1. Presentación

Yo creo que todos lo hemos visto alguna vez. Las fotos de la fiesta de ayer son demasiado oscuras, o quizá el flash ha quemado las caras y todos los asistentes parecen llevar un maquillaje de kabuki. La foto de la excursión es demasiado clara y los colores del paisaje maravilloso que estábamos visitando se han desvanecido como por encanto. Y así sucesivamente.

El motivo reside en que ni las maquinas, que dependen de ajustes automáticos, ni los seres humanos somos infalibles y se comenten errores. A veces no tienen arreglo pero a veces la solución es sorprendentemente fácil y rápida una vez que conoces las herramientas adecuadas.

Pienso que si vale la pena tomarlas y vale la pena compartirlas, vale la pena dedicar unos minutos a que tengan el mejor aspecto posible.
Para ello propongo utilizar las herramientas incluidas en el programa gratuito en español GIMP. GIMP significa GNU Image manipulation Program. (Programa de manipulación de imágenes con licencia GNU) Fue creado en 1995 en la Universidad de Berkley por Spencer Kimbal y Peter Mattis., como parte del movimiento de software libre. Programas de código abierto que son desarrollados por programadores voluntarios y que cualquiera puede utilizar gratuitamente. Los ejemplos más destacados serian el navegador Firefox y la suite ofimática Libre Office.
Lo que sigue no es un repaso exhaustivo del programa. Lo que pretendo es centrarme en los problemas de más comunes y en cómo pueden resolverse. Para quien pueda estar interesado en un repaso completo sobre GIMP apuntar que existe una documentación muy amplia disponible en la red. Mi aportación es que el presente texto está pensado para que alguien que empieza desde cero (aunque si he dado por hecho alguna familiaridad con el ordenador) consiga resultados con cierta facilidad.
GIMP puede descargarse en http://www.GIMP.org/
La versión utilizada en estas páginas es la 2.8.4 Está disponible en versiones para Linux, Windows y Mac pero doy por supuesto que el lector de estas páginas es usuario de Windows.
Existen programas de pago más potentes y otros programas gratuitos más populares pero mi experiencia es que este programa me ha permitido obtener los resultados que buscaba. Lo que sigue es lo que encontré en dicha búsqueda.

2. El espacio de trabajo

Antes de poder trabajar con nuestras fotos, un poco de teoría que conviene conocer previamente. Vamos a ver, entre otras cosas, como se abre y se guarda un archivo y como proteger nuestras fotos de un accidente informático. Pero Antes hay que saber con qué nos encontramos al arrancar el programa.

Lo primero es elegir la forma en que queremos configurar la pantalla. Una vez que tenemos instalado el programa, si pulsamos sobre el icono de GIMP, se abre el espacio de trabajo y aquí tenemos que efectuar la primera elección.

Por defecto se nos presenta como tres paletas flotantes que podemos ir moviendo a nuestro gusto, cambiar de tamaño o incluso cerrar de forma independiente. A la izquierda tenemos la paleta de herramientas con las que trabajaremos en la imagen de forma habitual, a la derecha el cuadro de diálogos empotrables (sobre el mismo baste decir de momento que son otro tipo de herramientas más complejas) y en el centro aparece la imagen. Más adelante profundizaremos en las herramientas y los diálogos.

Esta era la configuración por defecto de GIMP. Pero como novedad en la versión 2.8, se ha incluido la posibilidad de anclar la caja de herramienta y los cuadros de diálogos en los lados de la pantalla.

Para ello tendremos que marcar la opción “ventana única” en el menú ventanas de la barra superior. Cada una de las dos opciones tiene sus ventajas e inconvenientes. La cuestión es saber cómo se encuentra más cómodo cada cual trabajando. Personalmente prefiero la segunda opción. Veamos su aspecto.

Aquí conviene indicar que las opciones principales para trabajar con los archivos se encuentran en la barra superior.

Pulsando en cada una de ellas se abre una nueva lista de opciones y en muchos casos pulsando en estas opciones secundarias se abrirán otras opciones nuevas. Si queremos, por ejemplo, abrir una foto y una vez retocada guardarla pulsaremos en el Archivo y veremos cómo se despliegan una serie de opciones nuevas de las cuales vamos a empezar a hablar a continuación.

Aunque esta barra está disponible en la parte superior de la pantalla, también podemos acceder a ella pulsando en el botón derecho.

3. Abrir y guardar archivos.

Nuevamente nos encontramos con que hay distintas maneras de hacerlo y sobre todo porque, a la hora de guardarlos, tenemos que decidir qué vamos a hacer con ellos. No es lo mismo subir un archivo a la red, que enviarlo por correo electrónico o que guardarlo para seguir trabajando después con el mismo.

Abrir archivos.

Si observamos el espacio de trabajo en la barra superior justo en el extremo, tenemos el dialogo tenemos el menú archivo. Si pulsamos en el mismo se despliega una lista donde encontraremos la opción “Abrir archivo”. Hasta ahí bien.

Pero hay un problema. La mayoría de nosotros casi nunca ponemos título a nuestras imágenes y el sistema de apertura de archivos por defecto se basa en los nombres.

Si tenemos pocas imágenes puede servir, pero si acumulas un par de cientos de imágenes en el ordenador (¿Y quién no lo hace?) puede ser bastante complicado recordar si esa puesta de sol tan bonita era la imagen cd1001 o la cd1002. La cosa se complica cuando aparece un cuadro de dialogo que, si somos usuarios habituales de Windows, va a requerir alguna explicación hasta que nos familiarizamos con el mismo.

Tenemos tres paneles. En el de la izquierda vemos los directorios o los dispositivos. En el del centro vemos las carpetas. Una vez que seleccionamos la carpeta que nos interesa dentro del directorio o del dispositivo, vemos las imágenes.

Y una vez que seleccionamos las imágenes, si pulsamos en las mismas los visualizamos en el panel de la derecha.

En la práctica, esto implica que estamos buscando las imágenes por nombre. Y como ya hemos dicho puede ser muy poco práctico.
Podemos ir más de prisa.
Abrimos GIMP. Reducimos el tamaño de la pantalla para que sea visible el escritorio de Windows. Seleccionamos la imagen con la que queremos trabajar en el navegador de archivos de nuestro sistema operativo. Arrastramos la imagen a la pantalla abierta de GIMP y esta se abre automáticamente.
O simplemente seleccionas la imagen con la que quieres trabajar. Pulsas el botón derecho del ratón y seleccionas la opción “editar con GIMP”. GIMP arrancará automáticamente con la imagen preparada para trabajar. Y eso es todo.

Guardar archivos.

Ahora bien, si vamos a guardar los archivos vamos a guardarlos para algo. No es lo mismo si queremos subir a una red social una instantánea de la fiesta de cumpleaños de nuestro niño, que si queremos enviar por correo electrónico las fotos o si se las vamos a mandar a nuestra madre que seguramente las quiera de suficiente calidad como para poderlas imprimar.

Tenemos que elegir el formato.
Si lo que pretendemos es compartirla optaremos por el formato JPEG, que ocupa menos espacio, y si lo queremos es mantener una copia de mayor calidad utilizaremos el formato propio de GIMP, XCF.
Lo que está sin duda muy bien. Pero ¿qué significan estas siglas?
Así que debemos hacer alguna aclaración sobre formatos de archivos. El formato JPEG es el que por defecto utilizan la mayor parte de las cámaras fotográficas del mercado (Incluyendo los teléfonos móviles). Este formato comprime la información que capta el objetivo de la cámara para que sea más fácil y almacenar y manipular. La otra cara de la moneda es que sacrifica matices para obtener un archivo de menos tamaño (al igual que sucede con el sonido en el formato MP3). El formato XCF retiene toda la información con la que estemos trabajando. Es un formato sin perdidas. Cuando más adelante trabajemos en profundidad sobre una imagen es posible que deseemos guardar información adicional. Más adelante veremos situaciones que hacen aconsejable el uso del formato XCF pero mientras tanto lo normal será que recurramos al formato JPEG.
Para el formato XCF elegiremos la opción de guardar.

Pero si queremos utilizar el formato JPEG elegiremos la opción “exportar”. Esta es la opción que yo utilizo con más frecuencia. El contenido de los archivos XCF no se puede visualizar más que desde GIMP. Para mi es más cómodo poder visualizar directamente los archivos desde el escritorio de Windows. Así que el formato XCF queda reservado para casos especiales que veremos más adelante.

A continuación podemos escribir el nombre que le queremos dar al archivo con la extensión “.jpg” (Lo que me parece una buena idea a la hora de clasificar las imágenes. O seleccionarlo en la parte inferior del cuadro de dialogo.

Y ahora conviene tener un poco de paciencia porque se abre un segundo cuadro de dialogo que nos permite configurar el archivo que vamos a crear. Comentábamos antes que es distingo un archivo que se envía para imprimir que uno que se envié para adjuntar por correo electrónico. Todos hemos pasado por la experiencia de que alguien nos mande una foto de varios megas y francamente a no ser que seas un profesional de la imagen no parece que sea muy necesario. Así es como se crea una imagen de poco tamaño, o dicho en jerga informática, peso, que no sacrifica la calidad de los detalles.

No tiene mayor complicación que mover el deslizador que marca calidad. Se puede hacer de dos maneras: con el deslizador horizontal y con las flechas hacia arriba y hacia abajo a la derecha del valor de calidad. A más alto más detalle pero también ocupa más espacio en disco. Si bajamos el valor obtenemos un archivo más pequeño pero de menos calidad.

4. Cerca y lejos: visualizar la imagen.

Ya tenemos abierta la imagen. Supongamos que queremos ver de cerca algún detalle, podemos acercarnos pulsando la tecla+ (Y viceversa alejarnos pulsando la tecla –)
Alternativamente podemos seleccionar el porcentaje que figura en la barra inferior y marcar como queremos ver la imagen.

O también podemos pulsar la tecla Z con lo que seleccionamos la herramienta ampliar/ reducir. El cursor se transforma en una lupa, lo situamos en la parte de la pantalla que queremos ampliar y pulsamos.

En la parte inferior vemos que podemos configurar la herramienta para ampliar o para reducir.

Ya estamos preparados para empezar nuestra obra. Pero ¿Y si nos cargamos foto que pretendíamos arreglar? La respuesta es que es imposible tal y como veremos a continuación.

5. Deshacer y revertir.

Hay varias cosas que se pueden hacer para asegurarnos que no perdemos nuestras fotos.
La primera sería hace una copia de seguridad. En caso de que todo vaya no mal sino peor siempre podremos utilizar esa copia. Encontramos esta opción en el menú archivo, accesible tanto en la barra superior como con el ratón derecho, en “guardar una copia” que hemos mencionado antes.

Lo que hacemos es crear una copia digital. Un segundo archivo exactamente igual que el primero.
Esta es una protección en principio más frente al fallo mecánico que al fallo humano y lo haremos, por ejemplo, cuando queramos crear copias de seguridad en un disco duro externo. Pero lo cierto es que garantiza que no perdamos nuestras fotos pase lo que pase.
Pero la verdad es que lo más frecuente es que cuando hacemos algo y su resultado no nos convence, nos limitemos a deshacerlo. Esta posibilidad se incluye en la opción deshacer dentro del menú editar. Así que no debería haber ninguna duda sobre para que sirve.

La segunda opción, rehacer, nos permite cambiar de opinión y volver a utilizar la herramienta que hemos deshecho.
La tercera opción nos permite matizar la intensidad del ajuste que acabamos de aplicar. No es que nos hayamos equivocado, es que es demasiado intenso o demasiado tenue. Esta opción será de gran utilidad cuando comencemos a trabajar con los efectos de luz y color (para lo que todavía quedan unas páginas).
Por último, supongamos que hemos aplicado múltiples efectos a la imagen y lo que queremos es volver atrás pero solo hasta un punto. Y En ese caso elegimos la opción de “historial de deshacer”.
Y si lo que queremos es volver al principio, optaremos por la posibilidad de “revertir” que encontramos en el menú “archivo”. Esta opción deja la imagen tal y como estaba cuando la abrimos. Y Por supuesto, siempre podemos optar por cerrar el archivo sin guardar los cambios.
Así que aunque como ser, es posible dañar nuestros archivos de forma irreparable, es realmente difícil. Para ello tendríamos que no hacer una copia de seguridad del archivo y al hacer cambios que no nos gustan no deshacerlos ni revertir el archivo y al cerrarlo decirle que si al programa que nos pide guardar esos cambios que no nos gustan. Difícil. Es decir que a partir de ahora, a la hora de explorar las herramientas propuestas podemos experimentar, jugar, con toda tranquilidad. Dicho lo cual, empezamos ya a ajustar las fotos.

6. Enderezar una imagen torcida

En la práctica es inevitable que, tarde o temprano, en alguna de nuestras fotos el horizonte salga torcido. Por cada una de las ocasiones en la que hacemos una toma de forma reposada y con calma, hay muchas otras en las que disparamos al vuelo cuando algo nos llama la atención y estamos de camino a otra parte. O sencillamente la ligereza de una cámara compacta, acentuada cuando se trata de un móvil, nos juega una mala pasada y parece que estuviéramos tomando la foto desde la cubierta de un velero en plena tormenta más que sentados tranquilamente en un banco de un parque.

Nivelar el horizonte.

Tomamos como punto de partida esta imagen de la playa de Cascáis. Como veis el horizonte no está horizontal ni mucho menos.

La solución se encuentra en la herramienta rotar capa que se encuentra en la caja de herramientas.
Para utilizarla seleccionamos el siguiente icono.

Una vez que pulsamos en el icono se abre la ventana que vemos a continuación.

Modificando el valor del ángulo observamos como toda la imagen rota dejando el horizonte más, digamos, horizontal.
En el momento en que estamos de acuerdo con el Angulo, pulsamos en el botón rotara y veremos como la imagen se transforma.
Ahora bien, esto implica que surgen huecos en la imagen que ha sido rotada que observamos como recuadros en blanco y negro.

La solución pasa por utilizar la selección de recuadro en la caja de herramientas

Marcar la zona de la imagen que queremos conservar y pulsar en el menú imagen> recortar selección.
Y a continuación vemos el resultado que esperamos que sea un poco menos mareante.

Enderezando paredes

No menos corriente es que visitando algún lugar, nos fijemos en un edificio, lo fotografiamos y a consecuencia de la perspectiva parezca un castillo de naipes a punto de desplomarse.

La solución pasa por emplear la herramienta perspectiva que nos permite distorsionar la imagen o si se prefiere eliminar la distorsión para aproximarla lo más posible a lo que recordamos haber captado con nuestra vista.

Utilizamos este icono.

Una vez seleccionada la herramienta, se abre un nuevo recuadro en la que observamos la matriz de transformación. En cada uno de los ángulos de la imagen vemos ahora un pequeño recuadro que podemos alterar a nuestro gusto.

Según en Angulo que adopten estos recuadros se modificarán los valores de la matriz y lo que es más importante veremos cómo se deforma la imagen. Una vez que las líneas de la imagen se sitúan en el ángulo que deseamos pulsamos en la opción transformar para modificar la imagen.
Podría darse el caso de que nuevamente nos encontrásemos con huecos en la imagen. Nuevamente procederemos a utilizar la herramienta de selección y efectuar el recorte que deseemos.

7. El color digital.

Un breve interludio teórico antes de continuar. En las páginas siguientes vamos a explorar las herramientas que nos permiten modificar el color de una imagen. Con ellas podremos no solo corregir un problema de color—como un tinte verde provocado por unos fluorescentes– sino incluso modificar el color de forma creativa para acentuar o crear un ambiente.
Pero antes de entrar en materia conviene entender cómo se percibe el color en el ordenador. Lo que vemos como una imagen está compuesto en realidad de puntos conocidos como pixel. Cada pixel se describe con ocho bits de información. De acuerdo con esos bits pueden ser todos negros o todos blancos pero entre medias, tenemos 256 pasos que son las combinaciones posibles de ocho bits.

Pero eso no es todo, tenemos además tres canales de información que determinan el espacio de color: el rojo, el verde y el azul. A cada uno de los cuales se le asignan 8 bits. El resultado es 16.700.000 colores posibles.

Todo esto puede parecer demasiado técnico pero sirve para entender porque en las herramientas que encontraremos a continuación vamos a ver como los colores se descomponen en 256 gradaciones y en rojo, verde y azul.

Por eso se dice que GIMP trabaja en un modo RGB de 8 bits (lo que equivale a un byte) pero tiene otros modos alternativos, que encontraremos en el menú imagen> modo.

Existe la posibilidad de cambiar los colores por grises (escala de grises) y de simplificar la imagen dejando solo 256 colores, modo indexado. Volveremos sobre esto más adelante. Ha llegado el momento de empezar a trabajar con el color.

8. Demasiado claro o demasiado oscuro.

Decían los clásicos que la virtud se encuentra en el medio y lo mismo puede decirse de la iluminación de las imágenes.
Dejando aparte las cuestiones que hemos visto en las páginas anteriores, lo primero en que se fijan nuestros ojos es en sí es demasiado clara o demasiado oscura.
Para corregir este tipo de problema GIMP dispone de varias herramientas que nos ofrecen un grado creciente de control sobre nuestro trabajo, pero las tres tienen el mismo fundamento que es el histograma. Debajo de dicho nombre amenazador, que parece propio de una prueba médica, se oculta una gráfica de la distribución tonal de la imagen.
Para visualizarlo pulsamos en la barra superior del espacio de trabajo en la opción ventanas. Y dentro del menú de diálogos empotrables> histograma.

En la columna de la derecha, ha aparecido una nueva pestaña que nos viene seleccionada y vemos una curva en la parte superior. Es el histograma. El extremo izquierdo representa el negro. El derecho representa el color blanco y los altibajos en la curva nos indican el número de pixeles situados en cada tono específico.
Como sin duda ya habréis imaginado, si la imagen es oscura la mayoría de los tonos se amontonarán hacia la izquierda. Si es clara, viceversa se distribuirán más cerca de la derecha y en una imagen normal se acumulan en el centro.
Los valores 0 y 255 marcan los puntos en los que la información es irrecuperable. Como hemos dicho, el 0 es el negro y 255 es el blanco puro. Estos dos los extremos que debemos evitar. Si vemos que la curva se aplasta en un lado u otro, mal asunto no hay mucho que podamos hacer.
Pero con los tonos intermedios podemos trabajar y para ello empezaremos con la herramienta más básica brillo y contraste.

Ajustar brillo y contraste.

Accedemos a la misma, o bien desde el menú desplegable colores en la barra superior o mediante el ratón derecho pulsando igualmente en la opción colores.
Una vez seleccionado, aparecerá el cuadro de dialogo que puede verse a continuación.

El deslizador brillo aumenta o disminuye la luminosidad de la imagen. El deslizador contraste intensifica la diferencia entre los tonos más claros y los más oscuros.

Dicho de otra manera: el deslizador de brillo mueve todo el histograma acercándolo al negro o al blanco y el deslizador de contraste lo contrae o lo extiende.

Lo mejor es verlo en la práctica.
Partimos de una imagen que es demasiado clara.

Si comprobamos el histograma veremos que no tiene información en los tonos oscuros.

Vamos a intentar oscurecer la foto deslizando a la derecha el histograma. El resultado no es tampoco excesivamente satisfactorio.

Comprobamos el histograma. Es idéntico pero desplazado a la derecha.

Lo que buscamos es recuperar los tonos oscuros pero sin perder los claros como ha pasado ahora. Y para ello recurrimos al contraste. Veamos que sucede si lo aumentamos.

La información se ha expandido para acercarse al negro y al blanco y el resultado es mucho más satisfactorio.

Niveles

Se accede a la herramienta niveles o bien en el menú colores de la barra superior o bien pulsando ratón derecho sobre la imagen.

Lo principal de esta herramienta es que tiene tres deslizadores en el apartado de niveles de entrada que nos permiten actuar sobre el histograma de forma independiente.

El de la izquierda regula los negros, el de la derecha los blancos y en el nivel central controla la luminosidad de la imagen. Podemos modificar cualquiera de ellos—o solo alguno– sin modificar los otros.

En este caso hemos tomado el deslizador izquierdo, que marca el tono en el que la imagen debería ser negra y lo hemos acercado hasta el punto en que hay información en el histograma.

El efecto es aclarar la imagen y el resultado lo vemos a la derecha. Dejando de lado que conseguimos un resultado similar con un solo movimiento al que antes conseguíamos con dos, el resultado no es exactamente igual.

A la izquierda vemos la foto corregida con niveles y a la derecha con el contraste corregido. Puede verse como en la imagen de la izquierda se han conservado los matices de los pétalos que son los tonos intermedios de la imagen.
Pero existe la posibilidad de trabajar de forma todavía más precisa, centrándonos solo en uno de los tonos específicos d de la imagen. Lo vemos en la herramienta “curvas” a continuación.

Curvas

Se accede a la herramienta “curvas” de forma similar a los dos casos anteriores. Pulsando en la barra de menú colores o accediendo mediante el ratón derecho.

Lo primero que llama la atención es que el histograma aparece como una sombra de fondo atravesada por una línea. Esto se debe a que no vamos a trabajar con la distribución de cada uno de tonos sino con el valor tonal de los mismos. Es decir si son más claros o más oscuros.

Al tener seleccionada la herramienta “curvas”, el cursor se transforma en un cuentagotas. Si pulsamos en el tono sobre el que queremos trabajar, aparecerá el punto marcado en la curva. Lógicamente, el punto representa el tono. Ahora podemos trabajar sobre el tono arrastrándolo con el cursor. Si lo levantamos lo haremos más claro. Si lo bajamos lo oscurecemos. La imagen transformada puede verse más abajo.

Al igual que sucedía con las correcciones con niveles, los resultados no son exactamente iguales.
He trabajado con una imagen demasiado clara pero estas herramientas se pueden utilizar sin problemas para una imagen más oscura.
¿Cuál de estas herramientas utilizar? Va a depender del caso y del gusto personal de cada quien. Esto no son ecuaciones sino recetas de cocinas. De ahí la importancia del histograma que no da una base sobre la que empezar a movernos. Para mi gusto, en este caso, el mejor resultado se obtiene con niveles. Pero quien lea estas página decidirá cómo aplicarlo o no a sus fotos.

9. Equilibrio de blancos.

Nuestros ojos nos engañan. Creemos estar ante una escena normal porque compensan las tonalidades de la luz. En realidad, la luz del cielo es azul y la de un fluorescente verde y así sucesivamente. Si no tenemos eso en cuenta nos encontramos con que el blanco de nuestras fotografías no es blanco sino que todo aparece teñido de alguna tonalidad. Esto no es por supuesto malo siempre. Al contrario, en las fotografías de paisaje, suele buscarse el tinte especial del atardecer. La llamada “hora dorada”.

Este será nuestro punto de partida.
Pero veamos ahora cómo podemos eliminarlo. Hay una primera manera que es sencilla y eficaz. Pulsamos el ratón derecho y seleccionamos “colores > auto >balance de blancos”. Eso es todo. Como puede verse más abajo funciona.

Lo que hace esta herramienta es analizar automáticamente la información contenida en el histograma y optimizarla.
¿A qué ha sido fácil?

10. Tono, luminosidad y saturación.

Vamos a seguir trabajando con la imagen de la rosa para controlar su tono, luminosidad y saturación.

El tono es el matiz especifico del color (Así hablamos de un azul cielo o de un azul marino), la luminosidad se refiere a si es más claro o más oscuro y la saturación a si es más puro e intenso o más diluido.

Controlamos todo esto por medio de la herramienta “Tono y saturación” que está disponible en el menú color, accesible tanto mediante la barra superior como por medio del ratón derecho.

Tal y como nos indica el recuadro, nos permite trabajar con los colores primarios de la imagen, modificándolos. Hay dos botones de seguridad, restablecer color, que deja el color como estaba, y reiniciar que deja como estaba el conjunto de la imagen.

Vamos a ver qué sucede si seleccionamos el botón verde y modificamos el color.

En primer lugar modificamos el tono de verde.

Podemos aclarar u oscurecer solo los tonos verdes de la imagen. En este sentido tiene utilidad porque aclaramos todavía más los colores claros de la rosa.

También es posible quitar saturación dejándolo en un color más diluido, incluso próximo al gris si queremos.

Este tipo de efectos pueden aplicarse no solo a los colores individuales sino también a toda la imagen en su conjunto. Para esto es suficiente con pulsar el botón principal.

Hemos utilizado estos efectos para acentuar el interés de la rosa dentro de unos parámetros realistas. Pero nada impide crear un efecto de fantasía si lo deseamos.

En este caso, seleccionamos el color rojo y vamos moviendo el deslizador tono a lo largo de la escala cromática hasta encontrar el efecto que buscamos.

11. Bienvenidos a la noche americana: el balance de color

La noche americana era una técnica, hoy en desuso, mediante la cual se fingía que la escena sucedía de noche añadiendo filtros azules oscuros a las luces. Esto es exactamente lo que vamos a aprender pero en su versión digital.

Hablando del balance de blancos hemos visto cómo se elimina, de forma automática, una desviación de color de la imagen. Ahora vamos a ver cómo hacerlo de forma manual. O crearlo si es eso lo que nos interesa.

Para ello, utilizamos la herramienta balance de color que está disponible en la barra superior en el menú colores o pulsando el ratón derecho.

Por defecto está configurado para afectar la parte central del histograma, es decir el rango de los tonos medios.
Mediante los tres deslizadores que vemos más abajo, podemos ajustar los colores dominantes de la imagen llevándolos en un sentido u otro.

Si por ejemplo, acercamos el deslizador al rojo y al amarillo obtenemos un ambiente de atardecer.

O si llevamos los deslizadores hacia el azul y el cian podemos conseguir el ambiente de noche americana que mencionaba antes.

12. Nitidez

De qué hablamos cuando hablamos de enfocar

Hay un momento, en el clásico de la ciencia-ficción “Blade Runner” durante el cual el protagonista aumenta hasta casi el infinito los detalles que contiene una imagen. Independientemente de la imagen popular de este tipo de programas esto pertenece—y seguirá perteneciendo en el futuro previsible– al reino de la fantasía (para ser ciencia-ficción debería tener base en una extrapolación científica).

El tamaño del sensor y los pixeles marcan los límites del detalle que puede ser registrado y esto es una realidad física. No podemos añadir detalles a la imagen que no estuviesen ahí antes.

Ahora bien., lo que si podemos hacer es dar más visibilidad a los detalles. El proceso consiste en aumentamos de forma local el contraste dentro de la imagen haciendo los bordes que se encuentren dentro de una imagen más visibles. Los pixeles oscuros serán más oscuros y los claros más claros. De esta forma se aumenta la sensación de nitidez. La consecuencia que tiene esto que funcionará mucho mejor en las imágenes que tienen bordes definidos, como un edificio, que con las que no las tienen, un retrato por ejemplo.

Pero veamos estas herramientas - como de costumbre hay varias—en acción.

La herramienta enfocar

Vamos a utilizar la siguiente imagen.

Nos encontramos la herramienta enfocar en el menú filtro, al que podemos llegar tanto desde la barra superior como desde el menú contextual con el ratón derecho.

Pulsamos en la opción realzar y una nueva rama de ´menú se hace visible. Entre otras opciones nos encontramos con enfoque.
Pulsamos y una nueva ventana aparecerá el siguiente cuadro:

Dejando aparte la curiosa decisión de traducir la nitidez como agudeza, hay que comentar varias cosas. Podemos hacer esta ventana todo lo grande que queramos simplemente arrastrando las barras laterales. Podemos movernos por el interior de la vista previa simplemente pulsando y arrastrando (Para lo cual lógicamente tiene que estar marcada la casilla de vista previa).

La barra deslizador marca la intensidad del efecto que se refleja numéricamente en el recuadro. Podemos arrastrar el deslizador o podemos pulsar las flechas del recuadro, de las dos formas la intensidad queda regulada. Si pulsamos en aceptar el efecto se aplica, si pulsamos en cancelar salimos sin ningún cambio.

Veamos los resultados aplicando un valor de cincuenta.

Antes estaba así:

La máscara de desenfoque.

Al aplicar el aumento del contraste de forma global la herramienta enfocar si es utilizada con excesiva potencia puede provocar efectos no deseados. Por ejemplo veamos la imagen anterior a la que se ha aplicado la herramienta enfocar con un valor de 80.

En la imagen se han formado halos en los contornos excesivamente marcados y un granulado procedente del contraste—al que llamamos ruido– que estropea la textura de los pétalos. Esto se debe a que el contraste se ha aumentado de forma generalizada en toda la imagen y no solo en los bordes.

Para remediarlo se utiliza la herramienta llamada mascara de desenfoque que permite utilizar el efecto de forma más sofisticada. Pero antes de continuar un matiz. La realidad es que el nivel de enfoque adecuado va a depender del tamaño final de la imagen y del destino de la misma. Lo que sería inaceptable para una imagen impresa de gran tamaño puede resultar perfectamente aceptable para una imagen de pequeño tamaño destinada sobre todo a ser visualizada en la red. Al igual que comentábamos al principio, hay que saber para que se va a utilizar el archivo con el que estamos trabajando.

Pero hablemos ya de la máscara de desenfoque.

Lo primero es aclarar el nombre, uno de los más desorientadores con los que uno se haya encontrado nunca ya que implica exactamente lo contrario del mismo. ¿Desenfoque que sirve para enfocar? Pues en realidad sí. La máscara es la versión digital de una técnica de laboratorio en la cual se combinaban intencionalmente dos negativos, uno enfocado y otro desenfocado. El desenfocado se colocaba sobre una máscara y servía para filtrar la información desenfocada. De ahí el nombre.

Veamos cómo funciona la versión digital. Para ello utilizo un retrato de mi amigo el violinista Dani Sanz.

Encontramos la máscara en la misma ruta que la herramienta enfocar, un poco más abajo. (Recordemos filtros >realzar).
Una vez que la pulsamos aparece un nuevo cuadro de dialogo cuyo tamaño podemos ajustar moviendo los lados.

Nos encontramos ahora con tres valores radio, cantidad y umbral. El programa siempre se abre por defecto con los valores 5.0, 0,50 y 0. ¿Pero qué significan?

Radio se refiere al tamaño de los bordes dentro de la imagen. Los detalles delicados necesitarán un valor menor.
Cantidad se refiere al número de pixeles a los lados de cada borde que se ven afectados. Dicho de otra manera, cuanto aumenta el contraste. Umbral se refiere a los pixeles que quedan excluidos. Con un valor de 0 ninguno, con un valor de 255 todos (Recordamos que 256 eran la gradaciones de color). De esta manera podemos evitar que aparezcan granulados y distorsiones dentro de la imagen. Más abajo puede verse un detalle de cómo quedan estos valores. El resultado es el siguiente.

13. Ruido

Acabamos de ver como un enfoque excesivo produce granulado en la imagen. A este granulado, variaciones aleatorias de brillo y contraste, lo llamamos ruido porque es una distorsión de la información (en nuestro caso la imagen tal y como debería ser captada por el sensor).

Nos encontraremos con ruido, por lo general, en imágenes tomadas con poca luz. Esto se debe a que la ausencia de luz obliga a aumentar la sensibilidad de la cámara hacia la luz (ISO) y a su vez las distorsiones propias de cualquier sistema electrónico como el ruido en un micrófono o las pérdidas de cobertura. Traduciendo a términos más prácticos esto implica que a mayor sea la ISO más ruido. Será más visible en superficies lisas y los colores rojo y azul. Tomamos como punto de partida esta imagen.

Para reducir el ruido seguirnos la ruta filtros > realzar >desparasitar. Como siempre, podemos acceder a esta opción desde la barra superior y desde el menú contextual pulsando el botón derecho del ratón.
De esta manera se abrirá una ventana nueva.

Sobre las opciones que se nos presentan podemos comentar que la primera, vista previa, no requiere explicación.
La media se refiere a la forma en que trabaja el filtro. Adaptativo se ajusta a la imagen y recursivo se repite varias veces. El resultado será más discreto con el primer método y más agresivo con el segundo. Salvo para casos especiales recurrimos a la primera opción.
Radio marca la intensidad del efecto de limpieza. Lo calcula automáticamente el programa y suele dar buen resultado.

Los niveles de negro y de blanco son viejos conocidos del histograma y la herramienta niveles y marcan los puntos cercanos al blanco y al negó que quedan excluidos de la acción del filtro.

Aquí vemos el resultado de aplicar los valores por defecto del filtro. Para valorarlos conviene ver las imágenes aumentadas a continuación que es donde puede notarse más su acción.

14. Eliminar detalles con la herramienta clonar.

Nuestro punto de partida es la fotografía que se puede ver más arriba del atardecer en Lisboa. En el momento de tomar la foto el puerto estaba de obras y las grúas son bastante visibles en la imagen. Eliminarlas no sería imprescindible. Encajan con la estética del puente colgante y reflejan el momento. Pero vamos a eliminarlas y comprobáremos el efecto final.

En primer lugar, tomamos la herramienta lupa y seleccionamos la opción aumentar. Recordemos que esta era una de las posibles maneras de aumentar la imagen pero la lupa es la más práctica ya que nos permite situarnos sobre el detalle en el que queremos trabajar y seleccionarlo con más precisión.

A continuación elegimos la herramienta clonar. La idea es copiar parte de la imagen contigua y superponerla sobre los detalles que queremos eliminar. Para ello situamos el cursor sobre el punto que queremos que sirva de origen—el cursor se convierte en un tampón- y manteniendo la tecla control pulsada hacemos clic con el ratón izquierdo.

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Podemos elegir el tamaño de la superficie clonada modificando el tamaño del pincel. Podemos hacerlo de dos maneras: arrastrando la barra lateral (el tamaño del pincel se verá en gris oscuro) o aumentando o disminuyendo la cifra con las flechas que se pueden ver a la derecha.

Si movemos la herramienta de clonar la fuente - que aparece marcada de la cruz— se desliza de forma automática. No es buena idea. Es mejor hacer pequeñas alteraciones cambiando el punto de origen para dar un aire más natural a la imagen.
Veamos el resultado.

15. Eliminar el fondo con desenfoque gaussiano.

A veces es suficiente con apartar la atención de los detalles no deseados. Hemos visto como eliminar un detalle pero puede ser suficiente con difuminarlo. La idea es obtener un efecto más o menos parecido al que se produce cuando acercamos mucho un objetivo al objeto que queremos fotografiar o cuando utilizamos el extremo más alejado de un zoom.

Lo que vamos a ver es una aproximación a este efecto utilizando la herramienta de desenfoque gaussiano y varias elementas para seleccionar las partes de la imagen que deseamos conservar nítidas.

Veamos en primer lugar el desenfoque gaussiano.

Lo encontramos en la ruta filtros> desenfoque > desenfoque gaussiano accesible tanto desde la barra superior como por el menú contextual derecho. Su efecto es la eliminación de los detalles al pasar la imagen por función Gaussiana (Como la muy conocida campana de Gauss utilizada en estadística) que resulta en que veamos la imagen desenfocada como si estuviésemos observándola por una superficie translucida.

Vamos a trabajar con esta imagen.

Si seleccionamos el desenfoque veremos cómo se abre una nueva ventana que podemos ver más abajo. Podemos aumentar el tamaño arrastrando las barras laterales. Si marcamos la casilla de vista previa podemos pre visualizar el resultado antes de aplicar el efecto y podremos movernos arrastrando el cursor.

Los indicadores numéricos que vemos más abajo marcan la fuerza del desenfoque.

Podemos escribir el valor que deseamos asignar en la casilla vertical u horizontal y simplemente pulsando en la otra casilla se iguala automáticamente o puede también moverse con las barras deslizadoras de los lados.

Por defecto figura el método de desenfoque RLE que es el preferible para las fotografías con grandes zonas de color uniforme. Supuestamente el método IRR está pensado para desenfocar fotografías que no tienen origen digital. En la práctica la única diferencia que he visto reportada es que según el caso uno de los métodos puede ser más rápido. Esto hace que personalmente deje siempre marcado el método RLE.

Sabemos cómo desenfocar el fondo pero antes de ponernos a ello veamos como seleccionar las partes que queremos que permanezcan nítidas.

La herramienta tijeras

La herramienta tijeras se encuentra, lógicamente, en la caja de herramientas. Nos interesa porque selecciona de forma inteligente los bordes de la figura que deseamos seleccionar. Una vez que pulsamos en

Notaremos como unas pequeñas tijeras aparecen junto al cursor

Si nos situamos dentro de la imagen, cada vez que pulsamos con el ratón se crea un punto de referencia. Con cada nuevo clic del ratón se crea un nuevo punto y el programa se ocupa de unir ambos puntos de forma automática hasta completar el contorno. Un detalle interesante es que los bordes son elásticos. Si el programa comete un error podemos corregirlo simplemente pulsando en el borde desviado—aparecerá un nuevo punto—y arrastrando.
Una vez que completamos el perfil y hemos unido todos los puntos la foto queda como se ve más abajo.
Y si pulsamos en el interior, la zona quedara seleccionada... Vemos la selección como líneas parpadeantes.

¿Pero qué sucede si queremos ajustar la selección y eliminar algunas de las zonas que hemos incluido en la misma?

La herramienta varita mágica

Supongamos que dentro de la selección que hemos creado queremos eliminar los espacios en blanco entre las hojas.
Para eso podemos recurrir a una herramienta creada especialmente para seleccionar zonas de color uniforme: la varita mágica. La elegimos pulsando en

Veremos como la varita aparece junto al cursor.

La varita admite tres configuraciones. Sirve para hacer una selección, para aumentar la selección añadiendo elementos, la reducirla eliminándolos o para crear una intersección. Podemos elegir estas opciones en la parte inferior de la caja de herramientas, donde se encuentra el diálogo opciones de herramientas.

En este caso, seleccionamos la tercera opción ya que deseamos eliminar parte de la selección. Veremos como en la varita que acompaña al cursor aparece un signo menos.

Ahora cada vez que pulsamos en la foto, cada zona que seleccionamos va siendo eliminada de la selección.
Hasta obtener el resultado deseado.

Pero recordemos que esta es la parte que queremos que permanezca nítida. Antes de aplicar el desenfoque tenemos que invertir la selección. Hacemos eso pulsando en la ruta seleccionar > invertir. (Como siempre disponible en la barra superior y en el menú contextual)

Una última precaución y estamos listos. No queremos que el efecto final sea un corte nítido como en un collage.
Queremos más bien que nuestra selección se difumine y se funda con la zona que hemos seleccionado. Para ello elegimos selección > difuminar. Y aparece un nuevo cuadro de dialogo.

A mayor sea el valor que señalamos más tenue será la transición. Por regla general será perfectamente válido el valor que nos viene configurado por defecto, cinco pixeles.

Aceptamos y ya podemos aplicar el efecto de desenfoque gaussiano que vimos hace unas páginas.
El resultado final puede verse más abajo.

16. Recuperar las sombras

Recordemos que cuando hablábamos de la herramienta curvas, veíamos la posibilidad de aclarar u oscurecer un tono determinado dentro de la imagen. Sin embargo, este ajuste era un ajuste global. Afectaba a la totalidad de la imagen. Supongamos que lo que deseamos es trabajar solamente sobre una parte determinada de la misma. Esto puede hacerse con las herramientas de selección que acabamos de ver. Nada nos impide seleccionar una zona específica y modificarla utilizando niveles o curvas. Pero como de costumbre hay más de una manera de obtener un resultado y en las páginas que vienen veremos cómo pueden conseguir ajustes locales a partir de la herramienta capas.

Capas

Para acceder a las capas tenemos como siempre dos caminos, hay un menú capas, sobre cuyos detalles ya hablaremos más tarde, al que se accede tanto desde la barra superior como desde el menú contextual y hay también un dialogo empotrable al que se accede desde la barra derecha, marcando la pestaña de capas que puede verse desde la imagen de la derecha, o desde el menú Ventanas > diálogos empotrables > capas. Si hemos elegido la opción de ventana única nos figura ya abierta por defecto y solo tendremos que seleccionar la pestaña correspondiente.

Lo que nos lleva a la cuestión: ¿Utilizarla como y para qué?

Las capas son el equivalente digital de las láminas de acetato transparente. Pueden ser transparente, pueden contener un elemento aislado que se añade a la imagen (como un texto). Podemos fusionar varias imágenes colocándolas cada una en su capa o podemos desplazar un elemento de la misma. Nosotros las vamos a utilizar para hacer correcciones localizadas en una fotografía que no afecten a su totalidad.

Para ello abrimos el cuadro de diálogos capas.
Dentro del mismo veremos una miniatura de la fotografía con la queremos trabajar dentro de un recuadro marcado en azul. El ojo que vemos a la izquierda indica que la capa es visible. Si hacemos clic sobre el mismo, la capa dejará de ser visible. Pero, hay que tener cuidado porque si la capa sigue estando marcada en azul significa que cualquier instrucción que le demos a GIMP será aplicada sobre la misma aunque no sea visible. Lo que puede generar todo tipo de confusiones.

En la parte inferior del cuadro hay una fila de iconos que representan las órdenes más comunes que pueden darse con capas. La hoja blanca sería una nueva capa vacía, la carpeta representa un grupo de capas, las flechas hacen subir o bajar las capas, la imagen duplicada hace que se duplique la imagen que tenemos en la pantalla de ordenador, el ancla inmoviliza las capas y el cubo de basura sencillamente las borra.
V amos a utilizar sobre todo la orden de duplicar las capas. (Estas órdenes, entre otras, son también accesibles desde el menú capas, en la barra superior y en el menú contextual)
Como vemos a la derecha, una vez que duplicamos la capa aparecerá en el cuadro de dialogo. Por defecto figura seleccionada la capa superior, por eso está marcada en azul y señalada con el ojo.

Va a ser sobre esta capa superior sobre la que aplicaremos los efectos que tengamos en mente.

La razón por la que se aplican de forma selectiva es porque utilizamos también una máscara sobre la capa duplicada.

La máscara será una nueva lamina que puede ser blanca (queda visible la capa superior) o negra (queda visible la capa inferior)
Obtenemos el dialogo “máscara de capa” mediante el menú

Capa> máscara > añadir máscara de capa.
Pero suficiente teoría por el momento, vamos a ver un ejemplo práctico.

¿Quién se ha llevado mi mono?

Es un problema típico del mediodía. La cámara o bien se ajusta para las zonas más iluminadas y deja el resto de la fotografía con unas sombras excesivas—lo que suele suceder en un día soleado—o se ajusta a las sombras y deja los cielos descoloridos—lo que suele suceder en un día nublado.

Podemos intentar un ajuste global pero los resultados no serían demasiado satisfactorios.
Como puede verse arriba, con un ajuste de brillo recuperamos detalles del pelaje del mono y de su cara. Pero hemos perdido el contraste del fondo y de las cuerdas y los colores han perdido intensidad. En realidad, solo queremos cambiar al mono y en la medida de lo posible dejar el resto de la imagen tal y como esta para conservar su ambiente.
Abrimos la imagen y duplicamos la capa. Nuestro escritorio debería ahora tener este aspecto. Vamos a trabajar con la silueta del mono hasta recuperar los detalles que nos interesen sin preocuparnos del resto de la imagen. Una vez que la tengamos a nuestro gusto, creamos una máscara de capa tal y como vimos antes.

En este caso, como nuestra intención es conservar la imagen principal he elegido que la máscara sea blanca. Ahora con ayuda de un pincel de color negro vamos a ir pintando sobre la máscara blanca recuperando poco a poco el fondo original.

Encontramos el pincel en la caja de herramientas pulsando el icono de un pequeño pincel. Elegimos su color pulsando en los dos paneles de color blanco y negro que figuran debajo. Y configuramos las variables en las opciones de herramienta.
Las dos que nos interesan son el tamaño y la opacidad. Se modifican por medio del sistema que hemos visto de arrastrar la barra o subir y bajar con las flechas en el recuadro que contiene un número a la derecha.

En este caso he elegido un pincel grande y muy poco opaco, o lo que es lo mismo bastante transparente. Se pude intensificar el efecto pasando las veces que sea necesario (o aumentando la opacidad)
Abajo podemos ver cómo queda la capa conforme la vamos pintando y en la página siguiente el resultado final.

Por cierto que si estamos satisfechos con el resultado podemos unificar la imagen con la orden capa > combinar hacia abajo. Aunque también podemos conservarlas.

Al principio de estas páginas hablaba de la posibilidad de guardar y exportar y comentaba que el formato nativo de GIMP es el xcf que permite guardar los archivos sin perdidas. Es ahora cuando esta opción cobra más interés porque nos permite guardar los archivos con todas las capas y máscaras de capa que podamos haber creado. Lo que a su ver permite retomar el trabajo y modificarlo posteriormente.

Así que ahora si vamos a seguir trabajando con el archivo lo guardaremos y cuando esté terminado y queramos compartirlo lo exportaremos.

17. Recuperar las luces.

Hemos visto cómo recuperar los detalles en las sombras. Las técnicas que he descrito en las páginas anteriores—duplicar capa, ajustarla con niveles y curvas, recuperar detalles con una máscara—pueden también utilizarse sin mayor problema para recuperar los detalles de las zonas más luminosas. Tomemos como ejemplo la imagen siguiente.

Las partes más iluminadas de la derecha de la imagen apenas tiene detalles, especialmente los arboles del fondo. Duplicamos la capa y procedemos a oscurecerla, creamos una máscara de capa negra y recuperamos los detalles con un pincel blanco.

Aquí podemos ver el resultado una vez que hemos recuperado los detalles de las partes más iluminadas.

Podríamos dejarlo estar aquí pero estas técnicas son acumulativas y nada nos impide aplicar además el mismo tratamiento a las sombras para recuperar los detalles. Aquí conviene tener cuidado para no exceder y obtener una imagen inverosímil. El resultado puede verse en la página siguiente.

18. ¿Y ahora qué?

Hubo una vez un turista en Nueva York que se perdió. Se acercó a un anciano que estaba en una esquina y le pregunto cómo llegar a Broadway. La respuesta del anciano fue tajante:

“Practicando. A Broadway se llega practicando.”

Todo lo que hemos visto en estas páginas - y recordemos que no es más que una introducción básica a un único programa de entre los muchos que existen– no tiene otro sentido que posibilitar poner en práctica nuestras ideas. Y la palabra clave es “nuestras”. Todas y cada una de las cuestiones que he comentado son un problema solo en tanto en cuanto nuestra intención era otra distinta. Volviendo al punto donde empezábamos una foto torcida puede ser un problema pero Ródchenko hizo fotos maravillosas con el horizonte torcido. Y así sucesivamente.

Estas páginas son un mapa, no debemos confundirlas con el camino. Emprenderlo o no dependerá de cada uno.
¡Buena singladura!

Arturo Villarrubia. Junio, 2013