en dicha población chiapaneca en el marco del Tercer Festival Balún Canán. Siguió Orión azul, de 2004, y su experimentación con la sonoridad del mundo.

Acudió a sus raíces al explorar la música de sus antepasados de origen libanés y del sureste mexicano en el disco De Beirut a Cosamaloapan, de 2011. Su trabajo más reciente es Avant Folk, de 2012, en el que propone un acercamiento novedoso al concepto de folk contemporáneo.

Eblén, que hacia el final del siglo pasado parecía volverse cada vez más solitario, comenzó el nuevo milenio con grandes colaboraciones, creando agrupaciones como Eblén Macari Trío, Avant Folk y Eblén Macari Ensamble, en las que lo han acompañado grandes músicos, entre los que están los percusionistas José Sefámi, Francisco Bringas y su hijo Eblén Macari Martínez Kabalan; en el clarinete y los alientos exóticos Jesús Cuevas, el stick y guitarra de 12 cuerdas de Mauricio Sotelo, y el clavecín de su pareja Olga Martínez, junto a los cuales Eblén ha tocado guitarras de cuerdas de metal, nylon, de ocho cuerdas, jaranas y demás instrumentos vernáculos.

A lo largo de su carrera se ha presentado en infinidad de festivales y ha hecho giras por todo México, Estados Unidos, Líbano, India, Indonesia, además de otros países de Europa, Centro y Sudamérica.

«Soy mestizo cien por ciento y nunca he tenido problema por mezclar ni la comida ni la lengua ni la cerveza. Soy una persona a la que le encantan todas las culturas, todas las mujeres de cualquier color, todas las comidas me gustan; no tengo ese prejuicio y posiblemente es una herencia libanesa el darse cuenta de esa manera de interactuar.» (Eblén Macari entrevistado por Rodrigo de Oyarzabal en Rupestre, el libro.)

Discografía £

Un producto de los sesentas (1981)

Trayectos (1983)

Glaciares/Cuatro canciones (1984)

Música para planetarios (1987)

Cartas de navegación (1989)

Viento solar (1991)

Altiplano (1992)

Tientos (1994)

Ámbar (1997)

Aires. Jeanette & Eblén Macari (2000)

La noche en Comitán (2000), en vivo

Orión azul (2004)

De Beirut a Cosamaloapan (2011)

Avant folk (2012)

25. Syntoma

1981-1985, Ciudad de México

Integrantes l

Alejandro Eisenring «Alex Ice and Drinks» - Teclados, guitarra, voz y programación

Silvia Candanedo «Synthia Napalm» - Voz y teclados

Bernardo González «Dix Fraz» - Teclados (1981-1984)

Alberto Rocha - Teclados (1984-1985)

Colaboradores en la etapa inicial

Carlos Robledo - Teclados

Carlos Vivanco - Guitarra

Género ù

Tecno pop, new wave, post punk, pop experimental, psicodelia y tintes de rock progresivo con influencia de Kraftwerk, El Queso Sagrado, The Beatles, Gary Numan, John Foxx, The Human League, Devo, Ultravox y Frank Zappa.

Historia h

Para 1981 Alejandro Eisenring, líder del grupo El Queso Sagrado, tenía la inquietud de utilizar sintetizadores y explorar los terrenos de la música electrónica. La idea encontró rechazo por parte de sus compañeros. Lo que en principio hubiera sido la transformación de El Queso Sagrado, al final terminó convirtiéndose en la creación de un nuevo proyecto al que llamó Syntoma, nombre que hace referencia a la palabra en inglés «synthesizer». Fue así como en ese año el concierto de despedida de El Queso Sagrado también fue el debut de Syntoma.

Alejandro entonces tomó el seudónimo de «Alex Ice and Drinks» y se encargó de los teclados, las guitarras ocasionales y la programación. Se hizo acompañar de su esposa Silvia Candanedo, alias «Synthia Napalm» en la voz, y Bernardo González, alias «Dix Fraz», en otros teclados. Ambos venían colaborando con Alex desde El Queso Sagrado. Al principio, la banda tuvo un perfil experimental, pero fue tornando su estilo hacia un tecno pop con influencias muy variadas. Ensayaban en casa de Alex y Silvia en la colonia Portales de la Ciudad de México.

Conscientes de que pertenecían a un grupo de músicos subterráneos que no encajaban en los cánones del espectáculo nacional convencional y, siguiendo la pauta post punk del «hágalo usted mismo», comenzaron a manejarse de forma independiente; es decir, ellos mismos se grababan, diseñaban portadas, maquilaban y distribuían los discos.

Con mucho esfuerzo lanzaron el sencillo de 45 RPM «El heloderma»/«Engrapadora. Los quelíceros de la Viuda Negra», en 1981, producción independiente de Discos Phallus, cuyo diseño gráfico corrió a cargo de Walter Schimdt, del grupo Size y editor de la revista Sonido. Colaboró Carlos Robledo en los teclados.

En su inquietud por seguir experimentando, Alex comenzó a tocar con El Escuadrón del Ritmo, junto al Capitán Pijama, desde 1982. Tocaría con ambos proyectos durante los siguientes dos años.

Alex creó Corporación Sintética, un proyecto autogestivo que involucraba dos sellos discográficos, Trópico Digital y Discos Rosenbach, además de hacer booking para grupos con propuestas vanguardistas.

Así fue como el larga duración No me puedo controlar, de 1983, salió bajo el sello Trópico Digital y con una presentación poco común por esos días en los discos nacionales, responsabilidad de Mateo Lafontaine y Fernando Prieto, quienes cuidaron hasta el último detalle del diseño: tipografía realzada, funda con letras y centros de disco con diseño especial. Su aspecto personal también fue cuidado por Mateo Lafontaine, quien les hizo un estudio fotográfico y proporcionó vestuario para proyectar una imagen contemporánea. Para muchos, No me puedo controlar es considerado el primer disco tecno en México.

En ese mismo año grabaron, en la UAM Xochimilco, un programa de televisión con los temas «Homo Stereo», «Perdidos en el espacio» y «Subliminal». En la actualidad, éstos se pueden encontrar en la red. En esa oportunidad también grabó su programa El escuadrón del ritmo, en el que también participó Alex.

Por otro lado, dentro del concepto Corporación Sintética, Alex coprodujo un disco con el grupo progresivo Iconoclasta, en su otro sello, Discos Rosenbach, que estaba destinado a grupos con un perfil progresivo y de rock en oposición.

Bernardo dejó el grupo y se incorporó en su lugar Alberto Rocha, con quien hicieron su siguiente producción.

«Lost in space»/«Soy de lo peor», fue un sencillo de 45 RPM lanzado en 1984 por Trópico Digital, con el diseño gráfico de Carlos Vivanco.

En ese año, Alex se puso a componer lo que sería el segundo larga duración de Syntoma; sin embargo, este material no vería la luz pronto, debido a la separación de sus integrantes en 1985. Llegaron a presentar temas nuevos como «Mi robot» y «GoGo Teaste», que en ese momento ya no se editaron. En la actualidad, Alex Eisenring se ha dado a la tarea de rescatar esos y otros temas, mismos que se pueden escuchar por internet.

En 2005, el tema «No me puedo controlar» apareció como parte del disco compilatorio Backup Expediente Tecno Pop 1980-89, junto a otras bandas representativas de la música electrónica mexicana de los años ochenta.

En 2015 la discográfica japonesa EM Records editó una recopilación llamada simplemente Syntoma, con una selección de temas de sus discos, más algunos de los inéditos.

Discografía £

«El heloderma»/«Engrapadora. Los quelíceros de la Viuda Negra» (1981), sencillo

No me puedo controlar (1983)

«Lost in space»/«Soy de lo peor» (1984), sencillo

Otras grabaciones

Backup Expediente Tecno Pop 1980-89 (2005), compilado con el tema «No me puedo controlar»

Syntoma (2015), recopilación, edición japonesa

Otros o

Silvia vive en Alaska desde 1998.

Bernardo después colaboró con el grupo Nahtabisk.

Alex vivió en San Diego durante 1987. Sus pasiones han sido las computadoras, el diseño gráfico y la edición de video. Continúa componiendo, grabando y produciendo de manera independiente. Se ha dedicado a rescatar viejas grabaciones de los proyectos en los que ha participado y actualmente colabora con los grupos Decibel y Bardo Thodol.

26. Angélica Infante

1982, Ciudad de México

Género ù

Blues, rhythm and blues, rock and roll, punk, hard rock, progresivo, pop rock, música prehispánica; con influencias de todo tipo.

Historia h

Angélica es la sobrina nieta roquera de Pedro Infante y nieta de Ángel Infante. Desde pequeña participó en comerciales y programas de televisión. A los 16 años escribió, dirigió, actuó y compuso la música de la obra de teatro surrealista La fresa.

En 1982 se unió al grupo Exceso, que tocaba una mezcla de jazz y blues. Para 1984 se unió al grupo femenino Gatas de Callejón, que tenía un perfil hard rock. En su paso por diferentes bandas, participó en Automóvil Punk y Músculo del Amor, que eran bandas de hard rock y rock and roll, respectivamente. En 1986 cantó en hoyos fonqui junto al grupo Rock Moviloy, siendo muy bien recibida. Las revistas especializadas la pusieron en sus portadas, sacaron pósteres y le hicieron entrevistas, lo que la animó a continuar.

El 19 de octubre de 1986 encabezó el cartel del Primer Festival Dedicado a la Mujer Rockanrolera, realizado en el Salón Cosmos 2000, junto a Cecilia Toussaint y Arpía, Ángela Martínez†, de TNT, y Flor, de la banda Radar.

A partir de 1987 Angélica se mantuvo muy activa tocando en foros como Rockotitlán y en distintas plazas de la República mexicana, teniendo como bandas de apoyo a los grupos Shock y S3S. En éstos tocaba la guitarra Carlos Durán†, exVox Populi.

Realizó una temporada con el grupo Rey Dragón, de Armando Molina, a quien considera un gran maestro. También trabajó con el guitarrista Enrique Arrón. Todas estas experiencias le sirvieron para madurar su propio estilo.

En 1988 creó su propio concepto, al que llamó Fixión, junto al guitarrista Carlos Reyes y su hermano, el tecladista Pedro Luis Infante Wolf, incursionando en el tecno rock. Posteriormente se incorporaron a esta banda el guitarrista Cristopher Zea, el bajista Héctor Hernández, el baterista Octavio Fernández y el percusionista Alec Gama. Para entonces tocaban una mezcla de hard rock, funky y ritmos latinos.

Se presentaron continuamente en alamedas, escuelas, teatros, discotecas, hoyos fonqui, reclusorios del área metropolitana, antros roqueros y en giras por la República mexicana. En sus conciertos incluyeron juegos pirotécnicos, escenografía, magia y efectos especiales. Salieron en programas de radio y televisión como Música sin fronteras, bajo la conducción de Alfonso Teja, parte del sistema de noticias ECO, de Televisa; también aparecieron en Banda civil, En vivo, México D. F., Súper vacaciones y los programas de Luis Carbajo y Jimmy Fortson, entre otros.

El disco debut Fixión salió en 1992, con la producción de Alberto Acosta, en Discos Gas.

En 1993 y 1994, la revista Banda Rockera le otorgó el reconocimiento Personaje Distinguido, en esa categoría, como resultado de sus encuestas. Dichos reconocimientos estuvieron firmados por Vladimir Hernández†.

En 1994 grabaron «Cuidado S.I.D.A.», que fue utilizada por Conasida en la campaña de prevención de esta enfermedad. El tema fue incluido en la película ¿A poco somos de alto riesgo?, dirigida por Pilar Pellicer y producida por el Departamento del Distrito Federal (DDF) y Ser Humano, A. C., en la que también actuó Angélica.

En 1996 lanzaron de forma independiente el segundo material de Fixión que se llamó No sé si podré, que posteriormente se conoció como Ver el despertar, en el cual participó Sax, de Maldita Vecindad. Los temas son originales y compuestos en coautoría por Angélica Infante y Carlos Reyes.

En ese año, el H. Ayuntamiento de Tlanepantla, Estado de México, y la Asociación Mexicana de Promotores del Arte y Cultura, A. C., le brindó un homenaje popular a Angélica Infante.

Fixión pasó en dos ocasiones a la final de los concursos Band Explosion, de Yamaha. También crearon el estudio Fixión Producciones.

Angélica emprendió una gira por Guatemala, El Salvador, Venezuela y Perú, acompañada por el guitarrista Cristopher Zea, el baterista Ernesto Flores y el bajista Joel Mendoza, logrando así presentarse únicamente bajo el nombre de Angélica Infante.

En 1998 salió Nací salvaje, con temas clásicos del rock que en algún momento han tenido un gran significado en la vida de Angélica; fue producido por Ignacio González para Discos Denver. Los arreglos fueron hechos por el grupo Desertor, de Alberto Muñoz†. Contó con la participación de Algher Erosa en la guitarra.

Por amor a los clásicos, que han sido parte de mi historia porque hacen y seguirán haciendo caminos en la vida de muchos seres, porque el mensaje sigue vivo y viviendo porque no tiene raza, idioma, ni sexo. Por mi derecho a captar, sentir y transmitir desde mi interior, con mi propia alma, estilo y sentimiento, porque el rock es un lenguaje universal […] así me atrevo a adentrarme en sus recovecos, investigar, entender y transportar a mi mundo sus letras, respetando al máximo su mensaje original. [Angélica Infante.]

Para la promoción de este material conformó una banda con Zea, integrando al baterista Ángel Ávila y al bajista Rubén Rodríguez. Con ellos logró un sonido energético, y se presentaron en una larga gira por la República mexicana. Para el Día de Muertos crearon el espectáculo Calabaza en tacha, en el que los músicos salían disfrazados de calavera y Angélica utilizaba la motosierra, con la cual aparece en la portada de Nací salvaje. Desde entonces procuran presentarse así cada mes de noviembre.

En ese año grabó también para el acoplado de Denver, Bohemia del Rock Siete, el tema original «Que te deshagas de mí», con la participación del saxofonista Octavio Espinoza, mejor conocido como el Sopas.

Su siguiente álbum fue Dimensiones, con Discos Denver. Grabó y mezcló David Guerrero en los estudios Marco Musical, en Acozac, Estado de México, cuyo dueño es Marco Antonio Solís. Como músicos invitados estuvieron Miguel Amín en el violín y Francisco Gatica enlos teclados. Promovieron el sencillo «Llámame, baby», del cual hicieron un video.

Para el año 2000 Discos Denver sacó el calendario Rolando, el 2000, con fotos exclusivas de Angélica tomadas por Víctor Vera. En ese mismo año, el Círculo Nacional de Periodistas otorgó a Angélica Infante la Medalla Phonos, designándola como la Mejor Intérprete Femenina de Rock de ese año y por ser considerada un pilar del movimiento femenino del rock mexicano.

En 2001 se tituló como licenciada en administración de empresas, en el Instituto Superior de Estudios Comerciales.

En marzo de 2003 Angélica Infante realizó un viaje a Inglaterra, buscando nuevos espacios para abrir puertas a su música y, con la ayuda de su amigo, el tecladista Scott Isler, se presentó en las ciudades de Londres, Bournemouth, Ramsgate y Brighton. En esa ocasión la acompañaron los músicos de The Phantom of the Blues, el grupo de Scott, quienes montaron sus canciones.

En 2004 recibió el honor de salir en el flyer de colección del aniversario 24 del Tianguis Cultural del Chopo, con una fotografía artística de Gregorio Cortés, quien la captó en una de sus actuaciones para Radio Chopo, precisamente cuando jugaba con su emblemático y típico velo negro en la rola «Noche obscura».

En julio se metió de lleno a producir Águila de acero en los estudios Ruido Marcabru, bajo la producción ejecutiva de Arturo Meneses y Discos Misha. El ingeniero de grabación y mezcla fue Leo Isain Marcabru; en la guitarra, su ya inseparable Cristopher Zea; en la batería, el exSanta Muerte, M. Antonio González, y en el bajo, su amigo desde la preparatoria Alberto Muñoz, exDesertor. Salió a la venta en 2005 e incluye 14 temas de la autoría de Angélica, 11 que fueron grabados y editados para este disco y tres más remasterizados como bonus tracks, provenientes del disco Veré el despertar, del año 96. En este disco experimentó fusionando el rock con tango, huapango y música de inspiración prehispánica.

En la promoción de Águila de acero visitó plazas conocidas y sumó nuevas nunca incluidas en sus giras. Ganó el Premio El Sol de Oro, otorgado por el Círculo Nacional de Periodistas, A. C., por su destacada e incansable labor en la música roquera.

En 2008 sacó el ambicioso disco Xilonen, en el que continuó experimentando con las fusiones de folclor mexicano y de inspiración prehispánica con el rock. En sus letras combinó español con náhuatl. Es un disco con 16 temas, divididos conceptualmente en dos bloques, uno roquero y otro de rock fusión. La portada fue hecha especialmente por el maestro Ruissó, artista plástico mexicano y pintor surrealista, quien realizó un retrato de Angélica Infante al óleo, alusivo a Xilonen, diosa de la nueva creación, del maíz joven, xilote. El booklet cuenta también con un prólogo de Roberto Arizmendi. Como músicos participaron sus viejos aliados Zea, Infante Wolf y Alberto Muñoz†. Lo promovió tanto en México como en Estados Unidos y tuvo difusión en diversos medios de comunicación, destacando su participación en el programa Animal nocturno, de Ricardo Rocha.

El disco Fémina tiene la peculiaridad de haber sido lanzado primero en Inglaterra durante 2011 y, posteriormente, en México en 2012. Producido por su hermano Pedro Luis Infante Wolf y Caque K, cuenta con la participación de varios invitados, entre los que destacan Lalo Toral y Jaime de la Parra. De este material se desprendió la canción «Lo tengo que entender», de la cual existe un video realizado en Londres.

Discografía £

Fixión (1992)

Veré el despertar (1996)

Nací salvaje (1998)

Dimensiones (1999)

Águila de acero (2005)

Xilonen (2008)

Fémina (2011, en Inglaterra; 2012, en México)

Otras grabaciones

Bohemia rock (1997), acoplado, con los temas «Trébol» y «Carmesí»

Bohemia rock 4 (1997), acoplado, con el tema «Ave azul»

Bohemia rock 5 (1997), acoplado, con el tema «Amar a alguien»

Bohemia rock 6 (1997), acoplado, con el tema «No tengo tiempo»

Bohemia rock 7 (1998), acoplado, con el tema «Que te deshagas de mí»

Sonido urgente (1998), acoplado, con el tema «Mony Mony»

Nací mujer (2002), acoplado, con los temas «Mony Mony» y «Venus»

Otros o

Como actriz ha participado en el corto ¿A poco somos de alto riesgo? y Pandemia de hoy, de Pilar Pellicer; en las películas El sabueso, Muerta en el panteón y Botas de avestruz de diamante. También ha hecho teatro, televisión y espectáculos. Ha sido locutora y luchadora social.

27. Real de Catorce

1982-2006, 2009-hasta hoy, Ciudad de México

Integrantes l

José Cruz Camargo Zurita - Voz, armónica, guitarra y dobro

Fernando Ábrego - Batería (1982-2006)

Dwight Carroll - Guitarra (1982-1985)

Roberto González - Bajo (1982)

José Iglesias† - Guitarra y flauta (1985-1997)

Severo Viñas Montes - Bajo y percusión (1983-1990)

Rafael Herrera - Bajo (1990-1992)

Juan Cristóbal Pérez Grobet - Bajo (1992-1999)

Julio Zea† - Guitarra (1998-2006)

Jorge Velasco - Bajo (1999-2002)

Carlos Torres - Violín y teclados (1998-2002)

Salvador Arceo - Bajo (2003-2004)

Bernardo Fernández Yah «el Pollo»† - Percusión, sax y bajo (2004-2005)

Neftalí López - Bajo (2005-2006)

Iván Villanueva - Teclados (2006-2013)

Christian Villanueva - Batería (2008-2013)

Formación actual

María José Camargo - Voz

Rodrigo Pratt - Bajo

Arturo Waldo - Guitarra

Miguel Korsa - Guitarra

Francisco Velasco - Teclados

Alan López - Batería

Género ù

Blues, jazz, rock, rumba, boogie woogie y reggae; con influencia de Budy Guy, John Lee Hooker, Billie Holyday, BB King, Steve Ray Vaughan, Magic Dick, Muddy Waters, Robert Johnson y Sony Terry.

Historia h

José Cruz Camargo Zurita nació en la Ciudad de México el 2 de noviembre de 1955. La música y la literatura fueron sus gustos desde su temprana infancia ya que, de pequeño, le generaba mucha curiosidad la poesía del Siglo de Oro español y a los 10 años tuvo su primera guitarra. En la década de los años setenta, aún adolescente, solía tocar en peñas sus propias canciones. En esos ámbitos no fue sencillo exponer su gusto por el blues, ya que se solía interpretar canción sudamericana y canto nuevo. Eran de los pocos foros en los cuales un joven podía tocar sus propios temas. Él comenzó a componer blues en español y aprendió a tocar la armónica. Su primera canción se tituló «Mesticia».

José Cruz me cuenta que salió de su casa a los 17 años en busca de su lugar en el mundo. Estaba interesado en el conocimiento interior del ser humano y se dedicó a experimentar, a vivir con rapidez e intensidad. En esa búsqueda de su propio aprendizaje, de su descubrimiento como persona, el joven experimentó con drogas: desde la heroína hasta los ácidos. También militó en el Partido Comunista, lo hacía con convicción, constancia, se entregó de corazón a la izquierda radical, hasta que conoció sus carencias y contradicciones. [Maricela Paz Téllez para el suplemento «Domingo», de El Universal, 12 de agosto de 2012.]

Antes de que acabara la década viajó a Austin, Texas, donde tocó la armónica con bluseros de la región, como Mr. O. Regresó a México con la convicción de hacer una banda.

Al comienzo de los años ochenta tanto el Museo del Chopo como el Foro Tlalpan se convirtieron en laboratorios creativos en los que surgió un gran número de compositores jóvenes y diferentes artistas y caricaturistas como El Fisgón y Manuel Ahumada†. Grupos como Banco de Ruido, Arrieros Somos y Un Viejo Amor llegaron a contar con la participación de José Cruz. Era una época de colaboraciones y crecimiento.

Al final de 1982 se juntó con Fernando Ábrego en la batería y el estadounidense Dwight Carroll en la guitarra para formar una banda de blues en español, en la que interpretaban sus composiciones. Tuvieron a Roberto González como bajista por un breve tiempo, hasta que, al comienzo de 1983, se integró Severo Viñas Montes. Por sugerencia de Roberto se pusieron el nombre de una mágica población de San Luis Potosí, que alguna vez fuera minera y que se encuentra enclavada en plena zona huichol, tierras de peyote ceremonial. Su primera presentación usando el nombre de Real de Catorce fue el 2 de abril de 1983, en una fiesta organizada para recaudar fondos para su amigo Manuel Ahumada, quien viajaría a Nueva York. Ahí tocaron también por primera vez Botellita de Jerez, La Broma Bolchevique y el maestro de ceremonias fue Jaime López. Existe un cartel que confirma esto.

A partir del V Festival de Blues en el Auditorio Nacional, en 1983, el grupo comenzó a acompañar a la cantante Betsy Pecanins, por lo que usaron el nombre de Blues y Fuerza del Centro durante el siguiente par de años. «De pronto José Cruz hizo de las suyas… tomó la armónica y llevó a la concurrencia de acá para allá.» (Alain Derbez en su libro Hasta donde nos dé el tiempo), haciendo referencia a cierta fiesta en la que el famoso blusero estadounidense Papa John Creach cantaba acompañado por Taj Mahal en el piano, incorporándose José al palomazo.

Para 1985 Dwight salió del grupo, tomando su lugar el guitarrista José Iglesias. No fue sino hasta el 12 de diciembre de ese año, tras los terremotos en la Ciudad de México, que Real de Catorce se presentó en el recién inaugurado Rockotitlán, en búsqueda de un camino propio y alejados de la tutela de Betsy. El grupo suele usar esta fecha como el momento en que comenzaron oficialmente. El blues siempre ha sido un género consentido del público mexicano, pero hasta ese entonces lo que mayormente se tocaba era una versión mexicanizada del rhythm & blues. Real de Catorce comenzó a destacar como una agrupación que se enfocaba más en el blues tradicional; no obstante, hizo mezclas con otros géneros. Pero sin duda, un sello distintivo fueron las poéticas letras de José Cruz, que mostraron un mundo a veces oscuro, y otras tantas, luminoso.

Julia Camargo, la hermana de José, los representaba por esos días. En 1986 consiguió unas horas de estudio para que grabaran los temas «Soledad y sol», «Mujer sucia», «El halcón» y «Flores en la ventana», que aparecieron en un casete que solían vender en sus presentaciones. Esto permitió que pudieran juntar el dinero necesario para entrar a grabar cuatro canciones más para completar lo que sería su disco debut, en el estudio de Los Joao. En 1987 lanzaron de manera independiente el disco Real de Catorce, producido por el tecladista Carlos Núñez C. en los estudios Neptuno y Grabinder. La portada es la imagen de un minero tomada por David Maawad, fotógrafo del Archivo Casasola, y las ilustraciones interiores son de Manuel Ahumada. El tema «Azul» se convirtió, sin duda, en uno de los más reconocidos del rock mexicano y forma parte del soundtrack de toda una generación.

También por intermediación de Julia, al final de 1986, en medio del proceso de grabación, visitaron la desaparecida Unión Soviética. Tras su regreso, al comienzo de 1987, presentaron el disco en el teatro de la Ciudadela con lleno total. «Recuerdo que salí al escenario con un gorro de nutria y canté en ruso “Ojos negros”. Esa noche, Real de Catorce iniciaría su encumbramiento como grupo de rock y blues en español.» (José Cruz, en el sitio <culturablues.com>)

Al siguiente año, al comienzo de la era salinista, lanzaron el disco Tiempos obscuros, bajo el sello Discos La Mina. Contó con la participación de músicos invitados como Carlos Núñez C. en la guitarra y los teclados, Renato Menconi en el sax, y Baby Bátiz, Claudia Pizá y Marco Polo Garibay en los coros. Fue grabado en los estudios E.M.S.A. y la producción artística volvió a correr por cuenta de Carlos Núñez C. La portada es otra antigua fotografía de David Maawad que muestra un comedor subterráneo de una mina del pueblo Real de Catorce.

En 1989, como el nombre de su siguiente disco lo indica, José dedica algunos temas de esta producción a los amigos que se fueron quedando en el camino. Mis amigos muertos se hizo con el sello Discos La Mina, con Carlos Núñez C. en la producción y la portada con una fotografía del Archivo Casasola del Túnel de Ogarrio, también por David Maawad. Como músicos invitados participaron Armando Báez Pinal, Nathalie y Maribel Arriagada en los coros, Armando Montiel en la percusión, Jorge Luis «Cox» Gaitán en el violín, José Balloteruz en el sax y Carlos Núñez C. en la guitarra y los teclados.

Severo Viña dejó la agrupación en 1990 para sumarse al grupo Aleación 0720 y en su lugar entró el bajista Rafael Herrera. En 1992 volvieron a cambiar de bajista, ya que Rafael se enfocó en la creación de otra agrupación conocida como las 38 400 Voces y sus Excepciones. Se integró entonces Juan Cristóbal Pérez Grobet, con quien entraron al estudio para grabar Voces interiores, que fue editado ese año y distribuido por Discos Pueblo. Tuvieron como músicos invitados a Carlos Cabral Júnior en el bajo, la guitarra y los teclados; Alejandro Campos en el sax y Adriana Martínez, Laura Elvira Serratos, Ofelia Guzmán y Malena Durán en los coros. Este disco generó cierta polémica entre los fieles seguidores de la banda al contener un rap hecho por voces femeninas; causó opiniones adversas. Pero esto no mermó el culto que ya se había creado alrededor del grupo. A la par de toda una campaña promocional que ponía sus reflectores en bandas que resultaron comerciales, Real de Catorce había navegado fiel a sus principios bluseros a partir de una postura artística propia, un discurso poético que colocaba a José en un estatus de ídolo y una posición política a favor de causas sociales. «Real de Catorce desde siempre fue independiente porque así lo decidí. Sin productores que nos dijeran qué hacer…» (José Cruz entrevistado por Mario Cano para <yaconic.com>, el 7 de enero de 2014.)

En 1994 sacaron el disco Contraley, con Producciones De Pelos. Participaron como artistas invitados Beatriz Salinas, Isaac Alvarado y Pedro Valdez en los coros; Dennys Parker en la guitarra, el bajo y los arreglos de cuerdas; Gerry Rosado en el E bow; Jorge Luis Gaitán en el violín; Carlos Walraven en la percusión, y una sección de metales conformada por Carlos García y Jesús López en las trompetas; Enrique Sida en el trombón, y Jorge «el Che» Cristians en el sax.

En 1995 fueron invitados por el alcalde de la ciudad de Chicago, Mike Orlove, para tocar en el Festival de las Ciudades Hermanas. Se presentaron con mucho éxito en el Instituto Cultural de Chicago y en los bares Buddy Guy’s Legend y Rosa’s Lounge Bar, en una gira de ocho días, en la cual los acompañó su amigo y saxofonista Alain Derbez, encargado de hacer una crónica del viaje.

El 27 de junio de 1997 se llevó a cabo un concierto en Rockotitlán. De su grabación se desprendieron dos discos, Azul y Al rojo, en los que se aprecia la verdadera calidad interpretativa de la banda, que no se proyecta en sus grabaciones de estudio, así como la dinámica que José generaba con su público. Este concierto también fungió como una despedida para José Iglesias, quien dejó el grupo para ser sustituido por Julio Zea, su alumno. Como dato curioso, Julio llegó a hacer una audición en Botellita de Jerez, tras la salida de Santiago Ojeda, optando por quedarse en Real de Catorce. Iglesias dejó una marca indeleble en el grupo, que muchos seguidores reconocen.

Tras un par de años de producción en Zona de Intolerancia, en 1988 lanzaron Cicatrices, con Discos Pueblo. Los invitados fueron Leonel López en la percusión, Carlos Torres en el violín, Gerry Rosado enel órgano y Paola Gutiérrez en los coros.

A partir del lanzamiento de Cicatrices se incorporó el violinista y tecladista Carlos Torres como músico de apoyo, y comenzaron a tener el manejo de nuevos representantes: Rodrigo Farías Bárcenas y Magdalena González Gámez. Pero vendría otro cambio importante. Al salir Juan Cristóbal Pérez Grobet de Real de Catorce en 1999, se incorporó el legendario bajista Jorge Velasco (exMCC, Betsy Pecanins, Sergio Arau y Jaime López).

Hasta ese momento, José Cruz había corrido con buena suerte, el grupo gozaba de prestigio en la escena nacional y era conocido en otras partes tras sus incursiones en otros países. Parecía que nada alteraría esto hasta que apareció una señal de los terribles tiempos que se avecinarían sobre Cruz y la banda.

En enero del año 2000 a José se le paralizó el lado izquierdo del cuerpo. Una mañana, cuando su hija le pidió dinero para ir a la escuela y al intentar levantarse de la cama, cayó sin poder levantarse. Una vez que pasó esta crisis, inmediatamente tomó la guitarra para constatar que no la podía tocar. Pensó que ahí se terminaba su carrera. Al comienzo no sabían si había sufrido una embolia, cosa que se descartó después. Trató de continuar con su vida. Ni él ni su familia entendían lo que sucedía. En esas circunstancias Real de Catorce entró a grabar Nueve, disco editado por Discos Pueblo.

José Cruz siguió inmerso en su trabajo en la música, aunque en ocasiones no pudo tocar la guitarra, ni cantar, así que recitaba poesía. El tema «Sostente de pie», del disco Voces interiores, se volvió emblemático para José y sus seguidores, ya que transmitía lo que en esos momentos estaba viviendo.

Siguió el álbum Voy a morir, en 2002. En esta ocasión contaron con la colaboración de los músicos invitados Alberto Obregón en la trompeta y el Trío Muna Zul en los coros, así como la del DJ Pepster en la tornamesa y MC Luca rapeando en el tema «El virrey».

Carlos Torres dejó el grupo ese año. En 2003 también salió Jorge Velasco, entre otras cosas porque ya no soportaba el nivel de tensión existente entre Fernando Ábrego y José Cruz. Fue sustituido por Salvador Arceo.

José comenzó a tener mareos y le costaba trabajo hablar con fluidez; siguieron la fatiga y la incontinencia urinaria. Finalmente fue diagnosticado con esclerosis múltiple en el Instituto Nacional de Nutrición Salvador Zubirán; una enfermedad degenerativa que no tiene cura, aunque es manejable con medicamentos. La reacción de sus compañeros de grupo y de sus representantes Rodrigo y Magdalena fue de incomprensión e incredulidad.

La mala racha continuó. En agosto de 2004 el grupo recibió la terrible noticia del fallecimiento de su excompañero José Iglesias, como consecuencia de un paro cardiaco. En ese año se integró al grupo el percusionista y saxofonista Bernardo Fernández Yah, quien, al salir Salvador Arce, se convirtió en el nuevo bajista de Real de Catorce durante 2005, hasta que fue trágicamente asesinado durante un asalto, en abril de ese año.

Por si fuera poco, la situación interna del grupo se fue agravando con un enfrentamiento entre sus representantes y Fernando Ábrego (compañero de José desde que comenzaron a tocar con Betsy), quien junto a los otros miembros de Real de Catorce reclamó a José Cruz su falta de compromiso con ellos, relativizando las manifestaciones dela esclerosis múltiple de su compañero y llegando a decir que su mal era consecuencia de su actitud ante las cosas. Alegaron que su acción desconocía el valor del trabajo colectivo, aun cuando parte de su discurso en los escenarios era elogiarlos; que trastocaba una sociedad establecida con ellos, misma que había sido su propuesta para impulsar el desarrollo y la difusión de Real de Catorce, argumentando, en su momento, que carecía de recursos para pagar honorarios. Por un lado, unos planteaban que José saboteaba a Real de Catorce; por otro, éste denunciaba el desconocimiento y la incomprensión de sus compañeros ante lo que era la esclerosis múltiple. El 2 de noviembre de 2006, José sufrió, en pleno concierto, un paro respiratorio como consecuencia de su enfermedad.

Ante el clima de discriminación, José Cruz dio por disuelto el grupo, formado en la cultura independiente. Julio Zea, Fernando Ábrego, Rodrigo Farías, Magdalena González Gámez y Neftalí López, integrantes de la banda, demandaron a José y le exigieron el pago de salarios caídos, seguro social y otras prestaciones que sólo ofrece una empresa, asumiendo, además, que José Cruz era su patrón […] En respuesta, José Cruz presentó ante el Conapred una queja por discriminación. El organismo llamó a los integrantes del grupo a pláticas de sensibilización y a conciliar, pero ninguno de ellos asistió al llamado. Así, la institución dio la razón al fundador del grupo. Con tanques de oxígeno, pañales para evitar la incontinencia y sus letras escritas para no olvidar sus propias canciones, José Cruz continuó con su carrera como solista. Ese mismo hombre que, según sus excompañeros, se había derrotado… [Juan Pablo Proal para el artículo «Las cartas que detonaron la separación de Real de Catorce», Proceso, 18 de noviembre de 2011.]

José Cruz continuó trabajando, no sin dificultades, ya que comenzó a utilizar una silla de ruedas, además de necesitar oxígeno y medicamentos. En 2009 sacó un disco como solista al que llamó Lección de vida, que contó con la colaboración de los hermanos Iván y Christian Villanueva, tecladista y baterista, respectivamente, que solían acompañarlo en esa difícil etapa. También colaboró su hija María José Camargo. Con esto, más el apoyo de familiares, amigos y seguidores, José pudo seguir pagando su tratamiento y abogados para enfrentar las demandas de sus excompañeros. Como resultado del apoyo a José Cruz en esos momentos de dificultad, Leobardo Jacob Lechuga realizó el documental José Cruz: a diez metros del infierno, que contó con testimonios de Jorge Reyes, Betsy Pecanins y Armando Vega-Gil, entre otros.

Por esos días, yo (quien escribe estas líneas) me encontraba convaleciendo entre quimioterapias para vencer el cáncer linfático que me aquejaba. Cierta noche recibí una llamada totalmente inesperada. Era José Cruz, quien se había enterado de mi situación y habló (con bastante dificultad) para darme ánimos. Sin habernos tratado antes, y sólo con el sentimiento solidario que le provocó saber que otro músico luchaba contra una enfermedad, me transmitió el espíritu de lucha que lo motivaba a seguir adelante. Son cosas que jamás se olvidan. «Hice todo igual, como si no hubiera estado nunca enfermo. Hay una fortaleza interior que fui descubriendo poco a poco, a través de la meditación, conviviendo con los huicholes que me enseñaron muchas cosas de mí… y la valentía que todos tenemos, que es la puerta que debemos tocar. Cuando nos sentimos cobardes, hay que seguir hasta el fondo, porque en el fondo de la cobardía está el valor. Todos tenemos ese valor para vivir.» (José Cruz en entrevista con Mónica Maristain, en el artículo «México vive una emergencia humanitaria: José Cruz, Real de Catorce», en el sitio de internet <SinEmbargo.com>, el 24 de agosto de 2014.)

Después de una desgastante pugna con sus excompañeros para recuperar el nombre del grupo, José comenzó a presentarse con un nuevo Real de Catorce. En julio de 2011 rindieron un homenaje a su exacompañante, el bajista Jorge Velasco por sus 35 años de carrera artística. Al comienzo lo estuvieron acompañando los hermanos Villanueva y otros músicos como Javier Matías, Gustavo Bejarano y su hija María José Camargo, de quien ha recibido el mayor apoyo, no sólo en su vida profesional, sino en la personal, en esos momentos en que no todos pueden lidiar con una enfermedad de este tipo.

«—¿Cómo es tu vida ahora? —Completamente distinta, ahora dependo de una silla de ruedas, pero a pesar de eso soy fuerte, y esa fuerza la he sacado de la vida, de mi hija, quien ahora participa en el proyecto José Cruz y sus Hikuris. Me siento fuerte, el arte y la poesía siguen siendo mi refugio y un alivio.» (José Cruz en entrevista para la estación de radio Horizonte 107.9, del IMER, 6 de junio de 2012.)

Fernando Ábrego ha comentado en reiteradas ocasiones que Real de Catorce ya está muerto. Su posición al respecto fue la de dejar atrás esta lamentable etapa del grupo, en una situación de distanciamiento irreconciliable con sus excompañeros. José, por su cuenta, conformó una nueva banda con músicos jóvenes. Ellos fueron Rodrigo Pratt en el bajo, Arturo Waldo y Miguel Korsa en las guitarras, Francisco Velasco en los teclados, Alan López en la batería y María José Camargo en la voz.

Con esta formación grabaron el disco doble Una razón para vivir, que se editó en 2012. El título es el mismo de la canción que José compuso junto a Álex Otaola y que rinde homenaje a Rita Guerrero, quien tenía poco tiempo de haber fallecido. En esta producción también participaron Fernando Rivera Calderón (Monocordio), Álex Otaola (Santa Sabina y San Pascualito Rey), Erick Acosta, Eduardo Torres el Flamenquito y el famoso flautista Horacio Franco.

En 2014 Juan Pablo Proal presentó un libro en el que se narra la historia de José Cruz, mismo que tiene el nombre que Real de Catorce puso a su disco de 2002, Voy a morir, en el que se describen con detalle los problemas legales y de salud que ha enfrentado.

A partir de ese año comenzó a combinar su tratamiento médico con terapias alternativas, que se han reflejado en que ha podido hablar más fluidamente y ya no ha llevado un tanque de oxígeno a todas partes, como tenía que hacerlo antes. Sin embargo, al comienzo de 2016, tuvo que ser internado en el Hospital de Nutrición por una embolia pulmonar, de la que salió bien librado.

El 30 de julio a todos sorprendió la noticia del fallecimiento de Julio Zea en un accidente automovilístico, al regresar de una presentación con los hermanos Agustín y Ricardo Arteaga. Con respecto a esto, José comentó: «Por supuesto que lamento el fallecimiento de Zea, y me conduelo (el resentimiento de Ábrego le impidió contarme la situación de Julio para poder visitarlo, no importara la situación legal); pero mi sentir no es de doble moral. Con la paz interior que me da saber perdonar. Perdono, mas no olvido.» (José Cruz en el sitio <TXart.me>, 1 de agosto de 2016.)

En 2017, contando con 60 años y tras las pruebas que su salud le ha hecho atravesar y que ha podido vencer, José lanzó, con el nuevo Real de Catorce, su más reciente disco, al cual llamó Nación Blues, mismo que presentó el 10 de septiembre en la Carpa Astros, al sur de la Ciudad de México. Esta producción cuenta con la distribución de Fonarte Latino. Los músicos invitados fueron Erick Cárdenas enel charango y Ulises Manuel Gómez Pinzón en el violín. El diseño de la portada hace referencia al arte huichol y estuvo a cargo de Hugo Mendoza.

1995. José Cruz Camargo Zurita raspa suavemente las cuerdas de su guitarra negra mientras los asistentes a la explanada del Centro Nacional de las Artes, en el sur de la Ciudad de México, se contonean con parsimonia desde las sillas o el piso de los pasillos. El líder de Real de Catorce tiene el cabello negro y ondulado, largo hasta los hombros, porta una chamarra oscura de cuero, un pantalón de mezclilla. Interpreta «La viuda del blues», una rola que después se convertiría en «Azul», la canción-emblema de la mítica banda de blues […] El cantante está por cumplir 40 años, luce fuerte, sensual como su música. Disfruta hacerla suya. Los presentes aplauden mientras el hombre se adueña del escenario. Tiene la confianza de quien pisa tierra conocida. La trompeta de Jesús López sustituye el solo de José Iglesias, calificado como el mejor guitarrista en la historia del grupo. José Cruz los presenta ante los asistentes, les da su lugar, reconoce el talento que lo rodea. El público ovaciona a cada uno de los integrantes, pero aplaude con más ganas cuando toca el turno de Iglesias. (Maricela Paz Téllez para el suplemento «Domingo», de El Universal, 12 de agosto de 2012.]

Discografía £

Real de Catorce (1987)

Tiempos obscuros (1988)

Mis amigos muertos (1989)

Voces interiores (1992)

Contraley (1994)

Cicatrices (1998)

Nueve (2000)

Voy a morir (2002)

Una razón para vivir (2012),doble

Nación Blues (2016)

En vivo

Azul (1997)

Al rojo (1997)

De cierto azul (2003), DVD

Otras grabaciones

Las cosas por algo son • Alain Derbez (1998), compilación con el tema «Los ahogados»

1, 2, 3, por el rock (2005), compilación con el tema «Azul» (en vivo)

Real de Catorce (2012), recopilación

Otros o

Como solista, José Cruz editó en 2009 el disco Lección de vida. Ha escrito los libros De los textos del alcohol (2004) y Yo creador, me confieso (2015). Ha participado con la asociación civil EMAC, dedicada a la atención de la esclerosis múltiple. Imparte talleres de armonía y blues a jóvenes.

Fernando Ábrego ha sido guionista, productor y conductor de radio y televisión al lado de la locutora Fernanda Tapia.

28. Gerardo Enciso

1982, Puebla, Puebla

Género ù

Rock, folk, funk y jazz; con influencia de Bob Dylan, Crosby, Still, Nash & Young, Jim Croce, Led Zeppelin y la poesía infrarrealista.

Historia h

Gerardo Enciso nació en la ciudad de Puebla el 25 de abril de 1962, de padres zacatecanos, pero desde que tenía un año vivió en su amada Guadalajara. Su hermano le enseñó a tocar la guitarra. Hizo su primera composición a los 13, y estuvo dedicada a sus padres, pero la canción, junto con su título, se perdieron en su memoria. Comenzó tocando covers con su hermano y un amigo en el grupo Baco, en el café Quetzal. Dejó la escuela y comenzó a interpretar sus canciones acompañado sólo por la guitarra, influenciado por el rock progresivo, pero principalmente por el folk. Compuso una de sus canciones más emblemáticas, «Amo a mi país», en una noche veraniega de 1982, y hay registro de sus primeros demos desde 1984. Comenzó a tocar en lugares como el café El Bananas y la peña Cuicacalli. También solía presentarse en pequeños foros de la Ciudad de México, en los que se relacionó con el Movimiento Rupestre y luego con su derivación, el Colectivo de los Cantantes Errantes, con quienes llegó a presentarse en el Sindicato Único de Trabajadores de la Industria Nuclear (SUTIN). Hacia el final de la década conoció a Carlos Esegé por medio del hermano de Alfredo Sánchez, del grupo El Personal. Carlos le ayudó a conformar una banda a la que llamó El Poder Ejecutivo, junto al baterista Pedro Fernández, el tecladista Marcos García y el bajista César Maliandi. En una visita a la Ciudad de México en 1987, por mediación de Cecilia Toussaint, conoció a Rodrigo de Oyarzabal, quien lo invitó a grabar algunas canciones en las instalaciones de Radio Educación, tal como lo hizo con muchos compositores rupestres. Aceptó y grabó él solo con su guitarra, sin la compañía de su banda. En esos días, las grabaciones que se realizaban en estaciones de radio y televisión culturales, a la larga se convirtieron en valiosos documentos del trabajo de muchos artistas, en tiempos en los cuales hacer registros de sus creaciones era caro y difícil. Estos trabajos espontáneos comenzaron a conocerse de mano en mano, de oído a oído. Ese año circularon grabaciones de Gerardo Enciso, como «Lunas de neón» y «Bailar la neurona», grabados en Radio Educación; fue el mismo caso del bootleg (grabación no oficial) de un concierto llamado «Corredor callejero». Muchas de las canciones aparecerían en sus discos posteriores, editados comercialmente.

En 1989 Gerardo lanzó de manera independiente, junto al grupo El Poder Ejecutivo, su disco debut, al que llamó A contracorriente, producido por César Maliandi y Sergio Naranjo. Contó con la colaboración de Alejandro Marcovich en la guitarra, Nina Galindo en los coros y Beto Delgado en el sax y la flauta.

Por esos tiempos, Gerardo vivía en la Ciudad de México, pues recibió amenazas, amedrentamientos y censura en Guadalajara, que lo obligaron a migrar por tres años. Él solía participar en conciertos armados sin permiso por organizaciones de chavos banda, como Bandas Unidas del Sector Hidalgo (BUSH). Estas tocadas en ocasiones eran reprimidas por el gobierno priista. Gerardo sentía empatía con estos jóvenes y participaba cuando lo invitaban. En uno de estos eventos, en el que compartió el cartel con Arturo Meza, un niño se le acercó para pedirle el tema «Parada reprimida». El ambiente estaba tenso y después se supo que había infiltrados en el público para boicotear el toquín. Comenzaron a tirar cohetes (palomas) al escenario. Al principio fueron inofensivos, pero en cierto momento tiraron uno grande que reventó en la cabeza del niño, mismo que fue llevado al hospital. El concierto ya no continuó dadas las circunstancias. Después de este trágico incidente comenzaron a amenazarlo por teléfono y dejaron de contratarlo para tocar. Estaba vetado.

En 1990, ya viviendo en la capital del país, conoció al poeta Ricardo Castillo, con quien elaboró un espectáculo multidisciplinario en el que fusionaron música, poesía y teatro.

Teníamos amigos en común, una vez vino a dar una plática aquí en Guadalajara, nos conocimos y ya después lo visité en Cuernavaca, donde vivía en aquel entonces. Me pidió que tocara unas canciones en la presentación de un libro suyo llamado Nicolás el camaleón, y le dije que mejor hiciéramos algo juntos, a lo que se abrió totalmente para mi sorpresa y salió todo muy rápido. Tal vez en una sentada hicimos todo el espectáculo de Es la calle honda. Sí fue algo muy raro, mágico, y para mí una experiencia muy suave, pues Ricardo es un poeta que admiro mucho desde hace tiempo atrás y lo sigo admirando pese a la amistad… [Gerardo Enciso en entrevista con Conejo del Albedrío en el artículo «Entrevista: Gerardo Enciso», para el sitio de internet <polvora.com.mx>, 23 de diciembre de 2016.]

Como resultado de este encuentro se editó, con apoyo de la Universidad de Guadalajara, el disco Es la calle honda. El espectáculo se presentó en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara.

Gerardo viajó a España en la primavera de 1992 y buscó a Joaquín Sabina para compartirle sus canciones. Cuando Sabina visitó México, lo invitó a abrirle sus conciertos en el Palacio de los Deportes, en la capital del país. Para la ocasión, Gerardo creó el grupo Reptil junto a Daniel Kistoser en la batería, Rafael Ledesma en el bajo, Eduardo Green en la guitarra y Marcos García en los teclados. Con problemas de sonido y fanáticos deseosos de ver a Joaquín, no les fue bien. Gerardo volvería a abrirle al cantante español en 1999, en mejores circunstancias.

En 1993 se editó el disco Cuentos del miedo, con el subsello Culebra, de BMG Ariola. «Daga» se promovió como sencillo y contó con un video dirigido por Luis García, que tuvo buena exposición en MTV Latino.

En 1997 salió el disco Demos Vol 1 1984/1997, editado por Discos Imposibles. Para el año 2000 apareció con el sello tapatío Fugazi Records, y con apoyo de la Universidad de Guadalajara y el café La Gloria, el disco Tarará. Participó en esta producción Arturo Cipriano (La Nopalera) en el sax del tema «Guadalajara otra vez». El disco fue considerado el Mejor Disco de Rock en Español por la revista La Mosca en la Pared y Gerardo Enciso el Mejor Solista en Castellano por la revista Nuestro rock.

Para entonces, Gerardo había logrado un nutrido grupo de seguidores que no perdían la ocasión de verlo en sus escasos conciertos.

En 2002 salió la compilación Tequila sónico Vol. 1, editado por el sello Opción Sónica. Al siguiente año Gerardo tuvo una participación en el tema «Plática entre perros», del grupo Garigoles, en su disco No esperes por el caos... éste llega cada fin de semana.

En 2005 se editó un disco homenaje a Rockdrigo González. Gerardo compartió el escenario con él en Guadalajara en aquellos primeros años, así que aportó su versión del tema «Pórtate sensato» para el disco A ver cuándo vas...! Los rupestres a Rodrigo González. Ese mismo año, José Fors conjuntó a varios músicos tapatíos para hacer un disco navideño, así que Gerardo participó con «Carta a Santa» en el disco La otra Navidad.

En 2007 participó en el disco compilatorio Infrarrealismo, un tributo al movimiento poético del mismo nombre, de mediados de la década de los años setenta, con el tema «De la desgracia a la gracia», basado en un poema de Mario Santiago Papasquiaro.

La lectura para mí siempre ha sido importante, tuve la fortuna de tener un padre al que le gustaba mucho la lectura y la música, por eso desde niño he estado conectado con ese mundo. La música y la literatura están íntimamente ligadas en lo que respecta al ritmo, a la melodía y al significado. En cuanto al trabajo sobre Mario Santiago, a mí me tocó conocerlo allá por los ochenta, muy de rozón, a través de Ricardo Castillo, cuando nos lo topábamos en el DF. El infrarrealismo fue un movimiento que llegó a mostrarme ciertos caminos y la poesía de Mario siempre me ha gustado… [Gerardo Enciso en entrevista con Conejo del Albedrío en el artículo «Entrevista: Gerardo Enciso», para el sitio de internet <polvora.com.mx>, 23 de diciembre de 2016.]

En 2009 José Fors creó la ópera rock Dr. Frankenstein e invitó a Gerardo para representar al personaje del Abuelo. La obra se presentó en diversos teatros de la República mexicana.

En noviembre de 2010, tras 10 años sin sacar un disco con temas nuevos, lanzó Es por ti, con apoyo de la Universidad de Guadalajara. Contó con la participación de músicos como Beto Ramos en la batería, Charly Castro en el bajo, José Manuel Aguilera y Gustavo Montalvo en las guitarras, Alejandro Rosso en el piano, Sarrasdeli en el vibráfono, Jorge Brauet en el saxofón y Jenny e Ingrid Beaujean en los coros.

Ese año volvió a colaborar con el poeta Ricardo Castillo y sacaron juntos el disco Borrados.

Borrados se dio por una ceremonia en la que tuvo participación Ricardo, La Borrada, que es una ceremonia que se lleva a cabo en Semana Santa y a la cual también tuve la oportunidad de asistir ya después. Ricardo sacó un disco que se llamó Borrar los nombres, del cual salió este espectáculo. Ya con la experiencia de La calle honda, Ricardo tiene unas dotes histriónicas en el escenario increíbles, tiene unos matices muy ricos y decidimos llevarlo más bien a la escena, no tanto como concierto, aquí metimos un poquito de escenografía, manejamos las luces, la vestimenta, nos maquillábamos y todo eso, lo llevamos más al teatro. Es una experiencia muy enriquecedora para mí. [Gerardo Enciso en entrevista con Conejo del Albedrío en el artículo «Entrevista: Gerardo Enciso», para el sitio de internet <polvora.com.mx>, 23 de diciembre de 2016.]

En 2010 también participó en el disco homenaje a León Chávez Teixeiro, La chava de la Martín Carrera, con el tema «De nuevo otra vez».

El 24 de junio de 2012, tras ofrecer un concierto en Hermosillo, Sonora, Gerardo Enciso y Kristos Lezama sufrieron un accidente automovilístico en la carretera Hermosillo-Guaymas. Él sufrió una fractura en el brazo y su compañero en la cadera, por lo que tuvieron que ser hospitalizados en Guaymas.

En 2016 participó con el tema «Santa del Infonavit» del disco de Armando Palomas, Puros besos.

En ese año Gerardo también formó parte del espectáculo dirigido por José Manuel Aguilera para la Feria Internacional del Libro de Guadalajara titulado Noche profunda bolero y rock, en el que varios músicos interpretaron temas originalmente creados en bolero, pero con la potencia y vivacidad del rock. Enciso participó con «Vendaval sin rumbo», de José Dolores Sotolongo Quiñones, e hizo el arreglo de «Es por ti».

La preferencia de Gerardo por la tranquilidad y el ambiente creativo de la capital tapatía siempre ha sido clara, pese a que su presencia en los escenarios es intermitente. Tiene un lugar importante dentro del rock nacional, al ser uno de los compositores más respetados por su gremio y el público. Ha escrito cientos de canciones con temas conceptuales, surrealistas y de crítica social, pero al final su conclusión es que el fundamento de todo es el amor.

«La música es el canto del silencio. Todo mundo piensa que es el sonido, lo que se oye. Y no, la música es el manejo del silencio, la energía que se da antes de la nota. Es lo que hay entre nota y nota, esa es la música, lo que canta y lleva la emoción es el silencio. Lo que nos hace ser humanos, e incluso hasta el mundo, es el vacío.» [Gerardo Enciso en entrevista con Conejo del Albedrío para el artículo «Entrevista: Gerardo Enciso», en el sitio de internet <polvora.com.mx>, 23 de diciembre de 2016.]

Discografía £

«Lunas de neón» (1987), registro

«Bailar la neurona» (1987), registro

A contracorriente (1989), con El Poder Ejecutivo

Es la calle honda (1990), con Ricardo Castillo

Cuentos del miedo (1993)

Tarará (2000)

Demos Vol 1 1984/1997 (1997)

Es por ti (2010)

Borrados (2010), con Ricardo Castillo

En vivo

«Corredor callejero» (1987), bootleg

29. ¡Qué Payasos!

1982, Ciudad de México

Integrantes l

Luis Ignacio Baena Mendoza «Nacho Mostacho» - Voz

Alberto Rubio Aceves «Beto Batuca» - Voz

Colaboradores

Pepe Blanco, Daniel Marachini, Rubén González, Fernando Arau, Adal Ramones, Salvador Sánchez, Chucho Serrucho, Ricky Ran, Gerardo de la Vega, Perico «el Payaso Loco» (exMCC y actual La Perra), Ewell Borrero, Daniel Loyo, Alejandro Villanueva, Laura López, María Emilia Martínez (exLos Aguacates y Monocordio), Germán Quintero, Adrián López (exMonocordio y Sr. González), Omar Medina, Mighel Sabaagh, Tizoc Briseño, Ramón Ramos, Daniel Soberanes (exSangre Asteka), Víctor Castillo, Nacho Acosta (exNeón), Alfredo Bringas, Kiko Campos, Fernando Rivas, Paola Hernández, Mario Gómez, Miguel Hernández (Los Dynamite y Rey Pila), entre otros.

Género ù

Rock infantil, música latina, funk, rock & roll, reggae y swing; con influencia de Elvis, The Beatles, Tin Tán, Botellita de Jerez, Kiss y Bozo.

Historia h

Luis Ignacio Baena Mendoza y Alberto Rubio Aceves se conocieron en 1976, cuando fueron parte de la primera generación del Centro de Educación Artística (Cedart), un programa del Instituto de Bellas Artes y la SEP en el que se fomentaba la interrelación de distintas disciplinas en un bachillerato de arte. Uno de sus maestros, Ricardo Ramírez Carnero, solía llamarlos al frente para que hicieran «sus payasadas». Entonces en México los payasos tenían una imagen muy devaluada y todavía no se conocía el concepto de clown. Esa clase los marcó de por vida, ya que aprendieron a no tenerle miedo al ridículo. Alberto estudió pintura, e Ignacio, periodismo, pero no dejaron de hacer cosas juntos.

Fue en 1982 cuando, con sus guitarras de palo y unas primeras canciones, decidieron hacer una banda de rock, con la característica de que estaría dirigida a los niños, teniendo claro que a éstos ni había que menospreciarlos ni tratarlos como tontos. Se bautizaron como Nacho Mostacho y Beto Batuca y llamaron a su grupo ¡Qué Payasos!, sin imaginar que se convertirían en los precursores de la imagen actual del payaso y de la música de rock en español para niños.

Entre 1982 y 1983 emprendieron su primera gira por la República mexicana organizada por la SEP, que los llevó a muchos lugares del país. Se dieron cuenta de que con pocos recursos, pero con un concepto fuerte, podían tocar en cualquier circunstancia que se presentara. Fueron contratados para actuar en un kiosco del parque de diversiones Reino Aventura, donde pasaron la mayor parte del tiempo acostados, ya que pocos eran los que pasaban por ahí. Cuando eso sucedía, se ponían a hacer payasadas. Sin embargo, gracias a estar en ese lugar, apareció la oportunidad de ser incluidos en el programa de televisión Súper vacaciones, que se grababa cerca. Después de eso surgieron nuevas posibilidades.

Por el grupo han desfilado infinidad de grandes músicos, pero el alma de la banda desde el comienzo han sido Beto y Nacho. Después de los sismos de 1985 compartieron músicos con León Chávez Teixeiro, que en una ocasión los invitó a escucharlos en un nuevo sitio, llamado Rockotitlán. Pronto se sintieron fuertemente integrados a la familia roquera que ahí se congregaba. El lugar les abrió las puertas y, entre 1986 y 1987, hicieron largas temporadas tocando en tardeadas los domingos. Uno de los socios y baterista del grupo Botellita de Jerez, Francisco Barrios el Mastuerzo, comenzó a anunciarlos como «¡Qué Payasos! Rock para niños y no tan niños». Y así fue. Su público comenzó a crecer no sólo entre los infantes, sino también entre sus papás.

En 1987 hicieron una primera temporada en el Teatro Wilberto Cantón, que se repetiría al año siguiente. También grabaron un disco que, por razones no muy claras, nunca se editó.

El grupo siguió teniendo diversas apariciones en televisión en programas como Anabel y No empujen, hasta que en 1988 fueron invitados a tener su propio programa en el Canal 4 de Televisa Guadalajara. En 1989, el programa ¡Qué Payasos! se comenzó a transmitir en el Canal 5 con proyección nacional desde la Ciudad de México. Hicieron 36 emisiones, convirtiéndose en una alternativa musical infantil en medio del auge del Rock en tu Idioma. También tuvieron apariciones en otros programas, como el Club de Gaby, En familia con Chabelo, Un nuevo día, En vivo y Al despertar, entre otros. En ese año lanzaron, por fin, su disco debut homónimo.

Los foros en los que se presentaron eran tan diversos como espacios se abrían para llegar a un público infantil. Tocaron en el LUCC, la Sala Ollin Yoliztli, el Museo del Papalote o Bellas Artes, en el Día del Niño.

Su siguiente disco salió en 1994 y se llamó Portada para colorear. Dado su fuerte nexo con la escena roquera nacional, contaron con la participación de algunos músicos reconocidos, como la interpretación de Saúl Hernández en la canción «Alicia», o de Álex Lora en el tema «Zoo-ilógico».

En 1997 regresaron las temporadas de ¡Qué Payasos! en Rockotitlán. En 1998 se presentaron en el Teatro Isabela Corona, repitiendo la experiencia en el año 2000. Sus participaciones en festivales de estaciones de radio, así como en televisión, y en programas como Hola México, Tempranito 2000, Entre pingos y Derbez en cuando continuaron los siguientes años.

En 2001 editaron el disco ¿Quién dijo que los payasos son sólo para niños? Estuvieron presentándose en cuanto lugar los invitaban, aunque su presencia mediática fue disminuyendo y no sacaron ninguna producción nueva, creando así la sensación de que el grupo ya no continuaba. Destacó en esos años su presencia en el programa de televisión Diálogos en confianza, del Canal Once, en 2004.

Para 2006 lanzaron la recopilación De todo corazón y, al siguiente año, salió el DVD En concierto. 25 años tour: síntesis de una carcajada.

En 2008 lanzaron su siguiente disco de estudio al que llamaron Se pintan solos. En 2010 tuvieron sendas presentaciones en los festivales Vive Latino y Cervantino, y en 2012 festejaron a lo grande sus 30 años de existencia en el Teatro de la Ciudad, el Lunario y el Plaza Condesa, en la Ciudad de México. En 2015 participaron en el Tercer Encuentro Internacional de Clown, en el Teatro Helénico.

¡Qué Payasos! se ha presentado prácticamente en todo el país a lo largo de su carrera, además de haberlo hecho también en Chicago y Bogotá, divirtiendo ya a tres generaciones de niños… y no tan niños.

Discografía £

«¡Qué Payasos!» (1987), inédito

¡Qué Payasos! (1989)

Portada para colorear (1994)

¿Quién dijo que los payasos son sólo para niños? (2001)

Se pintan solos (2008)

En vivo

En concierto. 25 años tour: síntesis de una carcajada (2007), DVD

Otras grabaciones

De todo corazón (2006), recopilación

30. Nirgal Vallis

1983-2000, Ciudad de México

Integrantes l

José Luis Fernández Ledezma - Teclados y programación

Ramón Nakash - Violín (1983-1989) (1994-2000)

Alejandro Schmidt «el Ore» - Guitarra y bajo (1983-1999)

Rafael González «Sr. González» - Percusión (1984) (1994)

Claudia Martínez - Voz (1984) (1994)

María Esther Uribe - Voz y teclados (1986-1989)

Rosana Cocho - Flauta y guitarra (1985-1989)

Sergio de Régules - Teclados (1989) (1991-1994)

Luis Miguel Lombana - Voz, bajo, mandolina y batería (1991-1994)

Julio Sandoval - Bajo (1993-1994) (2000)

Laura Herrera - Batería (1993-1994)

Diego Espinoza - Batería (1997-1999)

Hugo Santos - Bajo y stick bass (1997-1999)

Héctor Zabala - Flauta (1997-1999)

Margarita Botello - Voz (2000)

Julia Bonequi - Batería (2000)

Marcela Avelar - Oboe (2000)

Colaboradores

Miguel Ros - Guitarra (1983-1984)

Fernando Torres - Violoncello (1983-1984)

Arturo Meza - Guitarra (1983-1984)

Francisco Delahay - Bajo y voz (1986-1989)

Luis Schmidt - Batería (1991-1992)

Género ù

Rock progresivo y ambient; con influencias de Camel, Genesis, música antigua, música mexicana tradicional y rock sinfónico.

Historia h

Algunas personas del entonces recién nacido Tianguis del Chopo organizaron una convocatoria en 1983 para crear un compilado con varias propuestas que incluían, entre otros artistas, a Arturo Meza, Arturo Romo, Rolando Chía, Tacos al Opuesto y Aristeo. Esto motivó a tres excompañeros de escuela para juntarse y formar un grupo. Ellos eran el tecladista José Luis Fernández Ledezma, el guitarrista Alejandro Schmidt y el violinista Ramón Nakash. Decidieron llamarse como el lecho de un río de Marte: Nirgal Vallis. José Luis tenía unas composiciones y comenzaron a trabajar una propuesta para el compilado. A los tres los unía su gusto por el rock progresivo. Los acompañaron temporalmente Miguel Ros en la guitarra, Fernando Torres en el violoncello y, aparte de su propio proyecto, Arturo Meza en la guitarra. En ese periodo grabaron los temas «Igor» y «Decisión».

El proyecto del disco compilatorio, al menos como fue concebido inicialmente, no llegó a realizarse por falta de dinero, lo que provocó que sólo Arturo Meza y Nirgal Vallis intentaran continuar con la idea. El disco hubiera llevado el nombre de «Gente de México», pero prefirieron llamar así a su propio sello discográfico con el cual editarían su trabajo.

Yo me integré a esta historia cuando me hice amigo de Ramón en la universidad, en 1984. Solíamos hablar de música y compartir gustos. Ambos éramos principiantes, cosa que no evitó que a partir de nuestra naciente amistad me propusiera tocar la batería en la grabación de Nirgal Vallis. Acepté gustoso, aunque había un pequeño detalle, si bien soy percusionista, nunca había tocado una batería, ni poseía una. «Le pedí al esposo de mi prima, que tenía un grupo para fiestas infantiles llamado El Gorila y su Pandilla, que me prestara su batería para un par de ensayos previos a dicha grabación. Me comentó que no podía ofrecerme la que usaba para trabajar, pero que tenía una —muy destartalada, por cierto— en casa de un sobrino, el cual, de muy mala gana, dejó que me la llevara por una semana.» [Fragmento de mi libro Mi vida pop.]

Ramón también invitó a otra amiga de la universidad, Claudia Martínez de Alba, para que fuera nuestra cantante. El acuerdo con Arturo Meza fue que se compartiría el disco, una cara para él y otra para Nirgal Vallis. El diseño tendría dos portadas, una de cada lado.Se grabó en un pequeño estudio casero que estaba en un departamento de la Unidad Independencia, al sur de la Ciudad de México. Era la casa del ingeniero de grabación y flautista Alejandro González. No teníamos bajista, y aunque el Ore tocó algunos bajos incidentales, el resultado final fue bastante sui géneris. A último momento, Arturo Meza decidió no meter en su mitad del disco las canciones que originalmente había propuesto y ocupó su lado con la grabación de unas campanas y mantras para meditar. Llamó a su parte In principio y la de Nirgal Vallis fue Y murió la tarde. Se editaron mil ejemplares.

Éste fue el primer disco del sello independiente Gente de México, en el cual se ha difundido la peculiar obra de Meza en los años posteriores. Se hicieron mil unidades y Ramón, José Luis y el Ore dedicaron una tarde para meter en las fundas de los discos las hojas que contenían las letras y los créditos. Con puño y letra del Ore, que era el de mejor caligrafía en la banda, se hizo un original del que se sacaron las correspondientes mil fotocopias en un papel amarillo que compraron en Lumen. La portada era el dibujo de un arquero que hacía referencia al mito mixteco del Flechador del Sol, aunque con un aspecto más bien medieval, hecho por el papá de José Luis, que era pintor.

Principalmente Ramón, con los discos bajo el brazo, vendió uno por uno hasta agotarlos. Los llevó a nuestra universidad, al Chopo y, en un golpe de suerte, colocó 200 unidades en la tienda Súper Sound, de Polanco, que a su vez los vendería junto a unos discos de La Banda Elástica a un excéntrico comprador japonés coleccionista. Siempre buscando vías de distribución, Ramón también aprovechó que conoció en un viaje a Ámsterdam a Chris Cutler, baterista de los grupos Henry Cow y Art Bears, quien lo ayudó a distribuir el álbum en Europa, ya que además era el promotor del sello de rock en oposición Recommended Records, en Inglaterra.

Sin embargo, con esta formación nunca tocamos en vivo. Nirgal Vallis era, hasta ese momento, un proyecto de estudio. Poco tiempo después Claudia y yo nos involucramos en otros grupos y los tres miembros fundadores continuaron.

No fue sino hasta 1986 cuando el grupo comenzó a tocar en vivo. Estuvo conformado entonces por José Luis, Ramón y el Ore, además de María Esther Uribe† en la voz y los teclados y Rossana Cocho en la flauta y la guitarra acústica. También contaron con la participación eventual de Francisco Delahay en la voz y el bajo. La parte rítmica fue programada por José Luis en una caja de ritmos. Se presentaron en las tandas de Alejandro Aura en El Hijo del Cuervo, en Coyoacán; en pequeños foros como Los Bigotes de Villa, en la inauguración de varias exposiciones, en la ciudad de Guanajuato durante el Festival Cervantino, en el teatro La Rendija y en las librerías Gandhi y El Ágora, entre otros. En 1987 sacaron el casete Bernard 11 años luz.

Para 1989 salieron María Esther y Rossana, integrándose Sergio de Régules en los teclados y, regularizando su participación, Francisco Delahay. Sin embargo, en ese año hubo una separación que resultó temporal, ya que en 1991 se reagruparon José Luis, el Ore y Sergio, con Luis Miguel Lombana en voz, bajo, mandolina y batería. También contaron con la colaboración eventual del hermano del Ore, Luis Schmidt, en la batería. Con esta formación grabaron el casete El orfebre.

En 1993 hubo movimientos en el interior del grupo, ya que entraron Julio Sandoval en el bajo y Laura Herrera en la batería. Por su parte, Luis Miguel, ya solo, participaría eventualmente en la voz. En esta etapa se presentaron en pequeños foros de la Ciudad de México, así como en universidades, en el Festival de Rock Progresivo UNAM, en delegaciones y casas de la cultura, destacando varios conciertos en el exmonasterio del Desierto de los Leones. Posteriormente el grupo compuso e interpretó en vivo la música original de la obra El taller del orfebre, con una larga temporada en la Universidad Panamericana. Repitieron la experiencia con la obra Carta al padre, de Franz Kafka, dirigida por Luis Miguel Lombana en una temporada de varios meses en el Foro Shakespeare.

En 1994 Ramón asistió al Prog Fest realizado en Los Ángeles, acompañado por el Ore. Ahí conoció al brasileño Leonardo Nahum, estudiante de periodismo que, como tesis de su carrera, estaba haciendo una enciclopedia del rock progresivo. Cuando Leonardo se enteró de que hablaba con un integrante de Nirgal Vallis, se emocionó mucho. Conocía bien a la banda y era uno de los singulares nombres que aparecerían en su enciclopedia. Fue tal su sorpresa que no perdió el tiempo en presentarlo con unos amigos franceses llamados Bernard Geuffier y Alain Robert, dueños de Musea, sello francés de venta por correspondencia especializado en rock progresivo. Todas estas personas conocían a Nirgal Vallis y lo consideraban una verdadera rareza. Ramón, aprovechando el interés, propuso editar el disco en su sello, una versión que incluyera la otra mitad que nunca se grabó. Así que Ramón regresó con la misión de volvernos a juntar para tan romántica empresa. Unas semanas después entramos al estudio los mismos miembros que habíamos participado 10 años antes en Y murió la tarde. Esta vez no descuidamos la participación de un bajista, que fue Julio Sandoval. Nos hicimos un estudio fotográfico por las calles de San Ángel, que se usaría en el booklet del CD. El fotógrafo fue mi hermano, Víctor González. Se conservaría la portada original, aunque esta vez saldría en tonos sepia, ya que era un deseo no cumplido desde la primera edición. Una vez enviado el material a Francia, salió en Europa a finales de ese año. Ramón importó algunos discos que se vendieron en Mixup, Acuarius y de forma directa, tal como había sucedido en el pasado. Musea hizo bien su trabajo promocional, ya que el álbum fue reseñado en lugares como Holanda, Cuba, Argentina, Japón, Brasil, Italia y Alemania.

A partir de entonces, la existencia de Nirgal Vallis fue intermitente, con varios cambios de alineación y con escasas presentaciones. En 1997 la formación integraba a José Luis, Ramón y el Ore, además del baterista Diego Espinoza, el bajista Hugo Santos, que también tocaba el stick bass, y el flautista Héctor Zabala. La última presentación del grupo se realizó en el Mex Prog, en el salón 21, de la Ciudad de México, en el año 2000, con una formación hecha especialmente para ese evento que estuvo conformada por José Luis, Ramón y el Ore, además de Margarita Botello en la voz, Julio Sandoval en el bajo, Julia Bonequi en la batería y Marcela Avelar en el oboe.

Discografía £

Y murió la tarde (1984), primera mitad/In principio, split con Arturo Meza

Bernard 11 años luz (1987), casete

El orfebre (1991), casete

Y murió la tarde (1994), segunda mitad

Otras grabaciones

Pangea 1 (1997), compilación, Luna Negra con el tema «Palimpsesto»

Pangea 2 (1999), compilación, Luna Negra con el tema «Abismo»

Otros o

Ramón es un gran aficionado al ciclismo de ruta.

El Ore ha sido profesor de matemáticas en el Tecnológico de Monterrey.

José Luis Fernández Ledezma se ha ganado un nombre en el medio subterráneo.

De los músicos que acompañamos al trío fundador cabe mencionar que Julio Sandoval después fue bajista del grupo Los Estrambóticos, para posteriormente mudarse a la ciudad de Querétaro, donde se dedica a la fotografía, entre otras cosas. Yo comencé a tocar en varios grupos hasta que fui invitado a integrarme al grupo Botellita de Jerez. Claudia, después de varios intentos, desarrolló una interesante carrera en los terrenos del world music con el nombre artístico de Tonana.

31. Neón

1983-1992, Ciudad de México

Integrantes l

Sergio Santacruz - Voz y bajo

Humberto Calderón - Voz y guitarra

Ignacio «Nacho» Acosta - Teclados

Sergio Meza - Batería (1983-1989)

Jorge «Chiquis» Amaro - Batería (1989-1992)

Alan Boguslavsky - Guitarra (1983)

Género ù

New wave, new romantic, rock alternativo y rock pop; con influencia de Duran Duran, ABC, The Police, Supertramp, U2 y Simple Minds.

Historia h

En 1983 el bajista Sergio Santacruz y el guitarrista Humberto Calderón tuvieron la idea de crear un grupo con tendencia punk. Sergio invitó a su amigo el tecladista Ignacio Acosta, quien acababa de volver de un viaje por Europa tras terminar la preparatoria.

A principios de los años ochenta, Sergio Santacruz y yo, junto con algunos amigos, comenzamos a reunirnos los sábados por la tarde para intentar interpretar alguno de los temas de nuestras bandas favoritas, que iban desde Seals and Crofts y América, hasta Pink Floyd y Led Zeppelin. Siempre nos atrajo el rock y fue después de ver The wall que decidimos crear una banda de rock, influidos por la gran necesidad de expresar lo que sentíamos viviendo en una sociedad tan tradicionalista como lo era en ese momento la mexicana.» [Ignacio Acosta.]

Al comienzo, y por un breve tiempo, el méxico-estadounidense Alan Boguslavsky tocó la guitarra con ellos. Sin embargo, tenía en mente otro proyecto, por lo que los dejó para formar el grupo Los Huitlacoche. Completó la formación el baterista Sergio Meza y así nació Neón. La integración de teclados perfiló el estilo del grupo hacia un sonido más new wave refinado. Comenzaron a tocar en los pocos foros que existían entonces. «Recuerdo que, con Saúl Hernández, de Las Insólitas Imágenes de Aurora, nos encontrábamos los sábados en la casa de su papá, cerca del parque Hundido, para lanzarnos a la aventura de encontrar nuevos lugares para tocar. Fue así como acabamos tocando martes y miércoles en el Fandango, lugar oficial del famoso cantante Pirulí, que nos dio la oportunidad de presentarnos, llenando el lugar cada vez que lo hacíamos», me comenta Ignacio Acosta.

A Neón le tocó, junto a un grupo reducido de bandas, comenzar una primitiva industria alrededor del rock. No había representantes, ni staff, ni transporte para instrumentos, ni sofisticados equipos y escenarios para dar conciertos. Paulatinamente los espacios para el rock se fueron creando; uno de ellos fue Rockotitlán, en 1985, donde Neón era un nombre común de su cartelera.

El 31 de octubre de 1987 fueron invitados para abrir, junto a Caifanes, el concierto de Miguel Mateos y el grupo Zaz en el transformado Hotel de México, ahora WTC. Tras el interés del productor argentino Óscar López, firmaron con la compañía transnacional BMG Ariola. Fueron parte de las primeras bandas de una nueva campaña mercadotécnica denominada Rock en tu Idioma, que buscó comercializar en México el nuevo rock en español generado en los países iberoamericanos. Los otros grupos fueron Caifanes y Alquimia.

Esto dio como resultado su disco debut, al que llamaron Divisiones, producido por Ulises Buitrón y Gustavo Santaolalla. Fue grabado en el Estudio Crystal, en la Ciudad de México, por Francisco Miranda y mezclado por Daniel Freiberg, en Electric Lady Studios, en Nueva York, durante 1988.

En abril de 1989 abrieron el concierto de Rod Stewart en el Estadio Corregidora, de la ciudad de Querétaro, en un momento de insípida apertura por parte de las autoridades. A Neón le tocó presentarse ante un ansioso público que quería ver a Stewart y comenzó a abuchearlos, pero al llegar el momento de tocar «Juegos de amor» los asistentes corearon el tema, demostrando la aceptación que éste ya tenía. Años después, sería versionado por el grupo Moenia.

En ese año grabaron su segundo disco, no sin antes sufrir la salida de Sergio. Su lugar lo tomaría Jorge «Chiquis» Amaro, quien venía de tocar con Mask y Kenny y los Eléctricos. Entraron al estudio a grabar Todo ha cambiado, producido por Alejo Stivel, exvocalista del grupo español Tequila, en los Estudios Fairlight, de Madrid, propiedad de Nacho Cano, del grupo Mecano. Incluso mostrando una evolución y una madurez en su sonido, este disco no logró la trascendencia de su predecesor. Tuvo la participación de Nacho Cano en algunos coros.

Me comenta Ignacio:

Uno de los puntos culminantes en nuestra carrera fue aquella vez que nos invitaron a tocar en el helipuerto del antiguo Hotel de México. Recuerdo que yo tenía vértigo y a pesar de eso me subí a un escenario desde el que se veía directamente abajo la avenida Insurgentes. A continuación, escuché, en la voz de Alejandro González Iñárritu, antiguo conductor de la W: «Tenemos una banda muy especial con nosotros que todos conocen y se llama Neón; quienes estén escuchando manden desde su ventana una luz con un espejo para saber que están ahí…», y súbitamente, como cuando uno prende por primera vez el árbol en Navidad, comenzaron a brillar por toda la ciudad miles de lucecitas que nos acompañaban mientras tocábamos.

En 1990 participaron en la gira Rock de los 90’s, junto a bandas como Caifanes, Los Amantes de Lola, Fobia y Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, que se presentó en las principales ciudades de la República mexicana y que, por alguna razón, no estuvo en la Ciudad de México.

Con Jorge Mondragón como representante, se presentaron en todo el circuito de foros de la Ciudad de México.

Cuando Luis de Llano lo llamó para que Neón acudiera al programa Súper rock en concierto, Mondragón supo que le estaban dando oro en polvo. Contactó a Pixie, célebre maquillista de la época; al coiffeur Juan Álvarez para arreglarles el pelo, y a Alfredo, un audaz vestuarista. «¡Neón, el grupo de México!», anunciaron en el estudio. Ignacio Acosta apareció con unos pants verdes bajo un gran saco kansai, Sergio Santacruz con un rudo look de cuero y los demás igual de estrambóticos, todos con peinados de colores que desafiaban la gravedad por los prodigios del gel. Nunca un grupo mexicano se había ocupado tanto de su apariencia. Al verlos, el público reaccionó con frenesí. Cuando empezaron a tocar el hit «Juegos de amor» (conocido como «Pa-pá-reo»), ya era la locura. [Jorge Mondragón entrevistado por Aníbal Santiago para el artículo «Hijo de puta», de la revista Chilango, 20 de agosto de 2009.]

Tras el desgaste de una escena que crecía lentamente y que no satisfacía sus expectativas de desarrollo, Neón decidió separarse en 1992.

Lamentablemente, el sueño tuvo su fin. Influenciados por los malos manejos y políticas de la disquera, el ego creciente de cada uno de la banda por ser famosos y la falsa realidad que se creó por este motivo alrededor de nosotros, se comenzó a desmoronar la esencia que nos mantenía juntos y que era nuestra fuerza. Ya no componíamos para la banda ni buscábamos temas comunes, ahora lo hacíamos para recibir reconocimiento y persiguiendo un estatus en el medio artístico; ya no celebrábamos por nuestros triunfos como banda sino por los personales; la música dejó de tener el peso que tenía y pasó a ser el supuesto medio de nuestra glorificación personal. En los últimos momentos, y como un último suspiro, la banda me corrió, poniéndome en el lugar del chivo expiatorio y de esta forma tratar de encontrar una solución para el inexplicable momento que estábamos pasando. Ya no teníamos ese charm ni la propuesta que reconocía la gente, que nos identificaba con ellos. Esta ausencia acabó con los días de la banda.» [Ignacio Acosta.]

En 2016 Sergio Santacruz, Sergio Meza y Humberto Calderón se integraron al proyecto Rock en tu Idioma Sinfónico, una serie de presentaciones en vivo y un disco, que se ha vuelto un fenómeno en ventas, con los principales exponentes de esa etapa del rock iberoamericano, coordinado por el bajista y productor Sabo Romo (Caifanes). También se presentaron en el Festival Vive Latino.

Concluye Ignacio:

Fue un camino largo, pero maravilloso; recuerdo que yo era una persona muy tímida y con muchos complejos y fue a través del rock en español como aprendí a superarlos y a decir lo que pensaba. Fue el valor que necesitaba para confiar en lo que hacía y en mi sensibilidad artística que, a partir de entonces y hasta ahora, se ha vuelto mi guía y ha rendido frutos positivos en todos los aspectos de mi vida. Hace algunos meses regresé a México, ya que nos invitaron a tocar en el Vive. Me dio mucho gusto saber y reconocer que finalmente, y a pesar del final no tan bueno, quedó el recuerdo en la gente que nos vio y que nos admiró en su momento, influenciando incluso a las siguientes generaciones, que junto con nosotros corearon nuevamente aquel famoso tema de los ochenta: «Juegos de amor».

Discografía £

Divisiones (1988)

Todo ha cambiado (1990)

Otras grabaciones

Rock en español. Lo mejor de Neón (2001), recopilación

Rock en tu Idioma Sinfónico (2016), en vivo, con el tema «Juegos de amor»

Otros o

Humberto Calderón después trabajó para BMG Ariola como director del subsello Culebra y, posteriormente, como director artístico y de marketing. Actualmente tiene su propia empresa de branding y desarrollo de contenidos digitales e infraestructura tecnológica: IMV.

Ignacio Acosta se integró por un tiempo al grupo ¡Qué Payasos!, montó su propio estudio: La Ventana, y después de dedicarse a la música para comerciales se fue a vivir a Alemania, donde radica actualmente.

Jorge Amaro se integró al grupo Fobia y después fue director artístico para BMG Ariola. Se convirtió en un reconocido productor y actualmente tiene, junto a María Barracuda, el grupo Los Jotdog.

Alan Boguslavsky, después de tocar con Los Huitlacoche, se incorporó al grupo español Los Héroes del Silencio.

32. Jorge Reyes†

1983, Uruapan, Michoacán

Género ù

Etno rock, etno música, psicodelia, krautrock, tribal, ambient, new age, sonoridades prehispánicas y música oriental; con influencia de Luis Pérez y Popol Vuh, entre otros.

Historia h

Jorge Reyes Valencia nació el 24 de septiembre de 1952. Su contacto con la música del mundo no se dio a partir de la televisión, que en su ciudad era prácticamente inexistente, sino más bien con las películas. A los 16 años, y con una vocación bien definida, viajó a la Ciudad de México para estudiar música. Aprendió flauta en la Escuela Nacional de Música, donde a la vez conoció a otros colegas con quienes colaboraría en el futuro. Fue el caso de Carlos Mata y Mauricio Bieletto, con quienes participó en los grupos Nuevo México y Al Universo. En éstos tuvo los primeros acercamientos a la fusión de instrumentos de origen prehispánico con los de una banda de rock. En su búsqueda de preparación, en 1975 viajó a Alemania para estudiar música electrónica, jazz y clásico. Después se trasladó a India y Pakistán, donde se involucró con músicas distintas a la concepción tradicional occidental y comercial. «Estuve seis meses en India, confrontado directamente con mucha música étnica y muchos instrumentos, y en donde conocí a un músico en Benares, con una gran colección de instrumentos y por las noches nos poníamos a tocar en los portales o en el jardín. Ése fue mi primer contacto directo con la música oriental.» (Jorge Reyes entrevistado por David Cortés para el artículo «De viaje por la geografía musical de Jorge Reyes», en Atonal, núm. 4, 1989.)

Tras su regreso, al final de 1979, formó, junto a Carlos Alvarado, Armando Suárez, Mauricio Bieletto y Carlos Castro, el grupo de rock progresivo Chac Mool. Paralelamente, comenzó a colectar instrumentos de todo tipo. En 1981 acudió, en compañía de Arturo Meza, a un concierto de Luis Pérez en el teatro Jiménez Rueda, lo que representó para Jorge el despertar a una nueva concepción musical. Luis es para muchos, si no el creador, sí el detonante de lo que después se definiría como etno música, esto es, un estilo que fusiona instrumentos de origen prehispánico con instrumentos contemporáneos. A Jorge se le ocurrió la idea de formar un grupo paralelo a Chac Mool con Luis y Arturo. El segundo no pudo y terminó acudiendo al baterista Carlos Castro, su compañero en Chac Mool, para esta nueva aventura que sólo se presentó una vez en el Museo del Chopo.

Jorge Reyes comenzó a presentarse como solista desde 1982 y al siguiente año sacó el disco Ek Tunkul, editado por Kollectiv Records. Este trabajo, si bien se encaminaba a la experimentación y la fusión, todavía es un primer acercamiento a lo que Jorge desarrollaría en trabajos posteriores. Fue grabado por Paco Rosas y Billy Freyre en Ary Estudios. La portada fue una ilustración de V. Hugo López González.

Tras la desintegración de Chac Mool, en 1985, Jorge se concentró en su búsqueda de un sonido propio y novedoso. En 1986 salió el disco A la izquierda del colibrí, en colaboración con Antonio Zepeda. Fue grabado en los estudios Crystal, de PolyGram, por Francisco Miranda y Fernando Roldán. La portada volvió a correr por cuenta de V. Hugo López González. La participación de Zepeda fue fundamental para que Reyes diera forma a su nueva música. Por un lado, Zepeda recreaba con instrumentos prehispánicos ambientes imaginarios del pasado, mientras Jorge se encargaba de los sintetizadores e instrumentos eléctricos que le daban el toque contemporáneo. Con sus primeros dos discos, Jorge fue aprendiendo y adquiriendo los rudimentos para lograr el balance de estos sonidos de vertientes diferentes.

Vinieron tres discos bajo el sello Producciones Exilio: Comala (1986), en el que vuelve a colaborar con Arturo Meza y participan además Humberto Álvarez, su compañera poeta, periodista y bailarina conchera Saide Sesín y el grupo La Tribu, todos músicos interesados en experimentar con los sonidos de origen étnico. En cierto momento aparece la voz de María Sabina. Fue grabado y mezclado por Francisco Miranda y Pieter Boer. La portada nuevamente estuvo a cargo de V. Hugo López González.

Le siguió el disco Viento de navajas, soundtrack original de la película de Jorge Prior, El ombligo de la luna, de 1985, pero editado en disco hasta 1987. Fue grabado y mezclado por Francisco Miranda y Fernando Roldán. Este trabajo es un paréntesis en la búsqueda iniciada por Reyes, ya que poco o nada tiene que ver con las fusiones de sus otros discos, quizá sólo en el tema «Ofrenda de muertos».

El tercer material fue Niérika, de 1989, con Walter Wiewe como ingeniero de grabación y mezcla.

Para entonces Jorge ya utilizaba instrumentos de percusión y viento, como teponaztlis, caparazones de tortugas, piedras y sonajas, ocarinas, tlapizallis, trompetas de caracol, silbatos de viento, flautas funerarias y flautas dobles, entre otros. Lo electrónico comenzó a tener un plano secundario dentro del balance. También usó su cuerpo como instrumento musical, así como la emisión de cánticos y sonidos guturales, a lo que denominó «tloque nahuaque». Incorporó elementos rituales a sus conciertos, ambientados con copal, y se maquilló para crear diferentes personajes míticos. Comenzó a presentarse en los equinoccios de primavera, los eclipses y los días de muertos, en medio del Espacio Escultórico de la UNAM o en el Zócalo capitalino.

Su trabajo comenzó a llamar la atención en el extranjero, principalmente en España. Al dar una serie de presentaciones en ese país, conoció al guitarrista Suso Saiz, con quien realizó nuevas producciones. En 1990 grabaron en la Ciudad de México, en el estudio Cuarto de Máquinas, de Luis Gil, el disco Crónica de castas, editado por No-CD Records; nació de dos arduas sesiones de improvisación. Se mezcló en los Estudios Quarzo, en Madrid, por Juan Miguel Sánchez.

Jorge aprovechó el interés que causaba su música fuera de México y, sin descuidar a su público local, comenzó a establecer diversos lazos con el exterior. Entre otras cosas, hizo un trato con el sello mexicano Para Música, con el cual sacó la trilogía Mexican music, discos dirigidos al público extranjero. Éstos fueron Prehispanic, de 1990, Music for the forgotten spirit, de 1994, y Prehispanic rituals, de 1997. En 1994 salió un disco con una recopilación de temas de los dos primeros, al que llamaron Prehispanic mystic rites.

En 1991, Jorge y Suso se presentaron en el Festival de Músicas Visuales, celebrado en las islas Canarias, donde conocieron al tecladista estadounidense Steve Roach. Este encuentro dio como resultado una serie de colaboraciones entre los tres. En ese año salió, con la discográfica independiente Lejos del Paraíso, el disco Bajo el sol jaguar, en el cual Jorge experimentó con nuevas estructuras. Contó con la colaboración de Mick Franke, Juan Carlos López y Suso Saiz.

En ese año también salió el disco UAISCM4: Tlaloc, editado en España por Toracic Tapes, en el cual colaboró con el músico experimental español Francisco López. Fue grabado en los estudios Messor, en Madrid, España. Contuvo un tema por cada lado del disco, sin nombre cada uno.

En 1992 sacó, junto a Saiz y Roach, el disco Suspended memories, forgotten gods, editado por Lejos del Paraíso. Fue grabado en el estudio Timeroom, en Tucson, Arizona.

Para 1993 lanzó El costumbre, editado por el sello Lejos del Paraíso y con la colaboración de Elmar Shulte, Steve Roach, Mick Franke, Juan Carlos López e indígenas huicholes. Los ingenieros de grabación fueron Luis Gil y Mick Franke y fue grabado en los estudios Cuarto de Máquinas, en México, y Harderberg, en Alemania.

Para ese momento, la atención al trabajo de Jorge Reyes en el extranjero era patente. Sellos independientes fuera de México, como Silent Records, Heats of Space y Extreme comenzaron a editar sus discos en Europa, Estados Unidos e Iberoamérica. A partir de ese momento sus siguientes discos se editaron básicamente fuera del país.

En 1994 se lanzó en Estados Unidos una nueva colaboración con Saiz y Roach, ahora ya denominados Suspended Memories. Fue el disco Earth Island, que salió con el sello Fathom. Fue grabado en España, Alemania y Estados Unidos.

En ese año se editó en Holanda The flayed god, con el sello Staalplaat. Fue grabado en la Ciudad de México y Tucson, entre 1990 y 1994.

En 1995 se editó en España el disco Tonami, que no es más que una versión local del disco Music for the forgotten spirit, editado el año anterior en México por Para Música.

Con el sello holandés Staalplaat/Mort Aux Vaches sacó en 1996 una edición limitada de Jorge Reyes. Mort aux vaches. Es un material en vivo en el que aparecieron improvisaciones y fragmentos de temas de sus anteriores producciones, pero con otros nombres.

En 1998 realizó el soundtrack de la película española Hijos del viento, de José Miguel Juárez. Para el siguiente año, hizo, junto a Samuel Zyman, el score para la película de Salvador Carrasco, La otra conquista, producida por Plácido Domingo y su hijo Álvaro. El disco homónimo con dicho material salió al mercado por medio de la discográfica Sony Music. Le siguió el soundtrack de la animación Malapata, de Ulises Guzmán, en el año 2000, seguido del soundtrack de la película Serafín, de René Cardona III, en 2001.

También musicalizó espectáculos multimedia y obras de teatro como Nahui Ollin, del dramaturgo José Luis Cruz Antonio, interpretada por su esposa, la actriz Ariane Pellicer, así como la obra de William Blake, Las bodas del cielo y el infierno, entre otras.

En 2000 salió, junto a Steve Roach, el disco Vine. Bark and spore, editado por Timeroom Editions.

En el año 2001 fue parte de los miembros fundadores del Laboratorio de Experimentación Artística y Sonora (LEAS) de Radio Educación, con quienes hizo una serie de trabajos de radioarte denominados Paisajes sonoros, inspirados en diversas localidades del país.

En 2003 salió en Holanda, España y México, simultáneamente, el disco Pluma de piedra, en el que contó con la colaboración de Julio Revueltas y el inventor de instrumentos holandés Piet Jan Blauw. Fue grabado por Ignacio Acosta y José Luis Almeida en el estudio La Ventana.

En una ocasión, conversando con la cantante Chavela Vargas, idearon la posibilidad de hacer un disco en el que ella pudiera interpretar sus canciones clásicas, pero con los arreglos de Jorge. Esto fue una realidad en el disco Cupaima, de 2007, con el auspicio de la Universidad de Guadalajara.

«Me interesa más lo mágico, lo sagrado, el mito, la simbología sonora del inconsciente colectivo que la ciencia y su descarnada racionalización de la realidad. Los abismos me atraen.» (Jorge Reyes en entrevista con Eduardo Cruz Vázquez para El Financiero, 19 de marzo de 1993, referida en el libro de David Cortés, El otro rock mexicano: experiencias progresivas, psicodélicas, de fusión y experimentales.)

En 2008 trabajó con Rodolfo Garza y Daniel Treviño, dueto regiomontano mejor conocido como Barbelo, para la realización de un nuevo disco independiente al que llamaron Ethnoaural, su debut. Fue grabado por Roberto Garza en diferentes estudios.

En la madrugada del sábado 7 de febrero de 2009 Jorge Reyes falleció a los 56 años debido a un paro cardiaco. Se quedó dormido sobre su escritorio y ya no despertó. Le sobreviven los hijos de su primer matrimonio con Úrsula Kipp: Eréndira, Citlalli y Ridwan, así como su viuda Ariane Pellicer. Su colección supera los 300 instrumentos, que colectó alrededor del mundo, primordialmente en México, y formaron parte del altar en el que se le veló.

La flauta es un suspiro, el aliento de una deidad sobre las aguas primordiales de la creación. Antiguo soplo divino entre el Cielo y la Tierra, su sonido es un arquetipo que hace renacer a las aves Fénix conduciendo al paraíso de los inmortales y a la resurrección. La flauta personifica el eterno retorno y representa la vida pastoral idílica; asociada a la brisa ligera del bosque, las nubes de vivos colores, se relaciona orgánicamente con las cañas y el agua. Sabemos que un recién nacido respira, vive y posteriormente reconoce a su madre sólo por el grito y su llanto como respuesta a la primera nalgada. El sonido de la voz marca el nacimiento del bebé, es el primero que hace en este mundo su primera afirmación de vida. Las palabras vienen después como lenguaje, eje de comunicación, desarrollo cultural; pero su función va más allá de la supervivencia: son parte esencial de todos los momentos sagrados, ritos, ceremonias y celebraciones; su efecto mueve diferentes fibras del cuerpo, de la mente, y las sacude. Existen ciertas palabras mágicas que confieren poder, liberan de las enfermedades, ofrecen beneficios, infunden esperanza, procuran bienestar, ahuyentan fuerzas obscuras. Hay palabras tan cargadas de energía que tienen influencia sobre lo físico y otras que estimulan la creación de estados espirituales y meditativos. Son tan poderosas que penetran nuestro corazón cual llamaradas. Mantra en sánscrito significa palabra de liberación, oración mágica. El sonido es un conjuro, el ropaje de una revelación. En el sonido se encuentra el origen del cosmos. Varios mitos de la creación cuentan de un sonido primordial que conmociona el silencio cósmico, da vida al universo y es fuente de todas las cosas visible e invisibles. [Carta de Jorge Reyes a Roberto Ponce, publicada en el artículo «Jorge Reyes por siempre», Proceso, 20 de febrero de 2009.]

Tras su muerte, han salido a la venta las grabaciones póstumas Steve Roach & Jorge Reyes. Live in Tucson 2000, de 2013, y Steve Roach & Jorge Reyes. The ancestor circle, de 2014, de unas grabaciones realizadas en el año 2000.

Discografía £

Ek Tunkul (1983)

A la izquierda del colibrí (1986)

Comala (1986)

Viento de navajas (1987)

Niérika (1989)

Crónica de castas (1990)

Prehispanic (1990), recopilación

Bajo el sol jaguar (1991)

UAISCM4: Tlaloc (1991)

Suspended memories, forgotten gods (1992)

El costumbre (1993)

Music for the forgotten spirit (1994)

Suspended Memories, Earth Island (1994)

The Flayed God (1994)

Tonami (1995)

Jorge Reyes. Mort aux vaches (1996)

Prehispanic rituals (1997)

Samuel Zyman y Jorge Reyes. La otra conquista (1999)

Vine. Bark and spore (2000), de Reyes y Roach

Cupaima (2007), con Chavela Vargas

Ethnoaural (2008), del grupo Barbelo

Steve Roach & Jorge Reyes. Live in Tucson 2000 (2013), EP

Steve Roach & Jorge Reyes. The ancestor circle (2014)

33. Luzbel

1983-1990, 1992-1996 y 2012-hasta hoy,
Ciudad de México

Integrantes l

Raúl Fernández «Greñas» - Guitarra

Guillermo Herrejón «Willy Noise» - Voz (1983)

Jorge Cabrera† - Voz (1983-1984)

Antonio Morante «la Rana» - Bajo (1983-1990)

Hugo Tamés - Batería (1983-1984) (1989-1990)

Fernando Landeros - Guitarra (1983-1984)

Sergio López† - Batería (1984-1986)

Arturo Huízar - Voz (1984-1986) (1992-1996)

Alejandro Vázquez - Batería (1986-1989) (1992-1996)

Juan Bolaños - Voz (1986-1990)

Francisco Yescas - Guitarra y teclados (1987-1990)

Andremar Mallet - Bajo (1992)

Zito Martínez - Bajo (1992-1996)

Mike de la Rosa - Voz (2012-hasta hoy)

Vic Nava y Mata - Bajo (2012-hasta hoy)

Jorge Curiel - Batería (2012-hasta hoy)

Género ù

Heavy metal, hard rock, metal neoclásico, speed metal, blues y power balada; con influencia de Deep Purple, Iron Maiden, Ozzy Osbourne, Motörhead y Black Sabbath.

Historia h

El guitarrista Raúl Fernández Greñas nació en la Ciudad de México el 27 de julio de 1958. Desde temprana edad aprendió a tocar, teniendo una Teisco como su primera guitarra. A los 15 años le compraron una Fender Stratocaster. A sus 22 viajó al Reino Unido con la intención de integrarse a algún grupo de la creciente nueva ola del heavy metal británico. Hizo muchas audiciones que, aunque en principio no concretaron ninguna inclusión en una banda, representaron un buen fogueo con el que adquirió experiencia. En 1981 fue aceptado en el grupo Red; sin embargo, por cuestiones concernientes a su estatus migratorio, tuvo que volver en 1983.

Fue cuando conformó el grupo Luzbel con Jorge Cabrera† en la voz, que sustituyó a Guillermo Herrejón, mejor conocido como Willy Noise (que estuvo muy poco tiempo), con el exSpectrum Antonio Morante la Rana en el bajo, Hugo Tamés en la batería y Fernando Landeros en la segunda guitarra. Con esta alineación grabaron una maqueta de siete canciones. Parte de estos temas fueron rescatados posteriormente para ser editados en 1997 por Discos Denver, junto con otros en el disco El comienzo.

En un ensayo, un amigo les propuso llamarse Luzbel. Las referencias satánicas eran parte de los temas recurrentes en el heavy metal, así que la banda aceptó el nombre sin mayor trámite. Comenzaron a tocar en bares en los que les exigían interpretar covers. Esto creó un conflicto interno, ya que Raúl no estaba dispuesto a ceder en cuanto a tocar temas originales. Así que Fernando, Hugo y Jorge decidieron salir ante la poca expectativa de generar ingresos a corto plazo.

Antonio sugirió a Raúl invitar a sus excompañeros del grupo Spectrum para rearmar a Luzbel. Ellos fueron el cantante Arturo Huízar y el baterista Sergio López†, con quienes grabaron una maqueta cuyos temas se habían tornado un tanto más oscuros y poéticos, con la pluma de Arturo. Este trabajo llegó a oídos de una nueva discográfica independiente llamada Comrock. Causó tal impresión que pasaron a formar parte de su elenco junto a Ritmo Peligroso, Clips, Kenny y los Eléctricos, La Cruz y El Tri.

En 1985 salió el EP Metal caído del cielo, editado por Comrock y distribuido por Warner Music. Este material mostró por primera vez las virtudes de la mancuerna entre las guitarras de Raúl y las letras y la voz de Arturo Huízar. En la estación de radio capitalina WFM comenzó a sonar «El loco», generando una gran proyección ante el naciente público del metal hecho en español. Se hicieron videos de «La ciudad es nuestra» y «La gran ciudad», pero no encontraron espacios para difundirlos y fue sólo con el tiempo que pudieron conocerse al ser subidos a internet. Sin embargo, llegaron a aparecer en dos ocasiones en la televisión de cobertura nacional: una, en el Canal 13 de Imevisión, y otra, en el programa En vivo, de Ricardo Rocha, en Televisa.

El año 1986 lo comenzaron grabando el disco de larga duración Pasaporte al infierno, que fue editado por Comrock, con distribución de Warner Music. En la batería entró Alejandro Vázquez, en sustitución de Sergio. La portada es una imagen del pintor José Manuel Schmill. En este trabajo, Raúl se inspiró y homenajeó al guitarrista sueco Yngwie Malmsteen.

Con este material viajaron a Los Ángeles, a Guatemala y por la República mexicana. También por este disco los sectores conservadores de la sociedad los catalogaron como un grupo satánico. El 18 de mayo de ese año se presentaron en el Salón Margo, compartiendo el escenario con El Tri y Ultimátum.

Arguyendo una lesión en la garganta, Huízar salió del grupo. Hay versiones que sostienen que la verdadera razón fue por su indisciplina y por no querer ensayar. Su concierto de despedida fue el 18 de julio en el gimnasio Nuevo León, en Monterrey. Su sucesor, después de numerosas audiciones, fue Juan Bolaños (exPóker). Con él lanzaron en 1989 el disco Luzbel directamente con Warner Music, ya que el catálogo de la desaparecida Comrock fue absorbido por la transnacional. La portada volvió a estar a cargo de José Manuel Schmill. En el tema «Holocausto» incluyeron una grabación en reversa que decía: «Qué importa el sitio donde yo resida, si soy siempre el mismo y el que debo ser, más vale reinar en el infierno que servir en el cielo», cita de la obra El paraíso perdido, de John Milton, que el grupo grabó jugando con la referencia que de ellos hacían en cuanto a su satanismo. En el disco también participó Francisco Yescas, que entró al grupo un poco antes de meterse al estudio. Estuvo a cargo de la segunda guitarra y los teclados. «Este disco para mí fue un trabajo muy bonito pues ensayábamos diario en el Charco de las Ranas y de ahí nos íbamos Raúl y yo a su casa a darle toda la tarde y gran parte de la noche diariamente. Actividades: comer, guitarras, beber, guitarras, fumar, guitarras, beber, guitarras y así…» (Comentarios de Francisco Yescas en el sitio <http://discosdiablo.wixsite.com/luzbel/historia>.)

En esta nueva etapa, los temas de Luzbel se hicieron más rápidos y poderosos, aunque demeritaron un poco sin las letras de Huízar. Cierto sector radical del público fue implacable con el nuevo cantante. Como suele suceder cuando hay cambios de alineación en un grupo, encontraron el rechazo de algunos fanáticos, pero conservaron a la mayoría de sus seguidores y ganaron nuevos. Para entonces, la campaña Rock en tu Idioma estaba en pleno y se enfocaba en otros géneros distintos al metal, que se mantenía sin mucho apoyo por parte de los medios de comunicación. Se convirtieron en una banda de culto.

Warner Music editó Luzbel en Estados Unidos y fue distribuido en Europa y Japón, lo que les dio proyección internacional. En el país asiático llegaron a vender 50 mil copias.

Al terminar su relación con Warner Music, en 1989, Luzbel realizó su nuevo trabajo titulado ¡¿Otra vez?!, grabado en Weslaco, Texas, y que salió en 1990. Inicialmente se editó con Discos Sánchez, que hizo un pequeño tiraje antes de vender la producción a Discos Denver, quienes terminaron el trabajo. A la batería regresó Hugo Tamés en sustitución de Alejandro Vázquez.

Poco tiempo después del lanzamiento de ¡¿Otra vez?!, y en plena promoción de este material, Raúl tomó la decisión de disolver la banda, a causa de los pocos resultados y de conflictos internos. Su siguiente paso fue formar el grupo Argus (que cuenta con una ficha en este libro), con quienes tocó y sacó discos entre 1990 y 1992. Este grupo se separó cuando Arturo Huízar buscó a Raúl Greñas y lo convenció de volver a formar su vieja banda. Fue así como, con parte del grupo Argus, volvió a nacer Luzbel en 1992. Andremar duró muy poco tiempo y fue sustituido por Zito Martínez, con quien tocaron en su regreso oficial el 18 de agosto de ese año. Con esta formación abrieron los conciertos de Black Sabbath, en 1992, y Deep Purple, en 1994, que se realizaron en el Palacio de los Deportes.

Tras un intento infructuoso con Discos Rockotitlán, Luzbel grabó su siguiente disco con la intermediación de Organización Latino Internacional, en Discos Dodo, subsello de Sony Music, y que contó con la producción artística de Hans Mues. La rebelión de los desgraciados salió en 1994. Este material fue reeditado posteriormente por Discos Denver.

El grupo volvió a entrar en crisis, pero en este caso la razón tuvo que ver con los excesos de sus integrantes. «Llega un momento en donde no se puede trabajar con drogadictos, no se puede trabajar con borrachos, con alcohólicos como yo, ¿no…? Llegamos a un momento en donde los empresarios no nos contrataban… porque yo llegaba pedo o porque el otro wey ya no llegaba, porque el otro wey X razón…» (Declaración de Arturo Huízar para el sitio <http://discosdiablo.wix site.com/luzbel/historia>.) Tras una carta en la cual Arturo renunció, Raúl decidió nuevamente desintegrar el grupo en 1996. «De repente, como roquero loco, los excesos te ganan y a mí me ganaron, veía videos míos y ya no me reconocía. Me retiré a tiempo, para no estar haciendo osos.» (Declaración de Raúl Greñas para el sitio <http://discosdiablo.wixsite.com/luzbel/historia>.)

Poco después, Huízar hizo una aparición en televisión acompañado por Zito, junto a Paco Rock y Víctor Herrera, guitarra y batería, respectivamente, usando el nombre de Luzbel en el programa El diario de la noche, conducido por Víctor Trujillo. En abril de 1997 emprendió la Gira del Evangelio, presentándose como La Santa Trinidad de Luzbel. Mientras tanto Raúl Greñas se mudó a Cuernavaca, dio clases de guitarra y creó el grupo Proyecto Millennium, en el que participaron varios exintegrantes de Luzbel.

En ese año se editó con Discos Denver el disco El comienzo, con aquellas grabaciones hechas con la primera formación de Luzbel, que quedaron enlatadas hasta 2017, en que Raúl las rescató para darlas a conocer.

A partir de 1998 Huízar comenzó a presentarse con un grupo al que nombró Lvzbel, que tocaba versiones de los viejos temas de Luzbel y también grabó discos. Alegó que nunca estuvo de acuerdo con la decisión de Raúl Greñas de terminar con Luzbel, por lo que decidió continuar con su propia versión cambiando una letra en el nombre de la banda, ya que comenzó un pleito con Raúl por la utilización de éste. «El nombre de Luzbel no está registrado ni para él (Raúl Greñas) ni para mí, cuando se hizo un primer intento, lo tenía un luchador, te hablo de 1985, 86, 87». (Arturo Huízar para el sitio <http://discosdiablo.wixsite.com/luzbel/historia>.)

Sin embargo, en ese año salieron, con Discos Phoenix, bajo licencia autoral de Huízar, los compilados Anthología perdida I y II, con canciones de Luzbel grabadas entre 1985 y 1998. Por otro lado, bajo la coordinación de Raúl Greñas, y como respuesta a la serie Anthología perdida, en 1999 Warner Music sacó el compilado Lo mejor de Luzbel.

En el año 2000, Alejandro Vargas produjo el disco homenaje a Luzbel llamado El tributo, editado por Discos Ciudad, en el que participaron bandas como Anabantha, Ágora, Erógena, Calvaria y Santa Muerte.

En 2003 hubo un intento de regresar a los escenarios. Raúl Greñas y Juan Bolaños dieron algunas presentaciones, pero la empresa no prosperó.

En 2006 salieron los discos Otra vez en vivo desde el infierno Vols. I y II, editados por VR Producciones por iniciativa de algunas personas del Tianguis Cultural del Chopo, a partir de unas grabaciones no profesionales de las presentaciones que en 1989 hicieron para la cadena de televisión ECO, en el espacio de Alfonso Teja durante la promoción del disco ¡¿Otra vez?! Estos bootlegs no son precisamente de las grabaciones de un concierto en vivo, como sugiere su nombre.

El uso del nombre original y modificado se convirtió en el centro de un pleito legal entre Raúl y Huízar, que los llevaría a una guerra de declaraciones en los medios especializados.

Al final de 2012 se rumoraba sobre el regreso de Luzbel con Raúl Greñas. Las dudas se despejaron al lanzarse el tema «Kirleleison», una muestra de lo que estaba por venir. En enero de 2013 se anunció oficialmente el regreso de Luzbel con una nueva alineación. En esta ocasión acompañaron a Raúl el cantante Mike de la Rosa (que también participa en Cristal y Acero), el bajista Vic Nava y Mata y el baterista Jorge Curiel. Hicieron una aparición en el programa de TV Azteca, Animal nocturno, conducido por Ricardo Rocha, y el 28 de febrero regresaron a los escenarios en el Teatro Aldama, comenzando así la gira Plegaria de un Loco, que los llevó a numerosas ciudades de la República mexicana.

El disco Regreso al origen fue lanzado en agosto de ese año por el sello Ceiba. Está conformado por nuevas versiones de varios de sus clásicos, así como temas originales. Su intención era mostrar cómo se escuchaba esta nueva formación del grupo.

El 28 de marzo de 2014 Luzbel se presentó en el Festival Vive Latino. Todo esto generó fuertes discusiones en las redes sociales entre los seguidores de Luzbel y Lvzbel.

Tras un pleito legal que duró varios años entre Arturo Huízary Raúl Greñas por los derechos del nombre, Indautor decidió otorgarlos a su fundador Raúl Fernández, el 6 de noviembre de 2015, por lo que Arturo Huízar quedó sin la posibilidad de usar ni registrar Luzbel, Lvzbel o cualquier otro nombre similar.

Al comienzo de 2016 la banda se encontraba de luto al haber fallecido dos exintegrantes del grupo: el cantante Jorge Cabrera y el baterista Sergio López.

¡Hoy es un terrible día! Me acaban de avisar que uno de mis mejores amigos, y qué decir amigo, mi hermano del alma, falleció. Sergio López perdió la vida esta madrugada. ¡En verdad esto me duele de corazón! Se va uno de los mejores integrantes que haya tenido la banda Luzbel; descansa en paz, mi hermano. ¡Siempre fuiste un gran ser humano! […] Además la calaca estaba enojada hoy con la escena nacional, también se nos fue el gran Lalo Tex; mis más sinceras condolencias para su familia. ¡El Rock Nacional está de luto hoy! [Raúl Greñas entrevistado para la sección de espectáculos del sitio en internet de Televisa, 19 de enero de 2016.]

Por este motivo, en abril le hicieron un concierto homenaje en un bar de la Ciudad de México, en el que participaron los exintegrantes Juan Bolaños, Paco Yescas y Zito Martínez. A los pocos días lanzaron el tema «Mienten», como un adelanto de su más reciente disco titulado El tiempo de odio, editado por el sello Sade Records, en julio. Luzbel es otra de esas bandas que han optado por no vivir de la nostalgia y se mantiene creando nuevas canciones.

Discografía £

Metal caído del cielo (1985), EP

Pasaporte al infierno (1986)

Luzbel (1989)

¡¿Otra vez?! (1990)

La rebelión de los desgraciados (1994)

El comienzo (1997)

Regreso al origen (2013)

El tiempo de odio (2016)

Otras grabaciones

Anthología perdida I (1998), compilado

Anthología perdida II (1998), compilado

Lo mejor de Luzbel (1999), compilado

Otra vez en vivo desde el infierno Vol. I (2006)

Otra vez en vivo desde el infierno Vol. II (2006)

34. Cecilia Toussaint

1983, Ciudad de México

Género ù

Rock pop, new wave, punk, rupestre, reggae, rhythm and blues, danzón, baladas, ranchero, canto nuevo y canciones infantiles; con influencias de Patti Smith, Consuelo Velázquez, Pat Benatar, Marcial Alejandro, José Antonio Méndez, Cri-Crí, Jaime López, José Elorza y José Manuel Aguilera.

Historia h

Proveniente de una familia de talentosos músicos, Cecilia Toussaint nació en la Ciudad de México el 11 de octubre de 1958. Actualmente es madre de dos hijos.

Inició su carrera musical en 1977 como integrante del grupo de nueva canción La Nopalera, en la que permaneció hasta 1979. Posteriormente conformó el grupo Rehilete junto a su prima Maru Enríquez, cuya propuesta se centraba en cantar temas de compositores mexicanos. Al final de 1982 montó un espectáculo de boleros en el que interpretó temas de José Antonio Méndez, Marcial Alejandro y José Elorza. Con este antecedente participó un año después en el ciclo Cuando las Mujeres Cantan, compartiendo el escenario con las principales exponentes de la música popular mexicana de esos días.

En 1983 presentó una nueva propuesta musical, con la que incursionó en el rock junto al grupo Abril, con temas de Jaime López y José Elorza. Al guitarrista José Luis Domínguez y al baterista Héctor Castillo de esta banda se les unió el bajista Rodrigo Morales, creando así el grupo Arpía, junto a Cecilia. Su primer concierto fue el 23 de septiembre, en el Teatro Carlos Lazo de la Facultad de Arquitectura de la UNAM. Tuvieron presentaciones en hoyos fonqui y diferentes foros de la capital y la República mexicana. A partir de entonces, José Luis Domínguez colaboraría con Cecilia de manera casi ininterrumpida.

En 1985 grabaron de forma independiente su debut discográfico, Arpía, con distribución de Pentagrama y la producción de Rodrigo de Oyarzabal y Modesto López. De este disco se desprendieron los temas «Me siento bien, pero me siento mal» y «La primera calle de la soledad», ambos de Jaime López, de quien Cecilia se convertiría en su principal intérprete.

Durante 1984 y 1985 presentó junto a Jaime la comedia musical a una guitarra y dos voces, Corazón de silicón.

Para 1987, tras la separación de Arpía, el productor chileno Carlos Narea, quien ya había establecido contacto con Cecilia para trabajar el material de un nuevo disco, visitó la Ciudad de México en compañía de Tomás Muñoz, vicepresidente de A&R y desarrollo artístico de CBS Nueva York, para asistir a un concierto de Cecilia en Rockotitlán. Tras ser firmada por CBS México, salió En esta ciudad, disco que contuvo una de sus canciones más conocidas: «Carretera».

Ese mismo año colaboró en el disco homónimo de Trolebús, cantando el tema «El país de los borrachos» y, a dúo con Choluís, «Balada chilanga».

En un intento por abrir espacios para su música, en 1989 apareció concursando en el Festival OTI, por lo que fue satanizada por una parte de sus seguidores y atacada por los medios. Sin embargo, en ese mismo año se presentó alternando con Enanitos Verdes en el Auditorio Nacional, con lleno total.

Le siguió, en 1990, Tírame del corazón, con producción de Ronnie Foster, material que posee la canción «Dueña de mi esclavitud». Para entonces, su carrera como solista se consolidaba y combinaba su faceta como actriz con la de cantante. Su banda estaba conformada entonces por José Luis Domínguez en la guitarra, Ricardo Páez en los teclados, Danny López en el bajo y su hermano Fernando Toussaint en la batería. Se presentaron en el Teatro Blanquita con lleno total.

En 1992 se convirtió en la primera rocanrolera mexicana en grabar un disco en vivo: Noche de día, producido por Luiz Carlos Maluy, con la coproducción de Cecilia y su hermano Eugenio. Fue grabado durante dos conciertos en el Teatro de la Ciudad, donde también participó Alejandro Lerner como invitado especial.

Tuvo una temporada de presentaciones en el bar Buganvilia, en la Ciudad de México, y en la Plaza de Toros, en Monterrey.

En 1993 salió Sirena de trapo, producido por Cecilia, su hermano Eugenio y Memo Gil, a partir de una idea trabajada con Jaime López. De éste se desprendió el tema «Sacude tu corazón», cuyo video dirigió Carlos Marcovich en locaciones de España y Canadá. Ese mismo año se casó con el baterista de Caifanes, Alfonso André, y colaboró en el disco Infinito amor, de Alejandro Lerner.

Celebró sus 10 años como cantante de rock en el Zócalo de la Ciudad de México. También ofreció conciertos en el Festival Acapulco 94; viajó a Canadá, donde se presentó en Quebec, Toronto y Montreal. Hizo un dueto con Jon Anderson para el disco Deseo, junto a muchos otros artistas de la talla de Milton Nacimento, por mencionar a alguno. También participó haciendo coros en el disco El nervio del volcán, de Caifanes. Posteriormente, participó en los discos El equilibrio de los Jaguares, de Jaguares; Forseps, de José Fors, y El fuego de la noche, de La Barranca.

En 1997 creó su propia discográfica a la que llamó Producciones al Vapor, con el que sacó los discos Detrás del silencio, Para niños y Cecilia Toussaint, este último, producido por José Manuel Aguilera, de La Barranca. En 2000 tuvo la nominación como Mejor Interpretación Vocal Femenina de Rock por el tema «Como la nada», y en 2001, como Mejor Interpretación de Disco de Rock por el álbum Cecilia Toussaint, en los Grammy Latinos.

En 2002 salió Otro lugar, un disco especial, ya que en éste Cecilia reinterpretó sus temas favoritos, pero con arreglos de diferentes músicos, entre los que estuvieron Aleks Syntek, Café Tacvba, El Gran Silencio, Jumbo, Chetes, Zoé y sus hermanos Eugenio y Enrique Toussaint. Este disco encontró problemas en su distribución, por lo que posteriormente fue reeditado en 2004 y distribuido por EMI. «Cada uno de los personajes que están aquí, son gente que admiro y respeto sin importar qué género hagan… A final de cuentas, todos hacemos música y es maravilloso poder compartir lo que cada uno es… y lograr tener hermosas canciones que me han acompañado a lo largo de mi carrera vistas desde otro lugar. Este disco está dedicado a la música y a quienes la hacen.» (Cecilia Toussaint, texto extraído del boocklet del disco.)

En homenaje a Consuelito Velázquez, tras su fallecimiento, Cecilia sacó en 2004 el disco Para mi… Consuelo. En este disco, Cecilia se aleja del rock para cantar boleros. A partir de este trabajo ha participado en diferentes eventos en memoria de la famosa compositora.

En ese mismo año se presentó en Madrid, España, invitada por la Casa América y el Instituto de Cultura de México. También viajó a Guadalajara, donde realizó, junto a Gualberto Castro, César Portillo de la Luz y la Orquesta Sinfónica Juvenil de Zapopan, un concierto homenaje a Consuelito Velázquez.

Para mayo de 2006 viajó al Festival Meet in Beijing, en China, presentándose en el Century Theatre.

Posteriormente realizó una gira por la República mexicana junto a Betsy Pecanins, con el espectáculo Flores de asfalto, del cual existe un disco en vivo llamado A viva voz, lanzado en 2007. También salió su nuevo disco de estudio al que llamó Acoso textual, con temas de su autor de cabecera Jaime López.

Para 2010, con motivo de los 25 años de la aparición de su primer disco, salió 25 Años de Arpía en vivo, grabado en el Multiforo Cultural Ollin Kan, a finales de 2009.

Discografía £

Arpía (1985)

En esta ciudad (1988)

Tírame al corazón (1990)

Noche de día (1992)

Sirena de trapo (1994)

Detrás del silencio (1996)

Para niños (1998)

Cecilia Toussaint (2001)

Otro lugar (2002), reeditado en 2004

Para mi… Consuelo (2004)

A viva voz (2007), junto a Betsy Pecanins

Acoso textual (2007)

25 Años de Arpía (2010), en vivo

Otros o

Paralelamente a su carrera como cantante, ha participado en diversas obras de teatro como En el centro del vientre de Medardo Treviño; en cine, en Objetos perdidos y Dama de noche, y en telenovelas, en En carne propia y DKDA, sueños de juventud. Ha sido locutora de Radio UNAM y Radio Educación. Participó en una producción de UNICEF titulada Un nuevo sol. Participó en la animación dirigida por Paul Leduc, Los animales. Interpretó la mayoría de los temas del soundtrack de la película de Disney, Tierra de osos 2. Hizo la narración de la ópera Hansel y Gretel, en la serie discográfica Recuentos de ópera para niños.

35. María Bonita

1983-1997, Ciudad de México

Integrantes l

José Mario González Romero «Mario Lafontaine» - Voz

Juan Carlos González Romero «Mateo Lafontaine» - Sintetizadores y programación (1983-1986)

Otros colaboradores

Guillermo Santamarina «Tin Larín» - Performance (1986-1997)

Adriana Olivera «la Pajarita» - Performance (1986-1997)

Género ù

Música electrónica, synth pop, post punk, new wave, new romantic, techno pop; con influencia de Size, Capitán Pijama, Duran Duran, Spandu Ballet, Bauhaus, Marc Almond, Cabaret Voltaire, Joy Division, The Order, The Residents, David Bowie, Velvet Underground, Phychic TV, Marvin Gaye, Soft Cell, Kraftwerk, Klaus Nomi, John Foxx y Boy George.

Historia h

Durante la mitad de la década de los setenta y provenientes de una familia católica conservadora, los hermanos José Mario y Juan Carlos González Romero estudiaban en el colegio La Salle, de la colonia Florida, en la calle de Francia, muy cerca de Hip 70, uno de los pocos lugares en la ciudad donde se podían conseguir discos importados de diversos géneros. Los dos adolescentes solían irse de pinta a ese lugar para adentrarse en un mundo de música y portadas de discos.

José Mario, atraído por ciertos personajes glam del momento, quiso comprar un disco de Todd Rundgren. Al no tener el dinero suficiente para comprarlo, pero sí cierta facilidad para dibujar, propuso hacer un logotipo para la tienda a cuenta del disco en cuestión. Ahí no paró la cosa, ya que después dibujó cómics para la revista México Canta, que entonces dirigía Armando Blanco, el dueño de la tienda, teniendo como pago más discos. Posteriormente, los dos hermanos estudiaron comunicación (que no terminaron) y trabajaron desde muy temprano en el medio publicitario.

Cuando hacia el final de la década de los setenta Hip 70 abrió un espacio para conciertos en la parte superior de la tienda, los dos hermanos se sintieron fuertemente atraídos por una escena naciente de punk y new wave conformada por los grupos The Casuals, Dangerous Rhythm y, particularmente, fueron seducidos por Size, cuyo cantante era Jaime Keller†, mejor conocido como Illy Bleeding. Mario entabló una amistad con él y comenzó a asistir a los ensayos del grupo. En una de sus visitas lo escucharon cantar y le sugirieron armar su propia banda, sembrando en su mente creativa la semilla de un futuro proyecto.

Por su cuenta, Juan Carlos, tres años menor que José Mario, comenzó a cantar en el grupo Old Fashioned e hizo sus primeras composiciones en música electrónica, acercándose a Jesús Bojalil†, mejor conocido como Capitán Pijama. Sus primeros teclados se los compró a él y al grupo Size. Como buen dibujante, también ya había hecho el diseño de los discos de Syntoma y Size, así como infinidad de flyers para los conciertos de las bandas del momento.

En 1983 José Mario creó un dueto al que llamó Pobre Clara, junto a Guillermo Santamarina, alias Tin Larín (exPijamas a Go Go), con el que hizo performances dadaístas. Duraron poco tiempo.

En ese mismo año se juntó con su hermano menor para crear María Bonita, con un concepto de humor corrosivo, transgresor, oscuro y abiertamente gay y anticlerical, en el que Juan Carlos se encargaba de la música y José Mario de las letras. Tenían en claro romper con la estética de los setenta. Fue así como comenzaron a ensayar en la casa familiar, ubicada en Acoxpa.

En tiempos de la primaria, José Mario se enamoró de un compañero llamado Luigi Lafontaine. De ahí tomó su apellido artístico, el cual después adoptó su hermano, convirtiéndose así en los hermanos Mario y Mateo Lafontaine.

Su primer concierto lo dieron el 30 de mayo de 1984, en la primera librería Gandhi, en la avenida Miguel Ángel de Quevedo. En esa ocasión los acompañó Walter Schmidt en el sax, quien entonces era el bajista de Size. Ese día, la modelo Claudia Ramírez asistió con su novio, un productor de televisión. Éste quedó sorprendido con la presencia de Mario en el escenario y al saludarlo le dijo: «Hola, yo soy Luis de Llano y puedo cambiar tu vida». Mario, quien hasta ese momento había despreciado el mainstream, aceptó trabajar primero en algunas actuaciones televisivas ocasionales y, después, en la concepción visual de los artistas pop de Televisa, como Fresas con Crema, Timbiriche y Garibaldi. Mateo, aunque colaboró también en la televisora por un tiempo, mostró siempre su rechazo ante esta circunstancia. Mientras, su hermano comenzó a ser tachado como «televiso» en el medió subterráneo. Sin embargo, la situación económica de Mario se vio muy favorecida con su nuevo trabajo. La de su hermano tampoco fue mala ya que, por su cuenta, se fue convirtiendo en un exitoso creativo de agencias de publicidad.

Comenzaron a presentarse en los foros de las librerías El Ágora y Gandhi y, posteriormente, en lugares como Casa del Lago, Rockotitlán y el Bar 9, famoso club gay. En sus conciertos, Mario aparecía en un escenario diseñado por ellos, con su atuendo andrógino, mientras Mateo tocaba y disparaba arpegiadores y cajas de ritmo. Contaron con el apoyo de Walter Schmidt, quien los promovía en la revista Sonido, misma que dirigía. Su público era una mezcla de personajes de la comunidad gay, escritores en boga, esnobs y miembros gay friendly de otras bandas, como los integrantes de Botellita de Jerez y Café Tacvba, Saúl Hernández, Carlos Maldonado y Jorge Reyes. Los miembros de Café Tacvba posteriormente reconocerían una influencia en María Bonita por su uso de secuencias electrónicas. «Las presentaciones de María Bonita estaban saturadas de humor negro y tributos absurdos. Mario se vestía de mujer, cantaba temas que abordaban el mundo del travestismo y el transgénero, cosa que no sólo causó tremendo escándalo entre el público, sino que hasta llegamos a ser amenazados por Pro-Vida.» (Mateo Lafontaine en entrevista para el suplemento «Ocio», de Milenio Diario, 9 de abril de 2015.)

En 1985, Mario comenzó una relación creativa y afectiva con Anette Fradera que duraría dos años y que lo acercaría a una escena musical diferente. En su domicilio era común convivir con José Manuel Aguilera, Fratta, Alfonso André y miembros de MCC.

En ese mismo año Mateo había creado, paralelamente, Década 2 con Carlos García, de tendencia tecno industrial. Además, tras un breve paso por Televisa junto a su hermano, entró a trabajar en una prestigiosa agencia de publicidad, lo que provocó un distanciamiento temporal.

Mario convenció a Mateo de presentarse de nuevo en una musicomedia en la cual darían premios chuscos al rock mexicano, denominada Segunda Entrega de Premios a lo Mejor del Rock Nacional 1985-1986, en la librería El Ágora, en la que Mario personificó a La Maestra Goyeneche. Las presentaciones continuaron, aunque de manera esporádica.

Entre otras cosas extrañas, aparecieron en un comercial del Centro Cultural Arte Contemporáneo, en el cual representaron a dos personajes de un cuadro de Fernando Botero bailando tango. Mateo, como un señor de bombín, y Mario, travestido como su pareja. Esto los hizo más conocidos.

Sin embargo, en 1986, Mateo decidió dejar María Bonita, entre otras cosas, por la actitud ambigua de su hermano ante el ofrecimiento de firmar con la discográfica BMG Ariola para grabar un disco en plena campaña del Rock en tu Idioma. Por entonces, Mario se encontraba absorto en su trabajo para Televisa y con poca disposición para grabar.

Con la salida de su hermano, Mario hizo de María Bonita su alter ego y continuó presentándose junto a Tin Larín y Adriana Olivera, dándole al proyecto un giro más plástico y cabaretero, en vez de musical. En esta etapa, se presentaron en lugares como el Tutti Frutti y El Hábito y fueron cobijados por Alejandro Aura en El Hijo del Cuervo. Sin embargo, las apariciones de María Bonita se fueron espaciando hasta dar una última en el Bar 9, en 1997.

Mateo y Mario se han vuelto a presentar como María Bonita en dos ocasiones. En 2014, cuando tocaron en El Imperial, de la colonia Roma, y el 18 de junio de 2016 en el Museo del Chopo en el marco del XXIX Festival Internacional por la Diversidad Sexual, en el cual rindieron tributo al padre transgénero de la vanguardia, Genesis P. Orridge.

Otros o

Mario también ha colaborado en el diseño de portadas de grupos de rock como Caifanes, Cita y sus Muñecas Rotas, Fobia, Azul Violeta y Kenny.

Mateo ha sido director creativo de campañas publicitarias de marcas como Sabritas, Ford y Coca-Cola, entre otras. Trabajó como dibujante para Hanna Barbera. También ha conformado otros proyectos musicales como Silueta Pálida, Club Soda, Dix Dix, Voti, Década Hoy y Nobody Was There. En algún momento, por medio de una novia salvadoreña, diseñó panfletos para el Frente Farabundo Martí de Liberación Nacional, de El Salvador.

36. Banda Elástica

1983, Ciudad de México

Integrantes l

Guillermo González - Guitarra

José Navarro - Marimba y percusión

León Miralda - Guitarra (1983-1984)

Rodolfo Nava - Batería (1985-1997)

Luis Miguel Costero - Batería (1997-hasta hoy)

Lucio Sánchez - Bajo (1983-1988)

Sósimo Hernández - Bajo (1988-hasta hoy)

Rosino Serrano - Teclados (1983-1996)

José Luis Romero - Sax y clarinete (1983-1993)

Guillermo Portillo - Flauta y sax alto (1988-hasta hoy)

David Barret - Sax (1997-2003)

Juan Alzate - Sax (1997-2003)

Ismael Palomares - Percusión y marimba (2006-hasta hoy)

Género ù

Rock en oposición, música contemporánea y jazz fusión; con influencias de la música autóctona, étnica, música clásica europea, jazz y rock.

Historia h

La Banda Elástica es un grupo autogestivo de música experimental difícil de definir en términos de género y alejado de las corrientes de moda. Cada disco que han sacado ha sido distinto al anterior y se han mantenido en continua búsqueda desde su fundación.

Así fue como un grupo de amigos se juntaron para tocar con la disposición de aventurarse en lo desconocido. «Lejos estaban de imaginar que esa dinámica, lúdica y sin compromisos los llevaría a dar forma al caos y a fundar una agrupación a la cual, luego de varios intentos fallidos, bautizaron como Banda Elástica.» (David Cortés en un texto escrito con motivo de los 30 años de Banda Elástica.) El nombre surgió de una broma de Miguel Miralda y que, con el tiempo, adquirió sentido conceptual para el grupo.

Sus integrantes provenían de diferentes ámbitos. Algunos de la escuela clásica, otros del jazz y el rock. Como dato curioso, el percusionista José Navarro provenía del grupo In Memoriam, en el cual cantaba Saúl Hernández. Su primer concierto fue en la Casa Popular de la delegación Magdalena Contreras, en 1983, pero fue hasta 1985 cuando apareció su primera grabación, un EP homónimo de tres composiciones. Su primer LP salió al siguiente año. En estos primeros trabajos destaca la indefinición de un naciente grupo que pisaba varios terrenos a la vez. Decidieron desde este primer trabajo transitar porun camino propio y sin clichés, cercano al rock progresivo, que incluía canciones.

Su primera presentación en un foro roquero fue en Rockotitlán, en 1987. Al siguiente año, visitaron Lima, Perú.

Con su segundo disco, Banda Elástica 2, de 1989, dieron más espacio a sus incursiones jazzísticas, incorporando elementos de música contemporánea, y se enfilaron hacia lo instrumental. Con este material comenzaron a forjar una reputación de banda experimental y arriesgada.

Para 1992 se presentaron en la Casa de América, en Madrid, España. En 1994 apareció Los awakates de Nepantla y tocaron en Kitting Factory y la Escuela Comunitaria Hostos, en Nueva York. Con este disco exploraron terrenos compositivos más lúdicos y contrastantes con temas de diversas duraciones.

Cuando a la banda se le comenzó a definir como exponente del rock en oposición, dieron un nuevo viraje hacia la música autóctona con el disco Maquizcoatl, de 1996. Si bien habían explorado tangencialmente ese terreno, ahora lo hicieron de una forma decidida al incluir la riqueza tímbrica de instrumentos étnicos en un entorno contemporáneo. A manera de continuación conceptual, salió el disco Catálogo de tiraderos, en 1997. Disco que, a partir de improvisaciones rescatadas que no rebasan los dos minutos, se inclina hacia lo abstracto y a la deconstrucción.

El trabajo que le siguió fue Ai tencargo, en 2003, su producción más radical. Un disco en el cual interpretaron temas escritos para ellos por otros compositores. Al respecto comenta José Navarro:

Requirió mucho tiempo de ensayo, las piezas son muy complejas en su interpretación. El título es como una ironía, porque algo que parecía muy sencillo, se convirtió en un proyecto muy complejo; la cantidad de tiempo invertido trajo complicaciones enormes. Las piezas de este disco pertenecen a compositores contemporáneos muy representativos de su generación, que tienen música muy interesante; fue también la gente con la que teníamos más relación y que mostró interés en el proyecto.

El disco fue presentado en la clausura del XXIII Festival Internacional Cervantino.

Viajaron a Noruega, donde se presentaron en un par de conciertos en Trondheim y Oslo.

Con José Navarro y el guitarrista Guillermo González, como integrantes fundadores sobrevivientes y teniendo en su historia la entrada y salida de muchos otros músicos, Banda Elástica llegó a sus 30 años con el lanzamiento del disco Aquí, allá y acullá, conformado por grabaciones realizadas en conciertos en México, Estados Unidos y Noruega.

«Cuando un proyecto cumple 30 años de trayectoria adquiere vida propia y cierta autonomía respecto a quienes lo conforman, éste es el caso de Banda Elástica, nosotros la hicimos, ella nos hizo a nosotros, y parece caminar sola, aunque nosotros no hagamos nada…» (José Navarro.)

Discografía £

Banda Elástica (1985), EP

Banda Elástica (1986), LP

Banda Elástica 2 (1989)

Los awakates de Nepantla (1994)

Maquizcoatl (1996)

Catálogo de tiraderos (1997)

Ai tencargo (2003)

Aquí, allá y acullá (2013)

Otros o

Guillermo González Phillips ha participado en los grupos de música de cámara Movimiento Perpetuo, el Cuarteto de Guitarras Manuel M. Ponce, el trío Alexandre Tansman, el dúo Flautarra y tiene un dúo con la cantante Valentina Álvarez, con quien hizo el disco Españolísimo. Compone para danza, teatro, cortometrajes y televisión.

José Navarro ha sido colaborador de diversos ensambles de percusión, grupos y orquestas. Ha compuesto música para danza, teatro, video y cine, entre los que destacan los largometrajes Rito terminal y Un mundo raro. Por este último trabajo fue nominado para un Ariel a Mejor Música, en el año 2000. Ha sacado los discos Rito terminal y Ollesta.

González y Navarro participaron en el estreno de Cobra, que presentó John Zorn en el Festival de Centro Histórico, de 2003.

37. Rafael Catana

1983, Ciudad de México

Género ù

Rock, folk rock y rupestre; con influencia de Jackson Browne, Los Lobos, Calexico, Nuevo México, Pájaro Alberto, Led Zeppelin, La Revoluciónde Emiliano Zapata, The Clash, Un Viejo Amor, La Nopalera, de blues, de trova, de música norteña, de son jarocho y de escritores como Henry Miller, Roque Dalton y Mario Santiago.

Historia h

Rafael Catana, guitarrista y cantante, nació en el puerto de Veracruz el 20 de julio de 1955, aunque desde los cinco años vive en la Ciudad de México. Estudió en la Escuela Nacional de Música e hizo guiones para Radio Universidad, militó en la izquierda, perteneció al Centro Libre de Experimentación Teatral, mejor conocido como Cleta, se acercó a la Liga Independiente de Músicos y Artistas Revolucionarios (LIMAR), ha dado clases en escuelas, ha escrito poesía, ha hecho teatro en Centroamérica y ha sido un empedernido explorador de los rincones de la ciudad. En la primera mitad de la década de los ochenta comenzó a contar historias acompañado de su guitarra acústica. En 1983 creó una banda con Fausto Arellín y Mario Mota.

Para entonces, el Museo del Chopo se había convertido, bajo la subdirección de Jorge Pantoja, en un foco de generación y difusión de proyectos afines al rock. Creó un pequeño foro e inventó los concursos de Rock en el Chopo y fundó el Tianguis Cultural del Chopo. Así que este lugar se convirtió en un polo de atracción de jóvenes con diversas propuestas, y fue ahí donde Catana estableció contacto con Rodrigo González, Rockdrigo†.

Por su experiencia, Rafael Catana desarrolló una fuerte afinidad por los proyectos colectivos, lo que lo llevó a ser parte del grupo de cantautores que conformó el Colectivo Rupestre.

A partir de las relaciones que Rockdrigo y yo teníamos, empezamos a juntar a esta serie de compositores, un poco alejándonos de la gente del canto nuevo y buscando otro ambiente del rock que no fuera tan gandalla como el de los hoyos fonqui […] el Movimiento Rupestre se dio sin que lo premeditáramos. El manifiesto que escribió Rockdrigo nos daba mucha risa y no estábamos tan de acuerdo, en un sentido figurado y real. Yo vengo del rock y del folk, y siempre me ha interesado la tecnología. [Rafael Catana en el texto de Raúl Silva Rupestre, el libro, coordinado por Jorge Pantoja, 2013.]

En 1985 Rafael Catana formó Malacantoche, junto a Rolando Istia en el bajo, Mario Mota en el sax y la flauta, Roberto Hernández en la batería y Pedro Alejos† en el piano. Lanzaron un casete grabado en vivo en Rockotitlán. Para entonces ya había realizado también varios registros en Radio Educación y Radio Universidad.

Mientras algunos auguraron la desaparición del Movimiento Rupestre tras la muerte de Rockdrigo en el terremoto del 1985, Rafael Catana ha planteado desde entonces que este hecho más bien permitió su consolidación posterior. Después de la tragedia, él se incorporó, junto con algunos de sus compañeros rupestres, a una serie de presentaciones por los campamentos de damnificados y las colonias del entonces Distrito Federal, viéndolo como una necesidad grupal. Los rupestres y los colectivos derivados, como es el caso del Colectivo Errante, no sólo dieron cabida a los fundadores rupestres, sino que incorporaron a otros como Carlos Arellano, Gerardo Enciso, Armando Rosas, Mauricio González y Arturo Meza, entre otros.

Por si fuera poco, otro suceso trágico se atravesó en la vida de Rafael Catana, ya que repentinamente murió, a los 26 años, su pareja sentimental, Elina Cariño. Él lo explicó de la siguiente manera:

Fue mi compañera y juntos tuvimos a nuestro hijo Arlo. Ella murió en un accidente trágico en el Tianguis del Chopo, en 1986. Fue una pendejada de unos escuincles babosos que ni siquiera supieron qué fue lo que pasó, y esto también tiene que ver con el machismo de una sociedad que odia a las mujeres. Lo que pasó con Elina fue la manifestación de una sociedad machista que ve a una chava sola y la hostiga; de pronto hay una bronca y recibe un golpe en la cabeza. Todo mundo se echó a correr; no hubo solidaridad. [Rafael Catana en el texto de Raúl Silva, Rupestre, el libro.]

Tras este fuerte golpe se enfocó en sacar adelante a su hijo. Es hasta 1989 cuando Rafael Catana retomó su camino musical y lanzó un casete de corto tiraje al que llamó Un gato de corazón púrpura. Inmediatamente después, en 1990, entró a los Estudios Tequila para grabar el que sería su primer disco: Polvo de ángel, lanzado en 1991, producido por Sergio Ramírez Cárdenas y Juan Valdés. Contó con la colaboración de Jaime López, Nina Galindo, Julio Morán, Carlos Castro, José Luis Domínguez, Javier Villa, Fausto Arellín, Jorge García Ledezma y Juan Valdés†.

Tocó en espacios culturales, teatros y bares. Desde la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes hasta el multiforo Alicia; desde la librería El Sótano hasta la Escuela de Medicina Veterinaria, en Guadalajara, y el bar Ahuizote, en Aguascalientes.

En 1993 comenzó a trabajar con Daniel Rivadeneyra haciendo un dueto acústico, al que llamó La Forja, que marcaría el comienzo de una relación laboral con los hermanos Rivadeneyra.

Rafael Catana creó, en 1994, Dibujos Animados, conformado por Miguel Ordoñez en el bajo, David Chávez Rivadeneyra en la batería y Daniel Rivadeneyra en la guitarra. Para 1996 salieron Miguel y David y entraron Pedro Arellano y Gabriel «Gnomo» Arias en la batería y el bajo, respectivamente.

En 1997 grabó El nagual, que salió con la discográfica independiente Opción Sónica. Fue producido por Federico Luna y tiene la participación de 25 músicos invitados, entre los que destacan Julio Morales†, Mike Melgar, Federico Luna, Miguel González, Steven Brown, Alejandro Luna, Roberto Reyes, José Luis Montiel, Jorge García Montemayor y Luis Urrieta, con la base instrumental de Dibujos Animados. En este disco exploró la fusión del jazz y el folk, con música del norte del país. Para promover este material recorrió parte de la República mexicana y de Europa, acompañado de los hermanos Rivadeneyra, con quienes hacía un trío acústico, o como también solía hacerlo desde que comenzó a tocar: solo con su guitarra.

En 2001 apareció el disco La rabia de los locos, con el sello Grabaxiones Alicia y producido por Ramón Sánchez. Participaron Jorge García Montemayor, Edmundo Ortega, Daniel Soberanes, Alejandro Campero, Baldomero Jiménez, Julio Morán, Gerardo Enciso y Luis Gerardo Márquez.

Para 2004 emprendió una gira por Europa acompañado por Daniel Rivadeneyra y David Chávez. Se presentaron en el Festival Nagualia. Con este trío continuó hasta 2010.

Grabó Caballo, que fue lanzado en 2011 con el sello Grabaxiones Alicia y producido por Federico Schmucler. Junto a la baterista Liliana Rodríguez, el bajista René Ortiz y el mismo Schmucler en la guitarra. Formó Rafael Catana y los Bandidos para grabar este material y presentarse así hasta la actualidad.

A mí no me gusta el living in the past, vivir en la nostalgia, añorando un pasado que se esfumó. Yo soy un artista que vive en el presente. Tengo una historia y un pasado negro, que es el Movimiento Rupestre, pero asumo mi identidad de artista del siglo XXI, que viene del siglo pasado. A fin de cuentas, todo viene de una tradición y de una vanguardia, porque las vanguardias se van transformando a partir de una tradición, surgen a partir de una tradición. Sí, el Movimiento Rupestre es una tradición y es momento de asumirlo también como una vanguardia. En este caso asumo mi actitud de músico contemporáneo del rock presente y esto tiene que ver con la creatividad que hace posible viajar por la vida. No sé si lo he logrado, pero lo sigo intentando. [Rafael Catana en el texto de Raúl Silva Rupestre, el libro.]

Discografía £

En vivo en Rockotitlán (1985)

Un gato de corazón púrpura (1989)

Polvo de ángel (1991)

El nagual (1997)

La rabia de los locos (2001)

Caballo (2011)

Música de películas

No tuvo tiempo (2000), documental de Rafael Montero

Alicia en el subterráneo (2005), de Alejandro Ramírez Corona

Dos hermanos (2006), cortometraje de Abril Schmucler

El cantar de los cantores (2010), cortometraje de Sergio García Michel

Estridentópolis (2013), documental de José Peguero

Alicia en el abismo (2015), documental de Abril Schmucler

Otros o

Ha escrito los libros Salón Brasil (Editorial Penélope, 1988), Palabra nueva, poesía chicana (antologado; 1989), El libro rupestre (asesoría; Conaculta, 2013), Perros habitados por las voces del desierto (antologado; Nautilium, 2014) y Los pájaros de la cervecería (Ediciones SinFin, Barcelona, 2015). Ha conducido el programa de radio Pueblo de patinetas, en Radio Educación.

38. Delirium

1983-1993, Ciudad de México

Integrantes l

Daniel Rivadeneyra - Guitarra

Manuel Lhoman - Bajo

Óscar Saldaña - Voz (1983-1985)

Amador Ramírez - Teclados (1983-1991)

Rodolfo Moreno - Teclados y voz (1991-1993)

Víctor Baldovinos - Batería (1983-1985)

Alberto Herr - Batería (1985-1991)

Vicente Sánchez - Batería (1991-1993)

Alfredo Flores - Violín (1985-1991)

Género ù

Rock progresivo con influencias de Yes, Premiata Forneria Marconi, Banco del Mutuo Soccorso, Bach, Vivaldi, Uriah Heep, Black Sabbath, entre otros.

Historia h

En 1983 Daniel Rivadeneyra y Manuel Lhoman se encontraron mientras estudiaban música en el INBA. Daniel conocía a Amador Ramírez, con quien tenía un dueto de sintetizadores y guitarra eléctrica. Al juntarse los tres hubo buena química. Faltaba el que se encargaría de una sólida ejecución rítmica y acudieron al baterista Víctor Baldovinos, de Iconoclasta, para que así naciera Delirium.

El grupo se completó con la voz de Óscar Saldaña, con quien grabaron un disco producido por Carlos Alvarado, que permaneció largo tiempo enlatado y al que llamaron El teatro del delirio.

Poco más de un año después, Óscar salió del grupo y Baldovinos regresó a Iconoclasta. En el lugar de este último entró Alberto Herr, exbaterista de El Queso Sagrado.

Hicieron ciclos en el auditorio Che Guevara, el Museo del Chopo y el Foro Isabelino, junto a MCC, Nobilis Factum, Banda Elástica y The High Fidelity Orchestra.

Para entonces, conformados como banda instrumental, invitaron al violinista Alfredo Flores. En 1985 grabaron el acetato Primer diálogo, una mezcla de sonidos barrocos con rock, en el que la guitarra y el teclado mantienen un juego de contrapuntos. Este disco quedaría en la historia del rock mexicano como un trabajo representativo de la época en la que el progresivo vivía un momento muy importante. Destacaron de este trabajo «Armagedón», «Primer diálogo» y «Atrio de las ánimas».

En 1991 grabaron su último disco, Tomando decisiones, que tuvo una línea menos enfocada al progresivo.

Delirium siguió presentándose en los festivales culturales más importantes de la República mexicana, así como en universidades y planteles de todo el país: Rock Stock, Bar 9, LUCC y Rockotitlán. Realizó varios programas de TV producidos por Canal Once, Televisa e Imevisión. El grupo se despidió como abridor del concierto del grupo inglés Marillion, en el Auditorio Nacional, el 18 de julio de 1992.

En 1993 salió un casete titulado A ocho años de Primer diálogo, que incluye el material grabado en 1984 con la primera alineación, más un par de temas. En 1997 se reeditó en CD Tomando decisiones y salió también, en ese formato, El teatro del delirio. «Esta grabación debería de analizarse como la reconstrucción de un pasado que nunca pudo hacerse presente y que, desgraciadamente, volvió a poner en primer plano el odioso hubiera al momento de escribir esta historia.» (David Cortés).

Discografía £

Primer diálogo (1985)

Tomando decisiones (1991)

A ocho años de Primer diálogo (1993), casete

El teatro del delirio (1997), remasterización de cintas grabadas por Carlos Alvarado en 1984

Otros o

Musicalizaron documentales de ciencia en la UAM. Compusieron e interpretaron música para danza contemporánea para el Ballet Teatro del Espacio en sus presentaciones en el Auditorio Nacional. También compusieron música para teatro con el grupo Tepito Arte Acá.

39. Botellita de Jerez

1983, Ciudad de México

Integrantes l

Armando Vega-Gil «el Cucurrucucú» - Voz y bajo

Francisco Barrios «el Mastuerzo» - Voz y batería

Sergio Arau «el Uyuyuy» - Voz y guitarra (1983-1988) (1999-2012)

Rafael «Sr. González» - Voz, percusión y teclados (1988-1997) (2012-hasta hoy)

Santiago Ojeda - Voz y guitarra (1988-1996) (2012-hasta hoy)

Benjamín Alarcón - Teclados, voz y percusión (1988-1992)

Fernando Andrade - Voz y guitarra (1996-1997)

Género ù

Guacarrock; con influencias de Janis Joplin y Lola Beltrán, Jimmy Hendrix y Chamín Correa, Louis Amstrong y Tin Tán, The Beatles y Los Xochimilcas, Los Tepetatles y Kiss.

Historia h

Botellita de Jerez nació en la Ciudad de México en 1983. Conformada por Francisco Barrios el Mastuerzo en la batería y las voces, Armando Vega-Gil el Cucurrucucú en el bajo y las voces y Sergio Arau el Uyuyuy en la guitarra y las voces. Todo comenzó cuando el caricaturista y pintor Manuel Ahumada presentó a su colega Sergio con Armando, quien venía de tocar en el grupo de folclor mexicano Canek. Ambos tenían al rock arrumbado en algún rincón de su existencia y decidieron formar una banda en la cual Mila, la novia de Sergio, sería la bajista. Duraron muy pocos ensayos con ella, ya que la pareja se peleó. Sin embargo, ella fue coautora de su primera canción: «Charrock and roll» y sugirió el nombre del grupo, el cual proviene del dicho popular que utilizan los niños para revertir los insultos: «Botellita de jerez, todo lo que digas será al revés». Para esos ensayos, Armando convocó a Francisco, que tocaba con Los Nakos, quedando finalmente como trío. Su primer concierto fue en una fiesta que recaudaría fondos para el viaje de Ahumada a Nueva York, el 2 de abril de 1983. En dicha fiesta tocó también, por primera vez, el grupo Real de Catorce y el grupo de Cox Gaitán, La Broma Bolchevique, cuya existencia fue de media canción. El maestro de ceremonias en esa ocasión fue Jaime López.

Desde el principio se caracterizaron por ser una banda cuyo concepto musical mezclaba la cultura popular mexicana con el rock. Hicieron del humor su arma escénica y letrística. Incorporaron en sus espectáculos parodias, esketches y albures. Sus atuendos roqueros convivían con elementos de la vestimenta de charros y luchadores. En un acto nada solemne, crearon un manifiesto en el cual nacionalizaron el rock. Se burlaron de las poses roqueras y, principalmente, de sí mismos. Crearon, como una mofa a las clasificaciones, la antietiqueta guacarrock, mezcla de aguacate con rock, que finalmente se convirtió en la etiqueta con la que se conoce su música.

Sacaron inicialmente un casete al que llamaron Charrock and roll, que contuvo muchos de los temas que después saldrían en su disco debut, Botellita de Jerez (también conocido como El morado) durante 1984 para PolyGram, producido por Eduardo A. Gamboa, medio hermano de Sergio, y con fotos de Lourdes Grobet.

Le siguió La venganza del hijo del Guacarrock, de 1985 para PolyGram, producido por Eduardo A. Gamboa y cuya portada es una pintura de Manuel Ahumada.

El 15 de septiembre de 1985, pocos días antes del fatal terremoto que sacudió a la Ciudad de México, Botellita de Jerez inauguró, junto a otros socios, entre los que estaba Fernando Arau, hermano de Sergio, el que se convertiría en el foro por excelencia del rock nacional durante la segunda mitad de los años ochenta; lo llamaron Rockotitlán, lugar que vio nacer a la mayoría de las bandas de aquella época. Esto les garantizó un foro en el cual se presentaban continuamente, que además generaba una importante escena en el rock local.

Discográficamente siguió Naco es chido, de 1987, nuevamente para PolyGram y producido por Eduardo A. Gamboa. Tuvieron como invitados a Álex Lora y Sergio Mancera, de El Tri, Guillermo Briseño, José Cruz, Octavio Espinoza el Sopas, Pepe Ávila y Armando Montiel.

El trío recorrió la República mexicana y California, Estados Unidos. Sin embargo, en 1988 Sergio Arau dejó el grupo por diferencias personales con sus compañeros. Éstos decidieron continuar, al invitar primero a un servidor, Sr. González (exBaraja) en la percusión y la voz; después a Benjamín Alarcón (exJosé José y Franco) en los teclados y la voz, y finalmente a Santiago Ojeda (exAves de Rapiña y Caifanes) en la guitarra y la voz, quien llegó a la banda después de una corta temporada en la cual Lalo Tex† (Tex Tex) cubrió el lugar que dejó Sergio.

Como nueva meta se propusieron subir su nivel musical y, a la vez, rebasar el impacto mediático que hasta ese momento habían logrado con sus tres primeros discos. Sin perder el sentido del humor y lo mexicano, dejaron atrás los elementos charros y de luchadores en su vestimenta y comenzaron a explorar nuevos terrenos musicales.

Con la nueva formación sacaron Niña de mis ojos, en 1989, producido por Eduardo A. Gamboa y lanzado en PolyGram. En ese año, Paco y Armando vendieron su parte de Rockotitlán.

En 1990 se lanzó el maxisencillo Abuelita de Batman, que contenía el tema que le da nombre al disco, su remix y una cumbia proveniente del disco anterior: «Que se acaben los guapos». Inmediatamente después salió el cumbiambero Busca amor, en 1991, que también fue producido por Eduardo A. Gamboa y lanzado en PolyGram. Con este material, el grupo intentó integrarse al circuito de bailes populares. Al experimentar con las cumbias y la programación de secuencias electrónicas, el resultado fue desconcertante para los seguidores originales. Si a eso sumamos su acercamiento con Televisa al participar en una telenovela y una película, que en principio pretendía abrir espacios para la banda en los medios de comunicación masiva, la situación se volvió una bomba de tiempo. A partir de entonces, el grupo se sumergió en una crisis y vivió una etapa de gran desprestigio ante su público habitual. Incluso con estas adversidades, sus presentaciones abarcaron todo el país, Estados Unidos, Honduras y El Salvador.

En 1992 salió del grupo Benjamín Alarcón por diferencias conceptuales con el resto de los integrantes. Éstos, tras una autocrítica severa, regresaron a sus orígenes roqueros y viscerales, los del guacarrock y las bandas previas de González y Ojeda. Además de la percusión y la voz, el Sr. González (permítanme hablar de mí en tercera persona) comenzó a tocar teclados. Fue cuando el grupo retó a Televisa, provocando su veto, ya que con toda alevosía aparecieron en el programa de María Conchita Alonso en Imevisión al comienzo de 1992. Después celebraron 10 años de existencia en el programa nocturno de Luis Carbajo, en abril de 1993.

Durante esos años compusieron la mayoría de los temas para su siguiente disco, mismos que plasmaron en un demo que enviaron a diferentes productores, entre ellos John Paul Jones (exLed Zeppelin), David Byrne y Mitchel Froom (productor de Los Lobos). Ante la falta de respuesta, comenzaron a planear un trabajo independiente. De manera inesperada surgió una proposición para grabar en Discos Culebra, subsello de BMG Ariola, gracias a la intervención de Saúl Hernández, quien llevó al director de la compañía a un concierto que dieron en Rock Stock.

Tras el alzamiento zapatista, en enero de 1994, y en un acercamiento distinto a la mexicanidad, se editó el combativo Forjando patria, en septiembre de ese año, con su propia producción artística en los Cherokee Studios, de Los Ángeles. Desde ese momento se les comenzó a conocer como la HH Botellita de Jerez, y fue cuando un nuevo público, especialmente universitario, nutrió las filas de sus seguidores. Los temas de este material reivindicaron a Botellita de Jerez como una banda vital en el rock mexicano.

Durante ese año, y en 1995, apoyaron junto a otras bandas a las comunidades zapatistas desplazadas tras el alzamiento del Ejército Zaptista de Liberación Nacional (EZLN) con los conciertos Por la Paz y la Tolerancia, Doce Serpiente y en el Espacio Escultórico, entre otros.

En 1996 Santiago Ojeda, tras el desgaste de ocho años de búsqueda con sus compañeros de grupo, se retiró dando entrada a Fernando Andrade, con quien grabaron ese mismo año el disco en vivo Súper especial desenchufado un plug, producido artísticamente por ellos para Discos Culebra BMG. En este disco se invitó a Ernesto Anaya, quien tocó toda clase de instrumentos vernáculos, y a Cox Gaitán en el violín. Una de las virtudes de este disco es que, al ser ejecutado con una dotación acústica, logró un sonido homogéneo en las canciones de las diferentes épocas del grupo. En él quedó grabada por primera vez la dinámica que el grupo generaba con su público.

A comienzos de 1997 el Sr. González, también afectado por el desgaste interno de la banda, decidió separarse de Botellita de Jerez para comenzar una carrera como solista. Fue entonces cuando se planteó la separación de la banda, no sin antes despedirse del público con un concierto al que denominaron El Último Guacarrock, que se realizó en el Teatro Metropólitan en junio de ese año y del cual se sacó un disco con el mismo nombre, producido por Francisco Barrios, y que fue lanzado con su anterior compañía, PolyGram. Para este evento se convocó a Santiago Ojeda y al cofundador Sergio Arau. Participaron como invitados Ernesto Anaya, Cox Gaitán y se subió al palomazo Rubén Albarrán, de Café Tacvba.

En 1999, en el marco de la salida de los tres primeros discos de Botellita de Jerez en CD, llamado El estuche de peluche, editado por PolyGram/Universal, se produjo el arrejunte de los miembros fundadores. Esto dio pie para que en la gira de promoción se plantearan seguir adelante nuevamente.

En los siguientes años grabaron diversos temas para diferentes tributos y soundtracks: «Jefe de jefes», para el Homenaje a los Tigres del Norte (2003); «Si te preguntan por mí», para la película Piedras verdes (2003); «Ése», para el Homenaje a Tin Tán (2005), «Corazón de melón» y «Cha cha chá de mi gorda», para la película Corazón de melón (2005); «¿Dónde está José?», para la película dirigida por Sergio Arau, Un día sin mexicanos (2005) y, finalmente, «El viernes», para el Tributo a León Chávez Texeiro. La chava de la Martín Carrera (2010).

Sin embargo, en esta etapa no grabaron un álbum nuevo y en vivo sólo tocaron el material de los tres primeros discos.

En 2010, bajo la dirección de Sergio Arau, se estrenó el falso documental sobre la historia de Botellita de Jerez llamado Naco es chido.

En 2011 se presentaron en el Teatro de la Ciudad, teniendo como invitados a Santiago Ojeda y el Sr. González, después de una década sin estar juntos sobre el escenario. Tocaron los temas «Luna misteriosa» y «Niña de mis ojos», en versión acústica con el Mastuerzo. Al final, tocaron «Alármala de tos» y «¿Te gusta a ti ese son?», con la banda completa.

En 2012 la alineación de Barrios, Ojeda, Vega-Gil y González se volvió a reunir momentáneamente en el estudio, para volver a grabar su tema «El Santos contra la Tetona Mendoza» (lanzado originalmente en el disco Forjando patria) para ser incluida en el soundtrack de la película del mismo nombre inspirada en los dibujos de Jis y Trino.

A finales de ese año Sergio dejó nuevamente el grupo y la historia se repitió al ser invitados González y Ojeda para reconformar lo que el público denominó de cariño como la HH Botellita de Jerez. Esto provocó una reacción iracunda por parte de Arau, quien sacó un comunicado de prensa en el que anunció de forma unilateral la muerte de Botellita de Jerez.

Sin embargo, 2013 fue un año de reencuentro del cuarteto con el público, mismo que mantuvo vivas las canciones de todas las épocas de la banda. El 8 de marzo comenzaron a tocar otra vez en un concierto en El Queso, del Instituto Politécnico Nacional, y para el 7 de junio también se presentaron en el Lunario, del Auditorio Nacional, por mencionar sólo algunos de los conciertos de ese periodo. El año terminó con dos nuevos temas de producción independiente: «Sin maíz no hay país» y «Domingo mi vida», que pusieron a la venta por internet.

Durante 2014 siguieron presentándose en foros de la República mexicana, y en una veloz salida a Nueva York lanzaron las canciones «No pinches mames», «La verdad» y «¡Presos políticos, libertad!», además de grabar seis temas más que se incluyeron en el nuevo disco #NoPinchesMames, lanzado a finales de 2015 en forma independiente.

Continuaron las presentaciones por distintas poblaciones de la República mexicana y Estados Unidos, y cerraron 2016 con un concierto de aniversario por sus 33 años de existencia en el Plaza Condesa, de la Ciudad de México.

Esto lo hemos contado muchas veces, pero va de nuez. El primer ensayo lo hicimos en casa de Sergio, allá en la calle de Rébsamen, cuando esbozamos cinco rolas. De noviembre del 82 al 2 de abril del 83, estuvimos ensayando esas cinco canciones […] tocaron Real de Catorce, Jaime López, Alain Derbez y La Broma Bolchevique, de Cox Gaitán, que tronaron a la mitad de la primera rola, y después Botellita de Jerez. Las cinco rolas las repetimos tres veces porque a la banda les encantó y fuimos muy felices. Y nos volteamos a ver y decidimos seguirle. Hemos continuado porque nos animamos a ver que lo que hacíamos le gustaba a la gente, y lo supimos desde el primer toquín. Estábamos haciendo algo distinto y arriesgado. Con la simpatía de algunos y el rechazo de otros, pero siempre arriesgando. Todo lo que hemos vivido como banda lo hemos luchado, resolviendo las contradicciones que existen. Ya sea como trío, cuarteto o quinteto. Nos ha costado tanto […] canas, separaciones, pérdidas familiares. Y un montón de cosas bellas también han pasado. Nutrimos nuestra necesidad de decir cosas trascendentes. La nostalgia es una mamada, siempre es un volver a empezar. [Francisco Barrios, el Mastuerzo.]

Discografía £

Charrock and roll (1983), casete

Botellita de Jerez (1984)

La venganza del hijo del Guacarrock (1985)

Naco es chido (1987)

Niña de mis ojos (1989)

Abuelita de Batman (1990), maxisencillo

Busca amor (1991)

Forjando patria (1994)

Súper especial desenchufado un plug (1996)

El último guacarrock (1997), en vivo

#NoPinchesMames (2015)

Otras grabaciones

Todo lo que digas será al revés (1991), recopilación

Mis 14 éxitos de oro (1995), recopilación

Estuche de peluche (1999), reedición de los tres primeros discos en CD

Lo mejor de Botellita de Jerez (2001), recopilación

Lo pior del Estuche de peluche (2008), recopilación

Homenaje a los Tigres del Norte (2003), compilado, con el tema «Jefe de jefes»

Homenaje a Tin Tán (2005), compilado, con el tema «Ése»

Tributo a León Chávez Texeiro. La chava de la Martín Carrera (2010), compilado, con el tema «El viernes»

Naco es chido. La verdadera historia de Botellita de Jerez(2010), compilado, con los temas «Quiero darte un besito» y «Plan B»

Santos vs. la Tetona Mendoza (2012), compilado, con el tema «El Santos contra la Tetona Mendoza»

Otros o

Francisco Barrios el Mastuerzo tiene una carrera como solista y también ha formado el grupo Los Jijos del Maiz. Fue productor de los discos Sentido contrario, de Trolebús; del disco homónimo de Mama-Z y del primero de Tex Tex, Un toque mágico.

Armando Vega-Gil es escritor, ganador, entre otros, del Premio Nacional de Poesía de los XIX Juegos Florales Universitarios de la Universidad de Campeche (2001), del Premio Internacional Goliardos de Ficción, Terror y Fantasía (2001), del Premio Nacional de Cuento Benemérito de América (2001) y del Premio Nacional de Cuento San Luis Potosí (2006). Ha escrito, entre otras publicaciones, las novelas Rockboy y la rebelión de las chicas, Diario íntimo de un guacarróquer, Picnic en la fosa común, Ritual del lagarto; los libros de cuentos La ciudad de los ojos invisibles, La semiótica de la semita o, ¡ay!, qué ricos tus cocoles, Cuentos de horror, desamor, locura y bolillos, La música de las esferas; los libros de poesía Permanencia involuntaria, La ventana y el umbral, Vagamundo; los libros para niños Un marciano y un ciempiés, El perro de Oventic y Renata y la fábrica de juguetes. Ha colaborado en revistas como La Mosca en la Pared, Emeequis, Interjet, entre muchas otras. Ha dirigido los cortos Diálogos de una pareja triste, Fuera de cuadro, Como perros y gatos, y los videoclips Lejos-cerca de Monocordio, Pollito de Yucatán a Go Go, No pinches mames de Botellita de Jerez, entre otros. Como músico ha participado como integrante del Palomazo Informativo, junto a Fernando Rivera Calderón y Martín Durán, y del grupo Arraigo Domiciliario, de Susana San José.

Sr. González tiene una carrera como solista con su banda Los Cuates de la Chamba, con siete producciones discográficas. Colabora con el grupo de danza contemporánea MdMar desde hace más de 20 años. Creó junto a Toño Sánchez la compañía discográfica Discos antíDOTO. Ha producido una veintena de discos a bandas como Monocordio, Dildo, Ensamble Galileo, Laura Vázquez, Dragón Zaga y Círculos de Nada. Ha colaborado escribiendo en las revistas La Mosca en la Pared, La Revista de El Universal, Emeequis, Picnic y ha publicado los libros Mi vida pop y los dos volúmenes de éste, que lees ahora mismo.

Santiago Ojeda ha hecho tanto los scores como los soundtracks de las películas Matando cabos, La ley de Herodes, Un mundo maravilloso, La primera noche, El Tigre de Santa Julia y Bandidos, entre otras. Ha sido músico de Benny Ibarra y participó en los reencuentros de Timbiriche, así como en el espectáculo de Benny, Sasha y Érick.

Sergio Arau es dibujante, caricaturista y pintor. Como cineasta ha hecho las películas Un día sin mexicanos y Naco es chido. Tiene su propia marca de productos Art Nacó. Y tiene una carrera como solista con las bandas La Venganza de Moctezuma, Los Mismísimos Ángeles y actualmente con Los Heavy Mex. En la película dirigida por él, Naco es chido (2010), todos los temas de este último disco son versiones de canciones de Botellita de Jerez, hechas por otros artistas como Los Aguas Aguas, La Cantante Calva, El Palomazo Informativo, El Gran Silencio, Kinky, Yucatán a Go Go, Molotov y Liquits, entre otros.

40. Mask

1983-1985, Guadalajara, Jalisco

Integrantes l

José Fors - Voz

Arturo Ybarra - Guitarra

Andrés Franco - Teclados

Javier Barragán - Bajo

Ernesto Franco - Batería (1983)

Jorge «Chiquis» Amaro - Batería (1983-1985)

Género ù

Hard rock y metal; con influencia de Def Leppard, Iron Maiden y Judas Priest.

Historia h

Mask es una de esas bandas semillero de músicos que posteriormente obtuvieron gran relevancia en la escena del rock. Teniendo como antecedente el grupo Trax, que venía tocando desde el comienzo de la década, obtuvieron cierta relevancia como una de las primeras bandas de metal jalisciense. Sus integrantes provenían del poniente de la ciudad de Guadalajara. Ellos eran José Fors (de origen cubano y nacionalizado mexicano) en la voz, Arturo Ybarra en la guitarra, Andrés Franco en los teclados, Javier Barragán en el bajo y Ernesto Franco en la batería. Poco tiempo después fue sustituido por Jorge «Chiquis» Amaro.

Mask fue una de las bandas consideradas para ser parte del elenco de la discográfica independiente de rock mexicano Comrock, por lo que aparecieron con dos temas en el famoso acoplado editado por esta compañía en 1985. Aportaron las canciones en inglés «I’m the fox» y «Going down».

Esto dio pie a que ese mismo año saliera su único disco, The fox. Tras la salida de este material, el grupo se separó sin que trascendiera una explicación. Rápidamente se integraron a nuevos proyectos.

Discografía £

The fox (1985)

Otras grabaciones

Comrock (1985), compilado con los temas «I’m the fox» y «Going down»

Otros o

Tras la separación de Mask, Arturo Ybarra creó junto a Agustín Salvador Villa Rojas el grupo Monttana, que después cambiaría su nombre a Rostros Ocultos. También creó el grupo de rock cristiano Luz Aquella, al comienzo de la década de los años noventa.

José Fors se integró al grupo Duda Mata, para después formar el reconocido grupo de hard rock Cuca. Como solista ha creado música con el nombre de Forceps. También ha presentado con éxito Dr. Frankenstein, la ópera. Goza de gran reconocimiento como pintor.

Andrés Franco siguió a su compañero Arturo y se integró a Rostros Ocultos.

Javier Barragán también pasó por las filas de Rostros Ocultos, entre 1987 y 1988.

Jorge «Chiquis» Amaro tocó la batería con los grupos Neón, Kenny y los Eléctricos y Fobia, fue director artístico de BMG Ariola y produjo a diversas bandas y artistas, entre los que destacan Tex Tex, Natalia Lafourcade y Víctimas del Dr. Cerebro. Actualmente tiene junto a María Barracuda al grupo Jotdog.

41. Banda Bostik

1983, Tlanepantla, Estado de México

Integrantes l

David Lerma «el Guadaña» - Voz

Eduardo Cruz Martínez - Guitarra

Carlos Godínez «Charlie Bostik» - Bajo y coro (1983-2001) (2014)

Fernando Mendoza - Batería (1983-1994)

Pitillo - Sax (2000-hasta hoy)

Jonathan Zúñiga† - Bajo y coro (2001-2013)

Alan Gómez «Pillo» - Batería (1994-hasta hoy)

Luis Bonilla - Coro (2015-hasta hoy)

Michell Tapia - Bajo (2015-hasta hoy)

Género ù

Rock urbano, blues, rhythm and blues, hard rock, heavy metal y rock and roll; con influencia de Three Souls in my Mind y otros.

Historia h

En 1983 Carlos Godínez tocaba el bajo en una banda llamada Black Stone, donde conoció al guitarrista Eduardo Cruz. El grupo no duró mucho, pero ambos decidieron trabajar juntos y se pusieron a componer canciones. Incorporaron a Fernando Mendoza, quien venía del grupo Masacre, y a David Lerma el Guadaña, que tocaba en tres bandas a la vez y al que la música rescató de andar haciendo fechorías, según cuenta. Ensayaban en el conjunto habitacional El Olivo, por la zona de Barrientos, en Tlanepantla, en un cuarto donde tenían tambos que decían «BOSTIK», una marca de resinas e impermeabilizantes. Por esta razón, y después de varios ensayos, algunos vecinos comenzaron a decirles de manera coloquial los Bostik. Así que cuando llegó el momento de presentarse en un concierto junto al grupo Three Souls in my Mind, ya ni les preguntaron y sacaron la publicidad anunciando a la Banda Bostik. Ellos asumieron el nombre sin problema.

En 1985 grabaron un demo con la ayuda de Rafael Acosta (exLocos del Ritmo) en los estudios Rac-México. Imprimieron algunos casetes que vendieron en sus conciertos. Tocaban en fiestas de las colonias populares y hoyos fonqui.

En 1987 sacaron su primer material, al que llamaron Abran esa puerta, y que fue editado por Discos Pentagrama. El tema «Viajero» comenzó a sonar en la estación de radio capitalina Espacio 59, lo que les dio una mayor proyección. El disco tuvo muy buena aceptación, convirtiéndose con el tiempo en un clásico de su carrera.

Desde el principio, sus canciones hablaban de su realidad, sus carencias, sus protestas y sus denuncias. Los jóvenes de las zonas periféricas de las grandes ciudades comenzaron a identificarse con una banda surgida igualmente de los barrios. Fueron una banda para «la banda», o chavos banda, como se les definía. Para cuando en los medios se comenzó a difundir el Rock en tu Idioma, se acentuó la división entre los grupos del sur de la ciudad y los de los barrios populares, donde se fortalecía el rock urbano.

En 1988 salió, con Discos Denver, Rock de la banda para la banda.

En 1989 se cumplió el deseo del Guadaña de grabar un disco en el penal de Barrientos, donde interpretaron en vivo temas de su producción anterior y algunos inéditos. Este material quedó plasmado en el disco doble Capturados. Contaron con la participación del conductor del programa de televisión Música sin fronteras, Alfonso Teja, que cantó el clásico de Elvis Presley, «Blue suede shoes», así como del Capitán Griffheart en el tema «Maribel».

Para entonces, la Banda Bostik tocaba en toda la periferia de la Ciudad de México y en ciudades cercanas como Toluca, Pachuca, Querétaro, Puebla y Veracruz.

En ese mismo año sacaron En pie de guerra, también con Discos Denver. Participaron como invitados Luis el Haragán en los coros de «Llamarada de petate» y Rubén Varela en la armónica.

Además de los habituales hoyos fonqui, comenzaron a tocar en otro tipo de foros, como los teatros Blanquita, Lírico, Isabela Corona y el Centro Cultural Rafael Solana.

En 1992 salió el disco Del barrio, con Discos Denver. En ese año la misma compañía reeditó Abran esa puerta, pero con el nombre de Viajero y el orden de las canciones diferente al original.

Para 1994 sacaron los discos en vivo Viva México, cabrones, vols. 1 y 2. Con éstos daban por terminada su colaboración con Discos Denver, al menos por ese momento. También sería la última participación de Fernando Mendoza como baterista de la Banda Bostik, para pasar a ser el representante del grupo. En su lugar entró Alan Gómez.

Buscando mejores presupuestos para grabar y nuevas posibilidades de promoción, se acercaron a Discos Culebra, subsello de BMG Ariola. Con ellos sacaron En el camino, en 1996, grabado en el Estudio 19, de la Ciudad de México, y mezclado en Echo Sound, de Hollywood, por el ingeniero León Granados. Tuvieron como músico invitado a Arturo Labastida el Papayo en el sax. Sin embargo, siendo un disco bien producido y con buenos temas, su público consideró una traición que grabaran con la transnacional.

Intuyendo esto, previamente el Guadaña comentó para <Rockeros.net>:

Tratamos de seguir en el mismo camino que llevábamos, no cambiar nuestro modo de pensar para ni madres. Las rolas hablan de lo mismo que hemos hablado siempre. Precisamente por eso la compañía nos apoyó, porque no quiere que cambiemos en nada, quiere que sigamos iguales y si ellos nos apoyan en ese aspecto, pues nos vamos a sentir a toda madre. De esta forma trataremos de seguir siendo la sal y la pimienta en este movimiento.

Para el año 2000 se editó su nueva producción: Hipotecados. En ese mismo año se editaron los discos en vivo Banda Bostik ataca de nuevo, vols. 1 y 2, que se editó en DVD en 2003. Por si fuera poco, en ese comienzo de milenio también salió la recopilación 15 Éxitos. Todo editado por Discos Denver.

En 2001 salió del grupo Charlie Bostik para hacer un cambio y enfocarse en una vida más espiritual, como cristiano. Entró en su lugar Jonathan Zúñiga†, quien además de tocar el bajo hacía coros.

En 2003 salió otra recopilación llamada 20 Aniversario y para el año 2004 lanzaron su más reciente disco de estudio llamado Genoma humano.

El grupo siguió presentándose en diversos foros de la República mexicana y se internacionalizaron hacia Estados Unidos y España. Sin embargo, no han podido concretar la grabación de un nuevo disco desde entonces.

En 2009 se presentaron por primera vez en el Festival Vive Latino, en un momento de apertura al rock urbano por parte de los organizadores.

En 2013 la tragedia los alcanzó al volcarse la camioneta en la que viajaban varios integrantes del grupo hacia una presentación en la ciudad de León, Guanajuato. El percance se dio a la 20:30 horas del sábado 9 de junio, en el kilómetro 89.5 de la carretera Salamanca-Irapuato, al reventarse una de las llantas de la camioneta Ford Explorer en la que venían siete personas, entre las que estaban Eduardo, Alan y Jonathan. Ya habían vivido una circunstancia similar en Estados Unidos, pero en esta ocasión el accidente cobró la vida de Jonathan, mientras los demás sufrieron severas contusiones.

Para cumplir con compromisos adquiridos en México y Estados Unidos, regresó al bajo su viejo compañero y fundador del grupo Carlos Godínez. Con él se presentaron en el Vive Latino de 2014, para después viajar a California, Nevada y Texas. Tras esto, se han incorporado al grupo Luis Bonilla en los coros y Michell Tapia, sobrino del Guadaña, en el bajo.

El rock urbano no ha sido suficientemente difundido. No se trata de un movimiento publicitario ni de una etiqueta. Es urbano porque en sus letras reflejan los problemas de quienes viven en la ciudad, todo aquello de lo que se habla sucede aquí. No se busca hacerlo un artículo de consumo simplemente, sino de darle un nombre a la actividad de los roqueros que lo hacen. Se debe buscar que al género ya no se le margine tanto y que se dé a conocer más ampliamente. [David Lerma para<Rockeros.net>.]

Discografía £

Abran esa puerta (1987), reeditado después como Viajero, en 1992

Rock de la banda para la banda (1988)

Capturados (1989)

En pie de guerra (1991)

Del barrio (1992)

En el camino (1996)

Hipotecados (2000)

Genoma humano (2004)

En vivo

Viva México, cabrones, vols. 1 y 2 (1994)

Banda Bostik ataca de nuevo, vols. 1 y 2 (2000)

Otras grabaciones

15 Éxitos (2000), recopilación

20 Aniversario (2003), recopilación

42. Mákina (antes Mákina Negra)

1983, Ciudad de México

Integrantes l

Hans Mues - Guitarra (1983-1994)

Antonio Sánchez - Batería (1983-1986)

Víctor «Gizmo» Reza - Batería y voz (1986-hasta hoy)

Mauricio «Nefasto» Quiroga - Bajo (1983-1988)

Javier Hernández - Voz (1986)

Diego Lizalde† - Guitarra (1986)

Carlos de la Peña - Bajo (1988-1991) (1996)

Paul Rivers - Guitarra y voz (1990-1994)

Javier Herrera - Guitarra y voz (1994-hasta hoy)

Eliud Tamez - Bajo y voz (1994-1996)

Mack - Guitarra (1994-1996)

Janel de Polanco - Guitarra (1996-?)

Daniel «Carnicero» Bonifaz - Bajo (2008-2012)

Andremar - Guitarra (2008-2012)

José Martínez - Bajo (2012-2013)

Everardo «Psycho» Gamiz - Guitarra y coros (2006-hasta hoy)

Rubén Redman - Bajo (2013-hasta hoy)

Alejandro Navarro - Guitarra (2013-hasta hoy)

Otros participantes

Carlos García Robles - Guitarra

Humberto Medina - Guitarra

Género ù

Hard rock, heavy metal, trash, groove metal y death; con influencia de Black Sabbath, Slayer, Sepultura, Anthrax y Pantera.

Historia h

Hans Mues creció entre músicos. Aprendió a tocar la guitarra gracias a la paciencia de su hermano, que le enseñó a tocar a la perfección sólo dos temas de guitarra clásica. Por su hermano también descubrió al grupo británico Black Sabbath y nació su interés por tocar la guitarra eléctrica. Sus papás, después de meterlo a estudiar guitarra clásica, accedieron a comprarle una Sonatone, la cual nunca pudo afinar, ya que estaba desoctavada. Por lo mismo prefería tocar el bajo de su hermana, la violinista Érika Mues. Con los ahorros de un trabajo de verano y la ayuda de su papá, se pudo comprar una guitarra Yamaha. Para entonces, Hans era un chico de secundaria que soñaba con formar una banda. A sus 13 conoció a Toño Sánchez, que desde los 11 ya era un virtuoso en la batería. Con él y otro compañero de la escuela, Mauricio Quiroga en el bajo, formó Mákina Negra en 1983, en la que desde el principio tocaban temas propios, así como covers de Black Sabbath. El nombre respondió al símil que hicieron entre la parte oscura de la mente humana con una máquina negra. Después de mucho ensayar, lograron hacer algunas tocadas en su escuela y una en el Foro Isabelino.

En 1985 Toño salió del grupo por tener intereses ligados al jazz. Hans entonces acudió a su vecino Víctor Reza para que fuera el nuevo baterista.

En 1986 grabaron el EP Al borde de la destrucción, editado por Discos Novedades. Además de Hans, Guizmo y Mauricio, en la voz estuvo Javier Hernández, y en la segunda guitarra, Diego Lizalde†, aunque durante ese periodo estuvieron probando con diferentes cantantes y bajistas. Nefasto salió de la banda, ya que su familia se mudó a Chile, y entró en su lugar el bajista Carlos de la Peña.

Participaron en el Festival Escuadrón Metálico de ese año. El grupo logró cierta estabilidad cuando Paul Rivers se integró como guitarrista y cantante.

Para 1990 le quitan la palabra negra al nombre y quedaron sólo como Mákina.

En 1991 grabaron un demo con temas que serían parte de sus futuros discos. En ese mismo año sacaron su primer larga duración; lo llamaron Dilemma, y fue editado por Lejos del Paraíso, en México y el sur de los Estados Unidos. En éste participaron Hans, Gizmo, Paul y Carlos de la Peña. Fue grabado en México y mezclado en Mauer Bros. Recording Studios, en Milwakee. Ahora componían principalmente en inglés con la finalidad de internacionalizarse y su sonido se tornó más pesado. Como resultado de la aparición de Dilemma dieron una treintena de conciertos por toda la República mexicana, alternando con grupos como Sepultura, D.R.I., Sodom, Napalm Death y Dead Angel, en festivales como Mexican Mosh Festival, en 1992; New Titans Over Mexico, en 1993, y Rock por la Paz, en 1994. Para entonces, Mákina mostraba su interés por temáticas sociales y apoyaba, junto a otros grupos, el movimiento zapatista.

Hans comenzó a tocar la batería con el grupo de reggeae Los Yerberos y esto generó un conflicto al interior de Mákina. Así que, de común acuerdo, Hans dejó de ser un músico de la banda en 1994, aunque siguió colaborando en la producción de su siguiente disco, Anabiosis, en el que además interpretó algunas guitarras que ya había montado y aportó varias canciones. Esto no aparece en los créditos del disco que fue editado por Discos Rockotitlán.

Para entonces la banda se conformó con Javier Herrera en la guitarra y la voz, Eliud Tamez en el bajo y la voz, Mack en la guitarra y Guizmo en la batería y la voz. Desde ese momento, Guizmo y Javier se apoyaron en distintos músicos para darle continuidad al proyecto de Mákina. Hicieron el video del tema «Nimphomanic», que les dio proyección mediática en Estados Unidos y Europa. Fue programa-do en la naciente cadena de televisión MTV Latino, en el programa Head bangers ball.

Realizaron una visita al País Vasco, el sur de Francia y la ciudad de Ámsterdam. Participaron en el Festival South By Southwest, en Austin, en 1995; el Festival Va por Chiapas, en 1996, y el Festival de Metal Latino, en 1996. Mákina alternó con las bandas vascas Etzaiak, Sutagar, Psicofonía y Negu Gorriak. Fueron teloneros de Iron Maiden, Slayer, Sepultura, Anthrax, Pantera, Rob Zombie, Limp Bizkit, UDO, Danzig, Morvid Angel, King Diamond, Malevolent Creation, Nuclear Assault, Devastation, Scared Riech, Fear Factory, Brutal Truth, Kreator y Mercyful Fate. También compartieron el escenario con bandas mexicanas y latinoamericanas como A.N.I.M.A.L., Criminal, The Chasm, Mortuary, Next, Transmetal, Leprossy, Cenotaph, Rapture y Pymphongertum.

El siguiente disco salió en 1996 y se llamó Red. Fue editado por Discos Manicomio, subsello de PolyGram. Participaron Guizmo, Javier, Janel de Polanco en la guitarra y Carlos de la Peña en el bajo. Fue producido por Billy Gould (exFaith No More), Matt Green y Hans Mues, se grabó en Estudios Tequila y fue mezclado en Estudio 19. Durante 1997 y 1998 se editó este mismo disco en Estados Unidos y Europa con el orden de los temas cambiado en cada caso y con el nombre de Blood of my race. Fue editado por Diamond Records.

En los siguientes años, hasta 2008, Mákina realizó varias giras por México y Estados Unidos, teniendo dos participaciones en el Metalfest, de San Antonio, y alternando con grupos como Sepultura, Brujería, Divine Herecy, Creator y Destruction, entre otros.

En 2013 recibieron el Premio Matal Kalani, en la categoría de Mejor Banda Death Metal. Desde entonces han mencionado en entrevistas y su página de Facebook que se encuentran trabajando en lo que será su cuarto disco.

Con el tiempo, las letras de Mákina, que comenzaron tratando temáticas como la fuerza del universo, los laberintos de la mente y los misterios del cuerpo humano, fueron incorporando letras que abordaban fenómenos sociales, como la guerra y la inequitativa distribución de la riqueza.

Discografía £

Al borde de la destrucción (1986), EP

Dilemma (1991)

Demo 1 (1991)

Anabiosis (1994)

Red (1996)

Otros o

Antonio Sánchez se convirtió en uno de los bateristas más reconocidos del mundo por sus participaciones con grandes jazzistas, como Michael Breker, John Patitucci y David Sánchez, además de pertenecer a la agrupación que acompaña a Pat Matheny. Tuvo una participación destacada en el score de la película Birdman, de Alejandro González Iñárritu. Es nieto del actor Ignacio López Tarso.

Tras su participación como guitarrista de Mákina, Hans Mues se integró a los grupos de reggae Los Yerberos, como baterista, y Antidoping, como guitarrista y percusionista. También es un reconocido ingeniero y productor musical que ha trabajado con Mamá Pulpa, Luzbel, Los de Abajo, Natalia Lafourcade, Los Aguas Aguas, Next, Petróleo, Mákina y Los Yerberos, por mencionar algunos.

Víctor Reza, además de tocar la batería en una banda de death metal, es dentista.

43. Nina Galindo

1984, Los Ángeles, California

Género ù

Rock rupestre, blues, trova urbana, bolero, jazz y folk; con influencia de Koko Taylor, Toña la Negra y Janis Joplin.

Historia h

Nina Galindo nació en la ciudad de Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 1 de junio de 1958. Es hija de la actriz sinaloense Martha Ofelia Galindo y su padre, de origen puertorriqueño, se separó de su madre cuando ella tenía dos años. Su madrina, la también actriz Lupita Castro, organizaba los carnavales de esa ciudad estadounidense. Ésa es la razón por la cual su madre estuvo allá cuando nació. La pequeña Nina llegó a la Ciudad de México cuando tenía cuatro años. Creció cerca de los escenarios teatrales, tras bambalinas.

Cuando cursaba la secundaria formó parte de Mezclilla, como corista, grupo de rock amateur en el cual también participaban Raúl Carrasco (batería), Rafael González Katz (guitarra), Felipe Loria (bajo), Clara Stella Turner (coros) y tocaban las composiciones de Roberto Ponce (guitarra). Con ellos ganó el Festival Abierto de Rock realizado en el Instituto Don Bosco, en 1973, en el que interpretaron temas en inglés, para luego desintegrarse. Nina prosiguió con sus estudios de educación media, se interesó por estudiar turismo en la UAM Xochimilco y fue a conocer a su familia puertorriqueña. Al cumplir los 19, adquirió la nacionalidad mexicana.

Entre 1980 y 1984 trabajó como corista de los Teen Tops y se presentó en fiestas de pueblo, bailes, bares y eventos nostálgicos del rock and roll.

En 1984 se reencontró con Roberto Ponce y crearon el dueto Callo y Colmillo, que se integró al Colectivo Rupestre desde sus inicios, junto a Carlos Arrellín, Rafael Catana, Eblén Macari, Roberto González y Rockdrigo. Nina se convirtió desde entonces en la principal intérprete de los compositores rupestres. Su colaboración con Ponce propició su coautoría en la canción «Llévate lejos tu blues». El tema de Ponce, «El tren de Guanatos», fue de lo más destacado en esa colaboración. Callo y Colmillo tocó en foros universitarios, en festivales delegacionales, del PSUM, en un evento del INBA en el Auditorio Nacional y, principalmente, en los eventos organizados por el Colectivo Rupestre, hasta 1986, cuando Ponce y Galindo tomaron caminos diferentes. El de ella, interpretar a los compositores rupestres.

«Como intérprete me identifico […] con los rupestres. Los Teen Tops no me decían nada; en cambio, con los Cantantes Errantes mi lenguaje y mi realidad se veían reflejadas». (Nina Galindo en el libro Sirenas al ataque. Historia de las mujeres rockeras mexicanas, de Tere Estrada, 2008.)

Nina comenzó a colaborar con el guitarrista Mauricio González y se plantearon la posibilidad de formar un grupo, al cual el que escribe estas letras fue invitado.

Mauricio González, a quien conocí cuando era vecino de [Eduardo] Dyer en la vecindad del Desierto de los Leones, me invitó a participar en un proyecto que estaba armando para la que entonces era su novia, la cantante de blues Nina Galindo. Se habían integrado al Colectivo Rupestre y querían formar una banda sin batería, pero con percusiones. En el bajo estaba Elena Sánchez, quien le daba la base a las canciones rupestres que interpretaba Nina. Me encantó la idea de una bajista; entonces no era común ver a las mujeres tocando. En la guitarra estaba Mauricio y conmigo se completaba la dotación. Tocamos un par de veces, y una fue en un programa televisivo que producía Ricardo Rocha, se llamaba Proyección 2000. [Fragmento de mi libro Mi vida pop, Editorial Rhythm & Books, 2011.]

Esta formación fue el primer intento de lo que sería Nina Galindo y el Grupo Escape, que a mi salida quedaría conformado por Nina, Mauricio y Elena, además de Raúl Martínez en la batería y Jorge González Doc, hermano de Mauricio, en los teclados. Su nombre se simplificaría a Escape y se separarían en 1988, ya con Sergio Hidalgo en el lugar de Elena, quien salió en 1987.

Para entonces existía el colectivo de los Cantantes Errantes, que fue una derivación de los rupestres. Algunos sentían que no podían seguir manejando el término «Colectivo Rupestre» después de la muerte de Rockdrigo. Con ellos, Mauricio González se encargó de organizar una serie de conciertos en el Sindicato Único de Trabajadores de la Industria Nuclear (SUTIN) en los que participaba Nina junto a Gerardo Enciso, Carlos Arellano, Arturo Meza, Roberto González, Rafael Catana, Fausto Arrellín y Armando Rosas, entre otros.

En ese año, Nina formó un dueto temporal con Choluís, cantante y compositor, haciendo una temporada en El Hijo del Cuervo, donde también participaron el guitarrista Pato Montes y el baterista Demex, todos integrantes del grupo Trolebús. Después de esto se integró, junto con Mauricio, al grupo Follaje, una banda de blues que incorporó e hizo arreglos al repertorio de Nina conformado por temas de Roberto Ponce, Jaime López, José Cruz, Carlos Arellano, Roberto González, Rockdrigo y otros trovadores urbanos.

Comenzaron a pasar los años y Nina no lograba concretar una primera grabación formal: «Tuvo muchas promesas y opciones para hacer su primer disco. Mencionó que al principio todo mundo le quería dar las perlas de la virgen y que todos la dejaron colgada, pero al final dio a luz Brindis por un difunto». (Félix Morriña en Rupestre, el libro, coordinado por Jorge Pantoja, Ediciones Imposibles, 2013.)

Fue hasta 1990 cuando Nina consolidó su proyecto con el grupo Sigue la Mata Dando, integrado por Jesús Parra en la guitarra, Guillermo Sierra en el bajo, Eduardo Uribe en la batería y Rafael Aguirre en la guitarra principal. Con ellos entró al estudio a grabar lo que sería su disco debut. Ya en el pasado había intentado grabar infructuosamente con el apoyo de Rodrigo de Oyarzabal en Radio Educación y con Vicky Macedo en Discos Caracol. Lo único que llegó a circular previamente y en forma pirata fueron un par de casetes con grabaciones en vivo de la etapa en la que colaboraba con Roberto Ponce.

En 1991 se lanzó Brindis por un difunto con Discos Pentagrama, recomendada por sus colegas rupestres a Modesto López, director de la discográfica independiente. Contó con la producción de Federico Luna. Como músicos invitados estuvieron Octavio Espinoza el Sopas y Renato Menconi en los saxos, Federico Luna en la batería y en los coros Nayeli Nesma, Brenda Marín, Clara Stella Turner, Mayra Cebrero, Rodrigo Vera y René Ramírez.

En ese año ganó el Premio Sol de Neón y la Medalla Phonos como Mejor Cantante Femenina, otorgados por miembros de la prensa especializada en rock.

En 1992 hubo cambios, ya que se incorporaron el experimentado Jorge García en la guitarra, en sustitución de Rafael; Alejandro Contreras, en lugar de Eduardo, en la batería, y se sumó Hugo Leyva en el sax. Con ellos participó en el festival que se hizo como homenaje a Rockdrigo en Tampico, Tamaulipas.

En 1993 salió su segundo disco al que llamó Antropofagia amorosa, que editó el sello independiente Discos Metzli, con la producción de Federico Luna y la dirección musical de Jorge García. Tuvo la participación en la batería de Federico en la ausencia de Alejandro Contreras.

En 1995 salió Antes del toque de queda, con Discos Metzli, producido por Jorge García, su representante Sergio Arellano y la misma Nina. Fue un disco hecho a voz y guitarra.

Para 1999 García, Arellano y Galindo obtuvieron el Apoyo a las Culturas Municipales y Comunitarias, de Conaculta, para producir el disco El desliz, un híbrido entre el bolero y el blues, en un estilo arrabalero que rinde tributo a las divas del cine nacional con temas de Agustín Lara, Chucho Navarro, Carlos Crespo, Laura Abitia, Luis Alcaraz y Manuel Esperón, entre otros. Editado igualmente por Discos Metzli. Participaron Federico Luna y Hugo Leyva en la batería, Felipe Ferrery Ernesto Gómez Santana en el piano, Chilo Morán en la trompeta, Miguel Ángel Samperio en el sax, José Luis Montiel y Guillermo Sierra en el bajo, Carlos Tovar Popis en la percusión y Jorge García en la guitarra y los arreglos. «Cuando hice El desliz fue un capricho. Siempre quise ser Toña la Negra.» (Nina Galindo en entrevista con Félix Morriña en Rupestre, el libro.)

Hasta ese momento Nina se había presentado en espacios culturales de instituciones como el CREA, la SEP, el IMSS, el ISSSTE, Hacienda, el Museo de Culturas Populares, la UNAM, delegaciones políticas y Socicultur, entre otros. Tocó en hospitales, cárceles, museos y unidades habitacionales.

En el año 2000 formó el grupo Mala Yerba, con el que se siguió presentado en vivo, cada vez más esporádicamente.

A partir de ese momento, sus apariciones discográficas se han dado básicamente en compilaciones. En 2000, Nina aportó los temas «Rosario Castellanos» y «A veces», al disco compilatorio Canción mexicana contemporánea, junto a otros intérpretes.

En 2004, a raíz de la primera edición del libro de Tere Estrada Sirenas al ataque. Historia de las mujeres rockeras mexicanas, surgió la idea de hacer un disco compilatorio de distintas intérpretes y compositoras femeninas en el disco Sirenas al ataque, en el que Nina participo con el tema «El último deseo». En éste apareció junto a las voces de Baby Bátiz, Margarita Bauche, Mayita Campos, Emilia Almazán, Hebe Rosell, Cecilia Toussaint y Rosina Conde, entre otras participantes. En 2005 participó en otro compilado: el tributo A ver cuándo vas…! Los rupestres a Rockdrigo, en el cual interpreta la canción «Solares baldíos». En 2010 aportó el tema de León Chávez Teixeiro «15 Mts. 3” 8/8 16», para el disco doble La chava de la Martín Carrera.

En agosto de 2013 Nina recibió un homenaje en la 26 Feria Universitaria del Libro organizada por la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, en Pachuca, como parte del Festival Femenino de la Canción. Por su parte, dio un concierto en el Polideportivo Carlos Martínez Balmori.

Desde 2003 Nina ha buscado mejores circunstancias para su salud; se fue a vivir con su pareja sentimental y representante Jorge «Chacho» Hernández a Mineral del Chico, Hidalgo. La idea de hacer un nuevo disco está sobre la mesa.

Discografía £

Brindis por un difunto (1991)

Antropofagia amorosa (1993)

Antes del toque de queda (1995)

El desliz (1999)

Otras grabaciones

Canción mexicana contemporánea (2000), compilación, con los temas «Rosario Castellanos» y «A veces»

Sirenas al ataque (2004), compilación, con el tema el «Último deseo»

A ver cuándo vas…! Los rupestres a Rockdrigo (2005), compilación, con el tema «Solares baldíos»

La chava de la Martín Carrera (2010), compilación, con el tema «15 Mts. 3” 8/8 16»

44. Asha

1984-1988, Ciudad Juárez, Chihuahua-El Paso, Texas.

Integrantes l

Silverio Holguín «Gino Silver» - Voz

Fernando Latorre - Guitarra

Octavio Holguín - Batería

Antonio Canales† - Bajo

Andrés Rivas - Guitarra

David Carrillo - Teclados (1987-1988)

Género ù

Balada rock, metal, power balada; con influencias de La Unión, Mötley Crüe, Eddie Money.

Historia h

El grupo Asha se formó en la frontera entre Ciudad Juárez y El Paso. Se integró con Antonio Canales† (bajo), Fernando Latorre (guitarra) y los hermanos Octavio (batería) y Silverio «Gino» Holguín (voz), de padres mexicanos radicados en El Paso, procedentes de Chihuahua. Se conocieron desde niños y aprendieron juntos a tocar.

Esta banda tuvo la peculiaridad de haber sido la primera contratada como parte de la campaña Rock en tu Idioma.

Firmaron con la compañía BMG Ariola en 1986 y grabaron su único disco llamado Todo por el rock, teniendo como colaborador a Javier Lozada en los teclados. Su primer concierto fue en un evento con el grupo pop Menudo, en El Paso Country Coliseum. Con el apoyo de su compañía, grabaron en Los Ángeles, California, y mezclaron en España, cosa poco común para las bandas de entonces. La producción fue de Honorio Herrero, Carlos Matos y Javier Lozada. Tuvieron como padrino a Alberto Aguilera Valdez, mejor conocido como Juan Gabriel. El disco salió a la venta en 1987.

Este material estaba conformado por temas originales, la mayoría compuestos por Gino y Fernando, y algunos covers con letras en español. Incluye también una versión de «Lobo hombre en París», del grupo español La Unión.

El tema promovido fue «Recuerdo de ti», que contó con un video y que sonó en diferentes estaciones de radio de la República mexicana.

Para las presentaciones en vivo se incorporaron David Carrillo en los teclados y Andrés Rivas, a quien también conocían desde niños y apoyaba con la segunda guitarra.

Si bien Asha fue el primer grupo en salir en la campaña de Rock en tu Idioma, rápidamente fue desplazado por las nuevas bandas, tanto nacionales como extranjeras, que fueron parte de este boom mediático. Al poco tiempo Asha dejó de ser noticia.

Gino Silver continuó con su carrera de solista en Ciudad Juárez y El Paso. En el otoño de 2011 sacó un disco en el que retomó el tema de Asha, «Recuerdo de ti», y el 8 de octubre lo presentó en el Hotel Camino Real, de El Paso, Texas, donde tocó junto a Asha.

Discografía £

Todo por el rock (1987)

Otros o

Actualmente Fernando Latorre es psicólogo en Denver, Colorado, y tiene tres restaurantes.

Octavio Holguín tiene varios grupos que trabajan en el circuito de casinos de Las Vegas, Nevada.

Antes de su fallecimiento, Antonio Canales continuó como músico de sesión y con proyectos personales.

Andrés Rivas tiene un grupo de metal llamado Synyster.

Gino Silver continúa con su carrera de solista y mantiene la idea de revivir Asha.

45. Las Insólitas Imágenes de Aurora

1984-1987, Ciudad de México

Integrantes l

Saúl Hernández - Voz, bajo y guitarra

Alejandro Marcovich - Voz y guitarra

Alfonso André - Batería y coros

Músicos invitados (1986-1987)

Federico Fong - Bajo

Armando Marín «el Pecas» - Percusión

Carol McQuire - Teclados

Alejandro Giacomán - Teclados

Beto Delgado - Sax

Género ù

New wave, punk a la mexicana; con influencias de Talking Heads, The Police, Japan, Bauhaus, entre otras bandas.

Historia h

«Las Insólitas no fueron nunca un proyecto. Los proyectos se hacen en la televisión, en las oficinas, en planos. Las Insólitas Imágenes de Aurora son un cuento. Un día a un güey se le ocurre hacer una fiesta y les habla a otros tres pa’ que hagan bailar al personal.» (Extracto de Una banda nombrada Caifanes, de Xavier Velasco, Dragón, 1990.)

Los hermanos Carlos y Alejandro Marcovich llegaron a México con su familia en 1976, tras huir de una dictadura militar en su país de origen, Argentina. Tras un breve paso por la ciudad de Puebla se instalaron en la Ciudad de México, en 1979. Alejandro comenzó la carrera de física, en la UNAM, y Carlos posteriormente la haría en cine, en el CUEC. Pero Alejandro tenía una pasión a la cual terminaría entregándose: la guitarra. Entre 1981 y 1983 formó junto al bajista José Arián el grupo Leviatán, al que aportó sus primeras composiciones.

Corría el año de 1984 cuando Carlos le pidió a su hermano Alejandro que lo ayudara a congregar una banda para una fiesta de paga, con la cual recaudarían fondos para comprar unas latas de película virgen y terminar el cortometraje que estaba haciendo para un trabajo escolar. Los que tocaran en esta fiesta tendrían que hacerlo sin paga, ya que la idea era juntar dinero. Tendría que ser una banda inventada para la ocasión. Así que Alejandro llamó al baterista Alfonso André, compañero de Carlos en el Colegio Madrid, y quien aceptó sin problema. Llamó también a Emmanuel «Chivo» Lubezky, bajista de Las Aves de Rapiña, pero no aceptó. Por último, llamó a Saúl Hernández, un joven de 19 años que tocaba en el grupo Frac, junto con Leoncio Lara Bon. Lo invitó a tocar el bajo y cantar. En principio, Saúl fue un poco reacio a la idea, pero dos días antes de la fiesta decidió participar. Hicieron sus únicos dos ensayos en el cuarto de Alfonso, donde tenía armada su batería y se generó una gran química entre los tres cuando comenzaron a tocar. Montaron algunos covers absurdos, como el cha cha chá «Los marcianos» y «Sugar, sugar», de Los Archies, más unas canciones originales de Saúl y de Alejandro, como «Rosa», «El señor de los 1 000 cerebros», «Bienvenidos» y «La vieja». La intención original fue la de sacar la tocada en cuestión, por lo que no había planes de formar un grupo o algo parecido. Llegó el día de la fiesta, 17 de marzo de 1984, y el espíritu de los tres fue de desfogue y diversión. «Nos aplaudieron bastante. Caras de regocijo y asombro. “¿Qué grupo es?” “¿Cómo se llama?” ¡No somos un grupo! Sólo nos juntamos para tocar esta noche y ya.» (Alejandro Marcovich en su libro Vida y música de Alejandro Marcovich, Ediciones B, 2015.)

Tras la fiesta, Alejandro se quedó muy motivado para continuar la experiencia, así que después de unos días contactó de nuevo a Saúl y a Alfonso para proponerles, ahora sí, formar un grupo. La historia se repitió. Alfonso aceptó de inmediato y Saúl lo pensó por unos días, ya que él formaba parte de Frac, pero finalmente aceptó. Decidieron ponerle un nombre basado en un cuento escrito por Saúl, llamado «Entre las insólitas imágenes de Aurora», que terminó en Las Insólitas Imágenes de Aurora.

En esa época no existían espacios para tocar y era sumamente difícil hacerse de dinero para solventar instrumentos, y ya ni se diga una modesta producción. Comenzaron a tocar en lugares como el Recreo del Jabalí, los foros de El Ágora y Gandhi, y organizaron conciertos junto a otras bandas, como el realizado en el jardín de una casona en la Calle de la Amargura, en San Ángel, junto a los grupos Crisis y Newspaper. En un momento Saúl dejó a su otra banda para dedicarse de lleno a Las Insólitas Imágenes de Aurora. Durante 1984 grabaron un demo con Marc Rodamilans, del grupo Mistus, con el cual consiguieron trabajo en lugares como La Rockola y el Bar 9.

Durante 1985 comenzaron a complementar sus ingresos haciendo playbacks en la televisión para artistas como Miguel Bosé, Alaska y Dinarama, Fresas con Crema y Laureano Brizuela, entre otros. Gracias a esto pudieron comprar mejor equipo.

En abril de 1986 sacaron a la venta un casete en vivo de la presentación en Rockotitlán, del 22 de marzo de ese mismo año, en la que conmemoraron su segundo aniversario, grabado y producido en cuatro canales por Jaime «el Oso» Pavón. La portada era una foto de Eniac Martínez. También grabaron un demo realizado en los Estudios Acento, con varios de estos temas, de los cuales hicieron videos con el Canal 11. Todas estas grabaciones aparecerían posteriormente de manera pirata y no era difícil encontrarlas en el Tianguis del Chopo.

También en ese año los acompañaron Armando Martín el Pecas en la percusión, Alejandro Giacomán en los teclados, Alberto Delado en el sax y Federico Fong en el bajo, ya que Saúl se pasó a la guitarra. La idea original de un trío se fue transformando en un grupo con otra sonoridad.

Comenzaron a registrarse los primeros roces entre Alejandro y Saúl. Después de un poco más de dos años de buscar oportunidades, Saúl manifestó su deseo de comenzar paralelamente otra agrupación. Alejandro no estuvo de acuerdo y esto provocó la desintegración de Las Insólitas Imágenes de Aurora al comienzo de 1987. La historia de Alejandro, Saúl y Alfonso tomaba un nuevo giro.

«La sincronía fue perfecta, en cuanto su mano alcanzó el punto más alto, comenzó a sonar demoledora la batería de André. Y 500 puños se levantaron. Cuando entró la guitarra de Alejandro, un rugido multitudinario cimbró el techo del local. Saúl no había cantado una sola nota y ya tenía al público en uno de los bolsillos de su saquito a rayas.» (Manuel Lino describiendo un concierto de Las Insólitas Imágenes de Aurora, en Puebla, ante un público conformado por punks, El Economista, 7 de abril de 2011.)

Discografía £

¡Las Insólitas Imágenes de Aurora en vivo! (1986), casete

Las Insólitas Imágenes de Aurora (1986), casete

Otros o

Saúl crearía una nueva banda junto al Pecas, Diego Herrera, Sabo Romo, Juan Carlos Novelo y Santiago Ojeda, al que llamaría Caifanes.

Alfonso André trataría sin suerte de sacar algunos proyectos y se integraría al poco tiempo a Caifanes.

Alejandro Marcovich trabajaría algún tiempo con Laureano Brizuela y luego se integraría a Caifanes antes de la grabación de su segundo disco.

46. Mamá-Z

1984, Ciudad de México

Integrantes originales

Octavio Herrero - Guitarra

Gerardo Aguilar Tagle† - Guitarra

Óscar Fernández - Batería

Jorge Escalante - Bajo

Agustín Aguilar Tagle - Voz

Integrantes incorporados después de 1990

José Hernández - Batería

Cecilia García-Robles - Guitarra

Eduardo Escalante - Sax

Óscar Sarquiz - Guitarra

Alex Eisenring - Teclados

Género ù

Rock; con influencias de John Waits, U2, Talking Heads, Botellita de Jerez, así como el blues y el rock de los sesenta y setenta.

Historia h

Así como Tin Tán tiene el récord de mayor cantidad de mujeres besadas en la pantalla, quizá ellos tienen el récord de más canciones con nombres de mujer: Cecilia, Leonor, Matilde, Doña Flavia Josefina, Laura, Ana, Lamia… En 1984 la Ciudad de México vio nacer a un grupo original, chacotero, socarrón y chocarrero como su nombre: Mamá-Z. Junto a Naftalina, Botellita de Jerez, Jaime López y Trolebús, son miembros de una generación explosiva que hacían que el fantasma del humor recorriera México.» [Texto de Arturo Ortega en el podcast del programa Código retro, 8 de junio de 2010, en Código CDMX.]

Tino y su Clase Media fue el nombre que desecharon antes de elegir el de Mamá-Z, expresión chilanga para referirse a las mujeres buenonas. La agrupación fue fundada por Octavio Herrero, Jorge Escalante, Óscar Fernández y los gemelos Gerardo y Agustín Aguilar en noviembre de 1984, sin otra intención que amenizar las fiestas de los amigos. Solían denominar al grupo como «Laboratorio de Teatro Experimental y Taller de Autoayuda».

En 1985 decidieron entrar a un estudio y en 10 horas dejaron registro de sus ensayos. En ese mismo año, animados por el surgimiento de nuevas bandas, convirtieron ese registro en un LP homónimo. Su portada fue el nombre de la banda sobre un fondo rojo. Ésta, con el tiempo, se volvió la imagen emblemática de Mamá-Z.

Su primer concierto lo dieron días después del temblor del 85 en la librería El Ágora. Pronto se les vio en foros como Rockotitlán, El Altillo y el Tutti Frutti.

Para su segundo disco, Esa viscosa manera de pegarme las ganas, contaron con la producción de Paco Barrios el Mastuerzo, de Botellita de Jerez, quien les propuso crear un ambiente teatral y radiofónico. Lo grabaron en los Estudios Fiesta, en el Parque México. La portada fue creada por el dibujante y pintor Manuel Ahumada.

En 1989 Gerardo y Octavio crearon una banda alternativa a Mamá-Z, a la que nombraron Las Moscas de Metepec. La definieron como «una banda fantasma».

En 1990 sacaron su siguiente trabajo, sólo en casete, al que llamaron Mójame el alma entera. Esto fue debido a que ya no contaron con los medios para lanzarlo en vinilo.

Eran los tiempos de la aparición en México del CD como nuevo formato. Sus próximos dos discos fueron enlatados ante la imposibilidad de financiar su publicación. Quedaron en espera de una mejor ocasión para ser publicados, posiblemente como parte de una caja recopilatoria.

Así transcurrieron 12 años, entre presentaciones esporádicas y grabaciones inéditas, y fue cuando, dicho en sus palabras, decidieron volver a su verdadera pasión: no hacer nada.

Esta etapa de inactividad se vería interrumpida por un suceso fatal que provocaría su regreso al escenario por motivos muy dolorosos. En 2007 falleció Gerardo, de cáncer de páncreas. Con el profundo pesar por esta pérdida, el resto de los miembros decidió hacer en su honor dos últimas presentaciones en 2008 y 2010.

También grabaron un disco con las canciones de Gerardo, al que titularon Yo soy la mosca.

Actualmente, la banda prepara un segundo álbum con más canciones de su autoría, al que llamarán Confieso que he soñado.

Mamá-Z no ha vuelto a tocar en vivo.

Discografía £

Mamá-Z (1985)

Esa viscosa manera de pegarme las ganas (1987)

Mójame el alma entera (1990)

Canciones de domingo (1992-enlatado)

No hay guirnaldas de olivo ni flores para el olvido de ti (1996-enlatado)

Discos con canciones de Gerardo Aguilar Tagle

Yo soy la mosca (2008)

Confieso que he soñado (en proceso)

Otras grabaciones

Las Moscas de Metepec (1989), proyecto alternativo

Otros o

Gerardo, además, fue dibujante de viñetas con el seudónimo Tlacuiloco.

Octavio Herrero actualmente es guitarrista de la banda de blues Las Señoritas de Aviñón.

Agustín es el motor de las obras en memoria de su hermano Gerardo.

47. Bon y los Enemigos del Silencio

1984-1997, Ciudad de México

Integrantes l

Leoncio Lara «Bon» - Voz y guitarra

Alejandro Giacomán - Teclados

José Areán - Bajo

Género ù

Pop rock, con influencias de Genesis, Yes, Police, Tears for Fears, Radio Futura y Nacha Pop.

Historia h

El antecedente de esta banda se remonta a 1979, cuando varios compañeros de secundaria se juntaron para formar una banda a la que llamaron Cáscara. Ésta estaba conformada por Leoncio Lara Bon en la guitarra, José Alberto Areán en el bajo y el argentino Brian Champbouleyron en la voz. Después se integraron Alejandro Giacomán en los teclados y las flautas y Balú en la batería. Tocaban covers de bandas argentinas y canciones originales.

Luego vino una etapa de presentaciones esporádicas, entre otras cosas, porque Bon conformó otra banda junto a Saúl Hernández llamada Frac, con la que se inscribieron en un concurso organizado por Discos Peerless.

En 1984 Bon se convirtió en el frontman de Cáscara, teniendo ahora a su cargo la tarea de cantar y componer. Por otra parte, se ganaron el mote de «los Enemigos del Silencio», por el ruido que generaban en sus ensayos. Así es como cambiaron su nombre a Bon y los Enemigos del Silencio, grupo oficialmente conformado por Bon, Areán y Alejandro.

Hicieron su primera tocada en El Recreo del Jabalí. Pronto se integraron al circuito de foros roqueros que existía por entonces en la Ciudad de México, como el Tutti Frutti, el Bar 9 y las librerías Gandhi y El Ágora.

En 1987 el grupo decidió trabajar durante un año intenso para lograr su primer demo al que llamaron Parecemos monitos. Recibió difusión en la estación de radio Espacio 59. Este demo llegó a las manos del afamado productor Carlos Narea, quien los fue a ver a un concierto en Rockotitlán; su misión era buscar un grupo para la compañía CBS y fue así como, firmando con esta discográfica transnacional, lanzaron su primer disco homónimo, mezclado en el estudio de George Martin, Air Studio, en Londres.

Tras una fuerte campaña promocional, canciones como «Cuando vayas al Caribe», «Irene», «Voy a buscar» y «Parecemos monitos» se volvieron muy populares. El sonido plasmado en este disco se caracterizaba por la singular voz de Bon y los teclados de Giacomán. La base de Areán en el bajo, junto a la rítmica de cajas eléctricas programadas, fue algo innovador para lo que se escuchaba por esos días en el rock mexicano. En vivo se apoyaron con los bateristas Francisco «el Cuchillo» García† y Yeyo Hernández.

Giras maratónicas con los Hombres G y presentaciones en el Festival Cervantino fueron algunos de los principales eventos en los que Bon y los Enemigos del Silencio participaron durante el boom del Rock en tu Idioma.

Terminaron su relación laboral con CBS por desacuerdos en cuanto al perfil comercial que la discográfica quería para el grupo.

Su segundo trabajo se realizó hasta 1994: El señor Tapaderrumbes, editado con la disquera independiente Spartacus. Con este nuevo disco decidieron lanzar como sencillo el tema «Si tú te vas». Aun con una gran calidad en su producción, la banda enfrentó el contraste que significaba salir en esa época con un disco independiente y con poca promoción.

En 1997, después de otra larga pausa, ya que Areán salió del país para estudiar dirección de orquesta en Viena, lanzaron Un beso y bang…, editado por BMG Ariola.

Con ánimos renovados y la integración de León Soriano en labatería y Jacobo Lieberman en la guitarra retomaron los escenarios. También Sabo Romo los apoyaría en el bajo en algunas ausencias de Areán.

El éxito de la década anterior ya nunca se repitió. Ante esto, decidieron separarse. Bon y los Enemigos del Silencio fue una banda que en términos de proyección funcionó muy bien mientras estuvo arropada por una empresa transnacional, pero que probó los sinsabores de manejarse en forma independiente, en un momento en que hacerlo era muy riesgoso.

Ante la pregunta de si se ve como una influencia, Bon responde: «Empiezo a darme cuenta hasta ahora, por el afecto que me tienen muchos jóvenes y algunos otros de mi época. En ese momento no estaba consciente, no había mucho futuro, lo hacíamos totalmente por gusto al rock. Pero sí establecimos un proceso más industrial y ahora lo puedo ver: hay fans que todavía reconocen aquella época como algo importante e influyente». (Entrevistado por Julián Téllez para la revista Chilango, febrero de 2014.)

A partir de 2015, Bon se ha visto involucrado en el proyecto discográfico Rock en tu Idioma Sinfónico, el cual ha tenido un gran éxito comercial. El disco se grabó el 8 de diciembre de ese año en el Plaza Condesa ante dos mil personas y se lanzó al mercado a comienzos de 2016. Ahí interpretó la canción «Voy a buscar» con arreglos orquestales. El resto del año lo han promovido en diversos foros del país.

Discografía £

Bon y los Enemigos del Silencio (1988)

El señor Tapaderrumbes (1994)

Un beso y bang… (1997)

Otras grabaciones

Rock en tu Idioma Sinfónico (2016), en vivo, con la canción «Voy a buscar».

Otros o

Ya desde 1992 Leoncio se dedica a hacer soundtracks para películas como Sólo con tu pareja, La virgen de la lujuria, Club eutanasia, Así es la vida y Las lloronas, entre otras. Además, ha producido discos a Los Estrambóticos, Jaime López, La Nao y Maru Enríquez.

Areán es director de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México y ha sido director del Festival de México, del Centro Histórico.

Alejandro se desempeña activamente en la masterización de diversas producciones que van desde Agustín Lara, Alejandra Guzmán, Babasónicos, IMS, Réplica, Titán, etc. Todos ellos realizados en su No por Suerte Estudio.

48. Quál

1984, Ciudad de México

Integrantes l

Fausto Arrellín - Guitarra y voz

Francisco Acevedo - Bajo y armónica

Adrián Gasca - Batería (1984-1988)

Miguel Ángel Pérez - Batería (1988-1989)

Javier Vila - Teclados (1988-1990)

Luis Gerardo Gómez - Batería (1989-1990)

Mario Mota - Saxofón (1989-1990)

Manuel Ladrón de Guevara - Guitarra (1989-hasta hoy)

Mario Chánez - Batería (1990-hasta hoy)

Género ù

Rock; con influencia del rock anglo de los sesenta y setenta.

Historia h

Por petición expresa de Rodrigo González Rockdrigo, Fausto Arrellín, que anteriormente tocó con los grupos Chacra, Coatlicue y formó parte del Colectivo Rupestre, integró en 1984 el grupo Quál, con el exOda Mazahua, Francisco Acevedo, y el exChacra, Adrián Gasca. El nombre provino del gato que Rockdrigo dejó en su natal Tampico.

Existe una grabación de Rockdrigo acompañado de Quál en la Ciudadela, en 1985, testimonio de esa etapa de colaboración. Pero llegó la muerte de Rockdrigo en el terremoto de septiembre de 1985 y Quál continuó como trío, grabando los casetes Caminando y Sin promesas ni compromisos.

Posteriormente, con la integración en los teclados de Javier Vila y la batería de Miguel Ángel Pérez Camilo, grabaron en 1988 Al borde del precipicio. En lo musical, es un disco alejado del sonido rupestre y más bien cercano a géneros como el new wave y el synth rock, aunque en lo letrístico su temática es urbana. Con el tema «Rocanrolero», sonaron en la estación de radio Espacio 59, de la Ciudad de México, en los tiempos de la campaña Rock en tu Idioma.

En 1989 reconformaron el grupo con la inclusión de Gerardo Gómez en la batería, Manuel Ladrón de Guevara en la guitarra y Mario Mota en el sax. Con esta formación hicieron un viaje a Los Ángeles en 1990, y a su regreso el grupo se dispersó para quedar finalmente constituido por Manuel en la guitarra, Mario Chánez en la batería, Francisco «Charro» Acevedo en el bajo y Fausto Arrellín en voz y guitarra. Los complementó Edgar Arrellín como ingeniero de sonido.

En el grupo Quál han colaborado músicos provenientes de diversos géneros, como el rock, el jazz y el folclor, así como de diferentes agrupaciones musicales, entre las que se encuentran Chacra, Oda Mazahua, Coatlicue, Áspid, Abril y Ritmo Peligroso.

Conocidos principalmente por su colaboración con el Profeta del Nopal, su existencia quedó marcada por ese evento al grado de ser ignorados en sus siguientes producciones. La postura firme de Quál de no cambiar su nombre, a pesar de insistir con búsquedas estéticas auténticas, pero diferentes, los ha relegado a una especie de anonimato funcional, al grado de que sólo se les busca para eventos relacionados con el recuerdo de Rodrigo González.

Discografía £

Caminando (1986)

Sin promesas ni compromisos (1987)

Al borde del precipicio (1988)

Unas cintas guardadas (1989)

49. Crista Galli

1984-1996, Satélite, Estado de México

Integrantes l

Ernesto Rosales - Voz (ahora Galo Contreras)

Tuck - Bajo

Gustavo de la Torre - Teclados

Álvaro Calderón - Guitarra

Rafael Acevedo - Batería (1984-1992) (1994-1996)

Gori Ruiz - Batería (1992-1994)

Rogelio Covarrubias - Sintetizador análogo (1984-1986)

Género ù

Rock en español; con influencias de rock clásico de los setenta, progresivo y bandas como U2, Simple Minds, Rush y Genesis.

Historia h

Con el tema «Llévame contigo» ganaron el Festival Yamaha Band Explosion de 1990, lo que les permitió viajar a Tokio, Japón, y tocar junto a otras bandas en el mítico Budokan. Regresando, realizaron su primera gira por la República mexicana.

En ese mismo año participaron en el concurso La Batalla de las Bandas, consiguiendo el segundo lugar con los temas «Herederos del tiempo» y «Tras bambalinas», mismos que aparecieron en un disco compilatorio con los temas de los finalistas.

Pero fue hasta 1993 cuando grabaron su primer y único disco homónimo bajo el sello Warner/Rockotitlán. Contiene el sencillo «Bajo la luna», que llegó a estar en los primeros lugares de la radio y la televisión.

A lo largo de su historia participaron en grandes conciertos en universidades y foros de todo México, como en la explanada de Ciudad Universitaria ante más de 20 mil personas, en el Espacio Escultórico, en la Plaza de Toros México, en el Parque Fundidora, siendo Crista Galli el primer grupo mexicano en tocar ahí abriendo para la banda española La Unión; en plazas y anfiteatros de todo el país, incluyendo hoyos fonqui junto a El Tri y la Banda Bostik, en Rockotitlán, el LUCC, Rock Stock, La Diabla, entre otros. Alternaron con las principales bandas del país. También tocaron en Estados Unidos y en Guatemala junto a Caifanes.

En 1996 salieron Álvaro Calderón y, a los pocos meses, Gustavo de la Torre y Rafa Acevedo. Como miembros originales sólo quedaron Ernesto y Tuck, quienes decidieron conformar un nuevo grupo al que llamaron Ultra. Fue cuando Ernesto Rosales cambió su nombre a Galo Contreras.

En 2006 se realizó un video del tema «Tras bambalinas». En 2008 sacaron el álbum Exit, con material recopilatorio más temas inéditos y rarezas.

Con el paso de los años, y a raíz de internet, Crista Galli se volvió una banda de culto, con seguidores muy comprometidos y fieles. Sin regresar oficialmente, se permitieron una temporada de conciertos muy esporádicos entre 2008 y 2012, incluyendo una participación en el Festival Vive Latino 2010.

Discografía £

Crista Galli (1993)

Exit (2008), recopilación

Otras grabaciones

La batalla de las bandas (1990), EP acoplado

Chocolate shots (1995), acoplado promocional con el tema «Bajo la luna»

Por los buenos tiempos, tributo al rock nacional (2014), acoplado con el tema «Bajo la luna»

Artistas covereando a Crista Galli

Psiconauta, con el tema «Bajo la luna» en el disco En tu piel (2008)

Otros o

Ernesto Rosales, ya como Galo Contreras, formó el grupo Ultra junto a Tuck y después continuó una carrera como solista.

50. Carlos Arellano

1984, Ciudad de México
(poblano por adopción)

Género ù

Canción de autor; con influencias de Bob Dylan, Neil Young, CSN&Y, Cat Stevens, Pájaro Alberto y Álvaro Carrillo.

Historia h

Carlos Arellano nació en 1957 en el Distrito Federal, aunque desde 1968 radica en Puebla. En 1974 se integró al grupo Tortuga. Diez años después de transitar por diversas bandas poblanas comenzó su carrera de solista visitando España como músico callejero.

Con su guitarra grabó un casete que le mandó a Modesto López, de Discos Pentagrama. Hizo lo mismo con Guillermo Briseño y el escritor José Agustín, a quien admira. De ambos recibió consejos que lo animaban a mejorar su producción. Al tener el ofrecimiento de Pentagrama para editar su música, convocó al grupo Tierra Baldía para que lo acompañara, logrando mejorar dicha grabación. Así nació su primer disco Canciones domésticas, título que se le ocurrió cuando el locutor de radio José Luis Ibarra Masarik le comentó que sus composiciones sonaban domésticas.

Su música transitó del rock al bolero, del blues a la balada. Durante la presentación del disco, en 1987, José Agustín se refirió a su trabajo: «Carlos ha llegado a un espléndido inicio. Dueño de su propia concepción del arte, fiel a su mundo más íntimo, talentoso en composición, sabio con las palabras y rico en matices, su disco llega para fortalecer el dinámico y renovado rock mexicano».

La canción «Nunca dejaré que te vayas» llegó a colarse en la radio nacional. En la Ciudad de México sonaba repetidas veces en Espacio 59. Eran los tiempos en que surgió el boom del Rock en tu Idioma y logró una buena proyección, aun desde su postura independiente.

Por su vocación por hacer canciones con letras inteligentes y poéticas, inmediatamente fue arropado por el Movimiento Rupestre, con quienes se identificó plenamente. Aunque ha reconocido la influencia de folk rock de Bob Dylan, entre otros, también ha manifestado admiración por Álvaro Carrillo, su principal influencia en lo que respecta a las temáticas románticas. «Yo crecí con el bolero», se le ha escuchado decir en repetidas ocasiones.

En 1990 salió el disco El baile de las cosas, con Discos Pentagrama. Contó con la colaboración de Kitzia Weiss, Jesús S. Puebla, Gabriela Luna, Mario Hernández, Federico Luna, Alberto Obregón, Víctor Zesatti, Fortunato Pérez, Roberto Gaitán, Luis Anguiano, Jorge García, Luis Rojas, Jorge Cristians, Guillermo Briseño, Jorge Rosell, Miguel Nieto, Miguel Ángel Díaz, Daniel Tuchmann, Eblén Macari, Isaac Peña, Gerardo Peña y Ricardo León.

Durante 1991 y 1992 participó en el Festival de Música Popular Mexicana, en Los Ángeles. También en el 92 fue becario del Fideicomiso para la Cultura México-Estados Unidos, para el que hizo el proyecto Poblanos en Nueva York: crónica y música a través de la radio.

En 1994 lanzó el disco Nada en su sitio, con el sello Metztli. Colaboraron Jorge Rosell, Martín Navarro, Joaquín Trinidad, Federico Luna, Luis Gerardo Márquez, Luis Rojas y Armando Rosas.

Dos años después se presentó en el Teatro de la Ciudadela, en la Ciudad de México, y de la grabación de dicho concierto lanzó un disco con versiones en vivo de sus producciones anteriores.

Como parte de un proyecto pedagógico para bachilleratos, auspiciado por la Secretaría de Educación Pública, durante 1995 compuso 11 temas sobre física.

En 1997 se editó La jauría, producido por él mismo. Este disco tiene la peculiaridad de contar con la colaboración de destacados músicos y cantautores interpretando sus composiciones. Entre los participantes están Rafael Catana, Francisco Barrios, Fernando Delgadillo, Roberto González, Mauricio Díaz, Armando Rosas, Gerardo Enciso, David Haro, Marcial Alejando, Nina Galindo y Federico Luna, entre otros.

En 1999 y 2002 presentó el espectáculo Los que se van: canciones de migración, en la ciudad de Nueva York.

Después vino una etapa sin producciones discográficas. Fue hasta 2006 cuando volvió a grabar, sacando el disco The calculos stones, y tres años después Zombra 0.

Carlos Arellano ha recorrido todo el país y parte de Estados Unidos presentándose en universidades, institutos de cultura, cafés, bares y peñas. En 2014 fue homenajeado por sus compañeros músicos en el Teatro de la Ciudad por sus 30 años de carrera. Intérpretes y compositores de Puebla, Guadalajara y la Ciudad de México asistieron para tocar sus canciones. Entre los participantes se encontraban Tierra Baldía, Nono Tarado, Nina Galindo, Iván García y Los Yonkis, La Trolay Arturo Carcará Muñoz, Serpiente Elástica, Cuarto Blanco, Caca de Gato, Arturo I. Waldo, José María Camargo, Rafael Catana, Gerardo Enciso, Armando Rosas y José Cruz. Se tiene planeado producir un disco y un video de dicha presentación.

Discografía £

Canciones domésticas (1987)

El baile de las cosas (1990)

Nada en su sitio (1994)

En vivo en la Ciudadela (1996)

La jauría (1998)

The calculos stones (2006)

Zombra 0 (2009)

Compilados

Música en la ciudad (1990)

Somos indios (1995)

Trova contemporánea; en vivo en Oaxaca (1999)

Canción contemporánea mexicana (2000)

Pentagrama 20 años, vol. 5 (2002)

51. Silueta Pálida

1984-1985, Ciudad de México

Integrantes l

Carlos García - Voz, teclados, piano y percusión

Jaime Herranz - Batería, marimba y percusión

Género ù

Dark wave, minimal, electrónico y tecno pop; con influencia de John Foxx, Ultravox y el temprano Depeche Mode.

Historia h

Carlos García provenía de los grupos Old Fashoned y Volti, mientras que Jaime Herranz había colaborado con El Escuadrón del Ritmo junto al Capitán Pijama y Alex Eisenring. Juntos crearon el grupo Silueta Pálida, que tuvo como rasgo destacado producir un disco que con el tiempo se convirtió en una pieza fundamental del rock electrónico de los años ochenta en México.

El 30 de mayo de 1984 debutaron en el foro de la librería Gandhi, junto al grupo María Bonita, de los hermanos Lafontaine. «Silueta Pálida en realidad se presentó muy pocas veces: en la librería El Ágora, en la librería Gandhi con María Bonita y en casa de Alfonso André, abriendo el concierto a las nacientes Insólitas Imágenes de Aurora». (Mateo Lafontaine en la entada de su blog «Una tarde noche de 1980».)

Al poco tiempo Carlos y Jaime juntaron sus ahorros para grabar en abril un EP de 12 pulgadas, en el lugar de Juan Manuel Aceves: Studios 59. El material le gustó tanto a Juan Manuel, que accedió a regalarles 15 horas extra.

El EP El paso del tiempo salió ese año. Su portada era singular y rompía con los cánones de diseño en portadas mexicanas, es decir, con influencias gráficas minimalistas y del Bauhaus. Contuvo los temas «El paso del tiempo», «El paso del tiempo» remix, «Impensado» y «En la». Dos canciones y dos temas instrumentales. Colaboraron en las dos versiones de «El paso del tiempo» Arturo Meade en los teclados, Rafael Gaitán en la guitarra acústica, Enrique Herranz en el bajo y Rafael To-más en la guitarra eléctrica, con Juan Manuel Aceves como ingeniero de grabación y mezcla. Editaron mil copias y tenía el número de catálogo 001 del sello independiente Discos A.E.I. Actualmente es un disco muy cotizado. «Apenas tres canciones, un tema instrumental y una remezcla cohesionados por dos grandes músicos en un disco tremendo.» (Reseña de Marcos Hassan en el libro 100 discos esenciales del rock mexicano, coordinado por David Cortés y Alejandro González Castillo, Grupo Editorial Tomo, 2012.)

Apenas salió del horno, distribuyeron dicho EP en la tienda Supersound y en el Tianguis del Chopo.

Ya en 1985 Carlos se unió a Mateo Lafontaine, que entonces tocaba con María Bonita, para componer temas totalmente electrónicos, tristes y fríos, en el garage de la casa de los padres de Mateo. Esto tendría como resultado la disolución de Silueta Pálida y la creación del grupo Década Hoy, que posteriormente se transformaría en Década 2.

En 2005 el sello At Records sacó, bajo la dirección de Roberto Castañeda, el compilado Backup expediente tecno pop 1980-89, que recopiló temas de grupos como Size, Casino Shanghái, Syntoma, Volti, Década 2, Artefacto, Duda Mata, entre otros.

Discografía £

El paso del tiempo (1984), EP

Otras grabaciones

Backup expediente tecno pop 1980-89 (2005), compilación, con el tema «El paso del tiempo», remix

52. Los Clips (antes Pills y Los Rocking Pills)

1984-1985,
Guadalajara, Jalisco

Integrantes l

Agustín Salvador Villa Rojas «Cala» - Voz

Víctor Inda - Bajo

Quetzalcóatl Avilés - Batería

Pablo Martínez - Guitarra (1984)

Óscar Salazar - Guitarra (1984-1985)

Género ù

Punk rock y rockabilly; con influencia de Ramones, The Clash, Elvis Presley y Kenny y los Eléctricos.

Historia h

Aunque desde muy pequeño vivió en Guadalajara, Jalisco, Agustín Salvador Villa Rojas "Cala" nació en la Ciudad de México el 10 de enero de 1962. Se inició en la música cuando sus padres lo llevaron con profesores particulares para después inscribirlo en la Escuela de Música de la Universidad de Guadalajara.

A los 22 años hizo su primera banda junto a Víctor Inda en el bajo, Quetzalcóatl Avilés (hermano de Kenny) en la batería y Pablo Martínez en la guitarra. La voz y las composiciones estarían a su cargo. Comenzaron usando el nombre de Pills, que después se transformaría a Los Rocking Pills. Al poco tiempo de haberse formado, Pablo dejó el grupo, dando la entrada a Óscar Salazar.

El legendario guitarrista Ricardo Ochoa (Peace & Love, Náhuatl y Kenny y los Eléctricos) los escuchó y los puso a ensayar para producirles los temas «El final» y «Una buena lección», los cuales grabarían cambiando su nombre nuevamente, ahora a Los Clips, para el primer compilado de la discográfica independiente Comrock de Juan Navarro y Chela Braniff, lanzado en 1985.

«El final» sería uno de los hits de ese disco que con el tiempo se convirtió en un clásico del rock nacional.

Desde 1984 Cala tenía en mente hacer una nueva banda en forma paralela a Los Clips, con el guitarrista Arturo Ybarra del grupo Mask, también firmados en Comrock. Tras la salida del acoplado ambas bandas se desintegraron, por lo que juntos dan paso a la creación del grupo Monttana, que poco después cambiaría su nombre al de Rostros Ocultos.

Discografía £

Comrock (1985), compilado con los temas «El final» y «Una buena lección»

53. Mauricio González (Bizarroleros,
Vía Corta, Corazones Calavera, García y González)

1984, Ciudad de México

Género ù

Rock rupestre, folk, blues, reggae, trova urbana y rock alternativo en general; con influencia de Lou Reed, Cat Stevens, Silvio Rodríguez, Jaime López, Roberto González, The Beatles, Ian Anderson, Alfredo Zitarrosa y Charly García.

Historia h

Mauricio González nació el 2 de agosto de 1961 en la Ciudad de México. Pasó su primera infancia en la colonia Roma. A los seis años tomó clases de violín con el maestro Carlos Esteva en el Colegio Moderno Americano. Después de un par de años, sus padres se divorciaron y, por políticas de esa escuela, no pudo continuar ahí, interrumpiendo así el estudio de ese instrumento. Después, junto a su hermano Jorge tomó clases de piano. Finalmente, aprendió a tocar la guitarra, con la cual comenzó a componer canciones desde los 14 años. Creó su primera banda en 1983 a la que llamó Odisea. La conformaron Elena Sánchez (novia de un amigo) en el bajo, Manuel Mora en el sax, su hermano Jorge Doc en el piano, el apoyo especial de Enrique Nava de los Dug Dugs en la batería, y él en la voz, las guitarra y las composiciones. Se inscribieron en el Concurso Yamaha con el tema «Tiempo de lluvia», quedando en segundo lugar. El primero fue para Guillermo Briseño.

En 1984 se fue a vivir a una vecindad ubicada en una barranca, a un costado del Camino al Desierto de los Leones. En este lugar tuvo como vecino al estudiante de arquitectura y músico Eduardo Dyer, con quien entabló amistad. Solían juntarse a tocar y fue él quien le enseñó a tocar la armónica.

Sus primeros pasos, en sentido profesional, los dio cuando se acercó al Comité de la Nueva Canción y comenzaron a programarlo en diferentes foros de la ciudad.

Tras el terremoto, durante la segunda mitad de 1985, dado su interés por escuchar a los compositores rupestres, fue a ver al grupo de Roberto Ponce y Nina Galindo, mejor conocido como Callo y Colmillo, que estarían en San Ángel, pero éstos no llegaron. Curioso por escuchar a Nina, consiguió su teléfono, y la llamó para saber cuándo se presentarían.

Nos caímos bien y nos citamos para cotorrear. Al terminar la cita yo ya iba en calidad de vendedor de sus fechas (risas). La ayudé a mudarse de casa porque en ese momento estaba tronando su relación amorosa y de trabajo y a los pocos días yo ya estaba sacando las piezas que solía cantar. Me comuniqué con Roberto Ponce, que me mandó por fax unos papeles de las canciones. Comencé a organizarle su grupo y fue cuando le llamé a Elena para que tocara el bajo. [Conversación con Mauricio González.]

Nina no quería un grupo con batería y Mauricio acudió conmigo(Sr. González) para que tocara las congas con ellos. Me conoció por intermediación de Eduardo Dyer, viejo amigo con quien hasta la fecha sigo tocando. Así comenzó lo que entonces llamamos Nina Galindoy el Grupo Escape, siendo Mauricio el director musical. Tras un par de presentaciones salí del grupo y entonces se reorganizó con Nina, Mauricio y Elena, además del baterista Raúl Martínez y Jorge González en los teclados, simplificando su nombre a Escape.

En octubre, noviembre y diciembre de 1986, Mauricio produjo el ciclo A media luz, en el teatro La Capilla, en Coyoacán, en el que se presentaron en concierto Jorge Buenfil, Armando Rosas y la Camerata Rupestre, Mendoza y Macondo, Armando Chacha, Marcial Alejandro, Roberto González, Nayeli Nesma, Roberto Ponce y Nina Galindo, Mexicanto, Emilia Almazán y Metamorfosis.

En 1987 Elena salió de Escape y se integró Sergio Hidalgo en el bajo. En ese año Mauricio le produjo a Nayeli Nesme su primer disco en el estudio de Marcos Deli. También comenzó a coproducir los festivales del Colectribu de Cantantes Errantes en el foro del Sindicato Único de Trabajadores de la Industria Nuclear (SUTIN), en los cuales participaron Iván Rosas, Arturo Meza, Armando Rosas, Carlos Arellano, Quál, Nina Galindo, Trolebús y Rafael Catana, entre otros.

Paralelamente al grupo con Nina, en 1988 Mauricio creó un dueto acústico roquero-blusero con el guitarrista Jorge García Montemayor, al que llamaron Los Bizarroleros. Poco fue el tiempo en que coincidieron ambos proyectos, ya que en ese año se separó Escape. Para entonces, Nina y él consideraron que no era buena idea trabajar y vivir juntos, por lo que Nina se integró al grupo Follaje. Aun así, Mauricio estuvo colaborando con ellos.

Aunque Nina llegó a cantar composiciones suyas, fue con Los Bizarroleros como pudo mostrar abiertamente sus composiciones, con líricas irreverentes y cáusticas.

En ese año formó parte del equipo de producción de la empresa Cielito Eléctrico, junto a Sergio Arau y Óscar Sarquiz.

En 1989 con Los Bizarroleros comenzó la planeación de un disco, por lo que invitaron al baterista César Calderón Perico (exMCC) y nuevamente a Elena Sánchez en el bajo. Sin proponérselo en principio, después de un tiempo se dieron cuenta de que funcionaban como banda. Cambiaron su nombre a Vía Corta. Con esta banda se presentaron en el LUCC, Rockotitlán y Rock Stock, así como en una gira por17 municipios de Tabasco, en Puebla, Zacatecas y Toluca.

En 1990 colaboraron con Roberto González en su disco Flor de poder, editado por Discos Pentagrama. Estuvieron realizando presentaciones en vivo, siendo su grupo de apoyo en la promoción de dicho material. En ese mismo año salió su casete EP homónimo, editado por el sello independiente Lejos del Paraíso. Al poco tiempo de este lanzamiento, Jorge García abandonó el grupo para unirse a Sigue la Mata Dando, de Nina Galindo, por lo que decidieron cambiar de nombre nuevamente a Corazones Calavera, e integraron a Óscar Martínez en la guitarra principal. El sonido del grupo se tornó más potente.

Al final de 1991 entraron a grabar ¿Dónde estás?, en el estudio de Enrique Quezadas (exMCC y Betsy Pecanins). Cuando Mauricio le llevó el disco a Edmundo Navas, éste aceptó editarlo, sugiriéndole algunos cambios en el orden de las canciones. Mauricio salió de su oficina y no regresó sino hasta cinco años después. El grupo sólo tocó un año más y se separó en 1992. Esto aconteció debido a que se suscitó una serie de acontecimientos personales que lo obligaron a alejarse de la música. Nació su hija, se mudó al Ajusco, su madre murió, heredó una fábrica en quiebra y su hermano enfermó de cáncer. Elmaterial se terminó editando hasta 1996, cuando la compañía había cambiado de nombre a Opción Sónica y el grupo ya llevaba tiempo sin existir.

Lo que siguió fue que Mauricio entró a trabajar en dicho sello como promotor. Estando ahí, José Manuel Aguilera le propuso que representara al grupo La Barranca y así lo hizo por seis años. Continuó trabajando en el medio, pero ya sin subir al escenario; su proyecto como músico quedó congelado.

En 2013 produjo en Real de Catorce, San Luis Potosí, el Concierto del Sexto Sol, con Philip Glass y los músicos wirráricas Daniel Medina de la Rosa y Roberto Carrillo Cosío. Tras un fuerte cuestionamiento existencial en su viaje al desierto, Mauricio decidió regresar a la música. Fue cuando se dio el reencuentro con Jorge García Montemayor después de años de distanciamiento. Ahora como García y González, los viejos Bizarroleros han estado componiendo y presentándose desde entonces. Se han acompañado de Juan Cristóbal Pérez Grobet en el bajo y Norma López en la batería.

En 2014 Mauricio organizó el Taller de Música Gitana, en la Ciudad de México, junto a maestros extranjeros como Aaron Gibson, Pepperino Leone, Gaia Mobilij y Marco Ghetzo. A raíz de eso fundó, junto al acordeonista Roberto Pachuco Téllez y el grupo de danza de Yuliana Flores, el proyecto Nómada, de música gitana.

En 2015 produjo el Festival Balkitlán en el auditorio Ángela Peralta, de Polanco, en la Ciudad de México. En ese año produjo en su estudio, Tayau Records, el EP Mano vuelta, del grupo Tlazolteotl Orkestra. También participó en la obra de teatro Bartleby, de Herman Melville, como actor, músico y compositor. Estuvo dirigida por Héctor Ortega.

Durante 2016 comenzó a producir en Tayau Records los discos de García y González, así como de Nómada, que están por salir. En ese año coprodujo en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, el concierto por el décimo aniversario del grupo de rock progresivo El Gabinete.

Discografía £

Vía corta (1990)

Corazones Calavera/¿Dónde estás? (1996)

Otras grabaciones

Flor de poder, de Roberto González y Vía Corta (1990)

Otros o

Tanto César Calderón Perico como Elena Sánchez, al separarse Corazones Calavera, crearon el grupo de rock en oposición La Perra y se fueron a vivir a Amatlán de Quetzalcóatl, Morelos.

Jorge García Montemayor ha sido músico y arreglista de Betsy Pecanins† y Nina Galindo, entre una multitud de proyectos más.

Mauricio González, además de ser músico y compositor, ha sido productor de eventos, productor artístico, representante de bandas, actor y promotor discográfico. Es dueño del estudio de grabación Tayau Records, así como propietario desde 1999 del café El Embrujo, en Tlalpan, al sur de la Ciudad de México.

54. Fratta (antes Romántico Desliz)

1984, Guatemala
(mexicano por adopción)

Integrantes l

Jorge Mario García Fratta - Voz, bajo, guitarra y teclados

Una interminable lista de colaboradores entre los que destacan

Sr. González - Percusión

Héctor Page - Guitarra

Julio Díaz - Batería

Alejandro Otaola - Guitarra

Yeyo Hernández - Batería

Mike Portillo - Batería

Diego Herrera - Teclados

Sabo Romo - Bajo

Julieta Venegas - Voz y teclados

Aarón Cruz - Bajo

Pablo Valero - Guitarra

Santiago Ojeda - Guitarra

Luis Ledezma - Batería

Diego Maroto - Saxofón

Andrés Loewe - Saxofón

Rita Guerrero - Voz

Ely Guerra - Voz

Eduardo Dyer - Teclados

Gustavo Jacob - Guitarra

Género ù

Harta Fidelidad con Sonido Etéreo. Es una mezcla de pop rock electro-acústico, soul pop, dream pop, folk rock con toques de funk y world music, fusión; con influencias de Luis Alberto Spineta, Gustavo Cerati, Charly García, Café Tacvba, Santa Sabina, Peter Gabriel, David Sylvian, Talk Talk y Ultravox.

Historia h

Fratta nació en Guatemala, pero desde muy pequeño llegó a vivir a México con su familia, donde ha permanecido prácticamente toda su vida. En sus inicios como músico se le conocía como Romántico Desliz. Es el nombre que le dio al espectáculo ya fuera unipersonal o con banda en las presentaciones en vivo. También su primer disco se llamó así, Romántico Desliz.

Las primeras presentaciones de Romántico Desliz fueron en 1984, y su primer concierto importante fue como telonero de Bon y los Enemigos del Silencio, en la escuela Cipactli. Poco a poco se fue puliendo en foros alternativos como el Bar 9, Rockotitlán y el LUCC. Su proyecto personal entró en un compás de espera cuando se incorporó a los grupos Ninot (1988-1990) y Casino (1991-1993).

Durante un ensayo de Casino, Fratta le dio su demo a Diego Herrera, exCaifanes, que en esos días trabajaba para la discográfica BMG Ariola. De ahí vino su propuesta de producirlo y grabarlo en Discos Culebra, subsello de la transnacional.

Se editó el disco Romántico Desliz en 1993. «Angelitos negros», sencillo que se desprendió de dicho disco, logró posicionarse en las listas de popularidad en radio y televisión, con un videoclip dirigido por Juan Carlos Martin. Este trabajo fue considerado como uno de los mejores 50 videos del siglo pasado por Telehit, y dentro de los mejores 100 discos previos al año 2000 por la revista Switch.

La historia con Culebra/BMG terminó con el Acústico Desliz, de 1995, con versiones acústicas del primer álbum y cinco temas extra. De este disco, «Ponerte a girar» es considerado ya uno de sus clásicos.

Después de la experiencia con Culebra, Fratta sacó en 1998 el EP La espuma de los días, con diferentes versiones del tema que le da nombre a este trabajo. En ese mismo año, junto a Gerry Rosado, produjo el tercer larga duración de nombre Realidad, grabado en los estudios Intolerancia y distribuido por Opción Sónica.

Con Discos antíDOTO e Intolerancia surgieron los siguientes trabajos: Motel, de 2002, y Malafama, de 2008, producidos por Fratta, Gerry Rosado y Carlos Walraven. Previo a Malafama se editó, con Discos antíDOTO, una recopilación doble con los trabajos anteriores, llamada GrandeSEXitos, en 2004.

En 2016 volvió al estudio de grabación para producir su nuevo material, Nubosidad variable, mezclado por Sacha Triujeque y que salió al comienzo de 2017 con distribución de Fonarte Latino.

Fratta ha combinado su carrera de solista tocando el bajo y los teclados con otros artistas, como Sr. González, Julieta Venegas, Claudia Martínez, Benny Ibarra, Day-0, Otaola, Timbiriche, Laura Vázquez, Julio Díaz y Kenny y los Eléctricos. A la par de la música, también la actuación en teatro y en cine ha llevado a Fratta por otros derroteros. Trabajó en la compañía de Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe varios años, haciendo desde producción hasta actuación en distintos montajes de cabaret político. Ha musicalizado dos largometrajes: De ida y vuelta, en 2000, y Sobreviviente, en 2001, lo mismo que varios cortometrajes, documentales y obras de teatro. También trabajó como ingeniero de sala en vivo para varias bandas de la escena mexicana, como Botellita de Jerez, Guillotina, Neón, Santa Sabina, Crista Galli, La Castañeda, El Personal y Tex Tex.

Se ha presentado en los principales foros mexicanos y en festivales como el Vive Latino. Participó como organizador y artista en los conciertos humanitarios que se realizaron en Ciudad Universitaria a partir del levantamiento zapatista, entre 1994 y 2000, además de otros conciertos por distintas causas sociales o humanitarias. Los conciertos de Fratta se han caracterizado por tener un soporte visualo teatral. Él estudió arquitectura y diseño gráfico, disciplinas que ha aplicado en su proyecto musical, así como en sus propias portadas.

La música de Fratta ha apostado por la paciencia y la tenacidad, logrando un lenguaje propio que en cada producción se ha ido refinando y consolidando. En su EPK se lee:

La música de Fratta seduce desde el primer contacto y nos mantiene atentos hasta la última resonancia. La paleta de colores usada en cada producción denota un gusto impecable por la armonía, tensión sonora y las cadencias suaves y menores. Elementos electrónicos e instrumentaciones acústicas en balance, logrando ritmos y atmósferas oníricas que invitan al viaje y la introspección. Una música cosmopolita que se devanea entre el funk, el jazz y los sonidos del mundo, decantando en un pop fino de trazos elegantes y letras inteligentes; metáforas sonoras en cascada, un abanico de imágenes para los oídos para verse con el corazón.

Discografía £

Romántico Desliz (1993)

Acústico Desliz (1995)

La espuma de los días (1998), EP

Realidad (1999)

Motel (2002)

Malafama (2008)

Nubosidad variable (2017)

Otras grabaciones

Mexican rock mexicano (1995), compilado

Culebra 2 (1995),

Festival Independencia (1999), compilado

TRI-Buto (Álex Lora) (1998), compilado

Un mundo, una esperanza . Juntos contra el sida: Dendé y Fundación Mexicana de Lucha contra el Sida (1997), compilado

Más allá del rock en tu idioma (2002), compilado

Tequila sónico, vol. 1 (2002), compilado

GrandeSEXitos (2004), recopilación

Otros o

Música para cine: De ida y vuelta, de Salvador Aguirre, 2000 (música nominada en el Festival de Cine de Guadalajara). Sobreviviente, de Jesús Magaña, 2001 (Premio Pantalla de Cristal por Mejor Música Largometraje Digital).

Música para teatro: El ornitorrinco, Alamar y Mujeres de arena, de Humberto Robles; Zona templada, de Luisa Josefina Hernández; Desde gayola, de Horacio Villalobos, y El derecho de abortar, de Jesusa Rodríguez.

Como actor: Los hijos de Freud y Misa en los Pinos, de Jesusa Rodríguez; Macbeth, dirigida por Jesusa Rodríguez; El ornitorrinco, de Humberto Robles; varios capítulos de Desde gayola, con Horacio Villalobos en Telehit, y la película En el país de no pasa nada, dirigida por Maricarmen de Lara.

55. El Tri

1984, Ciudad de México

Integrantes l

Álex Lora - Voz, bajo y guitarra

Rafael Salgado «WEA» - Armónica

Sergio Mancera - Guitarra (1984-1991)

Arturo Labastida «el Papayo» - Sax (1984-1988)

Mariano Soto† - Batería (1984-1987)

Rafael Soriano - Bajo (1987-1996)

Chela Lora - Coros y voz (1988-hasta hoy)

Pedro Martínez - Batería (1988-1996)

Felipe Souza - Guitarra (1991-1993)

Lalo Chico - Guitarra (1992-hasta hoy)

Óscar Zárate - Guitarra (1994-hasta hoy)

Ramón Pérez - Batería (1996- hasta hoy)

Carlos Valerio - Bajo (2004- hasta hoy)

Género ù

Rock, rhythm & blues, blues eléctrico y rock urbano; con influencia de The Rolling Stones, Rod Steward, AC/DC, Muddy Waters, Eric Clapton, BB King, Led Zeppelin, Black Sabbath y The Beatles.

Historia h

Tras la separación de Three Souls in my Mind (véase ficha en el vol. 1), Álex Lora siguió adelante (no con el nombre de la banda, ya que, tras un acuerdo legal, ése se lo quedó Carlos Hauptvogel, pero no con la banda en sí y sus canciones). Decidieron llamarse El Tri, que era como cariñosamente se referían a ellos. El grupo estaba formado por Álex Lora en la voz y el bajo, Sergio Mancera en la guitarra, Arturo Labastida en el sax, Mariano Soto en la batería y Rafael Salgado en la armónica, los dos últimos de nuevo ingreso. Con esta formación grabaron el disco Simplemente, que salió con Comrock y con distribución de Warner Music. Fue producido por Ricardo Ochoa y tuvo como ingeniero de grabación y mezcla a Juan Switalsky. Esta producción, que se presentó en el salón Margo, de la colonia Narvarte, al sur de la Ciudad de México, resultó un verdadero suceso de ventas con más de cien mil copias al año, por lo que fue merecedor a un Disco de Oro por parte de Warner Music, siendo el primer grupo de rock mexicano en lograrlo.

En 1986 el tema «Vicioso del rocanrol» se volvió un éxito en Perú, por lo que viajaron a Lima para presentarse en la Plaza de Acho, en dos exitosos conciertos. En ese mismo año el cantante español Miguel Ríos los invitó a participar en el Primer Encuentro de Rock Iberoamericano que se realizó en el Palacio de los Deportes, de Madrid, junto a grupos de Argentina, Chile, España y Venezuela.

En ese mismo año salió el disco Hecho en México, editado por Comrock y distribuido por Warner Music.

En 1987 regresaron a Perú para hacer una gira por siete ciudades. En ese año también hicieron su último disco con Comrock, antes de que su catálogo fuera absorbido por Warner Music. Así es como salió al mercado Niño sin amor. El lanzamiento se dio en el momento en que los medios de comunicación masiva comenzaron a abrirse al rock mexicano. El tema «Niño sin amor» se convirtió en un éxito radial. El disco fue certificado multiplatino, vendiendo más de 300 mil copias.

Entró al grupo el bajista Rafael Soriano, por lo que Álex, además de cantar, se fue a la guitarra de acompañamiento. Entraron al estudio para grabar el primer disco como artistas de Warner Music.

En 1988 salió Una tocada más, que contrariamente a lo que sugiere su nombre y su portada, no es en vivo. En éste, la esposa de Alejandro y representante del grupo, Chela Lora, hizo algunos coros. Desde entonces se fue integrando al grupo, primero grabando coros y después interpretando temas en vivo. Tras el lanzamiento de este material, salió Mariano Soto, por lo que entró Pedro Martínez (exTex Tex) como nuevo baterista.

En 1989 lanzaron el disco doble En vivo desde la cárcel de Santa Martha, grabado en ese lugar el año anterior, teniendo como invitados a Horacio Reni y Marco Antonio Trujillo. Como suele ser desde que nacieron como banda, su repertorio es una mezcla de temas de El Tri y de Three Souls in my Mind. No contaron con apoyo promocional de Warner, pero aun así lograron vender más de 200 mil copias. Después de la grabación de este disco salió del grupo Arturo Labastida.

En 1989 viajaron a Los Ángeles para grabar 21 Años después Álex Lora y El Tri, que se lanzó en ese año. El título hace referencia a la trayectoria de Álex y a su inicio con Three Souls in my Mind. La batería estuvo a cargo de Héctor «Virgo» Zenil (exEnigma!), ya que Pedro no pudo arreglar sus papeles para viajar. Héctor también tocó en la promoción por Estados Unidos.

En 1991 volvieron a viajar a Los Ángeles para grabar su siguiente material, esta vez ya con Pedro. Se llamó Una leyenda viva llamada El Tri, y salió en ese año. El tema «Negra Modelo», que salió en una primera edición, tuvo que ser eliminado en las posteriores debido a la falta de permiso de la Cervecería Modelo para utilizar el nombre. Tuvieron como invitado a José Quintana en el piano.

En ese 1991 dieron un concierto en el Hollywood Palladium, de Los Ángeles, el cual grabaron y lanzaron en el disco En vivo a todo calor. Con esto la banda demostraba que su influencia en el público de origen mexicano en Estados Unidos era fuerte.

Vinieron algunos cambios en la agrupación al salir Sergio Mancera e ingresar dos guitarristas nuevos: Felipe Souza (exBla Bla Bla) y Eduardo Chico (exFollaje).

Respondiendo a la buena aceptación en Estados Unidos, en ese año grabaron el disco Indocumentado. Tuvieron como músicos invitados a Víctor Anderson y Víctor Cisneros en los metales y a Carolyn Asplin en el violín. La canción «Cuando canta el grillo» está dedicada a Cri-Crí.

A mediados de 1993 emprendieron una extensa gira por Estados Unidos, llegando a alternar con el grupo estadounidense The Ramones. En Argentina, el grupo La Renga grabó un cover de «A donde me lleva la vida», del segundo disco de El Tri, por lo que se comenzó a hablar de ellos en ese país del sur.

El siguiente disco de El Tri fue 25 Años. Paralelamente salió el libro de Lora: Vida y rock and roll. Tras este lanzamiento se presentaron por toda la República mexicana festejando el cuarto de siglo de actividad de Álex Lora, desde 1968.

Al final del año salió del grupo Felipe Souza y en su lugar entró el guitarrista Óscar Zárate. Aun fuera del grupo, Felipe participó en algunos temas y en la coproducción del siguiente disco llamado Una rola para los minusválidos, de 1994. Este disco tendría que haber salido al comienzo del año, pero los sucesos políticos del país retrasaron su lanzamiento. Por ese motivo, contiene algunos temas adicionales que se grabaron durante la espera. Las canciones adicionales fueron «Con la cola entre las patas» (sobre el asesinato de Luis Donaldo Colosio), «Revolución 94» (referencia al alzamiento zapatista) y «Las piedras rodantes», que se convertiría en una de las piezas emblemáticas de El Tri y que apareció en la película Un año perdido, de Gerardo Lara, por lo que posteriormente ganó un Premio Ariel a Mejor Tema Musical.

A propósito del acercamiento del grupo a temáticas que tienen que ver con personas con capacidades diferentes, después del lanzamiento de este disco, y como ayuda a las personas de bajos recursos, El Tri regaló alrededor de mil 500 sillas de ruedas a personas que las necesitaban.

En 1995 salió el disco doble en vivo Un cuarto de siglo, grabado el 12 de octubre de 1993 en la Ciudad de México, en el marco del fes-tejo por los 25 años de carrera de Lora, en el que participaron con el grupo la cantante Kenny Avilés, el violinista Zbigniew Paleta, el pianista Lalo Toral y el tecladista Gerardo «el Pájaro» García, así como en la sección de metales y coros.

También en ese año hicieron, para la cadena de videos MTV Latinoamérica, el programa Unplugged, del que quedó un registro grabado. Sin embargo, en una situación similar a la de Café Tacvba, Warner Music no editó este material sino hasta nueve años después.

Viajaron a Malibú para grabar en el estudio Indigo Ranch lo que sería su siguiente producción: Hoyos en la bolsa, que se lanzó en 1996. Como músicos invitados estuvieron Felipe Souza y Pappo’s Blues en las guitarras, Zbigniew Paleta en el violín, Lalo Toral en el piano y Chuck Johnson en la percusión.

Después de este lanzamiento, salieron del grupo Pedro Martínez y Rafael Soriano, por lo que entraron Ramón Pérez en la batería y Álex se pasó nuevamente al bajo.

En 1997 volvieron a Perú, donde se presentaron en el Rock Beach, en playa El Silencio, al sur de Lima, teniendo una convocatoria de alrededor de 200 mil personas. Todo un suceso en aquel país del sur del continente.

En ese año volvieron al estudio para grabar Cuando tú no estás. Tuvieron como invitado especial a Carlos Santana en el tema «Virgen Morena», pieza que llegaron a tocar con un coro de 50 niños en la Basílica de Guadalupe y con la cual se declararon devotos de la fe católica. También el conocido comediante Víctor Trujillo, en su personaje Brozo, participó en el tema «El muchacho chicho».

En 1998 le tocó el turno al disco Fin de siglo, con la participación del argentino Andrés Calamaro en el tema «Cásate o muérete». Otro tema fue «¿Quién da un peso por mis sueños?» (composición de Álex junto a Armando Manzanero).

Las producciones Cuando tú no estás y Fin de siglo fueron nominadas a Álbum de Rock del Año en los Grammy Latinos de 1997 y 1998, respectivamente.

Para festejar sus 30 años de existencia, en otoño de ese año realizaron los conciertos de El Tri Sinfónico, en el Auditorio Nacional dela Ciudad de México, junto a la Orquesta Filarmónica Metropolitana, conformada por 84 músicos y dirigida por Eduardo Diazmuñoz, mismo que fue grabado y editado en el disco Sinfónico, de 1999. Tuvieron como músicos de apoyo a Zbigniew Paleta en el violín, Lalo Toral en el piano y Felipe Souza en la guitarra. Al poco tiempo de su lanzamiento, este disco fue certificado como Disco de Platino, es decir, más de 200 mil copias vendidas.

Al comienzo de ese año tocaron en la inauguración del Hard Rock, de Lima, Perú, cuyos fondos fueron destinados a la fundación que organizó la competencia paralímpica en ese país. En abril se presentaron con éxito en Mar de Plata y Buenos Aires. De ahí viajaron a Chile para después regresar a México y presentarse por toda la República mexicana.

En ese año también salió Lora, su lira y sus rolas, un disco de Álex Lora solo con su guitarra, en el cual la atención se enfoca en el compositor y cantante de los temas de El Tri.

El nuevo milenio lo iniciaron con el disco No podemos volar, su disco número 18 como El Tri y el 33 en la carrera de Álex Lora. Contó con la participación del español Miguel Ríos, los argentinos A.N.I.M.A.L., Caballo Dorado y Alberto Ángel el Cuervo. Con este disco volvieron a ser nominados en los Premios Grammy Latinos.

En ese año 2000 se develó la estatua de Álex Lora en el parque Agua Azul, de Guadalajara. La obra está hecha a partir de llaves donadas por su público. Había estado guardada algunos años, mientras los permisos para que quedara ahí se tramitaban. Posteriormente sufrió algunos daños, por lo que fue reparada y reinaugurada en 2017.

En 2001, con los buenos resultados que tuvo el disco Sinfónico, El Tri se metió al estudio con el director Eduardo Diazmuñoz y miembros de la Orquesta Filarmónica Metropolitana para grabar el disco Sinfónico II. Tuvieron además como colaboradores a Felipe Souza, Mark Chalecki y Eugenio Toussaint en los arreglos y Lalo Toral en el piano y los arreglos.

En marzo Álex Lora fue nombrado Poblano Distinguido por el ayuntamiento de la ciudad de Puebla, al otorgarle la Cédula Real de la Angelópolis.

Para 2002 salió el disco No te olvides de la banda. Fue grabado en Los Ángeles y contaron con la colaboración de Lalo Toral en los teclados.

El 10 de noviembre se proclamó en la ciudad de Miami, Florida, el Día de Álex Lora, quien recibió las llaves del condado de dicha ciudad.

En ese mismo año salió el documental Álex Lora, esclavo del rocanrol, dirigido por Luis Kelly, que se había comenzado a rodar desde 1999. El soundtrack de esta película salió a la venta al año siguiente con versiones en vivo, improvisaciones y sesiones de grabación de los temas clásicos del grupo.

En 2003 salió también el disco doble Los número uno 1968-2003, una recopilación de temas tanto de Three Souls in my Mind como de El Tri.

Para el 12 y 13 de octubre, El Tri celebró los 35 años de carrera ininterrumpida de su líder Álex Lora con dos magnos conciertos realizados en el Auditorio Nacional, de la Ciudad de México. En esta ocasión aparecieron como invitados Armando Manzanero, Johnny Laboriel, Kenny Avilés, Rod Levario, Horacio Reni, Felipe Souza, Zbigniew Paleta, La Tribu, el grupo de cuerdas Piedras Rodantes, el grupo coral Zanate y Asociados y, particularmente, la actuación especial de los antiguos miembros de El Tri: Sergio Mancera, Mariano Soto y Arturo Labastida el Papayo. Como parte del programa, además de sus clásicos, tocaron piezas inéditas. De dichos conciertos quedó un registro en el disco doble 35 Años y lo que le falta todavía, editado en marzo de 2004. Éste fue el último disco que hicieron con Warner Music.

Se incorporó el bajista Carlos Valerio, por lo que Álex volvió a la guitarra. Aunque su nuevo bajista grabó en la siguiente producción, su imagen no fue difundida entonces.

En 2004, dos años después de su anterior trabajo de estudio, entraron a grabar Más allá del bien y el mal, que se editó al final de 2005 bajo el sello de Álex Lora Records, con distribución de Fonovisa; grabado en la Ciudad de México, en el Estudio 19 y mezclado en Monterrey, en el estudio El Cielo. Tuvieron como invitado a Arturo Labastida.

En ese mismo año se develó, ahora en la ciudad de Los Ángeles, otra estatua de Lora hecha a partir de llaves donadas por sus fanáticos.

El 2006 fue un año de viajes a Sudamérica. Tras siete años de su primera visita, en enero viajaron a Argentina para presentarse en los festivales Gesell Rock y Cosquín Rock, en Buenos Aires, y, con el grupo argentino La Renga, en la comuna San Roque. En julio y agosto regresaron a ese país y volvieron a Perú, para después dar una serie de presentaciones en la República mexicana y en Estados Unidos.

En 2007 lanzaron dos discos. El primero, grabado en vivo en el Gibson Amphitheater, de Universal City, en California, durante 2006, al que llamaron Directo desde el otro lado. El segundo, un disco de estudio llamado A talonear.

En ese mismo año Warner Music lanzó la recopilación The best of El Tri. Al año siguiente editó un CD/DVD recopilatorio con versiones en vivo, llamado Pobres de los fresas, ellos no lo pueden comprender.

En 2008 también hubo dos lanzamientos. Un disco con piezas inéditas llamado Nada que perder, y una caja de tres discos compactos a la que llamaron Álex Lora de El Three al Tri, dos de éstos con nuevas versiones a temas de Three Souls in my Mind y un tercer CD que no es otro más que su producción Nada que perder (como regalo). Estos discos fueron grabados en el Estudio 19 y editados por Lora Records, con distribución de Universal Music.

Se realizó un festejo por los 40 años de actividad de Álex enel Auditorio Nacional, de la Ciudad de México, el 12 de octubre.Nuevamente, contaron con invitados de lujo, como Charly Monttana, Luis Álvarez el Haragán, Molotov, Alberto Pimentel del grupo Transmetal, Carlos Alanís, de Next, Chamín Correa, Los Ratones Paranoicos, de Argentina, Miguel Ríos, de España, entre otros. También estuvieron sus excompañeros Sergio Mancera, Mariano Soto, Arturo Labastida, Pedro Martínez, Rubén Soriano y Felipe Souza interpretando los temas que solía tocar con ellos. De este evento salió un año después el disco doble El Tri 4 décadas en vivo. Como antecedente a este evento, El Tri ya había dado un concierto el 2 de octubre en León, Guanajuato, con los exintegrantes Pedro Martínez, Rubén Soriano y Mariano Soto.

Después de esto, continuaron el festejo en el Nokia Theater, de Los Ángeles, el 25 de octubre. Días antes, Álex fue distinguido con una estrella en el Paseo de la Fama de la ciudad de Las Vegas.

Durante 2009 continuaron festejando con su gira 4 Décadas -1968-2008. En octubre, la banda celebró su aniversario número 41 en el Auditorio Nacional, de la Ciudad de México, presentando el disco de sus conciertos del año anterior en ese mismo lugar. El Tri 4 décadas en vivo fue nominado al Grammy Latino en la categoría Mejor Álbum de Rock Vocal Dúo o Grupo. Durante cinco años mantuvieron los mismos precios de los boletos para sus conciertos. Después de esto anunciaron que, momentáneamente, ya no harían más megaconciertos, como respuesta a la crisis económica del país. Hasta ese momento, El Tri se había caracterizado por sacar cada año al menos una producción discográfica; esta inercia se frenó y pasó un tiempo antes de hacer algún nuevo lanzamiento.

En 2010 Álex Lora recibió el reconocimiento que la Universidad Inca Garcilaso de la Vega, de Perú, le otorgó por el mérito de su trayectoria profesional, personal y por sus dotes como artista. En dicha ceremonia también se reconoció al escritor peruano y Premio Nobel de Literatura, Mario Vargas Llosa.

En 2011 salió el disco Libertad incondicional, que fue grabado en vivo en la cárcel para mujeres de Santa Martha. Además de temas clásicos de El Tri, contiene un cover de la canción «Amor eterno», de Juan Gabriel.

En ese año, Álex Lora recibió la condecoración por parte de la Academia Latina de la Grabación, recibiendo el Premio a la Excelencia Musical. En 2012 portó la antorcha olímpica en Londres, compartiendo el honor con otros tres mexicanos: la actriz Ana de la Reguera, el astronauta José Hernández y el futbolista Gerardo Torrado.

No volvió a salir un nuevo disco sino hasta 2013, cuando editaron el disco Ojo por ojo, su siguiente producción de estudio que pasó casi inadvertida. Se grabó en el estudio de la Sociedad de Autores y Compositores de México.

En 2012 se presentaron por primera vez en Ecuador, tocando en el Festival Carnaval del Rock, que se realizó en el Estadio Bellavista, de la ciudad de Ambato. Al regresar dieron una serie de presentaciones en distintas partes de la República mexicana.

El 20 de octubre de 2013 El Tri volvió a hacer un gran evento, esta vez para festejar los 45 años de actividad de Álex Lora, en un concierto de cinco horas ante diez mil personas en la Arena Ciudad de México. De esto se editó una caja con dos discos compactos y un DVD llamada El Tri 45 años, que se lanzó un año después.

En 2015 se presentaron en el Zócalo de la ciudad de Puebla junto con la Orquesta Filarmónica 5 de Mayo en las festividades realizadas por esa fecha patriótica en la que se venció al ejército francés. Posteriormente, se lanzó el CD/DVD SINFÓNICO 3, presentándose en el Auditorio Nacional, de la Ciudad de México, en el marco del 47 aniversario de carrera de Álex Lora.

A lo largo de su historia, Álex Lora y El Tri han vendido más de 30 millones de discos, recibiendo múltiples Discos de Platino y uno de Diamante por sus altas ventas. Según la biografía de la banda en su sitio oficial de internet, Álex Lora ha sido:

Vocero del pueblo de México, bandera de propios y extraños, símbolo de libertad para los cautivos, aliento para los discapacitados y marginados, irreverente, guadalupano, sarcástico, romántico, indiferente, humilde, apasionado, realista, católico, ocurrente y espontáneo, es ya una leyenda viva, ha alcanzado las ligas mayores compartiendo escenario con los grandes como lo son Erick Burdon y The Animals, The Cult, Ramones, Chuck Berry, Los Rolling Stones, Creedence Clearwater Revival, más recientemente con Sammy Hagar. La gente ha convertido sus canciones en himnos y ha hecho de su banda el grupo de rocanrol más popular de México y de Latinoamérica por más de tres décadas.

Hoy, 31 de agosto de 2017, mientras escribo esto, recibo la lamentable noticia del fallecimiento de Mariano Soto a causa de un paro respiratorio.

Discografía £

Simplemente (1985)

Hecho en México (1986)

Niño sin amor (1987)

Otra tocada más (1988)

21 Años después Álex Lora y El Tri (1989)

Una leyenda viva llamada El Tri (1991)

Indocumentado (1992)

25 Años (1993)

Una rola para los minusválidos (1994)

Hoyos en la bolsa (1996)

Cuando tú no estás (1997)

Fin de siglo (1998)

Lora, su lira y sus rolas (1999)

No podemos volar (2000)

Sinfónico II (2001)

No te olvides de la banda (2002)

Más allá del bien y el mal (2005)

A talonear (2007)

Nada que perder (2008)

Álex Lora de El Three al Tri (2008)

Ojo por ojo (2013)

En vivo

En vivo desde la cárcel de Santa Martha (1989)

En vivo a todo calor (1991)

Un cuarto de siglo (1995)

Sinfónico (1999)

MTV Unplugged (2004)

35 Años y lo que le falta todavía (2004)

Directo desde el otro lado (2007)

El Tri 4 décadas en vivo (2009)

Libertad incondicional (2011)

El Tri 45 años (2014)

Sinfónico 3 (2015)

Otras grabaciones

Esclavo del rockanrol (2004), soundtrack

El Tri Buto (2004), compilación

The best of El Tri (2007)

Pobres de los fresas, ellos no lo pueden comprender (2008), recopilación en vivo

56. Armando Rosas (antes Armando Rosas
y la Camerata Rupestre)

1984, Ciudad de México

Género ù

Rock rupestre, blues, folk, música de cámara y huapango; con influencia de Leo Brower, La Sonora Santanera, Stravinski, Bach, Piazzolla, Agustín Lara, Álvaro Carrillo y José Alfredo Jiménez.

Historia h

Armando Rosas Almanza nació en la colonia Doctores de la Ciudad de México el 1 de abril de 1960. Es hijo de Norberto Rosas Burgos e Irene Almanza Pérez. Siendo muy pequeño, su familia se mudó a la colonia Obrera, donde creció y conoció sus alrededores. Tuvo como vecinos a la familia Pérez, con los que aprendió a tocar la guitarra y estar en la bohemia. En su adolescencia trabajó como vendedor de flores en distintas ferias a lo largo del país. Experiencias como esa y su continuo recorrido de la ciudad se convertirían en su principal inspiración para comenzar a componer. Ingresó a la Preparatoria 6, ubicada en Coyoacán, lo que lo hizo descubrir el sur de la ciudad, zona donde estudió, a partir de 1982, la licenciatura en composición, teniendo como maestro a Arturo Márquez. Estudió guitarra con Alberto Salas y Ernesto García de León en la Escuela Superior de Música del INBA. Ahí conoció a Javier Guillén (violín), Javier Platas (violoncelo), Francisco Nátera (bajo) y Antonio Morales (batería), con quienes formó, en 1984, una agrupación dirigida por él, con la que acompañó un puñado de canciones propias, influenciadas por el folk, el blues y el rock. También se incorporó Ignacio Alfonso en la flauta y la armónica. Fue por este último que Armando conoció a Rafael Catana, quien a su vez lo invitó a las tertulias que realizaba en su departamento en la calle Guadalajara, junto a otros compositores que se habían autodenominado Colectivo Rupestre, con los cuales se sintió muy identificado. El nombre de Camerata Rupestre para nombrar a la banda surgió a partir de la complicidad que nació entre Rafael y Armando. Por un lado, los rupestres le mostraron un camino estilístico en el que sus composiciones se ubicaban con naturalidad y, por otro, se expandían en sonoridad a partir de los arreglos en música de cámara de Armando.

«El movimiento rupestre tenía como referencia constante a la Ciudad de México de la década de los ochenta. Era un grupo de músicos que manifestaban que, como no tenían una linda voz de tenor, ni contaban con instrumentos musicales eléctricos, sólo tocaban con instrumentos acústicos, muchas veces sólo con la guitarra, pero se distinguían por las canciones refinadas, con letra cuidada, armada de figuras poéticas.» (Armando Rosas en entrevista con Javier Ernesto Contreras Hernández para el blog <Vozed.org>, 1 de febrero de 2014.)

Al final de 1986 comenzó a circular el bootleg de una presentación realizada el 22 de octubre de ese año. Era evidente que Armando estaba llamando la atención. Tras una presentación en la librería Gandhi de la avenida Miguel Ángel de Quevedo, se le acercó Rodrigo de Oyarzabal ofreciéndole grabar un disco. Fue así como en 1987, editado por Discos Pentagrama y con producción de Rodrigo de Oyarzabal y Modesto López, salió Tocata, fuga y apañón de Armando Rosas y la Camerata Rupestre. Se grabó en Estudios Área y la mezcla corrió a cargo de Carlos Díaz Caito. La portada es una imagen de Rafael Barajas El Fisgón. En la grabación participó Jorge Amador, quien sustituiría a Javier Platas en el violoncello. El disco fue muy bien recibido por el público y a la fecha es el más vendido de Armando.

Para 1989 lanzó su segunda producción llamada La evolución de las especies, editado por Grabaciones Multimedia y producido por Antonio Russek y Armando Rosas. Además de Armando, Javier Guillén y Javier Platas, participó como parte oficial de la Camerata Rupestre Mario Mota en el clarinete, la armónica, el sax y el bajo. Estuvieron como invitados Tonatiuh de la Sierra en los teclados, Rodolfo Nava en la batería e Isaac Peña en la programación de ritmos. Además, la bailarina Maritza Vázquez grabó unos pasos de tap. La mezcla corrió a cargo de Antonio Russek y Carlos Díaz.

Para cuando Armando terminó la licenciatura en la Escuela Superior de Música, en 1991, ya tenía en su haber dos discos con la Camerata Rupestre. A partir de entonces decidió continuar sólo como Armando Rosas, con la colaboración de algunos músicos.

Su tercer disco apareció en 1994 y se llamó Habrá tiempo, editado nuevamente por Discos Pentagrama.

Como que siempre he estado, no sé porque razón, donde se generan cosas, donde se hacen cosas, no sé si es suerte, pero hay creación por todos lados. Cuando se hizo el Multiforo Alicia, Nacho Pineda nos pidió a varios compañeros, Rafael Catana, a mí, a hacer conciertos para conseguir dinero para abrirlo. Entonces uno de ellos se hizo en un bar que se llamaba Sepia y era manejado por lituanos, rusos, hubo aquí una diferencia y, ni modo, como en las películas de Viruta y Capulina, terminó todo a pastelazos. Ahí tuvimos que entrarle a todo, tocamos, nos peleamos. [Armando Rosas en entrevista con Javier Ernesto Contreras Hernández para el blog <Vozed.org>, 1 de febrero de 2014.]

Para 1997 Armando sacó un disco con grabaciones en vivo realizadas en Guadalajara, Monterrey, Durango, Ciudad Victoria, Aguascalientes, Saltillo y la Ciudad de México. Se llamó Payola no, y fue editado por el sello El Repertorio de lo Obscuro.

El siguiente disco de Armando Rosas fue instrumental, dentro del terreno sinfónico, y estuvo dedicado al célebre compositor Silvestre Revueltas. Lo llamó 3.5 Vueltas para re y fue editado por El Repertorio de lo Obscuro, en 1999.

Al siguiente año participó en el tema «Nunca son mis pasos/Me gusta su sonrisa», que salió en el disco Títeres de tú, de Edel Juárez.

El nuevo milenio lo comenzó con el disco La balada del pez. Para éste, trabajó junto al tecladista Baldomero Jiménez, con quien creó La Baldobanda, su nuevo ensamble. El disco salió en 2001 editado nuevamente por El Repertorio de lo Obscuro y la producción del propio Armando Rosas. Tuvo como ingeniero de grabación y mezcla a Adán Gutiérrez y fue grabado en los estudios Alicia y La Oreja.

También fue nominado para el Premio Ariel como Mejor Cortometraje por Los maravillosos olores de la vida, de Jaime Ruiz Ibáñez, para el cual Armando compuso la música.

En julio de ese año participó en el Festival del Sol, en la ciudad de Chicago, y para mayo de 2002 se presentó en Punta Umbría, España, como parte de su internacionalización. En 2006 sacó otro disco en vivo: Armando Rosas: en vivo en Argentina. En ese año escribió también la música de la multipremiada película El violín, de Francisco Vargas.

Para su siguiente producción, Armando tomó sones jarochos, temas de dominio público, para modificarlos haciéndoles nuevos arreglos y así crear una música sincrética a la que denominó Rhythm & Pango o Huapanblues, es decir, la combinación de huapango con rhythm & blues. Rhythm & Pango salió en 2008.

En 2009 fue invitado nuevamente por Jaime Ruiz Ibáñez para componer el soundtrack de la película La mitad del mundo, del cual salió un disco.

Vino una etapa de silencio discográfico, mas no se detuvieron sus presentaciones, que combinó con su actividad como docente del Instituto de Educación Media Superior (IEMS). Es hasta 2016 que reaparece en una grabación en el disco Celebrando a Carlos Arellano (TreintaÑeros), en el que participó junto a otros trovadores e interpretó el tema «TreintaÑeros».

Un proyecto que Armando pretendía grabar junto a un productor estadounidense en la ciudad de San Francisco, California, se frustró. Pero cambió de cómplices, de rumbo y se hizo en distintos lugares del país y el mundo. Así nació, en 2017, a 30 años de haber sacado su primer álbum y tras cuatro años de intentos y extravíos, la producción más reciente de Armando Rosas a la que nombró El oficio mío. Contó con la participación de Malena Durán, Ernesto Anaya, Georgina Meneses, Astrid Morales, Baldomero Jiménez, Mario Cortés, José Luis Montiel, Javier Platas Jaramillo, Arturo Guzmán, Jorge Calleja, Luis Márquez y Santiago Rivera. Fue grabado en Ciudad Nezahualcóyotl, en el Estado de México, en la ciudad de Mérida y en Amberes, Bélgica.

A lo largo de su carrera, Armando se ha presentado en diferentes foros y salas de concierto, entre los que se encuentran la Sala Manuel M. Ponce, del Palacio de Bellas Artes, el Auditorio Nacional y el Palacio de los Deportes. Ha participado en el Festival Internacional de Puebla y en el Festival de Trova Contemporánea de la Ciudad de México, por mencionar algunos. Su obra ha sido ejecutada por agrupaciones de reconocido prestigio, como el Cuarteto de Cuerdas Carlos Chávez, el Ensamble Arión y por el conocido marimbista Javier Nandayapa.

Discografía £

Tocata, fuga y apañón (1987)

La evolución de las especies (1989)

Habrá tiempo (1994)

3.5 Vueltas para re (1999)

La balada del pez (2001)

Rhythm & Pango (2008)

La mitad del mundo (2009), soundtrack

El oficio mío (2017)

En vivo

Payola no (1997)

Armando Rosas: en vivo en Argentina (2006)

Otras grabaciones

Armando Rosas y la Camerata Rupestre en vivo (1986), bootleg

Títeres de tú - Edel Juárez (2000), en el tema «Nunca son mis pasos/Me gusta su sonrisa»

Celebrando a Carlos Arellano (TreintaÑeros) (2016), con el tema «TreintaÑeros»

Otros o

Fue programador de Radio Educación y ha colaborado en las secciones culturales de los periódicos El Financiero, La Jornada y Síntesis, éste de Puebla. En 1996 fue coordinador del Taller Experimental de Producción Interdisciplinaria en el Centro Nacional de las Artes (CNA). Actualmente es profesor de tiempo completo en el IEMS.

57. Rostros Ocultos (antes Monttana)

1985, Guadalajara, Jalisco

Integrantes l

Agustín Salvador Villa Rojas «Cala» - Voz

Arturo Ybarra - Guitarra (1985-1991) (1997-hasta hoy)

Andrés Franco - Teclados (1985-1992) (2009-hasta hoy)

Víctor Inda - Bajo (1985-1986)

Abraham Calleros - Batería (1985-1986)

Ernesto «Bola» Domene - Batería (1987-1990) (2009-hasta hoy)

Javier Barragán - Bajo (1987-1988)

Waldo Chávez - Bajo (1989-1992)

Orko - Batería (1991-1992)

Gerardo Matus - Batería (1997-2000)

Francisco Toyos - Bajo (1997-2000)

Juan Pablo Ibarra - Teclados (1997-2000)

Karlo Romero - Percusión y batería (2001-2008)

Jorge Corrales - Teclados (2001- 2003)

Alfonso Martínez - Bajo (2001-2003) (2009-hasta hoy)

Víctor Hugo «Chumino» Guardado - Bajo (2004-2008)

Otros participantes

Mauricio Vázquez - Guitarra

César López «el Vampiro» - Guitarra

Felipe Staiti - Guitarra

Género ù

Rock pop, funk y rock latino; con influencia de Mick Jagger, Los Clips, Led Zeppelin, La Revolución de Emiliano Zapata y Mask.

Historia h

En 1984 el cantante Agustín Salvador Villa Rojas Cala, del grupo Los Clips, y Arturo Ybarra, guitarrista de Mask, pensaron en la posibilidad de hacer una banda juntos. Ambas agrupaciones habían aportado temas para un disco acoplado de Comrock, compañía independiente de rock nacional comandada por Ricardo Ochoa. Al separarse sus respectivos grupos llevaron a cabo su idea. Se les unieron el tecladista Andrés Franco (exMask), el bajista Víctor Inda (exLos Clips) y el baterista Abraham Calleros (exSombrero Verde). El nombre de la banda respondió a un prometedor patrocinio de una cigarrera, que al final no resultó tan bueno. Se llamaron Monttana y sacaron su disco debut antes de la desaparición de Comrock. Quiero más salió en 1985 con distribución de WEA.

Para 1986, tras darse cuenta de que la compañía cigarrera no cumplía sus expectativas de promoción, cambiaron su nombre al de Rostros Ocultos, inspirados en una pintura de Salvador Dalí. Para entonces habían salido Víctor y Abraham, y entrado Javier Barragán en el bajo y Ernesto «Bola» Domene en la batería.

Fue así como en 1987 lanzaron el disco Disparado, editado por la discográfica EMI. Tuvieron como invitados a Alejandra Guzmán, el argentino Andrés Calamaro y Kenny.

Después llegó el turno del disco Abre tu corazón, de 1989, con el cual captaron la atención del público, principalmente con los temas «Abre tu corazón» y «El final», canción de Los Clips que salió en aquel acoplado de Comrock en 1984, y que para el final de la década tomó un segundo aire, convirtiéndose así en un clásico del rock nacional.

Con este disco se presentaron por toda la República mexicana. Eran los tiempos de la efervescencia por el rock en español a partir de la campaña Rock en tu Idioma, y se convirtieron en una de las bandas representativas del movimiento. Sin embargo, la intensidad del trabajo agotó a la banda a comienzos de los años noventa, por lo que Bola salió del grupo y el grupo entró en una etapa de cambios. Para 1992 Arturo salió temporalmente del grupo, y fue sustituido por diferentes guitarristas, entre los que estuvieron Mauricio Vázquez, César López el Vampiro y Felipe Staiti (exEnanitos Verdes). También participó con ellos el percusionista Pato Domene. Sin embargo, después de un corto tiempo la banda se tomó un receso de los escenarios.

En 1992 aportaron el tema «Divididos» para un acoplado de Discos Rockotitlán.

Tanto Arturo como Cala se involucraron en nuevos proyectos. Arturo se acercó a la música góspel, creando el grupo Luz Aquella. Cala, por su lado, sacó un disco como solista que produjo en Nueva York, al que llamó Huevos con cajeta, editado en 1994. Durante la promoción de dicho material se incorporó Arturo y trabajaron nuevamente juntos.

En 1995, salió la recopilación Músicos, poetas y locos, con la finalidad de mantener a Rostros Ocultos cerca de su público en esta etapa de inactividad.

Para 1997 EMI los convocó para la grabación de un último disco con esta compañía. Fue así como salió Dame una razón. Para esta producción, Arturo y Cala se hicieron acompañar por Gerardo Matus en la batería, Francisco Toyos en el bajo y Juan Pablo Ibarra en los teclados.

En el año 2000 firmaron con la discográfica Sony Music, y para celebrar sus 15 años de existencia lanzaron el disco 15 Celebración, que tiene la peculiaridad de contar con muchos invitados interpretando algunos de sus temas. Los participantes fueron Aleks Syntek, Marciano Cantero (Enanitos Verdes), Álex Lora (El Tri), Benny Ibarra, Sara Valenzuela (La Dosis), José Fors (Cuca), Kazz (Los Amantes de Lola), Hugo Rodríguez (Azul Violeta), Alejandra Guzmán, Kenny, Carmín y Héctor Quijada (La Lupita). También contó con algunos temas grabados en vivo. Para entonces, la banda estaba conformada por Arturo, Cala y Gerardo, acompañados por Karlo Romero en la percusión, Jorge Corrales en los teclados y Alfonso Martínez en el bajo. Como parte de la promoción de este material, se presentaron en el auditorio Benito Juárez, de Guadalajara, ante 15 000 personas. También se hizo el video del tema «Dame una razón», dirigido por Sergio Ulloa, gozando de alta rotación en las cadenas de videos.

En 2002 hicieron un video documental sobre el futbolista Hugo Sánchez, dirigido por su compañero Karlo Romero, para el que crearon el tema «Hugol».

En 2004 lanzaron Renacer, grabado en Guadalajara y mezclado en Miami. Regresaron con una nueva producción y temas inéditos. Contaron con la participación del baterista Álex González (Maná) en el tema «Ya no quiero verte más», así como con la voz de Miguel Ríos en el primer sencillo, «Santo y diablo», incluido en el soundtrack de la película Santos diablos. El grupo entonces estuvo conformado por Arturo, Cala, Karlo (que pasó de la percusión a la batería) y Víctor Hugo «Chumino» Guardado en el bajo. Con este material reiteraron su posición como una de las bandas más importantes del rock mexicano, por lo que se presentaron en eventos de todo tipo a lo largo del país y algunas ciudades de Estados Unidos. En esta ocasión decidieron unirse a una causa que promovía la donación de órganos, para la cual difundieron el tema «Corazón», que mencionaba la historia de una niña con corazón débil. El disco venía acompañado de una tarjeta para registrarse como donador.

Tras estas dos producciones, Sony Music les dio su carta de retiro, con lo que se incorporaron a la gran cantidad de bandas que para entonces se producían ellas mismas. En 2007 lanzaron un material independiente, distribuido por Prodisc, que constó de una caja de CD/DVD con la grabación de un concierto realizado en el Hard Rock Live, de la ciudad de Guadalajara.

Le siguió, en 2009, el disco de estudio Once:Once, distribuido por Fonarte Latino y producido por JP Ibarra Harfush.

En febrero de 2010, mientras preparaban una presentación teatral y visual de su más reciente disco, en la cual contarían con diversos invitados, Sabo Romo (exCaifanes) sufrió de un ataque cardiaco que finalmente superó sin mayores complicaciones.

En 2015 lanzaron, con distribución de Fonarte Latino, otro CD/DVD en vivo, esta vez grabado en el festejo por sus 25 años de existencia, realizado en el Teatro Diana, de la ciudad de Guadalajara. En esa ocasión contaron con la participación de José Fors y Galileo Ochoa (de Cuca), Jaffo (de Plastiko), Kenny Avilés, Jovito Pantera (de Garigoles) y el grupo Poetas en el Exilio.

Rostros Ocultos llegó a 2016 con un nuevo disco con temas inéditos al que llamaron Monstruos.

Rostros Ocultos es de las pocas bandas de su generación que han llegado hasta nuestros días creando nuevo material y con una larga trayectoria que los respalda. Actualmente, Arturo y Cala participan en el proyecto coordinado por Sabo Romo, Rock en tu Idioma Sinfónico, que ha resultado todo un éxito comercial.

Discografía £

Como Monttana

Quiero más (1985)

Como Rostros Ocultos

Disparado (1987)

Abre tu corazón (1989)

Dame una razón (1997)

15 Celebración (2001)

Renacer (2004)

En vivo Hard Rock Live (2007), CD/DVD

Once:Once (2009)

25 aniversario (2015)

Monstruos (2016)

Otras grabaciones

Músicos, poetas y locos (1995), recopilación

Rock en tu Idioma Sinfónico (2016), con el tema «El final»

Otros o

Arturo creó el grupo cristiano Luz Aquella, enfocado a la reflexión espiritual, siendo un grupo importante dentro del género. Con éste ha sacado cuatro discos entre 1997 y 2009. También es un cercano colaborador de los proyectos de José Fors.

Ernesto Domene ha sido integrante de los grupos La Lupita y Yoyo Brakers.

Agustín Salvador Villa Rojas sacó un disco como solista al que llamó Huevos con cajeta, producido por el reconocido Eddy Martínez y lanzado en 1994. Ha ganado el Premio Fonos al Mejor Vocalista del Rock en Español.

58. Década 2

1985, Ciudad de México

Integrantes l

Mateo Lafontaine - Teclados, caja de ritmos y programación

Carlos García - Teclados y bajo

En la etapa de Década Hoy:

Arturo Meade - Guitarra (1985)

Federico Fong - Bajo (1985)

Jack Richmond - Voz (1985)

Julia Lane - Coros (1985)

Género ù

Tecno industrial, electropunk, EBM (electronic body music), minimal synth y música electrónica; con influencia de Capitán Pijama, el techno de Detroit, Kraftwerk, Ultravox, Cabaret Voltaire, Section 25, Cocteau Twins, Sisters of Mercy, Siouxie and the Banshees, X Mal Deutchland, Blue in Heaven, Propaganda, Dead Can Dance, Laibach, The Klinik, Test Dept, Front 242 y New Order.

Historia h

Mateo Lafontaine, del grupo María Bonita, y Carlos García se conocían desde su participación en los grupos Old Fashoned, Volti y Silueta Pálida, en los que ambos comenzaron a dar sus primeros pasos en la música. En un momento de cambios, cuando el new wave perdía vigencia, se juntaron inicialmente en la cochera de la casa de los papás de Mateo para hacer piezas totalmente electrónicas. Era 1985. Con una marcada inclinación al tecno industrial de la primera mitad de los ochenta, este dueto no se limitó a desarrollar un concepto musical. La parte visual tenía un peso muy específico en su trabajo. Influenciados por las vanguardias de la primera mitad del siglo XX, tales como el movimiento estridentista y otros, incorporaron también una sofisticada estética que comprendía el diseño gráfico de sus obras y su forma de vestir.

En un primer momento, buscando la mezcla de lo electrónico con lo eléctrico, incorporaron a su viejo compañero de Old Fashioned para que tocara la guitarra, y éste a su vez invitó a Federico Fong en el bajo. Finalmente, Mateo instigó, para que cantara en el grupo, aún sin nombre, a un compañero de su trabajo en el medio publicitario que ya tenía un pasado como cantante en The Casuals: Jack Richmond. Decidieron ponerle Década Hoy, haciendo referencia al tema «Decades» del grupo Joy Division.

Finalmente, Jack propuso a Jullia Lane para que hiciera coros y la banda estuvo completa.

En los tiempos en que comenzaron a ensayar, ocurrió el trágico terremoto del 85 en la Ciudad de México. A los pocos días llamaron a Mateo para invitar a María Bonita a un concierto benéfico. Éste les comentó que no estaban tocando por el momento y que su nueva banda era Década Hoy. Los organizadores aceptaron la alternativa.

De esta manera dieron su primer concierto en el teatro abierto Angela Peralta, en Polanco, abriéndole a Ritmo Peligroso, en un evento organizado para apoyar a las víctimas del terremoto. Su presentación fue un éxito, pero fue el debut y despedida de esa formación. Tras una discusión con sus compañeros de grupo, Mateo salió de la banda, misma que se desintegró poco tiempo después.

Mateo y Carlos no estaban muy conformes con la tendencia pop de Década Hoy y decidieron desarrollar un concepto más bien oscuro, una mezcla de EBM y darkwave. Tan sólo unos días después del concierto y la ruptura, el 26 de septiembre grabaron, en el estilo darkwave, un casete al que llamaron Ensayos, con los primeros temas de Década 2, su nuevo proyecto. Carlos se pasó al bajo por un tiempo.

Compusieron temas como «Alfabeto», «Tu eres dios», «Tu vida» y «Ángel». Acudieron con Carlos Alvarado, del grupo Chac Mool, para grabar de manera precaria lo que serían sus primeras producciones, mismas que utilizaban para conseguir tocadas y que comenzaron a copiarse entre los fanáticos, lo que les fue dando popularidad.

Su primer concierto como Década 2 lo hicieron en el Tutti Frutti, al norte de la ciudad, al comienzo de 1986. Fue en este concierto en el que tocaron un tema del género EBM: «La voz de Década 2», que terminó siendo la línea estilística del grupo. El debut ante un Tutti Frutti repleto de gente fue un éxito.

Desde entonces, su atuendo comenzó a adoptar la estética militar. Era común verlos ensayar y tocar en La Quiñonera, la casa donde se realizaban legendarias fiestas, al sur de la ciudad. En cierta ocasión los invitaron a grabar un programa para la televisión del Estado, Imevisión, en el que proyectaron tras de sí una animación de Rubén Ortiz sobre la imagen del monumento conocido como la Cabeza de Juárez, que se encuentra al oriente de la ciudad. De la boca de Juárez brotaban inmundicias, y fueron censurados.

Para un performance de crítica política que realizaron junto a Roberto Escobar, grabaron «Frente Nacional», que se convertiría en un tema emblemático de Década 2. Vinieron otros temas como «Música electrónica», que planteaba una visión futurista de México, en 1999.

También en 1986, Mateo decidió dejar María Bonita y dedicarse de lleno a Década 2. Sin embargo, tendrían que remar a contracorriente para poder grabar y tocar en vivo. Comenzaba la campaña de Rock en tu Idioma, pero la música de Década 2 no encajaba en los parámetros de esa moda, por lo que permanecieron como parte de una escena subterránea totalmente ignorada por los medios de comunicación. De forma casera fabricaron sus casetes a manera de ediciones especiales, mismos que fueron a dar a la tienda de discos Super Sound. También se vendían en el Tianguis Cultural del Chopo, en el que aparecieron versiones pirata. Voluntariamente decidieron permanecer subterráneos.

Se acercaron al músico Samir Menaceri, del grupo Interface. «Deseaba un grupo musical lo más lejano y ajeno al mundo publicitario y comencé a negarme rotundamente a querer tocar seguido y ver la posibilidad de lanzar un disco. Con mi trabajo tenía subsanada y muy cubierta la “necesidad” de reconocimiento; en cambio, con Década 2 sólo deseaba hacer lo que realmente quería y soñaba. Así fue como, buscando opciones para grabar Década 2 de mejor manera, fui a la calle de Cuautla, en la colonia Condesa, a conocer por fin al tal Samir Menaceri.» (Mateo Lafontaine en su blog <www.mateolafontaine.word press.com>.) Para Mateo, Década 2 era un refugio personal, un oasis que lo alejaba de su exitoso pero agobiante trabajo como publicista. Quería grabar mejor tanto temas nuevos como versiones de sus viejas rolas, pero el entusiasmo original por trabajar con Samir se fue diluyendo al chocar sus personalidades. Así que comenzaron a trabajar con Héctor Ruiz, en Midi Music, que se volvería su productor durante los noventa. Con él grabaron temas como «Nos conocimos en Urantia».

Durante 1988 las grabaciones de Década 2 comenzaron a escucharse en diferentes sitios; uno de ellos fue el Bar 9. Para 1989 no sólo ponían su música de manera habitual, sino que comenzaron a presentarse en vivo en dicho lugar. De esa época es su versión al tema de la «Internacional Socialista», al que titularon «La internacionale». Paradójicamente, comenzaron a ser estigmatizados por su música y sus vestimentas, tachándolos de ultraderechistas. Nada más alejado de la realidad, ya que Mateo incluso trabajaba en el diseño de la imagen de partidos de izquierda, con quienes simpatizaba. Otro lugar en el que solían presentarse fue Dynamo Garage.

En septiembre de 1991 estaban programados para alternar en concierto con el grupo belga Front 242, en el teatro abierto Ángela Peralta. Sin embargo, por la mala organización fueron excluidos en el último momento. Esto fue un golpe letal para el dueto y desmotivó a Carlos para seguir adelante con Década 2.

Así que Mateo siguió solo con el proyecto, grabando temas como «Holbox», que saldría después en una compilación de la discográfica independiente Opción Sónica, en 1994. La escena había cambiado, y la música electrónica de los noventa era principalmente para bailar y producida por los DJ. En ese, Mateo y Carlos se volvieron a juntar para tocar en un rave organizado por Martín Parra. Con el tiempo, Mateo Lafontaine siguió produciendo solo más grabaciones de Década 2, que en la actualidad son fáciles de encontrar en la red. Sus presentaciones se volvieron esporádicas y ahora se les puede ver en lugares como el Dada X, el Instituto Goethe o el Foro Bizarro.

Aunque su posición ante el mercado se definió en términos de seguir siendo una banda subterránea que grababa piezas aisladamente, en un par de ocasiones se acercaron a gente interesada en sacarles un disco, pero con quienes nunca concretaron. Por un lado, con Moisés Katz, dueño de la tienda de discos El Sonido Discoteque, en la segunda mitad de los ochenta. Y por otro, con la discográfica independiente Wax Trax! Records, de Estados Unidos, ya en los noventa. Fue hasta 2016, tras una espera de 31 años, que salió de manera independiente y distribuido por Fonarte Latino el primer disco oficial que reúne los trabajos realizados entre 1985 y 1989, con el nombre de The vox, vol. 1.

El documental Yo soy la voz se encuentra en preparación y se esperan ediciones con los trabajos realizados a partir de los noventa.

Discografía £

Ensayos (1985), casete

DKD 2 (1986), casete

La promesa del Este (1988), casete

Década 2, 88-89 (1989), casete

The Vox, vol. 1 (2016)

Otras grabaciones

From trance to cyber. An electro mexican compilation (1994), con el tema «Holbox».

Otros o

En tiempos del Mundial de Futbol México 86, Mateo trabajó como publicista en la campaña de la cerveza Carta Blanca y su famosa Chiquitibum. Condujo el programa de música electrónica Éxtasis 101, en la estación de radio Rock 101.

Carlos trabajó en la prestigiosa tienda de discos Super Sound como especialista en música electrónica. También colaboró en el programa Radio set, que la tienda de discos hacía en la estación de radio Rock 101.

59. Next

1985-1998 y 2003-hasta hoy, Ciudad de México

Integrantes l

Carlos Alanís - Voz, bajo y guitarra (1985-1998) (2003-hasta hoy)

Sergio Alanís - Guitarra (1985-1998) (2003-hasta hoy)

Erick Alanís - Batería (1985-1998) (2003-hasta hoy)

Héctor Morales - Bajo (1989)

Édgar «Blass» Aguilar - Bajo (1989-1998) (2003-hasta hoy)

Género ù

Heavy metal, speed metal y trash; con influencia de Quiet Riot, Twisted Sister, Mötley Crüe, Judas Priest, Iron Maiden, Metalica, Sepultura y Megadeth.

Historia h

Los hermanos Sergio, Erick y Carlos Alanís crecieron en la colonia Valle de Aragón. Sus tíos, por parte de su madre, eran músicos y se juntaban para la bohemia. Con su madre escuchaban en la radio programas como La hora de Los Beatles, La hora de Creedence Clearwater Revival o La hora de los Rolling Stones, por lo que además de la música tradicional, el rock también fue parte del ambiente en el que crecieron.

Sergio y su tío, José Velázquez, compraban discos de rock, que llevaban a su casa y escuchaban junto a los hermanos menores. De ahí nació la inquietud en Sergio y José por conseguir instrumentos, los cuales eran de difícil acceso por ser muy caros. Pero poco a poco fueron comprando, primero, una guitarra acústica y, después, una eléctrica que conectaban al estéreo de la casa. Luego adquirieron una batería y fueron sofisticando su equipo. En la primera mitad de los años ochenta, con Sergio en la guitarra y José en la batería, comenzaron a ensayar en la azotea de la casa de la abuela, junto a otros amigos. Tocaban rocanroles, canciones de The Beatles, Creedence y Slade. Después de un tiempo hubo deserciones en el grupo y se incorporaron los hermanos menores, Carlos y Erick, que hasta ese momento sólo habían sido observadores. Carlos entró a tocar la segunda guitarra y como voz principal. Por su lado, Erick tocaba la batería. Aprendieron con los populares manuales para guitarra Tocarrock y Guitarra Fácil, que se vendían en los puestos de periódicos. La banda comenzó a orientarse hacia el heavy metal y montaron covers de Quiet Riot, Twisted Sister, Mötley Crüe, Judas Priest e Iron Maiden, entre otros, combinándolos con covers de rock en español, de artistas como Miguel Ríos, Tequila y Botellita de Jerez. Tocaban en eventos escolares y fiestas de amigos. Para entonces, dejaron la azotea de la abuela y ensayaban en casa de su mamá.

A mitad de la década, salió el tío José y se quedaron los hermanos Alanís solos, como un trío. Carlos pasó de la guitarra al bajo. Pero antes de su salida, el tío propuso el nombre de la banda. Estaban buscando toda clase de palabras rebuscadas y ninguna los convencía, hasta que José tomó un diccionario en inglés y les propuso Next, la primera palabra que encontró al azar. A los demás les gustó que fuera un nombre corto y que significaba una proyección hacia el futuro; serían lo nuevo, lo que continuaba, lo diferente.

A partir de entonces comenzaron a componer su propio material. Su primera canción fue «Grita rock». En agosto de 1985 consiguieron entrar al circuito de bares y tocadas de rock en la zona de Valle de Aragón y comenzaron a alternar con grupos como Vago y Spectrum. Apadrinados por Ricardo Mara salieron de la ciudad, abriendo los conciertos del grupo Mara, en una etapa de aprendizaje y solidaridad.

Grabaron su primer demo en 1986, en el que su estilo se definió dentro del speed metal y el trash, que por entonces eran poco conocidos en el país.

Álex y Chela Lora llegaron a verlos y también los apoyaron invitándolos a los eventos que ellos organizaban con El Tri. El grupo se comenzó a conocer y a ganarse un nombre.

Grabaron otro demo en 1987 que, como el anterior, ellos mismos maquilaban y distribuían. Este material llegó a contar con algo de proyección en las estaciones de radio Rock 101, Radio Educación y Radio UNAM. Comenzaron a hacer artículos sobre ellos en revistas como Tiempo Libre, Banda Rockera o Conecte.

Conocieron a la gente de Avanzada Metálica, una asociación que congregaba a la mayoría de las bandas metaleras de aquel entonces. Con ellos sacaron su primer disco: Invasión nuclear, en 1988.

Con este disco lograron mejor proyección, viajaron a más lugares de la República mexicana y accedieron a nuevos medios. Presentaron su disco con Alfonso Teja en Música sin fronteras, uno de los espacios de ECO, en Televisa, que se distinguía por apoyar al rock durante la madrugada. También se embarcaron en una gira por México y algunas ciudades de Estados Unidos.

Comenzaron a componer su siguiente disco e incorporaron en el bajo a Héctor Morales y Carlos regresó a la guitarra. Lanzaron Silencio nocturno, en 1989, nuevamente con Avanzada Metálica.

En 1991 se editó La colección, un compilado con temas de sus dos primeros discos editados en Avanzada Metálica. El grupo había logrado ascender rápidamente dentro del ambiente subterráneo, pero se encontraba en la necesidad de llegar a más público. En esa búsqueda terminaron su nexo con Avanzada Metálica y se acercaron a Discos Denver, con quienes editaron su tercer disco: Pelea o muere, en 1992. Apenas se lanzó esta producción, salió Héctor e ingresó Édgar «Blass» Aguilar como nuevo bajista. Con él hicieron la promoción del disco y salieron a una nueva gira. En este punto, Carlos se desprendió de la guitarra y se dedicó exclusivamente a cantar.

Siguieron dos discos en vivo: Metal mexicano en vivo, de 1992, grabado el 14 de septiembre de ese año en el teatro Isabela Corona, de la Ciudad de México, y el casete En concierto, de 1993, grabado en la Prepa Popular Fresno y producido por Ricardo Ochoa.

Siguió el disco …Y los restos, de 1993, con Discos Denver, con cuatro temas propios originales y cuatro covers de las bandas mexicanas Los Yaps, Mákina, Lynx y Mara.

En 1994, Discos Denver reeditó en casete Silencio nocturno, pero con el nombre de El juicio.

El grupo ya comenzaba a mostrar señales de desgaste al salir Blass. En su lugar entró otro de sus hermanos, Francisco. También incorporaron a Paris Luján en la segunda guitarra. Con esta formación sacaron en 1997 el disco MCMXCVI DC, editado por Denver. Fue un álbum en el que experimentaron buscando nuevos caminos creativos. Fue grabado en Estudios Tequila, y como parte de la promoción salió un video del tema «No mereces vivir», con el cual no quedaron muy satisfechos.

Fue una época en la que alternaron con bandas extranjeras que venían a la Arena López Mateos, como Kreator, Devastation, D.R.I., Violator y Sinister, entre otros.

En 1998, después de un concierto en el que alternaron con Los Ángeles del Infierno, decidieron darse un descanso. Lo que plantearon en un principio fue una pausa de tres meses, que se convirtió en una desconexión de cinco años. Carlos entró a un trabajo formal y se cortó el pelo; los demás miembros de la banda se dedicaron a diversas actividades y a sus familias. Un día de 2003 Blass llamó a Carlos para invitarlo a su casa. Cuando éste llegó, se encontró al resto de la banda esperándolo para ensayar. Se dieron cuenta de que lo que querían era seguir tocando, así que al siguiente lunes Carlos fue a su trabajo y renunció. Next volvió a los escenarios desde entonces.

En 2004 regrabaron lo más representativo de sus viejos temas, pero con arreglos actualizados y sacaron el disco Next, editado por Discos Denver. A partir de entonces se han estado presentando con regularidad y recientemente han manifestado su intención de grabar nuevo material.

Discografía £

«Demo 86» (1986)

«Demo» (1987)

Invasión nuclear (1988)

Silencio nocturno (1989)

Pelea o muere (1992)

…Y los restos (1993)

El juicio (1994), casete

MCMXCVI DC (1997)

Next (2004)

Otras grabaciones

La colección (1991), compilado

Metal mexicano en vivo (1992)

En concierto (1993), casete, en vivo

60. Casino Shanghái

1985-1986, Ciudad de México

Integrantes l

Ulalume Zabala - Voz

Carlos Robledo - Teclados

Walter Schmidt - Caja de ritmos y teclados

Humberto Álvarez - Batería electrónica y teclados

Género ù

Techno pop y new wave; con influencias de Gary Numan, Soft Cell, Human League, Yazzo y Ultravox.

Historia h

En 1984 Carlos Robledo, Dean Stylette y Walter Schmidt, del grupo Size, habían conformado el efímero grupo electrónico Cabaret Bonzi, que bien se podría considerar el antecedente directo de Casino Shanghái.

Casi al acabarse ese año, se hizo una fiesta de despedida para Ulalume Zavala, quien se iba a vivir a Nueva York. Ella venía de cantar en The Casuals y llegó a colaborar con Size. Solía pasar un tiempo en Nueva York y otro en la Ciudad de México. En Estados Unidos también tenía un grupo llamado Wayneward Angora, con quienes se presentaba en diferentes clubes.

«Casino se formó por accidente, yo tenía planeado regresar a Nueva York y Henri Donadieu me daba una fiesta de despedida en el Bar 9. Se me ocurrió dar un concierto en la fiesta y le hablé a Carlos Robledo y a Walter Schmidt y en una semana compusimos todo el material. El concierto salió tan bien que me quedé en México a construir este proyecto.» (Ulalume Zabala en entrevista con Tere Estrada para el libro Sirenas al ataque.)

En ese primer concierto salieron vestidos con ropas militares y las caras pintadas como mimos. Ulalume era de una personalidad fuerte en el escenario y pronto se convirtió en la figura central del grupo.

Pensaron en Humberto Álvarez, exMCC, quien tocaba la batería eléctrica y los sintetizadores para completar la banda. Casino Shanghái se convirtió, así, en una de las primeras bandas mexicanas en incursionar en el tecno pop junto con Syntoma y Nathabisk. Hacían programaciones electrónicas y usaban cintas pregrabadas. También llegaron a incorporar las sonoridades de instrumentos chinos y tibetanos.

Firmaron con Mauricio del Valle, de Estudios Grab, donde grabaron, durante las horas muertas del lugar, el disco Film, con la producción de Armando «el Pecas» Martin, fue durante las noches, lo que resultó muy desgastante. Tuvieron como invitados a Jorge «Cox» Gaytán y Alejandro Sánchez en las cuerdas. Los temas fueron originales y cantados en inglés. La imagen con la que aparecieron en la portada evocaba las películas de los años cuarenta, como Casablanca, y acto-res como Humphrey Bogart. Salió a la venta como uno de los discos del sello Comrock, iniciativa independiente comandada por Ricardo Ochoa, Juan Navarro y Chela Braniff, misma que también fungió como su representante.

«Cuando estás en plan de promoción es muy chistoso ir a una entrevista a las siete de la mañana para la televisión, tener que cantar con playback y, por supuesto, pasar a la guillotina de preguntas absurdas.» (Ulalume Zabala en entrevista con Tere Estrada para el libro Sirenas al ataque.)

Al final de 1985 Humberto Álvarez se concentró en hacer la música para la película Crónica de familia, por lo que dejó el grupo, quedando Casino Shanghái como trío. Ellos, por otro lado, fueron invitados a ser parte de la película Juana la Cantinera, de José Loza, que finalmente se enlató.

Tocaron en el Aramís, acompañados del guitarrista Jesús González Martin, del baterista Raymundo «Lefty» Barajas, ambos de High Fidelity Orchestra, y de Carlos Alvarado, tecladista de Chac Mool. También se presentaron en el programa de televisión En vivo, de Ricardo Rocha. La banda se separó, dando paso a la leyenda, cuando Ulalume finalmente se mudó a Nueva York en 1986.

En 2005 se desempolvó una grabación inconclusa del tema «La tumba de Edgar Alla Poe», para terminarla y añadirla al disco acoplado Backup, del sello Noise Kontrol. El tema está cantado en francés. En esta canción participaron como invitados Alfonso André, de Caifanes, La Barranca y Jaguares, así como Eddie Rubello y Carlos Alvarado. Ese mismo año trabajaron en Tijuana con Pedro Gabriel Beas, de Nortec, con quien experimentaron, sin concluir nada.

En 2013, por iniciativa de Julio César Martínez y la Fonoteca Nacional, se digitalizó, remasterizó y reeditó el disco Film, en CD, y se le añadieron los temas «La tumba de Edgar Alla Poe» y «Cuerpos huecos», bajo el sello independiente Gato x Liebre. También se lanzó en tiendas virtuales. La portada fue rediseñada, con cierto rechazo por parte del público, que añoraba la original. Acompañaron este relanzamiento con presentaciones en Plaza Loreto y el Imperial Club, así como apariciones en el programa Fin de partida, de Nicolás Alvarado y Julio Patán, y con Jairo Calixto Albarrán en Milenio TV.

Discografía £

Film (1985)

Film (2013), reedición

Otras grabaciones

Backup (2005), recopilación

Otros o

Walter Schmidt era el editor y articulista de la revista Sonido y ha sido integrante de los grupos Decibel y Size.

Ulalume Zavala fue cantante del grupo The Casuals y corista de Size. Fue de las pocas mujeres DJ de esos días. Actualmente hace instalaciones de fotografía y música en Nueva York.

Humberto Álvarez formó el grupo Sangre Asteka en 1986.

61. Brenda Marín

1985-2002, Ciudad de México

Género ù

Heavy metal con tintes oscuros; con influencias de Liza Minelli, Raphael, Tina Turner, Ángeles del Infierno e Iron Maiden.

Historia h

Brenda Marín, cantante y actriz, ha sido la voz de varios proyectos de rock, principalmente ligados al metal.

Proveniente de una familia artística, tuvo su primer acercamiento con la música al estudiar canto en el Conservatorio Nacional de Música. Su primera banda, y tal vez por la que más se le recuerda, fue Abbadon.

En 1999 el grupo de urbano, punk y metal Ciudad de Humo puso un anuncio en la revista Banda Rokera: «Grupo Ciudad de Humo solicita gritante». Brenda audicionó y se quedó. Fue ella quien le propuso al grupo un nuevo nombre de características demoniacas. Se convirtieron así en Abbadon, y fue cuando le dieron a la banda un perfil más metalero y oscuro.

Inspirados en la brujería y el esoterismo, Abbadon estaba conformado por Gerardo Salgado Lugo en la primera guitarra, Fernando Cárdenas en la batería y los hermanos Alfredo y Daniel Corona en la segunda guitarra y el bajo, respectivamente. Ella, además de cantar, escribir y componer con los demás, creó un concepto visual oscuro, inspirado en las ciencias ocultas.

Lograron grabar un par de canciones para el acoplado de la discográfica independiente Avanzada Metálica, llamado Proyecto dos. Esta empresa les consiguió tocadas en el Foro Isabelino, un lugar natural para la efervescente escena metalera.

También tocaron en el Bar 9, el Teatro Lírico, Hip 70 y el Salón Cosmos 2000, en la última etapa de los hoyos fonqui. Brenda impactó por ser de las pocas mujeres que interpretaban este género, de ahí que muchos la consideran la principal cantante de metal en México. «Estaba completamente ajena a las bandas de heavy y fue a través de mis compañeros que descubrí a Iron Maiden, Halloween o Ángeles del Infierno. Me encantó sentir la capacidad explosiva y productora de energía del metal. Alucinaba con el poderío sonoro de los grupos mexicanos Genna y Luzbel de aquella época.» (Brenda Marín en un fragmento del libro Sirenas al ataque, de Tere Estrada.)

En 1987 el grupo sufrió una etapa de inestabilidad cuando salió Gerardo Salgado y, por su lado, Brenda se involucró durante seis meses con el grupo Ultimátum, sustituyendo a Marcela González.

Después de eso regresó a Abbadon, apareciendo en televisión. Se metieron al estudio a grabar lo que sería su primer larga duración, pero tras un pleito derivado de tensiones internas, Brenda se separó del grupo en forma definitiva en 1990.

Al siguiente año fue invitada, junto con Fernando, a formar parte de Carne Lunar, grupo de su excompañero Gerardo Salgado. Ésta fue la primera banda de heavy metal en mezclar instrumentos prehispánicos. Por problemas ligados al ego de sus compañeros, tuvo que dejarlos al poco tiempo.

Convencida de formar una banda propia, en la que influyó la insistencia de Vladimir Hernández, director de la revista Banda Rockera, para que no dejara de cantar, creó en 1993, con la colaboración de David Terrazas y nuevamente Fernando Cárdenas, el grupo Fauna Nocturna, que tocaba funk, jazz y rock. «Cuando Abbadon tocaba, el público se violentaba tanto que comenzaba a agredirnos. Luego entré en una etapa de transformación espiritual y decidí retirarme un tiempo del canto. Cuando lo retomé, decidí cantar otro tipo de música y entré a Carne Lunar.» (Brenda Marín en un fragmento del libro Sirenas al ataque.)

Tras la muerte de su madre, Brenda dejó de sentirse motivada para seguir cantando. Su último concierto fue en Rockotitlán en 2002.

Discografía £

Proyecto dos (1987), con las canciones «Madame Bathory» y «Zilah»

Carne lunar (1991)

Brenda Marín (2013), recopilación de demos

Otros o

De 1988 a 1995 escribió una columna de rock en el diario La Afición. Tuvo a su cargo la única plana completa de rock en un diario nacional. Durante los dos últimos años de su trabajo en La Afición, también participó en la publicación de entrevistas con roqueros internacionales, en la revista Banda Rockera.

Actuó en la comedia musical Gay Fiesta San Luis, bajo la dirección de Alejandro Celia (1984); en la ópera rock infantil La Bella Durmiente (1985) y en Retrato en claro oscuro, homenaje a Federico García Lorca (1985), con la dirección de Luis Armando Lamadrid. También en Baal, de Bertolt Brech, con dirección de José Luis Cruz (1992) y en Compro, luego existo, de Hugo Fragozo (1994).

Actualmente es empresaria de Eyim Maquillaje Escénico.

62. Pedro y Las Tortugas

1985-1988, Ciudad de México

Integrantes l

Juan Badillo «Juan Tortuga» - Guitarra y voz

Pedro Gilabert - Teclados

Alfonso Elizarrarás† - Bajo

Género ù

Rock pop, tecno pop y rock español; con influencia de Flock of Seagulls, Ultravox, Eurithmycs, Radio Futura y Alphaville.

Historia h

En 1985 Juan Badillo (guitarra, caja de ritmos y voz) y Pedro Gilabert (teclados) eran compañeros del primer año de preparatoria en el Colegio Madrid. Ya habían tocado juntos en el grupo Cantera, pero se habían distanciado. Sin embargo, un día Juan le mostró a Pedro las maquetas de unas canciones que había compuesto en un pequeño teclado Cassio y renació la complicidad. Decidieron formar una banda e invitaron a Alfonso Elizarrarás, hermano mayor de un compañero de ellos, pero que estudiaba en otra escuela. Resolvieron usar una caja de ritmos, en vez de invitar a un baterista. Buscando un nombre para el grupo, a alguien se le ocurrió en un momento de simpleza proponer Pedro y Las Tortugas. Después de reír por un buen rato, les pareció un gran nombre. A Juan le gustó la idea de que se mencionara a un tal Pedro, que no era el nombre del cantante y ni siquiera se hacía referencia de manera particular al tecladista, que casualmente tenía ese nombre.

Construyeron un estilo propio basado en la música tecno pop, con letras que eran resultado de la improvisación durante los ensayos. Algunos temas habían nacido desde que tocaban juntos en el grupo Cantera, como la canción «Pastel de mamá», cuyo nombre fue inspirado en un fragmento de la letra de «No tocarte», del grupo español Radio Futura. El resultado fue un trabajo fresco y natural. Su primer concierto fue en su colegio, en el cual tuvieron problemas técnicos, por lo que quedó en su recuerdo como un desastre. Continuaron tocando con bastante ingenuidad ante lo que implicaba el manejo de un grupo hasta que, un día de 1987, escucharon por la estación de radio capitalina Espacio 59 la convocatoria para el concurso Rock en tu Idioma, al cual se inscribieron. Acudieron a las eliminatorias que se realizaron en Rockotitlán, llegando a la final (en el entonces Hotel de México) junto a Los Amantes de Lola. El concurso lo ganaron Los Amantes de Lola, pero para la gran mayoría de los presentes la simpatía era para Pedro y las Tortugas.

Quedar entre los finalistas les permitió aparecer en el disco de 1988: 21 grupos finalistas del concurso Rock en tu Idioma, en el que aparecen las maquetas que las bandas participantes enviaron como requisito para inscribirse en dicho concurso. La información que aparece en este disco resulta confusa, ya que ellos no salen como el segundo lugar, aunque lo fueron, además de que hay bandas que llegaron a las finales y no aparecen (es el caso de Baraja). A partir del concurso, la promoción en Espacio 59 se intensificó, siendo Pedro y Las Tortugas una de las bandas más solicitadas.

Tras esta experiencia, Pedro y Alfonso se cuestionaron continuar en la música y le dieron preferencia a estudiar medicina y psicología, respectivamente, dejando solo a Juan, quien se abocó a la misión de grabar un disco independiente. Para esto buscó la colaboración de Jacobo Liberman en los teclados, Federico Fong, Agustín Bernal, Diego Rosas en los bajos y Armando Marín en la percusión. Entraron al estudio Melody Line (que, como dato curioso, yo ayudé a diseñar arquitectónicamente) y sacaron su disco debut homónimo. Éste salió también en 1988. En la portada salen Juan y el Pecas recargados en cuclillas en una pared.

Por esos días yo me hice amigo de Juan y llegamos a imaginar trabajar juntos cuando nos veíamos en el restaurante Los Geranios, de la calle Francisco Sosa, en Coyoacán, propiedad de su papá. Incluso nos juntamos para ensayar en su casa junto a Jacobo Liberman, pero no le dimos continuidad. Juan se debatía entre continuar con Pedro y Las Tortugas o irse a estudiar guitarra flamenca a España. Terminó eligiendo lo segundo.

Discografía £

Pedro y Las Tortugas (1988)

Otras grabaciones

21 grupos finalistas del concurso Rock en tu Idioma (1988), acoplado con el tema «A veces»

Otros o

Juan Badillo estudió guitarra de flamenco y jazz en España y Estados Unidos. Se alejó del rock pop, llegando incluso a despreciarlo por algún tiempo. Regresó a México para arreglar asuntos personales y tras una fuerte depresión, decidió estudiar Letras en la UNAM.

Alfonso Elizarrarás estudió psicología. Falleció a causa de un aneurisma aórtico el 19 de mayo del año 2000.

Pedro Gilabert intentó ser psiquiatra, pero desertó y se dedicó a hacer música para comerciales y películas. Musicalizó la serie de suspenso Hora marcada, de Televisa.

Tras su breve paso por Pedro y Las Tortugas, Jacobo Liberman se integró como tecladista del grupo Santa Sabina.

63. Trolebús

1985-2000, Ciudad de México

Integrantes l

José Luis Campos García «Choluís» - Voz, guitarra y bajo (1985-1999)

Demex García - Batería

Enrique Montes «Pato» - Guitarra y voz (1985-1988)

Fernando Moreno - Guitarra y voz (1985-1988)

Felipe Moreno - Bajo (1985-1988)

Mauricio Ollín Meyén «Mao» - Guitarra (1990-2000)

Miguel Ordoñez - Bajo (1990-1994)

Luis Cáceres «Pollo» - Bajo (1999-2000)

Alsex - Voz (1999-2000)

Juan - Voz (2000)

Género ù

Rock urbano, blues, reggae, heavy metal y rock rupestre; con influencia de Rockdrigo, Roberto González, Roberto Ponce, Jaime López, Botellita de Jerez, Bob Dylan, Rolling Stones, The Beatles, Black Sabbath, Judas Priest y The Doors.

Historia h

En 1984 Choluís, del CCH Sur, y Pato, del CCH Oriente, se conocieron en un taller de letras y canciones impartido por Roberto González en el Museo del Chopo. Un día, al terminar una clase, se quedaron tocando en la calle canciones de Rockdrigo y fue el inicio de una colaboración entre ambos. Comenzaron a componer sus propias rolas y decidieron convocar a algunos músicos amigos para formar una nueva banda al comienzo de 1985. Choluís venía de tocar en el grupo Labios Azules, de donde invitó al baterista Demex. Por su cuenta, Pato tenía un grupo con su compañero de escuela Fernando Moreno y su primo Felipe, guitarrista y bajista, respectivamente. Ensayaban en un terreno baldío de la colonia Moctezuma, a un lado del Peñón de los Baños, lugar donde habían acondicionado un pequeño cuarto. Se juntaron a tocar ahí y se conformó un quinteto al que decidieron llamar Trolebús, ya que, para tener energía, se habían colgado con un diablito a un poste de luz. Necesitaban dar un nombre para un evento en apoyo a los damnificados del terremoto que se realizaría en el Museo de Antropología, y ése fue el que se les ocurrió pensando que posteriormente lo cambiarían, y al final se les quedó.

Para tener donde tocar, se acercaron al Consejo Nacional de Recursos para la Atención a la Juventud, y gracias a los apoyos que manejaban para iniciativas de jóvenes, se hicieron de una tarima y sillas, después de presentarles el proyecto de un foro alternativo en el mismo terreno donde ensayaban. A éste lo llamaron Multiforo Trasher y se convirtió en el primer escenario sobre el que tocaron ante amigos y vecinos.

En las canciones había aportaciones de Pato y Fernando, pero principalmente de Choluís. Tenían una gran influencia de los compositores rupestres. Poco tiempo después de su formación sucedió el terremoto en el cual tristemente falleció Rockdrigo, a quien admiraban. Así que en un contexto de terremotos, fugas de gas, mundiales de futbol, fraudes electorales y cantantes errantes arrancó el Trolebús.

Decidieron plasmar sus canciones en un demo y acudieron a Marc Rodamilans (exMistus), quien los registró en una grabadora portaestudio de cuatro canales. En el pasado, Pato había conocido a dos integrantes de Botellita de Jerez. Su profesor de historia en el CCH fue Ismael «Mailo» Colmenares, del grupo Los Nakos, en el que tocó Francisco Barrios antes de ser el baterista de Botellita de Jerez. Por esta razón, los Botellos llegaron a tocar en su escuela, volviéndose desde entonces una influencia para él. Así que le enseñaron su demo a Francisco y éste se entusiasmó en producirlos artísticamente.

En 1987 grabaron su disco debut: Trolebús en sentido contrario, para Discos Pentagrama, con la producción ejecutiva de Rodrigo de Oyarzabal y Víctor Esquide. Se grabó en el Estudio Publiservicios, con Bárbara Burton como ingeniera de grabación. Tuvo como invitados en los coros a Cecilia Toussaint, Sabo Romo y los integrantes del grupo Mama-Z. Los instrumentos que usaron para grabar se los prestaron los de Botellita de Jerez. Posteriormente, el disco fue reeditado por las discográficas independientes Avanzada Metálica, Ozono y Discos Denver. La canción «Barata y descontón» comenzó a sonar en estaciones de radio capitalina, como Espacio 59, Radio Educación, Estéreo Joven y también en Radio Mexiquense.

Tocaron en escuelas y en casas de cultura y, aunque poco, en hoyos fonqui, alternando con El Tri y grupos de rock urbano, donde muchos los ubicaban. También comenzaron a presentarse en Rockotitlán. En actos universitarios alternaron con Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio. También fueron parte de los conciertos organizados en el estacionamiento del Sindicato Único de Trabajadores de la Industria Nuclear (SUTIN), donde participaron cantores rupestres, grupos de reggae y rock.

Para 1988 Choluís tenía planes de continuar sus estudios de comunicación en el extranjero y, ante un momento de incertidumbre, decidieron parar. Así que los integrantes de Trolebús se involucraron en otros proyectos. Demex y Pato estuvieron acompañando a Nina Galindo justo antes de que Pato recibiera la invitación para colaborar con Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio. Choluís creó un grupo alterno llamado Las Canijas Lagartijas.

El grupo reapareció dos años después con Choluís y Demex, e incorporaron a Mauricio Ollín Meyén en la guitarra y a Miguel Ordóñez en el bajo. El sonido de Trolebús cambió hacia el heavy metal. Con esta formación grabaron, bajo el sello Avanzada Metálica, el disco Urbanicidio, que salió en 1993, con la producción artística de Alejandro Cruickshank y la producción ejecutiva de Octavio Escalante. Fue grabado en los Estudios Agua. El disco sería reeditado años después por Discos Denver.

Siguió el disco Días oxidados, en 1993. Se grabó en Opus Audio con la producción artística de Fernando Martínez del Campo y, nuevamente, con la producción ejecutiva de Octavio Escalante. Fue editado en casete por Avanzada Metálica, pero reeditado en CD por Discos Denver en 1996.

En su faceta metalera, el grupo fue tachado de mala influencia por sectores conservadores del país, al grado de que el Arzobispado de la Ciudad de México, por medio de su vocero, hizo un llamado a la juventud para que se abstuviera de escuchar a Trolebús.

En 1994 salió Miguel, por lo que Choluís comenzó a tocar el bajo, además de cantar. Como trío, participaron junto a otras agrupaciones y estudiantes de la UNAM en el colectivo Serpiente sobre Ruedas, en los conciertos en apoyo a las comunidades zapatistas desplazadas. En uno de esos eventos, en el concierto Doce Serpiente, me invitaron al escenario a palomear con ellos.

En 1995 grabaron su cuarto disco: Delirium trolems, que salió en 1996 con el sello Raven Music y producción de Alejandro Cruickshank. Salió originalmente en casete, pero en 1999 fue editado por Discos Denver en CD.

Choluís finalmente se mudó a España en ese año. Demex y Mao trataron de continuar incluyendo a Luis Cáceres en el bajo, y en la voz probaron con varios cantantes, siendo Alsex con quien grabaron el disco La alcantarilla, editado por Discos Denver y producido por Mao y Demex. Sin embargo, este esfuerzo por mantener vivo a Trolebús, sin Choluís, resultó infructuoso y el grupo terminó separándose en ese año.

En 2006 se develaron 50 placas conmemorativas de 50 canciones representativas del rock mexicano en el jardín Ramón López Velarde, de la Ciudad de México, lugar que se conoce como 50X50 Paseo del Rock Mexicano. Una de ellas fue «Barata y descontón», de Trolebús.

Al siguiente año, el 1 de diciembre de 2007, se juntó la primera formación de Trolebús para dar un concierto en el Tianguis Cultural del Chopo, en un evento lleno de nostalgia.

«Me acuerdo que en alguna ocasión que fui a casa de Choluís me dijo: “Mira, te quiero enseñar algo”. Y de abajo de su cama sacó un montón de cajas de zapatos repletos de casetes con sus rolas, que grababa en su grabadorcita de radio. Cada uno de esos casetes tenía alrededor de 10 a 15 rolas. Yo conté esa vez y calculo que tenía un material cercano a las 600 canciones.» (Enrique Montes.)

Discografía £

Trolebús en sentido contrario (1987)

Urbanicidio (1992)

Días oxidados (1993)

Delirium trolems (1996)

La alcantarilla (2000)

Otros o

Choluís hizo un doctorado en comunicación en la Universidad de Sevilla.

64. Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio

1985-2011 y 2014-hasta hoy, Ciudad de México

Integrantes l

Rolando Ortega «Roco» - Voz

Adrián Navarro Maycote - Percusión (1985-1995)

Aldo Acuña - Bajo

Eulalio Cervantes «Sax» - Sax, guitarra y vientos diversos

Arturo Reyes Hagen «Tiki» - Guitarra (1985-1990)

José Luis Paredes «Pacho» - Batería (1985-2000)

Enrique Montes «Pato» - Guitarra (1990-2011) (2014-hasta hoy)

Músicos de apoyo

Javier Rico - Percusión

Carlos Rivarola «Pelusa» - Percusión

Guillermo González Phillips - Guitarra

Héctor Infanzón - Piano

Javier Sosa - Batería

Julio Díaz† - Batería

Yoku Arellano - Batería

Kino Domínguez - Teclados

Jesús Méndez - Percusión

Miguel Sabbagh - Batería

Alejandro Cervantes - Teclados

Género ù

Rock mestizo, ska, reggae, funk, danzón, sones veracruzanos, bolero, raï, música africana, calipso y música afroantillana; con influencia de Ritmo Peligroso, Botellita de Jerez, Bob Marley, Son de Merengue, Trabuco, Police y Cheb Khaled, entre otros.

Historia h

En la primera mitad de la década de los años ochenta, Rolando Ortega Roco y Adrián Navarro Lobito (conocido así por ser hijo de Lobo, del grupo de música afroantillana Lobo y Melón) se conocieron cuando estudiaban juntos en el CCH Azcapotzalco. Ambos se identificaron por sus gustos musicales y pensaron en formar un grupo que mezclara el rock con otras influencias. Lobito heredó de su padre unas percusiones, un bajo Fender y un piano viejo, así que tenían la suerte de contar con alguna instrumentación para su idea, muy a pesar del deseo de la madre de Lobito, que quería que estudiara inhaloterapia, en vez de dedicarse a la música. Así que comenzaron a ensayar con amigos en una banda aún inestable. Probaron con varios nombres, como Bache Choncho y las Ponchadas, Pepe el Toro y sus Chorreadas, Fétido Complot Bizarro y otros. Uno de los integrantes de esta etapa fue un tecladista conocido como el Tejón, quien a su vez invitó a participar a su sobrino Arturo Reyes, guitarrista mejor conocido como el Tiki. José Luis Paredes Pacho, que por entonces se dedicaba a la fotografía y la actuación, también se incorporó tocando el clarinete, aunque al salir Iram, el baterista en turno, tomó su lugar. El argentino radicado en México, Aldo Acuña, guitarrista de la banda punk Madres y Comadres, de Guadalajara, que visitó la capital del país, también se incorporó como bajista en esta agrupación en formación. Fue así como comenzaron a utilizar el nombre de Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, como un homenaje a las tragicomedias y las radionovelas mexicanas. Vivir en una vecindad, y más en el quinto patio, era una referencia a la situación más precaria que pudiera tener un habitante de la gran urbe. Su música siguió los pasos de bandas como Ritmo Peligroso y Botellita de Jerez, que combinaban estilos contemporáneos como el rock, el ska o el funk con géneros ligados a la cultura popular.

Decidieron grabar una maqueta en el estudio de Federico Luna, en la colonia Roma. A media cuadra del lugar, donde comúnmente solían comprar quesadillas, había un edificio en el cual vivía un par de jóvenes de San Luis Potosí. Un día se les acercó uno de ellos, Eulalio Cervantes, y les comentó que era saxofonista y que si lo dejaban presenciar su grabación. El grupo aceptó y se apareció con todo y sax en una sesión. Incrédulos, los miembros del grupo lo dejaron tocar algo y después de esto, encantados, lo invitaron a colaborar con Maldita. En esos primeros días, los amigos de Eulalio Sax, que formaban juntos una sección de vientos, llegaron a tocar de manera intermitente en el grupo y al final sólo Sax se integró permanentemente. De esta manera, la banda se convirtió en un sexteto que estaba por escribir su historia. La maqueta que estaban grabando con Luna nunca se terminó.

Sus primeros conciertos fueron en apoyo al movimiento en pro de los damnificados por los terremotos de septiembre de 1985. Desde entonces siempre han sido una banda identificada con causas sociales, tocando en eventos y en marchas universitarias y de organizaciones de izquierda. Se les podía ver frecuentemente programados en la cartelera del Bar 9, en Rockotitlán, en salones de baile, en algunos hoyos fonqui o en los conciertos del SUTIN, con la organización de los hermanos Barajas, que posteriormente harían el LUCC (La Última Carcajada de la Cumbancha).

Se acercaron a la discográfica CBS, donde hicieron una audición. La empresa mostró cierto interés en grabarlos, pero con una serie de condiciones que ellos consideraron inaceptables. Pasó el tiempo y, hacia 1987, la discográfica transnacional BMG Ariola comenzó a firmar contratos con bandas mexicanas como parte de la campaña mercadotécnica Rock en tu Idioma, con la cual buscaban impulsar la entrada de bandas de rock español y argentino, así como de grupos locales, en el mercado mexicano. Maldita Vecindad, junto a Caifanes y Alquimia, fueron de las primeras fichadas por el productor argentino Óscar López. A ellos les gustó que, en este caso, prometieron no meterse con su concepto, ni su apariencia, como habían pretendido los de CBS. La única condición fue que trabajaran con un productor, lo cual aceptaron. Éste fue el argentino Gustavo Santaolalla, que trabajaba en mancuerna con Aníbal Kerpel. En 1989 salió al mercado su disco debut homónimo, grabado en el estudio Crystal, en la Ciudad de México, y mezclado en los estudios Bla Bla Bla, de Nueva York.

Tras la aparición de este disco, Tiki salió del grupo, así que acudieron a Enrique Montes Pato, exguitarrista de Trolebús, que por esos días acompañaba a Nina Galindo, para que los apoyara provisionalmente, en lo que hacían audición a otros guitarristas. En eso, el grupo tuvo la oportunidad de hacer un par de presentaciones en Estados Unidos y ninguno de los prospectos tenía sus papeles en regla para viajar. Pato, que sí podía hacerlo, dejó un suplente con Nina Galindo y se fue con ellos. Esto marcó su integración oficial a Maldita.

A diferencia de su trabajo con Trolebús, Pato se encontró con un grupo que partía de la improvisación organizada, de la cual salían ideas de todos los integrantes, funcionando como un taller creativo. De ahí que los temas se firmaran por todos, es decir, por Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio. «Yo solía escuchar canto nuevo y canción andina. Un día, llegando a ensayar, venía oyendo “Sueño con serpientes”, de Silvio Rodríguez, que está en mi menor, y me puse a jugar con la guitarra tratando de hacer, más que un bolero, una milonga. En eso llegó Sax que venía “en vivo” de algún lado, por ahí. Comenzamos a palomear y de ahí comenzó a tomar forma "Kumbala".» (Pato, en conversación conmigo.)

Maldita era un grupo con una personalidad singular y no era fácil encasillarlos. Cuando hicieron la gira Rock de los 90’s, junto a Caifanes, Amantes de Lola y Fobia, entre otros, preferían abrir, por sentirse un poco fuera de lugar. Los mismos organizadores no sabían dónde ponerlos.

El concepto visual comenzó a definirse por la estética del pachuco, la cultura chicana y el zoot suit. Tin Tán se volvió un referente en la ropa que comenzaron a usar y las alusiones a la Época de Oro del cine mexicano fueron definiendo un concepto fuerte que surgiría claramente en su siguiente disco, El circo, de 1991, también producido por la dupla Santaolalla y Kerpel. Para este disco, la empresa había reducido el presupuesto de producción, ya que no se cubrieron las expectativas generadas para el primer álbum. Fue grabado en el estudio Crystal, en la Ciudad de México, además de Mad Dog Studio y Entourage Studio, en Venice y North Hollywood, respectivamente, ambos en California. Se mezcló en Can-Am Recorders Inc. en Tarzana, California.

Un día, en Guadalajara, estábamos Sax y yo en nuestro cuarto de hotel escuchando un casete con una mezcla previa de El circo, antes de su salida. A los dos nos latía, pero recuerdo a Sax diciendo: «No, pues, con lo que se está escuchando ahorita y lo que estamos tocando nosotros, lo van a tirar a la calle». Y yo le contestaba: «Qué güey, con que nos guste lo que hacemos… pero compara “Kumbala” con “Persiana americana” o “Sufre mamón”. ¿Qué tenemos que ver con eso?» [Pato refiriéndose a la poca confianza que tenían entonces con respecto a lo que sucedería con la salida del disco El circo.]

Pocos esperaban el éxito comercial del disco, que después de un inicio flojo, alcanzó a vender más de un millón de copias.

En 1992 se presentaron en el deportivo Cuauhtémoc y en el teatro al aire libre Ángela Peralta, de la Ciudad de México, junto a los grupos Mano Negra y Los Fabulosos Cadillacs. Viajaron por toda la República mexicana apareciendo en palenques y teatros del pueblo. Volvieron a Estados Unidos, llegando a alternar con INXS, Bob Dylan, Sonic Youth, Madness, Faith No More y Jane’s Addiction. También viajaron al viejo continente e hicieron una serie de tocadas en clubes y festivales en Portugal, Italia, España, Suiza, Austria, Alemania, Bélgica, Holanda, Francia, Suecia, Noruega, Dinamarca, Inglaterra e Irlanda, abriendo espacios para bandas latinoamericanas que hasta entonces no habían tocado en Europa. En esa época los representaba Marusa Reyes, en México, y en el extranjero fueron manejados por la agencia William Morris.

Como consecuencia de estos viajes, en 1993 salió al mercado el disco en vivo Gira: pata de perro, que presentaron durante tres noches consecutivas en el Auditorio Nacional con lleno total. Ese mismo año tocaron en la fiesta de inauguración de MTV Latino junto a Elton John y Jon Secada.

En 1994 grabaron un disco producido por Bill Laswell en Nueva York. Este trabajo corrió con la mala suerte de ser enlatado por un pleito legal entre la compañía discográfica y Laswell debido a desacuerdos en el costo de la producción, teniendo al grupo en medio del problema, mientras veían cómo su esfuerzo creativo se archivaba por tiempo indefinido.

Al estar en la vorágine de las presentaciones continuas, a la banda no le quedaba mucho tiempo para componer, por lo que la salida de un nuevo disco tendría que esperar por un tiempo.

A partir del alzamiento del EZLN, a comienzos de 1994, Maldita Vecindad se unió al esfuerzo de varios grupos de rock mexicano como Santa Sabina, Botellita de Jerez, Fratta, La Lupita, Café Tacvba, Estrambóticos, Rastrillos y otros que, junto a los estudiantes de la UNAM, autodenominados la Caravana Ricardo Pozas, crearon Serpiente sobre Ruedas, colectivo que durante el siguiente par de años organizó conciertos, así como colectas de víveres y dinero para las comunidades desplazadas por el conflicto.

Para 1995 tuvo que salir Lobito del grupo, ya que comenzó a sufrir de tendinitis, que lo imposibilitó para seguir tocando. En su lugar entró el percusionista Javier Rico, como músico de apoyo.

En 1996 entraron al estudio para grabar Baile de máscaras, producido por David Z (Prince, Collective Soul) en Memphis, Tennessee. Ese mismo año salió el álbum de su presentación en el programa de MTV Latino, Unplugged, en el que aparecieron como invitados el percusionista argentino Carlos Rivarola, el guitarrista Guillermo González Phillips (Banda Elástica) y el jazzista Héctor Infanzón en el piano. En los ensayos participó Jorge Cox Gaitán, pero no pudo tener a tiempo sus papeles para viajar a Miami, donde se realizó el programa. Así que contrataron a último momento, en dicha ciudad, al violinista colombiano Jorge Figueroa.

Siguió el disco Mostros, en 1998, producido por Michael Brook, un especialista cercano a las fusiones de música por su trabajo en Real World, de Peter Gabriel. Fue grabado en Estudio 19, en la Ciudad de México, y mezclado en Sunset Sound Factory Studios, en Los Ángeles.

A mediados de la década de los noventa, Pato se hizo de un carro Ford Fairlane 1957, al que pintó como los taxis de la época conocidos como «cocodrilos». Éste se convirtió en un personaje más del grupo, al cual le compusieron el tema «El cocodrilo», sencillo con el que promovieron esta producción. Con este material terminó la relación con BMG Ariola, por lo que recibieron su carta de retiro.

Tras la salida de Mostros, se presentaron en España, Colombia, Perú, Costa Rica, Honduras, Guatemala, Panamá, así como en foros de Estados Unidos.

Comenzaron el nuevo milenio acortando su nombre a Maldita Vecindad. Funcionaron como un colectivo en la toma de decisiones, apoyados por Ileana Gordillo. Pato estuvo a cargo del manejo administrativo. Por su cuenta, Pacho, uno de los miembros fundadores, decidió salir. En su lugar entró Javier Sosa, quien duró con ellos un año, y le siguieron varios más, entre los que estuvieron Julio Díaz (exSanta Sabina) y Yoku Arellano (Los de Abajo).

En 2002 aportaron la canción «Con sólo tocarte», para el soundtrack de la película Asesino en serio. En 2004 salió la compilación El tiempo vive en la memoria 1989-2004: 15 años de éxitos Maldita Vecindad. En 2006 participaron en el disco tributo a Tin Tán llamado Viva Tin Tán, con el tema «Los agachados».

Eran una banda independiente que, además, tenía gran influencia en un naciente movimiento de nuevos grupos de ska en México. Continuaron trabajando sin hacer una nueva producción discográfica, hasta que en 2008 produjeron, de manera autogestiva, el disco Circular colectivo, cuya producción corrió a cargo de Greg Landau y que salió hasta 2009, distribuido por el sello Terrícolas Inteligentes. Se grabó en los estudios Coast Recorders y Music Orange, en San Francisco. Lo presentaron en el Autódromo Hermanos Rodríguez, justo antes de la transmisión del Superbowl de ese año, mismo que fue proyectado a los asistentes del evento en pantallas gigantes. Salió al mercado en una circunstancia diferente, ya que el disco compacto comenzó a desaparecer y la comercialización de la música se desplazó hacia la venta digital. Estas circunstancias han hecho de este trabajo quizá el menos conocido de Maldita Vecindad.

Ese 2008 Maldita Vecindad cerró el Festival Vive Latino con una transmisión por televisión a más de 60 países. Como cabeza de cartel de la gira Rock Campeonato Telcel, Maldita Vecindad visitó en 2009 buena parte de México. En 2010 comenzó a hacer los preparativos para el festejo de sus 25 años de carrera sin interrupciones.

Sin embargo, al llegar el año 2011, el grupo se encontraba en un punto de gran desgaste, por lo cual decidieron tomar un receso indefinido, cancelando las presentaciones programadas e incluso el festejo de los 25 años que se realizaría en diciembre de ese año, en el Palacio de los Deportes. Se llegó a mencionar que era la separación definitiva de Maldita Vecindad. Sin embargo, ellos mismos mencionaron en reiteradas ocasiones que esto no era así.

Durante los siguientes tres años se dedicaron a darle seguimiento a proyectos alternos, como Los Malditos Cocodrilos (Pato, Aldo y Sax) y Sonidero Meztizo (Roco, su pareja sentimental, la chilena Moyenei Valdés, y Yoku Arellano).

Ante la pregunta de si realmente no hubo un pleito entre los integrantes de Maldita Vecindad, Pato me respondió: «Nosotros siempre nos habíamos peleado, Maldita siempre ha sido una banda super punk en ese sentido y llegó a haber hasta batallas campales entre nosotros, pero no pasaba a mayores. Teníamos incluso nuestros encuentros pugilísticos, pero hasta ahí, como en una pandilla, como hermanos peleándose. Después nos íbamos al cine como si nada. Pero no quisimos que esa misma dinámica nos llevara a una situación irreversible en esa circunstancia de desgaste y fue cuando decidimos mejor parar».

En 2014 regresaron para festejar sus 30 años de existencia en el Festival Vive Latino y se dieron cuenta de que querían volver a trabajar juntos, por lo que desde entonces no han dejado de presentarse.

En 2016, a la par de la gira de los 30 años, que ya lleva dos, festejaron los 25 años del lanzamiento del disco El circo con dos conciertos en la Carpa Astros, de la Ciudad de México, de los cuales están por sacar un DVD. Han hecho una gira por carpas en mancuerna con el Circo Atayde continuando este festejo. También tienen planeado sacar aquel disco inédito de 1994, ya que, al parecer, han logrado destrabar las negociaciones para su lanzamiento.

Discografía £

Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio (1989)

El circo (1991)

Baile de máscaras (1996)

Mostros (1998)

Circular colectivo (2009)

En vivo

Gira: pata de perro (1993)

MTV Unplugged (1996)

Otras grabaciones

Armando Manzanero y sus amigos (1993), compilación, con el tema «Esta tarde vi llover»

Rock en español: lo mejor de Maldita Vecindad (1995), recopilación

Juntos por Chiapas (1995), compilación, con el tema «La tormenta»

Un tributo (a José José) (1998), compilación, con el tema «Lo pasado, pasado»

Rock mexicano. Lo mejor de La Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio (2001), recopilación

El más grande homenaje a Los Tigres del Norte (2001), compilación, con el tema «El circo»

El tiempo vive en la memoria 1989-2004: 15 años de éxitos Maldita Vecindad (2004), recopilación

20 Éxitos originales (2005), recopilación

Viva Tin Tán (2006), compilación, con el tema «Los agachados»

Lo esencial (2007), recopilación edición importada

Lo esencial (2008), remasterizado

Otros o

Tras el receso de 2011, Roco se concentró en el proyecto Sonidero Meztizo, grabando algunos temas con sus respectivos videos. Con ellos organizó un evento en defensa de Wirikuta, en el Foro Sol, de la Ciudad de México, ante más de 60 mil personas, por lo que recibieron Las Lunas del Auditorio Nacional 2012. También grabó los temas «Cherán» y «Hazla de tos» para el disco Electro jarocho, que fue nominado al Grammy 2012. En el pasado ha colaborado en A la izquierda de la Tierra, junto a Panteón Rococó; Alma en fuego, junto a Inspector y Café Tacvba, y Apa’chamba, junto a Tokadiscos.

Sax ha tenido colaboraciones con los grupos Caifanes, Víctimas del Dr. Cerebro, los Enanitos Verdes, Tex Tex, Haragán y Cía., Los Tigres del Norte y Acapulco Tropical. Desde 1992 comenzó a producir; el disco No!, de Tijuana No, fue su primer trabajo.

Pato participó en el disco Latin ska force del grupo Los de Abajo.

Por otra parte, el grupo ha colaborado en los discos Pachuco boogie sounds system del grupo Los Skarnales y en Majikakonvinazion del grupo Butumbaba.

Pato, Aldo y Sax crearon a Los Malditos Cocodrilos entre 2011 y 2014.

65. Ninot

1986-1990, Ciudad de México

Integrantes l

Enric Rodamilans - Bajo y voz

Jarris Margalli - Guitarra y voz

Carlos Walraven - Batería

Fratta - Teclados y voz (1998-1990)

Rafael Campos - Teclados, guitarra y voz (unos meses en 1987)

Género ù

Rock pop, dark, tecno pop, nueva psicodelia, pop coyoacanense; con influencias de british rock, The Cars y el surrealismo de Buñuel.

Historia h

Enric Rodamilans grabó el disco These are the future spaces, durante junio de 1986 en Londres, Inglaterra, con el nombre de Ninot como seudónimo. Invitó a Carlos Walraven en la batería y a Jarris Margalli en la guitarra y voces de apoyo. El disco contuvo temas en inglés y el tiraje fue de mil ejemplares. Se distribuyó de manera subterránea de la siguiente forma: 70% en Londres, 10% en Barcelona y el restante 20% en la Ciudad de México.

Para promoverlo en México volvió a convocar a Carlos y a Jarris para formar, ahora sí, el trío Ninot. Poco después, comenzaron a componer material nuevo en español. Durante 1986 y 1987 tocaron en fiestas-conciertos y en los pocos foros que existían.

Ese 1987 Ninot alternó con el grupo español Radio Futura, ante doce mil espectadores, en el Hotel de México.

El grupo resultó finalista del Primer Festival de Música Pop Yamaha y obtuvo el premio especial al Mejor Instrumentista, otorgado a Jarris. También fueron nombrados Grupo Revelación de 1987 por los medios de comunicación Radio Educación, Rock Agenda 88 y la revista Encuentro.

Para 1988 entró Fratta como tecladista y grabaron en español, ya como grupo, y no como un proyecto experimental de Enric, su LP MIL MARIONETAS. Fue una producción independiente, editada por discos Pentagrama y grabada durante los meses de julio y agosto.

Hicieron su primera gira fuera del país a Guatemala, invitados por la primera dama, Raquel de Cerezo, para participar en un festival navideño, presentándose en dos ocasiones ante ocho mil espectadores, aproximadamente.

En 1999 repitieron su visita al país del sur y participaron representando a México en el Festival Juventud ’89, en la Plaza Mayor de Guatemala, alternando con grupos de Colombia, México, Argentina y locales, ante más de 40 mil espectadores. Este festival representó el inicio del renacimiento del rock en Guatemala, estancado más de una década por la invasión de la música disco.

También en ese año, por convocatoria del Grupo Cultural Ente, se entregó por primera vez el Premio Sol de Neón a los músicos más destacados del año dentro del movimiento del rock en México. Ninot figuró dentro de la terna a mejor video, junto con Ritmo Peligroso y Caifanes.

El grupo apareció continuamente en programas juveniles y nocturnos de Televisa, pero fue en Imevisión donde les dieron constante apoyo incondicional y sin firmar ninguna exclusividad.

Hicieron un video del sencillo «Así como tú» (1988/89), animación en plastilina y dibujos que fue considerado innovador para su tiempo y ganador del Premio Nuestro Rock.

Al no tener el apoyo de una compañía transnacional, como fue el caso de otros grupos ligados a la campaña Rock en tu Idioma, así como el desgaste interno y las diferencias personales entre sus integrantes, se planteó la desintegración del grupo en 1989. Volvieron a aparecer en 1990 para un único concierto de despedida en Rockotitlán, donde hubo lleno total.

En 2001 la banda se reencontró para ofrecer una presentación en el Hard Rock Café, al lado de Guillotina, Ansia y Consumatum Est.

Discografía £

These are the future spaces (1986)

Mil marionetas (1988)

66. Splash

1986-1999, Cancún, Quintana Roo

Integrantes l

Eduardo Pérez «Lalo Splash» - Guitarra y voz

Jacinto Castañeda «Jas» - Bajo y voz

Rafael Díaz «Fallin» - Batería y voz

Género ù

Reggae; con influencia de Bob Marley, Peter Tosh, Third World, Steele Pulse y Los Negros no Hacen Silencio.

Historia h

A la mitad de la década de los años ochenta, la ciudad turística de Cancún se había convertido en un polo de atracción para muchos jóvenes del resto de la República, que migraban a este lugar buscando oportunidades cerca de la naturaleza exuberante y de bellos paisajes. Ése fue el contexto en el cual tres amigos comenzaron a tocar una mezcla de rock y reggae, influenciados por lo que escuchaban proveniente del Reino Unido, así como de un grupo bastante desconocido de la capital del país llamado Los Negros no Hacen Silencio. Inicialmente tocaban en un grupo llamado The Rising Sunsplash, en el que cantaba Monica Kessler, una alemana que había llegado a Cancún procedente de Jamaica.

Cancún era una ciudad nueva que carecía de alguna tradición musical o influencia del pasado. Pero Chetumal, la capital del estado, conocía los ritmos jamaiquinos desde la década de los años sesenta. Grupos que tocaron en la región, como Ely Combo y Beny y su Grupo, fueron los referentes cercanos que interpretaban géneros musicales de la cercana Jamaica, como el ska, el calipso y un primitivo reggae, mismos que llegaban a México vía Belice. Fue el ambiente propicio para que Lalo, Jacinto y Rafael decidieran enfocarse en el reggae y en la interpretación de temas propios. Fue entonces cuando conformaron Splash en 1986, siendo el origen de un movimiento nacional junto a otros, como Bosquimano, Rastrillos, Yerberos, Selah y Antidoping.

Existía un bar en las calles del centro, lejos de la zona turística, donde solían juntarse roqueros, hippies trasnochados, rastas y turistas despistados; se llamaba Brujos, y Splash era el grupo de casa.

Pasaron algunos años antes de que viajaran a la Ciudad de México, en diciembre de 1988, para grabar su disco debut al que llamaron El mañana y que salió editado de manera independiente hasta 1989. Para muchos, este disco es considerado el primero de reggae mexicano. Fue grabado por Pablo Romero en el estudio de Publiservicios.

En ese año viajaron a Europa. Acudieron entonces a sus amigos del grupo Selah para que los cubrieran en su ausencia, ya que en ese entonces tocaban en un lugar de Cancún llamado Cats. Se estableció una relación cercana con ellos y solían alternar. Con el tiempo, integrantes de Selah formarían el grupo Antidoping.

En 1990 Splash participó en el festival The Reggae Sunsplash, en Montego Bay, Jamaica.

Lanzaron un segundo disco al que llamaron Basta ya, en 1991, con el apoyo de Discos NCL.

Su presencia e influencia en el centro del país fue creciendo. En 1994 se incorporaron al movimiento Razteca, promovido por el grupo Los Rastrillos, a partir de su segundo festival realizado en el Lienzo Charro La Tapatía, de la Ciudad de México.

La inercia que había movido a Splash se fue diluyendo conforme avanzó la década. En el disco Razteca. Todos somos hijos del sol, de 1999, aparece una versión en vivo del tema de su primer disco «Ah, pero qué bien».

En 2009, a 20 años de la aparición de su primer disco, Splash se reunió, y desde entonces se han presentado de manera esporádica. Tal fue el caso del concierto que dieron en el Roots Jazz Club, de Cancún, en 2012.

Discografía £

El mañana (1989)

Basta ya (1991)

Otras grabaciones

Razteca . Todos somos hijos del sol (1999), compilación, con el tema «Ah, pero qué bien»

67. Arturo Huízar

1986, Ciudad de México

Género ù

Heavy metal y power metal; con influencia de Judas Priest, Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin, Iron Maiden y Scorpions, entre otros.

Historia h

Arturo Enrique Hernández, mejor conocido como Huízar, nació en la Ciudad de México el 5 de septiembre de 1957. «Yo era un niño de los que levantaban la mano en la primaria para declamar en los festivales, así me di cuenta de que podía escribir poemas desde entonces. La neta me ha gustado hacerlo de toda la vida. Y comencé haciendo descomposiciones, o sea, agarraba una rola y le cambiaba la letra original por una mía.» (Arturo Huízar entrevistado por Alejandro González Castillo para la revista Music: Life, 27 de septiembre de 2012.)

Al comienzo de la década de los años ochenta, Arturo fue parte de la banda Spectrum, en la que también tocaban el bajista Antonio Morante «la Rana» y el baterista Sergio López. Antonio había dejado Spectrum en 1983 cuando fue convocado por Raúl Greñas para formar Luzbel, cuya primera formación se separó después de un tiempo, quedando Raúl y Antonio. Al hacer audiciones para reconformar Luzbel, Antonio convocó a sus excompañeros, incorporándose Sergio y Arturo en 1984. La mancuerna de Raúl con sus poderosos riffs de guitarra, junto a las letras y la voz de Arturo fue bien recibida por el público desde el principio. Con Luzbel, Arturo se convirtió, para muchos, en el cantante de heavy metal más importante del país.

Arturo dejó Luzbel tras la salida de Pasaporte al infierno, pretextando problemas con la garganta. Sin embargo, tiempo después Raúl alegó que fue expulsado por irresponsable, ya que no quería ensayar, ni asistir a la promoción del disco. Su concierto de despedida fue en junio de 1986, en el gimnasio Nuevo León, de Monterrey.

A partir de ese momento, Arturo comenzó su carrera de solista creando su propia banda, misma a la que llamó, al principio, El Santo Oficio. Pero cuando hizo su primera grabación, el sencillo El emisario, de 1987, editado por el sello Phoenix, ya se presentaba como Huízar. En éste lanzó su versión de «Por piedad», que ya había grabado con Luzbel. Su grupo estuvo conformado por Horacio Jacobs en el bajo, Alexis Langagne en la batería, Héctor Castañón en la guitarra y Carlos Salomón en los teclados.

En ese tiempo, el grupo de rock progresivo Iconoclasta lo invitó para grabar el disco Soliloquio, iniciando una serie de colaboraciones en los siguientes años.

En 1987, como parte de la campaña Rock en tu Idioma de BMG Ariola, se realizó el concurso del mismo nombre, en el que participó Huízar, quedando entre los primeros lugares. La maqueta del tema «No te cases con un rockanrolero», con la cual se inscribió, fue incluida en el disco 21 Grupos finalistas del concurso Rock en tu Idioma, de 1988. Esto le dio una buena proyección radiofónica.

Logró sacar su primer larga duración en 1990, al que llamó Pecado capital, editado por Discos Phoenix. Para entonces se apoyaba en César Calderón en la guitarra y los teclados, Hugo Ramírez en el bajo y Luis Guzmán en la batería. El concepto del disco giraba en torno a la lujuria en el característico estilo letrístico de Huízar.

Para el siguiente año firmó con Discos Denver para sacar el disco Al final del segundo milenio. Siguió acompañado por Hugo Calderón, además del bajista Fernando Ortega y el baterista Antonio Torner.

En ese 1991 comenzó a colaborar con el grupo RaXas como su cantante. Con ellos grabó algunos temas entre 1991 y 1993, que salieron a la luz hasta la recopilación Allá nos veremos, editada por Rilo Producciones, en 2002.

Como solista llegó a alternar en varias ocasiones con el grupo Luzbel, mismo que se separó en 1990. Raúl Greñas entonces formó el grupo Argus. En 1992 Huízar convenció a Raúl de volver a tocar como Luzbel, por lo que la banda se reunió con varios integrantes de Argus.

En 1995 salió el disco La rebelión de los desgraciados, editado por Discos Dodo, en el cual se reúnen las experiencias que tanto Raúl como Arturo acumularon en los años de distanciamiento (véase ficha de Luzbel).

Por esos años, Huízar estuvo tras la edición de varios discos en diferentes compañías discográficas, no todos afortunados, en los que sacó a la luz viejas grabaciones de baja calidad, pistas para karaoke y refritos de Luzbel.

En el año 2000 salió Tiempo de la bestia, usando el nombre de Lvzbel con temas inéditos, editado por Discos Denver. Para entonces continuaba colaborando con Huízar el guitarrista Ricardo III, además de Víctor Pig Stick en la batería, Claudio Pérez en el bajo y Guillermo Jácome en otra guitarra.

Pasado sin destino salió en 2001 como disco doble compilatorio de Huízar en el que también aparece el tema que le da nombre a esta producción, realizada en su etapa con RaXaS. Fue editado por Discos Denver. El siguiente año salió el disco doble compilatorio Allá nos veremos, del grupo RaXas, en el cual Huízar apareció en varios temas grabados en su paso por ese grupo, entre 1991 y 1993.

Con Lvzbel siguió el disco tributo al grupo británico Judas Priest, Mirada eléctrica, de 2004, editado por el sello Conamusic y reeditado tres años después por Discos Denver. Para este trabajo contó con el apoyo de Ricardo III, además de sus excompañeros de Luzbel, Alejandro Vázquez en la batería y Zito Martínez en el bajo.

En 2006 salió Tentaciones, el último disco de estudio como Lvzbel, que explora temáticamente los pecados capitales. Fue editado por el sello Cona Music, con distribución de Discos Denver. Intervinieron Claudio Pérez, Pig Stick, Ricardo III y Ernesto Escotto, en la segunda guitarra.

En 2010 Huízar sacó, como Lvzbel, otra compilación con temas de Luzbel a la que llamó Vlvstrvm, editado por Cona Music. Asimismo, salieron los compilados 15 Éxitos y 25 Éxitos, con Discos Denver y Discos Mosart, respectivamente, en 2011.

También ha tenido algunas participaciones con otras bandas, como es el caso del grupo Stahl Metal, en el que colaboró como músico invitado en los discos Metal de acero, de 2007, y Homicida, de 2011.

Al final de 2012, en medio del pleito, Raúl Greñas logró conformar de nuevo al grupo Luzbel después de un intento fallido en 2003 y salió al mercado con nuevas grabaciones. La polarización entre las bandas de Arturo Huízar y la de Raúl Greñas se hizo más aguda hasta que, en diciembre de 2015, Indautor le dio los derechos del nombre Luzbel a Raúl Greñas y prohibió a Arturo Huízar utilizar ése o algún otro nombre parecido.

Tras este descalabro, Arturo ha seguido presentándose en vivo como Huízar y no ha editado nuevo material.

Discografía £

Con Luzbel

Metal caído del cielo (1985), sencillo

Pasaporte al infierno (1986)

La rebelión de los desgraciados (1995)

Como Huízar

El emisario (1987), EP

21 Grupos finalistas del concurso Rock en tu Idioma (1988), acoplado, con el tema «No te cases con un rockanrolero»

Pecado capital (1990)

Al final del segundo milenio (1991)

Pasado sin destino (2001)

Como Lvzbel

Evangelio nocturno (1998)

Tiempo de la bestia (2000)

Mirada eléctrica (2004)

Tentaciones (2006)

Con Ultratumba

Museo de los despojados (1997)

Con Iconoclasta

Soliloquio (1987)

Otras grabaciones como Huízar

Pasado sin destino (2002), compilado

Otras grabaciones como Lvzbel

Vivo y desnudo, vol. 1 (1999), en vivo

Vivo y desnudo, vol. 2 (1999), en vivo

Guerrero callejero (2000), compilado

1985-1999. Pistas musicales (2000)

En vivo desde Quito, Ecuador (2001)

Historial negro (2001), compilado

Vlvstrvm (2010), compilado

15 Éxitos (2011)

25 Éxitos (2011)

Con RaXaS

Allá nos veremos (2002), compilado

68. Sangre Asteka

1986-1992, Ciudad de México

Integrantes l

Humberto Álvarez - Acordeón y voz

José Manuel Aguilera - Guitarra y voz (1987-1992)

Jesús González - Guitarra (1986)

Mingo Nieto - Bajo (1986)

Lorenzo «el Pollo» Lagrava - Bajo (1987)

Federico Fong - Bajo (1989)

Daniel Soberanes - Bajo (1989-1991)

Tizoc Briseño - Batería (1987-1989)

Federico Luna - Batería (1987-1989)

Bola Domene - Batería (1989-1990)

Julio Morán - Batería (1992)

Alda Reuter - Percusión (1989-1991)

Género ù

Rock mexicano, rock pop, rock híbrido; con influencias de polca norteña, progresivo, rock latino y new wave.

Historia h

Humberto Álvarez, exMCC y Casino Shanghái, ya venía ideando desde 1986 una banda que tuviera como instrumento principal el acordeón, lo que entonces era una idea totalmente innovadora. Al proyecto lo llamaría Sangre Asteka, escribiendo azteca con «s» y con «k», porque así lo aprendió del náhuatl de Guerrero, ya que no pronuncian ni la «z» ni la «c».

Compuso algunas canciones y se aplicó a la tarea de montarlas con Jesús González en la guitarra, Mingo Nieto en el bajo y Federico Luna en la batería. Él tocaría el acordeón y cantaría. Su primer concierto fue en agosto de 1986 en el Museo del Chopo. Entre el público estaba el guitarrista José Manuel Aguilera, que Perico, su excompañero en MCC le había presentado previamente. Fue un concierto muy accidentado, pero aun así despertó el interés de José Manuel. Humberto ya había conversado previamente con él en una exposición de arte e intercambiaron puntos de vista, dándose cuenta en sus coincidencias respecto a sus necesidades creativas.

Al comienzo de 1987 Humberto y José Manuel comenzaron a componer juntos y convocaron al Pollo Lagrava en el bajo y a Tizoc Briseño en la batería. El sonido del grupo se redondeó al encontrar un equilibrio entre acordeón y guitarra, y entre las voces de José Manuel y Humberto. Conjugaron el rock contemporáneo con elementos de la música mexicana, principalmente la norteña.

Durante 1988 tocaron en sitios como el Bar 9, el LUCC, el Tutti Frutti, Rockotitlán y, sobre todo, en El Hijo del Cuervo. Por esos tiempos también grabaron para la serie de televisión Águila o rock, en la que tocaron «Se armaron de valor», «Huellas en el desierto» y «El siglo se acaba».

En 1989 cambiaron de integrantes. Salieron Tizoc y el Pollo, y entraron el Bola Domene y Federico Fong, con quien José Manuel seguiría trabajando en el futuro.

Después de tocar en la Feria de San Marcos, grabaron un video con el demo de «La resistencia», en una mina en las afueras de Aguascalientes. Aparecieron haciendo playback; en el bajo estuvo Michel Sokol, del grupo Perro Bomba, ya que Federico tuvo que regresar a la Ciudad de México. En ese año, alternaron con Maldita Vecindad en la FIL de Guadalajara. Luego salió Federico y entró Daniel Soberanes en el bajo, junto a su pareja, la percusionista Alda Reuter.

En 1990 viajaron a California para grabar un disco, que les produciría Bob Stark. Llegaron sin baterista y contrataron a Ron Bartlett, en Los Ángeles, músico de sesión con quien montaron las baterías en una semana, para después irse a grabar al estudio Signatura Sound, en San Diego, estudio de grabación de Luis Arteaga, antiguo guitarrista del grupo El Fracaso y, en muchos sentidos, mentor de José Manuel. Al terminar, Daniel y Alda ya no volvieron a la Ciudad de México. La banda vivía una etapa de dispersión de sus integrantes. Mientras encontraban cómo lanzar su disco, José Manuel se embarcó en los extravagantes y efímeros grupos del Dr. Fanatik: La Suciedad de las Sirvientas Puercas y Cabeza. Humberto se acercó a la música etno y la cosmogonía antigua de México.

Hasta 1991 salió su primer y único disco homónimo, con distribución del sello independiente Lejos del Paraíso. Contenía 11 temas.

Era un grupazo, pero lo que lográbamos hacer en vivo no es lo que está en el disco, es un disco al que entramos sin productor; sirve como un documento de ciertas cosas; pero la onda que proyectaba el grupo, la energía que tenía en vivo, esta sensación de estar pisando terrenos nuevos, esta posibilidad de hacer cosas medio sinfónicas que de pronto se alejaban del rock y siempre con estos instrumentos, generaba una cosa más interesante de lo que quedó en el disco. Éste es un documento pálido de lo que en realidad era la banda y había mucho más que dar. [José Manuel Aguilera en el libro de David Cortés La vida en La Barranca, 2008.]

En ese mismo año, la prensa especializada le otorgó a Humberto Álvarez el Sol de Neón en el Auditorio Nacional, de la Ciudad de México, como Mejor Instrumentista (acordeón).

En 1992, con Julio Morán en la batería, viajaron a Honduras y luego a Nueva York, donde tocaron en el Bar SOB’s, como parte del New Music Semminar, alternando con Café Tacvba. Es en este sitio donde robaron una guitarra a José Manuel, suceso que inspiraría posteriormente la composición de la canción «Día negro», en su futuro grupo, La Barranca.

Las diferencias creativas entre Humberto y José Manuel crecieron y la banda se separó en 1992, cuando Humberto, harto de tocar rock, decidió irse a vivir a Malinalco, Estado de México.

José Manuel Aguilera comenta al respecto en el libro de David Cortés La vida en La Barranca: «En el caso de Sangre Asteka había dos problemas, uno de índole personal y otro musical, que finalmente fueron irreconciliables. De un lado, Humberto ya no quería vivir aquí, lo cual complicaba mucho la situación, incluso ya no quería tocar, concretamente no quería tocar rock, que ésa era la otra parte irresoluble del conflicto; yo sí quería seguir tocando rock, quería seguir haciendo música, quería seguir en la onda de hacer una banda».

En 2013 Humberto celebró sus 30 años de carrera musical en el Museo Universitario del Chopo, teniendo como invitado especial a José Manuel, con quien tocó tres canciones de Sangre Asteka.

Discografía £

Sangre Asteka (1991)

Otros o

José Manuel Aguilera haría junto a Jaime López el disco Odio fonky, tocaría con Steven Brown en Nine Rain, colaboraría con Jaguares y crearía su proyecto principal: La Barranca.

Humberto Álvarez ha grabado discos como solista en los terrenos de la música prehispánica y norteña. Es un sonoterapeuta certificado.

69. Maná

1987, Guadalajara, Jalisco

Integrantes l

José Fernando Emilio Olvera Sierra «Fher» - Voz, guitarra y armónica

Juan Diego Calleros Ramos - Bajo

Álex «el Animal» González Trujillo - Batería, voz, coros, percusiones

Ulises Calleros - Guitarra (1987-1992)

César López «el Vampiro» - Guitarra (1992-1994)

Iván González - Teclados (1990-1994)

Sergio Vallín Loera - Guitarra, coros (1995-hasta hoy)

Músicos de apoyo

Juan Carlos Toribio - Teclados

Gustavo Orozco - Guitarra

Sheila Ríos - Coros

Luis Conte - Percusión

Fernando Vallín - Guitarra y coros

Héctor Quintana - Coros y percusión

Género ù

Rock, rock pop, techno, pop, balada rock, bolero, rumba, reggae, mariachi, bachata y demás ritmos latinos; con influencia de The Beatles, The Rolling Stones, Peter Gabriel, U2, The Police, A-Ha, Juan Gabriel, Carlos Santana, Shakira, Zuccero, Juan Luis Guerra y José Alfredo Jiménez.

Historia h

Maná significa «energía positiva» en polinesio. Ése fue el nombre que a los exSombrero Verde (véase ficha en el volumen 1) les gustó para dar un giro conceptual a su vieja banda, que implicaba combinar el rock con ritmos afrolatinos y mexicanos. Tomaba fuerza la campaña publicitaria de Rock en tu Idioma promovida por la discográfica BMG Ariola y ellos no estaban dispuestos a quedar fuera del boom, es decir, del interés creciente del público hacia un rock comercial y en español.

En ese contexto sacaron su primer disco homónimo con la discográfica PolyGram, en 1987, ya con el nombre de Maná. Fue producido por Guillermo Gil y Juan Carlos Alonso, grabado en los estudios Lagab y mezclado por Paul McKenna en Metropolis Recorders, en Los Ángeles. Tuvieron como músicos invitados a Juan Carlos Toribio en los teclados, Beto Domínguez en la percusión, Guillermo Espinoza y Carlos García Súper Ratón en las trompetas, Nando Hernández en el synt bass, Sheila Ríos y Gabriela Martínez en los coros y Sergio Wibo en la guitarra.

El grupo no quedó muy conforme con la manera en que trabajaron y los resultados en ventas fueron pobres, por lo que pidieron la carta de retiro en PolyGram y migraron a Warner Music. Tras la mala experiencia, Fher y Alex decidieron involucrarse más en la producción de su siguiente disco, trabajando en mancuerna con Guillermo Gil. Falta amor fue grabado nuevamente en los estudios Lagab y mezclado en los estudios West Lake Audio y TMP, en Los Ángeles, durante 1989. Salió a la venta en 1990. Contaron con la participación de los invitados Eugenio Toussaint† en el piano y los arreglos de metales, Álex Lora en la voz, Beto Domínguez en la percusión, Iván González y Juan Carlos Toribio en los teclados, Paco Rosas y Sergio Wibo en las guitarras, Carlos García, Chucho Aguirre y Memo Espinoza como sección de metales y Guillermo Gil, Shelia Ríos y Pinky en los coros. Con el apoyo de Warner, «Rayando el sol» y «Perdido en un barco» se convirtieron en los primeros éxitos comerciales de Maná.

Siguió una gira por 112 plazas en la República mexicana y viajaron a Ecuador, donde se presentaron en el Coliseo General Rumiñahui, de Quito. Ahí descubrieron que su música podía traspasar fronteras.

Con la intención de profesionalizar el manejo de la banda, se tomó la decisión de que Ulises dejara su puesto como guitarrista para convertirse en su representante. En su lugar entró César López, mejor conocido como el Vampiro (exAzul Violeta) y también entró Iván González en los teclados.

Si con Falta amor habían logrado una buena respuesta del público, con ¿Dónde jugarán los niños?, de 1992, llegó un parteaguas en la proyección de la banda, no sólo hacia México sino hacia otros países de habla hispana. Fue producido por Álex, Fher y José Quintana en los estudios Devonshire y Ocean Way Recording, en Los Ángeles. Como músicos invitados estuvieron Ramón Flores en la trompeta, Sheila Ríos en los coros y Luis Conte en la percusión.

Durante 97 semanas, ¿Dónde jugarán los niños? estuvo considerado como uno de los discos más vendidos en Latinoamérica, según la revista Billboard. En 1993 emprendieron su primera gran gira mundial al visitar 17 países, para completar un total de 268 conciertos.

En ese ganaron el premio al Mejor Video del año en los MTV Video Music Awards por el video del tema «Vivir sin aire».

En abril de 1994 se separaron del grupo Iván y el Vampiro; el primero, para integrarse al grupo Azul Violeta, y el segundo, para regresar al mismo. Así que Maná se reestructuró con la inclusión de Juan Carlos Toribio en los teclados, Gustavo Orozco en la guitarra y Sheila Ríos en los coros.

Entre agosto y septiembre de 1994 grabaron sus presentaciones en San Diego, Chicago, Buenos Aires, Santiago y Barcelona, con los cuales sacaron al mercado el disco En vivo, con el que ganaron el Premio al Álbum Pop/Rock Latino del año de la revista Billboard.

Comenzaron a hacer audiciones para guitarristas en todo el continente. Sergio Vallín Loera, de Aguascalientes, fue el elegido para incorporarse a Maná. Inmediatamente se pusieron a trabajar en su siguiente producción: Cuando los ángeles lloran, editado en 1995. Producido por Álex y Fher y coproducido por José Quintana. Fue grabado y mezclado entre Los Ángeles y Puerto Vallarta, en los estudios Record Plant, Funny Farm y Puerta Azul Movile, por Paul McKenna.

El resto del año visitaron 13 países para dar 52 conciertos y lograr llenos totales en cada uno. Entre esas presentaciones estuvieron la de Suiza en el Festival de Jazz de Montreaux, y en Cannes, Francia, en el Midem.

Aprovechando la relevancia que el grupo ganaba en los medios de comunicación masiva, y con la idea de crear conciencia por el deterioro del planeta, en ese año crearon la Fundación Ecológica Selva Negra, con la dirección de Mai González y Augusto Benavides, para financiar y apoyar proyectos destinados a proteger el medio ambiente.

También hicieron una versión del tema «Celoso», que en el pasado interpretara el trío Los Panchos, que fue incluido en la película My family, del afamado director de cine Francis Ford Coppola. Además, participaron en un disco tributo al grupo británico Led Zeppelin llamado Encomium, con su versión del tema «Fool in the rain».

Para 1996 continuaron su gira, esta vez por toda la República mexicana y Estados Unidos. Para entonces, la revista Billboard los seguía premiando y ya tenían en su haber seis galardones. Al regresar a México anunciaron la salida de su sitio web. El grupo gozaba de un apoyo poco común para una banda latinoamericana en los medios de comunicación de Estados Unidos. La labor promocional de Warner Music internacional y la aceptación del público estaban dando a Maná muy buenos resultados comerciales. Por entonces, pocos grupos mexicanos podían presumir de un éxito en esos términos.

Dada su buena experiencia al hacer algunas grabaciones de su disco anterior en Puerto Vallarta, en 1997 decidieron rentar una casa en Conchas Chinas, Jalisco, con una espectacular vista a Bahía de Banderas para hacer demos y algunos registros de lo que sería su siguiente disco: Sueños líquidos. Se terminó de producir en los Conway y A&M Studios. Esta vez Álex y Fher se acompañaron de Benny Faccone para producirlo. El disco fue lanzado simultáneamente en 36 países. La portada, cuyas imágenes fueron proporcionadas por el pintor cubano Waldo Saavedra, generó cierto escándalo algunos años después, cuando la modelo que representó a una sirena de cuatro brazos, y que apareció con el torso desnudo en las hojas interiores del booklet, resultó ser Letizia Ortiz Rocasolano, estudiante de periodismo que vivió por unos meses en Guadalajara y después se convirtió en la nueva reina de España. Este simple hecho resultó difícil de manejar para la Corona española.

Aparecieron en The show of Kathie Lee & Regis en Estados Unidos, que en esos días contaba con altos índices de audiencia, reforzando así la estrategia de llevar la popularidad del grupo más allá del público latinoamericano.

Comenzaron 1998 con una extensa gira por México y Sudamérica, misma que se vio interrumpida por un mes, debido a que Álex contrajo hepatitis A. La gira continuó y se presentaron por siete días consecutivos en el Auditorio Nacional, en la Ciudad de México; todo un récord para entonces.

Las opiniones en torno a Maná se fueron polarizando en el ámbito roquero mexicano, en el que muchos los consideraban más un grupo de pop que de rock. Lo cierto es que, hacia el mundo, por las circunstancias que fueran, Maná era el grupo que mejor representaba el rock pop mexicano. Y lo estaban logrando, gracias a que así se lo plantearon, más allá de las opiniones de otros.

La agencia de representación estadounidense Creative Artis Agency, que ha manejado a artistas como Eric Clapton, Madonna, Depeche Mode, Santana, Bob Dylan y George Michael, entre otros, comenzó a trabajar con ellos, organizándoles una extensa gira por Estados Unidos, que implicó 36 conciertos en 30 ciudades.

Al final del año, Fher fue invitado por Carlos Santana para colaborar en su nuevo disco, al que llamó Supernatural, componiendo el tema «Corazón espinado». El tema tuvo un impacto mundial y fue integrado al repertorio de Maná. Como resultado de esta colaboración, emprendieron una gira por Estados Unidos y México, alternando con Carlos Santana y el grupo Ozomatli.

El 9 de marzo de 1999 grabaron el programa Unplugged para la cadena de videos MTV Latinoamérica, en Miami, por lo que salió ala venta el CD/DVD Maná MTV Unplugged, con temas de sus discos anteriores, tres covers y un mano a mano de percusión entre Luis Conte y Álex, al que llamaron «Coladito». Contaron con una sección de metales y otra de cuerdas, además de la participación de Sheila en los coros, Juan Carlos Toribio en los teclados y el ya mencionado Luis Conte.

Con este disco siguió creciendo la lista de premios en Estados Unidos. El 3 de marzo de 2000 se realizó en el Estadio Azteca un concierto organizado conjuntamente por Televisa y TV Azteca al que llamaron Unidos por la Paz, del cual se editó un disco doble en 2001.

El resto del año Maná hizo una nueva gira por Sudamérica, Estados Unidos y España. A lo largo del año recibió premios por parte de Billboard, MTV Latinoamérica, Blockbuster y el Grammy Latino. También aparecieron en The tonight show, con Jay Leno, en la televisión estadounidense.

Entre 2000 y 2001 salieron los discos recopilatorios Todo grandes éxitos, Combinaciones premiadas, un disco combinado con el grupo Enanitos Verdes, y la caja Lo esencial de Maná y Grandes, cuya edición se lanzó sólo en Europa. Esto permitió que el tema «El muelle de San Blas» sonara en Italia, país que visitaron al final de 2001.

También en ese año, Fher grabó «Si ella me faltara alguna vez» en un disco tributo al cubano Pablo Milanés, con arreglos de Dagoberto González, y participó en el disco Miguel Ríos y las estrellas del rock latino, en el que cantó junto al roquero español el tema «Cuando los ángeles lloran». Álex, por su cuenta, participó en un par de temas del disco Sereno, de Miguel Bosé.

Al comienzo de 2002 se pusieron a trabajar en el material de lo que sería el disco Revolución de amor, que salió al mercado a mitad del año. Fue producido por Alex y Fher en los estudios Jim Henson, Rumbo Recorders, Canega Park, Forster Sound, Conway Studios y Fantasy Studios, en California, y en el estudio Puerta Azul, de Guadalajara. Fue grabado y mezclado por Benny Faccone y Paul McKenna, respectivamente. Contaron con la participación de Carlos Santana en la guitarra de «Justicia, tierra y libertad», Rubén Blades en la voz de «Sábanas frías», Asdrúbal Sierra y Fabio Miranda en los coros, Jorge «Chiquis» Amaro, Kim Bullard y Juan Carlos Toribio en los teclados y Luis Conte en la percusión. En esta producción se utilizaron audios de diferentes líderes mundiales, entre los que estaba el subcomandante Marcos. Sin embargo, la simpatía de Fher por Marcos terminó en 2003, cuando el guerrillero criticó la detención de seis vascos acusados de estar vinculados con el grupo terrorista ETA. Marcos, al enterarse de esto, escribió, como parte de un comunicado del Ejercito Zapatista: «Los devaneos de Maná nos tienen sin cuidado y, sobra decirlo, nos dejan i-n-a-m-o-v-i-b-l-e-s».

El cantante italiano Zucchero los invitó a participar en su tema «Baila morena», y Maná le devolvió el gesto invitándolo a grabar con ellos la versión en italiano de «Eres mi religión», que fue incluida en la edición europea de Revolución de amor.

A partir de septiembre de 2002 comenzaron una gira de dos años que, además de Latinoamérica, Estados Unidos y España, incluyó al resto de Europa y Brasil. En su paso por Europa participaron en el especial Pavarotti and Friends, junto a Zucchero y compartiendo el escenario con artistas como Bono, Eric Clapton, Ricky Martin, Andrea Boccelli y Deep Purple, entre otros.

En 2003 Fher participó en el disco Con toda el alma, de Sheila, una de las colaboradoras de Maná.

En 2004 decidieron tomarse un año sabático después de más de un par de décadas de trabajo ininterrumpido, si tomamos en cuenta su etapa como Sombrero Verde. Al terminar ese plazo, se volvieron a reunir para trabajar en una nueva producción. Así que en 2006 viajaron a Miami para grabar Amar es combatir, que adoptó como nombre un fragmento del poema Piedra del sol, de Octavio Paz (como dato curioso, cuatro años antes lo había hecho Fernando Rivera Calderón para nombrar una canción de Monocordio). El disco fue producido por Álex y Fher y fue grabado y mezclado en los estudios The Hit Factory Critiera por Thom Russo. Los músicos invitados fueron Juan Luis Guerra en el tema «Bendita luz», Albert Menéndez Esterlina en los teclados, Fernando Quintana y Luis Rey en los coros y el hermano de Sergio, Fernando Vallín, en la guitarra y el bajo sexto.

El disco fue un éxito comercial inmediato. Las ventas, a una semana de su lanzamiento, alcanzaron las 200 mil copias. A la fechase tiene un registro de dos millones de copias vendidas de este disco, que se sumaron a los 20 millones que hasta ese momento tenían vendidos de toda su discografía.

En ese se presentaron en la séptima edición de los Grammy Latinos junto a Juan Luis Guerra. Para no perder la costumbre, entre los premios que recibieron por este disco hubo Grammys latinos y americanos, premios Lo Nuestro y de la revista Billboard.

A partir de 2007, y por año y medio, Maná comenzó una nueva gira con la mayor producción que hubieran llevado, y que representó el traslado de 60 toneladas de equipo, dando 116 conciertos por América y Europa. Es de destacar el encuentro en su paso por Washington con la senadora Hillary Clinton, con quien conversaron sobre medio ambiente y migración. En su paso por Puerto Rico, se manifestaron a favor de la independencia de ese país.

Para entonces, Maná era un grupo que llenaba estadios en diferentes partes del mundo y se codeaba con artistas y políticos internacionales, abriendo caminos para los músicos mexicanos y latinoamericanos, pero estaban a la vez distantes de la escena del rock mexicano de la que surgieron y de la que algunos músicos, periodistas especializados y público, a su vez, desconocían. «Más allá de fundamentalismos, Maná sigue siendo, en definitiva, el exponente de rock mexicano de mayor proyección mundial. Fher, Juan, Álex y Sergio han llegado hasta donde han querido de la mano de un temario donde los desencuentros amorosos son ley y el desgarro que éstos producen opera como combustible para mantener el trote.» (Revista Sound: Check, 29 de abril de 2011.)

En 2008 lanzaron el CD/DVD en vivo Arde el cielo, grabado en Puerto Rico, en el Coliseo José M. Agrelot durante la gira de Amar es combatir. Contuvo los temas inéditos «Si no te hubieras ido» y «Arde el cielo», que manejaron como sencillo.

Desde ese año Maná comenzó a trabajar en su siguiente álbum. Les tomó casi tres años realizarlo con todo cuidado. Drama y luz salió al mercado en 2011. Fue grabado en distintos estudios de Estados Unidos, Brasil y México. Contó con la producción de Álex, Fher y Sergio Vallín, además de Benny Faccone y Thom Russo como ingenieros de sonido. Este material se acerca a un disco conceptual, en el sentido de contraponer los opuestos. Es uno de los trabajos mejor logrados de Maná, de no ser por el diseño de la portada, hecha por Elastic People, de Miami, que fue motivo de polémica por contener una imagen prácticamente idéntica a la de la portada de In vino veritas, del grupo austriaco Airway Lanes. Contó con la participación de una orquesta dirigida por Suzie Katayama, quien también hizo los arreglos. Como músicos invitados estuvieron Luis Conte en la percusión, Tommy Morgan en la armónica, Héctor Quintana y Carlos Munguía en los coros y Jeff Babko junto a Benjamin Muhoberac en los teclados.

En 2012, emprendieron su nueva gira. Además, salió la recopilación Exiliados en la bahía, que contiene el tema inédito «Un nuevo amanecer». Al terminar la gira de Drama y luz comenzaron a trabajar en Cama incendiada, que se grabó en 2014 y se lanzó en 2015. Siguiendo la misma lógica de su trabajo anterior, el nuevo álbum se grabó en diferentes estudios por Thom Russo y mezclado por Dave Clauss. Como músicos invitados estuvieron Luis Conte y Richie Bravo en la percusión, Arturo Montes en el acordeón, Lexa Ferrill, Ella Noriega, Jessica Petrus, Margot Rood y Steven Soph en los coros, Randy Cantor y Scott Anderson en los teclados, Pablo de la Loza y Pedro Alfonso en las cuerdas, Teddy Mulet en la trompeta y el trombón y Scotty Sanders en el steel guitar.

—Para finalizar, ¿extrañas algo de los primeros años del grupo, de la época de Rayando el sol?

—No. Claro que no. El primer disco del grupo suena horrible. Lo que todos han escuchado durante años no somos nosotros, sino las ideas de un productor que quizá tenía buenas intenciones, pero que nos borró del mapa. Si yo pudiera eliminar algo de nuestra carrera sería justamente esa etapa. Desde Falta amor, Fher y yo decidimos tomar la rienda de nuestras producciones, y si lo ubicas contextualmente eso fue como una locura, porque en 1989 la gente pensaba: «¿Éstos quiénes se creen para autoproducirse?» Pero quiénes mejor que nosotros para hacerlo. Desde entonces tomamos ese riesgo y nos funcionó tan bien que decidimos financiar nuestros álbumes hasta hoy. [Álex González Trujillo en entrevista con la revista Sound: Check, 29 de abril de 2011.]

Discografía £

Maná (1987)

Falta amor (1990)

¿Dónde jugarán los niños? (1992)

Cuando los ángeles lloran (1995)

Sueños líquidos (1997)

Revolución de amor (2002)

Amar es combatir (2006)

Drama y luz (2011)

Cama incendiada (2015)

En vivo

En vivo (1994)

Maná MTV Unplugged (1999)

Unidos por la paz (2001)

Maná: acceso total (2004)

Arde el cielo (2008), CD/DVD

Otros

Todo grandes éxitos (2000), recopilación

Grandes (2001), recopilación editada en Europa

Combinaciones premiadas (2001), split con Enanitos Verdes

Lo esencial de Maná (2001), caja recopilación

Remixes (2002)

100% Maná (2002), caja recopilación

Esenciales (2003), recopilación

Crónicas: Maná (2007), recopilación

Exiliados en la bahía (2012), recopilación

Studio Albums 1990-2011 (2013), caja recopilación

Você é Minha Religião (2013), recopilación editada en Portugal

Otros o

Maná fundó Fundación Selva Negra, en 1995, para salvar a la tortuga marina; lograron la liberación de 140 mil huevos de esta especie en la costa del Pacífico con el apoyo del gobierno mexicano. En abril 2008, Maná y la Fundación Selva Negra fueron nombrados Campeones de Salud por la Organización Panamericana de la Salud, mientras se celebraba el Día Mundial de la Salud 2008, en Washington, D. C. En octubre de 2003 fueron nombrados Embajadores de Buena Voluntad de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO).

70. Masacre 68

1987-1991, 2000, 2004-2006, 2007, 2015-hasta hoy,
Ciudad de México

Integrantes l

July - Batería (1987-1991) (2007) (2015-hasta hoy)

Virus - Guitarra, batería y voz (1987-1988) (2000) (2007) (2015-hasta hoy)

Aknez - Voz (1987-1991) (2000) (2004-2006) (2015-2016)

Trasher - Bajo (1987-1988) (2016-hasta hoy)

Chompis - Bajo y guitarra (1988-1991) (2000)

Tex - Voz (1988)

Pedro - Bajo (1988-1991) (2000) (2004-2006) (2007) (2015-2016)

Género ù

Hardcore/punk.

Historia h

Cierto día, al comienzo de 1987 en el Tianguis del Chopo se encontraron el exbaterista del grupo Histeria, mejor conocido como July, o Pelón, y el exguitarrista del grupo Caos Subterráneo, mejor conocido como Virus. Hablaron sobre su interés por crear una nueva banda y si querían integrarse. Aceptaron. Necesitaban un bajista y July pensó en Aknez, ex bajista del grupo Descontrol. En un comienzo, Virus dudó de que ésa fuera una buena elección, ya que en el pasado había tenido roces con él. Pero cuando se juntaron a ensayar, descubrieron que se integraban bien. Al no haber vocalista, Aknez comenzó a cantar. Sus compañeros se dieron cuenta de que era mejor cantante que bajista, por lo que le propusieron que fuera el vocalista de la banda y July convocó entonces a Trasher, su excompañero en Histeria, para que se encargara del bajo.

Fue Trash quien bautizó al grupo. Pensando en la matanza de estudiantes en Tlatelolco en 1968, propuso el nombre Masacre 68 y a los demás les pareció bien, mostrando desde entonces su inclinación hacia los temas de carácter político y social. Los punks comenzaron a identificarse con ellos e incluso captaron la atención del público metalero.

Moviéndose en los terrenos del hardcore/punk, grabaron un demo en ese año. Ya no sólo tocaban en la Ciudad de México, sino que comenzaron a presentarse en ciudades de la República mexicana. El demo fue tocado en el programa de radio Con los pelos de punta, transmitido por Rock 101, y comenzó a circular en muchos sitios del país, e incluso del extranjero.

Al poco tiempo, ya en 1988, Trasher salió de la banda. Tocaba simultáneamente con el grupo Atoxxxico y esto generó conflictos con sus compañeros de Masacre 68. Fue sustituido por Chompis, que venía del grupo Decadencia. También Aknez salió temporalmente. En su lugar entró como cantante Tex, que imprimió una nueva energía. Con él tocaron sólo una vez en el Estado de México, e incluso montaron el tema «Miseria», pero en realidad quería hacer de Masacre 68 otro grupo y, al oponerse July, salió de la banda. Fue cuando regresó Aknez y volvieron a pisar terreno conocido.

Comenzaron a trabajar con los colectivos Cambio Radikal Fuerza Positiva (CCRFP) y la Punk’s Not Death (PND). Hacia el final del año hubo otro cambio en sus filas. Virus decidió mudarse a Tijuana. Así que Chompis se pasó del bajo a la guitarra y entró Pedro en el bajo, que venía de tocar la guitarra y cantar en el grupo Brigada Criminal.

Con esta nueva formación, y tras un momento de desconcierto por los cambios, lograron estabilizarse y no dejaban de presentarse en la capital, su periferia y otras ciudades importantes del país, siempre generando polémica y atención hacia su trabajo. Salió el casete En vivo en Tláhuac, de 1989, que continuó expandiendo el interés de nuevo público por lo que hacían. Por esos días salían grabaciones pirata de sus conciertos y los empresarios fraudulentos llegaban a anunciarlos en sus carteles sin que la banda tuviera conocimiento, generando desconcierto al interior del grupo.

En este contexto grabaron su primer disco formal al que llamaron No estamos conformes, que salió en 1990. Es una producción independiente, que luego se reeditó con distintos sellos. La portada estuvo a cargo de Octavio Ortiz, quien se encargaría desde entonces de hacerles el diseño gráfico. Para muchos, ésta fue la etapa más sólida en el sonido de Masacre 68. Sus letras ya no eran solamente de denuncia; plantean que la solución está en nosotros mismos y proponen una actitud proactiva.

Se presentaron en un masivo en el Monumento a la Revolución en memoria de las víctimas del Halconazo de 1971. En 1990 fueron invitados a tocar junto a la banda española La Polla Records en su visita a México. Masacre 68 se encontraba en su mejor momento. A mediados de ese año fueron invitados a aportar algunos temas para el casete compilatorio de Greenpeace, llamado Die Freiheit Vol. 2, en el cual aportaron las canciones «Muerte en Pekín», «Crimen capitalista» y «Elloso nosotros».

En ese salió también el casete en vivo No al pacto, grabado en el Museo del Chopo, el 22 de marzo. Incluía canciones que tocaron en vivo, pero que no habían aparecido en ninguna producción anterior.

Con planes de grabar un nuevo disco al que llamarían Zonas marginadas, el grupo decidió separarse en 1991 al no querer seguir siendo utilizados por empresarios abusivos que seguían anunciándolos sin su consentimiento o con contrataciones sin paga. Las diferencias ideológicas entre sus integrantes también tuvieron su cuota de conflicto. Sin embargo, la fama del grupo continuó. Reaparecieron en 1995, en Santos Degollado, en un concierto para recordar a un amigo fallecido. Intentaron retomar los escenarios, pero sin concretar. Para 1996 volvieron a tocar juntos para despedir a July, quien se mudó a Finlandia. Después de esto, continuaron tocando de forma esporádica e informal con bateristas improvisados, sólo con la intención de recordar los viejos tiempos.

En 1993 Trasher editó viejos demos sin consentimiento del grupo en el casete EP split Masacre 68/Histeria. En 1998 editó otro split compartido con el grupo Histeria, pero en CD con formato de larga duración. Esto no se convirtió en un pleito, por ser un exintegrante de la banda.

July visitó México en el año 2000 y le propuso a Aknez reeditar el disco No estamos conformes con una nueva masterización en CD y en vinilo. Buscaron a Pedro y a Chompis y se dispusieron a crear un CD interactivo que, además de contener las canciones originales, sumaba entrevistas y versiones en vivo en archivos de video para computadora. Éste salió hasta 2002, aunque tuvo algunos errores de fabricación que no permitieron que se viera todo. La versión corregida salió en 2004, ambas por el sello Producciones en Negro.

Paralelamente, en el año 2000 y con el consentimiento de la banda, Mike Valladares, de la publicación Zine Mexicore, de Monterrey, comenzó a producir un disco homenaje para Masacre 68 que salió hasta 2003 con el nombre de Doble tributo a Masacre 68, en el que participaron bandas de distintas partes del mundo, como Alcoholic Youth, Anticuados, Cabezas Podridas, Contrakaos, Coprofilia, Spunk-Ja, Bright Lights, Força Macabra, Intensity y Kontraatttaque, entre otros.

En 2002 Virus, quien para entonces ya vivía en California, visitó México y animó a sus excompañeros para juntarse a tocar nuevamente. Con July en Europa y Chompis en la guitarra, Virus tomó la batería y comenzaron a ensayar y a tocar con la intención de presentar la reedición de No estamos conformes. Nuevamente empresarios con pocos escrúpulos comenzaron a ponerlos en sus carteles, sin trato alguno que asegurara su presencia. Ellos trataron de contrarrestar esto tocando gratis de manera simultánea a esos eventos, haciendo campaña para que esto no sucediera. Llegaron a distribuir propaganda para concientizar al respecto.

En 2004 July volvió a México y se incorporó a una gira por la República mexicana. Pedro y él aprovecharon esta estancia para grabar el disco pendiente de Masacre 68, Zonas marginadas, sin el consentimiento de Aknez, por lo que se avanzó, pero a la vez quedó pendiente la participación de más integrantes. Así que July volvió a Finlandiay el proyecto quedó congelado nuevamente. Tras todo esto, Pedro y Aknez intentaron dar continuidad a las presentaciones del grupo, pero sin la participación de sus otros compañeros y apoyándose en suplentes. Si a esto le sumamos actitudes poco profesionales y caprichosas, el resultado fue que no lograron mantenerse activos después de 2006. Aknez intentó presentarse como Masacre 68 acompañado por otros músicos, cosa que fue muy criticada y no duró más de unos meses.

En 2005 salió publicado Demo/Ensayo 87, una recopilación de demos de la primera etapa de Masacre 68.

A comienzos de 2007, Pedro estaba decidido a terminar Zonas marginales y contactó a Virus, que ahora estaba en San Francisco, para que participara en el disco inconcluso. Éste aceptó gustoso. Aprovecharon una nueva visita de July para terminarlo. Sólo había un detalle: la negativa de Aknez para trabajar con Pedro desde que se separaron el año anterior. Finalmente, cuando Virus aceptó hacer las voces del disco, Aknez cedió y quiso involucrarse. Pasaron algunos meses en los cuales Virus desapareció, ya que se mudó de ciudad por cuestiones de trabajo. Pedro entonces grabó los bajos para, por fin, terminar la producción. No obstante, sin portada y sin dinero, este disco volvió a la congeladora.

En 2010 Aknez, con apoyo de la tienda de acetatos de vinilo Retroactivo Records, editó en ese formato el disco Cicatrices, en vivo Aguascalientes 1985, que, como su nombre lo indica, rescata una grabación en vivo de una presentación en la capital hidrocálida, aunque el año indicado en el título es incorrecto, ya que en 1985 el grupo aún no existía. En realidad, ese concierto se realizó en 1995 y tocaron algunos de los temas que, en ese momento, pretendían grabar en el disco Zonas marginadas.

Fue hasta el final de 2015 cuando Aknez volvió a buscar a sus viejos compañeros para realizar algunas presentaciones en diciembre y enero de 2016. Después continuaron presentándose durante ese año e incluso renació la idea de lanzar el disco Zonas marginadas. Pero nuevamente Pedro y Aknez entraron en conflicto y ambos decidieron salir de Masacre 68.

Se quedaron entonces July en la batería, sin Pedro llamaron a Trasher en el bajo y Virus en la guitarra y la voz, ya sin Aknez. Incorporaron a Peya, músico yugoslavo, como apoyo en la guitarra. Fue una circunstancia singular, ya que cada uno de ellos vive en ciudades y países diferentes. Esto no ha sido obstáculo para que se hayan puesto a componer nuevo material utilizando las nuevas herramientas tecnológicas que les permiten trabajar a distancia. En octubre grabaron unos temas en la Ciudad de México. En diciembre participaron en el Festival Punk para Punk, en las ciudades de Bogotá y Medellín.

Soy cantante de una banda que se supone que está compuesta por punks locos, tal como la sociedad nos ha tachado desde siempre. Pero ninguno de nosotros trae los pelos parados ni la indumentaria clásica, y esto nos margina porque no nos identificamos con los mohicanos radicales. A veces no sé cómo hacerle, porque nos encontramos tragando mierda y además estamos pagando por ella. Entonces siento dolor, dolor al verme usado como una puta. [Aknez entrevistado por Alejandro González Castillo para el sitio <Yaconic.com>, 15 de enero de 2016.]

Discografía £

«Demo» (١٩٨٧) casete

En vivo en Tláhuac (1989), casete

No estamos conformes (1990)

No al pacto (1990), casete

El último suspiro (1992), casete

Masacre 68/Histeria (1993), split, EP

Masacre 68/Histeria (1998), split

Cicatrices, en vivo Aguascalientes 1985 (2010), vinil

Otros

Doble tributo a Masacre 68 (2003), compilación

Mexicompilación (2004), compilación

Demo/Ensayo 87 (2005), recopilación

71. Caifanes

(1987-1995) y (2011-hasta hoy), Ciudad de México

Integrantes l

Alfonso «Saúl» Hernández Estrada - Voz y guitarra (1987-1995) (2011-hasta hoy)

Diego Herrera Martínez Negrete - Teclados y sax (1987-1993) (2011-hasta hoy)

Salvador «Sabo» Romo López Guerrero - Bajo (1987-1993) (2011-hasta hoy)

Santiago Ojeda Martínez Negrete - Guitarra (1987)

Juan Carlos Novelo - Batería (1987)

Alfonso André González - Batería (1987-1995) (2011-hasta hoy)

Alejandro Marcovich - Guitarra (1989-1995) (2011-2014)

Género ù

Post Punk, dark, rock, rock pop, son cubano, son jarocho, cumbia, mariachi y música étnica; con influencia de Joy Division, Siouxie and the Banshees, Bauhaus, The Cure y Guillermo Rodríguez Fiffe.

Historia h

Durante la segunda mitad de 1986, aun estando en Las Insólitas Imágenes de Aurora, Saúl Hernández tuvo la necesidad de desarrollar un proyecto diferente, como él mismo lo llegó a manifestar en varias ocasiones, que le representara un desahogo a su locura. Junto a Armando Martín el Pecas grabó en el cuarto de azotea donde vivía, con su equipo de cuatro canales, una maqueta con los temas «Cuéntame tu vida», «Mátenme porque me muero» y un tema del Pecas. Saúl hizo una lista con las personas que imaginaba podían ser parte de un grupo al que llamaría Caifanes. Este nombre era una forma de definir a los inconformes, a los que se rebelan y se las pueden todas. El Pecas le habló entonces de un tecladista-saxofonista que había colaborado en grupos de jazz fusión latino como Palmera, Isla y Son de Merengue, llamado Diego Herrera, y que se presentaría en el Bar 9. Asistió a dicho lugar y conversaron, y hubo una gran coincidencia de ideas y propósitos.

Las Insólitas se separaron al final de ese año y Saúl y Diego se propusieron llevar a cabo el proyecto de Caifanes. El demo fue escuchado por el ingeniero de audio Juan Manuel Aceves y éste los llevó a grabar al comienzo de 1987, en las horas muertas de Arco Estudios, cuyos dueños eran del grupo de Los Babys. Con base en la lista que Saúl había hecho, convocaron al bajista Sabo Romo, quien venía de tocar con Guillermo Briseño. Tras una plática en Rockotitlán, aceptó tocar en la grabación de la maqueta. También acudieron al exbaterista de Kerigma, Juan Carlos Novelo, y el primo de Diego, Santiago Ojeda, que venía de tocar en Las Aves de Rapiña.

Aunque tenían la intención inicial de grabar algo más formal, su economía sólo les permitió grabar una maqueta con más calidad que la anterior. Contuvo los temas «Mátenme porque me muero», «Será por eso», «Nada» y «Amanece». Con estas grabaciones, Saúl y su representante el Oso Pavón fueron a Radio Mil y lograron que la estación Espacio 59 comenzara a poner en su programación «Mátenme porque me muero», título sacado de una película de Tin Tán. Al poco tiempo, el tema era un hit radiofónico y la banda no había dado siquiera su primer concierto.

Diego y Saúl participaron en la filmación de un video para el tema «Amanece», dirigido por Carlos Marcovich y fotografiado por el Chivo Lubezki, que nunca terminó de editarse.

Cierto día llegó Sabo con Saúl para decirle que tenían una fecha en Rockotitlán. En ese momento le llamaron a Diego para darle la noticia. Darían su primer concierto el 11 de abril, abriéndole al grupo Neón.

El once y el diecisiete de abril están programados Caifanes en el escenario del Rockotitlán. El grupo no tiene baterista, no tiene lo que se dice un acoplamiento, no tiene siquiera todas las canciones de lo que de un modo u otro sería el espectáculo. Pero Sabo conoce, desde antes de comunicar la noticia, a los otros dos, el camino preciso a recorrer. Si se te ocurre comprar un traje de novia, el siguiente paso es salir a buscar morras que den la talla. Dicho de otro modo: si tienes dos tocadas y no hay banda, pues ponte a hacerla. [Xavier Velasco en el libro Una banda nombrada Caifanes, 1990.]

Ese día los acompañó Jorge « el Gato» Arce (Ritmo Peligroso) en la batería, ya que Juan Carlos tenía otro compromiso. Hubo un par de conciertos más antes de que Juan Carlos abandonara el barco y fue cuando Saúl acudió a su excompañero de Las Insólitas, Alfonso André, para que fuera el baterista.

Al poco tiempo, Santiago dejó también el grupo. Posteriormente se integraría a Botellita de Jerez. La campaña de Rock en tu Idioma tomaba fuerza y la promoción de los grupos españoles y argentinos en nuestro país abría las puertas para eventos masivos. El 31 de octubre fueron invitados junto a Neón para abrir el concierto de Miguel Mateos y el grupo Zaz. Cuando subió Caifanes ante cinco mil personas, fue una sorpresa ver que coreaban sus canciones. Esto no era casual. Los integrantes de Caifanes tenían los antecedentes para generar una gran expectativa a su alrededor.

Comenzó la búsqueda de una compañía discográfica y se acercaron inicialmente a CBS, que los despreció con expresiones como «Nuestro negocio es vender discos, no ataúdes», según ha referido reiteradas ocasiones Saúl Hernández.

Sin embargo, en el concierto con Mateos, los escuchó el productor argentino Óscar López y les propuso grabar con BMG Ariola, con quienes firmaron contrato al final de ese año. Ya en 1988 comenzaron a trabajar con el también argentino Gerardo «Cachorro» López (exAbuelos de la Nada) como productor artístico en su disco debut. En junio lanzaron como avance el EP «Mátenme porque me muero», en el que venían dos versiones del tema en cuestión, además de «La bestia humana», en el que participó como invitado Gustavo Cerati en la guitarra. Este material llegó a vender más de 300 mil copias. Le siguió, en agosto, el disco completo Caifanes, que se presentó en el Salón Margo junto a los grupos Neón y Alquimia, creando así el frente mexicano para la campaña Rock en tu Idioma. Para entonces, Giselle Trainor comenzó a venderles fechas.

Por su aspecto dark, al igual que al grupo argentino Soda Stereo, la gente solía relacionarlos con la banda británica The Cure, aunque musicalmente no tenían mucho que ver los unos con los otros.

Volvieron al estudio para grabar el tema del cubano Guillermo Rodríguez Fiffe: «La negra Tomasa», invitando a Armando Espino-sa "Pinaca" y Germán Herrera en las percusiones. Solían tocarla al comienzo de sus conciertos como una especie de broma entre el grupo y su público. En diciembre lanzaron un maxisencillo con tres versiones de esta canción, además de «Perdí mi ojo de venado». De este disco se vendieron un millón de copias, convirtiéndose en el mayor fenómeno comercial del rock mexicano hasta ese momento.

Para entonces los comenzó a mover Jorge Mondragón, llevándolos a palenques y ferias en diversos lugares de la República, así como a foros de todo tipo en las zonas urbanas.

El 12 de abril de 1989 abrieron el concierto de Rod Steward en Guadalajara, en el que el público nuevamente coreó sus canciones haciendo patente el fenómeno pop en el que se estaba convirtiendo Caifanes.

Los días 1 y 2 de julio se presentaron en el Auditorio Nacional, teniendo a los grupos Fobia y Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio como abridores. Hasta entonces, ninguna banda mexicana había logrado llenar ese recinto, ni tocar con las condiciones técnicas con las que contaron. Caifanes abría brecha y se convertía en la banda más popular del país.

En una presentación que dieron en un bar de la colonia Del Valle, en la Ciudad de México, los fue a ver, por invitación de Mondragón, el guitarrista de origen argentino Alejandro Marcovich, antiguo compañero de Saúl y Alfonso en Las Insólitas, que por entonces trabajaba con Laureano Brizuela.

Nos vimos y como un relámpago brotó una sonrisa en su cara. Nos dimos un fuerte abrazo. Probablemente hacía mucho tiempo que no nos veíamos […] prácticamente lo único que recuerdo, más allá de los saludos fraternales con los otros integrantes de Caifanes, fueron unos instantes muy peculiares entre Saúl y yo.

—¿Cómo te va con Laureano? —me preguntó.

—Y… ya estoy un poco harto. Ya me gustaría salirme. ¿Cómo te va con eso de tocar la guitarra y cantar al mismo tiempo? —pregunté como sin querer.

—Y… es un poco difícil, la verdad —replicó con sinceridad.

Puros buscapiés entre él y yo.

—Pues búscate un guitarrista —le dije con picardía.

—¿Por qué no tú? —me dijo guiñándome un ojo. [Alejandro Marcovich en su libro Vida y música de Alejandro Marcovich.]

De esta manera, al aceptar Alejandro la propuesta de Saúl, Caifanes se convirtió en un quinteto. Debutó con ellos en el centro nocturno conocido como Taizz, de Cuernavaca, Morelos, y el grupo comenzó a sonar menos oscuro y más potente. El material para un nuevo disco ya estaba compuesto por los demás y Alejandro se incorporó en los arreglos.

Viajaron a Nueva York para grabar su segundo disco, Caifanes II, popularmente conocido como El diablito, ya que, en la portada, sobre una foto de ellos, aparece la figura de lotería identificada así. La producción ejecutiva corrió a cargo de Óscar López, que tuvo como colaboradores a Cachorro López, Gustavo Santaolalla y Daniel Freiberg en la producción artística. Antes de volver a la Ciudad de México, Óscar López hizo una sesión de fotos en la que sólo se retrató al cuarteto, sin Alejandro. En una junta para definir el arte del disco, y ante la idea clara de Óscar de no incorporar a su paisano en Caifanes, Saúl defendió la idea de incluir a Alejandro en las fotos y considerarlo, no un invitado, sino un integrante más del grupo. Óscar tuvo que ceder. Así que se hizo una nueva sesión de los cinco en México, con el reconocido fotógrafo, también autor de la fotografía del primer disco, Carlos Somonte.

El año 1990 fue de mucho trabajo junto a Arnulfo Islas, quien los comenzó a representar. Teniendo como sencillo «La célula que explota» tocaron en diversos foros, en el Teatro Blanquita, una gira por los Estados Unidos y remataron el año con la gira Rock de los 90’s junto a Neón, Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, Amantes de Lola y Fobia. Se presentaron en las ciudades de Guadalajara y Monterrey. En ese también salió el libro Una banda nombrada Caifanes del amigo de Saúl, Xavier Velasco. En marzo de 1991 tocaron en el Palacio de los Deportes junto a Soda Stereo en el espectáculo denominado Mano a Mano Caifanes y Soda Stereo. Su presencia mediática era fuerte y llegaron a aparecer un par de veces en el programa de televisión La movida, con Verónica Castro. Para entonces eran la punta de lanza de la campaña promocional de BMG Ariola, Rock en tu Idioma, por lo que hicieron infinidad de conciertos con los grupos firmados en dicha compañía y Café Tacvba que, aunque no pertenecía a la misma discográfica, estuvieron montados en la ola, por decirlo de alguna manera.

En 1991 abandonaron a Arnulfo Islas y comenzaron a trabajar con María Eugenia Riera «Marusa» Reyes como nueva representante, no sin antes pagar una penalización por terminación de contrato con ARME, la empresa de representación de Arnulfo. En junio tocaron en el Shrine Exposition Hall, de Los Ángeles, junto a Kenny y los Eléctricos. Para septiembre viajaron al Encuentro Iberoamericano de Huelva, alternando con Marchesi y Rosendo.

En la búsqueda de un productor para su nuevo disco, pensaron en Gustavo Santaolalla, Phil Manzanera y el estadounidense Todd Rundgren, pero al final se decidieron por el guitarrista de King Crimson, Adrián Belew. Así que se trasladaron a Lake Geneva, en Wisconsin, para grabar durante un mes en su estudio personal. El disco fue lanzado con el nombre de El silencio. Se presentó el disco a la prensa en el Salón Colonia, de la colonia Obrera, de la Ciudad de México, en mayo de 1992. Ese mismo mes el grupo también tocó en el Auditorio Nacional. Ambos eventos tuvieron llenos totales. Esta situación se repitió en las siguientes fechas de la gira con la que estuvieron promoviendo El silencio. Para entonces, su fama abarcaba Latinoamérica y las comunidades hispanoparlantes de Estados Unidos. En agosto llenaron el HollywoodPalladium, de Los Ángeles. Nubes se convirtió en el video del año en la entrega de premios del canal MTV de ese año.

Siguió la separación de Sabo Romo en abril de 1993, cuyo último concierto fue en el Palacio de los Deportes, de la Ciudad de México, por primera vez lleno por una banda de rock mexicano. Abrió el grupo Santa Sabina. Entró entonces Stuart Hamm (bajista de Joe Satriani y Steve Vai), con quien se fueron de gira por Estados Unidos, tocaron en el Festival Acapulco y después se fueron a Centro y Sudamérica. Un par de meses después del concierto en el Palacio de los Deportes, Diego también se salió de Caifanes y fue sustituido por Luis Armida. Por su lado, Diego entró a trabajar en BMG Ariola como director artístico.

Caifanes, como tal, se convirtió en un trío integrado por los mismos que alguna vez fueron Las Insólitas Imágenes de Aurora. Sin embargo, en reiteradas ocasiones Saúl aclaró que no eran el mismo proyecto. Por su lado, Alejandro no ocultó su entusiasmo por la situación de ser nuevamente tres. (A mi parecer, éste fue el origen de una serie de acontecimientos que resultarían en el choque de sus dos visiones. Eran los mismos, pero las circunstancias habían cambiado y los egos habían crecido.)

El 4 de diciembre Alfonso y Saúl inauguraron un foro de su propiedad en Cuernavaca, Morelos, al que llamaron El Ritual del Perro.

Al final de 1993 comenzaron a trabajar el material de su siguiente disco al que llamarían El nervio del volcán, con Greg Ladanyi, productor de artistas como Toto, Robert Plant, Don Henley, entre otros. Tuvieron como invitados a Graham Nash, Stuart Hamm y Cecilia Toussaint. Se incorporaron como músicos de apoyo Federico Fong en el bajo y Yann Zaragoza en los teclados. La dinámica de grabación no fue tersa, habiendo discusiones fuertes entre Saúl y Alejandro, que culminaron en la agresión física y verbal. En cierto momento, Saúl planteó la necesidad de un receso.

Para marzo de ese año, antes del lanzamiento del disco, se realizó el concierto Revolución ‘94 en el Universal Amphitheatre, con Caifanes como cabeza de cartel, alternando con Maldita Vecindad, Red Cross, Live, Santa Sabina, Adrian Belew y La Castañeda.

El nervio del volcán se presentó en junio en el recién inaugurado Teatro Metropólitan, de la Ciudad de México. El mes anterior se había lanzado el sencillo «Afuera», cuyo video dirigió Carlos Marcovich, convirtiéndose en un hit instantáneo. El recinto les quedó pequeño ante la demanda del público, por lo que se realizó una fecha más en el Auditorio Nacional.

En julio participaron en la gira World of Music, Arts & Dance, mejor conocida como WOMAD, creada por el músico inglés Peter Gabriel, con varias fechas por Estados Unidos. Se tomó la decisión de contratar a un músico extra que ayudara a cubrir la complejidad de los arreglos de guitarra creados por Alejandro en las sesiones de estudio. Se eligió a José Manuel Aguilera, pero esto hizo que aumentaran las tensiones internas en el grupo, ya que Alejandro sintió que José Manuel no asumía su condición de músico de apoyo. Sus compañeros y su representante al parecer no daban importancia a su molestia. La participación de Aguilera con Caifanes se terminó cuando Alejandro bajó el volumen de su guitarra durante la presentación en Chicago, alegando que su empleado era poco profesional. Así que regresaron para seguir cumpliendo sus compromisos en México y una gira en Centro y Sudamérica, ya sin José Manuel.

La presencia mediática de Caifanes era intensa en todo el continente. El 8 de septiembre el video Afuera ganó el Premio a Video del Año otorgado por la cadena MTV. El 10 de diciembre realizaron para la misma cadena el primer Unplugged «eléctrico» de una banda de rock en español. En dicho programa se llegaba a percibir la tensión patente entre Saúl y Alejandro. El primero llegó a declarar con respecto a esta presentación que más que acústica ésta había sido «angústica».

Al comenzar 1995 los Caifanes fueron los abridores de los conciertos de The Rolling Stones en el Foro Sol, de la Ciudad de México. El segundo sencillo promocional fue «Aquí no es así», cuyo video también realizó el hermano de Alejandro. El 19 de febrero dieron un concierto gratuito en la delegación Venustiano Carranza, en la Ciudad de México, que terminó en un zafarrancho violento, con represión, desmayos y hasta una patrulla de policía volteada. Eran tiempos de mucha tensión política y lo sucedido sirvió para que el regente de la ciudad, Óscar Espinoza Villareal, hiciera una prohibición de conciertos al aire libreen el entonces Distrito Federal. Ésta fue ignorada al poco tiempo por un conjunto de agrupaciones que organizaron un primer concierto al que denominaron Por la Paz y la Tolerancia, en Ciudad Universitaria, para apoyar a las comunidades zapatistas desplazadas en el conflicto chiapaneco, en un claro reto a esa disposición.

Desde algunos meses antes Saúl comenzó a mostrar problemas para cantar a causa de un mal viral en la garganta, por lo que se le realizó la primera de varias operaciones en febrero. Esto lo sacó de circulación por unos meses. El grupo regresó a los escenarios en mayo, cuando visitaron Colombia. MTV hizo la cobertura de dicha visita y realizaron una entrevista en la que se hizo patente que las cosas no iban bien entre Saúl y Alejandro. El trabajo continuó y en julio se presentaron en el evento Nuestro Rock ‘95 alternando con Maldita Vecindad, Fobia, Víctimas del Dr. Cerebro, La Castañeda, Tex Tex y Estrambóticos.

Los días del grupo estaban contados. Los sube y baja en la relación de Alejandro con Saúl no eran desconocidos para sus fanáticos, por lo que el rumor de una separación comenzó a circular en los medios de comunicación. En una presentación que tuvieron en Guanajuato le tiraron una piedra en la frente a Alejandro, que provocó la suspensión del concierto. Cuando Saúl fue a preguntarle cómo estaba, Alejandro lo culpó de lo sucedido, alegando que todo era resultado de la mala energía que estaba proyectando el grupo. Saúl se retiró contrariado y golpeó una ventana, lastimándose un tendón de la mano.

En una junta posterior, Saúl le pidió a Alejandro que se saliera del grupo, a lo que éste le contestó que si así eran las cosas, tenían que comprarle su parte como socio de Caifanes, con el argumento de que su trabajo era parte fundamental de la identidad de la banda.

Se anunciaron las presentaciones de una gira nacional que se hizo entre el 30 de julio y el 18 de agosto por diferentes plazas de la República mexicana y diciendo que eran las últimas que daría el grupo.

La gira continuó. Cierto día, desayunando en la ciudad de Morelia, uno de los miembros del staff se acercó a mí para preguntarme: «¿Que te vas a salir del grupo?» Casi me atraganto. «¿Qué dices?», le contesté. «Eso dijeron anoche en MTV». Jamás, en lo que llevaba de años de carrera, me hubiera imaginado que algo así podía suceder. ¿Cómo era esto posible? ¿Por órdenes de quién? Rápidamente até cabos: todo parecía indicar que Marusa Reyes y Saúl Hernández dieron aviso a Lynn Fainchtein, la locutora de MTV que fue quien dio la noticia en ese canal de televisión, y me estaban echando descaradamente del grupo. [Alejandro Marcovich en su libro Vida y música de Alejandro Marcovich.]

A mediados de agosto el rumor de la desintegración debida a diferencias entre ellos mismos y su representante estaba en boca de todos, al grado de llegar a las primeras planas de los periódicos y como noticia relevante en las secciones de espectáculos de la radio y la televisión. Los desmentidos de Alejandro no se hicieron esperar, por lo que reinó la confusión sobre lo que estaba pasando internamente en Caifanes. «El resto de los conciertos los cumplí respetuosamente, profesionalmente […] y a partir de ahí tuve que comprar por mi cuenta y mi dinero, por teléfono, vuelos en distintos horarios a los del grupo y el staff, para llegar a cumplir con los compromisos lejos de todos mis enemigos.» (Alejandro Marcovich en su libro Vida y música de Alejandro Marcovich.)

Dieron su último concierto el 18 de agosto de 1995 en San Luis Potosí, con el grupo La Cuca como abridores. «Esta canción habla de cómo nos podemos hacer mierda los unos a los otros», dijo Saúl antes de comenzar el tema «Aviéntame». A la mitad del concierto, entró al escenario el cineasta Carlos Marcovich, tomó a Saúl para acercarlo a su hermano y que se dieran un abrazo reconciliatorio, pues él fue quien los presentó. La situación resultó muy incómoda. Terminaron de tocar el programa de la noche y Alejandro comenzó a interpretar por su cuenta la melodía de «Sabor a mí», bolero de Álvaro Carillo, que el público acompañó cantando: «Tanto tiempo disfrutamos de este amor / nuestras almas se acercaron tanto así / que yo guardo tu calor / pero tú llevas también / sabor a mí». Saúl respondió cantando: «No dejes que nos coma el diablo amor / que se trague tu calor / que eructe mi dolor». Los tres, abstraídos, dieron por terminado el concierto. Carlos Marcovich tomó el micrófono para decir entonces: «Caifanes se acabó».

Lo que siguió fue la cancelación de una presentación en el Festival de Reading, en Inglaterra.

Alejandro manifestó públicamente a los medios que él no se daba por enterado de la separación de Caifanes. Por parte de sus compañeros sólo hubo silencio. Sin embargo, la discográfica declaró al poco tiempo en un boletín de prensa que Saúl y Alfonso dejaban de pertenecer a Caifanes, cediendo el nombre a la compañía, y que Alejandro se quedaba compartiendo el nombre del grupo con BMG Ariola.

Tras esta separación, Saúl se retiró temporalmente para continuar con la recuperación de su garganta. Se fue a vivir a Playa del Carmen, Quintana Roo, donde vive desde entonces. En 1996 invitó a Alfonso André para formar el grupo Jaguares. Por su cuenta, él y Federico Fong estaban integrados al nuevo grupo de José Manuel Aguilera, al que llamó La Barranca. La solución para continuar fue la de integrar a José Manuel y a Federico a Jaguares y llevar ambas bandas de forma paralela.

Alejandro, por su cuenta, terminó en un pleito legal con BMG Ariola por los derechos del nombre Caifanes que se resolvió hasta el año 2000.

—¿No quieres firmar con ninguna disquera?

—No. La disquera con la que yo firmé y con la que hice ese disco tan exitoso, El nervio del volcán, perdí un juicio, la disquera se quedó con el nombre de Caifanes, perdí mis regalías como intérprete y como me pusieron una multa muy fuerte, tienen también retenidas mis regalías de autor.

—Sony…

—Sí. Hoy el nombre le pertenece a Saúl Hernández y yo no entiendo nada. No puedo creer que un artista no pueda disponer de su patrimonio. Me pregunto ¿cómo pasó? Y ahora estoy solito… [Alejandro Marcovich en entrevista con Mónica Maristain en el artículo «La historia de Caifanes nunca estuvo bien contada», en <Sin Embargo.mx>, septiembre 6 de 2015.]

De manera paralela, se recluyó en su familia y en la música, pero lejos de los medios de comunicación masiva, en los que vivió una fuerte campaña de desprestigio. Entre otras cosas, se encargó de la música de la película de su hermano ¿Quién diablos es Juliette?

En noviembre del año 2000 se dio una situación que no hizo más que enturbiar la deteriorada relación entre Saúl y Alejandro durante el Festival Vive Latino. Alejandro, aun teniendo gafete de acceso total otorgado por su amigo Enrique Bunbury, fue sacado violentamente junto a su esposa por el cuerpo de seguridad conocido como Los Lobos, momentos antes de subir al escenario el grupo Jaguares, en uno de los acontecimientos más bochornosos de dicho festival. Previamente, ambos habían tenido una discusión en un camerino. Alejandro alegó que dicho ataque fue por órdenes de la representante de Jaguares. A su vez, Marusa, Saúl y Alfonso siempre lo negaron en entrevistas.

En diciembre de 2010 comenzó a difundirse la posible reunión de Caifanes, cosa que parecía poco probable dadas las conocidas diferencias, aparentemente irreconciliables, entre Saúl y Alejandro. Fueron dos los sucesos previos que tuvieron que ver en la concepción de este reencuentro. Por un lado, Sabo había sufrido un par de ataques cardiacos en Guadalajara, antes de un concierto con el grupo Rostros Ocultos, al cual había sido invitado. Por otro lado, Alejandro sufrió una tremenda convulsión estando en Kansas, ocasionada por un tumor en el cerebro, el cual le extrajeron en una exitosa operación en la Ciudad de México. Esto, al parecer, motivó a Saúl para buscar la reconciliación y el regreso de Caifanes, por lo pronto, para dos presentaciones: el Festival Vive Latino 2011 y Coachella. Así que se comenzó a difundir la noticia de que ambos habían limado asperezas y que planeaban un palomazo. Fue así como se dio la reunión de Sabo, Diego, Alfonso y Alejandro, como empleados del actual dueño del nombre Caifanes, Saúl Hernández, ante 70 mil personas en el Vive Latino.

Después de dichas presentaciones decidieron seguir e hicieron una gira por Estados Unidos y la República mexicana hacia el final del año. Al comienzo de 2012 participaron en la Cumbre Tajín, en el estado de Veracruz, y viajaron a Colombia. Pararon momentáneamente, ya que tanto Saúl como Alfonso lanzaron sus materiales como solistas. Pero en la segunda mitad del año viajaron por Centroamérica.

Presentaron alrededor de 85 conciertos hasta que en marzo de 2014 Caifanes sacó un comunicado en su sitio web, en el cual anunciaban que volvían a su formación de cuarteto. En ese, al separarse Alejandro de su mujer, misma que se encargaba de sus asuntos contractuales, la oficina de Caifanes encontró ocasión para no llegar a ningún acuerdo con él a partir de ese momento. Alejandro se enteró nuevamente de que no era requerido a través de un comunicado y sin que le dijeran directamente las causas de su exclusión. Él siempre alegó, con asombro, que no hubo confrontación alguna como en el pasado. Contó posteriormente la versión de que en realidad había un gran interés comercial por parte de la organizadora de eventos Ocesa para que se diera este reencuentro, poniendo en duda las verdaderas intenciones fraternales de Saúl.

Desde entonces, Caifanes ha seguido presentándose como cuarteto, con un guitarrista de apoyo que toca las partes de Alejandro Marcovich.

Vienen de la Chingada, eso está clarísimo. Embarcados como están en la quimera de subir al cielo a descifrar los secretos de los ángeles, más de una vez han terminado pagando el precio de dialogar con sus propios demonios, que a Dios gracias no son pequeños. [Xavier Velasco en el libro Una banda nombrada Caifanes.]

Discografía £

Mátenme porque me muero (1988), EP

Caifanes (1988)

La negra Tomasa (1988), MS

Caifanes II. El diablito (1990)

El silencio (1992)

El nervio del volcán (1994)

Otras grabaciones

La historia (1997)

Lo esencial de Caifanes (2009)

Recupera tus clásicos: Caifanes (2011)

Caifanes frente a frente Zoe (2011)

Caifanes 25 aniversario (2012)

Personalidad Caifanes (2014)

Otros o

Saúl Hernández creó el grupo Jaguares, que se mantuvo activo entre 1996 y 2010, sacando seis discos. Como solista, también ha sacado los discos Remando, en 2011, y Mortal, en 2014. Es un activista por los derechos humanos.

Alejandro Marcovich ha sacado dos discos como solista llamados Nocturnal, de 2003, y Alebrije, de 2015. Le ha producido discos a Santa Sabina, Los Lagartos, Estrambóticos, Las Ultrasónicas, Yucatán a Go Go y Lady Bombón, entre otras bandas. Fue director de Discos Termita, subsidiaria de la discográfica Sony Music. Musicalizó las películas ¿Quién diablos es Juliette?, Dr. Jekyll & Mr. Hide y ¿Cómo no te voy a querer? Ha participado como guitarrista invitado de artistas como Gerardo Enciso, Celso Piña, Kenny y los Eléctricos, Radio Kaos, Doctor Fanatik, Leonardo de Lozanne, Pink Punk, El Círculo, Mario Domm, Enter, Los Amantes de Lola, La Castañeda, entre otros. Desde el año 2000 se dedica a la docencia dando talleres y master class de guitarra en México, Estados Unidos y España. Publicó la autobiografía Vida y música de Alejandro Marcovich.

Alfonso André se incorporó a La Barranca después de la separación de Caifanes. Posteriormente se integró a Jaguares tocando en ambas bandas, paralelamente. Por su cuenta ha sacado como solista los discos Cerro del aire, en 2011, y Mar Rojo, en 2015.

Sabo Romo sacó un disco como solista al que llamó SSS, en 1996. Estuvo tocando como bajista de artistas pop como Aleks Syntek y Benny Ibarra, entre otros. Actualmente es el director del espectáculo Rock en tu Idioma Sinfónico, en el que participan integrantes de Amantes de Lola, Bon y los Enemigos del Silencio, Fobia y Ritmo Peligroso, entre otros. Con este espectáculo se ha presentado por todo el país y se ha editado un CD/DVD, que ha sido un éxito de ventas.

Tras su salida de Caifanes, en 1993, Diego Herrera se convirtió en director artístico de BMG Ariola. Entre sus contrataciones para dicha compañía está la de Tex Tex y Julieta Venegas. Como productor trabajó con Fratta y Casino, entre otros. En 2007 se integró a Jaguares y desde 2011 toca nuevamente en Caifanes.

72. Haragán y Compañía (antes El Haragán)

1987, Tlanepantla, Estado de México

Integrantes l

Luis Antonio Álvarez «el Haragán» - Voz y guitarra

Jaime Rodríguez - Bajo (1989-1994)

Paco Yescas - Guitarra (1990-1997)

Octavio Espinoza «el Sopas»† - Sax (1990-2008)

Juan Brand Moreno - Batería (1990-2008) (2010-

Julián Manuel Godoy - Guitarra (1994-2008)

Dennis Parker† - Bajo (1994-2000) (2006-2016)

José Antonio Madrigal y Covarrubias - Trombón (1996-2008)

Michael Velazco - Guitarra (1999-2008)

Luis Alberto González - Bajo (2000-2005)

A partir de 2010

Víctor Castillo - Batería

Daniel Díaz - Batería

Christian Rodríguez - Bajo

Leonel Pérez - Violoncello

Jerónimo García - Trombón

Jorge «Cox» Gaitán - Violín

Moisés Álvarez - Guitarra

Felipe Souza - Guitarra

Género ù

Blues, rock, reggae, hard rock, rock and roll, rock urbano y ritmos latinos; con influencia de The Beatles, Rolling Stones, Pink Floyd, Queen, Silvio Rodríguez, Elvis Presley, Led Zeppelin, El Tri, Pájaro Alberto, Rockdrigo González y Chava Flores.

Historia h

Luis Antonio Álvarez nació el 25 de diciembre de 1967 en la zona metropolitana de la Ciudad de México. A sus 10 años le regalaron una guitarra y compuso su primera canción, a la que tituló «Mil estrellas». A los 12 pisó por primera vez un escenario al participar en un concurso organizado por la revista Teleguía, en el cine Palacio Chino. Atraído fuertemente por la música, dejó la escuela y se convirtió en músico callejero. Su padre le dijo que si le gustaba la música, se entregara y que recibiera la bendición de Dios. «Apuesto totalmente por los músicos callejeros porque lo que sé lo aprendí rolando o leyendo Guitarra Fácil. A veces me iba a ver a Sergio Mancera y le copiaba los acordes, o entre los cuates de la cuadra nos aprendíamos «Escalera al cielo», «Polvo en el viento» o alguna de los Doors. Te hablo de hace años, cuando era complicado aprenderte los acordes». (Luis Antonio Álvarez el Haragán en entrevista con Alejandro González Castillo para la revista Music: Life, 1 de febrero de 2013.)

Cuando tenía 19 años, participó en el Encuentro de Compositores del Estado de México y, tras la confusión del presentador que intercambió el nombre de la canción con el nombre, es decir: «Les presento a El Haragán con la canción Luis Álvarez», se le comenzó a identificar de esta manera.

En 1989 se juntó con el bajista Jaime Rodríguez para crear el grupo Haragán y Compañía y comenzaron a buscar la manera de grabar un disco. Lograron el interés de Discos Denver y, junto a músicos invitados, como el guitarrista Rodrigo Levario (Heavy Nopal), el baterista Jaime Mejía (Yey) y Octavio Espinoza, reconocido saxofonista, se metieron al estudio a grabar el disco Valedores juveniles, en 1990. De los invitados, el Sopas decidió quedarse como parte formal del grupo.

El disco resultó un éxito de ventas que con el tiempo llegó a vender dos millones de copias. Poco después del lanzamiento de Valedores juveniles entraron al grupo Paco Yescas en la guitarra y Juan Branden la batería, como miembros permanentes. De esta manera quedó integrada la banda con cinco elementos. Así sacaron en 1992 el álbum Rock que se comparte.

Luis conoció al guitarrista de Cecilia Toussaint, José Luis Domínguez, y con él concibió el disco A capela, Vol. 1, que lanzó en 1992. Hasta ese momento el grupo no había tenido un productor como tal, así que trabajar con José Luis fue muy aleccionador para ellos. La colaboración con José Luis continuó en En el corazón no hay nada, de 1994.

Decidieron añadir una guitarra e invitaron a Manuel Godoy. Poco después salió Jaime Rodríguez y el estadounidense Dennis Parker se convirtió en el nuevo bajista de Haragán y Compañía.

En 1995 salió A capela Vol. 2. En ese año recibieron el Premio Nuestro Rock a Mejor Disco por esa producción.

Para entonces, enriquecieron su sonido al incorporar al trombonista José Antonio Madrigal y Covarrubias, quien, junto al Sopas, conformó una pequeña sección de metales. En 1997 salió Paco Yescas. Así grabaron el disco En algún lugar del cielo, que salió en 1998.

En 1999 se incorporó el guitarrista Michael Velazco. En ese mismo año salió al mercado el disco Acústico en vivo, grabado con público en los estudios Sony Music México. Poco después salió Dennis y entró Luis Alberto González en el bajo. Durante ese año recibieron el Premio Nuestro Rock por Mejor Grupo.

En 2002 lanzaron Ánimas, su última producción de estudio con Discos Denver. Le siguieron los discos En vivo, Vols. 1 y 2, con los que cerraron su trato con Denver. Después de esto, el grupo llegó a una etapa de desgaste tras varios años de actividad, así que vinieron momentos de incertidumbre que Luis convirtió en búsqueda y renovación. Alfonso Figueroa, del grupo Santa Sabina, buscó a Luis para que juntos hicieran un tema para el disco Ofrenda a Rockdrigo González, que Alfonso estaba produciendo, coincidiendo con el final de la relación de Haragán y Compañía con la discográfica que hasta ese momento había lanzado todos sus álbumes. La colaboración entre Santa Sabina y El Haragán en el tema «Rock en vivo», despertó el interés de estos músicos por trabajar juntos. Luis tenía algunos temas que se diferenciaban de su trabajo anterior y que manejaban tiempos y estructuras extrañas. Como él mismo las definía, eran «canciones raritas». Así que dejó en reposo a su banda y trabajó junto a Alfonso Figueroa, Julio Díaz, Alejandro Otaola y Leonel Pérez, todos de Santa Sabina, para su siguiente disco, al que llamó Tokedkeda, que salió en 2005 con Discos Intolerancia. Este trabajo generó desconcierto en los seguidores que no gustaban de los cambios, pero mostró que las canciones de Luis Antonio tenían nuevos alcances. La opción fue renovarse. También contó con la participación de Rod Levario, Mario Varela, José Luis Domínguez, Luis Ernesto Martínez, Dennis Parker e Iván García. «De alguna manera cerré un ciclo musical; me arriesgué a hacer un cambio, la intención es hacer mejor música cada vez, para eso me auxilié de gente talentosa.» (Luis Antonio Álvarez en entrevista con Jorge Caballero para La Jornada, 24 de enero de 2006.)

En ese, Luis fue invitado a develar una placa en El Paseo del Rock Mexicano del jardín Ramón López Velarde, y también a plasmar sus huellas en Galerías de las Estrellas.

Su siguiente disco fue Volviendo a casa, en 2011, producción independiente distribuida por Fonarte Latino. En éste hace tres duetos: con Alejandro Lora, de El Tri, y uno con Benny Rotten, del grupo Espécimen. Hace un cover del tema «Debe haber un lugar», de Arturo Meza. También hay colaboraciones de Alejandro Otaola, Rod Levario y David Kempton.

Después Luis rearmó su banda con Dennis Parker en el bajo, Juan Brand en la batería, Moisés Álvarez en la guitarra, Leonel Pérez en el violoncello, Felipe Souza en la guitarra y Jerónimo García en el trombón. En los años posteriores colaboraron con él Víctor Castillo y Daniel Díaz en la batería, Christian Rodríguez en el bajo y Jorge «Cox» Gaitán en el violín.

Al comienzo de 2013 El Haragán sacó un EP con cuatro temas interpretados con su guitarra, al que llamó Sesiones. Al poco tiempo, en la mañana del 30 de mayo, falleció de un ataque cardiaco Octavio Espinoza el Sopas, compañero de viejas batallas. Había sido hospitalizado unos días antes.

El Haragán recibió un premio en 2014 por su trayectoria en The Mexican Music Awards, celebrado en Nueva York. También recibió el Premio Énfasis.

En su nueva búsqueda, Luis acudió al guitarrista de blues, el estadounidense Andrew «Jr. Boy» Jones, a quien conoció en un viaje a Dallas. Después de escucharlo, le propuso hacer un disco, así que cuando volvió a México grabó algunos temas y se los envió. Jr. Boy mostró interés y congregaron a músicos de blues estadounidenses para ensayar y grabar. En un comienzo hubo incredulidad al saberse involucrados en un proyecto de blues en español, pero al final se incorporaron con interés. Fue así como en 2016 fue lanzado el disco Raíces, con el apoyo de Discos Intolerancia, nuevamente.

En octubre, Luis y el grupo recibieron una fuerte noticia al darse a conocer el fallecimiento de su compañero, el bajista, ingeniero y productor Dennis Parker, en Cuernavaca.

Hasta el momento, Haragán y Compañía ha tocado en foros tan diversos como los Vive Latino de 2004, 2008 y 2012, en la monumental Plaza de Toros, de la Ciudad de México, en Rockotitlán, en el Teatro Metropólitan, en el Lunario del Auditorio Nacional, en el Teatro Blanquita, en la plancha del Zócalo, en el Palacio de los Deportes, en el Museo Universitario del Chopo, en el Hard Rock Live, en el Teatro Principal, de Puebla, entre muchos otros lugares. En el extranjero se han presentado en el IV Concierto contra el Racismo, en Málaga, España. En Estados Unidos han pisado infinidad de escenarios. También lo han hecho en eventos gratuitos en festivales, teatros, reclusorios, universidades, preparatorias, museos y más. Ha tenido participaciones musicales en las películas El mago, Pandilleras, Fuera del cielo, G12, La Banda de las Cholas, El lenguaje de los yachetes y Hecho en México.

Pocos grupos pueden presumir haber vendido siete millones de discos, como lo ha hecho El Haragán. La diferencia es que lo hizo sin el apoyo que han recibido otros artistas. «El Haragán nunca ha dependido de los medios, ha sido un grupo que circula de boca en boca; sin embargo, es muy popular porque antes tocábamos en cada colonia, en cada pueblo, en cada estado, donde se pudiera. Con base en eso nos dimos a conocer. Haragán se hace solo, se autogestiona. Si tienes buena música, ésta tarde o temprano va a llegar a donde tiene que llegar.» (Luis Antonio Álvarez en entrevista con David Cortés en el artículo «El Haragán: mejorar las condiciones», Nexos, 29 de marzo de 2016.)

Discografía £

Valedores juveniles (1990)

Rock que se comparte (1991)

A capela, Vol. 1 (1992)

En el corazón no hay nada (1994)

A capela, Vol. 2 (1995)

En algún lugar del cielo (1998)

Ánimas (2002)

Tokedkeda (2005)

Volviendo a casa (2011)

Sesiones (2013), EP

Raíces (2016)

En vivo

Acústico en vivo (1999)

En vivo, Vol. 1 (2003)

En vivo, Vol. 2 (2003)

Otras grabaciones

15 Éxitos (1998), recopilación

Éxitos, Vol. ٢ (2008), recopilación

73. Transmetal

1987, Ciudad Azteca, Ecatepec, Estado de México

Integrantes l

Lorenzo Partida Bravo - Bajo

Javier Partida Bravo - Batería

Juan Partida Bravo - Guitarra líder

Alberto Pimentel - Voz (1987-1990, 1992-1998, 2007-2009)

Alejandro González - Voz (1990-1992)

Juan Carlos Camarena - Guitarra rítmica (1990-1992)

Arturo Huízar - Voz (1998)

Mauricio Torres - Voz (1998-2004)

Ernesto Torres - Guitarra rítmica (1998-2004)

Bruno Blázquez González - Voz (2005-2007)

Antonio Tenorio - Guitarra rítmica (2005-2007)

Leonardo Camacho - Voz (2007)

Chris Menpart - Voz (2009-2014)

Sergio Burgos Velasco - Voz (2014-actualidad)

Arturo Cabrera - Guitarra rítmica (2015-actualidad)

Género ù

Trash y death metal; con influencia de Sepultura, Death, Brujería, Dark Angel, Malevolent Creation, Possessed, Motörhead, Kreator, Scorpions, Candlemass, Celtic Frost, Accept, AC/DC, Sodom, Black Sabbath, Slayer, Metallica, Death, Uriah Heep y Twisted Sister.

Historia h

Procedentes de Yerécuaro, Michoacán, pero con residencia en Ciudad Azteca, Ecatepec, los hermanos Lorenzo, Javier y Juan Partida Bravo crearon el grupo Transmetal en 1987. Dos años antes, Javier y Juan habían comenzado con el grupo Temple de Acero, que llegó a tocar en pequeños foros. Sin embargo, la formación no fue estable. En 1987 los hermanos convocaron a Alberto Pimentel, un amigo que solía visitarlos en los ensayos, para que fuera la voz del grupo y convencieron a su hermano Lorenzo para que tocara el bajo temporalmente, en lo que conseguían a alguien de planta. Desde ese momento adoptaron el nombre de Transmetal. Con el grupo anterior tocaban temas propios alternados con covers de Celtic Frost, Black Sabbath, Scorpions y Accept. Lo primero que hicieron fue grabar de manera independiente un demo con sus primeras canciones, orientadas hacia el trash metal. Esto atrajo la atención de una asociación de bandas metaleras conocida como Avanzada Metálica, que se interesó en financiarles una producción.

En 1988 sacaron su disco debut al que llamaron Muerto en la cruz, editado por Avanzada Metálica y producido por Eric Meyer.

Su acenso fue rápido. Comenzaron a captar la atención de los fanáticos y en septiembre de ese año fueron invitados para participar en el festival Monsters of Rock, en Francia, alternando con bandas internacionales como Iron Maiden, Anthrax y Helloween.

Siguieron el EP Desear un funeral, de 1989, y el larga duración Sepelio en el mar, de 1990, ambos lanzados con Avanzada Metálica y que dieron continuidad a la buena impresión de su primer trabajo.

Alberto salió y en su lugar entró el cantante Alejandro González. Aprovecharon los cambios para incluir una segunda guitarra con Juan Carlos Camarena.

Sin perder la inercia, en lo que prometía ser una prolífica carrera en cuanto al lanzamiento de discos, en 1991 editaron el disco Zona muerta con la nueva formación, nuevamente con Avanzada Metálica. Se presentó en vivo en la gira de los grupos Sepultura, Scared Reich y Napalm Death, denominada New Titans Over México Tour, lo que les dio un nuevo estatus ante el público metalero.

En 1992 fueron invitados a participar en Mexican Mosh, junto a Decide Sick of it All y Nuclear Assault. De éste salió el disco doble En vivo, con el que terminaron su relación con la gente de Avanzada Metálica. También fue el último trabajo en el que participaron Alejandro y Juan Carlos, no sin antes haber dejado su participación en parte del siguiente disco de estudio de Transmetal llamado Amanecer en el mausoleo, editado por Discos Denver, su nueva casa. En éste regresó Alberto Pimentel como cantante, así que los créditos de voz son compartidos con Alejandro.

También salió una versión en inglés del disco Sepelio en el mar, a la que llamaron Burial at sea, en una clara intención de entrar al mercado internacional. Para entonces, ya era común ver a Transmetal en los carteles junto a bandas extranjeras que visitaban México.

En 1993 siguieron los discos Crónicas de dolor y El infierno de Dante, quizá su trabajo mejor logrado, producido por Scott Burns y grabado en Morrisound Studios, en Tampa. Contó con la participación de invitados especiales como Glen Benton (Canibal Corpse) en las voces, Brian Benscoter en los teclados y Rick Pupello en la guitarra acústica. Simultáneamente se lanzó Dante’s inferno, la versión en inglés en Estados Unidos.

En 1995 Discos Denver sacó la recopilación Veloz y devastador metal. Luego volvieron a grabar con el mismo productor y en el mismo lugar, los discos México bárbaro y El llamado de la hembra, ambos de 1996. Tuvieron como invitados al cantante George Fisher (Canibal Corpse) y al bajista Alex Webster. A partir de estos lanzamientos se presentaron en diversos foros y festivales, como su aparición en los estudios de MTV Latino, en Miami, y en el Festival The Expo of the Extreme.

Después de la promoción de estos discos volvió a salir Alberto para realizar su proyecto solista e ingresa por un breve tiempo Arturo Huízar, para después dejar el lugar a Mauricio Torres. También ingresó el hermano de Mauricio, Ernesto, en la segunda guitarra, volviendo ala formación de cinco; así callaron los rumores de una disolución de Transmetal.

En 1998 viajaron a Chicago, para grabar en los CRC Studios Las alas del emperador, con la producción de Jeff Lane. Lo presentaron en la Arena López Mateos, de la Ciudad de México, lo que les dio pie para grabar el concierto en vivo y sacar en el año 2000 el disco doble XIII años, en vivo, vol. 1 y vol. 2.

Ese mismo año editaron nuevamente con Denver el disco Debajo de los cielos púrpura, cuyo productor fue Mike Sheffield. Fue grabado y mezclado en Sheffield Studios, en Hammond, Indiana, Estados Unidos. Al comienzo de 2001 lanzaron el sencillo «Decorado con clavos», que tuvo alta rotación en el canal de videos Telehit. A la par grabaron el disco Tristeza de Lucifer, que salió hasta el verano de 2001.

Al acabar estos dos discos en el año 2000, hicieron una extensa gira por Sudamérica, visitando Colombia, Ecuador, Perú y Bolivia. Después de la salida de La tristeza de Lucifer iniciaron una gira que duró un año y medio por toda la República mexicana y ciudades de Estados Unidos.

En 2002 editaron el disco El amor supremo, grabado por James Murphy en Studio 880, en Oakland, y en Digitsound, San Pablo. Tuvieron la colaboración de Erick R. Fuentes Quintana en los teclados. Es considerado por sus seguidores como un disco experimental. Con este material visitaron varios países de Centroamérica.

En 2003 volvieron a trabajar con James Murphy, ahora en el álbum Lo podrido corona la inmensidad, que salió a la venta hasta 2004. En ese año Discos Denver sacó el disco recopilatorio 17 Years down in hell.

Para entonces, los hermanos Torres decidieron salir del grupo. Mauricio aún participó en el disco de covers Temple de acero, editado en 2005, en el que los hermanos Partida hicieron un homenaje a los grupos Scorpions, Candlemass, Celtic Frost, Accept, AC/DC, Sodom, Black Sabbath, Death, Uriah Heep y Twisted Sister.

Entraron entonces Bruno Blázquez González en la voz y Antonio Tenorio en la segunda guitarra, con quienes grabaron El despertar de la adversidad, en 2005, editado por Discos Denver. Esta vez trabajaron en Digitool Estudios, en la Ciudad de México. En 2006 lanzaron Progresión neurótica.

Cerraron el ciclo de colaboración con Bruno y Antonio en el disco 20 Años ondeando la bandera del metal, de 2007, con el que Transmetal festejó sus dos décadas de carrera. En el tema «Flotando en aguas negras» colaboró en la voz Leonardo Camacho, quien cantó con ellos en la promoción de este disco, misma que los llevó hasta Ecuador. Durante ese año, en la gira México Bárbaro, se incorporó su primer vocalista, Alberto Pimentel.

Nuevamente juntos grabaron el disco Odyssey in the flesh, de 2008, con temas en inglés dirigidos al mercado estadounidense. Fue editado por el sello estadounidense Frelony1 Records, marcando el comienzo de una nueva etapa fuera de Discos Denver.

Transmetal lanzó en 2011 Decadencia en la modernidad, editado por La Mazacuata Records, sello de Lorenzo, teniendo ahora a Christ Menpart en la voz. Se complementó con el DVD Renovación desde las ruinas.

Siguiendo con la edición independiente a través de La Mazacuata Records, en 2012 editaron Indestructible. En 2013 sacaron el disco recopilatorio Clásicos y tocaron en el Festival Hell & Heaven, repitiendo su participación en las ediciones de 2014 y 2016.

Para 2014 lanzaron el disco Peregrinación a la cabeza de Cristo, con un estilo menos acelerado, pero igualmente pesado.

Siguieron dos discos recopilatorios: Clásicos II, en 2015, y Desde lo más profundo del infierno, de 2016. En el marco de su 30 aniversario, actualmente se encuentran preparando la que será su primera gira europea y el lanzamiento del disco El trigésimo mandamiento.

Discografía £

Muerto en la cruz (1988)

Desear un funeral (1989), EP

Sepelio en el mar (1990)

Zona muerta (1991)

Amanecer en el mausoleo (1992)

Crónicas de dolor (1993)

El infierno de Dante (1993)

El llamado de la hembra (1996)

México bárbaro (1996)

Las alas del emperador (1998)

Debajo de los cielos púrpura (2000)

Tristeza de Lucifer (2001)

El amor supremo (2002)

Lo podrido corona la inmensidad (2004)

Temple de acero (2005)

El despertar de la adversidad (2005)

Progresión neurótica (2006)

20 Años ondeando la bandera del metal (2007)

Odyssey in the flesh (2008)

Decadencia en la modernidad (2011)

Indestructible (2012)

Peregrinación a la cabeza de Cristo (2014)

El trigésimo mandamiento (2017)

Otras grabaciones

En vivo, vols. 1 y 2 (1992)

Veloz y devastador metal (1995), recopilación

XIII años en vivo, vols .1 y 2 (2000)

17 Years down in hell (2004), recopilación

En vivo desde Tijuana (2010)

Clásicos (2013)

Clásicos II (2015)

Desde lo más profundo del infierno (2016), recopilación

Otros o

El hermano que originalmente entró a la banda de manera temporal, Lorenzo Partida, se convirtió en el representante de Transmetal, además de seguir siendo su bajista. También es dueño de La Mazacuata Records, en el que han editado sus más recientes discos.

74. Fobia

1987-1997 y 2003-hasta hoy, Ciudad de México

Integrante

Francisco «Paco» Huidobro - Guitarra (1987-1997) (2003-hasta hoy)

Leonardo de Lozanne - Voz (1987-1997) (2003-hasta hoy)

Javier Ramírez «Cha» - Bajo (1987-1997) (2003-2011)

Gabriel Kuri - Batería (1987-1993)

José Kuri - Guitarra (1987)

Iñaki Vázquez - Teclados (1989-1997) (2003-2011)

Jorge «Chiquis» Amaro - Batería (1993-1995)

Jay de la Cueva - Batería (1995-1997) (2003-2011)

Músicos de apoyo desde 2011

Mauricio Claveria - Batería

Maciej Majewski - Batería

Federico Fong - Bajo

Darío González - Teclados

Género ù

Rock pop, alternativo y new wave; con influencia de Talking Heads, Power Station, Duran Duran y The Cure.

Historia h

El cantante Leonardo de Lozanne y el guitarrista Paco Huidobro se conocieron al terminar un concierto de Las Insólitas Imágenes de Aurora, cuando al primero se le rompió la llave de su carro y el segundo le ofreció llevarlo a su casa. En el camino se dieron cuenta de que tenían los mismos gustos musicales y nació la idea de crear una banda. Leonardo conocía a un bajista de su escuela, que tenía su propia banda, llamada Cha! Él era Javier Ramírez y era conocido con el mismo nombre de su grupo. Se integró junto con el baterista Gabriel Kuri y su hermano José, quien tocó la guitarra con ellos por muy poco tiempo. Ambos ingresaron por invitación de Paco. Escogieron el nombre de Fobia porque los remitió a una mezcla de ansiedad, fantasía, miedos y caprichos. Sus primeros temas fueron compuestos por Paco.

Desde el principio, se destacaron por hacer un rock con fuertes influencias de los grupos new wave de la primera mitad de la década. Sin precedentes en el rock mexicano, se sustentaron en un rock pop glamoroso y esnob, que les generó simpatizantes y detractores desde las primeras fiestas y lugares donde comenzaron a presentarse. Como dato curioso, su primera presentación fue en una escuela de la colonia Ciudad Jardín, en una fiesta de la Facultad de Psicología de laUAM. Como no llegó su equipo para tocar, se lo pidieron prestado al grupo con el que alternarían: Trolebús.

Hacia el final de 1987 se inscribieron en el concurso Rock en tu Idioma, que ofrecía al ganador un contrato de tres discos con BMG Ariola, la compañía patrocinadora de la competencia. El mismo Paco me comentó, cuando nos conocimos en dicho evento, que su representante, el Oso Pavón, los sacaría de la competencia, ya que las negociaciones que paralelamente hacía con BMG Ariola iban muy avanzadas y no tenía caso que quemaran su imagen en la competencia. Y así fue. La discográfica los contrató con la intermediación de Saúl Hernández, quien se ofreció a producirles algunos demos.

En 1989 Paco y Cha coincidieron en un concierto del grupo Neón con el tecladista Iñaki Vázquez, vecino de Paco, quien tenía un teclado y un sampler, invitándolo a ser parte de Fobia y convirtiéndose así en un quinteto.

Su disco debut homónimo se grabó en 1990 y fue producido por los argentinos Óscar López y Martín Ortega, mejor conocido como Marteen. Fue grabado en el Estudio Crystal, de la Ciudad de México, y mezclado en Nueva York.

En ese año también participaron en la gira Rock de los 90’s junto a los grupos Caifanes, Neón, Los Amantes de Lola, Maná y Maldita Vecindad.

No había pasado un año de la salida de su primer disco, cuando entraron al estudio para grabar Mundo feliz, que se lanzó en 1991. Volvieron a contar con la colaboración de Marteen. Con este disco se comenzó a definir cada vez más el sonido de Fobia.

Fobia se fue perfilando como uno de los grupos más importantes del rock hecho en México. Su sonido se tornó más alternativo y el papel de las guitarras de Huidobro cobró mayor relevancia. Tras sus dos primeros discos, sus presentaciones se hicieron más nutridas. Fue en esta inercia de crecimiento que compusieron los temas para su siguiente producción.

En 1993 viajaron a Nueva York para grabar Leche en el estudio Power Station, que, aunque en ese momento desconcertó a sus seguidores, el tiempo se ha encargado de ponerlo como uno de sus más importantes y mejor logrados discos. Sin embargo, esto no se vio reflejado en su venta. En este álbum volvieron a trabajar con Marteen, pero como coproducción, ya que el grupo estuvo más involucrado. También sacaron un video promocional de su sencillo «Los cibernoides».

Gabriel salió del grupo ya que se fue a vivir a Londres para estudiar artes plásticas. Fue sustituido por Jorge Amaro "Chiquis", que venía de tocar con el recién separado Neón.

Para su siguiente disco, BMG Ariola redujo el presupuesto como consecuencia de los resultados comerciales de Leche, aunado a la crisis económica que vivía el país, por lo que en esta ocasión no viajaron a Nueva York, pero sí a Los Ángeles, para trabajar con los prestigiosos productores argentinos Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel. El disco se llamó Amor chiquito y fue lanzado en 1995. Destacó el tema «Revolución sin manos». Por otro lado, Leonardo compuso por primera vez un tema para Fobia, llamado «Vivo». Con este material se consolidó la internacionalización de Fobia en Latinoamérica y con las comunidades de habla hispana en Estados Unidos.

Chiquis dejó el grupo y tomó su lugar en la batería el multiinstrumentista Jay de la Cueva, hijo de Javier de la Cueva, pionero del rock and roll mexicano. En la presentación que el grupo dio en el Festival Rock al Parque, en Bogotá, Colombia, en 1996, tocó con ellos el guitarrista de La Lupita, Lino Nava, ya que Paco enfermó de hepatitis.

Así llegó el año 1997 y el grupo decidió hacer un receso, no sin antes sacar el disco en vivo Fobia on ice, grabado en el Teatro Metropólitan, evento que sus seguidores interpretaron como una despedida. En ese también participaron con el cover del tema de Queen «Under pressure», al que llamaron «Presionando», en el disco compilatorio Tributo a Queen. Los grandes del rock en español.

Se rumoraba sobre la separación definitiva de la banda. Por un lado, Leonardo inició una carrera como solista. Por otro, Paco tuvo algunas colaboraciones en el grupo en el que toca su hermano, Molotov, creó Bikini y comenzó a producir para otros artistas. Un par de años después, Jay, Iñaki y Cha crearon el grupo paródico Moderatto, junto a Randy, de Molotov, y Marcelo Lara.

En 2004 salió el disco doble recopilatorio Wow 87-04, que mercadotécnicamente exploró cuál era la situación de Fobia con vistas a un regreso a los escenarios, ante unos seguidores que ya habían crecido. El título fue estratégicamente pensado para dar la impresión de que la banda no había dejado de estar activa. Incluyeron algunas grabaciones inéditas hechas el año anterior, como la canción «Más caliente que el sol» que compusieron para la película Matando cabos y el tema «Hoy tengo miedo». La respuesta de su público fue muy buena, por lo que se pusieron a trabajar en una nueva producción.

En 2005 salió Rosa Venus, en clara alusión a la marca de jabones en los hoteles de paso, bajo su propia producción. Éste fue el primer disco de estudio en el que participó Jay de la Cueva, incluso aportando temas. Fue editado por la compañía que ha sacado todos sus discos, ahora integrada a otra gran transnacional: Sony BMG. Sin embargo, la respuesta a este material no cubrió las expectativas generadas.

En ese año fueron invitados para abrir los conciertos de The Rolling Stones en el Foro Sol, de la Ciudad de México.

Después el grupo continuó presentándose de manera esporádica. Los proyectos alternos, principalmente el de Moderatto, tenían ocupados a tres de sus integrantes. Paco creó el grupo Los Odio!, como una continuación de Bikini, junto a Quique Rangel (Café Tacvba), Tito Fuentes (Molotov) y Tomás Pérez Ascencio, con quienes sacó en 2009 un disco homónimo. Por su cuenta, Leonardo se integró al grupo Concorde, en 2007 (que tiene su propia ficha en este libro).

En 2011 se dio un rompimiento en las filas de Fobia, cuando Iñaki, Cha y Jay decidieron darle prioridad al éxito comercial de Moderatto, que a su vieja banda, quedando solos los miembros fundadores, Paco Huidobro y Leonardo de Lozanne. «Fobia es una banda muy importante, no un proyecto al que se le pueda dedicar sólo cierto tiempo, y lo hemos comprobado con las fechas que hemos hecho en el Reventour […] Hacer el nuevo disco de Fobia implica dedicarle el tiempo de promoción, giras, shows, darle tiempo, y no todos los de la banda tenían la disposición o el tiempo libre para dedicárselo.» (Leonardo de Lozanne en el portal Terra, 13 de junio de 2011.)

Rearmaron el grupo y se presentaron en el Vive Latino, en el que estrenaron la canción «La búsqueda». Durante 2012 lanzaron un par más: «Desierto» y «Dinosaurios». Estos temas fueron el adelanto del disco Destruye hogares, que salió ese año con Sony BMG. Es quizá su trabajo más romántico hasta el momento. Tuvieron un par de colaboraciones: Diego Herrera en el sax y José Portilla en la guitarra acústica.

Para su regreso a los escenarios hicieron una serie de conciertos a los que bautizaron con el nombre de Fobiarama, en el recién remodelado Auditorio Plaza, de la colonia Condesa de la Ciudad de México, donde los cuatro jueves de agosto y dos de septiembre presentaron cada uno de sus discos apoyados por diferentes bandas y músicos invitados. El primer concierto lo hicieron tocando el disco Fobia con el grupo Liquits. Le siguieron Mundo feliz, con Hello Seahorse!; Leche, con Resorte; Amor chiquito, con Jumbo; Rosa Venus, con varios invitados, como Beto Cuevas, Natalia Lafourcade, La Gusana Ciega, Abulón (Las Víctimas del Doctor Cerebro), Luis Navejas (Enjambre) y Alfonso André. El último jueves presentaron Destruye hogares junto a una nueva alineación con músicos de la talla del baterista chileno Mauricio Clavería (La Ley), el bajista Federico Fong (Sangre Asteka, Kenny y los Eléctricos, Caifanes, La Barranca) y Darío González (Chetes, Siconauta) en los teclados. Después llevaron Fobiarama a cuatro ciudades más. Con la nueva banda han continuado presentándose a partir de entonces, aunque después de un tiempo salió Mauricio Clavería, tomando su lugar el baterista polaco Maciej Majewski, con quien tocan hasta el día de hoy.

Discografía £

Fobia (1990)

Mundo feliz (1991)

Leche (1993)

Amor chiquito (1995)

Rosa Venus (2005)

Destruye hogares (2012)

Otras grabaciones

Fobia on ice (1997), en vivo

Tributo a Queen. Los grandes del rock en español (1997) con el tema «Presionando»

Wow 87-04 (2004), recopilación

XX (2007), en vivo

Otros o

Paco Huidobro es un reconocido productor musical que ha trabajado con El Otro Yo y Víctimas del Dr. Cerebro, por mencionar algunas bandas. Ha creado grupos como Bikini y Los Odio! Con este último editó el disco Los Odio! (2009).

Leonardo de Lozanne ha sido presentador y conductor de programas de televisión como Fusiona2 (Animax), Miembros al aire (Unicable) y México suena. Ha sido parte del grupo Los Concorde. Como solista ha sacado los discos Series de ficción (1999) y Turistas (2002). También se ha dedicado al modelaje y fue muy conocida su relación sentimental con Rebeca de Alba.

Gabriel Kuri fundó la importante galería de arte contemporáneo Kurimanzutto.

75. Los Amantes de Lola

1987, Ciudad de México

Integrantes l

Kazz - Voz

Gasú - Guitarra

Pepe Maafs - Teclados (1987-1988)

Rodolfo «Boris» Márquez - Teclados (1989-1999)

Fernando Díaz Corona - Bajo (1987-1997)

Freddie Canedo - Bajo (1997-1999)

Miguel Ska - Batería (1987-1990)

Alfredo «Duque» Velázquez - Batería (1990-1999)

Alejandro Tirado Lozano - Batería (2001-2005)

Álex Boom - Batería (2005-2009)

Alfredo Percástegui - Bajo (2005-2009)

Jorge Cassab - Bajo (2009-hasta hoy)

Carlos Quezada - Batería (2009- hasta hoy)

Género ù

Rock pop con influencias de García Márquez, Neruda, Hesse, los Beatles, Pink Floyd, Bowie, Peter Gabriel, The Police; grupos de la Movida Española como La Mode, El Último de la Fila, Golpes Bajos; del new wave inglés de grupos como Duran Duran, Tears for Fears, XTC y de la música mexicana y el romanticismo de los tríos de la Época de Oro.

Historia h

Impulsados por la simple necesidad de expresar sueños y vivencias a través de la música, Los Amantes de Lola comenzaron a captar la atención del público cuando participaron con el tema «Chica», en el Yamaha Band Explosion de 1987. Pero fue en el concurso Rock en tu Idioma, en 1988, cuando la banda se proyectó de una manera contundente. El premio fue firmar un contrato con la compañía transnacional BMG, creadora del concepto que le dio nombre a dicho concurso. Fue un momento de efervescencia mediática en el que se lanzaron al mercado en diferentes compañías transnacionales bandas como Caifanes, Neón, Maldita Vecindad, Fobia, Bon y los Enemigos del Silencio y Café Tacvba. Los espacios radiofónicos y de televisión fueron abriendo sus puertas para las bandas de rock, después de un oscurantismo post Avándaro que duró tres lustros. Como parte de esta estrategia comercial, bandas españolas y argentinas comenzaron a visitar México. La Unión, Radio Futura, Hombres G, Mecano, El Último de la Fila, Los Toreros Muertos, La Orquesta Mondragón, Soda Stereo, Miguel Mateos, Charly García y Fito Páez, por nombrar algunos, ofrecieron conciertos y fueron programados en estaciones que hasta entonces difundían a baladistas románticos, principalmente.

Después del concurso, Pepe Maafs salió del grupo y lo sustituyó Rodolfo «Boris» Márquez en los teclados. Los Amantes de Lola tuvieron que esperar hasta 1990 para ver el lanzamiento de su primer disco homónimo, que tuvo una gran aceptación y del cual se desprendió su primer sencillo: «Mamá». Al poco tiempo, Miguel Ska dejó el grupo para integrarse a la burocracia disqueril y lo sustituyó Alfredo «Duque» Velázquez. La banda recorrió exitosamente casi todo el país, colocando sencillos en numerosas ciudades de la República y logrando traspasar las fronteras, de manera informal, pero efectiva. Para entonces, la campaña Rock en tu Idioma tomaba dimensiones no imaginadas y la aceptación de la gente era indiscutible. Ese mismo año abrieron los conciertos de la banda australiana INXS en el Palacio de los Deportes, de la Ciudad de México, durante tres días consecutivos, marcando el regreso de los recitales masivos de rock a la capital del país y debilitando los estigmas que hasta entonces sobrevivían.

Fue 1991 el año en el que presentaron su segunda producción, La era del terror, de la cual se dio a conocer principalmente el sencillo «Beber de tu sangre», y con esto lograron proyectarse en Latinoamérica y en el mercado latino de Estados Unidos. Más de cien conciertos en ese año respaldaron la solidez de la banda. Sin embargo, el compromiso con BMG terminó y la banda se encontró ante la incertidumbre de su futuro.

Para 1993 las compañías habían sangrado al rock brutalmente, siendo las bandas quienes pagarían el precio al verse exigidas vorazmente y poco respaldadas para proyectarse en los cada vez más ambiciosos medios de comunicación masiva. Fue necesario entrar en un estado latente en los años subsecuentes, donde la necesidad de cultivar el espíritu y recuperar la perspectiva acerca de nuestras vidas nos pareció más importante que cumplir con los caprichos del mercado. [Gasú.]

La banda se dispersó durante los siguientes años.

A pesar de algunas presentaciones ocasionales, fue hasta 1998 cuando un concierto en el Metropólitan, de la Ciudad de México, marcó el probable regreso de la banda a los escenarios, teniendo a Kazzy Gasú como los miembros fundadores que se encargarían de seguir dando vida al proyecto. A partir de ahí, contaron con la colaboración esporádica de sus otros compañeros.

En el año 2000, junto con la salida del disco de Kazz, titulado El túnel del tiempo, la banda se reunió para replantear los principios que alguna vez los habían unido. Así que, en 2001, se retomó una etapa de compromiso con la música, y no con las necesidades del mercado. Curiosamente, Los Amantes de Lola comenzaron a dar conciertos por toda la República mexicana, alternando con grupos de la «vieja guardia» y con bandas del nuevo movimiento independiente. Para 2003, las presentaciones por todo el país continuaron y se extendieron al sur de Estados Unidos. En 2004 participaron en el Festival Vive Latino, en el que, a pesar de la temprana hora, tuvieron a más de 18 mil personas coreando sus clásicos. A mediados de ese año regresaron a Estados Unidos y se presentaron junto a Jaguares, en Kansas City.

Posteriormente tocaron exitosamente en el Hard Rock Live, de la Ciudad de México, su tercera producción titulada simplemente 3, y dieron a conocer temas como «Descubrí» y «La mitad del tiempo».

Durante 2005 y 2006 la banda continuó presentándose por todo México. De regreso en Estados Unidos visitaron ciudades como Chicago, Houston, El Paso y otras.

En agosto, una vez más en el Hard Rock Live, de la Ciudad de México, con un lleno total, lanzaron su cuarta producción: Historias de cabaret, grabado totalmente en vivo en marzo, en el teatro El Bataclán.

En 2007 fueron invitados a participar en el encuentro Fusión, de la estación de radio Oye FM, en el que se les entregó un reconocimiento por su trayectoria y su permanencia en el gusto de sus radioescuchas. Los conciertos continuaron, destacando el evento Viviendo Rock, en el Toreo de Cuatro Caminos, frente a cinco mil personas, junto a Miguel Mateos, Rostros Ocultos y Kenny y los Eléctricos.

En 2010 la banda se presentó nuevamente en el Vive Latino y ese mismo año lanzó el sencillo «Victoria». En julio de 2013 se presentaron en el Reventón Superestrella, en el Staples Center, de Los Ángeles.

Kazz y Gasú, Los Amantes de Lola, han continuado con el amor a la música como premisa para seguir creando. Actualmente, la banda prepara material para su nueva producción.

Discografía £

Los Amantes de Lola (1990)

La era del terror (1991)

El deseo (1991), sencillo y remixes

3 (2004)

Historias de cabaret (2006), en vivo

Otros o

Kazz tiene un proyecto solista con el que sacó en el año 2000 el disco El túnel del tiempo.

Gasú ha estado involucrado con los proyectos Polvo, Prana y Dragón. Actualmente es el guitarrista oficial del proyecto Rock en tu Idioma Sinfónico, comandado por Sabo Romo.

76. Anarchus

1987, Ciudad de México

Integrantes l

Anteriores

Miguel Guerrero - Guitarra

Miguel «Trasher» Cortés - Guitarra

Edward Rock - Guitarra

Fernando («Curro») - Guitarra

Julio Álvarez - Guitarra y bajo

José Luis «Jeff» Rodríguez - Bajo

Ciro Gutiérrez - Bajo

Hugo Anarchus - Bajo

Sergio Anarchus - Bajo

Adolfo Anarchus - Batería

Savage Grandpa - Batería

Fer Anarchus - Batería

Joel Anarchus - Batería

Luis Anarchus - Batería

Actuales

Pancho Anarchus - Voz y bajo

Vernon Blake - Guitarra

Luis Oropeza - Guitarra

Manuel Anarchus - Bajo

Dave Anarchus - Batería

Género ù

Grindcore; con influencias de The Lords of the New Church, Sodom, Napalm Death, Messiah, Rotten Sound, Nasum y Kakistrokacy.

Historia h

Anarchus se formó en el verano del año 1987 por Pancho en la voz y el bajo y Adolfo en la batería. Poco después se incorporó Miguel «Mike» Guerrero en la guitarra. La intención fue la de crear una banda que tocara lo más poderoso y rápido posible, con letras antirreligiosas y nihilistas.

Según Pancho, no creen en ningún tipo de estado ni doctrina política, social o moral. Tan sólo creen en el individuo.

Hacia finales de ese año grabaron el demo Total hate, que obtuvo una rápida respuesta por parte del público. A partir de ese momento comenzaron a tocar por distintos foros, como arenas, salones y bares de la República mexicana.

Las grabaciones de este género solían ser difundidas a partir de demos, compilados y discos compartidos con otras bandas, que tuvieron circulación mundial y generaron verdaderos cultos. En 1989 aceptaron la oferta de Rigid Records, de Tampa, Florida, para grabar y producir un EP, al cual llamaron Final fall of the gods. Esto les posibilitó viajar para tocar allá con las bandas Assuck y Paineater, en 1990. Para entonces se había incorporado Julio Álvarez en la guitarra.

Un año después se incorporó Miguel «Trasher» Cortés como guitarrista y Julio pasó al bajo, dejando a Pancho en la voz.

Mientras preparaban una gira por Estados Unidos, Pancho sufrió un accidente automovilístico que, aunado a problemas internos, provocó inestabilidad al interior del grupo. Durante la década atravesaron una etapa en la que cambiaron algunos integrantes, teniendo en Pancho, Julio y Trasher sus miembros centrales. Aun así, no dejaron de tocar. Era común verlos en la cartelera del Multiforo Cultural Alicia o el Rock Center.

Para 2004 su fama había alcanzado tierras tan lejanas como Japón, donde hicieron una gira de 13 conciertos por nueve ciudades de ese país.

Anarchus ha compartido el escenario con bandas nacionales y del extranjero como AK47, Atoxxxico, Sepultura, Exodus, Napalm Death, Fear Factory y Dark Angel, entre otros.

Actualmente Pancho es el único miembro fundador que sigue activo en Anarchus.

Discografía £

Total hate (1988), demo, reedición (2002)

Final fall of the gods (1990), EP

Promo 1991 (1991), demo

Split with grinding syndicate (1992), split

Split with monastery (1993), split

500 Years of Infamy (1993), EP

In partibus infidelium (1994)

Never ending war (1996), demo

Split with AK47. Pedigree (1996), EP, split

Quarreling (1996), EP, en Japón

10th Anniversary. Increasing the hate (1997), México; reedición (2002), EE.UU.

Live & too drunk (1999)

Still Live (… and still too drunk) (2000), split, en Centroamérica

Split CD with C.S.S.O. (2001), split, en Japón

15th Anniversary. Vals of hate (2003)

Split Anarchus/Unjoly grave. The human spectacle (2004), split, en Portugal

Split with Cacofonía. Live in Japan (2004), split

Split with witness. End of the inheritance (2013), demo 93, split

Split with disrotted. Open your eyes (2015), split

Otras grabaciones

Grinding syndicate (1991), compilación, en Japón

Brutalcomp (2000), compilado

Mandar es malo, obedecer es peor (2013), compilación

Otros o

Los miembros de Anarchus también tocan en una banda alterna a la que llaman Cacofonía, la cual consideran una burla, incluso de ellos mismos.

77. Baraja

1987-1988, Ciudad de México

Integrantes l

Alan Jay Zundelevich - Voz

Víctor González Villegas - Teclados

Armando González Villegas - Bajo

Rafael González Villegas - Percusiones y teclado

Alejandro Nogueira - Batería

Giampaolo Galasso - Sax y armónica

Género ù

Rock pop; con influencias de reggae, ska y funky.

Historia h

Los hermanos Armando y Víctor González Villegas formaron una banda con amigos de la preparatoria. Ellos eran Alejandro Nogueira y Alan Jay Zundelevich. Más tarde se reunieron temporalmente con Alberto Bronsoiler en la flauta y Ricardo Lebrija en la guitarra, para dar una presentación de covers en su escuela durante 1987. Sólo tocaron una canción propia, que se volvería emblemática para la banda: «Mae», composición de Armando y su hermano mayor, o sea, yo. A esta presentación asistí como parte del público. Se habían bautizado con el nombre de Baraja.

Yo ya había sido integrante de los grupos Nirgal Vallis e Hiperfonía. En este último había conocido al saxofonista italiano Giampaolo Galasso y cierto día se nos ocurrió visitar el ensayo de mis hermanos. Nos anexamos con ellos y la química fue tal que desde ese momento la banda contó con seis integrantes. De ahí en adelante surgieron muchos otros temas originales.

De último momento nos inscribimos al concurso Rock en tu Idioma, organizado por la discográfica transnacional BMG, llegando a ser semifinalistas. El foro donde se llevó a cabo dicho evento fue Rockotitlán. A partir de ahí, un demo con los temas «Mae» y «Tren del tiempo», únicos grabados en estudio por la banda, fueron difundidos en la estación de radio Espacio 59 y nos comenzaron a programar con frecuencia en lugares como Rockotitlán y Rock Stock.

Nuestros conciertos eran lúdicos y regularmente terminaban con el público sobre el escenario. Jay era un estrafalario frontman, que además de tener la voz con un rango muy amplio, contorsionaba su cuerpo haciendo gala de su elasticidad.

Entre 1987 y 1988 nos presentamos en pequeños teatros, parques, escuelas y un memorable concierto en el Salón Colonia, teniendo como fondo la cara gigante de un negro sonriente flanqueado por dos maracas inmensas.

Fue tal el interés generado por esta novel banda, que Manrique Moheno y Francisco Barrios el Mastuerzo, representante y baterista de Botellita de Jerez, respectivamente, mostraron interés por trabajar con nosotros y producirnos un disco.

Sin embargo, se atravesó la salida de Alan Jay por razones personales y los planes de crecimiento se desplomaron, desintegrándose el grupo a mediados de 1988.

Las canciones de Baraja fueron retomadas por los grupos Mango Gó, Casino y el Sr. González.

Otros o

Baraja fue un semillero para la creación y el enriquecimiento de otros proyectos musicales.

Los hermanos Víctor y Armando, junto con Alejandro y nuevos miembros, formaron Mango Gó, agrupación vigente hasta hoy.

Giampaolo formó Casino, banda que duró varios años. Luego creó en Guadalajara a Estaca Brown. Actualmente vive entre Italia, su país natal, y México.

Yo, tras un breve intento por arrancar mi carrera solista como Sr. González, fui invitado a unirme a Botellita de Jerez. Actualmente combino ambos proyectos.

78. Atoxxxico

1987-1995, Ciudad de México

Integrantes l

Rolo - Voz (1987-1993)

Mosh - Voz (1993)

Trasher - Bajo

Edson - Guitarra

Paulino - Voz (1994-1995)

Warpig - Batería

Género ù

Hardcore y punk.

Historia h

Al final de los ochenta y comienzos de los noventa, la escena punk hardcore mexicana se encontraba en uno de sus mejores momentos. Atoxxxico fue una de las bandas más destacadas por esos días. Su forma de tocar era contundente. El Warpig en la batería era muy original, Edson en la guitarra tocaba con gran rapidez metalera y generaba buena parte del dinamismo de la banda. Trasher al bajo fluctuaba entre el hardcore y el funk. Completando la alineación estaba Rolo con sus grandes picos en la cabeza, pegando brincos por todo el escenario.

Grabaron poco tiempo después de haberse formado, de manera rudimentaria, su demo Televisión, en 1997. Casi inmediatamente sacaron el EP Punks de mierda, que hace referencia a la autodestructiva escena capitalina. Era común que, mientras tocaban, sus seguidores se agarraran a golpes y se metieran cuanto enervante fuera posible. El vicio y la violencia eran parte del ritual punk hardcore.

Durante los siguientes años comenzaron a tocar fuera de la Ciudad de México, logrando un buen número de seguidores en otras partes de la República, sobre todo en Guadalajara.

Para 1990 sacaron el larga duración Tú tienes la razón, con un bebé en la portada.

En 1992 el grupo Café Tacvba los mencionó en su canción «Chica banda».

En 1993 se rumoró sobre la separación de la banda. Sin embargo, continuaron apareciendo en palomazos y tocadas. En 1994 dieron una serie de conciertos en California, llevando al Mosh de vocalista en sustitución de Rolo.

El paso del Mosh por Atoxxxico fue breve, para luego ser sustituido por Paulino.

Con el tiempo repudiaron esa escena que los vio nacer y decidieron tocar las nuevas influencias dentro del hardcore, cambiando su nombre a Cáustico.

El Mosh fue un dirigente muy polémico durante la huelga de la UNAM encabezada por el CGH en 1999, y que duró diez meses, siendo apresado por la Policía Federal Preventiva. Esto provocó la reunión de los miembros originales de Atoxxxico, quienes tocaron en su apoyo fuera de la cárcel en la que lo tenían resguardado.

Discografía £

Televisión (1987), demo

Punks de mierda (1987), EP

Tú tienes la razón (1990)

Otros o

Posteriormente, el Warpig ha hecho carrera como baterista de Lost Acapulco, ha sido conductor de radio y es una celebridad en las redes sociales.

Trasher se ha presentado como Atoxxico en algunos conciertos posteriores, que han resultado poco apegados a lo que en realidad fue la banda.

79. Aleks Syntek y la Gente Normal

1987-1997, Ciudad de México

Integrantes l

Aleks Syntek - Voz y teclados

León Chiprut - Guitarra

Michel Rojkind - Batería

Género ù

Pop rock, new wave y tecno pop; con influencias de Prefab Sprout, Aztec Camera, Kraftwerk y Thomas Dolby.

Historia h

Raúl Alejandro Escajadillo Peña, mejor conocido como Aleks Syntek, comenzó a tocar desde muy pequeño de manera autodidacta. Es recordado por aparecer en el programa de televisión Chiquilladas, en el que participó durante dos años. El nombre de Syntek viene del apodo que tenía: «El sin teclados». Al principio adquirió reconocimiento como compositor de temas para otros artistas. Hizo canciones para Sasha Sokol, Microchips y Caló, entre otros. Colaboró como compositor y tecladista de Kenny y los Eléctricos durante 1988.

En 1989 formó, junto a León Chiprut y Michel Rojkind, el grupo Gente Normal. Grabó un primer disco, el cual fue enlatado por un tiempo. La compañía EMI le sugirió utilizar sólo su nombre, pero él insistió en usar el de la banda. Finalmente salieron con ¡Hey tú!, en 1990, como Aleks Syntek y la Gente Normal.

Para 1993 sacaron con EMI el álbum Más fuerte de lo que pensaba, su segundo disco. Contó con la colaboración del legendario tecladista de The Doors, Ray Manzarek, quien después de escuchar la musicalización que Aleks hizo al filme documental Leyendas del México antiguo decidió participar en el tema «Nuestras costumbres». También contaron con la participación en el bajo de Sabo Romo, exCaifanes, quien a partir de ese momento sería un colaborador cercano del grupo. También trabajó con ellos en los coros y con su cabeza totalmente rapada Mary Urtuzuástegui. El sencillo «El camino» estuvo acompañado de un video fuertemente promovido por la cadena MTV Latino. Pero fue a partir de la promoción de «Mis impulsos sobre ti», en la estación de radio 97.7, de la Ciudad de México, que el disco despegó, llegando a vender 250 mil copias.

En 1995 salió Bienvenido a la vida, inspirado en el nacimiento de su sobrina. Fue un disco opacado por el éxito de Más fuerte de lo que pensaba, aunque revalorado con el tiempo. En ese año salió León y el grupo se convirtió en un dúo.

Para 1997, con mucha presión por parte de su compañía para que produjera un disco comercial, salió Lugar secreto, que fue grabado en Los Ángeles durante el 96. Fue el más roquero de la banda y contó con la participación de Héctor Page en la guitarra.

Tras la promoción de Lugar secreto, Michel decidió retirarse para dedicarse a la arquitectura, con la consecuente disolución del grupo.

Conocer… a Aleks Syntek… formar con él un nuevo grupo y poco tiempo después firmar con EMI Capitol para grabar tu primer disco, aún sin haber cumplido los 20. Empezar a sonar en la radio, volverte famoso, hacer giras en México, en Centro y Sudamérica; en Estados Unidos. Vender cientos de miles de copias, ganar discos de oro, tocar en el Limelight de Nueva York, en el House of Blues de Los Ángeles, auditorios cada vez más importantes y más grandes. 10 mil personas, 20 mil, ¡35 mil! (Michel Rojkind en entrevista con Rodrigo Pérez Rembao para «Domingo», de El Universal, 29 de julio de 2012.)

Entre 1997 y 1998 Aleks se reunió con León para colaborar en los tributos a Queen y José José.

Discografía £

¡Hey tú! (1990)

Más fuerte de lo que pensaba (1994)

Bienvenido a la vida (1995)

Lugar secreto (1997)

Otras grabaciones

Tributo a Queen (1997), con el tema «Alguien a quien amar»

Un tributo a José José (1998), con el tema «Preso»

Otros o

Aleks Syntek ha continuado con una exitosa carrera solista dentro del pop. Su despegue comercial fue a partir del tema «Sexo, pudor y lágrimas», tema principal de la película homónima.

Actualmente León Chiprut se dedica a la fotografía y Michel Rojkind es un reconocido arquitecto.

80. El Personal

(1987-1990) (1994-2001) (2011-hasta hoy), Guadalajara, Jalisco

Integrantes l

Julio Haro† - Voz y melodeón (1987-1990)

Andrés Haro - Bajo (1987-1990) (1994-2001) (2011-hasta hoy)

Alfredo Sánchez - Teclado y guitarra (1987-1990) (2011)

Óscar Ortiz - Guitarra (1987-1990) (1994-2001) (2011)

Alejandro López Portillo - Batería (1987-1988)

Pedro Fernández† - Batería (1988-1989)

Carlos Domínguez - Xilófono (1987)

Juan Miguel López Portillo - Teclados (1987)

Lalo Parra† - Voz (1994)

Daniel Kitroser - Batería (1994-2001) (2011)

Lalo Green - Guitarra y voz (1994-2001)

César Maliandi - Guitarra (2011)

Pilar Reyes - Coros (1994-2001) (2011-hasta hoy)

Leo Quirarte - Voz (2012-hasta hoy)

Emiliano Huerta - Percusión (2012-hasta hoy)

Gustavo Orozco - Guitarra (2012-hasta hoy)

Género ù

Reggae, rock, blues, foxtrot, ritmos jarochos, ecos de arrabal y sonidos guapachosos; con influencias de Bob Marley, Los Xochimilcas, Botellita de Jerez, Jaime López y Tin Tán.

Historia h

Julio y Andrés (exPlasmodia y Opus Nite), los dos de apellido Haro, pero sin ningún parentesco, se conocieron en la extinta revista Galimatías, en la que participaban, entre otros, Paco Navarrete, Toño Márquez, Alejandro Rizo, Óscar Ortiz, Guillermo del Toro, Jaime López y los moneros Jis y Trino.

En algún momento de 1987 Julio tomó la guitarra de Andrés y se puso a parodiar canciones de la nueva trova cubana, con letras improvisadas. Tras ese primer destello de lo que más adelante sería El Personal, comenzaron a reunirse por pura diversión, en el departamento de Andrés, ubicado en la calle Parque de las Estrellas, de la colonia Jardines del Bosque, en la ciudad de Guadalajara. Óscar Ortiz compartía el departamento con Julio y se les incorporó. Ahí aprendió a tocar la guitarra. Los unió su gusto por la música jamaiquina; eran fanáticos de Bob Marley y del reggae en general. Así, comenzaron a surgir sus primeras composiciones, a las que nombraron «Dale de comer al conejito», «Centerfold blues», «Broche de oro», «El último camión» y «No te hagas». Las grabaron en un casete que llegó a las manos de Rogelio Villareal, en la Ciudad de México, quien a su vez los invitó a presentarse en el Bar 9, en la capital mexicana. Así que armaron una banda con Alejandro y Miguel López Portillo en la batería y los teclados, respectivamente, Carlos Domínguez en el xilófono, Óscar en la guitarra, Andrés en el bajo y Julio en la voz, el melodeón y lo que le daba su principal característica al grupo: las letras.

En ese año, El Personal debutó el 10 de noviembre en el sitio mencionado, después de una presentación/ensayo en el Instituto Anglo-Mexicano, de Guadalajara. Después tuvieron una presentación en la entonces tímida y modesta FIL de Guadalajara, en la que, entre otros temas, tocaron una versión en reggae de «Libro abierto».

Alfredo Sánchez se incorporó al grupo cuando lo invitaron como refuerzo para una presentación en la peña Cuicacalli, lugar que se convertiría en su foro natural. En un concierto que dieron en el patio mayor del Hospicio Cabañas, donde le abrieron a Gerardo Enciso, conocieron a Pedro Fernández, quien finalmente sustituyó a Alejandro en la batería.

Alfredo Sánchez comenta: «Como letrista, Julio era ingenioso y ocurrente, sabía rimar y escribir décimas. Tenía una cultura musical amplia, herencia de sus años en el norte —había nacido en San Luis Río Colorado, Sonora, de donde su familia se trasladó a Guadalajara— y un sentido innato para mezclar buenas ideas musicales y letrísticas. Sus canciones podían lo mismo desternillar de risa al público que asistía a los conciertos en la peña Cuicacalli (prácticamente el único lugar donde se presentaba el grupo) que provocar la indignación de las buenas conciencias tapatías».

El grupo creció y provocó cada vez mayor expectativa, lo que los llevó a pensar en grabar un disco. Es así como una amiga de Julio, Vicky Macedo, les ofreció producirlos ejecutivamente, creando el sello Discos Caracol. Se grabó en el estudio de Sergio Naranjo con la producción de Raúl Peñaloza y Paco Navarrete. Durante la grabación aparecieron tensiones que, más que tener origen en lo musical, tuvieron que ver más con cuestiones administrativas. Tanto Pedro como Andrés se mostraron inconformes con el trato con Vicky, saliéndose temporalmente y regresando al estudio manifestando su inconformidad y sólo para cumplir con el compromiso, pues ya no se sentían parte del grupo.

El disco se terminó y apareció en acetato de vinilo en 1988, con un dibujo del artista plástico Alejandro Colunga en la portada; en los interiores venían las letras adornadas con dibujos y un recortable llamado Nomehallograma, de Jis y Trino. Salió con el nombre de No me hallo, y fue presentado en el Foro Arte y Cultura, de la ciudad de Guadalajara, el 16 de junio. Además de los temas de su primer casete, contiene «Nosotros somos los marranos», pieza antiecológica compuesta para un evento ecológico.

Con poca distribución y promoción, este disco se fue conociendo de boca en boca y haciéndose popular entre expertos. En 1988 y 1989 comenzaron a circular dos casetes no oficiales de El Personal en vivo, a los que llamaron: En vivo peña Cuicacalli y Qué mugrero. Aunque su popularidad aumentaba, el germen del conflicto ya se había instalado en el grupo, las discusiones se habían vuelto interminables y los desacuerdos eran irreconciliables. Después vino la enfermedad y muerte de Pedro, en 1989, y se hizo complicado continuar. «Aquella noche terminamos de tocar en la Cuicacalli. Al poco rato Pedro ingresó al Centro Médico del Seguro Social, de donde ya no saldría. El diagnóstico era sida. Un día, estando en el ensayo, recibimos la llamada: Pedro había muerto.» (Alfredo Sánchez.)

El Personal intentó continuar acompañado de cajas de ritmo e invitando amigos bateristas, pero no les gustaba el resultado. El último concierto que dieron Andrés, Óscar, Alfredo y Julio fue en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente (ITESO), en febrero de 1990.

Años antes de comenzar el grupo, a Julio también se le había diagnosticado como seropositivo. Después de la muerte de Pedro comenzó a sentirse mal y se mudó a la casa de su madre para recibir los cuidados correspondientes. Ya no se recuperó y, a pesar de sus ganas de vivir y sin perder nunca su característico sentido del humor, murió el 4 de enero de 1992.

Años después, Andrés y Óscar, de manera circunstancial, se hicieron de las cintas originales de No me hallo, ya que Sergio Naranjo las encontró y le pareció una lástima deshacerse de ellas, por lo que le llamó a Andrés para vendérselas al costo. Éste se cooperó con Óscar y las compraron. Según Paco Navarrete, en el libro El rock tapatío. La historia por contar, editado por la Federación de Estudiantes Universitarios de la Universidad de Guadalajara, Julio hubiera querido preservar y hasta que enterraran junto a él los derechos de sus piezas «y, tormentoso y furioso como podía ser —nos consta—alejarlas de sus excompañeros […] Lo malo es que nadie se atrevió a cumplir la última voluntad de Julio: guardar sus cenizas en un envase de Tupperware encima del refrigerador y no hacerle jamás un homenaje».

En 1993 salió No me hallo y algo más, una reedición del álbum del 88 lanzada en CD por Discos Pentagrama, más cuatro temas en vivo y un remix de «Nosotros somos los marranos». En 1994 también se reeditó en España por Discos Pulque Sí.

A partir de ese momento, Andrés y Óscar retomaron el proyecto de El Personal y viajaron a España, llevando al baterista Daniel Kitroser, al guitarrista Lalo Green, a la corista Pilar Reyes y al cantante Lalo Parra, quien también era seropositivo y falleció al regresar a México. «Me llamaron y me dijeron que querían que fuéramos a presentar No me hallo. Yo les comenté que ya no había banda y me dijeron: “Pues arma una”. La cosa es que ellos querían publicar la versión española del álbum; estaban decididos a todo y terminaron por convencerme». (Andrés Haro para la sección «El radar», del suplemento «Ocio», Milenio Guadalajara, junio de 2011.)

En 1995 se editó Melodías inmortales, distribuido por Discos Pentagrama, con la producción ejecutiva de Tania Libertad, y artística, de Sabo Romo. Este disco contiene temas con letras de Julio, que no entraron en el primer disco.

En 1997 Lalo Green se encargó de la voz y grabaron La última y nos vamos; él dejó la agrupación en 1998 para irse a vivir a Barcelona. La segunda formación de El Personal se desintegró en 2001.

Andrés Haro creó el sello Discos Imposibles en 2002 y en 2003 lanzó el documental en DVD El Personal.

En 2011 se dio la reunión de Andrés Haro y Óscar Ortiz con su viejo compañero Alfredo Sánchez, cuando montaron el espectáculo En Guadalajara fue… Festejando a El Personal para la Feria Internacional de la Música (FIM) celebrada en ese año en la capital jalisciense, donde interpretaron sus temas clásicos y tuvieron como invitados en las voces a Jaime López; Rubén Albarrán, de Café Tacvba; José Fors, de Cuca; Ugo Rodríguez, de Azul Violeta; Gerardo Enciso, y la única voz femenina de Pilar Reyes, como exintegrante de la segunda formación de El Personal. También subió Sax, de Maldita Vecindad. Tras el entusiasmo de esa noche, los invitaron a participar en el concierto Rock por la Vida y el director del Festival Vive Latino les propuso presentarse en la edición del festival de ese año. En dicho festival su amigo Sabo Romo les sugirió grabar un nuevo disco.

La idea no encontró eco en Alfredo y Óscar, pero en Andrés Haro sí, y junto al guitarrista Gustavo Orozco grabó como El Personal el disco Sabe qué modo, editado en su sello, Discos Imposibles, durante 2012, ejecutado y producido por ellos dos. En vivo se apoyaron con Leo Quirarte en la voz, Emiliano Huerta en la percusión y Pilar Reyes en los coros.

Actualmente se encuentra en proceso la realización del documental Con el alma en una pieza, la leyenda de El Personal, dirigido por Jorge Bidault, que comenzó a rodarse desde la presentación del grupo en la FIM de 2011.

El disco No me hallo fue considerado en el número especial de la revista Rolling Stone, Rock Latino 80’s, como uno de los diez discos imprescindibles del rock en español.

La evolución musical de El Personal ha sufrido una transformación hacia algo técnicamente bien hecho, pero que ya no tiene nada que ver con el concepto de la banda original. En lo letrístico, el mismo Andrés ha reconocido en varias ocasiones que las letras de Julio han sido insuperables. Aun así, se ha aferrado a mantener la vigencia de El Personal. Para Alfredo Sánchez la razón por la cual esta banda ha perdurado durante más de un cuarto de siglo es por el contenido de las letras creadas por Julio Haro.

Discografía £

No me hallo (1988)

En vivo peña Cuicacalli (1988), casete no oficial

Qué mugrero (1989), casete no oficial

No me hallo y algo más (1993), reedición en CD con temas extras

No me hallo (1994), en España

Melodías inmortales (1995)

La última y nos vamos (1998)

Sabe qué modo (2012)

Otras grabaciones

El Personal (2003), DVD

Con el alma en una pieza, la leyenda de El Personal, documental en proceso

Otros o

Julio Haro, además de ser compositor, fue publicista, dibujante, pintor, dramaturgo, narrador de cuentos casi psicoanalíticos que intentaban demoler con fina sátira los valores de la doble moral tapatía, locutor de radio, humorista gráfico e impulsor de la revista Galimatías, en la que publicaba sus Aventuras de Gay Lussac, azote de los bugas proclives y sus Prosopopeyas eclécticas, también publicadas en el periódico Unomásuno, entre muchas otras cosas.

Alfredo Sánchez es un reconocido compositor. Sus obras se han interpretado, entre otras agrupaciones, por la Orquesta Filarmónica de Nueva York, en 2007. Ha sido tecladista de Fórceps y participó en la ópera rock Frankenstein, ambos proyectos de José Fors. Fue arreglista y director del grupo de Jaramar. Participa como tecladista de Gerardo Enciso. Es conductor del programa de Radio UDG, Señales de humo.

Andrés Haro creó el sello Discos Imposibles, que ha emitido una veintena de títulos producidos por él mismo. Tiene cinco discos como solista.

Óscar Ortiz es profesor de inglés para TOEFL, IELTS y Business English, en la Handswerkkammer Bildungszentrum, en Münster, Alemania.

81. RaXaS

1987-1997, 2003 y 2011-2013, Ciudad de México

Integrantes l

Gerardo Garibay «Bola» - Guitarra

Jorge Aguilar - Bajo (1987)

Marco Antonio Garibay «Tato» - Batería (1987)

Mario Centella - Bajo (1987-1988)

Lino Nava - Guitarra (1988-1991)

Fernando Benítez - Batería (1988-1991)

Abraham Atto - Bajo (1988-1991)

Jesús Rodríguez - Voz (1988-1991)

Paco Ayala - Bajo (1992-1994)

Carlos Sánchez «Charal» - Batería (1992-1994)

Arturo Huízar - Voz (1993-1994)

Alejandro Schaar - Voz (1994-1995)

David López - Bajo (1994-1995) (2003)

José Lafarga - Batería (1994-1995)

Iván García - Guitarra (1994-1995)

Giraldo «Zombie» Ferro - Voz (1995-1997)

Daniel Hernández - Bajo (1995-1996)

Zayi Montagno - Bajo (1997) (2011-2013)

Francisco «Paco Rock» Hernández - Guitarra (1995-1997) (2003)

Ernesto Martínez - Batería (1995-1997)

Jorge Lafraga - Batería (2003)

Arturo Niño (2003)

Guillermo Jácome - Guitarra (2011)

David López - Bajo (2011-

Luis García «el Borrego» - Voz (2011)

Guizmo Reza - Batería (2011)

Adrián Carrera «Pikoy» - Batería (2011-2013)

Benjamín Tijerina - Voz y guitarra (2011-2013)

Género ù

Heavy metal, hard rock y speed metal; con influencia de Twisted Sister, Black Sabbath, Van Halen, Judas Priest, Quiet Riot y Metallica.

Historia h

Los hermanos Gerardo y Marco Antonio Garibay, al ser hijos de un músico, crecieron rodeados de instrumentos. En ese ambiente resultó muy difícil que no se dedicaran a la música. En su adolescencia, Gerardo conoció al cantante Arturo Huízar cuando éste era el maestro del taller de electrónica en su secundaria. Un día de paro laboral lo vio tocando la guitarra en el patio de la escuela, lo que resultó en una especie de revelación. Una noche de 1986 acudió a Rockotitlán con su hermano Marco Antonio para verlo cantar con Luzbel. Ambos quedaron impactados con el grupo y el poder del heavy metal. En 1987, con Gerardo en la guitarra y Marco Antonio en la batería, se juntaron con el bajista Jorge Aguilar para conformar la primera alineación de RaXaS, inspirados en los grupos de heavy metal y hard rock de los años ochenta. Al entrar Mario Centella en sustitución de Jorge en el bajo, comenzaron a escuchar speed metal y a grupos como Metallica, por lo que sus primeras composiciones se vieron influenciadas por esa corriente del metal. Marco Antonio estaba más interesado por el heavy metal clásico, por lo que abandonó pronto al grupo. La alineación de RaXaS tendría cambios sucesivos, siendo Gerardo Bola su único miembro permanente, en una especie de proyecto solista con infinidad de colaboraciones.

Para 1988 acompañaban a Bola el guitarrista Lino Nava, el baterista Fernando Benítez, el bajista Abraham «Atto» Attié y el cantante Jesús Rodríguez. En plena euforia con el movimiento de Rock en tu Idioma, se concentraron en la tarea de realizar una grabación, con la que editaron un casete de manera independiente en 1989. Llevó el título de Presencia y ellos mismos los vendieron entre sus conocidos; llegaron a colocarlo en la tienda de discos Supersound, de Polanco.

Con recomendaciones de boca en boca, RaXaS comenzó a colocarse como una de las bandas más importantes de metal en México. Pronto obtuvieron oportunidades y reconocimientos: ganaron el Premio La Carcajada de Oro como Mejor Grupo de Heavy Metal otorgado por el LUCC, conocido foro del sur de la ciudad; fueron la Banda Revelación para la revista Banda Rockera; grabaron un concierto en el Teatro Blanquita para el programa de televisión Rock sin etiquetas y fueron elegidos para abrir el concierto de Black Sabbath en San Luis Potosí, mismo que al final no se llevó a cabo por desorganización.

Participaron en el concurso La Batalla de las Bandas que se organizó en Rockotitlán, donde alternaron con Consumatun Est, Ansia, Crista Gali, Mango Gó y Branda, entre otros. Dejaron registro del tema «El vigilante» en el disco editado con grabaciones de los finalistas en 1990. También participaron en el Band Explosion de Yamaha, quedando entre los mejores. En esta etapa inicial los representaba Benjamín Salcedo y Laura Viadas, quienes conducían el programa Frecuencias alteradas en Estéreo Joven.

En 1991 Lino salió para formar el grupo La Lupita, lo que provocó la desbandada, quedando Bola solo y dispuesto a rearmar a RaXaS.

En 1993 el grupo estaba conformado por Bola en la guitarra, Paco Ayala en el bajo y Carlos Sánchez en la batería. En la búsqueda de un cantante, Bola decidió acudir a su ídolo de la secundaria e invitó a Arturo Huízar, quien aceptó. Con él, compusieron temas como «El funeral» y «Pasado sin destino» y comenzaron a tocar en el circuito de foros subterráneos, incluyendo los temas de los ídolos de Bola, Luzbel.

Después de la salida de Lino, RaXaS hizo algunas grabaciones que incluyeron sesiones junto a Huízar, que quedaron enlatadas por un tiempo. Salieron hasta 2003 en el disco Allá nos veremos. Siguieron los cambios de integrantes.

En 1994 salió su primer larga duración: Esclavos eternos, con Discos Dodo, subsello de Sony Music. La banda estaba conformada entonces por Bola, David López en el bajo, José Lafarga en la batería, Iván García en la guitarra y Alejandro Schaar en la voz.

Posterior a la salida del disco, RaXaS viajó por diferentes ciudades de la República mexicana, además de presentarse en el Festival South by Southwest de 1995, en Austin, Texas. En esa ocasión Bola contó con Giraldo «Zombie» Ferro en la voz, Daniel Hernández en el bajo, Paco Rock en la guitarra y Ernesto Martínez en la batería.

En 1997 Bola decidió parar las actividades del grupo, no sin antes organizar un concierto de despedida para RaXaS en Rockotitlán.

En 2002 Bola editó el disco doble recopilatorio con temas que habían quedado sin editar, grabados en el periodo comprendido entre 1991 y 1994, al que llamó Allá nos veremos, una mezcla de canciones conocidas e inéditas que salió con el sello Rilo Producciones. A raíz de este lanzamiento, RaXaS volvió a los escenarios durante 2003. La banda estuvo conformada por Bola en la guitarra, David López en el bajo, Jorge Lafarga en la batería, Arturo Niño en la voz y Paco Rock enla guitarra. Después de esto RaXaS volvió a una etapa de inactividad.

En abril de 2011 fueron invitados a participar en el Vive Latino, en el que tuvieron una presentación accidentada. En esa ocasión tocaron David López en el bajo, Guillermo Jácome en la guitarra, Luis García el Borrego en la voz y el Guizmo en la batería. También estuvieron como invitados Lino Nava, Fernando Benítez y Abraham Attié.

En ese año comenzaron a trabajar en su nueva producción, a la que llamaron Instinto, que se editó con Sexa Records en 2012. Participaron Zayi Montagno en el bajo, Adrián Carrera Pikoy en la batería y Benjamín Tijerina en la voz y la guitarra.

El grupo se mantuvo activo por un tiempo. Sin embargo, decir que ha llegado a su final resultaría aventurado, ya que a lo largo de su historia Bola nos ha demostrado que RaXaS puede surgir de sus cenizas en cualquier momento, como ave fénix.

Discografía £

Presencia (1989), casete

Esclavos eternos (1994)

Allá nos veremos (2002), recopilación

Instinto (2012)

Otras grabaciones

La batalla de las bandas (1990), compilado, con el tema«El vigilante»

Otros o

RaXaS ha sido una banda semillera de músicos para otras agrupaciones importantes. Tal es el caso de Lino Nava, que después formó La Lupita; Abraham Attié, que hizo Atto and the Magestics; Paco Ayala, con Molotov; Carlos Sánchez, con Resorte; Jorge Lafarga, en Ramsés, y David López en Las Víctimas del Dr. Cerebro, por mencionar algunas.

82. Azul Violeta

1988, Guadalajara, Jalisco

Integrantes l

Ugo Rodríguez - Voz

César López «Vampiro» - Guitarra (1988-1991) (1994-1999)

Álex «Orko» Pérez - Batería (1994-hasta hoy)

Iván González - Teclados (1994-2002) (2008-hasta hoy)

Yuri González - Bajo (1994-2002) (2008-2013)

Andrés «Shaboomy» Lozano - Guitarra (2008-hasta hoy)

Mayer Rod - Bajo (2013-hasta hoy)

Género ù

Rock pop; con influencias de rock clásico, soul, funk, música electrónica, etcétera.

Historia h

«Azul Violeta nació de la necesidad de hacer música “inteligente” en una época donde Siempre en domingo y las estaciones de radio comerciales transmitían sólo pop de muy mala calidad.» (Ugo Rodríguez.)

Todo comenzó cuando Ugo y César, guitarrista conocido como Vampiro, se juntaron a componer las canciones que conformarían el primer material de Azul Violeta. Se presentaron por primera vez en las galerías de arte Clave y Magritte, en la ciudad de Guadalajara, acompañados por Luis Palomar en los teclados, el Chino Inda en el bajo y Álex Bataco en la batería.

Los siguientes años se caracterizaron por la entrada y salida de diferentes músicos, acompañados de momentos de inactividad. Entre otras cosas, el Vampiro se integró a las filas del grupo Maná, pero finalmente regresó a Azul Violeta en 1994. Fue hasta ese momento cuando se logró una alineación estable con Ugo en la voz, Vampiro en la guitarra, Yuri en el bajo, Iván en los teclados y Orko en la batería.

Firmaron con la compañía discográfica EMI y tuvieron la experiencia de grabar su primer disco, América, con el productor británico Richard Blair en Real World, el famoso estudio de Peter Gabriel. Con la promoción de este primer trabajo, la banda emprendió su primera gira por el continente americano y se promovió el video de la canción «Sólo por hoy».

Para su segundo disco, llamado Gloogoscopio, decidieron utilizar un estudio móvil, trasladándose a Ajijic, a las orillas del Lago de Chapala, nuevamente bajo la producción de Blair. Los videos promocionales de este disco fueron los de las canciones «Volveré a empezar» y «Tu luz».

Para 1999 el Vampiro dejó nuevamente el grupo para integrarse a Jaguares.

Su tercer disco, Mini-multi, el último de su relación con la transnacional, se grabó durante 1998 en la ciudad de Nueva York con el productor argentino Didi Gutman (del grupo Brazillian Girls). El video del sencillo «Quiere más» fue realizado por el director Fernando Lebrija.

Después de esto, la banda se dispersó y Ugo y Orko se juntaron a componer material para un nuevo disco. En 2002 sacaron Contacto, de forma independiente. En esta etapa se hicieron acompañar por Pablo Vázquez en la guitarra, Leo Borreiro en el bajo y Cometa en los teclados. De este disco se realizó el video de la canción «Por ti».

Tras la contrastante poca difusión, consecuencia de trabajar en forma independiente, la banda entró en una etapa de receso entre los años 2002 y 2008. El 16 de octubre de ese último año decidieron despedirse del público, con la alineación que había grabado el disco América, en el Auditorio Benito Juárez, de Guadalajara.

Sin embargo, se dieron cuenta de que deseaban continuar, y en 2011 lanzaron un nuevo disco en vivo, titulado Despedida fingida, cuya grabación es la del concierto de 2008. Desde entonces han retomado sus presentaciones en la República mexicana.

A partir de 2013, con la incorporación de Mayer Rod y Andrés «Shaboomy» Lozano, en bajo y guitarra, respectivamente, el grupo se embarcó en la realización de un documental sobre su historia, además de la realización de un concierto para festejar sus 25 años de existencia.

Al final de 2015 Azul Violeta reafirmó su permanencia en la escena nacional con un nuevo disco al que llamaron Lo público y lo privado.

Discografía £

América (1994)

Gooboscopio (1996)

Mini-multi (1999)

Contacto (2002)

Despedida fingida (2011)

Lo público y lo privado (2015)

Otros o

Ugo es la voz de los grupos Yoyo Breakers y Volcán. Es crooner junto a la KMS Big Band, Dr. Frankenstein y Orlok (con José Fors). Actualmente graba su álbum debut como solista, llamado Soy Ugo y los detesto.

Álex ha venido haciendo una gran labor como productor e ingeniero de grabación para Porter, Radaid, Porcelain, Paola Vergara, Rocamadre, etcétera.

Iván se ha metido más a la parte de producción de shows y eventos especiales.

Yuri ha hecho una carrera paralela como DJ.

Andrés, además de ser un gran guitarrista, es un chef reconocido.

83. Tere Estrada

1988, Ciudad de México

Género ù

Blues, rock, jazz, rock rupestre, funk y música latina; con influencia de Bonnie Raitt, Jaime López, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Aretha Franklin, Anni DiFranco, Etta James y Rockdrigo González.

Historia h

Tere Estrada nació en la Ciudad de México el 15 de octubre de 1967. Hija de periodistas, vivió su infancia en la Unidad Habitacional Tlatelolco hasta los 14 años, para después mudarse a Lindavista, en el norte de la ciudad. Le gustaban las acrobacias gimnásticas, hasta que un día se lastimó el tobillo. A los 15 tuvo su primera guitarra y a los 17 compuso su primera canción. Con su hermana creó una obra musical para adolescentes, en la que la música corrió por su cuenta. Estudió en el CCH Azcapotzalco y solía oír Radio Educación, donde escuchó por primera vez rock mexicano. En su escuela se juntaba con compañeros músicos que venían de otros CCH. Entre ellos estaban los integrantes del grupo Trolebús. Con el tiempo se hizo pareja de Demex, el baterista. Con ellos comenzó a asistir, junto a Pato Montes y Choluís, a las reuniones que se hacían en casa de Rodrigo de Oyarzabal, programador de Radio Educación, en las que conoció a los rupestres. Solían enseñar sus nuevas composiciones cada vez que se veían, lo que la metió en la dinámica de composición y crecimiento.

Ahí conoció al saxofonista Octavio Patiño el Blu, con quien formó La Fábrica Azul, un grupo de corte folk acústico con el que hizo algunos conciertos en 1988. En ese se presentó ella sola con su guitarra en una temporada de seis meses en el Foro Tlalpan por invitación de Sergio García Michel, quien la vio tocando en la Facultad de Arquitectura durante la huelga del CEU. Fue la primera ocasión en que cobró por tocar, por lo que dicho acto podría considerarse su comienzo profesional.

Ya en 1989 colaboró con Aeroplano, que alternó con el grupo Ninot, en el Colegio Madrid. Luego formó Entenados del Enjambre, junto a Demex y Pato Montes.

Integrantes de Follaje la vieron en una de las presentaciones que hizo sola en el Foro Tlalpan y la invitaron a ser corista. Aunque le sirvió como fogueo en otro tipo de escenarios, se dio cuenta de que prefería componer e interpretar sus propias canciones y desarrollarse como instrumentista.

La discográfica Pentagrama y la UNAM organizaron el Primer Festival de la Canción Universitaria, en el que Tere fue una de las finalistas. Esto le permitió aparecer con su tema «Oye, chava», que grabó junto a Memo Sierra en el bajo, el Armonix en la armónica y Mauricio Ollín Mao en la guitarra, en un disco que Pentagrama editó en 1990.

Como el primer paso de una serie de producciones independientes a lo largo de su carrera, grabó un primer casete al que llamó Azul transitando en violeta en el estudio del bajista Rafael Herrera, durante 1990. Participaron Rafael Herrera en el tres cubano y el bajo, Pato Montes en la guitarra y Demex García en la armónica y la percusión. La misma Tere llevaba los casetes al Tianguis del Chopo para venderlos.

En ese año formó Esquina Bajan, junto a Carlos Rodríguez en la batería, Ezequiel Cano en el bajo y Carlos Castañeda en la guitarra. Tuvieron su primer concierto junto a la Banda Bostik. Después se inscribieron en un concurso organizado por el Circo Volador, quedando en segundo lugar en la categoría de Rhythm & Blues.

Interesada en difundir el papel de las mujeres en el rock mexicano, Tere organizó en 1991 el evento Yo roquera. Encuentro de Mujeres en el Rock, en el Museo del Chopo. Ese año también presentó su examen profesional en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM, con el que se graduó como socióloga.

Con Esquina Bajan sacó el disco Túneles desiertos, grabado en Rendón Estudios y mezclado en Opus Audio por Rafael Herrera y Fernando Martínez del Campo. Fue editado por el sello independiente Avanzada Metálica, en 1992, y reeditado por Discos Denver. Después del lanzamiento, la banda se deshizo.

Con la necesidad de estar sola, en 1993 se fue a Europa durante tres meses con su mochila y su guitarra. Conoció al músico Luis Márquez e incluso tocó con su banda en Bélgica. También participó en algunos programas de radio con Jorge Saldaña, en París, y se presentó en foros de Alemania, España y Dinamarca, entre otros. Con esta experiencia, Tere adquirió mucha fuerza y seguridad.

A su regreso formó el grupo Edén Subterráneo, que no duró mucho. Después conoció al tecladista y arreglista Héctor Islas, con quien grabó en los Estudios Fusión el EP Viaje al centro de tu ser, que fue editado en casete y lanzado en 1994. Con este trabajo, Tere se percató de la importancia de saber hacer arreglos musicales y decidió educarse al respecto, por lo que se inscribió en los cursos de armonía y entrenamiento auditivo que se impartían en la Sociedad de Autores y Compositores de México.

En 1997 salió el disco Encuentros cercanos conmigo, producción independiente, en el cual Tere contó con el apoyo de Federico Luna, dueño de Estudios Metztli, y Edmundo Navas, director de la discográfica Opción Sónica. La acompañaron los músicos Darío Federico en la guitarra y el bajo, Demex García y Gustavo Rivera en las baterías, Evelyn Rubio y Alfonso Miranda en los saxos, Guillermo Carvajal en el piano, Eduardo Olivares en el violín y Federico Luna en la percusión.

En ese año formó parte de Serpiente sobre Ruedas, un contingente de artistas que realizaron distintas actividades en apoyo a las comunidades zapatistas. Una de ellas fue la producción del disco Juntos por Chiapas, en la que participó en el tema de Guillermo Briseño «Navegar».

A partir de 1988 Tere comenzó a colaborar con la agrupación femenina Mujeres en Fuga, con quienes se presentó de manera para-lela a su carrera de solista. Estaba conformada por Laura Abitia en la guitarra, Alda Cano en la voz, María Tort en el bajo, Ana Pizarro enel piano y ella en la guitarra y la voz.

A partir de 1999 Tere se enfocó en la realización de diferentes entrevistas para su libro Sirenas al ataque, cuya primera edición salió en 2001 y que llevaba alrededor de una década de trabajo previo, como continuación a su tesis de licenciatura titulada Lenguaje e identidad en el rock mexicano 1985-1990. Trata sobre la historia de las mujeres en el rock mexicano. Es un trabajo minucioso y necesario que tuvo una reedición corregida y aumentada en 2008.

En 2003 salió el disco Lotería de pasiones, hecho sin las prisas y las limitaciones de sus anteriores producciones. Fue editado por el sello independiente PyP, de Francisco Sánchez-Loaeza, y contó con la participación de Darío Federico en las guitarras, Gustavo Rivera en la batería, Gonzalo Deschamps en los teclados, Iván Salgado en el violín y su viejo compañero en tiempos de La Fábrica Azul, Octavio Patiño, en el sax. También participaron como invitados Lalo Tex en la guitarra. El disco se presentó en el Centro Nacional de las Artes.

El 2004 fue un año difícil para Tere, ya que por la complicación de un embarazo perdió a su hija y casi murió a causa de una preeclampsia. Ese año grabaron el único disco de Mujeres en Fuga, llamado Brujas.

El 3 de octubre de 2005 se presentó ante un público conformado por personas de la tercera edad en el Teatro Jiménez Rueda, acompañada por la que entonces ya era su banda habitual: Darío Federico, Gustavo Rivera, Iván Salgado, Octavio Patiño y Brenda Hernández, en el teclado. De ese concierto salió el disco En vivo, editado en 2006 por el sello PyP. A la par se estrenó el documental El amor ruge como león, de Andrea Borbolla, en el que filmó a Tere en un día común y, por otro lado, se recorre su trayectoria desde 1988.

Con la idea de no limitarse, y en la búsqueda de nuevos foros, Tere se presentó en ese año con su grupo en Estados Unidos en Berkeley y Santa Ana, California. También viajaron a Europa, donde rentaron un auto y acamparon en diferentes lugares. Esto les permitió presentarse en Bélgica, España, Noruega, Italia y Alemania. En 2008 fueron a San Francisco y Los Ángeles; en 2009, a Chicago y Nueva York.

En 2010 viajaron a India y Nepal, llegando a tocar en el Festival de los Himalayas, en Katmandú. En ese viaje los acompañó el tecladista indio Pradyumna Manot.

En octubre de ese año presentó, en la Universidad del Claustro de Sor Juana, el espectáculo Compositoras de México, en el cual rinde un reconocimiento a las mujeres compositoras a lo largo de un siglo de historia. Esta idea también se plasmó en un disco que se editó en 2012, con distribución de Fonarte Latino, en el que colaboraron Darío Federico, Gustavo Rivera, Octavio Patiño, Javier Méndez en el teclado, Jazmín Rivera en el violín y Gil Icaza en la trompeta. Fue grabado en Radio UNAM y Arrabal Estudios. Contuvo temas de Concha Michel, María Greever, Consuelo Velázquez, Judith Reyes, Margarita Bauche y Ely Carvajal, entre otras, con arreglos de blues, rock, jazz, soul, boogie, funk, bossa nova, reggae, bolero y ska.

Este disco es un homenaje a las compositoras que me antecedieron, rindo tributo a su talento, su lucha y su entrega. Para este proyecto escribí la canción «Mis mujeres del Centenario», pensando en todas las mujeres que han marcado mi vida y de qué manera. Es reconocer la herencia y el poder femenino en mi árbol genealógico […] Es agradecerles a las abuelas su camino recorrido, pero también a Josefa, ala Vicario, a Sor Juana, a Judith Reyes y a Margarita Bauche. [Tere Estrada en el artículo de Miguel Castillo para <LaCaverna.net>, 26 de julio de 2012.]

El disco se presentó en el Lunario del Auditorio Nacional, en la Ciu-dad de México. También se hizo el video de «Nublada», tema de Lore Aquino.

Entre 2012 y 2014 Tere ganó una beca del Fonca, por lo que pudo estudiar canto con Michael Hanko en la Arts and Sciense of Singing Academy, en Nueva York, donde también se presentó. En 2013 viajó con su grupo a la República Checa para presentarse en el Blues Alive Festival, entre otros conciertos. En 2015, por intermediación de Ibermúsicas de la Organización de Estados Iberoamericanos, viajó a Colombia, donde se presentó en el Festival Internacional de Blues, en Medellín, y en el Festival de Blues, de Cali.

En ese año presentó la obra músico-teatral Rosario: poesía eres tú, en homenaje a la escritora Rosario Castellanos, junto a los actores Mireille Bahena y Omar Edul.

Actualmente prepara su libro-disco Un blues en la penumbra, su primera novela musicalizada.

Discografía £

Azul transitando en violeta (1990), casete

Túneles desiertos (1992), con el grupo Esquina Bajan

Viaje al centro de tu ser (1994), casete EP

Encuentros cercanos conmigo (1997)

Lotería de pasiones (2003)

Compositoras de México (2012)

En vivo

En vivo (2006)

Otras grabaciones

Primer Festival de la Canción Universitaria (1990), compilación, con el tema «Oye, chava»

Juntos por Chiapas (1997), compilación, con el tema de Guillermo Briseño, «Navegar»

Clásicos del Yazz reciclados (1999), con el grupo Yazz

Otros o

En 2012 fue becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes como cantante, por lo que impartió talleres de voz para jóvenes de escasos recursos en el Circo Volador, de la Ciudad de México. Ha dado pláticas sobre el empoderamiento femenino en la música mexicana.

Ha escrito los libros Sirenas al ataque. Historia de las mujeres rockeras mexicanas 1956-2000 y La cueva de los susurros oxidados. También ha colaborado con los textos A contracorriente. A history of women rockers in México y Rockeras migrantes en México.

Ha escrito sobre rock y cultura en los periódicos Reforma, El Financiero y El Nacional, en el suplemento Triple Jornada y en las revistas Rock and Pop, Casa del Tiempo, Revista del Centro de Estudios sobre la Juventud, Generación y Lunátika.

Es madre desde 2007.

84. Juguete Rabioso

1988- 1999, 2006-2007 y 2016, Ciudad de México

Integrantes l

Federico Bonasso - Batería y voz

Santiago Behm - Bajo y voz

Fernando Urdapilleta - Guitarra

Francisco Ríos - Voz

Coco Ruiz de Velasco - Batería

Jaime Lichi - Teclados

Invitados

Sergio Corres - Guitarra

Pablo Novoa - Guitarra

Leonardo Soqui - Teclados

Género ù

Rock, rock pop, rock progresivo, reggae y rock alternativo; con influencia de The Beatles, The Who, Pink Floyd, Charly García, Luis Alberto Spinetta, Fito Páez y El Tri.

Historia h

Los antecedentes de Juguete Rabioso se remontan a 1980, cuando en el Instituto Luis Vives, de la Ciudad de México, se conocieron Santiago Behm (bajista) y Federico Bonasso (baterista), hijos de inmigrantes chilenos y argentinos, respectivamente, que llegaron a México al final de la década de los años setenta. Al terminar la preparatoria, formaron un grupo amateur con el guitarrista Fernando Urdapilleta. Así estuvieron por algunos meses hasta que incorporaron a Francisco Ríos en la voz y a Jaime Lichi en los teclados. En ese momento se plantearon la profesionalización de Juguete Rabioso. El nombre fue tomado de la novela homónima del argentino Robert Arlt. En sus primeras canciones tocaban temáticas políticas y la influencia de los grupos del Cono Sur del continente era notoria.

La relación del grupo con la literatura era cercana, y esto fue patente cuando colaboraron con Paco Ignacio Taibo II en una serie de conciertos denominados Rock y Novela Policiaca.

Su primer representante fue Rodolfo Muratorio, que los comenzó a mover en los foros de la escena de esos años. Alternaron con el grupo Ritmo Peligroso, entre otros.

Al final de 1989 fueron objeto de censura por parte de Fernando Irabién, dueño del foro Rock Stock, que mandó sacarlos «de los pelos», según su propia expresión, por tocar «De nuevo septiembre», que hacía referencia al tema del terremoto de 1985 y que, al parecer, le resultó ofensivo. De esa época también es «La memoria en donde ardía», inspirada en un libro del padre de Federico, y que estaba dedicada a las abuelas de la Plaza de Mayo.

Grabaron un demo en el cual predominaban las composiciones de Bonasso y Bhem. Éste fue el único registro de esta etapa, ya que Juguete Rabioso tuvo cambios de formación y estilo.

El año 1990 lo comenzaron con nuevo baterista: Coco Ruiz de Velasco (exCódice, Los Pescadores de la Luna), otro compañero de la

escuela, ya que Federico Bonasso se convirtió en el nuevo vocalista tras la salida de Francisco Ríos. Dejaron atrás las composiciones con influencia progresiva de su primera etapa y su nuevo sonido estaba más relacionado con el rock pop, sin dejar las temáticas de protesta.

El grupo viajó a España con Paco Ignacio Taibo II y se presentó en la III Semana Negra de Gijón y en Madrid. Al regreso, Fernando Urdapilleta dejó la banda. Desde ese momento se decidió a trabajar con guitarristas invitados.

Juguete Rabioso comenzó a captar la atención de los medios y tuvieron sus primeras apariciones en la televisión. En 1991 fueron abridores del grupo sueco Roxette en el Auditorio Nacional, lo que los expuso a un público masivo. Cuando llegó la oportunidad de grabar su disco debut ya contaban con una buena base de seguidores que conocía bien sus canciones.

El disco Caras modernas salió en 1992, bajo el sello Discos Rockotitlán, con distribución de Warner. La producción corrió a cargo de Memo Méndez Guiú. Tuvieron como invitado en la guitarra a Joan Romagosa, al Meme (Café Tacvba) en los teclados, a Los Amantes de Lola y Cala (Rostros Ocultos) en la voz. El sencillo «Tu amor mata» comenzó a sonar en la radio mexicana, teniendo repercusión nacional y en Ecuador, Venezuela y Argentina. También el tema «Mercenario» se volvió emblemático y era reclamado por el público en cada una de sus presentaciones.

Entre 1992 y 1995 vivieron una etapa de presentaciones continuas en las cuales los acompañaron los guitarristas Sergio Corres y Pablo Novoa. Recorrieron muchas plazas de la República mexicana y visitaron Estados Unidos, donde tocaron para el público de habla hispana.

Con Pablo Novoa como productor comenzaron a trabajar, en 1993, lo que sería su siguiente disco, el cual salió hasta 1995.

Durante ese año y algunos más, Juguete Rabioso se integró al colectivo La Bola, en el que, junto a otros grupos de rock mexicano, entre los que estaban Santa Sabina y Los de Abajo, se organizaron para producir conciertos masivos que apoyaron a las comunidades zapatistas desplazadas después del alzamiento del EZLN. Estos eventos colaboraron para cortar el cerco informativo alrededor del conflicto y para generar una nueva conciencia social sobre la situación de los pueblos indígenas del país.

También en 1995 viajaron a Los Ángeles para grabar Alma total, con la producción de Novoa. Se grabó en Mama Joe’s por León Granados†. La mezcla se realizó en Nueva York por Paul Logus en los estudios Electric Ladyy salió editado por Warner Music México. Participó como músico invitado Boris, de Los Amantes de Lola, en los teclados. Con este trabajo tuvieron un sonido más potente y mejor logrado que en su disco anterior, en el cual no se llegó a transmitir la energía real del grupo. En lo letrístico también se vio una evolución en el trabajo de Bonasso y Behm.

Promovieron esta nueva producción incorporándose al Redilas Tour, en el que se aparecían sorpresivamente afuera de escuelas y universidades de la Ciudad de México y se presentaban en concierto sobre un camión. Después vino el Guateke Tour durante 1996, con el que visitaron varias partes del país compartiendo el escenario con La Cuca, La Castañeda y una banda nueva llamada Molotov.

Para estas giras incorporaron a Leonardo Soqui en los teclados, siendo quizá la formación de Bonasso, Behm, Ríos, Novoa y Soqui, la etapa en la que el grupo sonó mejor en vivo. En ese año visitaron Santiago y Viña del Mar, en Chile, además de Buenos Aires.

Sin embargo, el disco tuvo poco impacto, lo que hizo que la actividad del grupo fuera disminuyendo hasta ser casi nula en 1998. En 1999 dieron un concierto en un festival realizado en el Zócalo de la Ciudad de México, en el que se despidieron de su público.

En 2006, Miguel Bonasso, padre de Federico, los convocó para realizar un proyecto hasta ese momento postergado. Con él realizaron, en La Habana, Cuba, un espectáculo alrededor de su libro La memoria en donde ardía, que terminó convirtiéndose en un reconocimiento a la cultura híbrida argenmex. En ese evento los acompañó el guitarrista argentino Martín García Reynoso. En 2007 llevaron este evento a la Ciudad de México y a Buenos Aires, donde pudieron dedicarle a las Abuelas de la Plaza de Mayo en persona, su tema compuesto en 1989.

Federico Bonasso, Santiago Behm y Coco Ruiz de Velasco sorprendieron al volverse a reunir para presentarse en la Carpa Intolerante del Vive Latino 2016, donde tuvieron una gran recepción de su público, lo cual les ha dado ánimo para seguir tocando. Juguete Rabioso continúa.

Han pasado varios años desde que el Juguete Rabioso llegó a la escena musical mexicana con sus letras de protesta en la década de los 90. «Dile no a la represión» es una de ellas, y curiosamente este mismo tema sonará en su regreso a los escenarios de la mano del Vive Latino el próximo 24 de abril, pues para su vocalista Federico Bonasso han cambiado los tiempos, pero las canciones siguen encajando en la realidad. [Janet Mérida para el artículo «El juguete sigue siendo rabioso», publicado en la sección «Espectáculos», El Universal, 18 de marzo de 2016.]

Discografía £

Caras modernas (1992)

Alma total (1995)

En vivo

En vivo desde Guadalajara (1996)

Otros o

Santiago Behm ha publicado dos discos como solista: Lugares imposibles (2003) y Visceral (2008). Por otra parte, ha trabajado en la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.

Coco Ruiz de Velasco tiene en su haber el disco Nudo (2004).

Federico Bonasso ha hecho música para cine. En 2015 comenzó la producción de un disco como solista.

El tema «Mercenario» ha sido incluido en el repertorio de otras bandas, como Panteón Rococó.

85. Santa Sabina

1988-2010, Ciudad de México

Integrantes l

Rita Guerrero† - Voz

Alfonso Figueroa - Bajo

Patricio Iglesias - Batería (1988-1998) (2004 y 2010)

Pablo Valero - Guitarra (1988-1994) (2004 y 2010)

Jacobo Líberman - Teclados (1988-1990) (2010)

Juan Sebastián Lach - Teclados (1990-2001) (2010)

Álex Otaola - Guitarra (1994-2010)

Pablo Lach - Batería (1998)

Julio Díaz† - Batería (1999-2010)

Leonel Pérez - Violoncello (2001-2010)

Rodrigo Garibay - Sax (2001-2003)

Aldo Max - Sax (2003-2010)

Género ù

Funk, new wave, art rock, progresivo, rock gotic; con influencias de Diamanda Galás, Funkadelic, King Crimson, Led Zeppelin, Jordi Savall, James Brown y Frank Zappa.

Historia h

En los tiempos en los que acababa de finalizar la huelga de 1987 del Consejo Estudiantil Universitario, en la UNAM, una estudiante de actuación en el Centro Universitario de Teatro, la tapatía Rita Guerrero, conoció a los integrantes del grupo Los Psicotrópicos, en la adaptación que hicieron a la obra teatral Amérika, de Franz Kafka, que fue dirigida por David Hevia, y en la cual tocaban en vivo. Ellos eran Juan Sebastián Lach, Taniel Morales, Andrés Loewe, Jacobo Líberman, Poncho Figueroa y Pablo Valero. Ensayaron y presentaron dicha obra en el sótano del Teatro de Arquitectura, que hasta entonces sólo se había utilizado como bodega. Siguió una segunda puesta en escena en 1988, a la que llamaron Vox thanatos, en la cual la dinámica multidisciplinaria se fue haciendo más evidente cuando los músicos comenzaron a actuar y Rita comenzó a cantar. Compusieron los temas «Nos queremos morir», «Chicles» y «No». Al final, de Los Psicotrópicos sólo quedaron Jacobo, Poncho y Pablo, ya que los demás fueron renunciando. Fue entonces cuando Pablo le propuso a Poncho hacer una banda con Rita. También sugirió incorporar a Patricio Iglesias, quien aún no tenía batería, pero que golpeaba cuanta cosa tuviera a su alcance y mostraba una gran intuición musical. Decidieron llamarse Santa Sabina, en honor a María Sabina, mítica curandera de la sierra de Oaxaca.

Comenzaron a ensayar durante los últimos meses del año y montaron las primeras canciones. Cuando su amigo Alfonso André, baterista de Caifanes, los escuchó, les sugirió integrar a su excompañero Jacobo en los teclados. Al Caifán le gustó tanto la banda, que también les consiguió su primer concierto. Con ocho canciones se presentaron por primera vez, el 2 de febrero de 1989, en una exposición de pintura en el Salón Azteca, un lugar del centro de la ciudad donde tocaron junto a María Bonita y Simples Mortales.

A la par de estos acontecimientos, Rita conoció a la escritora Adriana Díaz Enciso en una fiesta en Guadalajara. Adriana le propuso a la nueva banda participar en un concierto que ella estaba organizando, en contra de la construcción de la planta nuclear de Laguna Verde. A partir de esto, conocieron a la que más adelante se convertiría enla colaboradora más cercana del grupo. En un primer acercamiento, Adriana fue la segunda representante de Santa Sabina, ya que la primera fue Úrsula, la novia de Patricio. Como buena artista, no tuvo la diplomacia ni el temple para manejarlos, así que no duró mucho en ese papel. Después cayó enferma y a raíz de ello, en su recuperación, les escribió la letra de «A la orilla del sol». Rita, a su vez, le escribió «Siente la claridad». Todos se dieron cuenta de que era mejor poeta que mánager, por lo que su relación continuaría por el lado de la colaboración en las letras.

Comenzaron a tocar en el circuito de foros de la Ciudad de México, en lugares como Rockotitlán, el LUCC, el Bar 9 y en diversas manifestaciones. Ensayaban en un lugar que les rentaba el director de cine Alberto Cortés, quien los invitó a participar en su película Ciudad de ciegos, junto a Saúl Hernández, de Caifanes, y Sax, de Maldita Vecindad. En ésta salen interpretando las piezas «Foto finish» y «Mil y una noches», de Pepe Elorza.

Los primeros intentos por grabar su música no fueron muy acertados. Si bien la canción «Qué te pasó», de su primer demo, terminó en una compilación de Discos Rockotitlán. Tiempo después, mientras grababan el video de «Nos queremos morir», en el salón Margo, para el programa de videos Águila o Rock (en el que Rita también era conductora), se les aparecieron un par de personajes que les ofrecieron grabarlos y ofrecerlos a alguna compañía. Sin experiencia en la negociación con productores, cometieron el error de firmar un contrato de exclusividad con ellos. Quisieron imponerles un productor artístico con el que no se entendieron y las cosas se estancaron.

Sin embargo, no les faltó trabajo. Fue una época de mucha actividad. Crearon el espectáculo Ya no me caben las flores en el cuerpo, que fue el primero en el que usaron flores y veladoras, creando un espacio místico y ofreciendo al público elementos adicionales a su música. Adriana escribió algunos textos que se leían entre canciones. Lo presentaron en el LUCC. También tocaron en lugares como el Tutti- Frutti, Rockotitlán y aparecieron en el programa de Alfonso Teja en ECO: Música sin fronteras, de Televisa. Sus demos llegaron a sonar en la estación de radio Rock 101.

Durante 1990 Jacobo decidió salir del grupo. Sin saber si seguir o no, los integrantes de Santa Sabina escucharon el consejo de su amigo Alejandro Marcovich y buscaron otro tecladista. Fue cuando se incorporó su viejo compañero de Los Psicotrópicos: Juan Sebastian Lach.

Al guitarrista Alejandro Marcovich, de Caifanes, lo conocieron en un concierto en Rockotitlán y se interesó en producirlos. Conscientes de la situación limitante que se mantenía con el contrato que habían firmado, buscaron una salida juntos. Cuando en 1992 apareció el subsello de BMG Ariola, Discos Culebra, Alejandro se encargó de negociar con ellos y resolver el asunto legal del contrato que habían firmado previamente. Fue así como se fueron a grabar a los Estudios Cherokee, en Los Ángeles, el que sería su primer disco, con la producción de Marcovich y el ingeniero de grabación y mezcla George Tutko†. Santa Sabina salió en 1992 y se presentó en el Teatro Reforma con un lleno total. De este disco se desprendieron como sencillos «Azul casi morado», «Vacío» y «Yo te ando buscando», de los cuales se hicieron videos promocionales.

En 1993 tuvieron un accidente carretero en el cual se volcó el auto en el que viajaban al chocar con un camión de carga. Afortunadamente no hubo tragedias que lamentar, aunque sí vivieron un gran susto, ya que el periodista Ricardo Bravo, que viajaba con ellos, salió despedido por la ventana. Milagrosamente, no pasó de unos golpes. De esa experiencia, Rita escribió la letra de «Insomnio», ya que momentos antes del choque no podía dormir, lo que posiblemente le salvó la vida.

Al final de ese año, Adrian Belew, de King Crimson, fue llevado a Rockotitlán para ver a Santa Sabina en concierto. Mostró interés en producir su segundo disco. Ellos no podían creer que un músico al cual admiraban mucho estuviera dispuesto a trabajar con ellos. La discográfica no puso inconveniente y, a comienzos de 1994, viajaron a casa de Adrian, en Wisconsin, donde tenía su estudio.

El año comenzó con el alzamiento zapatista, que generó un movimiento en el que Santa Sabina estuvo muy comprometido. En ese contexto se presentó Símbolos, en el Teatro de la Ciudad.

En ese año salió del grupo Pablo Valero e ingresó Álex Otaola. Su primer concierto con él fue en el Zócalo de la Ciudad de México, en un evento para despedir una caravana que llevaba ayuda a las comunidades zapatistas.

En 1995 Santa Sabina participó muy activamente junto a otros grupos de rock y la Caravana Ricardo Pozas, un grupo de estudiantes de la UNAM, todos comprometidos con el movimiento zapatista. Se realizó una serie de recitales en apoyo a las comunidades desplazadas. Hubo conciertos exitosos, como el Rock por la Paz y la Tolerancia y el Doce Serpiente, ambos en el estadio de prácticas en la UNAM. Se intentó hacer un tercero, pero fracasó por la intervención de un grupo de jugadores de futbol americano que impidieron, un día antes, el montaje del escenario y del equipo de audio: un vil acto porril. El concierto se realizó de todas maneras en la explanada de Rectoría, pero ya no hubo control de la entrada ni se cobró por el acceso, así que no se pudo enviar la ayuda a Chiapas y, además, quedó una deuda por los gastos generados. Como Santa Sabina realizaba las contrataciones, fue el grupo más embaucado. Ellos decidieron responder por esa deuda e idearon una serie de conciertos acústicos en el teatro-bar El Hábito para pagarla. Para estos conciertos invitaron a Liber Terán, de Los de Abajo, en la flauta y la voz, Gabriel Bronfman el Queso, de Resorte, en el violoncello y la percusión, y Rodrigo Garibay, de La Nao, en el sax. A partir de estos conciertos, Rodrigo estuvo cada vez más presente en Santa Sabina. De esta temporada de presentaciones se grabó el disco Concierto acústico, que salió en edición limitada en diciembre del 95 y se presentó en el Teatro de la Ciudad. El activismo de Santa Sabina en apoyo a los zapatistas no dejó de estar desde entonces, por lo que participaron en un sinfín de eventos en los años que le siguieron.

Paralelamente a los hechos de 1995, prepararon su tercer disco de estudio al que llamaron Babel. Tuvo la producción artística del argentino Pedro Aznar, con quien tuvieron poca química. En muchas ocasiones han externado que el resultado final no los dejó satisfechos. Además de Adriana Díaz Enciso, también colaboró en algunas letras el escritor y locutor Jordi Soler. Dedicaron el disco a la memoria de Sergio Hernández, actor y colaborador cercano al grupo, quien murió ese año.

Ya en 1996 prepararon una gran presentación para el disco enel Teatro Metropólitan, donde aparecía una gran torre de Babel en el escenario, con ángeles voladores y proyección de videos. A estas alturas, Santa Sabina era un grupo con una gran capacidad autogestiva que logró hacerse de un gran equipo de trabajo para volver realidad las ideas del grupo. De este disco se desprendieron los temas «El ángel» y «La garra», con sus respectivos videos promocionales.

También en ese año nació Luciana, hija de Patricio. Sus compañeros de grupo fueron los padrinos del bautizo y ella fue la bebé que salió en el video de «La garra».

En 1997 los convocaron para hacer el MTV Unplugged en la ciudad de Miami, Florida. Invitaron para la ocasión a Aarón Cruz y Gabriel Bronfman en el contrabajo y a Rodrigo Garibay y Liber Terán, con quienes ya se venían presentando desde los conciertos acústicos de El Hábito. De este concierto salió, bajo su producción artística, el disco MTV Unplugged con BMG, que absorbió a los grupos de Discos Culebra tras su desaparición. Por el hecho de haber salido en la cadena de videos, Santa Sabina tuvo una gran proyección en Hispanoamérica. Sin embargo, la transnacional no aprovechó tal circunstancia y no editó los discos en el extranjero.

Ya para 1998, la relación con su compañía discográfica se había deteriorado, y más cuando intentaron meterse en las decisiones creativas de la banda, lo que hizo que pidieran su carta de retiro. A partir de ese momento comenzó la etapa independiente en lo que respecta a la producción de discos.

Patricio salió de Santa Sabina después del concierto que dieron en la edición de 1998 del Festival del Centro Histórico. Fue una situación muy difícil de manejar entre ellos, ya que, a raíz de una lesión en la cabeza, Patricio desarrolló un trastorno obsesivo compulsivo, por lo que tuvo que ser operado al comienzo del año. Esta situación lo llevó a un estado de desequilibrio que hizo insostenible su permanencia en el grupo. En los siguientes meses lo suplió temporalmente el hermano de Juan Sebastián, Pablo Lach, de La Nao. Llenar el hueco que dejaba Patricio no era cualquier cosa. Sin duda era considerado uno de los mejores bateristas del país. Entonces Poncho se encontró en una fiesta al baterista de El que Ríe al Último, grupo de Aguascalientes con el que ya habían alternado, y le propuso audicionar para Santa Sabina. Fue así como Julio Díaz se integró a la banda en 1999.

En esa época recorrieron distintas plazas de la República mexicana y visitaron algunas ciudades de Estados Unidos, se presentaron en varias ocasiones en el Zócalo de la Ciudad de México y solían tocar cada 2 de noviembre en conciertos especiales del Día de Muertos. Sus recitales de apoyo a causas sociales no cesaron tampoco.

El siguiente disco lo grabaron en el año 2000, en el estudio 11:11, de Benny Ibarra hijo. Se llamó Mar adentro en la sangre, y contenía letras de Rita, Adriana, Jordi y una selección de poemas de Xavier Villaurrutia. La letra de la canción que le da título al disco la hizo Jordi cuando Rita le pidió que escribiera algo sobre aquellos que tienen un mar incontrolable en su interior, que hace que su vida sea más difícil que la de otros. Hicieron un video de la canción «La daga», inspirado en el cine expresionista alemán y el cine negro.

Como parte de un proceso de crecimiento, Juan Sebastián decidió separarse del grupo para estudiar en Holanda. Así que le hicieron un concierto de despedida en septiembre de 2001, en un lugar de San Ángel. Les dejó secuencias con algunas de sus partes con las que tocaron en conciertos posteriores. En esta ocasión no pensaron buscar un nuevo tecladista. En vez de eso, ingresó al grupo Leonel Pérez en el violoncello, que ya había colaborado en el disco Mar adentro en la sangre, y le propusieron también a su ya habitual colaborador, Rodrigo Garibay, formar parte de la banda.

El 2 de noviembre de ese año tocaron en Huautla, Oaxaca, la tierra de María Sabina y, por medio de una persona de nombre Valente, conocieron a su hija María Apolonia, quien los bautizó al estilo mazateco y les hizo una limpia. A partir de ahí establecieron un lazo con la comunidad de Huautla. Comenzaron así a componer el material para su siguiente disco: Espiral.

Al comienzo de 2002 se quedaron sin lugar de ensayo —y aquí déjenme hablar en primera persona, pues tuve que ver algo en la forma en que se desarrollaron los siguientes acontecimientos—. Yo conocía bien a Julio y a Álex, ya que habían grabado en mis discos. Por otro lado, también estaba comenzando Discos antíDOTO, compañía independiente que hice junto a Toño Sánchez. El primer disco que sacamos fue un compilado de bandas roqueras que manejaban elementos de música electrónica, al que llamé Capicúa beat. Alex compuso la pieza «Sin aliento», con Santa Sabina, para ser parte de ese disco. Como productor tuve ese primer acercamiento con Santa Sabina. Por otro lado, para montar mis oficinas renté un lugar en la colonia Alfonso XIII, que además tenía un cuarto de ensayo, que yo pretendía usar para Sr. González. Así que cuando me enteré de que no tenían dónde ensayar, les propuse que usaran mi espacio y además me rentaron una oficina que tenía libre. Fue una manera de apoyarnos mutuamente. Al final, los que le sacaron jugo al cuarto de ensayo fueron ellos, ya que yo en esa etapa me dediqué más a producir que a tocar. Así que en los siguientes años convivimos mucho y generamos diversos proyectos. Por lo pronto, les ayudé en la edición de Espiral, en el que se incorporó el tema que coprodujimos Álex y yo, «Sin aliento». Organicé el concierto de Discos antíDOTO en el Zócalo, en el marco del Festival de la Ciudadde México 2003, en el que participaron Sara Valenzuela, Palomazo Informativo, Nuklear, Laura Vázquez, Sr. González, y cerró con broche de oro Santa Sabina. También edité los dos discos de Ensamble Galileo, el proyecto alterno de Rita de música antigua, en el que también participaba Leonel.

Espiral salió en 2003, con la producción artística de Gerry Rosado, guitarrista de Consumatum Est. En esa ocasión, Poncho, Álex y Leonel también aportaron letras. Durante los siguientes dos años realizaron los videos de los temas «Plegaria», «Invitación», «Noche», «Humo canción» y «Olvido».

Al terminar el disco, fueron por segunda vez a Europa. Tocaron en Alemania y España. En mayo regresaron a presentar Espiral en el Teatro de la Ciudad y montaron, para no variar, un espectáculo con elementos teatrales.

Al final del año, abrieron el concierto de King Crimson en su visita a la Ciudad de México. Para ellos fue un sueño hecho realidad poder tocar junto a una banda a la cual admiraban y en la que tocaba su amigo y productor Adrian Belew. Presentaron sólo el material de su más reciente disco. Durante su interpretación, el guitarrista Robert Fripp, fundador de King Crimson, los escuchó desde un costado del escenario. Luego escribiría en su blog que Santa Sabina le había parecido un grupo interesante, lo que los hizo muy felices.

Para entonces, sus presentaciones habían incluido foros de toda la República mexicana, festivales como el Cervantino y el De la Razapa’ la Raza; abrieron un concierto de Caifanes en el Palacio de los Deportes, y tocaron en el Teatro Blanquita, en el Museo Universitario del Chopo y en el Hard Rock Live. No faltaron tampoco los conciertos en apoyo a las comunidades indígenas.

Rodrigo Garibay se despidió del grupo y entró en su lugar Aldo Max, de Los Músicos de José, por sugerencia de Álex. Su primer concierto fue en noviembre. Con él comenzaron a enfilarse a los festejos por sus 15 años. Para esta celebración decidieron realizar un recorrido por todas las etapas de la banda. Hicieron una encuesta por las redes para que su público definiera qué canciones no podían faltar. Llegó el 20 de marzo y llenaron el Metropólitan, donde tocaron casi por tres horas y media apoyados por imágenes de toda su historia. Coronaron la noche con la participación de Pablo Valero y Patricio Iglesias.

El resto del año tuvieron presentaciones esporádicas, hasta que el 19 de diciembre anunciaron, en un concierto que dieron en el Zócalo de la Ciudad de México y ante el desconcierto de su público, la necesidad de tomarse un año sabático para renovar energías y replantear el curso de sus vidas. Asimismo, en los primeros días de 2005 subieron un comunicado a su sitio oficial reiterando esta idea.

En ese año salió a la venta el disco doble XV Aniversario en vivo, grabado en el concierto del Metropólitan el año anterior. Iba acompañado con un DVD que incluyó videoclips, documentales y una colección fotográfica de toda su carrera.

En marzo de 2006 nació el hijo de Rita y Aldo, a quien llamaron Claudio.

Su siguiente aparición fue en el Festival Vive Latino 2008 y fue seguida por una serie de presentaciones que incluyeron Monterrey, Tijuana, Guadalajara y Torreón. Fueron anunciados en el cartel de la sexta Noche de Primavera, organizada por el gobierno del Distrito Federal en 2009, pero ya no se presentaron.

Al comienzo de 2010 a Rita se le detectó cáncer de mama, un mal que ya había aquejado a otras mujeres de su familia. Comenzó a tomar su tratamiento de quimioterapia, pero al sentir que no tenía resultados, recurrió a la homeopatía. En diciembre se hizo un concierto en su apoyo en el Teatro de la Ciudad, en el que participaron, entre otros, La Lupita, Julieta Venegas, Maldita Vecindad, Fratta y Monocordio. En esa ocasión participaron juntos todos los integrantes de Santa Sabina, es decir, Rita Guerrero, Alfonso Figueroa, Pablo Valero, Patricio Iglesias, Alejandro Otaola, Juan Sebastián Lach, Julio Díaz, Leonel Pérez y Aldo Max Rodríguez, sin saber que sería su último concierto.

Rita Guerrero falleció a los 46 años, el 11 de marzo de 2011, en el Instituto Nacional de Cancerología. Se le veló y se le rindió un homenaje en el Auditorio Divino Narciso, de la Universidad del Claustro de Sor Juana, en la que ella fue profesora de canto y directora del coro estudiantil. A este homenaje asistió muchísima gente, entre músicos, alumnos y seguidores; hubo música y despedidas. También se presentó el coro que ahora lleva su nombre: Coro Virreinal Rita Guerrero.

Discografía £

Santa Sabina (1992)

Símbolos (1994)

Concierto acústico (1995)

Babel (1996)

MTV Unplugged (1997)

Mar adentro en la sangre (2000)

Espiral (2003)

XV Aniversario en vivo (2005), CD+DVD

Otras grabaciones

Ciudad de ciegos (1990), acoplado, soundtrack

Sampler II (1992), acoplado

De la raza pa’ la raza (1994), acoplado

Un mundo, una esperanza (1998), acoplado

Rock en español, lo mejor de Santa Sabina (2001), recopilación

Capicúa beat (2002), acoplado

Ofrenda a Rockdrigo González. Tributo (2003), acoplado

15 Años de éxitos (2004), recopilación

Historias del desencanto (2005), acoplado, soundtrack

1973 (2005), acoplado, soundtrack

Antología del Rock en tu Idioma (2010), acoplado

Recupera tus clásicos (2011), caja de colección con los discos Santa Sabina, Símbolos, Concierto acústico y Babel.

Otros o

Participaron actuando en la película Ciudad de ciegos, historias de desencanto, de Alberto Cortés, en 1989.

En el año 2000, Rita Guerrero creó el grupo de música antigua Ensamble Galileo, junto a otros músicos, entre los que se encontraba Leonel Pérez. Con este proyecto sacaron los discos Todos los bienes del mundo, en 2003, y Una pieza de fuego, en 2005. Trabajó como directora del coro del Claustro de Sor Juana desde ese mismo año.

También en 2005 Alfonso Figueroa se unió a Los Jaigüey junto a los hermanos Gustavo y Ricardo Jacob. Con ellos ha grabado Los Jaigüey, en 2009, y Haciendo tiempo, en 2013.

Alejandro Otaola ha participado como invitado e integrante en diversas agrupaciones, entre las que destacan Monocordio, Sr. González y Julio Díaz. Ha sido integrante de La Barranca, San Pascualito Rey, y actualmente toca con La Cuca. También montó un espectáculo con la cantante de jazz Iraida Noriega. En 2007 lanzó su disco Fractales. Ha musicalizado en vivo la película El hombre de la cámara, de Dziga Vértov, que se proyectó en la Cineteca Nacional, de la cual existe un disco de distribución gratuita.

Patricio Iglesias tocó con Los Estrambóticos y actualmente es baterista de Eurídice. También ha hecho presentaciones junto a Álex Otaola y Aarón Cruz y da clínicas de batería.

Aldo Max continúa como saxofonista de Los Músicos de José.

En diferentes ocasiones, Julio Díaz participó como baterista de Benny Ibarra, Maldita Vecindad, Fratta y Sr. González. Lanzó su disco solista Díaz de julio, en 2010, con la participación de muchos invitados. Falleció trágicamente en diciembre de 2014, a los 38 años, tras una cirugía cerebral que le realizaron tras un fuerte golpe en la cabeza.

86. Alquimia

1988, Ciudad de México

Integrantes l

Alquimia - Voz, teclados, flauta y percusión

Género ù

Rock, electrónica, dark, progresivo y experimental; con influencias de Siouxie and Banshees, David Bowie, Kate Bush y sonidos precolombinos.

Historia h

El nombre de Alquimia es Margarita Saavedra. Estudió música desde pequeña. Sus antecedentes artísticos se remontan a su niñez, cuando apareció en el programa televisivo Alegrías de mediodía y era conocida como Paola. Con este nombre comenzó una carrera como baladista entre 1981 y 1983. Pero sus intereses creativos en realidad eran otros. En los años ochenta estudió composición en Montreal, Canadá. Al regresar se integró al grupo Cucú Bazar como tecladista y cantante. En esa banda, que duró sólo unos meses, tocaban Samir Mercenari en la programación de ritmos, Lorenzo Lagrava "El Pollo" en el bajo, Jesús en la guitarra, Carlos Alvarado en el teclado y Carlos Robledo en la voz y el teclado. Después, formó su propia agrupación junto a Juan Blend en la batería, Ezequiel Solís en el bajo y Ricardo Patiño en la guitarra, con quienes comenzó a desarrollar un sonido más personal, explorando los terrenos de la música dark. Tocaron en el Rockotitlán, el Bar 9 y El Ágora, entre otros foros de la Ciudad de México.

En 1988 Óscar López y Alejandro Mateos, de BMG Ariola, decidieron firmarla como solista e integrarla a la campaña de Rock en tu Idioma. Grabó Monstruos transparentes, una propuesta innovadora para la escena nacional de aquel entonces y que se diferenciaba del perfil general de las bandas de moda.

Conformó una nueva banda para promover su disco. Ellos eran Jorge Cortés en la batería, Raúl Leaños en el bajo y Álvaro Fuentes en sax, teclados y guitarra.

En 1991, junto a la estación de radio Estéreo Joven, organizó el Concierto del Eclipse en el Zócalo de la Ciudad de México, y otro en Casa del Lago, en Chapultepec, en el que alternó con Arturo Meza y Oxomaxoma.

Si bien Monstruos transparentes manejó ideas que se anticiparon a su tiempo, en 1991 lanzó otra obra ambiciosa, que de alguna manera le dio la espalda a su disco anterior en cuanto a la forma de producir su trabajo. Acudió a José Romo y Arturo Álvarez, del grupo Oxomaxoma, para grabar de manera independiente el disco Coatlicue, godess of the Earth, que lanzó en 1991. Alquimia se fue del país al terminar, y tras una estadía intermedia en la ciudad de Nueva York, se instaló en Londres con la idea de buscar terrenos fértiles para su trabajo. Este disco llegó a México por la vía de la importación.

Coatlicue, godess of the Earth, dados los antecedentes de su autora, es una revelación, un parteaguas en la trayectoria de Alquimia. La mayor parte del disco la ocupa el corte titular, una «suite» de nueve viñetas en donde la tecladista plasma su interpretación acerca de la diosa Coatlicue y el rito existente alrededor de ella. Mediante atmósferas opresivas, densas texturas y complejas alfombras construidas a base de capas, más su voz utilizada como un instrumento, Alquimia describe sonoramente el espacio geográfico (Coatepec), el templo de Coatlicue (Tlilán), la danza de la mujer a sacrificar (Danza de Xilonem), el recorrido de ésta rumbo al sacrificio (Procesión) y culmina de forma demencial y terrible (Sacrificio). [Enciclopedia del Rock en tu Idioma, <www.enciclorockentuidioma.blogspot.mx>.]

Su siguiente trabajo se tituló Lenguas muertas, y salió en 1995, el cual realizó junto con el talentoso José Luis Fernández Ledezma, en una visita que hizo a México y se quedó seis meses. Entre los músicos involucrados en la grabación de este disco están los exNirgal Vallis, Julio Sandoval en el bajo y Ramón Nakash en el violín, además de Arturo Romo en la percusión y Blu en el sax.

Después de eso, ha producido una extensa obra en el Reino Unido, alejada de la escena mexicana, aunque no por ello ha dejado de inspirarse en la cultura de su país. Hizo Wings of perception, inspirada en los textos de Carlos Castaneda. Siguió explorando los niveles alternativos de conciencia en A separate reality. Luego vinieron Move & resonate y Angaelic voices. En este último se inspira en la música de origen celta. Con Forever y Garden of dreams reafirma su prolífica carrera, ahora desde la independencia ejercida en el Reino Unido.

Alquimia nació en México y desarrolló un temprano amor por la música y el canto, en parte por su madre, que cantaba ópera clásica. Ella se fue a estudiar a Francia y Canadá, antes de hacer su residencia permanente en Inglaterra. Sin embargo, a pesar de que está a menudo lejos de casa, su interés por los estilos musicales étnicos de su país de origen la hicieron aprender diversos instrumentos de percusión precolombina y flautas, mientras que su búsqueda de nuevos sonidos inspiró el uso de la tecnología moderna en la música. Ella ha desarrollado algunas técnicas de canto revolucionarias (algunas de éstas, con procesadores eléctricos), abriendo para ella toda una serie de nuevos sonidos electrónicos y naturales con los cuales experimentar y componer. [Boletín de prensa de BSC Music con motivo de la salida de su disco A separate reality.]

Coatlicue, godess of the Earth se presentó con éxito en el British Museum en enero de 2010, con proyecciones y danzas mexicanas.

La singularidad de Alquimia es que pasó de ser, en un principio, una artista comercial, para luego meterse de lleno en la búsqueda de un sonido original a partir de la experimentación. Normalmente es al revés. Por ese motivo muchos la consideran una artista de culto.

Discografía £

Monstruos transparentes (1988)

Tú y yo (1988), maxi

Coatlicue, godess of the Earth (1991)

Lenguas muertas (1995)

Wings of perception (1996)

A separate reality (1999)

Move & resonate (2000)

Angaelic voices (2003)

Forever (2005)

Garden of Dreams (2006)

Otros o

Ha colaborado con los músicos Rodelius, de Austria, y Zinkl, de Alemania, entre otros. En el año 2000 colaboró con Michael Nyman en una serie de presentaciones en Italia. Tiene un proyecto alterno llamado Maggie-Beth Arena y Serpentyne, que explora el mundo de la música medieval.

87. Sr. González

1988, Ciudad de México

Integrantes l

Rafael González Villegas «Sr. González» - Voz, percusión, teclados y programación

Fratta - Bajo

Eduardo Dyer - Teclados y armónica

Juan Cristóbal Pérez Grobet - Contrabajo (2011)

Fernando Andrade - Guitarra (1997-1999)

José Manuel Paredes Gachez «el Pana»† - Guitarra (1998-2005)

Miguel Góngora (1999-2005)

Adrián López - Guitarra (2010-2012)

Santiago Ojeda - Guitarra (2015)

Alejandro Campero - Batería (1997-1998) (2000-2005)

Alfredo Velázquez «Duque» - Batería (1999)

Santiago Ortiz - Batería y percusión (2010-hasta hoy)

Chatrán - Percusión (2000-2008) (2010-2011)

Género ù

Rock pop en español, progresivo, trip hop, reggae, hard rock; con influencias de Elton John, Queen, Genesis, Police, Thomas Dolby, David Byrne, Red Hot Chilli Peppers, Björk, Morcheeba, Radio Futura, Nacha Pop, Brazilian Girls, Little Dragon, St. Vincent, Zuco 103, Jorge Drexler, entre otros.

Historia h

En 1988 inventé el personaje del Sr. González tras la desaparición del grupo Baraja, en el que yo tocaba con mis hermanos y mis amigos. Fue así como me metí al estudio y grabé «La fábrica de muñecos», «Las hormigas» y «Mujer águila», contando con la ayuda de Felipe Souza en la guitarra, Xavier Asali en los teclados y el ingeniero de audio Rodolfo Cruz†. Estas canciones lograron colarse en las estaciones de radio capitalinas Espacio 59 y Radio Hits.

Al poco tiempo, fui invitado a formar parte de Botellita de Jerez y fue así que, como Sr. González, y no como Rafael González, me integré a esta banda que retomó el tema «Las hormigas» para el disco Niña de mis ojos. Con ellos grabaría seis discos más en dos etapas.

En 1992 comencé a colaborar con Myrna de la Garza haciendo música original, principalmente instrumental, para el grupo de danza contemporánea MdMar, con quienes sigo trabajando hasta hoy. Desde 1995 también colaboro como percusionista en vivo y en grabación del grupo de Fratta.

A partir de la segunda mitad de la década de los años noventa, y durante el nuevo milenio, he colaborado como invitado en los grupos Café Tacvba; La Milagrosa, de Julieta Venegas; Claudia Martínez «Tonana»; Tex Tex, y Kenny y los Eléctricos, con quienes también me he presentado en vivo y grabado discos.

Mi carrera como solista tendría que esperar nueve años a partir de mi ingreso a Botellita de Jerez cuando, coincidiendo con su primera separación, en 1997, debuté con la producción El Sr. González y los Cuates de la Chamba, proyecto que había intentado llevar paralelamente con Botellita, pero que encontró las puertas cerradas por parte de las discográficas.

Con el apoyo inicial de Tania Libertad, incursioné en la producción independiente, en la que me he mantenido desde entonces. De este trabajo destacó el tema «Burbujas de jabón», cuyo video gozó de alta rotación en canales especializados, principalmente en MTV. Posteriormente el video de «Escribiéndole», ganó el Premio Pantalla de Cristal de la revista Telemundo en 1999. En la estación de radio capitalina Órbita 105.7 sonó en alta rotación el tema «El fin de la historia».

Mi primer concierto como Sr. González fue en el taller de Eduardo Dyer, en Tepoztlán, Morelos, tan sólo unas semanas antes del lanzamiento del disco.

El concepto de los Cuates de la Chamba hace referencia a la gran cantidad de invitados que han participado en mis grabaciones, entre los que se encuentran Lalo Tex, Sabo Romo, Julieta Venegas, Café Tacvba, Kenny, Cox Gaitán, los metales de La Dosis, Julio Díaz†, mis compañeros de Botellita de Jerez, Álex Otaola, Fernando Ribera Calderón, Laura Vázquez, Hernán Hecht, Aarón Cruz, Malena Durán, Mary Urtuzuástegui, Gabriel Brofman el Queso, entre muchos más.

En el año 2000 saqué mi segundo disco llamado La vida es el viaje, que contuvo temas como «Melissa música», «No me hables así», «El valle del silencio», «La fábrica de muñecos» versión 2000 y «Soy un pecador», entre otros.

Al siguiente año me asocié con Felipe Kobeh y Leonardo Granados para crear el estudio de grabación Subsónico, en San Ángel, al sur de la Ciudad de México.

En 2002 fundé, junto a Toño Sánchez, la discográfica independiente Discos antíDOTO, S. A. de C. V. Después de mi experiencia como coproductor de los álbumes de Botellita de Jerez y de los propios, me entregué a la producción de otros artistas para mi sello discográfico hasta sumar cerca de 20 títulos.

En 2004 saqué mi tercer disco llamado Rompecabezas, con temas como «Encapsulado», «Ella flota», la versión solista de «Soy y no soy», grabada previamente con Botellita de Jerez, «Danzantes» y «Mis amigas», entre otros.

Además de producir tres discos de Monocordio, proyecto comandado por Fernando Rivera Calderón, me incorporé como percusionista y ejecutante de efectos en vivo de su grupo y colaboré con ellos hasta 2011.

En 2007 edité la recopilación Retrato hablado, vol. 1, que además contuvo temas en vivo e inéditos. En ese mismo año edité el disco de un proyecto alternativo al que denominé El Grao, que exploró los terrenos en la distribución gratuita de la música grabada. Éste se llamó Verdades o mentiras. La peculiaridad de este trabajo es que, aun siendo temas de mi composición, son cantados en parte por invitados como Fernando Rivera Calderón, Laura Vázquez y Cecy Leos.

En 2009 me detectaron un linfoma no Hodgkin de células T que resultó sumamente agresivo, por lo que entré en un tratamiento que implicó ocho quimioterapias, un trasplante de médula y que, sumado a una neumonía oportunista, me hizo quedar fuera de los estudios y los escenarios por dos años.

En 2011, después de vencer en la lucha contra el cáncer, presenté mi sexto disco de estudio al que llamé Un mundo frágil. Fue compuesto durante mi proceso de recuperación. En julio de ese mismo año lancé Las grabaciones del Sr. González 1998-2011, un paquete de DVD, audio y CD mp3 con toda mi discografía hasta ese momento.

En la segunda mitad de 2011 me incorporé a La Chilanga Banda, grupo que acompañó a Jaime López. Esto fue gracias a la invitación de Joselo Rangel, del grupo Café Tacvba. También en diciembre de ese mismo año presenté mi primer libro titulado Mi vida pop, en la FIL de Guadalajara, aunque éste llegó a las tiendas hasta enero de 2012.Fue publicado por Rhythm & Books.

En ese mismo año reedité, en formato de acetato de vinilo, mi primer disco: El Sr. González y los Cuates de la Chamba, mismo que apareció reseñado en el libro de David Cortés y Alejandro González Castillo Los 100 discos esenciales del rock mexicano, editado en 2012 por Grupo Editorial Tomo.

Durante la segunda mitad de 2012 y todo 2013 participé sobre el escenario con el grupo de danza contemporánea MdMar, en la obra Sunday afternoon blues.

Al comienzo de 2013 me reintegré, junto a Santiago Ojeda, a Botellita de Jerez después de 15 años de separación y comenzamos a trabajar en un nuevo disco que salió al final de 2015 y al que llamamos #NoPinches Mames.

En ese mismo año salió el disco Así suena MdMar, que plasmó el trabajo de más de 20 años con este grupo de danza.

Al comienzo de 2014 el libro Mi vida pop fue reeditado por la Secretaría de Educación Pública para ser distribuido en sus bibliotecas con un tiraje de 18 mil 800 ejemplares.

En 2014 lancé mi séptimo disco, llamado Superviviente de mí.

Entre los foros que he pisado a lo largo de mi carrera solista están El Hábito, El Vicio, el Centro Cultural Mexiquense, la peña Cuicacalli, en Guadalajara, la Universidad de Colima, El Péndulo Roma, el foro abierto de Plaza Loreto, la Feria del Libro de Pachuca 2013, el Estudio A del IMER, el Festival de la Ciudad de México 2003, el Zócalo, Hard Rock Live, Ciudad de México, el Bajo Circuito, el Centro Cultural España, entre otros. Me he presentado en los programas de televisión Solórzano 3.0, con Javier Solórzano; en Sónicamente, en el Canal Once; Ruta 22, con Ricky Luis, en el Canal 22; Animal nocturno, con Ricardo Rocha, en TV Azteca, por mencionar algunos.

«Ocioso resultará mencionar unos cuantos nombres, pues prácticamente toda la escena del rock mexicano lo ha acompañado en sus evoluciones como percusionista, productor y compositor». (Alejandro González Castillo, en Music: Life.)

Discografía £

El Sr. González y los Cuates de la Chamba (1998)

La vida es el viaje (2000)

Rompecabezas (2004)

Retrato hablado (2007), acoplado con tres temas inéditos

Verdades o mentiras/El Grao (2007)

Un mundo frágil (2011)

Superviviente de mí (2014)

Otras grabaciones

Las grabaciones del Sr. González 1998-2011 (2011), un paquete de DVD audio y CD mp3

Así suena MdMar (2013), acoplado

Otros o

He sido músico invitado en los discos como Alma beta, de Kenny y los Eléctricos; Avalancha de éxitos, de Café Tacvba; Un toque mágico, de Tex Tex; Aquí, de Julieta Venegas; La hora del tiempo, de Monocordio, entre muchos otros, además de todos los discos de Fratta. He sido integrante de Botellita de Jerez de 1988 a 1997 y de 2013 hasta hoy. He sido productor de artistas como Dildo (ahora DLD), Monocordio, Ensamble Galileo (de Rita Guerrero), entre otros.

88. Sergio Arau

1988, Ciudad de México

Género ù

Guacarrock, heavy mex, rock, música norteña, rock and roll, mariachi, heavy metal y psicodelia; con influencia de Los Tepetatles, Black Sabbath, José Alfredo Jiménez, Janis Joplin, Lucha Villa, Judas Priest y Tin Tán.

Historia h

Sergio Arau, músico, cineasta y artista plástico, es decir, un artista multidisciplinario, o «indisciplinario», como a él mismo le gusta definirse, nació por los rumbos de Tacubaya en la Ciudad de México el 14 de noviembre de 1951. Es hijo del actor, comediante y director de cine Alfonso Arau y la coreógrafa Margarita Corona, hermana de Sergio Corona, con quien su padre hizo una mancuerna humorística. El actor, comediante y conductor de programas de televisión, Fernando Arau, es su hermano. Creció en el ambiente artístico del teatro, el cine y la televisión. A los 20 años formó su primera banda a la que llamó La Ley de Herodes, misma con la que participó de manera no oficial en el Festival de Rock y Ruedas de Avándaro.

Tras la proscripción de rock en México después de dicho festival, Sergio comenzó a destacar, a partir de 1974, como caricaturista político, trabajando en las revistas Siempre! y la reaparición de La Garrapata, en 1979. También participó en la fundación de los diarios Unomásuno y La Jornada. Además, estudió cine en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, donde se graduó en 1980. Su primer cortometraje lo hizo en 1979 y se llamó De nomás nosotros.

En 1983 creó, junto a Armando Vega-Gil y Francisco Barrios, el grupo Botellita de Jerez. Él, por su cuenta, usó el sobrenombre de «el Uyuyuy». Crearon el género del guacarrock, una mezcla de rock con música popular mexicana y humor, como una burla a las etiquetas que a la larga se volvió una etiqueta.

En 1984 creó el concepto Art Nacó para definir su trabajo gráfico. Como el artista integral que es, influyó fuertemente en la imagen y los conceptos de Botellita de Jerez, quienes llegaron a tomar lo naco como un estandarte artístico (véase ficha de Botellita de Jerez). En 1988 surgieron diferencias con sus compañeros de banda y decidió dejarla para iniciar una carrera como solista.

Conformó el grupo Los Mismísimos Ángeles, junto a Chuco Mendoza en el bajo, Óscar Sarquiz y Salvador de la Fuente en las guitarras y Alfredo Velázquez en la batería (que después se integraría a Los Amantes de Lola). Con ellos sacó en 1989 el disco Sergio Arau y los Mismísimos Ángeles, con el sello Cielito Eléctrico.

Junto a su hermano y sus excompañeros de Botellita de Jerez, era uno de los socios dueños de Rockotitlán, por lo que era muy común verlos en concierto ahí. El lugar cambió de dueños al final de la década, cerrando una etapa en la cual jugó un papel importantísimo en el desarrollo de la escena del rock mexicano y de la cual Sergio fue uno de sus impulsores.

Desde 1990 comenzó a viajar a Los Ángeles, al comenzar una relación sentimental con la actriz Yareli Arizmendi.

En 1992 rearmó su grupo, llamándolo La Venganza de Moctezuma, con Icar Smith (exCristal y Acero) en la guitarra, Mike Nieto (exBetsy Pecanins) en la batería, Chucho Contreras en el acordeón y Jorge Velasco (exMCC y Betsy Pecanins) en el bajo. Así salió Sergio Arau y la venganza de Moctezuma, con Discos Rockotitlán (cuando Rockotitlán ya pertenecía a Tony Méndez) y con distribución de Warner Music. Tiene la misma portada y aparecen seis temas de su disco anterior, aunque con las nuevas versiones de «la venganza de Moctezuma». También tiene una versión al tema de Botellita de Jerez «Guacarrock de la Malinche», que en éste nombró «Pinche Malinche» y le cambió el nombre a la canción de su disco anterior «Hoy traigo al diablo por dentro» por «Cuídense de mí esta noche».

Para 1994 salió su tercer disco, al que tituló Mi Frida sufrida, enel cual aparecen siete piezas de sus discos anteriores, y otros nuevos. El disco se editó en México y Estados Unidos por las compañías Discos Rockotitlán con distribución de Warner Music México y Epic Records. En ese año también se mudó a Los Ángeles, donde reside hasta la actualidad.

En junio de 1997 Botellita de Jerez lo invitó a participar en el concierto El Último Guacarrock, realizado en el Teatro Metropólitan, de la Ciudad de México, en lo que pretendía ser la despedida del grupo. De dicho evento salió un disco editado por PolyGram ese mismo año.

En 1998 dirigió el video para Café Tacvba del cover al tema «Alármala de tos», de Botellita de Jerez, por lo que fue merecedor de un MTV Music Award.

Dos años después se reeditaron en CD los tres primeros discos de Botellita de Jerez en una caja a la que llamaron El estuche de peluche, por lo que los tres miembros fundadores del grupo dieron una serie de conciertos en una gira denominada El Arrejunte. Al ver que se sentían bien tocando juntos nuevamente, decidieron retomar los escenarios, al principio de manera esporádica, pero a partir de su aparición en el Vive Latino 2005 comenzaron a presentarse de forma continua.

Sergio estrenó en 2004 su película ópera prima Un día sin mexicanos, que abordó el tema migratorio de los indocumentados mexicanos en Estados Unidos, poniendo en la mesa un tema del que no se hablaba abiertamente. La antesala de esta película fue un cortometraje del mismo nombre realizado en 1999. Como parte del soundtrack, Botellita de Jerez aportó el tema «¿Donde está José?» La película sirvió de bandera para el Movimiento Pro-Inmigrantes durante 2006 en el país del norte. El DVD ha vendido más de 500 mil copias en Estados Unidos.

En esa etapa los Botellos realizaron varias grabaciones de temas para sountracks y tributos.

El siguiente trabajo cinematográfico de Sergio fue Plan B, un documental de ficción sobre la historia de unas grabaciones perdidas de Botellita de Jerez. Al final la película se llamó Naco es chido (como el tercer disco de la banda) y se estrenó en 2010 en el Festival de Cine de Guadalajara. Como parte de la filmación, en 2006 Botellita dio un concierto en la Arena Coliseo y aportaron al soundtrack los temas «Charrocanrol» y «Quiero darte un besito».

Al comienzo del año, Botellita de Jerez se iba a presentar en el bar El Baúl, de la ciudad de Toluca, pero fueron forzados a cancelar el concierto unos momentos antes de comenzar, ante la presencia de cien policías que llegaron a clausurar dicho establecimiento. En su momento, el grupo culpó al entonces gobernador del estado Enrique Peña Nieto de llevar a cabo un acto represivo y pidieron al público que se retirara de manera tranquila y sin responder a las provocaciones. De manera inmediata, aparecieron videos del incidente en YouTube. A mediados del año, en otras circunstancias, Botellita se presentó en el Teatro de la Ciudad, teniendo como invitados a Santiago Ojeda y al Sr. González (servidor), exintegrantes de la banda, en un ambiente de camaradería y nostalgia.

Al final de 2012 Sergio volvió a tener un desencuentro con Pacoy Armando, por lo que decidió separarse del grupo nuevamente. La historia se repitió al reintegrarnos en el grupo Santiago y yo. Sergio, en un arranque de ira, subió al sitio de internet del grupo (que él administraba), un comunicado en el que daba por muerta de manera unilateral a Botellita de Jerez, diciendo que sus excompañeros querían mantener artificialmente su presencia física, que era una versión genéticamente alterada y que los Baticumbios asechaban de vuelta.

(Para mí es delicado tratar este tema, ya que me concierne directamente. Desde mi muy personal punto de vista, considero que Sergio escribió esto en un momento de mucha rabia hacia Armando y Paco. Al final, nos involucra a Santiago y a mí con calificativos fuertes. Pero también aclaro que no he comprado ese pleito. Considero a Sergio una persona muy talentosa y lo honro a él junto a mis actuales compañeros por haber creado un grupo al cual he entregado mi trabajo y mi creatividad durante muchos años. Concluiré mi comentario diciendo que no concuerdo con su idea de que no existe una Botellita de Jerez más allá de él.)

En 2015 Sergio creó una nueva banda méxico-estadounidense en Los Ángeles llamada Los Heavy Mex, conformada por Mr. Rust en el bajo, Jorge Herrera en el acordeón y el violín, Baron Murtland en la guitarra y Miss Randal en la batería. Con ellos regrabó un tema de su primer disco solista llamado «No me late la tira», que subió a las redes para su distribución y venta. Al final de 2016 lanzó el tema «Quiero ser presidente», su segunda grabación con Los Heavy Mex, que ahora está conformada por Sergio, Mr. Rust, Baron y Gabo Ramírez en la batería.

No iba a sacar esta canción ahora, sino para finales de abril o principios de mayo próximos, meses en los que lanzaré el disco completo, el cual ya lo grabamos todo. Sólo elaboramos mezclas, efectuamos algunas correcciones y confeccionamos cosas de los videos. Lo que pasó es que cuando este gobierno mexicano invitó a Trump ¡me dio mucha rabia!, ¡me enojé mucho! Y me motivé a sacarla ya y me puse a terminar el video, el cual se encuentra listo. [Sergio Arau en entrevista con Columba Vértiz de la Fuente para Proceso, 16 de febrero de 2017.]

Discografía £

Sergio Arau y los Mismísimos Ángeles (1989)

Sergio Arau y La venganza de Moctezuma (1992)

Mi Frida sufrida (1994)

Otras grabaciones

Naco es chido, la verdadera historia de Botellita de Jerez (2011), soundtrack con los temas «Charrocanrol» y «Quiero darte un besito»

Otros o

En 1998 ganó el Coral de Plata a la Mejor Animación, en el Festival de La Habana, por su corto El muro. También ha ganado los premios al Mejor Guión, en el Festival de Cartagena; Mejor Película, en el Festival de Gramadom, y el Premio del Público, del Festival de Cine de Guadalajara, por Un día sin mexicanos.

Como artista plástico tiene una extensa obra en pintura, grabados, instalaciones y dibujos. Ha decorado instrumentos, creado imágenes para libros de texto y pintado automóviles, entre otras cosas. En 2009 Sergio decoró con murales, dibujos y esculturas el Conga Room del Club L.A. Live, un lugar de Jennifer López con otros dueños.

En la era de Trump planea llevar a la televisión a Un día sin mexicanos.

89. Las Ánimas
(Las Ánimas del Cuarto Obscuro)

1988-1996, Ciudad de México

Género ù

Rock dark, psico-gótico, post punk, new wave, ambiental, fusión-experimental y post rock.

Historia h

El joven Toño Sánchez Uribe (Ciudad de México, 13 de marzo de 1962) conoció al bajista del grupo Mistus, Jaime Motta, al final de la década de los años setenta. A raíz de esa amistad, Toño se interesó por la música, y Jaime le enseñó a tocar el bajo, en uno que él mismo le vendió. Para 1980 Toño integró Los Vomits, una banda de punk en el que cantó y tocó el bajo, que solía presentarse en Hip 70, abriendo a bandas como Dangerous Rhythm y Size. En ese grupo tocaba la guitarra Juan Escurdia, con quien Toño se conectaba muy bien en términos creativos. Los Vomits tuvieron corta vida, por lo que formaron después el grupo Alfil, junto a Pablo Olivera, Héctor Riverol y Rommy Guevara. Con ellos editó en 1982 un disco de 45 RPM, en el cual Toño grabó sus primeras composiciones. En cierto momento, Alejandro Giacoman entró a Alfil como su tecladista. Tras un par de años, Alfil se desintegró y Toño y Alejandro formaron un proyecto efímero al que nombraron Tríptico, con el que editaron un casete en 1983. Después de esto, Alejandro se integró al grupo Bon y los Enemigos del Silencio, y Toño, por su cuenta, a Klon, en 1987, donde tocó con Jaime Motta, Mark Rodamilans y Carlos Walraven, durante un año.

Tras un paso efímero por el grupo Abril, de José Luis Domínguez, en 1988 creó una nueva banda de corte oscuro, con su viejo compañero de Los Vomits, Juan Escurdia, y su hermano, José Escurdia, al que llamaron Las Ánimas del Cuarto Obscuro. Partiendo de la idea de que en México el arte no goza del reconocimiento y de que, como músico, la alternativa es encontrar la satisfacción sólo en un plano personal, Toño y compañía decidieron dirigir su creatividad hacia temáticas oscuras. El origen del nombre responde a que Toño tenía la idea de desarrollar un proyecto solista al que llamaría Las Ánimas, mientras que los hermanos Escurdia habían formado el grupo Cuarto Obscuro. Así que el nuevo nombre fue el resultado de la unión de esas dos denominaciones.

En sus presentaciones incluyeron espectáculos visuales con imágenes y escenarios con televisiones encendidas, creando ambientes con la luz de los cinescopios. La música era oscura, al igual que sus poéticas letras.

Durante el mismo año de su formación sacaron el disco Las Ánimas del Cuarto Obscuro, editado por Aruba Discos en acetato de vinilo. Los temas «Pueblo fantasma» y «Samankarda» llegaron a sonar en la radio capitalina. Después de la grabación del disco el grupo se desintegró y Toño decidió arrancar entonces Las Ánimas, que tuvo un perfil más experimental y menos pop.

Pasó un tiempo en Londres, que aprovechó para organizar las ideas de lo que sería su primer disco. Al regresar a México, en 1989, sacó en acetato de vinilo Las Ánimas, con el sello Discosaurios. Toño se reveló como multiinstrumentista grabando la voz, la guitarra, el teclado, el bajo y el silbato de barro, además de hacer la programación de ritmos y efectos varios.

Al siguiente año sacó el casete Atmósferas I con su propio sello, al que nombró Dark Side, con el que, además de lanzar su propia obra, comenzó a editar música oscura y subterránea de países europeos.

Fue así como en 1991 editó en México el disco split Photographs I, en el que Las Ánimas comparte sus temas con los del grupo Human Flesh. En ese mismo año también sacó el casete Kahlo.

Su relación con las bandas extranjeras le permitió establecer contactos con la escena y los sellos darks de Europa, por lo que fue cuestión de tiempo para que su música se comenzara a editar y a difundir también en el extranjero.

Así que comenzó a presentarse en vivo, en ocasiones abriendo los conciertos de las bandas que él editaba en su sello cuando éstas llegaron a visitar México.

Toño llevó a Las Ánimas a Nuevo México, donde lo invitaron a tocar en el Festival New Music Across America, del que después editó el disco en vivo New music across America, en 1992.

En el camino de la experimentación, sus temas se fueron alejando de las canciones convencionales de los primeros discos y se inclinaron hacia el terreno instrumental. El nicho de mercado para su música y su sello era muy reducido en México, por lo que se acercó a la discográfica independiente Lejos del Paraíso, que se transformaría en Opción Sónica, con quienes comenzó a colaborar haciendo la promoción de su elenco.

En 1993 sacó el disco Inside music. Para entonces, cada vez que Toño editaba su música salía replicada en múltiples compilaciones en diferentes países del mundo como Bélgica, Francia, Alemania, Portugal, Noruega y Holanda. Inside music no fue la excepción.

En 1994 Las Ánimas fueron los abridores del grupo alemán Love Is Colder Than Death, en el ciclo Encuentros de Músicos Visuales, realizado en la Ciudad de México.

La última producción de Las Ánimas fue Códigos y reliquias, de 1995, aunque Toño siguió distribuyendo los discos de Dark Side con Opción Sónica por algún tiempo más. Al llegar el final del siglo, tuvo a su cargo la dirección de producción de Nine Rain para el disco Rain of fire, lanzado en el año 2000 por Opción Sónica. Éste se grabó en Cuba gracias a los contactos que Toño había establecido durante varios años con músicos cubanos, de los que llegó a editar discos en México.

Por esos días lo conocí, ya que entonces yo tenía Radio al Cubo, una estación de radio por internet en la cual ofrecí a Opción Sónica un espacio para que difundiera su catálogo. El encargado de hacer ese programa fue Toño, comenzando así una amistad que nos convirtió en socios en 2002, cuando creamos Discos antíDOTO.

En esta nueva etapa, Toño hizo un dueto de pop electrónico, lounge, soul-beat, jazz, toques de folclore y pop con la argentina Laura Vázquez, en un proyecto al que llamaron Los Queso. El nombre fue adoptado por su gusto por ese alimento. Juntos sacaron un disco homónimo en 2004, en el cual tuve el honor de ser uno de sus invitados.

Discos antíDOTO bajó su ritmo de producción a partir de 2005, por lo que Toño Sánchez ha seguido trabajando en diversas empresas relacionadas con la producción y la promoción de la música, tanto grabada como en conciertos. Actualmente es comandante en jefe de Tanuro Pro, su propia agencia cultural.

Promete sacar próximamente un nuevo disco de Las Ánimas, el cual muchos esperan.

Discografía £

Con Las Ánimas del Cuarto Obscuro

Las Ánimas del Cuarto Obscuro (1988)

Con Las Ánimas

Las Ánimas (1989)

Atmósferas I (1990)

Human flesh/Las Ánimas. Photographs I (1991), split

Kahlo (1991)

Inside music (1993)

Códigos y reliquias (1995)

Compilaciones y recopilaciones

Bloque subterráneo (1990), (Dark Side, México)

Ode to Samantha Fox (1990) (Insane Musique, Bélgica)

Tri-Kala-Jña (1990) (Tears Compilations, Francia)

Recopilación internacional DS05 (1991) (Dark Side, México)

Kahlo (1991) (ZNS Tapes, Alemania)

Spectodrama (1991) (SPH, Portugal)

Dyadique 91. Recopilación internacional (1991) (Dyadique, Francia)

Sonidos obscuros, vol. I (1991) (Dark Side, México)

Bundolo Kriga (1991) (Dark Side, México)

Watching Satan. The legacy of Charles Mason (1992) (Hypertonia World Enterprices, Noruega)

And the trees are waiting (1992) (MG Medien, Alemania)

Photographs II (1992) (Dark Side, México)

Self without shells (1992) (Hahamandad, Holanda)

Weisser Herbst/Hymmne an die Poesie (1992) (Endraum, Alemania)

New hippies, vol. 3 (1993) (Red Neon Tapes, Bélgica)

Falling dreams (1993) (Dark Side, México)

Differente faces (1993) (Dark Side, México)

Mirage (1994) (Dark Side, México)

Lado obscuro, vol. III (1995) (Dark Side, México)

Elegy (1996) (EE Tapes, Holanda)

En vivo

New music across America (1992)

90. Heavy Nopal (antes Dama)

1989, Ciudad de México

Integrantes l

Primera formación (1989-1993)

Rodrigo Levario - Guitarra y voz

Juan Salcedo - Batería

Ulises de la Torre - Guitarra

Eduardo Jiménez - Bajo

Segunda formación (1993-1998)

Rodrigo Levario - Guitara y voz (1993-1998)

Juan Salcedo - Batería

Genaro González - Guitarra

Carlos Valerio - Bajo (1993-1997)

Rafael López - Bajo (1997-2009)

Tercera formación (1998-2004)

Genaro González - Guitarra y voz

Juan Salcedo - Batería

Rafael López - Bajo

Cuarta formación (2004-2005)

Juan Salcedo - Batería

Rafael López - Bajo

Gato Velázquez – Guitarra

Isaí González - Guitarra

Quinta formación (2006-2009)

Juan Salcedo - Batería

Rafael López - Bajo

Miguel Vázquez - Guitarra

Sexta formación (2010-hasta hoy)

Juan Salcedo - Batería

Isaí González - Guitarra y voz

Triny Romero - Bajo

Miguel Vázquez - Guitarra

Armando Blues - Armónica

Género ù

Rock a lo nopal-on; con influencias de rock and roll, blues, hard rock.

Historia h

Juan Salcedo conoció a Rodrigo Levario a los 17 años. Comenzaron a ensayar en la zona residencial militar donde vivían, ya que sus papás pertenecían a la institución castrense. Hicieron sus primeras canciones juntos. Siendo unos adolescentes, visitaban los ensayos de Three Souls in My Mind y les nació la ilusión de ser músicos profesionales algún día. A los 19 años firmaron con Orfeón como el grupo Dama. Cuando apenas pasaban de los 20 años ya tocaban turnos casi diarios en bares de la Ciudad de México y fue ahí cuando conocieron a Rockdrigo, ya que en varias ocasiones alternaron con él. Incluso llegaron a interceder por él para que le dieran trabajo, advirtiéndole a los empresarios que si no lo contrataban, no contaran con Dama.

Tras la muerte de Rockdrigo en 1985, los integrantes de Dama hicieron una primera versión de Heavy Nopal para tocar temas de su amigo. El nombre fue sugerencia del mismo Rockdrigo en vida, ya que bromeando solía decirles: «Ustedes no tocan heavy metal, tocan heavy nopal».

Fue así como en 1986 lanzaron el disco Lo más prendido de Rockdrigo González Dama/Heavy Nopal. Por un corto tiempo, Dama y Heavy Nopal llegaron a funcionar paralelamente.

En 1989, tras una redada producto de un pleito entre dos grupos policiacos, en la que accidentalmente Dama resultó involucrado, decidieron disolverse ante el miedo por las amenazas de las que fueron objeto por parte de la policía. A partir de este suceso se definieron por el nombre Heavy Nopal.

El grupo decidió mantener vivas las canciones de Rockdrigo por petición de su viuda, para ayudar a la manutención de su hija Lalena, hoy Amandititita. Grabaron tres discos con canciones de Rockdrigo, donando las regalías a su hija, con la condición de que se les otorgaran en su mayoría de edad.

En 1990 salió Lo más prendido de Rockdrigo González II. Con Heavy Nopal, las canciones que originalmente Rockdrigo hacía con su guitarra fueron adaptadas para sonar con una banda de rock. En 1991 lanzaron Los nopales tienen la fuerza.

Entraron así en una etapa de crecimiento tocando canciones de Rockdrigo y las propias. Fue cuando sacaron un disco al que titularon Nopálica, que a la vez es un seudónimo de Heavy Nopal. Esto fue con el sello Avanzada Metálica, que después fue comprado por Discos Denver.

A partir de 1992 comenzaron a visitar Estados Unidos, donde recibieron una gran aceptación de parte de los mexicanos inmigrantes. Sucedió así también en Sudamérica, principalmente en Perú. En ese año salió el disco Huevos con nopales.

En 1993 lanzaron el disco Mi México lindo. También ese año salieron Ulises de la Torre y Eduardo Jiménez y se integraron en su lugar Genaro González y Carlos Valerio, quien tocó el bajo hasta 1997, cuando entró en su lugar Rafael López. Le siguió el disco Las aventuras del Profeta del Nopal. En 1995 salió Balconeándose.

Aprovechando su acercamiento al público migrante en Estados Unidos, en 1996 sacaron el disco Al otro lado del río Bravo.

Siguiendo con la inercia de producir un disco por año y aprovechando la tendencia de aquellos tiempos de hacer discos desenchufados o acústicos, en 1997 lanzaron Urbanopal. El nuevo mile-eño (Desenchufado), conteniendo versiones a temas de sus discos anteriores.

En 1998 salió del grupo Rodrigo Levario. El último disco que grabó con Heavy Nopal fue ¿Qué pasó mi chavo? Una mezcla de cansancio, luchas de ego, pleitos e intrigas de un medio de comunicación se convirtieron en la mezcla letal para que Rod, uno de los dos miembros fundadores, se separara. Esto no benefició a nadie. Por un lado, Rodrigo tuvo que empezar desde cero una carrera propia y, por otro, la banda perdía a su cantante y miembro emblemático. El grupo resolvió la ausencia de Rodrigo, al tener en la voz a Genaro y Rafael, volviéndose un trío junto a Juan.

En 2003 lanzaron ¿Otra vez? Narco pollos. Para 2004, la banda entró en una etapa de fuerte inestabilidad con la salida de Genaro González. Lo sustituyeron varios guitarristas, entre los que se encontraban el Gato Velázquez e Isaí González, hijo de Genaro. Finalmente se quedó Miguel Vázquez. En ese año lanzaron el disco Extrañas vivencias.

Le siguió, en 2005, el disco En vivo desde Toluca, siendo para muchos la etapa menos atractiva del grupo. Cayeron en un bache. En 2007 salió Fábrica de sueños.

Para 2009 la banda había perdido su esencia y, ante el desánimo de sus integrantes, se dividieron.

Rafael López reclamó el nombre y formó un grupo por su cuenta. Por otro lado, Juan Salcedo, miembro fundador, reintegró la banda en la que su guitarrista y cantante ahora era Isaí González. Por esos días, Rodrigo Levario tocó en la banda de Juan en plan amistoso, en un tácito reconocimiento a la trayectoria de su compañero de la infancia.

En 2011 salió el EP Generaciones, cuyo título hace referencia a la presencia del hijo de Genaro, Isaí, como nuevo frontman del grupo. Tuvo nuevas versiones de temas como «Asalto chido» y «Vagabundo».

En 2013 Juan Salcedo ganó la titularidad del nombre Heavy Nopal. Ese mismo año salió el disco Ni un paso atrás.

Al año siguiente salió XXV aniversario, con nuevas versiones de sus temas clásicos. Como su nombre lo indica, celebra los 25 años de existencia del grupo.

Discografía £

Lo más prendido de Rockdrigo González Dama/Heavy Nopal (1986)

Lo más prendido de Rockdrigo González II (1990)

Los nopales tienen la fuerza (1991)

Nopálica. Refrieds Nopals (1991)

Huevos con nopales (1992)

Mi México lindo (1993)

Las aventuras del Profeta del Nopal (1994)

Balconeándose (1995)

Al otro lado del río Bravo (1996)

Urbanopal. El nuevo mile-eño (Desenchufado) (1997)

¿Qué pasó mi chavo? (1998)

¿Otra vez? Narco pollos (2003)

Extrañas vivencias (2004)

En vivo en Toluca (2005)

Fábrica de sueños (2007)

Generaciones (2011), EP

Ni un paso atrás (2013)

XXV aniversario (2014)

Otras grabaciones

15 Grandes éxitos. Heavy Nopal (2004)

Otros o

Rod Levario tiene una carrera como solista desde 1998 y ha colaborado con infinidad de artistas como Javier Bátiz, Álex Lora, Haragán y Co., Charly Monttana, Vitorino y Rodrigo González.

Genaro González trabaja en la industria hotelera de Quintana Roo.

Rafael López actualmente vive en Estados Unidos.

Juan Salcedo ha acompañado a diversos músicos, como Rodrigo González, Los Hooligans, Lalo Guerrero y sus Ardillitas, Vitorino, Tatiana y Bandolero.

91. Mango Gó

1989, Ciudad de México

Integrantes l

Víctor González Villegas - Teclados y voz

Armando González Villegas - Bajo, guitarra y voz

Alejandro Nogueira - Batería y voz

Adolfo Dueñas Canales - Guitarra principal

Samuel Zesati - Guitarra y voz

Gino Ponte - Voz (1989 - 1990)

Género ù

Rock latino; con influencias de rock, reggae y ska.

Historia h

Mango Gó surgió después de la ruptura de Baraja, grupo del que fueron integrantes los hermanos Víctor y Armando González Villegas, además de Alejandro Nogueira. El nombre surgió debido a que, en su anterior banda, solían decir que su estilo era mangogó.

En el medio universitario conocieron a Samuel Zesati y Adolfo Dueñas, quienes se integraron a la banda, invitando al poco tiempo al cantante Gino Ponte, cuyo verdadero nombre es Jorge Macías. También llegó a participar, como invitado, Miguel Campos, de Macario Rey, en el sax, quien posteriormente formó parte de Los Yerberos.

Al principio, su repertorio estaba conformado por temas de Baraja, aunque poco a poco integraron nuevos. El Sr. González (servidor), hermano de Víctor y Armando, aportó otros temas.

Mango Gó se presentó en múltiples escenarios, como Rock Stock, Rockotitlán y el LUCC, foro donde participaron y fueron uno de los seis grupos finalistas del primer concurso Batalla de las Bandas, en 1990, lo que les permitió aparecer en un disco acoplado.

También se presentaron en instituciones educativas, centros de readaptación social y televisión abierta, entre otros foros.

Posteriormente, a la salida de Gino, la banda tuvo un largo periodo de inactividad, aunque en los últimos años ha retomado los escenarios presentándose en lugares como el Black Horse y creando nuevos temas.

En 2013 lanzaron el disco Escape de lunes por la noche, haciendo alusión al día de la semana en que se juntan a ensayar religiosamente.

Discografía £

Batalla de las Bandas (1990), acoplado

Escape de lunes por la noche (2013)

Otros o

Al salir Gino de Mango Gó, formó el grupo El Dengue.

Por mediación de Miguel Campos, algunos miembros del grupo solían aparecer en la televisión haciendo playbacks para artistas famosos, como Miguel Bosé y Alejandro Sanz.

Armando se dedica a la producción de eventos corporativos y en sus tiempos libres toca en Capitán Gafazul, con Mauricio Gómez y Daniel Galindo.

Víctor es director de videos y cortos. Entre otros, ha hecho videos de Jaguares, Sr. González, La Dosis, La Nao, Alejandro Fernández y Aleks Syntek.

Alejandro es arquitecto, y de los más importantes perspectivistas del país.

Adolfo es abogado.

Samuel se dedica a la pintura y ha sido parte de otras bandas como Natasha y Tanque; y tiene un proyecto solista al que llama Las Barbies Roqueras.

92. Ansia

1989-1999 (con una reaparición en 2011),
Ciudad de México

Integrantes l

Ricardo Lassala - Voz y letras

Rogelio Gómez† - Guitarra, secuencias y coros

Alejandro Palet - Batería y percusión

José Luis Barreda - Primer bajista

Rafael Herrera - Segundo bajista

Vicoy Calderón - Tercer bajista

Género ù

Alternativo, metal, pop, progresivo e industrial; influenciado por Black Sabbath, Judas Priest, The Who, Led Zeppelin, Marillion, The Young Gods, Nine Inch Nails, Pixies y Smashing Pumpkins.

Historia h

En sus 10 años de existencia Ansia fue un grupo de culto que provocaba tanto admiración como rechazo, mas nunca indiferencia. Logró hacerse de un lugar propio en la historia del rock mexicano.

A seis meses de haberse formado, ganó La Batalla de las Bandas, en Rockotitlán en 1990. Fueron finalistas del concurso Yamaha Band Expolsion de 1991. Fueron nominados como el Grupo Revelación por el Círculo Nacional de Periodistas en 1991. En 1993 representaron por primera vez a México en el Festival Internacional South by Southwest, en Austin, Texas. En 1996 participaron en la gira Guateke-MTV por el norte y centro de la República mexicana. Sus presentaciones abarcaron todo el país, además de visitas al sur de Estados Unidos, Suiza, Holanda y España.

También participaron en diferentes programas de la televisión comercial e independiente y produjeron videos para las canciones «El miedo a las mujeres» y «Mermelada tabú».

Compartieron escenarios con las bandas más importantes del país y abrieron los conciertos de Paradise Lost (en Barcelona), Corrosion of Conformity y Bon Jovi (en México).

De su primer disco, Ansia, se desprendieron los temas «Linda (déjame leerte en Braille)», «Pon tus manos en el aire» y «Safari sobre tu piel». Del disco ¿Quieres más? sonó «Miedo a las mujeres». Y de Mermelada tabú (1997) sonó el tema que le dio nombre al disco. Su última contribución como banda fue grabando un cover de la canción «Perdí mi ojo de venado» en un disco homenaje a Caifanes.

Se separaron en 1999 y regresaron en 2011 para presentarse en el Vive Latino y grabar el disco Sin parar, que incluye nuevas versiones de algunos clásicos de la banda y dos temas nuevos.

Escribir y cantar para Ansia me permitió sacar de mi sistema una violencia, una rabia que no hubiese podido ventilar de otra manera (al menos no de una manera sana…) Me fascinaba nuestro estilo tan personal, nuestra energía, nuestro humor negro, nuestra urgencia. Siempre tuve la impresión de que Ansia era un vehículo para poder sublimar, en un ritual compartido, casi sagrado, entre nuestros seguidores y nosotros mismos, un grito de auxilio, punzando la llaga de esa condición humana que carcome a todos los seres sensibles hasta alcanzar su médula y arrancarles las lágrimas. Ansia, tanto en sus canciones plasmadas en disco como en el escenario, era una caricia sensual y juguetona seguida de una mordida directa a la yugular, para arrancarla… Esa mezcla tan sui géneris de vulnerabilidad y de potencia fue, en mi opinión, lo que hizo de Ansia una banda como ninguna otra y, aunque difícil de digerir para la mayoría, una banda seminal e indispensable. [Ricardo Lassala.]

Discografía £

Ansia (1991)

¿Quieres más? (1993)

Mermelada tabú (1997)

Sin parar (2011)

Otras grabaciones

Batalla de las Bandas (1990), acoplado

Otros o

Son parte del soundtrack de la película de terror Angeluz, del productor Hugo Stiglitz.

Rogelio Gómez se convirtió en un reconocido productor musical. Falleció el 26 de mayo de 2014 por una complicación en las vías respiratorias. Se planea editar un CD homenaje póstumo a Rogelio Gómez: Tributo a Ansia, con la participación de los tres miembros sobrevivientes de la banda, más amigos músicos invitados cercanos al grupo.

93. Flor de Metal

1989-1991, Ciudad de México

Integrantes l

Gabriela García - Teclados y voz

Sibila de Villa - Saxofón y flauta

Norma López - Batería

Género ù

Rock fusión; con influencias de rock, reggae, progresivo, blues y jazz.

Historia h

El origen del grupo se remonta a 1985, cuando siendo ya Flor de Metal, tocaban música inspirada en el canto nuevo y el folclor. En esta etapa sufrieron algunos cambios de integrantes. Pero fue hasta 1989 cuando, convertido en trío, comenzó la etapa con marcadas influencias de rock, jazz y reggae.

Siempre llamaron la atención por ser un grupo de gran nivel musical, más allá del machismo que actuaba en su contra por el hecho de ser una banda conformada sólo por mujeres. «No somos sexistas, somos parte del rock, de la música y el arte.» (Fragmento de la entrevista que Tere Estrada le hizo a Gabriela García para el libro Sirenas al ataque.)

El nombre del grupo está inspirado en un poema de Vladimir Patiño que dice: «Triste ciudad, flor de metal».

En 1990 el maestro de batería de Norma, Jorge González, recomendó el trabajo de Flor de Metal en Discos Pueblo. Con la producción de Pepe Ávila, director de dicha compañía, salió el disco Ciudad azul, registrando buenas ventas. A partir de ese momento las cosas para Flor de Metal comenzaron a transformarse, ya que ganaron nuevos seguidores. Presentaron el disco en la Sala Miguel Covarrubias dela UNAM.

Tocaron en la Ciudad de México en lugares como el LUCC, el Museo de Culturas Populares, el Parque Hundido, el patio exterior del IMER y Rockotitlán. También se presentaron en diversos foros de la República mexicana. A finales de 1991 dieron un concierto en el marco de una exposición sobre mujeres mexicanas en la Casa de Cultura del Mundo, en Berlín, Alemania.

Sin embargo, a su regreso de Europa, la banda tenía ya un fuerte desgaste interno. Los intereses de cada una de sus integrantes comenzaban a derivar en marcados desencuentros y decidieron separarse.

Discografía £

Ciudad azul (1990)

Otros o

Sibila ha colaborado con Astrid Hadad, Roberto González, Betsy Pecanins y Liliana Felipe, entre otros. Tiene dos discos como solista, llamados Camposanto y Música mexicana contemporánea para flauta transversa.

Con el nombre de Doralice, Gabriela fue, en 1993, finalista del concurso Valores Juveniles Bacardí con la canción «Déjame llorar», cuya letra es de su autoría. También fue pianista de Tania Libertad.

94. Casino

1989-1995, Ciudad de México

Integrantes l

Giampaolo Galasso - Sax y voz

Jorge Cassab - Bajo

Fratta - Teclados y secuencias

Héctor Page - Guitarras

Yeyo Hernández - Batería

Género ù

Funk y reggae; con influencias de UB40, James Brown y Tower of Power.

Historia h

En 1997, la primera agrupación de Pepe Aguilar, la banda de rock Equs, contaba entre sus integrantes con el italiano Giampaolo Galasso, saxofonista que venía de tocar con el grupo Baraja y con Aaron Pernás, tecladista y programador de Planeta Pop.

Pepe, de 21 años y miembro de una familia con gran arraigo enla música ranchera, fue obligado por su padre a dejar el rock. Esto derivó en el nacimiento de Casino, en 1989. Giampaolo y Aarón convocaron, en tan sólo una semana, a Jorge Cassab en el bajo, al italiano Rafael Lello Shinía en la guitarra y a Aldo García en la batería.

Comenzaron a tener presentaciones frecuentes en el LUCC y Rockotitlán. Fueron entrevistados en la estación de radio WFM y en poco tiempo la banda fue adquiriendo gran prestigio.

Lello regresó a Italia y comenzaron la búsqueda de un nuevo guitarrista. A Cassab le presentaron a Héctor Page; salió expulsado Aldo y entró Yeyo Hernández en la batería, proveniente de Bon y los Enemigos del Silencio; finalmente Aarón se fue a tocar música vernácula con Pepe Aguilar y fue sustituido por Fratta, quien venía de Ninot. Fue así como lograron la formación más estable y conocida de la banda.

Comenta Giampaolo: «Casino tocó en los lugares de cajón en la Ciudad de México por aquellos años, con una particularidad de que, por un lado, era una cosa bella, interesante, sofisticada y que nos daba orgullo, pero que, por otro, resultó un poco frustrante, porque la mayoría del público que venía a vernos eran a su vez artistas y músicos. Digamos que era un arma de dos filos».

Consiguieron el patrocinio de Yamaha e hicieron una gira por toda la República mexicana. Firmaron con la transnacional BMG y grabaron un disco producido por Diego Herrera, que al final se enlató.

Se presentaron en la Plaza de Toros México y en el Teatro Ángela Peralta, junto a Mano Negra, Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, La Lupita y Café Tacvba.

Su época dorada terminó a fines de 1993 con la salida de dos de sus integrantes. El proyecto solista de Fratta, Romántico Desliz, firmó con la subdivisión de BMG, Discos Culebra, y se llevó a Page.

Yeyo siguió tocando con Casino en forma intermitente, ya que combinaba su faceta de músico con su profesión de piloto aviador de la línea Aeroméxico. Fue cuando Álex Campero, extraordinario baterista mexicano, lo cubrió hasta que entró Javier Sosa. Al teclado entró el suizo Víctor Bleuer y el austriaco Georg Seifridsberger en la guitarra.

Giampaolo y Jorge, aferrados con esta nueva alineación, cada vez menos mexicana, ganaron el Festival Nacional de Yamaha en 1994 y se fueron a Japón.

Surgió un contrato con Polygram y entraron a grabar en el estudio Cristal, conservando los tips que Diego Herrera les dio en la producción que quedó congelada en BMG. Pero un terrible crash en Wall Street dejó sin presupuesto a la compañía que recién los acababa de firmar. Tras esta tragedia, la independiente Opción Sónica editó algunos de sus temas sueltos en varios acoplados.

Al final, Álex Ruiz, mejor conocido como Gordolobo, se hizo cargo de la situación y rescató la cinta de dos pulgadas de Polygram, la me-dio mezcló y editó el disco Siempre funky, para su propia compañía, Rock’n’Roll Circus, en 1994.

Desgastados, y aun contando con un apoyo tremendo de todos los medios de comunicación, decidieron desintegrarse en 1995.

Discografía £

Siempre funky (1994)

Otros o

Fueron músicos de apoyo del grupo pop regiomontano Fandango.

95. Café Tacvba

1989, Satélite, Estado de México

Integrantes l

Rubén Isaac Albarrán Ortega, conocido por los distintos motes de Juan, Cosme, Anónimo, Masiosare, Gallo Gasss, Élfego Buendía, Nrü, Rita Cantalagua, Sizu Yantra, entre otros - Voz y guitarra

Emmanuel del Real Díaz «Meme» - Teclados y voz

José Alfredo Rangel Arroyo «Joselo» - Guitarra y voz

Enrique Rangel Arroyo «Quique» - Bajo y voz

Músicos de apoyo

Alejandro Flores - Violín y voz

Luis Alberto Ledezma Blum «Children» - Batería

Género ù

Rock en español; con influencias de Jaime López, Botellita de Jerez, David Byrne, Juan Luis Guerra, Leo Dan, Los Xochimilcas, Los Tres, Chavela Vargas, The Clash, Violent Femmes, Stone Roses, The Smiths, The Beach Boys, The Who, The Beatles, o, dicho de otra manera, la música popular latinoamericana mezclada con rock, punk, ska, hip hop y metal.

Historia h

Rubén y Joselo se conocieron cuando ambos estudiaban diseño gráfico y diseño industrial, respectivamente, en la Universidad Autónoma Metropolitana. Conformaron un primer grupo cuyo nombre fue inspirado por una película de Martin Scorsese al que llamaron Alicia ya no Vive Aquí, que tenía una gran influencia de bandas como The Cure y Def Leppard. Sus integrantes originales fueron Rubén, Joselo, Quique y Roberto Silva, quien después fue sustituido por el Meme. A partir de ese momento cambiarían su estilo y el nombre al de Café Tacvba. Éste lo tomaron del conocido restaurante de las calles del Centro de la Ciudad de México, el Café de Tacuba. Si bien en un comienzo utilizaron en su nombre la palabra Tacuba, en 1990 decidieron cambiarlo a la forma virreinal Tacvba, para evitar problemas legales.

Eran una banda garage del norte de la ciudad, entendido este término como se utilizaba en la década de los sesenta, es decir, una banda que ensayaba en una cochera. En un principio prescindieron de baterista, siendo el Meme el encargado de programar la caja de ritmos. Optaron por usar instrumentos acústicos, más propios de la música vernácula. Una visión posmodernista para crear sus canciones e imagen. Crearon así temas inspirados en la música post punk y popular latinoamericana.

Su primer concierto fue en junio de 1989 en el bar El Hijo del Cuervo, en Coyoacán. Pronto se integraron al circuito roquero de la capital tocando en lugares como Rockotitlán, LUCC, el Bar 9 y el Tutti- Frutti. Su popularidad creció rápidamente en esos primeros años.

En 1992 los firmó Warner Music y, con la producción de Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel, lanzaron su primer disco homónimo, el cual vendió 40 mil copias en las primeras dos semanas. El video de «María», protagonizado por Ofelia Medina y dirigido por Gustavo Garzón, logró gran difusión en las cadenas de video. Fue doble Disco de Oro en México, lo cual les abrió las puertas a los medios de comunicación masiva y se presentaron por toda la República mexicana, así como en diversos festivales de Estados Unidos, como el Lollapalooza, en Irvine Meadows Amphitheatre, el Street Scene, en San Diego, y Viva; en Francia, en la Salle de la Cité, el MIDEM, en Cannes, y en La Dolce Vita, de Lausana, en Suiza.

Los primeros fans del grupo le gritaban a Rubén, «¡Pinche Juan!», en alusión al tema del mismo nombre, por lo que asumió el nombre de Juan. A partir de ese momento se rebautizaría constantemente en el futuro.

Al comienzo de 1994 comenzaron la preproducción de su siguiente material en la ciudad de Cuernavaca, para luego trasladarse a Los Ángeles y grabar 20 nuevas canciones. Con su primer disco lograron un gran comienzo que les dio una importante proyección nacional, pero no fue sino hasta ese año, con el lanzamiento del disco Re, cuando se volvieron una de las bandas más reconocidas de Latinoamérica. Con esta producción, también realizada por la mancuerna Santaolalla/Kerpel, lograron captar la atención de importantes críticos y músicos de todo el mundo. El tema «La ingrata» fue la punta de lanza promocional que logró gran aceptación y su video fue premiado por la cadena MTV como el Mejor Video Latino del año en los MTV Video Music Awards de 1995. La propuesta musical de Re es tan diversa, que llegó a ser comparado con el Álbum Blanco de los Beatles por Jon Pareles en el The New York Times, y la admiración manifiesta de David Byrne, legendario cantante de Talking Heads y con una extensa obra solista y como promotor de la música del mundo. Sin embargo, mientras había un gran entusiasmo por la salida de este disco en diversos lugares del continente, en México parecía no gustar del todo. «Ahora no puedo decir si la crisis también tuvo que ver con que Re no se vendiera tanto en México. Además de que Re tuvo muy malas reseñas en el país, no recuerdo que la gente lo haya recibido bien […] A la distancia, mucha gente dice que es el disco que hizo que el rock en México se viera como otra cosa. Hay quien dice que cambió la música. Si fue así, la cambió con el tiempo y no en el momento de su salida cuando no fue nada apreciado». (Joselo Rangel en el libro Café Tacvba. Bailando por nuestra cuenta, de Enrique Blanc.)

El título del disco hace referencia al reciclaje, a la reinvención de sí mismos y a la revolución.

Antes de la presentación oficial de Re, la banda decidió tocar en algunos foros de la Ciudad de México usando el seudónimo de Re, para así probar los nuevos temas ante el público. Fue cuando Rubén decidió cambiar nuevamente de nombre para llamarse ahora Cosme.

Las presentaciones por el país y el extranjero continuaron. Abrieron shows de Santana en Estados Unidos y compartieron el escenario con Celtas Cortos en Europa.

Después del alzamiento zapatista en 1994, Café Tacvba se involucró con bandas como Santa Sabina, La Lupita, Botellita de Jerez, Julieta Venegas, Fratta, Maldita Vecindad y otras más que, junto ala Caravana Ricardo Pozas, organizaron una serie de conciertos en la UNAM durante 1995 y 1996, para apoyar a las comunidades zapatistas desplazadas.

Aún en 1995, fueron invitados a grabar en MTV Latino Unplugged. En dicho programa fueron apoyados por los músicos invitados Iván Moreno en la batería y el Sr. González (servidor) en la percusión, teniendo por primera vez una sección rítmica humana, cosa que les permitió jugar con la estructura de las canciones y manejarse con una nueva libertad durante la emisión y los conciertos posteriores que se ofrecieron en este formato. También participó por primera vez un violinista que continuaría siendo un importante invitado a partir de ese momento: Alejandro Flores. Completaron las colaboraciones Luis Antonio Franco en el violín y Gustavo Santaolalla en la guitarra. De este programa se grabó un disco, que por cuestiones legales y de intereses discográficos no vio la luz hasta 2005. Esto provocó que mientras circularan discos pirata con audios obtenidos del programa, sin que se incluyera «Una mañana», cover de José José y Clare Fisher, que se tocó, pero no se incluyó en dicha transmisión. Este tema fue grabado para el disco compilatorio Tributo a José José, en 1996, también con mi colaboración.

Los Tacvbos comenzaron a componer material para un siguiente disco. Sin embargo, el ritmo de trabajo generado a partir del Unplugged y la fuerte demanda de conciertos hizo que no pudieran dedicar el tiempo requerido a estos temas. Así que decidieron, junto con Santaolalla, grabar un disco de covers de las bandas que en algún momento fueron influencias para ellos, no sin antes pasarlas por la resignificación de Café Tacvba, dándoles un aspecto totalmente renovado y mostrando que su concepto como banda se sustentaba en un enfoque musical totalmente original. Avalancha de éxitos salió en 1996, grabado en México y postproducido en Los Ángeles. El video de «Chilanga banda», de Jaime López, fue premiado como el mejor del año en los MTV Music Awards. La revista Newsweek los incluyó en su portada dedicada al movimiento latino en Estados Unidos. Como músicos invitados estuvieron, entre otros, David Byrne, Alejandro Flores, Luis Conte y yo. Para esta etapa, Rubén decidió llamarse Anónimo, por sugerencia de Quique.

En 1997 colaboraron conmigo en el tema «El fin de la historia», que sale en el disco El Señor González y los Cuates de la Chamba, lanzado hasta 1998 y en el que Rubén se llamó Masiosare, por sugerencia mía.

Durante 1997 realizaron la gira Chaverecahaimachochidoché, que duró dos meses y que tocó 15 países y 20 ciudades del continente. En 1998 participaron en el primer Festival Vive Latino y desde entonces han aparecido repetidas veces en el cartel de las siguientes ediciones.

Tras la extenuante gira, los Tacvbos quisieron darse un descanso para volver con energías renovadas. Decidieron cambiar la forma como abordaban la composición y en vez de llegar cada uno con sus canciones, partieron de cero para componer entre los cuatro un disco instrumental. En parte porque Rubén no quiso ser identificado como el «cantante» e intercambiaron instrumentos en la búsqueda de un nuevo sonido. El resultado fue un material experimental e innovador al que titularon Revés, una mezcla de música electrónica, rock, zapateados folclóricos a cargo de la Compañía Nacional de Danza Folclórica del INBA, melancólica música mexicana e incluso una colaboración de Kronos Quartet y el Cuarteto de Clarinetes Argül. Como suele suceder en estos casos, la discográfica se asustó por el hecho de tener un producto que se salía de los cánones de la comercialidad, así que después de algunos estira y afloja con el grupo, aceptó grabar un disco con canciones convencionales que saldría junto a Revés y al que llamarían Yo soy, y que estaría conformado por los temas que quedaron esperando antes del disco Avalancha de éxitos. Fue así como en 1999 lanzaron el disco doble Revés/Yo soy, nuevamente bajo la producción de la dupla Santaolalla/Kerpel. Este poco común y propositivo disco ganó el Grammy Latino al Mejor Álbum de Rock de ese año. En la promoción, Revés contó con su propio cortometraje y se promovió el tema 13. Para esta doble producción, Rubén se puso dos nombres, aprovechando la circunstancia dual. Por un lado, se identificó como Nrü en los créditos de Revés y como Amparo Tonto Medardo In La Kech en los créditos de Yo soy. Mantuvo estos dos nombres hasta el año 2000, cuando comenzó a autonombrarse G-3. En ese el doble material fue ganador de los Grammy Latinos al Mejor Álbum Vocal Rock y Mejor Álbum Rock.

Esta ambiciosa obra no tuvo el éxito comercial de los discos que le antecedieron y Warner Music decidió no renovar su contrato con el grupo.

En ese momento, los Tacvbos se involucraron en toda clase de proyectos. Sacaron discos solistas, compusieron música para las películas Amores perros, con «Aviéntame» y «Dog:God», en el año 2000; Y tu mamá también, con el tema «Insomnio», en 2001, y Piedras verdes, con el tema «Aire, agua y desierto», en 2002. Además, participaron en el compilado El más grande homenaje a los Tigres del Norte y colaboraron en el disco de Kronos Quartet, llamado Nuevo.

Para 2001 Warner Music sacó el disco recopilatorio Tiempo transcurrido, que incluye una versión en vivo de «El baile y el salón». Posteriormente, también sacaron un DVD del mismo nombre con sus videos y cortos. Asimismo, la discográfica reeditó, en ese mismo año, los tres primeros discos del grupo en la caja Lo esencial de Café Tacvba.

Para 2002 firmaron con la discográfica MCA Records/Universal Music y, mientras preparaban su nuevo material original, lanzaron como preludio, y a manera de homenaje, el EP Vale Callampa, con cuatro covers de sus amigos, el grupo chileno Los Tres, que tenían poco tiempo de haberse disuelto. Contaron nuevamente con la producción de Santaolalla/Kerpel.

La siguiente producción de Café Tacvba salió en 2003 con el nombre de Cuatro Caminos, haciendo referencia a la plaza de toros (ahora desaparecida) y a la estación de metro ubicada en la frontera entre el la Ciudad de México y el Estado de México, donde se encuentra cerca Ciudad Satélite, de donde son originarios, así como por el hecho de ser cuatro mentes creativas. Incluso llegaron a plantear cuatro productores distintos. Una parte del disco la grabaron en su propio estudio llamado El Ensayo, donde trabajaron con Andrew Weiss, quien ya había trabajado con Babasónicos y Ween. Después se trasladaron con Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel a Los Ángeles y grabaron en los estudios de Capitol. Y, finalmente, viajaron a Búfalo, para grabar junto a Dave Friedman, productor de The Flaming Lips. En este disco incluyeron por primera vez en el estudio ejecuciones de batería real, y no programada. Los Tacvbos decidieron prescindir, en la mayoría de los temas, de la instrumentación y las fusiones musicales que hasta ese momento los caracterizaban, dejando el sonido acústico de guitarras y contrabajo, para sonar más electrónicos, es decir, con un sonido más roquero. De este material destacó «Eres», tema interpretado por la voz del Meme, que junto a «Ingrata», del disco Re, se ha convertido en uno de los temas más populares de Café Tacvba a nivel latinoamericano. Élfego Buendía fue el nuevo pseudónimo de Rubén para esta etapa.

En 2004 Cuatro Caminos y «Eres» fueron premiados como Mejor Álbum Alternativo y Mejor Canción, respectivamente, en los Grammy Latinos.

Durante los días 6 y 7 de octubre de 2004 los Tacvbos festejaron sus 15 años de existencia presentándose en el Palacio de los Deportes, de la Ciudad de México, dejando plasmados dichos conciertos en un disco doble con DVD que salió en 2005 y cuyo nombre fue Un viaje. También sacaron una edición de lujo con un CD extra. Cuentan con invitados de lujo como Álex Lora y Rocco, de Maldita Vecindad. Es un largo recorrido por los temas de sus discos.

En ese mismo año, su anterior compañía discográfica sacó el disco Unplugged, de MTV, grabado 10 años antes. Contiene la versión en vivo de «Una mañana», que no salió al aire cuando se transmitió dicho programa.

El 4 de junio de ese año se presentaron en el Zócalo de la Ciudad de México, rompiendo el récord de asistencia hasta ese momento, convocando más de 170 mil asistentes en un concierto gratuito. Participaron como invitados Micky Huidobro y Paco Ayala, de Molotov; Rocco y Sax, de Maldita Vecindad; Álvaro Henríquez, de Los Tres; Jaime López; Lino Nava, de La Lupita, y Sr. González (servidor).

En 2006 Un viaje ganó el Grammy Latino al Mejor Video Musical Largo.

El grupo tomó un descanso, para regresar en 2007 con un siguiente disco de estudio al que llamaron Sino, con 15 temas que en lo musical siguen la línea de Cuatro Caminos; es decir, es un disco con temas enfocados al rock, pero con una lírica más intimista y existencial. Joselo y Quique también intervinieron como cantantes. El nuevo seudónimo de Rubén fue Ixxi Xoo, aunque sólo duró hasta el lanzamiento del álbum, ya que posteriormente se renombró como Cone Cahuitl. Nuevamente trabajaron la producción con Gustavo Santaolalla.

El tema «Volver a comenzar» fue lanzado como sencillo tan sólo unos meses antes que el disco y fue parte de la banda de sonido del videojuego Little big planet, para Play Station 3, en 2008.

En 2009 fueron reconocidos por MTV Latino con el Premio Leyenda. Dicho reconocimiento fue otorgado por Morrisey, artista admirado por los Tacvbos desde su juventud. En ese mismo año «No hay nadie como tú», tema de Calle 13 en el que colaboran, ganó el Grammy Latino a Mejor Grabación del Año.

En 2010 se estrenó un documental del grupo titulado Seguir siendo, que fue dirigido por Ernesto Contreras y José Manuel Cravioto. Fue estrenado en el Festival de Cine de Guadalajara y posteriormente proyectado en las salas de cine en México.

Como proyecto alterno, Joselo le propuso a Jaime López, durante 2011, crear La Chilanga Banda para presentarse inicialmente en la Feria Internacional de la Música de Guadalajara. Ésta fue conformada por los cuatro Tacvbos, Ramiro del Real, Andrea Balency y después de esta presentación yo me integré también. Esta agrupación se presentó en el Teatro de la Ciudad, nuevamente en Guadalajara, para un evento de una estación de radio local y en el Vive Latino.

Después de un tiempo de pausa en el que, como se ha vuelto su costumbre, los Tacvbos aprovecharon para realizar diversos proyectos solistas y alternativos, regresaron con un nuevo álbum bajo el brazo durante 2012, al cual bautizan como El objeto antes llamado disco, que contiene 10 canciones grabadas en cuatro sesiones distintas, realizadas en Buenos Aires, Santiago de Chile, Ciudad de México y Los Ángeles. Parte de la grabación de estos temas fue presenciada por un selecto grupo de seguidores y después concluida en estudio. Es un disco híbrido entre concierto en vivo y sesiones de oberdubs. La producción estuvo nuevamente a cargo de Gustavo Santaolalla y lanzaron como primer sencillo el tema «De este lado del camino». Para 2013 lanzaron «Olita del altamar» y «Aprovéchate», cuyo video fue dirigido por Rubén, para entonces Zopilote. El objeto antes llamado disco fue elegido como el Mejor Álbum Latino de 2012 por iTunes. En noviembre de ese año se estrenó un segundo documental, dirigido por Gregory Allen, homónimo del disco y que registra el proceso de grabación y producción en las cuatro ciudades, además de testimonios de seguidores, compañeros de trabajo y familiares del grupo. La premier de este material se llevó a cabo en el Baja Internacional Film Festival.

En 2013 la edición norteamericana de la revista Rolling Stone consideró a Re el mejor álbum latino de toda la historia.

Teniendo como foro el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, los días 11, 12, 13, 14 y 15 de noviembre de 2014, el grupo celebró sus 25 años de existencia y los 20 de haber lanzado el disco Re, interpretando íntegramente y en su orden original dicho álbum.

En la actualidad, Café Tacvba es una de las bandas más importantes, queridas y respetadas de México, cuyo prestigio y proyección internacional es difícilmente equiparable por cualquier otro grupo mexicano. Se han manejado siempre dentro de un marco profesional que ha potenciado sus ideas y su indudable talento. Café Tacvba siempre ha caminado firme entre el cielo y el infierno de esto que conocemos como rock nacional.

Discografía £

Café Tacvba (1992)

Re (1994)

Avalancha de éxitos (1996)

Revés/Yo soy (1999)

Valle Callampa (2002), EP

Cuatro caminos (2003)

Un viaje (2005)

MTV Unplugged (2005)

Sino (2007)

El objeto antes llamado disco (2012)

Otras grabaciones

Tributo a José José (1996), compilación

Tiempo transcurrido (2001), recopilación

Lo esencial de Café Tacvba (2001), caja con los tres primeros discos del grupo

El más grande homenaje a los Tigres del Norte (2001), compilación

Viva Tin Tán (2005), compilado con el tema

Otros o

Rubén fue parte de la banda instrumental Villa Jardín, durante 2001. En 2006 lanzó como Sizu Yantra un disco solista de música electrónica llamado Bienvenido al sueño. En 2010 se unió, junto con Alejandro Flores, a dos músicos chilenos, Rodrigo Aros y Juan Pablo Villanueva, para formar HopPo!, agrupación que fusiona folclor hispanoamericano con música oriental e instrumentos de rock. La agrupación se encuentra vigente. Ha tenido infinidad de colaboraciones, entre las que destacan las hechas con María Barracuda, Inspector, Lila Downs, Celso Piña, Enanitos Verdes, Auténticos Decadentes y Control Machete. En 2011 actuó interpretando a La Malinche en la obra Los placeres dela lengua, bajo la dirección de Ofelia Medina. En 2012 fue parte de la película Hecho en México.

Meme hizo la canción «Aunque sea» para la película chilena En la cama. También ha hecho temas en coautoría con otros músicos, como es el caso del tema «16 de febrero» que hizo con Chetes en 2006. Ha sido productor musical de Natalia Lafourcade y el grupo chileno Los Bunkers.

Joselo ha lanzado dos discos como solista, Oso (2001) y Lejos (2006). De 2001 a 2003 musicalizó y tocó en vivo en la obra de teatro Frida Khalo. ¡Viva la vida!, de Humberto Robles.

Quique ha sido productor musical de Torreblanca, Los Pellejos y Liber Terán. Así como integrante y colaborador en proyectos como Los Concorde y Los Odio!

96. Rastrillos

1989, Ciudad de México

Integrantes l

Gerardo «Zopi» Pimentel - Bajo y voz

Miguel «Chino» Velázquez - Batería, sax alto y voz

Rubén «Pastor» Pérez - Percusión e instrumentos tradicionales

Arturo «Kaco» Galván - Guitarra rítmica y coros

Enrique «Profe» Noguez - Teclados

Sergio «Keko» Sorcia - Trombón

Alejandro «Asere» Gournalusse - Sax tenor

Yonathan «Yonki» Salazar - Percusión eléctrica y batería

Hernán «Perikles» Campodónico - Guitarra líder

Francisco Iván «Maestrito» Serrano† - Trompeta (2002-2011)

Género ù

Reggae fusión; con influencias de Bob Marley, Son de Madera, Tower of Power, Tribu, Rubén Blades, Pedro Ramaya y Johann Sebastian Bach.

Historia h

Rastrillos surgió en la Ciudad de México en 1989, en medio de una sociedad en búsqueda de la democracia. En este contexto no es casual que los integrantes de la banda encontraran en el reggae no sólo un género musical que les permitió expresar su sentir y su pensar, sino un movimiento cultural de resistencia contra la pérdida de las raíces y la cultura de los pueblos. Poseen sonidos y palabras que invitan a la reflexión y a la construcción de una comunidad más sensible a los problemas que la rodean.

Plinio Santos, de <Rock.com.mx>, comenta: «Imbuidos dentro de la enorme Ciudad de México, buscaron por medio de la música el contacto con la naturaleza y con Dios. En su andar han trazado un camino que ha evolucionado en lo que hoy es el Movimiento Razteca, donde están involucrados varios otros grupos de reggae, artistas de diversas disciplinas y muchas personas que creen y trabajan firmemente en las diversas facetas de dicho movimiento. El grupo ha tenido desde su inicio un desarrollo independiente generando sus propios recursos para ellos y para el apoyo a proyectos comunitarios, produciendo varios eventos donde se abren espacios para otras bandas, artistas de múltiples disciplinas, artesanos y asociaciones civiles como en los Festivales Raztecas».

Rastrillos fue la primera banda de reggae en el Distrito Federal, con más de 25 años de trayectoria acumulada, cinco giras en Canadá y múltiples eventos alrededor del país y Estados Unidos.

Sin embargo, Rastrillos no estuvo exento de tropiezos en su camino. Tras un accidente que Zopi sufrió en 1994, obligándolo a retirarse temporalmente, el grupo vivió una etapa de caos que provocó, entre otras cosas, que Chino emigrara a Dinamarca. Al volver Zopi y Chino al grupo, un año después, la banda vivió una etapa de inestabilidad que duró algún tiempo y en la que hubo varios cambios de integrantes. A lo largo de su historia han tenido diversas colaboraciones con grupos y músicos diversos como Tribu, Cultura Profética, Lengualetra, Iraida Noriega, Ramón Gutiérrez, de Son de Madera, o Chatrán González. Fue hasta 2003 que la banda logró una formación estable.

La tragedia alcanzó a Rastrillos cuando, en 2011, fue asesinado su trompetista Iván Serrano. Tras dos años de incertidumbre, su cuerpo fue hallado.

La música actual de Rastrillos refleja el tiempo transcurrido desde sus inicios. Su estilo musical se caracteriza por las múltiples fusiones con música mexica y son jarocho, utilizando instrumentos tradicionales para su interpretación. También fusionan jazz, cumbia, funk, salsa y música de India, tomando como base la esencia del ska y de todos los subgéneros del reggae, como roots, rocksteady, dance hall y dub.

La experiencia de haber tocado en diferentes foros del país y el extranjero, compartiendo escenarios con los grupos representativos de la escena nacional e internacional, le ha permitido a la banda asimilar todo tipo de influencias musicales, conservando al mismo tiempo su visión del reggae como un instrumento de comunicación.

Rastrillos ha trascendido como representante del reggae mexicano en el extranjero; su música ha llegado a los cinco continentes, logrando favorables publicaciones en medios de comunicación especializada.

Su experiencia de cinco giras por Canadá los ha llevado a grandes festivales, como Head Liners, además de ser catalogados por Billboard como una de las mejores bandas de fusión en México.

Producciones como el Festival Razteca, el Festival Mira al Cielo, la ópera reggae Puskeondismo, el Festival Reggae Pal Oriente y el programa de radio Reggaevolución de 105.7 FM dan cuentas objetivas de la aportación que Rastrillos ha tenido para la difusión de esta cultura de México.

Discografía £

Revolución latinoamericana (1993)

A cuatro vientos (1998)

Códigos del alma (1999)

Se acabó el reve (2005)

En vivo en Canadá (2008)

Luces (2013)

97. La Castañeda (también La Casta)

1989-2000 y 2004-hasta hoy, Ciudad de México

Integrantes l

Salvador Moreno - Voz

Omar de León - Teclados

Oswaldo de León - Guitarra

Edmundo Ortega† - Bajo (1989-2000)

Juan Blendl - Batería (1989-2000)

Alberto Rosas - Sax (1989-1995)

Ramón «Cito» Sánchez - Sax (1995-2000)

Víctor López - Batería (2000) (2004-2006)

El Muerto - Bajo (2004-2006)

Felipe Maldonado - Batería (2006-hasta hoy)

José Luis Escamilla «Pepo» - Bajo (2006-hasta hoy)

Género ù

Rock, jazz, blues, hard rock, ska, punk, dark rock, gótico y electrónico; con influencia de The Cure, Javier Solís, Peter Gabriel, Soda Stereo, R.E.M., las artes plásticas, circenses y teatrales.

Historia h

Esta banda tenía como antecedentes al grupo Café de Nadie, como se llamaban antes de convertirse en La Castañeda. Su nombre hace alusión a aquel manicomio famoso por sus abusos e insalubridad, inaugurado en 1910 por Porfirio Díaz en los rumbos de Mixcoac, y que funcionó hasta su demolición en 1968.

La temática de sus canciones es oscura y hace referencia continua a la locura humana. Como parte de su imagen, todos usaban las cabezas rapadas como sello distintivo en los primeros años.

Editaron su disco debut Servicios generales, en 1989, con el sello Rock & Roll Circus. El grupo, que en un principio organizaba sus conciertos y salía a pegar los carteles que ellos mismos diseñaban, entonces ya tocaba en el circuito de foros roqueros de la Ciudad de México como el LUCC, Rockotitlán y Rock Stock, entre otros. En 1992 viajaron a Viena para participar en el Festival del Danubio como invitados especiales. Decidieron quedarse y permanecieron en Austria cuatro meses. Tuvieron que vender sus instrumentos para ello. Aprovecharon su estancia en ese país para realizar un video del tema «Viejo veneno», el cual presentaron en la Primera Bienal Internacional de Video, obteniendo el primer lugar.

Regresaron a México con la idea de hacer conciertos multidisciplinarios, en los que habría elementos escenográficos, vestuarios, actos circenses, danza aérea, actores y bailarines.

Por la formación de varios de nosotros. Anduvimos en grupos de teatro. Salvador Moreno, el líder del grupo, es artista plástico también. Es decir, no somos ajenos a otras disciplinas artísticas como el teatro, en fin. Surgió en el viaje que logramos en Viena, donde además de dar conciertos, nos quedamos por esos lugares algún tiempo. En el Festival del Danubio había compañías de artes escénicas catalana, rusa e italiana que intervenían en el escenario, aparte de que ya teníamos el gusanito; eso nos mostró que sí se podían incluir en nuestras presentaciones otros aspectos artísticos. Notamos que es una pócima muy potente para los sentidos que la música se vista de otras disciplinas, como puede ser la actuación, la danza, en fin, y al regreso de ese viaje empezamos a planear los recitales de esa manera. [Oswaldo de León en entrevista con Columba Vértiz de la Fuente para el artículo «La Castañeda: 25 años de rock», Proceso, 20 de septiembre de 2014.]

Comenzaron a concebir su trabajo a partir de obras conceptuales que involucraban diferentes disciplinas artísticas, además de la música. Para esto, Salvador fundó paralelamente el colectivo Producciones Garra.

En 1993 emprendieron una gira por diferentes plazas de la República mexicana.

Caímos hasta Tijuana; hicimos una tocada con nuestros brothers de Tijuana No, que nos dieron hospedaje en sus casas, porque al otro día nos íbamos a pasar a Los Ángeles. Ellos eran expertos, porque lo hacían cada fin de semana. Llegamos a un restaurante chino, muy grande, en el que durante la noche se abría espacio y le caía la banda mexicana. Se abarrotaba. Salimos y fuimos invitados a la presentación de un disco. Llegamos a un superantro, en la zona nice de Los Ángeles. Y éramos nosotros y el artista y su staff. Ahí, el director artístico nos dijo que supo de nuestra presentación y que llegando a México nos quería ver. Era de BMG y a la semana ya habíamos firmado. Quiero decir que nosotros sin disquera ya le andábamos pedaleando y pegando en todos lados. [Salvador Moreno en entrevista con Arturo Cruz Bárcenas para el artículo «La Castañeda, sin disquera, ya pegaba en todos lados», La Jornada, 25 de diciembre de 2011.]

En ese año salió Servicios generales II, editado por el subsello de BMG Ariola, Discos Culebra. Incluyó temas inéditos y los del primer disco. Fue grabado en Stagg Street Studios, en Los Ángeles. Fue un material muy esperado por su público y con el tiempo se convirtió, quizá, en el más emblemático de la banda. Es considerado uno de los 100 discos esenciales del rock mexicano, según el libro del mismo nombre publicado por David Cortés y Alejandro González.

Antes de grabar su siguiente trabajo con Culebra, Alberto Rosas dejó el grupo y entró en su lugar el saxofonista Ramón «Cito» Sánchez. Con él viajaron a Beverly Hills para grabar su siguiente álbum con la producción de Greg Edward en los estudios Virgin. En 1995 se lanzó El globo negro: Locus Niger. El tema «Gris normal» gozó de alta difusión, haciendo de este disco el de más éxito comercial en su carrera. En ese mismo año salió el compilado De la raza… pa la raza, en el que participaron con los temas «La dosis», «Noches de tu piel» y «Misteriosa».

Volvieron al trabajo, esta vez en el Estudio 19, en la Ciudad de México, para grabar el disco El hilo de plata, que salió en 1996. Fue mezclado en The Farm Studio, en Boston. Éste fue el último para Culebra. Buscando nuevas circunstancias para su trabajo, pidieron su carta de retiro, la cual tuvieron que pagar a BMG Ariola para quedar libres.

Para 1997 BMG sacó la compilación Culebra: sin censura, con el tema «Tloque-Nahuaque».

Entonces su club de fanáticos, denominado Gran Fraternidad Pelona (GFP), se debatía entre los discos El globo negro y El hilo de plata, como lo mejor de La Castañeda.

Juan Blendl se fue a vivir a Tepoztlán en lo que denominó un auto-exilio, tomando su lugar el baterista Víctor López. El grupo comenzó a mostrarse como cuarteto desde ese momento.

Su siguiente disco fue Trance, de 1999, editado de manera independiente con el sello StakaRock. En este trabajo incorporaron elementos de música electrónica. Contaron con la participación especial del cantante Óscar Chávez en el tema «Nancy Llaga», además de Eder da Rosa en la percusión, Loreto y Verónica en los coros, Emilio de la Caridad Montero en la trompeta y una sección de cuerdas.

Después, ante las dificultades que surgieron a partir de su nueva situación independiente, el grupo sufrió una crisis interna. Salvador anunció que dejarían de dar espectáculos multidisciplinarios, ya que el resto del grupo no estaba convencido de querer seguir con éstos. Para el año 2000 dieron un concierto en el Centro Nacional de las Artes (CNA), de la Ciudad de México, para festejar los 20 años de Pentagrama Producciones, y después dieron una serie de recitales en la República mexicana, que incluyeron Quintana Roo y Veracruz, donde anunciaron que tomarían un receso indefinido.

En 2004 Salvador, Omar y Oswaldo regresaron usando el nombre de La Casta, que es como su público los ha identificado cariñosamente. Este cambio de nombre se dio porque Edmundo Ortega, quien tenía el registro La Castañeda, dejó al grupo por diferencias irreconciliables con Salvador.

Lanzaron de forma independiente el CD/DVD Galería acústica, que hace un recorrido por algunos de sus temas pasados, algunos inéditos y el cover de Javier Solís «El loco». El DVD contiene videos e historia de la banda. Con este material festejaron sus 15 años de existencia. En el bajo los acompañó el Muerto.

Teniendo como imagen de La Casta a los tres miembros originales, incorporaron a Felipe Maldonado en la batería y a José Luis Escamilla en el bajo, como músicos de apoyo. Con ellos lanzaron en 2006 el primero de dos discos llamados Llama doble: primera llama, nombre inspirado en un poema de Octavio Paz.

También participaron en ese año en el soundtrack de la película 1973, del cual salió una compilación de varios artistas.

Otro lanzamiento discográfico de ese año lo hizo BMG, que sacó la recopilación en caja de cuatro discos compactos llamada Sus primeros discos, que comprende sus producciones entre 1989 a 1996.

En 2008 Salvador hizo un proyecto paralelo al que llamó Salvador y los Eones, que interpreta lo que define como bolero gótico. La Casta, por su parte, disminuyó el ritmo de sus presentaciones, aunque no dejaron de hacer un evento especial en cada aniversario del grupo.

Sin mediar ninguna explicación, la banda volvió a usar el nombre de La Castañeda a partir del festejo de su 20 aniversario en 2009. En 2010 salió el segundo disco, pensado como secuencia del editado cuatro años atrás, ahora llamado Llama doble: la otra llama. En la presentación del disco, en el Teatro Metropólitan, mostraron el video del tema «Lucrecia sola».

Sus presentaciones retomaron el carácter multidisciplinario de su primera etapa, al reincorporar a Producciones Garra.

En marzo de 2014 participaron en el Vive Latino, para después visitar Estados Unidos. En ese año salió Interno acústico, que retoma temas del grupo en versiones acústicas, pero ahora con arreglos de jazz, blues y bossa nova.

Después vino el festejo por sus 25 años de existencia, por el que dieron un magno concierto el 1 de noviembre en el Pepsi Center, del WTC, haciendo un recorrido por las canciones de su historia, mismas que quedaron grabadas en el disco En vivo 25 años, editado en 2015.

En 2016, para su festejo número 27, en la Carpa Astros, de la Ciudad de México, prepararon un concierto al que denominaron El delirio de Lucrecia, que incluye nuevos temas. Adelantaron a los medios de comunicación que éste será el material para un nuevo disco, al que quieren titular Servicios generales 3.

Al momento de terminar este texto, 2 de agosto de 2017, he recibido la noticia del fallecimiento de Edmundo Ortega a causa de un paro cardiaco. En el sitio oficial de Facebook de la banda manifiestan: «La Castañeda está de luto y se suma a las condolencias de amigos y familiares por el sorpresivo y triste deceso de Edmundo Ortega, quien fuera miembro bajista y cocompositor de esta institución en su fase temprana. Una noticia inesperada que nos impacta y estremece, por lo cual hacemos extensiva la energía de todos nuestros fans y seguidores, así como de nuestros actuales compañeros de grupo y del Rock Nacional Mexicano en general, por este inesperado y lamentable acontecimiento. Su memoria queda entre nosotros…»

Discografía £

Servicios generales (1989)

Servicios generales II (1993)

El globo negro: Locus Niger (1995)

El hilo de plata (1996)

Trance (1999)

Galería acústica (2004)

Llama doble: primera llama (2006)

Llama doble: la otra llama (2010)

Interno acústico (2014)

En vivo

En vivo 25 años (2015)

Otros o

De la raza… pa la raza (1995), compilación, con los temas «La dosis», «Noches de tu piel» y «Misteriosa».

Culebra: sin censura (1997), compilación, con el tema «Tloque-Nahuaque»

1973 (2006), compilación, con el tema «Mil novecientos setenta y tres»

Sus primeros discos (2006), caja recopilación

98. Coda

1989-2001 y 2002-hasta hoy, Ciudad de México

Integrantes l

Salvador «Chava-Drago» Aguilar - Voz (1989-1998) (2002-hasta hoy)

Antonio Ruiz - Guitarra (1989-2000) (2012-hasta hoy)

Jesús Esquivel - Batería (1989-2000) (2012-hasta hoy)

Zito Martínez - Bajo (1989-1991)

Diego Benyure - Teclados (1989-1990)

David Melchor - Teclados (1990-2000) (2012-hasta hoy)

Allán Pérez - Bajo (1991-1999) (2012-hasta hoy)

Eduardo Contreras - Voz (1998-2000)

Fito Zedillo - Bajo (1999-2000)

Andrés Mura - Batería (1999)

Músicos que acompañaron a Salvador

Enrique Cuevas - Guitarra (2002-2007) (2011-2012)

César Velasco - Guitarra (2007-2011)

Jordán Pizano - Bajo (2002-2007)

Guillermo Rivera - Bajo (2007-2011)

César «Gusano» Martínez - Bajo (2011-2012)

Hirám Sánchez - Batería (2002-2007)

Luis Camacho - Batería (2007-2011)

Adrián Ramos - Batería (2011-2012)

Leo Castellanos - Teclados (2002-2007)

Hugo Ridestrom - Teclados (2007-2011)

Adrián López - Teclados (2011-2012)

Género ù

Metal pop, power pop y hard rock melódico; con influencia de Def Leppard, Bon Jovi, Iron Maiden, Journey y Queen.

Historia h

En 1989 varios exintegrantes de bandas que tocaban heavy, power y speed metal decidieron hacer una agrupación orientada hacia el metal pop y el hard rock melódico, al estilo de grupos británicos y norte-americanos como Jouney o Def Leppard, que por entonces estaban en auge. El cantante Salvador Aguilar y el guitarrista Antonio Ruiz (ex Mákina Negra) fueron los primeros en conocerse e imaginar una agrupación con esas características. Convocaron al baterista Jesús Esquivel (exRamsés) y al bajista Zito Martínez (exAlucard) para crear así el grupo Coda, palabra que significa, en términos musicales, «pasaje añadido a una pieza o movimiento». Poco después incorporaron al tecladista Diego Benyure. Dieron su primer concierto en el Teatro Isabela Corona, en la Ciudad de México, abriéndole a Ultimátum.

Al final de ese año trabajaron en su primer disco: Tiempo perfecto, que se editó en 1990 con Discos Gas. No contó con buena promoción, pero ayudó a generar los primeros seguidores.

Tras el lanzamiento de su disco debut salió Diego, quien se integró al grupo de reggae Los Yerberos, y en su lugar entró el tecladista David Melchor. También salió Zito para unirse al grupo Luzbel, por lo que se unió a Coda el bajista Allán Pérez (exGeheena).

Al final del año, el director de Sony Music Entertainment México, Raúl Vázquez, los escuchó en Rockotitlán y los firmó por tres discos. Entraron a los estudios de Sony en la Ciudad de México con el productor brasileño Luiz Carlos Meluly para grabar Enciéndelo, que salió a la venta en 1993. La uruguaya Lilián de León comenzó a manejarlos desde entonces. Con este disco tuvieron proyección latinoamericana y el video del tema «Tócame», dirigido por Guillermo del Bosque, llegó al primer lugar en la cadena de videos Telehit.

En septiembre de ese año abrieron los conciertos del grupo británico Def Leppard en el Teatro Fundidora, de Monterrey, y en el Palacio de los Deportes, en la Ciudad de México, y aprovecharon para grabar el video del tema «Eternamente». En 1994 abrieron los conciertos de Mötley Crüe en esas dos ciudades. Siguió el Festival Rock-O en el Toreo de Cuatro Caminos, en el que compartieron el escenario con las bandas Juguete Rabioso y Cuca. Fueron parte de la gira de la Rockola Coca-Cola, en la que, montados en un tráiler, tocaron en lugares como Monterrey, Matamoros, Querétaro, Veracruz y Mérida. También en ese año ganaron el premio a la Mejor Banda de Hard Rock en la entrega de Premios de la VIII Encuesta Nacional de Rock en Español, realizada en el Teatro Ferrocarrilero, de la Ciudad de México.

En 1995 viajaron a los Jacob’s Studios, en Farnham, Inglaterra, para grabar su siguiente disco llamado Veinte para las doce, que fue producido por Robin Blak. Contaron con la colaboración del arreglista Spike Edney. El tema «Aún» se convirtió en un éxito radial, por el cual mucha gente ubica al grupo Coda hasta hoy. El tema que le da nombre al disco contó con un video dirigido por Guillermo del Bosque que logró nuevamente el primer lugar de difusión en Telehit.

El resto del año visitaron Centroamérica y Estados Unidos. Compartieron el escenario con Caifanes, El Tri, La Ley y La Castañeda en el IX Festival Nuestro Rock. Al final del año participaron en un evento organizado por los medios de entretenimiento Televisa y Estéreo 102, para recaudar fondos para la Asociación Lazos, de la Fundación México Unido. En 1996 tocaron en el concierto de Stereo 7, en Cuernavaca, y en el Festival Internacional de Rock El Mazo, organizado por Sony Music. En ese año se presentaron en el Teatro Blanquita, considerado el evento en el cual Coda se consolidó como una de las bandas de rock más importantes del país.

Comenzaron el año 1997 con la grabación de Nivel 3, su tercer disco para Sony y cuarto en su carrera. Trabajaron la producción junto a Alejandro Zepeda. Tuvo temas como «No digas no», «Por ti», «Prohibido», «Carrusel», «Muy bien», «Halcón de invierno» y «¿Qué color se necesita?», entre otros. Hicieron el video del tema «Luz roja» con una estética futurista, con el cual promovieron esta producción.

En ese año formaron parte de la gira promocional Universo Musical, con la que recorrieron el país, visitando 91 ciudades. También tocaron en el Segundo Festival Internacional de Rock El Mazo, para cerrar el año abriendo el concierto del grupo alemán Scorpions, en el Palacio de los Deportes, de la Ciudad de México, además de una gira por universidades mexicanas. Durante los años 1997, 1998 y 1999 ganaron premios otorgados por la revista Nuestro Rock.

En 1998 Salvador decidió salir del grupo alegando razones personales y después de un tiempo se mudó a Los Cabos, Baja California Sur. En su lugar entró Eduardo Contreras (exvocalista de Tercer Acto) con quien cubrieron los compromisos. Con él comenzaron a componer material para un siguiente disco. Al terminar la relación de Coda con Sony, buscaron en PolyGram, que por esos tiempos se fusionó con Universal, por lo que sus negociaciones se postergaron un año y medio. Esto generó conflicto con Allán, quien dejó la banda, y entró en su lugar el bajista Fito Zedillo (exSistema). Jesús también se retiró temporalmente y lo sustituyó el baterista Andrés Mura (exCruz del Sur). La situación fue tan inestable que, en el año 2000, Antonio tomó la decisión de desintegrar Coda. A raíz de esto Eduardo Contreras se fue al grupo Ágora y Antonio creó QBO en 2001.

Como suele suceder en estos casos, en el año 2000 Sony Music editó el disco recopilatorio Grandes éxitos.

En 2002, al ver que su público deseaba el regreso de Coda, Salvador trató de reunir a sus excompañeros, sin suerte. Así que conformó un nuevo Coda con Enrique Cuevas en la guitarra, Jordán Pizano en el bajo, Hirám Sánchez en la batería y Leo Castellanos en los teclados. Con ellos grabó el disco Interludio, en 2002, de manera independiente. Sin embargo, la inexperiencia hizo que el disco no llevara código de barras, por lo que esa primera edición no se pudo distribuir en las tiendas, y sólo se vendió en los conciertos. El álbum fue relanzado en 2004.

En 2003 se presentaron en el Zócalo de la Ciudad de México ante 50 mil personas.

Entre 2005 y 2006 viajaron a los estudios Echoes, en Sharpsburg, Maryland, para trabajar en su siguiente producción, también independiente. En 2006 salió Vivo, distribuido por ProDisc. Es una mezcla de temas nuevos, una versión en vivo de «Aún» y tres de sus canciones traducidas al inglés. En esta etapa, Coda era manejado por Jesús Hernández.

Por su cuenta Sony Music sacó en ese mismo año una nueva recopilación llamada Éste es tu Rock.

Para 2007 Salvador reunió a nuevos colaboradores para su siguiente producción y acudió a César Velasco en la guitarra, Guillermo Rivera en el bajo, Luis Camacho en la batería y Hugo Ridestrom en los teclados.

En 2008 salió de manera independiente el disco Cabo, distribuido por el sello Capre Die Records. Se promovió durante todo ese año en una larga gira por la República mexicana.

En 2009 Salvador lanzó Drago. Es un disco recopilatorio de Coda en la etapa comprendida entre 2002 y 2009, que además contiene temas inéditos. Drago es el actual sobrenombre de Salvador.

En ese año salió también Eternamente Coda: tributo, un compilado con temas de Coda en versiones de grupos como Irreal, Citoyens, Almas Vacías, Ocean Project, Vía Dolorosa, El Papas Vagabun2, Élfica, Ánima y Doo Mok, entre otros. Fue editado por Capre Die Records.

En 2010 Sony Music volvió a sacar una recopilación de Coda acompañada de un DVD con sus videos promocionales y sus presentaciones en vivo. El motivo del lanzamiento de La historia, nombre que llevó esta producción, fue por los 20 años de la fundación de Coda. Contiene un tema difícil de conseguir, «Te extraño», grabado en 1999. En ese año se presentaron en un evento promocional en el Estadio Azteca ante cien mil personas. La banda no dejó de tocar por todo el país.

Para su siguiente producción, Salvador integró un nuevo Coda, ahora con Enrique Cuevas en la guitarra, Adrián Ramos en la batería, Adrián López en los teclados y César el «Gusano» Martínez en el bajo, estos tres últimos integrantes del grupo Argoth. En mayo de 2012 participaron en un evento para recaudar fondos para la Fundación Ayuda, y ahí anunciaron el lanzamiento del disco 9, presentando el video de su nuevo tema: «Encadenado». Fue grabado entre Los Cabos y la Ciudad de México.

En septiembre de 2012 se anunció el regreso de la formación clásica de Coda, es decir, Salvador, Antonio, Jesús, David y Allán, tras 14 años de no tocar juntos. A partir de noviembre, y durante 2013, emprendieron una larga y exitosa gira por la República mexicana y España. En julio abrieron su canal de YouTube y estrenaron el primer tema compuesto por esta formación en 15 años, llamado «Sigo aquí».

Durante 2014 se presentaron en los festivales Vive Latino y Machaca Fest, en la Ciudad de México y Monterrey, respectivamente.

En ese año Salvador salió sorpresivamente en el programa de televisión La voz. Lo hizo como un concursante más y los jueces no reaccionaron a su interpretación de «Aún», por lo que quedó eliminado instantáneamente. El hecho fue desconcertante y se volvió trending topic en Twitter. Se manejaron varias versiones de por qué lo hizo. Una fue que quería llamar la atención sobre la situación que estaba viviendo, al no poder ver a su hija por impedimento de la madre. Consideró que podría ser una manera de hacer visible su situación. Otra fue que era una manera de demostrar que ya no existen espacios para la música en la televisión mexicana. Ya fuera una de éstas, o las dos, lo que si pasó fue que, de un momento a otro, Coda se volvió tema de conversación, por lo que también se manejó la teoría de que la acción respondió a una estrategia de promoción. En los hechos, la compañía de espectáculos OCESA anunció unos días después el festejo por los 25 años del grupo en el Teatro Metropólitan, en noviembre de ese año. Compartieron el escenario con el grupo Ágora.

En 2015 salió el disco Ciclos, grabado entre Atlixco, Puebla, y la Ciudad de México, con la producción de Antonio Ruiz. Se presentó en el Centro Cultural Roberto Cantoral, de la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM). Previamente habían regalado el tema «Muerte en el muelle», en formato digital, por las redes.

Coda sigue adelante. «Cuando salí de Coda, en el 97, no hice ningún otro proyecto durante tres años. Después me di cuenta de que lo mío es la música y regresé y comencé a hacer música en solitario. Luego tuve una banda, pero el nombre de Coda me seguía persiguiendo. Terminando ese proyecto el nombre quedó a la deriva y yo lo retomé con otros músicos y anduve girando con ese nombre 10 años, yo solo.» (Salvador Aguilar en entrevista con Majo Ballesteros en el artículo «La vida después de Coda: lo que Xava Drago ha hecho fuera de su banda», para <Bizarro.Fm>, 10 de abril de 2017.)

Discografía £

Tiempo perfecto (1990)

Enciéndelo (1993)

Veinte para las doce (1995)

Nivel 3 (1997)

Interludio/Chava Aguilar/Coda (2004)

Vivo (2006)

Cabo (2008)

Drago (2009)

9 (2012)

Ciclos (2015)

Otras grabaciones

Grandes éxitos (2000), recopilación

Éste es tu rock (2006), recopilación

Eternamente Coda: tributo (2009), compilado

La historia (2010), recopilación CD/DVD

Otros o

A partir del año 2000, Antonio comenzó una carrera como productor y arreglista, trabajando con Trompo y Ágora. Creó la banda QBO con quienes sacó los discos QBO, Aire y III.

En 2005 David y Fito crearon el grupo de rock pop electrónico Mamiblue y en 2006 editaron su disco En línea.

En 2004 Allán colaboró con el grupo Wakal y Jesús formó el grupo pop Sono.

En 1995 Salvador editó el libro Prosas y furtivos versos. También escribió la novela Rapsodia apocalíptica, que se editó hasta 2011 junto con un CD homónimo. En ese año también editó un tributo a Sammy Hagar llamado Red rocker tribute. En 2001, antes de retomar Coda, creó el grupo Retto, firmando un contrato con la disquera estadounidense Genera Música, pero debido al atentado del 11 de septiembre en Nueva York la discográfica perdió la totalidad de sus acciones y quebró sin poder desarrollar sus productos. En 2016 editó su disco doble Gatomadre, como Xava Drago.

99. Víctimas del Dr. Cerebro (antes Tecnopal)

1989, Nezahualcóyotl, Estado de México

Integrantes l

Ricardo Flores Ávalos «el Abulón» - Voz

Romualdo Flores «el Chipotle» - Sax

Arturo Flores «el Tuco» - Bajo (1990-2005) (2007-hasta hoy)

Felipe Argueta «el Destroyer» - Guitarra (1990-1994)

Antonio Corona «el Bruja» - Batería (1990-1998)

Javier Cázares «Stoneface» - Guitarra (1994-2005)

Daniel Flores «el Ranas» - Coros y guitarra (1994-hasta hoy)

Pedro Gamon - Batería (1998)

Carlos Sánchez - Batería (2005-2014)

David López Chirino - Bajo (2005-2007)

Carlos Colorado «Carolo» - Guitarra (2005-2007)

Pain Galván - Guitarra (2014-2016)

Álex Díaz - Batería (2014-2016)

Adrián Toussaint - Guitarra (2016-hasta hoy)

Julián André - Batería (2016-hasta hoy)

Género ù

Rock, ska, punk, metal, rock pop y hard rock; con influencia de The Beatles, Sepultura, Fabulosos Cádillacs, Green Day y Botellita de Jerez.

Historia h

Las Víctimas del Dr. Cerebro es un grupo de Nezahualcóyotl, cuyos antecedentes se remontan a 1989 con el grupo Tecnopal. Esta banda estuvo conformada, por una parte, por Romualdo Flores y Ricardo Flores Ávalos, después conocido como el Abulón, padre e hijo, respectivamente, y por la otra, por los hermanos Miguel† y Eleazar Ruiz y Ricardo Salgado, los tres integrantes del grupo Factotum. Este grupo sacó un disco llamado Esqueleto, en 1990, en el cual venían temas como «Esqueleto», «Sahara», «Me faltas tú», «Los marcianos» y «Devolución», con el cual lograron ser conocidos en el oriente de la Ciudad de México.

Al final del año, Tecnopal se dividió y los Flores rearmaron el grupo integrando a otro hijo de Romualdo, Arturo Flores en el bajo, Felipe Argueta en la guitarra y Antonio Corona en la batería. Tanto el Chipotle como el Abulón dejaron los teclados que venían tocando y se concentrarían ahora en el sax y en la voz, respectivamente, buscando así un sonido más roquero y cambiando su nombre a Las Víctimas del Dr. Cerebro. El nombre lo eligieron haciendo referencia al villano de la película Santo contra el Cerebro del Mal, producción méxico-cubana de 1958. Con esta formación grabaron su disco debut de manera independiente, al que llamaron igual que su banda previa, Tecnopal. Salió en 1991.

Se inscribieron en el concurso Rock en la Selva de Asfalto y, tras ganar el primer lugar, la discográfica EMI Capitol, que buscaba una banda con la cual aprovechar el boom del rock en español, les ofreció un contrato por tres discos, en 1992. Su representante entonces era Jorge Mondragón, quien fungió como productor ejecutivo ante la discográfica. Comenzaron a preparar su nuevo disco, pero poco antes de su lanzamiento, el Destroyer dejó el grupo, entrando en su lugar Javier Cázares Stoneface. También se incorporó otro hijo de Romualdo, Daniel Flores "El Ranas", encargado de los coros y de dar piruetas en sus presentaciones en vivo.

Su disco homónimo fue lanzado en 1994, producido por Jorge Amaro "Chiquis", en Signature Sound, en San Diego. El ingeniero de grabación fue Juan Manuel Aceves. El álbum contó con buena promoción y la respuesta del público no se hizo esperar. Teniendo su viejo y probado tema «Esqueleto» como sencillo, comenzaron a sonar por todas partes y recibieron un fuerte apoyo de la cadena de televisión MTV Latinoamérica. Esto provocó la reacción de sus viejos compañeros de Tecnopal, los hermanos Ruiz, quienes reclamaron la autoría de la canción. Tras un largo pleito legal entre las dos familias, los juzgados dieron los derechos a los Flores.

En 1995 lanzaron el disco Brujerías. Fue grabado en Estudio 19, en la Ciudad de México, por León Granados† y mezclado por Tony Peluso, con la producción de Jorge Amaro. El tema «Ya tus amigos» siguió los pasos de «Esqueleto», en cuanto a popularidad. La banda se iba convirtiendo en uno de los grupos más importantes de su generación.

Su siguiente disco fue Boutique 2000, en 1997. Grabaron en el Estudio 19 con el mismo equipo de producción que el anterior. Con esta producción tuvieron una respuesta en ventas menor que en sus discos anteriores. El trato con EMI Capitol acabó y no hubo renovación.

En ese año también participaron en el compilado Red Hot and Latin con el tema «Venas», como parte de una serie de compilados de distintos géneros para la campaña de lucha contra el sida de Red Hot Organization.

En 1998 salió el Bruja y en su lugar entró por algún tiempo el baterista Pedro Gamon, de Saltillo, Coahuila. Siguieron sin un baterista estable. A partir de entonces el grupo cambió su ritmo en cuanto a la producción discográfica, no así en cuanto a las presentaciones en vivo.

Fue hasta 2002 que lanzaron, de manera independiente, Fenómenos. Fue grabado y producido por León Granados en Estudio 19 y La Cabaña. Contaron con la participación de los músicos invitados Diego Maroto y Enrique Sida en la sección de metales, Carlos Colorado en la guitarra acústica y Yeyo Hernández en la batería. Fue editado en México y Estados Unidos.

Paralelamente, el Abulón había creado el grupo Six Million Dollar Weirdo, que al deshacerse se transformó, en 2009, en Abominables.

Pasaron tres años antes de su siguiente disco al que llamaronInvencibles, editado en 2005. Fue producido por ellos mismos. Para entonces se incorporaron Carlos Sánchez en la batería, David López Chirino en el bajo y Carlos Colorado en la guitarra.

Para ese momento, Víctimas del Dr. Cerebro ya habían hecho varias giras por la República mexicana, Estados Unidos y países de Latinoamérica, teniendo presencia en festivales como Rock al Parque, Vive Latino y Pululagüa.

En 2007 su alineación estaba conformada por el Chipotle en los metales y el saxofón, el Abulón en la voz y los teclados, Tuco en el bajo y "Las Ranas" en la guitarra. Así, en 2008 lanzaron el sencillo «El cadáver del amor», seguido por el tema «Fantasma», al siguiente año; ambos, adelantos de su nuevo disco Fantasma, que salió en 2009, grabado en el Estudio Topetitud, en Coyoacán. En junio cerraron el Vive Latino.

En esos años, el grupo recibió con tristeza el fallecimiento de Antonio Corona el Bruja, primer baterista y miembro fundador de Las Víctimas.

Para 2014 se incorporaron a la banda Pain Galván en la guitarra y Álex Díaz en la batería. Volvieron al estudio para grabar Sobrenatural, editado por su propio sello, Cerebro Records, y Dragora. Lo presentaron en el Teatro Fru Frú y luego realizaron una gira por Estados Unidos y su primera visita a Europa. Después volvieron a Colombia y visitaron Panamá, Ecuador y Chile.

En 2015 se presentaron en el Teatro Blanquita, donde festejaron 26 años de existencia, desde los tiempos de Tecnopal.

Poco antes del cierre de este texto, se ha dado el lanzamiento de su más reciente disco llamado El rey de los monstruos, editado por Cerebro Records y Dragora. Cuentan como nuevos integrantes con Adrián Toussaint en la guitarra y Julián André en la batería, hijos de Cecilia Toussaint y Alfonso André. «Hacemos lo que nos gusta y estamos muy agradecidos y es un gusto tremendo saber que después de tantos años nos siguen. Nos sentimos bendecidos de tener a gente que nos apoye y de poder continuar haciendo lo que nos apasiona.» (Romualdo Flores en entrevista con Netzai Sánchez para el artículo «Víctimas del Dr. Cerebro celebran 28 años de éxito», periódico El Latino San Diego, 6 de julio de 2017.)

Discografía £

Tecnopal (1991)

Víctimas del Doctor Cerebro (1994)

Brujerías (1995)

Boutique 2000 (1997)

Red Hot and Latin (1997), compilación, con el tema «Venas»

Fenómenos (2002)

Invencibles (2005)

Fantasma (2009)

Sobrenatural (2014)

El rey de los monstruos (2017)

Otras grabaciones

Víctimas del Dr. Cerebro/Brujerías (2011), caja recopilación

100. José Luis Fernández Ledesma

1989, Ciudad de México

Género ù

Rock progresivo, rock sinfónico, world music, rock en oposición, música electrónica, música contemporánea de concierto, música étnica, jazz, folk y música concreta.

Historia h

José Luis Fernández Ledesma Quintana nació el 18 de mayo de 1962 en la Ciudad de México. Es un músico multiinstrumentista con un perfil muy distinto al de la gran mayoría de los músicos mexicanos. Entre los instrumentos que toca están la guitarra, los teclados, las percusiones, el bajo, las flautas y hace programaciones. Su carácter introvertido no lo hace propenso al mundo de los escaparates y los reflectores. Eso no ha impedido que se haya enfocado en trabajar una obra de gran fineza reconocida internacionalmente en los círculos del rock progresivo, experimental, del ambient y del world music. Con una extensa obra, ha tenido diversas colaboraciones con artistas como Alquimia, Arturo Meza y Margarita Botello, quien en la actualidad es su esposa. Sus primeros pasos en la música los dio con el grupo Nirgal Vallis (véase ficha), que, aunque pasaron muchos integrantes por sus filas, giraba en torno a tres compañeros de la escuela, Ramón Nakash, Alejandro Schmit y él, quien fungía como director y compositor del grupo. La etapa con Nirgal Vallis duró entre 1983 y 2000. Sin embargo, de manera paralela, José Luis comenzó a editar su trabajo solista desde 1989. Siendo un artista al margen de la industria discográfica, producía de manera independiente sus primeras obras de forma muy sencilla y en formato de casete. Aunque el formato de CD comenzó a introducirse en México por esos años, pasaría un lustro antes de que comenzara a editar estos trabajos y otros en discos compactos.

Sus primeros casetes contuvieron ciertas composiciones ligadas a montajes teatrales que él musicalizó. Éstos fueron Universos imaginarios, de 1989, y Universos imaginarios II, de 1991. El primero es una obra de autor y el segundo salió con el sello Gente de México, muy ligado al lanzamiento de los primeros discos de Arturo Meza y José Luis. Ambas obras exploran los terrenos del rock sinfónico, el progresivo y el new age.

Siguió en 1992 el casete de Evos Luz, editado por el sello Alejandra Records, en el cual se escucha una búsqueda más experimental.

En 1993 aparecieron varias obras, las cuales tuvieron eco unos años después. Por el momento, Motivos para perderse, que en 1993 fue editado en formato de casete como obra de autor, tuvo una reedición en CD en 1996 con el sello francés Musea, en el que se le añadieron algunas piezas. El trabajo final contó con la participación de Julio Sandoval en el bajo, y en los temas añadidos participaron Alquimia en la voz y Germán Bringas en el sax. Esta obra está ligada a un cuento de la autoría de José Luis.

Algo parecido sucedió con Dicen que somos dioses y nos soñamos hombres, editado en casete en 1993 como obra de autor y reeditado en el año 2000 por Smogless Records, con algunas piezas adicionales. El trabajo final contó con la participación de Margarita Botello en la voz y los teclados, Germán Bringas en el sax, Marcela Alvear en el oboe, Carlos Peña en la guitarra, Hugo Santos en el bajo y el stick bass, Vera Koulkova en el violín, Roberto Carretero en la guitarra, Alejandro Vázquez en la flauta, Raúl Flores en la percusión y Alberto Nerr en la batería.

En ese año también se editó otra obra de autor, el casete Un símbolo, aunque a diferencia de los dos anteriores, éste no contó con una reedición.

En 1994 salió el casete De entre las aguas, también de autor, que guarda cierta correspondencia con Motivos para perderse, ya que también es una obra conceptual ligada a un cuento, aunque el texto en este caso fue de la autoría de su padre.

En 1995 José Luis comenzó a trabajar con Alquimia en una visita que ella hizo a México, ya que estaba radicando en Londres. Colaboración que dio como resultado el casete Una mirada perdida, editado en ese año como obra de autor. El siguiente producto de su trabajo fue un disco que muchos consideran muy importante para la escena progresiva mexicana: Dead tongues, editado en 1996 por el sello británico Recommended Records. Tuvo la participación de Julio Sandoval en el bajo, Ramón Nakash en el violín, Blu en el sax y Arturo Romo en la percusión.

En 1997 salió Extractos, con el sello Luna Negra, y una segunda edición, en 1999, en Opción Sónica. Participaron Malena Durán, Francisco Delahay y Beatriz Luna en las voces, Julio Sandoval en el bajo, Francisco Lelo de Larrea y Alejandro Schmidt en las guitarras, Germán Bringas en el sax, Ramón Nakash en el violín, Hernán Hecht en la batería, Raúl Flores en la percusión, Alejandro Sánchez en el violín, Vitali Roumanov en el violoncello, Hugo Santos en el stick bass, Julio Sandoval en el bajo, Fernando Domínguez en el clarinete, Laura Herrera en la percusión y Sergio de Regules en los teclados.

En el año 2000 conoció a la cantante y tecladista Margarita Botello, con quien comenzó una mancuerna creativa que dura hasta estos días. Con ella hizo el disco Sol central, que salió con el sello Luna Negra. Participaron los músicos Germán Bringas en el sax y el trumpet, Alquimia en la voz y las atmósferas, Marcela Albear en el oboe y Leonardo Patiño en la programación de loops.

En ese año también terminó su ciclo en el grupo Nirgal Vallis. José Luis también recibió, por la misma época, la invitación por parte de la delegación Coyoacán para hacer un espectáculo por la celebración de Día de Muertos en el atrio del centro. Así nació el grupo Arca, cuyos integrantes fueron José Luis Fernández Ledesma en los teclados, la guitarra de 12 cuerdas y las percusiones, Margarita Botello en la voz, los teclados y las percusiones, Roberto Carretero en las guitarras, Ramón Nakash en el violín, Alberto Herr en la batería y Manuel Ugarte en el sitar, las flautas, el laúd y otros instrumentos. Arca tenía un perfil más cercano al rock, al folk y a la música étnica. Después se siguieron presentando en diversos foros.

Sin embargo, José Luis no dejó de generar composiciones para su proyecto solista. En 2002 editó el disco Al filo, nuevamente junto a Margarita Botello, en el sello queretano Luna Negra.

Designios salió en 2003, con una distribución conjunta de Luna Negra y Musea. Lo acompañaron Hernán Hecht en la batería, Raúl Flores en la percusión, Alejandro Sánchez en el violín, Vitali Roumanov en el violoncello, Hugo Santos en el stick bass, Julio Sandoval en el bajo y Fernando Domínguez en el clarinete.

En 2004 José Luis y Margarita crearon una agrupación enfocada al rock progresivo a la cual llamaron Saena. Estaba conformada por José Luis y Margarita Botello, Julián Bonequi en la batería y Alejandro Sánchez en el violín. En 2005 la alineación cambió y entraron Hugo Santos en el bajo y el stick bass y Adrián Zárate en la batería. Con esta alineación se dieron conciertos en la Universidad Iberoamericana, la UACM, el Museo de la Ciudad de México, el CNA, el Ollin Khan, en tres ocasiones en el FestivAlterNativo en la ciudad de Querétaro, y en el Foro Alicia, entre otros sitios.

Por otra parte, en la línea solista junto a Margarita sacó La paciencia de Job, editado por los sellos TGTO Records, Luna Negra y Musea. Participaron Gustavo Albarrán en el corno francés, Juan Carlos Ruiz y David Ball en el fagot, Alejandro Sánchez y Ramón Nakash en el violín, Vitali Roumanov en el violoncello, Eduardo Meléndez en el sax y Carlos Bonequi en la batería. Siguió Híbridos, en 2007, con el sello Luna Negra.

Con su grupo Saena, en 2008, grabó su primer disco homónimo, editado con Luna Negra.

En 2010 José Luis y Margarita crearon el dueto Milenrama, proyecto formado para acompañar la exposición de fotografía de José Luis, que tuvo lugar en la sala de exhibiciones de Radio Educación con motivo de la celebración del Bicentenario de la Independencia. Se trató de la proyección de videos originales acompañados con música en vivo utilizando loops en tiempo real. Desde entonces se han presentado en varias exposiciones y acompañando textos en vivo en programas de radio.

En ese año salió de Seana Hugo Santos y entró Jesús Ibáñez. En 2012 salió Adrián Zárate y entró Darío Solís. Con esta formación el grupo dio diversos conciertos en el Museo de la Ciudad de México, el Ollin Khan, como parte del Festival Progresión, el Audiorama del Parque Hundido, Radio UNAM, Radio Educación, el Museo del Chopo (con la participación de Gerardo Aponte en el violín y la viola). Actualmente el grupo prepara su segundo disco.

El trabajo de José Luis y Margarita ha logrado trascender fronteras a partir su calidad y su persistencia, aun con la poca exposición que trabajos como el de ellos se da en nuestro país.

Discografía £

Universos imaginarios (1989)

Universos imaginarios II (1991)

Evos Luz (1992)

Motivos para perderse (1993)

Dicen que somos dioses y nos soñamos hombres (1993)

Un símbolo (1993)

De entre las aguas (1994)

Una mirada perdida (1995), junto a Alquimia

Dead tongues (1996), junto a Alquimia

Motivos para perderse (1996), reedición con temas adicionales

Extractos (1997)

Sol central (2000), junto a Margarita Botello

Dicen que somos dioses y nos soñamos hombres (2000), reedición con temas adicionales, junto a Margarita Botello

Al filo (2000), junto a Margarita Botello

Designios (2003), junto a Margarita Botello

La paciencia de Job (2006), junto a Margarita Botello

Híbridos (2007), junto a Margarita Botello

Con Saena

Saena (2008)

Otros o

José Luis ha compuesto música para teatro, danza y cortometrajes. También es productor e ingeniero de audio.

FUENTES CONSULTADAS

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Revistas

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Rolling Stone México. Rock latino los años setenta. Edición especial de colección, 2014.

Rolling Stone México, Rock latino 80’s. Edición especial de colección, 2015.

Tierra Adentro. «Mapa sonoro. Rock mexicano reciente», 2015.

Consultas a diversos números de las revistas:

Atonal

Chilango

Conecte

Emeequis

Indie Rocks!

La Canica

La Mosca en la Pared

La Rocka

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Rock and Pop

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El Informador de Guadalajara, sección «JMMO»

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El Mundo (España)

El Norte (Monterrey)

El Universal, secciones «Domingo» y «Espectáculos»

Esto

Excélsior

La Crónica de Baja California

La Crónica de Hoy

La Jornada

Milenio Diario, secciones «QRR», «Hey!» y «Ocio»

Milenio Guadalajara, sección «Ocio».

Nación (Costa Rica)

Reforma

Sitios de internet

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<AquiNoticias.mx>

<Almalafa.blogspot.mx>

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<Discogs.com>

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Videos y series en YouTube

Black, un recorrido por el rock tapatío de los setentas, de DIPA-UDG.

Buscando el rock mexicano, de Ricardo Rico.

Pueblo de patinetas, de Rafael Catana.

Textos y entrevistas realizados por:

Rocío Macías, Jaime López, Fausto Ponce, Héctor Cruz, César Güemes, José Agustín, Roberto Ponce, Liliana García Sánchez, Miriam Canales, Rafael Mejía, Chava Rock, Marín Hernández, Mario Cano, Maricela Paz Téllez, Conejo del Albedrío, Aníbal Santiago, David Cortés, Ricardo Bravo, Rafael Martínez, Xavier Velasco, Federico Rubli Kaiser, Francisco Zamudio, Hugo García Michel, Alfonso Teja, Rodrigo Farías Bárcenas, Uili Damage, Patricia Peñaloza, Xardiel Padilla, Joselo Rangel, Manuel Lino, Julián Téllez, Javier Ernesto Contreras Hernández, Alejandro González Castillo, Rodrigo Pérez Rembao, Miguel Castillo, Janet Mérida, Arturo Cruz Bárcenas, Majo Ballesteros, Netzai Sánchez, Inri Contreras, Victoria Victoria, Mauricio Romero Macías, Verónica Chávez Aldaco, Mónica Maristain, Octavio Hernández Díaz, Alonso Arreola, Walter Schmidt, Karla Valenzuela, Arturo Jiménez, Alejandra Mariel, Abraham Huitrón, Luis del Valle Rey, Ali Gua-Gua, Rodrigo Alvestegui, Eduardo Gutiérrez Segura, Juan Carlos Zamudio, Lari, María José Cortés, José Fajardo, David Gutiérrez, Plinio Santos, Josuelo, Natalia Cano, Ana María Parra, Axel Valerio, Andrés Martínez Tunek, Paris Alejandro Salazar, Manuel Martínez Peláez, Arturo Lara Lozano, Wirtis, Ariel Martínez, Rodrigo Bautista, Alfredo Tapia Carreto, Ladislao Martínez, Lesbia Solís, Joyce Marlene León, Sergio León, Juan Pedraza, Gustavo Zamora y Arantxa Castillo.

Conversaciones y asesorías

David Cortés, Francisco Barrios el Mastuerzo, Guillermo Briseño, Hebe Rosell, Jorge H. Velasco, Olivia Luna, Óscar Sarquiz, Ricardo Rico, Simón Zamora, Tere Estrada, Mauricio Bieletto, Armando Vega-Gil, Chucho Tex, Antonio Sánchez Uribe, Leonardo Granados, Mauricio González y Patricio «Pato» Montes.

Agradezco a mis compañeros músicos; con muchos de ellos he compartido amistad y experiencias; otros más me han proporcionado información valiosa de manera desinteresada. Las historias aquí narradas indudablemente se enriquecieron con sus aportaciones.

Portada para sinopsisEn este segundo volumen, el Sr. González nos entrega un retrato excepcional, que proviene tanto de su experiencia como músico como de una extensa y sesuda investigación, de la escena del rock mexicano en la que quizá ha sido su década más fructífera y apasionante: la década de los ochenta. Durante esos geniales y convulsos años, México atravesó por cambios profundos que también dejaron su huella en la música. Fueron tiempos de apertura en los que el rock nacional forjó una voz y ritmo propios; la esencia de aquella música rebelde y adolescente que llegó a México en 1956 encontró en los ochenta su carta de naturalización. A esta época corresponden músicos y bandas icónicos como Rockdrigo González, El Tri, Botellita de Jerez, Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, Caifanes, Café Tacvba, Fobia, entre muchas otras agrupaciones que cantaron con fuerza sus letras y tocaron sus guitarras con estruendo. A todas ellas y más, este libro les dedica una breve y apasionante crónica junto con un análisis musical.

SR. GONZALEZ (Rafael González Villegas) nació el 8 de julio de 1962 en la Ciudad de México. Estudió arquitectura, profesión que apenas ejerció. Músico, compositor, productor y escritor, desde joven tocó en los grupos Parthenon, Hiperfonía y Baraja. Se integró al grupo Botellita de Jerez en dos etapas: de 1988 a 1997, y de 2013 hasta el día de hoy. En 1998, lanzó su primer disco como solista llamado El Sr. González y los Cuates de la Chamba. En 2009 enfermó de cáncer, pero tras un trasplante de médula y padecer una neumonía oportunista, logró sobrevivir después de dos años de convalecencia.

60 años de rock mexicano, vol. II

(1980-1989)

Primera edición: agosto, 2018

D. R. © 2018, Rafael Alfonso González Villegas

D. R. © 2018, derechos de edición mundiales en lengua castellana:

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