Parece inevitable, cuando un fenómeno masivo se apaga, es necesario dejar pasar diez o quince años para que las masas vuelvan a interesarse por el tema. En la pasada década todo lo que tenía que ver con los 70 se miraba con recelo. Vimos nacer y morir a un grupo ya legendario como Hanoi Rocks y a casi nadie le importó: su error: llegar demasiado pronto, faltaban todavía unos cuantos años para que el mundo volviese a aceptar a bandas influenciadas por Alice Cooper y New York Dolls. Tampoco quedaba demasiado bien hablar de Cheap Trick, los pobres Kiss subsistían arrinconados en el ghetto heavy, Travolta se veía obligado a rodar películas de aerobic, la música de Zeppelin se consideró una anticualla del pasado hasta casi finales de la década, Aerosmith perdieron gran parte de aquellos años humillados por la prensa y al borde de la autodestrucción… en fin, los ejemplos serían incontables. Y con la entrada en los 90, lo inimaginable, ¡todo es 70’s! El director del momento (Tarantino) se declara fan de Tony Manero y devuelve a Travolta a la cima de la industria, el Grunge recupera parte de la estética y el sonido de los 70, nadie se atreve a poner en duda la importancia histórica de Kiss, Sabbath, Zep y Aerosmith, los nuevos grupos versionean otra vez a Cheap Trick en los conciertos (Terrorvision el mes pasado en Zeleste 2 sin ir más lejos, con la clásica “Surrender”), se habla constantemente de Parliament-Funkadelic, por fin pueden encontrarse camisetas de “Starsky y Hutch” y hasta vuelve la fiebre “Star Wars”, con más juguetes, libros, cómics y la cuarta parte de la serie en el horizonte. Quienes amamos aquella inolvidable década tenemos motivos para sentirnos felices. Y entre todas estas inesperadas recuperaciones, destaca el retorno de una de las pesadillas de los cinéfilos serios y sesudos, un género que parecía muerto y enterrado pero que ha resurgido de sus cenizas con más fuerza que nunca: la Blaxploitation. Temblad fans de Wenders y Kieslowski, que los negrazos con gabardinas de cuero hasta el suelo y peinados afro de medio metro vuelven a reinar en la pantalla.

César Martín

Blaxploitation

NO ME JUDAS SATANAS!! - 255

ePub r1.0

Titivillus 08.10.2020

Título original: NO ME JUDAS SATANAS!!, publicado en Popular1 #255, enero de 1995

César Martín, 1995

Retoque de cubierta: Titivillus

Editor digital: Titivillus

ePub base r2.1

Blaxploitation

Ha sido una de las muchas sorpresas que nos ha brindado esta década y no ha surgido de una forma premeditada, sino de un modo totalmente natural. Una referencia aquí, otra referencia allá... Faith No More iniciando algunos shows del tour de “Angel Dust” con el tema central de “Shaft”, los líderes de la escena rap reivindicando aquellos viejos films en las entrevistas, una nueva generación de cineastas negros que han creado una “Blaxploitation 90’s”... y de la noche a la mañana, los inevitables homenajes, como el que le dedicaron al protagonista de “Shaft”, Richard Roundtree, en la última ceremonia de los MTV Awards, y nuevos pases televisivos en toda clase de canales (¡TVE incluida!) de las pelis más emblemáticas de aquel género que tanto nos divirtió en el pasado. Una oportunidad única para desenpolvar bandas sonoras mágicas, como las de “Superfly” y “Car Wash”, y de paso pillar al vuelo en TV pelis tan difíciles de localizar como “Black Caesar”.

BlaculaLa Blaxploitation (o “Black Exploitation”), por si alguien no está familiarizado con el tema, es la etiqueta que agrupa a toda una serie de films de principios de los 70 fabricados por negros y dirigidos a sus hermanos de raza, que sin embargo triunfaron masivamente entre todo tipo de públicos: blancos, negros, pobres, ricos, etc. Eran películas con mucha acción, buenas dosis de sexo, una estética horterísima y bandas sonoras excepcionales. Fue un fenómeno que se quemó rápido y dio lugar a unas cuantas pelis maravillosas y mucha basura. A grandes rasgos, la Blaxploitation englobaba odiseas cinematográficas de superdetectives negros masculinos (“Shaft”) y femeninos (“Cleopatra Jones”), verdaderas apologías de las drogas y la violencia (“Superfly”), locuras cargadas de humor (“Car Wash”) y terror del más kitsch que uno pueda imaginar (“Blacula”). El paso del tiempo no podía borrar ese legado tan valioso, y como os decía, no sólo vuelven a emitirse aquellos films, sino que además existe una nueva Blaxploitation adaptada a los tiempos que vivimos, me refiero a películas como “New Jack City”, “Boy N’ the Hood”, “Ricochet”, “Colors”, “Trespass”, etc. Ahora en lugar de Ron O’Neal (“Superfly”), Richard Roundtree (“Shaft”) o Tamara Dobson (“Cleopatra Jones”) tenemos a Ice-T, Ice Cube, Wesley Snipes & Co., el rap ha desplazado al soul en las bandas sonoras, y la estética va acorde con los 90, pero la esencia es la misma: violencia, sexo, tensiones raciales y, por encima de todo, el orgullo negro. Y por si eso no fuese suficiente, encima existen vínculos familiares; un ejemplo: el director de “New Jack City”, Mario Van Peebles, es hijo de Melvin Van Peebles, que escribió, dirigió y protagonizó en el 71 un film pionero de la Blaxploitation. “Sweet Sweetback’s Baadasssss Song”, la primera película que narraba la historia de un antihéroe de color: un fugitivo de la justicia que a pesar de ser negro y no hacer el bien, se ganaba la simpatía de los espectadores, tal como ocurriría poco tiempo después con “Superfly”, “Black Caesar” y otros muchos films.

La Blaxploitation nació para acabar de un plumazo con un montón de años de humillaciones cinematográficas en donde el negro siempre quedó relegado a papeles de criado o de payaso estúpido (como bien denunciarían Public Enemy en su tema “Burn, Hollywood, Burn”). Es triste recordar, por ejemplo, cómo la Reina del jazz y del blues, Billie Holiday, fue arrinconada en su debut como actriz en un papel de sirvienta de una pija blanca que no tenía ni la mitad de clase que ella. Shaft y Cleopatra Jones llegaron en plena época de Panteras Negras, movilizaciones sociales a favor de los negros e himnos como el clásico de James Brown “Say It Loud! - I’m Black and I’m Proud” (“Dilo fuerte - Soy negro y estoy orgulloso”). De pronto el negro era el héroe de la película y los blancos quedaban retratados como unos ineptos integrales. Se buscaba el impacto directo, y los propios directores de color explotaron una serie de tópicos que no beneficiaban en nada a los de su raza, poniendo en un pedestal a gangsters drogadictos, negrazos con potencia sexual sobrehumana, horteras callejeros, etc., pero, que coño, ¡yo no cambiaría eso por nada!, teniendo a camorreros como Richard Roundtree y Ron O’Neal ¿quién puede querer al cursi de Sidney Poitier?

Black CaesarExceptuando ese repentino protagonismo de los negros y la importancia que adquirieron las bandas sonoras, aquellos films no aportaron nada especialmente novedoso, de hecho la mayoría de ellos eran adaptaciones negras de films o personajes del Universo blanco: Shaft se convirtió en la respuesta de color a James Bond, ”Black Caesar“ era la versión negra del viejo film de Edward G. Robinson ”Little Caesar“, ”Dracula“ se transformó en ”Blacula“, ”Frankenstein“ pasó a ser ”Blackenstein“ e incluso a la famosa ”Dr. Jeckyll y Mr. Hyde“ le salió una réplica oscura ”Dr. Black and Mr. Hyde“. El impacto social en cambio sí que fue tremendo, y gracias a esas pelis mucha gente empezó a mirar a los negros de otra forma. Nunca hasta entonces había ocurrido nada parecido, los blancos salían de las salas de cine soñando con lucir gigantescos peinados afro que se elevasen hacia el cielo. Hasta un símbolo de la América blanca, como Elvis, perdió la cabeza con ”Shaft": tras ver el film compró inmediatamente un coche como el que conducía Roundtree en la película.

Antes de que estallase el boom de los supernegros de celuloide, unas cuantas películas abonaron el terreno para la “black invasion”, films discretitos que empezaron a sentar precedentes en la industria, como “Uptight” (1968) que contaba la historia de una pandilla de negratos separatistas, “The Learning Tree” (69), primera peli de Gordon Parks, el futuro director de “Shaft” y “Superfly” o “Putney Swope” (69) una comedia sobre un nigger que consigue hacerse cargo de una firma de abogados y mete a todos sus “hermanos” en la empresa.

El film que por fin demostró que existía un mercado potencial para el cine de negros fue “Cotton Comes to Harlem” (70), un thriller rodado en Harlem por el director de color Osie Davies, con una buena banda sonora y mucha acción. La peli estaba protagonizada por los actores Godfrey Cambridge y Raymond St. Jacques que encarnaban a dos polis negros que trabajaban a su manera y se burlaban de sus superiores blancos. Cambridge y St. Jacques repitieron en la secuela “Come Back, Charleston Blue”, estrenada un año después: una típica segunda parte sin mucho interés, en donde sus creadores se limitaron a seguir la fórmula que había llevado al éxito a la primera.

Pero el verdadero bombazo llegó con “Saft” (71), o “Las noches rojas de Harlem”, que es como la estrenaron aquí, la peli de Blaxploitation por excelencia. Si hiciésemos una lista de los personajes más carismáticos de los 70, el detective John Shaft debería ocupar un lugar de honor, bien cerca de Travis Bickle (De Niro en “Taxi Driver”), Tony Manero y “El Cowboy de Medianoche” Jon Voight, entre otros muchos. Nadie resolvía casos con tanto estilo como Shaft, era el negro más “cool” de NYC, sabía vestir, fornicaba como una bestia, se enfrentaba a quien hiciese falta, era capaz de tirar a un tío por una ventana sin dudarlo ni un momento, los polis blancos le admiraban, los malos le temían, las mujeres soñaban con revolcarse con él, era en definitiva el James Bond negro, aunque en mi ranking personal el agente 007 siempre estará por debajo de Shaft. Como bien dijo el propio Richard Roundtree en la ceremonia de los MTV Awards, “Shaft” fue el resultado de la unión perfecta entre cine y música: tres hombres hicieron de esta película algo irrepetible: el director Gordon Parks con su habilidad para mostrar la crudeza de las calles, Richard Roundtree que antes de debutar en la gran pantalla se había dedicado a lucir su presencia y su carisma ¡en pasarelas de moda!, e Isaac Hayes con esa legendaria banda sonora.

Lo menos destacable de “Shaft” era el argumento (las desventuras del detective para rescatar a la hija secuestrada de un mafioso), tenía más morbo seguir la rutina diaria del protagonista: los lugares que frecuentaba, sus relaciones con las mujeres, los polis y los malos, las artimañas para salir airoso de cada situación... La estética cutre y barata del film era una aliciente extra, John Shaft no contaba con los medios del finolis de Bond, no tenía armas secretas ni coches con dispositivos extraños, Shaft sólo podía confiar en sus puños y en su cerebro, y con eso le bastaba. Su oficina no era exactamente un palacio, Shaft se las arreglaba con una habitación pelada y un par de muebles, el lugar idóneo para ser destrozado una vez por semana, cuando algún exaltado se presentaba en el sitio con intenciones poco claras y el detective debía arreglar el asunto a hostia limpia. Todo era barato en la película, menos las ropas de Shaft (¡imposible olvidar aquella gabardina de cuero marrón!) y el Lincoln de 55.000 $ que conducía, un tipo con su reputación debla cuidar la imagen exterior.

El millón y medio de dólares que costó el film se rentabilizó rápidamente con una impresionante recaudación de siete millones tan solo en América. Y, como es lógico, las secuelas no se hicieron esperar. La segunda parte se tituló “Shaft’s Big Score” (en España “Shaft vuelve a Harlem”), dirigida también por Gordon Parks, y fue una digna continuación de la original. Parks cargó las tintas con el sexo, la violencia y el orgullo negro para intentar conseguir un mayor impacto comercial. La primera secuencia en la que interviene el superdetective le retrata por completo: vemos su habitación, la revista Ebony (la Biblia de los negros en América) sobre una mesa junto a su pistola, y en la cama El Hombre repasándose a una nena: son las tres características que le definen: la conciencia negra (Ebony), la violencia (su pistola, siempre a mano) y el poderío sexual. La película está llena de referencias raciales, podemos escuchar a Shaft pronunciando frases muy divertidas del estilo de: “Mi café solo, me gusta el negro”, y el sexo también está presente en todo momento, tiene gracia por ejemplo la secuencia en la que Shaft va a visitar a uno de los villanos, no da con él pero conoce a su fulana, y simplemente se la folla. Un film potente, quizá menos entrañable que el primero, pero también con muy buenos momentos.

Shaft in AfricaEl gran fiasco llegó con la tercera entrega, ”Shaft in Africa“ (73), una chapuza dirigida por John Guillermin, en donde todos perdieron los papeles. El planteamiento era ridículo: Shaft viaja a África para desmantelar una red de inmigrantes ilegales que son conducidos a París por unos mafiosos para ser sometidos a una disciplina de esclavos. No tenía sentido sacar a John Shaft de las calles neoyorquinas, vestirle con una penosa túnica africana y obligarle a vivir toda clase de perrerías en el desierto. Sin su gabardina de cuero, su coche y sus jerseys de cuello alto, John Shaft no era el mismo, le faltaba su glamour callejero. De todas formas, Roundtree estuvo tan brillante como de costumbre, intentando aguantar el tipo con un palo y un camello a cuestas, y por primera vez admitió la existencia de su famoso predecesor, el agente 007, concretamente en la escena en la que intenta eludir el viaje a África comentando: ”Yo no soy James Bond, soy un pobre hombre de ciudad". Ni que decir tiene, la película fue un fracaso comercial y ni siquiera se cubrieron los gastos del rodaje, pero pese a ello hubo un intento de otorgarle una segunda vida a John Shaft en el medio televisivo, con una serie que por desgracia tampoco interesó al público y tuvo que ser cancelada antes de tiempo. Un triste adiós para el detective negro mas enrollado de la historia.

Paralelamente a las andanzas de Shaft, surgió otra clase de negro supercool, el antihéroe que vivía al margen de la ley y que sin embargo fascinaba por igual al espectador. La anteriormente citada “Sweet Sweetback’s Baadasssss Song” (71) de Melvin Van Peebles, dio inicio a este subgénero. Era la tercera película de Peebles, antes había estrenado “The Story of a Three Day Pass” (67) y “The Watermelon Man” (70), esta última ya con temática racial: un hombre blanco se transforma en negro y la sociedad le margina hasta el punto de verse obligado a ingresar en una agrupación de niggers revolucionarios. La crudeza de “Sweet Sweetback’s...” casi provocó que la peli fuese clasificada X, pero al final no fue así y Peebles pudo saborear su primer éxito de taquilla, con una recaudación de 4.000.000 de dólares.

Quienes se llevaron las manos a la cabeza con “Sweet Sweetback’s...” no me imagino qué debieron pensar cuando al cabo de pocos meses, en el 72, Ron O’Neal irrumpió en las salas de cine con su bigote de chulo-putas, sus melenas, esas inconfundibles patillas y sus atuendos de camello barriobajero. “Superfly”, de Gordon Parks, glorificaba las drogas y la violencia, no era lo que se entiende por una película “políticamente correcta”, y tal vez por ello triunfó a lo grande, eclipsando al propio John Shaft, que para entonces ya empezaba a ser considerado demasiado blandengue por los consumidores de este tipo de cine. El personaje protagonista de “Superfly”, Priest, era un camello horterón que se pasaba toda la puta película golpeando gente y esnifando coca; pero, al igual que Shaft, lo hacía con estilo. Priest se libraba de sus enemigos con golpes de karate, utilizaba un enorme crucifijo que llevaba colgando del cuello para esnifar el polvo mágico, solía fumar porros en la bañera junto a su amante para, acto seguido, montarse numeritos porno dignos de ser inmortalizados en una portada de los Ohio Players, y caminaba por las calles convencido de que era el Príncipe de Harlem. Pero la vida de traficante empezaba a hartarle, y a lo largo del film vemos cómo orquesta un montaje para salir del ghetto con los bolsillos llenos de dinero sucio, ¡y lo consigue! En lugar de morir espectacularmente en las escenas finales y demostrarles así a los niños y a los adolescentes que ése no es el camino a seguir en la vida, Priest triunfa después de haber hundido en la miseria a un buen puñado de infelices que consumen la basura que él les vende. “Superfly” es para mi gusto, junto a “Shaft”, la mejor película de Blaxploitation que existe. Tiene todos los ingredientes: una banda sonora magistral, violencia sucia, sexo bastante explícito que en algún momento se acerca casi al porno suave, estética delirante y un protagonista de los que marcan época. Lástima que la cosa no terminase ahí y se empeñasen en abusar de la fórmula con la habitual segunda parte. Aunque poco conocida, existe una secuela: “Superfly TNT” (73), que dirigió el propio Ron O’Neal en Roma; un film con poca acción y un soundtrack mediocre.

En la línea de “Superfly” hay que citar “Black Caesar” (72), también titulada “The Godfather of Harlem”. Dirigida por Larry Cohen y protagonizada por el carismático Fred Williamson, la peli muestra la vertiginosa escalada de un negro buscavidas en la jungla de Harlem, y su sonada caída, con un final difícil de olvidar. Williamson huyendo de la mafia italiana por las calles, con un tiro en el vientre, y ajusticiado definitivamente por una pandilla de rateros en un callejón en ruinas. Las obligadas referencias raciales tampoco tienen desperdicio. El personaje que interpreta Williamson, Tommy Gibbs, igual que Shaft y Priest, está harto de aguantar a mamones racistas, y en uno de los mejores momentos del film le tiñe la cara con betún a un blanco y le obliga a cantar una canción de Al Jonson antes de acabar con él.

Cleopatra JonesCuando el público empezó a perder interés por los supermachos negros, las hembras tomaron el relevo, y en 1973 el mundo conoció a Cleopatra Jones. Esta mujer “bigger than life”, encarnada por la actriz Tamara Dobson, era sexy, dura, inteligente, corpulenta e imprevisible. Hacía karate, conducía un Corvette negro con su propio nombre inscrito en la matrícula (“CLEO”) y trabajaba para el departamento de narcóticos de la CIA. Los villanos se dejaban engañar por su sex-appeal y Cleopatra aprovechaba para ofrecerles en exclusiva una exhibición de su coreografía oriental, a base de puñetazos y patadas. La primera película, “Cleopatra Jones”, fue un éxito, se estrenó en un buen momento, cuando hacía falta un personaje nuevo que ofreciese algo distinto. Pero una vez más, tal como ocurrió con “Shaft” y “Superfly”, la fórmula se estiró al máximo con una segunda parte, “Cleopatra Jones and the Casino of Gold” (75), que nadie había pedido, y Cleopatra se despidió del mundo sin pena ni gloria. No era una mala película, se rodó en Hong Kong y Tamara hizo un buen trabajo, pero en el 75 la Blaxploitation ya era un género en vías de extinción y poca gente se acordaba del cine violento de negros.

Tamara Dobson no fue la única fémina que se atrevió a plantarles cara a Richard Roundtree y a Ron O’Neal, otra increíble mujer, Pam Grier, se hizo un hueco en la industria con su película “Coffy” (73), en la que se metía en la piel de una enfermera que vengaba a su pobre hermana de 11 años, condenada al infierno de la droga por culpa de los camellos de su barrio. Pam también era sexy y sabía pelear. En la secuela de “Coffy”, titulada “Foxy Brown” (74), llegaba incluso a quemar vivo a un tío y a castrar a otro. La actriz intervino además en films como “Black Mama, White Mama” (73), “Sheba Baby” (75) o “Friday Foster” (75), pero siempre será recordada por su papel de enfermera vengativa.

Los excesos de las pelis negras de acción, en lo que se refiere a la estética y la violencia (el psicodélico look de Ron O’Neal, las palizas de Roundtree...), se quedaron en nada cuando surgió un nuevo género: el terror negro. La irrepetible “Blacula” (72) demostró que, a partir de ese momento, todo estaba permitido. William Marshall, un actor de prestigio acostumbrado a intervenir en obras de Shakespeare, cayó en este bodrio atómico casi sin darse cuenta, y nos ofreció la interpretación de Drácula más demencial que se recuerda. En el film, Marshall hace el papel de un príncipe africano que visita junto a su novia al Conde Drácula en Transilvania, y una vez allí es mordido por el vampiro y condenado a arrastrarse por los siglos de los siglos transformado en Blacula. La historia prosigue en Los Ángeles, en el 72, cuando nuestro hombre despierta de su letargo e intenta encontrar a su antigua novia. Todo le sale mal a nuestro querido Blacula los taxistas le atropellan y le llaman puerco, la poli le persigue, y el pobre tiene que vagar de un lado a otro a ritmo de soul-funk. Solo disfruta realmente cuando se convierte en su alter-ego, el vampiro, y le crecen los colmillos y... ¡las patillas! (¡palabra!, cada vez que le apetece chupar un poco de sangre fresca, las patillas se le disparan hasta cubrirle media cara). Una existencia cruel que termina en suicidio, cuando Blacula se expone voluntariamente a los rayos del sol y su cuerpo se desintegra. Pese a este pequeño detalle, Blacula todavía tuvo tiempo de resucitar una vez más en la secuela “Scream, Blacula, Scream” (73), igual de divertida que la primera y con una aparición estelar de Pam Grier.

Y si la adaptación negra del mito de Drácula fue demencial, ¿qué se puede decir de lo que hicieron con Frankenstein?. “Black Frankenstein” (73), también conocida como “Blackenstein”, es un pedazo de mierda tan aberrante que merece ser recordada como algo único, un hito en la historia del cine difícil de superar. La víctima del científico loco de turno en esta ocasión es un veterano de Vietnam al que le faltan las piernas y los brazos, y el experimento hace de él un chapucero Frankenstein negro ¡con peinado afro! Lo creáis o no, el hombre que maquinó este proyecto fue Kenneth McStrickfadden, un individuo que había trabajado en el “Frankenstein” del 31, ¿cómo acabó sacándose de la manga este antológico “Blackenstein”? quién sabe, ¿la edad?, ¿las drogas?, son los eternos misterios del cine.

Otras pelis de terror que fueron pasadas por el turmix de la Blaxploitation fueron “El exorcista”, que en su versión negra se tituló “Abby” (74), aunque también se conoce como “The Blackorcist”; y “Dr. Jeckyll & Mr. Hyde” rebautizada como “Dr. Black and Mr. Hyde” (76), en la que un doctor negro consigue aclarar su piel gradualmente, pero en el proceso descubre que eso le convierte en un hombre violento (como los blancos, se supone) Films curiosos, aunque menos memorables que “Blacula” y “Blackenstein”.

Y para acabar, es imprescindible rememorar un clásico que curiosamente poca gente conoce y que lo situaría entre mis pelis favoritas de todos los tiempos. “Car Wash” (aquí titulada “Un mundo aparte”). Un film que ni cuenta con superdetectives negros, ni con camellos de Harlem, ni tiene tampoco nada que ver con el terror negro. Se trata de una comedia, pero es 100% Blaxploitation. “Car Wash” muestra la vida diaria en un lavadero de coches y el comportamiento de sus trabajadores, la mayoría de ellos negros. No hay matanzas en masa ni sexo cerdo, pero te atrapa más que muchos films de gangsters. Mientras un disc-jockey pone continuamente soul-funk 70’s (igual que en “Reservoir Dogs”; ¿se inspiró Tarantino también en este film?, es posible), contemplamos a los distintos especímenes de la raza negra que comparten los trapos y el jabón en el lavadero: un nigga separatista seguidor de las doctrinas de Malcolm X, un ligón con un impagable “afro-look” que se hace llamar El Moscardón e intenta cazar a una nena imitando el sonido de los moscardones, dos “hombres-espectáculo” que bailan claqué y sueñan con triunfar en el showbiz, una locaza gay (el gran Antonio Fargas en uno de sus mejores papeles) que acude cada mañana al trabajo maquillado como una estrella de Hollywood, un negro mayor y conformista que sólo desea hacer bien su labor y servir al hombre blanco... y lo mejor de todo, Richard Pryor en el papel del negro triunfador que vuelve envuelto en joyas y elegantes trajes al ghetto para demostrarles a sus “hermanos” cómo se llega a la cima (el Negro Supremo le llaman). Maravillosa película, una de esas rarezas que pasan desapercibidas para el gran publico, pero que algunos guardamos en nuestra videoteca como un preciado tesoro.

Atrás quedan títulos como “Trouble Man”, “Slaughter”, “Slaughter’s Big Rip-off”, “Hell up in Harlem”, “The Mack”, “The Candy Tangerine Man”, “Detroit 9.000”, “Across 110th Street”, etc. Unos más interesantes que otros, pero ninguno demasiado original; films que intentaron imitar los esquemas de “Shaft”, “Superfly” y demás, y se quedaron a medias. Menos mal que en los 90 el género ha renacido y los negrazos camorreros vuelven a imponer su ley a punta de pistola. Mantened los ojos abiertos, porque estas películas duran poco en la cartelera, pero bien valen el ticket de un cine.

BLAXPLOITATION
SOUNDTRACKS. TOP 10

1-“Superfly”: La mejor banda sonora, para mi gusto. La obra maestra de Curtis Mayfield, con canciones tan esenciales como “Pusherman” o “Freddie’s Dead”, versioneada por Fishbone en su disco “Truth and Soul”.

Saft2-“Shaft”: La más famosa, y una de las mejores también. El álbum clásico de Isaac Hayes, un doble Lp que te transporta a otro mundo. ¿Un momento favorito del soundtrack?, la primera frase que pronuncia Hayes: “Who’s the black m private dick that’s a sex machine to all the chicks? ¡Shaft!” (“¿Quién es la polla negra privada que es una máquina sexual para todas las chicas?, ¡Shaft!”), a eso se le llama ir al grano.

3-“Shaft’s Big Score”: Menos imprescindible que la anterior, claro está, pero igualmente recomendable. Isaac Hayes canta el tema “Type Thang”, y el director Gordon Parks compone tres canciones.

Shaft in Africa4-“Shaft in Africa”: Casi mejor que la propia película, con el tema “Are You Man Enough” a cargo de los Four Tops, y muy buenas piezas instrumentales.

5-“Car Wash”: Los ahora olvidadísimos Rose Royce y las Pointer Sisters se reparten los surcos con temas instrumentales y diálogos del film. Un buen doble Lp que te ayuda a rememorar la película. Además, la carpeta es también doble e incluye un divertido collage de fotos.

6-“Black Caesar”: James Brown fue el elegido para poner música a las andanzas de Fred Williamson, y se tomó el trabajo muy en serio. Si dais con el disco, no lo dudéis, es de lo mejorcito que grabó el Padrino a principios de los 70.

Slaughter’s Big Rip-off7-“Slaughter’s Big Rip-off”: Casi a la vez, Brown se encargó también de la banda sonora de la secuela de “Slaughter”. Un disco correcto con una portada impresionante: ¡el Padrino disfrazado de gangster empuñando una metralleta!

8-“Blacula”: Soul-funk potente sin muchas pretensiones. 21st Century Limited interpretan el tema central.

9-“Coffy”: Soundtrack jazzy compuesto e interpretado por Roy Ayers.

10-“Trouble Man”: Una rareza en la discografía de Marvin Gaye. Se publicó entre sus dos obras más importantes de los 70 (“What’s Goin’ On” y “Let’s Get It On”) como un trabajo experimental. La intención de Marvin era simplemente crear una música que se acoplase bien a las imágenes, no competir con los soundtracks de “Shaft” y “Superfly”. Banda sonora atmosférica destacable por ser de quien es.