Francisco de Goya

Biografía Breve

Óscar René Cruz

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ISBN-13: 9781234567890
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En Goya no hay solo un pintor: hay muchos. El amplio y fantástico decorador de las bóvedas de la Florida no es precisamente el mismo que miniaba con prolija solicitud el retrato de su nieto. El nervioso dibujante de los Caprichos no parece ser el propio pintorazo que se ensaña copiando el natural en La maja desnuda... Goya, más que con las manos, pintaba con la cabeza. Su imaginación fresca y lozana siempre, se ponía al servicio del sentimiento que le dominaba.

Antonio Cánovas del Castillo y Vallejo

Prólogo

Goya siempre fue, antes que pintor, un español, y fundamentalmente un aragonés. Nunca despreció su cuna ni su origen sino más bien hacía gala de sus conocimientos sobre las costumbres y tradiciones españolas. Su pasión era España: su tierra, su sol, sus amores. Goya no podía desterrar de su corazón su afición al buen vino, a los toros, a las damas.

Francisco de Goya

(1746-1828)

Primeros años

Francisco José de Goya y Lucientes vio la primera luz el día 30 de marzo de 1746 en la pequeña población española de Fuente de Todos: Fuendetodos como se escribe en la actualidad. Al día siguiente, temprano en la mañana, fue bautizado por el párroco de la Diócesis de Zaragoza. En el acta bautismal se asienta que sus padres fueron José de Goya y Gracia de Lucientes.

La casa familiar se ubicaba en el barrio bajo de La Alhóndiga, en Fuendetodos: "sin vega y sin ríos", actual municipio de Zaragoza en el que la población total, por aquellos años, no rebasaba el medio millar de habitantes.

La madre procedía de las provincias campiranas de Aragón. El padre poseía propiedades rurales en los linderos de la población, y casas en la ciudad de Zaragoza, donde habían vivido sus ancestros; trabajaba como dorador, marquista y ayudante de pintor. Alternaba su vida entre Fuendetodos --donde existían buenas oportunidades para ejercer su oficio- y Zaragoza. Muy a menudo llevaba a su hijo al taller de los pintores con quienes trabajaba, de modo que, desde los tres años, el niño tuvo relación estrecha con el oficio de pintor, con los talleres, con el ambiente de las artes plásticas. Según afirman sus biógrafos, Goya fue un artista precoz; un niño travieso e inquieto que borroneaba figuras por todas partes. Luego, ya un poco mayor, a la edad quizás entre los ocho y nueve años, pintó en la Capilla de las reliquias de la iglesia de Fuendetodos, unos cortinajes al fresco y, después al óleo, las puertas del retablo que iluminaban la llegada de la Virgen Santísima del Pilar.

Más tarde estas pinturas se llevaron a Zaragoza, cuando ya Goya era famoso, pese a su oposición porque aquellas pinturas infantiles siempre le parecieron horrendas. Se perdieron en los años de la primera década del siglo XIX, en uno de los tantos sitios a Zaragoza durante los años de la ocupación napoleónica.

Goya asistió a la Escuela pía de Zaragoza, la Ramada "del padre Joaquín", y al mismo tiempo a cursos de dibujo y de pintura en la Escuela Pública de Bellas Artes, también en Zaragoza. Permaneció en ambas instituciones hasta sus 14 años, pero realizaba frecuentes viajes a Fuendetodos.

El talento desplegado, su originalidad y tenacidad, despertaron en el padre Salcedo y en el conde de Fuentes, ánimos de protegerlo para que se dedicara completamente a estudiar la profesión de pintor. Tanto el aristócrata como el padre prior de la Cartuja de Aula Dei en Zaragoza, son personajes importantes en los años juveniles de Goya. Y si el aristócrata fue siempre su mecenas, no menos lo fue el religioso como mentor. De no haber sido por ellos su carrera hubiese sido más ardua y complicada. Gracias al padre Salcedo y al conde de Fuentes, el artista pudo dejar las escuelas públicas apenas cumplidos los catorce años, y entrar al taller de José Luzán Martínez como estudiante de pintura. Era el año de 1760, su familia permanecía en Fuendetodos, mientras José Francisco se instalaba ya, con cierto margen de seguridad económica, en Zaragoza.

Taller de José Luzán Martínez

José Luzán Martínez (1710-1785) no era un pintor afamado ni un célebre artista, pero sí un buen profesor. Su educación artística la recibió en España, gracias al apoyo de la familia del mismo conde de Fuentes, y en Italia gracias al soporte del duque de Pignatelli (emparentado con los aristócratas de Fuentes). Así que conocía su oficio, tenía amplia cultura y le agradaba hacerla de profesor. Se le consideraba como el mejor maestro de estética y de artes en Zaragoza. De su taller emergió, además de Goya, una generación de artistas que fue bastante popular por sus obras, entre ellos los hermanos Francisco y Ramón Bayeu, personajes muy importantes en la juventud de Goya, no tan lejanamente contemporáneos de él, aunque con notables diferencias puesto que los Bayeu eran ricos y con mejores relaciones, y estaban conectados con los ambientes de las cortes provinciales y nacionales de España.

Goya debió entrar deslumbrado al recinto de Luzán. Su familia celebró entusiastamente el hecho, así como todos sus conocidos y vecinos. Tal parece que todo mundo estaba consciente de que el travieso de Goya, el pintor que borroneaba las paredes del pueblo; el pintor de la Virgen Santísima del Pilar, estaba llamado a realizar grandes empresas y no se equivocaron.

De aquel entonces data la íntima amistad que trabó José Francisco con la familia zaragozana de los Goicochea, con la cual más tarde habría de emparentarse, cuando su hijo Javier, se casó con una Goicochea. Lo relevante del asunto es que esta unidad entre los Goya y aquella familia hizo posible que, en la primavera de 1828, al morir el artista, fuera enterrado en la tumba mausoleo de Martín Miguel de Goicochea.

Los Goicochea, pese a que nunca fungieron como mecenas, en varias ocasiones aliviaron la penuria de Goya y comprometieron su peculio por sacarle de alguna desventura financiera. De manera semejante, de esas fechas es la relación amistosa con Martín Zapater y Clavería, vecino de Fuendetodos y de Zaragoza, y a cuya correspondencia con el artista se debe el conocimiento, singularmente profundo, de las cuestiones de éste (personalidad, temperamento, carácter). Estas cartas, entre Goya y Zapater, como aquéllas que mantenía Miguel Ángel Buonarroti con sus familiares, hacen posible en nuestros días reconstruir con fidelidad la vida del artista.

Francisco José permaneció seis años al lado de Luzán Martínez. Buena parte de esos seis años no fue sino un mozo al servicio de Luzán. Le encargaba preparar las pinturas, o las mezclas de estas, que él o los otros integrantes del taller, emplearían. Zaragoza está colmada de los trabajos realizados por Martínez y miembros de su taller; Goya seguramente no participó en ninguno de ellos. Tal vez se le concedió el crédito por los resanes de cal y yeso en los muros, o por preparar las paredes o por aplicar un color de fondo, previamente al trabajo del maestro y sus alumnos avanzados.

Sin embargo, Goya no perdió el tiempo en aquellos seis años: llegó a descubrir sus habilidades para conjugar colores, aceites y resinas. Además, observó los secretos del oficio, aprendió la técnica que luego dominó. En realidad, así era el aprendizaje en los talleres: quien tenía verdadero interés prestaba atención a todo lo que ocurría en su entorno y aprendía solo, según su capacidad.

Cuando estaba a punto de desesperar, Martínez le dio la comisión de pintar un armario perteneciente a una de las familias de la corte provincial aragonesa. Goya lo realizó con extremada habilidad y logró llamar la atención de su maestro: el mozuelo ayudante estaba listo para encargos mayores. Desde entonces le dieron trabajos más delicados, que fue realizando con dedicación. Se distinguía por los motivos que elegía, la composición de la obra y, sobre todo, la combinación festiva de colores.

Madrid

Entonces Luzán decidió abrirle una oportunidad: lo dejó ir a Madrid, previo acuerdo con el padre Salcedo y el conde de Fuentes, a prepararse para concursar para una plaza de becario en la Academia real de artes. Debía tomar la misión con responsabilidad y carácter, puesto que se confrontaría con rigurosos jueces y rivalizaría con los mejores valores jóvenes del país. De ello estaba plenamente consciente. En tanto preparara sus muestras y cuadros de concurso, sus protectores le proporcionarían los dineros necesarios para vivir en la capital. Goya iba a Madrid, al centro umbilical mismo del gran imperio español que en la segunda mitad del siglo XVIII era dueño de casi toda América y de otras regiones.

Marcharse de Zaragoza e ir a Madrid le resolvía una dura y muy difícil situación familiar. Sus padres ya estaban impacientes porque su hijo no resolvía su vida y temían que desviara el camino. Hasta entonces el joven se había comportado como una verdadera fiera: era famoso por sus reyertas y amoríos. En una Zaragoza de muchas tabernas y de mujeres hermosas, Goya era célebre por sus borracheras, y por sus amoríos con doncellas y con mujeres casadas, y además como signo distintivo de su carácter, por su afición a los toros. Muy a menudo firmaba sus cartas como "Francisco, el de los toros"

La suerte de matar (1773)

(dominio público )

Se dice que ya octogenario, Goya seguía haciendo alarde de su conocimiento de la fiesta taurina, de su erudición en materia de toros, toreros y plazas; y que además se jactaba de ser todavía capaz de dar pases al toro más pintado, lo que dice bastante del temperamento y la personalidad del gran artista. Goya siempre fue, antes que pintor, un español, y fundamentalmente un aragonés. Nunca despreció su cuna ni su origen sino más bien hacía gala de sus conocimientos sobre las costumbres y tradiciones españolas. Su pasión era España: su tierra, su sol, sus amores. Goya no podía desterrar de su corazón su afición al buen vino, a los toros, a las damas.

Desde que llegó a Madrid su vida fue de mal en peor. Le acontecieron hechos muy amargos. Sobre todo, los desprecios que frecuentemente tuvo que soportar de los académicos, de los pintores rivales, de los aristócratas de la corte, de los prelados principales de la curia eclesiástica, y además se vio sometido a persecuciones inquisitoriales y judiciales. Los relatos sobre su primera visita madrileña no son muy claros. Lo único que se tiene a final de cuentas, es que la vida le fue tan difícil que tuvo que huir de la capital, entre 1766 y 67, perseguido por la policía y por la Santa inquisición, con rumbo a Italia: primero Nápoles, luego Roma.

Madrid, en el momento en el que Goya había llegado, era una especie de La Meca para los aventureros de toda calaña. España y sobre todo su ciudad capital se debatían ya en la decadencia. Ninguno de los reyes había podido llevar al país por el sendero de la prosperidad y el orden después de Carlos V y de Felipe II. Se sumía en la oscuridad, y en lodazales, debido por una parte a la corrupción interior, que permeaba todos los niveles de la administración pública, y a todos los estratos de la vida moral y cultural.

Por otra parte, la Santa inquisición, temible institución eclesiástica, imponía el uso el miedo; enorme era el terror de ser castigado por ella, por los imprecisos delitos de apostasía, blasfemia o herejía, pero no afectaba al clero corrupto que inclusive exportaba la corrupción; venal y traidor a sus más altos niveles. España, desprovista del liderazgo reconocido a su iglesia, pese a mantenerse cristiana y católica, era un pantano de corrupción. De ésta, no escapaban ni los más altos príncipes seglares y laicos, ni los aristócratas o los funcionarios más ínfimos. Era tan común como las infidelidades conyugales, o las segregaciones nacionalistas (aragoneses, navarros, castellanos, gallegos, vascongados, catalanes, etc.).

Pues bien, ese exclusivismo dividía al país entero, fraccionando inclusive las ciudades en barriadas y parroquias. Las gentes combatían entre sí. Y la poderosa España era incapaz de resistir los saqueos coloniales de los corsarios y piratas; de ponerse en pie para evitar sucumbir ante los ingleses, ante los franceses, ante los holandeses. España a mediados del siglo XVIII entraba en el remolino de su decadencia. Los siglos de oro y de las luces, habían quedado atrás. El gran poder imperial se desmoronaba por la resistencia de las colonias y los saqueos de otras naciones europeas. Francia rivalizaba con España, desde un siglo antes. Y ahora Francia se aliaba con Inglaterra para desposeerla.

Por otra parte, en el siglo XVIII, tras la guerra llamada de sucesión española (1701-1715) que significó la salida de la casa de los Habsburgo (de origen austriaco) del reinado español y la entrada de la casa de los Borbón (de origen francés) se buscó la aculturación en fuentes extranjeras principalmente francesas.

Goya chocó con barreras en los ámbitos del arte y la cultura. Abundaban los guardianes celosísimos de los figurones consagrados que privaban a España de identidad popular. Dos veces intentó colocarse como becario en la Academia real de artes en Madrid, y dos veces fue rechazado. Antes que, a él, se dio lugar a los recomendados de las provincias mayores, principalmente a los andaluces y castellanos. Y él siendo un aragonés sin influencias en la corte, un desconocido sin obra, palurdo e ignorante, a pesar de sus recias raíces nacionales, no pudo obtener colocación alguna.

Lejos de continuar insistiendo en un afán por demás imposible, se infiltró en la decadente y arrogante existencia de los barrios madrileños, y habitó un tiempo en Lavapiés donde tuvo las dificultades por las que debió huir, como ya se dijo, del país. Se le acusaba inquisitorialmente de blasfemias y herejías, además de haber herido a tres contrincantes con un puñal y una honda en una reyerta tabernera.

Italia

En su huida, Goya se aseguró una cierta cantidad de dinero lidiando toros en ruedos provincianos. Llegó a Nápoles y siguió hacia Roma, en donde se alojó en una pequeña habitación de las afueras, con el dibujante y pintor Antonio de Ribera, amigo suyo desde Madrid. Goya permaneció ahí hasta 1771, sin alterar su modo de vida acelerada, muy dado a buscar pleitos en cantinas y aventuras de faldas. En más de una ocasión estuvo a punto de perder la vida en riñas por cuestiones amorosas. Se asegura que se entusiasmó tanto por una bellísima joven monja romana, que por poco la rapta del convento.

Algunos biógrafos desmienten estas versiones, pero, sin refutar su temperamento libertino, aseveran que su interés por las artes continuó en Roma y otras ciudades italianas; que Goya se entusiasmó por las proezas artísticas del alto renacimiento italiano; que escaló cúpulas y subió a retablos e iglesias; que no dejó detalle alguno de friso notable o de gárgola célebre sin observar; que estudió rigurosamente al lado de Ribera a los grandes pintores italianos, en especial a Tiépolo, que tanta emoción había causado cuando estuvo en España; que asimismo junto a Ribera estudió con el pintor francés Jacques-Louis David, el autor de El Rapto de las Sabinas y de muchas obras importantes, en especial las producidas años después durante la época de Napoleón de quién fue el pintor principal. Con Louis David se dice cuajó una gran amistad a la que posteriormente Goya habría de referirse como "lo mejor que había conseguido en Italia.

En fin, en Italia, Goya realizó algunos cuadros al óleo, los mismos que entusiasmaron a ciertos notables de la capital italiana, como por ejemplo al embajador de Rusia, quien los adquirió y varias veces intentó en vano convencer a su autor de visitar Rusia y quedarse un tiempo a pintar allá. O sea que, a pesar de no descartar las aficiones a los toros, a las mujeres, al vino, a las tabernas y a las reyertas, Goya mantuvo su postura como artista, como una personalidad llamada a grandes proezas visuales, que en todo momento añoraba retornar a su florida y soleada tierra natal. Es precisamente el temperamento fogoso y castizo de Goya, muy tejido en su ser intimo a las mejores tradiciones del arte español, el que, a pesar de mostrar interés por el arte de Italia, tan impresionante por sus obras renacentistas- le permite no perder su visión nacionalista, costumbrista y renovadora.

En efecto Goya que como sabemos comenzó a pintar desde niño, nunca dejó de pintar, de dibujar, de interesarse por el oficio y sus secretos. Obtuvo, antes de su retorno a España, el segundo lugar en un concurso local en la ciudad de Parma, y fue celebrado como pintor por su presentación del Aníbal vencedor contempla por primera vez Italia desde los Alpes.

Aníbal vencedor, contempla por primera vez Italia desde los Alpes (1771)

(dominio público )

Segunda etapa en Madrid

En el año de 1772 volvió a Madrid, gracias a la intermediación de Luzán, el padre Salcedo y la familia condal de Fuentes. Se le perdonaron las penas judiciales y eclesiásticas, y no solamente ello, sino que, por recomendación expresa de Luzán, pasó a formar parte del séquito de aprendices del taller de Francisco Bayeu, antiguo alumno de Luzán en Zaragoza, quien en esa época tenía gran ascendiente en la corte del Imperio y formaba parte de los pintores oficiales, siendo además miembro de número de la Academia real de artes de Madrid. Logró Goya entonces consolidar su apego con Bayeu. Al poco tiempo se ganó enteramente su confianza y logró que en 1774 su hermana Josefa le pidiera un retrato al óleo. Goya lo pintó en el curso de ese año, pero astutamente, muy a su modo y su carácter, aprovechó la oportunidad para cortejarla. Decidió abrirse paso en Madrid a como diera lugar, y deslumbrado por el esplendor de las cortes, se jactaba de que sería más famoso que Diego Velázquez, el gran pintor sevillano del siglo XVII, en obra y amores, cuando terminara la pintura de Josefa, y muy consecuente con su jactancia, acabó por desposarse con ella como prólogo obligado a su permanencia al lado de Bayeu y las cortes. Goya debió de casarse al acabar el año 1774 o principiar el 1775, y casi seguramente en Zaragoza. En el mes de marzo de 1774, notifica a todos sus conocidos su residencia en Madrid al lado de su esposa, y "su nuevo hermano" Francisco Bayeu.

Josefa Bayeu no representó para el pintor ninguna influencia importante, se limitó a ejercer su papel de esposa y ama de casa y el retrato que de ella entregan los biógrafos es el de una mujer buena, honrada, quizás un tanto petulante o bien pagada de sí misma, no repulsiva pero no una gran belleza. Se dice que tenía un carácter fuerte, temperamento impositivo y dominante, voluntarioso y tenaz, pero que esa personalidad se resquebrajaba fácilmente porque sólo era un barniz en un personaje sin mayor educación o habilidad. No representó ninguna fuente de inspiración para su marido. Pero éste no es un juicio justo porque con ella tuvo Goya nada más y nada menos que veinte hijos, lo que seguramente la dejó exhausta y deshecha porque de ellos solamente uno sobrevivió: Francisco Javier. Además, tuvo que soportar de Goya, por su temperamento fogoso, su personalidad ardiente y pasional, múltiples amoríos. Las mujeres de Goya se cuentan por docenas. Sus majas y manolas fueron numerosas, sin distinción de clase, rango, edad, belleza o atractivo. Tuvo buena fortuna en los asuntos del amor: lo mismo se le veía rendirse de pasión ante una cortesana de la crema y nata de la aristocracia madrileña, que ante una prostituta. Sus modelos fueron muchas y las más de ellas sus amantes, como la desconocida anónima que posó para las Majas: la vestida y la desnuda. También posaron para él mujeres de la corte, de abolengo, como la Duquesa de Alba.

Duquesa de Alba (1795)

(dominio público )

Generalmente fue bien correspondido, aun cuando ya era anciano. Y de todo ello siempre tuvo noticias doña Josefa, la bien sufrida esposa del gran pintor. Pero lo soportó todo con gran entereza y espíritu jovial y abierto. En todo caso, ella, su esposa, estaba bien segura de que los amores prohibidos de Goya no eran duraderos, como corresponde a la naturaleza de los donjuanes, y que siempre habría de volver a su lado. La buena doña Josefa se mantuvo como la compañera de Goya quien, a su vez, tuvo la seguridad de una mujer que siempre le esperaba en casa, que le servía no sólo de consuelo, sino también de soporte; ahí podía siempre refugiarse, después de cada aventura.

Los tapices

A principios del año de 1776, acaso por intermediación de su cuñado, Goya, el genio desconocido en ese entonces, recibió la comisión de realizar cartones al óleo para servir de modelo en los productos de la Real manufacturera de tapices. Inició su labor haciendo tal vez una media docena. En todos ellos se plasmaba lo mejor de su genio español: la temática, las composiciones, las figuras, los colores, la textura, los contrastes de luz y sombra. En estos cartones Goya se muestra como costumbrista dentro de las tradiciones españolas. El realismo es feroz, con gran despliegue de fieros y pasionales coloridos. Goya entregó los proyectos al director de la Real Manufacturera, sitio donde convergían los más altos talentos pictóricos de España y en donde se habían fijado en cuerdas y cordeles las obras magníficas de David y Tiépolo; de célebres pintores italianos; de los connotados de Flandes, de los sofisticados franceses, muy de moda entonces.

Después de recibir y examinar los proyectos de Goya, el director, don Rafael Mengs, los rechazó porque, según él, la temática, composición y figuras, eran demasiado del populacho. Goya recibió la comisión de rehacerlos y de conformarlos de acuerdo con lo imperante, es decir, lo clásico renacentista italiano, los claroscuros flamencos, las tendencias neoclásicas, campiranas y pastorales de los franceses. Goya renegó de su suerte. No comprendía cómo se podía despreciar lo español y sumergirlo en un segundo plano, cuando en primera instancia todo artista que se dignara serlo viviría agradecido por los temas que las costumbres y tradiciones del pueblo brindaban a su ojo perspicaz.

Los temas estaban allí, en la realidad de un pueblo agreste, con todo su refinamiento aun tremendamente bárbaro, y donde los contrastes de pasión y de temperancia se veían venir a cada instante de sus vidas. Tratándose de temas, España tenía los mejores. Pocos pueblos había en Europa Occidental que conjugasen en su ser la abigarrada transición de lo primitivo y de lo refinado. España vivía de contrastes. Ninguna otra nación como ella era tan reciamente una mezcla de razas, naciones, lenguajes. Donde lo árabe y morisco convivía con lo flamenco y lo gitano. Donde cada pueblo, cada villa, cada poblado, tenía dentro de sí un recipiente enorme de sorpresas contrastantes de costumbres, de tradiciones, de cultura.

En España lo español era sinónimo de una fundición recia de lo celta, de lo ibérico, de lo vándalo, de lo fenicio, de lo griego, de lo romano, de lo anglo, de lo sajón, y en donde como en ninguna otra parte de Europa se podía encontrar la supervivencia de pueblos como los gitanos o los vascongados, cuyos orígenes de raza, de lenguaje, de folklore se pierden en el tiempo. Solamente en una nación como España se podía ofrecer la convivencia áspera y feroz de lo gallego, de lo navarro, de lo andaluz, de lo castellano, de lo catalán, de lo vasco, de lo aragonés, etcétera. Una fusión sin precedentes y sin imitaciones posibles. Un caldero de cultivo de los temas más esenciales del ser humano, tanto en su barbarie como en su civilización, por la tradición y la costumbre. Goya no comprendía por qué habría de volverse hacia lo galo, lo italiano, lo flamenco. en busca de parangones. Pese a que fuesen las escogidas por las altas clases, las preferidas de quienes pagan mejor.

Sin embargo, se rindió. No era posible sobrevivir y sobresalir como artista y como pintor si no se rendía uno ante la preferencia insolente de la moda de las clases pudientes. Sus cartones al óleo para tapices entonces fueron tomando la temática adocenada, tan abominablemente académica, de los paisajes italianos, de las figuras pastorales galas y flamencas, de las escenas bucólicas de un neoclasicismo imposible. Pero en esos temas tan refritos, Goya fue introduciendo poco a poco, aquí y allá, donde pudo, las costumbres y tradiciones que no por ser italianas, flamencas o francesas no podían ser también españolas.

Fueron apareciendo entonces, paulatinamente, en la medida en que los tapiceros realizaban sus cartones y los tapices se vendían, temas españoles más goyescos, además. Se vieron cuadros deslumbrantes de los cartones al óleo que, luego transformados en tapices, le fueron dando un sitio internacional, muy europeo. Tapices como El quitasol, Las pastoras, Los bebedores, Niños cogiendo fruta, etcétera, lo consagraron y Goya se fue haciendo dueño de la alegoría, de la anécdota, de la temática mundana.

Niños cogiendo fruta (1778)

(dominio público )

Fue conformando su arte nacionalista con notables raíces en la tradición y las costumbres populares. Entonces fue celebrado como un renovador. Sus tapices se pusieron de moda y eran adquiridos a precios elevados.

La vendimia (1786)

(dominio público )

La vendimia cuyo tema es europeo pero cuyo colorido y atmósfera son españoles. no se trasladó al tapiz y se quedó en cartón al óleo, guardado como joya. porque los tejedores de la Real manufacturera, alegaron, quizá con justa razón, que no podían pasar del cartón al encordado de tapicería el diseño del cuadro. Era imposible. según manifestaron, trasladar toda la jovialidad de ese colorido, todo ese bullicio de figuras manifestantes. etcétera. a los cordeles. No era posible hacer de La vendimia un tapiz. Fue pintado como un cuadro al óleo y como tal debía quedarse, si es que no se pretendía estropearlo. Tal noticia enojó a Goya: el tapiz debería ser realizado porque para ello el cartón había sido pensado. Pero poco a poco, en la medida en la que no solamente sus tapices, sino sus cartones, y los bocetos de los cartones, hasta el más pequeño esbozo suyo fue apreciado y guardado como un tesoro en los arcones de los museos y las salas del mejor buen ver del Madrid de aquellos años, se fue convenciendo que su arte podía ser más valioso sin la reproducción en el tapiz.

El Quitasol (1777),

(dominio público )

Entonces, ya muy dueño de sí mismo, famoso y bien pagado, decidió dejar de laborar para tapicería y dedicarse exclusivamente a la pintura. Goya de ser un diseñador de artesanías se convirtió en pintor, conocido y celebrado, no sólo por las altas clases sino también por el pueblo. Su celebridad cortesana y aristocrática rivalizaba con su popularidad.

El pintor

Era el año de 1791, ya había pintado y diseñado más de cincuenta grandes óleos para tapices; casi todos bien vendidos; los más, atesorados en las salas de particulares y de museos. Estaba en el momento de ascenso. Surgía como una estrella pese a la decadencia de España. Goya era revolucionario.

Cuando Carlos IV ascendió al trono de España en 1788, Goya fue ascendido al rango de Pintor del Rey, España y de sus cortes, título que en todo el gran imperio no existía. Los rangos se sucedieron hasta colocarlo en una situación sin parangón en la historia de la pintura. En 1795 fue nombrado director vitalicio de la academia real de artes de Madrid; en 1799 Primer pintor mayor del reino y del imperio.

Dice Goya de sí mismo en una carta:

... la familia real ha admirado mis obras y la emoción me rebosa por los poros. Si tuviera más espacio aquí te contaría en detalle de lo mucho que me honró el Rey y el Príncipe y la Princesa. Sobre todo, ella que por la Gracia de Dios me instruyó enseñarle algunas pinturas mías más. Y le mostré cuatro. Me permitió entonces besarle la mano y sentí tal dicha satisfecha que no había sentido aún jamás. No podía desear más en que les gustaran las obras que me han visto, muy según el parecer de ellos y ellas. Pero lo que más a mí me place es el haber sido aceptado totalmente por las cortes. No podía desear más. Y de hecho no hay más por desear. La satisfacción mayor es haber gustado a sus Altezas. Y he logrado a través de mi obra hacer bien valer mi nombre. Y mi trabajo. Ahora nadie puede desviarme de mi camino, a no ser Dios. Empiezo a lograr lo mucho que he trabajado y logrado hacer con todo esfuerzo honrado. De aquí no me sacarán ni los muchos enemigos              que al parecer empiezo a tener gratuitamente ahora.

Goya, que padecía del oído desde comienzos de la década de los ochenta, quedó sordo en 1792, lo que le obligo a renunciar a cargos y honores, excepto al de Pintor primero del reino y de las cortes.

En esos momentos de triunfo, consecuencia de su celo por el trabajo disciplinado y pasional. Goya empezó a dar a conocer sus "obras íntimas", por ejemplo, la prodigiosa serie de grabados inspirados en las obras de Diego Velázquez. Esta serie, de la cual se guarda hoy la colección denominada Gravados de las Obras de Velázquez, muestran a un Goya ya plenamente dueño de su genio, con dominio de los grandes temas de la historia del gran arte español. Allí se encuentra un Goya diestro en el arte del grabado que no sólo rendía honores al gran pintor español Diego Velázquez (1599-1660) sino que ambicionaba superarlo. Por ello lo copiaba y lo imitaba. Se deleitaba hasta el cansancio y hasta la extenuación en la incesante reproducción de sus temas, de sus atmósferas, Goya tomó a Velázquez como la culminación de todo el arte de España y admitió su influencia; también tomó como ejemplo en el dominio del claroscuro al holandés Rembrandt y como fuente de inspiración a la naturaleza y a lo español. Velázquez, Rembrandt, la naturaleza y lo español fueron los manantiales de los que se nutrió.

Con su sordera el arte de Goya se fue haciendo poco a poco, por así decirlo, "goyesco", mucho más incisivo, penetrante, cáustico, con una nueva originalidad y magnificencia en temas, composiciones. coloridos y figuraciones surrealistas. Al parecer se las ingenió muy bien para expresar lo que deseaba y para cumplir con los formalismos y protocolos que estaba obligado a respetar. La sordera lo sumió en un aislamiento del cual solamente lograba eludirse merced a su inagotable vena de imaginación creativa. Goya en este periodo, en la década de los noventa del siglo XVIII, pintó o dibujó sus obras más celebradas, las más fieles a su paradigma artístico, las más incisivas y goyescas.

Como lo menciona en el fragmento de la carta arriba citada, ciertamente el aragonés tenía enemigos. Los mismos que malograron su petición al Rey de ser nombrado Pintor de las cortes en la década de los ochenta de ese siglo XVIII. Los mismos que le hicieron la vida tan difícil en Madrid y que lo obligaron a buscar refugio nuevamente en Zaragoza, fuera de las envidias y de los celos que se generalizaban contra él. A propósito: en sus estancias en Zaragoza se dedicó a engalanar la ciudad entera con su arte. Las casas de la aristocracia, los salones de fiestas, las capillas, las bóvedas de las iglesias, muchos, muchos muros recibieron la mención de su nombre al pie de una pintura.

Empezó a perfeccionar su pintura de caballete al óleo. Hizo innumerables cuadros en la década de los ochenta. Y no menos en la de los noventa. La alborada del nuevo siglo le sorprendió pintando con frenesí, con pasión, en plena madurez. Realizó muchísimos retratos, principalmente de aristócratas. Ya celebrado por las cortes, ahora lo fue por la iglesia. Y su arte se derramó entonces no solamente en maduro genio hacia lo mundano y lo frívolo, sino también hacia lo religioso y lo místico. Abundaron sus frescos, óleos, murales, estampas religiosas. Brotaron como un torrente los cuadros de inspiración mística y de recreación de escenas consagradas por el catolicismo. Goya empezó a ser entonces celebrado continentalmente. Sus cuadros alcanzaron precios elevados: empezó a hacer fortuna. Tuvo gran demanda como retratista y paisajista y pintor de alegorías paganas y mundanas, frivolidades éstas para el gusto de la rancia aristocracia. E igualmente como artista religioso fue muy celebrado y aceptado por el alto clero no solamente de Aragón sino de todo el país.

La gallina ciega 1788

(dominio público )

La decadencia de España

El reinado imperial de Carlos III, que lo mantuvo al margen como pintor de las cortes, terminó el día 14 de diciembre de 1788 con la muerte del monarca. Subió al trono su hijo, como Carlos IV, con quien se hace evidente el derrumbe de la nación. Se dice de este nuevo monarca que era tan débil y enfermizo físicamente como vano y pedante en lo psicológico. Toda su conducta era, la de un débil pavo real. Por su boda con María Luisa de Parma, que era tan fea como ambiciosa e intrigante, el Rey parecía un figurón en el trono. El verdadero poder pasó de más en más a los aristócratas y a los señores feudales, cuya cabeza era el primer ministro Manuel Godoy, encumbrado, por ser el amante de la reina, desde la posición de simple guardia de infantería hasta la del más alto funcionario de la nación.

La decadencia de España con el nuevo monarca se hizo palpable en toda Europa. Inglaterra había llevado a cabo la formidable revolución industrial que la convirtió en el mayor imperio del mundo, con control sobre los mares. Pronto le disputó a portugueses y españoles los enclaves estratégicos más apreciados en los cinco continentes. Holanda y los Países Bajos, por su parte, imitaron rápidamente a los ingleses. Y lo mismo Francia y los estados alemanes. Austria-Hungría y Rusia eran enormes imperios entonces, dueños del corazón de Europa continental. Y los países escandinavos con todo y su desmembrada federación, resultaban ser más importantes económica y políticamente que los mismos españoles. España marchaba hacia su declive histórico. El nuevo siglo, el XIX, la encontraría en pleno derrumbe, siendo presa de aquellos que deseaban hacerse dueños de la entrada al Mar Mediterráneo. En el amanecer de la nueva era España se frenaba y venía abajo. En el fondo, no le esperaban sino los depredadores: las aves de rapiña de los grandes imperios europeos, y, asimismo, malamente, los desgarradores de sus entrañas: aquellos a quienes podía afectar principalmente una renovación, una puesta a mano con el curso de los tiempos: la aristocracia, los señores feudales, el alto clero, los barones militares. El pueblo de España se debatía entre el hambre y los sufrimientos, mientras las clases pudientes usaban los dineros del pueblo (y de sus colonias en América que no eran menos) para sus fiestas y boato.

Un fantasma asustaba a Europa: en Francia había estallado la revolución burguesa más importante de todos los tiempos, que en pocos meses pasó de la Convención de estados generales al Directorio y luego al Consulado y a las guerras napoleónicas (e inesperadamente al Imperio y a la restauración, con lo que todo volvió al punto de partida en lo esencial, aunque se dio gran avance en el ámbito de la representación y de las libertades democráticas).

La invasión francesa

En 1808 los ejércitos franceses de Napoleón I, penetraron en territorio español, y Carlos IV y su hijo Fernando VII fueron obligados a abdicar. El momento del desmoronamiento de España sobrevino. La dinastía monárquica cayó a favor de los usurpadores franceses a cuya cabeza se puso José, el hermano mayor de Napoleón Bonaparte, quien se hizo llamar monarca supremo de España. La rebelión comenzó y el pueblo se puso en armas desencadenando la resistencia y también la guerra civil.

2 de mayo 1814

(dominio público )

España ya no volvería a levantarse, ni como gran reino, ni como imperio. De allí en adelante su sino sería de martirio, de sacrificios, de dolencias y de penas.

Goya retuvo su puesto de pintor oficial de la corona y de las cortes, suceso que no le perdonan ni siquiera sus más fanáticos seguidores y admiradores. Cuando sobrevino la restauración y en el año de 1814, ascendió al trono de España el monarca legítimo por sucesión dinástica, Fernando VII. Goya fue perdonado por servir a un rey extranjero. Entonces presentó públicamente sus pinturas de ese período, como anhelante no solamente de perdón, sino de total reivindicación y comprensión.

Los caprichos

La fama de Goya como gran artista no se vio menguada por el desastre nacional. El perseveró, años antes de la gran debacle comenzó a exponer, no solamente la decadencia de una clase social en agonía, sino asimismo el eclipse del imperio; y la fragmentación y desvanecimiento de una nación. Esto se puede apreciar desde los retratos de reyes, cortesanos y aristócratas que Goya fue realizando en la alborada del siglo XIX hasta la serie fantasmagórica que se titula Caprichos, una variedad de cerca de 85 dibujos en aguafuerte que fueron publicados hacia 1800.

Caprichos 1797  1799

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Allí mediante el despliegue de un realismo expresionista deformado hasta el extremo de la caricatura, Goya expresa prodigiosamente toda una vasta gama de acusaciones y de críticas satíricas en contra de las estructuras culturales, religiosas, sociales, políticas, aristocráticas y cortesanas. Más que ninguna otra serie de grabados, litografías o pinturas, son los Caprichos la culminación vertiginosa de lo goyesco. En ellos se encuentra lo mejor de Goya, porque hace de su arte una presencia irrepetible, original y contemporánea. Más que una conjunción de excentricidades y de extravagancias, la serie de Caprichos es por una parte uno de los puntales mayores de toda la historia del grabado pictórico de una imaginación desbordante y febril, de un fervor pasional que no se detiene ante la necesidad de introspección de quien la ejecuta, sino que llega a alcanzar a toda la sociedad y a la historia. Por ello Los caprichos manifiestan una serie de visiones coherentemente estrechadas y vinculadas entre sí, sobre obsesiones palpitantes que afectan a todo ser humano. Fueron hechas para perdurar, y cierta y seguramente hasta nuestros días perduran.

Los Caprichos, fueron presentados por la Santa Inquisición como pruebas de herejía, blasfemia, apostasía, rebeldía, etcétera. En ellas precisamente se apoyaron las negras sombras siniestras del alma española para condenar a uno de sus hijos más prodigiosos. En su momento, escandalizaron y conmovieron la conciencia de las altas castas españolas. Fundamentalmente los hipócritas cortesanos alrededor de un rey pelele y débil, y una reina tan horrenda como ambiciosa, unida a un Manuel Godoy, tan insaciable como artero. Los Caprichos fueron lo que son, la pesadilla de la decadencia y de la sofisticación de la barbarie y de la represión.

La crítica social

El Coloso

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La pintura el Coloso, la enorme figura por encima de la montaña y de los hombres, es un símbolo del poder que se desentiende de la sociedad; es la autoridad legitimada exclusivamente por su fuerza y desprecio a lo demás. Es, por decirlo así, un símbolo intemporal, porque tiene una validez permanente y a la vez ubicuo porque se presenta en muchos lugares simultáneamente: es una definición del Estado basado en el poder de los más fuertes.

Goya mantuvo su misma tendencia a la representación realista exacta de su tiempo, en retratos e incluso en sus obras con motivo religiosos. Su convicción pasional tan íntima, de que lo que hacía era lo correcto, lo llevó a pintar o grabar lo repulsivo de la decadencia de España, aun cuando le pidieron pintar imágenes religiosas. Por ejemplo, en los frescos que decoran de cúpula y paredes de la nave de la iglesia de san Antonio de la Florida en Madrid. Allí las representaciones de las imágenes ya manifiestan la repulsión íntima del pintor. Por supuesto no enteramente. De igual forma los afamados retratos que Goya realizó en ese entonces para los aristócratas.

Bovéda de San Antonio de la Florida

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La familia de Carlos IV 1801

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Las pinturas del Rey Carlos IV, de la reina, de la familia real, y del mismísimo temible Manuel Godoy, llevan la impronta de la repulsión de Goya por semejantes  personajes. Hay en su obra un sentimiento mordaz, de inconformidad ante los excesos de la corrupción, el retrato minucioso de un rey gordo, de una matrona fea, de un funcionario voraz y pedante hasta el exceso de que su figura y su rostro sin expresión, contrastan con la relumbrante magnificencia artesanal del uniforme que portaba, muy a pesar de su gesto y porte de temible triunfalismo. (Algo semejante hizo Diego Rivera, como se puede ver en sus murales del Palacio de México, cuando pinta a los conquistadores, en particular a Hernán Cortés. Lo que contrasta con el tratamiento que da al mundo indígena).

Hubo una excepción en el arte del Goya último, en donde el artista vuelve a recrear la belleza y la armonía: y ello es precisamente en la recreación artística de la vida de sus majas, de sus manolas, de sus mujeres.

Doña Isabel Cobos de Porcel (1805)

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Damas, doncellas. cortesanas desconocidas, inclusive sirvientas y meretrices. fueron exaltadas por Goya como vivificación esperanzadora de un mejor destino. Sus mujeres, muchas de ellas, las más perfectamente logradas, totalmente anónimas, son en este momento del arte de Goya de principios del siglo XIX la manifestación de sus anhelos, todavía palpitantes, de belleza, de armonía, de éxtasis, de recreación de lo virtuoso, de lo perfecto.

Maja vestida (1800-1807)

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Maja desnuda (1800-1807)

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Así, fue pasando del expresionismo realista cáustico y mordaz a la caricatura y a la elección de temas muy sorprendentes para un artista de su renombre y de su posición. Por ejemplo, en los años finales del siglo XVIII realizó una nueva serie de pinturas y de grabados, la cual tituló mordazmente Diversiones nacionales, en la cual se incluía un vasto número de litografías sobre los manicomios españoles y las casas de curación mental de la aristocracia española. Al ser interrogado por la Academia real de artes de Madrid, del porqué de la elección de una temática tan macabra y llena de zozobras, Goya solamente exclamó que en ninguna otra parte de toda la nación española había podido encontrar una veta tan inagotable de temas y de figuraciones del más puro realismo expresionista, las cuales están preñadas de una dotación genuina de fantasía y de invención; que allí había podido desplegar las mayores habilidades de su arte.

Diversiones nacionales

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Sin embargo, su número y cantidad es ínfimo en contraste con las pinturas en la que deforma a los personajes para mostrar la decadencia, lo horrendo y lo grotesco, que el observador del arte de Goya no puede menos de aseverar que el gran artista debió haber padecido en los últimos años de su vida, más de lo que antes disfrutó. Cabe observar que es frecuente entre grandes artistas que al final de su vida, cuando las resistencias psicológicas disminuyen, se inclinan hacia lo grotesco unos y otros hacia lo lascivo, si llegan a una edad avanzada en plenitud creadora.

La carga de los mamelucos, Fusilamientos del 3 de mayo, Defensa de Madrid, son manifestaciones evidentes de que Goya, pese a que ocupó la membrecía oficial de un gobierno usurpador y espurio, más nefasto y corrupto que los autóctonos, mantuvo su posición como artista y como hombre al lado de los defensores de la Patria, de los resistentes contra el invasor.

Los Fusilamientos del 3 de mayo (1814)

(dominio público )

Se atrevió a publicar y dar a conocer una nueva serie de aguafuertes y litografías, llamada los Desastres de la Guerra, que muestran el horror de la guerra y nos muestran la composición, lo figurativo del realismo expresionista goyesco, y depura su técnica excelsamente.

Los Desastres de la Guerra (1810-1815)

Sin embargo, al lado de Carlos III, Carlos IV, José Bonaparte o el mismo Femando VII, Goya no pudo menos de dejar de plasmar su ferviente y pasional amor por su suelo y su nación, sus costumbres y sus tradiciones, aplastadas definitivamente por la decadencia y la estupidez, la venalidad y la corrupción. Ello le llevó a enemistarse con el rey, la familia real, los aristócratas, el alto clero, los señores feudales, la Inquisición, y finalmente guio sus pasos hacia el exilio y la muerte. La historia, larga y sinuosa, no ha concedido todavía a los pueblos la justicia y la libertad (salvo durante breves periodos que indican la posibilidad de que a partir de algún día puedan vivir de una manera digna, como el ser humano se lo merece por el hecho de serlo).

Goya realizó una serie final de inigualables autorretratos, luego la llamada serie negra de paisajes, y finalmente nuevas series que continuaban a los Caprichos y a los Desastres de la Guerra: Proverbios y Disparates, éstos últimos no publicados por voluntad testamentaria, hasta después de su muerte, en el año de 1864. En esta producción final, más que nunca se plasma la pesadilla del sufrimiento y el martirio de la nación española, pero junto a ella aparece ya la propia desesperanza de Goya, su desprecio, su cinismo, su pesimismo, su mordacidad, su sarcasmo.

Disparate

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El final

En 1824, mientras España se debatía por crear y consolidar un gobierno liberal republicano, Goya; ya senil, a la edad de setenta y ocho años, emprendió camino fuera de España. Marchó a Francia, estuvo un tiempo en París y finalmente decidió residir en Burdeos. Más tarde realizó un último viaje de compromiso a Madrid. Volvió a Burdeos y allí falleció el día 16 de abril de 1828. Tenía al momento de su muerte ochenta y dos años. En sus últimos días hizo muchos retratos, principalmente de exiliados españoles. Y su mayor preocupación artística fue la de recrear a Rembrandt y conjugarlo con Velázquez. En los retratos más afamados de su último periodo abundan los temas y composiciones sobre claroscuro.

Don Francisco José de Goya y Lucientes no fue recobrado por el arte español sino ya muy posteriormente a su muerte. Más tarde inclusive de que se dieron a conocer públicamente sus obras más celosamente guardadas, como los mencionados Proverbios y Disparates. Empero Goya fue rescatado por el arte universal.

Galería

(dominio público )

Autorretrato (1775)

Nieto de Goya entre (1812 y 1814)

Detalle de los frescos de la ermita de San Antonio de la Florida

Perros en traílla, (1775)

La conducción de un sillar o La obra (1786 -1787)

Cristo crucificado (1780)

La familia del infante don Luis de Borbón (1784)

Los duques de Osuna y sus hijos (1788)

Cómicos ambulantes (1793)

Asalto de ladrones (1794)

La duquesa de Alba (1797)

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Acerca del autor

Óscar René Cruz

Acerca del autor

Óscar René Cruz Oliva Acerca del autor Óscar René Cruz Oliva Nació en la Ciudad de Guatemala en el año de 1933.

Estudio licenciatura y doctorado en la Unam y Politécnico respectivamente.

En 1977 fundó Publicaciones Cruz O.S.A y Librería Cruz O.S.A. En 1999 se creó, dentro de la segunda empresa, www.libros.com.mx que fue una de las primeras librerías virtuales en México.

El primer libro con cuentos y relatos escrito en México data de 1968. el segundo “La Taba” se publicó en 1973. Luego lo reeditó bajo el nombre “lo que ella había escrito”, editorial Grijalbo) en 1980.

En 1976 apareció el primer libro de palíndromos, el primeo en sentido estricto, no sólo como el primer libro del autor sino como el primer libro publicado en México y quizá el todo el mundo de habla española.

El segundo es un poema palindrómico, que ocupa toda la extensión del libro (154 páginas). fue publicado bajo el título de “Palíndromo-Total.  Oh, Ave de Vaho”, en el año 1987.  En este libro el autor ya puso especial atención al aspecto de la presentación del texto.

En el año 2003 publicó la novela “Hombres con Alas de Cera”.  Al año siguiente se cumplía medio siglo de la intervención norteamericana en Guatemala.  Debido a la guerra interna que este país había vivido durante cuarenta años, después de aquella intervención, no existía escrito ningún testimonio de ella.  Para el autor era un imperativo vital contar esa historia.

En año 2004 escribió un libro para promover la escritura a través de los palíndromos.  y en este 2006 publicó las Minificciones Palindrómicas, en las que se proponen nuevas formas de presentación de los textos, para reforzar la intención narrativa.

En año 2009 publicó su segunda novela “El Presidente Olvidado” Esta obra hace la pintura de uno de los pocos seres que, a partir de cero, obtuvo los más altos logros; reconstruye, mediante esta bio-ficción, el retrato de una personalidad formada en contacto con la naturaleza y con los seres humanos, muy lejos de los libros y de la escolaridad: no aprendió a leer y escribir, no quiso hacerlo, y gobernó cerca de 28 años. Con este libro el lector se informa y a la par disfruta.

Óscar René Cruz Oliva murió en la ciudad de México 11 de julio 2012.