¡Hasta el infinito y más allá!

Pixar a través de sus películas

Un libro de Doc Pastor

A ti, por estar siempre ahí. Por apoyarme, por animarme, por ser mi báculo cuando no puedo sostenerme, por levantarme si caigo. Por ser quien eres.

Gracias a John Lasseter por empezarlo todo, por tomar en consideración mi propuesta de prologar este libro y por crear magia que sigue viva tras tantos años.

Gracias a Marta Beren por sus comentarios y sugerencias, a Vicente García y Darío Arca de Dolmen Editorial por confiar una vez más en mis propuestas, a Nacho Fernández por su prólogo dibujado y a Isaac Viana por su epílogo. Gracias a vosotros que estáis leyendo estas páginas.

Hace frío.

Estamos en invierno.

Por la ventana veo la luz cada vez más intensa del mediodía.

Mi taza de café con un dibujo de Doctor Who está humeando.

Por el altavoz suena un disco de Johnny Cash que me regaló alguien que me quiere.

Mi mente vuela y recuerda.

¿Qué recuerda?

Un momento de mi infancia que me marcó para siempre. A mí y a otros muchos.

Fue en Valladolid, en los desaparecidos cines Coca, que estaban en la plaza de mismo nombre. Uno de los habituales sitios a los que ir en familia el fin de semana para dejar que la magia de las películas nos deslumbrara, y ese día en concreto lo hizo de una forma que jamás habría imaginado.

Sé que no estaba solo, es imposible, dada mi edad, pero soy incapaz de recordar otra cosa. Mi mente crea la imagen y no hay nadie más en la sala, solo la luz que se refleja en la pantalla, empieza la proyección y mis ojos se maravillan ante lo que tienen delante…

…los muñecos, los muñecos cobran vida.

¡Lo sabía! Siempre lo había sabido. No eran solo mis sueños, era algo real, estaban vivos, pero cuando entraba en la habitación se hacían los dormidos.

Magia. Toy Story fue pura magia.

En aquel momento no era realmente consciente de que estaba viendo algo revolucionario. No sabía que el cine de animación estaba cambiando para siempre, no sabía que hubo un proyecto previo de hacer La tostadora valiente por ordenador, no sabía que Tom Hanks y Tim Allen pusieron sus voces para ser Woody y Buzz, no sabía que Pixar no era Disney. No sabía nada de eso, solo era un niño en la sala viendo que sus sueños eran reales.

Os diría que el paso de los años hizo que dejara de pensar que los muñecos están vivos. Sí, sé que no es así, que solo son pequeños trozos de plástico que forman parte de nuestra vida, que realmente cuando cierro la puerta de mi pequeño estudio no saltan de sus estanterías y se van por ahí a vivir aventuras igual que Frost, perrito de aventuras.

Lo sé.

Estoy totalmente seguro de ello.

Y con todo eso, a veces, algunas veces, pocas, pero algunas, cierro la puerta muy despacio, mirando por el pequeño hueco hasta que ya está del todo cerrada y entonces me quedo detrás, en silencio, escuchando, con los ojos cerrados, esperando escuchar algún sonido, dejando que mis sueños sean reales igual que cuando era pequeño.

¿He oído algo? Puede ser, creo que sí, mi razón me dice que no, pero la magia me dice que sí.

Gracias, Pixar, gracias por hacernos creer en la magia.

Hemos crecido con vosotros. Hemos visto que las hormigas pueden vivir grandes aventuras, que los robots tienen sentimientos y que no por hacernos mayores tenemos que dejar de soñar.

Magia y sueños.

Eso es Pixar.

Doc Pastor

Barcelona, 14 de enero de 2017

Un aviso para los que estéis leyendo este libro (solo que, si os parecéis un poco a mí, lo más probable es que estas cosas de prólogos e introducciones las devoréis al final), o los que estéis en la FNAC dando un buen vistazo antes de comprarlo (que todos lo hacemos).

Lo que aquí encontraréis son unas centenas de páginas sobre Pixar, sobre sus películas, sus voces y la magia que transmiten. Una pequeña carta de amor de alguien que siente un gran respeto por esta compañía y todo el trabajo que hace.

He intentado en todo momento hacer un libro ameno, que resulte interesante y de fácil acceso para todos, que se pueda leer del tirón pero también estructurado para ser consultado para el que prefiera tenerlo en su estantería junto con otros de los que he ido tecleando en los últimos años.

Dicho esto, lo que es cierto, una verdad igual de grande que el templo maldito de Indiana Jones, es que la auténtica experiencia es sentarse delante de la pantalla (televisor, cine, proyector…) para disfrutar de las películas, de su historia, personajes y de la experiencia completa que solo puede tenerse estando a oscuras y en silencio mientras avanza el filme.

Dejaos ir, escoged la película de Pixar que más os guste y después poneos con el libro, pero lo primero son ellos y su imaginación.

La animación es algo increíble que da lugar a obras fascinantes. Por citar algunas, me vienen rápidamente El gigante de hierro, la siempre magnífica Los tres caballeros, Carlitos y Snoopy: La película de Peanuts, Atlantis: El imperio perdido, Titan A.E., series como toda la larga franquicia de Scooby Doo, Los Simpson y Futurama, Rick y Morty… La lista sería realmente interminable y sigue hoy con productos tan gamberros como La fiesta de las salchichas o emotivas como Del revés (Inside Out).

No quiero terminar estas líneas sin citar a Las aventuras de Tadeo Jones (y 2), ya que precisamente su creador, Enrique Gato, iba a ser el prologuista de este libro y soy uno de los que disfrutó de lo lindo con esa primera aventura cinematográfica (y de la segunda, claro).

La animación nos lleva a lugares que solo hemos podido soñar, citando a Star Trek nos lleva allá dónde ningún hombre ha llegado antes.

Disfrutemos del show.

Disfrutad del libro.

Disfrutad de Pixar.

Disfrutad del cine.

Disfrutad.

Barcelona, 23 de octubre de 2017

Toy Story, la saga por excelencia

En su momento no lo supimos, pero Toy Story (1995) estaba cambiando la historia del mundo del cine. El primer filme realizado íntegramente por ordenador, un auténtico avance que estaba destinado a ser un hito de la animación, y, además, era una buena película.

Su éxito no se basó solo en lo extraordinario de su visual, algo que posteriormente ha sido superado con creces tanto por la propia Pixar como por otras productoras, como Illumination (casa de los divertidos Minions). Su gran acogida fue por contar una historia que llegaba al corazón. Es cierto que la propuesta argumental no era novedosa, cumplía muchos de los tópicos de las buddy movies (género cinematográfico en el que se puede enmarcar esta película, en la que los dos protagonistas están destinados a entenderse y finalmente ser amigos) y los personajes distaban mucho de la profundidad y tratamiento a la que nos ha acostumbrado la compañía. Pero a pesar de todo esto, de sus defectos, Toy Story marcó un claro antes y un después en la historia del cine.

Cabe destacar la construcción de personajes, con el vaquero Woody y el espacial Buzz Lightyear a la cabeza, que está muy cuidada, con una narrativa construida al milímetro, y unos detalles que hacen que la película esté viva, como el hecho de que la casa del protagonista se vea desgastada (igual que la de cualquiera de nosotros) o que los propios muñecos no estén nuevos y relucientes, sin dejar de lado que la cinta es realmente divertida.

Y para toda la familia. De verdad. No ese «para toda la familia» que durante muchos años se había usado y quería decir que solo era para niños. No. Pixar promete productos que toda la familia puede ver y lo consigue trabajando a diferentes niveles, dando la aventura y los gags para los más pequeños y lecturas más profundas para el público adulto, teniendo como clara base las funciones de Vladímir Propp (que establece en el libro Morfología del cuento de 1928).

Toy Story es, sencillamente, el comienzo de la Pixar que hoy conocemos todos.

«Encantadora, divertida y está llena de ironías sobre los problemas de la vida real.»

Roy E. Disney

Los alquimistas del éxito

Si hay un nombre que está a la cabeza de Toy Story, y de todo en lo que se convertirá Pixar en el futuro, es John Lasseter. Un profesional que a principios de los ochenta quedó impactado por la secuencia de motos de Tron, todo un hito de la tecnología y una película de culto con el paso de los años, lo que le hizo interesarse cada vez más por la creación de mundos a través del ordenador.

Llegó a proponer a Walt Disney (fue trabajador de la empresa) hacer una película de La tostadora valiente con animación digital pero desde la productora dijeron que si no ahorraba tiempo o dinero no le veían sentido; finalmente el filme saldría adelante aunque fuera con recortes del presupuesto inicial, de animación tradicional y que dio como resultado un título que ha quedado relegado al ostracismo.

Finalmente los servicios de Lasseter en Walt Disney no fueron necesarios (fina ironía) y entró a trabajar en Lucas Films, lugar en el que dio vida al caballero medieval creado de una vidriera de El secreto de la pirámide, el primer personaje 100 % digital de toda la historia del cine. Algo cambiaba, pero las ansias de hacer más le llevaron a dejar el imperio de Lucas y junto con Steve Jobs (despedido de Apple, otra fina ironía) fundaría Pixar.

Finalmente fue la propia Disney a través de Jeffrey Katzenberg, que tras luchar en los tribunales logró convertirse en el cabecilla de la compañía, la que, después del intento fallido por parte de Pixar de hacer el especial televisivo A Tin Toy Christmas, heredero del corto Tin Toy, contrató a la empresa de animación para crear un largometraje por ordenador, propuesta que vendría de la mano de otros dos futuros proyectos. Ese largometraje llevaría por nombre Toy Story.

Contado así puede parecer un camino de rosas. No lo fue. Las negociaciones fueron muy duras, Katzenberg reconoció que su interés real era comprar Pixar para deshacerse de ella y quedarse con su tecnología, Jobs no daba su brazo a torcer y Lasseter sabía que para dar el salto de los cortometrajes a las películas necesitaban un socio que pudiera aportar el capital y la distribución. Todos tenían mucho por ganar y mucho por perder, solo faltaba que se llegara a un acuerdo que fuera beneficioso para la gigantesca Walt Disney y la entonces pequeña Pixar.

Claro está que Lasseter no firmó el proyecto solo a pesar de ser el director, la historia original que pretendía llevar al cine cuenta con los nombres de Andrew Stanton, Pete Docter y Joe Ranft, profesionales que están totalmente entroncados a la historia de Pixar. El último, además, aclamado por su trabajo en El rey león.

Solo que el proyecto que terminó costando 30 millones de dólares estaba lejos de ser lo que hoy vimos, el guión final se llevó a la pantalla (y está firmado) por el citado Andrew Stanton, Alec Sokolow, Joel Cohen (el de Garfield, no el de los hermanos Cohen) y Joss Whedon, sí el mismo Joss Whedon que creó Buffy, la cazavampiros (el personaje cinematográfico que alcanzaría fama internacional gracias a la serie televisiva) y llevó al cine a Los vengadores de Marvel Comics.

El viernes negro

Viernes negro. Así se refieren desde Pixar a la primera proyección que se hizo para los ejecutivos, que entraron en pánico e incluso el propio Katzenberg la criticó duramente, y más en concreto al personaje de Woody, de nuevo la ironía flotaba en el aire, ya que muchos de los cambios que llevaron a ese desastre fueron propuestas de él mismo. En palabras de Ed Catmull (uno de los fundadores de Pixar), el propio Roy Disney llegó a decir «What in the world is this? This doesn’t make any sense» («¿Qué diantres es esto? No tiene ningún sentido»).

Súplicas varias y el dinero de Jobs lograron una nueva oportunidad. Así, con un guión escrito en tan solo dos semanas, en sesiones maratonianas entre Whedon, Lasseter y Docter, dieron forma a algo nuevo, a la película de amigos que debía ser, alejarse del musical que pretendía Walt Disney, creando nuevos personajes en el proceso, cambiando a otros, recuperando ideas primigenias y realmente escribiendo la película que ellos querían hacer.

Una película que cambió para siempre la historia del cine, fue un éxito de público, tuvo el aplauso de la crítica, logró un Oscar para John Lasseter y una nominación al Mejor Guión, una película que convirtió a Pixar en una empresa que cotizaba en bolsa, que estaba destinada a crear algunas de las películas más memorables de los últimos años…

…y también a ser parte de Walt Disney, ya que fue absorbida por esta en 2006. Desde 1991 solamente eran socias, pero trabajaban de forma independiente.

A Tin Toy Christmas

Tin Toy fue el corto que empezó a mover las ruedecitas en Pixar. Íntegramente realizado por ordenador y ganador de un Oscar, data de 1988 y está protagonizado por el juguete llamado Tin Toy, que intentará escapar de un bebé aterrador. Su éxito llevó al acuerdo entre Pixar y Disney para realizar la primera película de animación totalmente realizada por ordenador. De forma previa Pixar planeó hacer un especial de media duración para ver sus posibilidades reales y decidieron que fuera una secuela de Tin Toy, un mediometraje para televisión que se llamaría A Tin Toy Christmas.

La historia volvía a Tinny, que llevaba años sin ser usado y por error terminará siendo vendido a una tienda en la que conocerá a otros desterrados. El proyecto no llegaría a nada en parte por el coste y por la insistencia de Walt Disney para conseguir el filme cinematográfico que querían. Algunos aspectos llegarán hasta la saga Toy Story, desde parte del argumento hasta un oso robado de color rosa que se llama Lotso y un pingüino de plástico de pequeño tamaño.

Títulos descartados

The New Toy

Made in Taiwan

Moving Buddies

To Infinity and Beyond

Wind-Up Heroes

The Cowboy & The Spaceman

Spurs & Rockets

Bring Me The Arm of Buzz Lightyear

Wind the Frog

Rex’s First Movie

For the Love of Peep

Toyz in the Hood

Each Sold Separately

Wings & Pullstrings

Some Assembly Required

The Favorite

Comienza el juego

El inicio de Toy Story es inolvidable: Woody coordina a otros personajes en lo que descubrimos que es una misión para saber qué sucede en el cumpleaños de Andy, su niño y amigo fiel, e intentar ver si algún nuevo juguete llega a la casa. Y así es…

¡Se trata de Buzz Lightyear! ¡El muñeco más fantástico del momento! Un astronauta que viene en su propia nave, con alas desplegables, acciones especiales y una luz roja a modo de láser, pero según parece nadie le ha hecho saber que es un juguete y no un auténtico aventurero.

No solo eso, además parece que el reinado de Woody como juguete favorito podría llegar a su fin...

Juguetes muy vivos

Woody Pride

El vaquero generalmente conocido solo por Woody es un juguete del que realmente en un primer momento apenas se sabrá nada. Para eso habrá que esperar hasta la segunda película o hasta unas líneas más abajo, en el caso de este libro. Lo que sí queda claro es que es el favorito de Andy, está siempre en el centro de su cama, se lo lleva a campamentos, ha estado con su familia desde hace mucho (no se llega a saber realmente cuánto) y es uno de los personajes que más cambió según iba avanzando la producción.

No solo con el paso de las películas, puesto que en la primera es algo más nervioso (¿quizá miedoso?) y en las siguientes parece mucho más cómodo con todo lo que sucede, y se muestra realmente como el líder que se supone que es, sino que los cambios vienen de mucho antes, ya en la mesa de diseño y en el concepto básico que iba a mostrar en la saga. No iba a ser un pequeño y amable vaquero con un mecanismo de audio (que se activa cuando se tira de una cuerda en su espalda). Nada más lejos. Realmente iba a ser el muñeco de un ventrílocuo con una personalidad bastante alejada del entrañable sheriff que todo el mundo aprecia.

En este caso iba a ser el rey del reino, estando por encima del resto de juguetes y no siendo precisamente amable con ellos. Más bien podía decirse que era hasta algo cruel e incluso que era un idiota (su creador llegó a usar el término «creepy»). Los primeros test de pantalla muestran este aspecto de su personalidad, tanto en su rostro como en el tono de voz, además de ser de un tamaño mucho mayor de lo que terminaría siendo en pantalla. Era el villano de la película en toda regla, lo que dejan claros algunos de los concepts manejados, como la ilustración en la que se ve a Slinky lamiéndole las botas (literalmente).

El sentido común, la reacción de Disney y la poca química que destilaba el personaje junto con su futuro amigo (Buzz Lightyear) hicieron que todo cambiara, la película, su argumento, ellos mismos y, sin saberlo, todo el cine de animación a partir de ese momento.

«Hay una serpiente en mi bota.»

Woody

El vaquero Woody original

Woody Strode, cuyo nombre de nacimiento, Woodrow Wilson Woolwine Strode, es en honor al vigésimo octavo presidente de los Estados Unidos, fue un jugador profesional de fútbol americano (uno de los primeros afroamericanos en serlo) reconvertido en actor que trabajó en películas como Black Jesus; Los diez mandamientos, que fue su primera gran película; Tarzán en peligro; Espartaco, como Draba, el esclavo que perdona la vida al protagonista; o Mandrake the Magician, que adapta al conocido personaje de Lee Falk y filme en el que interpreta a su fiel compañero Lothar.

Pero aunque cuenta con una carrera bastante ecléctica es principalmente recordado por sus westerns al lado de John Ford, John Wayne, Richard Brooks, Lee Marvin y otros, destacando las películas Dos cabalgan juntos, El hombre que mató a Liberty Valance o Hasta que llegó su hora; además de en series de televisión como Batman (de la que os hablo largo y tendido en el libro autoeditado ¡¡¡BATMAN!!! La inolvidable serie de los 60).

Su última película se estrenó en 1995 y fue un western, no podía ser de otra manera. Rápida y mortal, dirigida por Sam Raimi y con guión de Simon Moore. Falleció antes de que llegara a los cines y está dedicada a su memoria.

Buzz Lightyear

Buzz Ligthyear se llama así por el famoso astronauta Buzz Aldrin, segundo hombre en pisar la Luna, y, de hecho, en los primeros diseños del personaje su traje espacial estaba a medio camino entre los que portaban los tripulantes del Apollo 11 y los uniformes de añejas teleseries del espacio como Captain Video and His Video Rangers (El capitán Vídeo y los guardianes del universo). Por supuesto debe citarse también al actor Ed Kemmer y la serie Space Patrol (Patrulleros del espacio) en la que interpretó al comandante Buzz Corry durante casi 200 episodios. Juntas esto con un toque de G. I. Joe, como en muchas ocasiones ha declarado John Lasseter, y ya lo tenemos.

O casi.

Hubo que hacer algunos pequeños cambios, de un traje completamente rojo a uno con toques azules y finalmente el blanco que todos conocemos, aumentar un poco el tamaño, elegir un nombre definitivo (a poco estuvo de llamarse Larry Lunar o Tempest from Morph to Star Command, cambiar parte de su personalidad, ya que en los primeros tratamientos sí era consciente de ser un muñeco, y dotarle de carisma para que se convirtiera en el icono que estaba destinado a ser, siendo considerado en 2011 uno de los ALL-TIME 100 Greatest Toys por la revista Time.

Al igual que sucede con Woody, será uno de los personajes que más evolucione con el paso de las películas, no en vano ellos son realmente los dos protagonistas principales, son los motores de la primera película y el combustible del resto de la saga.

En el filme inicial Buzz Lightyear llega a la vida de Andy y solo conoce de sí mismo su biografía ficticia, está convencido de ser un gran aventurero, de estar en lucha con el malvado Zorg y que ha llegado a algún extraño lugar al estrellarse su nave espacial (realmente la caja en la que iba embalado). Los otros juguetes se asombrarán ante lo llamativo de su diseño y acciones, mientras que Woody intenta que se dé cuenta de que realmente es un juguete.

Buzz pasará de ser divertido y entrañable a un auténtico plasta de un momento a otro, en ambos casos debido a su creencia de ser real y no solo un juguete. Por otro lado cuando esa idea se derrumbe y tenga que enfrentarse a la verdad, es cuando se volverá más real que nunca y pasará a ser el héroe que siempre había sido.

«Hasta el infinito... ¡y más allá!»

Buzz Lightyear

Duelo en el Andy Corral

Desde un principio John Lasseter, junto con el resto de guionistas, como Josh Whedon, tenían claro que Toy Story era una buddy movie (una película de colegas) y que para lograr funcionar debía:

1) Enfrentar a los protagonistas.

2) No ser musical.

El segundo punto es una batalla que logró ser ganada por Pixar a pesar de que la compañía Walt Disney no estaba convencida: aunque hay un tema principal, Hay un amigo en mí (You’ve Got a Friend in Me), no encontramos la hasta entonces habitual retahíla de personajes bailarines de turno.

El primero era la base para crear la trama, dos personalidades en apariencia distintas que luchan para ser el juguete favorito (o más bien, uno lucha para no dejar de serlo y el otro solo tiene la suerte de ser el nuevo) y que finalmente están destinadas a entenderse. No hay sentimientos claramente definidos o profundos, solo un borroso odio de Woody hacia Buzz que viene del miedo y poco más.

Con solo esta base la película logró funcionar realmente bien, los dos protagonistas encajan a la perfección y sucede lo que en otras tantas buddy movies, que a pesar de sus diferencias verán que todo lo que les une es mucho más importante que las pocas cosas que los separan.

Andy Davis

Se pueden decir muchas cosas sobre Andy Davis, el niño propietario de Woody y Buzz (y el resto de juguetes), pero la única que importa es que Andy somos todos nosotros, los que vimos la película, los que sabíamos que nuestros muñecos hablaban cuando no mirábamos y tenían una vida secreta que era increíble.

Sin duda es el personaje más importante de la película ya que todo gira en torno a él, a pesar de que en ningún momento es consciente de ello o siquiera tenga una mínima idea de qué está sucediendo. Es un crío normal, igual que todos, y es imposible que, volviendo la vista atrás, no nos demos cuenta de lo acertada que fue su creación.

Posteriormente, en Toy Story 3, veremos que ha crecido y está a punto de ir a la universidad. Es el momento de dejar atrás la infancia, o parte de ella, y darse cuenta de que (por desgracia) no se puede ser niño para siempre. Lo que sí se puede es tener el mismo corazón.

El lado oscuro

Andy es un personaje tierno y amable del que nunca llega a verse un lado oscuro en toda la saga, al menos no en él. Para eso está Sid, el aterrador hijo de los vecinos que viste una camiseta con una calavera y más que jugar con sus juguetes los tortura, descuartiza y como si fuera un científico loco en la más pura línea de Victor Frankenstein, vuelve a unir los trozos para crear terribles (y atormentadas) criaturas. Esta dualidad luz/sombra también está presente en el comportamiento de Sid para con su hermana pequeña, cómo es su habitación o el hecho de que la tenga cerrada con candados.

Juguetes, amigos y familias

Es cierto que Woody y Buzz se las bastan para llenar solos una película, tienen carisma de sobra para hacerlo, pero el mundo es un lugar mejor con una pequeña ayuda de los amigos. Toy Story, la película inicial y toda la saga, tiene la suerte de contar con un amplio elenco de secundarios llamativos, en ocasiones excéntricos, que se hicieron con el corazón del público y la crítica.

Mr. Potato

Según vemos en la mente de Andy suele ser el villano en sus juegos, apareciendo como Bart el Tuerto, y en la realidad siendo bastante crítico con las ideas de Woody o en general con las de todos. Es gruñón pero se sabe que debajo hay un gran corazón. O patata. Unas navidades la hermana de Andy, Molly, recibirá a una Señora Patata, que pasará a engrosar la lista de juguetes del chico (no se sabe bien cómo) y a ser una nueva villana en la ficción. Además ambos adoptarán a los pequeños marcianitos del Pizza Planet a los que considerarán sus niños.

En Toy Story se usa el aspecto más moderno del juguete que realmente apareció en 1952 como una serie de elementos que se clavaban en verduras y patatas de verdad; no fue hasta una década y pico después (en 1964) que se comercializó el cuerpo plástico que emula una patata pero que todavía estaría lejos de su aspecto final.

Rex

Rex es un Tiranosaurio rex, motivo por el que tiene ese nombre. Un animal que resulta aterrador y digno de temer, o debería. No es este el caso, ya que más bien es tímido y bonachón, intentando encontrar su rugido en este mundo.

Hay que decir que no es el primer animal del audiovisual con este nombre, hay que recordar al perro Rex de Rex: un policía diferente; a Rex de Rex: Un dinosaurio en Nueva York, al que da voz John Goodman (que será uno de los protagonistas de Monstruos S. A.); y Theodore Rex de Dino Rex, película con Whoopi Goldberg, compartiendo risas y aventuras con su compañero policía que es un dinosaurio, en el futuro (de verdad).

Slinky

Slinky es el fiel amigo de Woody ya desde la primera Toy Story, confía plenamente en él y su amabilidad hace que se lleve bien con todos los demás juguetes de Andy, además de estar claramente al mando en ausencia del vaquero. Es decidido y no parece tener miedo a nada, lanzándose a la aventura para ayudar a otros compañeros y usando sus dotes cuando sean necesarias.

¿Qué dotes? Las de estirarse, ya que es un perro salchicha cuyo cuerpo es un muelle.

Slinky en realidad es el nombre con el que se comercializó a partir de los años cuarenta un juguete ideado por Richard James, que no era más que un muelle que avanzaba por sí mismo, ¡hasta bajaba escaleras! Posteriormente, en 1952, se vendieron otros dos modelos basados en ideas de Helen Herrick Malsed, un tren (Slinky Train) y un perro (Slinky Dog), que fue parcialmente rediseñado para aparecer en 1995 en Toy Story.

Bo Peep

Esta joven pastorcilla va siempre con sus corderitos (igual que Mary, que tenía uno) y es la novia de Woody, al que no duda en lanzar indirectas que solo los adultos entenderán. Tiende a ser también más calmada y reflexiva que el resto de sus compañeros, y desaparecerá al igual que otros juguetes en el camino hasta llegar a Toy Story 3.

Lo que es cierto es que Lee Unkrich ha comentado en entrevistas que de rehacer algo de Toy Story 3 sería precisamente el incluirla. Al menos sí aparece en el videojuego y en la cuarta entrega, estando siempre interpretada por Annie Potts (sí, Janine de Los Cazafantasmas).

Little Bo Peep es una canción infantil que se sitúa a principios del siglo XIX gracias a un manuscrito en el que aparece su primer verso, aunque también se tienen referencias previas como un juego llamado Bo-Peep del siglo XVI.

Little Bo-Peep has lost her sheep, and doesn't know where to find them; leave them alone, And they'll come home, wagging their tails behind them.

Hamm

Uno de los personajes más sabios (y con cabeza) de toda la saga, mostrando amistad con Mr. Potato y también un buen conocimiento del mundo exterior. El cerdo, una hucha en realidad, es también uno de los habituales villanos en los juegos de Andy, ¡el malvado doctor Tocino! (Evil Dr. Porkchop en el original).

Si Bo Peep es la voz de la conciencia, él sería la del sentido común. Pero más en concreto es la voz de John Ratzenberger, actor que ha estado presente en todas y cada una de las películas de Pixar, que muchos recordarán por Cliff Clavin de la legendaria sitcom Cheers.

Mrs. Davis y Molly

La madre y hermana de Andy, dos presencias de fondo en la saga que conforman el núcleo familiar de Andy y al igual que este hacen realmente escasa presencia en la pantalla. En ambos casos se ve que mantienen una relación de amor con el niño (adolescente más adelante), con alguna pequeña pulla entre los dos hermanos, como suele ser habitual.

Sobre esta familia existen dos teorías que deben ser mentadas:

La ausencia del padre de Andy

Lo cierto es que desde Pixar han aclarado un buen número de veces que no hay un sentido oculto a que no se vea al progenitor, sencillamente no lo plantearon en la historia y en los años noventa era caro realizar humanos de forma digital.

Este hecho, junto con que nunca se hable de él, no verse fotos del mismo en la casa, la mudanza que realizan en la primera película o la aparente necesidad de Andy de crear una figura paterna en sus dos juguetes favoritos, hace que se haya teorizado con un posible abandono o divorcio, o incluso la viudedad reciente de su madre.

Mrs. Davis y Emily son la misma persona

La madre de Andy es una constante en la saga. Una mujer que siempre está ahí para sus dos hijos, siempre haciendo lo que considera que es mejor para ellos pero también dejándoles espacio para que puedan crecer a su ritmo.

Existe una teoría que indica que es la misma niña que en Toy Story 2 deja abandonada a la pequeña vaquera Jessie; algo que en parte explicaría que el niño tuviera a Woody y que se vea el mismo sombrero que a ella. Si esto es o no cierto (supuestamente no) es algo que cada uno debe considerar y ponderar.

Las voces tras la ficción

En toda película debe haber actores que la sostengan, ya que, de no tener profesionales capaces de tal hazaña, la producción naufragará irremisiblemente. En el caso de Toy Story era todavía de mayor importancia: una buena acogida, un buen elenco y una buena crítica es lo que haría que pasara de ser una mera curiosidad técnica a ser a admirada por su guión y todo el trabajo que hubo detrás.

Tom Hanks

En nuestro país siempre vamos a recordar a Woody con la voz de Óscar Barberán, pero en su idioma original el actor encargado de darle vida es Tom Hanks. De hecho, fue el primero en apuntarse, pues desde un comienzo los creadores de Toy Story sabían que querían contar con él. En concreto fue John Lasseter, creador de Pixar.

Los realizadores querían contar con una voz similar a la de Jimmy Stewart, ¿y acaso hay alguien que pueda igualarse al mítico actor salvo Tom Hanks? Para ellos era el único intérprete posible, lo que además daría promoción y seriedad a la película desde un comienzo al contar en sus filas con un actor de renombre y tan querido por el público.

Esta fue la primera vez que el intérprete puso su voz a un personaje animado, acudiendo con ciertas dudas. Estas se disiparon cuando vio algunas pruebas que habían hecho de Woody con capturas de de su voz extraídas de la película Socios y sabuesos. Salió totalmente convencido y diciendo a sus amigos que lo que estaban haciendo en Pixar era algo que jamás nadie había hecho antes.

En sus propias palabras ser parte de esta aventura le hizo sentir «the luckiest guy in the world» («el hombre más afortunado del mundo»).

Otro Hanks, pero el mismo Woody

Por siempre la voz de Tom Hanks será la que se relacione con Woody… ¿o no? ¿Cómo es posible que alguien con semejante agenda, y honorarios, pueda estar siempre disponible para convertirse en el pequeño vaquero más allá de las películas cinematográficas?

Muy sencillo, no lo está.

Woody, en las películas, es interpretado por Tom Hanks, mientras que en otros productos como los videojuegos de la saga quien se encarga de poner la voz al intrépido sheriff es Jim Hanks, hermano de su muy famoso hermano y, al igual que este, también actor.

Lo cierto es que en realidad Jim ha interpretado al vaquero en más ocasiones que Tom.

Tim Allen

Hoy sería totalmente imposible pensar en Buzz Lightyear sin la voz del talentoso Tim Allen detrás, o el siempre estupendo José Luis Gil en nuestro país, un actor al que muchos recordarán por su personaje de Tim Taylor en la divertida serie Un chapuzas en casa, y que tiene una dilatada carrera que empezó ya en los años ochenta y todavía hoy sigue en activo.

Curiosamente en primera instancia el elegido iba a ser Billy Crystal, que pasó del papel y según ha afirmado en diferentes entrevistas es el único rechazo del que se arrepiente en su carrera. La fortuna hizo que Jeffrey Katzenberg, fundador de Dreamworks, y en aquel entonces en Walt Disney, propusiera a Allen.

La importancia de contar con este intérprete va más allá del simple hecho de su voz, ya que una de las primeras lecturas que hizo como Buzz Lightyear provocó un cambio en la idea que había sobre el personaje; pasando de saber que era un juguete a no saberlo, lo que en parte se convirtió en el motor de la película.

Para muchos la frase que define a Buzz es «Hasta el infinito… ¡y más allá!», pero Tim Allen lo tiene claro y para él su diálogo predilecto es «You are a sad, strange little man and you have my pity.» («Tú eres un hombrecillo triste y extraño. Me das lástima»).

No son vaqueros y tampoco astronautas, pero sí importantes

Claro está que una película no se puede hacer solo con dos actores (por poder, se puede. Pero ya me entendéis), por lo que Tom Hanks y Tim Allen son solo la punta de la lanza de un equipo mucho mayor.

La lista de intérpretes es realmente larga pero hay que destacar a Don Rickles, que ha sido la voz de Mr. Potato, un nombre con una larga carrera en cine y televisión que comenzó en los años cuarenta, sin dejar de lado su propia trayectoria como cómico, con un estilo muy particular que a algunos les puede resultar ofensivo.

Puede ser que el nombre de Wallace Shawn no diga nada a muchos. Si lo intentamos con Vizzini, puede que sí, y ya si uno dice en voz alta La princesa prometida, entonces todos sabemos de quién estamos hablando. Uno de esos llamados eternos secundarios que en Toy Story presta su talento al tímido y encantador Rex, tras haber pasado por títulos tan conocidos como El hotel New Hampshire, Días de radio, Mi cena con André y la exitosa serie La hora de Bill Cosby.

Este pequeño rincón se cierra con dos nombres ya mencionados, el de John Ratzenberg y el de Annie Potts. El primero de ellos es uno de los amuletos de la suerte de Pixar, un rostro bien conocido por el público por haber sido Cliff Clavin en la legendaria Cheers, además de Superman y Superman II (papeles menores, si es que acaso eso existe), o en Star Wars: Episodio V - El imperio contraataca como el Mayor Derlin de la Alianza Rebelde.

En lo que se refiere a Annie Potts, voz de Be Poop, será por siempre recordada por su papel de Janine en Los Cazafantasmas y Los Cazafantasmas II, pero su carrera ha sido muy ecléctica con apariciones en recordados títulos como Dos hombres y medio; La chica de rosa de John Hughes; Magnum P.I., con Tom Selleck de protagonista; Rompiendo las reglas; o la irreverente Boston Legal, protagonizada por James Spader y William Shatner.

Y la música de Randy Newman, por supuesto. Una mezcla perfecta con la magia de Pixar, haciendo que la colaboración entre ambos siguiera en otros proyectos.

Hasta el infinito quizá no, pero sí hasta varias secuelas

Toy Story 2 (1999)

El éxito clamaba una secuela, y la tuvo, solo que en primera instancia la intención que desde Walt Disney tenían era la de que fuera solo para el mercado doméstico, es decir, para vídeo (VHS, en aquella época).

No es que no se creyera en el producto, ese es otro cantar, es que la gigantesca compañía seguía esa tónica en general, con lo que no se planteaban otra cosa. Desde Pixar dijeron que sí, aun sabiendo que esos productos pecan de tener una calidad menor, estaban seguros de que podrían hacer algo mejor, pero fallaba algo… eran Pixar, solo sabían trabajar de una forma. No había dos equipos separados que hicieran un producto bueno y otro malo, había un equipo, el equipo Pixar, y en ese momento todo empezó a complicarse.

Se plantaron ante The Walt Disney Company para decirles que si hacían la segunda parte esta debía ser para cines y ellos lo aceptaron rápidamente. Una batalla ganada, solo que ahora la producción crecía, el esfuerzo aumentaba y Pixar debía demostrar que podía hacer una secuela digna de la película que en muchos sentidos les dio la vida.

Así que bajo una historia que salió del equipo original, se empezó a trabajar, el proyecto fue avanzando excepto por un detalle, que no lo hacía. Parecía que la historia se repetía, solo que en esta ocasión el que dijo que la película era nefasta fue el propio John Lasseter. El tiempo apremiaba y decidieron que lo mejor era rehacerla; opinión que no compartía Walt Disney, pues cuando los ejecutivos vieron la primera versión (que Lasseter tildó de «desastre») la dieron por buena y suficiente para ser una continuación que iba a funcionar comercialmente.

En menos de un año debía volver a hacerse todo prácticamente desde cero. Meses de trabajo extenuante, un equipo que se estaba cayendo a pedazos, profesionales que enfermaban y un niño que casi muere, ese fue el precio a pagar, pero se logró. Toy Story 2 logró de nuevo el aplauso de la crítica y del público.

Toy Story 2 demostró que solo Pixar podía igualar a Pixar.

La nueva trama respetaba ideas de la original, pero la llevaba por terrenos más profundos. En esta ocasión, además de la parte de aventuras para el público más infantil, se daba lugar el duelo interno de Woody para el público adulto. El vaquero debía decidir qué hacer con su vida: si regresar al lado de Andy y el resto de juguetes, o en cambio dejarse seducir por la fama y una vida eterna en un museo.

«Disney no cree que vayamos a lograrlo, de manera que demostrémosles que están equivocados.»

Steve Jobs

La familia de Woody

Si Toy Story muestra cómo evoluciona Buzz hasta ser consciente de quién es realmente, en este caso el que debe hacerlo es Woody. Toy Story 2 muestra una historia de aventuras para los más pequeños, la de cómo el vaquero es robado por un malvado coleccionista y sus amigos deben ir a rescatarlo, pero la auténtica historia es la que hay dentro de la mente del sheriff.

El líder de los juguetes de Andy se ve en una encrucijada. Por un lado tiene su amor por el niño, un niño que está creciendo y que en algún momento le dejará atrás, y por el otro la oportunidad de vivir una nueva vida en una exposición en Japón, siendo visitado por cientos de niños cada día. Esa es realmente la historia que importa, la que hizo válida la película, el duelo interno que sucede dentro de su alma y que no llega a resolverse hasta el final.

En este hecho se profundiza cuando Woody se encuentra con sus orígenes, con saber realmente quién es: un títere que protagonizaba un popular show de marionetas en el que compartía su estrellato con la vaquera Jessie, el divertido caballo llamado Perdigón y un prospector llamado Stinky Pete. Conocerá a los tres en persona, o en muñeco, y la decisión que tome les afectará directamente, al igual que a Buzz y a sus colegas. Para estos tres personajes se contó con las voces de Joan Cusack, Kelsey Grammer (inolvidable Frasier y uno de mis actores predilectos), y con Frank Welker como el caballo (también para ser Buster, el perro de los Davis).

Nuevas incorporaciones a la saga

Zurg

El malvado emperador Zurg. Un nombre que ya apareció en la primera parte, puesto que Buzz Lightyear es parte de una misión para enfrentarse a él. Es un ser de gran tamaño, capaz de las mayores maldades y también… ¡SU PADRE!

¿No trabajó Lasseter en Lucas Film? Pues el homenaje a Star Wars era casi obligado. La voz es de Andrew Stanton, uno los miembros del original grupo de expertos (o brain trust) de Pixar.

Al McWhiggin

Al igual que pasa con los pocos humanos que tienen aparición en la saga de Toy Story, es realmente importante en la historia pero muy poco se sabrá de él, y su tiempo en pantalla será bastante reducido.

Es un vendedor de juguetes local, con unos almacenes a tal efecto (a los que ya se menciona en la primera parte) que promociona vestido de pollo, que está en negociaciones para vender un lote de coleccionista a un museo japonés. El pack está compuesto de artículos de El Rodeo de Woody, motivo por el roba al vaquero cuando por error este acaba en un mercadillo.

No es exactamente malvado, solo algo ruin y su único deseo es lograr un buen fajo de billetes.

El actor elegido para darle vida es Wayne Knight, seguramente recordado por muchos como Newman de Seinfeld o por Dennis Nedry de Parque Jurásico, película que es homenajeada en esta, ¿sabéis dónde?

Toy Story 3 (2010)

Toy Story 3 es el punto final de una trilogía totalmente redonda. Una historia que roza la épica, que trata sobre la amistad y el amor, sobre la confianza y la superación, sobre ser nosotros mismos y serlo con todos los demás.

La película que dirige Lee Unkrich es sencilla en su propuesta a la par que compleja en toda la gama de emociones que presenta. Una auténtica carta de amor en la que John Lasseter y Andrew Stanton (junto con el ya mencionado realizador Lee Unkrich y Michael Arndt para el screenplay, uno de los guionistas de Star Wars: Episodio VII - El despertar de la Fuerza) se despiden de los personajes que les hicieron nacer como gran empresa, pero no sin antes cerrar el círculo de la única forma que es posible, y lograr por el camino que todo el público llorara en la sala.

¿El argumento? El único que podía y debía ser. Andy se ha hecho mayor y está a punto de ir a la universidad; poco a poco sus juguetes se han ido donando salvo unos pocos elegidos: Woody, Buzz, el matrimonio Potato, Slinky, Rex… Otros se han perdido por el camino y la incertidumbre sobre qué pasará ahora está a la orden del día.

Por supuesto que fiel a sí misma Pixar crea, de otra manera, lo que no deja de ser una película de partida y regreso, solo que la partida había comenzado quince años atrás, en 1995, y el regreso iba a ser en 2010. Un regreso que cerraba un ciclo, abría otro y dejaba claro que el tiempo pasa para todos.

Por el camino, además, presentaron la habitual trama para que los más pequeños disfrutaran. Una aventura igual que las anteriores en la que los pequeños juguetes deben luchar por su supervivencia y Woody, siempre Woody, es el que sin pretenderlo se convertirá una vez más en su guía y su alma.

Toy Story 3 no era un adiós, tampoco un hasta luego, Toy Story 3 era, sencillamente, Toy Story 3.

Los juguetes de Sunnyside

La trama de Toy Story 3 lleva, por error (por supuesto), a los juguetes de Andy hasta la guardería Sunnyside. Un lugar en el que podrán encontrar un nuevo hogar y en el que cuando los niños crecen, otros llegan para seguir jugando. Todo parece idílico, al menos en palabras del oso Lotso (Lots-O-Huggin Bear), que recuerda en mucho a los Osos Amorosos. Solo que bajo su blandito aspecto hay un corazón espinoso y resentido.

Este oso, junto con un muñeco de un bebé y un payaso que ya nunca sonríe, fue perdido por su dueña. Él considera que les abandonó y poco a poco ha ido volviéndose alguien tenebroso y prácticamente malvado. Si hay un villano en toda la saga, es este.

Ha hecho de la guardería Sunnyside su feudo, apoyado por el bebé ya citado, un avieso mono con platillos, la pulpo Stretch, un hombre de piedra llamado Chunck y otros que se comportan a todos los efectos como los secuaces de un mafioso (hasta se les verá jugando a las cartas en una clara referencia a películas del género).

No será la única. El observador habitual del cine se habrá dado cuenta de que en la película hay mucho de La gran evasión, entre otros títulos. En palabras de su director «Claro, Cadena perpetua, La leyenda del indomable, La gran evasión, todo lo que caía en nuestras manos. Hay un montón de referencias en Toy story 3, ha sido un proceso divertido y muy interesante… Todos tenemos sueños acerca de dónde queremos acabar, pero nadie trabaja con ellos en la cabeza».

Grandes invitados

Una de las características de Toy Story ha sido el contar siempre con reconocidos actores que han prestado sus voces a los personajes. Tom Hanks y Tim Allen en cabeza; uniéndose a ellos en esta última entrega Ned Beatty, el enorme y cómico Otis de Superman, como el temible oso Lotso; con Michael Keaton como Ken, el eterno novio de Barbie; y el ex James Bond Timothy Dalton como el erizo de peluche llamado Mr. Pricklepants. Se unió a ellos Blake Clark como Slinky, ya que Jim Varney, el actor original, había fallecido en el año 2000.

La antorcha y su estela

Toy Story comenzó en 1995 con la historia de Andy, Woody y Buzz. Con ellos el resto de juguetes que enriquecieron la trama, pero en esencia era un cuento sobre ellos tres y su especial relación. La misma que todos hemos tenido con nuestro juguete favorito.

Esto es algo que, inevitablemente, llega a su final. Puede ser que lo conserves y lo cuides, pero es improbable que juegues con él o sientas esa conexión que solo logramos tener de infantes. Así, pues, el muchacho se ve obligado a hacerse mayor y en su nueva vida en la universidad no tienen cabida sus antiguos amigos, salvo Woody, al que sí llega a plantearse llevarse hasta allí.

El funesto destino quiso que al meter al resto en una bolsa su madre lo confunda con basura, después lleguen hasta Sunnyside y (no había duda) cuando todo parecía perdido para nuestros adorados muñecos, logren llegar sanos y salvos de nuevo al lado de Andy.

Entonces este hará algo que solo alguien que quiere a sus muñecos podría hacer, se los entrega a otra persona. En este caso es Bonnie, la hija de la dueña de la guardería (que, por lo que asumimos, es amiga de la madre), él se los presenta, le cuenta quiénes son y entonces juega por última vez.

La historia seguirá, pero será otra historia.

Walt Disney presenta Toy Story 3

A mediados de la década del 2000, Pixar, representada por Steve Jobs, y Walt Disney, con el muy polémico Michael Eisner a la cabeza, rescindieron su mutua colaboración, y eso tuvo una consecuencia: la creación de Circle 7 Animation, estudio de animación digital del gigante creado por Roy y Walt Disney y la reclamación de los derechos de las películas que Pixar había hecho para este.

Ni corta, ni perezosa, se lanzó a planear diferentes secuelas de la productora sin contar con ella, una de las cuales era Toy Story 3, solo que el argumento iba a ser muy distinto de lo que terminó llegando a los cines de todo el mundo.

En esta inexistente tercera parte, el guionista Jim Herzfeld planteó que Buzz Lightyear comenzaba a funcionar mal, motivo por el que es enviado a Taiwan para que sea reparado. No es el único, hay una retirada masiva de figuras de Buzz Lightyear y, temiendo que el suyo sea destruido, toda la panda decide viajar hasta Japón. Mientras ellos están en plena misión de rescate, Buzz se hace amigo de otros juguetes que han sido retirados del mercado.

De esta idea se han podido ver concepts e ideas finales, lo que hace pensar que el producto estaba muy avanzado. Todo esto no llegó a más cuando Robert Iger sustituyó a Michael Eisner, llegó a un acuerdo con Steve Jobs, compró Pixar y todo lo relacionado con Circle 7 Animation pasó a ser poco más que un recuerdo.

Toy Story 4 (2019)

Toy Story 4 puede considerarse una película fuera de la saga, solo que realmente no lo está. Contando de nuevo con una historia firmada por John Lasseter, Andrew Stanton, Pete Docter y Lee Unkrich, cambia el tono de las realizadas hasta ahora para contar la historia de amor entre Woody y la pastorcilla Bo Peep, que fue la gran ausencia de Toy Story 3.

Una oportunidad de volver a encontrarse con estos personajes, más allá de productos derivados y cortometrajes varios, con una película que profundiza más en lo que ya sabemos de ellos y muestra el lado romántico del intrépido vaquero.

La dirección volverá a manos de John Lasseter, junto a Josh Cooley, que ya dirigió y escribió el corto ¿La primera cita de Riley?, y el guión adaptado por Rashida Jones (sí, Angie Tribeca) y Will McCormack.

Temas que trata la saga

Amistad

Comprensión

Miedo a lo desconocido

Otros productos

El cariño y pasión que durante años ha despertado Toy Story ha hecho que sus personajes no se limiten solo a las películas, o videojuegos, sino que también han tenido su propia tanda de cortometrajes y aventuras variopintas. Ya en los noventa se vio Toy Story Treats a modo de promoción del lanzamiento de la película en VHS (y Laserdisc) con Jim Hanks y Pat Fraley poniendo voz a los protagonistas. Una nueva tanda de cortos vería la luz en la década del 2010 bajo el nombre de Toy Story Toons, en concreto fueron Vacaciones en Hawai, Pequeño gran Buzz y Fiesta Saurio Rex. En esos años, pero ya fuera de Toy Story Toons, aparecieron Toy Story: ¡Terror! y Toy Story: El tiempo perdido.

La popularidad que alcanzó Buzz Lightyear le hizo merecedor de dos proyectos en solitario: la película Buzz Lightyear of Star Command: The Adventure Begins y la serie Buzz Lightyear del mando estelar, ambas hechas en formato de animación tradicional en dos dimensiones.

«Looking back, I was very lucky, because I now realise these great animators, who had helped invent the art form, were handing the torch on to us.»

«Echando la vista atrás, fui muy afortunado, porque ahora me doy cuenta de que esos grandes animadores, que colaboraron en la creación de la expresión artística, nos estaban pasando el testigo.»

John Lasseter

Jim Henson, ¿inspiración o plagio?

The Christmas Toy (El juguete de Navidad) es un especial televisivo de 1986 de Jim Henson, con la más que obligada aparición de la rana Gustavo, y narra la historia de un grupo de juguetes que están vivos (cuando nadie los mira) y de la llegada de Meteora, Queen of the Asteroids, la muñeca estrella de la navidad que no sabe que es un juguete y piensa que está en un extraño planeta.

Esta llegada hace que Rugby se sienta amenazado, mientras otros de los juguetes se asombran ante lo imponente de la recién llegada. Entre estos están un oso con un bastón, Barbie (a la que veremos vestida de pastorcita)...

Parecidos más que razonables que hacen que uno dude de las cosas.

Sea como fuere, el especial dio lugar a una serie llamada The Secret Life of Toys, que se emitió en 1994.

Ved el especial, es Jim Henson, solo por eso hay que hacerlo.

«Never let the children know you can move.»

«Que los niños no descubran que os podéis mover.»

Rugby

Otras películas de juguetes

Masters del universo

He-Man y los masters del universo fue una de las series estrellas de Filmation durante los años ochenta. Todo un hito que décadas después sigue cosechando fans (y a la publicación del libro El arte de He-Man y los masters del universo, me remito), habiendo llegado al status de mito de la cultura pop.

Es en esa misma década, en 1987, cuando de la mano de la productora Cannon, con sus dos legendarios productores Yoram Globus y Menahem Golam, se realizó una adaptación de acción real que contó con Dolph Lundgren de protagonista y le lanzó a la fama. Como antagonista estaba Frank Langella, con la dirección de Gary Goddard en la que fue su primera y única película como tal, y el guión de David Odell, habitual de Los Teleñecos que también firmó el guión de Cristal Oscuro (bajo historia de Frank Oz) y del desastre que fue la película de Supergirl.

A pesar de ser un producto solamente pasable, ha envejecido bastante bien dando la impresión de estar ante un producto de buen presupuesto de su momento.

Mr. Magorium y su tienda mágica

Hay películas que hacen soñar y al terminar dejan una sonrisa en el rostro de los espectadores. Mr. Magorium y su tienda mágica es una de ellas. Es cierto que peca de tener bastante poco argumento, que los personajes son planos y apenas tienen profundidad, pero no hace falta alguna para narrar el precioso cuento escrito y dirigido por Zach Helm.

Este filme, que es casi una obra de teatro, se estrenó en 2007 con una preciosa música de Alexandre Desplat, las actuaciones de Dustin Hoffman y Natalie Portman como dúo protagonista acompañados de Jason Bateman y el niño Zach Mills, que a su corta edad ya tenía experiencia en el cine con títulos como Hollywoodland o Santa Claus 3: Por una Navidad sin frío (de nuevo con Tim Allen como el hombre de rojo).

Pequeños guerreros

Película dirigida por Joe Dante (Gremlins, Looney Tunes: De nuevo en acción, Piraña) que narra la historia de un pequeño grupo de juguetes que son capaces de aprender, sentir y evolucionar. No son mágicos, son resultado de un mal uso de microprocesadores para usos militares que se incorporan al Comando de Élite y a sus enemigos, los Gorgonitas. Irónicamente estos últimos son seres pacíficos que solo quieren vivir en paz, mientras que el Comando de Élite, que debían ser los héroes, se convierten en los villanos del filme.

Hoy en día ha quedado, por desgracia, bastante olvidada, a pesar de ser un filme agradable de ver, con algunos buenos momentos y un precioso final.

10 detalles que no te puedes perder

1) La primera entrega de Toy Story se estrenó el 22 de noviembre de 1995, mismo día en el que nació Katherine Grace McNamara, que interpreta a Clary Fray en la serie de televisión Cazadores de sombras (adaptación de la saga literaria Cazadores de sombras).

2) Si te fijas verás que en la pared de Andy hay un reloj de Mickey Mouse, reloj que aparece en las tres partes de la saga.

3) Buzz Lightyear hace el famoso saludo vulcano creado por el muy tristemente fallecido Leonard Nimoy para su Spock, personaje más que conocido de Star Trek.

4) Toy Story no era realmente el título, era el nombre del proyecto de trabajo. Finalmente se quedó.

5) La escena en la que Sid (llamado así por Sid Viciuos) pone un petardo a la espalda de un soldado, estaba pensado que fuera un G. I. Joe pero la compañía Hasbro no quiso ceder a su creación.

6) Similar pasa con Barbie, ausente en la primera entrega pero incorporada a partir de la segunda parte. Mattel consideraba que su creación era una inspiración para las niñas y por tanto no podían dejar que tuviera una voz o personalidad concreta: cada una ponía en ella sus propios sueños. Claro está que el tremendo éxito de Toy Story hizo que cambiaran de opinión, y de hecho en la tercera película también aparecerá Ken, con un momento homenaje a Fiebre del sábado noche y todo.

7) «Pixar» realmente era el nombre para «Pixar Image Computer», un ordenador destinado al diseño gráfico, creado en 1986 y motivo por el que hoy día llamamos a la compañía de esa forma.

8) Geri, el artesano de juguetes que arregla a Woody en la segunda película, es un rostro muy popular en Pixar. Es el mismo que en el corto El juego de Geri. Uno de los trabajos más bellos de la compañía. También es innegable que hay cierto parecido entre este personaje y el Chapucero (o Remendón) de Marvel Comics, un habitual enemigo de Spider-Man y otros héroes.

9) En un origen el juguete que conocemos como Mr. Potato (Señor Patata) consistía en una serie de accesorios para encajar en hortalizas reales, o en lo que cada uno tuviera a mano. Esto se homenajea en Toy Story 3, cuando vemos a este personaje teniendo que poner sus ojos, boca y demás partes en una tortita.

10) Si eres fan de Studio Ghibli seguro que te has dado cuenta de la presencia de Totoro, de Mi vecino Totoro, en Toy Story 3.

Bichos: Una aventura en miniatura, hormigas con mucha marcha

Bichos: Una aventura en miniatura (1998) es la segunda película de Pixar y la que demostró que lo que había sucedido en Toy Story no era solo suerte. El estudio presentó un filme diferente al anterior, centrado en la vida de una pequeña colonia de hormigas, de nuevo destacando un buen trabajo en la creación de los distintos personajes y una ambientación cuidada al milímetro.

También empiezan a verse algunos de los tics que se irán volviendo habituales en sus películas: un protagonista que se enfrenta a un mundo que él no ha construido, compañeros de aventuras que deben dejar atrás sus diferencias para descubrir que son amigos, un viaje tanto geográfico como interior, en resumen (y haciendo referencia a Tolkien): una partida y un regreso.

Vista con el paso del tiempo no es de las que mejor ha envejecido, el paso de los años ha hecho que los guiones se afinen, las animaciones mejoren y que Pixar sea cada vez más Pixar; pero el valor que tiene esta película sigue bien presente y fue el de decir en voz bien alta al resto de compañías (y a la propia Walt Disney): ¡ESTAMOS AQUÍ!

… Y no nos vamos a ir.

De la fábula a la aventura

Todos conocéis la fábula de la cigarra y la hormiga. Una cigarra se pasa la primavera y el verano divirtiéndose mientras se burla de las hormigas que trabajan afanosamente para tener alimentos que tomar cuando llegue el frío. Pasan los días y empieza el invierno, la cigarra está a punto de fallecer cuando las hormigas la rescatan, cuidan y ella aprende una bella lección.

Los miembros fundadores de Pixar también la conocen, y en el verano de 1994 estaban los cuatro (John Lasseter, Andrew Stanton, Joe Ranft y Pete Docter) en el clausurado Hidden City Café, charlando de mil y una ideas, entre ellas varias que cristalizarían en WALL•E, Monstruos S.A., Buscando a Nemo y, claro está, Bichos: Una aventura en miniatura.

Y todo surgió de esa fábula pero con un pequeño cambio propuesto por Stanton y Ranft, cuando se plantearon qué pasaría si la cigarra en vez de pedir la comida a las hormigas y estas ayudarle se la exigiera y presionara para ello. ¿Y si la cigarra fuera un matón que explota a los pobres insectos?

La idea gustó tanto a Michael Eisner, el oscuramente famoso mandamás de The Walt Disney Company, como a John Lasseter, que dieron el visto bueno al proyecto en 1995, se aprobó un primer guión que solamente se llamaría Bugs, posteriormente A Bug's Life, contando con Andrew Stanton como codirector y Lasseter de principal.

Pero había varios problemas. El primero, que había que lograr algo a la altura de Toy Story y hacer todo un nuevo mundo, así que en Pixar crearon la Bug-Cam (la bicho-cámara) para descubrir cómo veían ellos el mundo y fue sorprendente. Las plantas, los tréboles, la hierba… Todo era distinto y debían hacer lo posible para recrearlo lo más fidedignamente posible.

No tanto a los propios insectos, ya que en general resultan algo repugnantes para los humanos; debía hacerse un diseño atractivo y que pudiera gustar tanto a los más pequeños como a los mayores, y puede decirse que lo consiguieron (Podéis buscar los concepts de Bill Cone, Jason Katz y Bud Luckey).

Otro problema estaba en la propia trama, que involucraba a un grupo de insectos circenses que llegaban por casualidad a la colonia y ayudaban a las pobres hormigas. Solo que no había motivo para ello, el cambio de los personajes debía ser total y no resultaba creíble. Sucedió lo que debía suceder, era mejor emprender un nuevo rumbo, o al menos intentar solucionarlo con las herramientas que había.

Es entonces cuando Flik nace a partir de Red, la hormiga roja original. Se cambiaron las líneas de actuación a seguir, la troupe de circo en vez de ser mezquinos, iban a ser unos abnegados artistas de poca monta que se tropezaban con todo el jaleo y finalmente se veían dentro del mismo. El guión definitivo lo firmarían John Lasseter, Joe Ranft y Andrew Stanton por la historia original, y este último junto a Don McEnery y Bob Shaw (que anteriormente habían trabajado en Hércules y en Seinfeld en el episodio The Tape) para lo que llegaremos a ver en pantalla.

Andrew Stanton nació en 1965 y es uno de los nombres imprescindibles en Pixar desde que entró en 1990, estando tras Bichos: Una aventura en miniatura, Buscando a Nemo, su secuela Buscando a Dory (junto a Angus MacLane) y WALL•E, junto con otros trabajos que ha realizado dentro de la compañía, y es uno de los pensadores detrás de Toy Story.

En 2012 estrenó bajo el ala de The Walt Disney Company John Carter, basado en el personaje de Edgar Rice Burroughs, una película de acción real que pretendía ser la primera de una larga saga que iba a adaptar la llamada serie marciana de este autor, que comenzó con Una princesa de Marte en 1917 (como novela, serializado empezó en 1912 con el nombre Under the Moons of Mars), pero fue un estrepitoso fracaso tanto de crítica como de público. La experiencia le dejó con más ganas de acción real y en 2017 volvió a ella gracias a la serie Stranger Things, de la que dirigió dos capítulos: «The Pollywog» y «The Storm».

Presentando a los bichos

Flik

Flik es, en muchos sentidos, el típico protagonista de una película Pixar. Al igual que Bichos: Una aventura en miniatura cumple con los tópicos que se impondrán a la compañía en el futuro, con sus viajes, vueltas a casa, familia, aprendizaje y amigos.

Esta pequeña hormiga es inquieta e ingeniosa, quizá demasiado para una colonia en la que no importa el individuo y solo el grupo. Las apretadas normas de producción en cadena son una rutina establecida y aceptada por todos, siempre se ha hecho así y ha ido bien. ¿Para qué cambiarlo?

Para mejorar y crecer, para ir por nuevos caminos pero, al igual que Charlie Chaplin atrapado entre los engranajes de la maquinaria, Flik lo está entre el resto de compañeros, siendo uno más entre muchos.

No siempre fue así y es que en las primeras ideas sobre el personaje había varias cosas bien distintas. La más llamativa era que en vez de azul, color que tendrán todas las hormigas de la película, era roja, se llamaba Red y era el maestro de ceremonias de una troupe de circo, o el conductor de un carromato de pulgas artistas. Su personalidad también era distinta pues si bien en el filme que todos conocemos deja su hogar para buscar ayuda contra los saltamontes, aquí lo hacía para escapar precisamente de esa opresión. Finalmente encontraba en su corazón el valor necesario para, junto con sus compañeros artistas, hacerles frente y derrotar al temible saltamontes llamado Hopper, al que dispararán desde un cañón.

Algunos puntos permanecieron iguales, la presencia del circo y del malvado Hopper como líder de los villanos; otros variaron mucho y se potenció su personalidad, junto con una historia algo más compleja, lo que ayudó a crear una película de mayor calidad.

Reina, princesa y miniprincesa

El grupo de hormigas que vemos en la película son lo que se llama hormigas del pavimento o Tetramorium caespitum, en este caso con su reina pero además con una princesa y hermanita pequeña para tener esa familia que dé juego en pantalla. Las tres, como buenas hormigas reina, tienen alas, aunque en el mundo real hay especies de hormigas que pueden tener reinas sin alas, como las llamadas hormigas guerreras.

La reina cuenta ya con varias primaveras y se hace notar en su aspecto envejecido, aunque parece gozar de una estupenda salud, un humor a juego e incluso un pretendiente que pasa a novio al final de la película. Esta noble anciana no deja nunca a su pequeña mascota, Aphy, que es precisamente un Aphis pomi o más conocido como pulgón. En el reino animal a veces «trabajan» para las hormigas a cambio de alimento (realmente la cosa es más compleja y algo desagradable, desde el punto de vista humano).

Como heredera está Atta, la joven princesa que intenta aprender todo lo posible, ya que en muy poco tiempo será la encargada de desempeñar el real papel de líder. Todo quedará en sus manos y no tiene muy claro si está preparada, su madre sabe que sí pero debe dejar que ella coja confianza en sí misma.

En último lugar está Dot, cuyo nombre significa punto (o pequeñito) en nuestro idioma, y es igual de pequeña que lo que cabe suponer. Siempre a la sombra de su madre y hermana, testaruda y la única que parece creer en Flik a pesar de la oposición de todos los demás.

Troupe de circo

Circos ha habido, y hay (a pesar de que parezca algo cada vez más anacrónico, pero sigue teniendo su encanto), en todas partes. Una larga tradición de artistas que recorren las ciudades y los países para llevar alegría y felicidad allá por donde pasan.

Uno de los más conocidos ha sido el de P. T. Barnum, motivo por el que el jefe de pista del circo ambulante de la película se llama P. T. Flea (o Pulga, en nuestro idioma). Solo es uno de los distintos personajes que saldrán a entretener al público, a cada cual más excéntrico que el anterior.

Conceptualmente no han diferido mucho de algunas de las primeras ideas, el que más se aleja es Heimlich, que pudo ser una oruga de aspecto oriental como dos siamesas que representarían la comedia y la tragedia o que podrían ser al mismo tiempo el payaso alegre y triste.

Estos alegres artistas son:

Francis, Slim y Heimlich: Los tres payasos del show. El primero parece una dulce mariquita, salvo que es todo lo contrario. Slim (delgado) es el acertado nombre para el insecto palo del trío. Finalmente, Heimlich, que homenajea al médico Henry Heimlich y bebe también de The Very Hungry Caterpillar, relato escrito e ilustrado por Eric Carle.

Dim y Rosie: La temible fiera que realmente es un perrito adorable y su domadora, una viuda negra alegre y jovial.

Tuck y Roll: Dos balas de cañón, parece que rusas, que siempre terminan peleando y no parece que terminen de enterarse mucho de qué está pasando alrededor.

Manny y Gypsy: El mago del circo que, al igual que Okito (Tobias «Theo» Leendert Bamberg), se rodea de misterio y se hace pasar por extranjero; y Gypsy, cuyo nombre se traduce como Gitana o Cíngara, también Vagabundo, lo que dado su origen circense encaja a la perfección con el tópico. En un principio este personaje iba a ser una abeja, pero terminó como una polilla elegante llena de color.

P.T. Barnum, el empresario circense

La carrera circense de Phileas Taylor Barnum comenzó de forma tardía cuando ya pasaba de los sesenta años. Fue con el P. T. Barnum's Grand Traveling Museum, Menagerie, Caravan and Circus (entre otros nombres igual de grandilocuentes), posteriormente Ringling Bros. and Barnum & Bailey Combined Shows que desde 1872 se conoció con el apelativo de «The Greatest Show on Earth» («El mayor espectáculo del mundo»). Un circo con su propio tren para desplazarse en el que los espectáculo iban de la mano de los engaños que perpetraba su propietario, desde la ficticia y longeva niñera de George Washington, el muy conocido fraude de una sirena (restos de un mono y un salmón disecados y cosidos), junto con la habitual plétora de mujeres barbudas, hermanos siameses, enanos (destacando el Comodoro Nutt) y lo habitual en los freak shows tan de moda en la época.

Figura polémica donde las haya en la que se juntan sus mentiras, engaños y estafas (incluyendo pócimas sexuales y rejuvenecedoras), con el afán de querer hacer dinero por encima de todo, junto con el cariño de la gente, a pesar de todo e incluso ganándose el favor de la reina Victoria. En toda regla P. T. Barnum fue uno de los primeros showmans de la historia.

Murió, literalmente, con una sonrisa.

Los malvados saltamontes

No puede haber una película de aventuras sin un buen villano y en este caso el elegido es Hopper. Un temible saltamontes, de aspecto aterrador, que es temido por todos, da igual si es la colonia de hormigas o sus secuaces, todos parecen tener miedo de él y es algo bastante comprensible.

Esto es algo que ya era así desde los primeros bocetos, en que era más similar a un insecto real que a la caricatura que llegó a la pantalla, con un toque de pandillero de viejas películas de motores con su chupa de cuero (chaleco) con su logo a la espalda.

Todo esto lleva de forma directa a ver el homenaje al actor Dennis Hopper y la famosa película Easy rider. Buscando mi destino, con su todavía más conocida canción Born to Be Wild de Sttepenwolf. Este filme de 1969 está dirigido por el propio actor, con un guión que también firma junto a Peter Fonda, y ambos comparten protagonismo con Jack Nicholson.

La banda

Los grasshoppers (en realidad «saltamontes» en inglés) son la banda de Hopper, sus fieles seguidores que sirven a sus órdenes y le temen tanto como le respetan. Entre sus miembros están Thumper, un saltamontes enloquecido que no habla y se comporta como un animal salvaje, Axel, Loco y finalmente Molt. Este último destaca por ser el hermano de Hopper, motivo por el que parece perdonarle todas sus meteduras y salidas de tono, que fue creado como alivio cómico para la maldad de su hermano.

También existe el Grasshopper-Club Zürich, un club deportivo de Zúrich que se fundó en 1886, cuyo nombre parece provenir de las celebraciones llenas de energía y agilidad por parte de los primeros jugadores de dicha asociación.

Los insectos necesitan su propia voz

Cualquiera que me siga por redes sociales o haya hablado conmigo el tiempo suficiente, sabe que hay dos sitcoms que adoro: Seinfeld y Frasier. Dos joyas de la televisión de las que muchas series (como Friends o Big Bang) son totalmente deudoras y que siguen aguantando muy bien el tipo a pesar del tiempo que ha pasado desde que se emitieron por primera vez.

Y, ¿a qué viene esto? A que en Bichos: Una aventura en miniatura se juntan dos de los protagonistas de ambas producciones: Julia Louis-Dreyfus y David Hyde Pierce. La primera es la actriz encargada de dar vida a Elaine en Seinfeld, pero también a la hormiga princesa Atta. Lleva en activo desde los años ochenta, estrenándose en el cine con Hanna y sus hermanas de Woody Allen, pero aunque ha hecho sus apariciones en diferentes películas de la gran pantalla (como Sobran las palabras, con el fallecido James Gandolfini), su auténtica popularidad la encontró en el mundo catódico.

Es allí donde el éxito la ha llamado con series como la mentada Seinfeld, Watching Ellie, Las aventuras de Christine o la comedia política Veep, que sigue en emisión. Un largo camino desde que apareció en 1988 en la televisiva Enredos de familia, que protagonizaba Michael J. Fox, y sin dejar de lado Saturday Night Live, auténtica cuna y alma mater de muchos cómicos estadounidenses.

En lo que a David Hyde Pierce se refiere, es el estirado e irónico, a veces sin pretenderlo, hermano de Frasier Crane en Frasier (y por extrapolación en Cheers). Ambos psiquiatras, snobs, pretenciosos y, en ocasiones, un poco patosos en lo que a sus destrezas sociales se refiere. Su carrera comenzó en 1985 con Loca academia de conductores y se ha ido repartiendo a partes iguales entre el cine, con títulos como Abajo el amor, Nixon o El rey pescador y Bichos: Una aventura en miniatura en la que interpreta a Slim (el insecto palo, cuyo nombre significa «delgado»), y la televisión, destacando las producciones Patos poderosos, The Good Wife y, por supuesto, Frasier.

Hay que mencionar también al canadiense Dave Foley y Kevin Spacey, como antagonista de este filme. Foley dando vida a Flik y Spacey, a Hopper. El primero es muy recordado por su personaje de Dave Nelson en la teleserie Días de radio y el Dr. Fulton de The Middle. En lo que respecta a Spacey, no hace falta presentación alguna, pero por mencionar algunos títulos de relevancia como American Beauty, Superman Returns (El regreso) (como versión del Lex Luthor de Gene Hackman de años antes), La vida de David Gale, Sospechosos habituales y recientemente en el remake americano de House of Cards.

En Los Simpson

David Hyde Pierce es también muy reconocido en el ámbito de los amantes de las series por ser la voz de Cecil Terwilliger en Los Simpson, el hermano del maníaco actor secundario Bob al que interpreta Kelsey Grammer, es decir, Frasier Crane; todo un guiño a los seguidores de esa producción (que en España también respetó el juego con sus actores de doblaje, Antonio Esquivias y José Padilla). Esto se repitió con el padre de ambos, Robert Terwilliger Sr., que contará con John Mahoney para ponerle la voz y que es (precisamente) quien interpretará a Martin Crane, padre de los hermanos Crane en Frasier.

Temas que trata Bichos: Una aventura en miniatura

Un genio adelantado a su época.

Aprender a confiar en los otros.

La importancia de la esperanza.

Otras hormigas famosas

El saltamontes y las hormigas

The Grasshopper and the Ants es un corto de 1934 que está dentro de las llamadas Silly Simphonies y, como su nombre deja más que claro, es una versión musicalizada de la fábula de Esopo. Fue dirigida por Wilfred Jackson, uno de los directores de Blancanieves y los siete enanitos, Dumbo y Peter Pan, entre otros legendarios trabajos para Disney, con la voz de Pinto Colvig, actor de Oswald el conejo afortunado, Pluto y Goofy.

La hormiga atómica

En 1965 y de la mano de la otrora poderosa productora Hanna-Barbera, llegó a las pantallas de televisión La hormiga atómica. Un personaje más dentro de su factoría de fantasía, una pequeña hormiga que por culpa de la radiación atómica está cargada de poder y usa sus habilidades para hacer el bien. Desde sus comienzos y hasta mediados de los noventa contó con la voz del legendario Don Messick, que falleció en 1997, y que también dio vida a Scooby Doo y a Papá Pitufo, entre otros.

Antz (Hormigaz)

En general se ha cometido el error de comparar Bichos: Una aventura en miniatura con Antz (Hormigaz) y es un error. La primera está claramente orientada a un público infantil, casi con el único fin de entretener, y la segunda es pura animación para adultos con una fuerte carga reflexiva y crítica. Pero claro, estamos en 1998 y cuesta entender eso de animación para adultos (y décadas después no ha cambiado mucho la cosa). Lo más llamativo de esta producción fue su gran equipo actoral con nombres como Woody Allen, Gene Hackman, Sharon Stone o Sylvester Stallone, y la lista seguiría.

Lógicamente durante la producción surgieron chispas entre Jeffrey Katzenberg (Dreamworks) y Steve Jobs y John Lasseter (Pixar). El primero había dejado The Walt Disney Company tras un enfrentamiento con Michael Eisner y formó su propia compañía con Steven Spielberg y David Geffen, que adquirió Pacific Data Images y se lanzó al mundo de la animación por ordenador. En opinión de Pixar fue una apropiación de ideas que no le pertenecían, mientras que Katzenberg afirmaba que todo era parte de una historia pensada en 1991 por Tim Johnson, director de la cinta además de Vecinos invasores y el corto Homer³ de Los Simpson, entre otros.

Hombre Hormiga

Técnicamente no es una hormiga, pero seguro que sabréis perdonarme y hacerme esta concesión. El Hombre Hormiga, Ant-Man, es una creación de Stan Lee y Jack Kirby que apareció por primera vez en 1962, en la colección Tales to Astonish #27. La historia se titulaba «The Man in the Ant Hill» («El hombre en el hormiguero») y presentaba a un científico llamado Henry Pym. Se trata de una más de las muchas narraciones de la época que se adentraban en la ciencia ficción de serie B. Posteriormente sería integrado dentro del canon de Marvel Comics como el Hombre Hormiga en el Tales to Astonish #35 («The Return of the Ant Man»). En 2015 se estrenó una película de Marvel Studios con Michael Douglas como Hank Pym y Paul Rudd como Scott Lang, segundo hombre en vestir el uniforme de Hombre Hormiga.

Algunos datos curiosos sobre las hormigas

Lo primero es el hormiguero y se hace todo lo necesario para el bien mayor, incluso si esto conlleva la muerte. Si hablamos de hormigas Forelius pusillus, cuando llega el anochecer un grupo de ellas sale al exterior y trabaja para cerrar la entrada (con piedras, barro, ramas...) y que ningún insecto sea capaz de entrar, ni siquiera ellas mismas, que en muchas ocasiones fallecen al pasar toda la noche fuera.

Todos sabemos que las hormigas obreras son grandes trabajadoras, no así las hormigas mieleras, cuya función es descansar y comer cosas dulces que les traigan las otras. Lejos de ser unas vagas lo hacen por el bien de toda la colonia, ya que en épocas de vacas flacas regurgitarán el alimento para el resto de sus compañeras.

Las hormigas esclavizadoras, Myrmoxenus ravouxi, son conocidas por atacar a otras colonias, hacer prisioneros y llevárselos a su hormiguera para llevar a cabo duros trabajos. En toda regla convierten en esclavos a sus congéneres. También están las Protomognathus americanus, que cuando atacan otra colonia, exterminan a los adultos y se llevan a las larvas a su terreno para después esclavizarlas. Pero claro, si hay esclavistas también hay luchadores por la libertad, y se han dado casos de hormigas esclavizadas que se han rebelado y han matado a larvas de sus amos. Imaginaos Espartaco, pero con hormigas.

Si lo anterior os parecía digno de una película slasher hay más. Cuando las hormigas atrapan a un insecto vivo (también las hay carroñeras) lo que hacen es inmovilizarlo, mientras unas le sujetan las patas otras se las amputan para que así no pueda escaparse.

Por si no ha quedado claro, las hormigas son realmente inteligentes con 250 000 células cerebrales en su cabeza. Lo que junto con su rapidez, fortaleza y lo extendidas que están llegando a ser presentes prácticamente en todos los rincones de la Tierra, las convierten en uno de los animales más sorprendentes con los que compartimos este terruño abandonado de la mano de Dios.

Hidden City Coffe, donde nace la magia

Hidden City Coffe era la cafetería sita en 109 Park Pl Richmond, CA 94801 en la que en 1994 empezaron a volar muchos de los proyectos que hemos visto cristalizados en películas bajo la producción de Pixar y The Walt Disney Company. A tal punto llegó el amor que sentía la cafetería por Pixar y Pixar por la cafetería, que ha llegado a tener cameos en películas como en Monstruos S.A. (incluso se usó su nombre durante la preproducción) y en la casa de comidas tenían un pequeño rincón dedicado a Pixar y sus éxitos.

Army Ants. El preBichos

Army Ants es el título de un proyecto cancelado de Walt Disney de los años ochenta, 1988 más exactamente, que iba a estar protagonizado por una hormiga pacifista que vive dentro de una colonia militarizada. La historia no llegó a nacer, pero en cierta forma su esencia sobrevivió hasta convertirse en Bichos: Una aventura en miniatura.

10 detalles que no te puedes perder

1) Las hormigas de Bichos: Una aventura en miniatura parecen ser de una tribu muy especial, quizá mutante, ya que solo tienen cuatro patas, cuando lo normal en la naturaleza es que tengan seis.

2) El protagonista es un genio incomprendido. No duda en inventar aparatos con los que, en teoría, ayudar a su colonia para así hacer de ella un lugar mejor. Para lograrlo usa tecnología hecha con los elementos que tiene cerca y que es innegable que tiene su inspiración en la que vemos de manos de los Pitufos de Peyo.

3) En un momento dado se usa el término «bajeza» (en vez de «alteza»), un guiño a Aladdín, en concreto a cómo el loro Iago llama al malvado Jafar.

4) Flip grita «Hasta el río… ¡y más allá!» autoreferencia de Pixar a su anterior película Toy Story y la frase de Buzz Lightyear «Hasta el infinito… ¡y más allá!». De hecho en las tomas falsas veremos que en primera instancia es lo que dice.

5) Vemos otro guiño a Toy Story en las mismas tomas falsas cuando Woody tiene un cameo.

6) En un principio en las escenas en las que salen todas las hormigas solo iban a ser 51, porque era lo máximo que el equipo decía poder conseguir. No fue así, se esforzaron al máximo y el resultado fue un número de ellas que casi parece incontable.

7) En 1960 se estrenó un western llamado Los siete magníficos (transvase americano de Los siete samurais de Akira Kurosawa) con un reparto coral increíble: Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, James Coburn, Horst Buchholz, Robert Vaughn, Eli Wallach y Brad Dexter. Tuvo una secuela, serie, varias revisiones y finalmente en 2016 una nueva versión cinematográfica, y en esencia Bichos: Una aventura en miniatura tiene algunos paralelismos con ella, ya que parte de la idea de un grupo de extraños que llegan al pueblo para ayudar en un momento de pesar, proviene de allí. Si tienes dudas, revisa el filme original y luego compara ideas.

8) Si Woody aparece en Bichos: Una aventura en miniatura, sucede lo mismo a la inversa cuando en Toy Story 2 se puede apreciar a Heimlich en una rama, justo antes de que pase Buzz por delante.

9) Una de las escenas más memorables de Forrest Gump es la inicial, con esa hoja que va cayendo poco a poco, momento que es homenajeado en Bichos: Una aventura en miniatura. Pixar se enorgullece de su amor al cine y no duda en mostrarlo en sus películas a través de estos pequeños tributos (que en ocasiones, y de forma totalmente equivocada, son considerados copias por algunos).

10) No sucede en la naturaleza, pero en la película tanto la reina como las dos princesas llevan pequeñas coronas que dejan clara su posición de la realeza.

Monstruos, S.A., cuando el miedo es entrañable

Monstruos, S.A. (2001) nos dice algo que todos sabíamos de pequeños… ¡¡¡HAY UN MONSTRUO DEBAJO DE LA CAMA!!! O dentro del armario, o rondando por la habitación, o… Que cada uno elija. Pero lo cierto es que ahí están, nos acechan de noche cuando somos niños, nos asustan y nos hacen gritar… Lo que es distinto es el porqué. No tienen intenciones de comernos o hacernos daño de ningún tipo. Nada de eso. Solo intentan tener energía para su mundo y es que en un realidad paralela, todo está lleno de estas criaturas y nuestros chillidos de infante son lo que alimenta sus baterías.

No son malvados, no quieren hacernos ningún mal, simplemente resulta que nos necesitan y, sin que lo sepamos, somos los responsables de la buena marcha de su mundo.

Pero ya se sabe que la pluma es más poderosa que el florete y como bien dijo Oscar Wilde «La risa no es un mal comienzo para la amistad. Y está lejos de ser un mal final».

Increíble pero cierto

En un primer momento se ponderó algo completamente ajeno a lo que terminó siendo la película y que quizá guarda en cierta forma más parecido con Del revés (Inside Out) que con Monstruos S.A. Lo que Pete Docter quería hacer tenía por protagonista a un hombre de unos treinta años y los monstruos eran las representaciones de sus miedos; así pues según avanzaba la película y el metraje, estos irían desapareciendo.

Boo es ese hombre de treinta años, o más bien la evolución del mismo. La idea fue avanzando pasando a ser un niño, una niña, de origen irlandés, afroamericana, de seis años, de nueve…

Uno de los cambios más pronunciado vino cuando se decidió que Johnson, el Sulley original, tuviera la compañía de Mary, una pequeña digna de temer de unos siete de edad y otros tantos años de aguantar (y aprender) bromas de sus hermanos, que según fuentes iban a ser cuatro o nueve…

…hasta que al final se llegó por fin a la idea de que fuera de unos dos/tres, con el adorable aspecto que todos conocemos y manteniendo el mismo nombre, el mismo que su actriz de doblaje, solo que jamás se llegará a decir en la película (pero sí a verlo).

Los personajes principales

James P. «Sulley» Sullivan

Sulley es el tipo de persona que todos querríamos ser. Emprendedor, exitoso, querido y respetado, adora su trabajo y su trabajo le adora a él. Parece que no hay nada que no sea capaz de hacer si se lo propone. Quizá su único defecto es que sea muy exigente; pero de verdad, no como esa gente que lo pone en su currículum. Es alegre, sonriente y no parece tener muchas preocupaciones. Hasta que una noche se topa con una niña humana que ha entrado al mundo de los monstruos, y entonces todo se va al garete.

El proceso de creación de una obra es algo realmente largo y muy, pero que muy, complejo. Se parte de una idea inicial que puede venir dada por una escena que se ha imaginado, por una canción, un sentimiento o un dibujo en una libreta (este libro viene de una conversación en la Feria del Libro de Madrid).

Sulley en un origen no era el triunfador que aparece en la película, su papel iba a ser mucho más secundario, como un limpiador o un asustador retirado por culpa de una ceguera que es consecuencia de un accidente laboral. También pudo ser marrón, naranja y verde (¿no os suena?), y con tentáculos en vez de piernas. O un diseño totalmente distinto, como muestra una ilustración de 2001 de Carter Goodrich.

O haberse llamado Johnson y ser un personaje totalmente distinto. Si Sulley es la estrella de Monstruos S.A. (y según aclaran en Monstruos University es hijo de otra leyenda) aquí era el peor asustador de la empresa, constantemente temeroso de perder su empleo mientras sentía envidia hacia un compañero, de la misma profesión que él, solo que era el mejor.

Mike Wazowski

Mike fue creado por una simple necesidad, la de que Sulley tuviera un igual con el que comunicarse y al que poderle contar sus preocupaciones. De no haber sido así, sería un monstruo charlando con una niña pequeña, que quizá podría haber funcionado pero hubiera resultado una película totalmente distinta.

Si Sulley es el tipo que todos querríamos ser, Mike es el amigo que todos querríamos tener. Amable, simpático, se preocupa por nosotros, es sincero, no nos juzga, nos da su apoyo y está siempre, a las duras y a las maduras. ¡Incluso pasará las puertas del infierno por nosotros! O la puerta que sea cuando nos destierren por liarla, pero eso son solo pequeños matices.

El monstruo que copió al ratón

Stanley Mouse es un ilustrador americano que destaca por su trabajo exagerado, con tintes psicodélicos y fantasiosos, reconocido por sus portadas de discos para Grateful Dead y Journey, entre otros.

Este artista tuvo enfrentamientos con Pixar y Walt Disney por la película Monstruos S.A. ya que los dos personajes protagonistas se asemejan a trabajos suyos de años anteriores. Si bien en el caso de Sulley es algo abierto a interpretaciones, en lo que a Mike se refiere no hay mucho lugar a dudas al compararlo con un dibujo de un monstruo pequeño, redondo, con dos finas patas y un enorme ojo en el rostro que formaba parte del guión de una película llamada Excuse My Dust, que intentó vender sin éxito.

Igual de poco éxito tuvo su enfrentamiento con Walt Disney y Pixar, que salieron indemnes y en todo momento declararon que el trabajo que ellos desarrollaron era independiente del del autor demandante. Como pasa en otros muchos casos, que cada uno saque sus propias conclusiones; lo que es cierto es que no deja de ser irónico que el problema haya venido justo por culpa de alguien llamado Mouse.

Círculo y rectángulo

¿No os habéis dado cuenta? En esencia la forma básica de Mike es un círculo y la de Sulley un rectángulo. No es algo casual, también es una representación de sus caracteres y formas de ser.

Si no me crees, haz la prueba. Dibuja un círculo, añade dos cuernos, ponle piernas, brazos y un ojo en medio. Después haz un rectángulo que sea más o menos el doble de grande con otro más pequeño encima, ponle dos piernas y dos brazos, unos cuernecitos en el rectángulo más pequeño, una sonrisa y voilá, ya tenemos a Mike y Sulley.

«Like Woody and Buzz, they’re friends, but they’re different (…) The song reflects their friendship essentially.»

«Igual que Woody y Buzz, son amigos pero diferentes. (…) La canción refleja su vital amistad.»

Randy Newman

Boo

Boo es la adorable niña pequeña de cabello negro y mofletes rechonchos que se colará en el mundo de los monstruos. No es realmente consciente del lío que ha provocado y de lo que podría llegar a pasar, solo es una cría inocente que se ha encontrado con un gatito enorme y adorable y su divertido pequeño amigo de un solo ojo.

Lo cierto es que el haberse decantado por un personaje de estas características ayuda a que el filme avance y no haya que pararse a explicar demasiadas cosas. De haber sido alguien con algo más de edad esto no habría sido posible, ya que en todo momento querría saber más e incluso podría llegar a entrar en pánico por lo que tiene delante.

Secundarios malvados

Randall Boggs

Randall es un ser despreciable, un cizañero envidioso que se siente menospreciado y que está a la sombra de Sulley. Es muy bueno en su trabajo, de los mejores, pero eso no basta para él, y hará lo posible por quitar del medio a su mayor competidor.

Como se sabrá en Monstruos University todo este rencor y odio viene desde sus días de estudiantes, al igual que la amistad de Mike y Sulley.

Henry J. Waternoose

El noble y bondadoso empresario que regenta Monstruos S.A. Uno de los hombres más justos que existen (monstruos, más bien) y en el que Sulley tiene total confianza. No pretende enriquecerse con su empresa, aunque sea rico, solo prestar el servicio para lograr que el mundo siga girando.

O no.

Las luces y las sombras siempre son más oscuras cuando nadie mira.

Tras esa respetable apariencia se esconde alguien que no duda en quebrantar las normas (las suyas y las de los demás), en mentir, e incluso en desterrar a los dos protagonistas para salirse con la suya. Puede que sus acciones hayan llegado a más, esto solo queda a la suposición.

En cierta forma se asemeja a Wilson Fisk, Kingpin, de los cómics Marvel al que muchos conocerán por la estupenda interpretación del mismo que hizo Vincent D´Onofrio en la serie de Netflix Daredevil. Este villano habitual del hombre sin miedo y también de Spider-Man es voluminoso y calvo, como Henry J. Waternoose, viste de forma elegante y tiene una intachable imagen pública que le sirve para ocultar sus actividades delictivas.

James Coburn es el responsable de poner su voz a este personaje, un veterano actor de esos de rostro duro y perfectos para el western como la popular serie Bonanza, The Restless Gun o The Life and Legend of Wyatt Earp, y en el cine con inolvidables títulos como Los siete magníficos, que tuvo su bastante digno remake en 2016, Charada, La Cruz de Hierro, La gran evasión, Flint, agente secreto y su secuela F de Flint, que parodian al conocido James Bond. A lo largo de sus varias décadas de trabajo ha estado a las órdenes de Sam Peckinpah, Sergio Leone o Blake Edwards.

Lo que dicen de los humanos

En el mundo de Monstruos S.A. necesitan de los gritos de los humanos para sobrevivir (y posteriormente de las risas) pero a pesar de esta simbiótica relación no parecen saber realmente mucho sobre nosotros.

Ellos piensan que somos seres tóxicos, al igual que cualquier cosa que hayamos tocado, y que pueden morir por nuestra culpa. Una mentira, claro, pero que ha pasado a leyenda urbana y creencia popular que nadie duda.

Algunas influencias

Igual que pasaba a menudo en Star Trek (y si alguien tiene dudas, que vea Star Trek: el viaje de una generación). En Pixar son amantes de los libros y las influencias de los mismos se hacen notar.

The Ransom of Red Chief

The Ransom of Red Chief es un relato corto de 1910 escrito por O. Henry, pseudónimo del periodista y escritor William Sydney Porter, creador del popular personaje Cisco Kid y de relatos como Memorias de un perro amarillo o Un amante tacaño.

La historia presente trata de dos delincuentes que secuestran a un niño que les lleva al borde de la locura con su comportamiento hiperactivo y fastidioso, al punto de que pagarán al padre para que lo acepte de vuelta. Ha sido adaptado varias veces y en distintos formatos, uno de ellos contó con Haley Joel Osment como el temible muchacho.

Por lo que cuentan en Pixar en un origen Mary, la compañera de Johnson (el Sulley preSulley), se inspiraba en este personaje.

Donde viven los monstruos

Donde viven los monstruos es un clásico infantil de obligada lectura, que tuvo una preciosa adaptación cinematográfica en 2009 de la mano de Spike Jonze, con Forest Whitaker y James Gandolfini prestando sus voces, y una banda sonora increíble.

El relato original fue publicado por primera vez en 1963, está escrito e ilustrado por Maurice Sendak y presenta a Max, un niño solitario que sueña con ser un monstruo y que sorprendentemente una noche llegará hasta una extraordinaria isla poblada por estos seres, que además le coronarán su rey.

De esta historia se planeó una posible película por parte de Walt Disney en 1983. De haberse llevado a cabo habría contado con una escenografía creada por ordenador, personajes en tradicional 2D y la dirección de John Lasseter.

Jim Henson

Muchos artículos sobre Jim Henson empiezan diciendo que era un marionetista, y es cierto, pero creo que lo mejor es decir que era un genio dotado de una delicadeza increíble en sus creaciones y una fantasía desbordante. Viendo Monstruos S.A. es imposible no ver más de una deuda para con su trabajo, tan lleno de monstruos peludos y de colores. De hecho, muchos de los concept arts del filme emulan a los propios bocetos del padre de la rana Gustavo (René en Latinoamerica o Kermit, si somos puristas).

Lo cierto es que estas similitudes también han llevado a que se acuse de plagio a Pixar. Cierto es que hay un inherente parecido entre Gustavo y Mike, al igual que entre Triki (el monstruo de las galletas) y Sulley.

«That definitely framed who I am and the type of characters I’m attracted to. Really, all the Emotions are kind of like Muppets.»

«Eso fue lo que claramente enmarcó quién soy y el tipo de personajes que me gustan. De verdad, todas las emociones son algo así como los Teleñecos.»

Pete Docter

Actores de voz

John Goodman

John Goodman es un hombre de enorme talento (y tamaño) cuya presencia en un filme siempre asegura que, al menos, en lo que se refiere a la actuación, podremos disfrutar. Quizá todo lo demás falle, pero su interpretación siempre es digna de elogio; da igual si es en Barton Fink, El Gran Lebowski, Calle Cloverfield 10, El bar Coyote o Kong: La Isla Calavera, es uno de los mejores y siempre es un placer verle en pantalla.

Un talento que ha sido honrado en 2017 al darle su propia estrella en el Paseo de la Fama (la número 2603) y a lo que él mismo se refirió como «algo increíble». Un homenaje muy merecido y hacía años que se merecía, ya que desde los años ochenta está en activo y fue en esa década cuando saltó por completo a la fama gracias a la serie televisiva Roseanne y su personaje de Dan Conner.

Una carrera muy ecléctica en la que ha ido mezclando grandes títulos con otros más desconocidos e incluso de culto, pasando sin problema del cine y la televisión a ser actor de voz, y saltando de nuevo. Un grande, eso es lo que es.

Santiago Segura

Santiago Segura es un director y actor español que encontró el éxito gracias a su creación de José Luis Torrente, del que vino una saga cinematográfica que se ha extendido también a otros medios e incluso cuenta con su propia parodia pornográfica y, quizá, termine llegando a Hollywood algún día (hace tiempo que hay conversaciones oficiales sobre ello).

Este intérprete tiene en su haber Acción mutante, El día de la bestia, la irreverente Muertos de risa y la biopic El Gran Vázquez, en la que vida al dibujante Manuel Vázquez, se entremezcla con sus propias viñetas y las leyendas que de él mismo existen.

En nuestro país fue también el encargado de doblar a Sulley, no siendo esta su única incursión en el mundillo del doblaje, pues también ha puesto voz al Drácula de Adam Sandler de la película Hotel Transilvania (1 y 2), a sí mismo en varias ocasiones y a Max Bialystock en el remake de 2005 de Los productores. Este último por ya interpretar el mismo papel en el musical en Madrid, junto al también cómico José Mota como Leo Bloom.

Billy Crystal

La participación de Billy Crystal en Monstruos S.A. tiene su punto de ironía, ya que años antes pudo ser Buzz Lightyear en Toy Story y lo rechazó, algo que él mismo reconoce que fue un error. Así que su interpretación de Mike Wazowski sirve también a modo de resarcimiento para el intérprete, que dio vida al Milagroso Max en La princesa prometida.

Entre sus muchos y recordados títulos están Cuando Harry encontró a Sally…, Una terapia peligrosa (y su secuela), Abuelos al poder, en la que comparte protagonismo con la maravillosa Bette Midler, y por supuesto por haber estado al frente de la ceremonia de los Oscar en nueve ocasiones (1990, 1991, 1992, 1993, 1997, 1998, 2000, 2004 y 2012), convirtiéndose en uno de los nombres que en más ocasiones lo ha hecho.

José Mota

Es precisamente José Mota quien pondrá su voz a Mike Wazowski, con una calidad mucho mayor que la de su compañero, y es que este actor además de ser bien conocido por su faceta cómica (en el dúo Cruz y Raya o en solitario) tiene también una buena experiencia como actor de doblaje gracias a sus trabajos como Goomer, Shrek, Hellboy: el ejército dorado y Monstruos S.A. (junto con su secuela y el corto El coche nuevo de Mike).

Sin duda este hombre no precisa presentación, ya que desde los años ochenta formó pareja cómica con Juan Muñoz, siendo las dos parte del dúo Cruz y Raya, hasta que en 2007 se confirmó de forma oficial su separación. Tras esto emprendió una exitosa carrera en solitario con el show La hora de José Mota, La noche de José Mota y José Mota presenta, que vienen a ser en esencia el mismo programa.

Steve Buscemi

Hay actores que se encumbran bajo ese título que es el de secundario, a pesar de que en una producción bien podría decirse que no hay tales, ya que todos son imprescindibles para lograr el buen éxito del filme. Pero si hay que situar a Steve Buscemi en alguna categoría sería en esta. En parte es inevitable que en un mundo tan superficial como es Hollywood sea algo debido a su aspecto físico, que dista mucho de ser agraciado, pero lo que no se puede contradecir es que su talento desborda por todas partes.

Inolvidable en Desperado como Buscemi (así se llamaba su personaje), es habitual del cine independiente pero no por eso deja de lado el aparecer en cintas comerciales si surge la ocasión. Ha trabajado a las órdenes de Scorsese y los Coen, además de ser uno de los Reservoir Dogs de Quentin Tarantino. Quizá los lectores de cómic le recuerden más por su participación en Ghost World, adaptación de Terry Zwigoff de la obra de Daniel Clowes, y el público en general por ser protagonista de la exitosa serie de la HBO Boardwalk Empire.

Monsters University

Monstruos S.A. tuvo una secuela pero lo hizo en forma de una precuela llamada Monstruos University (2013), en la que el público podrá encontrarse con su asustador favorito y su compañero cuando eran jóvenes. Una película que de nuevo cae en el tópico de Pixar de ser una buddy movie, de dos extraños que no se aguantan y están destinados a entenderse, e incluso a ser los mejores amigos.

También se inscribe en la larga tradición de películas americanas sobre la universidad desde Desmadre a la americana a Van Wilder: Animal Party y la muy desconocida Cláusula de escape. Un género en el que también se pueden incluir algunas sobre institutos en años finales de estudio como American Pie (saga que se extendió durante más de una década) y por supuesto Grease, siendo un formato de filmes muy populares en Norteamérica a pesar de lo repetitivos que suelen llegar a ser.

Monstruos University no presenta ninguna novedad a lo ya contado, pero al igual que muchas de ellas es divertida y tiene un cierto mensaje de comprensión y entendimiento, mientras que lo único que pretende es entretener a la gente de las butacas, y eso lo hace a la perfección.

Así esta precuela en la que repiten varios de los personajes de la anterior película, entre ellos está el no todavía malvado Randall, llegó a los cines para dar una versión más joven de los protagonistas, lo que según cuentan desde Pixar no fue del todo sencillo; menos todavía en el caso de Mike, que en esencia es solamente un círculo con el que poco se puede jugar.

«I've been waiting for this my whole life! I'm gonna be a scarer!»

«Llevo esperando esto toda mi vida. Voy a ser un asustador.»

Mike Wazowski

Dan Scanlon

Dan Scanlon es el director de Monstruos University, que también firma la historia junto a Daniel Gerson y Robert L. Baird. Anteriormente trabajó en la saga de Toy Story y de Cars, con el cortometraje Mate y la luz fantasma, y en la película de acción real Tracy, que el mismo escribió.

Antes de pasar a formar parte de las filas de Pixar lo hizo en las de The Walt Disney Company, que tras la compra del primero realmente son lo mismo (con matices), trabajando en los story boards de varias secuelas de sus clásicos (Tarzán 2, 101 Dálmatas 2, La sirenita 2: Regreso al mar y El jorobado de Notre Dame 2).

«We want it to be a really fun college movie, but we also want to — we always want to touch something in people emotionally with our films. We feel like this film is very much about what happens when you come up […] and how you let go of the thing that you think you absolutely have to be to be happy in order to find out who you truly are.»

«Queríamos que fuera una película de universitarios realmente divertida, pero también queríamos… siempre queremos llegar emocionalmente a la gente con las películas. Nos da la sensación de que esta película va sobre qué ocurre cuando te muestras (…) y cómo dejar ir aquello que pensabas que debías tener sí o sí para ser feliz en pos de descubrir quién eres de verdad.»

Dan Scanlon

Monsters, Inc. 2: Lost in Scaradise

Antes de Monstruos University hubo planeada una secuela llamada Lost in Scaradise; un proyecto que iba a ser realizado por los guionistas Rob Muir y Bob Hilgenberg, en teoría de igual calidad a la original (según ellos dicen) y que en lugar de estar realizada por Pixar lo iba a estar por Circle 7 Animation, la productora que Michael Eisner, desde The Walt Disney Company, puso en marcha (ya que por el acuerdo de distribución también se quedaba los derechos de los personajes) y que no llegó nunca a nada.

El argumento presentaba a Mike y Sulley atravesando la puerta de Boo por su cumpleaños, para encontrarse al otro lado con una anciana durmiendo. La pequeña se ha mudado y ellos, tras quedarse atrapados en nuestro mundo, tendrán que encontrarla e intentar regresar a casa. La aventura está servida.

¿Te has quedado con ganas de más? Entonces estás de suerte, todavía puedes verte los cortos El coche nuevo de Mike y Party Central para tener una nueva dosis de Mike y Sulley.

Temas que trata la saga Monstruos

Empresas malvadas

La unión hace la fuerza

El valor del aprendizaje

Acusaciones de plagio

Llega un momento en el que parece que es imposible separar a Pixar del plagio. Sea cierto o no que se ha cometido, ahí está siempre acechando a la puerta. ¿Son tan amantes del cine los creadores que no dudan en fusilar otras películas? La duda queda en el aire y que cada uno medite sobre ello.

There´s a Nightmare in my Closet

Este libro de Mercer Mayer narra la historia de un niño y el monstruo que vive en su armario, con ciertos parecidos evidentes con Monstruos S.A. y la duda de si fue una inspiración o algo más. Curiosamente esto mismo sucede con el relato que se publicó por primera vez en 1968 y el muy conocido Donde viven los monstruos de Maurice Sendak.

Little Monsters

En los años ochenta el niño Fred Savage fue muy popular gracias a la serie Aquellos maravillosos años. Gracias a eso se ganó el cariño del público y actuó en filmes como la preciosa La princesa prometida o Little Monsters. Este título se ha considerado una fuente de plagio hacia la creación de Pixar por varios motivos, empezando por la amistad de un pequeño con un monstruo, que además es azul, con cuernos y manchitas púrpuras.

Randy Newman

Randy Newman es un compositor que nació en 1943 y que se ha convertido en toda una referencia en la industria, además de haber disfrutado de una interesante trayectoria profesional colaborando con las películas de Pixar. En todo su haber destacan filmes como James y el melocotón gigante, la bella Pleasantville o Tiana y el sapo. También es el creador de The Ballad of the Three Amigos (La balada de los Tres Amigos)

En el caso de Pixar ha puesto su granito de arena en Toy Story, Bichos: Una aventura en miniatura, Toy Story 2, El coche nuevo de Mike, Cars, Cars 3, Toy Story 3, Toy Story 4 y en Monstruos S.A., lo que le valió un Oscar por su canción «If I Didn't Have You». Un muy merecido premio al que había sido nominado anteriormente, entre otros muchos reconocimientos a su talento y magia musical.

«The people at Pixar liked that 1940s jazz.»

«A la gente de Pixar le gustaba ese jazz de 1940.»

Randy Newman

10 detalles que no te puedes perder

1) El primer monstruo que vemos en la película es realmente un estudiante, puede suponerse que un becario, quizá, lo que en parte adelanta lo que será la segunda entrega Monstruos University.

2) Si os fijáis veréis que en ese primer susto el niño tiene un peluche de Humpty Dumpty o Zanco Panco en nuestro país. Personaje de una canción inglesa pero que es internacionalmente conocido gracias a Lewis Carroll y su Alicia.

3) El toque monstruoso está en todas partes, no solo en los protagonistas. En las casas, la decoración, el mobiliario… todo tiene esencia monstruil.

4) Ted, personaje del que solo vemos sus patas, es un homenaje a Godzilla que es (bien lo sabemos sus fans) el rey de los monstruos. Un homenaje que se completa con un grito muy característico que no es el rugido de la creación de la Toho, sino el graznar de una gallina.

5) El restaurante en el que cenan Mike y Celia se llama Harryhausen, igual que Ray Harryhausen. Este profesional es una leyenda del cine y más en concreto de los efectos especiales, siendo todo un revolucionario en ese campo y teniendo en su haber obras tan reverenciadas como Furia de titanes o Jasón y los argonautas.

6) El Yeti, el monstruo del lago Ness, el Bigfoot… Y podemos asumir que otros tantos monstruos que son famosos en nuestro mundo resulta que, según se explica, son exiliados del otro.

7) La universidad rival de la Monstruos University, la Politécnica del Miedo, tiene como mascota a un cerdo (sustipuerco), algo que hemos visto un buen número de veces en otras comedias de estudiantes, empezando por el divertido episodio de Los Simpson «Homer asiste a la universidad» en el que aparecerá Sir Oinkcelot (Sir Oinks-A-Lot).

8) La hermandad a la que Mike y Sulley pertenecen en la facultad es la Oozma Kapa, cuyas siglas son OK. Ozma (con solo una «o») es también un personaje creado por L. Frank Baum en la larga saga de Oz, en concreto además da nombre al libro Ozma de Oz (El título original completo es Ozma of Oz: A Record of Her Adventures with Dorothy Gale of Kansas, Billina the Yellow Hen, the Scarecrow, the Tin Woodsman, Tik-Tok, the Cowardly Lion and the Hungry Tiger; Besides Other Good People Too Numerous to Mention Faithfully Recorded Herein).

9) Una de las lamias de Monstruos University se llama Carrie Williams, igual que la protagonista de la novela Carrie. Esta obra literaria fue adaptada en 1976 como un filme que se ha ido convirtiendo en un título imprescindible entre los amantes del terror, en 2002 en formato de telefilm y también en el 2013 en una nueva versión que no ha logrado igualar ni de lejos la popularidad de la original.

10) Entre las muchas referencias a filmes de monstruos, tanto en la primera como la segunda entrega, se cuenta la saga de Viernes 13, en concreto es en Monstruos University, cuando al final de la película Mike y Sulley están en un campamento a la orilla de un lago. Un escenario que recuerda mucho al de Crystal Lake en el que Jason Voorhees se convertirá en una imparable máquina de matar.

Nemo, el pez que conquistó corazones

Quiero dejar una cosa clara. No me gusta Buscando a Nemo (2003) y lo cierto es que tampoco lo hace Buscando a Dory (2016). Sencillamente no encuentro mayor interés en su argumento y los personajes llegan a parecerme cansinos. Pero claro, por otro lado hay que alabar el gran trabajo que desde Pixar se realizó animando y dando personalidad a estos seres marinos, creando un fondo del mar precioso y real a la par que algo caricaturizado, y llevando de nuevo al público a las salas de forma masiva.

También es una película diferente a las que habitualmente sirve esta productora, puesto que el protagonismo (por esta vez) recae en un adulto que además es padre, y no en su hijo con el que tiene que arreglar algo. En cierta forma se roza también el ya habitual género de buddy movie con la relación entre Marlin (padre de Nemo) y Dory, que a pesar de sus diferencias terminarán siendo buenos amigos. Y Nemo, por supuesto, el pequeño y adorable Nemo que disparó las ventas de peces payaso en todas partes.

«I spent the whole production of the movie wondering if we were going to have sushi at the wrap party.»

«Me pasé la producción entera de la película si íbamos a tener sushi en la fiesta de celebración al acabar la película.»

Lee Ulkrich

El nacimiento de Nemo

Andrew Stanton quiso hacer la película cuando se dio cuenta de lo mucho que sobreprotegía a su hijo, pero en realidad según él ha contado el origen se puede rastrear hasta bastante tiempo antes, a cuando era niño. De infante disfrutaba viendo la pecera que su dentista tenía en la consulta (precisamente por eso están, para ayudar a que la gente se relaje) y otro tanto por su viaje al parque Marine World (también conocido como Marine World Africa USA, The New Marine World Theme Park, Six Flags Marine World) en un periplo familiar.

Según él mismo cuenta todo viene desde la época de Toy Story, cuando empezaban a trabajar con los gráficos por ordenador, y tras visitar un acuario se planteó si podrían ser capaces de replicarlo en un filme. La idea le quedó rondando por la cabeza y así fue hasta Bichos: Una aventura en miniatura y Toy Story 2, en las que seguía intentando imaginar una historia que pudiera suceder bajo las aguas marinas.

Entonces recordó esa pecera en el dentista y cómo de pequeño pensaba en que seguramente esos peces querrían volver a casa, al mar. Pasó el tiempo y llegó el final de Bichos: Una aventura en miniatura, cuando él estaba hasta arriba de trabajo y decidió darle un día especial a su hijo al que apenas veía, con el resultado ya mencionado.

Sin saberlo, Buscando a Nemo había nacido. Solo que era algo diferente, un poco más oscuro. La muerte de la madre no sucedía al comienzo del filme, se iba mostrando en flashbacks a lo largo del metraje, con Gill (el pez de mar atrapado en la pecera del dentista) como villano de la historia. Más bien lo que se hacía era dejar sus intenciones sin aclarar del todo, dejando que el personaje fuera más ambiguo y por ello algo aterrador. Lo cierto es que las primeras pruebas no gustaron al equipo, tampoco a los directivos y el propio Michael Eisner se refirió al filme como «reality check» («golpe de realidad»), el filme era derrotista y triste, Marlin no terminaba de ser él mismo y Gill tenía que pulirse, además de que se terminaría cambiando el enfoque y el ritmo del montaje.

Al proyecto se sumó Lee Ulkrich, a petición de Stanton, que se lo propuso al terminar de rodar Monstruos S.A., de la que por cierto usa la tecnología para animar el cabello de Sully para hacer lo propio con las anemonas que salen en el filme.

«We all worked together very tightly on Toy Story.»

«Todos trabajamos muy unidos en ToyStory.»

Andrew Stanton

Dan Lee, el padre de Nemo

James Baker, profesional de la animación desde 1982, describe a Dan Lee en su blog como «amazingly talented» («con un talento impresionante») y recuerda cómo fue el primero de los creativos en dar con lo que sería la versión final de Nemo y su padre. Logró lo que se estaba escapando a todos, logró crear un «cute fish» («pez adorable»).

Dan Lee falleció en 2005 con tan solo 35 años de edad. Un duro golpe para sus amigos y compañeros. Había trabajado en dibujos animados televisivos para Walt Disney (Aladdín, El pato Darkwing y La troopa Goofy) y también en anuncios, pasando por varias productoras hasta que en 1996 encontró en Pixar el que era realmente su hogar.

Allí trabajó en Bichos: Una aventura en miniatura, Monstruos S.A. y Rataouille, película que está dedicada a su memoria. En estos títulos fue el responsable de dar vida a la princesa Atta, Waternoose o la pequeña Boo.

Como pez en el agua

Marlin

Marlin es, junto con la reina Eleanor, el único padre protagonista de una película de Pixar. Otros, como la entrañable madre de Andy de Toy Story o lo padres de Riley, son presencias de relevancia en la trama y en la vida de los personajes, pero generalmente se quedan de fondo y no toman parte activa en la aventura.

Este caso es distinto y tiene mucho que ver con el director de la película Andrew Stanton (con codirección de Lee Unkrich). Según ha dicho en entrevistas, parte de la personalidad de este pez payaso viene de la suya misma y de un paseo con su hijo en el que todo el rato le decía que no hiciera eso o no tocara lo otro; hasta que de pronto se dio cuenta de que estaba perdiendo tiempo que podría gastar divirtiéndose con él.

Esto le hizo reflexionar y escribir un guión al respecto, que después fue tocado por otros miembros de Pixar para crear el mundo de Nemo. Así nació Marlin, el preocupado padre del pececito que, siguiendo la habitual tradición de Pixar, emprende un viaje que será tanto geográfico como espiritual, aprendiendo por el camino y cambiando para ser el padre que realmente quiere ser. Hace lo que jamás pensó que haría: se arriesga y pone en peligro su vida para lograr encontrar a su pequeño Nemo.

En la naturaleza no hablaríamos del padre de Nemo, dado que el pez payaso es hermafrodita protándrico y puede cambiar de sexo dependiendo de las circunstancias que le envuelvan; se habría convertido en hembra tras la muerte de su esposa. Por lo tanto, estaríamos tratando con la madre de Nemo, la única que él habría conocido.

Dory

Lo cierto es que más allá de Nemo y de Marlin hay un personaje que logró hacerse con el corazón del público, de la crítica y (hay que decirlo) del merchandising: Dory. La divertida y olvidadiza Dory.

Ese entrañable personaje azul y amarillo se convierte a la fuerza (a la fuerza de su empeño) en amiga del protagonista y posteriormente en un miembro más de la familia; a pesar de su pequeño problema de memoria que le impide recordar nada a corto plazo, salvo su lema personal de «Sigue nadando» que, al igual que el «Keep Walking» de Johnnie Walker, se ha convertido en (casi) un mantra para muchas personas.

Dory, que en un principio iba a ser un personaje masculino, tiene serios problemas para recordar el nombre de Nemo (y el de cualquiera, la verdad) y le llama Chico, Fabio, Bingo, Harpo y Elmo. Solo le falta Groucho y Gustavo (Kermit) para completar el show.

Nemo es una referencia más que directa a uno de los más grandes personajes marinos jamás concebidos, el capitán Nemo. Un nombre cuyo significado es «nadie» y tras el que se escondía el príncipe Dakkar, algo que se sabrá en su segunda y última aparición, que fue en La isla misteriosa. Antes de eso fue uno de los protagonistas, si no el protagonista, de Veinte mil leguas de viaje submarino de Julio Verne, novela que ha sido adaptada numerosas veces, al igual que su secuela, y dando al pirata científico los rostros de Omar Shariff y Patrick Stewart, o el de James Mason en 1954 para Walt Disney.

«It turns out that having no short-term memory is the worst quality to give a main character ever.»

«Resulta que no tener memoria a corto plazo es la peor cualidad que se le puede dar a un protagonista.»

Andrew Stanton

Nemo

A pesar de dar nombre a la película, Buscando a Nemo, y ser el elemento que hace que todo se mueva, no es en realidad el protagonista y este papel recae sobre Marlin, junto con Dory. Lo que sí es cierto es que si no es porque el pequeño pez se pierde nada habría pasado, y el viaje de su padre no habría empezado.

Nemo es un niño igual que todos. Alegre, curioso, no es consciente de los peligros que le rodean. Perdió a su madre (no la llegó a conocer) y tiene una aleta más pequeña que otra, lo que tampoco parece importarle mucho, y solo le hace empeñarse más en luchar por aquello que quiere; da igual si es ir al colegio, enfrentarse a peligros o lograr salir de una pecera para reunirse con su padre.

Coral, la desaparecida madre

La madre de Nemo es la gran víctima de la película. Fallece al poco de comenzar la película, junto con todos los hermanos del pequeño, lo que hace que a partir de entonces el pobre Marlin viva en constante tensión para lograr evitar que no le pase nada a su hijo.

Este comienzo estuvo a punto de quedarse fuera del filme, ya que los guionistas consideraban que podía ser una forma muy fuerte de empezar, e incluso aterradora, para parte del público. Por otro lado debía darse una explicación del porqué él actúa así con Nemo, con lo que finalmente se decidieron a seguir adelante con ello.

Los tiburones

Recuerdo que la primera vez que vi Buscando a Nemo pensé: ¿esa es la voz de Javier Gurruchaga? Y lo era, por partida doble. Una de las veces poniendo sus dotes para dar vida al tiburón Bruce, que junto con Anchor y Chum intentan dejar atrás su pasado como predadores para tener una nueva vida lejos de sus sangrientas ansias.

Sus actitudes y reuniones recuerdan mucho a las de Alcohólicos Anónimos, sin juicios para nadie, con total comprensión y apoyo por parte de cada uno de sus miembros para con los demás. Con ellos el tratamiento de personajes de Pixar brilla al lograr que unos seres tan aterradores como los tiburones, y más en el cine gracias a filmes como Tiburón o Sharknado, se muestren tan entrañables y simpáticos.

Igual que siempre, las referencias cinematográficas y homenajes a películas anteriores están a la orden del día, como la frase de «Aquí está Brucie», que sirve de parodia a la conocida «Aquí está Jack» de El resplandor de Stephen King. El nombre de Bruce sirve también para homenajear a la citada Tiburón (Jaws, «Mandíbulas», en su título original), ya que es como se llamaron los cuatro tiburones falsos que se usaron durante la grabación del conocido filme. Fueron creados por Robert A. Mattey, que había trabajado anteriormente para Disney en 20.000 leguas de viaje submarino, siendo el encargado de fabricar el calamar gigante.

Otros compañeros de viaje

El mundo de Nemo es variado y rico, al igual que lo es en la realidad el fondo marino. Así, además de los que ya se han presentado estarían también las tortugas marinas de avanzada edad, rasgo que en el diseño original aparentaban; las divertidas a la par que simples gaviotas que tanto recuerdan a Feathers McGraw de Wallace y Gromit: Los pantalones equivocados (de los inmortales Wallace y Gromit); o los peces del acuario del dentista que intentan llegar al mar convencidos de que todos los desagües llevan hasta él (todos los caminos llevan a Roma).

«Sólo los peces muertos siguen la corriente.»

Anónimo

Voces bajo el agua

William H. Macy es un nombre bien conocido entre los amantes del cine independiente, aunque también se le ha podido ver en filmes comerciales. Uno de esos actores que parecen saber hacer de todo y que en muchas ocasiones suele aparecer como un padre de familia de clase media, papel que realmente le va como anillo al dedo. Entre los muchos títulos a recomendar de él estarían Pleasantville, Abajo el periscopio, Fargo, Mystery Men o la serie Shameless. En un comienzo él iba a ser el encargado de poner la voz a Marlin, el padre de Nemo, pero posteriormente se concluyó que su tono no era el adecuado, y pasó el testigo a Albert Brooks.

Este actor ha aparecido en las producciones Al filo de la noticia, Dr. Dolittle (el remake de 1998 protagonizado por Eddie Murphy en sustitución de Rex Harrison) poniendo la voz al tigre Jacob, Hasta que la muerte los separe y también ha sido el villano bondiano de Los Simpson Hank Scorpio. Desde que comenzó su carrera, allá por finales de los sesenta, se ha convertido en uno de los nombres reconocibles de la stand up comedy americana, lo que le ha llevado a formar parte de los dos shows americanos más importantes en este aspecto: The Tonight Show y Saturday Night Live.

«I have been non-stop promoting this film for 9 years.»

«No he dejado de promocionar esta película en 9 años.»

Albert Brooks

En nuestro idioma ha contado con la voz de José Luis Gil y el mexicano Herman López. El primero es bien conocido por su papel de Juan Cuesta en la serie Aquí no hay quien viva, además de contar con una larga y dilatada carrera como actor de doblaje. El segundo es también un veterano del doblaje que ha interpretado a Guepardo (Lobezno en España), y ha participado en reconocidos productos como las Tortugas Ninja, El laboratorio de Dexter o la saga de los Power Rangers.

Dory, la encantadora y olvidadiza Dory, tiene la voz de Ellen DeGeneres en inglés (y de Anabel Alonso en España), pero estuvo a punto de no ser así, ya que al principio el creador de la historia quería a Megan Mullally, conocida por interpretar a Karen Walker en la serie televisiva Will & Grace. El problema es que la propuesta era que hiciera la misma voz que en ese programa, motivo por el que ella lo rechazó y entonces entró en juego Ellen DeGeneres.

Esta actriz es uno de los rostros más reconocibles de la televisión norteamericana, presentadora de éxito con su propio programa (Ellen: The Ellen DeGeneres Show, que lleva más de una década en antena), ha sido también la responsable de llevar la batuta en varias ceremonias de los Oscar e incluso ha protagonizado su propia serie televisiva llamada, lógicamente, Ellen y su personaje Ellen Morgan.

Para dar voz al pequeño Nemo está Alexander Gould, un joven actor que antes de encarnar al entrañable pececito con nombre de Julio Verne había aparecido en las series Ally McBeal, Leyes de familia y la película Distrito federal, entre otros títulos. Al contrario que a muchos de los llamados «niños prodigio», su vida no se ha ido por el desagüe y tras el éxito de Pixar ha seguido adelante poniendo voz a Bambi, en Bambi II, y trabajando en Mentes criminales, Sobrenatural y la serie Weeds en el papel de Shane Botwin. Desde 2013 ha estado prácticamente desaparecido, tras ponerle la voz a Jimmy Olsen en la película de venta doméstica Superman: Sin límites.

El reparto lo completan Willem Dafoe (al que pondrá su voz Ramón Langa en España) y Geoffrey Rush, dos actores de enormes tablas que no tienen miedo a nada, que son Gill y Nigel, respectivamente. El primero es conocido por sus actuaciones en películas tan recomendables como Platoon, Nacido el cuatro de julio, La última tentación de Cristo, Arde Mississippi, Corazón salvaje, Los elegidos o El paciente inglés, sin olvidar que es el Duende Verde/Norman Osborn de la primera saga cinematográfica de Spider-Man, y que también da vida al primer Drácula del cine, Max Schreck, en la fantasiosa biopic La sombra del vampiro, que recrea la histórica Nosferatu.

No se queda atrás Jeffrey Rush con películas como Los miserables. La leyenda nunca muere, Shakespeare in Love, Mistery Men, El sastre de Panamá, El discurso del rey, y para muchos siempre será el capitán Barbossa de la saga Piratas del Caribe. Pero si queréis ver una joya en su muy destacable filmografía, os recomiendo Llámame Peter (The Life and Death of Peter Sellers), biopic basada en la vida del famoso cómico Peter Sellers,              en la que es interpretado magníficamente por Rush.

En España Javier Gurruchaga será el encargado de poner su voz al tiburón Bruce y al Maestro Raya, que en inglés cuentan con las voces de Barry Humphries (Mary and Max, Ally McBeal) y Bob Peterson (Monstruos S.A., Los cuentos de Mate). Este artista es bien conocido por ser el líder del grupo La orquesta Mondragón, sus numerosas apariciones en cine y televisión en títulos como Lisístrata, el biopic Cantinflas y El rey pasmado, junto a Gabino Diego.

Buscando a Dory, el éxito llama dos veces

La historia de Buscando a Dory se retrotrae hasta el 2005. Ese momento en el que The Walt Disney Company crea su Circle 7 Animation y entre los proyectos que quiere llevar a cabo está Buscando a Nemo 2, que no llegará a nada tras la compra de Pixar por parte del gigante y la desaparición total de lo que iba a ser o pretendía ser Circle 7 Animation.

Así la cosa queda cancelada pero el éxito que tuvo la primera película dejaba claro que, de encontrarse una buena historia, habría una secuela, e igual de claro estaba que esta debía centrarse en el personaje que logró arrebatar el corazón a todo el mundo, debía estar protagonizada (sí o sí) por Dory.

En 2012 saltó la liebre. Empezaron a correr rumores, se supo que Ellen DeGeneres estaba en negociaciones y finalmente en septiembre de ese mismo año todo fue confirmado por Andrew Stanton. Tras cancelarse John Carter 2 (entendible viendo el resultado de la primera) el realizador podía centrarse totalmente en este proyecto: reclutó a los mismos protagonistas que en la anterior salvo a Alexander Young (que hace algunas voces), ya que al crecer no podía interpretar a Nemo y se eligió el niño Hayden Rolence (el ganador tras competir con otros once finalistas). Empezó el trabajo de dar vida a esta nueva producción. Se unieron también como codirector Angus MacLane y como guionista Victoria Strouse, con quien el director llegó a realizar una decena (o más) de borradores.

«The co-director position is different for every movie. I had worked with Andrew most closely on Wall-E as a story artist and he was a Directing Animator and then he was the Executive Producer on Burn-E, the short film, and then on Toy Story Of Terror. So we had a wonderful creative partnership that continued on this film.»

«El puesto de codirector es diferente en cada película. He trabajado con Andrew más de cerca en WALL-E como story artist y él era el director de animación. Luego él fue el productor ejecutivo en Burn-E, el corto, y en Toy Story: ¡Terror!, de modo que tuvimos una magnífica relación de creatividad que continuó hasta esta filme.»

Angus MacLane

La película intenta responder a dos de las incógnitas de la primera: quién es Dory y de dónde viene. Así se muestra la vida que la pequeña ha pasado, sus padres y varias conexiones con la primera cinta, lo que en ciertos momentos hace que parezca casi un calco. Dejando de lado impresiones personales, lo cierto es que un gran sector del público salió realmente encantado con las aventuras de este personaje y, ¿quién sabe?, quizá vuelva en un futuro no muy distante.

Temas que tratan Nemo y Dory

Vivir con miedo

Superarse

Descubrir el mundo

La cosa va de plagios

Pierrot, el pez payaso

Pierrot, el pez payaso (Pierrot, Le Poisson Clown) es un libro escrito por Franck Le Clavez e ilustrado por Robin Delpuech y Thierry Jagodzinski, que tiene ciertas similitudes con la película de Pixar que saltan a la vista con solo un vistazo a la obra. Este hecho conllevó a que el autor demandase a la compañía, en concreto a The Walt Disney Company, y a que perdiera el caso cuando el Tribunal de Gran Instancia de París condenó al francés a un pago de cerca de 60 000 euros por daños y perjuicios a la empresa y subsidiarias.

A favor de Pixar jugó que el equipo pudo presentar pruebas documentales de diseños muy similares a los que terminaron en la versión final, y también que Pierrot no registrase a su creación hasta el 2003, en lo que la magistratura consideró que «una malignidad característica del fraude presidió la presentación de la marca».

El espantatiburones

En 2004 llegó a los cines una película de Dreamworks ciertamente irregular a la que no logró salvar ni el buen elenco de voces protagonistas con Robert De Niro, Renée Zellweger, Jack Black e incluso el reputado director Martin Scorsese, con Will Smith como principal estrella. Quizá lo más extraño de toda la cinta es ver a un pez con la cara del célebre Príncipe de Bel-Air.

¡Movida bajo el mar!

Bastante más desconocida es ¡Movida bajo el mar! (Shark Bait, también conocida como The Reef) del año 2006 y su segunda parte The Reef 2: High Tide. Una película que consta en IMDB de una puntuación por debajo de 5 (4,2) y con las voces de John Rhys-Davies y Rob Schneider en su reparto, pero realmente el trabajo firmado por Howard E. Baker y John Fox es bastante olvidable hasta en su animación.

10 detalles que no te puedes perder

1) La madre de Nemo se llama Coral, igual que los corales marinos, que son colonias de animales conformadas por cientos de ellos.

2) La música que se oye durante los créditos finales de Buscando a Nemo es Beyond the Sea, canción de 1946 de Jack Lawrence, que a su vez surge de La Mer de Charles Trenet.

3) Esta canción tiene su versión más popular en la interpretación de Bobby Darin de 1959, llegando al punto de ser el título de su biopic de 2004 protagonizada, dirigida y guionizada (junto a Lewis Colick) por Kevin Spacey.

4) Los peces plateados, peces ángel malayos, se mueven y crean formas para comunicarse a través de ellas. Uno de estos dibujos es el perfil de la mundialmente famosa Ópera de Sidney.

5) Cuando el tiburón Bruce pierde el control de sí mismo, se lanza a por Marlin y Dory llegando a chocarse contra un esquife hundido exclamando «Aquí está Brucie», frase que sale de El resplandor y que en su momento dijo Jack Nicholson en el cine.

6) ¿Qué relación hay entre Dory y el Pato Darkwing? Un cameo en el número 7 del cómic protagonizado por el justiciero. Una aparición estelar en la que también están el cangrejo Sebastian de La sirenita y Cleo de Pinocho.

7) En la consulta del dentista, Dr. Phillip Sherman, en cuyo acuario termina el pequeño Nemo, se puede ver un juguete muy característico que no habrá pasado desapercibido a ningún seguidor de Pixar, ni más ni menos que el mítico Buzz Lightyear.

8) En Buscando a Dory los papeles se invierten. En la primera película es ella la que ayuda a que Nemo sea encontrado, mientras que en la segunda son Nemo y su padre los que van detrás de ella.

9) ¿Te suenan esos peces en bolsas que salen al final de Buscando a Dory? Claro, son los mismos que lograron fugarse del acuario de Phillip Sherman en Buscando a Nemo.

10) ¿Sabías que Nemo también aparece en Monstruos S.A.? ¿No lo viste? Busca con cuidado, ahí está.

Los Increíbles, son cuatro y son fantásticos

La primera vez que uno ve Los increíbles (2004) queda patente que el homenaje a los superhéroes, y más en concreto a los 4 Fantásticos de Marvel Comics, está ahí desde el minuto uno. No solo en los trajes, poderes y en el hecho de ser una familia, tanto parte de la historia como un buen número de referencias están sacadas directamente de las viñetas.

Tiene, sin duda, también el gran honor de ser hasta el momento la única película que realmente ha sabido adaptar al citado cuarteto de la llamada Casa de las Ideas, y eso que realmente no es una adaptación oficial de los mismos. Una cinta que dejó un muy buen sabor de boca justo cuando el boom de los superhéroes en el cine empezaba a cobrar forma, y con una secuela que ha tardado demasiado en llegar.

Hay que reconocerle muchos méritos: uno de los que más me llamó la atención al verla en su día fue la calidad e increíble realidad con la que se realizaron los cabellos de todos los personajes (y que a día de hoy sigue siendo sorprendente); también está el presentar una película de espionaje con grandes guiños a la icónica creación de Ian Fleming, algo que no se oculta y ya es clara desde el comienzo de la película; tampoco puede dejar de nombrarse el buen diseño de vestuario que destaca en la creación de trajes heroicos, que son diferentes según las épocas (y reflejan perfectamente bien lo que sucedía en el cómic); y, por último, el ser la primera película de Pixar en estar protagonizada por humanos y no por objetos inertes que resultan no serlo tanto.

Los increíbles son increíbles.

«Si logras que el público crea en algo que es absolutamente inverosímil, entonces habrás comprendido la verdadera magia del cine.»

Brad Bird

Tres hitos que hacen increíble a Los increíbles

1) Último trabajo de Pixar que fue hecho antes de su compra por Disney.

2) Es el filme con el que Brad Bird pasa a trabajar con Pixar.

3) Es la primera vez que una película de Pixar está protagonizada por humanos.

Mientras tanto...

Los increíbles, ganadora del Oscar a Mejor Película de Animación en 2004, nos traslada hasta un pasado no muy distante en el que los héroes con capas se han visto obligados a desaparecer. Una situación injusta en vista de todo el bien que han hecho, pero el mundo ha decidido que debe dejarlos atrás y ellos solo pueden aceptarlo.

No todos, claro está.

Bob Parr, un tranquilo y enorme (literalmente, es muy grande) trabajador de una empresa de seguros, es en realidad Mr. Increíble, o lo era, si preguntas a su mujer, que en el pasado ejerció de justiciera bajo el nombre de Elastigirl. Pero el antaño luchador por la justicia sigue intentando ejercer, aunque sea a escondidas, y de paso se está perdiendo un buen número de cosas de su vida, como su familia.

Hasta que una agrupación secreta contacta con él para contratarle. Su misión vuelve a tener sentido, su situación empieza a mejorar y casi parece que vive un sueño…

…pero lo malo de los sueños es que si te descuidas, se pueden tornar en pesadillas.

La familia Increíble

Mr. Increíble

Mr. Increíble es, en toda regla, el sosias de Superman, o del Capitán América (y un poco de La Cosa), de esta historia. El líder que no duda nunca, capaz de salir airoso de cualquier situación, entregado a su causa a veces por encima de su propia vida. Sus poderes son una enorme fuerza que además le otorga una constitución a prueba de balas, es prácticamente indestructible y su gran tamaño deja claro que no es un oponente que vaya a poner las cosas fáciles.

Al otro lado está su personalidad secreta de Bob Parr, un trabajador en una empresa de seguros que tiene una vida normal. Una mujer que le quiere, dos hijos y un bebé, un coche, su casita, reuniones y cenas, nada muy extraño, y una parte de él con la que parece no poder lidiar.

En cierta forma lo que mueve la acción es un claro ejemplo de crisis de la mediana edad, en este caso sufrido por el protagonista, solo que en versión superhéroe. El problema central de este personaje es su incapacidad aparente de ser él mismo, considerando que su auténtico yo era solo Mr. Increíble y que Bob Parr es la penitencia que debe sufrir por haber sido un justiciero.

De los cuatro protagonistas, la familia Increíble/Parr, es el que más evolucionará a lo largo de todo el filme; logrando al final reconciliarse consigo mismo y de esta manera ser el hombre que su familia sabía que era.

Elastigirl

Helen Parr en el pasado fue Elastigirl y como su nombre indica su poder es la elasticidad, al igual que Mr. Fantástico o el Hombre Elástico. Ha dejado por completo atrás esa vida para dedicarse por completo a su familia, simulando ser la perfecta ama de casa de clase media americana, solo que realmente no lo es, pero el don para moldear su cuerpo hace que también se capaz de adaptarse casi a cualquier situación.

Esta es una de las grandes diferencias con Bob Parr, su marido. Mientras que él es una fuerza inamovible e incapaz de dejar atrás el pasado, ella puede mirar hacia delante y luchar por aquello que le importa, y ahora mismo es su familia. Añora los días en que se ponía las mallas, pero su vida ahora es otra y hará lo que sea necesario para seguir adelante.

Helen Parr es Elastigirl tanto como Elastigirl es Helen Parr. Inteligente, fuerte, luchadora e incapaz de rendirse.

La otra Elasti girl

Elasti-Girl, con un guión en medio, es un personaje de DC Comics, miembro de la Patrulla Condenada (Doom Patrol) creado por Bob Haney, Arnold Drake y el dibujante Bruno Premiani, teniendo su primera aparición en My Greatest Adventure #80 de junio de 1963.

Desde DC Comics, propiedad de Warner Bros., autorizaron a Pixar a que usara el nombre de Elastigirl para la personalidad heroica de Helen Par, solo que no podría aparecer en el merchandising o promociones en las que debía usarse Mrs. Incredible.

Los pequeños Parr

Dado que Los increíbles es a la vez un homenaje a los 4 Fantásticos y otro tanto una parodia de las típicas comedias familiares americanas, era evidente que el matrimonio Parr debía tener dos hijos. Como manda el tópico debían ser un niño y una niña, y, al igual que en otras tantas comedias de situación, con un bebé que acaparará algunos de los mejores momentos.

Violeta es la mayor, ya entrando en plena adolescencia y luchando por intentar ser normal mientras intenta aceptar que no lo es. Su poder es el de volverse invisible, el mismo que la Mujer Invisible, más tarde también el de crear campos de energía, y ella misma intenta pasar siempre desapercibida en su instituto. Intenta encontrar su lugar en el mundo, lo que ya de por sí es complicado, y más si ese mundo incluye habilidades asombrosas.

Dashiell Robert es el segundo hijo, casi siempre nombrado como Dash. Un diminutivo muy adecuado, ya que significa (entre otras acepciones) sprint, energía o ir deprisa, lo que casa perfectamente con el joven rubio, ya que precisamente eso es lo que hace, correr a velocidades sobrehumanas como otros superhéroes bien conocidos como Flash o Mercurio, y un aspecto que en parte recuerda al de una joven Antorcha Humana. Al contrario que su hermana él está encantado con esta habilidad, con ser diferente y poder hacer cosas que nadie más hace, lo que no logra entender es que tengan que estar siempre escondiendo estos dones.

«We're dead! We're dead! We survived but we're dead!»

«¡Vamos a morir! ¡Vamos a morir! ¡Todavía estamos vivos, pero vamos a morir!»

Dash Parr

Ambos críos no son más que un reflejo de las actitudes y sentimientos de sus padres, lo mismo que sucede en la realidad, mostrando a través de sus acciones una versión más simplificada y apasionada de lo que sucede dentro de Helen y Bob Parr.

En último lugar estaría Jack-Jack Parr, el bebé de la familia. Inocente, adorable y en apariencia sin poderes de ningún tipo. Por supuesto los tiene, solo que su familia los desconoce, y son bastante asombrosos. Es lo que puede llamarse un metamorfo (igual que Metamorfo, el personaje de DC Comics), con la capacidad de convertirse en prácticamente cualquier cosa.

Syndrome, el malo de la función

Cierto es que Buddy Pine no forma parte de la familia, pero seguro que él habría querido serlo. Era solamente un fan de Mr. Increíble que se autodenominaba Incrediboy, un niño pequeño que soñaba con ser su ayudante, algo que pensó que era posible gracias a su gran inteligencia. Fue capaz con apenas 10 años de fabricar unas botas que le permitían volar, y por desgracia conoció a su héroe, y esto no era lo que él había idealizado. O sí, sencillamente Mr. Increíble trabajaba solo y no quería poner a nadie en peligro.

El paso de los años y sus increíbles avances tecnológicos han hecho de él un hombre muy rico, peligroso y totalmente obsesionado con lograr ser el héroe que nunca pudo ser, y si para lograrlo tiene que cometer villanías por el camino, entonces lo hará.

Pine se une así a la lista de sidekicks (realmente él nunca lo fue) que se hicieron villanos, como Jason Todd (segundo Robin) o Bucky (compañero del Capitán América), aunque es cierto que en este par de casos lucharon por hallar su redención. También se ven en él influencias de otros personajes como el Dr. Muerte, los Thunderbolts originales (que eran un grupo de villanos fingiendo ser héroes para un malvado plan) y su gran intelecto, el pelo de Vegeta de Bola de Dragón y varios puntos que recuerdan a Ratigan de Basil, el ratón superdetective.

«Apparently they liked my dialogue delivery in the film Dogma.»

«Parece ser que les gustó mi manera de hablar en la película Dogma.»

Jason Lee

Xerek, el primer villano

Cualquier película cambia desde que es concebida y hasta que llega a la pantalla. Ideas que van y vienen, propuestas que se quedan a mitad de camino, finales que se desechan y personajes que se quedan en el limbo.

En este último caso tendríamos a Xerek, el que iba a ser el villano original de Los increíbles, pero que perdió su lugar para cedérselo a Syndrome según fue tomando este último más popularidad entre los productores.

Ateniéndonos a los concepts que se han podido ver del exquisito Lou Romano, diseñador de producción de la película, el personaje era todo un sosias de grandes villanos de James Bond, destacando a Hugo Drax, Blofeld e incluso un toque de Fu Manchú, el legendario malvado creado por Sax Rohmer. Al igual que estos iba a contar con una bella y sexy compañera que se llamaba Mirage, que finalmente se quedó en la cinta pero al lado del ahora principal antagonista Syndrome.

A pesar de que Xerek no llegó hasta el filme se le ha podido ver, con un diseño algo diferente al original y siendo el líder de los malvados The Unforgivables, en los cómics que Boom! Studios lanzó basándose en los personajes de Los increíbles.

Los amigos de la familia

Viejos amigos, esos que siempre están ahí por mucho tiempo que pase. Puedes salir con ellos a jugar a los bolos, o a hacer cosas de superhéroes, o igual te puedes pasar por su taller para que te hagan un uniforme nuevo.

Frozono

Lucius «Lucio» Best, conocido en sus tiempo mozos por su alter ego superheroico de Frozono, es el compañero ocasional y mejor amigo de Bob Parr. Tras la censura sufrida solo tiene relación de entonces con él (y Elastigirl) y no parece anhelar su pasado. A pesar de esto se mantiene en muy buena forma y conserva sus trajes a la perfección y, por lo que se puede apreciar, no ha dejado de entrenarse en ningún momento por lo afinado de sus habilidades.

En su caso su poder es la capacidad de generar hielo de forma natural, igual que el Hombre de Hielo de Marvel Comics o Hielo de DC Comics. Esta habilidad le permite congelar el agua, la humedad del ambiente y crear toboganes con los que se desplaza mientras combate el crimen.

Edna Moda

¿De dónde sacan los héroes y villanos sus coloristas trajes? En general en los cómics este hecho se obvia, la explicación más sencilla suele ser que se lo confeccionan ellos mismos (como el caso de Spider-Man y sus problemas con los rotos), alguien de su alrededor (Ma Kent se ocupó del de Superman), algún científico (Reed Richards y sus moléculas inestables), o se tiene suficiente dinero para conseguir lo que quieras (el caso de Bruce Wayne como Batman).

A veces se detalla y llega a salir tal o cual personaje, como el Chapucero y otros similares. En el caso de Los increíbles han optado por una solución muy sencilla: los hace una modista. Una modista de gran éxito llamada Edna Moda, que al igual que Bob Parr añora los días del pasado y volver a trabajar para lo que ello denomina dioses; lo que recuerda mucho a Phil Sheldon de la miniserie Marvels, que los apodaba Prodigios; o Astrocity, en que en ocasiones se les ha denominado Ángeles.

La inspiración de la moda

Buscando se puede ver que el personaje de Edna Moda tiene un poco de Q, el genio tras los gadgets de James Bond: guarda un asombroso parecido físico con la veterana actriz Linda Hunt (Sin rastro, Pocahontas, El año que vivimos peligrosamente) y también con la diseñadora Edith Head, con sus gafas redondas de montura ancha. Esta sastre falleció en 1981 y fue una de las más reputadas profesionales de Hollywood, con varios Oscars por su trabajo en Eva al desnudo, El golpe y la imprescindible obra de Dalton Trumbo Vacaciones en Roma.

Y además, cuenta con la voz de Brad Bird, director de Los increíbles.

Los otros superhéroes

Para que una película sea creíble, o cualquier otra obra de narración, hay que dotarla de un corpus más extenso, un universo rico y lleno de detalles que den sensación de completismo.

Brad Bird tuvo esto claro y por eso se pueden ver, citados o en recuerdos, a otros héroes que trabajaban por el bien del mundo en Los increíbles. Por desgracia su relevancia en el filme es nula, salvo por el hecho de que muchos de ellos encuentran la muerte a manos de Syndrome, pero sí merecen al menos ser mentados:

Apogee

Blazestone

Blitzerman

Downburst

Dynaguy

Everseer

Fironic

Gamma Jack

Hyper Shock

Macroburst

Meta-Man

Phylange

Plasmabolt

Psycwave

Splashdown

Stormicide

Stratogale

Thunderhead

Tradewind

Universal Man

Vectress

Esto no es todo

El universo de Los increíbles es mucho más rico, lleno de pequeños personajes que aportan su granito de arena para hacer creíble la aventura. Desglosar a todos ellos no tendría sentido, pero hay tres que sí merecen un momento de homenaje.

Mirage. Es la atractiva mano derecha de Syndrome, y por lo que se puede intuir hay algo más que pura relación profesional entre ellos. En inglés contando con la voz de Elizabeth Peña y en nuestro país siendo Esther Arroyo, por algún motivo inexplicable.

Rick Dicker. El agente del gobierno que ha trabajado para lograr que los antaño héroes vivan en paz bajo una especie de protección de testigos. Se ve que tiene una relación de respeto y cierta amistad con Mr. Increíble, pero también queda claro que está cansado de sacarle las castañas del fuego. Su aspecto recuerda mucho al del actor Tommy Lee Jones, mientras que su nombre es un claro guiño a Rick Deckard, protagonista de la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, que se adaptó al cine con el nombre de Blade Runner.

Gilbert Huph. El pequeño y dictatorial jefe de Bob Parr, un hombrecillo irascible que compensa su falta de estatura con un evidente disfrute del poder que tiene sobre sus empleados. La voz corre a cargo de Wallace Shawn, que también ha sido Rex en Toy Story.

El director de las mallas y las capas

Hablar de Los increíbles es hablar de Brad Bird. Director, guionista y también la voz de Edna Moda, y de una idea que llevaba rondando por su cabeza desde una década antes de que la familia de superhéroes llegara a las pantallas de todo el mundo.

Durante años el proyecto estuvo parado, siendo solo un sueño por la mente de su futuro director. Sabía qué quería hacer, pretendía honrar a las películas de espías de los sesenta y a los cómics de la época, quizá en animación tradicional, pero todo cambió cuando habló con su amigo John Lasseter, al que conocía de la época universitaria.

Fue este el que le animó a seguir con el proyecto, a que se presentara a Pixar y a que se hiciera en animación digital. De esta forma Brad Bird aterrizó en la compañía, solo que sin ser realmente parte de la misma, aunque nada en la cinta seguía lo habitual en Pixar: estaba escrita por una sola persona, que también era su director, y protagonizada por humanos, todo por primera vez en toda la carrera de la productora.

Su propuesta era sencilla, una película de superhéroes que era una familia. Algo que en los cómics ya existía con el claro precedente de los 4 Fantásticos, y que poco a poco se fue ampliando al irle añadiendo detalles que les hacía más familia y menos supergrupo. En cierta forma, al igual que pasa muchas veces cuando se está creando algo, su propia experiencia vital se iba colando dentro de la trama al punto de que es imposible pensar en el filme según se conoce si no fuera por su toque.

«Animation is about creating the illusion of life. And you can't create it if you don't have one.»

«La animación trata de crear la ilusión de la vida, y no puedes crearla si no tienes una.»

Brad Bird

También de Brad Bird

El gigante de hierro

Brad Bird es un nombre bien conocido entre los amantes de la animación por su trabajo al frente de El gigante de hierro, una película de animación tradicional (con partes realizadas por ordenador, pero en dos dimensiones) que no tuvo demasiado éxito en taquilla pero que logró muy buenas críticas. El título adaptaba a la gran pantalla The Iron Man: A Children's Story in Five Nights de Ted Hughes, solo que trasladando la acción de Inglaterra a los Estados Unidos. Posteriormente tuvo una secuela llamada The Iron Woman.

Tomorrowland: El mundo del mañana

Esta película es una muestra de que a pesar del talento y el dinero, hay cosas que no se pueden salvar. Hugh Laurie, George Clooney, Brad Bird como director (y uno de los guionistas)… Pero el desastre fue mayúsculo, dando un producto totalmente mediocre que bien podría haberse no estrenado nunca. Inspirada en una atracción de Walt Disney, en la Feria Mundial, con una trama que bien llevada podría haber sido interesante, pero que se estrelló con todas las de la ley.

Las voces tras Los increíbles

Es muy posible que Los increíbles cuente con uno de los repartos vocales más interesantes de Pixar, apostando siempre por la calidad y también por actores de renombre, que por un lado sirvan para promocionar la película, y que por otro también ayuden a darle un toque de personalidad propia.

Craig T. Nelson es Mr. Increíble, actor bien conocido por la saga Poltergeist o Pactar con el diablo, entre otros grandes títulos. Lleva en activo desde los años setenta en lo que se refiere a su carrera de intérprete, antes de eso hizo sus pinitos en el mundo de la stand up comedy. En su haber tiene algunas series televisivas inolvidables como La mujer maravilla, La conquista del oeste o Entrenador, en la que daba vida al personaje principal, el entrenador Hayden Fox.

Una curiosidad, entre sus primeros trabajos se encuentra Las aventuras de Flesh Gordon, una parodia pseudoerótica del famoso personaje pulp Flash Gordon. En concreto, y sin acreditar, era la voz del monstruo. Si a alguien le ha sorprendido esto, más le sorprenderá saber que tuvo una secuela en 1990, Flesh Gordon Meets the Cosmic Cheerleaders.

Holly Hunter es, junto con Sam Neill y Harvey Keitel, una de los protagonistas de la imprescindible película El piano de Jane Campion, con una soberbia actuación basada totalmente en gestos y expresiones, ya que su personaje no habla, y que le valió la aclamada estatuilla, un Globo de Oro y el galardón a la mejor intérprete femenina en el Festival de Cannes. Su fama había llegado antes gracias a la película Arizona Baby de los hermanos Coen, en la que compartía cartel con Nicolas Cage.

Desde ese momento ha compaginando el teatro con el cine y la televisión, logrando reconocimiento y popularidad, aunque no alcanzando la fama que otros compañeros de trabajo, pero sí el respeto de la industria. Su buen gusto a la hora de elegir guiones le ha valido tener siempre un nivel muy alto en sus interpretaciones, siendo una de las actrices más valoradas de su generación.

En el caso de Frozono se contó con el muy famoso Samuel L. Jackson. No hace falta alguna presentar a este actor con icónicos personajes cinematográficos como Nick Furia de Marvel Studios, Jules Winnfield de Pulp Fiction o Mace Windu de la saga Star Wars. En ocasiones parece imposible que tenga tiempo para aparecer en tantos filmes.

Se pude decir que su carrera empezó realmente a destacar a principios de los noventa gracias a Juego de patriotas (1992), Parque Jurásico (1993) y la ya mentada Pulp Fiction (1994) por la que fue premiado por el Sindicato de Actores y el BAFTA. Tras esto su popularidad no dejó de crecer gracias a Jungla de cristal: la venganza, Deep Blue Sea y Shaft. The Return, que revivía al héroe de la blaxplotaition a través de su sobrino.

Desde ese momento, ya en la década de los 2000, su fama y reconocimiento fue constante, llevándole a convertirse en todo un icono popular.

Cierra este cuarteto Jason Lee, encargado de dar vida a Syndrome y que es uno de los actores fetiches del director Kevin Smith, habiendo trabajado con él en la mayoría de sus películas, lo que le hizo ganarse el favor del público. En los últimos años ha ganado mucha popularidad al ser el protagonista de la serie satírica Me llamo Earl y dar vida a David Seville en la saga de Alvin y las ardillas, lo que debería bastar como muestra de sus capacidades artísticas.

La que es menos conocida es su faceta como skater, compitiendo a niveles profesionales y logrando hacerse un nombre de forma internacional en ese campo. Destacó principalmente en los ochenta y los noventa, teniendo patrocinadores, su línea de zapatos y desde 1992 su propia empresa llamada Stereo Skateboards, que sigue en activo y fundó junto a Chris Pastras.

Temas que trata Los increíbles

Los problemas familiares

La crisis de la mediana edad

Conocer a tus héroes

Los increíbles 2 (2018)

Los increíbles gozó de un gran éxito tanto de público como de crítica, con la habitual avalancha de merchandising que iba desde su propio videojuego, una línea de muñecos de Hasbro o la tanda de regalos que acompañaban al Happy Meal de Mc Donald´s, además de tazas, camisetas o figuritas de PEZ.

También dejó entre los seguidores de Pixar ganas de más, por desgracia era un momento en el que las películas de superhéroes todavía no habían llegado a su actual edad de oro (Batman Begins se estrenaría en 2005 y Iron Man en 2008). Hubo un precioso corto llamado Jack-Jack ataca, que sucedía durante los acontecimientos de Los increíbles, pero poco más, salvo si omitimos la intención de Walt Disney de hacer su propia secuela sin contar para nada con Pixar (hasta que en 2006 pasó a ser propiedad de la multinacional).

En todo momento Brad Bird dejó claro que tenía la intención de volver a sus personajes, de expandir el universo que había creado, pero que esto solamente sería en el caso de tener una buena historia que contar.

«There were little scenes and things that I was interested in. I wanted to come up with sort of an over-arching idea that connected to the first film that went somewhere different. That’s the one that took a little more time. I don’t think I could have made this movie right away.»

«Había pequeñas escenas y aspectos que me interesaban. Quería crear una especie de idea que englobara la primera película, que se convirtió en otra cosa. Eso fue lo que tomó más tiempo. No creo que pudiera haber hecho este filme inmediatamente después del anterior.»

Brad Bird

A fecha de escribir estas líneas no se tienen todavía datos reales sobre su argumento, solo la promesa de Brad Bird de lo avanzado del proyecto, lo divertido que está siendo volver a trabajar con la familia de héroes y que de alguna forma estará conectada con la anterior, a la vez que se mofa de la actual moda del cine de superhéroes.

Espías y superhéroes, inspiraciones directas

Entre las muchas inspiraciones que tiene Los increíbles hay que citar cuatro que se convierten en pilares maestros de esta película de animación.

- James Bond

Realmente más que James Bond hay muchas y claras referencias a las películas de espías de los años sesenta y setenta, pero en la cima de todos ellos estaba y estará siempre James Bond.

El personaje llegó por primera vez a las tiendas con la novela Casino Royale, escrita por Ian Fleming y publicada en 1953. Logró convertirse en todo un éxito en su Inglaterra natal y posteriormente de forma internacional, llegando a convertirse en un personaje inmortal con su salto al cine, que contó con el rostro de Sean Connery y más tarde de otros como Roger Moore o Daniel Craig.

Si queréis saber más de este agente secreto podéis consultar el libro 007: James Bond, de espía a icono.

- Los 4 Fantásticos

Este grupo de superhéroes fue el pilar sobre el que se construyó el imperio que hoy es Marvel Comics, junto con sus diferentes divisiones como Marvel Studios, que hoy es la que se está llevando el gato al agua.

Esta familia de aventureros llegó a los quioscos en 1961 con el talento conjunto de Stan Lee y Jack Kirby, alejándose de lo que hasta ese momento se había hecho con los superhéroes al dotar a estos de una personalidad y problemas reales. No solo son compañeros de aventuras, también se pelean, discuten, sufren pérdidas y sus decisiones les pesan, dejando claro que son simples humanos y no casi dioses.

- Watchmen

Una de las obras cumbres del mundo del cómic que se publicó entre 1986 y 1987, recreando a los personajes de Charlton Comics (adquiridos poco antes por DC Comics) para crear una vivisección de los últimos años de la industria y sus males. No solo eso, el trabajo conjunto de Alan Moore y Dave Gibbons es el reflejo de los sentimientos que en ese momento tenía la sociedad y los miedos que se vivían cada día. Su éxito la ha convertido en una de las obras imprescindibles del género, reeditada numerosas veces y adaptada al celuloide en 2009 con la dirección de Zack Snyder.

- JSA

La Justice Society of America, JSA, es uno de los grandes grupos de superhéroes de DC Comics. Hizo su aparición en 1940 en el número 3 de All Star Comics gracias a la pluma de Gardner Fox, al que siempre hay que agradecer su creación del multiverso sin el que hoy todo sería muy distinto.

Esta sociedad, que ha tenido diferentes encarnaciones y versiones, continúa en la actualidad viviendo aventuras con algunos de los héroes más veteranos, como los primeros Linterna Verde y Flash, al frente, junto con otros más jóvenes a los que sirven de guía y protección.

Dejando de lado el hecho de ser un grupo conformado por muchos de los primeros héroes, incluso Batman y Superman formaron parte de él, hay que citar el momento en el que cesó su actividad. Esto fue en los años cincuenta cuando en plena caza de brujas se negaron a revelar sus rostros al Senado de los Estados Unidos, prefiriendo retirarse o actuar de forma anónima. No hace falta decir lo similar de esta situación con la censura y ataques a los que se ven sometidos los héroes en Los increíbles, con las mismas consecuencias.

¿Qué es la energía cero?

Syndrome usa para sus aviesas artimañas lo que denomina energía del punto cero, que a pesar de su rimbombante nombre no es de lejos una ficción y es una propuesta científica de Albert Einstein y Otto Stern en 1913, denominada en un origen energía residual.

Es la energía más baja que puede tener un sistema físico mecano-cuántico, siendo esta la energía básica e intrínseca del sistema, lo que conlleva que no puede ser eliminada de dicho sistema y que por ende tampoco puede ser realmente cero (quedándose solo como un nombre y no la representación de una realidad exacta).

10 detalles que no te puedes perder

1) Al comienzo de la película se oyen unos acordes que recuerda a la conocida melodía de los filmes de James Bond.

2) Esta no es la única referencia directa al personaje de Ian Fleming. También veremos a Mr. Increíble luciendo un esmoquin digno del espía y un fantástico coche lleno de aparatos que harían ponerse verde de envidia a Q.

3) Syndrome usa una aerobotas que recuerdan mucho a las que llevaba el Mario de Bob Hoskins en la película Super Mario Bros. (producto de culto y muy olvidable).

4) En la prestigiosa obra Watchmen hay un momento en el que el Búho Nocturno original explica por qué no llevaba capa, algo parecido que sucede en Los increíbles cuando Mr. Increíble quiere una en su traje nuevo y Edna Moda se niega en redondo, dando ejemplos que explican que es una mala idea.

5) En los años sesenta Batman vivió uno de sus mejores momentos gracias a la serie televisiva, y en este homenaje constante que es Los increíbles también hay un par de guiños a esta producción, como las turbinas del Batmóvil.

6) Hacia el final del filme aparecen dos encantadores ancianos hablando de lo buena que es la vieja escuela: son ni más ni menos que Frank Thomas y Ollie Johnston, dos de las leyendas de la vieja escuela de la compañía Walt Disney que trabajaron en Blancanieves y los siete enanitos, Mary Poppins y El libro de la selva, entre otros muchos títulos.

7) Salvando distancias el motivo por el que los superhéroes desaparecen es similar a lo que sucede en Watchmen.

8) Los trajes de los diferentes héroes que aparecen, aunque solo sea un momento, beben directamente del trabajo de grandes como Jack Kirby, John Romita, Carmine Infantino y otras grandes leyendas del mundo del cómic.

9) De forma general tendemos a considerar que, si no se nos dice lo contrario, un filme que parece cercano a nosotros en el tiempo está ambientando en la actualidad. ¿Seguro? Fíjate en la tecnología de uso cotidiano que aparece, esa es siempre una buena pista.

10) La familia Increíble vive en una casa con el número 440. Si quitamos el cero queda 44, que en inglés se lee Forty Four, resultando las siglas FF (Fantastic Four, que en castellano significa «4 Fantásticos»).

Cars, la carrera de la amistad

Cars (2006) logró que un grupo de coches se convirtiera en estrellas. Con un protagonista cargado de carisma, Rayo McQueen, la primera película logró tener un gran éxito, a pesar de lo simplista de su trama y sus no pocos parecidos con Doc Hollywood (uno de los productos del estrellato de Michael J. Fox). Ayudaron, en gran medida, los excéntricos compañeros de viaje que le acompañaban y que, además, eran carne de un merchandising millonario.

La gran acogida que tuvo provocó una más que obligada secuela, que se alejaba en mucho de la original al dar el protagonismo al secundario Mate y convirtiendo esta película en un producto bien distinto. De nuevo el público sonrió a esta entrega, lo que hacía lógico que llegara una tercera secuela.

Los coches nunca han estado más vivos.

De un pequeño coche a un coche de carreras

La primera película de Cars está dedicada a Joe Ranft, uno de los grandes artistas del Story Board, que trabajó en títulos como La sirenita, La tostadora valiente, Pesadilla antes de Navidad y Regreso al futuro en su versión de serie televisiva. Falleció en 2005 (en un accidente de coche, lo que no deja de ser irónico) y es uno de los responsables directos de lograr que Cars sea lo que es hoy en día. Junto con su amigo John Lasseter, creó la historia que más tarde ambos dirigirían.

Entre sus destrezas profesionales estaba el guión, actor de voz e incluso mago, y una larga y provechosa carrera que comenzó en los años ochenta trabajando para Walt Disney, en un primer momento en proyectos televisivos que no vieron la luz y finalmente en el departamento de animación, bajo la supervisión de Eric Larson. Posteriormente sería contratado por Pixar y pasaría por todos y cada uno de sus filmes, desde Toy Story hasta Cars, que fue su última película.

Aunque se ha dicho que fueron él y John Lasseter los responsables de la idea original, esto no es del todo cierto. Hay que retrotraerse hasta 1998 y el nombre de Jorgen Klubien.

¿Quién? ¿El líder del grupo danés Danseorkestret? Sí, ese mismo. También es guionista y animador que ha participado en El rey león o Pesadilla antes de Navidad. A finales de los años noventa escribió una historia titulada The Yellow Car, que estaba protagonizada por un pequeño coche eléctrico que vive en un mundo dominado por la gasolina. Se inspiró en una historia real de su país, cuando se fabricó un vehículo eléctrico de tres ruedas pensado para una sola persona y que se encontró con el rechazo del público, entre otros motivos, por ser feo. Esto, además, le hizo pensar al escribir en la conocida historia del Patito Feo.

Un proyecto que se descartaría pero que tuvo algunos concepts iniciales en los que aparecían ciertos aspectos familiares, como un viejo vehículo militar, una furgoneta de los años sesenta con decoraciones hippies y un pequeño pueblo poblado totalmente por coches.

La historia no terminaba de parecerle potente a Lasseter y entonces empezaron los cambios para dar forma a una historia que (ahora sí) firmaría junto a Joe Ranft y Jorgen Klubien, empezando por Mater y Doc, que se quedarían hasta el proyecto final. Pero el mayor cambio fue la aparición de Rayo McQueen, evolucionando desde ese pequeño coche amarillo (que llegará a salir en un pequeño cameo en la saga) a un carismático deportivo de color rojo.

«In Denmark there has never been car production because the country is too small.»

«En Dinamarca nunca ha habido producción automovilística porque es un país muy pequeño.»

Jorgen Klubien

Dos (quiero decir, tres) inspiraciones

- Susie, el pequeño cupé azul (Susie the Little Blue Coupe)

Este corto de animación se estrenó en 1952, bajo una historia de Bill Peet, junto con Don DaGradi en la realización del guión, y dirigido por Clyde Geronimi (que también hizo lo propio en Alicia en el país de las maravillas, Peter Pan, las series televisivas de los años sesenta de los héroes Marvel y en una secuencia de la maravillosa Los tres caballeros).

La historia presenta a Susie, un precioso coche nuevo que es comprado por un joven adinerado y lo que en un primer momento la hace feliz se convierte en pesadilla rápidamente. Es de pequeño tamaño, entre los enormes coches se siente sola y poco a poco se va volviendo anticuada y sin fuerzas. Finalmente es malvendida, dejada en la calle y mandada al desguace, y justo allí su vida cambiará de nuevo. Un muchacho se hará con ella, la arreglará y convertirá en una pequeña joya.

- One Cab´s Family

También de 1952, este corto del genio de la animación Tex Avery, del que en un futuro espero poder dedicarle un libro entero, narra la historia de un pequeño taxi de color amarillo (precisamente). Desde su nacimiento somos parte de su vida, viendo cómo le sale su primera bujía, sus primeros pasos y cómo desde pequeño lo que anhela ser es un coche de carreras, a pesar de la oposición de su familia.

No dudará en arreglarse él mismo (incluso cambiando el motor) para conseguirlo, lo que su padre no ve nada bien. El drama familiar llega a tal punto que este le empezará a perseguir, quedando atrapado en las vías del tren, y el pequeño le salvará pero quedará herido. Saldrá con vida pero le dicen al padre que debe decidir si quiere que vuelva a ser igual que antes o que siga siendo de carreras, y él deja que sea el pequeño quien elija. Saldrá del taller con su carcasa amarilla original, lo que alegrará a su progenitor, pero cuando se gire el cochecito enseñará a la cámara que sigue llevando por dentro su flamante motor de carreras.

- Doc Hollywood

Podemos decir que es inspiración o que es plagio. Que cada uno decida. Lo cierto es que este filme de 1991 protagonizado por Michael J. Fox guarda muchos parecidos con Cars. El protagonista es un joven de éxito, engreído y que no tiene en consideración a los demás, que por accidente llega hasta un pequeño pueblo que le terminará conquistando.

No solo eso. Trabará amistad con una joven que le ayudará a descubrir quién es él realmente, una muchacha que estudia para ser abogada (en Cars recordemos que el interés romántico de Rayo era abogada) y en un principio su estancia en la pequeña villa es parte de una condena… y para más inri el coche de Michael J. Fox en el filme es rojo, igual que Rayo McQueen.

¿Estamos ante un plagio descarado? Ved ambas películas, comparad y sacad vuestras conclusiones.

Coches con personalidad propia

Rayo McQueen

Cuando empieza la saga Rayo McQueen es un corredor novato que solo quiere una cosa, ganar la Copa Pistón y lograr ser la imagen de Dinoco (empresa habitual en las producciones de Pixar). Igual que nos sucede a todos cuando somos jóvenes y queremos hacernos un hueco en el mundo, tiene un defecto: es orgulloso y bastante creído. Para él lo único importante es su carrera, la profesional y en la que esté compitiendo, considerándose el único responsable de su éxito, sin tener siquiera unas pocas palabras de agradecimiento para el resto de su equipo.

Claro está que en el más habitual estilo de los filmes de esta compañía, McQueen emprenderá un viaje que le hará cambiar su actitud. Literalmente se saldrá del camino que él se había marcado y lo hará solo para encontrarse realmente consigo mismo y con su lugar en el mundo.

Sally Carrera

La joven Porsche de color azul que ejerce tanto de amiga, novia y sentido común de los habitantes de Radiador Springs. Al igual que Rayo llegó de forma accidental hasta la pequeña villa y cayó rendida a sus pies, pasando a ser un miembro más de la comunidad; de hecho, luchando por ella para lograr que salga adelante y vuelva a ser el lugar popular que fue en su día.

Cars es muy simplista en sus argumentos y personajes, así que Sally comenzará con un cierto desprecio hacia Rayo, no confía en él y tampoco en su palabra. Todo esto cambiará según avance la trama, ambos compartirán formas de ver la vida y finalmente un amor. Realmente, aunque el protagonista es Rayo, es ella la que logra que se convierta en el mejor Rayo que puede llegar a ser.

Tow "Mate" Mater

Al comienzo de Cars vemos que Rayo siente cierta aversión por los coches algo oxidados, así que cuando aparece Mate en escena es más que evidente que terminarán siendo amigos. Más allá, se convertirán en el mejor amigo el uno del otro. Mate es todo lo contrario a Rayo, está oxidado, le faltan partes, no tiene mundo y es algo tontorrón, al menos en apariencia, ya que bajo sus patochadas hay una latente sabiduría de la que ni él mismo es consciente.

Su personalidad alegre y bonachona hizo que se convirtiera rápidamente en una de las estrellas de la película. Tal popularidad le llevó a tener sus propias apariciones (Mate y la luz fantasma, Los cuentos de Mate, Tokyo Mater) unitarias, e incluso a ser protagonista de la segunda entrega de la saga.

Doc Hudson

Doc Hudson es un miembro más de la plantilla vecinal y no uno que se alegre mucho de la presencia en el pueblo de Rayo McQueen. Piensa que su palabra no vale nada y que les dejará tirados.

Pero la verdad que se oculta es otra: Doc Hudson es en realidad toda una leyenda de la Copa Pistón que ganó tres veces la competición. Entonces, en el mejor momento de su carrera sufrió un accidente y le abandonaron. Dolido y decepcionado se apartó de lo que había sido su vida hasta ese momento y se alejó de todo ello.

«¿Crees que renuncié?»

Doc Hudson

La llegada de Rayo le remueve viejas heridas y hace que afloren viejos sentimientos. Poco a poco los dos corredores trabarán amistad, él se convertirá en su mentor y le enseñará un buen número de trucos para mejorar como profesional. También le ayudará a ser más humilde y valorar la importancia del equipo que le rodea.

Su nombre viene de su modelo, un Hudson Hornet. Fue un coche fabricado entre 1951 y 1954 por la Hudson Motor Car Company of Detroit y por la American Motors Corporation entre 1955 y 1957.

Los competidores del rayo

Un película como Cars se sostiene en gran medida gracias a sus secundarios, en este caso los vecinos del pueblo como Luigi, Guido, Mack o Flo, pero hay que nombrar a los competidores directos de Rayo, ya que es por ellos que todo sucede. Si no fuera por el desafío y la posibilidad de convertirse en el gran ganador, no hubiera llegado jamás a Radiador Springs y su vida no cambiaría.

Strip Weathers. Apodado cariñosamente «el Rey» es quien ha ostentado el título de ganador de la Copa Pistón, toda una leyenda a la que admiran todos los coches y por supuesto Rayo McQueen lo tiene en un pedestal, y ambos a su vez admiran a Doc Hudson. Esa conexión y respeto mutuo queda todavía más patente cuando el protagonista de la saga Cars le ayuda con su última carrera, para que termine de la forma que merece hacerlo (lo que hace que Dinoco le ofrezca ser su imagen).

Chick Hicks. No es tan benevolente Chick Hicks, que logra ser ganador de la Copa Pistón con tejemanejes y golpeando a Strip Weathers para lograr ser el primero en llegar. Es presuntuoso y engreído, y al igual que a Rayo solo lo importa su carrera y llegar a ser el primero.

Weathers y Hicks son dos caras de la misma moneda que reflejan en qué se podría convertir Rayo McQueen dependiendo del camino que elija. Puede terminar siendo un coche digno de admiración y respeto, que aprecia a su equipo y respeta a sus oponentes como el Rey, o en cambio volverse alguien avieso que solo se interesa por sí mismo sin importarle nadie más como es Hicks. Todo es una cuestión de elección.

«Cada hombre debe tener derecho a elegir su destino.»

Bob Marley

Voces para los coches

La saga de Cars cuenta con un reparto realmente envidiable, pero si hay que destacar a un nombre por encima de los demás es (no hay otra opción) Paul Newman. El veterano actor cuyo último trabajo fue dar voz a Doc Hudson es alguien de sobra conocido y poco más se puede hacer que dar los nombres de algunos de sus títulos más populares: La leyenda del indomable, El coloso en llamas, Mensaje en un botella o Camino a la perdición, que protagoniza junto a Tom Hanks.

Menos conocida por el público es su faceta como corredor automovilístico, una pasión que le viene desde el rodaje de Quinientas millas y que nunca dejó de lado. Llegó a competir de forma profesional incluso en las 24 Horas de Le Mans y lograr victorias en varias ocasiones. Igual de desconocida, más en nuestro país, es su empresa de comestibles ecológicos y solidarios (ya que todo los beneficios se donan) llamada Newman´s Own.

En Cars 2 Newman ya había fallecido, algo que los miembros de Pixar respetaron y decidieron que Doc Hudson también debía haberlo hecho, dejando atrás, en Radiador Springs, un museo en su honor.

«“I did it mostly because I knew it would be good, because [John] Lasseter was directing and Pixar,” explained Newman. “That would be the first reason. That it was about racing was just a bonus.”»

«Lo hice en gran parte porque sabía que sería buena, porque [John] Lasseter dirigía la película y Pixar --explicó Newman.-- Esa sería la razón principal. Que tratara sobre carreras fue un bonus.»

Paul Newman

Owen Wilson, Bonnie Hunt y Larry the Cable Guy son los otros tres grandes nombres de estas películas. El primero de ellos da vida a Rayo McQueen, es bien conocido por sus papeles cómicos y su amistad con Ben Stiller, con el que ha participado en Zoolander (1 y 2), Una noche en el museo (la trilogía) o la extravagante Los Tenenbaums. Una familia de genios (The Royal Tenenbaums) en la que también es guionista. Bonnie Lynn Hunt tiene una extensa carrera tanto en teatro como en cine y televisión, no le faltan tablas gracias a títulos tan recomendables como La milla verde, Jerry Maguire y Jumanji (la película original, no el remake). Larry the Cable Guy es un profesional que ha ido saltando entre la radio, los guiones y desde Cars también en la actuación como voz de Mate. Y por si os parece poco el elenco lo completan Cheech Marin y Tony Shalhoub.

Cars 2, hay gasolina para rato

Cars 2 (2011) es una de esas secuelas que se alejan totalmente de la primera parte y que más bien podría haberse estrenado como Cars presenta… la aventura de Mate. Eso es lo que es, una aventura protagonizada por Mate. Algo que es entendible desde el punto de vista del éxito que tuvo el personaje, pero que llega a hacerse cansino al darle el protagonismo durante todo el metraje.

A pesar de ello la cinta llega a ser entretenida y a tener momentos muy memorables, en general cabría destacar todos en los que sale Finn McMisil, o Michael Caine. Michael Caine, un actor enorme que lleva en activo desde los años cincuenta y del que pueden destacarse las películas Alfie (que tuvo su remake con Jude Law), Las normas de la casa de la sidra, Un plan brillante y para una generación será por siempre Alfred de la saga de El caballero oscuro.

Hay muchos motivos para contar con él en cualquier película, pero si con Paul Newman estaba su pasión por las carreras de coches, en el coche de este otro intérprete estaban sus muchas películas sobre espías. Por ejemplo Ipcress, Funeral en Berlín, El cuarto protocolo y la lista seguiría. Muchas de ellas realizadas en los años sesenta, así que sin duda iba a ser el perfecto hombre para dar vida a Finn McMisil, el valiente espía al servicio de la corona inglesa.

El guiño a James Bond

Espías, coches, años sesenta… Sí, es imposible no pensar en Sean Connery, que interpretó en el cine a James Bond por primera vez. En Pixar siempre se han declarado admiradores del celuloide y no dudan en demostrarlo con un buen número de homenajes, y en este caso la creación de Ian Fleming tiene varios, desde el hecho de que la trama transcurra en Japón, como en Solo se vive dos veces, o que el propio agente secreto recuerde al Aston Martin DB 5 de Goldfinger (a pesar de estar basado en un Peerless GT de 1958, según dicen sus creadores).

Sin dejar de lado a Sir Miles Axlerod, el benefactor que está detrás del maravilloso combustible Allinol y que en realidad es el villano de todo el complot. No llega a vérsele la cara hasta el final, al igual que sucedió con Ersnt Stavro Blofeld en la saga de Bond (del que os hablo largo y tendido en el libro 007: James Bond, de espía a icono) y otro tanto con el Profesor Z, con su acento y monóculo. Este último interpretado por el alemán Thomas Kretschmann y el primero por Eddie Izzard, al que algunos lectores recordarán por la saga Ocean´s Twelve. Uno más entra en juego o como el Dr. Abel Gideon de Hannibal; para mí siempre será Toni P., el cabecilla de los chicos disco de la película Mystery Men.

Finn no es una creación original para Cars 2, en un origen estaba pensado para aparecer en una escena de Cars como el filme que van a ver los dos protagonistas durante una cita. Se quedó en la recámara con algunos concepts de Joe Ranft ya hechos, y desde ahí es con lo que Jay Shuster y su equipo trabajaron para hacerlo evolucionar de una simple parodia de James Bond a un personaje completo.

«We didn’t want to design Finn as a spy. We wanted him to be a really elegantly designed English sportscar from the sixties.»

«No queríamos diseñar a Finn como un espía. Queríamos que fuera un coche deportivo inglés de los sesenta muy elegante.»

Jay Shuster

Finn McMisil no es lo único que se quedó fuera de la primera película y se aprovechó. También está el final en el que se organiza el Grand Prix de Radiador Springs, un final que ya estaba planeado y que John Lasseter no quería desaprovechar. En algunas declaraciones ha llegado a decir que en gran medida Cars 2 existe para que esa escena no se perdiera.

Nuevas voces para seguir la saga

Junto con Michael Caine y Eddie Izzard otras dos voces se unen al reparto. Para Holley Shiftwell, otro miembro del servicio secreto, está Emily Mortimer. Igual de inglesa que su compañero, y reconocible rostro gracias a su papel de MacKenzie McHale en The Newsroom y que interpreta a la adulta Jane Banks de El regreso de Mary Poppins.

La otra voz a destacar es la del ecléctico John Turturro como Francesco Bernoulli, el nuevo rival de Rayo McQueen, que es igual de orgulloso y engreído que era él. Este actor al que sí o sí hay que ver en Barton Fink lleva en activo en el cine desde 1980 cuando apareció (sin acreditar) en una breve escena en Toro salvaje y ya nunca se bajó del tren del celuloide. Entre sus muchos papeles a recordar están el de Jesús Quintana en El gran Lebowski, el agente Simmons en Transformers (lo mejor de las tres primeras entregas es él) y Ambrose Monk en Monk, que protagonizaba Tony Shalhoub.

Cars 3, no hay dos sin tres

Tras otros cinco años de espera llega la tercera secuela de la saga en 2017, que se aleja tanto como se acerca de nuevo a lo que es la esencia de Cars. Uno de los proyectos anunciados por Pixar como parte de su intención de hacer crecer sus universos propios, y que se adelantó de fecha de estreno mientras que Los increíbles 2 se atrasó. El único motivo para esto, según sus declaraciones, es que una producción había avanzado más deprisa que la otra y eso fue lo que marcó finalmente el calendario.

El tiempo pasa para todos y también para Rayo McQueen, que ha dejado atrás sus comienzos intentando hacerse un nombre para convertirse en un veterano al que muchos admiran y otros tantos quieren derrotar. Uno de estos es el coche conocido como Jackson Storm, pura tecnología punta hecha vehículo que aspira a ser el nuevo campeón, un argumento que se ha visto anteriormente en películas como Rocky Balboa pero que siempre es resultón.

Nuevos invitados a la carrera

Al igual que en anteriores entregas el reparto incorpora nuevos rostros, o más bien voces, y en el caso de Jackson Storm es Armie Hammer. Este actor tristemente conocido por protagonizar la debacle que fue El llanero solitario, adaptación del personaje de mismo nombre que es olvidable a niveles de vergüenza; también ha participado en la irregular Operación U.N.C.L.E (otra adaptación, en este caso de la conocida serie de los años sesenta de la que os hablo en Los sesenta no pasan de moda, conocida en castellano como El agente de C.I.P.O.L.), Blancanieves (Mirror, Mirror) o J. Edgar, la biopic sobre el poderoso J. Edgard Hoover que protagoniza Leonardo DiCaprio y dirige Clint Eastwood.

Junto a él se incorpora al reparto Cristela Alonzo, protagonista total de la serie cómica Cristela, que es una creación suya, además de haber participado en General Hospital, Sons of Anarchy, y teniendo también su carrera en la stand up comedy, incluyendo apariciones en Conan de Conan O´Brien.

Hay que terminar citando a Brian Fee, nuevo director para la saga pero que ha trabajado anteriormente en las dos anteriores en el departamento de animación (y con su voz), también en el de Pocahontas 2: Viaje a un nuevo mundo o Joseph: Rey de los sueños, además del departamento de arte en producciones como Ratatouille y WALL•E.

«Think of where he’d be in his career now in real time — (McQueen) is not an old man, but he's one of the older cars on the circuit with new rookies coming in.

People start to wonder and ask when he might retire.»

«Piensa en qué punto de su carrera estaría hoy día. [McQueen] no es un hombre mayor, pero es uno de los veteranos en el circuito cruzándose con novatos. La gente se empieza a preguntar cuándo se retirará.»

Brian Free

Temas que trata la saga Cars

Los que se quedan atrás

Las prioridades de la vida

Todos te pueden sorprender

Ampliando el universo de los coches parlantes

Aviones

DisneyToon Studios estrenó en 2013 Aviones, una película ambientada en el mismo universo de Cars pero que va por su propio camino, a pesar de que John Lasseter es uno de los productores de la misma. No llega a tener el carisma que ninguna de Cars pero sí tuvo el suficiente éxito para que en 2014 se estrenara la secuela Aviones: Equipo de rescate.

No es esta la primera vez que The Walt Disney Company se mete en el terreno de los aviones humanizados, hay un antecedente bien conocido en «Pedro, el avioncito» (también «Pedrito Plano») que fue un segmento que apareció dentro de la película Saludos amigos de 1942. Puede mencionarse también a Litte Johnny Jet de 1953, un cortometraje de la Metro Goldwyn Mayer dirigido por Tex Avery que habla sobre una familia de aviones.

Cars Toon

Bajo el nombre Cars Toon (juego de palabras entre «cars» (en inglés «coches») y «cartoon» (en inglés «dibujo animado») se pueden agrupar Los cuentos de Mate y Tales from Radiator Springs, una serie de pequeños cortometrajes que amplían el universo de Cars contando con Mate como una de sus mejores armas. La primera serie va del 2008 al 2012, con Owen Wilson repitiendo en su papel de Rayo McQueen (solo en el mediometraje Cars Toons: Mater's Tall Tales) y Keith Ferguson como su sustituto en los demás, aunque volveremos a tener a Wilson en la segunda, del 2013 al 2014, sumado a Mate y la luz fantasma que es de 2006.

La auténtica Ruta 66

La Ruta 66, The Main Street of America («La calle principal de América»), es un lugar totalmente real y una de las inspiraciones más directas para la primera película de Cars, al punto de llegar a trasladar casi directamente lugares y personas que viven en dicha ruta. A pesar de su popularidad fue retirada oficialmente de la Red de Carreteras de Estados Unidos en 1985, pero parte sigue siendo transitada y aparece en los mapas como la Historic Route 66 (Ruta 66 Histórica).

A lo largo de este recorrido hay muchos pueblos similares a Radiador Springs, pequeños lugares que son poco más que una calle principal con algunas tiendas que hoy están ya cerradas. No todas, por ejemplo la Hackberry General Store, en la que uno puede encontrarse con un viejo coche clavadito al fundador de Radiador Springs, igual que en el Wigwam Motel de Holbrook las habitaciones son conos, aunque sean tipis y no conos de circulación.

También puede verse en la película la gasolinera art decó U Drop Inn, también conocida como Tower Station and U-Drop Inn o sencillamente Tower Café, que data de 1936. Y no puede uno olvidarse de Mate, y es que te lo puedes encontrar en el restaurante 4 Women on the Route (también llamado Cars on the Route) o más bien a Tow Tater, la grúa original fabricada en 1951.

Para los miembros de Pixar recorrer estas carreteras y conocer a algunos de sus habitantes fue toda una experiencia, y no dudaron en lanzarles una dedicatoria.

Special Thanks To Those Who Inspire Us On Route 66, "The Mother Road"

(Agradecimiento especial a todos aquellos que nos inspiraron en la Ruta 66, «la carretera madre»)

Michael Wallis & Suzanne Fitzgerald Wallis

Kansas

Scott Nelson, Eisler Brothers Old Riverton Store, "Home Of The Hand-Crafted Sandwiches", Riverton, KS

Dean & Paula Walker, Baxter Springs, KS

Oklahoma

Dawn Welch, The Rock Cafe, "Home Of The Fried Pickle Spears", Stroud, OK

Jim Ross, Arcadia, OK

Butch Breger & His Momma, Round Barn, Arcadia, OK

Pat Smith & Staff, OKlahoma Route 66 Museum, Clinton, OK

Walter S. "Doc" Mason, Best Western Tradewinds Courtyard Inn, Clinton, OK

Ray & Shirley Killian, RS&K Railroad Museum, Sayre, OK

Harley & Annabelle Russell, The Mediocre Music Makers, Sand Hills Curiosity Shop, Erick, OK

Wanda Queenan, National Route 66 Museum, Elk City, OK

Glenna Hollis & Kay Farmer, Country Dove, "Home Of The French Silk Pie", Elk City, OK

Texas

Delbert & Ruth Trew, The Devil's Rope Museum, McLean, TX

Stanley Marsh 3, The Cadillac Ranch, Amarillo, TX

Becky Ransom, The Big Texan Steak Ranch, "Free 72-Ounce Steak If Consumed In 60 Minutes", Amarillo, TX

Fran Houser, The Midpoint Cafe, "Home Of The Ugly Crust Pie", Adrian, TX

New Mexico

Eddie "No Money" Shields, Santa Rosa, NM

Dale & Hilda Bakke, The Blue Swallow Motel, Tucumcari, NM

Mike & Betty Callens, Tee Pee Curios, Tucumcari, NM

Arizona

Aggie Montano, Alice & Stanley Gallegos, Joe & Aggie's Cafe, "Hottest Chow On The Mother Road", Holbrook, AZ

Antonio & Cindy Jaquez, Jack Rabbit Trading Post, "Home Of The 'Here It Is' Sign", Near Joseph City, AZ

Allan Affeldt & Tina Mion, La Posada, Winslow, AZ

Diane Patterson, Roadworks Gifts & Souvenirs, Their "Stand Is On The Corner" In Winslow, AZ

Janice Griffith, Old Trails Museum, Winslow, AZ

Paul & Sandi Taylor, Route 66 Magazine, Williams, AZ

Angel Delgadillo, "Guardian Angel Of Route 66", Angel & Vilma Delgadillo's Old Fashioned Route 66 Gift Shop, Barber Shop & Museum, Seligman, AZ

Juan Delgadillo, Sno Cap Drive-In, Seligman, AZ

Dos plagios vergonzosos

Qi che ren zong dong yuan

También conocida por The Autobots, es una película dirigida por Jianrong Zhuo que se vio metida de lleno en un pleito con Walt Disney. Y perdió, claro. El motivo de la demanda era el posible plagio de la producción oriental respecto de la famosa película Cars que tantos buenos dividendos había dado al estudio.

El director de la obra demandada dijo que no era cierto y en declaraciones comentó que «I can only say that we learned from Disney, but we would never copy» («Solo puedo decir que hemos aprendido de Disney, pero nunca le copiaríamos.»), mientras mantuvo su inocencia en todo momento. La realidad es otra y con solo dar un vistazo al cartel (que usa elementos del de Cars 2) queda claro que sí hubo copia, lo que todavía es más evidente tras ver el metraje.

Os Carrinhos

Una nueva entrega de la nada prestigiosa productora brasileña Vídeo Brinquedo. Se lanzó a la venta en 2006 con el nombre The Little Cars in the Great Race y que sorprendentemente ha tenido varias secuelas. Dejando de lado lo vergonzoso de su animación, que daría para hablar largo y tendido, es más que evidente que estamos ante un flagrante plagio con solo ver un minuto de la primera película.

10 detalles que no te puedes perder

1) ¿Te suena de algo lo que estás viendo en la escena onírica de Cars? Claro, es La guerra de los mundos de H. G. Wells.

2) Gran parte de la película sucede en la Ruta 66, que precisamente estuvo a punto de ser el título comercial del filme.

3) Dinoco, otra de las muchas autoreferencias de Pixar. Apareció ya en Toy Story, solo que con un logo algo diferente.

4) McQueen es el apellido del conocido actor Steve McQueen, un auténtico amante de los coches y las carreras, apodado The King of Cool, pasó a convertirse en una leyenda tras su trágica muerte. También es el apellido del animador Glenn McQueen, que falleció en 2002.

5) Jay Leno es un reconocido cómico y presentador americano que ha tenido sus muchos cameos en películas y series, en este caso lo tenemos en forma de coche en The Jay Limo Show.

6) Cars 2 es una película de espías en toda regla. Tiene su supervillano, su plan mundial, una agencia secreta, e incluso la voz de Michael Caine cono Finn, que además tiene la muy conocida apariencia del primer coche de James Bond en su versión fílmica con el rostro de Sean Connery.

7) The Cars es un grupo musical todavía en activo que tuvo su momento de mayor éxito entre los setenta y los ochenta, destacando la canción You Might Think. Esta misma melodía se escucha en Cars 2, al igual que en la divertida serie Braindead.

8) 95, el número que luce Rayo McQueen. (19)95 es también el año en que Toy Story llegó a los cines.

9) John Lasseter se ha prodigado poco en lo que a voces de sus creaciones se refiere, pero Cars 2 es una de las películas en las que lo hace.

10) Los estrenos de Cars han sido con un lustro de diferencia: 2006, 2011 y 2017.

Ratatouille, cualquiera puede ser él mismo

Ratatouille (2007) sorprendió a todo el mundo. Al público y a la crítica. Una divertida y conmovedora historia que se basa en el aprendizaje y la confianza, que se aleja de algunos de los tópicos existentes en Pixar, además de ser la primera vez en que se ve claramente interactuar a humanos con animales.

El buen trabajo tanto en desarrollo de guión como en tratamiento de personajes y la calidad que siempre es habitual en esta empresa, la convirtieron en merecedora de un Oscar en la categoría de Mejor Película de Animación.

La rata que quería ser chef

La historia de Ratatouille se remonta a finales de los años noventa y al precioso (y triste) corto El juego de Geri, que fue escrito y dirigido por el praguense Jan Pinkava, que trabajaba en Pixar desde 1993. Es en ese tiempo cuando desarrolla una idea para una película inusual, basada en ratas y cocina, una idea que gustó pero que pretendía ser la primera en hacerse tras romperse el acuerdo de Disney/Pixar.

Él presentó tres ideas al grupo de expertos, o brain trust, de Pixar, una de ellas era «a story about a rat who wants to become a chef» («la historia de una rata que quiere ser chef»). Según él mismo ha contado todos se rieron y a John Lasseter le encantó la idea, más que a él mismo.

El proceso avanzó y, según ha declarado el diseñador de personajes Jason Deamer, mucho del trabajo de creación se hizo con él al frente, pero pasado el tiempo la empresa no terminaba de confiar en su visión y puso a Brad Bird al mando, aunque Pinkava logró aparecer como codirector en los títulos de créditos.

«Ratatouille was an enormous experience as my first feature film. I am very proud of much that is in it, and I am delighted for everyone who worked so hard that the finished movie has been such a success.»

«Ratatouille ha sido una experiencia enorme como mi primer largometraje. Estoy muy orgulloso de lo que hay y estoy encantado con lo mucho que han trabajado todos y cada uno de ellos para que la película finalmente haya sido tal éxito.»

Jan Pinkava

Se sabe que tanto la historia principal, personajes y escenarios fueron concebidos por él, y que con su marcha hubo cambios pero nunca se ha llegado a saber realmente cuáles fueron, ya que por lo que parece el producto final está muy cerca de la historia que él concibió, a pesar de alejarse en tono y en parte del tratamiento de algunos protagonistas. El propio creador ha comentado que en un origen había más de la doble vida de Remy y más contraposición de estas (la parisina y la de rata). También había escenas íntimas con su familia. De la misma forma bajo el ala de Brad Bird las ratas tomaron un aspecto más cartoon, se eliminó a Gusteau (haciendo que estuviera muerto) y se dio mayor importancia a Skinner y Colette en la trama.

Sea de la forma que fuera y los motivos para la entrada de Brad Bird, que estaba a punto de irse de vacaciones cuando le dijeron que se hiciera cargo del proyecto (y se fue, dos días), lo que sucedió fue un éxito que demostró que Pixar sabía qué estaba haciendo, que no necesitaba realmente a nadie más para hacer un buen trabajo y que lo mejor solo estaba por venir.

El arte detrás de las ratas

El trabajo para llevar al cine una película es complejo, grupal y requiere de mucho tiempo. En parte no es del todo justo destacar a unos nombres sobre otros, pero sería imposible mentar a todos los implicados en un filme y es (además) algo que excede totalmente las intenciones de este libro.

En Ratatouille hay dos profesionales en los que hay que recalar por un momento, puesto que su trabajo es en gran medida el que hizo que a la pantalla llegaran los personajes según los conocemos y también, ya que sus trazos son una maravilla, que todo aficionado a la animación y al dibujo en general debería conocer.

El primero es Carter Goodrich, que comenzó su carrera como diseñador de personajes en DreamWorks Animation con la película El príncipe de Egipto, a la que siguieron Joseph: Rey de los sueños y Simbad: La leyenda de los siete mares, Colegas en el bosque, de la que fue director de arte, y otros exitosos filmes como Gru – Mi villano favorito y su secuela, la divertida aunque irregular Lorax: En busca de la trúfula dorada, y por supuesto sus trabajos en Pixar que van de Monstruos S.A. a Brave (Indomable) pasando por esta, Ratatouille, sobre la que estás leyendo y la venidera Coco.

El segundo es Matt Nolte, que a pesar de su talento tiene una carrera mucho más discreta que su compañero, con Brave (Indomable), El viaje de Arlo, Cars, Ratatouille y el corto/secuela Tu amiga la rata en los segmentos de animación en 2D.

Y a su lado estaban también Jason Deamer, Peter DeSève, Dan Lee y Teddy Newton.

«I try to imagine who or what the character, or the personality of that character, is. Success is more likely if I can conjure up the memory of somebody

I once knew who might be an interesting fit.»

«Intento imaginar quién o qué es el personaje o su personalidad. Es más probable conseguir el éxito si logro evocar el recuerdo de alguien que haya conocido en alguna ocasión y que encaje de manera interesante.»

Carter Goodrich

Los actores de la función

Remy

El filme presenta a Remy, una rata que es igual que muchas pero a la vez distinta a todas las demás. Ella no quiere comer basura, tiene un paladar más refinado, y poco a poco se irá convirtiendo en un gran chef (un minichef, para ser más concretos), pero solo será cuando pierda a su manada que podrá empezar a descubrir todo lo que le depara la vida.

Es inteligente, inconformista y soñador pero con los pies en la Tierra. Ya no le basta con solo anhelar y lucha para ver cumplido aquello que quiere. Incluso algo que parece imposible, pero ya se sabe «no hay nada imposible, tan solo matemáticamente improbable».

Su diseño básico no cambió mucho de según era al principio, ya que el animal tiene la forma que tiene (y conviene evitar posibles malentendidos con el icono de la empresa madre). Algunos detalles se fueron ajustando hasta llegar al resultado final: se hizo que fuera menos realista, su hocico se redujo, se le diseñaron unas orejas menos llamativas pero siempre los mismos ojos humanos, que son los que logran que el personaje funcione.

Esto mismo sucedió con sus parientes, que en un principio aparecían como ratas desaliñadas y sucias, con pelo oscuro y revuelto, además de portar algunos elementos humanos como pañuelos o pequeños sombreros, que sufrieron una transformación a la de su hermano.

Patton Oswalt es quien da voz a la encantadora rata. Un actor con una carrera más larga que mi brazo, con varias décadas en activo en la que se acumulan papeles y trabajos como Seinfeld, Los padrinos mágicos, Cuerpos de seguridad o Dos hombres y medio, entre otros muchos.

La familia original de Remy

En Ratatouille Remy es el raro de su grupo, su padre no le entiende y su hermano Emile tampoco, solo que no le preocupa mucho y le quiere según es. En un principio este núcleo era diferente, ya que además de Django (padre) y Emile (hermano tontorrón), estaba su madre Désirée y un buen número de parientes anónimos, algunos de los cuales tenían un diseño propio, obra de Carter Goodrich, que recuerdan mucho al aspecto de los zíngaros. Esta colonia era ruidosa, se peleaba pero también tenía una orquesta para amenizar las veladas. Finalmente de todo esto solo sobrevivirían Remy, Emile, Django y Git, una enorme rata que ha estado en un laboratorio (en la película puede apreciarse que tiene una etiqueta en la oreja, con el número A113).

«Where the movie differs most from the story I imagined is in its tone, in the story’s core idea and in Remy’s character. Perhaps this is, at least in part, a matter of… “European Sensibility”.»

«En lo que la película difiere más de la historia que imaginé es en el tono, en la idea central y en el personaje de Remy. Quizá sea, al menos en parte, una cuestión de… “sensibilidad europea”.»

Jan Pinkava

La señora de las ratas

En los títulos de crédito de Ratatouille hay un agradecimiento especial para Debbie Ducommun, una mujer conocida cariñosamente como The Rat Lady (la señora de las ratas). Es una experta internacional reconocida en estos seres y trabaja en favor de ellas, y otros animales, desde 1977, tras haber sido entrenadora. Destacan sus estudios al respecto de los problemas de corazón de estos pequeños, campo en el que empezó en 1985, siendo una pionera en el mismo, incluyendo la realización de cirugías y otros cuidados.

Sus conocimientos la han hecho aparecer en diversos programas televisivos de referencia como es The Tonight Show with Jay Leno y otros como The Howie Mandel Show, To Tell the Truth, Ripley’s Believe It or Not!, y fue asistente de Pixar en Ratatouille, motivo por el que se ganó ese agradecimiento ya mencionado.

A lo largo de su trayectoria profesional ha publicado artículos en revistas relacionadas con su campo de investigación como en el Pet Business con una columna mensual, además de haber escrito los libros Rats! A Fun and Care Book y The Complete Guide to Rat Training.

En 1992 fundó The Rat Fan Club del que podéis saber más (y de ella) en http://www.ratfanclub.org/

Alfredo Lingüini

Generalmente conocido solo como Lingüini es un chico joven, alto y desgarbado, con movimientos que en gran medida se parecen a los de Remy. Al igual que él está solo, su madre ha fallecido y nunca ha llegado a conocer a su padre (no sabrá quién es hasta el final de la película, dato que sí tendrá el espectador). En estas circunstancias llega a pedir trabajo en Gusteau´s, uno de los prestigiosos restaurantes de París, en el que empezará sacando la basura y posteriormente como el chef estrella con la ayuda de Remy, su amigo, confidente y su minichef personal.

Dejando de lado el hecho de que se haga amigo de una rata, este chico es igual que todos, es completamente normal. Solo intenta abrirse camino en la vida, tiene dudas, se enamora e intenta que su fallecida madre esté orgullosa de él. Es el héroe de la película (si es que hay alguno), pero realmente lo único que quiere es ser él mismo.

Ese es uno de los mensajes de Ratatouille, podemos ser lo que queramos pero lo que debemos ser por encima de todo es nosotros mismos. La búsqueda de la identidad propia nunca es sencilla, en ocasiones requiere dejar atrás muchas cosas e incluso ver cómo la familia no lo entiende, puede que se deba desafiar todo lo que la gente había planeado para uno, pero al final con el que tienes que pasar la vida es contigo mismo, y es al único al que debes explicaciones.

Para dar vida a Lingüini está Lou Romano, nombre habitual en las producciones de Pixar que ha trabajado en Los increíbles como el odioso Bernie Kropp y ejerciendo de diseñador de producción, también en Up y Monstruos S.A. en el departamento de arte. Queda también evidente la influencia del humor corporal y del slapstick en la historia.

Anton Ego

La RAE da estas dos acepciones sobre la palabra ego:

1. m. Psicol. En el psicoanálisis de Freud, instancia psíquica que se reconoce como yo, parcialmente consciente, que controla la motilidad y media entre los instintos del ello, los ideales del superego y la realidad del mundo exterior.

2. m. coloq. Exceso de autoestima.

La segunda de ellas casa a la perfección con el temible Anton Ego, el crítico al que todos respetan y tienen miedo a partes iguales. Alto, delgado, siempre vestido de negro, con un habla que casi parece aspirarte el alma y una mirada a juego… De ser otro filme casi podría ser un vampiro.

Algo muy cierto ya que en ideas y diseños de Dan Lee (fallecido en 2005) sobre el personaje queda clara la inspiración en el Conde Orlok interpretado en 1922 por Max Schreck en Nosferatu el vampiro. Lo que se traslada totalmente en su aspecto, rostro e incluso en su estudio, que visto desde arriba tiene forma de ataúd, igual que el marco de su retrato, sin dejar de lado la máquina de escribir que usa, que recuerda fielmente a una calavera.

Este es uno de los personajes mejor conseguidos de la película, destacando su monólogo final en el que él mismo habla sobre su oficio, sobre los críticos y demuestra que todos podemos abrirnos a nuevas experiencias.

«No es que cualquiera pueda ser un gran artista, si no que los grandes artistas pueden proceder de cualquier lugar.»

Anton Ego

En inglés este personaje cuenta con la voz del legendario Peter OToole (Luis Mas en castellano), un intérprete que incluso después de muerto ha seguido lanzando trabajos y es que realmente nunca paró de actuar. Sus primeros papeles se remontan a la década de los cincuenta pero es en años posteriores cuando le llega el reconocimiento internacional gracias a dar vida al personaje protagonista en Lawrence de Arabia en 1962. El filme le abrió puertas a otros grandes títulos de carga psicológica, una de sus especialidades, como Lord Jim, El hombre de La Mancha o El último emperador, algo que no deja de ser irónico, ya que realmente no era la primera opción para el personaje que le otorgó la fama.

No todo fueron éxitos y en su gran carrera también se puede encontrar Supergirl, película de 1984 que lleva al cine a la prima de Superman de la mano de Jeannot Szwarc y el guionista David Odell. Un filme mediocre y totalmente olvidable (más tras la aparición de la serie de televisión protagonizada por Melissa Benoist), en la que el veterano interpretaba a Zaltar, mentor de la joven heroína.

«En muchos sentidos el trabajo de un crítico es fácil. Arriesgamos poco porque gozamos de una posición que está por encima de los que exponen su trabajo y a sí mismos a nuestro criterio. Nos regodeamos en las críticas negativas que son divertidas de escribir y de leer, pero el hecho más amargo que debemos afrontar los críticos es que, a la hora de la verdad, cualquier producto mediocre tiene probablemente más sentido que la crítica en la que lo tachamos de basura. Pero hay veces en las que realmente un crítico se arriesga en pro del descubrimiento y la defensa de algo nuevo. El mundo es hostil para los nuevos talentos y las nuevas creaciones. Lo nuevo necesita amigos.»

Anton Ego

Colette

Colette ejerce dos funciones en la película. La primera es ser la mentora en la cocina del protagonista y en segunda instancia ser el interés romántico del mismo. En todo momento tiene claro que es la única mujer del restaurante y no duda en mostrarse dura ante sus compañeros: ha trabajado mucho para llegar donde está y nadie se lo va a quitar.

Está preparada, tiene talento pero también un buen corazón y por eso no duda en ayudar a Lingüini en sus primeros pasos. También cuando se descubre el pastel acepta estar con Remy y su familia ratera, cocinando codo con codo.

En muchos aspectos es un personaje bastante arquetípico dentro de la concepción idealizada que el cine americano parece tener de las francesas, por suerte no cayendo en otros tópicos tontos y dotándola de una personalidad propia que podría competir con la de Anton Ego en un duelo de voluntades.

La actriz Janeane Garofalo es la elegida para poner voz a la joven cocinera. Puede que la recordéis como la Lanzadora de la divertida Mistery Men, que se basa en la creación de Bob Burden, también por aparecer en la película Dogma de Kevin Smith, aunque seguramente sus dos personajes más conocidos sean el de Janis Gold en 24 y el de Louise Thorton en El ala oeste de la Casa Blanca. También ha hecho sus pinitos en el campo del guión para The Ben Stiller Show, Comedy Central Sit N Spin y la TV Movie Janeane Garofalo: If I May, entre otros trabajos.

Skinner y Gusteau, las dos caras de la restauración

Skinner está al cargo del restaurante Gusteau´s tras el fallecimiento de su creador y haber estado a su cargo como su brazo derecho. A pesar de ello parecer no tener mucho respeto a su nombre y no dudar en prostituirle en formatos de comidas baratas. Es un hombre de pequeña estatura, mal carácter, mirada aviesa, manipulador y ruin. Desde un comienzo tendrá un cierto odio hacia Lingüini, ya que descubre que puede ser (y finalmente es) el hijo de su antiguo jefe y por tanto heredero de su negocio. Algo que va en contra de sus planes, puesto que en un principio iba a ser todo para él, siempre y cuando no apareciera ningún descendiente en el plazo de dos años después de su fallecimiento.

Auguste Gusteau era el dueño del restaurante Gusteau´s, uno de los más conocidos de París y que ha perdido parte del prestigio que tuvo. Al contrario que Skinner era un hombre de gran tamaño, mirada sincera y fervientemente creyente de que «cualquiera puede cocinar», escribiendo incluso un libro al respecto. Es uno de los personajes de más peso de la película a pesar de que realmente no está presente nunca. Solo se le ve en unos pocos fragmentos al principio en un reportaje televisivo, ya que el resto de momentos en los que está en pantalla es solo producto de la imaginación de Remy (lo que él mismo parece tener muy claro).

Para estos dos personajes se contó con los talentos de Sir Ian Holm y Brad Garrett. El primero tiene una extensa carrera con películas y personajes de renombre como Bilbo en El señor de los anillos, Sir William Gull en Desde el infierno (adaptación de la novela gráfica sobre Jack, el destripador, From Hell), o el androide Ash de Alien, el octavo pasajero. En lo que se refiere a Brad Garrett es un artista de voz que lleva en activo desde los años ochenta, comenzando su carrera con los dibujos Rock ´n´ Wrestling como Hulk Hogan y desde entonces sin dejar en ningún momento el mundo del doblaje, pudiéndosele oír en Motorratones de Marte, Timón y Pumba. Los amigos del Rey León, vérsele en Todo el mundo quiere a Raymond (como Robert Barone) y tomando parte en el mundo de Pixar en Bichos: Una aventura en miniatura, Buscando a Nemo, la serie de dibujos de Buzz Lightyear y Buscando a Dory.

Temas que trata Ratatouille

Cualquiera puede cocinar

Podemos cambiar nuestra forma de ver las cosas

No des nada por sentado

Cómo preparar ratatouille

A pesar de que el plato de origen francés y llamado ratatouille niçoise es el que da título a la película, no es exactamente el que se llega a ver en pantalla, ya que es una versión modernizada del mismo: el confit byaldi, de Michel Guérard, uno de los padres de la nouvelle cuisine. A su vez la receta que realiza Remy en pantalla es una adaptación de la misma hecha por el chef Thomas Keller, que fue consultado por el productor de la cinta, Brad Lewis (también al frente de Cigüeñas y Batman: La LEGO película), al respecto e incluso pudo entrar en la cocina de su restaurante French Laundry.

INGREDIENTES

Para la cama de Piperrada o Piperade

½ pimiento rojo

½ pimiento amarillo

½ pimiento verde

2 cucharadas de aceite de oliva virgen

2 o 3 ajos picados (al gusto)

1 cebolla amarilla

340 gr. o 3-4 tomates pera, con su jugo (pueden ser de lata)

2 ramitas de tomillo fresco

1 ramillete de perejil

1 hoja de laurel

Para las verduras

1 calabacín en rodajas muy finas

1 berenjena en rodajas muy finas

1 calabacín amarillo en rodajas muy finas

4 o 5 tomates pera, en rodajas muy finas

2 o 3 ajos picados

2 cucharadas de aceite de oliva

Tomillo fresco

Sal y pimienta negra molida

Papel sulfurizado o papel del horno

Para la vinagreta

1 cucharadita vinagre balsámico

1 cucharada aceite de oliva virgen

Hierbas aromáticas frescas variadas (tomillo, perifollo)

Sal y pimienta negra molida al gusto

PREPARACIÓN

1. Para la piperrada. Precalentamos el horno a 230°C. Cubrimos una bandeja de horno con papel de aluminio ligeramente aceitado. Limpiamos y cortamos por la mitad los pimientos. Nos deshacemos de las semillas y los depositamos sobre la bandeja con la parte cortada hacia abajo. Los sazonamos con un poco de sal y aceite y los horneamos durante 15-20 minutos, hasta que empiecen a dorarse ligeramente y la piel se les suelte. Los sacamos del horno y dejamos que se enfríen suficientemente como para poder manipularlos. Los pelamos y los troceamos finamente.

2. Pelamos y picamos una cebolla y 2-3 ajos. Los añadimos a una cazuela junto con el aceite y pochamos a fuego lento durante unos 8 minutos. No queremos dorarlos, solo ablandarlos.

3. Añadimos los tomates (pelados, sin semillas y troceados), el jugo de los tomates, el tomillo, el perejil y la hoja de laurel. Lo dejamos cocer a fuego lento durante 10-15 minutos. No queremos que se dore, buscamos una textura suave y blanda, que haya perdido casi todo el líquido.

4. Añadimos a la cazuela los pimientos troceados y dejamos que se cuezan. Apagamos el fuego, apartamos las hierbas y comprobamos que el punto de sal esté a nuestro gusto.

5. Reservamos 1 o 2 cucharadas de la mezcla para la vinagreta y esparcimos bien el resto, sobre un molde para horno de unos 20cm.

6. Para las verduras. Bajamos la temperatura del horno a 140-150ºC. Con ayuda de una mandolina o un cuchillo bien afilado, cortamos en rodajas, lo más finas posibles, los calabacines, la berenjena y los tomates.

7. Comenzaremos a colocar los discos por el borde exterior del molde y en sentido circular hacia el centro

8. Cubrimos toda la superficie superponiendo los discos en orden alterno, por ejemplo: calabacín, berenjena, calabacín amarillo y tomate.

9. Mezclamos el aceite, el ajo picado, las hojas de tomillo, la sal y la pimienta y regamos por encima la mezcla.

10. Cubrimos el bol con papel de aluminio, apretando bien los bordes para que esté bien sellado. Horneamos unas 2 horas, hasta que las verduras estén tiernas al pincharlas con un cuchillo.

11. Destapamos, subimos la temperatura del horno a 180ºC y horneamos 30-40 minutos más. Las verduras deben estar asadas pero mantener su consistencia. Sacamos del horno.

12. Para la vinagreta. Combinamos en un bol el vinagre, el aceite, las hierbas, la sal, la pimienta y las cucharadas de piperrada reservadas. La usaremos para aliñar o para decorar al emplatar.

13. Servimos. Podemos emplatar en caliente colocando las verduras en forma de caracol como Remi. Para ello cogemos una porción de Ratatouille con una espátula o pala y la giramos 90º y decoramos el plato con la vinagreta. También podemos guardarlo en la nevera y servirlo frio, ya que el Confit Biyaldi, como la mayoría de los Ratatouilles, mejora con el tiempo. Si quisiéramos calentarlo lo haríamos en el horno a 180ºC. Y si consideramos que hay exceso de líquido en el molde, lo pondremos a fuego medio hasta reducirlo.

NOTAS

1. Procura que las verduras sean de tamaño similar. Será más fácil colocarlos y quedará más bonito y uniforme.

2. Puedes batir tanto la piperrada como la vinagreta para que sus texturas queden más suaves. La vinagreta incluso la puedes omitir y aliñar, si quieres, tu Confit con vinagre balsámico en su lugar.

Receta de http://restaurantefinmundo.blogspot.com.es

¿Quieres más?

Tu amiga la rata

Tu amiga la rata (Your Friend the Rat) es un corto realizado en gran parte con animación 2D tradicional, con gran similitud con trabajos de los cincuenta y sesenta de The Walt Disney Company, en el que Remy y su hermano Emile intentan hacer ver que ratas y humanos son iguales, que pueden vivir en armonía y que en el pasado lo hicieron. Para ilustrarlo hablan de Roma, la Edad Media y en contra de sus deseos aparece también por un momento la peste negra, que asoló Europa entre 1343 (la fecha no siempre es exacta, en el corto es 1347) hasta 1357.

El trabajo lo dirige Jim Capobianco como un extra para el DVD de la película, mezclando animación 3D, imagen real, tradicional y mucho humor salpicado de un claro cariño a los dibujos del pasado de The Walt Disney Company.

Como detalles curiosos si uno se fija hay un sello de Napoleón Bonaparte y el libro de Cualquiera puede cocinar.

No more sequels

Tras los anuncios de Buscando a Dory, Cars 2, Los increíbles 2 y Toy Story 4 parecía que Pixar se había contagiado de la misma fiebre que en la década del 2000 tuvo Walt Disney lanzando secuelas de sus películas más exitosas como Bambi II, Peter Pan en regreso al país de Nunca Jamás, El origen de la sirenita… La lista seguiría y se remontaría también a algunos títulos que llegaron en los años noventa.

Se temía que se hubieran conformado y que la lucha que hubo con Toy Story 2 para hacer un buen producto fuera solo un lejano recuerdo. Con Buscando a Dory lograron meterse en el bolsillo a los escépticos, pero con todo la tanda de secuelas presagiaba un bajón creativo en una empresa caracterizada por su capacidad de innovación y sorpresa.

Para tranquilidad de muchos Jim Morris, presidente de Pixar, aseguró en julio de 2016 en una conversación con la revista Entertainment Weekly que no tenían en mente hacer ninguna más, especificando claramente que WALL•E no tendría una segunda parte, y que solamente se harían nuevas continuaciones si el director original tenía una idea que le gustase y estuviera dispuesto a luchar por ella.

Ratatoing

Mala animación, título referencial, logo plagiado, argumento con similitudes… ¡Sí, de nuevo Vídeo Brinquedo hace aparición en la sala! En este caso el protagonista no quiere ser chef, ya lo es y además tiene su propio restaurante, y por supuesto es una rata. Además no sucede en París, lo hace en Río de Janeiro.

Bajo un guión de Marcos Hirsh y dirección de Michelle Gabriel, esta historia tiene una puntuación de 1,4 en IMDB. Vedla, si tenéis valor.

10 detalles que no te puedes perder

1) El protagonista es una rata, Mickey Mouse es un ratón. Queda dicho.

2) El abogado del chef tiene un físico muy parecido al de Jean Reno. El actor francés no le pone la voz, lo que ya hubiera sido maravilloso, pero la similitud está ahí.

3) En muchas ocasiones Pixar recurre a una forma muy sencilla de situar al espectador dentro de la película y sus antecedentes, con un reportaje de formato televisivo que es precisamente lo que se hace en Ratatouille para que pueda saberse quién es Gusteau y su restaurante. A fin de cuentas, es el escenario principal (casi el único) de toda la película.

4) Si te fijas verás por un fugaz momento la silueta de Dug, el perro de Up.

5) ¿En qué serie hacían guiño de la rata? ¿Padre de familia?

6) ¿Ese mimo es Bomb Voyage? En Los increíbles vemos a Mr. Increíble enfrentarse a un mimo francés llamado Bomb Voyage y un mimo similar, pero sin bombas y sin hacer de supervillano, aparece en un parque en Ratatouille. Pixar es muy dada a hacerse autoguiños y pequeños juegos privados para sus seguidores.

7) Gusteau's aparece en el París de Cars 2, solo que en su versión cochuna, es decir como Gastow´s.

8) El lema del chef Gusteau es «cualquiera puede cocinar» y viendo las personas que trabajan en su cocina nadie puede negar que sea cierto. Todos ellos son de distintos países, con pasados diferentes y en apariencia muy poco en común salvo el amor que todos profesan por la cocina.

9) ¿Ratas en París? Esto también lo hemos visto en la TV Movie Alerte à Paris! L´Invasion par les rats, solo que de una forma bastante menos hermosa.

10) La película cumple el habitual de Pixar de dos personas (humano y rata) diferentes que están destinados a entenderse, en este caso a ayudarse. Solo que en esta película hay una diferencia con todas las demás, no pueden hablar entre ellos, aunque Remy parece entender el francés.

WALL•E, un robot lleno de bondad

Cuando se estrenó WALL•E sucedió algo sorprendente: una gran cantidad de personas acudieron a ver la película sin pararse a verla. Lo que quedó de la misma fue algo estilo «una divertida historia de amor entre dos robotitos», cuando en realidad estamos ante una obra llena de crítica social, reflexión y filosofía con temas tan profundos como qué es el alma y hacia qué se está dirigiendo el ser humano.

WALL•E fue toda una sorpresa, una de esas pequeñas joyas que nos da la ciencia ficción y que de no haber sido hecha en animación seguro que habría sido tomada mucho más en serio. Por suerte sí hubo un fuerte sector que la aplaudió, y de hecho logró el galardón a Mejor Película de Animación en los Oscars de su año. Con el paso del tiempo ha sido un filme que solo ha crecido en popularidad mientras su valor como obra de calidad ha ido realzándose.

El tratamiento elegido, los temas que se abordan, el cuidado en los escenarios y en la construcción de los mismos, el hábil manejo del diálogo a pesar de la ausencia de palabras... Todos estos detalles (y más) la convierten en una de las mejores películas que han salido de la factoría Pixar.

La soledad del robot

Fue en 1994 cuando John Lasseter, Pete Docter, Joe Ranft y Andrew Stanton (que terminará siendo el director del filme) empezaron a dar vueltas a la idea que terminaría en convertirse en WALL•E. O más bien fue solo una propuesta argumental de Stanton que preguntó a sus compañeros: What if mankind had to leave Earth and somebody forgot to turn off the last robot? (¿Y si la humanidad hubiera tenido que abandonar el planeta y alguien hubiera olvidado apagar el último robot?)

Dentro de la mente del futuro director la idea seguía evolucionando, alejándose de la propuesta de la soledad de un androide y pasando a ser más una crítica ecológica. Algo que él y Pete Docter tuvieron muy en cuenta cuando se pusieran a trabajar en Trash Planet, el título que en 1995 llevaba el proyecto que estuvo parado hasta que Stanton imaginó la escena que sería clave en toda la película y que serviría como argumento principal: WALL•E encuentra una planta. La última planta, que crece en medio del pavimento entre las calles de un mundo sin vida.

De esa idea se creó una primera animática que encandiló a John Lasseter y a Steve Jobs, que dieron luz verde a la película según la vieron (a finales de 2003). La trama fue avanzando y cobrando forma, mostrando una clara metáfora de la importancia del crecimiento y aprender cosas nuevas, algo que hacen tanto WALL•E como EVA, su pareja y amiga robot, e incluso los humanos de la nave Axiom, que de pronto ven cómo su mundo se da la vuelta (literalmente) y al igual que niños deben aprender hasta lo más básico.

Al ser en toda regla una película de ciencia ficción se intentó que se asemejara al género, no solo en la creación de escenarios y de la nave Axiom, también en cómo debía verse en pantalla. Por ello el equipo se hizo con varias cámaras Panavision de los años setenta, con ellas realizaron grabaciones y pruebas incluyendo a un modelo de WALL•E, se intentó elegir los mismos planos que hubiera tenido de ser una película de acción real y se trabajó el software para lograr simular el mismo efecto visual que esa antigua tecnología que se había usado en Ben-Hur, Lo que el viento se llevó o 2001: Una odisea del espacio.

La música de los planetas o las notas de Thomas Newman

Entre otros muchos trabajos memorables Thomas Newman es el hombre detrás de la música de Camino a la perdición, adaptación del cómic de mismo nombre de Max Allan Collins e ilustrada por Richard Piers Rayner; Esencia de mujer, trasvase americano de la película italiana Perfume de mujer, protagonizada por Al Pacino en sustitución de Vittorio Gassman; Spectre de la saga Bond o Al encuentro de Mr. Banks, con Emma Thompson como P. L. Travers y Tom Hanks como Walt Disney.

Este hombre nacido en 1955 es también el compositor detrás de Buscando a Nemo, Buscando a Dory y WALL•E, en esta última película colaborando con Peter Gabriel en la canción Down to Earth y alterando varias propuestas de música del guión inicial para dar su toque al filme.

«But there's more to this soundtrack than Newman's imaginative score.

WALL•E is a great collector, squirreling away EVErything from plastic cutlery to Rubik's Cubes, and among his treasure trove of trash is his most prized possession:

a video of Jerry Herman's musical Hello, Dolly!»

«Pero hay más en esta banda sonora que las imaginativas partituras de Newman.

WALL•E es un gran coleccionista, guardando de todo, desde cubiertos de plástico hasta cubos de Rubik. Y de todo su tesoro escondido de basura está su posesión más preciada:

un vídeo del musical Hello, Dolly! De Jerry Herman.»

Jan Gilbert, BBC

Robots y humanos, perdidos en el espacio

WALL•E

Waste Allocation Load Lifter - Earth Class (Elevador de Carga de Distribución de Desperdicios – Clase Tierra) eso es lo que realmente significa su nombre. Una nomenclatura más para lo que es una máquina cuya única función es recoger la basura que la humanidad ha dejado atrás. Un enorme batallón de pequeños robots que debía limpiar el planeta durante un lustro, en ese tiempo la humanidad viajaría por el espacio y volvería a un hogar limpio… Salvo que 700 años después todavía no ha sido posible hacerlo.

Hasta ahora, claro.

WALL•E no está vivo, pero sí lo está. No ha nacido, ha sido fabricado y es el último de su especie, al igual que era único dentro de esta. Es capaz de sentir curiosidad, interés, miedo y amor, tiene alma y nadie que le conozca sería capaz de decir algo distinto.

A través de sus inocentes ojos seremos testigos del desastre que ha causado la humanidad (y al que nos dirigimos si no tenemos cuidado) y la burla de nosotros mismos que seremos en unos centenares de años. Él no es consciente de todo esto, solo es un pequeño que cumple su tarea mientras (y sin saberlo) se convierte en el depositario final de una época que jamás volverá.

Andrew Stanton ha comentado que en un principio en Pixar siempre pensaron en WALL•E como un compactador de basura y realmente lo es, pero él quiso darle una vuelta a la idea. ¿Y si en realidad lo que estuviera haciendo era limpiar el planeta de la basura que lo seres humanos han dejado atrás? Otro tanto del diseño hay que reconocérselo a Ben Burtt, nombre que muchos relacionarán con Star Wars, y dado que el director tenía en todo momento a R2-D2 como inspiración, no había nadie mejor.

«My favorite sound in WALL•E? Well I don’t know. I don’t know.»

«¿Mi sonido favorito en WALL•E? Pues no lo sé, no lo sé.»

Ben Burtt

EVA

EVA o EVE son las siglas de Extraterrestial Vegetation Evaluator (Evaluador de Vegetación Alienígena), un aparato que recuerda al diseño del Ipod Nano (no en vano, Jonathan Ive, diseñador de este gadget, ayudó a Stanton para la concepcion final del personaje) cuya misión es explorar la Tierra en busca de vida vegetal. La encontrará, justo cuando WALL•E le enseñe en su casa la planta que ha encontrado y que está cuidando, sin saber que por esta acción está desencadenando algo mucho mayor que ellos dos.

EVA es, hasta este momento, encantadora y risueña, pero entonces todo desaparece. Su programación principal se activa y su personalidad cambia, o sería más correcto decir que desaparece. Vuelve a ser solo una máquina con una misión que cumplir, llevar esa planta hasta la nave y lograr así que se active el protocolo de regreso. La humanidad, quizá, pueda volver a casa.

WALL•E y EVA son bastante distintos. El primero es entrañable y tímido, curioso a la par que ingenioso y divertido, mientras que la segunda es fuerte y valiente, risueña y simpática. A pesar de sus diferencias rápidamente se convierten en amigos y empiezan a compartir lo que desde todo punto de vista es amor (más WALL•E que ella, todo sea dicho. EVA quizá es más preocupación por él que otra cosa, al menos al principio).

Algunos pequeños cambios

Parece que las ideas sobre WALL•E y Eva estaban bastante claras ya desde un comienzo, aunque viendo algunos diseños iniciales de James Baker, basados en ideas de Pete Docter, se observa que el pequeño robot protagonista iba a ser algo diferente, más ovalado y sin esos pequeños brazos tan característicos. Finalmente el aspecto definitivo llegó de la mano de Jay Shuster. Por su parte EVA no distaba mucho, pero tenía una bandas de color en vez de ser totalmente blanca.

Un cambio de real importancia fue el hecho de abandonar la trama de que era el último robot sobre la faz de la Tierra desde el concepto de la soledad, según Docter y Stanton lo entendían como una especie de Robinson Crusoe, y aportarle una trama de amor que le haría más «humano» a ojos del espectador.

Establecido esto todavía quedaban diferencias por pulir, como el hecho de que era EVA la que «moría» y WALL•E quien logra resucitarla, o que este último iba a encabezar una rebelión de los robots en contra de sus amos, algo que jamás llega a verse (ni plantearse) en la versión final.

«There's dialogue from frame one. Each of those beeps and those squawks and those whirrs mean something and they're trying to convey a specific thing, so I actually wrote the script with dialogue – wrote it just like a regular script. I would just put the dialogue in brackets. So if he says 'hey, come over here,' I wrote 'hey, come over here' and I put it in brackets.»

«Hay diálogo desde el primer fotograma. Cada uno de esos bips, graznidos y zumbidos significan algo e intentan expresar algo muy concreto, así que de verdad escribí un guión con diálogo, como si fuera un guión normal. Solo pondría el diálogo entre paréntesis. De modo que si él dice “Eh Ven aquí”, escribí, “Eh, ven aquí” entre paréntesis.»

Andrew Stanton

El capitán de la nave

En WALL•E los humanos han escapado del planeta que ellos destrozaron y 700 años después viven en una nave espacial, en lo que es un crucero de 5 años. Nada cambia, todo es igual día tras día y la especie se ha adaptado a las condiciones de vida adversas. Juegan, comen, y no ven nada que no salga en sus pantallas.

El único que se aleja un poco de esto y muestra un cierto interés en las cosas es el capitán del navío, el capitán B. McCrea., heredero de los anteriores y que debido a la vida sedentaria, el espacio y la mala alimentación es (al igual que los viajeros) un hombre gordo que lleva la casaca del uniforme a modo de capa, más que de chaqueta, al no poder abrocharla.

Desde su puesto vigilará que todo siga en marcha, siendo igual día tras día, dará los anuncios, lo único que debe hacer, y se lamenta por ello a pesar de que lo cumple, puesto que es su obligación (podéis ver el corto Captaining the Axiom para más información). Será determinante en el curso de acción que seguirá la trama, debiendo enfrentarse a la mismísima nave para lograr que todos puedan volver a la Tierra.

¿Qué Tierra? Una de la que él y todos los demás desconocen casi todo, pero en la que hay un futuro por delante.

Mejor o peor, pero el suyo propio.

Los capitanes de la nave Axiom

Captain Reardon: 2105 - 2248

Captain Fee: 2248 - 2379

Captain Thompson: 2380 - 2520

Captain Brace: 2521 - 2645

Captain O'Brien: 2646 - 2774

Captain B. McCrea: 2775 – 2805

El futuro de la humanidad

Los humanos a bordo de la Axiom se han vuelto voluminosos y tantos años (siglos) de vida ociosa les ha hecho incapaces de realizar casi cualquier tarea, hasta ponerse de pie por sí mismos es algo complejo.

Pero estos herederos de la humanidad iban a ser muy distintos en un primer momento. Su aspecto se parecería más a un trozo de gelatina, blando y amorfo (no puedo evitar pensar en el final del relato No tengo boca y debo gritar de Harlan Ellison), de color verdoso o azulado y con un lenguaje incomprensible. Sin que parecieran tener relación alguna con la Tierra y presentándose en un primer momento como alienígenas que se denominaban Gels.

Con el paso de las versiones se les fue añadiendo algunos detalles para que se asemejaran más a los terráqueos a fin de no despistar demasiado al espectador, hasta que finalmente se llegó al diseño final y a la conclusión de que era mejor que fueran evidentemente humanos.

«I made them like big blobs of Jello, because I thought Jello was funny and they would just sort of wiggle and stuff.»

«Los diseñé como grandes masas amorfas de gelatina, porque pensé que la gelatina era divertida y solo tendrían que contornearse y esas cosas.»

Andrew Stanton

BNL, la empresa que lo compró todo

Buy n Large, nombre que se le ocurrió a Teddy Newton, es la gran macroempresa que parece dominar por completo la Tierra y que podría hacer temblar al mismísimo William Gibson. Poco se sabe realmente de ella por lo que se muestra en el filme, pero queda patente que en el futuro la guerra la han ganado las grandes corporaciones, al punto de que lo único que vemos por todas partes son desechos creados por este gigante. Irónicamente la propia The Walt Disney Company es una de las mayores empresas que existen en el mundo, con un catálogo de productos y servicios bastante mayor de lo que la gente se suele imaginar (desde la ABC Television Network a Demi Lovato, pasando por las populares tiendas Disney Store).

Esta empresa tiene un alcance mundial y con departamentos que parecen no tener fin. De entre sus productos podemos destacar el crucero de lujo Axiom, que sigue viajando en su periplo de 5 años y lleva 700 haciéndolo, lo que al menos es una señal de la calidad de sus productos. Ella es también la culpable del estercolero en que se ha convertido el planeta y de la creación del batallón WALL•E para intentar limpiarla.

Al frente de todo como CEO está Shelby Forthrigh, al que vemos interpretado (no solo de voz) por Fred Willard (Frank Dunphy para los que sean seguidores de Modern Family), convirtiéndose en el primer ser humano real que hay en un filme de Pixar. Es también la persona que dará la orden de ejecutar el programa A113 por la que las naves deben permanecer en el espacio, puesto que la Tierra no es capaz de albergar ningún tipo de vida.

El otro BNL

BNL son también las siglas del grupo canadiense Barenaked Ladies, que lleva en activo desde 1988, y son bien conocidos por su canción History of Everything, que es la que suena en el opening de Big Bang.

Los robots

A lo largo del minutaje en el que estamos dentro de la nave, vemos un buen número de robots, algunos de pasada, otros sin que tengamos muy clara su función y unos pocos que han terminado enloqueciendo por los males del espacio, todos ellos muy deudores de grandes actores del cine mudo como los legendarios Buster Keaton y Charles Chaplin.

Algunos de ellos son:

- WALL•A: Waste (Desperdicio) Allocation (Localizaciones) Load (Carga) Lifter (Elevador): Axiom-Class (Clase Axioma) (la versión enorme de WALL•E que hay en la nave Axiom)

- M-O: Microbe (Microbio) Obliterater (Arrasador). El divertido a la par que gruñón robot de limpieza que intenta poner orden al caos que WALL•E va creando.

- GAR•E: Robot de jardín que corta el césped.

- WEND•E: Robot de lavado que limpia, plancha y coloca la ropa.

– D-FIB: Robot desfibrilador.

- VAQ-M: Robot aspiradora.

- NAN-E: Robot niñera.

- BURN-E: Basic (Básico) Utility (Utilidad) Repair (Reparación) Nano (Nano)-Engineer (Ingeniero): Robot soldador al que conoceremos en su propio cortometraje que se llama igual que él, con su propia referencia a 2001: Una odisea del espacio, que sucede durante la llegada de WALL•E a la nave Axiom (de hecho se cruzan y se saludan).

Y por supuesto AUTO: El piloto automático del Axiom. Auténtico cerebro de la nave y responsable de que esta nunca deje atrás su misión de 5 años que se ha convertido en eterna. Hará lo que sea preciso para ello, no es realmente malvado solo es que le han programado así.

En el espacio nadie puede oír tus gritos. ¿O sí?

Esta es una película extraña de Pixar en varios aspectos, uno de ellos es que realmente las voces de los protagonistas no son tales, ya que son creaciones artificiales del diseñador de sonido Ben Burtt. Él fue el responsable, auspiciado por el director del filme, de dar vida a los diálogos de los robots, que si bien no hablan igual que nosotros, sí tienen su propio modo de expresarse. El propio Ben Burtt prestó su voz para ponérsela a WALL•E, solo que fue a través de un tratamiento digital concebido por el mismo, y para EVA se contó con Elissa Knight, que ya había trabajado anteriormente en Cars. Para el otro gran robot del filme, AUTO (el piloto automático de la nave), se trabajó con el programa MacIn Talk.

Por su parte, en lo que a humanos se refiere, hay que destacar a Jeff Garlin, cómico norteamericano que fue la voz del capitán B. McCrea. Su carrera comenzó en los años ochenta, compaginando televisión (Los vigilantes de la playa, Todo el mundo quiere a Raymond) con el cine (Papá Canguro, Exposados). Junto a Pixar ha trabajado también en Toy Story 3 y 4 como Buttercup, el unicornio, y en Cars 2 como la voz de Otis.

Ya se ha comentado que Fred Willard es la voz y rostro de Shelby Forthright, el CEO de BnL que aparece en WALL•E. Además de su reconocido papel en Modern Family también es recordado por Todo el mundo quiere a Raymond (igual que su compañero Jeff Garlin) y tiene una interminable carrera que lleva en activo desde 1966, cuando apareció en las series Pistols ´n´ Petticoats y Hey, Landlord. Posteriormente fue empalmando papeles tanto de televisión como de cine hasta ser un rostro bien reconocible en ambos, habiendo participado en Superagente 86, El expreso de Chicago, La gran locura americana o el documental de 1988 Superman 50th Anniversary.

Por supuesto no puede ser una auténtica película de Pixar sin John Ratzenberger y en este caso es para el personaje de John, el humano que se convertirá en amigo de WALL•E. Para Mary, la que se bañará con él en la piscina (que ambos desconocían que la nave tenía) fue la actriz Kathy Najimy, a la que muchos recordaréis por la monja Mary Patrick de Sister Act: una monja de cuidado y su secuela Sister Act 2: de vuelta al convento, la serie El secreto de Verónica o los recomendables dibujos Pepper Ann en la que daba voz a varios personajes.

Hay que terminar con el gran cameo de Sigourney Weaver, actriz que siempre es sinónimo de un gran trabajo y que aquí dará vida a la voz del ordenador de la nave Axiom. Hay que recordar que esta intérprete es también la protagonista de la saga Alien, no de todas sus películas, como la teniente Ellen Ripley.

«I think it was given to me because Andrew Stanton loves science fiction and is such a fan of the Alien movies.»

«Creo que me lo dieron porque a Andrew Stanton le encanta la ciencia ficción y es un gran fan de las películas de Alien.»

Sigourney Weaver

Temas que trata WALL•E

La vida y sus pequeños detalles

El funesto futuro al que nos dirigimos

El poder de las empresas

Almas de metal pero muy humanas

Los robots con sentimientos no son algo novedoso en la ficción, bien podría encabezar la lista el más que famoso R2-D2 y a su lado su inseparable amigo C3PO. Si uno sigue buscando, y es un poco laxo en el sentido de robot, verá otros muchos ejemplos con el T-800 de Terminator 2: El juicio final, que llega a entender por qué lloramos, la Visión de Marvel Comics (y Marvel Studios) o el grosero Bender de la divertida serie Futurama.

Otro que debería estar en la lista es Cortocircuito, película de 1986 que dirigió John Badham y que dos años después tuvo una secuela. Esta película tiene además una relación directa con WALL•E dado el parecido de sus dos protagonistas, lo que ha hecho que se tilde de plagio a la producción de Pixar. Lo cierto es que, si nos atenemos a las declaraciones de Andrew Stanton, él no era consciente de este parecido hasta que se lo comentó un colega profesional.

Hay que mencionar también que los futuros distópicos son igualmente atractivos, desde 1984 a V de Vendetta pasando por Neuromante, Waterworld o Mad Max (la saga original y su reciente remake), en la que es imposible no pensar en las escenas de WALL•E que suceden en la devastada Tierra. En general este concepto viene provocado a causa de un desastre (natural o provocado) y lleva a los seres humanos a un estado de puro salvajismo. No es del todo exacto en la película que nos ocupa, ya que aunque sí se viene de un hecho parecido, solo es la antesala de un porvenir mucho mejor que podría calificarse de utopía.

El origen del término «robot»

La primera vez que la palabra «robot» (en checo robota significa «trabajo forzado», derivado del sentido original de esclavo) hace aparición fue en la obra R.U.R. de 1921, escrita en 1920 por Karel Čapek, aunque parece que la idea del término, según él ha comentado, fue una propuesta de su hermano.

En esta ficción la empresa conocida como R.U.R, siglas de Rossumovi Univerzální Roboti, es la responsable de fabricar humanos artificiales que serán usados para ciertos trabajos, haciendo así que las personas («de verdad») tengan una vida mejor. Inevitablemente empezarán una revolución contra sus creadores, que se zanjará con el exterminio de toda la humanidad a excepción de un superviviente.

Hello, Dolly!

Película musical del año 1969 protagonizado por Walter Matthau y Barbra Streisand en lugar de Carol Channing, que fue la actriz que trabajó en la obra en Broadway pero no logró convencer a los productores del filme que pensaron en Judy Garland como opción por consejo de Gene Kelly, aunque finalmente no llegara a ser ella.

En WALL•E aparecerá metraje y música proveniente de este filme y contando con el permiso de Jerry Herman, compositor original de la banda sonora del musical que está viendo el pequeño robot y por el que parece entender qué es el amor.

La importancia del programa A113

El programa A113 tiene una gran importancia en la película que ocupa estás páginas, pero realmente es un número de relevancia mucho mayor para la compañía Pixar.

A113 es el número del aula usada por los estudiantes de animación del California Institute of the Arts, a la que han pertenecido varios de los trabajadores de la empresa que dio vida a Buzz Lightyear. Por este motivo en las películas que realizan aparece a modo de homenaje, aunque no es siempre fácil de encontrar.

10 detalles que no te puedes perder

1) El mundo que los humanos han dejado atrás es realmente digno de Mad Max. Todo destruido, solo hay polvo y edificios muertos por dentro, hasta los mares se han secado.

2) WALL•E no solo recoge la basura y la amontona, lo hace siguiendo el esquema de edificios. Quizá una forma de intentar crear su propio mundo, puede que sea solo su programación y nada más. Pero es WALL•E y todo es posible con él.

3) Doctor Who es una serie británica de muy larga duración y en la que los villanos por excelencia son los Daleks. Precisamente estos malvados tendrán su homenaje en WALL•E, en los robots de cosmética voladores que vemos a bordo de la nave espacial. Un detalle que quizá a muchos se les ha escapado. Si queréis saber más de esta serie podéis consultar los libros Doctor Who: el loco de la cabina y Doctor Who, el loco de la cabina: The Golden Years.

4) Existe otra referencia a esta veterana cabecera de ciencia ficción. Cuando vemos por primera vez los robots de mantenimiento de la nave espacial, estos van por un camino marcado del que nunca se desvían (hasta ese momento, claro), al igual que hacían los Daleks en su primera aparición yendo a través de placas metálicas. Esto fue en 1963 en el episodio The Mutants, con William Hartnell como primer Doctor.

5) ¿Te has dado cuenta de que el CEO de Buy And Large (BNL), la única empresa que parece existir sobre la faz de nuestro planeta, tiene algunos gestos de Richard Nixon?

6) HAL es el conocido ordenador de 2001: Una odisea del espacio, adaptación cinematográfica de la novela 2001: Una odisea espacial de Arthur C. Clarke. Todo un icono de la ciencia ficción que Pixar homenajea con el timón de la nave Axio y su círculo rojo. Es más, cuando este se enfrenta al capitán suena Also sprach Zarathustra (Así habló Zaratustra) de Richard Strauss, música que ha quedado unida ya para siempre al emblemático filme de Stanley Kubrick.

7) Era imposible que no hubiera un guiño directo hacia Star Trek, esa serie en la que el espacio es la frontera final: en WALL•E la frontera final, si nos atenemos a las palabras promocionales de BNL en sus viajes estelares, es la diversión.

8) La vie en rose es una de las canciones más reconocibles e internacionales de Edith Piaf, y hace aparición en WALL•E, solo que con la voz de Louis Armstrong.

9) La vida en la nave espacial es cómoda pero también vacía y sin libertad, de hecho, igual que sucede en Un mundo feliz de Aldous Huxley, se adoctrina a los pasajeros desde pequeños. Se puede ver a un grupo de niños aprendiendo el Abecedario a través de frases como «A de Axio, vuestro hogar» y «B de BNL, vuestro mejor amigo».

10) Si eres de esos que te levantas de la sala según empiezan los títulos de créditos (en esta caso obra de Jim Capobianco), te habrás quedado sin conocer qué sucede después de que la nave, los pasajeros, WALL•E y el resto de los robots lleguen a la Tierra.

Up, la aventura no tiene edad

Si Up (2009) tiene un momento que destaca por encima de otros es la escena inicial o más bien la que viene justo después de la apertura, la que nos narra en un lapso muy breve de tiempo el matrimonio entre Carl y Ellie, con esa inolvidable secuencia de ella poniéndole cada día la corbata (pajarita al final), y las lágrimas que muchos no pudimos evitar en la sala del cine, y más cuando vuelves a verla.

Fue el filme elegido para abrir la 62ª edición del Festival de Cannes, logrando el aplauso de los presentes gracias a sus escenas realmente bien resueltas, un buen ritmo y una historia divertida que logra tenerte sentado evadido del mundo durante un buen rato.

Definir Up en unas breves líneas es complejo, ya que pasa del amor a la aventura a ser casi una buddy movie por momentos, pareciendo que no tiene muy claro a qué público se dirige y tampoco qué intención tiene. Por otro lado no podemos dejar de lado que hablamos de la calidad que es habitual en esta productora, con lo que incluso si sale mal parado en comparativa con otros, sigue gozando de un nivel alto y superior a otros muchos que pueblan cada año las pantallas de cine.

Al menos deja una cosa bien clara, que ningún momento es malo para luchar por un sueño y que la vida es para ser vivida.

Docter, Peterson y McCarthy, los arquitectos de la casa voladora

Up es lo que es gracias a tres personas: Pete Docter, Bob Peterson y Tom McCarthy. Una idea del primero que terminó de cobrar forma gracias a la ayuda de los otros dos, y que intenta responder a dos preguntas: ¿qué es la amistad? y ¿qué es la aventura?

Desde un comienzo estuvo claro que el protagonista iba a ser un viejo gruñón, recientemente viudo pero no había mucho más, temas esbozados que se perderían y otros que cobrarían vida. Una de las ideas iniciales no iba más allá de que quería reunirse con su fallecido amor en el cielo, por eso hacía volar la casa pero el personaje realmente no tenía una motivación u objetivo. Había que pulirlo y es cuando la idea del viaje hacia el soñado lugar de la infancia de ambos (él y su esposa) comienza a tomar forma.

No podía estar solo o la película hubiera resultado algo aburrida, así que se creó al perro llamado Dug, que se convirtió en uno de los iconos de la película gracias a su entrañable personalidad y lo divertido de la misma. En esto último hay que reconocer su mérito a Ian Dunbar, veterinario que sirvió de consejero al equipo de producción para saber cómo pensaba y comunicaba un perro, o perros, ya que otros como Alfa (y sus secuaces) también tienen su momento de lucimiento.

De igual forma se le dotó de un joven compañero, un niño, que sin saberlo se convertiría en su maestro al enseñarle que la vida es mucho más de lo que él pensaba. Servía también como contraparte para los diálogos o habríamos tenido a un anciano gruñón que hablaba (prácticamente) solo. Es curioso pero el coprotagonista no apareció hasta después que el perro y el gamusino, la creación no conoce de normas y siempre juega con nosotros.

También en cierta medida, y al igual que pasa en otras creaciones de Pixar, el también director de Monstruos S.A. se basó en su propia experiencia para dar forma al argumento. En su infancia, su sentimiento de querer apartarse del mundo, la amistad que tuvo con viejos trabajadores de Walt Disney y los consejos de estos.

Peterson y McCarthy son de esos nombres que también suelen ir asociados a Pixar. El primero ha sido guionista en El viaje de Arlo, Buscando a Nemo y su secuela, Buscando a Dory, también actor de voz en Cars, Toy Story, Los increíbles y otras como la misma Up en la que interpreta a Dug, y del departamento de animación en Bichos: Una aventura en miniatura y las dos primeras partes de Toy Story.

Tom McCarthy principalmente ha volcado su carrera en su faceta de actor. Ha aparecido en Ally McBeal, Los padres de ella, El último golpe, The Wire: Bajo escucha y Pixels. Como escritor se ha prodigado menos, siendo Up su tercer trabajo tras Vías cruzadas y The Visitor; después vendrían Win Win (Ganamos todos), El chico del millón de dólares, Con la magia en los zapatos, Spotlight y Christopher Robin, que es el filme de acción real inspirado en Winnie the Pooh y su universo.

«I’m naturally reclusive – I feel myself peek out at a certain point and go: ‘All the extrovert in me is done! I’m on reserve!’ So the idea of escaping everything and flying away… as soon as we hit on the image of the house, I was like, ‘That’s where I want to be!’»

«Soy solitario por naturaleza. Me siento como si me asomara y dijera: “¡Esta es toda mi extroversión!               ¡Me quedo aquí!” Así que la idea de dejarlo todo e irse volando lejos… Tan pronto como tuvimos clara la imagen de la casa, dije “¡Ahí es donde quiero estar!»

Pete Docter

La simplejidad

Uno de los motivos por los que es conocida Up es por el término simplejidad, que hace referencia al cómo llegaron a la versión final de los diseños de personajes que vemos en la película. De esta forma lo primero fue crear los concepts para cada uno de ellos, con más detalles de los que llegarían al filme y entonces empezar a restar esos mismos detalles.

Carl Fredricksen es un anciano, muy cuadrado (literal y metafóricamente) que tiene los pocos toques que hacen falta para que de un vistazo sepamos todo, o casi, lo que hace falta sobre él (a lo que ayudó que el equipo de animación estudiara a sus familiares de más edad). Por contra Russell es bastante más circular, reflejo de su personalidad y forma de ver el mundo.

En el pasado Pixar había optado por hacer que en sus películas los humanos aparecieran lo justo, en concreto en Toy Story apenas lo hacen, por lo caro y complejo de lograr hacerlo. Aquí se optó por otra la opción, la de caricaturizarlo todo hasta el extremo para que pudiera encajar en una producción de animación, y es imposible no notar cierta influencia de Tex Avery y Kyle Baker.

El abuelo se va de marcha

En general las películas de Pixar están protagonizadas por gente joven o de edad indeterminada (como es el caso de Woody) pero que suele rondar entre los 20 y los 30, con excepciones como Riley en Del revés (Inside Out). También Up marca una excepción, que tiene por protagonista principal a un hombre ya entrado en la tercera edad, igual que de antagonista, lo que no influye para nada en la aventura y en la emoción que sentiremos en la gran pantalla.

Carl Fredricksen

Carl Fredricksen es el anciano prototípico de la ficción cinematográfica. Es gruñón, maleducado en ocasiones, cabezota y vive en un pasado que ha idealizado. Casi literalmente, ya que su pequeña y vieja casa es la única que sigue en pie en medio de un gran proyecto inmobiliario que pretende renovar y revalorizar la zona.

Allí está él, estoico y siendo el rey que lucha contra las fuerzas del enemigo; pero no siempre fue así. Hace muchos años conoció a una niña, se enamoraron, se casaron y vivieron felices por siempre jamás… Hasta que ella, Ellie (con la voz de Elie Docter, hija de Pete Docter), falleció y él se quedó solo.

Su alegría se transformó en tristeza, su ilusión en pesar y el tiempo solo en una espera para poder reunirse con su añorada esposa.

Para lograr ese tono gruñón, a la vez que risueño se necesitaba sí o sí a un veterano, y Edward Asner resultó ser la elección perfecta, al hecho de que incluso el personaje y él llegan a tener un cierto parecido. El intérprete nacido en 1929 lleva dando guerra desde los años cincuenta y encontró su gran momento gracias a las series La chica de la tele y Lou Grant, en ambas haciendo de Lou Grant, siendo la segunda un spin off de la primera.

Como curiosidad decir que entre sus muchos papeles ha hecho de Santa Claus unas cuantas veces:

- The Story of Santa Claus (1996)

- Olive, the Other Reindeer (1999)

- Ellen y su mundo (2001)

- Elf (2003)

- Historias corrientes (2012)

- Elf: Buddy´s Musical Christmas (2014)

- Santa Stole Our Dog: A merry Doggone Christmas! (2017).

Dos inspiraciones

Ese aspecto gruñón se ve ya desde los primeros bocetos de Pete Docter y lo cierto es que Carl Fredricksen se inspira en varias personalidades del cine, y algunas de forma bastante evidente. Es imposible no pensar en Walter Matthau, actor de teatro, televisión y cine que se convertiría en uno de los intérpretes más queridos por el público durante décadas. Inolvidable en los papeles del señor Wilson en Daniel el travieso, Paul Manning en Guía para el hombre casado, Hamilton Bartholomew en la siempre recomendable Charada y por supuesto Oscar Madison en La extraña pareja junto con su amigo y compañero Jack Lemmon como Felix Ungar.

También hay que nombrar a Spencer Tracy, otro gigante de la interpretación que es una base muy evidente para el aspecto físico que terminará teniendo el protagonista de Up. Este actor nació en el año 1900 y comenzó su andadura en el teatro, pero en 1930 empezó a trabajar en la industria del cine y ya nunca se iría de allí. Su muy larga carrera se extiende durante más de treinta años y casi ochenta títulos, estrenándose el último de ellos (la muy famosa Adivina quién viene esta noche) en 1967, que fue el año de su fallecimiento.

«Escribid lo que queráis sobre mí y maquilladlo... ¡Diablos, me da igual!»

Spencer Tracy

El inicio que se descartó

Ellie y Carl viven una tierna historia de amor. Dos personas que se quieren desde niños y que han compartido toda su vida, con esa inolvidable escena de apertura que tanto gustó al público… y que a punto estuvo de ser muy distinta.

En un origen se planteó que los dos pequeños aparecieran peleándose y dándose puñetazos, al estilo de los dibujos animados clásicos con sus enredos y su humor heredero del slapstick. Según avanzaba la producción se descartó, ya que no encajaba con la historia que se quería contar, llegándose hasta el que todos conocemos.

Russell

Russell es… todos nosotros, o al menos la mayoría. Un niño tímido, que busca su figura paterna, amable y educado, con un gran corazón. Es el mismo infante que (quiero creer) éramos nosotros en nuestro años de infancia. Y más en concreto es Peter Sohn, uno de los artistas de Pixar, cuando era joven. También es Lewis de la familia Robinson, o casi, ya que ese era precisamente el nombre inicial del personaje, pero se cambió para que no pudiera ser confundido con el de la película Descubriendo a los Robinsons.

Poco se sabe de él a excepción de algunos detalles que él mismo comenta a lo largo de la película, que nos hacen entender que viene de una familia desestructurada. Esto es algo que en Pixar es casi habitual, o al menos el hecho de personajes afectados por un problema familiar. Por supuesto encuentra su figura paterna en Fredricksen y este en él al hijo que nunca tuvo, además de un nuevo compañero y amigo que es (sin duda) lo que la fallecida Ellie hubiera deseado.

En el mundo real este niño cuenta con la voz de Jordan Nagai, que solo acudió al casting para acompañar a su hermano pero fue elegido por el director Pete Docter al no dejar de hablar en ningún momento, lo que era perfecto para el pequeño e hiperactivo Russell. Para darle más realismo a su actuación realmente corría y gritaba por el estudio de grabación. A pesar de su buen trabajo su carrera se ha limitado a ser la voz de Russell en Up, su videojuego, el cortometraje La misión especial de Dug y el capítulo “Oh Brother, Where Bart Thou?” en Los Simpson, todo ello en el año 2009.

Up es Gran Torino

En cierta forma puede decirse que Up y Gran Torino, estrenada un año antes, son la misma película. No, no lo son, claro que no, pero viendo el filme del legendario Clint Eastwood es imposible no encontrar bastantes puntos en común.

Ambos personajes protagonistas son dos ancianos malhumorados que se han quedado viudos y tienen un marcado carácter agrio. Su vida de pronto se ve alterada por la aparición de un muchacho que necesita una evidente figura paterna que no tiene, y ambos son también asiáticos. En el proceso de la película forjarán una relación muy cercana, una amistad férrea y ambos hombres tendrán dos pertenencias que lo son todo para ellos: el Gran Torino y la casa voladora.

¡Hasta aparece (casi) el mismo perro en las dos!

El resto del equipo

La película de Up no estaría completa sin Dug, el perro que puede hablar, el gamusino (que tanto nos recuerda al Correcaminos de los Looney Tunes) y la casa voladora.

Dug es en principio un perro del equipo contrario, pero es cariñoso y bondadoso, motivo por el que trabará amistad con Russell y finalmente con Fredricksen, que pasará a considerarle su perro (para gran alegría del can). ¿Habéis captado el guiño a Pluto que hay en Dug?

Kevin, el gamusino, es un animal que muchos consideran una invención y por lo que parece podemos asumir que es el último de su especie. Bueno, casi, hay una pareja y un pequeño grupo de polluelos que son su descendencia.

La casa es el hogar del protagonista y su esposa, pero es igual de protagonista que todos ellos, llegando a ser el elemento más característico de toda la producción.

Y los tres tienen algo en común, buscan una familia que les complete.

«Pete Docter is like a perfect cartoon character. Impossibly tall, with a reed-thin torso and bendy arms, his narrow-shaped head reminds you of a pencil-top eraser.»

«Pete Docter es como un personaje de dibujos animados perfecto. Increíblemente alto, espigado y de brazos dúctiles, y la forma estrecha de su cabeza recuerda a una goma de borrar de lápiz.»

James Mottram

Todo obra necesita un villano

Charles Muntz

Charles F. Muntz Jr. fue por años uno de los más grandes aventureros y exploradores del mundo, acaparaba los focos de los medios y sus expediciones eran esperadas por sus innumerables seguidores. Todo cambió cuando volvió de las Cataratas Paraíso con el esqueleto de una exótica y enorme ave que fue tildada de patraña por los científicos, el mundo le dio la espalda y él se marchó bajo la promesa de que volvería con la prueba de que todo era cierto.

Nunca volvió.

La historia sigue, claro, y la explica él mismo en Up. Regresó a las Cataratas Paraíso y durante décadas ha buscado a la extraña ave que el público, y los protagonistas, conocen por el nombre de Kevin. A pesar de su muy avanzada edad presenta un estado de salud bastante bueno, con una estupenda forma física y una inteligencia que no se ha debilitado ni un ápice, lo que sumado a una obsesión que solo ha ido a más, hacen de él un hombre temible e implacable.

Uno de los villanos más aterradores y mejor conseguidos de todo Pixar que se une a Syndrome de Los increíbles en la lista de malvados que han asesinado y que están dispuestos a hacer lo que sea con tal de lograr el propósito que se han marcado en la vida.

A bordo de su dirigible, el Espíritu de la Aventura, vive en soledad solamente acompañado por sus numerosos e inteligentes perros. Estos son los que se ocupan de todas las tareas, e incluso de cocinar, destacando tres de ellos: Alfa, Beta y Gamma. Un dóberman, un rottweiler y un bulldog, respectivamente, siendo el líder Alfa. Todos ellos capaces de hablar, igual que Dug, gracias a un aparato invención del explorador que en el caso de Alfa funciona mal y le hace tener una voz aflautada.

«Tener invitados es una delicia. Estoy más acostumbrado a los ladrones que vienen a robar lo que por derecho es mío.»

Charles Muntz

Un villano de tal porte y refinamiento requiere una voz a juego y desde Pixar eligieron al canadiense Christopher Plummer. Toda una institución que empezó en el teatro, pasión que nunca ha abandonado y a la que ha dedicado muchos años. Logró el reconocimiento internacional gracias al cine. Durante más de medio siglo ha trabajado en títulos de gran calado como La caída del imperio romano, El hombre que pudo reinar, Asesinato por decreto o Una mente maravillosa. Lo cierto es que he dejado el más recordado y querido por el público para el final, el papel del capitán von Trapp en Sonrisas y lágrimas, junto a la encantadora Julie Andrews.

En España se contó con la voz de Claudio Rodríguez, otra institución, en este caso en el mundo del doblaje. Su voz se ha puesto al servicio de grandes actores como John Wayne, Michael Gambon, F. Murray Abraham y seguro que muchos lectores le recordarán por haber sido Albus Dumbledore en la saga de Harry Potter (tanto en la etapa de Michael Gambon como en la del fallecido Richard Harris).

Por supuesto no se puede dejar de mencionar a Willy Fog y al rabino Krustofsky, el padre de Krusty el payaso en Los Simpson

En español, pero fuera de España, ha contado también con la voz del veterano Roberto Carnaghi, actor que empezó a trabajar en 1959 y que ha pasado por el teatro, el cine, la televisión y el doblaje, siendo premiado en diferentes ocasiones. Hay dos curiosidades que destacar de este intérprete, la primera es que puede que algunos le hayáis visto en la película Los Parchís contra el inventor invisible y la segunda es que participa en Elsa y Fred, filme protagonizado por Manuel Alexandre y China Zorrilla que precisamente tuvo su remake americano con mismo título pero protagonizado por Shirley MacLaine y Christopher Plummer.

El final alternativo

Charles Muntz encuentra el final que en muchas ocasiones depara a los malvados de Disney, la muerte, pero estuvo a punto de no ser así y que terminara de una forma mucho más aterradora. El antaño famoso explorador entra en el laberinto que es el hogar de Kevin, engañado por una treta con un globo en forma de Kevin y allí se perderá para siempre sin lograr salir jamás.

También se barajó que con similar treta entrara en la casa voladora posada en tierra, provocando que sus perros hicieran lo mismo y de esta forma el bloque se despeñara por un precipicio.

Dos inspiraciones

Para Charles Muntz se podrían citar muchas inspiraciones, desde Ernest Hemingway, que fue una de las primeras bases para desarrollar al personaje, al mismísimo Walt Disney y evidentemente Errol Flynn, con el que guarda un gran parecido físico, además de famosos exploradores como Roald Amundsen y Percy Fawcett o de la ficción como Indiana Jones y Allan Quatermain.

Hay dos nombres en los que quiero recalar, ya que me parecen los más interesantes.

El primero es Charles B. Mintz con el que el personaje guarda un ligero parecido físico y una evidente deuda en el nombre. Un nombre que seguramente no diga nada a nadie pero que fue el responsable indirecto de la creación de Mickey Mouse, al ser quien le arrebató (con matices, según se hacían las cosas en aquel entonces era lo habitual) a Walt Disney su personaje Oswald, the Lucky Rabbit, cocreado por Ub Iwerks, y lo que motivó que dieran luz a su emblema y mascota empresarial.

Irónicamente en 2006, mismo año que Pixar pasó a ser propiedad de Disney, el gigante empresarial recuperó los derechos sobre Oswald e incluso le puso de protagonista junto a Mickey en la saga de videojuegos Epic Mickey.

El segundo es Howard Hughes, magnate de la industria de la aviación, director de cine, excéntrico y un hombre en el que el icono se funde con la leyenda negra, lo que hace de él una de las figuras más controvertidas de la historia americana.

Intentar resumir en unas pocas líneas la compleja vida de este hombre es sencillamente imposible, y para ello os voy a recomendar los libros Howard Hughes: His Life and Madness, de Donald L. Barlett y James B. Steele y El aviador: la vida secreta de Howard Hughes de Charles Higham, además de las películas El asombroso mundo de Howard Hughes de William A. Graham protagonizada por Tommy Lee Jones que se basa en el libro Howard: The Amazing Mr. Hughes de Noa Dietrich (su mano derecha y hombre de confianza durante años) y El aviador de Martin Scorsese, con Leonardo DiCaprio de protagonista, que os darán una buena idea de quién estamos hablando.

El punto de inspiración viene por lo osado de sus hazañas, tanto en aviación como en mecánica, su valentía y su afán por llegar hasta sitios que nadie había conseguido llegar. Eso junto a su desaparición de la vida pública desde la década de los cincuenta y hasta su todavía no del todo resuelta muerte en 1976, presentando un aspecto desaliñado, con una larga barba, uñas crecidas, muy envejecido (por encima de su edad) y en extremo delgado.

En varios de los concepts de Lou Romano sobre Charles Muntz esta imagen también se aprecia al verle en una silla de ruedas, viejo, con largos cabellos y barba. No solo eso, existe una ilustración en concreto en la que aparece el villano ya anciano pero también joven, luciendo buen porte, pantalones claros, camisa blanca, sombrero y bigote, lo que era un estilo muy habitual en Howard Hughes.

Temas que trata Up

El amor en pareja

Luchar por tus sueños

Romper los prejuicios

De las viñetas a Pixar

Patrick McDonnell es un viñetista americano que es internacionalmente conocido por sus viñetas de Mutts, protagonizadas por un gato y un perro llamados Earl y Mooch, y su trabajo en este campo le hizo estar en el barco de Pixar como development artist en Up.

«Patrick’s work has a wonderful charm, a great sense of character, and a deceptively simple complexity to it. He seemed a perfect fit for Up, and sure enough he came up with some great ideas.»

«El trabajo de Patrick tiene un magnífico encanto, un gran sentido de los personajes y una engañosa facilidad para ello. Parecía encajar perfectamente en Up, y como era de esperar apareció con grandes ideas.»

John Lasseter

La literatura se encuentra con la casa voladora

En cierta forma es imposible no ver algunas inspiraciones literarias como Cuento de Navidad de Charles Dickens, Peter Pan, or The Boy Who Wouldn't Grow Up de James Barrie, que posteriormente adaptó y amplió en la novela Peter and Wendy, y El maravilloso mago de Oz de Frank L. Baum. Tres obras bien conocidas que han sido adaptadas (y sus respectivos universos) a la televisión, teatro, radio, cine y también al cómic.

Erik Fredriksen reúne en su personaje un poco de Ebenezer Scrooge de Charles Dickens, con su mal humor y su corazón oscurecido, pero que logra dejar atrás su dolor y ser un hombre nuevo. También es Peter Pan, ya que jamás ha dejado de soñar y de ser un niño que quiere ver cumplida la fantasía que anhela. Y finalmente hace las veces de Mago de Oz, llevando a un niño por un país mágico para terminar siendo solamente un humano que ha llegado volando (en un globo en la novela y en Up en una casa).

Up más allá de Up

El éxito de Up ha hecho que los personajes se recuperen en varias ocasiones, aunque no tantas como los de Toy Story, que son un hito en sí mismos. Las dos primeras fueron en el mismo 2009, en el corto La misión especial de Dug y George y A.J, en este caso con la voz de Steve Purcell como Carl Fredricksen, y en el cancelado El show de Cleveland, spin off de Padre de familia, en el episodio «Murray Christmas».

Existe otra película llamada Up!, con signo de exclamación final, de 1976, que está dirigida por Russ Meyer en su habitual estilo de guiones y mujeres de grandes pechos, lo que debería dejar claro que nada tiene que ver con la entrañable producción de Pixar.

Hay que nombrar otro Up antes de Up, el corto francés Above then Beyond, en el que una anciana vive en su vieja casa en medio de una zona que se está regenerando. A su alrededor todo son obras para futuros rascacielos y centros comerciales y en medio de ese horror decide hacer volar su hogar con un enorme globo aeroestático.

¿Plagio o casualidad?

Quizá un poco de cada. El citado corto es de mediados de los 2000 y se han visto ilustraciones de Pixar con Carl Fredricksen y su casa previas a la fecha de estreno de esa producción. Por otro lado fue realizado por estudiantes de ESRA (École de Cinèma, de son et de film d´animation), escuela que tiene un acuerdo con Pixar y según apuntan ciertas teorías pudo haber un trasvase de ideas no planeado y no reconocido.

Contacté con Yannick Banchereau, director de Above then Beyond, para lograr alguna declaración al respecto pero a la fecha de entrega de este libro sigo sin recibir respuesta y no puedo confirmar o desmentir nada.

La auténtica casa de Up

Existen varias casas de Up antes de la que todos vimos en Up, como por ejemplo la de Tom Hanks en Joe contra el volcán, película de 1990 escrita y dirigida por John Patrick Shanley, que es el también guionista de Hechizo de luna, Congo y ¡Viven!.

Por supuesto hay que nombrar el famoso caso de la octogenaria Edith Macefield, a la que incluso un millón de dólares le llegaron a ofrecer por su pequeña casita en Seattle. El único inmueble tradicional que quedaba en su zona, que cada vez dejaba más atrás el pasado y solo estaban ella y su hogar como muestra de algo que jamás iba a volver.

En 2008 la mujer falleció, pero son muchos los que se han acercado por Seattle a poner un globo de color en la verja de su antigua residencia.

Lo cierto es que aunque preciosa esta historia no fue la base para lo narrado por Pixar: la casa sí existe realmente desde hace un tiempo. A raíz del éxito de la película se fabricó por la empresa Bangerter Homes, diseñada por Blair Bangerter, está ubicada en Utah y realizada con el permiso de The Walt Disney Company.

En último lugar hay que citar la casa inspirada por la película que construyeron desde National Geographic para el show How Hard Can It Be? Medía 25 metros cuadrados, de materiales livianos, y con un total aproximado de 300 globos llenos de helio para lograr que volara.

La dedicatoria final

La película está dedicada a los disneyanos Frank Thomas, Ollie Johnston y Joe Grant. Los dos primeros tuvieron su pequeño homenaje en Los increíbles y se habló brevemente de ellos en las páginas que corresponden a ese filme. En lo que se refiere a Joe Grant fue uno de los diseñadores de personajes de Blancanieves y los siete enanitos, Pinocho, El rey león o Tarzán y también uno de los responsables de los guiones de obras tan reconocidas como La dama y el vagabundo, Alicia en el país de las maravillas y mi adorada Los tres caballeros.

10 detalles que no te puedes perder

1) Varias películas de Pixar empiezan con un documental, una emisión de televisión o algo similar. Esta es una de ellas y en España además lo hace con la voz del conocido presentador Matías Prats.

2) El matrimonio no llega a hacer su viaje a las Islas Paraíso por el fallecimiento de ella. En la casa vemos que Eriksen conserva la foto de su esposa de pequeña junto con los billetes del viaje (Tarifa econo con asiento 21 B).

3) Queda bastante claro que los exploradores son una revisión en formato cómico de los boy scouts, igual que lo eran los Jóvenes Castores (Junior Woodchucks), asociación a la que pertenecen Juanito, Jaimito y Jorgito, los sobrinos del Pato Donald.

4) El oso Lotso es el villano de Toy Story 3. Un malvado que bajo su apariencia blandita y afable esconde un fondo mucho más oscuro. Este personaje, o al menos un juguete de la misma línea, es visto fugazmente en el cuarto de una niña cuando la casa echa a volar.

5) En palabras de Jonas Rivera, productor, Up es «una vuelta al antiguo Disney».

6) 10 286 globos son los necesarios, en la ficción, para levantar una casa y hacer que vuele.

7) Las cataratas paraíso son el lugar al que el anciano matrimonio siempre ha querido viajar y al que él llevará su casa. El lugar se inspira en el Monte Roraima y el Salto del Ángel de Venezuela, considerada la catarata más alta del mundo (en el Parque Nacional Canaima, Patrimonio de la Humanidad por la Unesco desde 1994).

8) Russell es un niño que, por lo poco que vemos y se cuenta, proviene de una familia desestructura con un padre bastante ausente. No es la primera vez que aparece algo así en Pixar, Toy Story es la primera, y si bien en un buen número de ocasiones la productora recalca lo importante de la familia tampoco duda en dejar claro que no es oro todo lo que reluce. En varios momentos la crítica que ejerce en sus películas es muy clara.

9) En un momento de la película el protagonista piensa que hay alguien que se acerca, pero no es más que una roca con forma humana. Esta anécdota es real y la sufrieron los miembros de Pixar en sus propias carnes.

10) No se dice de forma directa pero queda claro que Charles Muntz no ha dudado en terminar con la vida de otros exploradores. Un villano más terrible de lo que suele ser habitual en una película de Pixar, solo igualado por Syndrome de Los increíbles, que no ha temblado en llevar a cabo las mismas oscuras acciones.

Brave (Indomable), la valentía de ser uno mismo

Hay que reconocer que Brave (Indomable) (2012) es una película que se sale de lo que es habitual en las producciones de Pixar y hay varios motivos para ello.

El primero, y quizá el más llamativo, es que su personaje protagonista, la joven de cabellos de fuego llamada Mérida, está incluida dentro de la línea comercial de Disney Princess junto con Ariel, Rapunzel, Jasmine o la primigenia Blancanieves, siendo el único personaje de la productora que se sitúa claramente dentro de los que Disney considera suyos, mientras el resto en general suele estar más apartado y se deja clara su pertenencia al universo Pixar.

El segundo es que es, hasta el momento, la única de las historias de la empresa que se sitúa de forma clara en el pasado. No es una realidad en la que haya elementos realmente extraordinarios, no más allá de una bruja (y una hechicera no es algo extraño dentro de la ficción universal) y la maldición que sin querer se produce.

El tercero es que también es la única que se adentra de forma directa y evidente en las relaciones familiares. Es cierto que en otras películas este tema se ha tratado, en Toy Story la madre y hermana del protagonista siempre son una presencia de fondo, además de en Buscando a Nemo pero en la que realmente apenas hay tiempo conjunto del pequeño pez y su padre. Junto a Brave (Indomable) se situaría claramente Los increíbles, a pesar de que en realidad no deja de ser una película de espías y la familia, a pesar de ser la idea central, no es del todo lo que mueve la trama.

Brave (Indomable) se convierte gracias a esto en uno de los títulos más llamativos de Pixar, a lo que también ayuda su habitual gran trabajo en los personajes y un diseño visual realmente encantador.

La creación de una escocesa guerrera

El origen de Brave (Indomable), que comenzó teniendo el título más poético (y más bello, en mi opinión) de The Bear and the Bow (El oso y el arco), está en la mente de Brenda Chapman, que anteriormente había trabajado en El príncipe de Egipto, y su hija Emma, que por lo visto ya siendo niña le daba cortes más adecuados para una adolescente.

Esto se juntó a querer honrar su ascendencia escocesa, todo ello apostando por primera vez por un cuento de hadas dentro de Pixar. Cuento de hadas, sí, y en 2008 cuando la productora ya es propiedad de la factoría Disney, pero esto no quiere decir que se quisiera hacer una película de una princesita frágil con esos tonos suavizados para adecuar la historia a los niños de hoy. Si se hacía había que alejarse de lo que durante años había sido prácticamente el estándar, debían lograr dejar de lado todos esos tópicos y crear una historia con luces, sombras, y personalidad propia.

No hay que olvidar que clásicos como El gato con botas que data (al menos) del 1500 tiene un final bastante oscuro, con el ogro convertido en una rata que devora el protagonista; en La cenicienta (Cinderella, or The Little Glass Slipper) en la versión de los hermanos Grimm, las hermanastras se amputan partes del pie para que les entre el zapato y en la boda pierden la vista al ser atacadas por palomas que les devoran los ojos; Caperucita Roja engañada por el lobo disfrazado de su abuela, come y bebe la sangre de la anciana descuartizada, e incluso contiene algún toque erótico; y por citar un último caso podría hablarse de las historias recogidas en El libro de las tierras vírgenes (o, más popularmente, El libro de la selva), en el que todo el tono general es oscuro y adulto abundando las luchas, muertes y duras lecciones de carácter de las que Larry Clemmons, Ralph Wright, Ken Anderson y Vance Gerry se alejaron notablemente al crear el guión adaptado del filme de Walt Disney de finales de los sesenta.

Puede que alguien esté pensando ahora mismo, «te estás equivocando, el director de la película es Mark Andrews y no Chapman». Sí y no. En un primer momento la directora iba a ser ella, ya que también la idea original y la historia inicial lo eran, pero por diferencias creativas se marchó del proyecto. Sea como fuere, parece que se respetó su visión y el tratamiento que ella quería darle.

«This was a story that I created, which came from a very personal place, as a woman and a mother. To have it taken away and given to someone else, and a man at that, was truly distressing on so many levels. But in the end, my vision came through in the film. It simply wouldn’t have worked without it (and didn't at one point), and I knew this at my core. So I kept my head held high, stayed committed to my principles, and was supported by some strong women (and men!). In the end, it worked out, and I’m very proud of the movie, and that I ultimately stood up for myself, just like Merida, the protagonist in Brave.»

«La historia que creé fue algo muy personal, como mujer y como madre. Que me lo quitaran y se lo dieran a otro, y a un hombre, además, fue agobiante a muchos niveles. Pero al final mi visión salió adelante. Simplemente no podría haber funcionado sin ella (y no lo llegado el momento) y eso lo sabía en mis adentros. Así que mantuve la cabeza alta, fiel a mis principios y me apoyaron algunas mujeres (¡y hombres!) fuertes. Al final funcionó, y estoy muy orgullosa de la película, y de que en última instancia me defendí, exactamente igual que Mérida, la protagonista de Brave (Indomable).»

Brenda Chapman

Mark Andrews, el cineasta, no os confundáis con el luchador, tenía ya un pasado completito en el mundo de la animación, habiendo trabajado como guionista en Las supernenas y Samurai Jack, y hecho storyboards para El gigante de hierro y Star Wars: Las guerras clon. Hay que reconocer la labor que ha realizado en Brave (Indomable), es interesante en su presentación y en la forma de tratar la relación entre Mérida y su madre/osa, a lo que ayuda poderosamente la ambientación escogida, que permite al espectador perderse en un mundo real en el que la magia todavía es posible.

Como codirector está Steve Purcell, dibujante que ganó en 2007 el Premio Eisner por su creación Sam & Max, que han tenido sus propias aventuras en el mundo del videojuego, y es también el responsable de firmar algunos de los concepts más preciosos de Mérida y compañía. En este punto hay que nombrar también al ilustrador Carter Goodrich, cuyos lápices conceptuales son simplemente maravillosos y que ha trabajado para el New Yorker, Buscando a Nemo y el mítico La maldición de Monkey Island de 1997.

La princesa y la reina del cuento

Mérida

En muchos sentidos Mérida, y por ende Brave (Indomable), bebe de las fairy tales (según ellos mismos las denominan) de Walt Disney, y que erróneamente en España solemos llamar «cuentos de princesitas», pero desde un principio Brenda Chapman tenía claro que la historia que ella quería contar tenía que alejarse de los habituales tópicos, algo que se hizo ya en Mulán, y también que debía ambientarse en Escocia. Dos ideas que fueron todo un acierto y que se mantuvieron como principales a lo largo de toda la producción.

La joven princesa es la heredera de un reino y al estilo clásico de Disney es bella y vive una fantástica aventura, pero hasta ahí llegan los parecidos. Es brava, peleona y contestataria, sabe luchar y montar a caballo e incluso ella misma se ocupa de limpiarle la suciedad. Todo esto es algo que alegra a su padre pero no tanto a su madre, que considera que no debería comportarse así, puesto que no es lo que se espera de una princesa.

Por estos motivos y un diseño realmente potente, es por lo que Mérida logró hacerse rápidamente un hueco en el corazón de todos. Inolvidable con esos enormes ojos verdes, un carácter fuerte, un cabello rojo que requirió tres años de trabajo (de hecho «más de 1500 mechones rojos esculpidos individualmente, los cuales generan alrededor de 111 700 cabellos en total») y que al igual que ella no se deja dominar nunca. Este último punto es de los más definitorios de su personalidad, algo que ya puede verse en el arte conceptual de Matt Nolte, con su madre tirando de un cepillo luchando en vano por intentar dar orden a ese enredado pelo (y, metafóricamente, a su hija).

«There are those who say fate is something beyond our command. That destiny is not our own, but I know better. Our fate lives within us, you only have to be brave enough to see it.»

«Hay quien dice que el destino es algo que está fuera de nuestro control. Que el destino no nos pertenece. Pero yo sé que no es así. Nuestro destino está dentro de nosotros. Solo tenemos que ser valientes para poder verlo.»

Princesa Mérida

Elinor

Es habitual que, de una forma u otra, en las películas de Pixar se hable sobre la familia y que en cierta medida esta tenga su pequeño protagonismo. En el caso de Toy Story es innegable, en Bichos: Una aventura en miniatura también pero en general no es más que un añadido para dar mayor fondo a la trama, no así en Brave (Indomable), dado que la madre de Mérida será igual de protagonista que ella.

Elinor, la reina Elinor, es inteligente a la par que bella, elegante en sus formas y determinada en sus acciones. Es prácticamente lo opuesto a su esposo, que es mucho más ruidoso y poco dado a mantener las formas. Ella sería la conciencia del reino, la mano derecha del rey y quien debe lograr que Mérida se convierta en la princesa que debe ser o más bien lo que ella considera que debe ser. Atrás quedaron las madrastras malvadas o las reinas afectadas, Elinor es una mujer hecha y derecha a la que todos respetan.

A lo largo del filme quedará claro que Elinor y Mérida se quieren, solo que sus puntos de vista son totalmente distintos. Mérida intenta encontrar su camino en la vida, descubrirse a sí misma, mientras que Elinor procura hacer lo que piensa que es mejor para su hija, que está en plena adolescencia. La tensa relación tenía que explotar por algún sitio y este termina siendo con la reina convertida en un oso, quizá perdiendo su humanidad.

Brave (Indomable) es tanto el viaje de Mérida como el de su madre. ¿El destino? No importa, solo importa el viaje.

«Nuestro destino nunca es un lugar, sino una nueva forma de ver las cosas.»

Henry Miller

Inspiraciones literarias para las escocesas

A la hora de crear cualquier producto uno bebe de otros muchos, la inspiración puede venir de cualquier parte y en el caso de la reina y princesa de esta historia hay que citar dos referentes literarios.

Lady Macbeth es una clara inspiración para la reina Elinor. La esposa de Lord Macbeth es uno de los más recordados personajes de William Shakespeare, y al igual que la de Pixar se debate entre sus sentimientos y su dureza. Claro está que en el caso de una es por amor y en el de la otra es pura ambición.

Brave Margaret: An Irish Adventure muestra una portada en la que se ve a una joven pelirroja, de frondosa y revuelta cabellera, a lomos de un caballo mientras empuña una espada. No hace falta decir más. La ilustración es obra de Sally Wern Comport y el relato de Robert D. San Souci, nombre que está relacionado con Disney Studios por su trabajo en el libro Fa Mulan: The Story of a Woman Warrior (en el que se basará Mulán).

No hay cuento de hadas sin bruja

Literalmente The Witch en su versión original. Una bruja, un personaje inevitablemente obligatorio en una película que no deja de ser un cuento de hadas, solo que si bien se aleja de los tópicos a los que Walt Disney había acostumbrado al público, se hace lo mismo con esta extraña mujer.

¿Qué es una bruja? Según la RAE:

1. adj. Embrujador, que hechiza.

2. adj. Chile. Falso, fraudulento.

3. m. y f. Persona a la que se le atribuyen poderes mágicos obtenidos del diablo.

4. m. Hechicero supuestamente dotado de poderes mágicos en determinadas culturas.

5. f.En los cuentos infantiles o relatos folclóricos, mujer fea y malvada, que tiene poderes mágicos y que, generalmente, puede volar montada en una escoba.

6. f. Mujer que parece presentir lo que va a suceder.

7. f. coloq. Mujer de aspecto repulsivo.

8. f. coloq. Mujer malvada.

Repasemos. El punto 1 lo cumple, ya que hechiza a través de una poción a la madre de Mérida; igualmente el 2 también, ya que en todo momento niega ser una bruja. No sabemos si sus poderes provienen del diablo pero los tiene y por tanto cumple el punto 3 y también el 4, al igual que los siguientes, que se refieren a un simple hecho de carácter físico que la definen como una mujer fea. Lo que no cumple es lo de ser malvada, de eso nada, podría decirse que realmente es bien intencionada y que los creadores de Pixar salpicaron a esta divertida mujer con un poco de salsa de las brujas de Terry Pratchett con las que presenta bastantes parecidos.

Eso sí, hay que decir que en un principio no iba a ser así, ya que se ponderó que fuera la villana de la trama e incluso en los primeros concepts luce un aspecto muy distinto que la asemejan más a una mezcla entre un troll debajo de un puente, Yoda y un Hobbit (lo cierto es que la casa estaba bajo una colina y cubierta de hojas). Los diseños de Carter Goodrich muestran en un principio a una figura que recuerda bastante más a una bruja gitana de mirada aviesa y dudosas intenciones que a la risueña señora que talla madera mientras vende hechizos de tapadillo.

Los muchachos

El rey Fergus es todo lo que debería ser un rey. Valiente, honrado, luchador y un servidor de su pueblo, y si esto le hace ser un ser un poco marrullero o exagerado cuando cuenta sus historias, en fin, se le perdona, ya que ha logrado unir a cuatro clanes y empezar una época de paz en el reino de DunBroch.

Tras este nombre de ascendencia irlandesa, y que en Gaélico significa hombre fuerte (lo que encaja perfectamente con este gobernante) hay varios famosos, como el caballero de la mesa redonda, San Fergus, Fergus mac Róich del Ciclo de Ulster y por supuesto Fergus de Galloway, que falleció el 12 de mayo de 1161.

A su lado, o por debajo, o rondando por ahí, están Harris, Hubert y Hamish, los tres adorables trillizos hermanos de Mérida que parecen haber heredado la inteligencia de su madre y las ganas de guerrear de su padre. Harris, Hubert y Hamish son astutos, no hablan y son lo mejor de la película.

Por supuesto la familia de Mérida no está completa sin Angus, su fiel potro que en tamaño y fuerza se parece al mismísimo rey. Angus es además una región de Escocia y el nombre de Angus MacLane, del departamento de animación de Pixar, que también ha hecho las veces de actor en Wall•E y Buscando a Dory.

Los nobles del reino

El padre de Mérida comparte su paz con otros tres clanes, a los que se conocerá en un momento de reunión. Sus líderes son el musculoso MacGuffin, el cascarrabias Dingwall y el casi histérico Lord Macintosh, todos ellos razonables y dispuestos al diálogo, pero al igual que su rey nunca le dirán que no a unas jarras de cerveza y una buena pelea amistosa.

Si sus nombres te resultan familiares es lógico, ya que deberían hacerlo. Un macguffin es la forma de referirse en cine a un elemento que hace que la trama avance pero realmente no es más que una excusa necesaria; Dingwall es un pueblo de la Escocia real y Macintosh es el conocido ordenador de Apple, que como todos sabemos fundó Steve Jobs.

La maldición

Las leyendas y mitos sobre hombres que se transforman en un animal vienen desde la antigüedad y se encuentran casi en cualquier cultura. En México existe el nahual, el animal simbólico que representa el espíritu protector de una persona; el hombre lobo, que puede rastrearse hasta el rey Licaón de la mitología griega; o las Selkies de Escocia, que eran focas que dejaban su piel en la playa para convertirse en seres humanos de bellísimo aspecto.

Mor´du es el antagonista de esta película. Un antiguo príncipe de un reino desaparecido en las sombras que perdió su alma al convertirse en un oso. Era el mayor de cuatro hermanos a los que se enfrentó para lograr ser el único soberano del reino, pero el precio a pagar fue demasiado alto. Sin saberlo, al haberse perdido dentro del monstruoso animal en el que se transformó, peleó contra el rey Fergus y le arrancó una pierna.

Al luchar contra Mérida, y esta ser responsable de liberar su alma redimida, el círculo se cierra.

En Brave (Indomable) los nombres tienen significado, igual que poder en la magia, y Mor´du es un juego de palabras que deriva del gaélico con mor, «gigante», y dubh, «negro». Hay también cierto parecido con dos temibles hechiceros del mundo del cómic, el Barón Mordo de Marvel Comics y Mordru de DC Comics.

Voces (con acento escocés)

Todos conocemos a Reese Witherspoon, puede que de Una rubia muy legal, de En la cuerda floja (biopic de mi idolatrado Johnny Cash), o cualquiera de los títulos de una ya extensa carrera profesional. La famosa actriz era la primera y única opción para hacer de Mérida, solo que no llegó a ser así. Por lo que ha contado Mark Andrews (director de Brave (Indomable)) en entrevistas se vio obligada a dejarlo por temas de agenda, a pesar de haber trabajado duro y lograr pulir su acento escocés.

Claro que durante la promoción de ¡Canta! ella mencionó que hubo una película que tuvo que dejar por no tener buen acento escocés. ¿Era Brave (Indomable)? Que cada uno saque sus conclusiones.

Para sustituirla llegó Kelly Macdonald, escocesa de nacimiento y talentosa actriz con títulos como Descubriendo Nunca Jamás dando vida a Nina Boucicault, primera actriz en encarnar a Peter Pan; No es país para viejos, que le valió el premio del Sindicato de Actores en la categoría de Mejor Reparto, galardón que ya había ganado por su papel en Gosford Park; y hay que mentar la polémica Trainspotting, que fue su primer trabajo cinematográfico y su secuela en la que repite con el mismo personaje.

Pero quizá muchos de vosotros la situéis mejor por Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte 2. En esta entrega final de la saga del niño mago interpretó a Helena Ravenclaw (Grey Lady), que en otros filmes había sido Nina Young.

«As far as Disney princess go, I had watched Snow White, but I don’t think I’ve seen any others (…) The figure I looked up to was Calamity Jane.»

«En cuanto a princesas Disney se refiere, había visto Blancanieves, pero creo que no había visto ninguna de las otras. […] La figura que admiraba era Calamity Jane.»

Kelly Macdonald

El otro gran papel de la película, la reina Elinor, recae sobre una actriz que no precisa presentación alguna: Emma Thompson. Más que reconocida intérprete a la que hemos visto en películas tan recomendables como Los amigos de Peter, Mucho ruido y pocas nueces, Love Actually y Radio encubierta, estas dos últimas obras del artesano Richard Curtis. Al igual que su compañera en Brave (Indomable), ella ha hecho aparición en la saga Harry Potter como la profesora Sybill Trelawney y, como detalle curioso, también en La hora de José Mota.

En su carrera cinematográfica también ha hecho sus pinitos como guionista, destacando la adaptación de Jane Austen Sentido y sensibilidad, en la que también actúa como Elinor Dashwood; Bridget Jones´ Baby firmado junto a Helen Fielding y Dan Mazer, además de Effie Gray y La niñera mágica y el Big Bang, en las que actúa además de escribir la historia.

Junto a estas dos actrices completan el reparto Billy Connolly y Julie Walters. El primero se encarga de poner voz al rey Fergus, y tiene en su haber principalmente papeles cómicos en títulos como Una serie de catastróficas desdichas, El último samurái, apariciones televisivas en Colombo y Cosas de marcianos entre otras. Hay que destacar su trabajo en Nuestro último verano en Escocia, que se llevó el Premio del Público en la edición 2014 de Seminci.

En lo que a la segunda se refiere es la responsable de interpretar a la excéntrica bruja de Brave (Indomable), y también ha tomado parte en la saga de Harry Potter, en concreto como la matriarca de la familia Wesley. La hemos podido ver en Mamma Mia!, Las chicas del calendario, la preciosa y crítica Billy Elliot o en Simplemente Geraldine. Una larga carrera que sigue en activo y por la que ha sido premiada tanto por los BAFTA como en los Globos de Oro.

Hay que citar también a Robbie Coltrane, otro intérprete que proviene de Harry Potter y al que todos recordaréis como el entrañable Hagrid; Kevin McKidd, quien ya había coincidido en cartel con Macdonald en Trainspotting; y Craig Ferguson, que es también creador de la serie Doc Martin (spin off de El jardín de la alegría, que se adaptó en España como Doctor Mateo) siendo los tres las voces que se escucharán detrás de Dingwall, MacGuffin y Macintosh.

Temas que trata Brave (Indomable)

Luchar por ser uno mismo

Valentía

La familia como apoyo

Sangre escocesa en Érase una vez

La serie Érase una vez ha sabido llegar hasta el público y hacerse rápidamente un hueco en el panorama de producciones que deben tenerse en cuenta. Es cierto que, no puede obviarse, tiene no pocos parecidos con la excelente saga de cómic Fábulas, creada por Bill Willingham y también algunas deudas con El décimo reino y productos anteriores, pero igual de innegable es que el haber contado con actores de reconocido talento como el mismísimo Robert Carlyle como Rumpelstiltskin o Greg Germann (Richard Fish en Ally McBeal) como Hades, ha sido todo un acierto.

En ocasiones el que realmente no sea más que el cajón desastre de acción real de personajes Disney hace que pueda ser cansino, lo que sumado a la repetición de arcos ha logrado que mucho público termine dejando el producto.

Con todo es interesante en lo que a representación de clásicos Disney se refiere, ya que el público podrá ver desde Blancanieves a Cenicienta, pasando por la muy anunciada Elsa de Frozen a la mismísima Mérida encarnada por Amy Manson junto con sus tres hermanos (y un episodio llamado precisamente «The Bear and the Bow»), todos ellos con algo más de edad que la vista en la película de Pixar pero manteniendo bastante de su esencia y personalidad.

¿Mérida o Kiara?

El éxito es un reclamo para que los plagios aparezcan y el caso de Brave (Indomable) no está exento de ello. Así en 2012 apareció Kiara the Brave de la compañía brasileña Vídeo Brinquendo, con una animación mediocre y un argumento terrible, lo que viene siendo su estilo. Por otro lado la Brightspark Production se metió en un berenjenal legal con Disney por culpa de un título de 2005. La película se llamaba A Fairy Tale Christmas y poco tenía que ver, pero tras llegar la producción de Pixar el filme se ha relanzado con un nuevo nombre, Braver, y un cartel que recuerda en mucho al de Brave.

Otras princesas guerreras

Leia

La princesa Leia Organa (Leia Skywalker de nacimiento), personaje que cambió las normas sobre los papeles de las mujeres en la ciencia ficción, creado por George Lucas y caracterizada por la fallecida Carrie Fisher como una joven luchadora que se aleja totalmente de ser una princesa en apuros que necesite ayuda por parte de nadie. Su fondo y personalidad irán creciendo al paso de las películas y de su universo expandido, siendo uno de los más queridos y valorados por el público.

Xena

Protagonista de la serie televisiva Xena: La princesa guerrera que se emitió entre 1995 y 2001, convirtiendo a su protagonista Lucy Lawless en una actriz de culto para toda una generación. Apareció por primera vez en Hércules: Sus viajes legendarios en el episodio «The Warrior Princess» de la primera temporada como una villana, posteriormente amiga y aliada que buscará la redención y el perdón por su pasado en su propia cabecera.

Fiona

De nuevo una princesa que no es lo que parece. Vive en una torre custodiada por una dragona y Shrek, el ogro, irá a rescatarla pero realmente poca falta le hace. Es una joven inteligente, capaz y que demostrará, en contra de lo que parece pensar Walt Disney, que la belleza no es lo más importante al aceptar su parte de ogro y vivir para siempre en esa faceta.

Piedras de Callanish

En Brave hay varias escenas que transcurren en y en torno a un conjunto megalítico que se llama las Piedras de Callanish, y que es completamente real. Situado en la costa oeste de la isla de Lewis este grupo de piedras históricas se sitúa entre el 2900 y el 2600 A. C., considerando que muy posiblemente sea de un tiempo antes sin que se sepa con certeza absoluta.

Según cuenta la leyenda lo cierto es que son gigantes que vivían en la isla, convertidos en fría roca por San Kieran al negarse a ser cristianos. Otra creencia local dice que estas piedras fueron eregidas por unos hombres negros cumpliendo las órdenes de sacerdotes ataviados con coloridas plumas.

«I’m of Scottish descent. My wife and I went there on our honeymoon and spent a month exploring the Highlands. Scotland is just filled with myths and legends. It’s a magical place—rugged and majestic. The colors there are dark and moody and, at the same time, bright and cheery—all thanks to the crazy weather.»

«Tengo ascendencia escocesa. Mi mujer y yo fuimos a Escocia  para nuestra luna de miel y pasamos un mes explorando las Tierras Altas (Highlands). Escocia está llena de mitos y leyendas. Es un lugar mágico, robusto y majestuoso. Allí los colores son oscuros y deprimentes, pero a la vez brillantes y alegres, todo gracias al clima variable.»

Mark Andrews

10 detalles que no te puedes perder

1) Los hermanos de Mérida son tres, indistinguibles, inteligentes y revoltosos, igual que los tres sobrinos del Pato Donald: Huey, Dewey y Louie (Jorgito, Jaimito y Juanito en España y Huguito, Luisito y Dieguito en Latinoamérica) y al igual que estos casi parecen tener una mente colmena.

2) Entre las muchas teorías sobre las películas de Pixar está que la bruja de Brave (Indomable) es realmente Boo de Monstruos S.A.

3) Uno de los nobles escoceses se llama Macintosh, como la conocida casa de informática fundada por Steve Jobs (también fundador Pixar).

4) Otro de ellos es MacGuffin, que es un término cinematográfico para referirse a la excusa usada para que avance la narración (como el trineo de Ciudadano Kane y la palabra Rosebud).

5) En Escocia debido a las emanaciones de las ciénagas se producen unas luces azules similares a una llama, algo totalmente natural pero que Pixar prefirió llevar por el mito, ya que se dice que hay personas que seguían esas luces pensando que eran pequeñas hadas.

6) Es habitual que en las películas de Pixar aparezca el camión de Pizza Planet, pizzería que conocemos gracias a Toy Story, y Brave (Indomable) no es una excepción. Lo veremos en forma de talla de madera en el taller de la bruja, o de la tallista, si nos atenemos a lo que ella dice.

7) «Adivina quién viene a cenar», además de una curiosa frase, es el título de una conocida película protagonizada por Spencer Tracy, Sidney Poitier, Katharine Hepburn y Katharine Hougthon, que tuvo su remake en 2005 titulado Guess Who con Bernie Mac y Ashton Kutcher. Hay una referencia muy directa en Brave (Indomable). ¿Te has dado cuenta?

8) Si te fijas igual ves a Sulley de Monstruos S.A., pero tendrás que ser muy rápido y tener buen ojo. ¿Dónde está? Busca por el taller de la hechicera.

9) El cabello de Mérida fue un problema desde el principio de la producción, a tal punto que se plantearon cambiarlo, solo que eso también conllevaba variar la idea del personaje.

10) Los créditos de la película dedican el filme a Steve Jobs, fallecido el 5 de octubre de 2011.

«Dedicated with love and gratitude to Steve Jobs

our partner, mentor and friend»

«Dedicada con amor y gratitud a Steve Jobs

nuestro compañero, mentor y amigo.»

Inside Out, dentro de la mente humana

El mismo día que acudí al cine a ver Inside Out, Del revés o Intensa-Mente (2015), lo hice también con Los minions. Dos películas de animación completamente distintas, una para adultos y la otra para niños, así que me vi Los minions cuando más pequeños había en la sala, para que llenaran la misma con su energía, y en cambio Inside Out cuando apenas había.

Me sorprendió al salir de esta última ver a padres comentando que estaba bien pero que los infantes se habían aburrido. Puedo entender que en primera instancia en este país se sigue asumiendo que los dibujos son para críos, pero me cuesta más el hacerlo cuando todo el metraje te está diciendo lo contrario. Supongo que, citando un viejo refrán, no hay mayor ciego que el que no quiere ver.

Personalmente considero que Inside Out es una de las mejores películas de Pixar, si no directamente la mejor. Un guión que nos lleva (literalmente) dentro de la mente humana, con una ejecución milimétrica, un desarrollo de personajes que destaca por dotar a cada uno de ellos de matices, a pesar de representar a una emoción básica, un diseño de escenografía precioso al que acompaña una música que llega al corazón firmada por Michael Giacchino y una inolvidable escena sobre lo doloroso que es dejar atrás la infancia.

«Inside Out is our attempt to answer Pete's question of 'What's going on inside my daughter's head?»

«Inside Out es nuestro intento de resolver la pregunta de Pete “¿Qué ocurre dentro de la cabeza de mi hija?”»

Jonas Rivera

El camino hacia el interior

Al igual que siempre, y como ya ha quedado claro en todas estas páginas, Pixar suele tener más o menos clara la idea principal de la historia pero luego esta es sometida a un buen montón de cambios para hacerla más atractiva e interesante, hasta llegar a las fases finales que tan bien funcionan en el cine.

En este caso todo viene desde Pete Docter y los cambios que vio a su hija experimentar, de esta forma llegó a la idea de las islas de la personalidad y el final abrupto que estas sufren. Ella y sus amigos crecían y cambiaban, dejando atrás aspectos que eran tan suyos que parecía imposible que pudieran seguir adelante sin que formaran parte de ellos.

Las propuestas para el filme iban avanzando, y entre estas estaba que Alegría y Miedo se perdieran juntos. Esto habría dado una historia totalmente distinta, más centrada en la comedia al ser ella un poco cabeza loca y él un tipo más bien timorato. Los opuestos funcionan muy bien en los filmes y si no que se lo digan a Jack Lemmon y Walter Matthau.

En otra versión Alegría intentaba aferrarse por todos los medios a la infancia, al igual que una propuesta de personalidad descartada para Bing Bong, siendo esto lo que ocasionaría todo el problema y movería la trama. Al final fueron los temores del propio Docter los que le llevaron por el buen camino, cuando ante una presentación del trabajo tuvo dudas y empezó a pensar qué pasaría si fracasaba, hasta que decidió que Alegría y Tristeza eran quienes debían ser las protagonistas.

Este cambio se lo trasladó al productor Jonas Rivera y el guionista (y codirector) Ronnie Del Carmen, gustando a ambos y pudiendo así empezar a desarrollarse el trabajo final que firman junto a Del Carmen y Docter, Meg LeFauve (que también está en El viaje de Arlo), Josh Cooley (guionista del corto ¿La primera cita de Riley?), Michael Arndt (autor de la imprescindible película Pequeña Miss Sunshine) y Simon Rich (habitual escritor en el Saturday Night Live), con algunos diálogos adicionales de Amy Poehler y Bill Hader, actores de Alegría y Miedo.

El éxito de la película llevó a las ideas de una posible secuela, que según Pete Docter llegó a pensar si hacerla en acción real (algo que también ponderó, y descartó, para la primera parte) pero Jim Morris (presidente de Pixar) dijo que tras las continuaciones ya planeadas (Toy Story 4, Cars 3, Descubriendo a Dory y Los increíbles 2) no se harían más. para centrarse totalmente en productos nuevos.

Esta segunda parte presentaría a una Riley de veintipocos años, viviendo sola y trabajando por primera vez. De nuevo experimentando un buen montón de cambios y contando con la ayuda de sus emociones, las que ya conocíamos y otras nuevas como Desire (Deseo), Anxiety (Ansiedad) y Self Awareness (Autoconciencia).

Hay que decir que esta información puede ser cierta o solo un rumor por la red, ya que Pete Docter ha dicho que en principio no tiene intención de volver sobre este trabajo y prefiere crear nuevas historias, pero también apostilló a Entertainment Weekly que «never say never» («nunca digas jamás»).

Lo que sí es cierto es que hubo una pequeña continuación en la que Riley tiene 12 años, y no 11, en el corto titulado ¿La primera cita de Riley?, que es precisamente lo que el título da a entender. Un día un chico llama a la casa de la familia y los padres entran en shock viendo que su niña igual no es tan niña. Mientras la madre intenta averiguar algo más, el padre se queda con el crío y las consecuencias son ciertamente inesperadas al descubrir que tienen en común mucho más de lo que pensaban.

Asesores para la mente humana

Paul Ekman es un psicólogo especializado en el estudio de las emociones, que ha ejercido como asesor en la serie televisiva Miénteme y ha guiado a Pixar en el proceso de estudio para llegar hasta Inside Out. Su investigación contradijo a otros contemporáneos y estableció que hay algunas emociones universales, sin importar orígenes culturales o geográficos, que son la ira, el asco, el miedo, la alegría, la tristeza y la sorpresa (que debido a su forma desaparece al poco de existir).

Dacher Keltner (en ocasiones erróneamente mentado como Daltcher Ketner) es profesor de psicología en la Universidad de California, que ayudó a entender al equipo de Pixar que las emociones pueden oscilar, es decir, que un recuerdo puede afectar a otro como vemos que sucede entre Tristeza y Alegría. También ayudó a la comprensión de cómo funciona nuestra mente cuando llegamos a la adolescencia o cuando dormimos.

«There will be a time when your mind is filled with fear - a second or two before shifting to anger. The movie portrays that struggle over the control panel that I feel to be true scientifically.»

«Llegará el día en el que tu mente se llenará de miedo, 1 segundo o 2 antes de convertirse en ira. La película muestra la lucha por el panel de control que siento para ser científicamente fiel.»

Dacher Keltner

Por su ayuda y apoyo en el proceso de entendimiento y creación de lo que sería Inside Out, ambos científicos se ganaron el cariño y agradecimiento de Pixar:

«Special thanks: for guiding us through this emotional journey»

«Agradecimiento especial: para guiarnos por ese viaje emocional»

La música de Michael Giacchino

La música es uno de los elementos más importantes de una película. Puede llevarla a lo más alto o hacerla caer, el espectador sepa o no de este arte siempre nota cuándo está mal elegida o si no es el momento adecuado para la misma. Parafraseando al mismo Michael Giacchino, se intenta contar la mejor historia que se puede, y eso es precisamente lo que él hace con su música.

Este estadounidense nacido en 1967 alcanzó reconocimiento por su trabajo en Perdidos y Alias, pero sus comienzos hay que buscarlos en el mundo del videojuego con Gargoyles, Small Soldiers y Medal of Honor, que le valió una cierta fama internacional. Hoy su talento le ha llevado a poner sus notas en Rogue One: Una historia de Star Wars, Doctor Strange (Doctor Extraño), Star Trek: Más allá o Zootrópolis. En los últimos años también ha colaborado en varias ocasiones con Pixar, en concreto en Los increíbles (y 2), Cars 2, Ratatouille, Inside Out y Up, trabajo que le valió un Oscar.

«I see my role as a composer as one part of the filmmaking team. There are so many artists that work on any one film and no individual really can take all the credit.

Filmmaking is a group art form, and that’s one of the reasons why I love being in this business.»

«Veo mi papel como compositor como una parte del equipo de rodaje. Hay tantos artistas que trabajan en cualquier película que uno solo no se puede llevar todo el mérito.

El hacer películas es una forma de arte grupal y esa es una de las razones por las que me encanta estar en este sector.»

Michael Giacchino

Los sentimientos hacen su aparición

En Inside Out son cinco las emociones que controlan a la joven Riley, pero no siempre fue así. En un primer momento se llegaron a barajar casi treinta de ellas, e incluso cada una con un nombre propio, pero se decidió dejarlo en algo mucho más manejable. Algunas de las que se quedaron fuera de pantalla son Irritation (Irritación), Pride (Orgullo), Envy (Envidia), Greed (Codicia), Gloom (Melancolía), Despair (Desesperación), Depression (Despresión) y Love (Amor).

Alegría

Alegría es, según dicen desde Pixar, la emoción básica, la primera en amanecer cuando nacemos y abrimos los ojos al mundo. Al igual que nosotros está descubriendo todo y maravillándose con ello, haciendo que seamos quienes somos. O al menos Riley, que es la niña en la que ella vive, puesto que cada persona es distinta y tiene una emoción u otra en el puesto de mando.

Es alegre y optimista, además de la líder del resto de emociones y sin ella no parecen tener del todo claro qué hacer. Eso sí, a veces se pasa, de alegre, claro.

Tristeza

Tristeza es la coprotagonista y la responsable de que todo empiece a cambiar. Es una emoción más pero a pesar de ser la segunda en aparecer la dejan siempre un poco de lado, principalmente Alegría, el resto solo la siguen. A veces intenta ser de ayuda, pero siempre termina liándolo todo…

…o entristeciéndolo. Ella quiere colaborar más, pero le cuesta mucho ver el optimismo en todas las cosas.

Alegría vs Tristeza

La película transcurre con un viaje tanto metafórico como real, en el que Alegría y Tristeza deben conservar los recuerdos esenciales (los que hacen que una persona sea quien es) para que Riley pueda volver a ser feliz. El problema es que eso no es cosa de ellas, y como sabrá cualquiera que haya visto la película, todo es una metáfora del paso de niño a adolescente, posteriormente adulto, y el cómo lo vivimos.

Ellas dos a diferencia de Woody y Buzz, que sentaron las bases de todo lo que estaba por venir, no se llevan mal o se tienen odio, sencillamente son compañeras de trabajo (con una cierta amistad) pero no terminan de entenderse. Son muy opuestas, al punto de que sin saberlo la una es el otro lado de la otra, y es que no hay alegría sin tristeza y tampoco tristeza sin alegría.

«No sé si soy una persona triste con vocación de alegre, o viceversa, o al revés.

Lo que sí sé es que siempre hay algo de tristeza en mis momentos más felices, al igual que siempre hay un poco de alegría en mis peores días.»

Mario Benedetti

El trío de compañeros

Miedo, Asco e Ira son los tres compañeros de trabajo de Alegría y Tristeza. Han ido apareciendo poco a poco, trabando amistad unos con otros y cada uno es responsable de una faceta muy concreta. Miedo evita que la pequeña Riley sufra algún daño (a veces con demasiado ímpetu), Asco lucha por el bienestar de la niña en lo que se refiere a su popularidad y forma de ser, mientras que Ira siempre estalla ante lo que él considera una clara injusticia. Este último sirve además como pequeña guía de qué está sucediendo dado que suele aparecer leyendo un periódico, y en el mismo se da el titular de qué está pasando en el mundo de Riley.

«We thought that this is science, there is going to be one correct answer to the number of emotions. But some (scientists) said 17, another said four. A couple of scientists said zero, that emotions are sort of an illusion. There was no real unity. That was good because we were able to decide for ourselves.»

«Pensamos que esto era ciencia, que había una respuesta correcta al número de emociones. Pero algunos [científicos] dicen que 17, otros, 4. Un par de científicos dijeron que ninguna, que las emociones son un tipo de ilusión. No había una consenso real, que fue bueno, porque pudimos decidir por nosotros mismos.»

Pete Docter

El significado de los colores

(significado según significadodeloscoloret.net)

Amarillo. Inquisitiva y curiosa, necesitas que te estimulen mentalmente. En tus relaciones laborales y afectivas buscarás el predominio de lo intelecual y lo racional (Alegría)

Azul. La comunicación es tu necesidad primordial, la forma es lo de menos; desde escribir, cantar o pintar hasta cocinar o vestirte (Tristeza)

Verde. Necesitas tener un espacio que sea solo tuyo. Buscas la armonía interior, el silencio. Tu casa es tu templo. Vives con los pies en la Tierra (Asco)

Rojo. Eres una persona enérgica y vitalista. Tienes un fuerte sentido de la independencia, sueles optar por trabajos que te permitan ser autónoma, de lo contrario te aburres (Ira)

Violeta. La creatividad es tu lema y tu debilidad el lujo. Eres algo cambiante y tienes la cabeza en las nubes (Miedo)

No solo los colores son importantes y tienen significado, si te fijas con detenimiento verás que al igual que Mike y Sulley de Monstruos S.A. son en base una forma geométrica simple, sucede lo mismo con las emociones. Así tenemos que Tristeza es un círculo, Ira un cuadrado, Asco es triangular mientras que Miedo es poco más que una línea recta, siendo Alegría la excepción, al ser humanoide.

«To me, if you look at Bugs Bunny or Donald Duck, they’re kind of like people on steroids. The personality levels are turned way up and there’s an exaggeration and caricature which I love. That was what we could do with these emotions. My daughter Elie was 11 – she did the voice of Young Ellie in Up. She was kind of a lot like that character until then. Then there were a lot more reclusive, quiet moments. I wondered what was going on inside her head.»

«A mi parecer, si te fijas en Bugs Bunny o al Pato Donald, son como personas con esteroides. Los niveles de personalidad son desmesurados y gozan de una exageración y caricatura que me encanta. Eso es lo que pudimos hacer con las emociones. Mi hija Elie tenía 11 años y puso voz a la joven Ellie en Up. Hasta entonces se parecía muchísimo al personaje. Pero de repente aparecieron muchos más momentos de reclusión, de silencio. Me pregunté qué ocurría por su cabeza.»

Pete Docter

El cuadro de mandos

Las emociones llevan las riendas dentro de los humanos, algo que es innegable y que estaba claro desde que la película no tenía nombre asignado y solo se conocía por That Takes You Inside the Mind Project. Lo que no estaba tan claro era cómo debían hacerlo.

En la película aparece un cuadro de mandos sencillo (posteriormente según Riley crece es más complejo) que está delante de una gran pantalla y sobre él operan las cinco emociones, hacen guardias y se van pasando el control aunque generalmente parezca estar en manos de Alegría.

Varios diseños de producción muestran que se barajaron diferentes ideas, como que fuera un centro de control circular que proyectara una imagen del humano mientras las emociones se sentaban alrededor y llevaban cascos con hilos de energía. Pudo ser una sala ovalada con accesorios a los lados y un acceso inferior para ir a otras zonas o variantes del diseño final, solo que con un toque más barroco.

El mundo humano

Riley

Riley Anderson es la niña que pronto dejará de serlo, inspirada en la vida real por la hija del director, está dejando atrás esa etapa en la que todos somos encantadores y divertidos para dar paso a otra llena de cambios que no se pueden entender.

De pronto empieza a pasar más tiempo sola, tiene algún ataque de rabia, responde con monosílabos y no es capaz de llevarse bien con sus padres. Ellos se preocupan, con razón, pero no le pasa nada, sencillamente está empezando su pubertad. Lo que antaño le interesaba se queda a un lado, nuevas sensaciones y emociones aparecen, los padres ya no son esas figuras capaces de solucionar todo y su mundo empieza a ser muy distinto.

En el caso de Riley esto se ve agravado (y bien usado de forma metafórica) por la mudanza que ha vivido en la que cruzan el país (de Minnesota a San Francisco) para empezar una nueva vida. En su caso los cambios son externos e internos, debe lograr lidiar con toda una nueva ciudad y un nuevo colegio en la etapa más convulsa para ella, la misma en la que debe lograr enfrentarse a un montón de cambios internos que no puede comprender.

El personaje pasó por varios cambios desde su concepción, puntos que iban desde su edad a su aspecto, con el cabello ondulado y un aire a la Chica Ardilla de Marvel Comics. Finalmente pasará a ser la niña rubia con flequillo que todos conocemos, que en parte recuerda a la madre de Andy en Toy Story 3.

Jill y Bill

Los padres de Riley, que son como los de todo el mundo. Gente normal que intenta tener una buena vida y ser felices en el proceso y, aunque parezca sorprendente, en general lo son. Tienen sus momentos buenos y malos, pero siempre logran salir adelante, se escuchan y se quieren. Pero ellos dos no están preparados para los cambios que de pronto Riley experimenta, Bill está centrado en la nueva empresa, por lo que está distraído; y por su lado Jill está pendiente de poner en orden toda la casa nueva y lograr que su familia se adapte a la vida en otra ciudad.

Riley se les está escapando y no saben qué hacer. La joven les tiene en un auténtico pedestal, algo que queda claro cuando estamos dentro de su mente y vemos un castillo de naipes en Imaginalandia en el que ellos son el rey y la reina.

A diferencia de su pequeña, en la mente de ella, Jill, pilota Tristeza, lo que ayuda a entender que en ocasiones sienta melancolía por un amor pasado; en la de él, Bill, es Ira, algo que de primeras choca pero que cobra sentido cuando no duda en castigar a su hija en vez de hablar con ella. Solo son dos aspectos de toda su personalidad, claro, el conjunto es más complejo que eso.

Lo que sí hay que citar es que Pixar no está acertado en todo y en este caso ha caído en estereotipos de género. El más llamativo y evidente es el momento en el que los tres están cenando y Bill en vez de prestar atención a su hija (a la que adora) tras su primer día en el nuevo colegio (lo que siempre es complicado) está pensando en un partido deportivo, lo que no solo es totalmente tópico, sino que además no encaja en absoluto con el tipo de persona que se ha mostrado que es en el filme.

Bing Bong

Es cierto, Bing Bong no es humano, es el amigo imaginario de Riley, con el que jugaba en su infancia pero para ella era igual que cualquier otra persona. Solo ella podía verle pero eso no significa que haya dejado de ser real. En su periplo se lo encontrarán Alegría y Tristeza y, aunque en un principio las ayude solo para intentar volver con su antigua amiga, al final no dudará en sacrificarse en la escena más emotiva de toda la película.

«Bing Bong laughs excitedly, happy to help Riley in the only way he can.»

«Bing Bong ríe con entusiasmo, feliz de ayudar a Riley de la única manera que puede.»

Extracto del guión original de la película

Tras la emotiva frase «Llévala a la Luna por mí» es imposible no llorar. Un momento en el que, por primera vez, Alegría conoce la tristeza.

Más allá de los ajustes en su diseño, que fueron perfeccionándose y ajustándose hasta el ser rosa de algodón de azúcar que juega con Riley, también hubo variantes en su personalidad. Una de las ideas era presentarlo como miembro de un campo de refugiados en la mente de la pequeña e incluso hacerle bastante más extremo de lo que llegó a ser, estando totalmente en contra de las obras de ampliación que se están haciendo (que incluyen la máquina de novios y las palabrotas) e incluso intentar boicotearlas.

En cierta manera era una versión más terrible de alegría, empeñado en conservar su pequeño mundo sin tener en cuenta que es, precisamente, pequeño.

Si tú quieres despegar

Bing Bong, Bing Bong

Al cohete has de cantar

Bing Bong, Bing Bong

¿Quién es mejor que nadie más

y con él quieres jugar?

Bing Bong, Bing Bong

Voces que emocionan

Elegir actores para interpretar personajes nunca es sencillo y en el caso de Inside Out tiene la problemática añadida de que el grupo protagonista son emociones puras, lo que requiere voces muy concretas y especiales: se necesitan profesionales que sean capaces de lograr en todo momento que esa emoción sea auténtica.

Para Alegría se eligió a Amy Poehler, actriz nacida a principios de los años setenta y que con poco más de 20 años empezó a despegar. Entre sus títulos se cuentan las series Spin City: Loca alcaldía (con Michael J. Fox), Arrested Development o Parks and Recreation, entre otras que ha sabido combinar con el cine en películas como ¿Estás aquí?, la saga de Alvin y las ardillas (poniendo la voz a Eleanor) o Dando la nota, sin dejar de lado apariciones en legendarios shows televisivos del nivel del Saturday Night Live.

«I love the message of the film which is basically that no-one can be happy all the time - and that's OK. In fact, sadness may get you where you need to be.»

«Me encanta el mensaje de la película, que básicamente es que nadie puede estar feliz siempre, y eso está bien. De hecho, la tristeza te puede llevar donde necesitas estar.»

Amy Poehler

Phyllis Smith es la réplica a Amy Poehler, es Tristeza. Esta actriz es bien conocida por su papel de Phyllis Lapin en The Office, serie en la que ella trabajaba como ayudante de casting pero que no negarse ante un personaje que fue creado para ella. Anteriormente había tenido un par de pequeños papeles, pero a partir de ese momento su carrera interpretativa no paró y pudo trabajar al lado de Cameron Diaz en Bad teacher, en la serie Trophy Wife, que protagonizan Malin Akerman  y Bradley Whitford, y de forma más reciente en la serie de Netflix The OA como Elizabeth «Betty» Broderick-Allen.

Bill Hader, Mindy Kaling y Lewis Black completan el elenco de emociones como Miedo, Asco e Ira. El primero es uno de los cómicos que se ha podido ver de forma habitual en Saturday Night Live, además de películas como la irreverente Supersalidos, la obligada de ver Tropic Thunder: ¡Una guerra muy perra! y dando vida a Andy Warhol en Men in Black 3 (o al agente encargado de interpretar al personaje, más bien). En el campo del doblaje tiene también experiencia tras pasar por The Venture Bros., Bob´s Burgers o la otrora popular South Park.

Mindy Kaling ha tenido sus papeles en filmes de la gran pantalla como Noche en el museo 2, Los tres reyes malos y Ocean´s Eight pero ha sido un rostro asociado más bien a la televisión gracias principalmente a su papel en The Office (como Kelly Kappor), también al de Mindy Lahiri en The Mindy Project: The Morgan Project, ¡e incluso salió en The Muppets!

Lewis Black es un cómico en cuyos shows usa el gag de mostrarse cada vez más iracundo, lo que le hace perfecto para el papel que tiene en Inside Out. Su carrera comenzó con Hanna y sus hermanas y aunque ha tenido sus momentos en el cine (como con La noche que nunca tuvimos o El hombre del año) se ha prodigado principalmente por televisión en series como Harvey Birdman, Attorney at Law (que parodia al conocida personaje de Hanna-Barbera), Los días y las noches de Molly Dood o Scooby-Doo! Misterios S.A.

Hay que citar también a los siempre acertados Richard Kind (seguro que muchos le situáis como el alcalde de Gotham) y Diane Lane como Bing Bong y la madre de la protagonista respectivamente, además de los cameos de Frank Oz y Dave Goelz como los dos guardias del subconsciente de Riley. Estos dos son grandes veteranos del mundo del cine y del doblaje, que por siempre serán recordados por la voz de Yoda de Star Wars y de el gran Gonzo de los Muppets, entre otros muchos trabajos.

Temas que trata Inside Out

Hacerse mayor

Lo complejo de cambiar de vida

No hay alegría sin tristeza, ni tristeza sin alegría

No es de Pixar, pero…

The Numskulls

La primera tira con este título se publicó en 1962 en la revista The Beezer, dibujada por Malcolm Judge, y Tom Lavery recogería el testigo en 1979, y a su muerte en 1989, John Dallas, al que seguirían otros. La historia muestra a un grupo de seres que viven dentro de la cabeza y controlan las acciones de un hombre al que solo se referirán en un primer momento por «our Man» («nuestro hombre»), después también habrá un «our Boy» («nuestro chico») y un «Edd».

Estos pequeños seres son parcialmente iguales unos a otros, pero con colores distintos y distintas funciones, que son:

Brainy – Su nombre debería dejarlo claro. Controla el cerebro y es el líder del grupo.

Blinky – Responsable de los ojos y la vista.

Radar (o Luggy) – Se ocupa de las orejas y el oído.

Snitch (o Nosey) – Controla la nariz y el olfato.

Cruncher (en principio eran dos, Alf y Fred) – Al frente de la boca y el gusto.

¿No os resulta familiar la idea?

Reason and Emotion

Cortometraje de 1943 realizado por Walt Disney como parte de la propaganda bélica antinazi. Está protagonizado por Razón y Emoción, que en el caso de los hombres lucen el aspecto de un profesor universitario y un troglodita mientras que en las mujeres es una mujer vestida de rosa con tacones rojos, siendo en todo caso los que llevan el volante de los humanos (de forma literal según el dibujo).

Los Simpson

La muy larga y dilatada trayectoria de Los Simpson ha hecho que en muchas ocasiones haga homenajes o que sea homenajeada. En este caso lo que hay es una duda de dónde vienen las ideas, y es que en su decimoquinta temporada (2004) llega a verse el interior de la mente de Lisa en el que versiones de ella misma en distintos colores habitan dentro de su cabeza.

Son Celos (verde), Honestidad (Azul), Conciencia (Amarillo) y Líbido (Rosa) que está encerrada en una caja de cristal y encadenada.

Cerebro Divido

Conocido también por Me, Myself and Scarlet (parodiando Yo, yo mismo e Irene. Con el mismo estilo de letras y similar cartel) es un trabajo estrenado en 2013 que firman Josiah Haworth, Joon Shik Song y Joon Soo Song.

Dura tan solo cinco minutos y en el que John tiene una cita con Scarlet, mientras nosotros vemos dentro de su mente a dos pequeños seres que gracias a un panel de control y un gran visor frontal controlan las acciones de su humano. Uno lleva flequillo, gafas y es azul, mientras que el otro es pequeño y rojo.

Los parecidos no son pocos, a pesar de ello y lo que pueda parecer en primera instancia, se sabe que Pete Docter ya trabajaba en su proyecto años antes.

White Christmas

«White Christmas» es el especial de Navidad de la segunda temporada de Black Mirror, agobiante y exquisita serie británica que actualmente es producida por Netflix. En este episodio de 2014 protagonizado por John Hamm (el bien recordado Don Draper de Mad Men) y Oona Chaplin (nieta del gran Charles Chaplin) se puede apreciar una cierta similitud de ideas con Inside Out al presentar a un duplicado digital de Greta (Chaplin) que ha sido creado para controlar la vivienda de la misma, estando ella sola frente a una consola de mandos y un visor frontal de gran tamaño.

Claro está que la historia narrada por Pixar y la de Black Mirror difieren en mucho, empezando por el final con tintes mucho más oscuros de esta última.

10 detalles que no te puedes perder

1) Al principio la mente de la niña recién nacida es un espacio oscuro en el que no hay nada, que cambia con la llegada de Alegría y la aparición del primer recuerdo que mientras recorre el camino para ser archivado nos va mostrando los primeros visos de lo que será la película.

2) El brócoli. O el pimiento verde si estás en Japón. Pixar cambió la verdura por otros alimentos para que fuera el que menos gusta a los niños en cada país.

3) Durante el viaje para cambiar de una ciudad a otra recorren prácticamente todo el país, al menos así lo hacen entender los paisajes tan variados que ve el espectador: campo de tréboles, montaña, maizales...

4) En ese trayecto se hacen una foto con una piedra con forma de un dinosaurio que resultará conocido a los que hayan visto El viaje de Arlo.

5) Ira, uno de mis personajes favoritos, cumple a la perfección con el arquetipo de señor. Camisa blanca, pantalones marrones (se puede suponer que de pana), periódico y café. Seguro que fuma en pipa.

6) En el colegio Riley come un nada sano menú a base de un perrito caliente, patatas y un plátano. Es sutil pero la crítica a la mala alimentación del país, y en concreto a la de los infantes, está ahí.

7) Entre varias ideas descartadas estaba que Alegría y Bing Bong llegaran hasta la Memoria Muscular, que lógicamente estaba poblada por seres muy en forma que hacían pesas.

8) Cuando los sentimientos quieren introducir una idea en la mente de Riley, esta es (literalmente) una bombilla. Un elemento que siempre se ha relacionado con las ideas y que se ha visto mil veces en los cómics.

9) El miedo a los payasos no es solo cosa de Inside Out, es muy habitual. Se llama coulrofobia.

10) Entre las islas que tiene la Riley adolescente están la de la moda y la isla de amor trágico entre vampiros, que es una forma muy poco velada de decir Crepúsculo (exitosa saga de libros y posteriormente cinematográfica).

El viaje de Arlo, el buen dinosaurio que no conquistó al público

Cuando se estrenó Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal gustó y disgustó a partes iguales pero todo el mundo parecía tener una cosa clara, era la peor de las cuatro películas que se habían hecho sobre el personaje. Solo que en todo esto hay un pequeño matiz, y es que hablamos de una saga que cuenta con un nivel muy alto, motivo por el que ser la peor de la franquicia hace que siga siendo un producto bastante potable y entretenido.

Esta misma situación es perfectamente exportable a El viaje de Arlo, The Good Dinosaur o Un gran dinosaurio (2015), una de las películas más irregulares y peor paradas de Pixar, pero que a pesar de esto sigue gozando de una cierta calidad que a estas alturas ya es inherente al estudio.

Parte del problema viene de las idas y venidas que tuvo el proyecto, cambio de dirección, reescrituras del guión y planteamientos centrales de la trama que se dejaron totalmente de lado como el hecho de (en serio) pretender ser un western. Todo esto sumado a que realmente no logra haber una conexión real entre Arlo y Spot, el pequeño niño-perro, y tampoco entre estos y el espectador.

Influye también el haber llegado a las salas el mismo año que la extraordinaria Inside Out, que se llevó de calle al público y a la crítica, eclipsando por completo El viaje de Arlo, que además tuvo que competir en las fechas de su estreno con Star Wars: Episodio VII - El despertar de la Fuerza y la muy esperada (y preciosa) Carlitos y Snoopy: La película de Peanuts, que sí logra ser esa película que trata sobre un chico y su perro.

«This is a boy and a dog story, but the roles are reversed. Arlo, the dinosaur, is the boy in the story and Spot is the dog.»

«Esta es una historia de un chico y un perro, pero los papeles están invertidos. Arlo, el dinosaurio, es el chico de la historia y Spot es el perro.»

John Lasseter

El chico y su perro

Arlo, el buen dinosaurio

Arlo es un dinosaurio joven (un apatosaurus), poco más que un niño, que siempre se ha sentido eclipsado por los logros de sus dos hermanos (de la misma edad que él, pero de mayor tamaño) y sus padres. Esto no es algo cierto ya que en todo momento su padre sabe que, cito literalmente, «saldrá adelante» y llega a decirle al pequeño que es como él «y mucho más», cuando este asustado le dice que él jamás tiene miedo.

El personaje experimenta el ya tan habitual viaje Pixar, un periplo literal y metafórico en el que se incluye el crecimiento personal, el aprendizaje, la amistad, la marcha de casa y el regreso a esta; algunos tópicos que se han convertido ya en parte casi obligatoria de las producciones de esta productora, a veces haciendo que uno empiece a desear ver algo diferente.

En lo que al concepto en sí de Arlo se refiere cambió bastante desde el primer momento hasta el resultado final, comenzando por ser una simple historia de un chico y su perro para después convertirse en un dinosaurio joven de unos 20 años de edad que iba a protagonizar un western, algo de lo que sigue teniendo toques la película, al menos así era cuando Bob Peterson iba a dirigirla.

Al abandonar el proyecto este pasó a manos de Peter Sohn, que junto con su equipo decidió que era mejor abordar la historia de otra manera, volver a la esencia de una aventura protagonizada por un muchacho y su can, motivo por el que consideraron que el protagonista debía perder algunos años en el proceso a fin de empatizar más con él y que la trama funcionara mejor.

¿Te has dado cuenta de que el río es un reflejo de Arlo?

El triste final

Para Arlo es realmente importante encontrar su lugar, ser uno más dentro de la familia y lograr salir de la sombra que proyectan sus hermanos. Henry, su padre, es consciente de esto y está convencido de que el pequeño saldrá adelante, por eso no duda en poner una tarea bajo sus patas.

Desgraciadamente sufre el mismo final que otros tantos padres de películas infantiles, y al igual que Mufasa salva a Simba (¿o era Kimba?) de morir aplastado por una estampida, él lo hará para evitar que Arlo perezca por culpa de un torrente de agua desbocada y perderá su vida en el proceso. Antes de irse, mirará a su hijo una última vez y sonreirá, está a salvo y eso es lo único que importa.

Arlo vs Simba

Que los clásicos influyen a los creadores es algo que está fuera de toda duda y gracias a ello hay grandes e interesantes trabajos como El ministerio del tiempo, las películas de Sherlock Holmes de Guy Ritchie o El camino de Emilio Estévez, que bebe en muchos puntos de El mago de Oz.

Es más que lógico que lo mismo suceda con Pixar y películas imprescindibles de la animación, como El rey león, solo que en este caso hay muchos parecidos que llegan a hacer pensar que más que inspiración lo que hay es un parche tras otro.

Lo primero que llama la atención es que en ambas historias, como ya se ha mencionado es que sus padres mueren evitando que el niño muera, por un río desbocado y por una estampida, pero es que en Arlo también se verá al protagonista en medio de tal estampida. De la misma forma el joven intenta encontrar su lugar en el mundo y en el proceso se ve alejado de forma involuntaria de su hogar, pero solo encontrará la fortaleza que tiene en su interior tras una aparición desde el más allá de su fallecido progenitor, en una a modo de sueño y en otra en forma de nube.

Hay más: en su periplo debe escapar de unos malvados y temibles carroñeros, en su viaje se encuentra con divertidos personajes bastante excéntricos y todo termina cuando el protagonista vuelve a casa para encontrar lo que siempre había querido, ser él mismo.

De la misma forma conviene recordar que El rey león bebe de Kimba, el león blanco (también El emperador de la selva) de Osamu Tezuka. Incluso hubo implicados en la producción que en más de una ocasión dijeron que en un origen Simba era denominado Kimba.

Spot, el adorable niño salvaje

Spot es un personaje que resulta gracioso y entrañable, a fin de cuentas es un perrito solo que con forma humana (algunos diseños de producción muestran su comparativa humano-perruna) y se comporta como tal. No es hasta el final de la película que se le verá caminando brevemente sobre dos piernas y erguido, aunque con ayuda.

Muy poco se sabe de este pequeño, ya que en ningún momento habla y tampoco se muestra nada sobre su vida anterior a conocer a Arlo. Por sus acciones y gracias a algunas escenas queda claro que es huérfano de ambos padres y que debieron fallecer a causa de los pterodáctilos que van siguiendo la tormenta, motivo por el que parece temerlos.

Parte del proceso de creación de este adorable personaje fue el refinamiento del mismo, pasando de un aspecto más similar al de un cavernícola, posteriormente un pequeño guerrero y finalmente el chico perruno cubierto de barro que llegó a las pantallas en gran parte gracias a las diseños de Matt Nolte, con el que Peter Sohn también trabajó en Brave (Indomable).

«It is a movie about love, overcoming fears, it is adventurous, emotional and funny.»

«Es una película sobre el amor, la superación de los miedos, es aventurera, emocional y divertida.»

Matt Nolte

El resto de la fauna

De entre todo el elenco de secundarios de este filme, que tampoco es demasiado extenso, habría que destacar a Forrest Woodbush (nombre descartado para uno de los hermanos de Arlo) y al tiranosaurio Butch, con sus dos hijos. El primero quizá de nombre no suene a nadie pero si se indica que es el styracosaurio que parece coleccionar mascotas, la cosa cambia.

Este excéntrico personaje al que pone la voz Peter Sohn, director de la producción, parece haber pasado por algún tipo de trauma que no termina de aclararse en el filme, lo que ha llevado a vivir en una especie de comuna con otros animales de los que él es la casa andante; no termina de saberse muy bien qué extraño acuerdo tienen con él.

Estas “mascotas” son:

Debbie: la favorita de Forrest.

Revienta sueños: evita que se ponga metas no realistas.

Destructora: un zorro que le protege de los mosquitos.

Furia: Le protege de las alimañas que reptan por la noche.

Butch es un tiranosaurio de gran tamaño, es ganadero y junto con sus hijos, Nash y Ramsey, se encuentra con Arlo mientras está buscando a sus reses. Es un personaje con cierta base en Clint Eastwood, duro y algo áspero, pero sabio y justo, como era el padre de Arlo. Sin pretenderlo se convierte en el mentor del joven protagonista. En este caso el actor que pone su voz es Sam Elliot, un profesional que ha dado muy buenas actuaciones con personajes que son de lija como Thunderbolt Ross en Hulk, el jinete fantasma de El motorista fantasma o Beau Bennett en la divertida (y recomendable) serie The Ranch.

A trompicones

El viaje de Arlo es una de esas películas que parecen malditas, ya que se empezó a trabajar en el filme en 2009, se anunció por primera vez en la D23 de 2011 bajo el nombre The Untitled Pixar Movie About Dinosaurs, diciendo que se estrenaría en 2013, se retrasó a 2014 y fue gracias a Peter Sohn y Denise Ream (director y productora) que el producto llegó finalmente a la pantalla a finales de 2015. El problema que tuvo es que comenzó siendo una historia sencilla que poco a poco se fue complicando, no parecía tener un fin concreto y finalmente hubo que repensarla desde un comienzo para lograr volver a sus orígenes.

Parte de las ideas estaban bien claras, como la trama de un chico y su perro, pero según el proyecto iba avanzando la cosa se fue complicando. El director Bob Peterson y el productor John Walker dejaron la película (este último pasó a hacer sus funciones en Tomorrowland: El mundo del mañana), la historia no funcionaba en parte por la diferencia de tamaño entre Spot y Arlo, mucho mayor (de tamaño y edad, se pretendía que tuviera unos 20/30 años) que la del filme final como se puede comprobar en el arte conceptual de la producción. Peterson quiso realizar una especie de estudio sobre los reptiles, ambientado en un mundo alternativo en el que se comportan como granjeros amish (de hecho en un principio la familia de Arlo convivía en una comunidad más grande, en vez de hacerlo sola) y la relación entre ambos protagonistas era más paternofilial que otra cosa.

Entonces en 2014 se anunció que se había dado la vuelta al proyecto, se estaba reestructurando y volviendo a crear casi desde cero. Empezó Peter Sohn como nuevo director del filme, quien anteriormente había trabajado en el departamento de animación de El gigante de hierro, Ósmosis Jones, Buscando a Nemo, Los increíbles, Ratatouille y Brave (Indomable), que tenía muy claro que lo que más les gustaba a todos era la sencilla idea de un chico y su perro, así que debían volver a ella.

«—¿Sabes lo que es el amor?, me preguntó ella.

—Claro que lo sé. Un chico ama a su perro.»

Vic (del relato Un chico y su perro, de Harlan Ellison)

Con él entró también Denise Ream, habitual del departamento de efectos visuales que ha trabajado en Deep Impact, Harry Potter y la piedra filosofal o Star Wars: Episodio III -La venganza de los Sith, siendo aquí productora. Ella se refirió a la versión inicial como «really complex» («realmente compleja», tenía cuatro líneas argumentales), se le dio otro enfoque como una historia de un joven que pierde a su padre e intenta hacerse un hueco en el mundo, en el proceso creando el que iba a ser el primer western de la compañía y rejuveneciendo al protagonista, lo que conllevó a buscar nuevas voces para los personajes y desde Pixar dejaron claro que todo era para bien, que ahora se sentían orgullosos del producto (de lo que se puede entrever que antes no).

El reparto inicial estaba conformado por John Lithgow (recordado por Cosas de marcianos como el Dr. Dick Solomon), Bill Hader (que participó en Inside Out como Miedo), Neil Patrick Harris, Judy Greer, Lucas Neff y Frances McDormand. La nueva historia hizo que solo esta última siguiera a bordo para interpretar a la madre de Arlo. Así el grupo finalmente lo componían Raymond Ochoa, Jeffrey Wright, Marcus Scribner, Steve Zahn, A. J. Buckley, Anna Paquin, Jack Bright y el ya mencionado Sam Elliott.

Irónicamente parece que los actores no estaban realmente al tanto de todo lo que estaba pasando, al menos eso puede entenderse por las siguientes declaraciones de John Lithgow en Collider.com «I recorded the entire role in Good Dinosaur. They have now dismantled it and completely reimagined it, and it is a fantastic new story. So I'm gonna record again on it within the next month (…) But me and Frannie McDormand, we’re still playing Momma and Poppa dinosaur.» («Grabé todo mi papel en El viaje de Arlo. Ahora lo han desmantelado y reimaginado y es una nueva historia fantástica. Así que voy a grabarlo otra vez el mes que viene. […] Pero Frannie McDormand y yo seguimos interpretando a mamá y papá dinosaurio.»).

La historia está firmada por Bob Peterson (idea y desarrollo originales), Peter Sohn, Erik Benson, Kelsey Mann, Meg LeFauve, que además se ocupó del guión final, con aportaciones de Adrián Molina y Peter Hedges. Puede que el tener tantas manos por medio explique que sea una de las películas más flojas de la productora, también que en palabras de Denise Ream «We work really, really fast» («trabajamos realmente rápido»), o puede ser que ya se han contado muchas historias sobre niños (Arlo) y perros (Spot), siendo una más entre decenas, y sin aportar tampoco nada nuevo. El diseño del protagonista es muy sencillo, aunque se puede perdonar por el buen trabajo que se hizo en su mascota o por los impresionantes paisajes que se convierten en lo mejor de todo el metraje, casi recordando a Río sin retorno, de Otto Preminger.

También hay dos escenas que hacen que casi se pueda obviar que es el trabajo menos logrado de Pixar. La primera de ellas sucede entre Arlo y su padre, cuando este le lleva al campo por la noche y corren entre las luciérnagas que iluminan la noche; y la segunda es entre Spot y Arlo, cuando ambos representan con ramas a sus familias perdidas para terminar aullando juntos en la noche con el dolor de un corazón desgarrado.

Temas que trata El viaje de Arlo

Alcanzar la madurez

Superar los miedos

Somos lo que somos

Otros grandes dinosaurios

Gertie the Dinosaur

Winsor McCay fue un genio del cómic, creador de las preciosas historias de Little Nemo in Slumberland, y también un adelantado en el campo de la animación. Un claro ejemplo es que en 1914 realizó (junto con su asistente John A. Fitzsimmons) un cortometraje de 12 minutos protagonizados por un dinosaurio; técnicamente pueden ser 6”, ya que Gertie aparece en la segunda mitad y la primera es de acción real. El personaje regresó en la década de los años veinte en Gertie on Tour, pero solo como un trabajo inacabado de su creador y que no vería la luz hasta su muerte.

Antes de eso ya había realizado hitos en este formato, como en 1911, mostrando a través de una mezcla de acción real y animación cómo realizaba sus viñetas con el cortometraje Winsor McCay: The Famous Cartoonist of the N.Y. Herald and His Moving Comics.

En busca del valle encantado

Un auténtico clásico de la animación que llegó a las pantallas en 1988 con el título The Land Before Time (La tierra antes del tiempo en Hispanoamérica), logrando un gran éxito de público que hizo que se convirtiera en una larga franquicia (catorce partes en el momento de escribir estas líneas) en la que ninguna de las continuaciones llega al nivel de la original. Una joya que dirige Don Bluth, con Steven Spielberg y George Lucas como productores ejecutivos y música de James Horner.

El protagonista aquí es también un pequeño dinosaurio llamado Piecito, que al separarse de su familia debe luchar para sobrevivir, pero mientras lo hace se encontrará con otros pequeños dinosaurios con los que trabará amistad.

No lo recuerdo pero según me contó mi padre lloré la primera vez que la vi.

Parque Jurásico

Primera parte de la saga de películas que se basan en las letras de Michael Crichton, guionizó esta iniciática entrega, con Steven Spielberg como director. El reparto estaba encabezado por Sam Neill y Jeff Goldblum, con Richard Attenborough como el entrañable Hammond, el fundador del increíble parque que trae de regreso a los dinosaurios.

La película fue un hito en su época y todavía hoy es recordada, querida y aplaudida. Las posteriores entregas han tenido un éxito irregular, pero han permitido que la historia siga avanzando y evolucionando.

Dinosaurios

Titulada originalmente como Dinosaurs fue una sitcom emitida entre 1991 y 1994, solo que en vez de humanos eran dinosaurios pero con comportamientos similares a los nuestros. Entre gag y gag la producción aprovechaba para hacer reflexiones, sátira y crítica de problemas de la sociedad del momento, atreviéndose incluso con la homosexualidad en una época en que el tema era prácticamente tabú.

Esta serie es también muy recordada por su amargo final, ya que una nube de ceniza (explicado en la trama, pero en claro paralelismo a la aceptada teoría del meteorito) cubre el mundo, lo que provocó que fueran a pasar años hasta que el sol volviera a salir y empiece una glaciación. La nieve cubre todo lo que está a la vista y aunque no llegue a mostrarse, no es complicado llegar a la conclusión de qué va a pasar.

Incluso en este último episodio se intenta hacer crítica, destacando la frase «es fácil abusar de la naturaleza, siempre ha estado ahí. Y la tecnología… es tan deslumbrante y nueva».

Casi un western

¿Cómo pudo ser El viaje de Arlo de haber seguido la idea de hacer un western? Es imposible saberlo con exactitud, pero en el filme hay algunas pistas que pueden indicar por dónde irían los tiros.

La primera es los paisajes inhóspitos, los desiertos y valles de color pardo que poblaban los westerns cinematográficos; Butch y su familia son vaqueros, cowboys en toda regla que recorren las llanuras con su ganado y se sientan por la noche alrededor del fuego a contarse historias. Según el propio realizador ha comentado en un comienzo había una taberna, sheriff y era casi una parodia del género.

«En realidad es un western, una película de supervivencia en medio de la naturaleza, como Las aventuras de Jeremiah Johnson.»

Peter Sohn

10 detalles que no te puedes perder

1) Según Bob Peterson la idea de este filme viene de sus propios recuerdos de la infancia, cuando en 1964 acudió a la Feria Mundial de Nueva York (de 1964/1965) y vio un dinosaurio animatrónico creado por The Walt Disney Company. La atracción se llamaba Ford´s Magic Skyway, en la que el público se metía dentro de coches de la compañía (junto con algún prototipo) que les llevaban por un recorrido entre dinosaurios y cavernícolas, con alguna sorpresa más. Lógicamente se convirtió en una de las exposiciones más populares.

2) También puede ser que el recuerdo fuera el de Dinoland, una muestra de diferentes dinosaurios que pagó la Sinclair Oil Corporation y entre los que se contaba el brontosaurio, que era marca de la empresa. El cartel promocional rezaba lo siguiente: «The exciting world of dinosaurs. Sinclar DINOLAND-New York World´s Fair 1964-65» («El apasionante mundo de los dinosaurios. Sinclar DINOLAND-Feria Mundial de Nueva York 1964-65»).

3) El equipo de Pixar intentó aprender todo lo que pudo sobre dinosaurios, y ya que estos se extinguieron hace millones de años, hablaron con paleontólogos, visitaron el museo de Historia Natural de Nueva York y también se fueron hasta lugares en los que se sabe que habían vivido (y vivieron en sus propias carnes alguna de las anécdotas que el joven Arlo sufre en la película).

4) Arlo es el nombre de la colina que aparece en The Faerie Queene (1590) de Edmundo Spenser. A su vez parece provenir del irlandés Aherlow, que en gaélico significa «entre dos tierras altas», lo que encaja a la perfección con el protagonista de la película.

5) Esta película se estrenó en 2015, mismo año que Inside Out. Esto es algo inusual en Pixar ya que hasta el momento no había hecho algo semejante, quizá por el miedo a que un producto pueda eclipsar a otro.

6) Es complicado saber con exactitud cómo se movían los dinosaurios, así que Pixar se basó en los movimientos de los elefantes.

7) Los apatosaurios medían cerca de 4,5 metros de alto y una longitud total de 26 metros, y su peso era de hasta 24 toneladas.

8) De nuevo aparecen tres hermanos, Buck, Libby y Arlo, igual que en Brave (Indomable) con Harris, Hubert y Hamish, y por supuesto los tres sobrinos del Pato Donald Jaimito, Juanito y Jorgito.

9) En Monstruos University aparece un pequeño dinosaurio verde de juguete en un momento dado, para muchos en un pequeño homenaje de Arlo y para otros un simple trozo de plástico que casualmente se parece al protagonista de El viaje de Arlo.

10) El viaje de Arlo es de forma clara una realidad diferente a la nuestra, algo que queda totalmente claro al principio de la película cuando el meteorito que extinguió a los dinosaurios no llega a caer en el planeta. Así de esta forma llegan a evolucionar y crear su propia sociedad, que en parte se parece a la nuestra.

Coco, cantando a los difuntos

Coco (2017) pretende ser un hito en la historia de Pixar. No solo por lo precioso de sus imágenes, también por ser la primera película que no contará con un protagonista WASP (White, Anglo-Saxon and Protestant, es el acrónimo en inglés de «blanco, anglosajón y protestante») y lanzarse a hacer un producto musical, solo que no al estilo de The Walt Disney Company.

De esta forma Coco, que en un principio pretendió llamarse Día de los muertos (con polémica por el nombre incluida), se lanza a ser la puerta de apertura que hacía falta para que los productos de Pixar se mostraran más internacionales y encima en plena era de Donald Trump, un presidente norteamericano que se muestra bastante poco abierto hacia otros países y sus habitantes.

En palabras de Lee Unkrich, director del filme, esta película es una «carta de amor» a México y su cultura, intentando no caer en los tópicos habituales que Hollywood suele mostrar al respecto. Para lograrlo el equipo ha estado trabajando durante años en la obra, al igual que siempre se hace desde Pixar, e incluso viajes al terreno para conocer de primera mano aquello sobre lo que estaban escribiendo.

«Seré el primero en afirmar que hacer algunos viajes de investigación no nos convierte en expertos en nada, pero hubiera sido malo que no lo hiciéramos. Sabía desde el primer día, cuando John Lasseter dio la autorización, que teníamos la enorme responsabilidad de contar esta historia correctamente y no caer en clichés o estereotipos.»

Lee Unkrich

Un niño y su ídolo

Todos tenemos un ídolo, o varios. Esa persona que nos guía y nos ilumina, a veces sin que lo sepa pero siempre está ahí para nosotros. Y Miguel, protagonista de Coco, también tiene el suyo.

Miguel Rivera

En 2015 se lanzaron en el mismo año Inside Out y El viaje de Arlo, algo que no es nada habitual en las producciones de Pixar pero que sucede de igual forma en 2017 con la llegada a los cines de la tercera entrega de Cars y Coco, estando esta última protagonizada por Anthony González. Anteriormente ha trabajado en el corto Icebox, escrito y dirigido por Daniel Sawka, y en la serie Mentes criminales: Sin fronteras.

Interpreta a Miguel, un niño de 12 años que viene de una familia de zapateros pero él lo que quiere es ser músico, a pesar de la creencia entre sus allegados de que esta les ha maldito. Él no hará caso y se irá a tocar a la tumba de su ídolo, el fallecido cantante Ernesto de la Cruz, provocando que por accidente llegue hasta la tierra de los muertos. Su nombre es un homenaje a Jonas Rivera, miembro de Pixar que ha trabajado en Toy Story, Toy Story 2, Cars, Inside Out y Up; el diseño ha corrido a cargo de Shelly Wan.

Ernesto de la Cruz

Ernesto de la Cruz es el legendario cantante al que admira Miguel y con el que se encontrará en el más allá. El personaje es una mezcla de Pedro Infante, Jorge Negrete y Vicente Fernández, luciendo perfecto con su traje blanco, su bigote y mentón partido en dos que hace pensar un poco en Cary Grant. No puede dejar de nombrarse también al auténtico Ernesto Natividad de la Cruz, conocido principalmente por Ernesto de la Cruz, músico y director de orquesta reconocido por su trabajo en el tango.

Como actor para encarnarle está Benjamin Bratt, intérprete que empezó a encontrar sus papeles más llamativos a partir de los años noventa y quizá principalmente recordado por sus apariciones en comedias como Miss Agente Especial, además de ser Javier Delgado en Modern Family (el padre de Manny).

El trabajo lo firman Lee Unkrich y Adrian Molina. El primero es bien conocido por ser el director de Toy Story 3, tras haber codirigido la entrega previa además de Monstruos S.A. y Buscando a Nemo; su paso por Pixar le ha hecho también poner voces en Bichos: Una aventura en miniatura, Monstruos S.A. y Toy Story 2, además de ser uno de los firmantes del guión de Toy Story 3 y Toy Story 4. Antes de todo esto fue asistente del director en las serie televisiva Renegado (sí, la de Lorenzo Lamas) y la TV movie Trampa al corazón. Por su parte Adrian Molina forma parte de Pixar desde Ratatouille, posteriormente ha estado también en Toy Story 3, Monstruos S.A. y participó en el guión de El viaje de Arlo con material adicional.

El coco

«Duérmete que viene el Coco.»

¿Quién no recuerda estas palabras?

El Coco (también Kukui) es una leyenda de nuestro país y Latinoamérica que asusta a los niños y se usa como amenaza para los pequeños que no quieren dormir. El origen exacto es indeterminado, puede ser una costumbre gallega o celta, igual es una derivación de cultos africanos como el diablo bantú Kuku. En ocasiones el mito se entremezcla con el del Hombre del Saco, un tipo que recorre las ciudades por la noche y se lleva a los infantes dentro de un saco para no se sabe qué (aunque en ocasiones se cruza con el relato negro del Tío Saín y el Sacamantecas, del que hay casos históricos documentados, como Enriqueta Martí, conocida como la vampira del Raval).

Duérmete niño, / duérmete ya, / que viene el coco / y te comerá.

Visitando el más allá

Coco no es, ni de lejos, la primera película que se adentra en el mundo de los muertos. Este es un tema que siempre ha llamado a la curiosidad de los hombres y hemos emprendido búsquedas para intentar responder a qué hay al otro lado.

El cine ha sido muy prolífico en ello, con títulos y títulos al respecto, estos son solo una muy pequeña muestra.

El libro de la vida

Película de animación dirigida por Jorge R. Gutiérrez, con las voces de Diego Luna, Zoe Saldana, Channing Tatum, Christina Applegate, Ice Cube, Kate del Castillo, y Ron Perlman que ha tenido una buena repercusión tanto de crítica como de público y que ha levantado cierta polémica por un posible plagio desde Pixar a la vista de ciertos parecidos tanto visuales como argumentales entre las dos películas.

El Cuervo: Ciudad de ángeles

Secuela de la película de culto El Cuervo, en la que falleció Brandon Lee, narra otra historia de un hombre devuelto a la vida por un enigmático cuervo que viene desde el más allá. La cinta fue protagonizada por Vincent Perez y está ambientada durante el Día de Todos los Santos, con cierta iconografía presente del Día de los Muertos de México.

A pesar de tener varios aciertos (como la inclusión de Iggy Pop y la actuación de Vincent Perez), la película está mucho peor valorada que la cinta original a la que en vano intenta parecerse. Esto fue principalmente una decisión de Miramax, dado que Davis S. Goyer y Tim Pope, guionista y director, querían hacer algo diferente y alejarse de la sombra de la primera entrega.

La novia cadáver

Tim Burton, del que en un tiempo escribiré un libro para esta misma editorial, es uno de los creadores cinematográficos más conocidos de los últimos tiempos. En el año 2005 dirigió la película La novia cadáver, que contaba con las actuaciones de Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Emily Watson, Tracey Ullman, Paul Whitehouse, Joanna Lumley, Albert Finney, Richard E. Grant, Christopher Lee y Michael Gough y una trama en la que el joven Victor (Depp) llegaba por error hasta el corazón de una novia que falleció por los malvados planes de su exprometido. Un relato gótico lleno de ternura y de imágenes dignas de ensueño que se basa en un cuento ruso del siglo XIX, a su vez adaptación de un relato del rabino Issac Luria, que en cierta forma aparece también en El estudiante de Salamanca de Espronceda.

«Mi delito no es gran cosa. Era vuestra hermana hermosa; La ví, me amó, creció el juego, Se murió, no es culpa mía.»

El estudiante de Salamanca

Spectre

No, realmente ninguna película de James Bond hasta la fecha habla de un pase al más allá (podéis saber más del personaje en el libro 007: James Bond, de espía a icono), pero en la película Spectre de Sam Mendes se rinde un pequeño tributo al Día de los Muertos de México en la apertura de la película, que se rodó en la mismísima Ciudad de México.

En esta primera escena llena de luz y color veremos esqueletos, bailes y a 007 vestido de impecable negro con una máscara de calavera en el rostro, a su lado va Stephanie Sigman, actriz mexicana a la que recientemente se ha visto como Valeria Vélez en la serie de Netflix Narcos, que se inspira en la vida real del narcotraficante Pablo Escobar.

México antes de Coco

Esta es la primera vez que Pixar viaja hasta México en una de sus producciones, pero no así Walt Disney, que ya lo hizo en 1942 y en 1944.

En 1942 fue por doblete, el primero real y el segundo animado. El primero es cuando el propio Walt Disney viajó hasta México en diciembre a petición del presidente como embajador de buena voluntad, llevándose a varios miembros de su equipo consigo que encontraron en aquella tierra inspiración para filmes que estaban por venir.

El segundo, el animado, fue con la película Saludos amigos, que se estrenó precisamente en 1942. Está conformada por varios segmentos, pasando de la acción real a la animación con personajes tan conocidos como Goofy, Donald y presentando al brasileño José Carioca.

El resultado no fue del todo bueno, de hecho es algo mediocre, y en cierta forma Los tres caballeros de 1944 fue la forma de resarcirse. Una cinta que con el tiempo se ha convertido en una obra de culto, protagonizada por Donald en el día de su cumpleaños cuando recibe la visita de Carioca y el mexicano gallo Panchito (personaje de nueva creación) con los que emprende un viaje por distintas partes de Latinoamérica. A lo largo del metraje se entremezclan los segmentos de animación con los de acción real y otros en que los dibujos conviven con conocidas estrellas hispanoamericanas de entonces, como Aurora Miranda y Carmen Molina.

La popularidad de este trío ha hecho que hayan regresado en varias ocasiones, como en el episodio 52 de House of Mouse llamado precisamente «The Three Caballeros», o los dos cómics The Three Caballeros Ride Again y The Magnificent Seven (Minus 4) Caballeros de Don Rosa, heredero por derecho propio de Carl Barks.

«Mientras que la mitad del mundo está siendo obligada a gritar “¡Heil Hitler!”, nuestra respuesta es decir: “Saludos, amigos”.»

Walt Disney

10 detalles que no te puedes perder

1) Walt Disney intentó registrar el título de El día de los muertos, lo que supuso toda una polémica en México.

2) Dentro de sus detractores destaca el autor Lalo Alcaraz con su ilustración Muerto Mouse, que terminó siendo asesor de la película.

3) El xoloescuincle es una raza de perro muy habitual en México y en esta película uno de ellos hará las veces de guía y compañero de Miguel. El animal se llama Dante, igual que Dante Alighieri, autor de la Divina Comedia.

4) El Reino de los Muertos, donde ocurrirá gran parte de la acción del filme, está basado en la ciudad de Guanajuato.

5) Anthony González y Miguel Rivera tienen la misma edad, doce años.

6) Carter Goodrich vuelve como diseñador de personajes, al igual que hizo en la saga de Monstruos S.A. y también en Brave (Indomable), junto con Daniel Arriaga como Character Art Director.

7) En América tienen también su propia versión del Coco llamada Bogeyman.

8) Miguel es un nombre que proviene del hebreo y significa «¿Quién como Dios?»

9) En 2017 se estrena también una película de animación mexicana que sí se llamará Día de los muertos. Dirigida por Carlos Gutiérrez Medrano y producida por Metacube.

10) La Catrina (o Calavera Garbancera), la mujer esqueleto que se he convertido en todo un icono, fue una creación (parece) de José Guadalupe Posada y que recibió su nombre de la mano del famoso pintor Diego Rivera.

CIERRE

Siempre he visto dibujos animados. Desde pequeño lo he hecho, y sigo haciéndolo. Me gustan y lejos de ser esa afición de niños que muchos se empeñan, es una forma maravillosa de descubrir nuevos mundos y extraordinarias aventuras.

Tengo mis favoritos, todos los tenemos.

Debo nombrar entre los primeros puestos En busca del valle encantado (la primera, por supuesto); esa joya de la animación española que es Mofli, el último koala; las locuras de los Looney Tunes; Rick y Morty, que se ha convertido en una serie imprescindible entre los amantes de la ciencia ficción; y, por supuesto, ¿Quién engañó a Roger Rabbit?

Seguiría. Hay más, muchos títulos más que no dejan de sorprenderme y a los que suelo volver. Nuevos y viejos por igual, al final da igual el cuándo se hizo y pesa mucho más qué se hizo, cómo se hizo…

Eso es lo que sucede con Pixar.

Es cierto que hoy cuando uno se pone Toy Story y Bichos: una aventura en miniatura, el producto ha envejecido algo mal en lo que a tecnología se refiere (es lo que sucede cuando uno es un pionero en lo suyo), pero eso queda totalmente en segundo plano, ya que lo que predomina es un buen trabajo de guión. Eso es lo que hace que esta empresa sea quien es.

Desde muñecos que hablan a niñas que se van de casa, pasando por coches que intentan encontrar su camino y pequeños robots que son más humanos que los humanos. Parece que no hay límite a la fantasía de Pixar, su imaginación desborda por todas partes y hace que todos los que estamos al otro lado de la pantalla nos contagiemos un poco.

Mientras escribo esto está sonando de fondo “If I Didn't Have You” de Monstruos S.A. con Billy Crystal y John Goodman cantando. Ahora saltará a otra banda sonora, me gusta escuchar música de lo que estoy escribiendo. Una costumbre que adquirí con mi tercer libro, Doctor Who: el loco de la cabina. Me ayuda a situarme y a tener la mente centrada en lo que estoy haciendo.

En el caso del libro infantil Frost, perrito de aventuras, me puse bandas sonoras de películas de aventuras y de ciencia ficción. Era perfecto para la historia que quería contar y las fantasías que ese intrépido can estaba a punto de vivir.

Al final eso es todo. Historias.

Las mías. Las vuestras. Las de Pixar.

Todos tenemos una historia por delante.

Pasadlo bien descubriendo la vuestra.

Sigo escribiendo.

APÉNDICES

La teoría de Pixar

Todo está conectado, al menos eso dice la teoría del todo, que pondera de forma unificada todos los fenómenos físicos conocidos. Y sí, también es el título de una película protagonizada por Eddie Redmayne trasladando al cine parte de la vida del conocido científico Stephen Hawking.

De igual forma existe una teoría expuesta por Jon Negroni que conecta en un solo hilo argumental todos los filmes de Pixar. Es cierto que no deja de ser algo conspiranoico y desmentido por sus creadores, pero igualmente es interesante.

La cosa iría así:

Siglo XIV-XV

Brave (Indomable) sería la primera película en entrar en la teoría, con la bruja usando su magia para lograr que objetos y animales se comporten como humanos, además del hecho de que desaparece cuando pasa a través de una puerta (un punto clave en todo esto).

Años 50-60

Syndrome de Los increíbles crea un temible robot asesino capaz de evolucionar y aprender de los humanos, pero que finalmente no responde a sus órdenes, lo que hace pensar que en realidad podía estar manipulado por otros. Además funciona con energía de punto cero, que es la que dota de vida a los objetos del universo Pixar.

Década de los noventa

Toy Story muestra a juguetes que han estado en contacto con esa energía, cobran vida, tienen consciencia de sí mismos y empiezan a no estar conformes con los humanos que les rodean. Puede ser que en realidad sean fabricados para ser receptores de esa energía mágica, quizá fabricados por BnL (Buy-n-Large, empresa que aparece en WALL•E)…

2003

El mundo de Buscando a Nemo y de Ratatouille muestra animales capaces de hablar, con sentimientos y que culpan a los humanos por su trato hacia ellos. En concreto Remy hace algo increíble hasta el momento, es capaz de hablar con nosotros, o más bien entiende todo lo que decimos y tiene una inteligencia igual, que le permite comunicarse.

¿Quizá el clan de Remy se come a Skinner? El chef de pronto deja de aparecer en el filme...

2011-16

En Up aparecen más animales capaces de hablar, gracias a los collares inventados por Charles Muntz, y de entender a los humanos. Además de las ansias de expansión y de transformación urbana de una gran compañía empresarial, sin tener en cuenta los intereses de sus vecinos.

2100 -2200

Buy-n-Large es la gran corporación empresarial que ha logrado hacerse con el control del mundo, de forma literal, se ha hecho con el gobierno de todos los países y ha creado un planeta lleno de basura.

La ausencia de vida se explica por una unión de los humanos con las máquinas para vencer a los animales, pero algo falló. Los terráqueos se vieron obligados a dejar la Tierra, motivo por el que en Cars solo hay vehículos y no personas.

Todavía hay esperanza: queda, al menos, una cucaracha viva y una planta.

2898 – 3000

Gracias a esa planta la Tierra puede volver a ser un lugar en el que vivir, y crecerá hasta ser un árbol de gran tamaño en el que viven los protagonistas de Bichos: Una aventura en miniatura. Son seres mutantes, como explica que solo tengan cuatro patas en el caso de las hormigas, además de su capacidad de crear aparatos y su comportamiento como humanos.

¿Y nosotros? Apenas hay nadie sobre la faz del planeta, solo unos pocos sobrevivimos.

4500-5000

Monstruos University muestra a una nueva especie, los monstruos, que en realidad son animales que han mutado por centurias hasta convertirse en estos seres. Su civilización empieza a tener problemas de energía, pero descubren que los gritos de los humanos pueden sacarles de ellos, fabrican las puertas que les llevan a través de las dimensiones hasta la nuestra solo que no es así…

…en realidad viajan por el tiempo.

En este momento aparece también Del revés (Inside Out), ya que al final de Monstruos S.A. empiezan a conseguir la energía a través de la risa y precisamente es Alegría la primera emoción en nacer siendo realmente una trabajadora más que se encarga de proporcionar energía. Se suma a esta teoría Bing Bong, un recuerdo que sigue en la mente de Riley de un extraño amigo que de pequeña hacia que se riera y que desde todo punto de vista tiene el aspecto físico de un monstruo de Pixar, quizá el que de pequeño atravesaba la puerta de su armario.

Todo el tiempo

Boo, la pequeña niña de Monstruos S.A., pierde a su «gatito» (Sulley) y le extraña que los animales que se encuentra en su vida no sean tan inteligentes, algo que la obsesionará de por vida.

Recordará que las puertas son importantes, que se viaja por ellas. Así crecerá y estudiará magia, hasta ser la hechicera de Brave (Indomable), que aprenderá a viajar por el tiempo y ser ella misma la que inicie todo.

¿Y cómo sabemos que realmente Boo y la lanzadora de sortilegios son la misma persona? Por la talla de Sulley que hay en su taller.

La auténtica conexión

Sí existe una conexión dentro de los filmes de la factoría Pixar, solo que no es tan entretenida como la anterior y se mostró de forma completa a través de un vídeo publicado por Walt Disney a través de sus canales.

Buscando a Dory: Riley, protagonista de Del revés (Inside Out), es una de las niñas que están en el acuario.

Del revés (Inside Out): El dinosaurio coleccionista de mascotas de El viaje de Arlo es la roca con forma de dinosaurio en la que Riley se saca una foto con su familia.

El viaje de Arlo: El protagonista de esta película aparece como juguete en la habitación de Monsters University, aunque todavía no con el diseño definitivo.

Monsters University/Monstruos S.A.: Sulley aparece tallado en un trozo de madera en el taller de la bruja de Brave (Indomable).

Brave (Indomable): La familia de Mérida tiene un tapiz en el que salen los tres, el mismo que ella corta cuando está enfadada con su madre. Este tapiz aparecerá en la saga Cars, con ellos convertidos en coches.

Cars: Rayo McQueen aparece como un juguete en Toy Story 3.

Toy Story 3: Lotso, el amargado y vil oso rosado, aparece en Up, en la habitación de una niña que ve pasar a la asombrosa casa voladora por su ventana.

Up: La sombra de un perro muy familiar aparece proyectada en una pared cuando Remy de Ratatouille se mete en una casa.

Ratatouille: El chef Skinner lleva una pequeña moto, la misma que estará en una montaña de chatarra en WALL•E.

Cars: Doc Hudson aparece en Los increíbles como un coche aparcado (y sin vida, claro).

Los increíbles: En Buscando a Nemo un niño está leyendo un cómic protagonizado por Mr. Increíble.

Buscando a Nemo: Cuando Sulley va a la casa de Boo al final de la película, esta le ofrece un Nemo de juguete y también puede verse a una Jessie por el suelo de Toy Story 2.

Toy Story 2: Buzz va en busca de Woody en la tienda de juguetes de Al, en su recorrido para por delante de varios muñecos de Bichos: Una aventura en miniatura.

Bichos: Una aventura en miniatura: El camión de Pizza Planet, de Toy Story, aparece cerca de la colonia de hormigas, igual que lo hace también en Monstruos S.A.

Listado de cortos

Este libro se titula ¡Hasta el infinito y más allá! Pixar a través de sus películas por un motivo y es que se habla casi en exclusiva de las producciones cinematográficas de esta empresa, con algunos detalles de varios de los cortometrajes que expanden su universo narrativo.

Pero no sería justo no nombrar al resto de cortometrajes, ya que son una parte importante del trabajo que hacen y gracias a ellos empezaron a revolucionar, en concreto con Las aventuras de André y Wally B., que data de 1984, y Luxo Jr., de 1986, que presentaba a una pequeña lámpara animada que se convertiría en la mascota oficial de Pixar.

Aquí va el listado, con alguna aclaración en ciertos títulos.

André and Wally B. (Las aventuras de André y Wally B.) 1984 – Alvy Ray Smith (responsable desde ILM, Industrial Light and Magic, de los efectos realizados por ordenador de Star Trek II: La ira de Khan).

Luxo Jr. 1986 – John Lasseter

Red’s Dream (El sueño de Red). 1987 – John Lasseter

Tin Toy. 1988 – John Lasseter – El éxito de este cortometraje provocó que se llegara a plantear un especial televisivo de media duración llamado A Tin Toy Christmas, que no se llevaría a cabo y que sería el nacimiento de la saga Toy Story.

Knick Knack. 1989 – John Lasseter

Geri’s Game (El juego de Geri). 1997 – Jan Pinkava – Este cortometraje es uno de los más recordados y que entronca con Toy Story 2 ya que el protagonista, con voz de Bob Peterson, aparecerá en dicho filme.

For the Birds (Pajaritos). 2000 – Ralph Eggleston

Boundin’ (Saltando). 2003 – Bud Luckey – Este corto con toques de fábula presenta uno de los mejores y más divertidos que jamás han salido de Pixar: el conejílope.

One Man Band (El hombre orquesta). 2005 – Andrew Jimenez, Mark Andrews

Lifted (Abducido). 2006 – Gary Rydstrom

Presto. 2008 – Doug Sweetland – Un cortometraje que bebe mucho de la esencia de los Looney Tunes de la Warner Bros, tanto en forma como en contenido. Bola de nieve de Mascotas se basa claramente en el aspecto de Alec Azam, el conejo de este corto.

Partly Cloudy (Parcialmente nublado). 2009 – Peter Sohn

Day & Night (Día y noche). 2010 – Teddy Newton

La Luna (La luna). 2011 – Enrico Casarosa

The Blue Umbrella (Azulado). 2013 – Saschka Unseld

Lava. 2014 – James Ford Murphy

Sanjay´s Super Team. 2015 – Sanjay Patel -Uno de los cortos más bonitos y emotivos de Pixar, basada en la propia infancia de su director, Sanjay Patel.

Piper. 2016 – Alan Barillaro

Lou. 2017 – Dave Mullins – Primer trabajo como director de Dave Mullins, que lleva en activo profesionalmente desde 1994 con la serie Operación trueno que protagonizaba Hulk Hogan y desde 2001 un miembro más de Pixar, cuando comenzó en la empresa en el departamento de animación de Monstruos S.A.

Universo cinematográfico

Dentro de los muchos y variados cortometrajes realizados por Pixar, hay algunos que transcurren en el mismo universo que algunas de sus películas, ampliando lo contado en ellas y profundizando en las relaciones entre sus personajes.

Mike’s New Car (El coche nuevo de Mike). 2002 – Pete Docter y Roger Gould – Perteneciente a la saga de Monstruos S.A.

Jack Jack Attack (Jack-Jack ataca). 2005 – Brad Bird – Perteneciente a la saga de Los increíbles.

Mater and the Ghostlight (Mate y la luz fantasma). 2006 – John Lasseter y Dan Scanlon – Perteneciente a la saga de Cars.

Your Friend the Rat (Tu amiga la rata). 2007 – Jim Capobianco – Perteneciente a la película de Ratatouille.

Burn-E. 2008 – Angus MacLane – Perteneciente a la película WALL•E.

Dug’s Special Mission (La misión especial de Dug). 2009 – Roonie del Carmen – Perteneciente a la película Up.

George & A.J. (George y A.J). 2009 – Josh Cooley – Perteneciente a la película Up.

The Legend of Mor’du (La leyenda de Mordu). 2012 – Brian Larsen – Perteneciente a la película Brave (Indomable).

Party Central (Monsters University: Fiestódromo). 2014 – Kelsey Mann – Perteneciente a la saga Monstruos S.A.

Riley’s First Date? (¿La primera cita de Riley?). 2015 – Josh Cooley – Perteneciente a la película Del revés (Inside Out).

En este listado se han omitido los trabajos realizados para publicidad al considerarse que son agua de otro costal que bien poco tienen que ver con este libro. De igual forma no se mencionan los que han sido especiales televisivos o son parte de una serie, ya que en gran medida se han ido comentando a lo largo de las páginas previas.

Los 31 puntos de los cuentos de hadas

Según Vladímir Yákovlevich Propp, lingüista y antropólogo estudioso de los cuentos populares, al punto de encontrar en ellos varias premisas que se presentaban de forma habitual en los mismos.

En total son 31 apartados que se repiten con frecuencia, aunque no todos hacen siempre aparición, pero sí suelen cumplir en general el mismo orden, según indica en su Morfología del cuento publicada en 1928.

01) Alejamiento. Uno de los miembros de la familia se aleja.

02) Prohibición. Recae una prohibición sobre el héroe.

03) Transgresión. La prohibición es transgredida.

04) Conocimiento. El antagonista entra en contacto con el héroe.

05) Información. El antagonista recibe información sobre la víctima.

06) Engaño. El antagonista engaña al héroe para apoderarse de él o de sus bienes.

07) Complicidad. La víctima es engañada y ayuda así a su agresor a su pesar.

08) Fechoría. El antagonista causa algún perjuicio a uno de los miembros de la familia.

09) Mediación. La fechoría es hecha pública, se le formula al héroe una petición u orden, se le permite o se le obliga a marchar.

10) Aceptación. El héroe decide partir.

11) Partida. El héroe se marcha.

12) Prueba. El donante somete al héroe a una prueba que le prepara para la recepción de una ayuda mágica.

13) Reacción del héroe. El héroe supera o falla la prueba.

14) Regalo. El héroe recibe un objeto mágico.

15) Viaje. El héroe es conducido a otro reino, donde se halla el objeto de su búsqueda.

16) Lucha. El héroe y su antagonista se enfrentan en combate directo.

17) Marca. El héroe queda marcado.

18) Victoria. El héroe derrota al antagonista.

19) Enmienda. La fechoría inicial es reparada.

20) Regreso. El héroe vuelve a casa.

21) Persecución. El héroe es perseguido.

22) Socorro. El héroe es auxiliado.

23) Regreso de incógnito. El héroe regresa, a su casa o a otro reino, sin ser reconocido.

24) Fingimiento. Un falso héroe reivindica los logros que no le corresponden.

25) Tarea difícil. Se propone al héroe una difícil misión.

26) Cumplimiento. El héroe lleva a cabo la difícil misión.

27) Reconocimiento. El héroe es reconocido.

28) Desenmascaramiento. El falso queda en evidencia.

29) Transfiguración. El héroe recibe una nueva apariencia.

30) Castigo. El antagonista es castigado.

31) Boda. El héroe se casa y asciende al trono.

(Lista extraída del Manual de Literatura Infantil y educación literaria. Autor: Raquel Guitiérrez Sebastián. Año: 2016. Editorial: Editorial de la Universidad de Cantabria)

Epílogo

Por Isaac Viana, comunicador audovisual

Nunca he sido un chico emocionado con la fantasía inocente o la emoción sensible de las películas Disney. Una vez entrada en mi adolescencia, habiendo vivido en plena consciencia toda la década de los ochenta, siendo testigo del nacimiento comercial de los videojuegos, tragándome esas películas violentas donde todo explota al más mínimo contacto y visto cómo arrancaba el manga y el anime, tímidamente primero pero brutalmente después, siempre he sentido mucha más atracción por lo violento y agresivo que por lo bonito o emotivo.

Y, entonces, llegó Pixar.

Hasta aquel momento, millones de chavales como yo defendíamos la animación japonesa por no estar dirigida hacia el público infantil. Creíamos que las obras se hacían con un público en mente, y que los dibujos animados eran para niños, mientras que las producciones niponas que nos llegaban eran para adultos (bueno, en realidad adolescentes, pero no nos quitéis la ilusión de sentirnos mayores de edad).

Toy Story se estrena en los cines de medio mundo. Y no recuerdo cómo llegué a verla (por aquel entonces, para mí era una «peli de Disney más»), pero me encantó. No lo entendía. ¿Cómo podía gustarme algo para el público infantil? ¿No se suponía que era un adoles… ADULTO hecho y derecho? ¿Que lo que me gusta a mí es la acción y los juegos violentos? ¿La música cañera? ¿Vestir con camisetas ofensivas?

Resulta que Pixar me hizo entender algo: se puede hacer una producción infantil, y se puede hacer una producción para todos los públicos. No son lo mismo.

Ese clic de pensamientos que hizo mi cerebro fue uno, entre tantos, que me hizo expandir mis horizontes y por lo que intento a día de hoy ser siempre abierto de mente: los prejuicios nos evitan conocer obras, gente o experiencias maravillosas. Toy Story 1 y 2, Monstruos S.A., Los increíbles, WALL·E, Buscando a Nemo, Brave, Up, Del revés… Películas increíbles, emotivas pero, siempre, con un mensaje de superación detrás, muy valioso y reconfortante para todas las edades.

¡Y cómo no mencionar a los cortos que acompañan a todas sus películas! Pequeñas aventuras contadas en 5 minutos pero llenas de detalles y, a los que nos gusta también la técnica que hay detrás a la hora de contar historias, casi siempre sorprendentes.

Hoy día han cambiado mucho las cosas… La misma Disney ha lanzado películas que podría haber firmado la propia Pixar, por ejemplo Rompe Ralph y Zootrópolis, mientras que la competencia también se ha lanzado a la carrera de la animación 3D, con títulos como Kung Fu Panda o Ice Age, y otros mercados más pequeños también han visto un interés en lanzar sus obras de forma internacional.

Y, ¿sabéis qué? Eso es bueno. Eso, que narices, es genial. Un enorme surtido de creativos dispuesto a contar historias increíbles no pensadas para niños, sino para todo el mundo. Producciones que llegan a todos: al público infantil, que recibe una serie de valores importantes. Al público juvenil o adulto, que recibe una aventura apasionante llena de segundas lecturas. A los padres y madres, que crean un vínculo con sus vástagos a través de esas historias.

Todo eso, en mi opinión, no sería como es hoy día, no movería tanto ni sería tan aceptado socialmente si no fuera porque, en 1974, Alexander Schure se empeñó en hacer la primera película completamente generada por ordenador. Este fue el comienzo de un viaje apasionante, con George Lucas, Steve Jobs y Disney como compañeros de viaje en una ambición que no solo tuvo sus frutos, sino que creó una revolución dentro de la industria del entretenimiento de la que aún no hemos dejado de notar sus efectos.

Y que dure.

Bibliografía consultada

Hanna-Barbera, La animación en serie. Autor: Cruz Delgado Sánchez, Pedro Delgado Cavilla. Año: 2014. Editorial: Diabolo Ediciones

¡Eso es todo, amigos! El universo animado Warneriano. Autor: Cruz Delgado Sánchez, Alfons Moliné. Año: 2015. Editorial: Diabolo Ediciones

De Tom y Jerry a las supernenas, La aventura de Hanna-Barbera. Autor: Mauricio-José Schwarz. Año: 2015. Editorial: Dolmen Editorial.

Creatividad S.A.: Cómo llevar la creatividad hasta el infinito y más allá. Autor: Edwin Catmull. Año: 2014. Editorial: Conecta

The Art of Monsters, Inc. Autor: John Lasseter, Pete Docter. Año: 2001. Editorial: Chronicle Books.

Jim Henson's Designs and Doodles: A Muppet Sketchbook. Autor: Alison Inches. Año: 2003. Editorial: Abradale Books.

Proceso de socialización y cine de animación de Disney y Pixar:

Estudio del tratamiento y la recepción de los conflictos emocionales en

la audiencia de 5 a 11 años (Memoria para optar al grado de Doctor). Autor: Leticia Porto Pedrosa. Año: 2013. Editorial: Universidad Complutense de Madrid.

Meet the Cars (Disney Pixar Cars). Autor: Disney Book Group Año: 2011. Editorial: Disney Book Group.

Pixar's 22 Rules of Story (that Aren’t Really Pixar’s), Analyzed. Autor: Stephan Vladimir Bugaj. Año: 2013. Editorial: bugaj.com

The Art of Cars. Autor: Michael Wallis, Suzanne Fitgerald Wallis. Año: 2005. Editorial: Chronicle Books.

Brave: Gran libro de la película. Autor: Disney Libros. Año: 2012. Editorial: Disney Libros.

Cuentos populares de las tierras altas escocesas. Autor: José Manuel De Prada-Samper. Año: 2009. Editorial: Siruela.

The Art of Ratatouille. Autor: Karen Paik. Año: 2007. Editorial: Chronicle Books.

El libro de Disney: Una historia ilustrada del mundo de Disney. Autor: Disney Books. Año: 2016. Editorial: DK.

Creativity, Inc.: Overcoming the Unseen Forces that Stand in the Way of True Inspiration. Autor: Ed Catmull, Amy Wallace. Año: 2014. Editorial: Transworld Publishers Limited.

To Infinity and Beyond!: The Story of Pixar Animation Studios. Autor: Karen Paik, Leslie Iwerks. Año: 2007. Editorial: Chronicle Books.

The Pixar Theory Book. Autor: Jon Negroni. Año: Editorial: 2015. Slim Books.

The Films of Pixar Animation Studio. Autor: James Clarke. Año: 2013. Editorial: Kmera Books.

Los Archivos de Walt Disney: sus películas de animación 1921–1968. Autor: Daniel Kothenschulte. Año: 2016. Editorial: Taschen.

Manual de Literatura Infantil y educación literaria. Autor: Raquel Guitiérrez Sebastián. Año: 2016. Editorial: Editorial de la Universidad de Cantabria

Webs

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creativetalentnetwork.com

buzzfeed.com

Como recomendación extra debo citar el documental La historia de Pixar del año 2007. Dirigido por Leslie Iwerks cuenta con la participación de muchos grandes nombres de la empresa, adentrándose en sus orígenes, anécdotas y experiencias.

Doc Pastor

Su pasión es la comunicación y ha dedicado la mayor parte de su vida profesional a ella. Actualmente está enfocado en su faceta como escritor, sin dejar de lado la vertiente en gestión de prensa y temas relacionados. A lo largo del tiempo ha publicado en cabeceras como el periódico Aquí, SpendIn, El Jueves, Ocio Joven, The Way Out Magazine, Culturamas, Zona Negativa, Scifi World, Unagi Magazine, y actualmente como columnista en Cinemascomics.

Autor de los libros Los sesenta no pasan de moda, #PeriodismoZen:30 epígrafes para comunicadores inquietos, Doctor Who: el loco de la cabina, 007: James Bond, de espía a icono, Star Trek: el viaje de una generación, Vestidos para el éxito: 35 + 1 series llenas de estilo, Doctor Who, el loco de la cabina: The Golden Years, ¡¡¡BATMAN!!! La inolvidable serie de los 60, Celuloide y seda: iconos del estilo en el cine, ¡Hasta el infinito y más allá! Pixar a través de sus películas y Frost, perrito de aventuras.

También ha colaborado en otros volúmenes como autor coral, prologuista y asesor.

Nació en Valladolid pero ha vivido también en Valencia y Madrid, y desde 2013 reside en Barcelona, donde su vida profesional ha ido girando hacia sitios que no estaban planeados, haciendo que cada vez dedique más tiempo a escribir y de forma reciente también a iniciar una pequeña labor autoeditándose obras de enfoque más personal.

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