Introducción

Hace tan solo unos meses, mientras escribía una de mis novelas, me di cuenta de que estaba completamente bloqueada.

Eso es uno de los dos traumas más grandes para cualquier autor. El famosísimo bloqueo. Al mismo tiempo mi cabeza bullía en argumentos, en vivencias, en personajes para un nuevo libro que, por supuesto, aún no está escrito, pero que ya tomaba forma.

Segundo trauma, el también famoso reto del folio en blanco.

Tenía un mes entero de tiempo por delante ya que estaba convaleciente de un pequeño accidente doméstico, con lo cual, me frotaba las manos ante el tiempo extra para escribir y para seguir documentándome con vistas al libro.

No exagero si os cuento que llevo casi dos años documentándome para él, viendo reportajes, leyendo, estudiando, viendo documentales en Youtube, asistiendo a conferencias…

Sin embargo, ante tanto tiempo y con cinco capítulos ya escritos comencé a darme cuenta de que lo estaba haciendo mal, algo no funcionaba y lo peor de todo era que no sabía qué.

El mes se pasó volando entre médicos, partes de baja, más documentales y más lecturas. Me forzaba a escribir pero las palabras no me salían.

Lo aconsejable en estos casos, según dicen es tomar distancia, ver el libro con perspectiva, desde otro ángulo o punto de vista, cambiar el narrador o simplemente, dejarlo reposar. Ocuparte de otras cosas y volver al libro tras un tiempo de distancia.

Nada funcionó.

La frustración era un sentimiento que me ocupaba por entero.

¿Cómo podía haber echado un mes de tiempo libre a la basura de esa forma tan improductiva?

La desesperación, y os juro que la sensación es desesperante, me llevó a escribir un email a dos de mis amigas que siempre me ayudan en los textos, mis correctoras y consejeras, pidiéndoles auxilio.

Les conté lo que me ocurría, la sensación de frustración que no podía quitarme de encima, los fallos que yo creía que tenía el libro, lo que quería hacer, lo que quería contar, lo que me preocupaba contar ante todo… les mandé el manuscrito de los cinco escasos capítulos que tenia escritos y en cuanto envié el correo se hizo la luz.

Al escribirles a ellas me di cuenta de dónde estaba el fallo y era una simple muda temporal.

Quizá soy de ese tipo de personas que necesita verlo todo por escrito para conocerse mejor o para recapacitar, pero lo cierto es que escribirles me resultó terapéutico.

Esa idea, la de escribir para sacar todo lo que una lleva dentro, se me quedó en la cabeza. Me resultaba extraño, a mí, que tanto utilizo las palabras, que el simple hecho de poner ms pensamientos por escrito me hubiera ayudado y de una forma tan inesperada.

Para mi escribir es un modo de comunicar, de contar aquello que me interesa y que creo que debe ser contado, pero la idea de comunicarme conmigo misma fue un descubrimiento.

O más bien redescubrimiento.

De pequeña (y no tan pequeña) llevaba un diario con mis vivencias en el que hablaba de mis sentimientos, de mis sueños y de todas aquellas cosas que son importantes a esa edad. Al crecer, dejé de hacerlo. Dejé de escribir diarios porque me parecía algo infantil, pueril quizá, intranscendente.

No sé si mi sueño de ser escritora viene de escribir aquellos diarios o si bien los diarios ya eran una forma de vocación temprana de autora.

Sea como fuere, al crecer y mantener ese sueño de escribir, de publicar libros, de comunicarme, dejé de darle importancia a la intimidad y comencé a dejarme llevar por la vanidad y el ego, como la mayoría de autores.

Este hecho de sentirme bloqueada, de tener el reto de comenzar algo nuevo desechando aquello que creía que estaba mal junto al hecho de comenzar a publicar mis primeras novelas, me ha hecho plantearme varias cuestiones.

¿Por qué escribo? ¿Para qué quiero ser escritora?

Me di cuenta de que escribir es un acto de comunicación pero también de conocimiento propio.

Al escribir reflejamos nuestras vivencias, nuestros sueños, nuestros ideales, nuestra forma de ser. No podemos tomar una distancia total de la trama o de los personajes, siempre hay una impronta nuestra en cada una de las obras que acometemos. Y al mismo tiempo, verme privada de ese fluir de palabras y recuperarlo, me hizo pensar que la escritura tiene bastante más de terapéutico que el simple hecho de escribir.

Comencé a indagar en el tema, en cómo las palabras tienen vida propia y significados ocultos que nosotros podemos ir desentrañando al juntarlas para contar una historia, un relato, un cuento.

Me di cuenta también de que debía abandonar mi ego, comenzar a ser aquello que de verdad quiero ser sin imposiciones y sin obligaciones. He revisado mi vocabulario para separar la palabra ventas de la palabra éxito o la palabra reconocimiento de la palabra superación, y también sé que en ese aprendizaje, en esos momentos en que escribía pensando que jamás vería mis libros publicados, he ido creciendo como persona.

La palabra está viva solo cuando sirve para comunicar.

El mundo está lleno de palabras huecas que no dicen nada y que todo el mundo escucha.

Las estanterías están llenas de un conocimiento que va más allá de lo pedagógico o lo académico, y también de cientos de libros que nos pueden entretener pero que no nos dejarán un poso, una emoción, porque están escritos solo para tener resultados de ventas y a los que se les olvidó poner el alma en ellos.

A veces las historias más simples son las más profundas.

A veces las más complejas se quedan en la superficie.

En ciertas ocasiones los que hablan son los espacios en blanco y las entrelíneas y los personajes, que tienen un diálogo propio, no dicen absolutamente nada.

Muchas veces un libro, una historia, solo nos entretiene y eso ya es mucho, de hecho, puede ser muy difícil lograrlo.

No es fácil entender estos conceptos y menos aún aplicarlos a una novela porque quizá la acción del libro debe continuar siempre.

A mí, tras esta experiencia, se me ocurrió recopilar todo aquello que fui buscando y encontrando en mis indagaciones, reunir mis propias conclusiones y contároslo en un libro sencillo, en una especie de cuaderno donde la palabra es la protagonista absoluta y la acción es ese viaje interior que podemos emprender si decidimos escribir para que las palabras nos sanen, para que nos ayuden a comprendernos y a dar luz a aquellos rincones oscuros de nuestra alma o de nuestro inconsciente.

No me cabe duda de que la palabra sana, y no me refiero al bíblico “Lázaro ¡levántate y anda!” pero al mismo tiempo puede ser algo similar.

Siéntate y escribe.

La palabra como terapia.

El arte es uno de los medios más favorables por los que se logra desnudar el alma y hacer que afloren los sentimientos y las sensaciones que a veces ni nosotros mismos conocemos.

A veces, un cuadro, una música o un poema, despierta en nosotros una reacción íntima que, tal vez, irá ligada a algo que pueda tener un significado en nuestro inconsciente.

En otras ocasiones puede despertar sentimientos o emociones que no afloran fácilmente porque, en el medio en que nos desenvolvemos estamos acostumbrados a ocultar.

Los poemas, al hablar de sentimientos y de emociones, son un arma con la cual resolver aquellos problemas o trastornos emocionales, haciendo afluir al exterior todo aquello que de forma inconsciente vamos guardando.

Las palabras pueden ser entonces un puente entre nuestras emociones y nuestra realidad.

Una forma de conocernos a nosotros mismos, de hacer ejercicios de introspección a través de los vocablos que vamos usando y de los conceptos que, inconscientemente, ponemos sobre el papel.

Beneficios.

- Exploración de nuestros sentimientos.

- Exploración de nuestras emociones.

- Exploración de nuestros recuerdos y recovecos de la memoria.

- Apreciación del significado de ciertos arquetipos que pueden tener un sentido concreto en nuestro inconsciente.

- Localización de un momento y de una sensación de relajación que puede ayudarnos, posteriormente, a la toma de decisiones.

- Mejora nuestra forma de comunicarnos y relacionarnos con el medio que nos rodea.

- Activa la creatividad.

- Conocimiento del propio yo.

- Mejora las habilidades cognitivas. (Comprensión, memoria, pensamiento, percepción, atención, lenguaje, orientación, praxis, razonamiento, metacognición)

- Logramos una mayor flexibilidad mental, por lo tanto, desarrollamos una mayor habilidad para adaptar conductas y pensamientos a distintas situaciones en las que nos encontramos y aprendemos a desarrollar estrategias para resolver problemas.

Método del ensayo.

En principio vamos a tratar de conseguir hacer un análisis grafológico que nos ayude a conocer los rasgos principales de nuestro carácter y tener, de esa forma,  un arma válida para poder corregir o modificar aquellas conductas que creamos necesarias.

Hablaremos de ciertas licencias poéticas que podemos utilizar al escribir textos y que pueden tener relación con los arquetipos, con las imágenes mentales y los paradigmas o modelos que permanecen en la memoria colectiva o individual. Hablaremos de los mitos, de los tótems, de los tabúes y de su presencia en nuestras vidas.

Veremos una introducción a la poesía y a los textos poéticos como una forma de poner en palabras los sentimientos y emociones que relatamos en las historias. Con ello, comenzaremos a aceptar nuestras emociones, facilitaremos el reconocimiento de nuestras estructuras mentales rígidas y tendremos la posibilidad de convertirlas en historias.

De entre toda la poesía, haremos un inciso en la poesía japonesa. La estructura en versos cortos de los poemas japoneses, que no admiten rima y basados en temas relacionados con la naturaleza a los que se les puede dar un toque de subjetividad, me parece que es una buena forma de comenzar a escribir poesía. La métrica especial de esta poesía la hace perfecta para mantener una línea recta de pensamiento firme, sin retórica que nos distraiga y también implica tener que poner cierto orden en los pensamientos y emociones que plasmamos al papel.

Hablaremos de la poesía confesional y de los poemas eróticos como modo de romper barreras íntimas sobre temas que siempre han sido censurados.

Hablaremos de los mantras y de las oraciones, de los ensayos y los relatos  con el fin de que tengáis información suficiente en el momento de elegir cómo desarrollar vuestra escritura, en qué formato.

Os daré unas pocas directrices para que la literatura pueda salir de los libros y podáis publicar en internet a través de blogs y páginas web.

Haremos un apartado a la terapia conversacional y a la escucha activa.

Aprenderemos a escribir más allá de nuestro ego y a intentar deshacer los nudos afectivos o sociales que podamos encontrar en nuestros escritos, así como a superar la resistencia a mantener ocultas las emociones y a desnudar el alma.

Os propondré unos pocos ejercicios para mejorar las funciones cognitivas, la inteligencia emocional y jugar con las palabras.

Este va a ser un viaje a través de las palabras que pueden ayudar a sanarnos desde dentro, exteriorizando aquello que tal vez no nos atrevemos a decir de forma consciente o en voz alta.

Grafología

La grafología es la ciencia que nos permite conocer los rasgos de carácter de una persona a través de su letra.

En un par de folios escritos a mano, podemos ver no solo sus rasgos principales sino también posibles defectos o trastornos de personalidad.

Del mismo modo, hay una ciencia que explica cómo corregir ciertas tendencias negativas de nuestra mente a través de la corrección de la escritura y de sus posibles vicios a la hora de practicarla tales como la forma de coger un lápiz, de poner los folios en la mesa, de sentarnos, además nos habla de nosotros mismos según nuestra letra.

En grafología hay que distinguir varios trazos que por sí solos ya nos están dando información vital sobre la persona que haya escrito esos folios que queremos analizar. En este caso yo propongo que nos analicemos a nosotros mismos escribiendo dos folios de redacción libre, a lápiz no bolígrafo sobre un papel en blanco, sin líneas ni cuadrículas, escribiendo aquello que se nos ocurra, sin barreras mentales de ningún tipo, sin pensar en lo más mínimo en la ortografía, en el léxico o en la redacción y firmarlo al terminar. Todo ello junto nos dará mucha más información que si somos cuidadosos en las reglas ortográficas o que si copiamos un texto ajeno en el que no nos podemos ver reflejados.

A continuación os describo distintos rasgos según la letra y su posicionamiento en el papel.

Tamaño

El tamaño de la letra siempre nos habla del auto-concepto, de la confianza en uno mismo, que puede ser real o figurada.

Si la letra es muy grande, algo un poco exagerado, nos habla de una persona con una gran necesidad de llamar la atención, de ser el centro en todo momento o de que sentir el respeto de los demás es para ella algo muy importante.

Si la letra es grande, alrededor de los 3,5mm, estamos ante una persona con mucha vitalidad  de actitud extrovertida.

Si es pequeña son personas observadoras, detallistas y calmadas, que tienen cierta tendencia a encerrarse en su mundo interior.

Si es muy pequeña son personas que tienen un pobre concepto de sí mismas.

Si es de tamaño irregular estamos ante personas de una gran intensidad emocional, pero también inestables e incapaces de controlar sus sentimientos y emociones.

Forma
La forma de nuestras letras nos habla del estilo de vida, de nuestra cultura individual, originalidad de pensamiento, gustos, etc.

Si la forma de la letra es curva significa que son personas adaptables, flexibles, que se amoldan a las circunstancias. Estas personas tienen un carácter dulce, sentimental y tierno.

Si la lera es angulosa suelen ser personas duras, intransigentes en quienes predomina la razón por encima de los sentimientos o de las emociones.

Si la letra es redonda por completo suelen ser personas tranquilas y adaptables, que poseen muy poco entusiasmo por las cosas hasta el punto de rozar la indolencia.

Dirección
La dirección de las líneas del estado de ánimo, de nuestro humor, rectitud, flexibilidad, ambición, actividades, optimismo, pesimismo...

Si estamos frente a unas líneas ascendentes denotan vitalidad, optimismo y fuerza.

Si son descendentes o bien en ese momento la persona que escribe está cansada o hay cierta tendencia al pesimismo.

Si las líneas son horizontales estamos ante una persona realista y de firmeza de carácter.

Velocidad
La velocidad con la que escribimos describe el ritmo de los procesos intelectuales y de la actividad física.

Si se escribe de forma lenta puede reflejar un exacto sentido de la realidad pero también lentitud en la asimilación de conceptos, así como realismo y mucho cuidado en el momento de hacer las cosas.

Si se escribe de forma pausada manifiesta que es una persona dada a la reflexión a la observación y la precisión.

Si por el contrario se escribe muy deprisa, eso muestra una rapidez de respuesta a nivel cognitivo y de reflejos, de pensamiento rápido también, pero si hay descuidos o errores en la puntuación, en las tildes o irregularidad en las letras, denotan impaciencia y descontrol. So personas creativas y con capacidad para introducir ideas nuevas.

Presión
La presión que se ejerce con la mano sobre el papel al escribir nos habla de vitalidad, sensualidad, firmeza o enfermedad.

Si el texto se ve muy presionado denota firmeza de carácter y si apenas presionamos significa que tenemos poca fuerza interior para superar los obstáculos.

Inclinación

Inclinación de las letras se refiere a los sentimientos tales como el afecto, frialdad, timidez, apasionamiento, sensibilidad...

La letra tumbada a la derecha denota personas que pierden fácilmente los nervios, muy dramáticas y sentimentales y sienten una gran necesidad de acercarse a los demás. Aquí están todos los celosos del mundo.

La letra vertical habla de personas que controlan sus sentimientos y sus deseos, son personas que poseen ecuanimidad y madurez.

La letra tumbada a la izquierda suele referir a personas que tienen tendencia a reprimir sus necesidades sobre todo afectivas y de contacto humano. Observan un alto grado de vigilancia sobre sí mismos.

La letra que oscila, que se mueve de un lado a otro denota una lucha continua y constante de esa persona consigo misma y ciertos rasgos de inmadurez.

Cohesión

La cohesión de las letras, que no juntemos mayúsculas con minúsculas o que liguemos las letras entre ellas, nos habla de  conclusiones, de la forma en cómo terminamos nuestros procesos mentales, sea por medio de un procedimiento lógico-deductivo o si nos dejamos llevar  por los instintos. También nos extravagancia, originalidad y de sinceridad.

La escritura ligada describe a personas con una buena lógica, tenaces, que no abandonan hasta conseguir sus objetivos.

Las letras desligadas nos indican que se trata de una persona capaz de darse cuenta de todos los pequeños detalles, capaz de ver las cosas por separado y analizarlas pero también pude significar que tengan ciertos problemas de integración social o de aceptación del entorno.

Si las letras están agrupadas hablamos de personas que conjugan la lógica y la intuición perfectamente, que tienen la capacidad de ser reflexivos y además actuar, con un perfecto equilibrio entre su mundo interior y el exterior.

Orden

El orden en que se ocupa el texto sobre el papel está asociado con la capacidad de organización, claridad o confusión de ideas, así como la manera de dirigirnos a los demás, de movernos en el entorno. Es nuestra parte más social. En grafología hay que destacar que al inicio de la escritura predomina el consciente y que a medida que se avanza en la redacción de texto se va revelando nuestra parte inconsciente. Esto se ve reflejado en los márgenes y necesita una larga explicación porque nos habla de nuestra parte más pública, de nuestro carácter o de aquellos rasgos que mostramos al mundo, así como de la parte más oculta de nuestro ser y que entra de lleno en el campo de la Psicología. Para ello vamos a tener que dedicar un apartado especial que haga referencia a los márgenes, a las proporciones, distancias y a las distintas separaciones que puede haber en el texto a medida que vamos escribiendo.

Márgenes.

Si dividimos la hoja de forma horizontal en tres mitades iguales obtenemos:

Una zona superior a la que se le adjudican las cualidades de lo que Freud denominó “Superyó”. Pensamientos, ambiciones, lo mental, lo espiritual y el intelecto.

En la zona central están los sentimientos, las emociones, lo cotidiano y  las necesidades personales. Representa el presente de cada persona y contiene el principio de realidad. A esto Freud le denominó “Yo”.

En la zona inferior se representa lo concreto, las necesidades más vitales y básicas, la parte biológica de cada ser, lo instintivo, lo sexual, lo material, la seguridad. Freud lo denominó “Ello”.

Si luego dividimos la hoja en dos mitades verticales iguales podemos situar a la izquierda el pasado, en la zona central el presente y a la derecha el futuro. Esto nos puede hablar de la forma en que enfrentamos la vida, de nuestras esperanzas y nuestros miedos.

La zona izquierda refleja el Yo inmaduro, el Yo pasado, con aspectos regresivos constantes en los que no se ha logrado desprenderse por completo del vinculo materno filial, así como de nuestros instintos más primarios.

La zona izquierda del papel, nos habla de nuestra relación con el mundo externo, de nuestra conexión con el medio y la sociedad, de la comunicación y del futuro. Es donde ubicamos el Yo más maduro.

Escribir ocupando todo el papel nos habla de un afán de protagonismo, casi de una necesidad de ser el centro de atención. Suelen ser personas inmaduras, con graves faltas de respeto y consideración hacía los demás con una clara tendencia al egoísmo y a la descortesía.

Así pues, dependiendo del cotejo de todos estos datos y de cómo vayamos cambiando la forma del margen a medida que avanzamos en la escritura o de cómo guardemos ese margen a medida que llenamos el folio blanco, se puede deducir lo siguiente:

Ausencia de margen izquierdo: Apremio económico, timidez, introversión, poco tacto en sus relaciones y buen gusto estético.

Margen izquierdo pequeño: Prudencia, cautela, tendencia al ahorro que en su parte negativa puede dar lugar a una conducta egoísta, cicatera y un contacto social problemático.

Margen izquierdo normal: Equilibrio, buen gusto estético, serán personas con una vida normal y sencilla, con un orden consciente y armónico de las cosas.

Margen izquierdo rígido: Síntoma de meticulosidad excesiva, muy ordenado y rígido en sus conceptos.

Margen izquierdo grande: Generosidad y extroversión. Sociabilidad  y amplitud de miras, de ideas, iniciativa y decisión. Podrían llegar a ser personas de escasa reflexión, que suelen sobrepasar su presupuesto.

Margen izquierdo exagerado: Desposeimiento total del sentido de la proporción. Descontrol, exhibicionismo y ostentación. En positivo son personas generosas, audaces y con iniciativa, grandes emprendedores.

Margen izquierdo en zigzag: Inestabilidad afectiva, inseguridad, luchas internas. Encontrará dificultades para organizarse y para planificar tareas o tiempos.

Margen izquierdo que se va ensanchando: Optimismo, entusiasmo, suelen ser personas con buenas relaciones sociales y extrovertidas. En un sentido negativo pueden ser impacientes y precipitados, les cuesta cumplir objetivos y adecuase a presupuestos severos. Impulsivos y muy poco reflexivos.

Margen izquierdo que se va estrechando: Personas tímidas, introvertidas, que se suelen poner freno ellas mismas y que tienen tendencia a vivir ancladas en el pasado.

Margen izquierdo en forma de curva convexa: Luchas de carácter, tendencia a frenar sus impulsos, a reprimirlos  y poco dado a los derroches económicos o de esfuerzo. Pueden desarrollar algún tipo de neurosis.

Margen izquierdo en forma de curva cóncava: Luchas internas y constantes que favorecen la aparición de neurosis y de ideas o trastornos obsesivos. Son personas que están constantemente refrenando sus impulsos, se reprimen en sus relaciones sociales y poco comunicativas.

Ausencia de margen derecho: La última letra de cada renglón está a punto de tocar el borde del papel. Iniciativa, decisión, extraversión, sociabilidad, decisión. Odia la soledad y busca el contacto con los demás de forma constante. Son personas con las que resulta fácil hablar y confiar y suelen aconsejar o ayudar de forma desinteresada a los demás. Serían buenos psicólogos. En su parte negativa pueden ser personas irreflexivas, precipitadas e impulsivas. Son imaginativas y creativas aunque suelen tener cierto temor a perder sus ideas.

Margen derecho pequeño: Extraversión, sociabilidad, tendencia a tomar decisiones precipitadas. Puede mostrarse agresivo con las presiones sociales.

Margen derecho muy grande: Temor al riesgo, al futuro incierto. Indica timidez, introversión, desconfianza, pesimismo. Apego a la familia y cierta regresión a la infancia. Suelen ser personas que desaprovechan sus energías.

Margen derecho regular: Equilibrio, control de sus emociones, prudencia. Originalidad, buen gusto y cierta distinción. En casos negativos pueden tener cierta tendencia a la pose artificial y fijarse en las apariencias. Poseen cierta timidez y dificultades para relacionarse con los demás.

Margen derecho en zigzag: Poseen una emotividad muy exagerada y en ocasiones difícil de controlar. Inestabilidad, desorden de ideas, vacilaciones.

Margen derecho que se alega del borde de la hoja: Luchas entre el consciente y el inconsciente. Inseguridad, duda y desconfianza.

Margen derecho que se acerca al borde de la hoja: Cautela y prudencia. Suelen tender a frenar los impulsos inconscientes que les acercan a las personas y al medio que les rodea lo que les proporciona dificultades para relacionarse y crear vínculos sociales.

Margen derecho condensado: Son palabras que se van apretando entre sí al llegar al borde del folio. Dificultades e previsión organización y planificación. Suelen ser personas con escaso sentido estético.

Márgenes tipográficos. El texto se halla centrado como su fueran las hojas de un libro. Estas personas suelen mostrar una amplia cultura estética y refinamiento, buen gusto y tendencia a la soledad y aislamiento.

Margen superior normal: Cortesía, buenos modales, control de sí mismos y de sus impulsos.

Margen superior estrecho, pequeño o inexistente: Necesidad de protagonismo y de estar rodeado constantemente de personas. Suele mostrar un exceso de confianza y extraversión. Pueden tener tendencia a invadir el espacio ajeno, a la descortesía y el egoísmo. Normalmente tendrá carencias culturales y mal gusto estético. Ese mayor aprovechamiento del papel indica un sentido exacerbado de la economía tanto en dinero, en esfuerzos como en tiempo. Esto se puede aplicar a todos los márgenes.

Margen superior ancho: Impone distancia, sabe escuchar y ayudar en la comunicación. Formalidad e introversión. Si tiene la letra grande denota generosidad, con la letra pequeña dificultades de adaptación.

Margen superior exagerado: Introversión, dificultad en el contacto y relación con los otros. Si tiene la letra pequeña denota timidez, con la letra grande tendencia al derroche de tiempo, esfuerzo y dinero.

Margen inferior amplio: Deficiente canalización de la energía y el tiempo. Cambiar de hoja dejando la primera con un amplio espacio en blanco simboliza el deseo inconsciente de cambiar de ambiente o de que no logra profundizar en las relaciones. Aquí es donde suele aparecer la postdata. Si aparece de forma ocasional no significa absolutamente nada pero si aparece constantemente en distintas cartas o escribe varias P.D. puede significar tendencias obsesivas  y un gran perfeccionismo. Cuando la P.D. se pone en lugares que no están indicados como correctos, ya sea en los márgenes, en la zona de la firma o en el final del todo del folio, indica mal gusto estético y falta de orientación y ubicación espacial.

Margen inferior muy pequeño: Resistencia a los cambios y renuencia a las modas, anteponiendo la practicidad a lo puramente estético. Dificultades para las asociaciones lógicas. Ese buen aprovechamiento del papel denota un buen aprovechamiento de los recursos, del tiempo el esfuerzo y el dinero.

Margen derecho que disminuye e izquierdo que aumenta: Extroversión, deseo de contacto social.

Margen izquierdo que aumenta y derecho que disminuye: Temores, esfuerzo por comunicarse con los demás.

Ambos márgenes irregulares: Inestabilidad afectiva, dificultad de adaptación.

Ambos márgenes grandes: Angustia, ansiedad.

Ambos márgenes pequeños: Inseguridad

Ambos excesivos: Angustia, frustración, tendencia al aislamiento, introversión-

Ausencia de ambos márgenes: Defensas psicológicas, posible verborrea, aprovechamiento total de recursos propios.

Firma

En primer lugar hay que saber distinguir entre firma y rúbrica. La firma sería nuestro nombre y apellidos y la rúbrica serían los garabatos con los que lo adornamos, por decirlo de una forma comprensible.

La firma va a decir mucho de nosotros dependiendo de algunas variantes, por ejemplo el uso de los dos apellidos o de ninguno, el uso de un seudónimo o diminutivo, la cercanía del texto, la forma de la rúbrica…

Se puede decir que en la firma nos definimos como personas y la rúbrica es como la defensa de esa definición de nosotros mismos que hemos hecho, de nuestro propio yo.

Con los años nuestra firma debe evolucionar. Si nos fijamos en las firmas que ensayan nuestros niños cuando llega ese momento de hacerse el DNI veremos que suelen complicar las rúbricas y que casi todos firman con el nombre completo. A medida que pasan los años vamos simplificando las firmas y las rúbricas, incluso podemos eliminar estas últimas o dejar de usar los apellidos.

La simplificación de la rúbrica va ligada a la madurez, a la superación, por tanto cuanto menos garabato tenga la firma más grado de madurez se ha alcanzado. Por el contrario, una rúbrica muy ostentosa en la edad adulta va a denotar cierto grado de infantilismo o sentimiento de inferioridad.

El uso de los apellidos es nuestro vinculo con la familia, de ahí que en la niñez o adolescencia se usen todos, a medida que alcanzamos cierto grado de independencia firmemos con un solo apellido que suele ser el de la madre y que denota esa rotura inconsciente del cordón umbilical o de deseos de autoafirmación personal, y que con la edad adulta lleguemos incluso a no utilizar ninguno puesto que ya somos personas que mayormente habremos formado nuestra propia familia y que nos movemos de forma completamente autónoma.

La rúbrica simple o sencilla  denota confianza en uno mismo, espontaneidad y sencillez en el carácter y en el trato con los demás

Si los garabatos son complicados muestran un sentimiento de inferioridad, de autoprotección y en una parte negativa pude ser confusión de ideas falta de claridad o temor a no ser tenido en cuenta.

Una rúbrica que envuelve el nombre muestra deseo de seguridad y protección hacia ellos mismos o hacia su familia. En su parte negativa  denota introversión, aislamiento, desconfianza o una exacerbada prudencia. Pueden tener complejo de inferioridad que compensan con delirios de grandeza. Suelen ser, en su parte más negativa personas narcisistas, egocéntricas y egoístas.

Una firma tachada por la rúbrica nos habla de alguien que no se acepta a sí mismo, que es autocrítico y muy perfeccionista. Puede mostrar insatisfacción y descontento consigo mismo y con su entorno familiar. Suelen tener tendencia a la depresión y negatividad.

El nombre entre líneas paralelas muestra un carácter  perseverante, tenaz y una voluntad inflexible y férrea. Son personas que si se marcan una meta no cejan en su empeño. Cuanto más firmes sean las líneas mayor es su inflexibilidad. Busca seguir una rectitud de carácter, ética y moral, así como seguridad y defensa para no desviarse en sus propósitos y metas.

Si los trazos de la rúbrica se entrecruzan manifiesta una contradicción de ideas y una imposibilidad casi genética para logran una uniformidad de pensamiento o de espíritu de lucha. Suele tener cambios de carácter y de humor y no suele mostrarse con claridad a los demás. Es una persona voluble y de difícil comprensión. Puede pasar de estar a la defensiva a la ofensiva o de lo positivo a lo negativo y eso dificulta la creación de lazos afectivos y de vínculos en sus relaciones sociales.

Si se firma poniendo un punto innecesario muestra reflexión, perfeccionismo, desconfianza en el futuro.

Si en la rúbrica hay un trazo final que desciende verticalmente muestra vivacidad de reflejos y pensamientos, afirmación en su propia personalidad, dotes de mando y autoridad.  En su parte más negativa puede simbolizar intolerancia a las opiniones contrarias o a la desobediencia. Suele mostrar rechazo a las opiniones ajenas. Aquí estarían las personas que suelen mostrarse como un espíritu de contradicción.

Subrayar la parte superior de la firma  muestra una protección contra las ideas y cierta ocultación. Puede ser una persona impaciente y con deseos de dominio. Posee un carácter fuerte que puede llegar a ser violento.

Si la rúbrica está formando un ángulo a la derecha la persona suele tener tendencia a mostrarse agresiva en sus reacciones o en sus ideas tanto en sus relaciones familiares como sociales, suele tener una lengua vivaz y mordiente, propensa a las indirectas, a las réplicas hirientes o a las insinuaciones veladas. Tiene una determinación rápida y contundente y suele guardar resentimiento.

Por otro lado el ángulo a la izquierda  muestra un espíritu resuelto, decidido y vivaz que en su versión más negativa puede resultar agresivo. Son personas que se muestran duras con aquellos que tienen más cerca y más permisivos con los desconocidos

Arquetipos.

Cuando estamos escribiendo un texto libre, comenzamos a hacerlo de forma consciente y ordenada. Se puede decir que al comenzar la narración, es nuestra parte racional la que habla por nosotros, la que dicta las palabras. Pero a medida que avanzamos, comenzamos a dar rienda suelta a la fantasía, a la creatividad, y dejamos aflorar esa parte más instintiva e inconsciente de nuestro cerebro.

Eso, por ejemplo, explicaría por qué suele cambiarnos un poco la letra y sería también una manifestación de aquello que se denomina, no sé si correctamente, inspiración.

En ese momento de creatividad en el que estamos dejando aflorar emociones, recuerdos, sentimientos o conflictos, el subconsciente puede mostrar señales que nuestro yo consciente no advierte.

Podemos usar determinados temas, personajes, alusiones, metáforas, alegorias o eufemismos de forma reiterada sin darnos cuenta de que en realidad nuestro yo interior está dejando escapar algo que puede tener distinto significado  y que es un reflejo interior, un vislumbre o un esbozo de un pensamiento, un recuerdo, una aspiración, un trauma…

Su significado y la forma que puede tener de expresarse de forma inconsciente en el papel es muy variada. Tanto como personas haya que escriban, porque cada uno de nosotros tenemos nuestras vivencias, nuestros recuerdos, nuestras metas, nuestros propios deseos…

Sin embargo hay signos que se repiten, palabras o formas de plasmar todo eso que traspasan el arte y las generaciones porque forman parte de una memoria colectiva que nosotros como individuos tenemos asumida.

Esos símbolos, esas señales, imágenes o tipos de personajes se llaman arquetipos.

Carl Jung es el padre de la teoría de los arquetipos.

Jung creía que en el inconsciente hay todo un mundo que nos habita de forma callada, formando todos los aspectos tanto individuales como colectivos, heredados de forma cultural y que vamos asimilando desde niños.

Según Jung, estos arquetipos son una forma de memoria heredada de nuestros antepasados, de sus experiencias y recuerdos, formando así lo que se conoce como memoria colectiva.

Si nos centramos en el individuo, los arquetipos son unos patrones emocionales y de conducta que van formando nuestro carácter, nuestra forma de ser y entender o relacionarnos con el mundo, bien sea a través de imágenes, sensaciones, percepciones o pensamientos.

Los símbolos o los mitos de todas las culturas son una forma de expresar, pensar y actuar de esos arquetipos desde la base cognitiva y emocional de la memoria colectiva de una sociedad y siendo, también,  parte del subconsciente de cada sujeto.

Podemos encontrar arquetipos en imágenes o en símbolos que aparecen de forma similar en distintas culturas. Son imágenes universales que se reconocen en muchas manifestaciones culturales.

En otras ocasiones, esos arquetipos se manifiestan a través de la palabra, ya sea oral o escrita y pasan a ser mitos.

Es curioso comprobar que esos mitos se repiten en la historia a través de los siglos y como personajes tan dispares como los que encontramos en La odisea, Matrix y  Bola de Dragón comparten ese mismo patrón o arquetipo: el del héroe., el del viaje iniciático, el del sabio…

Existen distintos tipos de arquetipos tales como la vida, la muerte, el nacimiento, y también hay figuras arquetípicas tales como la virgen, el viejo sabio, el héroe…

A continuación detallo varios de los arquetipos más habituales y que salen constantemente en las artes.

La madre: el arquetipo de la madre detecta conductas e imágenes relacionadas con la maternidad o la crianza.

El padre: representa una figura de autoridad y ejemplo, una posible guía de cómo vivir.

La persona: nos representa a nosotros mismos y la imagen que queremos compartir con los demás, nuestra imagen pública.

La sombra: simboliza todo aquello que queremos que permanezca oculto bien porque creemos que es censurable o demasiado íntimo.

Animus y ánima: animus es la parte masculina en el inconsciente femenino y ánima es la parte femenina en el inconsciente masculino.

El héroe: es una figura de poder pero también es una figura que actúa antes de pensar, por lo tanto es irreflexivo. Suele luchar con la sombra, con la parte oscura,  para defender la esfera social. (¿Os suena eso de la parte oscura?)

El sabio: su papel es la revelación del inconsciente colectivo, de arrojar luz.

El embaucador o bromista: es el que bromea, pone en tela de juicio o viola las normas establecidas para demostrar hasta qué punto las leyes son frágiles.

El atleta: fortaleza, belleza y alma competitiva.

El guerrero: necesidad de competir, de ganar, de mostrarse superior. Normalmente aparecerá como un personaje egocéntrico.

El estadista; destaca su preocupación por todo cuanto le rodea, por los demás, por los pequeños detalles. Se mostrará empático y agradecido.

El ser espiritual: fortaleza ante las adversidades, se muestra agradecido por todo aquello que es bueno y por todo lo que le rodea. Esta en lucha constante por abandonar sus temores y a menudo cree que no es de este mundo, que debe haber algo más, o bien es un personaje no pertenece a este mundo.

El amante: se caracteriza por su fidelidad a los compromisos. Suele ser servicial, empático, trabaja bien en grupo sin ser nunca el líder, es sencillo y amable en el trato con sus semejantes y extrovertido, con lo cual suele tener muchas amistades.

El círculo: simboliza la creatividad y la totalidad.

Los laberintos: simbolizan la intelectualidad.

El heraldo: simboliza los cambios de dirección. La motivación o la forma en que se manifiestan o anuncian los cambios.

El mentor: el guía. Puede ser el sabio viejo y puede dar guía moral o ética.

El sanador: compromiso con los otros o actitud sagrada.

Cuaternio: simboliza el estado pluralista de la persona que no ha alcanzado la unidad interior. Un ejemplo sería la simbología de los  cuatro evangelistas; tres figuras animales y un ángel se juntan para formar un todo, el evangelio, alcanzando así el uno, símbolo de la totalidad y unidad. Otro ejemplo serían las tres razas mitológicas de El señor de los anillos, elfos, enanos y hobbits que junto con el hombre forman la compañía del anillo. Gandalf sería, por tanto, un arquetipo en sí mismo, el del sabio.

Mandala: son representaciones simbólicas espirituales  y rituales de macrocosmos y microcosmos. Un espacio sagrado. Forman parte de ese arquetipo algunos laberintos, los rosetones de las iglesias góticas, los vitrales y algunos diagramas indios. Significa espiritualidad.

Eterna juventud: representa la imagen de una persona que se niega a madurar, por ejemplo Cupido o Peter Pan.

El sí-mismo: arquetipo de jerarquía, de totalidad del ser y suele representarse en el círculo o la cuaternidad. Es el final del proceso de la formación de nuestro ser.

Arquetipos literarios.

Hay que tener en cuenta cuando hablamos de arquetipos en la literatura que, en la narrativa lo importante es la historia y en la poesía lo importante es la palabra, por tanto, los arquetipos variaran en el sentido de que en lo primero serán personajes mientras que en lo segundo serán, por ejemplo, alegorías, figuras o metáforas.

Si esos arquetipos los llevamos al mundo de la naturaleza y a nuestra relación espiritual con ella, obtendremos lo que se denomina tótems, figuras guía de cada individuo y de las que tomará como atributo propio la principal virtud del animal, planta o fuerza natural con el que se sienta identificado

Para poner un ejemplo bastante aclaratorio, aunque manido, tomaremos a Lorca y su Romancero gitano en poesía y El señor de los anillos en narrativa.

En el “Romancero gitano” Lorca despliega, creo que más que ningún poeta, un sinfín de arquetipos que ya vienen dados en el inconsciente colectivo, más algunos otros que se entienden como símbolos lorquianos a medida que avanzamos en su obra.

Por ejemplo Lorca habla de peces brillantes y ello simboliza las navajas que relucen en la oscuridad a los rayos de la luna, que es símbolo de muerte. Cuando habla de cuchillos es más como referencia a un objeto fálico que penetra  y rompe la carne.

La luna en Lorca es símbolo de muerte, de fatalidad o de malos presagios. Los caballos, son portadores de esa fatalidad.

Cuando habla de gitanos esta refiriéndose al arquetipo que representa la tradición legendaria.

La sangre es para Lorca el vehículo de la vida y en muchas culturas es también el vehículo del alma, siendo la sangre derramada símbolo de sacrificio.

Los ángeles simbolizan la intermediación entre Dios y los hombres, es el símbolo de lo invisible, de lo que asciende y desciende.

Como símbolos de muerte tenemos el color negro, el plomo y la calavera, un arquetipo de muerte ya usado en “Hamlet”.

El canto simboliza la angustia vital.

La cruz establece la relación entre lo terrenal y lo espiritual o de la muerte y la redención.

El rio va ligado al simbolismo del agua que puede lavar los pecados, ser purificadora y regeneradora. Si esta en los campos puede simbolizar la cosecha, la prodigalidad de la naturaleza y la fertilidad de la tierra.

La campana será una forma de comunicación con la vida espiritual.

En “El señor de los anillos”, tenemos a Gandalf como el arquetipo del sabio, la cuaternia formada por las tres razas de la Tierra Media, elfos, enanos y hobbits junto al hombre, Boromir, el del embaucador en Gollum, el del sanador o del estadista en Aragorn y el arquetipo del padre en Bilbo Bolsón.

Tenemos por supuesto la sombra en el personaje de Sauron y la totalidad, que se representa por medio de un círculo, en el anillo único, (un anillo para gobernarlos a todos).

El arquetipo de la eterna juventud estaría representado por la inmortalidad de los elfos, y toda la odisea de Frodo y Sam por la tierra media sería el viaje iniciático del que, al arrojar el anillo único al fuego del monte del destino, se convierten en héroes.

Y si me permitís un inciso en el mundo del cine, no me resisto a comentar ese lado oscuro de la fuerza en “Star Wars” que cumple con el arquetipo de la sombra perfectamente. Si me admitís un consejo, ved la saga y veréis que existen todos y cada uno de  los arquetipos que os he nombrado anteriormente.

Conocer todos estos arquetipos nos ayudará a dos cosas muy distintas; a escribir buenas historias con personajes que ya viven de forma anónima en el inconsciente colectivo y además a darnos cuenta de qué patrones se repiten considerablemente en nuestros escritos, pudiendo significar un conflicto que, a medida que profundicemos en él a través de la escritura, podamos ir sacando a la luz o al menos, empezando a comprender.

Todos estos arquetipos también forman parte de los sueños y como tal tienen ese mismo significado y, aunque ese no sea el tema que nos ocupa, está bien reconocer esa otra aplicación a toda la simbología.

Ahora, nos resta sentarnos a escribir, desatar nuestra imaginación y luego analizar en nuestro texto los arquetipos que hemos encontrado para poder encontrar en ellos esa parte o ese lenguaje oculto de nuestro subconsciente que pugna por salir al exterior, conociendo así su significado.

Sin duda es una forma muy lúdica de conocernos a nosotros mismos.

Escribir sin ego.

El ego, en contra de lo popularmente entendido por la mayoría, no somos nosotros mismos ni nuestro yo más primario, sino un engaño de la sociedad.

Nos crean un falso ser otorgándonos y transmitiéndonos unas etiquetas o valores con los que vamos creciendo y desarrollándonos  teniendo, en la edad adulta, una falsa percepción de lo que en realidad somos.

Junto con el nombre y apellidos que nos definen ante el mundo como personas, nos imponen  un montón de condicionamientos, de ambiciones y deseos.

Deberíamos romper con todas esas normas no escritas y ser quienes de verdad somos, no lo que la sociedad que nos rodea quiera que seamos.

Eso sería vencer el ego, destruirlo y descubrir, de esa forma, nuestro propio ser.

Ante la angustia vital y las preguntas sin respuesta tales como “¿Quiénes somos?”  “¿De dónde venimos?”  “¿A dónde vamos?” nos crean un montón de falsas respuestas que sustituyen esa necesidad de respuesta.

Ser mejor, tener más, ser más, es una constante. No basta con nada, somos seres insaciables en ese aspecto, queremos poseer más belleza, más dinero, una mejor casa, un titulo, más cultura, un trabajo bien remunerado que nos aporte prestigio social…

En el intento de consecución de todo aquello que creemos que es necesario para nuestras vidas y que nos define ante el mundo, no hacemos más que aumentar esa angustia en una carrea que requiere mucho sacrificio, dolor y en la que no siempre está asegurado el éxito.

Las terapias psicológicas  denominadas humanistas ayudan a tomar conciencia del yo inconsciente, de nuestro yo reprimido e instintivo.

En ese yo reside todo aquello que la sociedad no nos ha permitido, todo aquello que nos ha prohibido por medio de la moral y la ética o de las normas sociales, aquello que nos ha reprimido.

El éxito, la perfección, lo especial, son conceptos erróneos que debemos revisar urgentemente.

Puede que todo aquello por lo que nos sacrificamos, trabajamos y luchamos, en realidad no lo necesitemos y ni tan siquiera lo queramos, y que no sea más que un producto implantado en nuestra mente por la sociedad en la que hemos crecido. Y puede ser que, además, entre en conflicto con lo que de verdad somos o lo que de verdad deseamos, o sea, con nuestro corazón o nuestro ser más genuino, lo que nos puede generar nuevos conflictos, ansiedad o incluso enfermedades nerviosas o mentales.

Por ejemplo, puede que nos “enamoremos” de aquello que reflejamos socialmente y desarrollemos un nudo narcisista, puede que buscando la perfección, algo que realmente no existe, lleguemos a producir neurosis, o que la aceptación abnegada de los cánones sociales impuestos, desarrolle en nosotros algún tipo de psicopatía.

Hay que huir por tanto de la vanidad, de la soberbia, el orgullo, de la perfección y de la creencia en los estereotipos sociales comúnmente aceptados.

Hay que buscar en el interior de uno mismo.

Hay que perder el miedo, la vergüenza y vencer la timidez para escribir.

Hay que encontrar una voz propia que manifieste nuestro yo verdadero, sin normas que nos constriñan o que apaguen nuestra creatividad.

¿Qué sentido tendría, si somos escritores, contar todo lo que otros autores han contado ya? ¿Cómo contar algo nuevo cuando todas las estructuras narrativas son iguales?

Hablando desde nuestra perspectiva, desde nuestra propia experiencia vital e íntima, desde nuestro pensamiento y nuestra forma de sentirlo.

Esa forma de escribir no significa que solo vayamos a hablar de nosotros, sino que vamos a escribir desde nuestra mirada hacia el exterior proyectándonos en el papel.

No vamos a escribir porque sepamos sino porque pretendemos saber.

La escritura ha de ser parte de esa búsqueda personal, el hilo conductor, la forma en que vamos a conocernos mejor y liberarnos.

No tendría sentido, entonces, escribir sobre temas de moda pasajera, sobre más de lo mismo sin intentar que eso sea un viaje de reconocimiento propio, sin que aportemos un valor añadido a ello, ya sea desde nuestra experiencia, nuestra implicación o nuestra forma de entenderlo o sentirlo.

Mi experiencia

Tras tener varios libros escritos aunque en aquel entonces no publicados, me di cuenta que el tema del erotismo en las novelas se había puesto de moda. Fue más o menos por la época de las famosas 50 sombras de Grey.

Yo, que desde niña quise ser escritora, me planteé para llegar a publicar, escribir libros eróticos. Y me puse a ello.

Mi sorpresa fue que a medida que me adentraba en el tema me di cuenta de que escribir un libro erótico por el simple hecho de escribirlo no era suficiente. Sentí como si estuviera traicionando algo aunque no sabía exactamente el qué.

Me adentré en una época, la victoriana, en los personajes, dos mujeres sufragistas, y ahí comenzó la aventura.

Para poder escribir aquel libro que nació con ínfulas de Best Seller porque me propuse escribir aquello que aún nadie había escrito en erotismo, tuve que comenzar a estudiar.

Filosofía, historia, distintas corrientes filosóficas sobre LGTB, psicología… fue todo un aprendizaje en el que mi mente se iba abriendo a nuevas ideas, a nuevos sentidos y perspectivas.

Dejé de escribir el Best Seller para empezar a escribir sobre dos mujeres que luchan para que se reconozcan sus derechos, para ser ellas mismas, para aceptarse, para reconocerse, para poder vivir libremente y mi libro tuvo alma.

No es un superventas pero eso es algo que ya no tiene importancia.

El viaje iniciático, la apertura de nuevas ideas, de nuevas formas de sentir, de entender el erotismo y la sexualidad, de ver la historia, de comprender y asimilar nuevos conceptos… eso fue salir de mi ego, de mis imposiciones sociales y mi vanidad, fue un aprendizaje necesario y una lección de humildad que ahora sé que me era muy necesaria.

Cómo escribir sin ego.

En primer lugar hay que perder la vergüenza, la timidez y el miedo. Nadie salvo nosotros mismos va a leer nuestros textos a no ser que seamos nosotros quienes los mostremos de forma voluntaria.

Escribir se puede y se debe convertir en un desnudo integral de nuestras almas. Cuando al llegar a casa nos desvestimos para ponernos ropa cómoda, no sentimos vergüenza o miedo ante el espejo, al escribir tampoco deberíamos sentirlo. Es como un acto de reconocimiento propio incluso de afirmación de aquello que no solemos mostrar.

No pensar ni medir las palabras. El acto de escribir ha de ser completamente inconsciente, sin censurar el texto y sin ponernos barreras. Si estamos escribiendo poemas, tal vez tengamos que medir sílabas o buscar rimas, pero eso no ha de suponer un freno a la hora de expresar lo que realmente queremos plasmar en el papel.

El texto ha de guardar coherencia y tener un hilo conductor.

Tenemos que tratar de ir más allá de los terrenos cómodos y confortables, fuera de nuestras propias zonas de confort, de temas aceptados y socialmente válidos. La aventura de escribir comienza precisamente cuando nos adentramos en zonas valladas y de difícil acceso, cuando intentamos ir un poco más lejos y penetrar en paisajes a veces pantanosos e inquietantes.

Buscar la belleza en la forma pero la imperfección en el fondo. Un texto debe ser bello, evocador, tener su propia música y que todo esto nos transporte y nos haga sentir, que nos sacuda interiormente, pero el fondo no ha de ser bello necesariamente, podemos escribir un texto sobre algo tan bello como una flor pero también podemos intentar ver la belleza de las cosas simples, de lo feo, de lo sórdido. Esa belleza estará en las sensaciones que produzcan nuestras palabras, en lo que logremos insinuar con ellas.

Por ejemplo La oda al caldillo de congrio de Neruda. Algo tan sencillo y, a primera vista feo como un congrio, evoca mucho más que una simple receta de cocina.

Huir de lo plano, de las palabras huecas, de todo aquello que ya se ha dicho mil veces y que suena a tópico. No ajustarnos a nada concreto ni a ningún canon establecido o a las palabras que se han usado mil veces. Nada de dientes como perlas y labios de rubí…

No tenemos que limitarnos a contar o a intentar hacer un poema sobre algo que ya sabemos y que es comúnmente aceptado, no se trata de cumplir con un trámite. Debemos escribir para tratar de sacar todo aquello de lo que nos cuesta hablar, de lo que no damos por hecho, explorar nuestros sentimientos o emociones, no afirmarnos en nuestros conceptos sino cuestionarlos. Siempre hay que ir un paso más allá.

Utilizar distintos pronombres para una misma historia, de esa forma, si lo que estamos escribiendo es puramente emocional, podremos verlo desde distintos aspectos y perspectivas, desde otro punto de vista tal vez completamente contrario, pudiendo profundizar en el tema.

Debemos olvidarnos por completo de la parte puramente intelectual o académica. No vamos a escribir una novela con la que pretendamos ganar un premio literario ni aspiramos a una flor natural en un certamen de poesía. Lo que debemos hacer es relatar un hecho, una experiencia, una emoción… aquello que nos apetezca escribir o que creamos importante darle una mirada más pausada para lograr adentrarnos en él.

Que las normas lingüísticas no apaguen nuestra creatividad. Olvidémonos de las tildes, de las comas y los puntos, de mayúsculas o de las beses y las uves. Ya tendremos tiempo de corregir, de releer y de echarnos las manos a la cabeza ante nuestras faltas de ortografía, esas que creemos no tener y que nos sorprenden tanto.

La creatividad no debe tener ningún cortapisa, nada que la detenga, al contrario, debe fluir suavemente, o romper a borbotones, como mejor lo sintamos, pero en ningún momento dejaremos que haya una norma, por pequeña y lingüística que sea, que rompa ese brote creativo.

Escribir desde nuestro lado emocional, desde nuestro corazón y nuestro cuerpo, desde las sensaciones y las emociones. Aunque haya que llevar una acción y un argumento siempre vamos a tener que poner en ello todo nuestro ser. Si no es de esa forma, el texto no dirá nada de nosotros. Será una gran redacción perfectamente escrita tal vez, pero carecerá del sentido que nosotros estamos buscando.

Los silencios y los textos en blanco también pueden expresar.

Hay que ir más allá de las palabras, buscar los significados más cercanos a las sensaciones que queremos transmitir para que el lenguaje sea un puente y no una barrera. Preguntarnos siempre, ante la duda, si esa palabra es la palabra que está definiendo esa emoción o sensación concreta.

Tener un mayor vocabulario enriquece la visión del mundo que nos rodea y la nuestra propia. Para adquirir vocabulario lo mejor es leer. Leer muchísimo.

Jugar con las palabras, si es necesario crearlas. A mí me sorprendió mucho en el libro “El tambor de hojalata” de Günter Grass, cuando el protagonista esta describiendo un museo y habla del vigilante como “museable todo él”.  Museable no es una palabra que exista, sin embargo, su significado es tan claro que parece imposible que se le pueda calificar de otra forma, y entendemos ese museable como la facultad de ser digno de estar él mismo en ese u otro museo.

Utilizar todos los recursos lingüísticos y licencias poéticas que creamos necesarias, incluso si las tenemos que inventar en ese instante y vuelvo con ello al ejemplo de “museable”

Tener claro cuál va a ser el foco de nuestra atención, donde posamos nuestra mirada.

Huir de las etiquetas, de las imposiciones, de lo material.

Intentar tener, al mismo tiempo, las dosis necesarias del dominio del lenguaje y de las técnicas de narrativa para que el texto no sea demasiado académico o tan íntimo que resulte incomprensible. Para ello, leer… siempre leer.

Buscar la originalidad en nuestros textos sin pensar que otros tal vez ya lo han escrito. Estamos de acuerdo en que los temas suelen ser los mismos y están regidos por patrones concretos, sin embargo, falta nuestra visión, nuestra forma de contar las cosas y narrar los hechos, de transmitir las emociones. Eso es en lo que se diferencian unos de otros, en la mirada interna del su autor.

Utilizar siempre que se pueda un lenguaje positivo. Las sensaciones que dejan las palabras negativas suelen ser negativas también.

Estructuras narrativas.

Si vamos a utilizar la palabra y la escritura como una forma de comunicarnos con nosotros mismos, de conocernos o de tratar de manifestar públicamente aquello que queremos comunicar, debemos tener claro en qué formato vamos a desarrollar nuestra creatividad.

No tenemos porque recurrir a la novela para contar una historia. Tal vez nuestro interés no esté en la literatura en sí, sino en el acto de comunicación de esta, y por tanto la novela es un género que puede no adaptarse a nuestras necesidades terapéuticas.

Dependiendo de nuestra intención, de nuestra necesidad o de nuestros gustos, que de por sí ya dicen algo de nosotros mismos, podemos recurrir a distintos géneros literarios.

A continuación os voy a resumir los conceptos y la forma más elemental de desarrollarlos.

Oraciones y mantras.

Los mantras y las oraciones son palabras que emiten una serie de energías que, si son positivas como suele ser habitual, van elevando nuestra espiritualidad y nos permiten entrar en contacto con las fuerzas positivas que nos rodean.

Cuando escribimos u oramos debemos expresar amor, confianza, respeto y gratitud, sintiendo profundamente aquello que estamos diciendo, invocando ese positivismo.

Podemos construir nuestras propias oraciones sin tener que recurrir a las ya existentes y que pueden entrar de lleno en el campo de una religión concreta y que puede no ser el mensaje exacto que represente nuestro sentir en ese instante o que cubra nuestras necesidades espirituales.

Si vamos a componer una oración, procuraremos que siempre sea en positivo, que tenga un carácter lo más genuino posible y que realmente nos represente en ese instante.

Vamos a huir de la culpa y del pecado, puesto que esos conceptos se alejan del amor universal, del perdón y de lo positivo, creándonos  ya de por sí, sentimientos negativos y complejos que, llevan demasiado tiempo asentados en la mente de la sociedad y por lo tanto en la nuestra, que muchas veces forman parte de ese inconsciente colectivo del que ya hemos hablado, y que en multitud de casos, son un lastre que no nos deja salir a la superficie, que ahoga nuestro yo más auténtico y personal, incluso quizá nuestra propia espiritualidad.

Hay que dirigirnos a una conciencia superior, sin ponerle un nombre concreto si no queremos ponérselo, o llamándolo como queramos, pero que sea una forma elevada de pensamiento.

No hay que pedir, y menos cosas materiales. Si solo oramos para pedir estamos de nuevo canalizando negatividad en forma de necesidades, insatisfacciones y ansiedad. Además, hay que tener confianza en el futuro y pensar que tal vez aquello que pedimos no sea en realidad lo que necesitemos. Siempre hay una causa para todo, aunque no lo podamos ver o entender en ese instante, pero las casualidades no existen.

Hay que agradecer en lugar de pedir. Hay que reconocer todo lo bueno que hay en nuestras vidas, agradecer la belleza, o efímero, lo sencillo, aquello que está siendo bueno para nosotros.

El mantra suele ser una sola palabra o un grupo de palabras que crean tonos musicales simples pero bien definidos y que crean fuerzas positivas para nuestra vida personal y nuestro desarrollo anímico.

Nos sirven para apaciguar nuestra alma y nuestra mente, para concentrarnos en la repetición de su sonido y dejar la mente clara.

La palabra mantra viene del sánscrito y significa mente (man) y protección (tra).

No es necesario conocer en profundidad todos los mantras para poder utilizarlos ni es necesario convertirse a ninguna religión para poder recibir sus beneficios ni es necesario ponerse en la postura del loto.

El ritmo sonoro funciona en el plano inconsciente anteponiéndose al plano consciente y produciendo esas vibraciones positivas que necesitamos.

Los mantras se pueden expresar de forma interior en el pensamiento o bien en voz alta y repetitiva. En ciertas culturas se utiliza el Mala o lo que se conoce como rosario budista que consta de de ciento ocho bolas y se repite ocho veces, y os cuento, a modo de anécdota, que el número ocho está relacionado con las energías positivas que se concentran para la resolución de problemas y la consecución del éxito tanto material como espiritual.

Como veis, nada es casualidad, todo tiene un porqué.

AOM- Sonido originario a partir del cual se creó el universo. Simboliza la unión de todos los sonidos y es quizá el mantra más conocido.

OH AH HUM – Purifica la atmósfera antes de comenzar la meditación.

OH MANI PADME HUM – La joya del loto que me habita.

OH KLIM CRISTANAE NA MA HA – En el nombre de todo, que mi presencia crística venga a mí.

Estas composiciones son sin duda las más espirituales que podemos escribir, pero quizá nos inclinemos por algo más prosaico.

Relatos y microrrelatos.

Son textos cortos y en algunos casos, muy cortos.

El microrrelato más famoso está compuesto por una sola frase y pertenece al escritor guatemalteco Augusto Monterroso: “Y cuando despertó, el dinosaurio todavía estaba allí.”

Quizá es uno de los textos más estudiados, más citados y a la vez más parodiados de la historia de la literatura, pero es que tiene todos los ingredientes necesarios que componen el microrrelato perfecto.

El relato, siendo corto, tiene mayor extensión, pero aún así, no estamos hablando de muchas más de mil palabras mientras que el microrrelato oscilará entre las cien como máximo.

A continuación voy a enumerar unas pocas reglas que valen para estas composiciones teniendo en cuenta que el microrrelato necesita ser mucho más conciso y por lo tanto necesitamos ir más directamente a la acción.

En ambos textos vamos a tener que comenzar la narración sin preámbulos, yendo directamente al grano, a la acción de la historia, al nudo o a la trama sin pasar por presentaciones, adornos  ni introducciones de ningún tipo. No podemos perdernos en la retórica puesto que la extensión del texto nos lo impide.

Hay que tener una idea muy concreta de los hechos que queremos contar. Si tenemos una idea muy general o si la acción debe ser explicada de forma pormenorizada vamos a perder frescura y nitidez. Más vale ir directos a la parte del tema que queremos transmitir y no a la idea general, sería como narrar la vivencia de un soldado durante un minuto de una gran batalla en medio de una gran guerra… lo dejaríamos todo excepto ese preciso minuto que es donde va a ocurrir la acción o que es lo que nos interesa contar.

Hay que utilizar imágenes que sitúen al lector en medio del argumento a través de un espacio concreto de forma que inmediatamente ubique dónde está transcurriendo la acción.

Podemos comenzar el microrrelato cuando la acción y el tiempo ya han transcurrido y mostrar tan solo las consecuencias.

Jugar con los finales, dejar siempre una puerta abierta a la imaginación o al misterio y que se el lector el que lo continúe en su mente. Si decidimos dejar un final cerrado, es importante añadir un ingrediente de sorpresa, una conclusión inesperada, un giro insospechado de los acontecimientos.

El microrrelato perfecto, como el del dinosaurio, debe tener un significado oculto para remarcar que lo verdaderamente importante es la idea no su desarrollo puesto que el formato del texto nos impide desarrollar más. Debe quedar una idea sugerida, dejada como al descuido para que sea el lector quien la complete.

Debe haber pocos personajes, tres a lo sumo.

Tampoco podemos usar muchas mudas temporales ni espaciales puesto que no tenemos tiempo ni espacio para desarrollarlas.

Tenemos que procurar hacer mayor hincapié en lo que de verdad queremos contar, en aquello que queremos dejar como significativo en el relato.

Dada su brevedad, el relato no puede tener más de un narrador, con lo cual, hay que plasmar claramente la voz de la narración, guardar el mismo estilo y personalidad durante toda la descripción.

Simplificar. No relatar ni describir en exceso seguimos sin tener espacio ni tiempo para detenernos en los detalles concretos.

Más que contar debemos mostrar. No estamos escribiendo un resumen o una sinopsis por tanto debemos centrarnos en la inmediatez de un solo instante y de un hecho concreto, narrando la historia a través de su acción.

Hay que aprovechar cada palabra, cada frase. Tenemos que aprende a tachar lo superfluo y lo que no aporta contenido de valor a la historia.

Podemos recurrir a la simbología o a los arquetipos para lanzar ideas de carácter general que todos puedan entender. Volviendo al ejemplo el dinosaurio, comprobad como cumple con todas estas características anteriormente citadas, incluso la de la simbología porque, ¿acaso habéis dudado de que quien estaba durmiendo era la humanidad y que el dinosaurio no es más que la sinrazón y la materialidad, ese monstruo que gobierna el mundo?

Cuentos y fábulas.

Para los cuentos y las fábulas vamos a seguir los mismos pasos que en el relato en el momento de sentarnos a redactarlo pero hay que tener en cuenta unas pocas variables.

Por ejemplo el cuento suele tener un argumento fantástico, en él caben personajes de todo tipo que no tienen que ser personas reales sino que pueden pertenecer al mundo de las tradiciones populares o de la mitología. Hay sirenas, enanos, gnomos, hadas, elfos…el ejemplo que me viene a la cabeza es sin duda “El Hobbit”, que comenzó siendo un cuento que Tolkien le contó a sus hijos y que desembocó al final no solo en un libro novelado sino posteriormente en “El señor de los anillos”, una de las mayores epopeyas literarias.

En la fábula además podemos personalizar animales y que estos adquieran propiedades tales como el habla, el pensamiento y raciocinio.

Hay que tener en cuenta que la argumentación del cuento y de la fábula ha de ser poco compleja y contener un número pequeño de personajes.

Sobre un personaje principal girará toda la acción del cuento que suele estar situada en un solo plano temporal.

Muchas fábulas terminan con una moraleja, una lección. Para poder aplicarla correctamente debemos preguntarnos, de nuevo, ¿qué es lo que de verdad queremos contar?

Ensayo.

Cuando hablamos de ensayo, a nuestra mente acuden los grandes filósofos, los grandes pensadores y las obras de divulgación científica, médica o matemática. Cierto.

Pero no es menos cierto que cualquier opinión bien desarrollada, razonada, y explicada es de por sí un ensayo.

El ensayo es un tipo de redacción en estilo libre y de no ficción con la que se expresan ideas, pensamientos, emociones, logros científicos, resoluciones…es complicado presentar un resumen concreto de tipos de ensayos; argumentativos, expositivos, científicos, y que pueden haber tantos como necesidades de plasmar ideas o ratificar opiniones sobre temas concretos, sin embargo, basta con decir que nosotros, si nos decidimos por este tipo de redacción, estaremos escribiendo un ensayo denominado narrativo pero que aún así debe seguir con las pautas de lo que se considera una buena exposición y debe contar con unas características concretas ya tratemos temas íntimos, pensamientos propios o experiencias así  como opiniones meramente frívolas y de actualidad.

Para ello vamos a buscar el tema apropiado, aquello sobre lo que de verdad queramos escribir, aquello que de verdad nos interesa contar. Puede ser el comentario de una noticia,  la reseña de un libro o una crítica a la última película que hemos visto.

La documentación es importantísima e imprescindible. Podemos acudir a bibliotecas, internet, páginas web especializadas, por supuesto libros… cualquier fuente de información veraz.

Tomar notas de todo aquello que nos parezca importante o significativo.

No ignorar nunca los datos, las posiciones encontradas y contrarias a la nuestra, los distintos puntos de vista y si puede ser, utilizarlos para reforzar nuestras ideas y nuestra exposición del tema.

Anotar las fuentes consultadas para poder guardar una bibliografía completa de todo lo que hayamos investigado sobre el tema.

Analizar bien los escritos, fijarse si suena convincente en las formas, en el uso del lenguaje, en la lógica, si el autor de lo que leemos respalda bien sus opiniones.

Haz una lista con las ideas y los conceptos que te interesa desarrollar.

Recapacita sobre el tema y sobre la forma en que quieres presentarlo y desarrollarlo. Debes estar en condiciones de defender tus ideas y conceptos.

Debes tener clara cuál va a ser tu posición y saber proponerla al lector, de forma que en la presentación o en la introducción, este ya sepa qué tema vas a desarrollar.

Plantéate tus pensamientos en forma de frases preliminares que den una idea de la argumentación. Puedes hacer un esquema de los puntos concretos a tocar y tener así un hilo conductor que ponga orden tanto en tu mente como en el ensayo. Lo ideal es que por cada frase de pensamiento tengas varios argumentos disponibles para desarrollar.

Evita generalizar o personalizar. Los dos extremos restan credibilidad. No puedes incluir a todo el mundo en un concepto como tampoco puedes hablar en primera persona.

Intenta que la voz de la narración sea afirmativa y coherente con los pensamientos. Decir “creo” o “yo pienso” da una imagen muy poco seria del estudio que has realizado. Hay que intentar afirmar nuestros pensamientos con frases concretas y afirmaciones serias y a poder ser documentadas. No es lo mismo decir, por ejemplo,  “Yo creo que Freud tiene ideas misóginas” que decir “Freud expresa ideas misóginas en su teoría sobre la histeria”.

Elige el tono de la narración. Si va a ser un ensayo informal, académico, coloquial, lirico… debe tener un estilo propio y una voz concreta que se ha de mantener a lo largo de toda la narración.

El ensayo narrativo, que es el que esteremos usando, ha de huir de las palabras académicas y de aquellos vocablos “rimbombantes”, utilizando siempre un tono natural y personal.

En nuestro ensayo, nuestro pensamiento y nuestras opiniones girarán en torno a experiencias, emociones y pensamientos propios y ajenos, a un incidente concreto o a una acción concreta.

Debemos incluir todos los elementos propios de una buena historia: introducción, contexto, trama, personajes, clímax y desenlace o conclusión.

Hay que tener cierto cuidado en la persona del texto. Los ensayos narrativos deben estar escritos desde el punto de vista del narrador pero  como hemos dicho antes, esto no debe hacer que en la exposición del tema hablemos de forma personalizada.

Hay que buscar un punto concreto sobre el cual queramos incidir. Estamos escribiendo una historia, es cierto, pero al hacerlo en forma de ensayo necesitamos llegar a un punto concreto, a una idea principal, y debemos cuidar que todos los elementos lleguen a ese punto concreto que nos interesa. Debemos preguntarnos: “¿Qué es lo que de verdad quiero contar?”

Siempre que puedas, utiliza palabras que despierten emociones, no dejes que el texto sea plano y sin alma

Escribe un titulo y una introducción que sean apetecibles, interesantes, que llamen la atención y animen a su lectura.

Cuando hay que concluir el ensayo se pueden sugerir reflexiones en sentidos más amplios, abiertos a nuevas ideas o corrientes de pensamiento. Deben ser los argumentos que hemos dado los que lleven al lector a una conclusión propia y lógica.

Cuando hayas terminado de escribir tu ensayo, o más bien creas que has terminado porque te aseguro que no es así, déjalo reposar. Dale tiempo de maceración. Tras unos días vuelve y relee todo aquello que has escrito. Entonces comienza la segunda parte y quizá la más ardua; la corrección. Debes pulir el texto, depurarlo, identificar los posibles fallos tanto en la argumentación como en la forma de exposición, debes cambiar lo que creas que no ha quedado bien pero al mismo tiempo ha de conservar la frescura y su carácter innato.

Por supuesto presta especial atención a la gramática, a la ortografía, la puntuación, el estilo de la escritura… Evita tanto como puedas los signos de interrogación y exclamación.

Quita las palabras que se repitan muchas veces o aquellas que suenen redundantes. Busca los significados concretos y para ello es imprescindible un diccionario de sinónimos. Por ponerte un ejemplo; no es lo mismo estar, simplemente triste, que es un concepto general, que estar deprimido, melancólico, desconsolado, amargado, desamparado, mohíno, pesimista, abatido, apático, pensativo, hundido en la miseria… el matiz es muy importante y tenemos un rico vocabulario para ser utilizado. Abusa de él.

Los mejores ensayos son aquellos fáciles de leer, claros, concisos y comprensibles.

Concéntrate en los verbos de las frases. Los verbos, en cualquier escrito, son los que llevan el peso de la narración y del ritmo.

Elimina todo aquello que sea superfluo, toda aquella información que suene excesiva o que no esté relacionada con el tema a tratar. Todo lo que escribas ha de servir para respaldar el pensamiento que estás exponiendo.

Léelo en voz alta. Esto puede ser divertido y además es válido para cualquier tipo de narración. Autores tan distintos como Charles Baudelaire o Gustav Flaubert, en poesía y novela, leían todo en voz alta frente a un espejo desechando así aquellos términos que les resultaban defectuosos al oído. De esa forma nosotros detectaremos y desecharemos también los posibles fallos, errores, la falta del ritmo adecuado, las palabras que no son las justas y necesarias… Todo en la narración debe ser fluido y comprensible.

Si algún párrafo o alguna parte de la escritura te resulta problemática o poco entendible, reescríbelo. Si tú que lo has escrito no lo entiendes imagina los demás.

El final es importantísimo. Si con el titulo y la introducción hemos logrado que nos lean, con el final debemos conseguir que nos recuerden. Hay que dejar buen sabor de boca.

Introducción a la poesía.

Para escribir poesía lo principal, como en muchas otras cosas, es leer poesía, cuanta más y más variada mucho mejor.

Se trata de que con su lectura nos familiaricemos con las formas, los conceptos que se tratan, las emociones que percibimos en el autor, el ritmo, la rima… con todo ese mundo que se despliega ante nuestros ojos al leer un poema.

Aquí, no vamos a tratar de hacer una introducción académica a la poesía puesto que no es ese el objetivo que nos ocupa. Vamos a tratar de poner emociones por escrito y eso, aunque no lleve una métrica rígida, también es difícil.

Hoy, la mayoría de poetas no usan aquellas formulas rígidas en que se tenían que contar sílabas, sinalefas y conseguir rima en una estructura poética rigurosa, pero aunque hablemos de prosa poética o del lirismo en el lenguaje, el fondo va a ser el mismo: la emoción y los sentimientos.

Una poesía es más que las palabras contadas en un papel o las rimas o las métricas. Un buen poema debe sacudirnos por dentro, hacernos sentir, con todo lo que ello implica. Si definimos la poesía como un conjunto de versos de rimas asonantes que consta de un número preciso de estrofas, por ejemplocatorce versos agrupados en dos cuartetos y dos tercetos,habremos descrito un soneto, pero no es ese el fin que buscamos.

Para que la poesía nos sane, para que las palabras sean terapéuticas vamos a usar el verso libre o la prosa poética, a no ser que necesitemos precisamente puntuar y contar.

Os explico: El verso libre es una composición que se aleja precisamente de las pautas de la métrica y la rima con lo cual, podemos explayarnos sin tener que medir absolutamente nada.

Sin embargo no es fácil, todo lo contrario.

En el verso libre y en la prosa poética lo fundamental es el lirismo del leguaje, el ritmo y su disposición en el papel para que de forma visual siga teniendo la misma estructura de un poema.  En el verso libre se usan espacios en blanco para conseguir ese efecto poético y se agrupan de forma que su estructura pueda ser un poema en sí. En la prosa poética no hace falta guardar esas apariencias pero igualmente tiene que tener alma, ritmo y lirismo suficiente como para que esas palabras nos acaricien el alma.

Un grandioso y precioso ejemplo de prosa poética es el capítulo siete de Rayuela, de Julio Cortázar.

Toco tu boca, con un dedo toco el borde de tu boca, voy dibujándola como si saliera de mi mano, como si por primera vez tu boca se entreabriera, y me basta cerrar los ojos para deshacerlo todo y recomenzar, hago nacer cada vez la boca que deseo, la boca que mi mano elige y te dibuja en la cara, una boca elegida entre todas, con soberana libertad elegida por mí para dibujarla con mi mano por tu cara, y que por un azar que no busco comprender coincide exactamente con tu boca que sonríe por debajo de la que mi mano te dibuja.

     Me miras, de cerca me miras, cada vez más de cerca y entonces jugamos al cíclope, nos miramos cada vez más de cerca y nuestros ojos se agrandan, se acercan entre sí, se superponen y los cíclopes se miran, respirando confundidos, las bocas se encuentran y luchan tibiamente, mordiéndose con los labios, apoyando apenas la lengua en los dientes, jugando en sus recintos donde un aire pesado va y viene con un perfume viejo y un silencio. Entonces mis manos buscan hundirse en tu pelo, acariciar lentamente la profundidad de tu pelo mientras nos besamos como si tuviéramos la boca llena de flores o de peces, de movimientos vivos, de fragancia oscura. Y si nos mordemos el dolor es dulce, y si nos ahogamos en un breve y terrible absorber simultáneo del aliento, esa instantánea muerte es bella. Y hay una sola saliva y un solo sabor a fruta madura, y yo te siento temblar contra mí como una luna en el agua.

Y el ejemplo de verso libre, en el que cada verso tiene una métrica distinta y no guarda ningún tipo de rima, cómo no, es de Pablo Neruda.

Déjame sueltas las manos
y el corazón, déjame libre!
Deja que mis dedos corran
por los caminos de tu cuerpo.
La pasión —sangre, fuego, besos—
me incendia a llamaradas trémulas.
¡Ay, tú no sabes lo que es esto!

Es la tempestad de mis sentidos
doblegando la selva sensible de mis nervios.
¡Es la carne que grita con sus ardientes lenguas!
¡Es el incendio!
Y estás aquí, mujer, como un madero intacto
ahora que vuela toda mi vida hecha cenizas
hacia tu cuerpo lleno, como la noche, de astros!

Déjame libre las manos
y el corazón, ¡déjame libre!
Yo sólo te deseo, ¡yo sólo te deseo!
No es amor, es deseo que se agosta y se extingue,
es precipitación de furias,
acercamiento de lo imposible,
pero estás tú,
estás para dármelo todo,
y a darme lo que tienes a la tierra viniste—
como yo para contenerte,
y desearte,
¡y recibirte!

Si habéis logrado dejar de suspirar por la belleza de estos textos vamos a fijarnos un poco desde un punto de vista emocional.

En ambos textos se habla de amor, de sensaciones y emociones, de exaltación de los sentidos como el tacto o la vista. Todo tiene un ritmo concreto, el texto de Cortázar exuda intimismo, delicadeza y cadencia, el de Neruda es más apasionado, más visceral, hace referencias naturales a la tierra o a la madera como material primigenio, haciendo que la mujer que él describe nos parezca la propia madre tierra, tempestad, incendio, sangre. Cortázar se recrea en la visión de un beso, en los sabores, en las texturas, en las reacciones del cuerpo.

En ambos hay emoción, tanta, que se contagia.

Por supuesto el poema no tiene porque ser romántico o versar sobre el amor. Puede hablar de cualquier tema, de todos los temas que se nos ocurran. Vamos a tratar de escribir de forma poética, pero no tiene porqué ser al amor.

Por ejemplo algo tan bello como la prosa poética de Juan Ramón Jiménez describiendo a Platero, un burrito.

Platero es pequeño, peludo, suave; tan blando por fuera, que se diría todo de algodón, que no lleva huesos. Sólo los espejos de azabache de sus ojos son duros cual dos escarabajos de cristal negro. Lo dejo suelto y se va al prado y acaricia tibiamente, rozándolas apenas, las florecillas rosas, celestes y gualdas... Lo llamo dulcemente: ¿Platero?, y viene a mí con un trotecillo alegre, que parece que se ríe, en no sé qué cascabeleo ideal...

O este otro de Antonio Machado.

A un naranjo y un limonero.

Naranjo en maceta, ¡qué triste es tu suerte!
Medrosas tiritan tus hojas menguadas.
Naranjo en la corte, ¡qué pena da verte
con tus naranjitas secas y arrugadas!

Pobre limonero de fruto amarillo                                     
cual pomo pulido de pálida cera,
¡qué pena mirarte, mísero arbolillo
criado en mezquino tonel de madera!

De los claros bosques de la Andalucía,
¿quién os trajo a esta castellana tierra                           
que barren los vientos de la adusta sierra,
hijos de los campos de la tierra mía?

¡Gloria de los huertos, árbol limonero,
que enciendes los frutos de pálido oro,
y alumbras del negro cipresal austero                            
las quietas plegarias erguidas en coro;

y fresco naranjo del patio querido,
del campo risueño y el huerto soñado,
siempre en mi recuerdo maduro o florido
de frondas y aromas y frutos cargado

[

Nosotros debemos aspirar a esas emociones, a poder transmitirlas, a poder plasmarlas en papel y sacar de dentro todo aquello que quizá  nunca hemos dicho o que ni tan siquiera hemos pensado.

Podemos utilizar todo el amplio lenguaje como un arma con la cual enarbolar los sentimientos y defenderlos, liberarlos de sus encierros, dar rienda suelta a los caudales inmensos de afectividad que todos poseemos y que no siempre exteriorizamos.

Eso es poesía. Hacer que nuestras palabras sean devastadoras y que nos rompan para poder construirnos a través de ellas.

Tres consejos.

El primero es muy simple; escribe.

No te fijes en la ortografía ni en las faltas, acentos o tildes. No te fijes en absolutamente nada. No somos escritores que vayamos a publicar nuestros versos sino que se trata de tener una comunicación con nosotros mismos, con nuestro yo interior, con nuestros sentimientos y emociones. Ya estamos huyendo de la métrica y la rima para no tener que pararnos a contar y pensar. Hay que ir escribiendo de forma casi refleja, casi sin pensar lo que decimos aunque, eso sí, el texto ha de tener coherencia.

Se trata pues de dar rienda suelta a la imaginación y la creatividad.

El segundo: utiliza todas las licencias poéticas que existen y alguna más que tú te inventes. Sin miedo ni vergüenza. Eso solo lo vas a leer tú…

Y tercero: para conseguir que tenga ritmo, para que haya un hilo conductor entre los versos las palabras y las frases, si no logras alcanzarlo, utiliza cualquier canción que te guste. Por ejemplo: mi primer poema lo escribí a los diez años al ritmo de un tango de Gardel, “El día que me quieras”  en concreto. No sé cuánto daría por tenerlo ahora y no haberlo roto en un arranque de madurez a los quince años.

Déjate llevar por la melodía interior de tu mente,  busca esas canciones que te producen una sensación armónica y de paz, o bien, puedes ponerte sonidos relajantes de fondo, el sonido de la lluvia por ejemplo o de las olas del mar.

Análisis.

Fijémonos en los temas repetitivos y en las referencias, temas o palabras que solemos utilizar de forma reiterativa. Posiblemente estemos huyendo de ellos.

Si hemos usado metáforas buscar que significado arquetípico tienen, con que relacionamos ese objeto o esa palabra en concreto.

Buscar en la memoria y en los recuerdos las sensaciones similares a las que hemos sentido al escribirlo o al leerlo, posiblemente ese poema está guardado en forma de vivencia en algún departamento de nuestra mente y pugnando por salir. Tal vez esa ansiedad o ese miedo actual de debe a algún acontecimiento que está siendo reprimido, algo que vive en nuestro pasado y que nos hace temer el futuro. Es importante que sepamos verlo y recordarlo aunque no con un solo poema sí que la plasticidad de las emociones puede ser la misma en distintas poesías.

Si somos personas olvidadizas o que nos cuesta concentrarnos, vamos a fijarnos en los puntos, en las comas, en las tildes y a tratar de poner todos los puntos sobre las íes sin dejarnos ninguno. Esa forma de ordenar el texto va a conseguir que acostumbremos a la mente a ordenar los pensamientos.

Algo que seguro hemos conseguido es ahuyentar la soledad y estar un instante a solas con nosotros mismos de una forma íntima.

Poesía japonesa.

Elegimos poesía japonesa en primer lugar por su métrica, es generalmente corta, y por su tema principal, la naturaleza.  Su estructura básica son  5-7-5 versos en prosa nunca en rima y esos versos no son fijos, con  lo que pueden variar de posición siempre que sumen un total de 17.

La poesía japonesa según Vicente Haya.

Escribir haikus no es emplear una métrica determinada sino adoptar una manera concreta (atenta, asombrada, armónica, libre, desideologizada, silenciosa, asimbólica) de estar aquí y ahora, es decir, de participar de los sucesos, instantes e impresiones que entretejen el presente del mundo. Esa emoción profunda que lo exterior produce en nosotros, el aware del título, es menos una experiencia del afuera que la necesidad interna, y casi la obligación, de transformar esa emoción en un haiku. En ese proceso uno tiene que aprender a desprenderse de su yo sin aspavientos (cualquier exceso, también en la renuncia, rompe el hechizo de la vida) y a ponerse al servicio de la Naturaleza, en la cual no caben juicios de valor, estéticos o filosóficos.

Desde Bashô quedó desterrada esa propensión humana a proyectar los elementos del mundo humano sobre la naturaleza; esos haikus que instrumentalizaban la naturaleza y en los cuales una luna era un abanico sin mango dejaron de escribirse. Y por eso también están mal vistos o apenas existen los haikus de amor, los haikus filosóficos, los proselitistas; no porque el amor, el pensamiento o la religión tengan nada de malo, sino porque son lo que ya somos, lo que ya sabemos que sentimos, pensamos o creemos. Y hay que salir de ahí hacia el mundo, hay que dejar de escuchar la vibración de lo de dentro y dejar entrar la que nos viene de fuera.

Definición y métrica.

El haiku describe generalmente los fenómenos naturales, el cambio de las estaciones y la vida cotidiana de la gente. Su estilo se caracteriza por la naturalidad, la sencillez (no el simplismo), la sutileza, la austeridad, la aparente asimetría que sugiere la libertad y con esta la eternidad.

En la base del haiku hay una percepción directa de las cosas, apegada a lo sensible y libre de conceptos abstractos. Blyth lo define como «una mera nada, pero inolvidablemente significativa»[][]

La piedra angular del haiku es el aware, una emoción profunda provocada por la percepción de la naturaleza. A menudo se trata de una emoción melancólica (el poeta, contagiado por el sufrimiento de los seres, siente su tristeza y de ahí nace su poesía), pero también la alegría exultante puede ser aware. Se trata de una conmoción espiritual, que es a la vez estética y sentimental.

Para que el aware sobreviva a través de las palabras, es preciso que el haijin (el poeta que escribe haiku) se elimine del proceso. En el haiku tenemos que despedir a nuestro ego sin mostrar interés, aceptando una lección de humildad: es probable que ninguno de los "haikus" que escribamos al principio merezcan ese nombre.[] En el haiku genuino se produce una comunicación análoga a la no verbal (el haragei, arte de comunicarse sin palabras), sin confusión ni ruido.

El haiku tal como se consolidó tras Bashô y Onitsura (siglo XVII) se concibe como un instrumento para el desarrollo espiritual. Tras ellos, hay un antes y un después en el mundo del haiku.

Jisei, el haiku de despedida de la vida.

La cultura japonesa es probablemente la única del mundo en la que ha arraigado y se ha extendido la costumbre de redactar, además de la última voluntad, un poema de despedida de la vida que parece reflejar, más que ninguna otra cosa, el legado espiritual de los japoneses. Todos tienen su poema de despedida que a veces componen poco antes de morir o mucho antes de que llegue el momento, con la conciencia de que ese es su jisei.

Tanka

El tanka es un tipo de poesía tradicional japonesa compuesta por cinco versos de 5-7-5-7-7 sílabas. Según algunos autores, su principal utilidad era la de transmitir mensajes secretos entre amantes; una pequeña síntesis matutina de lo que una tempestuosa noche de sexo había representado para el autor, como queriendo volver a las maneras y palabras del cortejo, algo así como una nota de agradecimiento al proporcionador de tan carnales placeres. Muy pronto el tanka comenzó a utilizarse tanto para canciones de boda como para encantamientos propiciatorios de casas recién construidas, niños recién paridos y negocios recién firmados (usos, todos ellos, corrientes en otras variedades poéticas japonesas). A través de los siglos, los poetas compusieron tanka no sólo para el amor o para conjurar a los dioses, sino sobre la naturaleza y otros asuntos no menos inspiradores. Dicen que el tanka mas bello de la literatura japonesa pertenece a Ise Monogatari:

Tsuki
ya aranu
haru ya mukashi no
haru naranu.
Wagami hitotsu wa
moto no mi ni shite

¿No es esa la luna?
Y la primavera
¿no es la de entonces?
Siendo sólo yo
el mismo que era.
(trad.de Antonio Cabezas)

Renga

El renga era un género de poesía ligero y de entretenimiento, en el que un poeta recita los tres primeros versos (hokku) y otro compone el pareado final. Se considera que fue el paso intermedio del tanka al haiku, puesto que, de alguna manera, ‘independiza’ esos tres primeros versos que darán lugar al haiku. El Renga consistía en un encadenamiento de Tanka a mano de varios poetas que se reunían para componer; de esta forma el Renga se apegaba a la tradición del Katauta y a la de los Uta-awase.

El Renga podía ser “corto” o “largo”, existiendo ejemplos de este último hasta de mil versos en el periodo Heian. Al igual que el Tanka, el Renga fue practicado por los nobles, aunque no era exclusivo de ellos, lo cual lleva a corrientes más serias y próximas al Tanka y otras más cercanas al ingenio y al humor

Haikai

El haikai es un hokku humorístico o ingenioso creado por Sôkan (1465-1553). Este es un buen ejemplo:

Ah, si a la luna
se le adosara un mango,
¡qué buen paipai!

Haiku

¿Qué es el haiku? Según Bashô “haiku es lo que sucede aquí y ahora”. También decía “Aprende de los pinos, aprende de los bambúes. Aprender quiere decir unirse a las cosas y sentir la íntima naturaleza de esas cosas. Esto es haiku”. Diecisiete sílabas distribuidas en tres versos de 5-7-5 sílabas. Transcribo a continuación el último poema de Bashô:

Tabi ni
yande
yume wa kareno o
kakemeguru

Viajo,
estoy enfermo
y mi ensueño
recorre los campos muertos
(trad. de Kasai)

Haiga

Con el fin de acompañar el haiku, muchos poetas realizan una pintura, generalmente sin mucha perfección. Matsuo Basho (1644-1694) fue el primer poeta en adoptar esta forma del haiku, aunque hay estudiosos que citan a Nonoguchi (Hinaya) Ryuho (1595-1669) como el autor del haiga.

Vocabulario.

Kigo. Hace referencia a la estación del año de forma directa o indirecta. Puedes decir simplemente primavera o puedes poner flor de azahar, con lo cual se consigue una referencia a la estación que se representa.

Kireji. Corte en los dos primeros versos, con un tercer verso que habla de algo completamente distinto a lo anterior.

Mora. Para componer poemas japoneses contamos las sílabas pero le damos a cada una de ellas un peso específico en la palabra. Cada silaba, en castellano, tiene por tanto distintas moras según esté acentuada o no. Las agudas se le añade una mora y a las esdrújulas se les resta.  Por tanto, una palabra de tan solo tres silabas puede valer dos o cuatro moras dependiendo de su acentuación.

Haiku. Poema con la estructura fija 5-7-5 que contiene Kigo y Kireji. No admite lirismo ni metáforas,  subjetividad o cualquier licencia poética. Tiene una relación práctica y no romántica con la naturaleza.

Hokku. Tiene Kigo pero no Kireji y admite cierta dosis de subjetividad y lirismo.

Müki. No tiene ni Kigo ni Kireji y admite cualquier tipo de subjetividad, emoción, metáfora, lirismo o licencias poéticas.

Senryu. Habla de la vida y la naturaleza desde los sentimientos.

Haibun. Este consiste en combinar la prosa con un hokku.

Haijin. Persona que escribe estos poemas y sabe diferenciarlos perfectamente.

Experiencia.

Nosotros vamos a trabajar con el Hokku y el Haibun.

El Hokku, como introducción a la poesía japonesa nos permite hacer cierta referencia a los sentimientos y la subjetividad, no solo a la naturaleza, elimina el Kireji, que nos puede resultar extraño a los ojos occidentales con los que estamos acostumbrados a leer poesía y al mismo tiempo nos permite tener ciertas licencias poéticas, con lo cual, podemos acercarnos un poco a la poesía a la que estamos acostumbrados.

A mismo tiempo, como conserva la misma métrica, iremos familiarizándonos solo con un tipo de poema hasta lograr tener cierto dominio de las moras sin tener que añadirle mayor dificultad.

El Haibun, al contener un elemento de prosa que se puede considerar de redacción libre, podemos dar rienda suelta a nuestros pensamientos y hacer que afloren emociones o sentimientos, logrando un mayor poder terapéutico al reconocernos en el texto.

En general, hay que tener en cuenta que esta poesía japonesa nos va a permitir la observación de la naturaleza y nuestra relación o nuestras emociones con ella, pero en ningún caso, se puede hablar de amor o de romanticismo. De hecho, está mal visto componer Hokkus o Haikus de amor, en Japón no lo hacen, así que no vamos a hacerlo nosotros tampoco. Distinto es que en nuestra emoción, nuestra sorpresa o nuestros sentimientos se reflejen en la naturaleza o ésta nos sirva para sacarlos a flote, pero en ningún caso hablaremos de amor romántico.

Siempre que podamos, intentaremos estar en contacto con la naturaleza o al menos, cuando estemos escribiendo en casa, encontrar nuestro momento Zen. Un tiempo y lugar adecuado, tal vez con música de fondo, sonidos naturales, velas, incienso, piedras energéticas… cualquier cosa que nos sirva para relajarnos y tener intimidad.

Hokku.

Morse por la noche.

El viento

envía un SOS.

Primavera en mi cabaña.

Absolutamente todo.

Absolutamente nada.

El espantapájaros

parece humano

cuando llueve.

¿Es primavera?

La colina sin nombre

Se perdió en la neblina.

Haibun

En el azul del cielo un diamante brilla rodeado de cuarzos cristal, iluminando el sendero por donde mis pasos me llevan. Al castillo carmesí, donde antaño vivieron princesas de bellos vestidos de tules y sedas, oyendo el susurro del agua, aromas de azahares, romero y espliego, me hacen sentir como una rosa fragante llena de rocío. La Alhambra llena de leyendas y cuentos, hace que me estremezca, soy de nuevo una niña pequeña mirando asombrada su belleza.

Vive en verano
el sultán nazarí
sobre un vergel.

Autora. Elficarosa

Distintos poemas

Su rostro
como una flor de loto
se abre en una sonrisa

el pato de jade del pebetero,
su aroma, vuela hasta su mejilla
también perfumada

mirada de olas que,
apenas se turban,
traslucen sus pensamientos

de perfil
con un gesto profundo
lleno de gracia y de encanto

ella escribe sobre un papel
el secreto de su corazón:

“cuando la luz de la luna desvíe la sombra
de todas las flores
amor mío,
regresa”

Autora: Li Quingzhao (Poemas de la separación)

Cuando la lámpara se apaga
las primeras estrellas
entran por la ventana.

Autor: Natsume Soseki

Un relámpago
y el grito de la garza,
hondo en lo oscuro.

Admirable
aquel que ante el relámpago
no dice: la vida huye.

Autor: Bashô, en Sendas de Oku. El haiku rechaza la evidencia, por eso, como decía Chikamatsu, lo primordial no es decir de algo “es triste”, sino transmitir la sensación de tristeza.

En cierta ocasión, Kikaku y Bashô se quedaron contemplando el vuelo juguetón de unas libélulas, hasta que elprimero exclamó:

¡Rojas libélulas!
Si les quitas las alas
son vainas de pimienta.

A lo que Bashô objetó: no, así no, acabas de matar a la libélula. Di más bien:

¡Vainas de pimienta!
Si les añades alas
se vuelven libélulas.

Autores: Kikaku y Bashô

Poesía erótica y confesional.

Llamamos poesía confesional a aquel tipo de poemas que tienen una nota biográfica e íntima en su contenido, y poesía erótica aquella que exalta la sensualidad, el cuerpo y el erotismo en las letras.

Hay numerosos casos en que estas dos definiciones se cruzan o se entrelazan porque a lo largo de la historia el erotismo, que nos han enseñado a reprimir, ha pasado a ser parte de aquello más íntimo y personal, de lo que pocas veces se ha hablado y que, incluso hoy, nos cuesta verbalizar.

La presión religiosa y cultural de este país, ha conseguido que durante generaciones el erotismo más leve sea considerado casi pornográfico y que en muchas ocasiones, forme parte de nuestro inconsciente con su carga de complejos, tabúes, mitos, y pecados inculcados en una educación más que represiva.

Por tanto, la poesía confesional, en numerosas ocasiones va ligada a esa pulsión erótica, a esa parte de nuestro inconsciente que en psicoanálisis llaman libido y que no es otra cosa que esa energía inconsciente que guardamos ante temas como la sexualidad, el amor, el enamoramiento, el deseo…

Al mismo tiempo, y dado que esa represión moral ha tenido como víctima preferentemente a la mujer, esta también se ha convertido en una forma de reivindicación de lo femenino, de afirmación, de la voz del universo íntimo de la feminidad en todos los términos posibles e incluso en la transgresión de las prohibiciones antaño aceptadas.

Ambos tipos de poesía van a formar parte de nuestro yo más esencial, más personal e incluso espiritual.

Para comenzar a tener una idea de lo cerca que puede estar lo erótico de lo espiritual y de lo confesional, vayan por delante las frases célebres de Santa Teresa de Jesús:

“Víale en las manos un dardo de oro largo, y al fin de el hierro me parecía tener un poco de fuego; éste me parecía meter por el corazón algunas veces y que me llegaba a las entrañas; al sacarle, me parecía las llevaba consigo y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios.  Era tan grande el dolor que me hacía dar aquellos quejidos y tan excesiva la suavidad que me pone este grandísimo dolor, que no hay deseo que se quite, ni se contenta el alma con menos que Dios.  No es dolor corporal, sino espiritual, aunque no deja de participar el cuerpo algo, y aun harto.  Es un requiebro tan suave que pasa entre el alma y Dios, que suplico yo a su bondad lo dé a gustar a quien pensare que miento.” (Libro de la Vida 29, 13)

En distintos ensayos se habla de la poesía erótica como una forma de conocimiento propio, como un giro de la mirada hacia nosotros mismos, y en el caso de la poesía erótica escrita por mujeres, la reivindicación del propio cuerpo, la asunción de nuestros deseos o necesidades más íntimos, y sobre todo como una forma de dejar de vernos en los ojos o en las palabras que han escrito otras personas para comenzar a vernos y escribirnos nosotras mismas. Hay por tanto, un claro lenguaje reivindicativo y un acto de empoderamiento al poner por escrito todo aquello que los poetas de muchas épocas escribieron sobre la mujer desde un punto de vista exclusivamente masculino.

Se puede decir que en este aspecto puede haber varias vertientes, o varias formas de que este tipo de poesía sea terapéutica y nos sirva como ejercicio de introspección.

Ante todo, hay que volcar en el papel aquello que de verdad queramos expresar, guardando las “reglas” que hemos visto en los apartados de introducción a la poesía para que estas contengan un lenguaje lírico y puedan catalogarse como poesía confesional o erótica pero, al mismo tiempo, no debemos ponerle freno a aquel lenguaje o a aquellas palabras que puedan parecernos menos poéticas porque de lo que se trata es de exteriorizar pensamientos, sentimientos o vivencias sin pararnos a pensar precisamente en lo que se ha considerado correcto.

Hay que intentar mantener un equilibrio entre el lenguaje poético y el lenguaje del cuerpo, renombrarlo y quizá incluso reclamar un nuevo modelo de expresión que nos permita convertir lo más banal, lo que siempre nos han inculcado como sucio o como pecaminoso en una liberación de las formas que nos inducirá, de ese modo, a la liberación de muchos de nuestros prejuicios, complejos o represiones internas.

No vamos a ser nosotros, escribiendo este tipo de poemas como ejercicio de introspección, quienes pongamos cortapisas y quienes nos censuremos. Al contrario.

Buscando ese lenguaje correcto, tratando de plasmar nuestra creatividad al mismo tiempo que nuestros pensamientos más íntimos, vamos a poder no solo liberar toda esa carga sino además, meditar sobre el significado que guardamos de ella en nuestro yo más oculto.

Para escribir este tipo de poemas quizá debamos olvidar todo aquello que hemos leído hasta ahora y alejar la imagen del erotismo que podamos haber detectado en distintos textos.

De lo que se trata es de darle una dimensión propia y personal a través de la cual reconocernos y por tanto, la interpretación de nuestro erotismo o de nuestros pensamientos más personales no tiene porque coincidir con los estereotipos convencionales utilizados en la poesía habitual aunque convendría conocerlos si lo que nos proponemos es precisamente romper con la imagen que nos han inculcado a través de la cultura normativa y vindicar de ese modo nuestra propia visión.

Tenemos que tener claro que estos dos tipos de poesía se basan en la confesión y el reconocimiento propio hasta el punto de que a veces hay que indagar y rebuscar en el interior de cada uno para lograr que aflore el lenguaje y el argumento necesario que describa esa subjetividad.

Va a ser un uso personal e íntimo del lenguaje, crudo en ciertas ocasiones, sinceramente brutal en otras, pero siempre basado en la experiencia propia.

Tendremos que recurrir, por tanto, a un lenguaje más simple y coloquial, de una estética más natural, que sea un reflejo de la misma vida aquello que vamos contando, siempre pegados al realismo y a nuestra propia naturaleza que no tiene porque ser bella o armoniosa, sino quizá todo lo contrario.

Podemos hablar de zonas oscuras, de lo feo, de lo patético, de la degradación, de los miedos.

En estos casos puede abundar el lenguaje metafórico para tratar de extraer la belleza de todo aquello que nos puede parecer decadente.

Sexton, por ejemplo, escribía “siento el noviembre del cuerpo” describiendo una especie de calendario en el que el cuerpo es quien marca el paso del tiempo.

Sylvia Plath escribía “He dado mi nombre y mi ropa todos los días a las enfermeras; y mi historia al anestesista; y mi cuerpo a los cirujanos” dejando así claros los pensamientos y reflexiones  íntimas sobre la enfermedad, la levedad y vulnerabilidad del cuerpo, la nada en que podemos convertirnos, nuestra propia fragilidad.

En el caso de la poesía erótica hay que intentar no caer en las palabras gastadas, en los usos de simplemente describir sin sentir y sin aportar nada o buscando que sea el posible lector quien sienta.

Si esta poesía nos ha de servir como afirmación a nuestra feminidad, si va a tener un fondo político y como reivindicación a nuestra huella social hay que hacerlo sin que suene de forma panfletaria, partidista o como solo un medio de acción social.

Precisamente he puesto juntos este tipo de poemas para que sean escritos desde el pensamiento, el sentimiento o las vivencias propias, y aunque su carga erótica pueda ser reivindicativa de la causa femenina, nuestra visión siempre será interior.

Os pongo el ejemplo de Kyra Galván con un fragmento de su poema Mis defectos entre las flores del durazno.

Te diré: soy mujer cedro mujer angustia, mujer como trigal, como violeta

como sandía y tormenta.

Busco una isla para gestar en ella, para inventarme mi libertad y mi cuerpo

y todos mis movimientos.

O por poner otro ejemplo, este poema que publiqué en mi blog y del que soy autora.

Y mirarte y no sentir que me traiciono.

Desearte sin que se suponga un torcer mi brazo ante ti.

Abarcarte como hombre sin dejar que lo que me enseñaron sobre cómo ser mujer salga a la superficie.

Cambiar el final de todas las historias, de todos los cuentos, de todas las canciones, cambiar esa especie de atadura por libertad para amarte, libremente, atada a ti por sentimientos y no por obligaciones.

Ser libre para amarte desde mi libertad.

Elegir encadenarme al deseo, a tu cuerpo, a mi propio deseo y mi propio cuerpo, más yo que nunca cuando estás en mí.

Ser libre para elegir amarte sin que tu presencia sea una imposición o que tu cuerpo se convierta en mi sombra, libre para retener tu reflejo y tu luz sin que yo misma deje de ser reflejo y luz.

Elegir libremente apasionarme, ser libre para mostrar pasión.

Ser libre para amarte y para amarme.

Ser libre. Ser yo.

No sé si os habéis dado cuenta de que hasta este poema no hemos nombrado el amor para nada en absoluto. El erotismo no tiene porqué ir ligado al sentimiento de amar puesto que son dos cosas distintas por completo.

Aquí más que nunca hemos de perder la vergüenza y la timidez de la que ya hemos hablado en otros apartados y comenzar a decir las cosas por su verdadero nombre, sin adornos románticos que pueden o no estar en el poema. Si hay que utilizar las palabras que raramente se han utilizado en la poesía clásica, deben ser utilizadas, sin miedos ni aprensión de ningún tipo, como por ejemplo en el poema de Coral Bracho.

Oigo tu cuerpo con la avidez abrevada y tranquila

de quien se impregna (de quien emerge,

de quien se extiende saturado, recorrido de esperma) en la humedad

cifrada (suave oráculo espeso; templo)

en los limos, embalses tibios, deltas,

de su origen; bebo

(tus raíces abiertas y penetrables; en tus costas

lascivas -cieno brillante- landas)

los designios musgosos, tus savias densas

(parvas de lianas ebrias) Huelo

en tus bordes profundos, expectantes, las brasas,

en tus selvas untuosas,

las vertientes. Oigo (tu semen táctil) los veneros, las larvas;

(ábside fértil)

Toco en tus ciénagas vivas, en tus lamas: los rastros

en tu fragua envolvente; los indicios

(Abro a tus muslos ungidos, rezumantes; escanciados de luz)

Si decidimos escribir un poema erótico como parte de esa introspección, de ese querer conocernos a nosotros mismos o querer exteriorizar en palabras ese lugar recóndito de nuestra mente, debemos tener claro una de las cosas más difíciles; la diferencia entre pornografía y erotismo.

La línea que separa ambas cosas es tan fina y los contornos que las diferencian son a veces tan sutiles que es muy complicado distinguir en ocasiones una cosa de otra. Ese es un tema por el que me he preocupado muchísimo en mis novelas o en mis artículos hasta el punto de haber llegado a una reflexión personal; lo que marca la diferencia entre una cosa u otra no es la palabra en sí sino la actitud de las palabras, lo que queremos significar con ellas, lo que queremos obtener de ellas, lo que queremos realmente expresar.

Hay un montón de blogs y webs en el que se escribe erotismo ya sea en poemas o en relatos y la mayoría de veces esa línea entre erotismo y pornografía se traspasa con suma facilidad. Eso se adivina más en las entrelíneas que en las mismas palabras, en el uso del lenguaje, en la subjetividad de quien lo ha escrito, en las descripciones puramente físicas que, sin embargo, no realzan ni aportan nuevas miradas al cuerpo como territorio soberano e individual sobre el cual el erotismo tiene su carga de transgresión o de afirmación.

La actitud y la intención con la cual se ha escrito es lo que separa una cosa de otra.

Nosotros no tenemos que caer en ello, desde el principio del ensayo hemos utilizado las palabras como una forma de comunicarnos entre dos o más personas pero sobre todo como un puente de comunicación con nosotros mismos, por tanto, ese tipo de poemas o textos, completamente lícitos por otra parte, no es lo que vamos a tratar de hacer a no ser que nos aporte algo concreto o que sea así la forma en que queramos poner por escrito nuestros pensamientos.

Y como fin de este tema, no puedo hablar de poesía erótica o confesional sin nombrar a Baudelaire, por encima de otros poetas más contemporáneos como Octavio Paz, Cruz Bernal, Alberti, Ángel González, Gil de Biedma, Buesa, o mujeres como María Emilia Cornejo, Margara Sánchez, Coral Bracho, Ana Rossetti, Cristina Peri Rossi o Ana María Rodas, de los que os aconsejo encarecidamente su lectura y de los cuales un análisis en este momento podría sacarnos del contexto de este ensayo.

Si quiero hacer un inciso en Baudelaire es por su importancia tanto en las formas como en su contenido.

Baudelaire rompió con la poesía romántica y con él comenzó el llamador modernismo con lo cual ya cometió esa primera transgresión tan necesaria para romper con lo establecido y lo considerado como correcto.

Además su poesía, y en concreto su obra cumbre, Las flores del mal, aúna ese tipo de poema con visión intimista y erótica, confrontando al ser humano con su propia naturaleza, descubriendo pensamientos, deseos ocultos, vivencias, recuerdos e incluso opiniones. Desnuda la conciencia, revela la complejidad de lo humano, del ser inteligente y sensible con toda su carga de contradicciones e incertidumbres.

Su lectura es imprescindible, más que aconsejable, para entender el tipo de poesía que queremos desarrollar y que nos sirva para conocer esos rincones más ocultos de nuestra conciencia, nuestra imaginación o de nuestro ser con los que podamos dar rienda suelta a nuestra creatividad como dar luz a los rincones que siempre nos han enseñado a mantener ocultos y que, sin embargo, son parte imprescindible y vital de nuestro ser.

Literatura sin libros.

El titulo puede parecer un poco confuso porque solemos relacionar el mundo de la literatura con los libros de forma casi inmediata, sin embargo, las nuevas tecnologías son un arma novedosa y poderosa con la que hacer buena literatura sin tener que pasar por la publicación o por la promoción de los libros y todo lo que ello implica.

Las redes sociales o los blogs literarios son dos bases fundamentales en los nuevos tiempos que debemos manejar de forma correcta y que tienen principalmente un aspecto diferente a todo lo que hemos hablado hasta el momento; son del dominio público y al mismo tiempo pueden ser completamente anónimas.

No estoy hablando en ningún momento de perfiles falsos al referirme al anonimato, pero si a una parcela de intimidad que queremos conservar y tras la cual asomarnos, no escondernos.

Lo primero que tienes que tener claro es si de verdad quieres ofrecer tus textos a la crítica. Si eres capaz de soportar el escrutinio público y la evaluación de tu obra por desconocidos.

Puede que hasta el momento ninguno de tus escritos haya visto la luz, que sean personales e íntimos y no se lo hayas mostrado ni siquiera a tus amistades o familiares. Si es así, publicarlo en cualquier plataforma es un paso que debes meditar profundamente, sopesar pros y contras y evaluar algo muy importante: tu calidad literaria.

Hasta ahora hemos escrito para nosotros, para comunicarnos con nuestro yo más personal, para descubrirnos a nivel inconsciente, para aclarar ideas, conceptos, para elevar nuestra espiritualidad, para entretenernos, para ejercitar nuestra mente o mejorar nuestro carácter , pero no hemos hablado de la calidad literaria que puede o no tener aquello cuánto hemos escrito.

En un blog o en una red social van a exigir un mínimo de calidad y por tanto vamos a intentar que nuestra narrativa la tenga.

Al mismo tiempo, puede que en lugar de una calidad exuberante, prefieran sacrificar esta en pos de una profundidad mayor, de una intimidad o unas reflexiones en las que se vean reflejados quienes te leen.

Conjugar ambas cosas sería lo ideal.

Si seguimos las pautas arriba indicadas sobre cómo escribir, podremos tener la calidad suficiente como para poder publicar un blog más que decente, dar opiniones razonadas, pensamientos bien analizados, sentimientos adecuadamente descritos y nuestro texto tendrá coherencia, con lo cual, debemos perder el miedo a esa parte que sería tal vez la más escrupulosa en las formas.

La mayoría de formatos de blog permiten hacer apartados distintos y ponerles un título lo que te permite ordenar tus textos. Poesía, opinión, relatos, reseñas, artículos, todo tiene cabida en él y además ya vas guiando al lector sobre la nueva publicación que verá anunciada en su correo electrónico o en las redes sociales donde lo compartas.

Lo normal sería que tuvieras un blog y un perfil en una red social como mínimo. Si en el blog podemos escribir, con el uso adecuado de las redes sociales vamos a encontrar a los lectores, a promocionarnos y a localizar los perfiles de personas que pueden ser similares al tuyo y que les puede interesar conocerte a nivel seguidor.

No deseches nunca una opinión y responde siempre que puedas. Te puedo asegurar que lograr que las personas que te leen comenten tu entrada de blog no es fácil, de hecho, aunque les haya gustado lo habitual será el silencio o un lacónico “me gusta”. No desesperes, la mayoría de blogs se abandonan al poco tiempo por estas circunstancias pero, he de recordarte que nuestro caso no es solo el hecho de que nos lean lo que nos ocupa, sino el hecho de leernos nosotros mismos y el de utilizar la escritura como una forma de encuentro con nuestro yo más íntimo. Si eres constante los lectores llegarán.

Publica asiduamente. No vale tener un blog quietecito durante meses porque eso no produce eco en la multitud de blogs que día a día se abren en distintas plataformas o en la multitud de entradas que hay en todo el mundo.

Proponte una meta. Por ejemplo hacer una entrada o publicación semanal. Proponte un día a la semana para publicar aquello que creas que de verdad merece ser publicado o aquello que quieres comunicar.

No escribas por escribir ni por cumplir un trámite. Eso rompería la voluntariedad y la creatividad del blog y comenzaría a ser una carga, una imposición y nos podría crear frustración o ansiedad, algo que no queremos en ningún momento. Más vale que sea poco pero bueno.

Analiza qué tipo de blog quieres tener y a quién te debes dirigir.

Podemos querer un blog íntimo, un blog literario, uno de ensayo y opinión, uno que hable de cine, de terapias alternativas, de poesía… infinidad de blogs. Sin embargo, nuestro blog ha de ser algo que nos aporte, que nos proporcione belleza y serenidad, por tanto vamos a centrar un tema que nos guste, que nos apasione  y desechar otros temas que pueden no ser tan lúdicos o que nos impidan crecer.

Ten claro a quién debes dirigirte para buscar lectores. Si tu blog es de poesía, busca personas, páginas y perfiles donde la poesía sea también un tema central y síguelos.

Utiliza todas las armas que la plataforma te ofrece, todos los botones y pluggins, los compartir, los enlaces, los fondos musicales, las estrellitas, los corazoncitos… todo lo que pueda darle mayor visibilidad y te permita tener un mayor y mejor contacto con los lectores.

Comienza a seguir a perfiles de tu misma plataforma, aprende de cómo lo están haciendo ellos, de las distintas opciones estéticas que tu blog ofrece, de las distintas formas en que ellos publican y comenta siempre que puedas. Te puedo afirmar y podrás comprobarlo, que los comentarios siempre se agradecen mucho.

No impongas tu presencia. Te puedo asegurar que no hay nada peor y que dé más mala imagen que meter tu blog en conversaciones ajenas, en otros muros o perfiles de usuarios. Además de ser una falta grave de respeto al trabajo de la otra persona.

Acepta las críticas con cortesía y elegancia. No es fácil pero ha de ser así. Para ello un buen consejo; solo hay dos tipos de críticas, las constructivas y las destructivas. Si son constructivas te van a ayudar a detectar fallos en tu narración, a ver cosas que tú como autora no puedes ver por puros procesos mentales, te van a marcar errores e incluso te pueden aconsejar como evitar ciertas tendencias o manías que todos los autores tenemos, así que toma nota de cuanto te dicen y agradece ese comentario porque te está ayudando a crecer y a mejorar.

Yo recibí la crítica constructiva de un relato de mi blog por parte de un señor y como me di cuenta de que tenía mucha razón, inmediatamente le pedí amistad por Facebook. El señor, ahora un buen amigo, resultó ser catedrático y profesor de la Universidad de México, escritor y ensayista que actualmente está traduciendo su obra al latín. Nunca, nunca deseches una buena crítica constructiva.

Por otro lado están las críticas destructivas que es más difícil lidiar con ellas porque parecen atacarnos y herirnos, sin embargo, esas, las que más duelen no hay que tenerlas en cuenta.  Partimos de la idea de que no a todo el mundo le gusta lo mismo y por tanto puede que no les guste lo que escribimos. Yo conozco a un chico al que no le gusta García Márquez y una chica que dice que no le gusta nada Antonio Muñoz Molina, sin embargo para mí son dos maestros de la narrativa. Cuestión de gustos.

Además y muy importante, estamos escribiendo para nosotros, para comunicarnos, para crear vínculos y el que pongamos nuestros escritos en un lugar público es para poder seguir creando esos vínculos. Presuponer que por ello tengamos que tener la calidad literaria de un premio Nobel es una necedad por parte de quien nos ataca y una declaración no solo de mal gusto sino de mal fondo personal.

Si la crítica es realmente insultante es cuando menos caso hay que hacerle. No aporta nada, no dice nada, solo insulta nuestro trabajo o peor, nuestros sentimientos que es quizá lo que hemos expresado. Esa persona, por mi parte, se merece un bloqueo inmediato.

Una de las cosas más atrayentes de un blog es poder contar con el apoyo de imágenes para ratificar el sentido de nuestros textos. Hay que procurar que las imágenes siempre tengan relación con aquello de lo que estamos hablando y que además sean bellas, evocadoras. Hay que procurar que todo el campo visual del blog guarde una consonancia y que esta nos represente pero hay que evitar fondos o colores que impidan la lectura cómoda de las palabras.

Si queremos guardar el anonimato lo ideal es que esas imágenes nos representen en todos los perfiles que tengamos, utilizar la misma imagen como icono tanto en las redes sociales como en el blog ayuda a identificarnos fácilmente.

El nombre, si no quieres poner el tuyo propio también es muy importante. Puedes utilizar un seudónimo o simplemente un titulo evocador e intimista que vaya en conjunción con el tipo de blog que hayas pensado, que se sepa o compendie, al leerlo, de qué se trata y sobre qué escribes.

Dale tu propia personalidad. El blog ha de ser un reflejo de ti, de tus pensamientos, de tus sueños, de tus metas, de tu trabajo, de tus sentimientos. Has de ser tú, más genuina y original que nunca como persona, más sincera y más real que si de verdad te conocieran.

Con estos consejos, tener un buen blog no va ser difícil y podrás comprobar cómo te produce muchas alegrías además de tener un lugar de esparcimiento y de encuentro.

La escucha activa.

Siempre han dicho que para escribir bien es necesario leer mucho. Muchísimo.

Puedo asegurar que eso es cierto, pero, no es menos cierto que a veces las mejores historias aún no están escritas sino que viven en la mente de alguien, o en su pasado y no hay quien les ponga voz en el presente.

Puede ser que también la realidad supere la ficción y que nos perdamos momentos realmente buenos por no saber escuchar con atención.

Escuchar puede ser tan terapéutico y creativo como leer y escribir.

El mundo de las palabras está lleno, vivo, y desde nuestro interior o desde una voz distinta, hay historias a las que no prestamos la atención merecida y que están pugnando por salir y mostrarse.

La mayoría de veces solo escuchamos menos de la mitad de aquello que oímos, de aquello que nos cuentan. Solemos estar ocupados, con la cabeza en otra parte e incluso puede que, realmente, no nos importe en absoluto aquello que nos dicen.

No somos receptores de ningún mensaje.

Cerramos así la puerta no solo a una posible información válida sino también a los sentimientos y emociones que pueden ir en ese mensaje y a que nosotros lleguemos a sentir o emocionarnos con él.

Otra costumbre es escuchar para tener una pronta respuesta que tal vez ya esté preparada de antemano, no dejando que nada de lo que la otra persona nos cuenta penetre en nuestro interior.

Dejando aparte de la mala educación obvia en estos casos, lo que de verdad se presenta es una falta real de hábito para escuchar, una enorme deficiencia para prestar atención y una falta total de empatía.

Para que una escucha sea activa, hay que dejar atrás las prisas, las ideas propias o preconcebidas y, simplemente, escuchar.

No hay que dejar que la situación sea tensa ni forzada y menos aún erigirse en persona autorizada frente a nuestro interlocutor.

Parece muy obvio lo que voy a decir pero, para hay que poner atención. Soltar el móvil y fijarse en el momento, en el aquí y ahora con esa persona.

Tanto si hablas como si escuchas es necesario utilizar el lenguaje corporal, sobre todo si estás escuchando. Asentir con la cabeza o sonreír es un gesto mínimo que tiene una brutal repercusión en la persona que habla porque se siente escuchado.

No interrumpir. A no ser que de verdad nos vaya la vida en ello hay que procurar no interrumpir nunca. La otra persona sentirá que no le prestas atención y dejará de confiar en ti. Solo si hay algo que no has entendido puedes interrumpir para que te aclare un punto concreto que te ayude a entenderle mejor.

Procurar tener y mostrar empatía es fundamental. Hay que intentar saber cómo se siente el otro, sus motivaciones, sus sentimientos y emociones.

Los silencios en el habla son tan importantes como las palabras y pueden ser realmente elocuentes. A no ser que se cree lo que se suele llamar un silencio incómodo, el instante en que la otra persona se queda callada puede significar que está recapacitando, pensando, quizá buscando el valor necesario para continuar o que haya descubierto, mientras hablaba, un concepto en el que hasta ahora no había reparado.

No juzgues a nadie. No puedes fijarte en la conducta y olvidar el fondo importante o las emociones.

A no ser que esa conducta sea realmente deplorable o cercana al delito, hay que tratar de no juzgar a nadie. No todos reaccionamos de la misma forma ante igual problema o situación, por tanto, no somos nadie para juzgar la conducta de los demás.

Puedes comunicarle a la otra persona qué te ha hecho sentir, si sus palabras te han causado alguna profunda impresión, si te han conmovido, si te ha emocionado de una forma u otra.

No des consejos que nadie te ha pedido. La persona que te habla necesita encontrar la solución por sí misma y posiblemente lo haga si logra hablar y sincerarse. Solo aconseja cuando te lo pidan o cuando tú notes que el otro ha llegado a un callejón sin salida.

También es cierto que hay personas que hablan mucho y dicen poco, otras que se van del tema, otras que, simplemente, hablan y hablan sin parar y sin fin. Tal vez entonces sea el momento oportuno para redireccionar el tema, para fijar el discurso volviendo al principio o a lo que de verdad es importante.

Ayuda a clarificar las cosas, a descubrir pensamientos y emociones. Puedes preguntar por las preocupaciones reales, por los sentimientos, por lo que de verdad es vital.

No hay que dar mayor trascendencia a lo que no tiene importancia como tampoco hay que minimizar lo importante. Intenta no ser compasivo ni condescendiente así como tampoco puedes ser frívolo ante según qué temas.

Todos hemos jugado de niños al teléfono averiado, aquel juego en el que una frase va pasando de jugador en jugador y al final la frase llega cambiada o ni siquiera es la misma quela original. Ese ejemplo es más que válido para aprender a guardar silencio y no transmitir algo que se nos ha confiado. Además de la deslealtad que puede haber en el hecho en sí, la información que transmitamos nunca será la misma, lo que puede obrar en prejuicio de quién confió en nosotros.

¿Y si lo que te están contando no te interesa, no te parece correcto, va en contra de tus principios o simplemente es “una brasa”?

Entonces nadie te obliga a escuchar y lo mejor es cortar por lo sano, sin herir sentimientos ni susceptibilidades pero dejando claro que no nos interesa aquello que esa persona está tratando de comunicarnos. No debemos ser receptores de ciertos tipos de mensajes.

Jugar con las palabras.

Jugar con las palabras, aunque parezca algo muy simple e incluso pueril, nos permite ejercitar las funciones cognitivas del cerebro tales como la memoria, comprensión, pensamiento, percepción, atención, lenguaje, razonamiento e incluso la resolución de problemas.

Por otro lado, jugar con ciertos métodos ayuda a mantener viva la inteligencia emocional, que no es otra cosa que nuestra capacidad de conducir de forma provechosa nuestras emociones.

A continuación os propongo juegos, algunos ejemplos de grafoterapia y métodos personales con los que podéis ejercitar ambas cosas.

- Aunque sea todo un clásico, las sopas de letras y los crucigramas nos ayudan a ejercitar todas nuestras funciones cognitivas además de proporcionarnos un amplio vocabulario con el que mejorar nuestra comunicación.

- Hacer series de palabras, por ejemplo ocho profesiones, ocho animales mamíferos, ocho deportes acuáticos…

- Buscar palabras parónimas que son aquellas que suenan de modo parecido pero tienen distinto significado.

- Hacer listas de todos los sinónimos de una palabra, intentar escribir tantos como podamos.

- Escribir frases simples o textos cortos cambiando los distintos tiempos verbales lo que nos llevará a una mejor percepción del tiempo y el espacio.

- Escribir frases o textos cortos cambiando el pronombre, variando de sujeto, pasar de “yo” a “él” nos puede ayudar a comprender motivaciones ajenas y a desarrollar empatía.

- Escribir las letras de canciones populares de nuestra infancia. Además de ser un ejercicio de memoria o incluso de recuperación de un patrimonio inmaterial, puede ayudarnos a volver a las emociones de aquel entonces, a recuperar aquella niñez perdida y sus momentos.

- Preguntarnos qué deseamos para el día de hoy o el día de mañana inmediato. Intentar conocernos a nosotros mismos poco a poco con la simple formulación de esa pregunta y anotar sus respuestas para que nos permitan sacar conclusiones personales.

- Fijarnos objetivos reales que nos ayuden emocionalmente, hacer propósitos firmes para realizar ciertos actos a los que somos propensos y puede que no nos gusten, por ejemplo “Hoy no voy a enfadarme” o mejor de forma positiva “Hoy voy a sonreír más”

- Al final del día recapacitar sobre cómo nos hemos sentido a lo largo de la jornada, dónde nos hemos desviado de nuestros propósitos  y si hemos cumplido nuestros objetivos. Plantearnos preguntas que podamos resolver.

- Es ideal llevar un diario con el que anotar todo aquello que nos va ocurriendo y nuestras reflexiones más profundas así como el resultado de los ejercicios que pretendemos hacer día a día.

- También es ideal llevar un pequeño cuadernito de notas para escribir en el momento menos oportuno aquello que nos venga a la mente tal como hacen muchos escritores. Nunca se sabe dónde va a ocurrírsenos una idea o un pensamiento, dónde puede asaltarnos un recuerdo en forma de aroma o de sensación.

- Cuando haya una persona o una situación que nos resulte incómoda debemos averiguar por qué. Debemos tratar de poner por escrito las sensaciones reales que hay tras esa incomodidad. Si se trata de una persona intentaremos ponernos en su piel, empatizar con ella, con su forma de actuar y sin juzgarla en ningún momento. Tal vez descubramos que tras esa actitud hay un problema de autoestima, de inseguridad…

- Vamos a procurar ver el lado bueno de las cosas, sacar siempre lo positivo de lo negativo. Apunta en un papel las situaciones que te supongan un reto y los beneficios que puedes obtener si las superas.

- Apunta siempre tus propósitos, tus deseos, tus ilusiones.

- Si nos hemos sentido mal o hemos tenido una reacción negativa, vamos a tratar de averiguar por qué y definir una línea estratégica para poder controlar las emociones. Apunta la palabra que mejor defina esa actitud o reacción negativa y al lado escribe su contrario, su palabra antónima, búscala en el diccionario si es preciso. Es una forma de definir con las palabras adecuadas la sensación positiva a la que tienes que recurrir cuando sientas que esa negatividad está al acecho.

- Para todos estos ejercicios de inteligencia emocional debemos ser absolutamente sinceros. Es un ejercicio de introspección por medio de las palabras y no tiene sentido mentirnos a nosotros mismos.

- Utiliza siempre y para todo la palabra justa, la palabra que mejor describa tus emociones. Como ya dije en otro apartado no es lo mismo estar triste que; melancólico,  desamparado, dolorido, desconsolado, mohíno, taciturno, deprimido, angustiado, lúgubre, atormentado, lastimero, infeliz, amargado, desolado… la lista puede ser interminable y si nos fijamos bien en todas las palabras enunciadas, veremos que pese a tener el sentimiento de tristeza en común, hay matices que las diferencian mucho unas de otras. Esos matices son los realmente importantes. Tenemos un idioma rico en términos y tonalidades, en palabras y matices, usémoslo  con propiedad y sin miedo.

- Escribir las experiencias que crees que han marcado tu forma de ser, tu personalidad, todo lo que te ha llevado a este instante, a ser como ahora eres.

- Por otro lado escribe cómo te gustaría ser, cómo sería tu YO ideal, cómo querrías que fuera tu vida y lo que crees que puedes hacer para conseguirlo. Hay que buscar la reflexión.

- Intenta localizar la raíz de los problemas y hallar la solución. Describir exactamente cuál es el conflicto o de qué forma te afecta te llevará, seguramente, a encontrar el medio para resolverlo. Como ejemplo os pongo el que describo que me ocurrió a mí con mi novela en la introducción del libro.

- No te dejes atrapar por el pasado. Escribe sobre aquellas cosas que recuerdas, sobre los acontecimientos que te marcaron pero siempre con el propósito de superarlos. No juzgues los hechos o a las personas que los causaron desde fuera y solo por cómo te influyeron a ti. Posiblemente haya variantes que no has tenido en cuenta y que poniéndolas por escrito seas capaz de dilucidar.

- Haz una lista de cosas que te molesten, que te creen obligaciones o imposiciones y que te hagan sentir culpable. Describe porqué te crean ese sentimiento de culpabilidad y aprende a decir no sin sentirlo. No tienes la obligación de agradar a todo el mundo ni tienes porque renunciar a ser tú mismo solo para cumplir las expectativas que se han puesto en ti.

- Utiliza palabras positivas siempre. Pide por favor y da las gracias. En muchas ocasiones somos lo que hablamos, las situaciones las podemos modificar si en lugar de verbalizar una palabra utilizamos otra. Las reacciones con palabras malsonantes pueden provocar momentos de tensión innecesarios. Como hemos dicho también anteriormente, los silencios a veces son más elocuentes que cualquier palabra.

- Mientras escribimos de forma inconsciente, hacemos trazos que sin saberlo dicen mucho de nuestra personalidad, tal como hemos visto en el apartado de grafología. Al repetir un trazo en numerosas ocasiones se crea una asociación neuronal que relaciona el estímulo sensitivo con el órgano receptor. Estos caminos o asociaciones pasarán a ser, si modificamos los trazos de nuestra letra, unas nuevas conductas y actitudes.

- Podemos hacer un test grafológico general con las pautas indicadas en el primer tema, averiguar qué rasgos son los más llamativos y dilucidar qué tipo de caligrafía podemos realizar para modificar nuestras conductas, emociones y actitudes.

- Se necesita un examen grafológico profesional y una terapia personalizada para modificar todo ello, con lo cual, aquí solo vamos a poder trabajar con los trazos más llamativos y de forma generalizada.

- La letra T es la letra de la voluntad y de la disciplina, así que comenzaremos con ella para afianzar nuestra voluntad de cambio y fortalecer nuestra autodisciplina.

- Sea como sea la forma en que trazas esta letra, lo ideal es hacer la barra horizontal de la T más bien alta, cortando la vertical de izquierda a derecha y a poder ser en dos partes casi iguales. Se puede repetir el ejercicio de escribir textos, trabalenguas o palabras que contengan la letra T en repetidas ocasiones.

- Hay que evitar las letras puntiagudas y angulosas porque definen un carácter agresivo y a veces rencoroso.

- Tratar que nuestra letra sea abierta y clara, presionando el papel lo justo con una presión mediana y tratando de redondearla.

- Las letras compuestas en distintos movimientos, como la “q” por ejemplo, denotan timidez si las hacemos en distintos trazos, primero el globito, luego el palo vertical y por último el palito horizontal. Hay que tratar de no componer las letras por partes, sino en un trazo continuo.

- Si somos personas despistadas u olvidadizas, que nos cuesta fijar la atención, lo que debemos ejercitar son las letras “i” y “j” obligándonos a poner en sus sitio todos y cada uno de los puntos sobre ellas.

- Una letra dirigida a la izquierda suele ser indicativa del pasado. Hay que hacer una redacción corta, de forma concienzuda y tratando de escribir en el sentido contrario. Repetir ese ejercicio durante unas tres semanas, cambiando el discurso de la redacción pero manteniendo la nueva dirección de la letra y procurando hacerlo de forma sosegada, eligiendo bien las palabras y siendo conscientes del fin del ejercicio que estamos realizando.

- Si hay tachones suele ser síntoma de conflicto personal, impulsividad o de ser personas con una falta grave de previsión. Vamos a tratar de hacer redacciones de temas que nos inquieten o que nos supongan un conflicto intentando escribir de forma suave, lenta y concienzudamente para no cometer equivocaciones ni tachaduras en el papel.

- Todos los ejercicios se repetirán durante tres semanas que es el tiempo que tarda el cerebro en abrir esas vías de recepción y asentarlas en el inconsciente.

- Si cuando haces los ejercicios te sientes impaciente o molesto, es buena señal, y eso se debe a que estás venciendo tus propias resistencias y creando nuevos caminos a nivel emocional y neuronal que entran directamente en lucha con los malos hábitos y actitudes que tenias adquiridas tras tanto tiempo.

Despedida.

Este pequeño libro nace con el propósito de utilizar la palabra como un arma para mejorarnos a nivel personal, para conocernos, para reescrbirnos a nosotros mismos, por tanto, sigue abierto, no termina en este momento sino que, posiblemente, si lo has comprado en Ebook, recibirás alguna actualización, puesto que esto es solo el fruto de mis primeras investigaciones y escarceos con la palabra.

Seguiré ampliando temas y seguiré buscando, porque la vida siempre es búsqueda y la palabra, infinita y como tal, imposible de abarcar por completo.

Muchas gracias.

Nina Peña Pitarch.

Bibliografía y lecturas aconsejadas.

Aquí os dejo los enlaces a páginas web, blogs literarios y los libros consultados para mi trabajo además de varias direcciones de talleres de escritura, ejercicios y de obras de consulta en las que podéis profundizar además de lecturas recomendadas.

http://es.wikihow.com

http://www.grafologiaypersonalidad.com/

http://es.testsworld.net/test-de-grafologia.html

Símbolo y simbología en la obra de Lorca. Manuel Antonio Arango. Editorial Fundamento.

https://psicologiaymente.net/psicologia/arquetipos-carl-gustav-jung

http://www.odiseajung.com/psicologia-analitica/glosario/los-arquetipos/

https://sanacionconbioenergia.jimdo.com/terapias/sanacion-espiritual-con-arquetipos/

http://www.literautas.com/es/

http://ejerciciosescrituracreativa.blogspot.com.es/

Estudios de psicología. Guillermo Gil Escudero.

Co-creación Improvisada en Terapia Gestalt. Spagnuolo. Revista Figura-Fondo no. 18 México. IHPG

Anatomía de la Palabra. Valente, José Ángel. España. Pre-Textos.

Terapia Gestalt, la Vía del Vacío Fértil. Peñarrubia, Francisco. España. Alianza.

http://www.ensayistas.org/curso3030/genero/poesia/

Una introducción a Octavio Paz. Alberto Ruy Sánchez. Ed. Brevarios

https://elficarosa.wordpress.com/tag/poesia-japonesa/

https://cienpoemaszen.wordpress.com/poesia-japonesa/

http://circulodepoesia.com/2014/05/nombrando-al-cuerpo-poesia-erotica-escrita-por-mujeres/

https://ninapenya.wordpress.com/

https://poesiaerostica.wordpress.com/

Las Flores del mal, Charles Baudelaire. Alianza Editorial, Madrid, 1982 Traducción de Antonio Martínez Sarrión

La llama doble. Octavio Paz. Seix Barral 2001

Tárrega, L., Boada, M., Morera, A., Guitart, M., Domènech, S., Llorente, A. (2004) Cuadernos de Repaso: Ejercicios prácticos de estimulación cognitiva para enfermos de Alzheimer en fase leve. Barcelona: Editorial Glosa.

http://www.ver-taal.com/index.htm

https://lamenteesmaravillosa.com/

Buscando las palabras para decir. Carmen Vázquez Ed. Agapea.com

En un origen, las palabras eran magia. Terapia familiar. Steve De Shazer. Amazon.com