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A todos los profesionales de la moda que habéis hecho posible este libro: sin vosotros no existiría

Prólogo

UN CAMINO DE SORPRESAS

El anuncio de que se hacía otra edición de este libro fue la última de las muchas sorpresas que han jalonado esta experiencia. Nunca sospeché que pudiera pasar algo así: al lanzamiento inicial del mismo le sobrevino la crisis y una serie de circunstancias personales que envolvieron la vida de la que era entonces mi jefa de prensa y la mía. Si el libro ha llegado a este punto, ha sido por el boca a oreja de los lectores que han encontrado en él una obra de referencia teórica y práctica de moda y estilo. No voy a negar que, antes de revisarlo, sentí una enorme pereza ante el temor de ir a enfrentarme, posiblemente, a un texto algo caduco por lo efímero, voluble, veloz y, muchas veces, impredecible que resulta el universo de la moda. Pero la siguiente alegría del camino fue que la parte más práctica de servicio público que el libro brindaba permanecía en su amplia mayoría vigente por la vocación inicial de su primera edición de perdurabilidad, algo que sin duda fue un reto contracorriente en el contexto de la moda, y sobre todo por estar inmersos entonces, en la inconsciencia fashionista y consumista de los tiempos de la «bonanza económica» en los que comencé la fase de documentación y entrevistas.

Éramos, pues, ajenos aún a la gravedad de la crisis que se cernía sobre nosotros, y este nuevo escenario, en los primeros momentos de la actualización, configuraba también un monstruo poliédrico de temores que me acechaba. ¿Qué quedaría de la radiografía de la moda que había trazado en la primera edición tras estos primeros años de debacle económica? La siguiente notable sorpresa fue que, lejos de encontrar una «zona cero» desde la que empezar a trazar una nueva arquitectura de la industria de la moda nacional e internacional, encontré que el «solar fashion» no estaba, ni mucho menos arrasado. Al contrario, durante estos años de crisis, la industria del lujo ha crecido más aún, ha encontrado nuevos y suculentos mercados y toda una nueva generación de multimillonarios con los que revitalizar sus cuentas de resultados. La abultada puesta al día de los astronómicos datos de este sector me mantuvo, por qué no decirlo, atónita por ser el fiel reflejo de los hábitos de consumo de una élite mundial cuyo poder adquisitivo, en estos años convulsos, se ha tambaleado más bien poco.

El desplome, que también impuso una labor minuciosa, lo evidencié en nuestra piel de toro, ya que algunos de los creadores a los que entrevisté en la primera edición ya no tenían sus firmas, trabajaban en otros menesteres relacionados —o no— con la moda, habían cerrado tiendas o habían sobrevivido a dilemas empresariales que les habían hecho atravesar momentos terribles o cruciales de supervivencia. A muchos de ellos les tuve que seguir la pista, con mayor o menor dificultad, y volver a contactar con ellos para ofrecer la información más fiel a la actualidad. Las polémicas subvenciones de la moda, de las que hablaba al final de la primera edición, han mermado y el impacto también se ha hecho notar. Por otra parte la fast fashion globalizada arrojaba unas nuevas y felices cifras que serían la envidia de sectores (como la construcción o los coches) que más habían acusado la crisis. No en vano, Amancio Ortega ostentaba ya el tercer puesto en la lista Forbes donde reinan los más ricos de nuestro planeta, lo que nos hablaba de la buena salud, y estrategia de muchas de estas firmas patrias, que, como Desigual, han sabido encontrar fuera de nuestras fronteras, un consumo que no tenían dentro, y que en otra escala, de emprendedores (El Ganso, entre otros muchos) han consolidado empresarialmente firmas que son algo más que una buena idea comercial o creativa.

Además me vi en la obligación periodística de incorporar muchas marcas de precios intermedios que para mi sorpresa habían sufrido un verdadero auge y, pese a la situación económica crítica, la oferta a la que el consumidor actual puede acceder paradójicamente se ha multiplicado y popularizado y ha abandonado ese escenario bipolar entre el lujo y low cost en el que había trabajado la primera edición. Hoy, un gran número de firmas, creadores y propuestas han encontrado un nicho intermedio de mercado que buscan la diferenciación en la estela exitosa de algunas francesas (Sandro, Majé, Zadig & Voltaire...) que se expanden con acierto por la geografía global explotando esa horquilla media de precios.

Lo que ha cambiado para todos, eso sí, ya fueran nacionales, internacionales, grandes, pequeños o medianos, ha sido la forma de comunicar sus productos y sus propuestas, y el hecho cultural, industrial y sociológico que es la moda, en definitiva. La blogosfera es una realidad tangible e inevitable que abordar (hubiera dado para un libro aparte, por lo efervescente y cambiante); de ella he recogido lo más relevante y, de nuevo, lo que tiene visos de «durabilidad» en el tiempo. El fenómeno mediático que es también su incursión en la prensa de moda es parada obligada del camino, ya que ahora los blogueros comparten front row de los desfiles con la prensa convencional, y la retroalimentación que la industria de la moda ha recibido de sus aportaciones individuales, callejeras, reales y espontáneas son un reflejo más de la pluralidad con la que se vive hoy la moda, donde el estilo es más importante que la propia moda. Paralelamente, esta industria se ha visto obligada a renovar sus estrategias de comunicación orientándolas a las redes sociales. Y el comercio online, tímido cuando concluía la primera edición, está hoy en alza, por lo que he tenido que ampliar sus plataformas. En algunos casos incluso ha superado ya a la tienda física y posibilita el acceso al consumidor a un universo de moda global que supone una nueva vuelta de tuerca a la facilidad de acceso a productos que no se encuentran físicamente cerca.

Pero quizás una de las mayores satisfacciones que he tenido al revisar el libro (por el interés profesional que con los años este tema ha generado en mí) es el hecho de que aquella tendencia de larga duración de la que hablaba Katherine Hamnett en la primera edición, la de la moda sostenible, haya sobrevivido a la crisis. De hecho, inmersos en ella como estamos, ha cobrado aún mayor sentido y se ha consolidado, precisamente por el sentido común y la humildad con los que se ha introducido en el sector en unos tiempos, los actuales, donde los hábitos de consumo se han modificado y se tiende a comprar reflexivamente, sopesando si de veras merece la pena el desembolso económico (pequeño o grande) que vamos a realizar. Lo cierto es que pocos compran todavía a golpe de pulsión de ego y vanidad (algo a lo que siempre fue contrario este libro). Y por esa recuperada conciencia de que los recursos y el dinero son limitados hay también, cada vez más, un interés por pensar en el planeta cuando valoramos nuestras elecciones de compra. Las marcas lo saben y muchas exploran vías más eco y sociales (a veces con honestidad y otras como green washes) para vender a esos nuevos consumidores conscientes.

Así que, al final de los ocho meses que han supuesto este camino de «puesta a punto», he podido constatar de nuevo, como hice en la primera edición pero de forma más tangible y real si cabe, que la moda, además de una necesidad básica, es un hecho cultural y un fenómeno sociológico que refleja fielmente los cambios que se producen en el seno de la sociedad sean del tipo que sean. Es quizás el primer sector que es sensible a ellos y el más rápido en adaptarse, y es un balcón privilegiado desde el que observar la condición humana y los hábitos de conducta que se derivan de su interactuación con el entorno. Esta actualización es muy ilustrativa de todo ello, porque los cambios introducidos reflejan cómo hemos cambiado en estos años. Esta industria, pese a su componente (hoy menor) de frivolidad y fuegos fatuos, camina, pese a quien le pese, adherida siempre, como un «parásito con glamur», a los usos (o abusos) del ser humano y a cómo este se manifiesta en sociedad. Por eso, para mí, la última de las sorpresas que me ha deparado este camino, y otra enorme satisfacción, es que la presente edición se publique en Península, un sello cuya trayectoria admiro y que, al acoger este libro en el seno de su catálogo, me hace pensar que el buen periodismo y el buen contenido, como el talento, siempre encuentra cauces por los que emerger, y que analizar al ser humano, la sociedad y su comportamiento desde las miles de perspectivas que el mundo actual ofrece hoy, siempre será motivo de interés editorial. Gracias a los lectores y editores que habéis hecho posible esta segunda edición.

Madrid, febrero de 2014

Introducción

UNA LECCIÓN DE ESTILO

«La moda pasa de moda; el estilo, nunca.»

Coco Chanel

Nos embarcamos en un viaje en busca del estilo contemporáneo, el estilo de hoy. Y lo haremos de la mano de algunos de los mejores profesionales patrios e internacionales de la moda, un itinerario panorámico del momento de la moda que vivimos, de lo que se cuece hoy en esta industria que, en definitiva, está muy conectado con la percepción del estilo. Charlando con ellos entresacaremos consejos sin fecha de caducidad, hablaremos de diseño, celebridad, arte, cine, fotografía, música, de la calle, nuevas tecnologías y de lo que caracteriza nuestros días.

La moda se nutre de eso ¡y más!, es un gran negocio, un hecho cultural, un fenómeno social, y forma parte de nuestras vidas, nos interese o no. Y pese a que este mundo sea tildado de «frívolo», que a veces lo es, todos nos vestimos cada día. No es algo tan intrascendente como lo pintan unos ni tan «superimportante» como postulan otros. Y aunque las creaciones de algunos diseñadores pretendan concienciar y hacer un mundo mejor, la moda no suele salvar vidas. Eso sí, las viste, es la expresión del momento que vivimos, de cómo nos sentimos, quiénes somos y cómo deseamos ser.

Antes de empezar este recorrido coral me preparo, me pertrecho de biografías, libros y ensayos de moda, de decenas de cintas para grabar, y llego a casa arrastrando el habitual taco de revistas internacionales como una especie de Papá Noel editorial fashion. Mi novio me mira como si me preparase para un ataque nuclear de moda, temiendo que una sobredosis me mate. Una noche antes de mi primera entrevista me asalta una duda, me levanto a leer, ¿el Vogue París?, no, el diccionario.¹ Es ineludible saber lo que dice de eso tan abstracto llamado estilo. Entre las acepciones encuentro: «modo, manera, forma de comportamiento», y también: «carácter propio que da a sus obras un artista plástico o músico». Además: «conjunto de características que individualizan la tendencia artística de una época». Acepciones que me dan pistas —comportamiento, carácter propio, individualidad— y desembocan en la que más me interesa: «gusto, elegancia o distinción de una persona o cosa». Así, una persona estilosa es «aquella que tiene estilo, gusto o elegancia», es decir, cuyo comportamiento, carácter propio e individualidad resultan atractivos. Algo inmaterial, casi inaprensible, que marca la diferencia.

En la cama le doy vueltas a este manual para encontrar un estilo propio. Me irritan los «gurús» de la moda que juzgan el estilo por lo externo y adoctrinan con que si vistes determinada prenda «tendrás estilo». El estilo va más allá de la ropa, no es una fórmula matemática sino una ecuación individual; lo idóneo es que cada uno despeje su incógnita, con un poco de ayuda si se tercia. Por eso los tres primeros capítulos están organizados por diseñadores, según su espíritu: clásico renovador o rupturista, porque a veces mis amigas me preguntan por alguno sin saber bien si sus prendas encajarán con su estilo. Hay diseñadores que andan a caballo entre un espíritu y otro, como les ocurre a sus clientas. Y al final de todos los capítulos un cuadro resumirá los puntos clave y consejos más acertados.

A partir del cuarto capítulo el paisaje cambia; el viaje se vuelve temático por aspectos concretos del estilo actual: el del nuevo hombre, los accesorios, el deporte, el estilo de los más jóvenes y de los de más edad, las joyas o la moda ecológica. Además, algunos apartados están dedicados a lo que merece la pena comprar en las tiendas de lujo, por internet, en cadenas asequibles y en tiendas de vintage. Se aborda el relevo generacional del estilo, de madres a hijas, con dos invitadas de lujo: Carolina Herrera (madre e hija). Y se explica cómo escoger lo que favorece según cada morfología. En los dos últimos capítulos se trata lo inmaterial y material del estilo, esas cualidades que hacen que una persona lo tenga, y lo que esa búsqueda de estilo reporta económicamente a la industria de la moda. Ya casi con los ojos cerrados pienso en salpicarlo de pildoritas históricas y conocimientos de moda, pinceladas de cultura, una base aconsejable sobre la que construir un criterio que ayude a pulir nuestro estilo personal y nos guíe por la información sobre moda que nos rodea; una maquinaria desplegada para seducirnos que inunda mi salón.

Humildemente creo que conviene informarnos y formarnos como consumidores; ayuda a comprar con acierto, a saber elegir, a aprender un poco más de moda, de lo que nos dicen que nos venden y lo que es en realidad, lo que trasciende y perdura, lo que se renueva, lo que siempre debería permanecer y en lo que merece la pena invertir.

Espero que este sea un viaje para disfrutar con la moda y aprender a consumirla mejor, a entender lo que hay detrás de un diseño, un creador, y con ello cribar y apreciar lo que vemos en los medios de comunicación y en las tiendas. En eso consiste el estilo. Me duermo pensando que este libro es un regalo, porque aborda la moda más allá de lo que se agota y renueva cada seis meses, cada temporada. Y sonrío al pensar que las opiniones y consejos que recoge perdurarán más que la ropa en los escaparates.

EN BUSCA DEL ESTILO CONTEMPORÁNEO

Una conferencia sobre Charles Eames,² a la que voy con una amiga, me brinda una frase que viene que ni pintada. En los años cincuenta, sin saber la que se avecinaba, Eames dijo: «Más allá de la era de la información es la era de las elecciones». Por eso, tener estilo hoy implica saber elegir, filtrar y quedarse con lo que a uno le vale, no solo con lo que nos quieren vender. A veces desearíamos que un hada madrina de la moda nos facilitara el proceso. El estilo es esa hada que nos ayudará a escoger rápido y bien, sabiendo qué consumir, lo que eres, lo que quieres proyectar y lo que te favorece. Esas variables se mezclan en un segundo en la cabeza y nos lanzan hacia una chaqueta, por ejemplo, una elección más que define algo nuestro estilo, como cualquier otro producto que adquiramos. Imaginemos que la chaqueta llega al armario. ¿Quiénes serán sus compañeras, esas prendas con las que combinarla, esas otras elecciones que hay que tener en cuenta? La visión global del contenido del armario, lo que te pones o no, lo que favorece o no, lo que tienes infrautilizado o sobreexplotado, da pistas sobre qué adquirir: lo que te favorece, usas a menudo, te hacer sentir bien o a lo que llevas años siéndole fiel.

Tener estilo implica conocerse; trata de eso, de ser uno mismo, de explotar tus cualidades y mejorar tus carencias. Espero que cada uno encuentre aquello que busca según sus gustos y se identifique con las diferentes visiones de los profesionales de la moda que más le atraigan, para aprender directamente de ellos, escuchándolos o, más bien, leyéndolos.

No hay nada más atractivo que ser uno mismo, sentirse a gusto y expresarse a través de la moda. Hoy más que nunca la moda nos habla de individualidad. Puede incluso superar el poder de la belleza física. Está claro que los hombres y mujeres que han pasado a la posteridad del estilo siempre han sido fieles a su identidad, desde lord Byron, Steve McQueen o Jude Law a Eugenia de Montijo, Jackie Kennedy o Kate Moss entre otros cientos. Han sido, y son, admirados porque su estética evoca un universo personal.

Y qué mejor para comenzar que dar la palabra a Manolo Blahnik, el más internacional de nuestros diseñadores, un caballero, un dandi y todo un señor, uno de los zapateros más famosos del mundo y, aunque a él le sonroje el apelativo, un artista. Este genio, alto, de pelo cano, tan escrupulosamente peinado y vestido como educado y culto, tiene una conversación apasionante y una visión privilegiada del estilo, la moda y su evolución, tras cuarenta años de profesión. Los actuales, prolíficos y marketinianos, le confunden, pero mantiene la misma ilusión de sus comienzos: «Ahora la palabra estilo está tan mal aplicada que no sabes qué puede ser. Antes era clara y hoy está completamente confusa, la hemos utilizado tantas veces y aplicado a “tales” personas, que para mí no quiere decir casi nada. ¡Qué pena, Brenda, decir esto yo!».

Y Manolo tiene razón, el estilo, en el pasado sinónimo de savoir faire, se utiliza hoy como herramienta de marketing para avalar productos y a personas desde firmas y medios. Su significado se ha desdibujado en la vorágine de tendencias y recomendaciones que cambian cada temporada, activando el engranaje de ventas, celebridades y modelos que nos introducen en un mundo de deseo y creación. Le pregunto sobre toda la información que aparece en las revistas: «Ha democratizado en un sentido global la moda, nos ha hecho un gran favor y facilitado esto muchísimo. Pero al mismo tiempo es un arma de cinco filos ya, ¡no dos! [bromea]. Ha desmenuzado tanto la moda que verdaderamente la gente va vestida ahora como catálogos. Todavía existen esas ciertas personas con estilo, son pequeños reductos, una minoría». Me dispongo a buscarlos.

Mientras hablamos de cómo las alfombras rojas son un supuesto escaparate del estilo, me pregunto si ciertas dosis de riesgo y confianza son ingredientes del mismo. Manolo Blahnik me saca de dudas: «Alguna cosa tiene que haber de conexión; muchas celebrities actuales tienen miedo de no hacer lo que está ahí para no parecer raras. Pero siempre surgen un par de personas que se atreven. Hay una cantante, Amy Winehouse,³ un desastre en su vida, pero que ha hecho esa transgresión fantástica, muy personal. Así que todavía no podemos decir que el estilo está muerto. Cuando el Vogue París dedica un reportaje, página tras página, a Amy, dices, bueno, todavía hay alguna persona por ahí con un poder increíble. Madonna fue la última, ahora quizás Amy pueda aguantar, si no hace estupideces [se ríe]. Ha hecho una cosa personal, como si hubiese visto una foto de Dalida⁴ con los ojos pintados, cantaba Bambino, bambino [y la entona]. O quizás de Claudia Cardinale con un postizo, o Brigitte Bardot, una de esas mujeres de los cincuenta y principios de los sesenta. Dijo ¡me encanta!, y lo hizo bien, actual. Todavía puede funcionar gente así, en ese pequeño reducto del que hablo puede entrar gente como ella». Sé lo que siente. Cuando vi a Amy por primera vez cantando en MTV, pensé: ¿de dónde ha salido este crack de mujer! (Y no es un juego de palabras.) Tras su muerte, artistas como Lana del Rey se encontrarían en esa onda de «reinvención» que señalaba Blahnik, y un paso más allá, otras como Lady Gaga.

LA MODA, EXPRESIÓN DE SU TIEMPO

Y aunque en el siguiente capítulo (y en el de los accesorios) retomaremos la conversación con Manolo Blahnik, ahora le toca el turno a otras voces, otros ámbitos (que diría Capote). En cada capítulo intervendrán diferentes profesionales para así tener una visión global del gran mosaico actual de la moda. Conecto el iPod y pongo Tears dry on their own de Amy y repaso los aspectos importantes que configuran el momento de moda que vivimos y el puzle donde encaja esa pieza del estilo.

Hoy la industria la configuran dos polos opuestos: el universo del lujo y las cadenas de moda rápida; ambos mueven gran parte del negocio. Entre ellos, firmas independientes sobreviven en una franja intermedia de precio. El gran fenómeno de la moda hoy son esas grandes cadenas que han democratizado la moda y el diseño, antes disponible solo para una élite. Son el grupo Inditex —Zara, Pull & Bear, Massimo Dutti, Bershka, Stradivarius, Oysho, Zara Home y Kiddy’s Class—, H&M, Mango, Topshop, Gap, etcétera, que han cambiado la forma de vestir y consumir moda de medio mundo inspirándose muchas veces en las tendencias que marcan las firmas de lujo con sus pasarelas internacionales, decantándola a la calle y sirviendo rápidamente a las tiendas, renovando la mercancía.

Quedo a merendar con Rubén Gómez, diseñador freelance que ha trabajado en accesorios para Loewe, Desigual o Pepe Jeans entre otros, además de diseñar para su propia firma, ahora en estado latente. Su piel pálida, bigote y melena oscura, junto a algo de su look de entonces, con chaquetón de lana, me recuerda a un progre de los setenta. Gómez es uno de los valores patrios y, como Blahnik, tiene algo de sofisticación natural que probablemente viene de la inteligencia. Dice una cosa que todo el mundo piensa, mientras apuro mi batido de chocolate y frambuesa: «La última revolución de la moda la puede abanderar un español, Amancio Ortega,⁵ por darse cuenta de que todo el mundo quiere algo así». No en vano Inditex es líder de la moda rápida y uno de los responsables de que, afortunadamente, el estilo no esté reñido con el presupuesto.

Pese a la crisis, hoy cualquiera puede tener estilo. Es más, mucha gente puede acceder a un pedacito de lujo. Este sector intenta llegar al gran público sin perder exclusividad, creando segundas líneas, más baratas, y accesorios —bolsos, zapatos, marroquinería, complementos y cosmética— con los que incitar al capricho. Y las cadenas rápidas como H&M, Mango o Topshop, etcétera, contraatacan creando novedad, colecciones especiales con diseñadores, celebrities y demás propuestas. Zara, al hilo del boom de los accesorios y complementos de la industria, creó Uterque, y Mango, Mango Touch. Hablo sobre las colecciones especiales, o capsule collections, con la joyera Helena Rohner, al lado de su tienda-taller en Madrid. Es tan honesta y luminosa como sus creaciones: «Me hace gracia que esas firmas se den cuenta de que pueden hacer prendas más caras, sofisticadas y exclusivas. Hay un hueco ahí, firmas como Vanessa Bruno, Isabel Marant, Paul & Joe, para mujeres que no quieren ir a Zara y tampoco a Gucci, o prendas de Margiela o Isabel Marant que no tienen marca visible. Se está formando un consumidor consciente y maduro que busca otras cosas». Y ese es el nicho que intentan explotar las firmas medias, y entre ellas un buen grupo de francesas: Sandro, Maje, Comptoir des Cotonniers, Les Petites, The Kooples, etcétera, están consiguiendo posicionarse bien en el mercado.

Quedo con otra mujer adorable con cara de niña, Natalia Bengoechea, una de las profesionales con más cultura de moda de este país, directora de moda y belleza de Grazia y ex directora de moda de Yo Dona y Vogue España. Hablamos del sector: «Hoy conviven todos los estilos, es un momento comercial fuerte en el que hay una inversión de moda brutal. Internet hace que todo llegue a todo el mundo muy rápido, las marcas tipo H&M y Zara renuevan constantemente sus tiendas de productos. Los diseñadores quieren hacerlo también, hay colecciones crucero, precolección⁶ y las colecciones normales. El desfile pasa a ser un fenómeno de fans. Si quieres el vestido de Chloé, lo vas a tener y recordar, porque ha salido en mil sitios. Como hay de todo, cada diseñador o firma tiene un discurso, investiga hacia un sitio. Y quieren repercusión mediática, que todo el mundo hable de ellos», dice. Eso se traduce en compras, el motor de esta industria desde tiempos ancestrales. Pero la transacción económica es casi lo único que funciona de la misma forma, aunque hoy utilicemos tarjetas y compremos a golpe de ratón.

Una característica fundamental de la moda actual (que casi todos los entrevistados resaltan) es la libertad; cada uno puede elegir cómo ir vestido, la oferta acompaña en precios y gustos. Y casi no nos asustamos por nada, por estrafalario que sea. Tenemos otra manera de vivir la moda, como recuerda entre risas el diseñador David Delfín cuando le visito una mañana de lunes: «Es una tontería, pero me acuerdo de los anuncios de televisión de El Corte Inglés hace años, siempre me hacía mucha gracia, hacía bromas con eso. Decían, con esas voces así... —pone voz seductora-televisiva con acento malagueño—: los tonos tejass, mostazass, arenass, faldas de largos no sé cuantosss [risas]. La moda estaba estipulada. Por eso me gusta tanto vivir este momento, que hayamos superado esas cosas y más. Hoy ves una propuesta de un diseñador y hay faldas, minifaldas, maxifaldas ¡y de todo! Luego, cuando varios diseñadores coinciden en algo, los medios de comunicación sacan una tendencia. Pero todo es más libre».

Esta apertura de mente y heterogeneidad de propuestas coincide también con la opinión de la diseñadora Carmen March, nueva directora creativa de Pedro del Hierro, que me recibe después de atender a Covadonga O’Shea, exdirectora de Telva. «Me encanta que todo valga. Cuando me preguntan en qué momento me hubiera gustado vivir, digo que ahora, y más siendo mujer. En los años cuarenta o sesenta mi madre y todas iban igual. Me encanta que se pueda jugar con la ropa, es superrespetable y me gusta ver gente con piercings al lado de una rancia, tomando algo en el mismo sitio. Me encanta el desorden que hay. Durante muchos años se ha considerado que la gente con estilo era muy formal, que no se le movía un pelo, todo perfecto. Una de las cosas que me gustan de ahora es que puedes ir como la baronesa Thyssen, sin peinar. ¡Me fascina!» Y esa libertad no es fruto de una noche sino de décadas, de prejuicios que han desaparecido y avances sociales: la liberación de la mujer, su incorporación al trabajo, la contracultura, los movimientos juveniles, la cultura audiovisual y hasta de la liberación gay, porque «la moda tiene que ver con lo que pasa en la sociedad», explica Natalia Bengoechea. Y se adapta a los «tiempos», en el sentido más amplio de la palabra, como comenta Consuelo Castiglioni, directora creativa de Marni, una de las firmas más deseadas hoy y que, junto a Prada, el Vogue USA ha denominado como «moda intelectual o inteligente»: «La moda es una expresión creativa personal, pero si tuviera que encontrar una conexión entre la moda y la sociedad, diría que el uso de materiales que hacen los diseñadores refleja el cambio climático del planeta. Los tejidos son cada vez menos de temporada que en el pasado, la lana y el algodón se llevan durante todo el año. Todo es global». Y no le falta razón; también hablaremos de eso. En mi cabeza resuena ese «todo es global» y pienso que si ha habido un cambio global en moda en los últimos años ha sido el del hombre, y de alguna manera lo protagonizó Hedi Slimane en Dior Homme (ahora director creativo de Saint Laurent). Le pregunté qué expresa hoy la moda del mundo en que vivimos y esta fue su respuesta: «Es un mundo bipolar con poder. Poder corporativo vs poder no jerárquico (internet). Siempre he asumido que hay que cambiar los patrones desde el interior del mundo corporativo con internet». Con él también hablaremos más en el capítulo de moda masculina.

REVIVALISMO: ¡ESTO YA LO HE VISTO!

No hay que ser experto en moda para ver que hoy conviven estilos de décadas pasadas constantemente. Es curioso que eso que dicen algunas madres, incluida la mía, de «esto lo he llevado yo de joven» (mientras ojean una revista actual), sea también una opinión compartida por los profesionales de la moda. Muchas veces los diseñadores revisan, actualizan o se inspiran en la historia de la moda. Bimba Bosé, modelo, parte activa de la firma Davidelfin y líder del grupo musical The Cabriolets, lo explica: «Creo que vivimos un momento de constante revival.⁷ Siempre tengo la sensación de que no hay novedad. Se está creando una tendencia hacia lo que se usa para trabajar y lo cotidiano siempre inspirándose en décadas pasadas que se repiten cada equis tiempo. Aunque, desde luego, se ven cosas interesantes como lo que hacía Nicolas Ghesquière en Balenciaga». Ghesquière, que en 2013 fue nombrado director creativo de Louis Vuitton, es uno de los creadores que prácticamente todos los entrevistados del libro señalan como uno de los diseñadores que mejor ha entendido, a comienzos del siglo, el pulso de la moda, junto con Miuccia Prada. En 2012 se fue de Balenciaga, después de 15 años, por desavenencias profesionales. Actualmente el joven Alexander Wang le ha sucedido con gran expectación.

Recibo un email de Eugenia de la Torriente, redactora jefe de El País Semanal, hace tiempo una de las grandes promesas del periodismo de moda español y hoy una rotunda realidad: «Sigue habiendo creación en la moda. El revivalismo es una constante, de acuerdo, pero sucede en todos los ámbitos y es consecuencia de la saturación informativa en la era digital. Lo que pasa es que hay que buscar y generar espacios para la originalidad. Siempre es más fácil volver a algo anterior que arriesgarse con algo nuevo», dice. Tendremos oportunidad de verlo.

Lo que es indiscutible es que hoy las modas no están respaldadas por movimientos sociales y culturales; si pensamos en los sesenta o setenta, vestir a la moda de entonces significaba un posicionamiento social frente a la gente más tradicional, era una rebeldía. Ese significado ha desaparecido, y llevamos de todo, incluso un pañuelo palestino, sin reparar en su significado. Esas modas más duraderas han dado paso a las tendencias, mutantes, caprichosas y fugaces. Esto me lleva a preguntarme: ¿qué estilo representaría estos años? Le pregunto por email a Ramón Fano, responsable de moda de la revista trendy Neo2, un pelirrojo sin pelos en la lengua, sabiendo que no me va a dejar indiferente: «La moda ahora sigue definiéndose por el eclecticismo, todo vale. No hay una tendencia dominante ni parece que, cuando hablemos de la primera década del 2000, vayamos a poder definirla sintéticamente. Sin embargo, podemos hablar del estilo de los años veinte, treinta, cuarenta, cincuenta, sesenta, setenta, ochenta, incluso noventa, pero, ¿años dos mil? Es una década sin nada característico; las revistas nos engañan cuando intentan incentivar las ventas con lo nuevo. Casi todo se remonta a lo ya inventado. Quizás por eso es la década del vintage,⁸ los outlets⁹ y la segunda mano, jamás han estado tan bien vistos». Muy cierto, y también nos ocuparemos de ello.

Y aunque la moda se empeñe en reinterpretarse a sí misma cada temporada, también existe innovación. Hablo de ello con Natalia Bengoechea mientras apuramos el desayuno en una ajetreada mañana: «Existe innovación en dos puntos importantes, uno en cuanto a tejidos, por la ligereza o cualidades nuevas que aportan a las prendas, y luego, en la moda ecológica. Por ahí realmente se va a innovar. Hace diez años a nadie le importaba. Y ahora casi todos los diseñadores tienen algo o quieren hacerlo. Es caro, difícil y complicado aún, pero tiene su lógica, las grandes empresas están viendo cómo no estropear más el planeta, la moda también tiene su responsabilidad con los químicos y tintes». Eugenia de la Torriente me escribe que esto caracteriza los años dos mil: «Esta década ha sido la de la toma de conciencia verde. La reflexión sobre el impacto que nuestro estilo de vida, incluido el vestir, tiene en el medio ambiente. Promover hábitos y conductas más sostenibles y justos». Y afortunadamente, así está siendo. Lo veremos. De hecho, la multinacional francesa PPR (Pinault-Printemps-Redoute), propietaria de marcas de lujo como Gucci, Balenciaga, Saint Laurent, Alexander McQueen y Puma, anunció en 2012 un plan de cinco años para reducir su impacto medioambiental y social reduciendo sus emisiones de carbono, basura y agua un 25 por ciento, y su huella de carbono en sectores vinculados al agua como los viñedos, la cosmética y los perfumes.

Y junto a estas innovaciones, pienso en una gran novedad que ha llegado a la calle, el estilismo, cuya constatación son los innumerables blogs de streetstyle de éxito que hay, como veremos. Es más superficial, no pretende hacer un mundo mejor, pero sí que lo parezcamos por fuera. Y, ahora que lo pienso, igual no es tan superficial, la religión sintoísta dice que si cuidas tu aspecto, serás mejor persona. Pues bien, el estilismo (qué prendas escogemos, cómo las combinamos, mezclamos y aderezamos con accesorios) es una profesión, los que la ejercen son los/las estilistas, presentes en cada sesión de fotos, detrás de cada shopping o bazar de las revistas y también tras la imagen de celebridades, desfiles y firmas. El estilismo es lo que nos hace ser diferentes, personalizar nuestro look, y aunque en nuestro país la gente piense que los estilistas son peluqueros, porque también los llaman así, aprender de ellos, de su sensibilidad a la hora de combinar y mezclar, también será parte de este libro.

MODA, FAMA Y CELEBRIDAD

Ante la democratización y oferta descomunal, los medios de comunicación y las firmas tratan de captar la mayor cantidad de consumidores posibles con mensajes contundentes y atractivos. Por eso los personajes públicos son a menudo utilizados por revistas como referentes y, por firmas, como recursos publicitarios. La asociación de un producto con un famoso es la forma más básica de publicidad pero también la más efectiva. Esto explica la cantidad de celebridades que invaden las páginas de las revistas de moda, ya sean de publicidad o información. Es la mejor manera de ponerle cara a la moda, junto con los diseñadores, y además algunas también han hecho sus propias propuestas, como Scarlett Johansson (con Reebok), Sienna Miller (con Pepe Jeans), Kate Moss (con Topshop o Longchamp), Chloë Sevigny (Open Ceremony), las hermanas Olsen (The Row y Elizabeth & James), Madonna, Gwen Stefani, Liz Hurley o Kylie Minogue (con H&M), o Penélope y Mónica Cruz (con Mango), ¡entre una extensísima lista!

Le pregunto al diseñador francés Christian Lacroix, con treinta años de profesión, qué le parece todo esto; es otro caballero de la moda, con un punto extravagante y modales exquisitos. La respuesta es contundente: «Este momento de culto a las celebrities y de seguir las tendencias al pie de la letra es exactamente lo contrario del estilo. Un falso glamour y estilo que malcría el gusto de la gente, como si fueran animales del zoo o el circo entrenados para ser cada vez más perfectos consumidores, gastando dinero en productos que suelen carecer de ningún tipo de gusto».

La diseñadora Miriam Ocariz, con su habitual agudeza mental, comenta algo al respecto mientras almorzamos y compartimos un vino: «La gente necesita tener referentes en los que fijarse, reflejarse, y modelos a seguir, siempre los ha habido. Lo que pasa es que antes tenías la sensación de que eran mujeres o personas que significaban bastante más que una imagen, como Lauren Bacall. No interesaban solo por cómo iban vestidas a una fiesta, si se habían operado, cortado el pelo o engordado. Había una forma de ser, un carácter más fuerte que atraía. Igual también había menos y más sólidos. Vivimos en un momento tan cambiante que las cosas se diluyen muchas veces y se quedan un poco superficiales». No solo hay más celebridades en boca de todos, sino que además hay más medios de comunicación que nunca, con lo que su presencia se multiplica.

El diseñador Rubén Gómez da una explicación bastante plausible para el fenómeno: «El exceso de celebridades solo muestra la carencia de verdaderos iconos, hay un extremo bombardeo mediático para seguir a determinadas personas, porque, en el fondo, vivimos un momento de incertidumbre. Hasta mediados de los ochenta sabíamos quiénes eran los iconos, no solo era algo estético, tenían otras connotaciones y creaban expectativa. Y aunque Kate Moss o Kirsten Dunst me parezcan muy cool o Pierre Casiraghi sea un niño superelegante y estiloso, ese bombardeo de seguir a este o aquel realmente está falto de estilo. Se crea un personaje cada diez minutos, ya no solo en las revistas, sino también en internet. No es una conducta de estilo, es el capricho de nuestra sociedad de consumo. Y las marcas se aprovechan de eso», explica.

Y lo curioso es que es vox pópuli en moda que muchos de estos iconos actuales no escogen las prendas que llevan sino que tienen asesores de imagen y estilistas tras ellos. Siempre he pensado que deberíamos admirar o detestar el gusto de estos en vez del de las celebridades. Los que no lo hacen son la excepción, ese reducto del que hablaba Manolo Blahnik. Es más, a muchos de ellos les regalan, les prestan o les pagan por llevar las prendas y accesorios con los que les fotografían por la calle y en eventos, precisamente por eso. Esa estrategia de regalar a «líderes de opinión» productos para promocionarlos se llama product placement, y su efecto está superestudiado por el marketing. La mayoría de estas celebrities no compran los vestidos con los que acuden a un evento o fiesta, la gran mayoría de las veces se los prestan, según me cuenta la diseñadora Carolina Herrera por teléfono desde Nueva York, donde lo vive de primera mano: «Están pendientes del impacto visual porque saben muy bien que no han gastado un céntimo, que son prestados y que por la noche lo devuelven. Y eso es algo que está pasando y debería cambiar un poco. No sé si pasa en Europa, aquí está pasando muchísimo. Todo se presta a las celebridades, se cree que te van a dar una gran publicidad. No sé, entonces, ¿esas niñas qué sentido de moda pueden tener si no escogen nada por sí mismas? Es una cosa que no está siendo sentida».

Eso me hace recordar la conversación con el diseñador español Fernando Lemoniez, rodeados de burros de ropa en su antiguo showroom. Con su encantadora actitud reflexiva me dijo: «Vamos tan rápido que no tenemos tiempo de pensar en nuestro estilo y conocernos. Por eso, igual a las grandes celebridades las asesoran. Pero, por muy bien que lo hagan, como uno mismo no lo hace nadie». Y de eso trata el estilo, de ser algo personal, no creérselo todo y creer más en uno mismo. Miriam Ocariz lo explica: «El mayor problema de que todo sea tan rápido y fácil es que hace que la gente no piense por sí misma. Y el estilo no quiere decir que no recibas información o referentes del exterior, sino que además tiene que haber algo en ti que te incentive a ser tú mismo. Una persona con estilo tiene que aportar su creatividad, su sello personal».

La estilista española Blanca Unzueta, con más de dos décadas y media en moda (actualmente trabaja, entre otras publicaciones, para ¡Hola!), aporta una perspectiva interesante de las carencias que a menudo tiene la información que recibimos: «En parte fomenta cultura de moda en la gente, pero también habría que inculcar un espíritu crítico. Es lo más difícil, generar mentes críticas, que filtran y van un poquito más allá. Se generan muchas malas copias de celebrities porque no hay una mente crítica detrás, confunden un look de Kate Moss —el pitillo con taconazo y un toque vintage— y se creen que es solo eso. Y ella hace una reinterpretación actual del espíritu del rock & roll de los setenta porque su alma es eso, entonces va acorde. Pero si tú no eres eso, no es cuestión de que la copies exactamente, no da el mismo resultado». Fijarte en las revistas puede dar ideas, pero «para tener estilo es fundamental conocerse físicamente: tus proporciones, puntos críticos, lo que te favorece y no, tu pelo, tu cutis, tus huesos, dónde tienes curvas, asumirte y aceptarte, al igual que tu personalidad», añade Blanca (algo que también abordaremos).

Quizás este «fenómeno celebrity» es una más de las pasiones que es capaz de generar la moda y solo estamos viviendo una fase más, o quizás es una constante en una sociedad deslumbrada con la fama. Le pregunto a Blanca al respecto: «Esa recurrencia de los medios a las celebridades todavía está por ver lo que va a generar, ha habido tal sobreexposición... Al final, hay verdaderamente muy poca gente que llega a esa excelencia, a destilar un estilo propio acorde con ellos. Y como no se puede recurrir solo a tres todo el tiempo, pues no llenan páginas, se sacan muchas más. Las revistas están necesitadas de ellas también», me explica.

¿Y cómo afecta este fenómeno al público? Quedo a cenar en un japonés abarrotado del centro con el simpar diseñador Carlos Díez y su inseparable ayudante Juanma Cabezón —que hace sus propias creaciones de camisería masculina—, para hablar de esto y mil cosas más. Carlos es un verborreico apasionante e inteligente: «Las revistas publican muchísimas fotos de celebridades para promocionar un bolso, un determinado diseñador o a ellas mismas. En realidad provoca confusión y ansiedad en el público; parece que se está sentando cátedra sobre lo que se debe y no se debe llevar, que si eres adolescente y no te puedes permitir el bolso de Paris Hilton, estás abocado al fracaso social». Juanma replica rápidamente: «En todas las décadas ha sido igual, quizás ahora es el momento de celebrities más cutres». A lo que Carlos contesta en décimas de segundo (yo les sigo con la cabeza como en un partido de tenis): «Sucedía, pero más refinadamente. Para mí los grandes iconos de la moda son aquellos en los que existe una comunión interesante entre lo que hacen, dicen y cómo visten. Hay muchos iconos baratos que no tienen nada que contar, son productos prefabricados». Y Juanma añade: «En el momento en que tienen una estilista detrás no son iconos». Carlos lo confirma: «No lo son. Además, hay una especie de culto a un prototipo de sexy que es muy parecido. Los iconos más interesantes son los que se han hecho a sí mismos, como David Bowie. Se está generando un tipo de iconos basados en el marketing y la publicidad para que las firmas ganen más dinero», afirma.

Hoy la moda es una maquinaria bien engrasada; el romanticismo de la creación convive con la lógica de la empresa, a veces en armonía y otras en un equilibrio delicado. Pero lo que queda claro es que, como afirma el veterano diseñador Antonio Alvarado: «El estilo no es seguir las tendencias o a una determinada celebrity».

APARENTAR O SER, ESA ES LA CUESTIÓN

Hay dos «apariencias» o prejuicios sobre la moda que desmienten las entrevistas que he realizado. Una, que la gente de la moda se mata de hambre. Doy fe de que casi todas estas conversaciones las he mantenido desayunando, comiendo, merendando o cenando. Y dos, que la gente de la moda nos decimos lo maravillosos que somos y, luego, nos despellejamos por la espalda. Pues bien, aunque los hay así, también hay gente frontal que dice lo que piensa. El diseñador Christian Lacroix es uno de ellos, como Blahnik, Carlos Díez, Carolina Herrera y tantos otros. Lacroix entró en el Olimpo de la moda en los desenfadados años ochenta y me dice sin tapujos qué le parece el presente: «Estamos viviendo un periodo pobre, donde solo el dinero manda y no el estilo, las ideas o la cultura. El estilo necesita un campo más fértil donde poder crecer, ideas más amplias que las de hoy, cuando la globalización y el mainstream¹⁰ son poderosos frente a la expresión personal y la alternativa de firmas independientes. No hay casi sitio para la audacia, la creatividad y la experimentación, pero la siguiente generación será reactiva a todo esto, más rica, arriesgada y fuerte, como a finales de los setenta y comienzos de los ochenta». De ella también hablaremos.

Antonio Alvarado tampoco reprime sus pensamientos y también comenzó a ser conocido en los ochenta, como Lacroix, y, como él, presenta algo de irreverencia ochentera bajo su aspecto stylish: «Ahora todo el mundo tiene acceso a todo, si no al original, a la copia. La gente incluso sacrifica cosas que no debería, como la comodidad, la alimentación o los viajes por llevar la marca y que se lo digan. Esa gente es la que no considero que tenga estilo, están más pendientes de cómo les ven que de cómo se ven, y para sentirse bien tienen que tener un reconocimiento permanente. Es un grave error; el hecho de sentirte bien, te pongas lo que te pongas, tiene que prevalecer, y no necesariamente tiene que ser lo último o una tendencia que ha salido. No te hace más guapo o feo que lleves un Prada. ¡Si no lo sabes llevar, no te va a quedar bien! Hay gente que no necesita llevar un bolso de Hermès o un reloj Cartier y lleva un bonito bolso y un reloj adecuados. Es una cuestión de individualidad, que va unida a la personalidad».

Hoy el estilo es saber utilizar los aspectos actuales de la moda —libertad, oferta, diversidad, acceso, democratización, estilismo— en tu propio beneficio, convertirlos en herramientas para vestirte como desees. Y sobre todo, hazlo por ti, para ti y de acuerdo contigo. Como bien me dijo David Delfín: «El estilo no es una cuestión de si lo compras o no, si sigues esto o lo otro; está por encima de todo esto, tiene que ver con la personalidad. Lo puedes tener yendo a la última o no, no siguiendo las tendencias o poniéndotelas todas juntas. Hay gente que tiene ese poder, coge las tendencias y por absurdas y dispares que sean dices “mira, y además lo mezcla con gracia”. El estilo tiene algo como de sinceridad, de honestidad, aunque varíes mucho, es cuando más cerca está de transmitir lo interior. La moda es una forma de mostrarnos y a la vez de ponernos caretas. Al final eres tú mismo; intensifica u oculta lo que eres». El estilo trata de ese «algo» que marca la diferencia, y ese «algo diferente» eres tú.

UNA LECCIÓN DE ESTILO

• Cada persona tiene un estilo de acuerdo con su vida, gustos y circunstancias. El estilo no es una fórmula matemática, sino una ecuación individual en la que cada uno debe despejar su incógnita. Implica algo de riesgo y tener confianza en uno mismo.

• El contenido de tu armario te ayudará a saber lo que te favorece o no, lo que no te pones o tienes sobreexplotado; fíjate en ello, porque te dará pistas sobre lo que debes y no debes comprar de nuevo. Tienes que ser fiel a lo que te favorece, lo que usas más, con lo que te sientes mejor o que no ha cambiado con el paso de los años.

• No hay nada más atractivo que ser uno mismo; sentirse a gusto y expresarse a través de la moda puede incluso superar la belleza física.

• Hoy el estilo es democrático. En los tiempos que corren, con la cantidad de oferta en todos los precios, el estilo no está reñido con el presupuesto. Todo el mundo puede tener estilo.

• Hoy vivimos la moda de forma más libre; no hay códigos tan estrictos a la hora de vestir. Cada vez se usa menos ropa estacional (demasiado abrigada o fresca) debido al cambio climático (y a las calefacciones y aires acondicionados de los trabajos y hogares).

• Existen más medios a través de los que estar informados de la moda; internet es la última gran incorporación (en style.com y fashiontv.com, entre otros muchos, se pueden ver los desfiles casi al mismo tiempo que están ocurriendo en cualquier lugar del planeta), muchas firmas hacen streaming de sus desfiles, hay revistas online, blogs de moda, egoblogs y de streetstyle que son una nueva fuentes de información e inspiración.

• Los años dos mil se caracterizan por la toma de conciencia «verde» en la moda.

• El estilismo (la elección y forma de combinar accesorios y prendas) nos ayudará a personalizar nuestro look e individualizar nuestro estilo y a reinventar nuestro armario cada temporada.

• Tener estilo no significa seguir una determinada tendencia o celebrity, sino ser fiel a uno mismo y aportar a las referencias externas la creatividad propia.

• Para tener estilo es fundamental conocerse: los puntos fuertes y las carencias; asumirse y aceptarse, igual que la propia personalidad.

• Aparentar o buscar el reconocimiento por llevar marcas es lo contrario al estilo; la personalidad debe estar por encima de la firma.

• El estilo es individualidad y ser fiel a la propia personalidad. Trata de ese «algo» que marca la diferencia, y ese «algo diferente» eres tú.

I

ESTILO CLÁSICO, DE HOY Y DE SIEMPRE

«El estilo trata sobre la sensibilidad personal, sobre entender y vestir para tu propio estilo de vida.»

Óscar de la Renta

Chequeo el email mientras me tomo el primer té de la mañana y ojeo un Harper’s Bazaar. Encuentro en mi buzón de entrada esta definición de estilo que Óscar de la Renta me manda desde Nueva York. Me parece más importante que los reclamos que cada temporada nos incitan desde revistas, webs y televisión a seguir tal tendencia, comprar el it bag,¹ los must-haves,² o parecernos a las it girls.³ Se supone que son imprescindibles para tener estilo, pero lo más imprescindible en moda es ser fiel a uno mismo, independiente a la hora de consumir y sabio al elegir. Esa sabiduría, fidelidad e independencia conforman el estilo, y lo da el conocimiento. Apuro mi té verde y me dispongo a profundizar, un día más, en mi búsqueda del estilo.

Voy a sondear a los diseñadores con espíritu clásico y a averiguar cómo se ha pasado el testigo del clasicismo de generación en generación. Hoy todo es menos forzado y más natural. Antes de salir de casa para mi primera cita me planteo aclarar qué se entiende por «clásico». Este término designa un modelo (en cualquier arte o ciencia) que establece teorías que son la base del desarrollo posterior y sigue la tradición y las reglas establecidas por la costumbre y el uso. Y en este contexto, dando un repaso somero a la cuestión, entendemos por «clásicos» aquellos que han pasado a la historia de la moda por méritos propios y han sentado las bases de la costura: Charles Frederick Worth (considerado el fundador de la alta costura, el primero en firmar sus creaciones en el interior de las prendas, el modisto como creador de pleno derecho), Mariano Fortuny (desarrolló el plisado), Christian Dior (inventó el new look), Balenciaga (sentó las bases modernas del patronaje) y Madame Vionnet (desarrolló la técnica del bies), entre otros. Pero también con este término de «clásico» encajan casas tradicionales cuyo origen data de finales de siglo XIX o principios del XX. Hermès, Burberry, Aquascutum, Asprey, Ferragamo, Bottega Veneta, Gucci, Loewe, Fendi y Louis Vuitton son algunas de ellas. También diseñadores o firmas que llegaron en los cincuenta y sesenta para vestir a la alta sociedad europea y americana, como Óscar de la Renta, Escada, Emanuel Ungaro, Max Mara, Etro y Valentino, por mencionar algunos ejemplos. En los setenta actualizaron el clasicismo, entre otros muchos, creadores como Manolo Blahnik, Bill Blass, Gianfranco Ferré, y otros hicieron furor en los ochenta adaptando la sastrería tradicional a las nuevas costumbres de yupismo femenino, como Armani o Carolina Herrera, que también forman parte del armario de los fans de lo clásico. Roberto Cavalli, Versace, Hervé Léger o Azzedine Alaïa son «clásicos» para los que explotan el lado más sexy de su indumentaria. Y terminando este rápido vistazo, entre los creadores de nueva generación que renuevan con acierto el clasicismo, encontramos a Martin Cooper en Belstaff; en Nueva York, los dúos Proenza Shoulder y Marchesa, el joven Zac Pousen, o Fausto Puglisi en Emanuel Ungaro, y en nuestra piel de toro, Carmen March, Lorenzo Caprile, Juanjo Oliva, Miguel Palacio, Fernando Lemoniez, Moisés Nieto, Alvarno, Del Pozo, Marcela Mansergas, Alfredo Villalba o Nacho Aguayo, entre otros. Me dispongo a charlar con algunos de ellos y pedir ayuda extra a otros profesionales... y a alguna clienta.

LA EDAD DE LA INOCENCIA: CÓMO ERA LA MODA Y CÓMO ES HOY

Cuando diseñadores como Valentino u Óscar de la Renta comenzaron hace medio siglo, la moda no era, ni por asomo, lo que es hoy. Los grandes modistos eran privilegio de las clases altas, un mundo reducido y elitista. Se encargaban las prendas en desfiles con selectos invitados distribuidos en pequeñas estancias y elegantes sillas, nada que ver con los actuales y mediáticos shows. Pienso en una clienta que haya vivido esa evolución, y Carmen Lomana es perfecta. Me recibe en su casa. Físicamente parece la hermana guapa, fina y elegante de Donatella Versace, y su vinculación con la alta moda viene de la infancia. Antes de empezar a charlar, le solicitan algunos de sus vestidos de Elio Berhanyer —otro clásico patrio de técnica impecable— para una exposición del Museo del Traje. «Me encanta la moda, leer, el arte y mil cosas», dice quejándose de que algunos medios siempre den una imagen frívola de ella. Su madre empezó a llevarla a desfiles de Pedro Rodríguez, Pertegaz y Balenciaga: «También nos pasaban desfiles a los niños para que eligiéramos. Al final elegían nuestras madres», dice riendo. Desde entonces ha sido testigo de los cambios que se han operado en la industria: «Ahora los desfiles son un show, es la lógica evolución de los tiempos, es un fenómeno enorme e industrial que genera mucho dinero. Detrás de cada diseñador hay un grupo muy fuerte. Antes no, era todo a muy pequeña escala. No había esta industria del perfume y del accesorio».

El negocio de la moda comenzó a evolucionar a marchas forzadas tras la aparición del prêt-à-porter en los sesenta, con perfumes, cosmética y marroquinería. Fue la primera accesibilidad a la alta moda; las clases medias también iban a la modista y compraban en comercios, almacenes o confeccionaban en casa. Más de dos décadas después, con la aparición de las cadenas de moda rápida a finales de los ochenta, se posibilita el acceso masivo a la ropa de diseño. Hoy quien disfrute de la estética clásica puede vestir a su gusto por cualquier precio: de Massimo Dutti, Zara, H&M, Topshop, Pull & Bear, Springfield, Mango, Primark, Caramelo, Blanco, Sfera o Milano, entre otros, se puede salir hecho un pincel con un coste muy razonable. Y firmas de un precio ligeramente, superior como, por ejemplo, Maje, Sandro, Forte Forte o Comptoir des Cotonniers, entre otras, siempre cuentan con prendas para integrar en un armario clásico.

Tengo una cita en el atelier de Miguel Palacio, donde trabaja en su prêt-à-porter y ropa a medida; de allí han salido creaciones como el traje de novia de Laura Ponte, amiga y clienta fiel. Actualmente diseña también colecciones para Hoss Intropia a un precio muy razonable. Me dice con entusiasmo: «Hoy es el momento con más posibilidades; me gusta mucho. Me gustaría que fuera más amplio, en todos los sentidos, pero es mejor que nunca. Hay más opciones, libertad y los mínimos condicionamientos posibles».

Las casas de costura han pasado de ser negocios familiares artesanales a conglomerados del lujo con responsables de marketing, cuentas de resultados e inversiones multimillonarias. Pero Manolo Blahnik sigue fiel a lo suyo, una excepción en la gran liga de la moda mundial: «Hago seis páginas de publicidad al año con cuatro estúpidos dibujos míos. Los pongo en revistas donde la gente me cae bien. Pienso quedarme así hasta que se acabe todo. Tengo una cierta edad, me puedo permitir crear lo que pienso que está bien, no lo que un departamento de marketing me diga que funciona en el midwest. ¡Qué horror! —dice riendo—. Hay que crecer poco a poco, sin ser muy obvio», explica. Siente cierta nostalgia, pero no es presa de ella: «Echo de menos ver una colección de veinte vestidos, poder tocarlos y apreciarlos. Es algo arcaico, pero sería estupendo recuperarlo [se ríe].⁴ Es como trabajo yo, todavía puedo permitírmelo, soy una compañía minúscula con gran proyección, no lo hago adrede, pero es así. Vendemos muchos zapatos en América, lo que nos permite hacer mis idiosincrásicas creaciones. Es el aire que respiro, si no pudiera hacerlo, me iría mañana, el dinero no lo es todo», dice, un leitmotiv que le acompaña desde sus comienzos: «Los años sesenta fueron geniales. Nadie hizo nada pensando en lo económico, en que iba a funcionar o fuera comercial, jamás. Finalmente llegaba algún dinero, era más espontáneo. No volveremos a eso. Y me encanta pensar que el tiempo que voy a estar aquí seguiré haciendo lo que me dé la gana. Hoy la democratización y el acceso a la moda me parecen estupendos, pero el business por el business ¡es un shock!».

Le comento a Silvia Alexandrowitch (una de las mejores y más veteranas periodistas de moda patria) esta reflexión de Manolo Blahnik de que la moda ha perdido algo de su «locura creativa». Dice que es cierto: «Aunque de una manera contradictoria: es el marketing quien exige que haya “locura creativa” para utilizarla como arma de comunicación y hacer más marca. Hay locura creativa, pero ya no es inocente».

LOS DIEZ MANDAMIENTOS DEL ESTILO CLÁSICO HOY

1.º No consumirás en vano. No creerás todo lo que digan los medios para lanzarte a comprar-por-comprar y arrumbarlo en el armario. Esa conducta no habla precisamente de «aciertos» estilísticos. Lo comento con Fernando Lemoniez, su ropa preciosista es imperecedera: «Para los medios lo out es lo que hace meses era in. No podemos hacer eso con la gente. ¿Lo que has comprado hace seis meses ahora no tiene validez y, si te lo pones, eres hortera? No es así. Estamos maleducando a personas que dan por hecho que leen buena información. Quien tiene estilo, compra bien y lo integra, al contrario. Ese consumo de “ahora toca esto” y “este es el bolso indispensable de la temporada”... será indispensable para quien lo escriba. Hoy hay pocas cosas indispensables, y menos en moda».

En el mismo sentido, Manolo Blahnik dice: «Tengo clientes que vienen justo cuando empieza la temporada, gente con ideas claras, cultura y seguridad. Son la gente que me gusta, jamás van a mirar un magacín o internet. No les interesa; lo compran para leerlo en el avión. Son una minoría, esos reductos de los que hablaba». Me pone un par de ejemplos: «Estuve con Maribel Verdú, dice que lleva lo que quiere, no lo que dicen los estilistas. Me encanta, eso es tener un punto de vista estilístico personal; hay pocas. Jane Birkin paseaba con un bolso de rafia barato que compraba en la playa, unas alpargatas y pantalones. ¡E iba tan elegante! La conozco desde pequeña, es fascinante, cómo se atreve, tiene un aura y... eso cuenta mucho también».

Me reúno a comer con el diseñador Juanjo Oliva, sus creaciones son tan chic y sofisticadas que podrían venderse en Nueva York. De hecho, me cuenta que conoció a Anna Wintour, directora del Vogue USA. Le pregunto en qué cree que nos educa la información de moda que vemos: «Desafortunadamente, la mayoría de las veces, en un estilo sin criterio. Debería gustarnos el discurso de una marca y sus prendas no porque nos guste la actriz que las lleva. Si te gusta ella, deberías ver sus películas, no llevar la ropa que diseña o el bolso que usa. ¿Tantos medios para que solo haya un mismo mensaje? Antes el abanico era más amplio: una actriz, una modelo o una escritora eran musas de diseñadores de verdad. Bianca Jagger era amiga de Halston⁵ y compraba su ropa, una realidad que no todo el mundo podía vivir, pero que podía comprar. Ahora sabes que no es verdad que Madonna haya diseñado una colección, ni ninguna, aunque haya elegido el tejido o tenido reuniones con diseñadores. No lo digo con rencor, el marketing ha llegado a unos niveles “tan” absolutistas».

Con él comulga Lemoniez: «La mayoría de las veces recibimos mala información de lo que es realmente la moda y tener estilo. Palabras como estilo y glamour las usan para vender las firmas y revistas. Lees “tal fiesta fue glamurosa” y no hay glamour por ninguna parte», afirma.

Hoy el estilo no está reñido con el presupuesto, aunque este puede ayudar. Y no por consumir más se tiene más estilo; es mejor comprar poco y bien. Si los medios dijeran esto, tirarían piedras contra su tejado. Hace mucho una exjefa, directora de una revista de moda, me dijo muy segura de sí misma sobre sus zapatos de Prada: «¡Nosotras estamos aquí para vender ropa!». Aluciné; como periodista mi deber es informar, ¡para «vender ropa» ya está Zara! Es una anécdota que refleja bien la filosofía de algunas revistas femeninas, más fieles a los anunciantes, que insertan publicidad, que a sus lectores. No criticarán jamás las firmas que se publicitan en sus páginas, al revés, promueven que vendan. Las inserciones de publicidad suelen ir acompañadas de apoyo «redaccional»: la obligación por parte del equipo de redacción y moda de escribir sobre ellas y sacar sus prendas en modas y bazares. Por eso hay que ser cauto ante la avalancha informativa.

«En todas partes la gente está muy presa de los medios de comunicación. Quizás en Inglaterra, donde más vivo, me doy cuenta de que todavía hay un poco de excentricidad propia y frescura, una minoría. El mercado mundial está muy condicionado», dice Manolo Blahnik.

Acudo a un salón de té donde he quedado con la estilista Isabel Ottino, con quince años de experiencia en moda. Es dueña, además, de una tienda encantadora de dulces, El Jardín del Convento, situada en la calle Cordón de Madrid. Por el camino pienso en si el mayor acceso e información nos hace consumir mejor: «Se consume peor, de la generación de nuestros padres rescataría la permanencia de las prendas. Ahora los precios son maravillosos, pero no se valoran las prendas por lo que cuestan. Antes se hacía una inversión con cabeza, en prendas buenas que incluso heredasen las hijas. Es verdad que todo era más estricto, tenías que llevar la falda por la rodilla, te definía social, cultural y económicamente. Y si no tenías la camisa o blusa de seda, eras casi una paria. Había unos códigos; si tenías dinero, tenías que tener un Mercedes, el collar de perlas y el abrigo de piel. Pero había más cabeza al consumir».

Recuerdo lo que me dijo Carmen Lomana de su infancia: «Con mucho menos acceso a la moda y menos información, todo el mundo iba muy bien; hasta la chica de servicio, cuando salía el domingo, tenía su traje y abrigo impecables. Todo el mundo tenía un fondo de armario de un buen abrigo, un buen traje, un buen vestido y unos zapatos. Igual tenías seis cosas, pero buenas. Se iba peinado, lavado y vestido con pulcritud. A veces veo estilistas y digo: ¡si dan ganas de darles un baño! —y se ríe—. Puedes vestir como quieras, pero no ir con el bajo del pantalón arrastrando», explica «bromeando» en serio.

Pero ¿a quién no le alegra el día comprar un pingo? Estamos más por esa inyección de ilusión que por mirar con lupa que lo que compramos dure (y las repercusiones que tiene en el planeta, como veremos en el capítulo de moda sostenible). Pero hay un momento para todo, me lo dijo Carmen March, que tiene algo de rebeldía aristocrática que engancha, que se ve en sus diseños, con un pie en el clasicismo y otro en la más rabiosa contemporaneidad: «El pingo me apasiona. En verano, en mis colecciones, siempre saco muchas pingueras de punto, tiene que haber de todo. Pero el pingo no siempre vale. Si vas a comprar un esmoquin o un abrigo, tiene que estar bien hecho. ¿Por qué la gente solo gasta dinero en vestidos de fiesta? Un abrigo lo usas más, y tiene que ser bueno para que dure».

2.º No olvidarás la tradición ni unos mínimos conocimientos de moda. Fernando Lemoniez me dice que sufrimos un cierto alzhéimer con la tradición: «Una palabra que no hay que temer, no quiere decir ser anticuado, para nada. Es una base técnica y de conocimientos que siempre deben estar. Es indispensable conocerlos para adaptarnos a los tiempos, las nuevas costumbres de vida: todos nos echamos a la calle a trabajar, la ropa tiene que ser funcional, duradera, pero con una base de tradición, bien hecha y con buenos tejidos». Y entre lo que estamos «olvidando» están unos mínimos conocimientos.

Me hace gracia cómo me lo contó Carmen March: «Se está perdiendo mucho espíritu de costura y los oficios. A mí me pone mala; nadie en su casa tiene idea de planchar, la gente cree que la seda no se lava, la mandan al tinte. Puedes lavarla con jabón, pero despacito, y plancharla con cuidado. No se sabe lo que tenemos entre manos cuando se compra una chaqueta. Es como de usar y tirar, no me gusta. Una prenda no es solo su aspecto, es cómo huele, cómo la sientes sobre la piel, cómo envejece, cómo se mueve, muchas cosas. Hoy solo importa el impacto visual. ¡Si te guías por eso, vas aviado!», acaba. Y justifica el apego a la tradición con todo el sentido común: «Si no sabes de dónde vienes, no tienes ni idea de a dónde vas. Me da igual que no se lleve la hombrera; si pones un poco, sienta mejor la chaqueta y la sisa no tira; igual que reforzar un escote palabra de honor para que no se caiga. No voy a sacrificar ciertas cosas por ser la más moderna», dice riendo.

Además, muchas veces se sacrifica más bien por ahorrar, como me explicó Fernando Lemoniez: «Se tiende a simplificar la técnica para que una prenda lleve menos horas de trabajo y así abaratar costes, pero intentando dar la misma apariencia. El resultado es solo visual; una prenda hecha con tiempo y dedicación no es como una de una cadena de montaje. Los patrones en la confección se adaptan a ese imperativo y la moda lo acusa». Por eso, fijarse en la construcción de las prendas y en cómo están acabadas, por dentro también, es vital.

Los tejidos son importantes, y calidad no siempre significa funcionalidad. Carmen March pone un ejemplo gracioso y real: «Las telas de verano tienen que ser frescas en la piel; estoy harta de probarme una colección de Marni monísima y luego que no respiren las telas, salgas en julio por Madrid ¡y te tengan que recoger con paleta!».

3.º No llevarás el logo por fuera, y serás discreto/a. La ola de marquismo hoy supera con creces la de los ochenta y se tira de los pelos con el estilo. Llevar el logo de una firma cara bien visible es tan démodé como la palabra misma: «Siempre me he negado, no voy a ir de mujer anuncio», dice Carmen Lomana.

Miguel Palacio dice que ir vestido de marca, y que se vea, sigue funcionando comercialmente mucho: «Pero hay cada vez menos fachada. Antes había un condicionamiento de estatus más fuerte, tenías que adaptarte al canon social. Pero ahora, afortunadamente, tiene que producirte una satisfacción a ti y valorarlo tú. Me parece más contemporánea esta actitud que eso de tener que demostrar. Es con la que me identifico y me toca vivir».

Hay también una especie de furor por saber qué prendas llevan los personajes públicos en los eventos. En la gala de los premios T de Telva le preguntaron a la infanta Elena de quién era el vestido que llevaba, refiriéndose al diseñador, y contestó que suyo. Carmen Lomana, que asiste a este tipo de eventos, lo vive en sus propias carnes: «Es lo primero que te preguntan ahora, y me parece mal y pretencioso. Hay cosas que, si sabes de moda, las identificas. Algunos periodistas son muy maleducados. En una ocasión llevaba un vestido edición limitada de Valentino, un revival hecho por el 45.º aniversario de uno del año 65 que hizo a la princesa Pignatelli (una de sus clientas favoritas) y que llevó también Grace Kelly. Llevaba además un collar antiguo de Van Cleef & Arpels de esmeraldas y rubíes. Me sentía fenomenal. Llega un periodista y me dice: “Señora, ¡qué caro es lo que lleva! ¿Cuánto le ha costado?”. No se puede ser más cutre». Y es que la moda como elemento de estatus funciona, pero es más propio de los mercados emergentes, como Rusia o Asia, donde viven el «furor logomaníaco» que Occidente sufrió en los ochenta. Alguien con estilo no siente que tiene que demostrar nada, la discreción es un valor y la personalidad está por encima de la firma.

4.º No serás una fashion victim, y adaptarás las tendencias. Converso con la diseñadora Carolina Herrera sobre Victoria Beckham, muy citada por casi todos los entrevistados como antítesis de estilo: «Es una víctima de la moda, la pobre. Antes no, mira qué cosa tan extraña, lo que provoca que las mujeres se crean su propia prensa. Empiezan a leer que están así o asao, se lo creen y pierden el estilo. Creen que deben agradar para que escriban de ellas. Se convirtió en un desastre, una caricatura de sí misma. Está demasiado estudiado todo en ella y en moda es importantísima la naturalidad, y más en los tiempos que vivimos. No hay que pretender ser algo que no eres, toma mucho tiempo y se lo roba a otras cosas». El estilo no tiene que ver con comprar firmas reconocibles, tener lo último o gastarse una fortuna, tiene que ver con educar el ojo tanto como el cerebro. Alguien que dice no haber leído un libro en su vida, y sin embargo se obsesiona tanto por su imagen, resulta, cuando menos, inquietante. Fernando Lemoniez lo corrobora: «Es un disparate de mujer, atrapada en algo forzado e irreal. Ese tipo de mujeres son esclavas de la moda».

Vicente Gallart, periodista de Vogue y GC, y uno de los creadores de nodigasiconoporfavor.com, da unas pautas al respecto: «Las personas que viven obsesionadas con su estilo no lo tienen: Victoria Beckham o Lindsay Lohan son fashion victims. El estilo implica conocerse, acoplar la moda a tu personalidad, con lo que te sientes bien y te da seguridad, y adecuarlo a la ocasión. La clave es conseguir una fórmula con la que sentirse cómodo y, de vez en cuando, sorprenderte y sorprender pero sin traicionarte. Las personas con estilo están al margen del juego de las tendencias o las utilizan a su propia manera por encima de todo. Kate Moss o Alexa Chung son un ejemplo perfecto, las interpretan y adaptan a su estilo. Hay otras, como Isabel Preysler, que no están tan conectadas con la actualidad pero tienen un estilo indiscutible. Tener tu propio estilo es mandar sobre ti, sinónimo de libertad personal, como Rosario Nadal o la diseñadora Miuccia Prada. Lo demuestras cambiando de diseñadores y firmas pero manteniendo tu estilo personal intacto», afirma.⁶

Y hablando de «intacto», hay mujeres con «posibles» que llevan un total look de una firma calcado al que han visto en el desfile. No es necesario llevarlo así. Un desfile es un espectáculo y una propuesta, ¡pero no va a misa! Como tampoco se puede seguir cada tendencia de cabeza, porque uno puede perder su sentido del estilo propio, por no decir aquella. Carmen Lomana me habla de las revistas: «Si llevas al pie de la letra lo que dicen, acabas loca, me encantan, pero hay que filtrar. Las tendencias sirven para no verte desfasada, eso no quiere decir que no lleves un vestido de hace veinte años maravilloso. Lo que más cambia son las proporciones, la belleza de una prenda depende de ellas, dos centímetros más o menos se la carga o la mejora. Con el paso del tiempo ocurre con las hombreras, los largos, anchos, lo que en un momento fue lo más, ahora te hacer sentir fuera de lugar».

5.º Matizarás, dosificarás y administrarás con sabiduría. Blanca Unzueta apunta una máxima fundamental: «El estilo tiene que ver con matizar, administrar y dosificar. Si te pones un vestido maravilloso, no puedes llevar el pelo super-puesto, bien de maquillaje, el bolso, las superjoyas, porque volvemos a lo que era el estilo en generaciones anteriores, más recargado que hoy. Hay que dosificarlo mucho, por ejemplo, la actriz Chloë Sevigny se pone un Saint Laurent de los setenta o cosas más cincuentonas (una época más rancia) pero con un botín, ese pelito natural, maquillada que no lo parece y matiza todo eso, lo equilibra y lo hace actual». Y contra lo que mucha gente piense, una persona con estilo no puede pretender seducir a todo el mundo: «Un problema de las estrellas de Hollywood es que están muy condicionadas a seducir a las masas, porque favorece su caché. Por eso son tan convencionales, se quedan en ese punto de guapísimas y glamurosas pero aburren que matan. La gente con estilo se viste para sí misma, y si hacen alguna concesión es, como dicen los ingleses, a los que están in the know, los que están en su onda», explica.

Y, sintiéndolo mucho, sale de nuevo Vicky Beckham a colación: «Es la antítesis del estilo, desde la inseguridad no nace el estilo, chirría por todos lados. Es el paradigma de la mujer que consigue que todo ese exceso de esfuerzo y presupuesto no sirva para nada. Jane Birkin es lo contrario, con un pantalón y un jersey masculino no necesita más. Al final, lo importante es la persona, no lo que lleva, sino una manera de hablar, moverte, expresarte, mirar, con eso tiras millas. Lo primero que te viste es tu actitud, tu alma, lo que transmites desde dentro, lo otro es un aditamento que ayuda a definirlo externamente, una manera de expresarte», comenta Blanca.

Y esto de no matizar, ni dosificar ni administrar se ve con frecuencia en artistas latinos o en la MTV: «Ese punto flamboyant⁷o fashy ⁸ de epatar por epatar», comenta Blanca: «Claro que son guapísimas ¡y sexys! Pero el estilo consiste en matizar, frente a la tentación de no renunciar a nada, y hay que saber renunciar, es lo que lo hace actual», explica. La naturalidad es un valor, que nada se vea demasiado forzado, incluso cuando ha llevado cierto esfuerzo. El estilista Hugo Lavín, director de moda de Varón Magazine, lo recalca: «Veo gente por la calle con tal amalgama de cosas... En plan; “todo lo que sé y lo que he adquirido me sale por los poros de mi piel y lo llevo colgado sobre mi percha”. Y no, el estilo es effortless»,⁹ dice vehementemente. Recargarse demasiado, a no ser que se tenga el don para el exceso de Carine Roitfeld,¹⁰ Diana Vreeland,¹¹ Isabella Blow,¹² Daphne Guinness,¹³ Anna dello Russo¹⁴ o Anna Piaggi,¹⁵ suele estar reñido con un estilo actual.

6.º No copiarás. Un mandamiento que es aplicable a personas y cosas. Carmen March saca el tema: «La gente con estilo va por libre. Los que más estilo tienen son los que menos copian a los demás. Cuando dices que una persona tiene estilo, es que tiene un toque personal, un aspecto, unos gustos, una manera de hacer, de presentarse a los demás y de verse a sí misma. Tiene mucho que ver con la individualidad, es alguien al que acaban copiando otros. Muchas veces está fuera de la tendencia del momento. Es gente independiente. Tiene que ver con la personalidad e independencia de criterio más que con la ropa», explica.

La estilista Blanca Unzueta coincide con Carmen: «Tiene que ser algo que salga de dentro a pesar de todas las referencias externas que consciente o inconscientemente vas asimilando, asumiendo y destilando. Tiene que estar muy pegado a tu personalidad. Puedes tomar cosas e individualizarlas de acuerdo contigo, pero no copiar literalmente. Es una falta de personalidad que se traduce en falta de estilo». Y volviendo al ejemplo de Kate Moss, ella reinventó el look de las groupies de los setenta, como Anita Pallenberg o Marianne Faithfull, porque ella es una groupie del 2000. Igual que Amy Winehouse actualizó el look de las divas del soul de los cincuenta (como de otra forma lo ha hecho la cantante Lana del Rey, protagonista de la campaña otoño/invierno 2012 de la firma H&M, o Alexa Chung con los sesenta británicos) porque realmente tenía el espíritu torturado de Billie Holiday. No son copias literales de nadie aunque tengan sus referencias como cualquiera, ahí radica su acierto.

Pero hay otras copias en la moda que resultan igual de torpes y carentes de estilo, las de los productos. Manolo Blahnik advierte de ello: «Ahora los medios de comunicación, entre ellos internet, tendrán que tener mucho cuidado por lo inmediato del business. Después del desfile de Chanel, tenemos en Ginza los trajes mal copiados, es así. Decimos “estupendo para los que copian, para los patronistas”, pero no está bien para nadie. Quizás soy un dinosaurio, pero la moda debería funcionar como siempre y ser accesible a todo el mundo. Antes, si querías un traje de Christian Dior, la compañía Dior vendía el patrón a Neiman Marcus o Bergdorf Goodman, la gente podía tenerlo, copiado, pero da igual. Ahora lo copian sin pagar. ¡Alguien se está beneficiando!», dice irónico.

Y ya no solo funcionan las copias de los artículos de lujo, también proliferan las imitaciones e inspiraciones más bien literales. La estilista Isabel Ottino habla al respecto: «En los ochenta esta libertad de plagiar era impensable. Es tremendo, no sé cómo no se pueden tomar medidas. Entre los que no saben que se han comprado un plagio y los que lo saben y les importa un bledo ¡son legión! No compro copias y, en cadenas asequibles, nunca compro un plagio. Me choca que no se limite un poco más».

7.º Mezclarás con acierto. Hemos recuperado el gusto por mezclar las prendas, por combinarlas, que es parte del trabajo de un estilista. Belén Zavala, directora de moda de la revista Glamour, habla al respecto: «Ya no es lo que se lleva sino cómo lo llevas. La gente ahora ve que el estilismo existe», explica. La forma en que uno combina las prendas es un ingrediente básico a la hora de tener estilo, es lo que diferencia a una persona de otra y la hace un poco más especial.

Hablo de ello con Fernando Lemoniez: «Ha habido una época en la que esa combinación de prendas no existía. En los ochenta y parte de los noventa, eran looks que tenían que ser así: blusa, chaqueta y falda. Pero en los setenta sí había mucha libertad a la hora de mezclar y combinar. Volvemos a esas mezclas», explica. Algo que se extrapola a todos los estilos y en los más clásicos se traduce en lo que comenta Carmen Lomana: «En la generación de mi madre, la gente se vestía para la mañana y la tarde; los zapatos iban a juego con el bolso y era todo comme il faut. Ahora es mezclar, romper, llevar una chaqueta de Chanel con unos jeans, con unos zapatos planos o no sé qué deportivas. Eso es lo que ha cambiado, jugar y divertirte con la moda. Aunque eso no quita que un día te quieras poner un traje de noche siguiendo todo el protocolo».

Y también el estilismo nos ayuda a adaptarnos a las ocasiones; unas prendas básicas, como vestido o falda y blusa o pantalón y camisa, tienen muchas lecturas diferentes dependiendo de los accesorios que se lleven y se combinen. Belén Zavala me dice, merendando, que el estilo no es algo innato, se desarrolla y cultiva según tus vivencias: «Hay que encontrar lo que haga que encuentres cómodo e identificado y que sea más funcional para la vida que llevas». Que viene a ser la máxima de Óscar de la Renta con la que comenzábamos.

8.º No seguirás a las celebrities a ciegas. Las celebridades son un medio fundamental para la información de moda. Siempre hubo referentes, pero volverse una fan fatal de muchas de ellas y encumbrarlas a iconos de estilo es exagerado, aunque algunas en efecto son maravillosas. La industria del cine utiliza la moda para dar una imagen atractiva, y la moda a las celebridades para facilitar la promoción de sus productos abiertamente (en publicidad y colaboraciones) y más «subliminalmente» en el escaparate que son las alfombras rojas o las fotos callejeras. Formas de promoción recíproca que deberíamos contemplar casi como anuncios, son endorsement comerciales.

Hablo de estas y otras cuestiones con Manolo Blahnik: «Siempre hubo personas en todas las épocas que influenciaron la moda. Paulina Bonaparte o Eugenia de Montijo, por ejemplo, en otros siglos. Pero ahora, ¡hasta debajo de tu cama hay información! —dice irónicamente—. Antes había cantantes o actrices que imponían un look porque tenían tanta fuerza al vestirse y expresarse que influenciaban a toda una generación y a los diseñadores de Hollywood.¹⁶ Tenían un poder infinito; ahora no. Algunas de las personas que encumbran desde las revistas no tienen contenido cultural ni estilístico. No tienen idea de cómo vestirse normalmente. Están dirigidas por dos o tres estilistas, y si los necesitan es por falta de criterio».

Yo no sé si es falta de criterio o de tiempo, pero es una práctica que se ha oficializado y es muy normal. En 1989, Wanda McDaniel comenzó a vestir a Jodie Foster, Julia Roberts, George Clooney, Warren Beatty o Clint Eastwood, cuando todavía este fenómeno de las «estilistas de Hollywood» no había explotado. Zoe Rachel y L’Wren Scott lo detonaron. Zoe ha lanzado su propia firma, tiene su propio reality (The Rachel Zoe Project) y un libro de estilo gracias a vestir a Lindsay Lohan, Keira Knightley, Cameron Diaz, Nicole Richie, Paris Hilton, Britney Spears, Jessica Simpson, Kate Beckinsale, Jennifer Garner, Jennifer Aniston, Jessica Biel, Rosario Dawson, Liv Tyler, Anne Hathaway, Debra Messing o la tenista Maria Sharapova, entre otras. Cobra de 4.000 a 6.000 dólares al día, y tiene un pequeño ejército de ayudantes. L’Wren Scott, la impresionante novia de Mick Jagger, que tiene su propia firma, es más discreta a la hora de hablar de sus clientes, asesora a Nicole Kidman y Jennifer Lopez, entre otras. El estilista Phillip Bloch también asesora a celebrities; el vestido con el que Halle Berry recogió el Oscar era de su elección; Arianne Phillips, a Madonna, y Caroline Sieber, a Emma Watson, entre otras. Y la lista podría ser tan larga como desilusionante si eres una mitómana. Otras actrices como Jennifer Connelly o Kristen Stewart llegan a acuerdos con casas de su gusto, como Balenciaga, para llevar sus diseños, como Reese Witherspoon con Nina Ricci o Renée Zellweger con Carolina Herrera, o como la colaboración entre Nicola Formichetti y Lady Gaga, él diseña su imagen desde 2008.

Lejos queda la época en que las películas eran una sólida fuente de inspiración para la moda y el público. Con la aparición de la televisión e internet, el fenómeno blogger, las i-celebrities y los numerosos medios dedicados a la moda, hoy tienen más poder la red, el streetstyle y las alfombras rojas o series de televisión como Mad Men (su estilista es Jamie Bryant), Gossip Girl o Girls. Manolo Blahnik me cuenta un ejemplo en el que colaboró con sus zapatos: «Cuando hicieron María Antonieta,¹⁷ la gente de la película pensó que influenciaría en la moda de los jóvenes. En absoluto fue así. Hay tantas opciones y se genera tal fatiga visual, que el cine no tiene el poder que tenía. Hay actrices fantásticas y dos o tres creadas artificialmente para las maravillosas campañas de Dior o Louis Vuitton, completamente retocadas con Photoshop. Pero bueno, ahí están y está bien. Son pocas las excepciones».

Le pregunto a Carmen March por alguna celebrity a la que crea que no la viste un estilista: «Cuesta mucho, no sé si Cate Blanchett elige su ropa, dudo que lo haga. El concepto “icono de estilo” acabó a finales de los setenta y principios de los ochenta. Ahora se ha profesionalizado todo, en el star system es difícil encontrar quiénes eligen su ropa. Scarlett Johansson no la elige, es evidente cuando la ves. Mucho de lo que vemos es publicidad y mercadotecnia. Es muy difícil identificar quién de verdad tiene estilo».

Otros diseñadores, como Miguel Palacio, se quedan perplejos ante la celebritimanía: «No soy nada mitómano, siempre me produce sorpresa que se pueda admirar a una persona por su apariencia, aunque es respetable».

Le pregunto a Jean-Baptiste Lauron —jefe de estilistas de la revista In Style— si cree que el gran público sabe qué hay detrás de las celebridades: «Para mí es una cosa muy asumida que sabemos desde hace mucho. Creo que la gente sabe que esas prendas no son de ellas, se imaginan que son regalos, lo que no saben es que la mayor parte son solo préstamos».

Y no puedo evitar preguntarle a Carmen Lomana, clienta habitual de firmas de lujo, si cree que estos «préstamos» generan una reacción adversa en determinados clientes: «Hay un consumidor que al ver a las celebrities con un vestido o constantemente en revistas ya no lo quieren y otros lo quieren precisamente por eso. Personalmente no me apetece. Es una equivocación horrible que las grandes firmas presten sus vestidos para fiestas, porque la clienta que se ha gastado un pastón en un traje de noche puede ir a una fiesta y encontrarse a la presentadora vestida igual, de prestado. A las dos semanas, en otra fiesta, lo lleva otra chica también prestado. No es justo. Yo llevo mis vestidos, mis joyas que he comprado y pagado».

Me quedo rumiando las palabras de Carmen y opto por preguntarle a un conocedor de la industria del lujo desde dentro, Josu Aboitiz, exdirector de relaciones públicas internacionales de Loewe y actual jefe de comunicación de Gucci para Europa, Oriente Próximo e India, si cree que la celebritimanía y prestar ropa a celebrities puede afectar a sus clientes tradicionales: «Las marcas siempre intentan ser muy prudentes a la hora de elegir celebrities embajadoras, lo hacen con total conocimiento del público objetivo y los personajes públicos a los que es sensible. Miu Miu, con Lindsay Lohan o Kirsten Dunst (en su día, o Chloë Sevigny más recientemente), es para un público un poco pijo-alternativo con medios, y otro ejemplo estratégico sería Jennifer Lopez en 2003 con Louis Vuitton, que necesitaba conquistar al ghetto fabulous, un espacio que entonces solo tenía cubierto Gucci con Tom Ford. Y la campaña con Jennifer Lopez y las siguientes colaboraciones con Pharrell Williams la han convertido en la marca fetiche entre pandilleros de Harlem que ahorran sus míseros salarios para comprarse un cinturón con el logo Louis Vuitton. El esnobismo que existía de los ricos hacia las celebrities ha pasado. Es totalmente normal», me explica. No puedo evitar pensar en Grace Kelly y su príncipe de Mónaco, o en Salma Hayek con François Pinault, presidente de PPR, multinacional del lujo y papá de su hija, Valentina. Imagino que hoy debería dormir más tranquila por esos ricos y celebrities...

9.º Seguirás el protocolo, al menos cuando lo exijan. Acudo a Lucía Francesch, subdirectora de Telva, para que me diga qué convencionalismos se han moderado y qué otros no deberían relajarse: «Parece perfecto relajarnos al no combinar necesariamente el bolso con los zapatos, al mezclar oro blanco con oro amarillo o usar jeans o deportivas en más ocasiones que en el fin de semana. Sin embargo, deberíamos rescatar el ritual de vestirnos, con mayúsculas, como señal de respeto, para ir a un concierto de música clásica, a la ópera o a un estreno de teatro. Y respetar los dress code¹⁸ que imponen ciertos eventos en la invitación cuando indican explícitamente que las señoras deben llevar traje largo y los hombres esmoquin», me dice.

El periodista Vicente Gallart opina al respecto: «Las longitudes hay que respetarlas y se puede llevar a cabo desde cualquier presupuesto. El little black dress¹⁹ lo aconsejo para un cóctel pero no para una cena de gala o la ópera. Puedes ir con un vestido sencillo pero largo. Es tan aplicable a la alta sociedad como a una señora que va a la boda de su hija. Igual que vestirse para la ocasión, hay que tener en cuenta el día a día, las prendas para trabajar, y la noche. No es lo mismo una cena informal en casa de unos amigos que ir a trabajar; condiciona mucho», explica.

10.º Consumirás con inteligencia y placer. El diseñador Juanjo Oliva me da una pauta casi científica que me da ganas de apuntar en una servilleta mientras comemos juntos; la servilleta es de tela y me aguanto. Dice que el estilo es una ecuación del interés y el criterio: «Básicamente, si tienes interés en algo, lo llevas a tu terreno y desarrollas tu criterio. No se puede tener estilo sin interés ni criterio, tienes que establecer tus márgenes y entender que unas cosas te gustan, pero cuando tienes tanta oferta, tienes que usar tu criterio de selección». Una ecuación individual que se adapta a los tiempos: «Mi intuición me dice que ahora las cosas son más intimistas, más personales, para darte placer y estar en armonía con tu mundo y personalidad», dice Miguel Palacio.

Con la ecuación completa y actualizada, le pido a Fernando Lemoniez que me intente describir a esas clientas suyas que él cree que tienen estilo: «Son personas a las que les encanta la moda, que les parece una forma de expresión, y se sienten identificadas con lo que llevan. Lo adquieren con una visión de placer, de llevar algo bonito y bello, sabiendo que en tres años lo seguirán llevando como la primera vez y que su personalidad no se va a ver devorada. Es mi clienta ideal y es una minoría». Le pregunto qué tipos de prendas, además de reportar ese placer, podrían ser buenos básicos de una mujer clásica y actual. Lemoniez me responde sin titubear: «El vestido, el ochenta por ciento de las mujeres que entran quieren un vestido. Es fácil de llevar, el típico furró ²⁰ para fiestas y ocasiones, y para el día a día mucho más sueltos».

Hago algún sondeo más. La estilista Blanca Unzueta me sugiere una pencil skirt (falda recta) y Lucía Francesch me recomienda lo que los norteamericanos llaman livesavers (salvavidas), idóneos para el guardarropa de una mujer clásica trabajadora actual, que siempre funcionan, comodines para ir adecuada y correcta. Tomo nota: «En invierno: un sastre de lana, un jersey de cuello vuelto de punto ligero, una trench,²¹ un abrigo negro recto y unos salones. En verano: un blazer de lana fría, unos pantalones ligeros, una camisa blanca impecable, un vestido camisero, un abriguito de verano y sandalias de medio tacón». Y además recomienda tener siempre un vestido negro de cóctel, una pashmina y un par de stilettos idóneos para compromisos laborales más festivos. La interrogo también por los accesorios: «Unos salones negros, un bolso midi (mediano), una cartera de mano, unas gafas de sol estilo Jackie, pashmina de lana o seda y un reloj masculino». Podemos añadir alguna joyita a modo de guinda.

LA ALTA COSTURA, LA FÓRMULA 1 DE LA MODA

Hoy, la alta costura de las firmas de lujo es la forma que tienen algunas pocas casas de mostrar su virtuosismo en moda, donde el diseñador da rienda suelta a su creatividad; es el epítome de la exclusividad para la élite de antaño, unas cien clientas de la más alta sociedad mundial que lucen sus creaciones en eventos de gala. Lo más sencillo es compararlo con la Fórmula 1 de la industria automovilística, donde cada casa también da lo mejor de sí misma en ese escaparate de competición, alta gama y lujo. Y como tal, es carísima, desde unos veinticinco mil euros a millones por un vestido: «En el último desfile de Dior había vestidos de un millón de euros», dice Carmen Lomana, que posee varios vestidos de alta costura. Y apunta: «No lo critico, tienen un trabajo de muchísimas horas y de artesanos, con los mejores tejidos y técnicas. Si están pagando veinte millones de euros por un cuadro, no entiendo por qué criticar que alguien se gaste un dineral en un vestido de alta costura. Hay vestidos que son obras de arte, tener uno es como tener un Miró [de hecho, mantenemos esta conversación muy cerca de uno] o un cuadro de Velázquez, si se pudiera. La gente que tiene mucho dinero, tampoco es mi caso, es lógico que consuma a un nivel que está muy por encima de la necesidad y mantenga ese universo del lujo».

Muchos de los compradores de alta costura, como los coleccionistas de arte, cuidan la conservación de esos vestidos y permiten que se puedan ver en exposiciones y museos. Aunque no son arte (puesto que tienen una funcionalidad y el arte no) son la mejor muestra de la mejor artesanía de la moda, unos oficios vitales en el trabajo con la piel, los bordados, pedrería y plumas, entre otras. También se aplica al prêt-à-porter, encareciendo su precio final y «ennobleciendo» las prendas más si cabe, hasta el punto de que se ha denominado demicouture, por encontrarse a medio camino entre la alta costura y el prêt-à-porter.

Fernando Lemoniez me cuenta cómo los están revitalizando en Francia, un ejemplo a seguir, y dice: «Los artesanos son hoy un privilegio de gente que tiene dinero y lo valora; no todos lo hacen. En Francia esos oficios se protegen; el gobierno francés ha creado ayudas para rescatarlos y que no se pierdan. Es una raza en extinción y se fomenta que los continúe gente joven. Están surgiendo los nuevos artesanos y las horas de esta gente cuestan mucho dinero». Y él lo sabe bien porque además de prêt-à-porter, también hace medida y valora los detalles artesanales.

El proceso de comprarse un traje de alta costura hoy me lo cuenta Carmen Lomana: «Ves un desfile, apuntas lo que te gusta, pides hora, te reciben y lo encargas a tu medida. Si tienes un cuerpo fácil y estándar, no te hacen prácticamente pruebas, con tomar medidas y una prueba suele ser suficiente. A veces hacen un maniquí con las medidas a algunas norteamericanas a las que no les apetece ir a probarse», explica. La alta costura está controlada por la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne, que se fundó en 1910 para vigilar la programación, promocionar la costura francesa, y evitar la proliferación de mercancías no autorizadas y las imitaciones. Los desfiles de alta costura son el verdadero espectáculo de la moda. Se celebran en París en enero y julio: «Es un espectáculo como la ópera, el teatro o el ballet más maravilloso», apunta Carmen. Chanel, Dior, Versace, Jean-Paul Gaultier, Rabih Kayrouz, Elie Saab, Givenchy, Valentino Garavani, Giorgio Armani Privé, Iris van Herpen, Giambattista Valli o Azzedine Alaïa son algunas de sus mejores citas. Dolce & Gabbana presentaron su primera colección de alta costura en el verano de 2012 en Taormina, Sicilia, fuera del calendario oficial, en un desfile muy reducido y exclusivo, al estilo del retorno de Tom Ford. Y si, como millones de mortales, no te puedes permitir un traje de alta costura, no te quedes con las ganas y hazte uno a medida, también es una experiencia y una inversión que te aconsejamos más adelante.

¿DÓNDE ESTÁ HOY LA EXCLUSIVIDAD?

La alta costura y la ropa a medida son sinónimos de lujo y exclusividad. Pero ante las abundantes copias de bolsos, por ejemplo, de Louis Vuitton, imagino que para las clientas habituales, como Carmen Lomana, es un poco complicado seguir siendo exclusivo (recuerdo que algunos entrevistados me han dicho que hasta los verdaderos parecen falsos), pero me cuenta que tampoco tanto. Aunque las copias proliferen y los productos de acceso para el gran público aumenten, el lujo sigue siendo exclusivo; el día que no lo sea, desaparecerá: la exclusividad es su razón de ser, su esencia.

Muchas veces las grandes firmas hacen trunk show o trunk sales, presentaciones y ventas privadas a buenos compradores donde les adelantan la temporada u ofrecen sus ítems más exclusivos. Carmen Lomana lo explica: «La consumidora buena de Louis Vuitton quiere ediciones limitadas. Mañana tengo una cita con ellos, me presentan diez bolsos exclusivos, no va a haber más que esos. Ya no te interesan los de la tienda, quieres comprar algo superespecial. La exclusividad es llevar una pieza única para ti o saber que a lo mejor hay cincuenta bolsos así en el mundo. Hay personas a las que eso no les importa nada y a otras les encanta y les da subidón».

El profesor de marketing del IESE José Luis Nueno me cuenta por teléfono que «hace muchos años se hacían trunk sales en Arabia Saudí en un hotel donde presentaban las colecciones a las mujeres que no podían salir de aquel país».

Me pregunto si toda exclusividad viene avalada por grandes firmas o si existe una exclusividad más anónima pero equiparable, una de las razones para hablar con Miguel Palacio, su trabajo es un lujo, también menos marquista, más íntimo y emocional, que funciona simultáneamente en la moda hoy: «No me vale estar en medio de algo, eso que para mucha gente es la clave de supervivencia y éxito, para mí no tiene interés. Tienes que ser muy puntero en lo que hagas. Nunca pienso en el coste de las cosas, nunca, luego me sorprende. Y a veces me espanto. ¡Qué horror! ¡Cómo no se me habrá ocurrido algo más barato! Hacer algo lo más atractivo posible, con toda la dedicación y cuidado en todos los sentidos, es un lujo». Y cuenta cómo sus prendas, en un vistazo rápido sencillas, tienen una lectura más amplia: «Para mí, hacer una camisa con un cuello a la caja tiene que aportar, dentro de esa aparente simplicidad, un interés muy fuerte en cómo se ha hecho. Se tiene que notar. Ahí empiezas a encontrar el tejido que sea con una mano, con un peso, con un volumen, con una caída determinada, con un acabado que sea excepcional. Y ahí, de ser una cosa frente a la que dices ¡qué mono!, pasas a decir: ¡me encanta! Para mí es fundamental; si no, no haría lo que hago». Para él, el lujo puede ir desde lo sencillo hasta lo laborioso: «El lujo desde luego es la belleza, lo puedes encontrar en cosas supersimples, porque todo lo que te produce placer es un lujo y las cosas de calidad, hechas con una intención, con una persona que se vuelca en todo el proceso, son un lujo».

Y ya en mi casa, con todas estas conversaciones revoloteando por la cabeza, me planteo que el verdadero lujo no tiene que ver con la moda, tiene que ver con tener tiempo, con las personas queridas, con viajar y hacer lo que deseas en cada momento. Me acuerdo, curiosamente, de lo que me dijo Carmen Lomana: «El lujo es el espacio, el tiempo, el silencio, vivir como uno quiere o le gusta, que no quiere decir lujosamente, sino hacerte el mundo a tu medida, para mí esas cosas son “más” lujo que un bolso de Louis Vuitton o un vestido de alta costura».

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• Y LAS FIRMAS INTERMEDIAS: Belstaff, Hackett, CH, Roberto Verino, Philosophy, V de Valentino, Valentino Red, Tommy Hilfiger, Polo de Ralph Lauren, Pedro del Hierro, Adolfo Domínguez, Petit Bateau, Crémieux, Lancel, Comptoir des Cotonniers, Boss, Juanjo Oliva, Miguel Palacio, Fernando Lemoniez, Roberto Torretta, Ángel Schlesser, Harmont & Blaine, Caramelo, Kookai, Easy Wear, Antonio Pernas, Boss Orange, Baruc Corazón, Giorgio Armani, Sportmax, Sandro, Maje, JNBY, Pedro García, Forte Forte, Poète, Hoss Intropia, Lacoste, CK, Tombolini, Sita Murt, Scott & Soda, , Gant, M de Missoni, Mulberry, Boss Black, Denim Supply de Ralph Lauren, Fairly, David del Río, Kling, Sergei Povarin, Alvarno, BDBA, Gant, Twenty Twelve, Armand Basi, Javier Simorra, A.P.C., Acne, CoSTOME NATIONAL, Marc by Marc, Max&Co, Moschino, Uniqueness, Vanessa Bruno, Paule Ka, Pierre Balmain, Fred Perry, Sisley, Coosy, Perry Ellis, Lebor Gabala, Hunter, Isabel Marant, Georges Rech, Josep, Margaret Howell, Paul Smith, Alïa, Pollini, The Kooples, Les Petites, Sisley, Esprit, Liu Jo, American Vintage, Tous, Jorge Acuña, Escada Sport, Bulco, Coosy, Alfredo Villalba, Monge, Guess, Naf Naf, Elogy de Juanjo Oliva, The Row, Rag & Bone, Juicy Couture, Le Tour de Force, Longchamp. Mirto, Nice Things, BCBG, Purificación García, El Ganso, Filippa K, Furla, American Retro, Gerard Darel, Silvian Heach, Ailanto, Carven, Liberty, Antik Batik, Style Butler, Ben Sherman, Gloria Ortiz, Lavand, Barbour, Theory, Vince, Tara Jarmon, Faith Connection, Stella Forest, Erdem, Masscob, Ikks, Strenesse, French Connection, Oliphant, Le Mont St Michel, Green Coast, Van Dos, Twin Set, Jota+Ge, to be adored, Closed, See by Chloé, Sister Jane, Joe Fresh, Claude Pierlot, BA&SH, Uke Forever, Sonia by Sonia Rykiel, Athé, Paul & Joe Sister, CNC, Supertrash, Zoe Tees, Pepa Loves, Raasta, La Condesa Conde, Ese o Ese, entre otras.

Muchas de estas firmas tienen portales de venta online o se pueden encontrar en portales como los mencionados anteriormente y, cómo no, en thecorner.com (en castellano), yoox.com, modcloth.com, peonylane.com theoutnet.es. Además, existen numerosas aplicaciones que facilitan tus adquisiciones (que se verán en capítulos posteriores) y, por supuesto, en tiendas convencionales consultando sus puntos de venta.

• Y LAS ASEQUIBLES: Zara, H&M, Topshop, Asos.com/es, Benetton, Uterqüe, Mango Touch, Bimba & Lola, Gap, Uniqlo, American Apparel, U de Adolfo Domínguez, COS, Kling, Pull & Bear, Hakei, Escorpion, Massimo Dutti, Milano, Sfera, Pinko, Primark, Blanco, Pinkie, Nolita, Bershka, Springfield, C&A, Cortefiel, El Corte Inglés, Lefties, Promod, Miss Selfridge, Pedro del Hierro, Piperline, Dorothy Perkins, entre otras.

La mayoría de ellas también se pueden adquirir online.

NO OLVIDES...

• NO CONSUMAS EN VANO. Quien tiene estilo compra bien y lo integra, no compra por comprar, sino poco y bien. El pingo tiene su momento, pero si vas a comprar una prenda de más entidad, tiene que ser buena y estar bien hecha.

• NO OLVIDARÁS LA TRADICIÓN Y UNOS MÍNIMOS CONOCIMIENTOS DE MODA. El patronaje, la confección de la prenda, los tejidos y saber cómo conservarlas son elementos a tener en cuenta para apreciar la moda.

• NO LLEVARÁS EL LOGO POR FUERA, Y SERÁS DISCRETO/A. Ser un hombre o mujer anuncio está muy pasado; alguien con estilo no tiene necesidad de demostrar nada. La discreción es un valor en alza.

• NO SERÁS UNA FASHION VICTIM Y ADAPTARÁS LAS TENDENCIAS. La naturalidad es muy importante en moda y no hay que pretender aparentar algo que no se es, sino adaptar la moda y las tendencias a la personalidad, cambiar de diseñadores y firmas manteniendo tu estilo por encima de todo.

• MATIZARÁS, DOSIFICARÁS Y ADMINISTRARÁS. Ante la tentación de epatar por epatar y no renunciar a nada (pelazo, maquillaje, bolsazo, taconazo, etcétera), equilibra y matiza tu look para hacerlo más actual y natural.

• NO COPIARÁS. Ni a personas (a la gente con estilo la copian los demás) ni cosas (llevar copias y plagios es una falta de estilo).

• MEZCLARÁS CON ACIERTO. El estilismo existe e individualiza tu look. Los trajes se desestructuran y se mezclan texturas, estampados y tejidos. Y con los accesorios se actualizan y refrescan las prendas.

• NO SEGUIRÁS A LAS CELEBRIDADES A CIEGAS. En vez de volverte una fan fatal de muchas de ellas, ¡conviértete en tu mayor fan!

• SEGUIRÁS EL PROTOCOLO, AL MENOS CUANDO LO EXIJAN. Respetarás las longitudes de los vestidos y los dress code de los eventos o fiestas que lo exijan.

• CONSUMIRÁS CON INTELIGENCIA Y PLACER. El estilo es una ecuación entre la naturalidad, el interés y el criterio. Algo que hacer para ti y por placer.

• Si no te puedes permitir un traje de alta costura, no te quedes con las ganas y hazte uno a medida.

II

RENOVARSE O MORIR

«El estilo es una habilidad innata de comunicar tu propia personalidad a través de lo que llevas puesto.»

Dries van Noten

Antes de lidiar con el estilo de nuevo, pienso que, si el estilo de las personas evoluciona de acuerdo con su identidad, la moda lo hace según el espíritu de los tiempos. Por eso los diseñadores con espíritu renovador de este capítulo, como sus fans, tienen un pie en el pasado y otro en el presente, mezclan y mestizan el legado de la moda filtrándolo a través de su creatividad e incorporando novedades sutiles. Si los clásicos están ligados a la tradición, estos la utilizan como trampolín creativo para desarrollar otra lectura jugando igualmente con las herramientas que la moda pone a su alcance: historia, artesanía, texturas, tejidos, siluetas, formas, colores, proporciones, etcétera. Antes de ver cómo renuevan la moda decido detenerme a tantear qué es para alguno de ellos el estilo y en qué se basa.

Los diseños de Christian Lacroix (Arlés, 1951)¹ reflejan su gran conocimiento de siglos de historia fashion, de donde toma elementos que mezcla con el folclore de otras culturas —como la española y la gitana— a lo que añade una elección preciosista de tejidos, estampados y altas dosis de teatralidad. El resultado es barroco y colorista; quizás por eso se ha ganado el apelativo del más español de los diseñadores franceses. Afirma que el estilo es «una aproximación individual a los tiempos que vivimos, una forma de expresión personal, de vivir y ser. Tiene que ser lo más natural, genuino y auténtico posible». Le pregunto si requiere cierta sensibilidad el mezclar formas y colores: «Por supuesto, toda persona acorde con su cultura, infancia, educación y lógica, tiene una idea de cómo arreglarse y mezclar. Algunos son tradicionales y clásicos, otros más transgresores, inusuales e inesperados; estos corresponden más a mi idea de estilo: mezclar periodos y etnias, la alta y baja cultura, lo minimalista y lo maximalista, los opuestos de la vida, equilibrarlos y abrir un camino especial».

El suyo lo han tomado diseñadores como John Galliano, exdirector creativo de Dior,² que durante su estancia en la casa mezcló culturas, folclore y épocas históricas con resultado excesivo, delirante y teatral. No me resisto a interrogar a Lacroix sobre lo que hace que una persona vista realmente bien: «La química entre lo que eres y cómo vistes, la alquimia entre tu alma y la elección de forma, color, estilo, además de la conducta adecuada, en el sitio y momento adecuados». Tomo nota.

Consuelo Castiglioni (Suiza, 1954), directora creativa de la firma italiana Marni, no es amiga de extravagancias, al contrario, su discurso está en lo sutil. También posee buen ojo para la mezcla, sobre ella ha creado una empresa que factura aproximadamente cien millones de dólares anuales y vende en sesenta países, incluida España, y también online. El aire arty, bohemio y ecléctico de sus prendas se debe a contrastes de tonos discretos e inesperados toques de color, mezclas de texturas y estampados (a menudo pictóricos o retro) y formas orgánicas que definen suavemente el cuerpo con pequeños detalles de sastrería. Gusta a una mujer más intelectual que sexual. «El estilo no tiene que ver con la edad ni con la apariencia, es la expresión de un estado mental, una particular sensibilidad. Está relacionado con cómo te sientes. Y se convierte en algo explícito en lo que haces, cómo hablas, te mueves y vistes», comenta, tras unas vacaciones después de su último desfile.

Y pese a que esto pueda empezar a parecer el chiste de un francés, un italiano, un alemán, un inglés y un español... de un diseñador francés y una medio italiana, salto a Markus Lupfer (1971), alemán residente en Londres (el español vendrá después...). Markus trabajó durante varias colecciones para la firma catalana Armand Basi, también ha sido consultor para Topmen, Cacharel y Mulberry entre otras, y tiene su propia firma con sede en Londres de hombre y mujer; sus diseños son contemporáneos y apetecibles, en los que juega con el color y las proporciones. «El estilo tiene que ver con la personalidad y la confianza, si confías en lo que llevas, estarás genial, la magia es que surja sin esfuerzo», me comenta. Lacroix también me contó un secreto: «Aunque te lleve tiempo, el esfuerzo siempre debe permanecer invisible», me dijo. Y recuerdo que David Delfín me puso un ejemplo: «Cuando conocí a Bimba, tenía eso, daba rabia [dice riendo], encarna la típica frase de “se pone una mierda en la cabeza y le queda bien”. En su caso es exceso de naturalidad, algo especial, piensa en su familia, ha estado siempre rodeada de algo creativo, efervescente y permeable».

Meses después quedé con Bimba Bosé en el cuartel general de Davidelfin, donde ella, David y los hermanos Gorka y Diego Postigo (su marido y padre de sus hijos) han hecho de sus pasiones —la arquitectura, el diseño, la publicidad, la fotografía, el cine, la moda o la música— sus profesiones, una bonita forma de crecer juntos. Bimba acababa de regresar de Nueva York, de grabar su primer disco con The Cabriolets, del que Diego forma parte. Le conté lo que me dijo David: «Es verdad, me pongo cualquier cosa y me salgo con la mía. Es espontáneo, si lo pienso y me cambio mil veces, la cago. Cuanto menos pensado, mejor, expresa mucho más, espontaneidad y elegancia también. Tiene que ver con la actitud». Cuenta que su tío Miguel marcó más su estética que las mujeres de casa. Todavía recuerdo con los pelos de punta un reportaje en Vogue España del fotógrafo Juan Gatti y la estilista Jennifer Bauser en la que Bimba se transformaba en David Bowie. Como su tío, tiene algo magnético y ambiguo, ambos son una especie de iconos patrios «modernos» de generaciones diferentes y por distintos motivos. Explica cómo se fraguó su estilo: «Con lo que tenía a mano en casa, mucho vintage: me encanta desde pequeña. Lo que más me marcó fue el desván de mi abuela, donde guardaba lo que pasaba de moda; olía a naftalina. Ahí nació mi pasión por abrir cajas y encontrar tesoros. Me encantaba Led Zeppelin y el rock sinfónico, y puede que adoptara una imagen parecida, pero he ido variando. El estilo evoluciona con tu identidad; hay gente que no cambia nunca y atrae precisamente que sea tan fiel a un look. Yo tengo inquietud por cambiar constantemente, nunca estoy satisfecha conmigo, quizás sea por eso».

Cuando entrevisté a David Delfín, me sentí culpable de someterle al séptimo grado del estilo a primera hora de un lunes; los periodistas también tenemos corazón. Intentaba espabilarse con una Coca-Cola y cambiaba de opinión constantemente, contradiciéndose y disculpándose entre risas: «Aparte de que soy supercontradictorio, esto del estilo no deja de serlo», decía con su ligero acento malagueño. Nos reímos. Y entre contradicción y contradicción atamos cabos: «Te digo, tirándome piedras contra mi tejado, que si alguien cree que el estilo tiene que ver con la ropa, está equivocado, ni el estilo, ni la feminidad, lo sexy o elegante. En los años que llevo en moda no he cambiado de idea. Una prenda puede ser increíble, con acabados maravillosos, pero colgada no ves los valores de estilo, feminidad, etcétera. Cuando alguien la viste, se los da».

En un email de Markus Lupfer leo algo que me encanta y que podría ser el eslogan para una camiseta: «La imaginación es lo que hace que una persona vista bien» (aunque si lo llevase una camiseta sería irónico). Y esa imaginación está en muchas partes, de múltiples formas y en diferentes personas. Recuerdo que lo hablé con Juan Duyos almorzando un día: «Me parece estilosa la gente que es inconsciente de estas cosas, que lo lleva con naturalidad, ya sea la extravangancia, el pijismo, no me cierro. Un watusi y una señora de ochenta años del barrio de Salamanca me parecen igual de estupendos, la clave es la naturalidad, algo de estómago, que no es impostado», dice este diseñador cuya aparición en la escena de la moda española animó a muchos diseñadores jóvenes a mostrar propuestas personales, como veremos.

Y precisamente con uno de ellos hablo en su nuevo estudio madrileño: Ion Fiz.³ Me recuerda a un joven Alain Delon talentoso, de nariz respingona. Le pega haberse graduado con matrícula de honor en la Escuela de Moda Vasca. Siempre ha actualizado su formación cercana a la costura con Pertegaz y Barroeta: «La tendencia no tiene que ver con el estilo, se consume rápido y se olvida pronto. Se mantiene un buen tejido y una pieza especial. Igual llevas el bolso de la temporada, pero no destaca solo él». Los hermanos, Aitor e Iñaki, que forman la firma Ailanto, con tienda en el número 14 de la calle Orellana, en Madrid son otros especialistas en mezclar colores, formas, geometría, artesanía y referencias culturales. Quedamos a desayunar. Pese a que la noche anterior tuvieron la fiesta de la revista Glamour, están como rosas. Me explican que el estilo «se puede tener con muy poco presupuesto, según cómo se resuelva». Las cadenas asequibles ponen todo un surtido a tu alcance y, para diferenciarte, combínalo con piezas especiales de diseñadores, firma o vintage (como veremos en el Capítulo VII).

UNA CUESTIÓN DE MATICES MÁS QUE UNA INNOVACIÓN RADICAL

Recibo un email del dúo de diseñadores británicos Preen (Justine Thornton y Thea Bregazzi), que han hecho una marca muy cool con una sabia mezcla de modernidad y clasicismo; entre sus clientas están Carey Mulligan, Gwyneth Paltrow, Sienna Miller, Kate Moss, Beyoncé o Michelle Obama, entre otras. En su email me dicen: «Lo nuevo es siempre algo que conoces y amas, mezclado con algo inesperado para darle nueva chispa». Me asalta una duda: ¿los diseñadores de inquietudes renovadoras hacen propuestas sin cambios radicales pero con transformaciones sutiles?

Me tomo un té con la estilista Blanca Unzueta y hablamos de innovación en moda: «Aparecerán materiales, tejidos y novedades que harán evolucionar la moda; más que una especie de revolución, es un trabajo de matices muy interesante también». En Ailanto me dijeron dónde están esos matices: «La moda se reinventa en colores, texturas, tejidos, proporciones y en cómo mezclas todo».

Decido acudir a un maestro de la mezcla, el belga Dries van Noten, uno de los «Seis de Amberes», un colectivo belga que sorprendió a finales de los ochenta en Londres con propuestas deconstruidas. Es el más ecléctico de ellos por sus mezclas ricas y personales de estampados, colores, texturas, formas, referencias étnicas o pictóricas, un cuidado patronaje y calidad. Dice humildemente que no sabe de dónde le viene su extraordinaria capacidad de mezclar, sospecho que parte es heredada, ya que él representa la tercera generación familiar que se dedica a la moda. Le pregunto si hemos rescatado el espíritu de los setenta al mezclar: «Posiblemente ese acercamiento al color y los estampados existe desde entonces, antes no era considerado alta moda. Los setenta fueron tiempos modernos, se pensó más allá en música, arte y moda. Se luchó por ofrecer una visión optimista del futuro. En cambio, los ochenta y noventa fueron introspectivos e individualistas. Ojalá se reemplace para bien ahora». Tiene aproximadamente 400 puntos de venta mundiales y vende cien mil prendas al año manteniendo una independencia creativa y empresarial exitosa: «Tenemos un gusto o visión para soñar. Si tuviéramos una filosofía, sería que las reglas existen para retarlas», explica. Y siento curiosidad por saber cómo ha mantenido su voz distintiva en un mundo fashionista polarizado en muchas ocasiones por las multinacionales del lujo y el mercado masivo: «Por la perseverancia y el hecho de que soy feliz viviendo de la forma que me resulta natural». Me ha encantado hablar con él, pero aún continúo con ciertas dudas.

Almuerzo con José Ramón Rocabert,⁴ exdiseñador y exdelegado en París de la versión española de la revista Vmagazine (ahora solo en versión online), en el barrio de Salamanca, también cree que la moda hoy es una cuestión de matices: «El secreto de una firma está más basado en que con un pantalón y una camisa consigas crear una imagen nueva a que inventes la chaqueta-mesa», dice. Me hace reír y pensar que ese es el éxito de Marni y otros muchos; sin crear prendas revolucionariamente nuevas les da algo innovador. Tiene práctica, comenzó en 1994, proveniente de una familia del negocio de las pieles: «Mi primera colección estaba basada en una nueva interpretación de la piel, en su corte y tratamiento para que parecieran tejidos». Esa sutil innovación le granjeó su primer éxito, y hasta hoy la mantiene en pequeñas dosis: «En otras colecciones me concentro en encontrar una armonía entre la estructura, la silueta o una inesperada combinación de materiales y estampados o un juego entre la forma y el color». Son esos matices los que atraen: «Hoy el secreto de una firma es encontrar un nicho suficientemente nuevo y poco explotado. Para distinguirme pongo el acento en el producto, refuerzo la investigación, la experimentación y la calidad».

Estos diseñadores entienden la modernidad como algo poco obvio. Rocabert, con su estupendo sentido del humor, lo explica: «Parece que ser moderno es llevar aspecto de roquero (entre sucio y limpio) y no ir vestido de seda. No me lo parece. Ser moderno es más una actitud que la ropa, hay algo en ello de romper normas. Pero si vas con el pelo rojo y piercings porque tus amigos los llevan, no me parece ninguna modernidad. Es lo mismo que hacen los pijos, pero cambiando el Ralph Lauren por los piercings», dice riendo. Para él las reglas se fuerzan hasta un punto: «El estilo es una diferenciación dentro de unas normas, gente que se distingue por forzar normas o llevarlas al extremo. Pero si vas en contra de la norma y te sales, ya no tienes estilo».

Algunos diseñadores, como David Delfín, tienen dilemas sobre si deberían inventar algo nuevo: «La moda tiene que sorprender y es difícil inventar algo. A veces me rayo con esto y me digo, coño, no soy inventor, soy diseñador. Se ha inventado tanto que a veces me cuesta pensar que se hagan propuestas totalmente nuevas. Me considero un tío contemporáneo, me gusta vivir mi tiempo, me interesa lo que estoy haciendo y lo que haré. No pienso que ningún tiempo anterior fue mejor; lo pasé mejor o peor, pero no me estanco ni me anclo. Lo mejor está por venir, no significa que no haya cosas del pasado que disfruté y me atraigan. Pero hay que desdoblar todo eso y mostrarlo de forma renovada, filtrada a través de ti. No es insistir en lo anterior, sino ofrecer una visión nueva de algo que ha existido».

No puedo evitar que me asalte una última pregunta: ¿la moda es hoy una cuestión de estilo, es decir, de jugar con sus herramientas y filtrarlo a través del estilo más que de innovar? Markus Lupfer en su email resuelve mi duda: «La moda hoy tiene mucho que ver con las proporciones y con cómo se combina todo junto. Así que sí, la moda hoy es una cuestión de estilo más que de crear algo nuevo», concluye. Para cerciorarme le pregunto a Lacroix lo mismo: «Puede ser, las últimas creaciones sin ningún link con la historia, la cultura o el teatro fueron de Courrèges en los sesenta, cuando el futuro se veía con optimismo. Con el background crítico de hoy es difícil generar algo nuevo. Tienes razón, la creatividad hoy consiste en mezclar elementos conocidos de forma desconocida».

DE CÓMO LAS MUJERES SE LIBERARON Y SE HICIERON PODEROSAS

Despejando una duda me surge otra. ¿Será posible crear un concepto nuevo a partir de elementos existentes y empujar las fronteras de la moda más allá? La respuesta es sí. Siempre se innova partiendo de algo que existe. Lo aplico a la moda y pienso en Mary Quant, que creó la minifalda, una cuestión de aplicar nuevas proporciones a una prenda que existía y actualizar la estética femenina a los tiempos. Inmediatamente pienso en Coco Chanel y en Yves Saint Laurent. Chanel revolucionó el vestir de la mujer imponiendo nuevos usos de prendas o tejidos existentes: así nació su traje de chaqueta de tweed, producto de apropiarse de la indumentaria masculina y aplicarle un tejido que entonces solo se usaba para el campo. Algo similar hizo Yves Saint Laurent incorporando elementos de la calle (la minifalda), dignificando otros (la sahariana o los uniformes militares) con versiones lujosas filtradas por la costura y adaptando la sastrería masculina a la mujer; su esmoquin femenino es buena muestra de ello. En 1971, Bianca Jagger se casó con Mick Jagger con uno blanco. Con ambos, el concepto evidente de lo feo y bonito, lo masculino y femenino empieza a flaquear. No hay más que ver el aspecto de Lady Gaga para notar que hoy estas barreras se siguen empujando (como veremos en el siguiente capítulo).

La estilista Blanca Unzueta también siente admiración por ambos: «Me gustan los estilos un pelín transgresores respecto de la época. Ellos dos [refiriéndose a Chanel e Yves Saint Laurent] son mitos clarísimos del siglo XX. El otro día leí una frase que me gustó en el Harper’s Bazaar: “Chanel liberó a las mujeres y Saint Laurent les dio poder”. Chanel prescindió de los corsés y de convencionalismos, como que las mujeres no podían usar pantalones, y hasta que Saint Laurent no abrió la primera tienda de prêt-à-porter en los sesenta, la moda estaba vinculada a la clase alta y a códigos estrictos de elegancia. Ambos son aún contemporáneos, te puedes poner sus diseños de entonces (actualizándolos para no parecer salida de una foto histórica) y siguen vigentes. Algo difícil de hacer con otros».

No sé por qué me viene a la cabeza una anécdota que me contó Clara Courel, ex redactora jefe de moda de Elle, colaboradora de Yo Dona, La Razón y el programa Solo moda (TVE 1): «Vi a Saint Laurent en Marrakech y me acerqué a decirle que me encantaba su trabajo. Soy mitómana, ¡me entra el síndrome de Stendhal tanto si veo al cantante de Aerosmith como a Saint Laurent!». Pero siendo mitómanos o no, lo cierto es que Yves Saint Laurent y Chanel sentaron las bases de la mujer moderna y, como acertadamente dijo Rubén Gómez: «La modernidad es lo que cala en la sociedad y todo el mundo habla de ello».

Terminando el té, Blanca Unzueta me comentó: «La década de los setenta rompieron con todo, más allá de la ropa, se produjo una transformación social irreversible a la que las mujeres no deben renunciar». Los diseñadores que vinieron en los ochenta no lo hicieron, más bien la potenciaron: el juego de sexos lo llevó más lejos Jean-Paul Gaultier mostrando hombres con códigos femeninos y viceversa. Junto con Vivienne Westwood, sacaron al exterior prendas interiores, como corsés y sujetadores.

También en los ochenta, Gianni Versace, Claude Montana, Thierry Mugler,⁵ Hervé Léger o Azzedine Alaïa cogieron el testigo de la mujer libre y la hicieron más poderosa aún, con prendas sexys que potenciaban sus curvas, dándoles una autoridad acorde con una década conservadora, consciente del cuerpo y de la moda. Alaïa aplicó su background como escultor al cuerpo y desarrolló lo que se llamó «vestidos de vendas», tiras elásticas contundentes que esculpían la silueta y que luego retomó Hervé Léger dándoles una dimensión multicolor. Ambos diseñadores admiran a Madame Vionnet (otra liberadora de las formas femeninas, en los años veinte y treinta, con sus túnicas drapeadas), pero su trabajo bebe de otro liberador femenino, Rudi Gernreich, inventor del monokini en los sesenta (que fue como inventar el topless), y que desarrolló en los años sesenta y setenta unas prendas conscientes de las formas femeninas y vestidos tubo como evolución de sus bañadores.

Antonio Alvarado, actualmente centrado en diseños para hombre, es admirador de Alaïa: «Es el rey de la maestría y el corte. Un gran artesano que sabe moldear el cuerpo, sacar de donde no hay y embellecer a la mujer», dice. Por su parte, Montana, Mugler y Versace crearon una mujer poderosa, con trajes de chaqueta con hombros sobredimensionados y diseños que elevaban a las mujeres, totalmente liberadas y emancipadas, a una dimensión sobrehumana de dominatrix del siglo XX. Clara Courel, tan apasionada de la moda como siempre, también es fan de Thierry Mugler y Gianni Versace: «Mugler es un genio, ha influenciado a Galliano, Dolce & Gabbana o Dsquared. Y Gianni, como Almodóvar, inventó un estilo personal, que puede gustarte o no, pero que reflejó una época que Donatella ha reciclado bastante bien», y una enamorada del diseñador británico Christopher Kane.

Armani, Donna Karan y Calvin Klein llegaron por las mismas fechas para hacer a las mujeres, además de libres, emancipadas y poderosas; elegantes, urbanas y adaptadas a la vida diaria creando el uniforme de trabajo y el estilo de vida ochentero. Esta elegancia y realismo, lejos de las fantasías de superwomen de sus compañeros de década, abrieron la puerta a la última liberación de la mujer respecto de lo superfluo, con Jil Sander y Helmut Lang,⁶ que inauguraron el llamado minimalismo y marcaron la década de los noventa con sus patronajes impecables, siluetas simples, androginia y pureza.

Helmut Lang, además, comenzó a experimentar con materiales tecnológicos y texturas, como veremos en el próximo capítulo, y sentó las bases del nuevo hombre. Cuando quedé a merendar con Belén Zavala, con más de treinta años de trayectoria profesional, me dijo: «A Helmut Lang le echo mucho de menos; supuso un cambio de concepto para la mujer en plan masculino, confortable, sexy y sofisticado. Todo el rollo sport y las parkas que hizo han influenciado a diseñadores como Stella McCartney en lo que hace para Adidas». ¡Gracias a todos los que renovaron el vestir femenino y nos permitieron tomar fuerzas y ser nosotras mismas!

DE CUANDO LAS CASAS MALETERAS DESEMBARCARON EN LA MODA

Un buen día las tradicionales casas maleteras —Gucci, Fendi, Hermès, Bottega Veneta, Loewe o Louis Vuitton, entre otras— decidieron lanzarse a la moda. Josu Aboitiz me explica por qué tomaron esa decisión: «Es un arma de comunicación para crear más deseo y notoriedad de marca. El prêt-à-porter tiene un objetivo aspiracional, la excusa perfecta para desfilar en París, reunir a la prensa mundial y cerrar portadas con las revistas más prestigiosas, algo que solo con accesorios no podrías hacer. Si la alta costura hace vender perfumes a las marcas de lujo, el prêt-à-porter nos hace vender más accesorios. Ayuda a una marca a posicionarse y darle identidad más rápido».

La primera en hacerlo fue Hermès en 1929,⁷ pero no fue hasta que ficharon a Margiela (1997) cuando conectó con el universo de la moda. En 2003 lo sustituyó Gaultier y remató la jugada recuperando su tradición ecuestre y haciéndola tan deseable, ¡o más!, que sus propios diseños: «Gaultier es otro genio; lo que hacía para Hermès era una pasada, muy pocos de ahora pasarán a la historia; él, sí», me dijo entonces Clara Courel convencida. Hermès prescindió de los servicios de Gaultier (que sigue haciendo costura) fichando a Christophe Lemaire, que provenía de Lacoste, donde había estado diez años. Debutó con su colección otoño-invierno 2011-2012.

Fendi contrató a Lagerfeld en 1967, creó el logo de las efes invertidas y posicionó la firma en moda, como comenzó Narciso Rodríguez en Loewe, comprada por la firma LVMH⁸ en 1998. José Enrique Oña Selfa relevó a Narciso en 2002, apoyándose en sus raíces belgas y españolas. Y entre 2008 y 2013, Stuart Veveers⁹ renovó la visión de esta firma pretendiendo integrar mejor los accesorios y el prêt-à-porter de esta casa que data de 1892, y desarrollar la firma con una concepción moderna, internacional sin dejar de respirar españolidad, con campañas, como la de Penélope Cruz, y desarrollo de la comunicación online para llegar a un público joven con nuevas colecciones de clásicos revisitados, como el Amazona con asas flúor, cuyo anuncio viral con algunos de los «cachorros» de la progresía española protagonizó una polémica online, acusado de frívolo, pero que, paradójicamente o no, consiguió vender todas las existencias.

A mi mente vienen dos hitos de ese desembarco en la moda, Tom Ford y Marc Jacobs. En 1990, Tom Ford comenzó a diseñar mujer para Gucci fichado por Dawn Mello, directora creativa, y cuatro años más tarde lo sustituyó. Este texano educado en la Parsons actualizó la herencia de esta casa e introdujo el factor «sexo» con prendas hiperfemeninas que recordaban a Halston. Junto con las campañas coreografiadas por la entonces directora del Vogue francés, Carine Roitfeld,¹⁰ y el fotógrafo Mario Testino provocaron que en 1999 la firma saliese de la bancarrota y se valorara en 4.300 millones de dólares. Ese mismo año Pinault-Printemps-Redoute (PPR), multinacional del lujo propietaria de Gucci Group, adquirió Yves Saint Laurent y además se convirtió en su director creativo. En 2004, al no llegar a un acuerdo, se fue de ambas firmas, siendo sustituido por Frida Giannini (Gucci) y Stefano Pilati¹¹ (YSL) e inició aventura en solitario con firma propia. Comenzó con accesorios de hombre y mujer, ropa masculina, gafas y belleza. Su megatienda en Nueva York es el paradigma del lujo, y también hace a medida para hombre. Sus acólitas han visto cómo volvía a escena con una filosofía depurada pero con un estilo propio inconfundible. En el impasse profesional debutó en el cine como director con la película Un hombre soltero, cosechando éxitos.

El otro hito es Marc Jacobs, que llegó en 1998 a Louis Vuitton —fue destituido de su cargo a finales de 2013— para hacer prêt-à-porter de hombre y mujer. Josu Aboitiz comenta: «Desde un prisma de negocio, su incorporación hizo que los beneficios de Louis Vuitton se triplicaran en los primeros nueve años. Hoy la moda se ha convertido en un negocio más y esta colaboración ha sido el orgullo de LVMH y cualquier business expert». Algo inaudito en sus comienzos, cuando su herencia post pop-art hacía pensar que no se adaptaría al lujo, fue despedido de Perry Ellis (1992) por una colección inspirada en el grunge y se graduó con una colección de chándales oversizes con smileys. Pero precisamente ese bagaje híbrido de lo mejor de la cultura pop con la alta moda conectó con el público. La estrategia inicial de usar celebrities en sus campañas marcó tendencia en otras firmas. Y sus colaboraciones con el genial diseñador Stephen Sprouse antes de su muerte (grafiteando maletas de Vuitton), con el artista japonés Takashi Murakami (con bolsos de Monogram Multicolore), la artista Yayoi Kusama, con sus inconfundibles lunares, con el rapero Pharrell Williams (para hacer joyas) o con el artista Richard Prince (que inspiró un desfile con sus icónicas enfermeras y dejó su huella en los bolsos de la firma con sus «apropiaciones» de chistes), han hecho la firma deseable tanto para el ghetto fabulous como para los afiliados al exclusivo universo del arte. Como dice Rubén Gómez: «Marc Jacobs es un gran catalizador de fin de siglo, una clausura perfecta y un nuevo cambio».

En 2000, Giles Deacon comenzó el prêt-à-porter de Bottega Veneta, tras ser comprada por Gucci Group por consejo de Tom Ford, y ficharon al alemán Tomas Maier, que continúa hoy. «Ha creado un prêt-à-porter perfecto, como si hubiera hecho un análisis de los clientes que compran los bolsos dando en el clavo de la ropa que se pondrían. La firma es un éxito en marketing, imagen y negocio», comenta Josu. La estrategia de la que habla Josu funciona, las ventas de la firma han aumentado un 800 por cien: «Estos artesanos de la piel y los complementos han sabido utilizar muy bien la plataforma de las pasarelas; es un descubrimiento», dice el diseñador Ion Fiz al respecto. Cualquiera de ellas resulta una gran opción de compra para clásicas de espíritu renovado con poder adquisitivo, claro, pero no hay por qué preocuparse, sus diseños también marcan tendencia para firmas de moda de precios medios, y más asequibles. (Consultar el cuadro al final del capítulo.)

DE CÓMO BUCEAR EN LOS ARCHIVOS Y RENOVAR OTRAS FIRMAS CLÁSICAS

No estoy de acuerdo con algo que he oído a algunos diseñadores veteranos sobre lo fácil que es entrar en una firma de una gran tradición y continuar su legado, como si todo el trabajo consistiera en copiar sus archivos. Me parece una visión simplista; hay que tener mucha personalidad y talento solo para llegar y sobrevivir, y más siendo joven. ¡Y no hablemos del genio que hay que tener para no acabar sepultado bajo los archivos! El doble mortal con pirueta hacia atrás de la moda es, además de lo dicho, dejar una impronta nueva y personal. Como dicen Aitor e Iñaki, de Ailanto: «La gracia es hacerlo contemporáneo, si coges algo y lo haces tal cual, no tiene ningún sentido». Vamos a ver algunos ejemplos:

Chanel. Solo un hombre como Karl Lagerfeld (Hamburgo, 1938) podría aguantar un legado como el de Chanel y renovarlo sin perder frescura, irreverencia e identidad. Además, diseña Fendi y su propia firma, Karl Lagerfeld, y ha lanzado una línea de cosmética con Sephora y una colección de relojes. En Chanel ha jugado con su legado histórico —la doble «c», la camelia, las cadenas, las perlas, los trajes de chaqueta, el tweed y los pantalones— dándole un twist de contemporaneidad: «Hace Chanel más callejera. Él mismo es como un roquero», me dijo Rocabert con devoción. No solo los colegas le admiran, las clientas le adoran. Carmen Lomana, una de ellas, me explicó por qué: «Lo que hace es desestructurarlo todo; se puede llevar la chaqueta sola, con leggings o jeans, la falda con camiseta, y junto también queda bien. Una de sus frases lapidarias es que “hay que amar lo que se odió y odiar lo que se amó”. Admiro su capacidad de evolucionar y reinventarse, implica sabiduría, modernidad y actitud abierta ante la vida», dice. Y si los compañeros y clientas le veneran, las estilistas igual: «Es impresionante, ha cogido los archivos y los está rehaciendo con el pulso de lo contemporáneo», dice Isabel Ottino.

Dior. Raf Simons (Neerpelt, Bélgica, 1968). Debutó al frente de la firma con la colección de costura de otoño de 2012 con grandes críticas y expectación, actualizando la identidad de la firma impecablemente, directo a lo esencial y a la pureza de la identidad de la casa. Presentó su primera colección para la primavera de 2013, donde se pudo vislumbrar una depuración de conceptos aún mayor. Con anterioridad, Bill Gaytten (ahora en John Galliano), transitoriamente, diseñó las colecciones tras el despido de John Galliano (Gibraltar, 1960), que pese a su polémica salida de la firma ostentó, entre otros méritos, haber sido el primer inglés en liderar una casa de costura francesa, en 1995 en Givenchy. A Dior (ambas son de LVMH) llegó un año más tarde, y allí reinterpretó el legado de Christian Dior con teatralidad, modernidad, maestría, pasión por la historia y mix cultural. En su propia firma, que sacó de la ruina varias veces, se soltó más aún la melena hasta que fue expulsado, haciendo, por ejemplo, una colección inspirada en los homeless. De su madre española heredó la pasión por el flamenco, dicen que su corte al bies era comparable al de Madame Vionnet, retomó el juego de texturas y delicados acabados de otros genios como Paul Poiret y aguantó diez colecciones anuales —dos de costura y ocho de prêt-à-porter— con un intenso régimen de deporte y vida nocturna. Cuando vi a Natalia Bengoechea, me dijo: «Cuando Galliano entró en Dior, fue la revolución, incorporó el estilismo en sus propuestas, como todos los ingleses que llegaron tras él a casas francesas». Otro dato a tener en cuenta de un diseñador que nunca dejó indiferente.

Burberry. Christopher Bailey, hijo de un carpintero y una escaparatista, llegó a Burberry, casa tradicional inglesa donde las haya, en 2001, encajando en un plan de renovación que pretendía sacarla de la ranciedad. Su background al lado de Tom Ford (Gucci) y diseñando mujer en Donna Karan le han ayudado a rescatar la herencia de esta casa inglesa, refrescarla y hacerla cool para todas las edades y para un público que oscila entre lo clásico y lo moderno, lo campestre y lo urbanita. Lo ha conseguido con creces. Diseña quince colecciones al año, desde Burberry Prorsum (la más cara) hasta prendas para niños o mantitas para perros. Reinventa cada temporada iconos de la firma, como su gabardina clásica, dando nueva vida a una empresa de 1856, hoy un fenómeno de moda también en el entorno online, donde ha sido pionero, como lo sigue siendo en las redes sociales, uno de los primeros en hacer streaming, crear comunidad y diferentes propuestas para la individualización de sus productos. ¡Ahí es nada!

Balenciaga. ¿No es curioso que el mismo año que murió Cristóbal Balenciaga naciera Nicolas Ghesquière (1972), como si hubieran estado predestinados? Llegó a la firma con veinticinco años para devolverla al Olimpo de la moda y la abandonó a finales de 2012 por desavenencias con su jefa en el desarrollo del negocio y fue sustituido por Alexander Wang. El caso de Ghesquière ha sido un hito en la moda de los últimos años de la primera década de este siglo, a los catorce años era becario en la simpar firma francesa Agnès B. Decir que tiene talento es quedarse corto: «Lo que ha hecho es lo más difícil de este mundo», opina Antonio Alvarado. Prácticamente todos los entrevistados lo apuntan como un renovador total y a la vez leal al concepto de moda original de Balenciaga, al igual que las revistas de moda y hasta Time. «Ha resucitado una firma de la que se esperaba un revival», dice Ion Fiz. Hijo del dueño de un campo de golf y de una amante de la moda, a los doce años anunció que sería diseñador. Las influencias de sus prácticas de equitación y esgrima juveniles se vieron en sus prendas, donde la silueta fue tan importante como para el fundador de la casa, con quien también compartió pasión por las formas orgánicas y el clasicismo, al que él añadió algo de ciencia ficción. No miró los archivos nada más llegar, fue haciéndolo poco a poco. «Entrar en una casa así sin desmayarte por lo que vas a sujetar y convertirte en icono de la modernidad es de enfermos», dice Isabel Ottino. De hecho, empezó diseñando prendas fúnebres y uniformes para una subsidiaria japonesa. Fue Marie-Amélie Sauve, estilista del Vogue París, la que le recomendó como nuevo director creativo. A su primera colección apenas asistió prensa, pues competía en horario con casas como Dior. En 2001 era tan evidente su talento que la periodista del Herald Tribune Suzy Menkes lo elogió como «verdaderamente original», un apelativo difícil de arrancarle de la boca: «Hay que tener mucho arte para poder asimilar eso, mostrarlo así y convertirlo en algo totalmente renovado», recuerdo que me dijo David Delfín cuando estaba Ghesquière en activo.

Nina Ricci. Desde 2010, el británico Peter Copping, que había trabajado en Vuitton, es el director artístico de la firma manteniendo un espíritu romántico y femenino con acento en los tejidos y ampliando la oferta a los accesorios. Con anterioridad, Olivier Theyskens (Bruselas, 1977) aterrizó en Nina Ricci en 2007, siendo el debut más aclamado del año. No en vano puso a la casa Rochas en órbita en 2003 y Madonna lució en su vídeo Frozen las prendas de la primera colección que creó en solitario cuando tenía veinte años. Tras el cierre inesperado de Rochas, la familia Puig (propietaria de Nina Ricci desde 1997) le fichó para actualizar una casa nacida en 1932. Su corte impecable, aire romántico y soñador, tanto en prendas espectaculares como en otras más funcionales, le granjeó una de las mejores reputaciones del mundo de la moda; ahora diseña una firma propia más accesible, Theyskens’ Theory,¹² con notable éxito.

Givenchy. Esta firma, fundada por Hubert de Givenchy en 1952, mundialmente conocida por vestir a Audrey Hepburn, ha tenido varios ingleses como directores creativos: John Galliano, el difunto Alexander McQueen (protagonizó una de las polémicas más sonadas con LVMH yéndose en espantada), y Julien McDonald, que le sustituyó. En 2005, el italiano Riccardo Tisci (1974) le devolvió la melancolía, romanticismo y glamour de sus orígenes con un toque oscuro, gótico, moderno, chic y misterioso, muy femenino y actual, que ha sabido imprimir tanto en la alta costura, que ha potenciado, como en el prêt-à-porter.

Yves Saint Laurent (ahora Saint Laurent de nuevo). Gucci Group compró la firma y la redenominó, y Manolo Blahnik opina al respecto: «Monsieur Saint Laurent, qué genio, una persona con una dignidad enorme y qué triste acabar con su nombre vendido». Tom Ford estuvo al frente hasta 2004, con desagrado del maestro pero con éxito de crítica. Cuando se fue, le reemplazó alguien más afín, el italiano Stefano Pilati (1965), con cinco años en la firma: «Tuvo la capacidad de ser supercontemporáneo, pero de forma sutil, sin caer en tópicos. La silueta, los trajes de chaqueta y el tipo de mujer que propuso en sus primeras temporadas fue superimpecable y actual; rompió con esa cosa sexual de Tom Ford, la suya es una mujer intelectual y moderna», me dijo Natalia Bengoechea cuando Pilati estaba en la firma. Su trayectoria profesional con Giorgio Armani y Miuccia Prada no pudo ser mejor aval para continuar a este genio fallecido en 2008. Pero en 2012 fue sustituido por Hedi Slimane (exdirector creativo de Dior Homme) tras unas «vacaciones» profesionales de la moda en las que se dedicó a la fotografía comercial y artística realizando varias exposiciones, faceta que no piensa abandonar con sus nuevas responsabilidades, por lo que ha fijado su cuartel general en Los Ángeles y no en París y se ha permitido el lujo de rebautizar la firma con su nombre original, Saint Laurent, renovando su imagen en lo que promete ser la reencarnación de una nueva época de culto que augura hits generacionales y una aproximación a «la calle» como lo hizo el maestro en vida, pero en la e-generation que tan bien sondea Slimane.

Lanvin. Fundada en 1909 por la talentosa y pionera Jeanne Lanvin, vive hoy su segundo renacimiento con Alber Elbaz (Casablanca, 1961). Un tipo gordito, de pajarita perenne, humilde y discreto, que ha continuado la delicadeza, sencillez y feminidad de Jeanne dejando su propio sello y haciendo de su firma una de las más deseadas hoy. David Delfín me dijo de él: «Me parece otro genio; cuando empecé a ver su trabajo, me emocionó, y eso en moda es fuerte. Tan delicado, frágil, los tejidos, las siluetas. Una rebequita tenía tres botones y eran diferentes. Veías cuatro rebecas y todas eran diferentes entre sí. A mí esas cosas me despiertan el imaginario, la moda también es para emocionar». Su trabajo impecable retoma el refinamiento europeo, la austeridad, la pureza y una contención de estilo que lo hacen también una manifestación intelectual.

Chloé. Fundada en 1952, tuvo como director creativo al incombustible Lagerfeld desde 1966 hasta 1987, cuando llegó Martine Sitbon. Lagerfeld dotó a la firma de una elegancia neoclásica y un aire hippy, y regresó a ella en 1992. En 1997, Stella McCartney (Inglaterra, 1971), hija de Paul McCartney, llegó, apenas graduada, como directora creativa junto a su amiga y compañera de estudios Phoebe Philo (París, 1973), tan vegetariana como ella e igual de contraria a usar pieles. Ambas le lavaron la cara a la firma haciéndola deseable de nuevo. Cuando en 2001 Stella se fue para fundar su propia firma (al amparo de Gucci Group), Phoebe se quedó, catapultándola aún más, creando accesorios icónicos y prendas con aire romántico, hippy y urbano con cierta sofisticación natural. Dejó la firma en 2006 para ocuparse de su hija recién nacida, y fue fichada por la firma Céline, otro clásico en plena renovación que ha convertido en otro éxito. Llegó Paulo Melim Andersson, que trabajaba para Marni, y estuvo tres temporadas sin conseguir llegar al nivel de deseabilidad de su antecesora, siendo sustituido por Hannah MacGibbon, exayudante de Phoebe, que a su vez fue relevada por Clare Waight Keller en mayo de 2011, con experiencia de renovar la firma inglesa Pringle of Scotland, cuyo pulso parece haber cogido con acierto: «Cuando Phoebe Philo recuperó los setenta, su idea no era solo vender más, rescató un espíritu combativo, un posicionamiento», me comentó Rubén Gómez.

Balmain. Esta casa es una de las últimas grandes esperanzas francesas, fundada en 1945. Tras la muerte de Balmain tuvo como director creativo a Óscar de la Renta durante diez años, desde 1992, y en 2002 hizo su última colección de alta costura. En 2004 entró en bancarrota y a finales de 2005 ficharon a Christophe Decarnin, de cuarenta y tres años. Sus prendas definieron una silueta con aire urbano y roquero, con detalles de artesanía, corsetería y drapeados que crean un efecto «rock de luxe», que le ha granjeado grandes críticas, marcando la estética, reinventando las hombreras por ejemplo, de los últimos años de la primera década del siglo actual. Desapareció de escena por discusiones estratégicas con el director general de la firma, Alain Hivelin, en 2011 y fue sustituido por el joven diseñador Olivier Rousteing, que estaba en la casa desde 2009, para continuar su afortunada senda.

También son ejemplos reseñables Mathilde Castello Branco al frente de Azzaro, el noruego Peter Dundas al mando de la emblemática firma italiana Pucci, Stefano Citron y Federico Piaggi al frente de Gianfranco Ferré, Umit Benan en Trussardi, Barbara y Lucia Croce al frente de Vionnet, Felipe Oliveira Baptista al frente de Lacoste, también de una amplia tradición, ahora renovada, o la firma del difunto Jesús del Pozo, actualmente bajo la batuta creativa de Josep Font (Del Pozo), Guillaume Henry al frente de Carven, Nicholas Kirkwood en Pollini, Joanna Sykes en Nicole Fahri, Alessandro dell’Acqua en Brioni, Alistair Carr en Pringle of Scotland, el dúo Michael Herz y Graeme Fidler en Bally, Martin Cooper en Belstaff, o Humberto León y Carol Lim (fundadores de la cadena Opening Ceremony) al frente de la renovación de Kenzo, o Aquilano y Romindi en Fay, por mencionar algunos ejemplos que constatan la renovación de esta industria.

DE RENOVADORES QUE VAN POR LIBRE

No todos los diseñadores de espíritu renovador son de grandes casas de costura tradicionales, surgen firmas y algunas de ellas con propuestas personales desde la independencia o bajo el paraguas de una multinacional. Con Natalia Bengoechea hablé del tema: «Algunos franceses y belgas no se casan con nadie y mantienen su independencia, defienden su libertad, no van a tener la tienda de mil metros cuadrados, a veces venden también en tiendas multimarcas y departamentales, y tienen su reconocimiento». Entre los belgas independientes destacan el mencionado Dries van Noten, el dúo de Peter Pilotto, Cédric Charlier, Veronique Branquinho, Ann Demeulemeester, entre otros. Entre los franceses con estilos muy diferentes, Roland Mouret, el aclamado Haider Ackermann y, con una visión realista y femenina, un grupo de féminas como Isabel Marant,¹³ Vanessa Bruno o Sophie Albou (la diseñadora de Paul & Joe, la línea más asequible), Camille Naim (al frente de Gerard Darel) que han conseguido firmas chic, bohemias, sin pretenciosidad y buena relación calidad-precio. Antonio Alvarado alaba a Marant por algo concreto: «Me gusta mucho por lo sencillo y por cubrir esa necesidad del día a día, difícil de hacer diferenciándote». Todas buenas opciones para mujeres urbanitas de alma bohemia, al igual que las firmas Sandro, Maje, Antik Batik, Piece d’Anarchive, Les Petites, The Kooples, Paule Ka, A.P.C., Comptoir des Cotonniers, IRO, Sessùn, Athé, de Vanessa Bruno, más asequibles, entre otras. También han inspirado a firmas españolas como Poe, Poète u Oliphant, un estilo francés que se impone en las calles y que está sabiendo encontrar un nicho de mercado.

Respecto a los ingleses, vimos cómo Galliano, McQueen o Stella McCartney, entre otros, llegaron a la cumbre de los cielos fashion. De los tres, McQueen es el que más pasiones desató en el mundo de la moda: «Es de los pocos que emocionaban en un desfile. Cómo estructuraba las prendas y pensaba todo tan ajeno a las tendencias. Cuando veías la ropa, salías descolocada», dice Isabel Ottino. Tenía entrenada maestría de sastre, alma romántica y torturada, fascinación por la cetrería, la pintura flamenca y la herencia victoriana y eduardiana y, curiosamente, sus puestas en escena en sus desfiles pasarán a la historia de la moda, y se inspiró mucho en la espectacularidad de los shows de Mugler. Clara Courel también le adora: «A McQueen hay que ponerle una estatua o algo, era genial y sus desfiles fueron flipantes, un mundo interior alucinante y mucha calle. Todos los que han sido supergolfos son lo que más controlan», dijo riendo cuando nos vimos.¹⁴

También hay propuestas inglesas independientes de interés. La diseñadora Luella Bartley no solo hace bolsos estupendos, con ayuda de Mulberry, sino que sus ideas son actuales y ponibles. La gran esperanza inglesa son J. W. Anderson y Christopher Kane. Manolo Blahnik le ha hecho los zapatos de sus desfiles al segundo: «Es muy bueno, llegará muy lejos si sigue sin estropearse», dice. En su primera colección revisitó los vestidos de Hervé Léger poniéndolo de nuevo de moda, y Donatella Versace se convirtió en una de sus fans hasta el punto de ofrecerle colaborar en Versus, su segunda línea, de la que curiosamente se ha ido para ser sustituido por J. W. Anderson. También desarrollan propuestas interesantes: Mary Katrantzou, Simone Rocha, el coreano residente en Londres Eudon Choi, Jonathan Saunders, Richard Nicoll, Zoe Jordan, Meadham Kirchhoff, el griego-austríaco afincado en Londres, Marios Schwab, Roksanda Ilincic, nacida en Belgrado pero inglesa de adopción, Lauren McCalmont, la firma Three Floor, Thomas Tait, la exmodelo Jan Ahlgren o los portugueses afincados en Londres, Marques y Almeida, Dean Quinn, entre otros, son buena muestra de la efervescencia creativa y la mezcla que respira la renovación británica.

Los italianos ofrecen desde propuestas sexys y ultrafemeninas a otras con pretensiones intelectuales. La sexy la persiguen Dolce & Gabbana —actualmente involucrados en un escándalo fiscal—, Versace, Roberto Cavalli, Blumarine o Dsquared, entre otros: «De ellos dicen que son los nuevos Dolce & Gabbana, pero son diferentes. Dolce & Gabbana son el lujo italiano por excelencia y Dsquared se adaptan a un tipo de mujer supersexy y divertida. La calidad es buenísima y queda superbién», dice Clara Courel. En el polo opuesto está la moda inteligente de Marni y Miuccia Prada (tanto en Prada como en Miu Miu). La segunda tiene algo de ilusionista, como todos los italianos, deja prendado. Consuelo Castiglioni explica quién viste sus propuestas: «No tienen miedo de experimentar, mezclar y combinar siguiendo su propia visión del estilo. Intento satisfacer el deseo natural de algo único». Como intentan hacerlo Alberta Ferretti, Antonio Marras, Antonio Berardi desde su propios estilos o, a nivel de negocio, firmas clásicas como Max Mara, con líneas más accesibles y jóvenes como Max & Co, o estilísticamente, como el dramático Riccardo Tisci en la francesa Givenchy.

Y los norteamericanos dan en el clavo al hacer un lujo y/o moda masiva, a lo grande, su gran virtud. Y en Estados Unidos, con el potencial de millones de consumidores que tienen, significa convertir la facturación de firma en cifras multimillonarias. Si no que se lo pregunten a Calvin Klein, Donna Karan o Banana Republic por poner ejemplos de diferentes modelos, firmas todas que tienen una sólida parte de negocio y una visión renovada de un estilo limpio y práctico que funciona viralmente allí donde se implanta. Han aprendido de la moda europea su lado más aspiracional, y de creadores propios, como Geoffrey Beene o Norma Kamali, la incorporación de lo deportivo; y de Halston o Diane von Furstenberg, el glamour y la sofisticación. Su herencia se renueva en firmas jóvenes como Derek Lam, Doo Ri, Behnaz Sarafpour, Edmundo Castillo, Phillip Lim, Alexander Wang, Rodarte, Erin Fetherston, Takoon, The Row, de la hermanas Olsen, Rag & Bone, María Cornejo, Isabel Toledo, Esteban Cortázar, entre otros, muchos de ellos, como en el caso de Inglaterra, de raíces diversas. Clásicos como la firma Halston reapareció, la responsable fue Tamara Mellon, fundadora de la marca fashionista de zapatos y bolsos Jimmy Choo. Su pasión por los setenta le llevó a reunir a la estilista Rachel Zoe —fan de esa década— y al exdiseñador de Versace, Marco Zanini, para su relanzamiento; fue un fiasco total, pese al relevo de Marios Schwab en 2011, porque no llegó a sobrevolar la sombra de creador original y por desavenencias profesionales internas. Tamara lo explicaba así antes de dejar la firma, tras hacerlo Schwab: «Jimmy Choo siempre será mi primer amor, pero es excitante ser parte de esta marca icónica. ¡Tenemos más que un equipo fabuloso! Estoy encantada de trabajar con ellos, tienen gran visión y un innato entendimiento de la firma». Pese a su entusiasmo inicial (incluso involucró temporalmente a la actriz Sarah Jessica Parker para la línea heritage de la firma) abandonó Halston.

En España, después de que Ágatha Ruiz de la Prada, Montesinos, Alvarado y Sybilla hicieran su aparición en los ochenta con propuestas coloristas y personales de aires renovadores, la firma Duyos y Paniagua —de Juan Duyos y su entonces compañera profesional, tristemente fallecida, Cecilia Paniagua— fue la primera en conectar con las nuevas generaciones en su primer desfile de 1997, dos años después de montar su firma. Su sentido del humor, mezcla de estampados y propuestas coloristas con identidad personal, animaron a otros diseñadores a tener un discurso propio. Entonces, o actualizaban la tradición española del volante y la mantilla o estaban más preocupados por seguir tendencias internacionales que por desarrollar un discurso personal. Las únicas que hacían propuestas jóvenes eran Vacas Flacas, reciclando prendas, pero desaparecieron. «La moda española tenía muchas ganas de que apareciese algo nuevo, fue un boom en prensa, fuimos a Lo más plus y flipamos. ¡Y en casa colgábamos la colección en la barra del baño, no teníamos ni una peseta! La gente joven se percató de que podían suceder cosas, fue una apertura de puertas. A partir de 1999 o 2000 aparecieron muchos diseñadores nuevos —explica Juan Duyos, que prosigue—: lo que llamó la atención fue la inconsciencia, algo personal y visceral. A Sybilla la teníamos cerca, nos caía muy bien y nos gustaba su trabajo, pero nos apetecía otra cosa». Tras Duyos, diseñadores como David Delfín, Ailanto, Miriam Ocariz, Locking Shocking y luego Ana Locking en solitario, Ion Fiz, Rocabert, La Casita de Wendy, Spastor, Carmen March, Juanjo Oliva, Del Pozo, Moisés Nieto, Manuela Mansergas, entre otros, comenzaron a renovar el panorama patrio. Como lo hacen en la actualidad Nacho Aguayo o Alvarno, entre otros.

CÓMO FILTRAR EL LEGADO DEL PASADO Y CREAR ALGO NUEVO

Me tomo un respiro para despejar la mente de tantas conversaciones y ver si encuentro algún punto en común entre todos estos renovadores. Y voilà! Se pueden encontrar algunas vías de trabajo que se mezclan, en las que se incide más o menos, que cada uno explora a su manera para crear su sello personal y que filtran para dotar de contemporaneidad a sus diseños.

1) Respetan «a su manera» la tradición. La diseñadora Miriam Ocariz tuvo una bonita forma de explicarlo: «Sería absurdo no aprovechar tu herencia cultural; es un camino andado que puede ayudar a adaptar referencias nuevas y darle otra forma. Cuando empiezas y eres joven, tienes necesidad de desprenderte de lo que te enseñaron, quieres ser tú. Cuando trabajas y maduras, ves que esas referencias son parte de tu emoción». No se trata de imitar el pasado, sino de transformarlo en algo tan original como su punto de partida. «Todos hemos revisado la historia, eso no quiere decir que te condicione, son conceptos que te enseñan tanto que son un avance y ayudan a replantearte el momento en el que están», explica. Y dentro de la tradición también atrae el folclore: «Me inspiran los trajes regionales y el folclore; creo que es moda también; Jean-Paul Gaultier se ha inspirado mucho en eso», explica Bimba Bosé.

2) Investigan en patrones. El patronaje estructura las prendas, de él dependen sus proporciones, que favorezcan y sean impecables: «Es esa parte tan fundamental que necesitas saber de cómo se construye una prenda. Te da pie a poder realizarla de otra manera», dice Ismael, de Spastor, una firma masculina de patrones impecables, de los que hablaremos también en el siguiente capítulo. Pero para quien piense que solo es importante en los trajes o prendas de identidad, la estilista Blanca Unzueta pone un ejemplo que nada tiene que ver: «La arquitectura de la prenda es dificilísima de apreciar y ahí el terreno sigue abierto. Fíjate en los vaqueros, en cuatro años han aparecido infinidad de firmas, cada uno es distinto y lo que importa es cómo sientan». Diseñadores como Ann Demeulemeester están durante meses buscando el patrón de un pantalón hasta dar con el adecuado. Y para Miriam Ocariz, sus patronistas son fundamentales en su equipo: «Un buen patronista, al que le permitas ser bueno a través del diálogo, es fundamental. Les doy el trabajo según su personalidad, nos entendemos y sabemos qué buscamos». Diseñadores como Helmut Lang, Jil Sander, los japoneses y los belgas, como Margiela, entre otros, han influido en su evolución. Adivina de qué firma viste Nicolas Ghesquière: de Margiela, con cuyo equipo hablaremos en el siguiente capítulo. Su visión, mientras estuvo en la firma, fue más allá de la renovación, fue pura innovación.

3) Actualizan los básicos y los clásicos. Su supervivencia depende de ello como hemos visto. Un ejemplo más mundano es el jean o vaquero, vino para quedarse y adopta nuevos acabados, se dignifica con prendas casi de prêt-à-porter (como la línea alta Diesel y Gas), con patronajes supercreativos (como la línea Engineered de Levi’s) o nacen firmas de culto cada minuto (Nudie, True Religion, Notify, J Brand o Acne, entre otras muchas). Recuerdo que le pregunté a Rocabert por los best sellers de su tienda: «La gente busca ropa que marque poco, que te puedas poner para el día y la noche, en diferentes estaciones», lo cual ha hecho del vestido un básico para mujeres de vida dinámica, un auténtico «24 horas». Y Aitor e Iñaki, de Ailanto, lo comentaron riéndose: «El vestido se ha hecho muy importante en los últimos años; nosotros los hemos hecho siempre y cuando empezamos, no veías a nadie con vestido por la calle». Rocabert me dijo que se demandan muchas prendas de arriba, o tops, para combinar con dos grandes básicos, pantalón o falda, que la moda va actualizando: «Hay más movimiento, variedad y atrevimiento para mezclar. Todo el boom de los tops y camisetas, camisas, jerséis y blusas es una forma de reinventar el vestir de cada día, sirven de comodín», dice. Y desde luego, las estrellas son los complementos, como me dijeron los de Ailanto: «Si estamos hablando de una mujer estilosa, los complementos juegan una baza fuerte, ayudan y definen mucho una imagen». (Ver Capítulo V.)

4) Juegan con los contrastes. Ion Fiz comenta cómo lo hace (y es extrapolable a otros): «Me gustan los contrastes, utilizar un tejido muy clásico y llevarlo a una prenda más gamberra con la chispa de hoy». También conserva el acabado de las prendas de la sastrería clásica mientras las mezcla con prendas de streetwear —sudaderas, camisetas, zapatillas—, haciéndolas con la seriedad de la sastrería: «Con un algodón bueno y un color con gracia. No algo gratuito, sino con un orden de creación también, con tanto valor y tan bonito como un traje de sastrería o un vestido de noche», explica.

5) Filtran la innovación tecnológica. David Delfín nos brinda un ejemplo de cómo hacerlo: «A mí los tejidos técnicos me interesan si veo que puedo combinarlos. Por ejemplo, estuve flipado con un tejido, una seda mezclada que tenía textura de bolsa de plástico. Pedí unos metros; era sobrio, estaba utilizando materiales muy naturales y pensé que quizás se me ocurriría una combinación interesante. Curiosamente, decidí hacer algo clásico: las típicas camisas de caballero con puños y cuello blancos. Esas combinaciones me interesan; una forma de mostrarlo a través de ti», explica. La investigación textil hoy está muy desarrollada: «Es importante experimentar con tejidos intentando meter mucha creatividad a través de ellos», dice Ion Fiz. De hecho, se puede decir que los tejidos marcan cada vez más las creaciones de los diseñadores y la innovación de buena parte de la moda.

6) Sobreviven a las crisis. La moda está plagada de diseñadores que estuvieron a punto de quebrar y remontaron, de casas que mueren y, cual ave fénix, resurgen de sus cenizas: Balenciaga, Chanel, Valentino, Saint Laurent, Versace, por citar algunos además de los ya vistos. Antonio Alvarado me cuenta su personal vía crucis. Comenzó en los ochenta y en 1997 se retiró: «Llegó un momento en que mi cabeza se truncó, me estaba drogando mucho y aquello que creía que me favorecía, psíquicamente me atoró. Me pasaba días sin hablar con nadie y recibiendo camellos, pensando que un gramo más iba a ser el detonante, pero no». Volvió en 2004, después de trabajar con José Miró: «Conseguí poner las cosas en su sitio, siendo más sensato y objetivo; tuve la ocasión de ver su empresa por dentro, hice una gran reflexión, tuve apoyo absoluto de psicólogos y psiquiatras y volví a mi sitio desde la burbuja en la que estaba. He tenido siempre suerte, el norte (hacia dónde he querido ir, quién he querido ser, con quién me he querido mover) no lo he perdido nunca». Sus colecciones desfilaron en Cibeles como si no se hubiera ido; más maduro y con más rigor, ahora se ha volcado en el diseño de hombre y en la docencia de moda, a la que siempre ha estado muy vinculado.

7) Incorporan buenas dosis de estilismo y marketing. Con los ingleses el estilismo desembarcó en la moda. Hoy todos los diseñadores importantes trabajan con estilistas para desarrollar colecciones y desfiles: «Los desfiles de Dolce & Gabbana y Dsquared son puro estilismo», me dice el estilista Hugo Lavín, y no son excepciones, la asociación de Marc Jacobs con la estilista Venetia Scott o la de Tom Ford con Carine Roitfeld fueron un éxito. La primera edición de CR Fashion Book se agotó en los desfiles de septiembre de 2012, donde se presenta la colección de primavera/verano 2013. crfashionbook.com. Estilistas del Vogue París, y su actual directora, Emmanuelle Alt, están detrás de la imagen de casas francesas como Givenchy, Balmain, Balenciaga y/o hacen sus campañas. Quedo con la estilista española Amparo Utrilla a cenar y después nos tomamos un bellini en el Ritz. Sin pelos en la lengua me dice: «Funciona más el estilismo, el marketing, un diseñador carismático y relaciones públicas, que tener mucho contenido». Y puede que tenga razón, el marketing se ha vuelto tan imprescindible como el estilismo para esta industria, como veremos en el Capítulo VII y en el final.

UN DISEÑADOR EN SU ESTUDIO, EL TRABAJO MÁS ÍNTIMO

Vuelvo andando a casa desde el Ritz pensando en que, salvo por el dolor de pies, ha sido un día redondo. Lo que más me interesa de la moda, infinitamente más que consumirla, es el proceso creativo de los diseñadores, sobre todo cuando su discurso es personal. A Miriam Ocariz le brillaban los ojos, con encanto casi infantil, cuando hablaba del suyo. Ha forjado una identidad personal con esfuerzo, tesón y dándose tiempo para pensar en Bilbao, alejada del estrés profesional de Madrid o Barcelona. Estudió Bellas Artes, empezó con ropa sencilla estampada con dibujos de trazo marcado y ha evolucionado trabajando más los tejidos y las estructuras, dejando los estampados para el interior de las prendas. Me explicó cómo es el batiburrillo de su proceso creativo: «No trabajo temas sino un cúmulo de contradicciones y referencias: lo masculino y femenino, lo irónico, lo superinfantil, hasta lo cursi con lo más duro. La parte de los estampados es muy libre, me suelto mucho, unos son ingenuos y otro serios o personales. La estructura de las prendas es rigurosa, me interesa lo plástico y el dibujo. La línea aparece tanto en los estampados como en los patrones; cuido el dibujo del vestido, los cortes, los puzles, soy obsesiva de que se note el dibujo del patrón. El dibujo y el patrón constantemente me equilibran». Con los tejidos tiene la misma dualidad. Tejidos rigurosos o fluidos, y colores con cierta poética estética o íntima que equilibra lo riguroso: «El azul marino para mí tiene connotaciones de mi infancia por ejemplo, siempre hay muchos matices. Trabajo en proceso; empiezo con muchas cosas, los estampados a la vez que las prendas, pido los tejidos y no tengo claro lo que voy a hacer. Parece todo como un caos terrible y se van mezclando. Una prenda que empezó como parte del corsé, pasa por la esgrima y acaba siendo militar por ser azul marino y con botones dorados, pero con todo lo que hace que no sea la típica prenda militar. Y el forro son piernas de mujer con medias de rejilla y zapatos de tacón negro», dice. Y se deja llevar por su intuición e ilusión: «Buscas tus mezclas y equilibrios, me dedico a esto para buscar algo y emocionarme», recuerdo que me dijo. Con la llave en la cerradura pienso que es un buen cierre para unos diseñadores que juegan con elementos existentes y otros nuevos, con contradicciones, contrastes y que a base de matices sutiles, o no, van renovando el legado de la moda.

SI TU ESPÍRITU ES RENOVADOR

Una pequeña selección de opciones de firmas para todos los bolsillos, de lo más lujoso a lo más asequible.

Si tu estilo es...

• SEXY: Versace, Hermès, Hervé Léger, Gucci, Roberto Cavalli, Dsquared, Givenchy, Dolce & Gabbana, Fendi, Christopher Kane, Azzedine Alaïa, Pucci, Loewe, Alessandro dell’Acqua, Carven, Karl Lagerfeld, BDBA, Blumarine, Pierre Balmain, Isabel Marant, Alïa, Jorge Acuña, Alfredo Villalba, Guess, Versus, Moschino, Juicy Couture, Liu Jo, Paule Ka, BCBG, Blugirl, Lola Li, Zadig & Voltaire, Sandro, Maje, Sita Murt, American Apparel, Miss Sixty, Asos, Bershka, Stradivarius, Blanco, Primark, entre otras muchas.

• FEMENINO: Miu Miu, Rodarte, Louis Vuitton, Chanel, Burberry, Nina Ricci, Stella McCartney, Michael Kors, Chloé, Moschino, Pierre Balmain, See by Chloé, Isabel Marant, Olimpia Le-Tan, Osman, Pamella Roland, Peter Som, Vanessa Bruno, Simone Rocha, Athé, Moisés Nieto, Nacho Aguayo, The Kooples, Les Petites, Agnès B, Sisley, American Vintage, Coosy, Le Tour de Force, Nice Things, Theory, Vince, Tara Jarmon, TIBI, Faith Connection, Stella Forest, Marc by Marc, Aiguille Noire, Blugirl, Oliphant, Teresa Helbig, Erdem, Masscob, Ikks, Strenesse, Duyos, Le Mont St Michel, to be adored, J.Crew, Closed, Sister Jane, Don Algodón, Ion Fiz, Claude Pierlot, ba&sh, Uke Forever, Sonia by Sonia Rykiel, Kate Spade, Paul & Joe Sister, Mal-Aimée, Acne, Moschino Cheap & Chic, Thakoon Addition, Étoile de Isabel Marant, CNC, Zoe Tees, Pepa Loves, Sita Murt, TBA, Miranda Makaroff para Lidia Delgado, Zadig & Voltaire, Asos, Hakei, Lavand, La Condesa Conde, Massimo Dutti, Mango, Zara, Bimba & Lola, Primark, AD de Adolfo Domínguez, H&M, Topshop, Uterqüe, Bershka, entre otras muchas.

• INTELECTUAL Y RIGUROSO: Céline, Marni, Prada, Saint Laurent, Dior, Comme des Garçons, Maison Martin Margiela, Phillip Lim, Lanvin, Dries van Noten, Ann Demeulemeester, Veronique Branquinho, Helmut Lang, Viktor & Rolf, COTE, McQueen, Balenciaga, Miu Miu, Paul Smith, The Row, L’Wren Scott, Jil Sander, Boss Black, Boss Orange, Rag & Bone, CoSTUME NATIONAL, Marc by Marc, Antipodium, Core de Alexander Wang, American Vintage, Acne, Baruc Corazón, Marissa Webb, Kisu Peter, Miss Wu, n.º21, Osklen, Miriam Ocariz, Apiece Apart, Ana Locking, David Delfín, Spastor, Kling, Coosy, Frame Denim, Alvarno, Jil Sander Navy, Twenty Twelve, Armand Basi, Max&Co, Jenny Key, The Kooples, American Vintage, Les Petites, Sisley, A.P.C., Uniqueness, Forte Forte, Paul Smith, Lacoste, French Connection, Comptoir des Cotonniers, Maje, Sandro, Asos, Uniqlo, Joseph, COS, H&M, Zara, Topshop, entre otras muchas.

• BOHEMIO: Chloé, Isabel Marant, Dries van Noten, Vanessa Bruno, Petit Bateau, Paul & Joe, Luella Bartley, Ailanto, Duyos, Gerard Darel, Paul & Joe Sister, Zadig & Voltaire, Kling, Raasta, Eleven Paris, Comptoir des Cotonniers, Coosy, Maje, See by Chloé, Homeless, Hoss Intropia, Philosophy, The Kooples, Les Petites, Sisley, Sandro, Poète, American Vintage, M de Missoni, Le Tour de Force, Twenty Twelve, A.P.C, Acne, Marc by Marc, Paule Ka, Scott & Soda, American Retro, French Connection, Liberty, Antik Batik, Style Butler, Asos, Massimo Dutti, Mango, Zara, Bimba & Lola, Uterqüe, Topshop, Bershka, Primark, entre otras muchas (consultar punto «femenino» del cuadro también).

• PRÁCTICO: Donna Karan, Calvin Klein, Marni, Narciso Rodríguez, Loewe, Tommy Hilfiger, Polo de Ralph Lauren, Boss Black, Comptoir des Cotonniers, DKNY, CK, Alexander Wang, Roberto Verino, Pedro del Hierro, Adolfo Domínguez, Boss Orange, Ángel Schlesser, Caramelo, Kookai, Easy Wear, Antonio Pernas, Akris, Sportmax, Gant, Armand Basi, Maje, Poleci, Javier Simorra, Costume National, Max&Co, Uniqueness, Fred Perry, Perry Ellis, Lebor Gabala, Hunter, Georges Rech, Escorpion, Tintoretto, Josep, Margaret Howell, Paul Smith, Esprit, American Vintage, Purificación García, Filippa K, Boss Green, Green Coast, Van Dos, Twin Set, Jota+Ge, Supertrash, El Ganso, Springfield, Massimo Dutti, H&M, Zara, Topshop, Mango, Cortefiel, Sfera, Bershka, Pull & Bear, Promod, Lefties, entre otras muchas.

Se recomienda visitar las tiendas online: thecorner.com, asos.com/ es, thecode.com, yoox.com, net-a-porter, outnet.com, farfetch.com, matchesfashion.com, atelieronweb, boutique1.com, shopbop.com, mytheresa.com o theoutnet.es.

NO TE OLVIDES DE...

MEZCLAR

• Prendas/complementos vintage, de segunda mano o inspiración histórica con prendas contemporáneas.

• Piezas especiales de diseñadores para combinar con básicos asequibles.

• Prendas de sastrería con prendas de streetwear (como camisetas, sudaderas y zapatillas).

• Prendas clásicas y sencillas con otras (o complementos) más callejeras o extravagantes.

• ... de una forma personal y acorde con tus gustos.

JUGAR

• Con los tejidos, texturas y estampados.

• Con contrastes de colores, formas y/o siluetas.

• Con accesorios que te ayuden a definir tu look y a actualizarlo según tus necesidades (ver Capítulo V).

• Con prendas que tengan detalles ínfimos o llamativos que cautiven.

BÁSICOS

• Vestidos multifunción que con los accesorios adecuados los puedas adaptar a una jornada laboral larga o viajes.

• Jeans, faldas y pantalones básicos que te favorezcan.

• Tener un surtido de tops, camisetas, camisas o blusas que puedas combinar fácilmente.

• Prendas de sastrería con detalles originales y/o un patronaje impecable.

Y ADEMÁS...

• Aunque montarte tu look te lleve tiempo, el esfuerzo siempre debe permanecer invisible.

• Si confías en ti misma/o, estarás genial.

III

ASUMIR RIESGOS

«El estilo es libertad.»

Maison Martin Margiela

Me espera una sesión de riesgos, voy a caminar por el lado más salvaje de la moda. Este capítulo repasa los diseñadores de espíritu rupturista, que asumen riesgos, son libres, se desmarcan de la mayoría, rompen esquemas, no dejan indiferentes e innovan. Los preferidos de los consumidores que no se sienten identificados con la moda oficial: «Está todo tan banalizado y accesible que buscas una costumización de Margiela, cierta exclusividad», me dijo Isabel Ottino cuando nos vimos. Un comentario propio de aquellos que comprarían los diseños de estos supuestos outsiders de la moda que no veneran el pasado y miran al futuro. Para ellos tener estilo tiene «otros matices». Me lo explicó Carlos Díez, el más irreverente y divertido de los desfiles de Madrid: «No creo en expresiones absurdas tipo “con estilo se nace, no se hace”. Tiene que ver con ser valiente y tener fuerza de manifestarte con lo que llevas, cueste dos mil euros o tres. Y también con tener capacidad de vivir tu tiempo, de afrontar el riesgo y de ser tú sobre todo. Hay gente que dice, “me encanta tu trabajo, pero no me lo pondría, me sorprende”: ¿y por qué no? Para mí, el estilo es no tener miedo. Es cierto que te pueden tirar piedras si vistes de determinada manera, pero tener estilo es ser valiente». Y con valentía me enfrento a una nueva ración de estilo, saco del cajón cintas con entrevistas y me siento al ordenador, mis pies me agradecerán un día más tranquilo.

Mientras espero que me lleguen dos emails importantes, uno de Bernhard Willhelm y otro de Martin Margiela (dos diseñadores rupturistas donde los haya), recuerdo que Ramón Fano de Neo2, me habló de lo subjetivo del estilo: «El estilo, a priori, no es un concepto ni negativo ni positivo. Lo que pasa es que “tener estilo” se asocia a tener buen estilo, no mal estilo». Dogmatizar y creerse árbitro sobre el buen o mal estilo es, cuanto menos, atrevido. El estilo es algo tan subjetivo que no puede circunscribirse a vestir de una determinada forma. Se puede tener muy buen-mal-gusto, como la modelo inglesa Agyness Deyn —que mezcla irreverentemente todo tipo de colores, estampados, prendas de mercadillo, de firma y doc martens de colores—, y ser igual de estilosa que quien sigue el manual del estilo clásico de la A a la Z.

El día que vi a Antonio Alvarado arrastraba una gripe que no mermaba su habitual lucidez e ingenio, compartimos, eso sí, un discreto gin-tonic. Recuerdo que me recalcó: «La clase es una actitud y el estilo es la forma de mostrar esa actitud con naturalidad, una especie de termómetro interno». Un termómetro que en el caso de estos diseñadores es sensible también a los tiempos, porque al escuchar la cinta de la entrevista de la firma La Casita de Wendy —que se ha hecho un hueco en el mercado con propuestas coloristas, preciosistas, alegres y favorecedoras, y sensibilidad para lo artesanal—, oigo a Iván (uno de los fundadores de la firma) decir: «Es muy importante que en cada momento recojas lo que estás viendo, convivir en ese momento desde tu personalidad, no como Madonna en plan oportunista y ultraconsumista. Alguien con estilo tiene suficiente personalidad para creerse lo que lleva y no necesita apoyo de la masa, confía en sí mismo. Esa gente se convierte en referencia; ocurre con los diseñadores que tienen suficiente fuerza para crear una marca partiendo de sí mismos y contagiársela a la gente». Inés, la otra fundadora prosigue: «Es gente que tiene carácter suficiente para llevar la contraria, con suficiente personalidad para crear su propia estética». Miro en la bandeja de entrada de mi correo y, como si se hubieran dado por aludidos, los emails que esperaba han llegado. Voy a saborearlos con otra taza de té y algo de música, desde luego la ocasión lo merece.

MARTIN MARGIELA, EL ANTICULTO A LA PERSONALIDAD

Intentar entrevistar a Margiela (Bélgica, 1957) suponía vértelas con su equipo. Me explico; mientras estaba en la firma no concedía entrevistas y no se dejaba retratar, porque está en contra del culto a la personalidad de la industria de la moda.¹ Samantha, su responsable de prensa, me preguntó si no me importaba, en vez de hablar con él, mandar un email y recibir respuestas de toda la Maison, que ha cumplido más de dos décadas. Le dije que no me importaba. Me pregunto si se habrán reunido todos, con las batas blancas que llevan, para contestar cada email como en un concilio o eligen a un delegado... Sea como sea, Margiela es uno de los personajes más interesantes de la moda, estudió y formó parte (durante un tiempo) de los «Seis de Amberes» (de los que hablaremos). En 1988 lanzó su primera colección como Maison Martin Margiela, y fue director creativo de Hermès hasta que le sustituyó Jean-Paul Gaultier, curiosamente su primer jefe. Junto con los diseñadores japoneses y sus compañeros belgas pusieron las convenciones de la moda patas arriba en los ochenta produciendo un gran shock en plena época de opulencia y yupismo. Vive la moda como un medio artístico, le inspira la propia ropa y sus prendas son el resultado de «repensarla» dándole a sus elementos un nuevo orden; por ejemplo, ha hecho prendas con el forro por fuera o con tejidos no propios de la moda, como la tela de saco; son interesantes estética e intelectualmente. A veces solo hacía vídeos para presentar las colecciones y cuando hacía desfiles tampoco eran convencionales, estaban alejados del glamour, sin celebrities sentadas en primera fila ni tops desfilando y en espacios como parkings, escombreras, andenes o depósitos abandonados, que también «repensaba» y dotaba de nueva función. Esta forma de cuestionarse la moda desde su origen a su presentación también la desarrollaba en otras líneas, donde reciclaba prendas u objetos encontrados para hacer piezas de costura (Margiela Artisanale) o en las que recuperaba prendas antiguas (Replica), de hombre y mujer, reconstruía a mano y en su etiqueta indicaba su procedencia; significó el object trouvé ² del arte aplicado a la moda. Ahora la pregunta es si Renzo Rosso y su equipo tendrán la sensibilidad y la inteligencia de continuar con un legado tan personal o solo una decantación comercial previsible.

En su email, el equipo explicaba que para la Maison Martin Margiela el estilo es libertad: «Es tomarse licencias sobre cómo se percibe la forma o estructura de una prenda. También es una individualidad subliminal a la hora de vestir y está relacionado con la autoexpresión, una parte integral de nuestra aproximación». El posicionamiento original un tanto «autista» en la industria de la moda no hizo más que granjearles un gran éxito y respeto. Esa fue la razón por la que el grupo de Renzo Rosso (propietarios de Diesel y productores de prêt-à-porter de Vivienne Westwood, Dsquared y Lagerfeld Gallery) les comenzó a respaldar en su producción y expansión internacional. La firma desde sus orígenes ha pretendido mantener su independencia y dicen que su posicionamiento es más «una manera de protegernos que una filosofía. Trabajamos de la forma que mejor representa nuestras sensibilidades creativas. Desde los comienzos siempre hemos pretendido encontrar un camino propio estimulante en la industria que retara nuestros talentos y empujara nuestras fronteras creativas, continuamos así. Con ello no queremos criticar los caminos de otros diseñadores, sus negocios o su forma de expresar su creatividad. Nos gusta que nuestras prendas, colecciones, desfiles, zapatos, accesorios, exposiciones y eventos sean la mejor representación de quiénes somos. Por eso preferimos no basar la comunicación en un culto individual a la personalidad o celebridad del diseñador», explican. En la era de los diseñadores mediáticos-estilistas-y-marquetinianos, Martin Margiela fue el ejemplo de que el trabajo es la mejor carta de presentación.

El equipo comenta: «La industria de la moda se adapta al ambiente igual que otros sectores en épocas de subidas y bajadas económicas. La moda se mueve, evoluciona tanto como rebobina, a veces con memoria y otras con amnesia, a menudo de forma fresca y a veces no. Cada uno tiene su público, por eso hay tantas marcas, estilos, periodos que coexisten y son complementarios». Están agradecidos de que su trabajo haya evolucionado en la misma medida que el interés (del público y la prensa) hacia él: «Intentamos siempre empujar las fronteras de la imaginación más allá de la tendencia y de lo que podría apetecer a otros». Quizás por eso siempre sorprenden, así que no pude evitar incluir en mi email la pregunta de qué les sorprende a ellos: «Lo que más nos sorprende es que es difícil sorprenderse nunca más», responden, sorprendiéndome.

BERNHARD WILLHELM, LA MODA EN PROCESO

Nació en un pequeño pueblo alemán, estudió en la Escuela de Amberes y trabaja en París con un equipo reducido. La economía de su empresa es aún inestable y sobrevive con colaboraciones como la de Camper de calzado porque su mejor capital son sus ideas y donde más se valoran es en Europa y Japón. ¡Allí arrasa! En el resto del mundo vende en pocas tiendas, tiene cuarenta años y una visión inquebrantable: «Siempre me he mantenido independiente y fiel a mis ideales», afirma en su email. Trabajó con Walter van Beirendonck, Alexander McQueen, Vivienne Westwood y Dirk Bikkembergs antes de crear su firma (1999), primero con ropa de chica y un año después con chico, aunque dice que sus diseños los pueden llevar indistintamente hombres y mujeres. Durante dos años fue director creativo de Capucci, pero, curiosamente, pasa del glamour y el estatus, sus colecciones son irreverentes, coloristas, juegan con formas inverosímiles, proporciones extremas y los convencionalismos incluso en la forma de presentarlas. No siempre hace desfiles, prefiere presentaciones propias del arte y marca tendencia aunque no la sigue, va por delante. Es un visionario y como tal «inspira» a otros: una de sus presentaciones la «fusiló» H&M para sus escaparates, el grafismo y los colores ácidos de sus prendas inauguraron la moda fugaz del new rave,³ sus sudaderas han inspirado a las de grandes firmas y mucho antes de que las camisetas heavys o con mensajes antifashion se pusieran de moda ya ironizaba con la iconografía de los grupos heavy y de las grandes firmas de lujo.

Opina que hoy la moda está densamente poblada y con más deseo de lo obvio, de glamour y estatus. Es precisamente de lo que huye. Pero lo asume en positivo: «Cualquier concepto puede funcionar, esa apertura hace que sea gratificante crear y un ambiente de caos puede ayudar». Dice que el estilo es más que expresar la individualidad: «No es solo marcar tu propio territorio en la sociedad, también es libertad y acción. Además es una cuestión de carácter y no todo el mundo hace el esfuerzo. Alguna gente solo juega, el estilo es movimiento, cambia, algo como sorpréndeme, no me des lo obvio, sedúceme». Trabaja, como algunos artistas, «en proceso» y, en ese sentido, es más artista que diseñador, le interesa más su proceso que el producto final, y cuando toca presentar la colección, enseña el resultado aunque se quede a medias. Dice que la ropa puede alterar la forma de pensar y a golpe de prendas oversize, cierto infantilismo perverso, color, humor y creatividad sin límites remueve las conciencias de los bien pensantes del establishment. Es deudor de la cultura club de la que ha participado y el primer culpable de reinventar el chándal y forzar las fronteras del streetwear, un sector en el que dice que «coexisten diferentes grupos, estilos, moda de culturas y subculturas y donde la interacción es más rápida de lo que solía ser».

Comenta que la moda hoy es una cuestión de matices, texturas, mito y celebridad, no sin antes dedicar unas líneas a la celebritimanía que vivimos: «Es como estirar la realidad hacia lo irreal. La gente necesita proteger sus sueños y deseos no satisfechos. Las celebridades son una bonita superficie para los medios, su belleza decorativa es difícil de mantener y contrasta con las fotos de los paparazzi. Esta destrucción de la imagen de celebridad nos recuerda que todos los vips son gente normal con los mismos problemas que nosotros. Así la gente se siente mejor consigo misma siendo simplemente normales».

Y al final de su email, como una especie de poema, escribe las cosas que ama y que dice que son los elementos claves de su trabajo: «Los pájaros volando sobre nosotros y luego yéndose / los momentos entre momentos cuando eres feliz / cafés con dos invitados y un perro / las calles hechas de dorada luz del sol / comidas en casa / el clímax del sexo / el dinero cuando lo ahorramos, no cuando lo gastamos / el arte en el momento que es creado / algo caro que no te puedes permitir / ciertas sonrisas / las duchas de elefantes / la muerte mientras no hayamos muerto», y me da buena onda cuando lo leo; recuerdo que Carlos Díez lo mencionó mientras cenábamos: «Lo que ocurre con él es que está muy avanzado; para cuando la gente pueda asimilar lo que ha hecho, hará cinco años que está en la ruina o en otra cosa que le interese más».

EL ARTE Y LA MODA, ¿ALGO NUEVO?

La moda y el arte siempre han ido de la mano por mucho que la liebre haya saltado a los medios en la última década. «Hoy se habla de lo cerca que están el arte, el diseño o la arquitectura de la moda. Y creo que jamás han estado muy lejos. En los años veinte Marcel Breuer hacía edificios, desde las cortinas hasta el tenedor, y al mismo tiempo diseñaba una silla o un traje», explica Rubén Gómez. Cierto, si pensamos en las vanguardias. Elsa Schiaparelli⁴ o Coco Chanel colaboraban con Jean Cocteau y Salvador Dalí; más tarde, Yves Saint Laurent dedicó colecciones a Mondrian, Goya, Braque o al pop-art, un movimiento artístico al que también homenajeó Gianni Versace. La pintura (desde los impresionistas al expresionismo abstracto) no solo ha influenciado los estampados, textiles y el colorido de las prendas, sino que artistas como Klimt han sido la base para juegos de texturas de colecciones de Dries van Noten o de alta costura de Dior. Pensemos, por ejemplo, cómo el arte victoriano, la indumentaria de la época, el arte de la cetrería han sido una de las fuentes de inspiración de McQueen. O cómo la escultura también ha hecho lo propio inspirando siluetas, proporciones y volúmenes, desde lo más conceptual, en diseñadores de Gareth Pugh, a lo más comercial en colecciones de Marc Jacobs para Louis Vuitton. Incluso la fotografía ha inspirado estampados y tejidos. La retroalimentación de las diferentes disciplinas artísticas y el diseño de moda es diversa y variada, incluso inspira exposiciones como la más reciente de Miuccia Prada y Elsa Schiaparelli, McQueen o Marc Jacobs en Louis Vuitton, los ejemplos de todo tipo podrían ser innumerables. Además de ser muchos de ellos mecenas de arte y coleccionistas.

En los noventa todo el minimalismo de la moda de Jil Sander, Calvin Klein, Armani, Donna Karan o Helmut Lang, que se ha dedicado al arte una vez retirado, estaba influenciado por el arte, la arquitectura, el diseño minimalista. Y en la primera década de 2000 el arte conceptual inspiró a belgas y japoneses, como nos cuenta la diseñadora Miriam Ocariz: «Margiela o los japoneses hicieron una revolución impresionante, aplicaron “el concepto” a la moda cuando no existía. Fue una vuelta supercreativa y nueva, abrieron una puerta inmensa a la forma de razonar, pensar y ver la moda. Margiela se cuestionaba qué es la moda casi al mismo tiempo que el arte introdujo ese cambio en el que se cuestionaba sus límites. Una forma de crear que no es tan objetiva como la forma de un vestido porque son también conceptos. Incluso cuando recicla prendas y crea nuevas a partir de esas, no por antojo, sino de una manera consciente, eso supone mucho para la moda». Ese «reciclaje» bebe directamente del concepto de objet trouvé (o ready-made) del arte, como hemos visto.

El arte no solo inspira los conceptos de las colecciones y sus prendas sino también sus puestas en escena. «El arte conceptual ha cambiado mucho la moda, en los noventa los diseñadores hacían unas presentaciones de sus colecciones que tenían mucho que ver con la forma de presentar el arte. O hacían ropa, como Jeremy Scott⁵ o Cosmic Wonder, en galerías de arte, con un concepto detrás. Ya no es solo ropa, te están contando una historia y un concepto», dice Inés, de La Casita de Wendy. Lo que me hace pensar en las puestas en escena conceptuales de Viktor & Rolf o Hussein Chalayan. Los primeros empezaron a mostrar sus prendas, que ellos mismos cosían a mano, en galerías. Dicen que hacen «glamour conceptual», y aunque han estado cerca de la ruina varias veces ahora disfrutan del respaldo de establishment. En sus desfiles hemos visto desde una modelo a la que van poniendo trajes encima, como una muñeca rusa, hasta otras desfilando dentro de camas que son a su vez abrigos, pasando por las que llevaban toda una parafernalia de focos suspendida sobre sus hombros para hablar del aislamiento del individuo. Hussein Chalayan es otro que destila sus creaciones a partir de conceptos como la inmigración y sus efectos en el ser humano; por ejemplo, para una colección creó vestidos que se convertían en mesas, que nos hablaban de la relación de los pobres y sus bienes materiales. En otros se cuestionaba el impacto en el medio ambiente o la fama; ha realizado vestidos que cambian de color y forma gracias a la incorporación de elementos tecnológicos.

En España, junto a David Delfín, Locking Shocking (formado en su día por Ana y Óscar) siempre transitaron la frontera moda-arte. Lo que nunca imaginé es que la entrevista que les hice para la primera edición de este libro, una mañana nublada y desapacible, fuera la última que darían como dúo. Ana Locking continúa en la moda (ganó el premio L’Oréal con su primer desfile en solitario en 2007), vende online, con una pequeña distribución en tiendas y en su atelier, donde hace ropa a medida, ha mantenido la misma línea de independencia de criterio que siempre la caracterizó y transita cerca del arte contemporáneo, una de sus grandes pasiones. Óscar Shocking se dedica a la docencia universitaria de arte y como creador realiza piezas de videoarte (oscarshocking.com) explorando temáticas sobre la condición humana que le interesan y le mueven a la reflexión. Juntos tuvieron una trayectoria impecable, diez años de trabajo. Por separado son aún más felices en lo profesional y en lo personal y han encontrado de nuevo su lugar, ya haya sido dentro o fuera de la moda. En aquella entrevista estuvimos hablando de moda, arte, música y fotografía, algunos de sus referentes, algo que ha formado parte de sus trayectorias profesionales, de su imaginario; ambos son dos cabezas pensantes y reflexivas, cultivadas y curiosas, siempre arrullaban algo interesante juntos y por separado. Ana Locking me dijo: «Quienes amamos el arte, la estética o la moda, estamos necesitando constantemente que nos sorprendan y nos revuelvan un poquito el estómago. Cuando encuentras algo así, hay gente que lo rechaza y hay quien lo medita porque piensa que es algo distinto. Ese momento me parece excepcional». A lo que Óscar añadió: «El problema es cuando te deja indiferente, ni te acuerdas, no te llama la atención, ni hablas de ello. Es fundamental la comunicación en cualquier disciplina, el ser humano al crear comunica, es una necesidad personal de exorcizar tus demonios y crear vínculos». Las puestas en escena de los desfiles de Locking Shocking también estuvieron motivadas por el arte, iban acompañadas de piezas de vídeo donde narraban sus vivencias: «Para nosotros un desfile es una representación, nos encanta que sea así, exagerarlo un poco, manifiesta nuestra forma de estar en ese momento», me comentó Ana. Está claro que ambos, con su respectivas trayectorias por separado, han continuado muy pegados al arte.

¿Y por qué el arte siempre ha sido tan atractivo para la moda? Porque le ha dado otras lecturas, le ha ayudado a profundizar en aspectos más intelectuales o estéticos menos o más amables. Rubén Gómez lo cuenta de primera mano: «Haber estudiado historia del arte me ha llevado a tener ciertas lecturas, de objetos, de lo cotidiano y de la belleza, incluso del feísmo, que, dentro de la belleza, sería lo que se aleja de ella». Por esa razón el maridaje arte-moda siempre ha existido y existirá. Como veremos en el Capítulo V, hasta los accesorios se benefician de ello.

LA MODA EN EL FILO. ¿Y POR QUÉ NO?

Hay una serie de tópicos que han ido cayendo cuando diseñadores rupturistas, para los que la imaginación no tiene límites, se dijeron un día: «¿Y por qué no?». Y sorprendieron al mundo de la moda, llevando sus fronteras un poco más lejos. Recuerdo una reflexión genial que hizo Carlos Díez: «Decir que todo está inventado en moda es algo que dicen los que no tienen capacidad de hacer algo que no esté inventado. Pero quién sabe si no aparecerá alguien que cree algo ante lo que digamos: “¡Cómo pudimos vivir sin esto!”. Me parecería muy pretencioso decir que todo está inventado». Y tiene razón. Si los diseñadores del capítulo anterior se movían «a su aire» dentro de las reglas del juego de la moda, estos las cuestionan y miran más allá. Veamos cómo han dinamitado algunos tópicos:

1) El streetwear no es alta moda. Hubo un tiempo en el que las camisetas, las sudaderas, la ropa deportiva, las zapatillas y los jeans no se consideraban «moda» en toda su grandeza. Pero como dice Iván, de La Casita de Wendy: «Hoy las camisetas y las sudaderas se han convertido en prendas fetiche y han subido a las pasarelas». Esas prendas estaban presentes en la calle en los ochenta, pero para entender su irrupción en la alta moda recurro a las palabras de Antonio Alvarado: «El primero que mezcló trajes con zapatillas fue Stephen Sprouse, el rey absoluto. Fue el primero que hizo trajes fucsia de cowboy con corbata negra finita y zapatillas mondas y lirondas. Todo el mundo cree que el punk es de Vivienne Westwood, pero siete años antes él lo hacía para Blondie, su amiga. ¡Purita camiseta pintada con cuatro fluorescentes! Las cortaba y les ponía imperdibles. Hacía bordados de felaciones con lentejuelas, introdujo el camuflaje en el vestir habitual y los jeans customizados con colores fluorescentes y lentejuelas». Esta irreverencia e intención de «dignificar» la ropa de la calle la han usado infinidad de diseñadores: Lacroix, Jean-Paul Gaultier, McQueen, John Galliano, Vivienne Westwood, entre otros, y hasta las cadenas de moda rápida. Hoy hasta las firmas más tradicionales hacen líneas y prendas de streetwear, está totalmente aceptado por el mundo de la moda y el público; de hecho, es uno de los mercados de la moda más saturados en la actualidad y el éxito de ferias como Bread & Butter, con la participación de casi novecientas firmas, nos hablan de lo abarrotado del sector.

2) La moda no es ninguna broma. Aunque diseñadoras como Elsa Schiaparelli se rieron a sus anchas haciendo moda, digamos que la moda no ha tenido mucho chiste finalizando el siglo XX, salvo destellos en los ochenta con Stephen Sprouse y también cuando Gaultier y Vivienne Westwood hacían locuras (hoy asumidas) o Thierry Mugler creaba prendas como para superheroínas y corsés que imitaban carrocerías de motos. Y en los noventa, Walter van Beirendonck hacía propuestas futuristas y coloristas que trasladaban a una atmósfera carnavalesca. En España, Ágatha Ruiz de la Prada siempre ha dado muestras de echarle sentido del humor y Juan Duyos introdujo el factor «ironía» en sus prendas con mensaje abriendo la puerta a Ailanto o Miriam Ocariz a ironizar también y utilizar motivos gráficos e ilustraciones en sus diseños. Pero tampoco ha sido fácil reírse después de ellos, ni en España ni fuera.

En La Casita de Wendy me cuentan que en sus comienzos era muy difícil que se entendiera el sentido lúdico de sus diseños: «Nosotros queríamos meter un poco de sentido del humor y nos costaba mucho, todo el mundo andaba con un rollo muy minimalista y de concepto. Y Bernhard Willhelm lo consiguió, ha llegado hasta H&M, es superinfluyente en ese cambio: las camisetas grandotas, los colores flúor, ha probado otros tejidos en prendas de street y ha abierto un camino muy grande influyendo en mucha gente joven, como Marjan Pejoski». Una de las primeras en ponerse los diseños de este último y La Casita de Wendy fue Björk: «Ella mola mucho, es dulce, educada, muy normal y con carácter. Los islandeses que van con ella visten increíbles, son muy excéntricos, van de mil colores y les importa muchísimo la ropa y dicen que los españoles somos los europeos que más nos parecemos a ellos. Ella es muy valiente, al final siempre acaban copiándola. Y hay que tener “un par” para vestir así», explica Inés con total admiración.

Junto a los mencionados, hoy el sentido del humor lo mantiene un pequeño reducto de diseñadores como Galliano, Gaultier, Marc Jacobs, Cassette Playa, Henry of Holland, Jeremy Scott, Cosmic Wonder o Gareth Pugh, María Escoté... Rubén Gómez me habla de compañeros de generación que cree que están haciendo propuestas renovadoras en nuestro país: «Alberto Sinpatrón, un espíritu libre que no se deja doblegar por las tendencias, una propuesta muy personal. En Galicia, Amaia Rodríguez. Manuel Bolaño y Roberto Piqueras me parecen muy interesantes. Hay gente que me hace sentir muy orgulloso. Senyor Pablo hace tricot, él personalmente diseña y manufactura sus colecciones, que unen perfectamente el hand & craft tradicional con un enfoque trendy muy contemporáneo; y, en esta línea, gente como Shoop, que podrían hacernos imaginar que en España tiene cabida la vida contemporánea de ciudades como Tokio». Buscan el lado más lúdico de la moda, desde lo obvio a lo conceptual. También lo hace Carlos Díez, divertido, comprometido con su trabajo, buen compañero y con la cabeza bien amueblada, y rapada. Esta, junto con su abundante barba negra, son sus señas de identidad, incluso estampó sus diseños con ellas. Su lógica y cómo cuenta las cosas genera que quienes estemos a su alrededor riamos como tontos y tengamos la sonrisa puesta en cuanto le vemos (igual que en sus desfiles). Te preguntas si su sentido del humor es paranormal, pero afortunadamente es humano: también se enfada y protesta, es frontal y valiente. Y lo refleja en su ropa unisex que juega con las proporciones y los colores con carácter. Sus desfiles eran los más dinámicos, sorprendentes e irreverentes de Madrid: «La gente se toma todo muy en serio, para mí el fracaso es cuando crees que has conseguido una fórmula. Es algo que nunca me permito, no repito fórmulas aunque me hayan dado buenos resultados: no me gusta aburrirme ni aburrir, me parece que es un engaño a la gente». La estilista Amparo Utrilla tiene una parte de su trabajo que se caracteriza por propuestas personales llenas de irreverencia y humor que no pretenden enseñar al público cómo ponerse la moda del momento sino darle una nueva dimensión. La noche que cenamos juntas me dijo: «La moda también es reírte de ti mismo, con un punto de cinismo e irreverencia. Por eso me gusta tanto Carlos Díez, se ríe de sí mismo y le da vueltas a las cosas».

3) Las prendas son de tela. Parece que el único material con el que se puede hacer ropa es el tejido. Pues bien, en los sesenta, los diseñadores como Courrèges, Rabanne o Pierre Cardin llevaron la era espacial a la moda inspirados por las primeras naves que surcaban el espacio. Entonces reinaba el optimismo, se pensaba que el desarrollo científico y social no tenía límites y, claro, la moda tampoco. Estos diseñadores —como Geoffrey Beene en Estados Unidos— crearon prendas unisex, con formas geométricas y cascos, que se proyectaban al futuro, como explica Óscar Shocking: «No estaban ligados al patrón, empiezan a meter elementos que no tienen que ver con la costura: metal, plástico, vinilo, caucho o nuevos materiales que salen del petróleo», y que hoy están perfectamente asumidos. Esa filosofía naíf de conquistar el espacio coincide con un pensamiento colectivo de cortar con el pasado: «Fue la primera juventud que no eran réplicas de sus padres, hicieron la revolución sexual, política y de pensamiento, había una izquierda que ejercía de contrapeso a la política americana», explica Óscar Shocking de nuevo. Pero si alguien piensa que con el escepticismo reinante no se podían llevar estas ideas más allá, se equivoca. En pleno 2000, Hussein Chalayan (1970), chipriota de origen turco que mantiene un discurso entre la tecnología y la moda, ha creado vestidos de azúcar glas que las modelos se quitaban a martillazos, otros, con una aleación de la industria aeronáutica, cuya falda se convierte en una mesa plegable, o de un material parecido a las pantallas de plasma que cambia de color y forma. Y no, no está en la ruina, ni es un paria de la moda, al contrario, es uno de sus genios vivos y jóvenes más respetados y ha unido sus fuerzas a las de la marca Puma, de la que es actual director creativo. Aprovechando el background tecnológico de la firma seguro que nos sorprenderá más.

4) Tener estilo es ir «de punta en blanco». Algo que vino a poner en entredicho la moda hippy de los setenta y que finalmente dinamitó en los ochenta el movimiento punk. Ana Locking explica su génesis: «Hay un desencanto con la crisis del petróleo y una situación económica desfavorable. Los partidos políticos desencantan a la gente, se dan cuenta de que no cumplen. Y en los jóvenes de familias proletarias aparece el lema punk de “no hay futuro” que mostraba el malestar juvenil ante unas altas cifras de paro, revueltas de trabajadores y una Inglaterra todavía anclada en un conservadurismo victoriano y clasista, gobernada por Margaret Thatcher». Este movimiento punk en moda hizo brillar a Vivienne Westwood en Londres y a Stephen Sprouse en Nueva York. Antonio Alvarado explica por qué el punk de Stephen Sprouse fue menos conocido en Europa: «Stephen fue un grandísimo innovador. No fue condescendiente con la demanda del mercado y en Estados Unidos marcó mogollón. Como europeos tenemos cerca Londres, creemos que el punk vino de allí, pero la escena americana era más corrosiva, con grupos como New York Dolls o Velvet Underground».

El punk fue más allá de la estética feísta de crestas, imperdibles, botas y prendas raídas, como explica David Delfín: «Lo interesante e importante es que repercutió en todos los sentidos. Incluso está latente hoy, esa cosa de subvertir los parámetros preconcebidos, esa forma de protesta juvenil tocó el diseño gráfico, el arte, la moda, la realidad social».

Vivienne Westwood, compañera entonces de Malcolm McLaren, mánager de los Sex Pistols (grupo punk británico por antonomasia), y dueña de la boutique SEX, empezó a vender prendas con elementos del bondage y fetichismo, alfileres, imperdibles, cadenas y cuchillas de afeitar, que mezclaba irreverentemente con los estandartes tradicionales británicos, como la bandera y el tartán, además de reinterpretar la vestimenta victoriana y eduardiana dándole el mismo aspecto decadente que entonces tenía el Imperio británico. Un corte de mangas en toda regla al poder establecido. «Es la trasgresora máxima que ha habido. La conocí cuando trabajaba con McLaren, compartimos productores un tiempo, eran una pareja espectacular, todo te parecía una locura, pero luego veías el resultado y decías ¡olé!, continúa así. Su actitud la cogió Galliano», dice Antonio Alvarado. Y no solo Galliano; ha influido en creadores como Alexander McQueen, Fake London o Rei Kawakubo, entre otros muchos, marcando un antes y después de la moda. Hoy el punk está tan metabolizado que no nos sorprenden las crestas, los piercings o las prendas hechas jirones. Hasta las firmas de jeans sacan camisetas de The Ramones o Sex Pistols y, con altas dosis de marketing, reivindican su rebeldía juvenil.

5) El lujo siempre será ostentoso. Cuando los japoneses —Rei Kawakubo, Junya Watanabe y Yohji Yamamoto— llegaron a París en plena opulencia y marquismo ochentero, fueron una patada en el culo fortuita al lujo basado en la ostentación. Lo mejor es que triunfaron y aún siguen dando guerra con éxito. Proponían tejidos austeros sin rematar con costuras visibles y prendas deconstruidas que cuestionaban el concepto clásico de la belleza occidental, con propuestas que recordaban a los ropajes de los vagabundos y que se granjearon el apelativo de «chic posnuclear». Les habían allanado el camino en los setenta Kenzo Takada e Issey Miyake. La experimentación de este último con telas y tejidos le acercó a la arquitectura y al arte. Más tarde, con sus tejidos plisados, abrió una puerta a la forma de entender la ropa como resultado de aplicar un concepto, como Margiela. Algo que recogieron Rei Kawakubo, Junya Watanabe y Yohji Yamamoto. La primera es una de las grandes revolucionarias de la moda, sigue en activo con su firma Comme des Garçons, que posee doce líneas de trabajo, desde lo más vanguardista (y caro) a lo más comercial, sin perder un ápice de riesgo. Es el cerebro que está detrás de Dover Market Street, la tienda de lujo y vanguardia londinense que recoge lo mejor de la creatividad hoy en diversas disciplinas, pero sobre todo en moda, un gran espacio austero hecho para la interactuación y el caos. No solo han retado a la imagen de una mujer poderosa y sexy, en las antípodas de la visión occidental, sino que la han expandido a todo un universo antiestablishment que anualmente arroja cifras millonarias. Sus «guerrillas shops» (tiendas efímeras que actúan brevemente en una ciudad y se van) o sus fragancias de aromas sintéticos como caucho o alquitrán han subvertido la idea de belleza occidental obvia, en línea con sus prendas deconstruidas, que reformulaban la visión occidental de la moda con chaquetas con cuatro mangas, vestidos que simulan ser camisas con faldas o pantalones o desfiles con variaciones de una misma falda. Busca remover conciencias en el público más que agradar, y lo consigue. Algo común a Yohji Yamamoto, dos años más joven y con el mismo gusto por la deconstrucción, las prendas oversize, los volúmenes y esculpir formas que persiguen mostrar conceptos e ideas más que favorecer al modo occidental. Por su parte, Junya Watanabe fue el protegido de Rei Kawakubo y trabajó para Comme des Garçons; hoy tiene línea propia vinculada a esta y su trabajo con estructuras inusuales y predilección por tejidos tecnológicos ha dado pie a llamarlo techno couture.

Como dice Carlos Díez: «Son diseñadores que viven su tiempo creando una estética personal. Detesto las colecciones inspiradas en décadas pasadas, puedes rastrear en la historia de la moda, buscar aciertos, pero siempre con una visión contemporánea, personal y actual. Lo han conseguido y se mantienen incluso con un discurso político, cultural y social detrás. Hay colecciones de Comme des Garçons superpolíticas, como su manera de venderlo o su publicidad, están muy comprometidos, es lo interesante. En realidad son en sí mismos un movimiento de moda». Pero en esto de «subvertir el lujo» otros diseñadores también han tenido ideas felices. Alvarado me cuenta cómo era la tienda en Nueva York de Stephen Sprouse que, paradójicamente, murió después de su colaboración con Vuitton, casa que luego le homenajeó con colecciones de accesorios y un libro: «Fui con Olvido (Alaska) y Carlos Berlanga. Stephen se había comprado una casa, arriba del todo vivía él. Y en la parte de abajo, ni un perchero, una caja fuerte de metacrilato en el centro, y cada cosita que había valía cuatro mil dólares. En la segunda tenían lo mismo en percheros a cuatrocientos dólares. Y en la tercera a cuarenta dólares, de un algodón del tres al cuarto que te duraba una lavada. Una misma colección en tres precios, algo fantástico». Algo que Marc Jacobs ha sabido aplicar vendiendo en su tienda algunos artículos de merchandising a precios de risa.

6) Las prendas se construyen, como toda la vida se ha hecho. Si los japoneses empezaron a darle vueltas a otra forma de deconstruir las prendas, a finales de los ochenta culminarían la faena los «Seis de Amberes» —Ann Demeulemeester, Dries van Noten, Walter van Beirendonck, Marina Yee, Dirk Van Saene y Dirk Bikkembergs— y Martin Margiela, que reformularon el patronaje clásico y lo elevaron a otro nivel, mucho más conceptual. Como dicen los chicos de La Casita de Wendy: «El punk, los japoneses y los belgas rompieron con el concepto clásico de belleza, la crearon a partir de lo que en apariencia no podía servir». Cuando los belgas llegaron, compartían con los japoneses su gusto por el negro, la austeridad y el virtuosismo en los patrones, forzando las ideas preconcebidas sobre el aspecto de las prendas y cómo debían estar construidas. Como ellos, investigaron y revolucionaron las técnicas del patronaje, drapeados y plisados, transmitiendo cierto misterio a las prendas e instalando una aproximación emocional, intelectual y sensorial a la moda más allá de lo estético, más preocupados por el «alma» y el «concepto» de sus prendas que por epatar a los fashion victims.

Han influido a la generación posterior de belgas, como Veronique Branquinho, Haider Ackermann o Bruno Pieters, además de a otros diseñadores (japoneses y no japoneses) actuales. Algunos expertos ven paralelismos entre ellos y la música grunge, como dice Óscar Shocking: «El grunge es el nuevo punk, con un sonido sucio y dejado, como sus vestimentas. Rescatan la disconformidad punk; la diferencia era que estos venían de buenas familias y eran universitarios, criticaban al sistema y a las multinacionales», una lectura parecida al posicionamiento belga: empresas independientes y trabajo «de autor» frente a las multinacionales de las grandes firmas.

Y hay un nombre patrio que merece la pena resaltar. Miguel Adrover se saltó las convenciones de cómo construir las prendas al crear una colección donde deconstruyó gabardinas de otra firma, Burberry, para crear nuevas prendas a partir de ellas, con una lectura social, mucho antes de que Christopher Bailey reinventase las gabardinas en Burberry y que la trench se convirtiera en megatendencia. Este mallorquín llegó a Nueva York en los noventa sin formación en moda; sus desfiles abogaban por la multiculturalidad y la lucha de clases, los presentaba una vez al año desmarcándose de la rueda de la moda y en ellos había siempre un trasfondo político, compromiso social y fuerte carga artesanal. Es el único diseñador español que ha ganado el premio de la CFDA (la institución más importante de la moda americana); reconvirtió los zapatos mallorquines con nuevos materiales y fue el primero que utilizó el palestino en sus desfiles; entre otras muchas cosas, no cree en el copyright y le parece estupendo; volvió en 2012 a las pasarelas de Nueva York aportando reflexión en la moda, valores sociales y, como única bandera, su libertad creativa ya que tras el 11-S sus socios le retiraron el apoyo financiero, pero perseveró con sus diseños en la firma ecologista alemana Hess Natur, con la que comparte valores pero que se le «queda corta» en lo creativo y conceptual. Volvió a Mallorca y continúa siendo fiel a sí mismo en cada proyecto que emprende, un posicionamiento muy necesario en la actualidad. El dúo de diseñadores Spastor son fans: «Ha sido muy importante, no se le ha dado el bombo que merece. Es uno de los diseñadores españoles más internacionales y lo hace fenomenal». No son los únicos que lo creen, Rubén Gómez también reivindica su trabajo: «Dio lecciones al mundo de “hago lo que me da la gana” y lo hizo bien. Aporta algo positivo al mundo, no es gratuito, en todo puedes encontrar algo bello y nos lo puso en las narices». Y afortunadamente lo sigue haciendo.

Como dice Carlos Díez: «Para ser avanzado hay que pagar un precio. Casi siempre son incomprendidos por el gran público; la moda necesita un proceso de asimilación de muchos diseñadores actuales, la gente quiere algo rápido que impacte visualmente para decir “eso ya lo he visto y ahora quiero otra cosa”. Es algo esquizofrénico. No quiero vivir así la moda, quiero disfrutarla, valorar el trabajo de colegas no de forma crítica sino minuciosa, y darle el valor que tiene». Una clausura perfecta para algunos rupturistas (afortunadamente hay más) que un día se dijeron: «¿Y por qué no?».

CELEBRITIES PREFABRICADAS O CREATIVIDAD PERSONAL

Algunos piensan que el rosa chicle de las prendas de Paris Hilton o de celebrities igual de superficiales y su absurda actitud ante la vida son una muestra de «transgresión» de algún tipo, pero muchos diseñadores de este capítulo lo contradicen. Como dice Antonio Alvarado: «Todo el boom de estas niñas americanas no lo veo, no marcan tendencia, lo que tienen es que sus paridas son mediáticas, y no sé si agradecerle cómo van vestidas a su estilista o darle el pésame. No aportan nada; trasladado a lo patrio, serían esas niñas del fútbol o Gran hermano... más claro que el agua: la Beckham. ¡Dime que esa mujer tiene estilo y me da un ataque!», comenta con su habitual humor. Me recuerda lo que me dijo Ana Locking: «El peligro de estas chicas es que son referentes para niñas y van vestidas como putillas».

Pero ¿cuál ha sido el secreto del éxito como referentes de estilo en su día de chicas como Paris Hilton, Nicole Richie, Lindsay Lohan, Mischa Barton o Britney Spears o la enésima celebrity prefabricada, además de que las vistiese Rachel Zoe? Óscar Shocking va a la raíz del asunto: «Los referentes han cambiado, antes veías a Monica Vitti o Anouk Aimée vestidas de Yves Saint Laurent y eran un ejemplo, dos pedazos de actrices y mujeres que representaban un movimiento, la divina izquierda. Hoy molan chicas que te hacen gracia cinco minutos, y a veces ni eso. Es un síntoma de decadencia total que unas mamarrachas-bakalas-multimillonarias se conviertan en referente. Parece que ahora lo que mola es lo mamarracho», dice. Como leo en el email de Ramón Fano: «El éxito y el reconocimiento público y social es lo que hace que una persona se vuelva un icono de moda». Pero los motivos por los que estos dudosos referentes acceden a ese reconocimiento parece que dan igual. Ana Locking apunta otra razón: «Estamos en un momento con una escala de valores perdida y de falta de pensamiento. Ha habido otras épocas en que la filosofía tenía un papel importante dentro del pensamiento contemporáneo, hoy no es un referente ni para los intelectuales». Y Óscar se apresura a decir: «¡Pero si los intelectuales apoyaron en Francia a Sarkozy, que es para alucinar!».

Ya terminando de transcribir la cinta de La Casita de Wendy me da por pensar que hoy no solo compramos comida prefabricada sino que también compramos estéticas prefabricadas que no necesitan ni calentarse en el microondas: «El estilo de las revistas me parece bien, pero no es algo que me haga girarme en la calle porque te rodea enseguida y se convierte en lo normal. Te sorprende la primera vez, es facilón, lo que hay que seguir, como un virus. Te sorprende más alguien que se ha inventado algo, que tiene personalidad o que combina bien», dice Inés, de La Casita de Wendy. Y frente a lo que nos imponen los medios de comunicación, su compañero Iván propone: «El do it yourself,⁶ que la gente pueda ir moderna y guay pero haciéndoselo ellos o comprándolo en un rastro». Me parece genial y es el secreto de muchos iconos de estilo.

Con tantas opciones en el mercado se ha olvidado que en décadas pasadas, cuando había menos acceso a la moda, se agudizaba el ingenio. Lo explica Alvarado: «La dificultad desembocaba en una improvisación personal, te hacías tus apaños: esto de aquí y allá, esto medio me lo hago, esto me lo arreglo y a esto le saco el patrón. Había un afán de creatividad personal, te hacías un auténtico estilismo. Hoy no existe; quiero lo que llevan las celebrities, me lo pongo como ellas y no hay vuelta de hoja. Nos mimetizamos con una serie de personajes. No me digas que llevar el bolso colgado en el codo como las celebridades, que te corta las venas, no es absurdo. ¡Hay un hombro de toda la vida!», dice riendo.

Antes las mujeres se volvían iconos de estilo por razones menos obvias. Antonio Alvarado me habla de algunas con su punto de transgresión que aplicaron el do it yourself a la moda de sus diferentes épocas: «Soy cero mitómano, pero me gustan Jane Birkin y Charlotte Rampling. Entre Jackie Onassis y Kate Moss hay una similitud en la naturalidad. Edie Sedgwick nunca se dejó llevar por nada e iba genial. Y Mia Farrow fue una tía que marcó tendencia durante mogollón de tiempo». Ana Locking saca a colación otros nombres que aportaron su granito de transgresión femenina: «Kim Gordon, Pj Harvey, Patty Smith, Debbie Harry, ese tipo de mujer como suelta y tiradilla pero sin dejar de ser superfemenina».

Y si hablamos de transgresión en moda, la directora de Vogue Japón, Anna dello Russo, lo es con su propio estilo barroco, y Carine Roitfeld, estilista que afirma trabajar sin referencias, transgresora chic editorial y que hace lo que le da la gana en su campo, alta, morena, flaca y vestida con la ropa de los desfiles, incluso antes de que desfilen, es el ejemplo perfecto. El estilista Hugo Lavín es fan de ella y explica por qué: «Carine Roitfeld es espectacular; cuando la he visto en los desfiles, me he quedado petrificado: su fuerza, ese rollo Patty Smith que tiene de cara flaca y ruda, cómo se mueve, cómo lleva el móvil (que es como la prolongación de su brazo) y cómo habla con voz sosegada». Cualquiera de esos ejemplos supone, o ha supuesto, mayor transgresión que la de cualquier celebrity efímera del papel cuché. Quizás nuestra sociedad occidental rápida y mediática necesite nutrirse de impactos visuales fuertes y fáciles, pero en lo que se refiere a «tener estilo» resulta cero interesante. Como dice Rubén Gómez, admirando a este tipo de iconos hacemos un abuso de la ironía: «Estamos llegando al momento en el que hay que tener un compromiso contigo mismo, está bien reírte y hacer un uso de la ironía, el problema es que hoy hay un abuso y está totalmente descontrolado. No creo que todo valga, no creo que una persona que solo se divierte, y sin ningún tipo de talento, sea guay».

SI TU ESPÍRITU ES DESMARCARTE

TE GUSTARÁ...

• FIRMAS O DISEÑADORES EN LOS QUE ENCONTRARÁS PRENDAS: Haider Ackermann, Mugler, Rick Owens, Issey Miyake, Vivienne Westwood, Alexander McQueen, Hussein Chalayan, Viktor & Rolf, Bernhard Willhelm, Yohji Yamamoto, Comme des Garçons, Balenciaga, Preen, Margiela, Dries van Noten, Cassette Playa, Henry of Holland, Rei Kawakubo, Junya Watanabe, Jeremy Scott, Cosmic Wonder, Gareth Pugh, Marjan Pejoski, A.L.C., A Degree Fahrenheit, Band of Outsiders, Beautiful People, A Détacher, Alexandre Wang, Alexandre Herchcovitch, ADEAM, Veronique Branquinho, Bruno Pieters, Marc by Marc Jacobs, Acne, Vanessa Bruno, Isabel Marant, Daniel Vosovic, David Koma, Dion Lee, Miu Miu, Ann Demeulemeester, Raf Simons, Carlos Díez, Ana Locking, David Delfín, Spastor, Jan Iu Mes, Bouchra Jarrar, Brood, La Casita de Wendy, Araks, Ashish, Asembly, Ato, Ann Sofie Bac Atelier, Ágatha Ruiz de la Prada, DressCamp, Duro Olowu, Erdem, Cotello Tagliapietra, Creature of Comfort, Et Momonakia, Etw. Vonnegut, Eudon Choi, Creature of the Wind, Everlasting Sprout, Facetasm, Fashion Fringe, Ailanto, Atsushi Nakashima, Miriam Ocariz, Anne Valérie Hash, Duyos, Cushnie et Ochs, Fur, American Apparel, Bershka, Krizia Robustella, Gryphon, Sinpatrón, Anrealage, Roberto Piqueras, SHoop, Senyor Pablo, A. F. Vandervost, Holly Fulton, Imitation of Christ, J. W. Anderson, James Long, Jason Wu, Jen Kao, Jeremy Laing, Jun Okamoto, Katie Eary, Kelly Wearstler, Kinder Aggugini, Limi Feu, Manish Arora, Prabal Gurung, Mary Katrantzou, Suno, Sophie Theallet, Shiroma, Revillon, Peter Jensen, Ostwald Helgason, Open Ceremony, Nitz Schneider, Nicolas Andreas Taralis, Ne-Net, Motonari Ono, Manish Arora, threeASFOUR, Tsumori Chisato, Vivienne Westwood Red Label, Willow, Yasutoshi Ezumi, entre otros.

Muchas de estas firmas tienen venta online; además, se recomienda visitar las tiendas online: asos.com/es, thecorner.com, thecode.com, yoox.com, net-a-porter; outnet.com; farfetch.com; matchesfashion.com; atelieronweb.com; boutique1.com, shopbop.com, mytheresa.com o theoutnet.es.

NO TE OLVIDES DE...

• El estilo es la valentía de ser sobre todo tú.

• Mezcla lo que quieras como quieras siempre que esté acorde con tu personalidad. ¡Si tu espíritu es rupturista, seguro que es algo que ya sabes de sobra!

• No tengas miedo a romper los convencionalismos, mezcla prendas de distintas proporciones, volúmenes o asimetrías.

• Mezcla prendas de forma inesperada, sastrería con street, prendas de aspecto riguroso (o macarra) con otras delicadas (hasta cursis), los contrastes extremos te van.

• Aplica el do it yourself para diferenciarte, desde las custumizaciones a reconvertir prendas o accesorios, ¡o intervenirlos! con tus propios medios y habilidades hasta encargándolas.

• Haz combinaciones audaces de colores.

• Si escoges el negro, juega con texturas.

• Escoge accesorios con personalidad y úsalos como tu instinto te dé a entender.

• Recoge en cada momento lo que estés viviendo y convive con ello desde tu personalidad.

• Mezcla prendas de mercadillos, rastros, tiendas de segunda mano, vintage, mercerías, tiendas del barrio, heredadas, arregladas o customizadas con otras compradas de firmas asequibles, de firma o diseñador, de acuerdo con tu presupuesto.

• Además, las firmas deportivas te ofrecen también alternativas que encajan con tu estilo (como veremos en el Capítulo IX).

IV

EL HOMBRE CONTEMPORÁNEO: LA REVOLUCIÓN SILENCIOSA

«La masculinidad es una idea, más que un físico.»

Hedi Slimane

A nadie se le escapa que el hombre ha sufrido en las últimas décadas una revolución en su aproximación a la moda; hoy se cuida más, elige su ropa, consume revistas y está al día en lo que a tendencias se refiere. Parece algo propio del 2000, pero los hombres llevan intentando liberarse de los tópicos de la masculinidad desde los cincuenta, tímidamente con los beatniks, más contundentemente en los sesenta con los mods y la moda peacock¹ e irreverentemente en los setenta cuando empezaron a jugar con los géneros, los pelos largos, las plataformas, las patas de elefante y los accesorios con poderío. Si pensamos en Jimi Hendrix y más tarde en David Bowie, T-Rex y el glam rock, hoy los hombres, en general, son mucho más comedidos que esas rock stars. La del hombre ha sido una revolución silenciosa, donde todas esas barreras que se han roto, en lo social y en lo estético, desembocaron en los ochenta en los diseños de Jean-Paul Gaultier, difuminando las fronteras entre lo masculino y lo femenino, calando entre los más modernos y el colectivo gay. Pero el asalto a la heterosexualidad y a otro tipo de sensibilidad gay menos extrovertida llegó con creadores como Helmut Lang, Raf Simons, Jil Sander o Ann Demeulemeester, que abrieron un camino que han recorrido muchos otros, como veremos.

Ese «hombre nuevo» ha llegado a la calle y el creador que popularizó y globalizó esta nueva masculinidad fue Hedi Slimane (París, 1968). Estaba en el momento justo, en el lugar adecuado, con talento y sensibilidad para captar lo que estaba en el aire. Es un tipo tímido, extremadamente inteligente, con profundas convicciones y visión inquebrantable. Sus raíces tunecinas, italianas y brasileñas conforman una identidad personal tan heterogénea como la creativa, donde además de moda ha hecho incursiones en la fotografía, la escultura y el diseño de muebles. Comenzó trabajando en Jean-Jacques Picard, relanzó Yves Saint Laurent Rive Gauche (de 1997 a 1999), y en el 2000 creó la línea masculina de la casa Dior (Dior Homme) y todo su universo de fragancias, accesorios y cosméticos, marcando un antes y un después en la moda masculina. Ahora está en Saint Laurent haciendo mujer también.

Sus prendas y sus libros de fotografía² tienen como hilo conductor la música, que influenció sus colecciones en Dior Homme. Lo explica así: «La música realmente tiende a ser el origen de la moda contemporánea de hombre desde los cincuenta. La cultura de la calle, la cultura popular, ha definido grupos, convenciones y actitudes que han influenciado la moda masculina totalmente. Siempre he sido consciente de eso. Desde que empecé en los noventa, mi trabajo participó directamente de la escena de la música actual. Empecé cuando emergía lo que se llamó el “toque francés” en Francia, una generación creativa involucrada en música, diseño gráfico, moda, etcétera. Lo mismo ocurrió en Berlín cuando la música electrónica minimal era novedad. Más visiblemente, empecé a colaborar y documentar la escena emergente indie en Inglaterra, con bandas recién descubiertas.³ Todo ocurrió de forma orgánica, con amigos que hacían música, y con el tiempo se desarrolló a través de proyectos multimedia. Asumo que mi estilo está enteramente definido por la música, como un diario musical». Incluso le dedicó una colección a su amigo Pete Doherty,⁴ el músico exnovio de Kate Moss.

Como bien dice el estilista Hugo Lavín: «Actualizó el movimiento rock y lo llevó a la masa: los pitillos, los blazer estrechitos, las camisetas desbocadas y los fularcitos». Y es que él es tan libre como el espíritu del rock & roll: Slimane mantuvo un pulso con LVMH, la multinacional de lujo dueña de Dior Homme, para montar su propia firma y prefirió conservar su independencia creativa y su nombre. Se fue a principios de 2007, dejando a Dior Homme en lo más alto de la moda masculina mundial, habiendo elevado el underground de la música a las pasarelas del lujo marcando tendencia en la calle. Le sustituyó Kris van Asche. Y él se dedicó a la fotografía, a colaborar en revistas y a planear cómo lanzar su firma en el futuro.

Pero ¿en qué se materializó la visión de Slimane? Partiendo de la sastrería clásica masculina adaptó el patronaje a los tiempos, estrechando trajes, camisas, corbatas, fulares y pantalones, mezclándolo con prendas de streetwear como zapatillas, sudaderas o camisetas ennoblecidas con su calidad y corte. Como dice Ion Fiz: «Creó una nueva silueta. ¿Por qué el hombre tiene que ir flojo, aburrido y muy correcto? Jugó con los tejidos y con la moda más gamberra en calidades buenas». Y su impacto se ha hecho notar, como me dijo humorísticamente Rocabert el día que nos vimos: «Hacía mucho que nadie le daba la vuelta al vestuario masculino llegando a tanto público. Antes, o ibas hecho un clásico o una marica locaza».

Y además popularizó un nuevo tipo de hombre lejos del tópico del varón cachas, introduciendo modelos cercanos a la calle, de aspecto adolescente, delgados e indefinidos, como ocurrió cuando Twiggy apareció en los sesenta, pero trasladado a la moda masculina del 2000. «Empecé haciendo casting en la calle a finales de los ochenta. Encontré el primer modelo con ese punto de niño desamparado en 1988, Jerome Le Chevalier. Estaba totalmente fuera de su tiempo, demasiado vulnerable e indefinido en muchos sentidos. Extrañamente, ha tenido una buena carrera profesional junto al londinense Keith Martin. He perseguido mis creencias durante dos décadas, encontrando cientos de estos adolescentes. Y finalmente, de forma orgánica, esa idea de una diferente morfología, un allure quizás adolescente y ciertamente menos caricaturesco que el arquetipo de hombre, emergió. Hay una necesidad en la moda masculina de poner las convenciones y prejuicios en perspectiva. La cuestión de género no será relevante nunca más en la moda porque la masculinidad es una idea más que un físico», explica.

Si hay algo a lo que Hedi le tiene cogido el pulso es al mundo contemporáneo, a las nuevas revoluciones tecnológicas a las que se enfrentan la sociedad y la creatividad contemporánea: «Siempre tiendo a pensar que lo que ha cambiado la moda es internet, la interacción de diferentes campos en la red».

Y aunque la moda y la música siempre han sido las mejores formas de expresión de la juventud para reivindicar su lugar en el mundo, dice: «No creo que sea lo mismo hoy. No veo ninguna comunión social o política entre la música y la moda como en los sesenta. Se trata de algo más romántico, una generación más posromántica. Se definen por el wireless, la velocidad de internet, los SMS y el Messenger. Hay una red de trabajo, ideas y creencias, digitalizada y extremadamente codificada. Solo la escena musical es un espacio físico para la comunidad y la involucración», concluye.

¿Y ANTES DE LA INFLUENCIA DE HEDI SLIMANE?

Hablo de ello desayunando con el dúo de diseñadores de Spastor, Sergio e Ismael. Crearon su firma en 1995 con prendas para ambos sexos y dejaron de hacer mujer en 2004. Se han caracterizado por hacer la propuesta de hombre más interesante del panorama patrio, no exento de altibajos empresariales, pero en ningún caso de su talento. «El estilo verdadero es cuando realmente estás virgen en moda y no tienes un canon establecido: algo puro», dice Sergio. A lo que Ismael añade: «Como cuando eres pequeño y nadie te ha enseñado que el rosa es de niña, te lo pones y disfrutas». Son dos tipos morenos, de tez pálida, vestidos de negro, y externamente no manifiestan amor por el colorín. Pero sí hay algo en sus diseños de la pureza de la que hablan: son elegantes, contemporáneos, maduros, llenos de pasión y detalles, pulcros, impecables y hechos para perdurar. «Hoy la moda masculina implica muchos más retos que la femenina, hay más vías por explorar», dice Ismael. «Ha habido una evolución mirando hacia atrás, a la libertad de principios del siglo pasado en el vestir, al cuidado que tenían los hombres. Se está viendo hoy, es la liberación del lastre que conlleva ser hombre, tan cuadriculado», dice Sergio.

Repasamos juntos a esos genios silenciosos que llegaron antes que Slimane y sentaron las bases de la nueva masculinidad tras la revolución de géneros de los japoneses y Jean-Paul Gaultier en los ochenta. El acierto del austríaco Helmut Lang (1956), que fundó su firma en 1986, de los belgas Ann Demeulemeester (1959), que empezó en 1987, o Raf Simons (1968), en activo desde 1995, y las propuestas de hombre de la alemana Jil Sander (1943), desde 1973, fueron menos espectaculares y más reales. Con ellas todos los hombres se podían sentir cómodos e impecables. «Helmut Lang presentó propuestas para un hombre-hombre», comenta Sergio. «Se arriesgó bastante pronto y fue imprescindible para que las colecciones de hombre se regeneraran», dice Ismael. «Ann Demeulemeester es pasmosa década tras década —dice Sergio—. Raf Simons es muy importante. Slimane mamó de Raf a lo grande, aunque hay que reconocer que su trabajo es maravilloso. Y Jil Sander es de las pocas diseñadoras con un trabajo muy culto y un sentido artístico muy fuerte sin pretenderlo», concluye.

Ellos cuatro ya buscaron otro tipo de modelos más cercanos a la caracterización de la calle y también adaptaron y experimentaron con el patronaje, esa pequeña diferencia que casi de manera imperceptible revolucionó toda la moda masculina en las siguientes décadas, definiendo las formas sin afeminarlas, en la onda de los trajes de finales de los cincuenta y los setenta con la sobriedad minimalista propia de los noventa. Raf Simons y Ann Demeulemeester siguen en activo fieles a sus principios. La desaparición durante unos años del panorama de la moda (aunque colaboró con la firma low cost japonesa Uniqlo) por parte de Jil Sander se ha restablecido (aunque no la de Helmut Lang) al frente de la firma que creó con éxito. «Helmut Lang abrió un mercado en hombre, manejó bien el marketing y el producto. Y Jil Sander hizo propuestas muy sutiles», dice Antonio Alvarado.

David Delfín, cuya firma hace prendas masculinas en consonancia con esa nueva masculinidad, opina al respecto: «Hedi Slimane ha estado en el momento, en el lugar y con el apoyo necesarios. No hay que quitarle mérito, pero Raf llevaba años haciendo propuestas masculinas buenísimas. Me gusta ese hermetismo, hay mucho concentrado detrás, aunque a veces es supersencillo. Fue el primero que sacó modelos con aspecto de púber y captó esa intensidad con la que se vive la adolescencia», comenta. Me hace recordar lo que me dijo Óscar Shocking sobre la eterna adolescencia en la que se encuentran algunos, entre ellos él: «El hecho de que los referentes masculinos se hayan vuelto más adolescentes es producto de la situación en Occidente, una sociedad marcada por el infantilismo. ¡Estoy en los cuarenta y mi madre puede decir que visto como cuando tenía dieciséis o diecisiete años!», comenta. Y aunque los hombres de hoy se hayan «peterpanizado», afortunadamente también son mucho más libres que sus padres.

¿Y SI BECKHAM SE PUSIERA FALDA?

Si en los setenta los jóvenes hippies se dejaron el pelo largo, se pusieron campanas y plataformas y el glam rock se saltó todas las fronteras de géneros habidas y por haber (no hay más que recordar a Bowie en Ziggy Stardust y Aladdin Zane vestido por Kansai Yamamoto), lo que nos iban a deparar los ochenta era una ruptura adecuada a la opulencia de esa década, cuando las margaritas y el hippismo dan paso a los maletines y el yupismo. Como dice Rubén Gómez: «El exceso estuvo muy bien, gente como Klaus Nomi⁵ y los neorrománticos se trasladan a la moda, hay momentos en que no sabes si la música da más a la moda o al revés. Gianni Versace es otro icono clave, trató al hombre de otro modo». Y en ese contexto: «Jean-Paul Gaultier fue el primer diseñador que le pegó un giro al hombre tremendo, empezó a unir los sexos de una manera sutil, demostrando lo buen maestro de sastre que es», comenta Alvarado. Y como cuenta Carlos Díez: «Si ves algunas de las primeras colecciones de Gaultier, los hombres llevaban el pelo largo, faldas, vestidos y una estética hecha con elementos de guardarropía de mujer, incluso con actitudes femeninas. Era algo nuevo, un revulsivo. Gaultier no trataba, ni yo tampoco, de hacer diferencias entre lo femenino y lo masculino, sino una estética que unificaba los sexos», explica. En el imaginario colectivo queda esa imagen gloriosamente ochentera de Miguel Bosé con falda y el escándalo que supuso en su día. Cuando hablé con Bimba Bosé, me dijo que él ha sido su gran referente: «No puedo evitarlo, pero creo que es un tío que se ha salido de madre en su época, desde lo de la falda a muchísimos ejemplos más. El otro día me reía con un titular que vi en el programa de Corbacho: “Miguel vuelve a España con un pendiente en la oreja derecha”», se ríe. Afortunadamente, eso se ha relajado hoy, hay propuestas de faldas masculinas en colecciones de Carlos Díez, Thom Browne, de diseñadores japoneses y de la inglesa Vivienne Westwood, homenajeando los kilts escoceses, que sientan muy bien si te atreves y las llevas con dignidad.

Juanma Cabezón, colaborador de Carlos, comenta: «Hoy ves hombres en los pueblos depilándose; antes eso era impensable. Llegará un momento en que se pondrán falda en plan masivo. ¡En cuanto salgan cinco mujeres diciendo que les gustan los hombres con falda ya verás qué rápido se la ponen! ¡Claro, al final es todo sexo!», dice riendo. Una hipótesis que no parece muy real aún, pero podría serlo... ¿Qué pasaría si Beckham se pusiera falda? Como dice Carlos: «Antes llevar pendientes era de maricones. Pero un buen día apareció David Beckham con dos pedruscos en las orejas y ahora todo el mundo los lleva, ni de mujeres ni de maricones, son patrimonio de todos. Y digo Beckham, aunque desgraciadamente es una estética que no me parece interesante, porque él ha conseguido crear ciertos cambios: los pendientes, los tintes de pelo, las depilaciones. Es el rey en convencer de que es normal en un hetero. El fútbol llega a muchísima más gente que la moda. Los diseñadores no somos tan populares, los futbolistas, sí. ¡Tienen más capacidad que Gaultier sentando cátedra sobre las cejas a lo Joan Crawford!», dice. Y concluye: «Si yo salgo a la calle con un vestido, probablemente me tiren piedras, si sale Beckham o cualquier futbolista, al día siguiente ¡habría muchísimos hombres llevándolos!».

EL HOMBRE ACTUAL: DE LAS PUBLICIDADES DE CALVIN KLEIN AL METROSEXUAL

Ana Locking apunta cómo ha sido la evolución de la estética masculina: «Los gays empezaron a liberarse antes y los heteros ahora tienen menos clichés, empiezan a abrir su mente». Y de esa amplitud de miras me habla David Delfín: «Nos hemos quitado muchos prejuicios, cada uno a su manera, y no hay tanto pudor. Aún recuerdo que antes el que se ponía un pendiente era directamente maricón, el rosa era impensable en tíos. Hoy son cosas superadas. No solo eso, no llevan un pendiente... ¡llevan una movida que flipas! Unas mechas, unos cortes de pelo, unas depilaciones que se están pasando también», dice entre risas. Pero sin llegar a esos límites, es cierto que el común denominador de los hombres hoy es que «se miran más al espejo, se interesan por su aspecto, son más selectivos y receptivos, crean un guardarropa con su gusto personal, tienen menos reservas y no dudan en estar más atractivos. Consumen productos de belleza, van al gimnasio, se hacen tratamientos y pasan por el quirófano si lo consideran necesario», dice Jesús Cicero, estilista de la revista GQ y especialista en tendencias masculinas.

Ese hombre ha roto los tabúes estéticos de la generación de su padre, como explica Antonio Alvarado: «La desinhibición ha hecho que evolucionase, ahora se preocupa por comprar su ropa, antes lo hacían sus madres o sus mujeres. Y, menos ir al sastre, la oferta era igual. Hoy las opciones se han ampliado, además usan cosmética, el gimnasio empezó a ser masivo a finales de los setenta y llegó el arquetipo del hombre cachas», explica. Y saca a colación un hito de la moda masculina: «Se debe mucho a las publicidades de ropa interior de Calvin Klein y Mikos, el griego. Hizo las triples páginas de publicidad más alucinantes, unos mastodontes en calzoncillos que decías: ¡esto es de revista porno! Eso abrió un camino a enseñar el cuerpo, cuidártelo y valorar la ropa interior, cosas que se han extrapolado al resto. Hoy los chicos compran pantalones de chica en H&M, les quedan mejor. La desinhibición es un componente social», comenta.

Y de los machotes de Calvin Klein a la metrosexualidad había un paso; lo comenta Carlos Díez: «El cambio tiene que ver con la metrosexualidad. Era impensable que los tíos se maquillaran, se hicieran las cejas, el cuerpo o llevaran pendientes. Se están normalizando unos cuidados que antes eran femeninos. Y no quiere decir que se hayan vuelto gays, simplemente han descubierto sus beneficios», dice. Juanma va más allá: «Lo que pasa es que el mercado femenino estaba copado y había que buscar beneficios por otro lado. El filón del hombre todavía está por explotar». Carlos recoge esa idea, como en un partido de ping-pong, y dice: «Y una vez que los gays asumieron los cuidados, los heteros también cayeron. Es bueno y liberador que tengan menos prejuicios, y admitan esos cuidados y los cambios de estética», comenta.

Y como explica Jesús Cicero: «Los hombres se preocupan más que hace diez años. Los jóvenes lo encuentran divertido, tienen mucha oferta y descubren el placer de vestirse. Consumen más, se crean más necesidades, son caprichosos. Les gusta variar, son más impulsivos que sus padres y arriesgan más al enfundarse según qué prendas y cómo las combinan. En esa mezcla está la diferencia. Expresan mejor su personalidad y son más libres. Y las pasarelas reflejan la calle, es una época llena de posibilidades para ellos, de mezclas, de nueva distinción y de una nueva silueta. El hombre busca ser diferente». Pero diferente hasta cierto punto, los heterosexuales no quieren resultar femeninos: «Existe ese miedo. Nuestra sastrería ha gustado mucho y se vendió muy bien, pero una camisa un poco más atrevida les produce ese miedo», decía Óscar Shocking antes de que se disolviese el dúo. Pero de noche todos los gatos son pardos, y algunos hombres también: «Son más atrevidos, me sorprende, unos looks que, si saco eso en un desfile, me matan», dice Ana Locking. Pero está claro que respecto a la ropa de mujer, las coordenadas masculinas son más acotadas, como apuntan Aitor e Iñaki de Ailanto: «Se mueve en parámetros más cerrados para que sea llevable y creíble. Tienes que tener el carácter de un cirujano, más comedido».

DANDISMO Y SOFISTICACIÓN MASCULINA: PASAR NOTORIAMENTE DESAPERCIBIDOS

Una importante tendencia masculina condenada a durar es la vuelta a la sofisticación. Tiene que ver con el dandismo de finales del siglo XVIII y del XIX. Un dandi era un hombre elegante, refinado en su lenguaje y en su vestimenta. Era un posicionamiento moral y una forma de afrontar la modernidad. En el siglo XIX fue más estricto, el dandismo era una disciplina moral que implicaba elegancia, saber estar, clase, porte, estilo, buenas maneras, educación, cultura, amabilidad y honestidad. «Tienes que mirar atrás para dar el paso adelante», dice Sergio de Spastor, al que el siglo XIX le fascina: «Por la actitud fría pero pasional, todo se llevaba por dentro. Había un ideal de comportamiento. Me gustaría que valores como el respeto se mantuvieran. No me gusta la situación de la mujer entonces, pero sí ciertas mujeres, su valentía y elegancia». Y si buscáramos una definición del estilo para un nuevo dandi, la que me da Rubén Gómez es perfecta: «El estilo está por delante de lo que se va a imponer, debería ser el conductor hacia lo que beneficie a todo el mundo. La belleza, la estética, el estilo y la moda deberían ayudarnos a ser mejores, no se puede quedar solo en algo superficial».

George Brummell⁶ y Oscar Wilde⁷ en Inglaterra o Barbey d’Aurevilly⁸ y Baudelaire⁹ en Francia fueron el paradigma del dandismo, expertos en pasar notoriamente desapercibidos. Hoy ser un nuevo dandi implica un posicionamiento también para los más jóvenes, como explica Josie (José Fernández-Pacheco), periodista y experto de moda con trayectoria en televisión: «Es un look de protesta más como otro cualquiera de la historia de la moda. Es una tendencia contracultural contra el mileurismo, el prêt-à-porter basura, la vivienda digna de 30 m², la cultura que heredamos de la generación del 68 de nuestros padres, que vivieron una juventud más boyante (en el sentido económico) que la nuestra, y de los valores de elegancia clásica que se empeñaban en derogar. El neodandismo es una negación del made in China sin amor, de lo exprés, de lo barato por lo barato, del miedo a lo cursi y recargado (el nuevo dandi no tiene miedo a eso) y, por supuesto, de la contracultura anterior y sus elementos».

Esa sofisticación implica una vuelta a la sastrería y a la ropa a medida de casas míticas que nunca la abandonaron, como Savile Row (Anderson & Sheppard), que se intenta recuperar por diseñadores como Tom Ford o Thom Browne y de una forma más relajada Adam Kimmel. Además, la sastrería masculina siempre está presente en las propuestas masculinas de firmas de lujo como Saint Laurent, Hackett London, Bill Tornade, Berlutti, Belstaff, Bottega Veneta, Burberry Prorsum, Etro, Brioni, Valentino, Paul Smith, Ralph Lauren, Tommy Hilfiger, Neil Barrett, Roberto Cavalli, John Richmond, Trussardi, Viktor & Rolf, Balenciaga, Yohji Yamamoto, Givenchy, Hardy Amies, Hermès, Junya Watanabe Man, Fay, Salvatore Ferragamo, Polo Ralph Lauren, Christophe Lemaire, Carven, Dior Dries Van Noten, Giorgio Armani, Neil Barrett, Hugo, J.Crew, John Bartlett, John Varvatos, Scalpers, Jonathan Saunders, Fendi, Joseph Abboud, Kenzo, Kris van Assche, Lanvin, Les Hommes, Louis Vuitton, Marc Jacobs Men, Michelle Bastian, Ermenegildo Zegna o Gucci, entre otros. Pero sin un presupuesto de lujo también se pueden encontrar prendas que se apuntan a esta sofisticación en los percheros de firmas intermedias como Barbour, Façonnable, Crémieux, Gant, Harmont & Blaine, Lacoste, Lagerfeld, Adolfo Domínguez, Victorio & Lucchino, Roberto Verino, Brooksfield, Tru Trussardi, Z Zegna, Hackett, entre otras, y algunas más asequibles como Massimo Dutti, Zara, Springfield, Pull & Bear, Milano, Topman, H. E. by Mango, H&M, Primark o asos.com/es. Rubén Gómez explica el porqué: «En el proceso de diseño, como en la vida, si empiezas a elegir un botón bonito, una tela bonita, un patrón bonito, al final queda algo bonito. Si te levantas por la mañana, te afeitas, te arreglas y te perfumas (aunque sea con Álvarez Gómez, que yo uso mogollón), ¿realmente hace tanto daño que un hombre sea sofisticado? ¿Es tan caro? A nadie le resulta difícil saber cómo se llama la flor de su jardín y eso es ser sofisticado. Mi familia es superhumilde y mi abuelo se levantaba por la mañana para ir a una fábrica a hacer cuchillos, se encerraba en el cuarto de baño, se ponía la radio, se afeitaba con su brocha y se arreglaba con pulcritud. No es nostalgia barata, tiene un significado, te levantas, te aseas, te pones una corbata, esa forma de sofisticación propia, de respeto contigo y con el resto del mundo. El respeto es así, por eso el estilo es así. Una persona que tiene estilo lo tiene para todo, en el fondo te lo da ese respeto, la inteligencia innata que no tiene que ver con la cultura que hayas adquirido. Lo más sexy y estiloso es esa inteligencia».

Recuerdo que le pregunté a Christian Lacroix sobre qué armarios masculinos le gustaría poder cotillear y mencionó los de varios dandis de muy diferente pelaje: «Hace veinte años el del duque de Windsor, y ahora prendas de diferentes personalidades, como Lapo Elkann, el duque de Lugo y Devendra Banhart, son dandis, puros aristócratas y verdaderos excéntricos». Y es que la sofisticación abarca desde el clasicismo más rancio de Jaime de Marichalar a la extravagancia del pintor David Hockney o el escritor Tom Wolfe, la modernidad clásica de Lapo Elkann, Rafael y Luis Medina o el rock de Pete Doherty, Jamie Hince (de The Kills, actual marido de Kate Moss). La sofisticación y el dandismo tienen hoy muchos herederos y muchas formas de afrontarlo. A Carmen Lomana también le gustan los hombres que se arreglan: «Me gustan los hombres muy bien vestidos con camisas bonitas, pantalón bueno, con jeans combinados con chaquetas de tweed de sport, el estilo inglés y los buenos suéteres de cachemira», explica. Y hablando de esa sofisticación con Rubén Gómez, menciona un referente renovado en lo intelectual y en lo estético: «El cineasta Wes Anderson¹⁰ ha colaborado con Marc Jacobs y luce la maletería de Louis Vuitton en The Darjeeling Limited. Es clave en el cine y la moda, sus pelis son lecciones morales, éticas y estéticas, tiene una lectura intelectual y humorística de la cultura popular, del lujo y de todo lo contrario, de la humildad y la sencillez». Y es que esa sofisticación también se puede llevar de una manera relajada y sencilla con una camisa buena, incluso un poco arrugada, jeans, un cinturón bueno y zapatillas de deporte clásicas algo desgastadas o unos botines/zapatos clásicos. «El hombre de hoy se ha refinado más en cuanto a tejidos, sabe más», dice Ion Fiz, y los nuevos dandis los aprecian, como los buenos patrones, las prendas clásicas, fulares, pañuelos, combinaciones audaces de corbata y camisería clásica, pisacorbatas, gemelos, zapatos brillantes, chalecos, guantes, sombreros y gafas con personalidad, que son imprescindibles en sus armarios.

ICONOS MASCULINOS, DESDE YVES SAINT LAURENT A MARILYN MANSON

Así como las mujeres estamos atufadas de referentes femeninos, de todas las décadas y estéticas, los hombres han rescatado recientemente los suyos. El imaginario masculino de iconos de estilo se amplía también por la necesidad de las revistas de moda de no repetir siempre los mismos. En las páginas del L’Uomo Vogue se mezclan fotos actuales de Adrien Brody, Vincent Cassel o Daniel Craig con imágenes históricas de Steve McQueen o Clint Eastwood, un espectro amplio que nos habla de lo variado de la masculinidad hoy. Entre esas figuras a reivindicar está sin duda el diseñador Yves Saint Laurent: «Un hombre que fue elegante, trabajó elegante y se retiró elegante», como dice Alvarado.

Y hay que reconocer que, como en la moda femenina, los setenta dieron grandes iconos; hablo de ello con el estilista Hugo Lavín mientras merendamos: «El productor Robert Evans¹¹ y el actor alemán Helmut Berger son masculinos y stylish; Mick Jagger era escandaloso. Y hay que tener en cuenta a Bob Dylan, y al fotógrafo Robert Mapplethorpe con sus camisetas de rayas, chalecos de cuero, gorras y pantalón alto», comenta. El dúo de Ailanto reivindica a «Robert Redford con americana, pañuelo y jeans o el estilo de películas como El graduado», clásicos masculinos como Cary Grant, Michael Caine, Humphrey Bogart, Sidney Poitier, Bruce Lee, James Dean, Marlon Brando, Alain Delon, John Cassavetes, Paul Newman o Lee Marvin, entre otros muchos.

Y si nos vamos a iconos más recientes, Hugo Lavín apuesta por «Johnny Depp, por ir contra lo establecido. En la alfombra roja están todos muy guapos, pero cortados por el mismo patrón. Él lleva sus zapatos bicolor, los dedos llenos de anillos, gafitas de pasta de intelectual a lo James Dean. Se hará mayor y seguirá teniendo ese estilo, no se habrá vendido y habrá evolucionado». Porque ese tipo de hombre intelectual también tiene cabida en el imaginario masculino. Amparo Utrilla lanza tres nombres a destacar: «Adrien Brody, Vincent Gallo y Benicio del Toro», que encajarían en ese perfil más bohemio o canalla, con sofisticación relajada y detalles personales, como el músico Jack White, líder de las bandas White Stripes, Raconteurs y The Dead Weather.

Y la también estilista Isabel Ottino se decanta por «Jarvis Cocker,¹² desde joven lleva sus camisas y chaquetas estrechas, tiene que ver con conocerte y con cómo eres. La gente que transmite esa autenticidad me desborda, me impresiona, cómo se mueven y miran», dice. Además, Jarvis Cocker está casado con la estilista Camille Bidault-Waddington. Como Bobby Gillespie, líder de Primal Scream, casado con Katy England.¹³ ¿Se puede tener más estilo? Pues sí: «David Bowie (como quien dice Bryan Ferry o Richard Hawley) tiene estilo, y es coherente cómo ha evolucionado en su vida. Por eso creo que afortunadamente hay algo de inteligencia detrás del estilo», dice de nuevo Isabel Ottino.

Y en el amplio espectro que hoy conforma la masculinidad, hip hoperos como Pharrell Williams, Snoopy Dog, Kanye West, Sea Combs o Jay Z tienen mucho que decir; la música rap ha influenciado mucho a las nuevas generaciones. Y elementos de cuidado como el baloncestista Dennis Rodman son dignos de admiración; si alguien nos llega a decir que un machote de la NBA iba a llevar pintas dignas del mejor glam rock ¡no lo hubiésemos creído! El dúo de diseñadores de Spastor arroja cuatro nombres con un rollo oscuro: «Jeremy Irons, Ian Curtis,¹⁴ Peter Murphy y Trent Reznor,¹⁵ con ese punto atormentado que es un imán», dicen. Y de repente sale el nombre de Marilyn Manson, al que ellos hicieron un traje para su boda con Dita von Teese: «El personaje que ha creado requiere talento y algo de magia plástica. Su logo se podría poner en un bolso perfectamente. ¡Huy! Me imagino perfectamente que podría sacar una línea de bolsos o hacer colaboraciones de moda», explican riendo. Espero no decepcionar a nadie, pero los Spastor me cuentan: «Marilyn Manson tiene estilista; a nosotros nos contacta su estilista, no él». Dicho queda.

ACCESORIOS PARA HOMBRES: MÁS ALLÁ DE LA MARICONERA

Ismael, de Spastor, relata una anécdota que nos habla de un tabú que aún está por caer y que, poco a poco, cede. «Nosotros, en un desfile, presentamos unas mariconeras. Y un periódico escribió: “Spastor le pone el bolso al hombre”. Y dices, ¿el bolso? Es la típica mariconera que llevaba mi padre, no me estoy inventando nada.» Y si pensamos en el término «mariconera», no tiene desperdicio como ejemplo del espíritu castrense español más rancio. Ese término se acuñó en los sesenta y setenta para aludir a los bolsos de tamaño pequeño masculinos de asa corta. De tan pasado de rosca que está el término tiene un punto kitsch lingüístico fascinante. Y además nos toca la fibra emocional de recordar a papá llevar la mariconera en viajes, pero la asociación bolso/marica es muy significativa de este tabú del bolso para hombres. Hoy, afortunadamente, flaquea: «Los accesorios cada vez tienen más fuerza porque definen el look. Ahora vemos hombres con bolso, además de los accesorios de siempre y los propios de las novedades electrónicas: móviles, iPod, iPad, portátiles, cámaras digitales, etcétera. Las bolsas son el accesorio estrella, imprescindibles para la vida diaria», explica Jesús Cicero.

El maletín de ejecutivo se reinventa, ahora acopla el portátil, iPad, el móvil, la blackberry o el kinder. Y en profesiones menos formales, llevar bolso grande o bolsa es normal. El tabú del bolso es algo cultural y educacional: «Son condicionantes de “esto es de chica”, pero, por ejemplo, los chicos japoneses lo llevan», explican los Spastor. Y a las chicas les gusta, comenta Clara Courel: «Me gustan el Amazona de Loewe o el Down Town de Saint Laurent, un bolso grande, que sea incluso de mujer y llevarlo con dignidad. Y las bolsas de deporte para trabajar, como las de Chanel». En esta línea de precios, Bottega Veneta, Louis Vuitton, Valextra, Bally, Armani, Fendi, Prada, Hogan, Tod’s, Gucci, Balenciaga, Paul Smith, Marc Jacobs, Givenchy, Etro, Mulberry, Dunhill, Burberry Prorsum, Jil Sander o Raf Simons son un acierto. Y si tu presupuesto es más reducido, busca en firmas intermedias como Diesel, Eastpak (con interesantes colecciones de diseñadores), Nike, Adidas, Y-3, A.P.C., Wants Les Essentiels de la Vie, Ally Capellino, Cerruti, Steve Mono, Borsalino, Marc by Marc Jacobs, Furla Uomo, Doucal’s, Orciani, Momo Design, Nava, Pierre Darré, Giorgio Fedon, U.S. Polo Assn, Jack Russell Malletier, Velvetine, Superdry, Matt & Nat, Bikkembergs, Miu Miu, The Bridge, Calvin Klein Collection, Mandarina Duck, Kipling, entre otras, o asequibles como, H&M, Zara, H. E. by Mango, Topman, Massimo Dutti, Fun & Basics, Pull & Bear, Primark y Springfield, según gustos y estilo de vida. Muchas de estas marcas (como las mencionadas en anteriores epígrafes) tienen portales de venta online y también puedes adquirirlos en mrporter.com, yoox.com, mencorner.com, también se recomienda consultar la web Asos en su sección de hombres.

Y si todavía te da reparo llevar un bolso, a ser posible mediano tirando a grande, recuerda que no estás «transgrediendo» ninguna norma. Por ejemplo, Peter Sellers y Samuel Beckett llevaban bolso (el hobo bag de Gucci, para más señas) en los gloriosos años sesenta, cuando el hombre no había todavía involucionado en su atrevimiento, preso del traje de chaqueta de ejecutivo ochentero.

BUENAS COMPRAS, BUENA SUERTE

«La globalización es un gran mal, parece que todos vamos vestidos igual, el exceso de información satura. Por eso es importante tener una personalidad bien creada para saber a dónde te quieres dirigir», dice el estilista Hugo Lavín. Y añade algo fundamental a la hora de conformar el guardarropa masculino: «Vamos a nutrirnos de los básicos. ¿Por qué hay que llevar lo último y la tendencia del diseñador X? Partamos de la base. Ahí es donde haremos un cimiento bastante sólido, eso del fondo de armario, los básicos. Ves el armario de mucha gente y entiendes que diga que no tiene ropa y no se ve bien. No tienen lo fundamental, cuatro cositas y cómo mezclarlas: blazer, camisa blanca, camisetas básicas de cuello redondo, de cuello pico en blanco, azul marino, gris perla, buenos vaqueros, pantalón de tweed o chinchilla para invierno, zapatos masculinos de punta redonda, unas basket, gafas de sol chulas y una buena prenda de abrigo o un chambergo marinero. Las colecciones de Dior Homme de Hedi Slimane siempre se nutrían de eso. Luego lo envuelven en la música, el casting del desfile y crean una aspiración».

Jesús Cicero nos aconseja otros básicos: «Un traje negro de dos botones, otro beis para primavera-verano; blazers en tweed, cheviot o cuadros príncipe de Gales; y varios jeans y múltiples zapatillas, es la evolución más notable en el atuendo masculino, hace años era impensable en determinados lugares y ahora se admiten». Y además añade a la lista de básicos: «Jerséis de cuello vuelto, cárdigan de colores neutros (para mezclar con camisas y camisetas), una americana de esmoquin, camisas blancas, una cazadora de cuero, una prenda de abrigo de doble botonadura (gabardina, abrigo o chaquetón en colores oscuros o en camel). Una prenda del pasado con actualidad es el chaleco, con solapas o sin ellas». Se llevan de la forma tradicional con traje o camisa, o más irreverentemente con camisetas y fulares estrechos. Ion Fiz nos comenta algo sobre la camisería: «Hay camisas en distintos formatos, más entalladas y de noche en tejidos metalizados», y también en tejidos tecnológicos dependiendo del atrevimiento y presupuesto que tengas.

Es importante fijarse en el patrón cuando compres americanas, camisas o pantalones, no es un detalle pejiguera sino de perfeccionistas: «Hasta dar con el patrón de la americana tuvieron que pasar dos años y medio, vas trabajando, perfeccionando, cuando hemos dado con la americana, se va repitiendo en diferentes versiones», explica Ismael de Spastor. Y para que nos hagamos una idea de cómo sientan de bien las prendas que diseñan, vale una anécdota, que cuentan los dos riendo: «En Nueva York íbamos siempre con ropa nuestra y nos paraban en las tiendas. En Barneys [grandes almacenes de lujo], los empleados nos persiguieron para saber de quién era el abrigo. Y les dije que mío y se quedaron: “claro, ya, supongo que será tuyo”». Y juntos, con su impecable rigor, aconsejan en qué merece la pena invertir si te vas a gastar un dinerito: «En artículos especiales: complementos, zapatos, cinturones, accesorios en general, prendas de vestir que sean muy especiales por los detalles, el estampado, su inmejorable acabado y calidad: una camisa blanca, un esmoquin, un traje, sin olvidar las prendas de punto. Siempre de calidad».

Clara Courel comenta unas prendas clave para el hombre de hoy: «Los tíos deben tener dos tipos de corbatas: finas negras y más clásicas o retro, como las de Ralph Lauren, para mezclar. Hay que tener una camisa de esmoquin con pechera, también para llevarla con vaqueros, zapatillas y un cinturón mono con hebilla clásica de Hermès o con un logo mono. Me gustan los que se atreven con los zapatos de charol en granate, verde o azul o con una chaqueta de esmoquin corta, como las chicas. Los jerséis normales de lana de cuello en pico, camisetas, deportivas y algunas All Star son buenos básicos. Si es moderno, un cinturón de tachuelas y unos pitillo». Y si buscas deportivas que vistan más, opta por las de lujo de firmas como Gucci o Dior Homme.

Jesús Cicero recalca el equipamiento de accesorios masculino: «Siempre en todo guardarropa debe haber diferentes tipos de zapatos, con cordones, de piel, de ante, de charol para por la noche o con pantalones casual, y algún mocasín. Cinturones de piel, bufandas variadas o de lino para la temporada estival y diferentes tipos de bolsas». Y el interés por los accesorios también se traslada a otros complementos: «Los pañuelos en diferentes versiones, para el cuello y el bolsillo de los blazers. Los gemelos siempre para los más elegantes, al igual que los sombreros, regresa la elegancia a las cabezas», nos comenta Jesús (lo ampliamos en el siguiente capítulo). Y Clara nos aconseja el toque final, las joyas: «Los relojes me parecen muy importantes; pueden llevar joyas, un anillo grande chulo, algo contundente, con mucha personalidad. Pero cuando los afemina, me molestan, me gustan los hombres-hombres aunque sean gays». Y recuerda, compres lo que compres, que te favorezca.

EL COLOR Y LA MEZCLA MARCAN LA DIFERENCIA

Introducir color y mezclar ayudan a diferenciarse. Si el grupo The Cure cuestionaba los tópicos de la masculinidad cantando, pintados como puertas, aquello de Boys don’t cry, y Miguel Bosé hacía lo propio con Los chicos no lloran, hoy parece que tras los minimalistas años noventa y los no menos conservadores años dos mil, el uso del color en el vestuario masculino cuestiona otro tópico más, la valentía. En los sesenta, incluso en España (que en esos años era tirando a tétrica), películas guatequeras y artistas como Raphael se pusieron el color por montera con combinaciones atrevidas. En los setenta, la silueta masculina se estrechó, calando en las calles occidentales; la mezcla de estampados, tejidos y texturas cobró importancia. Y en los ochenta los diseños sin complejos de Gianni Versace, los japoneses o Stephen Sprouse fueron para los más atrevidos (como en los noventa los de Walter van Beirendonck), porque el look de traje sastre en tonos discretos y sin entallar se impuso en las calles, y aún perdura en sectores más tradicionales.

Esta eclosión de color se ha producido más recientemente en paralelo al nu o new rave y las nuevas propuestas de los fabricantes de tejidos, y por la necesidad de novedad y variedad constante también para ellos y por la aparición de un consumidor más joven. El arcoíris llega a las marcas de lujo y al mercado masivo masculino; no es tabú para los más atrevidos y los menos prejuiciosos: «Los hombres se atreven con colores. Utilizan nuevas gamas: rosas, amarillos, colores fuertes o flúor», dice Jesús Cicero. Y los tonos pastel sobreviven y se les incorporan tonos ácidos y empolvados. El universo del lujo ha incorporado estos, los intensos y los flúor en sus colecciones, desde Louis Vuitton, Prada, Fendi, Calvin Klein, Sonia Rykiel Homme, Turnbull & Asser, Brook Brothers, Jeans Shop, Harstford, Façonnable, Maison Martin Margiela, Aspesi, Rag & Bone, Gant, Slowear, Dunhill, MCQ Alexander McQueen, Gant J.Crew, Marlon, Gobel, Michael Bastina, Balmain Men, Marc by Marc Jacobs, Neighborhood, Bernhard Willhelm, Gucci, Marni, Richard James, Lanvin, Carven, Bottega Veneta, Paul Smith, Z Zegna, Dirk Bikkembergs, Comme des Garçons, Versace, Missoni, Gianfranco Ferré, Etro, Tommy Hilfiger, Valentino, Boss Black, Lanvin Homme, Polo Ralph Lauren, Dsquared, Alexander McQueen, Kenzo Homme, Viktor & Rolf, Paul & Joe, entre otros. Y en la mayoría de las firmas intermedias y asequibles mencionadas en los ejemplos anteriores (en el caso del dandismo y en los accesorios), así como en los portales recomendados con anterioridad. Y no solo se han llenado de color, incluso tienen flores liberty sobredimensionadas, cuadros y estampados de lo más abigarrado, sin pudor.

«Otro avance en los hombres es que se preocupan por la manera de mezclar las prendas, el estilismo, es lo que da a cada hombre su propio estilo», apunta Jesús Cicero. Y esas combinaciones son hoy mucho más evidentes desde que el streetwear llegó a la ropa de hombre. Nadie se escandaliza de ver a un hombre con chaqueta de traje y jeans, con traje y zapatillas o con pantalones de vestir, zapatos, sudadera y chaqueta encima. Unos de los máximos responsables de haber popularizado ese mestizaje son los raperos, los primeros que no le hicieron ascos a llevar un traje carísimo con zapatillas, gorra y joyones. El diseñador que le dio la vuelta al streetwear (con permiso de Raf Simons y Helmut Lang), al uso del color y a muchos convencionalismos masculinos en la última década ha sido Bernhard Willhelm. Gracias a él, la sudadera y el chándal se reinventaron, creando tendencia, saltando a todas las firmas y a los armarios de muchos jóvenes: «Willhelm influencia a las nuevas generaciones con su estilo colorista y sus sudaderas grandes», dice Ismael de Spastor. «¡Es muy grande! Fuimos al Bread & Butter,¹⁶ veíamos a la gente joven y decíamos eso es Bernhard. Es más importante de lo que se ve, más allá de ser moderno», dice Sergio de Spastor.

Pero la mezcla no llega solo hasta aquí, las combinaciones sofisticadas y clásicas se recuperan, las de camisa, chaqueta, corbata o pajarita y chaleco, con jeans o pantalón de traje, abundan tanto en perfecta coordinación como con descoordinación extravagante. La incorporación de gemelos, bolsos, bolsas, gorras no deportivas y sombreros de caballero lo ha llevado a otro nivel. Y no es algo que se impone solo desde las pasarelas, si no en la calle, como podemos ver en los blogs de streetstyle que tanta popularidad han alcanzado en la actualidad como veremos capítulos más adelante.

Estas combinaciones muchas veces están con un pie sutilmente en el pasado y otro en la contemporaneidad. Recuerdo que Lucas Ossendrijver, diseñador de la línea masculina de Lanvin, una de las casas que le tomaron el relevo de lo cool a Dior Homme, me dijo:¹⁷ «Mis colecciones son discretas, suaves y masculinas. Uso muchos aspectos de la sastrería a medida en ellas, como las camisas con mangas cosidas a mano, así como el acabado de los forros, los cuellos o los reversos de las chaquetas». Un refinamiento íntimo alejado de la ostentación que lleva a sus pantalones cargo en tejidos nobles, botas o baskets, un look ponible, apetecible y nada estridente que ha pasado al mercado intermedio y más masivo.

Si empiezas a sentir ansiedad ante las posibilidades que se despliegan hoy para los hombres, está claro que solo debes probar las que de veras te interesen. Y como las prendas masculinas son más limitadas, en general funcionan con menos esfuerzo y mejor resultado que en el universo femenino. Y si crees que estas combinaciones son demasiado, no has visto al artista Julian Schnabel ataviado con pijama masculino de seda, con abrigo y slippers¹⁸ como si tal cosa. ¿Una extravagancia imposible de llevar? Muchas firmas ya han propuesto combinaciones de pijama y chaqueta o pantalón de pijama, camiseta, chaqueta y gorra. ¡Ahí es nada! «Estamos todavía en la revolución del hombre, la moda de hombre ha sufrido un cambio radical, evoluciona más que la femenina, hay propuestas muy arriesgadas en hombre», dice la estilista Amparo Utrilla. Y en esto pasará como en todo, primero se atreverán los gays y los más abiertos de mente. Y luego algún avispado heterosexual dirá «me lo pongo», y si es un futbolista ¡se lo acabarán poniendo todos!

NUEVOS MATRIMONIOS Y NUEVOS NOVIOS

En el verano de 2007 se inauguró en Barcelona la tienda y marca By. Tras la legalización de los matrimonios homosexuales existía una carencia para estos novios gays y para los heteros que buscaban algo especial que poco a poco se va cubriendo. Lo cuenta Santiago Porrero, artífice de la idea: «No había una marca especializada en ropa de hombre para fiesta y ceremonia que ofreciera un servicio como Rosa Clará en mujer. El hombre heterosexual y el gay cada vez se cuidan más, tienen más protagonismo en eventos y bodas». Pretenden refrescar la moda de ceremonia: «Hace mucho que no se toca, no ha evolucionado como la de mujer», dice. By no fue fruto de la casualidad: «Estuve barajando varias ideas de negocio. Escogí la que más me gustaba y comencé a investigar. Necesitaba alguien que estuviera en el mundo de la moda y financiación». En moda dio con Antonio Alvarado: «Si pasan estas historias es porque la demanda está en la calle. Hay que especializarse, el mercado masculino es grande. No es una tienda para gays, es una especialización necesaria. Desde que se aprobó la ley de matrimonios gays aquí, ya van muchos países que la han aprobado», dice. Le financiaron un banco, un inversionista y un socio. Buscó local, y Alvarado, diseñadores: Ion Fiz, Locking Shocking, El Delgado Buil, Helena Rohner, Juanjo Oliva y él. «Está diseñado especialmente para nosotros. Garantizamos que no encontrarás a alguien con el mismo traje en el mismo evento. Ofrecemos atuendos completos con alternativas para todos, opciones clásicas y vanguardistas», dice Porrero. Cada hombre puede escoger un atuendo, de los pies a la cabeza, que refleje su personalidad, incluidos complementos y joyería. «El estilismo es muy importante y el patronaje también, los clientes ven la diferencia entre un traje normal y uno estructurado de buen tejido. Vas impecable», dice Ion Fiz.

También tienen ajuar, sábanas, pijamas y batines, prêt-à-porter; sastrería y camisería a medida, accesorios y complementos. Los precios de los trajes de prêt-à-porter van de 700 a 900 euros. Y a medida (llevan de cuatro a seis semanas) desde 1.200 a 4.000. Las líneas de lujo, a partir de los 4.000 euros, y las camisas desde 100 a 400 euros. Ion Fiz comenta: «Hay hombres que no tienen tan fácil encontrar un traje diferente, en tejidos pensados para ese día, que luego puedas utilizar la chaqueta suelta, que selecciones el tejido y hacer un total look¹⁹ con detalle. Está el fajín más renovado; si no necesitas corbata, el chaleco cobra más importancia, o la abotonadura...», explica.

Se publicitó como la primera tienda de bodas para matrimonios gays, pero su público es variado: «Es el colectivo gay y también heterosexuales, de treinta a cincuenta años, a los que les gusta cuidarse, de clase media y media alta, que destacan por su elegancia y detalles, no por lo extravagante», dice Porrero. Y Alvarado me cuenta: «Las primeras que han comprado un traje han sido dos chicas que se casaban, ¡con zapatos de hombre incluidos!». Está claro que la moda, al contrario que las religiones, siempre se adapta a los tiempos.

LAS CLAVES DE LA NUEVA MASCULINIDAD

1. LA SILUETA SE RENUEVA: se definen más las formas masculinas, las corbatas y los pantalones son más estrechos y las chaquetas, además de la camisería, se adaptan a la silueta masculina.

2. VUELVE LA SOFISTICACIÓN: se recupera la sastrería tradicional, adaptando la silueta, los trajes de tres piezas (con chaleco), los pañuelos al cuello y de bolsillo, jersey de cuello vuelto, los gemelos, los pisacorbatas, el estilo inglés, el dandismo y los sombreros. Los nuevos dandis son amantes de los buenos patrones, las prendas clásicas, fulares, corbatas y pajaritas, pañuelos, combinaciones audaces de corbata y camisería clásica, zapatos brillantes, chalecos, guantes, sombreros y gafas con personalidad.

3. LOS ACCESORIOS MASCULINOS COBRAN IMPORTANCIA: el bolso para hombres (de formato grande), los maletines actualizados, las bolsas deportivas y los accesorios que se adaptan a los nuevos gadgets (móviles, iPod, iPad, portátiles, videocámaras, etcétera) componen la oferta.

4. SIN MIEDO AL COLOR: los colores intensos, tonos pastel y flúor toman el asalto de las prendas tradicionales, las más juveniles, y los accesorios. Su combinación demuestra tu audacia y tus límites.

5. SE MEZCLA MÁS Y MEJOR: la combinación de prendas gana protagonismo porque individualiza el look de cada hombre. Mezclar la sastrería y streetwear es normal y se imponen mezclas sofisticadas de estampados, colores y tejidos que recuperan lo mejor del dandismo, desde lo clásico a lo extravagante.

6. ES IMPRESCINDIBLE TENER BUENOS BÁSICOS: son la base del guardarropa, al que se incorporarán luego prendas más especiales. Esos buenos básicos son: camisetas de cuello redondo o pico, jerséis de cuello redondo o pico, de cuello vuelto, camisas clásicas, chaquetas o blazers, jeans, deportivas, zapatos masculinos en diferentes acabados con y sin cordones, una buena prenda de abrigo y de piel, pantalones casual y de tweed o lana para el invierno, un traje negro, otro más claro, cárdigan de colores neutros para mezclar con camisas y camisetas.

7. MERECE LA PENA INVERTIR: sobre todo en artículos especiales, complementos y accesorios, como zapatos y cinturones. Y prendas de vestir que sean especiales por los detalles, el estampado, su inmejorable acabado y calidad, como por ejemplo una camisa blanca, un esmoquin, un blazer, pantalones, un traje o prendas de punto y de abrigo.

8. LA FALDA MASCULINA: muchos diseñadores la proponen en sus colecciones pero aún son para los más atrevidos.

V

ACCESORIOS CON ACIERTO

«Siempre hay algo por inventar. Mientras exista imaginación y vida siempre habrá algo que va a cambiar.»

Manolo Blahnik

Los accesorios se han convertido en los artículos más reclamados, tanto en las firmas de lujo como en las cadenas asequibles. Hoy la gente se preocupa más por ellos, no les importa gastar más porque aportan distinción e individualizan el look. Como dice Tamara Mellon: «El estilo está también relacionado con accesorios. Los zapatos y los bolsos pueden personalizar un look. De hecho, hoy son toda una declaración de intenciones en moda, definen tu estilo aunque vayas sencilla». Porque, como dice Juncal Cucullo, jefa de moda de Cosmopolitan: «El estilismo ha llegado a la calle y es lo que nos hace ser diferentes. Combinar, no limitarte al vestido, la media y el taconcito, sino, ¿y si al vestido le pongo una bota?, pero ¿y si la media es de color? Darle vueltas a cómo mezclar las prendas, como los procesos creativos que hacemos los estilistas para las sesiones de fotos. Y el juego te lo dan los accesorios, hay gran variedad de ellos y tiendas; es la locura. Todas las firmas hacen zapatos, bolsos, sombreros, diademas...».

Detrás de su existencia hay motivaciones industriales y financieras importantes, son uno de los pilares más firmes de la industria del lujo y una forma de generar más ingresos en las cadenas masivas. Pensemos que Zara, Mango, H&M, Topshop, Desigual, etcétera, no los hacían hasta hace unos años, y ahora son una agradecida fuente de ingresos en todas las cadenas también de moda de precios intermedios —desde Comptoir des Cotonniers a Desigual—, o asequibles como Primark, Pimkie, Blanco, Bershka, entre otras. Al ser ligeramente más caros que algunos artículos textiles aportan un pellizco extra de suculentos ingresos. Y la aparición y consolidación de marcas o líneas como Accessorize, Fun & Basics, Uterqüe, Bimba & Lola, Mango Touch, Fosco, Misako, entre otras muchas, hablan también de lo floreciente del sector. En la industria del lujo, por ejemplo, la mitad de los ingresos de Gucci o Loewe proviene de los accesorios, es un segmento que en 2011 amplió sus ventas un 13 por ciento. Lo explica la estilista Blanca Unzueta: «El acceso a las prendas de estas firmas es muy elitista. Se ha notado mucho en los últimos años, son prohibitivas pero, inteligentemente, las firmas son conscientes de que hay más interés por la moda en gente que no tiene acceso ni al abrigo ni al vestido, pero sí al bolso y al zapato», y son los best sellers de los accesorios. Junto con los que han aparecido para los gadgets electrónicos, para bebés e incluso para mascotas,¹ han ampliado la oferta.

En términos prácticos nos interesan para personalizar las prendas y darles más largo recorrido: «Un mismo vestido puede tener muchísimas lecturas si te haces con los complementos adecuados en cada situación. Con buenos complementos cualquier prenda te puede acompañar mucho tiempo, la puedes ir recuperando y actualizándola en cada momento», me comentó Blanca. Y afortunadamente hoy los accesorios no tienen códigos tan estrictos: «Lo de que el bolso fuera del mismo color que los zapatos nos suena a chino, pero antes hasta las chicas jóvenes llevaban el bolso, el cinturón y el zapato ad hoc. Hoy ha desaparecido, incluso se podría recuperar [dice bromeando]. ¡Si lo hiciera Chloë Sevigny, nos quedaríamos fascinados! ¡Tendría hasta una vis cómica!».

ZAPATOS, ESOS OSCUROS OBJETOS DE DESEO

A través de las visiones de algunos de los diseñadores de zapatos reconocidos vamos a desentrañar los modelos que más nos conviene tener y los misterios de esos eternos compañeros que nos separan brevemente de nuestra sombra, como dice Tamara Mellon, con la que hablaremos al final de este apartado: «Definitivamente veo una evolución en el diseño de zapatos, cada vez hay más y más diseñadores emergiendo, los zapatos y los accesorios se están volviendo cada vez más importantes».

Manolo Blahnik, el maestro de la libertad de expresión creativa

Su nombre pasará a la historia del diseño de estos objetos de deseo, como Christian Louboutin o Salvatore Ferragamo, entre otros maestros, por méritos propios y por su gran creatividad. Este zapatero de padre checo y madre canaria estudió idiomas y arte en Ginebra, en 1965 se fue a París y llegó a Londres en el invierno que inauguraba la década de los setenta: «Después del 68, París empezó a no tener interés. Para mí, Inglaterra era el país que creó caras como Julie Christie, Charlotte Rampling o Vivien Leigh, siempre me atrajo y mi padre era completamente anglófilo. ¡Con una pasión loca por Winston Churchill! Ossie Clark fue el primer diseñador para el que trabajé, me enseñó muchísimo en el sentido de tener libertad total de expresión, hacer lo que te dé la gana. Es lo que hacía él con un éxito increíble». Y todo porque meses antes, en una visita a Nueva York, Diana Vreeland, entonces directora del Vogue USA, vio sus bocetos y le aconsejó dedicarse a los zapatos; sus dibujos eran sueños que merecía la pena materializar: «A veces hago demasiados diseños al año. Si estoy muy descontrolado, hago seiscientos, acabo con trescientos y después hago otra selección que me gusta más todavía y me quedo con cien. A lo largo de mi vida he hecho muchísimos, en casa tengo un archivo de 11.000 o más y eso que he perdido muchísimos de los años setenta porque se inundó nuestro sótano y se estropearon». Pese a ser tan prolífico, dice que siempre hay algo por inventar: «Quizás es muy limitado mi campo, pero siempre hay algo nuevo por hacer; mientras haya imaginación y vida, algo siempre va a cambiar». Aunque lo que nunca cambiará mientras viva es que él esté al frente de su firma. Le han ofrecido vender su nombre y no ha querido: «Me han hecho ofertas tantas veces; no podría, nunca jamás. Uno no es eterno, pero mientras tenga el grupo de mujeres que me han seguido siempre seguiré haciendo lo que deseo», afirma.

Mima sus creaciones y no ha cambiado de técnica: «Mis fábricas son todavía pequeñas y cada una tiene su especialidad, quien trabaja mejor el satén, el boxcalf, el zapato casual, etcétera. Voy a cada fábrica a hacer específicamente cada tipo de zapato. Es mucho trabajo, pero me gusta». Pasa dos días a la semana en Italia y también fabrica en Inglaterra. Sus referencias siempre han sido el arte y la arquitectura, no puede evitarlo: «Es parte de mi naturaleza, como ir al Jardín Botánico o al Prado cuando estoy en Madrid, una adicción. Tengo la suerte de ser una persona curiosa, quiero saber lo que pasa todo el tiempo», y por eso ha hecho colaboraciones fructíferas con algunos artistas: Francesco Clemente, Keith Haring, o con Damien Hirst, entre otras: «Utilicé sus lunares en unas botas, fue una colaboración simpática», dice. Además ha colaborado con sus diseños en películas como María Antonieta, dirigida por Sofia Coppola, con la oscarizada Milena Canonero² como directora de vestuario: «Lo único que me dijo cuando empezamos a trabajar fue: “Quiero que seas académico pero que no lo seas”. Y entendí lo que quería decir. ¡Me encanta trabajar con gente así! Y Sofia te deja hacer lo que quieras», dice feliz.

En sus cuarenta años de profesión ha colaborado con John Galliano, Jean-Paul Gaultier, Calvin Klein, Perry Ellis, Isaac Mizrahi, Zac Posen, Proenza Schouler, Thakoon, Christopher Kane, Aquascutum y Carolina Herrera, entre otros. Y evoluciona con entusiasmo adolescente: «Estoy refinando ciertos temas que son obsesivos en mí, lo hago cada vez más détaché, más despegado y objetivo. Soy supercrítico con lo que hago, casi nunca me gusta nada. Tengo ganas de relajarme un poco de una vez, pero no puedo, no es mi nature», dice riendo.

Si fuera uno de sus zapatos, sería «uno de flamenco, pequeñito, con el tacón pequeño y la tira encima para aguantarlo bien, me encantan. O también podría ser un zapato de torero, una manoletina, me vuelven loco. Esas son las raíces que no puedo dejar. ¡Me parecen los zapatos más chic del mundo!». Le pido que me cuente cómo pone los nombres a sus diseños, siempre exóticos, con referencias al cine, al arte o a la arquitectura. «Depende. Si estoy de un humor arábico, me salen nombres árabes y voy a un atlas árabe [hace como si pusiera el dedo en el mapa de forma aleatoria]. Y si tengo un momento español o andaluz, me gustan los nombres démodé, como Raimunda, Segismunda, nombres que quizás no tengan sitio en el mundo de hoy, donde a los niños les llaman Jessica, Jennifer, Jonathan. ¡Qué horror! ¿Por qué no les pondrán Pepito o María, que son divinos? Jessica, come on!», dice.

Le pregunto por qué el sector de los accesorios se ha desarrollado tanto: «Es algo que me asombra. Al fin y al cabo en los dos o tres últimos años nunca he visto zapatos más feos ni bolsos más horrendos, grandes y sin proporción. Han sido años muy poco estéticos. A lo mejor a una jovencita de quince años le gustan porque ha visto a no sé quién en la tele y los editores de moda están forzados por la industria a recomendarlos. Pero tendría que haber un poquito menos de choices,³ tenemos demasiadas y nos hemos americanizado totalmente, es un golpe fatal para Europa. Somos presa de un consumismo desesperado y casi neurótico». Y desde luego su sector es uno de los que más compulsión provoca. Me sorprende que pese a ser globalmente conocido por sus stilettos⁴ sea firme defensor del zapato plano y enemigo de las plataformas. Para Manolo Blahnik, una mujer es mucho más femenina con zapato plano: «Me acuerdo que una vez mamá vino a Londres y estaba Bianca Jagger en el salón. Me dijo que caminaba como una pantera, y llevaba unas bailarinas baratas. Como Brigitte Bardot también era así, animalesque, caminaba perfectamente con zapato plano, como la señora Vreeland de mayor, cuando la conocí. Le hacía los zapatos de satén y bajos. ¡Caminaba de una manera fabulosa! Tenía ochenta y no sé cuántos años y no veía casi nada».

Juncal Cucullo constata el lado más práctico: «El imperio del plano es una realidad palpable en la calle, la mayoría de las mujeres no pueden ir con diez centímetros de tacón a trabajar como hacemos algunas en la moda, es tan absurdo como ir todo el día con una falda tubo que no permita algo tan básico como subir escaleras o cruzar un semáforo», explica. Y cuando vayamos planas, pensemos en las palabras de Manolo y explotemos nuestros andares más felinos.

Respecto de las plataformas, que han hecho furor las últimas temporadas y tienen muchas defensoras, Manolo dice: «Huir de tendencias como yo, y hacer lo que me da la gana es peligroso; si no haces lo que hace otra gente, no vendes; bien, pues perfecto. Yo me he aguantado tres años sin hacer plataformas y no las voy a hacer. Las hice en los años setenta para Yamamoto, se llamaban Bricks y eran auténticos ladrillos de corcho, vendimos muchísimos. Y para Galliano hice una pequeña cuando empezamos a trabajar juntos a finales de los noventa. La gente dice que hacen los pies más finos, absolutamente ridículo, hacen una desproporción total de la silueta», comenta este hombre adorable.

Un clásico contemporáneo, Juan Antonio López

Juan Antonio López es otro español, de Alicante, tuvo un gran éxito vistiendo pies en los años dos mil hasta que una falta de financiación le hizo retirarse temporalmente de su firma para formar parte del equipo de diseño de Castañer. Conversamos, en la época en que tenía un notable éxito con su firma, precisamente porque encontró un nicho de mercado en el que en la actualidad de sitúan con acierto, de formas muy diversas, en lo creativo y empresarial, firmas españolas como Maloles, Chie Mihara, Pretty Ballerinas, Úrsula Mascaró, Paco Gil, The Flâneuse, Mónica García, Cuplé, Camper, Pura López o Bimba & Lola, aunque diversificadas en otros tipo de accesorios, entre otras. Juan Antonio proviene de una familia con experiencia en el sector y, al igual que Manolo, supervisaba personalmente la producción de sus zapatos. Tenía un equipo con gran experiencia: «Todos habíamos trabajado para diferentes marcas; cuando empezamos nuestro proyecto sabíamos lo que “no” queríamos hacer. La primera colección tuvo muy buena acogida por el mundo de la moda y por el público, que es lo más importante. Algunos de nuestros objetivos eran no supeditar el diseño a la comodidad y que el producto quedara en la memoria del consumidor». Y lo consiguió, por eso, seguro que volverá con un modelo de negocio con la inversión y el soporte adecuados. Vendía muy bien en España, Europa y Estados Unidos, así que cualquier inversor debería de estar deseoso de apostar por él: «Enseguida empezamos a vender en Estados Unidos, funcionó y se agotaron en todas partes. Ahora hay menos diferencias entre un consumidor de allí y de aquí. Antes de hacer mi colección estuve mucho tiempo trabajando para una empresa americana y luego con una española. A los cuatro años decidí que tenía sentido hacer los zapatos que estaba haciendo para América aquí. Si aquí nadie los compraba era porque nadie asumía el riesgo de hacerlos, no había esa oferta. Por eso empecé mi marca, no creía que existiese esa diferencia». Y definitivamente tenía razón, como lo han hecho las mencionadas firmas que se han posicionado en ese nicho que él también supo reconocer, sus seguidoras son legión y esperan ansiosas su vuelta: «Tenemos clientes muy fieles que repiten en la misma temporada y vuelven, por su calidad, estilo y comodidad», decía entonces.

Me comenta el tipo de mujer que le llamaba la atención por la calle: «La que se sabe femenina es la que me hace girar, que no es voluptuosa ni extravagante sino correcta; se encuentran muy pocas». Para él el estilo no pertenece ni al futuro ni al pasado, es algo imperecedero y ese es el hilo conductor de su trabajo: «Queremos hacer un fondo de armario, complementos que aporten, más que la tendencia, elegancia y distinción, que vistan a la mujer sin necesidad de que vaya arreglada de arriba abajo». Y ese es el efecto que tenían sus zapatos —y es lo que buscan las firmas que con posterioridad se han situado a su manera en este nicho de mercado, como Bimba & Lola—, que con una camiseta y jeans siempre irás impecable y con un toque personal.

Admira a colegas como Roger Vivier y a los eternos clásicos como Manolo Blahnik o Ferragamo. Y él mismo se convirtió en un referente y firma de culto con una gran relación calidad/precio, sin ser este desorbitado, y dio pistas a muchos futuros modelos de negocios patrios. Y en activo en su firma me narraba cuál fue su posicionamiento: «Si esto ocurrió es por nuestra honestidad y por no irnos de cabeza a las demandas de mercado. Diferenciamos nuestro producto no por su extravagancia sino por su elegancia. Trabajamos los iconos más clásicos de los zapatos y los actualizamos aportando nuestra mejor sensibilidad. Lo más fácil es sorprender con algo fuera de lo común. Es más difícil conseguir un tacón a media altura con estilo que un tacón alto, o conseguir diferenciarte con algo tan manido como un salón o un zapato plano, ese es el reto. Estamos continuamente buscando materiales, innovando tratamientos, investigando y tratando de mejorarlos, porque nuestra máxima preocupación es conseguir unos zapatos lo más perfectos posible».

Me explicaba cómo había evolucionado su sector: «En la última década la gente se ha dado cuenta de que llevando un buen bolso o buenos zapatos vistes, que con prendas básicas y un buen zapato se va muy bien. Es una evolución en el uso y en las costumbres de la gente. Hay una conciencia de que los accesorios son una inversión cualitativa. Las marcas sabemos que una persona está dispuesta a gastarse un poco más si le merece la pena. Para mí está el producto que perdura, como el nuestro, y si una chica quiere cambiar cada fin de semana, el mercado masivo sigue más la tendencia». Y me pregunto cómo sobrevive un diseñador entre la abundancia de firmas de lujo y las comerciales, de cadenas asequibles y medias y las propias del sector del calzado en plena efervescencia, cada vez más pujante, buscando destacar, diferenciarse y posicionar su producto de forma atractiva y con reconocimiento de marca, como, por poner un ejemplo rápido del sector —donde conviven empresas del tipo de Clarks, Geox, Church’s, Car Shoes, por mencionar algunos de los miles de ejemplos que podríamos encontrar—, la española Fosco que realiza colecciones con diseñadores españoles como Ana Locking o el francés afincado en España Nicolas Vaudelet, Gioseppo con Ion Fiz, entre otros, todas invierten más en diseño e imagen sin desatender la comodidad diaria: «Lo mejor es esa oferta y diversidad. La gente consume más accesorios. Una vez que se ha democratizado el producto por firmas asequibles, a las marcas que vamos después también nos repercute a nuestro nivel. Y las de lujo también se están universalizando más, siguen teniendo su estamento de lujo, son agresivas en su expansión y están en la encrucijada de pertenecer al universo del lujo e intentar vender lo máximo que puedan porque las mantienen las clases medias acomodadas. Pero lo principal para mantenerte es mirar tu camino, no el de los demás, tener tu identidad y tu sector de consumo. En España todavía nos queda creer en nosotros, en el producto, y una vez que lo hagamos será como la evolución que en Italia se hizo en los años cuarenta y que nosotros no hemos hecho aún. Tenemos las herramientas, el know how y la sensibilidad, simplemente hay que confiar en que nuestro producto vale tanto como el francés, el italiano o el de cualquier marca de lujo», me dijo.

Y hablando de mercados que a él le funcionaron bien, «los países donde mejor se distribuye son Inglaterra e Italia, los más cercanos a nosotros. En Italia hay una democratización de la moda que no existe en Francia, que es más elitista. Prada ha democratizado más su producto que Dior». Y respecto del proceso, los zapatos a medida. «Ya casi no existen, hay muy pocas personas en el mundo que los hacen ya. El 99 por ciento son mixtos y aun así se utiliza mucho el hand made».⁵

No pude evitar pedirle que me aconsejase qué zapatos básicos cree que no deberían faltar en el armario de una mujer: «El zapato salón: con plataforma, sin plataforma, con tacones más gruesos o más finos», no en vano los podólogos recomiendan zapatos de tres o cuatro centímetros de alto como los más idóneos para el pie; «sandalias que dejen el pie lo más desnudo posible, con la mínima expresión en tiras», añadió. «Y botas que sean como un guante para el pie», concluyó. Y las suyas lo eran. Además, me contó algo que sigue también vigente: «Cada vez es más importante el color en los zapatos; una mujer con un blazer, jeans y un zapato de color se distingue del resto, siempre he trabajado mucho el color», explicaba.

La fashionista cosmopolita, Tamara Mellon (Jimmy Choo)

Tamara Mellon, presidenta y fundadora de Jimmy Choo, lo deja bien claro: «El estilo es una actitud. Las mujeres con estilo saben lo que quieren y lo que les queda bien. Es sobre todo tener sofisticación y confianza más que ser una esclava siguiendo la moda», dice esta fashionista, hija de una modelo de Chanel y de un entrepreneur, que bien podría ser un personaje de Sexo en Nueva York o Cashmere Mafia. Tuvo una educación internacional antes de convertirse en editora de accesorios del Vogue inglés en 1990. Conoció al lujoso zapatero del East End Jimmy Choo y le propuso aliarse para lanzar su colección de prêt-à-porter. En 1996 fundaron su compañía con un éxito prácticamente inmediato; en quince años abrieron más de sesenta tiendas y han sido objeto de cuatro compras diferentes, la última de uno de los grandes del lujo, la exclusiva Labelux, propietario de Bally, que la ha adquirido por 500 millones de libras.

Para Tamara el estilo es «simple, chic y sofisticado», un espíritu que se transmite en los zapatos de la firma. Es una experta en ellos y no solo por su profesión; tiene más de trescientos pares, pero si tuviera que elegir uno se quedaría con «el Jimmy Choo Idol. Su tacón gráfico de 130 mm es una declaración de fuerza y confianza, mientras que los dos tonos brillantes del cuero son femeninos y divertidos. Siempre estamos empujando las fronteras de lo posible en términos de estructura y diseño. Nos queremos mantener en la cabeza de la competición con diseños innovadores, glamurosos y lujosos. Es el corazón de todo lo que hacemos».

Le pregunté qué tipo de zapatos creía que eran idóneos para aguantar una jornada laboral ajetreada y que siempre resulten apropiados, y su respuesta dejaría a Manolo Blahnik estupefacto: «Las plataformas; son geniales, te dan la altura que necesitas (las hacemos hasta de 130 mm), pero con completo confort y funcionalidad. Vivo sobre mis plataformas y puedo estar todo el día corriendo con ellas», dice. Y es que a ciertas mujeres, lejos de hacerles parecer travestis, les sientan como un guante, les dan un aspecto de pequeño cervatillo desarrollándose, un allure adolescente que se mezcla con el poderío que se siente al llevarlas y las reminiscencias de la liberación sexual de los setenta que también tienen.

Tamara Mellon es fan de esta década y estuvo involucrada en el proyecto de relanzar Halston, firma setentera por antonomasia. Las plataformas nos hablan de mujeres adultas, con espíritu adolescente y con poder, porque, como dice Tamara: «Las mujeres hoy se sienten más fuertes, poderosas y con más confianza en sí mismas, y esto se refleja en su moda, estilo y accesorios». Y de entre las mujeres que más le inspiran están las inglesas: «Son muy buenas lanzando tendencias, son muy fashion y están deseando divertirse con la moda. Me gusta observar cómo interpretan la última tendencia». Además le encantan tres mujeres que tienen mucho espíritu setentero en su estilo: Ali McGraw, Jackie Onassis y Kate Moss. «Es genial reinventándose», dice.

Comenta que una tendencia que tiene fuerza es la asociación de los zapatos con el arte y lo ornamental. Se ha extendido fundamentalmente a los tacones: «Desde hace varias temporadas hay una interesante evolución de los zapatos, que se han convertido casi en obras de arte, con tacones muy elaborados». El acento se pone cada vez más en ellos, tacones que imitan ornamentos de mobiliario, joyería u orfebrería, deconstruidos, translúcidos o los extravagantes, pero se va extendiendo el diseño del zapato en conjunto.

Clara Courel, fan de la firma Jimmy Choo, nos recomienda otros básicos imprescindibles para los pies: «Además del salón negro, un botín tobillero, una sandalia metalizada en plata, oro o bronce, porque van con todo y además se pueden llevar en invierno con medias oscuras. Además, unas bailarinas, unas sandalias planas bonitas de rollo étnico o con turquesas y unas botas camperas de cowboy un poco desgastadas o unas de hípica planas de caña alta en negro». Opciones de largo recorrido y versatilidad.

Y para completar este universo de los zapatos hacemos algunas recomendaciones de firmas de precio medio y alto; las asequibles seguro que las controlas:

Si te gustan los planos: seguro que encuentras opciones especiales en Repetto, French Sole, Valentino, Charlotte Olimpya, Red Valentino, Chloé, Celia Marcos, Maloles, Camper, Pedro García, The Flâneuse, Pretty Ballerinas, Ras, Antik Batik, Manolo Blahnik, Stuart Weitzman, Robert Clergerie, Jimmy Choo, Ancient Greek Sandals, Marc Jacobs, Miu Miu, Prada, Tod’s, Lanvin, Céline y Chanel, entre otros.

Si te gustan las sandalias: Nicholas Kirkwood, Sophia Webster, Aquazzura, Nine West, Bimba & Lola, Zilian, Manolo Blahnik, Ferragamo, Christian Louboutin, Gucci, Dior, Chloé, Jimmy Choo, Sergio Rossi, Versace, Armani, Roger Vivier, Rodolphe Menudier, Stuart Weitzman, Giuseppe Zanotti, Valentino, Óscar de la Renta, Givenchy, Jason Wu, Alaïa, Gianvitto Rossi, Alexander McQueen, Saint Laurent, Stella McCartney, entre otros.

Si te gustan los salones: Christian Louboutin, Dior, Ferragamo, Amélie Pichard, Jimmy Choo, Sergio Rossi, Farrutx, Acosta, Giuseppe Zanotti, Marc Jacobs, Lanvin, Pierre Hardy, Stuart Weitzman, Pura López, Magrit, Pedro García, Paco Gil, Jil Sander, y casi todas las firmas porque es un básico.

Si te gustan las cuñas: Marni, Castañer, Charlotte Olimpya, Roger Vivier, Pierre Hardy, Alexander McQueen, Prada, Miu Miu, Chloé, Stella McCartney, Fendi, Bottega Veneta, Sergio Rossi, Emilio Pucci, Marc Jacobs, Bimba & Lola, Maje, entre otros. También son una buena opción las sneakers (zapatillas) con cuñas que puso de moda Isabel Marant y que ahora producen muchas otras firmas asequibles como Asos, Hakei.

Si te gustan las plataformas: Christian Louboutin, Jimmy Choo, Versace, Sergio Rossi, Roberto Cavalli, Pedro García, Giuseppe Zanotti, Fendi, Dolce & Gabbana, Burberry, Balenciaga, Prada, Miu Miu, Saint Laurent, Charlotte Olimpya, Gucci, Lanvin, Stella McCartney, entre otros muchos.

Si te gustan los zapatos masculinos: Repetto, Gucci, Monge, Adieu, The Flâneuse, Robert Clergerie, Camper, Dior Homme, Lanvin Homme, Esquivel, Emma Hope, Martin Margiela, Church’s, Paul Smith, Fratelli Rossetti, Chie Mihara, entre otros muchos.

Si te gustan los botines: Isabel Marant, Zadig & Voltaire, Bally, Chanel, Sergio Rossi, Manolo Blahnik, Nine West, Paco Gil, Úrsula Mascaró, Marc Jacobs, Miu Miu, Hermès, Stella McCartney, Acne, Rag & Bone, Margiela, APC, Barbara Bui, Hakei, etcétera.

Además, la web fabshoes.com ofrece modelos muy baratos; en Manik your Design te puedes hacer tu propio modelo; la sección de accesorios de net-a-porter.com, thecode.com, es maravillosa, la de yoox tiene una gran oferta, así como la de asos o las especializadas en calzado: shoescribe.com, sarenza.com, spartoo.com y zalando.com.

BOLSOS, TODA UNA DECLARACIÓN DE INTENCIONES

Josu Aboitiz me cuenta cómo ha evolucionado la pasión por los accesorios: «Viví en Nueva York antes de venir a España y allí conocí y experimenté de cerca la obsesión fetichista de las mujeres por los zapatos, un tipo de mujer menos activa y más florero. El fetichismo por los bolsos ha venido después por mujeres con intensas jornadas de veinticuatro horas que necesitan acoplar todos los elementos necesarios para sobrevivir durante el día en un mismo contenedor». Le pregunto al respecto al actual director creativo de Loewe, que se estrenó en enero de 2008 con las estupendas credenciales de haber sido director creativo de Mulberry desde 2005 y haber trabajado en Givenchy y Louis Vuitton, Stuart Vevers: «El bolso es una parte fundamental del look de una mujer. Además de ser indispensables para todos los días, durante el día y la noche comparten todas las actividades en las que participan ellas. Lo más importante es el apego que tenemos por ellos. De forma inexplicable (por su estética, forma y funcionalidad) hoy son un verdadero fenómeno social». Y para que veamos numéricamente en qué consiste ese boom, Loewe por temporada crea de ¡200 a 300 referencias!

Tampoco podíamos dejar de saber la opinión sobre los bolsos de uno de los diseñadores que han hecho de los de su propia firma un culto, Marc Jacobs, ex director creativo de la no menos deseable firma Louis Vuitton, que consciente de estos objetos de deseo a reeditado alguno de sus iconos en versión mini y ha involucrado en su comunicación a las blogueras Elin Kling, Hanneli Mustaparta y Miroslava Duma: «La herencia de Louis Vuitton es la maletería y cuando fui llamado para ser el director artístico de la firma hice de ello mi ocupación para la primera colección junto con la moda. Rápidamente me di cuenta de que tenía que celebrar los bolsos y los iconos más famosos de Louis Vuitton en vez de evitar el asunto. Decidí divertirme y celebrarlo. Así que, junto con mi equipo, gente muy creativa, cada temporada creamos nuevas ideas y fabricaciones para el monogram,⁶ además de nuevas técnicas y nuevas siluetas para los bolsos y las mujeres que los adoran». Y esa pasión él la vive de primera mano: «A las mujeres les encantan los bolsos, la ropa y los zapatos, pero sobre todo los bolsos. Tenemos listas de espera para muchos modelos, la gente me pregunta, me manda mensajes y emails preguntándome cómo conseguir tal modelo. Así que es muy excitante trabajar en algo que la gente desea tanto», explicaba.

Y es cierto, cada vez más gente hace un desembolso en un bolso de una firma de lujo para darse el caprichazo: «Hoy una de las cosas para las que casi todo el mundo ahorra, aunque no tenga mucho dinero, es para un buen bolso. Casi todo el mundo se lo compra. Es una manera de llevar la marca y, digan lo que digan, a la gente le encantan», explica Carmen Lomana, consumidora habitual de firmas de lujo. Y algunos, en vez de comprarlos, los alquilan a empresas como telopresto.net, lesuperbe.es, lookandstop.com, lujoaccesible.net, alquilerdebolsos.com, bagdeluxe.com, etcétera. En otras como stylebox.com se pueden alquilar además vestidos de grandes diseñadores.

Las mujeres hoy tienen jornadas tan ajetreadas como los hombres, y todos están necesitados de accesorios que cubran su jornada laboral y se adapten a su rutina diaria, ya sea llevar el portátil, los pañales del hijo, la ropa del gimnasio, el móvil, periódicos, revistas, agendas, llaves, monederos, portatarjetas, documentos, etcétera, por ejemplo, firmas como Misako, y Hakei cubren esa necesidad desde el gran consumo, Steve Mono, del español Gonzalo Fonseca, ha conseguido un notable éxito de culto inspirándose en los accesorios de los oficinistas de los 50 y 60 y vende en Europa, Estados Unidos y Asia desde un pequeño estudio en el madrileño barrio de Malasaña a un puñado de tiendas exclusivas. Clara Courel nos cuenta qué hay detrás del auge de estos accesorios: «Cada una tiene que tener el bolso que va con su manera de vivir, con su estilo de vida. Si trabajas todo el día fuera de casa y tienes que llevar hasta el sándwich, la mejor opción es un big bag, un gran bolso, o un shopping bag, con asas, tipo bolsa de la compra en piel». Los de tipo bandolera, con o sin asas, de un tamaño medio, son idóneos si sueles llevar maletín o portafolio o si has conseguido reducir el contenido de tu bolso al mínimo y son una opción que tu espalda te agradecerá.

Pero, ojo, no todos los bolsos que se usan por el día sirven para llevarlos por la noche si tienes jornadas maratonianas y compromisos nocturnos. Vicente Gallart nos previene de estos peligros: «Hay que tener el don de la oportunidad. Los accesorios están ejerciendo tanta fascinación como efecto devastador sobre algunas mujeres, porque pierden los papeles. Se cometen continuos errores con bolsos en eventos y fiestas, estoy harto de verlos. El error más común es utilizar bolsos equivocados. No se puede ir a un cóctel con una mochila, a no ser que sea muy underground. Ese big bag, perfecto para el día a día o los viajes (porque caben un montón de cosas), es inoportuno en una fiesta o en un evento. Hay gente que lo hace sobre todo por aparentar, me acabo de comprar el último bolso de tal firma y lo luzco como sea. Allí está el error». Para estas ocasiones lo mejor es un bolso de mano pequeño, con cadena, o un clutch, un bolso joya, o bolso sobre, rígido o blando, que puedes llevar dentro del big bag si no vas a pasar por casa (y dejar el bolso grande en el despacho, el coche o el ropero) o, como aconseja Tamara Mellon, fan de los clutches: «Para mí son un salvavidas, son muy versátiles y es difícil que te equivoques con ellos, los llevo a cualquier sitio, desde un almuerzo de negocios a un cóctel. Dejo mi clutch de Jimmy Choo en mi escritorio para esas ocasiones imprevisibles». Un buen truco.

Y Vicente Gallart nos advierte: «Un bolso caja o joya debe ir acompañado de un vestido largo, de cóctel, o un conjunto de pantalón o falda y camisa, correcto y formal». Y si esta solución no te complace, apuesta por modelos como los bolsos cartera, sobre, los baguettes o bolsos pequeños tipo satchel o con cadena, pueden cubrir del día a la noche adecuadamente, como perfectos comodines que son. Prácticamente todas las firmas de lujo tienen todas las opciones que te hemos comentado. También son interesantes los modelos vintage bien conservados, y en las firmas más asequibles la oferta es igual de variada. Además, firmas como Petty Things hace auténticas delicias, y asequibles, creada por la española Ruth Arilla —que ha trabajado para Juan Duyos, Jocomomola de Sybilla o Jesús del Pozo—, gira en torno al reciclado de materiales vintage y antiguos, mezclados y trabajados con mimo en un pequeño taller de Madrid, piezas contemporáneas con espíritu atemporal. «Nos apasiona rescatar barkcloths⁷ de los años cincuenta, sedas de los cuarenta, algodones de los treinta, con sus preciosos estampados. Buscar mantones de alrededor de 1900 y sus bordados. Desmontar y remontar quimonos vintage de delicados colores. Reutilizar broches, cadenas, medallas, chatarra en desuso con esa pátina que da el paso del tiempo, que tiene las cosas con historia y a las que se les puede dar una nueva oportunidad de brillar. Las pieles que se mezclan con estos materiales rescatados, son de alta calidad, suaves y especiales con sugerentes colores que coordinan con los tejidos seleccionados cada temporada. Las piezas están realizadas una a una, hechas a mano. La mayor parte de los accesorios salen de las manos de un artesano de la piel, que dedica su tiempo a Petty Things, en su pequeño taller de Madrid. Otros salen del propio taller de Petty Things en Madrid. Cada una de las piezas de Petty Things con materiales vintage va numerada. Las series que componen las “ediciones limitadas” van de tres a un máximo de 30 aproximadamente, dependiendo del tejido. Para poder distinguir qué número de serie tenemos entre manos, cada uno tiene su propia tarjeta con su historia y su numeración, creando así piezas casi exclusivas», comenta Ruth, una emprendedora que como Gonzalo Fonseca (Steve Mono) son también representativos de un nuevo made in Spain. Ruth nos cuenta la razón de su aventura empresarial. «Aún sigo fascinada con las cosas que mi abuela, Mama Nati, guardaba en el armario del fondo, cajas de botones antiguos, trozos de telas, forros, cintas... un mundo de posibilidades para una niña, y, como al final he visto, también para alguien mayor... las manos de mi abuela Ángeles y lo que de ellas salía me dejaban y dejan boquiabierta, piezas de crochet perfectas, delicadas, especiales y únicas. Con el tiempo el gusto por los objetos y las “estéticas vintage” de los años cincuenta hacia atrás se han convertido en una verdadera pasión para mí. Poco a poco me hice con un buen número de materiales, de mercadillos y tiendas de los sitios que visitaba, sin pensar para qué... solo con el tiempo descubrí que estaban ahí para Petty», y para sus clientas, yo tengo dos «Petty» que desatan pasiones cuando los llevo.

(En los capítulos VII y VIII hay más recomendaciones.)

LA ÚLTIMA PASIÓN: LOS SOMBREROS

No hay it girl que se precie que no lleve uno, pensemos en Alexa Chung, Lou Doillon, Charlotte Casiraghi, Lily Allen, Sienna Miller, Joséphine de la Baume... o mujeres con carácter y que sepan de su teatralidad que no quiera llevarlos, como Anna dello Russo, la difunta Anna Piaggi, L’Wren Scott, Daphne Guinness, Lady Gaga, hasta las series de televisión como Downton Abbey los han puesto de moda. Hay opciones en firmas específicas (como Mikimoni) y cadenas accesibles, pero no hay marca intermedia y de lujo que no se haya lanzado a hacerlos después de haber estado años relegados a cierto olvido para el gran público, ahora son «los nuevos bolsos», es decir, el enésimo objeto de deseo. Y qué mejor para hablar de sombreros que contar con el milliner (sombrerero) actual más conocido del mundo, Philip Treacy, el Manolo Blahnik de los sombreros (con permiso de Stephen Jones, con treinta años de oficio a sus espaldas). Este irlandés de familia humilde, que se entretenía de pequeño viendo las bodas en su pueblo (como mayor acontecimiento de glamour) y haciendo vestidos y sombreros para las muñecas de sus hermanas, ahora viste las cabezas de ricos y famosos y a la familia real británica. Lleva la moda en las venas. Él mismo se autodefine como «un animal de la moda»: «Está bien acusar a alguien de ser un animal de la moda, ¡yo soy uno! Me gusta la idea de un futuro desconocido. No saber lo que va a pasar la próxima semana es una actitud muy de la moda. Estamos obsesionados en algo hasta que pasamos a otra cosa. Esa es la naturaleza de la moda, sobre todo cambio», dice.

Los sombreros de Treacy juegan con la tradición y extravagancia británicas y el surrealismo de milliners míticos, como Madame Agnès o Suzanne Talbot (en los años treinta) o Philippe Model (en los ochenta) y el clasicismo de Graham Smith, también sombrerero real, e incorpora la más rabiosa contemporaneidad y creatividad en sus estructuras escultóricas y materiales. Empezó diseñando sombreros hace más de veinte años, mientras estudiaba en el Royal College of Art: «Fue una época en la que los sombreros eran como de una era pasada. Los sombreros son muy sexys y, cuando empecé, eran solo para mujeres de cierta edad. Creía que era una locura. ¿Por qué piensan eso? Era totalmente ridículo y siempre he creído que, como todos tenemos cabeza, todo el mundo tiene la posibilidad de llevar sombrero. Adoro trabajar con mis manos haciendo algo de la nada, volviendo un material bidimensional en un objeto tridimensional», comenta.

La gran Isabella Blow le introdujo en el mundo de la moda. Conoció a Lagerfeld con veintitrés años y comenzó a mostrar sus creaciones en pequeños desfiles donde participaban todas las tops, Naomi Campbell, Kate Moss, Christy Turlington, etcétera, a cambio de algún diseño. Más tarde, la Chambre Syndicale de la Couture de París le invitó a mostrarlos en la Semana de la Alta Costura, todo un honor. También los mostró en Ascot, ¡qué lugar habría mejor! Hoy vende sombreros para hombre y mujer desde 150 libras hasta precios exorbitantes, tiene colección de bolsos y monederos, colaboró con la firma deportiva Umbro haciendo prendas, muebles con Habitat, y con artistas como Vanessa Beecroft. Además, su trabajo ha sido objeto de exposiciones y retrospectivas; es el sombrerero de la casa real británica (vistió las cabezas de la boda de Camilla Parker y el príncipe Carlos de Inglaterra y las de la boda de Guillermo de Inglaterra y Kate Middleton), además colabora en múltiples desfiles de diseñadores y firmas internacionales.

Aunque Treacy lleva veinticinco años haciendo sombreros, la industria de la moda también se ha puesto las pilas cubriendo cabezas; las firmas de alta gama siempre han sido conscientes de su poder. Tanto en la alta costura como en el prêt-à-porter existe un abanico amplísimo que va desde lo más sofisticado a lo más sencillo. Las firmas asequibles las han descubierto recientemente y las firmas deportivas y de streetwear han ampliado su oferta más allá de la consabida gorra deportiva. El abanico actual en gorras, sombreros y boinas es variado, desde las tipo college, de tweed o inspiración militar a las más marineras, de inspiración austríaca o vintage, por poner un ejemplo. Por no hablar de las tiendas tradicionales de toda la vida especializadas en sombreros; si en ellas compras un sombrero panamá de tela en blanco con banda negra o un borsalino negro, habrás hecho una buena adquisición de largo recorrido.

También hay creadores independientes, como el genial Stephen Jones, que ha hecho sombreros para Dior, Louis Vuitton o Marc Jacobs después de hacerse mundialmente famoso por colaborar en los ochenta con Jean-Paul Gaultier y Thierry Mugler y vestir las cabezas de los new romantics y Boy George. El Victoria & Albert Museum celebró una retrospectiva de su extenso trabajo hace unos años. Treacy nos explica por qué se ha producido ese auge: «El sombrero es un símbolo positivo, un artículo que es el último accesorio del glamour, encanta a los observadores y hace sentirse a quien lo lleva como con un millón de dólares. Crea un estatus de deseo aunque pueda parecer fuera de este mundo. El consumidor más avezado se relaciona con él porque el mensaje es simple y absoluto, un buen sombrero existe fuera de su propio tiempo», explica apasionadamente. Algo que nos habla de cierta búsqueda de sofisticación, mezcla y distinción que hoy es demandada por numerosas cabezas. Pensemos en la tendencia que crean artistas como Lady Gaga o Nicki Minaj, Rihanna o Rita Ora en la calle. Uno de los milliners más irreverentes actuales y que curiosamente viene de la peluquería es Nasir Mazhar, responsable de alguna de las locuras de Gareth Pugh, con el que colabora.

Las imaginativas propuestas de sombreros y tocados que hace Philip Treacy son para grandes ocasiones y para no dejar indiferente: «Tengo el mayor placer de tener la oportunidad de retar la percepción de la gente sobre el aspecto de un sombrero en el siglo XXI. Creo en la belleza, la elegancia, en comunicar pensamientos y sueños de una forma visual. Mi asistente, que cuida de mi tienda, dice que ella vende sueños, cosas que la gente realmente no necesita pero que tiene que llevar. Todos necesitamos cosas bellas que nos hagan sentir bien y nos den placer, ya sea una flor, una puesta de sol o un sombrero. Esas cosas especian la vida y nos recuerdan la esencia del placer y la belleza». Y Treacy y Stephen Jones no son los únicos milliners de su tiempo, en Nueva York el veterano Albertus Swanepoel es muy reclamado, y en la estela de Treacy los jóvenes británicos Eugenia Kim, Justin Smith o Noel Stewart, la parisina Laetitia Crahay; y al otro lado del Atlántico, el joven neoyorquino Victor Osborne. Sin olvidar que en España Mariana Barturen, Candela Cort y Mabel Sanz son muy conocidas y reclamadas para grandes festejos, y también son recomendables Suma & Damsel (collagevintage.com/2009/12/ suma-damsel-una-tarde-entre-tocados.html), Eugenio Loarce, Flor Vaquero y Pablo Mayaya. También hay tutoriales en internet con DIY de cómo confeccionar tus creaciones. Los sombreros enganchan. Coco Chanel o Jeanne Lanvin empezaron como sombrereras y se engancharon a la moda.

SOLO PARA TUS OJOS

Son un accesorio imprescindible para proteger tus ojos, unas buenas gafas visten tanto como unos buenos zapatos. Es imprescindible comprarlas de calidad, pues las malas pueden ocasionarte mareos y acabar con lesiones en los ojos. Las de aviador clásicas originales tipo Ray-Ban y que muchas otras firmas han versionado, las Wayfarer, también de Ray-Ban, infinitamente copiadas en mil acabados y colores, y las negras de pasta grandes de cualquier firma a lo «celebridad-pasando-desapercibida» son buenos básicos que siempre te acompañarán; otras que se imponen cada vez más son los modelos extravagantes en monturas y formas, con ornamentación inspiradas en el arte.

Y para ellos otros buenos básicos son, además de lo dicho, las tipo Carrera, inspiradas en sus modelos de los setenta y ochenta con montura metalizada en color, o las de carey o concha de Tom Ford o Persol, como las que lucían el mítico productor de cine Robert Evans o Steve McQueen. Las gafas de vista se han reinventado en los últimos años; casi todas las firmas de lujo tienen licencias con compañías para fabricarlas, incluso diseñadores españoles como Juan Duyos o Torretta (entre una larga lista) las han hecho. Ahora hay cristales sensibles a la luz, con diferentes acabados, degradados, monturas más ligeras, acetatos o metálicas con color, modelos transformables o incluso plegables, y se han ampliado mucho las posibilidades, aunque un buen básico (sin caer en estridencias o extremos) está condenado a durar. Lo ideal es encontrar las gafas de vista que vayan con tu propio estilo de vida y hacer de ellas una seña de identidad, como Karl Lagerfeld, James Dean o Diane Keaton. Aunque con la tentadora oferta a menudo caemos, a veces absurdamente, en la tentación de renovar el repertorio.

CINTURONES, PAÑUELOS Y GUANTES, EL ÚLTIMO TOQUE

Junto con las joyas y la bisutería, de las que nos ocupamos en el Capítulo XV, los guantes, cinturones, pañuelos, fulares y bufandas también nos ayudan en esto de personalizar el look y, como hemos comentado, los podemos encontrar desde el lujo a las cadenas asequibles, pasando por las intermedias. Pero ante la tentación de usar todo tipo de accesorios sin mesura recuerda el mandamiento de Blanca Unzueta del primer capítulo, que matizar, dosificar y administrar es imprescindible. Llevar de todo a la vez genera el denominado «síndrome de árbol de Navidad» que está absolutamente reñido con tener un estilo actual, a no ser que lo lleves a sus últimas consecuencias, claro, como lo hacía Anna Piaggi o ahora Lady Gaga... Pero si eres una víctima reconocida de este síndrome, de las de «antes muerta que sencilla», y no tienes el «arte» de Anna dello Russo para el exceso, intenta equilibrar un poco unos accesorios con otros: si llevas guantes largos, vestidazo y un bolso joya llamativo, ponte unas joyas discretas, o no te las pongas si puedes resistirte. O si llevas jeans, bolsazo y botas de caña alta, evita ponerte bien de bisutería encima y un cinturón poco discreto, porque acabarás pareciendo más un pirata que una mujer de tu tiempo.

Utilízalos sabiamente, como dice Carmen Lomana: «Los complementos dan mucho estilo. Cuando viajo, llevo muchos vestidos neutros para no tener tanto equipaje, y les pones un collar, un broche, un cinturón o unos guantes y les das otro aire; el estilo es mucho saber interpretarse». Los guantes largos se han recuperado no solo en las alfombras rojas, con vestidos cortos también, pero los normales en ante, cuero, moteros y de lana nunca se han ido. Tener cierta gracia a la hora de combinarlos es una muestra de estilo y se está recuperando el color en ellos. Los guantes, junto con los pañuelos, fulares o bufandas, son esos pequeños detalles que aportan distinción, u originalidad, a hombres y mujeres. Hay que dar con los adecuados para tu estilo, desde modelos básicos en negro a los clásicos de Hermès (o las ediciones limitadas con artistas o con la diseñadora japonesa Rei Kawakubo), pasando por otros colores llamativos, con gráficos o ilustraciones modernos que «rompan» la monotonía de un look, hay muchas vías que explorar. Y no nos podemos olvidar de las medias y calcetines, que han cobrado protagonismo, desde las firmas más asequibles como Calzedonia a las de Wolford hay una amplia gama de marcas y oferta. El color, los prints en las medias, leggings o los leotardos de lana y combinaciones arriesgadas de medias tupidas ganan puntos.

Respecto a los cinturones, hay que tener en cuenta que un buen cinturón negro formal y uno marrón más casual que quepan en cualquier trabilla del pantalón o falda, son auténticos básicos. Combinarlos con cierta originalidad define tu estilo; se pueden usar sobre abrigos, chaquetas largas de punto, con faldas o vestidos, algunos incluso pueden servir para disimular ciertas zonas problemáticas de caderas y tripilla, potenciando las curvas si son anchos. Los cinturones tipo corsé se pueden combinar sobre abrigos finos y vestidos y pueden ser un buen camuflaje de pequeños volúmenes indeseados si se utilizan con vestidos y abrigos holgados. Y para las devoradoras de hombres, mejor con furrós. Los cinturones joya, en forma de serpiente, con cadenas o monedas, y los étnicos van muy bien con jeans. Los fajines en satén, seda o muaré son idóneos para vestidos o combinaciones de falda o pantalón con camisa formal. Para los hombres, cinturones clásicos o con hebillas contundentes. La oferta en materiales va más allá de la piel —rafia, lonetas, croché, elásticos, plástico, metal—, y la gama de colores y acabados es amplia, de lo clásico al flúor. Pero no te vuelvas loco o loca, piensa con cabeza a la hora de comprar accesorios, recuerda el primer mandamiento de no consumirás en vano; si tienes buen ojo, podrás hacerte con un equipamiento interesante y versátil sin gastarte demasiado, de buena calidad y duración. Si compras por comprar, es probable que acabes con un tenderete del rastro en tu propia casa.

ACCESORIOS CON ACIERTO

• Los accesorios ayudan a personalizar el look y a darle mayor duración a las prendas porque permiten actualizarlas y acondicionarlas a lo largo del tiempo y en diferentes situaciones.

• Es importante aplicar en su uso aquello de «matizarás, dosificarás y administrarás» para evitar el efecto «árbol de Navidad». No caigas en la tentación de no renunciar a nada a no ser que el exceso corra por tus venas.

ZAPATOS

• Los básicos que no deberían faltar y salvan infinitas situaciones son: el zapato salón negro, unos tacones altos, planos (masculino o bailarina), sandalias que dejen el pie descubierto, botas de caña alta y botines tobilleros.

• Respecto a las plataformas, algunos opinan que desproporcionan la silueta y a otros les encanta ese aspecto que dan de cervatillo. Unas en negro, con poca plataforma, son un modelo condenado a permanecer en tu armario.

• Las cuñas y plataformas están bien si no tienes mucha práctica andando con tacones, te dan más estabilidad. Y las sneakers con cuña son un básico para urbanitas con un toque sporty.

BOLSOS

Para jornadas maratonianas: big bag (bolsos grandes) y shopping bag (con asas en piel). Siempre que cuando tengas compromisos nocturnos formales los cambies por uno de menos tamaño, lo dejes en el ropero, en el coche o en el despacho o lo cambies por un clutch.

Todoterrenos: los bolsos medianos con bandolera y/o asas, los bolsos cartera, sobre, los big bags y los bolsos pequeños con cadena o tipo satchel.

Para la noche: bolsos pequeños, bolsos joyas o clutch, baguettes, bolsos cartera, sobre o minibolsos.

SOMBREROS

• Se recupera su utilización, los clásicos borsalinos, las gorras de tweed, militares, marineras o austríacas; y para el verano, tipo panamá. Hay mucha variedad en este tipo de productos, son muy versátiles y los hay para todos los bolsillos.

GAFAS BÁSICAS

• Las de tipo aviador, «wayfarer» (en color o clásicas) o negras contundentes, o con un toque extravagante arty, son imperecederas. Y para chico, las Carrera y las de carey años setenta también son un acierto. Además la oferta de las gafas de vista se amplía notablemente en monturas, cristales y acetatos de color.

CINTURONES

• En negro clásico y uno marrón más casual son dos básicos condenados a durar.

PAÑUELOS, GUANTES, FULARES, CALCETINES Y MEDIAS

• Son detalles que aportan distinción u originalidad y sus combinaciones dirán mucho de ti y ayudarán a personalizar o actualizar prendas básicas.

VI

LOS SECRETOS DEL VINTAGE

«Es pretencioso creer que uno es un árbitro del buen gusto.»

Karl Lagerfeld

El vintage viene a ser el hermano cool de la ropa de segunda mano de toda la vida, es algo más que ropa usada, son prendas, accesorios o joyas de décadas pasadas —desde los años veinte a los ochenta— de diseñadores emblemáticos, como Yves Saint Laurent, Ossie Clark, Geoffrey Beene, Dior, Chanel, Mary Quant, Elsa Schiaparelli, Versace, Mugler o cualquiera de los creadores que han pasado a la historia fashion por méritos propios. Auténticos objetos de deseo y de culto, hacen las delicias de los verdaderos fans de la moda y de todo aquel que busca un estilo propio más allá de las tendencias fugaces, que desea lucir una prenda o accesorio especial sin tropezar con alguien vestido igual al doblar la esquina. Es una forma de vivir la moda desde lo mejor de sus leyendas, una alternativa o complemento de la ropa actual y, contra lo que prejuzguen algunos, nada anclado en el pasado, sino moderno y stylish. Es lo bueno que tiene que la moda sea un frecuente revival, ¡que lucir un vestido de Alaïa ochentero es superactual! Y muchas tiendas de vintage lo saben y ponen a disposición del público prendas de décadas que revisan las pasarelas.

Las tiendas aumentan y también sus fans. Las modelos, estilistas y actrices fueron las primeras en caer en sus redes por una cuestión de proximidad y de búsqueda de exclusividad; entre las más conocidas están Chloë Sevigny, Milla Jovovich, Karen Elson, Sophie Dahl, Kirsten Dunst, Demi Moore, Penélope Cruz, Sarah Jessica Parker, Helena Christensen, Dita von Teese o Kate Moss, por mencionar algunas. La modelo española Eugenia Silva también es una de ellas: «La verdad es que en cuanto empecé a trabajar en esto y tuve la oportunidad de viajar más, me entró la fiebre del mercadillo y de las tiendas vintage. Aprovecho cada viaje para conocer nuevos sitios y tiendas. Me divierte mucho y a la vez me relaja. Es curioso ver que lo que estaba de moda hace tiempo vuelve a estar de plena actualidad. Además, creo que el vintage ha tomado tanto protagonismo en la actualidad porque la gente está aburrida de las marcas, de que todas las actrices y modelos vayan vestidas igual. Es la manera de ser original, sea cual sea tu presupuesto», comenta esta modelo cuya trayectoria le ha llevado a trabajar para Óscar de la Renta, Christian Dior, Chanel, John Galliano, Givenchy, Loewe, Gianfranco Ferré, Emanuel Ungaro, Steven Meisel, Escada o Clinique.

Pero esta pasión por el vintage ha llevado a la situación ridícula de que llamemos vintage a prendas de hace dos o tres temporadas. Y no, esas prendas no son vintage por mucho que quede muy bien ponerlo en los pies de foto de las revistas, simplemente son prendas «de hace unas temporadas».

Bernardo Corachán y Paco Delgado, dueños de Corachán y Delgado —maravillosa tienda vintage de Madrid (Barco, 42) y de Femisa Objetos Perdidos (San Vicente Martín Arias, 26)—. Hicieron el vestuario para La piel que habito de Pedro Almodóvar, y su espacio fue uno de los escenarios del film. Paco Delgado, por su cuenta, estuvo nominado al Oscar por el vestuario de Los miserables; cuentan: «La gente en España se va quitando la aprensión a la ropa usada o antigua, pues fuera ven este tipo de tiendas, y además el hecho de que algunas famosas lo utilicen ayuda bastante». Y si no que se lo cuenten a Cameron Silver, apodado «el gurú del vintage» y culpable de muchos de los vestidos vintage que pueblan las alfombras rojas del mundo. Dice que recuerda cómo de adolescente compraba ropa para él de los años cuarenta y que acudió a su promoción con un esmoquin setentero azul marino: «Siempre me ha gustado el vintage para mí». Hace diez años fundó Decades, una de las mejores tiendas de vintage del planeta, situada en Los Ángeles, a donde acuden todas y cada una de las celebrities mencionadas y una legión de fans más. Una de las favoritas de Eugenia Silva también, junto con la tienda Resurrection en Nueva York.

En Europa, Decades vende en Dover Market, y a través de su blog (decadesinc.blogdpot.com) se puede estar al tanto de las entradas de nuevas prendas y adquirirlas. También hace subastas puntuales en webs exclusivas como hautelook.com, entre otras, donde hay que registrarse para poder participar. Silver explica que buscar trajes de fiesta glamurosos que hagan girar cabezas es un trabajo full-time, no en vano son las piezas más reclamadas: «Es difícil encontrar vestidos originales de noche. Todo el mundo quiere colores fantásticos y eso lo hace aún más un reto». En su tienda puede vender desde una blusa de Yves Saint Laurent por 180 dólares a un traje de alta costura vintage por 35.000; la media son prendas entre los 850 dólares y los 4.000. Cameron está muy agradecido a sus clientas y afirma: «Las celebrities han resucitado las prendas de otras décadas y eso ayuda a educar al público sobre la historia de la moda. Es estupendo ver a una celebrity deslumbrante en la alfombra roja vestida por nosotros. Adoro encontrar a la mujer adecuada para cada vestido». Es el caso del vestido de Pierre Balmain que lucía Penélope Cruz cuando recogió su Oscar por Vicky Cristina Barcelona en 2009, que adquirió en la tienda LILY et Cie (Los Ángeles) después de haberlo visto ocho años antes. Se prometió a sí misma volver a por él, poco antes de la ceremonia lo hizo, y allí estaba esperándola.

EN BUSCA DEL TESORO PERDIDO

Los dueños de las tiendas vintage desarrollan una laboriosa búsqueda de piezas de otras décadas con las que agasajar a su clientela. Cameron Silver viaja por Europa en busca de nuevas prendas en subastas y citas con particulares cuya riqueza ha venido a menos o cuyo vestidor no da para más: «Viajo por todo el mundo para encontrar piezas maravillosas de vintage, a menudo participamos en trunk shows¹ en lugares como Hong Kong y Dallas, por ejemplo. También soy consultor de muchas firmas actuales, así que no es extraño para mí aconsejar a una firma parte del día y luego ir a los armarios de las mujeres más fashion que voy conociendo».

Bernardo y Luis de Corachán explican cómo buscan las prendas: «Somos nosotros los que viajamos y compramos las prendas pieza a pieza, bajo nuestro criterio de selección, que es bastante estricto. También empieza a venir gente a dejarnos prendas y algunas son bastante interesantes. Lo que más nos encantaría es poder conseguir las piezas-joya de los armarios españoles, que seguro todavía están guardadas, y poder tenerlas en la tienda, porque nos preguntan muchos clientes de fuera cuando vienen».

Por su parte, Marianne, de la boutique retro londinense Circa, tiene esta pasión por el vintage y la ropa retro desde los catorce años. En los años sesenta compraba vestidos de los años veinte o treinta y los convertía en minifalderos porque, como dice, «el tejido y los estampados eran, de lejos, de mayor calidad de lo que podías encontrar entonces en las tiendas». Abrió Circa con su socia e hija, la cual ha llevado ropa vintage desde su infancia y trabaja como patronista del diseñador Julien McDonald. Juntas tienen tres tiendas más especializadas por décadas en Londres, Gilded Lily, de los ochenta, 371, de los setenta y Day Before Yesterday de ropa inglesa de los primeros años setenta. Explica cómo encuentra piezas estupendas: «En las ferias de muebles antiguos aparecen armarios con ellas dentro o arcones que no han sido abiertos en cien años, también a través de internet puedo estar al día de las ferias y subastas de Sotheby’s, Christie’s o Doyle». Angela, de Absolute Vintage en Londres, dice que encuentra ropa vintage para su tienda «viajando por todo el mundo, en mercadillos, comprando en tiendas vintage o a particulares». Por su parte, Nisha Thirkell, de la tienda inglesa Beyond Retro, dice: «Tenemos gente encargada de cogernos ropa para la tienda en todo el mundo: Estados Unidos, Canadá, India y hasta Dubái». Y, por supuesto, todos guardan en secreto sus mejores fuentes de ropa o los clientes privados que ocasionalmente se deshacen de piezas maravillosas.

Silver nos explica qué tipo de clientes tiene: «Desde los dieciocho a los setenta y cinco años. En general chicas o mujeres con estilo y buen gusto que no están obsesionadas por las tendencias». Además, es pionero en una concepción fashionista del vintage: «Nosotros nunca hemos vendido ropa retro o de época, siempre nos interesó el vintage que pareciese moderno. Fuimos los primeros en presentarlo como una alternativa ponible y moderna. Ahora vendemos prendas de todos los diseñadores del siglo XX. Antes de adquirirlas siempre nos repetimos el mismo mantra: ¿parece moderno?». Algo importante para algunas clientas pero totalmente prescindible para otras que, sin resultar anticuadas, quieren parecer salidas de otra época (véase Dita von Teese).

En Londres, los clientes habituales de las tiendas de las que hemos hablado son desde músicos como Bobby Gillespie (Primal Scream) o Paul Weller, modelos como Helena Christensen, diseñadores, estudiantes o estilistas como Katie Grand² o Charlotte Stockdale; incluso la tienda Circa —al igual que la tienda neoyorquina What Comes Around Goes Around— asesora en el vestuario de películas de época «y a muchos equipos de diseño actuales, como Gucci, Cavalli, Marc Jacobs o Galliano», afirma Marianne, que añade: «Y también tenemos clientes anónimos, gente desde los veinte a los setenta años que están buscando algo especial para un evento o que no pueden irse de la tienda sin llevarse algo, y a través de nuestra web se suscribe mucha gente». Nisha, de Beyond Retro, comenta además: «Tenemos desde gente de fuera de Inglaterra, estudiantes, diseñadores en busca de inspiración o gente que busca un vestido para una fiesta; definitivamente es para todos los públicos». Lo que sí queda claro es que todos quieren lo mismo, lo comentan Bernardo y Luis: «Buscan originalidad, algo diferente a lo que ven en las tiendas normales, son exigentes, están muy al día de moda y disfrutan con la calidad de los tejidos y formas de las prendas».

Las capitales pioneras, tradicionalmente acostumbradas a rescatar su herencia fashion y donde primero aparecieron los puestos en mercadillos y tiendas especializadas fueron Londres y París, pero desde finales del siglo pasado y hasta el comienzo del actual, han surgido fans ávidos del siglo XX en todas las grandes capitales de Europa, Estados Unidos y Asia. El vintage hace furor en Tokio en los barrios de Nakameguro y Harajuku. En general, los precios van desde la ganga, corbatas, bufandas o pañuelos de seda por tres euros o cinco, pasando por lo razonable —una blusa de Yves Saint Laurent o un bolsito de Chanel o un vestido de fiesta pueden costar desde los 150 euros a los 300—, a otros más caros, como un vestido de noche de lamé de 1910 que puede costar unos 2.000 euros. Y de ahí a lo directamente prohibitivo si son piezas de alta costura o muy selectas. El abanico es amplio, como la historia de la moda.

LAS PIEZAS MÁS CODICIADAS DEL TESORO

Y como en todo siempre hay preferencias, los clientes del vintage también las tienen. Las décadas más demandadas son los cincuenta, sesenta, setenta y, últimamente, los inolvidables ochenta hacen furor. En cuanto a los diseñadores favoritos, los clásicos se llevan la palma: Balenciaga, Christian Dior, Chanel, Courrèges, Yves Saint Laurent, Halston, Ossie Clark, Biba, Mary Quant, son algunos de los más buscados, pero algunas piezas, como las primeras prendas punk de Vivienne Westwood o los vestidos ochenteros de Versace, Thierry Mugler, Claude Montana, Azzedine Alaïa o Hervé Léger, cuyos precios se han disparado, pueden despertar la misma ansia de shopping. Incluso determinadas piezas de diseñadores como Madame Grès, Madame Vionnet, Paul Poiret, Mariano Fortuny o Pertegaz, entre otros, son consideradas piezas dignas de museo.

Peter Williams, de cuarenta y dos años, está enganchado al vintage desde que tuvo una banda mod en la década de 1980 y se dio cuenta de que le iba más la ropa de dos décadas antes que la que se llevaba entonces. Empezó vendiendo ropa en un mercadillo de Camden y ahora es dueño de la tienda londinense What the Butler Wore. Nos cuenta que lo que piden sus clientes muchas veces tiene que ver con lo que está pasando en el mundo de la moda: «La demanda de ciertas décadas nos habla de lo que está de moda en las pasarelas y en la calle, por ejemplo, las prendas de los años cuarenta y cincuenta han ganado popularidad al ser versionadas por diseñadores como Marc Jacobs y también gente conocida, como Pete Doherty, han puesto de moda, por ejemplo, prendas o accesorios como el sombrero borsalino».

Los bolsos de Chanel antiguos y los vestidos de día y noche son siempre muy demandados. Marianne, de Circa, explica: «La ropa de noche de los años treinta y cincuenta es muy requerida, sus siluetas favorecen a muchas mujeres». Por su parte, Nisha Thirkell, de Beyond Retro, tuvo el pálpito de que «los diseños de los años veinte y cuarenta van a ser muy pronto mucho más perseguidos». Y así es.

Y es que los vendedores de vintage tienen un olfato muy desarrollado no solo para buscar prendas, sino para adelantarse a lo que los adeptos demandarán, están muy puestos en el tema y sus clientes también. Eugenia Silva, por ejemplo, tiene bien claras sus preferencias: «En ropa me fascinan los cuarenta y cincuenta, suelo comprar vestidos negros y abrigos. Busco de Balmain o Ungaro. En bolsos y maletas me interesan los de Louis Vuitton y Hermès. En París tengo una persona que me llama cuando hay algo interesante». Además, la joyería, como bien demuestra de nuevo Eugenia Silva, también es muy deseada: «Me gusta la bisutería de Kenneth Jay, Elsa Schiaparelli, Chanel, los broches de los cincuenta y collares largos de los setenta. Mi amiga Rebeca, de Fred Leighton, sabe lo que me interesa, como un collar que perteneció a María Félix». Una absoluta experta que disfruta con lo mejor de la moda, de lejos, la clienta ideal.

HUYENDO DEL TEMIDO «EFECTO ABUELITA»

Tampoco vienen mal unos consejos a la hora de adquirir este tipo de prendas. Primero, si no has comprado nunca vintage, iníciate en las tiendas y deja la compra de internet para cuando seas un experto. Además, es importante que tengas en cuenta que las tallas antiguas no coinciden con las actuales, así que pruébatelas. Con el vintage pasa como con las artes marciales: desarrollan tus sentidos y tu paciencia. No te dejes llevar por las compras compulsivas, sobre todo hasta que no adquieras pericia. Y además de que te siente bien, asegúrate de que la prenda, accesorio o pieza está en buen estado, y si no lo está, no la compres o negocia un precio inferior si aun así quieres quedártela.

Para sentir pasión por el vintage hay que tener algo de espíritu bohemio, además de cierto gusto nostálgico por la moda de décadas pasadas, para apreciarlo, llevarlo y mezclarlo bien. Unas mínimas dosis de espíritu de aventura resultan también imprescindibles para husmear en las tiendas y comprar. Miriam Ocariz me contó, cuando comimos juntas, que disfruta ese proceso de búsqueda: «Me encantan los rastros, me siguen encantando, son como una recompensa cuando encuentras algo, y en todo ese proceso vas aprendiendo un montón de cosas también». Aparte de lo que hemos visto en el epígrafe anterior, que vendría a ser el top ten de las prendas más codiciadas de vintage, la segunda mano con o sin pedigrí merecen la pena, tanto para una mano como para otra, las siguientes recomendaciones: los chaquetones de mutón natural o teñido (bien conservado) de los años setenta para ambos sexos, los vestidos setenteros largos o cortos, los jeans desgastados de talle alto largos o muy cortos, los sombreros masculinos (para ellos y ellas), los fulares, las bufandas y las camisetas de grupos de otras décadas originales (si eres fan, si no resultará algo impostado). Los blusones y camisas son buenas compras también, y las chaquetas de esmoquin en negro o blanco para ambos sexos. En cuanto a las chaquetas de los años ochenta, requieren muy buen-mal-gusto para poderlas llevar con estilo, pero remangadas con camisetas, shorts y botín o con un vestido actual corto pueden ser un acierto. Para los chicos, las chaquetas de terciopelo, pana o tweed, los abrigos, las cazadoras o chaquetas de cuero, las camisas de los años sesenta y setenta con vivos de otro color y botones de nácar (también para ellas), las corbatas, las hebillas contundentes con motivos decorativos de los sesenta y setenta, los zapatos clásicos de cordones (sin usar), los gemelos y los pisacorbatas pueden ser otras opciones interesantes si se tiene un espíritu retro y bohemio palpitando en tu interior, si no parecerán un disfraz.

A la hora de llevar las prendas, ten presente ejemplos como el de la actriz Chloë Sevigny que consigue actualizar y revivir las prendas vintage con un nuevo twist de modernidad, algo también común a Kate Moss o la modelo Alexa Chung. Este efecto se consigue mezclando estas prendas o accesorios con otros actuales, intentando no parecer recién salida de un libro de historia, por ejemplo, llevando un pelo y maquillaje naturales y actitud relajada y effortless, lo que ayuda bastante a evitar el temido «efecto abuelita» que ocurre cuando uno hace, más que un uso, un abuso del vintage. En cuanto a las joyas vintage es estupendo lucirlas cuando vas vestida casual, con jeans, camisetas o vestidos de día, y cuando las uses por la noche, más formal, intenta no recargar mucho tu look para evitar parecer un calco de alguno de tus antepasados. Como dice la estilista Blanca Unzueta, Chloë Sevigny y Sarah Jessica Parker muestran dos maneras opuestas de interpretar una prenda retro: «Chloë lo reinventa, lo hace moderno y contemporáneo, y Sarah Jessica es mucho más convencional».

Curiosamente, la también estilista Isabel Ottino nombra asimismo a Chloë Sevigny en relación con las prendas vintage: «Chloë me parece el triunfo de una tía que no es la guapa oficial pero que tiene mucho rollo por cómo combina la ropa y cómo mezcla el vintage. Es muy contemporánea y ¡aguanta la ropa genial! Milla Jovovich (o Margherita Missoni) me parece impresionante, pero si coge el ramalazo del vintage llevado a sus últimas consecuencias me puede parecer un pelín abuelita». Ese es el efecto que hay que evitar en la medida de lo posible. Las prendas vintage tienen ese doble filo, o resultas la más original y cool del mundo o acabas como recién salida de un álbum de fotos familiar, aunque si esa es tu intención, a por ello. Aun así, resulta vital modernizar, jugar con los accesorios y mantener un look natural. Además, ten en cuenta lo que dice Blanca Unzueta si eres mitómana o revivalista con gran olfato para décadas pasadas: «No se puede copiar a Kate Moss literalmente, ni a Jane Birkin, simplemente porque no lo eres. Ellas, además de lo que se han puesto, tienen una vida propia que se manifiesta a través de cada uno de sus gestos, si tú no tienes esa vida o parecida, ya no eres eso. Por eso es mejor siempre ser tú misma».

Una cosa es que tengas mitos como T-Rex, Charles Gainsbourg, Brigitte Bardot, Ali McGraw, Audrey Hepburn, Jimi Hendrix o John Lennon, y otra que acabes siendo una mala copia de cualquiera de ellos. El «punto justo» está en inspirarte sin ser absolutamente literal, actualizarlo y filtrarlo a través de tu creatividad y personalidad.

Y para los amantes del vintage que no tienen un olfato tan desarrollado y les gustaría tenerlo, también hay otras fuentes de información como webs, revistas y blogs especializados, más agradecidos que sumergirse en la Enciclopedia de la moda, aunque, si uno no está muy puesto, ¡también resulta muy útil para darse un baño de culturilla antes de comprar! Cheapdate fue la revista de referencia global de vintage y DIY, hasta 2005 —vuelve a editarse ahora, mientras sus números antiguos se pueden encontrar en eBay— con invitadas vintageadictas de auténtica excepción en sus portadas, como Anita Pallenberg, Liv Tyler, Chloë Sevigny, el fotógrafo Craig McDean, o Sophie Dahl; el número con esta última en portada es sin duda el más logrado de la primera etapa. La editan Kira Jolliffe y el colaborador de Vogue USA Bay Garnett, con la dirección de arte de Marlon Richards —hijo de Keith Richards— y su mujer, la modelo Lucie de la Falaise, hija de Loulou de la Falaise, musa de Yves Saint Laurent. Esta revista se declara antifashion, entendiendo por esto: anti-la-moda-establecida o anti lo que las demás revistas convencionales y la industria nos intentan vender a toda costa. Apuestan por la personalidad, lo mismo con un esmoquin vintage de YSL, que con Nike antiguas o camisetas de jogging raídas. Sin temporalidad definida, cada nuevo número fue celebrado con una fiesta donde se prodigaban los personajes más cool de Nueva York y Londres (donde nació en 1997), y en sus páginas se atesoran las colaboraciones más inesperadas y auténticas de las modelos Karen Elson, Erin O’Connor, Jerry Hall, Kate Moss o la estilista Tabita Simmons. Editaron también una guía de estilo. El periódico inglés The Guardian tiene muy buenos artículos sobre vintage y guías de diferentes ciudades como Berlín, Edimburgo, Miami, etcétera, que se pueden consultar online.

Además en las webs frockmevintagefashion.com puedes enterarte de las citas anuales de Frock Me!, una las mejores ferias de vintage de Londres con tienda online thefrock.com, en kerrytaylorauctions.com estarás al día de las próximas ventas de la genial marchante de vintage inglesa Kerry Taylor, otra institución del vintage, y también es recomendable visitar bibavintage.com, poshgirlvintage.com, refashioner.com, penelopesvintage.com, portero.com, nastigal.com, en la web asos en vintage, dentro la pestaña de boutiques, en garagecoolandvintage.com, y blessthatdress.com entre otras muchas, para agudizar la vista e incluso comprar. La comunidad copious.com es para compradores avezados. También en la web etsy.com puedes adquirir piezas vintage. Si te interesan las opciones actuales de inspiración vintage, firmas como Kling pueden gustarte. Además, puedes curtirte husmeando en las tiendas que a continuación recomendamos. Queda claro: ¡si no te haces fan es porque no quieres!

GUÍA DE COMPRAS

MADRID

Vintage Lotta. Ropa y accesorios de los cincuenta, sesenta y setenta. Genial relación calidad/precio, trato inmejorable. Hernán Cortés, 9. Telf. 915 232 505.

Corachán y Delgado. La tienda de moda en Barco, 42, y en Femisa Objetos Perdidos, San Vicente Martín Arias, 26. Telf. 915 230 364.

Le Faubourg. Para encontrar piezas de alta costura de los años 1920 a 1975. Cada uno de sus artículos está firmado, fechado y restaurado por especialistas. Firmas francesas: Lanvin, Yves Saint Laurent, Chanel, Guy Laroche, Hermès y Christian Dior, entre otros. Aunque también tienen algunas piezas de casas italianas como Valentino, Gucci, Prada o Fendi, y fabulosos accesorios. Almirante, 8. De martes a viernes.

Además, en Madrid hay otras tiendas que resultan igualmente interesantes: Magpie Vintage, Très Chic, Biba Vintage, The The Storage, Lolita’s Closet, Europa Europa, Pepita is Dead, La Mona Checa, Alcozer & J.

BARCELONA

Le Swing. Un acierto seguro. YSL, Chanel, Dior, entre otros, y en impecables condiciones. Riera Baixa, 13. Telf. 933 248 402. leswingvintage.com

L’Arca de l’Avia. Vintage textil ideal para las amantes de los conjuntos románticos, los bordados y encajes tradicionales. Ha colaborado en el vestuario y escenografías de películas como Titanic, Los fantasmas de Goya, El perfume y Hable con ella. Banys Nous, 20. Telf. 933 021 598. larcadelavia.com

Además, resultan igualmente interesantes las tiendas M.O.T.E.L, Oh la la!, con tres tiendas, Paris Vintage, Magnolia Antic, Tallulah B. Atelier, Natalie Capell, Room y Loisaida, todas en la Ciudad Condal.

LONDRES

Circa Vintage. Ropa vintage desde los años veinte a los sesenta en perfecto estado con precios que van desde las 45 a las 2.000 libras. Las estilistas Charlotte Stockdale y Katie Grand son clientas. 8 Fulham High Street. Telf. 020 7736 5038. circavintage.com Absolute Vintage. Precios desde las cinco libras que cuesta una bufanda de seda a las 65 de un bolso de Chanel. Además, vestidos de seda Emilio Pucci y zapatos de Dior de los cincuenta. 15 Hanbury Street. Telf. 020 7359 0796. absolutevintage.co.uk

Beyond Retro. Prendas de los veinte, cuarenta, cincuenta, sesenta y ochenta. Enorme, y con más de 200 productos nuevos cada día. 110-112 Cheshire Street. Telf. 020 7613 3636. beyondretro.com.

Biba Lives. Una tienda en el mercadillo con criterio de boutique. Admiral Vernon. Mercados de antigüedades 141149. Portobello Road. Telf. 020 7258 7999.

One of a Kind. YSL, Pucci, Lanvin, Rochas, entre otras firmas, en perfecto estado y a precios un tanto elevados. 253 Portobello Road. Telf. 020 7792 5284.

Rellik. Una de las tiendas de Londres más prestigiosas de vintage. 8 Golbourne Road. Notting Hill. Telf. 020 8692 0089. relliklondon.co.uk.

Virginia. Prendas de los siglos XIX y XX, toda una experiencia de shopping. Karen Elson es compradora habitual. 98 Portland Road. Telf. 020 7727 9908.

Blondie. Prendas y accesorios de Dior, Chanel o Charles Jourdan entre otros. 116-118 Commercial Street. Telf. 020 7247 0050.

What the Butler Wore. Diseñadores británicos míticos como Ossie Clark, Biba, Mary Quant, Vivienne Westwood. Prendas en perfecto estado, desde los años cuarenta o los ochenta a precios muy razonables. Bobby Gillespie (Primal Scream), Paul Weller y Helena Christensen son clientes. 131 Lower Marsh Terrace Waterloo. Telf. 020 7261 1353. whatthebutlerwore.co.uk.

Además, son recomendables One of Kind y What Kate Did.

PARÍS

Ragtime. Una de las mejores tiendas de París, su dueña es toda una institución en vintage. 23, rue de L’Echaudé. Telf. 33 1 5624 00 36.

Nuits de Satin. Dentro del Mercado de las Pulgas, hay prendas de época de los siglos XVIII y XIX y maravillosos vestidos de fiesta de los años cincuenta. Marché Dauphine Puces de París. 140 rue des Rosiers. Solo abre sábados, domingos y lunes. Telf. 33 1 4011 25 32. nuitdesatin.com.

Didier Ludot. Vestidos, bolsos y zapatos de las grandes casas francesas (Dior, Balenciaga, Nina Ricci). Selecta clientela de estilistas y modelos de las mejores publicaciones de moda, lo cual siempre es un aval. Jardins du Palais Royal. 29 Galerie Montpensier. 75001 París. Telf. 33 1 4296 06 56.

Gabrielle Gepert. Diseños de Chanel, Lanvin, Dior, entre otros, además de accesorios y prendas muy bien conservadas. Jardins du Palais Royal. 31 Galerie Montpensier. Telf. 33 1 4261 53 52.

Además, son recomendables Espace Kiliwatch y Le Petite Robe Noire.

NUEVA YORK

What Comes Around Goes Around (WCAGA). Prendas desde 1800 hasta los años sesenta. Vintage t-shirts, la colección más grande de denim de la costa Este, además de diseñadores como Alaïa, Courrèges, Ossie Clark y Pucci. Vestidos, faldas, chaquetas, cinturones, gafas, abrigos de piel y bañadores. Sus archivos, de siete mil metros cuadrados, se pueden visitar con cita previa. 351 West Broadway. Telf. 212 343 9303. nyvintage.com.

Poppet. Boutique del East Village especializada en moda entre los cincuenta y ochenta, vestidos, chaquetas y accesorios. 350 East 9th Street. Telf. 212 924 3190.

Amarcord Vintage Fashion. Sus dueños italianos combinan piezas vintage de su país natal con otras firmas emblemáticas. 84 East 7th Street. Telf. 212 614 7133.

Brooklyn Public Couture. Su dueña es una especialista de las subastas de moda. En ella se venden desde sombreros a lencería, sin olvidar prendas ochenteras de Thierry Mugler y Gaultier. 198 Court Street. Telf. 718 237 8508.

Resurrection. Boutique con una gran selección de diseñadores del siglo XX, es una de las tiendas favoritas de la modelo Eugenia Silva y de los mejores especialistas en vintage. 217 Mott Street. Telf. 212 625 1374.

Screaming Mimi’s. Nombre muy acertado para una selección de vintage que da ganas de chillar. 382 Lafayette Street. Telf. 212 677 6464.

Some Odd Rubies. Tienda que la hermana de River y Joaquin Phoenix, Summer, ha montado con amigas de la infancia, con boutiques en Nueva York, Los Ángeles y Boston. 151 Ludlow Street. Telf. 212 353 1736. someoddrubies.com

Además, se recomiendan Angela’s Vintage, Rags a Gogo y Ritual Vintage.

LOS ÁNGELES

Decades. La tienda favorita de las celebrities hollywoodienses. Su dueño, Silver Cameron, es toda una institución, precios desde 180 euros a 35.000. 8214 1/2 Melrose Avenue. En Dover Market (Londres) hay un pequeño corner con una selección de prendas. Telf. 323 655 0223. decadesinc.com

LILY et Cie. Clientas como Natalie Portman o Penélope Cruz han comprado vestidos en ella, piezas muy especiales. 9044 Burton Way, Beverly Hills. Telf. 310 724-5757

MILÁN

L’Armadio di Laura. Una elegante tienda escondida digna de visitar; su dueño es encantador. Via Voghera 25. Telf. 39 02 8360606.

Vintage Delirium di Franco Jacassi. Una gran selección de prendas y accesorios de Madame Vionnet, Chanel, Pucci, YSL, Courrèges, Gucci o Hermès. Existe una segunda tienda más grande dentro del Outlet Fidenza (en la zona de Parma). Via Giuseppe Sacchi 3. Telf. 39 02 86462076.

Cavalli e Nastri. Prendas y accesorios en perfecto estado, además de una selección de vestidos de novia. Via Brera 2. Telf. 39 02 72000449.

Vintage Sprit Multistore. Prendas, joyas y accesorios, con la ventaja de que algunas piezas nunca han sido usadas. Piazza G. Cantore. Telf. 39 02 8373814. angelo.it

TOKIO

Bonanazagram. Pequeña pero muy especial, con muy buena selección. 1-25-2 Aobadai, Meguroku, Telf. 03 3791 0225.

Cocotier. Diseñadores europeos de mediados del siglo XX, prendas de Dior, vestidos liberty muy bien conservados, lo que justifica sus precios un poco elevados. 5 46 12 Jingumae, Shibuya-ku, Telf. 03 5466 9055.

PARA FAMILIARIZARTE CON EL VINTAGE, COMPRARLO Y LLEVARLO SIN PARECER UNA ABUELITA O UNA MALA COPIA DE TUS MITOS

1. Las prendas o accesorios vintage son aquellos de los años veinte a los ochenta de diseñadores de prestigio. No hay que confundirlos con las prendas retro o de segunda mano que también pueden ser compras interesantes pero sin pedigrí más fashion.

2. El vintage ha cobrado mayor relevancia por la necesidad de los consumidores de diferenciarse y tener prendas más especiales y originales que no lleve todo el mundo.

3. A la hora de adquirir vintage es conveniente husmear primero por las tiendas y dejar las compras en internet para cuando estés más curtida/o. Además, pruébate para comprobar la talla, las de antes eran diferentes, evita las compras compulsivas y mira que la prenda esté en perfectas condiciones, y si no lo está y aún la quieres, pide una rebaja.

QUÉ COMPRAR

1. Las prendas más codiciadas son de diseñadores célebres de las décadas de los veinte, cuarenta, cincuenta, sesenta y setenta de clásicos como Chanel, Yves Saint Laurent, Balenciaga, Christian Dior, Balmain, Mary Quant, Courrèges, Ossie Clark, Geoffrey Beene, Halston o Ungaro, entre otros.

2. Las prendas de los ochenta son la última pasión, las de los diseñadores Azzedine Alaïa, Hervé Léger, Thierry Mugler, Claude Montana o Versace son las más codiciadas y sus precios son altos.

3. Vestidos de noche o de día, cortos o largos.

4. Accesorios de firmas como Chanel, Christian Dior, Hermès o Louis Vuitton, entre otros.

5. Blusones románticos, camisas masculinas o blusas de seda.

6. Joyería o bisutería antigua (broches, collares, pendientes, colgantes y brazaletes) de Elsa Schiaparelli, Lalique, Kenneth Kay Lane, Cartier, Jacques Fath, Balenciaga, Lanvin-Castillo, Jean Patou, Saint Laurent, Trifari, Christian Dior, Gripoix, o inspirados en este tipo de diseños.

7. Chaquetones de piel de los años setenta y cazadoras de cuero en buen estado.

8. Jeans de talle alto como los de los años setenta, tanto cortos como largos.

9. Sombreros, fulares, bufandas, corbatas o chalecos originales y pañuelos de seda con estampados especiales.

10. Camisetas de algodón de grupos míticos de décadas pasadas originales (si eres fan, claro).

11. Chaquetas de esmoquin o blazers en blanco o negro (o esmóquines o trajes completos si están en buen estado).

12. Para ellos, chaquetas de terciopelo, tweed y pana, hebillas retro, gemelos, pisacorbatas, sombreros, zapatos clásicos (sin usar), camisas con vivos contrastados y botones de nácar.

13. Telas vintage para decorar tu casa o hacerte tus propias creaciones o prendas que encuentres interesantes para desmontarlas, si tienes pericia, y hacerte un DIY.

CÓMO LLEVARLO

1. A la hora de llevar prendas o accesorios vintage, mézclalos con prendas y accesorios actuales y con un look muy natural de pelo y maquillaje para huir del «efecto abuelita» que produce ir vestida entera de vintage y demasiado arreglada... a no ser que eso sea precisamente lo que buscas.

2. Respecto de las joyas, lúcelas con prendas de día y para por la noche si no recargas mucho tu look.

3. Las chaquetas de los ochenta quedan bien remangadas con shorts, camisetas o vestido corto y botín.

4. Si eres mitómana, no copies a tus mitos literalmente, inspírate y fíltralo a través de tu creatividad y verdadera personalidad.

VII

CON ESTILO Y POCO PRESUPUESTO

«Se puede ser elegante sin dinero. Pero es necesario tener espíritu.»

Yves Saint Laurent

Nos vamos de tiendas por la acera de la accesibilidad y el low cost, vamos a ver qué merece la pena comprar y cómo combinarlo para tener un estilo personal sin sangrar la tarjeta de crédito. El estilo hoy trata de «cómo» te lo pones más que de «qué» te pones (como veremos). Y elijo esta frase de monsieur Saint Laurent para comenzar porque, antes que nada, es importante aportarles a las prendas nuestra creatividad, actitud y forma de ser e imprimirles carácter con la manera de movernos y expresarnos. Es lo que este genio llama «espíritu», viste mucho más que la ropa y siempre trascenderá el precio de lo que llevemos encima.

Las cadenas de moda rápida como H&M,¹ Inditex,² Mango, Topshop, Primark, Pimkie, Uniqlo, Gap,³ etcétera, han cambiado esta industria en las últimas décadas, democratizando el diseño de moda, también con venta online, y haciéndolo asequible para todos los públicos. En un rango de precio parecido encontramos desde el grupo Cortefiel —Springfield, Women’Secret, Pedro del Hierro, Antonio Miró— a Blanco, Don Algodón, C&A, Amichi, Sfera o Promod, entre otros. La aparición de la moda rápida es equiparable al momento en que apareció el prêt-à-porter en los años sesenta, solo que es más masiva, industrial, global y veloz. Entonces, Europa se recuperó de la Segunda Guerra Mundial. La ropa de confección existía desde finales del siglo XIX, pero no estaba muy bien acabada. El desarrollo de fibras artificiales e innovaciones tecnológicas permitió su reaparición a precios más razonables y de buena calidad. En esa época, la demanda de ropa llevó a la moda a un nuevo nivel de popularidad. A partir de los setenta, los diseñadores de prêt-à-porter empezaron a mostrar sus colecciones en París, dos veces al año, con un programa similar al de la alta costura. Los desfiles más importantes se celebran allí, en Milán, Nueva York o Londres (y ahora también en Japón) y la prensa de moda, desde entonces, filtra esa información en los avances de temporada y tendencias, sacando lo más novedoso de las propuestas. También entonces la calle influenció ese prêt-à-porter desde sus orígenes por primera vez, trastocando la jerarquía tradicional de la moda. Desde entonces, las tendencias callejeras relacionadas con la música (punk, rock) o el deporte, por ejemplo, están presentes en la moda. Ahora vivimos una nueva influencia de la moda de la calle a través de internet, de las redes sociales, los blogs y el streetstyle que recogen estas nuevas plataformas, un nuevo foco de referencia en el sector que incluso está influyendo en las campañas y la comunicación de muchas firmas.

Y volviendo a estas cadenas, casi todas ellas surgieron como pequeños comercios.⁴ A mediados y finales de los ochenta comenzaron a perfilar el negocio que son hoy, basado en la rapidez al captar tendencias, servir y recambiar la mercancía en tienda, una nueva «vuelta de tuerca» a la accesibilidad y popularización del prêt-à-porter de las grandes firmas. Hoy, gracias a la tecnología, los textiles, las comunicaciones y nuevos modelos de negocio, los diseños inspirados en las pasarelas internacionales, con más o menos parecido, están al alcance de todos a la velocidad del rayo. Son un importante sector de negocio y siguen creciendo. Si Inditex ha abierto Uterqüe, de complementos, H&M ha lanzado COS y recientemente & Other Stories, y Mango moda masculina, He by Mango, o complementos, Mango Touch. La posibilidad de tener estilo hoy, afortunadamente, no está reñida con ningún presupuesto, sea reducido o low cost... Eso sí, siempre y cuando se tenga «espíritu».

QUÉ CONSUMIR O NO CONSUMIR, ESA ES LA CUESTIÓN

Como explica Belén Zavala, «este tipo de cadenas ha marcado la diferencia total y absoluta. Y la gran mayoría no venden más porque la gente, al enfrentarse a las moles de ropa, no sabe buscar. Si no está bien mostrado, como en Massimo Dutti, se asustan y no compran, aunque saben que hay cosas más baratas. A veces me preguntan por algo que llevo, me lo ven normal y clásico. Y si digo que lo he comprado en una de estas cadenas, contestan, “pues yo, cuando voy, no veo nada”. Al público le gusta que se lo den todo bastante digerido, porque hoy no tenemos tiempo para estar decidiendo», explica. Por eso, abordamos qué merece la pena comprar en este tipo de cadenas.

Tendencia. La primera máxima a recordar es, como sabiamente aconseja Belén Zavala, «no gastar mucho en lo que sea supertendencia, igual que viene se va». Ciertísimo. Nos referimos a todo tipo de modas pasajeras no destinadas a durar más de una o dos temporadas que inundan las páginas de las revistas. Si su duración es efímera, conviene que el dinero gastado en ellas también lo haya sido, si no, te rasgarás las vestiduras por haberte gastado un dineral en una prenda que pasará de moda pasado mañana y que desde tu armario te recordará lo imprudente que has sido sacando la tarjeta de crédito con tanta alegría. Mejor cómpralo en una de esas cadenas.

Estampados. Otro buen consejo lo da Amparo Utrilla, estilista freelance desde hace más de quince años y una verdadera experta en mezclar prendas de marca con otras de estas cadenas, hasta el punto de que se confunden: «Es preferible evitar los estampados muy marcados», dice. Algo que también confirma Belén: «No compraría una prenda con un estampado muy marcado. No me apetece ver a diez o quince mujeres con el mismo. En ciudades grandes como Madrid te las vas cruzando por la calle», comenta. Pero, si te gustan los estampados, en toda regla hay una excepción. Amparo la subraya intuitivamente: «Si te compras una pieza de Zara, el estampado lo reconoces muchísimo y no te la vuelves a poner. Pero si es de H&M me da la sensación de que no lo ves tanto». Quizás la razón sea que existen más tiendas de Zara que de H&M y las posibilidades se multiplican. Y esto es algo que no es ajeno al conocimiento de las cadenas: «Ya controlan eso y en Zara no hay tantos estampados como antes, han potenciado más cosas neutras y básicos con un punto de moda», comenta Zavala.

Ese «punto de moda» de estas cadenas muchas veces «se toma prestado» de las pasarelas internacionales. Como comentan el dúo de diseñadores de Ailanto: «Estas cadenas calcan la tendencia, tal cual, a precios mínimos. Ves un escaparate de una supermarca y los suyos y, aunque la calidad nada tiene que ver, a nivel estético han democratizado la moda y la han hecho accesible». Y a veces se hacen bien —metabolizando la tendencia de forma propia y creando algo nuevo— y otras, desafortunadamente, prácticamente fusilando diseños. Salvo la gente de la moda, nadie parece darse cuenta: «La mayoría de la gente no sabe de dónde emana lo que compran», dice Belén Zavala.

Básicos. Y si es interesante comprar las modas efímeras, ahora vamos al polo opuesto, también resulta interesante adquirir los llamados «básicos», esos perfectos comodines que son la base de nuestros armarios. Uno de esos básicos son los jeans, para desgracia de la industria del vaquero, que se ha visto obligada a reinventarse al aparecer estos tan asequibles, bien confeccionados y de buena calidad. Conviene comprarlos cuando presentimos que las proporciones del mismo son fruto de la moda del momento, como los consabidos pitillos o los setenteros de pata ancha y cintura alta, condenados a ir muriendo temporada tras temporada. Es más, hay muchos chicos que se los compran de chica porque les sientan mejor y definen más la silueta si estás delgado.

Dentro de este ámbito de las prendas básicas, también son interesantes las camisetas, como explica Clara Courel, con extraordinaria rapidez mental para el shopping: «Las camisetas básicas de tirantes de Mango son buenísimas, tanto las lisas como las de canalé, y en todos los colores. También las de H&M y Zara». También las camisetas lisas de manga corta o larga dan buen resultado y son combinables con cualquier prenda. Juncal Cucullo reflexiona sobre esto con humor: «Estamos en el imperio de la camiseta, ¿antes llevábamos tantas? Ahora hay una especie de “culto”. Para mí es un superbásico y se puede extrapolar a cualquier evento, salir de marcha o ir a una reunión, y hay colecciones que plantean looks de noche con camisetas». Efectivamente, dan todo el juego del mundo por sí mismas y combinadas, las blancas, grises y negras lisas de manga corta o larga (con jersey de pico, por ejemplo) y de tirantes (debajo de camisas masculinas, vestidos, etcétera, por poner otro ejemplo), con pantalones o falda, resuelven situaciones de muy diversa índole en un segundo. Y por la noche, con vestidos o accesorios adecuados, también funcionan. Algo que los jóvenes saben y que «refresca» el look de las personas de más edad que lo prueban. Y, como dice Clara mientras comemos, «también molan las camisetas con mensaje. Me encantan las de Urban Outfitters y mezclarlas con chaquetas buenas».

También los jerséis de lana de cuello en pico, de cuello redondo y los cárdigan en tonos neutros y combinables resultan básicos socorridos para todas las edades y ambos sexos. Eso sí, la lana dura lo que dura, en general acaban formándose las ineludibles pelotillas en las zonas de más roce. Aun así, como básicos siguen siendo recomendables. Y para los chicos, aunque es aplicable parte de lo que hemos comentado, Jesús Cicero añade: «Los plumíferos, pantalones casual, sudaderas básicas, camisas lisas y trajes simples y correctos que sean versátiles y más fáciles de renovar por otros». Dicho queda.

El vestido se ha convertido en un nuevo básico; por su funcionalidad y versatilidad está destinado a durar. Clara aconseja: «En H&M, además de las colecciones especiales de diseñadores, merecen la pena los vestidos, son poco reconocibles». Con esto quiere decir que son vestidos neutros, que no marcan mucho y permiten la posibilidad de darles un aire u otro con los complementos apropiados según la ocasión, situación, estación o temporada. Y para la noche, «Mango tiene cosas muy monas de fiesta, se lo curran bastante, por ejemplo, un vestido corto con lentejuelas», dice Clara. Otro básico de fiesta que se puede combinar con pitillos, leggings, medias y accesorios, reinventándolo en cada momento y situación, acorde con el gusto personal. Clara nos da un ejemplo práctico: «Por la noche, en los desfiles, me pongo el vestidito de Mango con este chaleco —dice señalando un chaleco de piel que lleva puesto— que compré en Killiwatch».⁵ Y no olvidemos que el acceso fácil a las prendas de fiesta es una ventaja de ahora. «Si retrocedemos veinte años, comprarte el vestido de fin de año era un drama, no había oferta o eran vestidos de señora mayor. Ahora, por treinta euros te compras uno, es lo más salvaje que ha pasado en la moda en los últimos años, lo accesible que es», dice Isabel Ottino.

Accesorios. Y si se trata de escoger los accesorios adecuados, el diseñador de zapatos Juan Antonio López hace una observación interesante respecto de la influencia positiva de estas cadenas en la demanda de los consumidores de hoy: «Hay un consumidor joven que quiere otro tipo de cosas, gracias a las grandes superficies que han sabido democratizar lo que el lujo hacía y ponerlo a su alcance. Hace veinte años una chica pasaba las páginas más sofisticadas de las revistas porque sabía que no podía comprar aquello. Y ahora no, ¡pasado mañana lo tiene en Zara!», dice. Y quien dice Zara, dice cualquier otra de estas cadenas. Además, han surgido algunas especializadas en accesorios y complementos a precios razonables, como Accessorize, Claire’s, Bimba & Lola, Mango Touch, Uterqüe, y Fun & Basics, donde encontrar un universo de zapatos, bolsos, pendientes, pinzas del pelo, collares, cinturones, sombreros, fulares, brazaletes, neceseres o bolsas de playa ¡y más! a precios muy democráticos.

Estas compras son recomendables siempre que no sean compulsivas y se hagan con cabeza, eligiendo lo que crees que va a dar más juego a tus prendas. Eso sí, haciendo otra salvedad, como la de los jerséis, pero respecto a los zapatos: las tapas de los zapatos también duran lo que duran. Mi zapatero está harto de decirme, cuando le llevo un par casi nuevo de estas cadenas, que son de lo más básico. Hay que valorar el uso que se le va a dar al calzado y, si va a ser intenso, escoger opciones más resistentes, como botas; dan mejor resultado, salvo las tapas, tacones y suelas, que siempre se van al traste. Hay que hacerse a la idea.

Y ojo al comentario de Clara: «En este tipo de cadenas hay unos zapatos muy chulos y bastante bien hechos. Pero no me compraría nunca los que se parezcan sospechosamente a los de algún diseñador. Es una falta de respeto por gente que se lo está currando e invierte mucho en su producto. Ya sé que hay gente que no tiene dinero para comprarse un Balenciaga. ¡Yo soy la primera! Pero no me pongo la imitación, soy incapaz». Y esto, que puede parecer absurdo, es importante y extrapolable a la mayoría de la gente que trabaja en moda. En un sondeo rápido e informal entre los que han participado en el libro, Zara sería la menos valorada en diseño propio —aunque la más valorada como modelo de empresa y fenómeno social—, Mango, al colaborar con celebrities y diseñadores internacionales (como H&M), da la sensación de invertir más en diseño propio, y Topshop sería la que más apostase por el diseño original. Clara Courel me comenta: «A mí me dijo Alexander McQueen que él en Topshop flipaba. Sus diseñadores, entre ellos Markus Lupfer (que estuvo en Armand Basi), tienen mucho coco. Se marcan también las tendencias por ahí, desde Urban Outfitters y tiendas de Los Ángeles. Tienen mucha influencia en diseño», dice. Como Asos, que no solo hace productos asequibles de tendencia que se pueden adquirir online, sino que promueve el comercio de diseñadores emergentes. Aunque, claro, algunas de estas cadenas no son ajenas a las acusaciones de plagio. Topshop, por ejemplo, ha retirado en varias ocasiones prendas; en una ocasión, casi dos mil vestidos de 35 libras por el parecido sospechoso con unos de la firma Chloé de 185 libras. Eso sí, nunca admitieron el copieteo.

Para situaciones laborales o que requieran ir formal, «las americanas y chaquetas tipo esmoquin de Zara quedan fenomenal», comenta Clara, como también ocurre con las de COS. Pero ella nunca las llevaría con blusa o camisas clásicas, que pueden ser una opción, sino que le gusta darles «otro rollo» poniéndoselas con camisetas desgastadas, incluso de grupos heavy que le encantan. Su estilo es mezclar prendas baratas con otras considerablemente más caras. Un ejemplo de cómo estos básicos sirven para jugar según gustos y necesidades. Te permiten ir desde el clasicismo y la corrección a la irreverencia y la transgresión. Es lo bueno que han sabido captar estas cadenas, y determinante si hablamos de tener un estilo. Si adquieres buenas prendas básicas asequibles, ya tienes la base del armario hecha. Y el toque personal se lo darás con otros detalles más especiales, prendas o complementos.

LOS OUTLETS, LUJO ASEQUIBLE PERO NO PERFECTO

Otro fenómeno que ha dado acceso, más si cabe, a la moda en todos los sectores y para todos los públicos son los outlets, es decir, las tiendas y almacenes donde se venden las prendas que no han tenido salida durante la temporada, tanto de firmas de moda rápida, de precio medio, deportivas, de jeans, lencería y un amplio abanico hasta llegar a las firmas de lujo. Proliferan cada vez más porque permiten liquidar los excedentes de las tiendas o firmas mientras al consumidor se le ofrece adquirir esos productos todavía más baratos, una jugada redonda. Pero que el precio no nos engañe y nos haga perder el control presos de un instinto comprador furibundo. En este tipo de comercios hay que probarse la ropa, observar si tiene pequeñas taras que desvirtúen el producto o lo hagan imponible y, sobre todo, no comprar solo porque son baratos, porque puede que luego descansen para siempre en el fondo de nuestros armarios sin ver la luz.

Lo idóneo es curiosear por los outlets y stocks de tiendas de más alta gama y adquirir prendas un poco especiales, que sobre todo favorezcan y puedas combinar con básicos asequibles. Estas compras pueden ser prendas de abrigo, faldas, pantalones, chaquetas, camisas, blusas, blusones, accesorios (bolsos, zapatos, zapatillas) o complementos (gafas, bisutería, joyas, pañuelos, guantes, etcétera). Y para ellos, además de lo dicho, trajes de chaqueta, camisas y corbatas. Pero solo compra cuando estés convencido de que te va a dar juego.

El fenómeno outlet no para, las afueras de nuestras ciudades acogen muchos de ellos, cadenas como The Style Outlets, Chic Outlet Shopping o las Rozas Village, crean pequeñas villas de shopping en las principales ciudades europeas, Zara tiene las tiendas Lefties para vender parte de su stock, Desigual en muchas de sus tiendas propias tiene una parte de outlet. Este boom afecta al lujo y al mainstream, no hay sector que se libre, y menos con la crisis, el reflejo online es la proliferación de descuentos en los portales de venta online, de las marcas, clubes de compra con descuentos tipo venta-privee.com o showroomprive.es, que suponen una opción más exclusiva que las webs de descuentos tipo Groupon o LetsBonus que ocasionalmente también ofertan textil. Y en las secciones de rebajas, las webs de venta online que la mayoría de firmas de moda tienen, hay opciones; así como en los portales de internet de las webs de venta de moda online mencionadas en capítulos anteriores, siempre hay una pestaña de sales. Además proliferan webs que indexan parte de esa información como thestyleoutles.es, guiaoutlet.com y el magacín online ww2.outletsforyou.com, entre otras muchas, que detallan las direcciones de este tipo de establecimientos por categorías y firmas, una buena herramienta de ayuda en la búsqueda del chollo de firmas de lujo y más asequibles. Hasta la revista Forbes ha publicado una guía de los mejores outlets del mundo de firmas de lujo, que se puede encontrar en internet en inglés, una auténtica mina de información si casualmente tienes planeado viajar y adoras el lujo a precios razonables, por ejemplo, en Milán merece la pena que no te pierdas el outlet de la famosa tienda 10 Corso Como (Via Tazzoli, 3) y el de la firma Marni (Via Filippo Tajani, 3) porque seguro que adquieres algo interesante a buen precio, pero hay más propuestas interesantes.

También son conocidas las oportunidades que puedes encontrar dejándote caer por determinados grandes almacenes cuando viajes, como Galerías Lafayette en París, buenos precios en marcas de lujo y también durante las rebajas o en Le Bon Marché o Macy’s en Nueva York. Y en Madrid, los outlets de algunas famosas tiendas son también una oportunidad, todo el año, para comprar prendas o accesorios, firmas de lujo a precios más asequibles, en especial: Gallery Stock (Piamonte, 18), Ekseption Stock (Marqués de la Ensenada número 2, donde antes estaba la tienda de Marc Jacobs, que ha cerrado), Just One Stock (General Pardiñas, 28) y el stock de las tiendas Aquemarropa y Columela (Lagasca, 130). En Barcelona también marcas de streetwear en el outlets ZasGangas o Fashion Outlet Barcelona, entre otros. El universo del outlet se expande...

SEGUNDAS LÍNEAS Y COLABORACIONES, LUJO PARA LA CALLE

Si las prendas y accesorios de las firmas de lujo resultan muchas veces prohibitivos, las segundas líneas de estas mismas firmas son más accesibles, más prácticas y más cercanas a la realidad de la calle y el día a día. Nos referimos a firmas como V de Valentino, Valentino Red de Valentino, Sportmax o Max&Co de Max Mara, Sonia by Sonia Rykiel, See by Chloé, MCQ de Alexander McQueen, Philosophy by Alberta Ferretti, CK de Calvin Klein, Emporio Armani de Armani, Marc by Marc Jacobs (Miu Miu empezó como segunda línea de Prada y hoy es independiente), Molinari (de Anna Molinari), Paul & Joe Sister (de Paul & Joe), CH, de Carolina Herrera, Jil Navy de Jil Sander, M de Missoni, Pierre Balmain de Balmain, Alaïa, de Azzedine Alaïa; Blugirl de Blumarine, Athé de Vanesa Bruno, Étoile de Isabel Marant, Moschino Cheap & Chic de Moschino; Victoria de Victoria Beckham, las líneas más asequibles Margiela, Hussein Chalayan (Grey Line), Kore de Sophia Kokosalaki, y muchas más. Ofrecen una buena oportunidad de compra, más caras que las firmas de moda rápida, pero muy socorridas si lo que se desea es tener algo un poco más especial sin pagar una fortuna y para poder combinar con las prendas y accesorios de las firmas más asequibles, o de otras procedencias, hacerte un estilismo a buen precio personal. Estas segundas líneas suelen encontrarse en las tiendas multimarca (donde tienen ropa de firma y de diseñadores) que son habituales en ciudades con una cierta población. También se pueden adquirir por internet, en las webs que hemos visto en anteriores capítulos y como veremos en el próximo. Y si las quieres encontrar todavía de mejor precio, pásate por ellas en rebajas y sigue los consejos del siguiente capítulo.

Otra forma de acceder a un pedacito de lujo sin rasgarse las vestiduras lo ofrecen las colecciones, que como hemos comentado al comienzo del capítulo, realizan las marcas de moda como Mango, H&M (lo más reciente de Margiela y Anna dello Ruso), Topshop (J. W. Anderson, entre otros muchos), o Mark & Spencer (con la modelo Rosie Huntington-Whiteley recientemente haciendo lencería), Uniqlo (Costello Tagliapietra o Jil Sander, entre otros) con celebrities y diseñadores. También hay aventuras como Elogy de Juanjo Oliva para El Corte Inglés que permiten el acceso a sus diseños al público, o las colaboraciones de Hoss Intropia con Miguel Palacio, Lacroix con Desigual, Agnelle con Chevignon, River Island y Rihanna... proliferan y la tendencia se mantiene. Hay tantas colaboraciones en el horizonte que no cesarán de intentar sorprendernos...

EL ESTILISMO: EL SECRETO ESTÁ EN LA MEZCLA

Como rezaba un anunció de café, en moda también el secreto está en la mezcla. Y es que vestir de una forma asequible no tiene por qué significar ser un clon de tu vecino, hay miles de testimonios en los blogs de streetstyle sin ir más lejos. Y está claro que la oferta es excesiva, pero un consumidor/a con un ojo bien entrenado —y eso solo se consigue mediante el interés y el hábito— puede conseguir desmarcarse sin tener que gastar más. La estilista Amparo Utrilla me explica qué tipo de gente le llama la atención por la calle: «Igual es una chica normal, que lleva un vestido de H&M o de Zara pero que, de repente, lo ha combinado que te mueres». Ese «de repente» equivale a la emoción que provoca descubrir entre la gente a alguien que tiene estilo o «rollo», que atrae más allá del aspecto físico. Y de esta atracción mucha culpa la tiene el estilismo, por una simple razón: «El cómo se combinan las prendas es lo que nos distingue ahora a unos de otros; con la globalización todos compramos prendas idénticas o muy parecidas», dice Amparo.

El estilismo, además de tener un lado práctico en nuestra vida, también es una profesión. Hablo con Natalia Bengoechea de la confusión que crea el término estilista, y me explica: «Ayer estaba leyendo el libro de Rizzoli, Stylist —estilista en inglés— y en el prólogo, Anna Wintour⁶ habla de lo difícil que es definir la palabra estilista. Si vas a cualquier diccionario, no hay una definición. Es un término que ha ido cambiando con el tiempo y se va asociando en cada país a una cosa. En nuestro país, la gente cree que es un peluquero. En el libro de Rizzoli están los mejores: Camilla Nickerson,⁷ Grace Coddington,⁸ Carine Roitfeld, etcétera. Definen el estilo de cada uno al trabajar. Para mí, todos estos son los reyes. Cuando lees sus biografías y ves de dónde vienen, la mayoría han sido modelos o llevan trabajando en la moda desde jóvenes en Francia, Estados Unidos o Inglaterra».

Los estilistas están detrás de la imagen de celebrities, firmas, desfiles, bazares de revistas, modas y publicidades. Y concretamente en la prensa escrita, junto a los fotógrafos, son piezas fundamentales reinterpretando la moda que se ve en las pasarelas de una forma práctica, haciéndola más entendible al público o, al revés, elevándola a una dimensión artística o acercándola a la practicidad del día a día. También es vital el trabajo del maquillador y/o peluquero y de los modelos, la moda es un trabajo en equipo. De todos depende que esas historias de moda —llamadas también editoriales o producciones— seduzcan al público. Como explica el fotógrafo Nacho Pinedo, con más de veinte años en moda: «Una fotografía de moda es un “todo” que se forma a partir de la combinación de elementos individuales que son responsables del resultado final. La ropa es un elemento más que ayuda a conformar la imagen final». Y si nos imaginamos que esa imagen final es nuestra propia persona, merece la pena detenernos a ver cómo es el trabajo de los estilistas y, paso a paso, ver qué podemos aprender de su proceso para aplicarlo a nuestra vida. Porque, como explica Blanca Unzueta, «el presupuesto ayuda, pero estas firmas tienen una oferta buenísima y actual. Si lo mezclas bien, te haces un buen apaño». Veamos de qué forma nos lo hacemos.

ANTES

1) La preparación del estilista

Los editoriales tienen un peso fundamental en las revistas de moda, se preparan con cuidado porque una sesión de fotos es como un pequeño rodaje y los de grandes fotógrafos (como Steven Meisel⁹ o Mario Testino) casi como producciones de cine con costes altos, y cuestan parecido. Es un trabajo en equipo exigente que el gran público raras veces conoce: «Nadie entiende lo que es, lo que piensas e investigas. La gran mayoría no lo sabe», me comenta Belén Zavala. No solo eso, la gente cree que es más glamurosa de lo que es en realidad. En España deberían cobrar un plus de peligrosidad por todo lo que implica ese proceso que parece tan fácil y en el que nadie repara. Antes de la sesión de fotos, de acuerdo con la historia de moda que se vaya a hacer, se escogen unas prendas u otras, por ejemplo si se trata de ropa para trabajar, de baño, de nieve, más casual, o todo lo contrario, puede estar sujeta a una tendencia, a un concepto determinado... las posibilidades son tan infinitas como la imaginación. Esas prendas y accesorios se eligen en los showrooms¹⁰ de acuerdo con la historia a desarrollar, a eso en el argot de la moda le llamamos «ir de shopping», pero no tiene nada que ver, porque luego se tiene que devolver la ropa para que la utilicen otros profesionales. Una vez escogida, hay que planear la sesión.

2) Tu preparación

Así como los estilistas recogen la ropa en los showrooms, tú la tomas de tu armario. Por eso es vital que esté equipado con prendas básicas, que podemos adquirir en las cadenas asequibles, y prendas más especiales, que pueden ser de outlets, segundas líneas, de tiendas multimarca, vintage, de segunda mano, de firmas compradas, viajes, rapiñas familiares, en las rebajas, zapatillas o prendas deportivas especiales (como veremos en el Capítulo IX), prendas robadas a tu novio o hermano o incluso que hayas hecho tú misma, te hayas arreglado, hayas heredado de tu madre o tu abuela, comprado en viajes, mercadillos o rastros. Lo que sea para salirse del montón, porque, como afirma Juncal Cucullo: «Lo que todos buscan es diferenciarse y manifestar su propio estilo, pero llevando la ropa que lleva todo el mundo. Es una tarea de chinos y la solución son pequeñas cosas que te distingan». Y esas pequeñas cosas son las que tienes que combinar con las prendas de las cadenas asequibles y adaptarlas a ti.

Si la gran mayoría de tu armario son los básicos y tienes esas poquitas prendas o accesorios especiales que definen más tu personalidad, estarás lista, como los estilistas, para hacer tu historia de moda. En tu caso es vestirte para la ocasión, ya sea ir al trabajo, un compromiso nocturno, ir al campo, a la playa o impresionar en una cita siendo tú misma. Lo importante es dar forma a las ideas antes de vestirte, como lo hacen los estilistas antes de una sesión de fotos: «La prenda es el último eslabón del estilismo. Existe algo previo que es dar forma a las ideas. Por ejemplo, los temas de Bruce Weber¹¹ apenas tienen estilismo, pero te están contando una película en papel con un vaquero, unas Nike antiguas y una taza de café. Es más que eso, es una actitud, una manera de moverse y comportarse. La ropa es algo totalmente secundario; si fuéramos desnudos, habría gente muy estilosa», dice el estilista Hugo Lavín. Algo que podemos trasladar a nosotros; no es necesario complicarse la vida, con ser natural y tener una actitud interesante ante la vida es más que suficiente.

DURANTE

1) El estilista en la sesión de fotos

Una vez en la sesión de fotos, el estilista (si posee un cierto nivel, tiene ayudantes que le asisten) saca toda la ropa, la coloca en percheros y la plancha para que esté impecable. Además de vestir a la modelo, se prueban y cambian accesorios hasta encontrar el resultado que se busca. Mientras se realizan las fotos, hay que subsanar los problemas que puedan surgir cual «Pepe Gotera y Otilio fashion»: poniendo pinzas, celo de doble cara o alfileres si la ropa le queda grande a la modelo, demasiado pequeña o surge cualquier contratiempo: roturas, cremalleras que no suben, etcétera. El objetivo, paradójicamente, es que todo parezca hecho sin esfuerzo, como si no hubiera llevado horas y horas pensarlo, prepararlo y ejecutarlo.

Además, un estilista español viaja con maletones inmensos y no por una cuestión de glamour, sino de climatología y falta de recursos. Los desfiles se hacen seis meses antes de que la ropa esté en la calle para que dé tiempo a enseñarla, venderla, producirla y servirla a las tiendas. Por eso, los desfiles de verano son en invierno y los de invierno en verano, de forma que cuando en España hace un frío que pela, a los estilistas les toca hacer las modas del verano, y las que se hacen en exteriores, se realizan en cualquier lugar del mundo en el que haga buen tiempo y al que sea barato viajar. Y cuando hace un calor abrasador, trabajan en las producciones de moda de invierno y, si no quieres matar a la modelo de un shock en el ardiente asfalto español, los exteriores (más si son de nieve) se hacen donde sea invierno. «He tenido ayudantes —comenta Belén Zavala— que han venido y al tercer día me han dicho que no iban a cargar maletas ni planchar. ¡Y esto es lo que es! Desde hace veinte años las estilistas francesas tienen un DHL que les posiciona la ropa donde vayan. Pero en España, nosotras transportamos la ropa. Aunque está cambiando, ahora no se puede viajar con exceso de equipaje y cualquier tema lo tienes que megapensar. Internacionalmente se hace más estudio del que se había hecho nunca, por eso es más operativo, por la infraestructura que conlleva hacer exteriores». Esos viajes se financian con intercambios o acuerdos, es decir, a cambio de alojar al equipo gratis o a un precio más competitivo, la revista informará sobre el hotel o las líneas aéreas que les hayan prestado sus servicios integrándolo en sus contenidos. «Antes podías irte a cualquier hotel a fotografiar, solo había cuatro que iban de vacaciones al Caribe. Ahora no hay plazas, o tienes todo listo meses antes o no puedes ir. Y no te aguantan una semana en el hotel; antes por lo menos tenías siete días para hacer dos temas, tenías tiempo para localizar dónde ibas a fotografiar. Ahora tienes que contar con una productora que te localice antes de que llegues», explica Zavala.

Cada estilista o publicación trabaja de una forma. Los hay que ofrecen información real, visual y práctica de la moda. Y otros dejan volar su imaginación y crean una ficción de moda. La estilista Amparo Utrilla hace ambos trabajos, pero disfruta más con los segundos: «Para mí, el estilismo va mucho más allá de la ropa. No me importa tanto la moda como lo que quiera contar en cada momento. A veces es una chorrada, otras una comedura de tarro o un homenaje que me interesa. Igual no son temas de moda prácticos, pero sí te pueden dar pistas. Por ejemplo, Carine Roitfeld en sus modas te está dando pistas para el más allá, con muchísimo sentido del humor».

2) Tú frente al espejo

Tienes la suerte de que un estilista, en general, solo puede usar las prendas de la temporada que está fotografiando y tú puedes jugar con la ropa de invierno y verano a tu antojo. Además, no tienes que viajar con maletones, plancharlo todo y colocarlo cada vez que te vistes, ¡lo cual es un alivio! Una vez que has escogido las prendas habiendo dado forma a las ideas, solo tienes que ver si funcionan como tú deseas, cambiar, si no es así, y encontrar el look con el que te sientas a gusto dándole un toque personal con accesorios, con una combinación inesperada, una joyita o un perfume personal que te distinga. Acuérdate de lo que nos decía Blanca Unzueta sobre matizar, dosificar y administrar, ante la tentación de no renunciar a nada. Y sobre todo, es más importante tu actitud vital y tu falta de restricciones al mezclar.

Si hay alguien que tiene ambas cosas juntas son las modelos, como opina el estilista Hugo Lavín: «La ropa es una prolongación de la personalidad de cada uno, pero es un mero ornamento nada más. Es obvio que Kate Moss es estilosa, lo ha mamado desde los quince años y se ha movido con los más grandes de la moda durante años». Si no has tenido ese entrenamiento tan exhaustivo, no te preocupes, ¡nadie lo ha tenido! Siendo observadora y teniendo interés no tienes nada que temer. Muchas de las modelos en activo son un buen ejemplo, como nos dice Belén Zavala: «Ellas saben mezclar porque están habituadas. Todo el éxito de Kate Moss es eso, está habituada a jugar. Y luego no se cortan, y la mayoría de la gente se corta mucho a la hora de mezclar y llevar las cosas». Algo que corrobora Amparo Utrilla: «No tienen miedo ni restricciones, lo mismo se ponen un pantalón de H&M como un vestidazo de Alexander McQueen. Y ahí está la clave, en poder hacer esas mezclas, porque nunca antes ha pasado». Por eso es importante tomar nota de todo eso: no cortarte, disfrutar, jugar con la ropa y hacer mezclas sin restricciones en las que combines tus básicos con prendas y accesorios más especiales de aquí y allá, baratijas con firmas caras. Puedes desestructurar conjuntos de chaqueta y pantalón o falda y, usando cada parte por un lado, mezclar texturas, estampados, colores, formas y accesorios para personalizar tu look de alguna forma porque, como dice Amparo Utrilla de Kate Moss y de la también modelo Irina Lazareanu o Alexa Chung: «Igual no son las más guapas del mundo y son desgarbadas, pero tienen rollo y en el fondo es lo que todas queremos, ser tías normales pero luego que, de repente, no seas tan normal». Y sobre todo, no olvides que aunque todo este proceso te haya llevado tiempo y esfuerzo, al igual que en las fotografías de moda, tiene que parecer natural y effortless.

DESPUÉS

Después de una sesión de fotos, el estilista se queda a recoger todo con cuidado de no estropear la ropa para devolverla a los showrooms y desandar el camino andado. El fotógrafo tiene una tarea por delante de selección, junto con el director de arte, y un proceso de posproducción que suele implicar retoques digitales... Y tú, afortunadamente, ¡solo tienes que vivir tu vida!

VESTIR TRENDY SIN DEJARSE UNA FORTUNA EN EL INTENTO

EN LAS CADENAS Y TIENDAS ASEQUIBLES...

1. No gastes una fortuna en prendas y accesorios muy de tendencia, es mejor que esos caprichos efímeros los satisfagas en las cadenas de moda rápida.

2. Evita los estampados muy marcados de estas cadenas, son muy reconocibles y acabarás por no ponértelos en cuanto veas a varias personas con el mismo que llevas tú.

3. Compra básicos o prendas neutras con un punto de moda para combinar.

4. Los jeans son de buena calidad y están bien confeccionados. Cómpralos sobre todo si las proporciones de los mismos dependen de la temporada (como los pitillos o los setenteros de pata ancha y cintura alta).

5. Las camisetas de tirantes (lisas o de canalé) y de manga corta o larga lisas son muy recomendables en blanco, negro, gris o colores neutros para combinar con otras prendas, como camisas masculinas y blusones (de tirantes), con jersey de cuello en pico o cárdigan (las de manga larga o cortas) y con vestidos y accesorios adecuados por la noche.

6. Jerséis de cuello en pico, cuello redondo y cárdigan en negro, gris o los tonos que más te favorezcan o te combinen mejor con otras prendas.

7. Para los chicos, es aplicable lo que hemos comentado y también las camisas lisas, los trajes simples, correctos y versátiles, más fáciles de sustituir por otros, los plumíferos, pantalones casual y las sudaderas básicas.

8. Los vestidos neutros de día o de noche que se puedan combinar con accesorios para actualizarlos y adaptarlos a las situaciones, los gustos y las temporadas venideras.

9. Los fulares, bufandas, bolsos y cinturones son una buena opción si no son muy reconocibles.

10. Respecto a los zapatos, si se les va a dar un uso intenso, opta por los menos delicados. Las suelas se deterioran pronto.

11. Evita prendas y accesorios que sean sospechosamente parecidos a los de otras firmas.

12. La sastrería es una buena opción para ir formal y si se combinan con camisetas, y se usan por separado, pueden dar un aire más desenfadado y resolver situaciones profesionales.

COMPRAR EN LOS OUTLETS

• Los outlets son una opción para comprar barato firmas de lujo, medio, deportivas, de jeans, etcétera. Pero, ojo, hay que probarse, ver si existen taras y no «dejarse llevar» solo porque es barato.

• Es interesante comprar prendas más especiales que combinar con básicos y prendas de entidad si están en buen estado, chaquetas, faldas, pantalones, trajes, abrigos, accesorios y complementos.

SEGUNDAS LÍNEAS Y COLECCIONES DE DISEÑADORES

• Las segundas líneas de las firmas de lujo, son más asequibles, prácticas, tienen el pulso de la calle y la tendencia. Son una buena opción si buscas algo más especial que combinar con prendas básicas baratas.

• Las colecciones de diseñadores con grandes cadenas permiten acceder y acercar al consumidor las creaciones de estos diseñadores a precios de calle.

CÓMO COMBINARLAS

• El estilismo es vital a la hora de combinar las prendas y accesorios de estas grandes cadenas ya que todo el mundo las puede adquirir. Es la forma de diferenciarte y de expresar tu propio estilo.

• ¡Conviértete en la estilista de tu propio armario!

• Para poder afrontar cualquier situación debes tener prendas básicas (fondo de armario) y algunas más especiales para combinar.

• Lo importante es que no tengas restricciones, que te diviertas jugando con la moda, descubriendo tu estilo y lo que te favorece probando formas diferentes de ponerte las mismas prendas.

• Y aunque te lleve mucho tiempo y esfuerzo, que no lo parezca y resulte de lo más natural.

VIII

INVERTIR CON INTELIGENCIA

«El maridaje de moda e individualidad es lo que hace a una persona icono de estilo hoy.»

Tamara Mellon (Jimmy Choo)

Crucemos la calle de la moda y paseemos por la soleada acera de las compras de lujo que son prohibitivas para muchos y a otros simplemente no les interesan. Pero la maquinaria del lujo es sabia, seductora y ha generado en los últimos años más «productos de acceso» con los que encandilar a las clases medias para que se den un capricho. Una industria que incluso en tiempos de crisis creció un 10 por ciento en 2012.¹ Tradicionalmente eran perfumes, cosmética, pañuelos y pequeña marroquinería, hoy su oferta se ha ampliado a un universo de carteras, charms,² llaveros, monederos, billeteras, pisacorbatas, portatarjetas, agendas, fundas para el iPad, iPod, cinturones y, cómo no, los best sellers del lujo: zapatos y bolsos cuyo precio puede ir desde 300 euros —en algunas firmas— hacia arriba añadiendo varios ceros³ detrás. Al no depender de la talla corporal cualquiera puede comprarlos, una buena estrategia para la casa y para el consumidor que, como Isabel Ottino, disfruta: «El lujo es un pedacito de belleza, me hace sentir feliz y me diferencia, o me hace sentir diferente, porque es más la emoción que lo que es. Aunque, efectivamente, son artículos de gran calidad», explica. El lujo reparte ilusiones, como el calvo de la lotería, manteniendo el equilibrio entre el acceso y su exclusividad propia. Y no sé por qué recuerdo las palabras de Enrique Campos, director de moda de la revista Marie Claire: «Tengo un amigo que flipó la primera vez que me vio ir de compras, me comentaba que la pupila se me dilataba, que estaba nervioso y como ansioso. ¡Me dio miedo cuando me lo contó!». Y no me extraña, el universo del lujo es muy seductor.

Cenando con la estilista Amparo Utrilla antes de la crisis, me explicó con sorpresa: «En España cada vez se consume más lujo. No es el cliente típico: busca el bolso y las sandalias de tachuelas de Burberry. ¡Hay lista de espera! Es flipante que haya aquí un consumidor tan poco conservador. ¡Hay un mercado de lujo de no creérselo!». Y tras la crisis se mantiene e incluso crece; curioso. Y tiene toda la razón⁴ si cotilleamos las estadísticas de las firmas de lujo que consumimos: «El 22% de los españoles declara comprar productos de Calvin Klein; un 20%, de Burberry; el 18%, de Ralph Lauren; el 13%, de Giorgio Armani; el mismo porcentaje (13%) dice comprar Yves Saint Laurent, el 9% ha comprado algo de Christian Dior; también un 9%, de Chanel; el 8%, de Emporio Armani; un 8%, de DKNY; el 5%, de Gucci; el mismo porcentaje compra productos de Prada y de Versace; un 3%, de Givenchy y Louis Vuitton; y el 1% dice haber comprado algo de Hermès, Valentino y Max Mara. El 19% de los encuestados en España señala además comprar productos de marcas de lujo nacionales, un porcentaje significativamente superior a la media europea del 11%. Los demás datos no se alejan excesivamente de la media del resto de países europeos, destacando quizás la mayor introducción de Burberry, que afirma comprar el ya citado 20% de españoles, frente a la media del 6% de los europeos». El mercado del lujo en España ha crecido un 10 y un 11 por ciento anual en 2010 y 2011, respectivamente... ¿No resultan significativas estás cifras en un escenario de recesión?

En Europa,⁵ el 60 por ciento de la población consume artículos de lujo de una u otra forma, los clientes ocasionales —compran de una a tres marcas al año— suponen el 42 por ciento de sus clientes, y los tradicionales —compran tres o más— representan el 18 por ciento. Es decir, que los ocasionales, las clases medias, son más numerosos que los tradicionales, los ricos; y es similar en Estados Unidos y Asia. Estos desembolsos ocasionales les permiten crecer a las marcas de la forma espectacular en la que lo han hecho, y cuando las clases medias consumen menos por la crisis, lo hacen elevando el precio de sus productos (como han hecho Louis Vuitton o Chanel) a sus clientes tradicionales, de ahí ese crecimiento. La nueva clientela del lujo es más joven y con elevados ingresos. El 37 por ciento de los clientes ocasionales y el 46 por ciento de los regulares tienen menos de treinta y cinco años, lo que explica sus gustos menos conservadores. Pero, como afirma Amparo Utrilla, «la inmensa mayoría de la gente normal se compra un bolso o complementos, la ropa no la consume casi nadie, es carísima; igual una prenda de abrigo por darte el caprichazo. Y como la ropa de chica es más efímera, no compensa; yo tengo ropa que me dura porque es vintage o cara y el resto es efímero». Y ya puestos a darte el capricho, que se traduzca en algo que te acompañe mucho tiempo, lo que llamamos en moda una «inversión».

INVERSIONES PARA TODA LA VIDA

Mientras hagas shopping, y antes de desembolsar una cantidad importante en un artículo de lujo, es importante asumir la lección de que es mejor comprar barato las prendas de tendencia e invertir en buenos básicos. Así que reprime cualquier compra absurda y carísima aunque te llame poderosamente la atención. Si vamos a hacer un desembolso importante, hay que procurar que no sean aquellos accesorios o prendas que han trillado las revistas y las publicidades y que se han recomendado mil veces como must-have de la temporada. De alguna manera quedan en el subconsciente colectivo de los fans de la moda y hace que, a la larga, te cansen y te los pongas menos. De entre toda la oferta es importante que te centres en «inversiones» a largo plazo. José Ramón Rocabert lo cuenta: «Si no tienes mucho presupuesto, lo mejor son los zapatos y bolsos. Yo no tengo dinero para ir vestido de firma, pero me compro accesorios o igual una gabardina o una americana. Y a una mujer la animaría a que invirtiera en prendas de larga duración». Un consejo muy sabio que vamos a desmadejar a lo largo de este capítulo.

La calidad es indispensable a la hora de invertir bien; en las prendas se traduce en un buen patrón y un tejido de excepción: «La gente no se fija en el patronaje, en cómo está hecha una manga, el cuello o una sisa. No se valora muchas veces cómo tiene que ser una prenda. Y sin embargo, fijarte en la calidad de los tejidos y en el patronaje para realmente invertir en un buen básico es muy interesante», dice Belén Zavala, que también habla de sus inversiones de larga duración: «Tengo trajes de Helmut Lang que, si los sacara, seguirían siendo básicos maravillosos». Y de eso se trata, si vamos a comprar prendas de lujo, que sean básicos bien cortados, con buen tejido y proporciones no muy marcadas y detalles imperecederos que no sean producto de la tendencia del momento. Así los podremos utilizar a más largo plazo porque, si no, en vez de ser «un fondo de armario» se quedarán «al fondo del armario». Respecto de los tejidos, es importante tener en cuenta que sean lo más naturales posibles, gustosos al tacto, como la angora, la cachemira, la seda, la lana merina o el algodón de buena calidad (y mejor si es orgánico, como veremos en el Capítulo XI), entre otros.

Y es importante saber cómo llevar esas inversiones. Clara Courel aconseja tener buenos bolsos y zapatos si te gusta la moda. Pero también anima a mezclarlos: «Hay que tender a mezclar, invertir en cosas buenas y combinarlas con otras más asequibles, jugar, reírnos un poco de las piezas clásicas y llevarlas de forma natural es propio de los tiempos que corren y lo que nos diferencia de la generación de nuestras madres, mucho más formal. Hay que desmitificar la moda, es un bien de consumo como cualquier otro: comprarse una chaqueta es como comprarse un libro, es para hacerte un poco más feliz». Vamos a ver cómo flotar de supuesta felicidad... «material», en este caso.

LOS NUEVOS BEST SELLERS, BOLSOS Y ZAPATOS

Y comenzando con los bolsos. Isabel Ottino arroja una recomendación interesante: «Ya puestos a invertir en un bolso, que sea en un buen clásico y no algo muy marcado de la temporada; luego cansa. Aconsejaría un bolso práctico, artesanal y con visos de durar generación tras generación. Antes se creaba con inteligencia, no había un hábito de consumo feroz. Poseer una pieza así es una maravilla, ver cómo está cosida, tocarla y olerla», explica con entusiasmo. Lo que de pronto me trae a la memoria el bolso 2.55 de Chanel —el original, no el reeditado— que llevaba Juncal Cucullo el día que comimos juntas y, sobre todo, lo que me dijo cuando eché la vista sobre él cual ave rapaz de la moda: «¡Si no lo consigo, me da algo!». Y es que comprar un clásico vintage bien conservado es otra gran inversión.

Pero si los clásicos no te producen semejante emoción, es más, si te dan pereza, es importante elegir un bolso práctico (mediano o grande) en tonos combinables: el negro es siempre un acierto, los tonos tierras y grises también. Los colores muy vivos, empolvados o sorbete pueden parecer que, a la larga, ofrecen menos posibilidades de jugar con ellos, pero pueden ser un toque de originalidad en un look casual si los combinas con prendas básicas y sencillas como jeans y camisa o camiseta blanca y bailarinas.

Clara Courel aconseja un bolso grande —un big bag, como los de Céline, Victoria Beckham, Bottega Veneta entre otros— o una maxicartera: «Como la de Jimmy Choo; esa me la llevo a los desfiles». Dos opciones interesantes para trabajar, sobre todo la segunda, como también los bolsos sobre, que cubren perfectamente la jornada laboral y permiten llegar a la noche sin cambiar de bolso. Y hacer una pequeña inversión en un bolso de fiesta, de pequeño formato o un clutch (un bolso caja o joya) es una buena idea si por tu estilo de vida tienes frecuentes compromisos nocturnos o eventos a los que acudir. Las opciones son múltiples, tanto vintage como de firmas como Chanel, Fendi, Valentino, Jimmy Choo, Marc Jacobs, Lanvin, Marni o Louis Vuitton, entre otros.

Respecto del otro gran best seller, los zapatos, casi todas las estilistas coinciden en que unos buenos salones son estupendos por la comodidad de su tacón medio, su perdurabilidad y las grandes posibilidades de combinarlos con faldas, pantalones, en diversas situaciones y para todas las edades (que lleven tacones, claro). «Un salón negro de Christian Louboutin de piel es una gran compra, y unas bailarinas monas, unas botas planas de caña alta hípicas en negro son buenísimas opciones también», dice Clara Courel, que colecciona zapatos y tiene un vestidor para sus seiscientos pares, desde lo carísimo a lo baratísimo. Con ese background no es difícil que tenga otra idea feliz: «Unos botines al tobillo de tacón. Te valen para el día con un vaquero, una chaqueta de esmoquin y camiseta. Y, por la noche, te pones el mismo botín, con medias o sin ellas, con una minifalda de lentejuelas o un vestido corto y vas genial». Los botines están destinados a dar juego, como los peep toe negros (los zapatos cerrados que quedan al descubierto por delante), lo mismo sirven para el día que para la noche. Y si pensamos con nocturnidad y alevosía, también unas sandalias de tacón con tiras en negro o en color metalizado son básicos de noche en los que merece la pena invertir. Y las planas, tanto étnicas como metalizadas, visten en verano con cualquier prenda.

Además, hay otro tipo de complementos que también pueden ser buenas compras para satisfacer un capricho o una necesidad y darle un toque de lujo a tu look: «Si no te puedes comprar nada en Chanel, siempre puedes llevar un colgante o un brazalete. Lo interesante de los complementos es que te permiten personalizar tu look: las gafas, unos guantes largos o un cinturón son más asequibles que los bolsos y los zapatos. Y además es imprescindible comprar gafas buenas para no estropearte los ojos con el sol», dice Clara con sensatez. Tomo nota.

AMORES ETERNOS: PRENDAS DE LARGA DURACIÓN

Son esas prendas que nos pueden acompañar más tiempo que un novio si las escogemos bien; es importante aplicarse los consejos que dimos en la introducción respecto a la calidad del patrón y del tejido para así comprar con acierto.

Y empezamos este recorrido por las prendas de punto, algo que nunca falla: «Prendas de punto de cachemira o aquellas en que la lana sea lo más pura posible; es lo único que te garantiza que duren», dice Isabel Ottino. La cachemira es una delicada fibra natural que se obtiene del pelaje de las cabras del mismo nombre que viven en el interior de Mongolia, China, Irán, Irak, Turquía y Afganistán;⁶ su producción es muy costosa, por eso se mezcla con lana. Una prenda hecha exclusivamente de cachemira es un artículo de lujo, pero su tacto sobre la piel es tan maravilloso que todo el mundo debería tener al menos una para disfrutar de ella cuando requiera mimos. Las marcas lo saben y por eso es cada vez más frecuente verla mezclada con otras fibras en cadenas más asequibles, de considerable pureza en firmas intermedias y de altísima calidad en casos como los sweaters de cachemira de Rick Owens, de lana cachemira hervida que, con un precio que ronda las 1.200 libras esterlinas, es un símbolo del Haute Casual, una tendencia de larga duración a la que se suscriben firmas como The Row, de las hermanas Olsen; hedonismo casual. Y, además de lujoso, es práctico, como dice Belén Zavala: «Algo de cachemira que puedas meter en un bolso cuando te enfrentas a muchas horas de vuelo y puedes pasar frío, es una buena idea», porque tiene la cualidad de ser superliviana, ocupar poco espacio y a la vez abrigar mucho. Un jersey, un suéter, un cárdigan, una bufanda, un chal, un echarpe, un poncho, un chaleco o una camiseta de cachemira son aciertos asegurados para evitar el frío y recibir una acogedora sensación sobre tu cuerpo.

Acudo a una especialista en punto, la diseñadora argentina Marcela Civilotti, para que me recomiende el mejor: «Las mejores hilaturas⁷ son la cachemira, la lana de oveja merina australiana, la angora y la seda. Son todos materiales nobles y naturales. Cuanto más porcentaje de estos materiales tenga una prenda de punto, más cara será», comenta. Le pido que se decante por una inversión infalible: «La mejor es un buen jersey de cachemira, te dura toda la vida si lo tratas con cuidado, y también cualquier prenda de lana merina australiana. ¡No se harán bolas jamás!», asegura. El cuidado de estas prendas es importante, de él depende que su vida sea larga o corta. Marcela recomienda cómo hacerlo: «Las buenas prendas de punto se lavan a mano, con agua tibia a 30 ºC, con jabón neutro, sin secado al calor, se envuelven en una toalla y se extienden. No se cuelgan ni se retuercen y se planchan a baja temperatura».

Respecto a las prendas que no son de punto, ten en cuenta que con las calefacciones y los aires acondicionados de los hogares y trabajos, sumado a que las estaciones no están tan marcadas, comprar prendas muy estacionales puede ser peligroso: «Ya no conozco a nadie que siga, como nuestras madres, guardando la ropa de invierno y sacando la de verano», comenta Belén. Así que, si quieres comprar prendas de lujo pensando en que tengan un largo recorrido, es importante tener en cuenta este aspecto, comprar solo buenas prendas de abrigo si la climatología lo requiere y que las chaquetas, faldas, camisas, blusas o pantalones no sean ni muy gruesos ni muy finos, porque reducen su ponibilidad. Una inversión infalible es, como aconseja de nuevo Isabel Ottino, «una falda a la rodilla, negra, sin duda siempre ha sido una constante y creo que te salva en más de una situación».

Además recomienda otra inversión que resulta siempre un acierto: «Un esmoquin negro o un traje de chaqueta negro superbién cortado», explica. Porque, como apunta Juncal Cucullo, «una blazer, un sastre o tailleur de determinadas marcas sabes que te van a dar buen resultado; por ejemplo, un traje de chaqueta de Jil Sander siempre es una buena compra». Y a la lista se pueden añadir Dior, Armani, Stella McCartney, Saint Laurent, Dsquared, Jean-Paul Gaultier, Margiela, Dolce & Gabbana, Dior Homme, Spastor, Ann Demeulemeester, Loewe o Thom Browne, o de cualquier firma que tenga un corte impecable y una calidad condenada a durar, son buenas opciones para ellas y ellos.

Sea cual sea tu elección, recuerda que hay que intentar que las proporciones de estas chaquetas no sean muy marcadas de la moda del momento, al contrario, es sensato inclinarse por proporciones clásicas. Clara Courel nos pone un ejemplo práctico esclarecedor del porqué: «Con la edad me doy cuenta de que mi madre tiene razón. Tenemos que invertir en lo que merece la pena y además en cosas que no pasen de moda. Antes yo era muy trendy y me compraba cosas como el esmoquin de Yves Saint Laurent de la manga guante con la hombrera, y no me lo he vuelto a poner. Podría ponérmelo, lo hizo Tom Ford, y es casi una pieza de vintage, pero me cuesta. Y sin embargo, me compro una chaqueta buena de esmoquin o, por ejemplo, en Navidad me compré un esmoquin en Loewe que es una maravilla y me va a durar toda la vida. Hay que tener un esmoquin bueno que te puedas poner cada parte por un lado», explica esta confesa defensora del esmoquin. Queda visto por qué debemos evitar los impulsos de fashion victim y optar por compras imperecederas, repítetelo cuando el instinto de compradora compulsiva se desate en tu interior.

Otro clásico imperecedero es «una camisa blanca de buena tela», dice Isabel Ottino, con todo el sentido común. Clara Courel concreta de qué tipo: «Una camisa blanca masculina y una blusa con lazada». Una camisa blanca masculina es siempre un «salvavidas» inequívoco, y también en negro. Y si es de popelín de seda o algodón, crepé de seda o algodón, cien por cien algodón, seda o tejidos lo más naturales posible, habrás comprado un pasaporte para la larga duración. Por su parte, las blusas con lazada en los mismos colores o tonos neutros tampoco pasarán nunca de moda, la seda es la mejor opción y si nos atenemos al comentario sobre las proporciones mencionado (que, por ejemplo, no tenga unas mangas farol exageradas) está condenada a durar en tu armario. Encontrar este tipo de blusas y camisas es fácil ya que es un básico que casi todas las firmas y diseñadores hacen, añadiéndole su propio twist.

Y si ya hemos visto que las faldas, chaquetas, trajes, blusas y camisas son inversiones acertadas, solo nos falta otro clásico de la versatilidad y la duración: los pantalones anchos tipo masculino en gris, negro o tonos tierra. Otra pieza clave, con un buen corte y en un buen tejido. Están hechos para vencer la lucha contra el tiempo. Vicente Gallart nos desvela por qué todas las piezas que hemos mencionado están condenadas a durar: «El juego entre lo masculino y lo femenino siempre está presente en moda, son prendas que visten mucho y muy compatibles entre ellas y con otras prendas. Básicos perfectos».

Y para las latitudes donde abrigarse en invierno sea necesario, invertir en una buena prenda de abrigo es fundamental y es preferible inclinarse por colores neutros u oscuros para que sea más versátil con otras prendas. Un abrigo clásico de Max Mara, Sportmax, Armani, Spastor, Ann Demeulemeester, Marni, Jil Sander, Isabel Marant, Chloé, Céline, entre otros muchos, es una inversión a largo plazo. También son recomendables las gabardinas en beis clásicas, o en negro, son todoterrenos perfectos; las de Burberry se pueden comprar con forro o sin él, dependiendo de lo crudo del invierno al que te vayas a enfrentar. Además, cuando estas gabardinas se utilizan sin forro, son un perfecto comodín de entretiempo, ponibles, combinables y condenadas a funcionar forever and ever. Y por supuesto, un chaquetón de doble abotonadura en azul marino, tipo chambergo marinero, o más formal, es otra inversión perfecta; los de Marc Jacobs, Marni o Dior Homme son perfectos, pero hay muchísimas opciones más.

Y como dice Clara, «alguna prenda de piel más cortita para por la noche también es recomendable». Estas prendas, que se pueden usar con jeans o ropa más casual también, pueden ser una cazadora, en cuero o piel sintética si prefieres una opción más eco-chic. Invertir en un abrigo de piel natural o sintética es otra opción del lujo, las de piel sintética están muy logradas, como las veganas de Stella McCartney, son igual de fashion y hasta más asequibles. En general, la peletería de hoy es mucho más ligera y con diseños modernos y actuales, como las firmas Céline, Hermès, Marni, Fendi, Loewe, Revillon, Miguel Marinero, Ramiro Guardiola, Elena Benarroch, Olga Ríos, o el diseñador Rick Owens, entre otros muchos, que trabaja la piel con modernidad asombrosa, incluso recientemente hemos visto cómo la piel llegaba a prendas de verano y complementos como las sandalias planas de Céline, o las gafas de Givenchy.

Si tienes una profesión en la que debas ir muy formal, no lo dudes, invierte en buenas prendas adecuadas para tu trabajo. Lucía Francesch, conocedora de los condicionamientos de estas mujeres, nos da unas estupendas pistas sobre prendas y accesorios; algunas las hemos comentado ya, pero hay dos de ellas en las que nos vamos a detener: «Merece la pena invertir en un buen bolso negro de piel, un buen abrigo, una trench, un traje sastre pantalón, jeans rectos que sienten como un guante, camisa blanca y negra y una petite robe noire». Lo cual puede ser, perfectamente, la maleta de viaje laboral para este perfil de mujer.

Detengámonos primero en los jeans. Aunque hemos dicho que los de las cadenas de moda rápida son buenos, siempre podemos querer algo más exclusivo. Si vamos a desembolsar un dinero en ellos, que sean clásicos y rectos, de firmas como Rock & Republic, Citizens of Humanity, J Brand, Current/Elliott, Burberry Brit, Balmain, Étoile de Isabel Marant, Seven, Acne, Nudie Jeans (cien por cien ecológicos), True Religion, Evisu o Diesel. Si existen opciones de algodón orgánico, decántate por ellas; el lujo (la moda y hacer negocios en general) no está reñido con el cuidado del medio ambiente, o no debería estarlo por los motivos a los que nos referiremos en el Capítulo XI.

El otro punto de los consejos de Lucía Francesch en el que merece la pena detenerse es en la petite robe noire, el vestido negro de cóctel o lo que los ingleses también llaman little black dress. Otro básico en el que invertir porque sirve para ir a trabajar o a una fiesta o cóctel. Belén Zavala lo explica: «El vestido negro de cóctel es un superbásico, ha entrado muy fuerte, pero se han llevado toda la vida. Ahora mismo hay mil tipos de vestidos y todas podemos encontrar el adecuado para nosotras». Y el adecuado dependerá más de nuestra silueta, personalidad y estilo de vida que de las tendencias que nos dicten las revistas, como afirma Lucía Francesch con total sensatez: «Seguir las tendencias al pie de la letra más bien es propio de las fashion victims. Lo que imponen las vips o las revistas de moda es un tipo de conocimiento por la moda, lo que se lleva, quién y cómo lo lleva. Tener estilo implica algo más profundo: en primer lugar conocerse, saber lo que va con tu personalidad, con tu físico y también, cómo no, con tu trabajo, con tu lugar en la vida. Y a partir de ahí, funciona adaptar todas esas tendencias a esas características físicas, psicológicas y sociales. Pero sin dejar por el camino el yo de cada uno. Hay una máxima infalible: que primero se vea a la mujer y después el vestido que lleva puesto».

Y si de inversión hablamos, detengámonos un momento en la ropa de novias. Nuestro país es el segundo exportador del mundo en este producto. La moda nupcial facturó en 2011 un total de 1.300 millones de euros, que suponen el 15 por ciento de los 8.720 millones que facturó el sector textil en España.⁸ Aunque solo ocupa al 8,9 por ciento de los 153.000 empleados que trabajan en España en el textil. En 2011 había 5.500 empresas dedicadas al sector textil, y 700 de ellas, que suponen el 12,7 por ciento, se dedican a hacer vestidos de novia, que tienen un coste medio de entre 900 y 2.800 euros, además de trajes para novios, de fiesta, de ceremonia y complementos de boda. La actual coyuntura económica ha afectado a la facturación del sector textil y el gasto por familia por este concepto ha sufrido un descenso del 36 por ciento entre 2008 y 2010 porque no es un bien de primera necesidad. Las más tradicionales pueden optar por los diseños de firmas de novia como Pronovias, Rosa Clará, Novissima, Model Novias, Farah Novias, Novelle, diseñadores internacionales como Marchesa, Elie Saab, Óscar de la Renta, optar por acudir a algún diseñador patrio como Lorenzo Caprile, Elio Berhanyer, Victorio & Lucchino, Miguel Palacio, Hannibal Laguna, Ángel Schlesser, Jesús Peiró, Teresa Helbig, Juanjo Oliva, Jorge Vázquez, Pepe Botella, Frank Saraiva, Isabel Leguina, Lemoniez, Olga López, YolanCris u opciones más modernas como Juan Duyos, Ana Locking, Amaya Arzuaga, Moisés Nieto, Nacho Aguayo, entre otros. También las hay que se compran un vestido blanco de una firma de lujo y lo atrezan para la ocasión, sobre todo en ceremonias civiles.

El sector de las bodas ha evolucionado: «El bodón está pasado, hay más bodas en el campo, en la playa, en sitios pequeños y encantadores», dice Juan Duyos, cuyas creaciones serían perfectas para esas localizaciones: «Es una colección muy elaborada, con una estupenda mezcla de tejidos que le dan un aire novedoso y vintage. Como siempre, con un ojo en el pasado y otro en el futuro», explica. Eso sí, el crema, los arenas o dorados son los tonos más lejos del blanco con los que se quieren casar estas nuevas novias: «Más allá de eso, ninguna quiere casarse de negro, ámbar o fucsia», dice Duyos. En cualquier opción que elijas, el mimo está asegurado, con pruebas y dedicación personal para tu gran día.

Aparte de la de las bodas, el lujo por excelencia es la ropa a medida, ya sea para hombre o mujer, hacerse un traje o un vestido a medida es toda una experiencia y una buena inversión que merece la pena por completo si se hace con cabeza... y que se puede vivir en la sastrería/modista de toda la vida o en un entorno de lujo dependiendo del presupuesto. Y aunque es una opción de compra que parece difícil de encontrar, tenemos desde opciones clásicas como Brioni o Savile Row para hombres, o visitar el atelier de diseñadores patrios como Juanjo Oliva, Fernando Lemoniez, Miguel Palacio para ellas, y en casi todas las firmas de lujo como Vuitton, Burberry, etcétera, desarrollan algún tipo de servicio bespoke, es decir, medida a gusto del cliente como en Carolina Herrera New York, Armani Privé, etcétera, pero también puedes vivir la experiencia desde perspectivas menos conservadoras, como Ana Locking o Ion Fiz. Además, nuestra personal shopper, Mila Navarro, responsable del departamento de asesoramiento de estilismo y vestuario de The Lab Room, nos recomienda otras tiendas donde hacernos un traje a medida en Madrid:

—BRIONI (Claudio Coello, 28). Sastrería italiana, sus trajes a medida son lo más requerido, sus precios son bastante elevados, pero el producto es merecedor de ello. Solo tiene esta tienda en España y su clientela es bastante selecta.

—EQUIPOMODA (Albasanz, 75). Confecciona ropa femenina, en especial para tallas grandes, desde conjuntos de falda y chaqueta a vestidos, parkas, camisas y trajes. Todo con un estilo actual y enfocado a cada edad. Tienen una gran variedad de telas y colores que se adaptan al estilo y a la personalidad de sus clientas.

—HACKETT (Jorge Juan, 7). Su estilo británico no pasa nunca desapercibido. Destaca su variedad de telas, raya diplomática, ojo de perdiz y cuadros príncipe de Gales, pasando por toda su gama en lisos. Aparte de tener producto ya acabado, dispone de sastrería donde te pueden confeccionar trajes, chaqués y esmóquines personalizados para cada cliente

—SMILE CLASS (Sagasta, 24). Sastrería también bastante conocida en Madrid, dispone de una alta gama en telas para todo tipo de prendas, e incluso pijamas a medida.

Cristina Castany, redactora jefe de los suplementos de Cosmopolitan, que ha pasado antes por Ragazza, Men’s Health, El Mundo y Telva, además de ser una enciclopedia práctica de moda, nos sugiere unos ateliers: «En Madrid, Nacho Aguayo, el diseñador de las fashionistas y la mano derecha de Carmen March. Lo reconocerás por sus creaciones depuradas y elegantes. Del Pozo: las manos de Josep Font se han puesto en marcha de nuevo para renovar la archiconocida marca. Prints románticos sobre líneas sobrias. En Barcelona: Teresa Helbig, un taller de petites mains y grandes ideas. Ella tiene un estilo definido muy chic, pero lo adapta a tus necesidades. Los tejidos son espectaculares; Katarina Grey, formada en la Parsons de Nueva York, esta chica ha llegado para darle un toque cosmopolita y especial al diseño catalán. En Valencia: Juan Vidal, fantasía llevada a la realidad. No te pierdas los estampados e imaginativas creaciones de este levantino. En Sevilla: Roberto Diz, su especialidad son las novias con un toque roquero, está revolucionando la moda en el sur de España».

Y como todo pastel necesita una guinda, en estos consejos sobre invertir bien la guinda nos la pone la estilista Isabel Ottino, que añade a la lista «alguna joyita para ir haciendo tu pequeña colección y un buen perfume, aunque sea muy caro, algo que te identifique».

A GOLPE DE RATÓN: COMPRAS DE LUJO TAMBIÉN EN LA RED

Las grandes firmas —de lujo y asequibles— se han lanzado a la conquista digital desarrollando tiendas online en sus webs, y apoyando sus estrategias de marketing y ventas desde las redes sociales. Retransmiten en directo sus desfiles —incluso en 3D, como Burberry— a través de YouTube, en sus webs o en redes sociales como Facebook, Twitter o Ykone; desarrollan aplicaciones (Amble de Louis Vuitton), campañas polémicas (Desigual), se asocian a blogueros (Donna Karan), hacen revistas digitales (swide.com de Dolce & Gabbana o el Journal de Bimba & Lola); crean vídeos o cortometrajes con la intención de convertirlos en virales en internet (Lanvin, Chanel, Dior, Loewe), experiencias digitales culturales en streaming (Miu Miu), webs como The Art of Trench, de Burberry, o contestan por Twitter desmentidos. Es la forma de adaptarse a los tiempos y a una nueva generación que se inspira en la red, desde los blogs de streetstyle, redes visuales como Pinterest o Instagram, creando comunidad como en fashiongps.com, o compartiendo looks en fashism.com, y muestran su universo en tumblrs porque, inevitablemente, han crecido con internet y en la era digital. Empresas como Net-a-Porter de Natalie Massenet se han convertido en modelos de negocio de éxito y referencia del mundo del e-commerce —fue vendida al grupo Richemont por 386 millones de euros en 2010—, como su Mr Porter, para hombres, al igual que la web yoox.com de Federico Marchetti, otra referencia en el sector. También existen sitios exclusivos de compras como couturelab o Moda Operandi (en ambas ha colaborado la experta online Carmen Busquets) de Aslaug Magnusdottir y Lauren Santo Domingo del Vogue USA, una plataforma de comercio electrónico que permite pedir en 48 horas looks de las pasarelas —de Del Pozo, Carolina Herrera, Alexander Wang, Diane von Furstenberg, Derek Lam, Proenza Schouler o Prabal Gurung— para tenerlos antes que nadie y con más posibilidades de tallas en algunos casos; además, el fichaje de Taylor Tomasi Hill, editora de complementos de Marie Claire, es un acierto. Y es que las empresas online alrededor de la venta de moda florecen, como Guilt, que debe su éxito a la comercialización de stocks de lujo a través de la red y otras, como Amazon, crean tiendas virtuales como amazon clothing & shoes, o tienen en su cartera myhabit, shopbob, 6PM.com, buyvip, jaravi y zappos; hasta existen probadores virtuales como fits.me.com. Melania Pan, directora de Harper’s Bazaar, la más joven de las directoras nacionales, reflexiona sobre el contexto: «Yo no concibo ya el mundo sin internet. A mi sector le ha aportado el contacto con las lectoras, poder hacerles partícipes de mis gustos, mi cotidianidad y mi forma de ver la moda. Las redes sociales son el ahora, y creo que para la moda han supuesto un cambio excepcional. Hemos pasado de tener que esperar a que se publicaran las colecciones en las revistas a conocer en tiempo real lo que sucede sobre la pasarela y en el backstage. Esto ha tenido un efecto positivo sobre el papel, al que se le ha exigido más personalidad. La gran diferencia entre las redes sociales y las revistas en papel es la edición. Internet enseña las pasarelas y las revistas muestran su look favorito, interpretan y editorializan desde su personal punto de vista».

Aunque el desarrollo digital no ha hecho más que empezar a ampliar las posibilidades de experiencias en torno al shopping, cada vez más seductoras, la verdad es que las compras por internet producen cierto rechazo cuando se trata de desembolsar una cantidad importante de dinero, pero también es verdad que, si se siguen los consejos adecuados, el éxito está asegurado. No en vano, en 2012 tuvo unas ventas de 224.000 millones de dólares, un 15 por ciento más que el año anterior;⁹ 875 millones de consumidores compran libros y ropa en la red, los productos más vendidos. El 36 por ciento de esos clientes compran vestidos, zapatos y accesorios. Y si el comercio en la red ya creció hasta el 2008 un 40 por ciento (y el de moda es el que más lo hizo)¹⁰ y se prevé un incremento de una media de un 16% anual de 2012 al 2016,¹¹ podemos pensar que seguramente tantas personas no pueden estar equivocadas, que simplemente se trata de un medio más que se pone a nuestro alcance, entre otras muchas cosas, para hacer shopping. En 2011 el comercio electrónico en el sector volvió a crecer un 1 por ciento.

Le pregunto a Isabel Berz, directora del departamento de moda del Instituto Europeo de Diseño y una ávida compradora en la red: «Cuando compras por internet, el factor táctil y el momento probador se desplazan hasta después de la compra, por lo que hay que ir sobre seguro: comprar marcas que uno conoce; lo mejor es ver y probar las colecciones en una tienda y después adquirirlas por internet, con la tranquilidad y la oferta que conlleva. Pero si no, lo haces en portales como Yoox: si no te queda bien, lo reenvías y te devuelven el dinero», explica.

Las posibilidades de acierto o error en esta nueva experiencia de compra existen en la medida en que hagamos el uso adecuado o no de este nuevo medio. Pero, por alguna razón, los españoles son los que menos compramos en internet de Europa. Pero, si lo piensas bien, en qué tienda de lujo te dejan comprar en pijama desde la cama o el sofá, dónde te permiten cotillear todos los productos sin comprar nada y dónde no tienes que lidiar con dependientes atosigadoramente amables o repugnantemente estirados; incluso muchos millonarios, para no hacer ostentación, hacen sus encargos y compras online en estos tiempos de crisis. Y la experiencia es válida para una persona con la agenda muy ocupada o para quien no viva en grandes urbes, el shopping online es casi un sueño y aplicado al comercio de lujo tiene grandes ventajas de oferta también. En España muchas veces las tiendas no tienen una amplia oferta de productos, en cambio en los portales de compra que vamos a recomendar la oferta es apabullante. Además, al ser un medio global puedes comprar marcas o firmas de culto que no hayan llegado a España y solo existan en Estados Unidos, Londres, París o Asia. Y lo mejor es que puedes mirar, y comprar, todo el tiempo que quieras y a cualquier hora del día. ¡No cierran! En los siguientes puntos veremos cómo navegar en la red con seguridad para que la experiencia de shopping no se convierta en una pesadilla decepcionante.

DÓNDE COMPRAR

Más de la mitad de los compradores online tienden a comprar en sitios que les resultan familiares; si uno de ellos es capaz de atraer a un comprador y la experiencia le resulta positiva, puede tener mucho más fácil lograr su fidelidad en el futuro. Así, por la cuenta que les trae, las empresas de comercio online tendrán más clientes cuantas más experiencias de shopping favorables ofrezcan. Para seleccionar los sitios donde comprar, un tercio de los internautas utilizan buscadores o navegan hasta localizar los que consideran mejores comercios online y uno de cada cuatro se guía por recomendaciones personales de amigos, familiares o conocidos, el clásico boca-oreja. Por eso vamos a profundizar algo en los más populares.

Además de las tiendas online oficiales de las firmas y de los diseñadores —es raro quien no ha desarrollado su plataforma de venta online, solo hay que teclear para verlo—, donde se puede comprar con total seguridad y garantías de compra, es conveniente visitar:

—net-a-porter.com (y para hombres, Mr Porter). Este sitio de venta online está en inglés, es líder en su modelo de negocio, su selección es muy buena y las garantías de pago, estupendas. Tienes ofertas de prácticamente todas las firmas de lujo y el hecho de que diariamente 1.500 nuevos compradores se estrenen en la web es prueba de que las buenas experiencias de shopping van de boca a oído.

—yoox.es. Este sitio web está en castellano, como thecor ner.com, y los dos son muy recomendables. La oferta es todavía más apabullante que en el anterior aunque la selección es menos cuidada, la información es excelente y las garantías de pago totalmente seguras. La mejor recomendación si no te manejas bien en inglés, y con colaboraciones exclusivas con diseñadores. Uno de los sitios favoritos de los internautas y con garantías de devolución si no quedas satisfecho. Y tienen moda ecológica.

—asos.com/es. Aunque no es lujo y sus precios son en general muy asequibles, este sitio es el net-a-porter del streetstyle, su oferta es muy interesante, te permite conocer firmas y diseñadores independientes y vivir una experiencia de moda muy innovadora y refrescante; su revista en papel es muy recomendable.

—En webs como ModaOperandi.com, couturelab.com o huaterlook.com, en inglés, puedes encontrar ediciones limitadas y prendas exclusivas y especiales, incluso joyas y elementos decorativos. Además, prácticamente todas las grandes tiendas multimarca como Colette, la famosa concept store de París, tienen un servicio online (colette.fr) estupendo para comprar libros, productos de belleza, objetos, revistas, y con una selección de ropa menor que la de la tienda pero también interesante. En inglés y francés. Como lo tiene la web de 10 Corso Como, la mítica tienda de Milán, o ekseption.net de la reputada tienda madrileña, una de las mejores, bilingüe inglés-español; o la de la puntera tienda Opening Ceremony de Nueva York, su versión online es muy recomendable. Es una de las grandes ventajas de la era digital, hacer shopping en las mejores boutiques multimarca del mundo es posible desde el sofá de casa, ya estén en Tokio o en Londres, las tendencias y las posibilidades de elección se hacen globales, cualquier consumidor puede adquirir prendas de firmas que no estén distribuidas en nuestros países, o lo estén muy limitadamente, a través de la red es posible... como la colección de Chloë Sevigny para Opening Ceremony.

—En portales como mytheresa.com, matchesfashion.com o stylebop.com tienen una buena selección de diseñadores, está en inglés y las garantías de compraventa están aseguradas. También en los siguientes sitios puedes encontrar jóvenes diseñadores muy apetecibles: la garconne.com, revolveclothing.com, letrain-bleu.com, shopjake.com, blaec.com y farfetch.com —pero ten en cuenta lo que vamos a comentar sobre los gastos de envío—, también son muy interesantes las webs mencionadas en anteriores capítulos: outnet.com, atelieronweb, hautelook.com, boutique1.com y shopbop.com.

—eBay.es. Famoso portal de subastas, incluidos ropa y accesorios. También con venta a precio fijo. Hay que registrarse. Conviene saber a la hora de comprar si lo haces del stock de una tienda o de un particular, así como si son imitaciones u originales. Solo debes comprar si no tiene ningún comentario negativo el vendedor, hay que saber dónde está el vendedor y leerse los consejos que dan en cuanto al pago y los envíos. El servicio de atención telefónica es muy bueno. Requiere dedicarle más tiempo a mirar y preguntar y es menos gratificante como experiencia de compra que las anteriores, sobre todo al principio, es como un mercadillo en internet. Es recomendable pagar por PayPal o contra reembolso.

—Si te gustan los diseñadores españoles, la mayoría han desarrollado su venta online, por lo que solo hay que buscar sus nombres para hacer compras online. Hay webs como la de David Delfín que resultan especialmente atractivas, y en espaciomoda.com y pasionforfashion.com o portales similares encontrarás diseños de firmas jóvenes españolas.

—Y cómo no, no hay gran almacén que se precie que no haya desarrollado su comercio online. Los primeros fueron los grandes almacenes estadounidenses, su potencial de comercio online es apabullante en un país con tantos millones de consumidores, así lo hicieron Bergdorf Goodman (bergdorfgoodman.com), Neimanmarcus (neimanmarcus.com), Barneys (barneys.com), Browns (brownsfashion.com), Saks Fifth Avenue (saksfifthavenue.com) o Macy’s (macys.com), y luego tantos otros en Europa, como Harrods, donde disponen de una amplia selección de artículos de lujo al alcance del ratón. Sus servicios de atención por chat o incluso telefónicamente te permiten resolver tus dudas ipso facto, eso sí, en inglés.

CÓMO PAGAR

A la hora de pagar siempre nos inquieta utilizar nuestras tarjetas de crédito pero, globalmente, estas son el método más habitual para realizar compras por internet; las utilizan el 60 por ciento de los internautas. La más habitual es la Visa y el segundo método más empleado es PayPal, un sistema de pago seguro que es muy recomendable en portales de subastas tipo eBay y en cualquier sitio que nadie te haya recomendado donde vayas a realizar una primera compra. PayPal se encarga de hacer de intermediario en el envío de dinero manteniendo tus datos bancarios seguros. En los sitios que hemos recomendado se pueden hacer compras con tarjeta de crédito, no suponen ningún peligro, te garantizan y se responsabilizan de la confidencialidad de tus datos. Ellos son los primeros interesados en que la experiencia de compra sea satisfactoria para que repitas cuantas más veces mejor.

EN QUÉ FIJARSE

Está claro que tienes que tener un cierto ojo desarrollado en tiendas normales de moda para lanzarte a comprar en la web. Es importante que sepas bien tu tallaje, aunque cada página te ofrece información para que escojas la talla adecuada. También es importante que mires con lupa las indicaciones de cada prenda y no te fíes solo de la foto para valorar el tejido del producto. Mira toda la información escrita sobre la prenda, los colores, las tallas disponibles, todas y cada una de las fotos del producto, por delante y por detrás. Amplía la imagen para ver todos los detalles y no encontrarte sorpresas. Si la compra es insatisfactoria, los sitios que recomendamos te ofrecen la posibilidad de devolución, así que no hay que tener miedo, son negocios profesionales. Intenta comprar en sitios recomendados, tiendas o grandes almacenes reconocidos con servicio online, no te aventures en webs desconocidas y, si lo haces, paga por PayPal mejor que con tarjeta de crédito. Además, si estás en Europa, ten en cuenta que si compras en las webs de grandes almacenes norteamericanos es casi seguro que correrás con los gastos de envío, te informan en la web o puedes preguntar al servicio de atención al cliente. Si es así, mira si te compensa dependiendo de su peso. Puede suponer más de 60 euros, que se añaden al desembolso de la compra. Es un dilema que tendrás que resolver; cuando el euro está más fuerte que el dólar, algunas compras en sitios web norteamericanos compensan, pero a menudo, si pagas los gastos de envío, el ahorro desaparece. Y sobre todo, nunca compres en un sitio en el que no te den garantías de pago. Si sigues los consejos recomendados, tu experiencia de compra será un acierto.

BUENAS INVERSIONES DEL UNIVERSO DEL LUJO

1. Evita impulsos fashion victim y opta por prendas que te acompañen toda la vida.

2. La industria del lujo genera más «productos de acceso», más asequibles, y existe un mercado del lujo cada vez mayor, aunque la gran mayoría de las clases medias consume complementos, accesorios y cosmética.

3. Un bolso clásico es una buena inversión (nuevo o vintage); también los bolsos cartera, medianos, grandes y de noche. En negro, tonos neutros, grises o tierras, combinables.

4. Unos salones o unos tacones no muy de tendencia, unos zapatos planos, unas botas de caña alta, unos botines tobilleros o unas sandalias son inversiones de largo recorrido para tus pies.

5. Es importante que las gafas sean buenas para cuidar de tus ojos.

6. Pequeños accesorios de marroquinería, brazaletes, cockers, colgantes, cinturones, guantes, etcétera, para personalizar el look con un toque de lujo.

7. Alguna prenda de punto de cachemira o lana merina australiana, si se cuidan, duran forever.

8. Una falda negra que te favorezca según tu silueta.

9. Las prendas de abrigo y de sastrería son buenas inversiones. Hay que fijarse en el patrón, en las proporciones más bien clásicas y en el tejido.

10. No compres prendas excesivamente gruesas o finas a no ser que la climatología lo requiera de veras. Se usan menos.

11. Con el tiempo varían las proporciones de las prendas, por eso es mejor comprar prendas de corte impecable dentro de nuestro estilo.

12. Una buena camisa o una blusa (blanca, negra o en tonos neutros) es siempre un gran básico de lujo.

13. Los vestidos de cóctel, el llamado little black dress o petite robe noire, son ideales si tienes frecuentes compromisos sociales, profesionales y jornadas sin pasar por casa, o simplemente quieres salir «airosa» de cualquier compromiso.

14. La ropa a medida (en ropa nupcial, o normal, o accesorios) es un auténtico lujo y toda una experiencia de compra.

15. Si puedes, compra joyitas para ir haciendo una pequeña colección (si no, bisutería especial) y un buen perfume que te identifique.

CONSEJOS PARA DISFRUTAR COMPRANDO EN INTERNET

• La red tiene ventajas: puedes comprar a cualquier hora, desde cualquier sitio, en pijama o metido en la cama; es ideal para personas con una agenda muy apretada o fuera de áreas urbanas. La oferta es amplia y tienes toda la tranquilidad y tiempo para decidirte. ¡Nunca cierran!

• Hay que comprar en sitios recomendados y en servicios online de almacenes, tiendas o firmas de prestigio. En ellos puedes comprar con tarjeta de crédito con seguridad, pero si te aventuras por webs desconocidas, paga a través de PayPal.

• Hay que fijarse en la descripción de las prendas, los tejidos, las tallas y preguntar en atención al cliente las posibles dudas, ver y leer cada pequeño detalle y cada foto. También hay que fijarse en los gastos de envío.

IX

MÁS ALLÁ DEL DEPORTE

«El deporte es como el rock and roll, son fuerzas culturales dominantes, ambos hablan un lenguaje internacional y ambos tratan sobre las emociones.»

Phil Knight (cofundador de Nike)

En las últimas décadas, otro de los sectores que ha vivido una auténtica revolución es el deporte. No solo ha sabido reinventarse tecnológicamente, especializándose en las diversas disciplinas con agudeza y precisión, sino que ha abierto la puerta a una alianza con la moda nunca vista hasta el momento, generando una importante tendencia en el sector: que hoy sea habitual ver a diseñadores de prestigio, nacionales e internacionales, colaborando con firmas deportivas en el desarrollo de líneas de streetwear que van más allá de la estricta visión del deporte o aportando diseño a líneas deportivas supertécnicas. La moda ha desembarcado con fuerza en este mundo y el deporte nunca más volverá a ser el mismo.

Y nadie como Yohji Yamamoto para empezar a narrar ese proceso en el que la moda y el deporte se encuentran. Este diseñador japonés de sesenta y cinco años, cuya melena, bigote y barbita le dan aspecto de maestro zen, desembarcó en los ochenta con su visión irreverente y personal en París, junto a sus compatriotas Rei Kawakubo y Junya Watanabe, causando estupefacción y fascinación. Tras varias décadas de éxito y prestigio profesional, inicia una colaboración con Adidas en octubre de 2002 absolutamente pionera. Juntos desarrollaron Y-3, una línea con prendas, calzados y accesorios inspirada en el deporte para la calle, un ejemplo que luego han seguido otras muchas firmas.

Le pregunto si cuando empezó esta colaboración imaginó que iba a ser una referencia para el sector: «Trabajamos juntos para sacar adelante algo que entonces no existía en el mundo y que era un proyecto de futuro. Y-3 tiene una posición ventajosa, ha creado un nicho y ha sido el originador de este segmento del mercado. Mi deseo es hacer la ropa deportiva elegante y chic, crear la ropa deportiva del futuro», responde. Y resulta que queriendo crear la ropa deportiva elegante y chic del futuro consiguió cambiar el enfoque del presente de todas las firmas. El flechazo moda y deporte se produjo, aunque antes hubo más que coqueteos, como vamos a ir viendo.

La indumentaria deportiva está presente en la calle, sobre todo entre los jóvenes; pensemos que los hip hoperos han llevado chándal hasta antes de ayer, aunque ahora van mucho más stylish, y que las sudaderas, zapatillas y camisetas de firmas deportivas se hicieron su lugar en los ochenta hasta el punto de que pueden ser consideradas hoy prendas básicas para mucha gente joven y no tan joven; las firmas de todo tipo las hacen y, como hemos visto, son totalmente aceptadas por el mercado del lujo, el masivo, el streetwear, etcétera. La colaboración de Yohji y Adidas fue un hallazgo al recoger esa tendencia de la calle, conciliarla con su gran experiencia en moda, con elementos de la identidad corporativa de la firma, y filtrarla a través de su visión del estilo y lo contemporáneo. Por suerte, corrió en paralelo con la creciente expansión de este tipo de prendas en toda la industria y se benefició de ella, como si hubiera cogido la gran ola del deporte surfeando, solo que la tabla de Yohji y Adidas no era como la de los demás, es más, nunca se había usado hasta entonces.

El resultado han sido varias colecciones de prendas y accesorios de streetwear creativas, funcionales, con el habitual rigor y amor japonés por el detalle y pensadas para ese público que mezcla prendas deportivas en su día a día. Pero si además las quieres llevar al gimnasio o a entrenar, resultan de lo más estiloso. Algo importante en una década en la que los gimnasios y spas surgen como champiñones, y se han convertido en clubes sociales donde ver y dejarse ver mientras se pone en práctica aquello de mens sana in corpore sano lo más atractivo posible.

Ese público quería prendas más de moda y el sector se dio cuenta con Y-3 y con los productos deportivos que lanzaban las firmas de lujo. Se había encontrado un yacimiento de petróleo inesperado en un terreno donde parecía que las novedades y sorpresas solo podrían venir del lado de la innovación tecnológica. Cuando la moda entró en juego en el sector del deporte, el petróleo también comenzó a fluir por ahí y todos quisieron explotar ese nuevo yacimiento.

Tengo curiosidad por saber qué le ha sorprendido más de esta colaboración a Yohji Yamamoto: «Dos culturas opuestas, y dos mundos, se han conocido uniendo su sentido de la moda, del arte, de la ingeniería y de la artesanía. Adidas tiene un gran conocimiento tecnológico basado en su experiencia y estaban también interesados en cómo desarrollaríamos el nuestro. Después de tres temporadas, surgió de forma natural que ambos lados estuviéramos deseando ir más allá», dice refiriéndose a la renovación del contrato que ambas partes han formalizado hasta 2015. Además, explica entusiasmado que la relación «evolucionó como un niño creciendo. Es cálida, con la simpatía hogareña de sentir que se está desarrollando algo nuevo; siempre es un reto. Adidas es una inspiración personal para mí, ha enriquecido mi vida creativa y el futuro me crea una gran expectación».

EL «EFECTO MARIPOSA» MODA/DEPORTE

Y-3 creó una especie de «efecto mariposa» entre las firmas deportivas. Adidas comenzó una fructífera colaboración con la diseñadora Stella McCartney en febrero de 2005 —que continúa con éxito— para crear prendas sutiles, ligeras, prácticas, con tonalidades suaves y femeninas, de lo más apetecibles para ir al gimnasio, practicar la natación, el tenis, el golf, el jogging, el yoga, la danza o los deportes de invierno. Su principal diferencia con Y-3 es que está integrada en la división Sports Performance de la firma, donde la tecnología está al servicio del deporte. Ya no es una línea de moda inspirada en el deporte, sino prendas deportivas con la mejor tecnología y el plus de la experiencia de diseño y moda de Stella McCartney.

Casi al mismo tiempo que Y-3, el también diseñador japonés Yasuhiro Mihara comenzó a crear zapatillas para Puma, de inspiración deportiva, pensadas para la calle. La colaboración del difunto Alexander McQueen, también para Puma, contó con la colaboración del fotógrafo Nick Night, responsable de la imagen corporativa híbrida entre un hombre y un gato feroz que simbolizaba gráficamente la unión de las dos fuerzas (McQueen y Puma) para desarrollar zapatillas. La inspiración fue la anatomía del pie humano y en la suela había una impresión del propio pie de McQueen.

Desde entonces la firma se ha embarcado en aventuras con otro pionero, Chalayan, y sigue reeditando las del mítico diseñador británico además de mantener su colaboración con Mihara, todas ellas bajo el sello Black Label.

Yohji Yamamoto tiene una explicación para la influencia que el deporte está teniendo en la moda: «Vivimos en una época en la que existe mucha preocupación por el cuerpo y el deporte. Los deportes representan valores como economía, récords y competición, presentes en la sociedad. La moda se ha inspirado en muchas cosas, como la indumentaria militar, las prendas de trabajo, la costura, la música y los deportes. La moda siempre está relacionada con las influencias del momento y el deporte es una influencia cada vez más fuerte». Y no cabe la menor duda de esta afirmación, porque el «efecto mariposa» se amplió aún más: la diseñadora estadounidense Diane von Furstenberg diseñó una línea de tenis para las hermanas Williams, el diseñador británico de hombre Kim Jones (diseñador de Louis Vuitton hombre) inició una colaboración con Umbro; el propio Marc Jacobs ha hecho sus pinitos con Vans, Comme des Garçons con Speedo, el también diseñador japonés Issey Miyake con la firma Onitsuka Tiger o el antiguo diseñador de Ralph Lauren (John Varvatos) con Converse, la lista podría ser muy larga... y se renueva cada temporada.

Por si fuera poco, la firma Ice B Iceberg se alió con Le Coq Sportif, la casa Balenciaga con Moncler, los españoles Carlos Díez y David Delfín con Converse. ¡Y la onda expansiva llegó hasta el esquí como una avalancha!, con las colaboraciones de Emilio Pucci con la firma Rossignol, Ágatha Ruiz de la Prada con Mito, las bolsas y mochilas de los geniales diseñadores Raf Simons o Kris van Assche (Dior Homme) para Eastpak, la colaboración de Adidas con Jeremy Scott, y muchas más. Y la noticia bomba que sella el maridaje moda-deporte fue el fichaje del diseñador Hussein Chalayan como director creativo de Puma, cuyos primeros frutos se vieron en 2009, como responsable del diseño, creatividad y desarrollo de las colecciones de moda deportiva, calzado, ropa y accesorios. Desarrolla además las de fútbol, vela, running y motor. Y Puma participa en la firma propia de Chalayan, ha comprado la mayoría de las acciones y le proporcionará recursos, orientación e infraestructura para tener una mayor proyección textil al pertenecer a PPR (Pinault-Printemps-Redoute), la segunda multinacional del lujo.

Era cuestión de tiempo que también personajes conocidos del cine, la televisión, la música y el deporte colaborasen con estas firmas lanzando sus propias colecciones; la de la actriz Scarlett Johansson y Reebok fue una gran novedad cuando surgió, con prendas y calzado tan detallistas, dulces y femeninos como ella, pero que no se renovó. El gamberro Johnny Knoxville, inefable líder del programa televisivo Jackass, se estrenó también con All Stars. Y las colecciones del mítico boxeador Mohamed Alí, en las que colabora con su familia, y la hip hopera Missy Elliott, ambas con Adidas, son un éxito con varios años ya de existencia. Unas colaboraciones a las que hay que añadir las de grupos musicales (como Black Sabbath o Grateful Dead) con Converse, Alicia Keys con Reebok, incluso Kim Kardashian con Skechers, entre otras menos frívolas, como las de Nuala (la firma de Christy Turlington), o los diseñadores industriales, gráficos y artistas como el gurú del diseño Philippe Starck, que ha hecho doblete con Puma y Umbro, la del mediático Marc Newson con Nike, Hervé Mat & Jewski con Le Coq Sportif, la del diseñador Galinsky con Vans, la grafitera francesa Fati con Adidas o la artista Karen Richter con Le Coq Sportif, entre otras muchas que surgen con cierta frecuencia.

¿Pero qué buscan estas firmas con este tipo de colaboraciones? Carlos Díez, que ha estado varios años colaborando con Converse, con diseños atrevidos, atractivos y muy punkis, lo explica: «Están buscando posicionarse en un mercado que no les corresponde supuestamente, pero que quieren abarcar. Ya no solo persiguen al gran público del deporte, sino al gran público de la moda. Quizás ellos, dadas sus trayectorias más especializadas en el deporte y lo tecnológico, no son capaces de crear una imagen de moda, pero si se asocian con un diseñador que ya la tiene es perfecto. Es bueno para las firmas de deporte y para nosotros los diseñadores. Yo, que estoy empezando, tengo menos capacidad para sacar adelante un producto, y el apoyo de estas marcas nos ayuda a posicionarnos en el mercado de una manera más ambiciosa. En realidad, lo que ellos están buscando es tener una imagen que se adapte a los tiempos que vivimos, ir más allá, tener la capacidad de avanzar».

Y para que nos hagamos una idea de lo que produce este «efecto mariposa» en términos económicos basta con un ejemplo patrio: la empresa catalana de calzado deportivo Munich, cuyo origen se remonta a 1939 como casa especializada en calzado para fútbol sala, balonmano y atletismo, facturó tres millones de euros en 2000; tras apostar por la moda, pasó en 2005 a los diez millones de euros y en 2011 llegó a los treinta y cuatro millones de euros; de los cuales la mitad los aportaron las creaciones de moda.

ZAPATILLAS DE LUJO. ¡QUIÉN LO IBA A DECIR!

Si a cualquiera de nuestras madres o abuelas le llegan a decir que esos «deportivos», «bambas» o «tenis» que cogían con repugnancia del suelo y que estaban soñando con tirar a la basura en un descuido se iban a convertir en artículos de lujo —con precios entre los 200 euros y lo astronómico— habría estallado en carcajadas ejecutando su plan de eliminación sin remordimiento. Hoy se lo tendrían que pensar dos veces. Las zapatillas son prendas fetiche para un gran sector de la población que es, o se siente, joven y que no se conforma con llevar en los pies lo que todo el mundo. Buscan exclusividad, ese pequeño detalle que marca la diferencia. Como dice Juncal Cucullo: «Las sneakers» [zapatillas deportivas] son cada vez más exclusivas. Nos volvemos cada vez más frikis de la última All Star pintada por no sé qué grafitero o la última colaboración con este artista o tal diseñador con una firma deportiva. Hay un mundo ahí alucinante y proliferan tiendas especializadas muy exclusivas, han subido el nivel de este tipo de producto, son de lujo».

En general, las avala el tipo de asociaciones de las que hemos hablado, pero la gran mayoría de las firmas de lujo, incluidas Louis Vuitton, Gucci, Burberry, Dolce & Gabbana, Hogan, Dior Homme, Prada Sport, Lanvin, entre otras muchas, desarrollan este tipo de producto de culto con éxito, y desde hace muchos años algunas de ellas. En un principio lo empezaron a hacer pensando más en los hombres que en las mujeres, un tipo de hombre menos formal, más moderno, que no le hace ascos a ir vestido impoluto y calzarse unas basket, unas Converse, unas tenis o una zapatilla de vestir. Pero hoy las prendas deportivas para mujeres tienen un gran auge también con la aparición de sneakers con cuña como las de Isabel Marant.

Muchas de estas zapatillas de lujo son ediciones limitadas, como la Super Ape Star del japonés Nigo —director artístico de A Bathing Ape—, fruto de customizar la clásica Adidas Superstar. Solo se produjeron quinientas y se vendieron en tiendas selectas, como Colette o las madrileñas Consuela, Playground, Non Stop, Step Shoes, Duke, Urban Shoes, Stereotokyo, especializadas en este tipo de modelos exclusivos de firmas deportivas; también 24 Kilates de Barcelona (en el Barrio Gótico, 24-kts.net) o SCRF Sacrés Français son buenos ejemplos del tipo de tiendas.

New Balance también tiene ediciones limitadas muy perseguidas. Puma fue una de las primeras en lanzarse hacia el lujo, colaborando con el diseñador Alexander van Slobbe con modelos lujosos entre la zapatilla y el zapato italiano (dentro de la colección Rudolf Dassler Schuhfabrik, la Puma Heritage Collection) inaugurando esta tendencia dentro del deporte: zapatillas para vestir, por muy contradictorio que les pudiera parecer a nuestras abuelas.

«Luego está el tema de tunearte tu zapatilla», dice Juncal Cucullo, refiriéndose a la tendencia dentro del sector deportivo de crear posibilidades para que los clientes individualicen sus zapatillas. Existen accesorios para las zapatillas, como las kickbacs, las barras que se colocan sobre los cordones, que incluso pueden llevar diamantes y costar siete mil quinientos dólares. Pero sin llegar a ese escándalo, Adidas y Nike han hecho incursiones en estas experiencias de personalización que van un paso más allá de las ediciones limitadas al permitir individualizar algunos de sus diseños a sus clientes. Yo, por ejemplo, me customicé unas basket Dunk de Nike a través de la web nikeid.com invitada por Chic, Joan Oliá Carnicer (Chic), entonces marketing sportswear manager de la firma y hoy fundador del showroom Muy Personal. He de decir que superado el momento inicial de terror ante la abrumadora cantidad de posibilidades, texturas y colores para aplicar en las diferentes partes de la zapatilla y la sensación inquietante de que estaba haciendo el modelo más chungo de basket jamás diseñado, extrañamente empecé a disfrutar. Y una vez finalizado el proceso, la ilusión crecía cada semana cuando me llegaban los emails avisándome de la inminente llegada de mi creación a casa, aunque a veces me invadía una sensación de temor sobre si finalmente me gustarían o no. Y llegaron, allí estaban mirándome detrás del papel tisú en su caja, con su swoosh en rosa flúor, sus cordones grises y su cuero blanco y negro. Como una madre primeriza pensé: igual no son las más originales del mundo, pero son mis niñas y mi nombre bordado en el talón de las mismas así lo acredita. No sé si me voy a encontrar a alguien con un diseño parecido; si lo hago, será gracioso; quizás alguien haya pensado lo mismo que yo y lleve su nombre o nickname en el talón de sus Dunk. La globalización tiene estas paradojas. Estoy deseando que envejezcan para darles el último toque; por alguna absurda razón, mis zapatillas favoritas son siempre las que están más gastadas y viejas. Y si mi madre o mi abuela intentaran tirármelas a la basura algún día, me daría un vuelco el corazón.

PERO ANTES DEL FLECHAZO HUBO MÁS DE UN COQUETEO

Antes de que el deporte se fijara en la moda y surgiera el flechazo del que hemos hablado, la moda ya se había fijado en el deporte y coqueteó con él continuamente. Era algo inevitable, la moda se adapta a las costumbres con su incontestable capacidad de supervivencia. Ya en 1917 la edición estadounidense de Vogue animaba a las mujeres a utilizar prendas más adecuadas para el campo y la montaña. En 1922, Suzanne Lenglen fue la primera tenista que lució minifalda y un bandeau en vez de un sombrero, causando un verdadero shock en las pistas. Según los pantalones fueron ganando aceptación a mediados de los treinta, aparecieron fibras sintéticas como el nailon en los cuarenta, y la producción en masa mejoró en los cincuenta, con lo que estas indumentarias se desarrollaron más.

En los sesenta se incorporaron las cremalleras y los botones de clip, en los setenta adquirieron un punto más sexy y, curiosamente, las fibras sintéticas propias de la ropa de montaña bajaron por primera vez a la calle como prendas de abrigo. En los ochenta, definitivamente el deporte formaba parte de la rutina de niños y adultos, el squash, el tenis, el jogging y el furor del aeróbic y los gimnasios consiguieron popularizar las prendas deportivas en la calle, las zapatillas, las sudaderas y los jeans se convierten en el uniforme oficial de muchos jóvenes y las firmas de alta gama comenzaron a diseñar sus primeras líneas o artículos deportivos para sus clientes.

Desde entonces, muchas firmas de lujo han sacado productos pensados para aquellos clientes y clientas que practican deporte y a los que además les preocupa su estilo: zapatillas, bolsas, tablas de snow, esquís, botas après ski, fundas de palos de golf, de raquetas, leggings... firmados por Chanel, Dior, Louis Vuitton, Carolina Herrera, Prada, Dolce & Gabbana, Gucci, Marni, entre otras, muchas de ellas con una resolución técnica muy efectiva. Prada en los noventa usaba tejidos propios del deporte (nailon, licras) para sus chubasqueros, bolsos y cortavientos que tienen que ver con el atletismo o la vela. «El deporte ha entrado en la moda y se ha dignificado, está presente temporada tras temporada. Y ha llegado al mercado masivo también. Los tejidos tecnológicos aplicados a lo cotidiano me parecen una gran revolución», dice el estilista Hugo Lavín. Ahora es muy normal ver prendas de inspiración deportiva en las pasarelas, se incorporan de muchísimas formas. Por ejemplo, «Lucas Ossendrijver, diseñador de la colección masculina de Lanvin, hace sus baskets y las mezcla con pantalones como de chándal con un tejido maravilloso, con una camisería impoluta, un trench code chulísimo y gorras», añade Hugo. Además, la pasarela cada vez se inspira más en la practicidad y comodidad del deporte aplicado a la vida, se han impuesto pantalones baggy, sneakers con cuña o los colores ácidos para el día a día, y muchos diseñadores (Alexander Wang y Stella McCartney, entre otros tantos) lo tienen presente entre sus inspiraciones habituales.

Pero aunque la moda es capaz de alcanzar la excelencia en su campo, aún está lejos de lograr la misma excelencia en innovación y tecnología que las firmas deportivas han adquirido. Por eso, finalmente, estos fueron coqueteos y el flechazo final, como hemos visto, surgió cuando los diseñadores de moda y las firmas de deporte unieron sus excelencias respectivas y complementarias para ir más allá, llevar la moda y el deporte un poco más lejos creativamente y más cerca del espíritu de los tiempos.

UNA REINVENCIÓN INTELIGENTE

Coco Chanel, una pionera en liberar a la mujer, vestir pantalones e introducir prendas deportivas para el día (como el jersey de tenis o marinero y la gorra marinera), solía decir: «La moda no existe solamente en la ropa; la moda está en el aire, la trae el viento, se la presiente, se la respira, está en el cielo, en las calles, nace de las ideas, de las costumbres y de las noticias». Una cita que parece estar en el espíritu de reinvención de este sector que, gracias a su alianza con la moda y la calle, ha encontrado nuevos nichos de mercado. Por otra parte, invierte y protege sus ideas, toma nota de las costumbres de sus clientes y está al tanto de las últimas noticias respecto a su estilo de vida, como pasamos a ver.

Respecto de las ideas, se está produciendo una feroz carrera de patentes, que se aplicaba al calzado pero hoy se traslada a las prendas entre los grandes monstruos del sector: Nike, Adidas y Reebok.¹ Las grandes marcas invierten en investigación tecnológica alcanzando máximos históricos y cuando logran un tejido que mejora sus productos, lo patentan. Es una estrategia que evita la copia de esa innovación una vez divulgada. Nike comenzó en 1987 y hoy existe una multitud de fibras patentadas por las diferentes firmas. Salvo por la distinta denominación que cada empresa hace, estas fibras van dirigidas a permitir una mejor transpirabilidad, a impermeabilizar, mejorar la resistencia al agua o al viento y reducir la fricción y la vibración, según las necesidades de cada práctica deportiva. Son tejidos inteligentes, en su mayoría ideados a partir de la nanotecnología y con acabados químicos que suponen una inversión muy alta. Los gastos que asume una empresa para proteger una patente superan los 60.000 euros durante los primeros cinco años en cada país donde opera, una cantidad a la que hay que añadir las tasas de mantenimiento anual y los honorarios de las agencias, entre otros emolumentos.

Respecto a las costumbres, ahora los productos se vuelven cada vez más sofisticados, más atractivos y prácticos. Por ejemplo, dentro de la colección Nike Women se ha lanzado una línea de ropa interior, Performance Underwear, creando el primer sostén diseñado específicamente para hacer deporte, con control horizontal, diagonal y vertical del movimiento, porque el pecho se mueve en forma de ocho durante el ejercicio; desarrolló cinco sujetadores diferentes, adaptados a las necesidades de cada mujer y disciplina, además de diferentes tipos de braguita —tanga, biquini o bóxer—, también creados con tejido Dri-fit que absorbe el sudor, una inspiración para las demás firmas del sector. Esta sofisticación también se traduce en la ligereza de las zapatillas, como la Daya, de carrera, de Stella McCartney (Adidas) de 150 gramos o la Concinnity (Puma) de 280 gramos, por mencionar algunos de los múltiples ejemplos.

Además, el patronaje de las prendas ha alcanzado una gran precisión ergonómica que ayuda a direccionar mejor los movimientos y produce un desgaste menor. Una sudadera y un cortavientos de la firma italiana Casall pueden llegar a tener 16 y 14 piezas, respectivamente, y también abundan las prendas con el mínimo número posible de piezas y costuras. Estas últimas son extrafinas, invisibles o planas para evitar las rozaduras durante la práctica deportiva. Cuanto más estructurada está una prenda, menos pierde su forma y diseño con el ejercicio, por eso es fundamental.

Y respecto a las noticias, no hay novedad que sea ajena al conocimiento de las firmas deportivas interesadas en el estilo de vida de sus consumidores y las modas externas al sector, incluso en la forma de escuchar música o navegar por internet. Un ejemplo fue Nike+, una serie de prendas y unas zapatillas pensadas para correr y escuchar música del iPod. Las zapatillas incorporan un bolsillo para un sensor automático que permite recibir información sobre la distancia, tiempo, ritmo y calorías quemadas que llega directamente al iPod, donde se puede programar y personalizar la música. La indumentaria de alto rendimiento de la línea —que incluye tops, shorts, capri, camperas y un brazalete— presenta un funcionamiento ingenioso con bolsillos impermeables protectores para el iPod y un sistema de control del cable. Además, la firma ha diseñado e-commerce, una aplicación para entrenar y un juego de entrenamiento, también en castellano. Y la red permite acceder a sitios como ashisports.es, runnering.com y <bhoga.es>.

También con el furor del revivalismo en la moda y la pasión, nostalgia y ternura que nos provoca lo «retro», no hay línea deportiva que no haya desempolvado sus modelos más míticos, ochenteros o clásicos, para alegría de melancólicos y mitómanos. También muchos de sus modelos se hacen para niños pequeños, para que los padres puedan vestir a sus hijos a su gusto o igual que ellos. Y también las casas deportivas tradicionales se lanzan a los fichajes y a los lavados de cara, como Lacoste, cuando en 2000 fichó al diseñador Christophe Lemaire, al que avalaba su trabajo en Yves Saint Laurent y Christian Lacroix, y que recuperó los característicos colores intensos y llamativos de Lacoste, trabajó en el cambio de imagen de las tiendas, creó una línea urbana llamada Club, cuyo emblema es un nuevo cocodrilo gris plata, y hasta un álbum recopilatorio de música electrónica a su llegada. Hoy el universo Lacoste se extiende al perfume, zapatillas, relojes, gafas o raquetas de acero, además de las prendas deportivas y de moda con Felipe Oliveira Baptista.

Otro ejemplo de cómo las firmas deportivas toman nota de las novedades en los gustos de sus clientes se ve en la posibilidad de individualización que ha llegado a las prendas deportivas, no solo en las zapatillas, sino también en prendas como el Convertible Top que creó Nike hace unos años, que se podía poner, al menos, de ocho formas diferentes según gustos y necesidades, tanto deportivas como estéticas. Una reinvención y adaptación a los tiempos que parece no tener límites, y si no que se lo pregunten a la cadena Decathlon, especializada en deporte, y que supone una reinvención low cost de este universo al alcance de todos.

¿DE DÓNDE SURGIERON LAS GRANDES FIRMAS DEPORTIVAS?

Vamos a hablar de los grandes de la industria del deporte, los que se llevaron las tajadas más jugosas de los 315.000 millones de dólares que en 2011 generó este sector. Todo lo que hemos visto, y su habitual apuesta por la tecnología y el deporte de competición, ha desarrollado este sector aumentando sus ventas. Un 13,2 por ciento Puma en 2011; también Adidas (excluyendo a Reebok) creció un 11 por ciento. Por su parte, Nike, tras pasar un bache, creció un 10 por ciento respecto a 2010. Pero estos gigantes un día fueron pequeñitos, veamos cómo nacieron.

Reebok

Si alguien recuerda la película Carros de fuego, sabrá que estaba basada en los atletas Harold Abrahams, Eric Liddell y lord Burghley en los Juegos Olímpicos de París de 1924. Los pies de estos corredores, y de otros atletas olímpicos, llevaban las zapatillas de Joseph William Foster de Bolton (Inglaterra). Este hombre era un corredor entusiasta y miembro de los Bolton Primrose Harrier y quería zapatos de atletismo para correr. Con unos pocos ahorros, en 1890, él mismo se fabricó manualmente unos, creando el primer par, los Spike of Fire («clavos de fuego»). Los empezó a fabricar, a mano, para otros corredores, y fue perfeccionando su técnica y estableció su propio negocio. Debido a su éxito, atletas de élite de Inglaterra y del resto del mundo empezaron a encargar sus Fosters. Los zapatos Foster Deluxe Spike eran un modelo tecnológicamente avanzado que cambió para siempre las carreras, siendo los mejores para correr durante casi cincuenta años. A partir de 1900, la compañía empezó a conquistar una clientela internacional de atletas. Foster desarrolló técnicas de medida diseñadas y personalizadas, siendo el primero en dar a cada corredor un producto ajustado a sus propios pies. Dos de los nietos del fundador, Joseph y Jeffrey Foster, al ver el crecimiento del negocio de los deportes, empezaron su propia compañía: Mercury. Una vez registrada, Jeffrey consultó un diccionario y descubrió la palabra reebok, que significaba gacela africana, y la llamó así oficialmente.

Adidas y Puma

La tradición olímpica de Adidas data de 1928, cuando algunos atletas compitieron en Ámsterdam con zapatillas de Dassler Company. Cuatro años más tarde, un corredor con las zapatillas de Adi Dassler obtuvo la primera medalla de oro en los Juegos Olímpicos de 1932 y Jesse Owens, con el mismo calzado, obtuvo el récord de cuatro medallas de oro en 1936. Otras grandes figuras olímpicas, como Emil Zátopek, Wilma Rudolph, Bob Beamon, Dick Fosbury, Nadia Comaneci y Haile Gebrselassie han marcado hitos en el deporte usando productos de esta marca que nació en la posguerra de la Primera Guerra Mundial (1920), cuando el alemán Adolf «Adi» Dassler, junto a su hermano Rudolf, confeccionó su primer calzado deportivo a partir de los materiales básicos disponibles entonces. Nació así Dassler Company. Dassler era un aficionado al atletismo y utilizó su experiencia de corredor para crear su producto; acudía a las competiciones oficiales y escuchaba las quejas y consejos de los mejores atletas con el objetivo de producir la zapatilla más ligera y funcional para mejorar el rendimiento de los mismos. Adi registró como marca las famosas tres rayas que se pusieron para estabilizar el metatarso y el nombre de Adidas surgió de partir las primeras sílabas de su nombre y apellido. En la década de los cincuenta, Adidas era conocida en Alemania, y en el Mundial de Fútbol de 1954, cuando la selección de este país llegó a la final y la ganó, todo el mundo vio que sus jugadores llevaban botas Adidas. Fue una de las mejores publicidades que pudieron obtener. Curiosamente, en 1948, Adi Dassler, por diferencias familiares, se separó de su hermano Rudolf, que decidió crear la empresa Puma.

Nike

La historia de Nike es simbólica del mejor oportunismo yanqui, y no lo digo como reproche. La pasión deportiva de Phil Knight, norteamericano y recién licenciado en empresas, le llevó a viajar a Japón a finales de los años cincuenta. Consiguió una entrevista con la firma de zapatillas de deporte Onitsuka Tiger, una de las más grandes de ese país. Se hizo pasar por representante de una importante distribuidora de calzado estadounidense interesada en comercializar su producto al otro lado del océano. En esa misma entrevista, y fruto de la improvisación, nació el nombre y la empresa germen de Nike: Blue Ribbon Sports (BRS), fundada en 1964. Su propósito era importar esas zapatillas baratas desde Japón y hacerse rico vendiéndolas en Estados Unidos. Consiguió hacerlo en Oregón, donde estableció su primera tienda; luego amplió el proyecto, mejoró los diseños, desarrolló el marketing y mejoró la calidad. A finales de los sesenta obtuvo considerables ganancias y Knight decidió registrar un nuevo nombre para la compañía: Nike («victoria» en griego, alude a la diosa griega Atenea Niké). Entonces se unió a la empresa su amigo Bill Bowerman, entrenador en la Universidad de Oregón, que fue el encargado de los diseños de zapatillas.

PARA AMANTES DEL DEPORTE Y LA MODA

1. Las colaboraciones de grandes diseñadores de moda y firmas deportivas mencionadas en este capítulo son una buena opción, así como las colaboraciones de personajes famosos con firmas deportivas.

2. Las ediciones limitadas de zapatillas son un auténtico lujo y todas las temporadas se renuevan.

3. Tunearte tus zapatillas es la última sensación: algunas firmas te permiten personalizar algunos modelos de sus zapatillas. (nikeid.com, por ejemplo.)

4. Casi todas las firmas de lujo y asequibles hacen modelos de zapatillas y prendas de streetwear o deportivas de lo más interesantes; es difícil que no encuentres la ideal para ti.

5. El estilo deportivo salta a la moda de la calle desde las pasarelas con sudaderas, t-shirts, pantalones baggy, zapatillas con cuñas, etcétera.

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DOS ICONOS, DOS GENERACIONES

«Alguien que mantiene la capacidad de ver la belleza nunca se hará mayor.»

Franz Kafka

Una tarde lluviosa de noviembre, en uno de los barrios más evocadores de Madrid, toco el timbre de la casa de Carolina Herrera, la tercera de las cuatro hijas de la diseñadora Carolina Herrera, con quien comparte algo más que el nombre. Ambas se han convertido en iconos de estilo para las generaciones a las que pertenecen y trabajan juntas en la firma que lleva su nombre. Para mi sorpresa, de forma fortuita, esta narración comienza con la pequeña Olimpia —primogénita de Carolina y el torero Miguel Báez, el Litri— abriendo esa puerta a la que llamo para ir retrocediendo en el tiempo y en su árbol genealógico y vivencial. Una historia de estilo que se cuenta al revés y que, como veremos, va mucho más allá de la moda y la ropa. Es una forma de vivir, de pensar, de estar en el mundo, de saber apreciar la belleza, la cultura y el arte.

Olimpia viste de rosa de los pies a la cabeza, lleva tutú, pulseras y zapatitos a juego, a medio camino entre una pequeña bailarina y una princesita extravagante. Empuja un carrito de bebé de juguete atareada, sumergida en sus juegos. Detrás, su madre me saluda y me conduce a un luminoso salón de grandes ventanales con preciosas vistas y le pide a Olimpia que nos deje a solas, ante su atenta mirada y preguntas curiosas. No protesta y se va empujando su carrito como si tal cosa. Carolina se acurruca en un inmenso sofá con Billy Stewie, el boston terrier de Olimpia y su hermano pequeño, Miguel. Y al rato, Billy Stewie huye de nuestro lado para buscar a su compañerita de juegos, enzarzada, seguro, en aventuras más emocionantes que la nuestra.

Lo que llama la atención de Carolina, y no es la primera vez que nos encontramos en una situación parecida, es su naturalidad desarmante, algo que muchas veces escasea en el mundo de la moda o se falsea. Ella no hace ni lo uno ni lo otro. Con la cara lavada, vaqueros, Converse azules por el tobillo y un sencillo jersey de rayas azules resulta tan cautivadoramente ella como meses más tarde se mostrará, con diseños de su madre, en las fotos de Mario Sorrenti para la campaña publicitaria de primavera/verano 2008 de Carolina Herrera en Nueva York. Lejos queda cuando posó en 1988 con veinte años para el perfume, Carolina Herrera. En 1997 empezó a trabajar en la firma de su madre y creó 212, su primer perfume, que supuso el comienzo de su trabajo en la firma, desarrollando fragancias y siendo portavoz de la segunda línea CH.

Ahora está felizmente casada, es madre de tres hijos y además de sus responsabilidades en la firma ha desarrollado «aventuras empresariales» como la apertura de la tienda eco para niños Baby Deli. Un proyecto que le hace mucha ilusión y que desarrolla con amigas íntimas. Se recoge el pelo largo y ondulado tras la nuca y la apoya en el respaldo del sofá con suavidad. Mira a los ojos con franqueza y, cuando no, clava sus profundos ojos azules en un punto perdido de su acogedor salón, reflexionando, sin dejar por ello de ser directa y sincera en sus respuestas, con esa exquisita educación suya donde no hay ni trampa ni cartón. Y sin más, le pregunto qué es el estilo para ella. Con su dulce acento venezolano, dándome a ratos ese perfil patricio que ha heredado de su madre y que le confiere cierta sofisticación innata, contesta: «¡Me lo preguntan tanto! Para mí, el estilo es naturalidad; cuando veo a alguien y digo que tiene estilo, no necesariamente tiene que ver con lo que lleve puesto. Es cómo habla, cómo está, cómo es, a veces cómo piensa, cómo se mueve. A veces digo que uno puede tener estilo hasta desnudo. Creo que hoy día lo asociamos demasiado a la ropa, es la manera más fácil de verlo, pero el estilo va más allá de lo obvio, de la ropa. No digo que no tenga que ver, pero es más la idea de cómo es uno, natural. Cuando hablas con alguien, sabes cuándo utiliza una pose o no, cuándo está siendo totalmente natural o cuándo está forzado. El estilo es cuando no hay esfuerzo y hay naturalidad».

—¿Crees que está conectado con un cierto tipo de sensibilidad?

—Igual me voy a ir a un extremo, pero tengo muchas amigas que están con el tema verde [se refiere al movimiento ecológico de respeto al medio ambiente] desde hace veinte años. Ahora está entrando mucho en España, pero en Estados Unidos e Inglaterra lleva ya mucho tiempo. Bueno, pues me parece que Stella McCartney,¹ por ejemplo, tiene un gran estilo, porque le sale del alma, no va por ahí dándote en la cabeza, adoctrinando, diciéndote lo que te tienes que poner, qué es lo que tienes que hacer o qué comer. Es su estilo de vida, su manera de ser. Para mí eso es tener estilo, porque no coge lo que está de moda ahora. Le sale del alma, lo vivió toda su vida, es cómo creció y verdaderamente lo cree, no es la moda del momento.

—Es curioso, venía leyendo una entrevista de ella en el W² de octubre y es muy interesante.

—¿Ah, sí? No la he visto [dice interesándose]. A mí ella me encanta, para mí es un poco severa, obviamente, pero no lo es en ella porque es su manera de ser. En cambio, a veces hablas con gente que te trata de adoctrinar todo el tiempo, que si tienes que comprar marcas porque si no, no eres elegante, que no puedes usar piel porque, si lo haces, eres malvada. Para mí eso es el antiestilo. Creas lo que creas, mientras te salga natural, sí puede mostrar una sensibilidad, como has dicho. Siempre y cuando sea real.

—¿Y qué iconos crees que tiene el pulso de lo contemporáneo, reflejan la moda de estos años 2000?

—No tengo iconos; creo que cambian con la época. Igual mi icono de pequeña era Barbie o algo así, pero iconos reales no. Admiro a gente a veces sin conocerlos, por la calle o viendo las noticias, algo que te llega al corazón y piensas en ello un tiempo. Pero, aunque todo el mundo lo dice, estoy de acuerdo, Kate Moss ha sido un referente en la moda, no hay que ver su vida privada, eso hay que separarlo, pero ella sí. Es una chica que no necesariamente se viste de Chanel, que sabe mezclar, que sabe usar ropa de marca y de no marca. Creo que hoy día hay una gran obsesión; la gente cree que la elegancia es vestirse de Gucci de arriba abajo, o de marcas caras, y no saben, por ejemplo, que se puede ir a un Mango, un H&M o una tienda equis, comprar y tener estilo.

—¿Y crees que algo que podría caracterizar los tiempos de moda en los que vivimos es la capacidad de mezclar, un poco como en los setenta...?

—Yo lo he hecho toda mi vida. En realidad, creo que menos ahora que antes. Cuando tenía dieciocho años y mis amigas también, no había la obsesión por las marcas de ahora, y en mi casa había una marca, y en Nueva York teníamos amigas que eran hijas de diseñadores. No había todo esto, la obsesión de ahora por usar la marca. Creo que lo de mezclar era más de antes. En Nueva York mis padres viven en un área donde están todos los colegios privados. Y por las mañanas, antes de ir al colegio, me voy a tomar un café y veo niñas con catorce o dieciséis años que llevan bolsos de Chanel de este tamaño —dice, dibujando con las manos un formato muy grande, de big bag.

—Por lo que decías de las niñas del colegio... ¿crees que todo este boom de celebrities asociadas a firmas de lujo, a la moda, y toda esta información que recibimos de las revistas impone un tipo de estilo?

—Sí, definitivamente. Creo que sí. Por ejemplo, la revista Vogue [se refiere a la edición estadounidense] hoy día no pone modelos en la portada, son todas actrices, y es lo que vende, sabes. Creo que sí, han impuesto mucho, han vuelto como toda una manía de marca y de que te tienes que parecer a Charlize Theron o a la actriz del momento.

—¡O Lindsay Lohan o Paris Hilton! ¿No es un poco preocupante que chicas de este tipo hayan sido un referente de las niñas de catorce años?

—Sí. Creo que quienes tienen la culpa son las revistas de moda. ¿Te digo quién creo?, ¿de verdad? Aunque no sé si lo debería decir, ella ha tenido una gran influencia en poner de moda este fenómeno y para mí es responsable, en parte, de todo esto: Anna Wintour, porque es la que pone de moda expresiones como it girl y los referentes son tías guapas, que van a fiestas y que tienen suerte, porque la mayoría no han hecho nada. Estoy de acuerdo en que haya una «chica it», siempre ha habido referentes, y siempre estos van a ser chicas guapas más que feas. Pero ayuda que tengan algo, como Gwyneth Paltrow, que me parece fantástica, trabajadora, estudiosa, guapa, habla idiomas, viaja, tiene dos niños. Lo es ahora y lo era hace diez años, cuando no estaba casada; ella, por ejemplo, es un referente que vale.

—¿Qué tipo de cultura de moda, de estilo, crees que se está transmitiendo desde los medios de comunicación?

—En muchas ocasiones se transmite que la moda es dinero, que para tener estilo, ser elegante o cool tienes que tener dinero. Y no siento que eso sea verdad, porque puedes ir vestida con veinte mil euros encima y no ser nada elegante. Es más cómo lo llevas, cómo piensas y cómo lo haces. Algo un poco más abstracto.

—¿Y qué diseñadores, en tu opinión, tienen el pulso de lo contemporáneo?

—La mayoría de los que están ahora vigentes, son esos, porque si están funcionando es que tienen el pulso de lo contemporáneo.

—¿Cómo ves a tu generación en relación con la de tu madre, respecto a la moda?

—Se ha perdido un poco la discreción. Aquí no pasa tanto, pero en Nueva York vas a cualquier fiesta y siempre te preguntan de quién es lo que llevas puesto. Y si no contestas que los pantalones son de equis, te ponen en la foto: «Carolina Herrera vestida de Carolina Herrera ¡y vintage!». Falta discreción; no entiendo esa necesidad de saber exactamente de dónde viene todo. ¡Qué más da lo que tenga puesto!

—¿Y qué cambios se han producido, qué licencias nos tomamos nosotros que no se tomaban nuestras madres?

—Que la ropa de invierno era de invierno, la de verano, de verano, que no usabas medias en invierno, no ibas a una fiesta de largo de corto. De hecho, los hombres, toda la vida, cuando tú vas de largo, deberían ir de esmoquin. Hoy día las mujeres van de largo y los hombres de traje, por ejemplo. Esas cosas que se ven tan bonitas en las películas de los años cincuenta. Pero también te das cuenta de que entonces la gente era elegante sin mucho, el vestido y el pelo, pero no veinte mil joyas, la cartera y no sé qué. Hoy la gente tiene demasiado, se han perdido un poco las tradiciones.

—¿Qué rescatarías de este tipo de tradiciones?

—A mí me encanta que en invierno te puedas poner un vestido de verano y te lo tapes con un abrigo, me encanta todo esto. Igual sí rescataría la discreción, no estar tan obsesionado por lucir la etiqueta por fuera y decir «tengo esto». La idea de que tú te vistes para ti, no la competencia de quién tiene el vestido más caro.

—Y si tuvieses que definir tu estilo...

—Creo que me resulta imposible; mis influencias de pequeña eran la música, mi mamá, una mezcla de lo que iba viendo en casa. Te puedo decir lo que no soy. No soy una víctima de la moda, nunca caigo, nunca peco, o trato de no hacerlo. En realidad nunca me gusta la moda del momento, la bolsa de moda, el zapato de moda, el abrigo de moda, porque no me gusta ser como todos, no me gusta ir por la calle y que identifiquen lo que llevo puesto porque sale en las revistas o está de moda. Pero me encanta la moda, uso de todo y lo mezclo todo, aunque prefiero que no se sepa qué estoy usando porque lo estoy usando de forma diferente o porque lo mezclo con otra cosa.

—El estilo es algo personal e intransferible. Se construye a partir de la propia identidad, ¿no?

—Sí, y te lo vas adaptando a lo que te queda bien. A veces llevo vestidos de mi mamá y todo. Si tienen manga larga y a mí me queda mejor corta, se las corto. O si la falda es por aquí, porque están de moda los años cuarenta, a mí no me van y no me queda bien. Pues la pongo por donde me va bien. No voy a salir vestida de años cuarenta porque es la moda. Es saber lo que te va bien a ti y cómo lo llevas.

—¿Crees que el estilo es algo que se va desarrollando también?

—Sí. Hay un instinto que tienes desde pequeño, creo, y se va desarrollando como todo. Uno cocina mejor si cocina más; las cosas las vas haciendo mejor cuanto más las haces y más tiempo les dedicas.

—El otro día, una diseñadora me comentaba que una mujer con estilo suele sobrepasar los treinta y cinco o cuarenta años porque decía que hasta ese momento no conformamos nuestra identidad y no sabemos rodearnos de las cosas que realmente nos identifican... ¿Tú lo compartes?

—No, fíjate que no, y hablo mucho de Nueva York, pero lo digo, por ejemplo, porque veo muchas niñas por la calle con uniforme (yo usaba uniforme de pequeña), de catorce o quince años, y todas son diferentes. Creo que eso es el estilo, saber llevar las cosas de una manera diferente. Y a veces pienso, estas niñas son increíbles, hay algunas que me parecen ridículas (las de los bolsos de Chanel), pero hay otras increíbles, que van a tener mucho estilo; y lo ves. Creo que lo veo hasta en los niños pequeños, la manera como usan los overalls,³ cómo llevan un vestido, se nota. Yo lo noto.

—En esta industria cada vez más rápida, con más colecciones⁴ y con más recursos para llamarnos la atención, ¿realmente uno puede digerir todo?

—No, todo no, por eso también es importante tener tu propio estilo. Digieres lo que te interesa. Yo veo una revista y hay muchísima información, a veces me paro y veo lo que me gusta, lo que me interesa, la foto que me llama la atención, unos zapatos que me gustan... pero no la estudio de pies a cabeza porque «es moda». Es importante que haya de todo, porque hay muchos gustos y eso está bien, pero justamente tener estilo es saber qué ver, qué te llama la atención. Estoy en contra de ponérselo porque está de moda, de comprarlo porque lo usa Paris Hilton o decir que te gusta porque lo dice Vogue. Eso me parece el antiestilo.

—¿El boom del vintage en estos años es porque tenemos la necesidad de tener cosas especiales, diferentes a las que lleva todo el mundo?

—A mí lo del vintage se me hace ridículo. De hecho, no he ido a un mercadillo en diez años. Y antes iba siempre, porque encontraba cosas especiales, ahora no encuentras nada. Además, ahora, lo mejor de lo mejor es que un vestido de hace diez años: ¡es vintage! [se ríe]. De repente ves vintage Marc Jacobs referido a un vestido de hace unas temporadas. Para mí, la palabra vintage ha perdido totalmente su glamour, ya no sé cómo llamarlo, lo llamaría hasta «viejo» mejor que vintage [nos reímos]. ¡Igual es que hay que darle una nueva denominación!

—¿Qué prendas son un poco icónicas para ti? ¿A cuáles les tienes mucho cariño y cuáles crees que definen un poco tu estilo o lo han definido en una época?

—La verdad, no creo que me defina por ninguna ropa, igual cuando iba al colegio sí, tenía una chaqueta de cuero, una motorcycle jacket, que teníamos todas en realidad, como de rockabilly. Usaba eso y Doc Martens que no fueran de cuero. Creo que te define más un estilo cuando eres joven, que estás probando diferentes cosas. Pero ahora, para mí... en realidad todo lo que tengo me gusta, ¡tampoco tengo el armario de Mariah Carey! [se ríe]. Tengo lo que me pongo y lo que me pongo me gusta. Si se me pierde la maleta, que ha ocurrido, pues no me pondría trágica, pero me daría mucha pereza volver a buscar todas las cosas que me encantan, porque viajo con lo que me gusta. Pero no tengo nada que me pudiera suponer un trauma perder, tengo un vestido que sí me encanta, de hace como diez años, de Lanvin, cortito, y no me gustaría perderlo.

—Pertenecemos a esa generación que en la adolescencia vivió el grunge. ¿Tú crees que eso ha influenciado la forma de vestir de ahora más relajada?

—Mi mamá es bastante conservadora y en mi adolescencia se horrorizaba de cómo vestía yo. No necesariamente fue el grunge, yo tenía diez años en 1979. De adolescente tú ya tienes en tu cabeza cómo quieres ser. Sabes, si hubiera sido por mi mamá, hubiera estado vestida como una marinera ¡hasta los dieciocho años! [se ríe], ¡y con lazos! No sé tampoco si era el grunge. Más bien era la música en general, de Adam Ant, The Cure, los Smiths, era más de eso que el grunge de Marc Jacobs, que nadie lo podría comprar. Yo con dieciocho años no estaba comprando ropa y menos vestidos de dos mil dólares. Stephen Sprouse⁵ marcó muchísimo, mucho más que un Marc Jacobs, era superreferente en su época, a mí me influenció más él que Marc Jacobs en su momento. Pero el estilo lo marcas tú, porque tengo amigas que eran mucho más elegantes, más señoritas, y lo siguen siendo. Y me decían, ¡qué te estás poniendo!, ¡estás loca! Yo me pintaba las uñas de negro y ellas no, por su personalidad.

—Pensando en tu trabajo con las fragancias, es casi como si condensaras en un perfume un trocito de tu estilo personal, de vivencias, experiencias y la firma de tu madre en una fragancia. Me parece algo muy bonito y relacionado con el estilo también. Me gustaría saber cómo trabajas a nivel creativo con las fragancias, ese proceso de búsqueda...

—Me lo tomo como si fuera a crear un guión. En mi cabeza le doy vida a esa mujer nueva... quién es, qué hace, cómo vive, qué le gusta, cómo es, etcétera. Y después vamos dándole forma al concepto, al olor, al packaging, a la publicidad, etcétera. Lo único que, cuando terminamos la fragancia, tiro personalmente ese guión a la basura. Para mí, el éxito de un perfume es que le pueda gustar por igual a una mujer de veinticinco años y a una de sesenta y cinco. Creo que los olores son muy personales y lo que evocan, o pueden llegar a evocar, tiene más que ver con las experiencias y la memoria.

—¿Cómo crees que tu madre valora tu estilo, cómo crees que te definiría?

—Creo que le gusta. No me lo dice a mí, porque todavía me pregunta qué te vas a poner, no te vayas a poner esto o aquello [risas]. Pero lo respeta, igual que te dirá que cuando tenía quince años me veía horrorizada ir al colegio con esas botas que no me pondría ahorita. Pero yo me veía genial y me encantaban. Te va a decir que siempre mezclaba, que cogía y cortaba, y es verdad. A una camiseta de manga larga se la cortaba, los pantalones los hacía más pequeñitos. Como siempre, lo adaptaba a mi gusto personal. No lo veía como una rebeldía, aunque mis padres sí. Suena que iba un poco goth pero en realidad no era así. Llevaba mis Doc Martens con mis faldas, o vestidos con mi chaqueta de cuero. A los trece años lo que me preocupaba era que no me dejaran salir de noche, ir sola caminando al colegio, ir a conciertos y que a los niños que me gustaban no les gustara yo. También era muy buena estudiante y me preocupaba sacar buenas notas.

—Y tú, ¿cómo definirías el estilo de tu madre?

—Ella no cambia, tiene su estilo muy marcado y eso ha sido parte de su éxito como diseñadora, no cambia con el tren del momento.

—Eso también es el estilo, algo imperecedero.

—Claro, ella sabe lo que le queda bien y, de hecho, ha creado un negocio con mucho éxito y eso es también increíble. No se pone pantalones de cuero, chaqueta de cuero y botas altas porque no es su estilo, y eso es importante. Es más clásica que yo..., pero tampoco. Lo que pasa con mi mamá es que yo me puedo poner exactamente su ropa, se la quita ella y me la pongo yo, ¡y a mí no me queda igual! Ella se ve perfecta y yo no [risas]. Es verdad, es increíble, me puedo poner exactamente su camisa blanca, la falda y los zapatos, ella se ve impecable y yo igual me veo bien, pero ni impecable ni nada. Por eso creo que hay algo en ti... por ejemplo, Vivienne Westwood es increíble, ha marcado toda la música de una época en Inglaterra y en el mundo. Y es ella donde la pongas, y el opuesto de lo que puede ser mi mamá, que también es ella donde la pongas. Cada una tiene su estilo y lo increíble de las dos es que no han cambiado ese estilo. Estoy pensando que si le preguntas a Vivienne Westwood sobre su estilo, probablemente no se va a definir a sí misma, va a definir un estado.

—¿Cómo eras de niña, cómo te vestían y cuándo empezaste a vestirte tú sola?

—De niña era bastante independiente y metida en mi mundo. Jugaba mucho con muñecas, aunque también con la bicicleta y el patinete con mis primos varones. La verdad es que no recuerdo escoger mi ropa hasta que tenía doce o trece años. Fue el momento en que, aunque mi mamá seguía escogiéndome la ropa, dije basta. Hasta recuerdo llevar un bolso con la ropa que a mí me gustaba y me cambiaba después de salir de casa. Recuerdo que a mí me gustaban los pantalones y a ella le gustaba que fuera vestida igual que mi hermana pequeña, con vestidos y moños en el pelo.

Y llegando a ese punto en el que Carolina era pequeña aún y comenzaba a escoger su ropa, enlazamos la conversación, meses más tarde, con su madre, la diseñadora Carolina Herrera, tan encantadora, educada, ingeniosa e inteligente como su hija, o precisamente al revés. Desde su oficina en Nueva York, poco después de presentar su última colección, me atiende para hablar de estilo, de eso tan abstracto sobre lo que ella ha materializado un negocio global, poco a poco, con discreción, disciplina y constancia. Una sólida y floreciente carrera por la que le han concedido el Life Time Achievement de la moda unos meses antes de esta entrevista. Le digo que es merecido y contesta: «No sé si merecido, pero me gusta mucho, adoro cualquier premio», y se ríe. El 26 de abril de 1981 hizo su primer desfile en Nueva York como una prueba para ver si sus diseños gustaban y desde entonces lleva más de treinta años en la moda: «Se pasa el tiempo rapidísimo», dice.

Tenía entonces cuarenta años, cuatro hijas (Carolina hija tenía doce años), y ante la respuesta positiva de las clientas y de la influyente Diana Vreeland, entonces directora del Vogue estadounidense, decidió mudarse a la Gran Manzana y montar Carolina Herrera Ltd. Sus diseños, de una elegancia natural, sin artificios ni exageraciones, llamaron la atención de las mujeres de la alta sociedad neoyorquina, entre ellas Jackie Onassis, a la que vistió durante más de doce años, captando ese «algo» contemporáneo y chic que se respira en Nueva York. Ese espíritu neoyorquino que ella impregna de la tradición y herencia de su Caracas natal, del ambiente familiar y social venezolano en el que creció, creando innatamente un puente entre dos universos que configuran, entonces y hoy, su identidad personal, familiar y el éxito de su trayectoria profesional. Ahora, esa aura se extiende desde su primera y segunda línea CH a las fragancias, los accesorios y los trajes de novia en tiendas en Estados Unidos, Latinoamérica, Europa y Dubái.

—¿Qué es el estilo para usted?

—Es muy difícil definir el estilo. La gente cree que es lo que llevas puesto lo que te da tu estilo, pero creo que es algo muy personal y que se refleja muchísimo en la forma en que la persona se arregla, cómo usa lo que está llevando. Y también un todo, una forma de pensar, los libros que lees, el arte que te gusta, es algo personal que le da una.

Hay una anécdota que simboliza esta forma de pensar de que el estilo va más allá de la ropa. Ninguna de las dos Carolinas me dijo que habían estado o están en el Hall of Fame de la moda, la lista de las mejor vestidas del mundo. Hablando con Carolina madre, me dijo: «Tú no lo sabes, porque mi hija no te lo va a decir nunca, ella está en el Hall of Fame de las diez mujeres mejor vestidas del mundo desde hace años. No te lo dirá porque eso no lo considera, te lo digo yo», y se rio sin mencionarme que ella estuvo desde 1980 a 1990. Más tarde, cuando le pregunto a Carolina hija si no le parece gracioso que ninguna de las dos me comente lo del Hall of Fame, me dice: «La verdad es que sí. Nunca me hubiera imaginado que ella no te lo diría. A mí, la verdad es que se me olvida y tampoco le doy importancia, porque sinceramente no creo que la tenga. A mí me mandan la lista todos los años para que vote y cada año hay gente que viste ¡verdaderamente mal!». Y en una segunda conversación con Carolina Herrera madre se lo refiero y me dice: «Sí, entré en el Hall of Fame en 1980. Mi marido también, y Patricia y Carolina. A mí me pasa como a mi hija Carolina, me da un poco igual también, no lo estoy pensando todos los días, pero si estás escribiendo un libro, te lo digo. Pero no se lo digo a todo el mundo, para qué, eso no es tan importante en la vida». Para mí, pensar así es tener mucho estilo.

—Carolina me habló de las niñas que ve por las mañanas, cuando está en Nueva York, entrando con bolsos Chanel al colegio. Le sorprendía cómo era ella a su edad comparada con esas niñas y cómo ha educado usted a sus hijas sin que pareciera que había una firma en casa.

—Te voy a decir algo. Yo no crecí en una familia ni fui educada en un entorno en el que todo el mundo hablaba de moda todo el tiempo, ni de estilo. Cuando estaba creciendo, nadie me hablaba de moda; estaba en otras cosas, con mis caballos, montaba a caballo todos los días, jugaba al tenis, y mis hijas lo mismo. No había una conferencia diaria sobre si se usa el último vestido de Chanel o la última cartera de Prada; eso no existía, ves. Hoy día eso ha cambiado muchísimo y ves a niñitas de once años en la peluquería haciéndose la manicure y pedicure [se ríe]. Las cosas han cambiado mucho.

—¿Por qué cree que existen esas diferencias?

—Porque tú sabes que la moda es un cambio cada tres meses, y cambia y cambia y cambia. La moda no se queda, la moda es efímera, es una locura. Ahora, como hay tanta información por la televisión... Por ejemplo, cuando yo estaba creciendo y cuando mis hijas crecían, no pasaban los desfiles en la televisión. Ahora la gente es más consciente de que existe la moda debido a la información visual que tienen por la televisión y por todas las revistas y los periódicos que hacen crítica de moda. Entonces, claro, es algo muy atractivo, porque la moda ha sido un concepto atractivísimo siempre, empezando desde el siglo XVIII con María Antonieta y una modista que se llamaba Rose Bertin, que le hacía vestidos y cambiaba de moda cada semana. Siempre ha sido atractivísimo para la mujer y los hombres. Pero, aun así, la moda es un misterio, nadie va a saber qué es, es mágica, no la puedes describir. Pero, a la vez, es necesaria para todos los días, te tienes que vestir a diario y en el momento en que te estás vistiendo y estás tratando de poner dos colores juntos, o unos zapatos que vayan bien con tu falda... ya estás en moda, quieras o no.

—¿Cómo la educaron a usted respecto a la moda?

—Te voy a decir que me educaron de una forma en que no me hablaban de moda [risas]. Eso que pasa ahora, que ves que las niñitas de tres y cuatro años deciden qué es lo que se van a poner no pasaba conmigo. Me decían, esto es lo que te vas a poner hoy, y punto. Esa cosa nueva que existe, que las niñas tienen que tener su propio estilo desde que son chiquititas porque si no se pueden frustrar, no creo en eso. Eso va dentro de ti, y más adelante sale. La moda estuvo dormida dentro de mí hasta que, de repente, se despertó cuando tenía la edad apropiada para que lo hiciera.

—¿Y qué edad fue esa, más o menos...?

—Vamos a poner dieciséis años o algo así... quince años.

—Y de empezar a disfrutar de la moda a convertir eso en un negocio...

—Eso fue muchísimo más tarde en mi vida.

—¿Y qué encontró de interesante en la moda para dedicarle su vida?

—Bueno, te confieso que tengo pasión por la moda, me encanta todo lo que está conectado con eso. Obviamente estoy haciéndola desde hace más de treinta años y lo volví negocio. Ha crecido enormemente, gracias a Dios, porque el gran éxito de Carolina Herrera son las mujeres y los hombres que compran lo que hago; mientras más compran, más éxito tengo. Pero la moda hay que tomarla con calma, siempre digo que para que una mujer no se convierta en una «víctima de la moda» tiene que estudiar su propio estilo, lo que le queda bien. Y no porque algo esté de moda y sea tendencia se lo tiene que poner. Eso implica que, si una mujer no tiene piernas para llevar una minifalda pero se usa la minifalda, no la usa y se pone una cosa que le resulte atractiva. Porque la moda es para tu ojo, no es nada intelectual, es para agradar al ojo, para hacer que una mujer se vea más bonita o un hombre se vea mejor. Para mí, lo contrario del estilo es usar la moda «al último grito» así no te quede bien. Y esa cosa que hay ahora de los it bags, los bolsos del momento... me divirtió muchísimo una entrevista que le hacían a Carolina que leí el otro día. Me reí cuando le preguntaban qué creía ella de los it bags y decía: «bueno, cuando ya no son it, los compro» [se ríe]. Eso es típico de mis niñas, no llevan lo que se lleva, me parece divertidísimo porque yo hacía lo mismo. Si la moda estaba de minifalda, me ponía largo; si era largo, me ponía mini, todo lo contrario, porque tienes que crearte tu propia forma de verte, sabes. Es importantísimo que la gente diga, mira qué divertido, se ve estupenda pero no está igual que todas las demás. Las tendencias tienden a poner un uniforme y muchas mujeres se sienten cómodas usando algo que ya ha sido probado, que se ve bien, que alguien famoso se lo ha puesto, entonces, aunque no les quede bien se lo ponen para decir, mira, tengo el bolso de CH Carolina Herrera porque lo tiene muchísima gente. No hay esa cosa de creatividad que va conectada con el estilo propio. La gente es cero osada. En vez de decir me lo voy a poner así aunque no esté de moda, porque se ve bien. Eso para mí es un poco más importante que la tendencia, que todo el mundo se vista igual.

—El culto a las celebrities, los it bags, las it girls, los must-haves de la temporada... ¿Todo esto en qué educa a la gente respecto de la moda?

—En nada. Educa en mal gusto. Muchas cosas que ves en las revistas son para vender la prensa. Hay muchas prendas que las ves fotografiadas y dices: ¡no me quiero parecer a esto! Pero justamente hay un síndrome de «hay que tener lo último que salió». Y esa cosa de las celebridades... claro que sí, venden, venden, venden, pero no es muy importante, no están creando un estilo, están siguiendo lo que una revista les está diciendo. No es una cosa que ellas crearon solas, lo ven en una persona y todas las demás lo hacen, es algo que es mejor dejar de lado.

—En estos treinta años, ¿qué le ha sorprendido de cómo ha cambiado la industria?

—En moda hay sorpresas todo el tiempo. Pero es importantísima. Por ejemplo, en Estados Unidos es el negocio número dos, primero los coches y después la moda. Voltéate y mira la cantidad de diseñadores nuevos que existen todos los días. Te pones a pensar y dices qué barbaridad, salen cantidades, unos llegan y otros no, porque, como es tan atractivo, parece muy fácil y glamuroso... pero es dificilísimo, muy duro y con mucho trabajo. Lo más difícil es tener que lidiar con los egos de la gente en moda, eso es lo más difícil del mundo [ríe]. Todos se dicen: «Aquí estoy», «soy un genio». Y eso es mentira, hay un reto todos los días, esa gente que te dice ya lo sé todo, ya hice todo, no voy a aprender más nada, está totalmente equivocada, porque todos los días hay algo nuevo. Y sobre todo en moda. Novedad y qué hay de nuevo son expresiones normales para la gente conectada a la moda.

—Esa rapidez con la que vivimos ahora en moda. Hay colecciones, precolecciones, los desfiles se multiplican. ¿Cómo los afecta a los creadores?

—No nos afecta en nada. Te voy a decir, esto es una colección tras otra. Terminé ahora la colección de invierno, pero había hecho un mes antes el prefall (el preotoño) y ahora estoy trabajando en la colección de preverano, o sea, que nunca se para. Claro que no te voy a decir que lo hago yo sola. Tengo un equipo maravilloso y fantástico. Si no te rodeas de un equipo fantástico, no puedes llegar a nada, porque cuanto más creces, más demanda hay. Y también tengo el equipo que lleva los números, el negocio y todo eso, en lo que yo nunca me he metido. La creatividad y los números son totalmente opuestos. Si tienes que estar creando moda y ocupándote de los números, no te da la cabeza, es imposible. El cerebro empresarial no tiene que ir conectado con el creativo, porque mientras estás hablando de números, yo estoy pensando en si debería poner una pluma más a esa falda [y se ríe].

—¿Cree que se han relajado los rituales y los convencionalismos sociales de su generación a la generación de sus hijas?

—Hoy día no hay ningún convencionalismo, todo se usa. De repente vas a un almuerzo y te encuentras a unas mujeres vestidas como si fueran a un cóctel. Lo que estoy tratando de decir es que en la moda actual está permitido todo, no importa estar vestida un poco de noche para el día. Eso conmigo no va, ves. Yo todavía me quedé en lo mío y ahí estoy.

—¿Y cómo es lo suyo, esas convenciones que le gustaría que perduraran?

—Primero la elegancia, no se debe perder. Como te dije antes, la moda es para agradar a tu ojo. Siempre pienso que una cosa elegante, bien puesta, bien cortada y bien hecha nunca pasará de moda. Y segundo, a mí el exceso no me gusta, me gustan más las cosas simples pero con un toque extravagante si quieres, porque eres mujer a fin de cuentas. Pero esa cosa de que todo se usa y que de repente estás vestida de paillettes⁶ para ir a las nueve de la mañana a un desayuno me parece un poco absurda.

—¿Tiene un sentido que ese protocolo siga vigente?

—Tiene que tener vigencia, porque vestirse para la ocasión y la hora es importantísimo. Te digo esto porque si te invitan a una cena en la noche de esmoquin, tú tienes que llegar arreglada de una forma que vaya bien con tu acompañante, ¿no? No te vas a presentar en jeans y con una camisa porque te provocó [risas]. Primero, es de mala educación con tu anfitrión, pues no hiciste el esfuerzo. Y después, que es importantísimo vestirse de acuerdo a la hora y la ocasión. Yo me sentiría incomodísima de ir vestida de noche de día, no sé, me parecería raro, es poco práctico. ¡Y, sobre todo, en Nueva York coger un taxi vestida de noche a la mañana es muy complicado! [ríe]. Y las niñas lo asimilan muy bien; todas mis hijas, gracias a Dios tengo cuatro hijas maravillosas y que tienen su propio estilo, no siguen esas tendencias al pie de la letra, nunca. Se visten de la forma que se visten y son unas perchas, a todas les queda bien la ropa. Pero Carolina, por ejemplo, no está dedicada a la moda totalmente. Carolina, si uno lo piensa, dice qué cosa tan seria, esta niña que no tiene ese interés absoluto por la moda, que se viste en diez minutos y que, cuando sale, está mejor que todas las demás y sin esfuerzo. Es una cosa que le sale, como a todas mis niñas. Y no es que se pase la tarde entera planeando qué se va a poner, sino que tú la llamas y dices: ¿quieres ir a tal lugar? Te paso a buscar a tal hora. Y en diez minutos está lista.

—Me contaba Carolina que todavía usted le preguntaba qué se iba a poner cuando tenían algún evento.

—Sí, es una manía que tengo, le pregunto qué te vas a poner, y nunca sabe, porque lo planea al final.

—¿Cómo era Carolina de adolescente? Me contaba que tuvo una fase rebelde que iba con Doc Martens.

—Bueno, ella... [se ríe]. ¡Los primeros Doc Martens que yo vi fueron de Carolina! Se ponía unas minifaldas mínimas y esos zapatos de policía americana, como los llamaba yo, sin medias, y toda llena de pulseras de goma negra en un brazo, las uñas pintadas de negro. ¡Creía que le había dado algo! Era rebelde, pero normal. Lo hacía porque creía que le quedaba bien, no estaba copiando a nadie, sino que lo hacía porque le daba la gana. Y eso para mí es importante, lo mismo fue con Patricia, lo mismo con todas.

—¿Cómo cree que ha evolucionado el estilo de Carolina de la adolescencia a ahora?

—Como evolucionan todas las mujeres que tienen sentido común e inteligencia. A medida que va pasando tu vida, lo que te quedaba bien a los quince años no te queda bien a los treinta. Y, ciertamente, te queda peor más tarde. Entonces, lógicamente, tienes que ir cambiando según tu edad. No te vas a poner lo que te ponías con quince años con treinta, porque te vas a ver ridícula. No hay cosa más triste que una mujer tratando de verse joven, te ves más vieja. Cada edad tiene su forma de vestirse.

—Y usted, en la adolescencia, ¿pasó una etapa rebelde?

—Sí, todas la pasamos. Yo me hacía unos maquillajes que eran increíbles, con unas cosas negras en los ojos... me devolvían muchísimo a mi casa, me decían vuélvete y ponte otra cosa, que vas horrible [se ríe]. Pero tú sabes una cosa, siempre he tenido una conciencia muy clara de mi propia identidad y eso es importante.

—Además, de esa identidad ha desarrollado una empresa, debía de ser algo con mucho peso para poder hacer lo que usted ha hecho.

—Fíjate, cuando era niña no creía que iba a ser diseñadora, no se me pasaba por la cabeza, pero me gustaba la ropa. Seguro que lo tenía dentro, porque como no me dejaban hacerlo por mis propios medios, eso estaba dormido dentro de mí. Así que cuando tuve la oportunidad de hacerlo, me lancé.

—¿Cómo fue ese momento de lanzarse, cómo lo vivió su familia?

—Creo que lo vivieron muy bien; las niñas estaban encantadas. No se daban cuenta tampoco... no hablo de eso todo el tiempo en casa. Alguna de mis hijas, no me acuerdo bien cuál, dijo: «No me daba cuenta de nada hasta que estaba en Nueva York y vi que encima de casi todos los taxis estaba escrito Carolina Herrera. ¡Esto debe de ser muy famoso!».

—¿Cómo era en Nueva York en los años ochenta, cuando usted inició su firma, el ambiente creativo?

—Yo empecé a hacer esto en 1981, pero he vivido en Nueva York muchísimo, toda mi vida, iba y venía. Esta ciudad siempre, en el aspecto creativo, tiene una energía increíble, tiene todo lo que tiene que ver con el arte, la literatura, la música, etcétera. Yo creo que es la capital del mundo y siempre ha sido igual, esa fuerza creativa nunca ha desaparecido, sigue adelante. Siempre son unos ambientes muy especiales los de aquí. Studio 54 lo abrieron en 1978 o 1979, no duró mucho pero era fantástico, nosotros éramos muy amigos del dueño, Steve Rubell. No se volvió a hacer nada parecido, porque él era el alma de todo eso, éramos muy amigos de Halston, Andy Warhol y Robert Mapplethorpe, que me fotografió. Era un grupo de gente fantástica.

—¿Qué recuerdos tiene de Halston, Warhol y Mapplethorpe?

—Éramos íntimos amigos, amiguísimos, nos veíamos todo el tiempo. Andy era un hombre muy especial, que no decía mucho pero con un talento bárbaro, y Mapplethorpe ni te digo, sus fotografías son increíbles, con una sensibilidad extraordinaria, y sus libros. Una gente muy especial, al igual que Halston, que para mí era «el» diseñador americano, el número uno, tenía un estilo muy propio, totalmente americano, cómo usaba la cachemira, y todas las cosas aquellas que hacía, era fantástico.

—¿Cómo se conciliaba ese ambiente creativo neoyorquino con una vida familiar y profesional?

—Tú puedes hacer las dos cosas divinamente bien porque tu familia es una cosa y tu vida cuando sales, es otra. Mi familia es sagrada, es de tradición. Entonces, la Navidad es tradición y la pasábamos en familia, y el Año Nuevo salíamos [se ríe].

—Hay dos mujeres que usted ha tratado, Diana Vreeland y Jackie Onassis, de las que me gustaría que me hablara, porque me parece que tenían un estilo muy personal y una manera muy propia de ser y de manifestarse a través de la ropa.

—Diana Vreeland fue la que me empujó a mí a hacer lo que estoy haciendo, era la emperatriz de la moda como si dijéramos, tenía un estilo muy propio, que era el exceso, un pelo muy negro brillante y unas uñas muy largas rojas, usaba muchísimos accesorios, como brazaletes, era una mujer que tenías que voltearte a verla porque tenía un estilo muy propio y marcado. Una mujer increíble; cuando se murió, estaba casi ciega, nosotros íbamos a comer a su casa y no quería que nadie se diera cuenta. Se sentaba en su sitio y sabía exactamente dónde estaba la copa, dónde estaba todo para no mostrar que no veía. Hablábamos mucho de moda, de sus intereses, era una mujer «fascinante», esa es la palabra adecuada para Diana Vreeland. Tenía un sentido del humor que no se lo conozco a nadie y una rapidez mental increíble, así que era una maravilla estar con ella, y al principio venía a mis desfiles. Estaba llena de una curiosidad e interés increíbles y de una creatividad, bueno, fuera de lo normal, una mujer con muchísimo que decir, a la que le interesaba la juventud muchísimo, lo que hacía, cómo se vestían los jóvenes, cómo eran... leidísima, muy instruida. Lo mismo que Jackie Onassis, era la mujer más elegante, con el estilo más increíble. Hay miles de mujeres que la copiaron alrededor del mundo y todavía hay colecciones en las que ella es la inspiración. Jackie era una mujer con una vida interior increíble, cultivadísima, leidísima también, al final trabajaba como editora. Y tenía un sentido de la historia gigantesco y todavía ves fotografías de ella hoy, como primera dama, y son contemporáneas, porque ella cuidaba muchísimo su imagen los tres años que pasó en la Casa Blanca, para que sus fotos estuvieran perfectas.

—Incluso ahora, Carla Bruni, de primera dama de Francia, recuerda un poco a ella.

—Jackie implantó una moda especial que todavía copian. Ahí está Carla Bruni, que está estupendísima, por cierto: está haciendo su papel divinamente bien porque no está haciendo el papel de la moda sino el de primera dama de Francia. Entonces la gente dice que si parece una monja, que si parece no sé qué. No, señor, lo hace perfecto, porque ella no tiene que estar como una modelo, ya no lo es.

—Esa forma de haber educado bien a sus hijas, de que no se dieran cuenta y preservarlas de ese ego de la moda ha sido un acierto, ¿no?

—Pues sí. Han crecido como fui yo educada, venimos de una familia donde todas las mujeres se vestían divinamente bien y eso educa un poco tu ojo a ver cosas bonitas, cosas buenas y vestidos buenos. Tengo una manía de que la ropa, los vestidos, tienen que estar divinamente bien terminados por dentro también, porque cuando los cuelgas, tienen que verse bonitos. Ves, creo que eso ayudó mucho, que viniera de una familia de mujeres bien vestidas.

—Ahora, a sus nietos, que van a estar sometidos a esa presión mediática de que hablábamos, ¿qué consejos les daría respecto a la moda?

—Ellos llevarán su vida igual que todos nosotros, la moda no va a ser lo más importante en su vida. Mi mamá decía que había que cultivarse interiormente; a todos nos enseñaron a leer muchísimo, a ver, te llevaban a un museo y te enseñaban a ver, no por encima. Me decían mira en esa sala y dime exactamente lo que ves, para que recordara. Hay otras cosas que no son solo la moda y todo eso va conectado con tu propio estilo. La forma en la que una mujer vive, cómo se expresa, cómo recibe en su casa, cómo trata a sus amigos, va con su propio estilo. Hoy día lo que tú ves en esas revistas y en las celebridades es el momento en que ellas salen vestidas y arregladas por una estilista. ¿Pero cómo es la vida diaria de esa gente? ¿Entiendes?, tienes que ver el conjunto, eso es lo que hace la vida, no es solamente lo que ves por diez minutos.

—¿Y cree que las generaciones más jóvenes tienen una idea visual de la moda y no esa cultura de las cosas bien hechas, confeccionadas, de un tejido que sea bueno...?

—No tienen esa cultura, para nada. No tienes más que ver algunas fotografías de estas mujeres [dice refiriéndose a algunas celebrities]. Algunas son terroríficas porque todo lo que tienen es prestado, los zapatos son tres tallas más grandes y no les importa. Para mí eso es increíble, tienes que saber, tener una cultura, que lo que te estás poniendo sea tuyo, que te quede bien y te puedas mover en ello. La moda es acerca de estar natural; en el momento en el que te pones un vestido tienes que sentir que te queda tan bien que no te lo tienes que volver a tocar, como tu segunda piel. Pero no sé si eso está pasando hoy día.

—Me contaba su hija que uno de los valores que le gustaría rescatar de la generación de usted es la discreción.

—Discreción, absolutamente. Ella, cuando llega a una fiesta y le preguntan qué lleva puesto, si es de tal persona, dice no, es mío [se ríe]. Se ha llegado un poco demasiado lejos, todo el tiempo se comenta acerca de quién hizo el vestido que tienes puesto y no la forma en que lo estás llevando. La discreción, como dice Carolina, se ha borrado un poco y muchas mujeres quieren que se sepa lo que han pagado y quisieran ponerse los vestidos con la etiqueta afuera para que se vea quién es el diseñador.

—¿Vivimos un momento más preocupado por lo que la moda pueda suponer de estatus que por lo que pueda significar de placer?

—Exacto. Es un estatus, ha vuelto eso, y solamente le dices a alguien qué bonitos tus zapatos y te contesta: son de Manolo [Blahnik]. ¡No estoy preguntando de quién son, solo diciendo qué bonitos! [risas]. Pero es así, eso es un fenómeno de moda y no lo van a poder cambiar, hay veces que pasa, después se tranquiliza y vuelve otra vez. Es una repetición, esto ya ha pasado antes, no es nuevo. Hay tanta información sobre la moda, tantas grandes compañías y además todas las facilidades que tienes de comprar lo que tú quieras en el precio que quieras. Empezando con Zara, H&M, Mango, tú puedes comprar lo que quieras y mezclarlo como quieras en el precio que te dé la gana.

—Pero igual por esa moda tan rápida las nuevas generaciones no saben apreciar lo que es una prenda de calidad.

—Pero no lo van a saber apreciar nunca porque no se lo han mostrado. No saben cómo están acabados los vestidos, las horas de trabajo que llevan detrás. Es más la moda del momento.

—¿Eso es algo que echa de menos respecto a su generación?

—No. Todo cambia. Tienes que adaptar tu mente a todo lo que está cambiando y yo, sobre todo, la adapto muchísimo, porque estoy en la parte creativa; como soy muy curiosa, me encanta todo lo nuevo y siempre estoy buscando algo que me encante. No estoy pensando en el pasado. Si te quedas pensando en él, te hunde, para nada. Todo se adapta, lo adaptas a tu propio estilo y al tiempo que vivimos, claro. No te puedes sentar a decir: «me acuerdo de cuando me hacían el vestido no sé qué», eso ya pasó, reemplázalo con algo que vaya bien contigo. La moda va delante siempre, y mucho más rápido de lo que uno puede prever. Por eso es muy excitante y divertido hacerla.

—¿Qué valores aporta Carolina Herrera, su hija, a su firma?

—Carolina tiene un estilo propio fantástico, tiene un ojo maravilloso, un gusto impecable. Le gustan las cosas buenas y bien hechas. Ha aportado muchísimo porque, además de todo, conoce el ambiente joven, es moderna y, sobre todo, tiene un gusto exquisito.

—¿Qué cree que han heredado sus hijas de usted, de su estilo y de su saber mirar?

—Espero que hayan heredado todos los valores que hemos tratado su padre y yo de darles. Primero, un amor a la familia, unidísima, y todo lo que va implicado de honestidad, nada de mentiras. Y sobre todo, han heredado esa pasión por la curiosidad, por aprender, por leer, por instruirse, por criar a sus hijos de la misma forma en la que se criaron ellas, por esas cosas por las que hemos luchado. Sobre todo Carolina, que es la que trabaja conmigo, tiene su vida muy clara. Ella es una niña muy auténtica, lo que tú ves es lo que hay, no es que finja un día porque está así o no. Ella, sin saber y sin quererlo, crea moda. Cuando sale, toda la gente quiere saber dónde compró eso, dónde lo buscó y de repente son unos zapatos que se compró en un zoco en Marruecos, que le costaron diez dólares pero que se le ven bien. No tiene que ver el precio, tiene que ver con la imaginación, la creatividad de cada uno y la cosa única que los demás no tienen igual. Y eso ella lo tiene dentro. Es lo que siempre he dicho de ella, que hace moda sin interesarle [se ríe], tiene un estilo, una forma de vestirse y lo combina de forma personal. Y es muy injusto que a otras que se pasan seis horas para ver lo que se van a poner ni se volteen a verlas y ella en diez minutos se arregle una cosa que todo el mundo quiere. ¡Esa es la injusticia en la moda! [y se ríe].

—¿Y cómo era su madre?

—Mi madre era una mujer totalmente poética, romántica. Murió hace mucho tiempo, cuando Carolina tenía dos meses, en quince días, de un cáncer horrible, solo quince días, así que no sufrió tanto. Era una mujer con una claridad enorme en su vida, tenía una disciplina increíble, pero era también muy poética. Le encantaba la lectura, la música, le gustaba que sus hijas tuvieran su misma educación, muy familiar, era una gran señora, eso es lo que te quiero decir. Siempre decía que en las niñas no se debía valorar solo la apariencia, que fueran bellas, sino que tenían que tener algo por dentro, que tenían que estar instruidas, leídas. Nosotras teníamos una institutriz húngara que nos enseñaba francés, inglés, historia y de todo. Y a mamá le encantaba saber qué íbamos a leer, le encantaba hablar de libros, siempre nos preguntaba «qué están leyendo», «vamos a ver qué leen», porque tenía una vida interior muy bonita. Si estás feliz por cómo te han educado, quieres que tus hijos hagan lo mismo; ellos escogerán un camino diferente, pero al final te das cuenta de que mis hijas educan a sus hijos de la misma forma.

—¿Por eso las mujeres de su familia han sido una inspiración a la hora de diseñar?

—Totalmente, porque todas vestían muy bien, mi abuela, mi tía abuela, mis tías, todas se vestían muy bien y, después, Mimi Herrera, mi suegra, se vestía divinamente bien. Entonces yo crecí siempre viendo cosas bonitas. Por eso, de vez en cuando, digo yo que será por lo que me pongo un poco difícil cuando la ropa no está muy bien terminada. Y es que tiene que estar bien hecha por dentro y por fuera, no solamente la apariencia. Yo creo que eso me ayudó mucho.

—Y de su abuela, ¿qué recuerdos tiene?

—Era guapísima, con unos ojos azules tipo Carolina. Me acuerdo de viajes con ella, viajes a París. Siempre viajábamos a visitarla, porque ella al final de sus días vivía en Europa. Entonces íbamos las nietas, de vez en cuando iba yo, y me pasaba un tiempo. Íbamos a París, a Madrid; por eso fui al desfile de Balenciaga famoso que decía en el libro⁷ cuando tenía trece años, pero la estaba acompañando a ella, no era que me llevó especialmente a eso. Me imagino que me llevó porque no tendría dónde dejarme.

—Y quizás por esas casualidades de la vida usted se ha dedicado a la moda...

—A lo mejor se me quedó en mi mente, pero no creo, eso estaba dormido en mí, como te dije antes, y la moda se despertó, porque la moda va entrándote y después, de repente, se despierta y es parte de tu vida. Como te he dicho, tengo pasión por la moda, ¡me encanta! Soy como una cámara de fotos, tengo memoria fotográfica; cuando veo algo, no se me olvida y me acuerdo de los detalles y todo eso se lo debo a mi mamá, que nos decía que teníamos que observar lo que estaba pasando, no entrar en un cuarto y no saber qué viste, sino que había que ver detenidamente todos los detalles, porque la vida está llena de detalles, detalles personales, de ti para alguien, detalles que están en un cuadro... y todo eso hay que verlo muy bien.

CLAVES DE ESTILO DE LA DISEÑADORA CAROLINA HERRERA

1. El estilo tiene que ver con la personalidad, va más allá de la ropa, cómo uno se arregla, cómo se usa lo que lleva, es una forma de pensar, los libros que lees, el arte que te gusta, algo personal que le da uno.

2. El estilo es lo opuesto a ser una víctima de la moda (fashion victim) y no es una cuestión de estatus.

3. Es importante saber lo que te favorece y te queda bien.

4. Tener estilo es no seguir a los demás, lo que dicen las revistas o las celebrities: aportarle a lo que vistes la osadía y la creatividad personal.

5. El estilo tiene que ver con ser elegante. Una prenda bien puesta, bien cortada y bien hecha nunca pasa de moda.

6. Hay que procurar evitar los excesos.

7. Es importante vestirse para la ocasión y la hora.

8. Es fundamental seguir el protocolo; cuando los hombres van de esmoquin, las mujeres van de largo, y viceversa.

9. Una persona con estilo viste de acuerdo con su edad. Intentar parecer más joven hace más mayor.

10. El estilo tiene que ver con cultivarse interiormente, es cómo uno vive, se expresa, recibe en su casa y trata a sus amistades.

11. El estilo tiene que ver con ser natural.

12. La discreción es un valor que se debería recuperar.

13. El estilo no tiene por qué ir unido al presupuesto, pero sí a la creatividad e imaginación de cada uno.

CLAVES DE ESTILO DE CAROLINA HERRERA (hija)

1. El estilo ante todo es ser natural.

2. El estilo refleja una forma de ser más allá de la ropa.

3. No depende necesariamente del presupuesto.

4. El antiestilo es ser fashion victim, seguir al pie de la letra las revistas, la gente que adoctrina con el estilo, la obsesión por la marca, ponerse las cosas porque están de moda, las lleva una celebrity o lo dice una revista.

5. El estilo tiene que ver con llevar las prendas de forma diferente a como las llevan los demás o a cómo está de moda llevarlas.

6. Es importante saber bien qué es lo que te favorece y supone adaptar la moda y las prendas a tu estilo personal.

7. Es fundamental saber filtrar la información de moda que llega desde los medios de comunicación y no seguirla al pie de la letra.

8. Hoy se pueden aceptar los convencionalismos de una forma más relajada, utilizar prendas de verano en invierno o asistir a un evento de largo con tu pareja de traje.

9. La discreción es un valor a recuperar, así como no obsesionarse por lucir la marca... porque te vistes para ti, no para competir por el vestido más caro.

XI

LA MODA SOSTENIBLE

«Esto no es una moda más, sino una tendencia

de muy larga duración.»

Katharine Hamnett

Nunca lo ecológico estuvo más de moda ni fue tan necesario. La creciente preocupación por el cambio climático y las desigualdades en el mundo ha popularizado una sensibilidad ecofriendly que en el pasado solo era patrimonio de hippies concienciados. Hoy, cada vez a más consumidores les preocupa consumir conscientemente porque con cada compra se activa y apoya económicamente una cadena de abastecimiento y consumo; la moda ética crece entre un 10 y un 20 por ciento anual. Y eso se debe a que nadie en su sano juicio quiere que su consumo diario implique que en sus eslabones más lejanos se contamine el planeta o se explote a sus seres vivos, ya sean animales, hombres, mujeres o niños. Algunos consumidores se decantan por opciones más éticas y las empresas lo saben. Tras unos años haciendo oídos sordos, algunas se empiezan a poner las pilas. ¿No se supone que el cliente siempre tiene razón? Esto nos debería hacer pensar que en este siglo los consumidores tenemos un poder, a través de lo que compramos, mucho mayor del que creemos, y que todavía no hemos descubierto por completo cómo utilizarlo. Por eso vamos a ver cómo se ha desarrollado esta «moda con conciencia» o eco-chic, cómo las empresas se reciclan, nunca mejor dicho, para estar en consonancia con los tiempos y además qué podemos hacer individualmente para ayudar. El estilo también tiene que ver con estar en armonía y respetar el entorno.

ECO-CHIC: MÁS QUE UNA TENDENCIA, UNA NUEVA VÍA DE HACER MODA

Si tuviéramos la capacidad de, al tocar una prenda, ver en un flashback su proceso, pasando por distribución, embalaje, confección, corte, tintado, fabricación de fibras y cultivos de materias primas, probablemente se nos quitarían las ganas de comprarla viendo la explotación laboral y el impacto medioambiental que puede conllevar. Una pionera en moda sostenible en Inglaterra ha sido la diseñadora Katharine Hamnett, que en 1983, cuatro años después de lanzar su firma y antes de iniciar su cruzada por la moda ecológica, hacía sus pinitos concienciando socialmente con sus camisetas de eslóganes sobredimensionados como pancartas contra las nucleares, la lluvia ácida, la extinción de especies o contra los misiles.¹ La mayoría de los mensajes están aún vigentes, lo que inevitablemente me lleva a preguntarle qué le parece: «Soy consciente de que las camisetas solas no cambian nada. Ayudan a llamar la atención de los medios de comunicación y es útil transmitir mensajes a los consumidores y votantes».

En 1989 inició investigaciones sobre el impacto de la industria textil en el medio ambiente, verificó las terribles condiciones de los trabajadores y el deterioro medioambiental que provoca algo tan común como el cultivo del algodón (como veremos más adelante) y eso cambió su forma de hacer moda para siempre. Cuando empezó a buscar vías éticas y ecológicas de producir, la tomaron por una loca radical. Hoy la industria le da palmaditas en la espalda de nuevo. Y digo «de nuevo» porque desde 1989 a 2003 intentó que sus licenciatarios produjeran ética y ecológicamente: «Fracasé. Fui uno por uno, lo rechazaron, mintieron y regatearon el dinero a los granjeros, básicamente no querían saber. Uno incluso me dijo: “Si vas a continuar con esta mierda ética y medioambiental, estás jodida”. Y lo hice». Canceló todas sus licencias y estuvo jodida un tiempo: «No hubiera actuado así de no haber tenido información de cómo se hacen las prendas. No voy a vivir a expensas del sufrimiento humano y la degradación medioambiental. Cancelando las licencias corté nuestros ingresos y todo lo que teníamos fue empleado para investigación y desarrollo de productos éticos y medioambientales. Vendí mi enorme casa del norte de Londres para financiar el proyecto; hemos estado muy estrechos», dice.

Pero en 2004 comenzó de nuevo, controlando el proceso para que todos los peldaños de su cadena de abastecimiento fueran respetuosos con el medio ambiente y se remunerase dignamente a los trabajadores de comunidades en África que producen sus fibras naturales. «Accidentalmente nos posicionamos como expertos mundiales y líderes de mercado en manufacturación ética, medioambiental y sostenible. No pasa un día sin que una tienda o manufacturador contacte para desarrollar una colección ética y medioambiental; es genial. No aceptamos a todos, pero el interés es estupendo», dice.

Katharine ha vivido un cambio enorme desde que empezó a concienciar sobre el asunto: «Los últimos informes indican que el aumento de consumidores con preocupaciones éticas y medioambientales es el mayor cambio cultural individual del siglo. Al 50 por ciento de los consumidores ingleses les preocupa el impacto medioambiental de lo que compran, al 85 por ciento la explotación laboral y al 95 por ciento el trabajo infantil. Los comercios han de ofrecer productos éticos y medioambientales o perderán cuota de mercado», explicaba antes de la crisis. Hoy, según indica el Informe Nielsen,² el 63 por ciento de consumidores menores de 40 años prefiere comprar productos de empresas socialmente responsables, y el porcentaje de consumidores dispuestos a pagar más por esos productos es de un 46 por ciento. En España, los datos son menores pero igualmente significativos, el 60 por ciento de los encuestados declara su afinidad con este tipo de productos, y el 31 por ciento de ellos estarían dispuestos a pagar más por ellos.

Además, diversas firmas, convencionales y ecológicas, están consiguiendo que los productos ecológicos y éticos³ o de comercio justo,⁴ tradicionalmente un poco bastos y sin gracia, sean también fashion y deseables, hablaremos de algunos de ellos, que cada vez proliferan más. La sección So Ethic de la feria del prêt-à-porter de París recoge más de setenta firmas, fue la primera feria de este tipo en el mundo, y la londinense Fashion Made Fair vende directamente al público en varias citas anuales, pero afortunadamente este tipo de eventos van apareciendo más frecuentemente (con fecha fija o puntuales) y haciéndose un camino al suscitar cada vez más interés, e incluso se especializan, como la feria Future Fabrics Expo, basada solo en tejidos eco. También hay pasarelas eco-chic en Nueva York, Londres, Shanghái y Vancouver.

Hoy muchas líneas y marcas desarrollan productos ecológicos, de comercio justo o ético.

Firmas como Edun, ecológica y de comercio justo, creada en 2005 por Bono (líder de U2), su mujer, Ali Hewson, y el diseñador Rogan Gregory, que trabaja con comunidades de Perú, Túnez, India, Kenia, Uganda, Lesotho, Mauricio, Madagascar, vende en todo el mundo (en España en El Corte Inglés y online) con precios desde treinta a cuatrocientos euros, acaban de lanzar una capsule collection con Diesel y sus publicidades aparecen en las revistas más fashion del planeta sin envidiar a ninguna firma trendy convencional jugando el juego de la moda pero con otro posicionamiento. Rogan además diseña línea propia, Loomstate, y la línea verde de los grandes almacenes estadounidenses Barneys. La firma SANS, del dúo Alessandro DeVito y Lika Volkova, ganó el Ecco Domani Award en la categoría de sostenibilidad en 2007.⁵ Trabajan con soja, algodón orgánico y seda salvaje en prendas modernas y apetecibles. Compran tejidos en siete países, incluidos Perú, China y Japón, y reciclan materiales. La compañía Patagonia de moda se hizo eco en 1996 y fabrica todo tipo de ropa que vende en tiendas⁶ y online. Gema Gómez, fundadora de la maravillosa plataforma Slow Fashion Spain y autora del libro Fashionista y Slow (Mandala ediciones, 2013), con la que también vamos a hablar, aquí y en el capítulo final, nos lo cuenta: «Me gusta especialmente Patagonia, como ejemplo de marca sostenible, aparte de por su filosofía en general, porque la campaña que lanzaron el año pasado me pareció visionaria y provocadora. Bajo el lema “Don’t buy this jacket” con una foto de una prenda suya, crearon una campaña de venta de ropa de segunda mano en eBay porque como ellos dicen: “La prenda más verde es la que ya existe”, puesto que no ha consumido recursos ni ha contaminado. Vestirse es una necesidad y podemos descubrir nuevas maneras de cubrir esa necesidad». Miguel Adrover colabora habitualmente con la firma alemana ecológica Hess Natur. IUO Project, de Kavita Parmar, una mujer interesantísima y comprometida, es una empresa que permite a los artesanos de la India sobrevivir y hacer un producto trendy y responsable que se vende online, además ayuda a jóvenes diseñadores a acceder a tejidos que es una de sus máximas dificultades para pequeñas producciones. «En un mundo donde cada dos por tres escuchamos alguna triste noticia sobre la muerte de cientos de trabajadores en el incendio en una fábrica en Bangladesh o Camboya, IOU revaloriza y da su lugar al artesano, haciéndole visible para el consumidor y devolviéndole su dignidad arrebatada por este sistema globalizado», comenta Gema. La joven española Ananda Pascual, ha creado una firma de comercio justo trendy que se puede adquirir online y en tienda y que incluso ha desfilado en Madrid junto con firmas tradicionales sin tenerles nada que envidiar, al contrario. Wabi Sabi Ecofashion Concept, otra empresa patria, ganó en 2012 el segundo premio del concurso internacional Source Awards; y la fundación Fabrics for Freedom, también española y presidida por Sybilla, permite adquirir tejidos sostenibles en su showroom para favorecer que los diseñadores se pasen al lado sostenible de la moda, además de realizar otras labores, como veremos. Todas nos hablan de un made in Spain green en nuestro país, y en el mundo, que está naciendo con fuerza e intentándose consolidar. Como dice Gema: «Básicamente te diría que la mayor batalla es enseñar a crear nuevos modelos de negocio, pero no solo en moda; las escuelas de negocio tienen que empezar a implementar la ética como asignatura transversal en todas sus asignaturas no como algo aparte, pero además la ética como algo realmente bueno y positivo para el ser humano, para todos los seres humanos. Se siguen enseñando modelos de negocio que solo favorecen a unos pocos en detrimento de la mayoría. En moda, los modelos masivos pueden implementar algún criterio de sostenibilidad, como el uso de algodón orgánico, pero si no aceptamos que tenemos que producir mucho menos también, los avances serán solo en términos de contaminación pero no de explotación de recursos, ni de integración de los residuos en el medio ambiente».

Y con esa búsqueda en mente de nuevos modelos de negocio responsables con el planeta y sus seres vivos, se consolidan otras firmas internacionales como Osklen, Noir o Lutz & Patmos que hacen lujo ecológico, como veremos. Como dice la prestigiosa periodista Suzy Menkes: «La moda del siglo XXI consistirá en tener tiempo y dinero para preocuparse por el origen de las prendas». No olvidemos que François Pinault se comprometió recientemente a reducir sus emisiones y a introducir planteamientos de sostenibilidad en su grupo, empezando por Puma, y también LVMH se ha comprometido a responsabilizarse de sus emisiones de CO₂. Stella McCartney lo sabe desde hace mucho, vegana, y perteneciente a Gucci Group, ha sido una pionera en él, no usa pieles, ni cuero, ni PVC, sino algodón orgánico, abacá (cáñamo de Manila) y un tipo de seda proveniente de cooperativas de Laos y Tailandia que respetan el planeta y los animales.⁷ Además ha hecho la primera línea cosmética ecológica de lujo, entre otras muchas divisiones, niños, lencería, gafas, su colaboración con Adidas... Otras firmas se han inspirado en ella, como Bottega Veneta, que ha lanzado su bolso vegano Carta Giapponese, un clutch de tejido washi, un papel delicado derivado de la corteza del árbol de rápido crecimiento que se corta para luego tejerse cuidadosamente. Sergio Rossi ha fabricado los Eco Pumps, y Gucci, como primer paso en la aplicación de un programa global de iniciativas eco-friendly dirigidas a reducir progresivamente el impacto medioambiental de la empresa, en 2010 lanzó un packaging realizado con papel certificado y cien por cien reciclable, que se utiliza también para las colecciones eyewear, que permite reducir el volumen de almacenamiento, limitando el peso y el número de cargas transportadas, contribuyendo así a reducir en un 60 por ciento las emisiones de CO₂. Además, lanzaron una montura de sol realizada en madera líquida (Liquid Wood), un material de origen natural, biodegradable y eco sostenible, derivada de la elaboración del papel y ceras naturales y que puede sustituir al plástico que normalmente se usa en la producción de eyewear. Ilaria Venturini Fendi fabrica con comunidades en África accesorios que vende a una clientela de lujo ecoconcienciada, los ejemplos son muchos y afortunadamente proliferan.

En el polo opuesto al lujo, encontramos la colaboraciones eco de firmas mainstream como H&M, que ha visto crecer sus beneficios en productos eco un 29 por ciento, y ha lanzado una conscious capsule collection con Vanessa Paradis como reclamo, o fabrican algunas prendas en algodón orgánico, como C&A. También firmas como Levi’s, Springfield, Pull & Bear, G-Star y Pepe Jeans han lanzado líneas orgánicas de denim (Replay ha apostado por el reciclaje) apuntándose al carro de la sostenibilidad porque saben que si no serán menos atractivos para un nuevo consumidor, el consumidor consciente. Experiencias interesantes para el medio ambiente, pero que muchas veces no llegan más lejos del mero maquillaje empresarial al tener estas firmas unas políticas de fabricación global que son contradictorias con su reciente espíritu eco-friendly, aunque siempre será una mejor opción de compra para el planeta que un jean normal. Gema hace un apunte interesante respecto de algunas experiencias: «Nos sigue deslumbrando que se reciclen botellas de tereftalato de polietileno, las PET, pero ¿estamos seguros de que estamos reciclando y no infraciclando?, y la energía que se usa para el proceso ¿no cuenta?, y cuando mezclamos el tejido de poliéster resultante con algodón para hacer vaqueros fashion, ¿somos conscientes de que estamos mezclando dos materiales de ciclo de vida diferente, técnico y biológico, y que estamos generando un residuo “eterno” a día de hoy porque aún no tenemos la tecnología para separar materiales con ciclos de vida distintos? No tenemos una visión global que vaya desde la producción de la materia a cuando se vuelve residuo, queda mucho por hacer cuando profundizas en ciertos conceptos y te das cuenta de que se están haciendo muchas cosas basándose en la ignorancia del consumidor y más en deslumbrar que en hacer las cosas bien; las acciones en sostenibilidad tienen que estar “apoyadas” por los expertos ya que no es tan verde todo lo que reluce». La que sí es una compañía ecorresponsable de denim es Nudie Jeans, que fabrica en Europa, sus jeans son fantásticos y siguen las tendencias con acierto.

La empresa People Tree ha conseguido pasar a los anales de la historia de la moda como la primera firma ecológica de comercio justo que accede al mercado masivo vendiendo en el Topshop de Oxford Street (Londres). Y es que el reto de la moda sostenible pasa por hacerse masiva, global y que llegue a la calle. Es la filosofía que hay detrás de la mayoría de las firmas ecológicas actuales. Firmas que luchan por hacerse su lugar y llegar a la calle, al público en general, son también las españolas: Sense Nu by Oriol; ECOALF, basada en el reciclaje y que hace streetwear y accesorios; The Concrete Co., Madrid; Issie, que solo usa algodón orgánico; Ecoology; Tshirt Store (de camisetas trendy de algodón orgánico); Gloria Bendita (de inspiración ibicenca), la colección de edición limitada Boalima de Lucía Bordón y Lia Siró (también artífices del blog eco backstageladies.com), de ropa y complementos socialmente responsable con tejidos tradicionales peruanos hechos a base de tejidos naturales y materiales orgánicos. La empresa Fox Libre, además de hacer sus propios productos, vende tejidos orgánicos por metros para ayudar a otros a ser eco. Mille Collines diseña ropa, calzado y complementos, con comunidades africanas, como Rebelroot; Helena Rohner ha realizado también una colaboración de joyas con comunidades africanas con fines solidarios y toda su fabricación es de bajo impacto ambiental al ser artesanal y local. La colección de Baruc Corazón, partiendo de velas de barco, participa también de esta filosofía, y el diseñador siempre trabaja con materiales naturales. También de velas son los bolsos de Yesorknot, y también son reciclados los chubasqueros de Equilicúa.

Pero no solo del reciclaje y de las prendas naturales vive la moda eco, si no de innovación tecnológica también, como el polímero eco con el que está hecho el material de los bolsos de Isalda, un ejemplo de innovación ecológica que puede llegar a la calle, como «Teixidors, cuya filosofía es crear productos únicos, elaborados con materiales de máxima calidad y siguiendo siempre un proceso completamente manual en una mezcla que combina tradición y visión de futuro, y que lleva integrado en su ADN de empresa los valores de sostenibilidad como el aprovisionamiento de cercanía, lo local, lo orgánico desde hace 20 años», comenta Gema Gómez de esta empresa que fabrica estupendas prendas, bufandas y ropa para el hogar en materiales naturales y con buena relación calidad precio y venta online.

Aunque algunas tiendas están introduciendo prendas ecológicas y de comercio justo, e incluso aparecen tiendas especializadas cada vez con más frecuencia, el mayor filón se encuentra aún precisamente en la red, donde la onda verde se extiende con más facilidad, portales como Yoox o Asos lo saben y ha incorporado prendas y accesorios eco en su oferta. Se pueden adquirir prendas y accesorios a través de portales de compras como fashionconscience.com con total seguridad, donde existen innumerables firmas entre las que destacan: Belle & Dean (camisetas), Viridix Luxe, Camila Norrback, la firma italiana Ethic con tejidos naturales, Amana, Julia Smith Wildlifeworks, KRELwear o Ciel (de ropa elegante, moderna y apetecible), Del Forte o Serfontaine (eco-jeans fashion), además de accesorios eco como los de Vivien Cheng, Amoosi o Escama, lencería o zapatos. Otros portales y webs donde puedes encontrar este tipo de marcas son: dressing4change.com, greenwithglamour.com, ecocitizenonline.com, not-just pretty.com, thegreenloop.com, thewhiteparrot.com, conscient.es, beklina.com, btcelements.com, r-art.org, biobio.es, areyousa-piens.com, mandacarv.ev, shopequita.com, thewhitepebble.com, shopmodify.com, howies.co.uk, equaclothing.com, organicstereo.com, equaclothing.com, weareagreenshop.com, sanbag.biz o stewartbrown.com, entre otros muchos.

Paralelamente, organizaciones como Ideas, Setem, Intermón Oxfam (con línea textil propia), Greenpeace, Ecología y Desarrollo trabajan por integrar criterios de sostenibilidad en el sector textil y surgen plataformas como la de Gema Gómez (Slow Fashion Spain), que ayuda a los nuevos emprendedores y genera conciencia social textil con sus jornadas de sostenibilidad y actividades como: «La formación y consultoría (para ayudar a empresas, diseñadores, periodistas, y cualquier profesional del textil a conocer e implementar buenas prácticas medioambientales), la divulgación del concepto de moda sostenible, así como de las marcas y empresas que ya están trabajando en este sentido, y networking (porque es fundamental que nos unamos para conseguir objetivos comunes de mayor envergadura que lo que podemos conseguir por separado)». Me explica cómo surgió esta gran idea: «Soy diseñadora de profesión, trabajé varios años en París en dos institutos de tendencias y en Madrid en dos grandes cadenas durante otros tantos años en cada una, trabajos que me han permitido disfrutar mucho de mi profesión y también cuestionarla con objetividad. De mi pasión por esta profesión, junto a la incoherencia del daño que se causa a algo que amo que es la vida y la naturaleza como expresión de la misma. Así como mi creencia desde siempre de que “las cosas y las personas pueden cambiar a mejor” nació Slow Fashion Spain, un mensaje positivo hacia lo que nos rodea y en concreto en el terreno de la moda; un mensaje que dice que podemos ir muy guapos por fuera con prendas que también son “bonitas por dentro” y que nos hagan sentir bien, porque las personas en general queremos aportar algo positivo al mundo, pero si se nos ha privado de la información para que podamos elegir consciente y libremente, no podemos hacerlo».

Por esa razón una ola verde está aquí, llega a la lencería, como veremos, los accesorios (la firma Lividy hace sombreros eco, Ángel Peña, bolsos artesanos, las gafas a partir de tablas de skate de Vuerich B, o las gafas clásicas de Warby Parker, Confitte hace carteras, la modelo Almudena Fernández ha colaborado en una línea de complementos eco para la firma española Cuplé, entre otros muchos); la ropa de niños (Dímelo Hilando, Mamapacha, Julia y Teo, entre otras) y a la joyería, como también veremos, a los diamantes y gemas libres de conflicto, se va imponiendo. Todo parece indicar que, como dice el diseñador Markus Lupfer: «El eco-design es una fase más que una tendencia». Bienvenido sea el desarrollo de un consumo más justo y una forma ética de hacer negocios.

ALGODÓN ORGÁNICO, UNA ALTERNATIVA MÁS JUSTA Y LIMPIA

Hoy hay muchas firmas que lanzan líneas de algodón orgánico o trabajan con esta fibra, como las que hemos mencionado, Notify, Wrangler, Adidas, Nike, Armani, American Apparel, Lacoste, Sybilla, Cheap Monday, La Casita de Wendy o Dockers, entre otras muchas firmas eco y convencionales. Katharine Hamnett cuenta por qué: «Este algodón tiene enormes ventajas sociales.⁸ Veinte mil personas mueren al año por intoxicaciones accidentales producidas por pesticidas en la producción convencional. Es responsable del diez por ciento de las emisiones de óxido de nitrato, gas muy potente que causa desertificación, contaminación del agua de larga duración y provoca la destrucción de la Gran Barrera de Coral⁹ al acabar en el mar». Le pregunto si cree que algunas firmas lo hacen solo porque está de moda y como lavado de cara: «No importa la motivación de la gente si hace lo correcto, aunque sea por razones inadecuadas».

Acudo a Safia Minney, fundadora de People Tree, que conoce de cerca los problemas del cultivo del algodón convencional: «Cuesta la salud de trabajadores y familias por sus químicos tóxicos. La explotación infantil, de granjeros y hombres, mujeres y niños que trabajan en fábricas demuestra los pocos escrúpulos y control del comercio convencional.¹⁰ Hay consumidores que estamos hartos, queremos comprar productos de compañías que no prioricen el beneficio sobre los derechos humanos y la destrucción medioambiental. He visto niños de la edad de mi hijo, ocho años, haciendo ropa y accesorios destinados al gran público, es un shock que permitamos que accionistas y compañías se beneficien de esto».

Hace una reflexión sobre las firmas y tiendas que se suman puntualmente al eco-chic: «Gastan mucho tiempo y dinero pretendiendo ser verdes, me gustaría ver iniciativas más genuinas. Si hacen o venden camisetas de algodón de comercio justo o ético y, por otro lado, siguen explotando a trabajadores o comprando firmas que los explotan, ¿qué hacen? Un paso adelante y otro atrás». Y es que existe cierto recelo a que se use esta tendencia verde como maquillaje positivo por determinadas firmas y establecimientos.

Como dice Bimba Bosé: «Se utiliza como herramienta de marketing y eso me toca las narices». Con ella está de acuerdo Blanca Unzueta: «Carecemos de la información necesaria y nos van a engañar a la vez que se interiorizará todo esto por una cuestión de supervivencia y necesidad imperiosa. A pesar de la falta de escrúpulos de las empresas, son conscientes de que hay que hacer algo. Se asumirá mientras nos engañan entremedias. ¡Somos unos incautos!», dice medio en broma medio en serio. Por eso hay que comprobar que este tipo de artículos lleven certificados de organizaciones internacionales que garantizan y aprueban su proceso.¹¹

Hoy, el medio ambiente y las condiciones de los trabajadores que fabrican nuestra ropa son una preocupación que cala cada vez en más consumidores: «La mayoría de la gente quiere hacer lo correcto, oyen que hay alternativas a la explotación y la contaminación. Si las compañías de comercio justo hacemos productos deseables y accesibles, los comprarán porque les gustan y además apoyarán un comercio no basado en el beneficio a toda costa», afirma Safia.

¿SERÁ POSIBLE QUE LA ROPA LLEVE TÓXICOS?

Pues, lamentablemente, parece que sí. Es una locura, pero informes científicos constatan que convivimos con 100.000 sustancias químicas y solo conocemos los efectos del 15 por ciento. Más de 300 químicos ajenos a nuestro cuerpo circulan por nuestra sangre; vienen de tejidos, tintes, contaminación, electrodomésticos, juguetes, detergentes, cosméticos o perfumes.¹² Muchos persisten en el ambiente contaminando el aire, el agua, la tierra, a trabajadores y usuarios. Se cree que son responsables del aumento de enfermedades del sistema reproductor y endocrino, cáncer, asma y alergias. En la ropa hay tóxicos como plomo, cromo VI, níquel, arilaminas, ftalatos, PFC, alquifenoles, formaldehído, blocidas o compuestos organoestánicos que provienen de tintes, pigmentos, pinturas, base de estampar, impermeabilizantes, acabados antimanchas o detergentes industriales que se usan en la mayoría de la ropa que llevamos.

En 1998 la UE sacó la legislación Reach que obliga a la industria química a informar por seguridad sobre sustancias que lanzan al mercado y prohibir el uso de las más peligrosas si hay alternativas. En 2005 el Parlamento Europeo votó eliminar progresivamente estas últimas. Pero la presión del gobierno alemán —Alemania tiene una potente industria química— y de la industria química y sus lobbies permitió el uso de algunas sustancias químicas peligrosas habiendo alternativas más seguras en el mercado. Y además se redujo el requisito de informar sobre la seguridad de miles de sustancias, con el riesgo que implica para nuestra salud y para el medio ambiente. Por ese motivo, en 2006, Greenpeace involucró a diseñadores y empresas en la mencionada campaña «Moda sin tóxicos»¹³ para aprobar una ley que hiciera responsable a la industria química de sus sustancias y controlar las que afecten a la salud y al planeta.

El diseñador Carlos Díez participó: «Los cambios de la sociedad se reflejan en la moda, como la preocupación por el medio ambiente. A través de Greenpeace y otras organizaciones se empieza a cuidar este aspecto y existe preocupación por que los tejidos sean sanos para el planeta y la gente». Ágatha Ruiz de la Prada, Anke Schölder, Antonio Pernas, Carmen March, David Delfín, Hannibal Laguna, Ion Fiz, Jocomomola, Joseph Abril, Juana Martín, Juanjo Oliva, La Casita de Wendy, Locking Shocking, Luxoir y Txell Miras también aceptaron el reto de diseñar prendas sin tóxicos en ese momento.

Inditex analizó los tejidos y se buscaron otros parecidos libres de tóxicos, demostrando que la sustitución es viable. Mango, que tiene el sello Made in Green en algunos de sus productos y Camper acordaron un convenio con Greenpeace para hacer esa sustitución también y estamos a la espera de ver cómo se consolidan sus buenos propósitos. Diseñadores como Carmen March están muy concienciados; cuando tenía su firma propia, me contaba: «Mis tejidos son de fabricantes que no usan tóxicos, tenemos jornada intensiva, el papel es reciclado, la nueva oficina es biodegradable, el equipo recibe masajes cada quince días. Hago pocas prendas, igual son más caras, pero duran más, con procesos naturales de tintados, fabricados en Italia y Francia. Ya no compro en India ni en Marruecos por las condiciones de trabajo. Tengo problemas de alergias y me he vuelto un poco loca, vivimos rodeados de porquería. Y lo de usar y tirar las prendas, ¡como si la energía y los recursos nos sobrasen! Yo no tengo ni coche». Ahora, al frente de Pedro del Hierro, esperemos que ayuden para implementar sus criterios éticos.

Firmas ecológicas como las que hemos reseñado arriba, Turtle Bay o la de la diseñadora sueca Anja Hynynen (anjah.se), también trabajan sin tóxicos y este tipo de productos deben estar certificados con los sellos Oeko-Tex, Made in Green o similares para evitar fraudes.

Los consumidores deberíamos exigir a los gobernantes que todas las empresas textiles trabajen sin tóxicos ya que nuestra salud y la del planeta están en juego. En junio de 2007 entró en vigor la nueva legislación Reach de la UE sobre sustancias químicas sustituyendo a la anterior, que en lo fundamental no se había modificado en más de cuarenta años. No incorpora todas las demandas de las organizaciones ecologistas, de salud y consumidores, pero al menos es un avance sobre el que hay que seguir luchando para que se amplíe y se obligue a las empresas a trabajar sin tóxicos. Es una cuestión de salud pública y medioambiental fundamental.

QUÉ ES LA MODA ECOLÓGICA, EL COMERCIO ÉTICO Y EL COMERCIO JUSTO

Una firma es ecológica cuando en toda su cadena de abastecimiento se respeta el medio ambiente, reciclando, sustituyendo tóxicos, usando sustancias biodegradables siempre que sea posible y cultivando sin pesticidas. Por su parte, el comercio ético garantiza que se respetan los derechos de los trabajadores en cada peldaño de la cadena, como la firma de Katharine Hamnett. El comercio justo va más allá; los comerciantes se asocian con productores para conseguir un desarrollo sostenible de comunidades desfavorecidas del Tercer Mundo. Con un intercambio comercial justo ponen comida en sus mesas y permiten que vivan y trabajen con dignidad construyendo un futuro mejor. Una vía de aliviar la pobreza mundial cambiando estructuras injustas del comercio normal, como hacen Edun o People Tree, que garantizan el pago de un precio justo a los productores, establecen con ellos una relación a largo plazo, pagan parte del precio por adelantado a granjeros y destinan un porcentaje de los beneficios a necesidades básicas de sus comunidades, no hay explotación infantil, promueven el papel de la mujer —mayoría en la industria textil— y respetan el medio ambiente. Así promocionan técnicas autóctonas mientras los ayudan para salir del subdesarrollo, obteniendo educación y sanidad. La firma Planet Palmer de Brianda Fitz-James es de comercio justo.

Seguro que muchos piensan que esta es la forma en que debería estar regido el comercio mundial, pero es solo una excepción, como la firma de Safia Minney. Safia trabajó en Japón en publicidad y comunicación durante ocho años y allí fundó la ONG Global Village, con sede en su casa, para hacer folletos con información medioambiental de ropa para consumidores, y se extendieron al comercio justo aceptados por la International Fair Trade Association (Asociación Internacional de Comercio Justo) en 1994: «Quise utilizar mi poder de consumo para apoyar lo que me importa: el medio ambiente y a la gente pobre. Odio que el actual sistema económico los mine aún más, quitándoles el poco control que tienen sobre sus vidas y explotándolos como al medio ambiente». En 1995 fundó People Tree y abrió la primera tienda de comercio justo en el distrito Jiyugaoka de Tokio. En 1997 lanzó su primera colección con textiles ecológicos y algodón orgánico. En 2000 acostaba a sus hijos mientras diecisiete personas trabajaban en su casa en la producción, el catálogo, quinientos puntos de venta mundiales, eventos y campañas. Fue el momento de encontrar oficina y profesionalizarse aún más: «Tenemos dos equipos de diseño, en Londres y Tokio, doce diseñadores y técnicos en total. Trabajan con las tradiciones locales y técnicas de nuestros productores en India, Bangladesh y Nepal», explica.

Safia vive ahora en Londres y pasa dos semanas al mes supervisando sus comunidades de trabajadores. Sus diseños desmienten que la ropa ecológica y de comercio justo no puede ser fashion, apetecible y llegar al mercado masivo, pero no se confía: «Tenemos un largo camino hasta documentar un modelo y enseñar a las marcas lo que hemos aprendido del comercio justo y sostenible. Trabajamos con ahínco para construir un mercado para el comercio justo también». Además de sus líneas de hombre, mujer, niños y bebés hacen útiles para la casa; la cerámica, por ejemplo, es de Vietnam. Trabajan con cincuenta comunidades de artesanos rurales en quince países. Le comento que ojalá el comercio justo, o al menos ético, sea la norma algún día: «Si no lo acabamos consiguiendo es que no queda humanidad en el planeta. Lo que pasa en la moda pasa en otras industrias. Necesitan renovarse en todos los ámbitos y crear palancas para el cambio», opina Safia, que colabora con diseñadores como Peter Jensen y tiene como fans a it girls como Alexa Chung, que pincha en sus presentaciones.

EL RETO DE LA MODA: POR UN MUNDO MÁS JUSTO Y FASHION

Desde los sesenta la industria textil mundial, como otras, comenzó a buscar mano de obra barata en el este de Asia, y hoy se extiende a África, América Latina y Europa del Este. La moda puede hacer mucho por sus trabajadores y de rebote por sus economías, no en vano factura más de un billón de dólares anualmente¹⁴ y muchas firmas pagan millones de euros a deportistas, modelos o actrices por promocionar sus productos mientras, por ejemplo, los trabajadores/as asiáticos que fabrican equipamientos deportivos cobran aproximadamente 47 céntimos de euro la hora (3,76 euros al día) y suelen sufrir discriminación, acoso, amenazas, despidos o intimidación con violencia cuando quieren formar sindicatos.

Las empresas deben asegurar que sus proveedores en Asia (o en los últimos eslabones de sus cadenas de abastecimiento en cualquier país) traten con dignidad a los trabajadores que hacen sus productos y que no se agreda al medio ambiente. En el sector deportivo, algunas empresas de las 12 del informe de Oxfam —Reebok, Puma, Adidas, Nike, ASICS y Umbro— participan en iniciativas que han mejorado las condiciones de algunas fábricas y están en la Fair Labor Association (FLA).¹⁵ La firma FILA es la que menos hace en ese sentido.¹⁶ Pero en general no hay aún suficiente determinación, es un camino que se ha empezado a recorrer hace poco, tímidamente, y solo por algunos. Por eso a veces la conducta de esas firmas se contradice al llevar la mayor parte de su producción a países o zonas de libre comercio que no amparan el derecho de los trabajadores a asociarse libremente y hacen contratos flexibles de corta duración, en Asia una tendencia reciente y creciente con la que los proveedores temen no renovar contratos y aceptan lo que les impongan. Aunque la mayoría de las marcas deportivas requieren que respeten la legislación local, a veces esta es insuficiente, los gobiernos de esos países la aplican mal (para no perder inversiones) o no se inspecciona e investiga su cumplimiento suficientemente, lo que es frecuente.

Las multinacionales de ropa deportiva y moda pueden jugar un papel importante para asegurar el respeto de los derechos de sus trabajadores y el cuidado del planeta, porque este fenómeno de la «deslocalización» (sacar fuera de la empresa parte o procesos completos de producción, de menos valor añadido, reduciendo costes y riesgos) no es exclusivo de la industria del deporte, sino que lo utiliza la moda entera y muchos otros sectores. Las multinacionales exigen a los proveedores entregas cada vez más rápidas, baratas y flexibles para adaptarse a sus consumidores con precios competitivos, realizar diseños que respondan a sus gustos inmediatos y cambiar la mercancía con rapidez de tiendas y escaparates aumentando su cuota de mercado.

Lo que para el consumidor y la empresa son ventajas pone en riesgo los derechos laborales de los eslabones inferiores de la cadena, a los que se exprime cada vez más. La mayoría de las mujeres que trabajan en la industria textil redoblan sus largas jornadas sin derechos, sin cubrir las necesidades básicas de sus familias, sin bajas por enfermedad o maternidad ni derecho de sindicación o contrato; pocas cuentan con seguro sanitario y menos pensión de vejez, lo que supone un alto coste familiar, social y de salud. Por esa presión los proveedores también subcontratan parte de los encargos a menor precio, e incluso se subcontratan a su vez más barato aún, creando más precariedad laboral al final de las cadenas de abastecimiento. Es la esclavitud del siglo XXI. Por si fuera poco, en los últimos años, en muchas ocasiones, las empresas les rebajan el sueldo por el mismo trabajo para ofrecer al público un precio menor sin que los proveedores puedan negarse. Así que muchas veces nos deberíamos preguntar por qué la ropa es tan barata.

Por todo esto, estas empresas tienen un reto para hacer que su moda no traicione la confianza de sus consumidores explotando a seres humanos y contaminando el planeta. A eso se refiere la Responsabilidad Social Corporativa (RSC) que tienen las empresas ante sus grupos de interés —inversores, empleados, clientes, proveedores, comunidad local, Administración y sociedad—, derivada de los impactos que su actividad genera en materia ambiental, social y laboral. La diseñadora Katharine Hamnett ha sido una de las pioneras en incorporar la RSC a la moda: «Significa hacer prendas sin dañar el medio ambiente, tratando y pagando a los trabajadores justamente en cada peldaño de la cadena de abastecimiento. Y yo incluiría el uso de algodón orgánico como mandato», dice, sabiendo las vidas anuales que hay en juego.

Fruto de las campañas de sensibilización, presión pública y necesidad de las empresas de moda de cuidar su imagen en los tiempos cada vez más concienciados que corren, algunas han elaborado códigos de conducta comprometiéndose a cumplir estándares laborales internacionales en sus cadenas de producción, muy necesarios en países donde no se garantizan las condiciones laborales de los trabajadores. En España han empezado a hacerlo Inditex, Mango y Cortefiel. Han logrado progresos importantes en seguridad, salud y medio ambiente. Pero, como en las firmas deportivas, el camino se acaba de iniciar, les queda pendiente aprender, sobre todo a algunas, que existe una relación entre determinadas prácticas de compra (precios y plazos¹⁷) y la explotación laboral (o contradirán los estándares laborales que afirman apoyar), y promover un mayor control, con inspecciones en los eslabones finales de sus cadenas de producción para verificar sus condiciones.

Los códigos de conducta de estas empresas deberían estar sujetos a la norma SA8000, una certificación voluntaria que establece las condiciones mínimas para alcanzar un ambiente de trabajo seguro y saludable. Inditex lo sigue desde hace unos años, es un avance y un ejemplo a seguir; si las empresas se comprometen de verdad y ponen los medios para cumplirla y exigir a sus proveedores y subcontratas que la cumplan, se reducirán muchísimo las injusticias y aportarán un valor añadido a su empresa.

Otro avance, desde hace unos años, es que algunas empresas realizan memorias de sostenibilidad sobre sus impactos medioambientales. La Global Reporting Initiative es la guía más prestigiosa e Inditex, Mango y Cortefiel hacen las suyas basándose en ella, mientras otras empresas, como Induyco (propietaria de El Corte Inglés), hacen oídos sordos. Es algo que les debería preocupar a todas las empresas que no lo hacen, aunque fuera por propio egoísmo; si no, hunden más en la pobreza a esos países que algún día serán sus consumidores. Y si eso lo ven lejano, hoy cada vez más fondos de inversión toman en cuenta la responsabilidad social corporativa, el 48 por ciento de los fondos en Inglaterra lo hacen y en España, según datos de 2002, 22 fondos gestionan sus carteras con criterios éticos, lo que quiere decir que no invierten en empresas que no asuman su responsabilidad social corporativa. También las ONG reúnen títulos de diferentes compañías o compran acciones de las mismas para tener la posibilidad de defender sus ideas en las juntas de accionistas de estas empresas, como Inditex o Adolfo Domínguez, y así abogar por condiciones laborales más justas y de menor impacto medioambiental. Y hablando de Adolfo Domínguez, aunque su producción está en su gran mayoría deslocalizada, Tiziana Domínguez ha hecho una colección de complementos veganos (Green Me), y prendas de algodón orgánico. Esperemos que al estar las tres herederas de la firma (Adriana y Valeria también) concienciadas medioambientalmente (su tienda de Serrano es sostenible) vayan introduciendo cada vez más estándares eco. La sostenibilidad, cómo no, ha llegado a las revistas, Ediciones Condé Nast (Vogue, Glamour, etcétera) ha decidido a nivel mundial que el papel de sus revistas vengan de bosques gestionados de forma sostenible y fuentes controladas y compensan voluntariamente sus emisiones de CO₂ con proyectos de reforestación en Chiapas y la Amazonia.

¿QUÉ PODEMOS HACER INDIVIDUALMENTE?

Con pequeños gestos que no implican encadenarse en las puertas de las firmas textiles, los consumidores podemos crear un caldo de cultivo propicio para que la industria de la moda asuma su reto, que, en definitiva, es el de todos.

1. Si nos concienciamos del problema, la industria tomará nota. Si simplemente nos mantenemos alerta ante las cuestiones comentadas y evitamos comprar en las firmas que sabemos que no tienen voluntad de cambio, o solo los productos en los que se muestran responsables, la industria acabará por intentar contentarnos; es su naturaleza. Por eso la presión social desde las redes sociales, online y cadenas de ayuda como Change, Avaaz, entre otras, son tan importantes. Inés, de La Casita de Wendy, cree que el eco-chic tendrá mucha importancia en el futuro y habla de una absoluta pionera patria en este campo: «No es una corriente estética, es una tendencia fuerte y no solo en moda. Sybilla ha sido una pionera en reciclar tejidos y reutilizarlos, además de preocuparse por la ropa ecológica y sin tóxicos.¹⁸ Es muy avanzada, trabajé con ella durante unos años, tenía ideas chulísimas: ropa de papel, venderla doblada por tres euros, era ropa social a la que todo el mundo podría acceder. Luego no tuvo el apoyo para sacar sus ideas adelante y nadie se enteró de nada». La información es poder, divulgarla y compartirla también aumenta nuestro poder y nuestra concienciación como consumidores para que así los proyectos encuentren inversiones y superar los problemas aprendiendo de otros y creando comunidad.

2. Evitar el consumismo absurdo. En su desfile de primavera de 2008, Vivienne Westwood dejó un panfleto anticonsumismo en las sillas de los asistentes. Juncal Cucullo pone un ejemplo: «A nivel consumista, somos todos unos irresponsables, en serio, es tremendo. A veces me he visto en la situación de qué hago, ¿me voy a dar un paseo?, no, porque no tengo dinero para comprarme nada. Pero ¿no ibas a dar un paseo? ¿Tiene que implicar entrar en H&M y comprar? En el fondo es irresponsable, compramos más de lo que necesitamos». Ese tipo de consumo implica un gasto energético y de materias primas brutal que se puede controlar, como dice la estilista Isabel Ottino, muy concienciada en este tema: «Lo más ecológico es consumir poco y bien. Es fácil caer en el consumismo, total si son veinte euros, pero hay que pensar qué hay detrás y cuánto les habrá costado a ellos». Katharine Hamnett dice que no hay que perder la visión de contexto al consumir: «Dos terceras partes de la población viven en el umbral de la pobreza o por debajo. Nuestra sociedad contaminadora y explotadora nos ha llevado a un punto donde la creación se corrompe con conductas aberrantes. Visitar a granjeros en países en vías de desarrollo y ver cómo es su vida (y su muerte) al final de la cadena me mantiene concentrada en no perder el contexto». El diseñador Fernando Lemoniez apuesta además por mantener un espíritu crítico: «El consumo más responsable es comprar poco y bien, lo que necesitemos y deseemos, pero con cabeza, no lo que nos dicen las multinacionales o revistas. Esas grandes empresas tienen que vender como sea y necesitan que el público compre constantemente».

3. Comprar orgánico, de comercio justo y ético. Siempre que tengas una alternativa orgánica, o de tejidos lo más naturales posibles intenta comprarla por el bien de tu salud, de sus trabajadores y del planeta. Aunque en algunos casos pueda resultar un poco más caro, con el tiempo y más consumidores se hará más asequible, mientras tanto su «valor añadido» (el factor «derechos humanos») es algo que hay que valorar, puesto que los demás productos no lo tienen. Consumiéndolos se desarrollarán más productos y entrarán con más empuje en el mercado masivo. Eso sí, mira que estén certificados debidamente para no caer en ningún tipo de fraude oportunista.

4. Lava las prendas en frío con la lavadora bien cargada. Contribuirás a realizar menos consumo energético; si tienes un programa de ahorro o ecológico, úsalo siempre, lo agradecerán tu factura de la luz y el planeta. Además utiliza detergentes ecológicos que hay en el mercado para no contaminar tus prendas ni el agua.

5. Secar de forma natural. El secado y planchado suponen un gasto energético enorme a nivel global. En la medida de lo posible, seca las prendas de forma natural y solo plancha lo absolutamente imprescindible, repercutirá en tu factura y planetariamente.

6. Recicla la ropa. Cada uno de nosotros consume entre 8 y 9 kilos de ropa al año, lo que acaba generando unos residuos de casi 400.000 toneladas. Anualmente se compran dos millones de toneladas de ropa y alrededor de tres cuartas partes acaban en los vertederos también anualmente. Alrededor del 5 por ciento de la basura municipal en Estados Unidos es ropa y material textil, y el estadounidense medio tira 35 kilos de ropa al año. Un enorme problema de residuos en el que el reciclaje puede hacer mucho (hay firmas basadas en el reciclaje, como hemos comentado al comienzo, y otras como la firma Intimissimi, que permite el reciclado de prendas interiores, o Timberland, que hace botas también reciclables, las mochilas de Lefrik, entre otras muchas opciones). Además de arreglar o adaptar tus prendas para poderlas utilizar de nuevo, puedes comprar ropa de segunda mano o vintage. Bimba Bosé pone un ejemplo: «En la generación de nuestras madres se consumía de otra forma y eso se ve en la ropa, duraba. Por eso me gusta el vintage, esto —dice de la chaqueta de tweed que lleva puesta— no sé de qué año será, pero puedo seguir usándolo». E Isabel Ottino hace un comentario que nos deberíamos aplicar todos, España es uno de los países europeos que menos ropa recicla: «En mi casa no entra ropa si no sale otra antes, la puedes dar a una ONG o a organizaciones de caridad. Es una higiene mental, tenemos que ser un poco más responsables y darnos cuenta de que somos solo “la” parte del mundo que nos podemos permitir estos excesos». Diseñadores como La Casita de Wendy también son conscientes de ello¹⁹ y lo van introduciendo en su empresa: «Hemos sacado una colección reciclando telas, es divertido y necesario, tiramos muchísimas telas», dice Inés de su experiencia en Recycling, donde vendían regalos y ropa hecha con tejidos estampados de colecciones antiguas, aprovechando botones, cintas, etcétera, que no se habían utilizado. El concepto es crear productos únicos hechos a mano y aprovechar los materiales que habían quedado en desuso. La firma de complementos Dímelo Hilando es afín a esta filosofía, como los bolsos con telas vintage de Petty Things o las joyas recicladas de Marni. Otras firmas, como Jocomomola, Amosi o Escama también lo hacen, y From Somewhere es una línea de ropa inglesa muy interesante que está basada también en el reciclaje (fromsomewhere.co.uk), como algunas líneas de Margiela y de otros diseñadores, como SANS, El Naturalista, Skunkfunk y algunos diseños de Lupo o Fun & Basics, que afortunadamente se apuntan a la reutilización de materiales, como también lo hace Casio en algún modelo de sus relojes. Y como el reciclaje puede ser muy divertido, se han puesto muy de moda «las manualidades» llamadas hoy DIY (do it yourself) con el resurgimiento del movimiento Art & Craft. Le he preguntado de nuevo a Cristina Castany, que es amante de «las monadas», que me recomiende sus favoritos. Y aquí están: matterofstyle.blogspot.com.es; blog.boatpeopleboutique.com; ispydiy.com; psimadethis.com; apair-andaspare.blogspot.com. Además, en la red abundan muchos tutoriales, blogs y videoblogs de interesados en el reciclaje como «Hecho por mí», cuya información puede resultar útil.

7. Si eres un joven diseñador con motivaciones ecológicas, Katharine Hamnett te aconseja: «Investiga materias primas y procesos y familiarízate con certificaciones medioambientales y su significado, como SA8000, GOTS, Demeter, SKAL, Soil Association, entre otras. Además, conviene buscar trabajo en una compañía ética y medioambiental para aprender más. Los mínimos de una fábrica son generalmente muy altos para que un joven diseñador se lo pueda permitir inicialmente, pero la situación se está volviendo poco a poco diferente, es duro ahora, menos que antes, pero piensa que hoy está siendo más fácil que nunca, no pierdas la fe y nunca te rindas, porque en el futuro será más fácil». Además hay diferentes estudios, plataformas como las mencionadas en el capítulo (Slow Fashion Spain, etcétera) que te pueden ayudar, lo importante en estos casos también es apoyarse en profesionales y experiencias con buenos resultados y no rendirse ante los obstáculos.²⁰

8. Apoyar lo artesanal. Iván, de La Casita de Wendy, explica que «ahora hay un boom de fabricar fuera de España, en China, India, y rebajar costes. Todo el mundo lo ve como un valor y nosotros queremos que la etiqueta diga que se hace en Europa, tenemos una tienda en Islandia que nos lo exige por contrato, nos parece interesante y digno de elogio». Sobre todo porque eso de ahorrar costes significa riesgos para el planeta y los trabajadores en los últimos eslabones de la cadena. Manolo Blahnik también reivindica lo artesanal: «Las cadenas de fast fashion y la industria textil producen estragos enormes en el medio ambiente contaminando más de lo que deberían. El lujo máximo es el pequeño atelier, genera menos impacto. Los artesanos deben ser respetados y cuidados, el Estado debería ayudar verdaderamente a todos los que están haciendo cosas artesanales buenas». Por eso, consumir productos artesanales es un medio de apoyar formas de producción con menor impacto medioambiental. El portal etsy.com se ha puesto muy de moda en este sentido. Otro ejemplo, entre los muchos que hay, es el proyecto Muzungu Sisters (de venta online o en los pop-up stores que organizan) de las jóvenes socialités Tatiana Santo Domingo y Dana Alikhani, que recopilan prendas de los artesanos de cada rincón del mundo para ayudarlos. También es muy interesante la artesanía de Krochet Kids International con comunidades africanas.

9. Utilizar pieles sintéticas. Como dice Isabel Ottino, «ahora hay más conciencia, casi nadie cuestiona que tras un abrigo de piel hay muchos animales muertos. Afortunadamente, las cosas han cambiado, la gente tiene más información y se plantean alternativas». Hay que tener en cuenta, como dice Blahnik, que «las pieles de la industria de la moda provienen de granjas; los ecologistas lo encuentran cruel, pero lo es tanto como las granjas de gallinas u otros animales, se crían para lo que se crían, es triste, de acuerdo, pero igual que comer carne o pescado». Es algo cierto pero con lo que muchos no están de acuerdo, por eso las pieles sintéticas son cada vez más requeridas, como dice Katharine Hamnett: «Nuestra ropa dice quiénes somos y cuáles son nuestros valores». Por otro lado, también hay firmas como Love Brand & Co. que entregan parte de sus beneficios para la preservación de especies animales como el elefante, y la firma española Giossepo colabora en la protección de las tortugas.

LUJO RESPETUOSO CON EL MEDIO AMBIENTE

Las firmas Noir, Lutz & Patmos, Elementum, Helena Lumelsy, Céline de Schepper, Jantine van Peski, Natalie de Koning, Pauline van Dongen, entre otras, son experiencias interesantes de cómo la moda eco también puede ser un lujo, como las divertidas prendas en punto de Chinti and Parker. Vamos a hablar con dos de ellas que aúnan buen diseño con excelente calidad.

Noir, del diseñador danés Peter Ingwersen, hace lujo «significativo»: «El lujo es un término que describe lo sofisticado y de alta calidad; la vida no depende de él aunque a mucha gente le guste y esté bien. El hecho de que el lujo pueda ser sostenible le da realmente un sentido medioambiental y también a la gente que lo produce. Así que comprar lujo de marcas éticas y sostenibles es lo que le da significado», dice. El 70 por ciento de los materiales de su firma son éticos y ecológicos y desarrollan una línea de algodón orgánico de comercio justo con comunidades en Uganda: «La razón de hacer nuestros propios tejidos viene del hecho de que es difícil obtener tejidos sostenibles y sexys. La mayoría son tan gruesos que te los puedes fumar», dice bromeando este creador que cree que la única forma de cambiar los hábitos de consumo es no adoctrinar: «Los consumidores necesitan sentir que pueden influir en el mundo con su poder de consumo e influir para que las compañías hagan productos sostenibles». Por eso firmas como la suya certifican que tienen acuerdos con organizaciones que auditan y prueban los métodos de producción, centrados en el medio ambiente y la ética social: «Contactamos a organizaciones como Naciones Unidas, la ILO²¹ y el ICC Business²² y nos hicimos miembros. Queríamos que nuestros clientes supieran que nos adherimos y cumplimos los estándares internacionales y su código de conducta», nos explica.

Pero eso no implica que no compitan en la liga del diseño deseable a pleno rendimiento con una sastrería exquisita, camisería impoluta, ropa interior y faldas, vestidos de noche, pantalones y trenchs simplemente maravillosos. Le comento que son básicos para siempre: «Gracias por el cumplido, me gustan los básicos de gran calidad y corte, la moda está en un momento que tiene que conciliar el creciente interés por lo eco con ser parte de un sistema que por su naturaleza está basado en el consumismo feroz. La moda tiene sus propias reglas y si no las juegas, estás fuera. Si el juego es sobre ser atractivo, hay que jugarlo. En nuestro caso también se trata de volver la responsabilidad social corporativa sexy, si los productos no son fashion y sexys, no hay viabilidad comercial ni razón de existir. Noir está construido sobre la calidad y la ética».

Por su parte, la firma neoyorquina Lutz & Patmos surgió en 2000 por «la necesidad de salir de las tendencias de cinco minutos y la ropa de usar y tirar. Nuestra meta es crear moda que pueda estar en la vida de las personas por mucho tiempo». Para Tina Lutz y Marcia Patmos el lujo es «estar feliz y contento con lo que tienes»; en ese sentido, son lujosas, pero también lo son por los materiales que emplean: «Hemos expandido nuestra colección incluyendo más fibras que la cachemira. Ahora usamos algodón orgánico, viscosa, y una gran parte de la colección está hecha con lana ecológica como la alpaca», que proviene de comunidades con las que trabajan en Uruguay y Bolivia, a las que ayudan a desarrollarse, y de animales que no sufren maltrato y se crían de forma natural.²³ Además, han desarrollado camisetas recicladas: «Usamos tintes naturales tan a menudo como podemos e intentamos reducir la huella medioambiental en el packaging. Además, ponemos al día nuestra colección con detalles modernos y únicos en suéteres, abrigos, cárdigan, chalecos, vestidos y pantalones».

Se vuelcan en el diseño tanto como en la sostenibilidad, realizan colaboraciones muy especiales con artistas, arquitectos, gente del cine y de la moda a los que les piden que hagan el suéter de sus sueños. Richard Meier hizo cárdigan y chaquetas largas; Julianne Moore, una rebeca; Liv Tyler, unas capas; L’Wren Scott, un bolero; Carine Roitfeld, un suéter con pequeños rotos; Sofia Coppola, dos vestidos rectos cortos con cinturón; Christy Turlington, otra capa, y la fotógrafa de moda Inez van Lamsweerde, una camisola de tirantes, entre otros: «Es sorprendente ver a nuestros diseñadores invitados, especialmente considerando que muchos no tenían experiencia», me dicen. Para ellas el estilo es «una actitud personal, la forma en la que uno mezcla las cosas de una forma que parece sin esfuerzo. Por ejemplo, Carine Roitfeld y Sofia Coppola son femeninas, sofisticadas y sin esfuerzo. El de Sofia es simple, nonchalant,²⁴ y el de Carine más dramático, sexy y en el filo». Pero no son mitómanas y en general piensan que la gente se vuelve loca siguiendo a las celebrities y las tendencias en vez de ser ellos mismos: «Los consumidores y la gente de la moda están necesitados de diferentes aproximaciones a las prendas, más perdurables, relacionadas con las emociones y la naturaleza, que sobre el estatus y las tendencias».

Colaboran con la asociación Climate Project del premio Nobel de la Paz (2007), Al Gore, con la asociación Free Art, que colabora con niños y familias desfavorecidas y con varias asociaciones relacionadas con la salud y la educación con fines benéficos. Y, curiosamente, dicen que esta experiencia laboral les ha enseñado algo importante: «A ser tú mismo, seguir tus instintos, rodearte de positividad y cogerte un día libre cuando puedas».

ZAPATILLAS POR EL MEDIO AMBIENTE

Firmas como Adidas y Vans han desarrollado zapatillas con materiales ecológicos como el cáñamo, el algodón orgánico o el carbón vegetal, la firma Merrell tiene zapatillas para veganas; Timberland garantiza el reciclaje de materiales en su calzado y Camper intenta producir el menor impacto medioambiental posible. Son diferentes formas de sumarse a la tendencia ecochic del mercado desde líneas que no son estrictamente ecológicas. Otras, como Izzy Lane (de tacones maravillosos, como los de Stella Luna), Cri de Coeur (bailarinas y tacones), Keep, Nagore o Faguo (zapatillas), Manimal (mocasines y botas indias), Ethletic (muy parecidas a las Converse), Beyond Skin (zapatillas, bailarinas y tacones), Terra Plana (zapatos de todo tipo), Po-zu (calzado para niños) o Begoodesigns (zapatos y sandalias), Caboclo (zapatos artesanales y eco-chic), desarrollan líneas ecológicas certificadas y genuinamente orgánicas en todo su proceso, como la firma Veja de zapatillas, que ayuda a comunidades en Brasil, lucha por el ecosistema de la selva amazónica y vende en Europa (online, y en Madrid en EKS), la firma Sawa es la primera marca de sneakers hecha en África al cien por cien o TST, creada por Seishi Tanaka, también tiene materiales orgánicos y un proceso artesanal.

Hablo con los fundadores de Veja, Sébastien Kopp y François-Ghislain Morillion, para ver cómo montaron su empresa al acabar sus estudios. Decidieron hacer una auditoría de un año dedicada al desarrollo sostenible para grandes grupos franceses, y en la mayoría se desengañaron. Pero cuando auditaron en Brasil Alter Eco (una empresa francesa de productos alimenticios de comercio justo) se dieron cuenta de que, para cambiar las cosas de verdad, era necesario incorporar medidas sociales y medioambientales en la actividad de la empresa. Así tuvieron la idea de crear Veja en 2005 y volvieron a Brasil para encontrar a los productores de algodón orgánico y caucho natural en la Amazonia. Crearon toda la cadena. La producción se hace en el sur de Brasil, respetando la dignidad de los trabajadores, y el almacenaje se hace en Francia con la participación de una asociación social que permite a personas excluidas reintegrarse en el mundo laboral. Como dicen, en este siglo «los grandes discursos ya no son suficientes, es necesaria la acción. El objetivo de Veja es mostrar que es posible crear zapatillas y observar principios éticos y ecológicos elevados. Queremos que se distribuyan cerca de otras marcas conocidas de zapatillas, en las mismas tiendas, donde la gente suele ir de compras, y al mismo precio. La razón es que no tenemos presupuesto para publicidad y marketing, lo gastamos todo en el proceso».

Pero no quieren que sus zapatillas sean consumidas solo por ser de comercio justo y ecológicas, sino por su atractivo: «Para nosotros, lo ideal es que se compren porque gustan. De esa manera podemos demostrar que se pueden hacer zapatillas de moda que a la gente les gusten, y respetar exigencias sociales y medioambientales duras». Lo han conseguido y explican por qué los consumidores de países ricos deberían consumir conscientemente: «Debemos preguntarnos de dónde viene la ropa que compramos y cómo es fabricada. Veja significa “mira”, invita a mirar alrededor de uno y tomar conciencia de las cosas. El consumidor desempeña un papel importante y tiene que plantearse esas preguntas».

ROPA INTERIOR: RESPETUOSOS CON EL MEDIO AMBIENTE POR DENTRO Y POR FUERA

Como bien decían los diseñadores de la firma española Bechcouture, «la moda ecológica, desde luego, debe llegar a este sector y a todas partes». Y si bien la introducción de prendas íntimas (o de baño) con procesos y materiales eco-friendly se hace tímidamente, existe un demanda cada vez mayor por parte del consumidor por este tipo de producto. «Están en auge aspectos más ecológicos, como el uso de tejidos orgánicos. Sin embargo, la tecnología todavía no acompaña al cien por cien en el mundo corsetero, pero todo llegará. Hay que tener en cuenta que un sujetador está compuesto de muchas pequeñas piezas y la tecnología aún no ha llegado a facilitarnos que todo el proceso pueda ser ecológico. Esperamos que pronto tengamos avances importantes que permitan trabajar mucho más eficazmente en esta línea», comenta Wai Lin, exdirectora creativa de Women’Secret.

Eso explica la simplicidad de formas de la línea de lencería de Stella McCartney —aliándose con el grupo Bendon, uno de los más importantes del sector— y que no sea exclusivamente ecológica, lo es en un alto porcentaje, aunque apueste por tejidos de primera calidad, como seda, algodón orgánico y chifón, en tonos siempre muy cuidados, con motivos florales, detalles de lencería francesa que, combinados con ligueros negros, son un completo acierto. Pero afortunadamente existen alternativas completamente ecológicas también, por ejemplo la firma de lencería Chantelle tiene una línea ecológica, y también Eberjey. La firma de ropa Ciel (que se puede comprar a través de la web fashion-conscience.com) tiene conjuntos románticos muy atractivos con un 95 por ciento de algodón orgánico y un 5 por ciento de licra. En greenknickers.com se venden braguitas ecológicas online y el mayor portal de lencería del mundo, figleaves.com, desarrolla una línea entera de lencería ecológica con sus consabidos complementos. Además, en el eco-friendly adili.com también venden lencería ecológica; la firma de comercio justo y algodón orgánico Gossypium tiene unas braguitas tipo short con el lema en la goma «Pant to poverty» que recuerdan a los shorts femeninos de Calvin Klein, y la firma Sternlein está especializada en medias eco, así como Giulio en ropa interior masculina ecológica.

Pero las firmas más buscadas de lencería ecológica, que seguramente marcarán tendencia, son Eco-Boudoir, una empresa ética que trabaja seda, cáñamo y bambú con camisolas y lencería francesa realmente preciosas; Enamore, que nada tiene que envidiar a Agent Provocateur, hecha de seda, cáñamo y soja con unos conjuntos de lencería francesa realmente seductores y románticos (ambas firmas disponibles en fashion-cons cience.com). En esta línea encontramos también las firmas Stellar Designs Under the Root, Clara Bare, Lilipiache, Luvattuva, In Blomm, Daisy & Elizabeth, Undercover Agents, Gilded City, Dare to Bare, Of Course You Can, Headed Downtown, From NYC With Love, Read or Dead, 50 Shades, Simply Sated o Now You See It que encontrarás online y tiendas especializadas eco. Cruzamos los dedos para que los avances e innovaciones tecnológicos se desarrollen más aún en este sentido. Lo que le sienta bien al planeta también nos sienta bien a nosotros.

JOYAS ECOLÓGICAS Y ÉTICAS

La joyería ecológica y ética, junto con el fin de embellecer, persigue que las condiciones de los trabajadores que extraen o tratan sus materiales sean respetadas por las empresas y que dichas operaciones no supongan un expolio de recursos del planeta ni fuentes de conflicto. Joyeros o bisuteros como Tom Binns, Pipa Small, las firmas Verdier, Verderocks, Fifi Bijoux, Pat’s, Verameat, Alex & Ani, Ena Macana, L’ Impératrice, Jade Mellor, Sevenplv, Rachel Essex, Haast, o diseñadores como Katharine Hamnett, Edun o People Tree se han introducido recientemente en este sector y la modelo Almudena Fernández ha colaborado en una colección de joyería con Susan Rockefeller cuyos beneficios se destinan a Oceana. Acudo a Jennifer Herwitt, estadounidense y escenógrafa de la serie de televisión CSI porque también se ha especializado en colecciones de joyas ecológicas basadas en insectos, su gran pasión. Recuerdan a algunas joyas y bisutería de los años cuarenta, inspiradas también en ellos, que se retomaron a finales del siglo XX y con más fuerza en el 2000.

Me explica cómo surgieron sus joyas: «De pequeña me refugiaba en la naturaleza para escapar del mundo. Tengo especímenes muy valiosos de todas partes del mundo. Cuando la gente venía a casa, se quedaba fascinada. Tomé nota y pensé en crear una colección de joyas y acercar el mundo de los insectos». Y lo hizo, empezó a dibujar bocetos, los pasó al ordenador, trabajó en 3D para crear cada pieza, aumentando más de diez veces su tamaño normal para así poder averiguar cómo insertar cada diamante adoptando el aspecto exacto de mariposas, hormigas, libélulas o mosquitos, haciendo unos moldes en resina para ver cómo funcionaba la pieza y luego pasándolos a oro o platino donde engarzan las piedras.

Jennifer eligió trabajar con piedras libres de conflicto —que ni expolian el planeta ni a los trabajadores— porque «me encanta la naturaleza y la belleza de estas piedras no debería estar empañada por las formas, a veces dudosas, de las condiciones en las que se extraen. Soy profesora y valoro verdaderamente la vida, me gusta la gente, la prosperidad de unos no puede ser a costa de la gente menos afortunada. El abuso y el maltrato nunca son aceptables». El sector ha acogido su colección con respeto y apoyo. No en vano, en 2002 se estableció el Kimberley Process Certification System,²⁵ que certifica que las piedras tienen un pasado limpio ya que en muchos países de África los diamantes han sido objeto de conflictos, como bien denunciaba la película Diamantes de sangre, con Leonardo Di Caprio. Hoy, firmas como Tous, Cartier, Bvlgari, Chaumet, Tiffany’s, entre otras, están adscritas al Kimberley Process Certification System.

Hoy, el 90 por ciento de los diamantes que se usan en joyería están libres de pecado. Es más, estas piedras preciosas se pueden convertir en una fuente de riqueza y prosperidad para algunas de las comunidades que las extraen si no acaban presa de intermediarios. El 65 por ciento de los diamantes proviene de África (8.400 millones de dólares anuales); la producción de diamantes en Namibia supone el 40 por ciento de su PIB; un millón de trabajadores de la India pertenecen a esta industria y 10 millones en el mundo trabajan directa o indirectamente con ellos. La producción de estos diamantes ha supuesto que cinco millones de personas tengan acceso a la sanidad, que en regiones de Botsuana los niños menores de trece años tengan educación y se combata el sida en África. Un hecho que parece una utopía hoy es realidad en la industria del diamante.

Jennifer, con sus diseños, quería ir más lejos: «Mis diseños no son solo respetuosos con el medio ambiente y los seres que habitan en él. Quería hacer pensar a la gente, por eso cada pieza va en una caja con una explicación sobre el insecto y el significado de cada uno. El hecho de que los insectos hayan sobrevivido durante 400 millones de años tiene un significado simbólico para mí, nos habla de la adaptación de estos seres, de lo maravillosamente diseñados que están y de la función específica que representan en el ecosistema». Cada pieza está acabada y trabajada a mano, ha escogido el tipo de diamante en relación con los colores originales de los insectos, ha estudiado entomología para reproducir exactamente su morfología, los ojos ¡y hasta las antenas!: «El proceso ha sido muy minucioso, técnicamente difícil, al trabajar una escala tan pequeña, pero ha compensado». Jennifer desea que la ola ecochic que invade la moda y la joyería «no se quede en una tendencia solamente, que nos haga entender que vivimos en un planeta donde cada pequeña pieza lo mantiene en equilibro o lo puede descompensar. No nos podemos permitir ignorar esto. Espero que se convierta en una nueva filosofía de diseño, y de vida». Me sumo a este deseo, y pensando en qué será lo más más innovador que está por venir en este sector con gran desarrollo, acudo a Gema Gómez: «Grandes ideas de la sostenibilidad como producir productos diseñados para reintegrarse en el medio ambiente después de su ciclo de vida o basados en una economía circular». Le pregunto por empresas innovadoras por su modelo de negocio, y además de las mencionadas IOU Project y Teixidors, me comenta: «En España tenemos un referente en el ámbito del I+D: Jeanologia, que es un laboratorio textil especializado en denim y que desarrolla tecnologías bajo principios de sostenibilidad, como su lavadora de ozono que la usan todas las grandes marcas de vaqueros desde Levi’s a Tommy Hilfiger». Está visto que la moda responsable no ha hecho más que comenzar.

POR UN MUNDO MÁS JUSTO, UN PLANETA FASHION MEJOR

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Edun, Nudie, IOU Project, Sans, Rogan Gregory, Noit, Lutz & Patmos, Katharine Hamnett, Stella McCartney, Linda Loudermilk, Lara Miller, Bambosaa, Bagir, Planet Palmer, Patagonia, Fair Indigo, Swati Argade, Belle & Dean (camisetas), Viridix Luxe, Camila Norrback, Amana, Julia Smith, Wildlifeworks, Krelwear, Ciel (ropa elegante, moderna y apetecible), Del Forte o Serfontaine (eco-jeans fashion), además de accesorios eco como los de Vivien Cheng, Amoosi o Escama, Sternlein (medias), Eco-Boudoir y Enamore (lencería), Ananda Pascual, Gloria Bendita, Julia y Teo, Baruc Corazón, Sense Nu by Oriol, Ecoalf, Concrete Madrid, Issie, Ecoology, T-Shirt Store, Helena Lumelsky, Céline de Schepper, Jantine van Perski, Natalie de Koning, Pauline van Dongen, Krochet Kids, Isalda, Dímelo Hilando, Ángel Peña, Elementum, Faguo, Fox Libre, Honoré des Prés, Mamapacha, Mille Collines, Nagore, Vuerich B, Yesorknot, Rebelroot, Helena Rohner, Equilicuá, Green Lifestyle, El Naturalista, entre otras.

Y las prendas de algodón orgánico de H&M, C&A, Levi’s, Puma, Notify, Replay, Wrangler, Springfield, Pull & Bear, Adidas, Nike, Armani, American Apparel, Lacoste, Sybilla, Cheap Monkey, La Casita de Wendy o Dockers, entre otras muchas recogidas en este capítulo.

Y las joyas de Tom Binns, Pippa Small, las firmas Verdier, Verderock, Fifi Bijoux, Pat’s, Rachel Essex, Katharine Hamnett, Haast, Edun, People Tree, Jennifer Herwitt (entre otras muchas recogidas en este capítulo).

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fashionconscience.com, greenwithglamour.com, howies.co.uk, ecocitizenonline.com, notjustpretty.com, thegreenloop.com, thewhiteparrrot.com, conscient.es, beklina.com, btcelements.com, shopequita.com, sanbag.biz, organicstereo.com, thewhitepebble.com, shopmodify.com, adili.com, equaclothing.com, stewartbrown.com, greenknickers.com, figleaves.com; en yoox.com y asos.com también hay oferta eco.

• Los artículos ecológicos y de comercio justo deben estar certificados por organizaciones internacionales (garantizan y aprueban su proceso) con certificados como el GOTS, Demeter, Skal, Soil Association, Fair Trade Foundation, FLO, IFAT (The International Fair Trade Association), SBV Mark (Sustainable Biodegradable Product), FSC Certified, EU Eco-label, Fair Trade Certified Cotton, Agrocel, entre otras, que garantizan y aprueban su proceso del principio al fin.

• En la ropa hay tóxicos (plomo, cromo VI, níquel, arilaminas, ftalatos, PFC, alquifenoles, formaldehído, biocidas o compuestos organoestánicos) que provienen de tintes, pigmentos, pinturas, base de estampar, impermeabilizantes, acabados antimanchas o detergentes industriales. Los productos libres de tóxicos deben llevar el certificado Oeko-Tex, Made in Green o similares.

• Una firma ecológica respeta, en toda su cadena de abastecimiento, las condiciones de los trabajadores reciclando, sustituyendo tóxicos, usando sustancias biodegradables siempre que sea posible, y cultivando sin pesticidas.

• El comercio ético garantiza además que se respeten los derechos de los trabajadores en cada eslabón de la cadena.

• El comercio justo además se esfuerza en el desarrollo de las comunidades trabajadoras para que puedan salir de la pobreza y tener educación y sanidad.

• Con la deslocalización (sacar fuera de la empresa parte o procesos completos de producción, de menos valor añadido, reduciendo costes y riesgos) las multinacionales deben asegurar y exigir que sus proveedores en Asia (o en los últimos eslabones de sus cadenas de abastecimiento en cualquier país) traten con dignidad a los trabajadores que hacen sus productos y que no se agreda el medio ambiente.

• La Responsabilidad Social Corporativa significa hacer prendas sin dañar el medio ambiente, tratando y pagando a los trabajadores justamente en cada peldaño de la cadena de abastecimiento.

• Individualmente podemos ayudar: si nos concienciamos del problema, la industria tomará nota; evitar el consumismo absurdo, comprar orgánico, de comercio justo y ético, lavar las prendas en frío con la lavadora bien cargada, secar de forma natural, reciclar la ropa, comprar vintage, segunda mano, arreglar la ropa, el DIY, comprar marcas eco, de comercio justo o que reciclen materiales para hacer sus productos, comprar pieles sintéticas y apoyar lo artesanal.

XII

LA INTELIGENCIA DE VESTIRSE A CIERTA EDAD

«El estilo es el resultado de una buena educación de la sensibilidad.»

Silvia Alexandrowitch

Me fascinan las mujeres mayores estupendas, vitales y estilosas, no lo puedo evitar, me encantan y me gustaría madurar como ellas. Mi santuario particular de mujeres de una cierta edad con estilo es variado; en lo personal está mi madre, cómo no, y en lo profesional dos maravillosas periodistas de moda españolas a las que admiro, mi queridísima María Vela Zanetti y mi no menos admirada Silvia Alexandrowitch, dos maneras ejemplares de afrontar la opinión y la información de moda respectivamente. Y en lo mitómano, la lista de mujeres maduras con estilo es extensísima, como veremos, cada vez más; francamente, resultan más interesantes que las habituales baby-stars de las alfombras rojas mundiales. Y empezando con María Vela Zanetti, su cabello corto rubio y sus ojos azules chispeantes y llenos de vida, junto con su habitual sentido del humor e inteligencia (algo que suele ir unido), son sus señas de identidad características. Se queja de que engorda, pero yo la veo estupenda. Es natural, elegante, sencilla y fiel a sí misma en sus opiniones y acciones y resulta magnética precisamente por todo eso. Me dijo que prefería que no la entrevistase, que queda como una idiota presuntuosa y que sus opiniones de moda ya las defiende ella en sus artículos de Yo Dona. Le sugerí entonces que me escribiera algo sobre cómo ha evolucionado la moda en este cuarto de siglo de profesión y cómo lo ha hecho su estilo de forma paralela. Y el resultado es todo un ejemplo de actitud y estilo. Así que, a modo epistolar, comenzamos:

Ludeiro, 7 de abril de 2008

Querida Brenda-Brandy:

Estoy aquí entre pájaros desvergonzados que se cortejan alborotadamente entre las ramas y se burlan de la placidez de las vacas. Y de la mía. Llueve laboriosamente en la aldea y tus preguntas, por venir de ti y solo por eso, y por los buenos recuerdos que siempre me trae tu carilla inteligente y radiante —¡eres la última flapper¹ verdadera!— me ponen a cavilar un poco.

En el campo, y yo vivo casi todo el tiempo en el campo, no hace falta pensar, basta con mirar. En eso se parece a la moda (donde todo ya está hecho y dicho al nacer), sobre la que escribo desde hace veinticinco años. Aprendí de la gran María Eugenia Alberti, directora de Dunia, Vogue y ahora de Joyce una lección impagable hace veinticinco años y también ahora. «Tú mira, no pienses.» Y eso he hecho todo este tiempo. He mirado esa silla que es la moda de temporada. He visto cómo cambiaba de pata, de color, de respaldo, de cojín y de cojinete. Las distintas revistas para las que he trabajado me han permitido ser una outsider. Sin sitio, pero con confianza, he visto pasar las sillas y también he visto cómo se iban convirtiendo en sillón. Quiero decir con esto que la moda, que en los ochenta era radical pero alegre, ahora es sumisa, clientelista y fundamentalmente fúnebre y fundamentalista. La cosa se ha puesto tan sacramental que yo, atea al fin, me he retirado un poco hacia el cementerio apud mortem, o apud modam. Soy, como algún fashionista nervioso me dijo una vez, una has been. Desde este «no estar» veo mejor. La vista no está enturbiada por el smog² de las primeras filas de las colecciones.

Desde aquí escribo y he decidido hacerlo no ya tanto sobre ese butacón heredado de la tatarabuela, vintage lo llaman ahora, sino sobre los personajes que se sientan en él. Charo Izquierdo, que es mi amiga y fue mi directora en Elle, consiente mi misantropía y mi esnobismo porque sabe que no tengo remedio. Por eso me ha regalado una sección a mi imagen y semejanza en Yo Dona que se llama «La Lupa». ¡Gracias, chata! Curiosamente, gusta y la gente se ríe o, como decía aquel semanario de humor, tiembla después de haber reído. ¿Se puede pedir más? Tal vez debiera recordar aquí y agradecer la mucha paciencia que editores, fotógrafos, modelos, modistos, joyeros, zapateros y maquilladores han demostrado conmigo, pero la primera, y probablemente la última mano que te da espacio en su revista se lleva siempre en el corazón; las demás, la verdad, se me confunden un poco; son un bajorrelieve elegante en mi vida, admirable pero borroso.

¿Ha cambiado en estos años mi manera de vestir, de proyectar una imagen que diga algo acerca de mí misma? Mucho. He envejecido con saña y engordado con placer. Vestirse es más difícil ahora que Miyake, Armani y Prada son tan caros como un Matisse y me caben solo tras terribles dietas. Una ingobernable soberbia intelectual me lleva a pensar que soy lo que escribo, no lo que se ve de mí. Este sería mi aspecto ideal. Un eterno sastre gris de seda salvaje con medias y zapatos beis y un polo debajo de cachemira; una joya exacta de Joaquín Berao o enigmática de Bárcena; el perfume que me regala mi adorado Juan Gatti,³ Fracas de Piguet; una cartera de mano de cocodrilo color marrón. Nada de pieles, poco maquillaje, jamás plataformas, nunca un nécessaire en viaje. A ser posible, pocos viajes, y menos de trabajo. Blusas sin cuello de Baruc Corazón; mis viejos jerséis de Adolfo Fernández Punsola. Y todo, a estas alturas y estos parajes, ya inevitable y decorosamente raído. Lo mejor de los árboles y los prados es que no saben quién eres, aunque mis perros me miran y comentan entre ellos.

Creo firmemente que la elegancia es una figura del pasado. No me interesan las celebridades intercambiables con sus bolsos sobredimensionados y su discurso estéril. Creo en Zara y en que el humor y la piedad son necesarios a la hora de vestirse y de vestir a los otros. Creo que un vaquero destrozado llega, como los amigos, con el uso y el tiempo; pagar por él una suma loca es de locas y un agravio a quien inventó de una sola pieza algo barato que sirve para trabajar, es seductor y dura. Una mujer que sale un sábado de compras tras una semana agotadora de trabajo, tal vez con una situación doméstica insufrible y sin ninguna esperanza en el corazón, puede hoy en día comprarse algo bonito e intrascendente por muy poco dinero y ese algo le hará olvidar un instante el horror de su vida. En ella pienso cuando escribo de moda. Yo, como ese diseñador amable y comprensivo que le ha concedido un remanso de alegría con una chaqueta que le quita cinco años, espero servir con mis palabras para algo. Un ligero alivio, una luminosa risa, un poco de teoría, nada más.

Sé que hablo aquí mucho de mí misma, pero soy una persona ensimismada y no puedo ni quiero remediarlo. La moda es algo demasiado visceral para hablar de ella sin hablar de uno mismo; no admite abstracciones.

Besos y más besos, Brendita. Confío en haber respondido a tus preguntas y brindo ya por el éxito de tu libro.

María Vela Zanetti

Continuando con Silvia Alexandrowitch, ella escribe habitualmente en El País y Marie Claire y con una simple frase da una descripción precisa de sí misma: «Durante treinta años siempre he ido y nunca he vuelto». María Vela Zanetti dice de ella que es una mujer comprometida con su profesión y lo pongo en su boca porque si lo digo yo, parece peloteo. En estos años de profesión, Silvia, con su buen mirar, inteligente y sagaz, me explica lo que más le ha sorprendido de la moda: «En España, la soberbia de algunos diseñadores y la politización de la moda nacional, un grave error. Además de la carencia de información y vocación modernizadora de la industria textil. Todo esto, frente a dos ejemplos impresionantes de globalización a nivel mundial: Inditex y Mango. En moda internacional, la gran sorpresa la están dando los nuevos mercados (Rusia, las exrepúblicas soviéticas, China, Asia, Pacífico) que poco a poco están cambiando el sistema de la moda, desde fuera hacia dentro, y pronto llegarán al corazón de la moda, la propia creación artística, cambiando el gusto occidental».

Silvia ha entrevistado a todo el mundo de la moda durante años, así que le pido que me evoque a aquellos personajes más emblemáticos: «Con Manolo Blahnik, una entrevista fue suficiente para dar comienzo a una gran amistad, que perdura. Con otros (y los he entrevistado a casi todos) he tenido momentos estupendos. Como sabes, una entrevista, si sale bien, es como una amistad íntima de una hora, lo que para mí siempre es muy divertido. Una forma de conocer gente sin compromiso. Y que tú logres derivar la conversación hacia algo que te interesa saber. De John Galliano logré destapar su vulnerabilidad y su encanto (es un tímido en realidad). Con Stefano Pilati surgió una complicidad extraordinaria, por sorpresa, como si nos conociéramos de toda la vida. Me he quedado con las ganas de entrevistar a Yves Saint Laurent, mi gran amor. Con Miyake también hubo mucho feeling, al contrario que con Kawakubo, dura e impenetrable como un mineral. A Karl Lagerfeld lo entrevisté de noche, por email, y también hubo magia: contestó con todo el ingenio y el sentido del humor de los que suele hacer gala, que era algo que yo le estaba pidiendo entre líneas, como si hubiésemos estado conectados por algo más que la red».

CUMPLIR AÑOS CON ESTILO

La mayoría de las revistas y medios de comunicación dedicados a la moda prestan escasa o nula atención a las mujeres maduras, aunque hoy existe más información al respecto. Las revistas dedican algún tema especial a estas mujeres y, por ejemplo, el Vogue USA hace, una vez al año, un número dedicado a la edad (y el gris se ha puesto de moda en el cabello gracias a Lady Gaga y la modelo Kristen McMenamy) porque estas féminas muchas veces no cumplen el patrón de «señoras mayores» que presuponemos. En general, tienen hijos mayores, se han liberado, tienen mayor poder adquisitivo, más libertad al vestir, algunas se emparejan con hombres jóvenes y todas se niegan a convertirse en «mujeres invisibles» con la madurez, reinventan el look de «señoras mayores» y se cuidan más que nunca. Las mujeres de cuarenta, cincuenta, sesenta, setenta y ochenta años nunca han estado tan bien, en el mundo desarrollado, claro. Y desde luego, celebridades como las que comentaremos (Lauren Hutton, Jane Fonda, Jane Birkin o Jessica Lange, entre otras) son un referente global de mujeres que se niegan a desaparecer de la faz de la tierra simplemente porque la vida sigue su curso y la sociedad de consumo infantiloide no les presta atención.

Le pregunto a Silvia Alexandrowitch cómo cree que evoluciona el estilo con tu persona cuando cumples años: «El estilo, con los años, se afina y se abstrae. Has aprendido de los errores y has crecido en seguridad, de modo que el estilo pasa a ser algo de lo que te olvidas, porque ya lo tienes». Si bien parece que con los años las formas cambian, algunos volúmenes se recolocan por donde no deben casi a traición. Si nos paramos a reflexionar en las palabras de Silvia, el saldo, afortunadamente, no resulta negativo. De alguna manera, aunque a veces no comulgues con la imagen que el espejo devuelve y pienses en otros tiempos, sabes lo que te sienta bien en la moda y en la vida. Y esas prioridades se ordenan de forma casi inconsciente, un patrimonio importante que no debes desdeñar.

Como diría Blanca Unzueta, con la edad formamos «mentes críticas» en la moda y en la vida. Y nos da un consejo: «Aunque tu look esté superestudiado, lo que tienes que transmitir es que es sin esfuerzo [risas]. Si se ve esforzado, ha perdido toda el alma. Por eso hablaba de las mentes críticas, es una cuestión de edad. El error típico de la juventud es querer plasmar, en un momento, todos los conocimientos que tienes, y al final hace falta matizar, dosificar, gestionar todos esos conocimientos. Supongo que eso te lo da la experiencia y el que has ido formando una mente crítica». Por eso, cuando cumplimos años, ese mantra tan sabio de «matizar, dosificar y gestionar» de Blanca se suele tener ya interiorizado. «Menos es más», que decía el maestro Mies van der Rohe (una de las citas más manidas de la historia, por cierto).

Isabel Ottino me comenta algo que guarda relación: «Cuando llegas a una edad, ya sabes muy bien cuáles son tus cosas, cuáles son tus claves, pero el estilo va más allá de la ropa, es casi una esencia de algo. Con la edad sabes lo que eres, lo que necesitas y lo que te tienes que poner, sin duda porque te conoces. Habrá mujeres u hombres que lleguen a eso muy jóvenes. Es más una cuestión de alcanzar esa madurez o seguridad de decir, “al margen de lo que se lleve, esto es lo que me gusta y me queda bien”. Es algo que te viene de muchas cosas, de mucha vida, de lecturas, de música y de vivencias».

Y juntas rememoramos a algunas de las mujeres que nos parecen admirables a su edad y que mantienen un estilo que les corresponde, como Charlotte Rampling, de la que me dice que «la ve de mayor y le sigue pareciendo que tiene un porte fascinante», Jane Birkin, que «es encantador verla en los sesenta, cómo está envejeciendo y la naturalidad que exhala», y de Lauren Hutton, «por su belleza, su manera de llevar pantalones, por su frescura y su naturalidad», me explica. Paremos un momento a analizar qué tiene de fascinante esta última mujer a la que casi todo el mundo pone como paradigma de envejecer con estilo. El estilista Hugo Lavín lo aclara con precisión: «Lauren Hutton fue el nacimiento de las supermodelos, la primera con campañón publicitario para Revlon, es la mujer real, en la que se proyecta mucha gente, atlética, guapa con sus imperfecciones, los dientes separados y ahora de mayor con sus vestidos de satén de Polo Ralph Lauren o deportivas, con arrugas, su pelo como de salitre, de haber estado leyendo un libro en la playa. ¡Eso es ser stylish, tenerlo y mantenerlo!».

Eso me hace pensar un email que me mandó Bimba Bosé tras vernos, en el que me hablaba de mujeres que le parecían estilosas y curiosamente las dos tienen una «cierta» edad. La primera es la reconocida galerista Soledad Lorenzo que se acaba de retirar, que está en sus setenta y cuatro años: «Con cuatro cosas de Zara parece que va vestida de Lagerfeld directamente; transmite una juventud tremenda a través de su estilo y de cómo se viste». Lo mismo que me dijeron Óscar y Ana, entonces Locking Shocking. Y la otra mujer es su suegra: «Martha Breedveld ha sido inspiradora para muchas de nuestras colecciones. Es holandesa, tiene esa clase europea que destila en su forma de vestir y ser, con un estilo exquisito y sofisticado. En ambas, por su sobriedad y elegancia, se saborea un estilo propio», dice Bimba.

Vicente Gallart evoca a una mujer desconocida para el gran público pero, sin duda, a tener en cuenta: «Si ves fotos de Grace Coddington (sesenta y siete años) desde que empezó trabajando como modelo y de las diversas décadas, ha evolucionado hasta ser una mujer mayor, con una sencillez estética que llama incluso más la atención que cualquier vestido de Lacroix, y la ves muy tranquila». Que viene a ser un poco lo que admiramos de las mencionadas Lauren Hutton (setenta años), Jane Birkin y Charlotte Rampling (sesenta y siete), a las que podríamos añadir Julie Christie (setenta y dos años), Vanessa Redgrave (setenta y seis), Lauren Bacall (ochenta y nueve), Gena Rowlands (ochenta y tres), Catherine Deneuve (sesenta y nueve), Candice Bergen (sesenta y siete), Jessica Lange (sesenta y cuatro) o Susan Sarandon (sesenta y siete), entre otras. Mujeres que también han evolucionado hacia una elegancia sencilla que transmite algo de haberse asumido a sí mismas, de estar en paz con lo que han vivido y convencidas de que lo volverían a vivir porque, al fin y al cabo, las ha hecho como son y eso les gusta.

El mayor poder adquisitivo de estas mujeres y su nuevo posicionamiento en la sociedad como personas mayores pero no «acabadas» no ha pasado desapercibido para las firmas, que las contratan para sus campañas publicitarias; desde anónimas modelos de los anuncios de Dove a celebrities maduras estupendas como Jane Fonda (setenta y seis años) publicitando cosméticos de L’Oréal, Sharon Stone (cincuenta y cinco) haciendo lo propio con Dior, Ana Belén (entonces cincuenta y siete) con Olay, Kim Bassinger (entonces cincuenta y cinco) en la campaña de Miu Miu, Twiggy (con cincuenta y nueve entonces) en la de los almacenes Mark & Spencer, Demi Moore (cuarenta y seis entonces) en la de la firma de joyería Rosato y Versace (en su día) o Madonna, que posó para la campaña de Versace pasados los cuarenta y siete y que hoy tiene unos envidiables, y elásticos, cincuenta y cinco añitos, con cincuenta protagonizó la campaña de Louis Vuitton. Vicente Gallart desentraña la clave del proceso que han llevado a cabo las mujeres mayores con estilo que adoramos: «Me imagino que con la edad llegas a determinadas conclusiones frente a tu guardarropa. ¡Y no es fácil enfrentarse a él! Te sinceras con él y simplificas. Te quedas con lo esencial y básico. Cuando somos jóvenes, todo es muy complicado, nuestro armario es muy complicado. Sin embargo, cuando un hombre o una mujer va madurando, se va quedando con lo que realmente le importa y le agrada».

EL TEMIDO SÍNDROME DE LA «BARBIE GERIÁTRICA»

Que me perdone Ana Obregón de antemano —porque este apelativo, «barbie geriátrica», parece que Victoria Beckham se lo adjudicó a ella cuando residía en España—, pero es probablemente una de las cosas más afortunadas e inteligentes que han podido salir por su boca (al margen del insulto feroz que supone, claro). Apartemos lo negativo de nuestra mente y quedémonos con el concepto: «barbie geriátrica». ¡Es muy grande! Lo imagino en inglés, geriatric barbie, por la boquita de piñón de la ex Spice Girl, y me maravilla, es un apelativo que define muy bien a aquellas mujeres que no asumen su edad y se empeñan en revivir la adolescencia constantemente. Y lo que más me fascina es que lo diga Vicky, ¡una fashion victim! Es como una pelea de superheroínas, Fashion Victim vs. Geriatric Barbie. Espero que Vicky siga predicando con el ejemplo en los próximos años. Pues bien, la anécdota viene a ejemplificar lo que hay que evitar ser cuando uno va cumpliendo años, una cosa (ser víctima de la moda) y la otra (ser una «barbie geriátrica»).

Está claro que cuando uno/una madura, desea parecer más joven que su edad biológica, pero seguir las tendencias al pie de la letra y llevar la ropa de los/las veinteañeros/as no es la solución, es más: agrava el problema. La manera de refrescar el look es ser fiel a lo que te queda bien e introducir color o accesorios con un aire más juvenil sin pasarse; hay una fina línea entre querer parecer más joven e ir disfrazada/o de joven.

Converso sobre los «pecados» que hay que evitar cuando uno va cumpliendo años con Antonio Alvarado, que como Silvia Alexandrowitch y María Vela Zanetti «quemó» los ochenta y hoy destila un estilo apetecible, reposado y asumido: «Siempre he tenido ese miedo de no vestir como me corresponde y aunque no me rodeo de nadie de mi edad, o casi nadie, tampoco puedo caer en ponerme un pantalón todo “marcón”, que me lo pongo, pero nunca con la Converse, porque no me siento cómodo, no me corresponde y no me veo bien. Sin embargo, cuando voy de traje soy fiel a lo que toda la vida me he puesto con esa pequeña adaptación de comodidad, de no ponerme una camisa con tres mil colores porque no me apetece que me estén mirando todo el rato. Tienes que ser consciente, tengo cincuenta y siete, no soy comedido, soy igual, me siento bien con mi tiempo y no me quita el sueño lo que digan los demás. Llevo las Converse, pero no con el pantalón pitillo, y me cojo una Converse de Dries van Noten. Llevo las cosas que creo que tengo que llevar, que me corresponden, pero no como las marcan las tendencias, si hay que mirar las revistas es para saber lo que no hay que hacer», dice este diseñador de sencilla elegancia, sempiterna gorra y gafas de pasta que no pasa desapercibido precisamente por su ausencia de estridencias, algo a lo que creo que se debe aspirar cuando uno va madurando.

Como explica Blanca Unzueta, «el estilo crece con uno, tiene que ir acorde a tu ser más íntimo, tu “alma”, es esperable que una persona entre los veinte y los cincuenta años evolucione, si no, sería patética». Ese es un síntoma evidente de «barbie geriátrica», pero ¡ojo!, también hay «kens geriátricos».

Lo explicado no quiere decir que, cuando uno madura, quede reducido a los colores sobrios, desde luego favorecen y aportan elegancia, pero meter algo de color refresca. La diseñadora Carmen March hace un comentario desde la experiencia de tratar con el público: «Te das cuenta de que la gente con más valentía tiene más años, una señora de cuarenta años, cincuenta, sesenta, setenta u ochenta tiene muchas más ganas de color. La edad conlleva una maduración a nivel estético; va todo muy unido. Es mucho más fácil encontrar a alguien con estilo de cuarenta años que de veinte; tiene mucho que ver con madurar, con sentirte contento con quién eres, con no intentar ser otra persona; con una conciencia de la identidad y la autoestima. Llega un momento en que, ¡zas!, con cincuenta años dices este es mi estilo y me da igual». Algo que corrobora también Ion Fiz: «La clienta mayor lo tiene muy claro, va sobre seguro, lo que le sienta bien, lo que necesita o lo que le va a proporcionar “eso” que quiere integrar en su vestuario».

Vicente Gallart da un consejo clave: «Hay que aceptarse. Las personas que tienen un estilo propio se aceptan, se quieren, se gustan y se cuidan. Y eso es difícil de encontrar, todo el mundo se saca “peros”, ¡de ahí el auge de la cirugía estética! No estoy en contra, pero se ha perdido la naturalidad y la humildad de gustarse de manera natural. Por ejemplo, la manera en la que están cumpliendo años Nicole Kidman o Renée Zellweger es completamente terrorífica. Creo que deberían tomar ejemplo de actrices como Lauren Bacall o Lauren Hutton. Nicole Kidman es un icono de la moda actual, una percha maravillosa, pero cada vez parece más artificial». Y es que, primero, es absurdo operarse o empezar a ponerse bótox con treinta y tantos; y, segundo, si uno se hace un retoque de cirugía (que es muy lícito), hay que intentar que sea eso, «pequeños retoques», y no transformar la cara, convertirla en la piel de un tambor o dejarla sin expresión con toneladas de bótox, con la idea irreal de volver a los veinte. ¡Eso no va a pasar por mucho que algunas celebrities parezcan sacadas de la película La muerte os sienta tan bien! Es otro síntoma claro del síndrome «barbie geriátrica», de quien no se acepta ni acepta el paso de los años. Miremos por ejemplo a Susan Sarandon: se quitó las bolsas de los ojos pero no transformó su expresión, o Bibiana Fernández o Alaska, que, pese a reconocer que han pasado por varios quirófanos, no han perdido ni su cara ni su identidad. Es más, están cada vez mejor. Esa es la sabiduría que conlleva la edad, afortunadamente.

Y si estás un poco perdida o desorientada con esto de la madurez, repasa las prendas de tu armario que no han cambiado en años, incluso en décadas, aquellas con las que de verdad te sientes bien y favorecida/o ahora y casi siempre, estas son las prendas a las que tienes que ser fiel y, por lo tanto, busca otras similares que te reporten el mismo placer y comodidad. «Lo único que te salvaguarda de toda esta locura es eso, el estilo, ser fiel a ti mismo, a tus cuellos vueltos, a tus trajes, a lo que ves que en años no ha variado en tu vestuario porque ya te conoces de sobra y tienes madurez. Imagino que es un proceso lógico, los niños de veinte años tienen lo que necesitan, moda rápida y barata, pero cuando eres más mayor valoras más un jersey maravilloso de cachemira», explica Isabel Ottino.

Por eso, opta por buenos tejidos, colores ricos (burdeos, tierras, ocres, caquis, dorados) y los eternos blanco, negro y grises. Además, adapta las tendencias, elige accesorios con un aspecto más desenfadado adecuado a tu estatura (nunca compres un big bag si eres pequeña, porque lo parecerás más). Renuncia a las minifaldas y las botas muy altas, opta por faldas por la rodilla, si tienes las piernas bien o más largas. Y si las tienes bien, pero han aparecido imperfecciones, usa medias opacas o pantalones. Los estampados exagerados o los abrigos tipo capa te echarán más años encima, los pantalones masculinos te rejuvenecerán y si te gustan los tonos oscuros, mezcla texturas (seda, cachemira, lanas finas, piel, cocodrilo) para evitar la sensación de luto riguroso. El cuello descolgado es fácil de disimular con cuellos vueltos, mao, cuellos chimenea, fulares o bufandas sobre un abrigo. Los brazos descolgadillos tienen también fácil solución: mangas que tapen la zona problemática, transparencias, chaquetas de manga corta y boleros con vestidos o camisolas de tirantes y usar chales o echarpes. Y evita el vintage muy marcado y las prendas retro muy obvias, en una mujer u hombre joven quedan bien pero, cuando uno cumple años, envejecen, aunque personalmente me encanta ver señoras mayores un poco extravagantes, con combinaciones inesperadas de prendas, no lo puedo evitar.

Y por no dar solo la visión de profesionales y contar también con la opinión de una clienta madura, Carmen Lomana comenta: «Cuando eres joven, experimentas como loca y al final no tienes muy claro tu estilo. Con los años, sabes perfectamente lo que te va. A veces te pones cosas que no te van pero te divierten, pero no te sientes tan a gusto como con lo que sabes que se identifica con tu estilo y personalidad». Con la edad no está prohibido jugar con la ropa, al contrario, es fundamental. Pero ya no se trata de un juego de adolescentes, lo quieras o no, has pasado a la liga de los expertos en sí mismos.

LA MUJER INVISIBLE: SER UNA HAS BEEN O UNA IS BEING

Cuando María Vela Zanetti me mandó su carta, no pude reprimir pensar quién sería el absurdo que le dijo que era una has been,⁴ un término que define a una persona que «ha sido» significativa pero que se sobreentiende que ya no lo es. En un email agradeciéndole su maravillosa carta le dije que para mí, y para mucha gente, ella es una is being, es decir, alguien que «está siendo» significativa porque en el fondo lo que admiramos de todas esas mujeres maduras con estilo que hemos mencionado es lo que han sido y cómo son hoy, y por eso nos despiertan esa envidia sana de que nos gustaría acumular los años como ellas. Y por poner un ejemplo práctico, tanto María Vela Zanetti como Silvia Alexandrowitch se han divertido muchísimo y continúan siendo divertidas. Las imagino atrevidas en sus años más mozos, pero Silvia me sorprende diciendo que ahora se corren más riesgos estéticos que en los ochenta «gracias a los millones de ejemplos colgados en YouTube y otros canales audiovisuales». Le pregunto qué riesgos estéticos asumió en su día que no correría ahora ni loca: «Leggings, plataformas y ropa de hombre», dice. Una respuesta que en cada mujer varía. Pero si a esa pregunta (que deberían hacerse muchas «barbies geriátricas») contestas que nada, vamos mal.

Inevitablemente, el estilo debe evolucionar con la edad porque tu cuerpo cambia y el mundo también. Me queda la duda de qué le aconsejaría Silvia a una mujer que va cumpliendo años para madurar con estilo: «Pues le daría lo que yo misma voy obteniendo con el tiempo: respeto y alguna palmada en el hombro». Y no puedo evitar reírme, pero la risa se me hiela. ¿Será verdad que las mujeres mayores se vuelven invisibles? ¿Cualquier idiota puede decir que eres una has been sin pestañear? Cuando uno cumple años, ¿solo recibe respeto y palmaditas en el hombro? Si la respuesta a todas estas preguntas es que sí, me parece absurdo... y hasta cruel.

Para no ser una has been hay una actitud que viste más que cualquier traje, es la capacidad de seguir ilusionándose, de vivir, sorprender y sorprenderse. Por poner otro ejemplo práctico, le pregunto a Silvia qué le sigue emocionando e interesando aún de la moda hoy: «Todo. Es mi trabajo y procuro mantenerme con la misma curiosidad de siempre y con espíritu crítico. Sigo aprendiendo». Esa es la actitud. Y puestos a hablar de aprender y de trajes, con los años se necesita, más que nunca, que esas prendas estén bien estructuradas, que afinen el talle, con formas clásicas y un poco de hombrerita. Los bañadores también deben tener un buen patrón, que recoloquen el pecho, al igual que los bodies de ropa interior; sin llegar a la faja de antaño, una ropa interior bonita y que contenga el tronco siempre hará que la ropa siente mejor. Y cuando encuentres el body o el bañador idóneo, no te lo pienses y compra dos. Al igual que, si tienes dificultades para calzarte y das con el par ideal de zapatos, compra otro en diferente tono. Es cierto que con la edad salir de compras empieza a ser un poco más complicado porque la mayoría de la ropa está pensada para jovencitas y llega un punto en que no sabes si uno tiene menos interés por la moda o es al revés. Ir de compras requiere más paciencia que nunca, más ojo, pero el bagaje personal y de moda ayuda a elegir con acierto. Y recuerda que un buen sastre (un buen traje o vestido a medida) rejuvenece más que cualquier cirujano.

«Cuando cumples años tienes que elegir entre la cara o el culo», dijo la actriz Kathleen Turner cuando llegó a la madurez y explicó su subida de peso. Y aunque el dilema no es tan grave, no te sometas a dietas terribles para caber en los vestidos más adolescentes, la piel acusará mucho las bajadas de peso drásticas y parecerás mayor. Quedarse en un peso intermedio es lo mejor para que ni la cara ni el culo se resientan. Y no llevar prendas excesivamente ajustadas es una buena opción para resultar natural, una palabra muy importante cuando se llega a la madurez; ser natural te hace más joven. Eso se traduce en no recargarse de joyas, llevar las justas que favorezcan, no maquillarse en exceso ni llevar el pelo demasiado hecho, porque añade años. La edad también es una cuestión mental, si a ti no te importa acabará por no importarle a nadie. Y si algún inoportuno te reduce a ser una mujer invisible, ¡recuerda que desde tu invisibilidad puedes hacer lo que quieras, como Mia Farrow en la película Alice de Woody Allen!

COMENZAR A CUMPLIR AÑOS, LA MODA PARA LOS MÁS PEQUEÑOS

Y pasando de personas maduras a criaturas que están aún por madurar, la moda se extiende a todos. La generación que vivió su infancia o adolescencia en los marquistas ochenta occidentales ha crecido y ha tenido hijos a los que les inculcan sus hábitos de consumo y que marcan la pauta del nuevo consumo infantil. Según los expertos, este mercado es de los que más crecen y se invierte mucho dinero en marketing y desarrollo de productos. No solo la moda se han fijado en que los pequeños sin poder adquisitivo succionan del biberón del dinero de sus padres, también la cosmética, la tecnología y el ocio —incluidos spas y réplicas de coches de alta gama para niños—. En las grandes urbes estadounidenses, y en especial en Nueva York, el mercado de artículos de lujo para bebés y niños creció un 5,2 por ciento en 2005 y facturó ocho millones de dólares, y después de la crisis no se ha resentido. Quizás pueda parecer obsceno que niños y niñas de países desarrollados vayan vestidos de firma de pies a cabeza mientras otros no tienen alimentos, sanidad o educación. Estos desequilibrios, desafortunadamente descomunales, existen en nuestro planeta y la moda, como cualquier industria, se adapta a los hábitos de sus clientes allí donde existen y tienen poder adquisitivo. En España, la facturación anual del sector infantil, donde operan 400 empresas, aumentó un 4 por ciento en 2012.⁵ Este sector infantil se ha convertido en un nuevo mercado suculento para todas las firmas: de lujo, como Chanel, Dior o Louis Vuitton, por ejemplo; de jeans, como Diesel y Levi’s, entre otras; de deporte y streetwear como Nike, Converse, Desigual y Vans, etcétera, y de moda rápida, como Zara o H&M. Hoy las prendas de los más pequeños son un reclamo para sus padres. El 20 por ciento de la recaudación del mercado del lujo⁶ tiene como destino final a los hijos. Y si Louis Vuitton lanzó por primera vez en 2006 ocho prendas para niñas de dos a ocho años por algo será. Las incluyó dentro de su Icons Collection, prendas icónicas a tamaño reducido para que las mamás fashionistas pudieran comprarle a sus niñas la mítica chaqueta mackintosh en versión mini por 500 euros, casi la mitad que su versión adulta. Cuando lanzaron esta colección, MarieSabine Leclercq, entonces directora de comunicación de Louis Vuitton (hoy trabaja en Longchamp), me dijo: «Marc [Jacobs]⁷ pensó hace años en desarrollar algunas piezas favoritas para niños. Año tras año ha resultado obvio y natural duplicar para las hijas e hijos de nuestros clientes algunas de nuestras piezas favoritas, era también una petición de ellos, gente que busca calidad, excelencia, moda y perdurabilidad».

El sector del lujo para niños no es nuevo. Poiret hacía prendas en los años treinta y, en los cincuenta, Christian Dior añadió un segmento de bebé después de un encargo de Grace de Mónaco para su hija Carolina. Hoy Dior crea 350 referencias por temporada hasta los doce años, desde un biberón de 16 euros a un vestido de 3.000, y en la firma observan un incremento de estas compras. Burberry, que hace prendas infantiles desde 1972, hoy fabrica más de 120 referencias y tiene dos equipos dedicados a la línea infantil y de bebé que adaptan las líneas de adulto porque refuerzan la identidad de marca, con el mismo estilo y calidad.

El boom del sector se produjo a finales de los noventa y principios de 2000. Firmas como Kenzo, DKNY, Hermès, Gucci, Levi’s, Hogan, GF Ferré, Fay, CH y otras muchas, lanzaron líneas infantiles siguiendo la tendencia que desde comienzos de los noventa imponía una «miniaturización» de los productos de adultos no exclusiva del lujo en moda (Porsche y Jaguar producen réplicas de sus modelos para niños de 7.000 a 10.000 euros). Y siguiendo las mismas pautas, las firmas masivas, como Zara y H&M, también tienen colecciones infantiles a precios asequibles. Si lo pensamos, es algo supersensato, para unas criaturas que cambian de talla a gran velocidad y hacen todo tipo de tropelías con las prendas. Las firmas deportivas fueron de las primeras en ver en este mercado un pequeño filón, ¿a quién no le hacen gracia unas zapatillas a tamaño reducido? Y los demás sectores, como el streetwear, vieron también que había mercado. La estrategia detrás de todas ellas es dar más valor a la marca frente a sus progenitores y una fidelización a sus valores y productos desde pequeños. Ven en ello una oportunidad de ingresos porque los padres de hoy gastan mucho dinero en darles a sus hijos una imagen y estilo de vida como el suyo, que lleven camisetas y baberos de sus grupos favoritos, prendas o accesorios parecidos.

Hoy se despliega un universo replicado en miniatura para los más pequeños. Las cifras nos dicen que tenemos menos hijos y más tarde, pero gastamos más en ellos. El sector de la ropa infantil está muy diversificado y junto a las boutiques tradicionales conviven experiencias como lo fue la firma Madelove de las hermanas Inda, Catalina y María, que me explican por qué decidieron entonces crear su firma, cerrada porque acometieron otros papeles en su vida, no porque no fuera viable, de hecho puede dar pistas a emprendedores: «No encontrábamos ropa diferente para bebés y decidimos hacer algo distinto. Buena calidad, diseños especiales (como prendas que crecen con el bebé) a precios razonables. Nos propusimos no producir nada rosa ni azul y usar colores como el negro en prendas unisex». Decían que el mercado de ropa para bebés está polarizado: «Hay tres factores a tener en cuenta: precio, calidad y diseño. Existen marcas bonitas pero con precios altísimos, otras asequibles, con buen diseño pero de baja calidad, y marcas clásicas, las más comunes, pero ninguna que cubriera los tres factores; cuesta encontrar algo original a buen precio y de calidad». Tenían una línea propia con diseños originales y además recuperaban prendas de décadas pasadas sin usar para su colección vintage. Su propia línea se basaba en crear ropa de bebés que ellos pedirían si hablaran y que sus padres llevarían si cupieran en ella. Utilizaban materiales de calidad por la delicada piel de los bebés (algodón, lana y seda), que combinaban con detalles y serigrafías. Además hacían prendas más especiales, como quimonos, vestidos en sedas o viscosa, faldas pantalón que se convertían en bombachos o sudaderas para bebés. Y también vendían accesorios especiales, como baberos XXL, telas portabebés, sillas de tela para bebés (que se acoplaban a sillas de adultos para sentarlos sin que se cayeran) y les ponían a sus diseños nombres inspirados en la cultura popular que influenció su generación: bodies que se llamaban Jane Birkin, New York Dolls, Stardust, Blondie; camisetas llamadas Gloria Gaynor o I Will Survive; ranitas bautizadas Easy Rider, Peggy Lee o Madame Butterfly; vestidos llamados This Boots Are Made for Walking o Nico; o sudaderas denominadas Kraftwerk.

Su línea vintage surgió gracias a una colaboradora. En Alemania, donde ambas estudiaron, «es muy común rescatar prendas antiguas, estábamos familiarizadas con el circuito. En viajes empezamos a “coleccionar” prendas para niños y bebés. Después de un tiempo se juntaron tantas cosas que pensamos que sería buena idea mezclarlas con las nuestras. Nos gustan los patronajes de los cincuenta, sesenta, setenta y ochenta con nuestras prendas. Después de ver que no éramos las únicas a quienes gustó la idea, empezamos a buscar profesionalmente prendas de primera mano antiguas en buen estado y establecimos la colección vintage».

Cristina Castany, en estado de buena esperanza de su primer hijo, nos desvela algunas firmas interesantes con su habitual capacidad resolutiva: «Para bebés, Normandie: patrones clásicos y un colorido muy especial. Los diseños siguen siempre el concepto de un aire retro combinado con elementos de moda, elaborados con tejidos y tintes de primera calidad. Bonton: firma francesa llena de prendas sencillas con un twist. Ideal para mamis que no quieren bebés solo de rosa, blanco y azul. Mi Pequeño Lucas: relación calidad/precio estupenda, colecciones no del todo clásicas. Sus prints tienen mucha gracia. Pequeño Tocón: básicos de calidades de lujo. Su especialidad son los trabajos de punto. Para bebés sin complicaciones pero muy cool. ESP. no. 1: looks confortables, sin excesos, e inspirados en el mundo de la música y el diseño. Y para niños: Bobo Choses: firma nacida en Barcelona llena de color y prendas cómodas. Perfecta para combinar con essentials. Popupshop: ropa infantil urbana y minimalista que se caracteriza por la alta calidad de sus prendas y su preocupación por el medio ambiente. American Outfitters: simplicidad y su apuesta por los detalles que hacen especial una prenda. Finger in the Nose: un toque de “rock&roll attitude” combinado con una dosis de funcionalidad. Y porqué: ropa que parece diseñada por los propios niños para ellos mismos. Sudaderas con capuchasantifaz, bat-pijamas, camisetas con música».

Todo un miniuniverso de la moda se extiende ante nuestros ojos y utilizarlo bien no es responsabilidad de los niños sino de sus padres. Y en mis oídos resuenan las palabras de la diseñadora Carolina Herrera cuando hablaba con desaprobación de los niños muy pequeños que eligen su ropa y las niñas que con once años se hacen la manicura o pedicura. Imagino que, como en todo, hay que inculcar a los niños buenos hábitos de consumo en cuanto a moda y dejarles elegir cuando tengan cierta edad. Recuerdo lo que me contó Miriam Ocariz: «He tenido la suerte de que mi madre me educó muy bien en general y también con la ropa, me gustaba mucho desde pequeña y con ocho o diez años iba con ella a comprar. Siempre me decía, te compro lo que quieras pero solo una cosa y que sea algo que te puedas poner todo el invierno. Y empiezas a tener que decidir, qué me voy a poner, qué quiero, esto lo puedo poner con esto, te hace pensar y, al final, es un chollo, vas teniendo más claro qué es lo que quieres, lo que te gusta, apreciando la moda de una manera natural. Ahora, entre las imágenes de lo que te venden y la facilidad en conseguirlo, no tienes el espacio de pararte a pensar qué es lo que realmente te gustaría o con qué te identificas». Me parece una buena forma de educar.

PARA MADURAR CON ESTILO

CUMPLIR AÑOS EN POSITIVO

• Con la edad el estilo se interioriza, aprendes de los errores, ganas seguridad, sabes lo que te sienta bien en la moda y en la vida, lo que necesitas y lo que te tienes que poner.

• Con la edad se forman «mentes críticas», y no me refiero a criticarse a una misma porque los volúmenes se recolocan a su antojo, sino que se tiene más criterio y experiencia.

• Simplificas tu armario, te quedas con lo esencial, lo que te sienta bien y te agrada.

PARA «REFRESCAR» TU LOOK

• Una persona evoluciona con la edad y esto se refleja en su estilo. Sería afortunado no intentar ser una fashion victim (seguir las tendencias como una posesa) ni una «barbie geriátrica» (no asumir tu edad y llevar ropa de veinteañera) porque te haría parecer más mayor o fuera de lugar.

• Sé fiel a lo que te queda bien, no ha variado en los últimos años o lleva décadas en tu armario.

• La elegancia sencilla es preferible a las estridencias: evitar las prendas excesivamente ajustadas, llevar demasiado maquillaje, demasiadas joyas o bisutería y el pelo demasiado hecho porque hace más mayor.

• Opta por buenos tejidos y colores ricos (burdeos, caquis, ocres, azules con personalidad, tierras) y los habituales negro, gris y blanco.

• Elige accesorios de acuerdo con tu tamaño, los bolsos grandes y bisutería y joyas grandes te hacen parecer más pequeña. Introduce color y accesorios más desenfadados.

• Adapta las tendencias a tu estilo y edad mezclándolas con prendas que sabes que siempre te funcionan y combinándolas de forma personal.

• Aunque te haya llevado su trabajo, que parezca sin esfuerzo.

• Intenta evitar las minifaldas, mejor faldas por la rodilla si tienes las piernas bien, si no, más largas, y si tienes las piernas estropeadas, usa medias opacas o pantalones.

• El estilo también depende de aceptarse, quererse, gustarse y cuidarse de forma natural.

• Si se opta por los retoques quirúrgicos, que sean eso, «retoques» que no transformen tu cara, la conviertan en una piel de tambor o la dejen sin expresión.

• Los pantalones masculinos hacen más joven y los estampados exagerados y las capas hacen más mayor.

• Si te gustan los tonos oscuros, mezcla texturas (seda, cachemira, lanas finas, diferentes tipos de piel, algodón, charol, etcétera) para evitar la sensación de luto riguroso.

• Los cuellos descolgados son fácilmente camuflables con cuellos vueltos, mao, chimenea, fulares de seda, pañuelos y bufandas. Y los brazos descolgados con mangas que tapen la zona problemática, transparencias, chaquetas de manga corta, boleros sobre vestidos o camisetas de tirantes, chales o echarpes.

• El vintage muy marcado o las prendas muy retro te harán parecer mayor.

• Jugar con la moda es fundamental, no es un juego de adolescentes sino la liga de los expertos en sí mismos.

• Si con la edad tienes que renunciar a ponerte algún tipo de prendas, que no te importe, compénsate comprando más y mejor de las que sí te puedes poner y te sientan bien.

• Las prendas estructuradas hacen más elegante y en los bañadores y bodies interiores son también muy necesarias para estar más elegante porque redefinen la silueta que ha perdido definición.

• Si tienes dificultad para encontrar prendas adecuadas o calzado, cuando des con una que te gusta, compra otra en distinto color.

• Las pérdidas drásticas de peso se acusan más en la piel.

• Un buen vestido o un traje a medida rejuvenece más que un mal cirujano.

LOS MÁS PEQUEÑOS

La oferta es casi tan amplia como la de los adultos, va desde firmas de lujo (Dior, Vuitton, Burberry, Donna Karan, etcétera), de streetwear (Vans, Converse, entre otras), de jeans (Diesel y Levi’s), deportivas (Nike, Adidas, entre otros), cadenas asequibles como Zara y H&M, firmas intermedias y tiendas tradicionales. La oferta es amplísima, depende de los padres. Pueden llevar desde camisetas o baberos de sus grupos favoritos o zapatillas como las de sus padres a ir vestidos de los pies a la cabeza de firmas de lujo. La responsabilidad es de los educadores.

XIII

EL ESTILO EN LA EDAD DEL PAVO GLOBAL

«El estilo es una búsqueda.»

Bernhard Willhelm

¿Qué les estará pasando por la cabeza? Es lo que se preguntan millones de padres de adolescentes y veinteañeros, muchos profesores y unos cuantos directores de marketing. Los jóvenes y adolescentes de hoy no son como los de las generaciones anteriores, han crecido con un ordenador bajo el brazo, saben manejar los últimos gadgets electrónicos intuitivamente, se relacionan en la era de la comunicación globalmente a través de internet, en chats, por el Messenger, Myspace, Facebook, Twitter, Tuenti, WhatsApp, etcétera. Y el móvil, un smartphone, o la BlackBerry son sus mejores aliados. Es la generación me, la generación yo, e-generation, como también se le ha llamado a raíz del libro Generation Me de Jean M. Twenge (Free Press, 2006). No solo tienen la tecnología a su alcance sino que la moda también lo está; tienen información de todo tipo, acceso a comercio online, pueden llevar prendas de décadas que no han vivido gracias al constante revivalismo y con los precios de las cadenas rápidas no hay quien se resista a estrenar algo cada fin de semana, cambiar de look, compartirlo en su Pinterest, Instagram, blog o fotolog y quizás crear tendencia global con un poco de suerte. La estilista Amparo Utrilla matiza: «Las nuevas generaciones no usan la palabra estilo, es más bien “tener rollo” o “un look”». Y las diseñadoras Macarena y Anna, de El Delgado Buil (firma mestiza de clásico con streetwear, que cerró en 2011), se decantan por la palabra «estilazo». Iván, de La Casita de Wendy, me explica el porqué: «Para esta generación igual “tener estilo” se asocia con algo más pasado de moda, más aristocrático y más de marcas. La generación más joven suele además decir “tiene rollo”, “mola” o “es cool”». Hechas estas salvedades, desvelamos las claves de los jóvenes «con rollo» con algunos de los profesionales que mejor los entienden.

CLAVES DE LOS JÓVENES «CON ROLLO» DE HOY

1. Son los reyes de la tecnología y la empatía

Con un smartphone, un ordenador y acceso a internet (wireless), estos chicos dan rienda suelta a su exhibicionismo, desde las gamberradas que vemos en las noticias, a formas de expresión o autopromoción creativas: música, fakes, vídeos, blogs,¹ fotos, plataformas, revistas online, páginas web o sites.² «Es el chiste de lo posmoderno, tienen todas las posibilidades técnicas a su alcance para hacer lo que quieran. Un caldo de cultivo para que ocurran cosas. Es efímero, montan algo, lo cuelgan, al día siguiente están hartos y a otra historia. No tienen vergüenza, complejos, prejuicios ni miedo al ridículo, lo transmiten y contagian. Lo cool ahora es la capacidad empática de atraer a la gente, de comunicarse. Los niños que se consideran guais no tienen que ver con el malditismo y la pose», dice Lucas Arraut, exdirector del EP3 y del suplemento Sábado del periódico El País mientras cenamos un steak tartar.

2. El pavo global en la era de la comunicación

Si todos los adolescentes tienen su momento gregario, necesidad de pertenencia a un grupo e intensidad al vivir sus experiencias, esta generación lo eleva al cubo a través de la tecnología, viven el pavo global. Luis Venegas, responsable de las publicaciones Fanzine 137, EY Magateen, Candy y de la campaña viral de 2012 más polémica de la firma Loewe, comenta: «Me encanta la libertad con que se relacionan en Myspace, el Tuenti, el Facebook o el Messenger. Es un fenómeno novedoso, excitante y digno de atención». Algunos están tan metidos que están pendientes de los «me gusta», como cuenta Lucas Arraut, «lo único que tiene sentido para ellos es llegar a cuanta más gente mejor, les mueve llegar a 120 coments en su fotolog, por ejemplo. Buscan la fortaleza de cuantos más seamos mejor, el sentido de comunidad, tienen un curioso y respetable concepto de la individualidad, buscan su pequeña movida, su diferenciación del resto, su concepto de la fama es local, de su comunidad web y su red social. Les gusta figurar, ser protagonistas y la valoración social»... ¡Purita adolescencia!

3. Saben lo que es un estilismo

Es una generación que ha incluido la palabra «estilismo» en su vocabulario de una forma tan orgánica como la tecnología, ponen sus cinco sentidos en hacerse el look más cool para el fin de semana o para ir a clase: «Cuando los veo saliendo del instituto, me quedo perpleja, cómo mezclan, cómo expresan de bien, tienen muchísimas más herramientas para hacerlo», explica la estilista Isabel Ottino, que da en el clavo, tienen muchos más instrumentos que ninguna generación anterior para hacerse notar. Y alguien que tiene muy bien cogido el pulso de los más mayores es Melania Pan, la directora más joven de nuestra piel de toro. «En marzo de 2010 lancé como directora la edición española de Harper’s Bazaar, un reto apasionante por la herencia de tan prestigiosa cabecera, pero también complicado por la situación que vivía España, con la crisis económica azotando ya con fuerza. Previamente, ejercí como directora de moda de Esquire desde octubre de 2007, donde también formé parte de su equipo de lanzamiento». Pero no fue una tarea fácil, le pregunto: ¿has sentido alguna vez presión por este hecho? «Sí, mucha. Tenía 27 años cuando me convertí en la directora más joven de la historia de Harper’s Bazaar. La presión era inevitable, pero no tanto por la mirada de los demás, sino por el deseo de demostrar que en España los jóvenes merecen esas oportunidades, que podemos hacer las cosas bien. Recibí muchas críticas pero decidí desde el principio centrarme en el trabajo que estábamos haciendo, en el día a día, porque el resultado es la mejor forma de demostrar lo que uno es capaz de hacer. Esa presión, al final, me hizo más fuerte, mudó mi piel y me hizo salir adelante». Y esta es su visión del estilo: «El estilo es una actitud. A mí no me gustan las fashionistas, me gusta el estilo personal, la personalidad. Nunca hay que perder la individualidad porque eso construye el estilo».

A las nuevas generaciones les interesa la moda, de forma académica o intuitiva, como un vehículo para comunicarse. Y algunos han hecho de esto una profesión, y hasta un imperio online, ya sea con sus blogs o sites que sirven la información inmediatamente, de forma accesible y democrática, o en forma de ego-blogs (con la bloguera como hilo conductor), el streetstyle (capturando la moda de la calle) o inventando conceptos originales, especializándose en aspectos muy concretos (personas mayores, gorditas) o generalistas. Un ejemplo muy reseñable es la sueca Elin Kling, la reina de las blogueras, que consiguió el récord de convertir su blog stylebykling.com en el número uno de su país en dos días, directora creativa de la firma Nowhere y posee las plataformas fashionnerworks.com y nowmanyfest.com que alberga su propio site, el de Anna dello Ruso, industrie.nowmanifest.com, mrblasberg.com, o el del bloguero Bryan Boy, otro fenómeno precoz de la información de moda un poco más mayor que Tavi Gevinson, la Shirley Temple de los blogueros de moda, hasta que apareció opheliahorton.com de una niña de trece años. El/la bloguero/a es global, surge en cualquier país, lo importante es crear algo personal, con un contenido de interés y relevancia como ha ocurrido siempre en comunicación, este nuevo soporte obliga a los demás a reinventarse y él mismo resulta una constante fuente de renovación, lo que le hace un «alma gemela» de la moda. Prueba de que prosperan, florecen y se consolidan con las numerosas posibilidades que pueblan el planeta son los múltiples ejemplos de la blogosfera actual. Por poner algunos:

• Hanneli Mustaparta (noruega), anteriormente modelo, estilista y fotógrafa, hanneli.com.

• Las francesas Alix Bancourt (thecherryblossomgirl.com); Garance Dore (garancedore.fr); ihurtiaminfash ion.com; Natalie Joos (Tales of Endearment); fashionindistryconfessionstumblr.com; confessionofapr.tumblr.com; The Bag Hag Diariees. Y figuras consagradas como ashadedviewonfashion.com de la veterana Diane Perne.

• Las londinenses Susie Bubble (stylebubble.co.uk); Isabelle O’Carroll (isabelleoc.co.uk); Fred Butler (fredbutlerstyle.blogspot.co.uk); girlalamode.co.uk, de Charlie May; all-theprettybirds.com de Tamu McPherson; thestylecrusader.com de Jennifer Inglis; Vanessa Jackman (vanessajackman.blogspot.com.es); Jamie Dixon (showmeyourwardrobe.blogspot.com.es), entre otras.

• Love-aesthetics.blogspot.com.es de la holandesa Ivania Carpio.

• El blog germano-islandés oswaldhelgason.com.

• El de la escandinava Sabrina Meijer.

• La polaca Weronika Zalazinska tiene raspberryandred. blogspot.com.es.

• El canadiense Brad Goreski (mrbradgoreski.com).

• La sueca Carolina Engman (fashionsquad.com).

• La japonesa Jayne Min con su blog stopitrightnow, Park&Cube de la nacida en Seúl y actual londinense Shini Park, y tokyofaces.com del sueco Said Karlsson.

• Los argentinos Flora Grzetic y Javi Obando, onthecorner.com.ar.

• El blog meetmeonthestreets.com de Rebekah Rachell Lee de Melbourne.

• Las italianas Eleonora Carisi (joujouvilleroy.com), y Chiara Ferragni, o el de Veronica Ferraro, entre otras.

• Los estadounidenses Advanced Style de Ari Selth Cohen; streetpeeper.com de Phil Oh; Tommy Ton (tommyton.tumblr.com y jakandjil.com); Joanna Goddard (joannagoddard.blogspot.com.es); whowhatwhere.com de Katherine Power e Hillary Kerr; Gabi Fresh (gabifresh.com), demostrando que las gorditas pueden ser muy fashion, los residentes en Nueva York Mr Newton (mrnewton.net) o Leandra Medine manrepeller.com.

• Las españolas Alba Galocha y Patricia Nicolás, Gala González (amlul.com). Mónica Parga (missatlaplaya.com), Prince Pelayo (katelovesme.net), Miranda Makaroff, Alexandra Pereira, lovely-pepa.com, fashionreali ty.com de Xim Ramonell, por mencionar solo algunos de los miles de blogs interesantes que surgen en la moda por todo el planeta... mientras escribo esto seguro que están surgiendo más. Melania Pan me comenta algo al respecto: «Me encanta que a la gente le interese la moda. Pero en los blogs existen unas diferencias abismales basadas en la formación. Hay blogueras que se han formado como periodistas y se han cultivado en la moda y otros que solo expresan sus gustos personales. La diferencia, por tanto, está en con qué seriedad y rigor está recibiendo la información el usuario. En España sigo a katelovesme.net e internacionales a facehunter.blogspot.com, tinaloves.com y fotógrafos de streetstyle como Tommy Ton. Las redes sociales e internet aportan inmediatez pero esa información es necesario editorializarla, ahí radica el talento».

También los magacines de moda, estilo de vida y sites prosperan, los hay de múltiples tipos, con una filosofía más editorial, como thecoveteur.com, refinery29.com, itfashion.com, stylist.co.uk, fashiontoast.com (de Rummi Nelly), luxirare.com, de Ji; con un espíritu bloguero como el fotodiario, seaofshoes.com de Jane Aldridge o incluso mezclando temáticas tan aparentemente dispares como la gastronomía y la moda (makemylemonade.com), también en estos sites lo importante es diferenciarse y generar un contenido original. Además, de fenómenos como el de la rusa Miroslava Duma fundadora de Buro247.ru, revista de moda online líder en el sector del lujo en Rusia o el de Elin Kling que también tiene un magacín online líder en su país (stylebykling), nos hablan de un sector de información de moda online en plena efervescencia, tanto es así que los portales globales de compra online se están editorializando, por ejemplo, Net-a-porter, Mr Porter, Asos y firmas como Bimba & Lola, un ejemplo de los numerosos que hay, ha confeccionado un Journal online. Incluso comunicadores de moda como Josie, con el que hablaremos en breve, lanzan sus sites (josie.es) Además la proliferación de aplicaciones que permiten divertirse con la moda desde el móvil nos habla de lo mucho que esta generación está familiarizada con la moda. Estas apps permiten ser tu propia estilista (My fashion closet, StyleBook), compartir looks y pedir consejo (fashism), ver desfiles internacionales (Fashion Network Original, Style), todos los blogs de streetstyle relevantes (Chicfeed), curiosear noticias de moda (Fashion News), ver y comprar zapatos (Ishoes) o interactuar con tus firmas favoritas ya que muchas de ellas han desarrollado aplicaciones en los últimos años, tanto en las firmas de lujo como en el mercado masivo.

4. Internet amplía su imaginario juvenil

Luis Venegas dice que los jóvenes se acercan a la moda de forma «inmediata, caprichosa y sexy». Buscan definirse, gustarse y gustar, prueban y cambian porque están explorando su identidad, como en otras facetas de su vida. En su imaginario conviven series de televisión (aunque la ven menos), el cine, la música que se descargan o YouTube. Pero también son sensibles al establishment oficial. «Les encanta lo que venga de Apple, Marc Jacobs y estrellas que caminan por el lado turbio de la vida, Amy Winehouse, Britney, Lindsay, Paris, Doherty, grupos de música, series como Gossip Girl o Girls. Nada que no haya sucedido antes».

La novedad es que la red amplía el espectro, las revistas compiten con los nuevos soportes online: «El concepto de estilo de las revistas femeninas es superválido pero está superdesfasado, se vuelve siempre a los mismos iconos. A las nuevas generaciones, los que tienen más inquietud, se la sopla. Incluso a la generación anterior», me dice Lucas Arraut. Internet se ha introducido en nuestras vidas, explica Venegas: «Es un referente para todos; cuando estudien esta época, su aparición será clave, un punto de inflexión, más que la caída de las Torres Gemelas. Y para los más jóvenes es un absoluto referente de información y relación, es más importante que los medios impresos: más económico y la información es vastísima. Les va a obligar a ponerse las pilas y buscar nuevas fórmulas». Algo que está ocurriendo hoy en la comunicación y que los profesionales de la misma estamos viviendo en primera fila.

Y es que los jóvenes «con rollo» solo comprarán revistas si merecen la pena: «Optamos por la compra de una revista si tiene unos buenos contenidos y una buena edición; se convierte en un objeto de culto», nos decían las chicas de El Delgado Buil. Le pregunto a Eugenia de la Torriente sobre si los medios escritos se reinventarán en el futuro para llegar más y mejor a la audiencia joven: «Desde luego, todos los medios de comunicación tendrán que hacerlo. La sociedad de la información nos obliga a repensar constantemente las formas de transmisión de lo que sucede. Más allá de eso, es común para cualquier tipo de prensa, hay que tener en cuenta que la cultura visual y de moda de las nuevas generaciones es mayor que la de sus padres. La moda se ha hecho global y eso afecta directamente al conocimiento que de ella se tiene en general». Hoy los medios offline/online están condenados a buscar vías de integración, diversificación y reinvención adecuadas, y rentables, luchando al mismo tiempo por su libertad profesional y creativa.

5. Sus referentes son fragmentados

Dicen los expertos³ que la cultura de las nuevas generaciones no es de almacenaje, como el disco duro del ordenador, sino de proceso, como la memoria RAM, de interconexión y relación. Saltan de un tema a otro apropiándose de fragmentos de información, lo que explica que un joven productor como Mark Ronson ganase un Brit Award con un disco de versiones hace unos años, un signo de aceptación más de esta nueva generación, aunque esto puede tener un lado oscuro: «Me molesta un poco que se conformen solo con la información que encuentran en internet y no vayan más allá», opina Luis Venegas. Y Lucas Arraut lo explica: «Es la cultura de la megafragmentación, escuchan canciones del iTunes en el iPod, son pedacitos de información, sirven para hacerse una panorámica superficial, pero no necesariamente mala. Se quedan con cuatro ideas y tienen una visión sintética de la vida; es un acercamiento entusiasta pero frívolo y superficial. Leen de Rimbaud la máxima “hay que ser moderno” y se la quedan para una camiseta, no van a bucear en su obra. Es obviamente malo, no es radical, es muy rápido y no va a la raíz. Pero a la vez está bien, les interesan muchas cosas superficial pero intensamente. Una aproximación superpop producto de nuestra generación, crecimos con videoclips, es lo mismo elevado al cubo. También somos más superficiales que la generación anterior», afirma Lucas, que nació en 1979.

6. La red los convierte en iconos

«El boom de Myspace y otras herramientas online de autopromoción ha generado las i-celebrities. Un nuevo tipo de fama, instantánea, accesible, arbitraria y democrática. La comunidad de la red encumbra a personas salidas de su comunidad, un proceso horizontal, viral si se tercia, sin la verticalidad del sistema celebrities, prensa y público», dice Inés Muñoz Martínez-Mora de Vogue España. Estos jóvenes de la era de la comunicación son la generación del marketing aplicado a sí mismos, a su valoración social, saben venderse aunque no tengan más que contar que lo que les pasa, colgarlo en la red con fotos de móviles o cámaras digitales, mirarse el ombligo haciendo comunidad entre los unos y los otros, ser populares acumulando visitas, amigos o comments en sus blogs, fotologs, myspaces o Facebook. Lucas Arraut lo explica: «Sus referentes son ellos mismos o gente con la que se pueden identificar. Sienten que tienen una audiencia y la tienen, potencialmente, a nivel global. Esa cosa íntima del diario se acabó, ahora tiene sentido cuando llega a alguien. Y no sabes cómo, con la cantidad de fotologs y blogs que hay, desde un pueblito de Misuri alguien tiene un blog buenísimo y en Japón, Madrid o Albacete se enteran».

Si Warhol levantara la cabeza, alucinaría con lo que dan de sí sus cinco minutos de fama. Algunos consiguen dar a conocer su imagen, su música, sus fiestas o sus fotos y prolongan su fama durante mucho más tiempo: «Quieren rentabilizarlo todo aunque sea mínimamente, hacer un estilo de vida y vivir de eso. Lo tienen muy claro, más que nosotros, aunque sea vendiendo camisetas o haciendo fiestas, les servirá para hacer otra cosa y al final llegarán a algo», cuenta Lucas. Pero la red necesita aún del sistema tradicional para oficializarse: «Hay que desmitificar la fama 2.0. Al final, el camino para estas icelebrities es la prensa o la televisión. Nunca podrán competir con la celebridad tradicional, la que otorgan los méritos propios (artistas, profesionales de éxito) o con la que se nace (aristocracia, etcétera). Internet puede generar un número limitado de celebrities... ¿Cuántas Corys Kennedy⁴ más puede haber?», se cuestionaba Inés entonces; en 2013 podemos decir que muchas...

7. Redimensionan la calle y los clubes

Desde los beatniks, la calle y los lugares donde escuchar música han sido una constante juvenil; hoy, con la tecnología, se redimensionan, internet es en sí mismo un nuevo espacio para la interactuación de esta generación. Blogs como The Sartorialist, Face Hunter o Fashionista han llevado la estética de las calles del mundo a la pantalla del ordenador influenciando a los jóvenes. Y las jóvenes it girls como Alexa Chung, las modelos con personalidad (Agyness Deyn, Cara Delevingne, entre otras muchas) y las ego-blogueras con esa misma frescura se imponen como iconos y son hoy más representativas de esa juventud que la propia Kate Moss. Se desmarcan y juegan con la moda en su propio beneficio. Aplican el DIY (do it yourself), no se cortan con el color y hacen combinaciones arriesgadas o preppy de prendas y peinados. Las diseñadoras de El Delgado Buil me decían, cuando estaban aún en activo: «La moda innova con los usos que la gente hace de ella, en este sentido lo que se viste en la calle tiene tanta importancia o más que las propuestas de los grandes gurús del diseño, es más, ellos mismos toman como referencia la calle. Hoy día el lujo se puede encontrar perfectamente en prendas streetwear». Y por supuesto, la escena club sigue influenciando el vestir nocturno de esos jóvenes, blogs como icanteachyouhowtodoit.com de Gerard Estadella, fue uno de los primeros españoles en captar jóvenes con nocturnidad y estilazo en fiestas, son tan referentes de estilo como las revistas. También fiestas como fueron las de Misshapes en Nueva York o el club Boombox en Londres se hicieron populares por su falta de pretenciosidad, desinhibición en moda y por dejar testimonio gráfico en blogs y sendos libros del «rollo» de su público habitual que ha dejado una estela de clubes herederos: «Me interesa más que la moda de las pasarelas, mola que la fiesta no se plantee como un lugar donde impresionar a tus amigos, sino donde figurar en la foto que se verá en Japón, Nueva York y en todos lados. Ha redimensionado el concepto del look, están buscando su momento de gloria, sus quince minutos de fama, cada día», explica Lucas Arraut.

8. Pasión por los básicos

Estos jóvenes tienen en las cadenas de moda rápida lo que necesitan, moda asequible y tan efímera como sus gustos, ya que están definiendo su identidad y estilo. Y además de todas las ya conocidas, Lucas Arraut lanza un nombre de una firma que empatiza bien con la juventud: «American Apparel es el súmmum de la marca que ha conseguido conectar con las nuevas generaciones a un precio asequible. Su fundador, Dov Charney, es la persona más importante de lo que viene nuevo en moda, captura el espíritu del tiempo; la empresa es horizontal y en los anuncios salen sus empleados. Me parece superguay que hagan casting vía email entre lectores de Butt para ver quién protagoniza su publicidad en esa revista.⁵ Hay que buscar cosas que entusiasmen, exciten y diviertan». Nació en 1997 haciendo camisetas de algodón y ahora se extiende a todo tipo de básicos; tiene tiendas en medio globo, vende también online, está involucrado en causas sociales, tiene línea de algodón orgánico y seduce a una legión de fans: «Ha reinventado la superreceta de estilo. Son básicos de mil colores, no venden una imagen superdefinida de un tipo de cliente, dan pildoritas para aplicarlo a tu personalidad. En las tiendas hay vídeos que enseñan a poner un fular de mil maneras, es el do it yourself aplicado a la moda, digamos que con lo que encuentren en estas tiendas harán la estructura de la casa». Y la fachada, lo que les diferencie, lo buscarán en una zapatilla o accesorios especiales o de marca, una falsificación o fake, baratijas de mercadillos, tiendas vintage o de segunda mano, de streetwear, algo heredado o customizado por ellos.

9. Aspiración a las marcas

Le pregunto a Inés Muñoz Martínez-Mora si los jóvenes hoy son tan marquistas como la generación anterior: «Tan marquistas o más. Están familiarizados con nombres como Prada o Chanel desde antes de cumplir los veinte. Las grandes firmas siempre van a estar ahí, siempre habrá jóvenes consumidores ávidos de lujo».

Y es cierto, tienen todo tipo de información fashion a su alcance, conocen a los diseñadores, se compran las copias cuando no pueden permitirse los originales y hacen colas en H&M cuando ponen sus diseños al alcance de sus pagas o microsueldos. Y no solo en H&M, la tienda de Marc Jacobs en Nueva York es la meca de los adolescentes estadounidenses. Su prêt-à-porter es carísimo pero ha desarrollado una segunda línea Marc by Marc Jacobs y todo tipo de merchandising desde un dólar para arriba: «Para mi generación, Marc Jacobs ha sido lo más, lo hemos entendido, disfrutado, ha hablado nuestro lenguaje, nos hemos sentido identificados con lo que hacía, sus referencias, su manera de mezclar, lo “mono” volvió a ser cool con Marc Jacobs. Pero lo que más admiro de él es democratizar el lujo, que puedas comprar algo por dos dólares, es maravilloso y transgresor. Un niño de dieciocho años puede vivir la experiencia de compra de una señora de Madison Avenue. Está haciendo algo por el futuro de su clientela. Mi llavero es de Marc Jacobs, costó dos dólares. No hay niña en Iowa que no le pida a su madre cuando va a Nueva York que le compre algo», explica Lucas. Y es que este diseñador, junto a la estilista Venetia Scott, el fotógrafo Juergen Teller y amigas como Sofia Coppola, Zoe Cassavetes o Kirsten Dunst, entre otras muchas, a las que ha dedicado los nombres de sus bolsos, ha sabido capturar el espíritu bohemio-pijo de una generación y pone los medios más cool para fidelizar a la siguiente, incluso en Madrid, donde tiene tienda. Como dice Paloma Tovar, estilista de El País Semanal entre otros, la moda es una cuestión de estilo: «Brota de una serie de personas con un contexto social, ciertas ideas comunes, un tipo de música, se condensa y van surgiendo cosas. La moda es cuestión de gente que va sacando su valentía y hace cosas nuevas y creativas a partir de su estilo». Y desde luego la «pandi» de Marc Jacobs lo hizo muy bien, y ha resultado muy inspirador para la siguiente generación: «Me parece una forma muy bonita de avanzar, cómo van abriendo camino de esa forma tan bien hecha, que te pueden dar una bofetada estética y al mismo tiempo ser lo más bonito del mundo», dice el diseñador Rubén Gómez.

Pero Marc Jacobs no es la única marca que les atrae, desde el lujo clásico de Gucci, Burberry, Versace, Louis Vuitton a firmas menos obvias como Paul & Joe, de Isabel Marant, Vanessa Bruno, Miu Miu, See by Chloé o más transgresoras como Bernhard Willhelm, Margiela, Cassette Playa, Hussein Chalayan o Jeremy Scott les dan morbo. Existe todo un abanico fashionista al que aspirar. Algo que ya está ocurriendo en esa parte de la población que se lo puede permitir, como explica Juncal Cucullo: «Se está creando una superobsesión por la marca, sobre todo en bolsos y zapatos; todo el mundo quiere tener algo. Yo crecí en ese momento de quiero unos Levi’s. Eso ya no sirve, ahora es, ¡quiero un Marc Jacobs!».

10. El streetwear es su fondo de armario

Las sudaderas, las sneakers, las camisetas y los jeans se han vuelto básicos para esta generación y los mezclan de forma irreverente con prendas más clásicas, más caras, complementos y lo que la imaginación sugiera, no en vano en El Delgado Buil me comentaban que para ellas unos buenos básicos son «unos tejanos, una camiseta con algún estampado y un par de zapatillas deportivas». Las firmas deportivas han hecho prendas de moda para la calle, como hemos visto, y la pasarela en los últimos años ha dado buenos ejemplos de sporty-chic, como las cuñas deportivas, o los pantalones baggy. Por su parte, las líneas de jeans se han hecho más moda al ver que las cadenas de moda rápida hacían jeans: «Diesel se ha dignificado mucho, la línea alta es como de prêt-à-porter», dice Ion Fiz. Y numerosas grandes firmas de street y de lujo se han puesto a hacer prendas de street al amparo de los millones de jóvenes que las utilizan como indumentaria habitual, amén de raperos, skaters, deportistas y celebrities. Y además, como dicen los responsables de la firma de street Loreak Mendian: «El desarrollo de las marcas y de las tiendas de surf y snow ha sido muy importante para el desarrollo del streetwear». Esa moda minoritaria de ciertos jóvenes hace más de una década ha saltado a la calle de forma masiva calando en muchos sectores. La feria Bread & Butter reúne las firmas más representativas de este sector cada seis meses en Berlín: street, urban wear, denim, sportswear, street fashion, function wear y casual dressed up, que convoca a más de 100.000 visitantes.

Pese a este despliegue de marcas, Ramón Fano dice que el sector no ha cambiado mucho: «Sigue habiendo influencias del hip hop junto a otras de folk, glam rock, los raveros, reciclaje, eclecticismo y el todo vale. Hay tejidos tecnológicos. Pero nuevo-nuevo no hay nada». Algo que nos habla de un sector fuertemente saturado que tiene que buscar fórmulas nuevas para competir diferenciándose. De ahí vienen las colaboraciones con diseñadores, artistas, grafiteros, diseñadores industriales o cualquier tipo de creador que pueda aportar una valoración diferencial a su marca y atraer a los jóvenes y no tan jóvenes: «Por eso todas esas marcas están locas buscando mercado, porque no encuentran», dice Lucas Arraut. La firma Loreak Mendian tiene esa diferencia en sus raíces: «Somos una marca de street europea, vasca y con mucha influencia de Iparralde (País Vasco francés), lo natural es que se nos note», dicen sus responsables Víctor Serna Uriarte y Xabier Zirikiain, cuya marca se hizo conocida por la margarita serigrafiada en sudaderas y camisetas, aunque su universo es más amplio: «Sudaderas, camisetas, pantalones, cazadoras, jerséis de lana, son bases buenísimas para reinventar. En nuestras colecciones hay gran cantidad de referencias, desde vestidos a pañuelos, biquinis, mochilas y bermudas o gorros». Nacieron en 1995, tienen tiendas en Madrid, París, Donosti (donde también tienen un outlet), Barcelona y dos tiendas en Bilbao, y su filosofía: «Tratamos de aportar diseños que perduren, evitamos las tendencias, cuidamos el mínimo detalle. Es un proyecto a largo plazo, partió de cero e iremos hasta donde seamos capaces, nos gusta avanzar en lo cualitativo sobre todo, sin olvidar la importancia de lo cuantitativo. Se va desarrollando a un ritmo ni lento ni frenético, nos da tiempo a aprender algo cada temporada valiosísimo para aplicarlo en futuros escenarios».

La pasarela para jóvenes Ego nació también con vocación street y va más allá. En el showroom de ventas se puede comprar algo especial y quizás único, muchas prendas son de los muestrarios de diseñadores que desfilan. Nos lo explica Andrés Aberasturi, su ideólogo: «La frase bandera de Ego es acercar la moda a la calle. Partiendo de que la gente va en jeans y usa jerséis normales, los diseñadores de Ego han dado al jersey la imaginación y fantasía que le faltaba. Todo es ponible, han reinventado el básico, la prenda normal y lo llevan a su universo. Como la reinvención del chándal que hizo en su día Krizia, que despuntó en Ego, o el rollo de Roberto Piqueras. Vivimos el momento idóneo del diseñador, cuando no tiene nada que perder, hacen lo que quieren y se nota. Es el secreto de Ego». El público es urbano, de clase media alta con inquietudes culturales, y allí encuentra firmas y diseñadores minoritarios: «Te da cierta exclusividad, el individuo se reafirma cuando viste un jersey que solo lleva él», dice Andrés.

11. Y obligan a las marcas a reinventarse

Sobre todo a las que están dirigidas principalmente a ellos, así que agudizan el ingenio. Con los más jóvenes lo han tenido más fácil, son más previsibles, han empezado formas de atracción a través del móvil con aplicaciones (9 de cada 10 adolescentes tiene móvil y el consumo lo pagan sus padres) y los videojuegos, cuyo negocio factura más de lo que recaudan juntos la música y el cine. Una industria poderosa e influyente donde las marcas insertan advergames, o sea publicidad dirigida a los consumidores de videojuegos. Algunas firmas desarrollan juegos, virales, campañas en redes sociales online, streaming, eventos, experience y content marketing. Un ejemplo pionero para atraer a los más pequeños lo tuvimos en la web protokid.com de Diesel donde se podía jugar (y descargar) juegos donde personalizar los personajes con ropa de Diesel Kids. La clave la explica Lucas Arraut: «Las marcas o apuestan por la provocación, lo inesperado y la no fórmula (como pedirle a un tío de veinte años que les haga la publicidad) o no van a impactar nunca, no se van a diferenciar. Se basan en modelos superarcaicos de segmentación de mercados que me da la sensación de que ya no tienen validez. El futuro está en lo inesperado, en lo ilógico, por eso siempre me ha parecido la mejor publicidad la de Helmut Lang; recuerdo que había una doble página blanca que ponía helmutlang.com. Los departamentos de marketing de estas marcas, en el futuro, no van a girar en torno a un gurú de cincuenta años, tendrán que contratar a gente joven que simplemente haga lo que les gusta sin conciencia de lo que hacen, es la única manera de que lleguen a algo». Por eso las marcas invierten cada vez más en preparar campañas, vídeos, virales, cualquier recurso para generar empatía con su público a través de una estrategia multicanal.

Le pregunto al profesor José Luis Nueno si las nuevas generaciones pasarán por el aro del lujo tan fácilmente como las anteriores: «Todos acabamos pasando por el aro, de una manera o de otra. Habrá que acercarse a esa generación tendiendo a su tipo de beneficios o atributos, metiendo productos en la tecnología, en los servicios, usando otro tipo de celebrities. Al final, el bienestar y la renta es lo que genera más y mejor consumo. Si pensamos, que en el futuro, estos jóvenes van a vivir mejor que nosotros, hay que pensar que consumirán más lujo que nosotros», me explicaba antes de la crisis y sus cifras del 50 por ciento de paro juvenil, aunque es cierto que, en el polo opuesto, la mayoría de los millonarios del mundo tiene menos de 45 años, como veremos en el capítulo final. En este sentido, en el mercado masivo una de las primeras campañas con esta nueva e-filosofía fue la del fotógrafo Gerard Estadella, en la campaña de avance de la colección de verano 2008 de Pull & Bear, y Scott Schuman, en el plano internacional, el artífice del blog The Sartorialist, fue el encargado de la campaña de primavera/verano 2010 de DKNY (la segunda línea, más joven, de Donna Karan), sentenciando que, definitivamente, por ahí van los tiros, y los brand managers del mundo de la moda ya lo saben, y se están adaptando a pasos agigantados a juzgar por el éxito de la campaña de Desigual en las navidades de 2012, que fue trending topic durante varios días, y tantos otros casos más que aparecen a diario, como la campaña de Calvin Klein #provocations, con vídeos en YouTube e interactividad en redes sociales.

12. La definitiva liberación gay y masculina

Si, como hemos visto, los hombres se han ido liberado del yugo de la masculinidad, los jóvenes mucho más, son más libres en cuanto a asumir códigos menos masculinos, los heteros, o desvelar sin tapujos su homosexualidad, como me cuenta Lucas Arraut: «Mucha gente de mi generación, entre los que me incluyo, salimos del armario gracias a esa moda ambigua que vino con Suede; teníamos una coartada estilística. Ahora no la necesitan. Tiene que ver con los ídolos adolescentes. Mira David Bisbal, el pantalón entalladito, camisa abierta, ese punto cero masculino, o el líder de Tokyo Hotel, que parece un transexual de diecisiete años. Las fronteras entre sexos se han diluido hasta un punto que se confunden». Además, la líder lesbiana de Gossip (Beth Ditto), Rufus Wainwright, el transexual Antony Hegarty, de Antony and the Johnsons, el cantante Mika o Scissor Sisters son referentes a la hora de vivir cualquier tendencia sexual con normalidad. Y con esta normalización gay, los chicos heteros también tienen menos miedo a que se les tilde de gays, no temen a los piercings, ni al color rosa, ni a ir con bolso, etcétera, si se tercia, y sin dejar de sentirse masculinos. Sofía Clarí, exdirectora creativa de Ego, me habla de que el perfil de chico que compra diseñadores de Ego es muy normal: «Son arquitectos, diseñadores gráficos, trabajan en publicidad o son periodistas; les interesa la moda y en sus profesiones llevar prendas más originales tiene sentido».

13. El diseño gráfico y la ilustración al asalto de la moda

Una de las tendencias que han venido para quedarse en la ropa de las nuevas generaciones es la ilustración, la serigrafía y el diseño gráfico aplicado a la moda. Diseñadores como La Casita de Wendy, Miriam Ocariz, Juan Duyos, Ailanto o El Delgado Buil, con mayor o menor éxito empresarial, lo han hecho durante años. Cassette Playa, de la diseñadora Carri Mundane, Bernhard Willhelm, Custo o Jordi Labanda (la firma del ilustrador de moda), Miranda Makaroff, Planet Palmer, entre otros, también lo practican. Andrés Aberasturi hijo explica cómo también tiene mucha presencia entre los diseñadores más jóvenes de Ego: «El diseño gráfico ha cogido un valor que antes no tenía, hay gente muy buena en diseño gráfico. Poti Poti, Solitas, María Escoté con esos estampados de superhéroes que hizo». Y es que el imaginario del cómic, del manga y de los dibujos animados se ha popularizado y reinventado.

En La Casita de Wendy me cuentan que flipan en París, en la feria Rendez-Vous, donde venden a tiendas de todo el mundo: «Hay muchísimas cosas que hicimos hace años, como los murciélagos, los E.T., iconos como de Tim Burton en camisetas y sudaderas. Hace años ibas con tus colecciones y eras el único, porque estábamos rodeados de imitadores de los belgas (todo negro y deconstruido) y nosotros ahí con ocho mil colores, llamó la atención y vendimos mucho más. Hicimos medias, pendientes de murciélagos, los diseñadores de As Four se los pusieron en una fiesta». Está claro que el maridaje moda, ilustración y diseño gráfico está de moda aunque hubiera escépticos como Andrés Aberasturi: «Cuando vi los diseños de Poti Poti con animales muy sintéticos, me parecían impensables comercialmente y al año siguiente se vendían. He visto sudaderas como las del primer desfile de Poti Poti en H&M». Les pregunto al dúo Poti Poti por este boom: «Creemos que es una consecuencia directa de la situación actual en el mundo del arte, donde los creadores no tienen complejos a la hora de fusionar disciplinas diferentes. Actualmente las fronteras entre arte y diseño están más difusas que nunca. Hay una nueva generación de artistas a los que no les interesa ser puristas al afrontar un trabajo y se expresan con todos los medios que encuentran a mano. El mundo de la moda no es ajeno a estos cambios».

14. Las pequeñas ladies y los pequeños dandis

Entre los más jóvenes vuelve «un rollo muy lady, pijo, y en chicos la estética de sastre, trajes, más elegante, un poco vintage también. Que se vea bueno e impecable. ¡El trash está muy out, hay que reconocerlo!», me dice riendo la estilista Paloma Tovar mientras merendamos té y tarta al más puro estilo británico. «Es una reacción; la gente está harta de ir de tirados con las Converse zarrapastrosas y ese concepto de calle. Los que están más pendientes son pequeños sectores con una cierta cultura, ciertos intereses y un poco de idea. Es una vuelta a buscar dónde puedo encontrar “esto” porque lo “otro” ya lo hay en todos lados», concluye. Ese «esto» que encuentran son camisas, jerséis, vestidos, chaquetas especiales, zapatos y bolsos que te distingan y permitan hacer combinaciones audaces de camisería, corbata y chaqueta, ellos, y ellas de faldas, blusas, vestidos, prendas de punto o accesorios que mezclar con básicos y accesorios o complementos heredados.

Josie, José Fernández-Pacheco, comunicador de moda, me habla de los sectores más puristas: «Solo consumen en tiendas clásicas, el nuevo dandi tiene su templo en las buenas sastrerías (Savile Row, por ejemplo) y ese es su verdadero lujo: la sastrería a medida. Hay templos de la sastrería vintage por toda Europa (sobre todo en Inglaterra) y se pueden encontrar piezas únicas a buen precio. El nuevo dandi es analógico en lo más profundo de su ser, pero es internauta, porque él es hiperposmoderno, con iPhone y facebook para colgar fotos de fiestas en Liechtenstein, el crillon-ball», explica. Y ya de paso me da unos tips para esos nuevos dandis: en cuanto a ropa recomienda «una camisa túnica con cuello almidonado en plan ejecutivo de la City, chaqueta de Regata y camisa y corbata liberty a juego». En cuanto al plan perfecto para un nuevo dandi recomienda: «Viajar siempre y tomar el té en el it place de cada lugar, Embassy en Madrid, el Ritz o Ladurée en París, Fortnum & Mason en Londres y Miremont en Biarritz».

Queda claro que es una recuperación de cierta exclusividad y «clase» de tiempos pasados, pero en ella también influyen series de televisión como Gossip Girl o Girls como me comenta Belén Zavala: «La forma como marcan los estilos en las series de televisión le llega a la gente. Están delante de la tele y dicen “qué abrigo más ideal, qué zapato más mono”. Han influido muchísimo en todo lo que hay en plan High School o University para superjóvenes y de colorines», comenta. Ese dandismo o ladismo clásico tiene un punto excéntrico y joven, se busca dar una lección de estilo al mundo, ¡que es lo que uno desea a esas edades aunque a veces no se logre! Como dice Blanca Unzueta: «Los que tienen más interés por la moda son los que más errores garrafales cometen en su juventud, por esa inquietud precisamente». Y Andrés Aberasturi saca a colación una firma joven española inspirada en el college británico: «El Ganso hace un producto muy concreto que puede llegar a tener mucho éxito, producciones más pequeñas y que el comprador sienta que lleva algo especial».

15. Accesorios por doquier

Durante la adolescencia, los jóvenes descubren los accesorios. No existía más que la camiseta y el vaquero y ahora resulta que hay gorras, boinas, cinturones, cordones para las zapatillas, pendientes, collares, pulseras, anillos, cadenas, pinzas para el pelo, charms, fundas de móviles, de iPod, borsalinos, fedoras, fulares, palestinos, pañuelos, diademas, piercings... ¡ah!, ¡y gafas! Las gafas son el accesorio en el que primero pican; los acetatos y estructuras viven una explosión de color e irreverencia juvenil, las de tipo Wayfarer arrasan tanto como en los ochenta, pero a todo color, o las Carrera: «El mundo del complemento tiene su auge ahora porque es una manera de reavivar básicos con un complemento más o menos curioso, da un toque especial y es más barato que comprar un abrigo», dice Belén Zavala. Algo importante si se tiene una economía parcialmente rentista de papi y mami, aunque estos seguro que preferirían gastar el dinero en un abrigo bueno en vez de montar un zoco en su habitación.

Un complemento que hizo furor, y que ejemplifica que la moda es en muchos casos flor de un día, fue el pañuelo palestino, desprovisto totalmente de su significado a favor de esa causa y de que los medios dijeron que salió de uno de los primeros desfiles de Ghesquière en Balenciaga. Son esas casualidades múltiples de la moda, porque, como dice Belén Zavala: «El de Balenciaga no tenía nada que ver con el palestino original y el de colores de la calle, en el desfile cogieron la forma de ponerlo, pero el pañuelo está la mitad lleno de cuentas, no tiene nada que ver. Yo ya llevo tantos años diciendo que algo me horroriza, luego he visto que lo hacía un diseñador y me ha encantado, que no sé cómo decirte, ya no hay nada que digas me alucina o me espanta», dice riendo con la impasibilidad de años de experiencia en la moda.

16. Color, más allá del nu rave

El nu rave fue un término que se inventaron los medios de comunicación en el Reino Unido durante 2006. Recuerdo que el diseñador Henry of Holland me dijo en pleno boom de esta efímera moda:⁶ «Hay un nu rave pero no es tan grande como la prensa pretende, se ha lanzado demasiado rápido y lo han forzado a salir de underground y convertirse en mainstream». El caso es que la prensa encapsuló la efervescencia juvenil londinense en moda, recuperando los colores ácidos y estampados un tanto psicodélicos y los volúmenes del acid house mezclándolos con jeans, zapatillas, gafas de colores y un punto rock. Y en música, con un eclecticismo similar, fusionando elementos de la electrónica, el indie rock, música disco y punk rock con ciertas similitudes con el dance punk estadounidense. Y además fue una nueva versión de la fiesta del movimiento rave y una ironía del término new wave. Pues bien, ese movimiento que se tarda más tiempo en explicar que lo que duró, ha dejado cierta impronta en las pasarelas, las cadenas de moda rápida y en la calle. El color se impone y tiene cada vez más importancia, sobre todo en los jóvenes, las mezclas irreverentes se aplican desde lo discreto a lo extravagante respecto al color y las formas: «Eso del azul con negro no va, el marrón con el negro tampoco, nos lo hemos saltado absolutamente todo, de hecho mucha de la moda de ahora se basa en ese tipo de mezclas, de mezclar algo gigante con un microshort, colores que en principio no van, rojo-rosa, rojo-fucsia, todo tipo de mezclas y variación», dice la estilista Paloma Tovar.

17. Su estilo lo toman prestado, son «apropiacionistas»⁷ muchas veces sin saberlo

Aunque algunos no lo sepan y crean que han descubierto la rueda, el estilo de sus fotologs y de sus myspaces es deudor del de fotógrafos como Terry Richardson: «Todo el mundo se ha dejado empapar por eso, los flashazos, las cámaras digitales, todo el mundo lo ha copiado», dice Paloma Tovar. El estilo de Richardson es natural hasta en lo sexual, sin artificios, con un punto naíf, irónico e irreverente. Antes de que los fotologs existieran, la artista Nan Goldin fotografiaba y documentaba su vida y la de sus amigos, su extended family, similar a parte del trabajo del alemán Wolfgang Tillmans o la inglesa Corinne Day, fallecida en 2010. Y mucho antes de que artistas jóvenes como Ryan McGinley o el también tristemente desaparecido Dash Snow hicieran lo mismo (antes de ayer como quien dice) y glorificaran su momento gregario de intensidad juvenil. Otro fotógrafo del que son deudores estos chicos con sus cámaras digitales es Juergen Teller, capaz de lo precioso, bonito y mono hasta lo cursi, y del feísmo, el absurdo y lo natural hasta la chifladura, como demuestra campaña tras campaña de Marc Jacobs: «Para mí, Juergen Teller ha sido fundamental en mi carrera, he entendido un montón la moda a partir de su fotografía», dice Paloma Tovar.

18. Mi camiseta me define

Las camisetas, amén de todas las que se han generado con motivo de las protestas ciudadanas a raíz de los recortes derivados de la crisis, son esa «pancarta», y no es irónico ni mucho menos, que un joven necesita esgrimir para decirle al mundo y a su entorno quién es y qué le gusta. El color nos habla de su grado de atrevimiento y el corte, clásico o más transgresor, los define también, así como la calidad del tejido, pero lo que más información da sobre ellos y su fase actual es desde luego el mensaje, si lo tiene, el grupo, la película, el grafismo, el detalle, el icono, la frase, el chiste... aunque muchos no se cuestionan lo que significa o llevan, ya sean los Ramones, Nirvana, el Che o los Sex Pistols: «En esas edades es todo superrápido y no sé hasta qué punto es representativo de su personalidad. Cuando van de alternativos llevan camisetas de los Ramones o The Smiths, cuando casi ni los han escuchado, está como muy hueco. Es hacer moda de todo, me pongo la calavera y ahora soy mala», dice Isabel Ottino. Lo que también tiene una visión más positiva, que aporta Juncal Cucullo: «Por lo menos despierta la curiosidad de alguno para decir: ¿quiénes son los Ramones? Como las colaboraciones entre el arte y la moda, quiero pensar que eso abre la curiosidad a los jóvenes».

El imperio de la camiseta, como lo llama Juncal, es total y absoluto, desde las básicas de algodón o algodón orgánico de cadenas como Zara, H&M o American Apparel al universo del lujo, como las de Comme des Garçons, Raf Simons, Marni, Yamamoto, Watanabe, Margiela, Dolce & Gabbana y las de tiendas como Abercrombie & Fitch, American Outfiters, Zadig & Voltaire, además de una larga lista de opciones más, desde vintage, mercadillos, customizadas... ¡das una patada y aparecen en cualquier lugar y marca!

19. ¿Cambiarán el mundo y la moda?

El debate está servido. Estos jóvenes tienen en sus manos, en unos años, el futuro del mundo y de la moda. ¿Qué pasará? ¿Cumplirán las expectativas que se generan al pensar que tienen el mayor acceso a la tecnología y la creación de la historia hasta la fecha? Hago un sondeo. Lucas Arraut me responde entusiasta: «No vienen con apriorismos y son irrespetuosos, no veneran a nadie que tenga ocho años más que ellos. Pero me parece la solución para llegar a algo nuevo y no ser revivalistas. En los últimos seis años las firmas de moda están recuperando cosas de los cincuenta, de los ochenta, me da la sensación de que esta generación no, que está buscando en su imaginario, no tienen que ir más atrás que los años que han forjado su personalidad». Y ojalá así sea: «Uno de los últimos grandes hitos de la moda ha sido Nicolas Ghesquière, pero cada año y medio tenía que aparecer uno. Hasta nuestros referentes de juventud han sido revivalizados, vampirizados; hasta lo poco que aportaron los noventa a la estética ya ha sido revisitado, la nu rave, el grunge, el rollo cultura de club, ya está, ya hemos vivido ¡dos revivals de eso!, necesitamos que vuelva la inocencia, borrón y cuenta nueva. Por eso tengo tanta confianza en esta nueva generación», dice Lucas, coincidiendo con la opinión de Lacroix sobre los jóvenes.

Pero no todos están de acuerdo. Cuando le planteo a Luis Venegas si esta generación, con los medios técnicos y la información que tiene, hará la revolución creativa o social que todas las demás juventudes han deseado, me dice: «¡Nooo! Todas las generaciones juveniles anteriores han tenido armas para cambiar el mundo y las revoluciones juveniles se han ido sucediendo desde que el mundo es mundo. Esto siempre ha sido así y así seguirá. Seguro que en veinte años lo que ahora nos parece tan moderno nos dará pereza, incluso, y se convertirá en un mero recuerdo nostálgico».

¿QUÉ LES ESTÁ PASANDO POR LA CABEZA?

• Han crecido con todo el acceso a la moda (incluso de décadas que no han vivido y a buenos precios) y a la tecnología (la manejan intuitivamente). Se comunican por SMS, Messenger, internet, Twitter, Facebook, Tuenti, Pinterest, Instagram, WhatsApp, abren blogs y fotologs, crean sites donde cuelgan sus fotos, vídeos, cuentan sus cosas, o se relacionan con YouTube o diversas plataformas, buscando la comunidad. Buscan la empatía con los demás, llegar a cuanta más gente mejor a través de esos medios que son formas de expresión y autopromoción.

• En su aproximación a la moda son caprichosos, inmediatos y sexys. Saben lo que es estiloso, disfrutan la moda y algunos generan medios online con éxito.

• Internet amplía su imaginario, la red crea i-celebrities que conviven con las convencionales de los medios de comunicación tradicionales (revistas, televisión, etcétera), son sensibles al establishment oficial (el lado más salvaje o cool de las celebrities) y series. Y los fotologs, como Sartorialist, Face Hunter o Fashionista (y otros miles que florecen globalmente) conviven informando y marcando tendencia tanto como las revistas obligadas a reinventarse (igual que las firmas) para llegar a ellos. La calle y la cultura club se ponen a la altura de las pasarelas marcando tendencia desde la red.

• Se construyen su realidad con fragmentos de información, escuchan canciones en el iPod, iTunes, el MP3 o el móvil, buscan pedazos de información que les interesa en internet y se hacen así su visión del mundo relacionándolo según sus intereses. En la moda pasa igual, cogen de aquí y de allá para salirse con la suya.

• En las cadenas de ropa accesible se compran la estructura de su armario y para diferenciarse se buscan la vida con prendas de segunda mano, heredadas, vintage, customizadas, de mercadillos, unas zapatillas chulas o prendas más especiales, tanto clásicas (para los nuevos dandis) como de streetwear para una gran mayoría, para los que estas prendas (jeans, zapatillas, camisetas y sudaderas) son sus básicos. Están familiarizados con el lujo y sus marcas desde pequeños, y si no pueden comprarse el original se compran un fake.

• Los accesorios les entusiasman, desde gorras y sombreros a corbatas, chalecos, bolsas, bolsos, cinturones, collares, cadenas, pendientes, piercings, pulseras, anillos, cordones para las zapatillas, zapatos y zapatillas, charms para el móvil o el bolso, fundas para los gadgets como el móvil o el iPod... Les gustan las colaboraciones especiales con artistas, diseñadores o grafiteros con marcas de street y deportivas y también las de las cadenas de moda rápida con celebrities o diseñadores.

• No temen al color ni en accesorios ni en sus prendas, ni a combinar diferentes proporciones y tejidos, y llevan camisetas que les definen con mensajes, por su corte y color. El grafismo, las serigrafías, el diseño gráfico y las ilustraciones han llegado con fuerza a las camisetas y se extienden a todo tipo de prendas de street o más formales.

• Los nuevos dandis y ladies buscan diferenciarse mirando al pasado, a la sofisticación, el buen hacer y el clasicismo. Las sastrerías y las tiendas vintage son sus templos y lo combinan con prendas actuales.

XIV

LA REVOLUCIÓN INTERIOR

«Mi madre tenía razón: cuando no te queda nada, todo lo que tienes que hacer es ponerte ropa interior de seda y empezar a leer a Proust.»

Jane Birkin

Si los hábitos de consumo respecto a la moda han ido variando, la ropa interior y de baño no es ajena a esta evolución. Por un lado, los tejidos tecnológicos han favorecido el desarrollo del sector y la aparición de prendas más cómodas, adaptables y prácticas. Por otra parte, el desarrollo creativo también es notable por poner unos pocos ejemplos, no solo firmas de culto como Agent Provocateur, La Perla, Eres, Myla, Victoria’s Secret, Kiki de Montparnasse, Mimi Holliday, Carine Gilson entre otras, marcan tendencia, sino que además algunas firmas de lujo tienen lencería como Prada, Dolce & Gabbana, Louis Vuitton o la muy reseñable de Stella McCartney, que se suman a las ya conocidas de lencería y baño de Calvin Klein, Dirk Bikkembergs (para ellos), Chloé (Mare), Missoni, Hermès, Armani, Roberto Cavalli, Hugo Boss, entre otras muchas. Cómo no, las celebrities y modelos también se han subido al carro: Jennifer Lopez, Elle McPherson, Dita von Teese, Kylie Minogue, Elizabeth Hurley, Helena Christiansen, Natalia Vodiánova, Rosie Huntington, entre otras, han caído en la tentación de diseñar moda íntima o de baño. También las firmas medias especializadas (Hanky Panky, Intima Cherry, Gemma) o no (como Diesel) las hacen, y cómo no, las cadenas como Women’Secret, Etam, Benetton, Yamamay, Oysho, Punto Blanco, Unno, Intimissimi, H&M, Topshop, Primark o American Apparel, entre otras muchas, también la practican haciéndolo más accesible y asequible. En los últimos años además la corsetería se ha reinventado gracias a los avances tecnológicos y las prendas de compresión interiores han alcanzado un éxito notable. Y, como no podía ser de otra forma, todas quieren seguir las tendencias para permitirles a sus clientes ir a la moda por dentro y por fuera, incluso si la opción es el ecochic, como hemos visto.

Wai Lin, exdirectora creativa de Women’Secret,¹ y ahora fotógrafa, estuvo más de veinte años en el sector y diez en la firma, nos explicaba desde Barcelona (donde vive desde niña) el porqué de este cambio: «En general han evolucionado los hábitos de compra y, especialmente en ropa interior, la aparición de grandes cadenas ha cambiado mucho la situación del mercado y las opciones existentes. Además, la moda ha llegado también a la ropa interior, lo que, unido al hecho de que en los últimos tiempos existe la tendencia a enseñarla, ha hecho que las mujeres se preocupen mucho por sus prendas íntimas, a las que piden comodidad, también tendencia y moda. Finalmente, existe un último aspecto importante: el culto al cuerpo. La mujer actual tiene muchas inquietudes, trabaja, hace deporte, se preocupa por su salud y su cuerpo».

Algo trasladable al baño y a los hombres, cuya oferta es inferior pero donde las sorpresas no han hecho más que aparecer, como, por ejemplo, los atrevidos diseños de la firma francesa L’Homme Invisible o Derek Rose, los clásicos renovados de Sunspel, Schiesser, Turnbull & Asser, Brooks Brothers, marcas clásicas asequibles, como Jockey, que se renuevan, y firmas como Tommy Hilfiger, Calvin Klein, Dolce & Gabbana que también visten íntimamente al hombre. «La falta de prejuicios tontos ha hecho que el hombre tenga un papel importante en el estilo y evolución de las prendas», recalca el veterano diseñador Andrés Sardá. Y para explicar el menor desarrollo de estas prendas masculinas, Wai Lin comenta: «No sé si podrán desarrollarse tanto como las de mujer, llevan menos prendas interiores o de baño, pero probablemente sí, depende de los mercados. Hay mercados donde los hombres gastan mucho en moda y le dan mucha importancia. España aún no está a esos niveles, pero la tendencia es crecer y podría llegar a desarrollarse más que ahora». Y lo hará, si la crisis lo permite; los hombres están evolucionando en este sentido «hacia una moda sin tapujos. Están resultando mucho más innovadores que muchas mujeres. Ahora hay también todo tipo de formas y variedades para ellos. También están dispuestos a realzar su silueta, dejarse mirar y se nota en la evolución de la moda», comentan Israel Rodríguez, Beatrice Sebastián y Ana Ynzenga, los exdiseñadores de la firma española Beachcouture.² Unos prejuicios de pudor hacia cuerpo y el placer que también se han sacado de encima las mujeres con los últimos coletazos de la revolución sexual. El aumento de información sobre sexualidad y juguetes eróticos, la proliferación de sex shops y erotic boutiques —como las inglesas Coco de Mer y Agent Provocateur o la madrileña Los Placeres de Lola— donde existe una amplia oferta para mujeres, sumados a la recuperación de fenómenos como el burlesque,³ con gran culpa de Dita von Teese, han rescatado un espíritu retro y más sofisticado, con prendas un tanto abandonadas como el corsé, que diseñadoras como Maya Hansen han sabido recuperar. Tanto si se usan como prendas exteriores o interiores son un arma erótica y de atracción. Nada que ver con mostrar el tanga por encima del pantalón... el «tanga indiscreto» siempre es una opción carente de estilo. Además, las prendas interiores se llevan mostrando como exteriores desde que Vivienne Westwood y Jean-Paul Gaultier jugaran con esa idea en los ochenta. En las últimas temporadas se han visto muchos corsés y cinturones anchos que nos recuerdan a ellos sobre las pasarelas, además de gran profusión de vestidos lenceros, inspirados en los camisones y négligés interiores en chifon o muselina que se pueden combinar con jerséis, camisetas e incluso abrigos de piel como ha demostrado Vuitton. Y no olvidemos que la serie Sexo en Nueva York puso de moda, hace ya quince años, los sujetadores de colores contrastados con la ropa bien visibles bajo transparencias, camisetas, tops o vestidos.

Como dicen los diseñadores de la desaparecida Beachcouture: «La gente hoy busca estar guapa por fuera y por dentro. De ahí el gran auge del sector. Cada vez hay más marcas y tiendas de lencería, más mujeres, y ahora también hombres, que consumen ropa interior como capricho además de como necesidad». Las mujeres también tienen nuevas necesidades y anhelos, como comenta la diseñadora Guillermina Baeza, con su visión privilegiada de décadas en el sector: «El perfil de la clienta actual es diferente, la mujer ha cambiado: tiene más libertad, más criterio, más información y sabe lo que necesita y quiere. Lucha en su trabajo, pero también tiene una parte muy femenina que alimenta con la moda». Un cambio que se nota más si comparamos una generación con otra: «La generación de nuestras madres era más exigente en cuanto a calidad, conocía los menesteres de la costura y se notaba. Pero también había más pudor. Hoy las mentes son más abiertas, dadas a los cambios y variopintas. Se valora lo bueno, pero también lo barato», afirman los antiguos diseñadores de Beachcouture. Y pese a los cambios que se han producido, los clientes buscan lo mismo: «Ningún misterio: comodidad, calidad y que favorezca», añaden.

TECNOLOGÍA AL SERVICIO DEL CUERPO

Guillermina Baeza, que ha sabido combinar sus influencias marroquíes, mediterráneas y europeas en la ropa íntima y de baño femenina, comenzó en los años sesenta, se consolidó en los ochenta y hoy sus creaciones compiten con las mejores firmas europeas y sus diseños han sido solicitados por Cortefiel, Mango o Massimo Dutti. Y a finales de 1998 pasó a integrar uno de los grupos industriales más potentes de la moda española, Pulligan Internacional, reforzando su posición en el sector, donde tiene además una línea joven e infantil. Su hija, Belén Larruy, dirige al equipo creativo y piensa expandirse al mundo del hogar y la cosmética entre otros frentes. Esta trayectoria hacía indispensable preguntarle sobre los cambios relevantes que ha vivido en su carrera: «En cuanto a tejidos, el más importante ocurrió en los años sesenta con la invención de la licra. Gracias a este material llegaron los primeros bañadores elásticos», explica. Lo que abrió la puerta a un nuevo mundo de posibilidades. Ahora, como comenta Guillermina: «Las mezclas de licra con fibras naturales como la seda, el lino y el algodón son también muy novedosas». Y es que, como nos dice otro peso pesado del sector, Andrés Sardá, proveniente de una familia dedicada a la moda y consagrado a este negocio, «las nuevas tecnologías nos han ayudado a poder realizar un producto más adaptable y confortable», afirma este experto que siempre ha apostado por la innovación, siendo uno de los primeros en utilizar fibras elásticas. Creó su colección Risk («riesgo», en inglés) y en 1980 la línea Andrés Sardá de gama alta utilizando técnicas innovadoras en la línea, los tejidos y los colores. La firma está presente en Europa, América y Asia. Presentó colecciones bajo tres marcas: Andrés Sardá, Risk («riesgo», en inglés) y University, cuyo diseño realizaba con su hija Nuria (ahora al frente de la compañía). Desaparecidas estas líneas, ahora Sardá by Andrés Sardá y Andrés Sardá (la línea más alta) son las únicas. En 2008 fue comprada y saneada por el grupo belga Van del Velde, que recientemente ha vuelto a apostar por ellos.

Para descifrar los avances tecnológicos hoy habría que ser científico de la NASA, pero afortunadamente Wai Lin nos aclara los inventos que han mejorado estos productos en su resistencia, duración, comodidad, costuras invisibles, extrafinas o planas, transpirabilidad, etcétera: «Las mejoras tecnológicas son muchas: elastómeros, preformados, cortes con láser (que evitan las costuras), los laminados, toda la tecnología de los tubulares, tejidos elaborados con microfibras, encapsulados y una serie de materias que se han tratado para ser usadas en las prendas interiores. Los tejidos ahora son más finos y elásticos, una de las cosas más importantes de la ropa interior, y son cada vez más delgados. Hace unos años eran impensables sujetadores con un gramaje tan delgado como hoy, de 100, 120 o incluso 90 gramos y que siguen desempeñando su función. En parte es gracias a los avances que se han producido con las fibras elásticas. En baño, los tejidos han mejorado la resistencia al cloro y a las lociones solares. Obviamente, siempre hay que cuidar este tipo de prendas, pero la introducción de nuevas fibras ha ayudado mucho mejorando estos aspectos».

Y continuando con las novedades en tejidos para baño, los ex-Beachcouture nos dejan helados: «Los transpirables y de secado rápido son una bendición. Nos sorprendió la aparición de una licra que deja pasar los rayos del sol. ¡Imagina un biquini que no deja marcas!», me dijeron entonces, no sin antes comentar que estos nuevos tejidos no solo ofrecen más comodidad sino que realzan más el cuerpo, son más duraderos, transpirables y antialérgicos. Y respecto a los que padecen alergias cutáneas, para asegurarse de no tener reacciones a componentes sintéticos hay que leer la composición de las prendas íntimas y de baño e intentar que contengan el porcentaje más alto de algodón o seda. Las líneas ecológicas de algodón y sedas orgánicas son muy recomendables.

LA MODA COMO UNA SEGUNDA PIEL

Quizás la innovación más llamativa a simple vista ha sido la creación de líneas de baño e íntimas acordes con la moda y las tendencias, un requisito indispensable para competir en este campo cada vez más poblado. «La ropa interior se ha empezado a diseñar de acuerdo a las tendencias y la moda exterior. Además, se imprime mucho más ritmo en las colecciones para aportar novedad constante», me decía Wai Lin. Algo por lo que han luchado durante años profesionales como Guillermina Baeza: «El cambio más importante tanto en baño como en lencería es que ha dejado de ser un complemento para convertirse en prenda de moda. El concepto “de moda” lo introduje con mis colecciones, ha sido una dura batalla que se ha conseguido». Una medalla que también habría que colgarle a Andrés Sardá en España y más tarde a otras, como la catalana TCN y, por supuesto, a firmas internacionales a nivel global tan diferentes como las que hemos visto al principio de este capítulo, entre otras.

Esa influencia de la moda y las tendencias no solo ha mejorado los diseños sino incrementado su oferta para llegar a todos los públicos y gustos posibles. La oferta es más amplia en estilos y precios. Y este «efecto moda» se ha dejado notar también en la creación de todo un universo de accesorios, como bolsas, fulares, batas, pantalones, neceseres, sombreros, ropa de casa, pijamas, zapatillas, chanclas, toallas, pareos, etcétera, que permiten individualizar el look en cada situación, de acuerdo con el estilo y las necesidades. «La mujer de hoy se preocupa por estar al día, a la moda, por saber qué se lleva. Le da mucha importancia a los complementos y accesorios para conseguir un look total en sus estilismos. Los complementos ayudan a personalizar los conjuntos, a darles un toque personal y propio. Por eso, en nuestras colecciones creamos universos enteros que permiten que la mujer se pueda hacer un look completo», explica Wai Lin. Algo parecido ocurre en las firmas medias y de lujo, pero cuidado con resultar excesivos: «Uno va a la playa o a la piscina a relajarse y tanto estilismo resulta cargante. Lo indispensable basta», recomiendan Israel, Beatrice y Ana, un buen consejo para no desembarcar con un auténtico tenderete zíngaro al borde del agua, y también trasladable a la ropa de casa: con ir atractivo y cómodo es suficiente, estás en casa, no en la portada del ¡Hola!

Y la oferta es amplia porque la demanda es exigente. Las más jóvenes quieren, como dice Wai Lin, «moda y tendencia, que su ropa interior coordine con la exterior, además de novedad constante. Les gustan mucho los tangas y bóxers, sujetadores con foam,⁴ push ups⁵ o triangulares. Les gusta la variedad y que las sorprendan». Además también les atraen las prendas divertidas con personajes de dibujos animados, motivos gráficos y de la cultura popular juvenil, como superhéroes o cómics, y el colorido.

Pero si hablamos de mujeres adultas, «la feminidad no se ha perdido nunca», dice Andrés Sardá. Y hoy los diseños siguen los colores de tendencia, y van desde lo delicado y coqueto a lo descaradamente erótico, de la lolita a la femme fatale. Las prendas interiores incorporan lacitos, cintas, estampados delicados, flores liberty,⁶ rayitas, pequeños topos, adornos sutiles, volantitos, bordados y puntillas herederas de la mejor lencería francesa, un país con larga tradición lencera. Por lo visto, María Antonieta recibía a su lencera, madame Eloffe, incluso cuando estaba en la torre-prisión donde pasó sus últimos días. No en vano la nueva lencería francesa, como Guia La Bruna, Sabbia Rosa, Carine Gilson, Eva Rachiline, Sophia Malagola, Elise Anderg, Sabrina Nadal o Princesa Tam-Tam, entre otras, rescata lo mejor de su legado: delicadeza y exclusividad.⁷

También se recuperan los corsés, ligueros, sujetadores tipo balconette,⁸ las braguitas brasileñas afortunadamente van sustituyendo al tanga y también abundan las braguitas altas, guiños todos a décadas pasadas (de compresión tipo Spanx, Madeform o Yummie Tummie, o no) que contrastan con prendas interiores modernas, transparentes y mínimas en su expresión, o con aberturas estratégicas, como las de La Perla, una de las primeras en desarrollar prêt-à-porter, a la que le han seguido firmas como Wolford. E incluso las líneas de lencería incorporan juguetes eróticos, como Sonia Rykiel o Agent Provocateur, entre otras: «Existe una tendencia importante de lo seductor y sofisticado. Han surgido gran cantidad de pequeñas tiendas dedicadas a lo erótico donde venden ropa interior muy seductora junto con otros artículos y complementos relacionados con el sexo y el erotismo. Lo retro también ha vuelto con fuerza», confirma Wai Lin. Y para todas las edades y estilos siempre existirá la antítesis de lo dicho: ropa interior básica y lisa, en blanco, negro, gris o color carne, simple y funcional. También los sujetadores especiales que permiten llevar diferentes escotes o tipos de espalda sin prescindir de la sujeción adecuada son muy recomendables. Como dice Wai Lin: «La apuesta por el confort y la simplicidad siempre está ahí. Existen muchos tipos de mujer y tenemos estados de ánimo diferentes dependiendo del día. Diseñamos colecciones y conceptos para hacer la vida más fácil, algunas veces aportando emociones y otras dando soluciones».

Y como la oferta es para quedarse paralizada como un conejillo ante las largas de un coche, hemos pedido consejo a los profesionales. Guillermina Baeza considera que en el armario de una mujer nunca deberían faltar «dos conjuntos de braguita con sujetador balconette de encaje, uno en color negro y otro en color natural». A lo que nuestros ex-Beachcouture añaden: «Conjuntos básicos en tres colores clave: blanco, negro y color carne. Y además, dos o tres caprichos para encuentros especiales, a poder ser de aire romántico sin caer en la vulgaridad. Indispensable también es un conjunto homewear:⁹ top de tirantes, pantalón y short de algodón con tacto muy suave. Las camisetas interiores en varios colores también pueden servir de comodín para cualquier estilismo. Y para ellos, bóxers de algodón y licra, cómodos y que sujetan mejor, camisetas de manga corta y algún pantalón de algodón con cordón a la cintura para casa». Y a esta lista de la compra Wai Lin añade «sostenes especiales para ropa exterior con patrones especiales y algunos conjuntos más caprichosos, desde prendas más seductoras a cosas más coloristas que siguen las últimas tendencias de moda».

Además, para la noche, los camisones lenceros, románticos, y los pijamas masculinos de seda, acompañados con batitas, albornoces ad hoc, son ideales y se pueden combinar mezclados con camisetas y pantalones de pijama. Los conjuntos en algodón y alguna batita son buenos básicos. Para ellos, los pijamas masculinos en hilo o seda y algún conjunto tipo chándal en algodón son imprescindibles. Si añades a la lista una bata de hilo, algodón o seda y unas bonitas zapatillas de casa (slippers) en terciopelo o similares, serás todo un gentleman at home.

LA FIEBRE DEL «INI»

La ya comentada firma Beachcouture tuvo en sus trikinis su producto estrella para el verano. Y sus antiguos diseñadores nos dan las claves de por dónde van los tiros ahora en el baño femenino: «Si los sesenta fueron el boom del biquini, los 2000 han sido la fiebre “ini”. Todo vale, siempre y cuando acabe en “ini”: trikini, tankini, monokini. El caso es ir en busca de nuevas formas que recorran la silueta». Y para quien confunda el universo «ini» con el Instituto Nacional de Industria, aclaramos que un trikini es la evolución del consabido bañador entero, solo que la tela que une la parte del escote con la braguita adopta formas insinuantes en su mínima expresión. Conviene no abusar de él en horas de pleno sol o esas insinuantes formas se marcarán sobre tu piel.

Por otra parte, el tankini es el conjunto de camiseta con cuello halter¹⁰ o tirantes y braguita normal o bóxer. Y el monokini es la braguita que deja al descubierto el pecho; también lo han llamado pubikini cuando su expresión es mínima y, en general, de cortinilla. Y aunque parezca una modernez propia de los años 2000, ambos fueron inventados en 1964 por Rudi Gernreich, uno de los diseñadores más innovadores de la escena estadounidense, que con dieciséis años huyó del nazismo de su Viena natal y fundó el primer frente de liberación gay de los Estados Unidos, además de ser uno de los diseñadores más rupturistas donde los haya.

Otra de las novedades en las prendas de baño es la posibilidad de individualizar los conjuntos. Muchas firmas permiten escoger la parte de arriba y abajo que más favorezca, ya sea sujetador con aros, de cortina o de triángulos, combinables con partes de abajo como tanga, braguita de tiras, brasileña,¹¹ braguita ancha o microshort. Además, tú misma puedes combinar diferentes partes de biquinis distintos si tienes un poco de ojo y los compras en tonos complementarios o intercambiables, para así, durante las vacaciones, reinventarte el look de baño y actualizarlo a tu antojo sin aburrirte. Y en una vuelta de tuerca a esta individualización, firmas como Women’Secret han apostado por colaboraciones como la que tuvo con la diseñadora Helena Rohner llamada Mykini que permitía personalizar el biquini no solo escogiendo entre la parte de arriba y la de abajo, sino con la posibilidad de incorporarles a ambas una pequeña joyita en tonalidades verde agua de las que había cinco versiones y que podían funcionar también como collar.

Y antes de quedarnos de nuevo estupefactas ante tanta oferta, hemos acudido a los profesionales para que nos aconsejen por dónde tirar. Andrés Sardá lo tiene claro: «Un bañador negro y un conjunto del color de temporada». Guillermina Baeza opta por lo más favorecedor para todos los públicos: «Un biquini y un bañador con escote halter y en color liso». Y los ex de Beachcouture van un paso más allá: «Para ellas, un biquini cortina básico en negro (sin duda el color que más favorece y disimula), una maxibolsa de playa, unas chanclas y, por supuesto, el trikini para las tardes prolongadas en el chiringuito de moda. Para ellos, el bañador clásico renovado, ni muy corto ni muy largo, cinturilla en vez de goma y tejidos tecnológicos que sustituyen a los de toda la vida»... ¡No sé a vosotros, pero a mí me están entrando ganas de mar y vacaciones!

CON ESTILO, POR DENTRO Y POR FUERA

1. No se puede pretender tener estilo con una ropa interior vieja y caduca. Si tienes estilo fuera, tienes que tenerlo por dentro.

2. El «tanga indiscreto» asomando por encima del pantalón o la falda está totalmente carente de estilo.

3. Para la ropa interior también es aplicable el consabido «fondo de armario». Tener unos buenos conjuntos básicos en blanco, negro, gris y color carne, de algodón y/o licra es fundamental. Además, unos buenos conjuntos «coquetos» (son compras sabias).

4. Busca tejidos lo más naturales posible si tu piel es muy reactiva y padeces alergias a los sintéticos. Las líneas ecológicas que están apareciendo te convienen, y al planeta también.

5. Todas las firmas han creado un universo de accesorios: gorros, sombreros, zapatillas, chanclas, bolsas, toallas, pareos, ropa de casa, batitas, camisones, etcétera, para personalizar tu look, tanto en la playa y en la piscina como en casa. Si tienes estilo, lo tendrás en todas partes. Eso sí, no abuses: ante la tentación de acarrear un tenderete, piensa aquello de «menos es más», complementa lo justo.

6. Los sujetadores con tirantes especiales o sin ellos para vestidos o tops con patronajes especiales te permiten ir con sujeción y realzar tu busto con cualquier prenda.

7. Las prendas lenceras y la lencería misma salen al exterior.

8. Las más jóvenes demandan moda y tendencias que coordinen con las prendas exteriores, novedad constante, tangas, braguitas brasileñas, bóxers, sostenes con foam o push ups, de triángulo y con dibujos o estampados divertidos, color, ilustraciones o personajes del cómic y la cultura popular juvenil.

9. La feminidad en las prendas íntimas va desde lo coqueto y delicado a lo más erótico gracias al auge de información sobre sexo, juguetes sexuales, la aparición de sex shops y erotic boutiques y la recuperación del género burlesque. Por eso se han recuperado los corsés, los sostenes balconette, las braguitas altas, los ligueros y prendas influenciadas por la lencería francesa clásica. Las cintas, lazos, topos, flores liberty, volantitos, pequeños encajes, bordados, puntillas o topos adornan la lencería.

10. Cuando vas guapa por dentro, se nota fuera.

11. La lencería moderna, transparente y con aberturas estratégicas como de sex shop, pero dignificada en buenas calidades, es recomendable para noches de pasión sin límites.

12. Para ellos, son buenas compras los bóxers en algodón o licra y los calzoncillos clásicos de caballero en hilo, algodón o seda, además de ropa de casa para combinar.

13. En el baño femenino triunfa el universo «ini»: los trikinis, biquinis, tankinis y monokinis.

14. Está en auge personalizar tu bañador eligiendo las partes de arriba y de abajo que más te favorezcan, incluso de distintos conjuntos.

15. Los bañadores brasileños realzan las formas femeninas, las braguitas elevan el culete, y los sostenes, el pecho. Son la mínima expresión de bañador y el impacto está asegurado.

16. No deberían faltar el biquini o bañador negro clásico, un trikini para las tardes de chiringuito, una maxibolsa y unas chanclas.

17. Para ellos, los bañadores clásicos renovados, ni muy cortos ni muy largos, con cinturilla en vez de goma, son la mejor opción. Favorecen y son actuales.

18. Las líneas ecológicas se van introduciendo poco a poco en este sector, la corsetería tiene todavía algunos impedimentos técnicos para llevarla a cabo con eficacia pero las primeras líneas de lencería eco, algodón orgánico, seda, bambú y soja están a la venta; son un éxito y en el futuro darán mucho que hablar. Ver el Capítulo XI.

19. La lencería de compresión para realzar las curvas y la silueta, tanto en bodies, braguitas, o emulando las fajas de los años cincuenta (pero sin la parafernalia de estas y más ligeras) están siendo muy demandadas.

20. Para dormir con estilo, los camisones, batitas o pijamas masculinos, en seda o algodón, que pueden tener una lectura más casual combinada con camisetas. Para ellos, los pijamas masculinos clásicos en seda, algodón o hilo son las mejores opciones. Con batas de seda y slippers serás un gentleman.

XV

LOS DIAMANTES SIEMPRE SON LOS MEJORES AMIGOS DE LAS MUJERES

«La diferencia entre los recuerdos falsos y los verdaderos es la misma que con las joyas: siempre las falsas parecen más reales y brillantes.»

Salvador Dalí

Aunque el título del capítulo es cierto, también lo es que las mujeres hoy tienen más amigos que los diamantes, pues, a decir verdad, la bisutería también puede ocupar su corazón con la misma pasión que los recuerdos falsos de Dalí. No en vano Kenneth Jay Lane fue un pionero de éxito al inspirarse en las casas Cartier, Jean Schlumberger y Verdura para hacer bisutería. Además, los diamantes no son solo patrimonio de las féminas, ahora los hombres también se los disputan, pensemos en Beckham ¡luciendo esos pedazos de pedruscos en las orejas! o la legión de hip hoperos seducidos por el bling-bling.¹ Un cambio de roles en un sector muy tradicional, el de la joyería,² que, en estas décadas, ha visto cómo los hábitos de sus clientes han ido mutando y cómo han aparecido otros nuevos. Hoy las joyas se llevan de otra forma, la bisutería³ se ha dignificado, fusionado incluso y se convierten en expresión del estilo y de los valores de quienes las llevan. Algunas firmas quieren llegar al mercado masivo de la joyería con un producto razonable de precio, como Diesel, Calvin Klein, Breil, Viceroy, Swatch Bijoux, Aristocrazy (de Suárez) Duran Exquse, (de Durán) o Tous, por poner unos ejemplos que apuestan con más fuerza en diseño y creatividad. Sin duda es un nicho de mercado que será fruto de más incursiones; como lo es el de la bisutería, no hay firma especializada o no, desde Accessorize, Claire’s a Bimba & Lola o Asos, entre otras muchas como Mango, Primark, etcétera, que no haya hecho ya su incursión. Hoy todas estas piezas nos hablan, lejos de códigos estrictos, de la libertad de escoger y expresar a través de ellas «el todo vale», un mantra que se repite casi capítulo tras capítulo y ha renovado el panorama. Pasen y vean cómo se recicla este universo tan atractivo.

EL ESPÍRITU DE LOS TIEMPOS: CÓMO LLEVAMOS LAS JOYAS HOY

Lo que más salta a la vista es cómo han evolucionado las costumbres a la hora de llevar joyas. Cuando Carrie Bradshaw —la protagonista de la serie Sexo en Nueva York— lucía gargantillas o collares de brillantes y esmeraldas sobre camisetas raídas, algo nos estaba diciendo que si Patricia Field (la estilista de la serie) hacía esas mezclas, como cantaba Bob Dylan, «los tiempos están cambiando». La joyería no podía ser ajena al pulso de los tiempos. La mezcla, la irreverencia, la reinvención y la recuperación del pasado, que hemos visto en capítulos anteriores, también son algunas de las coordenadas en las que se mueve este sector, que también ha incorporado en los últimos tiempos elementos que no son propios de la joyería. «Todas las grandes firmas se ponen las pilas en eso, es cómo evoluciona el sector. Es verdad que cada vez hay más gente con grandes fortunas que pueden permitirse joyas, pero también hay más de todo, necesitan ir a consumidores que se van a gastar mucho menos pero que, sin embargo, son millones», dice Blanca Unzueta.

Y como bien dice Blanca mientras desayunamos, «con las joyas pasa como en la moda, la generación de nuestras madres, y sobre todo en España, era más formal. Y ahora existe la libertad de ponértelas de forma diferente». Al igual que nos aconsejó en el primer capítulo aquello tan sabio de matizar, dosificar y administrar, respecto a las joyas opina lo mismo: «Si llevas un vestido de fiesta espectacular, pues lo que menos necesitas son unas joyas espectaculares, a lo mejor nada. Y en cambio te puedes permitir un joyón cuando llevas un vaquero con una camiseta». Algo que a nuestras madres les parecería absurdo porque «las joyas eran para las ocasiones, se las ponían en las bodas, bautizos y comuniones, en las grandes fiestas, en una cena o en un cóctel. El tabú de las joyas es el que más ha tardado en romperse», explica Blanca.

Quizás una de las primeras que empezó a dinamitar este tabú fue Coco Chanel. Por esa idiosincrasia suya de romper los convencionalismos existentes se adelantó casi ochenta años a la estilista Patricia Field en esto de combinar irreverentemente las joyas de día. Cuando conoció al duque de Westminster y se relacionó con la alta sociedad inglesa, sorprendió a sus amigas de Londres poniéndose, con ropa de diario, joyas que ninguna dama hubiera lucido sin un vestido de noche apropiado, como collares de perlas sobre chalecos o broches de pedrería en el frontal de gorras de marinero. Pero su irreverencia no solo llegó ahí. En 1932 presentó su primera colección de joyas con diamantes, algo insólito para una mujer que ni sabía de diamantes ni era joyera (eso entonces era un sacrilegio) y que además había sido pionera en la bisutería. Y para colmo eran joyas transformables, de cada una de ellas se podían hacer de dos a cuatro combinaciones, algo moderno incluso hoy. Pero, como me comenta Blanca, «el estilo de Chanel llegó a una élite ni siquiera económica, sino solo intelectual, porque la alta burguesía seguía siendo muy tradicional. Se queda en esa chispa que prende pero que va poco a poco». Pues bien, parece que la mecha que prendió Coco en su día ha hecho saltar hoy por los aires ese tabú respecto a llevar joyas. Por caras que sean, desatan tanta pasión como cualquier accesorio y se llevan a diario con prendas informales, algo que es aplicable también a la bisutería.

Carmen Lomana da una opinión muy representativa de lo que piensa el consumidor de joyería hoy: «Que las joyas sean para todos los días me parece divertidísimo: ir con un jean, un blazer y meterte un broche art déco impresionante con brillantes la pera de grandes o unos pendientes maravillosos. En la generación de mi madre eran cosas para vestir, los brillantes nunca de día, ahora te los pones si te apetece, no hay tanta norma». Y Clara Courel aclara el porqué: «Hemos perdido el respeto a lo que cuestan y a llevarlas a cualquier garito inmundo, por cualquier calle oscura o con una camiseta. Más que el respeto, hemos perdido el miedo, y también es una rebeldía frente a nuestras madres. ¿Por qué hay que ponerse el collar de perlas para las ocasiones? Mola más con una camiseta. Tenemos más información y ves a los raperos con cosas doradas, yo soy un poco rapera también, y te das cuenta de que el oro amarillo mola, la gente decía que es de gitanos. ¡Es lo más! Y en cambio el oro blanco es para las más clásicas. Hemos sabido adecuar las joyas a la calle y al revés, en las fiestas no hay que llevarlas porque ya vas muy arreglada», dice Clara, de cuarenta y dos años, algo representativo de cómo evolucionan las costumbres en su generación.

Para Helena Rohner, reputada joyera patria (con la que luego hablaremos más detenidamente sobre su trabajo y visión del sector), esta tendencia de mezclar «refleja algo como “soy diferente”, no quiero ser como todo el mundo, no quiero ir vestido de uniforme y quiero poder mezclar eso que tenía hace tiempo con algo nuevo, con algo heredado o de hace diez años. La estilista Amparo Utrilla es la reina de esto, de repente tiene algo de hace diez años y le da la vuelta, usa ropa no necesariamente de marca y es su estilo, todo lo que se pone lo transforma. La tendencia va hacia eso, hacia gente que quiere ser personal. Expresar cómo eres y cómo quieres ser no tiene que ver tanto con qué llevas sino con cómo lo llevas». Este es, sin duda, el leitmotiv de los tiempos que corren en la moda y también en este sector.

CON LAS JOYAS DE MAMÁ Y DE LA ABUELA

Ha habido una pasión muy importante en los últimos años por las joyas y la bisutería vintage, piezas antiguas heredadas o compradas en tiendas como Bárcena o Rosa by Bárcena, ambas en Madrid, donde uno puede vibrar de emoción al ver las joyas que tienen, y en Didier Ludot, las tiendas vintage del Palais Royal (París), otro clásico. Balenciaga, Christian Dior, Jacques Fath o Elsa Schiaparelli diseñaron sus propias joyas y otros, como Chanel, se aliaron con joyeros como Fulco di Verdura y la Casa Gripoix,⁴ especializada en bisutería. Yves Saint Laurent lo hizo con su amiga Loulou de la Falaise (que también diseñó accesorios) o el mismo Balenciaga hizo doblete con Roger Jean-Pierre. Este tipo de piezas cuestan una verdadera fortuna hoy, son propias de coleccionista.

Pero, sin llegar a ese nivel, las joyas y la bisutería antiguas (tengan pedigrí o no) están muy presentes hoy: «Me gustan las joyas vintage, coger de tu madre un broche de un pavo real del que de pequeña decías “qué cosa más fea” y ahora es lo más de tu joyero. Las perlas eran de pija y ahora llevar unos pendientes de perlas, un collar o una gargantilla mola. ¿Sabes qué me he reciclado yo? Un Cristo de Dalí. ¿Te acuerdas que no podía ser más hortera? Me queda que te mueres. Lo que hay que hacer es darles la vuelta a las cosas, como el brazalete de mi madre, tiene uno de perlas triple y ahora lo ha sacado Dior. Yo me lo pongo con lo más destroy», dice de nuevo Clara. Por eso, al final del capítulo trataremos de cómo reciclar tu baúl de los recuerdos para darle nueva vida.

Pero también las firmas tradicionales, siguiendo esta tendencia, tiran de sus archivos para actualizar o revisitar sus clásicos, como el reloj Tank de la colección Must de Cartier que nació en 1977 —era el reloj que llevaba Yves Saint Laurent cuando le inmortalizó Irving Penn desnudo— y que ha revisitado en múltiples ocasiones. O, como hizo en 2003, al ver que los motivos animales volvían a hacer furor, con la colección Panthère (pantera) de Jeanne Toussaint de 1930. Bvlgari, inspirándose en los motivos ovales de sus archivos, creó las colecciones Ellipse y Elisia e incluso decoró algunos bolsos de su firma con una publicidad de la casa de 1900. La mítica casa de diamantes De Beers también reedita piezas de su colección de clásicos y la firma Boucheron, con motivo de su 150 aniversario, lanzó el reloj Reflet XL, una reedición de un modelo de caballero de 1947, y además ha creado una colección de joyas basada en motivos inspirados en la naturaleza, es decir, gotas de agua, olas rompiendo, animales de todo tipo como serpientes, ranas, camaleones, pájaros, estrellas, caballitos de mar o dragones, además de motivos florales como plantas, flores o árboles que se remontan a los archivos de la casa de finales del siglo XIX. Estos son solo unos ejemplos; hoy las referencias históricas, junto con las multiculturales, están en la primera fila del sector y no hay casa tradicional que se resista a rebuscar en sus archivos y así deleitarnos con renovadas creaciones.

CREATIVIDAD ON THE ROCKS

Hoy la bisutería, además de arrasar en las cadenas low-cost y medias, está tan dignificada como la joyería, de hecho, Josu Aboitiz dice: «Para mí, the next big thing es la bisutería que las marcas están ofreciendo, de hecho, los brazaletes, charms, anillos, cockers⁵ o colgantes son la gran tendencia». Muchas firmas de moda ofrecen bisutería de lujo, como Chanel, Prada, Lanvin, Bottega Veneta, Burberry, Dries van Noten, Jean-Paul Gaultier, Emilio Pucci, Marni, Saint Laurent, Margiela, Balenciaga o Marc Jacobs, entre otras. Y también hacen alta joyería, como Louis Vuitton, Chanel, Roberto Cavalli, Just Cavalli, Gucci, Givenchy o Dior, entre otras muchas, que conviven con la de las casas de joyería tradicionales especialistas, como Cartier, De Beers, Chaumet, Tiffany, etcétera, y joyeros que se hacen su lugar y su clientela como el inglés Stephen Webster y tantos otros creadores patrios como Andrés Gallardo o Marina Casal, tras la firma Andrés Gallardo, o el rebelde Judy Blame. Como dice Belén Zavala: «Ahora hay mil cosas muy divertidas; los diseñadores lo han potenciado más quizás como reacción al minimalismo. Hay de todo, en joyas o en bisutería, que te hace el mismo efecto y no hace falta que hagas el gran desembolso. El accesorio o el complemento son una forma de centrar un poco tu personalidad». Vamos a ver por dónde van los tiros para que cada uno encuentre lo que más va con la suya.

Los anillos (pequeños o grandes) han ganado protagonismo, ya sean falsos o verdaderos; se llevan cada vez más grandes, eso sí, con ropa casual. Y los collares con personalidad ya sean excesivos o delicados, los pequeños amuletos protectores como piedras, figas o religiosos (como medallitas, cruces) son un clásico bohemio... pero sea cual sea, el concepto es siempre el mismo: que sea una declaración de intenciones, una forma de reforzar tu personalidad, de completar tu look, una expresión de tu estilo, ya sean piezas hechas por artesanos, vintage o del joyero de tu madre.

Los motivos animales, florales y naturales tienen mucha fuerza hoy recuperados del pasado. Se extienden en pendientes, broches, collares, gargantillas, cinturones joya o pulseras. Por ejemplo, Cartier, Chaumet, Dior, Van Cleef & Arpels o Boucheron, entre otros, tienen piezas en esta línea. Y el mundo del insecto también está presente; como en los años cuarenta, hoy también son populares y todos estos elementos naturales se han revitalizado con la introducción de motivos más siniestros y oscuros, como telas de araña, calaveras, corazones (con sus venas y todo), pistolas, puñales, colmillos o armaduras medievales. En esta línea, y además con una apuesta muy personal, de autor, encontramos propuestas de todo tipo, más naíf como las de Tatty Devine o Vanessa Arizaga o con la contundencia de las piezas del mencionado Stephen Webster, Tom Binns, Solange Azagury-Partridge, Alexis Bittar, Delfina Delettrez, V. Bruce Hoeksema (VBH), Barry Kieselstein-Cord, Gerard Tully, Gretchen Julius o Shaun Leane, que diseñó piezas para Alexander McQueen, incluso las incursiones que han hecho socialités⁶ o it girls, como Daphne Guinness y Alexandra Richards.

Además, un tsunami de color ha llegado a la bisutería y las joyas, sea cual sea su precio, desde brazaletes de plástico o baquelita de color, a piezas de alta joyería con diamantes u otras piedras preciosas de diferentes tonos, el universo es casi ilimitado. Hoy tiene muchísima importancia el colorido, aunque diseñadores como Chanel, Dior o Schiaparelli lo usaron con sabiduría antaño. Firmas como Bvlgari, Pasquale Bruni, Pianegonda, Grisogono, Chopard, Piaget, Verdura, Carrera y Carrera, entre otras muchas, los hacen, y las firmas asequibles, la joyería de autor y la firmas medias también lo practican con acierto en collares, anillos, colgantes, pendientes, gargantillas, cinturones joya o brazaletes.

También se impone la recuperación de piezas que se habían quedado un tanto abandonadas, como los camafeos, gemelos, pisacorbatas y los broches, reales o de bisutería, que se pueden colocar de múltiples formas sobre las prendas para sorprender: varios juntos, en la cadera, en el cuello de una camisa, de un vestido, en un hombro o sobre un fular, por mencionar solo algunas opciones al más puro estilo Coco Chanel. Y estos contrastan con los charms; los accesorios para decorar los móviles o bolsos o para incorporar a cadenas han abierto una nueva forma de llevar las joyas y llevan motivos de todo tipo: infantiles, como caballitos de juguete, balones de rugby, bolas de discoteca, muñequitos manga, ositos, cochecitos, barquitos, zapatitos de tacón, corazones candorosos y pequeñas llaves en un universo que parece sacado de Alicia en el país de las maravillas. Firmas como Louis Vuitton, Rosato, Pomellato o Tiffany & Co. han entrado con fuerza, junto a otras, en el diseño de estos nuevos y carísimos charms (que también hay en bisutería), y claro, la alta joyería sirve de inspiración para firmas medias y asequibles de joyería y bisutería.

Además, la arquitectura de las piezas de la alta joyería, que es como la Fórmula 1 de las joyas, se complica en diseños geométricos y orgánicos, las innovaciones en su estructura permiten colgar perlas y piedras en un equilibrio de vértigo que les da una nueva versatilidad y movilidad a pendientes, collares, gargantillas o anillos, como los de Van Cleef & Arpels, que se enredan entre los dedos como plantas trepadoras. Las referencias al lujo asiático y de los países árabes son numerosas (tanto en firmas tradicionales como en diseñadores de culto como Waris Ahluwalia), ya que muchos de los clientes del lujo pertenecen a estas latitudes. Y en el universo del reloj funcionan bien los diseños deportivos, de inspiración retro y masculinos para ambos sexos, la gama de colores se está volviendo infinita e incorpora color, mientras los adornos de pavés⁷ de piedras preciosas toman el asalto sobre las piezas más caras: Patek Philippe, Chaumet, Dior, Chopard, Cartier, Hermès, Chanel Fine Jewelry, Bvlgari, Omega, Tag Heuer, Montblanc, Zenith o Louis Vuitton tienen siempre gran oferta de ellos, tanto masculinos como femeninos, porque saben que es un mercado que les funciona.

Los artistas y profesionales de otras disciplinas se han sentido también atraídos por la joyería. Pensemos en Man Ray, Jean Cocteau, Claude Lalane, César, Arman, Hiquily o Dalí y hasta en artistas y arquitectos de hoy, como Frank Gehry, Damien Hirst, Anish Kapoor, Marc Quinn, Tim Noble y Sue Webster, Anthony Caro, Daniel Brush, Michael Graig-Martin, pasando por incontestables del diseño y el arte como Mackintosh, Dieter Roth o Louise Bourgeoise. La artista mexicana Teresa Margolles creó joyas a partir de los cristales rotos de los tiroteos de los narcos en México DF, engarzados por un joyero de estos, toda una crítica social, que se vendieron al público en una galería. Y si no te gustan todavía las joyas, ten presente la experiencia de Blanca Unzueta: «Con la edad te van gustando más, me lo decía alguien cuando yo tenía veintimuchos y me espantaban las joyas. No se puede decir de esta agua no beberé, y menos en moda. Con la edad llegas a la conclusión de que dudas más de todo y cada vez tienes menos certezas a las que agarrarte. A mí me espantaban las joyas, de hecho, y al final ha llegado, me gustan». Y añade, riendo: «También es cierto que ahora es un momento muy importante para todos los complementos. De alguna manera, con los accesorios te puedes apañar con un vaquero y una camiseta. Puedes gestionarlos muy bien a lo largo del año y estar siempre estilosa».

¿QUÉ HAY DE NUEVO, VIEJO?

Este sector tan tradicional ha ideado nuevas fórmulas para satisfacer a un público cada vez más numeroso, joven y deseoso de sorpresas. La última novedad es adquirirlas online, Cartier tiene disponibles algunas piezas, y portales de e-commerce como Latest Revival, con piezas de hasta 50.000 dólares disponibles, o Net-a-Porter, Moda Operandi, Mr Porter, 1stdibs, etcétera, las ofertan. Las firmas establecen colaboraciones más allá de la moda y recuperan la ironía del pasado mezclando motivos de la historia de la joyería, como guirnaldas de inspiración neoclásica de principios del siglo XX, con un imaginario contemporáneo cercano al manga y los dibujos animados. Por ejemplo, la firma brasileña H.Stern cada temporada colabora con alguien ajeno al sector para sorprender con sus propuestas. Además de hacer la colección de joyas de la diseñadora estadounidense Diane von Furstenberg, ha colaborado con personajes ajenos a la industria como, en los ochenta, Catherine Denueve, el cantante Carlinhos Brown, los hermanos Campana (diseñadores industriales) o el peluquero de las celebrities Frédéric Fekkai, entre otros. Esta colaboración, por ejemplo, estaba inspirada en el pelo en movimiento y las piezas, muy originales, eran etéreas y móviles. Estas colaboraciones actualizan su imagen y les obligan a ser más innovadores y creativos, como la que la heredera Eugenie Niarchos hizo con la firma Azzaro para una pequeña colección de bisutería basada en motivos de alas, la del rapero Pharrell Williams para Louis Vuitton o las de los españoles Rubén Gómez (con Durán) o Carmen Mazarrasa (con Grassy), entre los innumerables ejemplos que existen. Otras asociaciones tienen una dimensión más social y solidaria, como Chopard, que colabora con las fundaciones del príncipe Carlos de Inglaterra con fines benéficos y con la de Elton John para la lucha contra el sida.

Otro ejemplo de innovación y creatividad es el de la diseñadora Victoire de Castellane, que, tras pasar catorce años como ayudante de Karl Lagerfeld en Chanel, donde también diseñaba joyas, recibió una oferta en 1998 de Bernard Arnault⁸ para ser la directora creativa de la línea de alta joyería Dior Joaillerie. Victoire aúna su especial predilección por el uso del color en las joyas con el sentido del humor y las inspiraciones naturales de la joyería de siglos pasados, de los años treinta o cincuenta, que frecuentemente reproducían motivos de flores, animales, insectos, plantas, conchas de mar o animales marinos. Y además les aporta una visión contemporánea e incluso macarra, usando tanto motivos de calaveras y corazones sangrantes como de tatuajes, con elementos que nos recuerdan a la estética manga o a cartoons de Walt Disney. El resultado son unas piezas espectaculares, barrocas, coloristas y juveniles que hacen las delicias de los más jóvenes y recuperan la ilusión de los clientes más tradicionales acostumbrados a ver casi siempre lo mismo. Los diseños de esta francesa de linaje aristocrático se hicieron populares para el gran público por la polémica despertada con el anillo Cupidon, regalado por Sarkozy a su segunda esposa, Cécilia Ciganer Albéniz, y después a la actual, Carla Bruni. Castellane ha hecho de su pasión su profesión. De pequeña veía cómo su abuela, Silvia Hennessy, cambiaba de joyas con cada cambio de ropa varias veces al día. Y a los once años ya hacía sus pinitos transformando sus medallas de catecismo. Desde entonces no ha perdido esa pasión por el juego, algo que reflejan sus diseños. Una de sus colecciones fue presentada en internet en Second Life (cuando estaba en la cresta de la ola). Ejemplos, todos, de cómo la joyería se esfuerza en actualizarse para complacer y sorprender a sus clientes nuevos y de toda la vida.

DEL HIP HOP AL CIELO

Que la música ha influido en la moda no es una novedad, pero en el terreno de las joyas esta influencia ha sido considerable en el siglo pasado y el presente, desde los medallones, brazaletes y hebillas de los cinturones de los músicos de los setenta (pensemos en Jimi Hendrix o Jim Morrison), el glam, a las pulseras de tachuelas punkis, revisitadas hasta la saciedad por el universo del lujo y el mainstream. O, más cercano a nuestros tiempos, el hip hop. De hecho, este le está dando muy buenos momentos a la joyería, es una inspiración y también supone un público al que dirigirse. Con el impacto de artistas multiventas como Jennifer Lopez, Beyoncé, Missy Elliott, Jay-Z, 50 Cent y un largo etcétera, el culto por el «oro» se ha extendido con la rapidez de las notas musicales y llega a la industria para influenciar sus diseños.

El mundo del rap, marginal y peligroso en los ochenta, hoy emite brillo, glamour y, sobre todo, lujo. Beyoncé y Jay-Z son la pareja más poderosa de la industria del entretenimiento según Forbes. Y eso no podía pasar desapercibido para la joyería. El cliente que puede permitirse las joyas hoy ha cambiado, el perfil tradicional existe, pero hay una gran variedad de «ricos» que año tras año crece, como atestiguan los informes sobre la riqueza en el mundo (ver último capítulo), el mercado asiático, el ruso y los árabes son muy influyentes. Por eso las firmas quieren conseguir impactos mediáticos, el hecho de que Tous eligiese a Kylie Minogue o Jennifer Lopez como imagen de su firma, o una casa como Louis Vuitton decidiera en su día poner también a Jennifer Lopez en sus publicidades, o que le pidiera al monísimo y talentoso rapero Pharrell Williams que colaborara con ella no es algo casual, ¡sino más bien causal! Hizo su primera incursión con gafas en 2005 y después una colección de joyas, Blason, con la ayuda de la creadora de Vuitton Camille Miceli.

Pero este nuevo tipo de cliente no se le escapa al resto del sector. Por ejemplo, el joyero Jacob & Co. se ha hecho un nombre en el mundo de la joyería gracias al apoyo de la difunta Whitney Houston y Mary J. Blige, que empezaron a usar sus diseños. Ahora no hay celebrity y rapero que se precie (ya sea Puff Daddy o David Beckham) que no luzca sus relojes excesivos y sus joyas, porque a través de estos músicos mucha gente le ha cogido gusto al oro amarillo, durante un tiempo considerado vulgar y ostentoso. Y no solo triunfa entre los afroamericanos y los latinos, hoy el bling-bling de la joyería tiene un nuevo sentido y más fans gracias estos iconos juveniles en los mercados mencionados arriba, y está también presente en las calles.

Otro público le ha encontrado «el punto» a la exageración, saturación y afición de llevar mil anillos, sellos, varias cadenas y un diente de oro. Si no que se lo cuenten a Madonna cuando se puso un brillante en un diente en el disco Sex y cuando apareció en el vídeo del tema Music con sombrero de cowboy, en limusina, y luciendo joyones a medio camino entre el nuevo rico decadente y el hip hopero más fashion. Hoy el oro y el barroquismo en piedras y composiciones de las joyas no solo es propio del hip hop o del rhythm & blues, ¡todo aquel que se siente un poco white-trash es público objetivo también! Una de las firmas que supo captar ese espíritu fue Garrard, con casi dos siglos a sus espaldas; su directora creativa no fue otra que Jade Jagger, la hija de Mick y Bianca Jagger, con un ADN marcado por la música y el estilo. Su incorporación venía acompañada de toda una renovación dentro de la firma; su sofisticación con un punto funky, en lo personal y en sus diseños, les encajaba a la perfección. Las tiaras, los anillos de boda y los relojes siguen siendo parte de sus claves, como su herencia relacionada con la casa real británica, pero Jade les introdujo un twist de modernidad e irreverencia para su nueva clientela, su relevo no fue otro que Stephen Webster, que posee también esa sensibilidad contemporánea para la joyería y tiene una larga lista de clientes entre el star system.

BISUTERÍA Y JOYERÍA, VÍAS DE IDA Y VUELTA

Paralelamente a esta búsqueda de novedad, desde los ochenta han aparecido creadores con un modelo de negocio casi en las antípodas de las casas tradicionales. Desde territorios menos «puros» que la alta joyería, con independencia y a pequeña escala (quizás como reacción al modelo establecido o por pura necesidad), han empezado a abrir camino en sus respectivos países ampliando los lindes de este territorio creativo. Hoy, joyería y bisutería comparten una frontera elástica, hasta el punto de que una creadora como Helena Rohner, que habitualmente ha mezclado materiales nobles como la plata con maderas y porcelanas (bisutería), tiene también línea en oro que sí es considerada joyería. Además crea objetos como alfombras, vajillas, candelabros, lámparas, jarrones, decoración navideña, joyas USB y juegos de té para diversas firmas, entre ellas la danesa Georg Jensen. O firmas como Andrés Gallardo, que mezclan los mismos materiales que Helena para hacer una propuesta bien diferente e igual de vigente, o Patricia Nicolás, Mónica Vinader o Malababa, que son todas apuestas de futuro, de calidad y con proyección internacional con propuestas contemporáneas y frescas. También hay caminos de libertad y aprendizaje en este sector, como el de Carmen Mazarrasa, que desde la bisutería, con sus diseños para Sybilla, Juan Duyos y Fun & Basics, pasó a rebuscar en los cajones y archivos de la tradicional joyería Grassy para crear una colección de doce piezas, Florescencia, imbuidas de sensibilidad, creatividad y personalidad propia, donde mezclaba rosas de coral, discos de piedra lunar, cuentas de nácar, rubís, turmalinas verdes, hojas de oro y las engarzadas con cinta de grogué tricolor, pequeños lazos y el caballito de mar, símbolo de Grassy.

Estos y otros muchos ejemplos son representativos de generaciones que han establecido vías de ida y vuelta entre la bisutería, la joyería y otras disciplinas, que como Coco Chanel han creído que las fronteras no existen y que si existen, es para atravesarlas con libertad. Sus trayectorias son diferentes y nos quedamos conversando con Helena y Carmen, idóneas para hacer un pequeño recorrido por cómo es este sector hoy y de dónde viene, y cómo piensan los nuevos creadores que se instalan en él.

Helena Rohner tiene cuarenta y cuatro años, es una diseñadora coherente, más relacionada con lo escultórico que con las joyas clásicas. Desde sus comienzos vende fuera (el 30 por ciento de su producción va a Dinamarca, tiene tantos puntos de venta fuera como en España). Montó una tienda taller en Madrid y desde esa libertad creativa ha conseguido una fórmula de negocio rentable de lujo asequible y emocional para quienes quieren sentirse mimados. Me cuenta, mientras almorzamos cerca de su trabajo, cómo su sector ya estaba cambiando cuando llegó a principios de los noventa: «Cuando acabé la carrera, trabajé con una joyera afroamericana, Jacqueline Rabun, en Londres. Empecé a ir a ferias internacionales con ella porque hablaba idiomas. Me di cuenta de que había un hueco para un tipo de joya que ni era alta joyería ni bisutería: la bisutería hecha como si fuera alta joyería. Mis piezas son de plata, no tienen diamantes y tengo una colección en oro. Había un público que quería eso, que la joya se pudiera adaptar a su vida, que la pudieran usar mucho, que la pudieran comprar —porque cuestan 100 o 150 euros— y que se identificase con ella porque es diferente. Internacionalmente no había muchos joyeros haciendo cosas; ahora vas a París y hay cantidad de gente que hace bisutería».

Aunque vio ese nicho de mercado, su éxito «no es intencionado, como los que tienen estudios de marketing, me sale así. Te pones a diseñar lo que te gustaría comprar y no ves», dice. Les debe más a escultores como Henry Moore, Noguchi o Anish Kapoor que a la alta joyería: «Estudié política internacional, hice un curso de joyería con un escultor japonés medio loco que vivía en Florencia, que era “haz lo que te dé la gana que yo te apoyo”. Y en Inglaterra con un profesor muy de deconstruir, de pensar en la joya como una escultura. Cuando llegué a España, hice uno de joyería muy tradicional, pero nunca estudié diseño». A sus piezas, como a las de creadores como Chus Burés, les han puesto la etiqueta de «joyería contemporánea o moderna», algo muy genérico que engloba a profesionales muy diversos que no vienen de la estricta tradición joyera sino con referencias del diseño industrial, el arte o la arquitectura como Andrés Gallardo, Patricia Nicolás o Ana Malababa, entre otros.

«Lo más moderno de mi manera de ser es que me he mantenido en “esto es lo que quiero hacer”. Entiendo las joyas como una pequeña escultura, soy de empezar en un bloque e ir quitando, muy tridimensional, de buscar la armonía. Me interesa el diseño honesto, que las cosas sean claras y limpias, como la gente. En Dinamarca se habla mucho de esto, diseño sin florituras, que no engaña, contundente en el mensaje y orgánico», me dice.

La honestidad marca su filosofía laboral y quizás por eso produce en España: «No me gusta producir lejos de mí, lo más lejos es Barcelona. Tiene que ver con la idea de que pierden su identidad. Mi porcelana se hace en la plaza de la Villa y la madera en Aluche. En mi carrera es definitivo vivir aquí; si hubiera vivido fuera, hubiera diseñado de otra forma. Aquí no estoy en el circuito de la moda, me respetan pero no estoy condicionada por el entorno. Además, tenemos esa riqueza aún, fuera casi no hay artesanos. A los daneses —ella es una especie de celebrity del diseño allí— les gusta que produzca objetos y materiales diferentes aquí. Ellos ya no pueden, para hacer un jarrón tienen que ir a Vietnam o a Bolivia. Es una pena que se estén perdiendo los artesanos, lo de hacerte una camisa o un zapato a medida. Te compras algo superrápido y no te lo pones porque no lo has comprado con amor», comenta.

Su visión conecta con un concepto del lujo que concilia la limpieza del minimalismo de los noventa con lo orgánico y emocional de los 2000. «Sigue habiendo el bling-bling pero hay un lujo muy limpio, sin decoritis». Y esa filosofía se refleja en su tienda taller: «Poder comprarte algo bonito, en un sitio bonito y que te traten bien, es un lujo». Y haciendo un paralelismo con la moda, comenta: «Marni me parece fundamental en otro entendimiento del lujo, de cosas sobrias, una costurita en una tela muy bien hecha, los bolsos con baquelita o el concepto que tiene de las joyas y sus materiales, es innovador. Espero que sean los mismos consumidores que compren mis piezas, que van más allá del aspecto inicial y se fijan en cómo están hechas, cómo funcionan, el peso que tienen y cómo están montadas. Mi estilo es escuchar lo que viene de dentro, no lo que dicen que te debería apetecer. Para mí es importante romper esquemas de lo que se espera de las joyas, ponerles madera, cuero, plata o un cristal, que se paren a pensar cómo está hecho, cómo cuelga y queda acabado».

Y a fuerza de perseverancia, el éxito (de una manera u otra) tenía que llegar. Hay una anécdota con Benicio del Toro que parece demostrarlo: «Habían nominado a Bardem por Antes que anochezca. No soy nada mitómana, pero en el taller, Raquel dijo que podíamos mandarle un anillo. Le pedí a Aitana Sánchez-Gijón, muy amiga mía, el teléfono de su agente y nos dijo que nunca se pone nada. Resulta que ganó Benicio del Toro ¡y en la mano con que cogió el Oscar llevaba un anillo igual que el que habíamos intentado mandarle a Bardem!». Sus diseños han llegado al star system sin ningún tipo de product placement: «Hay fotos de Cameron Diaz con colgantes que ha comprado ella, nosotros no le hemos mandado nada. El otro día vino Lola Dueñas, también Natalie Portman y Elena Anaya; me da el mismo placer que si viene una señora anónima. Las celebrities no son el epítome del estilo. Lo que me hace ilusión es que Benicio del Toro durante un par de años siempre salía en las fotos con el anillo, lo que me hace pensar que le gusta, no que se lo había puesto un estilista».

Carmen Mazarrasa, en los treinta, ha tocado todos los palos, desde la bisutería (con Sybilla, Juan Duyos, Fun & Basics y la empresa La Cuenta que creó hace unos años) hasta la alta joyería, con una pequeña colección para Grassy. De la generación que le precede dice: «La joyería es un sector supercerrado y muy tradicional. Luego tienes diseñadores como Helena Rohner o Chus Burés que hacen joyería contemporánea, que sigue siendo tradicional en el sentido de que es fundición, pero han tenido que romper barreras y convencer a los artesanos». Y cuando habla de convencer a los artesanos, lo dice con conocimiento de causa: «Los artesanos tienen tendencia a decir “eso no se puede hacer”, como los operarios. Cuando una cosa les complica, no les apetece. Tienes que saber la técnica para decir “se puede hacer de esta forma”, si no, te quedas por el camino, pasan de ti. A menos que des con un “enrollado”, como el joyero de Grassy, un tío maravilloso con setenta y dos años que estaba entusiasmado. Decía “llevo cincuenta años haciendo joyería y lo he visto todo, estoy harto. Pero esto tuyo es creativo de verdad”. Fue un ángel, nos salvó, porque fuimos al joyero tradicional y nos dijo: “Huy, esto no se puede hacer y no se vende”». Y no solo vendió, convenció al público nuevo y al tradicional: «Venir de la bisutería te da libertad a la hora de hacer cosas para nuestra generación, aunque los primeros collares los compraron dos señoras de ochenta años. Una me dijo: “A mi edad no necesito joyas, ya no me compro nada, pero me han gustado tanto que me he encaprichado”», comenta. Además, el dinero conseguido por la venta de los collares fue destinado íntegramente a un proyecto sanitario en Turkana, Kenia.

De sus trabajos dice que han sido como becas: «Además maravillosas; he aprendido muchísimo y me han ayudado a entender mi trabajo. Empecé con diecinueve años sin haber estudiado. Se aprende mucho amoldándose. De Sybilla aprendí el color; a mí me mueven los colores. Primero tengo que elegir el engamado, recojo las cuentas en un montoncito, cierro los ojillos viendo solo los colores y entonces ya las empiezo a ordenar». Con Juan Duyos trabó una relación profesional y personal especial: «Me dibujaba sobre los figurines, aquí quiero cadena gorda, como de perro, o perlas de señora mayor. Me daba mucha libertad, llegaba el día del desfile y prácticamente ni lo había visto. Me enseñó la realidad de la moda, qué es un desfile, tratar con modelos y periodistas. Me ayudó mucho aconsejándome».

Y de ese aprendizaje pasó a una primera experiencia propia empresarial, La Cuenta: «Tenía veinte años cuando la monté y funcionó muy bien, fue un éxito. Tuvimos un tinglado montado de importación-exportación y aprendí a crear una marca. Lo hice sin querer y se franquició. Teníamos juegos de palabras, las clientas eran “las cuentistas” y se sentían superidentificadas, hicimos un fanzine y una web. He vivido parte de mi infancia en Estados Unidos y el marketing allí lo impregna todo, los españoles no solemos saber vender lo nuestro y nos avergonzamos», opina.

Y de ahí dio el salto al mercado masivo con la línea de bisutería de Fun & Basics, con proveedores asiáticos y diseñando por ordenador: «Llevarlo a producción y controlarlo es distinto. Lo disfruté mucho y me ha enseñado lo que son las reglas de las empresas, sus limitaciones, su nivel de exigencia y de tiempos. El mercado masivo me pareció divertido, aunque al principio me bloqueé, bajé el rasero, era como que tenía que hacer algo para todo el mundo. Tienes limitaciones técnicas reales que no dependen de ti; cuando trabajas con China, tienes que hacer cosas que estén allí. Pero en la creación es muy divertido, te da la posibilidad de trabajar con resinas, maderas, cosas con las que no trabajas habitualmente. Hicimos una colección que imitaba baquelita superemocionante. ¡Para nada una bajada de nivel!».

El salto a Grassy llegó de forma natural: «Mientras estaba en Fun & Basics conocí a Patricia, que se acababa de meter en Grassy, el negocio de su padre, con fuerza y voluntad de cambiar. Es maravillosa». Era su primera experiencia en joyería: «En mi caso ha importado más el hecho de que podía aportar una visión fresca, o incluso inocente, no tan constreñida por lo que sabes». Antes hizo una línea de piezas únicas, que vendía en EKS y luego en Pensil y Persea, de bisutería antigua reciclada; no había dos piezas parecidas. Una experiencia fundamental para dar el paso de Grassy, según cuenta: «Partimos del reciclado, en los archivos estaban los moldes metálicos con los que hacían las joyas. Las piedras, las flores y piezas que estaban en el almacén guardadas de joyas antiguas. La caja era una bolsita de tres rositas, un lapislázuli bola, una perlita, una concha. ¡Yo encantada, pero loca! Los primeros tres meses me los pasé poniéndolo todo en fila y haciendo montoncitos hasta hilarlo. Salió por la necesidad de agudizar el ingenio».

Pese a haber trabajado en mundos tan dispares, tiene un estilo definido y preciosista, ahora se encuentra diseñando una nueva colección tras cerrar su tienda; de su trayectoria comenta «Te intentas acoplar para quien trabajas, pero el estilo no se puede evitar. Es lo que traes contigo, sale en todo, no depende de la voluntad, ni de la intención, ni de la moda, ni de la tendencia. El estilo es lo que llevas dentro». Recupera lo mejor del colorido, la fantasía y el humor de la joyería y bisutería de principios y mediados del siglo pasado: «La reverencia a las joyas es de bastante avanzado el siglo XX. Que las joyas hoy tengan ese sentido del humor e irreverencia es una recuperación del pasado; en los cincuenta tenían chiste y muchísima gracia. En los sesenta y setenta, la vanguardia en joyería era algo muy serio, poco lúdico, obviamente necesario para romper barreras y con su importancia histórica. Y luego “las toñas” de los ochenta que eran como de la serie Dallas. Y el minimalismo de los noventa, tan estricto. Lo que está pasando ahora es una consecuencia natural y está bien que pase. ¡Me alegra que me haya pillado, me parece más divertido!». A ella y a los creadores de su generación, que al igual que ella viven sus experiencias de aprendizaje, se arriesgan y apuestan por hacerse un lugar.

ELLOS TAMBIÉN LLEVAN JOYAS

La joyería masculina existe más allá de los consabidos relojes, aunque para ellos estos son piezas claves, auténticos best sellers para las firmas de joyería. Aunque ahora podemos ver la hora en los móviles, el reloj tiene un uso práctico más limitado, pero es un signo de expresión de personalidad clave. Hoy muchas firmas diseñan artículos para clientes más jóvenes, atrevidos y con menos prejuicios, que han visto cómo hip hoperos o futbolistas lucen joyería (cadenas, pulseras, colgantes, anillos o pendientes) sin resultar femeninos o incluso ¡hasta perlas!, como las que ha hecho la firma Damiani para hombres. El diseñador Rubén Gómez hizo una incursión creativa en este mundo con la casa Durán con su colección Kripton y también hizo customizaciones de piezas de la casa: «Si a alguien le dices que de un anillo hice un brazalete, no se lo cree; cuando lo expliqué en la rueda de prensa, la gente se quedaba a cuadros», me dice. Rubén también tiene una forma especial de valorar el pasado: «En una entrevista me preguntaron si quería darle a la joyería masculina el sitio que no tiene. Y dije que el problema es que a la joyería masculina se le ha quitado el sitio que tiene. El hombre ha dejado de ser sofisticado. En los setenta, nuestros padres llevaban gemelos, pisacorbatas y pins en la solapa. Hoy en día, a lo máximo que aspiras es a joyas de futbolistas de caucho y plata; las joyas son como pequeñas esculturas. ¿No se puede hacer algo bonito y elaborado?», comenta. Es algo que parecen haber visto los joyeros y que retoman las firmas cada vez más.

Rubén además incorporó a sus joyas unos referentes personales propios de la generación de los ochenta, cuando él era pequeño, y que, como hemos visto, otras firmas tradicionales patrias están sabiendo captar de cara a un nuevo público joven como Suárez (Aristocrazy), de una forma mucho menos «pop»: «En mi primer desfile “Nueva Europa” quería hacer una escenografía inspirada en Kripton (planeta del que proviene Supermán) y como no estoy en Hollywood no la pude hacer. Cuando me llamó Andrés Aberasturi para decirme lo de Durán, pensé, es el momento de hacer Kripton para joyas femeninas, y para las masculinas me inspiré en las misiones Challenger. Cuando era pequeño quería tener los escudos y banderines. Tiro de mi imaginería», explica. Para él, Zemeckis, el director de Regreso al futuro, tiene tanta trascendencia como Pier Paolo Pasolini: «Soy fan de Pasolini, de Brian de Palma, Zemeckis, y los pongo a la misma altura de Visconti, conforman el imaginario de una generación y abren una iconografía que es global. En el fondo hoy todos podemos hablar de E. T., aquí y en China. Me parece bonito que una generación pueda compartir iconos y vivirlos casi con la misma lectura. Bruce Lee es un icono para todo el mundo, todos queríamos ser él. Creces y te das cuenta de que es el mejor lenguaje para calar en la gente». El hecho de que una casa tan tradicional como Durán quisiera en su día asociarse con un joven diseñador para «refrescar» o lanzar posteriormente una línea como Duran Exquse es muy sintomático de lo que busca este sector hoy para llegar a un nuevo consumidor, también masculino y joven. Y a los jóvenes talentos les viene muy bien: «Es una herramienta superútil para divulgar lo que quieres. Tienen todos los medios, lo hacen encantados, obtienen la publicidad que necesitan y me permiten trabajar con materiales con los que nunca he trabajado», concluye.

BUSCANDO EN EL BAÚL DE LOS RECUERDOS

Hoy el reciclaje se impone como una forma de crear menos impacto en el entorno y de reavivar los clásicos de la joyería y bisutería. Los más hábiles lo hacen con sus manos y para los que no tienen tiempo, o pericia, la web Etsy es una mina, y la diseñadora Carmen Mazarrasa ideó un proyecto ahora concluso: Pensil y Persea, una tienda que era como una bombonera y que puede resultar inspiradora para los interesados en el do it yourself, la joyería y la bisutería de forma amateur o profesional: «Hacíamos series limitadas de bisutería, máximo diez por color. Y también reciclaje de bisutería antigua. No había nada tan bonito como que la gente te trajese el collar o la pulsera de perlas de la abuela, lo desmontásemos y lo montásemos otra vez con una cinta de algodón, sarga, grogué, terciopelo, etcétera, y se convirtiera en algo que te pones todos los días y que te favorece. Y a la siguiente temporada, la podíamos poner de otro color; daba mucho juego. Deja de ser una cosa que tienes en una caja, que nunca te pones. Eso es lo importante, la joyería es para usarla. Yo me pongo las perlas todas las mañanas y si voy a una cena de gala, la chatarra más chatarra que tenga. Esa libertad es lo divertido. Si tienes una joya en una caja, para lo único que sirve es para que un día te la roben y te den un disgusto. Si va a desaparecer, por lo menos que la pierdas en una noche de fiesta. Además, las cosas se pierden menos cuanto más las llevas puestas, se disfrutan más, se mantienen vivas y les das el valor que tienen».

En la tienda, además, vendían collares de perlas de agua dulce y también te los hacían si les llevabas las perlas o restos de otros collares que tuvieses, que se hubieran roto o ya no los usases. Lo especial de la historia (y que uno puede aplicar a su vida si es un manitas), es que con todo ello hacían algo exclusivo: «Para mí es difícil y poco prometedor competir contra Accessorize; no es que no fuera posible, pero el lugar para hacerlo es desde aquí. Mi lugar es hacer las cosas con el tiempo y las ganas que necesito, con el lujo que eso supone; es mucho más interesante y divertido. Haremos algo para producirlo, porque establecer una marca es fundamental, y no le quito importancia al mercado. Pero mi tiempo no lo quiero dedicar a pelearme con proveedores», decía cuando la tienda estaba abierta. Tenían un público sorprendentemente amplio y alegre, las señoras mayores se volvían locas y las posmodernas también. «Me parece muy bonito, el contacto directo con el público es un lujo absoluto, para mí tiene mucho valor», concluía entonces. Otro ejemplo más de cómo las joyas reviven de múltiples formas hoy. No es algo que necesitemos, pero nos dan placer y nos hacen la vida algo más agradable.

CLAVES PARA ACERTAR CON LAS JOYAS HOY

• SE LLEVAN DE OTRA FORMA. Antes eran para las grandes ocasiones, hoy las joyas se llevan durante el día con camisetas o jeans por caras que sean. Lo interesante es que pueden ayudar a definir un look aparentemente neutro o prendas muy básicas. Y por la noche, si ya vas muy arreglada puedes prescindir de ellas o ponerte algo discreto.

• LA BISUTERÍA SE DIGNIFICA. Hoy la bisutería compite con la joyería, las grandes firmas de moda la están haciendo, también diseñadores independientes y cadenas asequibles. Dan el mismo juego.

• LAS JOYAS ANTIGUAS Y VINTAGE. Son uno de los tipos de joyas más reclamados hoy, ya sea compradas o heredadas. Los anillos, pendientes, pulseras, brazaletes, collares y gargantillas son cada vez más demandados. Algunas firmas se inspiran en sus joyas antiguas y archivos para hacer nuevas o reediciones. Los broches, gemelos y camafeos se recuperan y se ponen de las formas más irreverentes.

• LOS MOTIVOS NATURALES, FLORALES Y ANIMALES. Se están recuperando del pasado. Las flores, las serpientes, los dragones, los felinos, los insectos (como mariposas, escarabajos, mariquitas, etcétera), los animales marinos (como estrellas, caballitos de mar, peces) o la naturaleza (las olas del mar y las gotas de agua) inspiran estas joyas de hoy. Además se mezclan con motivos más siniestros, como corazones (con sus venas y todo), colmillos, arañas, calaveras, insectos menos amables o motivos del manga, los dibujos animados, la cultura pop o los tatuajes.

• EL COLOR. Otra de las formas en que se rescata el pasado. Hoy es muy importante en la joyería, tanto los diamantes de diferentes colores como las piedras preciosas, y está presente también en la bisutería.

• LOS MOTIVOS ABSTRACTOS Y GEOMÉTRICOS. También están vigentes en la joyería. Ahora las estructuras se vuelven más complejas y con equilibrios de vértigo que se reflejan en los pendientes, gargantillas y collares.

• JOYAS DE ARTISTAS. Los artistas siempre se han sentido atraídos por la joyería y la bisutería, quizás porque estas piezas son como pequeñas esculturas.

• MOTIVOS INFANTILES. Los motivos propios del imaginario infantil, como cochecitos, zapatitos, trenes, barquitos, corazones, se incorporan en la joyería. También el manga, los dibujos animados, los mitos de la cultura pop, etcétera.

• EL ORO AMARILLO VUELVE. Gracias al hip hop y a los mercados emergentes, el oro amarillo y las joyas contundentes y llamativas vuelven a estar presentes.

• RECICLAR. Reciclar la joyería antigua es una forma de actualizar los legados familiares y ponértelos todos los días. Lo puedes hacer tú misma o encargarlo a profesionales.

• Elijas la/s pieza/as que elijas para completar tu look, que sea una expresión de tu personalidad.

XVI

MORFOLOGÍA DE UN CRIMEN DE MODA

«El cuerpo es una prenda sagrada.»

Martha Graham

El estilo está muy relacionado con sacarse partido, es imprescindible saber lo que te favorece y lo que no, lo que hay que camuflar y lo que se debe resaltar; siguiendo esas pautas no cometerás ningún crimen de moda contra tu persona. Siempre merece más la pena saber lo que nuestra morfología y fisonomía necesitan que estar al tanto de lo que dicta la moda del momento, porque esos conocimientos sobre uno mismo nos ayudarán a filtrar esa moda con mayor acierto. Por eso hemos pedido consejo a una patronista, Marucha García Mateos, porque estos profesionales saben mucho de cómo estructurar las prendas, cómo disimular aquí y potenciar allá. Marucha ha tocado todos los palos de su profesión, ejerce también la docencia y en sus ratos libres realiza incursiones en el arte contemporáneo. Es una extremeña que parece sacada de una película de Almodóvar, al que, por cierto, diseñó unos albornoces quimono para la película Hable con ella. Además, nuestra personal shopper, Mila Navarro, nos aconsejará compras acertadas que nos convienen para las situaciones más complicadas. Juntas hacen un tándem ideal para aprender a aceptar tus fallos y explotar tus virtudes.

MUJERES, EL PEOR ENEMIGO ES NO CONOCERSE

Vamos a recorrer las formas femeninas de arriba abajo, deteniéndonos en posibles zonas conflictivas, en esos enemigos que a veces nos enturbian la imagen que devuelve el espejo. Como advierte nuestra patronista: «En ocasiones, por la configuración o porque el cuerpo degenera, tienes que dejar de ponerte cosas». Es mejor asumirlo y buscar otras opciones que resalten tus virtudes. Verse bien refuerza la autoestima, pero si tropiezas, una y otra vez, con la misma piedra sin ponerle solución, inevitablemente acabarás por tirar la toalla. Y no es para tanto: toda zona problemática tiene su solución.

Cuello y escote. A los cuellos largos y escotes bonitos les queda bien todo: cuello en V, barco, palabra de honor, halter, etcétera. Y el cuello a la caja¹ o mao son infalibles para escotes menos agraciados. Para cuellos cortos, Marucha aconseja escote de pico (en V), para alargar óptimamente, y evitar el cuello barco:² «Lo ensancha y acorta más aún». Las joyas y bisutería grandes o llamativas en cuellos cortos funcionan mal, a no ser que sean collares largos, que estilizan. También hay que evitar los sombreros grandes. Para las ocasiones importantes es mejor un tocado y en invierno gorros de proporciones reducidas que marquen la silueta de la cabeza. Los cuellos vueltos son recomendables si la zona está flácida, pero no hay necesidad de ir como una monja tampoco; si se tiene un escote bonito, conviene enseñarlo usando pañuelos o fulares para camuflar el cuello. «Aprovecha lo que tienes, porque se puede tapar casi todo», anima Marucha.

Hombros. Si la mujer tiene una buena caída de hombro —un hombro recto y el cuello largo— se puede poner todo tipo de cuellos y escotes, incluso halter y palabra de honor.³ Pero nuestra patronista recomienda que si la inclinación de los hombros es muy pronunciada se evite el halter (resalta más la caída) y se opte por camisas o camisetas sin mangas, prendas que tapen el hombro y nunca palabra de honor. En las chaquetas, camisas masculinas o camisetas conviene fijarse en que no lleven mangas raglán,⁴ solo favorecen a mujeres con hombros rectos y disimulan a las que los tienen grandes o gruesos. La combinación de rebeca de punto (o cárdigan) con camisa o camiseta debajo está desaconsejada si no se tienen buenos hombros, los hace más caídos. «Los vestidos, chaquetas y camisas deben marcar la línea divisoria del brazo y el hombro con un poquito de hombrera y con choricillo⁵ en las prendas de abrigo.» Algo extensible a todas las mujeres, explica Marucha, «es un toque de distinción y favorece más. Con los vestidos, chaquetas sastre y abrigos bien armados, la mujer va más regia y elegante, son prendas imperecederas, un fondo de armario». Además, hay un truco que te ayudará a sacarles partido a tus hombros y cuello: imagina que tu cabeza es un globo lleno de gas que se eleva hacia el cielo, automáticamente tu espalda se estirará y tus hombros y tu pecho se recolocarán en su sitio a la vez que la curvatura del cuello se embellece.

Sin pecho. Los sujetadores con un poco de relleno (push-up) pueden ayudar a estas mujeres. Se pueden permitir rayas horizontales en el pecho, adornos cerca del escote, palabra de honor, blusas con canesú, tejidos vaporosos, transparencias con algo o nada debajo y camisas o chaquetas con bolsillos en el pecho. «Afortunadamente, cualquier americana les va bien y si la solapa es amplia, les queda preciosa. Los chalecos de corte masculino o femenino tipo balconette también favorecen», añade Marucha.

Pecho. Las mujeres con un pecho grande (tallas 90 a 100) pueden llevar todos los escotes siempre que, como advierte Marucha, «tengan buenos hombros y no les acompleje lucir sus volúmenes». Es importante encontrar sostenes que disimulen y contengan la zona para sentirte cómoda y no perjudicar la espalda, sobre todo al hacer deporte. Además nos recomienda que «los escotes palabra de honor siempre tengan refuerzo dentro, entretelas duras y ballenas para sujetar lo poco o lo mucho. Si el pecho es pequeño, queda bien pegado porque las ballenas lo presionan, y si es grande, lo sujeta mejor». Para disimular un pecho muy grande es importante «que las líneas de corte de las prendas pasen por encima de la mitad del pecho en vertical», explica. Una consigna que también hay que seguir en chaquetas, chalecos y camisas cuando se quiere disimularlo. Como dice Marucha, «el exceso de pecho solo les queda bien a las pin-up, pero es un problema para mujeres que tienen que ir a trabajar con traje de chaqueta, llevar buenos trajes y cambiarse mucho. Por eso es importante que las costuras sean verticales y crucen la prenda de arriba abajo».

Respecto a los vestidos de verano con corte imperio⁶ y tirantitos, solo se los pueden permitir las altas con pecho no demasiado generoso: «Te permite no llevar sujetador si se ajusta bien al pecho. Pero si tienes mucho, al final del día estás con la espalda dolorida», explica Marucha. Estas mujeres deben renunciar a las blusas o blusones vaporosos más allá de la cadera y optar por opciones más rectas o entalladas. Que la prenda esté bien estructurada es el secreto. Lo cual no quiere decir que sean ajustadas. Los vestidos algo holgados, o tipo saco, como los de Marni o H&M, se pueden llevar con cinturón sin que se ciñan al cuerpo, pero definiéndolo. También favorecen las combinaciones de camiseta larga recta de punto o algodón o camisas largas con collares largos y un poco pesados por debajo del pecho, porque estilizan. Si llevas blusas amplias o con canesú, intenta acompañarlas de un cinturón para que definan la cintura, si no te engordarán. Y si usas transparencias, ponte camisetas de tirantes debajo que compriman. Respecto de las chaquetas, chalecos, camisas y blusas de mujeres con mucho pecho nuestra patronista aconseja que tengan solapas pequeñas y cuello en V pronunciado, pues alarga la silueta. El primer botón debe estar a la altura del pecho o más bajo. «Si el primer botón está encima de la línea del pecho, cubrirá mucha tela la zona a disimular. Pero si la abertura es por debajo, ópticamente da más juego al escote y el pecho, se ve menos. Cualquier opción debe tener costuras verticales que crucen el pecho para disimular, costadillo italiano se llama, le da profundidad y está cogiendo la línea del pecho, la cintura y un poco las caderas en una sola línea; estructura toda la prenda, algo importante en estos cuerpos que tienen mucha depreciación, muchas formas», comenta Marucha.

El esmoquin y las chaquetas blazer de este tipo favorecen y resultan muy elegantes además de ser excelentes comodines. Si tienes la cintura estrecha, las faldas años cincuenta con blusa o camisa ligeramente abierta y cinturón equilibran ópticamente la silueta. En mujeres de más edad se usa el costadillo redondo o francés:⁷ «Le damos esta pronunciación para resaltar el talle», cuenta Marucha. Y para este tipo de féminas es mejor optar por estampados discretos y pequeños. Además, los abrigos no serán de sastrería sino envolventes, cruzados sobre el cuerpo, con o sin capucha.

Brazos. «Unos brazos normales tienen que llegar con el codo a la línea de la cintura, así todas las mangas sientan bien», comenta nuestra patronista. Si llega el codo por debajo de esta línea, los brazos son muy largos, y si es al revés, muy cortos. Para los brazos largos Marucha aconseja prendas sin manga, de manga corta o francesa (por mitad del antebrazo), nunca largas. «Siempre les van a quedar las mangas de las prendas cortas, pero es mejor, porque acortan los brazos», advierte. Si los brazos son cortos, todo lo contrario: mangas largas y líneas que recorran el brazo para acentuarlo. Para los brazos gorditos o descolgados, propios de las personas mayores o con flacidez, aconseja prendas sueltas que procuren disimular «la mollita» del brazo con transparencias o mangas por el codo. Si es un vestido de noche, conviene taparlos con un chal, un echarpe, transparencias, chaquetas de manga corta o boleros, dejando el escote al descubierto si se tiene bonito. Como dice la patronista, «estos brazos o te los trabajas en el gimnasio, te los operas o los tapas con transparencias o mangas en la zona problemática». Además, nos advierte que hay mujeres que por su configuración tienen las extremidades gruesas, un buen talle y pecho: «A estas mujeres les he hecho vestidos con palabra de honor y manga o transparencia. Ya no te fijas en los brazos, sino en la silueta».

Poca estatura. Como dice Marucha, «si estas mujeres son flacas, no pasa nada, porque se trata de un cuerpo que acompaña con su estatura». Hay que tener en cuenta que los cortes y rayas horizontales acortan ópticamente la silueta y que los tacones siempre darán más altura. Para practicar en las alturas, las cuñas dan más estabilidad, también favorecen los zapatos de tacón grueso o cuadrado, incluso con un poco de plataforma. Y si son bicolores, con el tono más claro cerca del pie alargan las piernas. Para estas mujeres las prendas de punto tendrán que estar un poco estructuradas y se deben «evitar los abrigos y chaquetas por la rodilla para no parecer el amo del calabozo», dice Marucha. Si se tienen buenas piernas, las faldas y pantalones cortos masculinos y bermudas cortas proporcionan el cuerpo. Hay que evitar los bolsos muy grandes o accesorios oversize, hacen más pequeña, y optar por pantalones estrechos o rectos que definan la silueta.

Mucho perímetro. Son las gorditas y también las embarazadas. Si son bajas, hay que tener cuidado con los largos de las prendas: «Como poco, el largo irá a la rodilla y todas las líneas de las costuras verticales para que estilicen. A estas mujeres les favorece el pantalón recto, incluso con deportivas o zapato plano, y hay que evitar los pantalones de campana». En tiendas especializadas se pueden encontrar pantalones estrechos con cinturilla como para mujeres embarazadas, y leggings que se pueden mezclar con vestidos a la rodilla. Cuñas o tacones con un poco de plataforma son una opción actual y favorecedora (los tacones alargan la figura y recolocan los volúmenes), también se pueden combinar con medias oscuras o sandalias más formales.

Es importante usar colores sobrios, rayas verticales en trajes de chaqueta y raya diplomática, alargan y hacen más esbelta. Para los vestidos recomienda evitar los talles de princesa. Y nos regala un consejo sabio: «Si juegas con texturas en un diseño, lo que el ojo ve es cómo tratas las texturas, de fuera o de dentro, para engañar al ojo. Por ejemplo, si le metes el tono oscuro por dentro y el claro por fuera, lo que siempre vas a ver venir es el oscuro». Para estas mujeres nada de blusones vaporosos ceñidos a la cintura, sino rectos, y sustituir los abrigos de sastrería por envolventes. Favorecen las faldas con el talle un poco alto que contengan la tripilla con el cinturón sobre una blusa o camisa de cuello en V. El largo de las chaquetas será por debajo de las caderas o del culete. Las chaquetas masculinas largas con leggings o pantalones estrechos y tacones es otra buena opción. Los pantalones o faldas no tendrán pinzas en las caderas porque crean un volumen indeseable en esa zona. Los cinturones con un poco de elástico comprimen y también telas como el spandex en leggings o camisetas de tirantes e interiores. Hacer una visita a la corsetería para encargar un buen body de ropa interior que comprima un poco es recomendable. Así como tener buenos, bonitos y variados accesorios o complementos con los que jugar. Conviene no ir desgarbada y cargada de hombros, esa languidez solo favorece a las delgadas. El truco del globo es muy aplicable a estas mujeres redonditas, lo importante es estirar la figura y estilizar.

Dentro de este apartado le hemos pedido consejo a Mila Navarro, porque estas mujeres suelen tirar la toalla de la moda al costarles encontrar ropa de su talla. Mila nos aconseja dónde acudir: «Poco a poco se está introduciendo más mercado para tallas grandes con ropa divertida y desenfadada, porque también las utilizan la gente joven». Mila recomienda estas tiendas (casi todas madrileñas) razonables de precio:

—SUPERLÍNEA (General Díaz Porlier, 16). Dispone de una línea vanguardista y desenfadada con diseños actuales, sus tallajes van desde la 48 a la 66.

—MOMU WOMAN (Bravo Murillo, 145). Tienen ropa muy bonita y precios bastante asequibles; su línea es moderna y actual. —H&M. Tienen tallas grandes desde la 46 a la 52 o 56, sus conjuntos son sencillos pero actuales, la ropa es cómoda y resalta el lado femenino de las gorditas.

—KANAK (Marqués de Urquijo, 26). Tiene un local de diseño con ropa actual, puntera y juvenil. Lo más importante es que en invierno tienen botas con caña ancha, hay minifaldas y camisetas con estampados actuales.

—DOROTHY PERKINS. Es una de las favoritas de Mila, sus tallas van desde la 38 a la 48. Tienen ropa juvenil, de sport, clásica, para fiesta o eventos importantes con un toque elegante. Complementos de todo tipo y colores, desde bolsos maravillosos a pañuelos con dibujos atrevidos.

—Además, la tienda online de LA REDOUTE tiene tallas grandes y actuales.

Respecto a tiendas de un precio más elevado, Mila nos recomienda:

—ELENA MIRÓ. Esta firma está en El Corte Inglés y ha abierto tienda en Madrid (Ayala, 24). Su ropa es de muy buena calidad y clásica. Mila dice que vale la pena tener algún conjunto o chaqueta de esta firma. Además tienen complementos.

—MARINA RINALDI (del grupo Max Mara). Tienen tallas desde la 44 a la 58. Puedes encontrar vaqueros, ropa de sport y trajes de fiesta para todas las edades. Dispone también de complementos y zapatos aunque con una línea clásica.

Respecto a los bañadores, nos comenta: «Donde más modelos y variedad de colores hay es en El Corte Inglés, y las tiendas citadas incluyen en verano alguna sección de bañadores y complementos».

Cintura recta o poca cadera. A las féminas rectas de cintura y silueta cilíndrica, entre las que Marucha dice encontrarse, «no nos quedan bien los pantalones de talle bajo. Ha sido una locura y ahora nos cuesta quitárnoslos. Pero a las mujeres como yo nos quedan muy mal, no aprecian la silueta, te dejan muy recta. Y si encima llevas las prendas de arriba por la cintura, te hacen más tronco. Sin embargo, si nos ponemos pantalones o faldas de talle alto, hacen mejor cuerpo, te dan líneas contundentes, que es lo que no tienes. Y el culo hasta respingón si tienes poco». Por tanto, a estas mujeres les favorecerán las faldas tubo o rectas bien pegadas. «Y como tendemos a tener más tripa, si engordamos, el talle más alto nos la contiene», dice. «Los pantalones de cintura baja solo les quedan bien a las flacas con poca cadera y vientre plano.» En cambio, a las siluetas cilíndricas les favorecen los pantalones setenteros con cintura alta y los cinturones anchos sobre chaquetas, blusas, vestidos o faldas tanto ajustadas como vaporosas.

Caderas anchas. Si tienes la cintura estrecha además de las caderas pronunciadas, los vestidos con cintura de princesa o las faldas años cincuenta te favorecen, porque marcan la cintura, acompañan las caderas y disimulan la tripa si hay. Además aconseja que las mujeres que tienen mucha cadera se pongan el largo de las faldas hasta la rodilla, las minifaldas hacen más ancha a no ser que tengas piernas muy largas y delgadas. Los cinturones sobre las caderas con vestidos o faldas vaporosas disimulan y los cortes imperio en vestidos y tops ligeramente evasé⁸ también si son de estatura normal o altas. Para estas mujeres es aplicable también lo que vamos a ver ahora.

Tripa y cartucheras. Les favorecen los tops o vestidos con una caída ligeramente evasé para disimular la tripa. «A las mujeres rectas como yo también les favorecen y puedes enseñar las piernas», me dice Marucha. A la hora de escoger pantalones y faldas recomienda que no sean bajos de cadera: «Se sale la tripa por fuera a no ser que la disimules con un blusón, un top evasé o vaporoso que llegue hasta el final de la zona problemática», añade. Si llevas este tipo de parte de arriba, te da igual que el pantalón sea estrecho tipo pitillo, ancho, falda tubo o recta por la rodilla. Pero si no llevas ese tipo de prenda arriba, Marucha nos aconseja que el pantalón o la falda sea más alto, por la línea del ombligo: «Siempre va a apretar la tripa y a hacer curvas». Además recomienda, si se tiene bastante cartuchera, prescindir de pitillos y pantalones con pata de elefante. «Si lo que quieres es llevar una parte de arriba más ajustada, porque tienes hombros rectos, sin “rollitos” en la cintura y espalda, lo mejor es un pantalón masculino recto con el corte en la línea del ombligo, te “lima” mucho las cartucheras y compensa las caderas. Si tienen pinzas, que sean igualmente rectos y más amplios para que no resalten las caderas. El tejido de este tipo de prendas siempre debe contener. Un chándal nunca». Las minifaldas evasé les favorecen, el largo dependerá de las piernas (véase el apartado dedicado a las piernas).

Otro tipo de parte de abajo que sienta bien si se tienen muslos anchos son las de trapecio, con vuelo o vaporosas y los pantalones baggy o de aire sporty masculinos. Y si se tiene cintura fina, las faldas años cincuenta también. Si no tienes muchas cartucheras, nuestra patronista recomienda una falda recta despegada de las rodillas con un largo que favorezca (véase el apartado dedicado a las piernas). Los vestidos un poco holgados tipo saco, con cinturón por encima del ombligo o sobre él, también equilibran la silueta. Las mejores opciones de chaquetas y camisas son a la cintura o entalladas si se combinan con falda suelta. Si llevas pantalones es mejor un blazer (más largo que la americana), una levita (más estrecha y larga que el blazer) o chaquetas tres cuartos que acaben «bajo la cartuchera», no «en la cartuchera», porque resalta más la zona conflictiva. Debajo de estas opciones se pueden llevar pantalones rectos, faldas tubo hasta la rodilla o evasés, siempre que no te quites el blazer o la levita. Si te lo vas a quitar, es mejor llevar debajo una camisa o vestido de la misma longitud. Además, si tienes buenos hombros, un cárdigan o rebeca oscuros con una camisa blanca o camiseta a la misma altura que las chaquetas recomendadas disimula las zonas problemáticas y los brazos gruesos.

Culo. Para culos respingones o pronunciados nuestra patronista aconseja pantalones de talle justo encima de él: «Si le subes más el talle, resalta más el culo, lo hace más respingón; si lo quieres potenciar, está bien». Nos explica que en estas mujeres hay más drop —diferencia entre cintura y cadera— que en una talla estándar. Si compras los pantalones una talla más para que recojan el culete y arreglas su cintura, ten en cuenta que si el talle es muy alto hay que arreglarlo más. Aconseja los pantalones sin bolsillos o con bolsillos de plastrón, cosidos encima, como los de los jeans. Jamás aquellos que tienen bolsa o fuelle que se pueden permitir las féminas con culo escaso o plano. «Los tejidos deben ser firmes en pantalones y faldas, de lonetas para arriba, para que no den lugar a temblores indeseados. Por supuesto, chándal no». Es mejor sustituirlo por pantalones rectos con cordón en la cinturilla. «Quedan bien a todo el mundo, son desenfadados y si son anchos, disimulan el culo.» Además, las mujeres con esta problemática suelen poder utilizar tops y camisetas cortas: «En general, las mujeres que tienen el culo respingón no tienen tripa o una tripilla bonita», dice. Para las que tienen celulitis están prohibidos los tangas y pantalones finos que marquen. Mejor minifaldas evasé a la altura que te favorezca según tus piernas (véase el apartado dedicado a las piernas). Y para culos raquíticos o inexistentes lo mejor son faldas, shorts y pantalones cargo que den volumen a la zona, evitar prendas superajustadas que resaltan la inexistencia de culo.

Piernas cortas. Las faldas o vestidos serán por la rodilla como mucho y se pueden permitir más cortos. El pantalón a la cintura o un poco más alto favorece porque hace las piernas más largas. «Se ve la figura más proporcionada que si el talle es bajo. Te queda el tronco más corto, pero mejor, en general las paticortas son tallilargas», explica Marucha. Además recomienda pantalones rectos y, si se escogen pitillos o de campana, llevarlos con tacón para alargar las piernas. «Si vas plana, lleva un pantalón que cubra la línea del pie con el talle más alto», añade. Respecto de los bañadores, deben ser altos en el muslo, hacen la pierna más larga y el talle más corto. Hay que evitar botas de corsario o exageradamente altas porque desproporcionan, en cambio los zapatos bicolores con el color más claro cerca del pie y un poco de plataforma alargan las piernas. El pantalón capri queda bien si es alto de cintura o con tacón. Y en vez de bermuda usa shorts y minifaldas.

Piernas largas. A estas mujeres les queda bien todo; se pueden permitir faldas por la rodilla y más largas. Si tienen los muslos gruesos, es aplicable lo mencionado para cartucheras. El bañador tipo short les favorece. Y los pantalones de pata ancha se pueden llevar con tacón, zapatillas o zapato plano. Pueden llevar pantalones capri y vestidos largos. Es conveniente evitar las plataformas o cuñas para no parecer un travesti y optar por stilettos o sandalias de pie descubiertas, más femeninas y estilizadas.

Piernas de personas mayores. Medias tupidas con falda si las piernas están bien formadas y hay que tapar varices. Para piernas muy flacas, huesudas o cilíndricas, «existen faldas más largas, las hay muy elegantes, pueden ser un poco de tubo con abertura atrás o con vuelo. Y si las piernas están muy estropeadas o excesivamente gruesas, es mejor optar por pantalones», recomienda nuestra patronista.

HOMBRES, LA INFORMACIÓN ES PODER

Afortunadamente existen ya pocos hombres a los que les compra la ropa su madre o su mujer. Tan importante como estar al día de la información profesional, económica o deportiva son los consejos sobre la propia fisonomía si uno quiere tener buena presencia, aprovechar sus virtudes y camuflar los defectos.

Pícnicos. Son los gorditos con barriga. Nuestra patronista recomienda chaqueta por debajo del culete; si la llevan más corta les hace la comba de la tripa. También el traje con raya diplomática o rayas verticales nada entallado. Para casos extremos, hay pinzas especiales para barriguitas. Según Marucha: «Las chaquetas es mejor que sean de escote pronunciado con el primer botón bajo el pecho o dos o tres dedos por debajo, para alargar la figura, incluso una chaqueta cruzada». Y los chalecos con costuras verticales mejor con raya diplomática. Si son bajitos, les sentarán mejor las levitas que los abrigos. Y si son altos se pueden permitir llevar un abrigo más largo. Respecto de los pantalones, nunca pitillo, tienen la caja grande, mejor rectos y estrechos en el bajo. «Si los llevan rectos, les van a quedar acampanados; al tener tanto perímetro de pierna tienen que ir siempre un poco saco para estilizarlos. La línea del planchado delante ópticamente estiliza mucho, queda más distinguido, no estás viendo un gran volumen sino una raya perfecta». Los jeans de estos hombres tendrán también el bajo del pantalón más estrecho que la parte del muslo. «Las guayaberas, las camisas de manga corta rectas o las saharianas les tienen que tapar la cacha del culo, son idóneas para momentos menos formales o para los más modernitos», aconseja Marucha. Se pueden llevar con camiseta debajo, «porque no se pueden poner algo más pegado, cárdigan, prendas de punto, jerséis de cuello vuelto, se les pegan al cuerpo y les dan calor». También les favorecen los polos rectos por debajo del culo si no tienen demasiada tripa. Estos hombres deben llevar los pantalones por las rodillas, tipo bermuda, pero nunca cortos. «Les vienen bien los abrigos, las levitas, todas las prendas de vestir pesadas», nos comenta nuestra patronista. Y las camisas, como tienen poco cuello o es grueso, con la tirilla estrecha.⁹ Recomienda los chándales con parte de arriba tipo bomber o cazadoras con elástico pues recogen la barriguita. Solo son recomendables si no tienen mucho culo, pues lo dejan al descubierto.

Los hombres muy musculados de gimnasio entran también en este perfil, pero con ligeros matices. Pueden optar por partes de arriba ajustadas al carecer de tripa y tener músculos que no importa definir. Sin embargo, alcanzan casi el mismo perímetro de camisas; si los gorditos tienen volumen en la tripa, los musculados lo tienen en el tórax, los dorsales y los pectorales. Lo mismo pasa con el perímetro de cuello, ambos lo tienen ancho. «Estos hombres en general deben hacerse las camisas y cuellos a medida, como Fernando Alonso. Seguro que a él se las hacen. ¿Te has fijado en su cuello? Lo tiene tan desarrollado por la Fórmula 1, de estar en tensión», comenta Marucha.

Para aquellos hombres con barriga pero con las piernas finas hay que aplicar lo mencionado sobre la parte de arriba para los caballeros pícnicos, y respecto a la parte de abajo lo que vamos a comentar de los hombres asténicos. Como en el caso de las mujeres, a estos gorditos les cuesta encontrar ropa. Mila Navarro nos recomienda:

—PLUSMAN (Alcalde Luis Marichalar, 9; y calle de la Moda, local 33, Centro comercial Parque Corredor, ambos en Madrid). Encontrarás de todo, ropa de sport (chalecos, polos, chándales, cazadoras), ropa más casual y de vestir (vaqueros, abrigos, punto, trajes, americanas, camisas). Su estilo es muy actual, tienen variedad y buenos precios.

—C&A. Hay tallas grandes sport, juvenil y de vestir.

—H&M. Tienen tallas XXL que suelen ser muy grandes, sobre todo la línea sport y joven.

Atléticos. Son hombres proporcionados, con piernas y brazos bien formados pero no excesivos y sin tripa. Pueden llevar lo que quieran, cuellos de todo tipo e incluso italianos (más altos), chalecos, jerséis de cuello vuelto, camisetas y polos, chaquetas con la solapa más corta a cualquier altura. «Si son de complexión muy grande no se pueden poner un pitillo porque les queda como una malla», recomienda nuestra patronista.

Bajos y delgados. Sus chaquetas serán cortas para que se vea una proporción de cincuenta por ciento torso y cincuenta por ciento piernas. «Un buen ejercicio es imaginarte a la persona con chaqueta blanca y pantalón negro o al revés para ver si existe una desproporción que corregir.» Pueden llevar pantalón pitillo y chaquetas años sesenta cortitas y estrechas: «Los hombres entonces eran más pequeños, como Mick Jagger», dice Marucha. A estos hombres les favorecen las prendas pegadas al cuerpo, solapas pequeñas y corbatas estrechas. Se pueden permitir todo tipo de cuellos, incluso italianos, chalecos, jerséis de cuello vuelto, cárdigan y polos. Los abrigos no deben ser muy largos porque parecen monaguillos, son mejores las levitas, chaquetas y prendas de abrigo tres cuartos por encima de la rodilla. Las bermudas deberán ser más ceñidas para que no se vean las piernas demasiado finas.

Asténico. Alto y muy delgado. Les favorecen las chaquetas largas. «Los pitillos les hacen las piernas de alambre, pero si son roquerillos, les gustarán. Aunque para un hombre normal es mejor el pantalón recto, tipo chino o casual», comenta Marucha. Las chaquetas deberán llegar a la mitad del trasero: «Las cortas se les levantan de atrás, suelen ser hombres un poco encorvados. Les quedan genial las levitas porque tienen las piernas muy largas». Pueden llevar pantalones cortos y bermudas más ajustadas para que no se vean demasiado finas, con una longitud por la rodilla y también más largos. Además recomienda los jerséis de cuello vuelto, polos, cárdigan, chaquetas con la solapa más corta a cualquier altura y cualquier tipo de corbata.

PERO... ¿Y CUÁL ES MI TALLA?

Si has vivido la experiencia trascendental de probarte una prenda de tu talla en Zara, Mango, Bershka, Stradivarius o Promod, por poner unos ejemplos prácticos, y que te quede bien, y días más tarde hacerlo con una similar en El Corte Inglés o Cortefiel y ver con disgusto que allí tienes una talla más, y más tarde en H&M alucinar porque allí utilizas una talla menos, no es que estás enloqueciendo, ni subiendo y bajando de peso cual acordeón, simplemente experimentas la realidad de las tallas: cada fabricante marca su tallaje y no existe una norma que las unifique ni en España ni en Europa. Las empresas españolas tenían hasta 2013 para unificar las tallas, aunque de momento no se sabe nada de esa convenida unificación, que en el caso de las marcas europeas tendrá que esperar. Esta iniciativa de unificación comenzó en 1999 con una recomendación del Senado. No fue hasta febrero de 2006 cuando saltó a los medios por la denuncia a la Pasarela Cibeles de permitir desfilar chicas supuestamente muy delgadas. En septiembre, el certamen rechazó al 30 por ciento de las modelos y estableció como talla hipotética mínima la 38, siguiendo el índice de masa corporal (IMC) que no podía superar el 18 al aplicar una fórmula matemática que se obtiene dividiendo el peso por la altura al cuadrado, un hecho inédito en la moda mundial que algunos piensan necesario y otros surrealista. Lo cierto es que sin aplicar medidas similares, las pasarelas de Milán, Londres y Nueva York aconsejaron que las modelos tuvieran un aspecto saludable. En 2007 el CFDA (Council of Fashion Designers of America) comenzó una campaña, la Health Inicitive¹⁰ cuya labor es promover hábitos sanos de alimentación entre los profesionales de la moda y las modelos, además de una serie de actividades para educar y prevenir los trastornos alimentarios. Revistas como Cosmopolitan España han emprendido proyectos como Body Love¹¹ que luchan en varios frentes (información periodística y talleres entre adolescentes) contra los trastornos alimentarios en la población a la que van dirigidos. En general los medios de comunicación y moda van tomando conciencia y creándola a su vez entre el público y en la sociedad, que está más sensibilizada.

Carmen March lo vivió entonces en sus propias carnes o, mejor dicho, en las de sus modelos: «Cuando hubo toda esa polémica con las modelos, sacaron muchas imágenes de mi desfile, eran exactamente las mismas niñas que dos horas antes habían desfilado. En otros desfiles hago ropa para favorecer, potenciar lo que hay dentro, si tú estás flaca, se potencia. Y todo el mundo estaba “¡ay, las flacas del desfile de Carmen!”. Me apetecía estilizar el cuerpo y si le pones eso a una huesuda, te dan ganas de invitarla a un bocata. Me gustan las curvas, la mujer como es. Atiendo a muchas mujeres, no todas tienen treinta años y una talla 36, la gente tiene sesenta, setenta y ochenta años, la talla más vendida en este país es la 42».

Se comenzó entonces un estudio antropométrico para unificar tallas. Algunos sectores aludían a que esa confusión era uno de los factores culpables, junto a las modelos extremadamente delgadas, de los desórdenes alimenticios de los adolescentes. El Ministerio de Consumo aconsejó que los maniquíes de plástico tuvieran la talla 38 y que la 46 dejase de ser considerada una talla especial por una cuestión de salud pública. Para algunos profesionales de la moda, la relación de causalidad de estos hechos con los trastornos alimenticios no está probada, más allá del efecto perturbador del «subidón» de adrenalina que puede vivir cualquiera al comprobar que tiene tres tallas en una.

El estudio costó 1,5 millones de euros y se realizó en el Instituto de Biomecánica de la Universidad Politécnica de Valencia en seis cabinas con capacidad de calcular automáticamente 130 parámetros en medio minuto al obtener la forma tridimensional del cuerpo. El 95 por ciento del mercado español textil se comprometió a seguirlo.¹²

Y se amplía a hombres. Solo servirá para España. H&M ha declarado seguir medidas suecas. Al ser multinacionales no tienen tallajes diferentes en cada país donde operan. Las firmas europeas utilizarán los tallajes que quieran y no digamos a nivel mundial. Esperemos que los consumidores españoles que usen firmas españolas no sufrirán más estrés postalla y ojalá sirva para paliar trastornos alimentarios. Pero si pensamos que son los únicos perjudicados, nos equivocamos, el caos que puede tener un patronista diariamente ¡es supino! y a nivel europeo continuará igual. Nos lo explica Marucha con humor, como si de un culebrón venezolano se tratase: «Estoy trabajando con una tabla estándar alemana para un cliente, para dar clases utilizo tablas francesas y para hacer trabajos con otros clientes, una tabla italiana. Si la italiana dice que es la talla 42, para mi estándar español sería la 38; las alemanas son más exageradas de medidas, las francesas parecidas a la italiana y las americanas más grandes. Y luego mis propias tablas las voy cambiando en el método italiano, cada 10 cm de altura más tengo que darle 1,5 m más de talle proporcionando, porque esta medida italiana está hecha para mujeres de 1,60 m y hombres de 1,70 m o 1,75 m y trabajo para mujeres de 1,65 mínimo y para hombres de 1,75 m a 1,80 m. Tengo que alargar los talles aunque la española tiene menos pecho que la italiana. ¡Tenemos tanto jaleo!».

¿Cuál sería la solución a semejante caos? Por una parte, crear un estándar europeo, algo difícil de lograr, como dice Marucha: «La democratización de la moda supone estandarizar los cuerpos». Esa estandarización permite el funcionamiento de la industria; las empresas multinacionales utilizan un tallaje a nivel mundial que les reporta una lógica optimización de recursos. Una firma o un diseñador cuyos modelos desfilen en pasarelas suelen «hacer el patrón con las medidas de las modelos. Te mandan una tabla estándar de modelo. Después desfilan con esa ropa, las tiendas hacen los pedidos y tenemos que hacer un nuevo patrón para personas de la calle, más normales. Se vuelve a probar a una persona que se considera estándar para la calle y una vez probado y corregido, el patrón se escala».¹³ Un proceso que algunos no llevan a cabo: «Otros diseñadores que tienen menos dinero y/o tiempo usan la talla 38 de la calle y se trabaja con ella para modelos y público. Si trabajan con modelos, son más cercanas a la caracterización de la calle. Una vez corregido el patrón, se hacen los pedidos y se escala». Así que la próxima vez que sufras por tener tres tallas diferentes según dónde compras, ¡acuérdate de los patronistas y reza unas plegarias por ellos!

CÓMO NO ATENTAR CONTRA TU SILUETA

El estilo está muy relacionado con saber lo que le favorece a tu morfología más que seguir las tendencias al pie de la letra.

MUJERES

• Cuello corto: escote en pico (en V) porque alarga, al igual que los collares largos.

• Cuello largo: de todo, halter, palabra de honor, joyas o bisutería y sombreros de todo tipo.

• Cuellos estropeados: cuello vuelto, fulares y pañuelos finos para taparlo y si se tiene escote bonito, lucirlo.

• Hombros caídos: camisas sin mangas y prendas que tapen el hombro, nada de cuello halter, palabra de honor, mangas raglán, rebecas de punto sin hombrerita. Los vestidos, chaquetas y abrigos tienen que llevar su hombrerita mínima, y choricillo en caso de prendas de abrigo

• Hombros rectos: les queda bien todo y si son muy grandes o gruesos, la manga raglán los favorece y la combinación de cárdigan con camisa o camiseta, sobre todo si la chaqueta es oscura y la camiseta clara.

• Escotes poco agraciados: cuellos redondos o cuellos mao.

• Escotes bonitos: de todo.

• Sin pecho: sujetador con un poco de relleno si se desea, las rayas horizontales, los adornos en el escote, todas las chaquetas, solapas anchas, transparencias, bolsillos sobre el pecho, chalecos y palabras de honor.

• Mucho pecho: esmoquin, camisas y chaquetas estructuradas con costuras verticales por la mitad del pecho, de arriba abajo, y con el primer botón debajo del pecho, blusones rectos, abrigos envolventes o entallados, solapas pequeñas, chalecos femeninos, raya diplomática, estampados discretos, vestidos holgados con cinturón.

• Brazos (largos): manga corta, sin manga o manga francesa, si las mangas quedan cortas es mejor; (cortos), mangas largas y líneas que recorran el brazo; (gruesos), tapar la zona problemática con mangas, transparencias, chales y echarpes.

• Poca estatura: tacones, evitar abrigos largos, como mucho por la rodilla, chaquetas tipo americana y faldas por encima de la rodilla, minifalda, shorts, bermudas, tacones, cuñas, plataformas y zapatos de talón bicolor con el tono más claro cerca del pie.

• Mucho perímetro (gorditas): si son bajas, cuidado con los largos y escoger cortes verticales en las prendas y longitud por la rodilla. Les favorece el pantalón recto, nunca de campana, colores sobrios, rayas verticales, diplomática, nunca horizontales ni estampados llamativos, jugar con las texturas y los colores para estilizar, blusones rectos y abrigos envolventes, vestidos holgados o saco con cinturón y tacones, reparten las proporciones.

• Cintura recta y poca cadera: el talle del pantalón y la falda alto y las faldas estrechas también y cinturones que marquen el talle, tops y vestidos evasé.

• Caderas anchas: falda por la rodilla, años cincuenta y tops evasé hasta debajo de la cintura y cinturones a la cadera.

• Tripa y cartuchera: tops y vestidos con corte imperio y evasé; si se lleva una parte de arriba evasé hasta tapar la zona conflictiva, se puede llevar cualquier parte de abajo; si la parte de arriba es hasta la cadera, los pantalones serán rectos o baggy y masculinos. Las minifaldas evasé, trapecio, vaporosas y de vuelo disimulan los muslos gruesos y las faldas años cincuenta si se tiene la cintura estrecha, faldas rectas despegadas de las rodillas, americanas y faldas de vuelo, y con pantalones, mejor blazer, levitas o chaquetas tres cuartos, debajo camisas o vestidos del mismo largo; si se tienen buenos hombros, favorecen las combinaciones de cárdigan con camisa con el mismo largo. Los tacones estilizan.

• Culo (mucho): talle por encima del culete con bolsillos de plastrón (nunca de fuelle o bolsa), sustituir el chándal por pantalón recto o baggy, nada de tangas; pero sí las faldas evasé y tejidos que contengan la zona y eviten temblores. Si hay poco culete, pantalones y faldas cargo o con volumen en la zona, nunca ajustados, que marquen su inexistencia.

• Piernas (cortas): faldas por la rodilla como máximo, talle a la altura del ombligo, tacón, pantalón recto que cubra el pie, bañador alto de ingles, zapatos bicolor, short y minifaldas; (largas), faldas por la rodilla o más largas, le queda bien todo y también el bañador tipo short; (mayores), media tupida, faldas largas un poco de tubo con abertura detrás o evasé; si las piernas están muy deterioradas o gruesas, optar por pantalones.

HOMBRES

• Pícnicos (gorditos): chaqueta por debajo del trasero, traje de raya diplomática nada entallado, el primer botón bajo el pecho, pantalón ligeramente más estrecho en el bajo, nada de pitillos, y para los bajitos mejor levita que abrigo. Guayaberas, camisas de manga corta rectas, saharianas con o sin camisa debajo, polos rectos, nada ajustado ni de punto, bermudas por la rodilla, les convienen las prendas pesadas, chándal o chaqueta tipo bomber y cuello de tira estrecha.

• Musculados de gimnasio: las prendas de arriba pueden ser más ajustadas al cuerpo y las prendas de abajo como el pícnico.

• Bajos y delgados: chaquetas cortas, solapas pequeñas, prendas más ajustadas al cuerpo (chalecos, polos, camisetas, camisas, jerséis, cárdigan, etcétera), cuellos altos o italianos, corbatas estrechas, prendas de punto, mejor levitas que abrigos largos y bermudas más ajustadas a la pierna.

• Asténicos (altos y muy delgados): chaquetas largas, levitas, bermudas más ajustadas a la pierna, prendas de punto y pitillos si no se tienen las piernas muy finas y van con tu estética, si no, los pantalones rectos o chinos. Las partes de arriba pueden ser más ajustadas, que definan la silueta, pero un poco largas para no desproporcionarla.

• Barriga y piernas finas: parte de arriba como el pícnico y parte de abajo como el asténico.

• Atléticos: se pueden poner de todo salvo pitillos; si son muy altos y fornidos, les quedan como mallas.

XVII

LA IMPORTANCIA DE SER UNO MISMO

«El estilo soy yo.»

Coco Chanel

Esta afirmación de Coco Chanel refleja toda una actitud vital. De eso trata este capítulo, de lo inmaterial del estilo: de la personalidad, sensibilidad y actitud, eso que no se ve a simple vista pero que influye en la percepción del atractivo de alguien. La forma como uno habla, lo que dice, cómo se mueve, cómo se comporta y lo que transmite son ingredientes del estilo más importantes que la ropa. No es una fórmula mágica que seguir al pie de la letra, es algo que se esconde dentro de uno y que se va descubriendo y depurando a lo largo del tiempo. Y si el estilo está más allá de la moda, también lo está de la belleza física y el ejemplo lo tenemos aquí al lado, en el gran escaparate que es la moda y en sus mejores perchas, las modelos. No siempre triunfan las modelos más guapas sino las más especiales, carismáticas, que mejor interpretan las prendas, más camaleónicas, que más aportan a las fotografías y con personalidad a prueba de bombas. Como dice Juan Gatti (Buenos Aires, 1950), fotógrafo maravilloso y de los más respetados en nuestro país, con el que iremos hablando, «el estilo es un gesto, una risa, una forma de desplazarse, sentarse u oler. Son elementos que, al juntarse de una forma determinada, crean un estilo». En ningún momento menciona la belleza y es que, en los tiempos que corren, esta es relativa.

Un caso paradigmático es el de Kate Moss, pequeñita y desgarbada, la Twiggy del 2000 que rompió con el canon de las supermodelos. Me viene a la cabeza lo que David Delfín me dijo de ella: «Es un icono fascinante, ha roto esa cosa estipulada de que las modelos tienen un límite de altura. Ha demostrado que es una cuestión de deseo más que otra cosa. Y su trayectoria es única, ha roto moldes». Ha conseguido, pese a su vida tumultuosa, ser un icono del estilo de los años dos mil, su secreto es una cuestión de personalidad y actitud más que de cumplir estereotipos de belleza, como le pasa a muchos iconos actuales: Alexa Chung, Cara Delevingne, Joséphine de la Baume, Sasha Pivovarova, Charlotte Free, Karlie Kloss, Freja Beha, el fenómeno de las it girls y de las blogueras tiene que ver mucho con eso, con la búsqueda de modelos diferentes de estilo y belleza, una búsqueda sobre todo de personalidad que transmite un estilo de vida. El diseñador Rocabert habla con admiración de Kate Moss, pero veremos que siempre es una combinación de factores: «Reúne dos mundos en un personaje que funciona, la alta sociedad que mezcla con el más callejero y macarra. El estilo es un arma de atracción; ella combina esas actitudes y consigue ser una Isabel Preysler de la calle», dice riendo. El estilo es democrático al no depender necesariamente del presupuesto ni de la moda ni de la belleza física, sino del carisma y de la personalidad. Es algo a lo que todos podemos aspirar y que todos podemos alcanzar.

Quedo con Fernando Merino, alma máter, junto con su socio, de la agencia Uno —representa a nuestras tops patrias Martina Klein, Vanessa Lorenzo y Verónica Blume, entre otras—, con él me dispongo a hablar de todo esto mientras almorzamos. Me dice algo tranquilizador: «No hay gente fea, hay gente más atractiva o menos. Según el punto de vista, puedes encontrar atractivo a todo el mundo». Lo cual no quiere decir que cualquiera pueda ser modelo, para ello se requieren unas aptitudes físicas y la primera de ellas es ser delgado/a, además de fotogénico/a y tener un mínimo de altura. Pero todo el mundo puede ser atractivo, tener ese «algo» llamado estilo. Implica conocerte, explotar tus cualidades y no obsesionarte con cumplir un canon, sino ser feliz contigo mismo. Como dice David Delfín: «Tampoco hay que obsesionarse con ser elegante o sexy. Una vez me dijeron que no era sexy y en realidad me molestó [dice riendo]. Pero pensé, vale, no lo soy, tengo otra actitud y otros valores que a lo mejor no son ese». Y ahí está la clave, dar con lo que a uno le diferencia y le hace especial, apoyarse en ello y brillar con luz propia.

BELLEZA CLÁSICA VS. BELLEZA ESPECIAL

Hoy las modelos de belleza clásica conviven con otras menos obvias, como explica Fernando Merino, que llegó a la moda por la modelo Cristina Piaget, vecina y amiga, que le animó. Después de más de dos años y una portada del dominical de El País (el súmmum para un hombre entonces) descubrió que le gustaban más las bambalinas de la moda. Tras pasar por varias agencias llegó a Group, donde pasó más de quince años, y luego creo Uno. Tiene un ojo especial y una visión privilegiada de más de dos décadas en el sector. Le pregunto cómo ha vivido la evolución de los estándares de belleza desde que comenzó a trabajar: «En los ochenta triunfaba la belleza clásica; los guapos de toda la vida gustaban a hombres y mujeres. Es lo que llamo una belleza de verdad, no se puede negar, es obvia». Hoy los guapos comparten su reinado en la moda: «Se busca algo más real, los modelos que se encuentran ahora son más accesibles, naturales, bellos pero creíbles. No hablo de Gisele, que es bella clásica, sino de Sasha Pivovarova,¹ que da la sensación de niñata, como Gemma Ward.² Son especiales y atractivas que te dan un punto u otro, lienzos en blanco. Más atractivas y menos guapas oficiales, más camaleónicas. Gisele Bündchen siempre será ella, no porque se haya hecho un nombre, sino porque su físico es siempre igual», dice.

Juan Gatti comenta que, pese a su belleza poco clásica, estas modelos son diferentes posando: «Encuentro a las modelos más profesionales y elegantes en la forma de posar, como si tuviesen una formación más clásica, especialmente la camada de jóvenes rusas. Gracias a Dios, pasaron las épocas oscuras del grunge, el heroin chic y las tiradas», dice con alivio.

Y con los modelos masculinos pasa lo mismo: «El look Terminator desapareció hace tiempo», me dice Marta Ortega, head booker de Traffic en Madrid, y exmodelo. Me habla de los chicos de Traffic, agencia española de prestigio. «Antes se llevaban los chicos más musculados, atléticos y de belleza clásica. Ahora hay más de todo, gente con un look más andrógino, moderno o aniñado. Se exige menos a nivel cuerpo, se buscan con personalidad, rollo y expresividad, aunque sean menos guapos», dice Marta. Fernando Merino lo corrobora: «Está el tipo más “adolescente” con un look más de niño clásico, el british, el niño pijo bien, no el bellezón cañón de Dolce & Gabbana. Un tío creíble delgadito que cuando lo vas conociendo, dices qué guapo. Nos pasa cuando hacemos casting o scouting por cualquier sitio, te mandan fotos y te preguntas si servirán. Hay algunos que son delgaduchos y van vestidos ideales. Los pones delante de la cámara y ves que tienen rasgos muy positivos, fotogénicos, y aparte tienen rollo. Y a lo mejor en persona dices, es mono pero no me mata». Hay diferentes tipos de modelos: «Cada uno tiene su mercado, hay gente más comercial y otra más de moda. Lo ideal es el chico que reúne todo, camaleónico y versátil», dice Marta Ortega, esos son los que tienen madera de tops, como Will Chalker (protagonista del perfume Black de Paco Rabanne) o David Gandy, modelo de la campaña del perfume Blue Light de Dolce & Gabbana. Pero modelos de aspecto más adolescente, como Jérôme Chevalier o Keith Martin (descubiertos por Slimane), han marcado también un tipo de arquetipo de belleza masculina contemporánea.

En el momento en que la entrevisté, Francina dirigía la agencia que lleva su nombre en Barcelona, que ahora está en manos de Mireia Verdú, modelo de tallas grandes, que le ha dado un nuevo giro. Francina representaba en España a modelos como Fernanda Tavares, Tiiu Kuik o Gisele y dio con la clave para que funcione una belleza clásica: «Si se peina y viste trendy, podrá funcionar, pero si va con un blazer, pañuelito y melenita clásica, no. Es otra manera de ver las cosas, cuestión de matices, la actitud influye muchísimo, mostrarse positiva y no desfallecer. En un casting hay que interpretar y transmitir energía. A muchas, siendo guapas y estupendas, les falta actitud, energía y ganas, que es lo importante». Y otras, siendo menos guapas, como Kate Moss, Lou Doillon, Agyness Deyn o Irina Lazareanu, resultan más expresivas. El secreto, la personalidad y la actitud vital atraen la atención, por eso están en auge, como dice el fotógrafo español Rafa Gallar, curtido en la mejor prensa de moda patria, «una modelo no debe ser únicamente el soporte donde un equipo proyecta sus ideas, debe ser capaz de interpretarlas como parte del equipo. Se espera de ella que aporte a la imagen final algo de su propia personalidad, de lo que la hace única». Cualquiera que pretenda ser modelo hoy «tiene que ser interesante más que bello. Se busca un poco de todo, no solo la cara: los movimientos, su actitud y forma de ser. Son muy importantes para ser buen modelo», dice Fernando. Y para quien no pretenda serlo y ande preocupado/a por ese algo llamado «estilo», son datos a tener en cuenta para aplicarse a uno mismo.

¡CÓMO HEMOS CAMBIADO!

Francina ha cumplido casi cinco décadas en la moda: «Empecé a los dieciséis, como Serrat [dice riendo]. ¡Él toda la vida cantando y yo en moda! Trabajé fuerte como modelo hasta los treinta años y luego alargué un poquito hasta los treinta y cinco con según qué cosas. En realidad he vivido todas las fases de la moda desde los sesenta hasta 1976, en que lo dejé, y empecé en 1983 con la agencia». Nadie mejor para recorrer, desde dentro, esos cambios anteriores a los ochenta respecto al tipo de belleza vigente. «Cuando empecé era de las más altas (1,76 m), la mayoría no pasaban del 1,71. Había maniquís de 1,68 y 1,69, más redonditas, yo era superdelgada». Aguantó mucho porque su físico espigado y camaleónico se empezó a llevar entonces: «A finales de los sesenta empezamos modelos más altas y delgadas. Las modelos siempre han sido delgadas, una cosa es una enfermedad y lo otro es ser delgado. Las que tenemos suerte de tener una naturaleza que ayuda, bien. Y las que no, han tenido que hacer dieta». Me explica que hoy se llevan modelos parecidas a las de entonces: «Ha vuelto la estética de finales de los sesenta y principios de los setenta: niñas jóvenes, frescas y versátiles, lienzos en blanco que puedan desfilar o posar de sport y ser también las mujeres más sofisticadas del mundo».

Desde entonces, la profesión de modelo ha cambiado tanto como la industria: «Hoy desfilan como soldados, antes conectabas con el público, los mirabas. Hoy los diseñadores y los coreógrafos no las dejan. Yo he mamado la alta costura, me han creado vestidos encima; eso ya no existe, les prueban los vestidos una hora antes de desfilar. Antes los parían sobre la modelo, estaban horas. Lo veías nacer y lo querías, para el diseñador era un hijo y, para ti, tu primo hermano, tu segunda piel. Cuando te ponen un vestido una hora antes de salir, no sabes ni dónde tiene el bolsillo. Es la rapidez de nuestra sociedad y de la industria de la moda global, no se puede mimar y personalizar todo como se hacía entonces, quizás es la explicación de este momento: la ambigüedad necesaria para llegar a todas partes del planeta», reflexiona.

Me hace gracia cómo cuenta que no le convence el cambio que se ha experimentado en los modelos masculinos: «Han cambiado más que las mujeres, como en los sesenta Twiggy pero en hombre ahora, adolescentes y delgados. Se habla mucho del ejemplo que dan las modelos delgadas y no de los chicos delgados. Anoréxicos hay muchos y no se habla. Es curioso, ¡hasta en esto las mujeres tenemos discriminación!», dice riendo. Le pregunto por qué cree que se lleva ese tipo adolescente a veces recién salido de la calle (a Will Chalker le descubrieron en un andamio). Me responde sin pelos en la lengua: «Piensa que nos movemos en un mundo gay, el gay power existe. A ellos les gustan así. Pero un hombre con una estructura, sano y fuerte, me atrae mucho más. ¡Ya pasará, son ciclos! Este tipo de chicos sanos trabajan en publicidad pero en pasarela casi nada, hay mucho modelo no profesional y, claro, estos chicos jóvenes no tienen tiempo de hacerse profesionales, los cambian continuamente. Cuando en París tenía casting de hombre, me llevaba una booker y le decía: escógelos tú, a mí no me inspiran», decía entre sonrisillas poco antes de traspasar su agencia.

SO FAST, SO YOUNG: LA CARRERA DE LAS MODELOS

La moda es un mundo regido por la inexorabilidad del cambio: «Siempre se buscan cosas nuevas, nuevos looks, tendencias, y eso hace que el mundo de los modelos se mueva a la misma velocidad», me dice Marta Ortega. Y esto los afecta, algunos se «queman» en pocas temporadas y no vuelven a trabajar. «Las/los tops de antes permanecían en el mercado más tiempo», dice Marta. Lo cual me recuerda lo que me contó Francina: «Lo que más me ha horrorizado oír en París es que las agencias están desesperadas, los diseñadores solo quieren caras nuevas, las modelos ahora son clínex de usar y tirar. Y esos términos de las revistas de “la modelo de la temporada” dan la sensación de que no van a trabajar a la siguiente, es terrible, la gente no tiene tiempo de asimilar esto». Por eso, hoy más que nunca es importante cuidar la carrera e intentar mantenerse el mayor tiempo posible. Esa labor se hace en equipo: modelo-agencia, juntos, sopesan y valoran las decisiones, pasos y ofertas para construir una carrera sólida, tanto en las pasarelas y en las sesiones de fotos como en la publicidad. «Lo que más me gusta es formar, creer en gente, apostar y luchar por ellos», dice Fernando Merino. Y si hay que elegir entre las grandes capitales de la moda (París, Nueva York y Milán), «la más importante es París, siempre es la cumbre para las modelos, es lo que hace que después hagan Milán y Nueva York y les paguen más dinero por desfile», afirma Fernando.

Pero las pasarelas no lo son todo, hay un factor determinante para llegar y mantenerse en la cumbre. Fernando lo apunta: «El poder lo tienen fotógrafos y revistas. Los desfiles internacionales son como un casting inmenso, los ve todo el mundo, si no en vivo, en el style.com. Están todas las directoras de revistas de moda más importantes del mundo, las ven allí. Es la forma más rápida para una modelo de generar esto, pero no la catapulta. Es más importante la fotografía, que las conozca un fotógrafo o estilista de nivel como Carine Roitfeld, Emmanuelle Alt o Marie-Amélie Sauvé,³ que son las tres que más deciden, tienen la ropa, el fotógrafo, la localización que quieran casi más que Grace Coddington. Como Katie Grand, Joe McKenna⁴ o Camilla Nickerson, están arriba del todo y tienen el poder». El director de casting Russell Marsh, que hace los de los desfiles más importantes, o determinadas revistas internacionales también las pueden introducir en ese Olimpo de tops: «El Vogue París, Número, Another Magazine, W y Pop arriesgan. El Vogue USA no, no coge a una niña nueva, es business comercial», explica Merino. Y hay una leyenda en la moda que dice que si el fotógrafo estadounidense Steven Meisel⁵ te fotografía, te catapulta. Pero Fernando Merino me cuenta «el lado oscuro» de la fuerza: «Meisel es el súmmum para mucha gente, pero no hace estrellas, él apuesta, ve a una niña por ahí, la coge y hace con ella la portada del Vogue Italia. Firma un contrato en que solo puede trabajar para él y para hacerlo con otras revistas o fotógrafos, él tiene que dar su consentimiento. Limita o limitaba mucho; no pueden pasar los años sin hacer cosas, por razones económicas y más ahora que va todo tan rápido».

Y en el Olimpo de las tops hay pocas agencias, las que mejor dirigen sus carreras: «La agencia líder es IMG, llevan las modelos más famosas, trabajan coherentemente, van paso a paso, haciendo campañitas para coger práctica, con buenos fotógrafos para aprender a posar. Y cuando llega la sesión con Inez van Lamsweerde y Vinoodh Matadin,⁶ saben actuar. Supreme, la parte joven de la agencia Woman, tiene buen ojo, una imagen maravillosa, diferente a IMG. Hacen una buena carrera, pero no llegan al tope como personalidades. Una modelo tiene un límite, si no se convierte en personalidad muere, llegan otras que la suplen en campañas que ya ha hecho. A partir de ahí, para que la contraten necesita ser personality, un personaje. Solo IMG hace la carrera completa», dice Fernando.

Los agentes ejercen un papel fundamental: «Les explicamos para qué es el casting, cómo tienen que ir, y los formamos. Diriges sus carreras y cuando hay uno/a con madera de top, seleccionas los trabajos y te enfrentas al cliente, es la única manera de conseguir su carrera», explica Francina, refiriéndose a que hay que saber decir «no» y cribar sus trabajos para dirigirse lo más recto posible a la cumbre. Y con los jóvenes que son, el trabajo de los bookers es multifunción, hacen de padre, madre, consejero, psicólogo y mánager: «La juventud es muy caprichosa. Ahora quiero esto y luego lo otro. Sé que son niños y niñas, pero para ganar 5.000 euros en un día están dispuestos. Y eso cuesta, está claro; no es porque seas guapa, es importante educarlas en la disciplina».

Para aguantar, llegar y mantenerse hay que tener algo más que una cara bonita y un cuerpo esbelto. Francina me puso un ejemplo patrio de fortaleza y belleza que llevaba entonces en su agencia y que promocionaba: «Marta Español es fuerte como un toro y, sin embargo, parece frágil, va de un lugar a otro, el otro día estuvo trabajando en las cataratas Victoria, después en Cibeles,⁷ entremedias un reportaje para una revista y acaba de hacer el catálogo de Armani. Es muy duro, con los cambios de horario, y tienes que tener buena cara siempre. O eres fuerte o te lo haces, si no, sucumbes. Un casting es terrible, si no tienes la autoestima reforzada, acaban contigo, te miran como un bicho y siembran un montón de inseguridades. Hay que cuidarse mucho, ir al gimnasio y estar pendiente de agradar, es un estrés. ¡Tener que agradar siempre lo es!». Por eso la actitud es fundamental, «es lo más importante, guapos/as hay muchos, pero con buena actitud hacia el trabajo, que lo hagan llevadero, hay menos. Por eso unos triunfan y otros no. Incluso los que triunfan tienen que tener buena disposición para mantenerse, es lo más difícil», dice Marta Ortega, de Traffic.

Y por supuesto, así como el estilo hemos convenido que es democrático, para ser modelo, la naturaleza manda bastante, hay que tener unas características mínimas: «Lo importante es que tengan personalidad, unas mínimas medidas, estabilidad psicológica innata y una ambición determinada», explica Fernando. Marta me cuenta las cualidades de los chicos, aplicables también a ellas: «Un mínimo de altura, buen cuerpo, delgados pero definidos. Guapos, aunque esto es muy relativo, lo principal es que den bien en cámara, no siempre el aparente guapísimo da bien en foto. ¡Y si tiene encanto es la bomba!». Además, la disponibilidad es fundamental, «cuanta más mejor, viajar es muy importante para no limitarse al mercado de un país», aconseja. El problema surge cuando no quieren hacerlo: «Muchas/os no quieren viajar por el/la novio/a, los amigos, tienen miedo de estar solas/os. Se quedan aquí haciendo cataloguitos, cosas sencillas y no hacen carrera. Sabemos que es duro, pero cuando vienen a España están más valoradas, lo primero que te preguntan cuando ofreces a una/un modelo español/a es dónde ha trabajado y qué ha hecho», comenta Francina.

SUPERMODELOS Y CARAS NUEVAS

El término supermodelo se aplica a esa generación de tops que surgieron en los ochenta y primeros noventa —Claudia Schiffer, Naomi Campbell, Christy Turlington, Linda Evangelista, Stephanie Seymour, Cindy Crawford, Karen Mulder, Tatjana Patitz, Eva Herzigová o Shalom Harlow—; la mayoría continúan trabajando, tienen estatus de celebrity, personality o han encaminado sus pasos hacia las finanzas o la interpretación, áreas relacionadas con la moda, con más o menos acierto. Según el fotógrafo Juan Gatti: «En poderío, ese fenómeno no se ha vuelto a repetir». No nos hemos olvidado de ellas y el arquetipo de belleza que representan, que convive con el de modelos más especiales. El fotógrafo barcelonés Daniel Riera, que publica en el Elle U.S. o Fantastic Man, entre otras revistas, hace una panorámica de la situación: «Las caras se suceden, el mercado las asimila con mucha más rapidez. Conviven de todo, desde bellezas clásicas a arriesgadas, que pueden tener una vida más corta pero igual más excitante. En hombre pasa lo mismo, se está pasado de la languidez y juventud a una recuperación de modelos clásicos de más edad. En ambos casos se celebran y recuperan clásicos de los ochenta y noventa como las supermodelos».

Pero, aunque no se les haya llamado super-models, digamos que en todas las épocas ha habido top models, modelos que han destacado y han sido las más reclamadas del Olimpo del que hablamos; en los años veinte, Marion Morehouse y Sumurum; en los años treinta y cuarenta, Lisa Fonssagrives, por ejemplo, que llegó a los cincuenta, donde triunfaron Barbara Goalen, Bettina, Dovima, Suzy Parker, Fiona Campbell-Walter y China Machado; en los sesenta, Twiggy, Jean Shrimpton, Penelope Tree y Veruschka, que llegó a finales de los sesenta y trabajó durante los setenta, como Lauren Hutton, Anita Pallenberg, Jerry Hall y Pat Cleveland.

En España, nuestras supermodelos han sido y son Elena Barquilla, Martina Klein, Verónica Blume, Vanessa Lorenzo, Laura Ponte, Esther Cañadas, Eugenia Silva, Nieves Álvarez o Marina Pérez, pero no todas han sido reconocidas fuera. Hay que destacar, y mantenerse, es difícil, la industria busca new faces (caras nuevas) constantemente. Fernando Merino lo explica: «El problema de las pasarelas internacionales es que son niñas de dieciséis o diecisiete años. Y como ahora todo va muy rápido, demasiado (y más en moda), algunas ganan mucho dinero para cubrirse las espaldas. Y otras muchas son pan para hoy y hambre para mañana. No todo el mundo llega, es como en todo. Hay que encontrar un camino, conocer tus preferencias y limitaciones, es importante que sepan sus circunstancias», dice, refiriéndose a que lo más doloroso es crearse falsas expectativas respecto a la profesión.

Una modelo se empieza a considerar mayor cuando está cerca de los treinta o su imagen cambia a un aspecto de mujer más adulta: «Se meten a hacer publicidad y si tienen unas características de tías guapas se pueden forrar», dice Fernando. Y las agencias necesitan chicas y chicos jóvenes que los sustituyan (como cualquier industria). Para eso se hace scouting, es decir, ojear tanto casualmente por la calle, en eventos o en cualquier sitio como intencionadamente en otros países. Para algunos bookers, como Fernando, descubrir un diamante en bruto es una satisfacción: «Para mí el placer es descubrir una modelo en Croacia o cualquier otro país. Vamos a otras agencias y las intercambiamos, booking internacional se llama, tenemos agentes fuera que van haciendo scouting y los llevamos a una reunión. Vemos a todas las niñas, doscientas en un día. Y de esas, si encuentras una es un lujo. Encontrar gente es difícil, tienes que invertir dinero y estar viajando». Pero si encuentras ese diamante compensa, aunque en España las revistas importantes quieren nombres consagrados y a veces no saben apreciarlo: «Hay muchas modelos a las que no cogen porque no pegan fuera y, cuando peguen, las querrá como loca cualquier revista. ¡Eso me pone de los nervios! Es una inseguridad, falta de criterio e interés. Es lo que ocurrió con Sasha Pivovarova; la tuvimos en España antes que nadie, cuando era de una agencia rusa. Nadie la quiso», comenta, y ahora reina en el Olimpo de las tops: «Nosotros estamos ahí para encontrar caras nuevas, diferentes. A muchos fotógrafos y diseñadores les digo, utilízala ahora que luego no podrás, por lo menos por el lujo de decir que la conociste y trabajaste con ella».

En la carrera de las que se mantienen y se reciclan con sabiduría hay unas altas dosis de marketing: «No es fácil que una modelo tenga reconocimiento, no todas quieren ser famosas o conocidas, el morbo hay que crearlo, una modelo es puro marketing. Vendemos seres humanos, no mesas. Y es una lucha contra el ser humano también, de decir: “Oye, tienes que hacer esto”. No va a haber una generación tan grande como las supermodelos, tampoco existen. Las que recuperaron en Louis Vuitton⁸ en su día eran todo un lujo, lo hacen más barato por decir “estoy aquí”. Y luego les sale un Bloomingdale’s que les paga un montón. Las campañas pagan poco, pero te dan prestigio para hacer clientes con pasta que te quieren para un catálogo», explica. Le pregunto a Francina por qué cree que esa generación aún se mantiene: «Por la escasez de grandes modelos, hay modelos planas que no dicen gran cosa. En los años sesenta, setenta y ochenta había modelos con más personalidad, se distinguían más unas de otras. Ahora son bastante iguales, destacan pocas. Vino a través de las del Este, la mayoría son rusas, checas, de Estonia, Lituania o Rumanía. Les falta personalidad, estas tienen una gran personalidad, experiencia, relaciones reales con diseñadores y fotógrafos, era una comunión real. Eso es importante, son modelos que han hecho mucho ruido y las recuperan en Louis Vuitton porque saben que es una jugada segura».

¿LA ERA DEL MESTIZAJE GLOBAL?

Hacer scouting en países, en general, con situaciones desfavorecidas es moneda de cambio habitual para las agencias. Para muchos chicos y chicas ser modelos es una forma digna de salir de la miseria. Un caso clave es el de Natalia Vodiánova, modelo rusa apodada «la cenicienta del Volga». Con seis años ya cuidaba de sus dos hermanastras, una de ellas con parálisis cerebral. Su padre se fue de casa y su padrastro acabó yéndose también; le daba al alcohol y maltrataba a su madre, que trabajaba en un puesto ambulante de frutas donde Natalia también trabajó cuando creció. Después de apuntarse a una escuela de modelos y pasearse por concursos de belleza rusos, la agencia Viva la descubrió. Llegó a París con diecinueve años y el compromiso de aprender inglés en doce semanas. Lo hizo. Allí conoció a Justine, el tercer hijo del vizconde Edward Henry Berkeley Portman, una de las grandes fortunas británicas, mientras comenzaba a triunfar haciendo grandes desfiles. Hoy es treintañera y multimillonaria, tiene tres hijos de Justine y fundó la asociación Naked Heart para ayudar a niños rusos sin recursos, y tras su divorcio de Justine mantiene una relación con Antoine Arnault, hijo de Bernard Arnault, cabeza de LVMH, un cuento como para hacer una película. El caso de Alek Wek, que llegó de una aldea sudanesa a triunfar en París, es muy similar. Y aunque las hay con linaje aristocrático, como Stella Tennant, y no todas las modelos tienen esas procedencias tras de sí, me pregunto cómo les afecta a algunas salir de infancias de carestía y acabar rodeadas de lujo y atenciones, de personas que tienen diversas motivaciones, no siempre profesionales, y se sienten atraídos por su belleza.

Fernando Merino comenta al respecto: «Nadie cuenta que era frutera o de una aldea hasta que llega arriba, pero debe de ser muy chocante. Voy a esos países, ves a sus padres y flipas. Y eso que han cambiado desde que empecé a ir a Letonia y Lituania. En Sofía, la primera vez que fui no había Coca-Cola. Es un viaje en el tiempo para ellas, pero también tienen la suerte de que hay más información, tienen internet en su pueblo y televisión. Es duro y muy chocante, deben de alucinar y flipar. Pero enseguida aprenden, la necesidad y esas edades las ayudan a adaptarse». Me comenta que es muy emocionante cuando las ven salir adelante: «Ves la evolución, si han estado en Milán o París, vuelven vestidas diferente; si tienen dinero, se han comprado un buen bolso, les han regalado ropa a lo mejor. Y al estar en pisos con otras modelos hay mucho feedback. Por eso es importante que viajen, las de aquí y las de fuera», dice Fernando.

Le pregunto a qué se debe el boom de chicas del Este que hemos vivido, y aún colea: «La situación de sus países ha cambiado, ahora pueden salir. Luego, por su belleza, ya sea la actual o clásica. Además hay mucha pobreza y necesidad y es una salida limpia. Aquí no hay tanta necesidad, poca gente que pasa hambre». A pesar de que cada vez hay más modelos del Este, brasileñas, argentinas o asiáticas, las modelos de color sufren cierta discriminación, pese a que en los sesenta se empezaron a ver, discretamente, sobre las pasarelas. Yves Saint Laurent las apoyó mucho con sus desfiles. La primera modelo de color que salió en una portada del Vogue USA fue Beverly Johnson en 1974, entonces dijo: «La participación de las modelos de color es injusta en proporción a la cantidad de dinero que la gente de color pone en la industria». Pues bien, esa frase sigue vigente y el 30 por ciento de la población mundial de color no tiene la misma representación en desfiles, campañas y grandes revistas.

Fernando Merino dice sin tapujos: «Occidente es racista. Para mí el mestizaje es una belleza preciosa. Si viviera en Nueva York tendría una agencia de mestizos, metería indios, chinos, negros, pero no puede ser, no hay población suficiente con poder adquisitivo que consuma. En Francia hay mucha población mestiza, pero no una mayoría de poder adquisitivo, en Inglaterra hay más, funciona más, pero no en publicidad». Y si están funcionando las asiáticas es por la expansión de las firmas en el mercado asiático. Fernando me cuenta las preferencias allí: «En China o Corea se utilizan orientales, en Japón, no, y es lo que más prestigio da; el Vogue o el W cogen alguna de vez en cuando».

Pero curiosamente, la gran mayoría de las modelos actuales tiene mezcla de nacionalidades en sus venas: «El noventa por ciento son mezcla, de madre estadounidense y abuelo argentino, abuelos mexicanos que se fueron a Los Ángeles, o abuelo finlandés y madre alemana, etcétera. La mezcla es lo que hace la belleza, es así, es la gente más guapa. En España, afortunadamente, hay más población inmigrante: en el futuro habrá lujos de la naturaleza», me comenta Fernando. Y en uno de los países donde más mezcla hay es en Brasil, quizás por eso también reinan en las pasarelas, como me explica Francina, que representaba entonces en España a Fernanda Tavares, Gisele Bündchen o Bar Refaeli: «Ha habido un boom de brasileñas, son muy mujeres, muy diversas unas de otras, porque en Brasil hay mucha mezcla alemana, inglesa, italiana... por eso son preciosas. Brasil es una mina de belleza».

EL IMAGINARIO ESTÉTICO DE HOY

Aunque las modelos sean excepcionalmente bellas y delgadas, lo que vemos en las revistas y campañas es la prodigiosa maquinaria de la moda para crear aspiraciones. Los estilistas, maquilladores, peluqueros y fotógrafos las envuelven en esa aura de deseo que hace que el público sueñe y las cajas registradoras suenen. El Photoshop las hace aún más perfectas, elimina granos, kilos si sobran, hasta cambia el color de ojos, pelo, labios, piel; retoca dientes, elimina pelos, arrugas o cualquier detalle indeseable. La estética de las modelos y el tipo de fotografía de moda corren paralelos en el Zeitgeist,⁹ por ejemplo, la primera que fotografió a Kate Moss fue la fotógrafa Corinne Day, con un tocado de plumas indio para la portada de la desaparecida y grandiosa revista inglesa The Face. Fue un momento en que publicaciones alternativas como I-D (o Dazed and Confused) promovían un tipo de fotografía con luz natural y poses relajadas, cotidianas, eso que desde los medios se denominó malintencionadamente heroin chic, que era una estética a tono con la moda grunge de despreocupación, relax y reminiscencias estéticas de drogadicción. Esos tiempos pasaron y si la imagen de las modelos ha adoptado cierta sofisticación natural de finales de los sesenta y principios de los setenta es porque en la fotografía hoy también se está recuperando.

Y nadie mejor que Juan Gatti, uno de los fotógrafos de mayor prestigio de España, para hablar del imaginario estético de hoy que conforma la fotografía de moda, ese telón de fondo donde se enmarcan nuestros referentes de estilo y que en cierta medida los condiciona. Gatti ha sido director de arte del Vogue Italia, también de Loewe y Sybilla, y ha colaborado en el diseño gráfico de muchas películas de Almodóvar y con revistas tan prestigiosas como Vissionaire, Vanity Fair, Elle U.S., Newsweek, Vogue España y Rusia, entre otras. «Mi trabajo y yo hemos madurado juntos; lo que más me interesa es lograr lo máximo con lo mínimo y acercarme más a la emoción que a la anécdota», dice. Desde que comenzó a principios de los ochenta ha visto cambiar la fotografía no solo técnicamente: «Recuerdo mis comienzos como una prolongación lúdica de los juegos de adolescencia, para divertirnos hacíamos fotos, desfiles, exposiciones y otras manifestaciones artísticas, como si organizáramos guateques. La creación se realizaba por la creación en sí, ahora lo hacen todo con un fin, con ansias de reconocimiento y buscando un puesto entre los famosos, eso consume mucha energía y debilita su labor». No puedo reprimir preguntarle por el Vogue Italia, la «Biblia de la moda» cuando comenzó Gatti, la edición más artística de esta publicación: «Para mí fue una época de mucho aprendizaje. En primer lugar, trabajar codo a codo con Franca Sozzani,¹⁰ mujer de increíble intuición visual y olfato prodigioso, me sirvió muchísimo. Fue muy importante el aprendizaje de las tripas de una revista, los intereses, acuerdos, la política editorial, casi un máster de política editorial, aparte de la oportunidad de trabajar con los fotógrafos más influyentes de ese momento. Además, entonces el Vogue Italia creó un punto de vista respecto a la fotografía de moda, el diseño y la maqueta que han seguido muchas revistas y aún está vigente», explica.

Son muchos los fotógrafos que han marcado la estética de los tiempos, muchos se han inspirado en otros creadores, como artistas de diversas disciplinas, para dar forma a sus sueños. La primera fotografía de moda publicada en una revista data de 1880, en la revista francesa L’art et la mode (1880-1975), pero no se comenzó a popularizar hasta avanzado el siglo xx y convivió con la ilustración de moda hasta desplazarla. Con Juan Gatti repasamos algunos de los fotógrafos más significativos como solo él lo puede hacer: «Desde el barón de Meyer, el primer fotógrafo de moda, cada década ha tenido sus fotógrafos. En los veinte y treinta fueron Cecil Beaton, Horst P. Horst, Hoyningen-Huene, Edward Steichen», dice. Todos ellos planificadores natos de la composición clásica, a menudo en estudio o interiores, aunque con su puntito de transgresión. Beaton fotografió modelos en las ruinas de Londres al acabar la Segunda Guerra Mundial, que viene a ser como si hoy el Vogue USA lo hiciera en la Zona Cero o en Irak. Las poses sofisticadas y estudiadas parecen haber inspirado a las actrices a comportarse con contención estudiada en la alfombra roja.

Gatti también menciona al artista Man Ray como una influencia, sus retratos y planos cortos de ojos, labios o perfiles llegaron a la moda e influyeron a sus coetáneos. En estos años, una directora de revista marcó tendencia en cuanto a estilo visual editorial: Carmel Snow. En 1932 comenzó su reinado como directora de Harper’s Bazaar con un genio en la dirección de arte, Alexey Brodovitch, también escultor. Juntos llevaron a las páginas de esta revista a escritoras como Virginia Woolf o Colette y a artistas como Jean Cocteau, Chagall o Man Ray. Todo un lujo.

De los años cuarenta, Juan Gatti opina que «Erwin Blumenfeld, Platt Lynes, Rawlings, Martin Munkásci y Lillian Bassman influyeron mucho». Fue una época de experimentación de las posibilidades técnicas respecto al movimiento, a dar a la fotografía un trasfondo de misterio, plástico y artístico, usando el color como Norman Parkinson (pionero en el color y en crear imágenes de mujeres liberadas), o llevarla más aún a la calle, como William Klein al final de esta década y comienzos de la siguiente, en la que, según Gatti, «reinaron indiscutiblemente Richard Avedon e Irving Penn que, sabiamente guiados por Alexey Brodovitch y Diana Vreeland, revolucionaron la fotografía de moda», esta vez desde las páginas del Vogue USA, que consiguió entonces la excelencia de la que fueron capaces Carmel Snow y Harper’s Bazaar. Tanto Avedon como Irving Penn fueron dos pilares fundamentales en la moda, donde el factor humano comenzó a tener importancia no como soporte de las prendas sino como objeto de representación también. Los retratos y modas del primero (en general con la colaboración de la estilista Polly Mellen) o las naturalezas muertas y bazares del segundo han marcado la historia de la moda. Del lado más sórdido y decadente de lo humano se ocupó el trabajo artístico de la fotógrafa Diane Arbus, que junto a su marido hizo también moda y que, como dice Gatti, fue una influencia underground. Retrató a los parias de la opulenta sociedad estadounidense e inspiró curiosamente a Avedon, su amigo, a ir más allá de lo obvio en moda y en su trabajo artístico posterior, con el que se consagró aún más como uno de los genios de la fotografía.

Acompañados de Gatti llegamos ya a los años sesenta: «En la estela de Avedon y Penn, que seguían, los jóvenes fotógrafos ingleses como David Bailey, Michael Cooper, Ronald Traeger y John Cowan renovaron la visión de la juventud, sin olvidar el comienzo de la provocación, aportado por Bob Richardson», que no es otro que el padre de Terry Richardson, el fotógrafo que en los años dos mil ha llevado la provocación un poco más lejos en moda. David Bailey, por su parte, es otro genio de la fotografía vivo y ya retirado de la moda. Inspiró la película Blow-up de Antonioni, en la que la modelo Veruschka posaba frente al objetivo de su álter ego, y, junto a los mencionados, captó la rebeldía juvenil y una época donde el optimismo reinaba en la moda y todo era posible. «Los setenta fueron el reinado indiscutible de Newton y Guy Bourdin desde Francia, con un estilo sexy y provocativo en contraste con el romanticismo de Deborah Turbeville y Sarah Moon, herederas de David Hamilton», dice Gatti.

De esa bipolaridad femenina es de la que ha retomado hoy el estilo sexy Carine Roitfeld, tanto en su etapa en el Vogue París como en la de la revista que dirige en la actualidad, aunque con un espíritu más fresco. El estilista Hugo Lavín nos habla de ella: «Carine lleva trabajando desde los noventa, en la primera etapa del Glamour francés, cuando desapareció y volvió a aparecer. Cogió el Vogue París, que andaba anclado, y retomó sus años de gloria con Guy Bourdin y Newton. Hizo un equipo nuevo, como lo ha vuelto a hacer en la revista que ahora dirige, cada movimiento en el tablero es genial, como Miuccia Prada, te puede gustar más o menos, pero luego todo el mundo de la moda va detrás. Carine se salta todos los convencionalismos, mezcla ropa de temporadas, repite accesorios en una producción y supo rodearse en Vogue de un dream team: Marie-Amélie Sauvé, Emmanuelle Alt, que venía de 20 ans, Anastasia Barbieri, Karl Templer, Joe McKenna, entre otros pesos pesados». Y ahora descubre una nueva escena, como el nieto de Avedon. Sea como sea, esa década de los setenta ha dejado una huella indeleble en la fotografía de moda.

Volviendo al hilo de la historia, Gatti me dice: «Los ochenta fueron una década pródiga en fotógrafos renovadores y muy distintos, como Bruce Weber, Peter Lindbergh, Paolo Roversi, Nick Knight o Javier Vallhonrat, con un discurso intelectual y gran preponderancia de la actitud». Bruce Weber ha creado todas aquellas imágenes en blanco y negro que llevábamos en las carpetas cuando éramos adolescentes, Lindbergh llevó lo cinematográfico a la moda marcando una gran influencia. Roversi, Knight y Vallhonrat siguen trabajando con buena salud hoy, con estéticas plásticas y artísticas. Y entre esos fotógrafos heterogéneos, Antonio Alvarado saca a colación un dúo que, sin venir de la moda, la influenció: «Pierre & Gilles influyeron a fotógrafos como David LaChapelle; con ellos aparecen unas posibilidades de retoque en fotografía que se utilizan aún hoy. Además, cuando la fotografía es tan plástica y colorista, aunque no estén vendiendo moda al final hacen moda, por sus connotaciones».

Los noventa «representan una vuelta al glamour y la sofisticación lujosa y más frívola de Mario Testino y se reafirma con un fotógrafo de moda por excelencia: Steven Meisel», comenta Gatti. Meisel es culpable de algunas reinvenciones de Madonna, sus reportajes pueden llegar a tener más de setenta páginas y se inspiran tanto en lo más elevado del arte como en la cultura actual más rabiosa, ya sean las webcams, los paparazzi o la cirugía. «Tiene el pulso de lo que vivimos y es testigo de tu tiempo», explica Lavín. Gatti me dice que también en los noventa «surgen fotógrafos de virtuosismo técnico, como Steven Klein, David Sims, Craig McDean, Mario Sorrenti o Corinne Day». Y fotógrafos que han sabido capturar lo sublime y lo cotidiano, lo bellísimo y lo feísta del mundo en que vivimos, como Juergen Teller. Todos ellos han marcado a una generación. David Delfín conoció a este último: «Nos invitó a comer a su casa. Fue genial, coincidimos en la feria de arte de Londres y es superguay. Le gustan las mujeres, el fútbol y estar con sus colegas. Es un tío muy normal».

Y finalmente, los años dos mil siguen marcados por esos últimos fotógrafos y, curiosamente, quizás por ese desdoble que permite la fotografía digital de poder mirar por el objetivo de la cámara y en el ordenador. Hay muchas parejas como «Mert & Marcus, Inez van Lamsweerde y Vinoodh Matadin, Luciana Valy & Franco Musso, y Sofia & Mauro», dice Gatti. De todos ellos, Gatti destaca a Mert & Marcus: «Como la moda, hacen muchas referencias al pasado y reciclan un poco de todos los fotógrafos que nombré antes». De otra pareja de lujo que reina hoy en la moda, el fotógrafo Nacho Pinedo dice: «Adoro el trabajo de Inez y Vinoodh; en este momento son herederos de los valores clásicos de la fotografía de moda, fotografías directas y que buscan la belleza de la gente. Es interesante ver el camino que han recorrido desde sus primeras imágenes supermanipuladas hasta una visión clásica que propone un acercamiento a lo esencial». Algo que parece que está en el mood de los tiempos, y aunque en este recorrido no están todos los que son, desde luego sí están muchos de los que con sus imágenes influyen en nuestra percepción del estilo contemporáneo hoy. Y al hilo de la cita de Flaubert de «el estilo, como el agua, es mejor cuanto menos sabe».

DE LO INMATERIAL DEL ESTILO

• Nuestra personalidad, sensibilidad y actitud influyen en nuestra percepción del estilo.

• El estilo es democrático, en el sentido de que no depende del presupuesto, de la ropa o de la belleza física.

• El estilo es algo que está dentro de uno, con el interés se va destilando y puliendo.

• Nuestros gestos, nuestra forma de reírnos, desplazarnos, sentarnos, oler, hablar y ser influyen en la percepción que otros tienen de nosotros de forma fundamental.

• Es necesario conocer las cualidades propias y las limitaciones y no obsesionarse con cumplir un determinado canon estético establecido... be water, my friend.

• Como hemos visto, la percepción de la belleza cambia con el tiempo. Si uno intenta cumplir el canon estético de cada momento, se vuelve loco y pierde sus referencias personales, que son lo que debe primar.

• Es más importante dar con lo que te diferencia, te hace especial, y apoyarse en eso y brillar con luz propia.

• El estilo nace de la seguridad en uno mismo.

• Ser interesante es equiparable a ser bello, la forma como nos comportamos, nos movemos, nuestra actitud y forma de ser nos dan esas connotaciones.

• Como en la moda, en belleza, el secreto está en la mezcla.

... Y huye de la pretenciosidad, como dijo Flaubert: «El estilo, como el agua, es mejor cuanto menos sabe».

XVIII

MÁS ALLÁ DE UN ESTILO, TODA UNA INDUSTRIA

«No aprendes sobre el estilo viendo gente desfilando en las pasarelas. La moda ocurre cada mañana cuando te levantas.»

Shalom Harlow (modelo)

Si acabamos de ver lo inmaterial del estilo, ahora pasamos a lo puramente material, esa industria que activamos cada mañana al abrir el armario y a lo que nuestra búsqueda de estilo reporta económicamente a las empresas de moda. Para ser un sector a menudo calificado de «frívolo», su impacto en la economía mundial, europea y nacional no es nada desdeñable. La moda factura mundialmente más de un billón de dólares¹ anuales, y es la segunda industria más importante en Estados Unidos. En Europa hay registradas 146.000 empresas textiles que facturaron en 2012 unos 182.000 millones de euros y que dan trabajo a cerca de dos millones de personas, y en España emplea a 136.532 personas (2011) y hay adscritas un total de 21.545 empresas; la facturación de la distribución textil rondaba los 22.460 millones de euros (aunque decreció en 2012 un 15 por ciento)² y el sector de la confección/textil factura 10.950 millones de euros (aunque decreció un 4 por ciento en 2013) y en él trabajan 205.000 personas³ (aunque en 2013, treinta y seis empresas del sector textil español han entrado en concurso de acreedores por la crisis). Cada familia española gastaba una media de 1.881 euros en ropa, un 10 por ciento del total del gasto familiar (en 2013 decreció un 4,6 por ciento), y es uno de los objetos de consumo más demandados después de la vivienda, la electricidad y la alimentación. Sea antes o después de la crisis, lo cierto es que el 7 por ciento de las exportaciones mundiales son de ropa. Parece que está bastante claro que pese a la supuesta «frivolidad» de la moda, incluso en la incertidumbre económica actual, la industria textil es más que nunca un negocio cada vez más diversificado de estéticas y precios, global, rentable e interesante para todos los públicos y edades. Veamos cómo está configurado el sistema de la moda más allá del estilo (o, precisamente, basado en él) y lo que pasa por dentro de esa maquinaria internacional y nacional.

EL LUJO Y EL MERCADO MASIVO SE RETROALIMENTAN

Por raro que parezca, la industria del lujo y el mercado masivo se necesitan y se retroalimentan. Su primer punto de confluencia es que comparten consumidores; aunque hay clientes tradicionales del lujo y otros que nunca lo comprarían, existe un gran número de consumidores que lo prueban todo o que, si bien consumen frecuentemente marcas asequibles y medias, también se dan caprichos de lujo. Y todos los tipos de consumidores hacemos que estas marcas ganen mucho dinero, comenzando por el mercado masivo y centrándonos en nuestros orgullos patrios del sector textil: Inditex, Mango y Cortefiel. Amancio Ortega es el tercer hombre más rico del mundo gracias a Inditex, la facturación total del grupo ascendió en 2012 a 7.239 millones de euros, lo que supone un avance del 17 por ciento frente al mismo periodo de 2011. Zara ganó 944 millones de euros, el 32 por ciento más que en el mismo periodo del ejercicio anterior. La facturación de Bershka (la segunda en ventas del grupo, 1.485 millones de euros) aumentó un 13% en 2012 y la de Massimo Dutti subió un 7 por ciento (490 millones); las de Pull & Bear, un 13 por ciento (468 millones), las de Stradivarius un 15 por ciento (455 millones), las Zara Home el 12 por ciento (150 millones), las de Oysho un 2 por ciento (143 millones) y las de Uterqüe un 7 por ciento (33 millones). Mango factura 1.408 millones de euros, un 11 por ciento más que en 2010. La facturación del grupo Cortefiel (Cortefiel, Pedro del Hierro, Women’Secret, Milano, Springfield) fue de 954 millones de euros en el ejercicio 2011, o el caso de Desigual, una cadena española que crece a dos dígitos de velocidad en tiempos de crisis (700 millones). Y si estas cifras son llamativas, en el universo del lujo son exorbitantes, y más si miramos el contexto financiero incierto.

Las ventas globales en el mercado de artículos de lujo rondan los 200.000 millones en 2012.⁴ LVMH, primera multinacional del lujo, con sesenta firmas en su portafolio, entre las que destacan Louis Vuitton, Dior, Fendi, Donna Karan, Emilio Pucci, Loewe, Kenzo, Marc Jacobs o Céline, facturó 28.103 millones en 2012. PPR, propietaria de Gucci Group (Stella McCartney, Gucci, Alexander McQueen, Saint Laurent) y Puma, entre otras, facturó 16.000 millones de euros en 2011, y se ha marcado como objetivo alcanzar una cifra de negocio de 24.000 millones de euros con la venta de FNAC, y el grupo Richemont (Cartier, Chloé, Jaeger-leCoultre, Piaget, Baume & Mercier o Van Cleef & Arpels, entre otras) cerró el ejercicio 2011 con 6.833 millones de euros. Todas van creciendo año tras año, pese a la crisis, y aunque algunas vendan menos, sus artículos son más caros (Louis Vuitton y Chanel incrementaron sus precios durante la crisis) y, curiosamente, mientras consolidan sus carteras, las amplían algunas veces con apuestas en firmas de consumo masivo o medias para diversificar sus inversiones (como Puma en PPR; Prada posee Car Shoe y Church’s), pero sin perder el corazón de su negocio, el lujo. Mientras los dos principales grupos son fuertes en moda y complementos, el tercero lo es en joyería y relojería. Hermès les sigue de cerca, en el primer trimestre de 2012 facturó un 22 por ciento más que el año anterior, y no hay que olvidarse de Prada, Chanel, Labelux (propietaria además de Bally y Jimmy Choo). Los 5 mayores grupos suponen el 35 por ciento de toda la facturación del sector.

El consumo de lujo superará en España los 5.000 millones en 2012. ¿Y cómo se justifica esto, quién consume ese lujo? Pues bien, el 80 por ciento de los denominados high net worth individual (personas con un activo de más de 1 millón de dólares, descontada la vivienda) son menores de 45 años. Los ricos del mundo son, quién lo iba a decir, prácticamente jóvenes. Por su parte, la industria masiva, con vocación de democratizar las tendencias del lujo para todo el mundo, grupos como Inditex, H&M o Gap se han revalorizado el doble que muchas de las principales de gama Premium.⁵ En 2012, H&M, Nike, Zara, Adidas y Gap sumaron un valor total de 51.615 millones de dólares (39.835 millones de euros), un 30,82 por ciento superior al obtenido un año antes. Y no contentas con eso, se fijan en cómo se han configurado las multinacionales del lujo, sus estrategias, cómo se han expandido, lo que hacen para atraer a su clientela, su posicionamiento y su estética.

Y viceversa, la rapidez de la industria masiva de la moda, reponiendo constantemente su mercancía, captando tendencias en la calle, con sus costes competitivos... inspira al lujo para acelerar su proceso de colecciones habitual, para ajustar costes y renovar sus tiendas también con precolecciones, crear capsule collections y todo tipo de estrategias para acercarse a la calle. Ambos sectores se apoyan cada vez más en el online para vender, su desarrollo en este sector en los últimos años ha sido increíble, no hay marca que se precie que no haya desarrollado su e-commerce. Según un informe de ING, Inditex obtendrá alrededor del 5 por ciento de su facturación de internet, lo que supondrá una aportación de 743 millones de euros sobre su cifra de negocios total en 2011-2012. Desde su lanzamiento, la tienda digital de Zara ha superado en ventas a cualquiera de las tiendas físicas del grupo. Y en el otro extremo, el portal de lujo net-a-porter.com (de Richemont) aumentó sus ventas un 55 por ciento en 2012.

Para entender el proceso de retroalimentación que tiene el mercado masivo y el del lujo, vamos a verlo desde la génesis de los nuevos conglomerados del lujo. «Antes de los sesenta la industria del lujo era artesanal, extremadamente exclusiva, dominada por la figura del diseñador», nos explica el profesor José Luis Nueno. Cada empresa se dedicaba a su especialidad, los clientes del lujo eran europeos y unos pocos americanos que viajaban a París a comprar o que encargaban por catálogo. «A partir de los sesenta hay una serie de merchants, Stanley Marcus, etcétera, dueños de los grandes almacenes de lujo estadounidenses, que van a Europa y descubren su talento —Valentino, Ferragamo, etcétera—, contratan sus productos y los llevan a sus tiendas departamentales para ricos estadounidenses de la costa Este. Las casas les dieron “patente de autenticidad” y ellos dieron a esas casas alas para que abrieran su canal de distribución llegado el caso. Es un trabajo fundamental que sigue siendo un modelo típico para el lujo: que te descubra una tienda departamental, presente tu producto y te dé la suficiente masa crítica para abrir tu propia tienda con el tiempo», explica Nueno. En los sesenta aparecieron también firmas de mayor difusión y más asequibles junto con el prêt-à-porter, todo ello provocado por la industrialización del proceso de producción. Las casas de lujo sacaron fragancias, marroquinería y otros artículos para cobrar más importancia entre el público. «A la vez, el modelo de diseñador con autoridad entra en crisis. Con el tiempo, las casas que no desaparecen son progresivamente adquiridas por dos o tres grandes grupos», explica Nueno. Hemos hablado de ellos. Los grandes grupos son gran parte de la industria del lujo hoy, aunque haya empresas independientes, como Armani, valorada en 3.100 millones de dólares, Hermès, en 7.700 millones de dólares, o Chanel en 62.000 millones de dólares.⁶ Rubén Gómez da su opinión al respecto: «La moda hoy depende de pocos, un sistema casi feudal, Chomsky hablaba de neofeudalismo a nivel económico global. La moda es un reflejo; cuatro nobles que reinan en sus tierras, dicen lo que te conviene y lo que no. Pero, curiosamente, también son los mecenas dentro de la moda», dice refiriéndose no solo a las potentes colecciones de arte contemporáneo que poseen y desarrollan (sumadas a las contribuciones culturales de mecenazgo que las multinacionales hacen), sino también a que están dando un relevo a la moda apoyándose en jóvenes valores y dan glamour y divertimento a la élite mundial que dirige el mundo. «El modelo nuevo consiste en diversificar la oferta, el que hace moda hace también marroquinería y fragancia, etcétera. Son dueños de todo el canal de distribución, han rescatado las licencias —en la decadencia, los modistos hicieron infinidad de licencias con sus logos—, verticalizado el negocio, globalizándolo y sustituyendo al diseñador histórico, que da su apellido a la marca, por jóvenes valores que la actualizan, la hacen relevante para el mercado y generan suficientes recursos para darle vistosidad mediática en revistas y pasarelas», explica Nueno.

Ese modelo, a excepción de lo concerniente al diseñador, salvo en algunas colaboraciones, lo ponen en práctica las cadenas masivas: verticalidad, distribución propia, diversificación, globalización e impacto mediático en pasarelas (Mango o Topshop, por ejemplo, o medias como Zadig & Voltaire) y revistas con sus colaboraciones y productos. Ese cambio en el lujo «saneó» empresarialmente las casas y respondía a la necesidad de «dar mayor difusión y basarse en productos no de tan alta artesanía como la alta costura sino más industrializables y comunicables. Los grandes diseñadores no lo sabían hacer, lo odiaban. La mayor parte de los que han comprado las casas han puesto management profesional y desarrollado un negocio. Cuando comenzaron, no se les reconocía, era como si hubieran venido a bastardizar algo próximo a la religión. Pero está claro que, sin estos hombres, esta industria habría desaparecido», afirma Nueno.

Por su lado, los puntos fuertes de la industria de moda masiva son la rapidez, la oferta renovada y el precio asequible que se consigue gracias a «deslocalizar» parte de su producción y llevarla a países como China. Con el tiempo esa estrategia también se ha producido en el lujo. «La deslocalización de la fabricación no se había hecho nunca en el lujo. Hoy la calidad es subsidiaria del logo, sin insinuar que la calidad en China sea mala, sino que la historia que había del diseñador o una familia que lo fabricaba ya no existe», dice el profesor Nueno. Le pregunto si esto puede pasar factura y hacer que pierdan credibilidad frente a sus clientes. «Trasladar más lujo a las pieles, que son cada vez más exquisitas, y reducir el componente de mano de obra puede ser viable siempre y cuando no se olvide lo histórico y el patrimonio de la marca». China no solo provee de cierto tipo de mano de obra al lujo y a las cadenas de moda rápida (más de un cuarto de la producción de ropa mundial se fabrica allí), sino que se ha convertido en un mercado en expansión para ambos. «Hoy la cuota de mercado de Estados Unidos, Europa y Japón, siendo elevadísima, está cediendo a los nuevos ricos asiáticos (China es el cuarto país con más millonarios) y rusos», comenta Nueno refiriéndose al lujo. Esos nuevos ricos, muchas veces jóvenes, como hemos visto, utilizan el lujo como símbolo de estatus, prefieren marcas muy reconocibles y viven la fiebre del marquismo que Occidente vivió en los ochenta.

Además, desde hace más de una década, la industria del lujo ha recibido un buen chute de marketing gracias a la aparición de responsables y departamentos especializados en la materia. Eugenia de la Torriente lo explica: «La industria del lujo no solo ha absorbido las prácticas del marketing, sino que las ha amplificado. Hoy se vive la era del más grande, más alto y más rápido: ningún evento o acción es demasiado espectacular, original o llamativo. La excelencia de la marca debe presidir todas sus acciones. Desde Fendi desfilando en la muralla China hasta Chanel construyendo un museo nómada firmado por Zaha Hadid que se desplaza por el mundo como una especie de ovni. Además, muchas de las ocurrencias del marketing del lujo son rápidamente asumidas por el mercado masivo, con lo cual la exigencia y presión por destacar son cada vez mayores». Uno de los ejemplos más obvios es que la industria del lujo ha apoyado su comunicación en diversos personajes. «Al principio es el modelo de las tops models, una forma de empujar el producto. Y cuando su poder se hace excesivo, se usa un modelo más democrático: ceder el poder a las celebrities», explica el profesor Nueno. Una estrategia de comunicación que usan también firmas como Zara, que se publicitó con Kate Moss hace tiempo, o Mango, que también lo ha hecho y ha basado su comunicación muchas veces en tops como Claudia Schiffer, Karolina Kurkova, como lo hace ahora con Miranda Kerr.

Y no solo eso, como bien explica el profesor Nueno, «el mercado masivo copia los estilos del lujo, los necesita. Pero también es algo que necesita el lujo, porque si no se difunden, nunca tendrán impacto masivo ni llegarán nunca a ser una moda». Y además, ahora «hay un mercado masivo que quiere tener un componente de creación», afirma Nueno, por eso H&M lanza esas colecciones de grandes diseñadores o personalities y, al igual que Mango o Topshop, con celebrities. «Zara edita moda, cree en ella, no tendrá nunca una celebrity detrás, tiene otras disciplinas, como generar referencias por declinación e inspiración de estilos de la calle», dice Nueno. Estas estrategias también las usan firmas de deporte o jeans. Diesel consiguió llegar a una gama más alta inspirada en el prêt-à-porter del lujo con Diesel Black Gold, con Sophia Kokosalaki, que venía del lujo, y Pepe Jeans sacó una colección con una Sienna Miller en la cresta de su recién estrenada fama, asociándose al star system (y ya hemos visto el boom de colaboraciones en la industria deportiva). Ramón Fano, de Neo2, opina sobre el fenómeno: «El culto a la celebrity en realidad es la explotación de un soporte publicitario, como una marquesina o una página de publicidad. Un anuncio andante. A la moda no le interesa la cultura de moda, le interesa el consumo».

Todo parece indicar que en el futuro el lujo irá avanzando y el mercado masivo metabolizando: «Vamos a trasladar más el lujo a lo cotidiano, a servicios que no se pueden deslocalizar: hoteles, restaurantes, spas, etcétera. Y se trasladará muchísimo a la electrónica, coches, aviones, helicópteros, relojes y joyería, más relevantes para un consumidor joven que entra en este mercado», dice Nueno. Las firmas de lujo hacen hoteles y spas —Bvlgari, Lacroix, Armani, Versace, entre otros—, interiores de aviones y coches —Versace, YSL, entre otros— o helicópteros —Hermès, Versace—, la alta joyería y bisutería es la nueva apuesta fuerte de los complementos (LVMH compró Bvlgari), y respecto a la tecnología solo hay que mencionar unos ejemplos: Armani con Samsung, Diane von Furstenberg con Samsung y Prada (LG) o Dior, Chanel, Dolce & Gabbana, muchas firmas lanzan aplicaciones como Ralph Lauren, Donna Karan, Tommy Hilfiger, entre otras... Y las firmas masivas también se suben a este tren.

CÓMO SOBREVIVIR AL SÁNDWICH LUJO/MAINSTREAM

Entre estos dos polos poderosos y no tan opuestos sobreviven firmas y creadores con una estructura empresarial más reducida, en general independientes, con precios intermedios, aunque existen cadenas como las firmas francesas Sandro, Maje, Zadig & Voltaire o Comptoir des Cotonniers que son un ejemplo de modelo de negocio y un producto que funciona en tiendas propias y departamentales. Los creadores independientes no suelen tener puntos de venta propios hasta que tienen una masa crítica suficiente de compradores (en algunos casos auténticos fans, es lo deseable para un inversor). Comienzan a vender sobre todo en tiendas multimarca, grandes almacenes/tiendas departamentales internacionales en Europa, o en los suculentos mercados estadounidense, japonés y árabe y/o online, y una vez conseguida aceptación se lanzan con discreción al punto de venta propio en ciudades estratégicas, en mercados que piensan que puedan autofinanciar en poco tiempo la inversión que supone. Firmas como Vanessa Bruno, Isabel Marant, Paul & Joe, o más asequibles, como las mencionadas Maje, Sandro o cualquiera de nuestros diseñadores españoles, entre otros, se encuentran en esa media franja; no solo tienen que luchar para que el mercado masivo no les copie y competir contra sus atractivos precios, sino que tienen que sortear las posibles jugarretas de los grandes del lujo y su omnipresencia mediática. «Para cerrar la hora del desfile en París te llega un listado de horas y sitios, dependes del que desfila antes y después para que tu desfile no pille en la otra punta y la gente, modelos y prensa puedan ir. Saint Laurent se reserva seis horas y hemos visto barbaridades como que Givenchy retrase el desfile hora y media porque desfila detrás Meunier y luego Dior Homme, y así el autobús no llega a Meunier y va directo a Dior (que es de su grupo)», me dicen en Spastor. Me ponen otro ejemplo: «Los grupos grandes se apoderan de todo, tienen mucho poder. El grupo Prada después de las colecciones acapara toda la prensa para ser los primeros en aparecer en ella: desde ese momento les dan acceso a la ropa».

Le pregunto a Eugenia de la Torriente la estrategia para que estas firmas sobrevivan: «En ese rango de productos hay que equilibrar con precisión dos aspectos fundamentales, la calidad, que debe estar claramente por encima del mercado masivo, y el precio, que debe estar ostensiblemente por debajo del de la industria del lujo». Un primer dato a tener en cuenta, junto con el segundo que apunta el profesor José Luis Nueno: «Tienen que tener su propio canal de distribución, en España tienen que estar en El Corte Inglés, por ejemplo, que cumple ese papel de tienda departamental, e internacionalmente en los correspondientes, además de apoyarse más en la venta online para ciertos productos y licencias. El modelo de tienda multimarca va a ser cada vez más complejo». Y es que las tiendas multimarca redujeron su porcentaje de mercado en 2006 del 34 al 32 por ciento. El canal tradicional multimarca fue el que durante otro año consecutivo perdió más cuota de mercado en comparación con otros canales de distribución y hoy la tienda multimarca supone únicamente el 23 por ciento del total del mercado, frente al 58,8 por ciento que suponía en 1993,⁷ los más perjudicados entre las cadenas, las grandes superficies o los outlets, que aumentaron su cuota de mercado o permanecieron estables, una tendencia que les plantea un futuro incierto o de reinvención. En Spastor explican el problema de esas tiendas y cómo repercute en diseñadores como ellos: «Las tiendas necesitan vender y venden lo que sale más en las revistas, que son marcas internacionales. Nos gustaría vender más, pero en España solo lo hacemos en una, las tiendas que nos podrían comprar no van a apostar por nosotros porque necesitan lo que venden más fácilmente y apuestan por eso».

Cuando visité a Bimba Bosé le pregunté cómo sobreviven ellos, que han tenido una repercusión en prensa bastante llamativa para ser jóvenes y españoles: «Sobrevivimos por la pasión y el grado de ilusión y fe que tenemos en el proyecto. Nos hemos mantenido fieles a nosotros mismos, desde el principio teníamos un propósito y seguimos el camino hacia delante, nos encanta la moda, nos ha proporcionado mucho y a través de ella podemos expresar un montón de cosas. Nos unen muchos vínculos; es como una empresa familiar que nos lleva a diversos sitios. También es difícil, como empresa hasta ahora no empezamos a ver un poco la luz. Empezamos a ver claro hacia dónde ir y nos ha ido superbién siempre mediáticamente, nuestra ropa se ha vendido. Hasta ahora hemos intentado muchísimas cosas, siempre creyendo en el prêt-à-porter y declinándolo —en su línea DA, camisetas, colaboraciones con Converse, Inoxcrom o DAC para hacer alfombras, gafas...—. Y la música, la fotografía y todo eso también se convierte en producto, algo que podemos vender, que conforma Davidelfin, y lo hemos aprovechado para sobrevivir».

INDUSTRIA DE LA MODA EN ESPAÑA. ¿UN ESPEJISMO?

Hay una especie de creencia de que la moda española no existe, y no es cierto: «La moda ya es en España un negocio muy importante. La empresa mejor valorada es Inditex. El sector tiene una importancia nada desdeñable en nuestra economía. Otro debate es cómo conseguir que el negocio esté en la creación original y relevante, no solamente en grandes cadenas de producción y distribución masiva», dice Eugenia de la Torriente con todo el sentido común. Empresas como Mango o Cortefiel también son un éxito internacional a nivel industrial, pero es en el negocio de creación original donde no hay una situación óptima, es nuestro verdadero talón de Aquiles. José Luis Nueno, que se define a sí mismo con ironía como «el Armagedón de Gaudí» porque le encargaron la auditoría de la pasarela cuyo resultado fue su desmantelación, me da su punto de vista: «No tengo nada en contra de las pasarelas, son fantásticas. Lo que no tengo tan claro es que la Administración tenga que pagárselas a los diseñadores. Una pasarela tiene que ser independiente, con financiación del sector privado vía patrocinadores y sponsors, tiene que llamar a compradores de tiendas departamentales mundiales, y cadenas multimarca y detallistas referentes de este tipo de producto —en cada país hay veinte o treinta— deberían estar presentes. Además, tienen que conseguir un efecto llamada entre la prensa de moda relevante internacionalmente. ¿Qué pasa con las pasarelas en España? No vienen compradores ni periodistas internacionales relevantes y lo paga casi todo la Administración. Es un “show de circuito de cerrado” en el que los mismos amiguetes se hacen la pelota gastando el dinero del contribuyente. No generan tejido industrial», afirma. Y lo dice con conocimiento de causa: «Cuando hicimos nuestro análisis en Barcelona, vimos que, de todos los que desfilaban, había tres o cuatro que tenían negocios viables y vendían bien. El resto solo hacían una pequeña colección para desfilar y vivían de la subvención que sacaban para eso, y el tío que organizaba todo esto choriceaba, porque le costaba una fracción de lo que decía que le costaba. Eso es lo que no me parecía bien, y en Madrid pasa ahora exactamente eso mismo».

En Madrid, Ifema, con el respaldo de la Comunidad de Madrid y sponsors privados, pagaba la pasarela Cibeles, ahora Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, cuyos patrocinadores principales son la mencionada marca de coches, L’Oréal (patrocinador histórico ya de la pasarela) e Inditex, que hace poco ha entrado. La Asociación ACME (a la que pertenecen Ágatha Ruiz de la Prada, Ailanto, Alma Aguilar, Amaya Arzuaga, Ángel Schlesser, Antonio Pernas, Modesto Lomba, Spastor, Ana Locking, Carmen March, Fernando Lemoniez, Miguel Palacio, Juanjo Oliva, Javier Larraínzar, Andrés Sardá, Davidelfin, Devota & Lomba, Ion Fiz, Elio Berhanyer, Francis Montesinos, Del Pozo, José Miró, Juan Duyos, Kina Fernández, Lydia Delgado, Miriam Ocariz, Roberto Torretta y Victorio & Lucchino, etcétera, y hasta 46 diseñadores) intenta luchar por unos intereses comunes. En 2012 recibió 600.000 euros (500.000 de la Comunidad de Madrid y 100.000 del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte) y concede ayudas a sus asociados de hasta 6.000 euros para cada pasarela. Una gran subvención de la que no se ven resultados visibles ni demasiado reseñables hasta la fecha, ni se ve que haya una gestión excesivamente trasparente ni business oriented y que quizás habría que replantear en fórmulas de ayudas más eficaces y rentables para crear vínculos con la industria, incentivos a la productividad, búsqueda de inversores, investigación de mercados y un empeño más realista en desarrollo sostenible en el apoyo a la creación de moda española. Las autoridades no hacen un seguimiento y control demasiado pormenorizado y los diseñadores que no están en esa asociación, no tienen subvención. Algunos que la llevan recibiendo durante años no tienen resultado comercial visible ni interés relevante, un aspecto que debería hacer replantearse la necesidad de una mayor profesionalización del lado empresarial de las firmas en el juego normal de la ley de la oferta y la demanda de cualquier negocio. Por otro lado, algunos de esos diseñadores tampoco son un patrimonio cultural relevante merecedor de que el Estado vele por ellos y proteja su supervivencia, un fin que se entendería perfectamente si lo fueran. Por su interés cultural, pero, por ejemplo, sí tiene interés cultural la artesanía textil de nuestras regiones y no se protege con el mismo interés ni se potencia de la misma forma al no tener un escaparate mediático detrás, pero son un patrimonio cultural indudable.

Nueno, en su día, propuso una solución a Gaudí: «Di un plan alternativo: que los diseñadores desfilen en las pasarelas internacionales y que las de aquí se utilicen para talento joven, darles visibilidad y que así encuentren un industrial que les produzca sus colecciones. En Madrid habría que hacer lo mismo; tienen la sensación de que como no está Gaudí lo están haciendo bien. Pero ¿cuánto producen y dónde venden? Y eso que tienen ayuda de El Corte Inglés, que vende algunos productos de los que desfilan. Las pasarelas me parecen un mecanismo barato de promocionar las marcas, pero estas tienen que ser autosuficientes en el sentido de que sean tan buenas que seduzcan a los sponsors, prensa y compradores por sí mismos. Por ejemplo, a TCN le ha ido genial sin Gaudí, hace su desfile al margen de los de Madrid, que no ha querido acogerlos, y también a Josep Font. Los que son buenos, cuando se van de esa “mugre” brillan, los mediocres tienen miedo de que se les acaba todo esto».

Pero, por otra parte, es cierto que los diseñadores se encuentran con problemas. Juan Duyos lo explica: «En España es un delirio lo que ocurre en el mundo de la moda, en ningún país un diseñador está solo; tiene un grupo empresarial detrás, que le defiende y apoya, y hacen dinero con su idea. Aquí no existe, y mientras no exista ese modelo la moda española no va a funcionar».

Reflexiono sobre las palabras de Nueno de vender en tiendas departamentales nacionales o internacionales para abrirse camino. Muchos de ellos, como Juanjo Oliva o Spastor, por mencionar solo algunos, podrían encajar en el mercado estadounidense. Recuerdo que los de Spastor me dijeron que no podrían afrontar el gasto del pedido que les pudieran hacer, algo que no ocurriría si tuvieran un respaldo empresarial detrás, alguien que quisiera hacer dinero con su producto. Juan Duyos me lo confirma: «Ese tipo de compradores no nos harían ningún favor, te compran una colección... ¿Y cómo la produces? No tienes un equipo de producción detrás; las fábricas te piden dinero para hacer 4.000 prendas».

Pero tengo la esperanza de que es una vía posible porque la firma española La Casita de Wendy (Inés e Iván y todo un equipo), sin subvención, con un producto bastante especial no precisamente comercial (y menos cuando empezaron), pidieron un aval y se arriesgaron confiando en su proyecto, como hacen las empresas normalmente, y lo consiguieron. ¿No hay un refrán que dice que quien no arriesga no gana? Hoy venden en Barneys, de hecho les pusieron un corner cuando les empezaron a comprar y tienen cincuenta puntos de venta para su primera línea y ochenta de la segunda, Happy. En la tienda japonesa (Hong Kong) Cocktail escogieron sus diseños como imagen de la temporada primavera/verano 2008 para la publicidad de sus establecimientos. Su sistema ha sido ir a ferias internacionales y vender, creciendo muy poco a poco, formándose como empresarios una filosofía que profundiza en la responsabilidad social y medioambiental, siempre han apostado por prendas artesanales como imagen, además de otras industrializables para vender sin perder su identidad ni rebajarla, prescindiendo muchas veces de desfilar para centrarse en vender, que es lo que sostiene su firma. Todo un ejemplo de viabilidad de una empresa joven, de creación y española, un ejemplo para la creación patria que ha encontrado su fórmula de negocio, camino que encuentran también empresas tan diversas como Camper,⁸ El Ganso, Steve Mono, Helena Rohner, Sister Jane, Malababa, Maloles, Patricia Nicolás, Pretty Ballerinas, Ananda Pascual, Uno de 50, Fun & Basics, Hoss Intropia, La Condesa Conde, Raasta, Hakei, entre otros muchos ejemplos que nos hablan de que hay una generación de nuevos emprendedores muy diversos que esperemos que reformulen el made in Spain y lo hagan más internacional, más competitivo y creativo; por ejemplo, la moda infantil española es cada vez más demandada y la nupcial funciona bien fuera, un 15 por ciento de las exportaciones textiles son debidas a las bodas.

Los diseñadores españoles también se encuentran con que los consumidores patrios prefieren productos extranjeros a los suyos, la solución siempre pasa por abrir mercados y se puede hacer desde la humildad, como Steve Mono, de una pequeña empresa, o a lo grande como la expansión internacional que ha hecho la firma Desigual. Le pregunto a Aitor Azua, ex jefe de compras de la tienda multimarca madrileña Isolée y que actualmente trabaja en Armani, si estamos dispuestos a gastarnos más dinero en diseñadores extranjeros que en españoles. «Muchas veces estamos predispuestos a comprar lo que nos meten por los ojos y considero que las campañas publicitarias de muchas firmas extranjeras que invierten enormes sumas de dinero en ellas son un enorme reclamo para el público. Hasta alguna de nuestras abuelas sabe ya decir Dolce & Gabbana», comenta bromeando. Tengo la duda de qué precio empezaría a ser una resistencia a la compra en una prenda o accesorio nacional. «Cualquiera que sea más caro de lo que hubiera costado la misma prenda pero con la etiqueta de Prada por ejemplo», explica Aitor. Y de repente, haciendo un paralelismo, me da por pensar que con las firmas españolas ocurre lo mismo que con las modelos de aquí, se valoran menos, y recuerdo las palabras de Fernando Merino: «A mí me encanta dirigir la carrera de una modelo. Tengo el hándicap de que vivo en España; ni te apoyan los fotógrafos ni las revistas, y es mi lucha. En general no apuestan, cuesta mucho, a excepción de Natalia Bengoechea, Telva como revista y alguna más que quiere gente joven y nueva. Es un gusto, porque potencian a estas niñas y les dan la oportunidad de que vayan abriéndose camino. Aquí no hay nadie que tenga un poder de convicción tal que todos los demás le sigan. Te frustras mucho en este aspecto. ¿Cuál es la salida? Mandarlas fuera».

Quizás sentimos que aún estamos en la periferia de la creación de moda, nos falta aprender a confiar en un discurso creativo propio, hacer productos competitivos y de calidad, dar valor a lo nuestro, darles visibilidad internacional, potenciarlos, sean artesanos, diseñadores, modelos, fotógrafos, revistas o pasarelas, planteando un discurso válido propio y sin sobrevalorar más lo extranjero frente a lo nuestro. Hay algo de cainismo en el comportamiento de la creación de moda española, de complejo y pudor frente a lo de fuera. Y vuelvo a recordar las palabras de Fernando, y me río porque son verdad: «Si en el exterior a las firmas les diera por sacar solo modelos pelirrojas, tendríamos a las estilistas y revistas españolas como locas pidiendo pelirrojas. ¡Cuando las pelirrojas en España se mueren de hambre!». Aun así, un nuevo made in Spain en moda va surgiendo, esperemos que desde las propias instituciones se sepa potenciar sin malcriarlos, ni asfixiarlos.

JÓVENES DISEÑADORES ESPAÑOLES, ABRIÉNDOSE PASO

Los jóvenes diseñadores de talento son el futuro de la moda. Eugenia de la Torriente recuerda algunos relevos internacionales significativos: «Conviene tener perspectiva; Galliano aterrizó en Dior en 1996 estableciendo un modelo de transgresión-tradición que ha sido replicado muchas veces. Hace casi treinta años que Karl Lagerfeld fue llamado a rescatar a Chanel del olvido y no hay momento más emblemático que cuando Yves Saint Laurent tomó el relevo de Christian Dior (1958). De los recientes, fue llamativo el de Nicolas Ghesquière (Balenciaga, donde ahora está Alexander Wang), que emocionó por igual a críticos y público sibarita y se declinó hacia la calle. Colección tras colección, ha ejercido un indiscutible liderazgo en el rumbo de la estética contemporánea». Queda demostrado que la savia nueva es necesaria para que cualquier industria evolucione, por eso, por ejemplo, directoras de revistas de moda como Anna Wintour (Vogue USA), Carla Sozanni (Vogue Italia) o estilistas de prestigio como Carine Roitfeld hacen links entre creatividad e industria para apoyar a sus jóvenes talentos y diseñadores patrios. Manolo Blahnik me habló de la primera de ellas: «La señora Wintour es fantástica para promocionar el talento, es de verdad una de las mujeres que más admiro, se ha portado siempre fantásticamente, porque cuando ve algo que le gusta, lo empuja hasta el final».

Pero ¿qué pasa en España con los jóvenes talentos? Emergen como hemos visto buscando sus fórmulas. Quedé con Andrés Aberasturi, alma máter de la pasarela joven Ego, para saberlo de primera mano. Le encontré con sobredosis de realismo. Llegó a la moda por casualidad: «Organizamos un desfile benéfico para la Fundación de Niños con Parálisis Cerebral (en la que está mi hermano) con los diseñadores de ACME y alguno más. Salió muy bien, conocí gente más joven de la moda, llevé la comunicación de Roberto Diz, vi Circuit, el sistema de pasarelas, y después de hablar con muchos diseñadores jóvenes de Madrid se me ocurrió hacer una pasarela para ese perfil». Desarrolló el proyecto con su empresa, Pelonio, y paseó un libro blanco intentando conseguir apoyos y patrocinadores. Además dio con Cuca Solana (directora de la pasarela desde 1986): «Ellos andaban buscando un proyecto así, vieron que estaba lo suficientemente armado para hacerlo medio rápido, que no era muy caro, se lo apropiaron y me pusieron de figura de comisario», dice. De esta forma, Ego se convierte en plataforma para diseñadores y firmas jóvenes de toda España desde 2006. Andrés comenta que para los sponsors privados es atractivo: «Su capacidad de proyectarse en medios, meterse en moda, asociarse a la cultura y vanguardia, su frescura, su rollo positivo y lúdico». Actualmente desfilan diez diseñadores y participan en el showroom de ventas que se celebra durante los días de la pasarela, unos veinte.⁹

Sofía Clarí ha trabajado en Ego muchos años buscando diseñadores que luego filtra un comité, conoce la situación de las escuelas españolas de cerca y me dice que es mejor que hace años pese a que en Estados Unidos, Inglaterra o Francia esos estudios llevan más de medio siglo funcionado: «Hay muchas escuelas, sobre todo privadas. En Madrid existe opción pública, la Escuela de Arte 2, pero en otras provincias no. En el sur, por ejemplo, solo hay dos escuelas privadas. Son estudios relativamente nuevos en España; antes no estaban homologados. Barcelona tiene tradición textil y eso facilita las cosas».¹⁰ Por otro lado, hay pasarelas jóvenes que han corrido o corren diferente suerte —Modorra, Ego, Murcia, Creamoda en Bilbao, la pasarela Mustang, el premio Brugal, el concurso de la firma Mango y otros certámenes en Galicia, Canarias y Andalucía, entre otros— que también son un escenario más alentador, pero quizás son fórmulas que estén también por reinventar. Andrés comenta el «pero» del asunto: «¿Cuál es el problema? Conceptualmente, la moda interesa y es un hecho cultural, pero la industria no existe, salvo Zara, Mango y alguno más», dice, y con la crisis y la deslocalización, la situación no ha mejorado precisamente.

Y pasa a ejemplificar en diferentes perfiles de jóvenes talentos lo que les afecta esa carencia de industria e inversión. Explica que por Ego han pasado tres tipos de diseñadores: los flor de un día (a los que no se va a referir), los genios y las empresas. Comenzando con los genios, me habla de Rubén Gómez: «Es un personaje, buena gente, no tiene inseguridades ni cosas raras y es muy listo, pero le veo incapaz de hacer una empresa. Este perfil lo que tiene es que hay que desarrollar su carrera y acabar trabajando en una empresa como diseñador estrella. El problema es que en España, a no ser que en una firma alguien se dé un golpe en la ducha o haya un relevo generacional, no pasará.¹¹ Lois y Converse han apoyado a Carlos Díez, pero no hacen una apuesta fuerte, se quedan a medio camino y no hay una producción. Rubén me pregunta que si se tiene que ir fuera. Posiblemente. Yo al principio decía que no».

Como ejemplo de empresa me ponía a Beachcouture, que conoce muy de cerca, antes de que esta cerrara: «Se conocieron trabajando en Cortefiel, son sociedad limitada, tienen gestor, producen en Portugal, tienen distribuidores, han hecho el trabajo industrial y empresarial, rentabilizaron Ego, tuvieron una proyección mediática, su producto se vende en tiendas concretas... ¿Qué pasa? No consiguen dar el salto, vender lo suficiente como para vivir de ello; tienen otros trabajos», explica. Dice que este ha sido el ejemplo más frustrante para él. Y como no quiere resultar derrotista pone otro ejemplo más que no ha pasado por Ego: «La experiencia de El Ganso. Han cogido el concepto british de universidad. Han prescindido de comunicación y pasarelas, y sacan un producto que no es caro, gusta y venden. Igual la solución pasa por ahí».

Internacionalmente, muchas multinacionales apuestan por un diseñador poniéndolo como director creativo de una firma —Marc Jacobs y Louis Vuitton o Wang en Balenciaga o Hussein Chalayan en Puma— y participando en las suyas propias con inversión de capital y como propietarios de parte de ellas. No solo les permite potenciar sus firmas, sino que también aumentan su cartera con nuevas marcas jóvenes. En España aún no hemos llegado a ese grado de fe en el talento autóctono ni al desarrollo en moda de países vecinos como Francia o Italia, maridajes como el de Duyos y Don Algodón, Tintoretto y Lemoniez, Naf Naf y Ailanto, Miriam Ocariz con Armand Basi, Armand Basi con Markus Lupfer o Nicolas Baudelet con El Caballo, entre otros, se quedaron a medio camino.

Andrés, con la experiencia de Ego, tiene claro el sistema patrio: «Al Estado español el sector de moda le interesa como producto cultural y valor añadido de diseño. Asumiendo que no se va a producir y fabricar mucho aquí, lo que tenemos que ofrecer es diseño. Estaría bien fomentarlo y entonces nos metemos en el otro gran tema: las subvenciones, ese dinero está previsto y mal empleado». Le pregunto a Andrés si quizás sería más efectivo, o complementario, dirigir esfuerzos en hacer conexiones entre industria y creatividad patria, y lo corrobora: «Nuestra labor, en un mundo “maravilloso”, sería esa, hacer un link con productores, compradores, distribuidores e industria y tener una pequeña fabriquita subvencionada que permitiese hacer primeras colecciones a precios razonables a una serie de diseñadores jóvenes». Además, valora la situación actual: «Tengo la sensación de que la relación entre instituciones y diseñadores ha establecido una actitud que estropea más el tema de la industria. El Estado ha asumido un papel de padre, muy a la española y muy improvisado. Viene de los ochenta, cuando se hizo Cibeles y se decide subvencionar a los diseñadores; entonces tenía sentido, veníamos de la “Movida”. El problema es que no se ha sabido salir de eso. Hay que pensar qué tipo de perfil industrial apoyaría a estos jóvenes y contabilizarlo», propone, y me dice que montar Ego supone tal esfuerzo que no le permite realizar ese link todo lo que quisiera, aunque me consta que ayuda todo lo que puede y más, como ayudó a Durán a encontrar a Rubén Gómez para hacer su colección de joyas:¹² «Ego no es un proyecto pensado a medio plazo, se presentó un esbozo de lo que podría llegar a ser y se ha quedado ahí. Da la sensación de que es una cuestión más de imagen y parche», comenta.

Sofía Clarí se dedicó también a aconsejar a los diseñadores de Ego (cuando fue su directora creativa) y conducirlos, porque para muchos era su primer desfile. «A los nuevos siempre les aconsejaba mirar otras opciones de trabajo también. No todo es hacer su marca, y antes es muy importante tener experiencias con otros diseñadores, en empresas, haciendo estilismos o prensa. Hay muchas actividades relacionadas con la moda y no todo el mundo vale para hacer su firma. Hay que ser un Supermán con cualidades empresariales y creativas. Normalmente el que es creativo no es empresario, es un equilibrio difícil que requiere encontrar el equipo adecuado». Afirma que la unión hace la fuerza: «Juntarse al confeccionar, al comprar tejidos, eliminar el secretismo absurdo. Es bueno. Si van tres diseñadores al mismo taller, el precio es mejor y el taller funciona. Se está haciendo, es una manera de salir». Y también los tándems creativos diseñador-empresario.

Y pese al nulo apoyo industrial, con los jóvenes de Ego se producen ciertas «casualidades» inquietantes, como pasa con la originalidad allá donde surge: «He visto cosas en Blanco calcadas de diseñadores de Ego en el escaparate la temporada posterior. Es normal. Es a donde tiene que ir un coolhunter, a eventos como Ego. Mucho de lo que aparece en grandes firmas o cadenas viene de diseñadores desconocidos que no llegan a nada porque no tienen medios», dice Sofía. Andrés Aberasturi reflexiona sobre esos «paralelismos» que también ha visto: «Justificaría Ego porque está alimentando a una industria, aunque sea de ideas. Pero no me parece justo; los diseñadores deberían llevarse algo. Es más honesto pedirles ideas. El diseñador ganaría dinero y autoestima, que no está mal. Y no esa manera sucia de venir, verlo, hacer un report al jefe de diseño, que vea las líneas comunes y las aplique en su colección. Lo interesante sería crear un link entre la industria, los inversores y los diseñadores». Dicho queda.

LA TERCERA VÍA: SLOW FASHION

La veterana diseñadora Vivienne Westwood pidió en una conferencia hace más de cuatro años que se pusiera fin al «consumo indiscriminado» al tiempo que exponía un principio de la slow fashion: «Tenemos que usar ropa, pero si tienes que elegir algo, ahorra y elige bien». Una filosofía que se hace un hueco en oposición a la moda de usar y tirar. Entronca con el slow movement: la slow food, el slow design o las slow cities que promueven una forma de comer, diseñar o vivir sostenible, de forma pausada y bajo impacto, consumiendo lo necesario y preocupándose más de la calidad que de la cantidad. Los principios del slow movement promueven la diversidad, el apoyo a lo local, lo sostenible, el respeto a los ritmos y procesos naturales, por las personas y el fomento de la colaboración entre comunidades.

Gema Gómez lo explica: «A mi forma de verlo es, sobre todo, un estilo de vida que promueve “otro ritmo” más pausado y sereno que nos conviene mucho más como seres humanos, donde el valor y el lujo son el tiempo, la calidad de lo que consumimos, el bienestar y la salud personal, el cuidado de nuestro entorno, el disfrute de la vida; se trata de crear un equilibrio en nuestra vida, en nuestro día a día».

Donde primero han surgido adeptos es en la moda sostenible, comparten principios como respeto al entorno, por la diversidad, por crear prendas duraderas lo más naturales posible, sin marcar la estacionalidad sino que se acomoden según las necesidades de cada individuo, con procesos éticos, favoreciendo costumbres locales o artesanales y un consumo consciente.¹³ También aboga por una estética donde más que hacer una declaración de intenciones se buscan prendas que nos acompañen a lo largo del tiempo, que permanezcan en nuestros armarios más allá de las tendencias efímeras. Las tiendas departamentales Selfridges han visto el filón, y bajo el paraguas de No-Noise Initiative, tiene una Quiet Shop con diseños de firmas que promueven una elegancia contemporánea más allá de la modas, Céline, Margiela, Jil Sander, White Label (ACNE)¹⁴ o las joyas más atemporales del joyero Tom Binns, son algunos de sus reclamos. A la entrada de este Silent Room se le pide a los clientes que se descalcen y dejen sus elementos electrónicos fuera. Otra experiencia de este tipo de compra online es la marca que ha creado Lorenzo Fluxá, dueño de Camper, Medwinds, una manera tranquila y responsable de consumir moda que se realiza localmente y apoya el handmade.

«Cuando ves ciudades como Pekín con cielos embrumados, donde los niños no pueden salir ni al recreo a jugar y disfrutar del día te preguntas: ¿de verdad es esto el desarrollo? ¿Es ahí donde queremos llegar? Creo que no nos hemos hecho las buenas preguntas, nos hemos dejado llevar por un sistema que explota para satisfacer unas necesidades que creamos artificialmente, pero si usamos el sentido común, no necesitamos ni mucho menos todo lo que creemos que necesitamos para ser felices ni podemos seguir produciendo de espaldas a la naturaleza, porque si no hacemos nosotros los cambios, los hará ella, de hecho ya lo hace», comenta Gema Gómez.

El interés que suscita el slow fashion se ha reforzado más con la crisis económica, que saca a relucir más que nunca los grandes vicios de un sistema de consumo actual basado en un capitalismo salvaje (también en la industria textil) que cada vez presiona más, y que prioriza el beneficio económico frente al deterioro medioambiental, de las personas, los seres vivos y los recursos del planeta, que provoca grandes desigualdades en el reparto de la riqueza, y que se ha agudizado por la deslocalización, la fast fashion, la moda pronta, y el ritmo vertiginoso del lujo, las capsule collections, etcétera.

Diseñadores y firmas como Alabama Chanin, Alice Fern, Perse, Cortana (de la mallorquina Rosa Esteva), Giulia rien à mettre (de Giulia Mazzer), Ciel, Davina Hawthorne, Tibi, Eileen Fisher, Entermodal, Imogene + Willie, Lisa Aswell, Ananda Pascual, Study, The Reformation, Erika Weiner, Emil Erwin, Horses Cut Shop, Carrie Parry, Pendleton, Erin Templeton, Hendrikje Horsten, Keep & Share, Makepiece, Sandra Backlund, Slowear y Susan Cianciolo, y tantas otras que podemos encontrar en el Capítulo «La moda sostenible», se han adscrito expresamente, o están en la corriente, a este movimiento de la moda que cada vez son más, afortunadamente. Isabel Berz, directora del departamento de moda del IED, lo explica: «La rapidez del mundo de la moda está creando un contramovimiento: volver a la pieza única, a lo tradicional y artesanal, una slow fashion».

Diseñadores geniales como Azzedine Alaïa o Miguel Adrover, sin estar adscritos al movimiento, llegaron a conclusiones parecidas hace ya tiempo, incluso un fashionista como Stefano Gabbana se ha quejado más recientemente del ritmo al que la moda les obliga. Adrover ha sido firme defensor de hacer una colección al año, colabora con una firma ecológica y, aunque ha vuelto a desfilar en Nueva York, nunca se someterá al speed de la moda. Alaïa dejó de desfilar para presentar sus colecciones de prêt-à-porter en su atelier en el barrio parisino de Le Marais, donde tiene taller creativo, boutique y showroom; la venta online de ciertos productos también le supone una notable fuente de ingresos y su línea más asequible, Alaïa, funciona también bien. Lo comentaban desayunando Sergio e Ismael (Spastor) antes de la crisis: «Creo que todo esto va a empezar a cambiar», comenta el segundo. A lo que Sergio añadía: «Esto es una velocidad tan abismal que estamos viviendo un momento muy raro, una necesidad de no sé qué pero parece que todo tiene que ver con más, más y más». «Una carrera feroz a ver quién va primero», continúa Ismael. «Las precolecciones antes las hacían las grandes casas, ahora las empieza a hacer todo el mundo», explicaba Sergio. Las prendas de firmas de lujo potentes aparecen en las revistas antes de que la temporada comience: «Prada acaba el desfile y ese muestrario es para prensa, tiene otros tantos y también para ventas. Nosotros no llegamos a eso».

Y ocurre un curioso efecto paradójico de no asimilar todo lo que se muestra o que lo que se muestra se queme de inmediato o pase desapercibido entre tanta oferta. «Va tan rápido que no te da tiempo a asimilar, y cuando lo asimilas, ya ha pasado hace mucho», decía Sergio. «O cuando llega a las tiendas, piensas, ¿esto es antiguo? y no apetece», dice Ismael, ejemplificando esa paradoja actual que provoca la velocidad de la moda y que los más grandes se pueden permitir. «Es todo tan mediático y publicitario que hace que todo sea veloz, un speed tan brutal», comenta Sergio. Solo el hecho de que la industria de la moda vive seis meses adelantada a lo que los consumidores van a ver en las tiendas supone un subidón de adrenalina normal, una especie de jet lag al que ya estamos acostumbrados los que participamos, por una razón u otra, en este sector. Pero si uno piensa lo que genera esta rueda que nunca para, de trabajadores, resultados, impactos en prensa, ventas, compras, diseñadores, accesorios, desfiles, innovaciones, reediciones, revisitaciones, revamps, copias, segundas líneas, outlets, homenajes, nuevas firmas, vintage, segunda mano, nuevos tejidos, nuevos modelos de negocio, nuevos medios de comunicación, etcétera, a uno le entra cuando menos vértigo, e imagino que si eres un pequeño diseñador o firma, más aún...

Pero algo está en el aire y no a todos los diseñadores les conviene ese ritmo. El diseñador Rocabert antes de cerrar su empresa ya lo rumiaba. «He pensado en una colección anual para todo el año y que cada pieza vaya numerada».

Para los que se sientan identificados con esta filosofía también hay maneras individuales de hacerlo, Gema nos ilustra: «Lo más fácil y que está al alcance de cualquiera es consumir de manera responsable; producimos y compramos más de lo que realmente usamos, ¿o usamos todo lo que hay en nuestros armarios? La respuesta suele ser un no rotundo. Tenemos que aprender a ser conscientes de la cantidad de recursos, de materia, de agua, de energía, contaminación, etcétera, que se usa por cada camiseta o prenda que compramos y evitar las compras por impulso o de prendas que no vamos a utilizar apenas y que vamos a tirar casi nuevas a un vertedero. Intercambiar la ropa o comprar prendas vintage son dos buenas opciones también para dar la oportunidad de que cosas que no nos ponemos otros las usen y viceversa. Y por último, cuando vamos a comprar diría que más que “comprar”, “invirtamos en nuestra imagen” y compremos prendas atemporales que vayamos a usar porque nos gusten mucho y también que compremos a los diseñadores emergentes de slow fashion, para llevar ropa bonita por fuera y por dentro, para apoyar nuevos modelos de negocio basados en una ética y que realizan un esfuerzo enorme por salir adelante. Estas marcas, a diferencia de lo que puede parecer, no son “caras”, cuestan lo que tienen que costar, lo que es aparentemente barato es la explotación, que es en lo que se basan los grandes negocios de moda: si no pagas salarios dignos, ni internalizas los costes de la contaminación que produces, obviamente te salen mucho más fácilmente las cuentas».

El objetivo de esta filosofía es ir a lo esencial, a lo importante, no a lo urgente, priorizando la calidad, ya sea en las prendas, ya sea en la vida, que no tiene que ver con el derroche, sino al contrario. Para las firmas, el reto es comunicar sus productos, darles visibilidad en la vorágine de la moda actual, muchas veces valiéndose de internet y encontrando un lugar en el mercado, consiguiendo cubrir satisfactoriamente las necesidades del consumidor, del planeta y, por supuesto, de la empresa, disfrutando del bien común y contribuyendo a él.

Alguien me dijo una vez que las prisas matan y parece que hay creadores que empiezan a pensarlo también. Así que si empezamos este viaje por el estilo con la velocidad espitosa del mundo de la moda, lo acabamos con tranquilidad, con otra vuelta de tuerca inesperada de la reinvención de este increíble universo de la moda. Hay algo en esto de encontrar un ritmo propio que me parece que conecta con la búsqueda del estilo contemporáneo, de lo que es «tener estilo» hoy: consumir con sabiduría y vestir lo que uno cree de acuerdo a sus necesidades, pese a lo que nos dicten en cada momento. Cuando nos embarcamos en este viaje por el estilo le cedí honrada la palabra a Manolo Blahnik y me despido, también muy honrada, con él, que, de alguna manera, también ha conseguido adaptar la locura y la velocidad de la industria de la moda a su propio ritmo y visión con éxito: «Me siento español, siempre, no he perdido esa especie de interés por que alguien español rompa moldes fuera. A la gente que tiene talento en cualquier cosa la van a querer fuera, dentro y en todas partes. Eso ha pasado toda la vida: mira a Pedro Almodóvar, en cualquier parte del mundo reconocen sus películas, es una cuestión de ser fiel a uno mismo».

MÁS ALLÁ DEL ESTILO, TODA UNA INDUSTRIA

• La industria de la moda es una de las más potentes a nivel global, mueve más de un billón de dólares anuales.

• La industria del lujo y la del mercado masivo se retroalimentan, se inspiran mutuamente en sus diversas conductas y se necesitan una a la otra, aunque resulte irónico.

• Las firmas intermedias sobreviven en el sándwich lujo/mercado masivo: cuidando que el precio sea inferior al del de lujo y la calidad superior a la del mercado masivo, canales de distribución propios, estar presentes en tiendas departamentales y multimarca, reforzando la venta online y licenciando.

• La industria de la moda española existe. Inditex es un claro ejemplo nada desdeñable, seguido de Mango, Cortefiel o Desigual. Nuestro talón de Aquiles es la creación de moda propia, que peligra por falta de apoyo industrial, visión empresarial, inversión, confianza y apoyo eficaz a nuestros productos y artesanos y apoyo a la competitividad de los emprendedores.

• Los jóvenes interesados en trabajar en esta industria tienen escuelas públicas y privadas y diferentes títulos y estudios en universidades especializados en diferentes áreas. Además hay plataformas para mostrar su trabajo (ver a lo largo del Capítulo V).

• Está emergiendo un espíritu en la moda provocado por la mayor rapidez de la industria y las prendas de usar y tirar; conecta con el espíritu del movimiento de la slow fashion. Hacer moda de calidad a otro ritmo que no sea el que impone el sistema, valorando la creación propia, la diversidad, respeto por el medio ambiente y los derechos humanos y lo artesanal. En el lado de los consumidores, supone un consumo responsable de moda donde prima la calidad más que la cantidad, una nueva forma de vivir y entender la moda más cercana a lo esencial.

• Ser fiel a uno mismo es la mejor forma de tener un estilo propio, tanto en la industria de la moda como en la vida.

Notas

1. Diccionario de la lengua española de la Real Academia Española (vigésima segunda edición, 2001).

2. Diseñador industrial y arquitecto. Su mujer, Ray Eames, hizo también estampados de tejidos.

3. Como es sabido, Amy Winehouse murió el 23 de julio de 2011, después de realizar las entrevistas para este libro. La firma Fred Perry mantiene una colección en homenaje a ella.

4. Cantante egipcia-francesa de los años sesenta amante de Mitterrand.

5. Fundador y presidente de Inditex, el tercer hombre más rico del mundo según Forbes.

6. Colecciones que se intercalan entre las de primavera/verano y otoño/invierno que son hoy prácticamente tan extensas como estas.

7. Actualización del pasado.

8. Prendas de épocas pasadas de diseñadores o artistas reconocidos, una especie de segunda mano distinguida.

9. Tiendas donde se compran artículos de diversas firmas muy rebajados.

10. Término inglés que define el mercado masivo, para todos los públicos.

1. El bolso imprescindible de la temporada, según las firmas y las revistas.

2. Prendas o accesorios que las revistas consideran imprescindible adquirir esa temporada.

3. Las chicas de moda del momento (en países de habla hispana son llamadas «chica it»). En todas las épocas las ha habido, son referentes para una generación: en los 20 (Clara Bow, Joséphine Baker), en los 30 (Marlene Dietrich, Daisy Fellowes, Mae West), en los 40 (Betty Sable, Carmen Miranda), en los 50 (Audrey Hepburn, Marilyn Monroe), y en los 60 (Edie Sedgwick, Jane Birkin).

4. El diseñador Tom Ford regresó a la escena de la moda seis años después de su última colección para Gucci, en septiembre de 2010, con un desfile exclusivo de características parecidas a las mencionadas por Manolo Blahnik, para un grupo reducido de prensa e invitados y con modelos de excepción (Julianne Moore, Beyoncé, Marisa Berenson, Emmanuelle Seigner, Daphne Guinness, Lou Dillon, Lauren Hutton, Karen Elson, entre otras), emulando los desfiles de antaño en su tienda de la avenida Madison en Nueva York.

5. Diseñador estadounidense muy representativo de los años setenta y habitual de Studio 54.

6. Hay que decir que actualmente Victoria Beckham tiene su propia firma y ha refinado su estilo, aunque siga sin resultar natural; sus diseños pueden adquirirse online en net-a-porter.com y mytheresa.com. Sus diseños, curiosamente, tienen vocación de imperecederos y elegantes, y lo consiguen. Últimamente se le ha visto con bailarinas... ¿Estará mutando de nuevo?

7. Extravagante.

8. Llamativo, con mucho colores.

9. Adjetivo anglosajón que significa «sin esfuerzo».

10. Exdirectora del Vogue francés, edita CR Fashion Book, con un punto erótico, duro y con poderío galo.

11. (1903-1989). Mítica directora de Harper’s Bazaar desde 1937 y del Vogue USA desde 1962-1971, y asesora del Museo Metropolitano de Nueva York hasta su muerte.

12. Mítica editora inglesa, con un estilo victoriano, extravagante y actualizado, con una notable trayectoria en el Vogue UK, Tatler y The Sunday Times, descubridora de Alexander McQueen, Philip Treacy o Julien McDonald. Murió en mayo de 2007.

13. Rica heredera inglesa. Clienta importante de alta costura e icono de estilo y extravagancia británica actual.

14. Directora de moda y asesora creativa para Vogue Japón. En 2012 realizó una colaboración con la firma H&M con piezas que recrean su reconocible estilo barroco.

15. Colaboradora mítica del Vogue Italia, mujer extravagante donde las haya, jugaba con texturas, colores y siempre lucía sombrero o tocado y/o gafas llamativas. Falleció en 2012.

16. Mia Farrow, Ali McGraw o Jane Birkin, entre otras.

17. Tercera película de la directora Sofia Coppola, hija de Francis Ford Coppola.

18. Códigos de vestir o protocolos de vestimenta que se recomiendan en las invitaciones a eventos o actos ceremoniales.

19. El vestido de cóctel negro, también llamado petit robe noir.

20. Vestido recto ajustado, con o sin mangas.

21. Gabardina.

1. Tras cerrar su firma por quiebra, desde 2011 mantiene una colaboración con la firma Desigual (desigual.com). En julio de 2013 hizo la primera colección para la Maison Schiaparelli, quince piezas únicas que le rinden homenaje.

2. Galliano, tras proferir insultos nazis y racistas en una noche poco afortunada en la que fue grabado en un estado «nada respetable», fue despedido en 2011 de Dior y la firma que lleva su nombre le hizo ingresar en un proceso de rehabilitación de alcohol, somníferos y Valium. Fue llevado a juicio, del que salió más o menos airoso, con una multa de 6.000 euros que tendría que pagar si reincidía en los cinco próximos años. En 2012 le fue retirada la Legión de Honor concedida por Sarkozy en 2009. Actualmente, Raf Simons ocupa su puesto al frente de Dior.

3. Con los años, Ion ha diseñado prêt-à-porter, pantis, zapatos y bolsos (con Fosco), y con su propia colección, bisutería, prendas de montaña, una colección de zapatillas con Victoria, cuenta con un vino propio, ha abierto una tienda-córner en El Corte Inglés, ha hecho una colección de botas de agua con Gioseppo y una colección de muebles eco-chic para DBLOCK, y ha comenzado la internacionalización de su firma, abriéndose mercado en Rusia, Asia y varios emiratos; además, está vendiendo en ferias en París su prêt-à-porter.

4. Cerró su firma en octubre de 2008 tras la inesperada muerte de su padre, pero no descarta volver a la moda «buscando otra manera de hacerlo sin caer en antiguos errores y condicionantes».

5. Actualmente Nicola Formichetti es su director creativo, con el apoyo de Sébastien Peigné en la línea de mujer y Romain Kremer en la de hombre.

6. Ambas firmas fueron compradas al 75 por ciento y al 51 por ciento por el grupo Prada. Jil Sander se fue de su firma y volvió en 2003 para marcharse de nuevo en noviembre de 2004. Helmut Lang se fue a comienzos de 2005. Ambos por desavenencias con Patricio Bertelli (jefazo del grupo), que sustituyó a Lang por Michael y Nicole Colovos (cofundadores de la firma Habitual) y a Jil Sander por Raf Simons. En 2012, Jil Sander anunció que volvería a su propia firma, sin duda, uno de los retornos más esperados de la moda.

7. Hasta 1956 la diseñaron Lola Prusac, Jacques Delahaye, Catherine de Karolyi, Monsieur Levaillant, Nicole de Vesian, Eric Bergère, Claude Brouet, Tan Giudicelli, Marc Audibet, Veronique Nichanian y Mariot Chane.

8. Louis Vuitton Moët Chandon Hennessy. Primera multinacional del lujo.

9. Veveers fichó por Coach a mediados 2013, y fue sustituido al frente de Loewe por el británico Jonathan William Anderson.

10. Carine Roitfeld ahora publica su revista con Fashion Media Group, la compañía que edita Visionaire y V Magazine.

11. Recientemente se incorporó a Zegna.

12. theory.com.

13. Con un éxito asombroso y bien gestionado que la ha convertido en una influencia cada vez mayor no solo con sus propuestas, cada temporada, sino como modelo de negocio que gestiona desde la independencia, con una expansión estratégica internacional de tiendas tan coherente y poco arrogante como sus diseños.

14. Falleció tres años después que su mentora Isabella Blow, también en vísperas de la semana de la moda de Londres, ahorcado después de haber ingerido somníferos, cocaína y ansiolíticos tras la muerte de su madre, diez días antes, a la que estaba muy unido. Su funeral causó gran expectación mediática. Le sustituye al frente de su firma Sarah Gibbons, rescatando con acierto su legado.

1. Margiela abandonó su firma en 2009. Le sucedió Ivana Omazic, que estuvo en Céline antes de Phoebe Philo; tampoco concede entrevistas y es el equipo el que responde las entrevistas.

2. También llamado ready-made, describe el arte creado a partir de la modificación de objetos preexistentes o encontrados; lo instauró el artista Marcel Duchamp.

3. Fenómeno, en moda y música, del Reino Unido durante el año 2006. Se caracteriza por colores ácidos, estampados psicodélicos y volúmenes con reminiscencias del acid house, jeans, zapatillas, gafas de colores y un punto rock. En música fusiona elementos de la electrónica, el indie rock, música disco y punk rock.

4. El consejero delegado de Tod’s Group, Diego della Valle, compró la firma en 2006 (había cerrado en 1957) y está en el proceso de actualizarla.

5. Colabora con Swatch y Adidas.

6. DIY, «háztelo tú mismo». Se refiere a la práctica de reconvertir prendas, confeccionar parte de ellas o en su totalidad, adaptar y manufacturar, actualizar, reinventarlas, así como accesorios, mobiliario, etcétera.

1. Moda «pavo real» que apareció en Londres en los sesenta con influencias italianas, trajes con colores chillones con pañuelos en el cuello y chaquetas de terciopelo. Entonces había muchas tiendas de este tipo. Tommy Nutter fue uno de los sastres de los Beatles y Mike Jagger.

2. Stage; Berlin, London, the birth of a cult; Interzone; Portrait of a performancer; Costa da Caparica e Intermission.

3. Franz Ferdinand, Razor Light, The Libertines o Babyshambles, entre otros.

4. Líder en su día del grupo The Libertines y actual líder de Babyshambles.

5. Cantante con una estética intergaláctica muy revolucionaria (1944-1983).

6. (1778-1840). Aristócrata inglés. Se le atribuye la creación y haber puesto de moda el traje moderno de caballero con corbata o algún tipo de pañuelo anudado al cuello.

7. (1854-1900). Escritor, poeta y dramaturgo inglés que ejerció un papel importante en el movimiento estético y decadente. Se dejó el pelo largo y vistió con extravagancia.

8. (1808-1889). Escritor y crítico literario, autor de Las diabólicas (1874).

9. (1821-1867). Crítico y traductor francés, poeta maldito (rechazado por la sociedad burguesa), de vida bohemia marcada por los excesos. Autor de Las flores del mal.

10. Hotel Chevalier, 2007 (cortometraje, prólogo al viaje retratado en The Darjeeling Limited (Viaje a Darjeeling); Life Aquatic (Vida acuática), 2004, The Royal Tenenbaums (Los Tenenbaums: una familia de genios) 2001; Academia Rushmore, 1998, Bottle Rocket (Ladrón que roba a ladrón), 1996.

11. Produjo Love story y El padrino. El documental The Kids Stays in the picture recorre su vida y carrera profesional.

12. Músico británico, líder en su día del grupo Pulp.

13. Es una de las estilistas más famosas a nivel mundial, trabaja con los mejores fotógrafos, ha trabajado para Dazed & Confused, Another Magazine, Another Man, Fantastic Man o para firmas como McQueen o Givenchy entre otros muchos trabajos.

14. Líder del grupo Joy Division. Anton Corbijn dirigió la película Control sobre su vida en 2006, basada en el libro de Deborah Curtis Touching from a Distance sobre su difunto esposo.

15. Líder del grupo Nine Inch Nails.

16. Feria de streetwear que durante un tiempo se celebró en Barcelona. Ahora ha vuelto a su país de origen, Alemania. Hablaremos más de ella en el Capítulo XIII.

17. Neo2 de julio-agosto de 2007.

18. Zapatillas en terciopelo o tejidos ricos, tradicionalmente para casa y hoy también para el asfalto.

19. Un look de los pies a la cabeza del mismo diseñador.

1. La American Pet Products Manufacturers Association facturó 48,3 millones de dólares en 2010. En Alemania, los consumidores gastaron 3.000 millones de euros en complementos para mascotas, los países más consumidores que le siguen son Inglaterra, Francia y España. Las marcas Doggidog, Fabdog o Hannari son algunas de las más demandadas y se encuentran en tiendas como Pet à Porter.

2. Directora de vestuario con tres Oscar en su haber e innumerables nominaciones. Entre otras películas ha intervenido en Barry Lyndon, El expreso de medianoche, Memorias de África, la trilogía de El padrino, Vida acuática y Viaje a Darjeeling.

3. Posibilidades de elección.

4. Zapatos de tacones muy finos.

5. Hecho a mano.

6. El lienzo característico de la firma, con la L y la V entrelazadas.

7. Telas hechas de fibras naturales comunes en Asia, África, Indonesia y el Pacífico.

1. Venta privada con o sin desfile.

2. Estilista estrella, directora de Love, revista de culto, con anterioridad estuvo en The Face y en Dazed and Confused. Acaba de realizar una capsule collection para Hogan.

1. Al que pertenece también COS, Cheap Monday, Monki, Weekday y Conscious Collection, de reciente aparición.

2. Formado por varias líneas de negocio: Zara, Uterqüe, Pull & Bear, Massimo Dutti, Bershka, Stradivarius, Oysho, Zara Home y Kiddy’s Class.

3. Con varias líneas de negocio: Gap, Banana Republic, Old Navy y Piperlime.

4. Zara abrió su primera tienda en 1975 y en 1985 comenzó el negocio de moda rápida en el que hoy es líder. H&M creó en 1947 dos pequeñas tiendas, una de mujer —Hennes— y otra de hombre —Mauritz—, se expandió en las décadas posteriores por los países escandinavos y en los noventa por el mundo. Mango nació en 1968 en Barcelona y Gap un año más tarde en San Francisco. Topshop era un almacén en 1964, aunque el origen del grupo propietario, Arcadia, se remonta a comienzos del siglo XX. Primark nació en Dublín como una tienda llamada Penneys, en 1973 tenía 18 tiendas en Irlanda y comenzó a expandirse por Inglaterra, ahora tiene abiertas 256 tiendas en toda Europa. Pimkie nació en Francia en 1971, en las décadas de los ochenta y noventa abrieron 100 tiendas en Francia y comenzaron a expandirse por Europa, hoy tiene 753 tiendas en 26 países.

5. Tienda de segunda mano de París.

6. Todopoderosa directora de Vogue USA.

7. Estilista habitual de W, una de las revistas más influyentes de la moda.

8. Directora creativa del Vogue USA, fue modelo y después de desfigurarse la cara en un accidente comenzó a ser estilista. Es pelirroja y alta, con el pelo siempre suelto y ondulado, suele ir vestida con camisas blancas y pantalones masculinos negros, con los accesorios adecuados, natural y sencilla.

9. Fotógrafo de Vogue USA y Vogue Italia, hace las mejores campañas y reina en el Olimpo de los fotógrafos de moda desde hace décadas.

10. Despachos donde están los muestrarios de las colecciones a fin de que la prensa pueda verlos y fotografiar las prendas a tiempo para que salgan en las revistas de moda a la vez que esas colecciones están disponibles en las tiendas.

11. Fotógrafo de moda estadounidense nacido en 1946, uno de los más famosos hoy; su estilo se caracteriza por dar protagonismo al individuo y por un estilismo al servicio de la historia.

1. Luxury Goods Worlwide Market Study (Bain & Company).

2. Colgantes decorativos para el móvil, el bolso, etcétera.

3. Según el Instituto de Estadística británico, los artículos de lujo son los que más han incrementado sus precios en los diez últimos años.

4. Según el estudio sobre marcas de lujo realizado por The Nielsen Company (2011).

5. Según los estudios Risc 2000. En el ensayo «Tiempo de lujo, tiempo de marcas», de Elyette Roux, incluido en el libro El lujo eterno (Anagrama, Barcelona, 2004).

6. Se conoce desde el siglo XIV y se ha utilizado mucho en Europa desde el XIX, en que se hacían prendas infantiles y se mezclaba con otras fibras para hacer prendas femeninas de abrigo. En el siglo XX se utilizó también para confeccionar vestidos, abrigos, bufandas y suéteres.

7. Pueden ser cien por cien puras o mezclarse con otras.

8. Según un informe elaborado por la consultora Deloitte.

9. Informe publicado el 27 de febrero de 2012.

10. La ropa, el calzado y los accesorios son los productos en los que se ha producido el mayor incremento, pasando de un 20 por ciento a un 36 entre 2006 y 2008.

11. Fuente: estudio GP Bullhound.

1. En 2005 fue comprada por Adidas por 3.100 millones de euros.

1. Diseñadora, hija de Paul y Linda McCartney, conocida por su vegetarianismo y su compromiso con el medio ambiente, por no utilizar pieles de animales en sus diseños y por lanzar la primera línea de cosmética de lujo natural.

2. Revista estadounidense, uno de los referentes periodísticos de moda actual.

3. Conjuntos o petos.

4. Desde hace tres o cuatro temporadas, prácticamente todas las firmas internacionales de lujo hacen cuatro desfiles al año, los de la temporada primavera/verano y otoño/invierno y dos de precolección entre uno y otro.

5. Diseñador estadounidense de los ochenta, legendario por su estilo rupturista y su originalidad.

6. Lentejuelas.

7. Carolina Herrera: Portrait of a Fashion Icon, Assouline, Nueva York, 2004.

1. En el año 1984, la diseñadora ocupó portadas de periódicos al saludar a la primera ministra británica, Margaret Thatcher con una camiseta que ha pasado a la historia de la moda: «58% don’t want Pershing», en referencia a los misiles Pershing.

2. Marzo de 2012.

3. Cuando las condiciones de los trabajadores son justas.

4. Cuando las condiciones son justas y se trabaja directamente con los productores, ayudándoles a entrar en el comercio, y se invierte en el desarrollo de su comunidad para que salgan del subdesarrollo.

5. Premia el diseño sostenible en varias categorías, y cada ganador anual de ese premio, como Susan Woo en 2013, es un acierto.

6. Cada vez hay más tiendas físicas especializadas en moda eco: Maison Raasta, Naïve, Wabi Sabi, Coshop, Verding, Sa Tenda, Green Lifestyle, Belook, Piamonte, El Mundo al Revés, Olokuti, Boo Noire, Ekorropa, Ecozap, Enfant Terrible, entre otras muchas cuyas direcciones se pueden encontrar en internet.

7. Más de 50 millones de animales mueren anualmente por la industria de la moda.

8. La industria textil puede hacer mucho si sustituye el algodón convencional por orgánico, es loable que H&M aumente sus encargos de algodón orgánico un 20 por ciento en 2012, pero sería mucho más loable si solo usase algodón de este tipo, aunque algo es algo, y se agradece que la firma comience esta andadura.

9. Es el mayor arrecife de coral del mundo, situado frente a la costa de Queensland (noreste de Australia), se extiende 2.000 kilómetros y se distingue desde el espacio. Es el ser animal vivo más grande del mundo, formado por muchas colonias de corales. Fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco (1981) y es el hábitat de más de 1.500 distintas especies de peces, más de 4.000 de moluscos y unas 400 de coral, muchas en peligro de extinción.

10. 20.000 muertes anuales colaterales, además de degradación medioambiental.

11. El algodón, el bambú, la soja, el cáñamo o cualquier tejido ecológico orgánico deben tener certificaciones como el GOTS, Demeter, Skal, Soil Association, Fair Trade Foundation, FLO, IFAT, SBV Mark (Sustainable Biodegradable Product), FSC Certified, EU Eco-label, Fair Trade Certified Cotton, Agrocel, entre otras, que garantizan y aprueban su proceso de principio a fin.

12. Datos extraídos del informe «Moda sin tóxicos» de Greenpeace. greenpeace.com.

13. En 2012 reactivaron la campaña sobre empresas como Zara, donde frente a sus tiendas la presión social de más de 300.000 ciudadanos hizo que se comprometieran a eliminarlos. La presión sobre Levi’s y sus fábricas contaminantes en México acabó con un compromiso de dejar de contaminar en 2020. En diciembre de 2005 se celebró un desfile simbólico con prendas eco que cedieron diseñadores, como Sybilla. Bimba Bosé y Nicolás Coronado participaron como modelos poniendo su grano de arena a la causa. Benetton se unió a la Campaña sin Tóxicos, así como H&M, Mark & Spencer, Adidas, Nike y Puma, aunque marcas como Calvin Klein, Gap y Victoria’s Secret siguen usando y abusando de químicos con los que contaminan los ríos y no han establecido, como las demás mencionadas, un compromiso para dejar de hacerlo. Otro desfile simbólico de ropa comprometida lo organizó Amnistía Internacional el 18 de abril de 2013, sobre 10 prendas por las que se puede perder la vida en determinados países (una cartera para ir al colegio en Pakistán, unos pantalones en otros países). Para más información, es.amnesty.org/ropacomprometida/.

14. Un tercio en Europa, otro en Estados Unidos y un cuarto en Asia.

15. Asociación internacional que vela por las condiciones dignas de los trabajadores y que promueve la adhesión a los estándares laborales internacionales.

16. Informe «Fuera de juego», Oxfam International 2006, oxfam.es.

17. Zara renueva escaparates cada veinte días, tiene los plazos más cortos junto con Induyco.

18. La fundación Fabrics for Freedom abrió las puertas del primer showroom de tejidos ecológicos C.L.A.S.S. & FFF en Madrid en 2012. La fundación, referente nacional en textil ecológico y sostenibilidad en la moda, presidida por la diseñadora Sybilla, se unió al grupo italiano C.L.A.S.S. (Creativity, Lifestyle And Sustainable Synergy), eco-plataforma internacional fundada en 2007 especializada, al igual que FFF, en promocionar y promover la ecología en la moda y en los materiales y servicios asociados a ella. A partir de mediados de 2012, FFF se convirtió también en C.L.A.S.S. España con el compromiso de hacer llegar materiales y tejidos eco a una demanda cada vez mayor de diseñadores y marcas que quieren apostar por una moda creativa y al mismo tiempo ecológica. Partiendo de este compromiso, FFF tiene previsto poner en marcha diversos showrooms. fabricsforfreedom.com, classecohub.com.

19. Con su proyecto El Estudio, dan clases e imparten workshops relacionados con el diseño, el reciclaje y los negocios sostenibles.

20. Para interesados en información eco: consulta plataforma como Becool-beconciuous o blogs como Naturóticas, Ecomanía, Ecouterre, entre otras muchas. Pueden proporcionarte información eco interesante de muy diferentes ámbitos.

21. International Labour Organization, que vela por los derechos de los trabajadores.

22. Para el desarrollo sostenible.

23. Como el punto de oveja merina de las firmas Hugo Boss y Perry Ellis.

24. Indiferente, descuidado.

25. Ver diamondfacts.org.

1. Mujeres de los años veinte y treinta liberadas, un tanto andróginas para la época al llevar trajes saco con lentejuelas. Eran sufragistas, combativas cultural, social y económicamente.

2. Humo o niebla espesa.

3. Prestigioso fotógrafo de moda con el que hablaremos en el Capítulo XVII.

4. Expresión anglosajona que define a alguien que «ha sido» importante o relevante en algún sector.

5. Según Asepri (Asociación Española de Fabricantes de Productos para la Infancia).

6. Informe Mintel Internacional.

7. Director creativo de Louis Vuitton hasta 2013 su propia firma: Marc Jacobs.

1. Como el de Tavi Gevinson, thestylerookie.com, uno de los más reputados internacionalmente al ser Tavi un fenómeno prematuro de bloguera de moda.

2. Como la genial Josie Journal (josie.es), de Josie, un ejemplo de información de moda personal y refrescante.

3. José Luis Brea, Cultura_RAM, Barcelona, Gedisa, 2007.

4. Se convirtió en la primera «chica it de internet» y fue un fenómeno social en 2006, el primero, consiguiendo hacer una carrera de modelo tras conocer al fotógrafo Cobrasnake. Con dieciséis años tenía 13.000 visitas en su blog, la invitaban a fiestas con Paris Hilton y Lindsay Lohan, etcétera. Tuvo problemas de salud, sus padres la recluyeron en un internado y limitaron su acceso a la red. Es modelo (la imagen de Urban Decay o Sebastian, por ejemplo) y sigue haciendo sus incursiones en la red. Es una i-celebrity en toda regla aunque haya quedado relegada a un lugar en la memoria de muchos por la efervescencia de la blogosfera.

5. Butt es una revista erótica masculina. American Apparel inserta publicidad en muchas otras revistas cool de lo más diverso.

6. Entrevista publicada en Neo2, diciembre-enero de 2007.

7. Técnica artística por la que se toman elementos reconocibles de una obra para dar lugar a algo con un significado diferente.

1. Su puesto lo ocupa ahora Núria Dias.

2. Actualmente la firma no existe, tuvo que cerrar por falta de un socio empresarial pese a que hacían un producto muy interesante.

3. Género teatral surgido en el siglo XIX, del music hall y de espectáculos de vodevil con mujeres ligeras de ropa con corsés y ligueros. A comienzos del siglo XX surge el burlesco populista como una mezcla de sátira, performance y entretenimiento para adultos.

4. Relleno.

5. Que elevan el pecho.

6. Motivo de pequeñas flores, típicamente inglés.

7. El blog Petite Coquette es una buena guía si te interesa este tipo de lencería.

8. Sujetador con refuerzos con aspecto de balcón en el que sobresale el pecho.

9. Ropa de estar por casa.

10. Anudado o abrochado en el cuello.

11. La braga brasileña tiene un patrón que eleva el trasero, al igual que los bañadores brasileños, cuya braguita y sujetador potencian la silueta femenina a través del patrón y de la mínima expresión de tela.

1. Lo dorado, la megajoya o, mejor, joyón.

2. Adornos de materiales preciosos: oro, plata o platino, con perlas o piedras preciosas (o sin ellas).

3. Adornos hechos de materiales no preciosos.

4. Esta casa ahora vive un segundo esplendor con Gilles Dufour como director creativo y hoy hace la bisutería de Lanvin y Saint Laurent.

5. Collares cortos y contundentes.

6. Mujeres de la alta sociedad.

7. Diminuto «empedrado» de piedras preciosas.

8. El jefe supremo de la multinacional del lujo LVMH, propietaria, entre otras, de Dior, Loewe, etcétera.

1. El cuello redondo que encaja en la caja torácica, el normal.

2. Redondo pero más abierto.

3. Sin tirantes.

4. Recogen el hombro desde el final de la clavícula hasta la axila.

5. Refuerzo de tela que va alrededor de la costura entre el hombro y el brazo. Refuerza esa línea divisoria.

6. Corte debajo del pecho que lo encuadra.

7. Cortes curvos en el costado de la prenda que acentúan el talle.

8. Que va siendo más ancha hacia el final de la prenda.

9. Pieza donde se cose lo que se llama la volada de la camisa.

10. Se puede consultar en: cfda.com/programs/cfda-health-initiative.

11. Del que puedo decir con orgullo que he sido un agente fundamental para que hoy sea una realidad.

12. Lo suscribieron El Corte Inglés, Cortefiel, Inditex, Mango, la Asociación de Creadores de Moda de España, Carrefour, la asociación de patronistas gallegos y el Instituto de Innovación del Textil de Andalucía.

13. Escalar es el proceso por el que se establecen las diferentes tallas proporcionando el patrón modelo.

1. Modelo protagonista de muchas campañas de Prada, rubia, muy delgada y con aspecto de niña desvalida, pero con mucha fuerza en la mirada.

2. Joven australiana que con dieciséis años ya era una top, la llamaban baby top por ser la más joven en llegar a serlo después de Kate Moss, que lo fue con quince años.

3. Emanuelle Alt es la actual directora del Vogue París y una de las estilistas más influyentes del mundo de la moda, y Marie-Amélie Sauvé es una estilista francesa de gran prestigio internacional que trabaja con los mejores fotógrafos y grandes casas de moda, muchas de ellas francesas.

4. Uno de los mejores y más reclamados estilistas del mundo.

5. Hace las mejores campañas y trabaja en exclusiva para el Vogue USA y el italiano. Sus trabajos son cada vez más esporádicos, está casi retirado por decisión personal, como una Greta Garbo de la fotografía de la moda que ya lo ha conseguido todo.

6. Tándem de fotógrafos internacionales de moda, de los más reconocidos y solicitados hoy. Hacen sus incursiones en el arte.

7. Ahora Mercedes-Benz Fashion Week Madrid.

8. Campaña primavera-verano 2008. Stephanie Seymour, Claudia Schiffer, Eva Herzigová, Naomi Campbell. Temporadas más tarde, Claudia Schiffer hizo la campaña de Dolce & Gabbana; Eva Herzigová, Vuitton, y Stephanie Seymour, Loewe, entre otras.

9. Espíritu del tiempo.

10. Directora del Vogue Italia, desde hace décadas, principal apoyo de la moda italiana.

1. Datos del informe Well Dressed, 2006.

2. Informe Acotex, 2006.

3. Cifras Cityc, 2006.

4. Luxury Goods Worldwide Market Study, 2012.

5. Del estudio Best Global Brands, 2012, de la consultora Interbrand.

6. Fuente: Forbes.

7. Informe Acotex, 2011.

8. Con 300 tiendas, más del 65 por ciento están en el extranjero (con una tasa de exportación cercana al 70 por ciento) y planea aumentar esta cifra.

9. Sus nombres se pueden consultar en mercedesbenzfashionweekmadrid.com/disenadoresEgo y mercedesbenzfashionweekmadrid.com/showroom, incluso se puede contactar con ellos y ver sus trabajos con enlaces a sus webs y en Facebook.

10. Otras instituciones públicas y privadas son IADE, IED, ESNE, CICE, ESDI, RASD, ESDEN, CESMA. En la Universidad Complutense se imparte algún título superior relacionado con la moda, y revistas como Telva, Yo Dona y Vogue colaboran o tienen másteres en diferentes instituciones. Además, en las escuelas de negocio también hay estudios especializados de diverso tipo y titulación.

11. Rubén Gómez actualmente trabaja en Pepe Jeans.

12. Una acción de imagen que no llegó a tener producción.

13. Para los interesados en estos temas, la lectura de este link es muy recomendable: notjustalabel.com/editorial/the_slow_fashion_movement

14. Marcas de alimentación como Marmite o Heinz, de belleza como Clinique o Crème de la Mer o de ropa como Levi’s han quitado sus logos para vender en este espacio de forma exclusiva.

El libro rojo del estilo

Brenda Chávez

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