TOM CRUISE

© Adolfo Pérez Agustí

TOM CRUISE

Cuando este popular actor aún era muy joven, se convirtió poco a poco en una superestrella de Hollywood en los años ochenta, quizá la estrella más poderosa de su generación. Comenzando su participación en el cine con el filme “Amor sin fin”, alcanzó su primer éxito entre las chicas cuando interpretó a un guapo y loco cadete en “Taps, más allá del honor” (1981). Después afianzó su estrenada popularidad en la sátira sobre los problemas sexuales de un adolescente en “Risky Business” (1983) y desde entonces se le consideró un joven ansioso, engreído, sin interés por los estudios, muy en línea con los jóvenes de la época en la cual mandaba el Presidente Reagan.
Actor de cuerpo atlético, se puso algunos kilos extras para dar énfasis a la suavidad y vulnerabilidad de sus personajes. En un intento de fabricar una estrella a medida de los gustos del público, Cruce apareció en la prensa vestido con camisas, ropa deportiva y hasta tocando la guitarra eléctrica, mientras afirmaba su entusiasmo por la vieja música rock. Este cambio le proporcionó la llave correcta para alcanzar un gran éxito como estrella del cine, aún antes de interpretar una buena película. En ese momento era un tipo atractivo, pero no lo bastante buen actor como para ganarse el respeto de los críticos.

Cruise siguió intentando afianzarse en su prestigio como actor, más que en su imagen, y realizó un filme acorde con sus deseos, titulado “La clave del éxito” (1983), un drama sobre el fútbol en una escuela secundaria que solamente tuvo modestos resultados en taquilla.
Súbitamente se dejó crecer el pelo para hacer una historia de amor y hadas a las órdenes de Ridley Scott, titulada “Legend” (1985), que en su momento fue un fracaso pero que ahora es objeto de revisión. Tom no se desanimó y deseoso de ser el ídolo de la juventud de esos años interpretó lo que sería su mayor éxito en los ochenta, “Top Gun” (1986). Insolente y políticamente incorrecta, con escenas de vuelos de aviones de guerra al ritmo de melodías y explosiones, la película funcionó como un reclamo para que los jóvenes se apuntaran a la Armada, con el aliciente de un romance de amor incluido. Ningún otro papel podía estar más acorde con su carácter como el del piloto Maverick, en donde Cruise hacía de un buscavidas arrogante, armado hasta los dientes en su avión, y con una sonrisa de asesino con licencia.
Después descansaría un poco con películas menos populares como fueron “Cocktail” y “Días de trueno” en 1990, esta última junto a su esposa Nicole Kidman.
Cruise ofreció a sus admiradores una caracterización más rica como hombre joven, arrogante y con talento, al lado de Paul Newman, en la obra de Martin Scorsese “El color del dinero” (1986). Después consolidó sus credenciales dramáticas más serias en el filme “Rain Man” (1988), en que sostuvo a su oponente ganador de un Oscar al Mejor Actor, Dustin Hoffman. Un año más tarde, con la obra de Oliver Stone “Nacido el cuatro de julio” (1989), consiguió una nominación al Oscar como Mejor Actor por su interpretación como el activista Ron Kovic, que se opone a las acciones guerreras.
Tres años más tarde defraudó a todos con la película “Horizontes lejanos” (1992), un romance épico sobre la vida de los colonos irlandeses que vivían en la frontera de Río Grande, teniendo nuevamente como compañera a Nicole Kidman.
Esemismo año interpretó a un oficial inmerso en un consejo de guerra en “Algunos hombres buenos” (1992), junto a Jack Nicholson y al año siguiente hizo de abogado en el filme “La tapadera” (1993) con un éxito irregular.

BIOGRAFÍA

Nombre de nacimiento: Thomas Cruise Mapother IV Nacimiento: 3 de julio de 1962 en Syracuse, Nueva York Estudios: Glen Ridge High School

Carismático y atractivo en sus papeles de adolescente en los primeros años de los 80, Tom Cruise es un atlético y puerilmente guapo actor que alcanzó un nuevo prestigio cuando se hizo adulto. En los 90 era ya una indiscutiblemente estrella del cine, quizá la más poderosa de su generación, sólo cuestionado su liderazgo por Harrison Ford, algo más canoso que Cruise pero indudablemente un valor seguro en taquilla.
Con sus casi veinte películas, es ya un veterano del cine que ha llegado a cobrar dos mil millones de dólares por interpretar la primera parte de “Misión: imposible” durante el verano de 1996. Para muchos, las habilidades de este actor todavía no han llegado a la cima y puede que nos reserve más de una sorpresa.

Después de tener una niñez en la que tuvo que ser asistido por un problema de dislexia, enfermedad de la cual se curó casi totalmente a los 12 años de edad, Cruise fue internado en un seminario franciscano para realizar sus estudios secundarios, lugar donde empezó a asistir a clases de arte dramático, representando pequeñas obras escolares. También sintió afición al deporte y se interesó vivamente por la lucha libre, aunque se vio en la necesidad de abandonarla prematuramente cuando se le declaró una lesión en el menisco.

“Mi problema con la dislexia no se acabó en mi niñez, puesto que cuando llegué al cine seguía con este problema. Me llevaba mucho tiempo aprender los diálogos porque me saltaba de una línea a otra o leía hacia atrás. De todas formas, lo cierto es que ahora estoy curado y pienso que es posible que en su momento los médicos hicieran un diagnóstico erróneo y solamente cuando conocí la Cienciología comprendí el verdadero origen de mi mal”.

En esa época ya tenía cierta experiencia en el mundo del teatro y podemos considerar que su primer papel serio fue como Nathan Detroit en una producción de la escuela secundaria titulada “Tipos y Muñecas” (Guys and Dolls), obra que por cierto fue llevada al cine con Marlon Brando y Frank Sinatra y que se tituló “Ellos y ellas”.
Cuando aún no tenía 20 años y ya residente en la ciudad de Los Angeles, se presentó en la agencia “Artistas Creativos” y allí parece ser que logró entusiasmar a Paula Wagner, una agente artístico que guiaría su carrera inmediatamente. Su mediación le permitió debutar con un pequeño papel en la película de Franco Zeffirelli “Amor sin fin” en 1981, en la que hacía de enamorado de Brooke. Como ya sabemos, la película es totalmente impresentable, aunque fue suficiente como para que los productores repararan en ese joven actor con pinta de niño de papá y le dieran un papel como cadete en “Taps, más allá del honor” en 1981. Allí comparte protagonismo con Timothy Hutton y Sean Penn, dos actores tan desconocidos entonces como él.

“Cuando me presentaron por primera vez a mi agente Paula Warner, la dije que lo más importante, más que el dinero, era que me sintiera orgulloso con mi trabajo. Esa opinión la sigo manteniendo con el paso de los años y por eso cada nueva película supone un reto mayor que la anterior.
Desearía que el día tuviera más horas para poder dedicar más tiempo a perfeccionarme y estar al día en todas las nuevas técnicas que van surgiendo”.

Su papel en “Taps, más allá del honor”, como soldado cadete en una academia militar similar a la célebre de West Point, no estaba exento de patriotismo, honor y otras virtudes castrenses tan necesarias para que una película triunfe en Norteamérica. Los protagonistas tratan de ser honrados, incorruptibles, respetuosos con el enemigo, e impedirán por encima de cualquier cuestión que se cierre esa academia militar. Cruise, haría del polo opuesto, un joven a quien no le gusta la disciplina impuesta y cuyo comportamiento alocado precipita la muerte propia y la de un compañero. La película no supuso ningún acontecimiento en su momento y ni siquiera las habilidades de Cruise ligando y enamorando a las chicas protagonistas consiguieron que los productores le tuvieran en cuenta.

“Cuando asistí al estreno de “Taps”, me propuse mejorar como actor y trabajar duro para lograrlo. En lugar de desanimarme por mi actuación, supuso un revulsivo para trabajar con más fuerza de voluntad”.

Deberían pasar casi dos años hasta que un polémico director de cine llamado Francis Ford Coppola, cuya habilidad para malgastar el dinero propio y el de los estudios era ya muy popular, le propusiera formar parte del equipo de jóvenes que interpretaría“Rebeldes”, basada en una novela de Susan E. Hinton. Autor reconocido y prestigiado en el mundo entero por sus películas “El padrino” y “Apocalypse Now”, y tratando de rememorar su anterior éxito de “American Graffiti”, Coppola da una oportunidad única al joven Cruise, como antes lo hiciera con Harrison Ford. Le propone hacer un papel importante en “Rebeldes”, título correspondiente al original “Los forasteros” (The Outsiders), rodada en 1983. Tom consiguió destacar junto a un grupo muy numeroso de actores juveniles, como fueron Matt Dillon, Patrick Swayze, Rob Lowe, Diane Lane, C. Thomas Howell, Emilio Estevez y Ralph Macchio. No obstante, su trabajo fue muy elogiado por todos. En esa época, Francis Ford Coppola estaba prácticamente arruinado y ningún estudio quería dedicarle a un proyecto suyo más de dos dólares juntos. Después del fracaso de “Corazonada” en 1982, un remake de todas las películas musicales de la Metro, los estudios Zoetroppe eran poco menos que un pequeño almacén de recuerdos de épocas gloriosas. Pero no contaban con la tenacidad de este director y productor, quien confiando en sus propias ideas invierte el resto de sus ahorros en co-financiar esta película. Coppola era un adelantado a su época (ese fue casi siempre su problema) y sabía que el cine debería llenarse de jóvenes, y, por tanto, los protagonistas deberían tener su misma edad. El argumento que propuso se refería a jóvenes normales, de clase económicamente baja, habitantes de un pequeño pueblo llamado Tulsa, en el condado de Arizona. Esos chicos, entre los que se encontraba Cruise, deberían enfrentarse a los jóvenes de las clases adineradas. La película, como ya sabemos, no consiguió afianzar el perdido prestigio de su director, y los estudios Zoetroppe entraron en una irremediable bancarrota.

En 1983 Cruise consigue un papel algo más importante como un joven sensible en el filme “Losin’it” (1983) traducido con el increíble título de “Ir a perderlo y perderse”, una comedia para adolescentes, en la cual mantiene cierta relación sentimental con Shelly Long. Pero algo no funciona, porque su encasillamiento como jovencito guapo y tremendamente rebelde, estaba ya demasiado visto en el cine. Que un adolescente esté empeñado en perder la virginidad cuanto antes no es una novedad, es una norma, pero no supone un tema para tomárselo demasiado en serio. Nuevo fracaso para Cruise y de nuevo la promesa de salir cuanto antes de este tipo de comedia juvenil sin interés.

“Si hay una película que me gustaría borrar de mi memoria y de mi filmografía, es “Losin´it”. Este comentario lo realizó en 1990 en una entrevista ante Lelie Van Burskirk.

Después consiguió aumentar su celebridad en la sátira sobre los problemas sexuales de los adolescentes en “Risky Business” (1983), estrenada con este mismo título sin que sepamos por qué no se tradujo al español como “Negocios arriesgados”. En este filme interpretaba a un adolescente ansioso, espontáneo y suburbano que está a punto de entrar en la madurez y para ello no se le ocurre otra idea que convertir la casa de sus padres en un burdel, aprovechando la ausencia de estos. En la película, la supuesta virginidad de Cruise se difumina en manos de la experta Rebeca Mornay, con quien aprovecha para tener un romance durante dos años más y así seguir repasando las lecciones. Como resultado de este filme, la fama de Tom Cruise comenzó a dispararse y se formaron numerosos clubes de fans por todo el mundo, aleccionados más que nada por el estímulo que les había supuesto su modo de resolver la virginidad.

1983 fue un año verdaderamente importante para est e actor y le pudimos ver en “All the right moves” (La clave del éxito), un drama sobre el mundo del fútbol de una escuela secundaria que alcanzó resultados modestos en taquilla.

“Aunque ha pasado desapercibida para la mayoría de los espectadores, en “La clave del éxito”, salgo desnudo en una corta secuencia con Lea Thompson, lo mismo que ocurrió después en “Cocktail”, en donde paseo desnudo bajo una cascada de agua en Jamaica. Esas escenas no me gusta rodarlas y corresponden a otra época de mi vida.”.

Por eso, y decidido a dar un giro total a su carrera, se dejó crecer el pelo y se enroló en una historia fantástica, casi un cuento de hadas para jóvenes, titulada“Legend” (1984), a las órdenes de un experto Ridley Scott. Pero aún cuando el filme está correctamente rodado e interpretado, fue un nuevo fracaso en la filmografía de Cruise, quizá porque los jóvenes estaban más entusiasmados por las películas de ciencia-ficción de gran presupuesto y numerosos efectos especiales, que en una historia romántica con un unicornio como eje central.
La película constituyó un gran triunfo en Japón, país consumidor habitual de cine norteamericano, algo menos en Europa, y bastante ínfimo en Norteamérica. Esto conmocionó bastante el entusiasmo del actor, quien ya estaba convencido de su ascenso al estrellato mundial. Por si fuera poco, se deterioraron sus relaciones sentimentales con Rebecca de Mornay.

Y en 1986, por fin, le llega su entrada en la popularidad cuando hace el papel principal en “Top Gun”, dirigida por Tony Scott, hermano del director de “Legend”. Insolentemente juvenil, con escenas de vuelos aéreos al ritmo de música rock, la película, increíblemente, funcionó extraordinariamente en taquilla para asombro de todos. La Armada tenía ya en sus manos la mejor propaganda para que se afiliasen los jóvenes. Claro está que resulta cuando menos inverosímil que el ejército más poderoso del mundo ponga en manos de jóvenes sus poderosos aviones de guerra F-4, pero como en el cine todo es ficción, sirvió como reclamo para un aumento vertiginoso de vocaciones militares. Por ese papel Cruise cobraría la escalofriante cifra de 3 millones de dólares.
No se lo podía creer. Una película que había interpretado sin ningún entusiasmo y que todo el mundo sabía que era para consumo exclusivo de los adolescentes, era un gran triunfo en el mundo entero. Decididamente, los gustos del público eran imprevisibles. Aún hoy, nadie se explica dónde residió su éxito.
El filme era sumamente elitista y militarista, centrado casi exclusivamente en la promoción de la Academia de Aviones de Combate de la Marina, un lugar solamente reservado a los mejores pilotos del mundo, y que debería servir de advertencia a los países del Este para que se mantuvieran quietos. Pero son tan pocos los cadetes que consiguen alcanzar el título de piloto para el mejor avión de combate del mundo, que lógicamente se establece una pugna violenta e inhumana entre ellos para conseguir la mejor calificación. Tom Cruise y “Top Gun”, son dos nombres que permanecen ya indisolubles, lo mismo que Clark Gable y “Lo que el viento se llevó”. Da igual que su interpretación rayara en la chulería más espantosa y que su pose de eterno chico guapo que desprecia a todo aquel que no tiene su físico y sus habilidades nos resulten hoy destructivas, pero en ese momento la juventud necesitaba un ídolo fuerte y ya lo tenían. Junto a él, aunque pasando totalmente desapercibidos por el gran público, estuvieron Michael Ironside, Kelly Mac Gillis y un novato llamado Val Kilmer.

“La gente suele hab lar muy mal de Hollywood y de su ambiente, pero es que hablar mal es muy fácil y parece que siempre existe un grupo de gente que le gusta escuchar basura y malas noticias. En Hollywood hay cosas maravillosas y yo he tenido la suerte de toparme y trabajar con buenos guionistas y directores. No reniego de ninguno.
También hay quien se escandaliza de los sueldos tan altos que nos pagan a los actores, pero también lo ganan los guionistas y los directores. Si nos pagan esas cifras tan astronómicas es porque a cambio reciben unos beneficios también muy altos. Los estudios ahora ganan más dinero que antes, ya que no solamente está su exhibición en las salas cinematográficas, sino su pase en la televisión una y otra vez y el mercado del vídeo. Una película puede triplicar su recaudación en el mercado secundario, televisión y vídeo, más que con sus ingresos en las salas de cine”.

Ningún otro papel posterior al del piloto Maverick, consiguió darle tanta popularidad a Cruise y aún hoy es recordado por su trabajo como el buscavidas, arrogante y bien armado, piloto norteamericano con cínica mirada de asesino. Ese mismo trabajo lo intentaría repetir cuando interpretó otro proyecto algo menos ambicioso titulado “Días de trueno” en 1990, que no tuvo, como ya sabemos, apenas éxito.

Convertido ya en el nuevo ídolo de las jovencitas, Cruise trató de apartarse de ese peligroso y limitado camino, y demandó papeles de adulto, junto a actores de gran categoría. Sus peticiones fueron atendidas y de la mano de Martin Scorsese y acompañado por Paul Newman, interpretó “El color del dinero” en 1986. Su papel como Vincent, por el cual había luchado otros numerosos actores, logra dar la réplica al mítico y arrogante Newman, consiguiendo al menos no desmerecer ante esa leyenda viva de Hollywood. La película fue un éxito de público y taquilla, y el prestigio de ambos actores subió como la espuma, uno demostrando que aún le quedaban muchos años para ser el galán indiscutible, y el otro, aportando una juventud y un carisma nuevo.
Por fin los demás espectadores podían encontrar también virtudes a ese joven arrogante con cara de panadero que se había hecho tan popular entre los jóvenes. Cruise nos demostró que a las órdenes de un buen director y arropado con compañeros de reparto de prestigio, podía ser también un gran actor.
Newman se comporta muy bien con el joven actor y le apoya en todo, mientras le da los consejos oportunos para resolver cada escena complicada.

“Para mí ha sido la mayor de las fortunas haber podido trabajar junto a dos personas a las cuales admiraba desde hacía años. Tanto el director Scorsese, como Paul Newman, son lo mejor que tiene Hollywood hoy en día y considero de un valor incalculable la experiencia acumulada durante los meses de rodaje. Deseo demostrar con mi próxima película, que todo lo que he aprendido a su lado me ha transformado como actor”.

En 1988 interpreta el papel de un barman en “Cocktail”, la historia de un joven ambicioso que es rescatado de la ruina por Bryan Brown. Dirigida por Roger Donald, tenía que seguir el esquema de “El color del dinero”, al menos centrada en ambientes nocturnos y festivos. La película tenía que ser melodramática y servir de pauta para que los jóvenes encontrasen el camino correcto en sus vidas, una idea pretendida por el director y guionista y que dio el resultado apetecido. Como ya ocurriera anteriormente con “Top Gun”, la película fue un fracaso para la crítica y un triunfo en taquilla. El mundo de los bares nocturnos llegaba pujante a la gran pantalla y hasta el modo de manejar la botella mezcladora de licores por parte de Cruise, fue copiado hasta el aburrimiento por los barman de todo el mundo. Solamente hubo un disconforme: el propio Cruise, quien nuevamente no estaba de acuerdo en ser el ídolo de las quinceañeras, especialmente ahora que acababa de cumplir los 26 años.

Y entre pausa y pausa de los rodajes, se casa con Mimi Rogers, una modelo metida a actriz (la pueden ver en “La sombra del testigo”), quien le introduce en la Cienciología, una rama de la Iglesia Evangelista, convirtiéndose desde ese día en su acérrimo defensor.

“Yo soy un creyente en la Cienciología por convencimiento propio, desde que leí el libro de Ron Hubbard. Nadie me presionó para que siguiera sus principios. Sus enseñanzas me han permitido ser más eficaz en mi trabajo y poder leer cualquier texto memorizándolo inmediatamente, algo que antes me era imposible. La gente que habla mal de esto o es porque siguen otra religión, o por desconocimiento”

Ese mismo año, y decidido a no abandonar su nueva senda como actor dramático, interpreta junto a otro monstruo del cine, Dustin Hoffman, “Rain Man” (El hombre de la lluvia), de Barry Levinson, un sentimental drama sobre dos hermanos, uno de ellos autista, que se reencuentran después de muchos años.
La historia debería conmocionar al mundo, cuando nos habla de un chico sumamente inteligente que por error médico es ingresado en una escuela de deficientes mentales, cuando en realidad era simplemente un autista, una persona encerrada en sí misma. Una vez muerto su padre, la única persona que se ocupaba de él, tiene que ser su hermano mayor quien se haga cargo, algo con lo que en un principio no está de acuerdo. El drama estaba servido.
Tom Cruise, nuevamente, da la sorpresa a los críticos, y demuestra que sus habilidades como actor dependen exclusivamente del guión y del director; a él le sobran cualidades para interpretar cualquier papel. Una nominación al Oscar como el Mejor Actor es suficiente para llenar de alegría a todos sus admiradores, incluida su propia madre, quien había acudido con él a la entrega de los Oscar.
Con Oliver Stone rueda en 1989 “Nacido el cuatro de julio”, película que le sirvió para ser nominado al Oscar como mejor actor, por su trabajo correcto como el activista antimilitar Ron Kovic. Junto a este director sumamente controvertido, acusado de violento y en ocasiones de fascista, Cruise pudo hacer un papel sumamente duro, agresivo, inspirado en una biografía auténtica.
El argumento, basado en un soldado que regresa de pelear en el Vietnam, inválido de cintura para abajo, sumamente confuso por lo que él consideraba su deber como norteamericano, iba a provocar no pocas polémicas entre los políticos. El joven mutilado se cuestiona si todo cuanto le han dicho antes de ir a la guerra era cierto y si los valores morales que tanto ha escuchado son válidos o pura propaganda militar.
Como la mayor parte del argumento se centra en el retorno al hogar de este soldado, Cruise tuvo que aprender a manejarse perfectamente en una silla de ruedas, utilizándola para todos sus desplazamientos, tanto en la calle como en su hogar. Quería sentir en su propia carne cómo se sienten los parapléjicos, cuáles son las barreras arquitectónicas que más les molestan, y cómo se sienten ante la piedad que los demás les manifiestan. Todo un intento loable de ponerse en la piel del protagonista real de la historia.

“Debí ser tan convincente que cuando en una ocasión acudí, debidamente anónimo, a una tienda de discos para comprar en la silla de ruedas, el dueño nos indicó a mí y al auténtico Kovic (también en silla de ruedas), dónde estaba la salida, alegando que las ruedas arañaban el suelo de su local”.

Su empeño por ser auténtico, mucho más después de conocer al mutilado Kovic, le llevó a permitir que le rasuraran al cero su bien cuidada cabellera, en lugar de ponerse una prótesis que simulara una calvicie total. También fue maquillado para mostrar en su rostro el horror de la guerra y el sufrimiento emocional que le suponía no tener acceso al amor, solamente a la piedad.
Cuando se estrenó en primicia mundial en el Festival de Cannes, la película conmocionó a todos los asistentes, aunque no faltaron quienes les acusaron de ponerse de parte de los pacifistas y de motivar a los jóvenes a que rechazasen al ejército, acogiéndose a la insumisión. Por si fuera poco, al estreno asistió el propio Ron Kovic, con silla de ruedas incluida, lo que abrió de nuevo la polémica sobre el Vietnam, algo que las nuevas generaciones no tenían en la mente.
Con polémica y todo, la Academia Norteamericana la nominó con ocho Oscar, uno de ellos para Tom Cruise.
La recaudación llegó a igualar a “Apocalypse Now”, una obra similar sobre la intervención norteamericana en el Vietnam.

“He sabido que Oliver Stone soportó muchas presiones para qu e no me incluyera en “Nacido el cuatro de julio”, y no siempre de los productores. Hubo actores que hablaron mal de mí. Esto es algo que yo no hubiera hecho con nadie en mi vida”.

Después, y quizá demasiado seguro de sí mismo, acepta interpretar “Días de trueno” a finales de 1989, a las órdenes de Tony Scott, un director que le había catapultado a la fama con “Top Gun”. Cruise, al volante de impresionantes bólidos de carreras y sin admitir ser doblado en las escenas arriesgadas, quizá emulando a Paul Newman y Steve McQueen, alcanza velocidades de 270 km./hora delante de miles de extras.
La idea de una película sobre carreras de automóviles fue gestionada por Don Simpson y Jerry Bruckenheimer, quien anteriormente ya habían trabajado con Cruise en “Top Gun”. La idea era bastante similar a otros éxitos anteriores y consistía en una buena banda sonora, actores jóvenes de prestigio y una lucha por el éxito con algo de violencia incluida. Dirigida por Tony Scott, la trama se centraba en una de las carreras de coches más populares y peligrosas de los Estados Unidos, muy alejada de la popular pero demasiado deportiva Fórmula 1. Ahora los coches no tenían límite en su potencia, ni en su capacidad para anular al contrario. La chica que daría la nota romántica sería Nicole Kidman, actriz del año en Australia, quien puso tanto realismo en las escenas de amor con Cruise que se enamoraron totalmente y acabaron casándose, una vez que Cruise se divorció de su todavía esposa Mimi.

“Hay mucha gente que opina que mi esposa Ni cole es mucho mejor actriz que yo, especialmente desde que interpretó “Retrato de una dama”, pero esto no me molesta en absoluto y confirma mi buen gusto al elegir pareja. Me gusta mucho como actriz y como mujer y puedo afirmar que la considero mi actriz favorita”.

“Ella me ha ayudado mucho en mi vida y creo que yo también he aportado cosas buenas para ella. Como actriz ha cambiado mucho desde que estamos casados, ha evolucionado mucho, y ahora le dan papeles mucho más complejos. Desde que vivo con ella estoy mucho más seguro en mi trabajo y ya no me obsesiona perder un papel deseado o que una película fracase en taquilla. Antes solamente vivía para mi trabajo y eso era estresante. Lo primero debe ser la vida personal de cada uno y el trabajo una prolongación. Cuando una persona ama sinceramente a otra y realizan una vida en conjunto, no debe existir nunca la palabra “Yo”, sino “Nosotros”. En una vida de pareja no hay lugar para los deseos individuales”.

Su siguiente película “Un horizonte muy lejano”, en 1992, un drama épico sobre una familia de colonos irlandeses que llegan a las orillas de Río Grande para establecerse, no consigue buenos resultados en taquilla, y eso que estaba protagonizado también por su nueva esposa Nicole Kidman. Lo que en un principio se pensó que era un reclamo comercial muy fuerte, el nuevo matrimonio unidos en el cine, resultó ser sumamente contraproducente, ya que sus fans femeninos no querían verle de nuevo con pareja.

“El director quería emular a las películas de John Ford y el argumento quizá tenía los ingredientes necesarios para ello. Mi papel era el de un joven que viaja para acudir a una nueva tierra donde establecerse, procedente de Irlanda, y para llegar pasa hambre, aunque consigue que una guapa chica aristocrática se interese por él y le ayude. Sé que este es el argumento básico de “El hombre tranquilo”, pero lo cierto es que yo nunca quise emular a John Wayne”.

“Cuando Nicole y yo empezamos a rodar esta película ni siquiera nos conocíamos y por supuesto la idea de casarnos inmediatamente no estaba en nuestras mentes. Ahora me alegro mucho de compartir nuestra vida personal y en ocasiones la profesional. Gracias a ella ahora ya no estoy tan obsesionado por el éxito y solamente sueño con nosotros, con estar junto a ella. Suelo mirar al pasado para repasar mi vida y me doy cuenta que no he perdido el tiempo en absoluto y que me puedo sentir orgulloso de lo que he vivido. Creo que en eso reside la felicidad”.

Pero sus admiradoras crecían al mismo ritmo que él y poco a poco abandonaron sus deseos de verle eternamente soltero, y acuden nuevamente a su nueva película “Algunos hombres buenos” (1992), en la cual vuelve a trabajar junto a un mito cinematográfico, como es Jack Nicholson, además de estar acompañado por la sex-symbol Demi Moore. La película está basada en la obra “A Few Good Men” de Aaron Sorkin, que fue comprada por David Brown para una obra de teatro que se estrenaría en el Music Box Theater de Nueva York en 1989. La aceptación del público fue muy buena, lo que permitió que fuera exhibida durante 449 días.
Cuando estaba a punto de finalizar su exhibición la productora Castle Rock compró los derechos para el cine y contando con la dirección de Rob Reiner, autor de “Misery”, contrataron al trío de actores principales.

Para el director Reiner lo importante era que disponía de un buen argumento y de unos buenos personajes centrales, sin los cuales no hay ninguna posibilidad de hacer nada decente. Es consciente que ahora se presta más atención a la trama, al argumento, que a los personajes, pero como experto en el campo teatral sabe que una buena historia se construye con los caracteres, no con los hechos.
Evitó también establecer tramas paralelas, historias diferentes que giran alrededor de un eje central, ya que en su opinión se quita interés a la historia básica. Por eso los tres protagonistas no llegan a intimar, ni siquiera Cruise con Moore. Respecto a esta actriz, en principio pensaron en Linda Hamilton, menos sexy y, por tanto, más creíble, pero los últimos trabajos de Demi Moore le hicieron rectificar.

“Mi personaje es sobre el que gira el eje argumental del filme, pero los otros dos logran aportar detalles de valor, voluntad e incertidumbre que refuerzan mi actuación”.

“Sé que muchos fans esperaban que en es ta película Demi Moore y yo mantuviéramos un romance, y es posible que se sintieran decepcionados al no ocurrir entre nosotros nada, ni fuera ni dentro de la pantalla. Creo que la televisión es la responsable de hacer creer al público que dos actores bien parecidos, con edades similares, no puedan resistir la tentación de acostarse juntos, pero esto es algo estúpido. Creo que los guionistas de “Algunos hombres buenos” no quisieron hacer una historia de dramas paralelos y hay que agradecerles eso”.

“La hist oria deja mal parados a los oficiales y por eso el Pentágono no quiso colaborar con nosotros. Pero esta no es una historia anti-militar y mucho menos anti-marines; es simplemente un hecho real en el cual un soldado estuvo a punto de morir y se pasó varios meses en coma. El guión ha sido reformado, pero la esencia permanece y no es otra que llamar la atención sobre el abuso de poder de los jefes y sobre el acatamiento de órdenes que van en contra de los derechos humanos”.

“Trabajar al lado de actores de g ran prestigio, como Jack Nicholson, no cambia mi manera de actuar. Lo importante es la historia que tengamos entre manos, ya que cada una requiere para el actor una preparación previa. De todas maneras, cuando me encuentro junto a un actor famoso me doy cuenta de la gran diferencia que existe entre nosotros y que ello me obliga también a modificar mi manera de trabajar”.

Un año después, en 1993, interpreta a un buen abogado en el thriller “La tapadera”, junto a actores tan extraordinarios como Gene Hackman y Ed Harris.
Por desgracia, la película tiene una mala acogida por parte de la crítica, aunque su banda sonora consigue buenos resultados económicos. Compuesta por Dave Grusin, quien había ganado un Oscar por su trabajo en “Un lugar llamado Milagro”, los lectores le podrán recordar también por sus composiciones en “Una árida estación Blanca”, “En el estanque dorado”, “El Graduado” y “Conexión tequila”.
Un detalle curioso es que todo el mobiliario que se utilizó en la película fue subastado para obtener fondos para un centro de rehabilitación de niños en Menphis. La subasta fue un éxito ya que todo había sido diseñado por uno de los mejores decoradores de Hollywood.

“Con esta película hubo ciertos problemas que la prensa agrandó. Yo había firmado un contrato con la Paramount para que mi nombre apareciera siempre como cabeza de cartel, incluso antes que el título del filme. Cuando Gene Hackman vio los carteles se enfadó y exigió que cuando menos su nombre figurase en paralelo con el mío, a lo que la productora se negó. Yo no cuestiono la categoría artística de un actor que ha sido ganador de un Oscar en dos ocasiones, pero mi contrato estaba claro desde un principio”.

“Hay películas que suponen un reto para un actor, como es el caso de “la Tapadera”, pero afortunadamente ahora se trabaja en equipo y todo es más fácil. En ocasiones las películas que quiero interpretar las elijo yo mismo cuando leo un guión. Entonces me dirijo al director y le digo que me gustaría interpretar ese papel”.

No deseando dormirse en los laureles y conscientes de la fragilidad de la fama, trata de recuperar al público juvenil, el mismo que le había convertido en ídolo con “Top Gun” y se embarca en su papel más controvertido: el de un vampiro llamado Lestat en la producción de David Geffen y dirigida por Neil Jordan, “Entrevista con el vampiro” en 1994. Muchos admiradores se echaron atrás en su entusiasmo, especialmente cuando le vieron interpretando a un decadente vampiro con tendencias homosexuales. Aunque el argumento trataba de mostrarle como ambisexual, su imagen no salió bien parada en esta obra de Ana Rice.

“Sé que nadie había pensado en mí para el papel de vampiro y que incluso hablaron de John Travolta y Richard Gere, e incluso con Mel Gibson. Bueno, creo que hubo alguien que propuso a la actriz Cher, aunque ella renunció a tal desatino. Estoy convencido que si no llega a ser por la presión de Neil Jordan no hubiera conseguido el papel. La experiencia me demuestra que las cosas que en principio parecen más inverosímiles posteriormente resultan un gran acierto”.

La propia escritora Rice se negó a que Cruise interpretara el personaje principal (ni siquiera le quería en “su” película), y trató de disuadir a la productora que le cambiase por otro actor más adecuado, según su criterio. Solamente la firme decisión del director logró mantenerle en el reparto y gracias a ello sus admiradoras le pudieron ver con una cabellera con reflejos rubios y unos preciosos ojos azules a base de lentes de contacto que taparon sus ojos verdes. Una vez que el filme se estrenó, Ana Rice admitió su error y reconoció que Cruise había interpretado magistralmente su personaje, aunque los críticos le dieron ya su primer toque de desaprobación.

La película también sirvió para afianzar a la super-estrella juvenil Brad Pitt, lo mismo que a Christian Slater, y el español Antonio Banderas. Aunque Cruise contaba 32 años en ese momento, logró volver a dar la imagen que los jóvenes le demandaban, lo mismo que los otros tres actores que le acompañaron.

“Trab ajar junto a un actor muy popular siempre me pone nervioso, y eso es lo que me ha pasado con Dustin Hoffman, Paul Newman o Jack Nicholson. Pero esta experiencia me da ánimos y supone un reto más para mi carácter. Me gusta aprender de todo y superar mis propios problemas emocionales, como es el caso de la dislexia”.

“Actualmente la industria de Hollywood está dominada por los productores, unas personas duras de corazón, sumamente inteligentes, que solamente pagan grandes cantidades de dinero a los actores que son rentables en taquilla”.

“Lo más importante para que acepte una nueva película es el guión y que mi personaje sea fácil de entender”.

Pero su tenacidad para sobrevivir en cualquier circunstancia y aprovechar sus experiencias negativas en el cine, le llevan a protagonizar dos años después, en 1996, un nuevo macro éxito que le alzaría otra vez al pódium de las grandes estrellas. Debutando, además, como productor, interpreta la versión para la gran pantalla del serial televisivo “Misión: imposible”, que tanto éxito tuvo en todo el mundo durante los años 60. Rememorando la época de la guerra fría, el espionaje industrial y militar, y con unos efectos especiales extraordinarios, la película fue un éxito rotundo en todo el mundo, incluso cuando salió a la venta en vídeo.
Esto marcó el proyecto inaugural para las Producciones de Cruise/Wagner, la compañía que el actor formó con su agente artístico Paula Warner desde 1992. Hubo abundantes rumores sobre su unión al director Brian De Palma para realizar conjuntamente diferentes películas.

“Con “Misión. Imposible” estrenábamos nuestra propia productora, me refiero a Paula Warner y yo, y para demostrar lo que éramos capaces de hacer necesitábamos una historia potente que gustase a todos los públicos, no solamente a los jóvenes. Al escoger un tema tan popular como el de esta serie de televisión, sabíamos que no podíamos olvidar a sus personajes originales, ni al tema central sobre la Guerra fría. Fueron dos años de preproducción y cinco guionistas unidos para sacar adelante esta historia. He conseguido ver realizado un viejo sueño, ser productor de mis propias películas, y también he conseguido realizarla con unos buenos efectos especiales sin pasarnos del presupuesto inicial de 8.300 dólares”.

“No he utilizado ningún doble en esta película, ni siquiera en la escena del tren, que por cierto se rodó dentro de unos estudios londinenses un sábado por la noche. En ese momento había trabajando simultáneamente casi cuatrocientas personas, incluidos los técnicos en explosivos, y nuestra única preocupación era que nadie saliera dañado, como así sucedió”.

Tom Cruise acudió personalmente a España, a Madrid, para asistir al estreno de “Misión: imposible” y en el cine de la Gran Vía en el cual se exhibió se armó un alboroto impresionante, aunque hemos de reconocer que en ningún momento Cruise se mostró descortés con la prensa ni los fans. Repartió besos a distancia y personales a cuantas chicas así lo demandaron, apretó cientos de manos, firmó autógrafos y sonrió incansable ante las numerosas peticiones de fotografías. Vestido con un sencillo jersey verde, ofreció una multitudinaria rueda de prensa en la cual contestó a cuantas preguntas le hicieron. Después pasó el resto de la noche en un tablao flamenco de Villa Rosa, en donde parece ser que se atrevió a bailar unas sevillanas con una de las bailaoras.

“Hay quien afirma que hemos censurado algunas escenas de sexo para no tener problemas con la censura en algunos países, pero esto no es cierto. Rodamos una escena en la cual mi personaje siente cierto atractivo por una de las protagonistas, pero lo eliminamos porque quitaba ritmo a la secuencia que venía a continuación. Tampoco hemos eliminado ninguna escena violenta, puesto que nunca fueron rodadas con realismo. Hemos preferido mostrar la consecuencia de la violencia y dejar en la imaginación del espectador cómo se efectuaba”.

“La ventaja de contar con un director como Brian de Palma es que al ser una persona independiente está acostumbrado a ceñirse a un presupuesto y a no rodar material en vano. Todo cuanto se ha comprado y construido para esta película se ha utilizado, excepto esa escena romántica que ya he mencionado”.

“La escena más peligrosa fue la del túnel, filmada en un túnel real en el cual habíamos instalado potentes ventiladores para que mi cuerpo quedara suspendido en el aire. La otra escena espectacular fue la de las peceras del restaurante, que se rodó empleando tanques de agua reales. Todo estaba perfectamente calculado para que no hubiera accidentes, aunque no pude evitar el torcerme un tobillo".

Ahora, convertido en productor y actor, Cruise tiene numerosos proyectos en diversas fases de desarrollo, especialmente después del gran éxito de“Jerry Maguire” (1996) en que interpretó a un agente deportivo. También anunció que él y su mujer Kidman estaban empezando la pre-producción de una gran película con el legendario escritor y director Stanley Kubrick, quien retornaría así al cine después de tantos años de ausencia. Esta colaboración marcaría otro hito en la demanda de Cruise para ser tomado en serio por la crítica, tanto como actor, como productor, en un intento desesperado de no ser considerado todavía un niño bonito del cine comercial.

“Aunque cualquier actor hubiera dado su brazo derech o por trabajar con Kubrick, debo admitir que yo recibí un fax de él para que me incorporase en su nueva película y que para que aceptase me enviaba el guión. Cuando ocurrió eso yo no sabía si estaba soñando o es que me estaban gastando una broma. Era mi oportunidad de trabajar junto a un hombre al que admiraba desde hacía años”.

“Mi experiencia trabajando con Stanley Kubrick es muy buena, pero dura y gratificante al mismo tiempo. Se trata de uno de los mejores directores de la historia del cine y después de diez años de ausencia soy yo el actor que tiene el privilegio, además de mi mujer Nicole, de estar a sus órdenes. No ha sido un trabajo fácil, puesto que hemos trabajado 12 horas diarias y las tomas hubo que repetirlas muchas veces. No obstante, el hecho de trabajar junto a mi mujer me ayudó mucho. Es una buena esposa con la cual pasaría todos los segundos de mi vida”.

“Me he visto en la necesidad de crear mi propia productora para poder tener la seguridad que realizaré películas de gran calidad. Pretendo que no sean muy violentas, que sean entretenidas y, si es posible, que tengan algún mensaje adecuado. Quisiera incluir siempre en el reparto a viejos actores ya olvidados y a los guionistas jóvenes”.

ENTREVISTA A TOM CRUISE

Realizada en julio de 1985 con motivo del rodaje de “Legend”

- ¿Cuándo comenzó a trabajar para “Legend?”.
- Si no recuerdo mal fue cuando acababa de terminar “Risky Business” en 1983. Yo había contactado con Ridley Scott y estuvimos hablando varias horas sobre su próxima película. Me dijo que quería una persona joven para “Legend” y que le gustaría contar conmigo. Yo en esa época había recibido muchas ofertas pero pensé que la película de Scott podía ser una buena oportunidad, una experiencia apasionante.

- ¿Era el mejor guión que habías recibido desde “Risky Business?”.
- No estoy seguro, pero al menos era una idea nueva, artísticamente hablando. Scott tiene una gran imaginación y sabe plasmar bien una idea en el cine, por lo que consideré que era una experiencia única.

- ¿Desde que trabajó en su primera película hasta ahora, que hay de diferente en este nuevo personaje?
- Creo que ahora contamos con un escenario verdadero. Esta es una cuestión que hemos visto todos. Creo que la película es muy creativa y que mi papel es el de un héroe que vive un mundo diferente. Habitualmente, los héroes del cine son muy fuertes, viriles, y creo que lo que se pretende con Kack es muy diferente.

- ¿Cómo se ha preparado para el papel?
- Bueno, he leído mucho sobre unicornios y brujas (risas). En serio, el problema es que no hay puntos de referencia en mi papel. He interpretado a un jugador de fútbol, a un militar y a un ligón, pero en “Legend” todo es diferente, más imaginativo. Yo estaré en Londres en el mes de febrero y comenzaremos el rodaje en los estudios Pinewood en abril. En ese tiempo discutiremos todas las imágenes fantásticas que van a salir y es posible que incluyamos alguna escena de ballet moderno. Para ello estoy practicando danza y espero conseguir que mis movimientos sean fluidos.

- Tus películas anteriores son comedias dramáticas intimistas. En este caso se trata de una superproducción. ¿Cómo esperas realizar la transición?
- Una superproducción es mejor. Es la primera vez que me veo metido en un proyecto así y lo considero muy excitante y mágico; no hay problema.

- En tu vida privada eres muy discreto. En “Legend” un joven solitario. ¿Crees que se han inspirado en tu propio carácter para el papel de Jack?
- Yo tengo una regla para mi trabajo: toda experiencia en un actor es positiva para uno mismo. Yo no me planteo todos los días esta cuestión: ¿qué soy? No separo mi trabajo de mí mismo. Tengo mis propias habilidades y hábitos de vida, la mayoría de los cuales se muestran en la pantalla.

- ¿Cómo es Ridley Scott es su trabajo y personalmente?
- En su aspecto personal es muy sensible y extremadamente pasional. Yo le respeto enormemente y le veo con una gran energía. La producción de “Legend” es gigantesca, pero él jamás ha perdido el control.
- Si nosotros no entendíamos alguna cosa o no estábamos de acuerdo, sabía explicarnos su punto de vista. Si le juzgo por su trabajo, debo decir que es un genio.

- ¿Se ha sentido libre como actor para trabajar?
- Desde el mismo momento en que hemos empezado a trabajar, creo que ambos íbamos en la misma dirección. Entre nosotros ha existido un mutuo respeto y el necesario diálogo. Cuando había alguna escena complicada Ridley nos explicaba su punto de vista, pero nos dejaba trabajar con plena libertad. “Legend” es una película diferente a las anteriores y el trabajo ha sido muy intenso y con una presión constante. Me tenía que levantar a las seis de la mañana para maquillarme y preparar las escenas y así durante una semana. Para algunas escenas que en la pantalla van a durar unos pocos minutos, hemos empleado dos semanas de duro trabajo.

- Usted ha trabajado con Francis Ford Coppola en “The Outsiders”. ¿Cuál es la diferencia como actor entre ambos directores?
- Es difícil responder a esta pregunta. Ridley aparentemente es la persona más imaginativa del mundo, aunque es también muy hábil con los momentos dramáticos. Creo que en el género fantástico es mejor director.

- ¿Estaba ya familiarizado con Ridley antes de comenzar “Legend?”.
- Sí, esto es algo que hago siempre antes de comenzar una película con un nuevo director.

- Un incendio ha destruido los decorados de “Legend”, lo mismo que los de James

Bond. ¿Cómo ha reaccionado ante esta situación?
- Yo estaba desayunando cuando escuché que me indicaban que el plató estaba en
llamas. Era algo imponente y escuché varias explosiones. Allí estaba Ridley
tratando de salvar lo que podía. Cuando el incendio estuvo controlado, Ridley me
dijo: bueno, creo que lo mejor que podemos hacer ahora es ir a jugar al tenis. Lo
cierto es que el incendio fue un verdadero desastre.

- ¿Hay algún tipo de personaje que le gustaría interpretar?
- No tengo interés por ninguno en especial. Yo veo las películas desde un punto de vista profesional y suelo disfrutar con todos mis papeles.

- ¿Le molesta la popularidad que ha alcanzado?
- En ocasiones es molesta, pero en conjunto debo decir que es agradable sentirse admirado.

- ¿Considera su vida interesante?
- Todo en mi vida es una aventura. Todo el mundo debería poder trabajar como actor en algún momento. Yo he tenido la oportunidad de trabajar en ello y trato de interpretar lo mejor que sé. Lo que me gustaría es intentar hacer alguna comedia e incluso ejercer como director, pero no estoy seguro de tener aptitudes para ello.

-

- ¿Cuáles son sus proyectos?
- Estoy intentando trabajar en una nueva película con Tony Scott, el hermano de Ridley. El filme se titulará “Top Gun” y trata sobre unos pilotos de aviones de combate.

- ¿Existen diferencias entre ambos hermanos?
- Aún no he comenzado con Tony, pero tengo entendido que es bastante hábil en su trabajo. Tony es más joven, pero Ridley tiene más experiencia.

Noticias

29 de mayo de 1996

En el estreno en Los Angeles de “Misión: imposible”, se habló de la labor de Cruise como productor ejecutivo y de la enorme inversión necesaria de más de 56 millones de dólares. Mientras hablaba a la prensa alguien dio un azote a Cruise, quien estupefacto se volvió para responder con violencia ante este “ataque a su integridad”. Pero allí detrás estaba Sharon Stone y todo quedó en un fuerte abrazo entre ambos.

“A mí no me gustó “Instinto básico”, pero no soy nadie para dar una crítica negativa de un filme. Esa película no refleja la realidad, las mujeres no son así de despiadadas y amorales, ni los hombres tan hambrientos de sexo. Creo que nunca interpretaré a un personaje malvado o que pueda influir mal en los espectadores”.

19 de noviembre de 1996

Los informes aparecidos en los diarios de Nueva York sobre Cruise y su esposa Nicole Kidman, nos hablan del buen desarrollo de la película “Eyes Wide Shut” en Inglaterra. En los momentos de descanso ambos esposos, que han alquilado una mansión con una parcela de veinticuatro acres, aprovechan para cazar en los bosques londinenses. También es posible que adquieran esa misma finca en 3 millones de dólares y que lleven a su hija adoptiva Isabella a una guardería del lugar.
También hay conversaciones con el director Rob Reiner, que le dirigió en “Algunos hombres buenos”, para realizar una película de acción sobre un ataque terrorista que resuelve, lógicamente, Cruise. El guión es obra de William Goldman, el mismo de “La princesa prometida”.

“Ahora mismo estoy entusiasmado con mi trabajo como director de programas para la televisión. Estoy colaborando con Sidney Pollack en la realización de seis episodios para una serie titulada “Fallen Angels”, en el cual hemos invertido casi 700.000 dólares en cada episodio. Está previsto su estreno en el verano de 1997, al menos en América”.

11 de diciembre de 1996

Tom Cruise ha sido galardonado con el Premio al mejor Actor del año por su trabajo en “Jerry Maguire” y Frances McDormand como la Mejor actriz por su trabajo en “Fargo”, mientras que su marido Joel Coen ha sido considerado como Mejor
Director por esta misma película. La organización N.B.R. fue fundada en 1909 y ha estado otorgando premios desde 1917, mucho antes que la Academia de Ciencias. Los premios se presentan normalmente el 24 de febrero en un lugar conocido como “La Taberna Verde” en Nueva York. En el pasado año, cinco de sus premiados fueron posteriormente galardonados con un oscar.

15 de abril de 1997

Las noticias sobre el filme de Kubrick siguen siendo materia reservada, incluso para los dos actores principales. El argumento gira en torno a dos psicólogos separados. En esa misma fecha se está hablando sobre una película dirigida por Sidney Pollack que trataría sobre la obsesión sexual.

10 de julio de 1997

Una vez confirmado el éxito en taquilla de “Jerry Maguire”, es casi seguro que el director Paul Verhoeven (“Desafío total”), se encargue de dirigir la película de la Columbia sobre el mago Harry Houdini, que como sabemos protagonizó hace algunos años Tony Curtis. Parece ser que la idea de ver a Cruise sacando conejos de una chistera agrada a todos, especialmente a su ayudante Paula Warner. El guión estaría escrito por Nixon Stephen y Christopher Wilkinson y partiría desde un momento en la vida de Houdini en el cual le falló uno de sus trucos y estuvo a punto de morir.

11 de octubre de 1997

“Eyes Wide Shut” (título provisional dirigido por Stanley Kubrick), será terminada el 3 de diciembre de 1997 y se estrenará en el verano de 1998. El matrimonio Tom y Nicole, se tomarán un descanso al finalizar el rodaje y el montaje, puesto que han trabajado muy duro desde el 4 de noviembre de 1996.

“Debo reconocer que el rodaje con Kubrick ha sido extenuante, pero un actor no debe ponerse retos a su trabajo y ya habrá tiempo de descansar”.

Tom Cruise ha querido hacer una película sobre Houdini durante años. Su compañera de la producción, Paula Wagner, investigó este papel para él. Finalmente, Tom está trabajando con Paul Verhoeven (Robocop) en los proyectos iniciales para comenzar el rodaje en la primavera de 1998.

Tom Cruise y Nicole Kidman serán los promotores de la organización para la Investigación sobre el Cáncer de mama de la compañía Revlon-UCLA. Se celebrará una gran fiesta de promoción, una vez finalizada la película con Stanley Kubrick.

También, Cruise y Cameron Crowe están planeando una película basada en la vida de un productor llamado Phil Spector.

Entierro de Diana

Tom Cruise y su esposa Nicole asistieron al entierro de la Princesa Diana. También se ha quedado confirmada la permanencia de Cruise con la Cienciología, anulando así las noticias de que la había abandonado por perniciosa para él.

Noticias retrospectivas sobre Tom y Nicole

Tom y "Nic", como él la llama, se encontraron por primera vez mientras filmaban “Días de Trueno”. Ambos niegan los rumores de que se están viendo a escondidas de la esposa de Tom, pero la pareja ha sido vista cenando juntos y montando en una Harley Davidson a la luz de la luna. Los rumores parecen innegables cuando la pareja asistió a la ceremonia de los Oscars juntos.
Unos días después de Navidad, Tom y Nicole estaban casándose clandestinamente en una ceremonia privada en Telluride, Colorado. Una vez formada la familia, decidieron adoptar dos niños adorables, Isabella Jane de 4 años y Connor Anthony de 2. Tuvieron una hermosa luna de miel y consumaron su romántico amor muy lejos de los paparazzi, mientras aprovechaban para dar forma al nuevo proyecto con el gran director Stanley Kubrick.

“Cuando uno está soltero mira los problemas de la vida con un mal enfoque y la mayoría de las veces desacertado. El tener pareja te ayuda a no ver las cosas malas tan graves y a contemplar cada nuevo día como un regalo del destino”.

“Hemos adoptado a nuestros hijos en Miami porque las leyes allí son distintas para la adopción. En los demás estados si los padres biológicos quieren recuperar a sus hijos, aunque sea después de varios años de ausencia, lo pueden hacer. Eso me parece monstruoso para todos, especialmente para los hijos. Nosotros conocemos a la madre de Isabelle, una mujer que ya tenía dos hijos y no podía cuidar a un tercero”.

Según sus fans, el matrimonio funciona de maravilla y es normal verles por la calle totalmente enamorados.

“Cuando no trabajamos formamos un matrimonio tan sencillo como todos. Vamos a la compra juntos, al cine del barrio y si me piden autógrafos los firmo. No quiero esconderme de la gente y deseo comunicarme con ellos. De todas formas, soy prudente y no me meto en un gran supermercado o en sitios con mucha gente, especialmente porque no llevo nunca guardaespaldas y pudiera ser que me encontrase con algún desalmado. No es la primera vez que ocurre con un personaje famoso.
Cuando salgo con mis hijos obviamente me oculto bastante de la gente, ya que puede ocurrir un accidente si se acercan demasiadas personas. En una ocasión llegaron hacia mí cientos de personas y llegué a sentir miedo”.

“Para mí, el secreto par a un matrimonio estable es la honestidad. No hay que ocultarse los deseos y es mejor hablarlos inmediatamente que surge el problema o la discrepancia. Tampoco es bueno esa tendencia a romper el matrimonio en cuanto surge un problema importante en la relación. Cuando nos unimos a una persona hay que estar convencidos de que es para toda la vida y que cada uno debe hacer todo lo que esté en su mano para que la relación funcione.
Hay que ser responsable, no solamente con los hijos, sino con tu pareja. No es posible vivir en pareja pensando solamente en nuestras necesidades. El matrimonio es un compromiso de convivencia y los objetivos deben ser comunes, no valen aspiraciones por separado. El resultado de una buena relación es muy gratificante, estimulante y hasta divertido”.

Desde que ellos forman una pareja aparecen frecuentemente en las páginas de la prensa amarilla, esa que se inventa las noticias en lugar de buscarlas, y por eso es frecuente que se les mencione siempre negativamente. Hay tantos rumores falsos en esas noticias que aún nadie se explica cómo el lector es capaz de creérselas y seguir comprando esa prensa basura.
Uno de estos rumores dice que el matrimonio ocurrió porque ella estaba embarazada y otro porque él estaba borracho cuando declaró su amor. Nicole apenas puede contener la risa cuando lee noticias que afirman que su marido es homosexual y trae hombres a acostarse a su casa. Una de las mayores víboras de la prensa, hoy día demandada judicialmente, el “señor” Mc Call, ha publicado la noticia de que Nicole se había casado con Cruise para ayudarle a esconder su homosexualidad, siempre bajo la promesa de que él la convertiría en una gran estrella. La pareja se puso furiosa ante tal afirmación, y exigió que se retractara públicamente. Un juez les dio la razón y el periodista tuvo que reconocer que se inventó la noticia. Después de recibir una indemnización millonaria por esta calumnia, demandaron igualmente a una revista alemana que afirmaba que Cruise no podía tener hijos por baja calidad en su esperma. Otro juez les dio nuevamente la razón y ganaron el juicio.

“No puedo soportar que la prensa se invente noticias con tal de vender ejemplares. No tengo nada contra los homosexuales, pero decir que yo lo soy es humillante”.

Pero la prensa de los rumores es eterna, lo mismo que sus ignorantes lectores, y sabemos que nuevas noticias sobre la pareja seguirán llenado sus páginas, a no ser que un día se decidan a contar algo real, lo que no parece probable.

“Hemos adoptado ya dos hijos y las r azones para ello solamente las sabemos nosotros, no importan a nadie. Pero no especulen con asuntos raros, porque la explicación es muy simple, aunque no se la cuente. Nuestros hijos nos ayudan emocionalmente a ser mejores con su presencia y tratamos de ser unos buenos padres para ellos, no imponiéndoles nuestro criterio ni resolviéndoles todos sus problemas. Queremos que sean autosuficientes en la vida, aunque sintiéndose apoyados por nosotros en todo momento. Ser padre me ha ayudado a comprender mejor a los míos y a quererles más. Ahora me doy cuenta de todo el sacrificio que me dedicaron”.

“Ahora mis hijos son lo más importante de mi vida y es posible que Nicole y yo tengamos hijos biológicos algún día, cuando el trabajo disminuya. No importa que nuestros hijos Isabella y Connor sean adoptados, son mis hijos y no quiero que quepa ya ninguna duda sobre este asunto”.

Sus relaciones sentimentales hasta 2013

Se casó con la actriz Mimi Rogers de quien se separó en 1990, y posteriormente con la también actriz Nicole Kidman, de quien se divorció en 2001 después de once años de matrimonio al finalizar el rodaje de Eves Wide Shut. .Con ella adoptó dos hijos. Se cree que mantuvo un romance con la española Penélope Cruz con quien trabajó en Vanilla Sky.
Posteriormente conoció a Katie Holmes durante el rodaje de Misión Imposible III a quien se declaró durante un show de televisión, casándose finalmente en 2006. El matrimonio duró hasta 2012.

Más noticias

Tom Cruise habla con Mel Gibson para protagonizar juntos una película

Mientras algunos han cuestionado la decisión de Tom Cruise para consagrar más de un año de su vida a la nueva película de Stanley Kubrick, el número uno de las estrellas de cine está demostrando que todavía sabe quedarse en la cima. Cruise, según informes recibidos, tiene dos proyectos que pueden ser grandes éxitos.
El primero de ellos es un remake de Fahrenheit 451, que tendrían como compañero de reparto a Mel Gibson y estaría producida por la Warner Bros. El proyecto está basado en la novela de Ray Bradbury, sobre una sociedad del futuro donde la posesión de libros es un crimen. Gibson ha manifestado su interés por interpretar y dirigir la película, en la cual haría el papel de un bombero que empieza a cuestionar su papel en esa quema de libros. Pero el realizador de “Braveheart” está más interesado al parecer en dirigir que en interpretar, aunque las conversaciones entre ambos llevan buen camino. Mel tiene algunos datos para atreverse a ponerse detrás de la cámara: la novela fue adaptada por primera vez en la pantalla en 1966, y fue dirigida con gran acierto por el fallecido director y actor francés Francois Truffaut

Entretanto, la revista Variety nos informa que Cruise está interesado en protagonizar una película de acción con el director oriental John Woo, y todos los datos apuntan que esa película será“Misión: imposible 2”. Tanto él como su compañera de producción Paula Warner, han estado buscando a un director desde que Oliver Stone se retiró del proyecto para concentrarse en otra película.
Otros compañeros de reparto que se mencionan para Cruise son John Travolta y Nicolas Cage, ambos ocupando el primer lugar como candidatos. No obstante, la continuación de “Misión: Imposible 2”, aún no tiene el guión terminado ni existe fecha para comenzar el rodaje.

“No he olvidado mi nuevo trabajo c omo productor ejecutivo, pero mis dos anteriores películas “Jerry Maguire” y “Eyes Wide Shut”, me han impedido concentrarme en ello. No obstante, ya tenemos localizados los exteriores para la segunda entrega de “Misión: imposible”. Creo que ser productor y actor me ayuda mucho a perfeccionarme y a lograr mejores películas. Aunque pueda parecer agotador, lo cierto es que me lo paso como si fuera un niño de 10 años con un juguete nuevo”.

Según la revista Newsday, en un artículo escrito por Liz Smith (una de las mayores chismosas de Hollywood), Tom Cruise y John Travolta, ambos pertenecientes a la Cienciología, están tratando de lograr algún tipo de colaboración profesional. Ambos son conscientes que unidos en una película podría suponer un éxito comercial sin precedentes. Smith dice que esta unión podría firmarse durante el verano de 1988.
Aunque Cruise está actualmente en Londres para filmar la última película de Stanley Kubrick sobre la obsesión sexual titulada“Eyes Wide Shut”, con su esposa Nicole Kidman, y Travolta está trabajando con el director John Woo, las conversaciones no se han detenido.

FILMOGRAFIA

MI GUARDAESPALDAS My bodyguard 1981

96 minutos

Productor: Don Devlin
Director: Tony Bill
Guión: Alan Ormsby
Fotografía: Michael D. Margulies Vestuario: Dave Grusin

Intérprete:
CHRIS MAKEPEACE: Clifford ADAM BALDWIN: Linderman MATT DILLON: Moody
PAUL QUANDT: Carson JOAN CUSACK: Shelley
DEAN R. MILLER: Hightower TIM REYNA: Koontz
TOM CRUISE

Película pequeña pero agradable, sobre un muchacho de la escuela secundaria que contrata a un compañero de su clase para que le proteja de una banda de compañeros matones y pendencieros que tienen atemorizada a la escuela. Los profesores tienen el mismo problema y se muestran impotentes para hacerles frente sin poner en peligro sus vidas. Esta mezcla de comedia y drama, desconocida para el gran público, se ve con sumo agrado y nos muestra un problema creciente de nuestra sociedad. Con el final demasiado simplista, el director Tony Bill, logra un buen resultado con este filme rodado en Chicago. Antiguo conocido por su labor como productor en “Taxi driver” y “El golpe”, este fue su debut como director.
Pueden intentar buscar a un joven Tom Cruise como extra, entre los alumnos de esa escuela.

MÁS ALLA DEL HONOR Taps (1981)

US
Drama
118 minutos Color

Productor: Stanley R. Jaffe y Howard B. Jaffe
Director: Harold Becker
Guión: Darryl Ponicsan, Robert Mark Kamen y James Lineberger Basado en la novela Father Sky de: Devery Freeman Fotografía: Owen Roizman
Compositor: Maurice Jarre

Intérpretes:
GEORGE C. SCOTT: General Harlan Bache TIMOTHY HUTTON: Brian Moreland RONNY COX: Coronel Kerby
SEAN PENN: Alex Dwyer
TOM CRUISE: David Shawn
BRENDAN WARD: Charlie Auden EVAN HANDLER: Edward West
JOHN P. NAVIN JR.: Derek Mellott

“Más allá del honor” es una meditación sobre dos asuntos para los que algunos adolescentes tienen una gran capacidad: el idealismo y autoritarismo. Está basada en un hecho real ocurrido en la Valley Forge Military, aunque para muchos es pura invención. Para esta controversia se proporcionan ciertas pistas, como la ausencia de todos menos uno de los miembros de la academia, algo que ya hemos visto en otras películas “basada en un hecho real”.
La película empieza mostrándonos cómo es la vida castrense en la Academia Militar Bunker Hill, con numerosos cadetes desfilando y haciendo instrucción, no precisamente con mucho sufrimiento interno sino con bastante orgullo de estar allí. Todos están dirigidos por el viejo y legendario General Harlan Bache, el jefe supremo de la academia, interpretado por George C. Scott, probablemente el mejor general del cine de toda la historia desde que interpretó “Patton” (1970). Scott consigue reunir todas las virtudes que suponemos tienen los verdaderos militares: amor a la patria, amor al ejército y mucho romanticismo.

Pero como es habitual, siempre aparece la figura de un oficial que estropea todo y en este caso se trata de Brian Moreland (Timothy Hutton). Su misión es instruir a los cadetes de ese nuevo reemplazo y para eso sabe que debe hacerlo con firmeza; cualquier debilidad suya será aprovechada por los cadetes para la insubordinación. En una de las tardes más importantes de su vida, Brian se concede el gran privilegio de cenar con el viejo general Bache y beber a sorbos algo de coñac con su superior. Poco después, sin embargo, esta unión en la que todo era disciplina, gloria, y tradición militar, se destruye cuando se revela que los economistas militares de la escuela piensan vender la escuela y su tierra a algunos banqueros y terratenientes poderosos.
Bache no quiere tomar parte en una discusión sobre este asunto, por motivos que momentáneamente no muestra al espectador. Entonces Moreland, el instructor de los cadetes, hace el inventario de los suministros de la escuela y de las armas, y decide hablar con los cadetes para realizar algún acto de oposición a esta venta. Ellos deciden tomar la escuela con una ocupación militar, cerrarán las verjas y las puertas, pondrán ametralladoras en las alturas, guardias en todos los sitios estratégicos, y emitirán una serie de demandas a los superiores para evitar la venta de la academia.

Una vez que tenemos definido el argumento y los personajes principales, puede comenzar la película. Los estudiantes se fortifican con barricadas en las tierras de la academia, mientras que la Guardia Nacional y la policía rodean la escuela, y se prevé un enfrentamiento. Entretanto, dentro del conjunto de los cadetes las tensiones comienzan entre esos jóvenes que con frecuencia son inestables y un poco violentos, además de que muchos de ellos desean marcharse fuera y entregarse.
Hutton, como Moreland, realiza una gran labor tratando de escrutar en el alma de los chicos, en la suya propia, e intenta no enfadarse demasiado.
Los problemas de esa academia ya están claros y son muy sencillos, pero el espectador puede plantearse algunas cuestiones, por ejemplo: ¿dónde están los demás miembros de la academia? ¿Por qué las autoridades externas son tan intransigentes, inhumanas e inflexibles? ¿Por qué los economistas militares conceden tan poco valor a esa academia tan veterana y prestigiosa? En esos momentos es cuando nos planteamos la seria duda de que el filme esté “basado en un hecho real”.
Pero estas preguntas no son aclaradas en “Más allá del honor”, y el guionista mostró más interés en realizar un estudio de cada personaje, un retrato de las personalidades más importantes, poniendo especial interés en hablar bien de los jóvenes cadetes y muy mal de los veteranos oficiales. Ese argumento parece ser que siempre es bien acogido. Cuando observamos los comportamientos de los adolescentes varones siempre encontramos los mismos estereotipos de personas que nos dan lecciones de idealismo, de altruismo, de buen corazón, además de justificar cualquier acto reprobable que ellos realicen.
“Más allá del honor” es una historia enfocada siempre del mismo lado: los malos son los adultos y los buenos los jóvenes. Todos los papeles de los cadetes son propios de personas honradas y estupendas, aunque los mayores son los que consiguen agradar más al público por sus buenas interpretaciones. Hutton es un experto actor que había ganado un Oscar como el Mejor Actor por su trabajo en “Gente corriente”, y obviamente se impone al resto de los actores juveniles, quizá porque su personaje tenía más posibilidades de lucimiento. De cualquier manera, nosotros terminamos compartiendo su amor por la academia y comprendemos que hayan adoptado esa postura tan extrema, aunque nos tememos que los resultados no sean muy buenos. Si olvidamos los estereotipos anteriormente mencionados, podemos considerar a “Más allá del honor”, como una película razonablemente válida.

AMOR SIN FIN Endless love (1981)

US
Drama
115 minutos Color

Productor: Dyson Lovell Director: Franco Zeffirelli Guión: Judith Rascoe

Intérpretes:
BROOKE SHIELDS: Jade
MARTIN HEWITT: David
SHIRLEY KNIGHT: Anne
DON MURRAY: Hugh
RICHARD KILEY: Arthur
BEATRICE STRAIGHT: Rose PENELOPE MILFORD: lngrid TOM CRUISE
La historia nos lleva a unas imágenes retrospectivas de un adulto que recuerda con agrado el gran amor de su vida, cuando era muy joven, especialmente ahora que se encuentra desilusionado. La película se centra sobre un muchacho adolescente y una muchacha que están enamorados, hasta que el destino y su vida de adultos les separa. En ese momento hay una gran diferencia entre el mundo presente y pasado, y aunque hay algunas otras cuestiones de interés en la historia, el guionista se centra demasiado en los sentimientos de los dos protagonistas.
Basada en una popular novela, muy aclamada por cómo mostraba la profundidad de los cambios en los sentimientos a medida en que vamos creciendo, el guionista prefiere empezar mostrando a David (Martin Hewitt), realizando un acto que acabará con su felicidad durante años. Tiene prohibido ver a su amada chica Jade (Brooke Shields), durante treinta días, y para solucionarlo tiene una idea genial: recoge muchos periódicos y prende fuego a su casa, pero cuando las llamas empiezan a tomar cuerpo da la voz de alarma, pretendiendo hacerse el héroe y que la gente le tenga en consideración. Pero el fuego no entiende su propósito y la casa se quema rápidamente, encontrando culpable a David e internándole en un hospital psiquiátrico.
El punto de vista de la novela se centra, pues, en un muchacho que ha perdido todo lo que él valora y lo recuerda con gran pasión cuando es adulto. Bueno, como esto es algo que nos pasa a todos, el argumento nos gusta, pero el guionista ha preferido contarnos la historia con saltos en el tiempo menos acertados. Eso significa que la aventura amorosa entre Jade y David, en lugar de recordarse como una pérdida dolorosa, se ve ahora como un simple romance adolescente y la quema de su casa como una travesura. El significado real de la novela se pierde.

Una historia que empezó como un poema sobre el orgullo feroz de una pasión juvenil, se transmuta en un estudio sociológico del caso. Esta película contiene algunos de los mismos caracteres y eventos de la maravillosa novela de Scott Spencer (de hecho, en algunos momentos es innecesariamente fiel a las situaciones y diálogos del libro), pero no contiene las razones que se muestran en el libro. El filme nos muestra los hechos, en lugar de los sentimientos.
Pero existen otros errores, como la presencia de Martin Hewitt, como David, el muchacho de diecisiete años que nos parece un buen actor, aunque demasiado guapo, y por eso no encaja en ese papel que le envejece y nos lo muestra excesivamente vulnerable y sensible. Otro error está en la narrativa: con una serie de situaciones que nos muestran a David y su viaje a Nueva York, aunque no sepamos exactamente cómo y por qué se fue allí, ni las circunstancias que le permiten unirse a Jade.
Tampoco los últimos minutos del filme son adecuados, ya que la resolución del argumento, en cuanto al plano sentimental, no establece una conclusión. El problema es que nosotros hemos leído el libro y sabemos que todo quedaba bien explicado y resuelto, no comprendiendo las razones por las cuales se han cambiado situaciones lógicas por otras mal resueltas. Por ejemplo, en el libro David prende fuego a los periódicos como un acto de pasión y confusión. Sabemos que está desconcertado, pero en la película se nos muestra como una estrategia, como un deseo de vengar lo que le ocurrió en su juventud. Al parecer, el director debió pensar que el fuego tenía que suponer una especie de diálogo con el público. El resultado de este cambio es que ahora lo vemos como un acto temerario, que convierte a David en un tonto y nos hace dudar sobre su inteligencia.

La relación central de la película, entre Jade (Brooke Shields) y David, aparece como una desilusión, porque en las escenas sentimentales no se muestran pasiones humanas. Nosotros realmente no entendemos, ni mucho menos sentimos, la unión entre estas dos personas. Eso se debe en parte a la incapacidad de Hewitt para proyectar la incertidumbre y la torpeza de un adolescente; se nos muestra tan seguro de sí mismo, con toda su juventud, que nos parece una oferta adecuada para una muchacha guapa, en lugar de un par de amantes juveniles que se han encontrado en el camino.
Es posible que el lector deduzca que no hemos encontrado nada bueno en este filme, pero entendemos que al menos Brooke Shields, como Jade, está sumamente correcta. Ella tiene una gran belleza natural, y demuestra, en una escena de ternura que involucra a Hewitt con su padre, que tiene una sólida presencia en la pantalla, sencilla, pero fuerte. La conclusión es que la película no ha entendido el potencial de la novela que la inspiró, y por eso no nos convence este amor juvenil.

LA CLAVE DEL ÉXITO All the right moves (1983)

US
Deportes 91 minutos Color

Productor: Stephen Deutsch
Director: Michael Chapman
Guión: Michael Kane
Fotografía: Jan De Bont
Compositor: David Campbell
Vestuario: Deborah Hopper y Joseph Roveto

Intérpretes:
TOM CRUISE: Stef
CRAIG T. NELSON: Nickerson LEA THOMPSON: Lisa
CHARLES CIOFFI: Pop
PAUL CARAFOTES: Salvucci CHRISTOPHER PENN: Brian SANDY FAISON: Suzie

Una historia sobre jóvenes entusiastas que juegan al fútbol en la escuela secundaria, en la que destaca Tom Cruise como el joven ambicioso y eficaz, ayudado por su entrenador Craig T. Nelson.
La historia básica es sencilla, decididamente centrada en el mundo del deporte, cuyo equipo de fútbol supone para sus jóvenes protagonistas toda su vida y sus ilusiones. “La clave del éxito” para ellos es ganar y por eso ponen todo su entusiasmo en cada partido. Una victoria no solamente supone una alegría, sino el reconocimiento de todos sus compañeros y la admiración de las chicas. Junto a este deporte aparece su vida escolar, pero como una parte de sus vidas de menor interés. Cada vez que consiguen ganar un partido es como si les aumentaran simultáneamente su valor e inteligencia, mientras que cuando lo pierden la tragedia se instaura en sus corazones.
Pero “La clave del éxito” no es solamente una historia deportiva, sino que el director ha intentado que sea un modo para mostrar los sentimientos de los protagonistas, aunque su intención queda anulada cuando vemos que pone más entusiasmo en el aspecto técnico de los partidos que en sus emociones.

Tom Cruise hace el papel de uno de los jugadores de fútbol en esa escuela secundaria de un pequeño pueblo de Pennsylvania, donde el desempleo es un estilo de vida. Si consiguen clasificarse bien en el fútbol conseguirán una beca para estudiar fuera, en una popular escuela de ingeniería. Sin que sepamos la relación que existe entre un ingeniero y un futbolista, desde ese momento los jóvenes se dan cuenta que la única solución para salir del pueblo en ganar muchos partidos.
El entrenador Craig T. Nelson también está buscando su oportunidad en la vida, un trabajo con el cual poder pagar sus estudios en la universidad. En el momento del gran partido, cuando el destino de todos está en juego, estas dos personas, Nelson y Cruise, entran en una posición donde cada uno parece haber destruido las esperanzas del otro. La película toca este conflicto de intereses como el tema principal, aunque afortunadamente no se trata de otra película de jóvenes estudiantes con muchachas guapas, jóvenes gamberros y graciosos feos. El filme entra en la dinámica del carácter de los estudiantes principales de esta escuela y matiza profundamente la relación entre los personajes de Cruise y su novia, Lea Thompson.
Después de tantas películas sobre escuelas de adolescentes, la mayoría de ellas basura pura, es aleccionador ver una película que nos recuerda que la mayoría de los adolescentes son vulnerables, inseguros, sinceros, y fundamentalmente decentes. El protagonista y su novia, y todos sus amigos, tienen sentimientos que nosotros podemos reconocer como reales, no estereotipados. La historia se siente real, especialmente porque se centra alrededor de estas personas que cometen errores importantes, la mayoría de ellos que nos recuerdan a nuestra época de estudiantes.
Muchos adolescentes terminan por sentirse culpables todo el día, aun cuando ellos son totalmente inocentes. El problema es que siempre hay alguien a su alrededor que les hace aparecer culpables y por eso el mal está en esos compañeros, no en ellos mismos. Desde fuera somos conscientes de que es muy fácil observar el problema ahora que ya somos mayores y trivializamos los trastornos de la juventud. Cuando somos adultos y hace casi un siglo que abandonamos la escuela, nos damos cuenta que siendo jóvenes es muy fácil hacer daño al compañero, pero esa misma juventud nos hace poco capaces de remediar nuestros errores, quizá porque somos demasiado dependientes del resto de los amigos.

La película basada esencialmente en el personaje de Cruise, hace que nos identifiquemos pronto con su carácter. Cuando esto ocurre la película se vuelve más interesante y nos damos cuenta que en lugar de resolver los problemas de un modo complicado, lo hace a través de un simple ejercicio de honestidad. La película no es moralista, pero ofrece soluciones para los problemas de los adolescentes, y por ese motivo “La Clave del éxito” merecen una revisión.

IR A PERDERLO Y PERDERSE Losin´it (1983)

US
Comedia 104 minutos Color

Productor: Bryan Gindoff y Hannah Hempstead Director: Curtis Hanson
Guión: B.W.L. Norton
Basado en la historia de: Norton
Fotografía: Gilbert Taylor
Compositor: Ken Wannberg

Intérpretes:
TOM CRUISE: Woody
JACKIE EARLE HALEY: Dave JOHN STOCKWELL: Spider SHELLEY LONG: Kathy
JOHN P. NAVIN JR.: Wendell HENRY DARROW: El Jefe JAMES VICTOR: Lawyer HECTOR ELIAS: Chuey

Típica y en ocasiones agradable, comedia sobre adolescentes, durante un día libre en el cual se van de excursión. Tan sumamente predecible es el argumento que es posible que empecemos a bostezar desde los primeros minutos, aunque si somos fans de Cruise es seguro que disfrutaremos durante esa pequeña aventura en Tijuana.

REBELDES
The Outsiders (1983)

US
Drama
91 minutos Color
Panavision

Productor: Fred Roos, Gray Frederickson Director: Francis Ford Coppola
Guión: Kathleen Rowell
Basado en la novela de: S.E. Hinton Fotografía: Stephen H. Burum
Compositor: Carmine Coppola
Vestuario: Marge Bowers
Cine electrónico: Michael Lehmann

Intérpretes:
MATT DILLON: Dallas Winston RALPH MACCHIO: Johnny Cade C. THOMAS HOWELL: Ponyboy Curtis PATRICK SWAYZE: Darrel Curtis ROB LOWE: Sodapop Curtis
EMILIO ESTEVEZ: Two-Bit Matthews TOM CRUISE: Steve Randle
GLENN WITHROW: Tim Shephard DIANE LANE : Cherry Valance LEIF GARRETT: Bob Sheldon
SOFIA COPPOLA

Los entusiastas de Coppola no esperen ver una gran película, realizada solamente para tratar de recuperarse económicamente del desastre de “Corazonada”. Intentando imitar a películas juveniles de gran éxito como “Rebelde sin causa”, esta película sobre jóvenes delincuentes es solamente un ejercicio nostálgico de una época irrepetible. Las alegorías homosexuales y el reparto tan atractivo, no son motivos suficientes para que disfrutemos con su visión.
Tratada de una manera florida, tomando como base la novela de S.E. Hinton que fue un libro de gran éxito entre adolescentes, la historia nos lleva hasta Oklahoma, en los años 60, justo en plena efervescencia de los movimientos juveniles. Todo cuanto acontece está visto a través de los ojos de un muchacho, Howell, quién ama la poesía y es un fan declarado de “Lo que el viento se llevó”.
La película pretende ser ambiciosa y nos recuerda algunos melodramas de los años 50, aunque todo se queda en un deseo exagerado de hacer una película para agradar a los jóvenes. La música de Carmine Coppola, es adecuada pero no parece que esté en línea con los gustos de la juventud de esos años.
La escritora Hinton hace una corta aparición como una enfermera. Posteriormente, la colaboración entre Coppola y Hinton, continuó con “Rumble Fish”, un telefilme para la televisión.

El director:
Francis Ford Coppola

Nacimiento: 7 de abril de 1939 en Detroit, MI

Estudios: Colegio de Hofstra (ahora Universidad); UCLA Escuela de cine

Francis Ford Coppola es uno de los cineastas americanos más erráticos, energéticos y discutibles. Conocido primariamente para su victoriosa trilogía "El Padrino" (1972), (1974) (1990), Coppola ha tenido una vida y una carrera de triunfos y retrocesos trágicos. Ha ganado cinco Premios de la Academia, recibiendo diez nominaciones al Oscar y es el ganador de dos festivales de Cannes en donde consiguió la Palma de Oro. Pero a lo largo del decenio de 1980, los detractores financieros de Coppola (incluyendo su descontrol sobre los presupuestos que dejaron afectados seriamente a los estudios Zoetrope), le cerraron las puertas. La tragedia personal le golpeó en 1986 cuando su hijo Gio murió en un accidente de barco.
Los filmes de Coppola, sobre los cuales él habitualmente tiene el control total, varían apreciablemente en el estilo, género y contenido. Con la excepción de trabajos más personales (la serie "El Padrino" y “Apocalipsis Now”), y las películas que reflejan su fascinación por la tecnología (“La Conversación” en 1974, y “Corazonada” en 1982), Coppola no tiene una línea muy completa en sus películas.

Coppola se crió en los suburbios de Nueva York, en una familia italo-americana (el padre de Coppola era un compositor/músico y su madre había sido una actriz en Italia). Estudió teatro en la Universidad de Hofstra, donde él montó su primera escuela de producción. En 1960, Coppola entra en la escuela de cine UCLA, consiguiendo un Masters. Aprendiendo simultáneamente en el aula y en el campo, los años de Coppola en UCLA fueron altamente productivos. Trabajó en diversas películas pornográficas, así como también hacía proyectos presupuestarios para Roger Corman. También escribió un manuscrito para Samuel Goldwyn que no se filmó nunca, y dirigió su primera película para Corman titulada “Dementia 13”, en Irlanda, durante el verano de 1963. En 1966 realiza en UCLA una tesis titulada “You´rea Big Boy Now”, que sirve de base para que Richard Lesters haga una comedia que distribuyó la Warner Bros. En 1968, Coppola hizo su primer trabajo como director, con gran presupuesto, pero que fue un fracaso en taquilla: “Finian´s Rainbaw”. Luego escribió y dirigió “The Rain People” (1969), una película personal sobre un ama de casa desconsolada. Durante el decenio de 1960, Coppola escribió o colaboró en una docena de guiones, incluyendo la adaptación de “This Property is Condemened” (1966) y co-escribió con Gore Vidal el guión para “Is Paris Burning” (1966). A los 31 años tuvo su primer Oscar por el guión de “Patton” (1970), co-escrito con Edmund Nort.
En 1972, alcanzó un gran éxito artístico y financiero con “El Padrino”, que dirigió para la Paramount. La película, co-adaptada con Mario Puzo desde el best-seller del mismo título, llegó a ser una de las más grandes películas en la historia del cine y proporcionó a Coppola otro Oscar por el mejor guión adaptado. La película también ganó el Oscar a la mejor película y una nominación como mejor director.

Siguió su trabajo con el guión de “El Gran Gatsby” (1974), volvió a dirigir en 1974 con “La Conversación” y esta película le proporcionó dos nominaciones al Oscar, ganando, además, la Palma de Oro en el festival de Cannes.
Ese mismo año, dirigió y co-escribió con Puzo “El Padrino II” (1974), ganadora de seis Oscars, incluyendo tres para Coppola como productor, director y escritor. Coppola siguió su carrera con un desatinado presupuesto en “Apocalipsis Now”. La producción de la película era tan problemática que, según Coppola, “poco a poco nosotros enloquecimos”.
“Apocalipsis Now” fue seguida de 11 años de desilusiones, con películas de pésimo resultado económico a causa de sus tendencias egocéntricas como director. Los 26 millones de dólares que costó “Corazonada” (One From The Heart) (1982) supusieron una importante desilusión financiera y crítica, especialmente por su deseo de incorporar artefactos costosos de alta tecnología y técnicas experimentales de vídeo y computadora. En 1983 Coppola invirtió su dinero propio en dos adaptaciones de novelas sobre adolescentes, “The Outside” y “Rumble Fish”, ambas sumamente criticadas y de malos resultados financieros. No obstante, consiguió introducir en el cine a actores que posteriormente alcanzarían gran fama, como Matt Dillon, Mickey Rourke, Nicolas Cage, C. Thomas Howell, Ralph Macchio, Patrick Swayze, Roba Lowe, Emilio Estevez, Tom Cruise y Cristóbal Penn, así como también a Diane Lane, Tom Waits y Dennis Hopper.

Su tesón considerable para reali zar películas, le hizo volver con “Cotton Club” (1984), un conjunto musical ambicioso sobre un famoso club de jazz de Harlem en 1920. Él realizó el manuscrito reescribiéndolo 40 veces antes de comenzar la producción. Durante el rodaje, que costó 48 millones de dólares, Coppola gastó la mayoría de su tiempo personalizando su remolque “Silverfish” con alta tecnología, dotándolo de audio/vídeo, cámaras, controladores y computadoras.
Después del fracaso financiero de “Cotton Club”, Coppola llegó a dirigir una comedia sobre viajes en el tiempo titulada “Peggy Sue se casó” (1986), que fue bastante bien aceptada por el público al recrear con buena precisión épocas pasadas. Rápidamente, “Peggy Sue se casó” llegó a ser un éxito en los vídeoclubs y en su pase por televisión. La película consolidó la reputación de Kathleen Turner e hizo una estrella del sobrino de Coppola, Nicolas Cage.

Mucho más impresionante fue “Tucker: The Man and His Dream” (1988), en donde Jeff Bridges hace el papel de la verdadera vida de un visionario en la industria del automóvil, durante la década de los 40. Coppola había planificado hacer esta película desde hacía tiempo, cuando quedó fascinado con la historia de Tucker, el impetuoso pero inteligente empresario que osó desafiar a la industria de Detroit.
En 1989, Coppola dirigió “Life Without Zoe” (Vida sin Zoe) a partir de una idea co-escrita con su hija Sofía y en la que cuentan una historia de Nueva York, más otras dos contadas por Martin Scorsese y Woody Allen.
A lo largo de su carrera, la mayoría de las empresas que ha montado Coppola han sido catastróficas, como una que se llamaba Scopitone, en la cual pretendía vender un tocadiscos automático para visionar películas cortas musicales; el mundo no estaba preparado aún para los videos de música. En 1970, en San Francisco, publicó la Revista Urbana que también fracasó, así como creó los estudios Zoetrope de San Francisco. También fue un fracaso la compra de los estudios Goldwyn, con los cuales quería crear un estudio controlado por artistas. Después del fracaso de “One From The Heart” (Corazonada), él estuvo al borde de la bancarrota cuando sus deudas llegaron a los 30 millones de dólares. Coppola trabajaba en Roma cuando tuvo la oportunidad para dirigir “El Padrino III” (1990). A punto de la ruina financiera y con la imperiosa necesidad de conseguir un éxito cinematográfico, el presidente de la Paramount, Frank Mancuso, le pidió realizar la tercera parte. En enero de 1990, cuando realizó “El Padrino III” (1990), los estudios Zoetrope se recuperaron económicamente.

En cualquier análisis sobre Coppola que se haga en el futuro, la película "El Padrino" permanecerá como el mejor logro de su carrera. Esta película, además, implicaba razones sentimentales en el corazón de Coppola. En ella intervinieron personas claves de su propia familia, incluyendo a su hermana Talia Shire, su sobrino Nicolas Cage y su hija Sofía, contribuyentes claves en sus películas. Dar trabajo a su familia no es algo exclusivo de Coppola ya que anteriormente lo han hecho John Cassavetes, Martin Scorsese y Paul Mazursky. No obstante, la incorporación de Sofía en un papel estelar en “El Padrino III” (en 1990), se ha considerado siempre como un error.
Coppola consiguió también combinar la buena literatura con el cine de entretenimiento, al realizar “Drácula” de Bram Stoker (1992), una adaptación popular de la clásica novela de terror. El éxito de la película condujo a Coppola para ejercer como co-productor en “Frankenstein” de Mary Shelley (1994), dirigida por Kenneth Brannagh. Aparte de su familia, Coppola ha sido una especie de "padrino" para otros directores, apoyando y actuando como productor ejecutivo en obras de Paul Schrader, Wim Wenders y Akira Kurosawa, realizando, además, una parte importante en la restauración de la película muda de Abel Gance, “Napoleón” (1927). Coppola ha concedido también su amor por la tecnología en una versión del “Rip Van Winkle”, una historia para la televisión por cable, así como en la fantasía corta de Miguel Jackson, “Capitan” (1986).

RISKY BUSINESS Risky Business (1983)

US
Geffen para Warner Bros Comedia
Color
96 minutos

Productor: Jon Avnet y Steve Tisch Director: Paul Brickman
Guión: Paul Brickman
Fotografía: Reynaldo Villalobos Compositor: Tangerine Dream Vestuario: Robert de Mora

Intérpretes:
TOM CRUISE: Joel
REBECCA DE MORNAY: Lana JOE PANTOLINO: Guido
RICHARD MASUR: Rutherford BRONSON PINCHOT: Barry CURTIS ARMSTRONG: Miles NICHOLAS PRYOR: Padre de Joel JANET CARROLL: Madre de Joel SHERA DANESE: Vicki

“Risky Business” es una película sobre el sentimiento de culpa de un adolescente que vive aventuras de un adulto. En otras palabras, es una comedia porque trata de asuntos que son tan susceptibles, tan cargados con dolor emocional, que a menos que nosotros nos riamos no podremos disfrutar.
La manera en que nos muestran los delirios de independencia de un joven cuando sus padres le dejan en casa solo, puede ser correcta si nunca nos tomamos en serio sus andanzas. El adolescente de la película se llama Joel y vive con su familia en un suburbio elegante en la Orilla Norte de Chicago. Es la clase de familia que tiene tres automóviles, uno para la familia en conjunto, otro para la madre y el Porsche del padre. Cuando la película comienza, los padres están haciendo los preparativos para marcharse de vacaciones a un paraíso con mucho sol y playa, mientras que dejan a su único hijo, Joel, al cuidado de la casa. Ante tal libertad, el chico planea cómo debe ocupar su tiempo no solamente para divertirse sino para acudir a la universidad, realizar una entrevista en Princeton para un empleo de funcionario, y preparar los exámenes finales. Según sus padres, tendrá el tiempo totalmente ocupado y no podrá hacer diabluras, aunque esa no es la opinión de Joel, quien se meterá próximamente en problemas. Revisando un periódico local, encuentra la sección de anuncios de contacto de sexo y decide planificar en su casa una reunión con la prostituta elegida. Todo se complica cuando la chica, Lana, le propone un negocio como alcahuete, utilizando su casa como burdel en el cual sus compañeros de colegio serán sus clientes.
Todo parece ir bien hasta que la desaparición de un huevo de Fabergé que la madre tenía en gran estima, desaparece de la repisa de la chimenea. Por si fuera poco, las vacaciones de sus padres se estropean cuando el Porsche cae al Lago Michigan. En ese momento la casa es ya un verdadero burdel, Joel pierde los exámenes y así se va sumando desastres.

Ya dijimos al principio que aunque la película tiene tintes dramáticos, lo mejor es tomársela a risa. “Risky Business” parece, por tanto, algo muy predecible, pero no es así. Para muchos se trata de una inteligente comedia y una sátira certera de algunas costumbres de nuestro tiempo.
No se trata solamente de una comedia sobre los calores sexuales de los adolescentes. Si prestamos atención a los diálogos escritos por Paul Brickman, disfrutaremos aún más, puesto que en ocasiones no tienen desperdicio. Esta es una de esas películas donde unas palabras o una sola línea, dice todo lo que necesita ser dicho, y es por eso que motivan a la risa espontánea. Cuando la prostituta le dice al joven: "¡Oh!, Joel!, vente a practicar, para que aprendas algo", el tono de su voz no deja lugar a dudas de lo que ocurrirá en las próximas escenas.
Otro de los aciertos de la película está en la actriz Rebecca De Mornay, cuyo papel como la sensual, sentimental y pragmática prostituta, nos hace reconsiderar nuestra opinión sobre esta profesión. Manejando con habilidad su, en ocasiones, ingrato personaje, Rebecca nos demuestra que las chicas de la calle también pueden tener un corazón de oro, además de ser unas expertas en agradar a sus clientes. No es que ella sea la mejor de todas, pero demuestra mayor sensatez que muchos de los otros personajes adolescentes, solamente preocupados por realizar sus chifladuras y ocultar sus inseguridades internas. Por supuesto, y como buena profesional, tiene una gran habilidad para hacer el amor.
Esta película supone una sorpresa para quienes esperan una comedia sobre adolescentes descerebrados, ya que nos encontramos con una comedia original, y una relación sentimental muy interesante entre una prostituta y un adolescente. Se trata de una película agradable en la cual vemos caras nuevas y algunas escenas sumamente interesantes, como cuando los protagonistas hacen el amor en un vagón del metro o Joel baila desenfrenadamente en calzoncillos “Old Time Rock’n Roll”.
Es difícil hacer una buena comedia y mucho más difícil si entre los diálogos cómicos hay que incluir sentimientos de culpa, codicia y complejos. Esta película trata de mostrar lo que ocurre en realidad dentro de los hogares americanos tradicionales.
Tom Cruise estrenaba una dentadura recién restaurada.

LEGEND
Legend (1985)

UK
20th Century Fox Fantasía
89 minutos
Technicolor
Panavision

Productor: Arnon Milchan Director: Ridley Scott Guión: William Hjortsberg Música: Jerry Goldsmith Maquillaje: Rob Bottin

Intérpretes:
TOM CRUISE: Jack
MIA SARA: Lili
TIM CURRY: Darkness DAVID BENNENT: Gump ALICE PLAYTEN: Blix BILLY BARTY: Screwball Rodada en los estudios Pinewood de Londres, se contó con un equipo de expertos que incluían a Alex Thomson como director de fotografía, que había trabajado anteriormente en “Excalibur” y “Sueños eléctricos”, Asheton Gordon , un decorador que había colaborado ya con Ridley Scott, y Terry Rwlings, el montador jefe en “Alien” y “Blade Runner”. Con el fin de lograr un ambiente adecuado, fueron edificados dos decorados gigantescos con un sistema denominado “Prothetics”.
Para interpretar el papel principal de Jack O’Then Green, se buscó a un joven llamado Tom Cruise, el cual había conseguido una gran popularidad gracias a su trabajo en “Risky Business”, un actor en quien los productores tenían puestas las esperanzas del relevo generacional de actores.
Otras películas anteriores habían recreado un universo de fantasía más genérico, con marionetas y pantanos, bestias extrañas y tiranos malos, damiselas y muchachos heroicos, profecías antiguas y leyendas míticas. Es un mundo que parece inspirado en los mismos ingredientes que “El señor de los anillos” o esas películas con mazmorras, dragones, caballeros del rey Arturo o, incluso, pilotos galácticos. En cualquier otra película estos ingredientes dan el resultado apetecido, pero en “Legend” no son nada excitantes.

La película se rodó con un gran presupuesto, despilfarrado por unos efectos especiales dirigidos por el director británico Ridley Scott, el director de “Alien”, a quien parece se le acabaron las buenas ideas.
La historia nos habla de un tiempo muy lejano, o inexistente, cuando los unicornios vagaban por la tierra, y cuando los poderes opuestos de oscuridad y luz estaban en guerra. Un Príncipe malo llamado simplemente Oscuridad, habitaba en unas cuevas bajo tierra y tenía planes para cubrir el sol y así conseguir anular a todas las criaturas del exterior, gobernando la noche para siempre.
La tierra es todavía un lugar alegre, lleno de flores y con bosques frondosos en donde existen numerosos claros llenos de luz, pero también pantanos tenebrosos y ciénagas mohosas. Los jóvenes amantes pueden besarse durante una tarde entera bañándose a la luz del sol o en un pequeño río, pero cuando más tranquilos están las tormentas tenebrosas surgen de repente, y azotan con furia la tierra hasta entonces apacible.
Una raza de malvados y pequeños druidas viven en los bosques y realizan sus travesuras por donde pasan, siendo su pasatiempo preferido asustar a los unicornios.

Junto a ellos, nuestros héroes humanos, Jack y Lili, tratan de dar un toque de amor y sensatez en el ambiente. Jack (Tom Cruise), es un héroe cuya misión en la vida es vencer a la Oscuridad y permitir que prevalezca la luz del sol. Lili (Mia Sara), es la mujer joven que él se encuentra y de la cual se enamora, pero ella es atraída por las fuerzas del mal, siendo seducida por una sacerdotisa exótica que trata de llevarla al camino de la maldad. El argumento en sí, está ya mostrado y se trata de averiguar si nuestra pareja de enamorados lograrán evitar que la Oscuridad domine la tierra, o si todos sucumbirán ante las fuerzas del mal.

Pero junto a un argumento que en principio es un cuento de hadas sin más pretensiones, tenemos las habilidades técnicas de un eficaz Ridley Scott que hacen de “Legend” una película nada despreciable. Scott es un perfeccionista que invierte mucho tiempo para lograr que las cosas salgan perfectas, aunque el problema es que el ambiente arbóreo de “Legend” no se presta demasiado a grandes alardes técnicos.
Sabemos que el argumento es un cuento de hadas, y como cualquier cuento dirigido a los adolescentes, necesita mucha luminosidad, alegría, y romanticismo.
Como tantas otras películas de capa y espada, magos y brujas, el desarrollo puede ser correcto dependiendo del tratamiento que les demos a los héroes, más que en el aspecto tecnológico del filme.
Los protagonistas son el eje de una película fantástica y en este caso debemos decir que Tom Cruise, con 23 años, no acaba de encajar en esta historia de hadas. Aquí, el actor que había conseguido un gran éxito con “Risky Business”, como un joven genuino que descubre el sexo con una prostituta, está demasiado curtido y hasta podríamos asegurar que agobiado por el decorado y los efectos especiales.
Tim Curry, a quien habíamos visto en ese musical de culto titulado “The Rocky horror picture show”, interpreta a Darkness, con algo más de acierto que Cruise pero, una vez más, sin acabar de encajar en un trabajo que le obligaba a mostrar sus ojos ardientes y unos cuernos gigantescos.
A pesar de toda su buena tecnología, estupendos decorados, maravillosas criaturas y estupenda música, “Legend” es una película que no gustó a casi nadie.

Premios:

Nominada a la mejor composición 1986: Rob Bottin, Peter Robb-King,

El director: Ridley Scott

Nacimiento: 30 de noviembre de 1937, en Northumberland, Inglaterra Estudios: Hartlepool Oeste, Colegio de Arte

Hacia mediados de 1960, Ridley Scott trabajó para la compañía de televisión BBC como un diseñador de escena, una experiencia que le ha servido para conseguir un buen trabajo posterior como director. Desde su primera película, “The Duels” (1977), y posteriormente con “Black Rain” (1989), Scott ha resultado ser muy coherente con los aspectos visuales más espectaculares.
Scott comenzó su carrera de director en la televisión, trabajando en episodios de las series “Z Cars” y “ The Informer”. En 1967, dejó la BBC y dedicó sus siguientes diez años haciendo centenares de anuncios de televisión, mediante su propia compañía comercial de producción, RSA (Ridley Scott Asociados).
Scott dedicó un total de cinco años, desde la concepción, la financiación y la producción, a su primera película, “The Duels” (1977) y aunque ganó un premio especial del jurado en Cannes, recibió muchas críticas por su visión superficial de los dos personajes centrales (Keith Carradine y Harvey Keitel).
La siguiente película de Scott tuvo bastante éxito, tratándose de un tenso thriller de cienciaficción titulado “Alien” (1979). La película consiguió una buena recaudación e hizo una estrella de Sigourney Weaver (a partir de 1996), realizándose posteriormente tres secuelas, “Aliens” de James Cameron (1986), “Alien 3” de David Fincher (1992), y “Alien, resurrección” de 1997.
“Blade Runner” presentaba una visión futurista, saturada y violenta de Los Angeles en el año 2019. La historia, sobre un cazador de recompensas (Harrison Ford), que investiga a una pandilla de androides forajidos, ofrece un tratamiento extraordinariamente simpático de los "replicantes" en busca de su creador, tratando de prolongar sus únicos cuatro años de vida. La película ha desarrollado un culto importante, aunque algunos críticos fueron severos con la dureza de Ford.
La reacción de los críticos con “Legend” (1985) fue generalmente pobre, centraliza sobre una débil historia de hadas y amparada en una producción demasiado suntuosa (la película entera fue rodada en los estudios Pinewood de Londres).
“Someome To Satch Over Me” (1987) era un bien estructurado thriller de suspense, interpretado por Tom Berenger y Mimi Rogers, mientras que “Black Rain” (1989), una película sobre la corrupción de la policía, rodada en Nueva York y Japón, consiguió también una buena taquilla. Aunque la narrativa es algo confusa y la parte romántica, entre el detective (Michael Douglas) y la anfitriona de un centro nocturno (Kate Capshaw), poco elaborada, algunas de los enfrentamientos urbanos estaban francamente bien.

Scott disfrutó de uno de sus mayores éxitos comerciales y críticos con el filme “The lma y Louise” (1991). La película también engendra un alto nivel de controversia cuando juzga las costumbres sociales de Hollywood. Escrita por Callie Khouri, y con las actrices Susan Sarandon y Geena Davis como protagonistas, indignó al espectador varón y encantó a las mujeres.
Los posteriores trabajos de Scott consistieron en la epopeya de Colón, con “1492: La conquista del paraíso” (1992), una estupenda película que nos ofreció algunos placeres visuales, aunque los resultados en taquilla fueron muy pobres, quizás porque no siguió fielmente la biografía del descubridor.
Una de sus últimas películas fue “Tormenta blanca” (1996) bien realizada, pero un fracaso para la prensa y el público. La película estaba interpretada por actores jóvenes, atractivos, y nos contaba la historia de unos estudiantes privilegiados que se ven obligados a madurar sobre la cubierta de un buque escuela privado. Jeff Bridges recibió bastantes elogios por su interpretación y Scott ganó cierta celebridad por las hermosas imágenes náuticas y su dinámico montaje de la tormenta en el mar.
En 1995, Scott y su hermano Tony compraron los estudios Shepperton de Londres para que Scott rodara sus propias producciones.

EL COLOR DEL DINERO The Color of Money (1986)

US
Deportes/Drama 119 minutos
Color

Productor: Irving Axelrad y Barbara De Fina Director: Martin Scorsese
Guión: Richard Price
Basado en la novela de: Walter Tevis Fotografía: Michael Ballhaus
Compositor: Robbie Robertson
Consejero técnico: Michael Sigel
Efectos especiales: Smith Corto
Composición: Monty Westmore
Vestuario: Richard Bruno

Intérpretes:
PAUL NEWMAN: Eddie
TOM CRUISE: Vincent
MARY ELIZABETH MASTRANTONIO: Carmen HELEN SHAVER: Janelle
BILL COBBS: Orvis
KEITH McCREADY: Grady Seasons
BRUCE A. YOUNG: Moselle

Si esta película hubiera sido dirigida por otro director, quizá la acogida hubiera sido diferente porque nadie hubiera esperado tanto. Pero “El Color del dinero”, dirigida por Martin Scorsese, uno de los directores americanos más excitantes del momento, nos deja un poco fríos. No tiene la emoción, ni la tensión de otros de sus anteriores trabajos, y como resultado la historia se nos muestra muy sencilla y sin pretensiones. Scorsese puede haber pensado que esta película, con este argumento, no era apta para nada revolucionario y que para lograr éxito tenía que hacer algo deliberadamente convencional, con actores importantes y un tema popular; y quizá tenga razón.
Pero quienes admiramos a Scorsese, y sabemos que él tiene alma de artista, esperamos que ponga su corazón en cada película. Y su trabajo ha sido, hasta ahora, crear nuevas

que aunque son de películas, historias completamente personales sobre personajes ficción se nos antojan sumamente conocidos.

“El color del dinero” no es una película habitual en Scorsese, encontramos con detalles de su inspiración más reciente. La historia se parece a “Fast Eddie” Felson, el personaje interpretado por Paul Newman en “El buscavidas” (1961) de Robert Rossen, hace ya veinticinco años. Ahora Eddie todavía tiene piscina, pero es un vendedor de licores, tiene éxito y maneja un Cadillac blanco muy grande que exhibe con mucho orgullo. Una noche, él ve a un chico que está en la piscina, y el chico es tan bueno que los recuerdos de Eddie se materializan.
Pero este chico no es absolutamente bueno. Según observa Eddie, tiene ciertas habilidades y eso le da una idea: con Eddie en su coche, este joven podría conseguir muchos clientes y jugadores. Su desafío consiste en entrenar al joven para que tentación, mientras él gana dinero.
El joven se llama Vincent (Tom Cruise), y Eddie le conoce a Vincent, Carmen (Mary Elizabeth Mastrantonio). Ella es algo mayor que Vince y mucho más dura. Le gusta la excitación de estar junto a Vince y alrededor de la piscina, pero Eddie nota que ella se aburre. Pronto se le ocurre la idea de hacer un trato con la muchacha. Los dos juntos controlarán a Vince y lo dirigirán para que atraiga el dinero. Muchas de las primeras escenas que preparan esta situación están muy bien manejadas, sobre todo los momentos cuando Eddie trata de que Carmen vuelva celoso a Vince y conseguir minar así su auto confianza. Todas estas escenas están correctas y forman tanto parte de la historia como de la propia sensibilidad de Scorsese. En todas sus mejores películas, nosotros podemos ver esta misma ambigüedad sobre el papel de las mujeres que son mostradas como objetos de consuelo y temen que sus héroes las desprecien al mismo tiempo que las desean.
pero al menos nos

actúe como señuelo y

través de la novia de La película parece encajar menos dentro del carácter de Newman, quizás porque este personaje está principalmente completo cuando la película empieza. “Fast Eddie” Felson sabe quién es él, lo que piensa, y cuales son sus valores. Hay algunos momentos en que la historia se descompone, como cuando él permite, para su vergüenza, ser empujado en la piscina. Pero eso no va a cambiar mucho su personaje durante la historia. La mayor debilidad de “El color del dinero” está en que parece una historia de un pequeño pueblo, pero aquí vemos que se genera dentro de situaciones normales de Hollywood. Primero tenemos la historia básica del profesional viejo pero experto y el jovenzuelo con talento. Después, una nueva historia sobre un joven que quiere sacar al amo fuera de su trono, para ponerse él.
Muchas de las escenas en esta película están demasiado vistas, a pesar de la energía que la dirección de Scorsese imprime en ellas y las buenas actuaciones. Finalmente, los protagonistas entran en los mismos lugares que nosotros esperamos que entren, como es habitual en otras películas, y hacen casi las mismas cosas.

Poco a poco, a medida en que se acerca el final, nosotros sabemos que tendrá que haber un enfrentamiento entre Eddie y Vince, entre Newman y Cruise. Pero cuando esta escena llega, sentimos una gran desilusión. Quizá Scorsese pensó que la película trataba realmente sobre las personalidades de sus dos héroes, y que era innecesario mostrar quién ganaría en un duelo entre ellos. El problema es que todo el argumento parece estar basado en el inevitable duelo entre el maestro y el alumno. Es como cuando el protagonista muestra un arma desde el comienzo de la película y el espectador se pregunta cuándo hará uso de ella. Como en la mayoría de las historias, también aparecen otras vidas laterales que dan soporte al filme. Hay una relación calurosa, bastante agridulce, entre Newman y su antigua novia, maravillosamente interpretada por Helen Shaver. También se genera una gran energía en la historia entre Cruise y Mastrantonio quien, con su rostro duro y su cinismo innato, impide al joven sentirse muy seguro en la vida. Pero cuando la película está a punto de finalizar, la tensión entre ambos se evapora, y Cruise y la muchacha están más juntos que nunca, hablando de las mismas cosas, como si ella fuera una novia de una película normal y no lo que en realidad nos han dicho que era.

Capítulo aparte es el trabajo de Paul Newman, siempre interesante, siempre cautivador. Con el paso de los años se ha convertido en una verdadera estrella, bastante mayor para seguir siendo el galán indiscutible, pero con una calidad artística cada vez más intensa. Scorsese siempre ha sido el tipo de director que permite que la cámara muestre de los actores sus mejores facciones, no recreándose en los defectos sino acentuando sus virtudes. Pocos directores manejan las sombras con tanta originalidad.
En muchas de las escenas rodadas en planos altos, Newman muestra un poder enorme, una concentración y un enfoque que demuestran su gran categoría como actor. Paul Newman, por supuesto, sabía que esta película no podría haberse rodado sin su presencia, y el instinto de Scorsese fue certero cuando le escogió. Los únicos problemas están en la historia, cuando alguien decidió que allí tenía que haber un hombre joven a su lado, como si no confiasen ya en la presencia de Newman para llenar las salas de cine. Por eso la introducción del personaje de Cruise abre la puerta para todos los clichés conocidos sobre la relación maestro y alumno. A nuestro entender, el argumento debería girar simplemente alrededor de Newman, y permitirle estar siempre en el centro de la historia. Entonces el personaje de Newman habría sido libre, tanto como lo es el actor Robert de Niro cuando trabaja con Scorsese.
Pero para aportar pasiones y sensualidad, la presencia de Cruise se hacía imprescindible y creemos que este binomio funciona bastante bien.

Premios:
Oscar al mejor actor 1986: Paul Newman
Nominada a la mejor actriz secundaria 1986: Mary Elizabeth Mastrantonio Nominada al mejor guión (Basado en un material de Another Medium) 1986: Richard Price
Nominada a la mejor dirección artística 1986: Boris Leven y A. O'Hara

El director:
Martín Scorsese

Nacido el: 17 de Noviembre de 1942 en Queens, Nueva York
Educación: Cardinal Hayes High School, Bronx, Nueva York; New York University, (English); New York University (film)

Martin Scorsese puede ser el director más apasionado, consistente, comprometido e inventivo de los directores americanos que han trabajado regularmente durante las últimas dos décadas. Su trabajo está a menudo arraigado en su propia experiencia, explorando su herencia católica italo-americana y confrontando los temas del pecado y la redención en cada película contemporánea que realiza.
Scorsese consiguió su prestigio trabajando como independiente de la industria de Hollywood tradicional, haciendo películas con presupuestos relativamente pequeños que atrajeron a un público bastante especializado. Aunque nunca ha disfrutado de un gran éxito de taquilla a nivel de “El Padrino” o “E.T. el extraterrestre”, Scorsese ha conseguido una carrera casi ininterrumpida de buenos aplausos de la crítica que le han hecho acreedor de bastantes envidias.
Scorsese se crió en la Pequeña Italia de Nueva York y en un principio pensó en hacerse sacerdote, e incluso en estudiar en la Universidad Catedralicia, un seminario menor. Pero en lugar de consagrarse a la Iglesia, se apuntó en la Universidad de Nueva York y pronto descubrió una nueva religión: el cine.
A través de 1966, Scorsese había recibido ya su graduación, y realizó algunas películas exitosas que incluyen “It´s not just you, Murray”, un retrato irónico de un gángster, y comenzó labores de producción en “Who´s that knocking at my door?”. La película se exhibió en 1967 en la Fiesta del Cine de Chicago, pero no ganó ningún premio.

En 1969, después de haber estado algún tiempo en los Países Bajos, Scorsese estuvo enseñando clases de historia del cine en Nueva York y ayudó a su compañero Michael Wadleigh a revisar el gigantesco documental “Woodstock”. Su carrera consiguió cierto empuje cuando el productor Joseph Brenner ofreció distribuir “Who´s that knocking at my door?”. Con una escena de sexo gratuita, la película se estrenó en Nueva York ese año. En ella contaba la historia de Harvey Keitel como J.R., un italo-americano que había sido condicionado por su educación católica estricta, quien veía a todas las mujeres como muchachas vírgenes que solamente hacen papeles de esposas buenas y madres, aunque después prefiere verlas como hembras muy sexuales sobre las que tiene fantasías. La película fue alabada por la crítica por su realismo y buen movimiento de cámara. Después de trabajar en los documentales “Street Scenes” (1970), Scorsese fue asignado por Roger Corman para dirigir “Boxcar Bertha” (1972), una alegoría sobre los años de la Depresión. En ella Bertha es una prostituta amable y David Carradine es el líder obrero Bill Shelley, quien realiza su propia crucifixión en un vagón. La película introdujo una de las preocupaciones temáticas centrales de Scorsese, la figura del pecador, quien una vez que es agraciado con la gracia divina consigue su redención. Ese mismo año la actriz Bárbara Hershey le dio una copia de la novela “La Última Tentación de Cristo” para realizar una película, en la cual ella haría de María Magdalena
En 1973 la película que consiguió cierta popularidad para Scorsese fue “Malas calles”, la historia de un grupo de jóvenes viviendo en las calles de Nueva York, aunque curiosamente se rodó en Los Angeles. Charlie (Keitel), el personaje central de la película, se muestra preocupado por su amigo loco Johnny (Robert De Niro), y su ambición para dirigir un restaurante del barrio. Aquí Scorsese combina la pasión de un cineasta por el cine negro, con la obsesión de un actor con los personajes ricos y su sentido amoroso del tiempo y el lugar. La película fue la primera de Scorsese con De Niro (los dos nacieron en el mismo barrio), y ha marcado el principio de una de las amistades creativas más productivos en el cine americano contemporáneo. De Niro conseguiría un gran éxito en otras obras de Scorsese como: “Taxi Driver”(1976), “New York, New York” (1977), “Toro Salvaje” (1980), “El Rey de la comedia” (1983), “Uno de los nuestros” (1990) y “El cabo del miedo” (1991).

“Alicia ya no vive aquí” (1974) marca una nueva línea de salida para Scorsese. Se trata de una de sus pocas películas en la cual la protagonista es una mujer y en donde el punto de vista no es exclusivamente masculino. La historia de una mujer (Ellen Burstyn), quién se va con su hijo joven en busca de un trabajo en América, se convirtió en una de las banderas para el movimiento de las mujeres, en los primeros años de los 70. Como si reaccionase ante el feminismo de “Alice”, Scorsese volvió con una venganza al mundo machista en “Malas calles” y “Taxi Driver” (1976). Escrita por Paul Schrader, el taxista era un icono de la vida callejera que dio a De Niro una oportunidad para una estupenda actuación como Travis Bickle, un veterinario de Vietnam que se volvió un vigilante psicópata. La película generó controversias considerables, especialmente gracias a su contenido sangriento, principalmente imaginario. Hay un personaje ciertamente controvertido que gira alrededor de una prostituta de 12 años interpretada por Jodie Foster. Su imagen cambió cuando hizo “New York, New York” (1977), una excéntrica, bastante desigual, y oscura película rodada con el estilo de los años 40 del Hollywood musical que tantos buenos recuerdos provoca en Scorsese. “Toro salvaje”(1980), entretanto, tiene momentos de auténtica obra maestra reconocida. Basada en la autobiografía de Jake LaMotta y escrita por Schrader y Mardik Martin, la película se permitió el lujo de tener a De Niro en la mejor actuación de toda su carrera de actor. Con la historia de un campeón de los pesos medios (De Niro engordó más de 50 libras para emular a La Motta), rodada en blanco y negro, aporta secuencias verdaderamente memorables. “Toro salvaje” ganó un oscar de la Academia al mejor Actor para De Niro y otro para el editor Thelma Schoonmaker. Schoonmaker ha declarado que su reconocido trabajo basado en la escenas de lucha filmadas en cámara lenta, estaba todo predeterminado por los storyboards de Scorsese.
“El rey de la comedia” (1983), en donde De Niro interpretaba a Rupert Pupkin, un obsesivo fan de un popular cómico, y Sandra Bernhard como su cómplice, nos devolvía al cine al legendario Jerry Lewis como un nuevo Johnny Carson. Por desgracia, el público desestimó película, y fue un pequeño fracaso comercial.
Scorsese también ha realizado algunos documentales como “Italo-americano” (1974), una historia basada en la vida de sus padres, Charles y Catherine Scorsese, quienes realizaron cortas apariciones en varias películas de su hijo. En “El último vals” (1978), nos ofreció una meticulosa película sobre una historia musical.
Una popularidad negativa adquirida con su adaptación largo tiempo planeada de la obra de Nikos Kazantzakis “La última tentación de Cristo”, puso el nombre de Scorsese en toda la prensa mundial, aunque no siempre para bien. Este bache le hizo rechazar temporalmente el rodaje del filme “Jo, que noche” (1985), una comedia negra sobre la delincuencia en las calles de Nueva York durante una noche.
En 1986 abandonó Nueva York por las calles de Chicago para rodar “El color del dinero”, un remake, o una continuación, de la película de 1961 “El Buscavidas”, un clásico de Robert Rossen. El motivo para dirigir esta película, según dijo Scorsese, era para demostrar que era capaz de realizar también una película con un gran presupuesto (15 millones de dólares) y estrellas como Paul Newman y Tom Cruise.

Scorsese hizo su debut en televisión dirigiendo “Mirror, Mirror” , un intenso episodio sobrenatural de la serie "Historias Asombrosas" para la NBC en 1986, escrito por Joseph Minion, quien había escrito también el guión de “Jo, que noche”, basada en una historia de Steven Spielberg.
También trabajó con la super-estrella Michael Jackson en la elaboración de un vídeoclip ambicioso y extraño, que supuso una buena oportunidad para mostrar la "Michael-manía". “La última tentación de Cristo” (1988) le dio la oportunidad a Scorsese para dramatizar la figura histórica de Jesús. El Cristo de Scorsese empieza como un proscrito social, ultrajado por hacer crucifijos que hablan de lo bueno y lo malo, del espíritu y la carne, antes de escoger el camino de la redención. En este sentido, Cristo tiene una afinidad con otros personajes de sus películas anteriores, especialmente con el Bill Shelley de David Carradine. Escrita por Paul Schrader e interpretada por Willem Dafoe, este Cristo sugirió un Mesías al borde de una depresión nerviosa. Aunque extraordinariamente popular, usando situaciones exóticas y una música compuesta por Peter Gabriel, a la película le faltaron de algún modo el poder emocional y la cohesión que Scorsese conseguiría con el paso de los años. En todo caso, éste era claramente un proyecto intensamente personal de Scorsese y Schrader. La película generó mucha controversia, especialmente por parte de los representantes religiosos que le acusaron de blasfemo. Como resultado de estas posturas, algunos teatros y ciertas cadenas de vídeo clubs, se negaron a distribuir la película.

Posteriormente y adaptada del libro de Nicholas Pileggi Wiseguys, realizó “Uno de los nuestros” en 1990, sobre los problemas de un testigo que deben declarar contra un gángster, constituyendo un retorno de Scorsese a las formas clásicas del cine. La película proporciona algunos detalles ingeniosos y otros excitantes, sobre ciertos diarios dirigidos al gran público que compaginan fotografías sumamente violentas con secciones de humor. Protagonizada por Robert De Niro, Joe Pesci, Ray Liotta y Lorraine Bracco, para algunos críticos ha sido una de las peores películas de Scorsese. Otros, sin embargo, la encontraron igualmente interesante y hasta hubo quien la consideró una obra de arte.
La siguiente película fue un remake de “El cabo del terror”, ahora titulada como “EL cabo del miedo” (1991), inicialmente proyectada para ser dirigida por Steven Spielberg. Finalmente, Spielberg se quedó como productor ejecutivo y él como director. Desgraciadamente el resultado no fue el esperado y la mayoría de los críticos opinaron que era bastante inferior a la versión de 1962 dirigida por J. Lee Thompson, basada en la novela de MacDonald “Los ejecutores de la justicia”. Interpretada entonces por Robert Mitchum y Gregory Peck, consiguieron desbancar a los no menos notables Nick Nolte y Robert De Niro, apoyados por Juliette Lewis. En este caso el mayor mérito está en la interpretación de los actores, quienes no consiguen sacar todo el rendimiento de sus personajes a causa, primordialmente, de los cambios tan importantes sobre el guión original. Se desecha la posible rendición del malvado original interpretado por Robert Mitchum, como un monstruo de la clase obrera, para crear a un bribón contemporáneo y poco creíble que, además, copia elementos sacados del psicópata de “La noche del cazador” (1955), también con Mitchum. La película se convierte poco a poco en algo similar a las ambientadas en la noche de Halloween, lo que dice muy poco a favor de las habilidades de Scorsese.

Con “La edad de la inocencia” (1993), basada en la novela de Edith Wharton, premio Pulitzer, Scorsese se atreve de nuevo con una complicada obra. Teniendo como fondo un drama sutil sobre las costumbres sociales de la alta sociedad de Nueva York en el siglo pasado, realizó una película de colores suntuosos, movimientos complejos de cámara y una decoración poco menos que desacertada.
Inspirada, según sus palabras, en otras películas de Luchino Visconti, Jacques Tourneur y William Wyler, la película contó con un gran presupuesto y una ambiciosa producción, buscado un gran fondo cultural. El resultado no fue el apetecido y las recaudaciones no superaron apenas los costos del rodaje.
Después realizó “Casino” (1995), nuevamente con su actor predilecto Robert De Niro, una película bastante acertada sobre el mundo del hampa en las ciudades de Nueva York y Las Vegas. Llena de imágenes tradicionales en las antiguas películas sobre la Mafia, “Casino” era una alegoría desagradable sobre la pérdida de la bondad norteamericana. La mayoría de los críticos opinaron que tenía muchos puntos en común con “Uno de los nuestros”, aunque como en esta ocasión superaba sin problemas a esa película, las felicitaciones de la crítica fueron unánimes, especialmente por los trabajos de Robert De Niro, Pesci y la guapa Sharon Stone.

TOP GUN
Top Gun (1986)

US
Guerra/Drama 110 minutos Color

Productor: Don Simpson y Jerry Bruckheimer Director: Tony Scott
Guión: Jim Cash y Jack Epps Jr.
Fotografía: Jeffrey L. Kimball
Compositor: Harold Faltermeyer
Efectos especiales: Gary Gutierrez

Intérpretes:
TOM CRUISE: Teniente Pete Mitchell ANTHONY EDWARDS: Teniente Nick Bradshaw KELLY McGILLIS: Charlotte Blackwood TOM SKERRITT: Comandante Mike Metcalf VAL KILMER: Tom Kasanzky
MICHAEL IRONSIDE: Dick Wetherly
RICK ROSSOVICH: Ron Kerner
BARRY TUBB: Henry Ruth
WHIP HUBLEY: Rick Neven
MEG RYAN: Carole

Cuando comienza la película “Top Gun”, un piloto experimentado de la Armada vuela al revés sumamente cerca de un avión pilotado por un soviético y saca unas fotografías sobre ese avión. Ese piloto (Tom Cruise), es muy famoso dentro del pequeño círculo del personal de la Armada que se dedica a proporcionar información sobre los encuentros con aviones enemigos. Conocido como Maverick, es uno de los seleccionados para pilotar uno de los aviones de la Armada más sofisticados. Quien se gradúe en esa escuela es conocido como “ Top Gun”.
Estos son, sin más, los elementos centrales de esta película, exceptuando, por supuesto, los tres ingredientes obligados que nunca faltan en una película para jóvenes: la guapa chica (siempre buena), los guapos cadetes (siempre valientes), y la rivalidad entre los pilotos (por ser los mejores y conseguir a la chica guapa).
Otro personaje es el padre del famoso Maverick, quien hace años fue un experto piloto de aviones a reacción durante la guerra en el Vietnam, en el servicio de Inteligencia. Todo iba bien para él hasta que desapareció un día en pleno vuelo en circunstancias nunca aclaradas. El malo de la película no es el padre del chico, sino un piloto rubio (Kelly McGillis), que trata de averiguar cómo Maverick sacó esa foto del piloto enemigo.

“Top Gun” se balancea entre las escenas aéreas y las terrestres, y ambas, son totalmente predecibles aunque por los menos las aéreas son emocionantes y bien rodadas. Por eso hoy en día solamente la podemos valorar por estas secuencias militares, plagiadas en ocasiones de “Los puentes de Toko-ri”, aunque en ocasiones logran aportar un poco de emoción a la débil trama argumental. Por supuesto, el romance de amor es tan superficial como aburrido.
Las escenas aéreas son para cualquier director y técnico en efectos especiales un desafío tecnológico, mucho más que cuando se trata de combates intergalácticos. El principal peligro es que el público no pueda seguir el vuelo de los aviones, la dirección que siguen y ni siquiera quién va en ese avión. Con un poco de habilidad, el realizador conseguirá que el espectador sepa si el avión vuela alto y bajo, y con más facilidad si realiza un giro completo o parcial. En estos casos la referencia con el suelo y el propio giro de la cámara facilita las cosas. Pero en “Top Gun” hay algo más que le aporta mérito al filme: las escenas de lucha con los aviones enemigos están tan perfectamente coreografiadas como un baile. Son tan perfectas que se siguen con facilidad y sabemos en todo momento quién es quién y en qué situación aérea se encuentra cada uno de los protagonistas. El espectador, en este caso, no se confunde en absoluto.

Las primeras y últimas secuencias de la película muestran escenas de combate con aviones enemigos. En este caso nos dicen que son soviéticos, aunque la nacionalidad es lo menos importante, ya que lo primordial es que se trate, simplemente, de enemigos. Los vuelos tienen lugar sobre algún lugar del Océano Indico, y las escenas terrestres en la escuela “Top Gun”, en donde Maverick tiene desde los primeros momentos un enfrentamiento con otro piloto apodado “hombre de hielo (Val Kilmer). Pero aunque este enfrentamiento sirva para dar amenidad a las escenas terrestres, lo mismo que el amor surgido entre Charlotte (McGuillis) y Cruise, lo cierto es que cuando acaban las escenas aéreas la película se tambalea cercana al aburrimiento.

Hay quien pretende comparar esta débil historia de amor con la que Cruise tenía en el filme “Risky Business” con Rebecca De Mornay, pero en este caso se pasan demasiado tiempo hablando y la química entre ellos, la corporal, no se nos muestra, quizá porque la época no daba todavía para muchas escenas de sexo audaces. Cruise y McGillis están demasiado guapos, demasiado perfectos y con un lenguaje tan correcto, que más que amantes parecen amigos que se llevan bien y que disfrutan hablando de sus aviones. Por eso el romance entre ellos no emociona, y deseamos que se suban cuanto antes a sus aviones para deleitarnos con sus habilidades.

Pero claro, las escenas aéreas requieren altos costos de producción y numerosos efectos especiales, y por eso la cámara retorna con frecuencia a tierra y allí nos obsequian con diálogos y escenas castrenses tan vistas en otras películas que nos hace dudar de la imaginación del guionista. Para que no nos aburramos, la historia nos habla del problema que el padre de Maverick tuvo en Vietnam y especialmente de los problemas de conciencia de Maverick, que se cuestiona varias veces si debe seguir volando. Pero hay un hecho innegable en “Top Gun”, y es que supo conectar totalmente con los gustos de la juventud de entonces y su éxito de taquilla traspasó las fronteras norteamericanas. Siempre que nos encontramos con una película así, dudamos que nuestra capacidad de enjuiciamiento sea la más correcta y tratamos de ponernos del lado del público, el único y verdadero juez. ¿Fue Tom Cruise quien llenó las salas de cine? ¿Fue el conjunto de actores? ¿Fue el argumento? No importa la causa, sino los resultados.

Premios:
Nominada al mejor filme editado 1986: Billy Weber, Chris Lebenzon
Oscar a las mejores canción 1986: Giorgio Moroder y Tom Whitlock
Nominada al mejor sonido 1986: Donald O. Mitchell, Kevin O'Connell, Rick Kline, William B. Kaplan
Nominada a los mejores efectos de sonido 1986: Cecelia Hall, George Watters, II,

El director: Tony Scott

Nació el: 21 de Junio de 1944 en Newcastle, Inglaterra

Educación: Sunderland Art School ; Leeds College of Art; Royal College of Arts

A menudo considerado por los críticos como un director más comercial que Ridley Scott (también menos eficaz), el hermano pequeño, Tony Scott, ha sido un profesional que se incorpora a la corriente de los nuevos directores especializados en el cine de acción. Sumamente fiable y elegante en sus filmes desde la mitad de los años 80, Scott es un inglés que se ha construido su reputación como una persona experimentada en las películas de acción, especialmente desde que trabajó junto a productores de la categoría de Don Simpson y Jerry Bruckheimer durante la década de los ochenta.
Aunque la alta tecnología se ha vuelto su especialidad, uno se da cuenta de que Scott tiene muchísimos más recursos en su faceta como director de los que aparenta.

Tony Scott estuvo durante casi diez años dedicado a aprender el arte de la pintura, aunque finalmente sería el mundo del cine lo que llamaría su atención, iniciándose en el campo de la publicidad. Juntamente con su hermano Ridley fundó una compañía de producción publicitaria llamada RSA (Ridley Scott Asociados) y según manifestó en 1991 a la revista Movieline: “Yo amaba mi trabajo como publicitario porque siempre pensaba que, en cierto modo, estaba haciendo una película real. Para la generación a la que pertenezco, en un simple anuncio de un vídeoclip hay todo un episodio de aventuras. En Europa hay muy pocas restricciones para hacer anuncios y por eso lo considero como una buena forma de arte, tan importante como los documentales”.
Scott hizo un trabajo como director muy llamativo en su debut con “El ansia” (1983), un película de miedo sobrenatural que interpretaron Susan Sarandon, David Bowie, y Catherine Deneuve, aportando algunas secuencias polémicas. Para los críticos, el filme contenía algunos momentos absurdamente estilizados, simulando más un anuncio de una colonia que una películas de vampiros. Pero como los críticos y el público casi nunca están de acuerdo, la película fue objeto de comentarios durante muchos años y Scott consiguió ser tenido en cuenta.

Su aceptación cambió cuando Simpson y Bruckheimer le llamaron para que dirigiera su nueva aventura cinematográfica titulada “Top Gun” (1986). Escarmentado por la crítica que había recibido su anterior filme, Scott intentó crear un espectáculo oscuro similar a “Apocalypse Now”, pero con más escenas aéreas. Los productores, sin embargo, mitigaron este impulso y guiaron su trabajo para lograr un éxito en taquilla. El resultado fue una de las películas más taquilleras de los años ochenta. “Top Gun” presentó una entretenida historia de amor, ambientada por escenas de aviones de combate sumamente logradas. También sirvió para el lanzamiento definitivo como gran estrella del joven Tom Cruise. Posteriormente y deseando que el éxito se repitiera, el mismo trío de productores y director consiguieron junto a Eddie Murphy otro gran éxito con la película “Superdetective en Hollywood II” (1987). Pero esto no fue suficiente para Scott, quien intentó cambiar de estilo dirigiendo “Revenge” (1990), un thriller dramático que ya había realizado el prestigioso John Huston anteriormente. Sin embargo, sus exigencias y las intenciones de cambiar el argumento de la película, motivaron serios enfrentamientos con el estudio quienes le amenazaron con despedirle si no hacía la película según las indicaciones previas. El resultado fue un rotundo fracaso en taquilla, a pesar de contar con la presencia de Kevin Costner.

“Días de trueno” (también de 1990), otra colaboración con Tom Cruise, Simpson, y Bruckheimer, logró mejores resultados económicos, pero, aún así, insuficientes. Los 86 millones de dólares que se recaudaron en su estreno no consiguieron satisfacer a la productora.
“El último Boy Scout” (1991), una película de acción interpretada por Bruce Willis y Damon Wayans, tampoco consiguió una buena recaudación.
Scott consiguió mejores críticas por su trabajo en “Amor a quemarropa” (1993), un filme escrito por el polémico y violento director Quentin Tarantino. Esta fue la primera película en la que Scott mostraba una violencia mayor, siguiendo la línea de películas como “Bonnie and Clyde”, acertadamente interpretada por Christian Slater, Patricia Arquette, Brad Pitt, Christopher Walken, y Dennis Hooper.
Desde ese momento, la labor de Scott empezó a ser tenida en cuenta por los críticos, aunque el público, todavía, no acababa de interesarse de igual modo.
Retomando su relación con Simpson y Bruckheimer, realizó una acertada película llamada “Marea roja” (1995), sobre un submarino nuclear en el cual trabajan Denzel Washington y Gene Hackman. Varios escritores colaboraron en el guión, aunque finalmente no aparecieron en los títulos de crédito. Incluso su amigo Tarantino colaboró en esa historia ante la insistencia de Scott para que escribiera algún diálogo. El producto final proporcionó la tercera película más comercial del año.
Actualmente, Scott trabaja con su hermano Ridley en la compañía de producción Scott Free, y juntos han comprado en 1995 los Estudios Shepperton de Londres.

ARMA JOVEN Young Guns (1988)

107 minutos Color

Productor: Joe Roth y Christopher Cain Director: Christopher Cain
Guión: John Fusco
Fotografía: Dean Semler
Compositor: Anthony Marinelli y Brian Banks Efectos especiales: Joe Quinlivan
Vestuario: Richard Hornung

Interpretes:
EMILIO ESTEVEZ: William H. Bonney"Billy the Kid" KIEFER SUTHERLAND: Josiah "Doc" Scurlock LOU DIAMOND PHILLIPS: Chevez Y Chavez CHARLIE SHEEN: Dick Brewer
DERMOT MULRONEY: "Dirty Steve" Stephens TERENCE STAMP: John Henry Tunstall
JACK PALANCE: Lawrence G. Murphy
TOM CRUISE

Seis jóvenes punkies son protegidos por un señor británico civilizado (Terence Stamp), quien encuentra difícil retener el control de todos cuando ellos deciden vivir por su cuenta, empleando como método para sobrevivir la violencia y el robo. Su líder, un tal William Bonney, a quien pronto llegan a conocer como el nuevo Billy el Niño (Emilio Estevez), sabe cómo y dónde moverse para conseguir dinero rápido.
Aunque se trata de un viejo tema adaptado a la vida occidental de los años 80, con el mismo lenguaje juvenil y similar comportamiento social, la historia es un plagio de las antiguas andanzas de Billy el Niño, aunque muy mal narrada. La única semejanza está en el número de balas que se disparan y en los agujeros que provocan en sus víctimas. Buenas actuaciones, buenos actores y una corta participación de Cruise, son los únicos alicientes de este filme que tuvo una secuela que no le decimos el título para que no pierdan el tiempo viéndola..

COCKTAIL Cocktail (1988)

US
Drama
100 minutos Color

Productor: Robert W. Cort y Ted Field Director: Roger Donaldson
Guión: Heywood Gould
Actor de la canción: Ry Cooder

Intérpretes:
TOM CRUISE: Brian Flanagan
BRYAN BROWN: Doug Coughlin
ELISABETH SHUE: Jordan Mooney LISA BANES: Connie
LAURENCE LUCKINBILL: Señor Mooney KELLY LYNCH: Jerry Coughlin
RON DEAN: Tío Pat

“Cocktail” cuenta la historia de dos chicos y sus aventuras en seis barras y varias alcobas. Lo que es más notable, dado el asunto, es cómo la película logra entretenernos con tan sencillo argumento central.
Hay una escena al principio del filme, donde los dos camareros organizan un acto detalladamente coreografiado detrás de la barra, haciendo malabares con las botellas al unísono. Mientras uno tira los cubitos de hielo al aire, el otro los recoge directamente en el vaso, al mismo tiempo que manejan las botellas de licor con una habilidad propia de unos malabaristas del circo. Todo esto lo hacen, además, con una música de rock como fondo, plenamente sincronizados con ella, logrando hacer dos bebidas cada cuatro minutos. Lógicamente, ellos reciben una gran ovación de los muchos clientes que están en ese bar.

Este argumento, que sería ya demasiado largo para un anuncio de bebidas, es la base para la historia que nos van a contar en “Cocktail”, por eso no se extrañen si se han aburrido. Supongo que los aficionados a las bebidas batidas en coctelera lo habrán pasado bien y más de uno habrá ensayado en su casa tal maestría, pero para los no bebedores seguro que no les hará ninguna gracia.
Los camareros en la película están interpretados por Tom Cruise, como un ex-mecánico joven que sueña convertirse en millonario (como cualquiera), y por Bryan Brown, un duro veterano que sabe dar un montón de consejos cínicos. Por ejemplo: Brown aconseja a Cruise que para ser rico algún día tiene que abrir su propia barra y Cruise, infeliz, dice que está de acuerdo. Estudia todas las posibilidades y contando con la ayuda de su inteligente amigo está convencido que un día será millonario, aunque lo más fácil es que se quede sin dinero y sin trabajo.
Se supone que la película debería tratar sobre la necesidad de ser prudente a la hora de poner un negocio, pero el tema central no tiene nada que ver con ello.
La primera parte de la película es lo mejor, cuando nos hablan del joven Cruise abandonando la escuela, trabajando como camarero a jornada completa, y practicando con su mejor amigo los malabarismos para mover las botellas de alcohol.
Como trabajan en un lugar elegante y han practicado mucho, no tiran ninguna botella al suelo ni a los clientes, consiguiendo pronto un nuevo trabajo en una discoteca de lujo, donde por fin aparece la guapa chica que les enamora.
El atractivo de los dos jóvenes aumenta y su sonrisa se hace irresistible para las mujeres que bailan con sus parejas, logrando un sólido prestigio en todo el barrio. Pronto aparece una chica más guapa que las demás, y con más dinero (Lisa Barnes), quien al enamorarse de Cruise le propone marcharse con ella a Manhattan.

Lo que vemos es tan poco habitual que en ese momento creemos que el guionista no ha intentado ligarse a una guapa millonaria en su vida. Pero en el filme ya tenemos a la chica enamorada de ese ligón de sonrisa fácil y encima se van a dormir a la playa, a la luz de la luna. Muy romántico pero con demasiada arena. Pero todo tiene su explicación, y es que la chica ha caído en las garras de Cruise gracias a sus embriagadores cócteles. Así cualquiera. Pues a pesar de que todo el argumento gira alrededor de los camareros expertos en bebidas deliciosas, no existe ni una sola condena hacia el acto de beber hasta emborracharse. A Cruise solamente le vemos un par de veces tambalearse, sin dejar de sonreír, especialmente cuando se bebe un ponche de su invención. Su compañero también se pasa todo el día bebiendo, pero parece que aguanta mejor la bebida.
La película tenía mejores oportunidades argumentales que las que nos han mostrado, pero el guionista seguramente le gustaba la bebida y prefirió hablar más tiempo de ello. No hay un estudio serio de la amistad entre Cruise y Brown, ni tampoco nos muestran una verdadera historia de amor entre Cruise y Elisabeth Shue, una guapa camarera que veranea en Nueva York. Ellos parece que han encontrado su verdadero amor hasta que aparece esa ejecutiva triunfante llena de dinero que encandila a Cruise y se lo lleva a Manhattan. Cuando Cruise vuelve a Nueva York es cuando comprende su error y se disculpa ante Shue, aunque en ese momento descubre que ella es rica.
Hay una escena curiosa, cuando el padre millonario de Shue intenta expulsar a Cruise del ático, pero triunfa el amor de la pareja. No hay un solo momento en la última media hora de la película que no pertenezca a otra película anterior, y hasta el habilidoso Tom Cruise consigue ocultar su talento como actor en esta película. Shue que hace lo imposible por cumplir correctamente su papel, apenas lo logra porque su personaje no admite ninguna libertad para ello. Es tan falso y artificial que todo parece una farsa.

El único personaje algo interesante es el del camarero más viejo, perfectamente interpretado por Bryan Brown que nunca tiene un momento falso. Si la película se hubiera realizado desde su punto de vista, habría sido mucho más interesante, pero seguramente los productores pensaron que todo debería gira alrededor de ese nuevo ídolo llamado Tom Cruise, aunque por lo menos se deberían haber molestado en darle un mejor papel. Una de las cosas más raras es la relativa al mensaje que parece querer transmitir. Cruise hace el papel de un cínico que busca el éxito, un materialista que solamente quiere encontrar a una mujer rica y tener su propio bar. Ese es el motivo por el cual Shue no le dice al principio que ella es rica (bueno, su padre). Hacia el final de la película, hay una escena donde él debe escoger entre el amor o el dinero y parece escoger el amor, pero unos meses después le vemos ya como dueño de un bar de Manhattan.
No sabemos cómo logró financiarse, aunque si tenemos el oído muy fino quizá logremos saber que recibió dinero de un tío suyo, alguien que parece ser que no puede permitirse ni siquiera tener su propio automóvil, pero todo sea por la familia. Cualquiera de nosotros sabe lo que cuesta poner un bar, mucho más en Manhattan, y lo que nadie nos explica es lo que pasó con la supuesta ayuda que el suegro de Cruise le debería dar. Si la película no quiere sugerir este detalle, tampoco tendría que permitir que el amor entre ambos jóvenes triunfase.
Aunque la película debería demostrar que el amor triunfa por encima del dinero, lo cierto es que el personaje que interpreta Tom Cruise es absolutamente materialista, pero, aún así, el guionista le premia al final con la chica guapa y un bar. Por eso hay más de uno que piensa que “Cocktail” es una película financiada por las compañías licoreras de Manhattan.

RAIN MAN
Rain Man (1988)

US
Warner
Drama
140 minutos Color

Productor: Mark Johnson
Director: Barry Levinson
Guión: Ronald Bass y Barry Morrow Basado en la historia de: Morrow Fotografía: John Seale
Compositor: Hans Zimmer
Vestuario: Bernie Pollack

Intérpretes:
DUSTIN HOFFMAN: Raymond Babbitt TOM CRUISE: Charlie Babbitt
VALERIA GOLINO: Susanna
JERRY MOLDEN: Dr. Bruner
JACK MURDOCK: John Mooney MICHAEL D. ROBERTS: Vern RALPH SEYMOUR: Lenny
LUCINDA JENNEY: Iris

Nos encontramos ante una película por la que nadie daba un duro antes de realizarse, mucho menos la productora. Solamente la tenacidad de Dustin Hoffman consiguió que este bonito cuento se llevara a buen fin, contando además con la presencia del ídolo Tom Cruise, quien había leído el guión cuando estaba rodando “El color del dinero”. Sabemos que Cruise accedió a interpretar esta historia esencialmente por trabajar junto a Hoffman y que en un principio él haría del hermano autista y Dustin del hermano protector. También supimos con posterioridad que el guión hablaba de un subnormal, no de un autista sumamente inteligente, y que el papel de Cruise debería estar interpretado por un actor cuando menos veinte años mayor. Por esos motivos, el guión tuvo que volverse a escribir tres veces.
Dustin acababa de interpretar y financiar ese desastre cinematográfico titulado “Isthar” con Warren Beatty, y deseaba congraciarse de nuevo con Hollywood.
Para tratar de hacer su papel lo más verídico posible acudió repetidas veces a diversas instituciones para niños con problemas de conducta, entre ellos algunos autistas, al mismo tiempo que pidió asesoramiento a algunos psiquiatras. Ayudado por un eficaz documental elaborado por la asociación de Padres con Hijos Autistas, consiguió imitar fielmente el comportamiento de estos enfermos, imitación que completó perfectamente cuando entabló amistad con Kim, un autista que le mostró como hablar y moverse.

Cuando Charlie (Tom Cruise) se encuentra por primera vez con su hermano Raymond (Dustin Hoffman), no sabe si debe tratarle como un subnormal, un animal doméstico o un analfabeto. Su conocimiento sobre el autismo es nulo y por eso inicialmente trata de hablar sobre el tiempo, el béisbol, o lo que van a cenar. Pronto se entera que a su hermano le perturba romper la rutina y de que es capaz de contar 246 palillos en un momento y calcular raíces cuadradas antes que él con su calculadora.
Hay momentos en la película en la cual se notan todas las frustraciones que Charlie siente sobre Raymond, especialmente cuando dice: “Yo sé que tiene que haber alguien allí dentro”. Pero durante toda la película no oye ninguna respuesta a su interrogante, ya que ni los médicos saben la respuesta ni el milagro para curarle.
“Rain man” consigue un gran dinamismo a pesar de las limitaciones expresivas de Raymond, quizá porque quiere mostrarnos las limitaciones de algunos enfermos, mucho más agudizadas por la poca habilidad que poseen las personas que les rodean, como es el caso de Charlie. También quiere demostrar que en la mayoría de los casos los familiares aceptan de mala gana cuidar a los enfermos y por eso no pueden darle ni una pizca de cariño.
Cuando la película comienza, vemos a Charlie que intenta hacer malabares a su manera para solucionar una crisis financiera en su negocio de Los Angeles, relacionado con la venta de automóviles importados de lujo. Él no posee uno de estos coches, sino uno mucho más modesto. Un día recibe la noticia de que su padre, a quien no ha visto en muchos años, ha muerto. En la lectura del testamento, le informan que ha heredado una fortuna, aunque para recogerla debe demostrar que es digno de ella.
No sabe en qué consiste esa prueba moral, aunque pronto descubre que consiste en cuidar de su hermano mayor, un autista a quien no ha visto en su vida y que está internado en un hospital. Una vez que lo saca de allí, se lo lleva a su propia casa en un largo viaje a través de varios estados realizado en su viejo Buick del 49.
“Rain man” nos sigue mostrando la adaptación del autista al mundo exterior y a su hermano, al mismo tiempo que nos muestra la poca paciencia de Charlie con su extraño hermano. Enfadado porque su padre no le haya dejado la herencia sin más complicaciones, intenta soportarle, pero no hace ningún esfuerzo por ser cariñoso ni cambiar su pensamiento inicial. Charlie, por su parte, no quiere aceptar las limitaciones del mundo de Raymond y se enfurece por lo que considera un encierro contra su voluntad.

Barry Levinson fue uno de los tres directores propuestos para rodar esta historia, pero el principal problema era quién haría de Raymond y cómo lograr que sus pensamientos llegaran al espectador. Si en la vida real un autista apenas es comprendido por su familia, es fácil entender lo difícil que sería que un actor lograse llegar a los espectadores. Pero es que no contaban con la habilidad interpretativa de Dustin Hoffman, para quien ese personaje era un desafío y parece ser que a él los desafíos le crecen. Recuerden sino su trabajo en “Tootsie”.
Al final de “Rain man” yo sentía un cierto amor por Raymond, el personaje de Hoffman, aunque este mérito creo que no se lo debo a que sea un autista.
El comportamiento de Raymond es desagradable, egoísta, patético y sumamente incomprensible, especialmente cuando se enfada porque le rompan su rutina. Por eso no podemos entender que Cruise termine amándole, ni el resto de los espectadores, incluido yo mismo.
La película parece girar alrededor de Hoffman y todo el mundo se presta a realizar grandes alabanzas por su papel, pero creo que sin el soporte de la interpretación de Cruise nada hubiera funcionado. Al final de la película, Charlie (Cruise) ha aprendido a prestar atención, a escuchar, y cómo ser por lo menos un poco más paciente. Él no sufre una transformación espiritual, pero aprende que hay en el mundo cosas más importantes que vender coches. Con la ayuda de su novia Susanna (Valeria Golino), consigue poco a poco humanizarse y nos demuestra que su personaje tenía tanta importancia y profundidad como el de Dustin Hoffman.
La película es un canto a la necesidad de aceptar al prójimo tal como es, no cómo nos gustaría que fuera. La primera aparición de Charlie nos lo muestra al borde de la ruina, intentando controlar su vida y las vidas de los otros con su gran arrogancia. Lo que Raymond le enseña en su mutismo, es que puede relajarse, porque hay cosas que están por encima de nuestras posibilidades. Raymond tiene mucho que enseñar a Charlie sobre la aceptación, aunque en su interior él prefiera la soledad.

Premios:
Oscar a la mejor película 1988: Mark Johnson
Oscar al mejor actor 1988: Dustin Hoffman
Oscar al mejor director 1988: Barry Levinson
Oscar al mejor guión 1988: Ronald Bass, Barry Morrow
Nominada a la mejor dirección artística 1988: Ida Random, Linda DeScenna Nominada a la mejor fotografía 1988: John Seale
Nominada al mejor filme editado 1988: Stu Linder
Nominada a la mejor música 1988: Hans Zimmer

El director:
Barry Levinson

Nacido en 1942 en Baltimore, MD

Educación: American University, Washington DC

Levinson entró en el negocio del espectáculo como escritor cómico y actor, escribiendo algunos programas para la serie de televisión “El Show de Carol Burnet ”, antes de comenzar su trabajo en el cine. Allí estableció una buena relación profesional con Mel Brook y ambos realizaron “La última locura” (1976) y “Máxima ansiedad” (1977), proporcionando un giro memorable en su carrera.
Levinson hizo una buena dirección en “Amigos muy íntimos” (1982), un cuento semi- autobiográfico sobre su vida en los años 50. Alternadamente profunda y alegre, la película sirvió también para promocionar la carrera cinematográfica de Mickey Rourke, Steve Guttenberg, Kevin Bacon y Ellen Barkin.

“El mejor” (1984), adaptada del filme de 1952, interpretada por Robert Redford, recibió críticas diversas, algunos encontrándola incoherente y sentimental, mientras que para otros era una buena obra.
Con “EL secreto de la pirámide” (1985), realiza una comedia fantástica producida por Steven Spielberg, que supone un buen éxito de taquilla, además de contar con algunos efectos especiales especialmente inspirados.
En 1987 Levinson intervino en dos películas importantes: “Diner” como director y guionista y “Amigos muy íntimos” solamente como guionista. Posteriormente, consigue mantener un equilibrio entre el humor y la melancolía, ofreciendo algunos diálogos brillantemente cómicos, en “Good Morning, Vietnam”, un éxito comercial absoluto para el actor Robin Williams que le convirtió en una gran estrella de la comedia. Con esta película Williams ganó una nominación al Oscar como el mejor actor.
La siguiente película de Levinson fue “Rain Man” (1988), un estudio finamente manejado de la relación entre un autista (Dustin Hoffman) y su hermano, un vendedor de automóviles interpretado por Tom Cruise. Fue un éxito grande en taquilla, y la película ganó cuatro Oscars (ninguno a la mejor película): mejor fotografía, mejor director, mejor actor (Hoffman) y mejor guión. Mientras que las interpretaciones principales consiguieron los mejores halagos de la crítica, la labor del director fue considerada como poco ortodoxa, aunque llena de sensibilidad y buen estilo.

Levinson dirigió posteriormente “Avalon” (1990), una épica y curiosa saga que rastrea la historia de su propia familia desde el momento en que llegaron a los Estados Unidos. Los críticos reaccionaron con una alabanza moderada a su trabajo, acusándole de llevar débilmente la dirección, aunque siendo reconocida finalmente su buena labor. Despuésde este filme realiza “Bugsy” (1991), con un elegante, aunque superficial, Warren Beatty, que aunque es bien recibida por la crítica el público no respondió suficientemente. Después tuvo su primer gran fracaso con “Toys” (1992), nuevamente con Robin William como protagonista, en una historia que debería encantar a los niños pero que aburrió a adultos y pequeños.
“Acoso”, “Jimmy Hollywood” y “Sleepers” son las siguientes obras importantes que ha realizado Barry Levinson, que han conseguido consolidarle como un director importante.

Filmografía esencial:

1976 La última locura
1977 Máxima ansiedad
1982 Amigos muy íntimos
1982 Diner
1984 El mejor
1985 El secreto de la pirámide
1987 Good Morning, Vietnam
1988 Rain man
1990 Avalon
1991 Bugsy
1992 Toys
1994 Acoso
1994 Jimmy Hollywood
1996 Sleepers
1997 La cortina de humo

NACIDO EL CUATRO DE JULIO Born on the Fourth of july (1989)

US
Guerra/Drama/Biografía 144 minutos Color

Productor: A. Kitman Ho y Oliver Stone Director: Oliver Stone
Guión: Oliver Stone y Ron Kovic Basado en su autobiografía
Fotografía: Robert Richardson
Compositor: John Williams
Vestuario: Judy Ruskin

Intérpretes:
TOM CRUISE: Ron Kovic
BRYAN LARKIN: Young Ron RAYMOND J. BARRY: Señor Kovic CAROLINE KAVA: Señora Kovic JOSH EVANS: Tommy Kovic SETH ALLEN: Young Tommy JAIME TALISMAN: Jimmy Kovic SEAN STONE: Young Jimmy ANNE BOBBY: Susanne Kovic JENNA VON OY: Young Susanne

Durante algún tiempo nosotros hemos estado leyendo en los periódicos multitud de disculpas públicas por el comportamiento de los gobiernos en los países orientales. Los rusos admiten que ellos estaban equivocados cuando invadieron Afganistán y Checoslovaquia, los alemanes orientales se rasgan las vestiduras y denuncian el comportamiento de sus líderes en años pasados, mientras que los polacos y los húngaros reconocen que el marxismo no es el mejor sistema para gobernar a una nación. Por tanto, parece obligado que también los norteamericanos hagan examen de conciencia sobre su comportamiento político con respecto a otros países. Pero hay tanta literatura escrita ya sobre este tema que parece oportunista seguir realizando películas sobre ello. Ahora, muchos años después, todo el mundo parece estar de acuerdo en que la guerra del Vietnam nunca tuvo que efectuarse, pero todavía nadie ha pedido disculpas públicas por ello y lo más probable es que nadie las pida nunca.
El bloque soviético ha sido honesto al reconocer sus errores y se integra a pasos agigantados en las democracias más modernas. Los norteamericanos, sin embargo, prefieren admitir sus errores en el cine. Bueno, es posible que sea un medio válido como otro cualquiera.
Una película como esta de Oliver Stone “Nacido el cuatro de julio”, parece una nueva disculpa sobre lo que ocurrió en el Vietnam, quizá porque el propio Stone luchó allí y Ron Kovic volvió paralítico desde el pecho hasta abajo. Los dos eran patriotas que estaban ávidos para responder a la llamada de su país en demanda de soldados. Cuando regresaron a casa, seguían siendo patriotas, aunque estaban ofendidos por la hostilidad que los movimientos pacifistas le proporcionaron. Quienes no habían peleado, prefiriendo permanecer al margen, armaban alborotos y criticaban a quienes volvían maltrechos.

En el futuro ambos hombres se declararon contrarios a esa guerra, Kovic muy dramáticamente.
Él y su silla de ruedas militaron desde 1972 en el Partido Republicano, pero en 1976 se dirigió a la convención Demócrata, y dijo un discurso que era el equivalente a una de esas denuncias contra el Imperialismo Soviético. “Nosotros, concluyó, nos disculpamos por los errores en Vietnam, y para ello permitimos que nuestros actores lo hagan en nombre de todos los norteamericanos, pero eso deberían hacerlo los políticos”.
Kovic regresó de la guerra con el cuerpo destrozado, pero el daño en su mente y espíritu se fue acrecentando con el paso del tiempo. Cuando tocó fondo en su desgracia, era ya un hombre desmoralizado, rencoroso, que buscaba escaparse con el alcohol, las drogas y las casas de prostitutas mexicanas. Pero en ese mismo momento su imagen empezó a ser un modelo para tantos veteranos de guerra y decidió escribir su autobiografía, titulada: “Nacido el cuatro de julio”.

El director, Oliver Stone, que había realizado “Platoon”, una película basada también en sus propias experiencias en la guerra, no estaba interesado en dirigir una nueva historia sobre el Vietnam. Cuando tomó conciencia de lo acertado del proyecto, empezó a buscar a la estrella idónea para el principal papel. Pronto seleccionó a Tom Cruise, quien aceptó encantado el papel.
Cruise estaba ya considerado como un gran actor, aunque solamente había podido mostrar sus cualidades en “Risky Business”, ya que en “Top Gun” los protagonistas fueron los efectos especiales. Con el filme “El Color del dinero” tampoco pudo hacer gran cosa junto a un monstruo de la interpretación como Paul Newman, mientras que en “Cocktail” solamente consiguió proporcionar una imagen como chico guapo. Su gran película estaba aún por hacerse y con “Nacido el cuatro de julio”, consiguió reconciliarse con la crítica.

La película comienza durante los años 60, mostrándonos imágenes del Presidente John Kennedy diciendo: “No pregunte lo que su país puede hacer por usted; pregunte lo que usted puede hacer por su país”. En esa época, Ron Kovic era un joven que jugaba muy bien al fútbol americano y un héroe militar en potencia. Patriota sin reservas, estaba dispuesto a escuchar cualquier mensaje para colaborar en la grandeza de Norteamérica. Por eso, cuando los reclutadores de la Marina visitaron su escuela, estaba ya listo para firmar. No tenía ninguna duda en su mente: había una guerra en Vietnam, y su único deseo era ir a pelear con los suyos. No tenía una noción clara del peligro de ser herido y muerto, pero tenía muy asumido que si eso ocurría lo había hecho por su país.
Su pensamiento no era diferente al de miles de jóvenes norteamericanos de entonces, aunque el problema era que la guerra contra el Vietnam no se merecía tantos sacrificios humanos. Nadie advirtió de ello en ese pequeño pueblo patriótico al joven Kovic, a quien volvemos a ver ya en su campamento militar entrenando para la batalla. En estas escenas, Cruise se parece todavía a Cruise, y su transformación en Kovic se nos antoja cuando menos difícil.
Pero OliverStone había estado en Vietnam durante un año y en “Platoon”, nos mostró que la visión que los espectadores teníamos de la guerra no era la adecuada. En “Nacido el cuatro de julio”, Stone dirige una escena bélica crucial con gran claridad para que nosotros podamos ver un error que cometió Kovic y que pudo ser la causa de su lesión. Las escenas siguientes, en un hospital militar, son implacables en su honestidad. Para comprender lo bien realizadas que están solamente hay un requisito: que hayamos estado en alguna ocasión en un hospital militar tratando de dar consuelo a un enfermo grave. En ese momento nos damos cuenta de lo imposible que es dar ayuda a una persona tan destrozada, que ni siquiera sabe qué es lo que realmente le puede ayudar. En un momento dado, Kovic pide a gritos que le quiten la bomba de succión que tiene conectada a su herida.
También habla de la posibilidad de haber sido abandonado por Dios y de la maldición que pesa sobre él. Por si fuera poco, ese hospital militar tiene pocos recursos económicos y los enfermos no disponen de las comodidades de otros heridos civiles.
Cuando abandona definitivamente el ejército, Kovic es el héroe de un desfile celebrado el Cuatro de julio, pero también hay pacifistas en las aceras (los que no quisieron ir a la guerra), y algunos de ellos le insultan y se alegran de su desgracia. Kovic se enfurece por tal muestra de maldad y tiene que descargar su furia en la casa de sus padres. Se emborracha con un compañero veterano y se dan cuenta que pueden hablar de cosas que solamente ellos entienden. En ese momento es cuando la actuación de Cruise se agiganta. A partir de ese día la vida de Kovic se hace más violenta y hay peleas en un bar, mientras que es consciente de que nunca podrá hacer el amor con una mujer. Sus padres le aman, pero están asustados de su odio y le piden que es mejor que se vaya de casa.

Posteriormente, vemos a Kovic en México con otro veterano lisiado, pagando para estar con mujeres y tomando drogas para mitigar el dolor. De esa aventura terminan abandonados en el desierto por las prostitutas, sin posibilidad de volver por sus propios medios a su casa.

“Nacido el cuatro de julio” es una de esas películas que empiezan mostrando buenas escenas y que mantiene un buen tono narrativo durante todo el filme. Oliver Stone es un hábil cineasta y conoce todos los trucos para emocionar al espectador, especialmente ahora que cuenta con la historia real de Ron Kovic, y con Tom Cruise como el mejor de los actores.
Aunque esta película es muy dramática y más de uno habrá soltado alguna lágrima espontánea, el argumento no es distinto al que vive cualquier soldado en cualquier guerra en el mundo. Todos los campos de batalla son similares, lo mismo que la sangre derramada, los hospitales, las heridas y la incorporación a la vida cotidiana. Con “Nacido el cuatro de julio”, Stone ha querido mostrar preferentemente el cambio de mentalidad de un soldado americano, antes y después de la guerra. Ese es el auténtico eje de la historia, aunque también existen otros muchos alicientes y personajes anexos a Kovic.
Es también una película sobre las ideologías, basada en una historia personal sobre un joven que se involucró sinceramente en defensa de su país.

Premios:
Nominada a la mejor película 1989: A. Kitman Ho y Oliver Stone
Nominada al mejor actor 1989: Tom Cruise
Oscar al mejor director 1989: Oliver Stone
Nominada al mejor guión 1989: Oliver Stone, Ron Kovic
Nominada a la mejor fotografía 1989: Robert Richardson
Oscar al mejor filme editado 1989: David Brenner y Joe Hutshing
Nominada a la mejor música 1989: John Williams
Nominada al mejor sonido 1989: Michael Minkler, Gregory H. Watkins, Wylie Stateman, Tod A. Maitland

El director: Oliver Stone

Nacido el: 15 de septiembre de 1946 en Nueva York
Educación: Hill School, Nueva York; Yale Haven Universidad, Nueva CT; Universidad de Nueva York.
Desde la mitad de los años 70, Stone ha evolucionado desde director de géneros modestos que terminó por hacerse proyectos ambiciosos. En la actualidad es uno de los directores más polémicos y prestigiosos de Hollywood. Curiosamente, su popularidad se la debe esencialmente a las películas que ha realizado sobre la guerra del Vietnam, el asesinato de Kennedy, y el movimiento terrorista en El Salvador, géneros que normalmente no producen beneficios en taquilla.
Pero Stone también es un productor de éxito y ha realizado proyectos interesantes, como “El misterio Von Bulow” de Barbet Schroeder, “Acero azul” de Kathryn Bigelow (ambos 1990), y “El club de la buena estrella” (1993). También fue productor ejecutivo en "Palmas Salvajes" (ABC, 1993), una miniserie de ciencia-ficción para la televisión. Su primer reconocimiento popular fue como escritor galardonado con un Oscar, además del Globo de Oro y el Premio del Gremio de escritores cinematográficos, por su guión de “El expreso de medianoche” (1978). Antes de eso, cuando tenía 25 años, escribió, dirigió, y revisó “Seizure” (1974), una elegante película de bajo presupuesto (150.000 dólares), que luego se ha convertido en una película de culto para los aficionados al cine de terror. Stone volvió al género de terror con “La Mano” (1981), un remake de “La bestia con cinco dedos” de 1946, protagonizada por Michael Caine como un dibujante que pierde su mano en un accidente y su vida se complica cuando su extraviada mano se dedica a matar personas. Los trabajos como guionista le lleva a intervenir en “Conan el bárbaro” (1982), colaborando con el director John Milius, así como en el filme de Brian de Palma “Scarface” (1983), y “El año del dragón” (1985), co-escrito con Michael Cimino. un guionista respetado a un

sumamente prestigioso con

Con el estreno de “Salvador” (1986), Stone estaba intentando lograr un puesto entre los mejores directores de Hollywood, mostrando temas sociales y políticos con habilidad y compromiso. Sus películas eran normalmente pesadas y simplistas, aunque proporcionaron cierta emoción entre los espectadores. Después recibió su segundo Oscar y el Premio del Gremio de Directores, por “Platoon” (1986), uno de los tratamientos más severos de la guerra del Vietnam, y que aportó una crítica inflexible sobre esa guerra. También influyó en el mundo de las Bolsa con “Walt Street” (1987), un lugar donde su propio padre trabajó.

“Nacido el cuatro de julio” (1989), entretanto, basada en la verdadera historia del soldado Ron Kovic, y con Tom Cruise ofreciendo su primer papel dramático, consigue ganar un Oscar al mejor director
El trabajo más ambicioso y polémico de Stone fue “JFK” (1991), una dramatización de los esfuerzos de Jim Garrison (Kevin Costner) para destapar la conspiración que hubo detrás del asesinato del Presidente John F. Kennedy. Un logro artístico importante que trajo multitud de comentarios a todos los medios periodísticos del mundo. La película fue llevada incluso al Congreso para que se abrieran de nuevo los archivos relativos al asesinato. Stone alcanzó un nuevo nivel de notoriedad con “JFK”, más que ningún otro director, llegando a ser considerado por algunos como una figura política que hace cine. Pero simultáneamente, recibió críticas de algunos políticos, aunque fue aplaudida por escritores y redactores de los periódicos del país.

Stone volvió al Vietnam con “El cielo y la tierra” (1993), pero esta historia se contó desde la perspectiva de una mujer asiática. Basado en dos libros autobiográficos de Le Ly Hayslip, nos cuenta cómo la guerra impactó en la vida de una mujer joven vietnamita, casada con un hombre americano.
Algunos vieron la película como una expiación para el "varón americano", quien había expresado su punto de vista ya en dos películas anteriores. De cualquier manera, la película tuvo poco éxito de público y crítica.
También consiguió una gran controversia con “Asesinos natos” (1994), una historia escrita por Quentin Tarantino, en la cual nos habla de la
(Woody Harrelson y Juliette Lewis), quienes se
visión alucinógena de dos amantes ven involucrados en un asesinato

espectacular. Inspirada en vídeos musicales y anuncios, “Asesinos natos” fue una película distinta, tanto en el argumento como en el montaje y la dirección. Tanto el público como los críticos, estuvieron divididos a la hora de juzgar los méritos de este filme. Posteriormente, Stone vuelve a la política con una historia sobre el 37 Presidente de los Estados Unidos, “Nixon” (1995). Con una duración de más de tres horas, llena de artefactos visuales (escenas retrospectivas, escenas en blanco y negro), y aplicando conceptos psicológicos, “Nixon” (interpretado por Anthony Hopkins) intenta mostrar al hombre, pero le falta humanizarlo convenientemente. Hubo críticos que la consideraron como una obra maestra, aunque la mayoría la encontraron pretenciosa.

Filmografía esencial:

1978 El expreso de medianoche (guionista) 1981 La mano
1982 Conan el bárbaro (guionista)
1986 Platoon
1986 Salvador
1987 Walt Street
1988 Hablando con la muerte
1989 Nacido el cuatro de julio
1990 Acero azul
1990 El misterio Von Bulow (productor)
1991 The Door
1991 JFK
1993 Dave (actor)
1993 El cielo y la tierra (guionista)
1993 El club de la buena estrella (productor ejecutivo) 1994 Asesinos natos (guionista)
1995 Nixon
1996 Evita
1997 El escándalo Larry Flynt

DIAS DE TRUENO Days of Thunder (1990)

US
Deportes
107 minutos Color

Productor: Jerry Bruckheimer y Don Simpson Director: Tony Scott
Guión: Robert Towne

Intérpretes:
TOM CRUISE: Cole Trickle
ROBERT DUVALL: Harry Hogge RANDY QUAID: Tim Daland
NICOLE KIDMAN: Dr. Claire Lewicki CARY ELWES: Russ Wheeler
MICHAEL ROOKER: Rowdy Burns JOHN C. REILLY: Buck Bretherton DON SIMPSON: Aldo Benedetti

“Días de trueno” es un ejemplo entretenido de lo que nosotros podríamos llamar una película de Tom Cruise. En ella se reúnen los mismos elementos que intervinieron en “Top Gun”, “El Color del dinero” y “Cocktail” y los ejecuta una vez más con la misma fórmula.
La idea es proporcionar al público aquellos elementos que normalmente le agradan como pueden ser, un actor guapo (Tom Cruise) con cara de chico ingenuo pero inteligente, bastante buena persona pero capaz de sacar el genio si es preciso. Se incluye un tutor mayor que el protagonista, más experimentado, pero que tiene mucha fe en las habilidades del chico. Este señor es ayudado en su misión por una mujer también mayor, amable y que aporta su sensibilidad al argumento.
Con estos tres protagonistas lo siguiente es conseguir que el joven aprenda a dominar lo que tiene entre manos (avión o coche) y que disponga del sitio adecuado para mostrarlo a la gente y así ganar mucho dinero o prestigio.
El enemigo, el malo, debe ser también guapo y muy hábil, casi tanto como nuestro héroe, pero que le sirve de estímulo para que se perfeccione. Al principio, ambos enemigos son irreconciliables, pero posteriormente se convierten en uña y carne y llegan a amarse. Pero entonces aparece el enemigo real, el que no veíamos, y que es tan malo que está a punto de estropearlo todo, aunque nuestro héroe ya es muy habilidoso y no se deja vencer. También hay una chica guapa.
El protagonista perfecto es Tom Cruise, en “Top Gun” un piloto de aviones que es instruido por un veterano, y en “El color del dinero” un jugador que también tiene un maestro. En “Cocktail” también es enseñado por un viejo maestro y como en las otras dos, vive un romance con una chica guapa.
En “Días de trueno”, las cosas no son diferentes y existen los mismos elementos que tratan de mostrarse con la debida habilidad, aunque, como ya hemos explicado, todo es predecible. Lo que el protagonista tiene que aprender ahora es el manejo de potentes coches de carreras. Su tutor es Robert Duvall, como un líder veterano de las carreras, mientras que la mujer mayor es cambiada por una guapa doctora interpretada por Nicole Kidman, quien seduce tanto a nuestro héroe que termina casándose con él en la vida real. Mayor mérito imposible.
Las escenas son tan vertiginosas como en “Top Gun”, aunque ahora las alas se cambian por los neumáticos y el motor a reacción por un turbo compresor. El enemigo imaginario es un piloto llamado El Camorrista (Michael Rooker), quién desafía al héroe a entablar competiciones que acabarán con ambos en el hospital. Luego tenemos al verdadero malo de la película, Cary Elwes, un piloto llamado Rodador que le gustaría encontrarse al héroe cara a la pared y aplastarlo. También hay otro que se hace llamar El Sendero, pero con ese nombre sabemos que no puede ser muy malo.
“Días de trueno” fue dirigida por Tony Scott, el mismo hombre que empezó este ciclo de películas iguales con “Top Gun”, y por eso nos muestra el mismo dominio de la fotografía cuando rueda máquinas veloces. El problema en esta película, como antes lo fueron los aviones, es que ver tantos automóviles corriendo una y otra vez delante de nosotros es bastante aburrido, a menos que veamos que están en serios problemas o que se dediquen a chocar entre ellos. Entonces es cuando comenzamos a disfrutar. El resto de la película consiste en largas escenas con muchos automóviles anónimos que se golpean confusamente, dos automóviles que intentan pasarse una y otra vez, y los pilotos tratando de vivir su vida personal una vez finalizada la carrera.
La estrategia principal en “Días de trueno” es mostrar a muchos automóviles corriendo veloces, mientras el protagonista trata de evitar que le empujen y le hagan abandonar la carrera. El automóvil de Cruise es buenísimo, un ocho cilindros impresionante, y aunque sus enemigos le empujan contra las barreras de cemento sigue corriendo veloz, un poco más arrugado, hasta que finalmente se libera. La mayor parte de la película Cruise tiene problemas con los otros conductores y no puede pilotar en paz. Eso hace que la carrera sea más excitante para nosotros los espectadores, pero para él son agotadoras. A su lado, sereno y sensible, está Robert Duvall, Randy Quaid como un distribuidor de automóviles usados, y Michael Rooker como el enemigo que en realidad es su amigo. También está la alegría del circuito, la guapa Nicole Kidman, que ahora hace de médico, aunque no acaba de convencernos con sus habilidades.
Tom Cruise está una vez más correcto en su eterno papel y trata de aportar algún granito de originalidad para que no creamos que hemos vuelto a verle en una película anterior.

Premios:
Nominada al mejor sonido 1990: Charles Wilborn, Donald O. Mitchell, Rick Kline, Kevin O'Connell

UN HORIZONTE MUY LEJANO Far and Away (1992)

US
Historia/Drama
140 minutos
Color
Panavision Super 70 mm.

Productor: Brian Grazer y Ron Howard Director: Ron Howard
Guión: Bob Dolman
Desde la historia de: Dolman y Howard Fotografía: Mikael Salomon
Compositor: John Williams
Vestuario: Joanna Johnston

Intérpretes:
TOM CRUISE: Joseph Donelly NICOLE KIDMAN: Shannon Christie THOMAS GIBSON: Stephen
ROBERT PROSKY: Christie
BARBARA BABCOCK: Nora Christie COLM MEANEY: Kelly
EILEEN POLLOCK: Molly Kay MICHELLE JOHNSON: Grace

“Un horizonte muy lejano” es una película que une un asombroso esplendor visual, con una historia que aparentemente trata de un problema típico de adolescentes. Cuando la vimos, nos recordaba a ciertas novelas que habíamos leído en nuestra juventud, en las cuales los jóvenes viven su propia vida al margen de los adultos. Pero este comentario nos puede hacer pensar que un actor tan importante como Tom Cruise no debería haber aceptado interpretar la película o al menos que alguien le ha engañado.
Tom Cruise, como Joseph, el hijo de un campesino pobre irlandés, se da cuenta que su padre no puede pagar el alquiler de la tierra que está trabajando, al mismo tiempo que su casa se quema por indicación de su propietario, un terrateniente sin piedad. Joseph jura venganza cuando ve el hundimiento de su familia y decide asesinar al hombre que ha causado tanto dolor a los suyos. Antes de ello celebra una pequeña fiesta en el pueblo, pero cuando llega a la casa del propietario e intenta disparar su rifle para vengarse, se golpea inconsciente y es conducido a la mansión para curarle. Allí conoce a la hija del propietario, la joven rebelde Shannon, interpretada por Nicole Kidman. Ella está cansada de ser una chica joven bien educada, y anhela ir a América, donde oye que están regalando tierras gratis a los colonos. Joseph es encontrando posteriormente por ella cuando está a punto de mantener un duelo con un enemigo de su padre, y le pide que se vaya con ella a Oklahoma.
Por supuesto, Joseph y Shannon viajan como hermano y hermana, especialmente para no levantar comentarios perjudiciales. Al principio se muestran hostiles entre sí, aunque finalmente se enamoran el uno del otro. Una vez que llegan a Boston, encuentran alojamiento en un burdel, y Joseph se va a trabajar en empleos denigrantes y poco remunerados, antes de encontrar un empleo más lucrativo como un luchador sin guantes, en donde consigue cierto éxito.
Con este argumento surgen las primeras preguntas, una de ellas que alguien nos explique por qué se van a un burdel y no a una pensión. Tampoco sabemos por qué Joseph no busca un trabajo de barrendero o como obrero de muelle y tiene que dedicarse a trabajos mucho más extraños, como dedicarse a boxear. La película no nos proporciona ninguna pista ni justificación que nos puedan aclarar su comportamiento y en su lugar prefiere mostrarnos argumentos tan estereotipados que nos motivan al aburrimiento.
Cuando Cruise pelea, el resultado de cada lucha está determinado de antemano y el espectador lo sabe desde el primer golpe, quizá porque el director no pretendía hacer una escena de suspense. También vemos que Joseph está convencido que su destino final son las tierras de Oklahoma anteriormente robadas a los indios, lo mismo que lo están el resto de los protagonistas, quienes acaban todos reunidos de nuevo en esa tierra prometida. Tanto los padres de Shannon, como el inspector, y el resto de los personajes, vuelven a vivir las mismas alegrías y problemas que en tierras de Irlanda.
El padre de Shannon, interpretado por Robert Prosky, es una suma de contradicciones y matices, pero nunca se olvida de tener un duro carácter, sobre todo cuando está en Oklahoma. Shannon y Joseph son igualmente dos personajes extraños, víctimas de la historia, y no poseen ninguno de los atributos que son habituales en estas historias de emigrantes.
El aliciente del filme está especialmente en el paisaje tan impresionante y bello de las tierras de Oklahoma, donde hay centenares de jinetes, carros, y labriegos en busca de un lugar fértil y apacible donde instalarse. Para conseguir emular otras epopeyas del cine de Hollywood, como “Cimarrón”, los productores han tirado la casa por la ventana, tecnológicamente hablando, y la han fotografiado con el sistema Panavision Super 70 mm., una técnica espectacular que permite situar al espectador casi en el mismo lugar del rodaje. Con nueve cámaras rodando simultáneamente la misma secuencia, los resultados visuales son de primera categoría, lástima que el argumento no acompañe a tan interesante tecnología. Por supuesto, no es una película para ver en vídeo en un televisor de 25 pulgadas.

El propio David Lean quedó entusiasmado por esta técnica de filmación y planeó rodar así “Nostromo”, aunque su intento quedó frustrado. Si tenemos en cuenta la magnitud de películas como “Doctor Zhivago” y “Lawrence de Arabia”, nos daremos cuenta de las posibilidades que este sistema tenía para las grandes superproducciones. Pero nada de esto se da en esta película, salvo los buenos resultados visuales ya mencionados.

El director: Ron Howard

Nacido: el 1 de marzo de 1954 en Duncan, Oklahoma

Estudios: universidad del Sur de California, Los Angeles, California

Como un veterano en el mundo del espectáculo, Howard experimentó grandes éxitos como un niño actor en series de televisión, y como productor y director en numerosas películas de éxito en Hollywood durante su madurez. Como director de cine, ha sido capaz especialmente cuando se trata de sagas familiares, y convertirlas en dramas algo más entretenidos. Hijo de los actores Rance y Jean Howard y hermano mayor de Clint, hizo su primera aparición profesional a los 18 meses de edad junto a sus padres en Baltimore. Como un niño y luego como actor juvenil, Howard era considerado como un “hijo de papá” en el papel de Opie, un guapo chico del Alguacil Andy Taylor en "El Show de Andy Griffith" (CBS, 1960 68). Después trabajó en obras menores, como “El hombre música” (1962) cantando "Gary, Indiana" y, al año siguiente, como el hijo de otro padre viudo (Glenn Ford) en la obra de Vincente Minnelli “El noviazgo del padre Eddie” (1963). Después de abandonar sus papeles intrascendentes en televisión, buscó trabajos más complejos interviniendo en “American Graffiti” (1973), una comedia con tintes dramáticos de George Lucas, en donde daba vida a un adolescente del sur de California en los años 60. Esta película le llevó de nuevo a la televisión como Richie Cunningham, en una larga serie denominada "Días Felices" (ABC, 1974-84).
de manejar historias carentes de interés,

Howard realizó un papel memorable como el hijo de Lauren Bacall y el mítico John Wayne “El último pistolero” (1976). Por otra parte, también trabajó en algunos Westerns mediocres y conseguía debutar como guionista a los 23 años en “Loca escapada a Las vegas” (1977), un filme producido por Roger Corman. Después de intentar mejorar su categoría en un medio diferente a la televisión, Howard hizo su segunda película como director en “Night Shift” (1982), una comedia sobre dos empleados de un depósito de cadáveres.
Esta película marcó sus primeras colaboraciones con el productor (y su futuro compañero) Brian Grazer, a la que siguieron “Días Felices”, “1,2,3 Splash” (1984), “Pisa a fondo” (1986) y “¡Dulce hogar... a veces!” (1989).
Howard consiguió con “1,2,3 Splash”, uno de los mayores éxitos de Disney, en su nueva división Touchstone. Esta fantasía romántica sobre un hombre y una sirena (Tom Hanks y Daryl Hannah), demostró que la supervivencia de los estudios Disney estaba asegurada durante muchos años.
Howard consiguió otro éxito con “Cocoon” (1985), una fantasía sobre personas ancianas que descubren un nuevo vigor gracias a la intervención de unos extraterrestres. Posteriormente, “Willow” (1988), una producción de George Lucas, pródiga en fantasías, duendes, trolls y un héroe galante, además de brujas, dragones y guapas chicas, no encontró a su público esperado.
El tono y estilo de las películas de Howard ya tienen su lugar en el cine. Aunque sus éxitos pasados como actor de televisión le pudieran hacer añorar su etapa pasada, lo cierto es que parece ser que no desea repetir esas experiencias y prefiere demostrar su optimismo en producir películas actuales.
Howard y Grazer formaron su propia productora de películas en 1985 y sacaron sus primeros productos en 1986. Después de varios éxitos, este dúo comercial se dio cuenta que apenas si lograban recaudar dinero con sus trabajos. En 1992, anunciaron que se unirían a la Universal. Esto horrorizó a sus accionistas que motivó el que Howard y Grazer renegociaran su trato para que Imagine les prestase dinero y así comprar la compañía. A través de 1993, Imagine era una compañía privada propiedad de Howard y Grazer que funcionan como socios. A través de Imagine, Howard trabajó como productor en la mayoría de sus propias películas.
En recientes años, Howard ha consolidado su reputación más allá de un simple director de Hollywood fiable, y varios de sus proyectos han conseguido muy buenas recaudaciones, como “¡Dulce hogar... a veces!”, “Llamaradas” (1991), y la aventura romántica “Un horizonte muy lejano” (1992). Los dos primeros fueron grandes éxitos mientras que el último, interpretado por Tom Cruise y Nicole Kidman, fue una dura desilusión comercial. Howard recibió mejor trato de la prensa, aunque no de taquilla, por su película “Detrás de la noticia” (1994), un comedia sobre el periodismo. También probó suerte en una historia real basada en un reciente vuelo espacial, con “Apolo 13” (1995), un hecho histórico que casi acabó en tragedia.

Filmografía esencial:

1977 Loca escapada a Las Vegas
1984 1, 2, 3... Splash
1985 Coccon
1986 Pisa a fondo
1988 Willow
1989 ¡Dulce hogar... a veces!
1991 Llamaradas
1992 Un horizonte muy lejano
1994 Detrás de la noticia
1995 Apolo 13

ALGUNOS HOMBRES BUENOS A Few Good Men (1992)

US
Castle Rock, para Columbia Drama
138 minutos
Color
Panavision

Co-productores: David Brown, Rob Reiner y Andrew Scheinman Director: Rob Reiner
Guión: Aaron Sorkin
Basado en la obra de: Sorkin
Director de fotografía: Robert Richardson
Compositor: Marc Shaiman
Vestuairo: Gloria Gresham

Intérpretes:
TOM CRUISE: Lugarteniente J.G. Daniel Kaffe
JACK NICHOLSON: Coronel Nathan R. Jessep
DEMI MOORE: Lugarteniente Comandante JoAnne Galloway KEVIN BACON: Capitán Jack Ross
KEIFER SUTHERLAND: Lugarteniente Jonathan Kendrick KEVIN POLLAK: Lugarteniente Sam Weinberg
JAMES MARSHALL: Louden Downey
J.T. WALSH: Lugarteniente Coronel Matthew Markinson CHRISTOPHER GUEST: Dr. Stone

Ambientada en Washington y en la base norteamericana de Guantánamo, Cuba, el guión se terminó de escribir en 1988 y estaba basado en una obra teatral que tuvo cierto éxito en Broadway, llegando hasta las 499 representaciones en el teatro Music Box. Esta procedencia es algo que se nota por las pocas salidas al exterior, la mayoría de ellas sin que aporten nada especial al argumento.
Dirigida por Rob Reiner, a quien vimos en “Misery” y “La princesa prometida”, se hacía necesario darle importantes diferencias con la obra teatral, aunque sin apartar su dramatismo y emociones.
La esencia del argumento es un juicio contra un alto cargo, en línea directa con “El motín del Caine”, y el rodaje comenzó el 21 de octubre de 1991, mientras la mitad del equipo trataba de reproducir la base de Guantánamo en otro plató. Para darle verosimilitud se contó con la colaboración de 200 marines reales.
El principal aliciente del filme, mucho más que el mismo argumento, está en el duelo interpretativo entre Tom Cruise y Jack Nicholson, ambos totalmente diferentes. Cruise ya tenía una experiencia en este sentido al haber trabajado con Paul Newman y Dustin Hoffman, aunque los dos Oscars ganados anteriormente por Nicholson podían influirle demasiado y hacerle perder la serenidad. Por si fuera poco, también había sido nominado siete veces como el Mejor Actor y poseía nueve premios del Círculo de críticos de Cine de Nueva York.
“Algunos hombres buenos” de Rob Reiner es una de esas películas que no tienen en cuenta la inteligencia del público. Hay una escena en la película que está completamente equivocada. En ella, el abogado interpretado por Tom Cruise, menciona las vistas previas de su estrategia en la sala del tribunal a sus amigos. La estrategia, que debería funcionar como un elemento sorpresa, se diluye desde ese momento y nos roba uno de los momentos más importantes de la película. También hay otra escena importante escamoteada, cuando vemos preso de ansiedad a Jack Nicholson.
Estas cosas denotan muy poca habilidad haciendo cine, porque el conjunto de la película es bueno, pero tenía un potencial que le permitía haber sido extraordinario. Los fallos están principalmente en el nivel de tensión en cada secuencia. El espectador permanece al margen, como si nunca fuera a existir, y no se juega con sus emociones y su capacidad para sentir tensión y angustia por lo que está viendo. Al contrario que en muchas películas, todo se da resuelto al espectador y prácticamente no se le deja pensar o deducir.

La historia está basada en un hecho que ya había sido un gran éxito en Broadway y del cual es autor por Aaron Sorkin. La base naval norteamericana de Guantánamo, la Estación Naval del Aire en Cuba, se conmueven por una novatada que ocasiona la muerte de un soldado. Los acusados son dos marines jóvenes que gustaban de jugar con la muerte, aunque una entrometida oficial de la Armada en Washington (Demi Moore), sospecha que hay algo más en esa historia y quiere investigar. Ella es instigada por su propio superior para que asigne a un abogado de la Armada poco hábil (Cruise) para que lleve el caso, quizá porque así evitarán que todo transcienda y se genere un altercado público. Después de que Moore y Cruise se reúnen con los dos marines acusados, ella comprende que el caso es bastante más escabroso de lo que parece, especialmente porque los dos chicos no parecen muy dispuestos a hablar, ni siquiera para salvarse. Uno de ellos, un chico negro interpretado por Wolfgang Bodison, está tan furiosamente orgulloso de su trabajo que no tendría inconveniente en ir a prisión por muchos años. El otro, un fácilmente impresionable muchacho granjero, tiene algo más de decisión. Cruise quiere hablar con todo el mundo fuera de la Corte y así terminar cuanto antes para volver a sus pasatiempos preferidos, pero Moore no lo permitirá. Un tercer amigo, interpretado por Kevin Pollack, se une en la estrategia del juicio cuando se descubren nuevos hechos: aunque las novatadas están oficialmente penadas por la ley y la política de la Marina, el comandante de Guantánamo, un perro viejo interpretado por Jack Nicholson, puede haber pasado por alto la muerte del marine o formar parte de un castigo llamado “Código rojo”.

Las escenas del planteamiento central del argumento, tienen bastante energía. Cruise está sumamente eficaz como el lugarteniente sin experiencia, hijo de un gran hombre que tiene que ser enseñado para que tome trabajo en serio y así mantener su herencia. Demi Moore está como siempre atractiva y muy determinante.
Según nos tiene habituados en Hollywood, lo normal es que los dos protagonistas más jóvenes tuvieran un romance en el argumento, pero ni siquiera al final nos obsequian con un escarceo entre sábanas. Ellos se comportan estrictamente como profesionales, por mucho que nos parezca imposible que dos personas tan guapas y solteras, no sientan una mutua atracción.
Hay quien dice que el personaje de Demi Moore inicialmente era el de un hombre, en la historia original, y que se cambió en una mujer en la obra de teatro para hacerla más comercial, aunque no vemos ningún problema en que se concibió originalmente como un hombre, y se cambió en una mujer para Broadway.
Aún así, no vemos ningún problema en que el guionista efectuase unos pequeños ajustes para darle un poco de romance al filme.
En cualquier caso, el eje de la película es el juicio, y existe una escena clave en el final del filme, cuando le toca a Kevin Bacon declarar culpable a los dos marines. Nosotros ya sabemos que Jack Nicholson tiene un carácter brutal y un leguaje sexista, especialmente cuando se dirige a Moore, pero lo que no sabemos es todo lo que viene después ni nos imaginamos ese final, que no les contaré.

La película nos proporciona la mayoría de los descubrimientos dentro de la sala del tribunal, y por eso nos desconcierta la escena que estropea todo, cuando Cruise explica a sus amigos lo que él espera hacer, cómo espera hacerlo, y cómo piensa que funcionará. Cuando en la escena principal Nicholson desarrolla sus argumentos, comprendemos que se limita a seguir el guión de la película y deja de actuar correctamente.
La película está bien dirigida, aunque la actuación de esos tres grandes actores desmerece lo que esperábamos de ellos. Nicholson siempre es un actor divertido en la pantalla, especialmente cuando está enfadado y dice barbaridades. Cruise aporta un contraste eficaz, como el funcionario joven e inmaduro que termina por interesarse en los problemas ajenos. El secundario Wolfgang Bodison, proporciona la actuación más interesante en la película, porque nosotros podemos ver la lucha que existe en su interior y la película parece elaborar un guión particular para él, aunque sabemos que no es deliberado.

Premios:
Nominada a la mejor película 1992: David Brown, Rob Reiner y Andrew Scheinman. Nominada al mejor actor secundario 1992: Jack Nicholson
Nominada al mejor filme editado 1992: Robert Leighton
Nominada al mejor sonido 1992: Kevin O'Connell, Rick Kline, Bob Eber

El director: Rob Reiner

Nombre: Robert Reiner
Nacido el: 6 de marzo de 1945 en Nueva York Estudios: Universidad de California en Los Angeles

Este popular actor de televisión durante los años setenta, ha tenido una segunda carrera aún mejor como productor y director en diferentes géneros cinematográficos. Alto, calvo y muy grande, Reiner empezó como actor y le pudimos ver en dos películas dirigidas por su padre, Carl Reiner en 1967 y 1970.
Después escribió para la televisión dos comedias en 1968, , y realizó una suplencia artística en el serial “La Familia de la Perdiz” (ABC) en 1970.
La fama le llegó en 1971, cuando Reiner se lanzó como el yerno liberal Mike Stivic, en el clásico de Normand Lear “Todo en familia” (CBS). Durante siete años más siguió interviniendo en seriales televisivos y presentando numerosos proyectos que fueron desestimados. Reiner trabajó como productor ejecutivo, y escribió varios guiones para varias series efímeras de televisión hasta que consiguió debutar en el cine como director en “Spinal tap” (1984), un documento que parodiaba la vida y trabajo de los directores de cine y su reverencia por los actores famosos.
Reiner trabajó posteriormente con Martin Scorsese en “El último vals” (1978), y dirigió en 1985 “Juegos de amor en la universidad”, una película sobre problemas de adolescentes.
De hecho, esta película era la que marcó la línea cinematográfica de su siguiente film, “Stand by me” (1986), su tercer filme y uno de los mejores, adaptada de “El cuerpo”, una novela sencilla de Stephen King. Narrada por Richard Dreyfuss y ofreciendo unos actores extraordinarios, como Wil Wheaton, Fénix del Río y Kiefer Sutherland, le proporcionó ya cierto prestigio en Hollywood, aunque siguió centrado en problemas sentimentales de adolescentes. En este caso la historia nos habla de cuatro chicos que van en búsqueda del cuerpo de un adolescente muerto, aprendiendo lecciones poderosas en el camino.

Reiner se ha establecido subsecuentemente como uno de los directores más fiables, y, por tanto, comerciales. Disfrutó de un gran éxito de crítica y público con el cuento de hadas “La princesa prometida” (1987), así como con la comedia romántica “Cuando Harry encontró a Sally”(1989), en donde Meg Ryan simula el orgasmo más espectacular de la historia del cine.
Después hizo una fantasía familiar más blanda titulada “Norte” (1994) y fundó la compañía Castle Rock Entertainment, inspirado en Castle Rock, uno de los pueblos de ficción narrados en las novelas de Stephen King. Con esta compañía produjo “Misery”, magistralmente interpretada por Kathy Bates y basada en otra novela de Stephen King. “City Slockers” (1991), (dirigida por Ron Underwood), y el drama centrado en un tribunal militar de “Algunos hombres buenos” (1992), fueron sus dos trabajos posteriores. En 1995, Castle Rock produjo una encantadora comedia titulada “El presidente y miss Wade”, que nos hablaba de un romance moderno del Presidente de los Estados Unidos, aunque la encontramos algo anticuada. Castle Rock también ha producido varios trabajos para la televisión, como son "Seinfeld," "Thea," y "704 Calle de Hauser". A pesar de ello, la compañía Castle Rock fue comprada por 650 millones de dólares.

Reiner ha continuado trabajando de vez en cuando como actor, normalmente con buenos resultados, sin olvidar su trabajo como director. Tuvo una pequeña intervención junto a Danny De Vito en “Tira a mamá del tren” (1987), en “Postales sobre el filo” (1990) y en la película de Woody Allen, “Balas sobre Broadway” (1994), así como una pequeña intervención la obra de Mike Nichols, “A propósito de Henry” (1991).
Destacó también en “El club de las primeras esposas” (1996) y en televisión le volvimos a ver en diferentes comedias y shows artísticos.
Su hijastra, Tracy Reiner, hija de la actriz Penny Marshall, con quien Reiner estuvo casado en 1971 y 1981, ha aparecido en películas dirigidas por sus dos padres. El hermano de Reiner, Lucas, dirigió su primera película con una comedia de bajo presupuesto titulada “Espíritu del 76”, en 1991.

Filmografía esencial:

1984 Spinal Tap
1985 Juegos de amor en la universidad
1986 Stand by Me
1987 La princesa prometida
1989 Cuando Harry encontró a Sally
1990 Misery
1992 A few good men
1994 Un muchacho llamado Norte
1995 El presidente y miss Wade

LA TAPADERA The Firm (1993)

US
Drama
154 minutos Color

Productores: Scott Rudin, John A. Davis, Michael Hausman y Sydney Pollack Director: Sydney Pollack
Guión: David Rabe, Robert Towne y David Rayfiel
Basado en la novela de: John Grisham
Fotografía: John Seale
Compositor: Dave Grusin
Vestuario: Ruth Myers

Intérpretes:
TOM CRUISE: Mitch McDeere
JEANNE TRIPPLEHORN: Abby McDeere GENE HACKMAN: Avery Tolar
HAL HOLBROOK: Oliver Lambert TERRY KINNEY: Lamar Quinn
WILFORD BRIMLEY: William Devasher ED HARRIS: Wayne Tarrance
HOLLY HUNTER: Tammy Hemphill DAVID STRATHAIRN: Ray McDeere

Mirando “La Tapadera”, he comprendido por qué los gabine tes de abogados han reemplazado a los pelotones del Ejército como los ejecutores de los castigos y que este poder es reflejado frecuentemente en Hollywood. La mayoría de las nuevas películas sobre policías y ladrones, juegan con el miedo que los ciudadanos, delincuentes o legales, tienen a los gabinetes de abogados, especialmente si el acusador es millonario. La vieja frase de “todos somos iguales ante la ley” ha quedado tan ridícula, como ese artículo de la constitución en el cual dice que todos los ciudadanos tienen derecho a una vivienda digna y un trabajo.
La diferencia con los thriller actuales, con detectives inteligentes incluidos, es que ahora el protagonismo de las mujeres es mayor. Repasen cualquier película de Humphrey Bogart y verán cuanta verdad hay en esto que les decimos. Ni siquiera Lauren Bacall, con todo su influencia por ser la esposa de Bogart, consiguió ni la mitad de protagonismo policial que tienen las actrices actuales. Ahora pegan tan fuerte como los hombres, manejan las pistolas como el mismísimo John Wayne, y si tienen tiempo hacen el amor con el héroe. Esto último ya ocurría antes, pero no les veíamos en la cama vestidos de Adán y Eva.

En “La Tapadera”, una complicada película de muy larga duración (154 minutos), dirigida por Sydney Pollack, Tom Cruise interpreta a Mitch McDeere, un muchacho pobre que está avergonzado de sus orígenes humildes, ahora que ha conseguido graduarse en Derecho en la prestigiosa Universidad de Harvard, alcanzando el puesto número cinco en su clase.
En ese momento recibe ofertas de todas las empresas de abogados de Nueva York y Chicago, pero finalmente se decide por una pequeña empresa, Bendini, Lambert & Locke, sumamente próspera, que está establecida en Memphis. Su decisión se ha visto influida por pequeños detalles: le han liquidado el préstamo bancario que había pedido para poderse graduar en Harward, le han regalado un costoso automóvil Mercedes y le han pagado la entrada para que se compre una buena casa. Con tanto dinero por delante, se lamenta no haberse graduado antes, ya que está convencido que su diploma es la causa de tantas atenciones económicas.
Mitch llega a Memphis con su esposa, Abby (Jeanne Tripplehorn, a quien habíamos visto como la psiquiatra en “Instinto Básico”), y se instalan en su nueva casa. Poco a poco McDeere empieza a comprender que no han sido sus méritos académicos los que le han proporcionado tanto dinero y bienestar, sino que su pequeña empresa se dedica a actividades delictivas, relacionadas con el crimen organizado. Al frente de ella está el sagaz y despiadado Avery Tolar (Gene Hackman), quien desde el primer día se convierte en su sombra. Ambos deben investigar la muerte de dos abogados que trabajaban para esa empresa, advirtiéndole que encuentre lo que encuentre no podrá abandonar vivo ese trabajo.
También hay un hombre del FBI, Wayne Tarrance (Ed Harris), quien sospecha de las actividades de esa pequeña empresa y sus investigaciones le llevan a descubrir lo que ya intuía: solamente un porcentaje muy pequeño de sus clientes son honrados, mientras que el resto son ladrones, sinvergüenzas y expertos en blanquear dinero de empresas que no pagan sus impuestos a hacienda.

Algunas películas sobre la corrupción de los abogados muestran su habilidad para escaparse de la ley empleando trucos legales. En este caso parece ser que todos esos esfuerzos merecen la pena y que es bastante rentable mantenerse al margen de la ley. Sin revelar demasiado la trama del filme, futuro simultáneamente por el FBI y salvarse debe utilizar con habilidad sus puños y su cerebro, sin que podamos decidir cuál de las dos habilidades es más importante.
puedo decir que McDeere es chantajeando en el el jefe de seguridad de su empresa, y que para

Wilford Brimley, a quien recordaremos por su trabajo en “Cocoon” y “El síndrome de China”, hace un estupendo papel como un amable, y viejo bribón, en esta reunión de asesinos que practican con la misma habilidad la ley que las armas.
La historia está bastante clara en sus contornos generales, pero a veces confundiendo al espectador por el exceso de información disponible en la novela original de John Grisham. Aunque fue adaptada por tres de los guionistas más prestigiosos del mundo del cine, David Rabe, Robert Towne y David Rayfiel, “La Tapadera” con sus dos horas y media de metraje, dificulta la comprensión del argumento y en eso que en esencia parece bastante sencillo.
Las divagaciones entre la moral y la ley, términos que el dinero suele aclarar, quedan confusas a pesar de las explicaciones insistentes que nos hace McDeere mediante unas llamadas telefónicas en medio de una persecución. En esos momentos el desconcierto es muy alto y no comprendemos por qué toma una postura determinada. Por eso, y aunque no es algo habitual esta recomendación, les emplazo a que no se concentren demasiado en la trama de la película y que disfruten del espectáculo sin más. Cuantos más detalles traten de asimilar, menos se enterarán del argumento.
Al director Sydney Pollack, le gustan especialmente las películas de larga duración (quizá así le pagan más), especialmente si son ambiciosas como ocurrió con “Memorias de Africa” y “Habana”, ambas, casualmente, con Robert Redford. Él se encuentra a gusto trabajando con estrellas populares, quizá porque así sus personajes los puede describir con menos profundidad.
También hay que destacar la presencia inestimable de Hal Holbrook (“Walt Street” con Michael Douglas), como el jefe de la empresa, así como a Holly Hunter, como la fiel secretaria Tammy que se dedica a investigar el bufete de abogados, dando fe de un asesinato. Holly alcanzó un gran prestigio como la detective que ayuda a Sigourney Weaver en “Copycat” y que consiguió ser nominada al Oscar como la Mejor Actriz secundaria por esta película, aunque su premio lo conseguiríapor “El piano”. Holbrook casi siempre realiza papeles de hombre aparentemente respetable con algunos secretos oscuros. También aparece Gene Hackman, como el compañero del bufete de abogados que se convierte en la sombra y el protector de Cruise, aunque nosotros sabemos que ahora está corrompido por el dinero, pero en cualquier momento nos demostrará que es el hombre decente que todos deseamos.
Cuando aparece Cruise nos sentimos cómodos, porque él es único que destila sinceridad. Suele ser un poco lento para alcanzar el éxito, especialmente porque confía demasiado en las personas, pero al final se alzará con el triunfo y besará a la guapa chica que le ayuda.

La película se mueve sin cesar entre una sucesión de pequeñas situaciones que son interpretadas por unos cuantos actores de gran categoría. Ed Harris, siniestro como siempre con una cabeza afeitada, necesita sólo un par de escenas al comienzo de la película para explicarnos convincentemente que el caso tiene que pasar a manos del FBI, ya que existe un testigo potencial que podría poner entre rejas a todos los mafiosos.

Otra actuación eficaz es la de David Strathairn, como Ray McDeere, cuando es testigo de un homicidio involuntario. Strathairn está surgiendo como uno de los actores más interesantesdesde que interpretó “Sneakers” junto a Robert Redford y “River Wild” con Meryl Streep. Hay también buenas actuaciones de Gary Busey, como un detective privado rápido y hablador
La galería grande de buenos actores en “La Tapadera” es uno de los motivos más convincentes del filme, y entre todos consiguen que sus personajes sean creíbles, especialmente la familia de los McDeere. El director Pollack es paciente con el material disponible y no nos muestra ninguna escena nueva hasta que la anterior ha sido bien asimilada, o al menos esa parece ser su intención. Ese sistema permite a un actor como Gene Hackman ser sorprendentemente eficaz en escenas donde quiere dejar demostrado de una manera sutil, que, a pesar de todo, tiene un buen corazón. En una escena final entre Hackman y Tripplehorn vemos que en realidad siempre ha estado obedeciendo órdenes de su amo.

Hay partes en “La Tapadera” que son probablemente mucho mejores que el conjunto de la película, aunque de este fallo habría que responsabilizar al guionista. A la película le falta un poco, o mucha, claridad en la explicación de la trama, y en la última media hora probablemente el espectador está ya demasiado confundido como para poderse concentrar en el argumento. Llegado a este punto, creemos que es mejor relajarse y disfrutar de la interpretación.
Es muy posible que, a pesar de todo, la mayoría de nosotros hayamos disfrutado con esta película basada en un best-seller y que durante la primera semana de exhibición hizo temblar a la mismísima “Parque Jurásico”, a la cual superó en recaudación. Posteriormente las cifras no fueron tan optimistas, pero ya el éxito había quedado asegurado. En resumen, una correcta película que casi por lo pelos podía haber sido una gran película.

Premios:
Nominada a la mejor actriz secundaria 1993: Holly Hunter Nominada a la mejor música 1993: Dave Grusin

El director:
Sidney Pollack

Nacido el: 1 de julio de 1934 en Lafayette, Indiana

Estudios: Escuela de Arte Dramático en Neighborhood Playhouse, Nueva York

Sydney Pollack es mejor conocido por las buenas actuaciones que él ha conseguido de las estrellas de Hollywood, entre ellas Robert Redford, Jane Fonda, Dustin Hoffman, Barbra Streisand, Paul Newman y Burt Lancaster.
Pollack empezó su propia carrera como un actor. Después de estudiar en el Quarter Theatre de Nueva York con Sanford Meisner, se quedó como suplente de Meisner mientras también aparecía como actor en obras de Broadway, durante los meses de verano y en series de televisión. Un papel en el "Teatro 90" una producción dirigida por John Frankenheimer, y que sirvió para introducir a Burt Lancaster, fue su talismán. En los próximos cinco años dirigió más de 80 telefilmes, entre ellos 15 episodios de la popular serie “Ben Casey”.

La primera película de Pollack fue “La vida vale más” (1965), ofreciendo a Ana Bancroft como una mujer suicida y a Sidney Poitier como un obrero de un centro de crisis que intenta protegerla. Este intenso drama, rodado en blanco y negro en Seattle, le abrió las puertas para futuras películas.
Después, Pollack dirigió “Propiedad condenada” (1966), “la fortaleza” (1968) y “Camino de la venganza” (1968), logrando su mayor éxito con “Danzad, danzad, malditos” (1969), una historia sobre un maratón de baile en los años de la Depresión. Aunque la película fue criticada por su alta crudeza, basada en la novela de Horace McCoy, Pollack ganó una nominación al Oscar al Mejor Director y el actor Gig Youg un Oscar al mejor Actor secundario.
Unos años después se anotó otro éxito de taquilla con “Tal como éramos” (1973), una historia de amor anticuada que interpretaron perfectamente Robert Redford y Barbra Streisand. Después de varios deslices, Pollack volvió para rodar “El jinete eléctrico” (1979), ahora juntando a Redford con Jane Fonda en una comedia romántica sobre un vaquero moderno y una reportera.
También consiguió un gran éxito con la comedia “Tootsie” (1982) en que él mismo hizo un pequeño, pero memorable papel, como el agente de un actor intransigente, interpretado por Dustin Hoffman. La carrera de Pollack alcanzó más categoría cuando estrenó “Memorias de Africa” (1985), la suntuosa historia de amor entre la escritora Isak Dinesen (Meryl Streep) y Denys Finch Hatton (Redford). La película producida y dirigida por Pollack, recibió dos Oscar.
Como consecuencia de ese viaje triunfante a Africa, Pollack ha estado más ocupado como productor que como director. Algunos de sus créditos como productor incluyen “Los fabulosos Baker Boys” (1989), “Presunto inocente” (1990) y “Buscando a Boby Fisher” (1993). También ha dirigido “Habana” (1990), un fracaso tanto en crítica como comercial que nos mostraba a un envejecido Robert Redford, y “La tapadera” (1993), una película de gran éxito que convirtió en un actor de gran prestigio a Tom Cruise.
En los últimos años trabajó como actor junto a Woody Allen en “Maridos y mujeres” (1992), como un profesional de Nueva York que deja a su esposa (Judy Davis) después de muchos años de matrimonio. Ese mismo año aparecía en la película de Robert Zemeckis “La muerte os sienta tan bien”.

Filmografía esencial:

1965 La vida vale más
1966 Propiedad condenada
1968 Camino de la venganza
1969 La fortaleza
1969 Danzad, danzad, malditos
1973 Tal como éramos
1975 Los tres días del cóndor
1975 Yakuza
1979 El jinete eléctrico
1981 Ausencia de malicia
1982 Tootsie
1985 Memorias de Africa
1989 Los fabulosos Baker Boys
1990 Habana
1993 La tapadera
1995 Sabrina

ENTREVISTA CON EL VAMPIRO Interview with the Vampire (1994)

US
Horror/Drama 122 minutos Color

Productor: Stephen Woolley, David Geffen
Director: Neil Jordan
Guión: Anne Rice
Basada en la novela del mismo título
Fotografía: Philippe Rousselot
Música: Elliot Goldenthal
Efectos especiales: Rob Legato, Yves De Bono, Cari Thomas Maquetas: Stan Winston, Michele Burke
Vestuario: Sandy Powell, John Scott, Deirdre Williams

Intérpretes:
TOM CRUISE Lestat de Lioncourt
BRAD PITT: Louis Pointe du Lac
ANTONIO BANDERAS: Armand
STEPHEN REA: Santiago
CHRISTIAN SLATER: Daniel Malloy, el entrevistador KIRSTEN DUNST Claudia
DOMIZIANA GIORDANO: Madeleine
THANDIE NEWTON: Yvette
VIRGINIA McCOLLAM: Whore on Waterfront

En el San Francisco contemporáneo, un hombre joven concede una entrevista sobre sus doscientos años de existencia como vampiro, una existencia en la cual nunca se ha sentido completamente cómodo. Probablemente para satisfacer a los entusiastas de la novela popular de Ana Rice, y a las entusiastas hembras admiradoras de los actores masculinos, se puso más interés en mostrar sin descanso la imagen seductora de los protagonistas que en el drama de fondo. El resultado es que la película termina aburriendo y los actores no logran quitarse el estigma de hombres guapos.

Aunque uno de los personajes de “Entrevista con el vampiro” ruega ser transformado en un vampiro, y ávidamente espera la sentencia de la inmortalidad, el filme nunca nos demuestra que ser vampiro es una bendición y solamente lo vemos como una tristeza interminable. Eso podría ser la fuerza del argumento, pero a lo largo de la historia todo se diluye y su mayor baza se pierde. En la película, parece que los vampiros están escapándose siempre de algo, en lugar de disfrutar de su existencia inmortal y de sus mordeduras a los cuellos de guapas chicas.
La película sigue una visión detallada y verídica de la novela de Ana Rice, y por eso no logra darnos la visión terrorífica que esperábamos de una historia de vampiros ambientada en nuestra época. Podríamos considerarla como un análisis de lo que realmente supone ser un vampiro.
El título nos pone ya en la línea de salida y en las escenas de apertura, situadas en el San Francisco actual, vemos al vampiro de 200 años llamado Louis Pointe du Lac (Brad Pitt), someterse a una entrevista con un periodista moderno (Christian Slater), como si fuera un asesino o un terrorista buscado por la Interpol. Pero la cosa queda clara desde un principio: solamente podrán hablar durante 60 Minutos.

Su historia empieza en los años de 1700, en Nueva Orleans, una ciudad peculiar en donde cualquier cosa es posible, y en la cual nuestro protagonista, después de perder a su esposa e hija, se dedicó a una vida de tristeza y libertinaje, sin que sepamos cómo logró compaginar ambas cosas. En su camino se cruzó un vampiro llamado Lestat (Tom Cruise), quién después del oportuno mordisco, lo transformó en un vampiro, y desde entonces Louis ha vagado por las grandes ciudades del mundo y se ha alimentado con la sangre de sus víctimas, aunque prefiere la de los animales.
La reunión inicial entre Louis y Lestat se realiza de una manera muy seductora, como dos homosexuales. El vampiro experimentado parece estar cortejando al hombre más joven, y en ese momento vemos un elemento fuerte de homosexualidad en la manera en que le descubre el cuello y chupa ansioso la sangre. En ese momento está a medio camino entre el vampirismo y el sexo, ambos mostrados con cierta alegría y poco horror. En ese momento nos cuentan que los protagonistas pueden vivir noches de lujuria, pero el problema es que si no lo hacen morirán.
Tom Cruise, que inicialmente parecía a muchas personas una opción improbable para interpretar a Lestat, nunca ha estado más convincente en un personaje que ahora. Con su ligero acento británico, combinado con una composición dramática sin ser molesta, logra aportar unas características al nuevo vampiro totalmente inéditas.
Brad Pitt, cuyo papel es probablemente el más importante, y a quien vimos hace poco tiempo en el papel del héroe depravado en el filme “Kalifornia”, aquí parece más como un joven inocente, un hombre que hace cosas en la vida imprudentes, aunque desde que es mordido por el vampiro jefe tiene muchas vidas para rectificar o equivocarse de nuevo.

Uno de los aspectos que produce más escalofríos en esta historia, es la transformación en vampiro de la niña Claudia, interpretada por Kirsten Dunst, que tenía en aquél momento 12 años. El personaje real de la novela era de seis años, pero dado que debemos asistir a un proceso de envejecimiento cuando es presa de la peste y luego cuando es convertida en vampiro, los realizadores encontraron más razonable aumentar su edad. El maquillador Dunst, quizás con la ayuda inestimable del experto Stan Winston, pudo efectuar de una manera correcta la transformación de la niña hasta su posterior envejecimiento. Al diseñador Dante Ferretti le conocemos por sus trabajos al lado de Scorsese en “La edad de la inocencia” y con Terry Gilliam en “Las aventuras del Barón de Munchausen”, aunque aquí combina la elegancia de la primera y las imágenes fantásticas de la segunda, proporcionando el mundo de los vampiros con cierta belleza terrorífica.
La acción, por supuesto, se desarrolla normalmente de noche, en ciertas plantaciones del sur francés y a lo largo de las calles oscuras y en toilette decadentes. Hay algunas escenas cortas del vuelo de los vampiros, bastante acción a bordo de una nave transatlántica, y también en las catacumbas de París. Hay bastantes escenas dentro de cloacas y pasadizos subterráneos, donde los vampiros duermen en estanterías que abren y cierran con absoluta precisión cuando llegan para dormir.

En resumen, la historia nos cuenta el encuentro en París de Louis, quien conoce a los vampiros Armand (Antonio Banderas) y Santiago (Stephen Rea), y empieza a entender que él es también un miembro de una sociedad clandestina internacional. Todos son vampiros, por supuesto, y tienen la necesidad de suministrarse regularmente sangre fresca, aunque los detalles necesarios para procurarse suficiente cantidad no le agradan y por eso se encuentra desanimado para vivir como esas criaturas. Que sea necesario matar a la gente para que ellos puedan vivir, no le agrada y busca otras alternativas.
Su tristeza está muy bien descrita en la novela de Anne Rice, aunque la pésima dirección de Neil Jordan, que consigue rayar en el ridículo y con más frecuencia en el aburrimiento, logró enmascarar la verdadera tragedia. También se le ha criticado el altísimo nivel de violencia del filme, pero esto es algo inherente a la necesidad que tienen los vampiros de matar para sobrevivir. Salvo las películas de la Hammer, con un exquisito Christopher Lee al frente, siempre que se muestren muertos vivientes o seres de ultratumba, se hace imprescindible que la sangre salpique al espectador.

La novela de Anne Rice no fue llevada al cine hasta que el éxito de Coppola con su Drácula revitalizó el interés por el cine de vampiros. Cuando las ventas de la novela alcanzaron los cinco millones de ejemplares y los productores pusieron los suficientes dólares en el contrato, la escritora accedió a vender los derechos, aunque con ciertas condiciones. El actor principal debería ser Daniel Day-Lewis, pero su compromiso con el filme “En el nombre del padre” le sirvió como excusa para no interpretar un papel que no le gustaba.
Después hablaron con William Baldwin, Mel Gibson y hasta con River Phoenix, aunque la súbita muerte de este joven actor malogró el comienzo del rodaje. Rechazado igualmente Leonardo Di Caprio por demasiado joven, solamente quedaba Christian Slater y Rutger Hauer, este último sustituido finalmente por Tom Cruise, a pesar de la opinión en contra de la escritora.
Respecto a Brad Pitt nadie estuvo en oposición, ni con la niña Kirsten Dunst, integrándose todos por fin en los estudios Pinewood de Londres, donde se construyeron 65 decorados fantasmagóricos, además de rodarse en exteriores de San Francisco, Nueva Orleans, Londres y París.

“Mi maquillador creo que se excedió conmigo, dijo Brad Pitt, al querer darme ese aspecto de piel traslúcida, como un recién nacido que aún no ha visto el sol. Hasta me pintaron unas venas muy aparentes en tres dimensiones a base de una pintura muy espesa. También me pusieron lentes de contacto para aclarar mi iris y darle una tonalidad azul, aunque cuando ataco a una víctima me pusieron otras que agrandaban el iris y estaban enrojecidas”.

“Respecto a los colmillos, solamente se aumentó la largura de los caninos, rematándolos como agujas, empleándose el mismo material que utilizan los dentistas para restaurar dientes rotos”.

“Aunque al principio me en tusiasmé con la película, ahora debo admitir que la odio, especialmente por mi personaje tan depresivo. Respecto a mi relación con Cruise, reconozco que todo fue complicado entre nosotros durante el rodaje, pero fue debido más a la tensión del trabajo quea nuestras diferencias personales”.

Premios:
Nominada a la mejor dirección artística 1994: Dante Ferretti y Francesca Lo Schiavo Nominada a la mejor música 1994: Elliot Goldenthal

El director: Neil Jordan

Nacido: en 1950, Condado Sligo, Irlanda, Estudios: Universidad de Dublín (literatura, historia)

Se trata de un escritor y director de cine justamente respetado que primeramente se estableció como un autor popular de historias cortas malhumoradas, turbulentas y novelas que tratan sobre la pasión, la sexualidad y los cambios de la última generación en su Irlanda nativa. En las películas, ha controlado todo de una manera muy creativa, incluyendo historias en las cuales habla del primer amor y los problemas morales de la violencia y la muerte.
Empleando elementos de fantasía, sorpresa y horror, Jordan logra aportar incluso en las películas sobre política, los mismo ingredientes. Realiza un cine provocativo que, aunque no tan experimental como algunos dicen, logra combinar una frescura estilística con dimensiones filosóficas, sociales y sexuales que nos hacen pensar.
Después de disfrutar de cierto éxito con historias como “Una noche en Túnez”, Jordan empezó en el cine como el director John Boorman en “Excalibur” (1981). Después de esto, realizó “En compañía de lobos” (1984), una revisión del popular cuento Caperucita roja, en versión para adultos.
Luego fue más conocido por su película “Mona Lisa” (1986), un film de miedo urbano que transformó la hasta entonces mediocre carrera de Bob Hoskins, quien estuvo ayudado por Michael Caine.

Mantenido a flote por sus éxitos iniciales, Jordan intentó conquistar nuevos mercados en Hollywood con “El hotel de los fantasmas” (1988), y “Nunca fuimos ángeles” (1989), ahora con Robert De Niro y Sean Penn, pero defraudó totalmente al público. Jordan volvió a Inglaterra para trabajar por sus propios medios en “Amor a una extraña” (1991) mostrando una interesante historia basada en la novela “Las noches de Túnez”. En 1992, Jordan realiza el guión de “Juego de lágrimas”, una película que solamente tuvo una modesta distribución, y en la que nos habla de un secreto sobre la identidad sexual. Ganó seis nominaciones al Oscar (ganando Jordan uno al mejor guión) y para muchos críticos fue su mejor obra.
Jordania volvió de nuevo a triunfar en el cine de Hollywood cuando dirigió el best-seller de Ana Rice, “Entrevista con el vampiro”. Una vez que él consiguió su nuevo lanzamiento, Jordan se encontró con un puesto bastante seguro en el cine e intentó manejar presupuestos mucho mayores.

Filmografía esencial:

1981 Excalibur
1984 En compañía de lobos
1986 Mona Lisa
1988 El hotel de los fantasmas
1989 Nunca fuimos ángeles
1991 Amor a una extraña
1992 Juego de lágrimas
1994 Entrevista con el vampiro
1996 Michael Collins

MISION IMPOSIBLE Mission: Impossible (1996)

US
Aventuras/Thriller 105 minutos
Color

Productor: Tom Cruise y Paula Wagner
Productor ejecutivo: Paul Hitchcock
Director: Brian De Palma
Guión: David Koepp y Robert Towne
Basado en la historia de: Koepp y Steven Zaillian Basada en una serie de TV. creada por: Bruce Geller Director de fotografía: Stephen H. Burum
Música: Danny Elfman
Misión: imposible: tema de Lalo Schifrin

Intérpretes:
TOM CRUISE: Ethan Hunt
JON VOIGHT: Jim Phelps
EMMANUELLE BEART: Claire
HENRY CZERNY: Kittridge
JEAN RENO: Krieger
VING RHAMES: Luther
KRISTIN SCOTT-THOMAS: Sarah Davies VANESSA REDGRAVE: Max
DALE DYE: Frank Barnes
INGEBORGA DAPKUNAITE: Hannah

Es posible que los aficionados al serial televisivo Misión: imposible se hayan sentidos decepcionados ante el despliegue técnico y de efectos especiales de esta nueva versión. Pero el tiempo es inexorable y los métodos que los espías utilizaban hace treinta años obviamente han tenido que mejorar, algo que el productor-actor Tom Cruise no podía olvidar.
El mayor reto, sin embargo, lo tuvieron los guionistas, ya que la historia debía tener algún punto en común con la serie de televisión, no solamente el nombre, pero no tanto para que resultase anticuada desde los primeros fotogramas. La consecuencia de ello es que la historia es un laberinto casi impenetrable de mentiras y engaños en la época de la guerra fría, pero en la cual los detalles no se han cuidado en absoluto. Lo importante es conseguir una buena estructuración en las secuencias de persecuciones, ciertamente sensacionales, y una puesta al día en el argumento mediante un robo de un archivo informático de gran interés. El robo debería ser complicado, totalmente cronometrado, y plenamente integrado en el resto del argumento, nunca la base central. Al margen de ello, existe una escena clave en la cita a media noche bajo una lámpara callejera en una capital extranjera.

La estrella Tom Cruise (Ethan Hunt), el espía profesional que acepta el caso que le proponen, deberá impedir que se robe el archivo introducido en una computadora de alta seguridad, en la cual están todos los datos relativos a los mejores espías de América. Su misión no consiste solamente en detener al culpable de ese robo, ya que Cruise y su equipo (en el que en principio parecen incluidos Jon Voight, Kristin Scott-Thomas, y Emmanuelle Béart), sino que se hace imprescindible fotografiar al enemigo en el acto del hurto de esa información vital. Para ello es necesario pasar a la zona Este de Alemania, con todos los riesgos que esto conlleva. En este momento aparecen todos los métodos tradicionales que ya hemos visto en otras películas de espías: cámaras minúsculas de televisión, micrófonos disimulados, computadoras portátiles, agentes que fingen su verdadera identidad, automóviles veloces, muchos tiroteos, y cuerpos que caen a un río y que no sabemos si han muerto. Por supuesto, todas las escenas están centradas alrededor de una recepción diplomática en Praga.
“Misión Imposible” fue dirigida por Brian De Palma, especialista en películas de terror y policíacas, a quien los críticos consideran un primo hermano de Hitchcock, especialmente desde que hizo “Impacto” y “Doble Cuerpo”. En ocasiones, es difícil tomarse en serio esta misión: casi imposible, aunque el entretenimiento está asegurado. De Palma se preocupa más por estilo que por la historia, poniendo mucho interés en que la acción no decaiga ni un solo momento, evitando para ello diálogos largos o escenas de amor. Hay tantas marchas atrás en el tiempo, durante la primera media hora, que nosotros no conseguimos memorizar todas las caras que nos muestran (algunas incluso con máscaras), por lo que la confusión está servida.
Lo que supone una ruptura con las películas antiguas, y especialmente con la serie original, es la velocidad a la cual se nos muestran los efectos visuales. No sabemos si es para meternos dentro de un vértigo enloquecedor o para que no notemos los defectos. Da igual. Como también no da igual que exista otro método más sencillo para copiar un archivo en CD-ROM de una computadora de alta seguridad. Cuando vemos a Cruise pasando tantos apuros para lograrlo, nos alegramos que el guionista no sea un experto en informática y no le proporcionen un método más sencillo y menos arriesgado.

“Tanto De Palma como yo queríamos hacer una película muy sofisticada, con un argumento y unos personajes complicados, aunque moviéndose en un mundo real”.

“Misión Imposible” es, por tanto, una obra correcta y de gran habilidad técnica. Los personajes no son muy interesantes (salvo Vanessa Redgrave, como una informadora, y Jon Voight que expresa un cansancio eterno con su expresión), y el argumento es difícil de seguir. Las diversas estrategias de Cruise y sus aliados, nos desconciertan tanto como sus enemigos. Pero el asunto es que nada de esto nos importa, ya que esta es una película para ver y no para pensar. Cualquier pregunta sobre la verosimilitud del argumento está fuera de lugar.
De Palma es especialista en escenas muy rápidas y en ocasiones tan vitales que si no las tenemos en cuenta no entenderemos nada. En este caso encontramos tres: las primeras escenas en la recepción diplomática; el complicado y delicado robo de la computadora; y una persecución en la que un helicóptero sigue al tren de Londres-París a gran velocidad por un túnel, mientras Cruise y un tipo malo que se aferran al techo para no morir.

La escena del robo de la información metida en la computadora, es similar a otras del cine clásico, como es el caso de “Rififi” (1954) o “Topkapi” (1964), en las cuales existe un nexo con Misión: imposible, el silencio durante la acción. El espectador se siente responsable del éxito del actor y guarda igualmente un silencio absoluto, evitando incluso seguir comiendo las palomitas.
La idea de introducir al buen ladrón por el techo y suspenderle también la hemos visto en “Topkapi” y alguna más, ya que parece ser que es la mejor manera de evitar las numerosas alarmas de seguridad. En esta ocasión el protagonista no roba ninguna joya, sino una información, pero debe evitar cualquier ruido, por pequeño que sea, tocar cualquier elemento del cuarto acorazado y, como novedad, que con sus movimientos aumente la temperatura ambiental. Especialmente angustiosos son los momentos en los cuales empieza a sudar y una gota de su rostro está a punto de echar a perder toda la misión. Solamente vemos un punto de discordia en esta escena: el hombre que maneja esa computadora parece un idiota y a un idiota nadie le deja al cargo de una zona tan vital. Después surgen las preguntas de los espectadores expertos, por ejemplo: si el nivel de ruido no debe superar al del silencio, cuando la computadora está copiando el CD-ROM y especialmente cuando se introduce y se sacan, el ruido debe ser suficiente para activar la alarma, pero en la película no hay sonido. Tampoco es conveniente hacerse las preguntas sobre la distribución de los rayos infrarrojos y porqué el espectador logra verlos continuamente.

Después hay escenas clásicas similares a otras de James Bond, muchas persecuciones en coches, chicas que pegan tan fuerte como los hombres y una escena con un helicóptero que es capaz de volar dentro del túnel que une el Reino Unido con Francia sin chocar, hasta que el guionista lo decide.
Ese aparato es inmune al fuerte viento que se genera dentro del túnel, pero nuestro protagonista no lo es y se tiene que sujetar fuertemente para no salir volando y estrellarse. Cualquier explicación técnica sobre esto tampoco nos la debemos hacer. No importa que técnicamente sea inverosímil. Si el tren corre a 300 kilómetros por hora dentro de un túnel y el helicóptero es capaz de seguirle sin problemas es porque los efectos especiales manejados por De Palma así lo han decidido. Además, sabemos que están elaborados por IL&M, la misma compañía que consiguió hacer volar a la velocidad de la luz al Halcón Milenario. Si han sido capaces de esa proeza con mucha más facilidad pueden lograr lo que estamos viendo en “Misión: imposible”.
El otro tema de fondo es habitual en muchas películas. Tom Cruise parece fresco después de cada escena de acción y dispuesto a seguir su lucha sin descansar. Es capaz de hacer cosas que a la mayoría de los mortales nos son negados por cuestiones físicas y encima aparecer tan radiante en la escena siguiente que haga enloquecer a las mujeres. Decididamente, la próxima vez me dedico al cine.

“Mucha gente opina que nosotros jugábamos sobre seguro. Íbamos a realizar una película sobre un tema que había apasionado a toda una generación y lo íbamos a realizar con los sofisticados medios tecnológicos de ahora. Pero no basta con disponer de un buen tema para triunfar y necesitábamos contar con otros alicientes”.

“Brian De Palma es un director clásico, un maestro del suspense. Pesábamos que con su maestría, unida a un despliegue tecnológico de primera línea, podríamos logra un gran éxito. También quise recuperar a actores que estaban algo apartados del cine, como son Jon Voight y Vanessa Redgrave”.

“Hemos realizado una mezcla arquitectónica muy compleja, uniendo estilos d e principios de siglo, con el nuevo arte francés, hasta llegar a la ciencia-ficción y los ordenadores. Hemos evitado incluir armas sofisticadas a los agentes secretos, como ocurre con James Bond, y las que se emplean son similares a las que posee la CIA norteamericana”.

El director:
Brian De Palma

Nombre real: Brian Russell De Palma
Nacido: el 11 de septiembre de 1940 en Newark, Nueva York
Estudios: Columbia (bellas artes, físicas); Sarah Lawrence College, Bronxville, Nueva York

Amante de las películas de miedo psicológico, De Palma tiene un estilo cinematográfico fluido y creativo, que ha sido mostrado de forma consistente. A veces criticado por imitar a Alfred Hitchcock, el trabajo de este director, aunque le paga homenaje a Hitchcock, difiere notablemente en material y técnica. También criticado por retratar la violencia demasiado gráficamente, suele defenderse mencionando la teoría de Eisenstein que dice que en sí mismo, las películas son violentas y que solamente el montaje las puede hacer desagradables o no. A nuestro entender, De Palma solamente busca el efecto visual en las escenas violentas, no que sean similares a la vida misma.
Brian De Palma empezó haciendo películas cuando era estudiante, primero en Columbia, después en Sarah Lawrence. En los primeros años de la década de los 60, realizó “Wotan’s Wake” (1962), con la cual ganó varios premios y “Greetings”, producida en 1966 y que se estrenó en 1969. También realizó otras de bajo presupuesto, en las cuales intervinieron también actores todavía desconocidos como Robert De Niro y Jill Clayburgh.
Empezó a ser tenido en cuenta con su gran éxito comercial “Carrie” (1976), con un trabajo de narrativa diferente a lo establecido hasta entonces. Continuando con la línea de cine de terror, dirige un thriller titulado “Vestida para matar” (1980) y “Corazones de hierro” (1989), un drama ambientado en tiempos de guerra.
Muchas de sus películas retratan un esfuerzo fallido para incorporar un personaje hembra poderoso, como demostró en “Blow out” (1981), aunque con más frecuencia solamente lograba personajes tenebrosos y conflictivos como en “Carrie” o fantásticos como en “La furia” (1978).

En sus películas siempre subyace un romance familiar enfocado desde un aspecto psicológico profundo. Tales elementos, junto a la búsqueda del padre, el deseo de incesto reprimido y la rivalidad entre hermanos, son otros de los elementos que vemos con frecuencia en sus películas. Las estructuras narrativas complejas de “Fascinación” (1976) y “La furia”, examinan estos temas con una gran fuerza. De Palma también explora la dinámica del sadomasoquismo y el voyeurismo en “Doble cuerpo” (1984), “Vestida para matar” y “Blow out”.
Además, también le gusta mostrar tensiones sociales y éticas que desmitifican al ciudadano medio norteamericano, lo mismo que recrea conspiraciones paranoicas y formas políticas, como en “Corazones de hierro”, en donde los héroes son soldados jóvenes. En otras ocasiones De Palma analiza problemas sociales más importantes que pueden poner en entredicho las instituciones, a los profesionales y demostrar la corrupción política, como hace en “Scarface” (1983), “Los intocables” (1987) y “La hoguera de las vanidades” (1990). En ellas, el director se considera un artista, nunca un denunciante en busca de polémica. Incluso en “Carrie”, que explora la conformidad social y la crueldad de unir a adolescentes esencialmente normales con los paranoicos, lo hace bajo el enfoque de cierto humor negro.

Aunque los trabajos de Brian De Palma se centran esencialmente en el género de las películas de miedo psicológico, en los que incluye elementos de romance, se exploran preferentemente el horror y los melodramas de los gángsters. Adepto a filmar en escenarios urbanos, ha conseguido aportar elementos visuales inéditos de ciudades como Chicago, Nueva York, Filadelfia, Nuevo Orleans y Florencia. Incluso en “Corazones de hierro”, una anomalía en género y situación, la película empieza y acaba en un tren de San Francisco.
En la mayoría de sus filmes De Palma logra contribuciones importantes al cine contemporáneo con su estilo inventivo, visualmente dinámico. Frecuentemente emplea técnicas como el acercarse furtivamente a la cámara escrutadora y el “ojo de Dios”, para lograr recrear un detalle de interés. Amante de la corrección rítmica, comienza a menudo sus películas con una panorámica, seguida de una secuencia completa.

Filmografía esencial:

1962 Wotan’s Wake
1973 Hermanas
1974 El fantasma del paraíso
1976 Carrie
1976 Fascinación
1978 La furia
1980 Vestida para matar
1981 Blow out
1984 Doble cuerpo
1987 Los intocables
1989 Corazones de hierro
1990 La hoguera de las vanidades
1993 Atrapado por su pasado
1996 Misión: imposible

JERRY MAGUIRE Jerry Maguire (1996)

135 minutos

Productores: James L. Brooks, Laurence Mark, Richard Sakai y Cameron Crowe Director: Cameron Crowe
Guión: Cameron Crowe
Director de fotografía: Janusz Kaminski
MúsicaNancy Wilson
Supervisor de música: Danny Bramson
Vestuairo: Betsy Heiman

Intérpretes:
TOM CRUISE: Jerry Maguire
CUBA GOODING JR.: Rod Tidwell RENEE ZELLWEGER: Dorothy Boyd KELLY PRESTON: Avery Bishop JAY MOHR: Bob Sugar
JERRY O´CONNELL: Frank Cushman BEAU BRIDGES: Matt Cushman

Hay un par de momentos en “Jerry Maguire” en los cuales nos apetece d ar un abrazo al director. Uno es cuando una mujer joven se pone de pie en una oficina donde un hombre es despedido simplemente por ser ético en su profesión, y pregunta si ella le acompañará en su nueva vida. El otro, cuando ella está de pie en su cocina y su hermana mayor le pregunta si de verdad ama a ese hombre con su corazón y su alma. También hay una tercera secuencia memorable, cuando Cruise y Gooding Jr., interpretan “show me the money”.
Los dos primeros momentos involucran a la actriz Renee Zellweger, cuyo papel aporta uno de los elementos importantes en una película que empieza pareciendo cínica y rápidamente se vuelve puro sentimiento.
El hombre que ella ama, es Jerry Maguire (Tom Cruise), un representante de deportistas profesionales de gran prestigio que tiene tantos clientes que realmente no puede preocuparse de ninguno de ellos, al menos de una manera personal. Dedica la mayoría de su tiempo como un guerrero arrasando el camino, como uno de estos yuppies obstinados en triunfar, a quienes vemos habitualmente siempre con prisas, bien vestidos y portando un maletín en el cual se supone guardan un montón de contratos millonarios. Una noche él se siente inspirado cuando se encuentra solo en su hotel y escribe un memorándum titulado "Las cosas que nosotros pensamos y no decimos: El futuro de nuestro negocio."
Una de las cosas que él piensa es que los agentes deben estar menos interesados en el dinero y dedicarse más a sus clientes. Esa conclusión le provoca una ovación en su oficina, pero unos días después, cuando es despedido precisamente por hablar más de los sentimientos que del dinero, se da cuenta que no siempre es bueno ser sincero. Maguire intenta sobrevivir por su cuenta y para ello intenta quedarse con la representación de todos los deportistas que ya tiene en cartera, pero lo hace tan precipitadamente que la mayoría le vuelven la espalda. Incluso sus propios compañeros de oficina se apartan de él, salvo Dorothy, una joven viuda con un hijo pequeño que se enamoró de Maguire desde que leyó ese memorándum tan sentimental.
Ella tiene una hermana mayor, interpretada por Bonnie Hunt, con la que convive en la misma casa, frecuentada casi a diario por un grupo de mujeres divorciadas, cuyo pasatiempo mayor es hablar mal de los hombres. Ellas están resentidas, amargadas y deseosas de amar de nuevo, pero se encierran en su rencor y no apoyan a las demás mujeres que quieren vivir en pareja. Dicen que han formado un grupo de autoayuda, pero es solamente una reunión de víctimas de su propio egoísmo. Nadie las dice que deben tener un pensamiento positivo y dejar de ser víctimas, pero Dorothy no piensa como ellas.

Sólo un cliente no se aparta de Maguire cuando se encuentra solo. Se trata de Rod Tidwell (Cuba Gooding, Jr.), un buen jugador de fútbol americano que suele estropear todo a causa de su carácter y su ambición por ganar dinero. Su esposa (Regina Rey) está enamorada de su marido y es su más fiel defensora, pero también está preocupada por su familia y lo que será de ellos sino consiguen ganar ahora el suficiente dinero. Su matrimonio es una verdadera historia de amor, en contraste con el idilio que surge entre Maguire y René. Ella quiere especialmente un padre para su hijo y él desea alguien que le apoye en sus momentos de soledad.
Sin embargo, Dorothy comienza a comportarse con honestidad hacia el hombre que ama y se nos muestra como la mujer más maravillosa en el mundo, cuando incluso decide rechazar su oferta de matrimonio al darse cuenta que él no le ama lo suficiente. Por su parte Jerry ayuda a que Rod emplee más el corazón en el momento de jugar y menos su interés por ganar dinero cuanto antes. Si lo hace así, le insiste, conseguirá ser un gran jugador en poco tiempo, aunque el hermano de Rod opina que eso no es posible, ya que con una estatura de 1,75 no puede competir con jugadores mucho más altos. Cuando la película ya ha mostrado todos los ingredientes, nos preguntamos como resolverá el argumento el director y escritor Cameron Crowe para que realmente no parezca una historia predecible. El guión sabe bastante sobre los agentes deportivos y en ello está centrado la base del argumento, pero también se incorpora un romance, un fracaso profesional y hasta un niño que hace las delicias del protagonista y del espectador, especialmente cuando le reprocha a Maguire por decir una palabrota.

Ya tenemos una película inicialmente sencilla, pero con un montón de ingredientes más que, en lugar de complicarla, la hacen aún más agradable. Cuando Cruise y Zellweger están juntos en la pantalla, la personalidad de Maguire es la de un hombre serio, sentimental, responsable y bastante más feliz que cuando se dedica a su trabajo. Aunque quiere estabilizarse en su trabajo, se da cuenta que hasta ahora solamente perseguía el éxito, sin importarle los sentimientos de los jugadores.
Cuando conoce a Dorothy, se da cuenta que para mucha gente lo principal son los sentimientos y que todavía quedan personas que persiguen un ideal, no solamente la seguridad o el dinero. “Yo te amo porque cuando estoy contigo es cuando mejor me conozco”, parece decirle ella.
Todo parece predecible en los momentos finales de la historia, pero el guionista aún nos tenía reservadas ciertas sorpresas, como la separación de la pareja de enamorados, la comprensión de la hermana mayor hacia el idealismo sentimental de su hermana, y el accidente que sufre Rod cuando está a punto de alcanzar el triunfo en un partido decisivo. No les contaré el final, pero está hábilmente resuelto, más que nada porque todos aprenden una lección importante: hay que aprender a valorar más los sentimientos que el dinero. Si, además, contamos a nuestro lado con una mujer que nos lo recuerda constantemente, mejor

El director:
Cameron Grove

Nacido: 13 de julio de 1957, la Palma Salta, CA Estudios: Universidad del estado de California, San Diego,

Periodista de música adolescente en revistas como Rolling Stone desde que tenía 15 años, Crowe escribió un libro sobre su vida en la escuela secundaria titulado “Time speed a Ridgemont High”. El libro había llamado la atención en los Estudios de la Universal antes de que se vendiera en las tiendas. El propio Crowe lo adaptó en 1982 como guión para una película dirigida por Amy Heckerling e interpretada por los actores Sean Penn y Jennifer Jason Leigh. “Aquel excitante curso” (1982), sigue siendo una de las evocaciones más honradas y entretenidas de la cultura que se estudiaba en la escuela secundaria suburbana, muy superior a la mayoría de las películas que posteriormente tocaron el mismo tema. Crowe hizo su debut como director cinematográfico con “Say anything” (1989), otro estudio premiado y profundo sobre un adolescente perfectamente interpretado por John Cusack, Ione Skye y John Mahoney, este último como un padre aparentemente perfecto que no puede llegar a un entendimiento con su hija y su mundo.
Igualmente comprometida es “Solteros” (1992), en donde Crowe cambia su enfoque hacia unas personas mayores, en este caso un grupo de jóvenes solteros que viven vidas como los adultos en Seattle. Las interpretaciones son buenas, la historia acertada, lo mismo que la música que nos muestra la vida y costumbres en Seatle. No obstante, tuvo una mala aceptación por parte del público y las recaudaciones fueron muy malas.

Filmografía esencial:

1978 American Hot Wax (actor)
1982 Aquel excitante curso (guionista)
1984 The Wild Life (productor y guionista)
1989 Say Anyhing (director y guionista)
1992 Solteros (guionista)
1996 Jerry Maguire (director)

EYES WIDE SHUT (1998)

Director: Stanley Kubrick
Guión: Stanley Kubrick y Frederic Raphael
Basado en la novela: “Rhapsody: A Dream Novel de Arthur Schnitzler Director: Stanley Kubrick

Intérpretes:
TOM CRUISE
NICOLE KIDMAN
JENNIFER JASON LEIGH HARVEY KEITEL

El director:
Stanley Kubrick

Nacido: el 26 de julio de 1928 en Nueva York.

Se trata de uno de los directores más importantes de los últimos 30 años, aunque Stanley Kubrick ha visto su trabajo alabado y condenado con igual intensidad. Posee un singular estilo visual que le ha hecho ganar prestigio, lo mismo que su sentido de la narrativa ha conseguido desquiciar a los más entusiastas. Se recrea tanto en las escenas, disfruta tanto de ellas, que se olvida en ocasiones que está contando una historia y que esta debe ser entretenida.
Pero estos aspectos negativos no son suficientes para quitarle su gran categoría como técnico de la imagen y un director a imitar por las nuevas generaciones. Su visión es muy ambiciosa, y aunque en ocasiones tiene momentos que exceden su capacidad para entusiasmar al público, este fallo en su maestría es para muchos lo que le diferencia de los demás directores y le proporciona su maestría.

Después de conocer algún éxito como fotógrafo para la revista Look durante los años 40, Kubrick produjo y vendió varios documentales antes de intentar un par de películas de bajo presupuesto autofinanciadas titulados “Fear and desire” (1953) y “El beso del asesino” (1955). Estos modestos productos eran el indicativo de lo que podía generar en un futuro próximo.
Trabajando con el productor James B. Harris, Kubrick pudo matizar su lanzamiento profesional y producir con cierto esfuerzo “The Killing” (1956), un drama sobre diferencias raciales. En un momento en que los directores de cine independientes mostraban solamente rarezas, los críticos empezaron a tomar nota de la existencia de Kubrick.
“Senderos de gloria” (1957) fue el primer gran éxito de Kubrick como un director solvente. Esta saga ambientada en la Segunda Guerra Mundial es una inteligente acusación contra la dictadura militar, motivo por el cual en España estuvo prohibida hasta la muerte del general Franco, casi veinte años después de su estreno mundial. Se trata de una película importante en su filmografía, en donde muestra ya todo lo que había aprendido en el arte de sintetizar una historia en 90 minutos y en los movimientos de cámara.
Posteriormente nos demostró que todo ello podía aplicarse en una gran superproducción y realizó “Spartaco” (1960), en pantalla gigante y Technicolor, logrando una historia épica al estilo de los años cincuenta.
Sus revisiones posteriores y la incorporación de ciertas escenas de homosexualidad que la censura había eliminado, la revitalizaron para los nuevos públicos.
Kubrick ya había demostrado que podía ser un director de éxito y dejó los EE.UU. para irse a Inglaterra en 1961. Desde entonces se ha dedicado a desarrollar y producir solamente siete películas en 30 años, cada una de ellas meticulosamente planificadas, aunque en ocasiones no ha conseguido lo que pretendía y los resultados de taquilla han sido mediocres.
“Lolita” (1962), es una adaptación de la polémica novela de Vladimir Nabokov, sobre el enamoramiento de un hombre de mediana edad hacia una muchacha de 12 años. Aunque Kubrick se ha quejado posteriormente de que los censores le impidieron explorar la historia con detalle, incluso se añadieron dos años a la chica, el filme ha conseguido permanecer como uno de los clásicos más renombrados. En 1997 se realizó un remake con un éxito bastante menor.
El toque irónico que desplegó en “Lolita”, lo explotó nuevamente en mayor proporción en su siguiente película, “Teléfono rojo ¿volamos hacia Moscú?” (1964), quizá la comedia satírica más deliciosa de las últimas tres décadas. Hay quien afirma que el proyecto inicial era realizar una película de miedo, de miedo ante un ataque nuclear, pero durante los primeros días de rodaje se vio las enormes posibilidades como comedia satírica. El interés que tiene el ser humano para destruirse, contado con absoluta frialdad, es suficiente para motivar la carcajada en el espectador.

A pesar de las repercusiones negativas que tuvieron “Lolita” (por su moral) y “Teléfono rojo” (políticamente), junto con su trabajo más controlado por la productora en “Spartaco”, Kubrick ha ganado la libertad para escoger sus propios asuntos y así poder ejercer un control total durante todo el proceso de rodaje, una libertad que no es habitual en los demás directores.
El primer producto de esta nueva etapa fue el filme de cienciaficción clásico “2001: una odisea del espacio” (1968). Con un trabajo que le llevó cinco años, esta película consiguió lanzar a las películas de ciencia-ficción a la categoría de obras maestras, no solamente por los efectos especiales, algunos de ellos vigentes en la era de las computadoras, sino por su modo de contar una historia fantástica para adultos. Se trata de una obra visualmente hipnótica, con una narrativa que excluía la mayoría de los diálogos, y que ni siquiera se aclaraban nunca las interrogantes del argumento. A pesar del paso de los años, 2001 ha demostrado sobradamente que es una de las mejores películas de los últimos 25 años. Consolidada, pues, su reputación, Kubrick siguió con otro trabajo sobre el futuro con “La naranja mecánica” (1971), adaptación de la novela de Anthony Burgess. Con ella, ningún crítico podría tomar una posición de indiferencia hacia una película tan violenta y amorales. Alex (Malcolm McDowell) cuya conducta cruel es reacondicionada por los psiquiatras, es solamente una muestra del camino que un sector de la juventud esta siguiendo, entusiasmado por la liberación sexual y el relajamiento de la autoridad paterna.

“Barry Lyndon” (1975) fue otro intento intrépido para aportar técnicas modernas en una historia centrada en el siglo XVIII. Kubrick invirtió tanto esfuerzo técnico y especialización que recrear la novela de Thackeray, que se olvidó de agradar al público. El fracaso comercial de “Barry Lyndon” influyó en las siguientes películas, la primera una adaptación de la novela de horror deStephen King “El resplandor” (1980), y el cuento de Gustav Hasford sobre la guerra del Vietnam, “La chaqueta metálica” (1987). Mientras estas películas contienen escenas memorables y reiteran los temas anteriores de Kubrick, no consiguen despertar el interés por las nuevas generaciones. Los éxitos de “Teléfono rojo”, “La naranja mecánica” y “2001”, quizá no se vuelvan a repetir.

Filmografía esencial:

1951 Day of the Fight
1951 Flying Padre
1952 The Seafarers
1953 Fear and Desire
1955 El beso del asesino
1956 The Killing
1957 Senderos de gloria
1960 Spartaco
1962 Lolita
1964 Teléfono rojo ¿volamos hacia Moscú?
1968 2001: una odisea del espacio
1971 La naranja mecánica
1975 Barry Lyndon
1980 El resplandor
1987 La chaqueta metálica

Resto de filmes de Tom Cruise

MAGNOLIA 1999
MISIÓN: IMPOSIBLE II 2000
VANILLA SKY 2001
MINORITY REPORT 2002
AUSTIN POWERS IN GOLDMEMBER 2001
EL ÚLTIMO SAMURÁI 2003
COLATERAL 2004
LA GUERRA DE LOS MUNDOS 2005
MISIÓN: IMPOSIBLE III 2006
VALKYRIE 2008
KNIGHT AND DAY 2010
MISIÓN: IMPOSIBLE - PROTOCOLO FANTASMA 2011 ROCK OF AGES 2012
JACK REACHER 2013
OBLIVION 2013