Pablo Picasso

Biografía Breve

Óscar René Cruz

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Los personajes y eventos que se presentan en este libro son ficticios. Cualquier similitud con personas reales, vivas o muertas, es una coincidencia y no algo intencionado por parte del autor.

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ISBN-13: 9781234567890
ISBN-10: 1477123456

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Número de control de la Biblioteca del Congreso: 2018675309
Impreso en los Estados Unidos de América

A Picasso lo soportan hasta quienes lo detestan, lo soportan porque nunca usa el talento: sólo usa el genio. Sus obras nunca son pensamientos: son actos.

Jean Cocteau

Prólogo

Debido a su extraordinario virtuosismo técnico, Picasso fue capaz de emplear estilos conflictivos a voluntad de manera eficaz y convincente . Probablemente fue el primer artista occidental en insistir deliberada y persistentemente en la relativa arbitrariedad de los medios de representación pictórica. De hecho, este es uno de los aspectos más originales y radicales de toda su carrera. Artistas de la generación anterior, como Cézanne y van Gogh, habían empleado "distorsiones" sistemáticas en sus obras, pero como parte de una forma directa de comunicar la "verdad" de su propia visión personal. Los contemporáneos de Picasso, incluido Matisse, siguieron esa tradición.

Jack Flam

Introducción

Además de fecunda, la obra de Pablo Picasso representa un hito en la historia del arte por su impacto en las multitudes. Algún crítico celebra las pinturas de Picasso como las últimas, con las que se cierra, a su juicio, la historia del arte pictórico.

A partir de él se inicia el llamado Arte Moderno cuya producción ya no se reconoce como "pintura" sino como "propuesta": el observador dictaminará. Se inicia también la interrelación mercantil entre el artista como concepto (que debe vestir y actuar y opinar como tal), la promoción y la propaganda de la obra y del autor; y los comerciantes de arte, los coleccionistas; la producción de bienes colaterales: reproducciones litográficas, camisetas, cajas de cerillos, servilletas de papel, bolsas, etc. En pocas palabras: la aplicación de la mercadotecnia para venta de la obra pictórica.

PABLO PICASSO

1881-1973

Primeros años

En el centro de la ciudad de Málaga, en una calle contigua a la de La Merced, el 25 de octubre de 1881, nació quien sería años más tarde conocido como Pablo Picasso. Fue bautizado con los nombres de Pablo, Diego, José Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Crispín, Crispiniano de la Santísima Trinidad.

José Ruiz Blasco y María Picasso López fueron sus progenitores. Su llegada a este mundo obligó a José a aceptar un empleo con objeto de añadir un sueldo a sus escasos ingresos como pintor: fue nombrado profesor en la Escuela de Artes y Oficios de San Telmo, y conservador del museo que se albergaba en el Ayuntamiento, trabajo, éste último, que perdió poco después.

Pablo fue bien recibido en el seno familiar. Era el primer varón de los once descendientes de su abuelo, don Diego Ruiz de Almoguera. El nacimiento tuvo un incidente que pudo ser fatal: la comadrona creyó que el niño había nacido muerto y lo dejó sobre una mesa para cuidar a la madre. Afortunadamente, casi de inmediato, llegó uno de los tíos, médico de profesión. El niño se salvó de morir asfixiado, antes de ver el mundo.

Poco se sabe de los primeros años de vida de Pablo, pero debió tener el curso que sigue la vida de una familia bien avenida de fines del siglo XIX, en una ciudad española de Andalucía, a orillas del mar, flanqueada por montañas y con un clima benigno. Se sabe que el padre le llevó a algunas corridas de toros, explicándole complacido los diversos aspectos y matices de la lidia, experiencia que quedó impresa en su naturaleza para siempre.

Cuando, gracias a la acertada disposición de su padre, Pablo tomó los utensilios de dibujo, aquél y la madre vieron con entusiasmo que tenía una habilidad prometedora. Por su parte, Pablo no quería estudiar sino pintar y aprovechaba las ocasiones en que su padre le permitía compartir paleta y pinceles. Málaga es pictórica, por eso, para la familia habituada al sol, significó una pequeña desgracia el traslado del padre a La Coruña en septiembre de 1891, cuando Pablo iba a cumplir diez años. El cambio fue de un extremo a otro de la península ibérica, con clima diferente, aunque con mar y montañas, a otra comunidad, la de los gallegos.

Alentado por su padre hace de editor y prepara periódicos que bautiza con los nombres de La Coruña, y Azul y Blanco, con ilustraciones suyas. En 1894, don José le cede solemnemente unos trastos de pintor. Prepara cuadros que, en la Coruña, presenta en una tienda donde se vendían diversas mercaderías. Es esta la primera exposición de su obra.

El año 1895, cuando Pablo contaba catorce años, la familia se trasladó a Barcelona (al otro extremo del país). El padre logró una permuta como profesor de bellas artes en una ciudad con un ambiente cultural y artístico bastante más elevado, donde la familia residió seis años, que fueron para Pablo de una importancia decisiva. Ingresó a la Escuela de bellas artes de la Lonja, después de cumplir con el requisito de presentar los dos dibujos. Se dice que los preparó en un día aun cuando el plazo para entregarlos era de un mes. Estas obras se conservan y desdicen un tanto la anécdota porque uno lleva la fecha del 25 de septiembre y el otro del 30 del mismo mes. Los mitos nunca están ausentes en las biografías, sean escritas o no, de gente famosa o no.

A los dieciséis años pintó el lienzo Ciencia y caridad, con el que concursó en la Exposición nacional de Madrid en 1897. Ganó una mención honorífica.

En Barcelona, Picasso entró en contacto con los jóvenes artistas catalanes. Manuel Pallares y Grau fue su primer amigo, a quien sus padres le dieron un trato como si fuera de la familia. Tuvo amistad con el escultor Manolo (Manuel Hugué), con el pintor Torres García, con Vidal Ventosa y otros. Al poco tiempo su padre le instaló un estudio, donde pudo trabajar con libertad. El primer cuadro que pintó ahí es el llamado Ataque a la Bayoneta.

En el verano de 1897, la familia hizo nuevamente maletas y se trasladó a Málaga. Era una familia prácticamente errante, aunque, si bien dentro de España hay grandes diferencias entre los distintos lugares a los que se mudaban, el país, como casi todos los Estados europeos, es relativamente pequeño.

El año siguiente, se pescó una escarlatina y aparentemente se debilitó bastante. Su amigo Pallares le propuso ir a Orta a recuperarse, correspondiendo al trato familiar con que lo acogían los padres de Pablo. Estuvo ocho meses en Harta d'Ebro, como entonces se conocía a ese precioso lugar, que luego se llamó Horta de Sant Joan y, ahora Orta de Sant Joan; un pueblecito catalán enclavado en la montaña. La vida campesina le aportó nuevas e importantes experiencias, al grado que, más tarde, afirmó que todo lo que sabía lo había aprendido ahí.

Aprendió de todo en ese lugar: a cuidar caballos, a ocuparse de las gallinas, a sacar agua del pozo, a hablar con la gente, a marrar sólidos nudos, a equilibrar la carga de un burro, a ordeñar vacas, a cocer bien el arroz, a tomar fuego del hogar... Pero también dibujó y pintó la vida campesina: paisanos en las labores de labranza, en el molino; pastores y sus rebaños; leñadores; las rústicas casas en medio del campo sembrado de trigo, las mieses ondeando; animales: corderos y burros de mirada resignada, negándose a andar por cansancio.

Allí pintó el cuadro Costumbres de Aragón, que le valió dos medallas, en Madrid y en Málaga. Cuando, en abril de 1899, volvió a Barcelona ya no sólo era pintor, cualidad en él innata, sino también un hombre. Ese año es un gran año para Picasso. Se asume como el "gran artista" de Els quatre gats, Los cuatro gatos, la cervecería de la calle de Montesien en Barcelona, en donde diseña y dibuja el menú, pinta los anuncios. Mientras bebía, trazaba figuras y charlaba con un aire de quien no abre la boca porque medita y sólo dice dichos ingeniosos, con chispa. En el interior de Els quatre gats, con sus grandes ventanales, quedaron algunos de sus óleos, todos ellos de colores vibrantes como no era lo habitual en la pintura barcelonesa de esos años. Los ingresos generados en la cervecería le permitieron rentar el taller de la calle Riera de San Juan. También en esos años comenzaron a aparecer los temas de gente pobre y de bohemios.

La muerte de Casagemas

Hizo un viaje a París con su colega Carlos Casagemas. La Ciudad Luz es un lugar en donde la sexualidad, especialmente para los adolescentes, es vibrante y exigente. Picasso no individualizó entonces a ninguna mujer. Las que contrataba para posar desnudas, le permitían mejorar su estilo y profundizar en los detalles. En cambio, su amigo se enamoró perdidamente de una de ellas. Pretendió redimirla de su pasión por los hombres atormentados (fous) y fracasó. Picasso se propuso sacar a su amigo de París para que la olvidara y llevarlo de regreso a Barcelona y luego a Málaga a pasar la fiesta de fin de año. Pero no lo logró, el amigo estaba prendado, fijado en el tormento de un amor sinuoso, enredado, obsesivo y celoso. Picasso decidió ir una temporada a Madrid.

En la capital de España mostró lo que había logrado en París. El modernismo para él ya era cosa del pasado, ahora le interesaba lo mundano, lo cortesano, las mujeres en las galerías, los efectos suntuosos del baño y los arreglos femeninos, y nada de miradas duras ni de contenidos humanistas. Ahí recibe la noticia del suicido de Casagemas en París. Se publica la noticia en Madrid acompañada de una reproducción de su retrato pintado por Picasso.

Le duele la muerte del amigo, pero no se detuvo a pensar en el efecto que para un hombre tiene el amor por una mujer (y a la inversa). Prosiguió su ruta artística. Hizo la experiencia impresionista, probó pintar al pastel; jugar con los volúmenes; contrastar los colores; acentuar el ritmo. Da pasos importantes en la liberación de los colores y los contrastes, lo que le permite una pintura más ágil y fogosa. En Madrid funda la revista Arte Joven y hace una exposición para mostrar sus pinturas al pastel.

Periodo Azul, 1901–1904

En 1902 Picasso se encuentra de nuevo en París. Quienes se dedican a la historia del arte dan por cerrado lo que se conoce el ciclo de la muerte de Casagemas. Surgen los temas sentimentales, el mono cromismo azul y el dominio de la forma sobre la composición, los ritmos curvos a lo gótico...

Para él la cuestión clave es la originalidad de la pintura del artista, no pintar como se ha hecho antes. En especial, no hacerlo como lo están haciendo los demás, ni los académicos ni los revolucionarios impresionistas. Cualquiera, pensaba Picasso, puede pintar como David o como Manet, o pintar como Monet y descomponer la luz y el color como los puntillistas. Ellos lo hicieron bien, lo estaban haciendo muy bien. Fueron y eran innovadores en su momento. Pero su técnica se convirtió en conceptual, es decir, lo que fue novedad mostró sus secretos y éstos se puede aprender y dominar y cualquiera puede pintar como ellos lo hicieron (siguiendo el manual), lo que no tiene ningún sentido: sería la parálisis del arte.

En la Ciudad Luz, Picasso encontró amigos, intelectuales y artistas, que habían ensayado y estaban ensayando formas y modalidades nuevas de expresión artística; ahí disfrutó de un clima de libertad y de comprensión, en el que su obra pudo desarrollarse. Los catalanes, sus paisanos, le tendieron el precioso puente que lo introdujo al ambiente artístico parisiense.

Los primeros tiempos fueron difíciles. Picasso no podía vender sus telas y en situación de frío extremo debió quemarlas para no morir helado. Afortunadamente encontró un mecenas, aunque no desinteresado: el industrial catalán Pere Mañach, quien le asignó ciento cincuenta francos al mes, a cambio de cierto número de pinturas. Ese convenio fue una gran ayuda: le dio una relativa independencia. Su temática se traslada hacia los enfermos, los vagabundos, las mujeres en prisión, entre la soledad y el mal humor, lo que refleja la situación en la que el propio pintor se encontraba. A pesar de que todas las obras de Picasso, anteriores a su residencia en París, son importantes, las que determinar un escalón firme en su carrera son las de la llamada "época azul", con la que se inicia en la capital francesa.

Artísticamente fecundo, pero económicamente con dificultades y emocionalmente con un gran vacío. Había cortado el cordón umbilical que lo vinculaba a su tierra y su familia y eso no es nada fácil para nadie: conmueve toda la estructura psíquica de la persona. —Por ello en Grecia antigua se castigaban delitos graves con el destierro—. Uno conoce su tierra, el suelo que pisa; se orienta en sus calles por múltiples referencias emocionales; conoce su cielo; hay un ambiente social que lo rodea desde su nacimiento. Dejar la casa del padre y de la madre es lo natural, pero él, Pablo Picasso, ya independiente, los quiere cerca, por decir así: a la mano. Haberse desligado de ellos le pesó, no hubo un rompimiento sino todo lo contrario lo impulsaban, pero estaban lejos. La nostalgia no tardó en invadir su corazón, y sintió la urgente necesidad de volver a España. Lo dijo Homero en la antigua Grecia: "Nada hay tan dulce como la patria y los padres propios, aunque uno tenga en tierra extraña y lejana la mansión más opulenta".

Según cuenta Fernande Olivier, al cruzar la frontera, se convirtió en otro. En París parecía estar agobiado, sofocado por una atmósfera que no era la suya; en cambio, en España estaba alegre, menos reservado, más brillante y animado, tomando interés en las cosas con seguridad y calma, con tranquilidad. Trascendía un aire de felicidad, en contraste con la corriente actitud de su carácter. Este era un traslado que no tenía el tono del retorno anterior, que lo consideró provisional.

Pero París se fue convirtiendo poco a poco en la ciudad clave de Picasso; la que le brindaba las oportunidades de triunfar. Los comerciantes de arte se interesaban cada vez más por la obra del joven pintor español. En abril de 1902, cuando Pablo estaba en España, Berthe Weill hace una exposición de sus pinturas, proporcionadas por Mañach, en París, lo que tiende un puente permanente de relaciones con Francia. Charles Marice escribe una nota en la revista el Mercure de France con asombro sobre el prodigio del joven dios que está intentando rehacer el mundo, pero Marice observa una gran tristeza en las pinturas, aunque expresada con fuerza; un don, un talento, y se pregunta si esta joven precocidad no estará destinada a consagrar a un gran maestro en un sentido negativo de vivir.

Picasso inicia una peregrinación cada verano al sur de Francia, al Mediterráneo, para recibir todo lo maravilloso de ese mar y su clima. (Allí se quedaría a vivir permanentemente 45 años más tarde). También visita frecuentemente la población de Céret, lugar, muy cercano a Barcelona, en el que se reúnen famosas personalidades del arte como el escultor Manolo, Braque, Matisse, Juan Gris, Max Jacob, Pichot, Déodat de Séverac, y otros. Céret llegaría a ser la ciudad sede del movimiento cubista.

En Barcelona se instala en el taller que antes había ocupado con Casagemas. El tono de sus cuadros parece aclararse, con más detalles. La obra maestra de ese periodo es La Vida, que responde a las preguntas ¿de dónde vinimos, ¿qué somos, adónde vamos? Entre la producción posterior a este cuadro, mencionamos El Asceta, Viejo Judío, Viejo Guitarrista, El Ciego, en donde expresa las tensiones del estrés físico, de la pobreza y la ceguera. El color azul se vuelve más intenso.

En 1904 Picasso vuelve a París, esta vez en compañía del pintor Sebastián Junyent. Se instala en un taller que le cede un amigo. Hace nuevas y muchas amistades, entre las cuales son muy importantes las de los poetas Max Jacob y Apollinaire, sus espectadores más brillantes: lo reconfortan mucho sus elogios, la aprobación que hacen de sus pinturas; lo hacen sentir bien.

Periodo Rosa, 1904–1906

Entonces empieza a abandonar el color azul. La nostalgia, el "mal de tierra", es superada. La tristeza es desplazada por un desbordamiento de bocetos eróticos. Hace vida común con Fernande Olivier, su primera mujer. A su alrededor se agrupa un grupo de amigos, la llamada "banda de Picasso". Pinta "arlequines"; "saltimbanquis o acróbatas".

Hace un viaje corto a Holanda, la tierra de Rembrandt, Franz Hals, Vermeer y Van Gogh, entre otros muy destacados pintores. (Rainer María Rilke escribe un poema en el que se refiere al Picasso errante e insatisfecho). Durante poco tiempo, aunque tres veces por semana, fuma opio, experiencia que no trascendió a su pintura, salvo la producción de Muchachos Fumando.

La pintura de Jean—Auguste—Dominique Ingres, El Baño Turco presentada en la exposición del famoso Salón de otoño, es para Picasso toda una revelación. Los especialistas discuten si el examen de este cuadro ejerció influencia o no en él. Su trayectoria indica que su desenvolvimiento está libre de influencias. Una de sus frases célebres era: "Yo no busco: encuentro". Lo cierto es que El Baño Turco lo hizo reparar en la mujer como un objeto privilegiado para las artes plásticas: su bello rostro, sus cabellos, no digamos las líneas de su cuerpo, la provocación erótica de los desnudos femeninos; la mujer, sujeto de conmoción espiritual que puede conducir a la muerte, como el caso de su amigo Carlos Casagemas. La mujer—objeto que es posible explorar en todos sus aspectos físicos y emocionales; que conmueve las fibras más íntimas, capaz de dar vida y también ser como un tsunami que acaba con todo. Pinta, La Toillette y el Harem, la preeminencia del color azul cede su lugar al color rosa. Otras exposiciones llaman poderosamente su atención, tal es el caso de la que tiene lugar en el Louvre con esculturas ibéricas de Osuna y del Cerro de los Santos (más adelante comprará algunas de las piezas exhibidas), y la exposición en la que se presentan obras de Manet.

La millonaria judío—norteamericana, escritora y poeta Gertrude Stein, que tiene una galería de arte en París, le presenta a Matisse. (Tanto Matisse como Picasso le hicieron un retrato a la señora Stein). Picasso conoce entonces las pinturas de su nuevo conocido; las manzanas colocadas en un cuenco, arriba de un base con un mantel decorado con flores, en donde los colores son planos, sin matices, y el doblez del mantel se insinúa y es percibido claramente, lo hacen meditar sobre el nuevo camino que está tomando la plástica: se está produciendo un cambio radical frente al impresionismo.

Ocurre en este año de 1906 un viraje radical en la vida de Picasso, financiero y a la vez de aliento artístico. Ambrois Vollard, comerciante de obras de arte, le compra buena parte de sus pinturas rosas, en 2 mil francos oro. Antes había vendido cuadros por 50 francos oro cada uno. En pocos meses cambió su posición social y económica. Más tarde él dirá que "no pinto para vender sino vendo lo que pinto". Siempre había sido fiel a su propio genio que lo conducía al encuentro de sus aciertos artísticos, después de esta venta esa fidelidad, indudablemente, se reforzó.

Con Fernande hace un viaje a Barcelona. Está pocos días con su familia y se reencuentra con sus viejos amigos. Luego partió al pequeño poblado llamado Gósol, en donde se dedicó a pintar a Fernande, al paisaje, a los toros y a los caballos. Su pintura experimenta cambios, su genio trabaja. Se interroga sobre la perspectiva y los "trucos" de la representación que destaca detalles que la realidad destruye. En su tela Los campesinos introduce deformaciones anatómicas para destacar el juego gozoso de la gente joven. Descubre otro mundo que trató de imponer en sus pinturas monocromáticas, de la época azul y rosa, pero no en los hechos o en los sentimientos ahí expresados. Ese otro mundo es el de la construcción de su propio lenguaje, autónomo, pervertido sí, por los detalles ocasionales e insignificantes del realismo, por la censura de las ideas, por lo académico.

Regresan a París. Estamos en el año 1906. Picasso tiene 25 años. La competencia entre Matisse, Cézanne y Picasso, impulsa la creatividad de los tres, que trabajan incesantemente.

La gran revelación de Picasso ocurre al año siguiente con Las señoritas de Aviñón, aunque la pintura no es presentada públicamente sino ocho años más tarde. Quienes la conocieron en el taller del Picasso quedaron desconcertados: hubo burlas, desaprobación, por una parte y por otra, entusiasmo. Mucho se ha escrito sobre ella, sobre su nombre, sobre el trabajo previo, sobre las relaciones que pueden encontrarse con la obra de Cézanne, Matisse y de lngres.

Hagamos un paréntesis.

En esta colección de biografías breves ofrecemos también los bosquejos biográficos de tres grandes pintores del renacimiento: Miguel Ángel, Leonardo y Rafael, situamos su grandeza en la excelencia del manejo de los materiales, en el perfeccionamiento refinado de la técnica; en la expresión de la belleza y de altos valores: bondad, sufrimiento, dolor, ternura, etcétera. Ellos aplicaron con gran fuerza expresiva algo distinto a lo griego y a lo romano anterior, particularmente incluyeron la perspectiva. Por ejemplo: el fondo, la tercera dimensión, de La Gioconda es magistral y clave para destacar la imagen femenina, cuidadosamente pintada, músculo por músculo, para lograr una expresión permanentemente celebrada.

Los impresionistas se rebelan contra esto, contra la academia, contra el clasicismo. No tiene caso seguir pintando de esa manera. Es posible dominar la técnica, conocer los "trucos" como le llamaría Picasso, y pintar igual. Hay que buscar caminos distintos. Los impresionistas descomponen la luz e interrelacionan los colores, quieren pintar el agua y sus reflejos, el viento arremolinado. Los valores morales ya no son motivos artísticos, como no lo son la enseñanza de una doctrina ni los movimientos históricos, las batallas, la guerra; el arte no debe emplearse para "eternizar" a los poderosos. El arte es autónomo, sólo se debe a sí mismo; la consigna es lograr la originalidad. Quien marca el paso es el Genio, con mayúscula.

Los intelectuales rusos que hicieron la revolución socialista de 1917, entendieron perfectamente que el cubista era, en el arte, un movimiento tan radical como el suyo. Reproducciones de las pinturas cubistas se exhibieron en la plaza roja de Moscú y los autobuses urbanos llevaban mantas con reproducciones de Picasso, Léger y Rivera. No fue casual que estos tres pintores abrazaran la causa del socialismo y se hicieran comunistas. En contraste, la reacción de la gente más humilde, en aquel torbellino revolucionario, cuando se pasaba hambre y la vida estaba llena de pasiones, era que los jefes revolucionarios querían hacerlos creer en el diablo como señaló Ehrenburg en su libro Un escritor en la Revolución.

El Cubismo

Las señoritas de Aviñón, dan por concluido el papel de la perspectiva. En lo sucesivo no habrá fondo en las pinturas, un atrás o un al lado, sólo queda un plano en el que se ve todo, lo de atrás y lo lateral, simultáneamente. Termina el realismo puro. Las figuras deberán contorsionarse. Ya, muchos años atrás, los egipcios pintaban las figuras humanas de perfil con un ojo en el frente, cerca de la oreja. Por otra parte, la pintura abandona toda posibilidad decorativa, "el arte no es para adornar la casa" dirá Picasso: lo bonito no es arte. El arte pasa a ser, según el cubismo, fuerza dramática por composición sintética. Hay quien escribe que el cubismo es la manera como Dios ve a sus criaturas.

La opinión general, pasado el período de desconcierto, es que la pintura Las señoritas de Aviñón inicia el arte moderno y el movimiento cubista, en el cual, además de Picasso, participaron inicialmente, el español Juan Gris, los franceses Georges Braque, Fernand Léger, el mexicano Diego Rivera.

El cubismo toma elementos de las esculturas africanas y algunos elementos de frescos medievales, de las antiguas esculturas ibéricas y las figuras egipcias. Se abandonan los colores sugestivos y vibrantes para privilegiar los colores tenues.

Picasso viajaba a Barcelona y a Céret con frecuencia. Le hacía falta desintoxicarse del·ambiente de París, pero era ahí en donde exponía, veía los resultados de los otros artistas. Los poetas y escritores le nutrían el espíritu. Trataba especialmente con Braque y su paisano Joan Gris. A pesar de que algunos, artistas y hasta políticos, se oponían al movimiento cubista, éste cundió favorablemente y tenía influencia en arquitectos y urbanistas: los edificios cambiaron, el vestido, el vocabulario, los gestos y los utensilios, poco a poco. Los urbanistas se fueron liberando de los edificios plagados de ornamentos inútiles, el estilo de los muebles fue cambiando.

La segunda compañera de Picasso, Eva Gouel después de una larga enfermedad, contraída en uno de los viajes, muere posiblemente de pulmonía, lo que significa para Picasso una gran pérdida: era su musa.

Desde 1914, Picasso dejó de pintar cuadros cubistas y empezó a trabajar con otros materiales. Hizo muchos dibujos que asombran por la sencillez y gran expresión de sus trazos, que ejecuta fácilmente.

El Ballet 1916 — 1917

A instancias del poeta Guillaume Apollinaire, conoció al muy talentoso promotor de arte Serguéi Diáguilev, quien organizó y llevó el ballet ruso a París; lanzó al estrellato a los bailarines Anna Pávlova y a Vaslav Nijinsky, a quienes aún se les recuerda con admiración. También, más adelante, le dio una oportunidad a Igor Stravinski, entre muchos otros.

Diáguilev Apollinaire y Picasso se propusieron representar, Parade un ballet de Cocteau: Apollinaire redactó el programa en donde utilizó por primera vez la palabra surrealismo y anunciaba la alianza entre Picasso, como coreógrafo y encargado del vestuario, Léonide Massine como bailarín y Erik Satie en la música.

Así inició Picasso una nueva línea para canalizar su talento artístico, que vinculaba sus realizaciones de entonces con Papier collé y con su desarrollo: el collage que parte de un armazón dentro del que se ensamblan diversos elementos. Encontró una relación eficaz entre la armadura, que da la composición, que articula el espacio, con los elementos concretos agregados, identificando la imagen. El collage es una derivación del cubismo. En algunos casos agregaron periódicos al conjunto (ready—made le llamó Picasso). Eventualmente pintó algunos cuadros con el estilo anterior al movimiento cubista: tales como El arlequín y el Hombre con guitarra, pero su actividad más importante, en ese tiempo, fue el diseño de escenografías y de vestuario para el teatro.

En 1917 acompañado de Cocteau hace un viaje de dos meses a Roma. Ahí se reúne con Olga Jojlova, bailarina con la que se casaría en París en julio de 1918 y se separaría en 1927. En ese viaje también se reencuentra con Stravinski, viaja a Nápoles para visitar Pompeya, y vuelve a París. Luego van Olga y él a Madrid con el grupo de Diaghilev. En Barcelona le ofrecen un gran banquete. De regreso, en París, se establecen en la mansión de Montrouge.

El Franquismo y la segunda guerra mundial

Deprimido por el triunfo de Francisco Franco en España y luego por la ocupación de Francia por los nazis, pasa la mayor parte de la Segunda Guerra Mundial trabajando en su refugio de Royan. Al fin de la guerra, Pablo regresa al mediterráneo. Viaja a las ciudades de Antibes y Vallauris, sus lugares de residencia de 1945 a 1954. En el pueblo provenzal de Ménerbes compra una casa con el dinero que le produjo la venta de uno de sus cuadros, para su nueva musa Dora Maar. En una ocasión, en ese entonces, le confesó a un amigo: "Si, soy feliz, pero no se lo digas a nadie, porque hoy esta declaración le quita a uno prestigio". Además, ya era un hombre bastante rico. Sólo el millonario premio Carnegie que ganó en 1930, con el retrato que había pintado a su madre en 1918, le fue suficiente para adquirir una suntuosa villa campestre en Boisgeloup.

Palacio Grimaldi 1946

Ocupó el Palacio Grimaldi que después se convirtió en museo, porque el pintor dejó allí innumerables obras, fruto del trabajo de meses. En Vallauris trabó amistad con el ceramista Georges Ramie y su esposa, se interesó por el torno y modeló un pequeño trozo de arcilla; al año siguiente se encontró con que la pieza había sido cocida y cuidadosamente guardada. Así fue como la cerámica pasó a ser una de sus actividades cotidianas, creando numerosas obras que llegarían a constituir un legado más, dentro de las múltiples formas creativas que el pintor acogería. Su interés se vio acrecentado por la posibilidad de que las obras fueran copiadas por los artesanos ceramistas y reproducidas infinitamente. Se instaló, para hacer cerámica, en la villa denominada La Galloise, en donde recibió el título de Ciudadano de honor. Dejó en la población una escultura muy famosa: El hombre y el cordero.

En 1954 realizó viajes a Paris, pero encontró que su popularidad había crecido demasiado, los periodistas y fanáticos lo asediaban constantemente y se retiró de nuevo al Mediterráneo.

En el verano de aquel año, reunido con sus hijos Claude y Paloma, que le habían sido enviados por su madre desde París, se celebró una corrida de toros, que sus amigos españoles organizaron en su honor. La plaza principal de la ciudad fue cubierta de arena, especialmente traída para la ocasión, y la corrida fue presidida por Picasso, acompañado por los escritores Jean Cocteau, Jacques Prévert y André Verdet, entre otros. En aquella ocasión acompañaba a Picasso la Joven Jacqueline Roque, su nueva modelo y, posteriormente, su mujer.

Picasso nunca estuvo dominado por la durísima garra de los comerciantes de arte. Siempre conservó su independencia y así pudo seguir su camino en la forma que más le convino. Por ello su obra variadísima y muy numerosa pudo extenderse a todos los terrenos.

Picasso y André Bretón

(escritor y principal exponente del surrealismo)

Françoise Gilot relata la interesante discusión entre Picasso y André Bretón en agosto de 1946. Se encontraba Gilot con Picasso en un balcón de la villa de Golfe Juan, cuando vieron que pasaba abajo André Bretón, el jefe del movimiento surrealista. Bajaron y saludaron al poeta, pero éste se mostró reticente a devolver el saludo.

Bretón le dijo a Picasso:

—No sé si debo estrecharte la mano o no.

— ¿Por qué no? —preguntó Pablo.

—Porque no estoy de acuerdo con tus ideales políticos desde la ocupación. No apruebo tu ingreso al partido comunista ni la posición que has adoptado con relación a la purga de intelectuales después de la liberación.

Entonces Picasso dijo:

—Tú no quisiste quedarte en Francia durante la ocupación. Por otra parte, tampoco has vivido, como todos nosotros, los acontecimientos que se han producido aquí. Mi posición se basa en esas experiencias. No critico la tuya, puesto que tu comprensión de tales hechos ha sido lograda desde un ángulo muy diferente al mío. Pero mi amistad hacia ti sigue siendo la misma. Y la tuya hacia mi creo que debe seguir igual. Después de todo, la amistad tiene que estar por encima de todas las diferencias en nuestra forma de entender la realidad histórica.

Y Pablo volvió a extender la mano. Bretón al parecer, no estaba dispuesto a rectificar lo que acababa de exponer y repuso:

—No, hay principios que no admiten compromisos. Yo tengo los míos y opino que tú tampoco estas dispuesto a cambiar los tuyos.

—Desde luego que no, —replicó Picasso. —Si sostengo esas opiniones es porque mi experiencia me ha llevado a ellas. No puedo cambiarlas como si fueran una camisa sucia. Pero no te pido que cambies las tuyas. La cuestión es que no veo la razón de que no podamos seguir siendo amigos.

Bretón movió, la cabeza negativamente.

—Mientras defiendas esas opiniones yo no puedo estrecharte la mano

—Mala cosa —indico Picasso—, porque yo soy de los que colocan la amistad por encima de toda diferencia en el terreno político. En España éramos unos cuantos los que formábamos un grupo que nos reuníamos siempre en el mismo café, aun cuando sosteníamos puntos de vista políticos diametralmente opuestos. Algunas veces discutíamos violentamente, sabiendo que cuando estallara la guerra militaríamos en diferentes campos, pero ninguno de nosotros vio razón alguna para dejar de ser amigos a causa de ello. Si no pensamos igual, con muchísima más razón debemos de dejar el camino abierto a la discusión.

Bretón movió la cabeza negativamente una vez más.

—Ha sido circunstancia muy desafortunada que te hayas dejado arrastrar por Paul Éluard en esta alianza política —dijo.

—Ya soy mayorcito y me temo que esas son mis propias opiniones y no las de Paul Éluard —le contestó Picasso.

—Bien, entonces —dijo Bretón—, también me temo que acabas de perder un amigo, porque no pienso verte nunca más.

Y así acabó, según el relato de Françoise Gilot, una amistad que Picasso trató de salvar a todo trance, en actitud comprensiva y generosa, frente a la posición del jefe surrealista

Esa discusión se refiere a un asunto trascendente, que aún en el siglo XXI resurge de vez en cuando. El premio Nobel de Literatura 2010, Mario Vargas Llosa, la ha sostenido con muchos intelectuales latinoamericanos, particularmente con quienes apoyan el gobierno de Fidel Castro en Cuba. ¿Cómo un intelectual, cuya condición fundamental para su creatividad debe ser la libertad, puede apoyar a un régimen que limita la libertad de expresión? Cuando Bretón discute con Picasso, la casi totalidad de los intelectuales del mundo simpatizaban con la Unión Soviética y con razón: era el gran experimento de una utopía que enarboló la bandera del poder para los trabajadores; de la justicia social, a cada uno según su trabajo y la supresión de la explotación de los pobres por los capitalistas. Pero, para cumplir con esa misión, se requería disciplina —era un enorme propósito— y además el nuevo sistema tenía como enemigo al resto del mundo capitalista. Una de las consecuencias lógicas era que no se toleraba en la URSS ninguna disidencia, ninguna crítica. Quienes manifestaban la menor desviación ideológica o criticaban al sistema, eran expulsados, enviados a Siberia, en el mejor de los casos, si no fusilados. Cuando Bretón habla de las purgas —los juicios y castigo a disidentes, generalmente compañeros de lucha en la época heroica— se refería a una de tantas ocurrida en la URSS, en el país del socialismo, la patria del comunismo internacional, ante lo cual muchos intelectuales renunciaron a su militancia. Este tipo de crítica la hizo en México Octavio Paz.

Los artistas e intelectuales como Picasso juzgaban — y juzgan todavía porque el debate continúa —esas purgas como inevitables en el proceso de la construcción del socialismo, justificadas por la presión que ejercía el cerco capitalista sobre la URSS. Sin embargo, a nivel personal, Picasso da muestras de un sentido de la amistad superior a las diferencias ideológicas, un sentido ético distinto al que predominaba en aquel periodo en el que la guerra fría estaba en su apogeo.

(En México se dio el caso de quien no dejó de ser comunista —aunque fue expulsado, readmitido y vuelto a expulsar de las filas de ese partido— pero criticó fuertemente a la burocracia comunista y se manifestó en contra de la falta de libertad para disentir, y demandaba respeto a las ideas y vidas de quienes tenían desacuerdos. Fue el caso de José Revueltas).

Hay que asentar que André Bretón era un hombre de gran influencia ideológica en el terreno de la estética y que había sido promotor entusiasta de la obra de Picasso. Después de escribir el famoso Manifiesto Surrealista, en el primer número de la revista El surrealismo y la pintura, reprodujo Las señoritas de Aviñón.

(Bretón estuvo en México en donde se relacionó principalmente con Diego Rivera, Frida Khalo y León Trotsky. La pintura de Frida lo impresionó, porque era surrealista de una manera natural, no como un proceso de búsqueda).

El movimiento surrealista fue y es una consecuencia de la revolución psicoanalítica iniciada por Sigmund Freud quien descubrió el subconsciente y el inconsciente en el pensamiento humano. Captar las imágenes plásticas y literarias del sueño o como sueño constituye la tarea inicial de los surrealistas. En todo caso, la pintura surrealista se produce, en nuevas imágenes simbólicas y combinaciones formales, en la más absoluta libertad. Las formas subconscientes podrán ser más o menos transformadas por la conciencia, pero se aspira a que ellas den una apariencia insólita y una intensidad mayor.

La Política y Picasso

En el terreno político, como se dijo antes, Pablo Picasso tuvo una abierta afiliación comunista, lo que le ocasionó perder algunos amigos. Durante la guerra civil en España se inclinó, por la facción republicana. Más tarde, cuando la ebullición de su ser artístico se lo impuso pintó su gran cuadro Guernica, el cual, a pesar de su título que es el nombre del poblado bombardeado por los nazis en apoyo al general Francisco Franco, no debe interpretarse como una pintura histórica y realista. Según los analistas de la pintura de Picasso. Guernica pinta el drama universal de la guerra, los sentimientos que provoca la tragedia humana. Picasso no es Goya, no es un pintor nacionalista ni historiador.

La tela fue muy criticada, desde luego por los franquistas que supieron de ella, pero también por la gente de izquierda, que hubieran deseado algo más explícito, como lo hiciera Diego Rivera en 1954 ante la invasión norteamericana a Guatemala, en donde aparecen los retratos de cuerpo entero, de los jerarcas norteamericanos D. Eisenhower, J.F. Dulles, Alan Dulles y sus secuaces guatemaltecos, Castillo Armas y demás, alrededor de una enorme bomba y rodeados de indígenas masacrados (La gloriosa victoria. Así le llamó J.F. Dulles al genocidio que cometieron, así se llama el mural)

En una entrevista concedida a Paul Gaillard, publicada en L'Humanité del 30 de octubre de 1944, Picasso afirmó:

Mi adhesión al partido comunista es la consecuencia lógica de toda mi vida, de toda mi obra. Porque, estoy orgulloso de decirlo, jamás he considerado la pintura como un arte de simple juego, de distracción; yo he querido, mediante el dibujo y el color, puesto que estas eran mis armas, penetrar siempre más adelante en el conocimiento del mundo y de los hombres, a fin de que este conocimiento nos libere a todos cada día más; yo he tratado de decir, a mi manera, lo que consideraba como lo más veraz, lo más justo, lo mejor, y esto era naturalmente siempre lo más, bien lo saben los grandes artistas.

Como estrategia política Stalin puso en marcha un movimiento mundial a favor de la Paz: recabar firmas, realizar congresos, festivales juveniles, etcétera. El Partido Comunista francés pidió a Picasso el diseño de un póster para el Congreso de la paz que se realizaría en París en 1949.

En ese momento el pintor se encontraba en un excelente estado emocional y, además, había abrazado con entusiasmo la lucha por la paz mundial. Grabó en zinc las placas de la famosa Paloma para su reproducción litográfica, que se divulgó ampliamente por todo el mundo. Después de un periodo de represión anticomunista del gobierno francés,

Picasso grabó una nueva Paloma, ésta en vuelo, discontinua, como un ensamble de collage, muy bella, pero los dirigentes del Partido la desaprobaron. ¿Cómo una paloma en trozos? Picasso no hace caso del desacuerdo, pero el asunto queda pendiente. El 5 de marzo de 1953 muere José Stalin, el venerado dirigente de la URSS, constructor del socialismo, vencedor de Hitler; quien llevó a su país de la miseria a ocupar el segundo lugar en la economía mundial; protector de la ciencia y de las artes. El hecho conmovió al mundo entero y en especial a los comunistas de todos los países. Louis Aragon le solicita a su amigo un retrato de Stalin para publicarlo en Les Lettres françaises. Picasso pinta a un joven Stalin duro, casi brutal. El Partido arremete contra Aragón por incluir el retrato en la revista y Picasso recibe de militantes del partido multitud de cartas insultantes, en las que él ve gran semejanza con la denuncia que hicieran los nazis de su pintura, como un "arte degenerado" y decide guardar distancia entre su arte y la política.

Últimos años

Picasso tiene ya más de 70 años. Su fama crece y se internacionaliza. Su obra se cotiza a muy altos precios; se exhibe en museos de gran prestigio. Él trabaja intensamente explorando todas las posibilidades, con diversos materiales como ya se ha dicho. Quizá desde su primera visión del Baño Turco de Ingres, había encontrado en la mujer el gran objeto de arte, por su belleza física: su rostro, su cuerpo; su espíritu, sus cuidados personales, lo que el hombre siente ante su presencia: emociones de todo tipo: amor, ternura, complacencia, llanto, misterio, tenacidad, sensualidad. Fernande Olivier, Eva Gouelt, Olga Jojlova, Marie Therese Walter, Dora Maar, Françoise Gilot, Jacqueline Roque, fueron sus compañeras. Cuando tiene 73 años, en 1954, lo fascina una "misteriosa adolescente de delicado perfil y largos cabellos rubios": Sylvette David, quien acepta posar para él a cambio de uno de los retratos. De ahí el Perfil de Sylvette en la butaca verde.

Todas posaron para su pintura; las retrató de muchas maneras, hasta agotar todo lo que ellas podían dar. Dibujó a la mujer en general, en distintas posiciones corporales, llegando incluso a desarrollar una serie de dibujos pornográficos, a su estilo. Según Paula Izquierdo (Picasso y las mujeres) el pintor tenía un carácter ambivalente con ellas: pasaba de la ternura a la crueldad. Casi todas quedaron marcadas para siempre; aceptaron su tiranía, su hostigamiento físico y psicológico, su desprecio: dos de ellas se suicidaron y una terminó en un manicomio. Seguramente el fantasma de Carlos Casagemas, andaba por ahí.

Es frecuente en personajes que se sumergen hasta el fondo en una actividad (artística, científica, política, económica), en especial si son exitosos, una conducta semejante a la de Picasso. La familia les estorba, punza a cada instante el globo de su ego. Mientras el mundo circundante los aclama, los premia, la mujer sabe bien que sus límites no van más allá de lo humano, que debe atender las nimiedades cotidianas. Además, están los hijos que demandan cariño y atenciones. Tanto aquéllas como éstos pagan, muchas veces un alto costo.

Como dice Hegel: "Un individuo que vive como artista bien puede entablar relaciones con otros, tener amigos, amantes, etc., pero en tanto que genio, considera que al ser dada la realidad que él se atribuye igual que su actividad particular, todas las relaciones no cuentan para nada y las aborda desde lo alto de su ironía". Más adelante agrega: "Esta es la significación general de la genial ironía: es la concentración del yo en el yo, para lo cual todos los lazos se rompen y que no puede vivir más que en la felicidad que procura el goce de sí mismo."

En los últimos años de su vida, su trabajo —pinturas, diseños, cerámica, collages, esculturas, dibujos, grabados — no era visto sino por los pocos visitantes selectos que llegaban a verlo a su castillo. Declara que su pintura es más fuerte que él, que hace con él lo que ella quiere e inicia así la era en que, como dice Juan Cristóbal Cruz Revueltas:

El arte se convirtió en la fuente de su propia legitimidad, libre de su antigua subordinación a los ámbitos de la verdad y la moral. Si de manera práctica, en el Renacimiento, el artista deja de ser un artesano, en la teoría, a partir del Alejandro Baumgarten, Kant y luego con el Romanticismo, se defiende la esfera del arte como un ámbito cultural autónomo. Pero sí esto es así, si el arte está liberado de toda limitación o imposición externa, si los únicos criterios son los que el arte se da a sí mismo ¿cómo el arte se da sus propias reglas? La respuesta de Kant se encuentra en la noción de genio. El artista—genio se erige en instancia que establece e impone los criterios de valoración no sólo de su propia obra, sino también de los valores estéticos de su época. En el territorio del arte, el artista—genio es literalmente un creador de valores normativos. A diferencia de lo que sucede con otros ámbitos de la cultura, sobre todo cuando sus expresiones se pretenden normativas, los criterios establecidos por el artista (genio), al ser considerados 'absolutamente originales' no requieren ser demostrativos.

La muerte

Junto al mediterráneo transcurre la última etapa de la vida del genio que fue Pablo Picasso. El 8 de abril de 1973 murió a los 92 años. Fecundo como era dejó alrededor de 1,885 cuadros, 7,089 dibujos, 1,228 esculturas, 3,222 cerámicas y 30,000 grabados en planchas o pruebas. Un vendedor de cuadros de los Estados Unidos calculaba en 1977 que, si la totalidad del patrimonio de Picasso se pusiera a la venta repentinamente, la transacción se tragaría todos los capitales disponibles en ese momento en el mercado del arte, incluidos presupuestos de museos y fortunas de coleccionistas. Pero a la vez planteo la contrapartida: una afluencia semejante entrañaría la caída inmediata de los precios de la pintura. La oferta colmaría la demanda.

(En abril de 2011 se hizo la propuesta, en París, de crear una bolsa de valores exclusiva para obras de arte. Un inversionista puede ser propietario de una parte de una gran pintura de Picasso, por ejemplo, si compra acciones de esta, y vender esa parte, dándole "bursatilidad").

Además de fecunda, la obra de Pablo Picasso representa un hito en la historia del arte por su impacto en las multitudes. La exposición que reunió una buena parte de la totalidad de la obra de Picasso en Nueva York a finales del siglo XX, es recordada por los miles y miles de personas haciendo fila para entrar al museo, durante días y días. Algún crítico celebra las pinturas de Picasso como las últimas, con las que se cierra, a su juicio, la historia del arte pictórico.

A partir de él se inicia el llamado Arte Moderno cuya producción ya no se reconoce como "pintura" sino como "propuesta": el observador dictaminará. Se inicia también la interrelación mercantil entre el artista como concepto (que debe vestir y actuar y opinar como tal), la promoción y la propaganda de la obra y del autor; y los comerciantes de arte, los coleccionistas; la producción de bienes colaterales: reproducciones litográficas, camisetas, cajas de cerillos, servilletas de papel, bolsas, etc. En pocas palabras: la aplicación de la mercadotecnia para venta de la obra pictórica.

Por indicaciones de Picasso todas las obras de otros artistas que le pertenecían, fueron donadas al Museo del Louvre. Además, los impuestos por herencia al gobierno francés fueron pagados con obras por un valor de más de 50 millones de dólares. La herencia dejada a su hija Paloma sumó 240 millones de dólares de 1973.

Juan Cristóbal Cruz Revueltas, agrega:

Con la renuncia de todo criterio externo, hoy día, en el mundo del arte 'todo se vale' y por lo mismo se vale también todo aquello que simula ser arte, es decir todas las imposturas.

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Acerca del autor

Óscar René Cruz

Nació en la Ciudad de Guatemala en el año de 1933.

Estudio licenciatura y doctorado en la Unam y Politécnico respectivamente.

En 1977 fundó Publicaciones Cruz O.S.A y Librería Cruz O.S.A. En 1999 se creó, dentro de la segunda empresa, www.libros.com.mx que fue una de las primeras librerías virtuales en México.

El primer libro con cuentos y relatos escrito en México data de 1968. el segundo “La Taba” se publicó en 1973. Luego lo reeditó bajo el nombre “lo que ella había escrito”, editorial Grijalbo) en 1980.

En 1976 apareció el primer libro de palíndromos, el primeo en sentido estricto, no sólo como el primer libro del autor sino como el primer libro publicado en México y quizá el todo el mundo de habla española.

El segundo es un poema palindrómico, que ocupa toda la extensión del libro (154 páginas). fue publicado bajo el título de “Palíndromo-Total.  Oh, Ave de Vaho”, en el año 1987.  En este libro el autor ya puso especial atención al aspecto de la presentación del texto.

En el año 2003 publicó la novela “Hombres con Alas de Cera”.  Al año siguiente se cumplía medio siglo de la intervención norteamericana en Guatemala.  Debido a la guerra interna que este país había vivido durante cuarenta años, después de aquella intervención, no existía escrito ningún testimonio de ella.  Para el autor era un imperativo vital contar esa historia.

En año 2004 escribió un libro para promover la escritura a través de los palíndromos.  y en este 2006 publicó las Minificciones Palindrómicas, en las que se proponen nuevas formas de presentación de los textos, para reforzar la intención narrativa.

En año 2009 publicó su segunda novela “El Presidente Olvidado” Esta obra hace la pintura de uno de los pocos seres que, a partir de cero, obtuvo los más altos logros; reconstruye, mediante esta bio-ficción, el retrato de una personalidad formada en contacto con la naturaleza y con los seres humanos, muy lejos de los libros y de la escolaridad: no aprendió a leer y escribir, no quiso hacerlo, y gobernó cerca de 28 años.