VELAZQUEZ

Biografía (1599-1660)

AÑO 1599

Diego nace en Sevilla, y se bautiza en la iglesia de San Pedro el día 6 de junio.

En Domingo seis días del mes de Junio de mil y quios (quinientos) y noventa y nueve años batizé, yo el Licdo (licenciado) Gregorio de Salazar, cura de la iglesia de san Pedro de la ciudad de Sevilla a Diego, hijo de Juo. (Juan) Rodríguez de Sylva y de Germa. (Gerónima) Velázquez su muger. fué su padrino Pablos de Ojeda vezo. (vecino) de la collación de la Magdalena.

Diego es hijo de Juan Rodríguez de Silva y Jerónima Velázquez, casados en 1557. Es el mayor de siete hermanos (Juan, Fernando, Silvestre, Juana, Roque y Francisco). Juan Velázquez también se dedicó a la pintura, según se desprende de un documento que firmó en 1622.

La rama paterna procedía de Oporto y el padre y el abuelo de Velázquez fueron familiares del Santo Oficio, la madre era andaluza. Eran quizá hidalgos, pero no nobles.

Antes de 1609 van a vivir a la parroquia de San Vicente, cerca de la casa de su futuro maestro.

AÑO 1601

El 28 de enero es bautizado en la parroquia de San Vicente de Sevilla Juan Rodríguez de Silva y Velázquez, segundo hermano del pintor. Fue padrino Simón de Pineda, que ya había actuado como testigo de boda de los padres.

AÑO 1602

El 1 de Junio es bautizada Juana Pacheco, futura esposa del pintor, en la iglesia de San Miguel de Sevilla. Fue padrino suyo el licenciado Cristobal Suarez de Ribera, a quien retratará Velázquez posteriormente.

AÑO 1604

Fernando Rodríguez de Silva y Velázquez, tercer hermano de Diego, es bautizado en la iglesia de San Vicente el 2 de mayo.

AÑO 1606

El 17 de diciembre es bautizado Silvestre, cuarto hermano del pintor, en la iglesia de San Vicente.

AÑO 1609

Con diez años entra en el taller del pintor Francisco Herrera el Viejo, en el que sólo pasa unos meses como aprendiz.

Nace Juana su quinta hermana, siendo bautizada en la iglesia de San Vicente el 13 de julio.

AÑO 1611

Septiembre. Velázquez entra como aprendiz de pintor en el taller y en la casa de Francisco Pacheco. Pacheco vivía en la calle del Puerco, una de las que desembocan en la Alameda de Hércules, una zona cercana la río, al este de la ciudad y desecada en tiempos de Felipe II, habitada por algunos humanistas.

Juan Rodríguez de Silva, padre de Velázquez, firma un contrato en noviembre con el pintor sevillano, en el que se especifican las obligaciones del maestro y el discípulo: el primero se compromete a enseñarle su arte, el oficio de pintor, 'bien e cumplidamente, sin encubrirle de cosa alguna', a darle alojamiento, vestido y comida y a cuidarle en caso de enfermedad, no más de quince días. El aprendiz se compromete a servirle 'en la dicha vuestra casa y en todo lo que mas que le dixeredes e mandarades que le sea honesto e posible de hacer.

Pacheco no era un gran pintor, pero sí un buen maestro que le enseñó los secretos del dibujo y el color, a hacer retratos y a componer historias. Pero sus enseñanzas fueron mucho más allá. A su lado Velázquez aprendió algo decisivo para su carrera y que muy pocos pintores podrían haberle enseñado: una forma especial de concebir el arte de la pintura.

Pacheco era un hombre culto y su taller un lugar de cita para poetas, teólogos y eruditos, donde se hablaba de filosofía, religión, literatura y arte. Durante muchos años Velázquez estuvo inmerso en aquel ambiente y acabó conociendo la nueva teoría artística que venía de Italia. Una teoría que reivindicaba la nobleza de la pintura, a la que consideraba como una actividad intelectual, igual que la poesía, y, por tanto, digna de la misma consideración.

El trabajo de Velázquez en el taller, al principio, consistía, como el de cualquier aprendiz del oficio, en armar bastidores, preparar lienzos, moler colores, limpiar pinceles, barrer el taller…, además de realizar pequeñas tareas domésticas.

Cuando Velázquez asciende a oficial, tras pasar un examen del gremio de pintores, su trabajo consiste en pintar los fondos de los cuadros, los personajes secundarios y las partes menos importantes.

AÑO 1612

Roque, sexto hermano de Velázquez, recibe su bautismo el 2 de septiembre en la iglesia de San Vicente.

AÑO 1616

El granadino Alonso Cano entra también en el taller de Pacheco.

AÑO 1617

14 de marzo. Velázquez consigue su título de pintor tras pasar el examen del gremio de pintores y siete años en casa de Pacheco. En el tribunal están Pacheco y Juan de Uceda, veedores de la Cofradía de San Lucas, el gremio sevillano de pintores.

Velázquez supera un ejercico teórico y uno práctico -una pintura al óleo-, jura respetar los estatutos del gremio y consigue permiso para que pueda usar y use el dicho arte… e poner e tener tienda pública y oficiales e aprendizes del dicho arte como cualquier maestro examinado del libremente.

Ya puede abrir taller propio y contratar por si mismo las obras.

Hacia estas fechas pinta la Inmaculada y San Juan en Patmos (Londres, National Gallery), encargadas por el Carmen Calzado de Sevilla, para las fiestas en honor de la Inmaculada Concepción de María, un culto muy importante entre los sevillanos.

El 28 de mayo es bautizado el último de los hermanos del pintor, Francisco, en la iglesia de San Vicente.

AÑO 1618

Velázquez se casa el 23 de abril en la iglesia de San Miguel con Juana Pacheco, hija de su maestro, nacida en 1602. Con ocasión de la boda se componen poemas y se hacen juegos eruditos de acertijos, ejemplo del ambiente que se respiraba en el entorno de Pacheco y Velázquez.

Pacheco les da una casa en la calle del Potro, junto a la Alameda de Hércules, valorada en 330 ducados y otra en la calle Gallegos, además de un ajuar por valor de 500 ducados. La abuela de Juana le da otros 1200 ducados.

Velázquez, recién casado, pide la devolución del impuesto blanco de carne, para mantener la hidalguía que heredó de su padre.

Pinta la Vieja friendo huevos (Edimburgo, National Gallery of Scotland), Cristo en casa de Marta y María.

AÑO 1619

En mayo nace su primera hija, Francisca, que es bautiza el 18 de este mes en la iglesia de San Miguel.

Pinta la Adoración de los magos (Madrid, Prado), en la que se suele ver una especie de retrato de familia a lo divino.

AÑO 1620

Diego de Melgar, un muchacho de trece o catorce años e hijo de un escribiente sevillano, entra como aprendiz en el taller de Velázquez por seis años:

Sepan quantos esta carta vieren, como yo Alonso de Melgar, escribiente, vezino desta ciudad en la collación de Santa María, como padre lijítimo administador que soy de Diego Melgar, mi hijo lijítimo que está constituido debaxo de mi dominio paternalde hedad que al presente será de treze a catorze años poco más o menos otorgo e conosco que pongo a serbir por aprendiz a el dicho mi hijo con bos Diego Velasques pintor de ymaginería vezino desta dicha ciudad en la collación de san Miguel por tiempo de seis años cumplidos primeros siguientes que cuentan desde oy dia de la ffecha de esta carta en adelante…

Pinta el retrato de la venerable madre Jerónima de la Fuente (Madrid, Prado), seguramente gracias a los contactos de su suegro Pacheco, al que también retrata por estos años (Madrid, Prado).

AÑO 1621

Nace su segunda hija, Ignacia, a la que apadrina Juan Velázquez, hermano del sevillano, cuya firma aparece de testigo en un documento de 1622 como pintor. El bautizo se lleva a cabo el 29 de enero en casa de Velázquez y lo oficia el cura de la parroquia de San Vicente.

Los negocios le van bien en Sevilla y arrienda varias casas de su propiedad, pero él mismo o Pacheco ponen la mirada más lejos, en la corte, precisamente este año en que el joven Felipe IV sube al trono de España y toma al Conde de Olivares como valido.

AÑO 1622

En primavera Velázquez hace un viaje a la corte, con Diego Melgar y con la idea de retratar al rey y probar fortuna, además de visitar el Escorial, como cuenta Pacheco. Olivares se había educado en Sevilla y empezaba a proteger a los sevillanos.

En Madrid le reciben tres sevillanos, Melchor y Luis del Alcázar, jesuita éste último y humanista, y Juan de Fonseca y Figueroa, religioso y coleccionista. No consigue retratar al rey, No hubo lugar de retratar a los reyes, aunque se procuró, escribe Pacheco, pero sí a su capellán, don Luis de Góngora, (Boston, Museum of Fine Arts), el poeta cordobés a quien conocía bien Pacheco. De este retrato hay una copia en el Museo del Prado (Don Luis de Góngora y Argote).

Velázquez vuelve a Sevilla.

AÑO 1623

De nuevo prueba fortuna en la corte. Viaja a Madrid, esta vez con Pacheco y su ayudante Juan de Pareja, con 50 ducados de Olivares para los gastos.

Retrata a un sevillano poderoso, el canónigo don Juan de Fonseca, protegido de Olivares y sumiller de cortina del rey, aficionado a la pintura y coleccionista, que le había comprado El aguador de Sevilla.

El retrato de Fonseca resulta decisivo, porque, la misma noche que lo termina Velázquez, un amigo de Fonseca, Gaspar de Bracamonte, hijo del conde de Peñaranda (entonces capitán general en Sevilla) y camarero del Cardenal Infante, lo lleva al Alcázar "y en una hora lo vieron todos los de palacio, los infantes y el rey, que fue la mayor calificación que tuvo". En el Institute of Arts de Detroit se conserva un supuesto retrato de Fonseca.

Velázquez hace un retrato, hoy perdido, del príncipe de Gales, el futuro rey Carlos I de Inglaterra, por el que el inglés le paga 100 escudos. El príncipe vino a la corte española para concertar su matrimonio con la infanta María de Austria, hermana de Felipe IV, aunque la boda nunca llegó a celebrarse. Llegó en marzo, y hasta su partida se sucedieron las fiestas, las corridas y las funciones de teatro.

En agosto, el día 30, según Pacheco, retrata a Felipe IV, 'a gusto de su majestad y de los infantes y del conde-duque.

Por entonces (1622-1623) pinta su posible Autorretrato (?) (Madrid, Prado).

La muerte de Rodrigo de Villandrando, pintor del rey, deja este puesto libre para que Velázquez lo ocupe. El 6 de octubre consigue el nombramiento de pintor del rey, para que se ocupe de lo que se le ordenare de su profesión, con 20 ducados de sueldo al mes, "casa de aposento, médico y botica", y se establece en la corte con su familia y la obligación de ocuparse también en los trabajos del Alcázar. Desde entonces vive y pinta toda su vida en Madrid en el entorno del rey.

AÑO 1624

Doña Antonia de Ipeñarrieta, viuda de Pérez de Araciel, le paga 800 reales por tres retratos, los de su esposo (hoy perdido), el rey Felipe IV (Nueva York, Metropolitan Museum) y Olivares (Sao Paulo, Museu de Arte).

Velázquez firma un recibo por este pago:

Digo yo, Diego Velázquez, pintor de su Magd. que receví del Sor. Juan de Genos ocho cientos reales en virtud de la libranza desto notado, y lo recebí por mano de Topelucio Despinosa Vecino de Vurgos, los quales recibí a cuenta de los tres retratos del rey y del conde de Olivares y del Sr. garciperes y por ser verdad lo firmé en Madrid 4 de Diciembre 1624. Diego Velásquez

Pacheco se traslada a Madrid, por dos años, esperando conseguir un puesto en la corte.

AÑO 1625

Hace un retrato ecuestre de Felipe IV (hoy perdido), que se expone al público con éxito, como cuenta Pacheco: habiendo acabado el retrato de su majestad a caballo, imitado todo del natural, hasta el pais, con su licencia y gusto se puso en la calle Mayor, enfrente de San Felipe, con admiración de toda la Corte y envidia de los del arte, de que soy testigo.

El cuadro estuvo colgado en el Salón Nuevo (después Salón de los Espejos), pero, todavía en vida de Velázquez, pasó a la Casa del Tesoro.

Pinta el retrato de Felipe IV (1183), con armadura (Madrid, Prado): El rey le da 300 ducados y le promete una pensión eclesiástica de la misma cantidad.

AÑO 1626

El 7 de marzo Velázquez solicita para su suegro una plaza de pintor del rey, que ha quedado vacante a la muerte de Santiago Morán:

Señor: Diego Velázquez, pintor de Vuestra Magestad, dice que atento que Sanctiago Moran, pintor de Vuestra Magestad a muerto y la plaza está vaca, y ser la de menos gajes por que solo tiene ochenta ducados cada año sin otra cossa, supplica a Vuestra Magestad le haga merced de onrrar a su padre Francisco Pacheco con ella por ser persona benemérita para servirla, que en ello recivirá muy gran merced de Vuestra Magestad.

No se la conceden y Velázquez nunca más vuelve a intentar nada por Pacheco en la corte. El maestro regresa a Sevilla.

Pinta los retratos del rey Felipe IV (1182) y su hermano Don Carlos (1188) (Madrid, Prado) vestidos de negro y el de Francesco Barberini, pariente del papa Urbano VIII y legado papal en España. Con él viene el cardenal Pamphilii (el futuro Inocencio X), que se queda en Madrid hasta 1630 como nuncio.

En octubre Pamphilii intercede ante el papa por el pintor "pobre y cargado de familia", para conseguir una dispensa papal que le permita cobrar el beneficio eclesiástico que le había prometido el rey el año anterior.

AÑO 1627

Compite con Eugenio Cajés, Vicente Carducho y Angelo Nardi en un concurso: cada uno pinta un cuadro sobre un tema de historia, la expulsión de los moriscos, destinado al Salón Grande, o Nuevo, del Alcázar y destruído en el incendio de 1734.

Un jurado compuesto por el pintor Juan Bautista Maíno y el arquitecto Juan Bautista Crescenzi, da el premio al joven Velázquez y el rey le concede su primer cargo en palacio: ujier de cámara, con derecho a doce plaças al dia, casa de aposento, médico y botica. El aposento es en la calle de los Convalecientes.

El día 7 de marzo Velázquez presta juramento en el cargo, iniciando así una lenta pero imparable carrera cortesana.

El 8 de julio se le concede la pensión eclesiástica, con cargo a la diócesis de Canarias. Son 284 maravedíes al día (unos 300 ducados al año), hasta su muerte.

Velázquez firmó este cuadro (de 3,50 x 2,50 metros), algo poco habitual en él, y además lo hizo en latín, añadiendo su título recién adquirido: Didacus Velazquez Hispalensis, Philip. IV Regis Hispan. Pictor ipsiusque Fecit anno 1627 (Diego Velázquez, sevillano y pintor del rey de España, Felipe IV, lo hizo en el año de 1627)

AÑO 1628

Pedro Pablo Rubens, uno de los pintores más importantes del siglo y de más renombre ya entonces, llega a España en septiembre con una misión diplomática y enviado por Isabel Clara Eugenia, gobernadora de los Países Bajos. La elección contraría a Felipe IV, que no considera a un pintor digno de esta misión.

Velázquez le acompaña a ver las colecciones de pintura del Monasterio del Escorial, donde abundaban los cuadros venecianos, una de las principales fuentes del cambio pictórico que propone el pintor flamenco.

Rubens, además de pintor, hombre de mundo y buen conocedor de Italia, debió sin duda convertirse en un modelo para el joven Velázquez que nunca había salido de España.

El 18 de septiembre Velázquez recibe una ración, o sueldo, diario de 12 reales, equivalente a la que recibían en el mismo año los barberos de la corte. El rey da la orden al conde de los Arcos:

A Diego Velázquez mi Pintor de Cámara, he hecho mrd. (merced) de que se le dé por la despensa de mi casa una ración cada día en especie como la que tienen los Barberos de mi cámara, en consideración de que se a dado por satisfecho de todo lo que se le deve hasta oy de las obras de su oficio, que a hecho para mi servicio y de todas las que adelante mandare que haga.

El decreto dice:

Por decreto de 18 de sbre. de 628 le hizo Su Mgd. mrd. (merced) de la ración que tienen los barberos, que son doze Rs al día, y de un bestido de noventa ds (ducados) al año, como ellos le tienen, por quanto con esto se dió por contentode todas las obras que hasta entonces havía hecho para el servo. (servicio) de Su Mgd. y de los retratos originales que en adelante se le mandaren hazer.

Entre este año y el siguiente pinta el primer gran cuadro de composición que nos queda de su mano, Los borrachos o El triunfo de Baco (Madrid, Prado), ya con un tema mitológico, pero todavía cercano a sus primeras obras.

AÑO 1629

En abril Rubens sale de España, ha pasado ocho meses pintando a la familia real y a miembros de la nobleza, entre otros un retrato ecuestre del rey, hoy perdido.

Para entonces Velázquez ya está bastante próximo al rey, como cuenta el embajador de Parma, Flavio Atti, en una carta:

Es en todo caso cierto que pinta en los aposentos de S.M. y yo lo he visto a menudo y su especialidad es el retrato…

S.M. va a menudo a verle pintar El 28 de junio Velázquez consigue permiso para salir él también de España y el 29 de julio emprende el viaje a Italia. Con treinta años y animado sin duda por Rubens, Velázquez sale de Barcelona, con un criado, un permiso real, bastante dinero (dos años de sueldo y el dinero de algunos cuadros: 300 ducados de plata y 100 ducados por Los Borrachos).

Lleva también cartas de presentación para las autoridades, una medalla con el rostro del rey y otros 200 ducados que le da Olivares. Velázquez va dispuesto a aprendere la cosa della sua profesione (aprender las cosas de su profesión), como escribió el embajador de Venecia, aunque el de Parma, Flavio Atti, temía que fuera un espía.

Velázquez viaja en el séquito de Ambrosio de Spínola, el general genovés al servicio de la corte española, al que pinta algunos años después en uno de sus cuadros más famosos, Las Lanzas (Madrid, Prado). Van con 56 mulas de silla, 12 de carga y dos carrozas. El 10 de agosto salen de Barcelona y llegan a Génova el día 23.

Velázquez visita Génova, Milán, Parma, Venecia (donde copia La Cena de Tintoretto y admira El Paraíso), Ferrara, Cento, y Roma. En Venecia le recibe y le hospeda el embajador español, conde de Benavente, y se pasea por la ciudad bajo la protección de sus servidores, porque la Serenísima República estaba en guerra con España.

En Ferrara rechazó la mesa del cardenal Saccheti, antiguo nuncio papal en Madrid y gran coleccionista, con el pretexto de que "no comía a las horas ordinarias", pero estuvo bien alojado allí, con independencia, pasó dos días y la noche última que se fue a despedir dél (cardenal) le tuvo más de tres horas sentado, tratando de diversas cosas.

En Roma Estuvo un año, muy favorecido del cardenal don Francisco Barberino, sobrino del pontífice Urbano VIII, por cuya orden le hospedaron en el palacio Vaticano, como cuenta Pacheco. A Barberini le había retratado en Madrid y gracias a él puede circular por el Vaticano y copiar a su gusto las obras de Miguel Angel y Rafael.

En abril, gracias al embajador español en Roma, el conde de Monterrey, Velázquez consigue alojarse en el Pincio, en la Villa Medici, residencia de los grandes duques de Toscana en esta ciudad. Allí pasa dos meses, disfrutando de mayor libertad y de un lugar más alto y fresco que el Vaticano. Palomino lo cuenta en su libro:

Después viendo el Palacio o Viña de los Médices, que está en la Trinidad de Monte Monasterio (y es de la Orden de los Mínimos) y pareciéndole el sitio a propósito y acomodado para estudiar, y passar allí el verano, por ser la parte más alta, y más ayrosa de Roma, y aver allí Excelentíssimas Estatuas griegas, de que contrahazer: pidió a Don Manuel de Zúñiga y Fonseca, Conde de Monte-Rey (que en aquel tiempo estaba en Roma por Embaxador de la Magestad Cathólica) negociasse con el de Florencia, le diesen allí lugar; y aunque fué menester escribir al Gran Duque, se facilitó esto con la protección del Conde, que estimaba mucho a Velázquez, assí por sus prendas, como por lo que su Magestad le honraba. Estuvo allí más de dos meses, hasta que unas tercianas le forzaron a baxarse cerca de la Casa del Conde,

En ese lugar pinta las dos famosísimas vistas de la Villa Medici (1210, 1211) aunque no está muy claro si es en este momento o en su segundo viaje, veinte años después.

Unas fiebres le obligan a cambiar de residencia y se aloja cerca de la embajada de España, en la Piazza di Spagna, donde Monterrey se ocupa de él y le manda su médico y algunos dulces.

AÑO 1630

Metido de lleno en el ambiente del clasicismo que se respira en Italia, pinta otros dos grandes cuadros de composición, complejos y con muchos personajes, uno de tema mitológico, inspirado en las Metamorfosis de Ovidio, La fragua de Vulcano (Madrid, Prado) y otro de tema religioso, tomado de la Biblia, La túnica de José (El Escorial).

Aunque los pinta sin encargo previo, los dos pasan en 1634 a la colección del rey Felipe IV, con otros 17 cuadros de italianos y españoles, destinados al palacio del Buen Retiro y adquiridos por 1.000 ducados.

En noviembre está en Nápoles, virreinato de la corona española, donde conoce al pintor Jusepe Ribera, el Españoleto, que había nacido en Játiva (Valencia), pero que desarrolló su actividad como pintor en aquella ciudad italiana y trabajó mucho para la corona española.

Allí pinta por encargo de Felipe IV a María de Austria, reina de Hungría (Madrid, Prado), su hermana, que había estado prometida a Carlos I de Inglaterra, pero que ahora iba a casarse con su primo Fernando III, rey de Hungría y Bohemia y más tarde emperador de Austria. Este cuadro se encontró en el taller de Velázquez a su muerte.

AÑO 1631

Enero. Está de vuelta en Madrid, llamado de su majestad, a quien hubo de obedecer con harto desconsuelo, como escribió un contemporáneo.

Pacheco cuenta la llegada: Fue muy bien recibido del conde duque, mandóle fuese luego a besar la mano de su majestad, agradeciéndole mucho no haberse dejado retratar de otro pintor, y aguardándole para retratar al príncipe, lo cual hizo puntualmente; y su majestad se holgó mucho de su venida.

Hace numerosos retratos de la familia real, sobre todo del príncipe heredero, Baltasar Carlos con un enano (Boston, Museum of Fine Arts) y Baltasar Carlos de Londres (Wallace Collection), donde ya aparece con armadura.

Tiene un oficial italiano, Hércules Bartolussi.

Por estos años, entre 1630 y 1632, todavía inspirado por el ambiente italiano, pinta una Sibila (Madrid, Prado), que para algunos podría ser el retrato de su mujer, Juana Pacheco.

Pinta también los retratos de Doña Antonia de Ipeñarrieta con su hijo Luis (Madrid, Prado) y su segundo marido, Don Diego del Corral y Arellano (Madrid, Prado).

Por estos años pinta el Cristo crucificado (1167) de San Plácido (Madrid, Prado), una de las pocas pinturas religiosas que salieron de su mano en la corte, pero también una de las más emotivas.

AÑO 1632

Por dos retratos de los reyes, que se envían a la corte de Alemania, cobra 1100 reales.

AÑO 1633

El 8 de mayo el rey le concede cobrar el dinero correspondiente a un paso de vara de #alguacil de casa y corte, aunque las Cortes no lo aprueban hasta el año siguiente.

En julio Velázquez casa a su hija Francisca, de 14 años, con su discípulo Juan Bautista Martínez del Mazo, costumbre muy arraigada entre los pintores en la que él mismo había seguido.

Vende la Fragua de Vulcano y la Túnica de José, las dos pinturas de Italia, al rey Felipe IV, con destino al palacio del Buen Retiro, junto a otras 17 pinturas españolas e italianas.

En octubre Velázquez y Carducho emiten un dictamen sobre el valor de varios retratos reales que se recogieron en tiendas de pintores de Madrid, no parecidos los más de ellos, y otros con hábitos indecentes, y algunos pequeños hechos en figuras menudas; y conviene que no se hagan, vendan ni pongan en público retratos… que no estén bien obrados, conforme a arte y parecidos de las personas que representan, y con la decencia que es justo…

Vicencio Carducho y Diego Velázquez, pintores de S. M. y habiendo jurado y prometido de decir verdad, dijeron que habiendo visto los treinta y siete retratos del Rey nuestro señor y Reina nuestra Señora y otras personas Reales… que los retratos grandes, los tres de ellos y cinco pequeños, que son cabezas, están buenos y conforme al arte…; y los otros diez grandes y los diez y nueve pequeños, que son cabezas, se han de borrar los rostros para que se vuelvan a hacer…; y uno de los dichos diez retratos grandes, que es del príncipe nuestro Señor, se ha de enmendar y borrar todo él…

AÑO 1634

Velázquez pasa el cargo de ujier de cámara a su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo y recibe el nombramiento de ayuda de guardarropa, con gajes pero sin ejercicio.

El 21 de agosto cobra 2.000 reales de los 449.000 maravedíes (unos 1.195 ducados), que se le deben por su salario de pintor de cámara desde 1929.

Cobra por unos cuadros destinados al Buen Retiro, posiblemente retratos de bufones y por otros suyos y de pintores italianos, entre otros las historias que ha pintado en Italia:

Más, mil ducados de a once reales que en diversas partidas se pagaron a Diego Velázquez, pintor de Cámara de S.

M. por el precio de diez y ocho cuadros de pinturas, que fueron la Susana de Luqueto, un original de Basán, la Dánae de Tiziano, el cuadro de Josefo, el cuadro de Vulcano, cinco ramilleteros, cuatro paisitos, dos bodegones, un retrato del Príncipe Nro. Sr. y otro de la Reina Na. Sra. tasados por Fco. de Rioja en 11.000

Ya trabaja en Las Lanzas o La rendición de Breda, un cuadro de historia destinado a decorar el Salón de Reinos en el palacio del Buen Retiro.

AÑO 1635

Acaba Las Lanzas y los retratos ecuestres de los reyes, sus antecesores y el heredero para el Salón de Reinos del palacio del Buen Retiro.

Nace Inés Manuela, su primera nieta, y se bautiza el 28 de enero de 1635. Los padrinos son su abuela Juana y Pedro de Landázuri, un caballero de la orden de Alcántara.

Entre este año y el siguiente pinta el retrato de Juan Martínez Montañés, el más famoso escultor sevillano del momento, que había venido a la corte para esculpir un busto del rey Felipe IV, destinado a servir de modelo para la estatua ecuestre que Pietro Tacca fabricaba en Italia y que hoy se encuentra en Madrid en la plaza de Oriente.

AÑO 1636

Velázquez recibe el nombramiento de ayuda de guardarropa y el 24 de octubre pide que se le paguen 15.803 reales que se le deben.

El pintor, como escribió un memorialista tira a querer ser un día ayuda de cámara y a ponerse un hábito, a ejemplo de Tiziano.

AÑO 1637

En un Memorial para ahorrar en los vestidos del personal del Alcázar, Velázquez aparece con un traje de 80 ducados, como los barberos, el destilador y los que cuidan de los lebreles, y de menor precio que el de músicos y bufones. Por debajo está el ayo del enano Don Antonio el Inglés (72) los mozos de retrete (60 ducados), los zapateros (54), los escuderos (50), los barrenderos (45) y jardineros (45).

Los vestidos de los barberos y de Diego Velázquez se podrían reducir a 80 ducados, y los de los mozos de guardarropa a 70 ducados.

AÑO 1638

Cobra 400 reales por la alcabala de los años 1636 y 1637.

Empieza el retrato de Francesco d'Este, duque de Módena, que acaba en 1639 (el duque había llegado a Madrid en septiembre). Pinta también a María de Rohan, Duquesa de Chevreuse, "con el aire y traje de francés", en un cuadro hoy perdido. La dama había llegado a la corte a finales del año anterior.

Nace su segunda nieta, que recibe también el nombre de Inés Manuela y la apadrina el pintor Alonso Cano.

AÑO 1639

Fulvio Testi, embajador del duque de Módena, al que retrata Velázquez, se queja de que "es muy caro", además de lento.

Velasco (Velázquez) está haciendo el retrato de Vuestra Alteza, que será admirable. Pero tiene el mismo defecto que los otros valentuomini, que no acaba nunca y que jamás dice la verdad. Le he dado 150 piezas de a 8 bien contadas… Es caro; pero trabaja bien; y no estimo sus retratos inferiores a los de algunos otros más famosos entre los antiguos y los modernos. Yo seguiré insistiendo… Madrid, el 12 de marzo de 1639.

El rey le nombra escribano del repeso mayor de la corte.

En torno a este año y el siguiente hace los dos retratos de filósofos con destino a la Torre de la Parada, el pabellón de caza próximo a Madrid: Esopo y Menipo (los dos en Madrid, Prado). Para la decoración de este lugar trabajan algunos de los artistas más importantes del momento como Rubens, quien, entre otras cosas, pinta dos filósofos: Demócrito y Heráclito, los dos en Madrid (Prado).

Hace el retrato del almirante Adrián Pulido de Pareja (Londres, National Gallery).

Pacheco nombra heredera universal de sus bienes a su hija Juana, la mujer de Velázquez.

AÑO 1640

Velázquez vende el oficio de escribano del repeso mayor a Luis de Pañalora, que era alguacil de casa y corte. El rey le da un anticipo de 5.500 reales a cuenta de las obras que se compromete a realizar.

A consecuencia del incendio que sufre el palacio del Buen Retiro, en el que se pierden algunas pinturas, Velázquez viaja con Alonso Cano por Castilla en busca de otros cuadros que las sustituyan.

Pinta la Coronación de la Virgen (Madrid, Prado), para decorar las habitaciones de la reina Isabel de Borbón, una de las pocas obras religiosas que salieron de sus pinceles en la corte y, a la vez, una de las más originales.

Entre este año y 1642 pinta el Marte (Madrid, Prado), una curiosa figura mitológica, destinada a decorar la Torre de la Parada. Por entonces parece que pinta también la Costurera de Washington (National Gallery), un retrato de mujer que tiene algo de la pintura de género.

Se publica El arte de la pintura de Pacheco, escrito a mayor gloria de Velázquez.

AÑO 1642

Acompaña a Felipe IV en el viaje a Zaragoza. Pasa por Cuenca y Molina de Aragón. Conoce al pintor y tratadista Jusepe Martínez.

AÑO 1643

El Conde Duque de Oivares, omnipotente valido del rey Felipe IV desde el comienzo de su reinado, y valedor de Velázquez al llegar a Madrid, cae en desgracia, pero la caída no afecta al pintor, que ya ha sabido hacerse imprescindible.

El 6 de enero, once días antes de la caída en desgracia, presta juramento ante el Conde Duque como ayuda de cámara, un cargo que hasta entonces tenía con carácter honorífico.

El rey le concede 2.000 ducados, de los que cobra en mayo 14.000 reales.

En junio Velázquez es nombrado superintendente de obras particulares, un cargo más adecuado a un artista que los anteriores y con un sueldo de 660 reales, demasiado alto para la Junta de Obras y Bosques, que debía pagarlo y que mandó una protesta al rey. Velázquez queda así como adjunto al marqués de Malpica, director de las construcciones reales, a quien no parece agradar este nombramiento.

Consigue para Bartolomé Esteban Murillo, otro pintor sevillano, el permiso de copiar pinturas de la colección real.

AÑO 1644

A finales de enero, Velázquez acompaña al rey al sitio de Fraga, en un séquito compuesto por 500 personas. Allí pinta, a finales de mayo y en condiciones muy precarias, conocidas gracias a la minuciosa contabilidad real, el retrato Felipe IV (Frick Collection, Nueva York).

El rey envía inmediatamente el cuadro a la reina Isabel de Borbón, que se había quedado en Madrid como regente, y ella manda que se exponga al público en la iglesia de San Juan el 10 de agosto, por las mismas fechas en que el rey hace su entrada oficial en Lérida, tomada a los franceses el 31 de julio.

En Fraga pinta también un retrato del enano Don Diego de Acedo, llamado "El Primo" (hoy perdido).

El 27 de noviembre, en Sevilla, muere Francisco Pacheco a los 80 años.

AÑO 1645

Nace su nieto Baltasar del Mazo y se bautiza el 9 de enero, con el nombre del príncipe, quien le apadrina por delegación:

fueron sus padrinos el excelentíssimo Sr. D. Sebastian Suarez de mendoça Conde de Coruña por su alteza el Príncipe nro. sr. y doña Ynés del maço.

Velázquez trabaja como arquitecto y decorador y dedica mucho tiempo a la modernización interior del Alcázar, trabaja en la decoración de la pieza de mediodía, lo cual produce roces con el arquitecto Gómez de Mora y con el marqués de Malpica, la máxima autoridad. El rey obliga al pintor a someterse a su superior.

Retrata al cardenal arzobispo de Toledo, Gaspar de Borja, del cual se conserva un dibujo preparatorio.

En julio cobra parte de lo que se le debía por gajes.

AÑO 1646

Se le nombra ayuda de cámara, con oficio, lo que supone para Velázquez acceder a un puesto de cierto relieve dentro de la corte. Ante los problemas surgidos con otro ayuda de cámara del rey, el pintor jura de nuevo su cargo. El favor del monarca es cada vez más evidente y produce suspicacias.

AÑO 1647

Se le nombra veedor de las obras que se llevaban a cabo en la pieza ochavada del Alcázar, en el lugar donde antes había estado la Torre Vieja. Poco después, en febrero, es contador de estas mismas obras.

En mayo reclama unos pagos, alegando que los ha cobrado otro contador, y poco después pide que se le paguen atrasos desde 1628. Por entonces le debían 34.000 reales, unos 3.000 ducados.

AÑO 1648

Le suben el sueldo a 7.700 reales anuales por las obras que realice. En las fiestas de San Isidro de este año ocupa unbalcón en la Plaza Mayor, el número 24 del cuarto piso del edificio principal, la Casa de la Panadería, pero al nivel delos caballerizos y criados del ministro.

A finales de noviembre otorga poderes a su esposa Juana, porque va a salir de España. Nace María Teresa delRosario, su tercera nieta.

El 25 de noviembre, por una órden real se le concede una mula de carga "para llevar pinturas" en el viaje que va ahacer "por razones del real servicio":que se le de a Diego Velázquez de Silva, su Ayuda de Cámara, que pasa con este viaje a Italia, a cosas de su Realservicio, el carruaje que le toca por su oficio y una acémila más para llevar unas pinturas.

AÑO 1649

Velázquez sale para Italia. Embarca en Málaga con su criado Juan de Pareja y se dirige a Trento, con los duques de Maqueda y Nájera, en la embajada que debe recibir a Mariana de Austria, sobrina de Felipe IV, hija de su hermana María y futura esposa del rey.

LLeva la misión de comprar pinturas para el rey, vaciados de estatuas clásicas, y de contratar fresquistas, que decoren los palacios españoles. Así lo cuenta un pintor aragonés, Jusepe Martínez en su libro "Discursos practicables del nobilísimo arte de la Pintura", Propúsole S.M. que deseaba hacer una galería adornada de pinturas y para esto que buscase maestros pintores para escoger de ellos los mejores, a lo cual respondió (Velázquez): 'Vuestra magestad no ha de tener cuadros que cada hombre los pueda tener'. Replicó S.M.: '¿Cómo ha de ser esto?', y respondió Velázquez: 'Yo me atrevo, señor (si V.M. me da licencia), ir a Roma y a Venecia a buscar y feriar los mejores cuadros que se hallen de Ticiano, Pablo Veronés, Basán, de Rafael de Urbino, del Parmesano y de otros semejantes, que de estas tales pinturas hay muy pocos príncipes que las tengan, y en tanta cantidad como V.M. tendrá con la diligencia que yo haré; y más que será necesario adornar las piezas bajas con estatuas antiguas y las que no se pudieran haber se vaciarán, y traerán las hembras a España para vaciarlas aquí con todo cumplimiento'.

En febrero está en Génova y viaja por Milán, Padua y Venecia, donde el conde de la Fuente, embajador de España, anuncia su llegada el 21 de abril. En Venecia compra cuadros de Tiziano, Tintoretto (las seis escenas del Antiguo Testamento) y Veronés, los venecianos más famosos. En Bolonia habla con los pintores Colonna y Mitelli, para arreglar su venida a España. Viaja por Módena, Parma, vuelve a Bolonia, Florencia y Roma.

El 11 de abril el rey da una órden para que se haga un pago a Velázquez con cargo a los fondos del virreinato de Nápoles:

así os encargo y mando proveais y deis la orden que convenga, para que al dicho Diego de Silva Velázquez, o a su legítimo procurador, se libren y paguen con efecto los dichos ocho mil relaes, o el justo valor dellos, de cualquier dinero que ahí hubiere de mi Real hacienda… por estar sirviendo con satisfacción mía. en la ocupación referida…

El 29 de mayo está en Roma, donde el cardenal de la Cueva, obispo de Málaga, le trata con desdén y se refiere a él como gallina blanca (alguien sin importancia).

Nueva visita a Jusepe Ribera, que ya se encuentra enfermo, en Nápoles a comienzos de julio. Allí el virrey, el conde de Oñate, le paga 8.000 reales sobre los 2.000 ducados que el rey le había concedido en 1643.

Vuelve a Roma, donde se encuentra en el mes de julio.

AÑO 1650

Velázquez triunfa en Roma: en enero entra en la Academia de pintores de San Lucas y en febrero en la Congregazione dei Virtuosi del Panteon,

Retrata a su criado Juan de Pareja (Nueva York, Metropolitan Museum), para entrenarse, para "hacer mano", antes de pintar, a finales de la primavera, uno de los retratos más famosos de toda la historia, el del papa Inocencio X (Roma, Galleria Doria), que celebraba su año de jubileo. Para esta obra tenemos uno de los pocos dibujos que nos han quedado de Velázquez, un Estudio para el retrato de Inocencio X.

El papa, un hombre de 73 años, viejo y astuto, al verse retratado sin piedad por Velázquez exclamó Troppo vero (demasiado real), definiendo en dos palabras la capacidad de calar a fondo en sus personajes que tenía el sevillano.

Como pago por este retrato, del que se conserva un estudio, Inocencio X le ofrece una cadena de oro, que Velázquez rechaza argumentando que lo pintó como uno más de sus servicios al rey de España. El verdadero pago que

Velázquez quería lo obtuvo a través del secretario de Estado del Vaticano: la intervención papal ante el rey de España a favor de la petición de un hábito de la Orden de Santiago.

El retrato de Pareja se expone en público, en las gradas del Panteón, para admiración y pasmo de toda Roma, el 19 de marzo de 1650.

Allí retrata a otros miembros de la corte papal como la poderosa Olimpia Maidalchini, cuñada del papa (hoy perdido), el cardenal Camilo Massimi (Winborne, Inglaterra), camarero del papa y coleccionista, el Barbero del papa (Nueva York) y Camilo Astalli (Nueva York, Hispanic Society), un pariente de Olimpia que medró con rapidez en el Vaticano y fue nombrado cardenal en 1650, bajo el nombre de Pamphilii.

Velázquez pide al rey Felipe IV ingresar en una orden militar, algo a lo que en principio, por sus orígenes y su posición social, no tenía derecho.

Felipe IV en España se impacienta y reclama al pintor ya desde el mes de febrero, luego en junio y agosto, para que regrese, pero él se encuentra a gusto en Roma.

El 23 de noviembre Velázquez concede la libertad a Juan de Pareja, su esclavo, a condición de permanecer todavía cuatro años a su servicio. Pareja se queda para siempre.

Para algunos autores es en este momento cuando pinta las vistas de la Villa Medici (1210 y 1211 del Prado), sin embargo para otros son cuadros del primer viaje.

Por entonces pinta la Venus del espejo (Londres, National Gallery), uno de sus mejores cuadros.

En diciembre sale de Roma con destino a Módena, donde se encuentra el día 12, para volver a España, como cuenta en una carta el secretario de Francesco d'Este, que se niega a enseñarle la colección.

AÑO 1651

En Venecia de nuevo es recibido por el pintor, grabador y tratadista Boschini y allí compra cinco cuadros, entre otrosel boceto para el Paraíso de Tintoretto. Boschini le dedica unas páginas de su libro:

L'ano mile sie cento e cinquant'un/ Fu Don Diego Velazques gran sugeto,Del Católico Re Pitor perfeto,/ In sta Citá; non ghé dubio nissun.E fú mandá da quela gran Corona,/ Per aquistar dei quadri a forza d'oro, Cavalier, che spirava un gran decoro,/ Quanto ogn'alta autorevole persona…

(El año 1651 estuvo en esta ciudad, sin duda, don Diego Velázquez, un hombre importante, pintor experto del reycatólico. Fue enviado por aquella gran monarquía para comprar cuadros a base de oro. Era un caballero querespiraba un gran decoro, como persona de autoridad…)

Quizá la tardanza en volver se debe a motivos sentimentales y no sólo artísticos. A finales de año nace un hijo suyo,

Antonio.

Velázquez, con su flema característica, no se apresura. En mayo embarca en Génova camino a España, con Ottonelli, embajador de la corte de Módena en Madrid. El 23 de junio llega a la corte, desde Valencia.

El rey escribe al Duque del Infantado y le da noticias de la vuelta, el 23 de junio:

Duque del Infantado Primo Gentilhombre de mi Cámara de mi Consejo y mi embaxador en Roma. Llegó a Madrid Velázquez, y a las costas de Hespaña en los navíos de Nápoles algunos caxones de la parte de la obra que trahe consigo, y he mandado que se conduzca luego, por el desseo con que estoi de verla y que se vaya ajustando a la parte donde a de servir…

El rey le concede la cantidad de 100 escudos de oro al año con cargo a los gastos secretos.

AÑO 1652

A principios de año Velázquez solicita el puesto de aposentador mayor de palacio, y argumenta en su favor que sae viene ocupando de la decoración y el arreglo de los palacios reales, con el cuidado y la habilidad que convienen al monarca:

ha muchos años que se ocupa en el adorno y compostura de el aposento de V. Magd. con el cuidado y acierto que a

V. Magd. le consta, y Suplica a V. Magd. le aga merced de este oficio, pues es tan ajustado a su genio y ocupación.

Cuatro personas solicitan el puesto y Velázquez no es el candidato de la comisión, pero el rey se impone y le nombra. El 8 de marzo presta juramento como aposentador ante el conde de Montalban, que le ha sido favorable.

Velázquez tiene ahora un salario de 1600 ducados anuales y, lo que es más importante, corona su carrera cortesana. Como aposentador debe ocuparse de la limpieza del Alcázar, de la ropa de cama, de las provisiones de carbón y leña, de la distribución de balcones para las fiestas de la Plaza Mayor, de preparar el alojamiento de los reyes cada vez que salen de palacio, de la colocación de muebles y estatuas, además de la intendencia.

Entre este año y el siguiente pinta el retrato de la reina Mariana de Austria (1191), de Madrid (Prado) y otros suyos, de su hija la Infanta Margarita (Viena, Kunsthistorisches Museum) y Paris (Louvre) y de la Infanta María Teresa (Metropolitan Museum) y María Teresa de Viena (Kunsthistorisches Museum).

En noviembre de 1652 manda pagar una pensión a la nodriza de su hijo, que todavía es un niño de brazos. El pago se hace por medio de un agente de Nápoles en Roma.

En noviembre también nace su último nieto, Julián del Mazo, al que apadrinan Velázquez y su mujer en la iglesia de San Luis.

En diciembre el rey escribe al conde de Oñate sobre la compra de unos vasos de pórfido que había dibujado Velázquez en Roma:

Don Juan de Córdova, agente en Roma del Conde, de Oñate envió a esta Corte, a manos de Diego Velázquez, quatro dibujos de unos vasos de pórfido, grandes, aunque no todos de un tamaño, y cada dibujo es de un par de vasos iguales, de modo que en todos son ocho, los cuales dice estaban en poder de un boticario que los vendía, que tiene su tienda a la fontana de Tréveris, y que le pareçía serían todos de precio de quatro mil ducados poco más o menos.

AÑO 1653

Felipe IV se queja de que Velázquez me ha engañado mil veces, aludiendo a su tardanza en pintar lo que el rey desea y, seguramente, al viaje a Italia.

Retrata a la infanta María Teresa y a la reina Mariana de Austria.

Entre sus ocupaciones como aposentador debe ordenar que se coloquen esteras en una capilla para que la visiten los reyes:

En 8 de mayo de 1653 ordena el Conde de Montalbán, al Controlador Juan Lorenzo de Cuéllar, que se encargue a Diego Velázquez de hacer esterar la capilla mayor de San Jerónimo porque, al día siguiente, Domingo, había de ir allí el Rey.

AÑO 1654

Con motivo de las capitulaciones matrimoniales de su nieta Inés, de 16 años, con un napolitano que vivía en Madrid, Velázquez le asigna 132.000 reales de dote.

Su hija Francisca había muerto entre 1652 (fecha del último parto, a los 33 años) y 1654.

El 22 de marzo, Velázquez contesta una carta de Camillo Massimi, al que conoció y pintó en Roma. Massimi había sido rechazado por Felipe IV como nuncio del papa en España y pasó una temporada en cuarentena en Cuenca.

Illmo. y Rmo. Sr. La carta de V.S. Illma. de 13 deste me la dió un Religioso de la Santissima Trinidad ayer 27. Luego di cuenta a SM Dios le guarde de quanto V.S. Illma. en ella me dize de los morillos, con que salió S:M: del cuidado con que estaba jusgado que hubieren llegado a España. Señor mío, io tube grandissimo gusto con su carta de V.S. Illma. y mucho más tubiera de vierle en esta corte i si en tanto se le ofreciese a V.S. Illlma. mandarme, aquí me tiene a su obediencia con mucho desseo de servirle i de que Nro. Sr. le guarde muchos años con la salud que puede i io le desseo. Madrid y marzo 28 de 1654. De V.S. Illma. Servidor. Diego de Silva Velazquez.

AÑO 1655

El rey le concede como alojamiento la Casa del Tesoro, un edifico desde el que se llega fácilmente a las habitaciones de verano del monarca.

…su Mg. manda que el quarto de la Casa del Tesoro en que vivió la Princesa Margarita quede desembarazado y en lo demás della se aposenten, Diego Velázquez, aposentador, Julián González, barbero y un aparejador de las obras reales… y así éstos como los demás a quienes yo mandare aposentar en la dicha Casa del tesoro ha de ser con calidad que no lo hayan de poder alquilar ni prestar a nadie, porque si ellos mismos no lo habitaran ha de quedar también desembarazado.

AÑO 1656

En el verano pinta Las Meninas, que se cuelga en las habitaciones privadas del rey, en la planta baja del ala norte, donde a Felipe IV le gustaba retirarse. Esa colocación fue una de las razones que salvaron el cuadro del incendio.

Bajo la dirección de Velázquez se decora la galería del mediodía, el patio de la Tapicería y el jardín de los Emperadores del Alcázar.

La Junta de millones del reino le paga 22.765 reales.

AÑO 1657

Añorando sin duda la situación de los artistas en Italia, tan distinta se la española, Velázquez quiere volver y pide permiso al rey, pero Felipe IV no se lo concede por la dilación de la vez pasada. Sin duda temía que no volviera más.

Por entonces pinta Las Hilanderas, conocido también como La fábula de Aracne (Madrid, Prado), una de sus últimas pinturas mitológicas.

AÑO 1658

Se abre el expediente para conceder un hábito de Santiago a Velázquez.

Alrededor de 150 personas declaran a favor de Velázquez, entre ellos muchos pintores y algunos nobles, como el marqués de Malpica. Los argumentos van desde que no comerciaba con cuadros hasta que sabía montar a caballo.

La Orden se resiste a admitirle porque no había suficientes pruebas de nobleza. Velázquez se escuda en la guerra con Portugal para no pedir documentación de allí.

AÑO 1659

Tras muchos problemas y papeleos, Velázquez obtiene el hábito de la orden militar de Santiago. El decreto de 27 de noviembre dice así:

Despáchese título de caballero de la Orden de Santiago a Diego de Silva Velázquez, natural de la ciudad de Sevilla, Aposentador y Ayuda de Cámara de su Magestad, inserto en el Breve de Su Santidad en que le dispensa la falta de nobleza de sus cuatro abuelos y abuelas, en el consexo.

Ha sido necesaria la intervención del papa y del rey para eximir a Velázquez de algunos requisistos imprescindibles para ser caballero de una orden militar, como la limpieza de sangre por los cuatro costados, ser cristiano viejo y no haber trabajado nunca en labores manuales para ganar el sustento.

La dispensa papal se concedió el 29 de julio y el 28 de noviembre el rey le concede la hidalguía. En la iglesia de los religiosos del Corpus Christi, el conde de Niebla arma caballero a Velázquez.

Retrata al príncipe Felipe Próspero y a la Infanta Margarita, una de sus "modelos" favoritas en los últimos años (los dos en Viena, Kunsthistorisches Museum).

Por entonces pinta también Mercurio y Argos (Madrid, Prado), de nuevo un tema mitológico, que formaba grupo con otros tres destruídos, que tenían como tema historias de las Metamorfosis de Ovidio. Los cuatro estaban colgados en el Salón de los Espejos, cuyo techo ha pintado Mitelli y que, ahora, se acaba de decorar bajo la dirección de Velázquez.

Reclama los gastos de madera para la calefacción de las habitaciones del rey, porque no tiene dinero con que pagarla.

AÑO 1660

Como aposentador real, y seguramente cargado de tapices, viaja el 7 de abril a Fuenterrabía con la comitiva española para hacer entrega en la Isla de Los Faisanes, entre Francia y España, de la infanta María Teresa a su esposo Luis XIV de Francia. Con estas bodas se sellaba la Paz de los Pirineos, firmada entre los dos países el año anterior.

Velázquez debía ocuparse de la organización y la preparación del lugar en que se llevó a cabo la ceremonia los días 3, 7 y 9 de junio. Algunos han querido reconocerle en uno de los personajes del séquito, pero según la crónica de Castillo sólo los ministros acompañaban a las dos familias (Luis de Haro y Mazarino).

Sin embargo sabemos que Velázquez iba vestido con gran elegancia, si creemos a Palomino:

No fué Don Diego Velázquez el que en este día mostró menos su afecto en el adorno, bizarría y gala de su persona; pues acompañada su gentileza y arte (que eran cortesanas, sin poner cuidado en el natural garbo y compostura), le ilustraron muchos diamantes y piedras preciosas; en el color d ela tela no es de admirar se aventajara a muchos, pues era superior en el conocimiento de ellas, en que siempre mostró muy gran gusto: todo el vestido estaba guarnecido con ricas puntas de plata de Milán, según el estilo de aquel tiempo (que era de golilla, aunque de color, hasta en las jornadas); en la capa roja insignia; un espadín hermosísimo, con la guarnición y conteura de plata, con exquisitas labores de relieve, labrado en Italia; una gruesa cadena de oro al cuello, pendiente la venera guarnecida de muchos diamantes, en que estaba esmaltado el Hábito de Santiago; siendo los demás cabos correspondientes a tan precioso aliño.

Vuelve a Madrid el 26 de junio. El 3 de julio escribe una carta a Valentín Díaz#, un pintor de Valladolid, el 3 de julio, donde aparece su última firma:

Señor mío holgaré mucho halle esta a Vm. con la buena salud que le desseo y asímismo a mi Sra. Doña María. io Sr. llegué a esta Corte sábado a el amanecer 26 de Junio, cansado de caminar de noche y trabajar de día pero con salud y gracias a Dios hallé mi casa con ella. S.M. llegó el mismo día y la Reyna le salió a recivir a la casa del Campo y desde allí fueron a na. Sa. de Atocha. La Reyna está muy linda y el príncipe no. sr. el miércoles pasado hubo toros en la plaza mayor, pero sin cavalleros con que fué una fiesta simple y nos acordamos de la de Valladolid. Vm. me avise de su salud y de la de mi Sra. Doña María, y me mande en que le sirva, que siempre me tendrá muy suio. a el amigo Tomás de Peña dé V.m. de mi parte muchos recados, que como io andube tan ocupado y me bine tan de prisa no le pude ver. por acá no ay cosa de que poder abisar a V.m. sino que Dios me le gde. muchos años como desseo.- Md. y jullio 3 de 1660. de V.m. q.b.s.m.- Diego de Silva Velásquez.- Sr. Diego Valentín Díaz.

Cae enfermo a finales del mes de julio, el día 31, con dolores en el pecho y dificultades respiratorias. Pintaba el retrato de La Infanta Margarita de Austria (Madrid, Prado), de rosa y plata, pero tuvo que abandonarlo y lo acabó su yerno Mazo.

Velázquez pasa unos días en coma, atendido por los médicos del rey, y muere el 6 de agosto a las tres de la tarde. Juan de Alfaro hace un dibujo, Velázquez en su lecho de muerte.

Se le entierra en la iglesia de San Juan Bautista (derribada en 1811). Los restos del pintor están en algún lugar bajo la plaza de Ramales en Madrid.

Una semana después de Velázquez, el 14 de agosto, murió su esposa Juana Pacheco.

ESTILO

Sevilla. Inicios

En los primeros años de Sevilla Velázquez trabaja en lo que había aprendido allí: el naturalismo tenebrista que se había difundido desde Italia.

De su primer maestro Francisco de Herrera el Viejo, un pintor de fama en la ciudad y concedor de las novedades, pero también famoso por su mal caracter, poco pudo aprender.

Pacheco, Pacheco. Retrato de hombre y mujer (detalle). como pintor, le enseñaría la tradición flamenquizante de la pintura sevillana y los ejemplos de la gran pintura del Renacimiento, Miguel Angel y Rafael, en su peculiar y seca versión. Más importane que eso, y además del ambiente cultural que en su casa se respiraba, fue su apego al natural, visible en los dibujos para el Libro de retratos, una lección que Velázquez no olvida nunca.

En estos primeros años se dedica al estudio del natural y domina las calidades, las texturas de las cosas, que pinta con una técnica tenebrista, dirigiendo un foco de luz fuerte que individualiza y destaca las personas y los objetos con una valor inédito, por humildes o poco importantes que sean.

Los temas más frecuentes son los que pide la clientela sevillana: bodegones, solos o complicados con elementos religiosos o alegóricos, retratos y pintura religiosa. La vieja friendo huevos, Velázquez. Vieja friendo huevos. (Detalle). El aguador de Sevilla, la Adoración de los Magos, el retrato de la madre Jerónima de la Fuente, la Cena en Emaús, Dos hombres a la mesa o San Pablo (Museo de Arte de Cataluña), son buenos ejemplos de estos temas.

El dibujo de Velázquez es ahora preciso y detallado; la pintura es todavía densa y apurada, con atención a los detalles y muy acabada, con recuerdos de Luis Tristán. En los colores predominan los tonos terrosos y las formas tienen la consistencia y la rotundidad de la escultura policromada en la que a veces colaboraban los pintores.

Madrid. 1623-1629

Una vez en la corte, Velázquez tiene a la vista las colecciones reales, bien provistas de pintura veneciana, y ante ellas su estilo sufre varios cambios: siguen predominando las gamas de color ocre, pero la luz y los fondos se van aclarando, mientras la técnica se va haciendo más ligera, de pincelada menos empastada.

Así ocurre en algunos retratos reales de estos años o en Los borrachos, Velazquez. Los Borrachos. (Detalle). un cuadro de composición, con varios personajes, donde Velázquez demuestra que es capaz de hacer algo más que retratos, "cabezas", como le reprochaban algunos contemporáneos. Situado ya al aire libre y con una paleta más clara que la sevillana, mantiene todavía una iluminación de carácter tenebrista, por lo intensa.

Primer viaje a Italia. 1629-1631

En Italia Velázquez. La túnica de José. (Detalle). encuentra a los pintores interesados también, como Rubens y él mismo, por la pintura veneciana, a Poussin, a Sacchi y a Pietro da Cortona, artistas de su misma generación. Por entonces ya han superado allí la fiebre naturalista de los veinte primeros años del siglo, y la discusión se centra entre clasicismo y barroco.

Bajo estas influencias, bajo la de los pintores del clasicismo romano y boloñés (Guido Reni y Guercino, de una generación anterior), la de Cerquozzi y los bamboccianti, apegados como él a lo real, y bajo la de Rafael y Miguel Angel, a los que copia, sin olvidar ambiente clásico que se respiraba en Roma, hace La Fragua de Vulcano y La túnica de José, sus cuadros más académicos, en el mejor sentido del término.

Velázquez pinta, con pinceladas más ligeras, grupos mejor compuestos de figuras semidesnudas con magníficos estudios anatómicos y expresando distintos sentimientos, con colores más claros, que recuerdan a otros pintores como Poussin y Sacchi. El espacio ocupa ya un lugar importante dentro del cuadro, la luz es la misma para todos y es más matizada. El dibujo sigue siendo muy preciso y no se olvidan las calidades de las cosas, sean armas, telas o cacharros.

Madrid. 1631-1660

Velázquez ha cambiado su estilo en Italia y desde su regreso hasta el final de su vida, incluyendo el segundo viaje a la península italiana, lo que hace es intensificar los logros y desarrollar las maneras que ha iniciado.

A este pintor, tan poco respetuoso con las normas, todos los cuadros le sirven como gabinete de experimentación, pero especialmente los retratos de bufones, Velázquez. Francisco Lezcano. los que ni la etiqueta cortesana ni las necesidades devocionales le obligan a mantener un determinado tipo de imagen.

Por un lado se permite una introspección de carácter psicológico enorme y por otro una libertad de pincel que da lugar a imágenes y superficies borrosas que se sitúan, casi como fantasmas, a la vez intensamente reales, en espacios sin definir, que vibran gracias a sus pinceladas y a la transparencia de los fondos.

La introspección alcanza puntos culminantes en el retrato del papa Inocencio X, al que le pareció "demasiado real" o en el de su esclavo Juan de Pareja. La creación de ambiente en cuadros como Las Meninas y Las Hilanderas; y la indefinición, el aspecto borroso en Mercurio y Argos, Velázquez. Mercurio y Argos. los últimos retratos de la reina Mariana de Austria y La Infanta Margarita de Austria.

La lección de Tiziano y Rubens se hace patente en sus mejores cuadros, como Las hilanderas, por ejemplo. Velázquez desarrolla los aspectos más libres de la pintura veneciana y consigue una pincelada ligera, a base de toques sueltos y aparentemente informes que, al verse de lejos, se ordenan como por arte de magia y dan lugar a formas.

Un capítulo especial lo constituye la pintura de paisaje en la obra de Velázquez: los fondos de sus retratos ecuestres o de otras escenas de historia y los dos paisajes independientes: las vistas de la Villa Medicis, Velázquez. Vista del jardín de la Villa Medicis.

En los dos casos se trata de una visión completamente moderna del paisaje, vista del natural, y en el caso de los dos cuadros pintados en Roma, tomados directamente, algo que todavía no era frecuente entre sus contemporáneos, al menos en cuadros al óleo, solamente en dibujos. Lo inmediato de la visión, la falta de importancia del tema y la libertad técnica hacen de estos cuadros un avance de los caminos que tomará la pintura dos siglos después, con los impresionistas.

PREPARACIONES

Las preparaciones de los primeros años de actividad de Velázquez en Sevilla, cuando pinta la Adoración de los Magos, Velázquez. La Adoración de Los Magos. son de tonos ocres, quizá tierra de Sevilla o légamo, como lo denomina Palomino.

En la primera etapa madrileña, desde 1623, usa una preparación parecida, frecuente entre los pintores de la corte y conocida como greda o tierra de Esquivias. En algunos casos, bajo ésta, hay una capa de color más blanco, de preparación, mientras la rojiza sería de imprimación. Así ocurre en el retrato de Pacheco o en los primeros de Felipe IV y su hermano, Don Carlos (1188). Esta capa se deja ver debajo de la pintura en algunas zonas, como un color o una entonación más.

En otras ocasiones esa capa blanquecina no aparece, por ejemplo en el retrato de Góngora del Prado o en la Cabeza de Ciervo.

Otras veces aparece sobre la base rojiza, no debajo, una capa blanca, como en el retrato de doña María de Austria, donde esa capa blanca ocupa todo el lienzo, o La Sibila, Velázquez. Una Sibila. donde sólo afecta a la zona de la cabeza y el rostro, para darles más luz.

La preparación de las vistas de la villa Medici es parecida: tierra de Sevilla y encima una capa de blanco. Esto ha hecho pensar que fueran telas preparadas por Velázquez antes de ir a Italia y que llevó con él en su viaje.

A partir de la Fragua de Vulcano Velázquez usa siempre la preparación blanca, aunque con densidades diferentes según los cuadros (mínimo en Las Meninas, donde se mezcla con las capas de color y se llega a hacer imperceptible), y aplicada con mayor o menor cuidado (mayor en las pinturas religiosas). Tiziano y Rubens, además de algunos retratistas de corte, usaban este mismo tipo de preparación.

COLORES

Sobre la preparación Velázquez traza las líneas esenciales de las figuras, pocas y muy esquemáticas, como se puede ver en el retrato de Martínez Montañés, Velázquez. Retrato de Martinez Montañés. en la zona del busto en que trabaja el escultor y en otros cuadros, como el Retrato de hombre joven de la Pinacoteca de Munich, los dos sin terminar pero detenidos en distinto momento, uno todavía sin color y otro con algo.

Sobre esas líneas básicas aplica el color en una paleta poco variada en pigmentos básicos, pero infinitamente rica en resultados gracias a la variedad de mezclas. Utiliza sobre todo azurita, laca orgánica roja, bermellón de mercurio, blanco de plomo, amarillo de plomo, negro orgánico, esmalte y óxido de hierro marrón.

Cuando está en Italia experimenta con técnicas y materiales de allí: en La túnica de José usa, Velazquez. La túnica de José. amarillo de Nápoles, que, luego, no vuelve a emplear. Nunca utiliza el verde y las variadas gamas de este color, que vemos en los paisajes, en los árboles, los trajes o los fondos, se consiguen siempre a base de combinaciones de azul.

El resultado de las mezclas es una riqueza de matices como La Coronación de la Virgen, que se hace a base de cinco pigmentos básicos, y lleva a la pintura hasta extremos de virtuosismo tales como el retrato de La Infanta Margarita de Austria del Prado.

La técnica de Velázquez en la fabricación de colores no es muy cuidadosa: los pigmentos no suelen estar nuy molidos, la molienda es desigual y sólo en algunos cuadros, como las pinturas de tema religioso y algunos otros cuadros de los años treinta, como Las Lanzas o los retratos ecuestres, se aprecia un mayor cuidado en este sentido. Más adelante, a partir de la segunda mitad de los años treinta, son más gruesos.

A Velázquez le preocupa más el resultado final que las recetas de taller que aprendió con Pacheco. Esas sólo son para él un punto de partida, que pronto supera ampliamente, y no un corsé al que ceñirse.

TECNICA

La técnica de Velázquez se va deshaciendo con los años. Desde las pinceladas empastadas y bien trabadas unas con otras de los primeros años sevillanos, como la Adoración de los magos, va pasando, sobre todo a partir de la mitad de los años treinta, a pinceladas cada vez más ligeras y transparentes, menos cargadas de pintura y con más aglutinante, como en San Antonio y San Pablo, San Antonio y San Pablo.

Todo esto permite que se transparenten en superficie las capas inferiores y que, a veces, se puedan apreciar a simple vista las gotas de pintura que han chorreado, como en La Coronación de la Virgen, donde se juntan su manto y el de Dios Padre.

A esa pintura suelta y transparente, de pinceladas rápidas y sintéticas, se añaden toques puntuales y precisos, a veces de tamaño mínimo, más empastados, que se aplican en superficie, sobre el color previo para matizar, dar brillos o construir detalles tales como joyas, puntillas, adornos, etc.

Otras veces Velázquez restriega con el pincel casi seco para obtener otros efectos, como en los rayos que salen de la cabeza de Apolo en la Fragua de Vulcano o en la Coronación de la Virgen.

Velázquez va superponiendo mientras pinta: las manos se pintan sobre los trajes, los cuellos de encaje y las joyas también; unas figuras se superponen a otras, unos objetos tapan otros pintados antes.

Los fondos de los cuadros se pintan después de las figuras, contorneándolas, dejando que se transparente la preparación y haciéndola funcionar como un tono más de los que se aplican, tanto si es un paisaje como si es uno de sus característicos interiores sin marcas de pared o suelo.

A veces el fondo no llega a tocar a la figura y queda entre ambos una línea más clara, como un halo, que es fruto de la preparación que ha quedado al descubierto.

La forma de trabajar de Velázquez sin dibujos previos, capaz de cambiar sobre la marcha, y su modo de superponer unas partes a otras, hace que las modificaciones, los arrepentimientos, sean visibles, y en casi todos sus cuadros se pueden ver partes anteriores que han sido modificadas, con más o menos cuidado según los casos: desde el retrato de Felipe IV en pie de 1626 hasta la pierna de Marte, en la que el pintor ha tapado el trozo de manto azul, que antes la cubría, con pinceladas gruesas y transversales a las anteriores.

La técnica de Velázquez, por lo libre y poco ortodoxa, no resulta fácil de sujetar a recetas y, por tanto, no resulta fácil de copiar. Sólo unos pocos: Martínez del Mazo, Alonso Cano y Alonso Cano. El Milagro del Pozo. Antolínez se basan en su técnica pero no trabajan igual que él. De ahí también que haya

pocas copias o falsificaciones, en comparación con otros pintores.

CRONOLOGIA

AÑO 1598

Se inaugura el teatro del Globe en Londres. William Shakespeare estrena Las alegres comadres de Windsor.

El Greco ejecuta el retablo de San Martín.

Nace Lorenzo Bernini.

AÑO 1599

Mateo Alemán publica la primera parte del Guzmán de Alfarache.

W. Shakespeare escribe Julio César y Como gustéis.

Caravaggio recibe su primer encargo público en Roma: las dos Historias de San Mateo.

Nace Francisco Collantes.

AÑO 1600

W. Shakespeare escribe Hamlet.

Nacen Pedro Calderón de la Barca y Juan Rizi (fray Juan Rizi desde 1627).

Pedro Pablo Rubens inicia su viaje a Italia (hasta 1608).

El Greco retrata al Cardenal Bernardo Sandoval y Rojas.

Martínez Montañés hace el Cristo de los Cálices.

AÑO 1601

Johannes Kepler es nombrado astrónomo en la corte imperial de Praga.

Jacopo Peri estrena la ópera Euridice, con texto de Rinuccini.

Michelangelo Merisi, el Caravaggio, pinta la Crucifixión de San Pedro y la Conversión de San Pablo para la iglesia de Santa María del Popolo en Roma.

Nace en Calatayud Jusepe Leonardo.

AÑO 1602

Tommaso Campanella escribe en la prisión La Ciudad del Sol (publicado en 1623).

Adrien de Vries termina la Fuente de Hércules en Augsburgo, y Elías Holl inicia la construcción de Zollhaus en la mimsma ciudad.

Juan de Roelas compra en Valladolid la casa del escultor Juan de Juny.

AÑO 1603

Fundación de la Accademia dei Lincei, de ciencias naturales, en Roma.

Primer teatro estable alemán en la ciudad de Kassel.

Thomas Heywood estrena A Woman Killed with Kindness.

Rubens visita España por primera vez.

Ribalta pinta el Martirio de Santiago.

Patricio Cajés pinta la Asunción de la Virgen.

AÑO 1604

W. Shakespeare escribe Otello. En España se publica la segunda parte del Guzmán de Alfarache de Mateo Alemán.

El Greco pinta el retrato del Gran Inquisidor don Fernando Niño de Guevara.

Pantoja de la Cruz pinta la Anunciación (a lo divino).

AÑO 1605

Miguel de Cervantes publica la primera parte de El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha; W. Shakespeare estrena El rey Lear y Macbeth, y Ben Jonson su Volpone.

Michel Prätorius inicia la composición de su Musae Sioniae (terminada en 1610).

Gregorio Fernández hace San Vicente Ferrer y San Martín.

AÑO 1606

Luis Baez de Torres descubre las Nuevas Hébridas.

Francisco de Quevedo redacta los primeros Sueños.

Carlo Maderna inicia la construcción de la fachada de la Basílica de San Pedro en Roma (concluida en 1614).

Caravaggio pinta las Siete obras de misericordia.

Pantoja de la Cruz retrata a Felipe III (Felipe III de Pantoja de la Cruz).

AÑO 1607

W. Shakespeare escribe Antonio y Cleopatra, y Honore D'Urfé su novela pastoril L'Astrée (sus cinco tomos se terminarán en 1627).

Claudio Monteverdi concluye la ópera Orfeo.

AÑO 1608

Creación en España de las universidades de Oviedo y Pamplona.

Francisco de Sales escribe su Introducción a la vida devota.

Mueren Pantoja de la Cruz y Bartolomé Carducho.

Santiago Morán es nombrado pintor del rey.

Bartolomé González empieza a trabajar en la corte.

AÑO 1609

Henry Hudson descubre el río que más tarde llevará su nombre.

Hugo Grocio publica De mare liberum defendiendo el principio de libertad de navegación por mares y oceános en el derecho internacional.

Lope de Vega publica su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo.

Vicente Carducho es nombrado pintor del rey.

AÑO 1610

Ben Jonson autor de El Alquimista.

Galileo Galilei publica sus estudios de astronomía Sidereus Nuntius, y presenta un instrumento construido por él mismo, llamado luego telescopio. Juan Fabricio descubre las manchas solares y el giro axial del sol.

Pedro Pablo Rubens concluye el Altar de la Crucifixión para la catedral de Amberes.

Caravaggio pinta la Flagelación.

Francisco de Mora construye un nueva fachada para el Alcázar de Madrid, pero muere y la acaba su sobrino Juan Gómez de Mora.

Vicente Carducho pinta la Predicación de San Juan Bautista.

Nace Diego Polo en Burgos.

AÑO 1611

Versión definitiva de la Biblia inglesa (Authorized Version).

El Greco realiza su Vista de Toledo. Francisco de Mora diseña la portada de la Encarnación de Madrid.

Nacen Juan Bautista Martínez del Mazo y Antonio de Pereda.

Juan de las Roelas pinta la Visión de San Bernardo.

Juan Gómez de Mora es maestro de obras del Alcázar y empieza a construir la iglesia de la Encarnación en Madrid.

AÑO 1612

Luis de Góngora publica su Fábula de Polifemo y Galatea.

Hainrich Schütz compone su Madrigal italiano.

Paso Grande con Cristo crucificado, de Gregorio Fernández.

Muere Patricio Cajés.

Eugenio Cajés es nombradao pintor del rey.

AÑO 1613

Miguel de Cervantes publica las Novelas ejemplares y Luis de Góngora las Soledades.

Juan Bautista Maíno pinta La Adoración de los Magos y La Adoración de los pastores. Trabaja en el convento dominico de San Pedro Mártir en Toledo.

AÑO 1614

Inaguración de la Universidad calvinista de Gröningen.

Muere El Greco.

Guido Reni termina la Aurora del Casino Rospigliosi en Roma.

Pacheco pinta el Cristo en la cruz (Cristo de Pacheco).

Nacen Carreño de Miranda y Francisco Rizi.

AÑO 1615

Miguel de Cervantes publica la segunda parte del Quijote y Ocho comedias y ocho entremeses nuevos.

Fundación de la Accademia dei Filomusi -la más antigua academia de música-, en Bolonia.

AÑO 1616

Mueren Miguel de Cervantes y William Shakespeare.

Muere Caravaggio en la playa de Porto Ercole (Nápoles).

Franz Hals pinta el Banquete de los oficiales de San Jorge.

Ribera se traslada de Roma a Nápoles.

Francisco Pacheco pinta San Sebastián curado por Santa Irene.

Pedro Orrente pinta San Sebastián.

Rodrigo de Villandrando retrata a Felipe IV y el enano Soplillo.

Juan de Roelas es capellán de la corte.

AÑO 1617

Fundación en Weimar de la Fruchtbringende Gesellschaft (Sociedad Fructífera), primera academia surgida con el propósito de unificar y cuidar la lengua alemana.

Henry Briggs proporciona la primera tabla de logaritmos decimales.

Juan Gómez de Mora diseña y comienza las obras de la Plaza Mayor de Madrid, que se acaba dos años después. Hace también las trazas de la Clerecía de Salamanca.

Pedro Pablo Rubens concluye El Juicio Final.

Ribera cobra por pintar estandartes para las galeras del Duque de Lerma.

Llega a Madrid Juan Bautista Crescenci.

Bartolomé González es nombrado pintor del rey, a la muerte de Fabrizio Castello. Piden el cargo, sin éxito, Félix Castello, hijo del difunto, y Juan de Roelas.

AÑO 1618

Vicente Espinel publica las Relaciones de la vida del escudero Marcos de Obregón.

Pedro Pablo Rubens pinta el Rapto de las hijas de Leucipo.

Guido Reni pinta Hipomenes y Atalanta (1618-1620).

Eugenio Cajés pinta Virgen con el Niño y Angeles.

AÑO 1619

Joan Kepler publica Harmonices mundi (tercera ley de Kepler sobre el movimiento de los planetas).

Iñigo Jones elabora algunos proyectos para el Palacio de Whitehall.

Lope de Vega estrena Fuenteovejuna.

Martínez Montañés hace Jesús de la Pasión.

Juan van der Hamen aparece entre los decoradores del palacio del Buen Retiro.

Francisco de Herrera el Viejo pasa el exámen de pintor en Sevilla, aunque ya trabajaba.

Juan Gómez de Mora acaba la Plaza Mayor de Madrid.

AÑO 1620

Francis Bacon publica Novum organum scientiarum, análisis del método científico inductivo.

Lorenzo Bernini realiza el Rapto de Proserpina.

Iñigo Jones trabaja en el Banqueting Hall de Londres.

Juan Bautista Maíno se instala definitivamente en Madrid.

Luis Tristán pinta la Adoración de los pastores (Adoración de los pastores de Luis Tristán).

AÑO 1621

Willebrord Snellius descubre la ley de refracción de la luz (publicada en 1637 por Descartes).

Rubens inicia su ciclo de pinturas sobre María de Médicis.

Angelo Nardi pinta la Adoración de los Magos (1619-1621).

AÑO 1622

Fundación de la Universidad de Buenos Aires.

Nace Jean Baptiste Poquelin, Molière.

Gracián publica Agudeza y Arte de Ingenio.

Juan van der Hamen pinta el Bodegón con dulces.

AÑO 1623

Fundación de la Universidad de Nuremberg.

Galileo Galilei publica su Il saggiatore, escrito polémico en torno a los nuevos conocimientos científicos.

Maffeo Barberini es elegido papa como Urbano VIII.

Pedro Calderón de la Barca estrena Amor, honor y poder.

Lorenzo Bernini realiza su David.

Muere Rodrigo de Villandrando y Velázquez le sucede en el cargo de pintor del rey.

AÑO 1624

Samuel Scheidt compone sus partitas para órgano Tabulatura nova.

Rubens pinta la Adoración de los magos, y Anton Van Dyck El cardenal Bentivoglio.

Nicolás Poussin se traslada a Roma.

Muere Patricio Cajés.

AÑO 1625

Creación en Madrid de los Reales Estudios del Colegio Imperial de San Isidro por la Compañía de Jesús.

Francisco Ribalta pinta Cristo abrazando a San Bernardo (1625-1627).

Muere Juan de Roelas, se nombra pintor del rey sin sueldo a Nardi.

AÑO 1626

Francisco de Quevedo publica su Historia de la vida del buscón llamado Pablos y la primera parte de la Política de Dios.

Juan Gómez de Mora construye la maqueta del Alcázar de Madrid.

Carducho empieza la decoración del monasterio del Paular.

Muere Santiago Morán, pintor de cámara.

Jusepe Ribera, el Españoleto, recibe en Roma una condecoración, la órden de Cristo, y pinta el Sileno ebrio.

Juan Van der Hamen pinta Bodegón con frutas y objetos de cristal.

AÑO 1627

Francisco de Quevedo publica Los Sueños y muere Luis de Góngora.

Franz Hals pinta el Banquete de los oficiales de San Jorge.

Heinrich Schütz compone Dafne, primera ópera alemana, con texto de Martin Opitz, sobre un libreto de Rinuccini.

Muere Bartolomé González, pintor del rey.

Nace Francisco de Herrera el Mozo.

Nardi recibe el sueldo de pintor del rey.

Martínez Montañés hace la Virgen de las Angustias.

Juan Rizi entra en la órden de los benedictinos.

Zurbarán pinta el Cristo crucificado.

AÑO 1628

Juan Ruiz de Alarcón escribe La verdad sospechosa.

Carlo Maderno construye el Palacio Barberini en Roma.

Rubens pinta el boceto para El triunfo de la Iglesia y la Inmaculada Concepción.

Zurbarán pinta la Aparición del Apóstol San Pedro a San Pedro Nolasco.

Nace Pedro de Mena.

AÑO 1629

Lorenzo Bernini asume la dirección de los trabajos de la Basílica de San Pedro en Roma.

Francisco de Zurbarán pinta la Vida de San Buenaventura.

Gómez de Mora construye la Cárcel de Corte en Madrid, que se acaba en 1634.

Francisco Herrera el Viejo pinta San Buenaventura recibe el hábito de San Francisco.

AÑO 1630

Calderón de la Barca escribe El príncipe constante, y Tirso de Molina El burlador de Sevilla.

Zurbarán pinta la Inmaculada.

Ribera recibe en Nápoles a Velázquez. Artemisa Gentileschi está en la ciudad.

AÑO 1631

Miguel Caxa de Leruela publica su Restauración de la abundancia de España.

Aparición de la Gazette de France en París.

Baldassare Longhena comienza la construcción de la iglesia de Santa María della Salute en Venecia. Comienzan por orden de Luis XIII la obras de Versalles.

Zurbarán pinta el Triunfo de Santo Tomás de Aquino.

Rembrandt se instala en Amsterdam.

Juan Bautista Martínez del Mazo entra en el taller de Velázquez.

Se empieza a construir el palacio del Buen Retiro. El arquitecto es Alonso Carbonell.

AÑO 1632

Galileo Galilei escribe el Dialogo sopre i due massimi sistemi del mondo, Tolemaico e Copernicano.

Lope de Vega escribe La Dorotea.

Rembrandt pinta su Lección de anatomía. Jacques Callot comienza sus dos series de aguafuertes sobre Las miserias de la guerra.

Carducho acaba la decoración del monasterio del Paular.

Ribera pinta Ticio.

AÑO 1633

Calderón de la Barca escribe El gran teatro del mundo y Quevedo redacta La Hora de todos.

Bernini termina la Cátedra de San Pedro del Vaticano.

Alberto Churriguera acaba la fachada de la catedral de Valladolid.

Zurbarán pinta San Hugo en el refectorio.

Vicente Carducho publica los Diálogos de la Pintura.

Nace Juan Antonio de Frías y Escalante.

AÑO 1634

Juan Ruiz de Alarcón escribe La verdad sospechosa, y Francisco de Quevedo La cuna y la sepultura.

Rubens pinta Betsabé.

Muere Eugenio Cajés mientras trabaja en el Salón de Reinos, sin acabar la Recuperación de Puerto Rico.

Maíno pinta La toma de Bahía.

Zurbarán viaja a Madrid, invitado por Velázquez, para trabajar en el Salón de Reinos.

Vicente Carducho pinta escenas de batallas para el Salón de Reinos.

Nace Lucas Jordán.

AÑO 1635

Fundación de la Académie Française.

Calderón de la Barca escribe La vida es sueño; Tirso de Molina, El condenado por desconfiado y Don Gil de las calzas verdes.

Muere Lope de Vega.

Rubens pinta El jardín del amor y Rembrandt su Autorretrato con Saskia y el Rapto de Gamínedes.

Jusepe Leonardo pinta la Toma de Brisach para el Salón de Reinos.

Vicente Carducho pinta Ataúlfo para el Salón de Reinos.

Zurbarán pinta los Trabajos de Hércules para el Salón de Reinos.

Jusepe Ribera pinta la Inmaculada de Monterrey.

Martínez Montañés viaja a la corte para esculpir un busto del rey Felipe IV.

Muere Juan Bautista Crescenzi.

AÑO 1636

Fundación de la primera universidad norteamericana: el Harvard College.

Viaje de Pedro Texeira por el Amazonas (hasta 1639).

Comienza la publicación de las Comedias de Pedro Calderón de la Barca (9 tomos hasta 1691).

Primera representación de Le Cid de Pierre Corneille.

Encargos de pinturas a Rubens para la Torre de la Parada.

Ribera pinta la Asunción de la Magdalena.

Alonso Cano pinta San Juan Evangelista y su visión de Jerusalén (1635-1636).

AÑO 1637

En España, Baltasar Gracián publica El héroe y María de Zayas y Sotomayor sus Novelas ejemplares y amorosas.

Renée Descartes publica su Discours de la méthode y La Géometrie (fundamentos de geometría analítica).

Ribera pinta la Piedad.

Nace Mateo Cerezo.

AÑO 1638

Rembrandt pinta las Bodas de Simón.

Francesco Borromini comienza en Roma la construcción de la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane.

Muere Vicente Carducho.

Alonso Cano se traslada a la corte, como pintor del Conde Duque y, más tarde, ayuda de cámara.

AÑO 1639

Fulvio Testi, embajador del Duque de Módena se queja de que Velázquez "es muy caro".

Alonso Cano realiza la fachada de la Catedral de Granada.

Martínez del Mazo es nombrado pintor de Baltasar Carlos.

Diego Polo pinta dos reyes de Castilla para el Salón dorado del Alcázar de Madrid.

Jusepe Ribera pinta El Sueño de Jacob, el Martirio de San Felipe y los dos Paisajes de la colección Alba.

AÑO 1640

Diego de Saavedra Fajardo publica su Idea de un príncipe cristiano representada en cien empresas, y Baltasar Gracián El Político don Fernando el Católico.

Publicación del Agustinus de Cornelius Jansen.

Van Dyck retrata a la familia de Carlos I de Inglaterra.

Muere Rubens en Amberes.

Alonso Cano pinta El milagro del pozo (1640-1650).

AÑO 1641

Luis Vélez de Guevara publica El diablo cojuelo.

Claudio Monteverdi compone su ópera El retorno de Ulises.

Ribera pinta la Magdalena en oración.

AÑO 1642

Los puritanos ingleses consiguen que se prohíban las representaciones teatrales en Inglaterra (hasta 1660).

Rembrandt pinta La ronda de noche.

Ribera pinta la Liberación de San Pedro.

Nace Claudio Coello.

AÑO 1643

Calderón de la Barca escribe El alacalde de Zalamea.

Jean Baptiste Poquelin, Molière, funda el Illustre Théatre (luego Comédie Française).

Evangelista Torricelli inventa el barómetro de mercurio.

Jusepe Ribera pinta la Visión de San Bruno y el Bautismo de Cristo.

AÑO 1644

Martínez del Mazo pinta la Vista de Zaragoza por encargo de Baltasar Carlos, para conmemorar el juramento de los aragoneses.

AÑO 1645

Calderón de la Barca escribe El gran teatro del mundo. Muere Francisco de Quevedo.

Se levanta en París la Iglesia de Val-de-Grâce, según el proyecto de Jacques Lemercier y François Mansart.

La popularidad de Murillo en Sevilla va eclipsando a Zurbarán.

Alonso Cano pinta el Descenso de Cristo al limbo (1645-1650).

AÑO 1646

Baltasar Gracián publica El Discreto. En Amberes, aparece la primera edición de La vida y hechos de Estebanillo González, hombre de buen humor. Compuesta por él mismo.

Bernini esculpe el Extasis de Santa Teresa.

Murillo pinta La cocina de los ángeles y la Muerte de Santa Clara.

Aparecen las Memorias de Estebanillo González.

AÑO 1647

Claudio de Lorena pinta la Huida a Egipto.

Francisco de Herrera el Viejo pinta la serie del Palacio arzobispal de Sevilla.

Francisco de Herrera el Mozo abandona Sevilla, quizá con rumbo a Italia.

AÑO 1648

Mueren Tirso de Molina, Saavedra Fajardo y el arquitecto real Juan Gómez de Mora.

Fundación de la Académie Royale de Peinture et Sculpture en París.

Rembrandt pinta la Cena de Emaús, y Nicolás Poussin Diógenes.

Ribera pinta el retrato ecuestre de Don Juan José de Austria, que sofoca la revuelta de Nápoles.

AÑO 1649

Publicación póstuma de la obra de Galileo Galilei (muerto en 1642) Della Scienza meccanica.

Francesco Cavalli compone su ópera Giasone.

Murillo pinta su San Antonio de Padua.

Pacheco publica en Sevilla el Arte de la pintura.

Mueren Juan Bautista Maíno, Gregorio Fernández y Martínez Montañés.

AÑO 1650

Francisco Martínez de la Mata inicia la publicación de sus Memoriales y discursos.

Muere Descartes en Estocolmo.

Nicolas Poussin pinta Et in Arcadia ego.

Francisco Rizi pinta Virgen con Niño, San Felipe y San Francisco.

AÑO 1651

Thomas Hobbes publica su Leviathan. Baltasar Gracián, la primera parte de El Criticón.

Bernini realiza la Fuente Cuatro Ríos de la Plaza Navona.

Ribera acaba la Comunión de los apóstoles.

AÑO 1652

Borromini acaba Sant'Ivo alla Sapienza en Roma.

Muere Jusepe Ribera, El Españoleto, en Nápoles.

AÑO 1653

Baltasar Gracián publica la segunda parte de El Criticón.

Muere Jusepe Leonardo, loco, en Zaragoza.

Zurbarán pinta Cristo con la cruz a cuestas.

Juan Carreño de Miranda pinta la Anunciación.

Juan Rizi es nombrado pintor de corte.

AÑO 1654

Rembrandt pinta Betsabé.

Francisco de Herrera el Mozo, de nuevo en Madrid, a la vuelta de Italia, pinta el Triunfo de San Hermenegildo.

AÑO 1655

Thomas Hobbes publica De corpore.

Rembrandt pinta el Buey desollado.

Alonso Cano esculpe su Inmaculada (Inmaculada de Alonso Cano).

Nace Antonio Acisclo Palomino y Velasco.

Francisco Rizi pinta el retablo de la iglesia de Fuente del Saz.

Mateo Cerezo llega a Madrid y entra en el taller de Carreño.

Francisco de Herrera el Mozo vuelve a Sevilla.

Camilo Massimi es nuncio del papa Alejandro VII en España, hasta 1658.

AÑO 1656

Se publican las Lettres à un provincial de Blas Pascal.

Bernini inicia la construcción de la columnata de San Pedro de Roma. Pietro da Cortona ejecuta la fachada de la iglesia de Santa María de la Paz, en Roma.

Rembrandt pinta La Bendición de Jacob y se declara en bancarrota.

Juan Carreño pinta San Sebastián.

Muere Francisco Collantes.

AÑO 1657

Louis Le Vau construye el Castillo de Vaux-le-Vicomte, en los alrededores de París.

Baltasar Gracián publica la tercera parte de El Criticón.

Muere José Antolínez a los cuarenta años.

Juan de Valdés Leal pinta las Tentaciones de San Jerónimo.

Francisco Herrera el Mozo, pinta San Francisco recibiendo los estigmas.

Martínez del Mazo va a Italia para sustituir a Velázquez en una misión oficial y pinta en Roma El arco de Tito.

AÑO 1658

Muere Baltasar Gracián.

Vermeer de Delft pinta La cocinera.

Juan de Valdés Leal pinta la Ascensión de Elías.

Zurbarán vuelve a Madrid para quedarse definitivamente.

Llegan a la corte los pintores italianos Mitelli y Colonna.

AÑO 1659

Agustín Moreto estrena El lindo don Diego, y Molière Las preciosas ridículas.

AÑO 1660

Vermeer de Delft pinta El Concierto.

Alonso Cano pinta su Adán y Eva.

Murillo pinta el Nacimiento de la Virgen.

Juan Antonio de Frías y Escalante pinta Santa Catalina.

Muere el pintor italiano Mitelli.

En Sevilla, Murillo y Herrera el Mozo fundan una Academia. El segundo se traslada a Madrid.

AUTORETRATO (?)

FICHA:

Hacia 1622-1623 Oleo sobre lienzo 56 x 39 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Es el retrato de un hombre joven sin identificar, con traje negro y golilla.

PERSONAJE

Desde 1933, cuando Allende-Salazar lo sugirió, se viene considerando un posible autorretrato de Velázquez, hecho en Sevilla, antes de ser pintor de Felipe IV. Las razones para esta identificación proceden de su parecido con el modelo de San Juan en Patmos, de la National Gallery de Londres.

Para otros estudiosos se trataría de Juan Velázquez de Silva, que aparece en un documento sevillano de 1621 y que era su hermano. Hubo un hombre llamado así, que vivió en Sevilla, en la parroquia de San Vicente, y que en 1621 apadrinó a Ignacia, la segunda hija del pintor y de Juana Miranda.

El único autorretrato seguro de Velázquez es el de Las Meninas, y quizá el Autorretrato del museo de Valencia, aunque se han querido ver otros muchos como el hombre de verde a la derecha de Las Lanzas y el rey joven arrodillado en la Adoración de los Magos.

CONTEXTO HISTORICO

En los años 1622 y 1623, que se dan como fechas más probables para la realización de este retrato, Velázquez está intentando la aventura madrileña. En 1622 viaja a la corte por primera vez, en un momento en que el joven rey Felipe IV acaba de subir al trono y ha nombrado como valido al Conde Duque de Olivares, un sevillano.

En 1623 el segundo viaje tiene mejores frutos para Velázquez: consigue retratar al rey con éxito y acaba por obtener el nombramiento de pintor de cámara.

En este año visita España el futuro rey Carlos I de Inglaterra, por su compromiso con María de Austria, hermana de Felipe IV y futura reina de Hungría. La boda entre los dos no llega a celebrarse nunca.

También en 1623 España vuelve a la guerra de Flandes contra Holanda por el control de los Países Bajos.

FUENTES DE INSPIRACION

Al ser un simple retrato de busto, no hay fuentes de inspiración importantes que señalar.

Los otros autorretratos, supuestos o ciertos, que se conocen de Velázquez, son posteriores a éste, a excepción del rey joven de la Adoración de los Magos, y no tienen mucho que ver con él, quizá sólo la mirada fija y el ser, en su mayor parte, figuras de busto, como el Autorretrato del museo de Valencia.

TECNICA Y COMPOSICION

La pintura, de pequeño tamaño, es muy sencilla: el busto del joven se recorta sobre un fondo gris, más claro a la derecha que a la izquierda, destacando el rostro que realza la golilla almidonada blanca. El traje, tal como lo vemos hoy, es un mancha negra, mientras toda la atención se concentra en el rostro, resuelto a base de pinceladas sueltas.

Debajo del óleo hay una capa de preparación hecha con blanco y negro, y sobre ésta otra rojiza de imprimación. Se puede distinguir una línea de contorno en ese color, que responde a la imprimación, que Velázquez ha dejado a la vista.

Las cejas y el bigote se hacen sobre el tono ocre de la carnación con una base de color gris sobre la que se aplican todavía pinceladas negras ligeras. Con el gris también se consiguen las sombras y los matices de la cara.

HISTORIA DEL CUADRO

No hay noticias conocidas antes de 1819, cuando entra en el Museo del Prado.

FICHA DE ESTUDIO

AUTORRETRATO (?) Por Velázquez Hacia 1622-1623 Oleo sobre lienzo 56 x 39 cm Madrid, Museo del Prado

Este retrato de hombre joven se viene considerando un autorretrato del pintor, por la mirada directa que dirige al espectador y por el parecido que tiene con el San Juan en Patmos de la National Gallery de Londres, pintado por las mismas fechas. Aún así no hay seguridad de que esto sea cierto y otros autores han hablado de un retrato de su hermano Juan.

El cuadro está pintado en Sevilla, entre 1622 y 1623, los años en que Velázquez vive y trabaja todavía en la ciudad andaluza, pero está ya intentando hacerse un sitio en la corte. En 1622 viaja a Madrid por primera vez, sin conseguir su objetivo, y en 1623 vuelve con más éxito: retrata al rey, todo el mundo admira el cuadro y recibe el nombramiento de pintor de cámara.

Felipe IV acaba de subir al trono y ha puesto al frente de su gobierno a un sevillano que vela por los intereses de sus paisanos: el conde-duque de Olivares. Velázquez, animado y apoyado por su suegro Pacheco, no deja pasar esta oportunidad.

El retrato es muy sencillo: un fondo gris y un traje negro, sin detalles visibles hoy, sobre el que destaca la cabeza más iluminada y detallada. La pincelada suelta y la pasta fluida permiten ver algunas rectificaciones en la oreja izquierda, mientras unos pequeños toques de blanco hacen brillar los ojos, la nariz y la frente.

La gola blanca y sencilla es la propia del reinado de Felipe IV, una vez prohibidas por las leyes suntuarias las anteriores rizadas, con las que vistieron en los reinados de Felipe II y Felipe III.

DETALLES:

En la oreja izquierda se pueden apreciar algunas rectificaciones sobre la línea de contorno, que lo hacen más borroso que el resto. Velázquez consigue el brillo de los ojos del retratado con un toque mínimo de pintura blanca aplicado sobre el iris. Las cejas y el bigote se realizan a base de color gris, sobre el que se ponen pinceladas negras.

El hombre lleva una gola sencilla, almidonada, típica de la corte de Felipe IV. Las rizadas, que habían sido habituales en los dos reinados anteriores, se prohibieron en enero de 1623, dentro de una serie de medidas contra el lujo, que pretendían atajar los gastos excesivos.

CABEZA DE VENADO

FICHA

Hacia 1626-28 Oleo sobre lienzo 86 x 52 cm Madrid Museo del Prado

TEMA

Una cabeza de ciervo adulto con un fondo de cielo azul y nubes blancas.

El cuadro puede relacionarse con los retratos de caza que pinta Velázquez para la Torre de la Parada, donde, además, había otras pinturas con escenas venatorias.

La caza era el deporte real por excelencia. La familia real solía practicarla en los bosques del Pardo, cercanos a Madrid, donde abundaban los ciervos.

Velázquez fue un excelente pintor de animales como revelan los caballos de los retratos ecuestres y los perros de los retratos de caza y Las Meninas. En dos ocasiones, que conozcamos, pintó animales solos, éste y el Caballo blanco del Palacio de Pedralbes.

PERSONAJES

El ciervo o venado (Cervus elaphus) es un mamífero hervíboro muy abundante en llanuras y bosques del hemisferio norte. En una especie muy apreciada para la caza y su cornamenta es uno de los trofeos que suelen exhibir los cazadores.

Felipe IV fue un gran aficionado a este deporte y llegó a abatir un gran número de piezas, como relata Alonso Martínez del Espinar en su libro Arte de Ballestería, editado en 1644: Con la bala, ha muerto más de seiscientos venados y mayor cantidad de gamos, y más de ciento cincuenta jabalíes: lobos más de cuatrocientos; cosa que parece imposible, y que el cazador más cursado del mundo no habrá muerto el diezmo de lo que digo.

Algunas de estas hazañas del monarca las pintó Snayers para decorar la Torre de la Parada.

CONTEXTO HISTORICO

En 1623 Velázquez había sido nombrado pintor del rey con el privilegio (al menos teórico) de ser el único en retratarle. De esta época son una serie de retratos de Felipe IV joven del tipo del del Museo del Prado y otros de su protector, el Conde Duque de Olivares.

Ya al final de la década, antes de iniciar el viaje a Italia en 1629, pinta una de sus obras más conocidas, Los Borrachos.

En 1621 se había reanudado la guerra de Flandes que pronto se iba a internacionalizar al complicarse con la guerra de los Treinta Años.

FUENTES DE INSPIRACION

Los cuadros de animales en escenas de cacería (sin figuras humanas) y los bodegones de caza eran una especialidad de la pintura flamenca, y estaban relacionados con el gusto por el bodegón que surgió en torno a 1600.

En las colecciones reales había abundantes ejemplos de este tipo y en el Palacio Real de Madrid existe un cuadro atribuido a Velázquez, La cuerna, en el que se ven diversos trofeos de caza y una cabeza de ciervo en el centro.

Por otra parte, los estudios de animales son frecuentes en la pintura desde el Renacimiento, a veces con un carácter de registro científico. Son famosos los dibujos de #Leonardo da Vinci y Velázquez debió conocer los de Durero, que decoraban algunas salas del Monasterio del Escorial.

TECNICA Y COMPOSICION

La cabeza resalta sobre el cielo y las nubes por el contraste de color. El animal está vivo y a producir esa impresión contribuyen la mirada y el no aparecer de modo totalmente frontal, para que se vea la cuerna, tal y como se muestran los trofeos.

La capacidad de Velázquez para penetrar en la realidad tanto de las personas como de los animales y las cosas ha hecho que Jonathan Brown califique esta cabeza de "retrato infrecuente", porque el sevillano, que retrata reyes y bufones con la misma naturalidad, demuestra aquí que no establece jerarquías a la hora de retratar y que tan bueno es un modelo como otro.

La paleta es la habitual en el pintor, ocres en una variedad muy rica, obtenida a base de varios pigmentos iniciales: negro, amarillo, marrón, rojo y blanco; en el cielo juega con los azules y los blancos, sobre todo.

Es una pintura de pincelada rápida, precisa y suelta, que recuerda la técnica de su Autorretrato (?) del Prado y la gola del retrato de Pacheco.

Hay más cantidad de pintura en las nubes del fondo y en las partes más iluminadas de la cabeza; el cielo está hecho con trazos claros y empastados, parecidos a la tela blanca que cubre al niño en la Adoración de los magos del Prado.

El análisis radiográfico#, realizado por Carmen Garrido, revela recursos técnicos que se relacionan con obras de juventud de Velázquez y una preparación de la tela de tono anaranjado, similar a la que suele utilizar en la década de los veinte.

El cuadro fue cortado, lo que hace pensar que formaría parte de una composición más grande. Esto concuerda con las menciones que se hacen en los inventarios reales de un ciervo pintado por Velázquez y muy dañado. También apoya esta hipótesis el que la cuerna del animal, el trofeo una vez cazado, no se vea entera.

HISTORIA DEL CUADRO

En el inventario del Alcázar de 1637 se cita una obra de Velázquez con la siguiente descripción: Otro lienzo al olio de una qüerna de venado que la pintó Diego Velázquez con un rótulo que dice: Le mató el Rey nuestro Señor Phelipe quarto el año 1626.

También en el inventario de 1686 se habla de Una pintura con una caueza y hastas de benado, original de Diego Velázquez. En el inventario de 1700 se repite la misma descripción, añadiendo que la pintura estaba en malas condiciones.

En el inventario de 1735, en el que constan las obras salvadas tras el incendio del Alcázar en 1734, se cita otra cabeza de venado de Velázquez que debe ser la misma de los anteriores; después desaparece de las colecciones reales.

Esto hace pensar que el presente cuadro, adquirido por el marqués de Casa-Torres en 1920, sea lo que se salvó del mismo, pues en el inventario de 1700 el cuadro se describe como deteriorado y seguramente el incendio debió afectarle.

El cuadro fue donado por el marqués al Museo del Prado en 1975 con reserva de usufructo, pasando de forma definitiva al museo tras su muerte en 1984.

FICHA DE ESTUDIO

Cabeza de venado Por Velázquez 1626-28 Oleo sobre lienzo 86 x 52 cm Madrid, Museo del Prado

La cabeza de venado es un cuadro que se relaciona con el gusto por la caza de los reyes y con el deseo de recordar los trofeos conseguidos. Este era el deporte real por excelencia y las gestas cinegéticas de los reyes eran cantadas para mostrar su valor.

Velázquez pintó a su vuelta del primer viaje a Italia una serie de retratos de caza de la familia real con destino a la Torre de la Parada, palacete de caza en los montes del Pardo, cerca de Madrid.

Los temas de animales y los bodegones de caza era una especialidad de la pintura flamenca de la que Velázquez tenía ejemplos a la vista en las colecciones reales.

El cuadro se ha fechado entre 1626-1628, por ciertas referencias documentales, y el análisis radiográfico parece confirmar esta datación. Sin embargo otros autores lo han retrasado a los años treinta por razones estilísticas.

Probablemente es parte de una composición más grande, que sufrió en el incendio del Alcázar de Madrid en 1734 y de la que sólo nos ha llegado la cabeza.

Es un magnífico retrato, aunque se trate de un animal, hecho con una pincelada suelta, ligera y precisa, más empastada en el cielo y en las zonas más iluminadas que en el resto. Merece la pena destacar el modo de hacer la cerviz del ciervo, a base de restregones superficiales del pincel, que le dan calidades de relieve.

DETALLE 1

Velázquez aplica pinceladas amplias, largas y de color claro para contornear algunas partes de la cabeza y el dorso del ciervo, en el que hay pocas rectificaciones: sólo el cuello es un poco más delgado de lo que era inicialmente.

Los toques de pincel en la frente del ciervo, restregados en la superficie sobre el marrón previo, dan lugar a una superficie movida y borrosa, semejante a las manos de #El infante Don Carlos, del Prado, y al cuerpo de Baco en Los Borrachos.

DETALLE 2

Mínimos toques de pincel más claros, de blanco o amarillo, iluminan algunos puntos de la cuerna, la oreja o la parte superior del ojo izquierdo.

En esta parte alta el cielo es más uniforme que en la parte baja, donde las nubes se pintan con una pincelada en zig zag, más movida y empastada.

CRISTO CRUCIFICADO

FICHA

1630-1632 Oleo sobre lienzo 250 x 170 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Es la crucifixión de Cristo, uno de los temas más representados en el arte occidental, tanto en pintura como en escultura y otros medios (grabados, iluminaciones de manuscritos, bordados, etc), por constituir este acontecimiento una de las bases de la religión católica.

Después de predicar su doctrina, Cristo fue detenido y llevado a un lugar llamado Calvario, que en hebreo se llama Gólgota, y allí le crucificaron, en medio de dos ladrones, como cuenta San Juan (19, 17) en su Evangelio.

En el cuadro de Velázquez aparece ya muerto, tal como relata el mismo evangelista (Juan, 19, 33): Pero al llegar a Jesucristo, como lo vieron ya muerto, no le quebraron las piernas, sino que uno de los soldados le atravesó el costado con una lanza y al instante, salió sangre y agua.

PERSONAJE

El personaje es Jesús de Nazaret (llamado también Cristo o Jesucristo), hijo de Dios y de María, una virgen. Nació en Belén y, tras predicar su doctrina y reunir un grupo de doce discípulos, fue detenido y murió en la cruz.

CONTEXTO HISTORICO

En los primeros años treinta, cuando se suele fechar esta pintura, Velázquez vuelve de Italia (1631), requerido por Felipe IV que le espera impaciente para que haga retratos. Ya en la corte satisface los deseos del rey y pinta varios retratos de la familia real, entre otros el del heredero Baltasar Carlos.

También por estos años hace una serie de cuadros de tema religiosos: Cristo y el alma cristiana, San Antonio Abad y San Pablo Ermitaño y La coronación de la Virgen, entre los que se incluye este Cristo. La serie resulta un tanto extraña dentro de su producción, en la que no abunda la pintura religiosa, como escaseaban los libros de devoción en su biblioteca.

En 1632 su hija mayor, Francisca, se casa con el pintor Juan Bautista Martínez del Mazo y Felipe IV le concede un pago de vara de #alguacil de casa y corte, aunque las cortes no dan su aprobación hasta el año 1633.

En el interior de la península se producen revueltas en Vizcaya; fuera, España firma la paz con Inglaterra en 1631 y con Mantua en 1632, acabando una guerra que había empezado en 1628.

FUENTES DE INSPIRACION

Velázquez pinta a Cristo sujeto a la cruz con cuatro clavos y en esto sigue las instrucciones de su suegro Pacheco, quien dedicó largas horas al estudio de este arduo problema, y más de sesenta páginas en su Arte de la Pintura, que componen dos capítulos "En favor de la pintura de los cuatro clavos con que fue crucificado Cristo nuestro Redentor". Pacheco tenía la obligación, como veedor de la Inquisición para las pinturas religiosas, de velar por la ortodoxia de las imágenes, tal como mandaba la Contrarreforma.

El mismo Pacheco había pintado en 1614 en Sevilla, cuando Velázquez era un aprendiz en su taller, un Cristo en la cruz (Granada, Fundación Rodríguez Acosta), mucho menos afortunado que éste y sobre el que se cantaban coplillas satíricas:

¿Quién os puso así, Señor tan desabrido y tan seco? Vos me diréis que el amor más yo os digo que Pacheco.

También hay un Cristo en la cruz (2903), de menor tamaño que éste, en el Museo del Prado, con una firma de 1631, pero en el que los autores no se ponen de acuerdo a la hora de atribuirlo a Velázquez. La concentración y el dramatismo son mayores aquí, entre otras razones porque en aquel podemos ver la cara sufriente de Cristo.

En los años de Velázquez este tema era uno de los más frecuentes entre los escultores españoles. En Castilla y en Andalucía, los talleres de imaginería producían Cristos en grandes cantidades, como imágenes de devoción para las iglesias y como pasos procesionales. Pero todos insistían más que el sevillano en las consecuencias del martirio sobre el cuerpo.

Las secuelas del Cristo de Velázquez son muchas y los ejemplos más importantes proceden de Goya, quien pinta un Cristo crucificado para la Academia de San Fernando, y Antonio Saura, que vuelve una y otra vez sobre esta imagen, en sus cuadros y en sus escritos.

El texto más famoso sobre este cuadro es el poema de Miguel de Unamuno, titulado El Cristo de Velázquez.

Tú salvaste a la muerte. Abres tus brazos a la noche, que es negra y muy hermosa…

No me verá dentro de poco el mundo/ mas sí vosotros me veréis, pues vivo…

TECNICA Y COMPOSICION

Velázquez toma como modelo el Cristo de Pacheco: una figura aislada, iluminada por una luz fuerte, que se destaca sobre un fondo oscuro (con cuatro clavos y la inscripción trilingüe sobre el madero). Pero ahí acaban las semejanzas. Velázquez pinta un cuerpo desnudo en la mejor tradición del clasicismo romano, que acababa de conocer en su viaje a Italia.

La figura de Cristo, en reposo y firmemente apoyada en la madera que sujeta los pies, no tiene ninguna tensión física, parece más dormido que muerto, y el estudio anatómico está muy lejos de aquél "desabrido y seco" de su maestro, y cerca de la escultura clásica y la pintura romana contemporánea.

Iluminado por una luz clara desde la izquierda y recortado sobre el fondo oscuro, como los Cristos de Zurbarán, todo en el cuadro es contención y seriedad. No existe el movimiento violento de las crucifixiones de Rubens, las torsiones y la superabundancia de personajes con las que llena sus lienzos.

En este cuadro hay muy poca sangre. Velázquez, como siempre, se ciñe a lo esencial, a lo imprescindible. Ni siquiera nos deja ver toda la cara y eso, al impedir que la atención se disperse en detalles accesorios, contribuye a que la impresión que produce la pintura sea mucho más fuerte.

Velázquez, un pintor que no es famoso precisamente por sus sentimientos religiosos, como Murillo o Zurbarán, que también pintaron este tema, crea sin embargo con este Cristo una de las imágenes más emotivas de toda su pintura y de todo el siglo XVII.

El fondo, en realidad, no es negro, como parecía antes de la limpieza que se llevó a cabo en el Museo del Prado, sino verde oscuro, y tampoco es uniforme, sino que aparece lleno de matices, que hacen vibrar la superficie sobre la que se recorta la figura luminosa de Cristo.

Aunque la ejecución es muy cuidada, como es habitual en esta época del pintor, las pinceladas son sueltas y sólo aparecen más empastadas en la parte derecha de la figura, que recibe más luz, y, sobre todo, en el paño blanco de pureza, donde alcanzan el mayor espesor.

Para el cuerpo Velázquez emplea bastante pintura, mientras que las sombras muy matizadas y el aspecto táctil de la carne los consigue a base de oscurecer algunas zonas con pasta muy diluida, el mismo procedimiento que emplea en las cuerpos desnudos del dios y los herreros en La Fragua de Vulcano.

El pelo que cae sobre la cara, la barba y la herida de la lanza están pintados encima de la capa anterior, con muy poca pasta.

En torno a la cabeza, y destacándola del fondo, queda una zona más clara, como un halo, que procede de la preparación (entre blanco y gris) que el pintor deja a la vista, mientras en la cabeza se ha pintado sobre ella.

HISTORIA DEL CUADRO

Estuvo en la sacristía del convento de las monjas Benedictinas de San Plácido en Madrid. Esto ha hecho pensar que lo pudo haber encargado Jerónimo de Villanueva, un hombre muy poderoso, que sólo se encontraba un escalón por debajo del Conde Duque de Olivares, fundador de la institución religiosa y enredado un par de veces en procesos inquisitoriales (una de ellas en este mismo convento).

Aunque también se ha especulado con un encargo del propio rey Felipe IV como expiación de sus amores con una religiosa de la comunidad.

El pintor y tratadista Antonio Acisclo Palomino lo vio en la clausura del convento, donde permaneció hasta 1808. De allí pasó a la colección de Godoy, en cuyo inventario aparece. Fue confiscado con el resto de sus bienes y devuelto a la Condesa de Chinchón, su viuda, quien entre 1826 y 1828, intentó venderlo en París. El museo de Madrid ofreció 30.000 reales por él, pero la venta no llegó a efectuarse.

En 1828, a la muerte de la condesa, el duque de San Fernando, pariente y legatario suyo, eligió esta "alhaja" entre sus bienes y la regaló al rey Fernando VII, quien la envió al museo en 1829.

FICHA DE ESTUDIO

CRISTO CRUCIFICADO Por Velázquez 1630-1632 Oleo sobre lienzo 250 x 170 cm Madrid, Museo del Prado

Se trata de una de las escasas pinturas de tema religioso que hace Velázquez desde su llegada a la corte. Se pueden contar con los dedos de las manos: La coronación de la Virgen, San Antonio Abad y san Pablo ermitaño, Un ángel reconfortando a santo Tomás después de las tentaciones o Cristo y el alma cristiana.

Su cargo de pintor del rey le ocupaba en retratos y mitologías, que, por otra parte debían ir mejor con su temperamento, pues en el inventario de bienes que se hizo a su muerte, no se registran apenas libros de devoción, tan frecuentes en las bibliotecas del siglo XVII en España.

Velázquez sigue en este Cristo el modelo fijado por su suegro Pacheco, quien pintó un Crucificado en Sevilla, cuando él era sólo un aprendiz de su taller. Pacheco, que dedicó muchas horas a pensar y muchas páginas a escribir cómo se debían representar las imágenes de la historia sagrada, por su cargo en la Inquisición, dictaminó que la crucifixión de Cristo se debía representar con cuatro clavos. Él mismo lo hizo así y también Velázquez en sus dos Crucifixiones conocidas, ésta y una más pequeña pintada por la misma época, de atribución insegura.

Corrieron muchas leyendas en torno a esta obra, relacionadas con la frivolidad del rey Felipe IV y su afición a las religiosas, o los amores de otro de los hombres más poderosos de este reinado, el fundador del convento, en el que su antigua prometida era priora y que tuvo problemas con la Inquisición.

Pintado en el momento en que Velázquez acaba de volver de Italia, muestra el aprovechamiento con que ha aprendido la lección del clasicismo romano en la anatomía, suave y delicada, casi sin rastros del martirio, de un hombre en reposo, más que muerto.

Frente a la interpretación teatral que otros pintores, como Rubens, o escultores, como los imagineros españoles, solían dar al tema, Velázquez hace un alarde de contención, suprimiendo cualquier elemento que pueda distraer nuestra atención de la figura. No hay otros personajes, no hay paisaje y la sangre es muy poca. Con todo esto Velázquez consigue una imagen mucho más concentrada y de mayor fuerza.

El cuadro inspiró uno de los poemas más famosos de Miguel de Unamuno, que lleva por título El Cristo de Velázquez.

DETALLE 1

El cartel que figura en la parte alta de la cruz lleva la inscripción en hebreo, griego y latín, tal como la había pintado Pacheco en su Cristo, y tal como cuenta San Juan en su Evangelio: "Pilato redactó también una inscripción y la puso sobre la cruz. Lo escrito era Jesus Nazareno el Rey de los Judíos". No se limita a las iniciales, INRI (Iesus Nazarenus Rex Iudeorum), que era lo más frecuente.

DETALLE 2

Existe una leyenda, que carece por completo de fundamento, según la cual Velázquez se impacientaba porque no le satisfacía el rostro de Cristo mientras lo iba pintando. En un ataque de furia, tiró los pinceles sobre el lienzo y la mancha dio lugar a la melena que le cubre la cara.

La visión directa de ese trozo de pintura, con pinceladas largas, curvas y cuidadosamente trazadas, contradice de plano la leyenda. Por otra parte, la "flema" velazqueña, quizá el único rasgo de su carácter que conocemos bien por las cartas de Felipe IV, hace imposible semejante proceder en un artista que meditaba cuidadosamente todos y cada uno de sus pasos, pictóricos y vitales.

DETALLE 3

El aspecto rugoso que presenta la superficie en la zona del pecho, debajo de la melena, se ha conseguido, según los estudios de Carmen Garrido en el Museo del Prado, aplicando el pincel de punta sobre la pintura fresca y bastante cargada de pasta.

DETALLE 4

Debido a una inicial presentación más frontal de la figura, hay rectificaciones en los pies y las piernas de Cristo, que Velázquez ha cubierto con pinceladas largas de pintura oscura muy diluida, a través de las cuales se transparentan los contornos anteriores. Los pies se han hecho con pinceladas muy rápidas y ligeras sobre la capa inferior.

DETALLE 5

La reciente limpieza que se ha llevado a cabo en el taller de restauración del Museo del Prado ha descubierto en la parte baja del cuadro un pequeño montículo sobre el que se apoya la cruz, invisible hasta ahora y el único rastro que se puede encontrar de paisaje, aunque algunos autores han creído verlo.

CRISTO EN LA CRUZ

FICHA

1631 Oleo sobre lienzo 100 x 57 cm Madrid, Museo del Prado 2903

TEMA

La crucifixión de Cristo en el Gólgota, ante un paisaje de recuerdos clásicos, como las ruinas de la ciudad que aparece a la derecha. Al pie de la cruz se puede ver la calavera de Adán, el primer hombre y el primer pecador, como símbolo de la redención que llevó a cabo Jesucristo con su muerte en la cruz.

La crucifixión de Cristo es uno de los temas más representados en el arte occidental, tanto en pintura como en escultura y otros medios (grabados, iluminaciones de manuscritos, bordados, etc), por constituir este acontecimiento una de las bases de la religión católica.

Después de predicar su doctrina, fue detenido y llevado a un lugar llamado Calvario, que en hebreo se llama Gólgota, y allí le crucificaron…, en medio de dos ladrones, como cuenta San Juan (19, 17) en su Evangelio.

En este cuadro de Velázquez aparece antes de morir, mirando al cielo y tal vez en el momento que relata San Mateo en su Evangelio (Mateo, 27, 46): alrededor de la noche clamó Jesús con fuerte voz. Dios mío, Dios mío, ¿por qué me has abandonado?

PERSONAJE

El personaje es Jesús de Nazaret (llamado también Cristo o Jesucristo), una de las tres personas de la Trinidad, hijo de Dios y de María, una virgen. Nació en Belén y, tras predicar su doctrina y reunir un grupo de doce discípulos, fue detenido y murió en la cruz.

CONTEXTO HISTORICO

La firma del cuadro remite a 1631, cuando Velázquez acaba de volver de su primer viaje a Italia, requerido por Felipe IV que le espera impaciente para que haga retratos. Ya en la corte satisface los deseos del rey y pinta varios retratos de la familia real, entre otros del heredero Baltasar Carlos.

También por estos años hace una serie de cuadros de tema religiosos, el Cristo crucificado (1167), Cristo y el alma cristiana, San Antonio Abad y San Pablo ermitaño y La coronación de la Virgen, entre los que se incluye éste. La serie resulta un tanto extraña dentro de su producción, en la que no abunda la pintura religiosa, como escaseaban los libros de devoción en su biblioteca.

En el interior de la península se producen revueltas en Vizcaya; fuera, España firma la paz con Inglaterra y con Mantua, acabando una guerra que había empezado en 1628.

FUENTES DE INSPIRACION

Cristo aparece sujeto a la cruz con cuatro clavos y en esto el pintor sigue las instrucciones de su suegro Pacheco, quien dedicó largas horas al estudio de este espinoso problema y numerosas páginas en su Arte de la Pintura.

Pacheco tenía la obligación, como veedor de la Inquisición para las pinturas religiosas, de velar por la ortodoxia de las imágenes, tal como mandaba la Contrarreforma.

El mismo Pacheco había pintado en 1614 en Sevilla, cuando Velázquez era un aprendiz en su taller, un Cristo en la cruz (Granada, Fundación Rodríguez Acosta), mucho menos afortunado que éste y sobre el que se cantaban coplillas satíricas:

"¿Quién os puso así, Señor/ tan desabrido y tan seco?/ Vos me diréis que el amor/ más yo os digo que Pacheco".

Por esta misma época Velázquez pinta su más famoso Cristo crucificado (1167), del Museo del Prado, donde la concentración emocional y la fuerza del drama son mayores, a pesar -o precisamente porque- aquí vemos el rostro dolorido de Cristo y allí no.

En los años de Velázquez este tema era uno de los más frecuentes también entre los escultores españoles. En Castilla y en Andalucía, los talleres de imaginería producían Cristos en grandes cantidades, como imágenes de devoción para las iglesias y como pasos procesionales, pero todos insistían más en las consecuencias del martirio sobre el cuerpo.

TECNICA Y COMPOSICION

Este cuadro toma como modelo el Cristo de Pacheco: una figura aislada, clavada en la cruz con cuatro clavos y la inscripción trilingüe sobre el madero, iluminado por una luz clara desde la izquierda y recortado sobre el paisaje.

Hay muchas diferencias técnicas entre este cuadro y el Cristo (1167) de San Plácido: las pinceladas son más empastadas en éste, pero menos libres y sueltas. El rostro tiene mayor precisión de la que es habitual en Velázquez y deja ver el interior de la boca abierta. La forma de dar los brillos de los ojos, característica de Velázquez, a base de un ligero toque claro y superficial, es sustituida aquí por una serie de rayas muy finas.

También la cabeza se despega de la contención habitual en Velázquez y puede recordar pinturas de Guido Reni, por la expresión dolorida del rostro y la mirada dirigida hacia lo alto. El torso y las piernas son lo más parecido al Cristo de San Plácido.

Según los últimos estudios realizados en el Museo del Prado, la técnica refleja la influencia de Velázquez, pero no corresponde exactamente a su forma de trabajar: las pinceladas son iguales y se aplican de forma mecánica. El paisaje es distinto de otros supuestamente contemporáneos, como La fragua de Vulcano o La túnica de José.

La anatomía es más rígida que en el Cristo de San Plácido y ha desaparecido esa sensación de suavidad al tacto que había allí. Todas estas diferencias técnicas han hecho a algunos autores rechazar el cuadro y a otros considerar que quizá es una obra pintada en su taller, pero después del Cristo de San Plácido, al que copia, sin alcanzar a igualarlo.

HISTORIA DEL CUADRO

Estuvo en el convento de las monjas Bernardas Recoletas del Santísimo Sacramento de Madrid hasta 1939, cuando fue descubierto, al final de la Guerra Civil española. La comunidad, a través de la Dirección General de Regiones Devastadas, lo ofreció al estado a cambio de la restauración del convento.

Entonces no se consideró que la obra fuera de Velázquez y se devolvió al convento. En 1940, durante la restauración que se llevó a cabo en los talleres del Prado, se descubrió la inscripción con la firma y la fecha. Desde 1946 es propiedad del estado y, por orden del ministerio de Educación, pasó al Museo del Prado.

FICHA DE ESTUDIO

CRISTO EN LA CRUZ Por el taller de Velázquez

Oleo sobre lienzo 100 x 57 cm Madrid, Museo del Prado firmado y fechado: Dº. Velázquez fa. 1631

A pesar de la firma y la fecha, no todos los autores están de acuerdo en atribuir esta obra a Velázquez. Algunos la rechazan de plano y para otros se trata de una pintura de taller, hecha después del Cristo de San Plácido y tratando de acercarse a él.

Iconográficamente sigue el modelo de Pacheco, con Cristo sujeto a la cruz por cuatro clavos, y la figura aislada, sin otros personajes que distraigan la atención. Aquí, sin embargo, se ha introducido un paisaje, que no existía en el de su suegro ni en el de San Plácido.

De todo el cuadro las piernas son lo más parecido al Cristo velazqueño, mientras el rostro se aleja sensiblemente de la concepción y del poco acabado del sevillano. Aquí podemos ver una expresión mucho más dolorida de lo que es habitual en su obra e incluso los dientes a través de la boca abierta. Tampoco la forma de dar brillo a la pupila es la que suele utilizar: un ligero toque de pintura, superficial y rápido; aquí este brillo se consigue a base de líneas paralelas.

La anatomía es más accidentada y menos delicada que la del Cristo de San Plácido y la carne no tiene la sensación de suavidad y morbidez que caracteriza a aquella. Las sombras resultan más duras y, por otra parte, la forma de hacer el paisaje tiene poco que ver con otros contemporáneos, como los fragmentos que se pueden ver en Los Borrachos o en La túnica de José.

DETALLE 1

El cartel que figura en la parte alta de la cruz lleva la inscripción "Jesús nazareno rey de los judíos", en hebreo, griego y latín, tal como la había pintado Pacheco en su Cristo, y tal como se cuenta en el Evangelio de San Juan (19, 18): "Pilato redactó también una inscripción y la puso sobre la cruz". Lo escrito no se limita a las iniciales INRI (Iesus Nazarenus Rex Iudeorum), que era lo más frecuente.

DETALLE 2

La precisión y el detalle con que está realizada esta pintura, por el taller de Velázquez, o por quien la hiciera, permite ver los dientes en la boca de Cristo, algo inaudito en la pintura del sevillano. Igualmente el brillo de la mirada, que Velázquez hace por medio de un toque leve y superficial, aquí se convierte en una serie de líneas paralelas.

DETALLE 3

El paño blanco de pureza está realizado con mucho detalle, con una pintura muy empastada y sin ninguna corrección. La sombra que proyecta sobre la pierna izquierda es mucho más dura -de realización y aplicación más torpe- que las del Cristo crucificado (1167) de San Plácido, donde las capas delgadas de pintura se van transparentando unas sobre otras y dan lugar a una superficie lisa y suave.

DON DIEGO DEL CORRAL Y ARELLANO

FICHA

Hacia 1630-1633 Oleo sobre lienzo 215 x 110 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Retrato de un caballero de la orden militar de Santiago, en un interior, de pie y apoyado en una mesa sobre la que reposa un sombrero. Hace pareja con el retrato doble de su mujer, Doña Antonia de Ipeñarrieta y Galdós, con su hijo Luis, de la misma fecha y dimensiones.

La mesa hace referencia a la justicia, a su condición de juez; los papeles a sus actividades relacionadas con ella, y quizá también a las intelectuales, mientras el sombrero, idéntico al que llevaba el rey Felipe II, alude a la posibilidad de llevarlo puesto, de cubrirse, privilegio que sólo estaba al alcance de unos pocos en la corte española.

PERSONAJE

Don Diego del Corral y Arellano era un hombre de leyes que desempeñó diversos puestos de importancia: oidor del Consejo de Castilla, catedrático de leyes en la universidad de Salamanca y visitador del aposento del rey. Además era caballero de la orden militar de Santiago, como después lo sería Velázquez.

Había nacido en Silos en torno al año 1570 y estudió en el colegio de San Bartolomé, en Salamanca. En 1627, cuando era canciller de Aragón, se casó con doña Antonia de Ipeñarrieta y tuvo varios hijos. Murió cinco años después, el 20 de mayo de 1632.

Fue autor de varias obras en castellano y en latín, que se conservan en la universidad de Valladolid. Formó parte del tribunal que juzgó a don Rodrigo Calderón en Valladolid, y el único que se opuso a la pena de muerte, aunque sin éxito. El proceso contra el antiguo colaborador del duque de Lerma, valido del rey Felipe III, fue una demostración de fuerza por parte del Conde Duque de Olivares, valido de Felipe IV.

CONTEXTO HISTORICO

La pintura se hizo cuando Velázquez había vuelto de su primer viaje a Italia, requerido por un Felipe IV que se impacientaba. Una de sus misiones entonces fue retratar al príncipe Baltasar Carlos, pero pintó también la Sibila, el Cristo crucificado, y retratos de particulares como éste y el que forma pareja con él.

En los primeros años treinta, Velázquez retrata a otro caballero, esta vez de la orden de Calatrava, que desempeñó cargos importantes y fue miembro del consejo privado del rey: Don Pedro de Barberana y Aparregui (Forth Worth, Texas, Kimbell Art Museum). Los dos cuadros guardan estrechas relaciones, tanto en la concepción del retrato como en la forma de resolverlo.

Para Velázquez son buenos tiempos: en 1632 el rey Felipe IV le nombra alguacil de casa y corte; poco después se casa Francisca, su hija mayor, con el pintor Juan Bautista Martínez del Mazo.

España en estos años firma la paz con Inglaterra y con Mantua.

FUENTES DE INSPIRACION

Existe un retrato de este magistrado en un libro publicado en Barcelona en el año 1634, Authentica Fides Pauli controversis catholicis, pero la verdadera fuente se encuentra -como en el retrato de su mujer- en el retrato de corte que se venía haciendo en España desde los tiempos del rey Felipe II.

Una figura aislada, vestida con sobriedad si se trata de un hombre, y con frecuencia de negro, acompañada por los atributos imprescindibles para que el espectador la reconozca o se haga cargo de su categoría (el sombrero, la mesa, los papeles, la toga). Una actitud seria y fría, distante, que deja muy clara la infinita distancia moral (no sólo social y económica) que existe entre el retratado y el que lo contempla.

Así retrató Pantoja de la Cruz a Felipe II (Monasterio de El Escorial), Cristóbal de Morales al príncipe Don Carlos (Madrid, Monasterio de las Descalzas), un seguidor de Sánchez Coello al Quinto duque del Infantado (Madrid, colección particular), los dos últimos apoyados en la mesa. La diferencia es que aquí no se trata de un militar ni de un rey, sino de un togado al servicio de la corona.

TECNICA Y COMPOSICION

Sobre un fondo oscuro, que se aclara en la parte inferior, se sitúa la figura vestida de negro. Muy sencillo de composición, por tratarse de un solo personaje, es también muy sobrio de colores, y sólo destacan el blanco del cuello, las anticuadas puñetas y los papeles, el rojo de la mesa y la cruz de Santiago, los adornos dorados, la cara y las manos.

La preparación del cuadro es de un color blanco grisáceo, aplicada de forma irregular y parecido al de La Fragua de Vulcano. La pintura se da por medio de pinceladas sueltas y largas, en capas delgadas y sólo tiene más cantidad de pasta en los adornos dorados y en las zonas blancas.

La figura se destaca del fondo por una ligera zona más clara, que forma una especie de halo en torno a ella y que ya aparecía en cuadros anteriores. En el retrato de su mujer la línea se distingue con más claridad.

HISTORIA DEL CUADRO

En torno a este cuadro se han hecho muchas especulaciones: se sabe que Antonia de Ipeñarrieta, su mujer, encargó tres retratos a Velázquez, quien cobró una cantidad a cuenta en 1624, y sólo se conservan dos -el de Felipe IV y el del Conde Duque-, mientras que el de su primer marido, García Pérez de Araciel, también hombre de leyes y caballero de Santiago, ha desaparecido.

Esto hizo pensar a algunos estudiosos que Velázquez había pintado a Don Diego encima de Don García, pero los recientes estudios radiográficos llevados a cabo en el Museo del Prado han demostrado la falta de fundamento de esta hipótesis.

En 1668 estaba en Zarauz (Guipuzcoa), en el palacio de la familia Corral, y aparece en el inventario de los bienes de Juan y Cristóbal del Corral. A mediados del siglo XIX sus descendientes, los marqueses de Narros, lo llevaron a Madrid. En 1902 se expuso en el Museo del Prado, con motivo de la jura del rey Alfonso XIII. En 1905, la duquesa de Villahermosa, su última propietaria, lo legó al Museo junto a su pareja, Doña Antonia de Ipeñarrieta.

FICHA DE ESTUDIO

DON DIEGO DEL CORRAL Y ARELLANO Por Velázquez Hacia 1630-1633 Oleo sobre lienzo 215 x 110 cm Madrid, Museo del Prado

Este retrato de caballero forma pareja con el de su esposa, Antonia de Ipeñarrieta con su hijo Luis, que se encuentra también en el museo del Prado.

Realizado por Velázquez a comienzos de los años treinta, después de su regreso del primer viaje a Italia, retrata a un caballero de Santiago, que desempeñó cargos importantes en la administración y en la corte: fue juez y catedrático de Salamanca, entre otras cosas.

El retrato es muy sencillo de composición -una sola figura de pie, en un interior- y muy sobrio de colores: sobre el tono general oscuro destacan las manchas rojas del tapete de la mesa y el fragmento de la cruz de Santiago, las blancas de los papeles, que aluden a sus actividades y las anaranjadas de las manos y la cabeza.

Resuelto con poca pasta, que se aplica en pinceladas largas y sueltas, sólo aparece más empastado en los puntos más luminosos como los papeles o los adornos de pasamanería dorada. El retrato se separa del fondo por una zona más clara que lo rodea como un halo luminoso, un procedimiento que Velázquez había utilizado en otras pinturas.

En la toga, de un negro brillante y lleno de matices, como el traje de Velázquez en Las Meninas, se pueden distinguir una por una las pinceladas a la derecha. En los pies son visibles los arrepentimientos del pintor.

El artista sigue el modelo de retrato de corte que se había iniciado en España en tiempos del rey Felipe II, por sus pintores Antonio Moro, Sánchez Coello y Pantoja de la Cruz: una figura vestida de negro, seria y distante, con los atributos imprescindibles, en una actitud seria, fría y distante, capaz de plasmar la infinita distancia moral que existe entre el retratado y el que lo contempla.

DETALLE 1

Sobre la mesa roja, con pasamanería dorada, y contra el fondo oscuro, en el que apenas se adivina el sombrero negro, destaca el blanco radiante de los papeles -símbolo de las ocupaciones de don Diego- y el puño blanco. Podemos ver cómo Velázquez aplica pinceladas sueltas para crear brillos en el adorno dorado y en la uña del dedo pulgar que sujeta los papeles con fuerza. En este caso una sola pincelada le basta.

DETALLE 2

En torno a la cabeza se puede distinguir ese halo de color más claro que la hace resaltar del fondo; y a esto contribuye también la golilla -el cuello blanco- que la enmarca y la ilumina. En la mirada del retratado podemos ver la decisión y la categoría de un hombre que ocupó una posición muy importante en su tiempo dentro de la administración.

DETALLE 3

En los pies se pueden ver los arrepentimientos de Velázquez, que corrigió la postura del izquierdo para hacerlo más verosímil, y el modo que tuvo de destacar estos del fondo, más claro aquí que en la parte superior.

DETALLE 4

El traje de don Diego, como sucede siempre en la pintura de Velázuez, no es una mancha negra y uniforme, sino una superficie vibrante y rica en matices, en la que distinguimos claramente entre la tersura de la toga de paño y la vuelta rugosa de las solapas de veludillo, llamadas garnachas, bajo las que aparece, como sin querer, parte de la cruz de Santiago.

DON LUIS DE GÓNGORA Y ARGOTE

FICHA

Post. 1622 Oleo sobre lienzo 59 x 46 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Es un retrato de busto de un hombre adulto, vestido de religioso.

PERSONAJE

El retratado es don Luis de Góngora y Argote (1561-1627), uno de los mejores poetas españoles del siglo XVII y de todos los tiempos.

Góngora había nacido en Córdoba, en 1561; de buena familia, empezó estudios de leyes en Salamanca, pero los abandonó y fue nombrado racionero de la catedral de su ciudad en 1585.

Después de escribir "Las Soledades" y "La fábula de Polifemo y Galatea" (1613), con un lenguaje difícil y oscuro, que le valió el epíteto despectivo de culterano (un juego de palabras hecho a partir del término luterano), se trasladó a la corte en 1617, buscando mejor fortuna, pero sólo consiguió una capellanía en palacio.

Empleado toda su vida en rencillas y envidias con otros poetas, como Lope de Vega y Quevedo, enfermó en Madrid y murió en 1627 en Córdoba.

A pesar de su calidad literaria no consiguió que muchas obras se editaran hasta el año de su muerte, 1627. Todo esto le agrió el carácter, ya orgulloso de por sí, haciendo de él un hombre amargado y resentido, como la imagen del cuadro permite ver.

Góngora fue olvidado también por la posteridad hasta la llegada del Modernismo, movimiento literario que rehabilitó su figura. A esta rehabilitación contribuyeron también los poetas de la Generación del 27", nombre tomado de la fecha del tercer centenario de la muerte del poeta.

Velázquez retrata a sus modelos, sean reyes o bufones, con precisión escultórica y los deja ante nuestros ojos tan desnudos como en una radiografía. Así aparece aquí Góngora: viejo, cansado, con la mirada orgullosa y un rictus de desdén y amargura en los labios. La vida no le trató como él esperaba y su hastío y disgusto se hacen evidentes en el retrato.

CONTEXTO HISTORICO

Velázquez retrata a Góngora durante su primer viaje a Madrid en 1622, cuando el pintor tiene veintitrés años y el poeta sesenta. El joven va a la corte para probar fortuna en un momento en que el gobierno está en manos del Conde Duque de Olivares, que protege a los sevillanos. Y, aunque no consigue que el rey Felipe IV pose para él, retrata a su capellán, por iniciativa de Pacheco, que sin duda estaba en buenas relaciones con él, como cuenta el propio tratadista en su libro: Deseoso, pues, de ver El Escorial, partió [Velázquez] de Sevilla a Madrid por el mes de abril del año de 1622. Fue muy agasajado de los dos hermanos don Luis y don Melchior del Alcázar, y en particular de don Juan de Fonseca, sumiller de cortina de Su Majestad (aficionado a su pintura). Hizo, a instancia mía, un retrato de don Luis de Góngora, que fue muy celebrado en Madrid, y por entonces no hubo lugar de retratar los Reyes, aunque se procuró.

Sólo un año después, en 1623, Velázquez vuelve a la corte, llamado ya por el Conde Duque, retrata al rey y se queda para siempre como su pintor.

Ese mismo año el príncipe Carlos, heredero del trono de Inglaterra, visita España para arreglar su matrimonio con la infanta María de Austria, hermana de Felipe IV y futura reina de Hungría, pero la boda no llega a celebrarse.

FUENTES DE INSPIRACION

Al tratarse de un sencillo retrato de busto no hay especiales fuentes de inspiración que señalar. Poco antes había realizado el Retrato de hombre joven (Madrid, Prado, 1224), el de su suegro Francisco Pacheco (Madrid, Prado, 1209), los dos de concepción y dimensiones parecidas.

Este de Góngora se considera copia del original que pintó Velázquez y que se encuentra en Boston (Museum of Fine Arts) desde 1932. Existe otra copia en Madrid (Museo Lázaro Galdiano).

TECNICA Y COMPOSICION

Los últimos estudios técnicos hacen pensar que este cuadro se hizo a partir del original de Boston (Museum of Fine Arts) y en fecha posterior a 1622, en el estudio de Velázquez y con la participación de algún colaborador muy próximo al sevillano.

Tiene una sola capa de imprimación rojiza, sin la blanca de preparación que suele aparecer por estos primeros años, entre 1623 y 1628, debajo de ella, y que más adelante, en torno a Los Borrachos, ya no se utiliza. Quizá esto indique una fecha posterior y una ejecución sobre un modelo previo, lo que hace innecesario experimentar.

La técnica, en contra de lo que podía parecer lógico si el cuadro fuera posterior, no es rápida, sino lenta, insistiendo en la pincelada; además se aplican capas del mismo tono, superponiendo una sobre otra, lo que no es habitual en la pintura de Velázquez.

HISTORIA DEL CUADRO

Procede de las colecciones reales y es copia del original actualmente en el Boston Museum of Fine Arts. Existe una copia de mejor calidad en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid.

FICHA DE ESTUDIO

DON LUIS DE GONGORA Y ARGOTE Después de 1622 Oleo sobre lienzo 59 x 46 cm Madrid, Museo del Prado

Parece que este retrato de busto de Góngora, vestido de religioso, como corresponde a su cargo y profesión, no es un original de Velázquez, sino una réplica algo posterior con intervención de algún ayudante próximo a él, o bien una copia de su taller.

El original es el retrato que se conserva en Boston, con el que guarda mucha semejanza, pero éste carece de la riqueza de matices de aquél. Tampoco tiene las pruebas, o arrepentimientos, característicos de Velázquez, que cambiaba las formas sobre la marcha, a medida que pintaba. Existe otro ejemplar en Madrid, semejante al del Prado, y basado también en el de Boston, en el museo Lázaro Galdiano.

Velázquez retrató al poeta cordobés, don Luis de Góngora y Argote, durante su primer viaje a Madrid, cuando intentó que el rey posara para él, sin conseguirlo. En esa ocasión realizó dos retratos del entorno real: el de Fonseca y el de Góngora, que desempeñaba el cargo de capellán del rey Felipe IV.

Góngora era cordobés y había venido a la corte en busca de fortuna, pero lo más que consiguió fue este cargo de capellán. A pesar de ser uno de los mayores poetas de su siglo, autor de "Las Soledades", "Polifemo y Galatea" y muchos otros poemas, pasó la vida amargado por rencillas con otros escritores, Quevedo entre ellos, y murió en Córdoba en 1627, sólo cinco años después de que Velázquez le retratara en Madrid.

El retrato tiene toda la profundidad psicológica y la capacidad de penetración de Velázquez cuando se enfrenta a un personaje, y que llevó al rey Felipe IV a temer posar para él. La amargura y el resentimiento que Góngora acumuló a lo largo de su vida por el talento que se resistían a reconocerle y por su propio carácter orgulloso, se plasma en el cuadro, con la misma nitidez que los huesos en una radiografía.

DETALLE

El negro del traje de religioso en este caso es de un color mate y uniforme, a diferencia de los otros que pintó (los de Felipe IV, Martínez Montañés o su autorretrato en las Meninas). Sobre él, el breve cuello blanco da luz al rostro de un hombre con casi sesenta años, mirada inteligente y gesto hastiado.

Cuadros como éste ayudan a comprender por qué Felipe IV acabó "temiendo" posar para Velázquez después de treinta años. La profundidad psicológica que el pintor demuestra aquí haría temblar a cualquiera, de verse tal como uno es, mejor que en un espejo, y de que los demás puedan verlo.

DON SEBASTIÁN DE MORRA

FICHA

Hacia 1645 Oleo sobre lienzo 106 x 81 cm Madrid Museo del Prado

TEMA

Retrato de don Sebastián de Morra, enano del príncipe Baltasar Carlos, sentado en el suelo, en un interior, y vestido con elegancia, con un traje verde y una ropilla roja de bordados dorados.

Este retrato tiene mayor empaque que los demás y su rostro es el más noble de los enanos pintados por Velázquez, además el protagonista disfruta el tratamiento de don y no tiene apodo.

Los bufones y enanos formaban parte de las Cortes europeas desde la Edad Media, eran muy queridos por los reyes y sus retratos eran habituales en la decoración de los palacios.

PERSONAJES

Don Sebastián de Morra está documentado en el Alcázar entre 1643 y 1649, cuando muere. Estuvo en Flandes al servicio del Cardenal Infante y en 1643 el rey le ordenó ir a Madrid para ponerse al servicio del príncipe Baltasar Carlos.

El príncipe debía apreciarlo mucho y don Sebastián debía acompañarle en sus partidas de caza, pues al morir le lega un espadín, un tahalí, una espada, una daga y un cuchillo.

Se ha pensado que pudiera ser el enano que aparece en La lección de equitación del príncipe Baltasar Carlos a la izquierda, tras el caballo.

Su buena posición en la corte le permitía tener un criado a su servicio.

CONTEXTO HISTORICO

En la década de los cuarenta la producción de Velázquez desciende notablemente; pinta pocos retratos de la familia real, debido a las muertes de la reina Isabel de Borbón (1644) y del príncipe Baltasar Carlos (1646) y a los continuos viajes del rey para atajar la revuelta catalana.

Además sus labores cortesanas le absorben cada vez más tiempo. Desde 1643 es ayuda de cámara y superintendente de obras. Uno de los cuadros más notables de este período es el retrato de Felipe IV en Fraga, que conocemos bien gracias a la contabilidad real.

Continúa la guerra con Francia y se suceden los reveses militares en Cataluña.

FUENTES DE INSPIRACION

Los retratos de enanos y bufones eran frecuentes en los palacios europeos de la época. En la corte de los Austrias era tradición que los pintores reales pintasen a estos personajes desde tiempos de Carlos V y Antonio Moro. Buena prueba de ello es el elevado número de retratos de este tipo que hizo Velázquez y la familiaridad con que aparecen en Las Meninas.

El embajador francés describe en 1628 una serie de ellos cercana al despacho del Conde Duque de Olivares en el Alcázar de Madrid.

Las formas de representación son variadas: en compañía de sus amos (Felipe IV con el enano soplillo), en ceremonias (Auto de Fe de 1680), con animales (retrato del bufón mal supuesto don Antonio el Inglés) o solos (retrato del bufón Pejerón).

Los de Velázquez pertenecen a esta última categoría: son figuras aisladas, a lo sumo con alguna naturaleza muerta. Una fuente visual de inspiración es el retrato del bufón Pejerón que estaba inventariado en el Alcázar en 1600 y que el pintor debió conocer.

En otras ocasiones, dada la deformidad o anormalidad de estos personajes, su retrato tiene el carácter de registro científico para dejar constancia de un fenómeno de la naturaleza, como es Francisco Lezcano, el niño de Vallecas o la Mujer Barbuda de Ribera.

TECNICA Y COMPOSICION

Sebastián de Morra aparece sentado ante un fondo que recuerda a Barbarroja y Pablo de Valladolid; un fondo vibrátil en el que se crea la sensación de tres dimensiones gracias al juego de luces y sombras.

Las piernas están colocadas en un escorzo que disimula, o acentúa, su pequeñez y, al mismo tiempo, crea profundidad. Presenta las suelas de los zapatos hacia fuera, formando un primer plano como en el retrato de Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas.

La gama de colores es la habitual en Velázquez: marrón, verde y negro, pero aquí se enriquece y se anima con el rojo de la ropilla, el oro de los bordados y el blanco de los puños y el cuello.

La técnica es rápida y directa. Velázquez aplica una primera capa de color y sobre ella matiza y marca detalles, como los botones, las aberturas o las moñas del pantalón. Utiliza los pigmentos muy diluidos, como se puede ver en el traje verde, y resalta los adornos mediante toques de pincel precisos y superficiales más cargados de pasta; así pinta los dorados y el encaje blanco.

El fondo se hace a base de pinceladas amplias y sueltas con pintura muy diluida sobre una base marrón.

Velázquez muestra una libertad enorme en este cuadro, tanto en el espacio como en la propia figura, simplemente abocetada, en la que apenas se definen algunas formas, como las mangas oscuras debajo de la ropilla.

Deja a la vista los 'trucos' de pintor, las pinceladas que carecen por completo de forma vistas de cerca y sólo la adquieren con la distancia.

Sin duda la condición de estas 'sabandijas de palacio', como se les llamó, permitía al artista unas posibilidades de experimentación que los retratos de los reyes y sus parientes, más sujetos a reglas de etiqueta, hacían más difíciles, aunque no imposibles para un pintor como Velázquez.

El cuadro se cortó por tres lados para adaptarlo a un marco oval y luego se le volvieron a añadir tres bandas. La radiografía revela que estos añadidos son de otro cuadro de Velázquez (desconocido) y en uno se aprecian restos de un paisaje al estilo de los retratos de cazadores. Quizá pertenecieran a Don Diego de Acedo, el Primo, quemado durante el incendio del Alcázar.

El original era más grande y en una copia del taller de Velázquez, que se conserva, aparecen una ventana y una jarra que quizá estuvieran también en el original.

HISTORIA DEL CUADRO

El cuadro se tuvo que pintar entre 1643 y 1649, fechas en que vivió en Madrid don Sebastián de Morra. Su ejecución se suele situar hacia 1645.

Aparece en los inventarios del Alcázar de 1666, 1686 y 1700. Tras el incendio de esta residencia, pasó al Buen Retiro y después al Palacio Real, donde consta en los inventarios de 1772 y 1794. De allí fue al Museo del Prado el mismo año de su apertura, 1819.

FICHA DE ESTUDIO

Sebastián de Morra Por Velázquez Hacia 1645 Oleo sobre lienzo 106 x 81 cm Madrid, Museo del Prado

Don Sebastián de Morra era un enano que estuvo al servicio del príncipe Baltasar Carlos. Velázquez lo pintó para el Alcázar, donde estuvo colgado junto con otro retrato, hoy desaparecido, de don Diego de Acedo, el Primo, siendo éste el más tardío de los retratos de enanos y bufones que nos han llegado.

Los bufones formaban parte de las cortes europeas desde la Edad Media, disfrutaban el aprecio de los reyes y sus retratos, en ocasiones acompañando a los propios monarcas, eran parte de la decoración de los palacios.

Don Sebastián aparece sentado, como los otros enanos que nos han llegado de Velázquez, y vestido con gran lujo. Las piernas en escorzo crean profundidad y, al tiempo, disimulan su tamaño. El fondo vibrátil da la sensación de tres dimensiones gracias a las gradaciones del color, de un modo similar al Barbarroja y el Pablos de Valladolid.

Velázquez utiliza la paleta habitual de marrón, negro, ocre y verde, pero la anima en este caso con el rojo de la ropilla, el oro de los adornos y el blanco del cuello y las mangas.

La técnica, como en los demás retratos de bufones, es muy suelta. Pinta con capas muy finas y sobre ellas marca detalles como los botones del traje. Es una técnica poco "acabada", abocetada, que puede ensayar en estos retratos, algo más difícil de hacer en los retratos reales.

Velázquez exhibe los trucos de pintor, deja las pinceladas a la vista, no delimita contornos con precisión y da toques de pincel que de cerca carecen por completo de forma y sólo la adquieren de lejos. El virtuosismo pictórico llega a puntos extremos en la transparencia del cuello.

El cuadro se cortó por tres lados para colocarlo en un marco oval y luego se le añadieron otras tres bandas, procedentes de otro cuadro de Velázquez hoy desaparecido.

DETALLE 1

El rostro, como toda la figura de Don Sebastián, tiene gran nobleza y la mirada es inteligente y profunda. Si lo viéramos aislado no pensaríamos en un ser especial. El bigote y la barba s pintan con poca pasta sobre la carnación cálida y más empastada, en especial en los puntos más iluminados, como la frente.

El pelo está pintado también por encima de la carnación y don Sebastián, como Felipe IV, sigue la moda del momento: una pequeña melena que cae sobre las orejas y bigote con las guías hacia arriba.

El cuello blanco es uno de los trozos de pintura más asombrosos de Velázquez. Pintado sobre el traje y la ropilla roja, unas mínimas pinceladas con distinta cantidad de pasta crean una transparencia casi inverosímil.

Está pintada sobre una mancha de la que se extraen los brillos y los rasgos en superficie mediante empastes de blanco y bermellón.

DETALLE 2

No hay una delimitación clara de las mangas, en una de las cuales se ha 'escapado' una pincelada negra, el traje verde está hecho con una pasta fluida casi transparente, en la que se destacan los botones más oscuros. Los puños cerrados y los encajes blancos están más empastados y tienen más luz.

El detalle permite apreciar la técnica precisa de Velázquez, al que podemos imaginar dando, con su carácter 'flemático', pinceladas muy meditadas. Con los toques imprescindibles y precisos sugiere la realidad visual de un modo que es toda una declaración de principios sobre la pintura y la percepción visual, mientras constituye un precedente del impresionismo.

DOÑA ANTONIA DE IPEÑARRIETA Y GALDÓS, Y SU HIJO DON LUIS

FICHA

Hacia 1630 Oleo sobre lienzo 215 x 110 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Es un retrato doble de una dama de la corte con su hijo, en un interior. Forma pareja con el retrato de su segundo marido, Diego del Corral y Arellano, del mismo tamaño y con el retratado también de pie. La dama se apoya en una silla y el niño lleva una rosa en la mano.

PERSONAJES

Antonia de Ipeñarrieta, mujer de Diego del Corral y Arellano, y su hijo Luis del Corral e Ipeñarrieta.

Nacida a principios de siglo en Madrid o en Zarauz, doña Antonia formaba parte de la servidumbre del príncipe Baltasar Carlos y el modo de llevar a su hijo es una ilustración de este cargo. La dama era empleada de manga, porque en una corte tan jerarquizada y regida por una etiqueta estricta como la de los Austrias, casi nadie estaba autorizado a tocar a los miembros de la familia real. Doña Antonia llevaba al príncipe de la manga, como se ve en el cuadro.

Esas mangas se llamaban bobas, por lo inútiles, y en una novela del siglo XVII, "El perro y la calentura", de Pedro Espinosa, se recomienda, entre otras cosas, al aspirante a cortesano: "No traigas los brazos colgando como mangas de ropa".

La retratada se casó con García Pérez de Araciel y quedó viuda en 1624. Tres años después contrajo matrimonio de nuevo con Diego del Corral y Arellano, con el que sí tuvo hijos. Este es uno de ellos, como demostró el inventario de los bienes de otros dos, Juan y Cristóbal del Corral e Ipeñarrieta, hecho en Zarauz en 1688, y donde se lee: "Otro (retrato) de la Sra. doña Antonia de Ipeñarrieta con don Luis, su hijo".

CONTEXTO HISTORICO

Tanto las edades de los retratados como la forma de pintar han hecho pensar a los historiadores en los primeros años de la década de los treinta. Además por estas mismas fechas Velázquez retrata a otros servidores de palacio y miembros de la corte, como Juan Mateos (Dresde, Gemäldesammlungen), maestro de caza de Felipe IV, el escultor Juan Martínez Montañés (Madrid, Prado), o Pedro de Barberana y Aparregui (Forth Worth, Kimbell Museum), un caballero de la orden de Calatrava; además de pintar otro retrato doble infantil, El príncipe Baltasar Carlos con un enano (Boston, Museum of Fine Arts).

Velázquez ya había trabajado para doña Antonia: en 1624 el pintor declara haber cobrado a cuenta 800 reales por los retratos de Felipe IV (Nueva York, Metropolitan Museum), el Conde Duque de Olivares (Sao Paulo, Museo de Arte) y su primer marido, don García Pérez de Araciel. Ese hecho hizo pensar a algunos que este retrato se pudo haber pintado en aquella fecha.

Por esta época Velázquez hace su primer viaje a Italia, algo imprescindible para un artista del siglo XVII, y de donde vuelve requerido por la impaciencia del rey Felipe IV que quiere nuevos retratos de los miembros de la familia y, sobre todo, del príncipe heredero Baltasar Carlos.

En 1630 España firma la paz con Inglaterra, con quien había entrado en guerra cinco años atrás.

FUENTES DE INSPIRACION

La infanta Isabel Clara Eugenia con Magdalena Ruiz, de Sánchez Coello (Madrid, Prado), presenta la misma disposición: una figura de pie, de mayor tamaño y más importante, junto a la que aparece otra en posición inferior; en éste caso una enana que vivía en la corte.

Con su hija también se retrató Doña María Manrique de Lara y Pernstein, hacia 1574, en un cuadro de Georges van der Straeten (Praga, Galería de Bohemia Central). Allí la actitud de la madre, con la mano apoyada en el hombro de la niña, quien se agarra al pulgar de doña María, es algo más cariñosa. Mientras que aquí lo importante es el carácter "oficial" del retrato, no la intimidad ni los sentimientos entre una madre y su hijo.

Una distancia emocional semejante muestra la reina Margarita de Austria de Bartolomé González (Viena, Kunsthistorisches Museum) en un retrato que le hizo Bartolomé González con su hija, donde además la reina aparece embarazada, lo cual no era frecuente en los retratos españoles.

Doña Antonia va vestida de negro y a la antigua, con un traje cuya forma procede de los reinados anteriores. Las dos cosas, el color y el tipo de traje, refuerzan la idea de severidad y gravedad que debe mostrar una dama al servicio de la familia real.

TECNICA Y COMPOSICION

La composición es muy sencilla y frecuente en este tipo de retratos, de carácter oficial: una figura de pie y apoyada en el respaldo de una silla española. Vestida de negro, sólo la botonadura y las delgadas cadenas de oro rompen, o más bien acentúan, la sobriedad del atuendo y el porte, propio de una dama que ocupa un cargo en la corte de los Austrias, sometida a una etiqueta rígida.

La figura cónica de la madre acoge en su forma la del niño, que la repite en pequeño, aunque menos acentuada. A esta estructura cónica contribuye el ya anticuado traje de aceitera, que recuerda imágenes del reinado de Felipe III. La moda femenina cambia precisamente durante el reinado de Felipe IV, y el verdugado, que todavía aquí sirve para ahuecar la falda, se sustituye por el guardainfante.

Alrededor de la cabeza de doña Antonia se distingue una línea blanca, que corresponde a la imprimación del fondo y que contribuye a darle relieve. También en torno al vestido hay un trazo blanco finísimo que lo recorta del fondo, como en pinturas anteriores.

El color se aplica en capas delgadas, con mayor empaste en zonas concretas, como el terciopelo de la silla y los adornos. Las joyas -los pendientes de oro, el collar de perlas blancas, la cadena, la botonadura y las pulseras de la dama, la cadena y los encajes del niño- se hacen a base de toques muy ligeros en blanco o amarillo sobre el fondo.

HISTORIA DEL CUADRO

En 1668 estaba en Zarauz, en el palacio de la familia Corral. A mediados del siglo XIX sus descendientes, los marqueses de Narros, lo llevaron a Madrid. En 1905 la duquesa de Villahermosa, su última propietaria, lo legó al Museo del Prado, junto al retrato de Diego del Corral y Arellano.

FICHA DE ESTUDIO

Doña Antonia de Ipeñarrieta y Galdós y su hijo Luis Por Velázquez Hacia 1630 Oleo sobre lienzo 215 x 110 cm Madrid, Museo del Prado

Es el retrato de una dama de la corte de Felipe IV, que forma pareja con el de su marido, Diego del Corral. Doña Antonia estaba al servicio de Baltasar Carlos, el príncipe heredero, al que sólo podía llevar de la "manga", como sujeta aquí a su hijo Luis.

Las razones para no poder tocar al príncipe estaban en la severidad de las normas que regían el comportamiento de todos -incluidos los reyes- en la corte de los Austrias, desde que Carlos V impuso la etiqueta borgoñona.

Aunque hay discusiones parece que por la edad de los retratados y por la técnica, se pintó en los primeros años treinta, cuando Velázquez retrataba a otros miembros de la corte o del servicio, como el escultor Martínez Montañés

o el maestro de caza Juan Mateos.

La composición es muy sencilla: una figura cónica negra recortándose sobre un fondo castaño, con otra de menor tamaño y más clara en su interior. Los colores son tan sobrios como las actitudes y la pintura es ligera y poco empastada.

En torno a la cabeza se puede distinguir una especie de halo blanco, que la hace destacar sobre el fondo, y que responde a la preparación del lienzo, que Velázquez ha dejado a la vista. También en algunas zonas del traje se puede distinguir una línea blanca muy ligera.

El modelo que Velázquez tiene presente a la hora de hacer este retrato doble es la pintura de corte que habían hecho Sánchez Coello, Pantoja de la Cruz y sus discípulos desde tiempos del rey Felipe II.

La gravedad de la madre y de su cargo -conseguida gracias a los colores apagados y a su actitud- parecen transmitirse al niño, que sujeta una rosa con timidez y con una seriedad impropia de su edad, pero gráfica de la corte a la que pertenecían.

DETALLE 1

El niño, a pesar de su corta edad -aparenta unos tres años- aparece investido de toda la seriedad que corresponde a un retrato oficial y cohibido por la necesidad de posar para el pintor en una actitud inmóvil y poco infantil. Hará falta esperar al siglo XVIII para que los niños empiecen a tener actitudes naturales y menos envaradas.

DETALLE 2

Se puede pensar que a pesar de llamarse Luis va vestido como una niña. La costumbre era vestirlos igual mientras se consideraban pequeños. En muchos retratos de esta época, alguno del propio Velázquez, como el príncipe Baltasar Carlos con un enano (Boston, Museum of Fine Arts) y anteriores, como Los infantes don Diego y don Felipe, de Sánchez Coello (Madrid, Monasterio de las Descalzas Reales), los vemos igual que aquí: con faldas largas y delantal.

Sobre el delantal blanco al pequeño Luis le cuelga de la cintura una campanilla, amuleto que, con su sonido, aleja el mal de ojo. En el siglo XVII gran parte de las muertes infantiles se achacaban a este hechizo y los niños, especialmente los delicados vástagos reales procedentes de matrimonios consanguíneos, se cargaban de amuletos. El desdichado Carlos II fue un triste ejemplo de ello.

DETALLE 3

En torno a la cabeza de la dama podemos distinguir esa especie de halo formado por la preparación del lienzo, que Velázquez deja a la vista, para hacerla resaltar del fondo. El pendiente de oro y el collar de perlas se resuelven a base de mínimas pinceladas sueltas -a veces simples puntos- que sólo de lejos dan la sensación de joyas.

Los cuellos blancos del vestido están hechos a base de pinceladas sueltas, visibles una a una en los extremos más oscuros, con poca pintura, y en capas muy delgadas.

DOÑA MARÍA DE AUSTRIA, REINA DE HUNGRÍA

FICHA

1630 Oleo sobre lienzo 58 x 44cm Madrid, Museo del Prado 1187

TEMA

Es un retrato encargado a Velázquez por el rey Felipe IV, como recuerdo de su hermana María, que acababa de casarse y había salido de España hacia su nuevo reino para siempre. Esta es una de las razones del enorme desarrollo que tuvo el retrato de corte en la Edad Moderna; las otras eran de carácter político y representativo.

PERSONAJE

María de Austria (1606-1646) era hija de Felipe III y su esposa Margarita de Austria, y hermana del rey Felipe IV. Nació en El Escorial, el día 18 de agosto, un año después que el monarca.

Prometida al príncipe de Gales, Carlos Estuardo, el heredero de Inglaterra y futuro rey con el nombre de Carlos I, el matrimonio no llegó a celebrarse, aunque el inglés visitó España y se llevó una buena cosecha en obras de arte para su colección.

María casó a los veinticuatro años con su primo Fernando III de Habsburgo, rey de Bohemia y Hungría, y más tarde emperador de Austria. La boda se realizó por poderes, en Madrid, y, posteriormente, la reina viajó a Austria para reunirse con su marido.

Ya emperatriz, murió en Linz el 13 de mayo de 1646 y su hija Mariana de Austria se convertiría tres años después, en la segunda mujer de Felipe IV, cuando éste enviudó de Isabel de Borbón.

CONTEXTO HISTORICO

Determinóse (Velázquez) de volver a España, por la mucha falta que hacía, y a la vuelta de Roma paró en Nápoles, donde pintó un lindo retrato de la Reina de Hungría, para traerlo a su Majestad.

Velázquez pinta este retrato durante su primer viaje a Italia y por encargo del rey Felipe IV, que se impacientaba ante la tardanza del pintor en regresar a Madrid y la flema que mostraba. El artista había salido de España en 1629 y no volvió hasta principios de 1631, ante la insistencia del rey.

Durante su viaje a Austria, la reina pasó cerca de cinco meses en Nápoles, entre el 13 de agosto y el 18 de diciembre, lo que permite fechar el cuadro entre esos días con gran exactitud. Parece que fue el último cuadro que pintó Velázquez antes de tomar el barco para España.

En este mismo año pinta La Fragua de Vulcano (Madrid, Museo del Prado), La túnica de José (El Escorial, Monasterio) y, ya en Madrid, el retrato de Baltasar Carlos con un enano (Boston, Museum of Fine Arts), donde se manifiesta como el gran retratista que es a partir de entonces.

En este año España firma la paz con Inglaterra.

FUENTES DE INSPIRACION

Al tratarse de un boceto, destinado a servir de modelo para un retrato oficial, no hay precedentes de importancia que señalar, simplemente el retrato de corte que se venía realizando en España desde el reinado de Felipe II. Pero sin olvidar que en esos casos siempre se trata de figuras de cuerpo entero, no de medias figuras ni de bustos.

Existe otro retrato de la reina, doña María de Austria reina de Hungría de Frans Luyck (Madrid, Museo del Prado), más parecido a estos de épocas anteriores, mucho más duro y tosco de realización, sobre todo en el vestido, y que conserva la misma postura de tres cuartos del cuadro de Velázquez.

TECNICA Y COMPOSICION

Es un retrato muy sencillo, un boceto destinado seguramente a servir de modelo para un cuadro de mayor tamaño y envergadura. De ahí la concentración del artista en la cara, que en algunas zonas se delimita con una línea más oscura, y la escasa atención que le dedica al traje y al fondo, de tonos pardos como el vestido. Sin embargo el retrato mayor nunca llegó a realizarse por razones que no conocemos.

Por esos mismos motivos, las pinceladas son más ajustadas en el rostro y más sueltas en la gola y el vestido, a diferencia de otros retratos de la misma época, como La Sibila, donde Velázquez deja el rostro más abocetado, quizá por no tratarse de un retrato oficial.

Los brillos del pelo, el cuello o el rostro, se consiguen a base de pequeños toques claros de pincel, aplicados sobre las pinceladas más uniformes del tono general.

El estudio de Carmen Garrido ha permitido descubrir que el cuadro tiene una preparación inicial rojiza, como en las obras anteriores a La Fragua de Vulcano, pero encima aparece otra capa de blanco, como en los posteriores. Esto ha hecho pensar que se trate de un cuadro de transición entre un modo de hacer y otro, o bien que Velázquez utilizara un lienzo preparado tiempo atrás.

HISTORIA DEL CUADRO

En 1660, a la muerte de Velázquez, el cuadro seguía en su poder, y así aparece registrado en el inventario de los objetos que tenía el pintor en sus habitaciones dentro del Alcázar madrileño.

En 1794 se encontraba en la quinta del Duque del Arco, cerca de Madrid, y en 1808 estaba en el palacio del Buen Retiro. No se sabe con exactitud en que momento pasó al Museo del Prado, pero parece probable que fuera en 1828.

FICHA DE ESTUDIO

DOÑA MARIA DE AUSTRIA, REINA DE HUNGRIA Por Velázquez 1630 Oleo sobre lienzo 58 x 44 cm Madrid, Museo del Prado

Es un retrato de la reina María de Hungría, hermana de Felipe IV, y hecho por encargo del rey, para conservar un recuerdo cuando ella dejó España definitivamente para casarse con su primo el rey de Hungría, que más tarde sería emperador de Austria.

Velázquez pintó el retrato en Nápoles y es uno de los mejor fechados de toda su producción, porque se conocen las fechas de la estancia de la reina en esta ciudad, entre agosto y diciembre de 1630, cuando tenía veinticuatro años y se dirigía a su nuevo reino. Velázquez volvía del primer viaje a Italia (16291631), ante la impaciencia del rey, y desde Roma, pasó por Nápoles para retratarla y allí, sin duda, conoció a Jusepe Ribera, el Españoleto, un pintor de Valencia que trabajó toda su vida en Italia.

En el cuadro se pueden distinguir dos partes bien diferenciadas: la cabeza, pintada con detalle y precisión, y el traje, resuelto a base de pinceladas muy sueltas y simplemente abocetado, en tonos castaños. La razón es que no se trata de un retrato oficial, sino de un boceto. A partir de él se haría el cuadro definitivo; sin embargo, por razones desconocidas, nunca se llegó a hacer y, a la muerte de Velázquez, este retrato de María de Hungría seguía en las habitaciones del pintor en el alcázar de Madrid.

Está pintado en un momento crucial de la evolución pictórica de Velázquez, cuando acaba de aprender la lección italiana, y entre obras tan importantes como La Fragua de Vulcano y La túnica de José o los retratos del heredero Baltasar Carlos. Velázquez ya es un gran retratista.

DETALLE 1

La reina, rubia y con la mandíbula caractrística de los austrias, presenta un aspecto sereno y una belleza superior a la de sus hermanos, y a la de su hija, que procede quizá de esa misma serenidad. Dos mínimos toques de pincel empastados en blanco hacen brillar sus ojos, del mismo modo que los amarillos dan brillos y matices al cabello, a la vez que forman los rizos; otros blancos aún más delgados, casi como hilos, destacan e iluminan el cuello del traje.

El peinado es sencillo, recogido en lo alto de la cabeza y con unos bucles a ambos lados de la cara, parecido al que lleva doña Antonia de Ipeñarrieta y muy distinto a los de la segunda mujer del rey, Mariana de Austria.

DETALLE 2

A diferencia de la precisión con que Velázquez ha pintado el rostro, con esmero y detalle, el traje, parecido al que lleva su cuñada, la reina Isabel de Francia, en el retrato ecuestre del Salón de Reinos, está simplemente sugerido, por unos trazos muy someros, que casi no marcan las formas, como las borlas de la manga izquierda. En el retrato definitivo se hubiera sustituido por un traje lujoso.

EL BUFÓN BARBARROJA, DON CRISTÓBAL DE CASTAÑEDA Y PERNIA

FICHA

Hacia 1633-4 Oleo sobre lienzo 198 x 121 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Retrato de don Cristobal de Castañeda y Pernia, llamado Barbarroja, vestido a la turca, cuando acaba de desenvainar una espada con gesto furibundo.

Pernia era uno de los hombres de placer de la corte del rey Felipe IV. Su retrato formaba parte de una serie de bufones que pintó Velázquez para el Palacio del Buen Retiro con otros cinco, de los que hoy quedan éste, el llamado El bufón Don Juan de Austria y Pablo de Valladolid.

Los bufones y los enanos formaban parte de las Cortes europeas desde la Edad Media, eran muy queridos por los reyes y sus retratos eran habituales en la decoración de los palacios.

PERSONAJES

Don Cristobal de Castañeda y Pernia fue un hombre de placer documentado en al Alcázar entre 1633 y 1649. Un asiento de contabilidad habla de él: El mismo día (3 de junio de 1633), despaché billete para el tesorero por merced hecha a D. Cristóbal de Pernia, hombre de placer, de dos raciones ordinarias que se valúan en 200 ducados, de que tocaron a la media anata cien ducados, que los hubo de entregar en dos pagas iguales.

El apodo "Barbarroja" quizá venía de creerse o actuar como el famoso almirante turco derrotado en la batalla de Lepanto. Por esta razón se le ha relacionado con El bufón Don Juan de Austria, el otro bufón con quien quizá representara una especie de pantomima sobre la célebre batalla.

El embajador de Toscana describe a Pernia como el mejor de los bufones y parece que actuó como emisario del Conde Duque y el Cardenal Infante.

De carácter iracundo y agresivo, según las crónicas, era también torero y sus bromas le costaron caras. A pesar de las libertades que los bufones podían permitirse con los grandes de este mundo a la hora de hacer chanzas y críticas, estas debían tener un límite. En cierta ocasión, haciendo jornada en Balsaín, el rey preguntó si allí había olivas y Pernia respondió: Señor, ni olivas, ni olivares, en alusión al Conde Duque, que le costó el destierro a Sevilla, sin que se sepa si regresó o no a la corte.

CONTEXTO HISTORICO

A su vuelta del primer viaje a Italia, en 1631, Velázquez inicia la época más productiva de su vida. Los enanos y bufones se fechan en la década de los treinta en la que pinta, además, toda una serie de retratos de la familia real con destino a los Palacios Reales o para enviar al extranjero a parientes de otras cortes europeas.

De esta época son el príncipe Baltasar Carlos con un enano, la serie de retratos ecuestres para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, los retratos de caza para la Torre de la Parada y uno de sus cuadros más conocidos, el Felipe IV vestido de castaño y plata. Por estos años pintado uno de sus cuadros más importantes, Las Lanzas.

Su carrera cortesana continúa: ya es alguacil de corte, desde 1633 y en 1634 le nombran ayudante de guardarropa; por su parte cede el cargo de ujier de cámara a su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo, casado con Francisca el año anterior.

En 1634 las tropas españolas al mando del Cardenal Infante vencen a los suecos en la batalla de Nördlingen, con lo que se estabilizan las fronteras protestantes. En 1635 estalla de nuevo la guerra entre Francia y España y los españoles son derrotados en Namur.

FUENTES DE INSPIRACION

Los retratos de enanos y bufones eran frecuentes en los palacios europeos de la época. En la corte de los Austrias era tradición que los pintores reales pintasen a estos personajes desde tiempos de Carlos V. Buena prueba de ello es el elevado número de retratos que hizo Velázquez y la familiaridad con que aparecen en Las Meninas.

El embajador francés describe en 1628 una serie de pinturas con este tema cercana al despacho del Conde Duque de Olivares en el Alcázar de Madrid.

Las formas de representación son variadas: en compañía de sus amos (Felipe IV con el enano soplillo), en ceremonias (Auto de Fe), con animales (retrato del bufón mal supuesto don Antonio el Inglés) o solos (retrato del bufón Pejerón, de Moro).

Los retratos de bufones de Velázquez pertenecen a esta última categoría. Son figuras solas, a lo sumo con alguna naturaleza muerta. Una fuente visual de inspiración es el retrato del bufón Pejerón que se encontraba en el Alcázar en 1600 y que Velázquez conoció.

En otras ocasiones, dada la deformidad o anormalidad de estos personajes, su retrato tiene el carácter de registro científico para dejar constancia de un fenómeno de la naturaleza, como es el caso del Francisco Lezcano, el niño de Vallecas o la Mujer barbuda de Ribera.

TECNICA Y COMPOSICION

La figura de "Barbarroja", en primer plano, llena el cuadro. La gran mancha roja de su traje destaca sobre un fondo oscuro y apenas indicado, algo frecuente en sus retratos de bufones.

Está situado de tres cuartos, mirando hacia la izquierda, y sostiene en las manos la espada y la vaina, que forman dos diagonales, en posición simétrica y justamente opuesta a El bufón Don Juan de Austria, de forma que la espada de uno responde a la vara del otro. Esta sería una razón más para asociar a los dos.

Es esta una de las obras más coloristas de Velázquez, donde la mancha roja llena por completo el cuadro, aclarado aún más por las mangas, el cuello y el borde del gorro, además de la capa. Con una paleta de pocos pigmentos básicos (rojo, blanco, negro y marrón) Velázquez es capaz de obtener una riqueza enorme de matices sutiles, gracias a combinaciones llenas de sabiduría y a su técnica peculiar.

La pintura es muy ligera, tiene muy poca pasta y está muy diluída, casi como si se tratara de una acuarela; en el fondo se aplica en capas delgadas, con brochazos amplios y libres que dejan transparentarse la preparación, a la que hacen jugar como un elemento más que contribuye a animar el fondo vibrátil y nada uniforme ante el que se sitúa Barbarroja.

En el traje, sobre el rojo ligerísimo inicial, se dan toques más oscuros para definir los pliegues o el cinturón y otros más claros para las luces. Las mangas y el cuello se definen con muy pocos trazos blancos y la poca cantidad de materia favorece la transparencia del cuello sobre la mancha roja.

La factura del cuadro es tan suelta y la libertad técnica tan grande que en los inventarios se describe como no acabada. Sólo la capa que lleva al hombro tiene una ejecución más precisa, pero esto es algo habitual en su pintura, en Las lanzas, por ejemplo, pintado por la misma época.

Está pintado sobre una preparación blanca, como El bufón Don Juan de Austria y Pablos de Valladolid.

HISTORIA DEL CUADRO

Pernia aparece documentado por primera vez en el Alcázar en 1633 y fue desterrado en 1634. Se ha supuesto que lo pintó en estos años aunque no queda ninguna constancia documental de ello.

Aparece en el inventario del Palacio del Buen Retiro de 1701 junto con los de El bufón Don Juan de Austria, Pablillos de Valladolid, Calabazas, Cárdenas, y el Portero Ochoa. Los dos primeros están también en el Museo del Prado, el tercero identifica con el de Cleveland, el cuarto ha desaparecido y del último se conoce una copia en la colección de la reina Fabiola, en Bruselas.

La descripción dice así: Otro de dos varas y tercia de alto y vara y media de ancho, con otro Retrato de un Bufón con hauito turquesco llamado Pernea de mano de Velázquez y está por acauar con marco negro tasada en veinte y cinco doblones.

Más tarde aparece en los inventarios del Palacio Real de 1772, 1794 y 1814. Entre 1816 y 1827 estuvo en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y pasó al Prado en este último año.

FICHA DE ESTUDIO

El bufón Barbarroja, don Cristóbal de Castañeda y Pernia Por Velázquez Hacia 1633-34 Oleo sobre lienzo 198 x 121 cm Madrid, Museo del Prado

Don Cristobal de Castañeda y Pernia fue un bufón de la corte de Felipe IV, de carácter irascible y violento, apodado "Barbarroja" quizá por imitar al almirante turco que luchó en la batalla de Lepanto.

El retrato formaba parte de una serie de seis bufones pintados por Velázquez para decorar una de las galerías del Buen Retiro; entre ellos estaban Don Juan de Austria y Pablillos de Valladolid.

Los bufones formaban parte de las cortes europeas de la época y eran muy apreciados por los reyes por lo que sus retratos, en ocasiones acompañando a los monarcas, eran parte de la decoración de los palacios.

Barbarroja aparece en primer plano, vestido a la turca y con un gesto belicoso que realza la espada desenvainada. La composición es simétrica a la de Don Juan de Austria, con el que se ha relacionado, suponiendo que, dados sus apodos, representarían alguna pantomima sobre la célebre batalla.

El cuadro es muy rico de color y la mancha roja del traje brilla sobre un fondo vibrátil característico de Velázquez en muchos de estos retratos. La técnica es muy libre: la pintura se aplica diluída, casi como acuarela, sobre una preparación blanca que se transparenta a través de ella y mediante pinceladas sueltas y ligeras.

Sólo la capa está más acabada, mientras el resto, de cerca, da la impresión de ser un boceto grande, especialmente en la parte inferior, y la cabeza presenta el aspecto borroso característico. Velázquez se siente libre para experimentar en estos retratos de "sabandijas de palacio", menos sujetos a la etiqueta que los cuadros oficiales.

DETALLE 1

El rostro de "Barbarroja" tiene una factura suelta y sumaria con el desdibujado característico de muchas cabezas suyas, sin embargo transmite perfectamente la expresión belicosa e iracunda del bufón.

Velázquez mezcla pinceladas claras y oscuras para modelar los rasgos faciales y aplica otras aún más oscuras para construir, sobre la carnación de base, el bigote, la mosca, las patillas y las cejas.

El cuello de encaje está pintado sobre el rojo y se hace transparente por toques desiguales, breves y poco cargado de pintura. También en el gorro y el adorno blanco la pintura es muy ligera, casi como aguada.

Se ha dicho que "Barbarroja" va vestido a la turca; sin embargo otros autores lo dudan señalando, entre otras cosas, que el gorro se parece más al que solían llevar los bufones y con el que se les suele representar.

DETALLE 2

En el traje rojo se puede ver la ligereza de la materia con que pinta Velázquez, lo mismo que en las mangas blancas y las manos, simplemente abocetadas y de factura tan suelta que en los inventarios se describe el cuadro como no acabado.

La capa tiene más precisión en la pincelada que el resto, lo que ha hecho pensar a algunos en que fuera de otra mano. Sin embargo no hay constancia de ello y en la obra de Velázquez se encuentran contrastes parecidos, en Las Lanzas por ejemplo.

DETALLE 3

En la parte baja el suelo se pinta un poco más claro y amarillento que el fondo y se señala la sombra de Barbarroja, por una mancha más oscura. Las botas, magníficos bocetos hechos con una pintura tan clara como el gorro, sólo se contornean en algunos puntos por pinceladas delgadas de tono ocre, mientras en otros quedan desdibujadas.

EL BUFÓN CALABACILLAS, LLAMADO EL BOBO DE CORIA

FICHA

1636-1639 Oleo sobre lienzo 106 x 83 cm Madrid Museo del Prado

TEMA

Retrato de don Juan Calabazas, bufón de la corte de Felipe IV, sentado sobre una piedra con una actitud entre temerosa y servil. Su rostro, de mirada estrábica, es el más patético que nos ha dejado Velázquez.

A ambos lados tiene unas calabazas, alusivas a su mote y símbolo de la ignorancia, en el primer término algo que parece un vaso de vino. El espacio no está definido y, a su derecha, parece haber una puerta o ventana.

El cuadro fue pintado, probablemente, para la Torre de la Parada donde se encontraba en 1700 junto con los de Francisco Lezcano, niño de Vallecas y don Diego de Acedo, el Primo.

Los bufones y los enanos formaban parte de las Cortes europeas desde la Edad Media, disfrutaban el aprecio de los reyes y sus retratos eran habituales en la decoración de los palacios.

PERSONAJES

Don Juan Calabazas está documentado en el Alcázar entre 1630 y 1639. Primero sirvió al cardenal infante, don Fernando de Austria, y en 1632 pasó al servicio de Felipe IV.

Tenía un buen sueldo, ración de comida y, además, podía disponer de mula y acémila para las jornadas en que acompañase al rey. Unas Cuentas del Zapatero de Palacio nos dan las últimas referencias documentales sobre Calabazas: A Don Juan Calabazas se le dieron en los diez meses del año 1639, hasta que murió, doce pares de zapatos de cordobán de tres suelas.

Descrito por algunos como oligofrénico, otros opinan que su inteligencia era normal.

Velázquez retrató dos veces a Calabazas, si se acepta que el cuadro del museo de Cleveland represente al mismo personaje.

CONTEXTO HISTORICO

A su vuelta del primer viaje a Italia, en 1631, Velázquez inicia la época más productiva de su vida. Los enanos y bufones se fechan en la década de los treinta en la que pinta, además, toda una serie de retratos de la familia real con destino a los Palacios Reales o para enviar al extranjero a los parientes de otras cortes europeas.

De esta época son el príncipe Baltasar Carlos con un enano, la serie de retratos ecuestres para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, los retratos de caza para la Torre de la Parada y uno de sus cuadros más conocidos, Felipe IV vestido de castaño y plata.

La década de los treinta es uno de los períodos más fecundos de su producción artística, pintando en ella la mayor parte de su obra. Velázquez sigue su carrera de honores en palacio: en 1633 le es concedida una vara de alguacil de Casa y Corte y en 1636 es nombrado ayuda de guardarropa.

En 1637 empiezan los disturbios en Portugal con la revuelta de Evora y en 1638 los españoles vencen a los franceses en Fuenterrabía.

FUENTES DE INSPIRACION

Los retratos de enanos y bufones eran frecuentes en los palacios europeos de la época. En la corte de los Austrias era tradición que los pintores reales pintasen a estos personajes desde tiempos de Carlos V y Antonio Moro. Buena prueba de ello es el elevado número de retratos de este tipo que hizo Velázquez y la familiaridad con que aparecen en Las Meninas.

El embajador francés describe en 1628 una serie de ellos cercana al despacho del Conde Duque de Olivares en el Alcázar de Madrid.

Las formas de representación son variadas: en compañía de sus amos (Felipe IV con el enano soplillo), en ceremonias (Auto de Fe), con animales (retrato del bufón mal supuesto don Antonio el Inglés o solos (retrato del bufón Pejerón).

Los de Velázquez pertenecen a esta última categoría: son figuras aisladas, a lo sumo con algunas naturalezas muertas. Una fuente visual de inspiración es el mencionado retrato del bufón Pejerón que estaba inventariado en el Alcázar en 1600 y que Velázquez debió conocer.

En otras ocasiones, dada la deformidad o anormalidad de estos personajes, su retrato tiene el carácter de registro científico para dejar constancia de un fenómeno de la naturaleza, como es el caso del Francisco Lezcano, el niño de Vallecas o la Mujer Barbuda de Ribera.

En este caso se ha visto una posible fuente de inspiración en un grabado de Durero, La desesperación, donde la figura presenta una posición similar de las piernas y también aparece una jarra.

TECNICA Y COMPOSICION

La composición es similar a la de El Primo y el Niño de Vallecas: una figura sentada en el centro del cuadro, cuyo eje vertical se realza compositivamente por la pierna derecha. También aquí la figura se enmarca en un triángulo, formado por la cabeza y las dos calabazas.

El fondo parece una habitación no muy bien definida y de perspectiva un tanto extraña. Nuestro punto de vista de Calabazas es de arriba abajo, pero quizá esto tenga que ver con su situación en la Torre de la Parada.

La tonalidad general es oscura, parecida a la del Niño de Vallecas, y debido a la paleta de ocres, marrones y verdes oscuros que hacen resaltar la cara y las manos, como en otros retratos de bufones, y realzadas aquí por el blanco de los puños y el cuello.

Todo el cuadro tiene una factura muy deshecha, especialmente la cara, las manos y los encajes del cuello y las mangas. Las capas de pintura son muy ligeras y cargadas de aglutinante, lo que las hace transparentes. Las zonas más empastadas están en la cabeza, el cuello y las manos.

La ligera mancha verde del traje verde se matiza con pinceladas más oscuras para marcar sombras, pliegues y adornos. La parte más borrosa es el rostro, algo que Velázquez consigue a base de restregar el pincel con muy poca pintura encima de la capa anterior, como en el retrato de Martínez Montañés, pero más deshecho aquí.

La libertad técnica y las posibilidades de experimentación que estos retratos permiten a Velázquez es muy superior a la que podía tomarse cuando retrataba a los reyes o a los infantes.

Velázquez pinta unos objetos sobre otros, corrige las formas sobre la marcha y cambia los contornos, lo que ahora, con el paso del tiempo, deja a la vista los arrepentimientos.

HISTORIA DEL CUADRO

Calabazas murió en 1639, fecha límite para que Velázquez lo pintara. Probablemente era uno de los cuatro retratos de bufones descritos en el inventario de la Torre de la Parada de 1701 donde estarían también los de Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas y Don Diego de Acedo, el Primo.

En el inventario de la Torre de la Parada de 1747 se describe por primera vez como "un cuadro de un enano riendo". De allí pasó al Palacio Real y en el inventario de 1764 le ponen el nombre equivocado de Bobo de Coria. Figura en el Palacio Real en los inventarios 1772 y 1794. En 1819 pasa al Museo del Prado.

FICHA DE ESTUDIO

El bufón Calabacillas, llamado erróneamente el Bobo de Coria Por Velázquez 1636-39 Oleo sobre lienzo 106 x 83 cm Madrid, Museo del Prado

Don Juan Calabazas fue un bufón de la corte de Felipe IV y su apodo, como las calabazas que le acompañan, hacen referencia a sus pocas luces. Está sentado sobre una piedra y acurrucado, con la mirada estrábica y una expresión entre temerosa y servil, que subraya el gesto de las manos.

Los enanos y bufones formaban parte de las cortes europeas desde la Edad Media, disfrutaban el aprecio de los reyes y sus retratos, en ocasiones acompañando a los propios monarcas, eran frecuentes en la decoración de los palacios.

El retrato fue pintado a finales de los años treinta, probablemente para la Torre de la Parada, donde había cuatro cuadros de bufones hechos por Velázquez, los de Francisco Lezcano, niño de Vallecas y don Diego de Acedo, el Primo.

La composición, la tonalidad y la técnica son semejantes a estos dos últimos: la figura aparece sentada y la pierna derecha subraya el eje vertical; las tonalidades son oscuras, como en El Niño de Vallecas; la pintura se aplica muy diluída, en capas delgadas, como se puede ver en el traje, y la factura es muy suelta, destacando especialmente la cara y las manos, borrosas y desdibujadas.

Los matices del traje se hacen con líneas más oscuras y los encajes se pintan sobre él. Todas estas audacias técnicas vienen favorecidas por el tema, un retrato de alguien que no es noble ni pertenece a la familia real.

Los arrepentimientos son bien visibles.

DETALLE 1

Los rasgos de la cara de Calabazas reflejan su anormalidad. Tiene ojos con estrabismo convergente y una expresión que ha dado lugar a distintas hipótesis sobre el tipo de enfermedad y la disposición de ánimo.

La impresión de la cara es de un borrón: poca pintura, restregada con el pincel para modelar con luces y sombras que insinúan los rasgos.

La valona de encaje que lleva al cuello, pintada sobre el traje verde, está hecha con pinceladas que parecen casuales, con una libertad difícil de encontrar antes de nuestro siglo. Hay partes, con pinceladas blancas y negras, que hacen pensar en el expresionismo abstracto.

Sobre la valona ha pintado la melena negra por el lado derecho.

DETALLE 2

Las manos son la parte más empastada del cuadro, muy poco empastado en general. Los dedos se abocetan a base de pinceladas ligeras de bermellón colocadas junto a otras más claras, aplicadas todas sobre la carnación de base.

Los puños son un prodigio de soltura, donde brevísimas pinceladas blancas, sobre el verde y el negro de base, crean la transparencia.

DETALLE 3

Calabacillas va bien vestido y el traje tiene dos managas bobas, vacías, como las que lleva Luis, el hijo de Doña Antonia de Ipeñarrieta en el retrato de Velázquez.

La calabaza, de un ocre casi igual al del fondo, está pintada encima de una de las mangas, que se puede ver por debajo, y tres golpes de luz, alguno de ellos de una sola pincelada blanca, hacen brillar la superficie.

DETALLE 4

La calabaza de la derecha era inicialmente una jarra, como se puede ver en el arrepentimiento, y esto expica la presencia de un vaso de vino en primer término.

Las arrugas y los detalles del traje y la capa, resuelto con una capa de pintura muy ligera, se consiguen a base de pinceladas negras o más oscuras, junto a alguna más clara para iluminar.

EL BUFÓN DON DIEGO DE ACEDO, EL PRIMO

FICHA

1636-38 Oleo sobre lienzo 107 x 82 cm Madrid Museo del Prado

TEMA

Retrato de don Diego de Acedo sentado ante un fondo de la sierra de Guadarrama y rodeado de libros muy grandes para sus estatura y un tintero, quizá como referencia a su trabajo burocrático en la Secretaría de Cámara y Estampa del Alcázar.

Este cuadro, junto con el de Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas fue pintado probablemente para la Torre de la Parada.

Los bufones y enanos formaban parte de las Cortes europeas desde la Edad Media, eran muy queridos por los reyes y sus retratos eran habituales en la decoración de los palacios.

PERSONAJES

Don Diego de Acedo fue un enano documentado en el Alcázar entre 1635 y 1660, cobraba un buen sueldo y estaba adscrito a la Secretaría de Cámara y Estampa. También desempeñó funciones de correo como refleja un legajo de Palacio. Mas hizo para el enano D. Diego de Hacedo, para venir de correo, un capote de campaña, guarnecido con un pasamanos ancho de oro falso, cosido a tres puntos, con sus mangas y portezuelas…

Otro documento ha hecho pensar en una posible calvicie del enano: 40 reales que se dieron a Pedro Arias (en Zaragoza) por una cabellera que compró por mandato de S. M. para cubrir una corona que habían hecho al Primo.

El mote de 'el Primo' puede venir por su parentesco con don Juan de Acedo y Velázquez, contador mayor del Cardenal infante o por sus ínfulas nobiliarias, pretendiendo ser "primo" del rey, un título familiar al que sólo tenían derecho los grandes de España, a los que estaba permitido permanecer cubiertos (con el sombrero puesto) en presencia del monarca.

En 1642 durante una revista de tropas en Aragón, una de las salvas hizo impacto en el coche del Conde Duque de Olivares, quizá en un atentado frustrado, y el Primo, que iba abanicando al valido, sufrió algunas heridas.

Hay otro hecho relacionado con este enano aunque no exista constancia real del mismo: en 1643 el aposentador del Alcázar, Marcos de Encinilla, mató a su mujer por celos de un enano y todos lo relacionaron con don Diego.

CONTEXTO HISTORICO

A su vuelta del primer viaje a Italia, en 1631, Velázquez inició la época más productiva de su vida. Los enanos y bufones se fechan en la década de los treinta en la que pinta, además, toda una serie de retratos de la familia real con destino a los Palacios Reales españoles o a familiares de otras cortes europeas.

De esta época datan el príncipe Baltasar Carlos con un enano, la serie de retratos ecuestres para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, los retratos de caza para la Torre de la Parada.

Velázquez sigue su carrera de honores en palacio: en 1633 le es concedida una vara de alguacil de Casa y Corte y en 1636 es nombrado ayuda de guardarropa.

En 1637 empiezan los disturbios en Portugal con la revuelta de Evora y en 1638 los españoles vencen a los franceses en Fuenterrabía.

FUENTES DE INSPIRACION

Los retratos de enanos y bufones eran frecuentes en los palacios europeos de la época. En la corte de los Austrias era tradición que los pintores reales pintasen a estos personajes desde tiempos de Carlos V y Antonio Moro. Buena prueba de ello es el elevado número de retratos de este tipo que hizo Velázquez y la familiaridad con que aparecen en Las Meninas.

El embajador francés describe en 1628 una serie de ellos cercana al despacho del Conde Duque de Olivares en el Alcázar de Madrid.

Las formas de representación son variadas: en compañía de sus amos (Felipe IV con el enano soplillo), en ceremonias (Auto de Fe de 1680), con animales (retrato del bufón mal supuesto D. Antonio el inglés) o solos (retrato del bufón Pejerón).

Los de Velázquez pertenecen a esta última categoría: son figuras aisladas, a lo sumo con alguna naturaleza muerta. Una fuente visual de inspiración es el retrato del bufón Pejerón que estaba inventariado en el Alcázar en 1600 y que Velázquez debió conocer.

En otras ocasiones, dada la deformidad o anormalidad de estos personajes, su retrato tiene el carácter de registro científico para dejar constancia de un fenómeno de la naturaleza, como es Francisco Lezcano, el niño de Vallecas o la Mujer Barbuda de Ribera.

TECNICA Y COMPOSICION

Don Diego está colocado en el centro del cuadro y su figura ocupa el eje vertical de la composición, realzado ópticamente por la pluma y el borde la piedra en la que se sienta.

El traje negro forma una gran mancha triangular, sobre la que destaca la cara, enmarcada entre ella y el sombrero. El retrato es el más acabado de toda la serie.

Las hojas blancas de los libros que le acompañan contrastan con el negro del traje y su tamaño pone de relieve las dimensiones exiguas del personaje.

El punto de vista es un poco bajo, lo que unido a las medidas del cuadro, ha hecho pensar que estuviera colocado en una sobrepuerta o sobreventana.

Velázquez pinta con técnica muy directa, suelta y rápida, marcando después los contornos con pinceladas anchas. El color se aplica en capas muy delgadas, por ejemplo en las hojas "escritas" de los libros, o más empastadas y largas para el resto, los detalles y las nubes.

El fondo es un paisaje similar a los retratos de caza, lo que avala la idea de que se pintara para la Torre de la Parada y lo relaciona con el retrato de Francisco Lezcano, el niño de Vallecas. Como es habitual el paisaje está pintado después, contorneando la figura, con colores muy diluidos y breves toques de blanco para la nieve.

La libertad técnica siempre se ha destacado como algo característico en la pintura de bufones, en los que, por no tener que ceñirse a las convenciones del retrato de corte, Velázquez se podía permitir mayores libertades y experimentos.

El cuadro tiene una preparación de tono marrón y sobre ella una imprimación entre blanco y naranja, no uniforme, y parecida a los retratos de cazadores y a los filósofos.

HISTORIA DEL CUADRO

Se sabe que Velázquez hizo dos retratos de don Diego de Acedo. Uno lo pintó en 1644 en Fraga, durante el viaje del rey a Cataluña, lo que sabemos por la contabilidad real, y se piensa que estaba en el Alcázar junto con el de Sebastián de Morra y desaparecería durante el incendio de 1734.

Browm opina que éste se hizo para la Torre de la Parada. Allí estuvo hasta 1714 en que pasó al Palacio del Pardo. Luego fue al Palacio Real, donde consta en los inventarios de 1772 y 1794. Se encuentra en el Museo del Prado desde su apertura en 1819.

FICHA DE ESTUDIO

El bufón don Diego de Acedo, el Primo Por Velázquez 1636-38 Oleo sobre lienzo 107 x 82 cm Madrid, Museo del Prado

Don Diego de Acedo era un enano de la corte de Felipe IV que ejercía como funcionario en la casa de la estampilla, una oficina donde se copiaba la firma del rey.

Los enanos y bufones formaban parte de las cortes europeas desde la Edad Media, disfrutaban del aprecio de los reyes y sus retratos, en ocasiones acompañando a los propios monarcas, eran parte de la decoración de los palacios.

El Primo está sentado en una piedra y rodeado de libros, seguramente relativos a su oficio, que, por el tamaño, contrastan con su figura menuda.

Al fondo hay un paisaje de la sierra de Guadarrama similar a los de los retratos de caza, pero muy estropeado en este caso. El paisaje y la postura lo han relacionado con El Niño de Vallecas y han hecho pensar que estuviera pintado para la Torre de la Parada, el palacete de caza a las afueras de Madrid.

La cabeza se destaca con fuerza, iluminada, entre el traje y el sombrero, ambos de un negro intenso y lleno de matices, en el que se pueden distinguir los brocados.

Está pintado con una factura suelta, contorneando la figura con pinceladas amplias y largas, más empastadas en unas zonas, como las nubes y menos en otras, como la escritura sobre la hoja blanca del libro.

En el cielo se aprecian unas pinceladas verticales, limpiezas del pincel o descargas de pintura.

DETALLE 1

La cara del Primo es quizá la más clara y más trabajada de la serie, destacando los tonos anaranjados de la misma sobre el negro del traje y el sombrero. Sobre una base clara, el pintor modela con manchas más oscuras y pinta, de forma superficial y con capas muy delgadas, el bigote y el pelo.

Don Diego va despeinado, en contraste con el lujo del traje que viste, y tiene las entradas características de una incipiente calvicie, que le llevó a usar peluca, un dato del que existe constancia documental.

El cuello en principio no era la golilla delgada que vemos ahora, sino una valona de encaje, que todavía se puede distinguir debajo del negro.

DETALLE 2

El tintero y los libros, que hacen referencia al trabajo burocrático de don Diego, constituyen una naturaleza muerta en la que las calidades de los objetos se reproducen, o más bien se crean, con una precisión casi mágica.

Velázquez aprendió esta lección pintando bodegones en Sevilla con Pacheco y no la olvidó nunca, aunque fue cambiando los medios técnicos, haciéndolos cada vez más ligeros, rápidos y sutiles, como si las cosas salieran de su mano sin esfuerzo.

El tintero es el mismo que aparece en la Tentación de Santo Tomás de Aquino, de Velázquez, y en Santo Domingo penitente, de Luis Tristán, un pintor muy importante para los primeros años del sevillano.

DETALLE 3

Las pinceladas oscuras que se ven en el fondo, a ambos lados de la figura, son limpiezas del pincel mientras pintaba el traje. Se pueden apreciar en otros cuadros de Velázquez, que hacía primero las figuras y, sobre la parte de lienzo que quedaba libre, limpiaba, descargaba los pinceles o hacía pruebas de color.

El cielo ha perdido la viveza original y los grises se han oscurecido por oxidación del barniz, pero se distinguen las ligeras pinceladas blancas de las montañas y las más empastadas de las nubes.

DETALLE 4

El negro del traje no es uniforme y los brocados se consiguen a base de manchas con distintas intensidades de negro.

Los puños se hacen con pinceladas muy ligeras de blanco aplicadas sobre el negro de las mangas. En las manos alternan las pinceladas empastadas, para los puntos iluminados, como el nudillo, con las más ligeras, que dejan ver el lienzo y las líneas previas con las que el pintor encaja la figura antes de aplicar el color, visibles en el dedo índice de la mano derecha y entre éste y el corazón.

La cinta que cae del libre permite seguir una pincelada de Velázquez de principio a fin.

EL BUFÓN LLAMADO DON JUAN DE AUSTRIA

FICHA

Entre 1632-1636 Oleo sobre lienzo 210 x 123 cm Madrid Museo del Prado

TEMA

Retrato de don Juan de Austria, uno de los hombres de placer de la corte de Felipe IV. Velázquez lo retrata ricamente ataviado, apoyado en un bastón y armado con espada al cinto y pistolete bajo el brazo.

En el suelo, en desorden indicativo de su desarreglo mental, una escopeta, balas y arneses. Al fondo se vislumbra una naumaquia, quizá referencia a la batalla de Lepanto que dirigió el auténtico Juan de Austria, hermanastro de Felipe II, de quien el bufón toma su nombre.

Su retrato formaba parte de una serie de bufones que pintó Velázquez para el Palacio del Buen Retiro, formada por seis cuadros de los que hoy quedan, además de éste, el llamado Barbarroja y Pablo de Valladolid.

Los bufones formaban parte de las cortes europeas desde la Edad Media, difrutaban el aprecio de los reyes y sus retratos eran habituales en la decoración de los palacios.

PERSONAJES

El bufón don Juan de Austria está documentado en el Alcázar de Madrid entre 1624 y 1654, siempre con este nombre y siempre anteponiendo el Don. Tomó su nombre de un miembro de la familia real, don Juan de Austria, hijo bastardo de Carlos V, que luchó en la batalla de Lepanto.

No era raro que los reyes dieran su nombre, o el de algún miembro de la familia, a estos personajes próximos a ellos.

Se le ha relacionado con el bufón Barbarroja y se ha pensado que los dos harían una especie de teatrillo representando la batalla de Lepanto, que tuvo lugar en 1571, pero cuyo recuerdo permanecía aún vivo en la corte.

CONTEXTO HISTORICO

A su vuelta del primer viaje a Italia, en 1631, Velázquez inicia la época más productiva de su vida. Los enanos y bufones se fechan en la década de los treinta, en la que pinta, además, toda una serie de retratos de la familia real con destino a los Palacios Reales o para enviar al extranjero, a parientes de otras cortes europeas.

De esta época son el príncipe Baltasar Carlos con un enano, la serie de retratos ecuestres para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, los retratos de caza para la Torre de la Parada y uno de sus cuadros más conocidos, el Felipe IV vestido de castaño y plata.

Por estos años ha pintado uno de sus cuadros más importantes, Las Lanzas.

Su carrera cortesana continúa: ya es alguacil de corte, desde 1633, y en 1634 le nombran ayudante de guardarropa; por su parte cede el cargo de ujier de cámara a su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo, casado con Francisca el año anterior.

En 1634 las tropas españolas al mando del Cardenal Infante vencen a los suecos en la batalla de Nordlingen, con lo que se estabilizan las fronteras protestantes. En 1635 estalla de nuevo la guerra entre Francia y España y los españoles son derrotados en Namur.

FUENTES DE INSPIRACION

Los retratos de enanos y bufones eran frecuentes en los palacios europeos de la época. En la corte de los Austrias era tradición que los pintores reales pintasen a estos personajes desde tiempos de Carlos V. Buena prueba de ello es el elevado número de retratos que hizo Velázquez y la familiaridad con que aparecen en Las Meninas.

El embajador francés describe en 1628 una serie de pinturas con este tema cercana al despacho del Conde Duque de Olivares en el Alcázar de Madrid.

Las formas de representación son variadas: en compañía de sus amos (Felipe IV con el enano soplillo), en ceremonias (Auto de Fe), con animales (retrato del bufón mal supuesto don Antonio el Inglés) o solos (retrato del bufón Pejerón, de Antonio Moro).

Los retratos de bufones de Velázquez pertenecen a esta última categoría. Son figuras solas, a lo sumo con alguna naturaleza muerta. Una fuente visual de inspiración es el retrato del bufón Pejerón que se encontraba en el Alcázar en 1600 y que. Velázquez conoció.

En otras ocasiones, dada la deformidad o anormalidad de estos personajes, su retrato tiene el carácter de registro científico que deja constancia de un fenómeno de la naturaleza, como es el caso del Francisco Lezcano, el niño de Vallecas o la Mujer barbuda de Ribera.

A pesar de su condición "distinta", Velázquez siempre trata a estos personajes con enorme dignidad, sin reírse de ellos. Suele evitar las referencias espaciales y, a través de escorzos y correcciones, disimula sus deformidades sin falsear la realidad.

TECNICA Y COMPOSICION

El bufón aparece retratado en un primer plano como si estuviera muy cerca del espectador y su cara queda a la altura de nuestros ojos.

La pose de tres cuartos guarda una simetría casi total con el bufón Barbarroja, incluso la vara responde a la espada de aquél, lo que parece indicar que ambos retratos formaban pareja.

La posición del cuerpo ligeramente vuelto, y el ángulo que forman la vara que lleva en la mano y la escopeta del suelo, conducen la mirada hacia la batalla naval, contrarrestando el peso de la figura.

En el suelo, hecho con pintura muy líquida que deja ver la preparación, se marcan las líneas del enlosado, creando un inicio de perspectiva lineal, como en La túnica de José que había pintado en Italia. Sin embargo hacia el fondo las sombras hacen que esas líneas se desvanezcan, produciendo una indefinición y una sensación ambiental quizá precedente del Pablo de Valladolid.

Es el cuadro de paleta más rica en matices de toda la serie de bufones y las armonías de negro y rojo hacen pensar en obras posteriores como el retrato de la reina Mariana de Austria.

La técnica es muy rápida y suelta, como es habitual en sus cuadros de bufones, donde el carácter no oficial de los retratados le permite libertades que no podría tomarse en otro tipo de pinturas.

Sobre la preparación de base, que se deja ver en muchos lugares, aplica capas de pintura muy diluída y cargada de aglutinante, casi acuarelada. El carmesí del traje se da muy disuelto y sobre él añade toques más oscuros, para marcar sombras, y blancos para las zonas que reflejan la luz.

En las mangas se mezclan pinceladas ligeras de rojo intenso con otras más empastadas y claras, que logran una magnifica impresión de relieve en el bordado.

El rostro presenta una factura borrosa al estar pintadas las capas sin dejar secar las anteriores. Esto las mezcla, unificando la impresión visual, y dándole un aspecto inacabado de cerca, que desaparece al alejarse.

La factura es especialmente suelta y las pinceladas informes en la batalla naval y en todo el lienzo se pueden apreciar rectificaciones.

HISTORIA DEL CUADRO

Un documento del Alcázar de 1632 habla de la tela que se le entrega a Don Juan de Austria para confeccionar el traje que lleva en este cuadro. Doce varas de terciopelo liso negro para capa y ropilla a D. Juan de Austria con lo siguiente: Ocho varas de carmesí raso de Valencia para forro de la capa… Seis varas y tres cuartas de terciopelo carmesí para dos fajas, la ropilla y cuatro la capa… cuatro varas y tercia de terciopelo carmesí para follados y cañones… Unas medias de seda carmesí… Tres varas y media de raso carmesí entre alto para jubón con faldillas francesas… Cuatro varas y media de doblete carmesí para entretelas y bebedores y forro de las faldillas… Vara de terciopelo liso negro para gorra… Dos varas de doblete carmesí para toquilla.

A fines de 1634 Velázquez recibe una cantidad importante de dinero que se le debía por unas obras para el Palacio del Buen Retiro. Estos datos, junto con el análisis técnico, permiten situar la ejecución del cuadro en la primera mitad de los años treinta.

Aparece en el inventario del Palacio del Buen Retiro en 1701 junto con los de Barbarroja, Pablo de Valladolid, Calabazas, Cárdenas, y El portero Ochoa. Los dos primeros están también ahora en el Museo del Prado, el tercero se cree que es el de Cleveland, el cuarto ha desaparecido y del último se conoce una copia en la colección de la reina Fabiola, en Bruselas.

Luego aparece con distintos nombres en los inventarios del Palacio Real: en 1772 se denomina "Retrato de un artillero"; en 1792 aparece como "Retrato de un general español".

En 1816 pasa a la Real Academia de Bellas Artes donde figura como "El marqués de Pescara". En 1827 está en el Museo del Prado y es Pedro de Madrazo quien, en 1872, le devuelve la identificación correcta.

FICHA DE ESTUDIO

El bufón llamado don Juan de Austria Por Velázquez Entre 1632-1636 Oleo sobre lienzo 210 x 123 cm Madrid, Museo del Prado

Don Juan de Austria fue un bufón, o hombre de placer, en la corte de Felipe IV. Aparece vestido con elegancia y bien armado, ante un fondo de batalla naval. Se presenta de tres cuartos y su postura guarda una simetría total con la de "Barbarroja", lo cual permite pensar que ambos cuadros formaran pareja.

Por su nombre, y por estos otros hechos, se supone que la gracia de este personaje sería representar, junto con el bufón "Barbarroja", una pantomima sobre la batalla de Lepanto.

El retrato formaba parte de una serie de seis cuadros de bufones pintados por Velázquez para decorar una galería del Buen Retiro; junto a él estaban Don Juan de Austria y Pablillos de Valladolid.

Los bufones formaban parte de las cortes europeas desde la Edda Media, disfrutaban el aprecio de los reyes y sus retratos, en ocasiones acompañando a los propios monarcas, eran parte de la decoración de los palacios.

Está pintado en mitad de los años treinta, cercano en fecha a Las Lanzas. Presenta una factura suelta, muy moderna y distinta de su etapa anterior de contornos más precisos y superficies netas.

La pintura se aplica muy diluída, hasta dejar la preparación a la vista, y con más empastes sólo en las zonas más iluminadas. Esta libertad puede permitírsela en los cuadros de bufones al ser retratos informales menos sometidos a las convenciones que los retratos reales.

La paleta es la más amplia de todos los cuadros de bufones y destaca el tono rojo del traje cuyas telas conocemos con exactitud por un documento contemporáneo.

DETALLE 1

La naumaquia está pintada con pinceladas aparentemente informes, de un modo que recuerda las limpiezas de pincel en otros cuadros de Velázquez (y el expresionismo abstracto del siglo XX). Quizá mientras ejecutaba el cuadro fue limpiando los pinceles en el lienzo y luego, en vez de taparlo, aprovecho algo para representar el humo y el caos de la batalla.

Velázquez vuelve al cuadro dentro del cuadro, que aprendió de Pacheco, practicó durante su etapa sevillana y nunca llega a abandonar, aunque cambie de técnica.

DETALLE 2

Sobre el sombrero se puede distinguir el añadido longitudinal del lienzo, una banda de 19 cm, sobre la que se han pintado las plumas del sombrero, jugando con el negro y el carmesí.

El rostro de don Juan está desdibujado, como la mayor parte de los bufones, y da la sensación de algo borroso. Esto se consigue restregando el pincel sobre la pintura todavía seca; así modela los rasgos y da luces y sombras. Encima, con negro poco empastado se pinta el bigote, que tenía otra forma inicial, y el pelo.

DETALLE 3

El traje que lleva el bufón se ha utilizado como base para fechar el cuadro. En un asiento de los legajos de Guardarropa de 1632 aparecen las telas con que está confeccionado.

Velázquez consigue las calidades y los brillos del raso carmesí a base de una pintura muy ligera y diluída sobre la que matiza en oscuro para dar forma, hacer pliegues y arrugas, y en claro para iluminar y dar brillos.

El terciopelo negro marca un contraste fuerte con las distintas calidades del carmesí, en una armonía de colores que recuerda otras pinturas como el retrato de la reina Mariana de Austria de los años cincuenta.

DETALLE 4

En la parte baja Velázquez pinta las armas del bufón guerrero: coraza, casco, escopeta, balas…, haciendo una naturaleza muerta de las que había aprendido a pintar en Sevilla y que nunca olvida, creando la textura propia de cada uno de los objetos.

Unas pinceladas blancas son suficientes para hacer brillar la luz en la coraza y el casco y otras ligeramente rosadas sirven para el reflejo de carmesí de las medias en la coraza.

En las piernas, contorneadas, se pueden apreciar las modificaciones de Velázquez, especialmente en la derecha, colocada hacia atrás, con menos luz y más delgada para disimular su deformidad.

El suelo, definido en el primer plano, con las rayas de las baldosas que sirven de líneas de fuga, se pierde a medida que se aleja hacia el fondo y desaparecen ya junto a la pared.

EL CARDENAL INFANTE DON FERNANDO DE AUSTRIA CAZADOR

FICHA

Hacia 1635 Oleo sobre lienzo 191 x 107 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

El cardenal infante, vestido de caza, con perro y escopeta, parece posar para Velázquez ante uno de los lugares habituales de las partidas de caza de la familia real, los montes del Pardo.

El cuadro, junto con los retratos de caza de su hermano el Felipe IV cazador y su sobrino el príncipe Baltasar Carlos cazador, formaba parte de una serie que se pintó para la Galería del Rey de la Torre de la Parada.

La caza era el deporte real por excelencia y se consideraba una preparación para la guerra y la política. En el prólogo de Origen y dignidad de la caza, escrito por Juan Mateos en 1634, se lee: La dignidad de este noble ejercicio se conoce fácilmente por ser propia acción de reyes y príncipes y el Maestro más docto que puede enseñar mejor el Arte militar, teórica y prácticamente. Los bosques son las escuelas, los enemigos las fieras; y así es llamada la caza viva imagen de la guerra.

Don Fernando era muy aficionado a este deporte y lo practicaba en compañía de su hermano en los cazaderos reales de los alrededores de Madrid. A su marcha de España, donde nunca regresaría, y tras una partida en Lombardía, le escribe: Comparadas con las cacerías de Aranjuez o El Pardo estas de aquí no son más que burla.

PERSONAJES

Don Fernando de Austria (1609 - 1641) era el sexto hijo de Felipe III y Margarita de Austria y fue nombrado arzobispo de Toledo a la temprana edad de diez años. Este hecho, que no era raro, se ha explicado como un medio de evitar que accediera a tal dignidad el propio Duque de Lerma e impedir así que controlase las cuantiosas rentas de la archidiócesis más rica del reino.

Don Fernando, por su carácter, era más dado a la acción que a la oración y su afición al campo de batalla obligó a Felipe IV a hacerle algunas advertencias para que no se pusiera en peligro. El 22 de octubre de 1637 escribe al Marqués de Mirabel, su mayordomo:

roguéis a mi hermano que me escuche cuando le digo que no se comporte en el frente como si fuera un maestre de campo, sino que mande desde el centro del ejército y no deje esta posición tan segura más que cuando sea absolutamente necesario animar a sus hombres.

El Cardenal nunca llegó a ocupar su sede. En 1632 fue nombrado gobernador de Cataluña y en 1634 de Flandes, cargo en el que murió en la ciudad de Bruselas en 1641.

Detrás de estos nombramientos se ha visto un deseo del Conde Duque de Olivares de apartar al infante de la corte y evitar su posible influencia. Los hermanos del rey plantearon un problema, la llamada cuestión de los Infantes, la posibilidad de que se creara su propia camarilla de intrigas, como había ocurrido en otras cortes europeas.

Rubens le retrató como jefe militar en un cuadro del Museo del Prado, el Cardenal Infante en la batalla de Nördlingen, una victoria que tuvo lugar en 1634 en el contexto de la guerra de los Treinta años y que fue un triunfo de las armas españolas a su mando.

Existen otros retratos suyos: el Cardenal Infante de Van Dyck y el de Crayer, en el Museo del Prado.

CONTEXTO HISTORICO

A su vuelta del primer viaje a Italia, en 1631, Velázquez pinta toda una serie de retratos de la familia real con destino a los Palacios Reales o para enviar al extranjero a los parientes de otras cortes europeas.

De esta época son el príncipe Baltasar Carlos con un enano, la serie de retratos ecuestres para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro y uno de sus cuadros más conocidos, el Felipe IV vestido de castaño y plata.

Velázquez sigue su carrera de honores en palacio. En 1633 le es concedido un paso de vara de alguacil de Casa y Corte, en 1636 es nombrado ayuda de guardarropa.

Este momento coincide con el período sueco de la guerra de los Treinta Años (1630-35) y el comienzo del período francés (1635-48).

FUENTES DE INSPIRACION

Los retratos de caza son, a decir de Enriqueta Harris, una creación de Velázquez que utiliza la pose de tres cuartos típica de los retratos regios, Felipe IV (1182), pero se aparta del retrato de ceremonia en favor de una sencillez mayor.

Esta sencillez contrasta con la afectación que, por las mismas fechas, lleva Van Dyck a sus retratos del rey inglés, Carlos I de caza.

La caza era una de las actividades principales del monarca y sus allegados. Felipe IV encargó a otros pintores cuadros de este tema de carácter lúdico, pero al mismo tiempo heroico y guerrero.

Velázquez retrató a Juan Mateos, montero mayor del rey y su aspecto noble, más de hombre de letras que de acción, nos indica la importancia de la caza dentro de las actividades reales. La descripción que hace de la caza al comienzo de su libro, Origen y dignidad de la caza, publicado en Madrid en 1634, es reveladora a este respecto: En ella se aprende el sufrir de los incendios del verano y las nieves y hielos del invierno; acostumbrarse al manejo del caballo, haciendo que su coraje obedezca la ley del hierro en el freno; enseñase el brazo a vibrar las lanzas, a ensangrentar puñales, a buscar con la mirada del arcabuz la seña distante, a tratar sin horror los despeñaderos, y los vados, a reconocer el albedrío travieso de los vientos para burlar las diligencias del olfato de los animales; informa la noticia de los ardides, emboscadas y lazos, a estrenar los ojos en las heridas para que no las extrañen.

Velázquez y su taller trataron el tema en otras ocasiones: en la National Gallery de Londres está la Tela Real, obra de Velázquez de la que existe una copia de Martínez del Mazo en el Prado. También Snayers pintó, bajo la dirección del Cardenal Infante, cuadros venatorios con destino a la Torre de la Parada.

Pero tanto unos como otros son más bien paisajes o vistas con escenas de caza, en algunas de las cuales aparece el rey (Felipe IV matando un jabalí), de los que sí existen ejemplos anteriores como podemos ver en la Cacería en honor de Carlos V en Torgau de Lucas Cranach de 1544.

En una de esas escenas aparece el Cardenal Infante junto con sus hermanos (Felipe IV de caza con sus hermanos).

TECNICA Y COMPOSICION

El infante aparece en la posición de tres cuartos característica de los retratos de corte desde Tiziano y Antonio Moro.

La postura de Don Fernando, casi de perfil, y la escopeta, que sostiene elevada, le confieren una gran elegancia al retrato y le dan una variación respecto al de su hermano, lo cual rompe la monotonía en dos composiciones parecidas. La vertical de su figura se anima por las diagonales que marcan la escopeta, el dorso del perro y el árbol.

El fondo es un paisaje de tonos fríos, entre grises y azules, similar al de los retratos ecuestres y algunos bufones. Tal y como suele hacer, Velázquez ha pintado primero la figura y después la ha contorneado con el paisaje. También las hojas están pintadas sobre el fondo.

El retrato tiene una preparación de tono anaranjado, a base de blanco de plomo y ocre, distinta de los otros dos que forman la serie. El color se aplicando con mayor precisión en la figura y el perro y menor en el paisaje. Al necesitar cubrir una figura anterior Velázquez ha dado mayor cantidad de pintura de lo habitual y las capas tienen más espesor. Sobre ellas aplica otras más ligeras, que a veces son transparentes, como en las hojas de los árboles y en las nubes.

Resuelto con una técnica muy libre y una pincelada rápida, sólo más apurada en el rostro, Velázquez da pequeños toques de pintura clara para marcar brillos, como la manga y el adorno del calzón, o luces en las partes metálicas de la escopeta. Mientras en la parte baja pinta el suelo y los arbustos con simples manchas escasamente abocetadas y pinceladas muy largas.

El cuadro presenta varias correcciones que se aprecian a simple vista, en especial la golilla y la capa.

En la parte baja, junto a la pata del perro, aparece una cara en posición invertida, bien visible en la radiografía, lo cual demuestra que el pintor reutilizó un lienzo en el que habría iniciado un retrato del cardenal o del rey.

El cuadro tiene una añadido en la parte superior, de unos siete cm de ancho.

HISTORIA DEL CUADRO

Fue pintado para la Torre de la Parada donde aparece en los inventarios de 1701 y 1746. En 1772 estaba en el Palacio Real y el inventario lo describe en el cuarto del Infante don Javier con la siguiente nota: 1010. Otro retrato del Señor Ynfante Don Fernando de caza de dos varas y terzia de alto, y una menos de ancho, original de Velázquez.

El número 1010 aún lo lleva pintado en la parte inferior derecha.

En 1794 sigue en el Palacio Real pero se cita por error como retrato de Felipe IV, error que persiste en el inventario de 1814.

En 1819 entró en el Prado, como retrato de Felipe IV, y con esta denominación se enseñó muchos años.

FICHA DE ESTUDIO

El cardenal infante don Fernando de Austria, cazador Por Velázquez Hacia 1635 Oleo sobre lienzo 191 x 107 cm Madrid, Museo del Prado

El retrato de caza del cardenal infante formaba parte de la decoración de la de la Torre de la Parada, palacete de caza en el bosque del Pardo, junto con los retratos de caza del Felipe IV y el príncipe Baltasar Carlos.

Don Fernando, vestido con el atuendo característico de caza, se nos presenta con en un elegante perfil ante el escenario habitual de sus partidas, los Montes del Pardo en las cercanías de Madrid.

La caza era el deporte por excelencia de los reyes y la nobleza con connotaciones heroicas y guerreras como podemos leer en Origen y Dignidad de la caza de Juan Mateos, montero mayor del rey, cuyo libro se publica en 1·634, al tiempo que Velázquez pinta estos cuadros.

Velázquez y su taller trataron el tema de la caza como puede apreciarse en la Tela Real del Prado, paisaje de caza al estilo de los pintados por el pintor flamenco Peeter Snayers.

La figura del cardenal infante aparece desprovista de ostentación, tal y como era tradición en los retratos regios desde Tiziano. Velázquez utiliza la habitual gama de ocres y tierras, armonizando el castaño de la vestimenta con el paisaje de colores muy diluidos, que contrasta con el celaje de tonos fríos y atmósfera envolvente resuelto a base de grises.

DETALLE 1

El cardenal infante aparece con golilla, pero inicialmente Velázquez le había puesto una valona de encaje, semejante a las de su hermano y su sobrino, que después corrigió por el procedimiento de pintar encima para taparla. Con el paso del tiempo podemos apreciar a simple vista la forma del antiguo cuello.

El joven aparece en este retrato, muy cuidado en los rasgos, con una cara aniñada que no era la que tenía hacia 1635 cuando Velazquez debió pintarlo. Seguramente utilizó otro retrato o bocetos hechos antes de la partida de don Fernando, quien salió de Madrid en 1632 para no regresar más.

DETALLE 2

La capa era inicialmente más corta, con menos vuelo, lo que acentuaba la verticalidad del retrato. Por debajo de ella se puede distinguir lo que antes era paisaje, como un poco más abajo el paisaje oculta, a derecha e izquierda, lo que antes era capa.

Unos ligeros toques superficiales y empastados de blanco sirven al pintor para hacer brillar el guante, la parte interna del traje o el mecanismo de la escopeta.

DETALLE 3

El perro que acompaña al cardenal infante es un podenco de color canela y es el mejor pintado de toda la serie. El cuerpo se realiza a base de pinceladas largas y fundidas unas con otras, que dan esa sensación peculiar de suavidad, mientras la cabeza es más valiente de técnica, menos apurada y de pinceladas más sueltas.

El perro no aparece entero, le falta una parte de los cuartos traseros, probablemente porque el cuadro se cortó al cambiarlo de sitio en el Palacio Real.

Junto a las patas del perro se distingue una mancha oscura, que corresponde al sombrero del primitivo retrato iniciado sobre este lienzo en sentido contrario al actual.

DETALLE 4

En el paisaje, de tonos azules y grises, destaca una montaña de un azul más intenso que el resto, un color que Velázquez consigue a base de azurita. Las hojas de los árboles, pintadas sobre las nubes y sobre el tronco, como en los otros retratos de caza, se hacen brillar con toques más claros y más rápidos, que se aplican encima del tono base.

EL INFANTE DON CARLOS

FICHA

Hacia 1626-1627 Oleo sobre lienzo 209 x 125 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Retrato oficial de uno de los miembros de la familia real, el infante don Carlos. De pie, en un interior, con golilla, sombrero, guantes, collar de oro y la insignia de la orden del toisón de oro.

PERSONAJE

Don Carlos (1607-1632) era el segundo hijo varón del rey Felipe III y su mujer, la reina Margarita de Austria. Dos años menor que su hermano el rey Felipe IV, murió muy joven, a los veinticinco años, unos cinco después de que Velázquez le hiciera este retrato.

Las noticias en torno a su figura son muy contradictorias: unos dicen que apenas podía leer y otros le atribuyen versos, como éste, dedicado a doña Ana de Sande.

…Mas ya tanto la pena me maltrata, que vence al sufrimiento, ya no espero vivir alegre; el llanto se desata y otra vez de la vida desespero, pues si me quejo, tu rigor me mata y si callo mi mal, dos veces muero

Lo más fiable es la noticia que nos dejó de él el embajador de la república veneciana, Mocénigo, quien le presenta callado, muy próximo a su hermano y sometido a él "hasta el extremo de hacer imposible adivinar su verdadera inclinación". Acompañaba siempre al rey en los actos oficiales fuera de palacio, tanto en las campañas militares como en las fiestas.

Con el fin de alejarlo de la corte y evitar problemas al Conde Duque quisieron darle, como a su hermano el infante don Fernando, un cargo fuera de la corte y murió cuando se preparaba para ir a Portugal. Se habla de una enemistad con el Conde Duque, de una discusión con él, que precipitó su muerte, y de un envenenamiento. Aunque otras teorías la atribuyen a excesos sexuales.

CONTEXTO HISTORICO

Aunque los autores no acaban de ponerse de acuerdo respecto a la fecha, todas oscilan entre 1626 y 1627. Son los primeros años que pasa Velázquez en la corte, después de abandonar Sevilla y ya trabajando para el rey Felipe IV.

Antes ha pintado bodegones y cuadros de tema religioso y algunos retratos importantes como el de La madre Jerónima de la Fuente, el de Góngora y algunos de su hermano el rey Felipe IV, entre otros.

Velázquez es pintor del rey desde 1623, con 20 ducados de salario al mes, en 1627 gana un concurso a los otros pintores de la corte y recibe el nombramiento de ujier.

En el interior se propone a las cortes de Valencia, Aragón y Cataluña la unión de armas, en 1626, y un año después, Felipe IV tiene serios problemas económicos y decreta una suspensión de pagos. Fuera se firma la paz de Monzón y se mantiene el estado de la Valtelina.

FUENTES DE INSPIRACION

Las fuentes de inspiración para los retratos oficiales que hace Velázquez del infante don Carlos, como de Felipe IV y los otros miembros de su familia, están en el retrato de corte, que se había codificado en España durante el reinado de Felipe II, por obra, sobre todo, del pintor Sánchez Coello y luego de sus seguidores.

Don Carlos aparece de pie, vestido con sobriedad, de negro, con sombrero y guantes, una lujosa cadena de oro terciada y la pequeña joya del toisón de oro, la máxima condecoración de la monarquía austriaca en España. No le acompaña ningún mueble, ni objeto que aluda a su poder, porque no lo tenía. Un diplomático inglés, James Howell, en 1623, decía de él:

"Su aspecto es diferente al del resto (de la familia de Felipe IV), porque es moreno y de tez española. No tiene empleo ni mando ni título, pero es un acompañante permanente del rey, y todas las ropas que se haga el rey las tiene él también, de pies a cabeza. Es el preferido del pueblo por su aspecto, porque se oye a menudo a los españoles suspirar y lamentarse diciendo: ¡Ay!, ¿cuándo volveremos a tener un rey de nuestro color?"

Las diferencias que establece Velázquez con respecto a los retratos de corte anteriores son de carácter técnico y conceptual: todo lo accesorio desaparece aquí, no hay cortinajes ni arquitecturas, ni casi suelo o paredes. Velázquez, como siempre, se ciñe a lo imprescindible y hace un alarde de contención, que resalta aún más la importancia del retratado.

TECNICA Y COMPOSICION

La figura del infante aparece de pie, recortándose contra un fondo espacial indefinido, en el que apenas se señalan las líneas del suelo y las paredes, como es habitual en sus retratos de interior, tanto si son miembros de la familia real como de bufones u otros personajes.

El tono predominante es el negro, lo que da al cuadro un aire de severidad y seriedad, que sólo se rompe en la cabeza, enmarcada por la golilla blanca, la cadena y el toisón de oro, el puño izquierdo y la mano que sujeta el guante.

Manuel Machado lo describió en un poema, aunque pensaba que se trataba del rey Felipe IV:

Cansado está el dorado de sus cabellos, cansado está el azul de sus ojos… su mano, de venas azules apenas puede sostener el guante…

Compositivamente se parece mucho al retrato de su hermano Felipe IV (Velázquez, Prado) y la posición de las piernas es la misma de aquél retrato antes del cambio que Velázquez llevó a cabo para colocarlas más juntas.

También se parece desde el punto de vista técnico. La pincelada es más empastada y cargada de blanco en las zonas que tienen más luz: la cara y la mano, y menos en el resto.

Velázquez destaca algunos contornos de la figura, como el brazo izquierdo, las piernas y el bajo de la capa, con pinceladas largas de color claro, que luego tapa parcialmente, de un modo parecido al retrato de la venerable madre Jerónima de la Fuente.

El traje negro de don Carlos es más lujoso que el de su hermano y el pintor permite ver los brocados y las distintas calidades de las telas, por un procedimiento habitual en él: sobre el negro de fondo de la ropa aplica toques de pincel rápidos y breves con poca pasta, lo mismo que hace para pintar los brillos del collar de oro y el breve toisón, resuelto con una técnica más minuciosa que el de Felipe IV.

La mano se realiza por un procedimiento parecido a la Cabeza de venado del Museo del Prado: la pincelada bastante cargada de pintura se restriega sobre la superficie.

Encima del lienzo y bajo la pintura hay una capa de preparación blanquecina y otra de imprimación rojiza, como en el Autorretrato (?) del Museo del Prado. Las capas de pintura, en ocasiones muy delgadas, como en el fondo, permiten transparentar la preparación rojiza, lo que contribuye a dinamizar y hacer vibrar ese fondo, para que no resulte homogéneo.

En otras zonas el efecto de color que Velázquez intenta al dejar ver la imprimación se acentúa con otra capa de ocre, como sucede en la sombra del retratado, que se hace con pinceladas gruesas, sueltas y de ejecución rápida.

Hay mayor cantidad de pasta en las zonas que el pintor ha corregido, como el jubón.

HISTORIA DEL CUADRO

Hasta 1734 estuvo en el Alcázar de Madrid. Se salvó del incendio y como tal aparece en el inventario de 1747. Pasó al Palacio Real, donde estuvo hasta 1816. Entonces se llevó a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, como retrato de Felipe IV. En 1827 pasó al museo del Prado.

FICHA DE ESTUDIO

EL INFANTE DON CARLOS Por Velázquez Hacia 1626-1627 Oleo sobre lienzo 209 x 125 cm Madrid, Museo del Prado

Es un retrato oficial del infante don Carlos, segundo hijo varón del rey Felipe III y su mujer, la reina Margarita de Austria y dos años menor que su hermano el rey Felipe IV, al que estuvo muy unido. Don Carlos murió joven, a los veinticinco años, unos cinco después de que Velázquez le hiciera este retrato, donde aparece de pie, en un interior, con capa, golilla, sombrero, guantes, espada, cadena de oro y el toisón.

El retrato forma pareja con el de su hermano, que se encuentra también en el Prado. Como él aparece vestido de negro. Sin embargo don Carlos no lleva símbolos de poder: el sombrero no es como el real, sino un chambergo del tipo de los retratos ecuestres y la mano no sujeta un despacho alusivo a sus tareas al frente del estado, sino un guante.

El infante disfruta el papel que siempre han tenido los hermanos de los reyes: encontrarse en la cúspide de la pirámide social, con todas sus ventajas y sin los inconvenientes del gobierno. Algo así parece indicar el gesto elegante y displicente, casi de dandy, de este hombre que mira desdeñoso y de cuya personalidad sabemos poco.

La composición sigue el modelo de retrato de corte fijado en tiempos de Felipe II, a través de Alonso Sánchez Coello, retratista del rey, y de sus seguidores: una figura de pie en un interior. Sin embargo Velázquez introduce cambios para lograr mayor sobriedad y concentración. Elimina todo lo accesorio: no hay bufones que acompañen al infante ni cortinas o columnas que ennoblezcan el lugar. Al pintor le basta con una pared desnuda y la propia actitud del retratado para dejar clara cuál es su posición en la sociedad española.

El traje negro se anima con brillos y matices que permiten ver las calidades de la materia, gracias a pequeñas pinceladas superficiales y con poca pasta. El guante, tan importante como el rostro, es un trozo de pintura empastada y suelta que enseñará mucho a los pintores posteriores, sobre todo a los del siglo XIX.

DETALLE 1

Don Carlos, el hermano más próximo al rey Felipe IV, tan unido a él que no se podía saber si pensaba por sí mismo, compartía ropas con el monarca y también retratos. Este, durante mucho tiempo se pensó que representaba a Felipe.

Rubio, aunque no tanto como su hermano, más narizotas y con tanto prognatismo como él, nos mira con la displicencia que le permite estar al lado del "rey planeta" y no tener obligaciones de gobierno.

Velázquez enmarca la cabeza del infante con la golilla que él mismo había ordenado usar en su batalla contra el despilfarro y el lujo. Como su hermano, lleva el pelo corto, con un pequeño tupé que el pintor hace brillar por medio de pinceladas más claras aplicadas sobre el tono de base.

DETALLE 2

El guante se hace con unas cuantas pinceladas libres y sueltas, más empastadas en el puño blanco y restregado, a diferencia de la mano más acabada y precisa de técnica, como el rostro, y en fuerte contraste con el negro del traje.

La elegancia, y la displicencia a la vez, es la sensación que se desprende de este retrato, sobre todo por la forma de sostener el guante, apenas sujeto por un dedo y sin darle ninguna importancia. Don Carlos, al que alguien ha definido como un dandy antes de la época de los dandys, no necesita muchos signos de estatus, ni muy ostentosos. Con este único gesto Velázquez hace patente la situación de privilegio que disfrutaba como hermano del rey.

DETALLE 3

En la mano izquierda lleva un sombrero de tipo chambergo, parecido a los que aparecen en los retratos ecuestres, muy distinto del sombrero "oficial" que se encuentra sobre la mesa de justicia en el retrato de su hermano, muy semejante a los de su abuelo Felipe II.

DETALLE 4

Las ropas del infante don Carlos constituyen uno de los negros más brillantes, ricos y matizados de toda la pintura de Velázquez. A partir de pequeñas pinceladas aplicadas sobre un negro de base, hace vibrar la seda, el terciopelo y los bordados, destacando calidades táctiles igual que cuando pinta bodegones con barros vidriados, cristales o madera.

DETALLE 5

A la derecha de don Carlos, sobre la pared del fondo, resuelta con una capa de pintura muy delgada que deja transparentar las capas inferiores, se pueden distinguir varias pinceladas amplias y aisladas, simples pruebas de color o descargas del pincel del artista, algo muy frecuente en su obra.

EL PRÍNCIPE BALTASAR CARLOS A CABALLO

FICHA

Hacia 1634 Oleo sobre lienzo 209 x 173 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Este retrato ecuestre del príncipe formaba parte de la decoración del Salón de Reinos en el Palacio del Buen Retiro, junto con los de sus padres, Felipe IV e Isabel de Borbón, y sus abuelos paternos, Felipe III y Margarita de Austria.

Baltasar Carlos, que contaría cinco años en el cuadro, era el heredero del trono y su presencia junto a su padre y su abuelo (el rey presente y el anterior) simboliza la continuidad de la dinastía.

A pesar de su temprana edad está representado como un adulto y con los mismos símbolos que el rey: lleva el fajín de general en el pecho, monta un caballo en corveta (símbolo de majestad y gobierno) y lo conduce con una sola mano -a la española-, mientras en la otra sostiene el bastón de mando, o bengala, que muestra ostensiblemente.

Velázquez nos presenta al futuro monarca educado de manera acorde con su elevado destino, porque tanto la equitación como la caza formaban parte importante de la formación militar del príncipe y constituían una preparación para la guerra.

El retrato, como toda la serie, tiene un fondo de tonos fríos en el que vemos la sierra de Guadarrama.

PERSONAJES

El príncipe Baltasar Carlos (1629-1646), hijo de Felipe IV e Isabel de Borbón, era fruto de un matrimonio en el que hubo numerosos abortos e hijos muertos antes de cumplir el año. Al no lograr herencia masculina, la reina, por consejo de una dama de su corte, hizo rogativas a los Reyes Magos. En agradecimiento por darle un hijo varón le puso, por sorteo, el nombre de uno de ellos, elegido al azar entre los tres.

Baltasar Carlos estaba destinado a heredar el trono; desde joven fue educado en la caza y equitación y ya con catorce años comenzó a asistir a los consejos con su padre para adquirir experiencia política. Su muerte prematura frustró las esperanzas de la dinastía, abocada a la degeneración genética causada por lo que el Dr. Marañón llamó "la bárbara consanguinidad".

En 1646, al morir Baltasar, dos años después que su madre, el trono se quedó sin heredero masculino y Felipe IV tomó por esposa, en segundas nupcias, a su sobrina Mariana de Austria, con la que se iba a casar Baltasar, de quien tuvo al desdichado Carlos II, hermanastro póstumo y último Habsburgo de la rama española.

CONTEXTO HISTORICO

El Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro fue inaugurado en Abril de 1635, por tanto hacia finales de 1634 o principios de 1635 el cuadro debía estar acabado. Antes de su primer viaje a Italia (1629-31) Velázquez ya había pintado un retrato ecuestre de Felipe IV (hoy perdido) y quizá comenzado los de Felipe III (1176), Margarita de Austria (1177) e Isabel de Borbón (1179).

A su vuelta pinta toda una serie de retratos de la familia real con destino a los palacios españoles o para enviar al extranjero a los parientes de otras cortes europeas.

De esta época son el príncipe Baltasar Carlos con un enano, los retratos de caza para la Torre de la Parada y uno de sus cuadros más famosos, el Felipe IV vestido de castaño y plata.

Velázquez sigue su carrera de honores en palacio. Ya es alguacil de corte, desde 1633 y en 1634 le nombran ayudante de guardarropa; por su parte cede el cargo de ujier de cámara a su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo, casado con Francisca el año anterior.

En 1634 las tropas españolas al mando del Cardenal Infante vencen a los suecos en la batalla de Nordlingen, con lo que se estabilizan las fronteras protestantes. En 1635 estalla de nuevo la guerra entre Francia y España y los españoles son derrotados en Namur.

FUENTES DE INSPIRACION

Los antecedentes del retrato ecuestre hay que buscarlos en la Italia del siglo XV, el Quattrocento, y en concreto en el fresco de Giovanni Acuto pintado por Paolo Uccello en Santa María de las Flores de Florencia, que luego tendrá su eco en escultura en el Gattamelata de Donatello y el Colleoni de Verrocchio.

A su vez la inspiración para estas obras procede de la escultura ecuestre del emperador Marco Aurelio que se conservaba en Roma. En un principio estos retratos a caballo se hicieron para honrar a jefes militares, pero poco a poco se convirtieron en imágenes apropiadas para príncipes y reyes.

Uno de los mejores ejemplos de este tipo es el retrato de Carlos V en la batalla de Mülhberg, que pintó Tiziano.

La iconografía responde al emblema 35 de Alciato, la alegoría de la Fortaleza Espiritual referida al buen gobierno del Príncipe o del Rey, que dice así: ¿Quieres saber por qué la región de Tesalia cambia constantemente de señores y procura tener diversos jefes? No sabe adular ni lisonjear a nadie, costumbre que tiene toda corte real. Por el contrario, como un caballo de buena raza, arroja a su lomo a todo aquel jinete que no sabe gobernarla. Pero no es lícito al señor ser cruel: el único castigo permitido es obligar a soportar un freno más duro.

Pero la fuente concreta de inspiración para el retrato de Baltasar Carlos se ha encontrado en el grabado de Nerón de la serie 'Los Césares' de Antonio Tempesta.

Velázquez pintó un cuadro de tema relacionado con éste, con el mismo protagonista, El príncipe Baltasar Carlos en el picadero. Allí, el Conde Duque de Olivares, en su condición de caballerizo mayor, da lecciones de equitación al príncipe, como una forma de prepararle para la guerra.

TECNICA Y COMPOSICION

El cuadro estaba situado dentro del Salón de Reinos en alto, en una sobrepuerta, entre su padre y su madre, colocados a un nivel inferior. Velázquez debió calcular la deformación de perspectiva que supondría verlo de abajo arriba; por eso en su ubicación actual, al mismo nivel de nuestros ojos, da la sensación de que el caballo es algo deforme. Además, parece que se trataba de animales panzudos.

El caballo se presenta en una línea diagonal y dinámica, marcada por las patas traseras, la pierna del jinete y la bengala, y en un escorzo que debía dar idea de que saltaba sobre la cabeza del espectador. Así parece que el príncipe monta un caballo al galope y Velázquez logra dar una sensación de movimiento poco habitual en este tipo de obras.

El cuadro tiene una factura muy suelta, como un esbozo de gran tamaño y quizá esto se vea favorecido por su colocación en alto, aunque tampoco es raro en otras pinturas suyas. El rostro del príncipe es la zona más desdibujada y borrosa, un caracter que tienen muchos de sus retratos.

El color está aplicado de forma muy diluida con poco pigmento y mucho disolvente, en capas delgadas, que dejan traslucir en algunas zonas la preparación blanca del lienzo y hacen evidente en otras las gotas de pintura que ha escurrido.

Sólo en los adornos de oro aplica Velázquez mayor cantidad de pasta en toques muy pequeños.

La paleta es muy rica, tanto en azules como en ocres, amarillos y sus mezclas para conseguir los distintos tonos de verde, un color que no emplea nunca. Se anima en el centro con los dorados y el rojo de la banda.

El paisaje, como en todos los de esta serie y como en otros cuadros de Velázquez, se hace a base de pinceladas sueltas y precisas sobre la preparación que juega como un elemento de color más y con toques de blanco para la nieve. En la parte baja contornea la figura.

Velázquez pinta unos elementos encima de otros: la valona del cuello sobre el traje, la banda al viento y la manga boba sobre el cielo y los adornos de la coraza sobre el tono oscuro de ésta.

HISTORIA DEL CUADRO

Fue pintado para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, en cuyos inventarios aparece en 1701 y 1716.

En 1772 está en el Palacio Real en cuyo inventario se lee: 266. Un retrato del Príncipe Don Balthasar a cavallo, de dos varas y media de alto y dos de ancho, original de Velázquez. El número aún se ve en la parte inferior izquierda del cuadro y corresponde al inventario del Buen Retiro. Sigue en el Palacio Real en 1794 y 1814. Pasa al Museo del Prado el año de su fundación, 1819.

FICHA DE ESTUDIO

El Príncipe Baltasar Carlos, a caballo. Por Velázquez Hacia 1634 óleo sobre lienzo 209 x 173 cm Madrid, Museo del Prado

El príncipe Baltasar Carlos a caballo formaba parte una serie de retratos ecuestres que decoraban el Salón de Reinos en el Palacio del Buen Retiro, donde estaban representados sus padres, Felipe IV e Isabel de Borbón, y sus abuelos paternos, Felipe III y Margarita de Austria.

Los retratos tenían un carácter dinástico y emblemático. La sucesión de abuelo, padre e hijo garantizaba la continuidad de la dinastía austriaca. Además, el caballo en corveta -como un trono ambulante- simbolizaba la majestad y el dominio del príncipe, que gobernará sus estados con la misma maestría con que domina el caballo.

La composición se organiza en una línea diagonal, la línea dinámica por excelencia, marcada por las patas traseras del caballo, la pierna del jinete y el bastón de mando. Con ello Velázquez consigue dar una sensación de movimiento al cuadro.

La pintura es muy ligera y diluida y se aplica con pinceladas sueltas y rápidas en capas casi transparentes; sólo se aprecia una mayor cantidad de pasta en los adornos dorados, resueltos a base de toques ligeros, menudos y superficiales.

También el paisaje del fondo, en el que pinta la Sierra de Guadarrama, está hecho con una factura tan suelta que en algunas partes se trasluce el blanco de la preparación.

DETALLE 1

La pintura está aplicada con tanto aglutinante y con una factura tan suelta que se ve la preparación de color blanco del cuadro debajo del óleo. Por la misma razón la cabeza del príncipe, vista de cerca, resulta borrosa, sin líneas definidas con claridad, algo habitual en Velázquez ya por estos años.

El cuello blanco, la valona, se pinta sobre la coraza y el encaje se crea mediante breves toques de pintura oscura en medio del blanco.

En el sombrero se puede ver la ligereza del pigmento casi transparente con que Velázquez ha pintado.

En esta zona se aprecian dos añadidos longitudinales: uno del momento en que se realizaba el cuadro, de 11 cm, en la parte alta del sombrero, y otro posterior de 12,5 a 13,5 cm, hasta el borde de la tela.

DETALLE 2

Todo el atuendo del príncipe es menos severo que los retratos de corte, en los que predomina el color negro y no se suele encontrar este lujo de oros, rosas y blancos.

Las manchas amarillas que forman el puño de la espada, los adornos de la coraza y el arnés del caballo, o la gualdrapa, carecen de forma precisa vistas de cerca y sólo de lejos adquieren sentido, como si estuvieran pintados con aquellos pinceles de "asta" muy larga de los que hablaban los contemporáneos de Velázquez.

DETALLE 3

Es un paisaje real de la Sierra de Guadarrama en el que se distingue el Pico de la Maliciosa. Las montañas se realizan sobre la preparación blanca a base de pequeñas y rápidas pinceladas de azul, a las que el artista añade toques aún más ligeros y superficiales de blanco para pintar la nieve.

El verde de la vegetación y el suelo, ligero, diluida y rico de matices, se logra a partir de distintas mezclas de azul.

DETALLE 4

Las patas traseras del caballo, y la cola, están corregidas y son visibles las dos e incluso tres anteriores, más verticales, -los arrepentimientos característicos de Velázquez-, debajo del suelo en el que se apoyan. En esta zona el paisaje se ha pintado después que las patas del animal y se pueden ver pinceladas que las contornean.

También aquí, bajo las patas del caballo, es visible un añadido longitudinal de 12,5 a 14 cm, posterior al momento de realización de la obra y que, como el superior, modificó las dimensiones originales del cuadro.

EL PRÍNCIPE BALTASAR CARLOS CAZADOR

FICHA

Hacia 635 Oleo sobre lienzo 191 x 103 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

El príncipe heredero, vestido de caza, con escopeta y acompañado por dos perros, parece posar para Velázquez ante uno de los lugares habituales de las partidas de la familia real, los montes del Pardo.

El cuadro, junto con los retratos de caza de su padre,el Felipe IV (1184) y de su tío, el Cardenal Infante (1186), formaba parte de una serie que se pintó para decorar la Galería del Rey en la Torre de la Parada, palacete de caza en los bosques del Pardo.

Baltasar Carlos es presentado como cazador a la edad de seis años. La caza constituía el deporte real por excelencia y se consideraba una preparación para la guerra y la política y, por tanto, era parte importante de la educación del príncipe.

Alonso Martínez de Espinar dedicó al príncipe heredero su libro Arte de Ballestería, en el que se ilustraban las distintas maneras de cazar, habituales entonces: Cuando no fuera herencia el ser V.A. Eminente en este ejercicio, lo asegurará la suma destreza y rara agilidad con que ha empezado a manejar los arcabuces, ensayándose V.A. en las fatigas del campo y ejercicio de las armas de fuego, y en la victoria de las fieras para las que aguardan en las Campañas de enemigos y rebeldes, que calzarán de trofeos los pies de V.A., que humildemente beso.

El cuadro adquiere así un valor simbólico al igual que lo tenía el príncipe Baltasar Carlos a caballo del Salón de Reinos.

PERSONAJES

El príncipe Baltasar Carlos (1629-1646), hijo de Felipe IV e Isabel de Borbón, era fruto de un matrimonio con numerosos abortos y niños muertos antes de cumplir el año. Al no lograr herencia masculina, la reina, por consejo de una dama de su corte, hizo rogativas a los Reyes Magos. En agradecimiento por darle un hijo varón le puso el nombre de uno de ellos elegido al azar.

Baltasar Carlos estaba destinado a heredar a su padre y para ello se educó. Desde pequeño practicó la caza y la equitación y a los catorce años empezó a asistir a los consejos con el rey para adquirir experiencia política. Su muerte prematura frustró las esperanzas de la dinastía, abocada a la degeneración genética causada por lo que el Dr. Marañón llamó, con razón, "la bárbara consanguinidad".

En 1646, al morir Baltasar, dos años después que su madre, el trono quedó sin heredero masculino y Felipe IV tomó por esposa, en segundas nupcias, a su sobrina Mariana de Austria. Era la prometida de Baltasar Carlos y de ella nació el desdichado Carlos II, último miembro de la casa de Austria en España.

CONTEXTO HISTORICO

A su vuelta del primer viaje a Italia, en 1631, Velázquez pinta toda una serie de retratos de la familia real con destino a los Palacios Reales o para enviar al extranjero a familiares y amigos.

El primer encargo que debe acometer es, precisamente, retratar al heredero, nacido mientras estaba en Italia. Este retrato es el príncipe Baltasar Carlos con un enano. De esta etapa son la serie de retratos ecuestres para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro y uno de sus cuadros más conocidos, el Felipe IV vestido de castaño y plata.

Velázquez hizo otros retratos del príncipe, destacando, aparte de los mencionados, el de Baltasar Carlos del Kunsthistoriches Museum, de Viena.

La década de los treinta es uno de los períodos más fecundos de la producción artística velazqueña y durante ella pinta la mayor parte de su obra.

Velázquez es ayudante de guardarropa desde 1636 y ha pasado el puesto de ujier de cámara a su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo.

Este momento coincide con el período sueco de la Guerra de los Treinta Años (1630-35) y el comienzo del período francés (1635-48). Vuelve a estallar la guerra entre Francia y España y los ejércitos españoles son derrotados en Namur.

FUENTES DE INSPIRACION

Los retratos de caza son, según E. Harris, una creación de Velázquez en la que utiliza la pose de tres cuartos típica de los retratos regios, como el de Felipe IV (1182), pero que a la vez se aparta del retrato de ceremonia, elimina los símbolos de la monarquía y presenta a los retratados con el traje de caza que procedía de la Edad Media.

El príncipe se presenta con una sencillez y una majestad característica de los reyes de la casa de Austria. Un antecedente claro en esta línea es el Carlos V con Sempere de Tiziano.

Esta sencillez contrasta con la afectación con que Van Dyck pinta en Inglaterra al rey Carlos I de caza, por las mismas fechas que Velázquez hace estos retratos. El cuadro español mantiene la sencillez y majestad propia de los retratos de los Austrias, eliminando la profusión de trofeos con la que se representa a los cazadores en otros retratos de caza contemporáneos.

La caza era una de las actividades principales del rey y el príncipe, y Felipe IV encarga a otros pintores cuadros de esta temática de carácter lúdico pero al mismo tiempo heroico y guerrero.

Velázquez retrató a Juan Mateos, montero mayor del rey, y su aspecto noble, más de hombre de letras que de acción, nos indica la importancia de la caza dentro de las actividades reales.

La descripción que hace de la caza al comienzo de su libro, Origen y dignidad de la caza, publicado en Madrid en 1634, es reveladora a este respecto y muestra la importancia que se le concedía para la educación del príncipe: En ella se aprende el sufrir de los incendios del verano y las nieves y hielos del invierno; acostumbrarse al manejo del caballo, haciendo que su coraje obedezca la ley del hierro en el freno; enseñase el brazo a vibrar las lanzas, a ensangrentar puñales, a buscar con la mirada del arcabuz la seña distante, a tratar sin horror los despeñaderos, y los vados, a reconocer el albedrío travieso de los vientos para burlar las diligencias del olfato de los animales; informa la noticia de los ardides, emboscadas y lazos, a entrenar los ojos en las heridas para que no las extrañen.

Velázquez y su taller trataron el tema en otras ocasiones: en la National Gallery de Londres está la Tela Real, obra de Velázquez de la que existe una copia de Martínez del Mazo en el Prado.

También Snayers pintó cuadros venatorios con destino a la Torre de la Parada, pero tanto unos como otros son más bien paisajes o vistas con escenas de caza, en algunas de las cuales aparece el rey (Felipe IV matando un jabalí), de los que sí existen ejemplos anteriores como la Cacería en honor de Carlos V en Torgau, de Lucas Cranach, pintado en 1544.

TECNICA Y COMPOSICION

El príncipe está colocado de tres cuartos pero mirando hacia la izquierda, al revés que los otros retratos de la serie. Con ello crea una variación que rompe la monotonía de estas composiciones similares.

Su figura queda paralela a la del árbol de la derecha y al galgo, formando líneas compositivas cuya verticalidad se rompe y se anima por la escopeta y la rama del árbol, con diagonales que nos llevan al paisaje. Este, a su vez, por la línea del suelo y las montañas, marca diagonales en sentido apuesto a las anteriores.

La figura del príncipe es de menor tamaño que el resto de los personajes de la serie (su padre el rey y su tío, dos adultos) y esto permite a Velázquez jugar más con el paisaje y darle más entidad que en los otros cuadros.

Velázquez utiliza la gama habitual de marrones y verdes para el traje y el paisaje, con azules y grises para el cielo. La figura y los perros están tratados con más detalle mientras que el fondo tiene la factura suelta habitual en sus paisajes.

La técnica es muy semejante en los tres retratos: el color se aplica con pinceladas rápidas y en capas muy delgadas que, a veces, dejan traslucir la imprimación blanca que hay debajo, como en el paisaje.

El reflejo del bordado plateado de las mangas, la valona, la nieve de las montañas y las partes metálicas de la escopeta estan pintados con toques menudos, ligeros y superficiales, más empastados, como es común en sus cuadros.

En la radiografía del cuadro se puede apreciar el esbozo de una cara más arriba de la cabeza del príncipe, quizá porque cambió la composición mientras pintaba o porque reutilizó un lienzo con otro retrato.

El lienzo tiene un añadido en la parte superior, entre 10 y 12 cm, y fue cortado a los lados, cosa que se puede apreciar especialmente en el perro de la derecha. Estos cortes se hicieron probablemente en el siglo XVIII al trasladar los cuadros al Palacio Real y con el fin de igualar el ancho de la serie que, hoy, es el mismo en los tres.

HISTORIA DEL CUADRO

Fue pintado para la Torre de la Parada donde aparece inventariado en 1701. Pasó al Palacio Real a mediados del siglo XVIII constando en los inventarios de 1772 y 1794.

En el de 1772 se lee: 1011. Otro del Ynfante también de caza, con una escopeta en la mano, y junto a ella un perro, de dos varas y quarta de alto y una menos de ancho, original de Velázquez. Este número aún se puede ver en la parte inferior izquierda.

Sigue en el Palacio en los inventarios de 1794 y 1814 y está en el Museo del Prado desde su apetura en 1819.

FICHA DE ESTUDIO

El príncipe Baltasar Carlos, cazador. Por Velázquez Hacia 1635 Oleo sobre lienzo 191 x 103 cm Madrid, Museo del Prado

El príncipe Baltasar Carlos aparece, vestido de caza, con escopeta y perros, en los bosques cercanos a Madrid, donde la familia real practicaba este deporte.

El heredero, que contaba seis años en el retrato, se presenta como un adulto cazador. La caza constituía una parte importante de la educación del príncipe, y se consideraba una preparación para la guerra y la política por sus connotaciones heroicas. El simbolismo de este retrato es comparable al del retrato ecuestre del Salón de Reinos.

El cuadro está pintado en la década de 1630, una de las épocas más fecundas en la producción de velazqueña. Formaba parte de la decoración de la Torre de la Parada (un palacete de caza cercano a Madrid), junto con los retratos de su padre y su tío: Felipe IV y el cardenal infante don Fernando de Austria.

El príncipe se presenta con la aparente sencillez y majestad característica de los retratos de los miembros de la casa de Austria, sobre un paisaje de tonos fríos y factura suelta, que también encontramos en los retratos ecuestres y en algunos bufones.

Velázquez utiliza una paleta de marrones y verdes para el traje y el paisaje, más azules y grises para el cielo. Ligeros toques de blanco crean la nieve de las montañas de Guadarrama y otros pintan los encajes del cuello o los toques de luz.

DETALLE 1

El príncipe tiene la tez blanca característica de los austrias y sobre su oreja cae el tufo, una especie de melena de moda en el momento. El retrato es más cuidado y el rostro es mucho más detallado que otros del príncipe, como el ecuestre, destinado al Salón de Reinos. Aquel iba colocado sobre una puerta, lo cual facilitaba una visión menos detallada y más borrosa de cerca.

DETALLE 2

Viste la ropa de caza usada desde la Edad Media: tabardo amplio, calzón, guantes largos y botas. A la altura de la rodilla, sin embargo, lleva los adornos típicos del traje de su época, como se puede ver en los retratos de Felipe IV, el cardenal infante y algunos bufones.

DETALLE 3

El paisaje de tonos entre azules y grises característicos de Velázquez, está hecho con capas delgadas de pintura muy diluída, que dejan transparentarse la imprimación, lo que le da luminosidad. Sobre las manchas azuladas, unas ligeras pinceladas de blanco perfilan las montañas y la nieve.

Es un fondo de sierra del Guadarrama muy similar al del retrato ecuestre del príncipe y a los de los bufones don Diego de Acedo, el Primo y Francisco Lezcano, el niño de Vallecas.

En las mangas del traje, toques mínimos de gris y negro, contrastando con el marrón del guante, sirven para crear el efecto plateado de la tela.

DETALLE 4

El perro de mirada atenta y nerviosa es un galgo. A éste le falta más de la mitad del cuerpo en lo que se puede apreciar que el cuadro fue cortado por los lados. En el National Trust de Inglaterra existe otro Baltasar Carlos cazador, copia de éste, atribuida al taller de Velázquez, en la que se ve el galgo entero y la cabeza de un tercer perro.

Junto a él, en el suelo, se puede apreciar cómo pinta Velázquez la hierba, con pinceladas ligeras y rápidas, que aplica sobre la superficie anterior. También las hojas del árbol están pintadas sobre el marrón del tronco.

DETALLE 5

La inscripción dice ANNO AETATIS SUAE VI (año seis de su edad). De ser cierta nos indica que el príncipe tenía seis años, por lo que Velázquez pintaría el cuadro entre el 17 de Octubre de 1635 y la misma fecha de 1636, ya que el príncipe nació el 18 de Octubre de 1629.

El perro que dormita apaciblemente sobre la inscripción es un perdiguero.

ESOPO

FICHA

1639-1640 Oleo sobre lienzo 179 x 94 Madrid, Museo del Prado.

TEMA

Es una representación del fabulista griego Esopo, que formaba pareja con otro cuadro, Menipo. Aparece de cuerpo entero, de frente y ajustándose a un tipo pictórico del siglo XVII que se conoce con el nombre de 'filósofo mendigo' y que Jusepe Ribera ya había tratado.

Esopo aparece mirando al espectador con indiferencia, sosteniendo sin ganas un libro, vestido con un sayo harapiento entre el que introduce la mano libre y que se ciñe gracias a un trozo de tela clara arrugada. Va vestido como cuenta la leyenda que le arreglaron para venderle como esclavo: Pero él (el vendedor) no podía vestirlo ni adecentarlo como es debido, pues era un hombre grueso y completamente deforme, así que le vistió con una túnica de arpillera, le ató una tira de tela a la cintura y le colocó entre los dos bellos esclavos.

Pintado para la Torre de la Parada, el palacete de caza de Felipe IV próximo al Pardo, se encontraba allí junto a otros temas mitológicos, como los cuadros inspirados en las Metamorfosis de Ovidio que se encargaron al pintor Rubens, Marte y Menipo, los retratos de cazadores y las hazañas cinegéticas del rey que pintó Snayers y los retratos de enanos.

Esopo se inscribe dentro de la decoración variada de mitología, vida retirada y caza, en la que encajaba esta visión peculiar de la antigüedad clásica, que nunca fue algo monolítico.

PERSONAJES

Esopo era un fabulista griego de los siglos VII al VI a.C. Lo poco que se conoce de su vida y sus fábulas procede de fuentes muy posteriores, como las de Herodoto, Aristófanes, Platón y una 'Vida', cuyo manuscrito más antiguo data del siglo XIII.

Se dice que fue un esclavo feo y deforme en la corte de Creso en Samos, después liberto y finalmente condenado a muerte por el pueblo de Delfos.

Aparte de sus famosas Fábulas, protagonizadas por animales, que enseñan a los hombres, y algunas de las cuales pintó Paul de Vos para esta Torre de la Parada, Esopo se hizo célebre por su crítica de la vida refinada y ésta es seguramente la razón de que aparezca aquí, emparejado además con Menipo.

Por otra parte, su deformidad física y su humor le hacían el 'patrón' natural de los locos, enanos y hombres de placer, presentes también con sus retratos en esta Torre.

CONTEXTO

Velázquez pinta esta representación de Esopo, para la decoración de la Torre de la Parada y con destino al mismo lugar realiza también retratos de los hombres de la familia real vestidos con trajes de caza. La caza, como la equitación, se consideraban actividades propias de reyes porque les servían en la paz de entrenamiento para la guerra.

Los cuadros de mitología ocupaban un lugar importante en la Torre de la Parada. Las tres pinturas (Esopo, Menipo y Marte) de Velázquez forman parte de un programa decorativo para el que se encargaron a Rubens escenas de las Metamorfosis de Ovidio y los filósofos Demócrito y Heráclito.

A principios de los años cuarenta, cuando se hacen estas pinturas, Velázquez está a punto de ser nombrado ayuda de cámara y superintendente de obras reales.

Es una época en la que España comienza su declive. En 1640 se producen levantamientos en Cataluña y Portugal y se pierde definitivamente Pernambuco, que pasa a manos holandesas. En 1641 el duque de Medina-Sidonia se subleva en Andalucía. En 1642 se pierde Perpignan y, lo que es más importante, la moneda de vellón se devalúa un 25 por ciento.

PRECEDENTES

Ya Jusepe Ribera, el Españoleto, había tratado unos años antes, en 1630, el tipo de 'filósofo mendigo' en Nápoles, en su Arquímedes (mal llamado Demócrito, Madrid, Museo del Prado). La idea era la de representar pensadores de la antigüedad vistiéndolos con harapos del siglo XVII: envolver ideas serias con un lenguaje naturalista, de la calle, para dejar claro que lo importante no son las riquezas del mundo sino la sabiduría.

En la Torre de la Parada se habían colgado unos años antes, en 1638, dos lienzos de Rubens representando a Demócrito y Heráclito; estos de Esopo y Menipo serían la réplica de Velázquez a las obras de Rubens.

Para algún autor, como J. Brown, su rostro tiene una cierta expresión bovina, que estaría relacionada con uno de los tipos de la Vera Fisiognomía de

G. B. Porta, el Rind-Typus, definido como de Magna frons, carnosa facies valde magno oculis (frente grande, rostro carnoso, ojos bastante grandes).

También se ha puesto en relación su temperamento con el Flematico per l'acqua (flemático del agua), según la Iconología de Cesare Ripa, por la posición de las manos y el cubo que aparece en el suelo. Esto último resulta tentador, sobre todo sabiendo que la flema, la calma, es uno de los pocos rasgos de la personalidad de Velázquez que conocemos.

Martínez del Mazo, el yerno y ayudante de Velázquez, se inspiró en Esopo para realizar su San Fausto labrador (Madrid, colección particular). Además existen varias copias reducidas y dibujos de esta obra, que se atribuyen a Goya.

TÉCNICA

Velázquez planta la figura de pie, contra un fondo indeterminado -como es habitual en muchos de sus cuadros-, y proyectando una sombra mínima bajo los pies. La luz viene de la izquierda, según miramos nosotros, y eso hace que esta parte del fondo quede más oscura.

La técnica en este cuadro aparece como una de las más libres en toda la obra de Velázquez. Las capas de pintura son muy delgadas y transparentes, las pinceladas son extraordinariamente fluidas y anchas y la ejecución es rápida, todo lo cual hace que los contornos se difuminen y pierdan nitidez, como en el libro o el cuello de Esopo.

Las zonas y los detalles más iluminados se consiguen con pinceladas más cortas y más empastadas, en las que predomina el color blanco, como la tela de la cintura, la mano o la frente. Las sombras de la cara y el cuello se hacen a base de pinceladas más cortas y oscuras.

El fondo, hecho con tonos marrones muy fluidos, permite que se transparente la preparación, lo que le hace ser luminoso y vibrante, no una superficie lisa y monótona. La preparación y la imprimación rojiza son del mismo tipo que los retratos de cazadores, destinados también a la Torre de la Parada.

Las pinceladas largas y arrastradas, hechas con la misma aparente falta de cuidado que el Marte, son más evidentes en el rostro, el pecho y la mano, y, sobre todo, en la parte baja del cuadro: las botas y las piernas.

HISTORIA DEL CUADRO

Pintado para la Torre de la Parada, en 1701 estaba todavía allí y figura en el inventario de ese año. En 1714 se llevó al palacio del Pardo, y de allí al Palacio Real de Madrid, donde aparece registrado en 1772 y 1794. Desde 1819 está en el Museo del Prado.

FICHA DE ESTUDIO

ESOPO Por Velázquez 1639-1640 Oleo sobre lienzo 179 x 94 Madrid, Museo del Prado.

Es una representación del fabulista griego Esopo, que formaba pareja con el de Menipo y que responde a un tipo de representación habitual en el siglo XVII que se conoce con el nombre de "filósofo mendigo" y que Jusepe Ribera, El Españoleto, ya había tratado en Nápoles.

Velázquez pinta este cuadro y su compañero a principios de los años cuarenta, para decorar la Torre de la Parada, un pabellón de caza, cerca de Madrid, para el que pintó también al dios Marte, y retratos del rey, su hermano y el heredero como cazadores.

Otros pintores debían contar las hazañas de Felipe IV como cazador y Rubens, uno de los artistas más cotizados de su siglo, tenía a su cargo escenas de las Metamorfosis de Ovidio, temas mitológicos también y otros dos filósofos antiguos, Demócrito y Heráclito, a los que estos de Velázquez parecen dar la réplica.

La presencia de Esopo en este lugar, a medio camino entre lo oficial y lo privado, se explicaría por el ataque que en vida hizo el filósofo de los refinamientos y de la vida exquisita.

Velázquez pinta a Esopo en un momento de plena madurez, con una inmensa libertad técnica y una especie de descuido que, sin duda, era muy estudiado: sobre la preparación, compone la figura con capas muy ligeras de pintura, a base de pinceladas rápidas y sueltas que se deslizan con facilidad por la tela, permitiendo que se transparente el fondo. Las pinceladas sólo son más empastadas en los lugares más iluminados, como la cara, la mano, el libro, la tela de la cintura o el pelo.

Aunque sigue utilizando aquí una gama de marrones, no queda nada en el cuadro que recuerde su primera etapa sevillana.

DETALLE 1

Todavía una mirada atenta puede distinguir sobre la cabeza de Esopo la línea del sombrero que en un principio llevaba, un sombrero de mendigo, que Velázquez decidió eliminar mientras realizaba el cuadro, como sucede tantas veces en su pintura. Con ello suprimía aspectos anecdóticos y se centraba en lo fundamental, algo constante en su obra.

El pelo se hace por medio de pinceladas muy finas y sueltas, de blanco

o negro sobre gris, que le dan un brillo especial de cabello entrecano.

DETALLE 2

En la mano derecha se puede ver la soltura de pincelada de Velázquez y la falta de límites claros entre unos objetos y otros. Muy cerca, la pasta del libro se confunde con las hojas. Las partes más salientes, tanto del dedo, como del canto del libro, se iluminan con toques ligeros y arrastrados de pintura más clara.

DETALLE 3

El cubo del que cuelga un trozo de tela o cuero hace quizá alusión a la fábula en que un hombre vecino a una curtiduría tiene que acostumbrarse a los malos olores del cuero. También podría tratarse de una referencia a la personalidad del flemático.

En cualquier caso es un espléndido trozo de pintura, de esos que Velázquez coloca a veces en su obra en lugares secundarios, pero sin darles por ello menos importancia: una magnífica naturaleza muerta.

DETALLE 4

En el suelo a la derecha aparecen otra serie de objetos que no se han identificado con claridad: quizá el asiento en el que según Ripa se apoya el flemático; y, sobre él, una especie de corona de cartón como broma a los laureles de la fama.

Lo más notable en esta zona es la soltura del pincel, la transparencia de la pintura que permite ver el fondo, y la rapidez de ejecución.

FELIPE III A CABALLO

FICHA

Hacia 1634 óleo sobre lienzo 300 x 314 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Este retrato del rey Felipe III, junto con los retratos ecuestres de su esposa, Margarita de Austria (1177), su hijo Felipe IV (1178), la esposa de éste Isabel de Borbón (1179) y el hijo de ambos, el príncipe Baltasar Carlos (1180), forma parte de la serie que decoraba el salón de Reinos en el Palacio del Buen Retiro.

Este conjunto de retratos tiene un doble carácter dinástico y emblemático: por una parte la presencia de los miembros de la dinastía habla de su continuidad; por otra, el caballo en corveta, que monta el rey es una especie de trono ambulante; además, en esa posición difícil, sujeta las riendas con una sola mano, a la española, sin mostrar esfuerzo ni sentimiento. El mensaje es claro: igual que domina el caballo, el Rey gobierna sus estados.

Viste media armadura de aparato y ostenta las insignias del máximo poder militar: el fajín, y, en la mano, la bengala o bastón de mando, símbolos de los capitanes generales españoles, como se ve en el retrato de Spínola en Las Lanzas. Del ala del sombrero pende la famosa perla de la monarquía española llamada la peregrina.

Las figuras del jinete y el caballo se recortan sobre un paisaje de tonos fríos, en el que podemos distinguir el mar y una ciudad al fondo, quizá un recuerdo de su entrada triunfal en Lisboa en el año 1619.

PERSONAJES

Felipe III (1578-1621) fue el único varón del último matrimonio de Felipe II, y su última esposa, Ana de Austria, que logró sobrevivir.

Rey de España desde la muerte su padre en 1598, inaugura su reinado con la llamada Pax Hispánica: la firma de los tratados de Vervins, la Paz de Londres y la Tregua de los Doce Años, que significan la paz con Francia, Inglaterra y los Países Bajos respectivamente. Con ello cierra frentes exteriores para intentar enderezar los asuntos internos.

Al inicio de su reinado, Felipe III, más interesado por los placeres y el deporte que por las tareas de gobierno, entrega las llaves del estado a Don Francisco de Sandoval y Rojas, duque de Lerma quien sólo cuenta con el favor del rey para ejercer su cargo. Esta costumbre, de delegar el poder en un valido, sigue a lo largo del siglo XVII.

Bajo su reinado, en 1609, tuvo lugar la Expulsión de los moriscos, uno de los acontecimientos más desastrosos y que tuvo fatales consecuencias económicas para las regiones donde habitaban, por el papel de primer orden que desempeñaban en la agricultura y el comercio.

Su única mujer fue Margarita de Austria, madre de Felipe IV y los infantes don Fernando, don Carlos y doña María de Austria, a todos los cuales retrató Velázquez.

La leyenda quiere que la indolencia del príncipe llevara a su padre a elegir esposa para él, a petición propia y existe un grabado que recoge la escena, Felipe II elige esposa para su hijo.

CONTEXTO HISTORICO

El Salón de Reinos fue inaugurado en Abril de 1635, y esto hace pensar que para finales de 1634 o principios del 1635 ya debían estar acabados estos cuadros.

Velázquez, antes de su primer viaje a Italia, había pintado un retrato ecuestre de Felipe IV (hoy perdido) y quizá comenzado éste, el de su esposa Margarita de Austria e Isabel de Borbón. A su vuelta, pinta toda una serie de retratos de la familia real con destino a los Palacios Reales españoles o para enviar al extranjero a los parientes de otras cortes europeas.

De esta época son el príncipe Baltasar Carlos con un enano, los retratos de caza para la Torre de la Parada y uno de sus cuadros más famosos, Felipe IV vestido de castaño y plata.

Velázquez sigue su carrera de honores en palacio. Ya es alguacil de corte, desde 1633 y en 1634 le nombran ayudante de guardarropa; por su parte cede el cargo de ujier de cámara a su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo, casado con Francisca el año anterior.

En 1634 las tropas españolas al mando del Cardenal Infante vencen a los suecos en la batalla de Nördlingen, con lo que se estabilizan las fronteras protestantes. En 1635 estalla de nuevo la guerra entre Francia y España y los españoles son derrotados en Namur.

FUENTES DE INSPIRACION

Los antecedentes de los retratos ecuestres hay que buscarlos en el Quattrocento italiano, el siglo XV, y en concreto en el fresco de Giovanni Acuto, pintado por Paolo Uccello en Santa María de las Flores de Florencia, que luego tendrá su eco escultórico en el Gattamelata de Donatello. A su vez la inspiración para estas obras procede de la escultura ecuestre de Marco Aurelio que se conservaba en Roma.

En un principio estos retratos ecuestres se hicieron para honrar a condottieri o jefes militares, pero poco a poco se convirtieron en modelos apropiados para príncipes y reyes. Uno de los mejores ejemplos es el retrato ecuestre de Carlos V en la batalla de Mülhberg, pintado por Tiziano o el Duque de Lerma, de Rubens.

La iconografía responde al emblema 35 de Alciato, la alegoría de la Fortaleza Espiritual referida al buen gobierno del Príncipe o del Rey, que dice así: ¿Quieres saber por qué la región de Tesalia cambia constantemente de señores y procura tener diversos jefes? No sabe adular ni lisonjear a nadie, costumbre que tiene toda corte real. Por el contrario, como un caballo de buena raza, arroja a su lomo a todo aquel jinete que no sabe gobernarla. Pero no es lícito al señor ser cruel: el único castigo permitido es obligar a soportar un freno más duro.

El cuadro no tiene una versión escultórica como la que hace Pietro Tacca del retrato de Felipe IV a caballo, dadas las dificultades técnicas que aún tenía hacer una escultura de un jinete con el caballo en corveta. La escultura ecuestre de Felipe III la realizaron Giambologna y Pietro Tacca y estuvo colocada en los jardines del Alcázar hasta su traslado, en 1617, al jardín de la Casa de Campo, donde la pintó F. Castello y luego a la Plaza Mayor de Madrid, donde se encuentra actualmente.

TECNICA Y COMPOSICION

Este retrato, junto con el de la reina Margarita, son los que más problemas de atribución han planteado a los estudiosos y, en general, hay acuerdo en considerar que el cuadro no es enteramente de mano del artista.

Felipe III ya había fallecido cuando Velázquez trabaja en esta obra, por lo que toma el rostro de una obra anterior, quizá el retrato de Felipe III de Pedro

A. Vidal. También Pantoja de la Cruz le había retratado en un cuadro que se conserva en Madrid, Museo del Prado (Felipe III de Pantoja de la Cruz).

El rey cabalga de izquierda a derecha, nuestro modo habitual de "leer" una imagen, en un escorzo simétrico al de su pareja, la reina Margarita, que estaba situado al otro lado de una de las puertas del Salón de Reinos.

La composición se organiza en una ligera línea diagonal, definida por la postura del caballo, que contribuye a dinamizar la imagen.

El rostro del rey y la armadura, hechos con una técnica minuciosa y detallista, distinta de la rápida y ligera de Velázquez, son de otro pintor, mientras que la mano del sevillano sólo se aprecia en el caballo y el paisaje, además de algunos toques sueltos que quieren disimular la pincelada apurada y preciosista del otro pintor.

El cuadro está pintado sobre una preparación de color blanco y en él predomina una paleta de grises sobre la que destaca el rojo del fajín del rey y el lazo en la cabeza del caballo.

Las bandas laterales son añadidos posteriores a la ejecución del retrato y miden entre 50 y 55 cm. La diferencia de color, apreciable a simple vista, se debe a estos cambios y a una preparación diferente.

HISTORIA DEL CUADRO

El cuadro fue pintado, hacia 1634, para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, aunque cabe la posibilidad de que Velázquez retocara un retrato ya existente. Estuvo en dicho palacio hasta mediados del siglo XVIII.

En el inventario 1701 se dice: Una pintura de tres varas y media de alto, y dos y media de ancho Retrato del Señor don Phelipe tercero de mano de Velázquez con marco dorado no se tasó por ser persona real. En el inventario de 1716 se le adjudica el número 240, que aún conserva en la parte inferior izquierda.

Aparece registrado en los inventarios del Palacio Real en 1772, 1794 y 1814, pasando al Museo del Prado, en 1819, el año de su apertura.

FICHA DE ESTUDIO

Felipe III, a caballo Por Velázquez Hacia 1634 Oleo sobre lienzo 300 x 314 cm Madrid, Museo del Prado

El retrato ecuestre de Felipe III (1678-1621) formaba parte de la decoración del Salón de Reinos en Palacio del Buen Retiro, inaugurado en Abril de 1635, para el que fue pintado.

Es un retrato oficial con un doble carácter dinástico y emblemático. Al estar colocado junto a los de su padre, el Rey anterior, y su hijo, el futuro Rey, transmite la idea de continuidad dinástica. La posición del caballo y el dominio que ejerce el monarca sobre él simbolizan su majestad y fortaleza en el gobierno de la nación.

El Rey lleva los atributos del máximo poder militar: armadura, fajín colorado y bengala de general.

El origen de este tipo de representación está en las esculturas ecuestres de los emperadores romanos, que se retoman en el renacimiento italiano. Un claro antecedente, que Velázquez conocía bien, es el retrato el Carlos V en Mühlberg de Tiziano.

El rey cabalga hacia la izquierda en posición simétrica a la del retrato ecuestre de su esposa Margarita de Austria. Ambos colgaban a los lados de una puerta.

La iconografía está basada en el emblema treinta y cinco de Alciato, alegoría de la Fortaleza espiritual referida al gobierno del príncipe o del rey.

En el cuadro se pueden distinguir dos modos de hacer diferentes: uno apurado, minucioso y detallista y otro más rápido, suelto y abocetado. Esto ha hecho pensar que sea obra de dos pintores. El primero haría el retrato y la coraza y el segundo, Velázquez, el caballo y algunas otras partes.

Detalle 4

La perla de gran tamaño y con forma de lágrima que pende del sombrero del rey es la llamada Peregrina. Fue adquirida por el Consejo de Indias para Felipe II, quien la vinculó al tesoro real, evitando así una posible enajenación a su muerte. Aparece en otros retratos regios como en los de Margarita de Austria a caballo o el de Felipe IV del Museo de Sarasota.

Los rasgos del rostro del rey se perfilan con mucho cuidado y una cantidad de pasta mayor que la que suele aplicar Velázquez.

Detalle 2

El fajín tiene una pincelada minuciosa y prieta, que marca pliegues y adornos muy finos; una pincelada distinta de la flor que lleva el caballo en la cabeza, de factura suelta y rápida. La primera sería de otro pintor y la segunda de Velázquez.

El brazo derecho se ha cambiado de lugar, llevándolo más hacia delante y más abajo, como se puede ver en el detalle. Quizá sea una modificación de Velázquez porque la factura es más suelta que la parte alta del brazo.

Detalle 3

La cabeza del caballo es el mejor trozo de pintura de todo el lienzo. Hecha a base de pinceladas blancas más empastadas y amarillas sueltas para los adornos, el caballo mira fijamente y abre los agujeros de la nariz y la boca en un esfuerzo que casi se puede oir. La técnica valiente y segura del sevillano se aparta de la más lenta y convencional del autor de la coraza y el rostro.

DETALLE 4

Las patas traseras del caballo se han corregido y bajo las actuales podemos distinguir todavía las anteriores.

Los adornos dorados que cuelgan sobre los cuartos traseros del caballo y el adorno de la baticola, están hechos con pinceladas sueltas, rápidas y precisas, más o menos empastadas según las necesidades, revelan el modo de trabajar de Velázquez.

Lo mismo sucede en los otros adornos (el bocado, la espuela y las riendas del caballo), resueltos con la misma técnica que las crines y la cola.

FELIPE IV

FICHA

1623-1628 Oleo sobre lienzo 201 x 102 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Es un retrato oficial del rey Felipe IV con emblemas de poder: la mesa, el sombrero, la espada, el pliego de papel y el toisón de oro.

PERSONAJE

Felipe IV (1605-1665), era hijo de Margarita de Austria y de Felipe III; ocupó el trono de España entre 1621 y 1665. Su primera esposa fue Isabel de Borbón con la que casó en 1620. En 1644 falleció la reina y poco después su hijo, el príncipe Baltasar Carlos. Al quedar el trono sin heredero el rey casó en 1649 en segundas nupcias con su sobrina Mariana de Austria. De este matrimonio nació el futuro Carlos II, último rey de la casa de Austria.

Tuvo como valido entre 1622 y 1643 al todopoderoso Conde Duque de Olivares, Don Gaspar de Guzmán, artífice de su política y educación, ya que Felipe IV subió al trono muy joven, con dieciséis años.

Tradicionalmente visto en manos de su valido, como lo ha presentado cierta historiografía, hoy se tiende a valorar de un modo nuevo la figura del monarca. Felipe IV fue un Rey que se preocupó por los destinos de España y bajo cuyo reinado comenzó una recuperación económica que se haría patente en el reinado de Carlos II.

Fue un gran amante de las artes y en especial de la pintura. Cuando era joven tuvo al pintor Maíno como profesor de dibujo y su afán coleccionista trajo consigo un gran incremento en las colecciones reales, con la actuación de sus embajadores (Velázquez entre ellos) como auténticos agentes artísticos en la adquisición de cuadros, esculturas y otras obras de arte.

CONTEXTO HISTORICO

Aunque los autores no acaban de ponerse de acuerdo respecto a la fecha, todas oscilan entre 1623 y 1625 o 26, con retoques en 1628. En cualquier caso se trata de los primeros años que pasa Velázquez en la corte, después de abandonar Sevilla y ya trabajando para el rey Felipe IV.

El monarca aparece joven y "con el belfo austriaco", un atributo que ahora, más de tres siglos después, no resulta atractivo, pero que en 1726 es todavía uno de los rasgos que pone Jonathan Swift en el emperador de Liliput, cuando hace su descripción en "los Viajes de Gulliver":

Supera aquel monarca en estatura a todos los de su corte, llevándoles tanto como el negro de mi uña, lo que basta para despertar el respeto de todos. Sus facciones son masculinas y vigorosas, con el belfo austriaco, la nariz aquilina, tez morena, cuerpo erguido, miembros bien proporcionados, movimientos graciosos y porte mayestático.

Antes Velázquez ha pintado bodegones en Sevilla, cuadros de tema religioso y algunos retratos importantes como el de La madre Jerónima de la Fuente o el de Góngora.

Velázquez es pintor del rey desde 1623, con 20 ducados de salario al mes, en 1627 gana un concurso a los otros pintores de la corte y le nombran ujier. También en 1623, el príncipe de Gales, futuro Carlos I de Inglaterra, había visitado España para casarse con la hermana de Felipe IV, María de Austria, que luego sería reina de Hungría.

En 1624 los holandeses toman Bahía, en Brasil, que los españoles recuperan en 1625, el mismo año que se rinde Breda y se reanuda la guerra con Inglaterra.

FUENTES DE INSPIRACION

Las fuentes de inspiración para los retratos oficiales que hace Velázquez de Felipe IV y los miembros de su familia están en el retrato de corte, que se había codificado en España durante el reinado de Felipe II, por obra sobre todo del pintor Sánchez Coello y luego de sus seguidores.

El rey aparece de pie, vestido con sobriedad, de negro, con pocas alhajas y pocos signos externos de poder: la pequeña joya del toisón de oro, la máxima condecoración de la monarquía austriaca en España, junto a una mesa de justicia en la que se apoya.

Todo esto responde a una situación real. El rey no se sentaba en el trono, recibía y despachaba de pie y apoyado en una mesa, inmóvil e imperturbable, tal como lo vemos en los retratos. El sombrero era otro símbolo de su poder, en una monarquía en la que no se utilizaba corona.

Las diferencias que establece Velázquez con respecto a estos retratos de monarcas anteriores son de carácter técnico y conceptual: todo lo accesorio desaparece aquí, no hay cortinajes ni arquitecturas, ni casi suelo o paredes. El sevillano, como siempre, se ciñe a lo imprescindible y hace un alarde de contención, que resalta aún más la importancia del monarca…estaba retratando al rey Felipe IV Diego Velázquez, con tan airoso movimiento y tal expresión en lo majestuoso y augusto de su rostro que en mí se turbó el respeto y le incliné la rodilla y los ojos, escribe Diego de Saavedra Fajardo al describir su ciudad imaginaria en la República literaria.

Esa misma finalidad, la contención, tienen los cambios que introduce en el retrato una vez acabado: reduce el vuelo de la capa, dando menor envergadura a la figura, y junta las piernas, haciendo más reducida y más sobria la imagen. Como escribió Pantorba: el mozo rubio y grácil, inexperto y frívolo, que ya llevaba varios años rigiendo la pesadumbre de la monarquía española, en este enlutado retrato…aparece austero y grave en su esbeltez, con aquel porte frío, de señorial reposo, y aquel gesto de callada melancolía que fueron su sello personal.

El modelo velazqueño será muy importante para muchos artistas, pero especialmente para el francés Edouard Manet quien, en el siglo XIX, aprende esta manera de situar a los personajes en un espacio indefinido, en el que no se marcan líneas de paredes o suelo.

TECNICA Y COMPOSICION

La figura del monarca aparece de pie, recortándose contra un fondo espacial indefinido, en el que no se señalan líneas de suelo o paredes, como es habitual en sus retratos de interior, tanto si son miembros de la familia real como de bufones u otros personajes.

El tono predominante es el negro, lo que da al cuadro un aire de severidad y seriedad casi sagrada, que sólo se rompe en la cabeza, enmarcada por la golilla blanca, y las manos, con el papel y la mesa.

El óleo se aplica en capas delgadas, que en el fondo dejan transparentar la preparación rojiza, lo que contribuye a dinamizar y hacer vibrar ese fondo, para que no resulte homogéneo. Como tampoco es homogéneo el traje negro del rey, que se anima con texturas diferentes, adornos y detalles gracias a pequeños toques de pincel ligeros y sueltos con distintos tonos de negro.

Sobre el lienzo y bajo la pintura hay una capa de preparación blanca y otra de imprimación rojiza, como en el supuesto Autorretrato (?) del Museo del Prado.

Las modificaciones de Velázquez sobre el retrato inicial: reducción del vuelo de la capa, cambio en la postura de las piernas, subida de la mesa y el sombrero, destinadas a dar una imagen más estilizada del rey, se produjeron también en el rostro, que se adelgazó y alargó considerablemente, haciéndose más agradable a la vista.

Todas esas modificaciones se realizaron sobre la pintura precedente, en unos casos imprimando de nuevo y en otros superponiendo sin más una capa de pintura sobre otra.

HISTORIA DEL CUADRO

En 1701 se encontraba en el palacio del Buen Retiro, en cuyo inventario aparece como "de la primera manera de Velázquez". De allí pasó al Palacio Real, donde estuvo hasta 1816, cuando se trasladó a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Desde 1828 está en el Museo del Prado.

FICHA DE ESTUDIO

FELIPE IV Por Velázquez 1623-1628 Oleo sobre lienzo 201 x 102 cm Madrid, Museo del Prado

Es un retrato oficial del rey Felipe IV acompañado de los emblemas de poder: la mesa de justicia, el sombrero, la espada, el pliego de papel, que hace referencia a su labor al frente de la burocracia, y el toisón de oro, la máxima condecoración de la monarquía española.

Esta postura es precisamente la que adoptaba el rey en las audiencias, de pie, inmóvil y en silencio. De este modo el cuadro funcionaba como un doble del monarca.

Velázquez lo pinta entre 1623 y 1626, aunque lo retoca hacia 1628, haciendo las modificaciones que se pueden apreciar a simple vista: cambia la postura de las piernas y los pies, reduce la amplitud de la capa y sube la mesa y el sombrero. Todos estos "arrepentimientos" están destinados a estilizar la figura del rey y hacerla aún más imponente y severa.

A esa severidad casi sagrada contribuye el aspecto impasible del rey, el negro del traje y la ausencia de joyas o adornos, con la única excepción del toisón. Velázquez, como es habitual en él, se ciñe a lo imprescindible. No le interesan los detalles accesorios (cortinas, columnas, alegorías, etc), que otros artistas contemporáneos suyos ponían en los cuadros para acentuar la majestad del retratado.

A mediados de los años veinte hacía poco que Velázquez había llegado a Madrid desde Sevilla y poco también que trabajaba para el rey. Este es uno de los primeros retratos que pinta para él. Felipe IV es un hombre muy joven, en torno a los veinte años, al que Velázquez sigue en su proceso de envejecimiento, hasta el punto de que el rey temerá posar para él treinta años después.

La figura se recorta contra un fondo indefinido, como más adelante los bufones, hecho con una pintura muy clara que permite ver el fondo a través de ella, y que tendrá gran influencia en obras posteriores, sobre todo en Manet, tres siglos después.

DETALLE 1

Velázquez enmarca la cabeza del rey con la golilla, que el monarca había ordenado usar en su batalla contra el despilfarro y el lujo en detrimento de la gola, que se utilizaba en tiempo de su padre. Lleva el pelo corto, con un pequeño tupé que el pintor hace brillar por medio de pinceladas más claras aplicadas sobre el tono de base.

Aunque más estilizado de lo que en realidad parecía ser, por la imagen que hay debajo, muestra los rasgos característicos de la familia: la mandíbula saliente y el "belfo austriaco".

DETALLE 2

La capa tenía inicialmente un desarrollo mayor, que se aprecia a simple vista, y la reducción que hace el pintor va encaminada a acentuar la verticalidad y a disminuir el aire barroco que esa amplitud daba a la imagen.

La mano que sujeta el despacho, aparece flanqueada por el blanco del puño y el blanco del papel, en el que quizá pensara Velázquez escribir su nombre, lo que finalmente no hizo.

DETALLE 3

El sombrero y la mesa estaban situados un poco más bajos y todavía se puede apreciar la silueta del primitivo sombrero, parecido al que usaba el rey Felipe II, debajo del tapete rojo.

Las diminutas pinceladas blancas o amarillas que aplica Velázquez sobre el negro del traje nos permiten vislumbrar apenas el oro del toisón y los brillos de la empuñadura de la espada en que apoya, como por casualidad, la mano izquierda.

DETALLE 4

Las correcciones, o arrepentimientos, de Velázquez son bien visibles en las piernas del monarca: más abiertas al principio, en compás, las cerró en la rectificación que llevó a cabo antes de 1628; además el pie izquierdo se retrasa y el derecho se adelanta, para dar sobriedad a la figura, acentuar la verticalidad y, con ella, el empaque.

FELIPE IV (2)

FICHA

H. 1625-1626 y 1628 Oleo sobre lienzo 57 x 44 cm Madrid, Museo del Prado 1183

TEMA

Retrato de busto del rey Felipe IV, joven, con armadura de parada, golilla y banda roja de general.

PERSONAJE

Felipe IV (1605-1665), era hijo de Margarita de Austria y de Felipe III; ocupó el trono de España entre 1621 y 1665. Su primera esposa fue Isabel de Borbón con la que casó en 1620. En 1644 falleció la reina y poco despues su hijo, el príncipe Baltasar Carlos. Al quedar el trono sin heredero el rey casó en 1649 en segundas nupcias con su sobrina Mariana de Austria. De este matrimonio nació el futuro Carlos II, último rey de la casa de Austria.

Tuvo como valido entre 1622 y 1643 al todopoderoso Conde Duque de Olivares, Don Gaspar de Guzmán, artífice de su política y educación, ya que Felipe IV subió al trono muy joven, con dieciseis años.

Tradicionalmente visto en manos de su valido, como lo ha presentado cieta historiografía, hoy se tiende a valorar de un modo nuevo la figura del monarca. Felipe IV fue un Rey que se preocupó por los destinos de España y bajo cuyo reinado comenzó una recuperación económica que se haría patente en el reinado de Carlos II.

Fue un gran amante de las artes y en especial de la pintura. Cuando era joven tuvo al pintor Maíno como profesor de dibujo y su afán coleccionista trajo consigo un gran incremento en las colecciones reales, con la actuación de sus embajadores (Velázquez entre ellos) como auténticos agentes artísticos en la adquisición de cuadros, esculturas y otras obras de arte.

CONTEXTO HISTORICO

Aunque los autores no acaban de ponerse de acuerdo respecto a la fecha, todas oscilan entre 1625, con la posibilidad de que la armadura y la banda sean posteriores, por la soltura de técnica. En cualquier caso se trata de los primeros años que pasa Velázquez en la corte, después de abandonar Sevilla y ya trabajando para el rey Felipe IV.

Algunos piensan que éste pudo ser un fragmento del primer retrato que Velázquez pintó del rey, el que se expuso en las gradas de la iglesia de San Felipe, el mentidero, y que fue muy alabado por todos; pero no parece claro.

Felipe IV es un rey joven, que asiste a fiestas y juegos, como Santiago el Verde, donde se le describe en 1623, "holgándose infinito", y corre cañas el mismo año, con motivo de la visita del príncipe Carlos de Inglaterra, tan apuesto como le ve Quevedo: Entró el Rey en un caballo que, cuando corre, parece, de dos espuelas herido, que cuatro vientos le mueven (…) Cuando le ví con la lanza, dije, sin poder valerme: 'Por el talle y por las armas me has cautivado dos veces'.

Antes Velázquez había pintado bodegones en Sevilla, cuadros de tema religioso y algunos retratos importantes como el de La madre Jerónima de la Fuente, Góngora y el propio Felipe IV.

Velázquez es pintor del rey desde 1623, con 20 ducados de salario al mes, en 1627 gana un concurso a los otros pintores de la corte y le nombran ujier.

En 1624 los holandeses toman Bahía, en Brasil, que los españoles recuperan en 1625, el mismo año que se rinde Breda y se reanuda la guerra con Inglaterra.

FUENTES DE INSPIRACION

Velázquez se inspiraría para este retrato del rey con armadura en los retratos de corte, que se venían haciendo en los reinados anteriores y cuyo modelo se fijó en tiempos del rey Felipe II por su pintor Sánchez Coello. Aunque ya Tiziano había hecho los primeros.

No es una fuente de inspiración, pero Quevedo dedicó un poema a Felipe IV armado, que ya había dedicado antes a su padre Felipe III: Mientras haya fuego, dejad que trabaje Vulcano metal que obedezca a vuestra poderosa mano. Que a nuestros enemigos cegará su resplandor, franceses, suecos, hunos y al holandés traidor.

TECNICA Y COMPOSICION

En el retrato se aprecian claras diferencias entre la cabeza y el resto. El rostro y el pelo del monarca están resueltos con una factura muy lisa y cuidada, donde las pinceladas se funden unas con otras y resulta imposible distinguirlas. Esta parte es muy parecida al retrato de Felipe IV (1182) del Prado.

Por el contrario la armadura y la banda presentan una técnica suelta y rápida, menos apurada, en la cual las pinceladas tienen mayor independencia y se pueden distinguir en una visión superficial. Estos hechos han permitido deducir que el retrato fue retocado en una fecha posterior.

Velázquez utiliza pequeños toques de blanco para iluminar la nariz o la barbilla, amarillos para los adornos de la armadura y rojos más claros para la banda.

En algunas zonas del cuadro se distinguen las dos capas -blanca de preparación y rojiza de imprimación- que aparecen también en otros cuadros de esta época, como el retrato de Felipe IV (1182) de cuerpo entero.

La banda roja de general está hecha de un modo parecido a la cubierta roja de la mesa en el retrato citado, aunque con técnica más libre.

HISTORIA DEL CUADRO

El cuadro está recortado por los cuatro lados, lo que ha hecho pensar a algunos que se tratara del retrato ecuestre desaparecido y pintado en 1626 para el Salón Nuevo del Alcázar de Madrid. También se ha pensado que sirvió de modelo para cambiar el retrato del rey (Prado, 1182), modificándose éste a su vez más tarde.

En 1794 estaba en la quinta del Duque del Arco, cerca del Pardo, y allí aparece en el inventario de ese año. En 1819 pasó al Museo del Prado.

FICHA DE ESTUDIO

FELIPE IV Por Velázquez Hacia 1625-1526 y 1628 Oleo sobre lienzo 57 x 44 cm Madrid, Museo del Prado

Es un retrato de busto del rey Felipe IV, joven, con coraza, golilla y banda roja. El monarca aparece como general de su ejército, pero el hecho de no llevar sombrero hace difícil que se trate de un retrato ecuestre recortado como pretenden algunos autores.

Hay una diferencia clara entre la cabeza y el cuerpo del retratado: el rostro y el pelo del monarca están resueltos con una factura muy lisa y cuidada, donde las pinceladas se funden unas con otras y resulta imposible distinguirlas. Esta parte es muy parecida al retrato de pie del Museo del Prado.

Por el contrario la armadura y la banda presentan una técnica suelta y rápida, menos apurada, en la cual las pinceladas tienen mayor independencia y se pueden distinguir en una visión superficial. Estos hechos han permitido deducir que el retrato fue retocado en una fecha posterior.

Velázquez, como es habitual en él, utiliza pequeños toques de pintura blanca para iluminar la nariz o la barbilla, amarillos para los adornos de la armadura y rojos más claros para la banda. El tono rojo de ésta tiene una réplica más clara en los labios, la nariz y las mejillas; del mismo modo que el brillo de la coraza lo tiene en el pelo.

El rey lleva la golilla sencilla y almidonada que él mismo había impuesto como obligatoria en las leyes suntuarias que dictó a comienzos del reinado, en su batalla contra el lujo.

Hacía poco que Velázquez había llegado a Madrid desde Sevilla y poco también que trabajaba para el rey. Este es uno de los primeros retratos suyos que pinta. Felipe IV es un hombre muy joven, en torno a los veinte años, al que Velázquez sigue en su proceso de envejecimiento, hasta el punto de temer posar para él cuando cumple los cincuenta.

DETALLE 1

Velázquez enmarca la cabeza del rey con la golilla que él mismo había ordenado usar en su batalla contra el despilfarro y el lujo. Lleva el pelo corto, con un pequeño tupé que el pintor hace brillar por medio de pinceladas más claras aplicadas sobre el tono de base.

A pesar de su juventud y el aspecto todavía lozano, muestra los rasgos característicos de la familia: la mandíbula saliente y el "belfo austríaco", considerado un signo de belleza en su época.

DETALLE 2

El contorno del cuerpo del rey ha sido modificado en el lado izquierdo y se puede distinguir la capa de pintura negra que hay debajo de la banda en su mitad inferior y también debajo de lo que ahora es el fondo, cerca de la golilla.

La soltura de pinceladas en la zona más oscura, la banda roja y los adornos de la armadura de parada, que se pueden distinguir una por una, hacen difícil que esta parte del cuadro se pudiera pintar en el mismo momento que la cabeza, de técnica mucho más tradicional.

Felipe IV (3)

FICHA

Hacia 1655 Oleo sobre lienzo 69 x 56 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Retrato de busto del rey Felipe IV con pelo largo y sin emblemas de poder. No se trata, por tanto, de un retrato oficial, de los que se pintaban con destino a otras cortes o a lugares cargados de carácter representativo como el Salón de Reinos, sino quizá un proyecto para una obra de mayor envergadura.

PERSONAJES

Felipe IV (1605-1665), era hijo de Margarita de Austria y Felipe III; ocupó el trono de España entre 1621 y 1665. Su primera esposa fue Isabel de Borbón con la que casó en 1620. En 1644 falleció la reina y poco después su hijo, el príncipe Baltasar Carlos.

Al quedar el trono sin heredero, Felipe IV tomó en segundas nupcias, en 1649, a su sobrina Mariana de Austria. De este matrimonio nació el futuro Carlos II, último rey de la casa de Austria en España.

Tuvo como valido entre 1622 y 1643 al todopoderoso Conde Duque de Olivares, Don Gaspar de Guzmán y Pimentel, artífice de su política y educación, ya que Felipe IV subió al trono muy joven, con dieciséis años.

Tradicionalmente visto en manos de su valido, como lo ha presentado cierta historiografía, hoy se tiende a valorar de un modo nuevo la figura del monarca. Felipe IV fue un Rey que se preocupó por los destinos de España y bajo cuyo reinado comenzó una recuperación económica que se haría patente en el reinado de Carlos II.

Fue un gran amante de las artes y en especial de la pintura. Cuando era joven tuvo al pintor Maíno como profesor de dibujo y su afán coleccionista trajo consigo un gran incremento en las colecciones reales, con la actuación de sus embajadores (Velázquez entre ellos) como auténticos agentes artísticos en la adquisición de cuadros, esculturas y otras obras de arte.

Felipe IV, viejo ya y cansado en 1655, temía a Velázquez, y había ido retrasando el momento de dejarse retratar por él: No me inclino a pasar por la flema de Velázquez, así por ella, como por no verme ir envejeciendo, escribía en 1653 a su amiga y confidente sor Luisa Magdalena de Jesús.

CONTEXTO HISTORICO

Se fecha en torno a 1655 porque en ese año el grabador Pedro de Villafranca firmó un grabado para el que utilizó este retrato como base.

También en 1655 Velázquez hizo un retrato de busto, como éste, de la reina: (Mariana de Austria de la colección Thyssen). Ambos se sitúan entre otros de la infanta Margarita y Las Meninas.

En este mismo año Velázquez, cada vez más ocupado con sus cargos en la corte y pintando menos, tiene importantes trabajos como decorador del Alcázar: renueva la galería sur, el patio de la Tapicería y el jardín de los Emperadores. Cobra 22.765 reales de la Junta de millones del Reino.

En 1655 los ingleses toman Jamaica y estalla la guerra entre España e Inglaterra.

FUENTES DE INSPIRACION

Al tratarse de un sencillo retrato de busto no hay fuentes de inspiración importantes que señalar. Aunque sí es un cuadro de interés como fuente de inspiración él mismo para otras obras: el grabador Pedro de Villafranca firmó en 1655 una estampa para la "Regla y establecimiento de la Orden de Santiago" y otra en 1657, donde aparece Felipe IV con el panteón del Escorial, que se terminó durante su reinado. Este grabado se hizo para el libro de Francisco de los Santos, "Descripción breve del Monasterio de S. Lorenzo el Real del Escorial".

Las estampas, con la imagen invertida, como es lógico, siguen de cerca la pintura de Velázquez, pero le añaden el toisón de oro como signo de poder imprescindible.

Existe un Retrato de Felipe IV en la National Gallery de Londres, muy parecido a éste, más rápido y menos preciso que éste, aunque más adornado, y que se suele considerar posterior.

TECNICA Y COMPOSICION

El cuadro no puede ser más sencillo, como en el retrato que hizo veinticinco años antes de la hermana del rey, María de Austria, reina de Hungría, en Nápoles. Seguramente ambos estaban destinados a servir de base para otros de mayor envergadura, de carácter más oficial.

Velázquez emplea muy pocos colores: un fondo oscuro del que apenas se diferencia el traje, simplemente abocetado con unas pinceladas muy sueltas sobre el tono general, para marcar las mangas y alguna arruga.

Por el contrario la cabeza es mucho más precisa, lo que le proporcionaría suficientes detalles al grabador, aunque también está resuelta con poca pasta, muy ligera, en capas superpuestas, a las que se añaden los pequeños toques de pincel característicos de Velázquez para iluminar.

El rojo, en distintas intensidades, da la nota máxima de color en los labios y la piel del monarca. La preparación del cuadro es de un tono entre blanco y gris, y la cabeza destaca sobre la base blanca que le da la gola.

La contención, la sobriedad y la falta de adornos, hacen del retrato uno de los más intensos del soberano y uno de los mejores que pintó Velázquez. Como ha escrito Beruete:

Quizá nunca, hasta entonces, había modelado Velázquez tan cuidadosamente el rostro del rey; comparado con los primeros retratos ejecutados en 1623, los rasgos siguen siendo los mismos, aunque algo más pesados y, especialmente, la mandíbula más prominente. Sus cabellos y el enhiesto bigote siguen siendo rubios; no se ve una sola hebra de plata; sus ojos, por el contrario, son más apagados y más tristes. La firme y suelta factura de la última manera de Velázquez domina en este retrato.

HISTORIA DEL CUADRO

El cuadro estuvo en el palacio Real de Madrid hasta 1816. En este año Fernando VII lo dejó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y en 1827 pasó al Museo del Prado.

FICHA DE ESTUDIO

FELIPE IV Por Velázquez Hacia 1655 Oleo sobre lienzo 69 x 56 cm Madrid, Museo del Prado

Este es uno de los últimos retratos que hace Velázquez del rey Felipe IV. Se fecha a mitad de los años cincuenta, hacia 1655, porque existe un grabado de entonces que sigue muy de cerca este modelo. El rey, de cincuenta años ya, y con más de treinta, desde 1623, dejándose "radiografiar" por Velázquez, posa aquí una de las últimas veces.

El cuadro, pequeño y apenas esbozado, concentra todo el interés en la cabeza, mientras el traje es una simple mancha abocetada, que casi no se despega del fondo y se define por unas pocas pinceladas ligeras. El rostro, sin embargo está modelado de una forma muy precisa, con una pintura muy diluida, aplicada en capas ligeras que se superponen y con pequeños toques de color para obtener brillos en los ojos o el pelo.

Pintado por Velázquez en las mismas fechas en que retrata a otros miembros de la familia real como la reina Mariana o las infantas Teresa y Margarita, pertenece también al momento de las Meninas, aunque aquí la imagen es más precisa que allí y los rasgos aparecen más marcados.

Velázquez, implacable siempre a la hora de captar la humanidad de un personaje, fija aquí la imagen de un Felipe IV cansado por los años de gobierno por la vida, con los ojos caídos y los rasgos ajados, adusto y serio como correspondía a un monarca de la casa de Austria.

Por debajo de todo eso, en este estudio del natural, el pintor es capaz de detectar, y mostrar en la efigie real, una punta de melancolía, poco apropiada para un retrato de carácter más oficial.

DETALLE 1

El rey lleva el cabello largo, según la moda que venía de Francia, y bigote con las guías levantadas de los que necesitaban bigotera. En la parte alta de la frente se pueden distinguir unas pinceladas muy finas, como hilos, más oscuras que el resto, marcando el nacimiento del pelo, y otras más claras y amplias que lo iluminan, del mismo modo que las pupilas.

El bermellón que colorea los labios del monarca y la piel, es bien visible en la barbilla y entre el pelo, junto a la mejilla derecha.

En la gola blanca, por el lado izquierdo, se pueden ver las rectificaciones de Velázquez, que en un principio la había pintado más alta.

DETALLE 2

El traje del monarca es de una tela brillante, como raso, y para dar esa sensación le basta al pintor con aclarar ligeramente la zona iluminada e insinuar el cierre, las mangas y los pliegues, con unas pinceladas más oscuras y muy someras. Toda la parte inferior del retrato está simplemente abocetada.

FELIPE IV ARMADO CON UN LEÓN A LOS PIES

FICHA

1650-1660 Oleo sobre lienzo 231 X 131 cm Madrid, Museo del Prado 1219

TEMA

Es un retrato oficial del rey Felipe IV como jefe máximo de sus ejércitos, con armadura de parada, fajín, espada y bastón de mando.

Desde que estaba en el monasterio del Escorial se ha expuesto como pareja del retrato de La reina Mariana de Austria, ahora también en el Prado, que sin embargo es infinitamente superior a éste.

PERSONAJE

Felipe IV (1605-1665), era hijo de Margarita de Austria y de Felipe III; ocupó el trono de España entre 1621 y 1665. Su primera esposa fue Isabel de Borbón con la que casó en 1620. En 1644 falleció la reina y poco después su hijo, el príncipe Baltasar Carlos. Al quedar el trono sin heredero el rey casó en 1649 en segundas nupcias con su sobrina Mariana de Austria. De este matrimonio nació el futuro Carlos II, último rey de la casa de Austria en España.

Tuvo como valido entre 1622 y 1643 al todopoderoso Conde Duque de Olivares, Don Gaspar de Guzmán, artífice de su política y educación, ya que Felipe IV subió al trono muy joven, con dieciséis años.

Tradicionalmente visto en manos de su valido, como lo ha presentado cierta historiografía, hoy se tiende a valorar de un modo nuevo la figura del monarca. Felipe IV fue un rey que se preocupó por los destinos de España y bajo cuyo reinado comenzó una recuperación económica que se haría patente en el reinado de Carlos II.

Fue un gran amante de las artes y en especial de la pintura. Cuando era joven tuvo al pintor Maíno como profesor de dibujo y su afán coleccionista trajo consigo un gran incremento en las colecciones reales, con la actuación de sus embajadores (Velázquez entre ellos) como auténticos agentes artísticos en la adquisición de cuadros, esculturas y otras obras de arte.

El carácter oficial de este retrato, y el hecho de que el cuadro no sea de mano de Velázquez, hacen que la punta de melancolía que se podía distinguir en el Felipe IV (1185) de busto del Museo del Prado, que le sirvió de modelo, aquí haya desaparecido.

CONTEXTO HISTORICO

Pintado en la década de los cincuenta, cuando Velázquez ha vuelto de su segundo viaje a Italia, tiene puestos cada vez más importantes en la corte y dedica poco tiempo a la pintura. Pero tiene un taller activo y a Juan Bautista Martínez del Mazo, su yerno, entre los ayudantes.

En esta década el poder español sufre importantes descalabros tanto dentro como fuera de las fronteras de la Península, especialmente con los ingleses en el mar.

FUENTES DE INSPIRACION

En la segunda mitad de los años veinte Velázquez había pintado un retrato del monarca joven con armadura y banda, pero no hay mucha relación entre uno y otro. En aquél, de mano de Velázquez, la armadura es mucho más rica de dibujo y color y tiene mayor viveza.

El león, rey de la selva, es tradicionalmente un símbolo de fuerza y dominio y, como tal, es frecuente su asociación con los monarcas ya desde la Edad Media. En muchas ocasiones aparece a sus pies, como aquí, sometido al poder real.

Más de un siglo después, Goya vuelve a pintar a un rey con un león a los pies, en el retrato de Fernando VII del Museo de Santander. También allí el león queda simplemente abocetado.

TECNICA Y COMPOSICION

El retrato ha sufrido modificaciones y debajo de la figura que vemos ahora, existe otro primer retrato del rey. Esos cambios parece que se llevaron a cabo en el momento en que se quiso hacer de él pareja con el de su esposa La reina Mariana, que también se modificó con el añadido superior de una franja horizontal.

Entonces se cambió el fondo del cuadro, la postura del rey y el rostro: la cabeza se pintó en principio más de perfil de lo que vemos ahora y los estudios radiográficos han permitido distinguir los ojos, la nariz y el bigote del primitivo retrato. También el pelo era más corto, sin llegar al cuello de encaje. El modelo para la nueva cara del monarca parece que fue el retrato de Felipe IV (1185) de busto del museo del Prado.

La técnica, sin embargo, es muy diferente: el nuevo pintor se ha limitado a copiar los toques de luz que aplica Velázquez en superficie para iluminar o hacer brillar los detalles, sin que el interior de la pintura responda al modo del sevillano. Esos toques, bien visibles en la coraza, en el guantelete, en la banda roja o en las botas, son mucho más uniformes e iguales entre sí, más monótonos y escolares que los de Velázquez, quien nunca repetía los toques.

El cuadro, además, está realizado sobre una preparación rojiza, como la que empleaba Velázquez en los primeros años de su trabajo en Madrid, después de utilizar la tierra de Sevilla.

Todo en el cuadro parece aprendido de Velázquez, pero carece de su fuerza: las capas de color son muy diluidas y ligeras; los toques de superficie son rápidos y breves, pero mecánicos y repetidos; los colores son más apagados y menos transparentes que los de Velázquez.

Este cúmulo de datos ha hecho pensar que se trata de una obra de taller en la que quizá interviniera su yerno Mazo; y, desde luego, que el retrato pintado debajo y el que hoy podemos ver no son de la misma mano.

HISTORIA DEL CUADRO

En el año 1700 estaba en el monasterio de El Escorial y allí aparece inventariado después en 1746, 1771 y 1794. En 1845 pasó al Museo del Prado, siempre en compañía del retrato de La reina Mariana de Austria.

FICHA DE ESTUDIO

FELIPE IV ARMADO, CON UN LEON A LOS PIES Por el taller de Velázquez 1650-1660 Oleo sobre lienzo 231 X 131 cm Madrid, Museo del Prado

Es un retrato oficial del rey Felipe IV como jefe máximo de sus ejércitos, y como tal lleva armadura, fajín, espada y bastón de mando. Además aparecen otros elementos que aluden a su alta condición: la mesa que soporta el guantelete y el león a sus pies, como símbolo del poder real.

El cuadro ha estado colocado desde mucho tiempo atrás como pareja del retrato de su esposa, Mariana de Austria, y este hecho parece que motivó la modificación de ambos retratos: en aquél añadiéndole una tira longitudinal en la parte alta y en éste pintando un nuevo retrato del monarca sobre otro anterior que ya existía en el mismo lienzo.

El modelo que sigue es el Felipe IV de busto del Museo del Prado, pintado por Velázquez a mitad de la década de los cincuenta, en la que también se suele datar este retrato.

Sin embargo la técnica es muy distinta a la del sevillano: se copia su manera de dar capas de pintura muy diluidas, y los toques breves y ligeros en superficie para iluminar y dar brillos (a los adornos de la coraza, por ejemplo). Sin embargo, mientras esos toques en la mano de Velázquez son vivos y distintos unos de otros, tanto en espesor como en forma, en este cuadro se repiten mecánicamente lo mismo en la cantidad de pintura que en el tamaño.

También los colores son más apagados y menos transparentes que los de Velázquez. En consecuencia, todos esos datos han llevado a pensar que se trate de una obra de taller en la que quizás interviniera su yerno Martínez del Mazo.

DETALLE 1

La cortina, modificada en la parte alta, está resuelta con una torpeza impropia de Velázquez y con un tipo de pinceladas largas y amplias que no se encuentran en sus cuadros.

DETALLE 2

Incluso a simple vista se pueden apreciar restos del primitivo retrato del rey que se encuentra bajo éste: la anterior ceja derecha y el ojo más cerca de la nariz, formando un arco, y el anterior bigote, con las guías menos abiertas y más pegado también a la nariz; el pelo más corto, sobre el que se añadió el rizo bajo que alcanza el cuello de encaje.

DETALLE 3

En la coraza y el fajín se hace patente la diferencia en el modo de aplicar los pequeños toques de color superficiales, vivos y distintos en los cuadros de Velázquez, pero aprendidos y repetidos mecánicamente aquí.

FELIPE IV CAZADOR

FICHA

Hacia 1635 Oleo sobre lienzo 191 x 126 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

El Rey, vestido de caza, con perro y escopeta, parece posar para Velázquez ante el lugar habitual de sus partidas, los montes del Pardo.

El cuadro, junto con los retratos de caza de su hermano el Cardenal Infante (1186) y su hijo el príncipe Baltasar Carlos (1189), formaba parte de una serie que se pintó para la decoración de la Galería del Rey en la Torre de la Parada, palacete de caza en los bosques del Pardo.

La caza era el deporte real por excelencia y se consideraba una preparación para la guerra y la política.

En el prólogo de Origen y dignidad de la caza, escrito por Juan Mateos en 1634, se lee: La dignidad de este noble ejercicio se conoce fácilmente por ser propia acción de reyes y príncipes y el Maestro más docto que puede enseñar mejor el Arte militar, teórica y prácticamente. Los bosques son las escuelas, los enemigos las fieras; y así es llamada la caza viva imagen de la guerra.

Felipe IV era muy aficionado a la caza que podía practicar en los cazaderos reales en los alrededores de Madrid. De su habilidad con el arcabuz da cuenta Alonso Martínez de Espinar en su Arte de Ballestería, editado en 1644. No es singular su Majestad sólo en lo que he referido, que lo es en todo género de armas; con el arcabuz, ninguno ha llegado a su destreza ni a matar tanta caza. Con la bala, ha muerto más de seiscientos venados y mayor cantidad de gamos, y más de ciento cincuenta jabalíes; lobos más de cuatrocientos; cosa que parece imposible, y que el cazador más cursado del mundo no habrá muerto el diezmo de lo que digo. En tirar al vuelo hace muy conocidas ventajas a los mayores tiradores y es sinnúmero la caza que ha muerto.

PERSONAJES

Felipe IV (1605-1665) fue rey de España entre 1621 y 1665. Su primera esposa fue Isabel de Borbón con la que casa en 1620. En 1644 fallece la reina y poco después el príncipe Baltasar Carlos. Al quedar sin heredero casará en 1649 en segundas nupcias con su sobrina Mariana de Austria de quien tendrá al futuro Carlos II, último rey de la dinastía de Habsburgo.

Tuvo como valido entre 1622 y 1643 al todopoderoso Conde Duque de Olivares, Don Gaspar de Guzmán, artífice de su política y educación, ya que Felipe IV subió al trono muy joven, con dieciséis años.

Al contrario de cómo lo ha presentado cierta historiografía, actualmente se tiende a revalorar la figura de este monarca tradicionalmente visto en manos de su valido, el Conde Duque de Olivares. Fue un rey que se preocupó por los destinos de España y bajo cuyo reinado comienza una recuperación económica que se hará patente en el reinado de Carlos II.

Fue gran amante de las artes y en especial de la pintura. En su juventud tuvo al pintor Maíno como profesor de dibujo y su afán coleccionista supuso un gran incremento en las colecciones reales, actuando sus embajadores (entre ellos Velázquez) de auténticos agentes artísticos en la adquisición de cuadros y esculturas.

CONTEXTO HISTORICO

A su vuelta del primer viaje a Italia, en 1631, Velázquez pinta toda una serie de retratos de la familia real con destino a los Palacios Reales o para enviar al extranjero a familiares y amigos.

De esta época son el príncipe Baltasar Carlos con un enano, la serie de retratos ecuestres para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro y uno de sus cuadros más conocidos, el Felipe IV vestido de castaño y plata.

Este momento coincide con el período sueco de la guerra de los Treinta Años (1630-35) y el comienzo del período francés (1635-48).

Velázquez sigue su carrera de honores en palacio. En 1633 le es concedido un paso de vara de alguacil de Casa y Corte. En 1636 es nombrado ayuda de guardarropa y en 1643 ayuda de cámara así como superintendente de obras. Velázquez se va encumbrando poco a poco, pero eso le quita tiempo para pintar.

FUENTES DE INSPIRACION

Los retratos de caza son, a decir de Enriqueta Harris, una creación de Velázquez, que se aparta del retrato de ceremonia. Elimina los símbolos de la monarquía y los retrata con el traje de caza desde la Edad Media.

El rey se presenta con la aparente sencillez y la majestad características de la Casa de Austria. Un claro antecedente en esta línea es el Carlos V con Sempere de Tiziano.

Esta sencillez contrasta con la afectación con que, por las mismas fechas que Velázquez hace estos retratos, pinta Van Dyck al rey de Inglaterra Carlos I de caza.

La caza era una de las actividades principales de un rey y Felipe IV encarga a otros pintores cuadros de esta temática de carácter lúdico, pero al mismo tiempo heroico y guerrero.

Velázquez retrató a Juan Mateos, montero mayor del rey. Su aspecto noble, más de hombre de letras que de acción, nos indica la importancia de la caza dentro de las actividades reales. La descripción que hace de la caza al comienzo de su libro, Origen y dignidad de la caza, publicado en Madrid en 1634, es reveladora a este respecto: En ella se aprende el sufrir de los incendios del verano y las nieves y hielos del invierno; acostumbranse al manejo del caballo, haciendo que su coraje obedezca la ley del hierro en el freno; enseñase el brazo a vibrar las lanzas, a ensangrentar puñales, a buscar con la mirada del arcabuz la seña distante, a tratar sin horror los despeñaderos, y los vados, a reconocer el albedrío travieso de los vientos para burlar las diligencias del olfato de los animales; informa la noticia de los ardides, emboscadas y lazos, a entrenar los ojos en las heridas para que no las estrañen.

El cuadro mantiene la sencillez y majestad propia de los retratos de los Austrias, eliminando la profusión de trofeos con la que se representa a los cazadores en los retratos de caza del momento. Velázquez y su taller trataron el tema en otras ocasiones: en la National Gallery de Londres está la La tela real, obra de Velázquez de la que existe una copia de Martínez del Mazo en el Prado.

También Snayers pintó cuadros venatorios con destino a la Torre de la Parada, pero tanto unos como otros son más bien paisajes o vistas con escenas de caza, en algunas de las cuales aparece el rey (Felipe IV matando un jabalí), de los que sí existen ejemplos anteriores como podemos ver en la Cacería en honor de Carlos V en Torgau de Lucas Cranach de 1544.

TECNICA Y COMPOSICION

El retrato está compuesto en la posición de tres cuartos característica de los retratos reales desde Tiziano y Antonio Moro.

El arbol, la figura del rey y el perro se funden en una masa vertical movida y animada por la diagonal descendente de la escopeta y la ascendente del paisaje.

El fondo es un paisaje de tonos fríos similar al de los retratos ecuestres y algunos bufones, aunque en este cuadro el cielo ocupa un lugar menor que en los otros dos de la serie.

En la línea del horizonte hay una franja de color blanco que cae hacia la mitad del cuadro y que constituye un foco de luz que contrasta con el primer plano y crea la ilusión de lejanía, solución que utilizará más adelante en Las Meninas.

Tal y como suele hacer, primero ha pintado la figura y después la ha contorneado con el paisaje. El cuadro está hecho sobre una preparación de color anaranjado, a base de blanco de plomo y ocre, aplicando el color con más precisión en la figura y el perro, y más diluido en el paisaje.

Las pinceladas, ligeras y poco cargadas de pasta, son rápidas y sueltas, y el rostro, como en los otros dos, es la parte más elaborada del cuadro.

La figura presenta varios arrepentimientos importantes que se aprecian a simple vista: todo el contorno izquierdo del monarca, el puño con la gorra, el bolsillo, el calzón, la pierna y la escopeta.

A diferencia de los otros dos, sus dimensiones no se alteraron; más bien se modificarían ellos para adaptarse al tamaño de éste.

HISTORIA DEL CUADRO

Fue pintado para la Torre de la Parada donde aparece inventariado aun en 1747. Posteriormente pasa al Palacio Real de Madrid donde se encuentra en los inventarios de 1772, 1794 y 1814. Está en las colecciones del Prado desde 1828.

FICHA DE ESTUDIO

Felipe IV, cazador Por Velázquez Hacia 1635 Oleo sobre lienzo 191 x 126 cm Madrid, Museo del Prado

El retrato de caza de Felipe IV formaba parte de la decoración de la de la Torre de la Parada, palacete de caza en el bosque del Pardo, junto con los retratos de caza del Cardenal Infante y el príncipe Baltasar Carlos.

El rey, vestido con el atuendo característico de caza, se nos presenta con majestuosa sencillez ante el escenario habitual de sus partidas, los Montes del Pardo en las cercanías de Madrid.

La caza era el deporte por excelencia de los reyes y la nobleza con connotaciones heroicas y guerreras como podemos leer en Origen y dignidad de la caza de Juan Mateos, montero mayor del rey, cuyo libro se publica en 1634, al tiempo que Velázquez pinta estos cuadros.

Velázquez y su taller trataron el tema de la caza como puede apreciarse en la Tela Real del Prado, paisaje de caza al estilo de los pintados por el pintor flamenco Peter Snayers.

La figura del rey aparece en tres cuartos desprovisto de ostentación, tal y como era tradición en los retratos regios desde Tiziano. Velázquez utiliza la habitual gama de ocres y tierras, armonizando el castaño de la vestimenta con el paisaje de colores muy diluidos, que contrasta con el celaje de tonos fríos y atmósfera envolvente resuelto a base de grises.

DETALLE 1

El rey lleva el pelo y el mostacho a la moda del momento: una melena que le cubre la oreja (denominada tufo o bufo) y bigote con las puntas erguidas, algo que exigía muchos cuidados y que los escritores del momento satirizaban. Así lo vemos en otros retratos de Velázquez y así vemos al Conde Duque de Olivares.

En principio el rey llevaba la cabeza descubierta y la gorra en la mano izquierda. Todavía se puede distinguir la línea del pelo debajo de tocado actual. En el Museo de Castres hay un Felipe IV, cazador, hecho antes de la corrección, en el que se le puede ver así. El cuello de encaje es muy parecido al de su hijo Baltasar Carlos (1189).

DETALLE 2

Todo el contorno derecho, del guante para abajo está corregido. Especialmente, debajo del guante, vemos la mancha de la gorra que originalmente sostenía en la mano, una zona de color más claro en el paisaje y un arbolillo apenas insinuado. La pierna izquierda se ha acercado más a la derecha, con lo que se acentúa la verticalidad de la imagen.

DETALLE 3

La escopeta de Felipe IV tiene unas dimensiones muy superiores a las de su hermano y su hijo, no en vano era el rey, aunque Velázquez suprimió un trozo del cañón, a la altura de la boca. La forma de realizar los brillos del mecanismo metálico es muy parecida al borde del guante y a la manga, con un dibujo de rombos: pinceladas breves y blancas sobre el tono más oscuro de base.

DETALLE 4

El perro que acompaña al rey es un mastín de cara negra y está pintado de un modo muy rápido, con pinceladas sueltas que crean una superficie borrosa, como es habitual en muchos de sus cuadros ya por esta época.

Entre él y la bota del rey hay unas hierbas que se han pintado encima del color ocre del suelo con toques muy ligeras, poco cargadas de pasta.

FRANCISCO LEZCANO, EL NIÑO DE VALLECAS

FICHA

1636-38 Oleo sobre lienzo 107 x 83 cm Madrid Museo del Prado

TEMA

Retrato de Francisco Lezcano, uno de los enanos de la corte de Felipe IV, sentado ante una roca o cueva y con un paisaje al fondo; en las manos lleva un mazo de cartas.

Su retrato, junto con el de don Diego de Acedo, el Primo, fue pintado, probablemente, para la Torre de la Parada y los dos forman parte de la serie de bufones que hizo Velázquez para la decoración de los palacios reales.

Los bufones y los enanos formaban parte de las cortes europeas de la época, eran muy queridos por los reyes y sus retratos eran habituales en la decoración de los palacios.

PERSONAJES

Francisco Lezcano fue un enano con rasgos de oligofrenia, documentado en el Alcázar entre 1634 y 1649. Era vizcaíno como reflejan los documentos, el mote de "niño de Vallecas" se le puso en el inventario del Palacio Real de 1794 y desde entonces ha hecho fortuna.

Se sabe que estuvo al servicio de Marcos de Encinillas (un funcionario de palacio que mató en 1643 a su mujer por celos de un enano) y del príncipe Baltasar Carlos.

Esta última razón hizo pensar que se tratase del mismo enano que aparece en el retrato de El príncipe Baltasar Carlos con un enano, pero hoy se cree que no es así, porque el cuadro se pintó antes de que Lezcano entrara en palacio.

Estuvo ausente de la corte entre 1645 y 1648, y murió al año siguiente de regresar.

Un asiento de los legajos de Guardarropa de 1641 muestra el favor real hacia estos personajes: Un gabán de albornoz forrado en bayeta con bebederos de tafetán, del cual S. M. hizo merced con una montera a Francisco Lezcano, enano vizcaino.

El poeta León Felipe le dedicó un poema en 1884.

CONTEXTO HISTORICO

A su vuelta del primer viaje a Italia, en 1631, Velázquez inició la época más productiva de su vida. Los enanos y bufones se fechan en la década de los treinta en la que pinta, además, toda una serie de retratos de la familia real con destino a los Palacios Reales españoles o a familiares de otras cortes europeas.

De esta época datan el príncipe Baltasar Carlos con un enano, la serie de retratos ecuestres para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, los retratos de caza para la Torre de la Parada y uno de sus cuadros más conocidos, Felipe IV vestido de castaño y plata.

Velázquez sigue su carrera de honores en palacio: en 1633 le es concedida una vara de alguacil de casa y corte y en 1636 es nombrado ayuda de guardarropa.

En 1637 empiezan los disturbios en Portugal con la revuelta de Evora y en 1638 los españoles vencen a los franceses en Fuenterrabía.

FUENTES DE INSPIRACION

Los retratos de enanos y bufones eran frecuentes en los palacios europeos de la época. En la corte de los Austrias era tradición que los pintores reales pintasen a estos personajes desde tiempos de Carlos V y Antonio Moro. Buena prueba de ello es el elevado número de retratos de este tipo que hizo Velázquez y la familiaridad con que aparecen en Las Meninas.

El embajador francés describe en 1628 una serie de ellos cercana al despacho del Conde Duque de Olivares en el Alcázar de Madrid.

Las formas de representación son variadas: en compañía de sus amos (Felipe IV con el enano soplillo), en ceremonias (Auto de Fe), con animales (retrato del bufón mal supuesto D. Antonio el inglés o solos (retrato del bufón Pejerón).

Los de Velázquez pertenecen a esta última categoría: son figuras aisladas, a lo sumo con algunas naturalezas muertas. Una fuente visual de inspiración es el mencionado retrato del bufón Pejerón que estaba inventariado en el Alcázar en 1600 y que Velázquez debió conocer.

En otras ocasiones, dada la deformidad o anormalidad de estos personajes, su retrato tiene el carácter de registro científico para dejar constancia de un fenómeno de la naturaleza, como es el caso del Francisco Lezcano, el niño de Vallecas, Magdalena degli Abruzzi, la Mujer Barbuda de Ribera o Brígida del Río de Sánchez Cotán, otra barbuda famosa.

TECNICA Y COMPOSICION

El enano está sentado en el centro del cuadro, su figura marca el eje vertical de la composición, realzado ópticamente por el pie derecho. Los brazos y el tabardo forman un rombo coronado por la cabeza de Lezcano; el paisaje y el asiento marcan las horizontales.

El punto de vista es bajo, lo que unido a las medidas del cuadro ha hecho pensar que estuviera colocado en una sobrepuerta o sobreventana.

La tonalidad general del cuadro es muy oscura por los marrones y verdes que se unen al negro en buena parte de la composición. La roca se funde con el traje y sólo destacan la cabeza y los brazos. Igual que en el retrato del Primo las masas oscuras enmarcan la cabeza, en contraste con el paisaje más claro.

Velázquez pinta con técnica rápida, de pincelada suelta, que aplica directamente sobre la preparación y es bien visible en el cuello y las manos. Estas y la cara presentan un aspecto borroso, característico del pintor ya en estos años, y conseguido a base de restregar con el pincel sobre la pintura aún húmeda y empastada.

Los toques en superficie le sirven para definir las formas de la ropa, dar matices e iluminar. El zapato, por ejemplo, se define por unas pocas líneas más claras y delgadas, pero suficientes.

El paisaje, como en el retrato de Baltasar Carlos y Diego de Acedo, el Primo, está pintado después de la figura, contorneándola. Sobre un fondo de color gris claro, se dan pinceladas breves y precisas con los pigmentos muy disueltos en distintos tonos: blanco para las nubes (más empastadas) y la línea de montañas y distintas mezclas de azul para la vegetación.

Tanto el paisaje como la composición lo relacionan con el retrato de don Diego de Acedo, el primo.

La roca nos hace perder la referencia espacial y así disimula en parte el tamaño de Lezcano. La tonalidad oscura contribuye también a disimular los defectos físicos.

HISTORIA DEL CUADRO

Pintado entre 1636 y 1638, probablemente para la Torre de la Parada. Un documento de 1636 revela que Velázquez estaba pintando cuadros para este lugar.

En el inventario de la Torre de 1701 se menciona junto con otros tres cuadros de enanos o bufones, uno de los cuales debe ser don Diego de Acedo, el Primo.

En 1714 pasó al palacio del Pardo, en 1772 estaba en el cuarto del infante don Javier del Palacio Real y en 1794 seguía en este Palacio, en la "Pieza de los Trucos". Es en este último inventario cuando por primera vez, sin fundamento alguno, se le denomina "niño de Vallecas".

Pertenece al Museo del Prado desde su apertura en 1819.

FICHA DE ESTUDIO

Francisco Lezcano, el Niño de Vallecas Por Velázquez 1636-1638 Oleo sobre lienzo 107 x 83 cm Madrid, Museo del Prado

Francisco Lezcano fue un enano de la corte de Felipe IV, de orígen vizcaíno, y el apodo le viene de un error en el inventario de Palacio de 1794.

Los enanos y bufones formaban parte de las cortes europeas desde la Edad Media, disfrutaban el aprecio de los reyes y sus retratos, en ocasiones acompañando a los propios monarcas, eran frecuentes en la decoración de los palacios.

Lezcano viste un traje verde y tiene en las manos un mazo de cartas. Al fondo se ve un paisaje similar a los retratos de caza de la Torre de la Parada. La doble alusión a la caza y al juego avala la hipótesis de que estuviera pintado para ese lugar, junto con Don Diego de Acedo, el Primo.

Los tonos oscuros de la roca y el traje, que casi se funden, hacen resaltar el rostro, en el que vemos los rasgos de su enfermedad, visible también en la postura, la cabeza ladeada y el desaliño en el traje.

Está pintado con una factura suelta habitual ya en Velázquez a mitad de los años treinta: el color se aplica muy diluído y en grandes manchas; sobre ellas, mediante toques más precisos, perfila, matiza e ilumina.

La nieve y las líneas de montañas se resuelven con líneas muy ligeras de blanco y la cara tiene el aspecto borroso característico de Velázquez. Estos retratos, menos sujetos a las convenciones de la pintura oficial, le permitirían un campo de experimentación más amplio y una libertad técnica superior.

DETALLE 1

Los estudios científicos han descrito a Lezcano como un enano oligofrénico e hidrocéfalo. La posición de la cabeza, inclinada a un lado, parece indicar que pesa demasiado para la débil musculatura de su cuello.

La cara, iluminada y borrosa, se destaca del fondo y la sensación de abocetamiento y falta de precisión en los contornos es muy clara en la oreja, apenas insinuada. El pelo se hace brillar con toques más claros de pintura muy diluída.

La camisa blanca, que asoma por el traje desabrochado, se consigue a base de pinceladas muy libres y empastadas.

DETALLE 2

Lo que sostiene entre las manos ha sido objeto de controversia: se ha dicho que es un pincel de mango y brocha cortos, un trozo de pan, un casco de teja, algo imprecisable o un mazo de cartas. En el inventario de la Torre de la Parada se describe un bufón jugando con un mazo de cartas y esto parece lo más claro.

También el bufón Pejerón, al que pintó Antonio Moro, lleva unos naipes en la mano. se sabe que una de las ocupaciones de estas sabandijas de palacio era jugar con los reyes y nobles a los dados, bolos, trucos y cartas.

Esta zona del cuadro es una de las más rápidas de ejecución: las manos borrosas, apenas insinuadas, tienen unas pinceladas bien visibles de bermellón, que les dan un aspecto enrojecido.

DETALLE 3

El paisaje, que ocupa un espacio pequeño, es sin embargo un trozo magistral de pintura, como todos los suyos desde la Túnica de José y la Fragua de Vulcano. Con muy poca pasta y sobre un fondo de color gris claro, utiliza el blanco para delinear el perfil de las montañas y la nieve, dando luz a este cuadro de tonos oscuros.

FRANCISCO PACHECO (?)

FICHA

1618-1620 Oleo sobre lienzo 40 x 36 cm Madrid, Prado

TEMA

Retrato de un hombre adulto, de busto, con gola rizada o escarolada.

PERSONAJE

Desde 1925 se viene identificando este hombre con Francisco Pacheco, el suegro de Velázquez. La razón principal es el parecido con el rey arrodillado en la Adoración de los magos del Museo del Prado, pintado por Velázquez en la misma época y en el que siempre se han visto retratados miembros de su familia (su suegro como rey, su mujer como la virgen María y su hija Francisca como el niño Jesús).

Además existe también parecido con un posible autorretrato de Pacheco que se conserva en el museo de Sevilla, Retrato de hombre y mujer, un retrato doble en el que seguramente aparecen el pintor y su esposa.

Francisco Pacheco había nacido en Sanlúcar de Barrameda, donde fue bautizado en 1564. En 1583 ya estaba en Sevilla con su tío Pacheco, canónigo de la catedral y humanista, que reunía una academia literaria con artistas y escritores. Pintor mediano y humanista él mismo, hizo pintura religiosa -como la Inmaculada de Miguel Cid (Sevilla, catedral)-, mitológica y retratos en Sevilla, además de policromar imágenes de madera de algunos escultores como Martínez Montañés.

Sin embargo, la labor más importante de Pacheco fue la de maestro de Velázquez, y no sólo de pintura. Hombre culto, que congregaba en su casa una academia literaria, donde acudían todos los intelectuales de la ciudad y los que pasaban por ella, escribió un Libro de Retratos, en 1599, con las efigies de los hombres más importantes, y su obra más conocida, El Arte de la Pintura, en 1638, dedicada a mayor gloria de su yerno.

Tuvo diversos cargos, como veedor de la Inquisición para pinturas religiosas, y murió hacia 1654.

CONTEXTO HISTORICO

Velázquez pinta el retrato de su suegro en Sevilla, ciudad en la que había abierto estudio propio pocos años antes, en 1617. Y lo pinta entre 1618 y 1620, por la misma época en que hace la Adoración de los Magos, donde también aparece retratado Pacheco como rey.

En este tiempo de su etapa sevillana se dedica sobre todo a la pintura religiosa, a los retratos, como el de La madre Jerónima de la Fuente y a la pintura de bodegones, aunque sean a lo divino, como la Vieja friendo huevos. Son los años de su boda y del nacimiento de su primera hija, Francisca.

El duque de Lerma cae del favor del rey Felipe III y, a cambio, es nombrado cardenal. España está entrando en la guerra de los Treinta Años y en los Países Bajos, el príncipe de Orange, Mauricio de Nassau, partidario de la guerra con España, se hace con el poder.

FUENTES DE INSPIRACION

Al tratarse de un sencillo retrato de busto no hay fuentes de inspiración de especial importancia que señalar. Por la misma época Velázquez pinta otros retratos semejantes, también de busto, como el del poeta sevillano Luis de Góngora.

TECNICA Y COMPOSICION

Parco en colores y con abundancia de marrones, como La madre Jerónima de la Fuente o Luis de Góngora, otros retratos contemporáneos a éste, tiene la misma fuerza que ellos. Los tres son retratos de personas más que adultas, poco agraciados físicamente y maltratados por el tiempo, pero los tres aparecen cargados de fuerza y decisión, algo que Velázquez es capaz de transmitir con medios muy sencillos.

El color se aplica en capas delgadas, sobre todo en el traje, donde apenas podemos distinguir los botones, y sólo hay más empaste en las zonas más iluminadas, como la gola y el rostro. Velázquez deja en penumbra la mitad izquierda de la cara y da más luz a la derecha, con esos empastes y por medio de pequeños toques de pincel.

La gorguera es la parte del cuadro que se ha pintado con mayor libertad, superponiendo las pinceladas blancas sobre el fondo. Este fondo está muy repintado y, según los estudios de Carmen Garrido, aparece en él una cantidad importante de blanco de bario, algo infrecuente en la época de Velázquez y en su propia pintura.

La barba y el bigote se iluminan con ligerísimas pinceladas blancas, muy delgadas, como cabellos, o más anchas para dar un golpe de luz.

La preparación es la rojiza que Velázquez suele utilizar en estos años sevillanos en sus cuadros, como la Adoración de los magos o el retrato de La madre Jerónima de la Fuente.

HISTORIA DEL CUADRO

En 1746 era propiedad del rey Felipe V y se encontraba en el palacio de La Granja, donde fue inventariado. Desde 1819 pertenece al Museo del Prado.

FICHA DE ESTUDIO

FRANCISCO PACHECO Por Diego Velázquez 1618-1620 Oleo sobre lienzo 40 x 36 cm Madrid, Prado

Desde principios de siglo se ha identificado este retrato con el pintor Francisco Pacheco, suegro y maestro de Velázquez. La base es el parecido que tiene con el rey que aparece arrodillado en la Adoración de los Magos, donde es tradición que Velázquez retrató a su mujer, como María, a su hija como el niño Jesús, y a su suegro como rey.

Además hay un posible autorretrato de Pacheco en el museo de Sevilla, en un retrato doble con su mujer, donde también se puede apreciar el parecido.

Velázquez le pinta en torno a la cincuentena, bien vestido, con la gorguera rizada que estaba de moda por esos años y que iba a desaparecer pronto, a consecuencia de las leyes de Felipe IV contra el lujo.

Pacheco aparece seguro de sí mismo y orgulloso, como corresponde a alguien que no sólo es uno de los pintores conocidos de la ciudad, sino también un humanista, que escribe libros y reúne en su casa una academia -una tertulia- literaria y artística, a la que acuden los personajes más cultos del momento.

El retrato es de la etapa sevillana, en torno al año 1620, cuando Velázquez tiene taller propio y hace pintura religiosa, bodegones y retratos. De esta época son La Adoración de los Magos y el retrato de la madre Jerónima de la Fuente. Su pintura es todavía oscura, sin embargo ya se aprecian importantes libertades de pincel, como la gorguera.

Aunque Pacheco no destacó como pintor, su labor como maestro de Velázquez rebasó las recetas de taller para hacerle entrar en el mundo de la cultura y su protección le llevó a la corte, donde se haría pintor del rey. Pacheco casó además al discípulo con su hija Juana, como luego haría él con Francisca y su ayudante Mazo, y le dedicó uno de sus libros, El arte de la Pintura.

DETALLE 1

En este retrato hay un contraste muy claro entre el traje, poco visible y sin matices, tal como aparece ahora, y la parte más iluminada de la gola, movida, llena de luz y mucho más empastada. En ella se pueden distinguir también una líneas blancas muy delgadas, que Velázquez suele emplear por esta época.

La gorguera tiene el tamaño y la forma rizada característica de los últimos años su existencia, inmediatamente antes de que Felipe IV la prohíba en 1623 por considerarla un lujo y un gasto excesivos.

DETALLE 2

En la parte del traje el negro carece de matices por el estado de la pintura, que en este caso no es óptimo, a diferencia de lo que suele ser habitual en los cuadros de Velázquez del Prado, conservados en general en unas condiciones excelentes y algunos sin reentelar, todavía con el lienzo original a la vista también por la parte trasera.

JUAN FRANCISCO PIMENTEL, CONDE DE BENAVENTE

FICHA

Hacia 1648 Oleo sobre lienzo 109 x 88 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Es un retrato oficial del conde de Benavente como jefe militar. De ahí que lleve armadura, fajín, bastón de mando y espada, y que aparezca una cortina destacando aún más su importancia.

PERSONAJE

Se suele identificar el personaje con Juan Francisco Pimentel (15841652), décimo conde de Benavente y conde también de Luna y Mayorga, señor de Herrera, merino mayor de Asturias, presidente del Consejo de Italia y gentilhombre de cámara del rey Felipe IV. Durante la guerra con Portugal, en 1640, fue gobernador de Extremadura, lo que le permitía ostentar la banda roja y el bastón, además de la coraza. Se casó con Mencía Fajardo y Zúñiga, prima suya, y después con Antonia de Mendoza, dama de la reina Mariana de Austria.

Sin embargo hay autores que piensan en su padre, el IX conde de Benavente, Antonio Alonso Pimentel.

CONTEXTO HISTORICO

Se piensa que Velázquez pintó este cuadro en 1648, después de obtener Benavente el toisón de oro, lo que sucedió el 3 de abril de ese año, y la marcha del pintor a Italia en su segundo viaje, que tuvo lugar en noviembre. A la vuelta, en 1651, parece más difícil que lo pintara, porque el conde ya no debía vivir en Madrid, sino en Valladolid, donde murió en 1652.

El retrato pudo haberse pintado como recuerdo de la concesión de esta condecoración, que el retratado luce sobre la armadura de parada, pendiente de un lujoso collar de oro y piedras preciosas.

Velázquez sale este año rumbo a Trento, en una embajada que preside el duque de Maqueda, para recibir a Mariana de Austria, sobrina y prometida de Felipe IV. Por las mismas fechas su sueldo ha subido a 700 ducados anuales.

En Aragón tiene lugar la conspiración del duque de Híjar y fuera de la Península se firma la paz de Westfalia.

FUENTES DE INSPIRACION

El cuadro se inspira en los retratos de corte que se venían haciendo desde los tiempos de Felipe II. En concreto éste tiene un gran parecido con el retrato de Felipe II de Tiziano, también con armadura, que se conserva en el Museo del Prado y, antes de atribuirse a Velázquez, estuvo atribuido a Tiziano.

Como aquél, el protagonista que se presenta de tres cuartos a nosotros, viste armadura de parada, apoya la mano izquierda en la espada y la derecha en el casco, que descansa encima de una mesa con tapete rojo. En este caso el bastón de mando está al lado del yelmo, mientras en el retrato del rey son los guanteletes los que descansan junto a él.

Actualmente el cuadro está recortado por tres lados, pero en origen pudo ser también de cuerpo entero como el de Felipe II. La entonación general es más clara en el de Velázquez y la superficie más brillante, aunque la armonía de colores guarda bastante relación.

TECNICA Y COMPOSICION

La cabeza de Benavente está mucho más acabada y es más rica en detalles de lo que es frecuente en las pinturas de Velázquez durante los últimos años cuarenta. Los trazos son delgados y se traban cuidadosamente unos con otros.

La armadura, por el contrario, se ha realizado de una manera más rápida, mediante pinceladas sueltas y toques leves, pero más empastados, en superficie, para formar los adornos y conseguir las luces o los reflejos.

El dorado de la lujosa armadura damasquinada y el rojo de la banda, la mesa y la cortina, dan al cuadro una entonación dorada cercana a su modelo, Tiziano, y para algunos éste es el retrato de Velázquez que más se acerca a El Greco.

La armadura está ejecutada con mucha habilidad y recuerda, por su color y por las luces reflejadas, a la que luce la figura principal en 'El entierro del conde de Orgaz', escribía Beruete. Es cierto que las dos armaduras son muy semejantes.

Los estudios técnicos de la tela sobre la que Velázquez ha pintado (la densidad de los hilos y el grosor) han llevado a poner en relación este lienzo con pinturas anteriores al primer viaje a Italia, como el retrato de Felipe IV (1183), del Prado, o con otras realizadas en los años treinta sobre lienzos preparados antes, como la Sibila o María de Austria, reina de Hungría.

La preparación de la tela, de color naranja, es semejante también a las primeras obras que hizo en Madrid, como los retratos del rey y su hermano. Sobre esta preparación existe otra más blanca, de un modo parecido a lo que sucede con las dos Vistas de la villa Medici (1210 y 1211), donde Velázquez cubrió la preparación inicial de tierra de Sevilla con otra capa blanca.

Según el estudio técnico realizado por el Museo del Prado, se trataría de una obra de los años treinta y el representado entonces sería Antonio Alonso Pimentel, IX conde de Benavente, muerto en 1633 y no su hijo Juan Francisco. Otros autores, como Browm, rechazan la atribución a Velázquez.

HISTORIA DEL CUADRO

Era propiedad de la reina Isabel Farnesio, mujer de Felipe V, y estaba en el palacio de la Granja, donde figura en el inventario de sus bienes realizado en 1746. En 1774 seguía en el mismo lugar. En 1794 ya había pasado al Palacio real de Madrid, donde se encontraba todavía en 1814. Desde allí pasó al museo del Prado en 1819.

FICHA DE ESTUDIO

JUAN FRANCISCO PIMENTEL, CONDE DE BENAVENTE Por Velázquez Hacia 1648 Oleo sobre lienzo 109 x 88 cm Madrid, Museo del Prado

Es un retrato oficial de un caballero con armadura y emblemas de poder militar como la bengala y la banda roja. Lleva además el toisón de oro, la más alta condecoración de la monarquía austriaca en España.

Es el conde de Benavente, pero se discute si es el IX o el X, como se discute también si el cuadro se pintó en 1648, fecha en que se le concedió el toisón al X conde, o en los años treinta, como parece desprenderse del estudio técnico del cuadro. Algunos autores rechazan incluso que se trate de una obra de Velázquez.

El cuadro sigue el modelo fijado por Tiziano en su retrato de Felipe II con armadura, del Museo del Prado: una figura de tres cuartos, que apoya una mano en la espada y la otra en el yelmo que hay sobre la mesa. Velázquez añade una cortina al fondo, siguiendo la costumbre barroca de retratos de aparato. La entonación cálida, en oros y rojos, sigue también el modelo tizianesco.

La pincelada de Velázquez es muy suelta en la armadura y la banda, con abundantes pinceladas y toques menudos en superficie para conseguir brillos y reflejos. Por el contrario, en la cabeza y el rostro la pincelada resulta más menuda y la factura más cuidada, lo que proporciona una mayor riqueza de detalles.

Esa forma más detallada de hacer la cabeza, junto a los datos que se desprenden del estudio técnico de la tela, han hecho pensar en la década de los treinta como fecha posible para la realización de esta pintura.

El modelo de retrato de corte continúa siendo eficaz y logra transmitir, ahora con una técnica diferente y con una soltura muy superior a los tiempos de Felipe II, la imagen de alguien situado por encima del común de los mortales.

DETALLE 1

La cabeza del conde, que luce bigote, perilla y peinado con copete, y la cara, se construyen a base de pinceladas muy cuidadas, que dan lugar a una superficie lisa y detallada, sobre la que se superponen trazos finísimos, como hilos, que hacen brillar las canas del cabello.

DETALLE 2

A la derecha, según miramos el cuadro, se pueden ver algunos arrepentimientos, como la banda roja que cae por debajo de la cintura, originalmente más ancha, y la espada, situada antes un poco más abajo. El paisaje también se modificó y, en un principio, llegaba casi a la altura del codo. Al dedicarle menos espacio, el cuadro se acercó más al modelo de #Tiziano##, situado en un interior.

DETALLE 3

Desde los primitivos flamencos, en el siglo XV, una de las preocupaciones de los pintores fue pintar los reflejos de las cosas en las armaduras. Las figuras de San Miguel y San Jorge, guerreros los dos, siempre han proporcionado buenas oportunidades. Aquí Velázquez "mancha" de rojo la parte inferior del yelmo para poder plasmar el reflejo de la mesa blanca sobre la superficie metálica y pulida.

JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉS

FICHA

1635-1636 Oleo sobre lienzo 109 x 107 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Es un retrato de tres cuartos del escultor sevillano Juan Martínez Montañés, mientras trabaja en el modelo de barro para una escultura. Pero también es un alegato a favor de la nobleza de la escultura.

El artista está esculpiendo; sin embargo, va vestido como un caballero y su ropa no tiene manchas. Además no hace cualquier escultura, sino, precisamente, un retrato del rey Felipe IV, algo que no estaba al alcance de cualquiera.

El gesto de Martínez Montañés, pensando antes de trabajar, es un anuncio del gesto de Velázquez en Las Meninas. El artista es tan importante, parece decirnos el cuadro, que tiene el privilegio de retratar al rey y de retratarse con el rey. Aunque Felipe IV aparezca aquí por un procedimiento indirecto, en una escultura, del mismo modo que en Las Meninas aparecerá en un espejo, junto a la reina.

Se sabe que Montañés, como Velázquez, estaba orgulloso de su arte y tenía también deseos de dejar claros sus orígenes como cristiano viejo. En 1620 encargó una investigación para acreditar su limpieza de sangre. En ella habla de sus antepasados y dice que todos habían sido cristianos viejos y de limpia generación, sin raça de moro ni judío, ni de los nuevamente convertidos a nuestra fe católica.

PERSONAJE

Juan Martínez Montañés es uno de los escultores más importantes del siglo XVII español y el mejor de la escuela sevillana. Nació en Alcalá la Real (Jaén), en 1558, y murió en Sevilla en 1649, a causa de la peste.

En esa ciudad pasó casi toda su vida trabajando en imágenes religiosas de madera policromada para la Iglesia, tanto la catedral como iglesias y conventos. Cristos crucificados, como el Cristo de los Cálices, un tema muy común en estos años entre todos los escultores (Cristo yacente, de Gaspar Becerra), santos o Inmaculadas (Inmaculada de Martínez Montañés), vistos con realismo y cargados de valores emocionales y de devoción.

Amigo de Francisco Pacheco, el suegro de Velázquez, que coloreó algunas de sus esculturas, frecuentó la academia literaria que el pintor reunía en su casa de Sevilla. Allí le vería Velázquez.

Después se volverían a encontrar en Madrid, en junio de 1635, cuando Martínez Montañés se trasladó a la corte para esculpir una cabeza del rey que sirviera de modelo a la que hoy se encuentra en la plaza de Oriente de Madrid. Volvió a Sevilla en enero de 1636,… y para este fin dejé mi casa y ocupación y asistí en su real corte más de siete meses.

Otros autores han sugerido que el escultor fuera Alonso Cano, o incluso el portugués Manuel Pereyra, pero la identificación más segura parece la de Montañés por el parecido de este retrato con uno que conserva el Ayuntamiento de Sevilla, hecho por Francisco Varela, cuando el escultor tenía cuarenta y siete años y con el que aparece en el Libro de retratos, que publicó Francisco Pacheco como Retrato de Martínez Montañés.

El poeta Gabriel de Bocángel dedicó un poema al escultor, titulado 'Juan Martínez Montañés', el Lisipo Andaluz, y allí habla del retrato que hizo del monarca: Ya, pues, que le inspiró lo eterno al bulto/ donde vuelve a nacer el Sol de Iberia,/ le fía al barro el Andaluz Lisipo,/ que el bronce y mármol presumieran culto/ de los años, por sólida materia,/ y para eterno bastase Filipo.

CONTEXTO HISTORICO

Parece lo más probable que se pintara en el año 1635, con motivo de la estancia de Martínez Montañés en la corte y la edad parece coincidir con la que representa el retratado, más de sesenta años.

En este año nace Inés del Mazo, la primera nieta de Velázquez, hija de Francisca y de su discípulo Juan Bautista Martínez del Mazo, pero muere pronto.

Para entonces Velázquez era sin discusión el mejor pintor de la corte, estaba trabajando en Las Lanzas y los retratos ecuestres y la técnica de esta obra es muy semejante a la de otros lienzos fechados con certeza en estos años como los Bufones.

El retrato más parecido a éste es el de Juan Mateos (Dresde, Gemäldesammlungen), maestro de caza de Felipe IV y, como tal, un personaje decisivo en la corte. El montero aparece en la misma posición de tres cuartos y el cuadro quedó también sin terminar.

Estalla la guerra entre Francia y España y los ejércitos de Felipe IV son derrotados en Namur. Calderón de la Barca estrena La vida es sueño.

FUENTES DE INSPIRACION

El cuadro guarda bastante relación con el retrato del mismo escultor que hizo Francisco Varela, cuando Montañés tenía cuarenta y siete años, y que conserva el Ayuntamiento de Sevilla: visto de tres cuartos y trabajando -esta vez en una pequeña figura mitológica-, la postura del cuerpo es idéntica y la mano aún más.

Sin embargo en el cuadro de Velázquez, Montañés no aplica el palillo al barro. La mano está detenida, como la de Velázquez en Las Meninas, y el escultor piensa lo que va a hacer, quizá mira al modelo antes de seguir trabajando. Porque la escultura, como la pintura para Velázquez, es un arte mental, que requiere la intervención del pensamiento como base y no sólo los cinceles y el buril.

Algo así defiende un escritor español contemporáneo de ambos, Diego de Saavedra Fajardo en la ciudad imaginaria que describe en su República literaria y donde aparecen artistas:

Las voces y disputas del uno y el otro (Lisipo y Apeles) habrían pasado a prudencia, si Miguel Angel, como tan gran pintor y escultor, no los despartiera, mostrando en tres círculos que se cortaban entre sí, que estas dos artes y la Arquitectura eran iguales, dándose fraternalmente las manos las unas a las otras.

Este retrato es muy semejante al de Juan Mateos (Dresde, Gemäldesammlungen), pintado por las mismas fechas y de un modo muy semejante: una figura de tres cuartos sobre un fondo oscuro; además los dos quedaron sin terminar. Al ser gentes de su entorno social y profesional, y los retratos amistosos o privados, no "oficiales", Velázquez se sentiría libre para experimentar en ellos.

También tiene un gran parecido con el Retrato de Martínez Montañés que publicó Pacheco en su Libro de Retratos, y que apareció en Sevilla.

Por estos mismos años, en 1632, otro artista Jusepe Ribera, el Españoleto, pintó El ciego Gambazo (Madrid, Prado), un mal llamado escultor ciego. La idea es muy distinta en los dos casos: Velázquez hace un retrato de su contemporáneo Montañés como practicante de un arte liberal; Ribera pinta a una alegoría del Tacto, en la que un anciano ciego palpa atentamente la cabeza de mármol de una escultura clásica.

TECNICA

Los medios que emplea Velázquez en este retrato no pueden ser más sencillos, en apariencia, y, a la vez, más sutiles: un fondo neutro marrón oscuro, sobre el que destaca la cabeza del artista, y más claro en la parte baja, en torno a la escultura.

A su vez los dos elementos más importantes del cuadro -la cabeza y la mano del escultor- se despegan del fondo, con más luz que el resto, y la cabeza se ve realzada con el cuello blanco. El rostro se ha resuelto en capas delgadas y transparentes de pintura muy diluída, sobre la que se aplican toques breves para realzar algunos detalles.

La mano derecha y el encaje del puño están realizados con más pasta y de una forma abocetada, que lo es más aún en la mano izquierda. Sin embargo la escultura, que se supone de barro, apenas está sugerida en sus rasgos principales por unas pinceladas oscuras y cortas, casi sin pasta sobre la preparación del cuadro.

Estas líneas nos permiten ver el modo de trabajar de Velázquez: son las que suele utilizar al comienzo de sus cuadros para esbozar y encajar las formas básicas. Esto se puede ver en otros lienzos que dejó sin teminar, como el Retrato de hombre joven de la Pinacoteca de Munich.

El negro del traje de Montañés no es un color uniforme y sin matices, sino todo lo contrario: la tela brilla en cada uno de los pliegues, como en el traje del propio Velázquez en Las Meninas.

HISTORIA DEL CUADRO

En 1794 el retrato de Martínez Montañés formaba parte de la colección real y se encontraba en la quinta del duque del Arco, cerca de Madrid. En 1819, al crearse el Museo del Prado, pasó a formar parte de él.

FICHA DE ESTUDIO

Retrato de Juan Martínez Montañés Por Velázquez 1635-1636 Oleo sobre lienzo 109 x 107 cm Madrid, Museo del Prado

Se trata del retrato del escultor sevillano Martínez Montañés, amigo de Pacheco, el suegro y maestro de Velázquez. El pintor le conoció en Sevilla durante sus años de aprendizaje y volvió a encontrarle en Madrid en 1635, cuando el sevillano se trasladó a la corte durante más de medio año para esculpir una cabeza del rey Felipe IV. Esta debía servir de modelo al escultor italiano Pietro Tacca para el retrato ecuestre del rey en bronce que realizaba en Italia y que ahora se encuentra en la Plaza de Oriente de Madrid.

El cuadro está pintado con una pasta muy ligera y con muy pocos colores, todos ellos sobrios además, como corresponde a la seriedad de un artista más que maduro, que además es el escultor más prestigioso de su tiempo en España y es consciente de la importancia del arte que practica.

Sobre un fondo neutro destacan la mano derecha y la cabeza del artista, como polos de atracción y claves de la obra, más luminosos y brillantes. El negro del traje no es una superficie mate, sino una tela que brilla y se enriquece con matices en las zonas iluminadas.

Al no estar acabado, este retrato constituye un buen ejemplo del proceso de realización de los cuadros de Velázquez: sobre la preparación del lienzo, unas líneas breves y concisas que marcan las formas básicas.

Como el pintor en Las Meninas, Martínez Montañés aparece aquí trabajando para el rey, haciendo su retrato, que vemos abocetado a la derecha. Este era un privilegio que muy pocos alcanzaban y que le sirve al pintor para hacer una defensa de la escultura como arte noble. Por entonces esto no era admitido en España y los artistas estaban considerados como servidores.

DETALLE 1

La cabeza del artista, un hombre de edad, noble y sereno, y su mirada, firme y decidida, orgullosa, es el foco que más atrae la atención del espectador, como es habitual en un retrato. Destacada sobre el cuello blanco que le da luz, Velázquez emplea poca pasta y unos toques muy ligeros de blanco para sugerir las canas en los cabellos grises del escultor.

DETALLE 2

La mano derecha y el palillo de modelar resaltan sobre el fondo negro como protagonistas y son las partes más cargadas de pasta de todo el cuadro, a diferencia del busto del rey, boceto como escultura pero también en el cuadro, como pintura.

DETALLE 3

El pintor necesita muy poco para sugerir un objeto: unos mínimos toques de pintura blanca sobre el negro del traje hacen que veamos la correa que le ciñe la cintura o la hebilla un poco más a la derecha.

DETALLE 4

En la parte alta, encima de la escultura, se pueden distinguir unas pinceladas aisladas más oscuras que el resto. Se trata de pruebas de color o de trazos que ha dejado el pincel al pasarlo Velázquez por el lienzo para quitarle el exceso de pasta.

LA ADORACIÓN DE LOS MAGOS

FICHA

1619 Oleo sobre lienzo 203 x 125 cm Madrid, Museo del Prado 1166 fechado, 1619

TEMA

El tema es la adoración de los tres reyes magos a Jesús recién nacido, en presencia de María, su madre, que lo sujeta en los brazos, y san José, que asiste a la escena en un lugar secundario. San Marcos relata el hecho en su Evangelio (Marcos 2, 1-7):

Nacido Jesús en Belén de Judea, en tiempo del rey Herodes, unos magos que venían de Oriente se presentaron en Jerusalén, diciendo: ¿Dónde está el Rey de los judíos que ha nacido? Pues vimos su estrella en Oriente y hemos venido a adorarle…

Se pusieron en camino, y… la estrella que habían visto en el Oriente iba delante de ellos, hasta que llegó y se detuvo encima del lugar donde estaba el Niño. Al ver la estrella se llenaron de inmensa alegría. Entraron en la casa; vieron al niño con María, su madre, y, postrándose, le adoraron; abrieron luego sus cofres y le ofrecieron dones de oro, incienso y mirra.

PERSONAJES

Los personajes son los habituales en estas escenas: María (la madre), Jesús (el hijo), los tres reyes magos (Melchor, Gaspar y Baltasar), san José (esposo de María) y un pajecillo joven que acompaña a los reyes.

Sin embargo en este caso se puede hablar de más personajes, porque es tradición que Velázquez hizo aquí un retrato de familia a lo divino, utilizando como modelos a su mujer, Juana, para la Virgen; a su hija Francisca, para Jesús; a su suegro Pacheco, para el rey más anciano; y, tal vez, a sí mismo para el rey más joven que está dando su ofrenda.

Respecto al rey negro, podría ser uno de los muchos esclavos que había en Sevilla en estos años; y el pajecillo se suele asociar con el aprendiz que aparece en otras pinturas de esta época, como la Vieja friendo huevos de Edimburgo (National Gallery of Scotland) o El aguador de Sevilla de la colección Wellington (Londres, Aspley House) y del que habla Pacheco en su libro, como un "aldeanillo, que le servía de modelo en diversas acciones, y posturas; ya llorando, ya riendo, sin perdonar dificultad alguna. E hizo por él muchas de carbón, y realce en papel azul, y de otros muchos naturales, con que granjeó la certeza en el retratar".

CONTEXTO HISTORICO

En 1619, cuando Velázquez pinta este cuadro, es un joven de veinte años que está despegando vital y profesionalmente: tiene taller abierto en Sevilla y ejerce como pintor independiente desde 1617; en 1618 se ha casado con Juana Pacheco, la hija de su maestro y protector; en 1619 ha nacido su hija mayor, Francisca, a la que -siguiendo el ejemplo propio- casará años después con su discípulo Martínez del Mazo.

En estos años pinta en Sevilla temas religiosos, como la Inmaculada Concepción y San Juan en Patmos, de la National Gallery (Londres), bodegones como la Vieja friendo huevos, El aguador de Sevilla, La mulata y retratos, como La madre Jerónima de la Fuente o su suegro Pacheco.

En Europa acaba de iniciarse la guerra de los Treinta Años, en la que España interviene muy pronto. En Holanda, el príncipe de Orange, Mauricio de Nassau, firme partidario de la guerra con España, asume todo el poder.

FUENTES DE INSPIRACION

La adoración de los magos es uno de los temas más representados en el arte occidental -tanto en pintura como en escultura- desde la Edad Media. Esto hace que la iconografía y el modo de representarlo cambie poco: los personajes protagonistas son fijos (María, Jesús, los magos y José), las actitudes también: la Virgen como trono de su hijo, los reyes en adoración y san José un tanto al margen, y el lugar en que transcurre la escena suele ser un exterior, o al menos un interior que deja ver el paisaje, como sucede aquí.

En todo eso Velázquez sigue la tradición de los cuadros que podía haber visto en Sevilla directamente o, por medio de estampas grabadas, los que se encontraban en otros lugares.

En lo que ya no sigue la tradición, y eso constituye la novedad fundamental que él aporta, es en los modelos y en los atuendos. Las pinturas anteriores, e incluso contemporáneas, que se hacían en España, presentaban personajes ideales, alejados de la realidad, perfectos, y vestidos con todo el lujo que una escena de magos venidos del oriente exótico, requería. Así los pinta Juan Bautista Maíno, el maestro de pintura del rey Felipe IV, en la Adoración de los Reyes Magos, del Prado.

Velázquez sin embargo, pinta hombres y mujeres reales, utiliza modelos de su entorno inmediato para darle a los cuadros la proximidad, la inmediatez que las ideas de la Contrarreforma, adoptadas plenamente por la Iglesia española, requería. Los fieles podían así identificarse sin dificultad con una mujer terrenal, vestida con ropas sencillas, o con hombres que se podían encontrar por la calle o trabajando en el campo.

A esto contribuían también las ropas. Aquí no hay brocados de oro ni telas exóticas como en Maíno; simplemente mantos de buen paño, pero sobrios.

TECNICA Y COMPOSICION

La composición está definida por la línea diagonal que forman el rey joven arrodillado, el niño y María. Además de las figuras, es la luz la que define esta línea, porque se concentra en la madre y el hijo, los personajes principales, y en el rostro del mago joven. Velázquez lanza sobre ellos el foco de iluminación más fuerte, dejando el resto en penumbra.

A la derecha la composición se equilibra con las cabezas del anciano y el aldeanillo, compensando la diagonal del otro lado y la mayor iluminación.

Las figuras tienen una gran consistencia, pesan, y están vestidas con mantos de pliegues amplios, que recuerdan la escultura en madera policromada. Este tipo de imágenes había tenido un desarrollo muy importante en Sevilla y, a veces, los pintores colaboraban en su realización, limitándose los escultores a tallar, mientras ellos pintaban los rostros y las telas. El propio Pacheco solía colorear esculturas de Martínez Montañés.

El color se aplica de manera fluída y sólo hay más empastes en las zonas más luminosas. Como siempre, Velázquez recurre a toques de pincel muy pequeños para conseguir brillos en las figuras o en los objetos que ofrecen, como las copas de oro. Hay también una líneas muy delgadas que marcan contornos y que se pueden ver en otras pinturas de esta época, como el retrato de Francisco Pacheco.

La preparación del cuadro es la rojiza habitual en estos años en las obras de Velázquez y generalmente identificada con lo que Pacheco llama tierra de Sevilla. El lienzo sobre el que pinta tiene un dibujo peculiar, parecido al que utiliza para La madre Jerónima de la Fuente.

HISTORIA DEL CUADRO

Pintado en 1619, como se puede leer en la piedra que hay abajo a la derecha, bajo el pie de María, parece que Velázquez pudo haberlo hecho para los jesuitas, por mediación de Pacheco, quien tenía muy buenas relaciones con ellos y muchos de los cuales aparecen en su Libro de Retratos.

Debió estar en la capilla del Noviciado de los Jesuitas en Sevilla hasta 1767, fecha en que estos religiosos fueron expulsados de España por el rey Carlos III. A finales del siglo XVIII se encontraba en poder de Francisco de Bruna, un importante coleccionista sevillano, que se haría con él a raíz de la expulsión. A la muerte de Bruna, en 1804, su sobrino Luis Meléndez, lo ofreció al rey Fernando VII. Estuvo en El Escorial y pertenece al Museo del Prado desde 1819.

FICHA DE ESTUDIO

LA ADORACION DE LOS MAGOS Por Velázquez

Oleo sobre lienzo 203 x 125 cm Madrid, Museo del Prado fechado: 1619

Fechado por el pintor en la piedra sobre la que la virgen María apoya el pie, es una de las primeras pinturas importantes que conocemos de la primera etapa de Velázquez, cuando todavía trabaja en Sevilla, antes de venir a la corte, entre 1617 -fecha en que abre taller propio ya como maestro- y 1623, cuando se traslada definitivamente a Madrid.

La adoración de los magos es uno de los temas más representados en toda la pintura occidental y eso hace que tanto los personajes como las actitudes tengan una larga tradición y permitan pocas novedades desde ese punto de vista. Velázquez se atiene a la costumbre en cuanto a los protagonistas -los tres reyes, María, Jesús y José en un lugar secundario- y los sitúa en un espacio poco definido que deja ver un atisbo de paisaje.

Las novedades más importantes están en los modelos que utiliza para pintar a los personajes sagrados: no se trata de seres idealizados sino de personas de carne y hueso de las que se podían encontrar por las calles de Sevilla. Este "realismo" ha hecho pensar a algunos autores que Velázquez pudo hacer aquí un "retrato de familia", con su mujer para la figura de María, su hija Francisca recién nacida para Jesús, su suegro Pacheco para el mago más anciano y él mismo para el joven arrodillado.

Frente a los personajes idealizados, seres reales -incluso un esclavo de los que había en la ciudad- y frente a los brocados, las sedas y los rasos habituales de los trajes, mantos sencillos de colores sobrios, que sólo se hacen más exóticos en el rey negro, como era costumbre.

El naturalismo caravaggiesco, que venía del norte de Italia y se difundía por toda Europa, se manifiesta también en la forma "tenebrista" de iluminar, con la yuxtaposición de zonas de luz con otras en sombra fuertemente contrastadas y aumenta el dramatismo de la escena.

DETALLE 1

La Virgen -quizá Juana- es una mujer joven, sana y fuerte, con unas manos poderosas que sujetan a su hijo firmemente. En las uñas se puede ver la forma que tiene Velázquez de conseguir brillo, a base de toques de color muy pequeños.

Jesús no aparece como un niño rollizo y sonrosado, a la manera de Rubens, o de Murillo poco después, sino como alguien real, fajado de pies a cabeza, siguiendo la costumbre de entonces. En esta figura siempre se ha reprochado a Velázquez que haya escamoteado la parte inferior del cuerpo, de forma que no es visible.

DETALLE 2

El rey negro, a pesar de lo real y lo tosco de su cara, es el que va vestido con más lujo y con los colores más brillantes: pendiente de coral rojo, cuello blanco bordado con encaje y capa roja. El traje, que hoy vemos negro, tenía, según los últimos estudios, tonos morados. En esto Velázquez sigue una tradición antigua, según la cual Baltasar era el que llevaba ropas más exóticas, como se puede ver en los cuadros de los primitivos flamencos o en El Bosco.

El cuello, plano, sin almidón y caído sobre los hombros, era otro elemento raro en un momento en que todavía la moda era llevar grandes gorgueras rizadas.

DETALLE 3

Aquí todavía Velázquez concede muy poca importancia al paisaje: unas lomas en la lejanía, algunos árboles y celajes bastante oscuros. A diferencia de lo que ocurrirá más adelante cuando se instale en la corte y haga los cuadros para el Salón de Reinos, los retratos de cazadores y, sobre todo las Vistas de la villa Medici, convirtiéndose en un gran paisajista.

El paisaje en este cuadro iba a ocupar un espacio mayor y el arco que nos permite verlo arrancaba en principio de la cabeza de María, aunque después el pintor lo llevó a la izquierda, oscureciendo esta zona, como hizo con el resto de la obra.

DETALLE 4

La iluminación desigual y contrastada que recibe la cara del rey arrodillado, dejando una zona en penumbra, mientras otra recibe la luz de lleno, es característica de las novedades que habían introducido en la pintura Caravaggio y los pintores del norte de Italia, y que se difundían rápidamente por Europa. Sevilla era todavía un centro comercial muy importante, con muchos contactos internacionales, a través del puerto.

DETALLE 5

Velázquez firmó muy pocos cuadros y éste es uno de ellos. En la piedra lisa donde María apoya el pie, justo debajo de él, se puede leer la cifra 1619, que (por la abertura del número nueve) algunos autores leyeron como 1617.

A la derecha de la firma unas ramas y unas hojas nos permiten ver la maestría y el interés que pone Velázquez en estas cosas aparentemente insignificantes dentro de la obra, pero que son trozos de pintura que por sí solos podrían justificar un cuadro.

DETALLE 6

El contraste entre el azul de la túnica y el marrón del manto del rey más joven, se ve acentuado por las modificaciones que introdujo Velázquez sobre la pintura: oscureció la parte derecha de la túnica y creó una zona casi negra en medio, que hace más intenso el claroscuro.

LA CORONACIÓN DE LA VIRGEN

FICHA

Hacia 1640 Oleo sobre lienzo 176 x 124 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

La coronación de María, madre de Jesucristo, que subió al cielo sin morir previamente y que, una vez allí, fue coronada por las tres personas de la Trinidad: el Padre (el más anciano), el Hijo (el hombre joven) y el Espíritu Santo (simbolizado por la paloma que abre las alas en la parte alta del cuadro). Unos angelotes, en la parte inferior, sirven de contrapunto a la seriedad del misterio.

Felipe IV era muy devoto de la Virgen y le gustaba leer libros que trataran de ella, algunos enviados por las religiosas con las que mantenía correspondencia:

Acuerdeseos de enviarme los libros que faltan de la vida de Nuestra Señora, que aunque estoy muy ocupado no faltará algún ratillo en que poder leerlos., le escribe a sor María Jesús de Agreda el 15 de noviembre de 1644.

El rey se propuso que la Inmaculada Concepción fuese declarado dogma de fe. En 1624 patrocinó la fundación en Roma de una orden dedicada a ella y aunque el papa Urbano VIII le nombró su protector, hasta finales del siglo XIX no se consiguió. En una ocasión escribía:

si yo tuviera la dicha de ser medio para hacer este servicio a Nuestra Señora, vivera y muriera con el mayor consuelo del mundo… que, aunque he sido y soy malo, siempre he tenido particular devoción con la Reina del cielo; y espero que por su medio e intercesión he de conseguir la salvación de mi alma, el acierto en el gobierno de estos reinos y la paz y quietud en la Cristiandad.

En la corte se sabía que un buen camino para medrar era mostrar devoción por este futuro dogma.

PERSONAJES

Los personajes que aparecen en este cuadro son los protagonistas de los misterios de la religión católica: dios, que se hace tres personas (Padre, Hijo y Espíritu Santo), que vive en la tierra como hijo de una virgen, María, y muere en la cruz para salvar a los hombres. Esa virgen concibió a su hijo por 'obra y gracia' del Espíritu Santo y sin que ningún hombre interviniera en la concepción.

Una vez resucitado el Hijo y vuelto a los cielos, su madre tuvo también su Asunción (subió al cielo sin morir) y después fue coronada por los tres, aunque esta historia no aparece como tal en los cuatro Evangelios canónicos, sí hay alusiones en los Evangelios Apócrifos, en el llamado Libro de San Juan Evangelista (Capítulo 39):

He aquí que desde este momento tu cuerpo va a ser trasladado al paraíso, mientras que tu santa alma va a estar en los cielos entre los tesoros de mi padre, coronada de un extraordinario resplandor, donde hay paz y alegría, propia de santos ángeles y más aún.

CONTEXTO HISTORICO

Pintado para el oratorio de la reina Isabel de Borbón, primera mujer de Felipe IV, debía acompañar otros nueve cuadros italianos con festividades de la Virgen. El culto mariano fue muy importante en España, que creó modelos como la Inmaculada Concepción, y estos temas se consideraban apropiados para las estancias de las reinas.

También Goya y otros artistas pintaron cuadros con escenas de vidas de santas con destino al dormitorio de la reina María Luisa de Parma.

Para algunos autores, ya desde el siglo XVII, el cuadro está cargado de simbolismo político y religioso, al identificar la monarquía con la Fe y plasmar la visión del mundo y la historia del reinado de Felipe IV en los años cuarenta, en una interpretación al menos discutible del corazón de María. Lorenzo de Mendoza, en 1630, veía en la presencia del Padre, el Hijo y el Espíritu Santo, el reflejo celestial de la unión terrenal indisoluble entre Castilla, Portugal y Aragón.

Se discuten las fechas de realización, pero casi todos los autores admiten un arco temporal entre mitad de los años treinta y mitad de los cuarenta. Por entonces Velázquez ya ha pintado algunas de sus obras más importantes, como los cuadros para el Salón de reinos, y ha pasado cargos palatinos a su yerno Martínez del Mazo.

En torno al año cuarenta, en el interior de la península, se suceden los levantamientos de Cataluña, Portugal y Andalucía, con el duque de Medina Sidonia; fuera, los españoles sufren pérdidas continuas frente a los holandeses, que se quedan Pernambuco y frente a los franceses, que ganan Perpignan y derrotan a los españoles en Rocroy, en 1643.

FUENTES DE INSPIRACION

Se trata, como en la Adoración de los magos o el Cristo en la cruz, de un tema muy representado en todo el arte occidental y que, por tanto, tiene una iconografía, un modo de representarse, muy preciso: sobre un fondo celestial, de nubes, que sujetan unos ángeles, María aparece en el centro, coronada por Dios padre a la derecha y su hijo Jesucristo a la izquierda, con el Espíritu Santo sobre la cabeza.

Velázquez pudo haberse inspirado en la Coronación de la Virgen del Greco (la del Prado, la de Illescas o alguna otra de las muchas que pintó). Pero también se ha pensado en una estampa de Durero, con el mismo tema, del año 1502 y en un cuadro de Rubens, entre otros, pero hay grandes diferencias entre el movimiento que Rubens da a su escena y la calma del español.

La novedad de Velázquez reside, sobre todo, en la naturalidad de los tipos humanos, las actitudes y los gestos, en la forma peculiar de componer y en los colores cálidos que emplea.

TECNICA Y COMPOSICION

Es una obra poco frecuente en la producción de Velázquez: primero por tratarse de una pintura religiosa y segundo por la composición y el color.

Es una composición simétrica, cuyo eje es la figura de María. La línea vertical arranca del Espíritu santo, baja por el centro de la cara de la Virgen y continúa en el pliegue de su manto. En torno a ella, las figuras de los dos hombres, cierran la composición. El conjunto y el tono rojizo, casi de sangre, que predomina en la obra, sugieren la forma de un corazón. Algo quizá relacionado con la devoción al corazón de María que ya aconsejaba en 1611 San Francisco de Sales.

El empaque de las figuras y la monumentalidad que presentan no son habituales tampoco y algún autor los ha puesto en relación con esos cuadros italianos con los que debían compartir sitio en el oratorio de la reina, llegando a decir que más parece un cuadro de iglesia italiana que para un oratorio privado.

Los tres van vestidos con ropas pesadas, que los envuelven y les dan una sensación de volumen, de monumentalidad. También la quietud, la seriedad y la concentración de todos en la ceremonia que se lleva a cabo acentúan el carácter sacro y ceremonial de la escena.

Las capas de color son muy fluidas y transparentes, con más aglutinante que pintura. Sólo en algunas zonas, que se quieren iluminar de manera especial, se aplica una pintura más empastada, en el cielo y en algunas partes de los mantos, bien en toques muy ligeros o en pinceladas más largas.

Los rayos de luz, como en la Fragua de Vulcano se consiguen restregando la superficie del cuadro con el pincel casi seco y manchado de blanco.

Como es habitual, Velázquez superpone unos objetos sobre otros a medida que pinta: nubes sobre mantos o angelotes sobre nubes.

Los rostros y las manos de los personajes quedan bastante difuminados, sin contornos precisos, como es habitual también en muchas de las obras de su etapa madura, aunque la ejecución, como sucede con el Cristo de San Plácido, es muy cuidada, quizá por tratarse de encargos reales o muy próximos.

La preparación es de color blanquecino, normal en otros cuadros de esta época, como en Las Lanzas, pero aquí se aplica con más cuidado y los pigmentos están más molidos, quizá también por la importancia del encargo, como sucede en otras ocasiones.

HISTORIA DEL CUADRO

Fue pintado hacia 1640 para el oratorio del cuarto de la reina Isabel de Borbón en el Alcázar de Madrid, donde se encontraba junto a otros nueve que había traído de Roma el cardenal Borja y que tenían como tema las fiestas de la Virgen. Salvada del incendio de esta residencia, estuvo depositada en el convento de San Gil, en Madrid. Así aparece en el inventario de 1735, aunque se atribuye a Alonso Cano. En 1746 se encuentra en el Buen Retiro y atribuida ya a Velázquez. De allí paso al Palacio Real, donde aparece en 1772. En 1819 pasó al Museo del Prado.

FICHA DE ESTUDIO

LA CORONACION DE LA VIRGEN Por Velázquez Hacia 1640 Oleo sobre lienzo 176 x 124 cm Madrid, Museo del Prado

Esta es una de las escasas pinturas religiosas que conservamos de Velázquez y una de las más originales también. El tema es la coronación de la virgen María, que ascendió a los cielos sin pasar el trámite de la muerte, y, una vez allí, Dios en forma de Trinidad (padre, hijo y espíritu santo) la coronó como reina, también ella, del cielo.

Este tema es uno de los más representados en el arte occidental y, como la crucifixión o la adoración de los magos, permite pocas variaciones. En este sentido el cuadro recuerda obras anteriores, de Durero, El Greco y Rubens, entre otros. Sin embargo se aparta de todos ellos por los personajes y las actitudes.

Aunque Velázquez idealiza a sus figuras para situarlas al nivel celestial, no dejan de ser modelos reales los que pinta y sus expresiones son en el mismo sentido reales: medidas, sobrias. Hay una enorme seriedad y contención en el cuadro; todos los personajes están concentrados en la acción que llevan a cabo y eso le da un carácter sacral que no tienen las movidas escenas de Rubens.

Los colores que emplea Velázquez en este cuadro no son convencionales: hay una entonación general roja, casi de sangre. Esto, unido a la forma que configuran las tres personas, hace pensar en un corazón, algo quizá relacionado con el culto al corazón de María que San Francisco de Sales difundía desde 1611.

Velázquez pinta con pinceladas rápidas y pintura muy ligera; modifica sobre la marcha, pinta unos objetos encima de otros, aboceta las manos y deja los rostros un tanto borrosos. Da las luces con toques de pincel manchado de blanco, consiguiendo brillos asombrosos como el de la bola transparente que lleva Dios Padre en la mano izquierda.

DETALLE 1

El centro de la composición es María que, llevándose la mano derecha al corazón, constituye al mismo tiempo el punto central del otro gran corazón que forman las tres figuras. Junto a su rostro, hermoso e idealizado, pero inspirado en la realidad, podemos ver las pinceladas bien cargadas de pasta con que Velázquez hace la toca blanca y la túnica roja.

La mano, sencillamente abocetada, estaba en un primer momento más abajo y después se cubrió con pinceladas transversales rojas. La mancha blanca en el cuello es todavía un resto de la primitiva posición de la toca, que lo tapaba por completo, como los cabellos.

DETALLE 2

Dios padre aparece también como alguien a quien Velázquez ha podido tomar de la realidad para inspirarse: un anciano calvo, arrugado y con bolsas enormes debajo de los ojos, no el gigante sobrehumano de Miguel Angel. Las nubes, a su derecha, son la parte del cuadro más cargada de pintura.

DETALLE 3

Dios Padre sujeta en la mano izquierda una bola de cristal transparente, símbolo de su dominio sobre todo el mundo. Este objeto, realizado con una capa mínima de pintura, consigue transmitir la sensación de transparencia y brillar gracias a unas cuantas pinceladas blancas y aplicadas de forma irregular. La mano, como todas las demás, está sólo abocetada.

DETALLE 4

Cristo, que sujeta un cetro en la mano izquierda, como símbolo de su dominio sobre los hombres, es un hombre joven, vestido de un rojo inusual pero práctico para conseguir esa tonalidad rojiza que evoca un corazón. Concentrado y serio como el resto de los personajes en la acción que llevan a cabo, vemos brillar el pelo y la barba gracias a diminutas pinceladas más claras aplicadas sobre rizos resueltos de manera muy rápida.

DETALLE 5

El único que nos presta atención es el querubín de la izquierda, que mira directamente al espectador. El resto aparecen ensimismados en el momento y en el acto que se desarrolla. Esta cabeza, como el resto de los querubines, se ha comparado con las de Alonso Cano, a quien el cuadro estuvo atribuido algún tiempo.

LA FRAGUA DE VULCANO

FICHA

1630 Oleo sobre lienzo. 223 x 290 Madrid, Museo del Prado. 1171

TEMA

Vulcano, el dios herrero, recibe en su fragua, mientras trabaja, la visita de Apolo, cubierto con una túnica amarilla y coronado por rayos de sol. El motivo de la visita es comunicar al herrero que su mujer, Venus, le ha sido infiel con Marte.

Vulcano es el personaje que está más cerca de Apolo, con un paño blanco en la cabeza, y su rostro refleja el asombro y la sorpresa que le produce la noticia. En las manos lleva aún el martillo y las tenazas con el trozo de hierro candente que estaba forjando, quizá para las armas de Marte, el dios de la guerra.

A Vulcano le acompañan en la fragua cuatro Cíclopes con el torso desnudo por el calor. También a ellos les ha sorprendido la noticia y sus expresiones lo demuestran. Todos llevan herramientas en las manos y todos interrumpen el trabajo por la aparición inesperada y la noticia del adulterio.

El escenario es la fragua, un interior que la tradición situaba en Sicilia, en las profundidades del monte Etna. Aquí aparecen todos los elementos propios de este trabajo: tenazas, yunques, martillos, trozos de hierro al rojo, espadas y armaduras. En la chimenea hay algunos objetos más, como la jarra blanca de loza, unos vasos y un candil. Detrás de Apolo, al fondo a la izquierda, se puede ver un pequeño paisaje.

El tema del cuadro, igual que la Túnica de José, quizá sea el poder de la palabra, como señaló Tolnay, y como explica Julián Gállego:

la influencia de la invención sobre las acciones y sentimientos humanos… Una variación sobre el eterno tema velazqueño de la superioridad de la idea sobre el trabajo…las artes nobles (Apolo), visitando y dominando a las manuales (Vulcano y sus cíclopes), bajo cuyo aspecto este cuadro es un precedente de Las Hilanderas.

PERSONAJES

Vulcano, el griego Hefaistos, hijo de Zeus y Hera, es el dios del fuego. De pequeño fue arrojado desde lo alto del monte Olimpo, por razones distintas según las tradiciones, y quedó cojo para siempre (de ahí la torsión en la espalda con que le pinta Velázquez).

A pesar de su defecto físico estaba casado con Venus, la más hermosa y la más coqueta de las diosas. En tanto que señor del fuego, Vulcano lo era también de la metalurgia y fabricaba las armas de los mejores guerreros, como Aquiles o el propio Marte.

Apolo es uno de los doce dioses del Olimpo, hijo de Zeus y Leto, y hermano de la diosa Artemisa. Dios de la poesía, preside la asamblea de las nueve musas y lleva corona de laurel, como después los poetas. Se le identifica con el sol, que todo lo ve y en calidad de tal es como aparece en este cuadro.

Los Cíclopes, aquí hijos del Cielo y la Tierra, según Ovidio, y llamados Arges, Esteropes y Brontes, cuyos nombres evocan el rayo, el relámpago y el trueno, se muestran como forjadores y ayudantes de Vulcano, trabajando en una armadura cuyo destinatario no se conoce.

Otro de los temas más representados de esta historia proviene del canto octavo de la Eneida de Virgilio, donde se relata la visita de Venus a la fragua para pedir a Vulcano que fabrique las armas de Eneas. En esa leyenda se inspira Venus en la fragua de Vulcano de Louis Le Nain para pintar su cuadro, de Reims, Musée de Saint Denis, donde aparecen tres cíclopes ayudando al dios de la forja en su trabajo.

CONTEXTO

Esta obra, junto con la Túnica de José, fue pintada durante la estancia de Velázquez en Roma entre los años 1629 y 1631. El pintor salió con la autorización del rey Felipe IV y con numerosas cartas de recomendación para los embajadores españoles y extranjeros.

En Italia tuvo ocasión de admirar la pintura de los maestros del XVI y de sus contemporáneos. Copió alguna obra de Tintoretto, visitó Génova, Ferrara, Cento, Loreto, Bolonia, Roma, donde pudo estudiar la obra de Miguel Angel, y Nápoles, donde conoció a Jusepe Ribera y retrató a la reina María de Austria, hermana de Felipe IV.

En 1630, la Roma del papa Urbano VIII era el centro artístico del mundo occidental y la pintura barroca estaba experimentando un cambio crucial, en una corriente colorista y dinámica.

Para Velázquez el viaje a Roma supone el abandono definitivo de las enseñanzas recibidas en Sevilla.

En 1630 los holandeses atacan Pernambuco y España firma la paz con Inglaterra.

FUENTES DE INSPIRACION

Son varios los precedentes literarios que se encuentran para esta obra pero quizás al que más se aproxima Velázquez es al texto de las Metamorfosis de Ovidio:

Se tiene a este dios (el Sol) por el primero que vio el adulterio de Venus con Marte; es el dios que todo lo ve primero. Se escandalizó de la fechoría, y reveló al marido, hijo de Juno, el secreto ultraje a su lecho y el lugar del ultraje. A éste entonces se le escaparon a la vez el dominio de sí y el trabajo que estaba realizando su mano de artífice.

A su vez, este texto es un resumen del relato que se hace de la fábula en la Odisea y Velázquez representa los primeros versos de la misma.

Y Demódoco, acompañándose de la cítara, rompió a cantar bellamente sobre los amores de Ares y Afrodita, la de la hermosa diadema: cómo se unieron por primera vez a escondidas en el palacio de Hefesto. Ares le hizo muchos regalos y deshonró la cama del señor del hogar. Entonces el sol, que los vio desde arriba abrazados en amor, se lo fue a contar. Cuando Hefesto oyó la triste noticia, emprendió el camino hacia la fragua, meditando males en su interior".

En este relato de las Metamorfosis no aparecen los cíclopes, que sí lo hacen, al menos uno, en el grabado de La fragua de Vulcano de Antonio Tempesta, hecho en 1606 y basado también en la obra de Ovidio. La escena tiene varios puntos en común con la de Velázquez: se desarrolla en la fragua de Vulcano, donde el dios y su ayudante están trabajando, mientras Apolo, con una corona de rayos, es el que anuncia la infidelidad de Venus al sorprendido marido.

También se señala el influjo de Guido Reni en este cuadro, como la de Guercino en la Túnica de José.

Velázquez representa el momento de la revelación, no el posterior, preferido en general por los artistas, por ser más novelesco y contener más elementos anecdóticos e incluso grotescos, tanto en la Odisea, como en las Metamorfosis.

Como cuenta Homero, Vulcano colocó sobre el tajo el enorme yunque y se puso a forjar unos hilos irrompibles, indisolubles, capaces de aguantar cualquier peso.

Y cuando había construido su trampa, irritado contra Ares, fue hacia su dormitorio, donde tenía la cama y extendió los hilos en círculo por todas partes en torno a las patas de la cama; muchos estaban tendidos desde arriba, desde el techo, como suaves hilos de araña, hilos que no podría ver nadie, ni siquiera los dioses felices, pues estaban fabricados con mucho engaño. Y cuando su trampa estuvo extendida alrededor de la cama, simuló marcharse a Lemnos, la ciudad bien edificada, la que le era más querida de todas las tierras.

Pero Ares, el de las riendas de oro, en despierta vigilia le observaba y al ver cómo Hefesto, el ilustre herrero, se marchaba, se puso en camino hacia su palacio anhelante de amor por la hermosa Citera, la de linda corona. La diosa volvía de ver a su padre, el poderoso hijo de Cronos, y en cuanto se sentó, Ares entró, la tomó de la mano y le habló así: Ven acá querida, vamos al lecho a acostarnos, pues Hefesto no está por aquí; no hace mucho que se marchó a Lemnos a visitar a los sintis de bárbara lengua.

Así habló y a ella le pareció deseable acostarse. Y marchando los dos se acostaron. Al instante se corrieron los lazos que urdiera el ingenio de Hefesto y ya no pudieron moverse ni levantarse. Entonces se dieron cuenta de que no había escapatoria posible.

El relato de Ovidio es más breve:

en el acto elabora (Vulcano) con la lima unas tenues cadenas, unas redes y unos lazos que puedan pasar inadvertidos a la mirada; no superarían aquella obra los más finos hilos, no la tela de araña que cuelga de la viga del techo; las dota además de la propiedad de ceder al más ligero contacto, al menor impulso, y las coloca bien sujetas y rodeando la cama. Cuando su esposa y el adúltero vinieron a reunirse en el lecho, aprisionados gracias a la pericia del marido y de aquella trampa preparada con una técnica nueva, quedan ambos inmovilizados en medio de sus abrazos. En el acto el Lemnio abrió de par en par las puertas de marfil e hizo entrar a los dioses; los adúlteros permanecieron tendidos y encadenados vergonzosamente; y hubo entre los dioses nada ceñudos quien deseó sufrir la misma vergüenza; se rieron los inmortales y por mucho tiempo fue esta historia la más comentada en el cielo entero.

Existe un Estudio para la cabeza de Apolo en Nueva York (colección particular), muy semejante a la definitiva.

TECNICA

Velázquez pinta este cuadro, como La túnica de José, sin encargo previo y por voluntad propia, lo cual es importante. En los dos casos se trata de una pintura de historia, religiosa en una y mitológica en otra. Este tipo de pinturas se consideraban las más importantes de todas porque requerían conocimientos de historia, literatura, composición, etc. por parte del pintor y no sólo buena mano o habilidad para copiar.

Del mismo modo se ajusta también a la tradición clasicista por la importancia que concede al desnudo, uno de los puntales de los estudios académicos. Los cíclopes, colocados en diferentes posturas y con el torso desnudo, le sirven para hacer una galería de personajes, posturas y actitudes, un alarde de estudios anatómicos y de fisionomías.

La Fragua supone un punto de inflexión en la pintura de Velázquez, tanto por el tema como por la técnica. Técnicamente crea un espacio tridimensional en el que las figuras se mueven con holgura, formando un círculo en torno al yunque. La gama de colores es aquí, como en la Túnica de José, más fría que en las obras anteriores; la luz ha abandonado por completo los juegos de claroscuro y baña la estancia de manera mucho más matizada y difuminada.

El foco de luz principal se encuentra en torno al dios Apolo, no sólo por la que entra de la izquierda sino también por la aureola y la ventana de atrás. El segundo foco de luz, entre los dos cíclopes, pierde importancia al quedar un tanto apagado por el martillo que nos tapa parte del resplandor.

La mayor riqueza de colores se concentra en la figura de Apolo, poniendo un contrapunto a los tonos marrones del resto del cuadro: azul en el paisaje, verde en la corona de laurel, mostaza en el manto y azul en las sandalias.

La pincelada es ahora más suelta, más ligera, menos empastada y más fluida. Las capas de pintura no son tan opacas como en la etapa sevillana. Los fondos se hacen con una capa muy ligera de pintura y el paisaje está resuelto con muy pocas pinceladas sobre el tono de base, que se transparenta en algunos lugares.

El manto de Apolo es la zona que presenta empastes más gruesos, mientras las telas de los cíclopes están hechas con la pintura muy diluida.

Para matizar los desnudos, sombrearlos y dar la sensación de suavidad al tacto de la carne, Velázquez emplea un procedimiento semejante al que empleará en el Cristo crucificado de San Plácido: sobre el tono previo de la carnación vuelve a tocar con el pincel mojado en pintura muy diluida en distintas zonas, como si manchara.

Para destacar determinadas partes por la luz, como los ojos, los brillos de la armadura y los objetos metálicos, la panza de la jarra, la uña del cíclope de la derecha o las chispas que saltan del fuego, Velázquez toca con blanco, en algunos casos con un toque mínimo.

Como es habitual en el modo de hacer del pintor, unas figuras o unos objetos se superponen a otros: es el caso aquí del yunque, pintado sobre la túnica de Apolo, tapando su pie izquierdo, posiblemente para llevar la figura hacia atrás.

Velázquez, también según su forma de trabajar, fue modificando la obra a medida que la pintaba, quitando y poniendo cosas o cambiando posturas y gestos. Por ejemplo, al cíclope agachado en primer plano le ha dado un aire más serio y adulto del que tenía en la primera realización.

El cíclope del fondo queda desdibujado a causa de la distancia y de un modo que será cada vez más frecuente en la pintura de Velázquez.

La preparación del lienzo es distinta de las anteriores y también en esto el cuadro marca un punto de inflexión: por primera vez abandona las preparaciones rojizas, tipo tierra de Sevilla y, si ya antes había utilizado capas blancas bajo la rojiza o encima de ella (como en la Sibila y el retrato de Felipe IV armado (Prado, 1183), aquí la preparación es de un blanco grisáceo.

Hay líneas blancas muy finas que marcan los contornos de las figuras, como en el manto y el rostro de Apolo o en la cabeza y el brazo del cíclope de la derecha.

Parece que Velázquez pintó el lienzo central y, todavía durante la realización, añadió una banda a cada lado, en sentido vertical, mientras la segunda banda, añadida por la izquierda y de color diferente a simple vista, sería posterior.

Velázquez, también aquí, como en sus otras pinturas mitológicas, trae el mito a la vida cotidiana y sustituye a los cíclopes de un solo ojo en la frente, igual que Polifemo, por cuatro contemporáneos suyos, cuatro jayanes, como los denomina Palomino.

HISTORIA DEL CUADRO

Pintado en Roma en 1630, fue adquirido en 1634 para Felipe IV por el protonotario del reino y secretario del Conde Duque, D. Jerónimo de Villanueva, junto a La túnica de José.

Aparece por primera vez en el Palacio del Buen Retiro en 1701, en el inventario de este año y en el 1716. De allí pasó al Palacio Real, donde figura en 1772 y 1794. En este último año se encontraba colgado en la "Pieza de Vestir del Cuarto de Su Magestad", donde lo tasaron en 80.000 reales los pintores Bayeu, Goya y Gómez. En 1819 ingresó en las colecciones del Museo del Prado.

Parece que antes estuvo colgado en el guardarropa de Palacio junto a la Túnica de José. Los dos cuadros, pintados en Roma el mismo año y vendidos juntos, se separaron: éste pasó al Buen Retiro y "La Túnica de José" al Monasterio de El Escorial.

Según Pantorba, Velázquez pudo haber pintado los cuadros en casa del entonces embajador de Felipe IV en los Estados Pontificios, Don Manuel de Fonseca, Conde de Monterrey, e incluso pudieron servir de modelos para las figuras los sirvientes de la embajada.

FICHA DE ESTUDIO

LA FRAGUA DE VULCANO Por Velázquez.

Óleo sobre lienzo.

223 x 290 cm Madrid, Museo del Prado.

El cuadro recoge un episodio famoso de la mitología griega, que cuenta Homero en la Odisea y Ovidio en las Metamorfosis: Apolo, dios del sol que todo lo ve, visita a Vulcano, dios del fuego y de los herreros, para comunicarle que su mujer, la hermosa Venus, le engaña con Marte, el dios de la guerra. La noticia sorprende a Vulcano y a sus ayudantes, los Cíclopes, mientras están trabajando en la forja de armas, quizá las del mismo Marte.

Velázquez, contenido como siempre, elige este momento de la revelación por la palabra y no el siguiente, más del gusto de pintores y poetas, por presentar aspectos más novelescos: el herrero forja una red invisible que encierra a los amantes y los expone a la burla de los otros dioses del Olimpo.

Velázquez pinta este tema mitológico durante su primer viaje a Italia en 1630, sin encargo previo, por voluntad propia. Lo mismo hace con "La Túnica de José" y con los "Paisajes de la villa Medici".

En los dos casos se trata de pinturas "de historia", que la tradición académica consideraba el género más elevado, porque requería que el pintor conociera la historia, mitológica o sagrada, supiera componer grupos, y no sólo tener buena mano o saber copiar.

Del mismo modo la atención que dedica al estudio del desnudo en este cuadro tiene que ver con el ambiente italiano en que se mueve entonces. Y lo mismo el estudio de las fisonomías.

Esta obra supone un cambio esencial en su forma de hacer: el espacio está mejor conseguido que en las pinturas anteriores, la iluminación es más uniforme, más matizada y menos contrastada. La pintura se aplica muy fluida y en pinceladas sueltas que, en algunas zonas, permiten que se transparente la preparación.

Sólo hay más empastes en las zonas más iluminadas y los brillos se hacen mediante pequeños toques de pincel. A medida que se desarrolla la obra, el pintor va introduciendo modificaciones.

DETALLE 1

La cabeza de Apolo aparece rodeada de un halo luminoso que le identifica como el sol y que sirve al artista para diferenciarlo de la vulgaridad del resto de los personajes. Velázquez hace esos rayos restregando con el pincel en seco. La corona de laurel indica que es el dios de la poesía. También el color claro de la piel, las sandalias azules y el manto contribuyen a esta distinción y éste último pone una nota cálida de color en el cuadro, a la que responden el hierro al rojo y el fuego del fondo.

DETALLE 2

Junto a la cabeza de Vulcano, a la izquierda, según miramos, se puede ver una sombra, correspondiente a la cabeza primitiva, que después se cambió de posición. Se distingue incluso el gran bigote que llevaba el herrero y al que en la obra definitiva se ha añadido una barba, lo que le quita aire de rufián y le da un aspecto más digno y de más edad.

Entre su brazo derecho y el cuerpo se distingue todavía el primitivo brazo, más vertical y estático que el actual. También la tela que le cubre las caderas llegaba inicialmente más arriba.

DETALLE 3

El rostro del segundo cíclope empezando por la derecha refleja el estupor y la sorpresa que la noticia traída por Apolo provoca en los personajes. El realismo que caracteriza a Velázquez se refuerza con la capacidad de análisis psicológico en las expresiones de los personajes y por la traslación del mito clásico a la vida cotidiana, quitando a los cíclopes toda la carga sobrehumana que tenían en el mundo antiguo.

DETALLE 4

La jarra de loza blanca, los vasos y el candil que aparecen en la chimenea constituyen uno de esos bodegones que Velázquez, como otros pintores españoles del siglo XVII, se complacen en incluir en sus obras "mayores".

En esta pequeña naturaleza muerta el pintor hace un alarde de virtuosismo a la hora de representar las calidades y las texturas de los objetos cotidianos, como vemos aquí en los toques de color blanco que hacen brillar la loza o en los mínimos puntos de luz que forman las chispas. Algo que había aprendido durante sus años con Pacheco en Sevilla.

DETALLE 5

La armadura que aparece en el ángulo inferior derecho es moderna. Velázquez trae el mito a su tiempo, conjugando la representación de un tema clásico con una escena cotidiana. Además de la cuidada anatomía del cíclope que la sujeta, es interesante ver en este punto cómo hace brillar el metal de la coraza, y la uña del pie de este ayudante, a base de pinceladas blancas.

LA INFANTA MARGARITA DE AUSTRIA

FICHA

1659-1660 Oleo sobre lienzo 212 x 147 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Retrato oficial de una infanta de la corte española de pie, con un pañuelo en una mano y un ramo de flores en otra. Se sitúa en un interior, ante un gran cortinaje de aparato que cae sobre un sillón.

PERSONAJE

Margarita Teresa de Austria (1651-1673) era la hija del rey Felipe IV y de la reina Mariana de Austria, su segunda mujer. Destinada a emparentar con un miembro cercano de su familia, con el que estaba prometida desde que vino al mundo, se casó en 1666, recién salida del luto por la muerte de su padre, y así la retrató Mazo, Margarita de Austria de luto (Madrid, Museo del Prado).

Casó con su primo Leopoldo I, convirtiéndose en emperatriz de Austria. Fue madre de María Antonieta, esposa del elector de Baviera Maximiliano Manuel. Murió en Viena a los veintidós años.

Nacida a la vuelta del segundo viaje de Velázquez a Italia, el pintor la retrató al menos cinco veces y la mayor parte de los cuadros se encuentran en Viena, enviados a la familia para preparar las futuras bodas y para hacer saber a los parientes cómo iba creciendo.

Desde 1652 su abuelo, el emperador Fernando III, escribía cartas a la corte española para pedir retratos de Margarita y de Mariana, su hija. Estos se hicieron esperar y, en varias ocasiones, el emperador hizo gala de paciencia:

El retrato de mi nieta aguardare a su comodo, porque a las criaturas es menester dexallos a su gusto, escribía en 1654.

Finalmente, cuando le llegó un retrato, Fernando III demostró su alegría:

Serenísimo Rey Católico my hermano, aunque días ha non he tenido cartas de

V.M. no he querido pero dexar partir esse (correo) ordinario syn escribir essos renglones a V.M. con dezille que grazias al señor estamos muy buenos y que me holgado mucho con el retrato de my nieta, que dios la guarde es lindísima…

CONTEXTO HISTORICO

Este es el último cuadro de Velázquez y la muerte le impide terminarlo. Entonces es su yerno y ayudante Juan Bautista Martínez del Mazo quien se encarga de acabarlo. En La familia del pintor (Viena, Kunsthistorisches Museum), de este artista, se puede ver al fondo a Velázquez en su taller pintando precisamente este retrato de la infanta, sin que ella esté presente.

En los últimos años Velázquez hace algunos retratos de la familia real: la infanta, su hermano, el príncipe Felipe Próspero, quien a pesar de su nombre no llega a cumplir muchos años y el rey Felipe IV (1185); además de Mercurio y Argos.

Ya es caballero de la Orden de Santiago y sus ocupaciones como aposentador real le han llevado a Fuenterrabía, a la isla de los Faisanes, para la ceremonia de entrega de la infanta María Teresa a su esposo, el rey Luis XIV de Francia.

Poco antes españoles y franceses han firmado la paz de los Pirineos, que se sella con esta boda.

FUENTES DE INSPIRACION

El cuadro, desde el punto de vista compositivo, sigue el modelo de los retratos de corte tal como se fijaron en el reinado de Felipe II, por Sánchez Coello y sus seguidores: una figura de pie, vestida con gran lujo, apoyada en una mesa o una silla, en una actitud fría y distante, que se sitúa muy por encima del espectador.

Aquí, sin embargo, la imagen se suaviza un tanto por la expresión casi afable de la joven infanta que andaría por los nueve años. El cuadro es parecido, tanto en la actitud y la postura como en la técnica, a otros contemporáneos suyos, que se guardan en Viena y París, y al de su madre, retrato de la reina Mariana de Austria (1191), o a los de su hermana de padre, la infanta María Teresa de Viena (Kunsthistorisches Museum).

Margarita viste guardainfante, un sistema de ahuecar las faldas que vino de Francia, sustituyó al antiguo verdugado y se puso de moda en los años treinta, y se desarrolló cada vez más, hasta alcanzar las dimensiones enormes que tiene aquí.

El guardainfante fue criticado por algunos moralistas, ridiculizado por los autores de comedias y perseguido por la ley, con un Auto del Consejo de 13 de abril de 1639:

Las mujeres no traigan guardainfantes o otro instrumento o traje semejante, excepto las mujeres que con licencia de las justicias son malas de su cuerpo y ganan por ello.

Por el contrario otros moralistas, como el doctor Arias Gonzalo en su "Memorial en defensa de las mujeres de España y de los vestidos que usan", publicado en 1636, defendían el guardainfante como un método seguro para mantener a las mujeres bajo el control masculino:

Si como dice alguna filosofía, ni el humo ni la llama, ni el viento no es tan leve como la mujer, menester es echarle contrapeso para que no lo sea… Es mejor que [las mujeres] traigan hábito tan pesado y embarazoso para que puedan andar menos y correr nada… Vestido que como conviene cubre las piernas y encubre el movimiento dellas, que es lo más decente y honesto. Y para este efecto y que al andar no descubra un pie por delante y el otro por detrás, es necesario que el vestido baje en forma esférica, ensanchando desde la cintura al suelo, que es la proporción de las enaguas y polleras, que dispuestas con el arillo o guardainfante no traban ni embarazan al andar las piernas ni los pies. Luego es vestido proporcionado a la natural disposición del cuerpo humano y de las mujeres.

TECNICA Y COMPOSICION

La infanta se presenta de pie, contra un fondo de cortinajes rojos y sobre una alfombra de tonos también cálidos. Todo el cuadro es un juego entre los fríos del plata y los cálidos del rosa, que se repite en el traje, la pluma y las flores, conseguidos a base de distintas combinaciones de blanco y rojo.

La pintura es ligera y transparente y se aplica por medio de pinceladas muy delicadas y leves, que se superponen unas a otras, creando matices más delicados que en cualquier otro cuadro de Velázquez. La transparencia es prodigiosa en el gran pañuelo y en los encajes de las mangas del vestido.

La cara es la parte más empastada del cuadro, más incluso que las manos, donde la ligereza de realización y el abocetamiento en la forma son mayores. La pintura se aplica sobre una preparación blanca.

Las numerosas joyas que luce la infanta (pendientes, prendedor de pelo, collar, cadena, anillos y broche de pecho) se hacen con toques de pincel amarillo, blanco, ocre, negro y azul, mínimos, breves y rápidos, cargados de pasta a veces y muy semejantes a los de otras obras cercanas en el tiempo como Las Meninas y el retrato de su madre, la reina Mariana de Austria (1191).

Velázquez no oculta en absoluto sus "trucos" de pintor a la hora de hacer este cuadro, al contrario, los exhibe y el ramo de flores que Margarita lleva en la mano izquierda es un conjunto de pinceladas breves, sintéticas, ligeras, sueltas y rápidas, de rosa, verde y azul, que sólo a distancia toman forma y volumen.

El cuadro tiene dos añadidos posteriores a su realización: en los laterales dos bandas verticales de unos 10 cm y en la parte superior de 3 cm aproximadamente.

No hay unanimidad respecto a qué parte pintó Velázquez y qué parte pintó Mazo. Para unos el traje sería del maestro y el rostro del discípulo; para otros solamente la cortina y la alfombra pertenecerían a Mazo, explicando la relativa dureza del rostro por falta de los toques finales en superficie que Velázquez solía aplicar para suavizar el conjunto.

HISTORIA DEL CUADRO

En 1734 estaba en el Alcázar de Madrid, en cuyo inventario figura. De allí pasó al Palacio Nuevo, donde aparece en 1747, 1772 y 1794. En el Museo del Prado desde 1819.

La identificación ha cambiado con los años: en 1772 y 1794 se cataloga como la infanta María Teresa (su hermana de padre, sólo cuatro años mayor que ella). El error es fácil de explicar por el parecido físico y también porque el segundo nombre de Margarita era Teresa, una santa a la que se tenía mucha devoción en estos años en la corte y que había sido canonizada poco antes.

FICHA DE ESTUDIO

LA INFANTA MARGARITA DE AUSTRIA

Por Velázquez 1559-1560 Oleo sobre lienzo 212 x 147 cm Madrid, Museo del Prado

En un retrato oficial de la infanta Margarita de Austria (1661-1673), hija del rey Felipe IV y de la reina Mariana de Austria, su segunda mujer y sobrina. Velázquez la retrató en varias ocasiones, la más famosa en el centro de Las Meninas, cuadro del que es protagonista.

Casada, como casi todas las mujeres de su familia, muy joven y con un pariente cercano, el emperador Leopoldo, llegó a ser emperatriz de Austria, pero murió a los veintidós años.

Se trata del último cuadro que pinta Velázquez antes de su muerte, en 1660 y que posiblemente no llega a terminar él, sino su yerno y ayudante, Juan Bautista Martínez del Mazo, aunque los autores no se ponen de acuerdo en qué parte hizo cada uno. Al menos hay unanimidad respecto al traje, uno de los prodigios de la pintura de todos los tiempos.

El cuadro que sigue el modelo del retrato de corte codificado en tiempos de Felipe II, es un juego de armonías entre los tonos cálidos del rosa y los fríos del plata, que se van dando réplicas por toda la superficie de la tela.

La pintura, muy diluida, se aplica con pinceladas sueltas y rápidas en capas extraordinariamente ligeras, que se superponen creando matices de gran delicadeza y transparencias tan sutiles como las del enorme pañuelo que lleva en la mano o el encaje de las mangas.

Los brillos del traje, con un guardainfante muy desarrollado, y las joyas (los pendientes, los anillos, la cadena, el collar, el broche…) se hacen a base de toques de pincel mínimos y breves, a veces bien cargados de pasta.

Velázquez no oculta sus recursos a la hora de pintar, sino que los muestra y el abocetamiento de la pintura es máximo en el ramillete de flores, compuesto por una serie de pinceladas aparentemente inconexas, rosas, verdes y azules, que sólo a distancia adquieren la forma que el pintor ha querido darle.

DETALLE 1

Frente a las frecuentes correcciones y modificaciones que se suelen encontrar en la pintura de Velázquez aquí sólo existe una muy pequeña en la boca, cuyo labio superior al principio era más redondo, sin la hendidura central.

El rostro es la parte más empastada de todo el cuadro, pero tanto en la pluma roja del cabello como en las joyas la técnica es rápida y suelta. Se ha señalado que la pluma encaja de forma un tanto dura con el pelo de la infanta y Carmen Garrido, en su estudio técnico, sugiere la posibilidad de que Velázquez no diera las últimas pinceladas al cuadro.

DETALLE 2

Velázquez pinta el pañuelo sobre el vestido y, a base de capas ligeras de pintura muy diluida, consigue crear esa sensación de transparencia casi imposible. A diferencia de las pinceladas largas y poco cargadas de pasta que emplea en él, los brillos del vestidos son simples toques dados con la punta del pincel o pinceladas zigzagueantes y nerviosas donde la cantidad de pasta es mayor.

La mano está simplemente abocetada y los anillos aún más.

DETALLE 3

Quizá ésta es la zona en que Velázquez lleva a un punto más alto su manera de hacer suelta y abocetada: los dedos de la infanta casi se confunden unos con otros, los anillos brillan con un toque diminuto de blanco, el ramo de flores apenas está sugerido y enriquecido por unas notas de azul casi milagroso, la cadena de oro que llega debajo de la manga brilla por brevísimas pinceladas de blanco y amarillo, sin forma aparente, como el traje, muy iluminado en esta zona.

Como se dijo ya en su época "nunca tan poco había obrado tanto".

LA REINA DOÑA ISABEL DE FRANCIA A CABALLO

FICHA

Hacia 1634 Oleo sobre lienzo 301 x 314 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Este retrato de la reina a caballo forma parte de la serie de retratos ecuestres de la dinastía que pinta Velázquez para la decoración del Salón de Reinos en el Palacio del Buen Retiro.

Así como los reyes y el heredero son representados con el caballo en corveta, como símbolo de dominio y buen gobierno, las reinas cabalgan al paso un palafrén engalanado como en las entradas triunfales.

Isabel va lujosamente ataviada con un traje de ricos bordados, descritos con detalle y que recuerda los retratos de corte de Felipe II, pintados por Sánchez Coello y Pantoja de la Cruz, como Isabel Clara Eugenia con la enana Magdalena Ruiz, del primero. Así la retrata en 1632 Rodrigo de Villandrando en un cuadro del Museo del Prado, Isabel de Borbón (1234).

El fondo es, como en los demás retratos de la serie, un paisaje de la sierra madrileña.

PERSONAJES

Isabel de Borbón (1602-1644) era hija de Enrique IV y María de Médicis, reyes de Francia. En 1610, a los ocho años, se acordó su boda con Felipe de Austria, heredero de la corona de España, quien contaba entonces tres años menos. A la vez, y como era costumbre por entonces, la princesa Ana de Austria, hija de Felipe III, casó con Luis XIII de Francia. El matrimonio no se hizo efectivo hasta 1620.

Estas bodas forman parte de la política de aproximación a España que llevó a cabo María de Médicis, regente de Francia durante la infancia de Luis XIII, por el asesinato de su marido Enrique IV. Sin embargo no tuvieron el efecto deseado y ambas naciones continuaron su rivalidad hasta la Paz de los Pirineos de 1660.

Los dos únicos hijos que sobrevivieron fueron el príncipe Baltasar Carlos, heredero frustrado, nacido en 1629 y muerto en 1646, dos años después del prematuro fallecimiento de su madre, y la infanta María Teresa de Austria, casada más tarde con el rey Luis XIV de Francia.

Según la tradición le gustaban los caballos blancos y muy joven todavía, en 1616, montada en un "blanco palafrén con gualdrapas y aderezos de terciopelo negro", llegó a las fiestas que se celebraron en Toledo para consagrar la capilla de la Virgen del Sagrario.

Isabel de Borbón fue célebre por su belleza y compartía aficiones con el rey: le gustaba la caza, los toros, el teatro y los enanos y locos. Tenía una loca simple, llamada Catalina del Viso, una labradora que guardaba el sol en un arca.

Se suele decir que la vida de la reina en la corte estuvo ensombrecida por las frecuentes infidelidades del monarca, aunque no se pueden aplicar los principios de la moral burguesa a una monarquía absoluta del siglo XVII.

Isabel demostró su poder en la caída de Olivares, en la que tomó parte activa, y su valía política mientras actuó como gobernadora en ausencia del rey, cuando dejó la corte para reprimir la revuelta catalana: En 1643 el rey afirmó que ella era su único valido.

El rey sintió la muerte de la compañera y estadista, más que esposa, como reflejan sus palabras en una carta dirigida a Sor María de Agreda: Desde que el Señor se ha servido quitarme a la reina, que goza ahora en los cielos, he sentido la necesidad de escribir a vuesa merced; pero la mucha pesadumbre en que vivo y los negocios que sobre mi pesan me han impedido hacerlo hasta hoy. Me veo agobiado de insoportable tristeza, pues en una sola persona he perdido cuanto pudiera perder en este mundo. Y si no conociera, por la fe, que Dios nos envía aquello que nos es mejor y más conveniente, no se qué sería de mi.

CONTEXTO HISTORICO

El Salón de Reinos fue inaugurado en Abril de 1635 y es de suponer que para finales de 1634 o principios de 1635 el cuadro estuviera acabado. Antes de su primer viaje a Italia Velázquez ya había pintado un retrato ecuestre de Felipe IV (hoy perdido) y quizá comenzado los de Felipe III (1176), Margarita de Austria (1177) y éste de Isabel de Borbón.

A su vuelta, el pintor hace toda una serie de retratos de la familia real con destino a los Palacios españoles o para enviar al extranjero, a los parientes de otras cortes europeas.

De esta época son el príncipe Baltasar Carlos con un enano, los retratos de caza para la Torre de la Parada y uno de sus cuadros más famosos, Felipe IV vestido de castaño y plata.

Velázquez sigue su carrera de honores en palacio. Ya es alguacil de corte, desde 1633, y en 1634 le nombran ayudante de guardarropa; por su parte cede el cargo de ujier de cámara a su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo, casado con Francisca el año anterior.

En 1634 las tropas españolas al mando del Cardenal Infante vencen a los suecos en la batalla de Nordlingen, con lo que se estabilizan las fronteras protestantes. En 1635 estalla de nuevo la guerra entre Francia y España y los españoles son derrotados en Namur.

FUENTES DE INSPIRACION

Los antecedentes de los retratos ecuestres hay que buscarlos en el Quattrocento italiano, el siglo XV, y en concreto en el fresco de Giovanni Acuto, pintado por Paolo Uccello en Santa María de las Flores de Florencia, que luego tendrá su eco escultórico en el Gattamelata de Donatello y el Colleoni de Verrocchio. A su vez la inspiración para estas obras procede de la escultura ecuestre de Marco Aurelio que se conservaba en Roma.

Estos retratos, destinados en principio a condottieri o jefes militares, pasaron pronto a convertirse en imágenes apropiadas para mostrar el poder de los reyes. Uno de los mejores ejemplos es el retrato ecuestre de Carlos V en la batalla de Mülhberg, pintado por Tiziano.

En los retratos de reinas se toma como modelo la ceremonia que tenía lugar con motivo de su entrada triunfal en el nuevo reino. El caballo va al paso, en un movimiento sereno que se consideraba más adecuado a las virtudes femeninas, que la violencia de los retratos masculinos.

TECNICA Y COMPOSICION

Las figuras aparecen en primer plano, recortándose sobre un fondo de paisaje. La composición guarda simetría con su pareja, Felipe IV a caballo, por estar situados en el Salón de Reinos a ambos lados de una puerta sobre la que colgaba el retrato de su hijo el príncipe Baltasar Carlos.

El overo que monta la reina se presenta en visión lateral, mientras ella aparece de tres cuartos, contrastando con Felipe IV, de perfil más marcado.

Este retrato, junto a los de Felipe III y Margarita de Austria, son los que más problemas presentan en cuanto a fechas y autoría.

Las diferencias estilísticas que se aprecian en determinadas partes de la obra han hecho pensar que no es enteramente de mano de Velázquez: la cabeza del caballo y el paisaje, por su calidad y lo suelto de la pincelada, serían del pintor, mientras que el rostro, las manos y el traje de la reina o la gualdrapa del caballo, por la minuciosidad y el detalle apurado de la pincelada prieta, serían de otro pintor.

La cabeza del caballo, resuelta a base de pinceladas libres y vigorosas, más empastada en las crines que caen por delante y más ligera en las de atrás, se ha considerado siempre uno de los trozos de pintura más notables de toda la obra velazqueña.

Está pintado sobre una preparación de color blanco aplicada con distinta homogeneidad en el centro que en las bandas laterales añadidas (entre 28 y 30 cm), de ahí la diferencia de color apreciable. Se piensa que los añadidos son del mismo momento en que Velázquez interviene en el cuadro.

Predominan los tonos apagados de las tierras tostadas del traje y la gualdrapa, en contraste con el blanco radiante del caballo.

El paisaje responde al modo habitual de Velázquez: pintura poco empastada y bien cargada de aglutinante, en su mayor parte, aplicada en capas delgadas que dejan ver la preparación y con pinceladas sueltas. Recuerda a los fondos de los retratos de caza, sobre todo a Felipe IV, cazador.

El caballo se ha modificado: antes era más oscuro, quizá negro como decía Beruete, y tenía la cabeza y la mano izquierda en posición más baja. En los dos casos se aprecian los cambios y la técnica de Velázquez: suelta y con distintas cantidades de pasta según las zonas o los detalles.

HISTORIA DEL CUADRO

Fue pintado para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro. Aparece en los inventarios del Palacio Real de 1772, 1794 y 1814. Se encuentra en el Museo del Prado desde su apertura en 1819.

FICHA DE ESTUDIO

La reina Doña Isabel de Francia, a caballo. Por Velázquez Hacia 1634 Oleo sobre lienzo 301 x 304 cm Madrid, Museo del Prado

Isabel de Borbón fue la primera esposa de Felipe IV y madre del príncipe Baltasar Carlos. Era hija de Enrique IV y María de Médicis, reyes de Francia.

Su retrato ecuestre formaba parte de la decoración del Salón de Reinos en el Palacio del Buen Retiro y tenía un doble carácter dinástico y emblemático.

Forma pareja con el retrato de Felipe IV y los dos tienen composiciones simétricas. Estaban situados a los lados de una puerta y sobre ellos colgabael retrato de Baltasar Carlos, el príncipe heredero.

El cuadro presenta diferencias técnicas que revelan la mano de dos pintores distintos: la pincelada minuciosa y descriptiva del rostro, el traje de la reina y la gualdrapa del caballo recuerda a los retratistas de corte del XVI, en la línea de Sánchez Coello y Pantoja de la Cruz.

La cabeza del caballo y el paisaje tienen la factura suelta de Velázquez, la pincelada rápida y segura, las capas ligeras y los toques más empastados para hacer los adornos. Características todas de su pintura ya en los años treinta, tras la vuelta del primer viaje a Italia.

El paisaje recuerda los otros retratos ecuestres y de cazadores, con pintura muy ligera para los fondos, grises y azules, que deja transparentarse la capa de preparación.

La cabeza del caballo, de un blanco radiante, es uno de los trozos de pintura más vivos de Velázquez.

DETALLE 1

Aureliano de Beruete calificó la cabeza del caballo de "extraordinario trozo de pintura", admirado por el vigor pictórico de la misma.

Está llena de vida y, sin embargo, la verosimilitud no se consigue mediante la descripción precisa de los detalles, sino por una ejecución suelta.

Debajo de la cabeza actual se distingue otra de color más oscuro y más pegada al cuerpo del caballo. Debajo del hocico y junto al freno, se puede ver todavía el ojo del primitivo caballo.

Los adornos dorados y rojos del animal se hacen a base de toques de pintura breves, ligeros y más empastados, que se aplican en superficie y que de cerca no tienen una forma precisa.

La diferencia de mano es bien visible en las riendas, sueltas y con las pinceladas imprescindibles en el trozo de Velázquez, y llenas de detalle en la parte del otro pintor, poco más allá de la gualdrapa.

DETALLE 2

La falda de la reina está tratada con un detalle minucioso y una pincelada apurada, impropios de Velázquez. Esta técnica recuerda a los retratistas de corte de Felipe II, que continúa en el siglo XVII con Felipe III y Felipe IV. Es muy distinta de la manera de hacer del sevillano, de pincelada libre y rápida y con el color muy disuelto.

El manto lleva bordadas las iniciales de la reina (la I y la S de Isabel entrelazadas y la B de Borbón), bajo una corona.

DETALLE 3

El rostro de Isabel, más detallado y trabajado de lo que suele ser habitual en Velázquez, y más que el de su marido Felipe IV en el retrato que forma pareja con éste, recuerda a pintores tradicionales y también ha sido modificado, llevando el pelo hacia abajo, de modo que le tapa más la frente.

Del collar que luce la reina, difícil de distinguir por ser de un color similar al del traje, pende la famosa perla Peregrina, una de las joyas más importantes de la corona, adquirida por Felipe II. También la podemos ver en los retratos ecuestres de Felipe III y Margarita de Austria.

DETALLE 4

En la mano levantada del caballo se puede apreciar uno de los arrepentimientos de Velázquez, tan habituales en su obra, lo cual ayuda a identificar la mano del pintor en un cuadro de dudosa autoría.

El paisaje presenta las características habituales de Velázquez: capas de pintura muy ligera, poco empastada y con mucho aglutinante, que deja transparentarse al fondo en el cielo y los castillos, casi insinuados, junto a toques más empastados en superficie para las luces y las hojas de los arbustos.

LA REINA MARGARITA DE AUSTRIA A CABALLO

FICHA

Hacia 1634 Oleo sobre lienzo 297 x 309 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

El cuadro formaba parte de la serie de retratos ecuestres de la dinastía que pinta Velázquez para la decoración del Salón de Reinos en el Palacio del Buen Retiro.

Así como los reyes y el príncipe heredero se representan con el caballo en corveta, como símbolo de dominio y buen gobierno, las reinas cabalgan al paso sobre un palafrén engalanado como en las entradas triunfales.

La reina va ricamente ataviada y enjoyada. En su pecho luce el llamado joyel de los Austrias. El traje es de bordados lujosos y minuciosamente descritos, que recuerda otros retratos como los de Isabel Clara Eugenia con Magdalena Ruiz, pintado por Sánchez Coello, en la corte de Felipe II.

El fondo, como en los demás retratos de la serie, es un paisaje de la sierra madrileña, semejante a los que aparecen en los retratos de caza.

PERSONAJES

Margarita de Austria (1584-1611) cuarta hija del archiduque Carlos de Austria-Stiria y María de Baviera. Parece ser que fue elegida por Felipe II como esposa para su hijo al declinar este tal elección en su padre. Los esponsales se celebraron por poderes en Ferrara el año 1598, cuando tenía 13 años, al tiempo que los del Archiduque Alberto, que viajaba con ella, e Isabel Clara Eugenia.

Llegó por mar a Valencia donde fue recibida por su esposo, ya rey. Ambos se enamoraron al conocerse constituyendo un matrimonio bien avenido y prolífico. Su mayor preocupación fue darle al rey un heredero. De su unión nacieron, Ana de Austria futura reina de Francia por su matrimonio con de Luis XIII, Felipe IV, María de Austria quien casaría con el emperador Fernando III, y los infantes Don Carlos y Don Fernando, el futuro cardenal infante.

Fue una reina devota y fundó varios conventos, entre ellos el de la Encarnación, junto al Alcázar de Madrid.

Murió joven, a la edad de 26 años, quizá agotada de los sucesivos partos.

CONTEXTO HISTORICO

El Salón de Reinos fue inaugurado en Abril de 1635, lo que hace pensar que para finales de 1634 o principios de 1635 los cuadros ya debían estar acabados.

Antes de su primer viaje a Italia, Velázquez ya había pintado un retrato ecuestre de Felipe IV (hoy perdido) y quizá comenzado los de Felipe III (1176), Margarita de Austria (1177) e Isabel de Borbón (1179). A la vuelta, pinta toda una serie de retratos de la familia real con destino a los Palacios Reales españoles o para enviar al extranjero a familiares o amigos.

De esta época son el príncipe Baltasar Carlos con un enano, los retratos de cazadores para la Torre de la Parada y uno de sus cuadros más famosos, el Felipe IV vestido de castaño y plata.

Velázquez sigue su carrera de honores en palacio. Ya es alguacil de corte, desde 1633 y en 1634 le nombran ayudante de guardarropa; por su parte cede el cargo de ujier de cámara a su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo, casado con Francisca el año anterior.

En 1634 las tropas españolas al mando del Cardenal Infante vencen a los suecos en la batalla de Nordlingen, con lo que se estabilizan las fronteras protestantes. En 1635 estalla de nuevo la guerra entre Francia y España y los españoles son derrotados en Namur.

FUENTES DE INSPIRACION

Los antecedentes de los retratos ecuestres hay que buscarlos en el siglo XV, en el Quattrocento italiano, y en concreto en el fresco de Giovanni Acuto, pintado por Paolo Uccello en Santa María de las Flores de Florencia, que luego tendrá su eco escultórico en el Gattamelata de Donatello. A su vez la inspiración para estas obras procede de la escultura ecuestre de Marco Aurelio que se conservaba en Roma.

Estos retratos, destinados en principio a condottieri o jefes militares, pasaron pronto a convertirse en imágenes apropiadas para mostrar el poder de los reyes. Uno de los mejores ejemplos es el retrato ecuestre de Carlos V en la batalla de Mülhberg, pintado por Tiziano.

En los retratos de reinas se tomaba como modelo la ceremonia que tenía lugar con motivo de su entrada triunfal en el nuevo reino. El caballo va al paso, en un movimiento sereno que se consideraba más adecuado a las virtudes femeninas, que la violencia de los retratos masculinos.

TECNICA Y COMPOSICION

Las figuras aparecen en un primer plano recortado sobre un fondo de paisaje. La composición guarda simetría con su pareja, Felipe III, a caballo, al estar situados a ambos lados de una puerta del Salón de Reinos.

Este retrato, junto a los de Felipe III e Isabel de Borbón, es uno de los que más problemas presentan en cuanto a fechas y autoría.

Las diferencias estilísticas que se aprecian en determinadas partes de la obra han hecho pensar que el retrato de Margarita no es enteramente de la mano de Velázquez.

Este es el cuadro de la serie en el que menos ha intervenido Velázquez: parece que solamente dio algunos retoques en el caballo, el paisaje y otros, mínimos, en el traje y la gualdrapa, como se ve en el contorno trasero del caballo, con pinceladas largas y sueltas.

El resto de la obra, por la pincelada apretada y minuciosa, puede atribuirse a otro artista, mucho más tradicional y menos innovador que Velázquez, como Bartolomé González, un pintor de la órbita todavía de Sánchez Coello y Pantoja.

El rostro de la reina está muy trabajado, como en los retratos de corte anteriores, mientras el caballo tiene muchos retoques superficiales, hechos con pinceladas sueltas, que tapan los arreos anteriores.

Cuando se pintó el cuadro, en los años treinta, hacía más de veinte años que la reina había muerto, en 1611. El artista tuvo que basarse en cuadros anteriores, quizá en el Retrato de la reina Margarita de Pantoja de la Cruz o en la reina Margarita de Austria de Bartolomé González, Viena Kunsthistorisches Museum.

Está pintado sobre una preparación de color blanco y la tonalidad dominante es oscura, debido al color del traje y el caballo.

El cuadro presenta dos añadidos posteriores en las bandas laterales (entre 50 y 55 cm), como el de Felipe III, hechos seguramente para igualarlos con los de Felipe IV e Isabel de Borbón. La diferencia de color que se puede apreciar se debe a la distinta preparación.

HISTORIA DEL CUADRO

Fue pintado para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, donde estuvo colgado. Aparece en los inventarios del Palacio Real de 1772, 1794 y 1814. Se encuentra en el Museo del Prado, desde su apertura en 1819.

FICHA DE ESTUDIO

La Reina Margarita de Austria, a caballo Por Velázquez Hacia 1634 Oleo sobre lienzo 297 x 309 cm Madrid, Museo del Prado

Es un retrato ecuestre de Margarita de Austria (1584-1611), esposa de Felipe III y madre de Felipe IV, que formaba parte de la decoración del Salón de Reinos en el Palacio del Buen Retiro, inaugurado en Abril de 1635.

La reina, vestida con un lujo propio de su corte y a la moda de entonces, no del momento en que se pinta el cuadro, monta un palafrén ricamente enjaezado, que camina al paso y forma una composición simétrica con su pareja, el retrato de Felipe III. Ambos cuadros estaban situados a los lados de una puerta.

La obra es muy desigual desde el punto de vista técnico, lo que plantea problemas de datación y autoría: el rostro y el traje de la reina están pintados con una técnica apurada y minuciosa, nada velazqueña, que revela la intervención de otro pintor más tradicional, cercano al retrato de corte de los reinados anteriores, como Sánchez Coello y Pantoja de la Cruz.

De toda la serie de retratos ecuestres éste es el cuadro en el que menos interviene Velázquez, quien parece que se limita a dar algunos toques más ligeros al caballo y al paisaje.

El caballo es lo más moderno de todo el cuadro y Velázquez ha pintado los arreos actuales sobre los anteriores, que se transparentan debajo de la pintura.

El jardín, que aparece a la izquierda, como marco de la reina, es una alusión a las virtudes domésticas propias de las mujeres, frente a las guerreras de los hombres.

DETALLE 1

La técnica apretada y detallista con que se pinta el rostro de la reina, lo mismo que el traje y las joyas, responden más a un modo de hacer ya pasado de moda en estos años y más propio de las cortes de Felipe II y Felipe III. Un modo con el que rompió Velázquez por medio de su factura rápida y ligera.

El traje también resulta anticuado para los años treinta: la gola es de gran tamaño, como se llevaban en el reinado de Felipe III, cuando vivía la reina. Lo mismo pasa con el sombrero, semejante a los que llevaba Isabel Clara Eugenia en algunos retratos.

La reina no puede negar su ascendencia austriaca, patente en la forma de la mandíbula, de marcado prognatismo, común a casi todos los miembros de la familia.

DETALLE 2

Margarita luce en el pecho una perla de gran tamaño, la Peregrina, que también aparece en el retrato de Felipe III, a caballo, quien la lleva como adorno en el sombrero, y un diamante de forma cuadrada llamado "El estanque". Ambos fueron adquiridos por Felipe II.

La técnica minuciosa y detallista de este pintor, más conservador que Velázquez, es evidente en la forma de hacer las joyas, las puntillas de la gola y los bordados del traje. En las manos se puede apreciar la misma precisión y acabado primoroso que en el rostro.

DETALLE 3

La cabeza del caballo está resuelta con una técnica muy distinta del resto, suelta y hecha a base de capas ligeras de pintura, que sólo aparecen más empastadas en los adornos. Toques mínimos, pero de gran efecto, tapan otros anteriores más apurados y los disimulan, dándole un aire de modernidad que no tiene el resto del cuadro.

Esta es la zona más suelta de todo el cuadro y también la más velazqueña. En ella se pueden ver los antiguos arreos, que Velázquez ha cambiado de sitio, llevándolos más arriba, igual que las riendas.

DETALLE 4

A la izquierda de las figuras aparece un jardín bien trazado, con arriates de boj en torno a una fuente. Este fondo tiene que ver con la idea del retrato femenino en oposición al masculino.

A través de la imagen del rey se quieren transmitir ideas de fuerza, poder, valor, dominio, etc; por eso ellos se sitúan en fondos amplios y, a veces, peligrosos, con mares o incluso batallas. Las reinas, por el contrario, deben hacer patentes ideas tradicionalmente asociadas al mundo femenino: calma, dulzura, recato, etc. De ahí el paso lento del caballo y la vista amena de un jardín como lugar doméstico.

La línea de la gualdrapa, y las crines del caballo que llegan hasta ella, también proceden de la modificación hecha por Velázquez.

LA REINA MARIANA DE AUSTRIA

FICHA

Hacia 1652-1653 Oleo sobre lienzo 231 x 131 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Es un retrato oficial de la reina Mariana de Austria, tradicionalmente pareja del Felipe IV armado con un león a los pies, también del museo del Prado. La reina aparece de pie, en un interior adornado por un gran cortinaje, con la mano derecha apoyada en una silla y la izquierda sujetando un pañuelo. Detrás, sobre una mesa, aparece un reloj de torrecilla.

PERSONAJES

La archiduquesa Mariana (o María Ana) de Austria nació en Viena en 1634. Era hija del emperador Fernando III y de la emperatriz María de Austria, la hermana del rey Felipe IV a la que retrató Velázquez en Nápoles en 1630, durante su primer viaje a Italia.

Mariana estaba prometida en matrimonio con el príncipe Baltasar Carlos, hijo de Felipe IV y primo hermano de la archiduquesa; pero, muerto éste en 1646, fue el rey quien la tomó por esposa en 1649, a los catorce años, en Navalcarnero, un pueblo de los alrededores de Madrid. Tuvieron cinco hijos: la infanta Margarita (1651), que sería emperatriz de Alemania; Felipe Próspero (1657), que murió muy joven, y Carlos II (1661), además de otras dos niñas.

En 1665, a la muerte de Felipe IV, la reina se quedó como regente hasta 1675 y desempeñó un papel destacado en el reinado de Carlos II. Murió en Madrid en 1696.

CONTEXTO HISTORICO

Velázquez pinta este primer retrato oficial de la "divina Mariana", como la llamó Calderón de la Barca, hacia 1652-1653, cuando ya ha vuelto de su segundo viaje a Italia, ante la insistencia del monarca, y cuando la joven reina se ha repuesto de la enfermedad que le ocasionó su primer parto.

La reina viste todavía con lujo, algo que desaparecerá en 1665 cuando se quede viuda y pase a la posteridad con las tocas negras, como la retrataron Mazo (retrato de Mariana de Austria) y Carreño (retrato de Mariana de Austria), en las obras que guarda el museo del Greco de Toledo y el Prado. Todavía es joven, alegre y disfruta las distracciones que la corte de Madrid le ofrece: teatros, música, fiestas acuáticas en el Retiro, etc.

Un viajero francés, Brunel, cuenta que:

un día, cuando la reina se exaltó un poco al reírse en la mesa por las posturas y discursos grotescos de un bufón, le advirtieron que aquello no convenía a una reina de España y que era preciso que fuese más circunspecta; siendo joven y habiendo llegado de Alemania hacía poco tiempo, le sorprendió aquella recriminación y respondió… que no podría contener la risa si no alejaban de ella a aquel hombre y que habían hecho mal en advertírselo.

Velázquez retrata en estos años a la familia real y los cuadros que pinta se cuelgan en los palacios de Madrid o se envían a otras cortes europeas. De éste existen varias copias, la más fiel en el museo del Louvre, en París.

La demanda de estos retratos era muy grande, y no siempre por razones oficiales: entre 1650 y 1654, el emperador Fernando III, padre de Mariana, escribe numerosas cartas al rey Felipe IV, pidiéndole retratos de su hija, y después de su nieta Margarita.

Sermo. Señor rey Catholico my hermano antes de ahyer recebí la carta de V.M. de 20 de junio y habiéndome traydo tan frescas nuebas de la salud de V.M. me he holgado tanto más con ella y le doy muchas gracias por las que me da de mi hija, y yo pudiesse tener su retrato en grande me fará grandmo favor porque me holgará mucho de belle, pues de V.M. y de todos entiendo quanto ha crecido y hechose más mujer… (carta del 12 de julio de 1650).

Después del segundo viaje a Italia Velázquez ha ascendido por momentos en sus cargos palatinos: en 1652 el rey le nombra aposentador de palacio, aunque la comisión encargada no está de acuerdo.

Por fin se logra pacificar Cataluña y restablecer el orden en Andalucía, mientras fuera de la Península los españoles vuelven a tomar Dunquerque.

FUENTES DE INSPIRACION

El cuadro, desde el punto de vista compositivo, sigue el modelo de los retratos de corte tal como se fijaron en el reinado de Felipe II, por Sánchez Coello y sus seguidores: una figura de pie, vestida con gran lujo, apoyada en una mesa o una silla, en una actitud fría y distante, que se sitúa muy por encima del espectador.

La distancia viene marcada no tanto por la exhibición de riqueza y poder, aunque también, como por la frialdad y el hieratismo de la retratada que la convierten en alguien infinitamente superior al que la contempla.

El cuadro es parecido, tanto en la actitud y la postura como en la técnica, a otros contemporáneos de la infanta María Teresa, su prima y ahora hija, de la que sólo la separaban cuatro años.

La reina viste guardainfante, un sistema de ahuecar las faldas que vino de Francia y se puso de moda en los años treinta, desarrollándose cada vez más, hasta alcanzar dimensiones enormes, como se puede ver en el retrato de La Infanta Margarita de Austria (1192) del Prado.

El guardainfante fue criticado por algunos moralistas, ridiculizado por los autores de comedias y perseguido por la ley, con un Auto del Consejo de 13 de abril de 1639:

Las mujeres no traigan guardainfantes o otro instrumento o traje semejante, excepto las mujeres que con licencia de las justicias son malas de su cuerpo y ganan por ello.

María Jesús de Agreda, una de las monjas con las que el rey tenía correspondencia, también lo atacó, poniendo como disculpa una visión que había tenido y que le cuenta al rey en 1644:

se me apareció (el alma de la reina Isabel) vestida con las galas y guardainfantes que traen las damas, pero todo era una llama de fuego.Y conocí que el daban grande tormento… Díjome entonces: 'Madre,… dirás al Rey, cuando le vieres, que procure con toda potestad impedir el uso de estos trajes tan profanos que en el mundo se usan, porque Dios está muy ofendido e indignado por ellos y son causa de condenación de muchas almas; yo padezco grandes penas por ellos y por las galas que usaba'.

Por el contrario otros moralistas, como el doctor Arias Gonzalo en su "Memorial en defensa de las mujeres de España y de los vestidos que usan", publicado en 1636, defendían el guardainfante como un método seguro para mantener a las mujeres bajo el control masculino:

Si como dice alguna filosofía, ni el humo ni la llama, ni el viento no es tan leve como la mujer, menester es echarle contrapeso para que no lo sea… Es mejor que [las mujeres] traigan hábito tan pesado y embarazoso para que puedan andar menos y correr nada… Vestido que como conviene cubre las piernas y encubre el movimiento dellas, que es lo más decente y honesto. Y para este efecto y que al andar no descubra un pie por delante y el otro por detrás, es necesario que el vestido baje en forma esférica, ensanchando desde la cintura al suelo, que es la proporción de las enaguas y polleras, que dispuestas con el arillo o guardainfante no traban ni embarazan al andar las piernas ni los pies. Luego es vestido proporcionado a la natural disposición del cuerpo humano y decencia y honestidad de las mujeres.

El reloj de torrecilla que aparece encima de la mesa es semejante al que colocó Tiziano en el retrato doble de Carlos V e Isabel de Portugal, que sólo conocemos a través de una copia de Rubens (Madrid, colección de la duquesa de Alba) y que aparecía también en el retrato de Eleonora d'Este del pintor veneciano (Florencia, Galería de los Uffici). Por su precio es un símbolo de status, pero también de la templanza, virtud propia de reyes, y una alegoría del paso del tiempo y la muerte; como tal aparece también en monumentos funerarios.

Velázquez, a su muerte en 1660, tenía en su poder varios relojes de mucho valor, que aparecen en el inventario de sus bienes:

Un relox pequeñito con unos diamantillos en la caja. Otro relox de porzelana de color turquesa. Otro relox con caja de plata lisa, mediano.

TECNICA Y COMPOSICION

La armonía de colores es lo primero que salta a la vista en este cuadro: el negro del vestido, contrastando con el blanco y el plata de los adornos; como contrapunto cálido el rojo de la mesa y la cortina, las flores en las muñecas de la reina, los lazos y las plumas en el pelo, los labios y las mejillas, junto a los oros del reloj, las joyas y el pelo. Una armonía de la que aprenderán los pintores del siglo XIX, con Manet a la cabeza.

Sobre una base blanca, como en La infanta Margarita de Austria (1192) del Prado, Velázquez pinta con capas muy delgadas y la pincelada deshecha característica de su última época, lo que da como resultado una falta de definición en los rasgos, un algo borroso, vistos muy de cerca, que se convierte en vida a la distancia conveniente.

Sobre esas capas delgadas aplica otras pinceladas, más claras -la cortina- o más oscuras -el pañuelo-, para matizar. El pañuelo blanco, grande como estaba de moda (igual que en el retrato de La infanta Margarita de Austria (1192) del Prado), movido y transparente, permite ver la soltura de las pinceladas de Velázquez, sólo comparable a la de Franz Hals en su siglo.

Por último el pintor aplica toques mínimos y rápidos de color, en general con más pasta que la pintura a la que se superponen, para construir y hacer brillar las joyas y los adornos que luce la reina.

Velázquez ha dedicado el mismo interés a los objetos que a la figura. Como escribe Julián Gállego:

todo en este gran lienzo nos interesa tanto o más que su rostro. Al equiparar el ser humano con lo que le rodea, Velázquez vuelve a aquella concepción igualitaria de sus bodegones sevillanos. Más de tres siglos antes que Cézanne, parece pensar que no hay categorías absolutas que pospongan un pañuelo a unas facciones. Y así, con la discreción habitual…, conservando el esquema radicional del retrato de la casa de Austria, el ayuda de cámara [Velázquez] está destrozando el principio mismo del retrato: la superioridad semidivina de un ser de sangre real sobre los demás seres, de un ser humano sobre lo que no es humano.

El cuadro presenta dos añadidos: uno lateral, a la izquierda, contemporáneo a su realización, para colocar la mano de la reina y la silla, y otro posterior, y bien visible, en la parte superior (de 28 cm de ancho), para igualar el tamaño de este lienzo con el retrato de Felipe IV armado con un león a los pies, con el que no tiene nada que ver desde el punto de vista técnico.

HISTORIA DE CUADRO

En el año 1700 estaba en El Escorial, donde figura en los inventarios de 1746, 1771 y 1794. Desde 1845 pertenece al Museo del Prado, junto con su pareja, Felipe IV armado con un león a los pies.

FICHA DE ESTUDIO

LA REINA MARIANA DE AUSTRIA Por Velázquez Hacia 1652-1653 Oleo sobre lienzo 231 x 131 cm Madrid, Museo del Prado

Es un retrato oficial de la reina Mariana de Austria, sobrina y segunda esposa del rey Felipe IV, aunque su prometido era inicialmente el príncipe Baltasar Carlos, que murió muy joven.

Velázquez lo pinta a la vuelta de su segundo viaje a Italia, hacia 16521653. La reina es entonces una joven de dieciséis años que se ha casado a los catorce con su tío de cuarenta. Hija de la reina María, a la que retrató Velázquez en su primer viaje, será la madre de la infanta Margarita (la de las Meninas) y de Carlos II, entre otros.

Mariana se pinta y se viste a la moda, con un enorme guardainfante, para ahuecar la falda, tal como se hacía desde los años treinta, y lleva un peinado muy complicado, lleno de lazos y adornos. Todavía no es la mujer adusta y envuelta en tocas de viuda que rige los destinos del imperio con su hijo Carlos II, desde le interior del alcázar de Madrid, donde la retratan Carreño de Miranda y Martínez del Mazo.

Velázquez pinta este cuadro en uno de sus mejores momentos, poco antes de hacer Las Meninas, y en medio de otros retratos de la infanta María Teresa, sólo cuatro años menor que la nueva reina.

El pintor sigue el modelo del retrato cortesano que se configuró en tiempos de Felipe II con Sánchez Coello y sus seguidores: una figura aislada, seria, distante y cargada de majestad, con algunos símbolos de poder, como la mesa, el sillón y el reloj. Sin embargo la técnica es radicalmente distinta: lo que allí era minucia y detalle, pincelada prieta, aquí es soltura y libertad de toque, consiguiendo con pequeñas aplicaciones de pintura, construir objetos y hacerlos vibrar.

Habrá que esperar al siglo XIX para encontrar una armonía de colores y una soltura de pincelada que se puedan comparar con estas.

DETALLE 1

El peinado, como el guardainfante, se fue complicando con los años y las pelucas, con sus adornos, crecieron casi al mismo ritmo. A diferencia de la sencillez de Isabel de Borbón o la reina María de Austria, su madre, aquí se multiplican en horizontal los bucles y los lazos. Incluso parece que Velázquez pudo haber ensanchado la peluca una vez pintada.

Los adornos rojos de la pluma están resueltos con una soltura de pincelada pasmosa para su momento. Las joyas del pelo y el collar son simples toques de amarillo y blanco, menudos y ligeros, que construyen los oros y los hacen brillar, como después hará Goya en la Familia de Carlos IV, del Prado.

Debajo de la cara de la reina Mariana se pueden distinguir (en la frente, en torno a los ojos y alrededor de la boca), unos tonos más oscuros. Esto se debe a que Velázquez utilizó para esta obra un lienzo en el que ya había empezado a pintar un retrato del rey Felipe IV, visible en las radiografías.

DETALLE 2

El colorete en las mejillas era criticado en su momento y Brunel, el viajero francés, lo hace al hablar de la infanta: Es una lástima que tenga que someterse a la moda del país, pues no cabe duda que, si no se pusiera tanto bermellón, estaría mucho más guapa, pero se ponen tanto en esta Corte que ella y la Reina, aún teniendo mucho, son… quienes están menos encendidas. Todas las demás se ponen las mejillas de color escarlata, pero de una manera tan grosera que se diría que pretenden disfrazarse más que embellecerse.

DETALLE 3

Tanto en el gran pañuelo blanco que sujeta la reina en la mano izquierda, como en las joyas, los adornos del traje y la propia mano, podemos ver la ligereza de la pincelada de Velázquez, y el abocetamiento. El pañuelo consigue dar la sensación de transparencia y volumen a base de pinceladas más oscuras y la mano carece en absoluto de detalles y está simplemente esbozada, como los anillos y la flor roja.

DETALLE 4

Velázquez pinta parte de la mano derecha de la joven Mariana, que se apoya sobre el respaldo de la silla, sobre el añadido lateral al lienzo y sobre una capa negra (del vestido o del fondo), que todavía se transparenta debajo del tono rosado de la piel.

DETALLE 5

Sobre la mesa aparece un reloj en forma de torrecilla. Este instrumento mecánico, cada día más importante para las gentes del siglo XVII, se suele asociar por entonces con los monarcas, porque el reloj siempre está en vela y nunca duerme, como ellos procurando el bien de sus súbditos; como ellos también rige y gobierna sobre los hombres, que le deben obediencia.

Velázquez, a su muerte en 1660, tenía en su poder varios relojes de mucho valor, que aparecen en el inventario de sus bienes.

LA VENERABLE MADRE JERÓNIMA DE LA FUENTE

FICHA

1620 Oleo sobre lienzo 160 x 110 cm Madrid, Museo del Prado 2873 "Diego Velázquez. F.1620"

TEMA

Es el retrato de una monja franciscana, que viajó a Méjico y a Filipinas, y es, sobre todo, un recuerdo que le pidieron sus compañeras de convento, las clarisas de Toledo, cuando partía definitivamente hacia América, dada su edad (casi setenta años) y la lejanía del destino.

El cuadro cumple la misma función de recuerdo que debía cumplir el retrato de Doña María de Austria, pintado por Velázquez a su paso por Nápoles, para traerlo al rey Felipe IV, su hermano.

PERSONAJE

La madre Jerónima de la Fuente era natural de Toledo, hija de Pedro García Yáñez y Catalina de la Fuente. Fue monja franciscana en esa ciudad, en el monasterio de Santa Isabel la Real, y, con sesenta y seis años, después de hacerse este retrato en Sevilla, salió del puerto de Cádiz rumbo a Méjico y más tarde a Manila, donde llegó en agosto de 1621. Murió allí en 1630.

Era una mujer tan enérgica como muestra su cara y sus hechos: embarcarse para América casi con setenta años, una edad más que avanzada para el siglo XVII. De esa energía, y de su labor en Filipinas, habla la inscripción de la parte baja, añadida después de acabado el cuadro, ya que refleja acontecimientos posteriores al momento en que se pinta:

Este es verdadero Retrato de la Madre Doña Jerónima de la Fuente, Relixiosa del Convento de Sancta Ysabel de los Reyes de T. fundadora y primera Abbadesa del Convento de S. Clara de la Concepción de la primera regla de la Ciudad de Manila en filipi nas. salió a esta fundación de edad de 66 añosmartes veinte y ocho de Abril de 1620 años. salieron de este convento en su compañía la madre Ana de Christo y la madre Leonor de sant francisco 7 Relixiosas y la hermana Juana de sanct Antonio novicia. Todas personas de mucha importancia Para tan alta obra.

La firmeza de la boca cerrada parece una ilustración del texto que figura en la parte alta del cuadro, BONUM EST PRESTOLARI CUM SILENTIO SALUTARE DEI, Es bueno esperar en silencio presentarse a Dios.

CONTEXTO HISTORICO

Velázquez pinta este cuadro en Sevilla, en 1620, en el mes de junio, cuando la franciscana va camino a Cádiz. Posiblemente el encargo le viene por mediación de su suegro -y protector todavía-, Francisco Pacheco, que tenía muchos religiosos entre sus amigos y, en concreto, entre los franciscanos.

Por estos años Velázquez retrató también al propio Pacheco y otros personajes vinculados a la Iglesia, como El venerable Cristóbal Suárez de Ribera, y realizó pinturas religiosas, por las que sería conocido en la ciudad, además de bodegones.

Unos meses antes había nacido su hija Francisca y en este mismo año, 1620, España empieza a tomar parte activa en la guerra de los Treinta años.

FUENTES DE INSPIRACION

Más que como una fuente de inspiración plástica se señala el retrato de Santa Teresa de Jesús, hecho por fray Juan de la Miseria y conservado en el convento de las Carmelitas de Sevilla. Como éste, tiene inscripciones, pero ahí terminan las semejanzas.

Lo que en el retrato de la monja de Avila es entrega a la oración, en la de Toledo es decisión firme, casi fanatismo, como se puede apreciar en el modo de llevar el crucifijo, con la mano muy cerrada, casi como quien lleva un arma.

Hay otro ejemplar muy parecido en Madrid, en la colección Fernández Araroz, que se encontró en el mismo convento y se suele considerar de mano del pintor, aunque algo posterior, y un tercero en Inglaterra, de medio cuerpo.

Un artista español, Saura, se sintió atraido por este tema en los años sesenta y dio una versión propia y descarnada de la religiosa (Jerónima de la Fuente de Saura).

TECNICA Y COMPOSICION

La técnica es muy cercana a la que emplea Velázquez en otos cuadros de este momento, como la Adoración de los magos del Museo del Prado. El cuadro tiene una tonalidad general muy oscura, de la que sólo destacan la cara y las manos, resueltas con una pincelada más empastada, sobre todo en los blancos.

En torno a la figura se puede apreciar una zona más clara, como una especie de halo, que la hace separarse del fondo, y que se encuentra en otras pinturas de Velázquez.

La preparación está hecha con tierra de Sevilla, un material habitual en las pinturas de sus primeros años.

En una limpieza antigua se eliminó la filacteria, que todavía conserva el otro cuadro y que tenía una inscripción: SATIABOR DUM GLORI/FICATUS FVERIT, Satisfaré mi ánimo cuando El sea glorificado.

HISTORIA DEL CUADRO

Estuvo en la clausura del convento de Santa Isabel la Real de Toledo, atribuido a Luis Tristán, hasta 1927, cuando se expuso en una muestra de la Orden de San Francisco, organizada por la Sociedad Española de Amigos del Arte. Desde 1931 está en el Museo del Prado, gracias a una orden judicial, y desde 1944 por compra del Ministerio de Educación y Ciencia y el patronato del Museo.

FICHA DE ESTUDIO

LA VENERABLE MADRE JERONIMA DE LA FUENTE por Velázquez 1620 Oleo sobre lienzo 160 x 110 cm Madrid, Museo del Prado

Este cuadro es el primero firmado y fechado (Diego Velázquez F.1620), que conocemos de su autor. Representa a una monja franciscana, la madre Jerónima de la Fuente, que con sesenta y siete años, dejó su convento de Toledo y se embarcó en Cádiz rumbo a Méjico y Filipinas, donde murió unos años después.

Camino a Cádiz, para embarcar, pasó por Sevilla en el verano de 1620 y allí la retrató Velázquez, posiblemente por mediación de su suegro Pacheco, quien tenía buenos amigos entre los religiosos de su tiempo.

El cuadro, pintado como un recuerdo de alguien que se iba para siempre y a quien no volverían a ver más, por la edad y la envergadura del viaje, quedó en el convento de Toledo hasta nuestro siglo, desconocido y atribuido a otro artista, Luis Tristán, el discípulo del Greco.

Velázquez pinta este retrato en 1620, durante su etapa sevillana, cuando todavía no ha viajado a la corte, y se dedica a la pintura religiosa, como La adoración de los magos del Prado, al retrato, y a los bodegones.

La técnica es también muy semejante a la de estos cuadros, sobre todo a la Adoración de los Magos. Tonos oscuros, ocres y tierras, destacando sólo con más empaste las zonas claras: aquí la cara y las manos de la retratada. Usando también toques muy ligeros de pincel para dar brillos en algunos puntos, como los ojos.

El personaje se impone, cargado de austeridad y majestad, compensando el desgaste físico del cuerpo con la energía espiritual, casi fanática, que transmite la mirada, la boca cerrada con firmeza y los gestos de la madre Jerónima, quien empuña el crucifijo de convertir infieles como los conquistadores empuñaban la espada.

DETALLE 1

El rostro, envejecido pero firme, de la Madre Jerónima se destaca del fondo oscuro en medio del marco blanco y luminoso que le proporciona la toca, más cargada de pintura que el resto del cuadro y con toques mínimos para conseguir luces o reflejos.

Unas pocas pinceladas de blanco y amarillo, rápidas y sueltas, le sirven para trazar el cordón que sujeta la capa y el enganche.

DETALLE 2

Las manos de la Madre Jerónima de la Fuente estan arrugadas y surcadas de venas y tendones; son las manos de una anciana; sin embargo estan llenas de decisión. Toda la fuerza y el convencimiento de esta mujer que se va a convertir infieles "a la verdadera religión", sin importarle los años o las incomodidades del viaje, se reflejan en las manos que llevan el libro -la doctrina- y el crucifijo -el símbolo de su religión-, sujetándolo firmemente como si fuera un arma.

DETALLE 3

Sobre la inscripción de la parte inferior izquierda se puede leer la firma de Velázquez: "Diego Velázquez F. 1620". F es la inicial de "fecit" -hizo, en latín- y un modo muy habitual que tienen los artistas de firmar sus obras. Esta inscripción hace de este cuadro el primero de los que se conocen con firma y fecha del sevillano.

Entre los pliegues del hábito vemos asomar el extremo inferior del cordón característico de la órden franciscana.

LAS HILANDERAS O LA FÁBULA DE ARACNE

FICHA

Hacia 1657 Oleo sobre lienzo 220 x 252 cm Madrid Museo del Prado

TEMA

Las Hilanderas nos muestra, en apariencia, una escena de trabajo cotidiano en un taller. Durante muchos años se pensó que representaba unas habitaciones de la fábrica de tapices de Santa Isabel, y de ahí tomó la denominación.

La investigación histórica ha demostrado que el cuadro tiene un tema mitológico, la fábula de Aracne, donde se recoge la competición entre ella y Minerva para ver quién hacía el mejor tapiz.

Aunque se trata de una mitología, otra más al final de su vida, Velázquez la trata de un modo realista, sin ninguna idealización, como hace siempre que se acerca a estos temas.

El cuadro se nos muestra como una escena de teatro, en el momento de abrir el telón. Tiene dos ámbitos diferenciados por la luz, que corresponden a dos momentos distintos de la historia. El primer término es una escena de taller en la que quizá se ve el inicio de la contienda: la diosa, disfrazada de anciana, y Aracne, a la derecha, rodeadas de ayudantes, preparan los hilos para tejer.

En la habitación del fondo unas damas, vestidas con elegancia, contemplan la escena final de la fábula: Minerva, con casco y armadura, levanta el brazo y se dispone a convertir a Aracne en araña (eso significa su nombre), como castigo por haberse atrevido a desafiarla.

El tapiz que ocupa el fondo de la escena es una copia de El rapto de Europa de Tiziano, un cuadro que se encontraba en el Alcázar y que Rubenshabía copiado durante su estancia en Madrid en 1628.

Las mitologías tomaban, aparte de la historia concreta que representaban, un significado moral. En la introducción a la Philosophia Secreta de Juan Pérez de Moya se puede leer: Philosophia secreta. Donde debaxo de historias fabulosas se contiene mucha doctrina provechosa a todos los estudios. Con el origen de los ídolos o dioses de la gentilidad. Es materia muy necesaria para entender Poetas y Historiadores. Ordenado por el bachiller Juan Pérez de Moya. Madrid 1585.

En este libro, que Velázquez tuvo en su biblioteca, se extraen unas conclusiones a la fábula de Minerva y Aracne: siempre puede haber alguien que supere a otro, por más excelencia que tengamos no podemos compararnos con Dios, y el saber siempre es frágil.

En los últimos años se han propuesto otras interpretaciones en las que se relaciona el cuadro con la idea de la pintura como arte liberal o noble y se han extraído distintas conclusiones mediante análisis de emblemática.

PERSONAJES

Minerva, la Atenea de los griegos, era hija de Júpiter, el rey del Olimpo. Este la concibió en su pensamiento con caracteres masculinos y femeninos, y tanto pensó que se quedó embarazado de ella en su cabeza.

Ante los dolores terribles que sufría, Júpiter pidió a Vulcano que le asestara un hachazo en el cráneo. Así nació Atenea, con veinte años, y armada de casco, coraza, escudo y lanza.

Diosa de las Bellas Artes y la Sabiduría, es protectora de la ciudad de Atenas y con el nombre de Palas, es también diosa de la guerra. Inventó la escritura, la pintura y el bordado. Su orgullo le llevó a enfrentarse y a castigar a las mujeres que pretendían igualarla, como Aracne 0 Medusa, una de las gorgonas.

Aracne era una tejedora de tapices de la ciudad de Colofón, en Lidia. Joven de origen humilde, hija de un tintorero, tejía unos tapices maravillosos cuya visión extasiaba a quienes los contemplaban. Orgullosa de su habilidad afirmó que no tenía miedo de competir con Minerva pues su arte era superior.

La diosa, disfrazada de anciana, aceptó el reto, Aracne la superó y en castigo la transformó en una ara-a, condenándola a tejer eternamente y a vivir colgada. El mito es la explicación de algo tan mágico como que un animal sea capaz de fabricar telas.

CONTEXTO HISTORICO

Velázquez pinta Las Hilanderas al final de su vida. Tras regresar del segundo viaje a Italia, en 1651, y hasta su muerte, en 1660, en la última década de su producción artística, pinta poco, pero realiza dos de sus obras maestras, ésta y Las Meninas.

En 1652 había sido nombrado aposentador, cargo con múltiples obligaciones que le impide trabajar en su faceta de pintor. Como aposentador organiza en 1660 la entrega de la infanta María Teresa, hija de Felipe IV, a Luis XIV, rey de Francia, como ratificación de la Paz de los Pirineos, entre los dos países, firmada el año anterior.

Después de las fatigas del viaje y la organización de la ceremonia, a su regreso a Madrid, cae enfermo y fallece poco después.

FUENTES DE INSPIRACION

Son varios los precedentes literarios que se encuentran para esta obra pero el que más se aproxima es el texto de las Metamorfosis de Ovidio, que Velázquez tenía en su biblioteca.

Los poemas de Tiziano, que el pintor podía ver en las colecciones reales, son un claro precedente de este tipo de representaciones mitológicas con una fuerte dosis de realismo. Un ejemplo es la Dánae de Tiziano, en la que sólo el detalle de la lluvia de oro nos da la clave interpretativa.

En las Hilanderas la figura de Minerva, al fondo, y el instrumento musical que hay en el plano intermedio son los únicos elementos extraños en una composición alabada por su verismo.

El cuadro tiene dos escenas: el primer plano y la habitación del fondo. Esta se convierte en un cuadro dentro del cuadro, algo que Velázquez conocía a través del grabado flamenco y que había utilizado en composiciones de juventud como Cristo en casa de Marta y María (Londres, National Gallery).

La disposición de las dos mujeres en el primer plano con una escena entre ellas (la habitación del fondo) está inspirada en la Capilla Sixtina, en concreto en los ignudi del tramo de la Sibila pérsica, tal y como desveló Angulo. Velázquez había copiado los frescos de Miguel Angel durante su primer viaje a Italia tal y como relata su suegro Pacheco:

Llegó a Roma, donde estuvo un año muy favorecido del cardenal Barberino, sobrino del Pontífice, por cuya orden le hospedaron en el Palacio Vaticano. Diéronle las llaves de algunas piezas; la principal dellas estaba pintada al fresco, todo lo alto, sobre las colgaduras, de historias de la Sagrada Escritura, de mano de Federico Zúcaro… dexó aquella estancia por estar a trasmano y por no estar tan solo, contentándose con que le diesen lugar las guardas para entrar cuando quisiese a debuxar del Juicio de Micael Angel o de las cosas de Rafael de Urbino, sin ninguna dificultad, y asistió allí muchos días con grande aprovechamiento.

La pintura italiana ejerce una influencia muy importante en Velázquez, pero no hay que desdeñar, como recuerda Díaz Padrón, el conocimiento que tenía de la pintura flamenca a través de las colecciones reales. Cuadros como La vista y el olfato de Jan Brueghel de "Velours" tienen unos estudios de luz lateral que hacen sentir el ambiente, tal y como los vemos en Las Hilanderas y Las Meninas.

TECNICA Y COMPOSICION

El cuadro tiene una composición muy equilibrada. En la primera escena y en el fondo hay el mismo número de figuras dispuestas de un modo similar: una en el centro y dos a cada lado.

En el primer plano, las dos mujeres tienen posturas contrapuestas: forman dos líneas diagonales que parecen abrirse como páginas de un libro, para mostrar la escena final de la fábula que ellas enmarcan, formando una uve, que se repite al fondo, y dejan a Aracne en el centro del cuadro.

Las Hilanderas son, como Las Meninas, un prodigio de verismo y captación de la realidad tal y como la percibe el ojo humano. La forma de iluminar y la perspectiva aérea crean una ilusión de espacio y ambiente.

En el primer plano Aracne recibe una fuerte iluminación que la sitúa ópticamente cerca del espectador, en contraste con el resto de la habitación menos iluminada. Al fondo, en un lateral de la segunda estancia, hay una fuente de luz que entra en diagonal de izquierda a derecha.

Estas alternancias de luz y sombra crean una ilusión óptica de espacio gracias a la perspectiva aérea, y al fondo borroso por efecto del aire interpuesto, que desdibuja los contornos en la distancia.

Según se gana en profundidad se pierde en detalle y con los toques precisos Velázquez da la referencia visual imprescindible para que el ojo lo capte y construya la imagen. Es una técnica moderna, muy alejada del gusto español de la época por la pintura de pincelada minuciosa y bien acabada.

Podemos sentir el aire de la habitación y, como el aire transmite los sonidos, también se ha dicho que podemos oír el sonido de la rueca que gira rápidamente.

El cuadro es una instantánea, como la Fragua de Vulcano o Las Meninas. Velázquez pinta un momento preciso, detiene el tiempo y capta el movimiento en la rueca, en la mano de Aracne y en el gesto de Minerva castigando.

La técnica es muy fluída, con pinceladas sueltas y rápidas que sugieren variaciones tonales según la luz. Una técnica casi impresionista que aparece en su obra tras volver del primer viaje a Italia, que empieza a ensayar en fondos y en retratos de bufones y que culmina de un modo magistral en sus obras finales: Las Meninas y Las Hilanderas.

El color es casi siempre dado en una sola capa, sobre la que luego se aplican toques rápidos y superficiales. Las zonas más empastadas son las más luminosas, como la figura de la joven de blanco del primer ambiente, Aracne.

Hay un predominio de colores marrones, ocres y verdosos, colores de ropa de trabajo y recurrentes en su obra. Pero el blanco de la camisa de Aracne, el rojo de la cortina y las faldas de la joven del centro, el amarillo y el azul de la mujeres del fondo, le dan unos tonos alegres que no tiene la mayor parte de su obra, resuelta con gran sobriedad.

El cuadro sufrió numerosas modificaciones según se iba pintando y casi todas las mujeres cambiaron algo de postura, lo que era habitual en el modo de trabajar de Velázquez.

El lienzo original era más pequeño y posteriormente se agrandó, añadiéndole unas bandas en los cuatro lados, siendo más notables las de arriba y la izquierda y más aún después de la limpieza y restauración del cuadro.

HISTORIA DEL CUADRO

El cuadro perteneció a Pedro de Arce, montero del rey, en cuya colección está inventariado en 1664. Otra pintura de Diego Velázquez de la fábula de aragne de más de tres varas de largo y dos de caída, tasada en quinientos ducados.

Este dato no se supo hasta nuestro siglo, gracias a María Luisa Caturla, y fue definitivo para confirmar la suposición de Angulo, apuntada anteriormente por Enriqueta Harris, de que el cuadro representaba la mencionada fábula y no una escena de género como se había creído hasta entonces.

De Arce pasó a la colección de don Luis de la Cerda, IX duque de Medinaceli, donde ya aparece inventariado como escena de género. A su muerte, en 1711, entra en las colecciones reales donde es citado por primera vez en el inventario de 1772 del Palacio Real como procedente del Palacio del Buen Retiro:

Número 982. Otro que expresa una fábrica de tapices y varias mujeres hilando y devanando, de tres varas y media de largo y una menos de caída, original de Velázquez.

En el inventario de 1792 se le denomina por primera vez Las Hilanderas valorándose en 60.000 reales de vellón.

Está en el Museo del Prado desde su apertura en 1819 y su estado de conservación no es tan bueno como el resto de obras de Velázquez.

FICHA DE ESTUDIO

Las Hilanderas o La fábula de Aracne Por Velázquez Hacia 1657 Oleo sobre lienzo 220 x 252 cm Madrid, Museo del Prado

Bajo la apariencia de una escena de género, Velázquez pinta una mitología, la fábula de Minerva y Aracne, una competición entre una diosa y una mortal para decidir quién era mejor tejedora de tapices, siguiendo el relato de las Metamorfosis de Ovidio y su modo verista de hacer mitologías.

El cuadro tiene dos escenas diferenciadas por la luz: en el primer término la diosa y Aracne se preparan para tejer; al fondo, en la escena final, Minerva, con casco y armadura va a convertir a Aracne en araña por haberse atrevido a desafiarla.

El tapiz, que cuelga en la pared del fondo, es una copia de El rapto de Europa de Tiziano y este dato sirvió para identificar el cuadro, porque es precisamente la escena que tejió Aracne.

Está pintado al final de su vida, cuando Velázquez, tras volver de su segundo viaje a Italia, trabaja poco, debido a sus ocupaciones como aposentador real, pero realiza dos de sus obras maestras, Las Meninas y Las Hilanderas.

Las formas parecen disolverse en el aire de la estancia y son la luz y el color los que crean la composición. La factura es muy suelta, a base de pinceladas ligeras y rápidas, con poca pasta, que muestran cómo cambian de tonalidad los colores según la cantidad de luz que reciben.

La habitación del fondo es un cuadro dentro del cuadro, algo que ya había hecho Velázquez al principio de su carrera en Sevilla. La composición es muy equilibrada: Aracne y Minerva forman dos diagonales que se abren para dejar ver el final de la fábula, con una disposición está inspirada en los "ignudi" de Miguel Angel en la capilla Sixtina.

El significado de Las Hilanderas puede estar relacionado con la creación artística y la idea de la pintura como arte liberal, no mecánica, y por tanto, con la condición social del pintor.

DETALLE 1

La anciana sostiene el huso en la mano y está hilando en la rueca las pellas de lana. La rueca gira con rapidez y el pintor ha sido capaz de transmitir la sensación de velocidad: no se ve la mano ni los radios, y lo que se ve a través de la rueca está distorsionado por efecto del giro. Sin embargo vemos el reflejo de la luz en los radios que giran.

DETALLE 2

La joven de espaldas a nosotros, está devanando la madeja y haciendo ovillos. Su mano trabaja rápido y ejecuta el movimiento característico de esta labor. Velázquez ha captado el movimiento lo cual, junto con el giro de la rueca, nos transmite perfectamente la actividad en la fábrica de tapices.

Desde el punto de vista pictórico es un ejemplo más de su técnica prodigiosa ya en estos años: son las pinceladas justas las que crean el efecto buscado, como los hilos que caen.

DETALLE 3

Minerva aparece al fondo del cuadro con su iconografía habitual, armada de casco y coraza; tiene el brazo levantado y tanto ella como Aracne, y más aún el tapiz del fondo, del que distinguimos los angelotes volando, el toro blanco, la forma rosada de Europa y las telas sobre su lomo, están hechos a base de unas pocas pinceladas, ligeras, sueltas y deshechas, con colores mucho más claros que los del primer plano.

La factura abocetada del cuadro es especialmente apreciable aquí, donde todo se desdibuja para realzar la ilusión de profundidad. El detalle permite apreciar la pincelada justa y fluída del pintor, que con poco es capaz de conseguir mucho. Mas que pintar, sugiere. La finura de la capa de pintura deja entrever la preparación, que se convierte así en parte de la composición.

La banda que enmarca el tapiz está hecha con toques de distintos colores yuxtapuestos que ya ni siquiera pretenden crear formas, algo inusual antes de los finales del siglo XIX.

DETALLE 4

El instrumento de música que se ve en el término medio está apoyado en una silla sobre cuyo respaldo la mujer de amarillo reposa el brazo. Se trata de un contrabajo, un violoncelo o una lira de quince cuerdas según distintos autores.

Su presencia, extraña como la de Minerva en una manufactura de tapices, hizo pensar que el cuadro era algo más que una simple escena de género.

En los tratados de medicina de la época se consideraba la música como un antídoto contra el veneno de la araña, por lo que se interpreta como una alusión a Aracne.

DETALLE 5

La escalera podría considerarse otro elemento extraño aunque sea necesaria para colgar los tapices de la pared y no esté de más en el desorden de un taller. La escalera sirve para subir, por lo que es símbolo de ascensión espiritual; además parece unir dos ámbitos netamente diferenciados: por una parte el taller, donde se efectúa la labor manual y mecánica y por otra la habitación del fondo, más iluminada, con mujeres elegantemente ataviadas y donde están los tapices, es decir, la obra de arte acabada con el "valor añadido" del artista.

Según Moffit esto confirma la idea de Tolnay, seguida por Brown, de que en el cuadro está expresada la idea de la pintura como arte liberal, no mecánica, y, por tanto, nos habla de la dignidad del pintor como artista que es, también, el tema de Las Meninas.

DETALLE 6

La manera de hacer borrosa, indefinida y poco empastada de Velázquez es muy clara en la joven sentada que carda la lana y ocupa el centro del primer espacio. Desde los personajes que aparecían en las esquinas de Los Borrachos, pasando por algunas figuras de Las Lanzas, Marte o Las Meninas, esta falta de indefinición es una de las constantes de su pintura.

DETALLE 7

El número corresponde a un inventario del siglo XVIII que ya fue hecho sobre el cuadro agrandado, pues está pintado sobre el añadido del lado izquierdo.

Tradicionalmente se ha pensado que el cuadro había sufrido durante el incendio del Alcázar en 1734 y de ahí el deplorable estado de conservación que tenía hasta la restauración. Sin embargo, los números blancos corresponden a cuadros procedentes del Palacio del Buen Retiro y éste no aparece en el inventario de los cuadros salvados del incendio; quizá nunca estuvo en el Alcázar.

DETALLE 8

Velázquez tiene ya muchos años y hace muchos que dejó Sevilla y las enseñanazas de Pacheco. Sin embargo no ha olvidado la precisión a la hora de reproducir, de crear, los objetos y dotarlos de sus calidades y texturas propias: el taburete en el que se sienta Aracne, las telas, la rueca, la cesta o la lana, siguen siendo por sí solos espléndidos trozos de naturalezas muertas.

LAS LANZAS O LA RENDICIÓN DE BREDA

FICHA

1634 - 1635 Oleo sobre lienzo 307 x 367 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

El tema es la rendición de la ciudad de Breda (Holanda) ante las tropas españolas el 2 de junio de 1625, tras nueve meses de asedio. Representa el momento en que el gobernador de la ciudad, Mauricio de Nassau, entrega las llaves de la misma al general genovés que manda las tropas españolas, Ambrosio de Spínola, el 5 de junio de aquel mismo año.

Spínola seguiría fielmente las órdenes del rey Felipe IV, quien, según la tradición, le mandó un mensaje con una sola frase: Marqués de Spínola, tomad a Breda, aunque lo cierto parece ser que la idea fue del general.

Breda, situada al sur de Brabante, era una plaza estratégica fundamental para el control de la navegación fluvial y del camino de Amberes. Los holandeses habían recurrido a los sistemas defensivos más sofisticados para su fortificación, utilizando trincheras y obras de ingeniería muy complejas que permitían inundar las zonas de alrededor.

La ciudad se consideraba inexpugnable y su conquista constituyó uno de los principales éxitos de aquella contienda, que contribuyó a elevar la moral del ejército español, en un momento en el que la guerra de los Paises Bajos se encontraba en un punto muerto.

En 1639 la ciudad fue definitivamente reconquistada para los holandeses por Federico Enrique de Orange, a cuya familia había pertenecido siempre la ciudad.

PERSONAJES

Ambrosio de Spinola nació en Génova en 1569. Procedente de una familia de banqueros muy vinculados a la monarquía española, hijo de Spínola y Polisena Grimaldi, prefirió seguir la carrera militar. En 1602 ofreció seis mil soldados a Felipe III, fue nombrado maestre de campo y tomó el mando de las tropas españolas en los Paises Bajos; allí sus victorias más importantes fueron la conquista de Ostende (1604), Juliers (1622) y Breda (1625).

Cuando estalló la guerra en Italia por la sucesión del ducado de Mantua, Spínola fue nombrado gobernador del Milanesado y general del ejército español enaquella península, muriendo en Castelnuovo en 1630. Fue el último gran general de los Austrias, pagó los ejércitos de su bolsillo y contó siempre con la enemistad de Olivares por su antigua amistad con el Duque de Lerma.

Velázquez conoció personalmente a Spinola en 1929, durante su primer viaje a Italia, cuando iban en barco de Barcelona a Génova. En aquella ocasión pudo haber hecho su retrato, que le serviría después para el cuadro de Las Lanzas.

Justino de Nassau, el gobernador de Breda, era hijo ilegítimo de Guillermo de Orange, el Taciturno. Aunque fue el quien firmó la capitulación de la ciudad y entregó las llaves al general español, el verdadero artífice de la defensa de aquella plaza fuerte fue su hermano Mauricio de Nassau (15671625), un militar, hijo de Ana de Sajonia y muerto poco tiempo antes de que finalizara el sitio de Breda.

Además de Spinola y Justino de Nassau, se ha querido reconocer en los personajes situados inmediatamente detrás de ellos a Juan de Nassau y a varios militares españoles: el conde de Feria, el marqués de Leganés, el marqués de Balanon y don Carlos Coloma. Pero de nada de esto hay certeza.

También hay quien ha querido ver un autorretrato del pintor en el hombre con bigote y sombrero que aparece a la izquierda del cuadro, entre el caballo y el borde del lienzo, pero tampoco existen razones que avalen esta suposición.

CONTEXTO HISTORICO

Cuando Velázquez pinta Las Lanzas, entre 1634 y 1635, se encuentra en el momento crucial del cambio que sufre su pintura a partir del primer viaje a Italia. Ya es alguacil de corte, desde 1633 y en 1634 le nombran ayudante de guardarropa; por su parte cede el cargo de ujier de cámara a su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo, casado con Francisca el año anterior.

El cuadro fue pintado para el Salón de Reinos del palacio del Buen Retiro, formando parte de un programa iconográfico destinado a celebrar la política exterior del Conde Duque de Olivares y los triunfos militares de la monarquía, en un momento en el que las circunstancias políticas se mostraban favorables para España.

En 1634 las tropas españolas al mando del Cardenal Infante vencen a los suecos en la batalla de Nordlingen, con lo que se estabilizan las fronteras protestantes. En 1635 estalla de nuevo la guerra entre Francia y España y los españoles son derrotados en Namur.

FUENTES DE INSPIRACION

En Las Lanzas Velázquez utilizó distintas fuentes de inspiración, tanto literarias como plásticas:

1 El libro Obsidio Bredana (Amberes, 1626) del jesuita Hermann Hugo, capellán de Spínola. Escrito por un testigo presencial de aquel suceso, este libro ilustrado con grabados y traducido en seguida al castellano como "El sitio de Breda, rendida a las armas del rey Felipe IV", es el testimonio más importante del hecho militar.

2 El grabado de Bernard Salomon, Abraham y Melquisedec, grabado en Lyon en 1553 para ilustrar escenas bíblicas, "Quadrins Historiques de la Bible" es la imagen más próxima desde el punto de vista compositivo: un encuentro entre dos personajes que se acercan uno a otro, flanqueados por grupos de gente armada.

3 El grabado de Jacques Callot sobre el Sitio de Breda, encargado por la infanta Isabel Clara Eugenia en 1627, poco tiempo después del suceso, para conmemorar la victoria. Este grabado recoge fielmente el desarrollo de los acontecimientos: Spínola contempla a caballo la salida de Nassau y sus tropas, que se hizo en buenas condiciones. Los civiles podían llevar sus bienes al abandonar la ciudad y el ejército salía con armas y estandartes, ante los oficiales españoles descubiertos.

4 El drama de Calderón de la Barca "El sitio de Breda", que se representó en 1625, para conmemorar la victoria y donde tiene lugar esta conversación entre Nassau y Spinola:

"Aquestas las llaves son de la fuerza, y libremente hago protesta en tus manos que no hay temor que me fuerce a entregarla, pues tuviera por menos dolor la muerte…"

y Spínola contesta a Nassau:

"Justino, yo las recibo, y conozco que valiente

sois; que el valor del vencido

hace famoso al que vence.

Y en el nombre de Filipo

Cuarto, que por siglos reine,

con más victorias que nunca,

tan dichoso como siempre, tomo aquesta posesión".

De aquí pudo tomar Velázquez la idea de la clemencia de los españoles como un valor superior al triunfo militar. Spinola es generoso porque ha vencido y evita a Nassau la humillación de arrodillarse.

Con el mismo motivo Peeter Snayers, un pintor holandés, pintó otros tres cuadros: Toma de Breda, Vista caballera del sitio de Breda e Isabel Clara Eugenia en el sitio de Breda, los tres en el Prado (1743, 1748, 1747).

En estos tres importa más el aspecto documental: la topografía, las características del lugar, los accesos, la situación de las tropas, la visita de Isabel, etc, como en el grabado de Callot. Mientras Velázquez, sin despreciar todos esos elementos, que coloca en un lugar secundario, se concentra en el momento clave: la entrega de la ciudad a manos de los españoles y en los hombres que lo han hecho posible -Spínola y Nassau- y los tercios de Flandes.

Con el mismo tema Snayers pinta documentos y Velázquez hace una obra maestra.

Las Lanzas es un cuadro admirado y famoso desde que se pintó, por el tema y por el modo de representarlo. Eso explica que, en el siglo XIX, cuando España miraba con añoranza a su pasado glorioso, los pintores quisieran emular las hazañas de Velázquez, como los españoles emulaban las de los Austrias.

Cuando Casado del Alisal pinta en 1864 la Rendición de Bailén, donde los franceses entregan la ciudad a las tropas españolas al mando del general Castaños, Las Lanzas es más que un modelo para Casado y se convierte casi en un patrón que calcar.

TECNICA Y COMPOSICION

El centro de la composición está ocupado por el encuentro de los dos generales y la entrega de las llaves. Este es el motivo fundamental del cuadro y todos los otros elementos contribuyen a resaltarlo.

El caballo, las lanzas y los grupos de soldados que ocupan el primer plano sirven como barrera óptica para impedir que la mirada del espectador se pierda en el fondo de paisaje. La composición se cierra a la izquierda por el caballo, que nos da la grupa y nos mete en el cuadro con su escorzo, y, a la derecha, por el soldado de espaldas vestido de marrón claro.

Todo esto hace que la mirada se dirija al tema principal, la entrega de las llaves, que ocupa el centro geométrico del lienzo, en el lugar exacto donde se cruzan las diagonales.

Además, los brazos de los generales trazan a su alrededor un círculo oscuro que hace destacar las llaves sobre la zona luminosa, que se encuentra inmediatamente detrás de ella, y sobre los uniformes de tonos claros que visten los soldados del segundo plano en contraste con las gamas de ocres y pardos que dominan el primero.

Velázquez pinta al óleo con la libertad que le caracteriza, dando mayor o menor cantidad de pasta sobre la tela, en función de sus necesidades y del efecto que quiere conseguir. La técnica es muy ligera en algunas zonas, como en el joven que sujeta el caballo del centro, dejando ver por debajo la preparación de la tela. En otras zonas, más luminosas, como el grupo de soldados vestidos de claro detrás de la llave, es más empastada.

Las pinceladas son cortas y producen un efecto brillante en la armadura de Spínola y el traje de Nassau, los protagonistas; mientras en la grupa del caballo y el hombre de la izquierda son más largas y uniformes. El paisaje del fondo está hecho a base de colores muy diluídos y aplicados en toques breves y rápidos.

En este cuadro Velázquez, a diferencia de lo que es habitual en su pintura, utiliza una línea de horizonte muy elevada -aproximadamente a las tres cuartas partes de la altura de la tela-, necesaria, en este caso, para hacer visibles las fortificaciones de la ciudad y los movimientos de las tropas.

Se conservan en la Biblioteca Nacional de Madrid un par de dibujos preparatorios para este cuadro, lo cual no es frecuente en este pintor, que solía modificar en el lienzo, sobre la marcha, a medida que iba pintando.

HISTORIA DEL CUADRO

Velázquez pintó este cuadro para el Salón de Reinos del palacio del Buen Retiro. Allí estuvo desde 1635 hasta mediados del siglo XVIII en que se llevó al Palacio Nuevo, figurando en los inventarios de pinturas de 1772 y 1794. En 1819 pasó a formar parte del Museo del Prado.

FICHA DE ESTUDIO

LAS LANZAS O LA RENDICION DE BREDA Por Velázquez 1634-1635 óleo sobre lienzo 307 x 367 cm Madrid, Museo del Prado

Pintado para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro de Madrid, junto a los retratos de los monarcas a caballo (los reinantes: Felipe IV e Isabel de Borbón; sus antecesores: Felipe III y Margarita de Austria y el heredero, Baltasar Carlos). Formaba parte de un programa decorativo destinado a exaltar el poder de la monarquía española, a través de batallas ganadas por sus ejércitos.

Inspirado en obras anteriores, alguna incluso de tema religioso, como Abraham y Melquisedec, un grabado del siglo XVI, hecho por Bernard Salomon, para ilustrar escenas bíblicas (Quadrins Historiques de la Bible, Lyon, 1553), Velázquez adapta la composición a esta escena de guerra, que no se desarrolló tal como la vemos en el cuadro.

El acontecimiento tuvo también repercusiones literarias. Calderón escribió una obra de teatro con el mismo título, en la que se recoge esta escena con las llaves como protagonistas, que pudo servir de fuente de inspiración a Velázquez, para resaltar la clemencia de los españoles.

El pintor emplea la pintura al óleo con plena libertad, empastando más unas zonas que otras, y utilizando piceladas breves, independientes y brillantes (en los dos protagonistas) o largas y uniformes (en el caballo y los hombres de la izquierda).

DETALLE 1

La llave es el centro del cuadro; aparece enmarcada por los cuerpos de Spinola y Nassau, la línea del suelo, el sombrero y el bastón de mando. En medio de ese marco casi hexagonal se destaca la mancha oscura de la llave, sobre el fondo claro que forman los uniformes rosas de los soldados.

La llave es el símbolo de la ciudad que cambia de manos, como el gesto de Spínola es el símbolo de la magnanimidad de la monarquía española con los vencidos.

DETALLE 2

El ademán del general genovés, con la mano en el hombro de Nassau, impidiendo que se arrodille, pero con su cabeza unos centímetros más alta, no refleja la realidad de la rendición, ni se corresponde con otras, como la Rendición de Jülich, de Jusepe Leonardo, pintado también para el Salón de Reinos, y con Spínola como protagonista. En este cuadro el general recibe la llave desde lo alto de su caballo, mientras el vencedor se la ofrece arrodillado en el suelo.

DETALLE 3

En el ángulo inferior izquierdo vemos duplicadas las botas y las espuelas del hombre vestido de marrón. Son los llamados arrepentimientos, correcciones y cambios que hace el artista según va pintando, muy frecuentes en sus cuadros. Velázquez no solía respetar un esquema previo, sino que modificaba a medida que se desarrollaba la obra.

DETALLE 4

En el paisaje del fondo los árboles se pintan con pequeños golpes de pincel de color verde, mientras los fuegos se hacen con rojo y blanco, en su mayor parte. Junto a ellos vemos toda la gama de blancos, grises, verdes y azules que se consigue a base de mezclar diferentes azules.

DETALLE 5

En el hombre con bigote y sombrero que aparece a la derecha, debajo de la bandera, entre el caballo y el extremo del cuadro, y que mira fijamente al espectador, se ha querido ver un autorretrato de Velázquez; pero no hay razones de peso que avalen esta teoría.

Simplemente el deseo romántico de encontrar al artista en cada una de sus obras, y en especial en una tan importante como ésta.

DETALLE 6

También las lanzas, que dan nombre al cuadro, variaron de tamaño a lo largo de la realización de la obra, como se puede ver gracias a los estudios realizados con infrarrojos. Al principio eran más cortas y más estrechas, pero Velázquez les dio mayores dimensiones y mayor protagonismo, hasta provocar el nombre más popular de esta obra.

DETALLE 7

La soltura de la pincelada velazqueña, ya en mitad de la década de los treinta, y el aspecto borroso y abocetado que da a sus pinturas, es patente en la figura del soldado vestido de blanco, a la derecha de Nassau, y en los hombres que le rodean. Pinceladas más empastadas para el traje blanco y muy diluídas para el rostro, el pelo y las manos; pero todas igual de libres y vivas.

LAS MENINAS O LA FAMILIA DE FELIPE IV

FICHA

Hacia 1656 Oleo sobre lienzo 310 x 276 cm Madrid. Museo del Prado

TEMA

Es un retrato de grupo en un interior. En una sala del antiguo Alcázar de los austrias en Madrid, Velázquez se retrata pintando un gran lienzo. La infanta Margarita ha ido a verle trabajar acompañada de su pequeña corte: dos damas de honor (las meninas), dos bufones con un perro y dos sirvientes. Al fondo, un hombre de negro sujeta una cortina y espera.

Mientras Velázquez pinta los reyes pasean por el alcázar, precedidos por el aposentador de la reina que les abre las puertas. Felipe IV y Mariana de Austria han entrado en la sala y podemos verlos reflejados en el espejo.

Lo que vemos en el cuadro es la escena que verían los reyes al entrar en la habitación. El cuadro es una instantánea. El pintor detiene el tiempo en el momento en que los monarcas acaban de entrar y esto hace cambiar de actitud a algunos personajes, que han interrumpido su acción.

La primera en percibir la presencia de los reyes es la menina de la derecha, que inicia una reverencia; Velázquez ha dejado de pintar y vuelve la cabeza; la infanta Margarita, que tenía la cabeza hacia la derecha, dirige los ojos al frente para ver a sus padres.

Velázquez capta con precisión el ambiente y la atmósfera que reina en el interior de la habitación palaciega. Porque en Las Meninas contemplamos una escena que tiene lugar en el Alcázar, pero no se trata de ninguna ceremonia oficial dentro del rígido protocolo de los Austrias.

En realidad es un gigantesco autorretrato. Velázquez se retrata pintando y recibiendo, mientras trabaja, la visita del rey, que le dignifica a él como pintor y a la pintura como arte noble.

Este es el verdadero tema de las Meninas, la nobleza de la pintura: el cuadro tiene como eje la presencia del monarca en el taller del pintor cuando éste se encuentra en pleno proceso de creación.

PERSONAJES

Los personajes de Las Meninas, en primer término, de izquierda a derecha son:

Diego Rodríguez de Silva Velázquez, pintor del rey y aposentador real; en el pecho lleva la cruz de Caballero de la Orden de Santiago pintada en un momento posterior y, colgando del cinturón, la llave de aposentador.

Agustina Sarmiento, hija de Don Diego Sarmiento Sotomayor, tercer conde de Salvatierra y de Doña Juana de Isasi Ladrón de Guevara, segunda condesa de Pie de Concha. En 1659 casó con Don Juan Domingo Ramírez de Arellano, Conde de Aguilar, del que enviudó nueve años después, casando en segundas nupcias con Don Diego Felipe Zapata, Conde de Barajas, con el cual tampoco tuvo descendencia.

La infanta Margarita de Austria, primogénita de Felipe IV y su segunda esposa Mariana de Austria, posteriormente emperatriz de Austria por su matrimonio con el emperador Leopoldo, el 12 de diciembre de 1666.

Isabel de Velasco, hija de Don Bernardino de Velasco Ayala y Rojas, séptimo conde de Fuensalida y de Doña Isabel de Velasco, antigua dama de la reina Isabel, la primera mujer de Felipe IV. Fue nombrada menina de Mariana de Austria en 1649.

Maribárbola, enana de la reina, de origen alemán. Estuvo en el Alcázar, donde se encuentra documentada entre 1651 y 1700, y Moreno Villa la identificó como Bárbara Asquin, que antes había sido enana de la condesa de Villerval. Al morir ésta en 1651 ingresó en el Palacio. Tenía una criada a su servicio y regresó a Alemania en 1700.

Nicolasillo Pertusato, enano italiano, documentado entre 1650 y 1710 en que muere. Había nacido en Alejandría, en el Milanesado, entonces español. Estuvo en Palacio desde 1650 hasta 1700, año en que se liquidaron los bufones en la corte, y obtuvo muchas mercedes, llegando a ser ayuda de cámara.

Segundo término, de izquierda a derecha:

Marcela de Ulloa, guardadamas de las Damas de la Reina, que viste de viuda. Entró en palacio en 1643 y murió en 1669.

Un guardadamas desconocido.

Al fondo:

José Nieto Velázquez, aposentador de la reina. Antes había sido jefe de tapicería de la reina y guardadamas. Murió en 1684. Por su nombre se ha pensado que tuviera alguna relación con el pintor, pero no hay nada seguro.

En el espejo:

Mariana de Austria, segunda esposa de Felipe IV y sobrina carnal suya, hija del Emperador Fernando III y de Doña María, hermana de Felipe IV. En principio destinada a casarse con el príncipe Baltasar Carlos, la prematura muerte de éste hizo que, finalmente, casara con su tío.

Felipe IV, rey de España entre 1621 y 1665, hijo de Felipe III y Margarita de Austria. Casó con Isabel de Borbón en 1620 y, muerta ésta en 1644, casó en 1649 con su sobrina Mariana. Velázquez trabajó para él entre 1623 y 1660.

CONTEXTO HISTORICO

Velázquez pinta Las Meninas al final de su vida, en 1656. Tras regresar del segundo viaje a Italia y hasta su muerte en 1660, en la última década de su producción artística, pinta poco pero realiza dos de sus obras maestras: Las Meninas y Las Hilanderas.

En 1652 había sido nombrado aposentador, cargo con múltiples obligaciones que le impedían dedicar mucho tiempo a la pintura. Como aposentador Velázquez organizó la ceremonia de entrega de la infanta María Teresa, hija de Felipe IV, a Luis XIV de Francia, para sellar con este matrimonio la Paz de los Pirineos, firmada el año anterior entre los dos países.

A la vuelta del viaje, el pintor cayó enfermo y murió poco después en Madrid, cuando ya era caballero de la orden de Santiago.

FUENTES DE INSPIRACION

Como tema literario, el rey que visita al pintor tiene una larga tradición ya en Grecia, al menos desde la anécdota de Alejandro Magno con Apeles, a quien incluso recogió el pincel, según la leyenda.

Sin embargo no hay representaciones plásticas hasta Las Meninas. En un grabado de Hans Burgkmair, de hacia 1514-19 se ve al Emperador Maximiliano I en el taller de un artista, pero la intención del grabador es glorificar a Maximiliano como mecenas de las artes más que encumbrar a un pintor como practicante de un arte noble.

Las lecciones de la escuela veneciana, que Velázquez aprendió en las colecciones reales y en Italia, están presentes en la obra: la composición general, con una gran habitación iluminada por una luz lateral que moldea los volúmenes y crea distintos espacios, recuerda al San Agustín de Carpaccio.

El Lavatorio de los pies de Tintoretto tiene una estructura de luces similar: un primer plano iluminado, un espacio intermedio en penumbra y una intensa fuente de luz al fondo.

En la disposición de las figuras en el primer término se ha visto la influencia del Moisés salvado de las aguas del Veronés, mientras la factura suelta es una deuda de Velázquez con el último Tiziano.

Además de la pintura flamenca, como recuerda Díaz Padrón, que Velázquez conocía bien, a pesar de no haber estado en Flandes, gracias a los abundantes ejemplos de las colecciones reales. La valoración de la luz y el ambiente en espacios interiores aparecen en obras como La vista y el olfato de Jan Brueghel de "Velours".

El tema de un servidor que ofrece agua a una joven noble en un búcaro de barro rojo ya lo había tratado Sánchez Coello en el retrato de Juana de Mendoza, duquesa de Béjar, con un enano, que aparece en los inventarios de 1601 y 1624 como "otro retrato entero de la señora duquesa de Béjar doña Juana de Mendoza, vestida de azul, manga redonda, con joyas de oro y un enano que tiene de la mano, vestido de verde, que le está dando un barro".

El espejo colocado al fondo y reflejando lo que hay más acá del pintor ya aparece en el Matrimonio Arnolfini (Londres, National Gallery) de Jan van Eyck, una pequeña tabla flamenca que entonces estaba en el Alcázar de Madrid.

Las consecuencias de las Meninas son enormes en la historia de la pintura y uno de sus herederos más claros es la Familia de Carlos IV, de Goya (Madrid, Prado), además de los dos retratos de familia de los primeros borbones, pintados por Ranc y Van Loo.

Picasso dedicó toda una serie de cuadros, hoy en el Museo Picasso de Barcelona, a las Meninas (Meninas sin Velázquez), y a cada uno de los personajes, como la Infanta Margarita de Picasso, Nicolasillo Pertusato, Isabel de Velasco y Maribárbola, de Picasso e Isabel de Velasco de Picasso.

TECNICA Y COMPOSICION

Las Meninas es la obra maestra de Velázquez y una de las más importantes en la Historia del Arte de todos los tiempos. Siempre se ha destacado la sensación de espacio y el ambiente que logra Velázquez mediante la luz y la perspectiva aérea.

El primer término, con los personajes principales, está bañado en la luz que entra por la ventana más próxima a ellos y a nosotros, eso crea un espacio cercano al nuestro; detrás, en medio de la habitación, donde se encuentran Marcela de Ulloa y el desconocido, hay una zona en penumbra, lo que da lugar a un segundo término; al fondo, por la última ventana y la puerta abierta, entran nuevos rayos de luz blanca y fuerte, sobre todo detrás de José Nieto.

La luz se refleja también en el espejo y vuelve hacia el primer plano. Estos contrastes entre zonas de luz y sombra crean la ilusión de espacio, que se realza ópticamente a través de la degradación y el desdibujado de los objetos y sus contornos en la distancia, a medida que se alejan hacia el fondo.

Es un cuadro muy grande, hecho casi a tamaño real; esto le permite incluir el techo de la habitación y dos paredes, lo que contribuye a crear la idea de ambiente. Las Meninas son un gran trampantojo. Nuestro espacio se continua en el suyo, algo característico del Barroco.

La organización geométrica es muy sólida: predominan las líneas horizontales -del suelo, los marcos de los cuadros y las escaleras- y verticales los pilares de la derecha, la puerta, los marcos y el lateral del lienzo en que trabaja el pintor-.

A esa cuadrícula se añaden diagonales muy sutiles, como las que forman los cuerpos inclinados hacia el centro de las dos meninas, el movimiento de Nicolasillo o los alineamientos de las cabezas, que centran la vista sobre la infanta Margarita, como núcleo del cuadro.

El equilibrio de volúmenes a uno y otro lado de la tela contribuye a dar serenidad a la escena. La composición se organiza de forma que la mirada se dirija a la cara de la infanta Margarita, entonces heredera del trono.

En primer plano hay seis retratos, sin contar al perro; sin embargo los personajes se distribuyen en varios grupos, de modo que se rompe la monotonía. Esta es una lección que aprende Goya para su Familia de Carlos

IV.

El cuadro está hecho a base de pigmentos muy diluidos en aglutinante, que sólo se empastan más en las zonas más iluminadas y en los breves toques de pincel con que se hacen los adornos de ropas y joyas o los brillos.

Las pinceladas son rápidas, y la factura es muy suelta y deshecha, sugiriendo distintas tonalidades en los colores según la cantidad de luz que reciben.

Es una obra para ver de lejos, porque sólo en la distancia el ojo mezcla los fragmentos de color y se crea la sensación de que corre el aire entre los personajes, admirada por todos a lo largo de tres siglos.

El cuadro está pintado sobre una preparación de color ocre claro, con una paleta en la que predominan los tonos marrones y negros. La importancia de la luz hace que resalten grandes manchas de blanco más empastadas.

Toques de rojo en diversos puntos del lienzo, el azul del traje de Maribárbola y el verde de la menina, le dan variedad de color a la entonación general.

Los rostros y las figuras de los guardadamas presentan el desdibujado y la visión borrosa característica de otras obras de Velázquez. Esto no puede justificarse del todo por la distancia y la penumbra, ya que se repite, aunque no tan acentuada, en Maribárbola y Nicolasillo, que se encuentran en primer plano.

En la pierna derecha del italiano se distingue uno de los famosos arrepentimientos de Velázquez.

El lienzo está formado por la unión de tres trozos de tela dispuestos en vertical cuyas uniones son claramente visibles.

HISTORIA DEL CUADRO

Palomino en "El Parnaso español pintoresco y laureado" dice que el cuadro se acabó en 1656, indicando dónde se pintó y sus palabras son la fuente más directa y cercana que tenemos. La princesa Margarita nació en 1651 y aquí parece tener unos cinco años. También se ha intentado datar el cuadro a través de la edad de las meninas y sus fechas de boda.

En 1666, 1686 y 1700 aparece en los inventarios del Alcázar y se salvó del incendio en 1734.

En 1772 está ya en el Palacio Real, en la "pieza donde cena su majestad". En 1794 se cita en el dormitorio real. En 1814 estaba en la pieza amarilla del palacio. En 1819 pasa al Museo del Prado.

Durante la guerra civil (1936-39) se trasladó al castillo de Torres de Serranos de Valencia (1936), después al castillo de Peralada en Barcelona (1938) y por último a Ginebra donde estuvo expuesto en la Sociedad de Naciones.

El 9 de septiembre de 1939 regresó al Museo del Prado sin deterioro.

El cuadro ha tenido distintas valoraciones a lo largo del tiempo, desde

1.500 ducados de plata en 1666 hasta 400.000 reales en 1834.

También ha tenido distintos nombres. Las primeras descripciones en los inventarios se centran en la princesa Margarita que se convirtió en Emperatriz por su matrimonio con el emperador Leopoldo. El inventario de 1666 lo describe así:

Una pintura de quatro baras y media de alto y tres y media de ancho con su marco de talla dorada retratando a la señora Emperatriz con sus damas y una enana de mano de Diego Velázquez…

En la misma línea sigue el inventario de 1686: Una pintura de quatro varas y media de alto y tres y media de ancho retratada la Señora Emperatriz Ynfanta de España, con sus damas y criados, y una enana original de mano de Diego Belazquez pintor de Cámara y Aposentador de Palacio, donde se retrató a sí mismo pintando.

En 1735, al hacerse el inventario de las obras salvadas del incendio del Alcázar, se habla por primera vez de los reyes, presentes a través del espejo: Otra sin marco ni bastidor de quatro varas de alto y tres y tercia de ancho, la familia del Señor Phelipe 4, original de Velázquez. Con este nombre, La familia de Felipe IV, se conocerá hasta que se le da el nombre de Las Meninas en el catálogo del Museo del Prado de 1843.

Ha merecido siempre los mayores elogios, aunque es un cuadro apenas conocido hasta que se abre el museo en el siglo XIX, dado que pertenecía a las colecciones reales donde lo podía ver muy poca gente.

Palomino recoge el comentario de Lucas Jordán: Y habiendo venido en estos tiempos Lucas Jordán, llegando a verla, preguntóle el Señor Carlos Segundo viéndole como atónito: '¿Qué os parece?' Y dijo: 'Señor, esta es la Teología de la pintura': queriendo dar a entender, que así como la Teología es la superior de las Ciencias, así aquel cuadro era lo superior de la Pintura'.

La factura del cuadro y su estudio de los efectos de luz hará que los impresionistas admiren a Velázquez. Manet describe en sus cartas la admiración por Velázquez y Renoir decía: lo que me gusta de este pintor es esa aristocracia que se descubre siempre en el menor detalle, en una simple cinta… La pequeña cinta rosa de la infanta Margarita, ¡toda la pintura está en ella!"

FICHA DE ESTUDIO

Las Meninas o La familia de Felipe IV Por Velázquez Hacia 1656 Oleo sobre lienzo 310 x 276 cm Madrid, Museo del Prado

Las Meninas es una de las obras más importantes de Velázquez y de toda la historia de la pintura occidental.

En el interior de una estancia del antiguo alcázar de Madrid, residencia de los austrias, vista casi a tamaño real y adornada con cuadros y un espejos, se desarrolla una escena que parece intrascendente y captada en la intimidad de la vida cotidiana.

Velázquez está pintando y la infanta Margarita ha ido a verle con su pequeña corte. Los reyes acaban de entrar en la estancia, y se reflejan en el espejo del fondo.

Este es el tema del cuadro, el rey visitando el taller del artista. Su presencia ennoblece al pintor y la actividad que practica. La pintura es un arte noble porque merece la atención del monarca, fuente de todo poder.

Velázquez consigue dar la sensación de que contemplamos un espacio real, no pintado, gracias a la perspectiva aérea y al juego de luces y sombras: desde el primer plano y, a medida que nos acercamos al fondo, se suceden las zonas iluminadas y en penumbra, hasta llegar al último plano más iluminado. A la vez las formas se van desdibujando según se alejan.

La técnica tiene la soltura habitual de Velázquez en los últimos años: pintura muy ligera, diluida y aplicada con pinceladas rápidas y precisas, sobre la que se dan toques más ligeros y empastados para matizar, detallar e iluminar.

DETALLE 1

El autorretrato de Velázquez es parte esencial de la obra. El pintor se presenta con un aspecto más joven del que tendría a los cincuenta y siete años, cuando pinta el cuadro.

A ese rasgo de coquetería se une la elegancia del traje, tal como describe al pintor Leonardo da Vinci en su Tratado de Pintura y como sabemos que al sevillano le gustaba vestirse.

También Martínez Montañés vestía así en el retrato que le hizo y, como el escultor sevillano, tiene una actitud pensativa porque la pintura es "una cosa mental", distinta de las artes mecánicas, puramente manuales.

En el pecho luce la cruz de caballero de la orden de Santiago, que se le concedió en 1659. Por tanto, está pintada después de la ejecución del cuadro y una leyenda quiere que fuera el propio monarca quien la añadió al traje.

DETALLE 2

La mano del pintor es un ejemplo de la sobriedad de su técnica: unos trazos de color oscuro sobre una mancha clara con la forma de la mano crean los dedos que cogen el pincel, resuelto a su vez con dos simples pinceladas.

Bajo el brazo derecho, en la cintura, se adivina la llave, un atributo de su cargo de aposentador real -con el privilegio de abrir la puerta a los reyes- y un símbolo del favor y la cercanía al monarca.

Unos ligeros toques blancos le bastan para hacer brillar el cinturón y la llave o la manga blanca. Los matices prodigiosos del traje negro de Velázquez han aparecido después de la última restauración.

DETALLE 3

Beruete señaló que la paleta muestra los colores con que está pintado el cuadro: tierra de Sevilla, blanco, siena tostada, ocre y negro de hueso. Sólo falta el azul, con el que ha hecho el traje de Maribárbola y el verde de Agustina, pero Velázquez no era un "realista" y además obtenía siempre los verdes a base de mezclas de azul.

Se ha dicho que es una paleta demasiado pequeña para pintar un lienzo tan grande, pero esto no es una objeción seria y además sabemos que Velázquez utilizaba pocos colores básicos aunque con ellos lograba una enorme riqueza de tonos y matices.

Bajo la paleta se ve el tiento (una simple pincelada), una vara con punta redonda que se apoya en el lienzo y ayuda al pintor a dar los detalles sin que le tiemble el pulso.

DETALLE 4

La princesa Margarita lleva en el pecho un joyel redondo con botón central liso. La técnica ligera y deshecha con que lo pinta es la misma que emplea para los adornos de su pelo y el de Agustina: un fondo blanco y ligero sobre el que se aplican toques mínimos y sueltos, de blanco, marrón, naranja, negro y amarillo.

El cabello rubio casi blanco de la infanta se hace con muy poca pintura y es casi transparente en la parte baja. A diferencia de las meninas, lo lleva suelto y sin rizar, y el adorno también es diferente.

DETALLE 5

La mano derecha de la infanta se pintó en principio abierta y con la palma hacia delante, en una actitud de sorpresa; después se modificó y se colocó sujetando el búcaro de cerámica roja. Lo mismo ésta que las manos de Agustina Sarmiento, resultan borrosas.

Los búcaros se utilizaban para refrescar y perfumar el agua, pero según una leyenda también se comían, porque el barro se deshacía con facilidad. Su ingestión producía un tez blanca muy apreciada y, según parece, ciertos efectos evasivos.

El búcaro se ofrece sobre un azafate de oro que está sugerido con los toques precisos, como casi toda la obra. Velázquez sigue siendo el gran pintor de objetos que era en Sevilla, aunque esta técnica no tenga nada que ver con aquella.

DETALLE 6

Agustina Sarmiento va peinada a la moda de la época, con la melena rizada en líneas horizontales y adornos en forma de abanicos o mariposas en el pelo. Así aparece la Infanta María Teresa (Metropolitan Museum) de Nueva York, muy cercano en el tiempo a Las Meninas.

El perfil de esta menina se ha modificado; en principio Velázquez la pintó con la nariz más alta.

La parte alta del vestido está hecha con pinceladas sueltas y empastadas junto a restregones del pincel sobre la pintura ya dada.

En el suelo, entre la infanta y ella, vemos penetrar la luz gracias a un único trazo dado con el pincel seco y poco cargado de pintura. Está aplicado de izquierda a derecha y el pincel se va descargando de materia a medida que avanza.

DETALLE 7

En el espejo se reflejan las imágenes de Felipe IV y Mariana de Austria, en el único retrato doble que conservamos, y bajo una cortina de terciopelo rojo, parecida a la que se ve en otros retratos cortesanos.

Velázquez, con una técnica magistral, logra retratar a los monarcas a partir de la mayor economía de medios, favorecida en este caso por la lejanía, la oscuridad y lo borroso del reflejo en un espejo que recibe luz lateral.

Con muy pocos trazos nos permite identificar a los dos y con unas pinceladas blancas crea los reflejos de la luz.

DETALLE 8

Vemos a los dos aposentadores de palacio: el del rey, Velázquez, y el de la reina, José Nieto. Mientras uno pinta el otro abre las puertas a los reyes para que le vayan a ver.

Nieto ha pasado la puerta de cuarterones y subido un pequeño tramo de escalera, se vuelve y espera a los monarcas. En la mano lleva el sombrero.

Junto a él, apenas sugerido por una mancha negra sobre la que el blanco dibuja las formas, se encuentra el punto más luminoso del cuadro: la mancha blanca.

En la superficie del lienzo esa mancha blanca queda muy cerca de la princesa Margarita y de Isabel, ambas fuertemente iluminadas también, pero en un plano muy alejado. Esto nos hace sentir que entre ellos media un gran espacio en penumbra. Es el foco de luz lejano el que crea la ilusión de profundidad, es la luz la que crea el espacio.

DETALLE 9

Bajo el brazo derecho de Isabel de Velasco se distingue el ángulo de la puerta del fondo, que se pintó entera, superponiendo después la manga de la menina. También en la zona menos iluminada de la cara se distingue el quicio oscuro de la puerta. Velázquez, según su costumbre, superpone unos objetos a otros con capas ligeras de pintura.

DETALLE 10

El vestido de Maribárbola es una de las partes más ricas del cuadro, donde Velázquez ha aplicado numerosos pigmentos (azul, blanco, amarillo, negro…), además de hacerlo de modos diferentes (con poca pasta, más empastados, en pinceladas largas, breves, frotando…). Gracias a ello consigue crear la textura suave del terciopelo en contraste con la más lisa de los adornos blancos y plata.

DETALLE 11

La pierna derecha de Nicolasillo se ha cambiado de lugar y se ha llevado más atrás, y hoy todavía podemos ver la antigua. Su elegante traje rojo se anima con unos toques muy breves de plata en el calzón y con el cuello y los puños blancos. Unas pinceladas más claras le iluminan el pelo por la derecha.

Su actitud juguetona con el perro, que quizá dormitaba, pone una nota informal en la escena y sirve de contrapunto a la seriedad protocolaria de la pequeña infanta.

El mastín, pintado de manera somera, pero suficiente para dar la sensación de pelo suave, es junto con el gato de Las Hilanderas, un último ejemplo de la calidad de Velázquez como pintor de animales.

DETALLE 12

Nunca sabremos qué pintaba Velázquez en el gran lienzo sobre el que trabaja, pero dadas las dimensiones, para muchos se trata del propio cuadro de Las Meninas. En apoyo de esta teoría argumentan que en la paleta se ven los colores con los que está pintado el cuadro.

El reciente estudio de Carmen Garrido revela que el lienzo de las Meninas conserva las marcas del bastidor original, que tenía dos travesaños horizontales, colocados de forma similar a los que se ven en el cuadro.

DETALLE 13

Se sabe a través de los inventarios del Alcázar que en esta pieza colgaban cuarenta cuadros de Martínez del Mazo: treinta y cinco eran copias de obras de Rubens y su escuela, los otros cinco eran temas de cacerías.

El cuadro que queda encima de la puerta es Apolo vencedor de Marsias. El original de Jacob Jordaens y la copia de Mazo se conservan en el Museo del Prado. El lienzo que cuelga a su lado, hoy perdido, representaba la Fábula de Minerva y Aracne.

DETALLE 14

Marcela de Ulloa, vestida como aparecerá siempre la reina Mariana de Austria (con tocas de viuda) después de la muerte de Felipe IV, no ha notado la llegada de los reyes y sigue hablando. El hombre que la acompaña los ha visto y mira atentamente.

Ambos están pintados con una cantidad mínima de pintura muy diluída y presentan un aspecto borroso, más notable en el hombre, por estar menos iluminado, y en las manos.

LOS BORRACHOS O EL TRIUNFO DE BACO

FICHA

1628-1629

Oleo sobre lienzo.

165 x 225 cm.

Madrid, Museo del Prado.

TEMA

El dios Baco corona con hojas de vid a un soldado, en presencia de algún miembro de su séquito y un grupo de rústicos contemporáneos a Velázquez. Se trata de una celebración del vino, que Baco trajo a los hombres, liberándolos temporalmente de dolores y preocupaciones. La escena se desarrolla en el campo.

PERSONAJES

Baco, el Dionisos de la mitología griega, nació de la unión de Zeus, el padre de los dioses, y la ninfa Semele. A partir de los seis meses de gestación vivió en el muslo de su padre, porque Semele no pudo resistir ver a Zeus en todo su esplendor y al verlo murió. Ya nacido, y como era habitual, su padre tuvo que esconderle para que los titanes, encargados por su esposa Hera de matarle, no le encontraran.

Dios del vino y de las viñas, lo era también del exceso y de la licencia que el vino favorece. A lo largo de sus viajes por Europa, Asia y el Norte de Africa, difundió el consumo de esta bebida. Su culto tuvo una importancia excepcional, porque las fiestas que se celebraban en su honor dieron orígen al teatro.

Aquí aparece como dios del vino, que hace este regalo a los hombres para hacerles la vida más llevadera.

Entre las figuras que acompañan a Baco hay una que resulta más próxima a él, el personaje situado detrás: desnudo, como Baco, y ya coronado, recuerda por sus característica físicas a un fauno o sileno que junto a ninfas, sátiros y bacantes forma parte del cortejo de Baco. Como ellos tiene un bozo incipiente, los ojos rasgados y el tipo de peinado característico de los faunos.

Baco y él son los únicos que aparecen semidesnudos y esto marca una diferencia importante con el resto de los personajes, que se presentan completamente vestidos y con ropas modernas. El desnudo era uno de los signos de identidad de los dioses.

Los otros personajes que completan la escena son gente del pueblo, quizá campesinos por sus ropas sencillas y por sus rostros curtidos al sol.

Este grupo constituye una galería de tipos humanos, caracterizados por sus diferentes atuendos: un soldado, al que corona Baco, y al que se reconoce por las calzas, la chaqueta y la espada corta que lleva en el cinturón; un hombre de una cierta posición, con una buena capa de paño, gente corriente y un mendigo.

Todavía puede establecerse otra diferencia según el tipo de recipiente que sostiene cada personaje en sus manos y que indica su posición social: el fauno es el único que lleva una copa de cristal, el hombre de la capa un vaso y el que nos mira de frente, como invitándonos a participar, un cuenco de loza blanca.

Con esta galería variada, la imagen parece sugerir que todos los hombres, sea cual sea su clase social y su ocupación, son seguidores de Baco y del fruto de la vid.

CONTEXTO

Se trata del primer cuadro mitológico que conservamos de Velázquez y el primero del que tenemos noticia. Quizá no fue ajena a su realización la presencia de Rubens en Madrid en 1628 y su conversaciones con él. Rubens era un gran pintor de mitologías, además de un gran señor y diplomático, lo que debió hacer mella en el joven Velázquez y ofrecérsele como un modelo a seguir.

Juntos visitaron las colecciones del Escorial y, al año siguiente, Velázquez, sin duda aconsejado por el flamenco, se embarcó rumbo a Italia.

El 1628 el rey le había concedido una ración diaria de doce reales, exactamente la misma cantidad que cobraban los barberos de cámara.

En este tiempo nace don Juan José de Austria, hijo del rey Felipe IV y de la actriz María Calderón, la Calderona, el único hijo nacido fuera del matrimonio que el rey reconoce.

En estos años la moneda se devalúa en España, las tropas españolas luchan en Mantua y pierden en Bois le duc (el pueblo donde nació El Bosco) contra los holandeses.

FUENTES DE INSPIRACION

Las escenas que tienen a Baco, y a su séquito, como protagonistas son muy frecuentes desde el mundo griego y su presencia en la literatura es también constante.

Desde el punto de vista plástico la figura del dios no está muy lejana de los bacos que pintó Caravaggio, como efebos sensuales, ambiguos, pálidos y carnosos, de actitudes relajadas.

Por el contrario la dureza del rostro curtido y arrugado del campesino, se acerca a las fisonomías realistas de Jusepe Ribera, como el filósofo Arquímedes del museo del Prado.

En cuanto a la inspiración literaria, bien pudo tomarla Velázquez de su propia biblioteca, donde tenía un libro muy útil, la Philosophia secreta, de Juan Pérez de Moya, publicado en 1585. En esta obra el mitógrafo presenta a Baco como la figura generosa y liberadora, que regala a los hombres el vino.

La misma idea del vino como liberador del sufrimiento diario aparece en un grabado holandés de 1596, El triunfo de Baco, hecho por Jan Saenredam, sobre un dibujo de Hendrik Goltzius (Amsterdam, Rijksmuseum). Baco, desnudo, coronado y en compañía de un joven fauno, regala racimos de uvas a unos campesinos sorprendidos, que beben el vino en jarras.

El grabado de Saenredam va acompañado por un pequeño poema de Cornelis Schonaeus y que sostiene la misma idea: En tierra, oh Padre Baco, postraremos nuestros cuerpos, y humildes el favor de tus dones suplicamos, para con ellos aplacar nuestro dolor y nuestra pena, y liberar el corazón de las cuitas que lo aquejan.

También se ha pensado en un relato que Rubens debió hacer a Velázquez, durante su visita a España en 1628, de una fiesta celebrada en Bruselas en presencia de los gobernadores, el archiduque Alberto e Isabel Clara Eugenia. En el curso de ella hizo su entrada un personaje, aparentemente desnudo, coronado con hojas de parra y montado sobre un tonel, en compañía de ocho muchachos.

Otros autores han pensado en un episodio de La vida y hechos de Estebanillo González, hombre de humor, compuesta por él mismo, que sucede en Bruselas. En esta ciudad el autor y protagonista del relato fue bufón del Cardenal Infante, hermano del rey Felipe IV y gobernador. El episodio sucedió en 1639 o 40 y en él se habla de un carro y un cortejo parecido a éste.

LLegóse el tiempo de las Carnestolendas, y yo, por agradar a su Alteza y alegrar a todos los señores de la corte, por el bien que me hacían, saqué un carro triunfal muy compuesto y adornado, y dentro dél una docena de bebedores escogidos… Llevaba una redonda mesa, donde los doce comían pan, muy espléndida de fiambres y cecina salada y dos botas de cerveza para aplacar los apetitos de la carne. Representaba yo el zambo mayor de aquellos doce monos, teniéndolos instruídos a mis órdenes y mandatos. Iba en cabecera de mesa uno, que por ser tan amigo de Baco lo representó aquella tarde muy al vivo. Iba desnudo en carnes y con una guirnalda de hojas de parra contrahechas, que le ceñía toda la cabeza, y otra enramada de las mismas hojas, que le tapaba las pertenencias y bosques de la baja Alemania. Iba sentado sobre una bota de vino… Llevaba cada uno de los de mi cuadrilla, en lugar de cifra y cañas, un gran vaso en la mano derecha, lleno de cerveza… Cayó nuestro desnudo Baco de la esfera de su tonel encima de la mesa de la comida, y echando abajo tablas, jarros, platos y viandas…

Poco tiempo después de pintado este cuadro, hacia 1630-1632, Jusepe Ribera pinta un Triunfo de Baco en Nápoles para el rey Felipe IV, que lo tenía en el comedor del Alcázar de Madrid y del que hoy sólo quedan fragmentos en el Prado: la Cabeza de Sibila y la Cabeza de Baco, muy semejante a un relieve antiguo y más entrado en años que el de Velázquez.

Las huellas de Los Borrachos han sido muchas y en el retrato de Emile Zola que pintó Edouard Manet, aparece pegado en la pared el grabado que realizó Goya sobre este cuadro de Velázquez.

{{TECNICA Y COMPOSICION}}

Perdida en el incendio del Alcázar de Madrid la Expulsión de los moriscos, éste es el primer gran cuadro de composición que nos queda de Velázquez.

La escena se organiza a partir de dos líneas diagonales, una más marcada que otra. Esta se forma por la espada corta y la espalda del hombre arrodillado, al que corona Baco, el brazo del dios y el contorno del cuerpo y la cabeza del fauno; la otra, menos evidente, está formada por el personaje en sombra a la izquierda, la mano de Baco en la cabeza del soldado, la taza de vino, y el sombrero del que llega por la derecha.

Las dos líneas se cruzan en el centro de la tela, en la cabeza del hombre y la mano del dios que le corona, destacando así el punto más importante de la composición.

En el cuadro hay nueve personajes, el número mayor que Velázquez había metido hasta entonces en un cuadro. Esto supone una dificultad de composición, que el pintor resuelve de manera poco satisfactoria todavía, porque los personajes se amontonan en el espacio, algo que no sucederá ya en La Fragua de Vulcano, el siguiente cuadro de historia que nos queda de su mano.

Se trata de una obra muy elaborada, muy trabajada por el pintor, sobre todo en las carnaciones lisas y nacaradas de Baco.

En ellas, y en las ropas, las luces se consiguen por medio de pinceladas cargadas de blanco, más o menos grandes según las zonas: mínimas en los ojos o las uñas y mayores en las telas.

El punto más iluminado de todo el cuadro es la figura del dios, que brilla gracias a su desnudez y a las telas que le cubren, el blanco y, sobre todo, el rojo de la túnica, que pone la nota de color más cálida en toda la escena. También en esto el dios se diferencia de los mortales, vestidos de marrones, ocres o amarillos.

Las figuras, y las manos, se tratan de modo diferente, con mayor o menor detalle, según el lugar en que están colocadas y la luz que les llega. En torno a algunas formas aparecen contornos claros o oscuros, como los que bordean el cuerpo del dios o las jarras del primer plano.

Los dos personajes de las esquinas, el más lejano a nosotros y el menos iluminado, están hechos con una pintura más fluída y transparente que el resto del cuadro y son completamente borrosos, siendo el más alto un simple boceto; también es muy ligera la pintura en la copa que sostiene el fauno o las hojas de la corona y del fondo.

La preparación del cuadro es de color anaranjado, como era frecuente en las obras de la etapa anterior, y el marrón de la capa del hombre canoso es muy semejante al de la túnica del rey arrodillado en la Adoración de los Magos (Madrid, Prado)

HISTORIA DEL CUADRO

Pintado en 1628 o 1629, el rey lo compró muy pronto y el pago está documentado por cédula del 22 de julio de 1629: A Diego de Velázquez pintor, cargo de cuatrocientos ducados de plata. Los trescientos a cuenta de sus obras y los ciento por una pintura de Baco que hizo para servicio de Su Magestad.

La obra figura ya en el inventario del Alcázar de Madrid en 1637 con la siguiente descripción, hecha por Juan Bautista Martínez del Mazo, su yerno:

Baco sentado sobre una pipa coronando a un borracho y ai otras figuras que lo acompañan de rodillas y otras detrás con una taça en la mano y otro que se va a quitar o poner el sombrero, es de mano de Dº Belazquez.

Sigue apareciendo en los inventarios del Alcázar de 1666, 1686 y 1700, catalogado como "pintura negra". Salvado del incendio de 1734, cuando sus medidas se vieron un poco reducidas, estuvo en el Palacio del Buen Retiro y luego en el Palacio Real, donde figura en los inventarios de 1772 y 1794.

Está en el Museo del Prado desde 1819.

FICHA DE ESTUDIO

LOS BORRACHOS O EL TRIUNFO DE BACO Por Velázquez 1628-1629 Oleo sobre lienzo 165 x 225 cm Madrid, Museo del Prado

Es el primer cuadro de tema mitológico que conocemos de Velázquez. La escena recoge el momento en que Baco, el Dionisios griego, dios del vino, de la vid y de todos los excesos que estos favorecen, corona a un soldado. Baco aparece semidesnudo acompañado por una especie de fauno y por un grupo de personajes vestidos a la moderna, que observan y beben.

El tema entra dentro de una postura irónica con respecto a la mitología clásica y que armoniza la representación del mito con modelos de la vida cotidiana. Baco aparece como el dios que ragala el vino a los hombres para que olviden por un tiempo sus dificultades.

La obra se pinta en 1628 o 1629, coincidiendo, o poco después, de la estancia de Rubens en la corte de Madrid. El pintor flamenco vino con una misión diplomática, pero pintó y vio las pinturas de la colección real en compañía de Velázquez. En este momento Rubens, ya consagrado como pintor y como cortesano, debió constituir para el español un modelo a seguir.

Velázquez sigue el modelo de Caravaggio para pintar al dios, desnudo, sensual y metido en carnes. Sin embargo los campesinos, curtidos por el sol y los años, están tomados de la realidad inmediata y se encuentran mucho más próximos a Jusepe Ribera y a cuadros como los filósofos.

La composición se organiza en base a dos diagonales que forman una equis, y cuyo punto de intersección es la cabeza del hombre al que corona Baco. A pesar del tono general oscuro del cuadro la figura del dios se destaca con más luz y por el color de sus ropas que rompe la monotonía de los marrones, del mismo modo que Apolo en La Fragua de Vulcano.

Hay todavía muchos recuerdos de la etapa sevillana, en la entonación general, en los tipos humanos callejeros y en las calidades de los objetos que usan para beber.

DETALLE 1

La figura de Baco contrasta de forma evidente con los campesinos que le acompañan. La piel del dios es blanca y suave, casi nacarada, como corresponde a alguien que no trabaja ni necesita exponerse a las inclemencias del tiempo. Hasta nuestro siglo, y la moda de broncearse en la playa, la blancura de la piel era un signo de distinción social.

DETALLE 2

Los campesinos, vestidos rústicamente, tienen el rostro curtido por el sol, el viento y la vida al aire libre, y arrugado por el paso de los años. Sus sonrisas y el brillo de la nariz enrojecida hablan del estado de euforia en que les ha puesto el vino. El de la capa, mayor y quizá no tan pobre, mantiene una actitud más seria, mientras contempla la coronación.

Físicamente, el que nos mira con el sombrero puesto, como haciendo una invitación a la bebida, tiene muchas semejanzas con el filósofo de Ribera del Museo del Prado.

DETALLE 3

El personaje que aparece ya coronado en el ángulo izquierdo, según miramos el cuadro, es una simple mancha marrón, una figura abocetada, que tiene su eco en el ángulo opuesto, en el hombre que llega y, respetuosamente, se quita el sombrero. Los rasgos de este último están simplemente sugeridos.

DETALLE 4

Los dos recipientes de barro y cristal que aparecen en el suelo en primer plano conservan todavía la maestría que Velázquez adquirió en Sevilla pintando bodegones, en cuadros como la Vieja friendo huevos, El aguador de Sevilla o las cocinas, y que mantuvo toda su vida, aunque no pintara bodegones independientes.El reflejo de la luz en el cristal y el brillo de la parte vidriada se consiguen a base de pequeñas pinceladas blancas, mientras los dos objetos, se destacan del fondo por una amplia linea de contorno negra.

DETALLE 5

Las hojas de vid se pintaron encima del cielo, con muy poca pasta, como éste mismo, lo que permite distinguir la preparación que hay debajo y algunas pinceladas sueltas hechas para probar colores o para descargar el pincel de un exceso de pintura.

Marte

FICHA

1640-1642 Oleo sobre lienzo 179 x 95 Madrid, Museo del Prado.

TEMA

El cuadro representa a un hombre semidesnudo, con un gran bigote, sentado sobre lo que parece ser una cama deshecha y cubierta por un manto rojo. A sus pies aparecen un escudo, parte de una armadura y una espada de la época, mientras con la mano derecha sujeta otro atributo bélico, una especie de bastón de mando. Está cubierto por un yelmo que deja los ojos en sombra, con lo que se acentúa el aire de melancolía que desprende el cuadro.

Se trata de una representación de Marte, el dios de la guerra, pero alejada de lo habitual. El guerrero aparece derrotado, melancólico y triste; nada deja ver el carácter apasionado del señor de la guerra. Es un dios derrotado y maduro que tiene poco de heroico y mucho de humano.

Acerca de este cuadro se han dado numerosas interpretaciones, desde una reflexión amarga e irónica de Velázquez sobre la decadencia del poder español y la derrota de sus armas, hasta una 'continuación' de La fragua de Vulcano y la historia de amor, tratada como comedia de enredo, que Marte protagonizó con Venus.

Tampoco han faltado interpretaciones más arriesgadas, y más divertidas, como la que ve en este Marte desarmado a un hombre agotado tras sus hazañas amorosas con Venus y en su melancolía la del instante después.

Pintado para la Torre de la Parada, el palacete de caza de Felipe IV próximo al Pardo, junto a otros temas mitológicos, como los cuadros inspirados en las Metamorfosis de Ovidio que se encargaron a Rubens, los filósofos Esopo y Menipo, los retratos de cazadores, y las hazañas cinegéticas del rey que pintó Snayers.

Marte se inscribe dentro de una decoración variada en la que tendría cabida esta visión peculiar de la antigüedad clásica, que nunca fue algo monolítico.

PERSONAJES

Marte era el dios romano de la guerra, hijo de Júpiter y de Juno, que se identificó con el griego Ares. Era además, por su unión con Rea Silvia, el padre de Rómulo y Remo, y, por tanto, de la nación romana. Como protector de la industria y la agricultura romanas fue adorado con el nombre de Silvano, como guardián de los ciudadanos con el de Quirino y como dios de la guerra también con el de Gradivo.

El campo de ejercicios de la juventud romana fue llamado Campo de Marte. Antes de Julio César, el año comenzaba en el mes que lleva su nombre y en el plenilunio siguiente se expulsaba de Roma a un ciudadano vestido de pieles de animales, 'Mamurius Veturis', el Viejo Marte.

En continuo enfrentamiento con Minerva, la diosa de la razón, su falta de delicadeza siempre le acarreó problemas. La mayor humillación que padeció se la infligió Vulcano, cuando el guerrero fue sorprendido en brazos de Venus, la alegre esposa del dios del fuego. Vulcano, en venganza, tejió y lanzó sobre los amantes una red invisible; después llamó a los demás dioses para que vieran el espectáculo que daban sus prisioneros.

CONTEXTO

Velázquez pinta esta representación de Marte, el dios de la Guerra, para la decoración de la Torre de la Parada y con destino al mismo lugar realiza también retratos de los hombres de la familia real vestidos con trajes de caza. La caza, como la equitación, se consideraban actividades propias de reyes porque les servían en la paz de entrenamiento para la guerra.

La mitología ocupaba un lugar importante en la Torre de la Parada. Las tres pinturas (Esopo, Menipo y Marte) de Velázquez forman parte de un programa decorativo para el que se encargaron a Rubens escenas de las Metamorfosis de Ovidio.

A principios de los años cuarenta, cuando se hacen estas pinturas, Velázquez está a punto de ser nombrado ayuda de cámara y superintendente de obras reales.

Es una época en la que España comienza su declive. En 1640 se producen levantamientos en Cataluña y Portugal y se pierde definitivamente Pernambuco, que pasa a manos holandesas. En 1641 el duque de Medina-Sidonia se subleva en Andalucía. En 1642 se pierde Perpignan y, lo que es más importante, la moneda de vellón sufre una devaluación del 25 por ciento.

Todo esto explica que entre las interpretaciones del cuadro se cuente la de ser una alegoría de la decadencia militar española, materializada en la derrota de los tercios de Flandes en la batalla de Rocroy que tendrá lugar en 1643.

FUENTES DE INSPIRACION

La postura de Marte es casi la misma de otro dios de la guerra, tan famoso en el siglo XVII como hoy, la escultura romana del Ares Ludovisi del Museo Nazionale de Roma. Velázquez la pudo ver en sus paseos por la ciudad durante su primer viaje a Italia.

Más parecido todavía tiene con otra de las esculturas célebres, esta vez del Renacimiento italiano, el retrato de Lorenzo el magnífico, que esculpió Miguel Angel para la capilla funeraria de los Medici en San Lorenzo de Florencia: el de Velázquez se ha quitado la armadura, sólo conserva el casco, pero la actitud pensativa y la posición de las manos, son las mismas.

En la forma de tratar las carnaciones, rojizas y brillantes, se ha visto un cierto recuerdo de Rubens, un especialista en desnudos, al que Velázquez conocía bien y a quien se habían encargado obras para esta misma Torre de la Parada.

El yelmo que le cubre la cabeza recuerda el del Hombre con casco dorado del museo de Berlín, atribuido a Rembrandt, aunque técnicamente no tienen nada que ver: el de Velázquez está hecho a base de toques rápidos y empastados de amarillo y blanco.

La posición de las manos y la actitud, pasiva y pensativa, recuerdan a la "Melancolía" de Cesare Ripa y la representación que hace Velázquez de Marte tiene poco que ver con otras imágenes del dios de la guerra y mucho con la del dios Saturno, el melancólico.

Sin negar todos esos precedentes, Velázquez toma un modelo de verdad, un hombre vivo para la figura de Marte. Y a propósito de esto también se ha especulado, relacionando ese modelo de carne y hueso con algunos bufones, concretamente con Antonio Bañueles, y con "El bufón llamado don Juan de Austria".

TÉCNICA

La técnica de Velázquez en este cuadro aparece como una de las más libres de toda su obra. Son el color y la mancha los que van creando la figura, a medida que se aplican sobre el lienzo. Hablando de otro retrato decía Palomino algo que se podría aplicar aquí:

…hízole con pinceles y brochas, que tenía de astas largas, de que usaba algunas veces, para pintar con mayor distancia y valentía; de suerte, que de cerca no se comprendía, y de lejos es un milagro.

El cuerpo desnudo del dios está hecho a base de pinceladas largas y arrastradas, bien cargadas de pasta, especialmente en las zonas más luminosas, lo que hace que los contornos no estén definidos con claridad.

La cara, al quedar en sombra por el yelmo, está menos empastada y la ejecución es tan rápida y libre como el resto de la figura.

El fondo, hecho con tonos marrones muy fluidos, permite que se transparente la preparación, lo que le hace ser luminoso y vibrante, no una superficie lisa y monótona.

La preparación de la tela es parecida a las otras pinturas de la Torre de la Parada, los cazadores, Esopo y Menipo, aunque los filósofos se pintaron de forma más rápida y no sufrieron las modificaciones de éste.

Aquí se cambió la postura del dios, para hacerla más frontal, modificando el cuadro sobre la marcha y dando nuevas capas gruesas de pintura sobre otras aún frescas para tapar lo anterior: parte del manto azul, el pie izquierdo o la mano en la barbilla.

Los adornos de las armas se hacen, como es habitual en Velázquez, a base de pinceladas de color amarillo o blanco, superficiales, largas o muy breves según sus intereses.

HISTORIA DEL CUADRO

Pintado para la Torre de la Parada, en 1701 estaba todavía allí y figura en el inventario de ese año, lo mismo que en el de 1747.

De la Torre de la Parada pasó al Palacio Real antes de 1772. Entre 1808 y 1814, a raíz de la guerra de la Independencia, estuvo en Francia. En 1815 volvió al Palacio Real de Madrid. En 1816 Fernando VII lo envió a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y hacia 1829 llegó al Museo del Prado.

FICHA DE ESTUDIO

MARTE Por Velázquez 1640-1642 Oleo sobre lienzo 179 x 95 Madrid, Museo del Prado.

Se trata de una representación de Marte, el dios de la guerra, hecha a principios de los años cuarenta, para decorar la Torre de la Parada, un pabellón de caza, cerca de Madrid.

Para ese palacete Velázquez pintó otros temas mitológicos, los filósofos Esopo y Menipo, además de retratos del rey, su hermano y el heredero como cazadores. Otros pintores debían contar las hazañas del rey como cazador y Rubens, uno de los artistas más cotizados de su siglo, tenía a su cargo escenas de las Metamorfosis de Ovidio, temas mitológicos también.

La forma que tiene Velázquez de pintar la mitología es muy peculiar. Marte no aparece aquí triunfador ni en la lucha. Al contrario, aparece casi desnudo, desarmado, y sentado al borde de una cama deshecha y con la ropa revuelta.

Hay interpretaciones del cuadro para todos los gustos, desde una alegoría de la decadencia del poder militar español, una visión en clave irónica del mito, una "continuación" de la Fragua de Vulcano, hasta un Marte agotado por sus amores con Venus.

En cualquier caso Velázquez demuestra su cultura clásica y se pueden rastrear fuentes de inspiración en la escultura romana (Ares Ludovisi) y en Miguel Angel (tumbas de la capilla Medici).

Es un cuadro hecho en plena madurez, con una libertad técnica absoluta, con una pincelada muy empastada, que corrige y modifica la figura y los objetos sobre la marcha, y con una amplitud de composición que prescinde de detalles y crea una superficie borrosa pero brillante y viva.

DETALLE 1

La sombra del yelmo vela el rostro pensativo y grave, melancólico, del dios, hecho con una economía de medios plásticos absoluta, donde 'muy pocas pinceladas obran mucho', como ya vieron los contemporáneos del pintor.

El casco brilla con unas cuantas pinceladas amarillas y blancas, y deja ver sobre los ojos borrosos, su colocación inicial, más baja que la actual. El enorme bigote de soldado bravucón se hace a partir de una mancha negra inicial sobre la que se arrastra el pincel manchado de marrón.

La mano ha sido modificada respecto a su posición primitiva, con el puño más cerrado, a base de aplicar capas de pintura unas sobre otras, lo que le da un aspecto borroso y casi movido.

DETALLE 2

El cuerpo de Marte no es el joven y fuerte que cabría esperar y que le correspondería en la tradición clásica al dios de la guerra, identificado también con el de la juventud, como edad propia para ejercer esa actividad; es más bien el de un soldado flaco, envejecido y cansado, que todavía conserva unas piernas fuertes, pero cuyo torso está ya más que maduro.

DETALLE 3

Debajo de la tela de color rojo, a la derecha, se puede distinguir el azul de la anterior, que ocupó en un principio una superficie mayor. Parece que Velázquez, una vez empezado el cuadro, hizo más frontal la postura de Marte y caldeó la entonación general, antes más fría por el azul.

DETALLE 4

También la parte alta del muslo izquierdo y algo de la pantorrilla quedaban ocultas en principio por el manto azul. Se pueden distinguir claramente las pinceladas de Velázquez para ocultarlo, muy cargadas de pintura y aplicadas en sentido transversal a las anteriores.

El pie, que también fue modificado, se corrige con más cuidado, tapando el inicial con una capa delgada de pintura roja.

DETALLE 5

La espada que aparece a los pies de Marte es moderna, lleva grandes gavilanes, como se usaban en la época de Velázquez. Espadas semejantes se pueden ver en muchos de sus cuadros de hombres armados, como el retrato de Baltasar Carlos a caballo del Museo del Prado o el general Spínola en Las Lanzas.

MENIPO

FICHA

1639-1640 Oleo sobre lienzo 179 x 94 Madrid, Museo del Prado.

TEMA

Es una representación del filósofo griego Menipo, pareja del fabulista Esopo, pintado para el mismo lugar.

Menipo aparece de cuerpo entero, aproximadamente tan viejo como Esopo, e igual de harapiento. Va envuelto en una capa deshilachada, que sujeta con una mano en el pecho, calzado con botas desgastadas y cubierto con un sombrero chambergo.

La imagen responde a un tipo pictórico del siglo XVII que se conoce con el nombre de 'filósofo mendigo' y que Jusepe Ribera, el Españoleto ya había tratado en 1630.

Parece que Menipo se va, dejando en el suelo libros y pergaminos como símbolos del saber del mundo, y dirige una última mirada hacia atrás. Su gesto, lleno de menosprecio y a la vez de compasión, es quizá un mensaje a todo aquel que sigue aferrado a los placeres y a la sabiduría mundana.

Velázquez presenta un personaje que ha sabido renunciar a las ataduras del mundo, por lo que es verdadero depositario de la sabiduría. Para ello emplea la figura de un mendigo español, altanero y desastrado, en lo que se ha visto un retrato de la picaresca española.

Pintado para la Torre de la Parada, el palacete de caza de Felipe IV próximo al Pardo, se encontraba allí junto a otros temas mitológicos, como los cuadros inspirados en las Metamorfosis de Ovidio que se encargaron a Rubens, Marte y Esopo, los retratos de cazadores, y las hazañas cinegéticas del rey que pintó Snayers.

Menipo se inscribe así dentro de una decoración variada de mitología, vida retirada y caza, en la que encajaba esta visión peculiar de la antigüedad clásica, que nunca fue algo monolítico.

PERSONAJES

Menipo fue un filósofo griego, cuyos escritos se han perdido y del que sabemos a través de Luciano. Nació esclavo en Gadara hacia el año 270 a. C. y se hizo ciudadano de Tebas gracias a lo que ganó con sus escritos.

Era un cínico que se burlaba de la seriedad de los filósofos y defendía la sabiduría parda, popular. Para expresar sus ideas se servía de un estilo poco ortodoxo, a medio camino entre la seriedad y la burla.

Su desprecio de las apariencias y las distinciones sociales (además de los filósofos epicúreos), no le impidieron, según es tradición, suicidarse al quedar en la ruina.

Sus escritos, cargados de burlas y ataques, pero perdidos en la actualidad, sirvieron como base para un tipo de sátira conocida como 'Sátira menipea', que dejó huellas en la literatura posterior de Luciano de Samosata, Varrón y Séneca.

CONTEXTO

Velázquez pinta esta representación de Menipo para la decoración de la Torre de la Parada y con destino al mismo lugar realiza también retratos de los hombres de la familia real vestidos con trajes de caza. La caza, como la equitación, se consideraban actividades propias de reyes porque les servían en la paz de entrenamiento para la guerra.

La mitología ocupaba un lugar importante en la Torre de la Parada. Las tres pinturas (Esopo, Menipo y Marte) de Velázquez forman parte de un programa decorativo para el que se encargaron a Rubens escenas de las Metamorfosis de Ovidio y los filósofos Demócrito y Heráclito.

A principios de los años cuarenta, cuando se hacen estas pinturas, Velázquez está a punto de ser nombrado ayuda de cámara y superintendente de obras reales.

Es una época en la que España comienza su declive. En 1640 en el interior se producen levantamientos en Cataluña y Portugal y se pierde definitivamente Pernambuco, que pasa a manos holandesas. En 1641 el duque de Medina-Sidonia se subleva en Andalucía. En 1642 se pierde Perpignan y, lo que es más importante, la moneda de vellón se devalúa en un 25 por ciento.

PRECEDENTES

Ya Jusepe Ribera, el Españoleto, había tratado unos años antes, en 1630, el tipo de 'filósofo mendigo', en Nápoles, en su Arquímedes (mal llamado Demócrito, Madrid, Museo del Prado). La idea era representar pensadores de la antigüedad con harapos del siglo XVII: vestir ideas serias con un lenguaje naturalista, de la calle, para dejar claro que lo importante no son las riquezas del mundo sino la sabiduría.

En la Torre de la Parada se habían colgado unos años antes, en 1638, dos lienzos de Rubens representando a Demócrito, el filósofo para quien todo es motivo de risa y Heráclito, el que llora por todo; estos de Esopo y Menipo serían la réplica de Velázquez a las obras de Rubens.

Martínez del Mazo, el yerno y ayudante de Velázquez, que se inspiró en Esopo para realizar su San Fausto labrador (Madrid, colección particular), tomó también la figura de Menipo y lo presenta como mendigo en la Cacería del Tabladillo del Museo del Prado.

Mariano Fortuny, ya en el siglo XIX, copió la Cabeza de Menipo (Madrid, Casón del Buen Retiro).

TÉCNICA

La representación de este filósofo parece ser una invención absoluta de Velázquez, ya que no existen precedentes. Nos encontramos aquí con el mismo caso que en los retratos de cazadores, inventados también por el sevillano, según Enriqueta Harris.

Velázquez planta la figura de pie, contra un fondo indeterminado -como es habitual en muchos de sus cuadros-, y proyectando una sombra mínima bajo los pies. La luz viene de la izquierda, según miramos nosotros, y eso hace que esta parte del fondo quede más oscura.

La técnica de Velázquez en este cuadro aparece como una de las más libres de toda su obra. Las capas de pintura son muy delgadas y transparentes, tanto que, a veces, no cubren la imprimación y dejan ver fácilmente las rectificaciones.

La imprimación es de un color entre blanco y naranja, como en Esopo, y debajo de ella hay una capa más blanca de preparación.

Las pinceladas son extraordinariamente fluidas y amplias y la ejecución es rápida, todo lo cual hace que los contornos se difuminen y pierdan nitidez, como en el cuadro que le acompaña. También como allí la parte de realización más rápida es la inferior, las piernas y las botas.

Las zonas y los detalles más iluminados se consiguen con pinceladas más cortas y más empastadas, como la cabeza, la mano y los libros.

El fondo, al estar hecho con una pintura muy fluida, todavía más que en Esopo, permite que se transparente la preparación, lo que le hace ser luminoso y vibrante.

HISTORIA DEL CUADRO

Pintado para la Torre de la Parada, en 1701 estaba todavía allí y figura en el inventario de ese año. En 1714 se llevó al palacio del Pardo, y de allí al Palacio Real de Madrid, donde aparece registrado en 1772 y 1794.

Desde 1819 está en el Museo del Prado.

FICHA DE ESTUDIO

MENIPO Por Velázquez 1639-1640 Oleo sobre lienzo 179 x 94 Madrid, Museo del Prado.

Es una representación del filósofo griego Menipo, que formaba pareja con el cuadro de Esopo y que responde a un tipo de representación habitual en el siglo XVII conocida como "filósofo mendigo" y que Jusepe Ribera, El Españoleto, ya había tratado en Nápoles.

Velázquez pinta este cuadro y su compañero a principios de los años cuarenta, para decorar la Torre de la Parada, un pabellón de caza cerca de Madrid, para el que pintó también al dios Marte y retratos del rey, su hermano y el heredero como cazadores.

Otros pintores debían contar las hazañas de Felipe IV rey como cazador y Rubens, uno de los artistas más cotizados de su siglo, tenía a su cargo escenas de las Metamorfosis de Ovidio, temas mitológicos también, y otros dos filósofos antiguos, Demócrito y Heráclito, a los que estos de Velázquez parecen dar la réplica en el mismo tono alegre.

La presencia de Menipo en este lugar, a medio camino entre lo oficial y lo privado, se explicaría por el desprecio que el griego manifestaba hacia la gravedad de los filósofos y la exaltación que hacía de la sabiduría popular y el tono jocoso y sarcástico de sus escritos, actualmente perdidos.

Velázquez pinta a Menipo en un momento de plena madurez, con una inmensa libertad técnica y una especie de descuido que, sin duda, era muy estudiado: sobre la preparación, compone la figura con capas muy ligeras de pintura, a base de pinceladas rápidas y sueltas que se deslizan con facilidad por la tela, permitiendo que se transparente el fondo. Las pinceladas sólo son más empastadas en los lugares más iluminados, como la cara, la mano y los libros del suelo.

Aunque sigue utilizando aquí una gama muy sobria de marrones, sólo la "naturaleza muerta" con un cántaro y libros de la parte inferior, nos puede recordar su primera etapa sevillana.

DETALLE 1

Todavía una mirada atenta puede distinguir sobre el sombrero de Menipo los cambios que Velázquez ha realizado mientras realizaba el cuadro, como sucede tantas veces en su pintura.

Velázquez no delimita los rasgos con precisión, aplica colores que configuran el rostro del filósofo, tocando con el pincel manchado de blanco para iluminar el pelo, la barba o la nariz y casi sin rozar la tela para iluminar los ojos.

DETALLE 2

La mano, apenas abocetada, como la de Marte, se hace con pinceladas mucho más cargadas de pasta que la capa. Junto a ella, y gracias a la transparencia de las capas de pintura, se pueden ver las rectificaciones llevadas a cabo sobre el contorno inicial de la figura. Lo mismo que en el muro del fondo.

DETALLE 3

El cántaro también se cambió de sitio: al principio Velázquez lo pintó más abajo, y, gracias a la transparencia de las pinceladas, la antigua boca se puede distinguir todavía en la panza del actual.

Este cántaro, pintado casi sin materia, y apoyado de forma inestable sobre una plataforma con dos ruedas, se ha interpretado como una alusión a la fragilidad de la vida o de los bienes materiales.

En cualquier caso, lo importante de verdad en esta zona del cuadro, con los libros y el pergamino, es que constituyen un espléndido trozo de pintura, de esos que Velázquez coloca a veces en su obra en lugares secundarios, pero sin darles por ello menos importancia: una magnífica naturaleza muerta.

DETALLE 4

En los laterales se pueden distinguir dos bandas de diferente color. Para explicarlo se ha sugerido que tal vez Velázquez pintó primero este cuadro con dimensiones parecidas a las obras de Rubens, y después el Esopo, más monumental. Luego, con el fin de igualarlos, encargaría a algún ayudante que pintara estos dos trozos de lienzo, que no son añadidos, pero que estaban sin pintar.

MERCURIO Y ARGOS

FICHA

1659 Oleo sobre lienzo 127 x 248 Madrid, Museo del Prado. 1175

TEMA

Es un tema de la mitología griega, como los otros tres que le acompañaban: "Apolo y Marsias","Psiquis y Cupido", y "Venus y Adonis". Mercurio, el mensajero de Júpiter, acaba de adormecer con el sonido de su flauta a Argos, el pastor encargado por Juno de vigilar a la vaca Io. La misión final de Mercurio es asesinar a Argos y huir con Io para entregársela a Júpiter de nuevo.

En el fondo de la tela aparece la vaca Io con un paisaje de tonos grisáceos como marco. A la derecha, Mercurio, caracterizado únicamente por un sombrero con un par de plumas que recuerdan el casco alado que suele llevar como mensajero de los dioses, intenta levantarse sin hacer ruido, para no despertar a Argos.

En el ángulo izquierdo está Argos dormido, con la cabeza caída sobre el pecho desnudo en el que pronto va a recibir una herida mortal.

PERSONAJES

La ninfa Io fue una de las muchas aventuras de Júpiter. Hija del río Inaco, de Tesalia, el padre de los dioses la convirtió en vaca para evitar los celos de su esposa Juno. Desconfiada la diosa se la pidió como regalo y encargó su vigilancia al pastor Argos, maestro en añagazas y guardián incorruptible, con cien ojos de los cuales jamás se cerraban todos; ojos insomnes muchos de ellos, que calaban hasta las intenciones.

Júpiter recurre a Mercurio, el dios mensajero, para recuperar a Io: le encarga adormecer a Argos con la música de su siringa, darle muerte y huir con ella. Así lo hace y Juno, entristecida por la muerte injusta del pastor, toma los cien pares de ojos y los pone en la cola del pavo real, su animal emblemático.

En el lienzo no aparecen todos los personajes de la historia, que acaba en Egipto; Velázquez se centra en uno de los pasajes de la fábula, concretamente el momento en el que Argos se ha quedado dormido y Mercurio se dispone a matarlo.

Mercurio quita las alas a sus pies, toma el sombrero y la varita de adormidera. Con este equipaje desciende a la tierra, y prescindiendo del caduceo, como pastor que guía su rebaño, empieza a modular armonías. Extrañado Argos, toma la palabra para expresarse así: 'Quienquiera que seas, puedes venir a sentarte a mi lado. No encontrarás mejores pastos ni sombra tan deliciosa'. Mercurio acepta la invitación, y ambos pasan la jornada, al principio con alegres porfías y luego con los sones con que el enviado de Júpiter pretende adormecer 'al de los mil ojos'. Argos se resiste tenazmente a la modorra, tan dulce. No hace sino cerrar algunos de sus párpados. Mercurio, entonces, inicia el cuento del poder subyugante de su música… Terminado el cuento, Mercurio pasó a Argos la rama de beleño por los párpados entornados; inmediatamente le degolló.

CONTEXTO

En los últimos años de la década de los cincuenta, cuando se pinta este cuadro, Velázquez se ocupa de actividades relacionadas con la arquitectura y la decoración de la pieza ochavada y del Salón de los Espejos del Alcázar, dos de las estancias más importantes de la residencia real. Estas ocupaciones están relacionadas con su nombramiento en 1652 como aposentador mayor de palacio.

Para el Salón de los Espejos realiza cuatro telas de asunto mitológico: "Mercurio y Argos", "Apolo y Marsias","Psiquis y Cupido", y "Venus y Adonis", que él mismo coloca entre lo mejor de la colección real: Rubens, Veronés, Tintoretto, Ribera, Van Dyck y Domenichino, entre otros.

Este es uno de los últimos cuadros que conservamos de su mano. Por estas fechas retrata al infante Felipe Próspero y a la infanta Margarita de azul y plata (Viena, Kunsthistorisches Museum) y quizá inicia el de La Infanta Margarita de Austria (1192) del Museo del Prado, que deja sin terminar a su muerte y que acaba su yerno Mazo.

El 27 de Noviembre de 1659, por una orden del rey, se le concedía el hábito de caballero de la Orden de Santiago, una de sus máximas aspiraciones. Un año después, en 1660, le llegaría la muerte.

En 1659 se firma la paz de los Pirineos que pone fin a la guerra entre España y Francia y que se sellará con las bodas dobles de infantes franceses y españoles.

PRECEDENTES

La fábula de Mercurio y Argos procede de la mitología clásica griega, pero la interpretación y el pasaje que ha elegido Velázquez parece extraída del relato de la fábula que se hace en el Libro I de las Metamorfosis de Ovidio, que Velázquez tenía en su biblioteca.

También Rubens había pintado esta escena, (Mercurio y Argos de Rubens) para la Torre de la Parada, el cazadero de Felipe IV, y hay algunas coincidencias entre los dos: Mercurio no lleva sandalias aladas ni caduceo (sus símbolos), para impedir que Argos le reconozca, y los dos tienen sombrero. Sin embargo las semejanzas son pocas: Rubens hace una escena llena de movimiento y violencia, recogiendo el momento en que Mercurio levanta su espada para dejarla caer sobre el cuerpo de Argos, tan fuerte y robusto como él.

Velázquez elige el instante anterior: un momento más tranquilo, silencioso y casi inmóvil, cuando Mercurio se levanta sigilosamente para no despertar a Argos. Es la astucia lo que Velázquez pone en juego, no la fuerza como Rubens. Algo semejante sucedía en La fragua de Vulcano: al flemático y cerebral Velázquez no le interesa la escena apasionada del adulterio, sino el instante del conocimiento de la verdad y la reacción que produce en el herrero y sus hombres.

La concisión de la escena no puede ser mayor: Velázquez se ciñe a lo esencial, los dos hombres en primer plano y el motivo, la víctima en realidad, ocupando el fondo.

Para la figura de Argos, Velázquez pudo tener en cuenta obras vistas durante su estancia en Roma, quizás estudió la escultura del Galo moribundo del Museo Capitolino, una de las más famosas del mundo antiguo o el ignudo de Miguel Angel en la Capilla Sixtina.

TÉCNICA

El formato especial de la tela, estrecha y larga, está condicionado por el lugar al que iba destinado el lienzo, el espacio entre dos ventanas en una pared del antiguo Alcázar. De ahí también la disposición de los personajes, que se recuestan para adaptarse al marco, al modo de las esculturas que ocupan los ángulos en los frontones clásicos.

La escena se organiza a base de un juego de líneas: una serie de diagonales -la cabeza de Io y el brazo de Mercurio, la pierna de Argos y su cuerpo-, a las que se contraponen otras en dirección opuesta -el costado de Mercurio y la parte superior de la pierna de Argos; junto a ellas las horizontales serenan la composición -el dorso de la vaca, la pierna izquierda de Argos y el propio formato alargado del cuadro.

El cuadro se vería a contraluz y desde abajo, lo que le permite a Velázquez, entre otras razones, trabajar con formas tan abocetadas y dar un tratamiento tan particular de la luz. Teniendo en cuenta ese contraluz, Velázquez coloca un fondo gris azulado que va pasando al marrón a medida que avanzamos a la derecha. Sobre ellos pone una nota cálida con el rojo de la tela que cubre a Mercurio.

La técnica es todo lo ligera y libre que se puede imaginar. La pintura es tan fluida que el pigmento se acumula en los bordes y se hace transparente en muchos lugares, dejando ver el estrato inferior y los cambios que se han llevado a cabo, como la espalda de Mercurio y la posición de la vaca. Las pinceladas son muy rápidas y sueltas.

Sólo hay más empastes en las piernas y el pecho de Argos, que aparecen más iluminados. También para iluminar Velázquez utiliza pinceladas superficiales, largas, delgadas y rápidas, con abundante blanco. Y para conseguir matices dentro de un color, aplica el tono de base y sobre él hace modulaciones.

Los contornos de las figuras y los objetos se marcan por pinceladas anchas, blancas, como en Mercurio y la vaca, o bien oscuras, como en la pierna derecha de Argos. Los distintos elementos que componen el cuadro se pintan unos sobre otros, modificando y corrigiendo sobre la marcha.

Las figuras, y sobre todo los rasgos de la cara, resueltos con unas someras pinceladas marrones, aparecen desdibujados, borrosos, como bocetos, de un modo que es habitual en Velázquez desde los años cuarenta, cuando pintaba para la Torre de la Parada, pero que aquí se acentúa y se lleva a unos extremos difíciles de superar. Como ha escrito J. Brown,

Se trata… especialmente para la mirada acostumbrada a la experiencia del arte moderno, de que Velázquez ha llegado de manera intuitiva a comprender la naturaleza dual del arte de la pintura, es decir su capacidad para crear formas y a la vez expresar su propia esencia. Si nos fijamos, por ejemplo, en la manga izquierda de Argos… veremos tres o cuatro amplias aplicaciones del pincel cargado de un espeso pigmento blanco grisáceo, que se superponen a una capa de un gris más oscuro. Esas pinceladas tienen por finalidad definir los pliegues y arrugas de la holgada prenda, objetivo que consiguen con plena eficacia. La maravillosa economía de este fragmento nos obliga en seguida a fijarnos en la pincelada, que se convierte así en objeto de contemplación por derecho propio… Al revelar sus procedimientos técnicos en vez de ocultarlos, Velázquez nos hace ahora partícipes del milagro de la creación artística.

Velázquez se sitúa en la tradición de la pintura veneciana, suelta, cálida y colorista, superándola ampliamente.

HISTORIA DEL CUADRO

Esta obra fue pintada para decorar el Salón de los Espejos del Alcázar de Madrid en 1659, formando pareja con un Apolo y Marsias que desapareció en el incendio de 1734. Mercurio y Argos se salvó de las llamas; sólo sufrió algunas quemaduras en los bordes, subsanadas con las bandas horizontales que se añadieron posteriormente, como figura en el inventario de 1772.

En el incendio se perdieron otros tres cuadros con tema mitológico de Velázquez que estaban también en el Salón de los Espejos: "Apolo y Marsias","Psiquis y Cupido", y "Venus y Adonis".

Este aparece registrado en el inventario de 1666, con el siguiente texto: Otros dos quadros yguales de entrebentanas de a 3 varas de ancho y vara de alto de dos fábulas, la una de Apolo desollando a un Sátiro, y la otra de Mercurio y Argos, con una Baca; ambos originales de Belazquez, tasados en cien doblones cada uno. Figura posteriormente en los inventarios de 1686 y 1700, todavía en cien doblones.

Tras el incendio del Alcázar de 1734 se traslada a la Armería, en 1746 estaba en el palacio del Buen Retiro y en 1772 en el Palacio Real, donde se especifica que se le ha añadido una vara en sentido horizontal. En 1794 ya se tasa en sies mil reales.

Se encuentra en el museo del Prado desde su apertura.

FICHA DE ESTUDIO

MERCURIO Y ARGOS Por Velázquez. 1659 _leo sobre lienzo. 127 x 248.Madrid, Museo del Prado.

Es un tema mitológico, la historia de la ninfa Io, que Velázquez tomó de las Metamorfosis de Ovidio, y que pintó, junto con otros tres, para decorar el Salón de los Espejos del Alcázar de Madrid. Allí colgaban junto a los de Rubens, Tiziano Tintoretto, Ribera, etc, y allí se quemaron los demás en el incendio de 1734.

La fábula cuenta que Jupiter, el padre de los dioses, enamorado de la ninfa Io, la convirtió en vaca para librarla del furor de Juno, su esposa legítima. Pero, incapaz de soportarlo, encargó a Mercurio que la recuperara. El mensajero adormeció al guardián Argos, que velaba con mil pares de ojos, gracias a la música de su flauta y a un cuento. Una vez dormido, le mató, y Juno colocó los cien pares de ojos en la cola del pavo real.

Velázquez elige el momento inmediatamente anterior a la muerte. Argos acaba de cerrar los ojos y Mercurio se levanta sigilosamente. No hay violencia en la escena, a diferencia del cuadro que pintó Rubens para la Torre de la Parada con el mismo tema, sólo contención, astucia y método, como en el propio Velázquez.

Argos no tiene cien pares de ojos en su cuadro, como los cíclopes de la Fraga de Vulcano no son gigantes ni tienen uno solo. El tema es mitológico, pero la representación es realista. Velázquez pinta gentes de carne y hueso, que podían ser pastores o herreros.

El cuadro es un prodigio de técnica ligera y abocetada. Las pinceladas son sueltas, amplias y se aplican de manera rápida, dando lugar a unas formas borrosas que sólo de lejos cobran vida.

En 1659, cuando se pintó, Velázquez ya era Aposentador Mayor y Caballero de Santiago. En esta etapa final el pintor se ocupa menos de la pintura y más de actividades relacionadas con su cargo en la Corte.

DETALLE 1

Mercurio, tal como se cuenta en las Metamorfosis de Ovidio, dejó en el Olimpo las sandalias aladas y el caduceo, sus señas de identidad, para que Argos no pudiera reconocerlo. Velázquez nos da la pista imprescindible con las dos alas que le coloca al viejo sombrero.

Sobre su hombro izquierdo se puede ver la mancha roja de la tela que antes lo cubría y que Velázquez modificó, tapándola con pinceladas más claras del blanco de las nubes.

El cuerpo de la vaca, como un fondo monumental para las dos figuras, es una capa ligerísima de pintura, a través de la cual se transparenta la preparación del cuadro.

DETALLE 2

Argos, sin los cien ojos de la fábula, que le permiten dormir y seguir vigilando, tiene a cambio un rostro normal propio de un pastor o de un campesino real, con el pelo lacio caído sobre la cara y los vestidos sucios y abiertos con descuido sobre el pecho.

Unas pocas pinceladas, sin pasta apenas, componen la figura: unos trazos más claros en el pelo, la manga o el hatillo sobre el que apoya el brazo izquierdo. Velázquez no oculta los "trucos" de pintor; todo lo contrario, los exhibe, como harán los artistas en el siglo XX.

DETALLE 3

Las piernas de Argos, más iluminadas que el resto de su cuerpo y que Mercurio, constituyen la zona más empastada del cuadro, precisamente para conseguir esa luz. Además, en el ángulo en que se cruzan las piernas de los dos hombres, se puede distinguir todavía la primitiva cabeza de la vaca, situada antes en el centro del cuadro y con un tamaño mucho menor.

DETALLE 4

Arriba, a la derecha, se ven varias pinceladas de distintos colores (amarillo, azul), que son descargas del pincel que hace el pintor para quitar la pintura sobrante o bien pruebas de color. mientras realiza el cuadro.

Al cuadro se le añadieron dos bandas horizontales que se distinguen a simple vista, de 25,5 cm la de arriba y de 10 cm la de abajo.

PABLO DE VALLADOLID

FICHA

Hacia 1633 Oleo sobre lienzo 209 x 123 cm Madrid Museo del Prado

TEMA

Retrato de un hombre de placer de la corte de Felipe IV, Pablos o Pablillos de Valladolid, en actitud declamatoria.

Este bufón se creía actor y Velázquez lo ha pintado vestido de negro y con golilla, en un gesto que se ha relacionado con su actividad teatral o cómica. No se puede olvidar la enorme afición del rey Felipe IV al teatro (y a las actrices).

Es un retrato extraordinario por la rotundidad de la figura en un espacio que no existe, creado únicamente a través de las sombras y las gradaciones de los colores.

Este cuadro formaba parte de una serie de bufones que pintó Velázquez para el Palacio del Buen Retiro, con otros cinco retratos de los que hoy quedan éste, El bufón Don Juan de Austria y Barbarroja.

Los bufones y los enanos formaban parte de las Cortes europeas desde la Edad Media, eran muy queridos por los reyes y sus retratos eran habituales en la decoración de los palacios.

PERSONAJES

Pablo de Valladolid, seguramente originario de esta ciudad, está documentado en la corte entre 1632 y 1648, año de su muerte. Gozaba de dos raciones que, al morir, pasaron a sus dos hijos por orden real.

Hasta 1633 vivía fuera del Alcázar y para pagar el alojamiento tenía asignada una pensión, tal y como reflejan unas cuentas de la época: paga de media anata 8.438 maravedíes por la merced de aposento que se le dió en casas de los herederos de Olarte, en la calle que baja de las de Ruy Gómez a

S. Juan.

Su retrato es el que tiene una actitud más bufonesca de toda la serie. Velázquez parece haberlo captado en un instante de su representación, en una actitud declamatoria.

CONTEXTO HISTORICO

A su vuelta del primer viaje a Italia, en 1631, Velázquez inicia la época más productiva de su vida. Los enanos y bufones se fechan en la década de los treinta en la que pinta, además, toda una serie de retratos de la familia real con destino a los Palacios Reales o para enviar al extranjero a parientes de otras cortes europeas.

De esta época son el príncipe Baltasar Carlos con un enano, la serie de retratos ecuestres para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, los retratos de caza para la Torre de la Parada y uno de sus cuadros más conocidos, el Felipe IV vestido de castaño y plata. Por estos años pintado uno de sus cuadros más importantes, Las Lanzas.

Su carrera cortesana continúa: ya es alguacil de corte, desde 1633 y en 1634 le nombran ayudante de guardarropa; por su parte cede el cargo de ujier de cámara a su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo, casado con Francisca el año anterior.

En 1634 las tropas españolas al mando del Cardenal Infante vencen a los suecos en la batalla de Nördlingen, con lo que se estabilizan las fronteras protestantes. En 1635 estalla de nuevo la guerra entre Francia y España y los españoles son derrotados en Namur.

FUENTES DE INSPIRACION

Los retratos de enanos y bufones eran frecuentes en los palacios europeos desde la Edad Media. En la corte de los Austrias era tradición que los pintores reales pintasen a estos personajes desde tiempos de Carlos V. Buena prueba de ello es el elevado número de retratos de este tipo que hizo Velázquez y la familiaridad con que aparecen en Las Meninas.

El embajador francés describe en 1628 una serie de pinturas con este tema cercana al despacho del Conde Duque de Olivares en el Alcázar de Madrid.

Las formas de representación son variadas: en compañía de sus amos (Felipe IV con el enano soplillo), en ceremonias (Auto de Fe), con animales (retrato del bufón mal supuesto D. Antonio el inglés o solos (retrato del bufón Pejerón, de Antonio Moro).

Los retratos de bufones de Velázquez pertenecen a esta última categoría. Son figuras solas, a lo sumo con algunas naturalezas muertas. Una fuente visual de inspiración es el retrato del bufón Pejerón que estaba inventariado en el Alcázar en 1600.

En otras ocasiones dada la deformidad o anormalidad de estos personajes su retrato tiene el carácter de registro científico para dejar constancia de un fenómeno de la naturaleza como es el caso del Francisco Lezcano, el niño de Vallecas o la Mujer barbuda de Ribera.

TECNICA Y COMPOSICION

El retrato de Pablo de Valladolid es uno de los más extraordinarios de la historia de la pintura: una figura sola ante un espacio que no existe.

El espacio se construye únicamente a través de las gradaciones lumínicas y la sombras, capaces de provocar una sensación de aire interpuesto, de ambiente, a través de la perspectiva aérea que crea una ilusión espacial allí donde no existen referencias espaciales explícitas.

Esto le hizo escribir a Manet frases de admiración cuando le contaba a su amigo Fantin-Latour la visita al Prado: qué alegría hubiera sido para ti ver a Velázquez, que él solo merece el viaje… es el pintor de pintores… Lo más maravilloso de esta obra espléndida, y quizá lo más asombroso de cuanto se haya pintado jamás, es el cuadro indicado en el catálogo como Retrato de un autor célebre de tiempos de Felipe IV (Pablillos de Valladolid). El fondo desaparece: es el aire que rodea al hombrecillo, completamente vestido de negro y vivo.

El impacto que le produjo esta obra le inspiró, entre otras, una de sus pinturas más célebres, El Pífano.

El movimiento de la figura ayuda a definir el espacio: un brazo recogido, el otro abierto y las piernas separadas.

La austeridad cromática es aquí una de las mayores de Velázquez. La paleta no puede ser más reducida: negro, ocres, blanco y alguna nota cálida en la cara y las manos. Pero austeridad no quiere decir pobreza y el pintor logra una enorme variedad de matices combinando los pigmentos básicos.

La pintura está muy diluída y se aplica en capas delgadas sobre la preparación blanca del fondo, que se transparenta a través de los brochazos rápidos y ligeros, haciendo vibrar al fondo, de un modo parecido al Cristo crucificado (1167).

La luz entra de izquierda a derecha y la sombra del actor se consigue con una pintura muy diluída y cargada de aglutinante, aplicada con una brocha de mayor tamaño y más negro que ocre en la mezcla, lo que le da el tono gris. Esta sombra, por sí sola es capaz de crear la sensación de espacio, de aire interpuesto entre la figura y el fondo.

El traje negro se matiza con toques más precisos o de color más intenso, sobre la mancha inicial para definir los detalles, las formas y, en especial, los bordados.

Si admitimos la hipótesis de que Barbarroja y El bufón Don Juan de Austria son pareja, es posible que Pablillos tuviera su pareja en el desaparecido retrato del bufón Cárdenas, también de Velázquez, que formaba parte de la serie realizada para el Palacio del Buen Retiro.

El cuadro se describe del siguiente modo en el inventario: "Cárdenas, el bufón torero, con el sombrero en la mano, de Velázquez de su primera manera".

Puede que aquél bufón tuviera el brazo extendido, remedando un pase de capote y diera una idea de movimiento complementaria del Pablillos.

A este don Juan de Cárdenas, bufón "de excelente humor", que servía al duque de Medina Sidonia, le vio seguramente Felipe IV torear a caballo en el Bosque de Doñana el año 1624 y de allí se lo llevó a la corte.

El cuadro de Pablo de Valladolid fue ampliado con bandas estrechas en los laterales y en la parte inferior. El borde superior se desdobló, aumentando también las dimensiones por arriba.

HISTORIA DEL CUADRO

Se han propuesto diversas fechas de ejecución atendiendo a consideraciones estilísticas. El catálogo del Prado lo sitúa en 1633. Pablillos está documentado en el Alcázar entre 1632 y 1648, fechas entre las que pudo pintarlo. Un pago efectuado a Velázquez en 1634 por obras realizadas para el Palacio del Buen Retiro puede ayudar a concretar su ejecución en la primera mitad de los años treinta, junto con los de Juan de Austria y Barbarroja.

Aparece en el inventario del Palacio del Buen Retiro de 1701 junto con El bufón Don Juan de Austria, Barbarroja, Calabazas, Cárdenas, y El portero Ochoa. Los dos primeros están también en el Museo del Prado, el tercero se identifica con el de Cleveland, el cuarto ha desaparecido y del último se conoce una copia en la colección de la reina Fabiola en Bruselas.

La descripción lo identifica claramente: "Otra de dos varas y media de alto y vara y tercia de ancho, con un Retrato de un Bufón con golilla que se llamó Pablillos el de Valladolid de mano de Velázquez con marco negro tasada en veinte y cinco doblones".

Consta en los inventarios del Palacio Real de 1772, 1794 y 1814. En 1816 pasó a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde se le tenía por un alcalde. En 1827 entró en el Museo del Prado, donde figura aún como Retrato desconocido en el catálogo de 1828.

FICHA DE ESTUDIO

El bufón Pablo de Valladolid Por Velázquez Hacia 1633 Oleo sobre lienzo 209 x 123 cm Madrid, Museo del Prado

Pablo de Valladolid fue un "hombre de placer" o bufón de la corte de Felipe IV y Velázquez le retrata en una actitud declamatoria que ha hecho pensar que fuera actor o cómico.

El retrato era parte de una serie de seis cuadros de bufones pintados por Velázquez para decorar una galería del Buen Retiro, junto a Don Juan de Austria y Barbarroja.

Los bufones formaban parte de las cortes europeas desde la Edad Media, disfrutaban el aprecio de los reyes y sus retratos, en ocasiones acompañando a los monarcas, eran parte de la decoración de los palacios.

La figura del bufón queda sola en un espacio que no está definido por objetos ni referencias concretas sino por la perspectiva aérea. Las gradaciones lumínicas y las sombras crean una idea de aire interpuesto que define el espacio.

La pintura se aplica muy diluída y cargada de aglutinante, en capas muy ligeras, sobre la preparación blanca, que se transparenta debajo de ella y hace vibrar el fondo.

La paleta es muy sobria, como es habitual en Velázquez: ocres para el fondo, negro para el traje y blanco para la golilla, la manga y las luces; pero a partir de esos colores básicos logra una inmensa variedad de gradaciones y matices.

La libertad de ejecución de Velázquez y la audacia espacial eran tan enormes para su época que hasta el siglo XIX no hubo un pintor capaz de aprender la lección: Manet, quien en 1867 pintó El pífano bajo la inspiración directa de este cuadro.

DETALLE 1

La cabeza de Pablo está pintada con más detalle que la de El Bufón llamado don Juan de Austria y la de Pernia, es menos borrosa y el modelado a base de luces y sombras es más acabado. Sobre las orejas cae el pelo hueco, el tufo, de moda en aquella época.

La cara y el peinado tienen gran similitud con el llamado Geógrafo del Museo de Rouen, también de Velázquez, y se ha apuntado que pudiera tratarse del mismo personaje.

La golilla era inicialmente más pequeña y todavía se puede distinguir el contorno debajo de la actual en unas pinceladas grises.

DETALLE 2

Las manos, al igual que la cabeza, están trabajadas con más detalle que las de El Bufón llamado don Juan de Austria y Barbarroja, más modeladas y con contornos más precisos. Las dos han sufrido modificaciones, visibles sobre el negro de la capa (el antigo índice) y corregidas con pinceladas grises sobre el fondo.

La posición de los dedos es exactamente la misma en cada mano. Se crea así un juego de simetría, habitual en la pintura desde el renacimiento, y que contribuye a la profundidad y el equilibrio compositivo.

El bordado del traje se consigue a base de pequeñas pinceladas más oscuras y más empastadas sobre el negro de base que es más ligero.

DETALLE 3

El contorno derecho de la figura y la pierna, están delimitados por pinceladas largas, que la encajan en el fondo y la hacen resaltar con más luz.

Velázquez hace aquí un alarde técnico prodigioso, y de mucho futuro, al crear un espacio sin medio alguno, simplemente con la sombra que proyecta Pablillos sobre el suelo, que hasta entonces no lo era. Hasta Manet, bien entrado el siglo XIX ningún artista está preparado para aprender esta lección.

RETRATO ECUESTRE DE FELIPE IV

FICHA

Hacia 1634 Oleo sobre lienzo 301 x 314 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

El retrato del rey Felipe IV, junto con los retratos ecuestres de su esposa, Isabel de Borbón, su hijo, el príncipe Baltasar Carlos y sus padres, Felipe III y Margarita de Austria, forma parte de la serie que decoraba el salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro.

Este conjunto de retratos tiene un doble carácter dinástico y emblemático: por una parte la presencia de los miembros de la dinastía habla de su continuidad; por otra, el caballo en corveta, que monta el rey es una especie de trono ambulante; además, en esa posición difícil, sujeta las riendas con una sola mano, a la española, sin mostrar esfuerzo ni sentimiento. El mensaje es claro: igual que domina el caballo, el Rey gobierna sus estados.

Felipe IV fue un excelente jinete y Alonso Martínez de Espinar hace una descripción de su habilidad en el Arte de Ballestería: Es su majestad (Dios le guarde) tan grande hombre de a caballo, y obra sobre este bruto con tanta maña y despejo, que aunque es a pie muy airoso, lo que ejecuta sobre el, parece que le da más vivos movimientos, siendo admiración en las fiestas públicas, así en la igualdad de sus parejas como en la disposición y velocidad de las escaramuzas, donde errándolas los más caballeros cada día, en fiesta que su Majestad se haya hallado, jamás hubo el menor yerro por su parte, por ser su prontitud y atención tan libre de embarazo e ignorancia, que el pueblo, gozoso y admirado, no cesa de bendecirlo y vitorearle.

El monarca viste media armadura y fajín, y lleva en la mano el bastón de mando, símbolos de los capitanes generales españoles, como se puede ver en el retrato de Spínola en Las Lanzas.

Las figuras del jinete y el caballo se recortan sobre un típico paisaje velazqueño, como los retratos de caza, en los que pinta la sierra madrileña.

PERSONAJES

Felipe IV (1605-1665), era hijo de Margarita de Austria y de Felipe III; ocupó el trono de España entre 1621 y 1665. Su primera esposa fue Isabel de Borbón con la que casó en 1620. En 1644 falleció la reina y poco después su hijo, el príncipe Baltasar Carlos. Al quedar el trono sin heredero el rey casó en 1649 en segundas nupcias con su sobrina Mariana de Austria. De este matrimonio nació Carlos II, último rey de la dinastía en España.

Tuvo como valido entre 1622 y 1643 al todopoderoso Conde Duque de Olivares. Don Gaspar de Guzmán, artífice de su política y educación, ya que Felipe IV subió al trono muy joven, con dieciséis años.

Tradicionalmente visto en manos de su valido, como lo ha presentado cierta historiografía, hoy se tiende a valorar de un modo nuevo la figura del monarca. Un rey que se preocupó por los destinos de España y bajo cuyo reinado comenzó una recuperación económica que se haría patente en el reinado de Carlos II.

Fue un gran amante de las artes y en especial de la pintura. Cuando era joven tuvo al pintor Maíno como profesor de dibujo y su afán coleccionista trajo consigo un gran incremento en las colecciones reales, con la actuación de sus embajadores (Velázquez entre ellos) como auténticos agentes artísticos en la adquisición de cuadros, esculturas y otras obras de arte.

CONTEXTO HISTORICO

El Salón de Reinos fue inaugurado en Abril de 1635, lo que hace pensar que a finales de 1634 o principios de 1635 la serie de cuadros ya debía estar acabada.

Antes de su primer viaje a Italia Velázquez había pintado un retrato ecuestre de Felipe IV (hoy perdido) y quizá comenzado los de Felipe III (1176), Margarita de Austria (1177) e Isabel de Borbón (1179). A su vuelta pintó toda una serie de retratos de la familia real con destino a los Palacios Reales españoles o para enviar al extranjero a los parientes de otras cortes europeas.

De esta época son el príncipe Baltasar Carlos con un enano, los retratos de caza para la Torre de la Parada y uno de sus cuadros más famosos, Felipe IV vestido de castaño y plata.

Velázquez sigue su carrera de honores en palacio. Ya es alguacil de corte, desde 1633 y en 1634 le nombran ayudante de guardarropa; por su parte cede el cargo de ujier de cámara a su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo, casado con Francisca el año anterior.

En 1634 las tropas españolas al mando del Cardenal Infante vencen a los suecos en la batalla de Nordlingen, con lo que se estabilizan las fronteras protestantes. En 1635 estalla de nuevo la guerra entre Francia y España y los españoles son derrotados en Namur.

FUENTES DE INSPIRACION

Los antecedentes de los retratos ecuestres hay que buscarlos en el Quattrocento italiano, el siglo XV, y en concreto en el fresco de Giovanni Acuto, pintado por Paolo Uccello en Santa María de las Flores de Florencia, que luego tendrá su eco escultórico en el Gattamelata de Donatello. A su vez la inspiración para estas obras procede de la escultura ecuestre de Marco Aurelio que se conservaba en Roma.

En un principio estos retratos ecuestres se hicieron para honrar a condottieri o jefes militares, pero poco a poco se convirtieron en modelos apropiados para príncipes y reyes. Uno de los mejores ejemplos es el retrato ecuestre de Carlos V en la batalla de Mülhberg, pintado por Tiziano.

Este cuadro sirvió como modelo para la escultura ecuestre de Felipe IV que hizo Pietro Tacca en Florencia y que hoy se encuentra en la Plaza de Oriente de Madrid. Para esta misma estatua esculpió Martínez Montañés un busto del rey, y en esa actividad le retrató Velázquez.

La iconografía responde al emblema 35 de Alciato, la alegoría de la Fortaleza Espiritual referida al buen gobierno del Príncipe o del Rey, que dice así: ¿Quieres saber por qué la región de Tesalia cambia constantemente de señores y procura tener diversos jefes? No sabe adular ni lisonjear a nadie, costumbre que tiene toda corte real. Por el contrario, como un caballo de buena raza, arroja a su lomo a todo aquel jinete que no sabe gobernarla. Pero no es lícito al señor ser cruel: el único castigo permitido es obligar a soportar un freno más duro.

Velázquez, sin embargo, no pinta junto al rey motivos alegóricos o mitológicos como la victoria y la fama, a la manera del Retrato ecuestre de Felipe IV de Rubens o en El cardenal infante en la batalla de Nördlingen. El sevillano, como siempre, opta por la sobriedad y si hay una huella es la de Tiziano, y su cuadro, más sencillo que el de Rubens.

TECNICA Y COMPOSICION

La figura aparece en primer plano recortado sobre un fondo de paisaje. La visión es completamente lateral, el caballo corre de izquierda a derecha, que es nuestro modo natural de "leer". Este movimiento compositivo realza el gesto del Rey, impasible mientras frena el caballo. Felipe IV maneja con habilidad las riendas a la española, sujetas con una sola mano, lo cual acrecienta la idea de control y majestad.

La suave diagonal, marcada por la línea ascendente del cuerpo del caballo, le da el dinamismo imprescindible a una composición que se propone, como primer objetivo, ser majestuosa.

Velázquez resuelve con éxito la composición, teniendo en cuenta el reto que suponían anteriores retratos ecuestres: nada menos que Carlos V en la batalla de Mülhberg de Tiziano y el Retrato ecuestre de Felipe IV de Rubens.

La imagen se sitúa en forma simétrica con su pareja, el retrato de la reina Isabel de Borbón, porque los dos iban colocados a los lados de una puerta en el Salón de Reinos, sobre la que pendía el retrato de su hijo Baltasar Carlos.

Está pintado sobre una preparación de color blanco, aplicada con distinta homogeneidad en el centro que en las bandas añadidas en los bordes; de ahí la diferencia de color que se puede apreciar.

Las bandas laterales se añadieron para agrandar el lienzo longitudinalmente, quizá durante la realización del cuadro.

La paleta se mueve entre los azules y grises plateados del fondo y las tierras tostadas y negros del caballo y la armadura, alcanzando su punto más cálido con los adornos dorados y el fajín rojo.

El paisaje de encinares del Pardo está pintado con los colores muy disueltos en aglutinante y con capas de color son muy delgadas, lo que permite ver la preparación en algunas zonas y los arrepentimientos en otras, como las patas traseras del caballo. Sólo en los adornos emplea Velázquez mayor cantidad de pasta, que aplica a base de toques muy breves.

HISTORIA DEL CUADRO

Estuvo en el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, para el que fue pintado, hasta 1701. Consta en los sucesivos inventarios del Palacio Real desde 1734 hasta 1814, pasando en 1819 al Museo del Prado.

FICHA DE ESTUDIO

Velázquez Retrato ecuestre de Felipe IV Hacia 1634 Oleo sobre lienzo 301 x 314 cm Madrid, Museo del Prado

El retrato ecuestre de Felipe IV (1605-1665) forma parte de la decoración del Salón de Reinos, en el Palacio del Buen Retiro, que se inauguró en Abril de 1635.

Es un retrato de aparato con un doble carácter dinástico y emblemático. Al estar colocado junto a los de su padre, el Rey anterior, y su hijo, el futuro Rey, transmite la idea tranquilizadora de continuidad de la dinastía. La posición del caballo y el dominio que ejerce el monarca sobre él simbolizan su majestad y firmeza en el gobierno de los estados.

El Rey lleva los atributos del máximo poder militar: armadura, fajín colorado y bengala de general.

El origen de este tipo de representación está en las esculturas ecuestres de los emperadores romanos, como Marco Aurelio, que se retoman en el renacimiento italiano. Un claro antecedente, que Velázquez conocía bien, es el retrato el Carlos V en Mühlberg, pintado por Tiziano.

El rey cabalga hacia la izquierda, en posición simétrica y opuesta al retrato ecuestre de su esposa, Isabel de Borbón. Ambos estaban colgados a los lados de una puerta, sobre la que se encontraba el retrato del heredero, el príncipe Baltasar Carlos.

El Rey aparece recortado sobre un paisaje de la sierra de Madrid pintado con tonos fríos, verdes, grises y azulados, muy característicos de Velázquez, tanto de estos retratos ecuestres como los de caza.

Detalle 1

En las plumas del sombrero y los adornos de la armadura Velázquez hace un alarde de libertad técnica: con unos toques de blanco puro consigue los brillos radiantes del metal en la manga y con otros ligerísimos de blanco y marrón, los adornos del sombrero.

El bigote y el pelo, peinados a la moda ambos, se hacen sobre el tono de la cara, con pinceladas sólo un poco más oscuras y muy ligeras de pasta.

La armadura sobresalía más al principio por el fondo y Velázquez la redujo, tapando la pintura inicial con unas pinceladas más claras, entre blanco y gris, que siguen el contorno actual.

Detalle 2

El caballo es un corcel español de la época, con cabeza de carnero, caído de grupa y panzón. Velázquez ha captado en su cabeza la fuerza y a la vez la docilidad del animal, que retiene el movimiento, mostrando el esfuerzo con la boca abierta y la saliva que cae de ella, pintadas con unas ligeras pinceladas de blanco sobre el paisaje.

Detalle 3

El monarca monta a la española, sujetando las riendas con una sola mano, la izquierda, lo cual muestra su habilidad de jinete y le deja la derecha libre para llevar la bengala.

Los adornos dorados sobre la armadura de parada, el calzón del rey y la gualdrapa del caballo se hacen a base de toques amarillos de pincel, más empastados que el resto, y que de cerca no tienen forma, pero en la distancia adquieren pleno sentido.

Detalle 4

Las patas traseras del caballo, como el tacón de la bota y el fajín, tienen correcciones que se pueden apreciar a simple vista, gracias a la ligereza de las capas de pintura que aplica Velázquez, cargadas de aglutinante y poco empastadas.

Detalle 5

En la parte inferior izquierda encontramos un papel, una especie de firma del pintor, aunque no haya escrito nada sobre él. Estos papeles para firmar son habituales en la pintura italiana, pero también aparecen en la obra de otros artistas como El Greco. Velázquez lo coloca también en Las Lanzas.

Retrato ecuestre del Conde Duque de Olivares

FICHA

Hacia 1635 Oleo sobre lienzo 313 x 239 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Es un retrato oficial del Conde Duque de Olivares. El valido del rey Felipe IV monta un caballo en corveta y se dirige, con actitud marcial, hacia una batalla que se desarrolla al fondo.

Aunque Olivares nunca dirigió las tropas en una batalla, tenía, entre sus muchas atribuciones, el mando de la caballería. Además, como primer ministro, se le consideraba artífice de las victorias militares.

El retratado nos mira mostrando su superioridad no ante los enemigos del campo de batalla sino, quizá, a sus oponentes en la corte.

El Conde Duque se retrata en el apogeo de su poder equiparándose al monarca, con los mismos atributos que vemos en los retratos ecuestres: media armadura, fajín y bastón de mando; levanta además al caballo de manos lo cual es símbolo, según los emblemas de Alciato, del buen gobierno del Rey o del Príncipe.

La asociación de su imagen con la del Rey parece sugerir una simbiosis entre el primer ministro y el monarca, y encaja con su política de engrandecimiento de la monarquía.

El cuadro fue pintado probablemente para la residencia del Conde Duque en Loeches y, por su composición, puede relacionarse con los retratos ecuestres del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro.

PERSONAJES

Gaspar de Guzmán y Pimentel, Conde de Olivares y Duque de Sanlúcar (Roma 1587 - Toro 1645), pertenecía a una rama menor de la poderosa casa de Guzmán. Fue el tercer hijo de Enrique de Guzmán, uno de los embajadores más importantes de Felipe II.

Destinado en principio a la carrera eclesiástica, como era habitual, el fallecimiento de sus dos hermanos mayores le convirtió en heredero del título.

Su tío, arzobispo de Sevilla, le educó, le protegió y le introdujo en la corte, donde consiguió el nombramiento de gentilhombre de cámara del futuro Felipe IV. Al subir éste al trono en 1621 Olivares se convirtió en su valido.

El Conde Duque, a quien se puede considerar un arbitrista, intentó restaurar el prestigio de la monarquía, que se percibía en decadencia desde finales del reinado de Felipe II.

Su principal proyecto fue crear un estado centralizado mediante la llamada Unión de Armas, pero chocó con la estructura de la monarquía y provocó la resistencia de la nobleza, que veía peligrar sus privilegios.

La política de reformas de Olivares fracasó porque se reanudó la guerra con Flandes y España se vio envuelta en la guerra de los Treinta años, a lo que se añadieron las revueltas dentro del propio territorio.

El poder omnímodo y la actitud arrogante de Olivares le crearon una creciente oposición que acabó provocando su caída en 1643.

Fue un gran coleccionista y poseyó una biblioteca muy importante. Protector de las Artes, que utilizó en su proyecto de engrandecer la monarquía, mandó construir para Felipe IV el palacio del Buen Retiro y gracias a su influencia Velázquez encontró un sitio en la corte.

CONTEXTO HISTORICO

El retrato de Olivares es de fecha incierta aunque los historiadores lo sitúan unánimemente en la década de los 1630.

Velázquez, tras volver de Italia en 1631, ejecuta toda una serie de retratos de la familia real con destino a los Palacios Reales o para enviar al extranjero a familiares y amigos.

De esta época son el príncipe Baltasar Carlos con un enano, los retratos ecuestres del Salón de Reinos, los retratos de caza para la Torre de la Parada y uno de sus cuadros más famosos el Felipe IV vestido de castaño y plata.

Velázquez sigue su carrera de honores en palacio. Ya es alguacil de corte, desde 1633 y en 1634 le nombran ayudante de guardarropa; por su parte cede el cargo de ujier de cámara a su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo, casado con Francisca el año anterior.

En 1634 las tropas españolas al mando del Cardenal Infante vencen a los suecos en la batalla de Nordlingen, con lo que se estabilizan las fronteras protestantes. En 1635 estalla de nuevo la guerra entre Francia y España y los españoles son derrotados en Namur.

FUENTES DE INSPIRACION

Los antecedentes de los retratos ecuestres hay que buscarlos en el Quattrocento italiano y en concreto en el fresco de Giovanni Acuto, pintado por Paolo Uccello en Santa María de las Flores de Florencia, que luego tendrá su eco en escultura en el Gattamelata de Donatello y el Colleoni de Verrocchio.

A su vez la inspiración para estas obras procede de la escultura ecuestre de Marco Aurelio que se conservaba en Roma.

En un principio estos retratos ecuestres se hicieron para honrar a los jefes militares pero poco a poco se convierten en retrato para príncipes y reyes.

Pero, sin salir de Madrid, Velázquez tenía en el Alcázar ilustres representantes de esta línea en los retratos ecuestres de Carlos V en la batalla de Mühlberg, de Tiziano, y el Duque de Lerma (valido de Felipe III), Felipe II y Felipe IV de Rubens.

La inspiración directa de esta composición se ha querido ver en la Toma de Brisach de Jusepe Leonardo, pintada para el Salón de Reinos, pero ambos pudieron inspirarse en el grabado de Antonio Tempesta Julio César a caballo.

La iconografía responde al emblema 35 de Alciato, la alegoría de la Fortaleza Espiritual referida al buen gobierno del Príncipe o del Rey:

¿Quieres saber por qué la región de Tesalia cambia constantemente de señores y procura tener diversos jefes? No sabe adular ni lisonjear a nadie, costumbre que tiene toda corte real. Por el contrario, como un caballo de buena raza, arroja a su lomo a todo aquel jinete que no sabe gobernarla. Pero no es lícito al señor ser cruel: el único castigo permitido es obligar a soportar un freno más duro.

TECNICA Y COMPOSICION

El cuadro está organizado en una vigorosa diagonal de derecha a izquierda, marcada por el perfil del caballo, la espada, y el bastón de mando. Un árbol, a la derecha, equilibra la composición por este lado.

Olivares está girado, de modo que disimula su figura nada apuesta, gruesa y de hombros cargados (jorobado, según algunos). Velázquez trata así con elegancia a su protector y le ennoblece por medios plásticos.

Este centauro que es aquí el valido se recorta sobre el paisaje, muy destacado gracias a las pinceladas de color claro, largas y amplias, que Velázquez aplica para contornear su figura y la parte superior del caballo.

El personaje y la cabeza del caballo tienen una factura más minuciosa mientras que el fondo está, una vez más, resuelto con una pincelada suelta en la que se entremezclan las capas de pintura aplicadas sin esperar a que seque la anterior y dejando traslucir en algunas partes la preparación.

Esta preparación es de un tono grisáceo, parecida a Las Lanzas, y sobre ella trabaja Velázquez con una paleta de ocres, grises, azules y verdes, similar a los retratos ecuestres de Felipe IV y Baltasar Carlos, utilizando el bermellón para el fajín.

Los adornos de la coraza se hacen con pinceladas empastadas y superficiales, o simples toques breves y rápidos, por encima del negro de base. También la valona y el fajín están pintados sobre la armadura.

Del mismo modo se resuelven los bordados de oro y los flecos de la banda roja: pinceladas nerviosas, sinuosas, rápidas y libres, muy empastadas o en seco, que sólo de lejos adquieren su verdadera configuración.

Especial atención merecen las figuras de la batalla resueltas con precisión en unas breves pinceladas, así como los toques maestros del bordado del fajín.

Existe una réplica de este cuadro, con ligeras variaciones, en el Metropolitan Museum de Nueva York Retrato ecuestre del Conde Duque (Nueva York), y en la colección del Patrimonio Nacional un caballo blanco en posición similar a la de ambos.

HISTORIA DEL CUADRO

No se sabe exactamente cuándo se pintó, pero su ejecución se suele situar en la década de los treinta y probablemente se hizo para el palacio del Conde Duque en Loeches.

El cuadro perteneció a la familia de Olivares hasta el siglo XVIII, cuando aparece en Madrid, en casa del Marqués de la Ensenada. Carlos III lo compró en 1769 en la almoneda tras la muerte del marqués, por 12.000 reales de vellón.

Estuvo en el Palacio Real y aparece en los inventarios de 1772, 1794 y 1814. Se encuentra en el Museo del Prado desde su apertura en 1819.

FICHA DE ESTUDIO

Retrato ecuestre del Conde Duque de Olivares Hacia 1635 Oleo sobre lienzo 313 x 239 cm Madrid, Museo del Prado

Velázquez pintó el retrato ecuestre del Conde Duque de Olivares en la década de 1630, cuando el político se encontraba en el apogeo de su poder, probablemente para el Palacio familiar de Loeches.

El valido de Felipe IV, que lo fue desde 1621 a 1643, se hace retratar del mismo modo que el rey en el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, con armadura, fajín, bastón de mando y sobre un caballo en corveta, casi un trono en movimiento.

Con todo ello Olivares se equipara al monarca, haciendo un alarde desmedido de su poder, en un intento de identificarse con la monarquía cuyo prestigio pretendía restaurar.

Enmarcado en una fuerte diagonal que dibujan el perfil del caballo, la espada y el bastón de mando, Olivares, más esbelto de lo que era en realidad, se dirige hacia una batalla indeterminada que vemos al fondo.

El retrato, muy semejante a los de Felipe IV y Baltasar Carlos, por la paleta, el estilo y la composición, es un magnífico ejemplo de soltura y libertad en la pincelada y de habilidad técnica: Velázquez toca con el pincel empastado en superficie o simplemente restriega para hacer los bordados de la banda, la gualdrapa del caballo y los adornos de la coraza, uno de sus mejores trozos de pintura.

DETALLE 1

El bordado dorado del fajín, la gualdrapa, el puño de la espada y la parte alta del calzón están ejecutados de un modo magistral que anticipa la técnica de Las Meninas. De cerca sólo se aprecian pinceladas y restregones de pincel sin detalle alguno, pero al alejarnos los colores se mezclan en la retina y se crea una prodigiosa sensación de realidad.

DETALLE 2

El Conde Duque lleva el pelo y el mostacho a la moda del momento: melena que le tapa las orejas (denominada tufo) y bigote con las puntas levantadas, como el rey. El cuidado de los bigotes llevaba a los más elegantes a dormir con bigotera para que no se les estropease y era motivo de burla entre los escritores.

El rostro del Conde Duque resulta borroso por las rectificaciones que Velázquez hizo sobre él con el fin de colocarle mirando más hacia el espectador y menos al frente, como estaba en un principio. También el sombrero se rectificó, levantándolo hacia atrás, y se pueden ver pinceladas más claras en su contorno.

El cuello de encaje blanco, la valona, se ha pintado, como es habitual en este artista, encima del negro de la coraza.

DETALLE 3

Velázquez hizo modificaciones también sobre la cabeza del caballo: se ha hecho más gruesa y ha cambiado el perfil. En la parte alta, entre las dos orejas actuales, se puede distinguir una tercera que era la primitiva.

La soltura del pincel en esta zona, patente en los arreos dorados de la cabeza, llega al punto más alto en la boca, donde el pintor ha utilizado toques blancos muy empastados para pintar la espuma que echa el caballo a causa del esfuerzo.

DETALLE 4

Bajo la panza del alazán distinguimos un caballo muerto y un jinete que toca la trompeta. El detalle permite apreciar cómo están resueltos a la vez con cuidado y con una pincelada muy suelta, cargada de disolvente.

La hierba se ha hecho a base de trazos superficiales muy finos, entre los que destacan ligeros toques de blanco más empastados para las flores.

DETALLE 5

En torno a las patas traseras del caballo Velázquez ha dado unas pinceladas muy ligeras y diluidas, de color blanco, para crear la sensación del polvo que levanta el caballo con su movimiento.

La cola del caballo se hace a base de pinceladas largas y superpuestas unas a otras, en dirección contraria a veces y en distintos tonos, que la hacen brillar y le dan sensación de movimiento.

DETALLE 6

El fragmento de cuadro en el que tiene lugar la batalla, con humo de incendios, infantería y caballería en movimiento, es por sí sólo un prodigio de libertad técnica y soltura del pincel, donde se conjugan la minucia de las figuras con la ligereza de la pincelada, que sólo se empasta más en las zonas más claras, los humos blancos.

Habrá que esperar a Goya y a cuadros como El Coloso, para encontrar algo semejante.

DETALLE 7

El papel con firma, a modo de trampantojo, es habitual en la pintura italiana, pero también lo vemos en la obra de El Greco. Velázquez lo pinta en el retrato de Felipe IV a caballo y en Las Lanzas. Es una especie de firma del pintor aunque no lleve nada escrito.

San Antonio Abad y San Pablo Ermitaño

FICHA

Hacia 1634 Oleo sobre lienzo 257 x 188 cm Madrid Museo del Prado

TEMA

Representa la visita de San Antonio a San Pablo, el primer ermitaño. Los dos santos aparecen en el primer plano ante un paisaje sobre el que se recorta la inmensa peña en la que San Pablo tenía su cueva.

El cuadro tiene una escena principal y otras secundarias en las que podemos leer el desarrollo de este encuentro según la narración de la Leyenda Dorada, texto que Velázquez sigue fielmente.

Seguramente se pintó para la ermita de San Pablo, situada en los jardines del Palacio del Buen Retiro, un lugar ameno y elogiado por los viajeros, como el inglés Robert Bargrave, en 1654:

El principal motivo de la fama del Retiro es un jardín amplio y dilatado, lleno de variedad de verduras, estanques, artificios acuáticos y caminos sombreados por los que el Rey gusta de pasear en carroza, a caballo y llega a hacer sus buenas excursiones por los distintos lugares.

El paisaje religioso fue un género muy frecuente en el siglo XVII y en el palacio del Buen Retiro existió una Galería de Paisajes con escenas de santos dedicados a la vida eremítica o contemplativa.

PERSONAJES

San Antonio Abad (251-356) fue un santo nacido en el actual Egipto. Joven todavía abandonó la vida secular y se retiró al desierto durante quince años para orar y hacer penitencia.

Tras su retiro organizó la vida monástica y creó la primera regla dentro del monacato cristiano, que todavía siguen algunas comunidades de la iglesia copta y armenia.

San Antonio fue un santo muy popular durante la Edad Media y las tentaciones que padeció en el desierto constituyen un tema importante desde el punto de vista teológico e iconográfico.

San Pablo de Tebas, también llamado el eremita (230-341), porque fue el primero, según San Jerónimo, vivió en el desierto de Tebas, en oración y penitencia, hasta su muerte con 113 años. Justo antes de morir recibió la visita de San Antonio.

CONTEXTO HISTORICO

A su vuelta del primer viaje a Italia, en 1631, Velázquez inicia la época más productiva de su vida. Pinta toda una serie de retratos de la familia real con destino a los Palacios Reales o para enviar al extranjero a los familiares de otras cortes europeas.

Cuando pinta este cuadro, en 1634, se encuentra en el momento crucial del cambio que sufre su pintura a partir del primer viaje a Italia y, por entonces, pinta uno de sus cuadros más importantes, Las Lanzas.

Ya es alguacil de corte, desde 1633 y en 1634 le nombran ayudante de guardarropa; por su parte cede el cargo de ujier de cámara a su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo, casado con Francisca el año anterior.

En 1634 las tropas españolas al mando del Cardenal Infante vencen a los suecos en la batalla de Nördlingen, con lo que se estabilizan las fronteras protestantes. En 1635 estalla de nuevo la guerra entre Francia y España y los españoles son derrotados en Namur.

FUENTES DE INSPIRACION

La fuente de inspiración literaria inmediata es la Leyenda Dorada, de Jacobo de Vorágine, en la que se cuenta la visita de San Antonio a San Pablo: También San Antonio, unos años más tarde, se refugió en la soledad. Creía este santo que era él el primero que había adoptado el sistema de vida eremítica; más una noche, mientras dormía, supo por divina revelación que en el mismo desierto moraba otro religioso que le aventajaba en antigüedad, en soledad y en anacoretismo. En cuanto despertó, quiso conocerlo y se lanzó en su busca.

El paisaje con santos era un tema frecuente en el siglo XVII, y en los palacios reales españoles colgaban numerosas pinturas de este tipo. Sólo en el Buen Retiro se sabe por los inventarios que había más de cincuenta.

La fortuna de este tema coincide en el teatro con el desarrollo de la comedia hagiográfica, que tiene como protagonistas a los santos y cuyo éxito se prolonga hasta el siglo XVIII.

Se trata de paisajes con figuras que componen una pequeña escena religiosa o mitológica que da nombre al cuadro. Sin embargo la importancia que toma el paisaje de fondo lo convierte en el verdadero protagonista.

Como era habitual por entonces, y lo siguió siendo hasta finales del siglo XIX, se trataba de paisajes pintados en el estudio después de haber tomado apuntes del natural.

Aquí las figuras de los dos santos adquieren más importancia por su tamaño y así se establece una relación con las pinturas que representan parejas de santos. Estas eran frecuentes a finales del siglo XVI y muchas de ellas decoran las capillas de la basílica del Escorial.

Las fuentes de inspiración concretas para la composición se han visto en ejemplos nórdicos. La escena del primer plano y el fondo montañoso parecen inspirados en un grabado con el mismo tema, San Antonio Abad y San Pablo de Durero.

Sánchez Coello, con quien Velázquez presenta múltiples coincidencias temáticas y vitales, pintó también un cuadro con el mismo tema, San Pablo Ermitaño y San Antonio Abad, que se encuentra en las colecciones del Escorial.

También Maíno pintó un San Antonio Abad, que se encuentra en el Museo del Prado.

También se ha visto la posible influencia de los paisajes de Joachim Patinir, como el Paisaje con San Jerónimo que Velázquez vio en las colecciones reales.

El cuadro presenta varias escenas sucesivas, un sistema narrativo poco habitual en la pintura del siglo XVII pero frecuente en los siglos anteriores, sobre todo en el norte de Europa, como el panel izquierdo del Carro del Heno del Bosco.

TECNICA Y COMPOSICION

Los santos están dispuestos a ambos lados de la vertical que divide el cuadro en dos mitades. Cada uno queda así en su ámbito narrativo, San Pablo en la gruta y San Antonio ante un paisaje que relata las peripecias de su viaje hasta el lugar donde vive el ermitaño.

Las figuras de los dos forman una pirámide invertida, abierta al regalo que viene del cielo. El cuervo marca una diagonal paralela a la rama del árbol, que dirige la vista hacia San Pablo y equilibra la atracción que ejerce el paisaje.

El color claro de la túnica del ermitaño destaca sobre los tonos oscuros de la roca, mientras la capa de San Antonio se recorta contra el paisaje más claro. Así se establece también un equilibrio cromático.

El cuadro es muy luminoso. El paisaje está pintado con distintas combinaciones de azul que dan una prodigiosa riqueza de matices tanto azules como verdes y grises. La preparación blanca se transparenta debajo de las capas de color muy delgadas y diluidas, con poco pigmento y mucho aglutinante; transparencia habitual en la etapa madura de Velázquez.

Con todo ello consigue una gran luminosidad, similar a la que alcanza por el mismo procedimiento en los paisajes del príncipe Baltasar Carlos a caballo, los retratos de caza y Las Lanzas.

Por el contrario en las hojas del árbol se nota un pincel más empastado, como en la vegetación de la parte baja, con toques breves de color más claro para las luces. La pintura se va haciendo más delgada a medida que se aleja hacia el fondo.

Sólo hay más empaste en las zonas más iluminadas, como los rostros, las manos y el traje claro de San Pablo, en pinceladas breves y rápidas.

La tela presenta un añadido, hecho por Velázquez, para pasar de la forma semicircular que tenía originalmente en la parte superior, como cuadro de altar, a la rectangular.

HISTORIA DEL CUADRO

El cuadro se pintó, probablemente, para la ermita de San Pablo, situada en los jardines del Buen Retiro. Se sabe que la ermita estaba terminada en 1633, por lo que el cuadro se debió pintar inmediatamente después.

Aparece por primera vez localizado en el inventario del Palacio del Buen Retiro de 1701, en la ermita de San Antonio de Padua, también llamada "de los portugueses", donde el cuadro sería trasladado por las obras que tuvieron lugar en la ermita de San Pablo en 1659-60. La descripción del inventario hace referencia a la forma original del cuadro: "Una pintura sobre la Mesa Altar del Oratorio de tres varas de alto en forma de Arco escarzano y dos tercias de ancho con marco tallado y dorado tasado en trescientos doblones".

Posteriormente pasa al Palacio Real donde consta en sucesivos inventarios desde 1772. Forma parte del museo del Prado desde su apertura en 1819.

FICHA DE ESTUDIO

Velázquez San Antonio Abad y San Pablo, primer ermitaño Hacia 1634 Oleo sobre lienzo 257 x 188 cm Madrid, Museo del Prado

El cuadro representa la visita de San Antonio Abad a San Pablo, un ermitaño que pasaba por ser el primero que se retiró al desierto. Los dos observan el cuervo que todos los días trae una hogaza de pan para alimentar al eremita.

Velázquez sigue fielmente el relato de la "Leyenda Dorada" de Jacobo de Vorágine, un texto que sirvió de fuente iconográfica para muchas pinturas de tema religioso.

El cuadro presenta, además de la escena principal, otras secundarias que se desarrollan en el paisaje, en una forma de narración que no era frecuente en la pintura del siglo XVII, pero sí en los anteriores.

Fue pintado para una ermita situada en los jardines del Buen Retiro. El palacio contaba con una galería de pinturas de paisaje en la que se encontraban este tipo con santos, muy habitual en el siglo XVII.

El paisaje es precisamente lo más interesante y lo más nuevo del cuadro. Velázquez consigue esa luminosidad prodigiosa gracias al tipo de pintura que usa: muy ligera y diluida, con poco pigmento y mucho aglutinante, aplicada en capas delgadísimas, que dejan transparentarse la preparación blanca del fondo.

La riqueza enorme de matices de azul, gris y verde, se consigue a base de distintas combinaciones del azul, ya que Velázquez nunca utiliza el color verde en su pintura.

Recuerda los fondos del príncipe Baltasar Carlos a caballo, los retratos de caza y Las Lanzas.

DETALLE 1

San Antonio vivía retirado en el desierto y pensaba que era el primer ermitaño. Una revelación divina le hizo saber que no era él sino San Pablo y se puso en camino para conocerle.

En el viaje hacia la cueva se encontró un centauro, un ser extraño, mitad hombre mitad caballo que le indicó el camino a seguir.

Más adelante topa con un sátiro, otro ser raro, mitad cabra, mitad hombre, que llevaba un puñado de dátiles en las manos. Los sátiros se pueden relacionar con San Antonio por las tentaciones.

El detalle permite apreciar en las dos escenas cómo se aplica el color muy diluido y dejando traslucir la imprimación blanca. Las figuras están hechas con los mínimos trazos precisos, como en la batalla que se ve al fondo del Retrato ecuestre del Conde Duque (Nueva York).

Se puede ver la diferencia entre las dos escenas y cómo la más cercana a nosotros está más definida que la del fondo, dentro de la enorme indefinición que tienen las dos. A través del centauro y el santo seguimos viendo el paisaje.

DETALLE 2

Esta es la escena principal: los santos reciben respetuosos y serios el alimento que Dios les envía; es el momento de la comunión, el sacramento más importante de su religión.

Ellos constituyen la parte más trabajada del cuadro: las figuras están más definidas y hay mayor cantidad de pasta, aunque no es mucha. Las luces se dan a base de pequeños toques claros en las manos, en los rostros y las barbas.

Existen numerosos arrepentimientos en las cabezas de ambos, en el contorno y en la pierna izquierda de San Pablo, cuyo manto llegaba antes más arriba.

Detrás de ellos se ve la escena previa a ésta: el momento en que San Antonio llama a la puerta de la cueva, cerrada porque el ermitaño no quería ver a nadie que rompiera su soledad.

Los verdes de la vegetación en esta zona se hacen más jugosos, pero siempre se obtiene a partir del azul.

DETALLE 3

A la hora de la comida aparece el cuervo, que todos los días enviaba Dios, con una hogaza de pan para alimentar a San Pablo.

El cuervo es una mancha negra pintada sobre la roca, con una pincelada blanca en el pico, en dirección descendente, que le basta al pintor para hacerlo brillar, lo mismo que el pan, que junto a las caras de los santos, pone una nota cálida en este cuadro de entonaciones frías.

La roca, pintada con poca pasta, presenta distintos tonos de verde que Velázquez logra a base de combinaciones de azul. Las hojas de los árboles, pintadas sobre ella, están más empastadas. El cielo pasa del gris al azul en gradaciones sutilísimas.

DETALLE 4

Esta es la última escena de la historia: después de la comida San Antonio emprende el regreso, pero en el camino ve unos ángeles que transportan el alma de San Pablo al cielo. Vuelve atrás y encuentra al santo muerto, pero arrodillado y con los ojos abiertos, como si estuviera vivo.

Intenta enterrarlo, pero no puede por la dureza del suelo. Entonces aparecen dos leones que cavan la fosa.

Apenas unas líneas marrones sobre el marrón del suelo definen a los leones, otras claras al santo muerto y oscuras al caminante, con pinceladas finísimas para las luces.

Velázquez pinta casi sin pintura y aquí se puede ver la diferencia entre el manto de San Antonio en la escena principal, más empastado, por estar en primer plano, y estos diminutos bocetos cargados de expresividad a pesar de su tamaño.

DETALLE 5

En la parte alta se puede distinguir la primitiva forma semicircular del cuadro, propia de un cuadro de altar y el añadido de Velázquez para hacerlo rectangular, seguramente con destino a una nueva colocación.

Una Sibila

FICHA

Hacia 1632 Oleo sobre lienzo 62 x 50 cm Madrid, Museo del Prado

TEMA

Una mujer de perfil, mira al frente y sostiene en la mano izquierda un objeto que parece una tablilla o un lienzo. La ropa, el peinado y la postura le dan un aire antiguo, lo que ha favorecido la denominación de sibila.

Las sibilas eran sacerdotisas del mundo antiguo, que podían comunicarse con los dioses, conocer su sabiduría y revelarla a los mortales como instrumentos de la divinidad. La más famosa fue Casandra, de la que se enamoró el dios Apolo, y a quien le concedió el don de profetizar.

Este don de la profecía que poseían, y que las hacía unas de las mujeres más importantes del mundo antiguo, les permitió anunciar la venida de Cristo a los gentiles, con lo que se puso la mitología al servicio de la revelación de los cristianos.

También podría tratarse de una alegoría de la Historia o del Dibujo, si lo que sujeta en la mano es una tablilla para escribir o dibujar, aunque no lleva ningún instrumento para ello.

PERSONAJE

"Doña Juana Pacheco, mujer del autor (?), caracterizada como una sibila", titula este cuadro el catálogo del Museo del Prado. Desde antiguo se ha querido ver en esta mujer a Juana, la esposa de Velázquez e hija de Francisco Pacheco, maestro del pintor. Sin embargo, como en muchas otras ocasiones el supuesto autorretrato del sevillano en Las Lanzas-, no hay razones de peso que avalen esta hipótesis.

Juana nació en Sevilla en 1602 y fue bautizada el 1 de junio. A los dieciseis años, una edad habitual entonces -el 23 de abril de 1618- se casó con Velázquez y murió a los cincuenta y ocho, sólo una semana después de que su marido, en agosto de 1660.

Sabemos muy poco de ella, sólo que tuvo dos hijas, y su vida permanece más oscura aún que la de Velázquez. No se conoce ningún retrato suyo seguro y tampoco se parece a la mujer que aparece en La familia del pintor de su yerno Mazo (Viena, Kunsthistorisches Museum). En la Biblioteca Nacional de Madrid hay dos dibujos que podrían representarla.

CONTEXTO HISTORICO

Parece que Velázquez pinta este cuadro hacia 1632, aunque algunos autores lo adelantan a su primer viaje a Italia (1629-1631), por razones técnicas y temáticas: las sibilas eran un tema frecuente entre los pintores italianos. En cualquier caso se sitúa en una etapa madura del pintor, que muy pronto lleva a cabo la mayor y mejor pintura de historia que conocemos de su mano, Las Lanzas.

Velázquez acaba de volver del viaje, ha retratado al príncipe heredero Baltasar Carlos y en 1632 cobra mil reales por otros dos retratos de los reyes, que se envían a Alemania.

FUENTES DE INSPIRACION

Las sibilas, que eran doce desde finales de la Edad Media, como los apóstoles de Jesucristo, se habían representado con frecuencia en grabados, como el de Goltzius, Clío, y pinturas. Solían ser mujeres jóvenes, vestidas con atuendos pintorescos, y tocados complejos en las cabezas.

Representadas con frecuencia (Sibila Cumana) en todas las épocas, las más famosas son las que pintó Miguel Angel en el techo de la Capilla Sixtina del Vaticano, prescindiendo de las complicaciones de vestuario anteriores y colocando una inscripción junto a cada una para identificarlas.

En el siglo XVII, especialmente en Italia, donde las pintaron Domenichino, Guido Reni y Guercino, entre otros, solían aparecer con trajes suntuosos y pocos atributos. Así la representa Velázquez.

Jusepe Ribera, el Españoleto, pintó una Cabeza de Sibila hacia 16301632, que se ha conservado como parte de un lienzo medio destruido en el incendio del Alcázar y dedicado al Triunfo de Baco (Madrid, Prado). El cuadro, posiblemente pintado para Felipe IV, estaba en el comedor del rey.

También la Sibila de Ribera aparece con un tocado de tela verde que le oculta el cabello, de perfil riguroso, abstraída en sus pensamientos y con la mirada perdida. Este era un rasgo habitual en estas representaciones, como si la sibila -gracias a su don de adivinar el futuro- estuviera mirando más allá del lienzo algo que sus contemporáneos eran incapaces de ver.

Algunos autores atribuyen a Velázquez otro cuadro, bastante discutido, una Figura de mujer, del Meadows Museum, en Dallas. Como ésta, sostiene una tablilla en la mano izquierda, señala con el índice de la derecha y parece leer, pero tampoco está claro que sea una sibila o una de las musas y, ni siquiera, que lo pintara Velázquez.

TECNICA Y COMPOSICION

La mujer aparece de riguroso perfil -como las monedas-, algo que se puso de moda en el siglo XV en Italia y que no es frecuente en la obra de Velázquez. Uno de los escasos ejemplos es Agustina Sarmiento en las Meninas, la joven que se inclina para ofrecer el búcaro de agua a la infanta.

Velázquez emplea muy pocos colores, en una gama de ocres, naranjas, castaños y negros, armonizando la figura con el fondo. La pincelada es muy suelta, sobre todo en algunas zonas como el lazo del pelo.

Las capas de pintura que aplica son muy delgadas y se superponen unas a otras sobre la preparación rojiza. Encima de ésta hay una capa de blanco, que corresponde a la cara y que se utiliza para dar mayor luminosidad a esa zona del cuadro, permitiendo que se vea en la nariz, la mejilla, la oreja y el cuello.

HISTORIA DEL CUADRO

La reina Isabel Farnesio, segunda esposa del primer borbón Felipe V, compró el cuadro después de 1714, y en 1746 estaba en el palacio de la Granja, en su colección. A finales del siglo XVIII -antes de 1714 y después de 1794- se llevó al Palacio Real de Madrid para decorar la pieza octava. En 1843 ya estaba en el Museo del Prado.

FICHA DE ESTUDIO

Una sibila Por Velázquez Hacia 1632 Oleo sobre lienzo 62 x 50 cm Madrid, Museo del Prado

Las sibilas eran mujeres con poderes de adivinación, que, en el mundo antiguo, anunciaron la venida de Jesucristo a la tierra. No está muy claro si ése es el tema del cuadro de Velázquez, pero así se viene identificando desde que se tienen noticias de él en el siglo XVIII.

El tocado complejo que lleva la mujer, el manto, la postura de perfil riguroso y la tablilla o el lienzo que sujeta en la mano izquierda, tanto como la seriedad de su actitud y el aire clásico del cuadro, avalan esta identificación.

Por otra parte, el collar, el pelo negro y rizado, y la elección de una modelo viva -en lugar de un personaje idealizado y perfecto- han hecho pensar a algunos autores, también desde el siglo XVIII, que se trata de un retrato de su mujer, Juana, la hija de su maestro Pacheco.

Está pintado a comienzos de los años treinta, cuando Velázquez acaba de volver de su primer viaje a Italia y es ya un pintor de peso en la corte, dispuesto a emprender uno de sus lienzos de mayor envergadura, Las Lanzas.

Resuelto con pocos medios y muy sencillo de composición, por tratarse de una sola figura, Velázquez emplea aquí una gama de colores muy reducida y sobria: naranjas, ocres y castaños, que hacen armonizar el fondo con la figura.

Las capas de pintura son ligeras y transparentes, y la pincelada llega a ser muy suelta en algunas zonas como el lazo verde que sale del moño. La mayor luminosidad se concentra en la cara, gracias a la capa de blanco que el pintor coloca encima de la preparación del lienzo.

Detalle 1

El manto de la mujer y la forma de recogerse el pelo nos hacen pensar en la antigüedad clásica -en el mundo griego y romano- y en una posible sibila. Sin embargo el collar de perlas pone una nota de contemporaneidad en la figura y nos recuerda otras figuras femeninas del pintor, como el Retrato de dama del Staatliche Museum de Berlín. Además el pelo negro y rizado puede evocar a una mujer andaluza, quizá Juana Pacheco, su mujer.

Detalle 2

El lazo verde que cae del moño está resuelto a base de pinceladas muy sueltas, en las que Velázquez trabaja con absoluta libertad: la pintura está muy diluída y la pincelada es delgada y transparente, como la que emplea poco después en las pinturas del Salón de Reinos.

Los rizos negros se pintan sobre la carnación rosada del rostro y sobre el fondo, con muy poca pintura. En el rostro se puede distinguir la preparación blanca que hay debajo para dar más luz a esta parte del cuadro. Las perlas del collar brillan con toques diminutos de blanco.

Detalle 3

A pesar de tratarse de un tema antiguo, Velázquez retrata a una mujer de verdad, con imperfecciones, como las mejillas gruesas y la barbilla un tanto retraída. No idealiza a la modelo, no corrige esas imperfecciones ni las sustituye por rasgos más correctos, como solían hacer los pintores que seguían la tradición clásica.

Vista del jardín de la Villa Medicis (1210), en Roma

FICHA

1629-31 o 1649-51 Oleo sobre lienzo 48 x 42 cm Madrid Museo del Prado

TEMA

Representa una vista de la gruta del jardín de la Villa Medici, conocida también como El palacio de la Viña en Roma, residencia del gran duque de Toscana. Es una vista real, que hoy permanece casi igual, y que Velázquez conocía bien, pues residió en la villa durante dos meses en el transcurso de su primera estancia en Italia.

En el jardín aparecen varias figuras, pero tienen un carácter anecdótico. El verdadero interés del artista se centra en captar el paisaje, sus luces y contrastes, en una composición celebrada por los historiadores como un claro precedente del paisaje impresionista, por el estudio de la luz y la factura suelta y abocetada.

Velázquez pintó dos vistas del jardín que actualmente llevan el mismo título. Esta (Prado 1210) se suele denominar "la tarde", por la luz, para diferenciarla de la otra (Prado 1211), conocida como "el mediodía".

PERSONAJES

Los personajes del cuadro no tienen especial relevancia, sino más bien un carácter anecdótico. No obstante se ha intentado averiguar quiénes son y qué hacen.

Los dos hombres con sombrero, que conversan, se ha dicho que podían ser arquitectos discutiendo sobre la reparación de la gruta, ya que uno de ellos parece medir la distancia del capitel con una caña o una cuerda.

En la balaustrada hay una mujer vestida de negro y con pelo o pañoleta negra en la cabeza, que extiende una sábana blanca.

CONTEXTO HISTORICO

La crítica duda en situar la ejecución de los cuadros en el primer viaje de Velázquez a Italia o en el segundo, separados en el tiempo por veinte años y situados en dos momentos muy distintos en la vida del autor.

Velázquez hizo el primer viaje (1629-31) para aprender, seguramente alentado por Rubens al que había conocido durante la estancia de este último en Madrid un año antes. Visitó las principales ciudades y estudió a los maestros antiguos y modernos.

En este primer viaje pintó la Fragua de Vulcano y la Túnica de José y, a su vuelta, se nota un cambio importante de estilo.

El segundo viaje (1649-51) lo hace en condiciones totalmente distintas, enviado por el rey para comprar obras de arte con destino a la decoración de los palacios reales y, especialmente, esculturas y vaciados.

FUENTES DE INSPIRACION

El paisaje es un género que toma fuerza en el siglo XVII. Como marco de una composición viene de antiguo y ya desde finales del gótico aparece en los fondos de los cuadros, con un carácter más o menos naturalista.

Desde el Renacimiento el paisaje va adquiriendo importancia poco a poco, tanto en la pintura italiana como en la flamenca. En el siglo XVI hay dos importantes pintores de paisaje, representantes cada uno de una escuela: el flamenco Patinir (Paisaje con San Jerónimo) y el italiano Anibale Carracci (Paisaje con bañistas).

En el siglo XVII comienza a independizarse y se pintan paisajes en los que aparece una pequeña escena mitológica o religiosa (como el San Antonio y San Pablo de Velázquez), mera excusa para centrarse en la vista de la naturaleza y el cielo. Pero son paisajes inventados, hechos en el taller, aunque se basen en apuntes del natural.

Velázquez conoció la obra de los dos pintores más importantes del momento en este tipo de composiciones, los franceses afincados en Roma Nicolas Poussin y Claudio de Lorena. Sin embargo, las dos vistas de la Villa Medici (1210 y 1211) son muy distintas de los paisajes de ambos.

Había también paisajes tomados de la realidad por entonces, pero eran dibujos, no cuadros pintados al óleo, técnica reservada al cuadro definitivo, "acabado". Precisamente la novedad de los cuadros de Velázquez es que son vistas reales, al óleo y pintadas directamente del natural, donde las figuras son anecdóticas y ni siquiera sirven para dar título a la obra.

TECNICA Y COMPOSICION

La obra tiene una organización geométrica muy clara: líneas horizontales de la balaustrada y el muro de contención del jardín superior, que divide el cuadro en dos partes bien diferenciadas, la línea superior de la serliana, los tablones, el seto y el suelo. A estas se oponen las verticales de los cipreses, los balaustres, las pilastras y las columnas, las esculturas y los caballeros.

La serliana centra la composición y le da una cierta simetría, acrecentada por los dos setos de boj como referencia visual que conduce la mirada hacia el arco. Esto es poco habitual en la obra de Velázquez, que no suele pintar referencias espaciales para crear líneas de fuga. Por otra parte la simetría se rompe al tapar la vegetación uno de los laterales.

El cuadro, extraordinariamente rápido de ejecución, tiene una factura muy suelta, con capas de pintura ligera que se transparentan y dejan ver la preparación. A pesar de todo, tanto las figuras como los árboles y la arquitectura, están ligeramente más acabados que en su compañero.

En la parte alta la luz se filtra a través de los cipreses creando distintas tonalidades. Es una técnica abocetada y un precedente del paisaje impresionista.

Se ha considerado que esta técnica, tan avanzada, sólo pudo alcanzarla en su madurez, y por eso, una parte de la crítica moderna se ha inclinado a fechar estas vistas en el segundo viaje a Italia.

Existen dos áreas cromáticas claramente diferenciadas: la parte inferior dominada por la paleta de ocres claros y la superior, más umbrosa, de verdes oscuros con toques más claros que muestran los últimos reflejos del sol poniente en las hojas de los árboles. En el centro aparece la nota de color más brillante de todo el cuadro, la sábana blanca que se extiende en semicírculo.

La preparación ocre del lienzo es tierra de Sevilla, la misma que Velázquez emplea en cuadros de primera época, como La adoración de los magos o la Imposición de la casulla a San Ildefonso.

Sin embargo, por encima de esta preparación hay otra capa de blanco, de una forma parecida a lo que ocurre en el supuesto retrato de su mujer como Sibila (Madrid, Prado) y en el retrato de doña María de Austria (Madrid, Prado).

Este hecho ha llevado a pensar que se puede tratar de lienzos preparados por Velázquez en España, que se encontraban en su taller y que llevó a Italia en el primer viaje, para trabajar en ellos, algo que apoyaría también el pequeño tamaño de los mismos.

En algunas partes del muro se ve la trama del lienzo. El pintor raspa la pintura para dar así la sensación de que el estuco que cubre la pared se ha caído.

HISTORIA DEL CUADRO

Tradicionalmente se había situado la ejecución de las dos vistas durante el primer viaje de Velázquez a Italia.

Esta datación se basaba en el testimonio de Pacheco, recogido después por Palomino, quien cuenta la estancia del pintor en la Villa Medicis en el verano de 1630: Después, viendo el Palacio o Viña de los Médices, que está en la Trinidad del Monte, y pareciéndole el sitio a propósito para estudiar y pasar allí el verano, por ser la parte más alta y más airosa de Roma, y haber allí excelentísimas estatuas antiguas que contrahacer, pidió al conde de Monte Rey, Embaxador de España, negociase con el de Florencia le diese allí lugar, y aunque fue menester escrebir al mismo Duque, se facilitó esto y estuvo allí más de dos meses, hasta que unas tercianas le forzaron a baxarse cerca de la casa del Conde.

Otro dato de apoyo para esta datación temprana es que, en 1634, don Jerónimo de Villanueva compró a Velázquez cuatro pequeños paisajes para regalárselos al rey; dos de ellos pudieron ser estas vistas de la Villa Medici.

Sin embargo, la sorprendente modernidad que tienen los dos cuadros ha hecho pensar, en este siglo, que debían ser una obra de madurez y, en consecuencia, basándose en razones estilísticas y sin ninguna prueba documental, se han situado en el segundo viaje.

Recientemente se han encontrado documentos que revelan que en 1649 se hicieron obras de reparación en las grutas del jardín. Esta puede ser la razón de los tablones que cubren la entrada de la gruta en el cuadro y un dato para fecharlos en el segundo viaje.

También se ha visto en los cuadros una cierta nostalgia que los convertiría en una evocación del primer viaje hecha durante el segundo.

Sin embargo, los estudios radiograficos efectuados por Carmen Garrido revelan que la imprimación de ambas vistas es similar a la de cuadros de primera época, lo que las situaría en el primer viaje.

Aparecen por primera vez en los inventarios del Alcázar de Madrid en 1666, donde se describen como un "jardín" y un "paisaje" y reciben distintas valoraciones. El "jardín", el cuadro que nos ocupa, es valorado en 10 ducados, la mitad que el otro. En 1700 siguen en el Alcázar, pero se valoran ya en 200 doblones.

Se salvan del incendio del Alcázar en 1734 y pasan al Palacio del Buen Retiro donde están en los inventarios de 1772, 1789 y 1794. Posteriormente van al Palacio Real, donde figuran en el inventario de 1814. Están en el museo del Prado desde su apertura en 1819.

FICHA DE ESTUDIO

Vista del Jardín de la Villa Medici, en Roma Por Velázquez 1629-31 o 1649-51 Oleo sobre lienzo 48 x 42 cm Madrid, Museo del Prado

El cuadro representa una de las dos vistas del jardín de la Villa Medicis, residencia del gran duque de Toscana, en la que había residido Velázquez en su primer viaje a Italia entre 1629 y 1631. Es una vista real del jardín, que se conserva prácticamente intacto en nuestros días.

La imagen se estructura en dos zonas en sentido horizontal y tiene una ordenación geométrica clara, marcada por las líneas verticales y horizontales. El centro es la nota de color más claro, la sábana blanca abierta en semicírculo.

Vemos a dos hombres que contemplan la gran gruta, tapiada con tablones, mientras en lo alto de la barandilla una mujer parece extender una sábana. Sin embargo las figuras son anecdóticas; el verdadero interés del pintor es captar el paisaje y las tonalidades de los árboles que van cambiando con la luz del crepúsculo.

Es un paisaje real, pintado al óleo, lo cual es muy raro en aquella época en que los paisajes eran fondos de cuadros compuestos en el estudio, nunca tomados del natural más que en dibujo.

Si a esto unimos la técnica abocetada y el interés por estudiar las variaciones de los colores según la luz, podemos apreciar el por qué de la fama de esta vista y su compañera, precedentes de la pintura al aire libre y el impresionismo.

Hay otro hecho importante: Velázquez parece pintar estos cuadros por voluntad propia sin que medie ningún encargo, algo poco frecuente antes del siglo XIX.

DETALLE 1

El arco que da entrada a la gruta es un motivo arquitectónico que aparece dentro del repertorio del Tratado de Arquitectura de Serlio, publicado en Venecia en 1537. Es un arco de medio punto con vanos adintelados a cada lado que también vemos en la otra vista pero: aquí es una entrada, allí un mirador.

En ambos casos centra la composición, lo cual es una referencia clásica que nos muestra el interés de Velázquez por la arquitectura, propio de alguien como él, que ejerció funciones de arquitecto y decorador en el Alcázar madrileño y que tenía en su biblioteca los tratados más importantes de arquitectura.

DETALLE 2

La figura que parece charlar con los otros dos personajes con sombrero es en realidad un hermes, un bloque de piedra con el busto de un dios pagano. Este tipo de estatuas se creó durante el clasicismo griego (450-400 a.C.) y se hizo muy popular.

Se colocaban delante de las casas representándose en ellas al dios protector de la familia. Pervivió en el mundo romano y no es, por tanto, extraña en el jardín de una villa renacentista.

DETALLE 3

El muro está desconchado, el revoco se ha caído y por debajo se ve el ladrillo, pero también se ve la trama del lienzo. Para lograr este efecto de pared descascarillada, Velázquez ha dejado al descubierto los interiores del cuadro. El pintor no oculta sus medios, algo absolutamente moderno.

Esta sensación de deterioro, unida a los tablones que tapian la gruta, puede servir para datar el cuadro. En 1649, año en que vuelve Velázquez por segunda vez a Italia, se hacían obras de reparación en la Villa Medici, que quizá él alcanzó a ver, pintándolas aquí. Si esto se pudiera comprobar por otra fuente serviría para fechar la pintura en el segundo viaje a Italia y así zanjar la discusión sobre el tema.

DETALLE 4

La sábana, hecha a base de unas pinceladas blancas muy empastadas, es el centro geométrico de la composición y la nota más clara del cuadro. La mujer apenas se insinúa por unas pequeñas manchas negras del traje y el pelo, y otras rosadas para la cara y la mano, tan escuetas como el hombre de perfil.

DETALLE 5

En el nicho se ve la mitad de lo que parece una estatua viril. Los Medici fueron reuniendo una magnífica colección de estatuaria clásica, producto de las excavaciones que se hicieron en Roma durante el Renacimiento.

En la Villa Medici, cuando estuvo Velázquez, se podían ver la serie de los Nióbides, la llamada Venus de Medicis, las quince esculturas de Porta San Giovanni, la colección Della Valle Capranica y los relieves del Ara Pietatis Augusta, además de obras modernas como el Mercurio de Giambologna y los leones de Flaminio Vacca.

DETALLE 6

En la parte inferior del cuadro, sobre el seto, se aprecian varios números. Son los números correspondientes a distintas catalogaciones. El 710 es el más antiguo y corresponde al inventario del palacio del Buen Retiro, hecho en septiembre de 1789, donde se atribuye a Martínez del Mazo.

Vista del jardín de la Villa Medicis (1211), en Roma

FICHA

1629-31 o 1649-51 Oleo sobre lienzo 44 x 38 cm Madrid Museo del Prado

TEMA

Es una vista del pabellón de Ariadna en el jardín de la Villa Medicis en Roma, conocida también como el palacio de la Viña, residencia de los grandes duques de Toscana. El pabellón recibe este nombre por la escultura de Ariadna que se ve bajo el arco.

Es una vista real, que hoy permanece casi igual, y que Velázquez conocía bien, pues vivió en esta villa durante dos meses en el transcurso de su primera estancia en Italia.

En el cuadro aparecen varias figuras pero sólo tienen un carácter anecdótico. El verdadero interés del artista es captar el paisaje, sus luces y contrastes, en una composición celebrada por los historiadores como un claro precedente del paisaje impresionista por el estudio de la luz y la factura suelta y abocetada.

Velázquez pintó dos vistas del jardín que actualmente llevan el mismo título. Esta (Prado 1211) se conoce como "el mediodía", por la luz, para diferenciarla de la otra (Prado 1210), denominada "la tarde".

PERSONAJES

Los personajes que aparecen en el cuadro sólo tienen un carácter anecdótico, no obstante se ha intentado averiguar quiénes son y qué hacen.

De los dos hombres que aparecen en el primer término, el de la derecha se ha dicho que puede ser un eclesiástico, por su vestimenta amplia y larga, y el de la izquierda un jardinero. En cualquier caso se trata de dos hombres de diferente categoría social, ya que el de la izquierda va en camisa, con un objeto quizá de trabajo en la mano, y se inclina respetuoso ante el otro. El del fondo, con capa, parece contemplar la vista.

La escultura que ocupa el hueco de la serliana es una Ariadna dormida, semejante a una de las que compró Velázquez en Italia para Felipe IV y que ahora se encuentra en el Museo del Prado.

CONTEXTO HISTORICO

La crítica duda en situar la ejecución de los cuadros en el primer viaje de Velázquez a Italia o en el segundo, separados en el tiempo por veinte años y situados en dos momentos muy distintos en la vida del autor.

Velázquez hizo el primer viaje (1629-31) para aprender, seguramente alentado por Rubens al que había conocido durante la estancia de este último en Madrid un año antes. Visitó las principales ciudades y estudió a los maestros antiguos y modernos.

En este primer viaje pintó la Fragua de Vulcano y la Túnica de José y, a su vuelta, se nota un cambio importante de estilo.

El segundo viaje (1649-51) lo hace en condiciones totalmente distintas, enviado por el rey para comprar obras de arte con destino a la decoración de los palacios reales y, especialmente, esculturas y vaciados.

FUENTES DE INSPIRACION

El paisaje es un género que toma fuerza en el siglo XVII. Como marco de una composición viene de antiguo y ya desde finales del gótico aparece en los fondos de los cuadros, con un carácter más o menos naturalista.

Desde el Renacimiento el paisaje va adquiriendo importancia poco a poco, tanto en la pintura italiana como en la flamenca. En el siglo XVI hay dos importantes pintores de paisaje, representantes cada uno de una escuela: el flamenco Joachim Patinir (Paisaje con San Jerónimo) y el italiano Anibale Carracci (Paisaje con bañistas).

En el siglo XVII comienza a independizarse y se pintan paisajes en los que aparece una pequeña escena mitológica o religiosa (como el San Antonio y San Pablo de Velázquez), mera excusa para centrarse en la vista de la naturaleza y el cielo. Pero son paisajes inventados, hechos en el taller, aunque se basen en apuntes del natural.

Velázquez conoció la obra de los dos pintores más importantes del momento en este tipo de composiciones, los franceses afincados en Roma Nicolas Poussin y Claudio de Lorena. Sin embargo, las dos vistas de la Villa Medicis son muy distintas de los paisajes de ambos.

Había también paisajes tomados de la realidad por entonces, pero eran dibujos, no cuadros pintados al óleo, técnica reservada al cuadro definitivo, "acabado". Precisamente la novedad de los cuadros de Velázquez es que son vistas reales, al óleo y pintadas directamente del natural, donde las figuras son anecdóticas y ni siquiera sirven para dar título a la obra.

TECNICA Y COMPOSICION

La composición tiene una organización geométrica clara: las líneas horizontales de los dinteles, el parapeto y el suelo; a estas se oponen las verticales de los pilares, los cipreses y las figuras masculinas.

El arco de la serliana centra la composición, igual que en el cuadro que forma pareja con él, y le da simetría. Las figuras del primer término se corresponden con los dos pilares del arco y sólo el hombre del fondo, casi invisible, rompe esa simetría. Los árboles forman dos masas, a izquierda y derecha, y juntan sus ramas para crear un arco de hojas que sirve a su vez como marco a la serliana.

Los setos de boj laterales, sobre todo el de la izquierda, y el hombre de camisa blanca, con sus diagonales, nos llevan hacia el fondo del cuadro en una referencia visual poco frecuente en la obra de Velázquez, que no suele pintar estas líneas de fuga.

La técnica, propia de la pintura al aire libre, es rápida de ejecución, suelta y abocetada, con capas de pintura ligerísimas que dejan ver las que hay debajo o la preparación e incluso la trama del lienzo. La factura en este cuadro es todavía más suelta que en su compañero.

Los personajes se pintan encima del color del suelo, la arquitectura o el paisaje, con unas pinceladas que simplemente los abocetan, más empastadas en los puntos más luminosos, como la camisa blanca, el tocado y el cuello del supuesto eclesiástico y los brillos de su túnica. Todos tienen un aspecto borroso y carecen de límites claros, lo mismo que la escultura de Ariadna, resuelta de un modo muy similar al del caballero de la capa.

La preparación ocre del lienzo es tierra de Sevilla, la misma que Velázquez emplea en cuadros de primera época, como La adoración de los magos o la Imposición de la casulla a San Ildefonso. Sin embargo, por encima de esta preparación hay otra capa de blanco, de una forma parecida a lo que ocurre en el supuesto retrato de su mujer como Sibila (Madrid, Prado, 1197) y en el retrato de doña María de Austria (Prado, 1187).

Este hecho ha llevado a pensar que se puede tratar de lienzos preparados por Velázquez en España, que se encontraban en su taller y que llevó a Italia en el primer viaje, para trabajar en ellos, algo que apoyaría también el pequeño tamaño de los mismos.

La luz se filtra a través de los árboles creando distintas tonalidades y juegos de luz y sombra. El primer término es más umbrío; después hay un término medio, antes del pabellón, donde la luz del sol cae directamente; la loggia proyecta sombras y, a través de los arcos, vemos el paisaje.

Esas alternancias de luz y sombra crean una sensación atmosférica, de ambiente caluroso en un día de verano; pero, sobre todo, crean la sensación de profundidad.

Algunos estudiosos han pensado que Velázquez sólo pudo alcanzar esta manera de pintar tan avanzada en su madurez, y por eso, una parte de la crítica moderna, se ha inclinado por fechar estas vistas en el segundo viaje a Italia.

La paleta es muy sobria, a base de verdes y marrones, con los que consigue infinidad de matices, y el cielo gris como es habitual en su obra. En el paisaje del fondo, los árboles se hacen a base de distintos tonos de verde mezclados con rosa y aplicados en pinceladas pequeñas pero no tan sueltas como las que forman las hojas a este lado de la serliana.

HISTORIA DEL CUADRO

Tradicionalmente se había situado la ejecución de las dos vistas durante el primer viaje de Velázquez a Italia. Esta datación se basaba en el testimonio de Palomino (que sigue el de Pacheco) quien señala en su biografía del pintor que éste había residido en la Villa Medici en el verano de 1630.

"Después viendo el Palacio o Viña de los Médices, que está en la Trinidad de Monte Monasterio (y es de la Orden de los Mínimos) y pareciéndole el sitio a propósito y acomodado para estudiar, y passar allí el verano, por ser la parte más alta, y más ayrosa de Roma, y aver allí Excelentíssimas Estatuas griegas, de que contrahazer: pidió a Don Manuel de Zúñiga y Fonseca, Conde de Monte-Rey (que en aquel tiempo estaba en Roma por Embaxador de la Magestad Cathólica) negociasse con el de Florencia, le diesen allí lugar; y aunque fué menester escribir al Gran Duque, se facilitó esto con la protección del Conde, que estimaba mucho a Velázquez, assí por sus prendas, como por lo que su Magestad le honraba. Estuvo allí más de dos meses, hasta que unas tercianas le forzaron a baxarse cerca de la Casa del Conde".

Otro dato en afvor de esta datación temprana es que en 1634 don Jerónimo de Villanueva le compró a Velázquez cuatro pequeños paisajes para regalárselos al rey. Dos de ellos pudieron ser estas vistas de la Villa Medicis.

Sin embargo, la sorprendente modernidad que tienen los dos cuadros ha hecho pensar, en este siglo, que debían ser una obra de madurez y, en consecuencia, basándose en razones estilísticas y sin ninguna prueba documental, se han situado en el segundo viaje.

Recientemente se han encontrado documentos que revelan que en 1649 se hicieron obras de reparación en las grutas del jardín. Esta puede ser la razón de los tablones que cubren la entrada de la gruta en el cuadro y un dato para fecharlos en el segundo viaje.

También se ha visto en los cuadros una cierta nostalgia que los convertiría en una evocación del primer viaje hecha durante el segundo.

Sin embargo, los estudios radiográficos efectuados por Carmen Garrido revelan que la imprimación de ambas vistas es similar a la de cuadros de primera época, lo que las situaría en el primer viaje.

Aparecen por primera vez en los inventarios del Alcázar de Madrid en 1666, donde se describen como un "jardín" y un "paisaje" y reciben distintas valoraciones. Este, el "jardín", se valora en 10 ducados, la mitad que el otro, quizá por la técnica más ligera. En 1700 siguen en el Alcázar, pero se valoran ya en 200 doblones.

Se salvan del incendio en 1734 y pasan al palacio del Buen Retiro, donde figuran en los inventarios de 1772, 1789 y 1794. Posteriormente van al Palacio Real, donde aparecen en el inventario de 1814. En el museo del Prado desde su apertura en 1819.

FICHA DE ESTUDIO

Vista del Jardín de la Villa Medicis, en Roma Por Velázquez 1629-31 o 1649-51 Oleo sobre lienzo 44 x 38 cm Madrid, Museo del Prado

El cuadro representa una de las dos vistas del jardín de la Villa Medicis, residencia del gran duque de Toscana, en la que había residido Velázquez en su primer viaje a Italia entre 1629 y 1631. Es una vista real del jardín, con el pabellón de Ariadna, que se conserva prácticamente intacto en nuestros días.

La obra tiene una ordenación geométrica clara, marcada por las líneas verticales de las pilastras, los cipreses y los hombres; y las horizontales de los dinteles, el parapeto y el suelo. El hombre de la camisa blanca y el seto de la izquierda forman diagonales que dirigen la mirada al fondo del cuadro.

En primer término vemos a dos personas que conversan y, al fondo, otra que parece contemplar el paisaje. Sin embargo las figuras carecen de importancia; el verdadero interés del pintor es captar el paisaje y las tonalidades de los árboles, a través de los cuales se filtra la luz.

Este, como su compañero, es un paisaje real, pintado al óleo, lo cual es muy raro en aquella época en que los paisajes eran fondos de cuadros compuestos en el estudio, nunca tomados del natural más que en dibujo.

Si a esto unimos la técnica abocetada y el interés por estudiar las variaciones de los colores según la luz, podemos apreciar el por qué de la fama de estas vistas, precedentes de la pintura al aire libre y el impresionismo.

Hay otro hecho importante: Velázquez parece pintar estos cuadros por voluntad propia sin que medie ningún encargo, algo poco frecuente antes del siglo XIX.

DETALLE 1

El arco que forma el mirador es un motivo arquitectónico que aparece dentro del repertorio del Tratado de Arquitectura de Serlio, publicado en Venecia en 1537. Es un arco de medio punto con vanos adintelados a cada lado. Es el mismo motivo que tiene la gruta de la otra vista, pero aquí es un mirador y allí una entrada.

En ambos casos centra la composición y es una referencia clásica que nos muestra el interés por la arquitectura de Velázquez, quien ejerció funciones de arquitecto y decorador en al Alcázar madrileño y poseyó en su biblioteca los más importantes tratados de arquitrectura.

DETALLE 2

El personaje de la derecha es difícil de identificar. Además, la técnica abocetada con que está pintado -unas pocas pinceladas sueltas de distintos colores- hace que se confunda con el suelo. Parece llevar un bonete blanco en la cabeza, más empastado, como el cuello, y viste una especie de túnica que le llega hasta más abajo de las rodillas. La cara es un simple borrón de tono cálido, como las manos.

Esta técnica ligera y transparente recuerda mucho otras obras de los años treinta como San Antonio y San Pablo.

DETALLE 3

El personaje de la izquierda en el primer término viste de un modo más sencillo, va descubierto, en camisa blanca, también más empastada, y lleva algo que parece un palo. Se inclina ante el otro personaje y quizá en la mano que no vemos lleva el sombrero, que se ha quitado para saludar.

Se ha señalado que esta figura es muy parecida, por la postura, a la Justino de Nassau en Las Lanzas.

La factura es ligerísima y la capa de pintura blanca apenas cubre el fondo, mientras a través de los calzones vemos el suelo y los pies son casi invisibles.

DETALLE 4

El personaje del fondo viste capa y sombrero. Ajeno a la escena que se desarrolla en el primer plano, parece contemplar la vista que se extiende más allá. Su figura enigmática recuerda a las del pintor romántico alemán Kaspar David Friedrich.

Algunos han avanzado la hipótesis de que fuera el propio Velázquez.

DETALLE 5

En el centro de la vista, está la escultura yacente de Ariadna, que da nombre al pabellón. Velázquez, en su segundo viaje a Italia, adquirió una escultura muy similar para Felipe IV, hoy en el museo del Prado.

Los Medicis fueron reuniendo una magnífica colección de estatuaria clásica, producto de las excavaciones que se hicieron en Roma en el Renacimiento. En la Villa Medicis se podían ver, cuando estuvo Velázquez, la serie de los Nióbides, la llamada Venus de Medicis, las quince esculturas de Porta San Giovanni, la colección Della Valle Capranica y los relieves del Ara pietatis Augusta, además del Mercurio de Giambologna y los leones de Flaminio Vacca.

DETALLE 6

La Villa Medicis está enclavada en uno de los lugares más altos de Roma y desde ella se contempla una magnífica vista. El pabellón de Ariadna está situado en la parte nordeste, sobre el muro de los jardines, que es al tiempo parte de la antigua muralla de la ciudad. Lo que contempla el misterioso personaje es la Villa Borghese cuyos árboles y edificios se ven a lo lejos.

DETALLE 7

En la parte inferior del cuadro se aprecian varios números. Son los números correspondientes a distintas catalogaciones. El 713 es el más antiguo y corresponde al inventario del palacio del Buen Retiro de Septiembre de 1789 donde es descrito como "Otro boceto de Velázquez con una perspectiva de jardín, de media vara en cuadro con marco viejo".

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09/04/2009