Además de la escuela castellana, a la que se ha dedicado el volumen precedente, la escuela andaluza es la más floreciente durante el siglo XVII. Sevilla es una ciudad que ahora está en auge a causa del comercio con las Indias. Esto explica la abundancia de encargos y la aparición de una mayor cantidad de escultores, que extenderán su actividad también a Granada y a otras ciudades andaluzas, al igual que dejarán sentir su influjo en la otra orilla del Atlántico.

Ernesto Ballesteros Arranz

Escultura barroca andaluza

Historia del arte español - 39

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Titivillus 06.10.2017

Título original: Escultura barroca andaluza

Ernesto Ballesteros Arranz, 2013

Editor digital: Titivillus

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Escultura barroca andaluza

Escultura barroca
andaluza

«El predominio exclusivo del tema religioso en nuestra escultura del siglo XVII se ofrece como consecuencia del gran movimiento de la Contrareforma».

Mª ELENA GÓMEZ-MORENO

Además de la escuela castellana, a la que se ha dedicado el volumen precedente, la escuela andaluza es la más floreciente durante el siglo XVII. Sevilla es una ciudad que ahora está en auge a causa del comercio con las Indias. Esto explica la abundancia de encargos y la aparición de una mayor cantidad de escultores, que extenderán su actividad también a Granada y a otras ciudades andaluzas, al igual que dejarán sentir su influjo en la otra orilla del Atlántico.

Más que por lo trágico, la escultura andaluza se preocupa por mostrar la melancolía y el misticismo sin olvidar lo bello, consiguiendo alcanzar alturas de elevado virtuosismo.

Al igual que la castellana encuentra en Gregorio Fernández su mejor representante, la sevillana lo tendrá en Martínez Montañés. Pero antes de que se imponga el estilo «montañesino», conviene recordar dos artistas que trabajan en la ciudad del Guadalquivir por los años del cambio de centuria y que continúan la escuela sevillana iniciada por Bautista Vázquez en los años finales del siglo XVI. Andrés de Ocampo (muerto en 1623) y Gaspar Núñez Delgado, claramente manieristas y discípulos de Jerónimo Hernández, pueden servirnos para marcar la transición entre las dos épocas y penetrar en la escultura barroca sevillana.

1. Gaspar Núñez Delgado. Inmaculada. San Andrés. Sevilla

Gaspar Núñez Delgado (1578-1605) trabajó de manera magistral el barro, la madera y el marfil. Amigo de actitudes violentas y de acusados escorzos y perspectivas, su obra maestra es el retablo del Bautista (1606), en la iglesia sevillana de San Clemente. Pero su maestría escultórica la puede confirmar también la Inmaculada (1587) para la parroquia sevillana de San Andrés, que con su policromía original en la túnica y manto y con el tratamiento de la cabeza y de las telas, está muy cerca de lo que serán las representaciones marianas de Martínez Montañés.

2. Pablo de Rojas. Crucificado. Sacristía Catedral de Granada

Pablo de Rojas (1560-1607) es otra de las figuras principales de los primeros tiempos de la escuela sevillana. Formado junto con Bautista Vázquez el Mozo y otros colaboradores del retablo de la iglesia granadina de San Jerónimo, Rojas tiene destacada importancia por el testimonio que nos brinda Pacheco de que en su taller trabajó Montañés, por lo que se le puede considerar como su primer maestro.

Activo entre 1580 y 1607, Rojas realizó en 1588 el retablo de la capilla de la Virgen de la Antigua en la catedral de Granada, y en 1591 el Crucificado de la sacristía del mismo templo, que hoy se venera en su capilla de las Angustias. En este magnífico Crucificado fija Pablo de Rojas el tipo de representación de Cristo que se seguirá, con ligeras variantes, en Sevilla y Granada. Cristo está muerto, con la cabeza caída hacia el lado derecho y el torso vuelto hacia el mismo lado, mientras que las piernas se quiebran hacia el lado contrario. El sudario, atado con una cuerda y anudado a los costados, preludia los que realizará Montañés.

3. Martínez Montañés. San Cristóbal. El Salvador. Sevilla

El gran maestro de la escuela sevillana fue Juan Martínez Montañés (1568-1649), que, nacido en Alcalá la Real (Jaén), se forma en Granada con Pablo de Rojas, ciudad a la que llegaría hacia 1579. En 1582 está probablemente ya en Sevilla, donde aumenta su formación a la vista de las obras de los escultores manieristas de la última etapa del Renacimiento.

Todo es orden y equilibrio en las obras «montañesinas», en contraste con la expresividad trágica de las de Gregorio Fernández. En Sevilla residió toda su vida, salvo una breve estancia en la Corte para retratar a Felipe IV, retrato de busto que sirvió a Pietro Tacca para ejecutar la estatua ecuestre del mismo monarca. De regreso a Sevilla, falleció el 18 de Junio de 1649. Una de sus primeras obras, tal vez la más antigua que se conoce, sea el San Cristóbal (1597). Perteneciente al período formativo (1589-1605), está pensada con sentido procesional. El plegado de los paños, pegados al cuerpo como si estuvieran húmedos, y los rizados cabellos, típicos de Montañés, están realizados con cierto sentido pictórico. Son patentes las influencias de los maestros sevillanos anteriores, sobre todo de Jerónimo Hernández por la acentuación de la musculatura como haciendo un alarde de conocimiento anatómico.

4. Martínez Montañés. Cristo de la Clemencia. Catedral de Sevilla

La etapa magistral de la producción de Montañés (1605-1620) se abre con el famoso Cristo de la Clemencia, de la sacristía de los Cálices de la catedral hispalense, que fue realizado entre 1604-1605. En esta obra ya puede apreciarse su peculiar estilo, si bien continúa el tipo creado por su maestro Pablo de Rojas. No es un Cristo muerto, sino que mira al que reza a sus pies. Tiene las piernas cruzadas y sujetas con dos clavos, conforme a la visión de Santa Brígida, tipo iconográfico que procede de un Cristo de bronce realizado según trazas de Miguel Ángel y que policromó Francisco Pacheco.

5. Martínez Montañés. La Natividad (detalle). San Isidoro del Campo. Sevilla

Al mismo retablo, del que la arquitectura había sido trazada por Montañés y en cuyo taller se labró toda su escultura con intervención del maestro en las partes principales, pertenecen los dos colosales y famosos relieves de la Natividad y la Adoración de los Magos. Ambos relieves, sobre todo el de la Natividad, parecen enteramente suyos, no solamente por la composición equilibrada, sino también por la maestría de la talla. Montañés revela un profundo conocimiento de la técnica del relieve, graduando la escena en varios planos, con figuras casi exentas en el primer término hasta el fondo, donde el bajorrelieve se completa con una escena de paisaje en pintura. Las cabezas son muy bellas, especialmente las de los dos ángeles del fondo, un tanto al estilo de Donatello por su perfección y gracia.

6. Martínez Montañés. Cristo de la Clemencia

La cara es de una serenidad admirable, plenamente clásica. Es una cara que invita al diálogo con el Señor.

Ya en el contrato se hace mención de este naturalismo, al expresar que Cristo había de tener la cabeza inclinada mirando a cualquier persona que estuviera orando a sus pies «como que el mismo Cristo está hablando».

7. Martínez Montañés. Santo Domingo de Guzmán. Museo de Sevilla

En 1607 Montañés llevó a cabo el perdido retablo de Santo Domingo de Portacoeli, del que solo se conserva la imagen del santo titular, en actitud de penitencia. Arrodillado y con el torso desnudo, está dispuesto a flagelarse. El ropaje y el desnudo están tratados con gran perfección. Sus contemporáneos le calificaron como el «dios de la madera».

8. Martínez Montañés. San Jerónimo. San Isidoro del Campo. Sevilla

El momento cumbre de la obra de Montañés está representado por el conjunto del monasterio jerónimo de San Isidoro del Campo, en Santiponce (Sevilla). Hacia 1609 comenzó el retablo, que es una de sus obras capitales. Pieza destacada del retablo es la imagen de San Jerónimo, tema que arranca de la figura del santo eremita, que, en el siglo XVI, había realizado Torrigiano en barro cocido. La talla es de auténtico virtuosismo, con un perfecto tratamiento de la anatomía, sobre todo en la espalda y pies. La cabeza es de gran expresividad y realismo, al que contribuye en gran manera la encarnación que le dio Pacheco, al igual que a casi todas las obras de Montañés; la pintura es mate, en vez de la antigua «a pulimento» o brillante que preferían otros pintores.

9. Martínez Montañés. Inmaculada. Catedral de Sevilla

Entre 1620-1630, en que se desarrolla el llamado «decenio crítico», Montañés se dedica preferentemente a realizar retablos, entre los que destacan los del convento de Santa Clara y el de los Santos Juanes, en San Leandro, todos en Sevilla. El período de 1630-1634 señala el barroquismo de Montañés. En su taller se han formado ya grandes maestros como Mesa y Cano que, con su barroquismo, influyen en el estilo del maestro. De esta época, exactamente de 1628-1631, es el retablo de la Concepción de la catedral sevillana, cuya Inmaculada es una de las obras más logradas de la escultura española del siglo XVII. Montañés había ya creado el tipo en la imagen titular del retablo del Pedroso (1608), y ahora apenas lo varia. Esta «Concepción chica» o la «Cieguecita», como se le conoce por su mirada baja con los ojos entornados, presenta un largo cuello y el rostro ovalado y moreno. Las manos desviadas del centro y el rostro vuelto hacia la derecha rompen la frontalidad y ponen una nota de movimiento en la figura.

10. Martínez Montañés. San Bruno. Museo de Sevilla

Al tiempo que ejecuta varias obras para el retablo mayor de San Miguel, de Jerez de la Frontera (Cádiz), Montañés realiza en 1634 la austera efigie de San Bruno, del Museo sevillano, que procede de la Cartuja de las Cuevas. El tema del santo cartujo sirvió a Montañés para encaminarse hacia el realismo, olvidando los convencionalismos del clasicismo anterior.

11. Juan de Mesa. Cristo de la Agonía. San Pedro. Vergara

El más destacado entre los discípulos de Montañés fue Juan de Mesa (1583-1627), cordobés de origen, que entró de joven en el taller de Montañés. Fue, sobre todo, un escultor de imágenes procesionales, en las que muestra un temperamento más barroco y dramático que el de su maestro, pero, en cambio, carece de la perfección característica de las obras de Montañés; sus obras tienen una tendencia a la hinchazón de las formas. Sus creaciones principales son varios Crucificados para las cofradías religiosas (Cristo del Amor, 1618; Cristo de la Conversión del Buen Ladrón, 1619; Cristo de la Buena Muerte, 1620; Cristo de la Misericordia, 1622), de entre los que destaca el de la Agonía, de estilo más personal, realizado en 1622 para la parroquia de San Pedro, en Vergara (Guipúzcoa). En casi todos sus Cristos, el paño de pureza es más voluminoso que el del Cristo de la Clemencia de Montañés y, para excitar mejor la piedad, deja ver la cuerda que lastima sus carnes. Su obra, sin embargo, más famosa es el Cristo del Gran Poder (1620), de la iglesia de San Lorenzo, de Sevilla, que lleva la cruz a cuestas, y que es imagen de vestir.

12. Juan de Mesa. Virgen de las Cuevas. Museo de Sevilla

En 1623-1624 realizó Mesa la Virgen de las Cuevas, que procede de la cartuja de igual nombre. Muy montañesina, en cambio es menos achaparrada y tiene mayor encanto que la de Montañés en el convento de Santiponce.

13. Pedro Roldán. Santo Entierro. Hospital de la Caridad de Sevilla

Ya en el segundo tercio del siglo XVII se abre la transición al barroquismo de fines de la centuria. Trabajan ahora algunos escultores que abandonan el estilo de Montañés. Entre ellos figura Felipe de Ribas (muerto en 1648), que reacciona contra el menudo plegado «montañesino» en sus figuras del retablo del Bautista del convento sevillano de Santa Paula.

Gran escultor de este momento es asimismo el flamenco José de Arce (muerto en 1666), que rompe con las actitudes reposadas y con los plegados de las ropas y los cabellos minuciosamente tratados de Montañés. Sus obras principales son el Apostolado (1637) de la Colegiata de Jerez y el retablo de San Miguel de la misma ciudad, que había sido iniciado por Montañés.

A la muerte de Montañés, la escultura sevillana quedó en manos de artistas de segundo orden que imitaron sus producciones. Ya en el último tercio del siglo XVII se destacó Pedro Roldán (1624-1700), quien se convirtió en el escultor más estimado de la escuela sevillana del momento. Natural de Antequera, vivió su juventud en Granada, en el taller de Alonso de Mena, para pasar luego a Sevilla, en donde con sus grandes retablos se convirtió en el principal representante del pleno barroquismo, no solo por lo gigantesco de las composiciones, sino por la factura pictórica con que interpreta a sus personajes. Su obra maestra es el retablo mayor (1679) de la iglesia del Hospital de la Caridad, de Sevilla, cuya escenografía arquitectónica fue trazada por el arquitecto Bernardo Simón de Pineda. En el cuerpo central se representa el Santo Entierro, interpretado con sentido pictórico, en el que se mueven nueve figuras de tamaño mayor que el natural, recortándose sobre un fondo de paisaje del Calvario en relieve muy bajo. La policromía se debe a Valdés Leal.

14. Luisa Roldán. Niño Jesús. Museo de Valladolid

Su hija Luisa Roldán, más conocida como la Roldana (1656-1704), trabaja asimismo en esta época final del siglo. Fue el único artista sevillano que ostentó el cargo de Escultor de Cámara del rey Carlos II, por lo que los últimos años de su vida los pasó en la Corte.

De la Roldana son excelentes algunas imágenes de tamaño natural, como el San Miguel del monasterio de El Escorial, pero lo más característico son sus pequeños grupos en barro cocido con escenas de Belén y la Sagrada Familia, tratados con gran habilidad técnica y notable gracia femenina. Buen ejemplo de su refinamiento y maestría es este Niño Jesús del Museo vallisoletano de Escultura, que recuerda las obras del mismo tema de Montañés y Alonso Cano.

15. Francisco Ruiz Gijón. Cristo de la Expiración. Iglesia del Patrocinio. Sevilla

El último artista destacado del siglo XVII en la escuela de Sevilla es Francisco Ruiz Gijón discípulo de Pedro Roldán y activo entre 1671 y 1692. Suyo es el Cristo de la Expiración, popularmente conocido como «el Cachorro», que se venera en la iglesia del Patrocinio, de Sevilla. Es una de las imágenes procesionales más populares y una de las más bellas y perfectas de la escuela sevillana. Es el más barroco y emocionante de los Crucificados andaluces; es un Cristo que parece ascender espiritualmente con el paño de pureza como agitado por un vendaval procedente de los cielos.

16. Pedro Duque Cornejo. Magdalena. Cartuja de Granada

Ya en el siglo XVIII, la escultura decae en Sevilla de manera notable. La única figura con personalidad relevante es Pedro Duque Cornejo (1677-1757), que gusta de las actitudes violentas y de los paños muy agitados. Para la Cartuja de Granada realizó una Magdalena, muy «berninesca», que es una obra maestra.

17. Pedro Duque Cornejo. Sillería de la Catedral de Córdoba

También trabajó en Córdoba Duque Cornejo. En 1757, año en que falleció, concluyó la sillería de la catedral cordobesa, cuyos relieves se cuentan entre las mejores obras del siglo XVIII y en cuya realización puso el artista su mayor empeño.

18. Alonso de Mena. Cristo del Desamparo. San José de Madrid

La otra gran escuela barroca andaluza de escultura es la granadina. Mientras que Montañés absorbía la escultura sevillana, en Granada el paso al realismo aparece representado por Alonso de Mena (1587-1649), que sirve de eslabón entre Pablo de Rojas y el genial Alonso Cano. Mena es autor de numerosas Concepciones y de no pocos Crucificados, cual este del Desamparo (1635), venerado en la madrileña parroquia de San José. Es su obra maestra. Crucificado con cuatro clavos, al modo de Pacheco y Velázquez, es una imagen de gran severidad que emociona además por estar tallada en cedro sin pintar.

19. Alonso Cano. Virgen de la Oliva. Lebrija

Pero el principal representante, el impulsor de la escuela granadina es Alonso Cano (1601-1667). Cano aunque granadino de nacimiento, se formaría en Sevilla con Martínez Montañés, y allí residió hasta que en 1638 marchó a Madrid, siguiendo en este primer período de manera bastante fiel los modelos de su maestro. De esta época sevillana, la única obra documentada de Alonso Cano es el retablo de Lebrija (1628-1638), del que se destaca la hermosa Virgen de la Oliva. La figura de la Virgen, muy vertical, se distingue de las de Montañés por el abandono que hace Cano de las anchas proporciones de la parte inferior y del menudo plegado «montañesino», para adoptar la fórmula que empleará en sus obras posteriores de recoger las vestiduras en la parte baja, con lo que la imagen, con su silueta de pirámide invertida o de estípite, parece apuntar hacia los pies y separarse del suelo.

20. Alonso Cano. Inmaculada. Sacristía de la Catedral de Granada

Entre 1638 y 1652, Cano reside en Madrid, donde se dedica casi exclusivamente a la pintura, si bien se conocen algunas esculturas madrileñas. De regreso en Granada, donde gozaría de un beneficio en la catedral, volvió a cultivar nuevamente la escultura, conservándose sus obras principales en aquella catedral, para la que hizo incluso el proyecto de la fachada principal.

En la sacristía se conserva hoy la pequeña imagen de la Concepción (1656), destinada a coronar el facistol, con su manto muy movido y la mirada meditativa. Es una de sus obras más famosas, en la que le pertenece incluso la policromía. Es interesante observar que Cano modifica la policromía, abandonando definitivamente el empleo del oro; como también era pintor, completaba él mismo la pintura de sus obras escultóricas.

21. Alonso Cano. Cabeza de San Pablo. Catedral de Granada

También en la catedral granadina se conserva, además de los dos colosales bustos de Adán y Eva, otro del apóstol San Pablo, de tono heroico y grandiosidad casi miguelangelesco, si bien el rostro, con largos cabellos y barbas, hace pensar más en el realismo de un Donatello.

22. Alonso Cano. San Juan de Dios. Museo de Granada

También típico por su penetrante realismo es el busto de San Juan de Dios, que procede de una imagen de vestir. Sus enérgicas facciones le equiparan con un retrato romano.

23. Pedro de Mena. Sillería de la Catedral de Málaga

El más importante de los discípulos de Alonso Cano fue Pedro de Mena (1628-1688), del que conocemos pequeñas imágenes en su mayoría. En sus obras, Mena expresa los estados del alma, sobre todo el misticismo. Formado con su padre, Alonso de Mena, la influencia de Cano en sus obras es bastante notable. La gran obra de su etapa juvenil es la sillería del coro de la catedral de Málaga (1656-1662), en la que realiza aproximadamente unos cuarenta relieves, en los que ya esboza el tipo de santos en actitud contemplativa, a los que luego dará forma definitiva.

24. Pedro de Mena. San Francisco. Catedral de Toledo

Años después cristalizan sus representaciones escultóricas de santos penitentes, místicos y de la Dolorosa y el Ecce Homo. De este género son sus obras culminantes el San Pedro de Alcántara, de San Antón, en Granada, y el San Francisco de Asís, de la catedral de Toledo, inspirado en un perdido original de Alonso Cano y que nos presenta el aspecto que ofrecía el cuerpo del santo cuando se abrió su sepulcro.

25. Pedro de Mena. Magdalena Penitente. Museo de Valladolid

Más humanas, pero dotadas también de un arrebatado fervor místico, son sus representaciones de la Magdalena penitente, como esta del Museo de Escultura de Valladolid, fechada en el año 1664 y que procede del madrileño convento de la Visitación. Aquí sigue Pedro de Mena el tipo de tradición castellana: la santa aparece con el cuerpo envuelto en un tejido de palma, sueltos los cabellos sobre el demacrado rostro, que contempla arrebatado el crucifijo que sostiene en una mano. Es uno de los mejores ejemplos de ascetismo en la escultura española.

26. Pedro de Mena. Virgen de Belén. Museo de Granada

Los estudios de bellas mujeres que había iniciado Cano en su bellísimo tondo de la Virgen de Belén para la iglesia malagueña de Santo Domingo (destruido en 1931), donde seguía todavía bastante fiel a la tradición de Alonso Cano, se continúan en la Virgen de Belén de la catedral de Granada.

27. Pedro de Mena. Dolorosa. Catedral de Cuenca

Con la belleza de las imágenes anteriores contrastan las Dolorosas, que expresan dolor y tristeza con gestos un tanto teatrales algunas veces. De busto o de medio cuerpo, cubren su cabeza con un manto azul terminado en punta, como esta Dolorosa de la catedral de Cuenca. Tanto las Dolorosas como los Ecce Homos, que con ellas suelen formar pareja, son las obras que más fama han otorgado a Mena, porque en estas esculturas se mezcla lo ascético con lo místico, valores profundamente enraizados en la España del siglo XVII.

28. José de Mora. Ecce Homo. Capilla Real de Granada

En el tránsito del siglo XVII al XVIII, los principales escultores que mantienen la tradición de la escuela granadina son José de Mora y José Risueño. José de Mora (1642-1724) pertenecía a una familia de escultores emparentada con los Mena. Hijo de Bernardo de Mora, que quedó al frente del taller de Pedro de Mena, José logró pronto gran fama, llegando a ser nombrado escultor del rey.

Es el más apasionado de los escultores andaluces. Entre sus temas predilectos están las figuras recogidas, con las manos plegadas sobre el pecho, como los Ecce Homos y las Dolorosas, que había difundido Mena. Una de sus mejores obras, aunque de dudosa paternidad, es el torso de Ecce Homo de la Capilla Real de Granada, con roja vestidura y las manos atadas. La cabeza inclinada impresiona por su tristeza y su resignación: el rostro es típico de Mora por su forma alargada, con labios carnosos y fina nariz.

29. José de Mora. Dolorosa. Convento de las Maravillas de Madrid

El busto de la Dolorosa, del madrileño convento de Las Maravillas, es una de las mejores expresiones de la pena que invade a la Madre de Cristo.

Las Dolorosas suelen ser de dos tipos: de busto sin brazos, o de torso completo con brazos que se extienden libremente o se unen en ademán suplicante.

30. José Risueño. Virgen del Rosario. Cartuja de Granada

José Risueño (1665-1732) es un escultor barroco en extremo. Se distingue entre los demás escultores granadinos por su blando modelado y por la maestría de su policromía mate, que él mismo ejecutaba por ser también pintor. En contraposición a José de Mora, las obras de Risueño destacan por la alegría que brota de ellas, con sus niños rosados y regordetes, especialmente. Parece que en su obra no existe el patetismo de los maestros anteriores, como si anunciase que en el siglo XVIII iba a decaer el dramatismo en favor de la dulzura del rococó.

Suya es la Dolorosa de la Capilla Real de Granada que forma pareja con el Ecce Homo, de José de Mora. A pesar de ser obra excelente por su talla, no consigue emocionar por la ausencia de patetismo. Risueño prefiere recrearse más en la belleza de las formas que en la expresión. En esto es ya mucho más barroco que sus predecesores.

31. José de Mora. Dolorosa. Capilla Real de Granada

El sentido trágico que José de Mora sabe imprimir a sus obras religiosas se manifiesta de modo muy rotundo en esta Dolorosa, existente asimismo en la Capilla Real de Granada.

32. Torcuato Ruiz del Peral. San Juan Bautista. Catedral de Granada

Ya en la segunda mitad del siglo XVIII, la figura más destacada de la escuela granadina es Torcuato Ruiz del Peral (1708-1773). Es el mejor representante, junto con Salzillo, de nuestra escultura dieciochesca de tradición barroca. Sus obras son realistas y están muy en la línea tradicional de las del siglo XVII. Su primera obra importante había sido la decoración escultórica del coro de la catedral de Guadix (1741), a base de estatuas que fueron destruidas en 1936. De su estilo nos ilustra bien el San Juan Bautista, del convento granadino de la Concepción, que presenta aires muy clásicos, como de estatua romana.

Con Ruiz del Peral se acabó prácticamente la gran época de la escultura granadina, que desde entonces siguió existiendo, pero carente ya de grandes figuras, aunque siempre fiel al estilo de los famosos maestros anteriores.

ERNESTO BALLESTEROS ARRANZ (Cuenca, España, 1942) es Licenciado en Geografía e Historia por la Universidad Complutense y doctor en Filosofía por la Autónoma de Madrid. El profesor Ernesto Ballesteros Arranz fue Catedrático de Didáctica de Ciencias Sociales en la Facultad de Educación, además de su labor como enseñante en el campo de la Geografía, manifestó siempre un particular interés por la filosofía, tanto la occidental como la oriental, en concreto la filosofía india. Buena prueba de ellos son sus numerosas publicaciones sobre una y otra o comparándolas, con títulos como La negación de la substancia de Hume, Presencia de Schopenhauer, La filosofía del estado de vigilia, Kant frente a Shamkara. El problema de los dos yoes, Amanecer de un nuevo escepticismo, Antah karana, Comentarios al Sat Darshana, o su magno compendio del Yoga Vâsishtha que fue reconocido en el momento de su edición, en 1995, como la traducción antológica más completa realizada hasta la fecha en castellano de este texto espiritual hindú tradicionalmente atribuido al legendario Valmiki, el autor del Ramayana, y uno de los textos fundamentales de la filosofía vedanta.

Ha publicado también Historia del Arte Español (60 Títulos), Historia Universal del Arte y la Cultura (52 Títulos).