Johann Sebastian Bach

El padre de la música

Óscar René Cruz Oliva

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Los personajes y eventos que se presentan en este libro son ficticios. Cualquier similitud con personas reales, vivas o muertas, es una coincidencia y no algo intencionado por parte del autor.

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ISBN-13: 9781234567890
ISBN-10: 1477123456

Diseño de la portada de: Pintor JRCR
Número de control de la Biblioteca del Congreso: 2018675309
Impreso en los Estados Unidos de América

En un estudio de Bach. Allí encontrará todo.

Johannes Brahms

Introducción

El redescubrimiento de Bach

Faltaban 5 minutos para las cinco de la tarde del 11 de marzo de 1829, las 200 personas que conformaban los coros estaban listas, el auditorio de la Berliner Singakademie se encontraba repleto, cerca de mil personas lo llenaban, entre ellas, la elite cultural de Germania y de Europa.

Tras bambalinas el joven Félix Meldenson, con sus 20 años a cuestas, observaba nerviosamente al público, él había preparado para esa ocasión un arreglo de la monumental obra de Johann Sebastian Bach, la Pasión según San Mateo que se había estrenado hacia justos cien años, el viernes Santo de 1729 en la  iglesia de St. Thomas en Leipzig en lo que hoy es Alemania. Esta obra, como gran parte de las grandes composiciones de Johann Sebastian habían quedado en el olvido, tras la muerte del autor acontecida el 28 de julio de 1750.

Felix Meldenson era la principal figura musical de Germania en ese tiempo, era admirado y se pensaba iba a llegar a ser uno de los más grandes músicos de toda la historia, había sido junto a su hermana Fanny niño prodigio, su primer concierto lo dio a los nueve años, entre los doce y catorce años compuso 12 sinfonías de cuerdas, a los 15 su primera sinfonía para orquesta, y a los 16 escribió su magnífico octeto de cuerdas opus 20 que es considerado uno de los milagros musicales del siglo XIX. Para este concierto Félix, pensando hacer la obra apta para el público de la época, había recortado la obra de Bach que era monumental a dos horas, la original duraba casi 4, la había adaptado para piano y dos coros contrapuestos que daban más fuerza polifónica a la obra. La Pasión se había estrenado hace justos 100 años y estaba escrita para orquesta y dos coros. Félix sabía que si el maestro Bach lo viera y escuchara se levantaría de su tumba, pero para él, lo importante era que el público musical de la época lo conociera y para ello valía la pena cualquier transgresión.

Meldenson, dirigió su mirada hacia los asientos delanteros del auditorio y vio a su hermana Fanny, era solo un poco mayor que él y también una fantástica pianista, sonriente y alegre, lucía feliz y contenta junto a su abuela Fromet Guggenheim, lo que le hizo recordar el día de su cumpleaños 16 cuando después de haber tocado para su  familia y amigos su octeto opus 20, su abuela le regaló una copia manuscrita de la partitura de la Pasión según San Mateo de Johann Sebastian Bach, diciéndole, Jakob, así le nombraba su abuela, este es un regalo condicionado, porque quiero escucharte dirigiéndola y no dejes que me muera antes de hacerlo, dijo sonriendo pero mirándolo firmemente a los ojos, la obra es maravillosa, no puede quedar en el olvido. Su abuela nunca la había escuchado, pero como toda buena música, leía perfectamente las partituras, la podía imaginar.

Es una lástima, prosiguió su abuela, que ya nadie la toque, no entiendo el por qué, para mi es todo un misterio, además es terrible saber que tras su muerte su última esposa quedo en la pobreza, y que su hijo Wilhelm Friedman desempleado vendiera parte de sus partituras como papel para envolver. ¿Como es posible que al más grande compositor luterano lo enterraran prácticamente en una fosa común, sin siquiera una piedra con su nombre?

Su abuela continuó diciendo, sabes que el periódico de la época en Leipzig ante su muerte escribió que lo mejor que había hecho Johann Sebastian Bach en su vida fueron sus hijos, en fin, mi querido Jakob, aquí tienes un regalo que realmente es un trabajo para que te diviertas. Ya sé que es una locura dijo la abuela que yo orgullosa judía este promoviendo el rescate de una obra cristiana, pero siento que la obra trasciende a las religiones, esta pasión es una obra de arte que pertenece a la humanidad.

Al escuchar esto su hermana con la misma sonrisa y alegría de este día le dijo a su hermano, dirígela, nos harás felices a las dos y además le harías un poco de justicia a nuestro querido Bach. Habían pasado cuatro años, y estaba a punto de cumplirle el deseo a su abuela. Félix pensó sobre las conexiones que lo habían llevado hasta ese momento y que le hacían pensar como si la vida estuviera de alguna manera determinada, su madre, Lea Salomón había sido alumna de Wilhelm Friedman, nada menos que el hijo mayor de Johann Sebastian Bach, quien le había enseñado a tocar piano usando como método de estudio los preludios y fugas que su padre Johann Sebastian había agrupado en El Clave Bien Temperado. La madre de Félix, Lea, a su vez les había enseñado con el mismo método a tocar piano a su hermana y a él. Félix recordó las imágenes de su hermana interpretando magistralmente, ella nació para tocar las fugas de Bach, se dijo.

Él mismo durante su infancia, al levantarse las interpretaba por dos horas, y las recordaba como un cálido baño de agua espiritual que lo hacía sentir, después de interpretarlas, limpio y purificado. Faltaban 2 minutos para el concierto y su mente revivió una escena desagradable de esa mañana, al llegar al auditorio de la Berliner Singakademie al último ensayo de la obra, vio a dos hombres leyendo a las puertas del auditorio el programa del concierto de esa noche, casualmente los escuchó nombrarlo y comentar, este judío tratando de ser germano, nunca lo logrará, ambos hombres se retiraron riendo. Félix sintió una aguda punzada en el estómago, dio gracias porque existía el lenguaje de la música, en donde no cabían los odios irreflexivos, irracionales y personales, gracias a dios en la música sólo se podían expresar sentimientos y emociones en su estado más puro, de orden y armonía.

Félix pensó, las vueltas que da la vida, su abuela orgullosamente judía preservando con amor la máxima obra religiosa del luteranismo y él, de familia judío-conversa, tratándola de rescatarla del olvido.  25 años antes del concierto, Ludwig van Beethoven, leía el periódico y encolerizado tachaba violentamente la dedicatoria de su sinfonía número tres, hacia un año la había destinado a Napoleón Bonaparte, que, en ese entonces Beethoven, veía como la encarnación de los ideales democráticos y antimonárquicos de la Revolución Francesa. El encabezado del periódico de ese día decía: ANUNCIA NAPOLEON QUE SE CORONARÁ COMO EMPERADOR DE FRANCIA EL PROXIMO 2 DE NOVIEMBRE DE 1804 EN NOTRE DAME, al leerlo Beethoven se sintió traicionado bárbaramente, Napoleón olvidaba los principios originales de la revolución francesa y no merecía ninguna dedicatoria.

Dos años más tarde, el ya emperador de Francia Napoleón encabezaba a las tropas francesas que entraban en Berlín tras haber vencido al ejército prusiano, con su paso marcial iba dejando un sentimiento de humillación en el alma del pueblo germano, que sentía que, si los 39 estados que conformaban en aquel entonces al Sacro Imperio Romano hubieran estado unificados, Napoleón jamás los hubiera vencido.

Después de este hecho traumático para los germanos los sentimientos nacionalistas se fueron extendiendo y el sueño de un estado nacional y democrático empezó a germinar en el espíritu germano de la época. Fue en ese contexto, que el padre de Félix Meldeson, como buen hombre de negocios, pensó que para su familia el judaísmo había terminado y que el tiempo de la asimilación a la cultura germana era necesario, cuando nació Félix decidió no circuncidarlo y bautizarlo igual que a su hermana como cristianos reformados. A los 7 años Félix se inició en su nueva religión.

La decisión de su padre dividió a sus familiares y amigos, su abuela desheredó a su padre, pero este no tenía ningún problema financiero, incluso se daba lujos como el de financiar a la Berliner Singakademie. Eran la 5 en punto de la tarde y Félix salió al escenario, el aplauso fue ensordecedor, Félix a las 5 de la tarde entraba de nuevo a la dimensión más querida de su vida, la musical, la emoción lo trasladó a ese mundo de dolorosa pasión que es esta obra de Bach, los coros lloraron, se conmovieron, cantaron con tal intensidad que hacía sentir a los escuchas como si en ese momento realmente se sacrificaba a Cristo.

La dirección fue magistral y al final, el aplauso fue ensordecedor, los espectadores lloraban de pie de la emoción. De esta manera los tiempos de la historia se abrían de nuevo para Bach, la sociedad germana lo recibía con los brazos abiertos, había descubierto un nuevo héroe cultural que los afirmaba en su búsqueda de su identidad nacional, Johann Sebastian Bach les caía como al pasto el rocío. Después del concierto la obra de Bach despertó un fuerte interés, el estudio y el análisis de todas las obras de Bach, particularmente las mayores, nació para muchos musicólogos. Las obras se publicaron, haciéndose accesibles para todos los amantes de la música.

La pasión según San Mateo volvió a escucharse en las iglesias luteranas, particularmente en la celebración del viernes santo. Sus obras retornaron a los programas de conciertos de todas las orquestas del mundo. Para Félix Meldelson la vida terminó 18 años después del concierto, contaba solo con 38, buena parte de sus últimos 10 años de vida los pasó en Inglaterra. Actualmente es uno de los autores más escuchados, su marcha nupcial festeja la vida y la esperanza de cada nuevo enlace matrimonial, actualmente sus obras forman parte del repertorio de las orquestas del mundo y es interpretado constantemente. Johann Sebastian Bach se convirtió en un icono cultural de dimensiones inconmensurables, es un estandarte que representa lo mejor de la humanidad. 

José René Cruz Revueltas

JUAN SEBASTIÁN BACH

El origen

Fue un prodigioso ejecutante de harpiscordio y de órgano y un hábil y delicado constructor de instrumentos de percusión y teclado, especialmente el órgano. Es reconocido como uno de los más grandes compositores de música en la historia. Sus Conciertos de Brandenburgo, El Clavecín Bien Temperado y la Misa en La Menor entre otras, son obras maestras de las que no se puede prescindir en los repertorios musicales de las grandes salas de concierto de todo el mundo. La celebración de misas y bodas se acompañan frecuentemente con la música de Bach.

Johann Sebastian fue protestante, seguidor de Martín Lutero, pero sus obras están muy por encima de las corrientes religiosas y son significativamente unificadoras. Son, todas ellas, composiciones en donde se armoniza el rigor de la creación, la originalidad de estilo y la belleza. Bach ocupa un sitio muy alto entre los más grandes genios musicales. Abarcó diferentes estilos; los combinó y dio origen a nuevas modalidades revolucionarias, que quedaron para siempre vinculadas a su nombre; les dio brillantez a todas las formas musicales de su tiempo.  

El estudio, la investigación y la síntesis en la composición; práctica incesante y perfeccionamiento permanente en la ejecución: lo definen. Fue un intérprete virtuoso de depuradas ejecuciones. Su apellido se asocia con una tradición que, desarrollada durante centurias, se prolonga con él y posteriormente con sus hijos. Su historia como músico se inicia muchos años antes de su nacimiento, se puede decir que se pierde en el pasado. Existen noticias ciertas de su tatarabuelo del lado paterno: un bohemio húngaro que cargaba con la cítara por todas partes y que siempre, a toda hora, la tocaba, incluso en donde trabajaba a pesar del fuerte ruido de los molinos de trigo triturando los granos. Su nombre era Veit Bach; hombre modesto, molinero, panadero, de quien se dice que en cierto momento cocinó para Martín Lutero, el reformador de la Iglesia católica. (La Iglesia fundada por éste, la Evangélica, quedó arraigada en la región en donde vivieron los descendientes de Veit).

Este inmigrante debió sufrir las penalidades de las revueltas campesinas y de las persecuciones religiosas. Emigró a Turingia, región ubicada en el centro de Germania, para dar a sus descendientes una mejor vida. Johann Sebastián Bach, siempre estuvo orgulloso de su linaje. Tanto así que en el año de 1735 escribió su genealogía: Orígenes y logros de la familia musical de los Bach, en donde dice de su tatarabuelo: Debió haber sido un extraño sonido conjugado de una cítara y un molino de harina ¡o mejor dicho un estruendoso ruido combinado! Sin embargo, Veit Bach logró con el paso del tiempo dominar su instrumento hasta destacar notablemente. Se le llamaba a menudo para oírlo tocar.

Este fue seguramente el comienzo musical en nuestra familia. De él provienen aparentemente nuestros puntos de partida. En todo caso, si bien un principio modesto, no por ello es menos original. Muy propio de los Bach. Veit inicio una dinastía de músicos que, según cuentan, duró 400 años. Debe decirse, sin embargo, que los más cercanos ancestros de Johann Sebastián, aunque competentes músicos, no se distinguieron como tales. La originalidad, la gran aportación artística llegó con Johann y continuó con sus hijos que fueron importantes músicos teóricos y prácticos: Wilhelm Fiedemann, Carl Philipp Emanuel y Johann Christian. El último es conocido como el Bach de Inglaterra.

Las fiestas familiares en donde los Bach, casi todos músicos consumados, se reunían para beber, cantar y reír, fueron los recuerdos más gratos que Johann Sebastián guardó de su niñez. Johann Sebastián es un hito en la historia de la música.

El arte de los sonidos que se inicia con los primeros días del surgimiento del hombre en la tierra tuvo una evolución muy lenta. Aunque en las antiguas civilizaciones se hacía música, no fue sino hasta Pitágoras, el sorprendente filósofo y matemático del siglo VI a.C. que se descubren las escalas musicales como resultado aritmético de la partición de una cuerda o de la tensión de esta. Fue éste célebre personaje, que además de inventar la palabra filosofía, creó el concepto de armonía, justamente para significar la proporción de las partes de un todo que él aplicó principalmente al universo, al cosmos, para concluir que, si el universo se ajusta a un todo armónico, lo mismo debe ocurrir con el alma humana.

La harmonía en Pitágoras también se refiere a la afinación de un instrumento con cuerdas de diferente tensión. A pesar de las profundas bondades de la música sobre la naturaleza humana, incluso de sus posibilidades curativas, su organización, las posibilidades de generarla, no avanzó después de los griegos del Siglo de oro, de manera significativa: constaba solamente de una melodía acompañada por instrumentos al unísono, es decir, ambos, la voz y los instrumentos, entonaban las mismas notas, pero una de ellas era más grave o aguda.

De Grecia a Roma no hay grandes cambios. Es cierto que los romanos organizaron orquestas, con instrumentos de viento y coros, y que los esclavos cantaban o tocaban para deleite de sus amos. Inclusive en las altas esferas la música era muy apreciada como lo demuestra el ejemplo de Nerón de quien se sabe que al morir exclamó, “Que gran artista pierde el mundo conmigo”. Con todo, los romanos conservaron la teoría musical griega. En la capital del imperio, los cristianos alababan a Dios por medio de salmos e himnos, los primeros, cantos de origen hebreo con letra tomada del Antiguo Testamento, y los segundos, alabanzas de origen griego. Optaron por estos modos para establecer una distancia con el mundo pagano y opresivo de Roma. La Iglesia católica le da un gran impulso a la música y contribuyó a su desarrollo. Inicialmente introduce el canto alterno en el cual un coro responde a otro. El Papa Gregorio ordena recopilar y ordenar los cantos cristianos (que llamamos “gregorianos”) y asigna, a cada uno, determinado uso en los distintos momentos del ritual eclesiástico. Desde luego, de manera paralela a la música religiosa, se desarrolla la pagana. Siempre ha existido música popular. Durante la Edad media, las personas “cultas” la consideraban “ligera y salvaje; sus voces ásperas y duras, enriquecidas por el alcohol”.

Entre los siglos XI y XIII ocurren aisladamente descubrimientos que servirán de base a desarrollos posteriores, como la notación musical (do, re, mi, fa…) y la construcción de instrumentos, como laúdes, salterios, órganos portátiles, arpas y otros muy rudimentarios. Cabe señalar que la música religiosa no toleraba el uso de instrumentos porque eran considerados de origen pagano.

De esa suerte correspondió a los artistas y artesanos independientes de la iglesia, la invención y perfeccionamiento de tan preciados aparatos, muchos de los cuales son una maravilla del ingenio del hombre. Ahora se clasifican como: de cuerda, de madera, de metal y percusión. El empleo de la tecla en lugar del golpe directo significó un gran avance en los instrumentos del último tipo mencionado. Lo que también es válido para los de cuerda al emplear el arco. El punto crítico por la que la música no podía explorar su gran potencial era la falta de una manera de escribirla. Claro que existían desde lo chinos y griegos ayudas para tocar y memorizar sus cantos, elementales de por sí. Pero faltaba la manera de registrar toda la complejidad de la combinación de sonidos, producidos por la voz humana y por los instrumentos inventados. No fue sino hasta el siglo X cuando gracias a Guido D’Arezzo se inventó el pentagrama, se dio representación a las notas y valor a las mismas: redondas, blancas (la mitad de una redonda), negras (la mitad de una blanca) corcheas… Se representaron los medios tonos, los silencios; se indicó, por escrito, la manera de repetir partes musicales.

Dicho sea de paso, la repetición es muy importante en la composición musical: se repiten notas, frases y trozos mayores, etc. Se representó el tempo (alegre, lento, largo, grave), la dinámica, es decir si debe tocarse más fuerte o quedo. Hasta el siglo XVI Monteverdi indica el papel que debe jugar cada instrumento dentro de un conjunto (“ensamble” dicen ahora los francófonos). En ese estado de cosas, en el ambiente propiciado por la reforma religiosa, en la cual el acercamiento a Dios es de incumbencia personal y se es libre de expresar los sentimientos sin someterse a una autoridad central sino únicamente a la propia conciencia y fe; cuando la sociedad estaba organizada en señoríos y burgos, en ducados y principados, en un ambiente de entusiasta religiosidad, es cuando Johann Sebastián surgen como genio, ejecutante extraordinario y brillante compositor.

La infancia

Juan Sebastián Bach nació el día 21 de marzo de 1685 en Eisenach en la región de Turingia, región en ese entonces totalmente luterana, nació a solo 27 años del fin de la guerra de los 30 años, que entre católicos y protestantes acabaron, abruptamente, con el 30% de la población de Germania. Bach nació en la región de la parte triunfante, pero en donde el dolor y el drama de la reciente guerra estaban aún presentes, excombatientes, familiares fallecidos, etc. Pero también en una región en donde la música era considerada esencial para la formación del alma.

Fue el hijo menor del matrimonio formado por Johann Ambrosius Bach y Elizabeth Lammerhirt. Su padre: músico, como todos los Bach, ejecutante de cuerdas para el consejo laico local y para las cortes ducales de Eisenach. De su educación musical y de su formación como instrumentista casi nada se conoce. Y de hecho muchos de sus biógrafos prefieren tratar su infancia y su pubertad con extremo celo y cuidado, por la carencia de datos corroborativos. Pero ¿qué se puede esperar de un niño que desde el vientre materno está escuchando música? ¿Qué educación artística le hace falta a quien oye hablar de música a sus padres y demás familiares, desde que está en la cuna? Obviamente su padre, como lo hizo el suyo con él, debió enseñarle los primeros conocimientos del gran arte, haciéndolo ejecutante de instrumentos de cuerda.

Más adelante asistió a la escuela de Georgenkirche. Hacia el año de 1695, apenas a sus diez años, el pequeño Juan Sebastián quedó huérfano de padre y madre. Debió haber sido muy doloroso enfrentarse con la muerte de sus dos seres queridos a tan temprana edad. Fue protegido por su hermano mayor, también llamado Johann Christoph (1671-1721), quien era organista oficial en la capilla del cercano poblado de Ohrdruf. Este Johann Christoph, fue discípulo de Johann Pachelbel, importante e influyente compositor de música y notable ejecutante de teclados (hoy lo recordamos por su famoso canon).

La bien afinada voz de Johann Sebastián le facilitó un sitio en el coro de muchachos en la escuela pública del poblado de Luneburg. Dejó el coro, pero permaneció en ese lugar durante un cierto tiempo, tratando de encontrar su camino, de hacerse útil y de aprender a ganarse el sustento. No existe duda que realizó estudios en la biblioteca de la escuela pública, la cual es célebre hasta la fecha por lo depurada y puesta al día de su colección de textos musicales, especialmente a los que conciernen a música coral y litúrgica. En ese poblado probablemente escuchó al notable organista, Georg Bohm, famoso por sus interpretaciones; trabajó en la parroquia local y en la Escuela pública de Johanesskirche. Debió haber visitado Hamburgo, el gran puerto sobre el río Elba, para escuchar al renombrado organista y compositor Johann Adam Reinken y admirado, asimismo, el gran arte ejecutorio de los músicos de la orquesta del Duque de Celle, muchos de ellos especialmente traídos desde Francia e Italia.

Arnstadt  

Bach regresó a Turingia, a finales del verano del año de 1702 y comienzos del otoño. Buscó colocación en el pequeño poblado cercano de Sangerhausen, usando la influencia de su hermano que estaba relacionado con la familia ducal, pero no le dieron el puesto. En la siguiente primavera ya es miembro de la orquesta de Johann Ernst Herzog Von Weimar.

Este empleo es el remedio a las dificultades monetarias y a la desazón moral por no haber obtenido el sitio de organista oficial en la iglesia local. Sin embargo, fue, en su ascendente carrera, un peldaño meramente temporal. Bach pretendía colocarse como organista en la recién construida iglesia del poblado cercano de Arnstadt, dado que él había ayudado a instalar y afinar el órgano. Cuando se dio como terminada la construcción del templo, solicitó el empleo. Y lo obtuvo. Tenía entonces 18 años. Los documentos encontrados en Arnstadt dan a entender implícitamente que había desempeñado el cargo de organista oficial en Weimar, pero no está comprobado. Seguramente estuvo en la exquisita Weimar (ciudad a la que están vinculados los nombres de personajes como Goethe, Liszt, la Bauhaus y muchos nombres más: ¿por qué no vincular también a Bach, si es de la misma región).

En Arnstadt, en el extremo norte de la espesa floresta de los bosques de Turingia, Bach permaneció hasta el año de 1707, dedicado por entero a la ejecución, a la composición de música para el órgano, y a dar clases, en todo este lapso nunca dejó de insistir en colocarse al lado del espectacular director de orquesta, Dietrich Buxtehude, en Luneburg, quien era considerado entonces el más hábil y musicalmente más inspirado de la naciente escuela germana de ejecución de ese instrumento y gran compositor. En el otoño de 1705 vivió esta experiencia intensamente. Pidió un mes de vacaciones y fue a Lübeck, a pie, cerca de trescientos kilómetros, únicamente para escuchar y entrevistarse con Buxtehude, quien descansaba ahí. La visita rindió espléndidos frutos. No retornó a Arnstadt sino seis meses después. Ese mismo año comenzó a tener problemas. Algunos de sus alumnos se quejaban de sus frecuentes ausencias y de su manera de tratarlos.

Bach armonizaba los tonos de los himnos litúrgicos con los seglares, tan libremente, que la congregación no podía cantarlos. Por otra parte, no compuso cantatas, o sea: no escribió nada pertinente a sus deberes. Tal vez la razón principal de esta negligencia obedecía a su obsesión por las nuevas tendencias de la música, como las de su admirado Buxtehude. Pero, además, parecía tener malentendidos con los ejecutantes, instrumentistas y cantantes de la localidad. No creó un ambiente artístico ni atmósfera musical a su alrededor.  Su carrera en modo alguno se puede decir que estaba allí, en la música eclesiástica y seglar de Arnstadt. En todo caso, él no encajaba en las costumbres establecidas, ni aceptaba las normas.

No se comportaba como un músico oficial; sus intereses parecían estar muy distantes. En el verano del año de 1706 la situación se tornó crítica: tuvo diferencias con un músico en el recinto del templo. La disputa prosiguió afuera, en la calle, sosteniendo sus argumentos con los puños. A partir de entonces los asistentes no le obedecían, su paga se atrasaba, tenía problemas financieros y sus deudas se incrementaron. Pero su genial habilidad como organista se impuso, y se mantuvo en el puesto. El empleo existiría en tanto Bach cumpliera con él, por más renuente que fuese a ser utilizado como una marioneta por los primados religiosos. Se quedó, pero mentalmente ya estaba en busca de otra situación, de otro escenario, de mejores perspectivas.

Durante los primeros años como músico profesional, en su famoso periodo de Arnstadt, Bach se empapó de la tradición musical de Turingia, logrando una completa familiaridad con las formas tradicionales de los himnos y coros populares. Estudió sistemáticamente la música instrumental para teclados del sur de Germania. Fue un investigador musical tenaz que enriqueció el valioso acerbo que había mamado desde su niñez, teniendo en su hermano Johann Christoph, además, un estímulo constante para depurar su técnica de ejecución, sus habilidades como compositor y su cultura musical. Desde Arnstadt conoció los logros de los rapsodas y trovadores populares, y nunca descuidó el estudio de las nuevas tendencias de la gran música culta. Por esta última razón estimaba mucho el arte de Buxtehude. Hacia el año de 1708 ya había aprendido todo lo posible de sus predecesores germanos y de la música tradicional. Logró la gran síntesis de los estilos del sur y del norte de lo que ahora es Alemania. Entabló también, en sus furtivas excursiones a Celle, comunicación con los músicos de Francia.

De sus composiciones del periodo de Arnstadt, cuando se forjó como gran músico, como artista excelso, queda el Capriccio sopra la lontananza del suo fratello dilettissimo, el cual, pese a su título en italiano, es una síntesis de las nuevas tendencias musicales germanas y de los resultados más brillantes de la ahora Austria; igualmente el preludio coral Como brilla dulcemente es una demostración de sus incursiones en la música para teclado, de su experiencia en la música eclesiástica. Este preludio coral en forma de himno se hizo muy popular en todo el norte de Germania rebasó las fronteras de los estados confederados dando a conocer el nombre de Johann Sebastián Bach.

Más tarde, recordando el impacto de esta composición, la recreó varias veces. En su edad adulta la reescribió y le dio por título Preludio y Fuga en Sol Menor. (“Fuga: es una composición polifónica basada en un tema ─llamado “sujeto─ que es expuesto al principio por una voz. Después es imitado por otra voz o voces, reapareciendo a través de toda la composición en las diferentes voces”).

Munhlhausen

En el verano del año de 1707 obtuvo un empleo en la Escuela pública y parroquial de Blasiuskirche, en el poblado de Munhlhausen, la región del Tirol de los estados germanos. Se mudó allí poco después de haber contraído matrimonio con su prima María Bárbara Bach, en la villa de Dornheim, el día 17 de octubre de ese año. En Munhlhausen las cosas parecieron marchar mejor. Produjo célebres cantatas eclesiásticas, todas ellas basadas en un molde considerado ahora por los expertos como conservador y tradicional.

Bach innovaba al introducir textos bíblicos en alemán, como letra de sus himnos y coros, manteniendo el espíritu de la palabra acorde con los sentimientos del pueblo, sin permitir que se introdujese en ello la prodigalidad de los cantares a la italiana, que más tarde serían frecuentes en sus cantatas, haciéndolo célebre y famoso.

De este nuevo periodo, el llamado periodo de Munhlhausen, data la bellísima composición para órgano titulada Tocata y fuga en Re Menor, la cual supera todo lo producido por él anteriormente. Está escrita en un estilo nórdico evidentemente rapsódico; y prefigura en su composición y escritura, a las más conocidas y ejecutadas actualmente Preludio y Fuga en Re Mayor y a la notabilísima composición para órgano titulada Passacaglia en Do Menor, la cual es un notable ejemplo del instinto de Bach para las composiciones en larga y gran escala.

Al año siguiente creó la hermosa cantata titulada Dios es mi Rey y Señor, que fue impresa en ese mismo año 1708. Esta obra, también conocida como Cantata número 71, fue la primera que se difundió ampliamente por toda Europa. Y es, para el periodo de Munhlhausen, lo que el preludio coral Como brilla dulcemente es para el periodo de Arnstadt. Este último dio a conocer la personalidad musical de su autor nacionalmente; y la Cantata número 71 le consagró en el ámbito internacional, como un compositor de recia raigambre popular y de profunda inspiración mística. Con Dios es mi Rey y señor logró, además del apoyo musical de la vanguardia europea de aquel entonces, el respaldo financiero de los círculos administrativos de las regiones ducales de Turingia, como aprobación entusiasta de los medios eclesiásticos de aquella región.

Con ello afirmó sus sentimientos de artista libre e independiente, que escribía la música que le nacía de su propio ser, sin el apuro de las composiciones por encargo sujetas a indicaciones del mecenas.

A mediados del año de 1708 sus ideas musicales gozaban de total aprobación. Su nombre y su obra iban cobrando fama inmortal y celebridad cotidiana. Bach pretendió entonces crear en Munhlhausen una institución musical, con un órgano nuevo, que diera conciertos regularmente. Lo propuso a las autoridades, pero no tuvo éxito. Él había evolucionado; la música como arte tomaba mayores y más bellos alcances, pero Munhlhausen no mantenía el paso.

Renunció a su puesto el 25 de junio de 1708. Se mudó a la seductora ciudad de Weimar, algunos kilómetros hacia el oeste de Jena. No rompió con los contactos favorables en Munhlhausen, los de la administración laica de los duques y barones. Aún entrado el año de 1709 continuó supervisando gratuitamente la renovación del órgano de la iglesia. Inclusive, hacia fines de ese mismo año, compuso varias nuevas cantatas, himnos y corales para ser interpretados allá. Lamentablemente los originales y las copias manuscritas de esas creaciones se han perdido.

Weimar

En Weimar logró colocarse como organista de las cortes, al tiempo que fungía como miembro de la orquesta ducal. Se dedicó al estudio analítico de las posibilidades del órgano como medio de expresión musical. Allí conoció a Wilhelm Ernst, quien fue un inspirador ya que gozaba de gran prestigio como maestro de la música germana, a la vez que participaba de la vanguardia musical de Francia e Italia. Bach visitó varias ciudades, villas y poblados de los alrededores, siempre ávido de nuevos conocimientos musicales y de nuevos encuentros artísticos.

En la villa de Weissenfels, a finales de 1713, tomó parte en las celebraciones de las cortes ducales y dio por cuenta propia una larga exhibición de su arte. De allí surgió La cantata de los cazadores, que es la primera en su género... Su nuevo estilo se divulgó rápidamente, porque estaba imbricado con las raíces populares y tradicionales del pueblo germano.  Ese mismo año se le ofreció la posibilidad de suceder a Friedrich Wilhelm Zachow en la Liebfrauenkirche, la iglesia principal de Halle (en donde nació, el gran Handel 1685-1759). Pero fue retenido antes de que se marchara con un aumento de salario por parte del comisionado de la orquesta ducal, al tiempo que lo promovían a organista de las cortes de Weimar. Por lo tanto: se quedó.

Más adelante fue nombrado Maestro concertista de las cortes, en la primavera del año siguiente, 1714, con la tarea de componer una cantata, por lo menos, cada mes. Hizo amistad con un pariente lejano, Johann Gottfried Walther, lexicógrafo de la música instrumental y compositor de propio mérito, organista de una de las iglesias locales. Con él, desempeñó numerosas actividades en el Castillo Amarillo (Gelbes Schloss), en donde conoció a Herzog Wilhelm y su numerosa compañía, con quienes se acopló en más de una ocasión, para ofrecer recitales de música de cámara. En la serie de cantatas escritas entre los años 1714 y 1716, es evidente la asimilación de las nuevas formas procedentes de la ópera italiana y de las innovaciones del veneciano Antonio Vivaldi (1678-1741), gran figura de la música que Bach analizó con detenimiento, al grado que transcribió algunas de sus obras. Bach, que estudiaba y absorbía con entusiasmo todas las innovaciones musicales que se operaban en la escritura, en la estructura, en la ejecución y demás aspectos de su arte, recibió (sin conocerlo físicamente) de Vivaldi todo lo que éste podía ofrecerle.

Lo que Bach asimiló del cura católico ha sido muy estudiado y se considera que le aportó ideas que impulsaron la música, las cuales pueden apreciarse en las bellas cantatas: la 182, la 199 y la sobresaliente 61 (año 1714), la 31 y 161 (de 1715) y la 70 y 147 (de 1716). Estas obras están basadas en lo que se llama ritornelo o “esquemas de capo”, que Bach revolucionó.

En ellos lo que sobresale es el uso de la repetición de escalas fundada en el contrapunto, tal cual o con modificación, llegando a abarcar, la repetición, secciones enteras de una pieza instrumental, compuesta de tal forma que permite a los ejecutantes procurar su coherencia como en los cánones usuales de la música, hasta llegar a cubrir dimensiones de gran extensión, de tal modo que la ilación no solamente fuese un continuum sino una progresión lógica. Con esta nueva técnica, produjo música de una belleza jamás escuchada. El estilo bachiano alcanzó su esplendor, utilizado en solos, música de cámara, sinfónica, en arias de ópera, etcétera. El estilo bachiano que ya está incorporado a la manera de hacer música universalmente abarca hasta los fundamentos de la modulación de la voz. Bach abundó en la utilización de las llamadas fugas, gracias a las posibilidades que le ofrecía el órgano de teclado. Vale recordar que se ocupaba del estudio de este instrumento, así como de otros, para explotarlo de la mejor manera.

De allí sus composiciones de la época, conocidas como El pequeño libro del órgano, que en su momento fue célebre no sólo como guía de la vanguardia sino como material didáctico. Este texto, que es la recopilación escrita de muchas de sus mejores partituras para órgano, comprende verdaderos tesoros musicales: los 18 grandes corales en forma de preludios; los primeros tríos para órgano y cuerdas que escribiera; y las grandes tocatas y fugas para órgano e instrumentos de teclado. Este texto es considerado un plan musical de sus posteriores producciones. Entre ellas el gran Preludio y Fuga en Sol Mayor que quedó terminado en 1715 y otra Tocata y fuga, esta vez en fa mayor, que fue famosa desde el instante de su ejecución en los castillos de Weissenfels.

El primero de diciembre de 1716, Johann Samuel Dresse, director musical de Weimar, murió, por tanto, su puesto quedó vacante. Le sucedió su hijo mayor. Bach seguramente debió resentir este menosprecio a su ya alta jerarquía. De manera que, no viendo mayor perspectiva de ascenso para su carrera en Weimar, terminó aceptando el cargo de director musical de las cortes del Príncipe Leopoldo, en la villa de Köthen. El cargo le fue confirmado a finales del año de 1717. Al parecer en Weimar se hicieron gestiones para impedir que se marchase a Köthen.

Dejó Weimar y se dirigió a Dresden a una competencia musical con el famoso organista francés Louis Marchand. El encuentro nunca llegó a celebrarse porque Marchand dejó Dresden antes que Bach llegara. La competencia habría derivado en una confrontación entre los estados germanas confederados y Francia. Marchand, quien sabiamente no confundía al arte con la política, dejó la ciudad antes de que llegase Bach y la gente forzase el encuentro de ambos: cuando éste llegó lo aclamaron como absoluto ganador por ausencia del contrario. El hecho, sin embargo, no fue de importancia sino por la circunstancia de haber perdido, sin nunca tenerla, la amistad de Marchand. Pero aprovechó la oportunidad, porque tomó temporalmente Dresden por residencia, y no volvió a Weimar.

Köthen

Tiempo después el Duque de Dresden, aliado de los duques de Weimar, lo tomó prisionero por incumplimiento de contrato. Permaneció encarcelado, en Dresden, cerca de un mes. Fue liberado en los primeros días de diciembre de 1717. Entonces dejó Dresden y marchó directamente a Köthen, 50 kilómetros al norte de Halle. Aquí, como director musical de todas las cortes, apoyado directamente por los príncipes, la alta nobleza y el alto clero, Bach comenzó a investigar y a experimentar con música de cámara y sinfónica. Cambió radicalmente su modo de actuación, prefiriendo esta vez el conjunto (o ensamble) en vez de la individualidad.

En Köthen terminó sus famosísimos Conciertos de Brandenburgo, probablemente en la primavera del año de 1721. En el sexto concierto, tal y como ha sido sugerido por los eruditos, compuso partituras basadas en improvisaciones, técnicamente muy limitadas, del príncipe Leopoldo de Köthen, quien tocaba viola de gamba. Bach, que dominaba toda la gama de instrumentos de teclado y cuerda —al tiempo de escribir las partituras de los Conciertos de Brandenburgo— se inclinó entonces por las violas. Según sus célebres palabras, quería estar justo en medio de los flujos de la armonía.

En ese entonces escribió, algunas cantatas para el cumpleaños del príncipe Leopoldo, como para otras ocasiones memorables en Köthen. La mayor parte de estas composiciones afortunadamente han sido rescatadas y se conocen, aunque cabe decir que en muy diferentes versiones.

Aprovechó el tiempo en Köthen para escribir varios libros de música de carácter pedagógico, sobre la ejecución en instrumentos de teclado y cuerda. Así surgieron Las invenciones de 1720 y los dos magistrales textos de El Clavecín Bien Temperado, en donde se resume el estudio de 24 preludios diferentes, cada uno con fugas en todas las notas, conocido como El 48. Toda esta excepcional colección de partituras y de textos, con sus logros e invenciones, muestran a un Bach que, consciente de la importancia histórica de sus aportaciones al mundo del arte, quiere heredarlas a los músicos del futuro, para el disfrute, no es exagerado decirlo, de la humanidad.

Johann Sebastián, probablemente sin conocer la teoría matemática, llevó a la música lo que había expuesto Gottfried Leibniz en 1666 en Leipzig, en su tesis doctoral, Dissertatio de arte combinatoria, en la que asienta que todos los conceptos no son más que combinaciones de un número relativamente pequeño de conceptos sencillos, así como las palabras son combinaciones de letras (en música las frases se componen de notas). Todas las verdades se pueden expresar como una combinación adecuada de conceptos, los cuales a su vez descomponerse en ideas simples. La lógica del alfabeto viene a ser la lógica de la invención, de la creatividad. Las posibilidades combinatorias de las notas musicales son, por así decirlo, infinitas. Si además se agregan los silencios, los tiempos, la dinámica; las melodías, la armonía con sus acordes y el ritmo; y si todo ello se expresa mediante el “ensamble”, en un conjunto de voces humanas y diferentes instrumentos, el potencial artístico es colosal.

La ópera es la unificación de todos estos elementos en una sola obra, agregando además el drama literario y la escenificación plástica, danza y diseño. Bach fue pionero en la composición simultánea para instrumentos de cuerda y teclado. Así surgió también la organización de una nueva estructura de ejecución a la que se ha dado en llamar “la tonalidad total funcional”. El Clavecín Bien Temperado, además de su importancia histórica a la que se hará referencia enseguida, es un notable compendio de las formas musicales populares: danzas, bailes, romanzas, arias, motetes, conciertos, sonatas y sonatinas. Sus vastos conocimientos allí resumidos, le aseguran un lugar en la historia de la investigación musical. Esta obra es también una síntesis de la musicalidad de las regiones de lo que ahora son Alemania, Francia e Italia, con gran influencia sobre todo Alemania, de donde al poco tiempo surgirían otros grandes genios.

Lo formidable de El Clavecín Bien Temperado, es su sencillez, rigor y coherencia. En esta obra, (de gran impacto y trascendencia en la música del clasicismo y en la del romanticismo) dejó la prueba de su genio y virtuosismo en el manejo de la fuga, sobre lo cual, mucho han escrito los especialistas.

Desde Pitágoras, como se mencionó en las primeras páginas, se empleaba instrumentalmente y en la composición, una escala musical resultado de las divisiones de una cuerda tensada, que iba de do a do (ocho notas o siete si se elimina la última); otra cuerda más corta producía otra escala igual, pero más aguda y así sucesivamente.

El resultado era una música limitada porque cuando se mezclaban las diferentes alturas de escalas, desafinaban. En la época de Bach, se descubrió que usando semitonos las desafinaciones eran poco perceptibles al cambiar de tonalidad. El oído se acostumbraba y se ganaba porque las posibilidades armónicas eran infinitas. De esta manera se creó un nuevo universo musical. Bach empezó a experimentar con esta idea y con todas las posibilidades armónicas que se abrían, escribió varias de las obras armónicas más extraordinarias de la historia, por ejemplo, el clave Bien temperado. La afinación definitiva vendría años más tarde cuando el uso del piano fuerte se extendió por toda Europa.

Bach empleó las nuevas posibilidades armónicas de una manera muy amplia, especialmente en el desarrollo de una cantidad impresionante de fugas que incluso dibujó como pequeñas olas circulares, por la riqueza armónica de sus obras se dice de él que es el padre de la música moderna.

La muerte de su primera esposa

El 7 de julio de 1720 la esposa del gran músico, su prima María Bárbara, murió inesperadamente. Bach se encontraba en Carlsbad lugar de descanso de la nobleza en donde acompañaba al príncipe Leopoldo en su carácter de músico de la corte, al regresar del viaje Bach ya no encontró a su esposa, había muerto semanas antes, la pareja tenía 7 hijos. Se dice que Bach tras la muerte de su esposa compuso la chacona en re  (BWV 1004), en donde reflejó su profundo estado emocional. Años más tarde el gran compositor Johannes Brahms, le escribiría a Clara Schumann lo siguiente:

En un pentagrama, para un pequeño instrumento, Bach escribe un mundo entero con los pensamientos más profundos y los sentimientos más poderosos. Imagino que, si yo hubiera escrito esta obra, incluso solo concibiéndola, estoy seguro de que el exceso de emoción y la experiencia devastadora me habrían vuelto loco.

Hacia finales de ese año Bach partió a Hamburgo: la muerte de su mujer le impresionó y preocupó hondamente. Tuvo agudas crisis de melancolía. Trató de olvidar y conseguir empleo en Jakobskirche, la escuela parroquial más importante de Hamburgo. No lo consiguió, pero en esa ciudad se hizo famoso por sus conciertos de órgano y de música de cámara en la Katharinkirche, en presencia de los músicos de las cortes y los príncipes. Uno de tales músicos, Reinken, después de escucharlo le ayudó a improvisar variaciones sobre un tema coral en forma de cantata. Al final de la actuación común, el entonces ya senil Reinken dijo: “Pensaba que el arte musical en forma vocal y coral había fenecido. Pero veo que aún vive palpitando intensamente en el arte de Bach”. Un elogio por demás merecido, que queda corto por el desconocimiento de la música no coral ni vocal del gran genio de Turingia.

El 3 de diciembre de 1721, después de superar el duelo por la muerte de su primera esposa, Bach volvió a contraer matrimonio, se casó con Anna Magdalena Wilcken, hija mayor de un trompetista de la ciudad de Weissenfelds.

Los cuatro años que vivió en Köthen fueron probablemente los más gratos de su vida. Estaba en los términos más felices y amistosos con el clero, con las cortes, con los administradores de los burgos, con los príncipes. Se le escuchó confesar abiertamente que nunca dejaría Köthen y que quería morir allí. Pero el príncipe se casó también en diciembre de 1721 y las relaciones que llevaba con Bach se deterioraron, porque la nueva princesa menospreciaba al genio de Turingia. Él llamaba a la princesa: La Contra Musa. Lo único que obtuvo de esa antipatía, fue menosprecio, indiferencia y abierta enemistad. Bach pensó entonces en emigrar hacia un mejor sitio, con la intención también de dar una buena educación a sus hijos, ya en edad escolar. Quiso mudarse a Leipzig tan pronto existiese una vacante. El cargo quedó disponible en junio de 1722, con la muerte del director de coros, Johann Kuhnau. Bach presentó su solicitud, pero el empleo le fue ofrecido a un amigo suyo, a Georg Philipp Telemann, quien lo rechazó por otros compromisos. Luego, se lo ofrecieron a Christoph Graupner, casi un desconocido, pero con amigos influyentes en las cortes de Leipzig. Graupner ya estaba empleado en la villa ducal de Darmstadt y dudó un tiempo en aceptar el cargo.

En tanto se decidía, Bach dio una exhibición de talento y de habilidad ante los administradores musicales, culturales y religiosos de los príncipes. Para ello compuso especialmente una cantata, Jesús llamando a sus doce apóstoles, la cual se estrenó en el mes de febrero de 1723, ahí mismo en Leipzig. En la primavera de ese año el príncipe de Leipzig murió y Graupner perdió influencia y decidió no aceptar el puesto.

Leipzig

Dejó Köthen casi a ciegas, animado solamente por su fe. Marchó a Leipzig. Se le nombró director musical honorario de Köthen y no rompió definitivamente sus vínculos con las cortes de esta villa ducal hasta que el príncipe murió cinco años más tarde. Dividió su tiempo entre Leipzig y Köthen. 

En la Iglesia de San Pedro, instaló un amplio coro de himnos litúrgicos. En las iglesias Nueva, San Nicolás y Santo Tomás, estableció un flujo permanente de cantores religiosos. Promovió la ejecución de su música eclesiástica. La primera presentación fue el 30 de mayo de 1723, una semana después del día de Santo Domingo, estrenando su cantata número 75, Die elenden sollen essen. El año siguiente fue prolífico: compuso nuevas cantatas y el majestuoso Magnificat, que es un amplísimo himno litúrgico, en su primera versión, puesto que sería modificado varias veces, como sucedió frecuentemente en Bach, para dar lugar a nuevas instrumentaciones. También escribió su excelente versión de La Pasión según San Juan Evangelista y más de 65 nuevas cantatas, siendo de ellas enteramente nuevas cerca de 35, de acuerdo con los peritos. En la segunda mitad de 1724, comenzó un nuevo ciclo de cantatas, de himnos y de corales, en las cuales es notoria la influencia de las nuevas técnicas germano-italianas y germano-francesas. Escribió 55 nuevas obras, las llamadas cantatas-corales, muchas de ellas producto de los nueve años anteriores de investigación.

En la navidad estrenó su prodigiosa Misa en si menor. Durante los dos o tres primeros años en Leipzig, produjo un enorme número de grandes creaciones, las más de ellas para uso instrumental, principalmente vocal. Daba a conocer una nueva obra cada semana, lo que evidencia su dominio en el arte de la composición. Bach tuvo que imaginar y transcribir muy rápido, y repetir el proceso...: un alarde de su genio y capacidad de trabajo. En el lacónico sabio decir de Thomas Alva Edison, “el genio es producto de un uno por ciento de inspiración y un noventa y nueve por ciento de expiración, de sudor y de trabajo”. Bach no se detuvo ante los convencionalismos que la tradición le pretendía imponer. Tampoco ante los prejuicios de su auditorio, menos ante las pretensiones racionalistas que los nuevos tiempos parecían exigirle. De cualquier manera, el artista genial, con una vasta producción, configura un estilo en el que se refleja no sólo la expresión de su interioridad y sus conocimientos personales, sino también el espíritu de la época en el que se desenvuelve y del cual está impregnado.

Bach tiene su estilo personal que se ha dado en llamar “bachiano” y a la vez es uno de los modelos de la música barroca en la historia del arte universal. Lo barroco se refiere a la abundancia de ornamentos, que contrasta con la sobriedad y vitalidad interna.

Bach, Vivaldi y Handel son los tres grandes de la música barroca. En el primero, ya sabemos: el manejo del contrapunto y de la fuga fue abundante, así como la multitud de combinaciones que utilizó entre todas las posibilidades armónicas que la música ofrece. El arte barroco si bien es cierto que se originó en una época determinada, no por ello ha dejado de ejercerse y menos de admirarse y disfrutarse. Las grandes catedrales construidas en aquel entonces son barrocas. Durante el siglo XX se hizo literatura barroca que mucho hemos disfrutado; un ejemplo de ellas son las obras del escritor cubano Alejo Carpentier. Bach marcó pautas a seguir, nadie como él ha dejado tras de sí un mapa intelectualmente comprensible de su recorrido y de sus exploraciones. Sin embargo, es necesario mencionar que en la parte final de la vida de Bach el gusto por el barroco declinaba en las cortes y en el gusto de las personas cultas, la música francesa e italiana más melódica y ligera se iba imponiendo. Después de 1726, la mente y el entusiasmo de Bach, toda la reciedumbre y entusiasmo de su espíritu, se volcaron en nuevos proyectos, en nuevas ideas.

En 1729, produjo la magnífica Pasión según san Mateo, en donde todos los logros anteriores de las cantatas se conjugan para dar lugar a una creación de vocalización e instrumentación mayor, mucho más compleja y prolongada. En 1731 aparece La pasión según san Marcos, actualmente extraviada. Luego en 1734 su Oratorio de navidad; y un año más tarde, en 1735, su Oratorio de la ascensión. Cabe mencionar que la letra de sus obras está escrita en alemán, aunque se trate de textos bíblicos, como corresponde a la tradición de la iglesia protestante. Además de sus responsabilidades y deberes como director mMusical en Leipzig, se desempeñó como cantante en el coro de la Escuela Pública de Thomaskirche, en Leipzig. Dado que sentía especial entusiasmo por diversas formas de hacer música, se ausentaba frecuentemente de su puesto sin aviso previo, ya fuera para cantar o para examinar o construir órganos o simplemente para visitar en otras villas y poblados a músicos prominentes.

Su pasatiempo favorito era ir a Dresden a escuchar ópera, desde un balcón especial al lado de su hijo mayor Friedemann. Asistía a festejos y celebraciones cortesanas y llevaba a cabo, por temporadas, una intensa vida social al lado de su familia. Cuando por alguna razón necesitó dinero extra llegó a comprometerse en actividades no propias de su rango ni de sus cargos. Nunca fue un hombre rico, tampoco ahorró, aunque siempre se las ingenió para ser solvente y tener crédito, a pesar de las constantes disputas con sus empleadores y patrones por cuestiones de salarios, prestaciones, primas y dinero.

Por ello, tal vez, llegó a encargarse de la cátedra de música en la Universidad de Leipzig, donde compartió deberes con los organistas municipales, entre ellos Johann Gottlieb Gorner. Y aunque a vista de sus empleadores siempre fue menospreciado, por preferencia hacia Telemann o Graupner, cumplió suficientemente con sus tareas oficiales. Como es frecuente en cargos de responsabilidad, sobre todo en el sector de la cultura, Bach siempre tuvo problemas, como director musical de la ciudad, por cuestiones de presupuesto. Los administradores, que eran sus patrones, no intentaban gastar un solo marco más en músicos. Así que tuvo que cumplir formando la orquesta ducal, con personas carentes de preparación formal. La cuestión se agudizó en el año de 1734 con el cambio de dirección administrativa en los departamentos artísticos de la ciudad: tuvo problemas presupuestales y de censura con los nuevos administradores, lo que hizo explosión en el otoño de 1736 cuando una disputa entre Bach y el administrador principal alcanzó el grado de escándalo público.

Afortunadamente el nuevo Príncipe elector de Sajonia intervino en su favor. Antes, en el año de 1726, había comenzado a publicar partituras para clavecín por separado. De allí sus famosas Partitas exclusivamente para este antiguo instrumento de teclado. Ya para el año de 1731 había logrado reunir una vasta documentación de tales escritos, los cuales publicó en Leipzig. Surgió así el célebre Clavierübung, colección de partituras para instrumentos de teclado. Contiene el Concierto en el estilo italiano, célebre y elocuente, también la Obertura francesa, que está escrita en si menor. Esta última obra es famosa porque resulta ser uno de los primeros grandes collages musicales de todos los tiempos. Bach introduce música litúrgica, al tiempo que laica y civil, alternando vocalizaciones y cantos con un gran impromptu de instrumentalización.

Más tarde, en 1735, escribió una segunda y tercera parte de: la Misa para órgano, y el Preludio y fuga en mi menor. Concluyó esta serie hasta 1739. Juan Sebastián, tuvo que adaptar sus primeros conciertos y otras obras, para satisfacer la creciente demanda de sus trabajos. Llegó a ser considerado el compositor más importante de los estados germanos y de Europa, hacia finales de los años 30 en el siglo XVIII. Por tales labores, hasta nuestros días, se le considera uno de los autores más prolíficos y originales. Y no sólo como compositor sino también como intérprete y director musical. Es uno de los creadores del harpsicordio —antiguo antecedente del pianoforte y del piano que ahora nos es familiar. De hecho, revolucionó todos los instrumentos de teclado, como antes Vivaldi los de cuerda. Y logró que la mayor parte de sus modalidades de composición, fuesen utilizadas en las grandes audiciones. La invención del harpiscordio, del pianoforte y del piano, fue una consecuencia natural del descubrimiento de lo bien temperado. Para la música basada en las notas pitagóricas el clavecín era suficiente, pero para la incorporación y aprovechamiento de todas las escalas que permitían los medios tonos, se requería de un instrumento con más amplitud, con un mayor número de notas que pueden ser de más de 120 teclas, con escalas de 13 notas, ocho teclas blancas o naturales y 5 sostenidos en teclas negras (o bemoles), hasta donde alcance la envergadura de los brazos abiertos del ejecutante. Sólo a partir del pianoforte fue posible la brillante existencia de Mozart o Beethoven, para citar dos nombres de una pléyade de grandes compositores y ejecutantes que afortunadamente llega hasta nuestros días y se prolongará.

Hacia 1733 comenzó a crear una serie de cantatas seculares en honor del Príncipe elector de Sajonia, evidentemente con la mira de lograr un empleo en las cortes, lo que logró hacia 1736. Muchas de estas composiciones fueron adaptadas a las palabras y los himnos de la biblia. En uno de los constantes viajes a Dresden, Bach pudo ponerse en contacto con Graff Hermann Karl Von Keyserling, el embajador alemán en Rusia, quien le pidió componer la obra Variaciones de Goldberg. Además, escribió unas pocas cantatas, revisó obras para órgano escritas en Weimar y publicó, hacia 1746, los llamados Preludios corales Schübler. Visitó a su hijo Emmanuel, en Postdam, y tocó ante Federico II de Prusia, apodado El grande. En ese mismo año sus impresionantes improvisaciones sobre un tema propuesto por tal monarca dieron lugar a las obras conocidas como las Ofrendas musicales.

Antes de que 1747 concluyera se reunió con la Sociedad de ciencias musicales, que fundó su anterior discípulo Lorenz Christoph Mizler. Allí presentó las variaciones sobre temas canónicos en forma coral, las llamadas, Desde el cielo encima de la tierra, de allí vengo, con gran éxito. Los manuscritos que se publicaron al siguiente año, se consideran como una de las muestras bachianas más valiosas. Con ello consiguió, nuevamente, consagrarse como gran autor de síntesis de estilos, para fundar, más allá de todo sincretismo y de cualquier eclecticismo, una forma nueva, la suya, revolucionaria en lo musical.

De las enfermedades y padecimientos orgánicos y físicos de Bach poco es lo que sabemos. En realidad, poco se sabe de su vida íntima. Una enfermedad le impidió durante varios meses terminar su obra El Arte de la Fuga. Su constitución física y orgánica estaba afectada por dos operaciones que no tuvieron el éxito debido. Una de ellas en los ojos, realizada por el médico traído expresamente de Inglaterra, John Taylor, el mismo que llevó nueve años después, a la muerte a Handel. Hay que tener presente que, en aquel entonces, la operación de ojos ofrecía pocas probabilidades de mejoría y que no ha sido sino hasta la aplicación de los rayos láser, que en la actualidad sus resultados son benéficos.

Un dato curioso de la vida de Bach es que no conoció físicamente a Handel. Ambos fueron contemporáneos, nacieron el año de 1685, a solo 125 km de distancia; estuvieron en los mismos sitios (seguramente en tiempos distintos); los dos eran considerados excelentes músicos, ambos se vieron influenciados por la música italiana y francesa. Se diferenciaron en que Bach estuvo más vinculado con la religiosidad y Handel con lo popular. Handel fue rico y Bach no; Handel era carismático y se abría paso socialmente con facilidad, al grado de que se convirtió en un empresario musical y montó óperas con éxito financiero, además dejó Germania y se convirtió en músico de la corte inglesa. Es increíble que ambos genios musicales no se hayan buscado e intercambiado experiencias. Desde luego Handel debió de haber escuchado la obra de su contemporáneo, compatriota y colega, los hallazgos técnicos del “Clave bien temperado”, del manejo de las fugas y del contrapunto, y aprovecharlos. Por último, ambos tuvieron problemas oculares y fueron tratados por el mismo médico, que los mandó a la tumba.

Como mencionamos anteriormente, en la parte final de la vida de Bach el gusto por el barroco declinó en las cortes y en la preferencia de las personas cultas, la música francesa e italiana más melódica y ligera se impusieron, con ello la música de Juan Sebastian Bach y él mismo fueron quedando en el olvido, además sus constantes disputas con sus superiores institucionales lo fueron aislando.

Bach al final de sus días, solo y desilusionado, sin dinero (el médico se lo había llevado casi todo); no tuvo voluntad ni fuerza para intentar un viaje a alguna ciudad, donde contara con amigos. Su enfermedad y su estado anímico lo vencieron, falleció en Leipzig el 28 de julio de 1750, en un hospital de pobres.

Fue sepultado en el cementerio del mismo hospital, hoy desaparecido. Trabajó con velas muchas noches de su vida y eso lo dejó ciego. La leyenda dice que un día antes de morir, recuperó milagrosamente la vista para trabajar en el Arte de la Fuga y que en los últimos compases de esta obra aparece un tema misterioso (si bemol, la, do, si natural) que en la nomenclatura germana de las notas corresponde a las letras B A C H.

Después de su muerte, su esposa padeció problemas económicos porque Bach, quien siempre vivió al día, no le dejó herencia. Ella murió el 27 de febrero de 1760, siendo enterrada inicialmente en una fosa común y luego en un modesto cementerio, merced a la intervención de sus hijos, quienes, finalmente, pudieron hacer algo por ella.

El Arte de la Fuga, se publicó póstumamente en el año de 1751, con el propósito de conseguir fondos para sus deudos. En un principio tal publicación atrajo poca o ninguna atención. Se reimprimió en Prusia al año siguiente, con prefacio de Friedrich Wilhelm Marpurg, a la sazón un notable y bien conocido crítico musical. La obra fue elogiada en los diarios y crónicas especializadas, por el periodista Johann Matheson, un influyente compositor y crítico musical de Hamburgo.

Pero muy pocas copias fueron vendidas. A finales del año de 1756 los ejemplares no vendidos se pusieron a la venta como saldo. Por su parte Emanuel Bach y el organista y compositor Johann Friedrich Agrícola, antiguo discípulo de Juan Sebastián, escribieron una nota informando sobre la muerte del gran músico, que apareció en el diario oficial de la Sociedad de ciencias musicales y en varios periódicos regionales de escasa circulación. Esta nota es considerada en nuestros días, como la principal fuente de información, no escrita por Bach, sobre su vida y sobre su obra.

La vida de Juan Sebastián fue muy dura, vio morir a sus padres a muy temprana edad, a su primera esposa y a 10 de sus hijos. Fue un buen esposo y padre, lo que no es frecuente en los genios. Fue protestante luterano, ortodoxo y reacio a abandonar los principios y cánones morales bajo los cuales fue educado por sus progenitores.

Pocos músicos han sido tan religiosos como Bach, dentro de su religiosidad escribió para su dios, para su iglesia, para la nobleza y sobre todo para él mismo. Creó música llena de alegría como los conciertos de Brandemburgo, de devoción como sus misas y pasiones, de manera profunda y trascendente, como su Chacona en re, y su Tocata y Fuga. Pero, además de todo esto, fue un incansable buscador de formas nuevas de expresión armónica. Es increíble que un hombre tan religioso como Bach en la última parte de su vida escribiera obras de búsqueda como las Variaciones Goldberg y la Ofrenda Musical, en donde se encuentra todo, dulzura, alegría, amor, pasión y dolor. Y en esta búsqueda de armonías nuevas utiliza las disonancias y las explota expresivamente como nadie lo había hecho, ejemplo de esto es la íntima obscura y dolorosa variación 25, de sus Variaciones Goldberg , es importante considerar que en época de Bach se consideraba a las disonancias como demoniacas. Esta música no era para el gran público era personal y para conocedores. Sin duda esta búsqueda contribuyó más al aislamiento de sus últimos años.

Sin tener linaje, hizo que su profesión rebasara los linderos y prejuicios de los límites aristocráticos, para convertirla en una misión existencial al alcance de la clase media naciente. Por cerca de 100 años la música de Bach se hundió en el olvido. Él ya no estaba presente para hacerse popular en la vanguardia musical europea. No estándolo, poco pudieron hacer por su obra y su memoria los descendientes. Su obra escrita se perdió. Su esposa trató de venderla, pero nadie quiso comprar el gran volumen de partituras, ni siquiera una obra. Se deshizo de ella vendiendo la música como papel de desecho, ya usado, a un valor inferior al precio del papel limpio. Solamente después de pasado el momento de los grandes genios del siglo XVIII ─Haydn, Mozart, Beethoven; y luego del siglo XIX, Schumann, Schubert y Mendelsshon, Wagner, para citar los más conocidos─, la música de Juan Sebastián Bach comenzó a ser reconsiderada, desde las postrimerías del siglo XIX. Bach forma parte de nuestra memoria musical colectiva y de lo mejor del arte musical de todos los tiempos. Su obra está y estará presente, en tanto el amor a las artes, a la música y a la humanidad, esté en nuestros corazones. Émile Michel Cioran (escritor y filósofo de origen rumano) escribió: He dicho que Dios le debe todo a Bach. Sin Bach, Dios sería un personaje de tercera clase. La música de Bach es la única razón para pensar que el universo no es un desastre total. Con Bach todo es profundo, real, nada es fingido. El compositor nos inspira sentimientos que no nos puede dar la literatura, porque Bach no tiene nada que ver con el lenguaje. Sin Bach yo sería un perfecto nihilista.

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Acerca del autor

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Acerca del autor

Óscar René Cruz Oliva Acerca del autor Óscar René Cruz Oliva Nació en la Ciudad de Guatemala en el año de 1933.
Llegó a México en 1954, a la caída de Jacobo Árbenz en Guatemala.

Estudio licenciatura y doctorado en la Unam y Politécnico respectivamente.

En 1977 fundó Publicaciones Cruz O.S.A y Librería Cruz O.S.A. En 1999 se creó, dentro de la segunda empresa, www.libros.com.mx que fue una de las primeras librerías virtuales en México.

El primer libro con cuentos y relatos escrito en México data de 1968. el segundo “La Taba” se publicó en 1973. Luego lo reeditó bajo el nombre “lo que ella había escrito”, editorial Grijalbo) en 1980.

En 1976 apareció el primer libro de palíndromos, el primeo en sentido estricto, no sólo como el primer libro del autor sino como el primer libro publicado en México y quizá el todo el mundo de habla española.

El segundo es un poema palindrómico, que ocupa toda la extensión del libro (154 páginas). fue publicado bajo el título de “Palíndromo-Total.  Oh, Ave de Vaho”, en el año 1987.  En este libro el autor ya puso especial atención al aspecto de la presentación del texto.

En el año 2003 publicó la novela “Hombres con Alas de Cera”.  Al año siguiente se cumplía medio siglo de la intervención norteamericana en Guatemala.  Debido a la guerra interna que este país había vivido durante cuarenta años, después de aquella intervención, no existía escrito ningún testimonio de ella.  Para el autor era un imperativo vital contar esa historia.

En año 2004 escribió un libro para promover la escritura a través de los palíndromos.  y en este 2006 publicó las Minificciones Palindrómicas, en las que se proponen nuevas formas de presentación de los textos, para reforzar la intención narrativa.

En año 2009 publicó su segunda novela “El Presidente Olvidado” Esta obra hace la pintura de uno de los pocos seres que, a partir de cero, obtuvo los más altos logros; reconstruye, mediante esta bio-ficción, el retrato de una personalidad formada en contacto con la naturaleza y con los seres humanos, muy lejos de los libros y de la escolaridad: no aprendió a leer y escribir, no quiso hacerlo, y gobernó cerca de 28 años. Con este libro el lector se informa y a la par disfruta.

Óscar René Cruz Oliva murió en la ciudad de México 11 de julio 2012.