“El Negocio de la Música”

Secretos y estrategias.

Michael Hernández

Copyright © 2020 Michael Hernández

Todos los derechos reservados

no se permite reproducir, almacenar, distribuir este material por ningún medio electrónico ni impreso ninguna parte de este libro sin permiso expreso del autor.

ISBN: 9798636999010

Regalo para los lectores

Por haber decidido nutrirte e invertir en tu carrera leyendo este libro, quiero regalarte la famosa “Hoja de Reparto” de regalías que todos necesitamos cuando vamos a hacer un feat o cualquier otro tipo de colaboración con otros artistas, la cual puedes encontrar en este enlace → http://bit.ly/2OxhAwr ← Antes de hacer click en el enlace debes buscar el codigo de regalo para que lo puedas descargar gratis, el cual se encuentra en el capítulo 7 de este libro.

La “Split-Sheet” (en español “Hoja de Reparto”) es un documento legal en el que contempla el % que cada artista va a cobrar por las regalías que genere la canción. En el capítulo 7 hablaremos bien a fondo sobre la “Hoja de Reparto”.

No olvides tomar el código de tu regalo al finalizar la lectura de este libro.

DEDICATORIA

En primer lugar dedico este libro a Dios por ser mi padre de todos los tiempos y darme la inspiración y el conocimiento que solo viene de Él.

A  mi querida esposa Ana Oscarina Matos, que siempre ha confiado y ha apostado a mi en cada proyecto que emprendo aunque parezca imposible.

A mis hijos Jayden & Jailyn Hernández, por el tiempo y comprensión que donan a su papi, mientras su papi está en el estudio grabando videos, haciendo música y marketing para su empresa.

A cada uno de mis suscriptores y a cada una de las personas que me han dejado comentarios muy constructivos y positivos en mis videos, los cuales me han motivado a escribir esta segunda joya de libro.

Contenido

Intro

1 - El Negocio de la música

●        Historia de la Industria Musical

●        Generadores de ingresos en la música

●        Tus derechos como Compositor o Intérprete

●        ¿Porque es un negocio?

●        Cuidado con los contratos que firmas

●        ¿Por Qué debes empaparte del tema?

2 - Se Puede Vivir de la Música Sin Ser Famoso

●        El Producto y la Empresa

●        Se brinda un servicio

●        Cómo lograrlo en esta era

●        Presentación, Imagen y Calidad

●        Cómo mido mi éxito

●        Cómo y dónde recibo mi dinero

3 - Estrategias para conseguir un mayor alcance en cada lanzamiento

●        Análisis de mercado

●        Contenido de Promocion

●        Alcance orgánico y pagado

●        Creación de campañas

●        Challenges y Sorteos

4- Códigos y Términos fundamentales para el manejo de tu música a nivel legal y digital.

●       Lista de Nombres y definiciones

5 - Todo lo que necesitas saber sobre SoundExchange

●        ¿Qué es y para que funciona?

●        Cómo registro mi catálogo (Instrucciones)

●        Cuanto y como me pagan

6 - Lo que necesitas saber sobre las Sociedades de gestión colectiva (BMI, ASCAP, SGAE y SACM)

●        ¿Que es una sociedad de gestión colectiva de derechos de autor?

●        Para quienes están dirigidos sus servicios

●        Qué tipos de lanzamientos puedo registrar

●        Check list de lo que necesito para registrarme

●        Cómo registro mis obras o las de mis compositores (Instrucciones)

●        Cuanto y como me pagan

7 - Split-Sheet

●       ¿Qué es y para qué sirve?

●       Quienes deberían utilizarla

●       Donde encontrar tu ID de Compositor

Palabras finales…

Agradecimientos...

Post Créditos…

¨Intro¨

Después de haber escrito el libro “Sé un Artista Independiente Exitoso” he recibido muchos comentarios positivos, en realidad bastantes, por lo cual estoy muy agradecido,  pero a la misma vez también he recibido algunos comentarios como “No puedes hablar de ser un artista independiente exitoso si tu no has tenido éxito” “Hablando de tener éxito y aun tu no eres famoso” “Como vas a darnos un buen consejo de ser un artista exitoso cuando tu no lo eres” La verdad es que me da mucha risa y a la vez tristeza escuchar este tipo de comentarios. Si analizamos los comentarios nos daremos cuenta de que todos se concentran en una sola definición (ERRÓNEA DE HECHO) y es que todos creen que ser un Artista Exitoso significa ser “Famoso”.

En este libro te darás cuenta que para un artista (Compositor, intérprete, productor) llegar a ser exitoso siempre va a necesitar del conocimiento y de los consejos de otras personas bajo su sombra, que nadie conoce, que quizás nunca han aparecido en televisión, pero tienen un título o diploma en la pared de su casa que dice “Fundamentos del Negocio de la Música, Berklee Online”, además de haber ayudado en la carrera musical de cientos y cientos de otros artistas, que hoy en Día, están generando miles de dólares con sus canciones, que quizás también sean cantautores, que tienen sus propios lanzamientos como solistas y que han generado ingresos y recuperado lo invertido aunque todavía no sean super famosos, que reciben muchos mensajes diariamente de otros artistas consultando y aclarando dudas sobre el negocio, a lo mejor han logrado rescatar la carrera artística de algunos cantantes famosos, evitando el robo y la perdida de regalías, logrando así la recuperación de los derechos de autor de otros artistas, quizás sean youtubers y tengan ya más de 100 Mil suscriptores en sus canales y creciendo, que hayan creado más de 650 videos en los últimos 5 años, entre los cuales más del 80% sean todos orientados a apoyar a los creadores de contenido, Músicos, Productores, Managers, Influencers, etc. O que quizás alguno de ellos se llame Michael Hernandez “jajaja fue bastante obvio, ¿cierto?”.

Bueno quizás no tenga 1 Millón de seguidores (por ahora) pero sí sé que en muchas de mis canciones (las cuales han alcanzado más de 100K Vistas orgánicas) he recibido mensajes como los siguientes:

Disculpen que suene un poco arrogante, pero era necesario que les compartiera algunas cosas sobre mi y a lo que me dedico (que de hecho, actualmente vivo de esto) Gracias a Dios, te aseguro que no vas a perder el tiempo al leer esta joya de libro. En fin, el éxito se mide por la calidad y el corazón con el que haces las cosas, y comentarios como esos y los más de 800 otros comentarios que no coloqué en este libro, son para mí más que un éxito.

Este libro es como la continuación de mi primer libro “Sé un artista independiente exitoso”  para que los que leyeron el primero, con este, puedan ampliar aún más, el nivel de conocimiento hacia el universo del negocio de la música y manejar todos los ámbitos de su carrera artística o de sus artistas totalmente independiente. Y para los que no han leído el primero, de igual forma, este libro será como una inyección que les catapultará hacia una atmósfera donde podrán mirar con sus propios ojos qué hacer para lograrlo.

Aprenderás a cómo vivir de la música aunque no seas muy conocido por la prensa y los fanáticos de la música, Los términos que conocerás en este libro, si los pones en practica te harán sonar como todo un profesional de la materia, cuando hables del tema.

Vas a terminar con todos los conocimientos y herramientas necesarios para formar tu propia empresa de distribución digital, Conoceras las mejores estrategias para mercadear tu música como artista o la de tus artistas como manager. También, y no menos importante, sabrás cómo funcionan las sociedades de gestión colectivas (BMI, ASCAP, ETC), SoundExchange entre otros puntos muy importantes para tu carrera. En fin, siempre que alguien te escuche hablar sobre música, va  a reconocer que sabes de lo que estás hablando, y verás cómo empezarás a ver tus resultados económicos crecer y crecer sin límite.

Capítulo I – El Negocio de la Música

”Historia del negocio”

La historia de la industria musical es relativamente nueva, en realidad no tiene más de 100 años, pero a pesar de los pocos años que tiene, ha sufrido muchos cambios gracias a el avance y al crecimiento de la tecnología.

quizás te escuche preguntar ¿Y porque debe importarme la historia del negocio de la música? si es asi, permiteme responderte que si tocas en una banda, eres cantante solista, eres mánager de artistas eres promotor musical o trabajas en un estudio de grabación, entonces eres dueño de un Negocio Musical.  Razón suficiente para que te interese. ¿Cierto?.

Así que aunque no te guste, los cambios y acontecimientos históricos que han venido sucediendo durante este siglo en el negocio de la música afectan de manera significativa el grado de éxito que puedes tener con tu música o con tu negocio musical. Lo primero que debes hacer para dar tu próximo paso como artista o empresario de la música es saber qué ha pasado en todo este tiempo y cómo encajas tú en esta nueva era del negocio.

Si has estado tocando puertas aquí y allá, tratando de sacar a flote tu carrera y aún así sientes que tu música sigue sin ser descubierta, entonces vas a encontrar muchas respuestas en este breve resumen sobre la historia del negocio de la música.

Bien… La historia de la industria musical está dividida en 6 etapas.

Cada etapa similar, pero diferentes en cuanto a los procesos que se dieron en los cambios de los hábitos de consumo de la música, por parte de los fanáticos. Entender esto te va a ayudar a comprender porque ha evolucionado de esta manera la industria y porqué estamos donde estamos.

Etapa 1 - El Nacimiento de la industria Musical

En los días anteriores a la música grabada, la industria musical era algo muy diferente a como es hoy en día. La industria estaba centrada alrededor de la música en papel, o partituras, como nosotros la conocemos, lo cual era la manera en cómo la música se distribuía en aquel tiempo al público.

Por lo tanto, la única manera en la que tú podrías escuchar música era comprando las partituras y tocándolas en tu casa ya fuese con el piano o el arpa, los dos instrumentos más populares de esa época, por lo que originalmente, la industria musical promovía la canción, no al artista.

Imaginate eso, si alguien quería escuchar música, la única forma para lograrlo era reuniéndose con sus familiares y amigos donde músicos pudieran ejecutar sus instrumentos al son de la lectura musical en las partituras. La música solo se apreciaba si era tocada en vivo por algún músico, así que si en tu círculo de amigos no procuraban que por lo menos uno fuera músico, se pasaba la noche sin música, super aburrido ¿Cierto? Lamentablemente esa era la única forma porque no existía ningún tipo de aparatos electrónicos en el siglo 18.

Para finales del siglo 19 el centro de la industria se encontraba en el distrito de Tin Pan Alley, en Nueva York, en las oficinas de las compañías editoras de esa época que agrupaban a los compositores que producían música en papel para el consumo de sus clientes, mayoritariamente músicos.

Cuando los Player Pianos (también conocidos como Pianola) salieron al mercado, las compañías editoras crearon un sistema que ahora llamamos “promoción” para tener sus canciones incluidas en los rollos de los player pianos, un mecanismo que hacía que los pianos se tocaran por sí solos. Hoy en día, esos pianos siguen existiendo, aunque claro, con un mecanismo digital basado en Linux o Windows para la auto-ejecución de las canciones. El punto es que la Promoción como actividad pronto se convirtió en una parte esencial de la industria musical.

Luego las nuevas tecnologías para la distribución de la música cambiaron el enfoque de la industria, de la canción al artista.

El primer tocadiscos, el gramófono, se introdujo en 1890 y por primera vez en la vida de las personas, ahora era posible consumir y disfrutar de la música a conveniencia sin la necesidad de tener a alguien que supiera leer partituras. En los años 20’s se introdujo la radio, y la distribución musical creció rápidamente haciendo que canciones y artistas populares se extendieran en el consciente de las audiencias de manera rápida.

Cabe destacar que para 1920, también aparecieron las primeras películas con sonido, lo cual fue otra forma de diseminación musical. En 1932, se abrió la primera tienda musical, la George Song Shop en Johnstown, PA y para 1941, se abrió la que sería la primera tienda en cadena, la Tower Records.

Durante éste período, empresarios de todo el mundo comenzaron a reconocer las oportunidades de la industria musical, mientras que 200 casas discográficas se crearon en USA y las tiendas de discos comenzaron a abrir en cada pueblo. Millones de personas de una sola generación vivieron los cambios tecnológicos que en tan pocos años trajeron nuevos formatos de diseminación musical como el vinyl, la tienda de discos y los medios y sistemas promocionales, como la radio y las películas.

Algo muy importante que no se puede olvidar decir es que en esa misma época el enfoque de los negocios de las empresas de la industria era vender los aparatos reproductores no la música, la música era utilizada como a las mujeres hoy en día, solo para vender el producto. (Sin ánimo de ofender, es lamentable)

Años después, estas mismas empresas cambiaron su enfoque y comenzaron a dedicarse a la creación de ídolos y estrellas de rock y entonces vender la imagen. Y así funcionaba la industria musical de aquella época.

Etapa 2 – La Industria Musical Original

La industria original como la conocemos hoy en día realmente comenzó en el período que duró de los años 50’s a los 80’s. Si, esa misma industria fabricadora de súper estrellas, ídolos y celebridades. Básicamente, el concepto de Celebridad de la Música (O “Rockstar”, como lo conocemos de manera contemporánea) no existía antes de ésta época, y fueron las mismas empresas de la industria musical quienes se encargaron de crear ídolos y celebridades en el afán de vender aparatos reproductores de música.

no tenían ni idea de lo que habían creado y del potencial monetario que tendría esta nueva figura económica en el futuro.

Durante esta época, el negocio de la música experimentó crecimientos inesperados. Las ventas y ganancias dentro de la industria llamaron la atención de Wall Street, lo cual llegó a ser uno de los momentos clave en la historia musical.

A continuación vamos a ver una vista panorámica de cómo era manejada la industria musical en este tiempo.

●       Durante casi 50 años, la manera en cómo se manejaba la industria era siempre la misma. El artista (generalmente después de enviar su cassette demo) era firmado para un contrato discográfico por una casa disquera.

●       La disquera asignaba un A&R (Artist and Repertoire; Ejecutivo cazatalentos de una casa disquera) para que fuese el enlace entre el artista y el mánager de producto de la compañía discográfica para los lanzamientos musicales.

●       En el principio, el A&R asignaba también a un productor, quien era responsable de realizar el disco, aunque esto se convirtió eventualmente en una decisión mutua con el paso de los años.

●       Muchas veces el productor era parte del staff de la disquera, mientras que en otros casos, el A&R también servía doble trabajo como productor.

La estructura se miraba de la siguiente manera:

En los primeros años de la industria del disco, los artistas tenían poco control sobre el producto final, mayormente eran los productores quienes tenían el dominio completo. Mientras la industria iba desarrollándose esto cambió, y cada vez más artistas demandaban control.

Después de que la canción o el álbum se grababan, la casa disquera manufacturaba el vinyl (y después, el cassette y el CD) y lo distribuía a sus tiendas dedicadas al menudeo a través de la propia red de distribución de la casa disquera o a través de otros distribuidores independientes (mayoristas), quienes ponían el producto en cada tienda de discos, restaurantes, tiendas departamentales y cualquier otro lugar en donde se pudiese rentar espacio.

Las casas disqueras también eran responsables del marketing y promoción del disco, lo cual giraba alrededor de la radio. Todos los artistas dependen únicamente de la radio para poder vender sus discos.    

Dice Rupert Perry, alto ejecutivo de EMI Music: “Otro punto importante es saber cómo la gente consumía contenido en esos días, lo que era que la gente escuchaba su música en la radio, enteramente. Luego, los japoneses vinieron con la radio de transistor, la cual era portátil. De repente, la portabilidad significaba que el consumidor no tenía que estar sentado en su casa frente a la radio. Y ese fue el comienzo de algo más desde el punto de vista de la distribución. Tu puedes ver todas las cosas que han cambiado, pero de pronto, ves a la radio de transistor y te pones a pensar; ¡Rayos! La portabilidad era tan importante.” El tiempo de rotación en radio era crucial para el éxito de un disco y ello resultó en la creación de grandes departamentos de promoción dentro de las casas discográficas dedicadas a obtener rotación en radio a como diera lugar.

El artista realizaba promoción ocasional en la radio, pero generalmente, no había mucha comunicación entre el artista y el fan.

La gran suerte era que en esa época la comunicación entre el artista y el fan no era tan necesaria durante esa época, gracias a la gran influencia que tenía la radio.

Es importante saber que debido a prácticas deshonestas por parte de las casas discográficas se desarrollaron tecnologías maravillosas como por ejemplo: para poder exagerar las posiciones en los charts, las casas discográficas pagaban a las tiendas de música una cantidad de dinero para reportar intencionalmente que un disco estaba vendiendo, aún y cuando no. Tiempo después, ésta práctica se puso a prueba con la implementación de la tecnología SoundScan, la cual computaba los datos de ventas de álbumes vía el escaneo del código de barra. ¿Por qué alguien llevaría a cabo una práctica como la anterior basada en la mentira? Fácil, para elevar el “valor percibido” de un artista o un álbum y hacerlo ver bien con la finalidad de que vendiera más.

Otra práctica deshonesta de esa época era lo que llamaban El Síndrome de Platino. Para exagerar las ventas las casas discográficas enviaban enormes cantidades de discos para simular que se estaban vendiendo hasta en pre ventas y así lograr el premio de Disco de Platino para engañar a la gente y vender más.

Bien para finalizar esta segunda etapa, debemos entender claramente que en esta época:

●       La casa discográfica es todopoderosa y tiene el poder de crear ídolos, celebridades y estrellas de rock.

●       El artista está aislado de los fans y no mantiene comunicación con su público.

●       La radio es la clave de los hits.

●       Los artistas tenían la oportunidad de lanzar múltiples álbumes para poder desarrollar su carrera a largo plazo.

●       Es un mundo de singles.

●       Pero el álbum hace más dinero.

Etapa 3 – La Época Corporativa

En la siguiente etapa del negocio de la música, se produjo un nivel impresionante de ganancias nunca antes visto en la historia de la industria musical, que es muy dudoso que alguna vez volvamos a ver un crecimiento con éste precedente. Con la llegada del CD en 1982, las compañías discográficas experimentaron un crecimiento en sus ganancias de varias maneras. Debido a que la tecnología para crear CD’s era cara en un principio, las discográficas aumentaron el precio de cada disco al mismo tiempo que disminuían la regalía al artista, con el supuesto argumento de que se trataba de un “gasto de tecnología”. Mientras que el precio al menudeo del disco nunca bajó aún y cuando la tecnología se amortizó y se hizo barata, los artistas eventualmente se dieron cuenta de la situación y no les pareció. Quizás lo mejor que pudo haberles sucedido a las casas discográficas en ese tiempo fue la habilidad de vender todo su catálogo de artistas a un público dispuesto a cambiar de vinilo a CDs y comprar una copia del álbum que ellos ya tenían en vinilo.

Los consumidores compraron el nuevo formato de CD que ahora contenía mejor calidad de sonido para suplementar sus nuevas colecciones de CDs, y de esa manera, proveyeron recursos financieros a las discográficas que tenían enormes volúmenes de catálogo. Una oportunidad única de negocio, ¿No crees? Si tomamos en cuenta que los mayores costos de la producción de un álbum se encuentran en la promoción, pues entonces estamos hablando de que las discográficas  tenían un ahorro de alrededor del 60% al 70%, debido a lo que mencionábamos antes; la música de catálogo ya había tenido su época de promoción en los años anteriores; ya no había necesidad de volver a promocionar a esos artistas con éste nuevo formato.

Ahora resultaba que las compañías discográficas tenían, con el formato de CD, un excelente negocio que arrojaba ganancias por donde quiera, lo cual atrajo inmediatamente la atención de Wall Street. Mientras que en los años anteriores, la industria del disco había sido considerada por Wall Street como un ente sin mucho interés de entre todas las ramificaciones de la industria del entretenimiento, ahora resultaba que eran los consentidos de los inversionistas, y fue en ésta época en la que comenzaron las grandes fusiones:

●       Columbia Records fue comprada por Sony (Y eventualmente convirtiéndose en Sony Music).

●       Warner Bros. Records fue comprada por Time Inc. Convirtiéndose de esa manera en Time Warner.

●       Universal Music fue comprada por Matsushita y después ambos comprados por Vivendi.

●       EMI fue comprada por Thorn Industries.

●       Polygram ya era operada por Philips, y la MBG era operada por Bertelsmann AG.

●       Las 6 grandes compañías discográficas ahora estaban bajo control de un conglomerado.

La llegada de MTV

Durante ésta etapa, otro acontecimiento inesperado que ayudó al crecimiento de la industria llegó en un nuevo formato de diseminación musical a través de la televisión llamado MTV. De un día a otro, la música ahora estaba en la televisión, y un nuevo nivel de exposición incrementó las ventas de nuevo. MTV de pronto tenía el poder de “crear” un hit, al igual que la radio en su tiempo, por el simple acto de poner un video musical en rotación constante. Con la llegada de MTV, de pronto la imagen llegó a ser más importante que la habilidad musical. Si no te mirabas atractivo/a, no tenias rotación en MTV; y si no tenías rotación en MTV, tus probabilidades de hacerla en grande en la industria musical simplemente se desvanecían.

La habilidad musical, o talento, dejó de ser el componente necesario a ser un componente más, ahora que la imagen era lo que las discográficas más buscaban.

El alcohol y la edad para tomar

se que te preguntas ¿y que tiene que ver esto con la industria? déjame explicarte lo que provocó las leyes para tomar alcohol y conducir en esta época en los estados unidos

Antes de 1972, la edad legal para tomar tenía un rango de 18 a 21 años, dependiendo del territorio en donde se estuviese, pero la guerra en Vietnam trajo consigo el argumento de que “Si tengo edad legal para pelear por mi país, entonces debería tener edad legal para tomar”. Entonces muchos de los otros estados de Estados Unidos acordaron de que si una persona tenía la edad suficiente para votar y pelear por su país, entonces también debería tener la edad legal para tomar, por lo cual se bajó el rango a 18 años.

¿Qué significó esto? La situación de pronto abrió la oportunidad para que abrieran en masa nuevos locales de esparcimiento, como son los bares, restaurantes, antros, clubes, boliches (el sinónimo de club nocturno en Argentina y otras partes de América Latina) y salas de concierto, ya que con el pase de ésta ley, de pronto se incrementó la demanda de alcohol en tal medida que había que acomodar a éste enorme mercado de consumidores, al mismo tiempo que había que atraerlos con entretenimiento en vivo.

Esto significó un acontecimiento enorme para la industria musical, ya que la situación le ofrecía la oportunidad a cualquier músico mediocre de tocar en cualquier lugar y desarrollar sus habilidades artísticas y musicales, de la misma manera en como lo hicieron los Beatles en Hamburgo en 1962.

Los Beatles dedicaron no sólo uno o dos años de tocar 8 horas diarias 7 días a la semana. Dedicaron 10 años. ¿En qué clase de artista crees que pudieras convertirte si te tomaras una preparación de 10 años tocando diariamente 8 horas? Experimentando con sonidos nuevos, con toda clase de géneros, imagen, estilos, ejecución en el escenario, etc. La respuesta es obvia; terminarás convirtiéndote en un artista legendario de clase mundial. Precisamente como Los Beatles.

Desafortunadamente, también era fácil caer en la trampa de tocar en clubes nocturnos por siempre, debido a que el dinero que se pagaba en esa época era tan bueno, pero aquellos con la suficiente ambición tomaron sus días tocando covers en clubes nocturnos por lo que eran y continuaron adelante con sus vidas artísticas después de aprender lo que necesitaban tocando constantemente frente a grandes audiencias. Y así fue como los años 70’s experimentaron un crecimiento sin precedentes en la historia de la industria musical, creando muchos de los artistas clásicos que han influenciado casi toda la música que escuchamos hoy en día.

Etapa 4 – La Era de la Música Digital

El día en el que el primer archivo de mp3 fue compartido, ese fue el primer día de la nueva era de la industria musical (En algún momento alrededor de 1994). Aunque nadie lo sabía en su momento, esto significó el inicio de el glorioso mundo de la era digital de la música.

Estas son palabras de Rupert Perry;

“Si regresamos un poco a la época del internet en 1993, la gente que estaba involucrada en el negocio de contenidos simplemente no tenía idea de cuán monumental sería éste cambio. Tener cualquier forma de contenido disponible en tu computadora era totalmente una nueva forma de distribución que al principio nos excitó, pero a la que al mismo tiempo temimos. La diferencia estaba en que ahora, la disquera ya no tenía ningún control sobre la distribución. Nadie de los que comerciaban con contenidos, como la televisión, el cine y la música, tenían ya ese control, porque antes, ellos decidían a dónde iba el contenido, quién podía consumirlo y de qué manera. Con el internet, todo eso se fue por la ventana de manera instantánea.”

Las redes P2P

Las redes Peer-to-peer (P2P) fueron la segunda tecnología que cambió la industria musical durante ésta época.  En una red P2P, cada computadora conectada al sistema puede proveer y recibir archivos sin la necesidad de un servidor central, con el ancho de banda y procesamiento distribuidos alrededor de todos los miembros de la red. En otras palabras, los archivos viven en múltiples computadoras interconectadas, con cada usuario con la capacidad de descargar un archivo. Napster fue el primer sistema masivo de distribución de archivos mediante red P2P.

Napster se especializaba directamente en música, y como resultado de su enorme popularidad, ofrecía una enorme selección de música para descargar. Poco después de su creación, la compañía fue demandada legalmente por varios actores de la industria musical. Entre ellos, artistas (Metallica, Dr. Dre, Madonna, etc.), casas discográficas (A&M), y la misma industria musical representada por la RIAA (Recording Industry Association of America).

¿Cómo no iban a protestar? Si artistas como Metallica ganan alrededor de $4 dólares por cada disco que venden (Cuando el estándar en la industria es menos de $0.50 centavos para el resto de los artistas). Todos ellos alegaban agravio a los derechos de propiedad intelectual y eventualmente, Napster fue apagado en julio del 2001.

En su momento de gloria, Napster llegó a tener 26.4 millones de usuarios en todo el mundo. La vieja industria musical falló en apreciar la oportunidad de tener 26 millones de potenciales clientes con quienes hacer negocio. En otras palabras Metallica, Dr. Dre, Madonna, la industria, etc. fueron unos tontos. Se dieron cuenta del error años después, cuando ya era demasiado tarde y lo pagaron muy caro.

Mp3.com, otro servicio similar que inició en 1999, fue demandado por Universal Music Group por violaciones al copyright, lo cual obligó a éste servicio a pagar $200 millones de dólares y quedar fuera del negocio.

En su momento gloria, mp3.com descargaba más de 4 millones de archivos de audio por día a más de 800 mil usuarios y tenían una base de clientes de 25 millones de usuarios registrados. La compañía fue eventualmente comprada por Roxio y renombrada Napster, y hoy como servicio, provee descargas pagadas y un servicio de suscripción para la reproducción en streaming (Reproducción en tiempo real).

la RIAA persiguió agresivamente a los usuarios que utilizaran éstos servicios, a pesar de los reclamos del público y la industria musical. Eventualmente este organismo tuvo que dejar de perseguir personas cuando se dieron cuenta que gastaban millones en servicios legales sólo para recuperar cantidades pequeñas, sin mencionar el daño que le hicieron a la reputación de la industria demandando por igual a abuelitas y a jovencitos adolescentes de pueblos pequeños por cometer el delito de bajar canciones desde sus computadoras.

La Piratería

Otra disrupción mayor en la tradicional industria musical llegó como resultado del lanzamiento al mercado del quemador de CDs, y su impacto no se puede subestimar. 

En los días del vinyl, la maquila no autorizada de discos casi no era del conocimiento público debido a los altos costos de operación que ésta actividad requería. Maquilar un vinyl requería equipo grande, especializado y costoso, lo cual hacía de ella una actividad fuera del alcance de la gente, e incluso del más entusiasta. Cuando el CD llegó al mercado, los primeros quemadores de CDs solamente se encontraban en estudios profesionales de masterización debido a sus enormes costos (el equipo rondaba entre los $250mil dólares, y cada CD virgen (en blanco) rondaba los $200 dólares). Claramente, la economía del proceso hacía posible mantener a los piratas fuera del negocio.

Desde luego el cassette cuando fue lanzado en 1964, significó una espina en la industria musical porque esa época cualquiera podía conseguir un cassette en blanco con $1 dólar y apretar el botón de “rec” al momento de escuchar un hit en la radio. Con esta estrategia cualquiera podía montar un negocio y vender los cassettes a la gente quedándose con toda la regalía que le genere la venta del cassette sin autorización, de manera ilegal (en otras palabras robando el dinero de los dueños del contenido vendido en el cassette)

Cuando el quemador de discos apareció en casi cada computadora, y el precio de los discos en blanco cayó a $1 dólar, la práctica entre los usuarios de compartir música digital se volvió imparable, y para entonces, la industria ya nada podía hacer. Y así fue como inició la época digital de la industria musical.

Etapa 5 – La Música Digital Comienza a Monetizarse

Así que siendo más que obvio, a menos que la industria musical no se adaptara al nuevo ambiente, pronto desaparecería.

Irónicamente, fue la industria de la computación la que de alguna manera salvó la música, ya que con el paso del tiempo las formas antiguas para escuchar o reproducir música fueron muriendo.

Entonces empieza a suceder que diferentes servicios de música digital presentaban alternativas a las casas discográficas para hacer negocio con las descargas pagadas, finalmente fue iTunes de Apple Computer quien hizo disponible un nuevo modelo de negocio que funcionó, aunque básicamente un sistema cerrado, ya que inicialmente, iTunes requería de un iPod para poder funcionar. iTunes fue un ganador entre los consumidores por su facilidad de uso y por el iPod como nuevo accesorio de moda e identidad personal. Ahora, la industria finalmente podía monetizar sus ofertas digitales. Pero a un precio de $0.99 por track, por lo que no había mucha ganancia atractiva pero si más posibilidades de venta.

●       iTunes fue lanzado en enero del 2001,y fue un éxito instantáneo, seguido por consecuentes actualizaciones.

●       Ya en los últimos meses del 2001, iPod support se implementó, lo cual inició un efecto de bola de nieve en la nueva economía digital de la música.

●       En el 2003, la tienda iTunes Store se introdujo, y tanto el consumidor como Apple nunca miraron atrás. Desde entonces, películas, programas de televisión, vídeos musicales, podcasts, aplicaciones y videojuegos se han añadido al extenso catálogo de la tienda de Apple.

●       Gracias al intenso tira y jala con las discográficas En abril del 2009, la tienda iTunes tuvo que implementar una nueva estructura de precios. Las canciones ahora estarían en $0.69, $0.99 y $1.29.

Mientras que iTunes es el monstruo indiscutible de la industria musical digital, otros competidores han nacido. Desde Amazonmp3 hasta el nuevo Napster, existen hoy en día numerosos lugares en dónde se puede comprar música digital.

En todo esto el único tipo de servicio de música digital que las discográficas apoyan, es el servicio de suscripción o streaming, el cual significa que tú pagas una cuota mensual para poder tener acceso a escuchar tanta música como tú quieras en lo que dure ese tiempo y sin limitaciones.

La música es transmitida vía online en tiempo real, lo que se conoce como “Streaming”, por lo que tú no eres dueño de ella, pero ya que la música se encuentra disponible de manera inmediata a cualquier hora, realmente no hay necesidad de tenerla guardada en tu computadora, teléfono o reproductor. Mientras que los servicios de suscripción como Rhapsody, Spotify o Napster se están poniendo de moda, sus números son pequeños comparados con la descarga directa de música como iTunes.

Hoy en día Las discográficas están esperando que el modelo de suscripción o “Streaming” finalmente gane más atracción en el consumidor, debido a que es muy jugosa la idea de ganar un flujo de ingreso mensual como resultado de su contrato de licencia con el servicio. Debo decir que a los artistas no les parece mucho, ya que el dinero recolectado por las casas discográficas no se reparte de manera equivalente. Y esa es la otra cara de la industria.

Los editores de música (agencias dedicadas a explotar los derechos de las canciones) también dudan de éste modelo, pues para ellos ya de por sí existen costos altos de administración. Pero con todo eso, el modelo de suscripción o streaming no ha alcanzado su masa crítica aún. Eso estaría por verse en los próximos años.

La música digital monetizada trajo consigo otro cambio grande: el retorno de los singles,tal y como se manejaba la industria en los 50’s y 60’s. En vez de estar forzados a comprar un álbum con 10 canciones para poder escuchar una o dos que sí les agrada, los consumidores ahora pueden nuevamente comprar las canciones que ellos quieran, tal y como se acostumbraba en años anteriores.

La llegada del contrato de 360 grados

Las discográficas crearon un tipo de contrato que lo llamaron “360 Grados” Para compensar las ganancias pérdidas por consecuencia de los nuevos cambios tecnológicos.

El contrato de 360 grados significa que tú compartes con la casa disquera un porcentaje de tus ingresos como artista, de fuentes que van más allá de las ventas del disco, lo cual incluye shows en vivo, mercancías y publishing (El dinero que te pagan por tener una canción en comerciales, películas y telenovelas). La casa disquera se convierte en tu manager (a veces) y comparte en todo lo que el artista haga. En otras palabras “perteneces totalmente en cuerpo y alma al sello”

Quizás te surge la pregunta de por qué un artista querría permitirle a una casa disquera un acuerdo de ésta naturaleza.

El punto es de que si el área de experiencia de una disquera es en vender discos (lo cual no está haciendo nada bien), entonces ¿Qué tipo de experiencia tiene la disquera en manejar tu carrera? Además, un artista que está generando ingresos por otro tipo de conceptos diferentes a la de la venta de discos, “osea streamings y descargas digitales” ¿Por qué tendría necesidad de firmar un contrato con una empresa que está teniendo dificultades con su negocio medular, que es la venta de discos?

Entonces si ésta es la única forma de hacer negocios con una discográfica hoy en día, es otra razón por la cual un artista independiente debería ignorar éstos acuerdos en la mayoría de los casos. Y también es una razón de peso por la cual el artista, músico y/o banda independiente de hoy en día debería reconsiderar el enfoque de su carrera, dejando atrás de una vez por todas la manera de buscar llamar la atención de éstas empresas y comenzar a enfocarse en conectar con aquella persona que importa: El Fan.

Al mismo tiempo, el management tradicional se está volviendo cada vez más poderoso, debido a que el manager ahora tiene que tomar más decisiones para el artista. Con la influencia de las casas discográficas, ahora es responsabilidad del artista y su manager encontrar nuevas fuentes de ingreso, negociar con patrocinadores potenciales y hacer acuerdos con distribuidores digitales, entre otras cosas. Con muchas de las ventas y el marketing ahora en manos de los artistas, la figura del manager ahora tiene responsabilidades más que en otras épocas anteriores, y su guía e impacto han llegado a ser más valorados por el artista.

Etapa 6 – El Inicio de la Comunicación Artista/Fan

Con la evolución de la tecnología, ya no se necesita un intermediario entre el artista y el fan, ahora puede haber una comunicación directa y en el nivel en el que ellos deseen, desde la creación, la promoción, el marketing y las ventas.

Pero quedarse en total contacto con el fan puede ser tan elusivo a veces como estar en contacto con amigos o familia. Los verdaderos fans, así como los amigos y la familia, requieren comunicación regular, así lo conozca o desconozca el artista.

Ésta nueva etapa de la industria musical, o mejor llamada, la Nueva Industria Musical, permite que los artistas se promocionen directamente con sus fans:

●       Si ellos pueden alcanzar a sus fans, entonces pueden hacerles consciente de sus productos (música nueva, mercancía nueva, boletos de conciertos, tarifas y cotizaciones por eventos en vivo).

●       Si los artistas pueden alcanzar a sus fans directamente, entonces también pueden venderle directamente (aunque lo más correcto sería ponerlo como “invitarles a que vean una oferta.”)

●       Más importante aún, en ésta nueva época en la que vivimos, los artistas tienen el poder de dialogar con sus fans para que sean ellos mismos quienes les ayuden a su artista favorito con las ventas y la mercadotecnia.

Recuerda, fan = cliente y luego Pregúntate;

●       ¿Qué desea el cliente?

●       ¿Qué se le notifique cuando el artista vaya a su pueblo? Anote su calendario de actividades en su página y pregunte a qué ciudad debería ir.

●       ¿Qué canción desea el cliente que el artista haga cover? Haga una lista de canciones potenciales y haga una encuesta para sus fans.

●       ¿Quiere el cliente un paquete especial en la cotización de sus servicios? Discútelo con él directamente.

Se fueron para siempre aquellos días en los que una aparición en MTV podía lanzar en gran éxito a un artista. Es cierto, las estructuras antiguas de la vieja industria musical aún existen (casas discográficas , tiendas de música, radio terrestre, canales de música, etc.) y de cierta manera pueden beneficiar al artista independiente. Pero toma en cuenta que dichas estructuras nunca volverán a ser el factor determinante para el éxito de un artista. De hecho, si lo analizas bien, NUNCA lo fueron.

Asegúrate de medir bien que % de tu presupuesto vas a gastar en giras de medios.

Hoy en día, con las herramientas y la tecnología actual, ahora puedes desarrollar tu audiencia en una manera más eficiente y hacerte de una carrera con una base pequeña de fans y/o clientes potenciales. De hecho, la misión y propósito de Latin Music Wire es explorar las miles de maneras en las que un artista puede exponerse y desarrollarse en ésta nueva industria musical y de manera independiente, todo con la meta principal de establecer una conexión directa con el fan.

Muy bien…Eso es todo sobre la historia.

Quería decirte que además de los estudios que he realizado sobre el negocio de la música, en la universidad de “Berklee Online” y parte de ellos en Vonkelement, también he leído algunos artículos y estudios sobre la historia de la industria. Así que tengo que mencionar la fuente:

Siller, K., “Historia rápida de la industria musical”

Espero que te halla servido de mucho, tanto como a mí.

”Generadores de Ingresos en la Música”

Se que el primer tema nos ha llenado la cabeza de mucho conocimiento sobre el negocio, así que cae como anillo al dedo saber de qué forma es que la música o el contenido digital genera ingresos y cuales son las diferentes estrategias y formas que un artista, productor, manager digital o influencer puede utilizar para generar ingresos con lo que hace.

Como conocimos durante la lectura de la historia, la única forma en que la música generaba ingresos era a través de la venta de las partituras, los rollos para el Pianola, los vinilos, los cassettes, las radios, los cds y los eventos en vivo. Era un único formato de negocio, “La Venta de un Producto” que de alguna forma aún sigue vigente este modelo de negocio en la actualidad.

Entonces podemos iniciar con este primer generador de ingresos tradicional que es:

●       La Venta de un producto (Cds, Descargas y Mercancías)

●       La Reproducción en Tiempo Real (Streaming)

●       Ejecución en vivo (Live Performance) conciertos.

●       Regalías de Ejecución

●       Regalías de Licencias Mecánicas

Es fácil saber que los ingresos que estos modelos de negocio generan vienen en primer lugar del bolsillo de algún consumidor, vamos a desglosar cada uno de estos modelos de negocio brevemente para conocer más.

Los Ingresos de la Venta de Cds, Descargas y Mercancías, se genera de cada persona que está interesado en dar una porción de su dinero de acuerdo al valor del producto para adquirirlo. Por ejemplo; Si quieres obtener el nuevo álbum de Bruno Mars, en formato físico, tienes que comprarlo, pagando con tu dinero en el mismo momento en que lo quieres. Si quieres descargarlo para escucharlo en tus dispositivos de manera offline (sin internet) tienes que comprar una suscripción en tu servicio de streaming favorito o comprar el archivo de audio de manera individual por el costo que tenga el mismo, el cual normalmente es de $0.99 a $1.29 dólares. En itunes y demás.

La Mercancía; es un modelo de negocio muy sutil y a la vez súper efectivo en todo el sentido de la palabra, ya que además de generarte ingresos por medio de las ventas de tu mercancía (merch) a la misma vez te brinda promoción, la cual es uno de los discos principales de la columna vertebral del éxito de tu carrera.

Puedes crear diferentes tipos de mercancía de acuerdo a lo que estés vendiendo en ese momento. Puede ser tshirts, gorras, libretas, covers de celulares (moviles) y lo que se te ocurra, cualquier cosa que puedas personalizar, se puede convertir en tu mercancía. Puedes aprovechar cualquier tipo de evento que tengas, en el cual vayan personas interesadas en comprar tu merch.

La reproducción en tiempo real (streaming)

¿Recuerdas que en los inicios de la industria el generador de ingresos principal era las ventas de vinilos y luego cds? Pues Actualmente es el Streaming.

Un streaming es básicamente cuando reproduces una canción online (en linea, por medio del internet) a diferencia de cuando descargas la canción, que puedes escucharla offline (sin internet) el streaming se genera a través de la plataforma x que te provea el servicio de streaming, entre ellas están Youtube, Spotify, apple music, deezer, etc. Estas plataformas de streaming te pagan por cada stream que reciba tu canción dependiendo del tipo de usuario que escuche y muy importante, la zona geográfica en que esté este usuario. Cada plataforma debe pagarte por cada stream a diferencia de Youtube (si el usuario no es youtube premium) para Youtube normal pagarte, el usuario debió haber visto un anuncio en la página de youtube donde se reprodujo tu video.

Cada una de estas plataformas que mencioné te paga alrededor de 0.0001 y 0.0078 por cada 1 stream.

Ejecución en vivo (Live Performance) conciertos.

Este generador de ingresos lo conocemos todos ya que es uno de los primeros de la historia de la industria musical. Las casas disqueras se beneficiaban mucho de los ingresos generados en los conciertos de sus artistas.

Para los Fanáticos poder entrar a un concierto o evento realizado por el artista tiene que comprar un ticket de entrada y a raíz de esa venta es que se genera el dinero para costear todos los gastos del evento incluido el pago al artista invitado. Se que todos ya sabíamos esto que acabo de escribir, pero por protocolo de acuerdo a este libro no puedo dejar de mencionarlo, así que, gracias por tu paciencia y amabilidad.

Regalías de Ejecución

Como autor, tienes derecho a recolectar regalías editoriales por el uso de tu canción. Una de las fuentes de ingreso de este tipo son las regalías de ejecución, que corresponden al compositor y al editor cuando una canción:

suena en la radio

se interpreta en público

suena en un restaurante, bar, etc.

Como autor, debes registrarte en una entidad que recauda regalías de ejecución. Estas entidades son llamadas entidades de gestión de derechos de autor (performing rights organizations, o PRO’s).

En USA hay tres entidades principales que son;

BMI - SESAC - ASCAP

En general, cada país tiene al menos una entidad de gestión de derechos de autor. Busca en tu território cuales son tus opciones.

El trabajo de estas sociedades es hacer un seguimiento en emisoras de radio y salas de conciertos del uso de tu canción. Cada vez que tu canción suena en público genera una regalía de ejecución para la composición, y como autor te corresponde dicha regalía de ejecución.

También puedes ganar regalías de ejecución tocando tus canciones en directo. Las salas deberían pagar cuotas a las sociedades de gestión para cubrir esas regalías y cada entidad te da una forma de registrar tus repertorios en directo. ¡Cuando estés de gira lleva registro de las salas en que tocas y de tus set-lists para declarar esos conciertos cuando vuelvas a casa! Una peculiaridad de las regalías de ejecución es que solo son para los autores y sus editores, las entidades de derechos no pagan nada a los músicos que tocan en la grabación.

Si estás registrado en BMI desde la app móvil de BMI puedes registrar manualmente el lugar del evento donde estás presentando en vivo si eres el dueńo de la composición o donde se vaya a presentar el artista que interpreta tu cancion y BMI te recolectarán las regalías que te corresponde por cada evento en vivo que registres.

Regalías Mecánicas

Cuando tu composición se reproduce en cualquier soporte te corresponde un tipo diferente de regalía llamado regalía mecánica.

Esto son regalías que las entidades como ASCAP y BMI  y otras en general no recaudan.

Habrás oído hablar de regalías mecánicas referidas a la fabricación de formatos físicos como CD, vinilo y cassettes. Pero los formatos digitales también generan regalías mecánicas. Cuando alguien reproduce tu música en un servicio como Spotify o Apple Music, o cuando compran una descarga en una tienda como iTunes, tu composición técnicamente está siendo reproducida. Sí, incluso aunque, en el caso del streaming, sea una reproducción temporal.

Estas regalías mecánicas son reportadas por las plataformas de streaming y descarga a las entidades de recaudación de regalías en el país o territorio donde se efectúa la reproducción o descarga.

En Estados Unidos tenemos Harry Fox Agency; pero casi cada país tiene una agencia similar para recaudar regalías mecánicas. Solo en USA esas regalías mecánicas de descargas se juntan con los ingresos de la grabación fonográfica. Así que serán pagadas a través de tu distribuidor de música. Pero esto no se aplica al streaming interactivo; en todos los países, las regalías mecánicas generadas por el streaming interactivo se pagan a las sociedades de recaudación.

”Tus Derechos como compositor e intérprete”

Tanto el compositor como el intérprete tiene el derecho de recibir regalías por su trabajo y/o creación intelectual. Por esto es importante saber que si haces tus propias canciones aunque estes firmado con alguna empresa los derechos como creador de la obra intelectual deben ser pagados a tí.

Es muy importante saber con esto que si firmaste un contrato y en ese contrato dice que en el reparto de ingresos también va incluida la regalía que recibirás como compositor pues entonces la empresa que te firme también se encargará de recolectar dichos ingresos, pero sino, entonces el autor tiene que recolectar a través de una Sociedad de Gestión Colectiva (BMI, ASCAP, ETC).

Profundizando un poco más en lo que es la obra intelectual, Comprender cuánto se paga realmente a los compositores puede ser complicado. Las sociedades de colecciones tienen fórmulas muy específicas para sus licencias y las regalías que cobran. Las tarifas de licencia varían según la configuración y las circunstancias: se le pagará a diferentes tarifas o ganará diferentes cantidades si su música se reproduce en un partido de fútbol en lugar de una pista de patinaje, en una máquina de discos en lugar de en un club privado, etc. Incluso, estas tasas de regalías tienden a ser renegociadas regularmente, y hasta variar de un país a otro.

Pero comprender de qué manera se les paga a los compositores es más sencillo. A continuación, explicaremos los principales tipos de regalías.

Regalías de Rendimiento

"Performance" tiene un amplio significado en el mundo de la música. En este contexto, significa la transmisión de una canción en un lugar público o la presentación pública de una canción. Los establecimientos y las empresas que usan música pagan tarifas para usar esa música. Esto significa que cada vez que su canción se toca en un concierto, ya sea por usted, el compositor o como una versión de otra persona, o como una versión grabada a través del sistema de altavoces en un restaurante, en un juego deportivo o en un ascensor , te deben regalías de rendimiento. 

Las regalías de rendimiento pueden generarse a partir de:

● Televisión

● Radio

● lugares en vivo

● restaurantes

● bares

● Servicios de música en ascensores

● Supermercados

● Tiendas de ropa

● Gimnasios / clubes de salud

● Jukeboxes

● Radio por Internet / transmisión no interactiva

(por ejemplo, Pandora)

● Servicios de transmisión interactiva en línea

(por ejemplo, Apple Music o Spotify)

● Radio terrestre (su estación de FM favorita)

Las regalías de rendimiento recaudan los royalties a través de: organizaciones de derechos de ejecución (PRO) en Norteamérica u organizaciones de gestión colectiva (CMO) a nivel internacional. En general, el compositor se afilia y registra sus trabajos con la sociedad del territorio en el que residen y donde es más probable que se interpreten sus canciones. Estas sociedades de recaudación generalmente recaudará tanto la parte del escritor como la parte del editor de las regalías de rendimiento y pagarán al compositor y al editor del disco respectivamente.

Los medios que generan regalías mecánicas incluyen:

● Ventas récord (vinilo, CD)

● Descargas digitales

● Secuencias interactivas en línea (por ejemplo, Spotify)

● Tonos de llamada

● Canciones grabadas

● Bandas sonoras de películas

A continuación el costo de las descargas físicas y digitales permanentes.

PLATAFORMAS DE STREAMING INTERACTIVO.

Es una parte complicada esto de la publicación que no siempre se puede explicar de una manera fácil y ejecutable. Lo que debe debes entender es lo siguiente: como creador, es muy importante saber que una canción obtiene diferentes tasas de regalías dependiendo de una serie de factores. Si te aseguras de que tus canciones se distribuyen en la mayor cantidad de plataformas posible y en los países donde un stream genera mayor ingreso y estás promocionando tu marca y aumentando tu base de seguidores, estás en una mejor posición para tener éxito que si dejas que las empresas se encargan por sí solas.

Micro-Sync y Regalías de video de contenido generado por el usuario

Una forma menos discutida de regalías que las canciones pueden ganar se conoce como regalías de micro sincronización. Estas regalías se refieren a los ingresos obtenidos por el uso de su música sincronizada con una imagen en movimiento en usos más pequeños o masivos en contenido generado por el usuario (UGC), como en plataformas como YouTube, Vimeo y TikTok.

Si decide compartir su música en una plataforma de video, ya sea como video musical, versión instrumental, video lírico, lo que quiera, es importante que investigue si la plataforma paga el uso de su música y cómo lo hace. . Examine todos sus requisitos para que sea plenamente consciente del potencial y las limitaciones para obtener ingresos.

En YouTube, por ejemplo, los videos se dividen en tres tipos de contenido: el componente visual, el componente de audio y la composición. El componente de composición genera regalías mecánicas y de rendimiento para compositores y editores. La monetización en estas plataformas es bastante diferente de la de otros proveedores de servicios digitales (DSP).

¿Por qué es un negocio?

recuerda que estamos en el primer capítulo el cual trata sobre el negocio de la música, por eso la pregunta.

Decidí colocar este corto punto pero importante porque muchos artistas independientes no han logrado mayor éxito en su carrera artística por no haber adoptado el término negocio. Si, así es, si eres cantante también eres un producto y si eres un producto atraés el comercio y por consiguiente atraerás dinero, el cual servirá para sustentar tu carrera y seguir trabajando en nuevos proyectos.

No te vayas a confundir con mi idea, lo que quiero dejar entendido es que en parte es un negocio, y digo esto porque podemos cometer el grandísimo error de hacerlo solo por el dinero.

Aquí viene una de mis palabras favoritas “Balance” y con eso termino este pequeño punto. Si logras hacer el balance te aseguro mucho éxito.

Cuando miras tu carrera como negocio tu mente se va a abrir a nuevas ideas y estrategias para moverte adelante. Eso también atraerá algo muy importante. “Organización”

”Cuidado con los contratos que firmas”

como dije en un video, “Creo que tendré problemas con algunas casas disqueras”

Sabemos que casi todos los artistas independientes quieren ser firmados por un Major Label pero muchos de estos Major Labels en muchos de los casos tienden a abusar un poco con los artistas en los contratos. Debido a la falta de conocimiento en la materia, muchos artistas firman sin saber que significa muchas de las cosas que incluía el contrato, para esto siempre recomiendo que si van a firmar un contrato lo hagan con alguien que le asesore sobre el tema, (si necesitas un asesor aquí estaré disponible. Para agendar una cita sigue este link  → https://www.mhmusik.com/book-online) en fin te ofrecen repartos de ingresos muy pequeños quedándose ellos con la mayor parte. 

En muchos de los casos suelen ofrecer 40% para el artista y así por el estilo, claro es importante saber que todo depende del tipo de contrato que tengas porque si lo que ellos te ofrecen vale la pena pues es posible que un 40% sea una muy buena oferta cuando la empresa te esta pagando todo, hasta vestuario, vehículos,viajes, hoteles, guardaespaldas, apartamento, comida, etc.

Las empresas que trabajan 100% en el negocio, conocen a la perfección todas las posibilidades de ingresos que un artista como producto es capaz de generar. Por esta razón muchas aprovechan la mina de oro.

Un artista independiente debe estudiar sobre el negocio de la música y conocer el mundo de las regalías y la capacidad económica que puede alcanzar su talento para que así pueda firmar un contrato justo y que no le engañen. Y esta es una de las razones por la que escribí este segundo libro.

¿Por qué deberías empaparte del tema?

¿Alguna vez te has preguntado porque muchos de los artistas famosos ya conocidos por el mundo, terminan finalizando su contrato con la compañía x que le haya firmado para manejar ellos mismos su propia carrera junto a su equipo de trabajo? Podemos mencionar a Daddy Yankee, Ozuna, dentro de la música sacra esta Redimi2, Alex Zurdo, Funky, entre otros.

Bueno, si no te lo has preguntado, es bueno que empieces a hacerlo y la razón principal es porque al llegar al punto en tu carrera donde ya se sostiene por sí sola, te darás cuenta que todo puede marchar sin necesidad de un sello discográfico mayoritario que te firme, aunque es muy importante saber que la firma de un sello discográfico mayoritario podría ser la salvación de tu carrera en algún punto de tu vida.

La razón principal por la que debes empaparte del tema es porque no hay otro ser humano más que tú, que conozca a la perfección el nivel de valor que tiene tu trabajo. por ende debes conocer como funciona todo el engranaje de la industria, la distribución, la publicidad, todos los medios que hacen que tu trabajo genere dinero, en especial lo que por ley te pertenece recibir como como compositor e intérprete. Tener un estimado en tu mente sobre cómo se debería ver tus ganancias te puede salvar la vida de un posible engaño por parte de alguna compañía en el futuro.

No podemos dejar de mencionar que no todas las compañías son engañosas por eso todo el tiempo he mencionado “Lee bien el contrato” cuando tienes los conocimientos que vas a aprender en este libro y luego lees un contrato, será como que estás leyendo un libro de primer grado y lo comprendes todo, podrás ver si hay algo oculto que no te conviene (permíteme aclarar, eso no significa que te están engañando, esto es solo negocios) por eso es que debes saber sobre el tema.

Los dueños de compañías discográficas deben conocer todo este asunto a la perfección, con mucha más urgencia que los artistas, ya que ellos se van a encargar de trabajar con todo el manejo del producto (Artista). Por favor, no olviden ser transparentes y claros con los artistas y sobre todo hacer un negocio justo con ellos, ya que al final del día, todos serán beneficiados mutuamente, lo importante es que nadie pierda.

Capítulo 2 – Se Puede Vivir De La Música Sin Ser Famoso

”El Producto y La Empresa”

En el primer capítulo nos referimos en varias ocasiones al artista como un producto, y es porque en cierto modo eso es lo que es cuando hablamos de negocios. Por eso los cazatalentos van como león rugiente buscando aquien devorar (en el buen sentido). Un producto, como todo producto, necesita una empresa que lo administre, lo distribuya, lo mueva, lo actualize, saque la mejor versión de el. No se puede auto-vender, esto no es posible, siempre va a necesitar de un proceso y equipo detrás que lo mueva. Allí es donde entra en escena el equipo de trabajo y/o la compañía que lo firma. Ellos se encargan de facilitar el camino para que el producto pueda lograr su cometido.

La empresa es muy importante para un artista (aclarando nuevamente que un artista puede ser su propio jefe, osea, tambien puede ser la empresa) como dice un libro muy famoso “Más valen dos que uno, porque obtienen más fruto de su esfuerzo. Si caen, el uno levanta al otro. ¡Ay del que cae y no tiene quien lo levante!”  El equipo de trabajo será el ojo extra que verá más allá de lo que el producto pueda ver y viseversa.

La función de la empresa es hacer que el producto circule, se mueva, evolucione y se explote. La función del producto es Servir.

Utilizo la palabra servir porque de eso se trata, tan simple como decir “Si no sirves, no sirves” Podemos traducir esto a la calidad y habilidad con la que el producto desempeña su papel en la tarima, en eventos, en la radio, en televisión, en las redes sociales, en los videos musicales, etc. En otras palabras “debes hacer bien”.

“Se brinda un servicio”

Un artista, además de ser un producto, también brinda un servicio y ambas cosas se sirven a cambio de un activo que justifica los costos y gastos más ganancias (Justo y Obvio) Así que como se habrán dado cuenta, no he dicho un artista famoso solo dije un artista porque para crecer (económicamente hablando) a través de la música solo necesitas ser un artista mejor dicho Un Producto o Servicio que es con lo que todos los negocios hacen negocios y se sustentan. No hay que ser famoso para vivir de la música, solo hay que tener algo que ofrecer.

Creer que si no tienes fama no vendes, es una distracción muy grande que no te dejará avanzar. Un ejemplo práctico es el siguiente; En el pueblo donde vivo hay una tienda de ropa que se llama “La Canchita” esta tienda no la conoce nadie más en el resto del mundo, únicamente la gente de mi pueblo (si eres de mi ciudad sabrás de qué tienda hablo) sin embargo es la tienda que más vende de todo el pueblo. Es claro que no tiene la fama que tiene por ejemplo la marca “louis vuitton” y que no genera lo mismo, pero tanto la dueña como el equipo de trabajo de la tienda, viven de la tienda. ¿Entendemos a qué me refiero? Solo basta con brindar un buen servicio y paso a paso irás generando lo suficiente. La palabra clave es “Paciencia”.

En el pasado era técnicamente imposible para un artista poder vivir de la música si no tenía renombre, ya que los servicios en la música eran muy limitados pero hoy en dia con los avances tecnológicos, cada año que pasa hay más posibilidades para vivir de la música sin necesariamente ser famoso.

“Cómo lograrlo en esta era”

Estamos en la era que más rápido está creciendo la industria de la música, cada día se suman mas y mas cantantes al mundo. De igual forma los servicios y herramientas que mantienen la música a flote van en constante crecimiento y cambio. Lo importante es, que uno como artista o sello debe ir avanzando de igual manera y en muchos de los casos debería ir delante.

La clave para ser un artista que sobrevive en cada nueva era o cada nuevo siglo que inicia, es estar dispuesto al cambio, ser flexible al cambio, siempre estar actualizado de lo nuevo, interesarse por saber cuál es la nueva herramienta de spotify o cual es el nuevo sistema de recolección de regalías etc. aprovecho para recomendarte mi canal de tips y tutoriales “Mh Musik Tips” donde me mantengo actualizando a los artistas, etc.

Ser estratégico y utilizar los medios sociales es un buen punto de partida. La nueva generación de consumidores exige una velocidad de contenido alarmante, cuando haces una canción muy buena, de inmediato los consumidores quieren más, porque ya tienen en sus manos el poder de información inmediata en sus dispositivos. Se aburren muy facil y rapido, esto exige un nivel y velocidad casi imposible para un artista. Esto obliga a que el equipo de trabajo o el artista mismo tenga que crear una estrategia de publicación ajustada a la nueva década que quizás en la próxima década (2030 para ser mas exacto) no funcione, pero en esta sí.

Actualiza tu estilo musical, escucha bien, dije actualiza, no cambia. Muchos artistas del siglo pasado y antepasado no han querido actualizarse y otros se han ido al otro extremo, en vez de actualizar han cambiado y ahí es donde cometen el error de que su música de momento deja de gustar. Ten mucho cuidado que no te ocurra la mismo, como artista o como compañía.

La disciplina es la clave principal para mantener tu carrera a flote en esta nueva década, muchos tenemos el sueño de escribir un hit mundial y echarnos a dormir pensando que como ya es un hit voy a vivir el resto de mi vida de esas regalías, pero sabemos que no es así, un hit demanda otro hit tras el. Así que no importa tu edad, puedes mantenerte mientras vida tengas en la tierra lanzando un hit tras otro durante décadas. Pero para lograr esto tienes que tener una vida muy balanceada y disciplinada, cuidándote del uso de drogas y mantener tu rutina de salud. Hemos visto fracasar a muchos artistas. Justo ayer escuche la noticia de un nuevo exponente de música urbana, quien empezaba a explotar su carrera con millones de visitas en youtube, lo acaban de asesinar a balazos, no somos Dios para juzgar pero, ¿y si por causa de su estilo de vida atrajo esa tragedia?. No digo que ese sea su caso, pero sabemos que ha sido el caso de muchos. mantente activo y a la vanguardia.

“Presentación, Imagen y Calidad”

Perfecciona tu presentación, mantén tu imagen actualizada y no lances nada que no sea de calidad, son los tres consejos que te voy a dar para que te vendas de manera atractiva y prometedora.

Dentro de tu presentación esta:

Primero lo que proyectas cuando te paras en una tarima o cuando grabas una canción. Mantener tu repertorio al dia, adaptado al presente hará que tu música nunca pase de moda.

Ensaya lo mas que puedas, mientras más bueno sea lo que vendes más consumidores tendrás. En mi pueblo también hay una señora que vende helados hechos en casa (“Limbel” como dicen en Puerto Rico) tiene su negocio en su casita, super humilde, pero te sorprendería saber que vienen personas de todo el país a comprar sus helados, incluso muchos famosos vienen solo al negocio de doña Ivone, es todo un éxito sus helados. Y personalmente cuando pruebas sus helados no te arrepientes, son una delicia.

Tu imagen

Mantente a la moda, recuerda que eres un producto y lamentablemente las personas compran por los ojos, claro, sin comprometer los buenos valores, vístete a la moda.

Daddy Yankee tiene 43 años de edad, nació el 3 de Febrero de 1977, Shakira tiene 43 años, de hecho nació el mismo dia que yo solo que 13 años antes, el 2 de Febrero de 1977 y para colmo y gran casualidad, nació al siguiente dia de haber nacido Daddy Yankee en el mismo año y Jennifer López tiene 50 años de edad. Todos tienen mas de 4 décadas, Jennifer tiene 5 decadas mas sin embargo parecen como si nacieron ayer.

Una de las cosas que más ha influido para que se miren como se miran actualmente es que no han descuidado su imagen como producto y esto conlleva a un cuidado de su cuerpo y salud óptimo por eso los tres mencionados anteriormente parecen como si nunca envejecieran. Porque cuidar tu imagen, cuando eres un artista, es muy importante pero no es lo mas importante (digo esto porque me preocupa transmitir un mensaje errado) hay otras cosas que son más importantes y siempre es lo que no se ve a simple vista. Tu carácter, tu disciplina y tu integridad, son los que mantendrán el éxito que puedas lograr.

Calidad

Aquí entra en escena el verbo “Invertir” y mas cuando lo conjugamos, Yo invierto, tu invierte, el invierte, ella invierte, nosotros invertimos, ellos invierten y ustedes invierten, Disculpa mi exageración pero esto se trata de invertir y mientras más inversiones y/o aportaciones tenemos, más posibilidades de aumentar nuestra calidad y por consiguiente mejor calidad de éxito.

Así es, hay diferentes niveles de calidad en el éxito, la vida no se acaba cuando llegas al éxito, para decirlo mejor, el éxito no es el último nivel de vida que puede alcanzar un hombre o mujer.

Cuando entras al éxito entonces empiezan los niveles, me explico; No es lo mismo pegar un dembow, donde la música sea un asco  y las letras ni se diga y tener “éxito” entre comillas. Ese tipo de éxito se esfuma en dos o tres meses, el dembowsero (sin ánimo de ofender, Dios bendiga a los dembowseros) no vuelve a sonar jamás a menos que pegue otro dembow por los próximos 3 meses, carente de calidad igual que el primero, si no pega uno, queda en el olvido. No es lo mismo a que si el artista pegó una tremenda canción super elaborada profesionalmente hablando, la calidad de sonido, la producción y arreglos musicales, las líricas. Una canción así puede durar años sonando y siempre va a ser un clásico. La diferencia entre estos dos casos es el nivel de Calidad (sin ofender a los que hacen dembow).

Si trabajas con clase, tu proyección va a ser mundial por largos años.

¿Cómo mido mi éxito?

Coloqué esta pregunta intencionalmente, aunque esté mal elaborada, porque el éxito no se mide, y tampoco se define por cuantos seguidores tienes, o cuantas reproducciones hayas alcanzado.

Nadie puede medir su éxito, porque el éxito tiene una fecha específica para ser medido y solo se puede medir una vez en la vida y esa fecha es al final de tus días, cuando estés en tu lecho de muerte, allí es donde debes hacerte la pregunta, ¿tuve éxito o no? porque simplemente la vida es una carrera y en una carrera quien tiene éxito es quien llega a la meta intacto.

En mi caso estoy trabajando en la música digital desde mis 17 años empecé desde cero me ha costado muchos años aprender un poquito y todavía me falta mucho, he cometido muchos errores en cuanto al manejo de mi carrera como artista, me he descuidado mucho, inicie solo sin ayuda ni explicación de nadie en la parte del manejo digital, regalías etc. Me descuide del artista y empecé a estudiar sobre el Negocio de la Música. Mientras iba aprendiendo me empecé a ilusionar con la idea de crear un canal mediante el cual muchos otros artistas independientes en busca de lo mismo que yo he buscado, puedan empaparse y aprender a manejar sus carreras de la manera correcta a nivel digital. Empecé a crear videos en mi canal principal Michael Hernández el cual ya va sobre los 100k suscriptores de los cuales quizás el 25% siguen activos, ahora he dividido mi contenido, he creado mi segundo canal Mh Musik tips para continuar con los tutoriales y tips para artistas y creadores de contenido. Lo que quiero decir es que a pesar de tener tantos suscriptores en mi canal principal y que solo el 25% está activo, hoy en día puedo decir que vivo de lo que hago en la música. Las regalías que recibo de algunas de mis canciones, los ingresos que obtengo por mi canal de youtube más los trabajos que hago a diario a otros artistas como yo para ayudarles a seguir adelante en su carrera, ayuda a sostener mi casa y a seguir adelante económicamente. Actualmente no tengo la necesidad de tener que trabajar para otra empresa, soy mi propio jefe, aunque trabajo en mi iglesia local, no necesito trabajar en ese sentido, lo hago por amor y agradecimiento a Dios. Los 100k suscriptores no significan que soy famoso o que ya soy un hombre de éxito, en realidad ya les confesé que de esos 100k son muy pocos los que aún siguen activos, pero, el nivel de mi contenido y conocimiento atrae cientos de artistas a quienes puedo bendecir y a la misma vez ser bendecido. Todo eso se lo debo a Dios, porque nada de lo que he logrado lo hubiese podido lograr sin El.

Para concluir, a todas estas, no puedo decir que por estas razones que he explicado anteriormente soy un hombre de éxito, esto es simplemente mi peregrinaje en la vida. Voy cosechando lo que siembro.

Sí se puede vivir de la música sin ser famoso.

como explique al inicio de este capítulo, si te organizas y trabajas con disciplina, se puede.

“Recibiendo tu dinero”

Una vez ya estás organizado a nivel digital y protegido todas tus regalías, estarás listo para empezar a recibir el dinero que tu música o tu contenido empiece a generar, para esto vas a necesitar tener una cuenta bancaria ya sea, digital o tradicional. una de las más comunes es paypal.com.

La mayoría de las plataformas con las que estarás trabajando te envían los pagos a través de la mencionada arriba o una transferencia bancaria.

Asegurarte que tu canal de Youtube este monetizado, seas artista o compañía, para que te envíe los pagos a través de western union o transferencia bancaria.

Las plataformas digitales normalmente a través de paypal o transferencia bancaria.

Las sociedades de gestión colectiva, te pagan por medio de cheques o transferencias bancarias (estas son las que recolectan las regalías del compositor).

Sound Exchange te va a pagar a través de una transferencia bancaria.

Es importante que sepas que para recibir tu dinero por medio de estos medios va a depender mucho el país en el que te encuentres, porque hay países que no soportan estos medios, como cuba, venezuela, entre otros. Existen trucos que más adelante puedes investigar.

Capítulo 3 –Estrategias para conseguir un mayor alcance en cada lanzamiento

“Análisis de Mercado”

Cuando vas a lanzar un  nuevo proyecto debes preparar un plan de lanzamiento, dentro de ese plan lo primero que vas a hacer es un Análisis de Mercado.

Al igual que todas las empresas antes de lanzar un producto se hace un análisis para comparar las posibilidades de venta y saber que tipo de plan elaborar. De igual forma en la música debes saber al público que te estás dirigiendo con tu música. Haz tu investigación, pregúntate ¿qué es lo que está sonando ahora? ¿cual es la tendencia? ¿habrá algún tema político o social del cual se está hablando mucho? ¿es navidad? ¿día del amor? ¿Cual es mi público objetivo?.

Cuando recopiles esta información, estarás aún más preparado para empezar con la estrategia de tu nuevo lanzamiento.

“Contenido de Promoción”

En el análisis definirás tu objetivo, cuando tienes tu objetivo claro entonces es hora de empezar a crear tu contenido de promoción.

En esta parte es donde vas a producir todas las ideas de tu mente para  explotar tu producto. Muchos artistas no aprovechan al máximo la parte de crear contenido pero si supieran que cada contenido diferente que crean para una sola canción es un contenido más que podemos poner a producir, osea, a generar dinero, si nuestro lanzamiento está protegido correctamente. No es lo mismo tener únicamente un video musical colgado en Youtube, que tener un video musical, un video lyric, un video spectrum (audio), la pista de la canción versión karaoke, una versión acapella o a guitarra, un preview de 30 segundos, algunos fanáticos haciendo versiones, un video challenge y hasta un video hablando de la canción, como fue inspirada las letras, etc. Todo esto suma ingresos, puede triplicar o cuadruplicar las ganancias y esto ayudará mucho para recuperar el dinero invertido.

Empieza creando el contenido mencionado previamente por orden de complejidad.

OPCIONES DE CONTENIDO A CREAR

1- Preview de 30 segundos

2- Video Spectrum (Audio Oficial)

3- Challenges (GiveAways) / Sorteos

4- Video vlog hablando sobre el proyecto

5- Video Lyric

6- Video Musical

7- Video Reaccion

8- Video Karaoke (pista)

9- Versión Acústica casera

“Alcance orgánico y pagado”

Que bueno que hablaremos de esta parte, la cual es muy pero muy importante conocer para tener buenos argumentos a la hora de tomar una decisión en cuanto a cómo haremos la inversión de promoción de nuestros lanzamientos.

El alcance orgánico como ya la mayoría entiende, es todo aquel tipo de alcance que un lanzamiento logra sin depender de un impulso pagado. En otras palabras todas las visitas que obtengas originalmente provenientes de tus fanáticos o de alguna mención o compartida que alguna persona haya realizado.

En Youtube por ejemplo, cuando subes un video y a las personas le sale el video en su buscador o en la barra de recomendaciones cuando están buscando algún contenido similar al tuyo, las notificaciones de tu canal, entre otras cosas. Eso es orgánico, cuando las personas se enamoran de tu video y empiezan a compartirlo como locos, todo eso es orgánico. Sinceramente es lo que todos queremos que nos suceda ¿cierto? Esto puede ser posible definitivamente los grandes hits que conocemos hoy día, se hicieron grandes hits por este mismo fenómeno llamado, “Viralización” de ahí cuando decimos “Se hizo viral”.

Muchos exponentes, managers, etc. Están equivocados cuando piensan que una canción se viralizó cuando el 70% de las visitas obtenidas vinieron de una campaña pagada. Un video puede tener 50 Millones de visitas en 2 meses y no necesariamente significa que se haya viralizado, porque como dije anteriormente, si más del 50% de esas visitas vinieron de una campaña de promoción pagada, entonces no significa que se haya hecho viral. Porque un contenido se viraliza cuando el porcentaje mayor de las visitas obtenidas vinieron orgánicamente.

En cuanto a los royalties (Ganancias económicas que pertenecen a los dueños de los derechos de autor.) Cuando las visitas son orgánicas  las ganancias son más puras, lo que quiero decir es que las ganancias que genera tu contenido son más grandes cuando las visitas no vienen de un sistema de promoción pagada. Por ejemplo cuando promocionas tu video en Youtube utilizando el único y verdadero método de promoción en youtube que recomiendo, (www.mhmusik.com/youtube-services que viene siendo el mismo sistema de google) tu contenido genera 80% menos de lo que generaría con esas visitas obtenidas si fueran orgánicas. (Esto ya lo hemos comprobado) Incluso para alcanzar las 4,000 horas de visualización en youtube y poder monetizar tu canal, no te es válido si las visitas vienen de promoción pagada.

Me imagino, querido lector, que tras leer lo que acabas de leer, te estás preguntando, “¿Entonces me conviene o no me conviene invertir en promoción?” y la respuesta a eso la vas a encontrar en el próximo punto, el cual es “El Alcance Pagado.”

El alcance pagado es simple de definir. (y para buen lector, pocas palabras bastan.) Pues es eso mismo, todo aquel tipo de alcance que logras gracias al impulso de alguna campaña pagada, ya sea en Youtube, facebook, instagram, paginas webs, etc. Es fácil saber lo que es este punto, pero lo que es importante saber sobre esto es que invertir en publicidad para tu contenido juega un papel muy importante por las siguientes razones:

Lo primero es que pagar por promoción es simplemente dar un empujoncito extra, impulsar, es como cuando hay un límite que no puedes alcanzar pero la única forma de llegar allí es dando ese impulso. Digo esto porque ese impulso puede ser clave para el éxito, ya que al dar ese impulso extra estas exponiendo tu producto a un nuevo horizonte, un nuevo terreno en el cual puede llamar la atención de una persona o de millones de personas mas, que quizas nunca se habían interesado por tu producto porque nunca se habían topado con el.

Esto puede provocar dos cosas; Primero que las personas se interesen y empiezan a explorar mas de ti y por ende terminan convirtiéndose en visitas orgánicas, ya que la única visita pagada que vas a tener por parte de x persona va a ser la primera impresión, osea, la que ocasionó que esa persona vaya por más de tu contenido y termine regalándote más de 2 visitas las cuales no serán dentro del sistema de promoción sino por voluntad propia haciendo varios clicks en tus videos, y esto, amigo mío, te llevará al éxito y a nuevos seguidores.

Segundo; Posicionar tu video. El sistema de búsqueda de youtube y google va a colocar tu video en una buena posición dentro de las palabras claves relacionadas y la zona geográfica a dónde orientaste tu campaña (Recomiendo altamente que siempre que promociones tengas la posibilidad de escoger en cuáles ciudades o países orientar tu promo. Esto lo puedes hacer en la promo que tenemos en www.mhmusik.com/youtube-services al igual que google ads)

Estratégicamente deberías primero revisar las estadísticas de tu canal y mirar en cuales zonas geográficas esta ubicada la mayoria de tus fanaticos activos orgánicamente para dirigir tu promo justo a esa misma zona, y se que quizas te vas a preguntar ¿y porqué no mejor lo dirijo a donde no tengo fanáticos? o ¿a un nuevo horizonte donde podrían enamorarse de mi proyecto? La verdad es que tiene mucha lógica lo que dices, pero tu campaña va a tener más éxito si lo diriges donde sabes que ya tienes tu fanaticada, porque, tu proyecto puede pasar de boca en boca entre vecinos que entre desconocidos, eso es uno, y dos, tendrás mas click en la llamada a la acción la cual te asegurará más reproducciones orgánicas.

Para no dejarte con la duda, no puedo continuar sin decirte que tambien puedes orientar tu promo hacia un nuevo horizonte (como digo yo) te puede dar resultados y se que uno de nuestros objetivos debería ser llegar a donde no he llegado, descuida, la buena noticia es que puedes hacer mas de una campaña, con diferentes objetivos, mi punto es que te conviene más no dejar fuera del plan, el objetivo de zona de mas auge. Nunca olvides que no puedes esperar muchos resultados orgánicos ni económicos con una campaña orientada hacia un nuevo horizonte  a menos que des el golpe de suerte…

Y esta es la palabra clave para ambos tipos de alcance (El Orgánico y el Pagado) la palabra es que para ambos el factor principal siempre será, como decimos nosotros, “Suerte” no importa si pagaste miles de dólares en campaña o si no lo pagaste, porque para hacer un proyecto viral pagando campaña, vas a necesitar esa conexión entre los consumidores y tu producto musical.

para finalizar este punto, puedes realizar el mismo tipo de estrategia de zona geográfica para spotify.

“Creación de Campañas Publicitarias”

Permíteme explicarte brevemente como deberías crear la campaña de promoción para un nuevo lanzamiento. Antes de continuar tienes que tener claro en tu mente que es importante que no esperes recuperar el dinero que invertiras en x o y campaña. Te digo esto, no para des alentarte, más bien, para prepararte mentalmente, porque hay una alta probabilidad de que no generes mas de lo que invertiste a raíz de x promoción. Recuerda cuál es el objetivo de la promoción pagada, el cual nunca debe ser el generar ingresos. Claro está, esa campaña pagada puede desencadenar una viralización y entonces si vas a generar mucho más de lo que inviertas.

Platiquemos un poco sobre los puntos importantes que no se pueden quedar, a la hora de preparar el plan de promoción de un video musical. Recuerda que es la misma estrategia no importa el tipo de plataforma que utilices para promocionar, ya sea Facebook, Instagram, Youtube, Spotify, etc.

Primero; si no es el primer lanzamiento, deberías echarle un vistazo al analytics del canal y ver de donde vienen la mayoria de tus espectadores. Esto te dará una idea de cual puede ser tu primera zona geográfica a la cual dirigir la campaña. Si es tu primer lanzamiento entonces empieza con el segundo paso.

Segundo; deberias hacer un análisis del contenido. Con esto me refiero al estilo y al público el cual crees que estará más simpatizado con el tema. De ahí van a surgir palabras claves para tu campaña y en especial la zona geográfica principal a la que vas a dirigir tu campaña.

Tercero; Identifica cuales artistas (preferiblemente populares) se asemejan a tu estilo. Al hacer esto tendrás otro objetivo al cual apuntar en tu campaña. Utiliza el nombre del artista como palabra clave en tu campaña.

Cuarto: No olvides el tipo de contenido que estás promocionando, el cual es “MÚSICA” ahí tienes tu palabra clave principal y más importante. “Música” como palabra clave es de las palabras claves que mas posiciona tu contenido, así que no la puedes olvidar.

Quinto; muy importante que tu video cumpla con la ley COPPA de lo contrario no será aprobado para promocionar. Ejemplo; si contiene desnudos, sustancias narcóticas, violencia, seres humanos con poca ropa, no cuentes con la promoción.

Sexto; es muy importante que no olvides la llamada a la acción, porque la llamada a la acción es la que te va a asegurar las ganancias y el crecimiento de tu comunidad.

la llamada a la acción se trata del enlace extra que agregas en especie de botón, en el cual los espectadores pueden hacer click e ir a la página principal de tu canal o mejor aún, a escuchar tu canción en Spotify.

dato importante; la fecha de duración es clave, siempre obtendrás mejores resultados, mientras más tiempo le permitas a la campaña correr. Ejemplo; muchos artistas quieren que en un día su video alcance 100,000 visitas, pero si no eres famoso, no cuentes con eso. De la única forma que alcanzaras 100,000 visitas el primer dia, orgánicamente, será cuando ya seas famoso. Pero ese no es el punto, lo que quiero explicarte es que el algoritmo de google es neuronal, osea que aprende por sí solo, como si fuera una persona, entonces cuando le permites a una campaña correr por más de 2 semanas, con el paso del tiempo el algoritmo aprende del comportamiento de la promoción e impulsa y orienta de la manera más conveniente para tu video.

Así que para finalizar este punto, ten en cuenta cada detalle cuando estés programando tu campaña.

“Retos y Sorteos”

Una de las herramientas más importantes para el músico/banda moderno son las Redes Sociales. Lamentablemente los artistas de la vieja escuela han perdido mucho dinero porque en su tiempo no existía el mundo de la música digital ni las redes sociales, por causa de esto, muchos terminaron automáticamente fuera del sistema y otros automáticamente desorganizados en la parte digital y la recolección de ingresos.

Hoy en día las redes sociales están llenas de RETOS y SORTEOS, las dos palabras más sonadas en el mundo de las redes. Como estrategia son lo maximo y deberíamos utilizarlas mas a menudo para promocionar nuestras canciones de manera orgánica.

Puedes utilizar cualquier tipo de Sorteo (Give Away) puedes regalar algo, un disco gratis, un dispositivo inteligente y hasta dinero, a cambio de que escuchen tu nuevo sencillo y lo compartan, a cambio de que te sigan o suscriban, a cambio de quien haga el mejor cover de tu canción, entre otro número infinito de ideas que puedes desarrollar con un Sorteo.

Cuando haces un sorteo la gente lo comparte como pan caliente, es una estrategia que llama mucho a la atención de todo el mundo, porque la mente humana piensa mucho en lo que va a conseguir, en el premio.

Ahora, los Retos; tienen un ingrediente especial aunque no parezca atractivo, lo hace super atractivo y uno no sabe ni cómo. Terminas haciéndolo sin darte cuenta, jajajaja. ¿A quién le ha pasado? entonces es una llave a tu disposición, por cada canción que saques, inventate un reto y pon a los pocos o muchos seguidores que tengas a interactuar contigo, con tu contenido, utilizando un reto como enganche. No pierdes nada probando.

En Tiktok por ejemplo;

tenemos muchos artistas que se han hecho conocidos porque una canción se le hizo viral en TikTok. ¿Cual es la magia de Tiktok? la magia de Tiktok es que esta  hecha a base de retos y comedia, los dos nichos más grandes del mundo.

En tiktok a las personas no les importa quien hizo la canción y ni siquiera como se llama la canción, el primer interés de ellos es cumplir con un reto o hacer un tiktok que de mucha risa, y si tu canción llena esos requisitos, te salvaste jajajaja. Así que ahí tienes una estrategia más para tu próxima canción, piensa en eso y es posible que tu proximo tema sea  el próximo hit de tiktok.

y para finalizar este capítulo, quiero compartirte la columna vertebral de la existencia de tu carrera artística, y es nada más y nada menos que la P E R S I S T E N C I A. Muchos se confunden con querer alcanzar el éxito con una sola canción en su repertorio, pero ese es un grave error, la clave es tener un gran repertorio, así que cuando lanzes un sencillo, empieza a programar el próximo y cuando lances este, programa el otro, y así sucesivamente.  Sin cansarte y cuando menos te lo esperes vas a despertar una mañana y te vas a dar cuenta de que tienes una comunidad esperando a que lanzes el próximo.

Capítulo 4 – Códigos y Términos fundamentales para el manejo de  tu música a nivel legal y digital.

“Lista de nombres y definiciones”

Composición: Es el proceso como resultado del cual el compositor crea una obra musical.

Copyright: Es la propiedad intelectual de una obra por parte de una persona o un grupo.

Propiedad Intelectual: Es el derecho que le corresponde a una persona como creador de una obra.

Grabación: Conjunto de imágenes o sonidos grabados.

Regalías de Ejecución: Son los derechos que como autor te pertenecen por el uso de tu canción, por ejemplo cuando tu canción suena en la radio, se interpreta en público o en un restaurant.

Entidad de Gestión Colectiva: Es la entidad que recauda regalías de ejecución.  como por ejemplo BMI, ASCAP y SESAC.

Regalías mecánicas: Son los derechos que te corresponden cuando tu composición se reproduce en cualquier soporte. Estos derechos se te pagan a través del distribuidor que utilices.

Editor o Editora Musical: es la empresa que se ocupa de que los compositores y autores de canciones reciban honorarios cuando sus obras son usadas comercialmente.  Se hace A través de un acuerdo llamado contrato de edición, un autor o compositor "asigna" el copyright de sus obras a una compañía editora. A partir de ahí, la editora licencia dichas composiciones, ayuda a controlar dónde se usan, recauda regalías o royalties, y distribuye estas a los autores, quedándose con un porcentaje de las mismas como pago por sus servicios.

Licencias de sincronización: es cuando se usa tu música en otros medios como una película o un programa de TV.

ISRC: (El Código Estándar Internacional de Grabación) es un código estándar de carácter internacional para identificar únicamente grabaciones de audio y videos musicales.

UPC: El Código Universal de Producto (UPC) es una simbología de código de barras que se utiliza ampliamente en los Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Australia, Nueva Zelanda, Europa y otros países para rastrear artículos comerciales en las tiendas.

ISWC: (International Standard Musical Work Code, o Código internacional normalizado para obras musicales) identifica una obra musical como creación única intangible. Refleja el resultado de la creación intangible de una o varias personas, independientemente de su estatus con respecto a los derechos de autor, de las modalidades de reparto y de los contratos que la rigen.

IPI: El número IPI/CAE es una identificación internacional de nueve dígitos asignado a autores y editores para identificar los titulares de los derechos. Este número lo puedes encontrar en el panel de control de la entidad de gestión colectiva que utilices, ya sea ASCAP o BMI.

SXID: Es el Número de Identificación de Sound Exchange. El número que identifica una canción en el sistema de Sound Exchange.

Catálogo: Un catálogo musical o catálogo temático es una serie de obras de un determinado compositor, archivo u otros documentos musicales, en el que se ordenan y enumeran las obras de acuerdo con distintos criterios. Puede seguirse un orden cronológico, en función de la fecha de composición (o de estreno), según el tipo de composición o ambos criterios. También sirve para ordenar las obras presentes en colecciones bibliotecarias o particulares.

Su finalidad es ordenar cada una de las obras de una forma adecuada dando todos los datos posibles, como la fecha de composición y publicación, ubicación del manuscrito en caso de existir, colección a la que pertenece, lugar y fecha del estreno, etc.

Capítulo 5 – Todo lo que necesitas saber sobre Sound Exchange.

“¿Qué es y para qué funciona?”

SoundExchange es una organización sin fines de lucro de gestión de derechos colectivos. Es la única organización designada por el Congreso de los EE. UU. Para recopilar y distribuir regalías de rendimiento digital para grabaciones de sonido.

Sound Exchange recolecta las regalías que le pertenece al cantante intérprete (independientemente de que este sea el compositor o no lo sea) y miembros de la banda que ejecuta una canción en una grabación.  En otras palabras, Aunque hagas un cover de cualquier canción en el mundo, deberías registrarlo en Sound Exchange porque hay más regalías que te pertenecen allí que posiblemente no las estés cobrando porque no tienes tus canciones registradas en Sound Exchange al igual que en BMI y demás.

¿Cómo Registro mi catálogo?

En Sound Exchange te van a pedir que les envíes tu catálogo de canciones, así que te recomiendo que vuelvas a mirar el último término que definimos en el capítulo 4 de este libro, para que entiendas bien que es un catálogo.

con los términos que aprendimos en el capítulo 4 de este libro será suficiente para ti saber como llenar correctamente tu catálogo de canciones. Además puedes mirar este video instructivo que preparé en mi canal principal https://www.youtube.com/watch?v=Km7dSl6uAoA 

¿Cuánto y cómo me pagan?

En Sound Exchange los artistas que interpretan la grabación de sonido, vocalistas, El Sello Discográfico y el resto de la banda son pagados de la siguiente manera:

Artista principal: 45%

El Sello discográfico: 50% (El sello discográfico en este caso es el dueño de los derechos de autor de la canción)

Vocalistas: 5%

El Resto de la banda: Se divide el 5% para los miembros en partes iguales.

todo ese proceso de reparto lo hace Sound Exchange automáticamente. Está bajo la responsabilidad de los músicos crear sus propias cuentas de Sound Exchange.

Una vez hayas generado ingresos en tu cuenta de Sound Exchange, ellos te pagaran tus ganancias a tu cuenta de banco en USA, así que deberías tener eso preparado para cuando tengas que cobrar. Necesitarás el Número de Ruta del banco, la cuenta de banco y una foto de uno de los cheques del banco donde se refleje tu nombre. Eso es todo.

Capítulo 6 – Lo que necesitas saber sobre las sociedades de gestión colectiva (BMI, ASCAP, SGAE y SACM)

¿Qué es una sociedad de gestión colectiva de derechos de autor?

Es una entidad que se encarga de que los autores y editores cobren por el uso de su música recaudando uno de los tipos más importantes de ingresos editoriales: las regalías por ejecución.

Estas regalías por ejecución son pagadas por las emisoras de radios, las salas, y las cadenas de TV a las Sociedades de Gestión Colectiva de los Derechos de Autor como SGAE, SACM, ASCAP, o BMI que después reparten el dinero entre sus autores y editores afiliados.

Para no confundirnos, estas son las regalías que se deben pagar a los compositores por la ejecución de la obra intelectual intangible. De las regalías por ejecución del máster (Grabación), se encarga Sound Exchange.

¿Para quienes están dirigidos sus servicios?

Los servicios de este tipo de sociedad, están dirigidos a Autores, editores, compositores y letristas.

¿Qué tipos de lanzamientos puedo registrar?

En cualquiera de estas sociedades (BMI, ASCAP, SGAE o SACM) puedes registrar tus obras intelectuales siempre y cuando seas el compositor de la misma, ya sea de la música o de las letras.

Se registra la obra intelectual intangible, por esta razón no es necesario cargar ningún tipo de archivo a sus plataformas.

¿Check list de lo que necesito para registrarme?

Cuando vayas a registrarte en una de estas sociedades vas a necesitar los siguientes datos

❏      Nombre completo

❏      Núm de Cédula o Seguro de Salud o Social Security Number

❏      Dirección física Completa

❏      Número de Apt

❏      Código postal

❏      Fecha de Nacimiento

❏      Correo electrónico

❏      Núm de teléfono

Para ver video tutorial con los pasos a seguir entra a este enlace https://www.youtube.com/watch?v=_2s4Wpr8rAM

¿Check list de lo que necesito para registrar una obra?

❏      Nombre del Artista

❏      Título de la obra

❏      Duración de la grabación de audio de la obra

❏      El número IPI del productor o compositor de la música (en caso de que no hayas sido tú)

para ver video tutorial con los pasos a seguir entra a este enlace https://www.youtube.com/watch?v=jB_BpUG5wYA&t=89s

¿Cuanto y como me pagan?

El reparto de ingresos por parte de la composición a través de las sociedades mencionadas en este capítulo compone del 200% siendo este el total absoluto, de ahí se reparten los titulares de acuerdo al trato que hayan realizado en mutuo acuerdo. Esta parte se controla por el usuario al momento de registrar la obra en su panel de control en la cuenta del usuario.

Hice un video muy bueno hablando sobre cómo dividir las regalías entre productores y artistas. Pueden mirarlo aquí https://www.youtube.com/watch?v=ZT5cQKCKEWw&t=24s

Una vez hayas recibido tu primer pago (el cual viene dividido en cuartos de año, osea cada 3 meses) la empresa se encarga de depositar tus ganancias en la cuenta de banco de USA o del país correspondiente que hayas agregado. Normalmente es en dolar Estadounidense.

{ Si aún no tienes tu registro en BMI o ASCAP, recuerda que puedes solicitar la creación de tu cuenta contactando a www.mhmusik.com al correo electrónico support@mhmusik.com }

y para finalizar este tema, quiero recordarte el regalo que te prometí en las primeras páginas de este libro, no lo olvides. Te está esperando en el capítulo 7. Lo menciono aquí porque la vas a necesitar cuando vayas a registrar tus obras en la Sociedad de Gestión Colectiva que te hayas inscrito. Hablaremos más sobre esto.

Capítulo 7 –  Split - Sheet (Hoja de Reparto)

¿Qué es y para qué sirve?

La “Split-Sheet” (en español “Hoja de Reparto”) es un documento legal en el que contempla el porcentaje que cada artista va a cobrar por las regalías que genere una canción.

Este documento es muy necesario para cuando vayas a hacer una colaboración con otro artista o tu productor de música. Como hemos aprendido en este material completo, cada compositor merece su parte de las regalías y esto incluye también al productor musical, ya que es compositor de la música.

Si haces un featuring y el invitado especial escribe su parte de la canción entonces ambos son coautores y por ende, también le pertenece una parte de las regalías por la composición.

Ahora, no deberías preocuparte por esto, ya que cada parte involucrada en la composición de una canción es responsable de tener sus cuentas en orden para recibir dichas regalías, y como conversamos en el capítulo 6 esto se hace registrándose en unas de las Sociedades de Gestión Colectiva mencionadas anteriormente en el capítulo.

{ Si aún no tienes tu registro en una de estas sociedades, recuerda que puedes solicitar la creación de tu cuenta, contactando a www.mhmusik.com al correo electrónico support@mhmusik.com }

Esta hoja de reparto sirve para certificar legalmente lo que se acordó entre autores, para evitar malos entendidos y posibles problemas legales en el futuro. Cada autor deberá guardar una copia del documento en un lugar seguro para consultar en caso de que se necesite en un futuro.

¿Quienes deberían utilizarla?

Si eres el Artista que va a interpretar la canción pero no eres el compositor de las letras, no deberías registrar la obra en BMI o ASCAP, mas bien, deberias reclamar la ejecución del máster en Sound Exchange como Artista principal. Si este es tu caso, es probable que no necesites una Hoja de Reparto para el lanzamiento en cuestion, quizas en el próximo lanzamiento que hayas sido tú, el letrista.

Si eres el Productor (con esto me refiero a si hiciste los arreglos musicales de dicha grabación) necesitas hacer el registro del tema en tu cuenta de BMI o ASCAP. Esto significa que casi todo el tiempo vas a necesitar tener tu copia de la Hoja de Reparto lista todo el tiempo.

En fin, siempre que hagas una colaboración vas a necesitarla, ya seas, productor o canta autor.

¿Donde encontrar tu ID de compositor?

El ID de compositor es el código IPI (que encontrarás en el panel de control de tu cuenta, ya sea en BMI o ASCAP. Normalmente puedes encontrar este código en el catálogo de obras registradas en tu cuenta.

Aquí tienes tu regalo (el codigo de descuento para que descargues la Hoja de Reparto totalmente gratis) Este es el código > Laindustria2020 < y aquí está la Hoja de Reparto > https://www.mhmusik.com/product-page/hoja-de-reparto-split-sheet <

Palabras finales

Felicidades has llegado a la etapa final de mi libro y quiero darte las gracias por sacar de tu tiempo tan preciado para leerlo e invertir en tu carrera o negocio. Quiero animarte a que leas las siguientes páginas ya que en ellas sabrás lo que continúa en esta travesía.

Nunca estuvo en mis planes hacer videos para youtube sobre la industria musical y mucho menos escribir un libro sobre el tema. La verdad es que estoy sorprendido de ver lo que está pasando con mi carrera, todo el tiempo mi sueño ha sido ser un cantautor reconocido, pero por cosas de la vida (lo cual creo que Dios tiene que ver con esto) he pasado de ser artista a ser un emprendedor empresario en el mundo digital.

Debido a la demanda de Artistas y Empresas como tú, querido lector, he tenido que dividir mi carrera artística de mi empresa y es complicado hacer eso a la misma vez. Esto ha provocado que mi carrera artística no esté sólida como tal y el crecimiento es 150% la empresa y 50% el artista.

Por el momento sigo trabajando algunas canciones porque es mi pasión pero tengo que dedicar más tiempo a atender los negocios y los servicios con artistas independientes y cada vez crece y crece.

He recibido muchos malos comentarios con respecto a mi carrera artística, comentarios que siendo sincero, me han desanimado en muchas ocasiones, pero el punto está en no rendirse, esa es la clave. Mi situación es especial por lo que ya comenté en este punto y con todo esto lo que quiero decirte es que no te compares con ningún otro artista, porque tú eres único, tu música por igual y tu crecimiento como artista marcha a un ritmo especial y diferente a los demás, quizás yo no llegue nunca a ser un cantante famoso, pero sí sé que por mis consejos y herramientas muchos otros lo llegaran a ser y tu puedes ser el próximo.

Gracias!

Gracias por confiar en mí y mis conocimientos. Si te gusto este libro y lo has encontrado útil, Me sentiría muy agradecido si dejas tu opinión en Amazon. Tu opinión me ayudará a seguir escribiendo ebooks relacionados con este tema. Tu apoyo es muy importante.

Leeré todas las opiniones para hacer este libro mejor. Puedes dejar tu opinión en la página de este libro en Amazon, haciendo un poco de scroll hacia abajo en el apartado de “Opiniones de clientes”-”Escribir mi opinion”- en Amazon.es o en “Customer Reviews”- “Write a customer Review” en amazon.com.

Soy Michael Hernández y te invito a que me sigas en mi canal de YouTube, donde hago videos todas las semanas, súper instructivos. Y en mis redes sociales para que no te pierdas mis videos y publicaciones.

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[ POST-CRÉDITOS ]

Al finalizar este libro, estaré iniciando de inmediato con la preparación de un taller completo para crear tu propia compañia de distribucion digital sin depender de un agregador. Así es, totalmente independiente. Quédate atento a mis redes sociales y canal de youtube para que no te lo pierdas cuando esté listo.

Si te interesa algún tipo de asesoría sobre el tema, por favor agenda una cita online conmigo a través de este enlace https://www.mhmusik.com/book-online la conversación se llevará a cabo a través de la app de zoom.

Si deseas hacer un evento, taller, curso, etc conmigo sobre el tema, por favor contáctanos a support@mhmusik.com

- FIN-

“El Negocio de la Música”

Secretos y estrategias.

Escrito por Michael Hernández

Publicado en Abril del 2020