CELULOIDE Y SEDA

Estilo en el cine

Un libro de Doc Pastor

<<El estilo es muy personal.

No tiene nada que ver con la moda.

La moda termina rápido.

El estilo es  para siempre>>

Ralph Lauren

Prólogo

por Mónica Aragón, actriz

Cine y moda. No conozco una relación más íntima. Vale, quizá la de cine y luz, que uno sin el otro no existiría. Pero la seda y el celuloide, como Doc Pastor ha tenido a bien titular estas páginas que ahora tenéis en vuestras manos, se entretejen dentro y fuera de los platós. Vestir a un personaje es parte fundamental de su construcción tanto para lo que el director quiere expresar y definir como para el actor que una vez enfundado en su personaje nos muestra otra vida.

Además desde que el papel couché existe, los personajes del celuloide han de vestir sedas también en las alfombras rojas y demás eventos que envuelven a la película en cuestión. Pero como para hablar de esto último ya tenemos a cronistas, blogueros e incluso una voz cualquiera que vierta su opinión en las redes sociales, centrémonos en lo que nos ocupa, que es lo que vemos en la pantalla.

Una pregunta ¿ha ido alguna vez a una de esas fiestas temáticas en las que hay que disfrazarse de personaje de película? Sí, creo que todos los amantes del séptimo arte tenemos algún amigo que alguna vez ha celebrado así su cumpleaños. Vaaaaale, YO lo he hecho

El cine y la moda coexisten desde la invención del primero y, sobretodo cuando se convierte en una atracción de masas, sucumben a una simbiosis perfecta. Y cuando esto nos pasa ¿por qué la gran mayoría recurrimos a los mismos personajes de las mismas películas? Se quedan ahí, en nuestro imaginario colectivo, todos los identificamos y solo por su aspecto exterior sabemos quiénes son. Sin duda alguna quienes los interpretaron tienen gran parte de la culpa pero también quienes decidieron hacer que su vestimenta fuese la adecuada y consiga transmitir al espectador.

Puede parecer todo muy idílico pero hay hechos a tener muy en cuenta. Los grandes magnates de la época dorada del cine arrancaron en los negocios en el sector de la moda. Adolph Zukor fue peletero. Samuel Goldwyn vendía guantes. Marcus Loew empezó vendiendo pieles y capas. William Fox trabajó como inspector de tejidos para fabricantes. Louis B. Mayer vendía ropa usada y Harry Warner reparaba zapatos. ¿A que ahora nos extraña todo menos?

Dicho esto, queridos lectores, pónganse sus mejores galas pasen la página y lean.

Si Non Oscillas, Noli Tintinnare

Este es el lema que puede verse en la entrada de la mansión Playboy. Toda una declaración de intenciones que sirve de aviso a todos los invitados del gran fundador del imperio Playboy.

Es que estar en la onda, tener estilo, ser auténtico y marcar tendencia es un reto constante. No es una cuestión de estar a la moda, ya que de estarlo rápidamente pasaremos de moda cuando una nueva moda se ponga de moda.

No, este no es un libro de moda. Nada más lejos.

Aquí se hablará de estilo. Es algo muy distinto. El estilo no lo marca una tendencia, no lo marca una revista, el estilo sale de cada uno y puede tomar muchas formas.

Puede ser en la forma de vestir, de actuar, en cómo seamos en nuestro día a día, en las elecciones que hagamos y las decisiones que tomemos. También en nuestros gustos y aficiones, en los tics que tenemos y en nuestras pequeñas excentricidades.

Admitámoslo, todos tenemos estilo. Mejor o peor, pero es el nuestro.

¿Acaso alguien se imagina a Marilyn Monroe sin su sonrisa? ¿O al Tony Stark cinematográfico sin esa simbiosis con Robert Downey Jr.? ¿Podéis pensar en un Elvis que no tuviera esas patillas perfectas y sus increíbles movimientos de cadera? ¿Y es posible que alguien imagine a Steve McQueen sin ser Steve McQueen?

A lo largo de las décadas el cine ha dado (y creado) auténticos iconos del estilo, tanto actores, como directores, actrices, personajes y, en fin, si Hollywood es la industria de los sueños es por algo.

Vamos a dejarnos llevar por la magia.

Doc Pastor

Diva

1. adj. Dicho de un artista del mundo del espectáculo, y en especial de uncantante de ópera: Que goza de fama superlativa. U. t. c. s. U. t. en sent. peyor.

2. adj. poét. divino. Apl. a deidades gentílicas, a los emperadores romanosa quienes se concedían honores divinos después de su muerte, y, por ext., aotros personajes ilustres. Divo Augusto.

3. m. y f. poét. dios (‖ deidad de cualquier religión).

Ava Gardner

Inolvidables ojos verdes

El animal más bello del mundo. De esta forma se refirieron a Ava Gardner los publicistas de la película La condesa descalza. Un apelativo que incluso hoy en día sigue siendo relacionado con ella y que, por otra parte, ella odiaba.

Han pasado casi tres décadas desde que sus ojos verdes se apagaran en enero de 1990, cuando tenía 67 años. Falleció en Londres, dejando marcharse a Ava Lavina Gardner, pero no a la imagen de ella, la mítica Ava Gardner, que fue una de las grandes actrices del Hollywood dorado. Idolatrada por muchos, perseguida por otros tantos, entre los que se cuentan Frank Sinatra y Howard Hughes, dejando atrás un buen montón de historias de las que todavía se siguen conociendo nuevos detalles.

Su bello rostro tenía ciertos rasgos exóticos, una preciosa cabellera oscura, dos preciosos ojos y, al igual que todas las estrellas de su tiempo, cuidaba al milímetro su imagen pública. Su dress code era muy acertado, siempre con prendas que favorecían su figura y potenciando un look atractivo a la par que fuerte, dejando claro que nada, ni nadie, podía controlarla.

Los labios pintados de rojo eran un must en su estilismo, al igual que las joyas de gran tamaño y similar valor. También era habitual de vestidos, entre los que destacaban los de gala con escote abierto para realzar su busto y mostrar los hombros, en ocasiones cubiertos con abrigos de piel o estolas para la ocasión. Completaba esta imagen con sombreros que mantenían sus facciones entre sombras y creaban a su alrededor un halo misterioso, lo que solo lograba potenciar su belleza.

También sabía vestir casual, como dejaban claro sus faldas tubo, sus shorts y sus jerséis de angora, sin dejar de nombrar el estampado de lunares que lucía durante los rodajes o para su vida diaria. En ocasiones se relaciona esta tendencia a su amor por España y el vestuario de algunas cantaoras; si es cierto o no, poco importa, lo que sí es verdad es que sin duda quedaban realmente bien cuando ella los llevaba.

Su historia comenzó en la Nochebuena de 1922, día de su nacimiento en una familia de campesinos que cultivaba tabaco y algodón. Nada hacía presagiar lo que el destino tenía preparado para ella. Fue en 1940, cuando vivía en Nueva York junto a su hermana, cuando el marido de esta le propuso hacerle unas fotos, que luego expondría en el escaparate de su tienda, y quiso la casualidad que Barney Duhan de MGM las viera y se interesara por ella.

No fue tan sencillo, pero finalmente Ava Gardner consiguió una entrevista con la productora y salió de la misma con un contrato firmado por siete años. El mito empezaba a cobrar forma, pero todavía quedaba mucho por hacer; empezando por quitar su acento y aprender a actuar. De esta manera entró en la industria en 1941 con pequeños papeles sin acreditar, algo que realmente no se quitará del todo de encima hasta algunos años más tarde para, a mitad de la década, empezar a despuntar.

Su primer papel acreditado es en 1943 junto a Bela Lugosi en La casa encantada pero no será hasta tres años después, en 1946, cuando realmente empiece a ser un nombre a tener en cuenta en la industria de Hollywood. Será con la película Forajidos (The Killers) del director Robert Siodmak, compartiendo cartel con Burt Lancaster y Albert Dekker.

A partir de aquí empieza una carrera que en los cincuenta alcanzará su máximo esplendor con títulos como Mogambo, La condesa descalza o Los caballeros del rey Arturo. Fue también en esta década cuando conoce España gracias al rodaje de Pandora y el holandés errante, pasando a residir en nuestro país desde 1954/1955 y hasta 1968/1969, cuando se va a Londres. En el tiempo que estuvo aquí tuvo varios romances, los dos más conocidos fueron los de Mario Cabré y Luis Miguel Dominguín, padre de Miguel Bosé.

En los años sesenta pueden destacarse 55 días en Pekín con los grandísimos Charlton Heston y David Niven, La noche de la iguana y La Biblia… en su principio; estas dos últimas dirigidas por John Huston, nombre de sobra conocido por todos los amantes del cine. Al final su carrera ya acusaba cierto cansancio y títulos irregulares, como en 1980 cuando junto a William Shatner (James T. Kirk en la saga Star Trek) protagonizó El secuestro del presidente, década con muy pocos títulos que eran principalmente televisivos.

Ava Gardner, una vida para recordar.

El aviador

El excéntrico Howard Hughes fue uno de los pretendientes más insistentes que Ava Gardner tuvo, a pesar de sus constantes rechazos a casarse con él.

Al igual que siempre con este hombre la relación fue turbulenta, al punto de que en una ocasión él le golpeó en la cara y ella le estampó un cenicero en la cabeza, que le dejó inconsciente.

Matrimonio

Los que sí lograron casarse con ella fueron Mickey Rooney (seguramente un arreglo publicitario), el músico Artie Shaw y Frank Sinatra. Con este último se sabe que no fue precisamente fácil por el carácter de ambos, terminaron separándose pero mantuvieron una larga amistad, de hecho él no dudó en costear sus gastos médicos y de viaje cuando la actriz sufrió una apoplejía.

El diablo viste de Prada

Satán sabe tener clase

Hay películas que muchas veces son de visión obligada solo por las personas que participan en ella, como sucedió con Batman Begins en la que hacían aparición Michael Caine, Liam Neeson, Gary Oldman, Morgan Freeman o Rutger Hauer, entre otros, lo que prometía que saliera bien o mal ese nuevo inicio del justiciero de Gotham al menos la parte de las actuaciones iba a ser toda una delicia.

De igual forma en El diablo viste de Prada están Anne Hathaway, Emily Blunt o Simon Baker, junto a los enormes Meryl Streep y Stanley Tucci, dos nombres que ya son por derecho propio un buen motivo para acudir al cine a disfrutar de cualquier producción. No digamos la mezcla de todos ellos en la que fue una de las comedias más entretenidas y aconsejadas del 2006.

En ese año se estrenaron las también divertidas Devuélveme mi suerte con Lindsay Lohan y Chris Pine; Garfield 2, de nuevo con Bill Murray poniendo su voz al gato más famoso del mundo; la muy esperada segunda parte de Clerks de Kevin Smith; y la imprescindible El último show, título póstumo de Robert Altman con un envidiable reparto coral con Kevin Kline y Virginia Madsen, entre otros.

Volviendo a El diablo viste de Prada hay que reconocer que es una película de referencia para los amantes de la moda y el estilo, con uno de los vestuarios más caros y variados de la industria del cine que harían la delicia de cualquier armario. Destaca el momento en que Anne Hathaway poco a poco se va haciendo con su nueva vida, luciendo a lo largo de una escena (que representa varios días) diferentes estilismos dignos de envidia y quizá algo de odio por parte de sus compañeras.

Prendas que van desde el suéter verde oliva de Calvin Klein combinado con cinturón de cuero y tacón alto de Giuseppe Zanotti, o el top negro de David Rodríguez que luce encima de una camisa blanca de Miu Miu con collar de perlas de Chanel (imprescindible Chanel) y una gorra estilo repartidor de periódicos que aporta un cierto toque urbanita, además del abrigo verde de Lewin con cuello y puños de leopardo junto con unos tacones Giuseppe Zanotti y gafas de sol de Chanel (¿no os recuerda a nadie este look?).

Meryl Streep no se queda por detrás y luce prendas de Izzy Camilleri, Ralph Lauren, Gucci, Donna Karan, Bill Blass y el inolvidable abrigo verde de Dennis Basso junto con sus gafas de sol de Versace, un complemento que siempre llevará cuando esté en la calle. Y fantásticas las dos actrices en vestidos de noche de John Galliano (Hathaway) y Valentino (Streep). Por supuesto otros grandes nombres de la moda no faltan a la cita, desde bolsos de Kate Spade, a chaquetas de de Louis Vuitton y Vince pasando por Moschino, entre otros muchos.

Se nota detrás de todo la mano de Patricia Field, toda una leyenda en lo que a vestuario audiovisual se refiere. De su mano han salido Sexo en Nueva York, Cashmere Mafia (dos series de las que os hablo en Vestidos para el éxito: 35+1 series llenas de estilo) o la más reciente Younger, que protagonizan Sutton Foster y la exniña Disney Hilary Duff.

La venganza

La novela Chick Lit de Lauren Weisberger, en la que se basa la película (con varios cambios), tuvo una secuela en 2014 titulada La venganza viste de Prada: el diablo vuelve, que ha sido publicada en nuestro país por Planeta y sitúa la historia una década después.

Andy Sachs ha dejado atrás su pasado y ha fundado su propia revista, pero las cosas nunca son tan sencillas y Miranda Priestly va a volver a aparecer en su vida.

La crítica no se ha mostrado muy a favor de esta innecesaria segunda parte, que cumple ese refrán de si no está roto, no lo toques.

Anna Wintour vs Amanda Priestly

Anna Wintour (1949, Londres) es la conocida editora jefe de la edición norteamericana Vogue, un puesto que ostenta desde finales de los años ochenta (1988, en concreto) con puño de hierro y una personalidad que, es bien sabido, no siempre es sencilla de tratar.

Tras tantos años ha pasado a convertirse en toda una institución que es admirada, temida, respetada y odiada a partes iguales. Lauren Weisberger trabajó como su asistente y es inevitable encontrar ciertos parecidos entre la ficticia revista Runway de El diablo viste de Prada y la real Vogue, además de entre sus dos editoras.

Blunt vs Hathaway vs Poppins

En 2015 la empresa Walt Disney anunció que entre sus proyectos estaba el realizar una nueva película sobre Mary Poppins, el personaje de P. L. Travers que en su día interpretó Julie Andrews.

Siempre ha sido una cinta muy querida y el estreno de Al encuentro de Mr. Banks en 2013 llevó de nuevo a primera fila a esta mágica niñera. Así tras el anuncio sonaron dos fuertes candidatas a protagonista, Emily Blunt y Anne Hathaway.

Tras muchos rumores y apuestas Mary Poppins Returns (2018) cuenta con Emily Blunt como actriz principal y dirección de Rob Marshall.

Encantada, la historia de Giselle

La princesita que se ríe (un poco) de las princesitas

Seamos sinceros, Encantada: La historia de Giselle pudo ser más de lo que realmente fue. El planteamiento de autoparodia que pretendían desde Walt Disney está ahí bien presente, pero al final todo gira para no ser más que otra de sus películas de princesitas al uso; faltaba tiempo todavía para que llegara Enredados, en que realmente esto se haría en toda regla.

Lo que sí es un acierto es la mezcla entre acción real y animación, aunque no cruzándose en ningún momento, una parte de la trama sucede en el mundo de ficción lleno de fantasía con animales que pueden hablar y en el que el amor a primera vista está a la orden del día, y las acciones subsiguientes que son consecuencia de una maldición y que suceden en el mundo real.

Este choque de ideas y formas de entender la vida es lo que dota a la película de su parte de comedia y una fina autoironía cuando Giselle (Amy Adams) aparezca y no entienda qué sucede, su amiga ardilla de pronto no pueda hablar (claro, ¿quién ha visto a una ardilla hablar?) y el apuesto príncipe parecerá más uno de los extravagantes personajes que pueden verse por Nueva York.

Por supuesto esto no funcionaría por sí solo y hay que dotar a la historia de algún elemento con el que nos podamos identificar, así, tenemos a un padre y su hija pequeña que serán la metáfora de la incredulidad que cualquiera tendríamos (él) junto con la esperanza de que quizá todo sea real.

El mayor acierto de todos es el haber implementado de forma totalmente orgánica todos los puntos característicos de los clásicos de Walt Disney, claro está que esto solo puede ser así en la versión animada de cuento de hadas en el que veremos claras referencias a Blancanieves y los siete enanitos, La cenicienta o La bella durmiente. Estos guiños van desde la forma en que Giselle se mueve, la malvada hechicera con una manzana envenenada o que todo el mundo sea capaz de cantar e improvisar una canción como por arte de magia.

Este último punto se convierte además en una de las escenas más memorables (y divertidas del filme) cuando la bella princesa empieza a entonar una melodía con la línea «Hazle saber que la quieres» (parte de la canción Eso es amor) a la que poco a poco se va uniendo más y más gente ante los sorprendidos ojos de Robert Philip (Patrick Dempsey), terminando todo en un gran número musical al más puro estilo de los musicales de siempre e incluso con él no pudiendo evitar ser (un poco) parte de todo. Se suma a todo esto el contar con Alan Menken, compositor musical largamente asociado a Walt Disney y creador de sus más memorables canciones, además de forma reciente habéis podido escuchar su trabajo en la serie televisiva Galavant.

Para lograr que esta propuesta pueda ser creíble la producción está llevada por grandes nombres de la actuación, empezando por los mentados Amy Adams (más dulce que nunca al punto de ser empalagosa) y Patrick Dempsey a los que se unen Idina Menzel; la niña Rachel Covey; Timothy Spall, que es de lo mejor de la película; James Marsden, demostrando una vez más sus amplias dotes para la comedia; y la enorme Susan Sarandon, que hará las veces de madre de este último y de la malvada bruja del reino, una interpretación que solo puede ser definida como deliciosa.

Todos ellos lucirán a lo largo de la película estilos y vestuarios que reflejan quiénes son y qué hacen. Desde el príncipe que siempre irá de, bueno... de príncipe, a Robert, con su traje y corbata muestra de su cuadriculado mundo, pasando por Giselle, que empezará como corresponde a una princesita de cuento de hadas hasta que cambie esas primeras prendas por algo más adecuado para el mundo real (aunque no por ello dejando de parecer en todo momento casi una ninfa de ensueño); destaca por encima de todos el buen trabajo realizado para Susan Sarandon, con un look realmente aterrador, digno de la más malvada de las reinas malvadas.

Y ahora, si no has visto esta película, vete a la FNAC a por ella y disponeos a pasar un buen rato.

Cómo tu amor lo sabe

Cómo tu amor sabrá

Hazle saber que la quieres (repetir 2 veces)

Hazle saber lo que sientes

Hazle saber que la quieres mucho,

Mucho y siempre.

En el amor no basta dar el sí por hecho

Hay que sentirlo bien para poder decir

Esto es amor, te ama, esto es amor lo sé

Él tiene que escribirte ya y

decirte que ha pensado en ti

que con cada flor te mande un te querré.

Algo con lo que él te diga, yo siempre te amaré

Eso es amor, eso es amor, dulce amor.

Hazle saber que sí es cierto,

que nuestro amor no está muerto

hazle saber no seas terco, un amor perfecto.

Un amor así yo sé que ha de durar por siempre.

Un amor igual, igual que el que anhelas tú.

Eso es amor del bueno,

eso es amor, amor.

¿Por qué no vamos a bailar juntitos solos tú y yo?

Canta esa canción que me has escrito tú.

Dime que me quieres mucho, como bajo el cielo azul.

Eso es amor, eso es amor dulce amor, dulce amor.

Eso es amor del bueno,

eso es amor, amor.

Él siempre viste azul a juego, porque ese es mi color,

me ha invitado a un pícnic, qué romántico

y caminar muy juntitos, de la mano que es mejor.

Eso es amor, eso es amor... ( repetir 6 veces)

...dulce amor.

Hazle saber que la quieres

Hazle saber lo que sientes (repetir 3 veces)

En el amor no basta dar el sí por hecho.

De príncipe a superhéroe

James Marsden da vida al sonriente y guapo príncipe Edward, pero no mucho tiempo antes era Cíclope de las películas X-Men.

Si tenéis oportunidad de ver Interestatal 60, que él protagoniza, os encontraréis con una joya.

De princesa a reportera

Y en el caso de Amy Adams también se la ha podido ver como Lois Lane en el DC Extended Universe, es decir, en el universo cinematográfico de DC, que comenzó con El hombre de acero.

Alergias y aves

Una de las mejores escenas de la película es cuando Giselle canta y atrae a las palomas de Nueva York (y ratas y cucarachas) para que le ayuden en la limpieza de la casa; el problema es que Patrick Dempsey es alérgico a los pájaros.

Escarlata O´Hara

El fuego de la pasión

En el mundo del cine hay muchas frases que son realmente memorables, desde el «Sayonara, baby» («Hasta la vista, baby» en el original) de Terminator 2, pasando por «¡Yo soy tu padre!» de El imperio contraataca o «Bond, James Bond» de la saga del conocido agente secreto; pero seguramente hay pocas que son tan inolvidables como esta dos:

«Francamente, querida, me importa un bledo.»

«¡A Dios pongo por testigo que jamás volveré a pasar hambre!»

Ambas hacen aparición en la misma película, Lo que el viento se llevó, adaptación de la novela homónima de 1936 escrita por Margaret Mitchell y por la que fue galardonada en 1937 con el prestigioso Premio Pulitzer.

Scarlet O´Hara, también Katey Scarlet O´Hara y posteriormente Scarlet O´Hara Hamilton Kennedy Butler, es una mujer fuerte y segura de sí misma. Es consciente de su belleza y de que gracias a ella puede poner a los hombres a sus pies; esto junto con su voluntad férrea harán que supere todas las adversidades que el destino tiene planeadas para ella, en ocasiones rozando la incorrección política, al menos para el canon hollywoodiense de entonces; motivo por el que en la película estará algo suavizada, lo mismo que sucedería décadas más tarde con Holly Goligthly en Desayuno con diamantes.

En Lo que el viento se llevó, filme de 1939, es quizá algo menos fuerte en sus formas y decisiones, dejando de lado hechos como sus tres hijos, que pasaron a ser solo uno, y desapareciendo fragmentos que en la narrativa tenían relevancia; y con todo es una película extraordinariamente larga en su duración comercial de prácticamente cuatro horas como en lo que fue su producción real de 125 días de arduo trabajo.

Además de los aproximadamente dos años que estuvo el productor David O. Selznick en dar con su perfecta protagonista tras haberse tanteado a Joan Crawford, Paulette Goddard y otras tantas candidatas que superaron el millar, hasta que a propuesta de Myron Selznick (su hermano) llegó hasta la entonces esposa de Laurence Olivier, Vivien Leigh.

Con un cierto escepticismo inicial logró hacerse con el papel, pero todavía quedaba por demostrar que una inglesa pudiera hacer de sureña (incluyendo el acento que tuvo que aprender), por suerte su belleza, talento y unos fantásticos ojos verdes hicieron de ella un rostro que nadie podría olvidar. También provocó que viviera a la sombra de este personaje, para bien y para mal.

Por siempre la recordaremos gracias a sus estilosos vestidos, toda una colección de 35 piezas (además de sombreros, guantes y otros complementos) que fueron confeccionados por Walter Plunkett, un trabajo por el que fue candidato al Oscar y que hoy sigue siendo una imagen icónica del cine. Quizá destaque el vestido azul y negro de doble falda con bordados (mangas, cuello y escote) que fue vendido en una subasta hace años por la cantidad de 137 000 dólares, a pesar de que el paso del tiempo había hecho mella en él. Otra parte de este extenso armario se encuentra en el centro Harry Ransom de la Universidad de Texas, donde tras unas 600 donaciones pudo recaudar el dinero necesario para restaurar las prendas, en parte para poder ser expuestos durante 2014 en una muestra que conmemoraba el 75º aniversario del filme.

En un momento en que las mujeres eran (por mucho tiempo) una damisela en apuros, Scarlet O´Hara se convertía en toda regla en una auténtica heroína y el caballero andante Rhett Butler, Clark Gable, en el secundario de la historia.

Arrasando en los Oscar

Lo que el viento se llevó se llevó los siguientes premios de la academia:

- Oscar a la Mejor Película (David O. Selznick)

- Oscar al Mejor Director (Victor Fleming)

- Oscar a la Mejor Actriz (Vivien Leigh)

- Oscar a la Mejor Actriz de Reparto (Hattie McDaniel)

- Oscar al Mejor Guión Adaptado

- Oscar a la Mejor Dirección de Arte

- Oscar a la Mejor Fotografía

- Oscar al Mejor Montaje

- Oscar Honorífico (William Cameron Menzies)

- Premio por logros técnicos (Don Musgrave y Selznick International Pictures)

De película a miniserie

En 1994 Joanne Whalley protagonizaba una miniserie llamada Scarlett en la que Timothy Dalton interpretaba a Rhett Butler. La producción estuvo dirigida por John Erman, con guión de William Hanley y Alexandra Ripley.

Si a alguno le resulta familiar el nombre de Joanne Whalley seguramente sea por su personaje de Sorsha en Willow, una de las grandes películas de fantasía de los ochenta.

Grace Kelly

La actriz que se convirtió

en princesa

En ocasiones el mito de Marilyn Monroe hace que se deje de lado al de Grace Kelly. Si bien es cierto que comparten algunos parecidos como su juventud, belleza y cabello dorado, la primera pasó como icono lleno de sensualidad y la segunda como ejemplo de elegancia.

Aunque hay una diferencia más notable y es que con solo 26 años Grace abandonará el mundo del cine para convertirse en princesa, para pasar a ser Grace de Mónaco al casarse con Raniero III. Una nueva vida iba a comenzar para ella, un cuento de hadas que el tiempo ha dejado ver que quizá no lo era tanto; pero eso queda fuera de las intenciones de este libro.

La joven estrella nacería el 12 de noviembre de 1929 bajo el nombre de Grace Patricia Kelly, comenzando a muy temprana edad en el mundo de la interpretación. Fue en 1948 en The Torch Bearers, obra teatral de su tío George y tras la que le llegó la oportunidad de actuar en Broadway en The Father. Esto le granjeó el aplauso de la crítica, que le abrió de forma definitiva la puerta del teatro y televisión, pero la estrella no nacería realmente hasta 1953 y la película Mogambo.

Este éxito hizo que participara en la reconocida Crimen perfecto (Dial M for Murder) de Alfred Hitchcock, que trabó amistad con la bella intérprete y ella elogió su forma de trabajar, nacía así una relación de respeto y cariño que duraría por años. Bajo la dirección de este realizador hay que nombrar también al imprescindible personaje de Lisa Carol Fremont en La ventana indiscreta con James Stewart, filme que en 1998 tuvo su remake en formato de telefilme con Christopher Reeve en el papel principal.

Parte del porqué a día de hoy seguimos hablando de ella es por su delicadeza, su elegancia, su cintura de avispa y una belleza real que huía del maquillaje salvo que fuera necesario (y aun con todo era muy suave). Grace Kelly era elegante en sus formas y no solo en su vestuario, con un estilo innato que destilaba en cada acción, lo que le permitía ser ecléctica en sus prendas, ya que era ella la que lograba que estas destacaran y no al revés.

Es inolvidable con sus gafas de sol en versión maxi, un complemento que ha quedado por siempre unido a su figura, al igual que los turbantes y sombreros, que no dudaba en lucir siempre que tenía ocasión, con una colección de varias decenas de ellos asegurando uno para cada situación. Las perlas y otros pequeños accesorios estaban presentes en su imagen, bien pudiendo ser en pendientes o gargantillas, un elemento que resaltaba por encima del negro de sus prendas.

Más icónico es el vestido blanco que diseñó Edith Head para la película La angustia de vivir (The Country Girl); cinta de George Seaton en la que también firma el guión basado en la obra de Clifford Odets, y en la que la futura princesa comparte protagonismo con Bing Crosby. El vestido es palabra de honor de corte clásico con falda vaporosa; también se encargó de crear la prenda que luciría al recoger el Oscar por su papel, y con el que aparecería en la revista Life, un vestido de satén blanco con pliegues para enmarcar su conocida cintura de avispa.

Quizá el más recordado de todos sea el que Helen Rose, habitual de la MGM, ideó para su boda, logrando la hazaña de tenerlo terminado en poco más de un mes. Un precioso traje de novia con falda de encaje con miles de pequeñas perlas cosidas a mano y que se convirtió en todo un hito desde un primer momento.

No puede terminarse este breve repaso sin mentar las camisas oversize más propias de un fondo de armario masculino o los pantalones capri, que conformaban un look básico para su vida diaria a la que ella dotaba de elegancia casi sin pretenderlo.

Su paso de actriz a princesa fue en 1955 cuando conoció a Raniero III de Mónaco, iniciaron un amor y el regente finalmente viajó hasta Filadelfia para pedir su mano. En gran medida ella fue la artífice de la recuperación de la economía del pequeño estado, destacando la gala benéfica anual que organizaba para recaudar fondos para la Cruz Roja.

Grace de Mónaco

En 2014 se estrenó la película Grace de Mónaco. Una biopic sobre la conocida actriz a la que da vida Nicole Kidman con un reparto que completan Tim Roth como el príncipe Raniero, Frank Langella, Derek Jacobi o la española Paz Vega como María Callas, papel por el que fue premiada en el italiano Festival de Taormina. La producción cuenta con la diseñadora Gigi Lepage como principal responsable de recrear el estilo de la icónica actriz.

Regalos de boda

El anillo de pedida que recibió Grace Kelly puede verse en Alta sociedad de Charles Walters, era una esmeralda natural montada en platino. No se queda atrás el regalo de boda que su marido le hizo, un juego de pulsera, collar y pendientes de Van Cleef & Arpels.

Grace, que no Grace

Se cuenta en ocasiones la anécdota de que una vez el actor David Niven, a veces se indica que fue Frank Sinatra, le dijo a Raniero que su mejor conquista amorosa había sido Grace. Ante la posible confusión, y el evidente momento incómodo, aclaró que no se refería a Grace Kelly, si no que se trataba de otra actriz llamada igual.

Una rubia muy legal

La rubia que rompía clichés

Mi padre era un hombre muy culto, amaba la historia, devoraba ciencia ficción y de cuando en cuando sorprendía con películas como Una rubia muy legal. En su momento no lo entendía, no dejaba de ser una comedia tonta sobre una rubia igual de tonta. Pero no, realmente no era así y tardé años en darme cuenta.

Era una joyita. Un filme que, oculto tras una cortina muy rosa, escondía una crítica bastante feroz junto con una fuerte carga de autoestima que ya querrían otras muchas producciones, y no solo eso, además era divertida y encantadora. Tanto que hubo una secuela y quizá una tercera parte, o al menos Reese Witherspoon, que fue la protagonista, es lo que parece querer.

En Una rubia muy legal la talentosa actriz da vida a Elle Woods, una joven superficial, algo alocada, simplona (en teoría) e ingenua que viste de rosa y va a todas partes con su pequeño chihuahua al que adora. Sí, los parecidos con Paris Hilton no son pocos y apenas ha empezado la fiesta; a lo largo de toda la película se logra desvirtuar el mito de dulce rubia ingenua a la vez que se eleva y de nuevo se reivindica como no se hacía desde décadas antes con Marilyn Monroe.

Así, tras la pija que va con un pompón en el bolígrafo, se esconde una gran dosis de frivolidad pero también de sentido común y de cierta pena al verse ella misma marginada por ser quien es. Se juega así una partida inteligente contra los estereotipos que atentan contra todos, solo que en este caso no es contra una pobre chica sureña que intenta hacerse camino, es justo lo contrario, una bella y adinerada muchacha pero que igualmente se ve atacada por todos los tópicos que la rodean y que impiden a los demás descubrir quién es realmente.

Y es cierto, ella viene de esa clase alta que de por sí prejuzga, en su mundo todos son clasistas y ven las cosas a través de su único prisma; pero ella no es así, es alguien que ha cumplido todo lo esperado hasta que se da cuenta de una cosa: realmente nadie espera nada de ella, que sea rubia, tonta y con grandes ojos claros, eso es todo.

Pero lo que nos enamoró de ello no fueron solo sus grandes ojos claros, fue su enorme sonrisa que no dudaba en mostrar en todo momento como exposición externa de su gran optimismo vital. Y es que por encima de todo, de su estilo chillón y sus tonos pastel, eso es lo que define a Elle Woods, ser optimista. Da igual lo que todos le digan, lo que parezca que la sociedad tiene para ella, los clichés que deba cumplir o si los demás consideran que no es más que una rubia tonta, eso no va a pararla y nada podrá hacer que deje de luchar por aquello en lo que cree.

No lo hará sola, claro, poco a poco en su camino se irá encontrando otras tantas mujeres que han sido infravaloradas, otras amigas y compañeras de las que nadie parece esperar nada pero que tienen mucho por dar. La lucha solo acaba de empezar.

Una rubia muy legal es todo un chute de buen rollo y conviene volver a verla de cuando en cuando.

Libro antes que éxito de la pantalla

Es bien habitual que detrás de una película se esconda un libro y este título no es la excepción. Legally Blonde (también título del filme en su país de origen) es una novela publicada en el año 2001 y escrita por Amanda Brown, en parte basada en su propia experiencia en la Stanford Law School.

Chistina Applegate

Inicialmente la película iba a estar protagonizada por Christina Applegate, que era un rostro bien conocido por la serie Matrimonio con hijos, mismo motivo por el que rechazó el papel, ya que veía similitudes y quería alejarse de ese tipo de imagen. Lo cierto es que cuando ha sido preguntada por el tema ella reconoce que contar con Reese Witherspoon para Una rubia muy legal fue una suerte, ya que lo hizo mejor de lo que ella consideraba que podría.

Una secuela

En 20009 salió directamente a vídeo una secuela llamada Unas rubias muy legales protagonizada por las hermanas gemelas Becky y Milly Rosso, dos primas inglesas de Elle Woods (que es nombrada pero no aparece), en una historia bastante olvidable y más ridícula que divertida.

Pretty Woman

El romance por excelencia

Cada vez que la dan en televisión no podemos evitarlo, la vemos. Da igual que nos la sepamos de memoria, que podamos recitar sus diálogos o que sea tremendamente ñoña. Es cierto, es un cuento, no es más que otra versión de una princesita (Putanieve y el príncipe, como bien apunta Laura San Giacomo en el filme), hay puntos que no han envejecido del todo bien y es totalmente noventera, pero...

… ¿Y qué?

¡¡¡ES PRETTY WOMAN!!!

Nos encanta.

La historia de Vivian Ward, la joven meretriz (Julia Roberts tenía tan solo 23 años en aquel entonces) de largas piernas de 110 centímetros (que son lo que miden las de la actriz), que encuentra al hombre de sus sueños en Edward Lewis (encarnado por Richard Gere); una preciosa historia de amor que cambió la forma de hacerse las comedias hasta entonces y que es una representación absoluta de lo que eran los años noventa, desde las intenciones, la forma de ser y por supuesto la moda.

En este aspecto sin duda destacan dos vestuarios de la bella intérprete: el look de chica de la calle que luce al principio y el precioso vestido rojo que lleva en su primera vez en la ópera (y llora. Normal. La primera vez que estuve en la ópera también lo hice). Por supuesto hay más, como el inolvidable vestido de color café con lunares que llevará durante un partido de polo o el estiloso traje de chaqueta blanco con falda, pero los dos anteriores son los que mejor reflejan todo el cambio que sufre la protagonista.

Comenzamos con lo que podríamos llamar «estilismo puta», a falta de un término mejor, muy sobrecargado, enseñando todo lo que se puede con un minúsculo vestido azul y blanco, chaqueta roja con solapas negras (y bien grande, lo que se llevaba entonces), botas altas de tacón que fueron compradas en NaNa (Chelsea, Reino Unido), todo bien complementando con un bolso de asa larga, collares, pulseras y una peluca rubia para terminar de dar el toque a todo el look. Un claro reflejo de quién es y, lo más importante, de la situación que vive; si bien este hecho apenas es tratado de forma real en la gran pantalla, está ahí para el que quiera verlo, aunque la historia va de otra cosa y entre tanta luz apenas queda sitio para un poco de oscuridad.

A su lado estaba Richard Gere, que logró crear un personaje atractivo y muy humano, consiguiendo el papel por encima de Christopher Reeve o Al Pacino. Siempre elegante y comedido, con un look que hoy en día podría casi pasar por actual si dejamos de lado su pelo perfecto, las corbatas psicodélicas y esas solapas en la americana que hoy nos resultan totalmente pasadas de moda y más deudoras de los ochenta que de los noventa.

Con él el mundo de Vivian va cambiando, una clara muestra es el precioso vestido de color rojo que realza la figura de Julia Roberts pero de una forma totalmente elegante, obra de Marilyn Vance, estilista del filme, que es el punto final en su viaje por dejar atrás su vida, esa Vivian del pasado, para alcanzar todo lo que el presente tiene para ella. De Vivian, la chica sin clase, pasará a ser Vivian, la dama, y este vestido es el ejemplo final de todo ello. No solo por el hecho de llevarlo, también por el sitio en que lo lleva, la ópera; pocos sitios hay más elegantes y refinados (debería) que asistir a este espectáculo que rebosa arte y pasión a cada minuto.

Será allí cuando realmente sea aceptada por el resto de la tribu, por la clase poderosa y adinerada, que la verán como a uno de sus iguales sin imaginar ni por asomo lo sórdido de su pasado, salvo quizá el momento en que le preguntan su opinión de lo visto y asevera «me ha gustado tanto que casi me meo en las bragas», a lo que su acompañante indica que realmente ha dicho «que la música de La Traviatta la embriaga». Este vestido con escote en uve lo combina fabulosamente con dos guantes largos de seda blanco y una preciosa gargantilla de diamantes y rubíes que realzan todavía más el color, color que casi fue negro, ya que era lo que el director quería en un primer momento. Habría sido una gran elección, jamás se falla con un vestido negro, pero ni de lejos habría pasado a la posteridad.

Un precioso cuento de hadas. Irreal, dulce y ñoño hasta la extenuación, sí, pero es nuestro precioso y ñoño cuento de hadas.

La otra Vivian

Desde un primer momento Julia Roberts no creó sola la imagen de Vivian. En el cartel de la película es su rostro el que vemos pero no su cuerpo. Será el de Shelley Michelle, modelo que aportó sus curvas y sus piernas (que estaban aseguradas por un millón de dólares) también en otras escenas ante la delgadez de la intérprete.

Su trabajo como doble de cuerpo la ha llevado a ser la imagen que se vio de Kim Basinger en Mi novia es un extraterreste, fue escogida por la propia actriz, o ser Barbra Streisand, Sandra Bullock, Madonna y una larga lista con decenas de nombres.

Si alguien tiene curiosidad y quiere saber más, puede hacerse con su libro Confessions of a Body Double.

Las otras candidatas

Al igual que en el caso de Richard Gere, Julia Roberts no iba a ser la protagonista pero llegó al papel pasando por encima de Michelle Pfeiffer (primera elección), Meg Ryan, Daryl Hanna, Bridget Fonda o Jodie Foster, entre otras que lo rechazaron o sencillamente no encajaban por una u otra razón.

La primera versión

En palabras de Julia Roberts, la historia original de 3000 (en referencia al dinero pagado, todavía no tenía el título de Pretty Woman) era «oscura, horrible y deprimente». El primer tratamiento de guión ofrecido por J. F. Lawton postulaba una Vivian Ward maleducada, borde y drogadicta que trabajará una semana para Edward Lewis, que era un mal tipo y nada que ver con un príncipe azul.

El final era igual de sórdido, con ella volviendo a su vida de miseria tras lanzarle Edward los 3000 dólares a la cara y este marcharse al aeropuerto para volver a casa con su novia.

Marilyn Monroe

El mito eterno

Hoy es día 1 de junio. Perfecto.

Hace buen tiempo, el sol brilla, por la ventana entra un poco de aire fresco y se escuchan los sonidos que vienen de la calle.

No hay mejor forma para empezar a hablar de ella, del mito, de la chica de nuestros sueños, de Marilyn Monroe.

Norma Jeane Mortenson nació el 1 de junio de 1926, más tarde será conocida como Norma Jeane Baker, pero pasará a la posteridad con el ya citado nombre de Marilyn Monroe. Su cabello ondulado teñido de rubio platino, esos ojos y unos labios inolvidables, lo que junto a una actitud divertida, dulce y desenfadada la convirtieron en el mito erótico por excelencia de su tiempo y por muchas décadas.

Desde 1945, con apenas 20 años, comenzó a trabajar como modelo hasta llegar a la 20th Century-Fox en la que irá escalando, alcanzando Niebla en el alma de 1952 en que será protagonista por primera vez. El mito empezaba a nacer y maduraría con Los caballeros las prefieren rubias o Cómo casarse con un millonario, dos títulos que todos hemos visto y que perduran a pesar de lo lejos que quedan ya.

Entonces llegó La tentación vive arriba y ya no hubo vuelta atrás. Su actuación dulce a la par que ingenua conquistó todos los corazones desde que comienza el film, pero todavía más en el momento en que su vestido se levanta y ella intenta mantener la falda hacia abajo. Una imagen que se ha convertido en quintaesencial de la idea que popularmente se tiene de ella, que ha sido parodiada mil y una veces y que sin duda es una de las más reconocidas de la historia del cine.

Lucía en ese momento una prenda que en realidad no era blanca sino un color claro de marfil cocktail, que dejaba al descubierto los hombros y los brazos, con elegante escote y falda hasta las rodillas, un conjunto que en el cuerpo de Marilyn solo se puede decir que era perfecto. Este trabajo fue obra del diseñador William Travilla, que estuvo al lado de la actriz desde 1952 y por ocho películas, aunque ninguna ha trascendido tanto como esta.

El paso de los años hizo que terminara en manos de la conocida Debbie Reynolds (protagonista de Cantando bajo la lluvia) que lo vendería por 4,6 millones de dólares en una subasta celebrada en Profiles in History junto con el de color rojo de Los caballeros las prefieren rubias, que alcanzó la cifra de 1,2 millones de dólares, y esto era solo parte de su gran colección de unos 3500 vestidos y otros tantos afiches de la industria del cine.

Por desgracia, como suele ser habitual en esta vida, hay una de cal y otra de arena; así que la sombra del éxito también hizo mella en la joven que durante toda su existencia tuvo problemas de confianza, que irían a más haciendo de ella una desdichada. Por un lado estaba Norma Jeane y por el otro Marilyn, la una al lado de la otra y también siempre separadas.

En la recomendable película Mi semana con Marilyn (adaptación de las novelas The Prince, The Showgirl, and Me y My Week with Marilyn, ambas escritas por Colin Clark) esta dualidad se retrata de forma excepcional, junto con la visión que de ella tienen el resto del reparto de El príncipe y la corista, lo que nos ayuda a entender un poco más la compleja figura de la actriz.

Un recuerdo personal

Siempre he tenido a Marilyn Monroe de fondo en mi vida, desde pequeño. Mi hermano mayor era un gran fan, tenía en su armario la mítica fotografía que salió publicada en Playboy (y antes en un calendario) con ella desnuda entre sábanas rojas, sus películas, algún libro y de hecho recuerdo que en alguna ocasión, cuando todavía yo era un mocoso, le regalé alguna revista sobre ella.

No sé bien cuándo empecé a verme sus filmes y a leer sobre ella, su vida agitada y en ocasiones triste que se enfrentaba al glamour que desprendía en la pantalla, sus romances, su fallecimiento y todo lo que han hecho de ella un mito, no sé bien la fecha o la edad que tendría yo en aquellos momentos pero sí que fue hace mucho.

Al final, igual que a todos, me conquistó.

Museo Erótico de Barcelona

En las ramblas de Barcelona hay un pequeño y muy interesante museo dedicado al erotismo, que por supuesto tiene su rincón de merecido homenaje a Marilyn Monroe.

Portada de Playboy

No fue portada de Playboy...

...fue la primera portada de Playboy.

Realmente la famosa fotografía fue hecha para un calendario y posteriormente comprada por Hugh Hefner para la primera edición de su revista en 1953.

Jessica Rabbit

Dibujada para ser mala

Uno de los recuerdos que más aprecio tengo de mi infancia es ver la película ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit, sin interrogación final que dicen que trae mala suerte). Un filme de 1988 que dirigió Robert Zemeckis junto con Richard Williams en lo que se refiere a la parte de animación y protagonizó el muy tristemente fallecido Bob Hoskins como el detective Eddie Valiant.

Esta película es un hito en la historia de la animación al ser un trabajo hecho a varias bandas, con un trabajo totalmente manual en todo momento, un tratamiento específico para que los personajes de dibujos parecieran realmente estar integrados en el mundo real, contó con célebres voces, fue el trabajo final de Mel Blanc (Bugs Bunny, Pato Lucas…) y Mae Questel (Betty Boop desde 1931), y poder presenciar un encuentro cara a cara entre Bugs Bunny y Mickey Mouse, además del show al piano que termina en batalla campal entre el Pato Donald y el Pato Lucas.

Y Jessica Rabbit.

Claro.

La inolvidable Jessica Rabbit. Tremendamente alta, tremendamente atractiva, tremendamente voluptuosa, todo un imán para los hombres, sean de carne y hueso o de tinta y colorines. Un auténtico ejemplo de femme fatale con su mirada entreabierta, su ceñido vestido brillante que deja muy poco a la imaginación y esa larga y roja melena capaz de encender un fuego. O al menos femme fatale en apariencia ya que bajo todo ese glamour late un corazón totalmente prendado por su marido, Roger Rabbit, haciendo por él todo lo que sea necesario. ¿El motivo? Como le explica a Eddie Valiant en un momento de la producción, es que él le hace reír.

Ella representa a todos esos dibujos icónicamente sexuales que quizá hoy serían más bien cándidos, pero que en su momento significaban mucho más. Por supuesto la primera inspiración sería Betty Boop en su etapa humana (no la perruna. Buscad, entenderéis el sentido de esto) y sin duda hay que citar Red Hot Riding Hood, el conocido corto del genio de la animación Tex Avery que posteriormente será homenajeado en la película La máscara, con Jim Carrey de protagonista.

Entre otras inspiraciones están las bellas Rita Hayworth, Veronica Lake y un poco de Lauren Bacall. En lo últimos tiempos varios tabloides y diarios se han hecho eco de otra fuente de sensualidad animada, la actriz y chica pin-up Vikki Dougan. Un nombre popular en los años cincuenta por sus curvas y esplendoroso trasero, que fue conocida como The Back (La espalda), por sus ajustados vestidos en los que llevaba la espalda al aire.

La creación se completaba con el físico de Betsy Brantley (a la que si os fijáis veréis en La princesa prometida) y que hizo las veces de doble de Jessica Rabbit en la filmación a fin de que los actores pudieran meterse realmente dentro de la ficción, y todo ello con la voz de la otrora mito sexual Kathleen Turner (en nuestro país fue Rosa María Belda); una actriz de sobra conocida por sus papeles en Peggy Sue se casó, El turista accidental, La guerra de los Rose, La joya del Nilo y la divertidísima Los asesinatos de mamá. En un principio la voz era de Russi Taylor, quien ha dado vida a Minnie Mouse desde finales de los ochenta, además de a Martin Prince de Los Simpson, entre otros.

Un personaje complejo e interesante que se presenta como uno de los más normales entre toda la locura de los dibujos animados y siendo definida a la perfección con esta frase que ella misma dice «I'm not bad, Mr. Valiant. I'm just drawn that way» (Yo no soy mala, señor Valiant, es que me han dibujado así).

La película, que contó con un enorme presupuesto (que recuperó con grandes beneficios) fue un éxito de público y de crítica, logrando con el paso de los años convertirse en un título imprescindible para cualquier amante del cine. Esto no quiere decir que todo sea perfecto, en ocasiones la excentricidad de los personajes se pone por encima de la propia trama y quizá el estudio no supo definir de forma clara que era un producto para adultos, claro que todavía hoy en día mucha gente confunde dibujos animados con algo para niños y desde entonces ha habido suficientes filmes como para haber entendido que no es así.

¿Quién engañó a Roger Rabbit? supuso todo un hito en el cine de animación que no ha logrado ser repetido, tanto por la calidad de su guión como lo detallado de su acabado final. Películas posteriores del estilo, como Looney Tunes: De nuevo en acción del 2003, no han logrado mejorar lo hecho dos décadas antes.

Kathleen Turner vuelve al personaje

La actriz puso su voz a Jessica Rabbit no solo en el filme cinematográfico, sino que hubo una serie de cortometrajes y shows en los que también lo hizo: Dolor de barriga, Roger en la montaña rusa, Roger Rabbit en Lío en el bosque y Lo mejor de Roger Rabbit.

Posible secuela

En más de una ocasión se ha planteado la posibilidad de hacer una secuela, algo que sería muy bien recibido pero que tendría un listón muy alto que superar. Esta idea se tornó más real hace unos años, cuando se supo que había un guión para la misma y que por lo visto era realmente bueno, e igualmente se han ido barajando varios títulos, pero hasta que el proyecto no llegue a algo definitivo es todo pura hipótesis.

Por desgracia si llegara a hacerse no podría contarse con Bob Hoskins, ya que falleció en el año 2014. Una lástima, puesto que en más de una ocasión había dicho que estaría encantado de volver al personaje de Eddie Valiant. Por cierto, vedle en Mrs. Henderson presenta, no os defraudará (ni él, ni la cinta).

De tiras cómicas a dibujos animados

Who Censored Roger Rabbit? Es una novela humorística de género negro publicada en 1981 y escrita por Gary K. Wolf. Fue el germen original de la película pero con algunos cambios: el más básico de todos es que en el libro los personajes son de tiras cómicas (o strips, como Snoopy o Dick Tracy) y en el cine pasan a ser dibujos animados, algo que por otra parte es muy lógico debido el medio. También se cambió la época, pasando a ser en los años cuarenta cuando realmente sucedía en la actualidad, es decir, en los años ochenta. Hubo otros muchos cambios a pesar de respetar bastantes cosas, incluyendo esa mítica frase de Jessica Rabbit sobre que ella no es mala.

Posteriormente se publicarían dos obras nuevas basadas en el mismo universo; Who P-P-P-Plugged Roger Rabbit? y Who Wacked Roger Rabbit?

¿Quién es el juez Doom?

Christopher Lloyd hizo una magistral interpretación del juez Doom en ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, el cartoon que se hace pasar por humano y del que nunca llegamos a saber en realidad quién es.

Hubo varias teorías al respecto pero la respuesta llegó gracias a la Marvel Graphic Novel (formato de tapa dura, unitario y de corte más adulto de la editorial Marvel Comics) Roger Rabbit: The Resurrection of Doom. Aquí se explica que realmente es el Baron von Rotten, un dibujo animado apodado «The Toon with a Thousand Faces» que solía encarnar a villanos hasta que por un accidente empieza a creer que él es uno y a comportarse de esa forma.

Por cierto, que el personaje pudo ser interpretado Tim Curry y John Cleese. Imaginadlo, soñadlo.

Holly Golightly

La sofisticada vecina de al lado

Seguro que a nadie le extraña si le digo que Holly Golightly es una boutique de moda en el centro de Copenhague. Fundada en 2001 y regentada por Barbara Maj Husted Werner recoge el nombre del personaje de una de las más conocidas novelas del periodista y escritor Truman Capote, Breakfast at Tifanny´s que en nuestro país se conoció como Desayuno en Tifanny´s, pero que se volvió inmortal gracias a la película de mismo título en inglés y que se llamó Desayuno con diamantes en España.

El personaje de Holly Goligthly es una jovencita de Texas, alegre y vivaz, lo que va en consonancia con su nombre, Holiday, que ha logrado ser parte de la alta sociedad de los años cuarenta a través de sus citas y arreglos con hombres de postín. En su origen es bien distinta de la que conoceremos en el filme, no habiendo espacio para el amor excepto por dinero, quedando embarazada (perderá al niño), siendo bisexual, detenida, marchándose del país para vivir una nueva vida y teniendo realmente poco en común con el escritor, que será quien nos vaya narrando la historia, además de ser su vecino.

Truman Capote presenta una historia interesante, llena de matices y que realmente no fue bien adaptada a la gran pantalla, al menos si nos referimos a la fidelidad de la misma. Por su parte Blake Edwards prefirió llevarla por completo a su terreno y limar ciertos aspectos que podrían haber dado lugar a problemas. El primero fue el de dar el nombre Paul al escritor, no decir claramente el oficio de Holly y dotar al narrador de una amante/mecenas para hacer que las diferencias sean menores que los parecidos. Además dotó a la obra de un final feliz, no realmente al uso pero más adecuado para el tipo de obra que él había fabricado.

Así la película de 1961 prescindió de muchas bases de la Holly Golightly original para dar vida a la suya propia. La elección de Audrey Hepburn no fue realmente del gusto del creador de la novela, él quería que fuera Marilyn Monroe, pero es innegable que gracias a ella el personaje pasó a la eternidad. Ella, con su enorme sonrisa, sus dulces ojos, sus enormes gafas Ray-Ban Wayfarer y ese exquisito vestido negro obra de Hubert de Givenchy, conocido diseñador y amigo de la estrella desde que la vistió en Sabrina (a pesar de una primera confusión con la otra Hepburn actriz).

Inolvidable es su mítico aspecto desayunando delante de Tifanny´s un croissant, vestida sencillamente con un little black dress y sus enormes gafas de sol bajo las que se esconden sus también grandes ojos perfectamente delineados de negro en un puro cat eye. Al igual que la actriz el personaje será parco en adornos, elegante, sencilla y sin hacer ostentación en una total declaración de que menos es más (una máxima igual de cierta en 1961 que hoy en día).

Irónicamente ella nunca se vio a sí misma como un icono de la moda, aunque su estilo y leyenda ha perdurado, dejando claro que eso era una percepción de los demás mientras que ella solamente hacía su trabajo. Muchos actores y compañeros alabaron su profesionalidad, candor y humanidad que precisamente son los que la tuvieron apartada de la actuación prácticamente desde los años setenta al dedicarse a su labor con UNICEF, organización con la que llevaba colaborando desde 1955 y que en el 2000 descubrió una estatua titulada The spirit of Audrey, de ella en su sede en Nueva York.

Su famoso vestido de Desayuno con diamantes fue subastado en Christie´s, alcanzando la cantidad de 467 200 libras por un pujador anónimo, una que cifra iría a parar a sus propietarios hasta ese momento, el escritor Dominique Lapierre y su esposa, que a su vez lo destinarían por completo a su propia ONG; no hay mejor forma de rendir homenaje a la memoria de la actriz.

Audrey Kathleen Ruston falleció de un cáncer en 1993 a los 63 años de edad. Audrey Hepburn sigue viva en sus películas.

El escritor

En la novela el escritor es solo conocido así y es la forma de hacer que nos encontremos con la protagonista, en la película se le dotó de nombre, apellido y el muy afable rostro de George Peppard, al que seguramente muchos recordarán por ser Hannibal Smith en El equipo A.

Moon River

Igual de inolvidable es Moon River, canción que se llevaría un Oscar, compuesta por Henry Mancini y Johnny Mercer.

Moon River, wider than a mile,

I'm crossing you in style some day.

Oh, dream maker, you heart breaker,

wherever you're going I'm going your way.

Two drifters off to see the world.

There's such a lot of world to see.

We're after the same rainbow's end

waiting 'round the bend,

my huckleberry friend,

Moon River and me.

Ciencia ficción

1. f. Género literario o cinematográfico, cuyo contenido se basa en logros científicos y tecnológicos imaginarios.

de ciencia ficción 1. loc. adj. Increíble por su exageración o demasiado fantástico. U. t. c. loc. adv.

Matrix

Hito cinematográfico

Una de las mayores preguntas que existen desde que la humanidad es humanidad es por qué estamos aquí. ¿Tiene sentido el mundo que nos rodea? Muchos filósofos han buscado respuesta a este enigma desde el propio Platón y su caverna a otros tantos, sin llegar a nada concreto salvo que la percepción de cada uno es única; más allá hay mil y un puntos de vista, sin nada que parezca claro y quizá solo una pregunta dentro de un interrogante.

Matrix se unió en 1999 a esta larga lista de obras que intentaban plantear este escenario, igual que 1984 de George Orwell y un suma y sigue que no tiene fin. Las Lana y Lilly hermanas Wachowski (Larry y Andy en aquel momento) plantearon un desafío cinematográfico que bebía de muchas fuentes tanto del medio como de otros, bien sean del cómic o la literatura, logrando un éxito totalmente arrollador y convirtiendo a este atípico filme en todo un hito que casi dos décadas después sigue siendo estudiado.

El éxito de este título hizo que se creara una interesante saga, aunque desigual en calidad, que incluía Matrix Reloaded y Matrix Revolutions (ambas el mismo filme pero estrenado en dos partes), Animatrix, que era una colección de cortometrajes que expandía el universo, además de diferentes productos transmedia como el videojuego Enter the Matrix. Todo junto conformaba una larga historia, intrincada y con diferentes aristas que abarcaban ideas de calado muy diferente.

Lo mejor que se puede decir es que Matrix murió de éxito. La gran recaudación y el favor de la crítica de la primera película hacía necesaria una secuela que intentó ser todavía más compleja, demasiado, al punto de en ocasiones resultar incomprensible y estar por debajo del nivel de calidad de la original. Actualmente, desde hace años, hay rumores de una posible nueva entrega de la que se sabe que existe un guión, pero todavía quedará por ver si realmente llegará a algo.

Igual de relevante que su complejo argumento es su carismático vestuario con el color negro por bandera, la negación total del azul, salvo para la pastilla que te devuelve al mundo de las máquinas, con Neo y Trinity como mayores exponentes de un estilo visual que marcó una época. Cualquiera que recuerde esos años tendrá en mente la cantidad de abrigos largos de cuero (no, el de Neo nunca lo fue. Era mezcla de lanas) que se vieron por aquel entonces tanto en la ficción como en el día a día. Todavía hoy su influencia es notable.

Igual de importantes son las de las que bebe Matrix, que van desde la muy evidente Ghost in the Shell, Alicia en el país de las maravillas («sigue al conejo blanco») o Dark City, de la que también se usaron algunas parte de su escenografía para rodar escenas. ¿El motivo? Que realmente contaba con 63 millones de presupuesto, las secuelas tuvieron 150 cada una. Esto le situaba en un apartado económico muy justito, por decirlo suavemente, pero superior a los 10 millones y pico que pensaban darles en un primer momento.

Este fue uno de los retos a los que tuvo que enfrentarse Kym Barrett a la hora de vestir a los personajes. Esta diseñadora que posteriormente tendrá en su carrera a The Green Hornet y Speed Racer (también de las Wachowski) tuvo que lograr que con materiales baratos todo pareciera realmente bueno, junto con intentar dar salida a las ideas de las hermanas con frases estilo «queremos a Trinity vestida como si fuese puro aceite». Esto en concreto es algo que la profesional logró siendo ella el único personaje con un vestuario que brilla entre todos los demás que son mucho más parcos, ella es la luz en ese mundo de tinieblas y ejerce como tal para Neo.

Tras esa primera película en la que tuvieron que usar PVC barato, llegó el gran presupuesto de la continuación que permitió que el personaje de Keanu Reves pudiera tener cuarenta abrigos distintos. Menos llamativo pero igual de oscuro era el traje del agente Smith, que emulaba claramente a los del servicio secreto, solo con su camisa blanca y su corbata; el típico uniforme que logra que todos parezcamos iguales, una metáfora poco sutil pero muy acertada.

Otros villanos, o más bien oponentes (en el mundo de Matrix no es todo blanco y negro), como Persephone, la esposa de Merovingio, o el inquietante Arquitecto visten por completo de blanco. Una total oposición a los héroes de la función pero que también representan la pureza con la que las máquinas se ven a sí mismas. Y como ya se ha comentado no se verá una pizca de azul, quedando ese color solo para la pastilla que haría olvidar; en cambio, habrá grandes cantidades de verde, estando presente a lo largo de todo el metraje.

Una película que marcó un momento histórico en el cine por muchos motivos y que, a pesar de no haber envejecido del todo bien, logra seguir siendo uno de los títulos más relevantes de la ciencia ficción de los últimos años.

Connery y Smith, quizá...

En un primer momento el papel de Morfeo al que interpreta Laurence Fishburne fue ofrecido a Sean Connery, este lo rechazó diciendo que no entendía de qué iba la película. No solo él, el propio estudio llegó a decir que era un guión que nadie entendía.

En el caso de Neo puedo haber recaído en Tom Cruise, Nicolas Cage o el archifamoso Will Smith, que no aceptó al estar rodando Wild Wild West.

La pastilla roja antes de Matrix

En Desafío total, adaptación del relato Podemos recordarlo por usted al por mayor de Philip K. Dick, podemos ver una pastilla roja como idea de volver a la realidad.

Ciberpunk desenfrenado

Una de las influencias que siempre suelen citarse para esta película es el filme Johnny Mnemonic, que protagoniza también Keanu Reeves. A su vez este título es el paso a la gran pantalla del cuento de mismo nombre de William Gibson, padre del ciberpunk gracias a su libro Neuromante.

Johnny Mnemonic es parte de la llamada Trilogía del Puente (o Trilogía Yamazaki) conformada por Luz virtual, Idoru y Todas las fiestas del mañana, completado con varios relatos cortos.

Hablemos de plagio.

(Parece que) La guionista Sophia Stewart es autora de una obra titulada The Third Eye de la que tanto Matrix como Terminator parecen tener muchas similitudes. Todo sea dicho, al hacer búsqueda tengo en la balanza el mismo peso para decir que esto es cierto o es un engaño.

Podéis echar un vistazo a http://articles.latimes.com/2005/jul/31/magazine/tm-mothermatrix31 y que cada uno saque sus conclusiones.

Princesa Leia

Embajadora de las estrellas

La princesa Leia, Carrie Fisher, es hija de Debbie Reynolds, actriz conocida por Cantando bajo la lluvia, y el cantante Eddie Fisher, que las abandonó. Empezaba así una vida marcada por los golpes, infelicidad como en su matrimonio con Paul Simon, la dependencia del alcohol y las drogas, algo que venía ya desde los tiempos de Star Wars, los antidepresivos y el trastorno bipolar.

Una historia que no suele esperarse uno de uno de los rostros más conocidos de la ciencia ficción fílmica, pero que por desgracia es más habitual de lo que nos gustaría creer. En su caso nunca ha intentado esconderlo y habla de ello, al punto de que en 1987 publicó el libro semibiográfico Postales desde el filo. Posteriormente adaptado en una película con Meryl Streep y Shirley MacLaine, con guión de la propia Fisher, lo que le sirvió de puerta de entrada en Hollywood como guionista. En concreto su trabajo es lo que se denomina «script doctors», que básicamente se ocupan de revisar y corregir textos de otros, por ejemplo, por su mano han pasado Hook o Sister Act: una monja de cuidado.

Pero vamos a la parte que ocupa este libro, la princesa Leia.

O más exactamente la princesa Leia Organa (Skywalker de nacimiento). Uno de los personajes principales de la saga Star Wars, hermana de Luke Skywalker, esposa de Han Solo y, según los últimos hechos en este universo, también general de la rebelión.

Imposible olvidarla con su fuerte carácter, independencia, a pesar de que empiezan haciéndonos creer que es una damisela en apuros pero nada más lejos de la realidad, su primer vestido totalmente blanco y su llamativo peinado, que en este país siempre nos recuerda a dos ensaimadas. Solo que si hablamos de popularidad e iconicidad habría que citar el traje de esclava.

Seguramente el ingeniero de automóviles Louis Réard no pensó que su bikini terminaría siendo usado de esta forma, pero así lo quiso la mente de los diseñadores Aggie Guerard Rodgers y Nilo Rodis-Jamero cuando recibieron el encargo de parte de George Lucas. Un ruego que parcialmente provenía de la propia Carrie Fisher al haberse quejado de lo poco interesante que resultaba su vestuario en las dos películas anteriores (Una nueva esperanza y El imperio contraataca).

Así en El retorno del Jedi se pudo ver esta prenda que se sigue viendo en los diferentes salones del cómic y convenciones de turno, con una clara inspiración en la Egyptian Queen del artista Frank Frazetta, según han aclarado sus creadores. Hay otros antecedentes y puede hablarse del dos piezas plateado de Jane Fonda en Barbarella, filme del que también se habla en este libro, las portadas de la serie marciana de Edgar Rice Burroughs y otros tantos personajes femeninos principalmente de la fantasía heroica que habían hecho aparición en aquellos tiempos. Por ejemplo Red Sonja, creada por Roy Thomas y Barry Windsor-Smith en 1973 para los cómics de Conan, basándose lejanamente en la Red Sonya de Rogatino, de Robert E. Howard.

El llamativo traje de Leia esclava en cuestión consiste en un bikini con un sujetador metálico que pasa por los hombros y se sujeta a la espalda con una cuerda, un tanga de similar formato con la tela parda que cae entre las piernas, unas botas de cuero y, claro está, la cadena entorno a su cuello, que es el símbolo de su esclavitud. El diseño final terminó siendo muy fiel al original, solo que este tenía un aire que recordaba más a una prenda digna de una sirviente de Las mil y una noches por sus toques orientales.

Lo cierto es que esta indumentaria, que en su momento vistieron solo dos actrices, Carrie Fisher y su doble Tracey (o Tracy, según fuentes) Eddon, estaba destinada a la gloria, a pesar de que la intérprete de la princesa Leia se refirió a ella como «what supermodels will eventually wear in the seventh ring of hell» (lo que las supermodelos quizá lleven en el séptimo círculo de Infierno). A tal punto llegó su popularidad que se ha podido ver a otros personajes vistiéndolo en diferentes productos de la saga, como a Diva Shaliqua en La amenaza fantasma, sin dejar de lado a las centenares de aficionadas de todo el mundo que lo lucen en gran cantidad de eventos.

Por otro lado no ha estado exento de polémica por parte de padres (sin sentido, la polémica, los padres no lo sé) que la propia Carrie Fisher ha considerado una tontería. Walt Disney, actual propietaria de la franquicia, no lo ve tan claro y parece que no tiene en mente que se prodigue mucho esta imagen de la princesa Leia en un futuro, al menos así lo ha expresado el dibujante J. Scott Campbell, que ha trabajado en el universo expandido de la saga y que comentó las intenciones que tiene la compañía.

Si es acertado o no intentar borrarlo de la memoria, es arena de otro costal; que se vaya a conseguir, es seguramente imposible.

Otras posibles candidatas

No solo el papel de Leia estuvo a punto de desaparecer cuando en un momento dado George Lucas se planteó el convertir a Luke en una mujer, unir a ambos y quitarse problemas de encima; además, Carrie Fisher tuvo que competir con nombres como Jane Seymour, Geena Davis, Jessica Lange o Sigourney Weaver, entre otras tantas candidatas.

Con F de Friends (y de Fanboys)

Que el traje de Leia esclava se ha convertido en todo un icono pop se demuestra con su aparición en Friends, cuando lo luce Jennifer Aniston, o en la divertida película Fanboys, cuando hace lo propio la actriz Kristen Bell.

De madre a hija

Billie Lourd es un rostro que ha cobrado relevancia en los últimos tiempos gracias a la serie Scream Queens. Es hija de Carrie Fisher y Bryan Lourd (su agente en la década de los noventa) y puede vérsela junto a ella en El despertar de la fuerza como la teniente Kaydel Ko Connix, que lleva un peinado que se asemeja en gran medida al de la princesa Leia en la primera película de 1977.

Regreso al futuro

Retrofuturismo cargado de nostalgia

Son inolvidables. Marty con su chaleco y sus pantalones tejanos. Doc con su mirada de loco y sus gafas de sol retrofuturistas.

Marty McFly y Doc Brown. Dos auténticos iconos del cine. Dos de los personajes más recordados de los ochenta y dos de los más queridos, incluso tras tanto tiempo después. Su humor, su amistad y su compañerismo lograron pasar a la historia, todo gracias a las interpretaciones de Michael J. Fox y de Christopher Lloyd, sin dejar de lado al guión de Robert Zemeckis (también director) y Bob Gale, que lograron crear una trilogía por la que no pasa el tiempo y que vista hoy sigue igual de fresca que en el momento de su estreno.

¡¡¡¿¿¿¿CÓÓÓÓÓMOOOOO?????!!!! ¿No la has visto? Pues ya estás tardando en ir corriendo a la Fnac más cercana y comprártela. Tu tarea de esta noche es sentarte y disfrutar, deja que las carcajadas salgan.

Marty McFly es el típico adolescente que no se lleva bien con sus hermanos y no termina de entender a sus padres, precisamente este último punto fue el que hizo que Bob Gale empezara a dar vueltas a la historia. Un día, visitando a sus padres, encontró el anuario de su progenitor y empezó a pensar si habría sido su amigo de haberse conocido en el colegio: le contó su idea a Zemeckis, que amplió con una madre que jura haber sido una niña buena pero realmente era más bien promiscua, y todo agitado en un viaje en el tiempo. Sin saberlo estaba naciendo Regreso al futuro.

Todavía quedarán muchos cambios en el argumento y puntos por limar, como que Marty vendiera películas pirata, que la máquina del tiempo fuese una nevera y no un Delorean o que para activarla hiciera falta una explosión nuclear, pero eso son detalles que se irán puliendo y cambiando hasta llegar al clásico de ciencia ficción en el que se convirtió.

Para lograrlo Robert Zemeckis cogió lo mejor de los años ochenta, toda esa creatividad que estaba desenfrenada y la usó para llenar la historia de tópicos y clichés de los que reírse, logrando fabricar un futuro que hoy en día se ha quedado muy atrás pero que fue un buen intento de plantear cómo sería el mundo en treinta años (de 1985 Marty viaja al 1955; después llegará al 2015; y finalmente al 1885).

La segunda parte es la que se ambienta realmente en ese futuro de fantasía que bebe tanto de lo mejor de su época como de las visiones del porvenir que en ocasiones se podían ver en otros productos, como esos años venideros que presentaban los tebeos de DC Comics en los que las cosas eran distintas pero no demasiado. Salvo por los trajes con hombreras y las casas con cúpulas de cristal.

Así nos encontramos con coches que vuelan (¡Un Delorean que vuela!), zapatillas Nike con robocordones, cazadoras con autosecado, faxes por todas partes como un atisbo de qué sería la comunicación por excelencia, televisores planos, gafas de sol y gorras brillantes de diferentes colores y... ¡aeropatines! Si hay algo que recordamos de esta secuela es la estupenda escena en que Marty McFly huye de sus atacantes en un monopatín volador y que a la juguetera Mattel (la entonces todopoderosa Mattel, responsable de Barbie, He-Man y los Masters del Universo o Secret Wars) le dio más de un quebradero de cabeza cuando empezó a recibir cartas para que lo lanzara al mercado.

Este fue uno de los mejores aciertos, lograr que cada época tuviera personalidad propia y que el vestuario lo reflejara. Así, cada uno de los personajes, desde los dos principales a los secundarios, va cambiando su ropa según el momento para adecuarse a lo que tiene a su alrededor.

Marty empieza llevando tejanos, camisa de cuadros y una campera en 1985, pasando al traje amarillo antirradiación cuando se monte por primera vez en el Delorean, a camisa, corbata y americana para el baile de graduación de 1955, repetir el estilismo de los ochenta pero futurizado en la segunda parte con esa gorra multicolor (que ya puedes comprar), traje ocre oscuro cuando haga de su versión adulta, el chillón disfraz rosa de vaquero para su viaje al pasado (con el símbolo del átomo) hasta llegar a ser casi un calco de Clint Eastwood del que roba hasta el nombre.

En lo que se refiere a Doc Brown es siempre el más excéntrico en sus formas, prendas y, en fin, en todo lo que le rodea, como debe ser en todo buen mad doctor que se precie. Sus colores principales serán el blanco y el amarillo, o derivaciones de este. Así tendrá un traje antirradiación blanco, al igual que sus batas, camisas y melena de loco, americana beige con una chillona camisa debajo, su gabardina amarilla en 2015 con pantalones iguales, camisa roja, gafas de sol y una corbata de plástico transparente, una camisa amarilla con dibujos de cactus cuando en 1955 van a un desierto para que el Delorean pueda llevar a Marty hasta 1885, y ya en esta época cambiando a tonos pardos con elementos algo menos llamativos pero sin perder su toque de sana locura.

Una joya del cine de ciencia ficción, de la comedia y de la gran pantalla en general. Una película (trilogía) que debería estar entre las de visión obligada de cualquier persona.

El otro Marty McFly

Debido a los compromisos de Michael J. Fox, durante un tiempo se grabaron las escenas de Regreso al futuro con el actor Eric Stoltz. Ambos jóvenes, con talento y además con un cierto parecido. El primero aportó a su personaje un toque más oscuro de lo que hacía falta, algo a lo que tampoco ayudó el vestuario que le habían elegido; cuando Michael J. Fox estuvo más libre decidieron desecharlo todo y volver a rodar de nuevo con este.

Algunas influencias

Entre las influencias que han citado los dos creadores, Gale y Zemeckis, están las películas El tiempo en sus manos y Qué bello es vivir, la serie The Twilight Zone y las literarias El ruido de un trueno de Ray Bradbury, Cuento de Navidad de Charles Dickens y Up the Line de Robert Silverberg en la que ya se mezcla el concepto de viaje en el tiempo con el humor.

Rick y Morty

The Real Animated Adventures of Doc and Mharti es un corto de animación obra de Justin Roiland, que después fue la base con la que este y Dan Harmon crearon su serie Rick y Morty. El corto original es una evidente parodia de Regreso al futuro, con un par de continuaciones, en que Doc logra engañar siempre a Mharti para que le haga una felación.

Rick y Morty llevó el concepto más allá. Dejó de lado la parte sexual, convirtió a Doc en Rick y a Mharti en Morty, haciendo que fueran parientes, en concreto abuelo y nieto. Los dos viven aventuras de ciencia ficción que se entremezclan con su vida diaria, con cierta dosis de crítica, logrando una de las series de animación para adultos más recomendables de los últimos tiempos.

Dark City

La urbe sin luces

Pensad por un momento que vuestra vida no es vuestra. Que vuestros pensamientos, recuerdos y todo lo que os hace ser vosotros mismos es una mentira. Que nada a vuestro alrededor es cierto, hasta los edificios y calles que hoy os resultan familiares mañana serán diferentes. Una realidad de mentiras en la que lo único cierto es que existes y todo lo demás queda en dudas.

Este es el terror en la vida de John Murdoch, cuando padeciendo amnesia es acusado de un asesinato. Su identidad misma está en juego, la policía le busca y unos extraños hombres de piel pálida y vestimenta negra llamados los Ocultos tienen secretas y desconocidas intenciones para con él. De nuevo se retoma un tema que es clásico en la ciencia ficción, el del Hermano Mayor (Big Brother, Gran Hermano) que vigila qué hacemos y cómo debemos ser, una idea postulada por George Orwell en el excelente libro 1984.

El protagonista es Rufus Sewell, un actor de buen hacer pero que ha tenido una carrera en exceso irregular. Mucho mejor les ha ido a sus compañeros de reparto: Jennifer Connelly, Kiefer Sutherland y William Hurt, todo un auténtico elenco de grandes que hacen que esta sea una película totalmente recomendable. Uno de los muchos atractivos que tiene el filme firmado por Alex Proyas junto con su fascinante guión y un diseño de producción trabajado hasta el detalle, obra de George Liddle y Patrick Tatopoulos, que llevan al espectador por una ciudad en tinieblas. No hay blancos y negros, solo negros. Esto mismo se refleja en el vestuario diseñado por Liz Keogh adecuado a cada personaje, salvo en el caso de los Ocultos, que serán aterradoramente iguales.

Esta película se ha convertido por derecho propio en una obra de culto, algo muy entendible por la calidad de la misma y también por las dudas de New Line Cinema sobre cómo promocionarla, ya que está entre dos aguas: la ciencia ficción y el género negro. Es ambas cosas, una trama de ciencia ficción con estética del cine negro, en concreto con una gran deuda en este aspecto con el realizado en Hollywood décadas antes.

Esa oscuridad inherente a cada plano cobra más fuerza en el diseño de una ciudad sin nada que la haga destacar, totalmente ecléctica. Más que una urbe es solo la idea de la misma pero totalmente desprovista de alma. Es un conjunto de paredes que parecen tener vida propia pero entre ellas no parece que nadie tenga derecho a esa vida; un marcado ambiente decadente retro que casi hace creer que estamos en unos eternos años de la ley seca en los que estamos encadenados a existir. La única luz que veremos es la que late en Shell Beach. La idealizada playa de la infancia del protagonista que casi sirve como Edén en oposición a la prisión de la ciudad pero que, como todo en esta película, no será lo que parece.

Al igual que ha pasado, y pasará, con otros muchos proyectos atrevidos y de innegable calidad es muy desconocida por el gran público. En parte eclipsada por Matrix, película que evidentemente cogió temas e ideas al igual que estética de esta, como también le pasó a Nivel 13, y destinada a ser solo para los paladares más exquisitos.

Dark City es una joya cinematográfica.

Schreber y Schereber

Kiefer Sutherland, hijo de su padre y bien famoso por ser Jack Bauer, interpreta al doctor Daniel Schreber. Un hombre que continúa teniendo sus propios recuerdos y cuyo nombre se debe al jurista alemán Daniel Paul Schreber, que en su autobiografía, Memorias de un enfermo de nervios, describió detalladamente sus propios delirios.

Dark City vs Matrix

Sin entrar en si Matrix copia o no a Dark City, hay muchos y excelentes artículos sobre el tema, sí hay que dejar claro que los parecidos son muchos y de hecho algunos de los escenarios de la película de Alex Proyas son aprovechados en la que firman las hermanas Wachowski.

El Cuervo

Alex Proyas tiene en su carrera de director títulos como Dioses de Egipto, Yo, robot o Señales del futuro y alcanzó su reconocimiento gracias a la obra de culto El Cuervo. Esta película adaptaba en 1994 el cómic de 1989 de James O´Barr y fue el último trabajo de Brandon Lee (hijo de Bruce Lee) al fallecer durante el rodaje, dando lugar a numerosas leyendas urbanas y conspiraciones acerca de la maldición de los Lee.

El quinto elemento

Fantasía, ciencia ficción y horterismo

Una de las cosas que se recuerdan con más cariño de El quinto elemento es a Chris Tucker y su inconmensurable «¡Verde!» solo mejorado por su «¡Super verde!». Inolvidable frase de un personaje que es la pura esencia de esta película. Es excesivo, es colorista, es extremo, pura vanguardia y ante todo es divertido.

Todos esos adjetivos serían perfectos para referirse a este título. Una obra indispensable de la ciencia ficción de las últimas décadas que sigue gozando de muy buena salud, y eso que se estrenó en 1997. Un filme francés, coproducido con Estados Unidos, lo que explica a sus protagonistas, que a pesar de estar pensada para el mercado internacional tiene un innegable sabor al país de origen de su director, Luc Besson.

Para esta comedia de aventuras espaciales el realizador quería contar con Jean Reno, actor con el que había trabajado en León, el profesional (película que si no habéis visto debéis hacerlo), pero finalmente el papel protagonista del taxista Korben Dallas recayó en Bruce Willis. No estaba solo, compartía el cartel con Milla Jovovich, que alcanzó para siempre la fama gracias a esta película, junto con los reconocidos Gary Oldman, Ian Holm y, os lo prometo, Luke Perry, uno de esos intérpretes que todo el mundo conoce pero que nunca ha terminado de encontrar su lugar.

Un gran plantel de profesionales pero que está muy lejos de ser lo mejor del filme. Ese lugar solo corresponde al fascinante y amplio universo que se crea con detalle milimétrico; como ejemplo está el desarrollo de un lenguaje propio para Leeloo (Milla Jovovich) que la actriz y el cineasta llegaron a usar para conversar, sin poder dejar de nombrar al estupendo diseño de producción de Dan Weil, que ya había trabajado con Besson en Nikita, dura de matar y la citada León, el profesional.

Aunque para entender realmente todo lo que vemos en pantalla hay que mentar otros tres nombres. Por un lado el de Moebius y Mézièries, dos grandes autores del cómic francés que ponen su muy importante granito de arena en todo el apartado visual. El primero de ellos falleció hace unos pocos años, en 2012, siendo un duro golpe para todos los que admirábamos su trabajo y dejando títulos como El teniente Blueberry, diseños en Blade Runner o Alien, el octavo pasajero, o las historietas fantásticas Arzach. En lo que se refiere a Mézières sigue con vida y se va a mentar solo las prodigiosas aventuras de Valerián, agente espaciotemporal o Valerián y Laureline, que precisamente han sido adaptados al cine por Luc Besson.

Antes de pasar al tercer nombre paremos un momento para hablar de la urbe de la película, una Nueva York que se ha convertido en la capital de todo el globo y que presenta un futuro que podría llegar a ser cierto. Junto con edificaciones futuristas e imposibles hoy en día, se plantean otros resquicios del pasado (presente nuestro) como el hecho de usar taxis, las escaleras de incendios y otros muchos detalles que hacen que todo sea creíble, en vez de apostar por una de esas visiones totalmente alejadas de la realidad (no olvidemos que hoy en día en nuestras ciudades conviven construcciones de hace décadas y siglos, igual que coches o ropas).

Se nota una gran influencia de la película Metrópolis de Fritz Lang, solo que la ciudad está creciendo hacia arriba, ya que el único espacio disponible es precisamente ese, el cielo. De esta forma estamos ante una urbe vertical, con vehículos que vuelan por carriles que no existen y con una sobrepoblación que hace que sus ciudadanos estén sometidos a constante vigilancia al más puro estilo orwelliano. Igualmente este exceso de ciudadanos tiene por consecuencia que muchos deban vivir en pequeños habitáculos, no más grandes que una celda, en los que el escaso mobiliario debe tener diferentes usos. Una crítica nada sutil y que funciona perfectamente en la creación del cineasta.

Ahora puede pasarse al tercer nombre. Jean-Paul Gaultier. Diseñador francés nacido en 1952, con un amor por el kitsch, la mezcla de tejidos y llevado a la fama por los vestidos que realizó para Madonna durante los años noventa. Esto, junto con su alejamiento de las tendencias tanto en sus ideas y modelos, le sirvió para ser conocido y, si bien es innegable que en ocasiones su exceso puede llegar a lo hortera, hay que reconocer que para El quinto elemento fue la elección perfecta.

Su diseño de vestuario es futurista, usando metales y plásticos además de telas, realizando casi mil trajes para vestir, desde los protagonistas hasta personajes muy menores; este punto le permitió llevar sus exageraciones al máximo, usando la baza de una sociedad superpoblada y superconsumista para sus ideas.

Es imposible olvidar el colorido estilo que luce Bruce Willis, y por supuesto el traje de bandas blancas de Milla Jovovich, al igual que las azafatas azules, pero seguramente uno de los más logrados fue el de la alienígena Diva Plavalaguna. Para interpretarla se contó con la pareja de Luc Besson, la actriz Maïwenn, pero solamente para su aspecto, que recuerda en parte a los twi'lek de Star Wars, ya que su voz es la de la soprano albanesa Inva Mula-Tchako, que rápidamente pasa de la ópera clásica al electro, cortesía de la composición de Eric Serra y la capacidad vocal de la cantante.

El éxito y popularidad de la película hizo que durante años se hablara de una posible secuela, parece que puede ser posible, pero otras lecturas apuntan a que realmente todo se trataba de Valerián y la ciudad de los mil planetas, adaptación del cómic de Pierre Christin y Jean-Claude Mézières que protagonizan Dane DeHaan y Cara Delevingne.

El Incal

El Incal es el título de una serie de cómics obra de Alejandro Jorodowsky y el propio Moebius con los que El quinto elemento tiene no pocos parecidos. No es solo un tema de argumento, incluso algunos personajes tienen bastantes similitudes.

Jessie de Salvados por la campana

El personaje de Leeloo estuvo a punto de ser para Elizabeth Berkley, Jessie de Salvados por la campana, pero la decepción en muchos sentidos que supuso Showgirls la dejó de lado.

Las colonias de Gautier

Uno de los productos más conocidos del diseñador es su colonia con botellitas que imitan el cuerpo humano.

Barbarella

Pseudoerotismo envuelto en felpa

El tráiler de Barbarella empieza presentando a la protagonista diciendo que es «The most beautiful creature of the future», palabras que suenan mientras en la pantalla se proyectan fragmentos de su inolvidable striptease. Precisamente esta es la primera escena de todas, en la que debajo de un enorme y tosco traje espacial se esconde la belleza de Jane Fonda, que poco a poco se irá mostrando mientras pasan unos títulos de crédito que convierten la escena en algo más inocente al tapar ciertas zonas del cuerpo.

Este momento ha pasado a los anales de la historia del cine por su erotismo y su buen hacer, siendo sin duda lo mejor de una película muy olvidable que combina a partes iguales la ciencia ficción con la comedia, un cierto sabor picante y excesos por todas partes. Logró convertir a su actriz en un auténtico mito sexual, algo de lo que luego ella intentó escapar, pero poco más, y hay que reconocer que el tiempo no ha sido precisamente amable con la cinta.

Hay que entender que estamos ante un producto de 1968 y que, esto me duele decirlo como amante de esa época, no todo lo que se hizo fue bueno y no todo ha llegado de forma digna hasta nuestros días. Muchas eran las ideas y propuestas que en esos años se atrevieron a arriesgar con nuevos conceptos, algunos como Star Trek o Doctor Who han llegado hasta nuestros días gozando de muy buena salud, y otros en cambio se han perdido en el olvido por muy buenos motivos.

Fue a finales de esa década cuando el legendario productor Dino de Laurentiis y el director Roger Vadim (también uno de los firmantes del guión) unieron fuerzas para lanzar esta película al mercado internacional. Este último, además, estaba avalado por Y Dios creó la mujer protagonizada por Brigitte Bardot, quien en ese momento era la pareja del realizador, y Las relaciones peligrosas que adaptaba la conocida obra Las amistades peligrosas de Choderlos de Laclos, contando con Claude Brulé como uno de los guionistas al igual que sucede en Barbarella.

Era evidente que su trabajo era perfecto para crear las aventuras de esta diosa del espacio y lo hizo con la mujer que en ese momento compartía su vida, Jane Fonda; una actriz que todavía hoy sigue en activo y que ya entonces contaba con algunos éxitos a sus espaldas como La ingenua explosiva o Descalzos por el parque, en la que comparte cartel con el siempre perfecto Robert Redford, actor que fue Alexander Pierce en Capitán América: El Soldado de Invierno y que parece que morirá con las botas puestas.

La bella actriz es el mayor gancho de la película, los implicados lo sabían, sacando buen partido de ella en todos los carteles y en esa mentada primera escena. Se explotan a conciencia su cuerpo y sus curvas, quedando estas en manos del diseñador Jacques Fonteray, un nombre que quizá suene a los aficionados a las películas de James Bond por su trabajo en Moonraker. Él es el responsable de llenar el metraje con corpiños, mallas, muchas minifaldas y esos inolvidables pechos de plástico transparente que se convirtieron por sí mismos en todo un icono.

Se cuenta también con los servicios del más que reconocido diseñador Paco Rabanne. De sus lápices surgieron los leotardos verdes deudores de Robin Hood que luce la protagonista y en los que no falta detalle alguno, incluyendo una pequeña ballesta y botitas de arquero para completar el look. Todo bien brillante, por supuesto, aquí el exceso es la norma. Pero por lo que hay que recordar a este nombre es por el look metálico con agujeros por diferentes partes para poder admirar a Jane Fonda, por si alguno todavía no lo había hecho, con un ancho cinturón muy de la época, por supuesto botitas a juego e incluso una pequeña y elegante capita en los mismos tonos que el resto del uniforme. Todo muy futurista y siguiendo la línea que ya pudo verse de él en Casino Royale (el filme de 1967 protagonizado por David Niven, actor del que también se habla en este libro).

Gracias a este vestuario, la belleza de su protagonista y el elenco de actores, entre los que se contaban nombres como el galán John Phillip Law, la modelo Anita Pallenberg, Milo O'Shea y el legendario Marcel Marceau, se pudo hacer de esta película un producto de éxito en su momento que, todo hay que decirlo, hoy se ha convertido en una obra de culto casi solo conocida por el público amante de la ciencia ficción.

El retraso en España

No, claro que en 1968 y en plena dictadura este filme no se estrenó en las pantallas. Habría que esperar hasta 1975 para que así fuera, aunque en 1974 los asistentes al festival de cines de Sitges ya pudieron verla.

Zapatos y música

La influencia de este personaje es tal que existe una marca de zapatos con su nombre; además de que el legendario grupo Duran Duran coge su nombre de uno de los personajes y también existe un festival de música en Santo Domingo llamado Barbarella.

El cómic antes que la película

Al igual que otros tantos productos su nacimiento y concepción están alejados de la gran pantalla. En realidad Barbarella es una historieta de principio de los sesenta (1962, en concreto) creada por Jean-Claude Forest quien en 1984 recibió el Gran Premio del prestigioso Festival del Cómic de Angulema.

Director, ra

Del lat. director, -ōris.

1. adj. Que dirige. U. t. c. s.

2. m. y f. Persona que dirige algo en razón de su profesión o de su cargo. El director de la empresa, de la investigación. Es directora de cine.

Tim Burton

Cuentos, líneas, comedias y rayas

Tim Burton es un innovador y un creador de una imaginación desbordante. Sus creaciones también tienen mucho del arte del polaco Wladyslaw Starewicz, autor del primer filme de animación de marionetas de la historia, Prekrasnaya Lyukanida; del alemán Oskar Fischinger y sus cortos abstractos; y por supuesto del genio americano Winsor McCay, que es una de las leyendas del cómic (y la animación), destacando su prodigiosa historia de Little Nemo in Slumberland.

Pueden verse también claras influencias literarias de nombres como Lewis Carroll, padre de Alicia de Alicia en el país de las maravillas y su secuela Alicia a través del espejo y lo que encontró allí; Mary Shelley, gracias a la que tenemos a la criatura de Frankenstein que nació en Frankenstein o el moderno Prometeo; la desbordante mente de Roald Dahl; además de un claro respeto por Edgar Allan Poe y su idolatrado Vincent Price; sin dejar de lado una muy clara deuda con el expresionismo alemán con El gabinete del doctor Caligari como principal ejemplo.

Habría muchos más, al igual que cualquier otro gran creador, a lo largo de su vida son muchos los nombres que se cruzan por su trabajo. Sencillamente los autores siempre miran a otros autores, eso es así. De hecho ya desde niño sintió interés por el maestro Ray Harryhausen, lo que le hizo empezar a rodar sus propios cortos y tiempo después llegar hasta el departamento de animación de Walt Disney Pictures en calidad de aprendiz. Algo que volviendo la vista atrás puede chocar a sus seguidores a pesar de que él siempre ha dicho que fue una de sus influencias.

Allí trabajó en Tod y Toby como bocetista pero era evidente que su talento y creatividad se desperdiciaban, así que le pasaron a desarrollar arte conceptual para la más oscura (y muy recomendable) Tarón y el caldero mágico, que adapta los dos primeros volúmenes de Las Crónicas de Prydain, pero ni con esas lograba encajar en la compañía. Finalmente decidieron darle fondos, libertad y así llegaron los exitosos cortos Vincent y Frankenweenie, años más tarde convertido en un largo. Poco a poco se acercaba el éxito que iba a aparecer en gran medida gracias a sus tres primeras películas.

Pee-Wee Herman es un niño grande al que lleva interpretando el actor Paul Reubens desde los años ochenta y todavía sigue en la actualidad. Fue él mismo quien le propuso a Tim Burton dirigir el salto a la gran pantalla de su conocido personaje y si bien es cierto que no se puede decir que el cineasta todavía tuviera del todo su estilo definido, ya hay muchos tópicos presentes, como el músico Danny Elfman, que se sumó al equipo.

Mucho más definido estará todo en Beetlejuice (o Bitelchús en nuestro país, para vergüenza nuestra), una comedia totalmente delirante y muy negra protagonizada por Michael Keaton como el exorcista de humanos que da título a la película, o casi, ya que realmente se llama Betelgeuse. Una historia de los guionistas Michael McDowell y Larry Wilson con un personaje carismático gracias a una tremenda interpretación, sus aterradores poderes y el inolvidable traje blanco y negro todo sucio obra del diseñador de vestuario Aggie Guerard Rodgers. Este profesional, por cierto, fue también responsable de La gran aventura de Pee-wee, además de trabajar en American Graffiti y El retorno del Jedi de George Lucas (ambas).

Un éxito que contó con Alec Baldwin, Geena Davis y Winona Ryder, que dio lugar a una todavía más enloquecedora y exagerada serie de dibujos animados que os recomiendo a todos desde ya. La confirmación y desconfirmación de una posible secuela está a la orden del día, solo queda esperar y ver qué sucede, eso sí, teniendo en cuenta que hace casi treinta años de la original.

Y entonces llegó Batman.

No hubo vuelta atrás. Tim Burton alcanzó el Olimpo de los realizadores y nunca iba a bajar. Lo hacía gracias a una nueva adaptación cinematográfica del personaje estrella de DC Comics, con todo respeto a Superman, que se adentraba en un universo oscuro lleno de sombras.

Claro está que no fue un camino de rosas y su empeño en que Michael Keaton fuera el justiciero le causó enfrentamientos con la productora, que consideraba que debía escoger a un actor de acción, a los que se unieron un buen número de aficionados al considerar que un actor de comedia no podía dar vida a un héroe. ¡Qué locura! ¡Un intérprete actuando! En fin, sí supo hacerlo y de hecho repitió en la segunda parte y casi en la tercera.

Con mucho acierto se preparó una gran campaña de promoción que desató una batmanía como no se veía desde los años sesenta con Adam West, sumado a contar con Jack Nicholson como el Joker para atraer al público que no tenía interés en los superhéroes (hoy en día las cosas han cambiado mucho); se potenció el ya de por sí aspecto gótico de Gotham City y Tim Burton demostró ser un director que ya tenía su marcado y definido estilo, lo que se notó más todavía en la segunda parte.

Para completar el equipo se contó con Anton Furst para el diseño de producción, quien es evidente que se entendió muy bien con el realizador, y Bob Ringwood para el vestuario, un profesional con títulos como Dune o Excalibur que repetiría en Batman vuelve y Batman Forever. Además de Tony Dunsterville también en diseño de vestuario, pero sin acreditar.

Estaba claro que el camino de Tim Burton iba a ir a más. Tenía ya un nombre, su estilo y a la crítica en el bolsillo, solo le faltaba una cosa: su actor fetiche. Todo cambió con Johnny Depp. Una larga amistad que el director ha definido en alguna ocasión como «romance» y casi podríamos decir familia, ya que el actor es padrino de uno de los hijos del realizador. Su carrera juntos comenzó con Eduardo Manostijeras, una historia que empezó a forjarse en la mente del creador siendo niño y que pudo haber estado protagonizada por otros nombres como Tom Cruise o Robert Downey Jr. No así el papel del Inventor, que estaba pensado desde un principio para Vincent Price.

Es también en esta película cuando comienza otra de las relaciones imprescindibles para entender el estilo de Tim Burton, la que mantiene con la diseñadora de vestuario Colleen Atwood. La reconocida profesional ha trabajado con él en otras muchas ocasiones como Ed Wood, Sweeney Todd y Sombras tenebrosas, todas ellas además protagonizadas por Johnny Depp.

No estuvo, en cambio, en Charlie y la fábrica de chocolate, nueva adaptación del libro del libro de Roald Dahl que ya había llegado a la gran pantalla protagonizada por Gene Wilder en Un mundo de fantasía (Willy Wonka & the Chocolate Factory) con guión del propio Roald Dahl. Aquí Depp lucía un pantalón negro, abrigo de terciopelo granate, guantes y bastón, firmado por la diseñadora de vestuario Gabriella Pescucci a la que en los últimos años se ha visto en la serie gótica Penny Dreadful.

Y si os estáis preguntando por qué no hemos hablado de la película Pesadilla antes de navidad es muy sencillo. No es suya.

¡Que nadie se asuste! Es cierto que Tim Burton es productor y escribió un pequeño cuento ilustrado de mismo título, pero el paso a la gran pantalla fue obra del director Henry Selick junto a los guionistas Caroline Thompson y Michael McDowell.

Casi un superhombre

Quizá a alguno le sorprenda pero Tim Burton estuvo a punto de dirigir una película de Superman protagonizada por Nicolas Cage.

Si no me creéis, es lógico, dadle un vistazo al documental The Death of "Superman Lives": What Happened?

Amoríos

En ocasiones en las películas se ha visto a parejas de Tim Burton en pantalla. En concreto a la modelo Lisa Marie en Ed Wood, Mars Attacks!, Sleepy Hollow y El planeta de los simios.

También a Helena Bonham Carter, de la que actualmente está separado, ha participado en otras tantas desde la recién mencionada El planeta de los simios hasta Alicia en el país de las maravillas.

Bill Murray pudo ser Batman

Sí, Bill Murray pudo ser Batman. Fue en uno de los tratamientos iniciales de Tom Mankiewicz cuando se consideró a Ivan Reitman y Joe Dante como directores.

Wes Anderson

Talento lleno de tics

De pequeño me encantaba un libro que, creo, heredé de mis hermanos mayores. Se llamaba El Superzorro, una historia firmada por Roald Dahl y que sencillamente era una maravilla. Muchos años después, volviendo de Argentina, vi que entre las opciones de películas del avión estaba Fantástico Sr. Fox, adaptación cinematográfica en stop motion que en su momento no pude ver y de la que tampoco sabía demasiado.

Me puse a ello y para mi sorpresa... ¡¡¡el director era Wes Anderson!!! La maravilla estaba servida. Sus tics, su puntillismo, sus planos cortados y sus actores fetiche estaban presentes. En ese momento me di cuenta de que el realizador era uno de mis directores predilectos; una revelación que debía estar por ahí pero a la que todavía no había llegado.

Me encantó esta película pero, al igual que siempre con Wes Anderson, me he encontrado con otros tantos a los que no. La explicación es muy sencilla, el personalísimo estilo del realizador te gusta o no, pero no intenta hacerlo. No vende blockbusters y no hace películas para el gran público, sencillamente cuenta su historia y lo hace a su manera; con ayuda de Robert D. Yeoman, director de fotografía con el que hace un tándem perfecto.

Llama la atención que con todos sus tics, sus historias extrañas y su uso y abuso del color y los tonos pastel le hayan granjeado el favor de muchos grandes actores que, casi literalmente, se pegarían por estar en una de sus películas. Puede ser que sea por el ambiente y es que, como explicaba en una entrevista Edward Norton, para él participar en uno de sus filmes consiste en disfrazarse y hacer el tonto. También hay que decir que él mismo es una muestra de sus tópicos, siendo anacrónico, hipster y con bastantes peculiaridades que le convierten casi en un personaje de sus propias fábulas.

Uno de sus trabajos más reconocidos es Moonrise Kingdom, que fue alabada en el Festival de Cannes de 2012 y que es una clara muestra de lo puntilloso y exigente que es, lo que en ocasiones le ha valido más de una discusión con el departamento de arte por lo estricto de su escenografía y atrezzo. Como muestra de ello en esta película está la bandera de los Estados Unidos de Betsy Ross, que cuenta con trece estrellas tan solo o el libro firmado por Isaac Clarke, que está a medio camino de Isaac Asimov y Arthur C. Clarke.

Es imposible hablar de este director y no mencionar a El gran hotel Budapest y el trabajo de vestuario de Milena Canonero, profesional que ya había colaborado con él anteriormente y que también está presente en La naranja mecánica, que fue su primera película como diseñadora de vestuario, o El resplandor, bajo las órdenes de Stanley Kubrick. La mezcla de ambos resulta ser perfecta estando presentes la habitual simetría, colores saturados y ese evidente amor por los años sesenta.

Los uniformes a medida de color violeta contrastan con el rojo que vemos por el hotel, con Ralph Fiennes y Tony Revolori como Mister Gustave y Zero, que serán tanto los protagonistas del relato (de un reparto muy coral) como nuestros anfitriones para que disfrutemos de una estancia perfecta en las instalaciones del Gran Hotel Budapest. El más joven de ellos, Zero, será también sumergido en un mundo rosa y azul cuando comience a enamorarse de Agatha, una muchacha que es pura candidez bañada en perfume naíf a la que da vida Saoirse Ronan. También hay negro, claro, pero está destinada para la oscura y temible familia de Madame D., que es la reputada y siempre extraordinaria Tilda Swinton.

Por supuesto la gran obra que es esta historia no depende solo del vestuario, otro tanto hay que dar de merecido reconocimiento al diseño de producción de Adam Stockhausen, con el que ya contó en Moonrise Kingdom y tiene otros títulos de importancia entre los que se cuentan 12 años de esclavitud y El puente de los espías.

De colores va la cosa

Si te fijas cada una de sus películas tiene un color concreto. Academia Rushmore es blanca; Life Aquatic y Viaje a Darjeeling son el fucsia y el naranja; Fantástico Sr. Fox es amarilla; Moonrise Kingdom es verde; y El gran hotel Budapest es morado y rojo.

Su propia canción

Wes Anderson es también el nombre de una canción de la banda italiana I Cani, cuyo videoclip es un total homenaje al director y su característico estilo.

Su primera película

En 1996 se estrenó Bottle Rocket con Luke, Owen y Andrew Wilson. Hoy en día es bastante desconocida y suele dejarse claro que su carrera comenzó con Academia Rushmore.

La unión con Pesadilla antes de Navidad

El director de Pesadilla antes de Navidad, Henry Selick, fue el responsable de crear las criaturas marinas que Bill Murray como Steve Zissou se va encontrando en Life Aquatic.

¡Zorro al ataque!

El relato de Roald Dahl también ha sido adaptado al teatro por el actor David Wood y en ópera por Tobias Picker.

Quentin Tarantino

Diálogos y personajes

Una de las películas más conocidas y aplaudidas de Quentin Tarantino es Kill Bill, que bien podemos considerar que los dos volúmenes son solo una obra (lo son, se dividió por exigencias comerciales), una historia que escribió para su amiga Uma Thurman por su treinta cumpleaños. Fue al poco de rodar Pulp Fiction, momento en que ella se convirtió en su musa y levantó su carrera. El cineasta explicó que la trama se iniciaba con su asesinato, a lo que ella apuntilló que podía ser el día de su boda; así nace la Novia (The Bride) motivo por el que en los títulos de crédito salen ambos acreditados como sus padres.

El tiempo dejó todo el asunto en el olvido hasta que la actriz se lo recordó años más tarde y el director se puso a escribir, teniendo todo el guión en un tiempo récord. Solo que había un pequeño problema, el embarazo de su amiga. Pero Quentin Tarantino tenía claro que la única que podía interpretar el personaje era ella, así que decidió esperar y entonces empezar a rodar en lo que fueron nueve meses de duro trabajo en diferentes países, con una protagonista totalmente entregada que aprendió japonés y artes marciales.

Al igual que siempre, siendo uno de los toques del «estilo Tarantino», se nutre de homenajes y referencias que van desde las películas de artes marciales al western y las producciones de justicieros de los setenta/ochenta. La más evidente está en el vestuario del personaje principal, que sale del mono que llevaba el fallecido Bruce Lee en Juego con la muerte, uniforme que se completa con unas Asics Onitsuka Tiger Mexico 66 de color amarillo con tiras negras, que tienen escrito «Fuck you» en la suela; pero también hay autoguiños, uno de los más notorios sería la katana que lleva ella y que se ha visto antes en... (¡busca!).

Esta conexión con su propio universo es muy habitual en sus películas. Existen personajes que son parientes de otros, nombres que pasan de una historia a otra y en este caso un curioso juego de metalenguaje muy interesante. En Pulp Fiction, estrenada casi una década antes que Kill Bill, Mia Wallace, a la que interpreta Uma Thurman, conversa con Vincent Vega (John Travolta) sobre sus quince minutos de fama cuando participó en un capítulo piloto de televisión que versaba sobre cinco mujeres que son agentes secretos.

En este grupo la líder es rubia, hay una japonesa que es maestra de Kung Fu, una chica negra que es experta en demoliciones, una francesa especializada en el sexo y ella que era letal con un arma blanca entre sus manos. Muchos de estos detalles nos recuerdan a Kill Bill y en palabras del propio Quentin Tarantino en su universo hay películas que conforman parte de esa realidad, otras en cambio (Abierto hasta el amanecer y Kill Bill) son historias ficticias; vamos, que los personajes de Jackie Brown podrían comprar un DVD y ponerse a verlas en casa (quizá protagonizada por Mia Wallace).

La mezcolanza visual habla de Sergio Leone y Clint Eastwood, de De profesión – Invencible y mucho del cine oriental (y americano) con artistas marciales; de series de televisión con una muy directa relación con The Green Hornet; en la que participó un jovencísimo Bruce Lee; de Shurayukihime, de la que saca Kill Bill parte de su argumento; y por supuesto de David Carradine como Bill. Este es uno de los nombres más sonados de un reparto coral que cuenta también con Vivica A. Fox, Lucy Liu, Michael Madsen, Sonny Chiba y Daryl Hannah.

Puede sorprender pero en un primer momento se consideró que Bill fuera Warren Beatty, actor que lleva en activo desde los cincuenta, siendo conocido por su papel en Bonnie y Clide o Dick Tracy, que adapta las historias del personaje de Chester Gould en una película llena de colorido. También se ofreció a Kevin Costner, pero finalmente Quentin Tarantino decidió que Carradine era perfecto, lo que logró el aplauso del fandom al recuperar al intérprete. Este hombre para bien y para mal alcanzó la fama con la serie de televisión Kung Fu, lo que le encasilló para el resto de su vida en papeles de artes marciales y parodias relacionadas hasta el momento de su muerte en junio de 2009.

Gran parte de lo que se ve en esta película, en toda la filmografía del director, hace aparición ya en Reservoir Dogs. Una iniciática película que sorprendió y que gracias a la implicación de Harvey Keitel logró tener un presupuesto de 1,2 millones de dólares y la participación de actores de sobrado talento. Todo un empujón para un novato que por otro lado tenía las ideas muy claras, algo que explicó en su momento la diseñadora de vestuario Betsy Heimann al comentar que él sabía muy bien qué buscaba.

Con esta primera película, en la que los actores tuvieron que aportar su propia ropa, se convirtió en todo un hito del cine. Su buen guión y sus diálogos ingeniosos, junto con tratarse de una película sobre un atraco que jamás llega a verse, hicieron que suscitara gran interés y aplauso por parte de la crítica. Dejando de lado la sangre y los tacos, uno puede ver que se trata totalmente de un trabajo psicológico en el que lo importante son los personajes y su tratamiento. Y no solo eso, logró devolver a la actualidad y a lo cool el sencillo look de traje negro, camisa blanca y corbata negra. Un estilismo que no hace tanto había aparecido también en Granujas a todo ritmo (o The Blues Brothers).

Quentin Tarantino es un director muy reconocido, con una horda de seguidores y defensores igual de grande que la de sus detractores. Su particular estilo ha sido citado como lleno de homenajes y referencias, al igual que se ha dicho que no hace más que plagiar sin control y que adolece de falta de ideas.

Lo que no puede negarse es que cada estreno suyo logra captar el interés de la audiencia, de la crítica y de los grandes actores que trabajan con él.

Sr. Rosa

Uno de los momentos más recordados en Pulp Fiction es cuando Steve Buscemi pregunta el motivo de que él deba llamarse Señor Rosa y la respuesta sea «por maricón». Bien, esta misma queja sucedió en la realidad desde el actor a su novato director.

Hermanos vega

Uno de los elementos de conexión del universo tarantiniano son los hermanos Vic y Vincent Vega. Personajes aparecidos en Reservoir Dogs y Pulp Fiction respectivamente, que son interpretados por Michael Madsen y John Travolta. Llegó a plantearse hacer una posible película de ellos, pero parece que no llegaremos a verla.

Coffy Brown

La película Coffy de los años setenta fue una de las que Quentin Tarantino hizo ver a Uma Thurman para preparar su personaje en Kill Bill. Dicha cinta estaba protagonizada por Pam Grier, que encabezó también Jackie Brown.

Shurayukihime en manga

La película Shurayukihime fue adaptada del manga, editado de forma internacional como Lady Snowblood. Con guión de Kazuo Koike e ilustrado por Kazuo Kamimura comenzó en 1972 y terminó en 1973. Posteriormente se ha hecho otra versión fílmica llamada Shura Yukihime o The Princess Blade.

Woody Allen

Tweed y psicología para llevar

Allan Stewart Königsberg al que todos conocemos por Woody Allen es uno de esos cineastas que o te dicen mucho o no te dicen nada. No hay punto medio. Su trabajo es alabado a la vez que dejado de lado, en parte debido a su habitual psicoanálisis, personajes muy humanos con un toque de excentricidad y un reflejo de la sociedad actual incluso en títulos que parecen alejarse de ello como Magia a la luz de la luna, protagonizada por Colin Firth y Emma Stone.

El también guionista se declara admirador del cine clásico de Hollywood, al igual que por el trabajo de realizadores europeos como Fellini y Bergman. Por supuesto es un total amante de Nueva York, ciudad que ha sido el fondo en un buen número de sus filmes y que no duda en retratar con largos planos secuencia que se han convertido en una de sus más habituales señales de estilo personal.

Una maestría que también lleva a la forma de enseñar a sus personajes que no dudan en salir de plano, algo poco habitual en la meca del cine, y que él usa como una forma más de demostrar lo inusual de los mismos y de su situación vital. Otro tanto hay que recalar en el cine dentro del cine, no solo como un ejercicio de metalenguaje (que también), si no con el uso de diferentes afiches que dan una clara muestra de la auténtica pasión que este autor siente por su oficio.

Pero sin duda el punto fuerte ha sido siempre su tratamiento de personajes y en este punto la creación de un vestuario adecuado es algo totalmente esencial. Por ejemplo en la citada Magia bajo la luz de la luna se apuesta por prendas ligeras y llenas de color, con esa blusa femenina que vemos en muchas de sus películas como Manhattan, A Roma con amor y por supuesto en Annie Hall, que seguramente sea uno de los títulos más representativos y conocidos de toda su trayectoria.

En esta película contó con la diseñadora de vestuario Ruth Morley, que falleció en 1991, habiendo trabajado en grandes obras del cine como El príncipe de las mareas, Ghost (Más allá del amor) o la divertida No me chilles que no te veo. Ella junto con la propia Diane Keaton, que en muchas ocasiones lució su propio vestuario, y no siempre era con el visto bueno de la profesional textil. Lo cierto es que Woody Allen ha aclarado en más de una ocasión que la forma de vestir del personaje es realmente la forma de vestir de la actriz.

En esta historia encontramos muchos de los tópicos que se repetirán en su filmografía en lo que a prendas se refiere. No faltan las chaquetas tweed, un símbolo eterno y universal de elegancia que, de hecho, en muchas ocasiones viste el propio cineasta; también las gafas de sol setenteras (antes de su momento, hoy en homenaje) son un must en este filme, que en ocasiones cambiaban a gafas de sol redondas y esa inolvidable mezcla de estilo masculino con ciertos toques femeninos que definen lo que podemos denominar el «estilo Annie Hall»; y puede que uno de los vestuarios más inolvidables sea su total look negro con bufanda, pero es Diane Keaton y todo en ella es inolvidable.

Sin duda Ruth Morley hizo un gran trabajo, no estaba sola y otros nombres del departamento de vestuario son George Newman, Marilyn Putnam, Nancy McArdle y el mismísimo Ralph Lauren, que en opinión de la diseñadora Deborah Nadoolman (En busca del arca perdida) «Ruth Morley designed Annie Hall. Ralph Lauren made a career copying those designs».

Quiero nombrar también a Sonia Grande, que fue precisamente la mujer responsable de los estilismos que se vieron en Magia a la luz de la luna, la cuarta película en la que trabaja para Allen y que es solo una muesca más en su haber, con reputados trabajos como Midnight in Paris (también firmada por Woody Allen) o Zipi y Zape y la Isla del Capitán, tercera narración cinematográfica de los gemelos creados por el muy tristemente fallecido Josep Escobar.

La voz de Woody Allen

En España pensamos siempre en Woody Allen con una voz muy concreta y esta pertenece a Joan Pera, que desde hace más de dos décadas ha sido el encargado de ser su actor de doblaje, motivo por el que el cineasta le tiene un gran aprecio y reservó para él un cameo en Vicky Cristina Barcelona.

Mia Farrow y las acusaciones de abusos

Woody Allen y la exángel de Charlie Mia Farrow fueron pareja durante doce años; posteriormente a su separación la actriz denunció al director por acoso sexual con su hija Dylan Farrow. Si bien la madre y la hija han defendido siempre su postura, Woody Allen ha dicho que no es cierto e incluso otros de los hijos adoptivos de la disuelta pareja (Moses Farrow) secunda la versión de su padre, mientras que otro de ellos (Ronan Farrow) se muestra crítico con que los medios apenas hagan referencia a esta situación.

Casado con su hijastra

Lo que sí es cierto es que Woody Allen está casado con Soon-Yi Previn, hija adoptiva de Mia Farrow y el músico André Previn.

Héroe, ína

Del lat. heros, -ōis, y este del gr. ἥρως hḗrōs; la forma f., del gr. ἡρωΐνη hērōḯnē.

1. m. y f. Persona ilustre y famosa por sus hazañas o virtudes.

2. m. y f. Persona que lleva a cabo una acción heroica.

3. m. y f. En un poema o relato, personaje destacado que actúa de una manera valerosa y arriesgada.

4. m. y f. Protagonista de una obra de ficción.

5. m. y f. Persona a la que alguien convierte en objeto de su especial admiración.

6. m. En la mitología antigua, hombre nacido de un dios o una diosa y de un ser humano, por lo cual lo reputaban más que hombre y menos que dios; p. ej., Hércules, Aquiles, Eneas, etc.

Kingsman

Agentes secretos llenos de estilo

Para los que sean lectores de cómic el nombre Mark Millar les resultará muy familiar. Un autor que está detrás de The Authority o Civil War, pero por lo que seguramente suene a los amantes del cine es por Wanted y Kick-Ass, ambas obras adaptadas de las viñetas a la gran pantalla.

Wanted está dirigida por Timur Bekmambetov con un guión de Chris Morgan, Michael Brandt y Derek Haas, que se aleja bastante de la premisa inicial presentada en el cómic. En origen se trataba del hijo de un supervillano, el mejor asesino del mundo, que a la muerte de este es reclutado por el mundo en el que vivía para convertirse en su heredero, mientras que su versión cinematográfica omitía este hecho por completo en busca de algo más luminoso.

Por su lado Kick-Ass recoge las historias creadas por Mark Millar y John Romita Jr., estando dirigida por Matthew Vaughn con bastante parecido al cómic, y una gran aceptación por parte de público y crítica que le valió tener una secuela.

En 2012 el guionista creó junto a Dave Gibbons, dibujante de Watchmen, The Secret Service, publicada en nuestro país por la editorial Panini, que presenta una trama de espías con un toque del James Bond clásico y otros agentes secretos. Una obra muy atractiva y brutal, no solo por ser violenta, también por no esconder los aspectos más brutales como la sangre, algo que no llegará a verse en la película.

Lo que sí tendremos es una divertida comedia de acción que no duda en reírse a la vez que homenajea al género, con el protagonismo de Colin Firth y Taron Egerton junto con Michael Caine, Mark Strong y un pasado de rosca Samuel L. Jackson en el papel del villano. Todo un lujo de intérpretes que hacen que cualquier espectador quiera más.

Colin Firth es un actor de sobra reconocido con una trayectoria de títulos muy eclécticos como la muy divertida St. Trinian's (con el incompresible título Supercañeras: El internado puede ser una fiesta en España), la taquillera El diario de Bridget Jones, la imprescindible Love Actually, El discurso del rey o Mamma Mia!, que adapta a la gran pantalla el musical de ABBA.

El más joven y desconocido Taron Egerton tiene, lógicamente, una carrera mucho más discreta. entre la que podemos destacar la serie televisiva Lewis y The Smoke, siendo esta película que nos ocupa la que le dio fama internacional, tras la que llegan otros títulos como Eddie el Águila y Robin Hood: Origins.

La mezcla de ambos funciona realmente bien, con el habitual dúo de un veterano que pasa el testigo a un digno heredero, demostrando por el camino que puede hacerse un filme de espías sin que este deba ser serio y también que es posible hacer una comedia de espías sin que necesariamente se tenga que ser irónico con el género.

Solo que Kingsman es más que eso. Es estilo y clase, es una película que llamó la atención por lo acertado de su vestuario, que no era solo un vestuario, era una parte importante de la trama, casi convirtiéndose en otro personaje, reforzando a todos los demás. El traje ya no es solo algo reservado para los gentlemen sobrios, ahora es mucho más, es cool, es diversión y es acción. En este caso el hábito sí hace al monje, o al agente secreto.

Para todo ello se contó con Arianne Phillips. Una diseñadora de vestuario que lleva en activo desde los años noventa y que ha sido la responsable de El Cuervo, Tank Girl o En la cuerda floja, biopic sobre mi amado Johnny Cash con Joaquin Phoenix dando vida al músico. Ella ha sido la encargada de lograr ese gran estilismo que destila Kingsman: Servicio secreto a cada minuto, con trajes entallados para realzar la figura de los actores pero con un gran trabajo de sastrería para permitir los movimientos de acción que deben realizar sus personajes.

El look se completa con abrigos de Think Mackintosh, camisas de (por supuesto) Turnbull & Asser, zapatos de George Cleverley y complementos de otras casas como paraguas de Swaine Adeney Brigg, la misma que realizó el mítico de John Steed en la serie Los vengadores, gafas de Cutler and Gross además de corbatas, gemelos y otros elementos indispensables para el gentleman británico.

Todo esto se lleva un poco más arriba al ser la sede de este servicio secreto la sastrería Kingsman, que está inspirada por la real Huntsman sito en Savile Row 11, que fue en la que William Vaughn (director) se hizo su primer traje a medida, quedando realmente encantado con la experiencia y el resultado.

El éxito de la película, tanto en su recepción del público con una recaudación mundial de 414 351 546 millones de dólares y el aplauso de la crítica, en IMDB tiene una puntuación de 7,8, prometía una evidente y esperada secuela que lleva por título Kingsman: The Golden Circle.

Mark Hamill

El conocido actor que da vida a Luke Skywalker en la saga Star Wars tiene un pequeño papel en la película como el Profesor Arnold. Un homenaje y a la vez cameo ya que en el cómic original es el propio intérprete el que hace aparición.

¿Quieres vestir igual que un Kingsman?

El vestuario no era solo para servir de atrezzo, también se planteó como una colección que pudiera venderse. Así ha sido a través de http://www.mrporter.com/Content/kingsman_movie

Savile Row

Savile Row es la Meca del estilo. Una pequeña calle en el Mayfair de Londres en la que están los establecimientos de muchos de los sastres más reputados y prestigiosos de la ciudad. Tuve la suerte de hacer un reportaje allí hace tiempo y debo deciros que es un lugar al que sí o sí debéis ir.

X-Men

Cambiando las mallas amarillas

por el cuero negro

Al igual que otros tantos de los superhéroes que estamos viendo en la gran pantalla desde hace tiempo (con el actual boom del género), los X-Men nacieron en los años sesenta dentro del seno de lo que se vendrá en conocer como la era Marvel del cómic. No hace falta decir qué empresa es la responsable del término y es cierto que sus personajes marcaron un antes y un después respecto de lo que se estaba haciendo.

Fue de la mano de Stan Lee y Jack Kirby que estos jóvenes, muchachos en aquellos tiempos, empezaran a vivir sus aventuras y se alejaran del canon que tanto tiempo habían marcado desde DC Comics con sus héroes luminosos y casi perfectos; aquí se presentaba a un grupo de estudiantes que intentaban controlar sus poderes y que en ocasiones eran una maldición debida a su condición de mutantes, como en el caso de Cíclope, condenado a esconder por siempre sus ojos si no quiere dañar a sus seres queridos (y a todo el que se ponga por delante).

Lógicamente al ser colegiales vestían un uniforme, algo extraño pero uniforme al fin y al cabo. Este era de color amarillo y azul marino, siendo igual para todos ellos, con unos pequeños ajustes para que resultaran prácticos por sus dones. El paso del tiempo hizo que se volvieran cada vez más coloristas, igual que otros compañeros de armas y que las propias aventuras que iban viviendo.

El grupo terminó desapareciendo de las páginas durante un tiempo y finalmente volvió en toda regla en la década de los ochenta. En el proceso un buen montón de nuevos mutantes aparecieron, algunos como Lobezno, destinados a la grandeza sin que en un principio se tuviera muy claro qué hacer con él. Estos nuevos integrantes de la Patrulla X (en nuestro país se llamó así) eran muy distintos a los anteriores y los tonos llamativos fueron a más, llegando a un momento de total explosión en la década de los noventa que por muchos motivos, no necesariamente buenos, es inolvidable entre todos los lectores de cómics de superhéroes.

Todo esto quedó de lado a finales de esa misma década, cuando la producción de una película centrada en los mutantes se abrió camino desde 20th Century Fox. Aquí se optó por dar un cambio total y alejarlo de lo que el cine había hecho hasta el momento con los superhéroes, siempre con presupuestos de bajo nivel, tratamientos de segunda y dejando por el camino toda la esencia de los mismos. La excepción podrían ser Batman y Superman, pero siempre han ido un poco por su camino.

Así en el año 2000 se estrenaba en cines X-Men contando con un gran presupuesto, efectos especiales de última generación, el conocido Patrick Stewart como un fantástico Charles Xavier, siempre midiéndose con el talentoso Ian McKellen y la joven Anna Paquin, que es la conocida niña de El piano. Junto a ellos el elenco se completaba con otros actores algo menos conocidos (en comparativa con ellos) y la dirección de Bryan Singer que, junto con Tom DeSanto y David Hayter, firmaba también el guión.

La historia se alejaba mucho de lo que en su momento se hacía con este tipo de personajes y de lo que se hará, de hecho, vista hoy no podemos decir que sea realmente una película de superhéroes. Algo hecho totalmente de forma consciente para lograr acercar el producto al público mayoritario. Se nota además la influencia de Matrix, estrenada tan solo un año antes, desde la oscuridad del relato, fotografía, efectos y por supuesto en el vestuario diseñado por Louise Mingenbach.

Esta profesional optó por volver a vestir al equipo de forma unitaria, como en los primeros cómics, pero pasando por los tonos negros y el cuero. Algo más adecuado para una fuerza de combate que las ajustadas mallas de colores. Esta estela que marcó la siguió también en posteriores entregas de la saga, ya que ha estado presente en X-Men 2, X-Men orígenes: Lobezno, X-Men: Días del futuro pasado y X-Men: Apocalipsis. Bryan Singer confía en ella y han trabajado juntos también en Sospechosos habituales o Superman Returns (El regreso).

Claro está que este cambio y la popularidad que tuvo el filme influyó notablemente en las viñetas, con lo que hubo años de cuerazo oscuro, dejando de lado los llamativos trajes que cada uno llevaba. Es cierto que eran más coloristas que los del cine, pero la influencia era innegable.

Pero curiosamente en 2011 llegó un nueva entrega llamada X-Men: Primera generación que sirve de precuela, presentando los primeros días del grupo con otros miembros y con muchas dudas sobre quiénes eran. En esta película se trajo de vuelta el concepto de unos estudiantes en los años sesenta y se recuperaron esos uniformes, algo cambiados pero en esencia los mismos. La diseñadora Sammy Sheldon puso el amarillo y el azul al servicio de cada personaje, adecuando el vestuario a cada uno de ellos y siendo mucho más llamativos de lo que podía ser la película de una década atrás.

El mundo del cine sí daba ahora cabida a historias de superhéroes más cercanas a los cómics, llenas de colores y excesos, había sido un largo camino para finalmente poder volver a casa. Un camino en gran medida (casi) comenzado a patear por estos mutantes y sin los que este género no existiría según lo conocemos hoy.

Lobezno, de secundario a estrella

Originalmente en los cómics Lobezno era un personaje secundario que apareció dentro de la serie protagonizada por Hulk. Posteriormente se unió a los X-Men y su popularidad no dejó de crecer hasta ser el más conocido del grupo. Lógicamente esto debía notarse en la gran pantalla, lo que hizo que Hugh Jackman fuera el total protagonista no solo de la primera entrega, también en general de toda la saga, siendo el pilar sobre el que se sostiene la misma.

Dos líneas temporales

X-Men es una de esas sagas que ha logrado resetearse sin hacerlo, igual que Star Trek o Terminator, usando la baza de un viaje temporal que es el que sucede en X-Men: Días del futuro pasado. Aquí Lobezno es enviado al pasado para evitar un terrible y apocalíptico futuro, lo que altera para siempre el universo que hemos conocido, haciendo que lo contado en las primeras entregas deje de ser válido a partir de ese momento.

También se aprovechó para intentar solucionar algunas incoherencias, y como resultado se tuvo una de las películas más interesantes de toda la saga, junto con X-Men 2, pero que quizá resulte algo compleja para los no iniciados.

Mr. Magorium y su tienda mágica

Una fábula encantadora

Hay películas que hacen soñar y al terminar dejan una sonrisa en el rostro de los espectadores. Mr. Magorium y su tienda mágica es una de ellas. Es cierto que peca de tener bastante poco argumento, que los personajes son planos y apenas tienen profundidad, pero no hace falta alguna para narrar el precioso cuento escrito y dirigido por Zach Helm.

Este filme, que es casi una obra de teatro, se estrenó en 2007 con una preciosa música de Alexandre Desplat, las actuaciones de Dustin Hoffman y Natalie Portman como dúo protagonista acompañados de Jason Bateman y el niño Zach Mills, que a su corta edad ya tenía experiencia en el cine con títulos como Hollywoodland o Santa Claus 3: Por una Navidad sin frío (de nuevo con Tim Allen como el hombre de rojo).

La película de Zach Helm es todo un homenaje a la obra de Roald Dahl y el Dr. Seuss con más de una similitud con la novela Charlie y la fábrica de chocolate, adaptada por dos veces al cine, y en el que la propia tienda mágica es un personaje más. No es la típica frase hecha, es una realidad, el emporio de Mr. Magorium siente y tiene personalidad, sus acciones tienen peso en la trama y también se relaciona con el resto de sus compañeros de función.

Ella, al igual que el resto, tiene su propio estilo, en su caso lleno de juguetes, colores y luces, muy parecido al que el diseñador de vestuario Christopher Hargadon eligió para su amigo y compañero Mr. Magorium. Dustin Hoffman lleva un peinado excéntrico, una sonrisa permanente que combina con trajes llamativos, corbatas de rayas y pañuelo a juego.

En oposición a él estaría Jason Bateman como Henry Weston, el contable al que equivocadamente el personaje protagonista llama mutante. Él viste de la forma esperable en alguien que, ni de lejos, piensa que la magia pueda ser real: lleva un traje gris con camisa y corbata. Más que nada es su uniforme de trabajo que refleja también lo rutinario de su día a día, que poco a poco irá cambiando cuando su mente se vaya abriendo a las maravillas que hay delante de él.

Molly Mahoney, a la que da vida una muy sonriente Natalie Portman, llevará camisetas de colores alegres como verde, azul y rosa, una chaqueta vaquera algo pasada de moda y un sencillo vestido de flores. Encontrará su contraparte en Eric Applebaum, Zach Mills, que además de lucir una impresionante cantidad de sombreros (los colecciona) aparecerá en pantalla con prendas azules y verdes, también con rayas, de esta forma él asume en su persona valores de lo que sin él saberlo son sus dos mentores: Magorium y Molly. Ambos con M. Otra de sus similitudes.

Hay que recalar unas líneas en la imaginería visual de la película y, por ende, de la propia tienda. Aquí todos los juguetes tienen vida, siendo todo lo imposible una realidad, con puertas que dan a habitaciones increíbles, una cebra que vaga a sus anchas y otras joyas para dejar al espectador sin habla, como el cameo de Gustavo. Sí, la rana. Todo un ejemplo de buen hacer por parte del diseño de producción, la dirección de arte y los decoradores, más en concreto de Thérèse DePrez, Brandt Gordon y Clive Thomasson.

Como se ha dicho al principio es cierto que la trama peca de sencilla y los personajes apenas tienen profundidad, pero poco importa ante el talento de una Natalie Portman realmente adorable y un Dustin Hoffman que logra que lo necesariamente histriónico del personaje no resulte chocante en ningún momento. Es más, pasa a ser totalmente orgánico y muy posiblemente de no ser así la película no habría resultado tan maravillosa. Sencillamente él es encantador.

De juguetes a animales

Zach Helm es uno de los guionistas de Jumanji, nueva versión de la película protagonizada por el muy tristemente fallecido Robin Williams y que fue un éxito en los noventa, adaptando el cuento de mismo nombre escrito por Chris Van Allsburg.

En la revisión de 2017 el testigo lo toman Dwayne Johnson, Karen Gillan, Kevin Hart y Jack Black.

Alexandre Michel Gérard Desplat

Compositor fuertemente relacionado con el cine que ha ganado un Oscar por su trabajo en El gran hotel Budapest que también le valió un BAFTA, al igual que su trabajo en El discurso del rey.

El origen en Imaginarium

Seguramente en su momento más de uno terminó harto de ver cómo Imaginarium usaba la película a su favor, aunque es cierto que el creador se basó en su tiempo como trabajador allí para crear su historia.

Personalmente creo que tiene más parecido con Hamleys en Londres, una tienda de varias plantas que es maravillosa de principio a fin y en la que os sentiréis igual que niños.

Batman

Un justiciero oscuro y camp

Definir un personaje es algo muy importante, no solo en cine o teatro, también en cómic y en literatura. De cómo digamos que se mueve, habla y se viste dependerá que el público se crea nuestras mentiras o que deje el libro en una esquina para que se lo lleve el polvo y el olvido.

Batman fue creado por Bob Kane, y Bill Finger (un hecho que es obviado muchas veces), para ser un justiciero que recorre la ciudad en busca de criminales; el paso del tiempo haría que fuera uno de los arquetipos en que se basarían muchos de los héroes posteriores y también uno de los que más evolucionaría, tanto que en parte tuvo una regresión hacia sus propios orígenes.

Pero más allá de la oscuridad que da su imagen de murciélago se esconde su auténtico disfraz, la figura de Bruce Wayne, que murió a la vez que sus padres y que el detective ha usado para mantenerse oculto. En un principio Bob Kane, así lo ha expresado él mismo, se basó en el actor Douglas Fairbanks para el aspecto que debía lucir el joven millonario, ya que debía ser todo un galán y estar totalmente enfrentado con la idea de criatura de la noche que era su otra personalidad.

Espero que me perdonéis, pero aquí me salto un poco la regla de «iconos del cine» y lo llevaré más por el campo de las viñetas. De forma momentánea, eso sí.

La personalidad pública de Batman es Bruce Wayne. Un millonario de unos 35 años, este dato varía según cómics y cronologías, en muy buena forma física y con bastantes pocas preocupaciones más allá de ligues de una noche, fiestas y su vida de lujo. En el apartado del estilo que luce hay que citar trajes de un corte siempre impecable, con camisas de tono claro, generalmente sin corbata y con los primeros botones desabrochados. Es todo parte de un disfraz, claro, y la intención es precisamente que todo el mundo que se cruce con él se haga esa imagen de díscolo que tan bien le sirve para disociarse por completo de su ser justiciero.

En ocasiones se ha completado el look con gafas de sol último modelo, incluso dentro de un restaurante aduciendo a una larga noche con alguna bella mujer, o camisas de manga corta, más indicadas para jugar al golf que para una reunión de cualquier tipo. No hay que dejar de lado las desenfadadas americanas beige, a veces con zapatos o playeras blancas y terminando todo el juego con un deportivo rojo o algún coche de diseño que solo unos pocos se pueden permitir.

Hay momentos en los que Bruce Wayne no es más que Batman sin su traje. En estas ocasiones le vemos vestir de una forma similar a la ya mentada pero con ciertas diferencias. La más notable es que no hay color en su ropa más allá del negro y el blanco, este solo para la camisa y jamás para otra prenda, apostando por llevar traje y nunca americana sola, con corbata, para darle un mayor toque de seriedad. Hay que sumar a todo esto el habitual uso de los abrigos que hace, a tal punto se ha convertido en un lugar común que en algunas historias resulta hasta fuera de lugar por la época del año en que se supone que suceden la aventuras.

Largas levitas, alguna vez con toque militar (solo en aspecto), con preferencia por un trench por encima de todos los demás. Estas elecciones, siempre decisión de los autores, solo sirven para oscurecer la misteriosa figura que es realmente este personaje e incluso hacer casi más las veces de capa de Batman que de ser una ropa que se elija para combatir el frío.

El hombre murciélago es muchas cosas pero más que nada es una mentira encima de otra que nunca deja que sea vea al hombre que hay debajo de todo, si es que sigue existiendo...

… El que sí está es el cruzado enmascarado, solo que a lo largo de los años han sido muchos los actores que le han dado vida, cada uno, además, con un traje diferente.

El primero de todos fue Lewis Wilson en 1943, algo entrado en carnes, con un traje de bajo presupuesto que tenía una oreja más larga que otra, capa de baratillo y más que un batcinto sería un cinturón de fantasía. En 1949 fue el turno de Robert Lowery en el serial Batman y Robin, solo que la cosa seguía sin mejorar mucho y encima la capucha le quedaba grande.

No será hasta los años sesenta cuando Adam West luzca un vestuario que parecía sacado de las viñetas, pero en el buen sentido. Fue el primero en tener el logo del murciélago sobre el óvalo amarillo, junto con un cinturón de utilidades muy completito y esas inolvidables cejas pintadas en la capucha. Pasarían dos décadas hasta que el caballero oscuro volviera y lo haría, valga la repetición, mucho más oscuro gracias a Tim Burton y su diseñador Bob Ringwood. En esta ocasión el actor era Michael Keaton en Batman y Batman vuelve, dentro de una armadura más que un traje, completamente de negro, imponente y manteniendo el murciélago con el fondo amarillo.

Después empezó la locura. El primer traje que llevó Val Kilmer en Batman Forever era muy similar al de su predecesor solo que incluyendo dos pezones, algo que perduraría en la memoria colectiva. Llevaría también uno metalizado, de nuevo similar al de las otras dos entregas ya sin el color amarillo del logo. George Clooney siguió la tradición en Batman y Robin, primero con un traje negro azulado y después olvidando los pezones pero dando a cambio partes en blanco con un toque pseudometalizado que era puro delirio. Y no, mejor no hablamos de Robin, eso ya es otra historia.

El paso del tiempo trajo Batman Begins con Christian Bale llevando lo que se supone era una armadura de combate rechazada por el ejército, mejorada, totalmente negra y un murciélago en el pecho. En la segunda y tercera parte se prefirió crear una versión nueva que diera más movilidad, lo que precisamente no tenía ninguno de los usados hasta el momento y para ello se hizo por piezas. En ambos casos con su cinturón multiusos de color amarillo, o más bien dorado oscuro.

Para el Batman de Ben Affleck en Batman v. Superman: El amanecer de la justicia se prefirió volver a un uniforme mucho más cercano a los cómics, siendo un traje de tela (o spandex) ajustado, con colores grises y un gran logo negro en el pecho. Más adelante según vaya avanzando la trama lo cambiará por una armadura creada para poder enfrentarse a Superman, con un diseño totalmente deudor del ideado por Frank Miller en su Batman: The Dark Knight Returns y que ojalá se deje ver en más ocasiones en la gran pantalla.

Este personaje, tanto en cine como en el cómic, al igual que en las series televisivas, va cambiando con los años tanto en sus formas como en su ambientación, lo que afecta a su forma de vestir. Es de esperar que de aquí a poco tiempo llegue un nuevo actor que se enfunde en otro traje.

Na na na na na na na na na na na na na na na na... BATMAN!

La icónica Catwoman de Batman Returns

Michelle Pfeiffer. Inolvidable con ese catsuit diseño de Mary E. Vogt (solo acreditada como Mary Vogt), conformado por los trazos de su vida rota en pedazos y ensamblados como la nueva persona en la que se ha convertido.

Pasión, desafío y erotismo en un solo vistazo.

Ya quisiera Halle Berry, ya.

(O Annette Bening, que estuvo a nada de ser la Catwoman que pasó a la historia).

George Clooney es Bruce Wayne

La película protagonizada por George Clooney es, dicho de forma delicada, irregular. En cambio, según Bob Kane el actor era el que mejor cuadraba para ser Bruce Wayne.

Gregory Peck es... Batman

No fue en el cine pero sí en los cómics. En la prestigiosa miniserie Kingdom Come el ilustrador Alex Ross eligió al conocido intérprete como su modelo para crear a un Batman entrado en años, sigue conservando su pasión y con una nueva tecnoarmadura que le permite luchar contra el crimen como nunca hasta ahora.

James Bond

De espía a icono

Uno de los puntos más atractivos e interesantes que tiene James Bond es ese sofisticado mundo en el que se mueve. Está rodeado de lujo, elegancia, marcas legendarias, trajes a medida, hoteles y casinos de ensueño. Algo que se ha convertido en una referencia en sí mismo y que además ha sido muy usado por los productores para hacer Product Placement, al punto de lograr que eso también sea algo característico de las películas de la creación de Ian Fleming.

James Bond es un gentleman, si bien en ocasiones muestra maneras rudas y es dado a la violencia, esto no es algo necesariamente reñido con ese perfil. De hecho si nos ceñimos a las pautas básicas que Baldassare Castiglione de su libro Il Cortegiano (ya en 1528) un auténtico caballero (o cortesano en este caso, hay que entender las cosas en su contexto pero también poder extrapolarlas a nuestra época) debe saber conversar y conocer las letras, pero además tener tacto para tratar con sus iguales y en especial con las mujeres, además de ser igualmente experto en el uso de las armas.

Si nos basamos en estas ideas no cabe duda de que estamos ante un cortesano en toda regla. Puede que en ocasiones le fallen algo sus modales, pero claro está que jamás será en público y solo tendrá esa cierta actitud desafiante hacia sus superiores cuando considere que ellos están errados. Es bien sabido que 007 no sirve tanto a Inglaterra como a sí mismo (siempre dejando claro que sus intereses van en pos de la justicia, claro).

«Consideri ben che cosa è quella che egli fa o dice e 'l loco dove la fa, in presenzia di cui, a che tempo, la causa perché la fa, la età sua, la professione, il fine dove tende e i mezzi che a quello condur lo possono; e così con queste avvertenzie s'accommodi discretamente a tutto quello che fare o dir vole» ― Baldassare Castiglione, Il Cortegiano

El vestuario de James Bond

En las novelas

James Bond en las novelas tiene un vestuario algo más parco que en las películas, siendo su fondo de armario básico un traje azul marino oscuro con calcetines a juego, una camisa blanca de seda, con corbata y zapatos negros bien lustrados. Además de lo necesario para sus misiones, como el tan conocido esmoquin que lleva con camisa blanca y pajarita negra.

No se puede negar la elegancia innata de Bond, no en vano viene de una época en la que esto se preciaba mucho más que ahora y era sencillamente impensable que un hombre no fuera perfectamente ataviado para cada ocasión. Claro está que el usar traje no era un signo de sofisticación como quizá lo es hoy, pero es igual de cierto que siempre se ha cuidado con un gran detalle estos aspectos en la saga.

En las películas

Vamos a repasar a cada uno los intérpretes que ha tenido 007, aunque si quieres conocer a todos ellos en profundidad desde ya te recomiendo la excelente página web http://thesuitsofjamesbond.com/

Sean Connery

Ya ha quedado claro que Sean Connery tuvo la suerte que ningún otro actor ha tenido con este personaje y fue la de moldear al espía (además de hacerse millonario con él). Así ha quedado establecido su uso del esmoquin con pajarita en la idea popular del agente secreto, además de sus elegantes zapatos negros. Pero no es lo único que viste, ya que a lo largo de las diferentes películas le vemos luciendo un vestuario bastante completito.

A pesar de ser el Bond más formal de todos, es también habitual verle usando un estilo de corte más casual, más indicado para una estancia en el campo o adecuando su indumentaria para algunas incursiones especiales en sus misiones. Pero siempre manteniendo su impecable traje cuando acude ante M. Las camisas blancas son las mejores compañeras para un sobrio traje negro, junto con corbata a juego, todo combinado con un sombrero trilby de Lock & Co. que, aunque posteriormente se abandonaría, ayudaba también a ocultar el rostro del espía si era preciso.

Pocas veces le veremos en mangas de camisa, aunque sí con otros atuendos e incluso en bañador o en un jumpsuit corto de color azul, también llamado playsuit. No hay que olvidar que por un lado el personaje original es de los años cincuenta y las primeras entregas de principios de los sesenta, lo que hace que deba cumplir varios clichés del arquetipo del héroe. Esto conlleva que nunca pierda las formas (más o menos), salga indemne de toda situación y no veamos un solo rasguño en su ropa.

Claro está que debe mencionarse sí o sí el nombre del sastre Anthony Sinclair. De hecho si uno entra en su página web http://www.anthonysinclair.com/ será recibido por una fotografía del talentoso sastre trabajando en el look que lucirá un joven Sean Connery.

Este costurero creó a finales de los años cincuenta lo que se conocería como el Conduit Cut (corte de tubo) que era un estilo que se asemejaba al habitual para montar a caballo, con pantalones estrechos y una americana con la sisa alta, algo más del gusto de unos clientes que tenían en su haber miembros de las Fuerzas Armadas. Esto llamó la atención del director Terence Young, que quiso contar con sus servicios para dar su característico toque a James Bond.

Será también en Dr. No cuando comenzará la relación entre estos filmes y la veterana camisería Turnbull & Asser, de la que el propio Ian Fleming era también cliente (así que no extraña a nadie la elección que se presenta así totalmente lógica). Como curiosidad hay que decir que si alguno quiere vestir como 007 bien puede entrar en su tienda on line y empezar a hacerlo por poco más de 100 libras de inversión para conseguir el mismo diseño de corbata que Pierce Brosnan lució en Die Another Day (Muere otro día).

Felix Leiter: Where were you measured for this, bud?

James Bond: My tailor. Savile Row.

Leiter: That’s so? Mine’s a guy in Washington.

Felix Leiter: ¿Quién te viste de esta forma?

James Bond: Mi sastre. Savile Row.

 Felix Leiter: Mi sastre está en Washington.

George Lazenby

En cierta medida George Lazenby intenta seguir los pasos de Sean Connery y se repite la imagen de aguerrido playboy que se había trabajado ya con él. Por desgracia el estar tan solo una película hizo que no se terminara de potenciar; sumado a su pasado como modelo, hace que en ocasiones nos parezca estar más bien viendo un fashion film que una entretenida aventura llena de acción.

Vestido por Dimi Major las prendas que se le ofrecen a este intérprete no terminan de encajar con él, en más de un caso podría recortarse su rostro y poner el de su antecesor que apenas se notaría la diferencia. Aunque es cierto que se perderá cierta sobriedad, ya que se buscaba a un Bond más humano y menos teatral. Lo que sigue sin justificar la camisa con chorreras y otras perlas.

En ocasiones hay que reconocer que se torna excesivo, pero también hay que tener en cuenta que estamos en 1969, cuando esa fascinante década llena de moda llegaba a su final y daba sus últimos bandazos rumbo a unos inseguros años setenta. Era un momento de cambio, solo que no se tenía muy claro hacia qué.

Roger Moore

Roger Moore tuvo una gran suerte y es que entró con la década ya comenzada. Todo estaba en su sitio, la moda existente era más suelta y fresca que la anterior, lo que le permitió alejarse visualmente de Sean Connery y de George Lazenby. A todo esto se debe sumar que el actor siempre ha tenido una gran preocupación por su aspecto, que sigue cuidando con detalle en la actualidad.

Esta especial importancia se nota en mayor medida gracias a Cyril Castle, sastre que trabajó con él en la serie televisiva El santo y que haría lo propio en las películas de 007. Gracias a él y a la confianza previa con Moore, se logra crear el que sin duda es el James Bond mejor vestido de todos. No solo por la variedad de combinaciones que luce, también por lo cómodo que se ve al intérprete llevándolas, puesto que no distan tanto de su estilo habitual. Sean Connery moldeó a James Bond a su imagen y semejanza, pero sin duda alguna Roger Moore lo vistió.

Se llega con él a un James Bond de corte más aristocrático y menos rudo que no duda en caer en la comedia, lo que hace que sus películas sean las más divertidas de toda la saga. Su peinado también cambió, dejando el aspecto más estricto de su antecesor y apostando más por prendas casuales, aunque también se le puede ver siendo completamente formal, por ejemplo, luciendo su icónico esmoquin blanco.

Ningún intérprete, anterior o posterior, hasta la fecha ha logrado colmar a 007 de tanto estilo.

Timothy Dalton

Sin duda alguna Timothy Dalton ha sido el James Bond más informal de todos. Desde los sesenta la moda había cambiado mucho, los patrones de comportamiento se habían liberalizado y las reglas de protocolo ya no eran lo que fueron.

Así se apostó por un James Bond diferente. Si bien seguía siendo un seductor, ya no necesitaba ir de etiqueta o tener el pelo perfecto. Timothy Dalton cumplía más que a la perfección con el rol de galán que se necesitaba en la época, y que de hecho el actor era.

Así, pues, aunque no sea el 007 que más brille por su vestuario, sí será el más real, tanto en idea como en interpretación. Por supuesto su look popular con esa inmortal pajarita estará presente, pero también le veremos vistiendo un clásico traje beige de dos botones de Benjamin Simon, camisas sueltas con el cuello desabrochado y sin corbata, además de cazadora y un sencillo jersey oscuro.

En los años ochenta todo era más grunge y descuidado, las normas anteriores no eran ya tan ciertas y, aunque lógicamente James Bond debía seguir siendo James Bond, uno de sus aciertos es que siempre va acorde a los tiempos.

Pierce Brosnan

Los años noventa son sinónimo del 007 de Pierce Brosnan y a su vez esto es sinónimo de Brioni. Prestigiosa casa italiana fundada en 1945, especializada en trajes hechos a mano que había trabajado para Clark Gable o Rock Hudson, y que desde el 2011 pertenece al grupo Kering (que tiene entre otros a Gucci o Yves Saint Laurent).

Así en esta época se mantendrá la idea de un James Bond más informal, aunque quizá sería mejor decir casual, al menos cuando la situación lo permita, pero siempre refinado y cuidado hasta el extremo. Junto con Brosnan entró en las películas la diseñadora Lindy Hemming, responsable de lograr ese nuevo look que lucía el agente que debía ir perfecto para cualquier situación, ya sea luciendo un traje a medida o un tres cuartos de cuero de Angels & Bermans.

Si bien hasta entonces el vestuario era importante, es a partir de este momento cuando se empieza a cuidar mucho más, planeándose todos los detalles con mucho cuidado. El esmoquin seguirá siendo la pieza preferida y más icónica del personaje, pero los trajes y las corbatas a juego tendrán cada vez más importancia. Por supuesto sin caer en adornos superfluos que puedan distraer la atención o estorbar en las misiones.

Claro está que no es así en los complementos, ya que es justo en esta época cuando el product placement llegará a su etapa de más locura en la saga bondiana, en ocasiones siendo más un anuncio que una película (o casi). Esto hace que le veamos más que nunca luciendo relojes y otros gadgets habituales en él, llegando incluso a las gafas de sol.

Daniel Craig

Si en las últimas interpretaciones se buscaba esa línea más informal y casual, esto llega a su máximo esplendor con Daniel Craig. Así no será extraño verle con gafas de sol, camisas de manga corta, cazadoras, camisetas, y frecuentemente despeinado, algo que también se justifica con que si bien es el mismo personaje, en este caso está en sus primeros tiempos y todo el bagaje anterior queda en un segundo plano (o directamente obviado).

De hecho, al comienzo de Casino Royale veremos un flashback con el primer enemigo al que debe matar, algo que le cuesta y tras lo que se ve afectado. En esa misma escena aparecerá ya de traje pero sin corbata, que si bien es por estar usándola para terminar con su oponente, no deja de ser una declaración de principios en toda regla. No será hasta la mitad de la película que le veremos con traje y corbata llevados de forma impecable, y poco después aparecerá llevando un esmoquin que como él deja claro «es a medida» y que llevará con unos zapatos John Lobb.

No cabe duda de que este es un intento de dar ese toque clásico que tanto gusta a los seguidores, pero además sirve para enfrentarlo directamente a Le Chiffre. Este viste un esmoquin de grandes solapas con camisa gris oscuro (si no directamente negra) mientras que Bond lleva el look habitual con camisa blanca. Será también en esta película cuando probará por primera vez su icónica bebida y dirá sobre ella «no está nada mal, tendré que ponerle un nombre a esto»; que precisamente será Vesper Martini, como Vesper Lynd.

Si bien seguirá en un principio con la tradición Brioni iniciada por Pierce Brosnan, pasará a ser vestido por el diseñador estadounidense Tom Ford, que cuenta en su haber con clientes como Brad Pitt o Tom Hanks. Este sastre que ha trabajado para Yves Saint Laurent y Gucci no ha dudado en crear todo un catálogo de vestuario a su disposición con complementos a juego, sin dejar de lado los exquisitos zapatos que luce el actor, que vienen de las casas Crockett & Jones y la prestigiosa Church´s, que también había calzado al anterior intérprete.

«No podría estar más feliz de vestir a Daniel Craig de nuevo para la próxima entrega de James Bond» ― Tom Ford

Si quieres lucir como James Bond...

―Todos nos vestimos por los pies y estos deben estar cubiertos por los zapatos de John Lobb o Church´s.

―Para las camisas blancas y las corbatas deberíamos ir a Turnbull & Asser, completando el look con un buen traje de esa meca que es Savile Row.

―El fin de semana es para relajarse, así que podemos ponernos unos jeans Levis 306 Sta-Prest blancos con una camiseta azul oscuro de la casa Sunspel.

―Y si hace algo de frío nada mejor que una chaqueta sport de Dunhill.

El Zorro

Justiciero de ensueño

Alto, elegante, un galán que bajo su capa negra esconde un corazón justiciero. Se oculta en un vestuario igual de oscuro que su capa, siempre con una sonrisa bajo su fino bigote, sus ojos detrás de un antifaz que cubre su rostro y por marca una Z, la Z de Zorro.

Un vestuario que ha pasado a la historia al punto de que redefinió al que realmente lucía el personaje en un primer momento. Hay que remontarse hasta 1919 cuando el escritor Johnston McCulley publicó un cuento llamado La maldición de Capistrano (The Curse of Capistrano) en el All-Story Weekly del mes de agosto. En esa historia se presentaba a Diego Vega y su oculta personalidad secreta bajo la que luchaba contra la injusticia, con un final en el que el villano encuentra su muerte y él descubre su identidad.

O al menos así era.

La llegada a cines de La marca del Zorro (The Mark of Zorro) en 1920 hizo que todo cambiara. El conocido actor Douglas Fairbanks produjo (Douglas Fairbanks Pictures), guionizó (como Elton Thomas y junto a Eugene Miller) y protagonizó esta primera aventura fílmica del aventurero, introduciendo algunos cambios como el del vestuario, que ahora aparecía diferente del que se pudo ver en la portada original. El éxito de la película hizo que la novela se reimprimiera bajo el título del filme, junto con otros puntos que iban en consonancia a lo visto por el gran público. Ahora se demandaban aventuras del atrevido galán y el escritor no dudó en lanzarse a ello.

Por supuesto la apuesta de Douglas Fairbanks abrió un camino que todavía es explotado, siendo un personaje que ha llegado hasta nuestros días con algunos actores muy reconocidos dando vida a Diego de la Vega (tras ser cambiado del primer y menos romántico Diego Vega). Algunos de estos intérpretes han sido Robert Livingston en The Bold Caballero (1936), Frank Langella en otra versión de The Mark of Zorro (1974, con Ricardo Montalban como el Capitán Esteban), Alain Delon en El Zorro (1975) y George Hamilton en la comedia Estos zorros... locos, locos, locos (1981).

De hecho en este último caso el papel será doble al dar vida a los dos hijos de Don Diego de la Vega, Diego Vega Jr. y su hermano gemelo, Ramón Vega, al que también se conocerá como Bunny Wigglesworth. Ambos recogerán el testigo de su padre, el primero siendo fiel a su estilo de vestuario oscuro y el segundo prefiriendo algo más colorido. A lo largo de todo el filme lucirá un armario muy completito, destacando su uniforme rosa y el todavía más llamativo dorado, que llevará al final de la historia.

En los últimos tiempos uno de los más conocidos ha sido el británico Anthony Hopkins en La máscara del Zorro (1998), como un casi anciano Diego de la Vega que se ve obligado a dejar su cruzada en contra de su voluntad. Este último pasará el testigo a Antonio Banderas o más bien al personaje de Alejandro Murrieta, al que rescatará y entrenará para que tome su manto. Lo curioso es que su hermano en la ficción, Joaquín Murrieta, sí existió y fue una de las inspiraciones originales del novelista para crear al personaje. Vivió entre 1829 y 1853 (se supone, quizá murió más tarde), apodado el Robin Hood de El Dorado.

Igual de real es el capitán Harry Love, en la película de 1998 interpretado por Matt Letscher, y la escena en la que tendrá una cabeza conservada en brandy, que en el hecho histórico él decía que era la del propio Joaquín Murrieta, aunque fue desmentido por la hermana del forajido (y posteriormente hubo informaciones de que seguía actuando y que estaba, por lo tanto, vivo).

El Zorro es un justiciero, al igual que tantos otros, pero se ha impregnado a su figura de un romanticismo tal que hace que sea imposible compararlo con los demás. Intrépido, elegante, aventurero y robacorazones.

Un auténtico Don Juan.

Guy Williams, el Zorro catódico

Si hay un nombre, además del de Fairbanks, que merece ser recordado por su interpretación de este personaje, ese es sin duda Guy Williams. El actor dio vida al aventurero en la serie televisiva de los años cincuenta producida por Walt Disney, ¡y le entrevistó el mismísimo fundador, Walt Disney!

Quizá os suene este intérprete por otra producción de unos años después, Perdidos en el espacio, en la que puso su rostro al servicio del profesor John Robinson.

La telenovela

Por supuesto esta historia ha seguido bien activa y en los últimos años cabría destacar la telenovela colombiana Zorro: La Espada y La Rosa, que está protagonizada por Christian Meier y Marlene Favela, protagonizada por RTI Producciones y Sony Pictures Television.

Se emitió en 2007, alcanzando la cifra de 120 episodios.

¡En el futuro!

Al igual que en el caso del Hombre Enmascarado, la tradición justiciera pasa de padres a hijos llegando hasta los nietos (y más allá). En la serie de dibujos animados Zorro: Generation Z – The Animated Series el protagonista es un descendiente del Zorro original que sigue con la lucha en un futuro no muy distante, con un arsenal muy completo que incluye una moto, un látigo de energía y otras de similar calado.

Tuvo su propia línea de muñecos de acción, merchandising y un éxito irregular que hizo que al término de una sola temporada con 26 capítulos se diera carpetazo al proyecto.

Iron Man

La armadura no hace al hombre

Hay un motivo para el éxito de las películas de Iron Man: Robert Downey Jr.

Un actor de sobrado talento pero que por sus problemas con el alcohol y las drogas ha tenido una carrera irregular, al menos hasta su elección como Tony Stark con el que tiene prácticamente una simbiosis y que ha hecho de él (de nuevo) toda una estrella internacional. Este éxito ha venido acompañado de su interpretación de Sherlock Holmes y títulos de diferente calado como Salidos de cuentas o Tropic Thunder por la que estuvo nominado a un Oscar.

El personaje de Tony Stark (Anthony Edward Stark) apareció por primera vez en 1963 en el número 39 de Tales of Suspense. Una creación entre Stan Lee y su hermano Larry Lieber junto con los dibujantes Don Heck y Jack “King” Kirby, uno de los primeros superhéroes de Marvel con pies de barro al haber sufrido un accidente que le dejó un corazón herido de por vida, posteriormente también tendría problemas con el alcohol en la recomendable historia «El demonio en una botella».

Con el paso de los años ha ido evolucionando notablemente, no solo en el aspecto de sus armaduras, sino también en su personalidad y, por supuesto, con un cambio tras el éxito de sus entregas cinematográficas, adecuándolo para el público que pudiera venir desde ese lado (si realmente esto sucede es otro tema).

La película Iron Man comenzó a andar en la década de los noventa, pasando de Universal Pictures a 20th Century Fox, después a New Line Cinema y finalmente se estrenó en 2008 producida por Marvel Studios, siendo la primera del universo cinematográfico de esta empresa. Dirigida por Jon Favreau, con efectos de Stan Winston y distribuida con Paramount Pictures, convertida en todo un pilar para el actual aluvión de historias basadas en superhéroes y una de las más reverenciadas.

De nuevo hay que citar el acierto de contar con Robert Downey Jr. como protagonista en lo que podemos entender como una versión ficcionada de él mismo. El guionista Drew Pearce, que firmó Iron Man 3, llegó a decir en una entrevista que la línea que separa al actor del personaje es muy delgada, motivo por el que también tiene voz a la hora de los diálogos que debe decir. En su carrera en los últimos años pueden destacarse Kiss Kiss, Bang Bang, Zodiac, Sherlock Holmes: Juego de sombras y la larga franquicia que está siendo Iron Man junto con sus compañeros de Los vengadores.

Parte de esta unión entre actor y personaje queda totalmente clara en las apariciones públicas del intérprete en las que se llega a dudar cuánto hay de él y cuánto de Tony Stark. Su vestuario también va de la mano, con lo que no es raro verle llevando traje con zapatillas, al igual que camisetas con americana y tejanos, con sus habituales gafas de cristales ahumados ideales para el día y para la noche.

No se puede entender al Tony Stark de la gran pantalla (ni al del cómic, en realidad) sin su fiel Pepper Potts, que no duda en ponerle en cintura cuando hace falta. Para interpretarla se contó con Gwyneth Paltrow, una actriz que ya era un rostro muy conocido gracias a Seven, Shakespeare in Love o la interesante Dos vidas en un instante, que firma a la dirección y guión Peter Howitt y que con este papel solo logró aumentar más su fama.

Su personaje es uno de los que más evoluciona a lo largo de toda la franquicia, algo que puede verse también en el cambio que va sufriendo su vestuario. Siempre con tacones en todas las entregas, veremos que en la primera luce traje pantalón y pelo recogido, todavía muy cuadriculada y siendo casi la niñera de su jefe, amigo y posterior pareja. Poco a poco se irá liberando de sus propias cadenas y en Iron Man 2 estrenará vestidos ceñidos y traje con falda de tubo, también cambiará su peinado pasando de la melena a una coleta o un moño cuando la circunstancia requiere más seriedad. En el tercer filme el vestuario es más o menos similar, con trajes de chaqueta y falda, pero en tonos más claros, hasta se atreve con el blanco y con un maquillaje algo más marcado.

Hay que nombrar a los responsables de todo este trabajo: Rebecca Gregg y Laura Jean Shannon en Iron Man, Mary Zophres en Iron Man 2 y Louise Frogley en Iron Man 3. También al director de la primera y segunda entrega, Jon Favreau, que desde un comienzo quería que la película y lo contado en ella pudiera ser creíble, no solo en la parte más fantástica, sino también en el tratamiento de personajes y de sus acciones.

Por este motivo no se dudó en que la armadura realmente pareciera una armadura, durante muchos años en los cómics más bien emulaban mallas (aunque se llamara armadura igualmente). Así el diseño de la Mark I, la que lleva al comienzo, debía simular estar fabricada con deshechos y piezas de repuesto, con un gran trabajo por parte de Stan Winston y su compañía, sumado al de ILM para la parte digital de los modelos más avanzados. Como curiosidad en Harrod´s, en Londres, en la parte de Disney/Marvel tenían una de estas armaduras reales fabricadas por Stan Winston.

A día de hoy Robert Downey Jr. parece el único actor capaz de interpretar al personaje, pero es que la lista de títulos en que lo ha hecho es realmente amplia: Iron Man, Iron Man 2, Iron Man 3, El increíble Hulk, Marvel Los vengadores, Vengadores: La era de Ultrón, Capitán América: Civil War y Spider-Man: Homecoming.

El Ironman

Existe una prueba física, parte del triatlón, llamada Ironman, que consiste en 3,86 km de natación, 180 km de ciclismo y 42,2 km de carrera a pie.

¿Plagio?

Radix es un cómic lanzado por la editorial Image y cuyos creadores han acusado de plagio a Marvel Studios y Walt Disney con motivo de la armadura que luce Iron Man en su película, junto con varios puntos del argumento.

Robert Downey Sr.

Director y actor estadounidense, padre de Robert Downey Jr., habitual de películas underground que han terminado convirtiéndose en obras de culto.

Juega a vestir a Tony

Si de pequeños os gustaba poner y quitar accesorios a vuestras muñecas, entonces os gustará este entretenido juego en el que podréis combinar varias armaduras de Iron Man para crear la vuestra propia.

http://www.macrojuegos.com/juegos/juego-de-vestir-a-iron-man-el-hombre-de-hierro/

Musical

1. adj. Perteneciente o relativo a la música.

2. adj. Que posee rasgos propios de la música, como la armonía, la sonoridad, etc. Voz, idioma musical.

3. m. Género teatral o cinematográfico de origen angloamericano, que incluye como elemento fundamental partes cantadas y bailadas. U. t. c. adj.

4. m. Obra perteneciente al musical. U. t. c. adj.

The Rocky Horror Picture Show

El show del horror musical

The Rocky Horror Picture Show es una obra maestra.

No tiene sentido.

Cae por completo en el exceso.

Sus personajes son poco más que arquetipos.

Tiene fallos.

Y es simplemente genial.

No hay otra forma de definir a esta joya del celuloide.

Puedes verla solo, con amigos, en tu pantalla, en tu proyector, en una función con show, sentarte en tu sofá y dejarte llevar por su banda sonora. Da igual la forma, The Rocky Horror Picture Show es una película de culto que se ha convertido en inmortal, y es realmente complejo adivinar el motivo pero una vez que la has visto ya no hay vuelta atrás y pasarás a engrosar las filas de todos los que la amamos. No hay que intentar entenderla o buscar un sentido que no tiene, solo hay que sentarse y disfrutar del show que vamos a presenciar.

El filme dirigido por Jim Sharman con guión de este y de Richard O'Brien, llegó a los cines en 1975 como un canto de homenaje a la serie B clásica, a aquellas viejas películas de ciencia ficción que se daban en sesión doble (título de una de sus más conocidas canciones «Science Fiction/Double Feature») y por supuesto a los monstruos de la Universal, con su estilo oscuro a la par que bonachón. Todo ello salpicado de expresionismo alemán, música rock, un poco de glam y mucho maquillaje.

El argumento poco importa, seamos sinceros, y todo pasa a ser eclipsado cuando el Doctor Frank-N-Furter (un increíble Tim Curry) hace aparición para comerse la pantalla. Su cabello rizado, rostro blanco con ojos marcados en negro, un corsé ajustado, medias de rejilla, taconazos y un collar de perlas digno de Marge Simpson hacen de él una figura asombrosa; combina todo ello con una capa roja y negra que podría haber pertenecido al mismísimo Conde Drácula. Sumando a todo el look un carisma arrebatador que hace que desde ese primer «How Do You Do» caigamos rendidos a sus pies. Claro está que no será este el único estilismo con el que le veamos, también tendrá la oportunidad de lucirse a lo mad doctor en una total referencia a los clásicos a los que se pretende homenajear.

A ese mismo fin de rendida carta de amor sirve el personaje de Riff Raff, un jorobado que hace las veces de mayordomo y nos hace pensar rápidamente en Igor y en Bela Lugosi; los guiños siguen con toques que recuerdan a El doctor Frankenstein (con la criatura a la que se da vida), El mago de Oz, King Kong (el amor de la bestia hacia la frágil heroína) e incluso a La noche del cazador, cuando veamos las palabras «Love» y «Hate» en las manos de Eddie, al que da vida el cantante Meat Loaf.

Así el desfile de excéntricos seres no para según avanza el metraje, luciendo siempre llamativos colores entre los que destaca un profuso uso del rojo y el negro, medias, lencería varia, prendas que brillan, excesivo maquillaje por todas partes, un poco de toque de retrofuturismo, mucho horterismo y una locura de vestuario que salió de la mente de Sue Blane y que ya en sus primeros diseños en papel prometía ser inolvidable.

The Rocky Horror Picture Show no es una película, es una experiencia. Se mete dentro de ti y jamás te suelta.

El musical

Titulado sencillamente The Rocky Horror Show («Picture» solo se usó en la película) se estrenó en 1973 en el Royal Court Theatre de la mano de Richard O´Brien (guión) y Jim Sharman (productor y director), que serán los responsables de llevarla también al cine.

Su salto a la gran pantalla vino de la mano de 20th Century Fox, lo que sorprendió a sus dos realizadores, ya que no tenían grandes esperanzas más que el aguantar algunas semanas. Mayor sorpresa cuando se encontraron con que tenían libertad para el filme con la única condición de que en el mismo aparecieran algunos actores americanos: se contó entonces con Barry Bostwick y Susan Sarandon para ser la dulce pareja protagonista.

El espectáculo en vivo

The Rocky Horror Picture Show puede verse además en una forma de experiencia más completa (para el que guste de este formato) en la que varios actores interpretan delante de la pantalla algunos de los números musicales y el público puede unirse. Para el que haya visto el filme Las ventajas de ser un marginado (os recomiendo de ya hacerlo y también leer el libro) quizá recuerde que en un momento Charlie y sus amigos llevan a cabo una de estas funciones.

Tim Curry, el único y el mejor

A la hora de llevar el musical al cine la productora propuso el contar con otro elenco y con músicos más reconocidos, a lo que los creadores se negaron y decidieron seguir contando con su equipo. De esta forma Tim Curry conservaría el papel que ya estaba haciendo en teatro, y hoy en día es imposible imaginar a otro actor, al igual que Patricia Quinn y Nell Campbell.

Su imagen está por siempre ligada a The Rocky Horror Picture Show al punto de que en la versión televisiva de 2016 tiene su cameo con el papel de The Criminologist - An Expert, el mismo que el filme de 1975 interpretó Charles Gray.

Dos homenajes de lujo: The Rocky Horror Glee Show + Zoolander 2

En la segunda temporada de Glee se rindió un homenaje a este musical, aunque es cierto que todo está algo suavizado al dirigirse a un público mayoritario. Uno de los cambios más sonados fue en la inolvidable Sweet Transvestite que pasó de ser «I'm just a sweet transvestite from Transexual, Transylvania» a «I'm just a sweet transvestite from sin...sational Transylvania».

Por su parte en la divertida comedia Zoolander 2, secuela de Zoolander, hará un cameo la propia Susan Sarandon diciendo su mítica frase «Touch-a touch-a touch-a touch me I wanna be dirty», una de las más recordadas de su personaje en The Rocky Horror Picture Show.

Liberace

Pianos, candelabros, excesos y kitsch

Seguramente el momento cumbre de la carrera de Liberace fue en 1950 cuando tocó en la Casa Blanca para el presidente Truman, todo un hito para el artista musical que hizo de lo kitsch su forma de vida. Lujos, colores, excesos, luces y sombras.

En Behind the Candelabra está todo. Una biopic de la HBO del año 2013, obra de Steven Soderbergh (Ocean's Eleven, El buen alemán) protagonizada por Michael Douglas como el exitoso pianista y Matt Damon como Scott Thorson, quien fue su amante varios años desde 1976 y contó su experiencia en 1988 en Behind the Candelabra: My Life with Liberace.

Desde un primer momento el director quería contar con Douglas, al que le comentó la idea mientras rodaban Traffic, este se mostró interesado, la idea tardó años en materializarse y llegó a contar con apariciones de Dan Aykroyd y Rob Lowe, al que no os podéis perder en la divertida serie You, Me and the Apocalypse, que por desgracia solo ha tenido una temporada.

Esta película para televisión que ha cosechado muy buenas críticas intenta no ser una biopic al uso, no duda en contar los puntos buenos y malos que incluyen su encubierta homosexualidad. No hay que olvidar en qué años estamos y las posibles consecuencias de ello, al punto de ocultarse con citas, romances e incluso en biografías oficiales. Un hecho que en su círculo era bien conocido y que él negó de forma pública siempre, un secreto a voces que se ocultaba con gran celo con todo el poder que su dinero y sus representantes tenían. Esto llegó hasta el momento de su muerte por SIDA, que se intentó esconder pero no se logró.

En vida sus ademanes amanerados y su vestuario ampuloso ayudaron a encubrirlo, dándose siempre por hecho que eran solo parte de su espectáculo sin que nadie de entre su público se planteara nada más. Teniendo en cuenta el gran número que preparaba siempre, dejando claro en declaraciones que él no daba conciertos, sino que hacía shows, nadie tenía tiempo de pensar en nada más que en pasárselo bien y disfrutar del espectáculo.

Siempre con una sonrisa, anillos que en ocasiones dejaba tocar a sus admiradores, un piano con un candelabro y todo con un gran ambiente camp flotando en el aire. Con el paso de los años su vestuario, obra de Michael Travis, se hizo cada vez más y más elaborado, con prendas doradas, perlas, plumas, capas, bordados e incluso luces. Todo bien diferente de su aspecto en 1940, cuando totalmente ataviado en un traje negro tocaba bajo las órdenes del director de orquesta Hans Lange.

Su espectáculo iba cada vez a nuevos niveles, con entradas tan espectaculares como hacerlo en elefante, llevando una gran capa llena de pedrería, volando gracias a un arnés o en un Rolls Royce con chófer, que es precisamente una de las escenas que aparecen en la película Behind the Candelabra. Esto encantaba al público, con el que tenía una relación llena de cariño por ambas partes, con un gran número de mujeres que se dividían entre querer un affaire con él o desear que fuera su hijo.

Todos estos excesos visuales llenos de grandiosidad e innecesario lujo sobre el escenario marcaron todo un estilo que tendrá herederos por años, llegando hasta el día de hoy con Elton John o la archifamosa Lady Gaga. Hay que reconocer que lo complejo de estos shows y lo espectacular de los mismos es algo que logra encandilar a todos sus seguidores.

Lo que quizá no logró era tener amigos cercanos, según Scott Thorson realmente pocos afectados se vieron en un funeral al que acudieron decenas de asistentes y periodistas. De esta forma este hombre, que estaba a medio camino entre Elvis y Dalí, daba su último adiós.

Su propio museo

El museo Liberace de Nevada se abrió al público en 1979 lleno de pianos, joyas y trajes del famoso intérprete, sin ánimo de lucro, destinando la recaudación a la Liberace Foundation for the Performing Arts. Cerró sus puertas en 2010.

Si alguno tiene curiosidad puede ver fotografías en http://flavorwire.com/393052/a-virtual-tour-of-the-now-closed-liberace-museum-in-las-vegas/5

Villano de Batman

Es habitual que muchos artistas y famosos hagan sus pinitos como invitados en series televisivas; Liberace participó en 1966 en Batman, en el doble papel de Chandell y su hermano Harry en el capítulo «The Dead Ringers».

Amor por lo perros

No solo era devoto de sus fans y los pianos, también era un gran amante de los perros y al momento de su fallecimientos tenía casi tres decenas.

Johnny Cash

El hombre de negro

No recuerdo la primera vez que escuché a Johnny Cash, pero sí sé cuándo fue la primera vez que me llamó la atención. Fue gracias al blog de un amigo hace mucho años (en ese tiempo en que todos teníamos uno) en una entrada en la que publicó Ghostriders in the Sky con Nelson y Cash.

Me encantó, no sé bien el motivo, pero lo hizo.

Entonces empecé a investigar más sobre él, a escuchar sus canciones y me topé con su versión de Hurt. No hubo vuelta atrás. Su profunda y triste voz llegó directa hasta mi corazón, había encontrado sin lugar a dudas al que iba a ser mi cantante favorito por el resto de mi vida. Sus letras, su historia, todo lo que dejó atrás, su amor, su redención...

Me enamoré y según sabía más de él más me enamoraba.

¿Y qué hace en este libro de cine si era músico? Muy sencillo, al igual que otros tantos cantantes de su época hizo sus pinitos en la gran y pequeña pantalla para que la productora y el estudio de turno aprovecharan su fama en títulos como Five Minutes to Live o Mamá y sus increíbles hijos.

Su estilo vocal, elección de temáticas al cantar (alejándose de lo popular y dando voz a los que no la tenían) y su forma de vestir hicieron de él todo un icono. Fue The Man In Black, el hombre de negro, en un principio algo pensado para diferenciarse de otros cantantes country y gospel con sus ropas brillantes y bisutería (aunque también se le ha podido ver de esta guisa) pero a la larga una forma de mostrar también la melancolía que llenaba su corazón y una forma de representar la oscuridad de aquellos por los que cantaba.

Lejos de ser un hombre atormentado él apreciaba la vida y sus momentos, su familia y sus amigos. Algunos de ellos comenzaron igual que él en Sun Records en la década de los cincuenta, nombres como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis y Carl Perkins, además de realizar conciertos con The Carter Family y conocer a la que sería su gran amor, su segunda esposa June Carter, la hermana pequeña de la familia.

No todo fue bueno y pasó su propia Pasión cayendo en el pozo de la fama, los excesos y las drogas, hasta llegar a principio de la década de los setenta habiéndose encontrado de nuevo, logrando dejar atrás esa terrible etapa gracias a June Carter y comenzando a ser realmente el hombre de negro que en sus letras habla de derechos, de nativos americanos y de presos que no logran tener una segunda oportunidad. De hecho llegó a realizar (y grabar) en directo para ellos dentro de la prisión.

Es precisamente en ese 1971 cuando se escucha por primera vez la canción Man in Black, toda una declaración de intenciones en la que dejaba claro que su elección de oscuro vestuario no era solo algo estético, era una cuestión mucho más profunda, una protesta en toda regla por el mundo en el que vivía y su sensación de que algo debía cambiar. El mejor Johnny Cash en su mejor momento. Hace años Loquillo junto con otros reputados músicos hizo su versión en nuestro idioma, El hombre de negro, que es realmente digna del homenaje que realiza.

Johnny Cash fue un gigante de la música, un icono cultural y, por encima de todo, un hombre que vestía de negro.

Million Dollar Quartet

Realmente este término se refiere a las grabaciones que se hicieron en Sun Records el 4 de diciembre de 1956, en una sesión totalmente improvisada entre unos jovencísimos Johnny Cash, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins y Elvis Presley.

En la cuerda floja

En la cuerda floja o Walk the Line (título también de una canción de Johnny Cash) es una biopic basada en Cash: The Autobiography (Johnny Cash con Patrick Carr) que cuenta con Joaquin Phoenix como un muy creíble Johnny Cash y Reese Witherspoon dando vida a June Carter, logrando ambos una química realmente buena durante todo el metraje. Una muy buena caracterización y el vestuario de Arianne Phillips lograron que nos creyéramos estar realmente ante Cash y Carter, al punto de que él llegaría a estar nominado a un Oscar a mejor actor y ella a ganar el de mejor actriz. La película se estrenó en 2005, con dirección de James Mangold y guión de este y Gill Dennis.

Los Simpson y Colombo

Entre las apariciones más recordadas de Johnny Cash en la pequeña pantalla están el episodio de Los Simpson «El viaje misterioso de nuestro Homer» en el que pone la voz al coyote (llamado Coyote) y en Colombo como Tommy Brown en «Swan Song».

Cantando bajo la lluvia

Un clásico musical (e inmortal)

En el año 2013 el traje de lana gris que en Cantando bajo la lluvia usó Gene Kelly en la mítica escena en la que canta la canción que da título a la película fue vendido por 77 000 euros. Era uno de los dos confeccionados por Walter Plunkett a medida para el actor y que fue puesto a subasta pasando a ser propiedad de Robert Earl, dueño de la conocida cadena de restaurantes Planet Hollywood.

Una cifra elevada, no más que otras que se ven en este libro, y que demuestra una vez más algo que todos sabemos: Cantando bajo la lluvia es eterna. No envejece, nunca pasa de moda, sus luces siguen pudiendo llenar una habitación y es tan bella que la vida mejora un poco cada vez que la vemos.

Esta película musical de 1952 es todo un homenaje al cine clásico de ese formato. No duda en homenajearlo a través de su esquema, vestuario, trama y a través de un sinfín de maravillosos decorados que, junto con una cuidada fotografía, nos hará creer que casi estamos dentro del Hollywood de la edad de oro.

No es de extrañar que fuera un éxito en su momento y la más taquillera durante meses, algo debido a los actores, sus números musicales y un guión escrito a dúo por Adolph Green y Betty Comden. Estos dos profesionales trabajaron juntos en muchas ocasiones, siendo dos de los nombres más asociados al género con títulos como Melodías de Broadway, Un día en Nueva York, e incluso en alguna ocasión haciendo sus pinitos de actores como en el episodio «Burying a Grudge» de Frasier, aunque solo fuera con sus voces. En más de una ocasión colaboraron con el productor Arthur Freed, quien produce este filme y fue uno de los creadores de la canción Singing in the Rain en 1929 junto al músico Nacio Herb Brown.

También a dúo fue la dirección de la película a cargo entre el mismo protagonista, Gene Kelly y el director Stanley Donen, conocido por obras como Siete novias para siete hermanos o la divertidísima Charada con Cary Grant y Audrey Hepburn de actores principales. Ambos intentaron plasmar lo rápido que eran las cosas en los felices años veinte, un momento en el que todo podía pasar, y lo hicieron con tal talento y amistad que es prácticamente imposible ver la mano del uno o del otro. Siempre existe la sensación de que había un solo realizador detrás de todo el producto.

Y seamos sinceros, las canciones lo son todo en este filme. No se puede hablar de todas, pero hay un par que conviene destacar.

La primera de ellas, y por pura pasión propia (es decir, mía), sería Good Morning. Un alegre cántico que ponerse por las mañanas para lograr que el día sea un poco mejor. Uno de los momentos más recordados que empieza con un vestuario igual de luminoso que el día: ellos con traje gris sin americana y ella con falda y zapatos azules, combinados con una camisa de dos tonos de azul con un rayo blanco en medio y pañuelo a juego. La escena terminará con los icónicos chubasqueros amarillos, con alguna confusión en quién lleva el de quién. Se rodó un total de ocho veces en una sola sesión que resultó especialmente dura para la joven Debbie Reynolds, que opinaba que Gene Kelly era un tirano, a pesar de que años más tarde agradeció sus enseñanzas.

Después tenemos que nombrar a Moses Supposes, uno de los números musicales más divertidos de todo el show. Aquí la vis cómica de Gene Kelly y Donald O´Connor es bien explotada, mostrando además la química que tenían entre ellos. Este último también se quejó de Kelly, al punto de admitir que llegó a temer equivocarse en sus partes, ya que su compañero no dejaba de gritarle. En este espectáculo totalmente disparatado todo comienza como una broma y una burla hacia el profesor de dicción que les ha puesto el estudio y termina derivando en un gran show en el que todo el despacho y sus elementos se convierten en juguetes para ellos.

Y en tercer lugar, pero siempre mi favorita, estaría Make´hem laugh o Haz reír, ya que esta sí se pudo escuchar doblada (en varios idiomas, no solo en el nuestro). El momento en el que Cosmo Brown, es decir Donald O´Connor, se convierte en el total protagonista de la pantalla demostrando todas sus dotes como humorista, bailarín y cantante con un número que ha sido homenajeado un sinfín de veces ya sea por Joseph Gordon-Levitt o en la serie Glee. Pero todo tiene un coste y tal perfección fue que durante tres días el actor tuvo que estar en cama completamente exhausto (y no es para menos, no todos podemos hacer cabriolas subiendo por las paredes). Irónicamente a pesar de que se considera que esta es una canción original de Cantando bajo la lluvia si uno escucha Be a Clown de El pirata verá que la composición de Cole Porter guarda un gran parecido, siendo además de 1948 mientras que el filme es de 1952.

Si he omitido hablar de la canción que da título a la película es sencillamente porque ya se ha dicho mucho sobre ella y poco podrá sorprender al lector. Quizá uno de los datos más desconocidos es que en uno de los primeros borradores se pretendía que fuera cantada por los tres protagonistas tras el desastre de proyección de El caballero duelista y al decidir que debía convertirse en musical; no fue así y finalmente en esta escena cantarán la citada Good Morning.

Esta es la forma en que se construye un éxito, uno destinado a ser un clásico, una de las películas que la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos de América tiene preservadas dentro de su National Film Registry (desde 1989). Un honor muy merecido.

Doo-dloo-doo-doo-doo

Doo-dloo-doo-doo-doo-doo

Doo-dloo-doo-doo-doo-doo

Doo-dloo-doo-doo-doo-doo...

I'm singing in the rain

Just singing in the rain

What a glorious feelin'

I'm happy again

I'm laughing at clouds

So dark up above

The sun's in my heart

And I'm ready for love

Let the stormy clouds chase

Everyone from the place

Come on with the rain

I've a smile on my face

I walk down the lane

With a happy refrain

Just singin',

Singin' in the rain

Dancin' in the rain

Dee-ah dee-ah dee-ah

Dee-ah dee-ah dee-ah

I'm happy again!

I'm singin' and dancin' in the rain!

I'm dancin' and singin' in the rain...

Why am I smiling

And why do I sing?

Why does September

Seem sunny as spring?

Why do I get up

Each morning and start?

Happy and head up

With joy in my heart

Why is each new task

A trifle to do?

Because I am living

A life full of you.

De voces y contra voces

Es curioso que el personaje de Debbie Reynolds deba doblar al de Jean Hagen (Lina Lamont) por su mala voz, ya que en la realidad en algún momento la situación fue al revés, además de tener que contar también con Betty Noyes para las canciones.

La ironía está servida.

Papeles cambiados

En un origen se pensó hacer que Don Lockwood (Gene Kelly) fuera un actor de westerns y no tanto uno que encarna a espadachines, contemplando a Howard Keel para el personaje. Algo similar sucedió con Cosmo Brown, que se quiso a Oscar Levant para el papel, pero terminó en manos de Donald O´Connor.

Homenajeando a Arthur Freed

El productor Arthur Freed tuvo su versión en la película, sin él mismo saberlo. Fue con el personaje del magnate R. F. Simpson, al que interpreta Millard Mitchell, actor que fallecería en 1953, dejando tras de sí algo más de dos décadas de trabajo en el cine.

Elvis

De músico a leyenda

Seguramente a más de uno le sonará el nombre del Capitán Marvel. Uno de los héroes de DC Comics (tras su compra a Fawcett Comics) que al igual que otros tantos personajes tiene su propia «familia». Uno de los miembros era el Capitán Marvel Jr., el típico sidekick tan habitual (como Robin, el compañero de Batman, por ejemplo) que adquiría los mismos poderes que el protagonista el gritar «¡Capitán Marvel!», al igual que este conseguía los suyos con «¡Shazam!».

Cuento esto ya que en su momento estas historietas eran las favoritas del joven Elvis Aaron Presley, al punto de que consciente o inconscientemente copió parte de su imagen. Su pelo, patillas, el flequillo, aspectos de su vestuario, hasta el conocido logo del rayo que la estrella lucía en su avión privado era muy similar al que tenían los héroes de la familia Marvel en su pecho. No se quedaba ahí, más de uno de sus looks eran casi una traslación de las viñetas (ya fuera del Capitán Marvel Jr. o su alter ego Freddy Freeman) como el jumsuit, o mono, azul con un cinturón ancho y una pequeña capa, que se le pudo ver llevando en los años setenta.

Claro está que si Elvis no hubiera sido Elvis, no habría existido Elvis. El Rey que nació en 1935 gozó de un gran atractivo físico cargado de sexualidad que supo explotar con mucha habilidad. Su aspecto será copiado infinidad de veces, siendo uno de los responsables del cambio en la estética y en el mundo juvenil de la América de los sesenta.

No es solo algo suyo, hay más, como Marlon Brando en Salvaje, película de 1953 a la que deben mucho los rockers en su estilo, al igual que Rebelde sin causa con James Dean, no solo en su aspecto, también en su forma de entender la vida. Su imagen ha perdurado hasta el día de hoy con sus pantalones denim remangados, camiseta blanca, pantalón negro y cazadora de cuero.

En el caso del legendario músico se unía toda esta simbología con sus romances con diferentes estrellas, desde Natalie Wood a Cybill Shepherd pasando por Candie Stevens. La autenticidad de estos amores siempre ha estado en entredicho, y se asume más bien que al igual que otros tantos famosos era todo un puro ardid publicitario para conseguir más repercusión mediática. Una medida que productoras y agentes no tenían reparos en llevar a cabo si así lograban que las ventas fueran mayores.

Y la música, claro. No puede hablarse de Elvis sin hacerlo de su música. Entre sus influencias está el gospel, como pasaba con Johnny Cash y otros primeros padres del rock que se criaron en una sociedad fuertemente religiosa en la que acudir a la iglesia era una obligación. Los ritmos del country y el blues también suscitaron interés en él y en 1954 pudo demostrar todo su conocimiento y habilidad gracias al legendario Sam Phillips y Sun Records, el rockabilly acababa de nacer y viviría para siempre.

Tampoco puede entenderse su figura sin la del Coronel Tom Parker, que no era realmente coronel, solo un nombre que se puso. Fue su agente durante largos años, logró que su música llegara a nuevos niveles, alcanzando un gran éxito que puede verse ya con Heartbreak Hotel en 1956. De la mano de este hombre y su férreo control vino su entrada en el mundo del cine, sus falsos amores, su marcha al servicio militar y le preparó un buen número de acuerdos para participar en películas que en general eran comedias musicales de poco argumento que servían para el lucimiento de la estrella y poco más.

Entre las decenas de ellas que hizo la mayoría son muy olvidables, pero si tenéis tiempo debéis ver El rock de la cárcel (Richard Thorpe, 1957) con esa espectacular escena de baile; El barrio contra mí (Michael Curtiz, 1958) con Walter Matthau y Cita en Las Vegas (George Sidney, 1964) con Ann-Margret, una de los mayores sex symbols de la década de los sesenta que empezó como cantante y pasaría a ser actriz gracias a su talento.

La leyenda nunca moriría aunque él si lo hiciera con poco más de cuarenta años en 1977, habiendo dejado atrás ese atractivo físico que le hizo tan deseado en su momento tras un tiempo lleno de excesos y problemas. Algunos dicen que de haber seguido con vida su carrera hubiera caído del todo en la ruina, estrellándose y convirtiéndose por siempre en una sombra de sí mismo y que la muerte logró hacer de él un icono inmortal. Puede ser, nunca lo sabremos.

Sea como fuere, y parafraseando a la película Beyond the Sea de Kevin Spacey, Elvis sigue teniendo ritmo.

Desde niño

Su primera aparición pública fue compitiendo en  un concurso de canto en el Mississippi-Alabama Fair and Dairy Show... vestido de vaquero.

Sam Phillips

Sam Phillips fue el fundador de Sun Records, un sello que empezó grabando blues y country, siempre en busca de algo nuevo y lo encontró cuando se topó con Elvis, a pesar de que solo pudo estar con él durante cinco singles. Pero la moda del rockabilly era cada vez mayor y él la había hecho posible, logrando convertirse en un rival a tener en cuenta gracias a nombres como Carl Perkins, Sonny Burgess, Johnny Cash o Jerry Lee Lewis.

Bubba Ho-Tep

En 1994 Joe R. Landsdale publica en la antología The King is Dead un relato llamado «Bubba Ho-Tep», que en 2002 se adaptó al cine de la mano de Don Coscarelli con Bruce Campbell como Elvis, un Elvis que sigue vivo ya que el que falleció era un doble contratado por él. Esto y enfrentarse a una momia, eso es la película.

¡Bruce Campbell siendo Elvis! Visión obligada.

Grease

Is (Still) the Word

Los años cincuenta son recordados por muchas cosas. La música (estamos en pleno auge del rock), las motos, las películas y el estilo. Por encima de todos ellos podemos situar a las pin up con la inolvidable Bettie Page a la cabeza o la muñeca Barbie, una creación de Ruth Handler que llegó en 1959 y que basa (o copia con descaro) su aspecto en la alemana Bild Lili.

Una época inolvidable que siempre vuelve, sus faldas altas regresan a las pasarelas, las chupas de cuero jamás dejan de verse por las calles y el rock existirá por siempre. Si hay una película que ha sabido condensar todo ello ha sido Grease, una maravilla del cine que ha logrado convertirse en un icono por sí misma y marcar sus propias tendencias.

Grease, Brillantina, Vaselina. Depende de dónde hayas nacido te sonará un título u otro, pero todos son lo mismo. Todos conocemos esta película y nos hemos dejado encandilar por ella. Más desconocido es el origen de la obra firmada por Jim Jacobs y Warren Casey, un guión en parte basado en la propia vida estudiantil de Jim Jacobs en Chicago. Fue en esta ciudad en la que se estrenó, en el Kingston Mines (night club ahora desaparecido) y en 1972 dio el salto al Eden Theatre en el Off-Broadway de New York, logrando una gran aceptación, funciones, nominaciones y el comienzo de un camino que iba a convertir el show en un éxito cinematográfico y posteriormente en un fenómeno mundial.

Esto sucedería en 1978 de la mano de Randal Kleiser, Bronte Woodard y Allan Car. Se hicieron varios cambios sobre la obra original (que hacía tiempo ya había perdido los tópicos de la juventud de Chicago para adaptarse a un público generalista) y se contó con un elenco de jóvenes y talentosos actores protagonistas que en general estaban entre los veinte y treinta años, pero este es el mundo del espectáculo y su magia solo funciona si creemos en ella. Encabezaban el cartel John Travolta, que en aquel momento gozaba de gran popularidad gracias a Fiebre del sábado noche, y a su lado una encantadoramente dulce Olivia Newton-John, que es la muestra perfecta de «la vecina de al lado».

Es precisamente ella la que más cambia a lo largo de la película, pasando de ser una chica inocente a volverse (o al menos parecerlo) una malota. Algo que pudo ser realidad gracias al trabajo de vestuario de Betsy Cox, encargada del guardarropa femenino. Así, en un primer momento la joven Sandy lucirá tendencias totalmente de los cincuenta como las blusas blancas (y calcetines de mismo color), colores pastel y faldas con volumen, además de su mítico traje de animadora rojo y blanco.

Hasta la escena final del metraje, cuando aparecerá con el pelo rizado, una mirada traviesa, vestida totalmente de negro y con un corte rockero en el que no puede faltar una chupa de cuero, todo bien combinado con esos pantalones pitillo de vinilo super ceñidos y un top igual de ajustado para realzar la figura de la actriz. Es curioso que ella sea uno de los mayores puntos a favor de Grease, ya que en un primer momento tuvo que ser convencida por el propio John Travolta para actuar en el filme.

Betsy Cox no solo hizo una gran labor con este personaje, hay que alabar el buen trabajo hecho con todas las actrices en lo que es un auténtico desfile, algo chillón y hortera, de vestidos de cintura de avispa, leggins, faldas de tubo y pantalones capri que juntos logran recrear el típico y tópico estilo de los años cincuenta.

Por su parte Bruce Walkup fue el responsable del armario masculino a los que nutrió de vaqueros, chupas de cuero, peines y deportivas para dar ese aire de rebeldía que tanto necesitaban. También pueden verse uniformes deportivos, beisboleras y otros atuendos más formales en el resto del reparto, pero nuestros protagonistas son los malotes del instituto (al menos hasta que Danny decida que quiere cambiar).

Como cabecilla de todo esto estaba el diseñador de vestuario Albert Wolsky, nombre al que también veremos en El informe Pelícano, Striptease, la también musical Across the Universe o la muy recomendable Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia) de Alejandro G. Iñárritu.

Grease es estilo, Grease es música, Grease es un mito. Grease is the word.

Las edades de los actores

En la película damos por hecho que estamos ante chicos de instituto pero la realidad es bien distinta. Del grupo protagonista solo Dinah Manoff (Marty) tiene 19 años, los mismos que Lorenzo Lamas (Tom, el cachas que sale con Sandy), en el resto la cosa era bien distinta. Como ejemplo tenemos a John Travolta con 24 y a Olivia Newton-John que ya contaba con 30.

Grease Live

El gran éxito de Grease ha hecho que se mantenga fresca y por siempre de moda, al punto de que en enero de 2016 la cadena Fox emitió un especial televisivo llamado Grease Live! que estuvo dirigido por Thomas Kail y Alex Rudzinski y protagonizado por Julianne Houg y Aaron Tveit.

You´re the One That I want

Sorprende lo que voy a decir, pero esta carismática canción (y Grease, el tema principal compuesto por Barry Gibb) estuvo a punto de quedarse fuera de la película, ya que no gustaba nada al realizador.

Un Danny Zuko de quita y pon

En la pantalla Danny Zuko quedó inmortalizado con el rostro de John Travolta, pero durante año y medio fue Jeff Conaway el que le dio vida en las tablas. En la película quedará relegado a ser el segundo de abordo, el interesante Kenickie. Curiosamente en la representación teatral Travolta interpretaba a uno de los T-Birds, Doody.

Galán

Del fr. galant.

1. adj. galano.

2. m. Hombre de buen semblante, bien proporcionado y airoso en el manejo de su persona.

3. m. Hombre que galantea a una mujer.

4. m. Actor de teatro o de cine, de buena presencia y generalmente joven, que representa papeles principales de hombre enamorado o galanteador.

David Niven

Flema británica

A lo largo de la historia del cine hay muchas personas que han sido sinónimo de estilo y de saber vestir, auténticos iconos que han marcado tendencia al punto de ser todavía hoy en día ejemplos citados en las revistas de moda. Si algo es este Celuloide y seda: Iconos del estilo en el cine es la confirmación de la sentencia que acabáis de leer, pero es igual de cierto que algunos nombres son más reconocibles que otros y David Niven es sin duda uno de los que debería encabezar cualquier listado de este tema.

Este actor nacido en 1910 bajo el nombre de James David Graham Niven tiene en su haber más de 100 películas, entre las que destacan La vuelta al mundo en ochenta días, Cumbres borrascosas, 55 días en Pekín y por supuesto la imprescindible saga de Blake Edwards La pantera rosa; por si esto no es una muestra de su capacidad y eclecticidad, puede nombrarse también el filme Vampira, en el que interpreta al mismísimo Conde Drácula, o Casino Royale, en la que era ni más ni menos que el agente secreto más conocido de todos los tiempos, James Bond.

No está mal para alguien que debía haber seguido la tradición militar de su familia y que lo dejó todo para ser periodista en Canadá; por suerte para el mundo del cine (a través del legendario Samuel Goldwyn de la Metro Goldwyn Mayer) su camino le acabaría haciendo llegar hasta la pantalla. Al igual que otros muchos de su época, siendo no solo conocido por sus dotes interpretativas, sino también por las que tenía como galán y seductor, contando entres sus amores a una joven actriz que en el futuro será Marilyn Monroe, Grace Kelly, antes de ser Grace de Mónaco, o Rita Hayworth, entre otras tantas.

Que nadie se confunda, el amor sí llamó a su puerta y fue con el nombre de Primula Susan Rollo. Se casó en 1940 con ella tras un breve romance, tuvieron dos hijos y en 1946 falleció. Fue una noche en casa del actor Tyrone Power (El signo del Zorro, Amor y periodismo), estaban jugando al escondite y ella entró en lo que suponía que era un armario; realmente era la puerta al sótano, al que se accedía por una escalera de piedra. Este hecho afectó realmente a David Niven, que llegó a ponerse una pistola en la boca y a apretar el gatillo, pero el arma falló.

Con el tiempo volvería a contraer nupcias con la modelo Hjördis Genberg, con quien adoptaría dos hijos, pero el matrimonio haría aguas por todas partes por las infidelidades de ambos y una creciente afición a darle al frasco de ella (sí, Niven, al igual que otros tantos actores de su generación, también era un gran bebedor).

Pero lo que ha quedado para la posteridad es su clase cargada de flema británica, su estilo elegante a la par que discreto, unos preciosos ojos y una afable sonrisa que es capaz de descongelar el más gélido de los corazones. Ha dejado también una larga carrera llena de éxitos, talento y personajes legendarios, pero personalmente hay dos que creo que merecen destacar por encima de todos los demás y que ya han sido (parcialmente) mencionados.

El primero es Sir Charles Lytton. En 1963 el director y guionista Blake Edwards estrenó La pantera rosa, película que contaba de protagonista con el genial Peter Sellers como el inspector Jacques Clouseau y que era sin saberlo la primera de una larga saga que llega hasta nuestros días con una nueva versión (y su secuela) muy por debajo de la calidad del producto original.

En este inicial filme, y en posteriores, David Niven da vida al elegante y aristocrático Sir Charles Lytton, un admirado soltero de oro que presume de educación y saber estar igual que de conquistas (los parecidos entre actor y sosías no son pocos); pero debajo de todo late un corazón más aventurero, pues es en realidad el criminal conocido como el Fantasma, el mismo que se pretende hacer con la exótica joya llamada la Pantera Rosa.

Este personaje es uno de los mejores dentro de una película llena de personajes a cada cual más notable, todos ellos con su toque de excentricidad y malicia, salvo el ya mentado Clouseau. El éxito de la propuesta hizo que Sir Charles Lytton saliera en posteriores entregas hasta 1983, año de la muerte del actor.

El segundo nombre a destacar, al que solo interpretó una vez, fue James Bond. Si alguno de vosotros es también lector de 007: James Bond, de espía a icono no le sorprenderá mucho, pero en 1967 Columbia Pictures lanzó una película cómica llamada Casino Royale, en la que David Niven daba viva imagen al gran agente secreto, ahora ya retirado y que se ve obligado a volver a la acción en contra de sus deseos.

La historia se basa de forma lejana en la primera novela de Ian Fleming, aunque se aleja totalmente del canon oficial del personaje fílmico; era una adaptación completamente legal y con los derechos pertinentes, pero no perteneciente al ciclo de acción que comenzó Sean Connery, para eso tendrán que pasar décadas hasta que una Casino Royale con Daniel Craig haga aparición.

Realmente esta versión de 1967 es muy olvidable, de principio a fin un producto fallido, demasiadas manos metieron, en fin, mano, y de lo que podía ser una desternillante comedia, se convierte en un montón de escenas más o menos logradas pero sin apenas química.

Como curiosidad decir que además de David Niven también estará presente Peter Sellers, aunque no fue precisamente uno de sus mejores trabajos (y él dio más de un problema) e incluso un jovencísimo Woody Allen en uno de sus papeles más excéntricos.

En la Segunda Guerra Mundial

David Niven regresó al Reino Unido para luchar contra Alemania durante la Segunda Guerra Mundial, llegando a ostentar el grado de teniente-coronel. También realizaría películas de propaganda bélica.

El padre de la Gata Negra

La Gata Negra es un conocido personaje del universo de Spider-Man, presentado en 1979 y obra de Marv Wolfman y Keith Pollard. Su padre fue un ladrón de guante blanco y en diferentes interpretaciones como la que se hace en la serie de animación Spider-Man de 1994 es evidente que bebe de David Niven en La pantera rosa.

Abandonado en medio del mar

Errol Flynn y David Niven fueron grandes amigos y en una ocasión, navegando, mientras Niven se bañaba en el mar, Flynn le dijo que tenía pensado dejarle allí y que tendría que volver a nado.

El flemático actor logró llegar sano y salvo, a pesar de que un tiburón le estuvo cercando durante un rato y casi no acertaba a poder siquiera chapotear. A pesar de esto siguieron siendo amigos.

Casablanca

El inolvidable café de Rick

Casablanca existe. No es una ficción cinematográfica. Casablanca es la mayor ciudad de Marruecos, el centro económico, comercial y el puerto principal. También es el título de una prestigiosa película estrenada en 1942, dirigida por Michael Curtiz, al que también debemos Robin de los bosques (1938) en la que Errol Flyn da vida al bandolero y estando, la que ocupa estas líneas, protagonizada por Humphrey Bogart como Rick Blaine e Ingrid Bergman como Ilsa Lund.

Una obra dramática con parte de romance que se desarrolla en la ciudad que le da título y que tiene una de las frases más reconocidas de toda la historia del cine, «Play it again, Sam» (Tócala otra vez, Sam). O no. Jamás llega a pronunciarse en ningún momento del metraje y en su lugar es «Play it once, Sam, for old times´ sake» que le dice Ilsa al pianista Sam. También puede ser la malinterpretación de otra línea de diálogo, «You played it for her, you can play it for me. If she can stand it, I can. Play it.»

No es la primera vez que el teléfono escacharrado triunfa por encima del diálogo real. Uno de los mejores ejemplos sucede en El imperio contraataca con «Luke, yo soy tu padre» de Darth Vader que en realidad es «No, yo soy tu padre». Habría muchas más, algunas producto de un error de traducción, censura, más sonoridad y en fin, la lista sería realmente larga.

Pero vamos a lo que nos interesa, hablemos de Humphrey Bogart o más bien de Rick Blaine. Siempre impecable y vestido para la ocasión, podemos verle con una gabardina y sombrero fedora (imagen icónica que se ganó el actor en El halcón maltés) o con el elegante tuxedo blanco de cintura entallada. No puede faltar un clásico de entonces y de ahora, el traje de dos piezas con camisa blanca y un pañuelo en el bolsillo.

Hay que citar además la afición del personaje por el ajedrez, una muestra de su carácter pausado (a fin de cuentas, todos van a su café y le necesitan) y organizativo pero que en realidad es una de las pasiones del intérprete. No solo era una cuestión de puro ocio, también pudo subsistir gracias a ello en sus primeros años en el cine, siendo habitual de jugar partidas en los bares apostando dinero. Según se dice era un buen contrincante y realmente difícil de ganar.

La elección de Bogart, que le ayudó a dejar atrás papeles de gangster y similar, se tornó en todo un acierto pero tuvo un pequeño percance al estar frente a frente de Ingrid Bergman. Ella era más alta que él y entonces apareció el mismo problema que tiene Tom Cruise: al ser el protagonista quedaba mal a ojos de la industria que fuera más bajito que su interés romántico (que, todo sea dicho, Ilsa está bien lejos de ser solo eso). La solución fue poner al intérprete sobre ladrillos o sentado en cojines. La magia del cine.

Ambos gozaban de un gran talento, carisma y química en la pantalla. Algo que ha sido aplaudido, al igual que su dirección, el guión y en general toda la obra en conjunto. A tal punto que es uno de los títulos más reputados de la historia, y desde 1989 es una de las películas que está preservada en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.

Daos la oportunidad de verla si no lo habéis hecho ya, será el comienzo de una hermosa amistad.

El auténtico Café de Rick

Hasta hace años el emblema de la película Casablanca era una ficción, pero desde 2004 existe en la ciudad de Casablanca, fundado por Kathy Kruger.

La irreverente comedia

A pesar de ciertos cambios y algunas fricciones entre productoras, es innegable que Una noche en Casablanca (1946) de los Hermanos Marx es una parodia de Casablanca. Muy divertida, además.

Teatro antes que cine

Jamás llegó a estrenarse pero en un origen existió una obra teatral llamada Everybody comes to Rick´s. Fue escrita por Murray Burnett y Joan Alison, mientras que el guión lo firman Julius J. Epstein, Philip G. Epstein y Howard Koch.

Cambios en el doblaje

Al estrenarse en nuestro país en plena dictadura no se dudó en alterar algunos diálogos. Así, Rick no luchó en el bando republicano de nuestra guerra civil. No era una práctica extraña que se llevaba también en otro tipo de soportes artísticos como los libros y los cómics, o directamente en más de una ocasión los materiales ni siquiera llegaban a España.

John Malkovich

Nacido para actuar

Las amistades peligrosas es una novela de 1782 escrita por Pierre Choderlos de Laclos, un libro que ha tenido un buen número de adaptaciones televisivas, teatrales y cinematográficas. Una de las más conocidas llegó a las pantallas en 1988 bajo el mismo título que el libro, con dirección de Stephen Frears y una de las producciones que se encargó de llevar a John Malkovich a la fama.

No es que fuera su primera película, llevaba ya una década en acción, pero su interpretación como el vizconde de Valmont es realmente soberbia y le valió el respeto de toda la industria. Consolidaba así una carrera que sigue en activo hoy en día con trabajos como El imperio del sol, Red, El hombre de la máscara de hierro, Quemar después de leer o la compleja a la par que interesante Cómo ser John Malkovich.

Al igual que otros actores su perfil se ha ido alternando con otras labores en la industria y, si bien George Clooney se decantó por la dirección, en su caso gana la producción. Su nombre está asociado a obras de corte indie como Juno, Las ventajas de ser un marginado o Ghost World, que adapta a la gran pantalla el cómic obra de Daniel Clowes.

Pero, y es un pero importante, este intérprete tiene otra vertiente muy importante que en general es muy desconocida. El vestuario.

Sí, John Malkovich es un amante del buen vestir, de la elegancia y del estilo, no es solo una pasión para con él mismo, realmente es algo que viene desde su etapa universitaria y que él considera básico a la hora de concebir a un personaje. En su opinión la ropa es seguramente la declaración de intenciones más importante que tiene la ficción. Es el pilar que ayuda al actor a construir su personalidad a la par que hace que de un solo vistazo el espectador pueda entrar al juego.

Todo viene del año 1971, cuando estudiaba una carrera de la que huiría, pero mientras tanto también tomaba clases de teatro y los alumnos tenían que confeccionarse sus propios trajes. Allí les enseñaron a diseñar y coser a fin de que ellos mismos pudieran salir adelante. Esto provocó que, además, antes de marcharse empezara a trabajar en los trajes de graduación de varios de sus compañeros.

Pero el tiempo ha jugado en su contra y la apretada agenda profesional que tiene como actor no le ha dejado dedicarle el espacio necesario. Ha ido haciendo sus pinitos como el vestuario de la compañía teatral Steppenwolf o su colección Uncle Kimono, de la que podéis saber más en el documental John Malkovich: Flipping Uncle Kimono de Howard Brull. Finalmente se unió al italiano Riccardo Rami para lograr sacar adelante sus sueños.

Hay que hablar de Technobohemian, su segunda línea de ropa que comenzó en 2010 y que actualmente sigue gozando de muy buena salud. En ella apuesta por lo romántico, lo discreto con un toque llamativo y, como su nombre indica, un buen toque de bohemia. Él mismo ha comentado en más de una ocasión que el estilo no tiene nada en relación con la moda y que rehúye las tendencias, citando a Oscar Wilde «Fashion is a form of ugliness so intolerable that we have to alter it every six months» y nadie puede decir que se equivocara. Esta línea también se ha llevado a zapatillas diseñadas en exclusiva para Pirelli Pzero, para quienes ya trabajó en 2005 en un cortometraje publicitario. Solo podrán adquirirse en la FlagShip Store de Pirelli de Corso Venezia en Milán.

Y si todo esto os parece poco, también podéis viajar hasta Lisboa e ir al restaurante del que es dueño (junto a otros) llamado Bica Do Sapato, en Avenida Infante Dom Henrique Armazém B, Cais da Pedra, Santa Apolónia (aviso, eso sí, que las críticas son muy dispares).

Villano de Spider-Man

En ocasiones uno se sorprende con las posibles elecciones que en Hollywood no llegan a verse en pantalla. John Malkovich fue tanteado para interpretar al Duende Verde pero él lo rechazó y finalmente llegó              a manos de Willem Dafoe.

Tiempo después varios medios se hicieron eco de la noticia de que había aceptado dar vida al Buitre en Spider-Man IV de Sam Raimi, al menos de haberse llegado a rodar. Otras informaciones daban por seguro a Ben Kingsley en el mismo papel y en la misma película. Lo cierto es que dio igual en el momento en que Sony decidió hacer borrón y cuenta nueva para iniciar otra franquicia desde cero.

De Kevin Bacon a Charlie Sheen

Uno de los personajes más recordados de Cómo ser John Malkovich es Charlie Sheen interpretando a Charlie Sheen. En un primer momento el elegido era Kevin Bacon pero hay que reconocer que los diálogos pegan mucho más en las del conocido y polémico actor, habitual de encuentros con prostitutas y grandes juergas.

Mr. Mudd

Mr. Mudd es la productora creada en 1998 entre Lianne Halfon, Russell Smith y John Malkovich, que precisamente ha sido la responsable de Ghost World, Juno y Las ventajas de ser un marginado.

En 2002 Malkovich daba vida a Mrs. Mudd, su empresa textil que ampararía la colección Uncle Kimono y la también citada Technobohemian.

100 Years

Bajo este nombre se esconde una película con guión del actor y dirigida por Robert Rodríguez, que se estrenará en el 2115 y está auspiciada por el coñac Louis XIII.

Me temo que, según lo previsto, ninguno de nosotros llegaremos a verla.

Clark Gable

Marcando tendencia

Cuando uno habla de Clark Gable es imposible que no le venga a la cabeza el personaje de Rhett Butler al que interpretó en Lo que el viento se llevó. Todo un hito en su carrera al punto de ser de sus papeles más recordados, no así el único, ya que tuvo una larga trayectoria de galán que le valió ser uno de los intérpretes más deseados en su momento.

Elegante, encantador, fumador empedernido, marcaba tendencia y era adorado tanto por hombres como por mujeres. Su cabello con raya y un poco de tupé, sus patillas perfectas y su bigote conformaban la imagen de hombre duro, tan de moda en aquel entonces, y que en parte le valió el apelativo de «el Rey»; mote que le puso su amigo Spencer Tracy (Adivina quién viene esta noche, El mundo está loco, loco, loco) y que sería popularizado por el mediático Ed Sullivan (Toast of the Town, más conocido como The Ed Sullivan Show).

Solo que en origen era bastante distinto y el galán distaba mucho de serlo. Su pasión por la actuación le llegó siendo muy joven y luchando logró su sueño, empezó a trabajar en pequeñas giras teatrales que compaginaba con otros trabajos. Viendo que en esos años tenía una dentadura terrible, hablaba con acento, tenía ademanes bruscos y no conocía a nadie en la industria, era imposible pensar lo que estaba por venir.

Fue Josephine Dillon, una actriz a la vez que directora, que se convirtió en su manager, la persona que descubrió lo que había por pulir, pasando de sucio carbón a diamante reluciente. Contrajeron matrimonio a mediados de los años veinte y ella le dio brillo hasta lograr hacer de él un hombre de oro. Le enseñó dicción, mejoró su forma de actuar y le llevó a un dentista para que le sacara todos los dientes y se los sustituyera por una dentadura postiza, creando esa encantadora sonrisa que tenía el actor (si alguien piensa que es exageración que busque fotos de Clark Gable de joven y compare).

Gracias a ella logró meter cabeza en Hollywood, llegando a firmar en 1930 un contrato con la Metro Goldwyn Mayer, y él, que era ambicioso, dispuesto a hacer lo que fuera por su carrera, decidió dejar a Dillon para casarse con la rica Rhea Franklin en 1931. No sería la última con la que contrajera nupcias.

Al poco, en 1934, logró un Oscar por su papel en Sucedió una noche de Fran Capra, con una carrera que ya no tenía freno pero que pasado el tiempo empezó a flaquear. En la década de los cincuenta siguió en el candelero gracias a éxitos comerciales como Mogambo, y mientras esperaba la gran película con la que cerraría su carrera, y que jamás llegó, seguía siendo un ejemplo de carisma y elegancia.

No era extraño verle vestido con tuxedos de corte perfecto en sus personajes, que realmente eran casi una extensión de sí mismo, haciendo que fuera uno de los pocos intérpretes de los que se sabía qué esperar. Su estilo era habitual de trajes de tres piezas con americana cruzada, lo que combinaba con pajaritas y corbatas además de con los míticos pañuelos Ascot, un complemento que deberíamos luchar por recuperar en nuestro día a día. Siguiendo las estrictas normas del momento no llevaba nada excesivo o llamativo, con preferencia por las prendas de seda y algodón. Hablamos de alguien que era el gentleman por definición.

Este estilo fue una constante en su vida hasta 1960, cuando falleció de forma inesperada. Su última película sería Vidas rebeldes (The Misfits), dirigida por John Huston con guión de Arthur Miller y siendo también el título en el que se verá por última vez a Marilyn Monroe, quien desde pequeña había visto en el actor a la figura del padre que nunca tuvo.

Cinco matrimonios

Clark Gable se casó en cinco ocasiones.

- Josephine Dillon, en 1924

- Maria «Rhea» Franklin, en 1931

- Carole Lombard, en 1939

- Sylvia Ashley, en 1949

- Kay Spreckles, en 1955

Se sabe que su época con su tercera esposa fue la más feliz de su vida, desgraciadamente con solo 33 años ella fallecería en un accidente de avión. A su muerte él fue enterrado junto a ella.

Gaditano de nacimiento

El conocido actor nació en Cádiz, aunque no nuestro Cádiz. El suyo está en el condado de Harrison, en Ohio.

Todo un Golfo

La dama y el vagabundo es una de las películas más recordadas y queridas de Walt Disney Studios, en gran medida por el carismático y seductor perro llamado Golfo (Tramp en el original). Para su creación se inspiraron en parte en la forma de ser de Clark Gable.

Cary Grant

El perfecto galán

Charada es una de esas películas que sorprende que haya personas que no la conozcan. Una divertida comedia con un maduro Cary Grant bordando igual que siempre su papel, mucho humor, un poco de sátira y una gran química con Audrey Hepburn a la que se sumaba un ingenioso guión firmado por Marc Behm y Peter Stone en base a una historia de ellos dos y la dirección de un muy acertado Stanley Donen. Una obra que sigue siendo igual de válida que entonces y que hace unos años tuvo su propio remake bajo el nombre de La verdad sobre Charlie.

Peter Joshua es un personaje adorable y divertido, tiene estilo, carisma y es encantador. Es todo lo que es Cary Grant y ¿quién no querría ser Cary Grant? Hasta él mismo, según declaró en una entrevista. Seguramente fuera verdad y nadie querría ser más él que él mismo y es que tras esa fachada latía el corazón de un hombre que lo había pasado mal, tacaño, con problemas con el alcohol, dudas sobre su sexualidad...

Según el diseñador de vestuario Orry-Kelly, que estuvo al frente de Casablanca o Con faldas y a lo loco, no había duda alguna. Fueron amigos y amantes al punto de que el sastre llegó a mantener a los dos en la época de vacas flacas. Fue cuando el futuro galán todavía se llamaba Archibald Alexander Leach, se sostenían del trabajo de Orry-Kelly, el dinero que su madre mandaba y lo que su compañero podía aportar como acompañante de señoras.

En opinión del maestro textil, Grant era el peor hombre de Hollywood a la vez que era realmente encantador. Se sabe que era de una tacañadería extrema, aunque cuando uno recaba información sobre él se encuentra con declaraciones como la de Grace Kelly, que decía que él era la mejor persona que había conocido; por otro lado el tema de su supuesta homosexualidad (o bisexualidad) ha sido desmentido por Jennifer Grant, su hija, y la madre de esta, además de por Dyan Cannon, que también estuvo casada con él y lo mismo por parte de la actriz Betsy Drake, que en una entrevista aseveró que de casados (literalmente) ellos lo hacían como conejos.

Sea de la forma que fuera y tras tantos años después de su fallecimiento, lo que sigue intocable es su figura de galán de cine, algo a lo que ayudaba su casi metro noventa de estatura con una complexión atlética. Su excelente cuidado por el vestuario llegó al punto de pedir de forma contractual elegir él mismo sus prendas en las películas, como en Atrapa a un ladrón, en que queda claro lo bien que le cae lo formal y lo informal.

Entre sus colores predilectos estaban los azules y los grises, sabiendo combinar camisas y corbatas con pañuelos y zapatos, e incluso con calcetines de cuadros o rayas. Esto último es una muestra de su preocupación por el detalle, como quedaba claro en sus gemelos o en que llegaba a mandar por escrito correcciones para sus prendas a medida e incluso llegar a devolverlas si no cumplían sus estrictas exigencias.

Siempre perfecto en todo momento. Su ropa impecable, el corte ideal, los complementos exactos y un peinado fantástico lograron que él fuera un modelo a seguir en su época e incluso hasta nuestros días, como queda evidente cuando uno se fija en George Clooney.

Su talento interpretativo fruto de horas y horas de trabajo le hizo estar a las órdenes de grandes cineastas como el nombrado Stanley Donen, Howard Hawks o Alfred Hitchcock, convirtiéndose en uno de sus actores fetiches y llegando a elogiar este sus grandes dotes artísticas.

Entonces de pronto en 1966 lo dejó todo, siendo Apartamento para tres coprotagonizada por Samantha Eggar y Jim Hutton su última película. ¿El motivo? Que en febrero de 1966 nació Jennifer Grant, su hija, lo que hizo que se decidiera a apartarse del mundo de las estrellas.

No así de la industria del cine en sí misma, siguió dentro de ella trabajando fuera de las cámaras.

No fue Superman, pero...

No hay un ápice de duda en que daba perfectamente el tipo para ser Superman y eso mismo debía pensar Christopher Reeve ya, que reconoció haber basado su interpretación de Clark Kent en la que Cary Grant hizo en La fiera de mi niña.

Mentón partido en dos

Uno de los elementos físicos más característicos que tuvo el intérprete fue su mentón partido en dos, es decir con un pequeño hoyuelo. Tan marcado lo tenía que en Charada el personaje de Audrey Hepburn no duda en preguntar «¿Cómo puedes afeitarte ahí?».

Arsénico por compasión

Una recomendación. Ved esta película que dirige Frank Capra y que se basa en la obra teatral Arsénico y encaje antiguo de Joseph Kesselring. Una de las actuaciones más divertidas de Cary Grant y, según el actor ha comentado en alguna ocasión, también fue uno de los papeles que más disfrutó hacer.

Risky Business

Camisa (sin pantalones)

Cuando Tom Cruise hizo Risky Business todavía no era Tom Cruise. Al menos no según pensamos hoy en él, todavía le quedaba camino por recorrer pero fue con esta película que todo empezó. Su primer gran papel, absoluto y total protagonista en una comedia muy pasada de rosca que le inmortalizó para siempre.

Aunque, y es un aunque muy importante, fue la cinta que finalmente supuso su despegue, hoy en día es principalmente recordada por una escena en concreto. El momento en el que el actor aparece con gafas de sol, camisa, sin pantalones y lo hace al ritmo de «Old Time Rock and Roll», canción del disco Stranger in Town de Bob Seger de 1978 y escrita por George Jackson.

De esta forma Joel Goodsen (nombre del personaje al que encarna Cruise) se convirtió en todo un icono que ha logrado pervivir al paso de los años, o al menos así ha sido en lo que se refiere a este carismático y divertido baile, sin duda lo más recordado de la película que firma Paul Brickman, siendo la tercera que guionizaba y la primera que dirigía (de un total de dos: Risky Business y Los hombres no abandonan).

Camisa, gafas de sol y calcetines blancos. Lo más sencillo es siempre lo mejor.

Lo cierto es que estamos ante una de las comedias más relevantes de la década de los ochenta, una historia que propone llevar los tópicos de humor adolescente a un punto más alto convirtiendo todo en extremos, pero que por desgracia se queda más en intencional que en otra cosa. Los temas y posibilidades están ahí, pero todo sucede en una época en la que este tipo de productos estaban bastante encorsetados, al menos en lo que al formato comercial habitual se refiere (salvo excepciones como Los Cazafantasmas, claro está).

Para lograr entender el éxito de esta película con un Tom Cruise joven que solo comenzaba a ser el actor mundialmente famoso que todos conocemos (Top Gun (Ídolos del aire) no se estrenará hasta 1986, tres años más tarde), hay que recalar por un momento en el resto de actores protagonistas. Por un lado tenemos a Joe Pantoliano que en ese momento ya tenía un nombre y que con el paso del tiempo no ha hecho sino ir a más, y al otro la bella Rebecca De Mornay en la que sería su segunda aventura cinematográfica. Aquí daba vida a Lana, una joven prostituta que monta un burdel en la casa de Joel Goodsen aprovechando que sus padres están fuera y, claro, la cosa se complicará.

Risky Business es uno de esos claros ejemplos de que a pesar de todo, y del encorsetamiento en que en más de una ocasión había que trabajar, los años ochenta eran mucho más atrevidos y arriesgados que el Hollywood de hoy en día. Una industria que antes no dudaba en lanzarse a ver qué pasaba y que hoy vive en total autocomplaciencia.

Tras este éxito el camino de Tom Cruise empezó a subir y subir, llegando hasta el día de hoy con muy buena salud, siendo todavía considerado uno de los actores más atractivos de Hollywood y todo un icono del cine de aventuras (y acción). Algunos de sus personajes más conocidos han sido Brian Flanagan en Cocktail; Charlie Babbitt en Rain Man junto a un inigualable Dustin Hoffman como su hermano; Ethan Hunt en la saga que recrea la serie televisiva Misión Imposible; el carismático Less Grosman de Tropic Thunder; y Tyler Colt en el reboot de La momia de 2017, que es la primera película del universo compartido de monstruos de Universal Pictures tras el fracaso que supuso Drácula - La leyenda jamás contada.

Un buen copazo

Si os fijáis, antes de empezar a bailar el personaje de Tom Cruise se prepara un Chivas con Coca-Cola. Personalmente me parece un horror mezclar Chivas con nada que no sea hielo, pero cuando uno es joven pues...

Por cierto, el baile fue improvisado.

Cambio de título

En un gran número de ocasiones las películas comienzan su andadura con un título que posteriormente se cambia antes de llegar a la sala y estrenarse. En el caso de Risky Business era White Boys Off the Lake.

Mil y una parodias

Lo icónico de este baile ha hecho que se haya homenajeado y parodiado un buen número de veces. Una de las más conocidas fue en la serie ALF, cuando el extraterrestre protagonista aparece con gafas de sol dándolo todo.

Otros ejemplos son La niñera, con el mayordomo Niles (Daniel Davis); la serie musical Glee, en una interpretación coral; e incluso el mismísimo Tom Cruise ha llegado a hacerlo para los MTV Movie Awards de 2010, retomando su personaje de Less Grosman de Tropic Thunder.

Diseñando Grease 2

Robert De Mora es el diseñador de vestuario de Risky Business pero entre sus trabajos también se cuenta Grease 2, olvidable secuela del genial musical que protagonizó John Travolta.

Vedla, y después quemadla.

Ocean´s Eleven

Una saga con mucha clase

Steven Soderbergh es un director que se hizo un nombre gracias a su primer trabajo, Sexo, mentiras y cintas de vídeo que se estrenó en 1989, logrando comenzar una carrera que ha sido algo desigual pero entre la que se cuentan éxitos de taquilla y público tales como Erin Brockovich, The Girlfriend Experience o la imprescindible biopic de Liberace Behind the Candelabra. Entre todos ellos destaca por su estilo y elegancia Ocean´s Eleven. Hagan juego, película que gozó de una muy buena aceptación que hizo que vinieran dos secuelas, Ocean´s Twelve (Uno más entra en juego) y Ocean´s Thirteen, que si bien son bastante dignas no tienen el toque de la primera.

La primera película presenta la clásica estructura en tres actos de los filmes de robos, con una primera introducción de los personajes (que es sin duda lo mejor), la preparación del golpe y la explicación detallada del mismo cuando se acomete. Un formato muy adecuado que luce todavía más gracias a Las Vegas y a los ingeniosos diálogos que los protagonistas (y su oponente) mantienen durante toda la trama, y es que nos encontramos ante una película de personajes en toda regla, ya que son solo ellos los que logran que nos enganchemos ante todo lo que estamos viendo.

Aunque toda la cuadrilla tiene su momento de gloria junto con unas personalidades muy concretas (igual que sus habilidades), destacan Danny Ocean (George Clooney) y Rusty (Brad Pitt) como los dos líderes del grupo. El primero de ellos es el pilar que sustenta todo, siempre perfectamente vestido con trajes negros, camisas blancas y jerseys de cuello alto, junto con ese juego de ojos tan característico del actor.

En lo que se refiere a Rusty hay que decir que es más colorido y atrevido que su amigo, cayendo en más de una ocasión en un horterismo que parece recién sacado de los setenta. Le veremos llevar desde camisas de seda brillante a trajes de lino de colores claros, con anillos y colgantes de oro, además de una envidiable musculatura que nos recuerda que el intérprete había rodado Troya no hacía mucho.

Ellos dos son los que se encargarán de buscar y engatusar al resto de miembros de esta pintoresca pandilla, siendo la introducción de todos ellos una de las mejores partes de la cinta que (lógicamente) se perderá en las secuelas al conocer de antemano con quiénes estamos tratando. En esta estupenda escena de presentación, que bebe mucho de filmes de décadas pasadas, el realizador nos va mostrando cómo es la vida de estos delincuentes de una forma totalmente atractiva y con una narrativa muy bien llevada, que logrará hacer que sintamos una gran simpatía por lo que es, dicho de forma sencilla, un hatajo de ladrones.

Pero si tenemos como protagonistas a un buen grupo de actores dando vida a carismáticos personajes, al otro lado debe estar alguien capaz de darles la réplica: Andy García. El conocido y reputado actor interpreta a Terry Benedict, el temible dueño del casino que planean robar y un villano de vodevil en toda regla. Cumple a rajatabla con muchos de los estereotipos que se esperan de él, casi pareciendo más un malvado de James Bond que otra cosa; a esto ayuda su cierta sobreactuación, trajes crema, camisas con chorreras y un bastón de madera que parece llevar únicamente por una cuestión de imagen.

Para la segunda entrega, Ocean´s Twelve, se giran las tornas y son ellos los que deben medirse con otro ladrón, quizá el mejor del mundo: François Toulour, con el francés Vincent Cassel para darle vida. Un multimillonario que vive en el más absoluto lujo y que realmente roba por el placer de hacerlo, astuto y con talento para la oculta profesión que ha elegido. Parte de esta liberación queda clara en su vestuario, siempre cómodo con lino y de impecable blanco. Imprescindible la escena en que atraviesa un campo de luz láser a ritmo de La Caution y la canción Thé à la menthe, mientras ejecuta movimientos de Capoeira (una sugerencia del propio artista).

En Ocean´s Thirteen, tercera aventura de la saga, el villano de turno será Willy Bank. Que si bien cuenta con un gran Al Pacino para enfrentarle en categoría a García y Cassel (que también hacen aparición en esta entrega), no logra lo mismo su personaje, quedándose muy por detrás él y el propio filme que peca de lo mismo que muchas terceras partes, ser planteada como una tercera parte y no como una película en sí misma que sencillamente es la tercera cuando cuentas el número de ellas.

Lo cierto es que todas ellas estaban cargadas de estilo desde el vestuario de los actores, los planos, los robos, las bellas ciudades, una excelente banda sonora y una cuidada fotografía a cargo de Peter Andrews, que realmente no es otro que el propio Steven Soderbergh en un pseudónimo habitual cuando se ocupa de este campo. Hay que verlas, dejarse llevar y disfrutarlas.

Soderbergh – Clooney

El director suele contar repetidas veces con sus actores y estos suelen aceptar, ya que es bien sabido que es un director que les deja libertad para actuar y no se entromete. Uno de los que más veces ha trabajado con él es George Clooney, que además de amigo es con él el copropietario de Section Eight Productions, estudio que fundaron en 2001 y que ha producido la muy necesaria Buenas noches, y buena suerte o Syriana.

La primera Ocean´s Eleven

En ocasiones es un dato desconocido pero Ocean´s Eleven es una película de 1960 que en nuestro país se conoció con el atractivo título de La cuadrilla de los once. Aquí los protagonistas eran un grupo de viejos compañeros que lucharon juntos en la II Guerra Mundial que más de una década después deciden robar varios casinos de Las Vegas en una sola noche.

¿Y quiénes eran los protagonistas? El Rat Pack. El estilo y el éxito estaban asegurados.

The Rat Pack

Bajo este nombre se conocen a dos grupos de amigos, o más bien el mismo en la década de los cincuenta y los sesenta. En los cincuenta se formó en torno a Humphrey Bogart y a su muerte recogió el liderazgo Frank Sinatra, siempre con los fieles Dean Martin y Sammy Davis, Jr. como compañeros y amigos inseparables.

De hecho en Ocean´s Thirteen se hace una referencia directa al cantante, cuando citan que existe un pacto ético entre los que le dieron la mano a Sinatra.

Zoolander

La moda nunca ha sido tan divertida

Derek Zoolander es un personaje que nació en 1996 de la mano del guionista Drake Sather y Ben Stiller que estaba destinado a convertirse en una leyenda. Su primera aparición fue en un corto dirigido por Russell Bates para los Fashion Awards llamado Derek Zoolander: Male Model, repetiría en 1997 con Derek Zoolander University (¡con perilla!) y posteriormente saltaría al cine.

Zoolander es una película del año 2001 protagonizada y dirigida por Ben Stiller que se ha ido convirtiendo poco a poco en una leyenda. Empezó de forma discreta para terminar siendo un producto de culto muy querido y apreciado, debido a un humor desbordante, una sátira constante y la simple intención de entretener por encima de todo lo demás.

La víctima de esta chanza fue el mundo de la moda y no se salvaba nadie. Desde los diseñadores, a la prensa y por supuesto los modelos, que precisamente eran los protagonistas de esta alocada comedia que los retrataba como poco más que simplones bienintencionados.

Se sumaba a todo esto un buen número de guiños y cameos de rostros bien conocidos, entre los que seguramente destaque el del tristemente fallecido David Bowie en una de las escenas más memorables de toda la película.

Y ya está.

Una pequeña joya cinematográfica que se volvió de forma automática en un producto de culto por su desenfado, humor ingenioso y su feroz crítica al mundo de la moda pero sin caer en la ofensa o en el insulto fácil. Ironía bien usada y una serie de personajes carismáticos hicieron que poco a poco su popularidad fuera creciendo a lo largo de los años.

A pesar de desear todos una segunda parte, que volviera Derek Zoolander, que se supiera más de él, parecía que nunca iba a pasar. Se sabía que la idea estaba, que rondada la cabeza de Ben Stiller volver a meterse en los pantalones ajustados y en la americana con lentejuelas, pero también dejó claro que solo lo haría cuando tuviera una historia a la altura de la primera.

Solo hubo que esperar tres lustros, pero Derek Zoolander volvió con una segunda parte y no lo hizo solo. A su lado regresan Will Ferrell y Owen Wilson como el malvado Mugatu y el adonis de cabellos rubios llamado Hansel, además de incorporarse Penélope Cruz como la agente Valentina de la Interpol, Benedict Cumberbatch como Todo (All), que es el nuevo icono de la moda y una casi irreconocible Kristen Wiig como la diseñadora Alexanya Atoz, demostrando de nuevo sus grandes dotes para la comedia.

Ahora, la pregunta es ¿realmente está al nivel de la primera? No, no lo está. Lo cierto es que es imposible, ya que la sorpresa ha desaparecido, conocemos el estilo de humor del que hará gala y también algunos de los cameos de peso, como el muy anunciado de Justin Bieber. No está al nivel, no podía estarlo.

Pero ni de lejos quiere decir que no vayas a estar en tu butaca riéndote desde que empiece el show, eso tenlo por seguro. No pretendas nada más, no te lo da y esperarlo es un error, solo puro delirio y comedia desternillante de principio a fin.

La sátira sigue estando presente y si en la primera parte se usaban los tópicos del mundo de la moda, ahora se lleva un paso más allá para criticar además la espiral de absurdo en el que ha caído en muchas ocasiones. Derek y Hansel, dos grandes estrellas del pasado, vuelven a entrar en el circuito solo para descubrir que nada es lo que recuerdan, ya no hay glamour y tampoco estilo, al menos no para ellos.

Solo tienen una oportunidad, y deben hacer lo que mejor saben hacer: ser superfabulosos.

De paso se aprovecha la oportunidad para hablar sobre el paso del tiempo (ese demonio malvado que nos ataca a todos), la madurez y las decisiones a las que nos enfrentamos, aunque irónicamente no siempre sean nuestras.

Todo bien envuelto con autoreferencia a la primera película, parodia de sí mismos y de nuevo contando con cameos de todo tipo.

Zoolander 2 es un puro delirio cómico de principio a fin. Preparaos para las carcajadas.

El desfile real

Como parte de la promoción de Zoolander 2 sus dos protagonistas, Ben Stiller y Owen Wilson, aparecieron de improviso desfilando en la Semana de la Moda de París. Ambos caracterizados como sus personajes y luciendo prendas de Valentino.

¿Una novela?

En el año 1998 llegó a las tiendas Glamorama, una novela satírica escrita por Bret Easton Ellis (también autor de American Psycho). Su protagonista era Victor Ward, un modelo, actor y un total It boy cuyo lema es «the better you look, the more you see». Un relato que es una picante lanza contra las celebridades, pasarelas y el consumismo.

Hay evidentes parecidos entre esta obra literaria y la película Zoolander, al punto de que se emprendieron acciones legales por plagio, que se resolvieron en un acuerdo fuera de los tribunales (que, por lo visto, incluía el hecho de que no se podían dar detalles al respecto por la partes implicadas).

Steve McQueen

La perfección de lo cool

En la película Un golpe de altura, dirigida por Brett Ratner y un reparto coral que encabeza Ben Stiller, se describe a Steve McQueen como «el tío más guay del mundo». Será el personaje de Arthur Shaw, al que da vida Alan Alda, un rico financiero que tiene en su enorme piso un coche que había pertenecido al carismático actor, que según cuentan en la ficción tuvo que ser desmontado pieza a pieza y vuelto a ensamblar para poder meterlo dentro de la vivienda.

Creo que esta es una forma perfecta de mostrar cómo todavía hoy el que fue denominado The King of Cool sigue siéndolo. Todo un icono que dejó un largo legado que se extendía mucho más que su trabajo interpretativo, pero también cargado de sombras que no siempre eran vistas por el público.

Empezamos por una infancia que fue dura desde sus principios al ser abandonado por su padre, con una madre incapaz de hacer frente a la situación y siendo enviado a vivir con su tío, que al tiempo le dio la patada y finalmente su madre decidió que lo mejor era que fuera a un reformatorio. No son los orígenes que uno se espera de una gran estrella, del que será el actor más querido y cortejado de su momento. Claro que la historia no termina aquí, se escapará de la institución y ejercerá diversos trabajos como camarero y estibador, hasta meterse en los marines. Al dejar el ejército entrará en la Actor´s Studio de Nueva York, algo que cambiará para siempre su vida.

Así el joven de Indiana empezará una ascendente carrera que incluirá grandes y conocidos títulos como La masa devoradora (1958), la clásica La gran evasión (1963) que le lanzó de forma definitiva al estrellato y estaba basada en el libro de Paul Brickhill, El Yang-Tsé en llamas (1966), Bullit (1968), El caso de Thomas Crown (1968) o El coloso en llamas (1974); llegando hasta 1980, año en el que murió, estrenando de forma póstuma dos títulos más: Cazador a sueldo y Tom Horn. Sin dejar de lado Las 24 horas de Le Mans de 1971, inspirada por la competición de mismo nombre y que él siempre consideró su diamante (a pesar de haberle costado tiempo, dinero y relaciones).

A lo largo de los años fue condensando un estilo propio tanto en su vestimenta como en su forma de ser, dando siempre una imagen de rebeldía al punto de convertirse casi en la perfecta representación de esta: se volvió todo el icono masculino del momento al punto de llegar a ser portada de la conocida revista Harper´s Bazaar.

Siempre apostó por prendas informales, como quedaba claro en las épocas estivales en las que era habitual verle con camisetas de manga corta y pantalones chinos casi siempre de tonos claros, entre los que destacaban el blanco o los grises. Algo que estaba muy lejos de las camisas tejanas que también lució, una muestra de su eclecticismo, que siempre apostaba por lo sencillo por encima de la sofisticación y, con todo, resultaba elegante.

Una de sus habituales prendas eran los cárdigans de cuello batín (servidor tiene y son una maravilla), también de pico y por supuesto una buena selección de cuellos de cisne, siendo el azul marino su color favorito para ellos. Estos últimos le gustaba llevarlos con americanas de lana, aunque casi siempre se le recuerde con una de sus queridas cazadoras Harrington, chaqueta de origen inglés que nació en 1937 de la mano de Baracuta y con el nombre de G9.

Pero si algo ha pasado a la historia como un imprescindible en su día a día fueron sus gafas de sol Persol 714, un complemento que al igual que él mismo se han convertido en todo un icono y que desde hace décadas son sinónimo de calidad y elegancia, igual que él mismo.

Por desgracia el tiempo que no ha hecho mella en el icono sí ha dejado ir entreviendo lugares oscuros de la realidad, desde su misoginia y constantes infidelidades, pasando por sus constantes preocupaciones para que nadie le hiciera sombra, en más de una ocasión malas formas con sus colegas de reparto y amoríos con sus compañeras. Una forma de vida que le pasó factura varias veces y sobre la que su propio hijo ha hablado en ocasiones, demostrando una vez más que una cosa es el mito y otra el hombre que hay debajo.

El regreso de Thomas Crown

En 1999 se estrenó una nueva versión de The Thomas Crown Affair, que mantuvo su título (en España se cambió a El secreto de Thomas Crown) y puso de protagonista a Pierce Brosnan junto con Rene Russo. A lo largo del filme hay varias referencias y homenajes a la cinta original.

El origen de las cazadoras Harrington

El motivo de cambiar de G9 a Harrington es debido a la serie televisiva Peyton Place. En dicha producción el actor Ryan O´Neal, que daba vida a Rodney Harrington, llevaba dicha prenda, así la chaqueta que los mods británicos habían adoptado como propia dio el salto al otro lado del charco.

La familia

La familia es el nombre por el que se conoció a la secta liderada por el asesino Charles Manson, responsable de entre otras de la muerte de Sharon Tate, amiga de Steve McQueen, que también estaba en la lista negra del grupo, motivo por el que decidió llevar siempre encima una pistola.

El fin…

Al final de una película aparecen las palabras «The end».

La señal de que todo ha terminado y que el público puede irse a casa. O no. De un tiempo a esta parte es habitual que algunos filmes tengan una escena postcréditos, una forma de lograr que los espectadores no se salten los nombres de las personas que han hecho posible la producción y que en ocasiones se usan también para enlazar sagas, ampliar argumentos y crear tramas que explotar en el futuro.

Todo eso y más en unos pocos minutos de metraje.

Eso mismo es lo que os voy a pedir, que tengáis una escena postcréditos al terminar de leer este libro. Que no termine todo cuando paséis la página y que podamos seguir disfrutando un poco más.

Esta es la propuesta.

Volved a revisar los nombres que aparecen en este tomo y elegís uno. Puede ser el que más os guste, el que menos, uno desconocido, uno que tengáis en la memoria… Queda a vuestra total elección.

Ahora de ese nombre que habéis elegido buscad su filmografía y poneos una película. Da igual si es mejor o peor, es solo una forma de que la experiencia sea más completa. Ved el filme, fijaos en esa persona, su estilo y en todo lo disfrutable que pueda tener la producción.

Sencillamente disfrutad.

Y si os quedáis con ganas de más, repetid el experimento.

El cine mola.

Doc Pastor

Somos lo que vestimos

Epílogo de Sergi Páez, guionista y director en la productora Vision Factory

Dicen que cualquier personaje en cualquier historia está bien desarrollado cuando el espectador/lector es capaz de definirlo sin necesidad de decir su nombre y sexo, describir su apariencia física, y evitar explicar su rol en ella.

Cuando trasladamos esto a la pantalla, sin embargo, es imperativo que a estas reglas se le añadan un atributo más: la vestimenta. Ser capaz de reconocer al personaje tan sólo por la ropa que lleva.

Porque la forma de vestir transforma un personaje en un icono.

Y es que los atuendos que escogemos para los personajes en el cine tienen un impacto social mucho más fuerte de lo que imaginamos. Vestir de una manera u otra en base a cómo ha aparecido tal actor en tal película equivale ya a un estilo y personalidad que aplicamos al extraño que nos encontramos por la calle.

Tras el estreno de Un tranvía llamado deseo todo el mundo empezó a llevar camisetas básicas para ser Marlon Brando, y las rebecas se pusieron demasiado de moda tras la Rebeca de Hitchcock. A veces olvidamos si lo jóvenes en el cine llevan la ropa que está de moda o la ropa de moda es así porque ha aparecido en la gran pantalla.

Quizá deberíamos darle una vuelta de tuerca a esto e intentar no tomarlo tan a pecho. No hace falta vestir cada día con chupa de piel y sombrero fedora para parecer interesante, ni salir a la calle con un vestido ceñido a lo Audrey para brillar por la gran ciudad.

Y no hace falta que seas un personaje de la pantalla de plata para convertirte en un icono por tu manera de vestir. Aún diría más: encontrar tu forma icónica de vestir es aquello que asentará tu personalidad en ti y los que te rodean.

Por eso creo que este libro está en buenas manos.

Llevo siendo amigo de Doc Pastor durante demasiado tiempo ya, y demasiado es poco, y tengo la suerte de verle en persona para trabajar y colaborar con él tres o cuatro (o más) veces al mes. Y lo más curioso es que siempre va vestido diferente, pero a la vez igual. Y es que él entiende de moda y lo que significa. Tiene su propio estilo. E incluso me ha tenido que dar alguna que otra lección de vez en cuando.

Y sé de lo que hablo.

Como cineasta se halla en mí ambos sentimientos: un gran afán de influir a través de mi trabajo y de sentirme influido por el trabajo de los demás. Mi personalidad es un caos, así como mi manera de vestir, que tan solo muestra su forma natural cuando se relaja.

Como muchas personas que conozco, y que curiosamente somos la desgañitada minoría, no soy capaz de ser y emperejilarme como la persona que existe en mi fuero interno durante el 100 % de mi día a día. Nos empeñamos tanto en nuestra vida en ser las personas que hemos visto a través de la pantalla por, no sé, ¿envidia? ¿anhelo? ¿ser por unos instantes quienes nos gustaría ser?

Ya no estamos hablando de que nos disfracemos de los personajes que nos gustan de las películas, sino que nos convirtamos en ellos. Estamos hablando de ir por la calle soltando un «hasta la vista, baby», o sonriendo como Harrison Ford; bailando como Mia Wallace y peinándonos como Danny Zucko; sintiéndonos superiores al vestir de Prada aunque el vestido sea prestado... Adoptamos su personalidad junto a sus gafas de sol y pañuelo al cuello, junto a sus botas y traje y corbata. ¡Qué magia tan poderosa es la ropa de un ídolo revistiendo el extraño que es uno mismo!

Esa es la maldición de enamorarte de los grandes personajes del séptimo arte convenientemente ataviados: que de repente ese amor te consume y quieres ser todos ellos a la vez.

A pesar de todo lo que he mentado, voy a ser sincero: no le hago ascos a nada de ello. Si querer ser un grande del cine y vestir como ella o él es una maldición, ¡que, por los dioses, una maldición sea! Tenéis ahora entre vuestras manos la mejor guía acerca de cómo vestir y triunfar y brillar como lo hicieron los héroes de la gran pantalla.

Y es que para ello este libro es fundamental:

fundamental

Del lat. funda + lat. tardío mentālis.

1. adj. y f. Cubierta o bolsa de tela u otro material útil que cubre la cabeza para que no se te escapen estas ideas tan importantes.

Ej. Ponerte este libro en la cabeza es fundamental, ¡tiene conceptos que no has de olvidar!

Seguro que esa es la única prenda que no aparece en este libro.

Si somos lo que vestimos, seamos quienes queramos en cada momento.

Desde que le conozco, Doc me ha hablado sobre su afán de escribir sobre cine y moda. Siempre le he relacionado con ello, como entendido asesor y versado en el tema. Tras autopublicar junto al artista Entiman Vestidos para el éxito: 35+1 series llenas de estilo, sobre televisión y moda (como ya reza el título), el impacto de esta en el cine debía seguirle pronto.

Era inevitable y yo me alegro.

Ha divulgado en estas páginas sobre personajes icónicos en el cine por su forma de engalanarse un hombre cuyo logo es reconocible por cómo viste su silueta. Creo que esta reflexión dice mucho sobre el autor y el contenido de este ensayo sobre celuloide y seda.

De Doc puedes disfrazarte por carnaval. Doc Pastor es un icono.

Bibliografía

Sin duda alguna una de las mejores cosas que tiene escribir un libro es la gran cantidad de bibliografía que se consulta. No siempre encuentra uno los datos que precisa o la anécdota que puede suscitar interés, por este motivo uno termina siempre entre enormes pilas de documentación que realmente no ha servido a los fines de la escritura.

Espero que este listado os pueda despertar curiosidad y os hagáis con alguno de estos volúmenes.

Hollywood Stories. Autor: Terenci Moix. Editorial: Lumen. Año: 1971.

Cash: The Autobiography. Autor: Johnny Cash, Patrick Carr. Editorial: Harper Collins. Año: 2003.

Pocket Cash. Autor: Jim Marshall. Editorial: Chronicle Books. Año: 2014.

007: James Bond, de espía a icono. Autor: Doc Pastor. Editorial: Dolmen Editorial. Año: 2015.

Vivien Leigh. La tragedia de Scarlet O'Hara. Autor: José Madrid. Editorial: T&B Editores. Año: 2013.

Pardon My Hearse: A Colorful Portrait of Where the Funeral and Entertainment Industries Met in Hollywood. Autor: Allan Abbott, Greg Abbott. Editorial: Craven Street Books. Año: 2015.

André de Dienes. Marilyn Monroe. Autor: Steve Crist. Editorial: Taschen. Año: 2011.

Films des années 70. Autor: Jürgen Müller. Editorial: Taschen. Año: 2003.

El Arte de John Alvin. Autor: John Alvin. Editorial: Planeta Cómic. Año: 2016.

El perfecto gentleman. Autor: Phineas Mollod, Jason Tesauro. Editorial: Debolsillo. Año: 2011.

De Perdidos a Star Wars. J.J. Abrams, un hombre y sus sueños. Autor: Juan Luis Sánchez, Luis Miguel Carmona. Editorial: Diábolo Ediciones. Año: 2015.

El Zorro: comienza la leyenda. Autor: Isabel Allende. Editorial: Plaza y Janés. Año: 2005.

Los inadaptados de Tim Burton. Autor: Javier Figuero. Editorial: Ediciones Encuentro. Año: 2012.

Regreso al futuro: la historia visual definitiva. Autor: Atamaniuk Klastorin. Editorial: Norma Editorial. Año: 2015.

El Zorro y otros justicieros de película. Autor: Pablo Mérida. Editorial: Nuer Ediciones. Año: 1997.

Tim Burton por Tim Burton. Autor: Mark Salisbury. Editorial: Alba Editorial. Año: 2006.

Quentin Tarantino: glorioso bastardo. Autor: Juan M. Corral. Editorial: Dolmen Editorial. Año: 2013.

El perfecto caballero. Autor: Robert O´Byrne, Lord Dunsby. Editorial: De Vecchi Ediciones. Año: 2012.

Steve McQueen. Autor: William Claxton. Editorial: Taschen. Año: 2004.

Recordando a Grace Kelly. Autor: Howell Conant. Editorial: Timun Mas. Año: 2011.

Hollywood en los años 30. Autor: Daniel Kothenschulte, Robert Nippoldt. Editorial: Taschen. Año: 2015.

Amazonas, guerreras en la pantalla. Autor: James Ursini. Editorial: Alberto Santos Editor. Año: 2009.

El cine clásico de Hollywood: estilo cinematográfico y modo de producción hasta 1960. Autor: David Bordwell, Janet Staiger, Kristin Thompson. Editorial: Paidos Ibérica. Año: 1997.

Women I've Undressed: The Fabulous Life and Times of a Legendary Hollywood Designer. Autor: Orry Kelly. Editorial: Allen & Unwin. Año: 2016.

Cine: Diseñadores de vestuario. Autor: Deborah Nadoolman. Editorial: Océano. Año: 2004.

Liberace: An American Boy. Autor: Darden Asbury Pyron. Editorial: The University of Chicago Press. Año: 2000.

Nadie vio Matrix. Autor: Walter Graziano. Editorial: Planeta. Año: 2010.

Elvis, corazón solitario. Autor: Javier Márquez. Editorial: Almuzara. Año: 2007.

Matrix: Machine philosophique. Autor: Alain Badiou, Elie During, Patrice Maniglier, Thomas Benatouil, Collectif. Editorial: Ellipses Marketing. Año: 2003.

The Wonderful Private World of Liberace. Autor: Liberace, Michael Segell. Editorial: Harpercollins. Año: 1986.

David Niven. Memorias. Autor: David Niven. Editorial: T&B. Año: 2013.

Para el apartado de James Bond he usado lo ya escrito en 007: James Bond, de espía a icono. Espero que sepáis disculparme, pero sencillamente me parecía que no iba a mejorar de hacer algo distinto.

Webs

http://forefashionlab.com/

http://elvispresleyshop.com/

https://vestirseporlospies.es/

http://www.porconocer.com/

http://www.garuyo.com/

http://www.bandejadeplata.com/

http://www.savilerowbespoke.com/

http://www.vogue.es/

http://www.lne.es/

http://elpais.com/

http://www.blogdecine.com/

http://www.eluniversal.com.mx/barbie

http://smoda.elpais.com/

http://www.elmundo.es/

http://www.telva.com/

http://www.antena3.com/

http://itsfashionbaaby.blogspot.com.es/

http://negrowhite.net/

http://www.pikaramagazine.com/

http://ohmydeer.net/

http://www.elconfidencial.com/

http://solobags.blogspot.com.es/

https://vestuarioescenico.wordpress.com/

http://www.hipersonica.com/

Documentales recomendados

Podéis acompañar la lectura de este libro viendo estos recomendables documentales que versan sobre cine, estilo y creación.

American Cinema

Cameraman: The Life and Work of Jack Cardiff

Diana Vreeland: la mirada educada

The September Issue

Nota: Todas las definiciones que se han usado a modo de título de cada capítulo, han sido sacadas del diccionario on-line que proporciona la RAE.

<<Al carajo con la verdad.

El estilo es más importante>>

Charles Bukowski