© Adolfo Pérez Agustí Edita: Ediciones Masters edicionesmasters@gmail.com http://www.edicionesmasters.com

Nunca fue tenido en cuenta hasta que interpretó “Forrest Gump”, pues ni siquiera “Philadelphia”, ni mucho menos “La hoguera de las vanidades”, consiguió atraer hacia él la atención de los críticos. Hasta entonces nadie sabía cómo encajarle, pues podría ser un actor gracioso, un mediocre actor dramático o una reencarnación de James Stewart, comparación esta que ahora nos parece correcta, pero que antes hacía rasgar las vestiduras a más de uno.

Su cara era simpática, que es lo mismo que decir sin interés especial, y por ello encajaba perfectamente en películas dedicadas a los jóvenes, como es el caso de “Despedida de soltero” o “Big”, pero no conseguía entusiasmar a las jovencitas, lo que equivale a no tener nunca un club de fans. Y así estuvo muchos años hasta que a un director despistado llamado Jonathan Demme se le ocurrió darle el papel de un abogado enfermo de Sida. La oportunidad social era única, pues había una gran sensibilización mundial por esta enfermedad que se consideraba similar a una lepra moderna, por lo que el papel podía proporcionarle los primeros aplausos como actor dramático. Con el tiempo, este genial y atractivo actor ha demostrado ser igualmente un buen intérprete de comedias y dramas, habiendo conseguido en los años noventa surgir como uno de los actores de Hollywood más aclamados.

Ayudado inicialmente por su padre, un cocinero, Hanks estuvo la mayoría de sus años escolares en Bay Area, San Francisco, lugar donde comenzó a realizar pequeños papeles en la escuela secundaria. De allí pasó a la universidad en 1977 y trabajó en el Great Lakes Shakespeare Festival en Cleveland, OH.

Hanks se quedó en Nueva York y debutó como Grumio en la obra “The Taming of the Shrew” en el teatro Riverside, consiguiendo trabajar en la serie cómica “Bosom Buddies” (ABC, 1980-82).

Su primer trabajo importante en el cine fue junto a la actriz Daryl Hannah en la comedia de Ron Howard, “1,2,3... Splash” (1984), en la cual una sirena tiene que ser protegida por Hanks, aunque como sabemos tienen problemas para mantener relaciones sexuales. Su gran habilidad como cómico continuó con “Despedida de soltero” (1984), una comedia de y para jovencitos calientes, aunque tuvo resbalones profesionales en “El hombre con un zapato rojo” (1985), y “Voluntarios” (1985), remontándose parcialmente con “Esta casa es una ruina” (1986), pues al menos nos reímos mucho con sus desventuras. Anteriormente, en 1980, había intervenido en el filme “Sabe que estás sola”, trabajo por el cual recibió solamente 800 dólares y no pocos desprecios. Ese salario se vio incrementado en 60.000 dólares cuando coprotagonizó “1,2,3... Splash” en 1984, cifra irritante si tenemos en cuenta que el filme recaudó 60 millones de dólares en el mercado norteamericano en el momento de su estreno.

En 1988, Hanks modificó su trayectoria con dos actuaciones diferentes que tuvieron gran éxito: una en la comedia “Punchline” (Lo que cuenta es el final), y la otra cuando se metió en el cuerpo de una persona 35 años mayor en “Big” de Penny Marshall. Por este trabajo fue nominado al Oscar como el mejor actor, aunque el premio recayó finalmente en Dustin Hoffman. Su imagen empezaba a quedar definida a su pesar, pues la gente le mencionaba como ese actor con cara de buen chico, torpe y sin ambiciones que siente miedo de acostarse con la chica más guapa de la película. Indudablemente, eso agradaba a los padres y a las chicas desengañadas de chicos guapos y ligones, pero no era suficiente para motivar pasiones entre los aficionados.

Los grandes esfuerzos de Hanks para interpretar personajes diferentes no siempre tenían los resultados deseados. Su trabajo en esa película sobre lasfinanzas de Wall Street “La hoguera de las vanidades” (1990), fue considerado como un gran error que abarcó incluso a su director Brian DePalma, aunque ahora la veamos con mucho más interés, especialmente a causa de sus protagonistas. Su siguiente intento para mejorar su imagen llegó con “Ellas dan el golpe” (1992), también dirigido por Marshall, y tuvo más éxito, pudiendo ver a un Hanks diferente bebiendo y mascando tabaco. Cada vez, reconozcámoslo, más cerca de la imagen de James Stewart.

Hanks cont inuó después con su decidida línea inaugurada con “Ellas dan el golpe”, moviéndose en el cómodo terreno de las comedias románticas como en “Sleepless in Seattle” (Algo para recordar, 1993), junto a Meg Ryan, luchando perfectamente por lograr el cambio de joven a hombre maduro, algo que ha supuesto el desastre para muchos actores. Pero los aficionados tendrían reservada una nueva sorpresa cuando le vieron moviéndose en un tema ambicioso y delicado en el filme “Philadelphia” (1993), una idea bien intencionada de Jonathan Demme en la que Hanks interpreta a un hombre que es despedido de su trabajo cuando se descubre que tiene Sida. Podía haber sido el inicio del desastre, puesto que abandonaba su imagen de buen chico, pero, muy al contrario, le otorgaron el Oscar al mejor Actor.

Imparable ya, rompió posteriormente todos los moldes cuando interpretó el popular éxito “Forrest Gump” (1994), en la cual se metió en la piel de un niño-hombre que trata de sobrevivir en un mundo violento en donde no hay lugar para los diferentes. Demostrando su gran capacidad de supervivencia, logró triunfar en la vida partiendo de sus limitaciones psicológicas, algo con lo que todos soñamos. Sabemos que esto es casi imposible, pero al público le gusta soñar despierto y por ello “Forrest Gump” consiguió ser la película que más Oscar ganase ese año, al recoger seis premios, uno de ellos como Mejor Actor. Ahora se trataba del antihéroe, un personaje en el cual se vieron reflejados millones de personas, dotados de cualidades espirituales pero carentes de habilidades comerciales o laborales. La posibilidad de que una persona así triunfe es remota, lo sabemos, pero los norteamericanos gustan de ilusionar a las personas que aún no han logrado ser unos ejecutivos triunfantes, y nos repiten eso de “El sueño americano”.

Seguro ya de sí mismo gracias a este triunfo, Hanks cambió nuevamente de rumbo e interpretó con acierto al astronauta Jim Lovell en “Apollo 13” (1995) de Ron Howard, película que nos narró el vuelo espacial de 1970. Como el comandante del vuelo, Hanks estuvo acertado en su trabajo y consiguió nuevos aplausos de público y críticos. Posteriormente y como es habitual en muchos famosos, puso su voz a un personaje infantil, en este caso a Woody, el vaquero amigo de Buzz Lightyear, en la maravillosa película de animación “Toy Story” (1995), generada por la computadora de John Lasseter. Su trabajo como director y guionista lo inició con “That Thing you do” (The Wonders), la historia del rock and roll en los años 60, en la que también aparece hacia la mitad del filme como un agente artístico sagaz y exigente.

DATOS PERSONALES

Profesión: Actor y Director

Nombre de nacimiento: Thomas J. Hanks

Fecha de nacimiento: 9 de julio de 1956, Concord, California

Estudios: Skyline High School, Oakland, California; Chabot Junior College; California; Universidad Estatal de Sacramento.

Signo zodiacal: Cáncer

Esposas:

Samantha Lewes

Casados desde 1975 a 1985, dos hijos: Colin y Elizabeth Rita Wilson

Casados el 30 de abril de 1988, dos hijos: Chester y Truman

Padres:

Janet

Amos Hanks

Hermanos: Jim

Sandra

Larry

Reconocimientos:

En octubre de 1997 fue considerado por la revista inglesa “Empire”, como una de las cien estrellas más importantes en la historia del cine, ocupando el puesto número 17. Actor mejor votado por los lectores de la "Revista americana" en 1995.

BIOGRAFÍA

Nacido en California, Tom Hanks creció en lo que él llama una familia fracturada repetidas veces. Sus padres fueron unos pioneros en la lucha por lograr una ley del divorcio en su demarcación, y Tom vivió unos años de gran movimiento, cambios de casa, de amigos y de familiares. Eso no le llevó, en contra de la opinión de los psicólogos, a tener ningún problema especial en su carácter, ni a introducirse en el mundo de las drogas o del alcoholismo, aunque posteriormente definió su niñez como una época desconcertante.

Cuando ingresó en la Universidad no tenía experiencia como actor, aunque en sus primeros intentos logró llamar poderosamente la atención y decidirse por ello a dedicar su vida a ese trabajo, especialmente cuando el director de una obra le pidió que fuera a Cleveland a trabajar. Allí conoció a su segunda esposa, la actriz Rita Wilson, con la cual trabajó en “Voluntarios” (1985). Ellos tienen dos hijos y Tom tiene otros dos de su primera esposa.

“Reconozco que tengo un cuerpo raro, parecido a un asno grande, y los muslos gordos. También tengo la mirada y la nariz de un mentecato, las orejas bajas y colgando, mientras que los ojos parecen de un chino y son un color cómico. Pero debo añadir más: tengo las manos y los pies muy pequeños, los brazos largos, hombros estrechos, y un intestino que tiende a salirse de su sitio. Mi pelo me hace parecer a un estudiante de conservatorio”.

Este es Tom Hanks y así se describía hace poco tiempo en una entrevista, cuando su popularidad apenas si había comenzado. Simplemente parecía no comprender las razones de su ascendente fama por ser nominado al Oscar al Mejor Actor por su trabajo en “Big”, en el cual se metía en el cuerpo de un niño de 12 años bajo el nombre de Penny Marshall. De hecho, salvo por su sueldo que ahora está ya en 10 millones de dólares por película, han sido solamente tres películas las que le han catapultado a la fama, básicamente “Big”, “Philadelphia” y “Forrest Gump”, por eso no nos debe extrañar esa incredulidad que suele manifestar por su posición en el mundo. Tom Hanks, con sus 42 años, continúa siendo el prototipo del tipo bueno a quien todos nos gustaría tener como amigo.

Ahora es uno de los actores más sólidos de su generación y una prueba fue la película estrenada en el verano de 1994, “Forrest Gump”, la cual recaudó 300 millones de dólares. Pronto, su puesto está ya paralelo al no menos taquillero Arnold Schwarzenegger.

Nadie sabe las razones para este ascenso vertiginoso a la fama, en un actor cuyos inicios en el cine fueron ciertamente mediocres y sin que pudiéramos encontrar en él nada destacable. Su imagen de chico bueno, encantador, demasiado parecido a James Stewart, no encajaba entre los actores más taquilleros. Ni es guapo, ni fuerte y ni siquiera gracioso. Pero con el tiempo, y de una manera callada, muy firmemente, ha ido acumulando una gran cantidad de trabajo correcto, incluso en películas de poca calidad en las cuales la mayoría de los actores hubieran fracasado.

Thomas J. Hanks nació el 9 de julio de 1956 en Concord (California), siendo el tercero de cuatro hermanos y una víctima de las continuadas desavenencias conyugales que llevaron a esa familia al divorcio. Con cinco años, su divorciado padre, cocinero de profesión, se lo llevó a vivir con él, junto con dos hermanos Sandra y Larry.

En ese momento comenzó un largo peregrinaje que le llevó a conocer a tres madrastras que le aportaron nada menos que once hermanastros, diez casas diferentes en las que vivir, cinco colegios para estudiar y cinco ciudades en las que vivir, entre ellas Redding y Reno. Justo al cumplir los diez años su padre decidió echar raíces y lo hizo en Oakland, donde vivió con su última mujer. Toda una experiencia que le obligó a adaptarse rápidamente a tal cantidad de circunstancias nuevas.

“Era una experiencia salvaje, oscilante. Nosotros no teníamos un tipo clásico de familia, con nuevos matrimonios frecuentemente y moviéndonos frecuentemente de domicilio. Mi padre tenía un restaurante, aunque súbitamente, sin apenas avisar, nosotros nos marchábamos, haciendo el equipaje con rapidez. Era una vida intensa, aunque a mí nunca me dio problemas y ni siquiera me privó de tener amigos nuevos”.

EL JOVEN HANKS

“Al menos, debo reconocer que durante mi niñez y juventud no me aburrí. También conseguí entender más a las personas y adoptar una actitud de buen chico porque así nadie se metía conmigo”.

Y fue en Oakland donde comenzó a notar su tendencia artística, lo que le permitió pasar la menor cantidad posible de horas en su casa, al mismo tiempo que aprendió a jugar al fútbol, hacer footing y formar parte de una pandilla que se reunía en la iglesia de su barrio. Hanks asistió a la escuela secundaria de Skyline en Oakland, donde probó suerte en algunos deportes, aunque finalmente eligió trabajar junto a su maestro de arte dramático Rawley Farnsworth, y su compañero de clase John Gilkerson, dos hombres alegres que él cita después como los que mayor influencia ejercieron en su vida. Cuando le otorgaron el Oscar al Mejor Actor, aprovechó su pequeño discurso para darles las gracias.

Parece ser que fue Drácula el personaje que le inspiró más para ser actor, puesto que se quedó entusiasmado viendo a un amigo suyo interpretando al célebre vampiro en una corta obra de teatro estudiantil. Para lograr independizarse de su hogar, se colocó como botones en el Hotel Hilton de Oakland, alternando su trabajo con los estudios en la Universidad y sus prácticas como actor aficionado.

En la Universidad de Sacramento consiguió ser admitido en el grupo de teatro y eso le permitió debutar, por fin, profesionalmente cuando tenía 19 años en la obra “La fierecilla domada”, una historia de Shakespeare que estuvo dirigida por Vincent Dowling. Su papel como el sirviente Grumio, era un fiel reflejo de su propio carácter, por lo que no debe extrañarnos que consiguiera buenas críticas.

Ahora que sabemos que Hanks consiguió proporcionar a la productora unas ganancias de 100 dólarespor el filme “Big” y que el cuento infantil de “1,2,3...Splash” aportó 60 millones a la Disney, nos parece algo imposible para un actor cuyos comienzos en la vida parecían presagiar solamente un triunfo como contable o extra en películas cómicas. De hecho, sólo dos de sus otras seis películas hasta entonces consiguieron ser consideradas como rentables, mientras que otras como “Despedida de soltero” y “Nada en común” simplemente amortizaron gastos.

El resto está fuera de toda alabanza para los críticos y los espectadores, en especial filmes como “Voluntarios”, “El Hombre del Zapato Rojo”, “Esta casa es una ruina” y la película israelita “Mil veces adiós”, así como “Joe contra el volcán”, y “La Hoguera de las Vanidades”. No obstante y debemos ser justos en ello, cuando la fama de Tom Hanks se disparó gracias a “Forrest Gump”, estas películas han sido revisadas de nuevo y nadie las puede considerar ya como malas, alcanzando buenos éxitos en sus pases por televisión. “Despedida de soltero” es un ejemplo de ello y recomiendo a los lectores que traten de localizarla en vídeo.

EN BUSCA DEL SUEÑO AMERICANO

Y volviendo a nuestro joven Tom, sabemos que para poder llegar a meterse de lleno en el mundo artístico, vendió su viejo pero bien cuidado Wolkswagen y con ese dinero se fue a Nueva York a buscar trabajo en pequeñas compañías de teatro. Su dinero era tan escaso que recurrió a un amigo para que le permitiera dormir en un sofá de su apartamento, aunque en ocasiones conseguía dormir caliente y acompañado con su amiga Samantha Lewes, con quien tuvo un hijo en 1978.

Y por fin, un año, después de su llegada a Nueva York consiguió su primer trabajo como profesional en la serie de televisión “Bosom Buddies”, de la cadena ABC, en donde durante dos años hacía el papel de chica. Desde ese momento comenzó a saber lo que significaba comer abundantemente y dormir en una cama propia.

Indudablemente su entrada en el cine fue gracias a la televisión y hay algunas pequeñas intervenciones que merecen destacarse de aquella época, como “Happy Days” dirigida por Ron Howard, “Taxi” y “Secretos de familia”. Algunos aficionados habrán podido ver igualmente “Dragones y mazmorras”, una horrorosa película basada en el conocido juego de rol que salió al mercado del vídeo, tan monstruosa como los personajes de la historia y que podrán encontrar en algún vídeo club con el nombre de “El umbral del juego”.

Estos comienzos nos pueden parecer desalentadores, pero desde que comenzó a trabajar en la televisión y pasó ya al mundo del cine, apenas si pasaron cinco años, muy pocos si los comparamos con el largo peregrinaje de otros actores que hoy son igualmente famosos. Debemos reconocer, por tanto, que su ascenso al estrellato fue bastante meteórico y eso que no poseía ninguna cualidad especial que le hiciera apto.

Cuando le preguntan las causas de su interés por el cine y si existe algún antecedente en su familia, nos encontramos con un hombre que mantiene un hermetismo total sobre su familia, y eso es algo que sigue manteniendo con el paso del tiempo, sin concesiones especiales para ninguna publicación. En el otro extremo, se trata de un actor que no pone reparos a ser entrevistado cuando se exhibe alguna de sus películas y en todas ellas se muestra sincero, prudente analizando a sus compañeros, y sumamente amable. Tampoco es reacio a hablar sobre su vida de estudiante, su niñez, sus años de la universidad, su aprendizaje en el teatro de aficionados y sus días como actor hambriento en Nueva York. Si alguien le pregunta, dirá de manera muy escueta que se divorció de su primera mujer, sin explicar las razones, y que ahora está casado y tiene en total cuatro hijos. A partir de ahí, la línea fronteriza entre su trabajo y su vida privada en más que un muro, es una sólida puerta de acero.

POR FIN, EL CINE

Y fue gracias al director Ron Howard, el mismo con el cual trabajó en el telefilme “Happy Days”, quien le pidió que trabajara junto a John Candy en el primer proyecto de la Touchstone Pictures, la nueva compañía creada por Walt Disney para realizar casi exclusivamente cine familiar. Su compañero de reparto sería ese casi desconocido llamado John Candy y una actriz hacia quienes todos presagiaban un triunfo absoluto en el cine, llamada Daryl Hannah, quien había conocido cierto triunfo junto a Harrison Ford en

“Blade Runner”, una fantasía futurista hoy día considerada obra clásica. thDe una manera casi simultánea, le piden interpretar un telefilme realizado por la 20 Century Fox titulado “Despedida de soltero”, que posteriormente se consideró que merecía la pena sacar a la gran pantalla. El filme estaba dirigido por Neal Israel, quien tenía interés en reunir a todos los mejores actores del serial “Bosom Buddies” en un tema de larga duración.

Para un actor tan joven como Tom Hanks, esto era más de lo que podía soñar. La mayoría de su experiencia ante la pantalla estaba limitada a su trabajo en los 38 episodios de la serie de televisión “Bosom Buddies”, en la cual el actor más popular era un tal Peter Scolari. Esta serie cómica se convirtió en un clásico y si algún día es repuesta notarán la profundidad del personaje de Hanks y su evolución paulatina como actor de comedia. Incluso en estas películas en las que no necesitaba poner demasiado entusiasmo (se ruedan en poco más de cuatro días), su presencia la notamos como algo refrescante, alguien a quien nosotros sentimos como un buen amigo del cual queremos saber todo y que es capaz de elaborar un juego de palabras sencillas y que se transformen en algo muy cómico. Tom Hanks suele hacer gala siempre de un sarcasmo correcto, un estilo que no hiere por la sutileza empleada, y que aunque sumamente crítico solemos aceptar porque nos hace sentirnos bien. Cuando está delante de la cámara durante mucho tiempo termina por olvidarse de ella y en ese momento comprendemos su grande y eterno ingenio.

“Creo que poseo una visión idealizada del mundo y las personas y por eso me gusta improvisar e inventar movimientos y frases. Creo que soy una persona cortés, de modales suaves y que sería capaz de aportar alegría incluso en una zona extrema del barrio del Bronx”.

SIGUE EL JOVEN HANKS

Parecía destinado a interpretar papeles de jovencito inocente que es seducido por chicas más procaces, en la misma línea que marcaron los productores con “Porkys”. Por eso no debe extrañarnos que nuevamente la Fox contara con él para una extraña comedia titulada “El hombre del zapato rojo”, en la cual era necesario un chico con cara inocente, pero con una fuerte dosis de picardía en su interior. La película era un remake de un gran éxito francés en el cual nos hablaban de un joven violinista que se ve involucrado en un asunto de espionaje, con asesinatos incluidos.

Este filme, ya lo sabemos, no tuvo apenas éxito en la gran pantalla y solamente pudo ser visto primero en vídeo y con posterioridad en televisión. Hanks era consciente de lo rápidamente que estaba entrando en el cine como protagonista, y para este sencillo papel aprendió a manejar superficialmente el violín, hasta el punto en que fue capaz de rasgar acertadamente las cuerdas en una parte de Scherezade.

Su interpretación aparentemente parecía sencilla, vulgar y sin matices, pero ahora la valoramos como sencilla, natural y adecuada.

Cuestión de experiencia y matices. En el filme estuvo acompañado por otros actores secundarios de gran talla como Carrie Fisher y James Belushi. Haciendo ostentación de una gran torpeza, pero sin llegar a los delirios de un bufón, Hanks consiguió aportar una imagen atractiva que le proporcionó el ser comparado en ese momento con veteranos como James Stewart, Jack Lemmon y Bill Murray. Aún cuando su estilo interpretativo no estaba influido por estos actores, meditando un poco le podríamos encontrar como un digno sucesor de Stewart.

Esta calidad interpretativa ha sido la base que ha definido todos sus personajes desde el principio y por la cual gusta de ser reconocido. Su amabilidad natural se traspasa fácilmente a la pantalla. Para algunos críticos Hanks posee cierto sentido mágico que es capaz de hacer realidad nuestras fantasías más extrañas, lo mismo cuando le vemos cortejando a una sirena esplendorosa, que cuando tiene que pelear con espías enemigos o construirse una casa que amenaza ruina total.

UN PEQUEÑO AJUSTE EMOCIONAL

Coincidiendo con el rodaje de “El hombre con un zapato rojo” en 198 5, se divorció de su mujer Samantha y pocos meses después, durante el rodaje de “Voluntarios”, conoció a Rita Wilson, casándose tres años después. Pocos detalles más conocemos sobre estas dos mujeres y muchos menos sobre sus hijos.

Su película “Voluntarios” estaba dirigida por Nicholas Meyer y tenía como compañero de reparto nuevamente a John Candy. Ahora le vemos interpretando a un hombre que trata de eludir a una banda de gángsters y que para ello se introduce en un avión en el cual viajan un Cuerpo Especial para la Paz, rumbo a Oriente Medio. El rodaje en Méjico le sirvió para afianzar sus relaciones sentimentales con Rita Wilson, una de las actrices del filme.

Todos estos acontecimientos pasaban demasiado deprisa, incluso para este hijo de un cocinero de San Francisco que había crecido con un cambio constante en su vida y con personas a su alrededor que ni siquiera le tenían en cuenta. Tanto en “Bosom Buddies” como en “1, 2, 3...Splash” podemos ver en su expresión cierta mirada de aturdimiento, como si no estuviera seguro de lo que estaba haciendo, mientras que en “Despedida de soltero” nos mostró por fin un actor más seguro de sí mismo y con una gran capacidad para dar una réplica mordaz a sus enemigos.

Pero lo que es más interesante en Tom Hanks es el hecho simple que se muestra siempre como una persona bastante vulgar y que es confirmado incluso por su agencia artística, los encargados de concertarle las citas y entrevistas. Allí todos están seguros que Tom es uno de los actores principales en Hollywood, pero también saben que la reputación no se construye solamente a base de ilusiones por triunfar, sino con realidades.

En 1986 es requerido por uno de los directores de cine más reconocidos y populares del momento, Steven Spielberg, pararealizar una comedia titulada “Esta casa es una ruina”, bajo la dirección de Richard Benjamín. La historia base es tan sencilla como eficaz: una familia cree haber encontrado una casa muy barata y aunque no disponen de mucho dinero la compran para evitar que otra persona se la quede antes.

El filme se rodó en solamente cuatro meses y eso que el rodaje fue complicado, laborioso y hubo que repetir numerosas escenas peligrosas. Anteriormente había intervenido en un filme titulado “Mil veces adiós” que solamente pudimos ver años después en vídeo.

LA CONSOLIDACION PROFESIONAL

Lo que parece demostrado con la carrera cinematográfica de Tom Hanks es que posee cierto grado de ecuanimidad y objetividad. Después de todo, Hanks representa un retroceso a un estilo de interpretación sumamente natural, un método que se prodiga poco, pero que está unido directamente al tradicional estilo clásico. Al contrario de otros actores que cogieron su experiencia en lugares como SCTV, Second City o “Saturday Night Live”, el fondo de Hanks estaba en el teatro. Hanks empieza allí en una fase temprana de su vida y literalmente aprendió realizando todo el trabajo sucio y aceptando los papeles más bajos, a los que hay que sumar sus labores como electricista, cosiendo trajes y vendiendo boletos. Hanks, por supuesto, perseguía especializarse en el teatro clásico y para ello empleó algunos años en compañías de Cleveland y Nueva York. Por ello, lo que en apariencia es una carrera fácil y cómoda, resulta haber sido un trabajo sumamente duro que posiblemente nunca lleguemos a saber completamente, dada la tenacidad de Tom para ocultar su vida privada. Está decidido a ocultar sus experiencias al público, y no quiere ninguna intrusión en su vida personal, ni tiene ninguna intención en revelar sus debilidades personales y mucho menos las de su familia.

Su película “Nada en común” dirigida por Garry Marshall, es la primera que le otorga prestigio entre los profesionales del cine. Teniendo como compañeros de reparto a Jackie Gleason y la veterana Eva Marie Saint, consigue imprimir una gran fuerza a ese ejecutivo que siente la obligación de reconciliarse y ayudar a su padre enfermo. La historia tenía muchos puntos en común con su propia vida y por eso se fundió con su personaje de una manera poco habitual en un actor.

“ Me he encontrado acoplado perfectamente con mi papel y desde el momento en que me ofrecieron el guión no dudé en interpretarla, puesto que, en ciertos aspectos, hay situaciones que se corresponden exactamente con mi vidaanterior”.

La película es un éxito comercial que llega a todos los países y los críticos se vuelcan en alabanzas hacia ese actor, tan sencillo y espontáneo, que ni siquiera parece actuar. Hay quien, en un delirio imaginativo, lo compara a Tony Curtis, aunque otros prefieren unirle a Jack Lemmon y Cary Grant.

“Personalmente me identifico más con Tony Curtis, puesto que me considero un niño grande que siempre está sonriente”.

UN YUPPIE

Por razones desconocidas, los productores han tratado de incluirle en sus argumentos como un yuppie, un ejecutivo sencillo e infeliz, en pos del dinero. Trabajador asiduo en la zona de Madison Avenue, le hemos visto representando los supuestos sueños del Yuppie, primeramente en “1, 2 ,3...Splash” en el cual lleva el negocio de su padre y posteriormente como un abogado del rock and roll en “Esta casa es una ruina”, Tampoco debemos olvidar su papel de un violinista de concierto en “El hombre con un zapato rojo”, chófer de autobús en “Despedida de soltero”, y como un alumno Yuppie en el Peace Corps en “Voluntarios”. Por si fuera poco encasillamiento hizo de eterno adolescente en “Big”, como viudo joven acongojado en “Algo para recordar”, un héroe contra-cultural en “Forrest Gump” y, para diferenciarle de una manera más trágica, como un abogado de los infectados por SIDA, en “Philadelphia”, premiada con un Oscar.

Como muchos otros Yuppies, Hanks nació demasiado tarde, justo cuando ya no tenía muchas posibilidades de volverse en contra de la cultura dominante, algo que ya había hecho la generación de sus padres durante mayo del 68 o los movimientos hippies. Solamente le quedaba la opción de dar sentido a su vida en cuanto a espiritualidad. Esa dualidad, felicidad material e inquietud espiritual, ha sido también mostrada en algunos de sus personajes como en “Bosom Buddies” y en mayor proporción en “Nada en común” y “Philadelphia”.

LAS MUJERES

La mezcla de un cuerpo de muchacho y una mente infantil, se unen a una intensa experiencia en la vida para conseguir trabajar en aquello que le gusta: la interpretación. Eso no le ha impedido que en el cine le hayan emparejado con mujeres sencillas y hermosas a las cuales ha tenido que enamorar de manera un tanto extraña. A Daryl Hannah en “1, 2, 3...Splah”, la sedujo por su sentido de la protección hacia las especies desconocidas; a Tawny Kitaen en “Despedida de soltero”, por su ingenuidad adolescente; a Shelley Long en “Esta casa es una ruina”, con su tenacidad para no derrumbarse junto con los muros de su casa, y a Sea Ward en “Nada en Común”, por su alto sentido de la gratitud hacia su padre.

También enamoró sin remedio a Elizabeth Perkins en “Big”, con su mente infantil desprovista de toda falsedad e interés; a Meg Ryan en “Joe contra el volcán”, a causa de su deseo de pasar a la inmortalidad en un lugar remoto; y en “Algo para recordar” y “Forrest Gump” por su aparente fragilidad física y emocional. Para concluir, podemos recordar su amor hacia Donna Dixon en “Bosom Buddies”; y en “Philadelphia” compartiendo problemas con Antonio Banderas y Joanne Woodward.

Las razones por las cuales Hanks dispone de un gran arsenal de valores para enamorar a las mujeres, y en ocasiones a los hombres, no están claras pero de cualquier modo le han proporcionado mucha admiración entre el público. No tiene una atracción energética y es obvio que no es narcisista, pero nadie duda ya que tiene un encanto intenso y que se ha convertido en el principal motivo de su éxito, incluso más que su propia capacidad como actor.

Tom Hanks está en esa posición en la cual habíamos soñado la mayoría de nosotros, logrando conseguir hermosas muchachas con un cuerpo que dista mucho de ser perfecto y disponiendo solamente como arma sensual de un fuerte sentido del humor, mucho sarcasmo discreto, y gran capacidad para aceptar sin quejarse los infortunios de la vida. También hay que destacar, la nula predisposición que tiene para criticar a quienes le han podido hacer daño en la vida y lo poco que le gusta hacerse el papel de víctima. Todo ello motiva el que muchachas de cuerpo perfecto se sientan atraídas por un hombre cuya imagen genera tranquilidad de espíritu y pocas complicaciones, aunque quizá su primera mujer no opine lo mismo.

Insistiendo en su atractivo para las mujeres, le podríamos poner al mismo nivel de Woody Allen o Humphrey Bogart, incapaces de enamorar por su atractivo físico a quienes no ven más allá de unos ojos azules, pero cautivador para aquellas mujeres que prefieren el interior, como en “La bella y la bestia”.

“Cuando me comparo con Ric hard Gere, Marlon Brando o Cary Grant, me encuentro ridículo y feo, y no entiendo que una mujer pueda poner sus ojos en mí y verme guapo”. “Nosotros vivimos tiempos muy desconcertantes. Las reglas están constantemente cambiando y lo que antes era bueno ahora es malo. Pero creo que esto es bueno y no acepto eso de que la civilización se está destruyendo a nuestros pies. Solamente necesitamos un poco de ajuste y mucho amor”.

LA VIDA SIGUE

En 1986 interpreta “Mil veces adiós”, una extraña historia ro dada en Israel junto a Cristina Marsillach que tuvo tan mala publicidad y distribución que apenas si figura en su filmografía. Basada en el título de una popular canción de Cole Porter y dirigida por un desconocido Moshe Mizrahi, les será difícil encontrarla en las tiendas de vídeo. Su siguiente filme llevaba incorporado un argumento realizado por Tom Mankiewicz, el guionista de muchas de las películas de James Bond, aunque también contó con la participación de Dan Aykroyd. La historia, pues, nos habla de dos extraños agentes de policía que deben hacer frente a unos desalmados que pretenden alterar la paz de los habitantes de Los Angeles. El título en español fue “Dos sabuesos despistados” y contaba también con la participación de un eficaz Christopher Plummer, especializado ya definitivamente en papeles de malvado desde que abandonó su romántico personaje en “Sonrisa y lágrimas”, en la cual tenía la suerte de enamorar a Julie Andrews. El éxito le acompaña de nuevo y para continuar su línea de películas dirigidas a la familia, con la violencia y el sexo controlados, un año después le vemos en “Lo que cuenta es el final”, de Davis Seltzer. Arropado por dos monstruos de la comedia como John Goodman y Sally Field, Hanks participa en un extraño concurso titulado La Gran Manzana. Aunque fue una película que apenas tuvo resonancia mundial, Hanks consiguió ser reconocido por los críticos de Nueva York como el mejor actor del año y recibe una nominación al Oscar.

En esa época, Hanks parecía ya el actor perfecto para comedias intrascendentes dirigidas al consumo familiar, aunque nadie daba un duro por él para verle en papeles dramáticos. Ni su expresión facial, ni su aire de chico inocente, podían encajar en una historia triste.

“Reconozco que no soy Antho ny Hopkins, pero creo que con mi trabajo en Philadelphia he podido demostrar que estoy capacitado para interpretar papeles profundos y con grandes sentimientos. Con mi participación en la lucha contra el SIDA he querido aportar a las gentes un sueño, la idea de un mundo perfecto por el que luchar, en lugar de seguir peleando por destrozar lo que tenemos”.

“Soy una persona creyente, aunque nadie me ha presionado para que lo sea. No me gustaría que las personas abandonasen sus sueños más ambiciosos y ese es un mensaje que quiero dejarles”.

Esa imagen de un soñador en un mundo de gente buena y noble no es nueva y recordamos haberla visto y oído en actores como James Stewart y Henry Fonda. Exceptuando el mundo del cine, en la década de los 60 solamente hemos encontrado referencias a ese mundo idílico en grupos como Los Beatles, quienes también aportaron cierta cultura popular que modificaron las tendencias de los medios de comunicación en pos de ideales triviales.

En 1987 Hanks empezaba ya a estar en la cúspide de estrellato, y películas como “Nada en común”, aunque no fue un éxito en taquilla, fueron suficiente para que el público percibiera que tenían ya un nuevo actor en la pantalla, totalmente diferente a todos. Por supuesto, “Nada en común”, con Jackie Gleason y Eva Marie Saint, en el papel de padres de Hanks, proporcionó no poco consumo de Kleenex en las butacas de los cines; pero dejó bien claro el mensaje del guión, que no es otro que la obligatoriedad que tienen los hijos de controlar el destino de sus padres, una vez que estos se hacen viejos.

UN TIPO CORRIENTE

Tom Hanks parece tener la habilidad de sacar a la luz las profundidades de su alma casi como si fuera a puñetazos. Para muchos actores americanos jóvenes, sería un chiste sugerirles que ellos deberían dedicarse más al teatro clásico griego. ¿Se imaginan a Sean Penn como Romeo, o a Emilio Estevez como el Príncipe Hal? Bueno, si hemos de ser sinceros tampoco vemos a Tom Cruise en una obra de Shakespeare, ni a Tom Hanks emulando a Laurence Olivier.

La pregunta que nos podemos plantear es dónde encaja perfectamente Hanks. No solamente en cuanto a su físico, tan sencillo y poco carismático que hace fácil la elección, sino a su carácter y aptitud ante la vida. Indudablemente es diferente a la mayoría de los actores y ahí radica su mérito. No es el tipo de actor que pueda interpretar papeles de personas que miran al cielo y se preguntan, ¿por qué yo?, y ni siquiera se cuestionan las razones por las cuales se enamoran de una sirena o tienen que organizar una despedida de soltero. Tampoco parecen asombrarse cuando su costosa y aún impagada casa se derrumba bajo sus pies, ni cuando su padre se divorcia un montón de veces. En otras películas le podemos ver sereno ante la adversidad, tanto si tiene que pelear contra el SIDA, como ver a su esposa morir prematuramente o hacerse cargo de un hijo pequeño.

“Yo soy católico y una cuestión que me planteo es por qué mi Dios tiene que poner siempre a prueba a los mejores. Pero no considero que a mí, en particular, me someta a ninguna dura prueba, ni siquiera en mi niñez. Hay personas que tienen verdaderos problemas en la vida y la mayoría de los míos parecen solucionarse a golpe de talonario”.

La siguiente película, rodada en 1988 se tituló “Big”, en la cual y cuando contaba ya 32 años, se tuvo que meter en el cerebro de un niño y el cerebro de ese niño en su cuerpo de adulto. Casi un doblete de personalidad del cual consiguió salir airoso sin problemas. El gran éxito en taquilla le estaba colocando al mismo nivel de aceptación que Michael J. Fox, un eterno adolescente a pesar de estar cerca de los 40 años de edad.

Las razones de su éxito, tanto en televisión como en el cine (y ahora ya vemos que la línea con J. Fox empieza a coincidir), se debe no tanto a su físico peculiar como a su inteligencia, especialmente para ser capaz de mantener esa imagen de chico bueno, inocente y listo durante toda su carrera. Posee una de esas raras habilidades para mostrarse como un tipo vulgar y pudiera ser que esa camaleónica virtud la hubiese adquirido durante su cambiante vida familiar, cuando tuvo que mostrar un carácter diferente, según la madrastra que le tocara en suerte, o desgracia.

Para muchos, esa niñez se asemeja a la de cualquier héroe popular, a esos líderes políticos que no han conseguido criarse en un hogar sencillo y estable, y que han sido reflejados en alguna de las películas de Frank Capra.

Criado en una familia normal, inicialmente, con tres hermanos más, su vida se truncó súbitamente a los cinco años cuando sus padres se divorciaron. Desde ese momento y para encontrar un tipo particular de estabilidad, se dedicó a observar las estrellas, bastante más estables que su vida familiar.

“El espacio celeste me entusiasmó desde niño y era un asiduo a visitar los planetarios de mi ciudad. Mi padre me regaló un telescopio astronómico y pronto di mis propios nombres a las estrellas, aunque también sabía su nombre real”.

“No sé cómo es posible que haya gente que ha escrito que yo era infeliz por vivir ta ntos divorcios. Solía tener mi propio cuarto, casi siempre el mayor de la casa, y allí podía escuchar música, bailar y cantar; todo lo que me gustara. Me sentía libre y nunca nadie me molestó o presionó. Yo me sentía feliz simplemente por estar vivo”.

Indudablemente su buen carácter le ayudó a llevarse bien con sus nuevos hermanos y con sus tres madrastras, puesto que era difícil enfadarse con él. El cariño que otorgaba a sus nuevas familias le ganaba pronto el aprecio de todos y la mayor parte de las atenciones y afectos se los ganaba él, por lo que nunca se sintió como si hubiera perdido a su familia.

“En realidad, creo que fui un afortunado por tener una gran familia, tan diversa y cambiante. Cambiar de casa y de ciudad suponía un nuevo estímulo a mi vida e imaginación y eso me daba oportunidades para mostrar a los nuevos inquilinos mis cualidades como un cómico aficionado”.

En una entrevista confesaría que su hermano Larry tenía muchas mejores cualidades como cómico que él, aunque alguien le presionó para que eligiera una profesión más tradicional y se hizo estomatólogo, quizá para dejar siempre a la gente con la boca abierta gracias a sus habilidades.

“Mi hermana trabaja en una agencia de noticias y Jim, el más joven, está terminando los estudios y vive con mi madre. Todos opinaban que yo era simpático, pero que Larry era mucho mejor cómico. Quizá la única diferencia es que yo hacía amistades con mucha más facilidad que los demás”.

“Un día, en la escuela secundaria, Tom me pidió prestada mi grabado ra para realizar un simulacro de las noticias en la radio y narró un supuesto terremoto en la ciudad. Decía con voz grave que la gente tenía que abandonar la ciudad y lo hacía tan bien que algunos compañeros se fueron a casa llorando”.

RECORDANDO A SU FAMILIA

Ese cambio familiar tan continuado no ha tenido que ser siempre tan maravilloso como Hanks ha querido manifestar y, en justicia, lo debemos considerar como una barrera para que nadie se entere de sus anteriores problemas, o para que nadie se sienta tentado de criticar a su familia. No es que deseara apartar de su mente una realidad dolorosa, como han querido decir algunos aficionados a la psicología, sino más bien que adoptó un mecanismo de defensa preventivo por si acaso ocurrían algunos de los males que los otros chicos divorciados le decían.

“A mi padre le gustaban mucho los niños y como disponía del suficiente dinero para mantenerlos quería una familia numerosa. Mamá no pensaba igual y creo que por ello se divorciaron. Por ello tengo que considerar a mí disgregada familia como absolutamente normal. Cada cual vivió luego a su modo, nadie molestó al otro, y se casaron y tuvieron el número de hijos que les dio la gana”.

La otra cara de la moneda, la verdaderamente buena, es que Hanks se hizo flexible, se amoldó con facilidad a cualquier cambio en su vida y hubo un momento en el cual cambiar de ciudad y escuela era un aliciente. Nuevos amigos, nuevas diversiones y una nueva madre. Mientras que algunos hijos de divorciados se sienten víctimas de las desavenencias de sus padres, para él era una fortuna. Cada barrio era una nueva aventura y una perspectiva de vida totalmente diferente. En las escuelas era un extranjero que había recorrido mundo y eso le hacía muy atractivo.

“No entiendo a quienes se quejan por cambiar de barrio o de ciudad. Para mí, hasta el hecho de que las pizarras y los escritorios de mi escuela fueran diferentes todos los años era algo extraordinario”.

Hanks aprendió también a estudiar rápido y a acoplarse al ritmo de sus nuevos compañeros. Sin saberlo, estaba haciendo todo lo necesario para ser un buen actor: la improvisación, el amoldarse a nuevos personajes y compañeros, nuevos directores y ambientes totalmente diversos. Indudablemente no perdía su facultad para soñar y eso le hizo introvertido y con una vida interior sumamente rica, en ocasiones casi imposible de comunicar a los demás. Solamente su eterna cara de buen chico le abría todas las puertas que necesitaba.

“También adquirí una buena disciplina de vida y creo que fue por tener tantos jefes y ordenantes diferentes. También aprendí a pensar con rapidez y a conseguir las cosas que más deseo sin violencia. El hecho de que de mis hermanos fuera el que más años pasase con mi padre creo que me hizo diferente, puesto que siempre consideré a mi padre como una persona sabia”.

También es posible que haya cogido la costumbre de divorciarse con rapidez, aunque en su segundo matrimonio parece haber alcanzado la estabilidad emocional.

“Mi padre es una persona muy reservada y bastante tímido. Ahora parece que ya se comunica con más facilidad, incluso con sus hijos. Creo que ya ha conseguido formar una pareja estable con mi madrastra, Frances Wong, una mujer de origen chino, quien parece ser que tiene una familia de 22 miembros que se han sumado a mi padre”.

Sus amigos describen a Hanks como “una cabeza vieja en unos hombros jóvenes”. La naturaleza competitiva que tuvo que mantener en sus apiñados hogares era justo lo que necesitaba para meter en su mente la idea del éxito.

“En mi familia se podía escoger entre ser uno más o el chistoso de la familia y yo escogí lo último. Mis años de aprendizaje en el colegio me demostraron también que es necesario estar provisto de una potente voz para hacerse oír”.

“En realidad había una buena relación entre todos, salvo entre mis padres. Yo era el tercero de mis hermanos y por eso cuando llegué no tenían mucho interés en cuidarme. Era como si me dijeran porqué había llegado a ese hogar ahora. Ahora las relaciones en mi familia son sumamente cordiales, pero hemos pasado momentos complicados. La tercera esposa de mi padre, Frances, es una señora maravillosa, pero al principio nuestra relación fue muy difícil. Creo que ambos éramos terribles. Había mucha tensión y locura, pero por razones bastante clásicas. Yo tenía diez años cuando ella llegó a mi vida y en ese momento llevaba viviendo mucho tiempo con mi padre, los dos solos, y no estaba dispuesto a aceptar que nadie me dijera lo que tenía que hacer. Ciertamente tardamos mucho tiempo engustarnos”.

“Yo era una persona que solía hacer cosas increíbles, aunque eso parece ser una manera de estar a la defensiva o como una manera de buscar afecto. Necesitaba siempre un motivo para expulsar mi energía, aunque solamente lo podía hacer en mi hogar. Por eso y para no crear problemas, me involucré en cosas creativas, no tanto como un actor, sino con actividades como carpintero o juegos de magia”.

DE NUEVO, SU VIDA PROFESIONAL

Después del gran éxito de “Big”, pudimos verle en otra comedia dislocada titulada “No matarás...al vecino”, dirigida por Joe Dante y junto a su amiga Carrie Fisher. En ella interpreta a Ray Peterson, un pacífico personaje que ve su vida alterada cuando llegan unos extraños vecinos de los cuales no puede librarse. El problema aumenta cuando hay por medio asesinatos y mucha violencia.

Ese mismo año realizó “Socios y sabuesos”, para la productora Touchstone, dirigida por Roger Spottiswoode y que se convierte en un nuevo éxito de taquilla. En esta película comparte cartelera y triunfos con un robusto perro, interminable baboso, de quien no puede librarse nunca. Su papel de detective torpe y poco eficaz, se tuvo que mejorar cuando se ve involucrado en un caso de asesinato.

Unos meses después le llega una nueva propuesta para interpretar un extraño guión que en principio parece un despropósito total. Pero detrás de ello estaba el conocido Steven Spielberg y la factoría de efectos especiales Industrial Light and Magic, por lo que no duda ya en aceptar el trabajo. Junto a la rubia Meg Ryan interpreta a un desvariado ejecutivo que casi sin proponérselo se encuentra súbitamente en alta mar a punto de morir, justo en el momento en que unos nativos le rescatan para que cumpla una misión sagrada. El filme fue un éxito a pesar de las críticas desfavorables, pero eso le hizo pensar y se tomó unos meses de descanso, aunque antes tuvo que finalizar “La hoguera de las vanidades”, de nuevo como un ejecutivo poco enérgico que tiene que pelear con la ambiciosa Melanie Griffith. Está acompañado por un eficaz Bruce Willis y por Morgan Freeman, estando la dirección a cargo del experto Brian De Palma.

“La hoguera de las vanidades” es una película ambiciosa, a la medida de Hanks, pero que refleja una situación en la cual nos podemos ver inmersos cualquier ciudadano que cometa el error de atropellar a un marginado social. Si a eso le sumamos el papel tan maquiavélico que puede jugar ciertos periodistas para hundir a cualquier persona que tenga una buena posición social, notaremos que el filme deja de ser cómico para ser tenebroso. Se trata de una especie de denuncia social contra la prensa y contra quienes creen que basta ser pobre para ser bondadoso, y para quienes están convencidos de que detrás de cualquier directivo hay siempre una persona sin corazón. En esta película los papeles finales se cambiaron a última hora entre Willis y Hanks.

Cuando Tom Hanks decide retornar a su trabajo fue en una producción de Michael Douglas dirigida por Richard Donner titulada “Radio Flyer” (La fuerza de la ilusión), en la que solamente actúa como narrador, la cual pasa totalmente desapercibida. Finalmente le dan el papel del padre de los protagonistas principales que se muere trágicamente. Este trabajo totalmente desconocido le lleva a “Ellas dan el golpe”, con Geena Davis y Madonna entre las protagonistas, y dirigida por Penny Marshall, esposa de Rob Reiner. La película debería servir para promocionar a la cantante Madonna como actriz de cine, pero ni siquiera consiguió que alguien se acordase de su trabajo. Estaba claro que el retorno de Hanks a la pantalla, después de mirar con lupa los guiones que le llegaban, no sirvió para nada bueno. El argumento, en el cual las mujeres forman una liga de béisbol porque los varones están peleando en la guerra no gustó a nadie, salvo a cuatro feministas. Por el contrario, sirvió para que los soldados se planteasen la necesidad de que las mujeres también participasen en la guerra, si todos querían ser iguales ante la ley.

La siguiente película le llega junto con un guión escabroso sobre el mundo del SIDA y la homosexualidad, por lo que decide estudiarlo con detenimiento y rodar antes esa otra historia titulada “Algo para recordar”. En el filme contaría con dos alicientes: el primero, tendría de nuevo como compañera de reparto a Meg Ryan, una actriz con la cual conseguía conectar sin problemas, y una casi desconocida Rita Wilson con la cual se había casado cinco años antes. Wilson es una correcta y guapa actriz secundaria que no ha conseguido nunca triunfar en el cine, pero que los lectores la recordarán por su trabajo junto a Tom Hanks en “Voluntarios” de 1985.

Con “Algo para recordar” Hanks volvió a protagonizar el mismo tipo de papel que le había hecho famoso, en un cine humano, sentimental y sin violencia, largamente reclamado por millones de aficionados. El filme está escrito y dirigido por Nora Ephron, y aunque cuenta con un presupuesto muy bajo, la mayoría del cual se destinó a los dos actores principales, consiguió unas espectaculares recaudaciones en todo el mundo. La fórmula de unir a Hanks y Ryan, en una historia similar a “Tú y yo”, funciona perfectamente. La historia es tan sentimental como eficaz, y nos habla de un niño que no quiere que su papá siga viudo y le busca una nueva chica. Para eso se pone en comunicación con una emisora de radio y cuenta su problema en antena. Su petición es escuchada por una guapa rubia, Meg Ryan, quien decide conocer a ambos y aplazar sus planes de boda para otro momento. Su cita es en la terraza del Empire State, lo mismo que Gene Kelly y VeraEllen en “Un día en Nueva York”, y aunque no bailan ni cantan, cuando se ven se enamoran locamente.

Y en ese momento es cuando ya tiene decidido su participación en “Philadelphia”, la primera película que tratará abiertamente el problema del SIDA y el rechazo de toda la sociedad hacia esos enfermos.

Su incorporación es obra del destino, puesto que el papel estaba pensado y ofertado para Daniel Day-Lewis, quien no estaba seguro de poder asumir el riesgo de trabajar en una película posiblemente conflictiva. Hanks, por el contrario, quería o necesitaba interpretar un papel más dramático y no dudó ni un momento en aceptar el trabajo.

El resto del reparto incluía a Joanne Woodward, Antonio Banderas y Denzel Washington. Entre todos llevaron a buen fin esta historia sobre un homosexual que es despedido de su trabajo cuando contrae la enfermedad y para que le admitan tiene que reclamar por vía judicial sus derechos. Su abogado es un negro que tiene experiencia en la lucha por los derechos humanos y finalmente todos logran su objetivo, que no es otro que sacar por primera vez a las pantallas un tema que pocas personas querían mostrar al público.

EL TRIUNFO

El filme es un éxito de taquilla en todo el mundo y mientras que la producción recibe un Oscar a la Mejor Canción, Hanks es premiado con un Oscar al Mejor Actor del año, quedando otras tres nominaciones como prueba de su categoría. Pocas semanas después recibía también el Globo de Oro y el Oso de Plata como el mejor actor, merecidos premios a un actor que había adelgazado progresivamente durante el rodaje hasta un total de diez kilos para fundirse con su enfermo personaje.

En ese momento de su carrera las entrevistas se multiplicaban y fue cuando el público comenzó a conocer más detalladamente a su nuevo ídolo, ese actor con cara de buen chico que manifestaba que la película que más le había influido para ser actor fue “2001” de Stanley Kubrick, que la vio cuando tenía trece años.

“Este filme cambió mi vida porque me presentó un mundo e ntero de concepción artística que era totalmente nuevo para mí. La he visto doce veces y aún no acabo de entenderla, ni estoy seguro de las razones por las cuales me ha hechizado tanto. Otra película sumamente ingeniosa fue “Los Siete Samurais” de Kurosawa. La vi en televisión cuando estaba en la escuela secundaria y me quedé igualmente magnetizado por lo que veía. Eso me ha ocurrido en varias ocasiones y eso que no me gusta demasiado ir al cine porque dejo la imaginación volar y finalmente no me entero del argumento”.

Esta calidad sensorial de Tom Hanks raramente es mostrada en público. La primera producción en la cual pudimos ver algo similar fue en “Bosom Buddies”, junto a Peter Scolari, en donde Tom era un devoto de Jesucristo que intenta llevar por el buen camino a su amigo citándole pasajes de la Biblia. Por extraño que parezca, después de ese trabajo tan religioso y profundo, se embarca en 1981 en el rodaje de una película extraña, basada en la novela de Rona Jaffe, la cual a su vez serviría para promocionar y dar soporte al juego de rol “Mazes and Monsters”.

“Creo que decidí ser actor cuando ya trabajaba en el cine, especialmente porque soñaba con ser famoso y ganar mucho dinero para poder comprarme un Cadillac chapado en oro. Por supuesto, no sentí esa inclinación cuando hacía papeles como extra”.

RECORDANDO VIEJOS TIEMPOS

Después de graduarse en la escuela secundaria con un promedio mediocre, Hanks entró en el Chabot Juniors College en Hayward, California. Eso lo obtuvo después de enviar su historial académico a tres escuelas, la MIT, otro a Villanova, y otro a Chabot, aunque de dos de ellas solamente recibió una pegatina publicitaria en lugar de un certificado de admisión.

“Parecerá una tontería, pero para mí esas pegatinas eran muy importantes y solía ponerlas en mis carpetas y luego en el cristal trasero de mi automóvil. Cuando conseguí entrar en Chabot ya no suponía ningún prestigio y prescindí de ella, dejando simplemente el letrero que decía Universidad, con el cual quería demostrar que era un estudiante universitario”.

En esa escuela es cuando empezó a darse cuenta de que su inclinación profesional era la de ser actor. Se matriculó en la escuela de teatro y desde entonces su vida y su carácter cambiaron drásticamente. Consideraba ese trabajo como algo divertido, especialmente por la gran cantidad de trajes que llevaría, el mundo de las bambalinas, los focos y el romanticismo que iba unido a ese ambiente. Claro que no solamente de sentimientos vive el hombre y Hanks pronto se dio cuenta que necesitaba comer todos los días, fuera actor, estudiante o un obrero de la construcción.

Por eso siguió asistiendo a las clases habituales en la universidad durante dos años, trabajando en uno de los hoteles locales de la cadena Hilton como botones, una experiencia que él consideraba como positiva para su carrera de actor.

“Era exactamente como actuar. Cuando subía a una persona a su cuarto, debía clasificarlo según su tamaño y sexo, y deducir qué es lo que quería oír, lo que esa persona esperaba encontrar. Si notaba que le gustaba hablar empezaba una conversación tradicional, y si no era así me callaba. También debía averiguar si le gustaba beber y si deseaba pasar desapercibido.

Cuando alguien lleva un uniforme debe comportarse como tal. Ser botones lo considero un gran trabajo y no consiste solamente en llevar los bultos a las personas. Creo recordar que llevé en una ocasión las maletas de Cher cuando se casó con Greg Allman. También acompañé al aeropuerto a Sidney Poitier. Tuve momentos muy buenos y un sueldo estupendo. Trabajaba tres o cuatro días a la semana y siempre he considerado mi trabajo como algo con gran responsabilidad”.

En esa época tenía ya un trabajo y una novia, todo lo que la inmensa mayoría de los jóvenes suelen necesitar en ese momento, por lo que no es extraño que recuerde esos momentos como algo muy feliz. Solamente cuando comenzó sus clases de interpretación en la Universidad de Chabot es cuando se dio cuenta que su vida no sería así por mucho tiempo. No soportaba ya las clases de zoología y sociología, y necesitaba un cambio radical.

Con el sueldo que ganaba trabajando en sus ratos libres, se iba frecuentemente a San Francisco. Allí el mundo del teatro estaba en plena efervescencia y se podían ver sin problemas a los grandes dramaturgos clásicos como Ibsen, Chekhov, y Shakespeare, en teatros que disponían de 150 a 2.000 asientos.

“Yo pensaba que pasar una tarde entera viendo estas obras de teatro era un buen modo de divertirme, pero no podía convencer a ninguno de mis amigos a que viniera. Antes yo había sido esencialmente un niño de televisión y después, en lugar de dedicar mis horas libres a jugar al béisbol o esquiar los fines de semana, yo me inclinaba por otras ideas. Simplemente estaba embriagado, realmente agitado e impresionado por los actores de la pantalla, estaba convencido de que ese mundo lo podía tocar simplemente extendiendo la mano. Era una fuente inagotable de emociones y yo quería formar parte de ese mundo”.

Una de las primeras obras q ue vio fue un drama de Eugenio O'Neill, “Iceman Cometh” que se estaba exhibiendo en el Berkeley. En ese momento lo interpretaban Bob Hirschfeld y Joe Spano. Para Hanks supuso algo mágico, con tantas luces y sonidos, y con los actores que parecían salirse de las candilejas. Años después confesaría que se quedó magnetizado durante toda la función y el poder que emanaba de esa obra le hizo pensar seriamente en su futura vida.

“Esa noche ya tenía una meta clara en mi vida. Había desarrollado un respeto absol uto no solamente por los actores, sino por el director, los técnicos, los electricistas, los diseñadores y por todos cuantos trabajaban allí. De todas maneras, la mayor inclinación la sentí por ser actor y estaba seguro que así sería feliz. Esas primeras experiencias marcaron todo el resto de mi vida y me enseñaron a no tener miedo de ponerme metas muy altas, a ser el mejor en mi trabajo, a esforzarme por conseguir algo y no esperar que los demás me lo ofrezcan”.

EL MAGNETISMO DEL TEATRO

Cuando Tom Hanks tenía 20 años, hacía lo que cualquier otro joven, básicamente trabajando y acudiendo a la Universidad. Tenía unos ahorros en el banco de 300 dólares y poseía un modesto Wolkswagen de gasoil. En 1976 consiguió una beca para la State University en Sacramento, donde empezó a tomarse en serio su carrera de actor. Allí había formado un pequeño grupo de teatro, muy accesible, en la que todos los que formaban parte tenían el mismo deseo de dedicarse el resto de su vida a ello.

“La ventaja de ese grupo era la libertad para escoger la actividad que quisieras. Al principio estaba interesado por el aspecto técnico y luego preferí la interpretación. Lo curioso del caso es que mi beca era como carpintero, para hacer los decorados, pero eso no me impedía aprendera manejar las luces o interpretar un pequeño papel”.,

Su vivienda era en Cal State, en Sacramento, en un cuarto de hotel lleno de actores, en donde Tom encontró a una aspirante a productora y actriz llamada Susan Dillingham. Simplemente se gustaban por los personajes que interpretaban, pero pronto esa gran afinidad como estudiantes les convirtieron en compañeros inseparables. Posteriormente y por razones profesionales, esa chica cambió su nombre por el de Samantha Lewes, a quien los lectores reconocerán como su primera mujer.

Hanks tomó parte en una producción de Chekhov titulada “The Cherry Orchard” en el teatro Sacramento Civic durante su primer año como estudiante. La obra fue dirigida por Vincent Dowling, el director artístico del Great Lakes Shakespeare Festival en Cleveland, Ohio. Después de que la obra terminó, Dowling que resultaría tener una importante influencia paternal en la vida de Hanks, invitó a varios de los miembros del reparto para que volvieran a trabajar con él en otros proyectos.

En ese momento ni él ni Samantha tenían nada mejor que hacer y se fueron a California nada más finalizar el año escolar. Había perdido ya todo el interés en graduarse y Hanks prefirió sumergirse en el mundo del teatro, primeramente como pintor y carpintero, y posteriormente como actor.

“Si he de ser sincero, es ese momento en que trabajaba en el Shakespeare Festival, hubiera pagado por poder hacer esa labor. Todo era tan nuevo y maravilloso para mí que no podía cerrar los ojos de emoción”.

Durante las tres temporadas que trabajó en “Great Lakes”, Hanks interpretó una gran variedad de papeles, comenzando por el de Grumio en “The Taming of the Shrew” de Shakespeare. También tenía una gran pasión por los Indians de Cleveland, un mediocre equipo de béisbol que siempre estaba en la cola de la clasificación. Después siguió interpretando a Rosencrantz en “Hamlet”, Montano en “Othello”, Fabian en “Twelfth Night”, y Faulconbridge en “King John”, papeles todos que le estaban convirtiendo en un gran actor.

En 1978 recibió sus primeros reconocimientos del público, al ser mencionado como el Mejor Actor por el Critic´s Circle de Cleveland por sus 68 actuaciones en el papel de Proteus, en “The two Gentleman of Verona”, un tipo sinvergüenza que se ganaba la admiración de los espectadores.

“Esa pequeña dosis de fama me llegó de repente y me sentí muy responsable por ello. Ya no podía salir de noche, beber o fumar, para no perjudicar mi garganta, por lo que me sentí en cierto modo atrapado por mi trabajo. Aunque solamente tenía veinte años y no era conocido más allá de un par de kilómetros a la redonda, tenía la misma responsabilidad que un actor famoso”.

NUEVO CAMBIO DE DOMICILIO

Suficientemente experimentado, Hanks decidió que ya había llegado el momento adecuado para marcharse a vivir a Nueva York en busca de nuevas oportunidades, por lo que se llevó a su esposa Samantha con él, justo cuando ella se quedó embarazada. Criado como un católico devoto, Hanks no quería oír hablar de un aborto, y siguieron con su trabajo presentándose como actores en Big Apple (Manzana Grande). Allí alquilaron un apartamento en la calle 45 y planificaron cómo debería ser el trabajo de Samantha. Tom se unió a la Shakespeare Company Ribereña como un actor clásico sin sueldo, apareciendo como Callimaco en “The Mandrake” y Hortensio en “The Taming of the Shrew”. Pero con el nacimiento de su primer hijo Colin, los apuros económicos del matrimonio comenzaron a ser dramáticos.

“Fue una época complicada, puesto que tenía veinticuatro horas de trabajo al día, prácticamente sin cobrar y al mismo tiempo necesitaba disponer de horas libres para buscar trabajo remunerado. Solía pasar las horas de descanso sentado alrededor de un solo café con los amigos y hablando de ideas grandiosas. Era terrible y fabuloso al mismo tiempo. La verdad es que me tomó bastante tiempo conseguir un nuevo rumbo que me permitiera mejorar mi economía”.

Finalmente consiguió una pequeña mejora cuando la compañía Great Lakes Shakespeare Festival le pagó un año entero de salario y luego dispuso de otro medio año de compensación por desempleo. A pesar de todo, el matrimonio Hanks permaneció unido sin problemas hasta que en una ocasión le pagaron veinticinco dólares una vez por hacer una obra en el City Court Building después de ensayar durante cuatro fines de semana. Eso le sucedió cuando estaba trabajando con Los Mandrake y una de las actrices llegó diciendo que un agente artístico estaba buscando actores, puesto con el cual se quedó Hanks. Ese hombre le proporcionó la posibilidad para intervenir en “Great Lakes” durante el 1979, y cuando volvió a Nueva York en otoño, tenía un nuevo trabajo en la película “Sabe que estás sola”. En ella interpretó a Elliot, un estudiante de psicología, aunque su papel era sumamente corto y apenas nadie reparó en él. No es de extrañar, puesto que el guión que tuvo que aprenderse fue: “¿Qué hace usted?”. No obstante, este tipo de producción solía servir para promocionar y ver las posibilidades de los actores jóvenes.

“Me gusta hacer una gran variedad papeles. Eso me permite interpretar películas divertidas en las cuales hoy soy el sirviente y mañana el príncipe”.

En relación con esa película, hubo un crítico que dijo que la película tenía algunos momentos cómicos muy interesantes que habían pasado desapercibidos, como cuando un estudiante de psicología de la universidad explica con todo detalle por qué a las personas les gustan las películas de terror.

Su otro trabajo en Nueva York lo realizó para la CBS y se trataba de un telefilme basado en la novela de Rona Jaffe, “Mazes and Monsters” que trataba sobre la espada de Tolkienish y un juego de fantasía y hechicería que ha sido todo un éxito entre la juventud mundial. Como rareza en la filmografía de Hanks parece interesante, pero a nosotros nos pareció aburrida.

En ella Ton Hanks todavía era demasiado joven y su trabajo sumamente superficial, especialmente en las escenas con implicaciones sexuales. En su favor deberemos decir que ya dejaba entrever su naturalidad ante las cámaras y la ausencia de cualquier artificio.

GRAN ÉXITO EN TELEVISION

Su siguiente trabajo era completamente alegre, aunque se incluye una escena muy dramática en esta película israelita de 1986 titulada “Every Time We Say Goodbye”. En ella le vimos muy correcto, con intensa espiritualidad, y una buena habilidad para llorar y demostrar emociones. Los espectadores que le recordaban en “Bosom Buddies” y “Splash” posiblemente volverían a sentirse satisfechos con esta actuación.

“Cuand o llegué por primera vez a Nueva York nunca pensé en mí como un artista que iba a estar en el cine o la Televisión. Estaba seguro que si podía intervenir en algún vídeo sería en algo local, sin importancia. Por eso acudía con frecuencia a lugares como Louisville, Minneápolis, y Chicago”.

La televisión ABC le llamó para una audición en Nueva York donde el talento de Hanks se manifestó superando a los demás aspirantes. Solamente necesitó un mes para trasladarse a la costa y aprenderse el guión de unanueva serie titulada “Bosom Buddies”, aunque esa no era la historia que había tenido que memorizar. El primer día de rodaje se encontró con la sorpresa de tener que hacer correctamente algo que desconocía. Solamente la paciencia del productor Chris Thompson y el convencimiento de que Ton Hanks era el actor que necesitaba, le ayudaron a superar el rodaje. “Era el mejor cómico que me había encontrado, aunque parte del mérito lo tenía su extraña cara”, explicó Thompson.

Otro ejecutivo de la serie, Ian Praiser, también estaba convencido de su talento cuando le vio por primera vez y aunque era sumamente malo, en los primeros días de rodaje le vaticinó que sería una gran estrella en poco menos de dos años.

“Cuando hacía “Bosom Buddies” me consideraba un e studiante que está aprendiendo a ser actor. Era como entrar a una fábrica de aviones. Usted entra en este hangar grande y construye un avión, y todos los viernes, tiene que volar. A veces las alas se caen, pero también suele ocurrir que vuelen perfectamente. Eso es lo que he estado realizando durante dos años y 38 capítulos”.

Ser estrella popular en la televisión es diferente a serlo en la gran pantalla. Los requisitos semanales de una serie cómica que llegan a la intimidad de un hogar, pone a los actores más asequibles, más pequeños, más humanizados.

Los telespectadores no gustan de ver en su casa a personajes complicados, poco creíbles o excéntricos. Lo más importante para un actor de televisión es su habilidad para ser uno más en las familias y su naturalidad. No se puede pretender ser simpático; se es o no se es. También es importante que los espectadores vean la posibilidad de ser como sus ídolos de televisión o al menos de tener a algún amigo o familiar que se le parezca. ¿A quién no le gustaría ser salvado en la playa por Pamela Anderson o tener un amigo como Steve Hurkel? ¿Quién se podría resistir a invitar a un vecino llamado Mr. Bean o a darse un paseo en el Coche Fantástico?

“El problema estaba en que en la televisión hay un concepto de chiste y no un argumento sólido, especialmente porque en media hora no hay tiempo para más. No obstante, los actores siempre esperamos que los guionistas se esfuercen un poco más y no se limiten a enlazar un capítulo con otro”.

La crítica nunca estuvo de acuerdo con la serie y la acusaba de utilizar siempre chistes viejos e incluso de emplear a actores poco cualificados, aunque reconocía que poco a poco estaban consiguiendo afianzarse popularmente. De Hanks dijeron que estaba más acertado cuando se disfrazaba de mujer que cuando era un sencillo ejecutivo y reconocen que la primera escena en la cual ambos salen disfrazados de hembra pudiera pasar a la antología del cine cómico. También hablaron de una escena en la cual se bañan y cantan a dúo “Hombre machista”.

“Bosom Buddies” estuvo en dos ocasiones en la televisión ABC, en 1980-81 y 1981-82; un total de 37 episodios y un piloto. Mientras los críticos estaban de acuerdo en que era una muestra sencilla de cine cómico, terminaron reconociendo las habilidades como actores de Hanks y Scolari. La melodía de la sintonía, titulada "Mi Vida," de Billy Joey también fue popular.

Cuando la serie reanudó de nuevo su emisión, era ya objeto de culto y el premio Pulitzer Howard Rosemberg de Los Angeles Timesescribió que “Bosom Buddies” era la muestra de una buena idea. Reconocía que era muy desigual en cada capítulo y que Tom Hanks y Peter Scolari estaban perfectos como Kip Wilson y Henry Desmond, sobresaliendo incluso sobre el argumento. “Es más entretenido cómo dicen los diálogos, afirmó, que lo que dicen”.

“Bosom Buddies” era una buena serie porque la hicimos cuando estábamos hambrientos, de comida y trabajo. Los capítulos se rodaron como mejor podía hacerse y no había tiempo para perfeccionarlos. Debían entregarse mal o bien realizados, pero no había excusas para no entregarlos al día siguiente. Cuando había algún problema, aunque fuera serio, el director nos decía que nos las arreglásemos solos pero que siguiéramos trabajando. En este tipo de trabajo no se puede ser perezoso o tomarse mucho tiempo para hacer las cosas. Tienen que hacerse bien y rápido en la primera toma”.

Tom Hanks trató de mezclar su experiencia en las obras de teatro clásicas de Shakespeare, con la agudeza cómica de su personaje, lo que fue verdaderamente fácil por su habilidad innata para adaptarse a cualquier personaje o situación, consecuencia de la experiencia que había tenido en su anterior vida familiar.

Aunque era serio en su trabajo, tenía una forma de actuar divertida. Lo que él está vendiendo es ese tipo locuaz, sencillo y simpático que gustaba a todos. Era ya un buen cómico, aunque sus amigos opinaban que ni siquiera lo sabía y todo lo convertía en un chiste.

Sus primeros trabajos en el cine, cuando intenta mostrarse sincero, son un éxito, como lo demostró en “1, 2, 3...Splash” o “Nada en Común”. Cuando trata de parecer un joven rico y pedante, como en “Voluntarios”, el público no lo acepta, aunque sea un buen actor. Según su compañero David Chambers, “Nosotros desarrollamos una cierta competición en nuestros personajes, pero yo sabía que él era más creativo que yo. Tom siempre aportaba alguna novedad y lo hacía con una total seguridad en lo que mostraba. Siempre estaba relajado y esto es mucho más importante cuando la imagen se proyecta en una gran pantalla, en donde los defectos son muy notorios. Creo que su secreto estriba en que proyecta su propia personalidad en sus personajes y por eso apenas si se le nota que está actuando”.

Lenny Ripps también está de acuerdo en que la naturalidad de Hanks es la llave de su éxito.

“La mayoría de los actores de éxito tratan de mantener sus tensiones personales fuera de la pantalla. Ellos son esencialmente su personaje y no podemos averiguar nunca qué es lo que pasa en su interior. Por ejemplo, nosotros no tenemos ni idea de cómo es Dustin Hoffman, y tampoco lo necesitamos. Le solemos ver en la pantalla, grande o pequeña, de vez en cuando, quizá una vez al año, y todo lo que necesitamos es que haga bien su papel. El problema es que en las series de televisión los tenemos todos los días y por eso ese trabajo es tan diferente. Deben mostrarse tal y como son, puesto que de otro modo sus personajes serían falsos. Si observamos cualquier otro actor habitual en televisión, notaremos que fuera de las cámaras se comportan igual, no hay diferencias”.

Su amigo Peter Escolari

“Estoy convencido que el estrellato no ha afectado la humanidad de Tom Hanks. Él lleva la sensibilidad a su alrededor y forma parte de su naturaleza. Por supuesto está contento con su éxito, pero siendo un hombre inteligente sabe los problemas que conlleva la fama. Sabe que sus amistades y estilos de vida cambian y esto es una amenaza para su vida, puesto que le impiden llevar una existencia regular y tranquila.

De todas formas, cómo se lleve la fama depende del individuo. Mi impresión particular es que si usted tiene una gran ambición por ser una estrella del cine, probablemente eso afecte negativamente a su personalidad. Ésa puede ser una trampa terrible. Según mi experiencia, las estrellas tienen identidades muy frágiles. Ellos apenas existen como personas, aunque creo que ese no ha sido el caso de Tom.

Nosotros tuvimos una gran amistad en el pasado y ahora apenas nos vemos, pero eso no es una cuestión personal sino laboral. Hanks tiene que soportar unas grandes presiones laborales y eso es algo que no debo olvidar”.

UNA HERMOSA SIRENA

“Además de John Candy, había que buscar otro actor como pudiera ser Michael Keaton, John Travolta, e incluso Bill Murray, aunque hubo quien sugirió a Dudley Moore. Todos ellos estaban ocupados en ese momento o no les interesaba el tema. La oferta que nos llegó fue sobre Tom Hanks, un actor casi desconocido que procedía de la televisión. Cuando le hicimos el casting fue horroroso, no podía leer correctamente el guión, pero lo cogimos precisamente por eso, por su torpeza”.

Estas palabras fueron pronunciadas por Ron Howard, director del filme “1, 2, 3...Splash”.

No era en principio un guión adecuado para ser interpretado por Tom Hanks en el papel del personaje principal, puesto que prácticamente iba a ser su primera película importante. El director Ron Howard había visto su trabajo en “Happy Days”, y algunos productores también trabajaron en ciertos capítulos de “Bosom Buddies”. El hecho es que “Splash” fue un éxito y ganó más de 60 millones de dólares en los cines y 34 millones en el alquiler de los vídeos. Esta buena suerte financiera inesperada y la buena crítica, convirtieron en personas populares al director Ron Howard y a Tom Hanks, del mismo modo que lo hizo con Daryl Hannah, John Candy, Eugenio Levy, y los guionistas Lowell Ganz y Babaloo Mandel.

“Splash” era la tercera película como director del actor Ron Howard, conocido por muchoscomo Andy Griffith en la serie de televisión, a la que siguió “Grand Theft Auto” de Roger Corman y “Night Shift” que tuvo como actores a Henry Winkler y Michael Keaton. Splash era un viejo proyecto de Howard y el hecho de que fuera una historia de fantasía, y que se hiciera con solamente 30 millones, era un nuevo mérito a añadir. Este proyecto, el de una sirena real, había interesado a Warren Beatty y Jessica Lange, al escritor Robert Towne (“Chinatown”), al director Herbert Ross, el productor Ray Star, y al creador de E. T. Carlo Rambaldo. Una súbita huelga de actores obligó a posponer el rodaje y buscar un nuevo equipo.

Howard se asoció con el productor Brian Grazer, y los escritores Jay Bruce Friedman, Babaloo Mandel y Lowell Ganz que habían trabajado con él en “Happy Days” y “Night Shift”, y que no habían secundado la huelga.

Pero en este momento, los 9 millones iniciales del proyecto se habían disparado y no había manera de encontrar alguien que la financiase. Por eso Howard vendió finalmente la película a los Estudios Disney, que estaban intentando lanzar su nueva distribuidora Touchstone Picture. Era todo demasiado perfecto para Ronnie Howard.

Pero Disney convenció a Howard que ellos querían una película más adulta para su renovado estilo. De hecho, “Splash”, con sus escenas de la sirena con la espalda desnuda, se convirtió en la primera película Disney clasificada como R.

Howard se opuso a que la mayoría de los actores vinieran de la televisión, pero cuando la película fue un éxito de taquilla nadie dudó que hubiera sido una buena elección. No obstante, hubo un crítico que dijo que Hanks estaba demasiado delgado, con el pelo rizado y los ojos arrugados, mientras que Candy parecía un tonel con los intestinos rugiendo. Bueno, cuestión de gustos.

“John Candy y yo hemos desarrollado una relación dual sorprendente. Él no es un actor a quien le guste competir con sus compañeros y solamente trata de que todo salga bien, hablando y comentando cada escena. Es un actor extraordinario y nunca me he encontrado a un tipo con tanta dulzura. Yo no suelo hacer amigos después de trabajar, pero durante bastante tiempo he mantenido una buena relación con John”.

Por su parte, John Candy dijo de Hanks: “Lo mejor de Tom es su tamaño. Él es menor que yo y esta es una ventaja para mí en el trabajo, especialmente cuando yo tengo que conseguir cosas utilizando la fuerza o la intimidación. Tom también es un ser humano muy cómico y decente, así como un amigo bueno”.

Finalmente, el director Ron dijo: “Tom tenía que ser serio y profundo, así como romántico y vulnerable. Había momentos en los cuales tenía que ser muy cómico y en otros efectuar escenas difíciles, como cuando tenía que actuar bajo el agua. Pienso en él como un actor estupendo, como un Jack Lemmon o James Stewart, dos tipos cómicos que lo hacen bien”.

La película se rodó durante 17 días en Nueva York, filmando cosas emblemáticas como la Estatua de la Libertad (donde la sirena camina desnuda ante el asombro de los turistas), en el Museo de Historia Natural y su sala de las ballenas, en el Bloomingdale y en el Colón Circle. La producción continuó después en Los Angeles para añadir escenas filmadas a lo largo del sur de California y otros dieciséis días se dedicaron a las escenas bajo el agua en las Bahamas.

“Estas escenas bajo el agua fueron muy peligrosas para mí y en más de una ocasión golpeé con mi pecho a los buzos en demanda de oxígeno. A mí siempre me dieron miedo los documentales de Jacques Cousteau y las exhibiciones acuáticas americanas. El equipo de buceo era algo que yo deseaba probar después de llenarme de cerveza y para mí zambullirme en el agua fue un desafío real”.

“Bueno, lo mejor de todo fueron esos encantadores besos que me dio Daryl Hannah a treinta pies bajo la superficie. Me dijo que sostuviera la respiración, que cerrara los ojos y que ella haría el resto. En esa escena me enamoré de ella”.

Daryl Hannah es una encantadora mujer, hija del dueño de un remolcador de Chicago y una compañía de barcazas, y ya había tenido varias intervenciones en películas menores y algunos papeles en la televisión. Su fama le venía por su trabajo como replicante en el filme “Blade Runner” y también por ese “Manege à trois” en “Summer Lovers” de Randal Kleiser. Pero “Splash” supuso para todo el mundo un gran descubrimiento, así como para Hanks. Los dos han quedado grabados para siempre en las mentes de los espectadores por esta película, aunque Tom negó siempre que hubiera algo más que una relación profesional.

“Debo i nsistir en que Ron Howard me hizo una estrella de cine. En las cortas conversaciones que mantuve con él me hizo comprender lo que esperaba de mí y lo mucho que me necesitaba. Me consideraba la persona más adecuada para el papel y me aseguró que ese trabajo me proporcionaría un prestigio mucho mayor que todas mis películas anteriores. En una ocasión me agarró literalmente por las solapas y dijo: ‘Si usted va a realizar esta película como si fuera un cómico, haciendo chistes y siguiendo la línea de sus compañeros, la película será un desastre. Nadie volverá a confiar en usted’. Creo que se refería a que tenía que ser como James Stewart, atractivo, amable y especialmente vulnerable”.

UN TRIUNFO CONSOLIDADO

Mientras “Splash” todavía estaba en postproducción en 1983, Hanks, sin saber aún los resultados en taquilla, firmó un contrato para interpretar “Despedida de Soltero”, una historia sobre un adolescente que vive unas horas de juerga y sexo. Basada en “Animal House” y con un guión escrito por Neal Israel y Pat Proft, estuvo realizada por el mismo equipo de Loca Academia de Policía.

Como cualquier actor joven, Tom hizo correctamente su desenfadado trabajo y se apuntó nuevos éxitos de público en su carrera. En ese momento él tenía ya un segundo hijo, una chica, que emparejaría bien con su pequeño Colin. Una vez que su posición financiera mejoró, él y Samantha se cambiaron a una casa en San Fernando Valley, y Tom empezó a rodar allí “Despedida de soltero”.

“Despedida de soltero” era una película que no tení a ninguna regla, y esencialmente suponía una comedia de sexo y rock and roll. La intención era hacer reír a los espectadores, a veces lo hizo, y en otros momentos simplemente debía divertir”.

La película tenía su génesis en 1982 cuando el productor Bob Israel, el hermano de Neal, dio su propia fiesta de soltero en la Posada de la Fiesta en Hollywood. “El tejado se cayó esa noche”, dijo, y cuando las burbujas se apagaron él y su compañero Ron Moler comprendieron que tenían en la mente una idea para hacer una película comercial. Comparada con “Splash”, “Despedida de soltero” no era un proyecto de prestigio, pero Tom Hanks necesitaba con urgencia seguir trabajando y no podía perder tiempo eligiendo guiones.

Neal Israel cogió el proyecto con celo deseando hacer una buena labor y por ello insistió en pedir dos semanas de ensayos previos antes de comenzar el rodaje, todo un lujo para una película de bajo presupuesto. Su larga experiencia en el teatro le era favorable, puesto que al rodarse casi íntegramente en una casa necesitaba interrelacionar a los actores con mucha habilidad. También era importante que los actores improvisasen, que no lo dejaran todo en manos del guión, y un ejemplo del resultado lo podemos ver en el monólogo de Tom Hanks cuando tira todas las albóndigas en la cocina.

La historia de la película es bastante básica. Hanks es Rick Gassko, un chófer de autobús descuidado que vive en un pueblo y que decide dejar su libertad por la rica y guapa Debbie Thompson, la mujer que él ama (interpretada por Tawny Kitaen). Pero hay obstáculos para el matrimonio, especialmente porque los padres de Debbie ven esa idea con horror, lo mismo que su actual novio Cole [Robert Prescott], un alumno que está enfurecido porque no podrá ver nunca más a Debbie.

“Esta película explica que la fidelidad cuenta, y antes o después la pareja se verá afectada si no la guarda. La ansiedad de Rick está en que no sabe si esa fiesta le es necesaria para el éxito o el fracaso de su matrimonio.“

De hecho, la situación personal de Tom Hanks como Rick Gassko no estaba lejos de lo que su vida real era en aquel momento. Su esposa Samantha tenía dos niños ahora y él no podía estar junto a ellos porque su carrera como actor/productor estaba en un momento delicado. Las tentaciones femeninas también estaban allí y eso es algo que Tom manifestó en una entrevista poniendo como ejemplo a sus padres.

“Esencialmente, mi padre podría permitirse el lujo de tener niños, y mi mamá no podía. Esa fue la razón por la cual mi hermano mayor y mi hermana se quedaron con mi padre mientras mi hermano más joven vivió con mi madre. Ella solamente podía permitirse el lujo de tener solamente un niño”.

“Yo soy un tipo tradicional, como Rick Gassko en “Despedida de Soltero”, pero no pienso que hay una historia de amor como esta en la vida de cada uno.

Nosotros tratamos muy honestamente lo que sigue a una fiesta de soltero, y toda mujer que tenga un novio honrado debe valorar antes si merece la pena participar y dejar participar en estas fiestas sexuales. De no estar de acuerdo uno de los dos, es posible que la relación se estropee a partir de ese momento. Esto es ahora mucho más importante, cuando las mujeres también organizan sus fiestas sexuales antes de la boda”.

La película se finalizó en Los Angeles y se contrató una suite del Hotel Art Deco por 1.000 dólares diarios para luego hacer una reproducción en los Estudios Laird de Hollywood, tanto del hotel, como del aparcamiento y el restaurante. Cuando la película se estrenó en junio de 1984, sólo tres meses después de “Splash”, hubo quien la consideró simplemente otra de esas interminables comedias de sexo de adolescentes como “Porky”. Tres años después, con toda la paranoia desenfrenada sobre el sida, las drogas y los chistes sobre el sexo, nos parece ya infantil.

Según la revista Variety, “Despedida de Soltero” es otro ejemplo de unos adultos que les dan a los jóvenes lo que ellos creen que necesitan. Primero les muestran como locos y hambrientos de sexo y alcohol, y posteriormente les piden que reflexionen. Gracias a Hanks, “Despedida de Soltero” demostró ser el segundo filme más taquillero de ese actor después de “Splash”, ganando 19 millones de dólares en el momento de su estreno y más de 35 millones en total. Considerando que la película costó menos de 5 millones, que no tenía ninguna estrella, y que la publicidad fue la mínima requerida, el éxito de “Despedida de Soltero” se lo tenemos que atribuir exclusivamente a Tom Hanks.

“Cuando yo leí el guión, pensé que era una historia escrita por burros, una comedia de sexo y rock and roll esencialmente, y me pregunté si merecía la pena intervenir. Me convencieron al explicarme que todo dependía de la dirección y de los actores, más que del guión o las situaciones absurdas. Luego todo el mundo aportó sus ideas y en esencia quisimos mostrar todo el aspecto psicológico y emocional que rodea a una despedida de soltero, evitando que los actores se pasasen toda la película con los pantalones bajados”.

“Las preguntas que esperamos se haga la gente al salir son: ¿Es una necesidad esta fiesta? ¿Es un privilegio? ¿Es una tradición? ¿Merece la pena? ¿Es lícito ser infiel esa noche? ¿Afectará a la futura pareja?”.

Después de este filme la imagen de Hanks cara al público cambió radicalmente y era normal que le hicieran muchas entrevistas para hablar sobre el sexo. Al haber formado pareja con dos mujeres tan guapas como Daryl Hannah y Tawny Kitaen, Tom estaba convirtiéndose en un símbolo del sexo muy deseable. Eso llegó al paroxismo cuando apareció en la revista Playboy hablando sobre la moda.

“No me gusta particularmente vestir elegante, aunque a veces procuro estar en la misma línea de quienes me invitan. Lo que me gusta realmente, sin embargo, es no cambiar de ropa. Por ejemplo, los Levis 501 son los mejores y los llevo todo el tiempo. La comodidad que proporcionan es total. Con ellos, suelo llevar camisas de algodón con mangas largas. Tienen que ser de algodón y nunca sintéticas. Ahora mis prendas favoritas son las camisetas de béisbol japonesas. No son fáciles encontrar, pero merecen la pena”.

"A mí me gustaban las camisas de franela con dibujos escoceses desgastados, pero ya no puedo llevarlas porque las llevan todos los homosexuales de Nueva York y eso daría lugar a especulaciones”.

UN TRABAJO AGOTADOR

A pesar de su ascenso rápido al estrellato, Tom intentó mantener una vida normal en su casa, no cediendo a los numerosos requerimientos de la prensa para que hablase de su familia. Solamente aceptó comentar que cuando no trabajaba le gustaba la rutina de levantarse por la mañana, cuidar de la casa y los niños, sentarse a leer y tomar un poco de café. También le gusta perder tiempo paseando, hablando por teléfono, ver la televisión, leer, y cosas similares.

Pero Tom no tendría ese lujo más tiempo puesto que tuvo que rodar “El hombre con un zapato rojo”, en Washington D.C., un remake de la farsa francesa, “El Hombre Rubio con Un Zapato Negro”, producida por Víctor Drai y dirigida por Stan Dragoti. A continuación, “Voluntarios”.

“Nunca pienso en lo sólida que es mi carrera porque soy consciente de lo fácil que es pasar al olvido. Este es un negocio con muchas presiones económicas. Lo que no entiendo es cómo hay quien me ve atractivo, porque cuando me miro al espejo no encuentro mucho atractivo en mi cara, especialmente en mis horrendos labios".

“El Hombre con un Zapato Rojo” era una farsa sobre identidades mixtas que daban lugar a no pocas escenas graciosas y tensas. El productor Víctor Drai, que había adaptado “Pardon Mon Affaire” como “La mujer de rojo para Gene Wilder, estaba buscando a un actor más viejo, más consolidado, para el papel de ese violinista joven que se ve envuelto en un problema policial en el cual está involucrada la C.I.A.

Para la productora era una manera fácil de empezar un proyecto, partiendo de una película anterior de gran éxito y adquirir todos los derechos con una simple firma. La película original había tenido un gran éxito en Francia y estaba seguro que la misma historia funcionaría bien en cualquier país, básicamente un hombre inocente que es vigilado como si fuera un peligroso espía. Todo comienza cuando nuestro héroe baja de un avión llevando unos zapatos de color rojo.

Hanks no era la primera opción para la productora porque lo consideraban todavía un actor novato especializado en comedias ligeras. Alguien les advirtió que podía encajar también en una comedia romántica sin necesidad de realizar payasadas y le emparejaron con Lori Singer, una mujer encantadora que se había hecho popular en laserie de televisión “Fama” y que luego continuó con “Footloose”, “The Falcon and the Snowman”, y “Trouble in Mind”.

“Lori es una dulzura de muchacha. Muy segura de lo que ella quiere hacer y de cómo tenía que ser su personaje. Hay que estar muy atento cuando se trabaja con una persona que está tan convencida desde el principio del rodaje”.

Hanks interpreta a Richard Drew, un violinista de concierto totalmente envuelto en su música. Él es confundido con un delincuente por unos agentes de la C.I.A. por lo que es sometido a una férrea vigilancia. Lori es una agente asignada para obligarle a que hable, y la película deriva entonces hacia una comedia en la cual Hanks es un espectador inocente que atraviesa un mal momento a causa de unos agentes del servicio de inteligencia. Cuando la película continúa, el desgraciado personaje se encuentra con su apartamento saqueado, y es seducido por una guapa agente secreta mientras son observados a través de un espejo trucado.

Otras estrellas incluyen a James Belushi como el compañero de Hanks y Carrie Fisher como la esposa de Belushi. El rodaje comenzó en Washington, D.C. en agosto de 1984.

“ En la película, tengo que tocar el solo de ' Scheherezade ' con la sinfonía y también la canción de amor que escribo a Lori Singer, y todos queríamos que pareciera auténtico en la pantalla. Aunque yo había tocado el violín durante un par de años en la escuela elemental, todo lo que yo realmente sabía era cómo sostenerlo”.

El director musical de la Fox, Richard Kaufman, que vivía a la vuelta de la esquina de Hanks empezó a enseñar al actor el 4 de julio el manejo del violín, comenzando un régimen diario que incluía el manejo del instrumento durante dos horas. Cuando lo tocó con la orquesta en la pantalla, el espectador puede ver su inclinación y dedos que entran al unísono, aunque la música no era suya. Según el director, “realizaba la presión y movimientos correctamente, aunque los sonidos que emitía eran horrorosos”. Además, Hanks realizó una gran investigación para su papel como director de orquesta de ficticia Sinfónica de Washington, asistiendo a varios ensayos de la Filarmónica de Los Angeles y reemplazando el rock and roll en su estéreo del automóvil con música clásica. También habló con varios músicos clásicos y los visitó en sus casas para conseguir un gran realismo en su caracterización de Richard Drew.

“Todos eran personas luminosas, estimulantes, eclécticas en sus intereses y variadas en sus caracteres. Pero su problema principal era la carencia de dinero que les impedía vivir con comodidad. Los espectadores pueden ver eso en mi armario en la pantalla”.

Desgraciadamente, con todo el trabajo y el cuidado que puso en la película, junto con una publicidad inteligente y cuidada, “El hombre con un Zapato Rojo” fue fuertemente castigada por los críticos cuando se estrenó el 19 de julio de 1985, la primera de las dos películas de Hanks que se estrenaban ese mismo mes.

Los del New York Times dijeron: “Víctor Drai quiso demostrar que la farsa francesa puede funcionar en América, pero “El Hombre con un Zapato Rojo” pierde mucho en la traducción y no consigue sacar nada más que unas pocas risas. El papel principal, interpretado por Tom Hanks es inexpresivo y proporciona un personaje neutro e inferior al original. El problema real, sin embargo, es que partiendo de una comedia airosa se ha organizado una serie cómica de chistes que degeneran en una historia vulgar”. Variety añadió: “Salvo en su intento de hacer una película entretenida, ‘El hombre con un zapato rojo’ no parece ser una buena comedia de verano. No importa el color, el zapato no tiene ningún interés en taquilla y el trabajo de Hanks parece el de un enfermo, pero nunca un cómico que nos haga gracia”.

Ciertamente en Estados Unidos no gustó la película y otro crítico dijo: “Tom Hanks abandona su imagen adolescente en “Despedida de Soltero”, lo mismo que su encanto de “Splash” y nos intenta demostrar que puede ser un músico clásico en una obra más ambiciosa, lo que obviamente no consigue”.

Cuando Hanks leyó el guión original pensó que podía ser una réplica de los filmes de Alfred Hitchcock en los cuales un hombre inocente es cogido en un tejido de intrigas y que él podría ser Cary Grant intentando zafarse de ello. Ciertamente el concepto de un tipo vulgar metido súbitamente en medio de unos espías encajaba bien en su carácter y así lo manifestó:

“Nunca intentamos hacer algo más cómico o con más risas, pero queríamos divertir todo lo que fuera posible. El tipo es totalmente reactivo, y Stan y yo estábamos de acuerdo en mostrarlo como alguien con sentido del humor. Cuando nosotros desarrollamos el personaje lo mostramos como algo miope debido a su pasión por la música, pero tiene otros muchos intereses también, y no es un incompetente cuando se enamora de la chica”.

No obstante, la mayoría de los mejores momentos de la película precisamente son cuando Hanks está efectuando comedia física, como cuando se cae a tierra después de ser envenenado, o cuando se queda pegado el pelo de Lori unido por su cremallera. No hay, desgraciadamente, ningún lado humano en el argumento de la película, un problema que no tenía “Esta casa es una ruina”, en donde el público podía ver a Tom Hanks como un tipo sencillo, pero en donde también podía mostrar un poco de su verdadera personalidad, algo él nunca pudo hacer en el mundo herméticamente construido de este filme.

La película fue el primer fracaso de Tom Hanks, artística y comercialmente. Fracasó absolutamente en la taquilla, y fue uno de los desastres económicos más importantes de la Fox del año, ganando menos de 4 millones en el estreno y un total de 8 millones al finalizar. Posteriormente, Tom Hanks insistió que él no tenía que disculparse de nada.

“Yo hice mi trabajo con cariño y pensé que era bue no. A veces pienso que cuando ponemos todo nuestro entusiasmo en una película algo se pierde en el camino que no controlamos por excesiva pasión”.

SIN DESALIENTO

Después de terminar el rodaje de “El Hombre con un Zapato Rojo” el 8 de noviembre de 1984, Hanks no tenían tiempo para sentarse y maldecir su desgracia, puesto que ya estaba en las afueras de Otatitlan al sur de México, para un papel completamente diferente. Ahora se trataba de la comedia de Nicholas Meyer sobre los Peace Corps, “Voluntarios”. En ella, Tom se reuniría con su compañero de “Splash”, John Candy.

Los dos papeles de Hanks de 1984 no podrían ser más sencillos, puesto que del inocente empollón en “El Hombre con un Zapato Rojo”, ahora era un conversador cínico en “Voluntarios”.

“Aun que los papeles que yo interpreto son más o menos una extensión de mi persona, siempre muestran aspectos diferentes entre sí. Sobre todo estos dos, a los que juzgo como totalmente opuestos. No sólo en cuanto a sus caracteres y por las situaciones que viven, sino en función de la naturaleza propia de la película. Cuando una película que es etiquetada como una comedia, el público acude a ella esencialmente para reírse, y aunque el fondo humano sea profundo e interesante, sino hay risas el espectador sale defraudado. Cuando un espectador sale de ver una comedia le dirá que le ha gustado si se ha reído y saldrá malhumorado sino ha sido así”.

LLEGA SU GRAN AMOR

“Cuando tenía veintiocho años, crecer en los setenta era bastante raro. Los de mi generación éramos unas personas que no teníamos ningún ideal por el que luchar y estábamos desconcertados”.

Tom Hanks era una de esas personas que pensaban que eran demasiado jóvenes para haber sido afectados por la contracultura que influyó a actores como Warren Beatty, Robert DeNiro, William Hurt, Dustin Hoffman, y Al Pacino, demasiado mayores para ser materialistas. En el otro lado estaban Matthew Broderick, Sean Penn, Judd Nelson, Emilio Estevez, Andrew McCarthy y Jon Cryer. A sus 31 años de edad, todavía tenía la sensación de haber perdido días de paz y amor. Cuando triunfaba “Queridos Compañeros”, era fácil confundir a los hippie con las drogas.

A lo largo de sus apariciones en la pantalla ha habido referencias frecuentes al rock and roll y alusiones a la cultura popular. Por otro lado, desde que empezó “Queridos Compañeros” (Bosom Buddies), Hanks ha interpretado frecuentemente yuppies que enloquecían de amor como en “Splash”, al violinista Richard Drew con los sentidos turbados en “Zapato Rojo” y a otros personajes como abogados y ejecutivos. Todos muy locuaces, imperturbablemente ambiciosos, y profesionales materialistas de ciudad. Estas características se han acoplado con una habilidad encantadora a su carácter, y la personalidad de Tom Hanks se ha reafirmado.

Esta habilidad para cambiar de personaje es una de las mejores facetas de Hanks. En “Voluntarios” de Nicholas Meyer, Tom Hanks confronta la dualidad de su carácter: la persona sabia y el santo. Hanks leyó primero este guión para realizar una comedia sobre los Cuerpos de Paz de Estados Unidos que habían construido un puente en Thailandia en 1981.

“Yo quise corregirlo entonces, pero no habría estado listo a tiempo. El material que he podido escoger de todo el trabajo lo renové sobre la marcha del rodaje, puesto que pretendía que fuera el mejor papel hasta entonces. La concentración y la disciplina que trataba de dar a mi trabajo los consideraba como esenciales para mi carrera. Este es el primer trabajo que he tenido donde el instinto no era el requisito más necesario. He tenido muchos trabajos, especialmente en televisión, y en ellos todo tenía que ir muy rápido y no había tiempo ni para meditar sobre cada escena. Pero, en esta película, yo vi unos buenos diálogos, había aspectos muy modernos que gustaban al público. Cuando empecé a rodar noté como una bocanada de oxígeno y notaba que los personajes no estaban enredados. Narraba unos acontecimientos de 1962, aunque el guión no estaba cerrado herméticamente a nuestras sugerencias y cuando rodábamos una escena podíamos comentar y modificar cosas, especialmente en aquello que debía tocar la conciencia social.

Yo quisiera modificar esa idea de que los americanos debemos sentirnos avergonzados por cosas de nuestro pasado. Todo cuanto hicimos fue por motivos nobles y en ese momento participaban los jóvenes de esa generación, poniendo entusiasmo y corazón. No quiero decir que seamos los mejores o los más listos, pero no tenemos que pedir perdón a los demás países por nada de cuanto hemos hecho”.

N o es difícil saber lo que atrajo a Tom Hanks a “Voluntarios”. Su papel de Larry Lawrence Bourne III, le exigió adoptar una personalidad con acento de Nueva Inglaterra, parecido a JFK y a Cary Grant. Por primera vez, Hanks interpretaba un carácter discernible, alguien que se resquebraja por momentos, aunque también muestra una gran ternura.

La película tiene lugar en 1962, con una graduación en la Universidad.

Las escenas previas nos habían mostrado a un playboy que ha contraído una importante deuda de juego, y que no asiste a la ceremonia de graduación cuando los Lakers pierden con los Celtics por 110 a 107 en los partidos finales de la NBA. Esto requiere que Larry vaya al aeropuerto, donde él cambia su vida cómoda en su apartamento por un avión reactor que le llevará a Thailandia para servir en los Cuerpos de Paz. Allí se le une su compañero de universidad John Candy, conocido como Tom Tuttle de Tacoma. La película trata de mostrar el idealismo habitual en los años 60, y el altruismo que JFK quiso explicar cuando dijo: "No pregunte lo que su país puede hacer por usted, sino lo que usted puede hacer por su país".

“Voluntarios” era una idea de dos escritores que investigaban entre los graduados universitarios y que ya habían realizado una película sobre la caída del Sha y los problemas políticos de Teherán. En ese momento es cuando empezó a tomar forma la película “Voluntarios”.

“Nosotros pensamos que sería interesante coger a uno de los candidatos a los Cuerpos de Paz para demostrar su altruismo cuando se encuentra en medio de la selva. La parte más importante de la historia era el personaje de Bourne, un imbécil de clase alta que viaja a tierras tailandesas y que termina arriesgando su pellejo por un país al que empieza a amar". Cinco años pasaron entre ese germen de la idea y el rodaje de la película en el verano de 1985. La fotografía empezó en noviembre de 1984 al sur de México, en la selva de Chiltepec, Oaxaca, y en los Estudios de Churusbusco que habían sido restaurados para rodar “Dune” y los dos filmes de Conan por Dino De Laurenttis.

El director Nicholas Meyer, era un novelista que se convirtió en director con el filme de ciencia ficción “Los pasajeros del tiempo”, así como “Star Trek II”, y el telefilme “El día después”. El campamento de “Voluntarios” fue diseñado por el mismo equipo de M.A.S.H., Ken Levine y David Isaacs.

“Yo leí el guión cuando estaba en mi luna de miel y no pude dejar de reírme, aunque lo que más me atrajo fue su cuidado lenguaje que me recordaba a El sueño de una noche de verano”, dijo Meyer.

A pesar de los riesgos potenciales de rodar en esos lugares, el co-productor Richard Shepherd dijo que era uno de los lugares más hermosos que había visto y eso que hubo una larga serie de problemas naturales como serpientes de coral, lluvia, bichos y barro, mucho barro. Pero incluso con todas esas cosas, todo el equipo estaba contento, feliz. “En un cierto nivel, dijo Meyer, las desigualdades en esta película podrían incorporarse para dar un aspecto deprimente al argumento. México era Thailandia, un mexicano un tailandés, y por eso hubo momentos en los cuales se hablaban tres o cuatro idiomas. Sin embargo, es la película más fácil y divertida de las que he realizado. Todas mis pesadillas estuvieron concentradas en conseguir los extras necesarios y que lograran entenderme”. Producida por la HBO y distribuida por Tri Star, recientemente formada, (una compañía creada por la HBO, Columbia, y Coca Cola), “Voluntarios” no era una película barata para hacer. Se estrenóuna semana después de “El Hombre con un Zapato Rojo”, el 26 de julio de 1985. Las críticas fueron bastante mixtas, aunque había algunas buenas del New York Times, Time y Newsweek.

Times dijo: "Tomen una parte de “En busca del Arca Perdida”, otra de “El Puente sobre el Río Kwai”, una secuencia cualquiera de Tarzán, el final de “Casablanca”, un soplo de “El Mago de Oz”, algo de su folletín del sábado favorito, y revuélvalo frenéticamente. Si usted tiene bastante suerte logrará un diálogo correcto, igual al escrito por Ken Levine y David Isaacs para esta película.

Los críticos hablaron bien de la actuación de Tom Hanks, a quien consideraron un elegantemente cómico. Según Newsweek: “Hanks, sin embargo, aporta un espíritu seductor lleno de sarcasmo. Su personaje requiere una sonrisa parecida a Bill Murray y la cortesía de los movimientos de Cary Grant, y parece ser que Hanks tienen ambos. Su ego inteligente se muestra suficientemente acertado”.

Time dijo: “Hanks ha inventado un acento snob y parece como si hubiera nacido con una patata color plata en su boca”.

“Era lo más divertido que yo había realizado como actor. En cuanto me puse ese esmoquin blanco ya estaba dentro del personaje. Era una situación en que la ropa hace al hombre”.

RITA WILSON

Por supuesto, lo que es ahora más fascinante en “Voluntarios” en el contexto de Tom Hanks relativo a su relación con la actriz Rita Wilson que interpreta a Beth, primero una idealista y luego una chica práctica y enamorada.

En el momento, Tom alabó su trabajo y evocó una escena que ella había hecho en “Queridos Compañeros”, donde ella interpretó, bastante irónicamente, la novia de Peter Scolari. En ese episodio, ellos se encontraron para visionar algunos vídeos que revelaron que era una doradora de Satanás.

“Rita es grande. Ella trabajaba en un episodio de ‘Queridos Compañeros’, pero no teníamos ninguna escena juntos. Apenas nos sentábamos en la misma mesa. Para alguien que está realizando su primera película, estaba increíblemente fresca, nada arrogante. Ella estaba haciendo anuncios y televisión, pero lo dejó todo para estudiar en Londres durante un año en la Academia de Música y Arte Dramático”.

No podría haber sido el principio de un gran amor porque en ese momento Tom Hanks estaba casado y con dos hijos, pero pronto surgió una gran pasión entre ambos y las relaciones serias comenzaron. Irónicamente, en otra película de Nicholas Meyer, “Los pasajeros del tiempo”, el actor Malcolm McDowell se encontró a su esposa futura, Mary Steenburgen. Quizá es que en otro tiempo Meyer fue el dios Cupido.

Le llevó un tiempo largo a Hanks admitir que estaba enamorado de Rita Wilson, pero pronto contó sus sentimientos a un periodista:

“Realmente me gusta mucho, pero es difícil empezar una relac ión seria. Ahora mi mujer y yo hemos roto nuestras relaciones, y no es el mejor momento de empezar nada, pero amo mucho a Rita; es fabulosa. Hay algo increíblemente especial en ella”.

“Voluntarios” era el mayor riesgo de Tom Hanks como actor. Aunque la película tuvo poco éxito, para muchos críticos Hanks había realizado una estupenda actuación cómica. El director Meyer dijo que “dirigir a Hanks era como manejar un Maserati; usted lo toca y la cosa entera ruge”.

El coproductor de la película, Richard Shepherd, comparó a Hanks con Jack Lemmon en su habilidad de ser extremamente grotesco mientras mantenía credibilidad y dulzura al mismo tiempo.

“Cuando yo me encontré por primera vez con Nicholas, él palmoteó mi cara para darme ánimos. Me enseñó cosas sobre el lenguaje que yo no ni siquiera había considerado. El acento de Nueva Inglaterra agregó un elemento interesante y no se convierte en un chiste en sí mismo. Nicholas no es exactamente el tipo más alegre que usted va a encontrarse en la vida, pero tiene un gran afecto para los actores y una mente muy sólida”.

Esta casa es una ruina

“He aprendido a aceptar el fracaso personal sin quedar completamente desmoralizado por él durante mucho tiempo. No puedo permitirme el lujo de seguir siendo un perro malo para el resto de mi vida. Tampoco hay que tomar un camino en cualquier dirección”.

Una gran parte del encanto de Tom Hanks y su éxito como actor viene de su habilidad para reaccionar rápidamente y convertir lo que parece ser un desastre inminente en una ventaja. Tal técnica le ha servido bien en la pantalla, donde sus personajes usan una gran destreza para aliviarse de un conflicto potencialmente peligroso. Esta ha sido la marca de fábrica de Hanks en sus días en que peleaba para conseguir triunfar junto a Peter Scolari en “Queridos Compañeros”. “Voluntarios”, es quizá el último ejemplo que nos muestra cómo alguien sobrevive solamente por la fuerza de su personalidad.

Hanks también han mostrado una habilidad misteriosa para seguir en su carrera que sigue creciendo a pesar de una serie de fracasos. De hecho, después de “Splash” y “Despedida de soltero”, tendría dos fracasos seguidos en 1985 con “Voluntarios” y “El Hombre con un Zapato Rojo”. Lo más importante para un actor joven es el trabajo, y Tom Hanks todavía era noticia para la prensa.

Su próximo proyecto, “Esta casa es una ruina”, parecía muy prometedora. Era una comedia de gran presupuesto, basada en el relato de Blandings Builds “Su Casa soñada”, e iba a estar producida por la productora Amblin Entertainment de Steven Spielberg, el cuartel general de los Estudios Universales de MCA. El actor Richard Benjamin sería el director de la película y comentó que estaba atraído por ese concepto de comedia física unido a la historia de una relación romántica. “Usted oye los chistes de un diálogo y le gustan, pero nosotros tenemos escenas de acción cómicas que realmente pasan y no están falsificadas ópticamente o algo así. Yo no pensé que había otra manera de hacerlo cuando teníamos a un actor como Tom Hanks que tiene su propia manera de hacer comedia sin trucos”.

Una vez más, se puso a Hanks en confrontación a una mujer hermosa (en este caso, Shelley Long), siendo él Walter Fielding, un abogado para los grupos de rock and roll. Ella era Anna Crowley, un músico clásico que toca la viola y había estado casada anteriormente con el maestro Max Beissart, un director de orquesta egocéntrico interpretado por la estrella del ballet Alejandro Gudunov.

Inmediatamente después de que “Voluntarios” terminara, y unas semanas antes de su estreno, Hanks empezó a filmar “Esta casa es una ruina” en la primavera de 1985. La película se centra en Walter y Anna comprando una casa vieja e intentando renovarla mientras el edificio y su relación se deterioran alrededor de ellos. La película tenía cerca de 20 millones de dólares de presupuesto, y contando con unos buenos profesionales se esperaba estrenar en la Navidad de ese mismo año. Hanks estaba esperanzado.

“Es una comedia maravillosa que empieza muy d espacio, sólo paso a paso, y entonces... nosotros entramos en problemas mucho más serios. Yo supe que iba a ser un trabajo físico, pero cuando leí el guión, no lo dudé ni un momento”.

Hay una escena en la cual era necesario que el actor estuviera cubierto totalmente de yeso durante varios días.

“Hay manchas en mi cara de las cenizas y el hollín, de los ladrillos y piedras, mientras me lanzan cosas a través de dispositivos neumáticos y batidoras, como hacen en los juegos de televisión. Yo lo miro de esta manera: hay un elemento de peligro que usted no encuentra en la mayoría de las profesiones. Me gusta ser el único miembro en el juego que no está llevando un escudo protector en la cara durante el rodaje. Y ésa es una de las razones por las cuales megusta mi trabajo”.

Para Hanks, actuar es una educación continuada, y ha intentado interpretar una gran variedad de papeles para ensanchar ese proceso de aprendizaje. Para “Esta casa es una ruina”, se convirtió en un experto en desastres.

“En cuanto us ted tenga un extraño en su casa con un metro para medir distancias ya se puede considerar perdido. Nadie puede pedirles que no hagan eso o lo otro, ni que pongan más atención en su trabajo. Inmediatamente le dirán que ellos son los expertos, que se quedetranquilo y que se marche de allí hasta que terminen”.

Con el equipo de Steven Spielberg en efectos especiales en un remolque, la casa del filme se convirtió en algo vivo, que respiraba, la peor pesadilla de un yuppie. Desgraciadamente para todos los involucrados, la casa era prácticamente la única cosa que estaba viva en “Esta casa es una ruina”. Debajo de todo el decorado solamente había aparatos mecánicos y ordenadores; no tenía corazón, ni risas y el débil triángulo romántico apenas lograba dar un poco de emoción.

La producción era ciertamente impresionante. La mayoría de los interiores se filmaron en los estudios Queens de Nueva York, que reprodujeron fielmente el Kaufman Astoria. Se crearon la fachada de la casa y los cuartos del interior cuidadosamente, y parcialmente o completamente se demolieron, restaurándose después.

Se rodaron otras escenas de Nueva York en Park Avenue, el tejado de la Universidad de Nueva York, Soho, Parque Central Oeste, y un elegante café cerca del Lincoln Center.

El mismo diseñador que recibió un oscar por “Amadeus”, dedicó varios meses a planificar todos los decorados empleando dibujos y maquetas, antes de proceder a la construcción. Se rodaron escenas adicionales en Miami y en los Estudios Universal. Las escenas principales fueron en el Ridder y la mansión en la Orilla Norte de Isla Larga. Durante el curso de la película, la casa se demolió y se reconstruyó. No se escatimó ningún gasto para hacer esta película, pero algo se omitió.

“Hay un texto en la pel ícula que realmente es decisivo porque tiene un significado doble para Shelley y para mí. El constructor me dice que los dueños anteriores de la casa eran personas fuertes e importantes y si ellos habían resistido allí nosotros tampoco deberíamos huir. Creo que eso iba también con nosotros, en el sentido de decirnos que si nuestro cariño era fuerte resistiríamos todos los problemas”.

Y eso es lo que parecía faltar entre el equipo de rodaje. Solamente la relación de Tom Hanks con Shelley Long era delicada y sentimental, mucho más de lo que Hanks había tenido con otras actrices anteriores.

“Nosotros teníamos una pequeña aventura, discutiendo largamente sobre filosofía. Ambos realizábamos un papel sobre dos personas muy enamoradas y eso requiere un cierto tipo de comunicación que no puede fingirse totalmente. Yo no estoy diciendo que tenga que hacer esto por causas de trabajo, puesto que es algo que brota con naturalidad. No es nada sexual, pero es intenso, concentrado y denso”.

Cuando la Universal habló de estrenarla en la Navidad de 1985, los rumores hablaron sobre problemas en la producción. La película se exhibió finalmente el 26 de marzo de 1986, y la mayoría de los críticos fueron apagando su entusiasmo y hablaron de exageración y poco humor.

El New York Times escribió: "Usted puede imaginarse un remake de “Poltergeist” de Steven Spielberg en el cual los muertos han sido empujados a un lado por los plomeros y los carpinteros; así se hará una idea de lo que es ‘Esta casa es una ruina’. La comedia depende completamente de los efectos eléctricos especiales y las escenas físicas llegan a ser aparatosas y poco creíbles. La película está más cerca de la payasada que de la comedia y el Sr. Spielberg recoge un fracaso que no había tenido desde que estrenó “1941”. Los chistes, aunque detalladamente coreografiados, se rompen así torpemente en pedazos tratando de darnos alguna explicación para ellos”.

Newsweek no fue más amable con su crítica: “Esta casa es una ruina es un fiasco en el cual se ha invertido mucho dinero. Ni siquiera la destrucción paulatina de la casa motiva a la risa. No obstante, Tom Hanks está ágil y delicioso en su papel”.

United State Today simplemente dijo: "se trata de una película muda para los adultos, pero que solamente entretiene a los niños".

Time era uno de los pocos disidentes y alabó, "el director Benjamín es un regalo por su habilidad para contarnos una historieta. Tom Hanks se balanceó entre el pánico y la exasperación con el mismo tipo de aplomo raro que tenía Cary Grant".

A pesar de la prensa negativa, “Esta casa es una ruina” terminó el estreno recaudando 16.2 millones de dólares y 28 millones en total, aunque con casi 20 millones de presupuesto, fue considerada la primera desilusión para la Amblin de Spielberg. Aunque tenía una segunda vida como un éxito en su pase al vídeo, el filme no demostró ser un buen escaparate para los talentos de Tom Hanks como los fueron otros filmes. Igual que “El Hombre con un Zapato Rojo”, ambas películas le pusieron grilletes a Tom Hanks en un mundo de efectos especiales. Le dieron la oportunidad de mostrar sus habilidades para las payasadas, pero no aumentaron su prestigio.

“Es posible que un día me despierte de noche, entre en el baño, golpee mi cara con agua fría y mirándome al espejo me pregunte qué es lo que está pasando con mi carrera. Pero debo estar alerta porque el miedo es algo que funciona muy bien en las películas, pero es mucho mejor alejarlo cuando estamos buscando trabajo”.

“He trabajado en obras que malgasta ron una buena idea. Pero hay que apartarlas de la mente simplemente. La mayoría de los actores que trabajaron conmigo en la primera época han abandonado esa profesión desilusionados, pero hay que aprender a encajar esos desastres y seguir adelante”.

Ind udablemente Tom Hanks perseveró, y antes de que terminara con “Esta casa es una ruina”, empezó a tener tratos con la Columbia Films para ganar 1 millón de dólares por trabajo, una suma increíble considerando que Tom tenía simplemente cinco películas de éxito en su curriculum y solamente dos habían proporcionado beneficios en taquilla.

“El guión es la base para que yo pueda hacer historias y personajes que sean interesantes para mí, y Columbia consigue hacer y distribuir películas que proporcionan cantidades fenomenales de dinero y pasan a la historia del cine. Si el guión no es adecuado prescindimos de él entre todos; no es una decisión exclusiva de una persona”.

La relación personal entre Hanks y su esposa Samantha estaba deteriorándose de manera irrevocable a estas alturas, influida por la carrera ascendente de Tom Hanks y el declive inexorable de la de Samantha, quien culpaba a Hanks de algo de lo cual no podía ser responsable. El talento ni aumenta ni disminuye por los problemas conyugales. Pero consciente del mal momento por el cual pasaba su esposa, Hanks la propone que ambos se embarquen en la producción de obras de teatro, algo que a ella le encantaba. Anteriormente habían hablado ya de realizar dos proyectos que no llegaron a materializarse, pero ella prefirió entonces trabajar como actriz secundaria y no meterse en problemas. Tom la insistió en que sería una buena experiencia para ambos y que dada su gran experiencia en el cine, la televisión y el teatro todo saldría bien.

“En ese moment o pensaba que la solución para nosotros es que tuviéramos nuestro propio espacio y que realizásemos obras con nuestros antiguos amigos. En realidad creo que no estaba convencido de lo que decía y que en realidad solamente trataba de salvar nuestro matrimonio. Era una situación injusta porque mientras yo me sentía culpable del fracaso de mi mujer e intentaba aportar soluciones, ella solamente se quedaba como espectadora exigente”.

SUS MIEDOS

“Yo no me veo como una persona de éxito. Pienso solamente que soy una persona afortunada, pero todavía tengo la misma inseguridad por mi trabajo y mi futuro que cuando era joven. No me encuentro cómodo siendo famoso y siempre he tratado de mantener alejada a mi familia de los medios de comunicación “.

“Hay una id ea equivocada en esos actores jóvenes que buscan el triunfo. Corren en busca de un éxito que les convierta en dioses aún cuando no tengan cualidades. Esa inquietud es mucho más controlada cuando uno está casado y tiene hijos. La única manera de medir el éxito es permaneciendo durante toda la vida en este trabajo”.

Y la llave de esa longevidad es más trabajo. Ese es el motivo por el cual Tom Hanks aceptó trabajar en una película dirigida por Garry Marshall a quien había conocido anteriormente en la televisión, cuando rodaba “Happy Days”. Una vez más, Hanks interpretaría a Mr. Yup, pero le exigieron que no lo hiciera técnicamente, sino también emocionalmente. En esta película, “Happy Days”, tendría que mostrar algunos de esos sentimientos ocultos y sacarlos a relucir.

Entretanto, su matrimonio estaba tan roto como la casa en “Esta casa es una ruina”.

Después de hacer cinco comedias seguidas, Hanks tuvo la oportunidad de ser diferente en “Nada en Común” en el papel de David Basner. Aquí era un papel en el cual no tendría que enamorarse de una sirena, no tendría que tocar el violín, arreglar una casa ruinosa, ni pasear con mujeres en bikini. Según comentó, en esta película podría mostrar todo lo que sabía como actor y como ser humano.

“Nada en Comú n intenta mostrar que nuestra vida habitual es cómica, aunque en realidad sabemos que pasamos más tiempo tristes que alegres. Nosotros hablamos de un tema muy común, como la unión que sentimos hacia las personas que son de nuestra misma sangre. En esos momentos en los cuales miramos a nuestros padres y decimos que nosotros no somos como ellos, nunca lo seremos, y que no cometeremos los mismos errores. Todo eso para convencernos que nuestra vida es más acertada que la de ellos, aunque poco a poco se demuestra que volvemos a cometer los mismos errores”.

La película comenzó a desarrollarse por la veterana productora Alexandra Rose, quien había trabajado estrechamente con dos historias que habían escrito Rick Podell y Michael Preminger. “Nada en común” fue el primer guión de cine en una carrera que había empezado intentando ser actriz en Nueva York y por accidente terminó escribiendo historias. Alexandra Rose era nativa de Bahía Verde, Wisconsin, y comenzó su carrera en 1972 trabajando para Roger Corman. También tuvo trabajo en “Norma Rae” y en “Regreso al futuro” de Robert Zemeckis.

El guión atrajo la atención de Tom Hanks que vio que la relación familiar en “Nada en común” era mucho más compleja que una simple comedia dramática.

“Creo que me atrajo ese mundo en el cual se mostraban madres, padres, hermanas, hermanos, hijos e hijas, algo que siempre me ha interesado. Creo que nuestra generación tiene ahora muchas más opciones que la de mis padres. De todas maneras, como cualquier persona, nadie tiene la opción de poder cambiar de padre y madre y eso en ocasiones genera muchas tensiones. Solemos decir que nosotros, los hijos, no pedimos venir, pero quizá alguien nos diga que nuestros padres tampoco pidieron que viniéramos. Hay siempre un punto de amor y odio en nuestras familias. Particularmente encuentro que la familia termina siendo absorbente”.

Mucho del éxito de esta película emocional se debe a Jackie Gleason, quien tiene una actuación notable como Max Basner que está basada directamente en “Muerte de un viajante”. El guión original le había sido enviado primeramente a Gleason, a su casa en Miami y se comprometió inmediatamente a interpretarla. Según el productor, nunca un actor había dado una respuesta tan rápida a una oferta.

Era un sueño hecho realidad para Tom Hanks que idolatraba a Jackie Gleason.

“Tenía un poco de miedo, pero el primer día de rodaje Jackie vino a mí y dijo: ‘me alegro que seas mi hijo en la pantalla; haremos una buena historia’. En ese mismo momento nos abrazamos y todo fue muy fácil. Jackie era ya un mito del cine y el actor más completo que conozco. Cuando llegó el momento de ponerse delante de la cámara, no quería ser molestado con algo que le pudiera distraer. Jackie no ensaya. Él quiere conseguirlo todo a la primera vez. No quiere aportar nada de espontaneidad”.

“Yo aprendí mucho trabajando con Jackie y Eva Marie Saint. Son totalmente opuestos, no hay duda de ello. Lo que se intenta hacer delante de una cámara es muy frágil y si hay errores el público lo percibe enseguida y lo rechaza”.

Pero no hay demasiados errores en “Nada en Común”, sobre todo en las escenas entre Hanks y Gleason, cuyos perfiles se usaron cara a cara en los carteles de publicidad. La película intentó atraer a los entusiastas adolescentes de ambos actores, y algo a los espectadores mayores, y algunos críticos señalaron que ese humor mixto no siempre funcionó.

Hanks advirtió que él no podía evitar esa imagen de galán que mostraba en “Nada en común”, especialmente en sus escenas con Sela Ward, una actriz que estaba a punto de divorciarse en ese momento.

“Sela es una de esas mujeres que la primera que se las ve nos quitan la respiración. Tal era así que yo no estaba seguro de poder trabajar con una mujer tan guapa. Me sentía aturdido, especialmente cuando supe que íbamos a pasar juntos veinte días de rodaje y habría algunas escenas de desnudos. Nunca creí que podría tocar a una mujer tan guapa”.

Durante el rodaje de “Nada en Común”, sin embargo, la prensa anunció que Hanks se había separado finalmente de su esposa. Él se instaló con un antiguo amigo de “Queridos compañeros”, David Chambers, no lejos de casa del Valle de San Fernando donde vivían sus hijos con Sam. Los viejos amigos compartían muchas cosas en común e incluso habían escrito algún guión juntos cuando la serie triunfaba en la televisión.

Chambers comentó en una entrevista que no piensa que el éxito haya cambiado a Tom Hanks, aunque ahora tiene que estar mucho más a la defensiva cuando está en público. “Una vez que la cara de alguien está en las pantallas de televisión y las personas le reconocen, es normal encontrarse con personas pidiendo autógrafos. Él siempre lleva esto bastante bien, al menos cuando hemos estado juntos”.

“Es uno de esos actores que no creen que el trabajo deba afectar a su vida privada. Para lograr compaginar ambas procura hablar poco sobre su familia, aunque también es una persona que necesita comentar sus problemas personales con alguien, porque en ocasiones los problemas le desbordan”.

“Yo ten ía algunos problemas personales y necesitaba hablar de ellos, como cualquier persona. No necesito hablar sobre el holocausto nuclear, ni tampoco sobre los problemas de mi trabajo. También creo que no debo hablar mal de la mujer con la cual estuve casado, puesto que ella es también una persona conocida y no debo alterar su prestigio. Esa mezquindad no beneficia a nadie. Yo he pertenecido a una familia clásica y he procurado apartarla de mi profesión.

Me niego a admitir que mi éxito haya sido la causa de mi fracaso matrimonial. Las razones son bastante normales, como la falta de comunicación. No se puede culpar de un divorcio al trabajo puesto que hay muchos matrimonios de actores que funcionan perfectamente”.

Su amigo David Chambers está de acuerdo. “ Yo no pienso que fue su carrera la causa de la ruptura matrimonial. Creo que era más una cosa personal entre Tom y Sam. Él es una persona muy dinámica que estaba triunfando en el cine, pero a quien no le afectaba el dinero que ganaba. Tampoco estoy de acuerdo en que fue la presencia de Rita Wilson. Era algo más profundo, algo que Hanks ha mostrado sutilmente en Nada en común”.

“Durante mucho tiempo, usted pasa por este periodo en el cual se jura que nunca cometerá los mismos errores que han llevado a otros matrimonios al fracaso. Pero un día se da cuenta que todos somos similares y no quiere seguir sufriendo al lado de una persona que no es capaz de hacerle feliz”.

Esa vulnerabilidad se percibe claramente en las escenas de Hanks con Jackie Gleason. Hanks estaba empezando a aceptar su pasado cuando él también se empieza a reconciliar con su padre real, ahora un paciente de diálisis que se parecía como dos gotas de agua al de “Nada en Común”.

“Yo le planteé en una ocasión a Garry, justo cuando íbamo s a comenzar el rodaje, qué ocurriría si nadie se siente interesado en la película. Me habló pausadamente y me dio ánimos, pero aproximadamente tres meses después, me dijo: Sabes, yo no pude dormir una noche entera por aquello que me preguntaste. Me preguntaba qué ocurriría si la película era un fracaso”.

La crítica inicial y la reacción del público fueron mediocres en el estreno. La película se estrenó el 30 de julio de 1986 y suponía la segunda vez que Tom Hanks tenía un estreno en verano. La revista Variety dijo: “Nada en Común” es el tipo de película que intenta ser todas las cosas y todas las personas, pero como resultado no tiene éxito en ninguna de ellas. Partiendo de una comedia juvenil, deriva a un drama familiar sentimental, y cabalga en ambos lados tropezando continuamente. Un elemento que funciona es la actuación maniaca y entretenida de Tom Hanks, aunque no es probable que guste mucho al público con este cambio de imagen”.

La mayoría de las publicaciones alabaron el trabajo de Hanks y Gleason, e incluso mencionaron que podían ser nominados al oscar al mejor actor. Time escribió: “Hanks hacen un trabajo hábil para poner humor en la película. Lo mejor, la mezcla de Gleason y Hanks, como dos personas amargadas, sentimentales y sumamente vivas”.

Otra revista dijo: “Nada en Común es la película de Tom Hanks que estábamos esperando. Como un triunfador, Hanks incluye todo lo que nosotros amamos y odiamos sobre el sentido del humor de los años ochenta: su falta de convicción, su irreverencia, su interés auténtico. La cámara le persigue cuando pasea por la agencia, como si fuera un Rambo verbal que dispara palabras en lugar de balas, y con este sistema todo el mundo cruje, se ruborizan, se apartan o se quedan mudos.

Las ilusiones románticas que él tenía puestas en las mujeres se vinieron abajo con su matrimonio fallido, pero su carrera era, como siempre, más fuerte para él. La herida de su vida personal le convirtió en un actor más eficaz, notable por su humor y sensibilidad. El papel casi le puede haber servido como una terapia.

“Hay una redactora que, cada vez que hablo con ella, quiere saber sobre mi vida de niño, e insiste que ha tenido que ser horrorosa y cómo la superé. No importa cuántas veces he dicho que no era mala, puesto que insiste en que tuvo que ser traumatizante por tener que compartir todo con mi hermano y mi hermana. Yo no soy como mi madre que se pasó media vida hablando mal de mi padre en lugar de dedicarse a intentar ser feliz. Quiero a mi madre, pero aún no comprendo cómo viví tantos años a su lado. Creo que los padres deberían contagiar su felicidad, no sus miserias”.

LA MADUREZ

“Yo nunca he hecho dos veces la misma cosa y, ¿ cuántas personas pueden decir eso?

“Lo que yo hago en la vida es trabajar y pretender ser algo más. He conseguido formar un mundo de fantasía en todas las leyes que deben ser obedecidas y todo eso está en mi cabeza y no interesan a nadie más.

Así vivo un mundo maravilloso, pero es algo que no todo el mundo puede lograr. No necesito que nadie me dé palmadas en la espalda para animarme o intentar nuevas metas. Tampoco consigo equilibrar mi cuenta corriente ni me interesa el último modelo de automóvil.

Lo que yo hago es actuar y, por desgracia, no sé hacer otra cosa. Es esto o nada. La ventaja de ser actor es que adquieres un montón de conocimientos sin esfuerzo. Mi cabeza está llena de conocimientos triviales que han ocupado más espacio gracias a mi trabajo”

Gracias a su educación itinerante desde que era niño, Tom Hanks ha logrado una gran capacidad de adaptación y crear una realidad alrededor de él. Inicialmente se sintió atraído por el mundo del teatro porque le daba la oportunidad de vislumbrar otros mundos y aprender nuevas habilidades. Cada proyecto representaba una nueva oportunidad y se entusiasmó en ello. En “Queridos Compañeros”, su compañero Peter Scolari le enseñó cómo hacer malabares. En “Splash” aprendió cómo se bucea; en “El hombre con un zapato rojo”, cómo tocar el violín. En “Voluntarios”, se encontró con un viaje a México; en “Nada en Común”, a Chicago. Después viajó a Israel en “Mil veces adiós” para trabajar con un Premio de la Academia. Con sus seis películas siguientes aprendió a manejar sin problemas la palabra Amor.

“Cuando me propusieron ‘Mil veces adiós’ estaba ansioso por tener la oportunidad de trabajar con un grupo pequeño de personas que hacen un tipo especial de historia. Podía trabajar lentamente y no lo teníamos que hacer en un estudio de cine con espacios reservados y lleno de ejecutivos. Estábamos haciendo simplemente una película donde Moshe Mizrahi podía concentrarse en ser un director en lugar de un ejecutivo. Y yo podía concentrarme en ser un actor y no una estrella de cine. Quizá en Europa están acostumbrados a trabajar así, pero yo no lo estaba”.

“Yo soy un actor egoísta; me gustan los papeles buenos. Algunas veces un actor hace una película debido a su historia o mensaje. A veces es por los otros actores o actrices. A veces es el dinero. Si usted tiene suerte, puede rodar algo que incluya todo. El reto creativo es ahora mucho más importante para mí que hacer muchas películas. Quiero tener tiempo libre y hacer amigos. La glamour de la elaboración de una película ha pasado a ocupar el asiento trasero en mi vida profesional”.

“Respecto a ‘Mil veces adiós’ debo decir que esta película tiene ingenio y momentos entretenidos, pero también tiene tristeza, y esta combinación de humor, humanidad y dolor suponen un gran trabajo que nunca envejece.

Todas las grandes obras, en cualquier idioma, y de cualquier país, tienen una inmensa cantidad de ingenio para mostrar, no sólo risas y comedia. Mire Othello, y Richardo III. Hay material muy ingenioso y cómico escrito en esa literatura. Lo mismo ocurre con Chekhov e incluso con Eugenio O'Neill, supuestamente unas obras austeras en las que también hay ingenio y humor.

Hay tiempo para mostrar las crestas trágicas y los valles, pero también se necesita a veces energía, no para rugir de risa, sino simplemente para reírse por dentro, para que el público puede ver la tragedia de la vida junto con la comedia. Creo que ése es uno de los elementos más importantes que hacen de ‘Mil veces adiós’ algo especial. Hay humor, humanidad, y paralelamente, gran tristeza. Esa es la medida de un gran trabajo que nunca aburreni se pasa de moda”.

Al principio, Moshe sólo tenía el germen de una idea, y la contó a sus colaboradores como una historia bonita y simple, la cual posteriormente se transformó en un guión. El resultado fue tan encantador que no encontró problemas para buscar ayuda y dinero. Y es que las historias de amor son universales y solamente se requiere ingenio para mostrar situaciones en las cuales dos culturas chocan.

Según su director, “Se trata de una historia para que se unan dos personas, no dos culturas. David viene de una sociedad americana abierta donde no es raro rebelarse contra su familia. Yo le veo como un solitario que desea conocer otros mundos durante la gran Depresión, cuando una gran parte de la humanidad vagó mucho tiempo sin hacer nada”. “En esta película usted ve a personas de fondos sociales divergentes que no se entienden totalmente, aunque tratan de comunicarse mediante los sentimientos. Cuando David va a casa de Sarah e intenta entender qué está pasando alrededor suyo, es muy cómico. Algunas personas pueden pensar que esto es una comedia sencilla, pero no es así. Es el lado cómico de la vida. Es como cuando usted está caminando calle abajo y ve algo tan cómico que le hace reírse durante días, y coincide con algo que le pone triste”.

Cuando Sharon Harel fue preguntada sobre si este argumento entre Sarah y David podría simbolizar la tensión política que rodea el presente con Israel, ella se rió grandemente. “Las personas piensan que filmar en Israel es peligroso. Simplemente no es verdad. Nosotros tenemos la mejor seguridad del mundo en este país. Hubo solamente un caso cuando nos dijeron que había una bomba en un supermercado donde estábamos rodando, pero resultó una falsa alarma”.

Tom Hanks, a su vez, se hizo eco de ese presunto miedo de los profesionales por rodar en Israel y dijo:

“Yo nunca he tenido prisa en Israel y he podido caminar con tranquilidad. En Tel Aviv, pude ver cómo las personas decoran sus apartamentos, visitar edificios públicos, y viajar sin problemas en automóvil. No es imprescindible ser religioso para entender la importancia mundial de Israel. Allí es donde esencialmente todas las sociedades occidentales encuentran su base. En cierto modo envidio la herencia judía, aunque lo que realmente me interesa es cómo viven las personas día a día, cómo se relacionan entre sí, y lo que hacen en una noche del sábado”.

LA PRENSA AMARILLA

“Es terrible lo que ellos han hecho a Sean Penn y las personas como él. Ahora no pueden caminar por la calle y ni siquiera pueden salir a cenar. La prensa, esos tipos que escriben la chismografía, son repulsivos por la manera en que atacan a los famosos. Lo hacen con las personas de mayor prestigio y seguirán haciéndolo a todos, incluso pronto me tocará a mí. Simplemente parece que intentan demostrar que pueden herir a los demás. Mire lo que pasó a Sean Penn en su última película. Mire a Tom Cruise, la manera en que él pasea, la manera cómo habla. Ha sido y es una gran estrella del cine y maldice su profesión de actor a causa de unos desaprensivos que gozan con sus mentiras y recogen dinero por ellas”.

“Un actor no es un privilegiado social, es una persona especializada en la industria del entretenimiento que trata de hacer buenos trabajos. Tienen que ser muy disciplinados, pasar hambre para no engordar y llevar una vida familiar intachable para que no les critiquen. Ciertamente tienen secretarias y las limusinas los recogen en el aeropuerto, y las personas le traen cafés y bocadillos mientras trabajan. La gente dice que esto es fabuloso y nos comparan con los marqueses del siglo pasado”.

Cuando la película “Mil veces adiós” se estrenó en Nueva York el 14 de noviembre de 1986, la crítica dijo: “Tom Hanks está absolutamente fuera de lugar en este romance israelita por dos razones: porque hay comicidad en su trabajo, incluso en ambientes solemnes, y porque tiene tanta energía que la película convierte esa historia de amor en charla pequeña con pausas muy largas”.

La película parecía que lograría un gran éxito cuando se estrenó pero desapareció rápidamente de las salas de cine y ni siquiera se llegó a estrenar en Los Angeles. Para Tom Hanks, era un experimento que había fallado en la taquilla, pero ciertamente no desvió su intención de seguir buscando nuevas ideas. De hecho, durante los próximos seis meses, Hanks haría tres películas dirigidas esencialmente al público juvenil.

“Realmente me siento interesado por lo que hago, y esa es la razón por la cual trabajo tanto. Yo no entré en esto para tener cualquier clase de poder, vestir como un dandy o algo así. Disfruto con lo que hago, y a veces lo hago bien y a veces muy mal. Cuando esto ocurre me siento realmente mal, pero cuando lo hago bien, me siento fabuloso”.

ENTREVISTA A TOM HANKS

- Yo tengo una teoría sobre usted: habitualmente es muy bueno en lo que hace, es un actor de talento, y ha demostrado que es un buen director. Pero su éxito va más allá de eso, y pienso que es porque en realidad también es una buena persona. ¿Coincide conmigo en que esto es parte de su secreto para tener éxito?

- No, y no querría examinarlo en ese momento, porque entonces empezaría pensando sobre eso y no sería justo valorándolo. No sé. Hay suficientes personas allí fuera que le dirán que yo no soy un buen tipo. Ser bueno parece una cosa muy fácil, y es fácil que la gente desde fuera te vea así, solamente requiere que seas amable cuando te invitan o cuando hablas con alguien en la calle. Pienso que, al menos, no soy cínico. Asumo que las personas que no me conocen aprueben la imagen que ofrezco. Lo que acepto de mí es que me considero una persona que tiene una esperanza innata en el mañana y eso es lo que me gustaría que dijeran sobre mi carácter. Soy también un profesional y un caballero, pero poco más, salvo eso que comenté sobre no perder nunca la esperanza en el mañana.

- Una mirada al futuro. ¿Veremos una continuación de “Forrest Gump”?

- No pienso que habrá alguna vez una continuación de “Forrest Gump”, ni creo que nadie estuviera interesado en ella. Quizá algún estudio de cine estuviera interesado, porque conseguirían en un fin de semana una gran cantidad de dinero. Pero no creo que pueda existir una historia interesante. Nosotros capturamos esa historia casi como una inspiración, pero la musa desapareció.

- ¿Podría darnos un poco su visión sobre la película de Spielberg “Saving Private

Ryan” ?

- Si todo sale según lo planeado, la historia está recreando la Invasión de Normandía el

día D de una forma que no habíamos visto antes, aportando toda la especialización que

la tecnología del cine permite.

- Nosotros esperamos remontarnos antes de ese acontecimiento histórico, para que los

hechos queden mucho más claros. Lo que no es justo es que nos hayan dicho: “Y

entonces ellos invadieron Normandía el día D, y entonces ganamos la guerra”. Pero también hubo un drama humano de proporciones épicas que no se mostró a su debido tiempo.

- ¿Y el proyecto de HBO?

- “De la Tierra a la Luna” consta de trece episodios de una hora sobre el día en que el Apolo desembarcó en la Luna y creo que será una serie de televisión muy bien

aceptada.

- Usted tuvo la oportunidad de interpretar al presidente en la versión de “Primaty

Colors”. ¿Le pidió el Presidente Clinton que no lo hiciera?

- No. Yo decidí interpretar al presidente porque necesitaba en ese momento trabajar,

pero en ese momento no había ningún guión escrito y tenía que incorporarme

rápidamente a mi trabajo como productor en la serie de HBO que comencé en enero

de 1998. Ahora tengo que rodar una película este verano y ya tengo mi agenda

completa. Pero aunque el presidente no influyó en mi decisión, preferí no hacerlo, no

tanto por el respeto que le debo a Clinton, sino porque mi trabajo decidió por mí.

- Usted quizá tiene una popularidad más alta que la del mismo presidente, pues parece una de esas personas que gustan a todos. ¿Qué significa eso para usted?

- Nada especial y si en alguna ocasión el presidente de los Estados Unidos me invita será para mí un gran momento y aceptaría esa invitación de cualquier otro presidente. No me considero un amigo personal suyo, pero he estado en un par de ocasiones hablando con él y todo fue muy correcto entre nosotros. También me encontré con el Presidente Bush cuando ejercía y nadie se acuerda de ello. Yo soy una celebridad porque ahora estoy haciendo un cine muy popular, y creo que mi reconocimiento actual se basa solamente en eso, lo que en cierto modo me tiene que agradar y preocupar al mismo tiempo.

FILMOGRAFIA

BOSOM BUDDIES (TV 1980) ABC

Intérpretes:

TOM HANKS: Kip Wilson

PETER SCOLARI: Henry Desmond HOLLAND TAYLOR: Ruth Dunbar DONNA DIXON: Sonny Lumet

La idea para “Bosom Buddies” era tan sencilla como eficaz. Dos jóvenes ejecutivos de publicidad procedentes de un pueblo del oeste, llegan a Nueva York. Los dos buscan un apartamento y una compañera de la oficina les convence para que prueben en el mismo edificio donde vive ella. El único problema es que allí no se permite que entren hombres en los apartamentos de las mujeres.

El concepto de los dos personajes principales es tan viejo como el teatro y nos muestra a dos jóvenes, Hanks y Scolari, inmersos en una comedia fresca y en cierto modo diferente. Ambos actores desarrollaron igualmente una gran amistad fuera de los estudios y participaron activamente en el buen desarrollo del serial, aportando ideas. Ellos interpretaron los personajes de Kip Wilson y Henry Desmond, un par de Yuppies que trabajan en la agencia Livingston situada en la Madison Avenue. Hanks es el director de arte y Scolari un redactor de textos publicitarios, trabajando ambos a las órdenes de Ruth Dunbar, interpretado por el veterano actor Holland Taylor.

Cuando su compañera Amy Cassidy, la telefonista, les convence para que prueben a vivir en un hotel solamente para mujeres, los muchachos inicialmente son el hazmerreír. Posteriormente, cuando Kip se encuentra a Sonny Lumet, una bailarina rubia imponente, interpretada por Donna Dixon, convence a Henry para que se vaya con él, y ambos se disfrazan de mujer para entrar.

“Bosom Buddies” hicieron su debut en la ABC televisión en la noche de Acción de Gracias, el jueves 27 de noviembre de 1980. Una semana después, “Bosom Buddies” se clasificó en los primeros puestos de audiencia, pero durante la tercera semana la ABC tomó la decisión se sacarla de antena a causa del descenso de popularidad. Posteriormente la cambiaron en tres ocasiones en un esfuerzo por encontrar su audiencia. Entretanto, la reacción de la crítica fue muy severa. Decían que se parecía demasiado a “Con faldas y a lo loco”, el filme que inmortalizaron Marilyn Monroe y Jack Lemmon.

Cuando la serie fue suspendida provisionalmente se recibieron 35.000 cartas de protesta reclamando de nuevo su emisión.

Episodio Piloto

26 Noviembre de 1980

Director: Joel Zwick

Escrita por: Chris Thompson

Kip Wilson, escritor, y Henry Desmond, trabajan juntos en una agencia de publicidad llamada Livingston, y comparten un apartamento.

Cuando su apartamento se viene abajo, ellos no tienen donde ir. La telefonista de su oficina (Amy que está enamorada de Henry), sugiere que ellos se quedan temporalmente en su hotel. Desgraciadamente, el Anthony Hotel es solamente para mujeres y Kip y Henry deben vestirse como mujeres para que puedan quedarse allí. Kip se llama entonces "Buffy" y Henry "Hildegarde". Después de conocer a su escultural compañera Amy deciden quedarse para verla más de cerca y si es posible todos los días.

SABE QUE ESTAS SOLA He Knows You're Alone (1981)

Horror

94 minutos

Director: Armand Mastroianni

Intérpretes:

DOM SCARDINO CAITLIN O´HEANEY ELIZABETH KEMP TOM ROLFING

TOM HANKS

PAUL GLEASON

La película fue dirigida por Armand Mastroianni (actor americano primo de Marcello) y como actores estaban Don Scardino y Caitlin O'Heaney, siendo distribuida por la MGM/UA. La historia nos lleva a un suburbio de un pequeño pueblo cercano a Nueva York City, en el cual una novia joven, interpretada por O'Heaney, está convencida que alguien la está mirando y la sigue constantemente. La película tiene alguna artimaña tradicional en el cine de suspense y toda una larga serie de tópicos cien veces vistos.

MAZES AND MONSTERS (1982)

100 minutos

Director Steven H. Stern

Intérpretes:

TOM HANKS: Robbie Wheeling WENDY CREWSON

DAVID WALLACE

CHRIS MAKEPEACE

LLOYD BOCHNER

PETER DONAT

VERA MILES

La historia se centra alrededor de cuatro compañeros de clase de la universidad pertenecientes a familias de clase media y alta que se dedican a investigar sucesos extraños sin que sus padres lo sepan.

Christopher Makepeace interpretó a J. J. Brockway, un genio de dieciséis años que es infeliz porque sus padres no están cuando necesita hablar con ellos. Wendy Crewson interpretó a una amiga y David Wallace era el listo que sabía manejar muy bien una computadora. Las veteranas actrices Susan Strasberg y Vera Miles tenían papeles pequeños para darle categoría al filme. Por supuesto, los chicos juegan al “Mazes and Monsters”, y por eso asumen papeles medievales y otros actos que el juego de rol les dice que tienen que efectuar.

Robbie (Hanks) había sido un jugador apasionado de “Dragones y mazmorras” pero ha prometiendo a sus padres que no volverá a involucrarse de nuevo en el juego cuando comiencen las clases en su nueva escuela. Pronto aparece la hermosa Wendy Crewson, aunque ahora Hanks nos dice que en realidad él es Pardu, el espíritu, que está buscando a su hermano perdido. Como también está enamorado de Wendy, tiene que decidirse entre seguir jugando o besar a la chica. Hay una pequeña escena encantadora donde Hanks le muestra una cama doble que ha comprado para que puedan instalarse juntos en el campus, pero Wendy le dice (inexplicablemente) que está yendo demasiado rápido. Lógicamente, Tom se enfada mucho cuando se lo dice.

En sus juergas nocturnas, oye el espíritu de su hermano muerto que le llama para decirle que debe ser célibe y que en su lugar debe continuar buscando el camino al “Great Hall” y las "Torres Gemelas." Todo acaba cuando vemos a Tom en el tejado de un Centro Comercial, amenazando con saltar para poder reunirse con su hermano del más allá.

HAPPY DAYS (1983) TV

21 años han pasado desde la primera emisión de "Días Felices" en Europa. De hecho, el jueves 8 diciembre de 1977, nos dimos cuenta que algo estaba cambiando en la televisión cuando vimos ese capítulo a las 7:20 P.M.. Era un experimento, porque los ejecutivos querían saber si ese argumento era adecuado para ser emitido un poco antes de que los niños se pusieran a cenar. Lo que se pretendía era captar también la atención de los padres hacia la televisión, en una hora en la cual casi ningún adulto la suele ver.

Además, nadie sabía con seguridad si las aventuras de esos muchachos americanos atraerían interés para la audiencia europea. Pero fue un éxito asombroso. Cuando comenzaron a emitirse los primeros 24 episodios se organizó un alboroto entre los telespectadores que aumentó cuando dejaron de emitirla y miles y miles de cartas de queja, además de muchas otras procedentes de maestros, fueron enviadas a la emisora. La serie se prolongó hasta 1978, con 36 episodios más de las aventuras de Fonzie, Richie y compañía. Incluso se consultaron psicólogos para explicar semejante éxito entre los niños, pero probablemente, para entenderlo, sería bastante con leer la entrevista que otorgó uno de los directivos de la cadena de televisión: "Sobre el éxito de “Días Felices”, debo decir en primer lugar que está muy bien hecha, y también que es difícil encontrar actores que se muevan tan correctamente en la televisión.

Una serie no depende demasiado de la historia, sino de cómo la cuenten y de sus intérpretes. Las aventuras de estos muchachos americanos, a veces tan tontos que nos parecen irreales, suele gustar mucho al público joven. Ellos nos recuerdan situaciones que pertenecen a los recuerdos más dulces de nuestra vida, a problemas pequeños con muchachas, amigos, padres.

1, 2, 3...SPLASH Splash (1984)

Romance/Fantasía /Comedia 111 minutos

Productor: Brian Grazer

Director: Ron Howard

Basado en la historia de: Grazer y Friedman Fotografía: Don Peterman

Compositor: Lee Holdridge

Efectos especiales: Mitch Suskin

Vestuario: May Routh, Charles De Muth y Jody Berke

Intérpretes:

TOM HANKS: Allen Bauer

DARYL HANNAH: Madison EUGENE LEVY: Walter Kornbluth JOHN CANDY: Freddie Bauer DODY GOODMAN: Mrs. Stimler SHECKY GREENE: Mr. Buyrite RICHARD B. SCHULL: Dr. Ross BOBBY DiCiCCO: Jerry

HOWARD MORRIS: Dr. Zidell

Podría haber sido una película cómica extraordinaria, pero es una pena que las mentes convencionales que hicieron este filme no lograran hacer el salto desde el infantilismo a la comedia. Ellos deben de haber pensado que tenían una gran idea (un soltero de Manhattan se enamora de una sirena), y que así no podrían fallar. Pero las grandes ideas no se encuentran a diez centavos la docena.

“1, 2, 3...Splash” cuenta la historia de un hombre joven que es salvado dos veces de ahogarse por una hermosa sirena. Ella se enamora de él y lo sigue hasta Manhattan, donde el chico es un comerciante al por mayor. Allí él también se enamora de ella. La sirena puede metamorfosearse en un ser humano, perdiendo su húmeda cola cuando le salen unas bellas piernas. Hay algunos chistes sobre su ignorancia total en el modo de vivir de los humanos, lo mismo que cuando camina desnuda por la Isla Ellis, puesto que no es consciente de las pasiones que genera.

La idea, en principio, es adecuada para toda clase de situaciones, pero una idea no es suficiente. Se hace necesario algunos personajes interesantes, una vez que hemos admitido que la sirena es guapa, simpática e inocente, una joya de las que ya no existen. Daryl Hannah es tan encantadora que solamente podemos entender que se enamore de Hanks por su ingenuidad.

El chico es agradable, buena persona y simpático, pero solamente se enamora de ella cuando tiene piernas, pues es obvio que no le gustan las colas de pescado. Quizá es porque nadie le explicó cómo se puede hacer el amor con una sirena y no quiere perder tiempo en exploraciones corporales intensas. Además, a la chica le han buscado un novio que ni siquiera sabe nadar y que tiene un hermano como John Candy.

Candy es un actor que cae agradable, aunque no sea guapo. Es grande, de andares vacilantes, y nos recuerda vagamente a Charles Laughton, aunque tiene bastante más sentido del humor. Por eso creemos que el amante de la sirena debería haber sido Candy, puesto que son dos personas que no acaban de encajar en la sociedad. La chica también es perseguida por lujuriosos sin escrúpulos, por mafiosos y hasta por falsos ecologistas, explicándonos como moraleja que ser diferente nunca es bien aceptado por la sociedad.

Premios:

Nominada al mejor guión 1984: Lowell Ganz, Babaloo Mandel, Bruce Jay Friedman y Brian Grazer

El director: Ron Howard

Ron Howard nació en Duncan, Oklahoma, el 1 de marzo de 1954, y tuvo su primera intervención en la pantalla en 1956, cuando apenas contaba dieciocho meses, en “Frontier Woman”. Él y su hermano Clint trabajaron también en varias serie de televisión y cine, siendo la más importante “The Andy Griffith Show”, en la cual intervino durante ocho años.

Howard consiguió su primer papel importante en el filme “Americam Graffiti” de George Lucas, aunque ese éxito no le impidió inscribirse en la Universidad Southtern de California para estudiar cinematografía. En 1975 consiguió un trabajo importante en la serie de Televisión “Happy Days” de la ABC, interpretando correctamente al incauto Richie Cunningham. Ese papel sirvió para atraer la atención de los críticos, lo mismo que su compañero Henry Winkler, más conocido como "el Fonz". Esa amistad continuaría cuando los dos trabajaron juntos en la película titulada “Night Shift”

Mientras, Howard había estado dirigiendo un corto de 8 mm filmado desde que tenía quince años. Una vez finalizado se lo presentó al productor Roger Corman quien le permitió dirigir la continuación de un modesto éxito titulado “Eat My Dust” y que luego se llamó “Grand Theft Auto”, en el cual también tenía el papel principal. Según Howard, él odiaba “Eat My Dust”, pero estaba convencido de que gustaba a los escolares y que Roger Corman era como un rayo de esperanza para los nuevos directores y no tenía problemas en arriesgar su dinero con ellos.

Su padre, Rance, también actor/escritor/director y productor, tenía diez guiones terminados y ambos se presentaron a Roger diciéndole que harían “Eat My Dust” si se incorporaba un nuevo guión elaborado por ellos. Él lo leyó y dijo que le gustaba, pero que no era la clase de película que solía hacer. Les sugirió que harían “Eat My Dust”, y que podrían realizar los cambios que quisieran al guión original, garantizando una segunda película si todo salía bien.

Cuando se estrenó “Eat My Dust” tuvo mucho éxito y Roger quiso una continuación, por lo que propusieron “Grand Theft Auto” que es el título con la cual se estrenó. Después tuvo la suerte de dirigir a la mítica Bette Davis en “Skyward”.

Filmografía esencial

1959 El diario, actor

1963 El noviazgo del padre Eddie, actor

1965 El valle de los gigantes, actor

1973 American graffiti, actor

1974 Los emigrantes, actor

1975 Huckleberry Finn, actor

1976 El primer musical nudista, actor

1979 Más American Graffiti, actor

1982 Night Shift, director

1984 Splash, director

1985 Cocoon, director

1988 Willow, director

1989 Parenthood, director, guión

1991 Backdraft, director

1992 Far and away, director, guión

1994 The paper, director

1995 Apolo 13, director

1997 Ransom, director

DESPEDIDA DE SOLTERO Bachelor Party (1984)

Comedia

106 minutos

Productor: Bob Israel y Ron Moler Director: Neal Israel

Guión: Pat Proft y Neal Israel

Intérpretes:

TOM HANKS: Rick

TAWNY KITAEN: Debbie

ADRIAN ZMED: Jay

GEORGE GRIZZARD: Mr. Thompson ROBERT PRESCOTT: Cole

“Despedida de soltero” es la versión de 1984 de “Annual Summer Food Fight Movie”. La historia nos habla sobre un tipo que decide casarse y sus amigos quieren darle una despedida de soltero. La primera mitad de la película es sobre los preparativos y la otra mitad es la fiesta. Ambas mitades son vulgares, caóticas, y con chistes viejos escuchados con antelación, aunque hay quien considera que supone un buen análisis de una costumbre ancestral que abarca también a las mujeres.

El soltero en la película está interpretado por Tom Hanks, un hombre que fue capaz de enamorar a una sirena auténtica en una película anterior; todo un mérito. Por eso nos decidimos a verle de nuevo en una comedia, especialmente para saber quién sería su próxima conquista; quizá la profesora de sexología. En “Despedida de soltero”, sin embargo, es mucho más cómico y menos transcendente, por lo que le juzgamos más adecuado.

La idea durante la fiesta es aproximar el espíritu de aquellos dibujos y películas de antaño, en los cuales docenas de personas están corriendo alrededor de algo como locos, y hacen cosas inexplicables para que los espectadores nos podamos reír. La mayoría de los chistes dependen de la gran confusión física que exista en la escena y aunque algunos de ellos son bastante cómicos, desearíamos que no incluyeran tantos tópicos.

Tampoco nos parece gracioso el que las mujeres quieran vengarse de ellos acudiendo a un bar en busca de varones desnudos, algo que ahora es ya habitual.

Para muchos “Despedida de soltero” es una buena película, puesto que muestra una de las muchas debilidades y tradiciones de nuestra sociedad. El problema es cuando quiere dejar de ser una buena película cómica para convertirse en una crítica social, ya que hay vemos una carencia absoluta de un criterio justo. Con todo, “Despedida de soltero” tiene algunos grandes momentos.

EL HOMBRE CON UN ZAPATO ROJO The Man With One Red Shoe (1985)

Espías/Comedia 93 minutos

Director: Stan Dragoti

Intérpretes:

TOM HANKS

DABNEY COLEMAN LORU SINGER

CHARLES DURNING CARRIE FISHER

EDWARD HERRMANN JIM BELUSHI

IRVING METZMAN

Es este un remake de “El hombre rubio con un zapato negro”, sobre un tipo inocente vigilado por la CIA para su eliminación. Desgraciadamente se desaprovecharon las aptitudes cómicas de Hanks para la comedia.

Los interiores se rodaron en Hollywood en los estudios de la Fox, y se construyeron en cinco stand diferentes, con un costo de más de medio millón de dólares a causa del equipo electrónico que se construyó ex-profeso. La oficina exterior de la compañía de autobús se construyó en un edificio vacío dentro de la zona del Capitolio Hill, mientras su cuarto trasero estaba construyéndose a 3.000 millas de distancia en Fase 15, en los estudios de la Fox.

Mientras el mundo de la alta tecnología de la C.I.A. se mostraba como visualmente muy dramático, el apartamento de Tom Hanks recibió más cuidados que cualquiera de los otras escenas. Dispuesto para un buen trabajo, Hanks, junto con el productor de diseño Dean Mitzner, visitó los apartamentos de varios músicos en el Georgetown de Washington para comprobar cómo vivían realmente. Una vez que el plan del apartamento había sido determinado, el decorador dispuso los muebles apropiados, resaltado una colección de instrumentos musicales antiguos que incluyeron dos serpientes del siglo pasado llamadas forveilles (precursores de la tuba), una biwa (guitarra japonesa en forma de Luna), un mando dello, y un laúd de marfil sólido para las notas graves elaborado hace 150 años en Kenya mediante un colmillo de elefante.

Una vez filmadas las secuencias de Washington a finales de agosto, volvieron a Los Angeles después del Día del Obrero durante cuatro semanas, rodando en la nueva terminal Bradley dentro del aeropuerto Internacional de Los Angeles y dentro del City Hall que sustituyó al Senado. El interior del Kennedy Center se reprodujo en el estudio 6 y allí pudimos ver debutando como músicos a Jim Belushi en el timbal, Carrie Fisher en la flauta, y Tom Hanks que toca "Scheherezade" con el violín. Él aprendió a tocar este instrumento sólo para esta escena en tres meses.

El director Stan Dragoti pensó que Hanks era el actor adecuado después de verle en Zapato Rojo, puesto que se daba cuenta que Tom tenía una gran fuerza para ganarse la simpatía del público. “Él no es ningún hombre asombrosamente guapo, explicó, pero es agradable y se preocupa mucho de lo que está haciendo en la pantalla. También es un actor consumado. En Zapato Rojo, hizo cada escena intrépidamente. Yo le pregunté si él quería que contratara a algunos mimos que podrían mostrarle cómo reaccionar cuando a alguien le clavan un dardo conun somnífero, pero Tom me dijo que no gastara mi dinero”. Desgraciadamente para Tom Hanks y todos los demás involucrados, “El Hombre con un Zapato Rojo”, como una comedia detallada y cuidadosamente realizada, no generó las carcajadas necesarias. Era algo sin energía, puro y simple. Pero por lo menos, Tom Hanks había aprendido a tocar el violín, aunque incluso admitió que eso no era completamente necesario para la película.

“Fue un error dar lecciones de música. Yo tenía que haber aprendido a actuar c ómo se toca el violín y todo lo que conseguí fue una chapuza. De todas maneras, no estoy asustado por el fallo. Cuando vi el original pensé que sería algo muy bueno, aunque reconozco que no es La Guerra de las Galaxias”.

La película fue un fracaso económico, el más importante de la 20 th Century Fox ese año.

VOLUNTARIOS Volunteers (1985)

Comedia

106 minutos

Guión: Ken Levine y David Isaacs Director: Nicholas Meyer

Intérpretes:

TOM HANKS: Lawrence Bourne JOHN CANDY

RITA WILSON

TIM THOMERSON

GEDDE WATANABLE

GEORGE PLIMTON

Comedia triste sobre un playboy amargado que accidentalmente se alista en los Cuerpos de Paz y prueba las ventajas de ser soldado en Thailandia.

Candy tiene algunos momentos buenos pero no suficientes. El mayor atractivo de la película está fuera de las pantallas, puesto que Hanks y Rita Wilson se casaron después en la vida real.

A pesar de que las críticas fueron favorables, “Voluntarios” fue sólo ligeramente más exitosa que la desastrosa “El Hombre con un Zapato Rojo”, consiguiendo recaudaciones endebles en los cines, con 8.9 millones de dólares en su estreno y un total de 16 millones posteriormente. La película fue considerada como un fracaso en taquilla, la segunda de Hanks en ese año.

Su personaje es un ejecutivo de publicidad llamado David Basner, similar a otros que ya había interpretado. De hecho, Basner es una combinación del Kip Wilson de “Queridos Compañeros” (también director de arte en publicidad), el Allen Bauer de “Splash”, el Lawrence Bourne de “Voluntarios”, y el abogado Walter Fielding de “Esta casa es una ruina”. Cuando sale en pantalla es un joven ejecutivo dinámico, amado por sus compañeros y respetado por su jefe. Es un hombre con una respuesta ingeniosa para cada ocasión y una solución a cada problema. Nosotros vemos a una mente creativa que está en su ambiente, y que casi por casualidad disfruta de su éxito, con una vida intensamente social que incluye juergas nocturnas con unas azafatas de aerolínea y otras señoras de uniforme.

El padre de David, un vendedor envejecido llamado Max, interpretado por Jackie Gleason, anuncia de repente que su esposa, la mamá de David Lorraine (Eva Marie Saint), ha decidido divorciarse después de 34 años de matrimonio. De repente, el yuppie vive la peor pesadilla cuando le dicen que sus padres le necesitan.

“Voluntarios” es una película esquizofrénica. Las escenas del comienzo, con un vivaracho Hanks que gana inicialmente una fortuna a unos truhanes y que posteriormente pierde el doble en un partido de béisbol que él escucha tranquilamente con unos auriculares, constituyen la promesa de una buena película. Igualmente, la introducción de Candy como el enfadado "Tommy Tuttle de Tacoma", también es divertida. Después está acertada la escena con Tom Hanks en un esmoquin blanco cuando llega a Thailandia en medio de un manojo de campesinos hambrientos, y le explica al representante de Cuerpos de Paz, "no es que yo no pueda ayudar a estas personas, es que no quiero".

Desgraciadamente, la continuación de la película no sigue igual y da lugar a muchas payasadas, con Candy capturado por los comunistas y Tom Hanks que cortejan a la protagonista Rita Wilson, intentando convencerla de que él, después de todo, no es malo. En el análisis final, el personaje de Hanks termina liberando al pueblo de los comunistas y los narcotraficantes, cumpliendo así los planes para tomar un puente que ha sido construido por Cuerpos de Paz. Hanks termina con la muchacha, y decide no dejar la tierra en la cual aprendió a amar.

“Cr eo que este ha sido el personaje más dinámico que he interpretado en mi vida. Ha sido un trabajo en el cual he tenido que cuidar todos los detalles, incluida la voz y el vestuario. El fracaso de la película hay que atribuírselo al momento de su estreno, con “Rambo” triunfando en taquilla. Además, había aspectos en el filme que no eran populares, como los Cuerpos de Paz, que criticaban seriamente la supremacía norteamericana. Eran unos años en los cuales nosotros pensábamos que éramos los mejores del mundo, los más inteligentes. No solamente teníamos las maravillas de la tecnología que se desarrollaban y se extendían por todo el mundo, también teníamos la libertad de expresión y la confianza en el sistema de empresa libre.

Si la película realizaba una crítica a todo lo establecido, obviamente tenía que desagradar a muchos”.

MIL VECES ADIÓS

Every time we say goodbye 1986)

Israel

Guerra/Romance 95 minutos

Productor: Jacob Kotzky y Sharon Harel

Director: Moshe Mizrahi

Guión: Moshe Mizrahi, Rachel Fabien y Leah Appet Basado en una historia de: Mizrahi

Fotografía: Giuseppe Lanci

Compositor: Philippe Sarde

Intérpretes:

TOM HANKS: David

CRISTINA MARSILLACH: Sarah BENEDICT TAYLOR: Peter ANAT ATZMON: Victoria

GILA ALMAGOR: Lea

MONI MOSHANOV: Nessin

En la película, Hanks interpreta al lugarteniente David Bradford, un americano que se ha marchado a Canadá en 1942 para unirse a la Reales Fuerzas Aéreas. La película comienza cuando, después de estar en un hospital de Jerusalén, se va a una pensión donde su capitán y el líder del escuadrón Peter Ross han estado viviendo. Ross se ha encontrado a una guapa muchacha judía con la cual planea casarse, y ella le presenta a David a su mejor amiga, Sarah, interpretada por la actriz española Cristina Marsillach de 23 años. Como judíos sefarditas, Sarah y su familia son descendientes de una tradición larga y antigua cuyos miembros comparten una atadura religiosa devota e íntima. Esto, comprensiblemente, forma una barrera en el romance de la muchacha joven con David. Las visitas familiares son horrorosas y la barrera entre ambos se hace mucho más intensa.

La presencia de Hanks agrega, por otra parte, un interés a este romance sobre un aviador americano que se enamora de una judía sefardita (Marsillach) en Jerusalén durante la Segunda Guerra Mundial.

ESTA CASA ES UNA RUINA The Money Pit (1986)

Comedia

91 minutos

Productor: Kathleen Kennedy y Frank Marshall Director: Richard Benjamin

Guión: David Giler

Intérpretes:

TOM HANKS: Walter Fielding

SHELLEY LONG: Anna Crowley ALEXANDER GODUNOV: Max Beissart MAUREEN STAPLETON: Estelle JOE MANTEGNA: Art Shirk

PHILIP BOSCO: Curly Shirk

JOSH MOSTEL: Schnittman

YAKOV SMIRNOFF: Shatov

Si la película entera hubiera consistido en una larga serie de catástrofes dentro de una casa, repetidas una y otra vez, con paredes y techos que se caen sin remedio, la película hubiera resultado insoportable al cabo de media hora. Eso es lo que pasa con “Esta casa es una ruina” justo durante los primeros 45 minutos, pero afortunadamente la última media hora nos demuestra que había algo más en el guión.

Tom Hanks y Shelley Long son ahora una pareja que necesitan encontrar una casa con bastante prisa. Han estado viviendo en el apartamento de Manhattan de su anterior marido (Alexander Godunov, como un director de orquesta), pero ahora él los ha echado y tienen que encontrar una casa rural a un precio increíblemente bajo. Cuando la encuentran, efectivamente necesita un buen arreglo, pero no se desaniman puesto que todas las casas usadas necesitan un poco de trabajo. Pero Hanks empieza a sospechar que se han equivocado tremendamente cuando cierra de golpe la puerta delantera, y se cae de sus bisagras.

Durante el resto de la película, nosotros veremos también una escalera que se derrumba, la caída de una bañera a través del suelo, y varias paredes reducidas a montones de escombros. Eso solo hasta que los expertos en arreglos llegan para la reparación. Estos profesionales tienen una respuesta habitual cuando les preguntan cuánto tiempo invertirán en el trabajo: "Dos semanas", dicen, pero se ríen misteriosamente por detrás. Por supuesto, no se olvidan de pedir dinero por adelantado y entonces se marchan en su Cadillacs y Porsches.

Si la película hubiera tratado sobre esos carpinteros, plomeros, y electricistas que tantos disgustos nos dan habitualmente, podría haber sido mejor. Pero un contratista (Joe Mantegna) como el que nos muestran apenas si nos hace reír, lo mismo que su compañero (Philip Bosco).

En cambio, nosotros conseguimos una gran cantidad de risas en otros muchos momentos. Uno de los mejores es cuando Hanks se cae a través del suelo y se queda aprisionado a medio camino, a causa de una alfombra. No se puede mover y todo lo que puede hacer es gritar pidiendo ayuda, pero nadie le oye porque está solo. Cuando Long finalmente llega a casa, él grita aún más, pero su voz apenas se oye. En ese momento se nos corta nuestra ración de risas y empezamos a tener miedo y compasión por él.

El problema mayor de esta película es que muchas de las cosas que pasan no son cómicas y en ocasiones son muy trágicas, demasiado parecidas a la realidad.

Pero la casa se salva del desastre por varios motivos. Es un triunfo del director artístico, y los especialistas de Hollywood que la diseñaron merecen alguna clase de medalla, aunque hayan puesto más interés en este aspecto que en buscar unos buenos chistes. Las grandes ocasiones de reírnos a carcajadas no abundan, aunque sí las pequeñas, y por eso no nos extraña el triunfo de este filme en taquilla.

NADA EN COMUN

Nothing in Common (1986)

Drama/Comedia 118 minutos

Productor: Alexandra Rose

Productor ejecutivo: Howard Koch Jr. Director: Garry Marshall

Guión: Rick Podell

Intérpretes:

TOM HANKS: David Basner

JACKIE GLEASON: Max Basner EVA MARIE SAINT: Lorraine Basner HECTOR ELIZONDO: Charlie Gargas BARRY CORBIN: Andrew Woolridge BESS ARMSTRONG: Donna

SELA WARD: Cheryl Ann

Tom Hanks dijo que la escena de apertura en “Nada en común” se escribió al margen del guión. Ellos tenían que improvisar una serie de escenas donde él camina por la agencia de publicidad donde trabaja, y debe hacer chistes de una persona a otra, durante todo el recorrido. Es un hombre eficaz, un verdadero carácter, cómico e inteligente, aunque si tuviéramos que trabajar en la misma oficina nos volvería locos.

La impresión es que la primera mitad de “Nada en común” parece pertenecer a otra película. Parece dividida en dos partes diferenciadas, empezando como una comedia y terminando como la historia dolorosa de un yuppie que está intentando entenderse con sus amargados y solitarios padres.

Pero en el cine las cosas no hay que contarlas como una novela, puesto que apenas si hay tiempo de mostrar con detalle a todos los personajes. Lo mejor son las historias cortas, sencillas, capaces de introducir un manojo de caracteres y llevarlos a la pantalla de forma resumida. Se comprende que “Nada en común” quiera sorprendernos insertando tragedia en medio de risa, pero el problema es que las partes serias de esta película son mucho más interesante que las partes cómicas, alguna de las cuales deberían suprimirse.

Al principio, nosotros nos encontramos a Hanks y algunas de sus amistades en la agencia de publicidad. Ellos están detrás de un contrato con una marca de cervezas, y la campaña de Hanks habla de una abuela que vuela en avión para visitar a su familia. La compañía de cerveza no tiene en buena estima a Hanks, pero a la hija del presidente, interpretada por Sela Ward, le gusta la campaña de Hanks. Le gusta también él, aunque debe competir contra una morena fascinante, la otra novia de Hanks, Bess Armstrong.

Normalmente estamos familiarizados con este tipo de película y nada más empezar nos sabemos el argumento. Pero entonces Hanks consigue una llamada telefónica y nos desconcierta.

Sus padres llevan varios años separados y Hanks debe hacer malabares con su vida y sus sentimientos. Tiene que cuidar sus negocios en la oficina, a su novia, y también al problema con sus padres, tratando de averiguar cuál es el misterio de sus vidas.

Su padre, interpretado por Jackie Gleason, es un vendedor al final de su carrera. Su madre (Eva Marie Saint) ha estado apoyando a su marido a través de los años, pero ella no quiere seguir a su lado. Como Hanks empieza a estar algún tiempo con su padre Gleason, por primera vez en años, comprende que su viejo está triste, amargado, y enfermo. En ese momento de su vida depende físicamente de él.

Gleason proporciona el centro de la película en cuanto a la seriedad, en un papel que se ha escrito con muy poco interés, y que resulta superficial. Aquí nos muestran a un hombre que ha vivido en silencio, con resentimiento contra su esposa durante años. “Ella es la última persona en el mundo con quien me hubiera gustado vivir”, le dice a su hijo. No es un cascarrabias, su esposa sí, pero ahora está francamente insoportable porque ya no tiene tiempo de rectificar. En ese momento la película gana en calidad.

Pero esos buenos momentos no continúan durante la película. Dos grandes estrellas del cine parecen estar en guerra por el liderazgo y eso se tenía que haber solucionado con los diálogos. Los hay muy buenos, lo mismo que la interpretación, pero no en cantidad suficiente.

DOS SABUESOS DESPISTADOS Dragnet (1987)

Comedia

106 minutos

Productor: David Permut y Robert K. Weiss

Director: Tom Mankiewicz

Guión: Dan Aykroyd, Alan Zweibel y Tom Mankiewicz Fotografía: Matthew F. Leonetti

Compositor: Ira Newborn

Vestuario: Taryn DeChellis

Intérpretes:

DAN AYKROYD: Sargento Joe Friday TOM HANKS: Detective Streebek

CHRISTOPHER PLUMMER: Rev. Whirley HARRY MORGAN: Capitán Bill Gannon ALEXANDRA PAUL: Connie Swail JACK O´HALLORAN: Emil Muzz DABNEY COLEMAN: Jerry Caesar KATHLEEN FREEMAN

Después de un comienzo muy interesante, con una estupenda música de fondo, se podría pensar que el filme “Dos sabuesos despistados” iba a ser una buena obra. Pero esta impresión se vino abajo pronto, primero cuando esa buena melodía fue cambiada por una estruendosa música discotequera, en la cual no pudimos diferenciar a ningún instrumento musical en concreto. Lo primero que pensamos es que súbitamente habían cambiado de director o que en la sala se habían equivocado de rollo.

Pero la causa de este brusco cambio no era casual, era premeditada y ese mismo estupor lo volvimos a notar en las escenas finales. Puede ser que alguien pretendiera un acuerdo musical con los productores de esa horrenda música y que esperaran ganar mucho dinero si la promocionaban así. En Hollywood hay gente muy lista, no vayan a creer. Lo más curioso del caso es que, salvando estos inconvenientes, la película resulta entretenida, al menos durante una hora, justo si quitamos el comienzo y el final. La película toma los ingredientes básicos de la serie de televisión “Dos sabuesos despistados” en la cual está basada, con niños incluidos, y nos la muestra ahora como una extraña historia relatada en Los Angeles con unos extraños ritos satánicos paganos. Dan Aykroyd interpreta correctamente a Joe Friday, y le consideramos como sumamente adecuado para este papel, con su traje color castaño, su sombrero y su mandíbula cuadrada de la que cuelga un Chesterfield pegado a sus labios. Tom Hanks es su compañero, el detective Streebek.

Hay una serie de asesinatos rituales en Los Angeles y los dos policías siguen las pistas que les llevan hasta un falso predicador de la Televisión que alguien apoya para que triunfe y recaude dinero. Hay también una escena de este rito pagano, muy alegre, en la cual personas extrañamente vestidas caminan y bailan alrededor de un altar en donde está la virgen Connie Swail (Alexandra Paul) preparada para un sacrificio.

Así es como ella se hace llamar, la virgen Connie Swail, aunque no sabemos de qué virginidad nos habla, puesto que en estos tiempos es raro que se refiera a esa que estamos pensando. Pero Friday se enamora de ella, y sus emociones son tan intensas que no puede cumplir perfectamente con su misión de descubrir al falso profeta.

En ese momento entra en acción el jefe Gannon (Harry Morgan) y todo empieza a complicarse. También aparecen otras caras familiares, como Jack O'Halloran, (Emil Muzz), convertido en el malvado asesino, tal cual le vimos como Moose Malloy en “Farewwll, my lovely”.

La actuación de Aykroyd es lo mejor de toda la película y creemos que se ha esforzado mucho con su trabajo para conseguir perfeccionarse, especialmente cuando nos obsequia con unas largas y bien pronunciadas frases. Hasta ahora, todo parece correcto en “Dos sabuesos despistados” y es difícil comprender los motivos por los cuales alguien quiso estropearla parcialmente, entre ellos el director de fotografía.

La película en conjunto es simpática, entretenida, y algunas escenas están muy logradas, incluso una muy prolongada en la cual los dos policías realizan una pantomima para mostrar a Harry Morgan cómo los paganos realizaron su baile. Hanks y Aykroyd tienen una fácil compenetración, bastante natural, aumentando en la medida en que el argumento progresa, permitiendo que se vean sin problemas sus personalidades opuestas. También hay que destacar los actores de reparto, casi todos correctos, como Elizabeth Ashley y Dabney Coleman.

Ésta habría sido una gran película si alguien, repetimos, no nos hubiera quitado el buen sabor de boca con un mal final y no nos hubiera machacado nuestros oídos con esos golpes al que alguien les llamaría música moderna.

BIG (1988)

Comedia

102 minutos

Productor: James L. Brooks y Robert Greenhut Director: Penny Marshall

Guión: Gary Ross y Anne Spielberg

Fotografía: Barry Sonnenfeld

Compositor: Howard Shore

Coreografía: Patricia Birch

Vestuario: Judianna Makovsky

Intérpretes:

TOM HANKS: Josh Baskin

ELIZABETH PERKINS: Susan Lawrence ROBERT LOGGIA: "Mac" MacMillan JOHN HEARD: Paul Davenport

JARED RUSHTON: Billy Kopeche DAVID MOSCOW: Young Josh

JON LOVITZ: Scotty Brennen

MERCEDES RUEHL: Mrs. Baskin JOSH CLARK: Mr. Baskin

A todo el mundo, más tarde o más temprano, le ocurre lo de esta película: se hace mayor. En esta ocasión nos muestran de nuevo un intento cinematográfico para explicarnos lo que sucede cuando un niño es atrapado en el cuerpo de un adulto. La pregunta que nos podemos hacer es la razón por la cual cuatro estudios de cine han escogido el mismo tema en unos pocos años. O la historia es muy buena o no hay imaginación en Hollywood. Es posible que hubiera cuatro guiones similares y que todos pensaran que el suyo era genial y no quisieran perder la oportunidad. Lo más reciente que hemos podido ver es “De tal palo tal astilla” y “Viceversa”.

La diferencia en “Big” es que en lugar de tener un padre para intercambiar el cuerpo con el hijo, sencillamente nos proporciona un chico de trece años que desea ser mayor, y consigue su deseo. Bueno, la idea tampoco está muy inspirada, pero al menos ahorra tiempo a los directores para explicar dos historias diferentes, (el papá en el cuerpo de niño y al revés) y nos evita tener que soportar los problemas sexuales que ya sabemos. Ahora, en cambio, nosotros seguimos al protagonista en su intento por asimilar su edad, tratando de comprender a esa generación, y por lo menos hay más tiempo para desarrollar su dilema.

“Big” describe las aventuras de Josh Baskin quien, en unas escenas primeras, nos lo muestran como un chico normal, un adolescente habitual. Él tiene una idea extraña sobre las muchachas de su edad, especialmente de aquellas que son más altas que él. En un carnaval, Josh consigue estar junto a la muchacha de sus sueños y quiere sentarse junto a ella, pero cuando lo consigue alguien le dice que no es lo suficientemente alto. Desilusionado y humillado, mucho más de lo que un joven puede asimilar, su tristeza se hace insoportable cuando ve que un muchacho más alto se va con su chica. Josh vaga fuera, abandonado y solo, y se refugia en una esquina remota en mitad del camino donde encuentra una máquina extraña que predice el futuro. Aburrido, pone una moneda dentro y cuando el mago le pregunta que pida el deseo que quiera, le pide ser mayor. A la mañana siguiente ya le tenemos convertido en Tom Hanks. En ese momento Hanks sostiene todo el filme y lo hace bien; como si realmente tuviera un cerebro de trece años y un cuerpo de treinta. Ahora trata de hacernos pensar todo lo que nos podría ocurrir a nosotros si hubiéramos encontrado un genio así (yo, les aseguro, no pediría ser veinte años mayor, quizá al revés).

Hanks se encuentra mirando sutilmente el mundo que le rodea, aunque sigue manifestando una gran habilidad para brincar y saltar, incluso en su oficina. A través de un golpe de suerte, es contratado por una compañía fabricantes de juguetes, donde su inocencia infantil le lleva pronto a promocionarse a encargado de la sección de diseño de juguetes. Él y el presidente de la compañía (Robert Loggia) son los únicos dos tipos allí a quienes realmente les gusta jugar con juguetes, y hay una escena cómica inteligente donde los dos de ellos tocan "Chopsticks" bailando en un gigantesco teclado informatizado situado en el suelo de la tienda.

La película no consigue mostrar con éxito la otra parte de la historia, en la cual la madre del niño piensa que ha sido raptado y trata de recuperarle pidiendo ayuda sin mucho entusiasmo. Pero como Hanks poco a poco consigue escalar puestos en su trabajo, llama la atención de Elizabeth Perkins, una ejecutiva de la compañía que se enamora genuinamente de su inocencia infantil, sin comprender que es realmente un niño con cuerpo de adulto. “Big” no es una película para meditar, ni una crítica social. Es solamente una oferta cinematográfica para pasarlo bien, sin complicaciones. Bien dirigida por Penny Marshall y con un guión de Ana Spielberg y Gary Ross, encontramos bastantes equivocaciones verbales simples. Aprovechándose de la inocencia del niño, logran incorporar una gran cantidad de dulzura y vulnerabilidad a sus preguntas y consejos empresariales. En esta ocasión Hanks no logra ser tan cómico como en otras, pero lconsigue proporcionar una buena diversión cuando le vemos metido en la mente de un niño.

Premios:

Nominada al mejor actor 1988: Tom Hanks

Nominada al mejor guión 1988: Gary Ross, Anne Spielberg

LO QUE CUENTA ES EL FINAL Punchline (1988)

Comedia

128 minutos

Productor: Daniel Melnick y Michael Rachmil Director: David Seltzer

Fotografía: Reynaldo Villalobos

Director musical: Daniel Allan Carlin Compositor: Charles Gross

Vestuario: Dan Moore y Aggie Lyon

Intérpretes:

SALLY FIELD: Lilah Krytsick TOM HANKS: Steven Gold

JOHN GOODMAN: John Krytsick MARK RYDELL: Romeo

KIM GREIST: Madeline Urie

PAUL MAZURSKY: Arnold

PAM MATTESON: Utica Blake TAYLOR NEGRON: Albert Emperato BARRY NEIKRUG: Krug

ANGEL SALZAR: Rico

Todos sabemos que hay multitud de locutores y presentadores de televisión que intentan ganar un poco más de prestigio y dinero empleando trucos que no siempre son del agrado del público. Locutores, y locutoras, ciertamente horrorosos, tanto como sus palabras, logran aumentar su audiencia a pesar de que el público reniega de ellos y casi les escupiría a la cara si pudieran. O hay telespectadores masoquistas o se trata del síndrome de Estocolmo.

De vez en cuando un locutor puede hacer de cómico, como Rodney Dangerfield, Jay Leno, y Garry Shandling, quienes lo suelen hacer para darle amenidad a sus programas, pero normalmente ellos y el público saben que no es lo suyo y que solamente su ego les impulsa a esa ambición para creerse, también, unos buenos cómicos. ¿Si estas personas quieren hacer de cómicos, por qué no tomaron lecciones antes?

Esta explicación viene a cuento porque “Lo que importa es el final”, es una película patética en la cual se ha desperdiciado energía y talento. La actriz Sally Field, como ama de casa y madre que sueña con hacerse una cómica de prestigio, y Tom Hanks como un estudiante de medicina fallido que también quiere entrar en la comedia, son los dos personajes principales. Ellos se encuentran en un club de comedias de mediana categoría donde Field y Hanks tienen éxito. Por eso se hacen amigos, y él intenta enseñarle sus trucos mientras que el matrimonio de ella está cayéndose en pedazos y su marido la amenaza con quedarse con los niños.

Si esta situación se hubiera tratado como payasada, podría haber funcionado. Si hubiera sido tratada en serio, también podría haber funcionado. Pero en lugar de mostrar a los personajes en serio, la película comete el error fatal de efectuar una sátira y eso que disponían de un buen material de fondo. Es un hecho, triste pero real, que ninguna de las motivaciones de Sally Field en esta película son buenas para ella, pero el guionista ha considerado que sí lo son. Y referente a Tom Hanks, lo mismo.

La estructura de la película está dirigida hacia los entusiastas de Sally Field. Nos la muestran con un gran corazón y efectividad cada vez que tiene que tomar decisiones, por lo cual al final, obviamente, consigue tener éxito. Su triunfo profesional, faltaría más, es acogido con entusiasmo por su marido y sus hijos, quienes se alegran y aprenden a aceptar la nueva obsesión laboral de mamá. Al principio nos muestran a un marido torpe, e ingrato, quien no es capaz de ver con claridad el tesoro que tiene en su casa. Poco a poco ese monstruo (John Goodman), se va convirtiendo en un tipo bueno y aunque nadie nos explica lo que ella aporta para este cambio, finalmente el milagro se realiza.

La mejor actuación de la película corresponde a Mark Rydell, el director del Comedy Club, un tipo llamado Romeo.

Allí se realiza una buena parte de la película y vemos que su personaje es el más creíble de los tres, puesto que tiene ritmo, no es un estereotipo, tiene valores humanos y hasta nos convence de las virtudes de su negocio.

El problema puede ser que la película no ejerce una crítica de nada ni de nadie y eso, cuando toca un tema social o de convivencia familiar, es criticable. El argumento necesitaba poner más entusiasmo en el aspecto psicológico de los matrimonios, especialmente en aquellos casos en los cuales el triunfo profesional de uno de los cónyuges amenaza con disgregarlo. La pregunta es si es razonable que uno de los padres sacrifique al resto de la familia por lograr un ascenso laboral. Por eso en esta película las cosas no quedan claras y no sabemos qué es lo que pretendía el guionista.

También vemos un recorrido por esos presentadores que creen que es imprescindible emplear malos chistes en su trabajo, en un intento desesperado por demostrar que pueden ser unos buenos cómicos, cuando en realidad han sido contratados como presentadores. Frecuentemente, solamente provocan risa porque una persona oculta detrás de las cámaras levanta un cartel que dice: “Risas”. El devoto público, la mayoría pagado, ríen disciplinados ante esa orden aunque el chiste sea para escupir. Nadie quiere reírse tanto con malos chistes. Las razones por la cual este público masoquista acude entusiasmado a los espectáculos televisivos y tiene que forzosamente que fingir y disimular sus propios sentimientos, es difícil de entender. Que nuestra imagen salga furtivamente en las pantallas de los televisores, para que luego los vecinos comenten que nos han visto, no es suficiente para que tengamos que reírnos con las estupideces de un presentador/a. Si usted se siente culpable por ver estos programas y forma parte de esos miles de telespectadores habituales, debería acudir a un psiquiatra.

NO MATARAS AL VECINO The 'burbs (1989)

Comedia

103 minutos

Productor: Larry Breznwer y Michael Finnell Director: Joe Dante

Guión: Dana Olsen

Intérpretes:

TOM HANKS: Ray Peterson

BRUCE DERN: Mark Rumsfield

CARRIE FISHER: Carol Peterson

RICK DUCOMMUN: Art Weingartner COREY FELDMAN: Ricky Butler

WENDY SCHAAL: Bonnie Rumsfield HENRY GIBSON: Dr. Werner Klopek BROTHER THEODORE: Tío Reuben Klopek COURTNEY GAINS: Hans Klopek

Frecuentemente nos muestran películas en las cuales alguien quiere librarse, entre risas y pantomimas, de un familiar o vecino molesto, empleando sistemas que podrían ser copiados con facilidad por asesinos sin imaginación. “No matarás al vecino” es un ejemplo de ello, en clara línea argumental de eso que fue llamado “cine negro”.

Nos habla de un grupo de vecinos, aburridos en su vida privada, que se unen por primera vez cuando una nueva familia extraña llega su barrio, y se establecen en una casa gótica medio derruida. Para los vecinos, los comentarios suponen un estímulo a sus aburridas vidas y las especulaciones sobre esas nuevas personas son variadas. ¿Quiénes son?, ¿Por qué nunca salen a la luz del día? ¿Qué ocurre por las noches en esa casa, con las ventanas del sótano encendidas y frecuentes descargas de electricidad que se pueden ver desde fuera? También hay vecinos más curiosos que se acercan para ver cómo alguien excava agujeros en el jardín, seguramente para ocultar un cadáver o mucho dinero. Nadie puede alegar que los vecinos les han molestado, pero lo que les molesta realmente es que no hablen con ellos ni quieran formar parte de su comunidad. Si quieren vivir solos, es porque algo ocultan, afirman. La realidad es que todos están contentos por esta visita siniestra en su barrio: les proporciona algo más en qué pensar que simplemente en ir a la compra, hablar mal del gobierno o planificar la boda de su hija. Pasear al perro o cortar el césped, las otras ocupaciones preferidas, han pasado a segundo plano gracias a sus misteriosos vecinos.

El protagonista de la película es Ray Peterson (Tom Hanks), quien ha empezado sus vacaciones ahora y en lugar de irse a pescar elige quedarse casa y espiar a los vecinos. Su esposa (Carrie Fisher) piensa que esto es una conducta infantil, pero sus vecinos (Bruce Dern y Rick Ducommun), unos hombres con cerebro de adolescente, también se apuntan al espionaje.

Entretanto, la película nos muestra pequeñas viñetas sobre la vida suburbana y ridiculiza hábitos normales como el vecino que permite que su perro haga sus necesidades en el césped de otras personas, y el ama de casa que gusta hacer su trabajo corriendo para no perderse la telenovela. Nada de esto es tan cómico ni novedoso como para ser mostrado en una película, en parte porque ya le hemos visto en el cine infinidad de veces.

La película estuvo dirigida por Joe Dante, un director experto en temas fantásticos, consiguiendo mezclar hábilmente sentido del humor con terror. En esta ocasión no está excesivamente bien inspirado, puesto que nos muestra situaciones cotidianas falsas, como el barrio mismo en el cual se desarrolla la acción. En esos lugares residenciales los vecinos no suelen estar unidos y más bien se conocen poco.

Es difícil, por tanto, juzgar adecuadamente esta película. Los actores efectúan correctamente su trabajo y los modestos efectos especiales son correctos, pero la película por alguna causa no logra despertar la máxima atención y entusiasmo en el espectador. La mayor desilusión es cuando nos cuentan las razones para el comportamiento extraño de esa familia, aunque en cierto modo nos esperábamos algo así.

SOCIOS Y SABUESOS Turner & Hooch (1989)

Thriller/Crimen/Comedia 97 minutos

Director: Roger Spottiswoode Guión: Daniel Petrie Jr.

Director de fotografía: Adam Greenberg

Intérpretes:

TOM HANKS

MARE WINNINGHAM

CRAIG T. NELSON:

REGIONALD VELJOHNSON SCOTT PAULIN

J.C. QUINN

Nuestro amigo Tom Hanks descubre en solitario que unos asesinos están consiguiendo ocultar su crimen porque solamente hay un testigo de su asesinato: un perro llamado Hooch. Hanks es ahora un funcionario de la limpieza y Hooch es el horrible pero simpático perro que se empeña en vivir con él. Es sucio, llena de todo de babas y suele romper todo lo que encuentra, pero mantiene una fidelidad hacia Hanks a toda prueba, sin importarle que su amo se marche a kilómetros de distancia. Finalmente, y como ya sabíamos, Tom tiene que quedarse con el perro porque le salva de los asesinos.

LA HOGUERA DE LAS VANIDADES The Bonfire of the Vanities (1990)

Comedia

125 minutos

Productor: Brian De Palma Director: Brian De Palma Guión: Michael Cristofer

Intérpretes:

TOM HANKS: Sherman McCoy BRUCE WILLIS: Peter Fallow MELANIE FRIFFITH: María Ruskin KIM CATTRALL: Judy McCoy SAUL RUBINEK: Jed Kramer MORGAN FREEMAN: Juez White ALAN KING: Arthur Ruskin

Aunque en Europa no sepamos mucho sobre esa novela de Tom Wolfe relativa a la vida de Sherman McCoy, ahora ya podemos comprender que se haya convertido en una de las leyendas urbanas favoritas de América. Este es cuento de hadas masculino, sobre un experto financiero que ha ganado millones en Wall Street y que disfrutaba de la vida con su esposa hasta que el destino dio un giro fatal a su vida, justo en el momento en que se confundió de autopista y se encontró en el Bronx Sur.

En ese momento, lo que parecía ser una comedia, se transforma en un thriller que nos pudiera ocurrir a cualquiera de nosotros. La mujer de Sherman se topó cuando conducía su automóvil con unos jóvenes negros, fuertes y malhablados, y creyó que la iban a atacar. Aterrorizada por la oscuridad y las pocas posibilidades de ser auxiliada, les atropelló con su coche y huyó.

Podía haber sido un atropello más en ese barrio o un ajuste de cuentas, pero la noticia saltó a la prensa hablando de problemas raciales. Sherman, cuya vida discurría hasta entonces plácidamente, se encontró inmerso en una gran publicidad negativa, sufrió la indignidad de ser encarcelado, y se convirtió en el blanco de los oportunistas políticos que buscaban el voto de los negros, y de los promotores negros que buscaban una excusa para reforzar su imagen.

“La hoguera de las vanidades”, era una novela salvaje y sarcástica, sobre todo en el modo en que se mostraba las motivaciones de cada personaje. Pero la película de Brian De Palma está carente de esa técnica para involucrarse en los problemas de cada uno, y parece que trata de agradar sobre seguro, evitando las críticas de los políticos. La novela no tomaba partido por nadie, ni por los blancos, ni por los negros, y solamente se mostraba agresiva con los cínicos, los oportunistas y los egoístas.

Sherman McCoy es una persona millonaria que vive en un dúplex de Park Avenue, pero no es un malvado, ni un egoísta, al menos es casi el mejor elemento de todos, pero no sabe luchar para mostrar su inocencia. Su campo de batalla idóneo es Wall Street, pero cuando se encuentra teniendo que pelear con la policía, las comunidades negras, los activistas del barrio, los políticos, y especialmente con la prensa, no sabe cómo hacerlo. La publicidad le persigue tanto como los abogados de sus enemigos, y desde ese momento para sus amigos es un malvado a quien hay que dar la espalda. La causante de todo, María Ruskin (Melanie Griffith), permanece al margen involucrándole sin piedad.

La historia es buena, con un estudio acertado de cada personaje, sus mentes y estilos de vida, mostrando cómo piensan y lo que valoran. Rodada preferentemente en exteriores, y aunque es narrada por el periodista Peter Fallow (Bruce Willis), proporciona la suficiente visión de los acontecimientos y los adecuados diálogos para que la historia fluya con rapidez.

Tom Hanks en el papel de Sherman McCoy, está correcto en su trabajo al mostrarnos dos expresiones diferenciadas: la destreza astuta y el escepticismo para ocultar el horror de lo que está viviendo. Nunca se muestra realmente como un personaje a quien podamos conocer totalmente desde los primeros momentos, y nos deja entrever que tiene escondido algo más. Al principio no nos produce simpatía y nos gusta más Melanie Griffith, como María, su señora sexy que es absolutamente carnal y desvergonzada. Poco a poco, nos parece mezquina y su marido un desgraciado por tenerla como esposa.

El personaje más débil es Fallow, el periodista, interpretado por Bruce Willis. Se supone que es un borracho, y para que no queden dudas nos lo muestran con una botella cuando sale de una limousine. El guión no realiza ningún esfuerzo para convertirlo en un personaje interesante y solamente nos deja entrever que no le gusta el oficio de reportero. Nunca le vemos abatido, ni preocupado y en su lugar se encoge de hombros y levanta sus cejas.

Otro de los personajes importantes se muestra también con superficialidad. Se trata del abogado blanco que se pone de parte de la víctima y se preocupa por su madre. Nadie nos explica lo que hacían esos jóvenes negros en una zona sombría del Bronx, ni lo que en realidad pretendían hacer a nuestros protagonistas si no llegan a escapar. Otro de los errores de Brian De Palma es el análisis del cura negro, el líder de la comunidad, quien no parece mostrar sentimiento alguno para los blancos, lo que implica un racismo incomprensible en un sacerdote.

Uno de los mejores personajes es el interpretado por Morgan Freeman, especialmente cuando golpea con un martillo en el tribunal.

Tiene un discurso delicioso al final que está lleno de ironías cuando sabemos que ha llegado al veredicto correcto, pero que las mentiras de Sherman lo ha complicado todo.

Lo que nosotros tenemos aquí es una película que gustará a los espectadores que no hayan leído la novela de Tom Wolfe. Aunque se queda en la superficie proporciona una versión resumida de la novela, aportando ironías y buenas interpretaciones.

JOE CONTRA EL VOLCÁN Joe Versus the Volcano (1990)

Comedia/Aventuras 102 minutos

Panavision

Productor: Teri Schwartz

Director: John Patrick Shanley

Guión: John Patrick Shanley

Fotografía: Stephen Goldblatt

Compositor: Georges Delerue

Efectos especiales: Industrial Light and Magic Vestuario: Colleen Atwood

Intérpretes:

TOM HANKS: Joe Banks

MEG RYAN: Patricia Angelica DeDe LLOYD BRIDGES: Graynamore

ROBERT STACK: Dr. Ellison

ABE VIGODA: Jefe de los Waponis DAN HEDAYA: Waturi

BARRY McGOVERN: Luggage Salesman OSSIES DAVIS: Marshall

AMANDA PLUMMER: Dagmar

La película “Joe contra el volcán”, comienza como algo inédito, una historia insólita dispuesta a sorprendernos. Se distancia sensiblemente de cualquier otra película conocida y no la podíamos comparar con ninguna otra. Era algo inédito. “Joe contra el volcán” no fue una película de éxito, pero al menos es original y muestra valientemente escenas y diálogos que pueden sorprender negativamente.

La película nos muestra una fábrica en la cual trabajan docenas de empleados que ven pasar sus vidas entre cuatro paredes, tubos fluorescentes y rutinas insalvables. Nos recuerdan demasiado a esas profesiones efectuadas año tras año de la misma manera y en el mismo lugar.

En la fábrica, Joe Banks está en su pequeña esquina, acobardándose con los ataques de su jefe (Dan Hedaya) y apenas atreviéndose a mirar a la guapa secretaria de la oficina (Meg Ryan), cuya máquina de escribir es tan grande que parece lista para aplastarla. Él odia su trabajo, lógico, pero no se atreve a dejarlo.

Tampoco tiene fuerzas para salir de la consulta del médico cuando le comunican que tiene un tumor en la cabeza que se está extendiendo entre los hemisferios de su cerebro. Empezará a sentir dolores dentro de cuatro o cinco meses, y entonces morirá. Esa pena de muerte es una liberación. Joe deja su trabajo y casi le ofrecen inmediatamente otro. Un hombre llamado Graynamore (Lloyd Bridges) posee una isla que es rica en un mineral raro. La isla está habitada por unos nativos que deben ser motivados a colaborar, pero parece ser que necesitan un sacrificio humano para su volcán. La oferta es sencilla, ya que puesto que Joe va a morir dentro de unos meses, no le importará sacrificarse prematuramente. Increíblemente, Joe se pone contento con la oferta porque al menos su muerte tendrá sentido. Además, en el camino logra que esa chica que le gusta se fije en él.

Al escritor y director John Patrick Shanley, le habíamos visto ya en “Hechizo de luna” de Norman Jewison, otra maravillosa historia de amor. Ahora regresa para recrearnos con unos diálogos maravillosamente expuestos. Los personajes en esta película hablan como si les gustara decir cosas que nunca antes habían dicho, con palabras que nunca habían usado antes.

Cuando se dirige a la isla, Joe se encuentra con una de las hijas de Graynamore y después con la otra. Ambas están interpretadas por Meg Ryan que tiene tres tipos diferentes de mujer: sucia, sarcástica, y deleitable. Los dos se fueron hacia los Mares del Sur. Hay un naufragio, un ejercicio de supervivencia y pronto se encuentran junto al volcán ardiente, preguntándose si ellos deben arriesgar su destino tirándose. Aunque emplean la palabra destino en lugar de muerte, todos sabemos que están hablando de morir quemados.

“Joe contra el volcán” puede ser una película estúpida que divierte y gusta, y de hecho lo es. Tom Hanks y Meg Ryan son dos actores correctos para este argumento, porque nadie en el mundo aceptaría tantos problemas con esa serenidad. Viven en un mundo insólito y ni siquiera se extrañan.

Hay escenas que llegan al delirio de lo increíble: la pareja muriéndose de sed en alta mar mientras Joe baila sin caerse al agua, lo mismo que la tribu nativa, un grupo que no puede existir nunca.

ELLAS DAN EL GOLPE A League of Their Own (1992)

Deportes/Drama/Comedia 128 minutos

Productor: Elliot Abbott y Robert Greenhut Director: Penny Marshall

Guión: Lowell Ganz y Babaloo Mandel De la historia de: Kim Wilson y Kelly Candaele Fotografía: Miroslav Ondrícek

Compositor: Hans Zimmer

Vestuario: Cynthia Flynt

Intérpretes:

TOM HANKS: Jimmy Dugan GEENA DAVIS: Dottie Hinson LORI PETTY: Kit Keller

MADONNA: Mae Mordabito

ROSIE O´DONNEL: Doris Murphy

MEGAN CAVANAGH: Marla Hooch TRACY REINER: Betty Horn

BITTY SCHRAM: Evelyn Gardner

ANN CUSACK: Shirley Baker

ANNE ELIZABETH RAMSAY: Helen Haley

Hace más de 50 años parece ser que existía una organización denominada “Liga Profesional Femenina de Béisbol”, fundada en un momento en el cual los hombres apenas existían a causa de la gran cantidad de ellos que murieron en la guerra. Las mujeres, preocupadas en ocupar sus horas de ocio, deciden crear su propio torneo el cual parece que sobrevivió milagrosamente hasta 1954, o sea, nueve años. Parece ser que a las primeras que no les interesó ver jugar a equipos femeninos fue a las propias mujeres, puesto que no acudieron apenas a los partidos.

Esta historia está escrita por algunas de estas jugadoras y aunque tampoco sirvió para motivar el interés por el fútbol femenino, al menos demostró varias cosas: una, que las mujeres tienen su propio gusto relativo a lo que quieren y no quieren ver en un deporte; y dos, que los varones no muestran mucho interés en ver jugar a mujeres en deportes que ancestralmente han sido de varones.

En esos años, parecía como si esa liga femenina pudiese lograr cierta supervivencia financiera por el buen resultado de los primeros partidos. La película nos lleva a un Chicago de mediados de siglo en donde un hombre está buscando mujeres que quieran jugar a deportes de hombres. En un área rural de Oregón, el explorador encuentra a dos hermanas, Dottie y Kit (Geena Davis y Lori Petty), una que puede coger y puede pegar, y la otra que sabe tirar pero no sabe coger las pelotas altas y rápidas. Se las lleva a Chicago junto a otras optimistas para unas pruebas, incluyendo a Madonna, Rosie O'Donnell y Megan Cavanaugh.

Un coche lleva a todo el equipo, ahora llamado Rockford, en donde el dueño (Garry Marshall)y su ayudante Jimmy Dugan (Tom Hanks), tratan de entrenarlas. A final de temporada Rockford está en la Serie Mundial contra Racine, aunque esto no es importante puesto que solamente compiten cuatro equipos en total.

“Ellas dan el golpe” sigue una fórmula habitual en las películas de deportes y tiene un surtido justo de personas extradeportivas. Vemos a una sencilla muchacha que genera confianza, a la muchacha descarada con el corazón de oro y unas hermanas celosas. Lo que verdaderamente quiere demostrar la película es lo que pasó después de la Segunda Guerra Mundial en la sociedad americana, después que los varones murieron por miles en la guerra mientras las mujeres lloraban en sus casas la ausencia. También nos habla de la mujer dócil que esperaba que su hombre la trajera el dinero para comer y de repente se encontró con la necesidad de ser ella la que se mantuviera. Para eso necesitaba ser competente y fuerte, no bastaba con una buena intención, y por eso a alguna se le ocurrió que una liga de Fútbol sería una buena opción.

Hollywood pronto arrinconó sus romances y empezó haciendo películas sobre hembras fuertes, independientes, y quiso demostrar que las mujeres podían aventajar a los hombres en los deportes profesionales. No consiguió esto último, pero al menos entretuvo a los espectadores.

La película nos recuerda este periodo tan reciente y empieza con una vieja Dottie Hinson, (Geena Davis), haciendo un viaje a Cooperstown para asistir a un homenaje de reconocimiento hacia su equipo de fútbol.

En ese momento ella misma nos explica que nunca se tomó en serio el béisbol de mujeres. Era la mejor jugadora de su tiempo, y todavía, en su mente, revive aquellos años.

Esta ambigüedad sobre el papel de una mujer probablemente está en la película porque tanto la historia como la dirección es de una mujer, Penny Marshall, y no sabe ser objetiva. Un hombre podría haber asumido que estas mujeres supieron que en esos años el béisbol podía ser importante para todos. Que no trataban de anular a los varones, sino solamente proporcionar una buena diversión para los aficionados a este deporte, en un momento en el cual apenas había hombres para jugar.

Por tanto, la película tiene un encanto realmente agridulce. Los partidos de béisbol son sencillos y correctos, aunque con las diferencias lógicas cuando juegan mujeres. La creencia de que el deporte servía para liberar a la mujer del hogar estuvo equivocada y la moraleja es que ambos, hombres y mujeres, deben luchar juntos para lograr esa pizca de felicidad que nuestra existencia nos quiere quitar.

LA FUERZA DE LA ILUSION Radio Flyer (1992)

Drama

120 minutos Panavision

Productor: Lauren Shuler-Donner Productor ejecutivo: Michael Douglas Director: Richard Donner

Guión: David Mickey Evans

Fotografía: Laszlo Kovacs

Compositor: Hans Zimmer

Vestuario: April Ferry

Intérpretes:

LORRAINE BRACCO: Mary JOHN HEARD: Daugherty ADAM BALDWIN: El rey ELIJAH WOOD: Mike

JOSEPH MAZZELLO: Bobby BEN JOHSON: Geronimo Bill TOM HANKS: Narrador

Dos hermanos jóvenes deben encontrar una manera de sobrevivir el matrimonio de su madre con un borracho abusivo y su salvación parecen encontrarla en Radio Flyer. “La fuerza de la ilusión” toca tantos temas que es difícil encontrar el argumento central y ni siquiera sabemos a qué tipo de público quiere agradar. Pudiera ser que quisieran denunciar los abusos a menores, o los problemas de los niños en hogares destrozados por padres malavenidos, aunque también podría ser que nos hablasen de la fantasía de los niños.

La película comienza mostrándonos a unos niños que viven en un mundo cruel y sin corazón.

Como todos aquellos personajes de los dibujos animados que pierden a sus padres, bien sea por secuestro, porque se les quema la casa, o porque se caen al mar, en este caso prefieren utilizar la forma más habitual: un divorcio. Bueno, esto siempre es algo triste para un niño, y nuestros personajes centrales, Mike y Bobby, son recogidos por su madre en California, donde ella se casa con un matón sádico, ebrio, que quiere ser llamado El Rey. Cuando la madre no está con ellos, a El Rey le gusta pegar al pequeño Bobby.

La madre (Lorraine Bracco) es un caso extraño, pues aunque la muestran inteligente y trabajadora, no nota que está casada con un monstruo y ni siquiera se da cuenta de los moratones de su hijo. Los niños tampoco la avisan de ello, pero empiezan a escapar equipando su carro Radio Flyer con alas y un artefacto para que vuele, y así el pequeño podrá dejar el pueblo para siempre.

Ellos están seguros de que este plan resultará. Un niño llamado Fisher navegó en una ocasión cerca de la costa con su carro corriendo cuesta abajo y volando después a través del cielo, tan alto que casi pudo tocar la cola de un avión que volaba por el valle. Por supuesto, Fisher también sufrió una caída terrible, y cuando nosotros nos lo encontramos, al final de la película, estaba inválido, pero esto no lo sabían los chicos.

Lógicamente el vuelo de los niños tiene lugar y ya vemos a Bobby lanzado colina abajo en su artilugio patético. Todos sentimos pena por él, y si muriera en el intento no nos extrañaría. Lo que sí nos dejaría perplejos es que llegara hasta la Luna, porque creemos que esta no es la manera más adecuada para escaparse de una familia horrenda.

La película, pues, ya lo dijimos, es extraña, y no sabemos a quién va dirigida, si a niños o a los adultos. A los niños no les gusta ver madres que se divorcian y se casan con monstruos, y a los adultos no les parece muy entretenido que nadie haga nada por ayudar a esos dos niños.

“La fuerza de la ilusión” parece ser que era una novela muy famosa antes de convertirse en un guión de David Mickey Evans. Para los profesionales era un buen guión, dada la incongruencia de sus elementos. Si alguien en una conferencia sobre las familias nos describiera esta película como "los abusos a un niño que se creía Peter Pan", seguro que hubiera conseguido aplausos. Pero no se puede reforzar el idealismo de los niños con quimeras imposibles de realizar. Los sueños hay que alentarlos siempre que exista una posibilidad, por pequeña que sea, de poder llegar a ellos.

Luego supimos que la historia era real, aunque en la película se cambian las cosas y se las exagera. Parece ser que la contó su hermano Mike cuando era adulto, pero no sabemos si realmente el niño voló, si murió en su intento de volar, y ni siquiera sabemos si la policía detuvo a ese padrastro por pegarle y a su madre por no ocuparse de él.

PHILADELPHIA (1993)

Drama

119 minutos

Productor: Edward Saxon y Jonathan Demme Productor asociado: Kristi Zea

Director: Jonathan Demme

Guión: Ron Nyswaner

Fotografía: Tak Fujimoto

Compositor: Howard Shore

Vestuario: Colleen Atwood

Intérpretes:

TOM HANKS: Andrew Beckett

DENZEL WASHINGTON: Joe Miller ANTONIO BANDERAS: Miguel Alvarez RON VAWTER: Bob Seidman

JOANNE WOODWARD: Sarah Beckett JASON ROBARDS: Charles Wheeler ROBERT RIDGELY: Walter Kenton PAUL LAZAR: Dr Klenstein

BRADLEY WHITFORD: Jamey Collins

Más de una década después de que el sida se identificó por primera vez como una enfermedad, “Philadelphia” llegó a Hollywood arriesgando mucho pues era la primera película de gran presupuesto que hablaba de ello. No se pretendió realizar ninguna denuncia oportunista y ni siquiera un documental dramático como habitualmente mostraba la televisión, y ni siquiera fue el intento de una productora independiente por llamar la atención. “Philadelphia” no inaugura ningún tema dramático nuevo y en cambio confía en la fórmula segura del drama en una sala del tribunal para proporcionar ansiedad y resolución a una historia que, por su naturaleza, no debería llamar la atención. Pero, además, “Philadelphia” es una buena película, incluso para aquellos aficionados que tienen antipatía por las personas con SIDA, pero que gustan de ver en pantalla a Tom Hanks, Antonio Banderas y Joanne Woodward. Es otra versión sobre los antiguos problemas raciales, en los cuales una parte de la población rechazaba a los que no son como ellos.

La historia nos muestra a Hanks como Andrew Beckett, un hábil abogado que trabaja en Filadelfia. Pronto el guionista nos dice que Beckett tiene sida y las visitas al hospital son parte de su rutina. Charles Wheeler, el socio mayoritario (Jason Robards), le da un caso que involucra al cliente más importante de la empresa, y entonces, otro abogado nota después que la frente de Beckett lleva la marca que le identifica con un cáncer de piel asociado con el sida.

Beckett queda apartado del caso y se le informa que no tiene ningún futuro con la empresa. Él sospecha que le están despidiendo por estar enfermo, lo que es cierto. Alguien comenta que Beckett trajo el sida a la oficina desde el servicio de caballeros, pero entonces Beckett toma la determinación de demandar a la empresa por el despido. Pero su empresa es tan poderosa que ningún abogado en Filadelfia quiere ayudarle, hasta Beckett finalmente encuentra a Joe Miller (Denzel Washington), uno de esos abogados que vemos en los seriales de la televisión y que suelen arreglar multas y problemas raros.

A Miller no le gustan los homosexuales, pero está de acuerdo en llevar el caso, principalmente por el dinero y la fama. El guionista nos lleva ahora al seno de las familias y a enfrentamientos en la sala del tribunal, con Mary Steenburgen que lleva la defensa de la empresa. Ella sabe que está defendiendo al malo, pero aunque odia este caso tiene que hacerlo porque la pagan por ello.

En la medida en que el caso está progresando, el centro de la película deriva hacia la enfermedad de Beckett, y en ese momento nos presentan a su amante, el guapo Antonio Banderas y su familia, sobre todo su madre (Joanne Woodward), cuyo papel es pequeño pero proporciona dos de los momentos más poderosos en la película.

El filme fue dirigido por Jonathan Demme quien intentó dar una visión distinta a un tema que empezaba ya a ser viejo. Por ejemplo, es obvio que en algún momento el concepto que la gente tiene de los homosexuales es erróneo, como le ocurre a Joe Miller (Washington), especialmente cuando ve a Hanks como un compañero humano digno de afecto y respeto. Pero “Philadelphia” no maneja esa escena de cambio con diálogos suaves o con moralejas. Lo hace en una escena inteligente y original, cuando vemos a Hanks cantando su ópera favorita, una que le identifica con su estado de ánimo. Washington no es un entusiasta de la ópera, pero entre las obras de música y las charlas con Hanks, termina entendiendo todo y su alma sufre una conversión. Lo que él ve, finalmente, es un hombre que ama la vida y no quiere dejarla.

“Philadelphia” es una buena película, y a veces más que eso, y la actuación de Hanks (en un personaje que realmente existe) es una de las mejores del año. Más tarde o más temprano, Hollywood tenía que mostrar uno de los asuntos más importantes de nuestro tiempo, y con “Philadelphia” el hielo se ha fundido.

Premios:

Oscar al mejor actor 1993: Tom Hanks

Nominada al mejor guión 1993: Ron Nyswaner

Nominada al mejor maquillaje 1993: Carl Fullerton, Alan D'Angerio Oscar a las mejores canciones 1993: Bruce Springsteen Nominada a las mejores canciones 1993: Neil Young

ALGO PARA RECORDAR Sleepless in Seattle (1993)

Romance/Comedia 104 minutos

Productor: Gary Foster

Director: Nora Ephron

Guión: Nora Ephron, David S. Ward y Jeffrey Arch De la historia de: Arch

Fotografía: Sven Nykvist

Compositor: Marc Shaiman

Productor y actor de la canción: Harry Connick Jr. Vestuario: Judy Ruskin

Intérpretes:

TOM HANKS: Sam Baldwin

MEG RYAN: Annie Reed

BILL PULLMAN: Walter

ROSIE O´DONNELL: Becky ROB REINER: Jay

RITA WILSON: Suzy

GABY HOFFMAN: Jessica

CAREY LOWELL: Maggie Baldwin Nuevamente una película dirigida y escrita por mujeres, ahora mostrándonos la versión actualizada del amor por correspondencia. Lo que hace años era habitual, ahora es una norma, y miles de personas de todo el mundo mantienen amistad entre sí vía Internet. Otros buscan su pareja acudiendo a agencias matrimoniales que aseguran “meter sus datos en una computadora”, que le dirá sin posibilidad de error quién es su pareja ideal, casualmente uno de sus clientes. También hay quien prefiere los anuncios de los periódicos como: “divorciada busca compañía masculina” o acudiendo a emisiones nocturnas de radio en busca de personas con insomnio. ¿Tienen todas estas personas una química especial que les atraiga, o encuentran su pareja porque disponen de un instinto infalible?

Esa es la esperanza explorada en“Algo para recordar” de Nora Ephron, una película romántica sobre dos personas que se enamoran en lados opuestos del continente, a través de un programa de radio. En Baltimore, Meg Ryan interpreta a una mujer que ya está comprometida con un hombre cuya única falta es que es alérgico a todo. Entonces una noche, conduciendo su automóvil, ella pone la radio y escucha un programa de gente que busca ayuda o compañía.

Mientras conduce a través de la noche, Ryan escucha la historia. El hombre (Tom Hanks) llama por teléfono y pronto sabemos que después de que su esposa murió él entró en una depresión profunda antes de coger a su hijo y llevarlo de Chicago a Seattle. Pensó que un cambio de paisaje podría ayudar, pero al parecer no lo consiguió.

Algo en la voz del hombre nos dice que su alma es diferente a lo habitual y que en realidad está transmitiendo una súplica a Ryan. Por eso ella no puede sacarse a este tipo de su mente. Entretanto, en Seattle, nosotros conseguimos saber que el personaje de Hanks es un hombre muy bueno pero muy triste, y su hijo (Ross Malinger), espera que su papá encontrará a la mujer correcta. Bueno, ya ha encontrado a una chica (Bárbara Garrick), pero como tiene una risa que se parece a una hiena, su hijo no la considera apta como madre.

Nora Ephron desarrolla esta historia como era habitual en los años 50, y de hecho muchos de los personajes son similares a otras comedias. No hay ironías, ni trucos y ni siquiera sexo, solamente es la historia de dos personas que parecen estar destinadas a unirse, como es el caso.

Se parece bastante a “Cuando Harry encontró Sally”, pero no nos muestran de nuevo ese orgasmo fingido de Ryan que ha pasado a la historia. Esta película, también mantiene a los amantes separados durante algún tiempo y aprovecha una escena para subir la tensión sensual de los espectadores, cuando Hanks mira embobado a Ryan en medio de la calle. La historia es tan romántica como las mejores películas clásicas de la Metro y tan asexuada como aquellas, ya que los besos tardan en llegar y son bastante discretos. Al final de “Algo para recordar”, nosotros estamos esperando que los amantes se encuentren en la terraza del Edificio Empire State” (igual que en “Un día en Nueva York”) y la película se reserva todo su mejor momento para entonces.

Los actores están correctos, aunque Tom Hanks parece permanecer un poco al margen y no se le nota totalmente enamorado. Meg Ryan, una actriz que parece seguir los pasos de Doris Day, vuelve a estar encantadora, con ese atractivo mágico que la convierte en la chica preferida de las familias.

Película intrascendente, pero agradable y ligeramente conmovedora.

Premios:

Nominada al mejor guión 1993: Nora Ephron, David S. Ward, Jeffrey Arch Nominada a las mejores canciones 1993: Marc Shaiman (música) y Ramsey McLean (letra)

FORREST GUMP (1994)

Drama/Comedia 142 minutos

Panavision

Productor: Wendy Finerman, Steve Tisch y Steve Starkey

Director: Robert Zemeckis

Guión: Eric Roth

Basado en a novela de: Winston Groom

Fotografía: Don Burgess

Compositor: Alan Silvestri

Efectos especiales: Ken Ralston, George Murphy, Stephen Rosenbaum, Allen Hall y Industrial Light Magic

Maquillaje: Daniel C. Striepeke, Hallie D'Amore y Judith A. Cory

Vestuario: Joanna Johnston

Intérpretes:

TOM HANKS: Forrest Gump

GARY SINISE: Lugarteniente Dan Taylor

ROBIN WRIGHT: Jenny Curran

SALLY FIELD: Señora Gump

MYKELTI WILLIAMSON: Benjamin "Bubba" REBECCA WILLIAMS: Enfermera en el Banco del Parque MICHAEL HUMPHREYS: El joven Forrest

HAROLD HERTHUM: Doctor

GEORGE KELLY: Barber

HANNA HALL: Jenny Curran de joven

JIM HANKS: Running Double

Nos encontramos con una película absolutamente diferente a todo lo conocido y en eso radica la mayor parte de su atractivo global. No hay posibilidad por encontrar referencias de ella en el pasado y ni siquiera podemos encajarla en un género concreto. El guión de Eric Roth parece sumamente sencillo pero es tan rico en circunstancias y personajes que llega a ser complejo, pero totalmente asimilable desde el primer minuto. Su héroe, interpretado por Tom Hanks, es un hombre completamente decente con un Cociente Intelectual de 75, aunque nos gustaría saber quién ha realizado esos tests para convertirle en el más engreído personaje de la humanidad.

La película, además, y esto es solo el comienzo, toca la historia norteamericana entre los años 50 a los 80, con todo respeto pero en ocasiones con severidad. Hanks consigue sobrevivir a todos los acontecimientos empleando solamente honestidad y amabilidad como armas.

También es la historia de un hombre considerado subnormal desde niño, solamente porque lleva tras de sí una ingenuidad absoluta y una carencia de hostilidad. La casa donde vive, pronto es demasiado pequeña para su imaginación y con la ayuda de su madre, quien no duda en vender su cuerpo para conseguir que traten bien a su hijo Forrest, se marcha. Ahora la película vuelve a añadir otro aliciente y nos hace meditar a todos cuando nos muestra el mundo tal y como lo ven los ojos de un hombre carente de cinismo y que toma las cosas exactamente como son. Si le observamos cuidadosamente entenderemos por qué algunas personas son criticadas por ser demasiado imaginativas o distintas. Forrest es sumamente hábil para poner a cada cosa en su sitio.

Tom Hanks era el único actor que podía interpretar el papel y es ya imposible imaginar a nadie más como Forrest, lo mismo que es imposible imaginar a otro vaquero como John Wayne. Hanks consigue dignificar a su personaje y logra una actuación equilibrada a medio camino entre la comedia y la tristeza, provocando en el espectador risas y meditaciones continuadas.

Forrest nace en Alabama en la casa de su madre (Sally Field), quien intenta corregir su postura corporal haciéndole llevar unas abrazaderas en las piernas, pero no se ocupa de su mente. Cuando a Forrest le llaman "tonto", su madre le dice que, "tonto es el que hace el tonto", aunque Forrest no consigue hacer nunca nada profundo. Por fin, cuando las abrazaderas se caen finalmente de sus piernas, empieza a correr con una energía increíble, y ya no para nunca.

Así es cómo él consigue una beca de fútbol americano para la universidad, en un momento de la historia americana en la cual hay bastante paz. La habilidad de Gump para correr le convierte en un héroe del fútbol y posteriormente por un acto de heroísmo en la batalla, le conceden la Medalla de Honor en Vietnam. Después se convierte en un apasionado del ping-pong y también triunfa, hasta que decide dejar todo y convertirse en capitán de un barco de gambas con un amigo. El negocio le sale bien y Gump se hace millonario y consigue formar parte de una compañía llamada Apple Computer. Cuando consigue el triunfo total, deja todo y corriendo una vez más regresa a su casa natal. Podría alegarse que con su Cociente Intelectual de 75 Forrest nunca habría podido conseguir todo eso, pero si analizamos lo que en realidad son estas pruebas veremos que solamente sirven para engañar a padres y profesores. Forrest no sabe realmente ni entiende lo que le pasa. Solamente entiende lo que necesita saber, y el resto ni siquiera entra en su cerebro porque es como basura sin interés. Incluso entiende lo que es el amor, pero no se enamora de la mejor chica, según los esquemas habituales, sino de la chica que ama, así de sencillo. El único problema es que Jenny, la muchacha de la cual se enamora, no está enamorada de él y prefiere complicarse la vida con las drogas, la prostitución y los hombres malvados. Cuando ella le dice: "Forrest, tú no sabes lo que es el amor", nos demuestra su gran ignorancia sobre esa palabra

La película se vuelve más ingeniosa cuando Forrest realiza su gira en la historia reciente americana. El director, Robert Zemeckis, tiene gran experiencia con la magia de los efectos especiales y aquí logra, mediante sencillos efectos de digitalización, poner a Forrest con Kennedy y John Lennon, entre otros.

En una escena, Forrest está de pie al lado de la puerta de la escuela con George Wallace, y le enseña a Elvis cómo girar sus caderas. Después visita la Casa Blanca dos o tres veces, y allí está el presentador Dick Cavett con John Lennon. Otra escena con unos efectos especiales extraordinarios es cuando le vemos asistiendo a una gran concentración por la paz en el Vietnam, justo en el centro de Washington. También se usan efectos especiales para lograr que veamos sin piernas a su amigo del Vietnam, el Teniente de Forrest (Gary Sinise), un Ron Kovic bastante convincente cuando pierde sus piernas.

Premios:

Oscar a la mejor película 1994: Wendy Finerman, Steve Tisch, y Steve Starkey Oscar al mejor actor 1994: Tom Hanks

Nominada al mejor actor secundario 1994: Gary Sinise

Oscar al mejor director 1994: Robert Zemeckis

Oscar al mejor guión 1994: Eric Roth

Nominada a la mejor dirección artística 1994: Rick Carter y Nancy Haigh Nominada a la mejor fotografía 1994: Don Burgess

Oscar al mejor filme editado 1994: Arthur Schmidt

Nominada al mejor maquillaje 1994: Daniel C. Striepeke, Hallie D'Amore, Judith A. Cory Nominada a la mejor música 1994: Alan Silvestri

Nominada al mejor sonido 1994: Randy Thom, Tom Johnson, Dennis Sands, William B. Kaplan

Nominada a los mejores efectos de sonido 1994: Gloria S. Borders, Randy Thom Oscar a los mejores efectos visuales 1994: Ken Ralston, George Murphy, Stephen Rosenbaum, Allen Hall

APOLLO 13 (1995)

Drama/Desastre 135 minutos

Super 35

Productor: Brian Grazer

Director: Ron Howard

Guión: William Broyles Jr. y Al Reinert

Basado en el libro “Lost Moon” de: Jeffrey S. Kluger y Jim Lovell Música: James Horner

Intérpretes:

TOM HANKS: Jim Lovell

BILL PAXTON: Fred Haise

KEVIN BACON: Jack Swigert

GARY SINISE: Ken Mattingly

ED HARRIS: Gene Kranz

KATHLEEN QUINLAN: Marilyn Lovell MARY KATE SCHELLHARDT: Barbara Lovell EMILY ANN LLOYD: Susan Lovell

Hay un momento en las primeras escenas de “Apolo 13” cuando el astronauta Jim Lovell está leyendo la prensa durante una gira por el Kennedy Space Center, en la cual presume que ellos tienen una computadora que encaja bien en su cuarto y que puede mandar millones de instrucciones. Ahora, muchos años después, esa gran computadora es un pequeño juguete comparado con nuestros ordenadores personales.

“Apolo 13” no es solamente una historia épica, sino algo que motiva a la reflexión, y una de ellas es ese gran proyecto americano para viajar por el espacio que hoy nos parece poco más que un ultraligero volante. Ciertamente, si lo comparamos con el vuelo de Lindbergh a través del Atlántico, en ese avión de juguete, el Apolo es un gran aparato, pero ahora es una reliquia tecnológica con la cual no iríamos ni al Caribe. Y es que la tecnología deja obsoletos en cuestión de meses los mejores progresos y por eso es normal que sintamos pena por esos hombres que viajaron en el Apolo 13, aunque estamos seguros que dentro de cincuenta años nuestros descendientes sentirán pavor cuando sepan cómo viajábamos en nuestros aviones de hoy.

“Apolo 13” no toca el aspecto tecnológico del vehículo espacial. Muy al contrario, nos habla del programa espacial de entonces como una cosa extraordinaria, algo para estar orgulloso, y de aquellos que viajaron al espacio como unos valientes e inteligentes exploradores.

Esas cualidades nunca fueron demostradas más dramáticamente que en esa misión del Apolo 13 en abril de 1970, cuando un tanque de oxígeno explotó mientras viajaban a la Luna. Los tres astronautas a bordo, Jim Lovell, Fred Haise y Jack Swigert están considerando la posibilidad de ser abandonados en el espacio. Su oxígeno se está acabando, y entonces se envenenarían con el propio CO2 de sus pulmones, aunque también podrían morir congelados al fallar la calefacción. Si de algún modo ellos pudieran hacer llegar la nave a la atmósfera de la Tierra, tendrían que hacerlo en ángulo recto. También hay el problema de la entrada en la atmósfera y es posible que se incineren, sin olvidar que pueden caer encima de una montaña y morir aplastados. Parece una exageración del guionista para hacernos sufrir, pero fue la realidad.

La película de Ron Howard está dirigida con sumo detalle, especialmente en los asuntos técnicos de la nave y en las oficinas de la NASA. Afortunadamente no ha cometido el error de añadir ningún detalle cinematográfico para aumentar la emoción y se limita, con suma habilidad, a contar la historia con todos los datos reales disponibles.

Por eso la película convence, porque todos los detalles están cuidados al máximo y hasta las escenas del espacio son reales, rodadas por una estación espacial. Para los realizadores fue una experiencia misteriosa, tratando de vivir lo que esos hombres habían sufrido hace años. Los innumerables detalles son exactos a la realidad, tanto en cuanto a los trajes de los astronautas, la nave espacial, el despegue, la cabina de los astronautas, las vistas del espacio, la vista cuando se está perdiendo el oxígeno, incluso la grabadora que flota en el aire mientras suena la música. Todas estas imágenes son idénticas al documental que se rodó en su momento, y eso sucede durante toda la película. Howard ha querido mostrar cada detalle real del Apolo 13 y no aportar nada nuevo o falso. Tampoco fueron usados los planos de ese documental real, salvo algunas escenas del espacio exterior, y todo fue creado mediante efectos especiales, maquetas y animación, incluso la ingravidez de los actores.

Los astronautas son interpretados por Tom Hanks (Lovell), Bill Paxton (Haise) y Kevin Bacon (Swigert). El piloto original para esta misión del Apolo 13 era Ken Mattingly (Gary Sinise), quién se quedó en tierra porque se había expuesto al sarampión. La figura más importante en el Centro de Mando de Houston es Gen Kranz (Ed Harris). La película empieza con la selección por sorpresa del grupo de Lovell para la tripulación del Apolo 13. También nos presentan a los miembros de sus familias, particularmente a Marilyn Lovell (Kathleen Quinlan). Ninguno es importante para el vuelo, pero el guionista nos quiere demostrar que en esa nave van personas con sentimientos. Posteriormente nos muestran su entrenamiento, y entonces comienza la fallida misión, tanto en el espacio como en tierra. Kranz, el personaje de Harris, es el cerebro que está en la Tierra para conseguir que el Apolo 13 puede volver entero.

Alguien descubre que existe una posibilidad: encerrarse en la cápsula espacial, y pasar a los astronautas al Módulo de Desembarco Lunar, como si fuera un bote salvavidas del espacio. La atracción lunar es ya muy grande y apenas si disponen de unos minutos para regresar, especialmente porque las baterías de la cápsula principal están debilitadas y son indispensables para proporcionar la energía del movimiento salvador.

Entretanto, a alguien se le ocurre utilizar el filtro de CO2 para aprovechar sus materiales y así, poco a poco y con mucho susto en el cuerpo, el Módulo gira alrededor de la Luna y se dirigen a casa. Como el final ya lo saben porque lo contó la prensa a su debido tiempo, les podemos asegurar que llegaron sanos y salvos.

Ron Howard se ha convertido en un director especializado en contar historias que involucran a grandes grupos de personas y en ellas no se han olvidado nunca sus cualidades y problemas humanos. Cada personaje está tratado con sumo cuidado y el conjunto de todos sus problemas le proporciona solidez a la historia sin confusión alguna. Con “Apolo 13”, Howard decide correctamente que la historia está principalmente en la misión y bastante menos en los problemas familiares de los astronautas, aunque se conceda algún respiro para mostrarnos lo mucho que sufren las esposas sentadas cómodamente enfrente del televisor que da las noticias. En una de estas escenas, la esposa de Lovell le dice a su hijo: "Algo se estropeó en la nave espacial de papá y va a tener que volver a la Tierra sin posarse en la Luna”. Esto se supone que debe ser dramático para el hijo pero dicho así no parece muy serio.

Ésta es una buena historia, una de las mejores películas de ese año, con un mérito añadido porque mantiene la tensión aunque ya sabemos el final. Narrada con gran claridad y estupendos detalles técnicos, no cometió el error de hacer patriotismo norteamericano exagerado. Nos habla, simplemente, de unos hombres que tenían que hacer un trabajo de colosos, una historia épica de la humanidad, y nos la cuenta para que nos sintamos orgullosos.

Premios:

Nominada a la mejor película 1995: Brian Grazer - Producer

Nominada al mejor actor secundario 1995: Ed Harris

Nominada a la mejor actriz secundaria 1995: Kathleen Quinlan

Nominada al mejor guión 1995: William Broyles Jr., Al Reinert

Nominada a la mejor dirección artística 1995: Michael Corenblith, Merideth Boswell Oscar al mejor filme editado 1995: Mike Hill, Dan Hanley

Nominada a la mejor música 1995: James Horner

Oscar al mejor sonido 1995: Rick Dior, Steve Pederson, Scott Millan, David MacMillan Nominada a los mejores efectos visuales 1995: Robert Legato, Michael Kanfer, Leslie Ekker, Matt Sweeney

TOY STORY (1995)

Fantasía/Animación por computadora 80 minutos

Productor: Ralph Guggenheim y Bonnie Arnold

Director: John Lasseter

Guión: Andrew Stanton, Joel Cohen, Alec Sokolow y Joss Whedon Historia de: John Lasseter, Peter Docter y Joe Ranft Animación por: John Lasseter

Modelos de: John Lasseter

Intérpretes:

Voces de:

TOM HANKS: Woody

TIM ALLEN: Buzz Lightyear DON RICKLES: Mr. Potato Head JOHN MORRIS: Andy

JIM WARNEY: El perro Slinky WALLACE SHAWN: Rex

JOHN RATZENBERGER: Hamm

El juguete favorito de un muchacho es un muñeco vaquero llamado Woody. Todo parece en orden hasta que en la fiesta de su cumpleaños llega otro nuevo juguete, moderno y hablador, llamado Buzz Lightyear, un astronauta de alta tecnología anunciado repetidamente en la televisión.

“Toy story” es una de las mejores películas de la factoría Disney y una revolución en el modo de realizar películas para niños. Se trata esencialmente de una película para adultos (me entusiasmé con ella tanto como el resto de los niños), que logra igualmente hacer pasar un rato inolvidable a los niños. En ella nos habla de amistad, celos, compañerismo a ultranza, y fantasía, sin olvidar incluir al malvado, en esta ocasión un niño que disfruta rompiendo los juguetes. También nos habla de la necesidad de aceptar al diferente, aunque tenga una mente tan fantástica como Buzz Lightyear.

Tanto la persona de Woody, el vaquero desplazado, como el de su rival Buzz Lightyear, están extraordinariamente dibujados, tanto en sus sentimientos como en las expresiones faciales y el lenguaje que utilizan para hacerse entender. El resultado final supera con creces a la perfección de los dibujos animados, aunque de momento no parece que el resto de los estudios quieran prescindir de su departamento de animación manual. Aunque presentada por Disney, fue producida por el innovador Pixar Studio. El director Lasseter recibió un oscar especial para este hito de la animación.

Premios:

Nominada al mejor guión 1995: Joss Whedon, Joel Cohen, Alec Sokolow y John Lasseter. Sobre la historia de: Peter Docter, Joe Ranft, Andrew Stanton

Nominada a la mejor música 1995: Randy Newman

Nominada a las mejores canciones 1995: Randy Newman (música y letras)

THE WONDERS

That Thing you do (1996)

Romance/Comedia 110 minutos

Productor: Gary Goetzman, Jonathan Demme y Edward Saxon Guión y dirección: Tom Hanks

Director de fotografía: Tak Fujimoto

Vestuario: Colleen Atwood

Orquestación musical: Howard Shore

Intérpretes:

TOM EVERET SCOTT: Guy Patterson LIV TYLER: Faye Dolan

JOHNATHAN SCHAECH: Jimmy STEVE ZAHN: Lenny Haise

TOM HANKS: Señor White

CHARLIZE THERON: Tina

RITA WILSON: Magueritte

CHRIS ISAAK: Tío Bob

PETER SCOLARI: Troy Chesterfield

“That Thing You do” es la primera película escrita y dirigida por Tom Hanks, y es c asi tan sencilla y fulgurante como los personajes que ha interpretado anteriormente. La película puede ser inconsecuente, pero posee una gran fuerza. Sin arrastrar ni profundizar en matices muy complejos, nos recuerda con sentimiento un tiempo y un lugar. El tiempo, es el verano de 1964. El lugar, Erie, Pennsylvania, donde la vida para la mayoría de las personas jóvenes se centra alrededor de la música, alrededor de los archivos de la biblioteca, alrededor de la radio, y sobre todo alrededor del fenómeno increíble de Los Beatles. Es el tipo de mundo donde el dueño de una tienda de música llega a decir que no le gusta vivir en un país donde se siente obligado a trabajar los domingos. El hijo del dueño, Guy Patterson (Tom Everett Scott), trabaja en la tienda, pero también dedica tiempo a buscar archivos musicales escondidos en la tienda para incorporarlos a su grupo. Sus amigos han empezado a trabajar pero un pequeño desastre les obliga a plantearse tener que renunciar a tocar en la fiesta de graduación de fin de curso. Trabajando duro, Guy cambia el sonido del grupo hasta que consigue que se parezcan a Los Beatles.

Ellos tienen una canción, escrita por su vocalista Jimmy (Johnathon Schaech), titulada “That Thing You do”, y parece ser una buena melodía porque nos suena enormemente familiar. Poco a poco el grupo mejora su calidad musical, lo mismo que la canción, y pronto están firmando contratos para recorrer Pennsylvania con un agente artístico.

El grupo realmente consigue un buen resultado cuando el gerente del Play-Tone (Tom Hanks) los oye, les firma un contrato para una gira, y se marchan todos a Hollywood. Entretanto, su primera grabación está en los primeros puestos de la revista Rolling Stone y su fotografía figura ya en las noticias de televisión.

Entretanto, quizá inevitablemente, los miembros del grupo tienen problemas entre sí. El cantante trae a su novia (Liv Tyler) pero la trata fríamente y cuando el grupo aparece en la televisión, alguien avisa que: "Cuidado, chicas, está comprometido", y eso lo enfurece. La chica también se enfada porque le recuerda que le ha dado miles de besos y eso, según ella, es una inversión que quiere recuperar con una boda. Un miembro del grupo se alista en el ejército, otro se escapa a Las Vegas para casarse, y el ejecutivo veterano acepta esto como un hecho de la vida: “Quizá ellos solamente deseaban ser admirados. Afortunadamente, hay otros grupos esperándome”.

Algunas buenas escenas se desarrollan en Hollywood cuando el conjunto está separándose y Guy dispone de tiempo libre. Allí se encuentra con su antiguo ídolo, el gran ejecutor de jazz Del Paxton (Bill Cobbs), y consigue unirlo en una sesión, aunque aprende una lección básica: "los grupos van y vienen". No es muy filosófico el razonamiento pero es cierto. También se encuentra con una camarera amistosa (Rita Wilson) quién le hace algunas ofertas sutiles que son devueltas con la misma sutileza.

En los anales de la música rock, 1964 fue uno de los años más inocentes. El conjunto de esta historia se separó debido a los problemas con las novias, no por las drogas o los asesinatos. Cualquier persona lista y con un poco de dinero podía fundar su propia compañía de grabación, y conseguir que sus discos fueran escuchados, simplemente visitando periódicamente a los pinchadiscos.

TIENES UN EMAIL You Have mail (1997)

Director: Nora Ephron Guión: Delia Ephron Fotografía: Rob Hahn Música: George Fenton

Intérpretes:

TOM HANKS MEG RYAN

GREG KINNER

Ellos trabajan en lo mismo, pues son dueños de una librería, aunque Hanks es el propietario de una gigantesca empresa que absorbe y anula a cualquier pequeña tienda de barrio. Y justo enfrente de su nuevo gran hipermercado del libro está el modesto negocio de Ryan, quien ha perdido el sueño y los clientes desde que ve hundirse poco a poco su negocio familiar.

La casualidad hace que ambos se conozcan gracias al correo electrónico y que se envíen emails afectuosos en los cuales demuestran que son almas gemelas. Cuando deciden conocerse el amor ha comenzado a nacer entre ellos, pero en su primera cita Hanks descubre que su enamorada es la dueña de esa pequeña librería que está movilizando a la prensa en su contra.

I AM YOUR CHILD (1997) TV

Director: Rob Reiner

Intérpretes:

MEL BROOKS

BILL CLINTON

HILLARY R. CLINTON BILLY CRISTAL

MUCHAEL J. FOX

TOM HANKS

CHARLTON HESTON

SALVAR AL SOLDADO RYAN Saving private Ryan (1998)

Amblin Entertainment DreamWorks SKG Paramount Pictures Guión: Robert Rodat

Música: John Williams

Director: Steven Spielberg

Efectos especiales: Industrial Ligth & Magic.

Intérpretes:

TOM HANKS: Capitán Miller TOM SIZEMORE: Sargento Horvath EDWARD BURNS: Reiben

BARRY PEPPER: Jackson

ADAM GOLDBERG: Mellish

Basado en un drama del Segunda Guerra Mundial, unas fechas después del desembarco de Normandía, los soldados americanos intentan salvar a su camarada, el paracaidista James Ryan (Matt Damon) que ha quedado atrapado detrás de las líneas del enemigo. Esta batalla privada del Capitán Miller durante un fin de semana en la playa de Omaha, está superando todas las expectativas de recaudación y en solamente el primer fin de semana ha recaudado 23.6 millones de dólares, alcanzando en los primeros diez días 73.6 millones. Su director, Steven Spielberg, recrea con bastante acierto el drama épico de la Segunda Guerra Mundial, y ha conseguido catapultar al éxito a Tom Hanks y Matt Damon. Buenas escenas épicas en la recreación del desembarco en Normandía, que ha sido reproducido bastante acertadamente en las costas de Irlanda.

Rodada en blanco y negro.

DE LA TIERRA A LA LUNA From the earth to the moon (1998)

Serie de televisión

Escrita por. Tom Hanks, Graham Yost y Al Reinert, entre otros.

Dirigida por: David Carson, Tom Hanks, Sally Field y Frank Darabont, entre otros.

Intérpretes:

TOM HANKS: Jean Luc Despont JERRY HARDIN: Ben Taylor MARK HAMON: Wally Schirra MIKE HARDING II: Dick Thorson

"Nunca mires atrás en la vida". Esta frase, no muy original, fue dicha por Pete Conrad en 1985, cuando Tom Hanks le visitó en su oficina de la McDonnell Douglas Corporación en Playa Larga, California.

“Nosotros estábamos discutiendo cómo sería la vida en la Luna y cómo nos sentiríamos si pudiésemos ser una de las 12 personas escogidas para establecer allí la primera colonia. En medio de la conversación, Pete me dijo que nunca hay que tomar referencias del pasado para planificar el presente y que todo lo que hay que hacer es ponerse un nuevo desafío. En ese momento, yo me imaginé ya siendo uno de esos hombres que daban un paseo por la Luna”.

Por supuesto, cuando llegó el Apolo, Pete Conrad pareció cambiar su criterio sobre los viajes espaciales. Durante algún tiempo él, Dick Gordon y Al Bean, estaban montando un gigantesco Saturno V que bombardearía con cohetes cuando una nave espacial apareciera en pantalla. También estaban diseñando un desembarco del Módulo Lunar en el Océano de las Tormentas, mientras el cohete quedaba oculto en la superficie en una nube de polvo lunar.

Hay otros muchos cuentos de Conrad, y que involucran a los otros 23 viajeros de la Luna que rivalizan en esta historia de ciencia ficción. Ellos cuentan su temor al ver la Tierra encojerse de tamaño ante sus ojos, mientras aparece el paisaje lunar severo y magnífico, simultáneamente con la ingravidez de su vehículo. Después hablan sobre cómo se ha alejado uno de sus compañeros hasta desplazarse al borde de una montaña lunar, con su imagen que apenas es ya una pequeña mancha en la distancia. Y también sobre la confianza que han puesto en los esfuerzos de 400.000 americanos, para que toda la misión lograra realizarse correctamente y pudieran volver luego a casa. Ellos se consideran simplemente unas personas que han sido más allá que el resto de los humanos.

Todavía me asombra, después de todo este tiempo, que estas historias no sean ya ciencia ficción, y que realmente tuvieran lugar. Pruebe este experimento simple: la próxima vez que vea la Luna, dedique un momento para mirarla y recuerde a las personas que han estado allí.

Piense sobre las personas que en la Tierra han logrado que eso pasara, y que han conseguido demostrar que los seres humanos podemos hacer cosas aparentemente imposibles. Estas personas han construido máquinas magníficas que están ahí como monumentos de la ingeniosidad humana. Ellos lo hicieron posible porque dedicaron su trabajo a perfeccionar las obras del ser humano, en una labor que comenzó hace cuatro millones y medio de años atrás, con el nacimiento del sistema solar. Y ellos le dieron una oportunidad a la humanidad para mirar su planeta desde otro lugar lejano, a varios miles de millas de distancia, en un lugar iluminado por el Sol y que nos permite mirar lo hermosa que es la Tierra.

Aun ahora, después de tres décadas (este año marca el trigésimo aniversario del primer vuelo alrededor de la Luna, con el Apolo 8), el pensamiento de los seres humanos que dejan su planeta para visitar otro mundo evoca nuestros sentimientos más básicos. El tiempo no ha oscurecido el poder de la historia del Apolo.

“De la Tierra a la Luna” es una gran serie para la televisió n. Si usted puede recordar algunos documentales reales sobre las hazañas espaciales, la serie ha ofrecido una oportunidad para volver a vivir la aventura. Si era demasiado joven en ese momento, o no había nacido todavía, deberá aprender rápidamente ese capítulo de nuestra historia. En esos increíbles años cualquiera podría salir de noche, mirar la Luna, y ver un destino para los seres humanos.

En estos episodios no nos cuentan principalmente una historia de máquinas, ni tampoco de los astronautas, pues no es justo que los ingenieros y los técnicos contratados alrededor del país, que intervinieron en la construcción de la nave espacial Apolo, y del Saturno V, así como los técnicos de la NASA que ejecutaron el inmenso programa, no sean mencionados. Del mismo modo hay que tener en cuenta a los científicos que planearon la exploración de la Luna, a los médicos y a todos cuantos ayudaron a que esos astronautas pudieran poner sus pies en la superficie lunar. .

Cuando esta crónica se escribió no había ningún plan firme para enviar a un hombre a la Luna, pero tarde o temprano ocurrirá.

Las hazañas del Apolo son solamente el comienzo de una historia que nunca acabará; y pronto los seres humanos podrán viajar a otros planetas e incluso a las estrellas.

Es poreso que la serie “De la Tierra a la Luna” es tan excitante.

TOY STORY 2 (1999)

Walt Disney productions Pixar Animation Studios Production Notes/Status

Director: Colin Brady, Ash Brannon Productor: Ralph Guggenheim

Intérpretes (voces):

TOM HANKS: Woody

TIM ALLEN: Buzz Ligtyear DON RICKLES: Señor Patata

LA MILLA VERDE The Green Mile (1999)

Castle Rock Entertainment Warner Bros.

Director: Frank Darabont

Basada en la novela de: Stephen King Producida por: David Valdes

Intérpretes:

PATRICIA CLARKSON: Melinda Moores TOM HANKS: Paul Edgecombe

GRAHAM GREENE II: Arlen Bitterbuck JAMES CROMWELL: Hal Moores MICHAEL DUNCAN: John Coffey

Ahora nuestro héroe es un funcionario de prisiones, pero de un lugar en el cual los condenados deberán recorrer casi una milla antes de ser ajusticiados. Es un pasillo de la muerte de color verde, como una burla para que la puedan ver mientras esperan su triste destino. Pero Paul hace amistad con uno de los presos, un gigante negro a quien han condenado por matar a unas niñas, y pronto se da cuenta de dos cosas: ese hombre es inocente y posee, además, poderes para curar a las personas y los animales.

NÁUFRAGO

The castaway (2000)

Productora: DreamWorks SKG Production Notes/Status

Director: Robert Zemeckis Escrita por: William Broyles Jr.

Intérpretes: TOM HANKS

Un hombre queda abandonado en una isla desierta y pronto empieza a sentir la muerte rondar a su alrededor.

DINO (2000)

Production Notes/Status Warner Bros

Guionista: Nicholas Pileggi

Director: Martin Scorsese

Productor: Bárbara De Fina, Jerry Weintraub

Intérprete:

TOM HANKS: Dean Martin

Está basada en la vida y la época como leyenda de la pantalla, del cantante y actor Dean Martin. La película se titula Dino, debido a su apodo.

FILMOGRAFÍA CON SU TÍTULO ORIGINAL

Toy Story (1995) voz de Woody

Apolo 13 (1995) como Jim Lovell

The Celluloid Closet (1995) Entrevista

Forrest Gump (1994) como Forrest Gump

Sleepless in Seatle (1993) como Sam Baldwin

Fallen Angels (1993) serie de TV

Philadelphia (1993) como Andrew Beckett

At Risk (1992)

A League People Like Us (1993)

Of Their Own (1992) como Jimmy Dugan

Radio Flyer (1992) como Older Mike

The Bonfire of the Vanities (1990) como Sherman McCoy Joe Vesus the Volcano (1990) como Joe Banks

Turner & Hooch (1989) como Scott Turner

The Burbs (1989) como Ray Peterson

Big (1988) como Josh Baskin

Punchline (1988) como Steven Gold

Dragnet (1987) como Pep Streebeck

The Money Pit (1986) como Walter Fielding

Every Timi We Say Goodbye (1986) como David

Nothing in Common (1986) como David Basner

The Man with One Red Shoe (1985) como Richard

Volunteers (1985) como Lawrence Bourne III

Bachelor Party (1984) como Rick Gassko

Splash (1984) como Allen Bauer

The Dollmaker (1984) (TV)

Mazes and Monsters (1982) (TV) como Robbie

Dungeons and Dragons (1982) (TV)

Bosom Buddies (1980 82) (TV) serie como Kip “Buffy” Wilson He Knows You´re Alone (1980) como Elliot

Blood Wedding (1980)

Otros filmes

Camino a la perdición 2002

Atrápame si puedes 2002

The ladykillers (2002

Polar exprés (2004)

La terminal (2004)

El código Da Vinci (2006)

Charlie Wilson’s War (2007)

The Great Buck Howard (2008)

Toy Story 3 (2010)

Larry Crowne (2010)

Extremely Loud and Incredibly Close (2011) Triple Frontier (2011)

Cloud Atlas (2012)

It (2012)